Las fuentes y lugares del “Japonismo"
EVA FERNANDEZ DEL CAMPO
《Japonismo> es un término cuyo origen es discutido; para algunos,fue acunado por Baudelaire,para otros fue ideado en el ultimo tercio del siglo XiX por el critico de arte Burty,mientras que hay quién sostiene que es Zola el primero en emplearlo para designar la moda de lo japonés. Su utilizacion tiene,a menudo, un caracter equivoco.Por un lado,alude,en efecto,a “la moda de lo japonés》 en general y se utiliza para hacer referencia a cualquier manifestaci6n del arte occidental que haya recibido la influencia de obras de arte japonesas.En esta primera acepcion,el termino es en realidad un cajón de sastre que agrupa todo lo que viene no sólo de Japon, sino en ocasiones también de Asia Oriental y no tiene limite cronol6gico o espacial.Por otro lado,la palabra se utiliza de forma mas concreta para referirse a un momento acotado del arte que se identifica con la corriente artistica europea que se desarrolla unos afios antes de la irrupcion de las vanguardias y que tiene como protagonistas a aquellos artistas amantes (y en muchos casos coleccionistas) del arte japonés que trabajaron fundamentalmente en Paris, aunque tambien en Londres,en el ultimo tercio del siglo Xix y primeros anos del siglo xx.
Muy a menudo se identifica el Japonismo con la influencia en Europa del Ukiyo-e hanga,la estampa xilografica; pero en realidad,el japonismo abarca otras muchas manifestaciones artisticas y otros generos que llegan a Europa por muy diversas vias: desde los coleccionistas,a las galerias y tiendas especializadas en arte oriental, pasando,c6mo no, por las Exposiciones Universales.Aunque el Ukiyo-e hanga tiene un papel decisivo en el desarrollo del Japonismo y en la penetraci6n del arte asiatico en Europa, no deben olvidarse otras manifestaciones artisticas menos conocidas, pero de enorme importancia, como lo son las pertenecientes a la Escuela Rimpa, tambien llamada 《Escuela Decorativa>.
La pasion que hasta el siglo xix habia despertado el arte oriental en los europeos,la “chinoiserie>,estaba fundamentalmente centrada en el encanto de lo ex6tico y la pasion por la “rareza>.Las obras de arte oriental se apilaban en las vitrinas de.
Ias casas nobles como simbolos de poder y como curiosidades apreciadas mas por su extravagancia que por su valor estetico.Esta pasion por lo raro y lo extavagante no dej6 de contagiar tambien a las obras japonesas llegadas a partir de la segunda mitaddel siglo Xix;Chamfleury hablara ironicamente de japaniseries>para referirse a los objetos japoneses de moda,yya Samuel Bing en I888 senalaba la necesidad de diferenciar entre el verdadero arte japonés de las “japoneries>,los productos vulgares que imitaban obras magistrales, que se distribuian masivamente y que se fabrican de forma industrial. Con la publicacion de su revista Le Japon Artistique, Bing se propuso precisamente evitar una ciega imitacion o humillantes pastiches> y 《esa moda de oropel que nada tiene que ver con un arte tan delicado, tan popular como aristocratico>,para hacer llegar al publico europeo '.
Fue en gran parte gracias a las actividades organizadas por Bing y gracias a la publicacion de Le Japon Artistique que el conocimiento del “verdadero> arte japonés se difundi6 entre los artistas europeos.El proceso involucr6 tambien a criticos ymarchantes,y para algunos estudiosos se inició gracias a Bracquemond:
LA LLEGADA DE LA ESTAMPA JAPONESA Y LA LEYENDA" DE BRACQUEMOND.
El artista grafico y diseiador Bracquemond se atribuy6 el papel de introductor del Ukiyo-e hanga en Europa al afirmar que habia visto por primera vez grabados japoneses (concretamente un ejemplar del Manga de Hokusai) en 1956,utilizado como material de deshecho,envolviendo unas porcelanas llegadas a la tienda del grabador Delatre a traves de unos ciudadanos franceses establecidos en Jap6n².Esta afirmaci6n parece discutible, ya que solo en l859 se firma el tratado comercial que permite traer productos japoneses a Francia y solo a partir de l866 Bracquemond estä copiando en sus grabados el Manga de Hokusai. Aunque la temprana fecha de la que habla ha sido rebatida y su descubrimiento del grabado japones parece ser mas parte de una fabulacion que de la realidad,la anécdota que relata sobre la forma en que encontró las estampas tiene gran interés porque pone dc manifiesto el caracter menor>y el poco prestigio que por entonces tenian las xilografias entre los japoneses3.

Fig.l．Portada de uno de los volumenes de la revista Le Japon Artistique,editada por Samuel Bing entre I888 y 1890.
La estampa xilografica japonesa, que en Europa pronto hizo furor y sedujo a gran cantidad de artistas,no era sin embargo un género bien considerado entonces en Jap6n. Se trataba de una manifestacion popular,realizada mediante impresion grafica:lo que permitia sureproduccion masivay anulaba la y el caracter unico de las obras (factores esenciales para el “gran arte> tradicional japones).Por si esto fuera poco, se trataba de un género claramente identificado con el mundo de la burguesia. Esta burguesia habia amasado grandes fortunas durante el periodo Tokugawa (l6o3-1868) y sus nuevos gustos habian transformado la vida de las ciudades dando nacimiento a una vida cultural paralela a la oficial y aristocratica.La actividad del nuevo grupo en ascenso se desarrollaba fundamentalmente en barrios especiales de las ciudades de Edo y Osaka y su 《banalidad>,“inconsistencia>y “frivolidad> le valieron el nombre de de Ukiyo: el ;un mundo que darä prioridad a una serie de manifestaciones culturales mucho mas populares y menos intelectualizadas que las preferidas por la nobleza.Frente a la literatura tradicional surge el género humoristico yel rakugo 4, frente al excesivamente abstracto y elitista teatro No surgen el kabuki y el teatro de marionetas,frente a la austeridad del codigo del guerrero samurai,las barracas para combates de sumo,y frente a la pintura tradicional,la estampa.Los nuevos barrios se pueblan además de burdeles y espectaculos que las clases superiores consideraran “vanos>,y un nuevo tipo de héroes: luchadores de sumo, cantantes,actores y cortesanas pasaran a reinar en este Mundo Flotante.
La estampa xilografica sera la manifestacion plästica por excelencia del nuevo panorama urbano y, frente al refinamiento y exclusividad de las obras realizadas por las escuelas de pintura tradicionales, ofrecerá,a la manera de nuestras postales O 《souvenirs>,instantaneas de ese mundo que los japoneses mas tradicionales ven frivolo e inconsistente, convirtiéndose en cierta manera en un medio de comunicacion de masas que informaba acerca de los distintos aspectos de la vida en la capital y de sus protagonistas: el mundo del teatro y los actores (genero yakusha-e), las cortesanas 0 (genero bigin-ga),los parajes que rodeaban la ciudad,o aquellos mas lejanos a los que no a todos les era posible desplazarse (fukei-ga,el género de paisajes).
Bracquemond fue uno de los primeros adrmiradores de esta forma atistica,y el encargado de darsela a conocer a criticos como Baudelaire y los hermanos Goncourt, y a artistas como Manet, Degas,Whistler o Monet.Pero antes de que esto sucediese,ya pesar del feroz aislamiento de Japon antes de la instauracion Meiji, en Europa ya habia algunos aficionados al arte japonés y en concreto a la estampa.
LA IMAGENDE ASIA EN EUROPA ANTES DEL “JAPONISMO>.
Antes de que el arte japonés comenzase a llegar masivamente a Europa,el conocimiento que de este pais se tenia era parco,y se limitaba fundamentalmente a algunos libros ilustrados,como el Atlas Japanensis, publicado en Londres en 1670; The History of Japan, publicada por Kaempfer,tambien en Londres,en 1727 (un libro que estuvo en la biblioteca del critico Burty 5)y la Histoire et description generale du Japon,publicada por Charlevoix en Paris en 1736.
Desde el siglo Xvii en Europa habia surgido un vivo interés por lo oriental, vinculado por una parte al comercio de los productos de lujo,y por otro lado,consecuencia de la concepcion universalista de la civilizaci6n,heredada de la Ilustracion. Pero abarcaba casi todo lo que estaba mäs allä de las fronteras de Europa por el Este,y en el siglo xvI su idealizacion estaba tamizada por la lectura de Las mil y una noches,que fue entonces traducida al francés.En el siglo xix el 《exotismo> de Asia cobr6 nuevo impulso gracias al Romanticismo.Friedrich Schlegel (1772-1826) escribe en 1808 Uber die Sprache und Weisheit der Inder,y otros muchos autores como Goethe,Novalis,Schopenhauer o Nietzsche se interesarán por el conocimiento de Oriente.Las traducciones de textos orientales tienen lugar sobre todo a finales de siglo.Entre los volumenes publicados entonces destacan la fundamental obra dirigida por Max Muller: The Sacred Books of the East,cuyos 41 tomos fueron terminados de publicar en 1895 en Oxford,por Clarendon Press. Wilson tradujo el Rig Veda en Oxford,en 1848.Y Langlois lo hizo al fancés en 1851.
Tambien en Francia se tradujeron en el ultimo tercio del siglo Xix importantes fuentes orientales: entre l872 y 1881,la Biblioteque Orientale,editada en Paris, por Maissonneuve, que incluia entre otros, el Rig Veda,Himnos sänscritos,y textos persas y chinos.M.G.Pauthier, publica Les livres sacrés de l'Orient,una colecci6n de textos fundamentales de India y de China;y Tr.Loiseleur traduce en 1833 el Codigo de Manu,y V.Henry,el Atharva Veda.
Entre 1879 y 188 aparece editado en Calcuta el Coerpus Inscriptionum Indicorum.Y ya en el primer tercio del siglo xX contamos con traducciones europeas de los Vedas,Las Upanishads y la Bhagavad Gita,El I Ching y el Dao De Jing.
En Paris, fueron los hermanos Edmon y Jules de Goncourt quienes ya en el siglo XIX se encargaron de difundir de forma pionera su admiraci6n por el arte asiatico, que ponen de manifiesto en su obra El arte del siglo xvi1. Tambien es muy posible que de ellos proceda la imagen idilica que Van Gogh tuvo de Japon, y a la que hace continua referencia en las cartas que envia a su hermano Theo.Los dos hermanos franceses, coleccionistas y admiradores del pais asiatico,plasmaron una imagen un tanto idealizada de él en sus novelas Maison d'un artiste,de 1881,donde se evoca el admirable “Imperio del Sol Naciente>y en Manette Salomon,publicada en 1864,cuyo protagonista,el pintor Coriolis, imagina un pais de ensueno al abrir un album de estampas japonesas.Las imagenes de los Goncourt contribuyen a crear una vision ut6pica de Jap6n que encaja perfectamente con ese paraiso perdido y buscado por los artistas europeos del momento,que,como Pierre Loti en su novela Madame Crysanteme, de l887,creen encontrar en ese pais todavia muy lejano y desconocido en el que no tardan en volcar sus fantasias y anhelos de evasion6.
LA LLEGADA MASIVA DEL UKIYO-E HANGA.
La irrupcion definitiva de Japón en el panorama europeo se produce a partir de 1868,cuando la restauracion Meiji acaba con su aislamiento y abre por primera vez sus puertos al comercio exterior. Su arte llega fundamentalmente a través de dos manifestaciones que representan dos miradas muy distintas de Japon sobre el mundo: la primera de ellas,y más conocida en Europa, es el Ukiyo-e hanga,la estampa xilografica,como ya se ha visto,una manifestaci6n popular que refleja el mundo burgues y frivolo de Edo; la segunda,la Escuela Rimpa,una manifestacion mas 《clasica>y elitista del arte japones,que enlaza con la tradicion pictorica vinculada a la aristocracia.
Ya en el siglo xvii hay constancia en Europa de Ia prcsencia de estampas japonesas. Estas llegaron por un lado gracias a la Compania de Indias Holandesa y por otro, gracias a esporadicos viajes como el que realiz6 el naturalista Carl Peter Thumberg en 1775,quien adquirió las obras de Harunobu y de Koryusai que hoy forman parte de la coleccion del Museo Nacional de Estocolmo 7. Tambien el Museo Etnológico de Leiden,abierto al publico en 1837,contaba con una magnifica coleccion de dos mil grabados japoneses de los más grandes artistas,que el medico holandés Philipp Franz Von Siebold habia comprado en Japon entre $1 ^ { \cdot } 8 2 6 \mathrm { ~ y ~ } 1 8 3 0 ^ { \mathrm { s } }$ ； el mismo Von Siebold publico en Leiden en el afio 193i una obra monumental sobre Jap6n (Nippon Archiv zur Beschreibung von Japon), ilustrado con grabados que reproducian estampas japonesas de paisajes, peces y animales,y con obras del artista japones Keiga. Siebold estuvo junto a Overmeer Fischer destinado por el gobierno holandés en el puerto de Deshima (una factoria holandesa establecida en una isla frente a la costa de Nagasaki en 1641); y también Fischer,admirado por los 《maravillosos colores que no se encuentran en Europa>,contribuyó ala formacion de la coleccion del Rijksmuseum voor Volkenkunde de Leiden 9. Otro de los impulsores de la difusion del Ukiyo-e Hanga en Francia fue el libro de Dubois de Jancigny Japon, Indo-Chine, Empire Birman 10, que,publicado en 1850,contaba con reproducciones de estampas japonesas,hasta entonces practicamente desconocidas en el pais.
SAMUEL BING Y L'ART NOUVEAU>.
Samuel Bing (1838-1905) fue el prototipo de coleccionista e inteligente hombre de negocios de aguda visión comercial; tuvo,sin embargo,una gran cultura universalista que le permitió convertirse en gran aficionado al arte japonés. Bing, procedente de Hamburgo,se instal6 en Paris en 1871 y en el ano 1895, junto a su socio Hayashi Tadamasa,e inspirado por el Aesthetic Movement inglés,fundo la galeria 《L'Art Nouveau>,que se convertiria en uno de los centros neuralgicos de la vida artistica parisina.Bing habia viajado en 1875 a Japon y alli habia comprado gran cantidad de estampas que luego expondria y venderia en su local parisino. Organizó,además exposiciones fuera y dentro de Paris,y en varias ocasiones fue el encargado de seleccionar las piezas japonesas que se expondrian en las Exposiciones Universales.
En 1890 Bing organizó una importante exposición de Ukiyo-e hanga en L'Ecole Superieure des Beaux Arts,que impresionó a Toulouse Lautrec ya los pintores Nabis Vuillard y Bonnard (conocido en su entorno como el “Nabi Japonard>);éstos se inspiraron en las estampas de mujeres y en sus kimonos para representar a sus parisinas,y algunos de los artistas de este momento,próximos al circulo de Bing, poseyeron importantes colecciones de estampa japonesa, entre ellos Van Gogh,Monet,Emile Bernard y Rodin. Entre los pintores que se aficionaron al grabado japonés,Monet y Van Gogh estan, sin duda, entre los mas significativos.El primero lleg6 a tener por lo menos 231 estampas en su colecci6n ", y el segundo, que frecuentaba la tienda de Bing en Paris junto a su hermano Theo, se encarg6 tambien de adquirir ali algunas de las muchas estampas que lleg6 a coleccionar, que estudió,y con las que cubrió las paredes de su estudio en Arles, como se aprecia en algunos de los retratos que alli realiz6. Hoy en dia,el Museo Van Gogh de Amsterdam cuenta con una coleccion de más de 400 estampas japonesas que pertenecieron al artista y a su hermano Theo. Curiosamente,sin embargo,en su colecci6n no contaba con ninguna obra de Hokusai, el artista japonés mas prestigioso en aquel entonces y a quien Van Gogh apreciaba y conocia, como demuestra en varias de sus cartas ¹².Vang Gogh tuvo sin embargo en su poder las reproducciones de Hokusai que aparecieron publicadas en la revista Le Japon Artistique,y de ellas dice: 《encuentro admirable, en las reproducciones de Bing,el dibujo de la brizna de hierba y de los claveles y el Hokusai>; como senala Tsukasa Kodera,posiblemente en este momento Hokusai era ya un artista muy cotizado y Theo no pudo adquirir para su hermano ninguna de sus obras.Ademas de la totalidad de los numeros de Le Japon Artistique,la colección de Van Gogh del Museo de Amsterdam cuenta con el numero de la revista Paris Iustré dedicado a Jap6n, y cuya portada disen6 Van Gogh inspirändose en una estampa de Keisai Eisen 13.El texto de este numero especial fue escrito por Hayashi Tadamasa y supuso una introduccion a la historia, geografia, costumbres y caracteristicas de la vida japonesa que debi6 tener gran difusi6n en su momento.

Fig.2．Tadamasa Hayashi fotografiado cn 1900.
La admiraci6n que Van Gogh profesaba por el grabado japones Ie llevo a decir “De alguna forma todo mi trabajo se funda en el arte japonés” y a que, desde el ano 1885,Jap6n aparezca continuamente mencionado en las cartas que escribe a su hermano Theo.En las cartas el pintor compara su lugar de trabajo,Arles,con Japón,un pais del que,como ya se ha senalado tiene una visi6n idilica: $\ll \mathrm { S i }$ tuvieramos menos Mistral, esta region seria realmente tan bella y se prestaria tanto al arte como Japón $^ { 1 4 } \mathrm { \textrangle \textrangle \textrangle \textrangle }$ .Su admiraci6n por lo japonés en estos anós es tanta, que se autorretrata con la cabeza rapada, siguiendo la tradici6n del retrato tradicional de los bonzos y,como él mismo dice: “con los ojos algo oblicuos,a la japonesa》15. Este cuadro se conserva hoy en el Fogg Art Museum de Harvard University y en principio fue pintado para Gauguin a cambio de su autorretarto “Los Miserables>,hoy en el Museo Van Gogh de Amsterdam.En este momento de su vida Van Gogh pretendia crear una comunidad de artistas en Arles que queria Ilamar “La casa amarilla>;uno de Ios propósitos de esta comunidad queda reflejado en una carta que escribe a Emile Bernard en la que explica a su amigo la idea de que los artistas japoneses tienen la costumbre de intercambiar obras entre ellos y viven en una especie de comunidades fraternales l6.El autorretrato como un bonzo era todo un simbolo de esta fraternidad,y las radiografias realizadas a la obra han descubierto como la dedicatoria de Van Gogh a Gauguin fue borrada en algun momento entre l893 y 1895,quizá,como sugiere Wasiutynski, cuando el artista siente que este proyecto de comunidad ha fracasado 1?.

Fig.3.Portada del numero monografico dedicado a Jap6n de la revista Paris Ilustre,de 1886.
No se sabe exactamente cómo entr6 Van Gogh en contacto con el arte japonés por primera vez, pudo ser a traves de la obra de Edmond Goncourt Cherie,publicada en Paris en 1884'8,aunque ya en una carta del ano anterior menciona a Felix Regamey y en el mismo 1884 dice haber visto obras de arte japonesas en la carta que le escribe a su amigo Furnée,cuando estä a punto de marcharse a Indonesia 9. Sea como fuere,lo que parece evidente es que, entre los j6venes pintores que frecuentaban Paris, el arte japonés desencadenó una auténtica pasion en los anos ochenta.
En Paris,y en torno a Bracquemond, se reunia también un grupo de amantes del arte japones formado por Baudelaire,Burty,Whistler,Fantin-Latour,Manet,Degas y Monet,entre otros,que frecuentaban otros centros parisinos del Japonismo: la tienda “La Porte Chinoise>,en el 36 de la rue Vivienne,“L'Empire chinois>,en el 53 y 55de la misma calle,la tienda de losDesoye>,en el 22O de la rue Rivoli,y otros centros donde se vendian objetos japoneses,y que tuvieron un importante papel en el desarrollo del impresionismo.Hayahi Tadamasa, socio de Bing en el negocio de L'Art Nouveau, también se dedic6 por su cuenta a la compra-venta de estampas y objetos japoneses junto a Wakai, en el 65 de la rue Victorire; es muy probable que en la decada de los ochenta la mayor parte de las piezas llegaran a las tiendas y galerias parisinas a traves de la compania japonesa Kiritsu-kosho-gaisha, donde el propio Tadamasa trabaj6 durante algunos afios.La compania fue fundada en 1874 en Jap6n con el unico propósito de exportar obras de arte,y en l878 abri6 una sede en Paris, que pervivio hasta 1884.
Tambien en Londres comenzaron a proliferar tiendas especializadas en objetos japoneses,como Liberty y The Farmer and Rogers’Oriental Warehouse,y en Estados Unidos, Tiffany se propuso crear un centro de produccion de arte oriental, e hizo venir de Japon a varios artesanos para trabajar para ellos.
EN TORNO A UNA SOCIEDAD SECRETA.
Algunos de estos entusiastas de lo japones (En palabras de Bing,“los fervientes adeptos del arte japonéss>2o),habian fundado en los anos 6O la Sociedad Secreta.
Fig.4. Cartel de una de las tiendas de objetos orientales de Samuel Bing.
Jing-lar,que se reunia mensualmente en casa de M.L. Solon.A esta sociedad secreta pertenecieron tres criticos de Ia prensa parisina: Philippe Burty,Zacharie Astruc y Ernst Chesneau, todos ellos publicaron en aquello dias articulos sobre el valor del arte japonés y sobre las exposiciones que se realizaron, tanto en las galerias como en los pabellones de Ias Exposiciones Universales.Precisamente en Ia critica que realiza a la Exposicion Universal de 1878,Chesneau exclamarefiriendose a la pasion por lo japones: “Ya no es una moda, es una locura $^ { 2 1 } \mathrm { \textgreater }$ .A Burty se le atribuye,ademas,la creacion del termino 《Japonismo>y la designacion de éste como un nuevo campo de estudio 22.
En sus reuniones,los miembros de Jing-lar discutian sobre arte japonés,estudiaban las adquisiciones que hacian y vestian kimonos.Es cierto que la estampa debi6 jugar un papel protagonista en estas reuniones amistosas,pero tambien lo es que las llamadas artes aplicadas tuvieron un lugar preponderante: Solon trabajaba en la fabrica de ceramica de Sevres, lugar donde tambien trabaj6 Bracquemond y donde ambos tuvieron la oportunidad de familiarizarse con las técnicas ceramicas extremo orientales gracias al prestigioso ceramista Theodore Deck,que pasó a formar parte del personal de la fabrica en 1866. Otro de los protagonistas del japonismo en ceramica fue Francois Eugene Rousseau, comerciante de Paris que encarg6 a Bracquemond una vajilla que éste decoró con temas extraidos del Manga de Hokusai ²3. Emile Gallé(186O-1945),fundador de la Escuela de Nancy, realizó numerosos vasos de vidrio decorados con motivos naturalistas,estilizados de una manera muy delicada y de siluetas curvilineas basadas en los motivos japoneses, y en las que dice “propagar el sentimiento de Ia naturaleza, de la gracia de ias flores, de la belleza de los insectos $^ { 2 4 } \mathrm { \texttimes }$.
Fuera de Francia el impacto del arte japonés en las artes aplicadas tambien deja sentir su peso. Francais Lalique (1860-1945) trabaja el vidrio y la joyeria,y se puede afirmar que muchos peines estan inspirados directamente en el libro de Hokusai. Otro joyero,en este caso espanol, es José Masriera Manovens,que trabaja dentro del estilo Art Nouveau, habla,en su discurso de entrada como academico numerario en la Academia de Ciencias y Artes de Barcelona, del arte japones como de 《un manantial de saludables consejos> admirable por “la elegancia con que se representan millares de temas, simples y naturales,acertados siempre en su composici6n> y destaca con entusiasmo la “sencillez, correcci6n, elegancia y claridad>asi como 《las excelencias de inspirado naturalismo reducido a la simple expresion> que son 《el particular distintivo del arte japonés" 25.

Fig.5.Emille Galle,vaso de vidrio decorado con una libelula, motivo tomado de una cstampa de Hokusai.
Un caso mas extremo es el de Bernard Leach, que, nacido en Inglaterra en1887, pasa 10 anos en Japon,hasta 192O, en que regresa a St.Ives,en Cornouailles,con su amigo Shoji Hamada y crea uno de los centros mäs importantes de ceramica moderna 26.
EL IMPACTO DE LA ESTAMPA JAPONESA EN LOS PINTORES EUROPEOS.
Algunos artista europeos copiaron obras japonesas. Manet pinta un grabado de Toyokuni en su Retrato de Zola de 1868,Van Gogh,como ya se ha senalado,no solo muestra estampas japonesas clavadas en la pared de fondo de algunos de sus retratos,como el de su Pere Tanguy y alude continuamente a ellas en sus cartas a su hermano Theo,sino que ademas organiz6 varias exposiciones de Ukiyo-e hanga en Paris,entre ellas una en el café Le Tambourin, en 1887,y otra en el restaurante $D u$ Chatelet en el mismo afio. James Mc Neill Whistler amaba tanto el arte japones que incluso lleg6 a pegarse con el critico francés Zacharie Astruc por la posesion de un abanico japones 27, y posey6 una importante coleccion de estampas y de porcelanas japonesas; su admiracion por Ia cultura de este pais,le Ilevo a inntroducir elementos orientales en sus obras y a experimentar con sus recursos plasticos.
Pero los artistas europeos no se limitaron a incorporar motivos orientales y a copiar estampas;ademas de estas alusiones explicitas,muchos pintores incorporan a su obra recursos del Ukiyo-e hanga: nuevas tecnicas,como la xilografia κde linea blanca>; los brunidos y estarcidos del papel, que dan lugar a espacios muy abstractos con sorprendentes y novedosos efectos de brillos y de luces y sombras;el aprecio de la capacidad expresiva del blanco y del negro,y del contraste entre ambos,que,en palabra de Emile Zola: de Sukenobu 3u.En el Ukiyo-e Hanga,el pintor frances ve la posibilidad de acabar con el tabu de mostrar la espalda de los personajes,y partiendo de él, introduce en Occidente nuevos puntos de vista forzados, escorzos y perspectivas en esquina o a vista de pajaro,que liberan de las perpectivas frontales y permiten espiar a Ios protagonistas de sus cuadros, observarles sin ser vistos,introducirse en su quehacer cotidiano e intimo; sus pinturas de mujeres bafiandose no pueden menos que hacer pensar en las de Kitagawa Utamaro (1753-18o6), retratos de cortesanas de los barrios de placer de Edo,que no aparecen perfectamente ataviadas para recibir al cliente, sino que son sorprendidas mientras se arreglan o maquillan, o durante el dia, cocinando,lavando o cuidando de sus hijos.
Una de las obras japonesas que mayor repercusion tuvo en Europa fue el Man$g a$ ,una obra en 15 volumenes publicados entre l817 y 1878,donde se recogen,a manera de bocetos,aspectos de la vida cotidiana y de la naturaleza de Japon,apuntes de distintos caracteres y rasgos fisonomicos de cortesanas,de luchadores de sumo o de los protagonistas de distintos trabajos; estos volumenes,reproducidos mediante la técnica xilografica tuvieron gran difusion y se convirtieron en autenticos repertorios para sus seguidores 31. Pero si Hokusai es cl maestro de la fisonomia y de los escorzos,hay otro importantisimo artista japonescuya obra sera definitiva para la nueva concepcion del espacio,los encuadres y los marcos. Se trata de Utagawa Hiroshige (1797-1858),que habia pintado en 1833 las Cincuenta y tres paradas del Tokaido.En esta serie,el artista nos muestra el paisaje y los lugares pintorescos del famoso camino que une Tokio con Kyoto, pero desde un nuevo punto de vista,lleno de anécdotas que dejan al propio paisaje en un segundo plano,y dan protagonismo al elemento humano y a sus avatares cotidianos. En su estampa “El Santuario de Benten visto desde el ferry de Hameda>,por ejemplo, vemos como el artistaadopta el punto de vista de uno de los viajeros del ferry y nos muestra el santuario de Benten (cl verdadero protagonista de la escena) cortado y oculto tras las piernas del remero. Este efecto contribuye al proceso de ruptura de la concepci6n renacentista del espacio.La estampa japonesa muestra una nueva manera de mirar al objeto que no requiere la tridimensionalidad,la obra no es concebida cómo una ventana a Ia que el espectador se asoma, con un punto de vista uinico y un punto de fuga,y nos ofrece nuevas posibilidades para sugerir el espacio: picados y perspectivasa vista de pajaro,la diagonal, el agrandamiento del objeto principal o puntos de vista insospechados que desencuadran la imagen y cortan los objetos.Hiroshige es un verdadero maestro de este recurso,y artistas europeos como Degas o Manet se inspiraran en su obra para sus perspectivas en de Hokusai es un ejemplo claro de esta presencia 33; en esta xilografia se ve una enorme ola en el preciso momento en que ha Ilegado a su punto älgido y ha acabado de levantarse para romper; la cresta de la ola,llena de espuma erizada, esta a punto de caer sobre las barcas de los pescadores que se tambalean en un peligroso equilibrio inestable sobre el mar embravecido.En ese preciso momento,la ola deja ver,al fondo,el Fuji,la montana sagrada de Jap6n.El Fuji (la montana) y la ola (el mar) son dos presencias que resumen,con una simplicidad de medios asombrosa, la esencia del paisaje en la tradicion china,que no en vano se designa con dos pictogramas: shan shui, que significan precisamente eso: montana y agua; los dos elementos que constituyen el universo visual.La montana estatica e inamovible, la ola dinamica y cambiante.La una dependiendo de la otra, en perfecto equilibrio inestable.La montana esta a punto de desaparecer tras el agua, pero en el preciso momento en que esto va a ocurrir tenemos la impresi6n de que es el Fuji quien ha surgido como un fantasma del agua. Como dice un poema chino: “Las colinas son sombras,y discurren de forma a forma, y nada permanece>; montana y agua son los dos componentes fantasmag6ricos de una realidad cambiante,dos elementos en continua tension y en continuo abrazo amoroso, como el pincel y la tinta,que se confunden y se intercambian sus cualidades: una ola que,como dira el monje y pintor chino Shi Tao es una cima de montana y una montana que es un dragón emergiendo de las profundidades del océano.

Fig.6.Utagawa Hiroshiige (1797-1858), El Santuario de Benten visto desde el ferry de Hameda>,l856.

Fig.7.Katsushika Hokusai (l76O-1849)Vista del Fuji a través de las olas de Kanawa>.
LAESCUELA RIMPA YLAS EXPOSICIONES UNIVERSALES.
El impacto de la estampa japonesa en el arte europeo de finales del siglo xIx es una de las formas mas importantes de penetracion de 《lo asiatico> en nuestro continente,y sin duda la mejor estudiada,aunque no la unica.El grabado xilografico japonés es un género que,como ya se ha senalado,fue considerado “menor> en el Japon Meiji; era una forma artistica que permitia la reproduccion masiva de imagenes de la vida de las ciudades,y que estaba destinada a una burguesia emergente, pero con una educaci6n mucho menos refinada que la de la aristocracia. El gran arte de Jap6n, que enraiza con Ia tradicion mäs culta y que representa a la nobleza, tuvo tambien un impacto decisivo en Europa,y ello a través,fundamentalmente,de las Exposiciones Universales.La Escuela Rimpa toma su nombre de la ultima silaba del nombre del artista del siglo xvI Ogata Korin, de quien Samuel Bing compró un älbum de dibujos en su viaje a Japon de 1875.El verdadero fundador de esta escuela fue Tawaraya Sotatsu, que,nacido en torno a l643,cultiv6 muchas otras artes ademas de la pintura.La tendencia artistica que pone de moda recibe tambien el nombre de> Gran Escuela del Arte Decorativo> y representa un fenó- meno de gran importancia para el arte japonés,puesto que a traves de sus manifestaciones artisticas, Japon crea un estilo propio indiscutible y se libera de la influencia china.
La tendencia a lo decorativo no es una novedad de la época de Sotatsu, sino una tendencia clara dentro del arte japonés,que ha existido ya desde la época Kamakura (1185-1333),y sobre todo desde del periodo Fujiwara (866-1i60),y que ha afectado a todas las manifestaciones plasticas, no solo a la pintura.De hecho,lo que antes lleg6 a Europa fueron los utensilios de uso cotidiano: ceramicas,cajas de laca y decoracion maki $\cdot e ^ { 3 4 }$ para todo tipo de usos, peines 35, utensilios de plata, tsubas (guardas para las espadas) y textiles.
El gran maestro caligrafo Hon'ami Koetsu (1558-1637),otro de los protagonistas de esta escuela,creó un centro artistico en Takagamine, junto a Kyoto, donde se daban cita gran cantidad de artistas,poetas,maestros de te y personalidades de la vida cultural del momento.El estilo que se configura en torno a este centro se caracteriza por ser muy decorativo,por emplear frecuentemente materiales que dan a la obra aspecto de gran riqueza y fondos dorados. Su espiritu puede muy bien apreciarsea traves de la famosa caja de laca (utilizada para salvaguardar la piedra de hacer tinta) de Koetsu que se conserva en el Museo Nacional de Tokyo. Se trata de una caja de laca cuadrada,con la tapa muy abombada y con el fondo dorado. Cruzando la tapa, en diagonal, una banda de plomo (material que se introduce por primera vez en el arte decorativo), simboliza un puente.Bajo el puente tres 《kanji>,es decir, tres pictogramas,representan a tres barcas meciendose en el agua y sobre el puente un poema en aplicaciones de plata.Las olas son rigurosamente abstractas, representadas por los disenos del dorado.
En la caja de Koetsu vemos pues varias caracteristicas que luego serä propias del Art Nouveau en Europa: el sentido decorativo,la asimetria del diseno,la introduccion de la escritura como elemento ornamental y una composici6n que no se limita a la superficie que ocupa,sino que se desparrama hacia afuera. Caracteristicas todas ellas propias de la Escuela Rimpa,y que se materializan en obras tan exquisitas como el abanico de 《La luna y el conejo>,otra obra de Koetsu, donde se pone de relieve su calidad como caligrafo.La luna,agrandada como la estuviesemos contemplando a través de un telescopio, esta representada por la hoja dorada que corta la escena transversalmente,dando lugar a una composicion que hubiera sido inimaginable en ningun otro pais en aquel momento. El conejo blanco, que parece haber oido algo,mira hacia el cielo torciendo de forma brusca su cuello en un gesto tan inusual como humano. Sobre el fondo dorado de Ia luna,un poema de Fujiwara Hideyoshi (siglo XI1) destaca en negro una magistral caligrafia que describe las lagrimas que una joven derrama por su amado y c6mo,al resbalar por las mangas del kimono y caer al suelo éstas reflejan la luna de otofo.
Entre las obras mas destacadas de esta Escuela Rimpa figuran varios biombos y puertas correderas pintadas con motivos de paisaje.No se trata de paisajes naturalistas,sino de paisajes pertenecientes al bunjin-ga,un genero que tiene su origen en la pintura china,y que plasma una naturaleza simbolica.Su proposito era captar la esencia de la naturaleza mas alla de la naturaleza real que percibimos a través de los sentidos.En este género,los elementos del entorno pasan de ser reales a ser simbolicos.Esta capacidad de abstracci6n es también otra constante del arte japonés, cuyo talante le permite apoderarse de la esencia de la naturaleza que fluye y convertirla en un simbolo,utilizando para ello una parquedad de recursos y una sencillez asombrosas.Ya se ha visto cómo la Ola> de Hokusai es un ejemplo claro de esta de abstracci6n.Su forma de tratar el agua se ha convertido en una referencia para miles de artistas desde entonces hasta nuestros dias,pero la estilizacion del agua y de las olas ya estaba presente en las obras de Ia Escuela Rimpa.Por ejemplo, la obra “Mar picada>de Sotatsu resulta al mismo tiempo de una sencillez y de una fuerza inigualable.La obra no es en realidad mas que un fondo en dorado y negro, donde las masa pict6ricas se mueven con la agresividad del mar embravecido, un efecto que se consigue utilizando la técnica tarashikomi, que consiste en aplicar los colores con gran rapidez, practicamente arrojandolos sobre la superficie cuando ésta no esta todavia seca,de forma que al mezclarse las tintas se consigue un efecto muy decorativo.

Fig.8.Hon'ami Koetsu (1558-1637) “El conejo y la Luna.
El mismo proceso de estilizacion que sufrieron las olas del mar, ha convertido al Monte Fuji en una simple silueta perfectamente reconocible por todos; como en la obra anonima del siglo XvI “Paisaje de Musashino con Monte Fuji>,hoy en el Museo Fuji de Tokyo,donde el volcan se yergue sobre la planicie entre las nubes y las hierbas otonales.Una de las obras que mejor refleja la maestria del arte japones para convertir los elementos de la naturaleza en simbolos,es la obra de Ogata Korin (l658-17l6) ,una obra conservada en el Museo de Shizuoka. Consta de cuatro paneles. Sobre un fondo dorado,transcurre un riachuelo que separa dos ciruelos: a la derecha un ciruelo de flores rosas,a la izquierda,uno con flores blancas.Ninguno de los arboles aparece entero,y sus ramas se prolongan mas alla de la composicion. El dorado del fondo da lugar a un espacio abstracto muy abierto y de gran impacto. Sobre este entorno irreal, se representan, de forma naturalista los árboles,y a medio camino entre la abstraccion y el detallismo de los ciruelos el agua del rio.La corriente, que baja haciendo remolinos,responde aun proceso de simplificacion y estilizacion similar al de la obra anterior. En este caso, el elemento de la naturaleza ha sido tratado de forma muy elegante y convertido en una especie de motivo decorativo que evoca de forma magistral la corriente,en un simbolo que se ha apoderado de la esencia de la naturaleza que fluye.Esta formas que gracias al decorativismo de la Escuela Rimpa se transforman en ornamentos,pasaran a Europa a través de los objetos que comienzan a llegar en el siglo Xix,y las composiciones lineales,abstractas y de gran fuerza dinamica que dominan en ellas tendran un efecto inmediato en el arte del Continente.
Otra caracteristica fundamental de toda la escuela Rimpa es el contraste entre elementos pintados con gran precisi6n y elementos muy simples. En el abanico de Sotatsu 《Casas de campo en primavera>,del Daigo-ji de Kyoto,se observa bien esta caracteristica; mientras los tejados de las casas son superficies de color muy sencillas,los ärboles del fondo estan tratados con gran meticulosidad. Tambien ocurre lo mismo en el magnifico panel de Ogata Korin de la Freer Gallery,donde una hilera de grullas pintadas con detalle y precision,contrastan con la esencialidad del fondo dorado y del agua del estanque. Ogata Korin (1658-1716),es el autor de la obra 《Iris>,un conjunto de dos biombos de seis hojas cada uno.En ellos coloca de forma asimetrica,sin dar énfasis a ningun motivo central, varios grupos de iris, para los que solamente emplea tres colores.La pintura es aparentemente de gran simplicidad,e incluso es muy posible que el artista utilizase plantillas para hacer las flores. Es sin embargo una obra de una gran modernidad y de un sorprendente atrevimiento en el diseno. Ogata Korin se interesa por la situacion de cada elemento respecto al otro.Lo importante y novedoso en su obra es la interrelaci6n entre los elementos, el intervalo que hace que cada uno de ellos sea,a pesar de todo, unico.La asimetria y el ritmo marcado por los intervalos situa a las flores a distintas alturas,y evoca el movimiento del agua que podemos intuir discurriendo junto a ellas en un riachuelo que no se representa. Esta pauta ritmica queda todavia mas evidenciada en las distintas obras que Sotatsu pinta junto al famoso caligrafo Hon'ami Koetsu (1558- 1637).Sus composiciones,como muestra el rollo perteneciente a la coleccion Hatakeyama de Tokyo,ofrecen unos motivos pictóricos muy simples y delicados, en este caso unas hojas,pero dotadas al mismo tiempo de un fuerte dinamismo interior.Los dos maestros consiguen emparejar ritmos y disenos y logran una sintesis armoniosa entre los tres elementos fundamentales que la forman: la composicion pict6rica,la caligrafia y el contenido poético.Esta forma de distribuir el espacio,el intervalo irregular y el ritmo que marcan los elementos,organizados siempre de forma asimetrica tuvo una influencia muy importante en el diseno textil europeo gracias a la legada de libros ilustrados con xilografias que reproducen estos motivos y gracias tambien a los objetos que se expusieron en el Pabell6n de las Artes Decorativas de las Exposiciones Universales.
Tambien los maestros de la escuela Rimpa fueron grandes ceramistas.Las obras realizadas para la ceremonia del te son sin embargo de una belleza muy extrana para la Europa del momento, que en un principio no fue capaz de admirarlas como se merecen. En ellas,los maestros explotan esteticamente la materia bruta en toda su forma y diversidad, haciendo gala de una imaginacion extrana y de una deliberada rudeza muy dificil de valorar entonces en Occidente Lo realmente soberbio e impactante es la ceramica del té es su naturalismo... 《naturalismo> en el sentido mäs profundo de la palabra, porque muestra un respeto absoluto por la naturaleza;por ello utiliza colores naturales,y sus obras presentan irregularidades,grietas y manchas.Una de las obras más conocidas de Koetsu es un magnifico cuenco de té raku con nombre propio: Fuji-san (aludiendo al Monte Fuji).El cuenco no tiene ninguna representaci6n del Fuji, sino que él mismo se convierte en el monte sagrado. Su naturaleza evoca la del volcán, como él, proviene del horno y se ha hecho con tierra y con fuego. Una grieta atraviesa el chawan (cuenco para la ceremonia del te)recordandonos el poder destructor de la combinaci6n de estos elementos y la belleza a la que dan lugar.Finalmente,la blancura del engobe de la parte alta, recuerda a las nieves de la cumbre del Fuji.
Ceramicas de éste tipo,piezas ünicas,donde participa el azar y donde la irregularidad es un principio estético,estuvieron presentes en las Exposiciones Universales ya desde 1878.En ese afio tuvo lugar una gran muestra de arte japones organizada por Maeda Masana,un japonés instalado en Francia.Y,aprovechando esta ocasion,Samuel Bing hizo tambien una importante exposicion de ceramicas japonesas, que sin embargo, no fueron tan faciles de apreciar en un primer momento,como se desprende de las siguientes palabras del critico Burty: “los cacharros, los pequenos cuencos,las tacitas (..) eran de una materia burda,a veces vastos y revestidos de un esmalte que no tenia ningun brillo; ha faltado poco para que los metamos entre los objetos primitivos> 36.

Fig.9.Ogata Korin (1658-1716).Fragmento de Iris>( $6 { \times } 2$ pancles).
El deseo que surgió en el Japón Meiji de internacionalizar su cultura,le llevó a participar en las Exposiciones Universales,ofreciendo en ellas ejemplos muy representativos de su gran arte.De los tres escaparates posibles con que éstas contaban para mostrar lo asiatico:la seccion dedicada a las colonias,la seccion dedicada a Oriente y finalmente,Ia seccion de artes decorativas e industriales,Japon se instaló con gran firmeza en la ultima.Hasta el ano 1862 la presencia de lo asiatico estuvo protagonizada en las Exposiciones Universales por India y China. India,cómo parte del imperio colonial britanico protagonizó la exposicion de Londres de 1851, China ocupó un papel preponderante en la de Paris de 1855,donde se creó un 《Museo Chino>,formado por una coleccion de objetos traidos por M.Montigni. A partir de l862,sin embargo, el gusto por lo chino se veria supiantado por el japonismo.Asi lo puso de manifiesto la Exposicion de Londres,cuyo catalogo en francés cuenta con un articulo titulado . Con motivo de esta misma exposici6n Sir Rutlerford Alcock organizó una muestra de arte japones que contaba con estampas, entre toda otra serie de piezas de porcelana, laca, bronce y textiles 37; esta seleccion de objetos, sin embargo, tenia la peculiaridad de haber sido elegida por el embajador británico,y respondia mäs al gusto occidental que al japonés.En 1878 el mismo Sir Rutlerford Alcock publicará el primer tratado detallado de arte japones: Art and Industries in Japan.
La Exposici6n Universal de l867 en Paris ofreci6 por primera vez en Francia una muestra de obras de arte japonesas,y la excelencia técnica de las artes aplicadas tuvo un efecto inmediato en la industria europea.De los objetos alli expuestos,un total de l3O8 se vendieron en Paris al finalizar la Exposicion; y entre ellos muy posiblemente el biombo descrito por Zola en su novela Nana (quiza el mismo que aparece en el retrato que le hace Manet en el afio 1868).
El Pabellon Japonés fue una atracci6n comentadisima de la Exposici6n de Viena del ano 1873.Pero fueron las Exposiciones de 1878 y 1889 en Paris las que supusieron la definitiva introduccion de las artes decorativas y del grabado japones en Europa.En la de 1878 en concreto,en la sala 6 del Palacio de Trocadero,se exponia la coleccion de Guimet, un industrial de Lyon,que habia viajado por toda.
Asia y cuyas adquisiciones serian el origen del actual museo parisino del mismo nombre.En la Exposicion parisina de 1889 se instal6 un Buda dorado colosal, procedente de Nara,y a través de Samuel Bing se abri6 una exposici6n de cuencos de té,bronces,peines, netsukes y mascaras, entre otros objetos.Ya a partir de este momento, en las Exposiciones se muestran obras de artistas europeos que han asimilado formas y tecnicas japonesas:El Japonismo habia nacido.En 1878 Christofle muestra sus obras orfebreria,ya impregnadas del gusto japonés 38 y en l889 el Art Nouveau esta en pleno auge, con sus lineas que recuerdan al crecimiento natural de las plantas,sus nuevas formas,sus flores,mariposas y libelulas.Ese ano Emil Gallee expone 30o piezas y obtiene muchos premios.
En 1900,en la Exposicion de Paris,el comisario de la exposici6n de Jap6n es Hayashi Tadamasa.Se construye un Pabellon Imperial con una exposición retrospectiva de Japon,que muestra esculturas budistas,kakemonos y toda una serie de obras representantes del genero Rimpa,que quedar& consolidado finalmente con la exposicion del ano 19o5,en el Sal6n de Otofio de Paris,quedando asi,consolidadas las intuiciones que Samuel Bing habia mostrado en 1888 con la publicacion de su Le Japon Artistique:
$\ll ( . . . )$ no existe nada en la creacion,ni la mäs infima brizna de hierba, que no sea digna de encontrar su lugar en las concepciones elevadas del arte (...） bajo su influencia,la inerte sequedad de la lineas a la que nuestros artistas industriales creen deberse sacrificar, se superarä poco a poco,y nuestras producciones se animaran de un soplo de esta vida intensa que basta para explicar el encanto secreto del que toda obra de arte de Jap6n esta impregnando $^ { 3 9 } \rangle \rangle$