S E M B L A N Z A S.
JOSÉ LUIS ALONSO DE SANTOS.
REVISTA ACOTACIONES
j u l i o - d i c i e m b r e D E 2 0 2 2.
S E M B L A N Z AS.
REVISTA ACOTACIONES / JULIO DICIEMBRE 2022.
Dir ec tor Funda dor : Ricar do Doménec h.
Edi tor : Pa blo Ig lesias Si mó n.
Dir ec tora : Ana Contr eras Elvira.
Secr etari o: Emeteri o Di ez Puer tas.
Edi tor téc nic o: Luis Sánc hez de La ma dri d.
Dis eño: Luis Lor enzo Li ma.
José Luis Alonso de Santos ha sido premiado este año con el Max de Honor a toda su trayectoria. Su cualidad más señalada por los estudiosos: la coherencia de una vida llena de amor al teatro, de pasión por las palabras. Aquí, en el Teatro de la Comedia, sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que dirigió desde el año 2.000 al 2004.
ÍNDICE.
SEMBLAZAS,
Ana Contreras 7.
JOSE LUIS ALONSODE SANTOS, Ignacio Amestoy 9.
LA POETICA DE JOSE LUIS ALONSO DE SANTOS, Marga Pinero 15
;QUIEN ES ESTE PROFESOR?, Emeterio Diez Puertas 21.
Cronología 25.
Publicaciones y traducciones (Por orden de publicación) 33.
SEMBLANZAS.
ANA CRONTRERAS.
Acotaciones es,a dia de hoy, una revista de investigacion teatral consolidada en su estructura y objetivos científicos y artísticos. Las tareas que nos propusimos en la nueva etapa que comenzó con el cambio de dirección en 2020 fueron:
1. Mejorar el impacto, la difusión nacional e internacional y el posicionamiento en los índices de calidad de revistas científicas, objetivo que se está cumpliendo de manera más que satisfactoria.
2. Hacer de Acotaciones un instrumento pedagógico a la vez que acadé- mico, útil a la comunidad educativa, artística y científica.
3. Mantener la vinculación de profesorado, egresados y alumnado de la RESAD con la revista.
La sección «Semblanzas» surge de esta doble vocación de trabajar a la vez en lo global y lo local, la investigación y la pedagogía, y consiste en un dossier dedicado a una personalidad del teatro de reconocido prestigio vinculada con la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, alma mater de la revista.
Se trata de divulgar el patrimonio artístico y pedagógico de nuestros docentes, de dar a conocer una genealogía de pedagogas y pedagogos que no solo han dejado un legado en las aulas, sino también en la escena española, en todas y cada una de las profesiones y ramas del arte escénico, tanto a través de su propio trabajo artístico como del de sus discípulas y discípulos.
La sección «Semblanzas» se aporta como un suplemento, sin periodicidad ni formato fijos, y espera ser una herramienta didáctica útil a investigadores, personas interesadas y comunidad educativa.
Inauguramos esta sección dedicando la primera entrega a José Luis Alonso de Santos, prohombre de la escena española, antiguo profesor y director de la.
RESAD, con motivo de la concesión, este mismo año de 2022, del Premio Max de Honor por toda su trayectoria.
José Luis Alonso de Santos es dramaturgo, director de escena, actor y ensayista. Fundador del mítico grupo de teatro Tábano y de la no menos mítica empresa teatral Pentación, ha sido también director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2000-2004) y presidente de la Academia de las Artes Escé- nicas (2014-2018), entre otras labores y nombramientos.
La documentación y literatura de y sobre la persona y la obra de Alonso de Santos es ingente, por ello al abordar esta sección nos propusimos aportar la información más pertinente para acercarse a su figura, y darle la forma más apropiada. La «Semblanza» que de él aportamos adopta el formato de una cronología ilustrada o «álbum familiar», en homenaje a uno de sus títulos más emblemáticos. Esperamos que este «álbum», unido al discurso que Ignacio Amestoy —dramaturgo, amigo y gran conocedor de la obra y estética de Alonso de Santos— pronunció en el reciente Salón del Libro Teatral con motivo del nombramiento de Jose Luis como socio de honor de la Asociación de Autores Teatrales, y a la bibliografía actualizada que completan esta «semblanza», puedan dar una idea de la importancia de la labor teatral del homenajeado.
JOSÉ LUIS ALONSO DE SANTOS1.
IGNACIO AMESTOY.
José Luis Alonso de Santos es el autor español por antonomasia de la denominada Generación de la Transición, y de antes y después. Con más de 50 obras escritas y estrenadas con éxito, sobre todo en el ámbito de la comedia o la tragicomendia, enlaza con la mejor dramaturgia española, desde el Siglo de Oro hasta la Otra Generación del 27, pasando por Valle-Inclán. Licenciado en Filosofía y Letras (Psicología) y en Ciencias de la Información (Imagen), por la Complutense, muchas de sus obras son emblema de toda una época, en la escena y en las lecturas de escolares y amantes del teatro.
William Layton es figura imprescindible en la trayectoria teatral de Alonso de Santos. Fue su maestro en 1964, en el TEM (Teatro Estudio de Madrid) y desde entonces iniciaron una gran amistad afectiva y profesional. Layton leía casi todas las obras de Alonso de Santos mientras el autor las estaba trabajando. La última obra del dramaturgo que se hizo en el laboratorio en vida del maestro fue Yonquis y Yanquis, en 1994, dirigida por Francisco Vidal, con la mirada del profesor Layton. Esta foto recoge este momento: la asistencia de Alonso de Santos y Marga Piñero a la muestra de los alumnos del laboratorio.
La obra se estrenó en 1996, en el Centro Dramático con un elenco formado por gran parte de esos mismos alumnos, entre ellos Daniel Guzmán y Alfonso Lara. Un montaje lleno de fuerza y violencia subrayadas por la música de un recién estrenado grupo de rock, Extremoduro.
Conocí a José Luis, a mediados los años sesenta en el Teatro Estudio de Madrid, el TEM, con William Layton, Miguel Narros y Maruja López de maestros. Allí, con compañeros como José Carlos Plaza, Paco Vidal o Antonio Llopis, José Luis participó, como actor, en uno de los sucesos escénicos del momento, Proceso por la sombra de un burro, de Dürrenmatt.
Desde entonces, en el haber de José Luis hay que anotar su faceta como impulsor del teatro a través de acciones con colectivos como el grupo Teatro Libre, que fundó, y dirigió durante una década, o su presencia, como fundador, en Tábano o el TEI. Más adelante, a finales de los 80, funda Pentación, con Jesús Cimarro, Gerardo Malla, «El Brujo» y Margarita Piñero. ¡Margarita Piñero, más que «alter ego» de José Luis a lo largo de casi cinco décadas! Hay que destacar en estas compañías, y siempre, en José Luis la faceta como director, de sus propios textos, o de autores como Aristófanes, Plauto, Shakespeare, Calderón, Valle-Inclán, Baroja, Arniches o Brecht.
Y como director y gestor es destacable su ejecutoria al frente de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, para la que montó La dama duende, de Calderón, y un muy lopesco Peribáñez y el comendador de Ocaña.
Con experiencias positivas en la novela, no podemos dejar de lado sus creaciones como guionista; así, la serie Eva y Adán, agencia matrimonial.
En José Luis Alonso de Santos es fundamental su faceta de educador, en múltiples foros, pero sobre todo en la Real Escuela Superior de Arte Dramático, en la RESAD, de la que fue catedrático de Escritura Dramática, y su director. Ensayista agudo, perspicaz e inteligente, son imprescindibles, en el estudio de la dramaturgia y la puesta en escena, sus libros La escritura dramá- tica y Manual de teoria y practica teatral. Colaborador destacado de Primer Acto y otras publicaciones, con Fermín Cabal, otro autor de la Generación de la Transición, escribe Teatro español de los 80.
Como AUTOR, dejando a un lado las versiones y dramaturgias que han acompañado a sus meticulosas direcciones de escena, ha escrito ese más de medio centenar de obras, una buen aparte de ellas traducidas a muchos idiomas, lo que nos da el perfil de un autor de excepción.
Con Bajarse al moro, título cincelado en la memoria afectiva de los españoles. Alonso de Santos es considerado como el gran renovador de la comedia. Tiene el mérito de que este género sea el relevo de la tragedia y que se convierta en el género apropiado para expresar los conflictos de ese nuevo tiempo complejo y esperanzador de la libertad. El amor por la oralidad que Alonso de santos ha ido expresando en todas sus obras, llega con este título a convertirse en maestría en la construcción del diálogo de los personajes. Desde su estreno en 1985 no ha dejado de representarse, además de convertirse en texto obligado en la docencia para el estudio del español. En la foto, Verónica Forqué y Antonio Bandera, protagonistas de la película. Se había estrenado en el Teatro Bellas Artes, también con la misma actriz, y estuvo en cartel en distintos teatros madrileños durante cuatro temporadas seguidas.
Desde su primer estreno, en 1975, de su obra, ¡Viva el Duque, nuestro dueno!, su dramaturgia tiene un sello caracteristico, mäs allä de la comedia, cerca de la tragicomedia, como en tres de sus obras más populares, y que tuvieron su versión cinematográfica: Bajarse al moro, La estanquera de Vallecas y Salvajes, rotundos éxitos de publico y de critica. Destaco entre las tres,
Bajarse al moro, que es un auténtico icono de nuestro teatro en la escena y en la docencia, paradigma dramatúrgico en colegios e institutos.
Tuve la suerte de compartir con José Luis el primer galardón teatral que recibíamos los dos, el Premio Aguilar de 1980, que conseguimos ex equo, él por su hermosa obra El combate de Don Carnal y Doña Cuaresma, y yo por Maiana,aqui, a la misma hora, un homenaje a nuestros maestros del Teatro Estudio de Madrid y a mi admirado Buero Vallejo. Coincidencia de la que me sentí, y me siento, muy honrado. Luego, la cadena de premios que José Luis ha conseguido es muy larga.
El combate de Don Carnal y Dona Cuaresma tiene el aliento de las obras de José Luis con otra dimensión dramática, cercana siempre a la tragicomedia —su género—; como su afortunada recreación Nuestra cocina, siguiendo a Wesker, o su prodigiosa pieza El álbum familiar, no sin influencias kantorianas, que él mismo ha analizado; modelo de la ahora muy seguida autoficción. El älbum familiar, una joya de nuestro teatro.
Alonso de Santos en el escenario, junto a José Zorrilla, en el teatro de Valladolid que lleva el nombre del poeta, celebrando un acto en homenaje del dramaturgo romántico. De esta relación con su paisano que se inició cuando José Luis era un adolescente, nació su conocida obra La sombra del Tenorio, que estrenó en 1994 el actor Rafael Alvarez 《el Brujo》.
Lúcidas son piezas como La sombra del Tenorio o El buscón, en sendas recreaciones de los mitos de Zorrilla y Quevedo. Obras que nos dan una idea cierta de la sabiduría del autor y de su destreza para traer a la contemporaneidad más vibrante aquellas pulsaciones.
No quiero, en este punto, dejar de mencionar el teatro y la narrativa de José Luis acercándose al público infantil. Como paradigma de esta empresa, está La verdadera y singular historia de la princesa y el dragón.
Admiración para sus macro-funciones, como Golfus Emerita Augusta, o Yo, Claudio.Y muy especial interés tienen para mi obras como Trampa para päjaros,excepcional pieza; La cena de los generales,en la que los cocineros del Hotel Palace, acabada la guerra, no pueden cocinar para los militares de Franco porque están en la cárcel por comunistas, que montó con acierto Miguel Narros en el Teatro Español; Los conserjes de San Felipe (Cádiz 1812), un espléndido retablo de unos sucesos clave de nuestra historia, o esa última obra, Los jamones de Stalin, recientemente galardonada por la Diputación de Valladolid con el Gran Premio de Creación Literaria, que se desarrolla en plena Guerra Civil, donde unos milicianos de la «republicana» Membrillar de abajo quieren requisar en Membrillar de arriba, «zona nacional», unos jamones para el camarada Stalin. Una espléndida tragicomedia.
José Luis, con múltiples premios y galardones a lo largo de su carrera —uno muy especial, el Max de Honor 2022—, ha sido primer presidente de la Academia de las Artes Escénicas, siendo uno de los que la fundamos.
José Luis Alonso de Santos, pieza fundamental en la historia de nuestro arte dramático, sintonizado siempre con un público que le ha seguido y le sigue. José Luis Alonso de Santos, con su talento sicológico, su talento creativo y su talento teatral, sabe ver y mostrar la cara tragicómica de la vida española de forma magistral. José Luis Alonso de Santos, compañero y amigo, SOCIO DE HONOR DE LA AAT.
LA POÉTICA DE JOSÉ LUIS ALONSO DE SANTOS.
MARGA PIÑERO.
Tal vez la singularidad que destacan los estudiosos en este dramaturgo, y que tan señalada ha sido este año que le han dado el premio Max de Honor a toda su trayectoria y que ha sido nombrado socio de honor de la AAT (Asociación de Autoras y Autores de Teatro), sea la coherencia de una vida llena de amor al teatro, de pasión por las palabras y por el trabajo bien hecho.
Adentrarse en el mundo de un autor siempre es fascinante y complicado, máxime si es José Luis Alonso de Santos, un dramaturgo cuyo mundo propio, y su poética, están sustentados en una finalidad: tratar de buscar una salida al misterio del vivir y esa búsqueda la encuentra escuchando el latido del corazón de sus personajes, seres corrientes y paradójicamente, seres profundamente humanos.
No necesita que sus personajes hagan hazañas heroicas, José Luis sabe que vivir es difícil, supone enfrentarse a decisiones complejas que te sitúan en una encrucijada que conlleva sufrimiento. Parte de esa coherencia viene de su obsesión en la búsqueda de esa finalidad, finalidad que no ha cambiado en esta intensa trayectoria, pero si ha cambiado el punto de vista, el lugar desde donde se posiciona para conseguirla: ya no es un autor que grita contra el muro, ahora se sitúa en un jardín, quiere ser un jardinero que planta flores por donde pueda pasear el ser humano tras sus batallas.
Alonso de Santos ve los perfiles ocultos que se esconden en la cotidianeidad, pliegues que atesoran conflictos y ahí es donde coloca su escucha y por tanto su escritura. No juzga a sus personajes, los comprende. El material dramático que le ofrece esta escucha se lo lleva luego a su laboratorio y en su probeta añadirá otros muchos elementos, especialmente las palabras, a buscarlas dedica todo su esfuerzo y conocimiento. Encontrarlas le permitirá llegar al corazón del espectador y por tanto actuarán como bálsamo de Fierabrás.
Es autor de una obra muy extensa con más de setenta publicadas y estrenadas y tocando todos los palos, siendo en la comedia donde se pueden incluir sus títulos más emblemáticos, algunos de ellos cincelados en la memoria afectiva del espectador. La magnitud de esta obra no nos permite abordarla, pero sí podemos hablar de ciertas constantes o señas de identidad que aparecen desde muy temprano y que son las semillas de esa poética que le define y con la que logra una obra personal y única. Las señalaremos de manera sumaria.
1.– En primer lugar, su clara intención de comunicarse con el público, de conectar con el corazón del espectador al que le habla de tú a tú, siempre comprendiendo su fragilidad y nunca juzgándolo.
2.– Esta constante nos lleva a otra imprescindible: la búsqueda obsesiva de un lenguaje propio. Alonso de Santos siente fascinación por la oralidad y esa oralidad se la lleva a su laboratorio y la transforma en lenguaje metafórico: un lenguaje preñado de imágenes en carne viva. Cuando el lenguaje es metafórico, es interpretable por el actor porque es emocional y entonces las palabras se convierten en palabras mágicas, en llaves que ayudan a los personajes a tratar de abrir las puertas del misterio del vivir. Es ingenuo pensar que nuestro dramaturgo copia el lenguaje de la calle, en su teatro nada es lo que parece, detrás de esa sencillez hay siempre un laboratorio complejo. Ignora por completo las máscaras del lenguaje y sus cantos de sirena. Ha dedicado toda su vida a buscar las palabras adecuadas para expresar los sentimientos y emociones humanas, las dimensiones profundas y escondidas, este ha sido y es su anhelo: artista del lenguaje, lo llamó su paisano Francisco Umbral.
3.– Otra de las constantes que aparecen desde muy temprano es el ser espía de su tiempo: está atento a lo que pasa en la sociedad, está entrenado en mirar con asombro a la realidad y esta mirada extrañada, distanciada, hace que se adelante por completo a los acontecimientos sociales de su tiempo y. a veces, sus obras nos dicen mucho más de ellos que cualquier erudito estudio sobre ese tema. Pondremos algunos ejemplos.
Alonso de Santos en el verano de 1985 estaba ensayando en la terraza del Círculo de Bellas Artes La Estanquera de Vallecas con Conchita Montes, actriz que desde que se le ofreció el papel manifestó su entusiasmo por la obra. Antes se le había ofrecido a otras profesionales que se negaron por considerar a la obra comunista y al personaje malhablado. Él proyecto contempló estrenarla en esa terraza, razones de seguridad aconsejaron que no era oportuno. Entre ensayo y ensayo, Chicho, fotógrafo entonces del Centro de Documentación Teatral, realizó esta foto que muestra su esencia: urbano hasta la médula.
La obra había sido estrenada en el Gayo Vallecano pero fue este montaje el que tuvo una recepción extraordinaria inaugurando un humor nuevo y posmoderno. Después se llevó al cine protagonizada por Emma Penella, José Luis Gómez y Maribel Verdú y desde entonces no ha dejado de representarse tanto en España como en América Latina y Europa.
− Para saber los grandes desajustes sociales que se están ocasionando en España a principios de los ochenta, teniendo un lugar estrella la aparición del paro feroz que insta a una juventud a la delincuencia, no hay más que leer La Estanquera de Vallecas, que inaugura, junto con otros títulos, el cine quinqui, tan de moda está en estos momentos.
− Para entender la movida madrileña y el conflicto fundamental de los jóvenes tras la primera victoria del Partido Socialista en el 82, no hay más que leer Bajarse al moro: la juventud, tras la desaparición del franquismo, está desorientada y se ha quedado sin hueco: tendrá que elegir, como los protagonistas de su obra, entre seguir reivindicando una utopía, la de crear un mundo distinto o adaptarse a las ventajas que ofrecen los nuevos tiempos, aunque esto obligue a pagar el precio de olvidar los sueños.
− Con Pares y Nines, estrenada en el 88, cuenta los desajustes amorosos en las relaciones de pareja que traen los nuevos tiempos, subrayando la voz de la mujer, con esta voz trae a primer plano el tema del feminismo. − Con su tragedia Salvajes va a llevar a escena el tema de los cabezas rapadas cuando aún no están el tema en las revistas políticas del momento. − Y acabaremos con su obra Los jamones de Stalin, recientemente publicada, pero escrita hace algunos años. Trata el tema de la memoria histórica y pone una interrogación a las consignas oficiales.
4.– Adelanta la técnica de la escritura teatral del siglo XXI: Alonso de Santos es autor imprescindible en el teatro contemporáneo, no solo del siglo XX, también es referencia obligada en el siglo XXI. En El álbum familiar emplea algunas de las técnicas que aplicarán las generaciones posteriores. La escritura fragmentada y en collage; la dramaturgia del yo y la autoficción; la alteración del orden espacio-temporal; la narración junto a la dramatización y la metaficción-metateatralidad.
En 1982 José Luis Alonso de Santos con su obra El álbum familiar será el primer autor español vivo que estrena en el recién creado Centro Dramático Nacional. Con ella se instala en atmósfera movediza de la memoria emotiva donde el YO, protagonista de la obra, inicia un viaje iniciático —individual y colectivo— hacia la madurez, ambos con sus sombras y fantasmas. La obra es referencia obligada para señalar las técnicas de escritura que estarán presente en el siglo XXI: la dramaturgia fragmentada y en collage: la dramaturgia del yo y la autoficción; la alteración del orden espacio-temporal y la narración junto a la dramatización. En la foto, los dos últimos por la izquierda, Fernando Delgado y Manolo Galiana.
5.– Y como última seña de identidad vamos a referirnos a la continua investigación que hace del humor. Hay total acuerdo entre los estudiosos y críticos, entre ellos F. Gutiérrez Carbajo, Andrés Amorós, Miguel Nieto y yo misma, en considerar a Alonso de Santos como el gran renovador de la comedia. En los años 80 tiene el mérito de haber conseguido que la comedia sea el relevo de la tragedia y que se convierta en un género apropiado para expresar los conflictos de ese nuevo tiempo complejo y esperanzador de la libertad. La comedia que hereda está muy anclada en cánones y convenciones muy estáticos y en ella se había refugiado un público muy conservador. Alonso de Santos, sin renunciar al legado de los grandes autores como Mihura o Jardiel, crea una nueva comedia alejada de las tipologías recibidas de la escuela anterior y lleva a los escenarios nuevos personajes que recogen los latidos de su tiempo, haciendo una renovación total del género que muchos de los dramaturgos contemporáneos han incorporado.
Mil Ama neceres: el sentim iento cóm ico de la vida.
Esta investigación continuada sobre el humor y la comedia le encaminan a la construcción del sentimiento cómico de la vida, que se apoya en un substrato humanístico del que emana una filosofía del vivir y un canto a la esperanza. Se configura con nitidez en su última obra escrita, Mil amaneceres, en ella el autor nos sumerge en la búsqueda de un sentido de la vida a través de un análisis de la conciencia como atributo humano esencial que conforma nuestra individualidad y nuestra personalidad: el protagonista, el joven Benjamín, quiere saber quién es, dentro de sus circunstancias y del zarandeo del azar. Benjamín es un enigma, un hombre solo, paradigma de lo humano que trata de reconstruirse a sí mismo.
El autor, por tanto, construye su obra con la urdimbre medular de lo trá- gico, pero se desvía de su enseñanza fundamental, pues aunque en el texto los dos personajes —presos en galeras al inicio de la obra— viven en el sufrimiento, Benjamín no tiene que aprender de este, máxima de la tragedia, su aprendizaje consistirá en saber aceptar las dificultades, levantarse tras ellas y encontrarle el sentido a la vida y lo va a hallar en Antón —el personaje ausente— que sí tiene el secreto que se esconde en el gran misterio: vivir teniendo presente al otro para alejarse de la queja continua que se esconde en el yo patológico y en el que está anclado el joven Benjamín, y tantos de nosotros.
Desde la tragedia más reglada, Alonso de Santos defiende la grandeza de la comedia, —un más difícil todavía— y construye el sentimiento cómico de la vida que iguala a la importancia de lo trágico. Esta es su gran aportación al teatro.
Cómo dijo Dámaso Alonso: sólo el equilibrio entre gravedad y ligereza nos da el alma de las cosas, o como ha dicho Alonso de Santos: Trato, al escribir, que lo tremendo del vivir esté sumergido en la sencillez y que el arte no sea solo para intelectuales, sino que sirva para comer a todos, todos los días…. Esto es el sentimiento cómico de la vida ahora, en estos momentos de su trayectoria, lo construye «siendo un jardinero que planta flores por donde pueda pasear el ser humano tras sus batallas».
Mil amaneceres es su ültima obra escrita. En ella el autor construye lo que él denomina el sentimiento cómico de la vida que se apoya en un substrato humanístico del que emana una filosofía del vivir y un canto a la esperanza. De nuevo se sitúa en el Siglo XVII y Benjamín, su protagonista, se encontrará en los caminos hacia la corte con el carro de Carcoma, emparentando así su primera obra con esta última y cerrando el círculo mágico de su escritura.
En Mil amaneceres, su última obra escrita, construye su última aportación al teatro: El sentimiento cómico de la vida. En Los jamones de Stalin, su última obra publicada, se refleja perfectamente el cruce estilístico entre la tragedia y la comedia. Asimismo, nos muestra su testimonio como observador de toda una época de la sociedad española que dibuja, con un lenguaje propio, a lo largo de su extensa escritura teatral.
¿QUIÉN ES ESTE PROFESOR?
EMETERIO DIEZ PUERTAS.
Conocí a José Luis Alonso de Santos en un aula. Un aula de la RESAD cuando su sede estaba en un edificio de la calle Requena. Yo era de la primera promoción de los alumnos de Dramaturgia, la promoción 1992-1996. Me acuerdo que el primer día de clase una alumna despistada preguntó a una compañera: $\mathfrak { a } _ { \dot { \mathcal { L } } } \Psi$ este profesor que nos toca ahora quién es?». «El autor de Bajarse al moro», le respondieron como diciéndola: «¡Pero tú que haces aquí!». Bajarse al moro se había estrenado en $1 9 8 5 \ \mathsf { y }$ la pregunta se hacía en 1992. Siete años después de su estreno y durante muchos años más, José Luis sería esa etiqueta.
Pero para mí fue otra cosa. ¿De cuántos profesores guardas los apuntes? ¿Y desde hace cuánto tiempo? Yo guardo los apuntes de José Luis Alonso de Santos desde hace 30 años. Son los apuntes de sus clases de Escritura Dramá- tica y en ellos hoy puedo leer cosas como estas:
«El trabajo de escritura es un proceso de aprendizaje y sólo aprendemos lo que ya medio sabemos, es decir, aprendemos para lo que estamos motivados. Todo lo que se hace se hace para alcanzar unas metas (incluidos los personajes) y porque sabemos cuáles serán sus resultados. Si queremos aprender a escribir es, en primer lugar, para pasar de lo caprichoso a lo necesario (nuestro trabajo, nuestros escritos ayudan a la sociedad); en segundo lugar, para pasar de lo privado a lo público (se escribe para un lector o espectador); y, por último, para pasar de lo gratuito a lo remunerado (se debe vivir del oficio).» «Se escribe porque amamos los procesos imaginativos, lo que en el fondo significa para volver a la infancia y al juego.» «Descubrir una idea, escribir, es descubrir un equilibrio roto y hacerlo resonar.» «Escribir un personaje es resolver el triángulo: captar, interpretar, comunicar.»
«El humor es una complicidad intelectual sobre la complejidad de la vida.»
Y así hasta unas 6.000 palabras, donde también hay citas, ejercicios, esquemas...
En aquel momento, a los profesores de la RESAD, cuando les requerían la guía docente de su asignatura, respondían: «¿Y eso qué es?». El que era un poco entendido aclaraba: «El programa de la asignatura.» «¡Ah, el temario y la bibliografía!». Dudo que entonces algún profesor de la RESAD supiese diferenciar entre objetivos y resultados de aprendizaje, entre contenidos y competencias, entre estudio de casos y aprendizaje multientorno, entre evaluación continua y evaluación sumativa… «¡Pero qué tiene que ver esto con la pedagogía artística!,» le gritaba algún profesor al Jefe de Estudios de turno cuando, casi a punta de pistola, le pedía «una guía de verdad», de las que exige el Ministerio.
Desde luego, con José Luis, todo era sencillo. Quizás porque en clase éramos entre 5-7 estudiantes y la media de edad de los alumnos de Dramaturgia se acercaba a los treinta años. En sus clases, hacía lo más básico y elemental: comunicaba la pasión y el amor por el oficio de dramaturgo.
Las clases de José Luis eran, por un lado, clases «magistrales» y pongo la palabra en comillas porque de cada una salían perlas como las que he escrito más arriba. Es decir, no había retórica, jerga incomprensible, metafísica literaria. Lo que te contaba se entendía y te valía para escribir.
Además, para alguien como yo, que quería ser guionista, que sabía de cine «por un tubo» (así se decía entonces), pero que de teatro solo había leído las lecturas obligatorias de bachillerato, leer las obras o escenas por él elegidas (Sófocles, Shakespeare, Chejov…) y escuchar sus comentarios sobre las mismas, descubrir las capas y capas de significado que había tras un diálogo, tras una acotación, era como: «¿Pero por qué nadie me habló antes de todo esto?»
Luego, cuando le presentábamos nuestros textos, tenía una capacidad de análisis, era tan certero en señalar tus errores, incluso en descubrirte tus aciertos, que siempre estabas tentado de decirle (y algunos lo hacían): «Tengo aquí esta obra de unos 100 folios sobre una chica que duda entre abortar o suicidarse con la bombona de gas, si podrías echarla un vistazo…». Es decir, mientras la «evaluación» suele ser lo más angustioso que sufre el estudiante, por aquello de, «¿Qué nota me pondrá? ¿Suspenderé?», aquí la calificación era secundaria y siempre intentabas levantar primero la mano para que tu texto fuese leído y evaluado: «Yo, yo, yo quiero ser examinado.»
Cuando años después me hice profesor, cuando tuve que aprender toda la jerga pedagógica, descubrí que José Luis hacía lo mismo que el gran retórico romano Quintiliano y tantos profesores a lo largo de siglos: hacernos leer a los grandes autores, reflexionar sobre determinados conceptos teóricos y realizar ejercicios de composición literaria, o lo que es lo mismo: leer, pensar, escribir.
En fin, José Luis era el profesor que creía en el alumno más de lo que el alumno creía en sí mismo. Te trasmitía que nosotros seríamos la generación que tomaría el relevo, que seríamos la energía, la vitalidad y el talento que harían de balón de oxígeno de algo tan aparentemente gratuito e innecesario, tan exánime siempre, como es el Teatro. Tanto esperaba de nosotros que, a veces, me pregunto si le hemos decepcionado.
CRONOLOGÍA
1942. Nace en Valladolid.
1948-59. Estudios de bachillerato en Valladolid, en el Instituto Zorrilla.
1960- 68. Se traslada a Madrid. Estudios universitarios en varias facultades (Filosofía, Psicología, Política, Ciencias de la Información...) Se licencia en Psicología y Ciencias de la Información. Trabaja en el Teatro Universitario.
1964- Estudios teatrales. Ingresa en el TEM (Teatro Estudio de Madrid), y comienza su carrera como actor. Sus primeros profesores: W. Layton, Miguel Narros, Maruja López, entre otros. Entre sus compañeros estarán José Carlos Plaza, F. Vidal y Ana Belén,
1965-67. Primeros trabajos como actor con el TEM, en teatro profesional, TVE, etc. Proceso por la sombra de un burro, Las viejas difíciles, Noche de reyes...
1968. Trabaja en el TEI (Teatro Experimental Independiente) y en el grupo Tá- bano. Profesor de interpretación en la Escuela Oficial de Cinematografía.
1969-71. Organiza y dirige El Corral de Comedias, compañía titular del Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid, centro del movimiento teatral universitario e independiente de la época, donde conoce a F.Gutiérrez Carbajo y Rafael Álvarez, mas tarde «El Brujo». Le nombran director del grupo de teatro de la Universidad Complutense de Madrid.
1971. Estrena su versión dramatúrgica, dirección e interpretación de El Auto del hombre, sobre los autos sacramentales de Calderón.Es su primer gran éxito, con el que realiza giras por toda España con Teatro Libre de la Universidad Complutense de Madrid.
En 1973 Teatro Libre, inscrito en el registro Nacional de Teatros de Cámara y Ensayo en 1971 y liderado por un joven José Luis Alonso de Santos, deja su vinculación con la Universidad Complutense de Madrid y se constituye en grupo de Teatro Independiente. Estos grupos tienen una finalidad ética y estética: luchan contra la dictadura franquista e incorporan a su quehacer teatral las técnicas más novedosas con las que se trabaja en Europa y en América. Además se proponen aumentar el abanico del público, abriendo un circuito popular que le hace recorrer toda España y practicar la nueva forma de producción llamada entonces la creación colectiva. En 1973 estrena con su grupo La curva, de T. Dorst y experimenta en el teatro del absurdo y de la crueldad. Esta es una foto de ese montaje del entonces actor y director José Luis Alonso de Santos.
1973-74. En 1973 crea el Teatro Libre de Madrid, en el que trabaja como actor, director y autor varios años. Estrena El Inmortal, de A. Jiménez Romero, Horacios y Curiacios,de B, Brecht, El botarate del oeste,de J.Synge，Las Aves,de Aristofanes,Las hermosas costumbres, de M. Pérez Casaux,premio Festival de Sitges y La curva de T, Dorts, entre otros.
El 15 de diciembre de 1975, apenas unos días después de la muerte de Franco, estrena su primera obra ¡Viva el Duque nuestro Dueño! Esta proximidad es la que argumentan los estudiosos para nombrarlo como primer autor de la Democracia. La obra plantea un conflicto que atravesará muchos de sus textos: las relaciones entre el artista y el poder: ¿Hacer loas o no hacerlas? En su última obra Mil amaneceres trata de responder a esta pregunta reivindicando la independencia y libertad del intelectual.
Se mete de lleno en el Siglo XVII, tanto en su teatro breve como en el de más brillo, periodo que estudia y ama profundamente y que será escenario de mucho de sus montajes. La obra tuvo una gran acogida de público y crítica que señaló la teatralidad del texto, escrito por un nuevo autor que conoció los signos escénicos antes que los propios de la escritura teatral, por eso la metateatralidad es recurso fundamental y a lo largo de su trayectoria seguirá utilizándolo con gran maestría. A la izquierda, el actor y ya dramaturgo José Luis Alonso de Santos.
1975. Escribe y estrena su primera obra original: ¡Viva el Duque nuestro dueno!, En EL Pequeno Teatro Magallanes de Madrid,con la que tiene un destacado éxito, recibiendo importantes premios, entre ellos el del Festival de Sitges.
En Del Laberinto al 30, estrenada en 1980, el autor se propone experimentar. «Estoy en un momento de crisis en que me replanteo el valor de las palabras: ¿para qué le vale el lenguaje al hombre violento y sin ilusiones del presente?» (revista Estreno, vol.XI, $\mathsf { n } ^ { \circ } \ 2$ ). Alberto Sánchez, diseñador gráfico que se encargó de la decoración de La vía láctea, local emblemático de la movida madrileña, realizó una escenografía con ecos del cómic más vanguardista que acogía a esta pieza «llena sangre sudor y plástico: se huele el sudor de una sociedad aturdida y se contempla el asfixiante traje de plástico de Josué, un ser humano deshumanizado»… como dijo Manuel Gómez Ortiz, crítico del diario Ya (23-II-1980). En la foto loa actores Paco Maestre, Margarita Piñero y Pedro M. Martínez.
1980 Estrena Del Laberinto al 30 y viene a la Sala Cadarso, templo del Teatro Independiente en Madrid, el 23 de febrero de 1980. Se estrena con Pedro Miguel Martínez en el papel del psiquiatra, personaje que más tarde interpretará Alonso de Santos.
1980-2005. Profesor de psicología, después de interpretación, y finalmente catedrático de escritura dramática, en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid). Estrena con los alumnos varias obras: Sueño de una noche de verano, Las galas del difunto.. Y sus propios textos: Besos para la bella durmiente, Cuadros de amory humor al fresco, Nuestra cocina...
1982-84. Estrena en 1982 El álbum familiar en el Centro Dramático Nacional, teatro María Guerrero con Manuel Galiana. Escribe diversas obras y versiones que le afianzan como la figura emergente más destacada de la joven dramaturgia española.
1985. Estrena La estanquera de Vallecas en el teatro Martín de Madrid, el 23 de agosto. Anteriormente se había estrenado en el Gayo Vallecano, siendo Juan Pastor su director. Con esta obra obtiene una conexión con el público que será ya una seña de identidad del autor.
El 6 de septiembre de 1985 estrena Bajarse al moro que suponen un éxito espectacular y su definitiva consagración pues supo conectar con el corazón de toda una generación. José Tamayo fue a verla a Zaragoza y dijo que esa sería la obra que abriría temporada en 1985 en su teatro, el Bellas Artes. Recibe docenas de premios por ambas obras, como el Premio del Espectador y la Crítica, Tirso de Molina, Premio Mayte, etc.
1986. Premio Nacional de Teatro.
1986-1989. Escribe y estrena: La última pirueta en 1986, en el Teatro Monumental de Madrid, con Aitana Sánchez Gijón y en 1987 Fuera de quicio con Gloria Muñoz, en El Reina Victoria de Madrid. Escribe las versiones de Los enredos de Scapin y de No puede ser el guardar a una mujer
1989 Crea la productora teatral Pentación Espectáculo con Margarita Piñero, Gerardo Malla, Rafael Álvarez «el Brujo» y Tato Cabal.
1989 Estrena en el Festival de Mérida Miles Gloriosus, a la que acompañarán en años posteriores Anfitrión, La dulce Cásina, El Eunuco y Yo Claudio.
1989. Estrena !Viva la ópera!, con dramaturgia, versión libre y dirección de la ópera de G. Donizetti ¡Viva la mamma! Se repone varias veces en años posteriores.
1990: Estrena en TVE Eva y Adán, agencia matrimonial, primera comedia de situación de producción española, con Antonio Resines y Verónica Forqué.
1989-1993. Escribe y estrena más de una docena de obras que consolidan su trayectoria de dramaturgo: Pares y Nines, 1989, en Teatro Principal de Alicante, después en el Teatro Infanta Isabel en Madrid, con Rafael Álvarez «el Brujo» y Gerardo Malla con producción de Pentación; Trampa para pájaros, 1990, en el Teatro Alfil de Madrid, Vis a Vis en Hawai, 1992 En el Teatro Infanta Isabel de Madrid); Dígaselo con valium, 1993, en el Centro Cultura de La Villa de Madrid. En ella debuta el joven actor Javier Cámara, exalumno de Alonso de Santos.
1994. Estrena La sombra del Tenorio en el Festival de Alcalá de Henares, después vendrá al Teatro María Guerrero de Madrid. También estrenará ese mismo año, en el Círculo Cultural de la Villa Hora de visita, con Mari Carrillo. Esta magnífica actriz le dijo a Alonso de Santos que ella había debutado con Benavente y que quería retirarse con una obra de Alonso de Santos. Y así fue.
1996 Estrena Yonquis y Yanquis, en el Teatro Olimpia del Centro Dramático Nacional. Junto con Salvajes. Ambas son tragedias, a las que Cesar Oliva llama tragedias cotidianas. Con ellas se adentra en el mundo de los jóvenes, en Yonquis estos se ven abocados a vivir y morir en el mundo de la basura de la droga y Salvajes es la primera obra que se hace en España sobre los cabezas rapadas. Se estrena en 1997 en el Teatro Maravillas de Madrid, con Amparo Valdés Leal en el papel de Berta, otro de los memorables personajes femeninos de Alonso de Santos que se emparenta con Justa, de La Estanquera.
2000-04. Director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Escribe varias versiones, y dirige varias obras de teatro clásico español, Peribáñez o el comendador de Ocana,La dama duende..Estrena Un hombre de suerte, en 2003 con Juan Luis Galiardo y La Comedia de Carla y Luisa, con Cristina Higueras en el Centro Cultural de la Villa.
2004-2007. Premio Max. Su actividad de hombre de teatro se agranda con nuevos estrenos, versiones de los clásicos, dirección escénica, guiones, docencia, etc.
2005. Premio Nacional de Literatura Infantil por ¡Viva el teatro! , que se une a sus varias obras de teatro infantil estrenadas La verdadera y singular historia de la Princesa y el Dragón,obra recordada por muchos de los autores contemporáneos, entonces niños. Ignacio del Moral hace el papel de Dragón. Besos para la bella durmiente, iEs la guerra!, Una de piratas...
2008. Estreno de La cena de los generales, en el Teatro Español con Sancho Gracia. Premios de teatro de Toledo, Alicante, etc.
2009. Premio Castilla y León de las Letras.
2010-15. Premio Nacional de las Letras Teresa de Ávila. Nuevos estrenos como Los conserjes de San Felipe,en el Teatro Espanol,en 2012,10 euros la copa, y ¡ Es la guerra! en el Festival de Comedias de El Puerto de Santa María.
2013. Dona a la Fundación Jorge Guillén, de Valladolid (Biblioteca de Castilla y León), sus archivos y su fondo documental.
2014. Exposición Homenaje, realizada por la Fundación Jorge Guillén: «50 Años de teatro de Alonso de Santos: 1964-2014». Valladolid, Urueña, Murcia, etc.
2015. Es nombrado Primer presidente de la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE.)
En el oscuro corazón del bosque es obra de un maduro Alonso de Santos. Esas ansias por cambiar el mundo, por gritar contra el muro se han amainado. Ahora está situado en la reflexión sobre las pasiones, sobre lo profundamente humano… Obra poética y filosófica, tal vez emparentada con El álbum familiar, y sustentada en la belleza de la música de Mozart y en las enseñanzas de Marco Aurelio, le llevan a indagar en el misterio del corazón. La bellísima escenografía de Llorenc Corbella para el reestreno en la Sala Max Aub del Matadero, en el Teatro Español en 2016, le ofrece el marco para adentrarse en la sensibilidad que el montaje requiere. En la foto Luisa Martín y Manuel Galiana, los dos gatos protagonistas, vestidos por Lorenzo Caprile.
2016. Estrena su obra: En el oscuro corazón del bosque, que él mismo dirige (como hace con varias de sus obras.)
2019. Premio «Letraherido». Coronación por el Ayuntamiento de Valladolid. Premio Ateneo de Valladolid. Es nombrado Académico de Honor de la AAEE.
2021. Estrena Fiesta de Farsantes, a partir de Lope de Rueda. Está dirigida por Daniel Alonso. Premio Federación Nacional de Teatro Universitario.
2020. Premio de la Crítica de Castilla y León por Mil amaneceres.
2022. Premio Villa del Libro (Urueña-Valladolid) por Los jamones de Stalin.
2022: Max de Honor, y Socio de Honor de la AAT (Asociación de Autores de Teatro)
publicaciones y traducciones
¡Viva el Duque, nuestro dueño! pról. Fernando Lázaro Carreter, Vox, Madrid 1980, Col. La Farsa.
—, ed. Margarita Piñero y Eduardo Pérez Rasilla, Castalia didáctica, Madrid, 2001.
—, est. prel. M.ª Teresa Olivera Santos, Alambra, Madrid, 1988, Col. Humanidades núm. 45, (junto con La estanquera de Vallecas)
El combate de don Carnal y doña Cuaresma, Aguilar, Madrid, 1980.
La verdadera y singular historia de la Princesa y el dragón, Miñón, Valladolid, 1982.
—, pról. J.L. Alonso de Santos, Susaeta, Madrid, 1991.
—, ed. Francisco Corrales, Castalia Prima, núm. 38, Madrid 2006, (junto con Besos para la Bella Durmiente)
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—Prensa y Sonido-Sociedad General de Autores de España (SGAE), Madrid, 1984, Col. Arte Escénico.
—ed. Andrés Amorós, Espasa-Calpe, Madrid, 1992, Col. Austral 260, (junto con Bajarse al moro) — trad. de Hugo Paviot, L’Album de Famille, Les Editions du Laquet, Martel, 2003.
— trad. de Coral García Rodríguez, Album Familiare, Alinea, Florencia, 2007. —ed. E. Pérez Rasilla y Guadalupe Soria, publicaciones ADE, Madrid, Premios Lope de Vega, núm. 18, julio de 2009.
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publicaciones y traducciones
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10 Euros la copa, ed. Marga Piñero y Miguel Nieto, Clásicos Castalia, Madrid 2013, (Junto con Pares y Nines) En prensa.
El demonio, el mundo y mi carne, ed. Abraham Madroñal, Ediciones Universidad de Valladolid, Olmedo Clásico, nº11, Valladolid, 2014.
Nuestra cocina, est. prel. José Luis Alonso de Santos y otros, RESAD, núm. 1 (Real Escuela Superior de Arte Dramático), Madrid, 1992. —, prol. de Marga Piñero, Esperpento Ediciones Teatrales, Madrid, 2015 (junto con «En el oscuro corazón del bosque»)
En el oscuro corazón del bosque, prol. de Marga Piñero, Esperpento Ediciones Teatrales, Madrid, 2015 (junto con «Nuestra cocina») —, prol. de Antonio Piedra, Ed. Excelentísimo Ayuntamiento de Ávila, Ávila, 2013.
Microteatro, Ediciones Irreverentes, Madrid, 2016.
 La Semana Cultural, Ediciones Irreverentes, Madrid, 2013.
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Mil amaneceres, prol. Margarita Piñero, Ayuntamiento de Valladolid, Valladolid, 2019. —, Revista cultural El Cobaya, año XXI $\mathsf { n } ^ { \circ } 3 0$ , Ávila, 2020.
 Los jamones de Stalin, Fundación Jorge Guillén, Valladolid, 2022.
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No puede ser… el guardar una mujer, de Agustín Moreto, est. prel. Pilar Palomo, Ministerio de Cultura, INAEM, Madrid, 1987.
Miles Gloriosus, de Plauto, pról. Paco Marsó, Marsó-Velasco, Madrid, 1989.
Robinson, de Rafael García Santisteban, pról. del autor, Madrid Capital Europea de la Cultura, 1992.
La dama duende, de Pedro Calderón de la Barca, Ministerio de Cultura, INAEM, Madrid, 2000.
Mis versiones de Plauto: «Anfitrión», «La dulce Cásina» y «Miles Gloriosus》,José Luis Alonso de Santos,pról.José Romera Castillo, UNED,Madrid, 2002.
El Buscón, versión teatral de la novela de Quevedo, estudio de Marga Piñero. Acotaciones, núm. 13, RESAD-Fundamentos (y separata con texto y estudio), 2004.
Yo Claudio, versión libre teatral de la novela de Robert Graves, Editorial Ñaque, Madrid, 2006.
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Na rra tiva
 Paisaje desde mi bañera, Espasa-Calpe, Madrid, 1993 (Col. Humor) Una de piratas, S.M., Madrid, 1994 (Col. El Barco de vapor)  El niño bisiesto, Kalandraka, Pontevedra 2015.
Los fantasmas y la luna, Diputación Provincial de Valladolid, Valladolid, 2016.
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S E M B L A N Z A S.
JOSÉ LUIS ALONSO DE SANTOS.
REVISTA ACOTACIONES
j u l i o - d i c i e m b r e D E 2 0 2 2