La recuperación de una me moria.
José Manuel Lechado.
Si algo se echa de menos en las carteleras teatrales españolas no es la abundancia, sino el aire fresco. No hay que complicarse mucho la vida para encontrar teatro-museo por doquier, en particular revisiones, una y otra vez, del teatro barroco-propagandista del imperio español. Y a veces, entre fuenteovejunas y vidas-sueño, uno desearía encontrar algo nuevo, obra de autores que aún respiren y no sólo por sus pulmones, sino por su creación.
Estos autores existen y están también en la cartelera, aunque se les da mucha menos publicidad que a esos clásicos que, a fuer de maduros, están ya algo podridos. Si buscamos con un poco de paciencia y perseverancia encontramos pequeñas joyas, siempre en teatros diminutos y con una proyección más bien escasa. Obras frescas y vivas, montadas con pocos medios pero con mucha imaginación y cariño, lo que compensa de sobra la aparente pobreza escénica (que a veces no es tal).
Si a esto le unimos el talento de un dramaturgo que sabe escoger un buen reparto, colocarlo sobre las tablas y dirigirlo, nos ha tocado la lotería. Una de estas personas es el madrileño Rubén Buren, que con su obra La entrega de Madrid ofrece una muestra de teatro político comprometido, alejado de toda corrección política, dinámico y con memoria. No la memoria histórica enlatada y para todos los públicos, sino la memoria vital de una sociedad, la española contemporánea, que se debate entre la imposición oficial de cerrar las heridas a base de grapas (que abren más llagas) o romperlas del todo para que se vea, de una vez lo que hay dentro.
Al que no le guste el teatro incómodo, ese que mancha y salpica las conciencias, que no siga leyendo.
1. El autor.
Rubén Buren nació en Madrid en 1974. Hijo de la pintora Leal (nieta de Melchor Rodríguez), con la que estudió desde niño y compartió después docencia en la Academia de Pintura familiar durante varios años, es un artista polifacético que ha tocado las más diversas ramas: escritor de novela, guionista, dibujante, pintor, músico multi-instrumentista... En el terreno de la escena ha destacado como cantautor, actor, humorista y, en lo que nos ocupa, dramaturgo y director de escena de sus propios textos.
Tras su paso por Historia del Arte en la UCM se formó en la rama de Animación de la Escuela de Cine de Madrid. Luego estudió en la Escuela Libre de Interpretación de José Sanchís Sinisterra y siguió los primeros cursos de Dramaturgia en la RESAD. Después continuó su formación académica en Diseño y Desarrollo de Videojuegos y Producción In Creative Media; Máster en Imagen, Publicidad e Identidad Corporativa y actualmente prepara su doctorado sobre la figura de Melchor Rodríguez, protagonista de la obra La entrega de Madrid.
En el terreno profesional, Rubén Buren fue director durante varios años de Cultural Exprés, empresa dedicada a la producción y gestión.
Rubén Buren (Foto de Fátima Plazas)
cultural y publicitaria. Ha trabajado como dibujante y guionista de televisión y publicidad para diferentes productoras y televisiones. En la actualidad se ocupa como profesor y director de Teatro (UCM), es titular de varias asignaturas en los grados de Diseño y Creación de Videojuegos o Cine de Animación en varios centros universitarios (Escuela Superior de Diseño e Innovación Tecnológica ads
crita a la universidad Rey Juan Carlos I) o en el Instituto de RTVE.
Como dramaturgo ha estrenado varias de sus obras teatrales en España y otros países (Francia, Venezuela, Grecia, Argentina), además de recibir diversos premios por su labor como autor, director y profesor teatral: Mención Especial del Premio Lope de Vega de teatro 2010; Premio Internacional de Café Teatro como humorista con Desakordes, 2005; Premio Ayuntamiento de Madrid como profesor de teatro, 2003; Premio de la Comunidad de Madrid como profesor de teatro, 2002; varios premios de la Universidad Complutense de Madrid por su labor teatral tanto en dirección como en dramaturgia, además de otros galardones de menor importancia.
Ha realizado giras por toda España y Sudamérica como humorista y músico, y cuenta con varios discos publicados por Sony y Fonomusic-Warner: La Cura de la Demencia, 1997; Cantautores: la nueva generación, 1998; Cantad, cantad, malditos (I y II) 1999-2012; Rubén Buren y El Tercer Hombre, 2002; Desakordes, Militante, 2004; Desakordes, Grandes fracasos, 2006; Rubén Buren y el Club Lavapiés, Utopías, 2009. En su faceta de escritor ha publicado diversos textos, en particular la novela El coleccionista de colores (Lf Ediciones, 2003) o las obras teatrales Maquis (Tiempo de Cerezas, 2008) y La sonrisa del Caudillo (Universidad de Valencia). Como pintor y dibujante, ha realizado una decena de exposiciones individuales.
Muy implicado en su faceta pedagógica, la obra teatral de Rubén Buren se encuentra profundamente relacionada con su visión de las cosas, tal y como me contó él mismo:
La pedagogía para el escritor/dramaturgo se debe basar en la construcción de teorías móviles a través del ideario que traen consigo los alumnos y la observación del mundo a través del análisis filosófico (las emociones desde Aristóteles a Sartre), antropológico (a través del estudio de los comportamientos diferenciadores históricos, diacrónicos y sincrónicos), biológico (analizar la parte consciente de la animal y atávica), socioló- gico (las estructuras sociales) y lingüístico (desde la relación innata con el lenguaje hasta las teorías más novedosas sobre la comunicación).
Su profunda identificación con el pensamiento libertario y su teoría dramatúrgico-pedagógica la pone en práctica desde el año 2000 en el grupo universitario de investigación teatral El Noema, donde pone a prueba sus textos para darles forma real, trabajando desde la horizontalidad y basándose en la dinámica propia del grupo.
El Noema es un grupo teatral universitario sin divisiones ni jerarquía, en el que se trabajan los tres aspectos fundamentales de la teoría de Buren para la construcción tanto del personaje como de la actividad teatral: autocrítica, ubicación y reflexión.
La labor realizada en El Noema está a punto de culminar en su primer libro sobre dramaturgia, de próxima aparición, centrado en las investigaciones que ha ido poniendo en práctica en sus clases universitarias, en los ensayos y a lo largo de su trayectoria académica como profesor de teatro, guión y pintura.1
2. La entr eg a de Madri d
2.1. Sinopsis.
Madrid, marzo de 1939. La derrota de la II República es inminente y la situación se vive con mayor tensión en el Madrid asediado por los franquistas desde 1936. El presidente Negrín y el Partido Comunista quieren continuar luchando con la esperanza de que el estallido de una guerra en Europa les favorezca. Por su parte, anarquistas y socialistas ya sólo buscan acabar con el conflicto español por medio de una paz honrosa. Su objetivo no es sólo acabar con el sufrimiento de una lucha que se da ya por perdida, sino evitar el dominio de Stalin, que ha marcado el devenir desastroso de las armas republicanas durante toda la Guerra Civil.
En el contexto del golpe de Estado del coronel Casado surge una batalla interna, otra más, entre las distintas fuerzas que por una casualidad histórica irrepetible han intentado defender la democracia española. Este choque entre anarquistas, comunistas, socialistas y republicanos dará la estocada final a la maltrecha República.
En este entorno tóxico el anarquista Melchor Rodríguez, que se ha dedicado durante toda la guerra a salvar la vida de los presos fascistas y que ha dado refugio en su casa a cientos de personas para evitar que fueran represaliadas, es nombrado alcalde de Madrid. Un cargo de triste contenido, pues su misión consiste en entregar la capital a los franquistas.
Rodeado de partidarios dudosos, refugiados de conducta no muy intachable y asediado por sus propias dudas, Melchor deberá elegir entre salvar la vida huyendo a Francia, como hacen todos, o cumplir con sus convicciones, quedarse solo y desde su posición intentar evitar un baño de sangre a manos del ejército sublevado. Éste sólo espera entrar en Madrid para tomarse la revancha de la humillación que le supone no haber podido conquistar la capital española por la fuerza.
La casa de Melchor es un hervidero en el que conviven todas las fuerzas que luchan en la guerra o que, sin combatir, la sufren: el grupo de la FAI de Melchor, Los Libertos; falangistas emboscados; curas disimulados; hombres y mujeres hartos de un combate estéril. Por si todo esto fuera poco, un crimen empañará las horas finales. Las personas refugiadas en la casa de Melchor serán el reflejo de las tensiones de un Madrid que vacila entre la dignidad de una paz imposible y la derrota más absoluta.
2.2. Contexto histórico, social y político.
La entrega de Madrid transcurre en un momento histórico singular que cambió para siempre la historia de España: los últimos días de la Guerra Civil de 1936-1939. Acontece, además, en una ciudad que se convirtió en símbolo de la resistencia de España ante la agresión provocada por un grupo de delincuentes comunes: militares africanistas, aristócratas, sacerdotes de la Iglesia Católica, burgueses, banqueros y grandes empresarios... Todo con la ayuda de las potencias fascistas, Alemania e Italia, que enviaron nutridos contingentes de tropas para acabar con el breve experimento democrático de la II República.
Madrid se había convertido para los sublevados en una obsesión. Por más que sea dudoso que la mera conquista de la capital hubiera acabado con la guerra, los jefes de la sublevación, dirigidos por el oficial de infantería F. Franco, trataron una y otra vez de invadir la ciudad sin conseguirlo.
En 1939, con los ejércitos españoles prácticamente derrotados en todos los frentes, las opciones de los que resistían eran pocas: acordar una paz honrosa y sin represalias con los vencedores o aguantar sin plazo, a la espera de que el estallido de una nueva guerra en Europa brindara a España la ayuda militar que, hasta el momento, se le había negado (con las excepciones de México y la URSS).
En marzo de 1939 España aún conservaba bajo su control un territorio extenso que incluía, además de Madrid, parte de Andalucía, el.
Levante, Murcia y la mayor parte de Castilla la Nueva. Conservaba recursos industriales y alimenticios, varias regiones muy pobladas y tenía en pie de guerra aproximadamente un millón de efectivos. Por lo demás, el ejército de los sublevados se había caracterizado por una extremada cautela en sus operaciones, hasta el punto de que durante la mayor parte de la guerra la iniciativa la había tenido siempre el ejército de la Repú- blica Española, a pesar de su escasez de medios.
Por otra parte la situación era muy grave en otros aspectos. La militarización forzada de las milicias había acabado con la revolución y, por ende, había desmoralizado a los combatientes republicanos más aún que las derrotas frente al fascismo. La URSS, que había proporcionado ayuda con cuentagotas, la recortó aún más al final del conflicto, cuando el dictador Iosiv Stalin comenzó a pactar con la Alemania nazi para repartirse el oriente europeo. Y, de remate, las democracias occidentales, con Francia y el Reino Unido a la cabeza, reconocieron diplomáticamente al “gobierno de Burgos”, la junta militar ilegal que dirigía los territorios ocupados por la sublevación.
Con una República desgastada, desmoralizada y desunida, la solución iba a ser trágica en cualquier caso. El enfrentamiento entre anarquistas y comunistas, que había marcado en gran medida el transcurso de la guerra, acabó solucionándose de la peor manera posible cuando, el 5 de marzo de 1939, el coronel Segismundo Casado, jefe del Ejército del Centro, con el apoyo de los anarquistas y republicanos supervivientes, promovió un golpe de Estado que derrocó al gobierno del socialista Juan Negrín, partidario de continuar luchando. Negrín sólo contaba con el respaldo del Partido Comunista de España (PCE) que, a pesar del poder adquirido tras casi exterminar a anarquistas y trotskistas, se vio imposibilitado para vencer a los que deseaban la conclusión de la guerra.
El resultado fue muy diferente de lo que esperaban los casadistas. No fue posible una paz honrosa. El gobierno de Burgos no aceptó más rendición que la incondicional, alternativa que, dado el historial de matanzas acumulado por los franquistas desde 1936, sólo auguraba una represión sangrienta, como así sucedió. Pero ya era tarde para tomar otra decisión.
El 28 de marzo, a la una de la tarde, la ciudad de Madrid fue entregada a los sitiadores fascistas por lo que quedaba del gobierno local, encabezado por Melchor Rodríguez. Durante los tres días siguientes el ejército franquista, un combinado de marroquíes, italianos, alemanes, mercenarios de otras naciones y algunos reclutas españoles, fue ocupando el resto del territorio español. El 1 de abril fue declarado oficialmente el final de la guerra.
La II República caía víctima de sus inconsistencias y de la falta de cohesión de sus defensores, grupos políticos antagónicos que se vieron luchando en la misma trinchera por la fuerza de las circunstancias. La facción más importante, los anarquistas de la CNT-FAI, fueron incapaces de hacer una revolución nacional cuando tuvieron la oportunidad y sucumbieron ante el empuje de un partido minúsculo en 1936, el PCE, que no obstante supo aprovechar muy bien la ayuda enviada por Stalin. Otros grupos, como los trotskistas del POUM, los socialistas del PSOE (relacionado con el importante sindicato UGT) o los republicanos de Azaña tampoco supieron hacia dónde dirigir sus pasos en una guerra que sin duda les vino grande.
En este contexto se desarrolla la tragedia de Melchor Rodríguez, el protector de tantos y tantos fascistas emboscados en Madrid, el que acabó con las sacas y los paseos en las cárceles, y que como premio recibió las represalias de los vencedores y la desmemoria de los vencidos. Hoy, en un reconocimiento dudoso y tardío, se ha puesto su nombre a una cárcel para encerrar a muchachos. Así se escribe la Historia.
2.3. Intención y oportunidad de la obra.
La entrega de Madrid ha recibido atención en los medios especializados, además de la Mención Especial en el Premio Lope de Vega. En declaraciones a la prensa el autor expresa sus intenciones en dos líneas básicas. Por un lado, recuperar la figura de su bisabuelo Melchor, último alcalde del Madrid republicano, militante anarquista y defensor de la vida y la libertad de los ciudadanos, incluidos sus enemigos políticos; por otro, recordar que Madrid nunca fue tomada por los fascistas, que fracasaron una y otra vez en este empeño a pesar de su abrumadora superioridad material y su falta de escrúpulos. La capital fue entregada por sus defensores como capítulo final de la gran traición a España que fue la Guerra Civil iniciada por la oligarquía nativa.
Respecto a lo primero, Rubén Buren cita en nota de prensa una frase de su bisabuelo Melchor Rodríguez: “Se puede morir por las ideas, nunca matar por ellas”. La obra es en gran medida una glosa de este personaje poco conocido, silenciado tanto por la propaganda de los vencedores de la Guerra Civil como por los historiadores comunistas, poco inclinados a reconocer los méritos de un destacado representante del anarquismo como fue Melchor. En este sentido destaca la comparación de Rodríguez con la figura de Oskar Schlinder. Equiparación poco afortunada a nuestro entender, puesto que si bien Melchor Rodríguez salvó la vida a miles de personas simpatizantes con el levantamiento fascista de 1936 por motivos puramente humanitarios, Schlinder no dejó de aprovecharse del trabajo esclavo de millares de hombres y mujeres secuestrados por el régimen nazi.
La oportunidad de la obra queda justificada, como me indicó el propio Buren, porque “representa los valores del humanismo y la dignidad frente a la barbarie. Alguien que es capaz de jugarse la vida por salvar a sus enemigos, por principios”. También señala que “gracias a personas como Melchor Rodríguez la República Española mantuvo la dignidad y fue capaz de distinguirse del horror sistemático ejercido por el otro bando.
Aparte de esto, el empeño de Rubén Buren en esta y otras obras de contenido político, que constituyen su especialidad, parece centrarse en la recuperación de una parte de la memoria histórica despreciada de manera sistemática tanto por los vencedores (lógicamente, por otra parte), como por los que asumieron el papel “oficial” de derrotados: los comunistas englobados en el PCE. Unos y otros han ido creando una visión de la II República, el golpe de Estado, la Guerra Civil y la dictadura franquista que obvia muchos aspectos de la realidad. La recuperación de este patrimonio histórico perdido deliberadamente es parte de la función de una dramaturgia, la de Rubén Buren, que desea recuperar las raíces del teatro como componente de la personalidad colectiva de una nación, más allá del mero entretenimiento.
2.4. El proceso creativo del Noema para La entrega de Madrid.
Como decíamos, el grupo de investigación teatral El Noema es el colectivo de teatro universitario fundado por Rubén Buren. Es un colectivo abierto, flexible y, sobre todo, horizontal. En él se procura llevar a cabo un proceso teatral si no nuevo, sí diferente a los patrones más o menos establecidos: desde el director tirano con poderes absolutos (que considera al escritor como un amanuense y trata a los actores como marionetas), hasta esa “creación colectiva” que, con frecuencia, aglutina de mala manera un amasijo de egos en equilibrio precario. El grupo teatral El Noema, al que he tenido ocasión de ver en funcionamiento durante los ensayos de La entrega de Madrid, aplica un método que sigue unos pasos bien definidos y que, al menos, intenta que todos los participantes tengan voz.
Para La entrega de Madrid Buren eligió un tema con el que estaba sin duda muy familiarizado. A fin de cuentas es bisnieto de Melchor y también un seguidor de ese ideario anarquista que ha respirado en su familia desde la infancia. Que conozca el tema de primera mano o que sienta, en este caso, simpatía por su contexto, no implica un proceso diferente o más relajado que en otras ocasiones. Buren se documenta de forma minuciosa antes de arrancar a escribir: entorno histórico, ideologías en conflicto, biografía de los personajes... Todo tiene que estar muy claro antes de empezar a escribir, lo que requiere un esfuerzo que puede durar meses y en el que Buren implica a todo el equipo. No hace esto por ahorrarse trabajo: es que si él, como escritor y dramaturgo tiene que “conocer el piano para poder tocarlo”, el resto del elenco debe hacer lo propio si quiere llevar sus objetivos a buen puerto.
Rubén Buren ha declarado en diversas ocasiones que los temas de interés teatral son, en principio, innumerables. Sin embargo, pocos llegan a cuajar. No se trata sólo de que tal o cual personaje o situación sean interesantes: tienen que ser también “adecuados”. Un requisito que resume en una palabra: acción. El teatro requiere acción dramática. Si no la hay, por muy notable que sea el tema elegido, el resultado será una novela. O peor aún, un panfleto. Por eso El Noema intenta evitar el maniqueísmo, que a la hora de crear personajes y situaciones podría devenir con facilidad en mera propaganda (cosa que ocurría con frecuencia en el teatro anarquista durante la Guerra Civil, como veremos más adelante). ¿Quién posee la autoridad para decidir qué es bueno y qué es malo? Nadie. Por eso en los montajes de El Noema cada personaje tiene sus motivos para actuar como actúa, y ninguno, por muy atroz que parezca, carece de una motivación (por lo general bienintencionada). Para evitar el maniqueísmo, en el que es muy sencillo caer porque lo estamos mamando desde la cuna, es esencial la combinación de puntos de vista que facilita el trabajo común y horizontal del grupo. Lo que no ve uno, lo ve otro.
Los últimos días de la guerra en casa de Melchor Rodríguez reunían, a juicio de Buren, los elementos precisos: una situación conflictiva múltiple, con puntos de enredo y un personaje heroico. Un héroe, además, olvidado por la Historia oficial y que encarna, para el bisnieto, el choque que vivió su familia después de la Guerra Civil: la imposibilidad de encajar la idea familiar de que el anarquismo es algo bueno y puro con el discurso exterior, que identifica de manera errónea y a menudo interesada anarquismo con desorden.
En la elección de la tragedia personal de Melchor Rodríguez el dramaturgo ha puesto en escena un factor más: la falta de referentes morales y éticos en una sociedad, la actual, que carece de todo valor (salvo los bursátiles, claro). Desde este punto de vista La entrega de Madrid es una obra clásica y Melchor un héroe en el más genuino sentido teatral (y real) del término.
Aunque Rubén escribe en solitario, en su casa, el texto que obtiene al cabo de meses de trabajo no es en absoluto definitivo (El Noema, aparte del texto producido por el escritor, se sirve también de otro método: crear una escaleta de escenas y construir los diálogos mediante improvisaciones controladas. Sin embargo, no se usó este medio para La entrega de Madrid, que es un texto que Buren afrontó como un reto personal). En este caso la primera fase de escritura fue privada, pero con un factor de humildad: el texto debía ser dúctil y orgánico, sobre todo debía estar libre de la propia forma de hablar y pensar. Si cada personaje refleja tan sólo una faceta del laberinto interior del autor, no se ha conseguido nada (salvo, quizá, un poco de psicoanálisis de vía estrecha).
Así pues, la escritura fue personal, pero también muy técnica, en previsión del trabajo colectivo posterior. Buren elaboró los personajes como si cada uno fuera el protagonista, para que todos dispusieran de sus propias motivaciones y urgencias, sus ideas y conflictos personajes. Lo mismo hizo con el universo en el que se mueven los personajes, sus acciones, sus deseos, su buena y su mala suerte... El primer borrador que Buren presentó al grupo El Noema estaba muy acabado en los detalles técnicos fundamentales, pero no así en su contenido dramatúrgico, que sería trabajado, también durante meses, por el colectivo, antes incluso de ensayar una sola línea de diálogo.
Este proceso puede parecer lento (para llegar al primer estreno duró un año), pero es que se trata de hacer las piezas bien. Y El Noema, aparte de no tener prisa, procura huir de la creación entendida como elaboración industrial que debe ofrecer un producto terminado en una fecha concreta. Cada paso del método cumple objetivos tanto inmediatos como a posteriori. Por ejemplo, la construcción detallada de cada personaje, incluso de los más secundarios, facilita más tarde la inmersión del actor. Para Buren el actor debe afrontar su parte del papel como si fuera la más importante, la protagonista. Si no, no cree que se puedan hacer creíbles la interpretación. Por otra parte el distanciamiento permite que los actores, una vez en escena, no sólo muestren personajes convincentes, sino intelectualmente sólidos y con emociones.
Un aspecto muy interesante del proceso dramatúrgico de La entrega de Madrid, que dice mucho de la forma de hacer teatro del grupo El Noema, es la flexibilidad a la hora de adaptar el texto a las circunstancias. Así, en el borrador primario había previsto un personaje masculino que, sin embargo, no aparece en la versión escénica... porque no había un actor para representar el papel. Lo que había era una actriz, y de esta coyuntura nació el personaje de Tita, que no estaba en el texto de Buren y que surgió del trabajo común.
Flexibilidad, horizontalidad, anarquismo... no implican en absoluto desorden. El Noema valora las aportaciones de cada individuo del grupo en una suma de egos controlados. Las morcillas son bienvenidas, pero no si se lanzan al ruedo sin ton ni son. El lenguaje es fundamental: el de los personales y el de los actores, el del autor y el del propio medio teatral. Y el conocimiento. Todos tienen que saber de qué están hablando. Si un personaje empuña un arma, el actor debe conocer las características del arma.
Respecto al sistema de dirección, Buren lo describe como “emocional y consensuado”. El segundo adjetivo responde al carácter colectivo de la puesta en escena; el primero, a la idea de que el director debe sugerir a los actores, no mandarles. No se trata de decir: “Ponte aquí o allá”, sino de estimular a cada cual para que encuentre su norte en el escenario y, todos juntos, orientar la obra en la dirección deseada. La labor del director es la de conducir sin perder de vista el conjunto y las piezas que lo forman. Cada actor es libre de mover su propia pieza pero, en un sentido muy anarquista, debe hacerlo en pro del interés común, no para lucirse más que el resto del elenco.
En definitiva, la actitud que predomina es el respeto mutuo. Si el director no es un tirano, el actor tampoco es un muñeco. El director guía y el actor crea. La dirección dictatorial clásica, según Rubén Buren, es una forma de fascismo, una imposición autoritaria que genera obras y representaciones sin alma. El mundo quizá sea una suma de egos que hay que encauzar, pero no puedes hacerlo a la fuerza porque eso genera frustraciones, problemas y dolor.
El Noema es algo más que un experimento teatral: es un experimento libertario en un mundo cargado de autoritarismo, de ordeno y mando. Quizá por eso sus propuestas no son siempre bienvenidas, sobre todo cuando tratan de asuntos tan espinosos como una visión no maniquea de la Guerra Civil de 1936 a través de uno de los escasos héroes que vivieron aquel conflicto asqueroso.
El trabajo personaje por personaje, escena por escena, es como un gran acuerdo en el que cada cual ha definido cómo ha de ser la totalidad. Al principio hay mucho espacio abierto, pero a medida que se van encajando las cosas la libertad de acción se reduce, porque unas cosas llevan a otras. De hecho la creación se vuelve más interesante a medida que hay “menos” libertad. Esta expresión típica de El Noema choca a muchos que, desconocedores del ideario anarquista, confunden, como decía el tiranuelo F. Franco, la libertad con el libertinaje. El teatro de El Noema es libertario, no libertino, que no es lo mismo ni lo parece. No simpatiza Buren con la expresión oficial y manida de “la libertad de uno acaba donde empieza la de los demás”. Si El Noema tuviera un lema, sería: “La libertad de uno empieza donde empieza la de los demás”.
Por decirlo con un símil musical, la buena improvisación requiere mucho ensayo. Cuando contemplamos a un músico improvisando mucha gente cree que el sonido sale por pura inspiración del momento. Pero no es así, por supuesto. Los mejores improvisadores, en realidad, no improvisan: saben. El Noema aspira a alcanzar esta situación en la escena: llegar a tal conocimiento de los personajes y su universo que la improvisación surja de forma natural y coherente. En los montajes de El Noema las acotaciones son resultado de la improvisación, sí, pero de una improvisación grupal, dirigida y con un objetivo, no a lo loco.
La capacidad de adaptación de El Noema es notable y el proceso teatral no acaba nunca. Por eso cuando termina el trabajo de encaje fundamental llega el momento de los actores y Buren, nunca mejor dicho, desaparece de escena. Cuando considera que todo está orientado, que todas las subjetividades miran en la misma dirección, él ya ha hecho su parte y deja a los demás en libertad para la creación. Como la de una orquesta, la dirección de escena se hace antes del estreno. El señor de la batuta, en los conciertos ante el público, es un adorno. O quizá una persona que quiere premiar su vanidad luciéndose ante el público. A Buren le sobra esta parte. No se sube al estrado con la batuta porque su orquesta ya sabe lo que tiene que tocar y cómo hacerlo. Son los actores los que deben crear sobre el escenario y disfrutar haciéndolo, para que cada función parezca nueva. No hay que volver a dirigir cada función, sino dejar que respire por sí misma en esa nueva dirección coral.
Este es el trabajo del director, según Rubén Buren, y así intenta aplicarlo en El Noema: hay que coger un diamante, romperlo en pedazos, repartirlo entre todos y luego, juntos, construir una joya a partir de lo que, en definitiva, no era más que una piedra.
2.5. Los personajes de La entrega de Madrid
- Melchor Rodríguez. Es el héroe, aunque un héroe poco corriente: un ejemplo de bondad y honradez que salvó de la muerte a incontables personas durante la Guerra Civil. Era un hombre tan despegado de sí mismo que se le ha achacado incluso cierta ceguera frente a los defectos ajenos. Tiene sus puntos de arquetipo, de persona que no piensa en su beneficio, sino siempre en favor de los demás. Como muchos otros anarquistas que lucharon en la Guerra Civil por un ideal, murió pobre. No ganó dinero ni para pagar su entierro. Ni él ni los demás anarquistas se llevaron un duro, aunque habrían podido hacerlo: un buen ejemplo para los tiempos que corren.
- Juana. Personaje ficticio, es una mujer comunista a la que Melchor salva la vida durante un bombardeo. Su papel refleja el conflicto entre anarquistas y comunistas, tan decisivo en el desenlace final de la Guerra Civil. Aporta un elemento trágico, uno entre muchos.
- Paca es la mujer de Melchor (y la bisabuela de Rubén Buren). Es una sufridora: sufre el anarquismo en su familia, que no levanta cabeza. Y sobre todo sufre al héroe. Las buenas acciones de Melchor para ella suponen un desastre, porque el héroe no se ocupa de las cosas de casa.
- Rufo. Basado en una persona auténtica, se le puso un nombre ficticio por respeto a la figura histórica, ya que el personaje hace en la obra cosas que el ser real no hizo. Falangista, quintacolumnista y traidor, se acoge al refugio de la casa de Melchor, que nunca llega a saber qué tipo de individuo guarda bajo su techo. No es “el malo”: tiene sus motivaciones y funciona como antagonista principal de Melchor, aunque no es el único.
- Celedonio Pérez. Anarquista, fue compañero de andanzas de Melchor toda la vida. Era en cierto modo su “hermano político”, pero también la antítesis, al menos en parte. Aunque salvó también muchas vidas, no renegaba de la acción directa. Tras la Guerra Civil dirigió la CNT del interior y tramó varios atentados fallidos contra el dictador F. Franco.
- La Señora Tita es otro personaje ficticio, aunque basado en una persona real, un modisto homosexual llamado Mesié Mas. El grupo de investigación decidió cambiarlo porque, como se indica más arriba, se disponía de una actriz, pero no de un actor, lo que obligó a crear un nuevo papel. Aunque se aprovechó parte del material, por el camino surgieron para Tita nuevas tramas que mejoraron la obra. Es ese tipo de personaje que cambia y evoluciona. Empieza siendo del “enemigo”, pero acaba cambiando su punto de vista gracias al trato con Melchor. Aunque incluye un punto de moralina, es interesante en el sentido de que es el único personaje que cambia a lo largo de la obra. Los demás están demasiado maleados por las circunstancias para evolucionar en tan corto periodo de tiempo y con tan poco espacio.
- El Cura es un personaje real, aunque cambiado por la investigación del actor. Al cura español original se le añadió un matiz misionero debido a que el actor que lo interpretaba en El Noema era peruano y conocía bien este tipo de sacerdocio. El cura aporta la visión de la doctrina de la Iglesia: conservadora y alineada con el fascismo a pesar del horror que se está viviendo. El personaje vive un conflicto sin solución, pues aunque ve la realidad, no es capaz de renunciar a la jerarquía eclesiástica ni se atreve a rebelarse: es el miedo a no contar una estructura de poder, o el miedo a la libertad.
- La Abuelita es un personaje real que actúa como confidente y segunda madre para Amapola, a la que aporta protección. En la casa es la que dirige las cosas, y no sólo la economía doméstica. Es como una guardesa que asegura el mantenimiento del orden. Proporciona el punto de neutralidad en medio de la guerra, reflejo de la normalidad deseada en medio del caos. Es, si se quiere, la tercera España.
- Amapola, hija de Melchor y Paca (y abuela materna de Rubén Buren) es la verdadera protagonista de la obra. Ella es la que motiva emocionalmente. Es una niña que vive una situación caótica y terrible, pero que trata de mantenerse cuerda y lo consigue. Constituye un ejemplo del sufrimiento característico de esa generación que no luchó en la guerra, pero la sufrió. De la guerra y sobre todo de la posguerra surge un universo roto en el que crece una generación despolitizada, harta de represión.
- El miliciano es un personaje ficticio, arquetípico y funcional que sirve para entroncar diversas tramas, en particular para que Amapola pueda desarrollar sus aspectos personales, sus quejas, sus amores... Se pensó en otros personajes, pero era necesario uno que estuviera dentro de la casa. También sirve para unir la trama de Ramón y Celedonio con la de Amapola.
- Pepe, el Joridito, es un personaje real, un mal fusilado que se quedó medio lelo y al que Melchor protegió. Para amapola es como un hermano pequeño. También es el único que expresa la verdad: como buen loco, es sincero. Es el pensamiento oculto de los demás. Lo que no se atreven a expresar, lo dice él en voz alta. Representa la confusión de aquel momento histórico.
3. El anar qui smo esp añol en la fi cci ón teatr al y ci nematogr áfi ca y sus antecedentes.
Los antecedentes escénicos del teatro político de Rubén Buren pueden estudiarse desde dos puntos de vista. Por un lado, el teatro anarquista español que floreció a principios del siglo XX y sobre todo durante la Guerra Civil de 1936-1939 en los extensos territorios controlados por las milicias de la CNT-FAI, que lo emplearon como medio de entretenimiento y educación pública; por otro, se puede valorar la atención —escasa— que se ha dado al tema en la producción teatral y cinematográfica.
En este segundo sentido no hay demasiado que decir. Respecto al teatro sobre anarquismo, hay más bien poco. Se suelen considerar las obras de autores más o menos englobados dentro del movimiento anarquista, como el uruguayo Florencio Sánchez, el argentino Rodolfo González, el noruego Henrik Ibsen y, por supuesto, el italiano Darío Fo. Ninguno de estos, sin embargo, se centra en las peculiaridades del anarquismo ibérico.
Respecto al cine, durante la Guerra Civil se produjeron varias películas de las que sólo destaca Aurora de esperanza, dirigida por Antonio Sau. El tema del anarquismo español en guerra ha despertado el interés de algunos cineastas españoles y extranjeros con una producción, en general, corta y bastante irregular. Cabe señalar Tierra y libertad (1995) de Ken Loach, inspirada en el libro Homenaje a Cataluña, de George Orwell. Un año más tarde Vicente Aranda estrenaría la patética cinta Libertarias, en el que un elenco de modelos de pasarela trata sin éxito de hacerse pasar por un grupo de milicianas anarquistas.
Pueden señalarse, por último, algunos documentales como Vivir la utopía (1997), de Juan Gamero, o Buenaventura Durruti (1999), de Els Joglars, entre otros, pero esto no es ficción propiamente dicha.
Respecto al teatro anarquista español durante la Guerra Civil puede contemplarse la evolución histórica del teatro popular en España desde su nacimiento como Estado a finales del siglo XV. Un teatro en general ninguneado, poco apreciado y del que se han conservado pocas muestras. Algo similar a lo que puede decirse, en términos generales, de toda la producción cultural popular española, oscurecida frente al arte oficial, propagandístico primero del imperio y luego de la burguesía local.
El teatro popular español tiene a su antecedente más notable y conocido en Lope de Rueda, que escribe comedias burdas pero cargadas de sentido, sin preocuparse de la pesada formalidad estética de los grandes propagandistas posteriores que serían De Vega y De la Barca. Del teatro de Lope de Rueda se conserva sobre todo una obra magistral, Los pasos, muestra de un humor social poco respetuoso con las normas y que podríamos considerar precedente de un teatro de resistencia frente a las arbitrariedades de ese poder imperial español tan densamente glosado por De Vega y De la Barca en sus textos.
La repetición cansina del teatro barroco, con su exaltación de la monarquía católica universal y su obsesión por la integridad de los hímenes ha contribuido a oscurecer no sólo a De Rueda, sino cualquier dramaturgia posterior que no respetara los cánones establecidos en los tiempos de ese imperio oscuro en el que nunca salía el sol. Así, el supuesto renacimiento del teatro popular español en el siglo XVIII no es más que una bis repetita, una vuelta de tuerca si acaso un tanto manierista a los cánones del Siglo de Oro. Proceso que llegará a su extremo durante el siglo siguiente, con el auge de la zarzuela como sucedáneo ibérico de la ópera y nuevo mecanismo exaltador, si no de un imperio ya inexistente, sí de unos valores nacionales de lo más rancio.
Durante todo este tiempo existió un teatro del pueblo, englobado dentro de una cultura popular más amplia que incluía, entre otras cosas, una riquísima expresión musical ignorada de manera sistemática y que aún pide un esfuerzo para recuperarla. El poeta García Lorca fue un pionero en este sentido, con su célebre compañía La Barraca y su valoración de un género musical, el flamenco, que hasta el advenimiento del granadino fue considerado como “música de gitanos y muertos de hambre”.
En este contexto, y como evolución natural de ese teatro popular casi desconocido, hay que valorar la producción teatral (y quizá la cinematográfica) de los anarquistas en guerra.
3.1. El Nuevo Teatro del Pueblo.
La escasez no tanto de producción, como de noticias sobre esa producción en lo que se refiere al teatro popular y en particular en lo que tiene que ver con el anarquismo, cuenta con una excepción fundamental: el Nuevo Teatro del Pueblo (NTP), surgido en Barcelona durante la Guerra Civil como iniciativa del líder anarquista Mariano Rodríguez Vázquez. Cabe decir que es una acción tardía, pues la circular que servirá para arrancar este proyecto tiene fecha del 18 de febrero de 1938. En el año que quedaba de guerra, no obstante, el movimiento anarquista, con la misma eficacia organizativa que caracterizó a sus unidades de combate, supo levantar con muy pocos recursos todo un aparato teatral cuyo propósito era, en palabras de la propia instrucción, “reformar el teatro y proporcionar a la escena española una orientación propia del movimiento libertario”.
Por supuesto, las noticias y datos sobre este Nuevo Teatro del Pueblo son escasos. Como casi todo lo relacionado con el anarquismo español ha sufrido los inconvenientes derivados de la propia naturaleza de un movimiento contrario al burocratismo; del exterminio al que fueron sometidos sus miembros durante la propia Guerra Civil por parte del PCE y los agentes de Stalin; y, por supuesto, del hecho de que esa orientación libertaria de la que hablaba la circular resulta igual de molesta tanto para las dictaduras militares como para los sistemas parlamentarios. Afortunadamente hemos tenido acceso a un documentado trabajo de Emeterio Diez Puertas para la revista ADE. Teatro del que hemos extraído la mayor parte de los datos que anotamos aquí.
El anteproyecto para el NTP resulta muy interesante en muchos aspectos. Para comenzar, la autocrítica que hace de la propia acción de los anarquistas que, al comienzo de la guerra y a través del SIE (Sindicato de la Industria del Espectáculo, uno de los primeros que salió a la calle en Barcelona en julio de 1936 para frenar el golpe de Estado), se habían hecho con el control de las salas de teatro y cine con el objetivo de mejorar las condiciones de los trabajadores. Sin embargo, y siguiendo la doctrina del dramaturgo barroco De Vega (“Forzoso es hablarle al vulgo en necio para darle gusto”, es una de las frases más famosas del tipo), su programación fue rigurosamente comercial e incluso contrarrevolucionaria, como recalca Mariano Rodríguez. El NTP debía corregir esta situación ofreciendo obras educativas, revolucionarias, que estimularan el espíritu de lucha. Que espabilaran al pueblo, en definitiva, en lugar de sólo entretenerlo. Aún no se hablaba de alienación, pero el concepto está implícito.
En su investigación Diez Puertas señala cómo los anarquistas daban al teatro una enorme importancia en su proyecto social, y recuerda cómo antes del NTP ya celebraban funciones en sus ateneos y locales sindicales. La idea de Mariano Rodríguez debía dar cuerpo a un movimiento teatral a una escala sin precedentes, aunque cabe preguntarse, de entrada, si el levantamiento de un proyecto de estas características, diseñado desde arriba, guiado por un plan maestro y cargado de burocracia no acabaría siendo contrario a aquello que pretendía promocionar. A fin de cuentas las salas de Barcelona no habían sido autogestionadas en 1936, sino “socializadas”, es decir, que no las controlaban los propios trabajadores, sino el sindicato.
Como fuere, el NTP se puso en marcha en un momento muy delicado de la guerra, y en este sentido resultaba fundamental su importancia como posible factor de elevación de la moral cuando lo que quedaba de la II República, pero también el propio movimiento anarquista, se jugaban el futuro casi a una carta (la Batalla del Ebro comenzaría apenas cinco meses después).
Para arrancar este NTP se contaba con la experiencia previa, en la que los trabajadores y sindicalistas escribían, ensayaban, dirigían y representaban obras con contenido político bajo una mínima trama melodramática, satírica o humorística, siguiendo el estilo del teatro popular de siempre, aquél que puede vislumbrarse ya en los Pasos de Lope de Rueda (pasaremos por alto aquí que también montaban obras de autores realistas y sociales consagrados, como Galdós, Rusiñol, Dicenta, Ibsen, Hauptmann, Piscator —que pasó por Barcelona en diciembre de 1936, con gran impacto—, etc.). Son obras con una floja estructura dramática, a veces sin conflicto claro, hechas con más amor que recursos. Y en todas aflora la ideología básica del movimiento libertario: la injusticia del sistema de clases, los enemigos del pueblo (Estado, Ejército, Iglesia) y sobre todo el carácter insano del trabajo tal y como se concibe (hoy más que nunca) en la sociedad industrial-capitalista. En última instancia, la revolución deseada respira en cada línea de texto.
El interés del movimiento libertario por el teatro era patente en una época en la que, entre otras cosas, la escena era todavía un espectáculo de primer orden —que competía con el recién nacido cinematógrafo— y que conservaba un arraigo popular intenso. Los periódicos anarquistas solían incluir reseñas y críticas teatrales, e incluso contaban con una revista sobre el tema: Teatro Social.
Mariano Rodríguez y sus colaboradores pretenden dar una dignidad más alta al teatro anarquista, que seguirá esta trayectoria, dotándole de buenos profesionales y, sobre todo, de medios y recursos. También intentará evitar los errores de la “socialización”. Por ejemplo, la idea inicial de que todos los trabajadores del teatro, desde el acomodador al actor más popular, cobraran lo mismo. Ni que decir tiene que esta propuesta lo único que consiguió fue que se sucedieran los boicots. Igualmente el NTP programaría sólo obras “revolucionarias”, ignorando el pragmatismo de 1936, cuando se siguieron representando obras “burguesas” porque en caso contrario se pensaba que no iba a ir casi nadie a los teatros. Y, como se sabe, sin público no hay revolución que valga. Tanto es así que de hecho el SIE continuó programando las obras habituales, intercaladas con textos más “anarquistas”, durante toda su existencia. Una actitud eficaz, sin duda, que llenó los teatros y, de paso, echó más leña al fuego de la oposición antilibertaria, que acusaba a los sindicalistas, y no sin razón, de mantener el mismo negocio de siempre, sólo que cambiándolo de dueños. Una crítica que también se dejó escuchar dentro de la propia CNT-FAI.
Mariano Rodríguez pertenecía a la corriente llamada proselitista, que quería abandonar de una vez los vicios burgueses y establecer un teatro popular y obrero. En 1937 había exigido la cesión del barcelonés Teatro del Circo para desarrollar allí su idea (todavía en mantillas) de un “teatro del pueblo”. Contaba con la colaboración de dos anarquistas, el escritor argentino Rodolfo González Pacheco y el director de escena alemán Guillermo Busquets “Bosquet”. Su primer estreno tendrá lugar el 19 de julio de 1937, para celebrar lo que se denominó el “primer aniversario de la revolución”. La obra elegida, de Isaac Steinberg, fue ¡Venciste, Monatkof!, un alegato contra el principio de autoridad. Y también contra el teatro burgués español, que tanto desagradaba a Mariano Rodríguez, quien escribe en Solidaridad Obrera a cuenta del estreno:
Nada tiene que ver esta representación con el pasado teatral, con aquel pasado de chabacanerías, de vulgaridades, de chistes retorcidos, que aún por fatalidad rondan los escenarios de la España revolucionaria. Es algo nuevo. Algo que educa, que hace pensar, que vibra...
Todo un resumen del teatro español del siglo XIX. Animado por el estreno, Mariano Rodríguez se plantea hacer una gira por toda la España controlada por las fuerzas leales al gobierno. Sin embargo, este primer proyecto, considerado por algunos como uno de los más notables intentos de reforma del teatro español, fracasa por una razón elemental: no hay dinero. La Generalitat no colabora; el SIE, que se siente menoscabado en sus atribuciones, tampoco; y de paso los comunistas, que son puestos cual hoja de lechuga en la obra de Steinberg, acusan a Rodríguez Vázquez y los suyos de generar divisiones en el “bloque revolucionario”.
Mariano Rodríguez permanece a la espera hasta principios del año siguiente. Entonces los acontecimientos se precipitan. La II República prepara una gran operación militar con la esperanza de, si no vencer, dar un duro golpe al enemigo fascista. Al mismo tiempo, comunistas y catalanistas de izquierda tratan de arrebatar el monopolio teatral al SIE, pero lo único que logran es un rosario de huelgas. En este escenario Rodríguez ve la oportunidad de poner en marcha el NTP. Dadas las circunstancias, el SIE tiene que ceder. Se acepta la idea y se establece el Teatro Goya como sede del NTP.
El planteamiento se basaba en tres premisas:
1. Poner en escena un repertorio nuevo que conjugue la vanguardia artística de la escena con el mensaje político y el gusto popular. Nada de obras burguesas y reaccionarias.
2. Cuidar, quizá por primera vez en España, de un detalle hasta entonces poco tenido en cuenta (aunque parezca mentira... o quizá no, si consideramos el país del que hablamos): la puesta en escena. NTP quiere vigilar la escenografía, la iluminación, la dirección de actores, la dicción y entonación... En fin, esas minucias que al teatro español decimonónico (y el de los años treinta aún lo era) le parecían cosas de poca importancia.
3. Relacionado con lo anterior, implicar al dramaturgo en la representación de su obra. Los promotores del NTP se habían dado cuenta de que un mismo texto puede decir cosas muy distintas según como se monte e intérprete. Puesto que era un teatro con una misión política y educativa (y quizá de adoctrinamiento), era imprescindible no sólo elegir bien los textos y sus autores, sino procurar que en el escenario se dijera lo que había que decir, y no otra cosa.
Los problemas para poner en marcha el NTP no tardaron en aparecer. Aunque contaba con un fuerte impulso de la CNT (o lo que quedaba de ella en 1938), y esto le permitió conseguir una buena sede y un excelente equipo técnico y artístico, el dinero sería siempre un freno. En medio de una guerra y con la economía nacional hecha trizas, a nadie se le escapaba que la taquilla a duras penas serviría para mantener en marcha el plan. Hacía falta la implicación del sindicato CNT, que por otra parte necesitaba sus medios económicos para mantener —a duras penas— sus colectivizaciones y milicias (teóricamente encuadradas en el Ejército Popular de la República). No obstante, la importancia de este proyecto propagandístico, sin abandonar la plena consciencia de que el NTP sería deficitario, sirvió para arrancar un plan que pensaba estrenar obras selectas de un gran número de autores.
Hasta aquí podríamos decir que el NTP se parecía en muchos aspectos a El Noema de Rubén Buren: autogestión, denuncia política, acción directa sobre las tablas... Sin embargo, la elección del repertorio resulta, al menos vista desde hoy, un tanto sorprendente: junto a los autores “sociales” ya citados (y otros, tanto nacionales como extranjeros), la lista del NTP incluye varias obras de autores románticos españoles que difícilmente parecen encajar en el proyecto. Pero es que, además, se completa el repertorio con obras de los clásicos europeos habituales y, de remate, con los inevitables De Vega y De la Barca. ¿Cómo pensaban los anarquistas encajar estos textos en su proyecto libertario? Pues ni idea, porque tampoco hubo tiempo para mucho y, además, como señala Diez Puertas en su artículo, el NTP ni siquiera pasó de la fase de proyecto.
Cabe pensar que incluso la propaganda ultracatólica de los barrocos españoles podría, en virtud de una lectura moderna y revisionista, convertirse en panfleto sindicalista si hiciera falta. Lo realmente desalentador es que (de forma muy diferente a El Noema) el NTP apenas se planteara el estreno de obras nuevas, de autores contemporáneos, con una temática viva.
El NTP quedó como una idea non nata que, sin embargo, supone el más notable (aunque teórico) de todos los antecedentes escénicos del teatro libertario de Rubén Buren. En buena medida el NTP guardaba en su declaración de intenciones muchas de las ideas de Buren, si bien fue incapaz de liberarse del peso histórico de una forma de entender la cultura que el bisnieto de Melchor Rodríguez ha superado con creces: adiós para siempre a los clásicos consagrados y su soporífera propaganda del poder. El teatro popular no puede salir del museo a la calle, sino que surge del espíritu de la gente.
4. Obr as teatr ales de Rubén Bur en2
186 escalones. Drama coral escrito en $2 0 1 0 \ \mathrm { y }$ estrenado en el Paraninfo de la Universidad Complutense en 2014, en el que se describe el afán de supervivencia y la implacable normalidad de la vida cotidiana de un grupo de españoles prisioneros en el campo de concentración de Mauthausen.
España 82. Drama cómico, casi tragicomedia, estrenado en el Paraninfo de la Universidad Complutense en 2006. Definido por el autor como una historia coral sobre la “modélica transición” en la que se mezclan crisis, esperanzas, fútbol, desempleo y el anuncio de una nueva sociedad de consumo para todos orquestada en la fundación del primero de los grandes centros comerciales de la contemporaneidad madrileña y española. Es también un retrato del gran desencanto tras el esperanzador final de la dictadura franquista.
Federico y Dióscoro. Drama metateatral escrito en 2014. En la cárcel de Granada, en 1936, transcurre la última noche de reflexiones y miedo entre Federico García Lorca y el maestro republicano Dióscoro, mientras Luis Rosales intenta, sin éxito, salvar la vida del poeta.
Historias del abandono. Drama con tintes de comedia, o al revés, escrito en $2 0 0 4 _ { \mathrm { ~ J ~ } }$ estrenado en 2009 en Caracas, Venezuela. Colección de cuadros protagonizados por veintiún personajes que describen la complejidad de las relaciones de pareja, amores y desamores, celos, traiciones y otras historias de amor que mueven a sentimientos que van desde la pura desesperación a la risa.
La entrega de Madrid. Drama escrito en 2009 y estrenado en 2012 en el Centro de Nuevos Creadores de Madrid. En torno a la figura de Melchor Rodríguez, alcalde accidental de Madrid durante los últimos tiempos de la Guerra Civil, la acción se desarrolla en la casa de este militante anarquista que durante el conflicto se hizo famoso por su lucha para acabar con los “paseos” en el bando republicano. Como ocurre en otras obras de Ruben Buren, personajes antagónicos se encuentran en un espacio claustrofóbico donde tienen que poner a prueba sus límites, su ideología y la solidez de sus convicciones frente a la dura realidad, en este caso una ciudad a punto de ser entregada a las armadas fascistas. Fue Mención Especial del Jurado del Premio de Teatro Lope de Vega 2010, presidido por Mario Gas y compuesto por José Monleón, Juan Antonio Hormigón y Nacho García Garzón.
La sonrisa del Caudillo. Drama ambientado en el Hospital de Niños Lactantes de San Isidro, de Madrid, en 1941. Escrito en 2011 y estrenado en el Paraninfo de la Universidad Complutense en 2013. Una cárcel para mujeres embarazadas en la que se despliega uno de los aspectos más siniestros del régimen franquista: el robo y venta de niños recién nacidos para beneficio de las buenas familias afines a la dictadura. Bajo el manto de la hipocresía católica se llevan a efecto las teorías eugené- sicas delirantes del médico Antonio Vallejo-Nágera. Publicada por la Universidad de Valencia en su monográfico sobre los robos de niños en Argentina y España, en 2014.
Maquis. Estrenada en Argentina, en 2006. Drama. Siete personajes, hombres y mujeres, se debaten entre la voluntad de seguir luchando en la guerrilla antifranquista o abandonar el combate y tratar de volver a una normalidad acosada por la dictadura.
Próxima estación. Drama escrito y estrenado en 2004, en el que tres generaciones de mujeres maltratadas mezclan un pasado, un presente y un futuro que se parecen demasiado. De fondo, la mujer universitaria de la década de 1960 en España.
Reflexiona. Drama al estilo del Rey Lear, escrito en 2011. Un empresario decide repartir su fortuna y sus empresas entre sus seis herederos. Una declaración de todas las miserias humanas que es capaz de encender la ambición y el dinero.
Siempre es de noche. Drama escrito en $2 0 1 2 _ { \mathrm { { J } } }$ estrenado en Caracas en 2014. Historia claustrofóbica en la que dos hermanas que llevan años sin verse se encuentran al fin para descubrir todo lo que las une y todo lo que las separa. La frustración, los reproches, la envidia y la incertidumbre se combinan sobre el fondo de un pasado común que parece cosa de otro mundo, quizá de otras personas.
Simplemente perdimos la batalla. Drama escrito en 2013. Dos personajes, un hombre y una mujer, un actor acabado y una actriz de éxito, mantienen una relación absurda, tóxica y adictiva a la que intentan encontrar salida durante un fin de semana en una casa rural apartada de todo. Una reflexión sobre las relaciones de pareja, el éxito, el miedo y el futuro.
5. Notas
1 Para más información: www.rubenburen.com.
2 La obra de un artista tan polifacético como Rubén Buren resulta difícil de resumir. Aquí ofrecemos una muestra breve de su trabajo como autor y director teatral.

Melchor Rodríguez.
José Manuel Lechado es Licenciado en Filología Árabe e Islam por la Universidad Autónoma de Madrid. Entre sus numerosas publicaciones se encuentran: Globalización y gobernanzas: ¿una amenaza para la democracia? (2003), Diccionario Espasa de símbolos, señales y signos (2003), La Movida: una crónica de los 80 (2005), El mal español. Historia crítica de la derecha española (2011) y Crónica de la Guerra Europea 1914-1918 (2014). Dentro del ámbito teatral, ha realizado las adaptaciones de El rey Lear, Sublime decisión o Luces de bohemia. En el verano de 2004, estrenó su obra El Peñón es nuestro, sátira política que se mantuvo en cartel hasta la primavera de 2015.