Fig. 1. “Blanche of Castile and King Louis IX of France; Author Dictating to a Scribe. Moralized Bible. France, probably Paris, ca. 1230, $3 7 5 \mathrm { ~ x ~ } 2 6 2 \mathrm { ~ m m }$ . The Pierpont Morgan Library & Museum, New York. MS M.240 (fol. 8) (courtesy the Morgan Library & Museum). http://ica.themorgan.org/ (Access: 13/11/2018)
Editorial: La retórica de la imagen: entre la persuasión y la coacción.
Después de haber estado presente en el universo académico durante seis años de actividad ininterrumpida, la revista Eikón Imago inaugura con el presente número 13 una nueva estructura y un nuevo formato. Tales novedades se concretan, sobre todo, en la restructuración a fondo y el apreciable incremento del Equipo Editorial en sus diversos órganos (Consejo de Redacción y Consejo Asesor), en el profundo replanteo de su funcionamiento interno y de su política editorial, así como en el notable fortalecimiento del perfil y los objetivos de la revista, con el fin de potenciar su impacto internacional y aumentar su reconocimiento académico a nivel planetario. Con esta profunda reforma estructural y funcional se busca además que Eikón Imago sea alojada oficialmente en el Portal de Revistas Complutenses, objetivo este que esperamos se haga realidad en muy breve plazo.
Entre los distintos factores que evidencian esta sustancial reorientación de Eikón Imago en su forma y su contenido sobresalen la ampliación y la internacionalización de su Equipo Editorial (no solo su Consejo de Redacción, sino sobre todo su Consejo Asesor) con expertos de reconocido prestigio mundial, el establecimiento de unos Estatutos propios, la formulación de unas nuevas y detalladas Normas Editoriales, que incluyen una nueva Plantilla de diseño gráfico, la fijación de un nuevo formulario de evaluación para los pares ciegos, la declaración explícita de un Código de conducta y buenas prácticas, el cambio en la periodicidad de su publicación (que pasa de semestral a anual), la propuesta de un tema monográfico para cada número anual, la organización de los aportes en cada entrega según tres Secciones, a saber “Monográfico”, “Miscelánea” y “Reseñas y Crónicas” y, por último, la asignación de cada número anual –excepto la de este $\boldsymbol { \mathrm { \Omega } } ^ { \circ } \boldsymbol { 1 } 3 \boldsymbol { \cdot }$ — a un Editor Invitado (Guest Editor), quien, entre otras responsabilidades, determinará el tema central del número para el que ha sido invitado como editor.
Gracias a todas esas numerosas y esenciales mejoras que hemos introducido en Eikón Imago, albergamos la fundada esperanza de que nuestra revista incrementará exponencialmente en lo sucesivo su audiencia, su repercusión y su prestigio en todos los rincones del planeta, y no solo en el ámbito de los especialistas en estas materias, sino en el de un público general cada vez más sensibilizado con el fascinante poder de atracción de la imagen artística.
Sintetizadas así en someros rasgos las mejoras con que hemos repotenciado la revista Eikón Imago, llega ahora el momento de introducir su entrega $ { \mathbf { n } } ^ { \circ } \ 1 3$ . El tema monográfico que propusimos para este número lleva por título “La retórica de la imagen: entre la persuasión y la coacción”.
Es bien sabido, en efecto, que la imagen en general, y sobre todo la artística, es un formidable medio de comunicación, cuyas proyecciones alcanzan las más variadas expresiones, en una polisemia prácticamente ilimitada. De hecho, las imágenes pueden concretar su eficacia retórica como amables sugerencias o como duras imposiciones, en una múltiple y heterogénea gama de funciones expresivas, como la de suscitar sentimientos o emociones, la de fungir como instrumento de propaganda y exaltación, la de promover la fe y la devoción, la de exhortar en favor de las virtudes sociales y los valores éticos, la de sembrar la discordia y el odio o la de concitar la concordia y la unión, por solo mencionar algunos de entre un sinfín de posibles propósitos comunicativos de la imagen.
Interesados por tan atractivo tema, siete autores ha querido contribuir con sus artículos a la sección “Monográfico”.
En primer lugar, Pilar Fernández Uriel, Catedrática jubilada de Historia Antigua en la Universidad de Educación a Distancia (UNED), propone su texto “La imagen de Nerón en el Museo del Prado, desde la perspectiva de un historiador de la Antigüedad”. Pretende con ello la autora arrojar algunas luces que permitan ver con una mirada crítica de mayor objetividad la problemática personalidad de dicho emperador romano, cuya actuación le ha ganado inmerecidamente una mala fama a lo largo de dos milenios. En su trabajo la Profesora Fernández Uriel estudia la imagen de Nerón en el Museo Nacional del Prado, así como en obras pictóricas y escultóricas pertenecientes a otros museos y centros culturales internacionales, en un recorrido cronológico que, desde la Antigüedad romana, se dilata hasta tiempos modernos y contemporáneos, en un ciclo cronológico comprendido entre los siglos XVI al XX. Mediante el análisis de dichas obras de arte, la articulista pone en relieve la imagen de Nerón en distintos momentos relevantes de su trayectoria vital, sin excluir algunos episodios polémicos e incluso imaginarios.
Marta Bailón García, quien es también profesora de Arte Antiguo en la misma Universidad Nacional de Educación a Distancia, centra su aporte en el “Viaje de Ariadna hacia el Olimpo: reflejos del mito a través de la obra iconográfica”. La articulista dedica su afán investigador a intentar demostrar que el mito de Ariadna quedó en primera instancia reflejado en el arte clásico, pero en forma tal que creó un conjunto de modelos iconográficos, los cuales se consolidaron primero durante el período grecorromano, y luego se repitieron en el seno del Cristianismo en diversas representaciones readaptadas, como sucede en el caso del motivo de La Magdalena penitente en el desierto. Bailón García acota además que, en forma análoga, el mito de Ariadna continuó representándose con diversas interpretaciones, entre ellas como encarnación del personaje femenino en la tragedia clásica, y como prototipo de amante esposa y madre, en el papel de diosa consorte, esposa de Dioniso.
Ramón Yzquierdo Peiró reúne las mejores condiciones para presentar su trabajo “Maestro Mateo en el Museo Catedral de Santiago de Compostela”, habida cuenta de su privilegiada función de Director del mencionado Museo. El autor del artículo comienza por remitirse a la exposición monográfica sobre el Maestro Mateo que el Museo Nacional del Prado inauguró en noviembre de 2016, y que en abril del año siguiente se instaló en el Museo Catedral de Santiago, donde completó su contenido con otras obras de arte pertenecientes a ambos museos. En su texto Yzquierdo Peiró, tras pergeñar una introducción sobre el significado de Maestro Mateo para la catedral de Santiago, trata sobre el encuentro de este con el Maestro de los “paños mojados”. Discurre luego sobre los elementos arquitectónicos de la fachada exterior del Pórtico de la Gloria, sobre el conjunto escultórico de la fachada del Pórtico de la Gloria, y sobre el coro de piedra de la catedral compostelana, antes de referirse a los continuadores del arte de Mateo en el Museo Catedral.
Carmen Fabiola Moreno Vidal, investigadora en el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en México, analiza en su texto “Análisis iconográfico de la portada del Templo de los Santos Reyes de Metztitlán, Hidalgo” el significado simbólico y doctrinal que asumen las formas de vegetales y animales que decoran dicha portada. La autora cree encontrar en tales decoraciones no solo una serie de significados cristianos destinados a exaltar la gloria de Cristo y la relación espiritual con los goces de la vida eterna, conforme al pensamiento evangelizador de la orden agustina, sino además varios símbolos pertenecientes al mundo indígena relacionados con los astros, cuya posición en el firmamento regía la ritualidad de los aborígenes locales. Moreno Vidal concluye así que la portada de Metztitlán es una muestra del sincretismo cultural que se dio en la Sierra Alta de Hidalgo y del conocimiento por parte de los indígenas de un mensaje simbólico, que resultaba comprensible tanto para frailes evangelizadores, como para los indígenas evangelizados.
Ruth Piquer Sanclemente, profesora de musicología en la Universidad Complutense de Madrid, en su artículo “Amores y Venus enseñan música: a propósito de El Jardín del amor de Rubens”, indaga sobre dicho cuadro, en el que descubre ciertas sugerencias iconográficas que trascienden la representación de una simple reunión cortesana. Para la articulista, la presencia de un laúd en el centro de la composición remite a la analogía entre el amor y la música, uno de los paradigmas ideológicos y simbólicos más recurrentes de la Edad Moderna, expresado en el aforismo Amor docet musicam, figurado en muchas imágenes de libros de emblemas y en numerosos lienzos. Aun respetando esta idea de que “el amor enseña música”, como forma de expresar las convenciones sociales de la época sobre el amor y el matrimonio, Piquer Sanclemente agrega también una interpretación estética y plástica, referida a la sensualidad implícita en la representación del amor entre las clases cortesanas de la época, en directa relación con Venus y la figura femenina. En tal interpretación juega un papel fundamental el laúd, como instrumento expresivo de armonía amorosa, de orden estético, conyugal y ético.
Guilherme Queiroz de Souza, investigador adscrito a la Universidade Federal da Paraíba, Brasil, en su trabajo “O enigma do protagonismo imperial no Tapiz de la Creación: estado da questão”, focaliza su investigación sobre la cruz y la corona imperial representadas en el –parcialmente perdido— friso inferior del tejido. Tras señalar que algunos estudiosos creen que ambos objetos eran llevados por la emperatriz Helena (c. 250-330), o por Constantino I (272-337) o por el basileus Heraclio I (c. 575-641), el autor del artículo confiesa su imposibilidad de demostrar la identidad precisa del propietario de esos atributos imperiales, sobre todo teniendo en cuenta que con cierta frecuencia algunos historiadores han confundido a Heraclio con Constantino. No obstante, basándose en el hecho cierto de que las presentaciones de Heraclio en la Península Ibérica son muy tardías –la más antigua se encuentra en el.
Retablo de la Santa Cruz, en el Convento de Santo Domingo de Valencia, obra de Miguel Alcañiz (c. 1410)—, Guilherme Queiroz de Souza prefiere suponer que el emperador al que se refiere el Tapiz de la Creación es Constantino el Grande.
María Isabel Rodríguez López, en su artículo “Atalanta e Hipomenes: recreación iconográfica de un mito”, se basa en el cuadro que el pintor boloñés Guido Reni pintó sobre dicho tema, y que hoy se halla en el Museo del Prado, para poner luego de relieve la notable repercusión que dicho tema iconográfico tuvo sobre la pintura occidental en los siglos subsiguientes, llegando incluso hasta el arte de nuestros días. Después de introducir el mito de Atalanta e Hipomenes a partir de sus principales fuentes, con sus distintos matices iconográficos, formales, simbólicos y conceptuales, la autora explica la génesis y la evolución iconográfica de dicho tema en el arte grecorromano, con algunas reflexiones sobre el simbolismo de la manzana. A continuación expone el desarrollo de ese motivo iconográfico en la Edad Media y en el Renacimiento, antes de presentar la incidencia que el mencionado cuadro de Guido Reni tuvo en la pintura del siglo XX. Desde semejante perspectiva, Rodríguez López puede concluir en buena lógica: “Durante los siglos XVIII y XIX, los artistas trataron de escapar de Reni buscando nuevas fórmulas iconográficas para el texto ovidiano. Sin embargo, la seducción de su cuadro volvió a aflorar con gran vigor en las artes plásticas del siglo XX. Su obra fue entonces evocada, adaptada, reinterpretada, “censurada”, transformada, actualizada..., convertida no sólo en paradigma excelso de la teatralidad barroca, sino también distinguida entre las más grandes obras del arte occidental de todos los tiempos, capaz de suscitar novedosas y hasta extravagantes interpretaciones.”
La sección “Miscelánea” está representada en este $\mathbf { n } ^ { \mathbf { o } } \ 1 2$ por dos artículos:
Carmen Vitaliana Vidaurre Arenas, investigadora en la Universidad de Guadalajara en México, dedica su artículo al “Estudio iconológico del filme experimental At Land (Maya Deren, 1944)”. Dicho texto pone en relieve que en esta película el juego del ajedrez adquiere un significado metafórico de gran importancia, junto con un montaje creativo y la recuperación de tópicos de representación de lo femenino en el arte y la cultura, provenientes de un contexto mítico-religioso. Según apunta Vidaurre Arenas, el film de Maya Daren propone la existencia de tiempos paralelos y de “individuos” paralelos y simultáneos, lo cual supone la relativización de la relación entre sujeto y dimensiones espaciales y temporalidades. En esa línea argumental, la autora del artículo anota que la anécdota de la película plantea un personaje femenino presentado como análogo a una reina del ajedrez y a una diosa, la cual “nace” simbólicamente como diosa y al final recupera esa misma dignidad, aunque transgrediéndola, mediante estrategias para dominar un “juego” y un laberinto.
La investigadora independiente Ángela Franco Mata, con amplia experiencia profesional en el Museo Arqueológico Nacional en Madrid, brinda en su texto “Capilla del Cristo a la Columna y derivaciones iconográficas del retablo” una serie de reflexiones sobre los significados icónicos y teatrales de esta obra escultórica en la catedral de Toledo. Según precisa Franco Mata, esta capilla contiene un retablo con la imagen escultórica de Cristo atado a la columna entre San Pedro y San Juan, retablo que se completa con la figura de la Verónica. A juicio de la autora, dicha talla de Cristo, de sobresaliente originalidad, expresa el sentimiento de los fieles a través de representaciones teatrales religiosas.
La sección “Reseñas y Crónicas” se compone en este $ { \mathrm { ~ n ~ } } ^ { \circ } \ 1 3$ de once aportes de jóvenes investigadores de diversas universidades españolas. Por lo que respecta a la reseña crítica de libros, en la primera de esas contribuciones Alfredo Calahorra Bartolomé comenta la monografía de VV.AA, L’icône dans la pensée et l’art. Constitutions, contestations, réinventions de la notion d’image divine en contexte chrétien, ed. Mitalaitė, Kristina y Vasiliu, A., Turnhout, Brepols, 2017, 486 pp.
Por su parte, Pablo Alzola Cerero diserta sobre el libro de Horst Bredekamp, Teoría del acto icónico, Akal / Estudios Visuales, Madrid, 2017, mientras Sara Carreño López hace lo propio sobre la monografía de Gabriella Mazzon, Pathos in.
Late-Medieval Religious Drama and Art. A Communicative Strategy, Leiden-Boston, Brill-Rodopi, 2018.
A su vez, Alejandro Morán Barrio comenta el libro de Richard Krautheimer Introducción a una iconografía de la arquitectura medieval. Vitoria-Gasteiz, Sans Soleil, 2018, mientras Ángel Pazos López afronta una tarea similar al apostillar el libro de Colum Hourihane, The Routledge Companion to Medieval Iconography, Routledge, 2016.
En lo referente a la crónica de exposiciones de arte, Ángel Campos-Perales dedica su texto a comentar la muestra In Lapide Depictum. Pintura italiana sobre piedra, 1530-1555, que, comisariada por Ana González Mozo, se presentó en el Museo Nacional del Prado de Madrid entre el 17 de abril y el 5 de agosto de 2018.
En esa misma línea, Silvia Alfonso Cabrera comenta la exposición Cosmos, abierta en la Biblioteca Nacional de España del 19 de marzo al 23 de septiembre de 2018, en la que su comisario José Manuel Sánchez Ron ofreció un recorrido por la historia de la ciencia a través de más de doscientas piezas.
Por otra parte, Jordi Pallarès presenta algunos apuntes y recorridos por el proyecto “Punctum Ludis. Secuencias de una vida”, proyecto concebido por Ignacio Bosch y comisariado por el Equipo Coma en 2018 en Son Tugores (Alaró, Mallorca).
A su vez, Juan Pedro Navarro Martínez explica la novedosa exhibición La mirada del otro: Escenarios para la diferencia, presentada en el Museo Nacional del Prado 2017 con motivo de la celebración en Madrid del Worldpride, exhibición cuyo catálogo fue redactado por varios autores bajo la dirección editorial de Carlos G. Navarro y Álvaro Perdices.
Mención aparte merecen los comentarios críticos propuestos sobre sendos Congresos sobre temas artísticos. Así Ana María Cuesta Sánchez glosa el XXII Congreso Nacional de Historia del Arte CEHA “Vestir la Arquitectura”, que se celebró en la Universidad de Burgos del 19 al 22 de junio de 2018,
Por último, Laura Merino León ofrece una reseña sobre el Congreso Internacional “Los límites del arte en el Museo”, que, organizado por el Consorcio MUSACCES, se celebró en la Universidad Complutense de Madrid del 28 al 30 de noviembre de 2017.
A la hora de concluir este Editorial, no queremos dejar de expresar la fundada confianza en que la notable concurrencia de autores participantes en este $\boldsymbol { \mathrm { ~ n ~ } ^ { \circ } \ 1 3 }$ , con el que se inaugura esta nueva etapa de la repotenciada Eikón Imago, se acreciente en medida sustancial en los próximos números, para cuyos tres primeros ya hemos abierto el correspondiente call for papers.
Miguel Ángel Elvira Barba y José María Salvador-González Universidad Complutense de Madrid