El primitivismo en el arte.
Carmen MORENO SAEZ Facultad de Bellas Artes.UCM.
EL CONCEPTO DE ARTE.
El arte cuanta polémica ha suscitado desde su nacimiento,desde su gestaci6n inconsciente en la mente de los primeros seres racionales.El arte,ies poesia,es palabra, es danza, es musica,acaso pintura? Siempre la misma pregunta y, casi siempre,la misma respuesta: 《no lo sé>.Lo que si parece estar claro es que en las personas existe un hiato entre los métodos de pensamiento y los métodos de sentimiento.Parece ser que esta dicotomia es motivo para que nos resulte tan dificil alcanzar un equilibrio entre las realidades interior y exterior y hallar las formas concordes con la vida.
El hombre está sometido a una serie de fenómenos aparentemente contradictorios.Puede adaptarse a los cambios que a lo largo de los siglos han ido sucediéndose,disfrutar de las mejoras que se han ido produciendo en el campo de la medicina,los avances de la tecnica,etc. pero su constitucion material ha cambiado muy poco. Nuestro organismo necesita un contacto directo con la tierra y con las cosas que en ella crecen. Sujeto a las leyes de su vida animal, el hombre vuelve al al primitivismo y surge la polémica,el choque entre las realidades interior y exterior.
El organismo humano necesita un contrapeso entre su entorno organico y su necesidad artificial. Separado de la tierra y del crecimiento no alcanzara nunca el equilibrio necesario para la vida. Es necesario que empecemos a reflexionar seriamente sobre el pasado como una necesidad imperiosa del presente, como una responsabilidad del futuro.El presente no es sino un nuevo eslab6n entre el ayer y el manana.
Estos elementos necesarios enraizados en lo m&s profundo del ser humano, no pueden ser suprimidos por la industrializaci6n ni por los avances de la ciencia,ya que las raices,las auténticas raices del hombre estan ligadas intimamente a la tierra que le vio nacer, tierra que le sustenta y a la que,al final del camino,regresa.
No hemos de olvidar,por tanto,que formamos parte de un pasado y,desde un presente,construimos un futuro. Para vivir nuestro presente no hemos de ignorar nuestro pasado, pues es en esa época cuando empezó nuestra formacion de hombres.
Ramon Gaya,hace referencia a lo anterior y nos dice que 《el hombre moderno ha envejecido tanto que apenas si recuerda algunos trazos de su ser original y le es ya muy dificil reconocer y escuchar esa voz rica de la ignorancia y, sin embargo,hoy sabemos que es indispensable para él, pues solo sera un hombre vivo,es decir,actual, en la medida que pueda y sepa obeceder, ser fiel a esa voz de origen>'.
En el arte ocurre exactamente lo mismo: todas las manifestaciones artisticas actuales son posibles gracias a que hace varios miles de afios en unas primitivas cavernas,el primer ser inteligente descubriria accidentalmente unas huellas dejadas por sus miembros y empezaria a funcionar el sentido estetido que todo hombre lleva dentro,signos que posteriormente eternizarä mediante la representaci6n figurativa de animales,seguramente con fines mágicos.El arte estaba naciendo, habia comenzado el presente eterno.
Desde las cavernas y a lo largo de la historia el arte ha evolucionado considerablemente,pasando por distintas facetas, hasta el siglo XX en el que sufre las transformaciones mas notables,llegando a la desintegracion de las formas yala mas completa abstracci6n, relacionándose con el mundo primitivo, con los origenes del arte.
ARTE PRIMITIVO, MEDULA ESPINAL DE LAS MANIFESTACIONES ARTISTICAS DE TODOS LOS TIEMPOS.
El arte primitivo naci6 de la luz que surgia iluminando la oscuridad de una caverma,《al amor de una antorcha>,como diria Maria Zambrano,ligado a la funci6n estetica de cada individuo. Investigadores del arte suponen que los hombres del paleolitico recogian elementos de la naturaleza como piedrecitas de colores erosionadas por el agua y, con ello,activaban la imaginaci6n. Es el comienzo de lo estetico.
El arte prehist6rico es un arte esplendido,maduro,sensacional, estremecedor, pues se piensa que los trogloditas deberian haber pintado solamente huellas, manos y otros elementos humanos,cosa que, por otra parte tambien hicieron,dado su escaso conocimiento y sentido.De ellas diria Mircea Eliade κen la morada de los hombres primitivos,en sus manifestaciones artisticas se percibe el Arbol del Mundo,que unen tierra y cielo,se percibe en lalestructura misma de su pintura el simbolismo cósmico>². Campell denomina al techo de las Cuevas de Altamira 《manadas celestes>3.Las imagenes del natural se mezclan con signos.Tambien se cree que son una especie de santuarios donde se representa al bisonte como signo femenino y el caballo como signo masculino. Esta es una peculiar forma de representar el cosmos,ya que se asocian una serie de signos masculinos y femeninos con animales.La pintura rupestre recoge la lucha de lo humano con lo divino.
Otras teorias avalan que para los hombres del Paleolitico el arte no era una funcion simbolica,sino una accion objetivamente real, una autentica causaci6n.No era el pensamiento el que mataba,no era la fe la que ejecutaba el milagro.El hecho real, la imagen concreta,la caza verdadera,la realizaba la pintura,era ésta la que efectuaba el encantamiento. Cuando realizaba un animal sobre la roca creaba un animal verdadero.Veia en la pintura una continuacion de la realidad,algo mágico. Su arte no era hecho para ser contemplado, puesto que se realizaba en lugares inaccesibles.El hecho de que se representaran escenas de caza amontonadas tenia su significado,asi como su lugarde emplazamiento,seguramente adecuado para la magia. Estas pinturas, pues,no podian tener un valor ornamental, ni responder a necesidades de expresión o comunicaci6n estéticas,puesto que estaban ocultas,en lugar de ser expuestas a la contemplacion.Salomon Reinach analiza el comportamiento artistico del hombre primitivo y lo relaciona con una especie de rito para atraer la manada de bisontes hacia su particular coto de caza, que el pintor no realizaba'el arte por el arte, sino que conjugaba la imagen para un fin determinado.《Alipintar una imagen me apodero de lo que he pintado>. Sin embargo, el hombre paleolitico tambien sentiria cierta satisfaccion inconsciente al realizarlas.Repiesentaban el naturalismo,la imagen concreta.
Luquet opina que es arte por el arte,por necesidad de adorno, de decoraci6n. Dice también que es 《realismo intelectual>,esto es,que el hombre moderno reproduce lo que sus ojos ven; el primitivo lo que el hombre sabe.Lo compara a un nino que pinta un campo de patatas. Partimos bajo el conocimiento de que las patatas no se ven, sin embargo,el nino las dibuja una a una,porque para él tienen mas importancia las patatas,aunque no las vea.Por eso pinta lo que sabe, no lo que ve.El nino y el hombre primitivo son realistas,ya que hacen y reproducen sólo lo que les interesa.A esto Luquet le llama 《realismo intelectual>.
Salomon Reinach analiza el comportamiento artistico del hombre primitivo y lo relaciona con una especie de rito para atraer la manada de bisontes hacia su particular coto de caza, que el pintor no realizaba el arte por el arte, sino que conjugaba la imagen para un fin determinado.《Al pintar una imagen me apodero de Io que he pintado》.
Giedeon se pregunta si el arte primitivo es abstracto o naturalista.Dice que el arte primigenio imita la naturaleza de las cosas,no como son éstas en la realidad,sino como aparecen en un momento dado,que el arte occidental desde el Renacimiento hasta las vanguardias se limita a presentar,no a dar la esencia del pintor. Asi ocurria en el Arte Egipcio,cuyas caras estan de lado mientras que los cuerpos permanecen de frente.A los artistas no les interesaban los escorzos y perspectivas de las figuras,sino,realmente,lo que ellos querian,la esencia de las mismas.《El arte prehist6rico no puede ser naturalista>,dice “imita la apariencia de las cosas,no la realidad>.Giedeon tambien anade la abstracción permite destilar la esencia del arte>.
Worringer dice que el arte primitivo surge del terror cósmico que siente el hombre por el espacio,por la incertidumbre de lo desconocido. Teme al vacio. Relaciona el arte abstracto con el hombre prehist6rico,porque es una necesidad instintiva,no visual. 《El arte primitivo y abstracto es la respuesta espiritual al caos>.
Ante la majestuosidad de las pinturas rupestres otros te6ricos cuestionan si existiria una especie de mago o chaman que se encargaba de representar los bisontes y otras escenas de caza, ya que la accion implica una especializacion y, por lo tanto,una comparaci6n.
Sea cual fuere la auténtica causaci6n que hizo posible que el hombre primigenio plasmara en ias desnudas rocas su espléndido arte,lo que sf es cierto es que se sucede una situacion numinosa entre la obra y el espectador que la contempla,un regreso al pasado que nos hace reflexionar seriamente sobre los comienzos del hombre,sobre los principios del arte.
PROGRESION DEL ARTE.
El arte desde sus origenes ha ido progresando.El pintor se liber6 de su condici6n de artesano a la que estaba superditado en el Renacimiento y el arte comenz6 a constituir una profesi6n por si mismo. Una vez y reconocido su valor independiente,prosigui6 el camino ya iniciado en aquella caverna,labor que continu6 en las distintas escuelas que fueron surgiendo y en todos aquellos gremios de pintores,cuando aun estos pertenecian a la condicion de artesanos.
La pintura se acercaba cada vez más a la realidad, empresa en la que los pintores ponian especial empeio.
El primitivismo en el arte.
Durante el Barroco la pintura estuvo sometida a las exigencias de la Iglesia,pintando aquello que ésta le encargaba,esta institucion utilizaba la pintura a nivel didactico para guiar al fiel yayudarle a comprender la Biblia. La realeza utilizaba,asi mismo,al pintor para que éste efectuara retratos de sus familiares y motivos designados por ellos.El pintor trabajaba para la vida publica.
El Neoclasicismo sentaria las bases de lo que iba a ser la modernidad.El hombre neoclasico plantea una actitud critica respecto al pasado,aunque es fuente fundamental para él.
El estilo Neoclasico (uno de los ultimos estilos de lo que se consider6 como estilo en la estilistica anterior) tiene una actitud revolucionaria,de ruptura,de respeto al pasado (otra vez el pasado),para replantear ese pasado desde el presente.No se puede estudiar la modernidad sin considerar la importancia fundamental que tuvo el Neoclasicismo.
En el Neoclasicismo habia inicios de modermidad y esto se podia apreciar en la arquitectura,en cuyos edificios la situacion y proporci6n de los elementos se invierte,creando violentas tensiones.En la pintura neocläsica Ingres fue una de las grandes figuras del arte contemporaneo y vital,desde luego,para la modernidad.Aunque en cierto modo no descompusiera la forma, si, en cambio, la distorsionaba,ateniéndose a los ritmos propios de la pintura,creando una armonia propia del objeto plästico.Todo esto es un paso adelante en la defensa de la libertad del artista.
El arte moderno supone una actitud definitiva con respecto al pasado. Cuando se replantea esto enseguida comienza un periodo hist6rico y filos6fico en el que se inicia una dinamica en el proceso de contemporaneidad artistica.Cuando la realidad comienza a ensenar sus miserias (Revoluci6n Industrial, hacinamiento,etc.),empieza el Romanticismo, una idea'critica con respecto al Neoclasicismo y una critica al sentido del progreso,y en el terreno del arte comienza a haber una ruptura con respecto a los primeros pasos de la modernidad. El Romanticismo es la primera ruptura, que se opone al arte institucional que habia difundido el Neoclasicismo,como un poder absoluto de la revoluci6n.
Los romanticos son antiacadémicos,se sienten desencantados con la Revoluci6n Burguesa y se centran en el paisaje,que libera al individuo,proyectando sus sentimientos.Tiene nostalgia del pasado,en concreto del arte medieval. Cultivan la idea del fragmento,que alienta la imaginacion del espectador como sujeto activo para completar el sentido del cuadro, hasta convertirlo en un motivo (como luego haria Cézanne). El motivo no es un término fundamental, sino la excusa para hacer un experimento puramente plastico.
Los románticos serian la primera Vanguardia del siglo XIX,por su antagonismo constructivo,que destruye para construir algo que es mejor. En sus imagenes critica el poder corrompido del mundo que no le gusta. Hay un idealismo que defiende con el color, la nueva composicion llevado de la mano de Goethe,que plantea mayores rupturas con respecto al arte clasico. En el Romanticismo el pintor plasmarä en sus pinturas sus propias impresiones, va a pintar para si mismo,desligandose totalmente de la sociedad a la que estaba artisticamente comprometido con anterioridad.
En el siglo XX se da un fen6meno predominante,la paradójica relación entre la conciencia y el inconsciente.Se elimina la conciencia de un mundo estable,s6lido. Cae tambien la religion,Dios,la tierra madre.Nietzsche decia “Dios ha muerto>.Habia un grito de rebeldia frente a las instituciones, que sume a las personas en un caos total. El hombre ya no mira las estrellas,se encuentra solo,siente angustia vital, vacio metafisico que se manifiesta en la pintura.El hombre se vuelve gigante desmesurado,se suma al materialismo provocado por la industrializacion creciente.Posteriormente se cae y vuelve a laangustia,a la soledad.
Todas estas tendencias se extienden al mundo de las Bellas Artes,donde surgen las primeras Vanguardias Artisticas. Una nueva concepcion de la conducta del hombre trajo como consecuencia el nacimiento del Arte Moderno.
NACIMIENTO DEL ARTE MODERNO.
El arte moderno no nació por evoluci6n l6gica del arte del siglo XIX, sino por una ruptura de los valores humanos de la centuria decimon6nica. No se trat6 unicamente de una ruptura estetica, sino de la quiebra de la unidad espiritual y cultural del siglo anterior. De la polémica, de la protesta y de la revuelta que estallaron en el interior de la citada unidad, naci6 el nuevo arte.
Rompen con la tradicion,con los temas religiosos,mitol6gicos,con la representaci6n. Buscan el color plano,timbrico.La pintura cobra valor por si misma,no tiene formas,es simplemente contemplativa. En silencio por el silencio. No existen temas religiosos.
El artista busca formas primitivas de ligacion del hombre con la naturaleza y vuelve a la caverna, que es donde tiene su origen la pintura. La cultura africana tiene signos demoniacos que no asustan, la occidental los rechaza y los idealiza.El arte infantil cobra valor.Igualmente lo hace la abstracción que,mediante la materializaci6n de una idea en grado tal que su esencia quede al desnudo,va escalando peldaios.El arte no intelectualizado,del inconsciente,el arte de la locura, en definitiva,se suma a todo este movimiento.
El arte y la literatura son vistos como una expresion de la realidad,como un espejo que refleja el inconsciente,la esencia del alma.
La realidad-contenido al influir notablemente en la forma de ser del artista,determina la fisonomia de la obra y su forma.Hegel con respecto a lo anterior decia: 《Lo que decide tanto en el arte como en todas las obras humanas es el contenido>.Sin embargo,las tesis de De Sanctis difieren notablemente de las Hegelianas,ya que entiende que 《el contenido y la forma estan unidos indiscutiblemente a la preexistencia de la Idea>4. Goethe decia a este respecto: 《El hombre no puede permanecer en su estado de conciencia por mucho tiempo: una y otra vez tiene que escapar hacia lo inconsciente,pues esalli donde estan sus raices>5.
Malevich igualmente pensaba que el artista ha sentido la naturaleza bajo dos puntos de vista distintos.Su duda estä en luchar contra ella o ignorarla.《Si se estudia la génesis de la creacion no figurativa encontraremos dos morientos, uno espiritual, el combate contra el objeto y la 《representatividad> en favor de la creatividad libre y el momento de la proclamacion del espiritu constructivo y de la inventiva>.Y anadia Mi filosofia es la expulsion de la Naturaleza de los territorios del arte>6.
Es de mencionar, a propósito de la incapacidad de expresi6n que se sufre a principios del siglo XX,la carta de Lord Chandos a Francis Baconi Para Lord Chandos los conceptos son algo que se supone concreto,caen en la ambigiedad y un no-ser donde todo es discutible,donde comienza a notar la incapacidad de expresarse y nota la limitaci6n del lenguaje,el cual está|roto.Lord Chandos se encuentra sólo ante sus pensamientos,los mismos que no puede expresar porque los encuentra vacios de sentido,pues en el pasoldel pensamiento a la palabra pierden todo su significado. Siente toda esta soledad que le angustia profundamente,para la cual ünicamente encontrara como salida la adaptación al medio abierto y el adaptarse a su vez al concepto simplificado y limitado.
Esta angustia descrita por Lord Chandos es la que va a propiciar el surgir de los numerosos estilos, es lo que va a dar la busqueda del lenguaje.
Octavio Paz en su libro 《El signo y el garabato> nos cuenta' c6mo con anterioridad la pintura era presencia, apoyada en el color y el dibujo.El dibujo, la estructura, el esqueleto y armazon que sostenian el color,eran lo mas fun
4Mario DE MicHELI: Las vanguardias artisticas del siglo XX,pág.17.
5Erich KAHLER: Las desintegracion de la forma en las artes,pag.45.
Pedro AzARA: De la fealdad del arte moderno, pág.91.
damental.De ahora en adelante y debido a esta incapacidad de expresión a la que esta sometida la pintura,ésta empezarä a pensar y no a hablar, tendra una carga filosofica muy importante y un lenguaje propio, no estando sometida, por tanto,a formas concretas.
CAUSAS DEL NACIMIENTO DEL ARTE MODERNO.
Como se ha dicho anteriormente, el camino hacia el arte moderno parte del Neoclasicismo.A continuacion se ennumeran los apartados basicos que motivaron la creaci6n de un nuevo arte:
—Las investigaciones cientificas de Freud sobre el inconsciente alienta a los artistas a experimentar nuevas formas de expresion internas.
—Los pensamientos de Nietzche,con su depresion religiosa, sumen al hombre en una incertidumbre desconsoladora, que le sumerge en un pozo sin salida. Debido esta crisis, el artista cree que estä facultado para ser un creador y se obsesiona con tal idea. Sin embargo, comprueba que no esta capacitado para crear algo distinto de lo creado por Dios de la nada.El arte moderno es un enfrentamiento con las formas naturales,a las que despedaza como un bisturi.
—La escisión del atomo crea una revoluci6n de las conciencias.El mundo establecido a lo largo de los siglos se rompe.La pintura se transforma.
- Finalmente,como consecuencia del cataclismo provocado por las dos Guerras Mundiales y ante el avance desmesurado de la tecnologia y de la industrializaci6n y por el atropello de los acontecimientos y cambios experimentados,se presentó la verdadera caida del poder racional. El inconsciente empezó a brillar por si mismo,con luz propia y a dar rienda suelta a los instintos mas salvajes.
La desintegracion de las formas estaba surgiendo.
PROCESO DE LA DESINTEGRACION DE LAS FORMAS.
El proceso desintegrador se convierte en una lucha tensa entre la conciencia y el inconsciente.En efecto,la razón se dobleg6 ante el avance desmesurado del inconsciente y se inclinó ante las razones que tenia para su surgimiento y en la incapacidad de la mente para dominar su mundo sobrepoblado y sobrecargado. El inconsciente se convirti6 en protagonista del acto artistico. Los artistas hacen que el inconsciente sea el legislador de la creacion artistica, ya que se apodera del acto artistico mismo.
一.
La pintura necesitaba expansionarse e inicio una rebeldia contra el marco, es decir,contra el ultimo refugio de la forma.Los artistas desconfian del control de la conciencia y se sumergen en un profundo éxtasis.El cuadro que estan realizando son ellos mismos y por eso dan rienda suelta a lo que el inconsciente les dicta. “Cuando estoy en mi pintura, segun palabras de Pollock,no me doy cuenta de lo que hago>.
La desintegracion de las formas se estaba consolidando.
Los rostros empezaban a desdibujarse.Lo humano se convertia en repulsivo.Su contemplación se apreciaba como un rechazo frenetico y era necesario eliminarlo de los lienzos. Cobraban importancia las formas geometricas puras, inmaculadas, imperecederas,que tanto admirara Platón.
La destrucción de las formas avanzada inexorablemente y en su imparable caminar arrasaba no sólo a la pintura y a la escultura, sino a todas la's artes en general. Segun nos dice Maria Zambrano κesto obliga a pensar que se trata de algo que rebasa lo que comunmente se entiende por estética. Que algo ocurria alla, en ese lugar donde la necesidad de expresión,es decir,en la vida,raiz del arte>.
Chirico,Picasso,Ravel y Stravinsky intentaron,de una manera genial, volver al realismo desesperadamente.Pero el proceso continuaba su imparable marat6n.
La máscara aparecia nuevamente.El rostro humano no se mostraba resplandeciente,brillante,limpio, inmaculado, como lo hiciera en Grecia.Ese rostro que durante siglos habia hasta cierto modo presumido ante el mundo,se miraba en su espejo tranquilizador y desaparecia,para dar paso a la'mascara, que era el reflejo de una decadencia.
La mäscara no s6lo acompana al hombre decadente, sino a toda la civilización.La decadencia es el tránsito desde tal condici6n y nivel a lai presente, caracterizada como negatividad e imperfecci6n; aceptar esto es aceptar que el origen es a la vez perfeccion y fundamento.
Los elementos fueron desapareciendo y con ellos la vuelta al hermetismo. Se destruian las formas, se destruia el ser humano. Se entraba en contacto con la materia, con lo sagrado, con la fysys.El mundo objetivo desaparecia.
Al destruir la forma humana se destruye la del mundo que el hombre habia forjado,queda destruida “la objetividad,la religi6n de sujeto a objeto que la filosofia habia descubierto desde su pregunta por el ser de las 'cosas,en Thales> &.El eclipse del mundo se asoma.El hombre busca en el pasado algun secreto que le haga resurgir con nuevas fuerzas,con nuevo impetu,en un mundo destruido que le es hostil. “La realidad es la cualidad de apariencia de la máscara que no quiere ser vista como tal. Donde todo el mundo de los fenó- menos se reduce a mascara>9.
Al reaparecer Ia máscara el hombre no abandona su propia figura, entra en contacto con la realidad que solo asi es asequible.Esto se traduce en una forma de enfrentarse a la vida misma y en una protecci6n del ser ante una realidad demasiado cruda,desgarradora,ante una realidad latente.
Los retratos de Van Gogh,Kokoschka o Beckmann ya no reproducen el aspecto inmediato y fisonómico de una persona, sino exteriorizan sus inquietudes.Buscan el 《puente que va de lo visible a lo invisible>，segun Beckmann . Igualmente,los paisajes de estos pintores plasman la esencia de los escenarios naturales,su calidad psiquica.κLos artistas fueron explorando las estructuras de los fen6menos en cuanto tales,las formas espaciales,en cuanto tales,con lo que llegaron a la descomposición analitica del mundo de los objetos> ".
Picasso,a este respecto,decia: 《El arte es una suma de destrucciones. Hago un cuadro y luego lo destruyo>,
Los cuatro padres de la modernidad,Seurat, Van Gogh, Cézanne y Gauguin iniciaron un camino importante hacia la descomposicion de Ias formas,apoyados,eso sf, en el primitivismo,liberalizando el color, volviendo a la geometria, utilizando la pintura como simbolo,en el caso de Gauguin., desplegando el motivo en varios puntos de vista aunandonos en uno solo (Cézanne),o bien representando imägenes con una fuerte carga emocional pre expresionista (Van Gogh).En todos ellos las formas plasmadas no se atenian a la realidad visual, a la luz que quedaba parada en el exterior, iluminando unicamente la superficie,mostrando el volumen de los objetos,sino auna luz individualizada y propia de cada artista: a su propia vision interior.
Van Gogh admite la fractura inicial que se va estableciendo entre arte y vida. Siente que los artistas ya no estan integrados en la sociedad, sino “opuestos> a la sociedad,y que son “desechos> de la sociedad. Pero sigue insistentemente buscando lo que desea, sin encontrarlo.La carga emocional que ha ido acumulando en si es tan grande, que al no encontrar modo de exteriorizarlo,le estalla dentro, desgarrandole.
Matisse no se content6 con ofrecer una vision escueta y parcial que nos impidiese reconstruir la unidad del Ser, sino que se dedicaba a mutilar los cuerpos,lo que ocurria por primera vez en la historia.
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Al seccionar al ser representado,el artista no cuenta con el problema estético que de ello resulta, sino que exterioriza sus sentimientos.El artista del siglo XX esta dentro de la obra,es una vivencia del tiempo como sentido organico.
Esta violenta descomposici6n de la forma tuvo sus puntos culminantes con el Expresionismo, Cubismo y mäs tarde con el Expresionismo Abstracto, pero no ha dejado de estar presente en el arte contemporaneo.
Picasso y Braque jugaban a deformar las cosas que les rodeaban porque sabian que con el arte imitativo ya no podian dar rienda suelta a sus ansias de creaci6n.《Para mf un cuadro es una suma de destrucciones>,comentaba Picasso. Ambos pintores solian proporcionar datos visuales contradictorios enire si, de forma que las zonas iluminadas aparecian en sombra,mientras que las formas tangibles se disolvian.
La estructura del nuevo arte trajo consigo numerosos movimiento entre los que se encuentra el Expresionismo,movimiento centroeuropeo que constituy6 una de las primeras manifestaciones radicales del arte del siglo XX,cuyas raices habria que buscarlas en el Romanticismo aleman,extendiendose a otras culturas europeas y americanas. 1.
Se trata de un movimiento que abarc6 la totalidad de las formas 'artisticas (artes plasticas, cine musica...). Sus origenes se encuentran vinculados con las causas que provocaron la crisis que desembocó en el estallido de la primera guerra mundial.El alto grado de nacionalismo alcanzado en Alemania,asi como el triunfo de los ideales de la burguesia,que exaltaba la mediocridad y el vacio,movieron a una generacion de artistas j6venes a enfrentarse a las condiciones impuestas por el estado guillermino.
Los expresionistas rechazaban el pasado inmediato,mostrandol especial simpatia por aquellos periodos en los que el arte se habia mostrado de un modo ingenuo, sencillo y elemental, asi como por los momentos históricos conflictivos,cuyas huellas se hicieron sentir en las expresiones torturadas del barroco y en las manifestaciones misticas y sobrenaturales del g6tico. 1.
El concepto 《expresionismo》 es la deformaci6n expresiva deila realidad sensorial, como vehiculo del estado emocional del artista. En el Expresionismo,existe una muestra de rabia desmesurada,de sentimiento de desgarro,un descontento general, un deseo de transformar el mundo que se desmorona.
Segun Worringer, 《en el Expresionismo todo se hace sobrenatural y fantastico.Detras de la apariencia visible de las cosas asoma su caricatura.Detras de cada cosa inanimada se muestra una vida misteriosa y fantasmal y, de este modo, todas las cosas reales se hacen grotescas>.
Los expresionistas se preocupan por los origenes.《El arte debe ser no s6lo como el grito infantil,sino como el grito original de toda la humanidad>,segun palabras de Ensor.
Nietzsche influy6 de manera considerable en los artistas expresionistas,ya que partia de la premisa de que Dios habia muerto, que el materialismo cientifico y la racionalizacion le habian destruido y que habia dejado un vacio que nada ni nadie habian sido capaces de ocupar. Confeccionó un mandato moral que decia: “Vive de tal forma que desees vivir de nuevo》i2.Los mensajes de Nietzche estimulaban a los expresionistas y les daban la confianza necesaria para perseguir sus obsesiones mas irracionales hasta sus ultimas conclusiones artisticas.
Los expresionistas se basan en el arte como escape a una realidad intolerable.Influidos por Freud,otra base del Expresionismo, era el deseo de profundizar en la naturaleza interior de los hechos.De igual forma,se creen llamados a explicar la esencia y quieren hacer a su objeto formalmente esencial. es de destacar,igualmente,la incidencia que tuvo en el Expresionismo la filosofia fenomenol6gica de Husserl y la critica al racionalismo de Bergson.
Los artistas buscaban incansablemente ese 《algo》 que llenara el vacio existente,una superaci6n del hombre a si mismo que sustituyera al Creador Celestial, una especie de creador humano que fuera autosuficiente, capaz de conseguir una autonomia libre,sin ataduras.
LA GEOMETRIZACION DE LAS FORMAS.
Una de las conquistas tradicionalmente atribuidas al arte moderno ha sido la captación y representaci6n de lo individual. Mientras que el arte clasico idealizaba,mostrando los seres como debian ser o debian haber sido,desde el Impresionismo,la pintura se ha dedicado a exaltar la peculiaridad de las formas.La pintura moderna se poblo de gestos,muecas,miradas de un instante, gestos ins6litos y aislados causados por azar.
La verdad de los seres se manifestaba en los momentos en que estos perdian la compostura y dejaban que su interior aflorase a la superficie y se expresase virtualmente mediante gestos y actitudes inesperados.El Ser verdadero residia en los resquicios del alma y no en la sólida estructura de ésta, en las zonas que el individuo no compartia con los demas.Ya no habia dioses ni héroes sino seres an6nimos que,en su radical soledad, encarnaban los matices imperceptibles del alma incontaminada.
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Es de mencionar en este contexto la aportacion de Matisse en la geometrización de las formas,ya que endurecia los contornos de las figuras,saltandose sus particularidades.En sus figuras aparecian troncos en forma de rectangulo que se apoyaban sobre dos trapecios que eran las piernas,los pies eran triangulos y la cabeza un 6valo.
Cézanne trataba de descubrir cuales eran las figuras geométricas sobre las que se apoyaban las superficies rugosas,caprichosas y terrenales.Cada manzana poseia su esfera, distinta en cada caso,que dependia del tamario del fruto y de su posici6n, intentando descubrir la estructura peculiar de cada ser. Posefa la voluntad de no percibir las cosas como son, sino de verlas como era él, llevándole a disgregar la forma de los seres representados. Desnaturalizaba las formas porque no les otorgaba el color que les correspondia,sino el color que reflejaba el estado de ánimo del pintor frente a la vision de aquellas formas.
El Cubismo poco después se encargaria de desplegar figuras en forma geométrica (fase analitica) y de construir espacios a partir de ellas (fase sintética).
El Suprematismo construia nuevas realidades basadas en la linea recta, que simbolizaba el ascendiente del hombre sobre el caos de la naturaleza. Malevich rechazaba el mundo de las apariencias y pintaba cuadrados,elemento básico suprematista, unica forma imposible de encontrar en'la naturaleza. Sus cuadros,aparentemente vacios estaban κllenos de la ausencia de objeto alguno>.
Fue con De Stijl cuando la geometrizaci6n del arte alcanz6 una de sus cotas más elevadas.El plasticismo que ellos propugnaban se basaba en la ortogonalidad y asimetria, que descomponian totalmente las formas tradicionales,y las sumia en una construccion novedosa y distinta. Rietveld fue un claro exponente de esta filosofia, asi como Doesburg,quien formul6 los dieciséis puntos que debe tener una construccion plasticista.Mondrian someti6 las formas naturales a su capricho y las desnaturalizó,creyendo retornar al espiritu plat6nico que concebia Ia belleza del mundo como un engarce de figuras geometricas perfectas.
Durante los anios 5O en los museos aparecen unas telas inmensas pintadas con colores planos,sin variaci6n de luces y sombras.La composici6n aparece velada o desenfocada.Estos cuadros no están hechos para ser mirados,sino para dejar que la mirada vague sobre la superficie.《Son el vacio'tefiido,la mudez despejada de unas obras cualesquiera de Rothko>.
Tambien aparecen grandes superficies con pinceladas enérgicas,que descienden y emergen desigualmente,dejando en su constante devenir la marca primitiva de un expresionista abstracto indiscutible:Pollock. 1.
Laruptura del limite en las Vanguardias se da cuando la escultura se convierte en instalacion de luz y materiales, como plantean los Minimals,introduciendo el cubo epistemol6gico “como un compromiso de claridad,rigor conceptual, literalidad y simplicidad>.
LAS OBRAS INACABADAS.
A lo largo de la historia se da la circunstancia de que el artista llega a un punto en su obra en que no puede continuar su realizaci6n porque la idea preconcebida, en el momento de continuar su acabado,se le desmorona y el resultado,de proseguir su ejecucion,seria bien distinto del original,por tanto,abandona su realización en su fase mas poderosa,expresando una gesticulaci6n innata y dejando plasmada la imagen primera de su intencion creadora.
Las obras de Miguel Angel mostraban,con frecuencia esta condicion. Oteiza y Ramon Gaya,igualmente, tenian afinidades de pensamiento con aquel gran artista.
La condicion de 《obras inacabadas> se da con cierta frecuencia en Miguel Angel,quien muestra algunas obras concluidas junto con dramaticos torsos inacabados. Sin embargo,para él las obras estaban completas.En esa aparente 《no terminacion> la obra miguelangesca parece que quiere transmitir el sentimiento trágico de su existencia,esa lucha interior en el alma del artista por conseguir algo gigantesco,algo muy hermoso que le comunique con lo divino, hecho que le acompan6,sobre todo, en la segunda etapa de su vida y, al no conseguirlo,lo deja sin concluir.Miguel Angel, a propósito de sus obras diria 《mis obras estan esculpidas en los bloques de piedra. Yo,simplemente,me limito a quitar lo que sobra>.
Oteiza artista llega desde la escultura a la palabra porque,segun él, existe un proceso que se da en la Prehistoria y que dicho escultor lo adapta al siglo Xx.
Los tres puntos en los que se basa son:
·El hombre primitivo se desliga de la pared (hace pintura) · La pintura, consecuentemente, muere. ·Llega a la esencia del arte,que es la palabra.
Oteiza llega a la conclusión de que el hombre en el momento en que ejecuta una pintura ésta deja de ser una obra de arte para convertirse en sólo eso, una pintura.Esta es la razon por la que algunos artistas se niegan a ejecutar sus obrasoa terminarlas.
Oteiza piensa que el hombre pasa por diversas etapas y que la del arte moderno ha terminado.Por eso inicia una nueva etapa artistica en la que la palabra, principio de la comunicacion del hombre,entra a formar parte,al igual que, segunél, ocurrio en la Prehistoria. ：.
Las razones que da Oteiza para justificar su abandono de la escultura se basan en su desaliento para hacer hierros retorcidos.《Hice escultura para ser escultor; ahora que ya soy escultor,lo abandono>.
Hay que diferenciar,siempre segun Oteiza, entre ser artista y hacer arte.El ejecutor de las obras de arte es un profesional (especie de artesano).El artista es el que realmente proyecta su alma y lo puede hacer, principalmente,mediante la palabra,puesto que los pinceles son un medio. Oteiza se basa 'en las teorias de Plat6n que dice que el mundo de las ideas es inmutable,imperecedero, pero no tiene formas. Sus reflexiones se apoyan en que el ejecutar obras de arte no significa ser artista,ya que se puede ser artista sin pintar.En el momento en que se ejecuta una obra de arte se entra en un mundo enganoso de dos dimensiones,un mundo ilusorio. Nuestra cultura elabora el arte y luego lo destruye. El artista, segun el escultor, termina en la palabra. Afade tambien que 《la ejecución de una obra de arte impide hacer el arte>.
Oteiza dice que el hombre empieza con la pintura como un lenguaje y en un momento se queda corta. Es mejor la idea. La pintura es ilusi6n,algo no real, puesto que la realidad tiene tres dimensiones Considera que cuando la pintura se separa del muro,la pintura muere.Al separarse el artista del imuro vuelve a la naturaleza, vuelve a la expresi6n oral.Los objetos mueren,la lengua no, utiliza el propio cuerpo,no necesita intermediarios.Dice que el arte moderno es un laboratorio de hacer experimentos.Una vez éstos se han realizado hay que abandonarlos. Frecuentemente relaciona Altamira y Lascaux con el pueblo vasco.Considera que el alma vasca se forja en la Prehistoria.
Los escultores vascos vuelven al dolmen. Sin embargo,la obra'de arte no es primigenia, puesto que él considera que lo primero fue el primitivo sonido coherente,antes que la realizaci6n de las pinturas rupestres. 1.
La identidad de Ram6n Gaya se manifiesta en el especial sentimiento de la pintura que este artista tiene.Individualiz6 este sentimiento,lo separó de sus tres hermanas artisticas (musica,poesia, escultura).A la pintura se la figura acuosa, humeda, transparente y, por ello, la situa entre uno de los cuatro elementos de la naturaleza.Su enclave va a ser el agua, sustancia primera de la pintura,que purifica el espiritu y la composici6n de las cosas. Hace una meticulosa separacion entre la obra de arte y ser un creador.Para él la materialización de una obra no es sino el arte como 《tekné》aprendido mediante ciertas tecnicas, como lo hace el artesano para desarrollar debidamente su oficio. 《Lo otro>lo denomina creacion, que se convierte en un 《no arte>.
La pintura no se debe de realizar como un fin, sino como un medio de protecci6n del hombre,segun Gaya.En toda pintura hay que buscar su primitivismo que no es otra cosa que su lenguaje, “un lenguaje que narra, que explica cosas, pero que aun no sabe entregarlas》 13.
Nos dice Ram6n Gaya que los artistas que ejecutan sus obras estan en lo que él llama . Solo si insinuan un esbozo, si cubren a medias un lienzo, si tallan timidamente una escultura,en otras palabras, si la materia se queda a medio camino de transformaci6n, el artista habra legado a la madurez plena y a la luz del conocimiento de todo ser humano.
Para Ramon Gaya el creador adoptar& una pasividad ceadora que le hara renunciar a su actividad artistica y a sumergirse en una tranquilidad espiritual y acercarse a la sustancia desnuda del ser.De sus obras,Maria Zambrano diria que son agua corporeizada por la luz asumiendo la tiera... el cuerpo del agua revelado por la luz que para acabar de tenerlo necesita de la tierra: de un poco de tierra... Pues que la tiera suena ser pintura, ser pintura mas que ser pintada, ofreciéndose asi en su utima ofrenda en la que no pierde su rostro, sierva al fin rescatada>14.
El arte es una tradicion viva,palpitante,que tiene su propio sentido y cuya esencia se halla en su actualizaci6n, no en su indiferencia y encasillamiento.
La pintura moderna se sustenta en las raices del arte primitivo,sufriendo, a lo largo de la historia distintas transformaciones,que dieron, como consecuencia,el nacimiento de las Primeras Vanguardias.
Tras la Segunda Guerra Mundial la destruccion del mundo habia ido demasiado lejos. Todo habia quedado reducido a cenizas y muriones. Recomponer las formas a partir de estos irreconocibles restos era una tarea ardua y poco menos que imposible.El artista tenia dos soluciones: trabajar con un arte libre de sus atributos,vacio de sentido,de forma, de materia,o componer objetos afines entre el mundo cotidiano y el artistico, efimeros como el Pop-Art, grotesco como el compuesto por Motherwell, decidirse por el arte minimalista o por el arte pobre.
En los afios 5O Ia pintura se mostraba vacia de formas, imitando en cierta medida el punto “cero> de la pintura de Malevich.El blanco lienzo tenia como unica compania la pintura lanzada desordenadamente contra la tela.
Posteriormente,los objetos mas inverosimiles formaban parte de las obras de arte, unas veces eran descomunales, otras, pequenas e insignificantes.
Otros artistas encontraron en la expresion oral su 《auténtica obra de arte>, abandonando Ia ejecucion material de las mismas.
Poco después se inició una recuperacion de la imagen,pero su recurso se ha agotado rapidamente debido a las convulsiones a que ha sido sometida.
Actualmente se vive una especie de compas de espera, de esperanza de que surja un arte nuevo y se experimenta dia a dia para conseguirlo. Se,recuperan 《viejas técnicas>y se combinan con nuevas tecnologias.El uso del ordenador para la realizacion de la obra plastica es imprescindible.La expresion corporal (otra vez el primitivismo) forma parte de las “acciones>.Happenings, LandArt y otras nuevas terminologias se incorporan a una corriente de 《novedades> que recuerdan marcadamente el arte primitivo. i.
Pintura, tecnologia, pasado y presente se unen intrinsecamente para configurar un futuro,un futuro basado en unas fuertes raices primitivas,donde la presencia del arte comenz6 su andadura, donde la presencia del hombre empez6 su lento y vago caminar.
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