Ramon Gaya. El arte de China y Japón, fuentes de referencia en su obra.
PILAR CABANAS MORENO UCM,Fac.Ga e H Dpto. $\mathrm { H } ^ { \mathrm { a } }$ del Arte III.
Ramon Gaya (191O) es un pintor que ha sentido la vocaci6n a la pintura desde lo mäs profundo de su alma,y ha considerado que su arte debia ser siempre expresi6n de su vida, independientemente del motivo representado.El sentir del artista ha de percibirse mas alla de las apariencias formales.Y siendo un pintor del alma su pintura ha sido definida como “pintura poetica>.
Esta clasificacion nos situa a mediados de los anos veinte del siglo que lo vio nacer,anios en los que esta tendencia renovadora en Espania se desarrolla junto a posturas neocubistas y presurrealistas segun ha definido el profesor Valeriano Bozal. Dentro de esta tendencia se encuadra la produccion pict6rica del Grupo de Murcia siendo en ese momento Pedro Flores (1897-1967), Juan Bonafé(1901- 1969)y Ramon Gaya, las figuras mas destacadas.Son artistas de la intimidad, de lo cotidiano,de la belleza de las cosas pequefas,de los paisajes cercanos,y para captarlo se valen como rasgo mäs definitorio de colores y luces desvaidas,de ahi que se vean inclinados a la utilizacion de otras técnicas diferentes del oleo como el guache o los pasteles.
Su gran amistad con Juan Ramón Jiménez,a la que tambien estaban vinculados el resto de los del Grupo de Murcia,Bores,Eduardo y Esteban Vicente,nos habla de su postura artistica afin: ir adelante en la modernidad del arte sin rechazar la tradicion. En este sentido toda la obra de Gaya es un reafirmarse en esta postura a través de sus homenajes a los grandes maestros, Velázquez,Rembrandt, Vermeer, Corot o Picasso, sin olvidar otras tradiciones pict6ricas como la de China o Japon. Son estos homenajes a la pintura y la xilografia de estas dos culturas lo que constituye el tema de este estudio.
Alfonso E.Pérez Sanchez nos habla de un viejo proyecto de cuadro de Ramon Gaya, un “Nacimiento de la Pintura>, donde Rembrandt,Tiziano, Velazquez y un pintor-poeta oriental serian los cuatro protagonistas de su obra'.
Juan Manuel Bonet afirma que es en México,donde se asienta una vez finalizada la guerra civil espanola, donde nace el Gaya que conocemos. $\ll \mathbf { Y } \mathbf { a }$ la tradicion, revivida a traves de la glosa y de la variacion, ocupa un lugar clave en su obra: ahi tenemos varios homenajes a Veläzquez -un auténtico “leit motif>de su obra y de su vida-,a Rembrandt,a Corot.(..). Junto a todas estas visiones de interiores,prosigue por otra parte la marcha de Gaya ,su busqueda de paisajes pintables. Memorables son algunas de sus vistas de pueblos de México,y sobre todo sus leves lagos y sus bosques de Chapultepec, con algo ya muy oriental> ².
《Con algo ya muy oriental>.Es quizä por esa evanescencia, por esa liviandad, por ese caracter etéreo que parecen tener las pinturas de paisaje a la tinta chinas 0 japonesas,y que comienzan a aparecer en sus obras en los anos cuarenta como 《Agua y matorral. Chapultepec>（l948) o 《Palacio de Maximiliano.Chapultepec》 (1949). Lejos estän ya aquellos acercamientos al cubismo “Retrato de su padre> (1926),(1927),“Bodegón de la mandolina>(1927) oel y,ambas de 1937.
Cabe preguntarse,ipor que tras llegar a México comienza este cambio de aligeramiento en su pintura?. Quizá sea la atraccion que siente hacia la poesia y su amistad con los poetas mejicanos lo que le acerca al arte de Asia Oriental.La importancia de la poesia japonesa en aquellos anos,y el acercamiento cultural que dicha atraccion suscita, queda reseiiada ya en el estudio que Gloria Ceide-Echevarria publica en l967 con el titulo El haikai en la lirica mexicana.De hecho,el mexicano Juan José Tablada (1871-1945), el mejor representante de la segunda generación modernista que tuvo por sede la ciudad de Mexico, habia sido el poeta que por primera vez introdujo el haiku en la poesia hispanoamericana, y tambien el primero que lo cultivo en lengua castellana.
Entre sus conocidas amistades mexicanas al menos dos destacan por su relaci6n con este mundo de la poesia japonesa,y por haber reconocido cuanto ésta habia influido en su concepto de arte: Xavier Villaurrutia（1903-1950)y Octavio Paz (1914-1998).
Paz, escribiendo sobre Tablada reconoce la gran fuerza renovadora que trajo el haiku a la lirica mexicana en particular,y occidental en general: “Pero Tablada, curioso,apasionado,sin volver nunca la cabeza hacia atras,con alas en los zapatos, oye crecer la hierba y olfatea,antes que nadie,la nueva bestia,la bestia magnifica y feroz que ibaa devorar a tantos adormilados: la imagen>³,siendo el haiku sinonimo de imagen.
Octavio Paz manifest6 en diversas ocasiones c6mo el haiku habia influido enormemente en su creacion,y en 1957 emprendió un trabajo conjunto con su amigo Eikichi Hayashiya,un gran intelectual y ex-embajador de Japon en Espafia y Amé- rica Latina.La labor de Paz se centró en dar forma poetica a la traduccion de los poemas de Matsuo Basho(l644-1694) de la obra Sendas de Oku.Esta forma poética hubiera sido imposible de conseguir si no hubiera penetrado en el conocimiento de la estetica zen y la literatura japonesa desde sus origenes.Sus libros Las peras del Olmo (1957) y Arbol Adentro (l987) reflejan en sus päginas todo el interes y profundo conocimiento que posee del mundo japones.Para el poeta mexicano la actividad literaria que lleva a la creacion del haiku es un verdadero ejercicio espiritual, y su fruto es el poema, que encierra un mundo de significados,de experiencias vividas,de ecos y de resonancias a traves de imagenes concretas y cotidianas.
El mundo cabe en diecisiete silabas: tu en esta choza.4.
Octavio Paz habla de diecisiete silabas porque son precisamente las que componen en tres versos un haiku,5/7/5.Esto requiere que las palabras que aparezcan den realmente lo esencial, no hay lugar para lo decorativo,lo recargado,el artificio. R.H.Blyth decia “El haiku esun dedo senalando a la luna. Si el dedo estä enjoyado, no vemos a donde seiala> 5.
Observando las obras que Ramon Gaya comienza a realizar en México,y conociendo su constante relaci6n con el mundo de la poesia,ya en sus afios de renovaci6n en Espana su quehacer se habia calificado de “pintura poetica>,no debe extrafar esta proximidad entre los planteamientos de su pintura y los planteamientos de la poetica del haiku: sinceridad, yuxtaposicion de imagenes, cotidianidad, fluidez, esencialidad,indeterminaci6n. Estando al lado de poetas tan apasionados por el mundo del haiku como Octavio Paz y Xavier Villaurrutia, es casi imposible pensar que dichas concomitancias sean casuales,mäxime cuando arrancan de su establecimiento en la ciudad de México. Incluso las técnicas empleadas entre las que la acuarela y el gouache cobran mayor importancia nos acercan a esa indeterminacion antes mencionada,y a la que él rinde pleitesia en sus homenajes a ciertas pinturas chinas de siglos pasados.En 1952,durante una estancia en Paris Ie escribe a su amigo Tomas Segovia para contarle: 《He visto cosas preciosas.Pinturas chinas (un retrato,sobre todo,del siglo IX,que me dej6 sin habla),y paisajes de esos en que el blanco de la seda o el papel es utilizado como neblina y solo han sido indicadas las crestas de las montanas,las copas de los árboles,algunas figuritas>6.
Si nos acercamos a su actividad literaria, ésta resulta notoria, siendo la mayoria de sus escritos de caracter teórico, ensayos sobre pintura, meditaciones,visiones y soliloquios. De ellos dice Andrés Trapiello algo que podria aplicarse igualmente a su pintura,y que está en consonancia con lo anteriormente apuntado: “Gaya escribe siempre breve,pobre,como San Francisco.En sus libros hay mas de todo que de palabras.Hay mas ideas que palabras y mas sentimientos,insinuaciones,impresiones,emociones que palabras>7.
Para Ramon Gaya $\lll$ artista creador no es robarle cosas a la realidad—para luego ser utilizadas en la cinica composicion de una obra-objeto-,no es aprovecharse de la realidad, sino aceptarla.No se trata de ahondar en la realidad y perderse en su fondo, perder entonces la realidad externa y aparente,sustituirla por su fondo que, sin ella, sin su carne y su piel, no es mas que una abstraccion>\*.
Una propuesta semejante a la de la tradicion pictórica china que alcanza a Jap6n. Frangois Cheng en su libro Vacio y Plenitud afirma: κen todas las etapas de la tradicion pict6rica china se manifiesta una corriente de pensamiento que,de una u otra forma, se niega a considerar el arte como una evasion ante la realidad o como el fruto de una indagacion puramente estética,y prefiere ver en el gesto del artista una forma concreta de realizaci6n para el hombre》9.
Es en 1945 cuando tenemos la primera obra en la que se ven confesadas su aproximacion y su atraccion por Japon. Se trata de la interpretaci6n que hace de la xilografia de Ando Hiroshige(l797-1858) “Lluvia repentina sobre el puente Ohashi, cerca de Atake>(1857) y que el pintor espaniol titula 《La tormenta》 ".En las palabras que Gaya escribe por carta a un amigo se evidencia perfectamente cómo entiende él estas aproximaciones a los grandes maestros: “Toc6 tambien, una Cantata de Bach, alterada por él, pero con un respeto y atrevimiento muy parecido,creo,al que me caracteriza cuando emprendo esas variantes de los maestros,modestia aparte completamente. Ademas, pienso que debe estar hecho con una intencion muy semejante" i2.
Hiroshige representó este puente siendo fiel a la esencia de la pintura lamada del 《mundo flotante>,ukiyo $\cdot e$ , donde lo efimero se rebela como la esencia de la realidad y lo unico eterno, esa realidad que tambien Gaya busca plasmar en el alma de sus obras respetando su apariencia formal.La tormenta repentina,yudachi,es la tipica del final de las tardes de verano,cuando casi sin sentir el cielo se oscurece y el viento sopla con fuerza. Pero apenas dura. Räpidamente el cielo se despeja de nuevo.
Junto con la universalmente admirada de Katsushika Hokusai (1760- 1849),ésta de Hiroshige fue una de las estampas japonesas mäs conocidas. En 1887 Vincent van Gogh,uno de los artistas mas admirados por Ramon Gaya, habia realizado igualmente una interpretacion de esta xilografia'3 y de otra titulada “Cerezos en flor en el jardin Kameido>,perteneciente a la misma serie de las $\ll 1 0 0$ vistas de lugares famosos de Edo>.A Van Gogh le impresionaban la fuerza de su luz y el brillo de los colores,asi como las posibilidades de sus composiciones en diagonal.

“Lluvia repentina sobre el puente Ohashi,cerca de Atake> (1857) de la serie $\mathfrak { \ll } 1 0 0$ vistas de lugares famosos de Edo> (1856-1858),Ando Hiroshige (1797-1858),y Japoniseria: el puente>,1886-1888, 6leo sobre lienzo.Van Gogh.
Tambien el poeta mexicano J.J. Tablada en enero de 1935,durante una estancia en Nueva York,atraido igualmente por sus imágenes,por la fuerza del color y la utilizacion de las lineas oblicuas, habia escrito un poema titulado Estampas> dedicado a este artista:
Diagonales hilos de lluvia de Hiroshigue ciertas estampas surcan. Las veo,en el recuerdo,como a través de un arpa; y en el arpegio los colores cantan 4.

La tormenta> (1945). Ramon Gaya.
Entre las obras de los pintores,puede apreciarse el diferente caracter de cada artista.Hiroshigue se vale de la linea y las tintas planas para hablarnos de esta repentina tormenta del verano.A pesar de la clara definicion de elementos la composicion es totalmente plana y el cielo y el agua tienen el mismo color.En Van Gogh destaca la fuerza de los colores,el puente amarillo,el rio verdoso y el horizonte confundido con el cielo azulado,perdiendo la lluvia el protagonismo del que goza en la xilografia. En Gaya la interpretacion gana en sensacion atmosferica, la lluvia es sumamente densa y el cielo y la lejana orilla se debaten entre el negro de los nubarrones y el anaranjado de la ultima luz del dia.Los personajes que cruzan el puente parecen darse mas prisa. Resulta curioso que haga esta interpretacion-homenaje en l945,ano en el que la lluvia negra cae como polvo mortal sobre Hiroshima y Nagasaki,poniendo fin a la Guerra del Pacifico,y no vuelva a homenajear al arte oriental hasta finales de los anos setenta.En 1987 crea “Homenaje a una interpretacion de una estampa de Hiroshige>,haciendo referencia a la realizada en 1945. Sin embargo,en esta ocasion aparece como una pequena postal sobre una estanteria entre un vaso con clavellinas y una copa,y los colores distan mucho de aquella oscuridad que empleara en su primera interpretacion,aproximandose mas a la brilantez de la xilografia original.
La imagen del puente que cruza en diagonal la escena,y las lineas de lluvia de Hiroshige parecen seguir presentes entre las referencias conscientes e inconscientes del pintor cuando en 1953 pinta el de 1956.Nuevamente el tema, la composici6n y la perspectiva nos remiten a Hiroshigey a su serie de las $\ll 1 0 0$ famosas vistas de Edo>16. En esta obra son extraordinariamente notables las osadas composiciones,que revelan la admirable capacidad creadora de este gran artista que fue Hiroshige. El mismo vio esta serie como su mejor obra,una realizacion madura,la culminacion de su carrera.《El altar de Benten desde la barcaza que cruza la bahia de Haneda》 '7, es una de sus mas atrevidas composiciones. Un objeto fragmentado,brazos y piernas del barquero,ocupa sorprendentemente el primer plano, recortándose sobre el fondo.Solucion presente en “El toldo. Chapultepec>(1948),donde el barquero ha sido sustituido por una barca, y la diagonal marcada por la madera del timon esta presente en esta ocasion por la vela y la cuerda que la tensa.Al igual que en la xilografia de Hiroshige el rio, el agua,sus reflejos y sus colores,son el fondo y los protagonistas de la composicion.
A caballo entre las osadas composiciones de objetos cortados y la vaporosidad e indefinicion de la pintura a la tinta se situa “Agua y matorral. Chapultepec》 (1948).En la esquina inferior derecha tan solo apaece una minima parte de la barca, o de una baranda,y un matorral,desde donde se contempla exclusivamente la superficie del agua con sus reflejos,recordando los vacios a los que se abren las composiciones orientales en esquina.La bicromia de la tinta sobre el papel, Gaya la ha sustituido por los tonos verdosos del gouache, que en alguna zona combina con un ligerisimo toque violäceo. Una pintura sumamente lirica por su capacidad evocadora,y afin, por la escasez de materia piclórica y de recursos empleados al haiga,pintura del sentimiento poético,expresion pictórica del haiku. Este sentimiento vuelve a estar presente en 《Plenilunio con nubes"1&(l951),en tonalidades grises.Un tema y composici6n muy frecuente en el mundo japonés,asociados habitualmente al otono, por ser la eulalia, simbolo de la estacion, ia planta que cruza habitualmente con sus tallos la luna llena. El hecho de que fuera una planta ofrecida al kami de la luna buscando propiciar la buena suerte parece acercarnos a la idea de Ram6n Gaya de que las imägenes que aparecen sobre el lienzo no son mas que laapariencia de la realidad,y que en este caso,tras esta sencilla imagen: hierbas mecidas por el viento,luna y nubes,hay una realidad intangible que el pintor intenta hacer palpable.De hecho para Gaya “las artes son la corporeidad necesaria para que aparezca el espiritu>I9. En cuanto a la factura, juega con una pincelada vaporosa para las nubes que pretenden ocultar la luna,y con pinceladas fuertes, gruesas y finas,definidas y expresivas para definir las ramas y las hojas del primer término. Un juego muy cercano a la pintura a la tinta, donde la pincelada va inexorablemente unida al aliento 20,al tiempo que se hace expresion del ritmo y las pulsiones secretas del hombre.
Para Ramón Gaya la validez de los artistas va mas allä de lugar y tiempo, de estilo,corriente de moda o movimiento.El siempre ha sido fiel al espiritu y al sentimiento de la pintura y quizas por eso une tres grandes creadores en una misma obra: 《Homenaje a Van Gogh, Cézanne con Hiroshige al fondo>,probablemente queriendo aludir con este 《al fondo>,a la importancia que la xilografia japonesa tuvo para ambos ²'.En esta ocasion de nuevo la lluvia vuelve a ser la protagonista de la obra de Hiroshige,donde el juego de diagonales es manejado con impresionante maestria. Se trata de una de las $\ll 5 3$ estaciones del camino del Tokaido>(1833- 1834),la numero 46, la parada de Shono,y que lleva por subtitulo 《Lluvia blanca> 22. Gaya coloca la xilografia al limite derecho del cuadro,de manera que queda cortada,resultando coherente con la originalidad de los encuadres y fragmentacion de las composiciones japonesas que tanto llamaron la atencion por su novedad en la Europa finisecular. Considerada como una de las mejores obras de Hiroshige,ha sido junto a la de “Lluvia repentina sobre el puente Ohashi, cerca de Atake> una de las xilografias mas conocidas de este artista 23.

El toldo. Chapultepec>(1948). Ramon Gaya.
Estas referencias a la pintura japonesa y china, iniciadas en 1978,se mantienen a lo largo de los anios ochenta y noventa,y de nuevo vemos a Hiroshige como pro
“Plenilunio con nubes> (1951). Ramon Gaya.
tagonista en dos obras con el mismo titulo, siendo una doble reinterpretacion del mismo tema: “Homenaje a una pintura japonesa>(1994) 24. Con Ramon Gaya ocurre como con los pintores chinos y japoneses y sus discipulos, que interpretan una y otra vez a los maestros del pasado,como si leyeran una vez y otra una misma partitura musical. Quizá por ello coloca una “Estampa japonesa sobre el piano> en 1983 25.
Sin embargo, no es Hiroshige el unico artista del grabado al que el pintor espafol tiene presente. En 1984 en una obra titulada “La solana>, vemos en su esquina inferior derecha un libro abierto,cortado en su parte inferior por el limite del marco en un encuadre sumamente fotografico, sumamente japonés.La xilografia que aparece reproducida en el libro es una obra de Kitagawa Utamaro (l753-1806) titulada “La hora del caballo>, de la serie El reloj de sol de las doncella>,cn la que muestra a jóvenes mujeres de la clase de los comerciantes en diferentes horas del dia,de la manana a la noche 26.A esta hora del caballo las jóvenes son mostradas secandose tras tomar un bano.De nuevo Utamaro en (1986) 27. Sobre la parte superior del piano en la que se refleja un farolillo de papel,y asomändose tras una sandalia japonesa y una copa de agua con flores,vemos a una de sus mujeres. Este artista japones fue uno de los primeros conocidos y estudiados en Europa tras la apertura de las fronteras de Japón en l854.Destacó yatrajo el caracter intimista de sus imagenes femeninas,la elegancia y dulzura de sus lineas y la utilizacion del retrato de medio busto.Hay algo en comun entre estas xilografias de Utamaro,y el retrato de prostituta que aparece en “Homenaje a las antiguas cortesanas japonesas>28(198O).Ningun fondo emborracha o distrae de lo esencial: la belleza y elegancia de estas mujeres que encerradas en sus barrios de placer,con su refinada educacion eran el anhelo de todo hombre y la admiracion,incluso del resto de las mujeres. Colgada en una esquina de las paredes del estudio del pintor, es vista desde angulos diferentes,al menos en dos obras mas: 《Las estampas japonesas>(1983) 29 y “Homenaje a una cortesana japonesa> (1985) 30. Paipais,abanicos y faroles de papel contribuyen a ambientar la escena y confieren a la obra esa ligereza que caracteriza la mayor parte de las realizaciones extremo orientales.La xilografia pertenece a la escuela de Kaigetsudo,fundada por Ando Kaigetsudo (activo 1704-1714),y sigue su estilo de figura en pie sobre un fondo totalmente neutro en postura de tres cuartos,que mira coquetamente sobre el ombro.La atencion,como suele ocurrir en las pinturas y xilografias del mundo flotante,ukiyo,del mundo de los placeres,se centra en el tratamiento y colorido de las vestimentas,y en la pose. Desde la era Kanbun (1661-1672) se generaliz6 la demanda de este tipo de retratos de famosas mujeres hermosas de los barrios de diversion, que marcaban el estilo y ritmo de la moda. Propio de estos retratos que siguen el modo de hacer de Kaigetsudo es el formato de kakemono,es decir un formato con un marcado desarrollo vertical. Este tipo de formato causó sensacion en Occidente a finales del siglo XiX y principios del xx por sus posibilidades expresivas y compositivas.

Montaia clara en una aldea de montafia>,detalle de las 《Ocho vistas de Hsiao-Hsiang>.Yu Chien, mediados del siglo XII. Dinastia Song del Sur (1127-1279).
Y frente a la melancólica calma de Utamaro,y el elegante coqueteo de las cortesanas de Kaigetsudo,la desatada violencia de “Batalla de samurais> (1986)³l, que interpreta una obra tipica de la escuela Utagawa del siglo Xix.Gaya ha jugado sabiamente colocando todos los objetos sobre la planitud del lienzo sin manejar las luces y sombras para marcar su situacion en el espacio,con lo que consigue que el cuadro parezca enteramente una estampa,donde las figuras del fondo en agitado movimiento intentan escapar del papel,mientras que las frutas,la jarra, el vaso y la copa con sus flores,en contrastada calma,parecen integrarse cn él.Quiere quizas responder a esa interaccion,a ese dialogo entre los seres,animados o no,que nos rodean. En esta representación de cosas,de objetos, hay una idea comun con el pensamiento extremo oriental sobre la pintura que dice que 《el espiritu no tiene forma propia; cobra forma a traves de las cosas. Se trata entonces de trazar las lineas internas de las cosas mediante pinceladas habitadas por la sombra y la luz. Cuando las cosas son asi recibidas adecuadamente,se convierten en representacion de la verdad misma>.32 Esta postura similar la lee Gaya en las obras de Van Gogh cuando afirma: “Van Gogh viene a llamarnos la atencion sobre tal almendro,o tal cipres,o tal puente,o tal girasol,o tal silla,y a decirnos que no son cosas,sino seres,mas aun, personas completas,almas en carne viva. Van Gogh es lo contrario de Cezanne; no viene,como viene Cézanne,a pintar... pintura $( \ldots ) \gg ^ { 3 3 }$ ·.
Sin embargo, no es exclusivamente la xilografia multicolor lo que atrae a Ramon Gaya del arte japonés. Sus homenajes reflejan un abierto panorama en la aproximacion a su pintura. En l986 rinde un 34, el Genji monogatari,o Historia del principe Genji,una joya de la pintura japonesa que surge como ilustracion a uno de los grandes clasicos, no solo de la literatura japonesa, sino de la literatura universal. Una novela escrita en el siglo Xl por una mujer,Murasaki Shikibu,que cuenta las historias amorosas del principe Genji y su desastroso final. Pintada en rollos horizontales en los que se alternaban las partes escritas y las ilustradas,solo se conservan cuatro rollos cuyas imagenes parecen haber sido recortadas y remontadas.Pertenece a un estilo de pintura conocida como Yamato-e. Utiliza los pigmentos con una tecnica cuyo resultado final semeja al gouache,pero que usa como aglutinante cola de cerdo.Maneja elementos como permitir las vistas de los interiores a traves de una técnica conocida como de tejados volantes,fukinuki-yatai; las perspectivas de lineas oblicuas,mas o menos acentuadas dependiendo de las necesidades expresivas; los suelos volcados hacia el espectador; los colores son utilizados tambien en funcion del sentimiento que intentan despertar en el observador;y las caras son simplificadas con dos pequenias lineas para los ojos, un breve ängulo para la nariz,y un toque de color rojo para los labios,rostros que como mascaras ocultan el carácter y los sentimientos de los personajes.Por tanto el artista ha de huir de la expresividad de los rostros para comunicar el sentimiento y el significado profundo de la narracion. Durante este periodo aristocratico de su historia,el periodo Heian (794-1185),la individualidad en el tratamiento de los rostros era considerado un ultraje.
En este homenaje Gaya sobre una mesa y apoyado en la pared abre un libro en el que se muestran dos escenas del “Genji monogatari> 35. La mesa se inclina hacia el espectador,tal y como ocurre con los tatami sobre los que las damas aparecen sentadas,para dejarnos ver todo lo que en ella hay. Quiza fue este tipo de mirada del artista desde lo alto,mirada de creador que observa lo creado,y que asi lo ofrece al espectador,uno de los atractivos de esta obra,donde el espectador parece percibir el susurro de las sedas al caminar.
Gaya tambien se fija en el retrato,quiza por la dificultad que conlleva escapar de los caracteristicos rasgos del rostro para captar la profundidad del ser.No olvida por ello en sus homenajes a la pintura de este género su alusi6n al retrato en el arte japones,donde sobre fondos totalmente planos,y un suelo de tatami volcado hacia el espectador se recorta en la planitud de los colores Ia figura negra del guerrero, que en actitud sedente muestra la tablilla de mando. Es cn 1972 cuando por primera vez un libro es abierto por la ilustracion del retrato de Taira Shigemori （1138- 1179) 3 en 37. En 1980 de nuevo este retrato aparece en su “Homenaje a los grandes retratistas》 3, junto al piano y recortado por el borde inferior del cuadro,mientras que los tres destacados retratistas occidentales miran al espectador desde la parte superior. Se trata de una obra atribuida desde principios del siglo Xiv a Fujiwara Takanobu,un cortesano de bajo rango al servicio del retirado emperador Go-Shirakawa. Sin embargo, hoy dicha atribucion no cs del todo aceptada. Es un retrato en el que la vision del mundo de la filosofia zen parece haber comenzado a dejar huella inyectando nucvas dosis de realismo.si bien todavia presenta rasgos de opacidad y formalidad,propios del periodo Heian (794-1185), época en la que el parecido a la persona era considerado como ofensivo y de mal gusto. En 1992 y l993,el aristócrata guerrero vuelve a ser protagonista de sus obras como personaje principal: “Retrato japones> 39. Ataviado como cortesano lleva el gorro (koburi),y la espada ccremoniales.Llama la atencion Ia esencialidad y la fuerza de la linea en estos retratos en los quc los personajes parecen imágenes de vestir, dado que la unica parte visible del cuerpo es el rostro, cl resto del cucrpo aparece oculto en la planitud de los plegados de las vestimentas, que cn su oscuridad muestran ricos disefios decorativos. De hecho se dice de Takanobu,a quien la tradicion atribuye su realizacion, que él pintaba tan solo los rostros,dejando el resto a otros artistas especializados, por ejemplo en la representaci6n de tejidos.
Este retrato forma parte de un conjunto de cuatro realizados cn torno a la misma fecha que han sobrevivido en Jingoji (Templo Jingo). Resulta curioso, que de este grupo de retratos, Gaya elija el de Taira Shigemori, apenas reproducido,salvo en obras de caracter sumamente especifico, frente al del gran protagonista Minamoto Yoritomo (1147-1179) cuyo retrato es reproducido habitualmente siempre que sc alude al periodo Kamakura（l185-1333), puesto que a la importancia de la obra artistica se une el hecho de ser el fundador del sogunato de Kamakura.
También del siglo XI es otra de las obras japonesas hacia Ias que Ramon Gaya se siente atraido,y a la que alude en I994 en su 《Homenaje a la cascada de Nachi, siglo xi>40. Se trata de una pintura sintoista cn la quc sc rcpresenta un paraje sagrado,donde reside el kami,la divinidad.Nachi ha sido visitada durante siglos por los peregrinos que acuden para purificarse y recibir la ayuda de los espiritus.Durante la edad media, momento de produccion de esta obra, el culto y los santuarios sintoistas experimentaron un gran florecimiento. Sin embargo, si bien se trata de una obra del periodo Kamakura (1185-1333), no suele fecharse en el siglo xil, sino en el siglo xiv.

《Homenaje a los grandes retratistas》(1980),detalle. Ram6n Gaya.
La pintura japonesa presenta un formato vertical alargado,que acentua la caida y el protagonismo de la cascada. Hay en este tipo de obras una gran veneraci6n por la naturaleza, y se la representa no como una sencilla excusa para el desarrollo de lo pictórico, sino como algo trascendente,que posee un alma,y es quiza una de las razones por las que Gaya se siente cercano a ésta y a otras pinturas chinas y japonesas a las que alude, generalmente ejecutadas tambien alrededor de los siglos XIXIII. Cuando en 1948 el pintor crea la obra titulada “Las tazas>4,se halla sumamente cercano a “Los kakis>4² del pintor chino llamado Mu-ch\`i,activo a finales del siglo Xi,una pintura a la tinta que ha atraido enormemente a los artistas contemporaneos por su esencialidad: seis kakis distribuidos sobre un fondo limpio y uniforme, sin soporte.
Es en 1978 cuando por primera vez aparecen entre sus titulos referencias a la pintura china: 《Homenaje a una pintura china del siglo Xin y autorretrato en el piano> 43.Un abanico,un taz6n de porcelana y un farolillo de papel ambientan este homenaje.Parece tratarse de una pintura cercana en estilo a Ia obra titulada 《Guo Guo cabalga en primavera> 44, de Hui Zong (Hui-Tsung,1O82-1l26).
En 1979 de nuevo un farolillo de papel asoma recortado por la parte superior del cuadro,vaso,copa y flores que sugieren la idea de vida efimera, junto a un libro abierto sobre la mesa, donde El pescador solitario en el rio》45 de Ma Yuan parece anclado en el tiempo,flotando en la eternidad del vacio de las aguas.Sobre una seda ya amarillenta,las pinceladas de este pintor chino,activo entre Ii9O y I224,dan vida a un pescador, que sentado en su barca espera pacientemente con su cana. Tan solo este motivo sobre unas aguas que apenas están sugeridas por unas finas lineas cntorno a la embarcaci6n. Ramon Gaya en su 47, gran poeta chino, la pintura que aparece en la obra vuelve a ser de Ma Yuan.En realidad en ella no se identifica al sabio representado con Li-Po 4\*. Quizä Gaya asocia este personaje con la obra de.
Liang Kai titulada “Li Po recitando una poesia>,del siglo xm, donde en medio de la nada el poeta mira al infinito. Esta obra de Ma Yuan ejemplifica perfectamente su estilo desarrollado en pequefios formatos mediante composiciones en diagonal, donde los elementos figurativos de la obra,un letrado o un poeta en ocasiones acompanado de su ayudante se situan en la esquina inferior izquierda.Resultan admirables en él los matices que supo extraer de las tintas y el contraste entre sus pinceladas finas con las que define los contornos y las imprecisas manchas aguadas con las que sugiere un paisaje y una atmósfera envolvente. Un juego de lineas y matices muy en consonancia con la obra de Ramon Gaya.
Nuevamente el libro abierto por 《El pescador solitario en el rio> le anima a Gaya a brindar un 《Homenaje a Ma Yuan y Van Gogh> (1979)49,poniendo otra vez en evidencia al hacer pareja de ambos pintores,que el sentimiento de la pintura es ajeno a movimientos artisticos e independiente de tiempo y lugar.
El libro que Gaya abre sobre la mesa para mostrarnos la obra de Ma Yuan es el volumen correspondiente al Museo Nacional de Tokio de la coleccion Enciclopedia de los museos 50. Curiosamente en la portada del libro aparece la reproducción de una obra del pintor chino Lu Chi,activo entre l477 y 1505,durante la dinastia Ming (1368-1644) que en 1988 vemos integrada en una composicion que Gaya titula “La sandalia japonesa y jazmines>51. Se trata de un detalle de la obra titulada Flores y pajaros de las cuatro estaciones> 52, género en el que este pintor chino se hallaba especializado.Las peonias en flor y la romántica actitud de los pajarillos aluden a la primavera. El pintor murciano juega como lo hiciera en “Batalla de samurais> con los jazmines colocados en un vaso transparente, que teniendo de fondo la obra de Lu Chi se confunden con sus ramas y sus flores. Acompanian el bodegon unos libros, una geta'3 japonesa, y sobre ella una taza de té,y en el otro extremo un cuenco de arroz de porcelana. Todos estos objetos son ligeros y estan sumamente lejanos de los que empleara en sus bodegones de los anos veinte: “Azucarero>(1927) 54 0 “Bodegón>(1927)55, mas toscos y con mayor caracter de solidez.
Este fragmento de la pintura de Lu Chi, en color sobre una seda que aparece ya dorada por el paso de los siglos,se convierte anos despues,en 1993,en protagonista absoluta de la reinterpretacion que Gaya titula “La pintura china》 56. En la obra del pintor espanol domina la pintura de bodegón y la pintura de paisaje, mientras que el tema de los animales estä practicamente ausente de su pintura,salvo indirectamente por los caballos y los pajaros de las pinturas chinas a las que alude. El pajaro lo vemos encerrado en La jaula>(1947) 57 y en su Homenaje a Mozart> (1975),donde esta presente sobre todo por su alusion al canto y a la musica. Tanto en el arte chino como en el japonés la pintura de flores y pajaros constituyen un género independiente en el que se recoge toda variedad de plantas y aves,generalmente asociadas por la estacion en la que se las representa. Son aves en libertad a través de las cuales el pintor habla de la riqueza de la naturaleza y de su maravillosa existencia a través de lo mas sencillo,dejando trasparentarse una realidad mas profunda, que es siempre la que atrae a Ramon Gaya.
Cuando en l986 realiza el Homenaje a Mei Feng> 58 cabe preguntarse que es lo que mas le atrajo de este pintor chino del siglo Xi. Mi Fu o Mi Fei (105l-1i07), que es la transcripcion oficial de los ideogramas de su nombre,gozo de gran fama en su tiempo,mas por sus trabajos teoricos y caligrafias,que por sus pinturas. De su obra pictorica original tan solo se conoce la obra titulada “Delante de la montana en primavera>,y su técnica y estilo han sido estudiados a partir de las obras de su hijo Mi Youren (lO86-1l65).En su obra Historia de la pintura aborda el quehacer de los principales artistas de épocas anteriores, junto a juicios y valoraciones personales de sus obras. Podemos apreciar en ello una labor paralela a la de Gaya, paralelismo que se acentua cuando conocemos que Mi Fei postula la utilizacion del método de copia y acercamiento a los grandes artistas como paso previo a la consecucion de un estilo propio,y la introspeccion como unico camino valido para intuir la verdad de las cosas.Sus ideas influyeron enormemente en los pintores de la dinastia Song del Sur,entre ellos,el ya citado Ma Yuan,tanto en su técnica como en la idea de convertir el acto pictorico en una experiencia espiritual. Una experiencia interior fortisima que apacigua el orgullo y deja aflorar la humildad y sencillez del espiritu creador ante una naturaleza de la que no se siente ni dominador ni dominado, sino una parte mas.Esta concepcion de la importancia de las cosas pequeias tan en consonancia con el sentir del pintor murciano le lleva incluso a pintar un ,haboku, por la gran vitalidad de la pincelada y su potencia expresiva y sugerente.No es de extrafar el interes de Gaya por estos pintores a la tinta que se han estado presentes en sus homenajes,porque ninguno de ellos era profesionalmente pintor, sino que eran pintores-letrados,o monjes-pintores,que utilizaron la pintura como un camino de expresion de su verdad interior y del conocimiento no racional de la realidad. Algo muy cercano a la postura de Gaya ante la vida y la pintura.
Por ultimo, mencionar dos obras que trabaja en 1987 y que,aunque parecen tener como fondo la misma obra de referencia,el pintor titula “Homenaje a una pintura china》 6l y Homenaje a una estampa japonesa》 62. Se trata de una pintura de paisaje a la tinta que en cuanto a estilo tanto podria ser obra china como japonesa, pues este tipo de técnica y modo de componer lleg6 a Jap6n importado de China, y durante mucho tiempo se trabaj6 reinterpretando a los grandes maestros chinos. Vacios,rios,lagos por donde faenan pequenas barcas de pescadores,montanas con cabaias de ermitanios apartados del mundo y sumergidos en el corazon de la naturaleza, son elementos recurrentes.
En 《Homenaje a una pintura china> Gaya construye su bodegón sobre una delgada linea,referencia de una estanteria que ligeramente inclinada hacia la derecha parece flotar sobre la blanca pared. Con la lamina al fondo,apoyada en el papel, coloca delante de ella una de sus tazas de porcelana de motivos chinescos, y a su izquierda,ocultando el borde de la obra un jarron de cristal transparente con agua y dos rosas,yen linea con él un cuenco de cerámica. El agua, el cristal, rara vez ausentes de sus pinturas quieren tal vez ser metafora de lo que Ramon Gaya intenta hacer con sus pinceles: ser transparencia del espiritu,del änima que habita en todas las cosas.El agua tambien en esta ocasion como presencia fundamental en los paisajes chinos,de hecho este tipo de pintura se denomina sumi-e,pintura a la tinta, o bien sansui $e$ ,es decir pintura de montaria y agua. Es una composici6n en linea que se recorta sobre el fondo del papel intentando ser probablemente una alusión a la esencialidad de este tipo de pintura.
Evidentemente hay una afinidad entre las ideas de Gaya y la pintura a la tinta, donde el agua es incluso elemento esencial de la tecnica. En ella se diluye la negrura del pigmento. El pintor murciano identifica el sentimiento con un agua escondida que el artista debe ser capaz de hacer aflorar,y teniendo como punto de partida la filosofia griega de los cuatro elementos primarios de la naturaleza: tierra,aire, fuego y agua, adjudica un elemento a cada una de las artes,asociando el agua a la pintura: “El sentimiento de la pintura,o mejor,el sentimiento que mäs tarde ha de convertirse en pintura, es eso: una especie de jugosidad encerrada, contenida en la carne de la realidad; es como una sustancia interior,invisible,pero que a los ojos del pintor verdadero, nato,parece manifestarse,ofrecerse.Se diria que el pintor puede ver, por un milagroso acto de transparencia,esa Agua escondida como un tuetano. Porque el pintor la percibe,pero la percibe hundida, fundida en el cuerpo duro y hermetico de la realidad,debajo de su hermosa corteza, latiendo, si,pero no como un corazón, no como algo sensual, sino latiendo como un alma》 63.
En 《Homenaje a una estampa japonesa>,la obra aparece mas pr6xima al espectador,y de igual manera en un segundo plano,sobre una mesa. Delante de ella y un vaso de cristal, un plato de ceramica con tres melocotones: la filosofia escondida tras lo cotidiano.Las leyendas extremo orientales hablan de los melocotones de la inmortalidad,que maduran cada mil anos,y cuyo arbol crece en los jardines del palacio de la Reina Madre del Oeste,floreciendo cada tres mil afios. iQue gran tentacion para el espectadory la pintura el anhelo de inmortalidad!
En este recorrido por los homenajes de Gaya a la pintura china y japonesa, se deduce que el pintor no solo reconoce la validez de estas tradiciones artisticas, sino que bebe en ellas como fuentes de su creaci6n.Y es durante sus anos de prolongada estancia en Mexico 64 cuando se produce este acercamiento y las referencias tacitas a estas fuentes son mas patentes: en composiciones,técnica, planteamientos, si bien sus homenajes explicitos comienzan a partir de 1972,manteniendose en la década de los ochenta y los noventa, salvo excepcion de 《La tormenta de Hiroshige>,de 1945.Cuando en 1952 viaja a Europa y pasa cerca de un afo en Paris, estas referencias,ya analizadas,estan todavia fuertemente presentes, pero a partir de 1956, fecha en la que se instala en Roma,la intensidad de la luz de Italia y los venecianos comienzan a diluirla. Coincide quizas esta presencia de lo extremo oriental en su obra con la mayor fuerza que su filosofia y sus manifestaciones artisticas han tenido en el arte contemporaneo: la gran pasi6n despertada por el zen y sus expresiones en Ia década de los cincuenta,y el nuevo redescubrimiento por generaciones mas jovenes a inicio de los ochenta,que se mantiene en la actualidad.
Resalta en sus obras la presencia de Hiroshige, no por sus brillantes colores, que tanto atrajeran a pintores como Van Gogh, sino por la cotidianidad que nos narra $y$ la originalidad de sus composiciones,ya sea captando la diagonalidad de una bulliciosa calle que se emborrona en la lejania, o el sereno mirar de un paisaje desde un interior que lo enmarca (El barrio de Surugacho>(1856), $ \mathrm { \langle E | }$ barrio de Saruwakamachi por la noche>(1856)/“Cava de Tirreno>(1952);《Peregrinaje a Torimachi entre los campos de arroz de Asakusa>(1857)/Desde el palacio Vecchio.Firenze>(1957)).La osadia de Hiroshige ha quedado sobradamente reconocida en la obra de Gaya y en sus homenajes.
Por otro lado,la técnica diluida,la utilizacion del gouache,y el dejar grandes partes del soporte sin manchar le muestran en consonancia con la técnica y los planteamientos de la pintura china y japonesa a la tinta.Pérez Sänchez dice de él: 《Espera,observa,piensa,siente... En algun momento sabrá sintetizar,con prodigioso gesto caligrafico,la significaci6n mas honda,el temblor mas verdadero,que en su trazo seguro, vibrante y casi abstracto,encierra,sin embargo,la palpitaci6n de la vida, la magia ultima de la pintura,esa pincelada que es capaz de traducir con toda su potencia, con toda su verdad transparente,lo mas intimo y ultimo de la existencia>.Evidentemente hay una consonancia de espiritu.
Xilografia y pintura a la tinta,dos expresiones artisticas de Asia Oriental sumamente diferentes pero que Ramon Gaya acepta reconociendo en ellas sin ningun tipo de rubor su validez y su aportaci6n. Sin embargo,como hemos podido comprobar, no son exclusivamente las estampas y las pinturas a la tinta lo unico que conoce,o lo unico que atrae a Ramon Gaya. Los retratos japoneses del periodo Kamakura, o las flores y pajaros de los Ming son ejemplos escogidos por él para hablar de su admiracion y reconocimiento por estas dos grandes tradiciones pictoricas,la china y la japonesa.
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