La colección de pintura española de los Harrach.
Javier Ignacio MARTÍNEZ DEL BARRIO.
RESUMEN.
Estudio de la pintura española incluida en la colección Harrach, con una aproximación al simbolismo de las obras.
Palabras clave: Pintura española. Colección Harrach.
Harrach’s spanish painting collection.
ABSTRACT.
This article treathed about the spanish painting included in the Harrach’s collection with a symbolic interpretation.
Key words: Spanish painting. Harrach’s collection.
SUMARIO: Los Harrach. La colección. La pintura española. Una aproximación simbólica.
A mi querido profesor Julián Gállego.
Cuando a mediados de diciembre de 1698 el conde Ferdinando Bonaventura de Harrach deja su puesto como Embajador del Imperio en la Corte de Madrid y retorna a Viena llevaba en su equipaje, además de otras obras de arte, al menos 36 cuadros de algunos de los mejores maestros de la pintura española del siglo XVII, atesorados como buen conocedor y coleccionista a lo largo de sus diversos periodos diplomáticos en Madrid en la segunda mitad del siglo y que serían la base para la colección condal, que ha logrado sobrevivir hasta hoy día1 .
Los Harrach.
Los condes de Harrach constituyeron a lo largo de la Edad Moderna una de las más influyentes familias nobiliarias en el Imperio, con diversos cargos públicos y diplomáticos que los llevarían a diversos puntos de Europa, en los que aprovecharían para ir formando una de las mejores colecciones de pintura meridional barroca de todo Centroeuropa2 .
Aunque originarios de Baviera, ya en el siglo XVII se establecen en Rohrau (a $4 0 ~ \mathrm { K m }$ . de Viena) donde tendrán su dominio y palacio familiar, si bien la Corte de Viena los atraerá y construirán en el Freyung un palacio que también perdura hasta hoy en día3 .
Ferdinand Bonaventura I (1639-1716) es considerado como el primer miembro ilustre de la familia por sus múltiples cargos en la Corte de Viena (Consejero Imperial y “Obershofmeister”). Su gran oportunidad le llega cuando Leopoldo I, preocupado por la herencia de la corona española, lo envía como Embajador del Imperio a Madrid en diversos períodos: 1661, 1665, de 1672 a 1677 y, finalmente, de 1697 a 1698.
De sus dos últimas estancias, nos han llegado sendos Diarios o “Tagesbücher”, que ilustran no solo sus esfuerzos en la Corte de Madrid por mantener para los Habsburgos la Corona de España, sino también su condición de amante de las artes, coleccionista y mecenas4 . Su formación como jurista y filósofo en la Universidad de Viena y su afición a los libros, la música, el teatro y las bellas artes harían de él un hombre culto, que absorbería al ambiente artístico madrileño de la segunda mitad del siglo XVII. Pronto se aficiona a acudir a las diversas iglesias de Madrid a escuchar la música de la época5 , así como a los corrales de comedias donde se representan zarzuelas y comedias de los principales músicos y dramaturgos del momento6 .
Alois Thomas (1669-1745) le sucede en la casa y continúa el ascenso político de la familia, al ser nombrado entre 1728 y 1733 Virrey de Nápoles y Sicilia (en 1734, brevemente también sería, como su padre, Embajador en Madrid).
Friedrich August (1696-1757), a su vez, sería nombrado “Obershofmeister” en la Corte de María Isabel de Bruselas, dando un giro a la vocación mediterránea de la familia hasta el momento.
La colección.
La colección de pintura de los Condes de Harrach es uno de los pocos ejemplos que aún perduran de colección nobiliaria barroca, a pesar de los avatares sufridos, especialmente durante la II Guerra Mundial, cuando el Palacio Freyung en Viena que la acogía fue gravemente dañado por los bombardeos aliados. La colección se traslada entonces al otro palacio de la familia, el de Rohrau donde está abierta al público7 .
Constituye, además, una de las principales colecciones centroeuropeas de pintura barroca meridional, tanto italiana como española. Su primer carácter se lo da Ferdinando Bonaventura al crear el primer núcleo de la colección con las pinturas que trae de Madrid. Su hijo, Alois Thomas, amplía notablemente la colección. No solo incorpora a los mejores maestros de la pintura barroca napolitana del momento (Solimena, Santafede, Stanzione, Vaccaro, Cavallino, Rosa, Giordano, Preti), sino que cambia su carácter de colección de piezas individuales y dota a la colección de un sentido unitario de decoración de palacio barroco, con grandes piezas de aparato (las obras monumentales de Rossi sobre sus hechos de Nápoles), e incorpora series (las de Monsu Desiderio), que hacen de la colección una galería palaciega del barroco tardío8 .
Por su parte, Friedrich August internacionaliza aun más la colección con la incorporación de maestros flamencos (Van Dyck, Jan Breughel, Cornelis Vos, Jacob Ruisdales), y una nueva serie de gran formato: las escenas de batalla de Pieter Snayers.
La colección conoce un nuevo giro con el Conde Ernst Guido (1732-1783), quien incorpora el clasicismo del siglo XVIII a través de las compras que realiza en Roma su agente, el Abad Crivelli (arquitecturas de Panini, paisajes de Manglard, Vernet y Bonaria, así como obras de Batoni y Rafael Mengs).
Por último, el conde Johann Nepomuk (1756-1833) incorpora el paisajismo holandés y la pintura italiana del “Quatrocento”. Así mismo, incorpora por herencia la colección Thurn-Hoffer. Será, sin embargo, el conde Franz Ernst (1799- 1881) quien unifique la colección y la abra al público.
El primer catálogo aparece en 1897 por los profesores Gerisch y Spaceck9 ,al que seguiría en 1926 el de Ritschl10. Sin embargo, no sería hasta 1960 cuando el profesor Heinz lleva a cabo el primer catálogo verdaderamente razonado, eliminando numerosas atribuciones dudosas11. Asimismo, otros catálogos parciales han ido desbrozando esta colección singular12.
La pintura española.
Desde su llegada a Madrid, el conde Ferdinand Bonaventura se impregna del ambiente artístico madrileño del momento con numerosas visitas a las principales iglesias y palacios de la ciudad, quedando impresionado por la riqueza de sus colecciones de pintura. Así, el 1 de enero de 1674 visita el Colegio Imperial13 y el 13 el Palacio del Buen Retiro al que vuelve el 3 de mayo.
Visita entonces los cuartos del Rey y admira la serie de tapices del Apocalipsis y, sobre todo, los relativos a las empresas de Carlos V en Túnez y la Goleta. La pintura que más le interesa entonces son los numerosos cuadros de Tiziano, y alguno de Van Dyck y de Rubens14. En otra visita el 9 de julio del mismo año, queda prendado de los cuadros de El Bosco de la colección real. Incluso llega a visitar el taller de Luca Giordano en el Buen Retiro el 1 de octubre $1 6 9 7 ^ { 1 5 }$ .
Donde, sin embargo, se impregna de veras del gusto predominante en la Corte en la segunda mitad del XVII es en sus frecuentes visitas a los palacios de la alta nobleza en Madrid. El 7 de febrero de 1674 acude a la Florida al palacio del Marqués de Castel Rodrigo, donde le llaman la atención los cuadros y tapices flamencos16, lo mismo que en su visita al palacio del Duque de Alburquerque17. En el palacio de D. Gaspar Méndez de Haro, Marqués de Liche, descubre sus pinturas al fresco y copias de Tiziano, Rafael, y cuadros de Carafa18. La colección que más le impacta es la del Almirante de Castilla que llega a considerar superior a la Galería Imperial y a la del Archiduque Leopold por la abundancia y calidad de pintura italiana y flamenca de primerísima línea y, por primera vez, comenta la obra de algunos españoles, como Ribera, el Mudo, Velasco y Carreño19. Estará en contacto con la pintura española también en sus frecuentes visitas a iglesias y conventos, como la que realiza el 1 de enero de 1674 al Colegio Imperial20.
Pronto se lanza a la compra de pinturas y libros21, en las frecuentes almonedas que tenían lugar en la capital, a las que acude con frecuencia, para curiosear y también comprar diversas obras de pintores españoles y algunos flamencos.
Ya el 1 de diciembre de 1673 acude a la almoneda de D. Francisco Paniagua, pero no compra nada al no encontrar nada que mereciera la pena22. El 10 de marzo asiste a la del Embajador de Lucca y menciona en su Diario que regateó por cuatro cuadros supuestamente uno de Andrea del Sarto y otros tres de Tiziano23. No obstante, intenta no dejarse engañar y en otra ocasión no compra sendos cuadros también supuestamente de Carracci, Rubens y Mario de Flores por ser caros y no estar seguro sobre su autenticidad24. Continúa sus incursiones en las almonedas de un consejero de Indias y en la del Duque de Montalto, aunque solo llega a comprar algunos libros25, y en la del Marques de Liche, en la que solo encuentra copias, aunque de buenos originales26.
Más éxito tiene en otras ocasiones, como en la almoneda de José González, en la que compra 15 cuadros a buen precio27, en la del Marqués de los Vélez, en la que también compra algunos buenos cuadros28. Sin embargo, las mejores compras en almoneda que nos constan son las del cuadro de escuela flamenca “Tres mujeres tocando música”29 del segundo tercio del siglo XVI, obra fundamental en la colección por su altísima calidad. Asimismo, adquiere en la almoneda de
20 Ibidem, p. 46: “Die Statuen und Gemähl al fresco seind gar nicht nucz, der hohe Alter ist nit übel, und gar viel und guet verguldt.”
21 Ibidem, pp. 82 y 83, acude a la subasta de la Biblioteca del Obispo de Mascareñas y adquiere 20 libros el 12 de abril; volvería el 19 de abril para comprar más. 22 Ibidem, p. 36 23 Ibidem, p. 72 24 Ibidem, p. 87 (30 abril 1674) 25 Ibidem, p. 90 (9 y 10 mayo 1674) 26 Ibidem, p. 96 (1 junio 1674) 27 26 septiembre 1674 RITSCHL: Op. cit., p. V 28 Ibidem, 20 enero 1698. 29 14 septiembre 1697. HEINZ: Op. cit., 162, p. 46: “Nachmittag habe ich eine almoneda in meiner.
Peñaranda “El asedio de Valenciennes” de Pieter Snayers30. Harrach no tenía reparos, llegado el caso, en encargar copias de grandes maestros, como consta en su Diario que hizo el 4 de marzo de 1675 cuando, acompañado del pintor Carreño de Miranda, visitó el Alcázar y allí encargó copias a un pintor de originales de Guido Reni y Correggio31.
Como mencionaba al comienzo del artículo, el Conde Ferdinand Bonaventura logra reunir mas de 36 obras de autores barrocos españoles, identificadas en la actual colección, si bien sus atribuciones han ido combinando a lo largo del tiempo. Lo que sí queda claro es el carácter de la colección, típico de la España del Barroco, en la que domina la pintura religiosa contrarreformista, los retratos de corte y con interesantes incursiones en el género del bodegón. Por lo que respecta a los autores, en su mayoría son primeras figuras de la segunda mitad del siglo XVII, con la notable excepción de Ribera, eje de la colección. En ella se percibe el papel jugado por el azar (hallazgos fortuitos, las circunstancias históricas y personales, los puestos del conde en Madrid y en relación con el rey Carlos II); pero también un gusto propio, muy de la época, por la vertiente dramática del barroco meridional.
José de Ribera constituye el eje de la colección, por el número y la calidad de algunas de sus obras, alguna incluso comprada por el hijo de Ferdinand Bonaventura durante su virreinato napolitano. Hasta 10 diferentes se logran identificar en los diversos catálogos de la colección (algunas atribuidas a seguidores o simplemente que siguen el estilo del pintor). Las que la critica le atribuye en la actualidad son, sin embargo, de manera aún controvertida tres (un San Bartolomé, un apóstol Pedro y un San José32). El mayor debate sobre la participación de Ribera en estas obras se ha centrado en el San Bartolomé, por su calidad; y en el San José, por estar firmado y aparecer descrito en los Diarios del Conde33).
La única obra que en la actualidad se atribuye a Ribera de manera incontrovertida y pieza clave de la colección, es la Inmaculada Concepción, con firma autógrafa “Jusepe de Rivera español f. $1 6 3 7 '$ y que fue un regalo de la nación lorenesa al Conde en agradecimiento a su protección, según aparece reflejado en su diario de 1676:
“Den 10 Juny schenken mir die Lotringische Nation, die ich hier protegiert, ein Bildt: Unser Frauen Himelfarth, Original von Giuseppe Ribera oder Spagnoleto, welches sie umb 40 Doppien gekauft”.34.
La relevancia de la obra dentro de la colección queda atestiguada en el hecho de que presidiera la capilla del palacio de los Harrach en el Freyung de Viena y que a partir de 1815 pasara a presidir la colección en las galerías del Palacio, y fuera sustituida en la capilla por una copia de Johann Höfel.
Iconográficamente, es una versión reducida respecto a la de las Agustinas de Monterrey de 1635. Está rodeada, sin embargo, de los símbolos de la letanía del Cantar de los Cantares: el sol, la luna, la estrella del mar, la torre de David, las puertas del Cielo, el espejo sin mancha y la rama de olivo35.
El siguiente autor español en importancia en la colección Harrach es quizá Carreño de Miranda, por los dos grandes retratos de aparato del rey Carlos II con el Toisón de Oro y la reina Mariana de Austria en traje de viuda. Ambos fueron regalados por el rey al conde de Harrach a su despedida de una de sus misiones diplomáticas en 1677, según consta también en su Diario del 4 de agosto de ese año:
“...des Konigs Mahler Juan Careño hat mir beeder Ihro Konigl Mayt. Contrafe geschükt, welche sie Ihme von mich anbefohlen, habe Ihme mit einer guldenen Keten Kaysl. gnaden pfenning, undt filigrana schallen alles von Etl: 30 dopien regalirt.”36.
El rey ostenta en este retrato las insignias de la orden del Toisón de Oro y esta rodeado de los símbolos de la realeza (león, cetro y corona) lo que confiere al retrato un gran aparato, que contrasta fuertemente con el aspecto frágil del rey37.
La reina, por su parte, lleva el traje de viuda, lo que la hace parecer casi como una monja y únicamente un reloj de oro destaca en el fondo.
Singular relevancia tienen también en la colección dos bodegones de Francisco de Palacios, uno con frutas y otro con panes, firmados “Fco de Palacios F. 1648”, los únicos con autógrafos suyos, y que fueron comprados por el conde:
“Zwei Bilder auf Leinwand von Obst, Brot, Confect und krug von Francisco de Palacios, beide umb 2 Dobles”.38.
La otra obra de gran importancia es una Asunción de la Virgen, ahora asignada a Valdés Leal (sería un esbozo de la de la Galería Nacional de Washington), que hasta muy recientemente se atribuía a Mateo Cerezo y que fue adquirida en 1676 por el conde según atestigua en su Diario:
“Den 27 September kaufe ich eine Himelfarth Unser Frauen mit denen Aposteln und vielen Engeln umb 6 Doblen Ist hoch 1 Schuch 7 Zoll, braidt 1 Schuch 1 Zoll”39.
Aparte de estas obras de primer orden y de clara atribución, se prodigan en la colección numerosas obras asignadas en los primeros catálogos, e incluso en el momento de la compra por el Conde Harrach, a otros pintores como Murillo, Velázquez, El Greco, Navarrete “El Mudo”, Sánchez Coello, Zurbarán, etc, que coinciden en la doble vertiente fundamental de la colección de pintura religiosa y retratística40.
Una aproximación simbólica.
Tras su segunda estancia en España, Ferdinand Bonaventura patrocina en 1667 la publicación de un libro de emblemas, inédito, titulado “Triumphus in mortem cardinalis a Harrach” dedicado a su tío el Cardenal Ernst Adalbert $( 1 5 9 8 - 1 6 6 7 ) ^ { 4 1 }$ .
El Cardenal Harrach había sido príncipe-arzobispo de Praga, y luego príncipeobispo de Trento, y ascendido al cardenalato por Urbano VIII en 1626. Hombre culto, fue también canciller de la Universidad de Praga.
En el momento de su muerte, su sobrino le consagra este libro de emblemas, como un triunfo sobre la muerte, debido a sus empresas morales. Consta de 28 emblemas con su correspondiente marco barroco, imagen simbólica y lema en latín. Todas ellas están dedicadas a exaltar las cualidades del fallecido, como cristiano y como cardenal.
Aunque las mutuas influencias entre esta obra simbólica y las obras pictóricas de la colección Harrach son difícilmente demostrables, sí que resulta evidente que responden, pese a la lejanía física de su producción, a un mismo sustrato contrarreformista y simbólico que tanto en Austria como en España en el siglo XVII darán lugar a obras de inspiración semejante42. Se pueden, de hecho, trazar algunos paralelismos entre el libro de emblemas y, al menos, dos de los cuadros de la colección.
El caso mas evidente es el de la Inmaculada Concepción de Ribera. Creada hacia 1637, es incorporada a la colección en 1676, nueve años después de la aparición del libro, por lo que una vinculación directa queda excluida. Sin embargo, resulta llamativo que la práctica totalidad de los símbolos marianos del cuadro aparecen también en varios emblemas de la obra, en algunos casos directamente relacionados con la advocación mariana y en otros con la vida del Cardenal Harrach. Veamos las coincidencias:
el sol mariano, aparece en el emblema 12 “Ex te ad te” en el que un sol terrenal es reflejo del celestial.
la estrella del mar, aparece en el emblema 17 “Lux de Lumine”, en el que también una estrella terrenal es el reflejo de la celestial.
la torre de David, aparece en el emblema 10 “Sacrarrum Inmaculatu”, una torre sagrario del espíritu santo.
el espejo sin mácula, aparece en el emblema 14 “Semper aniaenus”, en este caso como imagen ideal del Cardenal.
la rama del olivo, aparece en el emblema 15 “Sic Ascendam”, en el que una Virgen con niño en el cielo aparece sobre diversos símbolos marianos (el cedro, la palma y dicha rama).
asimismo, la paloma mística que también aparece en el cuadro de Ribera se incorpora a los emblemas 5 y 8; y un coro celestial, en paralelo al del cuadro, aparece en el emblema 16.
El otro cuadro de la colección de pintura española de los Harrach con mayor carga simbólica es el retrato de Carlos II con los atributos de la Orden del Toisón de Oro de Carreño de Miranda. Tampoco por la fecha y lugar de realización pudo haber mutuas influencias pero, de nuevo, resulta llamativo comprobar la utilización de símbolos semejantes incluso entre obras de ámbitos ya diametralmente opuestos como son el retrato cortesano y el emblema religioso:
el cetro y la corona, se transponen en el libro en el cetro y en la tiara o sombrero arzobispal o cardenalicio en los emblemas 3 “Hinc gratia”, 4, “Super addo”, 5 “Adhuc plura” y 6 “Hic Siltam”, para crear la imagen de un príncipe de la Iglesia que, como el Cardenal Harrach, tuvo incluso atribuciones terrenales.
el águila imperial, de los espejos aparece en el emblema 26 “Folle Solis Filium”, como un águila que se aproxima al sol. Asimismo, aparece en el gran retrato simbólico dedicado al Cardenal que culmina la obra, en un emblema con lema: “Fessa quiesco” sobre las armas de los Harrach.
por último, el león, símbolo de fortaleza, también aparece en este último grabado en un pequeño emblema que tiene por lema “Totus vigil”.
En definitiva, el sustrato simbólico que permitió crear estas obras tan diversas y en ámbitos tan distintos, era semejante en España, Italia y Austria en el siglo XVII, en una cultura barroca contrarreformista y regida por los designios de los Habsburgos43, y que habría de tener en los Harrach a uno de sus más claros vehículos.

Fig. 1. Tres mujeres tocando música.

Fig. 2. José de Ribera: Inmaculada Concepción. C. H.

Fig. 3. Carreño de Miranda: Rey Carlos II. C. H.

Fig. 4. Carreño de Miranda: Reina Mariana. C. H.

Fig. 4. Francisco de Palacios: Naturaleza muerta con panes. C. H.
Fig. 5. Francisco de Palacios: Naturaleza muerta con frutas. C. H.

Fig. 7. Triumphus....Grabado del Cardenal Harrach.
Fig. 8. Triumphus in mortem cardinalis ab Harrach. B. N. Austria. Emblema num. 10.
Fig. 9. Triumphus....Emblema num. 14.
Fig. 10. Triumphus....Emblema num. 15.
Fig. 11. Triumphus....Emblema num. 17