El “hoy” confinado en una galería de arte. Entrevista a José Ruiz.
César González-Martín1.
Resumen. José Ruiz es un artista que ha decido confinarse durante la cuarentena provocada por el COVID-19 en la galería de arte Espacio El Dorado (Bogotá, Colombia). Como parte del proyecto “Impresiones sobre actualidad” lleva 109 días encerrado realizando una cuarentena de impresión que reflexiona sobre el concepto de actualidad mediante el uso de la palabra “Hoy”. Previo al confinamiento, los visitantes al espacio facilitaban un enunciado que contuviera dicha palabra seguida de una inquietud personal, grupal, nacional, global o universal, que era impresa para formar parte de la instalación artística realizada en la galería. Durante el confinamiento, la recepción de enunciados se ha realizado a través de internet. Una experiencia que además es emitida en vivo las $2 4 \mathrm { ~ h ~ }$ . del día. Un proyecto con unos antecedentes que parten de su interés por los archivos y las publicaciones que viene desarrollando desde hace años. Mediante esta entrevista conoceremos su trayectoria, los antecedentes del proyecto y su experiencia durante el confinamiento en la galería de arte.
Palabras clave: José Ruiz; confinamiento; covid-19; galería de arte; hoy.
[en] The “today” confined to an art gallery. Interview with José Ruiz.
Abstract. José Ruiz is an artist who has decided to be confined during the quarantine caused by the COVID-19 in the art gallery Espacio El Dorado (Bogota , Colombia). As part of the project “Impression on present”, he has been in lockdown for 109 days doing a “print quarantine” that reflects on present concept using of the word “Today. Before confinement, visitors provided a sentence that contained that word followed by a personal, group, national, global or universal concern, which was printed to form part of the artistic installation made in the gallery. Nowadays, the sentence reception is done via internet. An experience that is also broadcast live 24 hours a day. This is a project with backgrounds based on his interest in archives and publications that he has been developing for years. Through this interview we will understand your trajectory, the background of the project and your experience during the confinement at the art gallery.
Keywords: José Ruiz, lockdown, covid-19, art gallery, today.
El año 2020 será recordado por una situación sobrevenida e inesperada provocada por una pandemia que llegó a confinar a casi la mitad de la población mundial2 . Entre esos millones de personas, un artista decidió realizar su confinamiento en una galería de arte.
José Ruiz3 es un artista joven, nacido en 1994 en Bogotá (Colombia), que estudió la doble titulación de Arte, con énfasis en plásticas y proyectos culturales, e Historia del Arte en la Universidad de los Andes de la misma ciudad.
A fecha de esta entrevista (11/07/2020), lleva 109 días confinado en la galería de arte “Espacio El Dorado”4 , realizando una “Cuarentena de impresión” como parte del proyecto Impresiones sobre actualidad, emitiendo su experiencia en directo las $2 4 \mathrm { h }$ . del día a través de YouTube.
C.G: Quizás, la pregunta más evidente es cómo surge la idea de confinarse en una galería de arte, que es por lo que has tenido mayor impacto mediático. Pero antes de esto, creo que es necesario conocer tus proyectos anteriores y cómo te llevan a lo que estás desarrollando durante el confinamiento en la galería.
J.R: Desde la universidad siempre me ha interesado el trabajo con archivos. He podido desarrollar diferentes proyectos con archivos públicos y privados. Por ejemplo, trabajé durante cinco años con la artista Beatriz González (1932-) organizando y clasificando sus archivos, también con archivos institucionales como los de la Biblioteca Nacional de Colombia.
Pero el proyecto más importante que he desarrollado está basado en el archivo de una imprenta de gráfica popular llamada Gráficas Molinari. Una empresa pionera en la producción de láminas de distribución masiva en el país, que llegó a comercializar sus imágenes por todo el continente. Muchos artistas utilizaron estas láminas como insumo para su producción a modo de collage o como base para sus pinturas, o incluso en el cine, como es el caso del Grupo de Cali que las introduce en sus películas.
Esto me motivó a indagar sobre el origen de estas láminas, trasladándome hasta una bodega situada en el barrio El Troncal en Cali, donde un antiguo empleado custodiaba todo el material del archivo después de la quiebra de la imprenta en los años 90.
Llegué a un acuerdo con él y llevé todo el material a Bogotá. Sin saber lo que adquirí, conseguí recursos en la universidad para digitalizar gran parte del archivo. Teniendo como base un inventario general se construyó una página web5 donde se liberaron los derechos de reproducción de las imágenes.
Aquí se abrieron diferentes frentes, desde lo más académico, con la realización del libro “Las populares gráficas Molinari” que cuenta la historia del taller y los usos del material, a proyectos más plásticos, casi performativos.
C.G: En ese mismo momento encontraste la forma de conjugar los dos mundos que conforman tu perfil según tu formación: el artístico y el historiador.
J.R: Exacto.
C.G: Háblame más sobre esa hibridación y su traducción a proyectos más próximos a las prácticas artísticas.
J.R: Previo a una exposición en el Museo La Tertulia de Cali (Colombia), con un grupo de amigos hicimos un proyecto llamado “Virgen regalada”. Utilizando la imagen de la virgen del Carmen, patrona de los transportistas en Colombia, viajamos durante una semana regalando láminas de esta virgen a las personas que la conocen, personas que habitan la carretera, poniendo en relieve el poder de estas imágenes como plantea David Freedberg, pero a la luz de los planteamientos Walter Benjamin, el valor único enfrentado a su reproductibilidad.
C.G: ¿Cómo surgió el proyecto que estas realizando hoy?
J.R: En 2019 Espacio Odeón6 en Bogotá abrió la convocatoria “Que no cunda el pánico. $\mathrm { \Omega _ { \it \Delta } } \mathrm { H a y }$ otras maneras?” para desarrollar proyectos en su sede. Del edificio de Odeón siempre me ha interesado un gran ventanal que da a la calle, así que presenté un proyecto para desarrollar en ese espacio, partiendo de dos documentos que encontré al revisitar varios archivos.
El primero, un recorte del periódico El Espectador de 1987, que anunciaba las reformas que se iban a hacerle al edificio en el que actualmente está Odeón para adaptarlo a un grupo de teatro, el texto de la imagen que acompañaba la nota decía: “Boceto de lo que ya hoy es una realidad”, pero las reformas nunca concluyeron. Me pareció muy interesante ese uso de la palabra “hoy” para denotar un futuro que nunca sería. Esto lo uní a un archivo de publicaciones anacrónico que recopilé —en mis pesquisas de libros usados busco material que van a triturar—, indagando en el uso desmedido de la palabra “hoy” en la prensa.
El segundo, una fotografía del colombiano Gabriel Carvajal (1918-2008) en la que aparece el letrero que tenía el teatro Odeón en los años 40 y que me sirvió como punto de partida para desarrollar una fuente tipográfica.
Para la convocatoria, propuse hacer un letrario para instalar sobre el ventanal cuyo objetivo sería anunciar lo que sucede hoy, partiendo de la idea que lo que sucede hoy podría haber sucedido hace mucho tiempo.
C.G: ¿Recreaste el mismo diseño tipográfico para tu proyecto?
J.R: No, es una tipografía personal. Parte de ahí, pero no es la misma. Lo que sí rescato es el color rojo.
Mandé a cortar en plasma todo el letrario. Propuse como metodología ir cada $^ { 2 4 \mathrm { h } . }$ . a Odeón a cambiar el anuncio, ya que la vigencia de la palabra “hoy”, cuyo significado es: “lo que refiere al día”, así lo requería. Pero surgió el paro nacional7 intensificado por el estallido social en Chile y la exposición con los proyectos de la convocatoria se postergó a enero. En mi caso propuse desarrollar una programación de emergencia en el ventanal relacionada con lo que estaba sucediendo socialmente, el equipo de Odeón aceptó ya que el letrario se podía contemplar desde la calle sin necesidad de abrir el espacio.
En perspectiva, ese fue el primer momento donde la obra respondía a su actualidad.
C.G: Siguiendo tu metodología de extraer los encabezados o anuncios de la prensa, ¿qué contenido aparecía en el ventanal en referencia a los movimientos sociales?
J.R: Varios. Digamos que lo que leía en ese momento: “Hoy estado indiferente”, “Hoy incertidumbre”, “Hoy estado asesino”, “Hoy marchas programadas”, “Hoy anarquía”, etc.
Esta temporada de marchas sociales finalizó, e inauguramos el 15 de enero con todos los proyectos de la convocatoria.
C.G: $\it { i C o m o }$ pasaste de una instalación escultórica utilizando letras tipográficas al mundo de la impresión que desarrollas ahora?
J.R: Al instalar las letras en el ventanal surgió un problema técnico por el reflejo de la luz sobre los vidrios del ventanal, para solucionarlo ubiqué un papel en blanco por detrás de cada letra que opacaba el reflejo. Pero esto conllevó otro problema, luego del paro cuando la gente ingresara al espacio, sobre el ventanal se verían varios papeles en blanco. Así que decidí imprimir un plegable con parte del archivo que sustentaba el proyecto que tuviera una cara en blanco para suspender detrás de las letras.
Para la impresión offset del plegable el tiraje mínimo debían ser 500 copias, y para la instalación solo necesitaba 60, que es la cuadrícula del ventanal. Pensé entonces en regalar, como publicación de mi pieza, las copias sobrantes. Pero claro, por una cara se veían los recortes de prensa, y por la otra estaba en blanco.
La solución lógica fue imprimir la cara en blanco utilizando una técnica distinta al offset. Recurrí a un taller de tipografía llamado Relámpago, gestionado por dos artistas y editores. Allí convertí la tipografía del ventanal en tipos móviles e imprimí varios enunciados en la parte posterior de la publicación.
C.G: En esa inestabilidad social, ¿cómo surge la oportunidad de exponer en el Espacio El Dorado?
J.R: Una amiga que trabaja en la galería, me comentó que tenían un problema por la cancelación de la exposición con la que iban a inaugurar el año y me ofreció presentar un proyecto. Le propuse hacer una extensión del proyecto de Odeón, pero enfocado en la impresión tipográfica. Así surgió “Impresiones sobre la actualidad”. El título del proyecto surge del cruce accidental de los libros: “El tipógrafo impresor”, un manual desarrollado por una escuela técnica salesiana muy importante en Bogotá, e “Historia de los tiempos actuales” de editorial Futura. Dando lugar a un juego de palabras a partir del doble significado de la palabra “impresión” y de la ambigüedad de la palabra “actualidad” que se plantea como una ficción.
C.G: ¿Cómo tenías concebido el proyecto originalmente antes del confinamiento?
J.R: El espacio está dividido en tres pisos, el día de la inauguración todas las salas estaban parcialmente vacías, pero con la promesa de que iba a suceder algo. El acceso es por el tercer piso, allí ubiqué una prensa tipográfica junto al letrero “Hoy impresión directa” que sugería que se iba a imprimir: la prensa como promesa. Cuando presenté el proyecto tenía previsto pedir una prensa prestada, pero no conseguí ninguna, así que decidí construir una con el apoyo de la galería. Al hacer el plano de la prensa pensé que, siendo consecuente con el título de la exposición, la palabra “sobre” debería tener una segunda lectura, por lo que planteé las tres patas de la mesa para la prensa como letras que forman la palabra “HOY”. Así cuando utilizara la prensa estaría imprimiendo “sobre” la actualidad representada en la palabra “hoy”.
C.G: Convertiste la maquinaria de impresión en una obra de arte, tanto por el gesto de introducirlo en un espacio expositivo, a lo Duchamp, sino que además intervienes la propia estructura de la prensa para otorgarle más valor y que transmita mejor el mensaje que pretendes de que estás imprimiendo sobre la actualidad, sobre el “hoy”.
J.R: Claro. El objeto técnico adquirió gran protagonismo.
En el segundo piso, hay una vitrina con la colección de recortes de prensa con la palabra “hoy”, dos sillas y un micrófono, así conviertes al archivo en promesa, ese espacio se titula “Hoy en sala”. Por último, en el primer piso, en la pared del fondo se encuentra una proyección con la frase “La proyección comenzará en breve”, junto al título “Hoy en cartelera”: el cine como promesa.
Estas tres promesas sintetizan el compromiso que adquirí el día de la inauguración. La inauguración fue el 15 de febrero de 2020, la primera persona que ingresó en el espacio propuso el primer enunciado, y así desarrollé el proyecto según lo previsto durante un mes, llegando a cubrir la mitad del primer piso. Trabajaba tres días a la semana con horario comercial.
C.G: Y llegó el Coronavirus.
J.G: Sí. Nadie se imaginó la cuarentena ni nada parecido. Yo imprimí el anuncio de pandemia a finales de febrero, pero todo lo veíamos muy distante y la programación siguió con normalidad.
La segunda semana de marzo empezaron las restricciones, en la tercera semana la alcaldesa de Bogotá decidió realizar un simulacro de cuarentena durante un fin de semana que tenía días festivos8 . La galería se cerró y nos fuimos todos a casa. Pero ese sábado el presidente decretó 19 días de confinamiento estricto en el país. Ya vamos por la décima prórroga.
Tras el anuncio de la cuarentena me vino a la cabeza la imagen de Joseph Beuys (1921- 1986) encerrado en la galería de Nueva York con la performance “I like America and America likes Me”. Entonces me pregunté: ¿y si me voy a pasar la cuarentena a la galería para continuar con la rutina?. Hoy puede sonar algo lógico, pero en ese momento era algo completamente ilógico. Le escribí a Valentina Gutiérrez la directora de la galería y le planteé la idea. Ella me respondió que si el mundo se iba a acabar, todos deberían estar haciendo lo que les gusta.
C.G: $\it { i C o m o }$ lo gestionaste?
J.G: La persona que tenía las llaves de la galería vivía cerca. Yo salí de mi casa con un carrito de mercado con un sleeping bag, una bolsa de ropa, y lo más básico. Entré al espacio y cerré la galería conmigo dentro. Y así comenzó esta etapa tan curiosa.
C.G: Ese gesto de encerrarse, que podría resultar anecdótico, en tu caso no lo es, ya que, si tu proyecto debía responder a la actualidad, y ese “hoy”, era confinarse, respondiste a tu propio proyecto realizando un gesto performativo.
J.G: Efectivamente. El hecho de encerrarme en una galería no es nada innovador. Muchos artistas se han encerrado en espacios artísticos, pero la diferencia es que, en este caso, nadie puede ingresar al espacio porque todos están encerrados.
En su momento en Odeón, la actualidad era salir a hacer parte de los movimientos sociales. Ahora la actualidad es todo lo contrario. Y así comenzó esta etapa del proyecto, que he titulado “Cuarentena de impresión”.
C.G: Pero con la nueva situación, me imagino que debiste modificar la metodología que tenías pensado desde el principio.
J.G: Sí, y añadí otros discursos. Por ejemplo, con la idea de que, aunque el mundo estaba cerrado todavía suceden cosas dentro, utilizo la cámara de vigilancia de la galería para retrasmitir en vivo las $2 4 \mathrm { h }$ . del día mi experiencia9 y lo que sucede en el espacio, que la mayor parte del tiempo es nada, como la vida.
La virtualidad se tornó importante durante la cuarentena, donde hemos sido espectadores y protagonistas en algunos casos. Pero no entendemos lo que implica, y creo que hemos descubierto que no queremos este nivel de virtualidad. La virtualidad es aburrida.
C.G: Esto, que recuerda a reality como Gran Hermano, donde las emisiones en directos las $^ { 2 4 \mathrm { ~ h ~ } }$ . tenían detrás un trabajo de edición que le conferían cierto ritmo irreal, en tu caso está eliminado, ya que dispones solo de una cámara fija, y sin edición, potenciando aún más tu idea de que la virtualización, el espectáculo a través de las pantallas, es aburrida. Es un “ojo” que no parpadea y tiene siempre el mismo punto de vista.
J.G: Exacto. Luego estuvo el traslado al mundo virtual de las interacciones físicas con las personas que ingresaban al espacio y proponían enunciados. Para eso, nos apoyamos en las páginas web de la galería, la mía personal y en las redes sociales. Seguía con el mismo ritmo de producción, pero la diferencia es que el visitante no podía llevarse su copia de la impresión con su enunciado, por lo que les mandaba una fotografía.
C.G: Muchos artistas han visto limitada su posibilidad de continuar con su producción artística o han continuado modificando su metodología durante el confinamiento. Pero esta virtualización de tu experiencia, de tu producción y de estar confinado en la galería, te diferencia en que esto te ha permitido además seguir exponiendo.
J.G: Exacto. La exposición no paró, sigue abierta, la puedes visitar todavía. Yo no soy un artista de taller. Soy más de calle, de buscar y buscar. Nunca puedo estar en un mismo lugar, mantener esas rutinas de taller.
C.G: Pero eso ahora es contradictorio, porque has convertido la galería en tu taller y tienes una rutina.
J.G: Sí, para mí ha sido un reto personal. Cuando todo el mundo estaba rompiendo sus rutinas por la cuarentena, yo estaba construyendo una rutina.
C.G: Con el tiempo estarás teniendo problemas de suministros.
J.G: El gobierno seguía alargando la cuarentena, y por el alto ritmo de impresión empecé a quedarme sin espacio, después de cubrirlo con 7000 carteles, y sin papel. Cuando no pude seguir imprimiendo carteles me acordé que, durante mucho tiempo, los libros se realizaron en clausura, y en pleno S.XXI este confinamiento es una oportunidad única de hacerlo igualmente en clausura. Por lo que estoy realizando una publicación de gran formato en tipografía que complementaré con impresión offset.
C.G: $\mathrm { \Omega } _ { \mathrm { \Delta } j } \mathrm { H a s }$ detectado que los enunciados que te daban las personas previo al confinamiento sean diferentes a los recibidos durante el confinamiento o son diferentes?
J.R: Es curioso, porque desde el inicio planteé que los enunciados debían responder a una actualidad personal, grupal, nacional, global o universal. Por ejemplo, “Hoy la tierra gira”, no importa el momento de enunciación, siempre será verídico. Teniendo en cuenta esto, cualquier cartel impreso en la cuarentena, podría responder a cualquier situación. Por ejemplo, “Hoy pandemia”, puede responder a la que estamos viviendo o a una futura. Realmente el lugar de lectura es el presente, y en ese sentido no hay una gran diferencia entre los enunciados antes y después de la pandemia.
C.G: Me imagino que cuando acabe el confinamiento, acabará tu proyecto.
J.R: Sí y no. Desde antes del confinamiento, estaba pensado que cuando se hiciera el cierre, la gente que ingresara a las salas desprendiera los carteles de la pared y se los llevara. Y sigo manteniendo esa idea. Por lo que hay que esperar a que acabe el confinamiento para concluir el proyecto. Poder abrir para cerrar.