LA BATALLA DEL MATADERO. FEIJÓO Y PORTILLO SE NECESITAN. DE LA SALUD Y ENFERMEDAD DE LAS ARTES ESCÉNICAS.
Ardieron las redes con el tuit de Blanca Portillo, en el que, filtrando información a la que había tenido acceso desde su posición privilegiada, presagiaba el fallecimiento del teatro en Matadero; ardieron con el nuevo nombre de este último, Centro Internacional de Artes Vivas, en el que algunos vieron agravio comparativo (¿lo anterior estaba muerto?) y otros sintieron un acercamiento a las live arts europeas; ardieron en la rueda de prensa de Mateo Feijóo, cuando, según relatan ciertos medios, presentó a la defensiva una programación que algunos calificaron de pobre. En fin, las emociones exaltadas camparon a sus anchas durante la puesta de largo del nuevo proyecto de Feijóo, y lo que son argumentos propiamente dichos solo encontré uno, relativo a la gestión cultural: el público de Matadero, que tanto había costado crear, iba a desaparecer. No obstante, también es cuestionable (¿de qué público hablamos? ¿Hay datos?). Sin subestimar la importancia de este debate, me parece más relevante analizar cómo nos hemos comportado como sector ante la puesta en marcha del nuevo Matadero.
Gracias a este cambio, se han revelado muchas cosas del sector teatral madrileño, y la más importante de ellas es el maniqueísmo imperante. La lógica del hooligan online dejó al descubierto, que, como decía la Madre de Bodas de sangre, «aquí hay ya dos bandos»: los de cuerpo y los de texto, los modernos y los antiguos, los terruñeros y los cosmopolitas... Nada es, sin embargo, más español que la confrontación virulenta entre dos facciones, algo estéril y que ni siquiera responde al funcionamiento de la realidad.
La realidad artística es un ecosistema, en el que las imágenes y corrientes estéticas pasan por un ciclo vital: innovación, convención, cliché y parodia. No lo digo yo: lo dice Bert O. States en su libro Grandes descubrimientos en pequeñas habitaciones. Según States, el estado de innovación de una imagen se caracteriza por el entusiasmo que despierta. La nueva imagen, como todo lo nuevo, va más allá de los límites preestablecidos y es esperable que genere tantos incondicionales como detractores. Pero si la imagen funciona, es solo cuestión de tiempo que se convencionalice: cuando esto ocurre, se genera una dinámica en la que se intentan probar todos los significados que puede albergar ese significante, generando variaciones sobre el mismo que aportan el suficiente grado de novedad como para parecer algo nuevo, y el suficiente grado de confort para que nada se salga de lo preestablecido. Aquí podemos encuadrar la cultura mainstream. Al cliché se llega cuando el significante tiene más presencia que el significado en la comunicación: esto es, cuando la forma se ve tanto que pesa mucho más que el fondo. La parodia, por último, aplica el humor al significante, y puede ser, de hecho, un trampolín para una nueva innovación: esa fue, por ejemplo, la semilla de El Quijote.
A estas cuatro fases que explica States me gusta siempre añadirle una quinta, al principio del todo: la experimentación. Es una fase necesaria, en la que no todo lo que se produzca tiene que convertirse en innovación. Es el momento natural, dentro del ciclo artístico, del boceto, del prototipo, y por supuesto del fracaso, etapa indispensable en el camino del descubrimiento.
En un ecosistema artístico sano, la innovación es recibida con alborozo, no con recelo; la convención espera con interés las innovaciones para exprimirlas al máximo y llegar a todo tipo de público, incluido el más joven; el cliché es la necesaria herramienta de la parodia, y la parodia, al trabajar sobre referentes conocidos, crea comunidad. No hay superioridad moral, ética o artística en ninguna de estas fases.
En la actual coyuntura, las artes escénicas están enfermando de muerte por dos razones: la primera es que es imposible hacer teatro sin recursos, y ahora mismo esos recursos los aportan en su mayoría los artistas, con las inevitables limitaciones que esto implica; y la segunda es que como actividad económica no es rentable a taquilla, por lo que solo subsiste a través de ayudas. No obstante, el cáncer con metástasis, más que las circunstancias, parece que somos nosotros mismos. La disputa artístico-conceptual que se desató a raíz de Matadero evidencia que hay una parte no desdeñable de esta profesión que cree representar la esencia de las artes escénicas y que no contempla su pertenencia a este fragilizado ecosistema si no es desde una perspectiva jerárquica. Ellos arriba, los demás abajo. He visto esta postura en defensores de ambas posiciones: al menos hay algo que tenían en común.
Es imprescindible que exista un centro público dedicado a la experimentación en las artes vivas, en el que los artistas tengan la oportunidad de abocetar, probar y fracasar y que además conecte a nuestro país con el entorno europeo: es imprescindible que el circuito alternativo deje de tener en exclusiva la responsabilidad de la experimentación, porque su naturaleza precaria pone límites logísticos (y, por tanto, artísticos) a la búsqueda. También es imprescindible que el teatro convencional mire a la experimentación como un lugar del que nutrirse; y, por último, es imprescindible que los entornos más innovadores se den cuenta de que el entretenimiento mainstream no es el enemigo zafio y despreciable, sino la vía de acceso a la cultura y el termómetro de nuestra relevancia social.
Por eso se necesitan Mateo Feijóo y Blanca Portillo, o La Ribot y Jesús Cimarro, o Carlos Marqueríe y Concha Velasco: se necesitan por puro egoísmo, por su propia supervivencia. No es posible un ecosistema sano si una de las fases languidece y será aún menos posible si nos denostamos entre nosotros. A todos nos conviene, a todos, que el proyecto de Feijóo sea un éxito y que Portillo llene teatros a reventar, porque lo que necesitamos urgentemente es que nuestras artes vivas, escénicas, teatrales, recuperen la buena salud.
Pilar G. Almansa