ARTE ESZENIKOEN ESKOLA TRANSFEMINISTA: ESCENARIO DE CAMBIO
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Arte Eszenikoen Eskola Transfeminista es un proyecto ambicioso y significativo que busca transformar el panorama educativo y artístico dentro de las artes escénicas, integrando principios fundamentales del transfeminismo en todos los aspectos de su estructura y funcionamiento.
Se lleva a cabo en el entorno rural con el fin de descentralizar la producción cultural de los centros hegemónicos, atendiendo a la premisa básica del derecho universal del acceso a la cultura. Nos nutrimos del valor de los cuidados y la creatividad que ofrecen estos espacios.
Está destinada a personas con experiencia o interés en adquirir conocimientos teatrales desde una pedagogía colectiva. De esta manera favorecemos el encuentro y desarrollo de redes entre personas creadoras que producen, dirigen o interpretan piezas artísticas con perspectiva transfeminista.
Creemos firmemente en la importancia de preservar y promover la diversidad cultural y lingüística. Vivimos en un territorio en el que cohabitan diferentes lenguas e idiomas originarios y lo entendemos, no sólo como un patrimonio invaluable, sino también como un vehículo potente para expresar la diversidad, y potenciar la identidad y las narrativas de cada lugar. Las circunstancias que atraviesan al equipo que sostiene el proyecto, compuesto por personas que nos expresamos en diferentes lenguas, hacen que esto no sólo sea un objetivo al que llegar sino una realidad. Es importante para nosotres promover un espacio donde poder expresarnos y crear a través de nuestras lenguas originarias. Generar estos espacios permite compartirnos y enriquecernos de nuestra diversidad y riqueza lingüística. En estos momentos la eskola presenta una oferta pedagógica en euskera, catalán y castellano con el objetivo de acoger nuevos territorios.
La Historia.
La eskola nace en 2023. La idea del proyecto y el impulso de iniciarla fue de Zahira Montalvo. Enseguida se unió Noelia Blanca, quién generó una identidad en redes sociales y el material audiovisual de la programación de la eskola. Con el apoyo de Garaion Sorgingunea, un espacio de creación en euskera liderado por mujeres y situado en el municipio de Ozaeta (Álava), sacan adelante la programación del primer curso. Esta programación ofrece cuatro módulos: $\mathrm { \Omega _ { \mathrm { \ell } } } \mathrm { m e }$ qué nos reímos? Mujeres y comicidad, $\dot { \iota } \mathrm { Q u d }$ contamos? Creación escénica a través de la voz y autobiografía, Paisaian desagertzearen: Gorputza, gorputz adierazpena inprobisazioaren alde y $\it { i N o s }$ revisamos? Teatro del sí e improvisación teatral. Las docentes fueron, Zahira Montalvo, Virginia Imaz, Silvia Albert, Ainara Gurrutxaga y Pamela Palenciano.
Ese primer año dos alumnes inscrites se unen al equipo: Zuriñe Ormaetxe, como coordinadora de la formación en euskera y encargada de las traducciones y Jenny García como encargada de la gestión econó- mica y la elaboración de proyectos para subvenciones públicas. Juntas crean Ahaltza Arte Eszenikoen Elkarte Transfeminista, la asociación que sostiene fiscalmente el proyecto, posibilita acceder a financiación pública y realizar otras actividades puntuales fuera de la programación de la eskola.
En 2024 lanzan la segunda programación compuesta por cinco mó- dulos y se amplía el territorio impartiendo el primer módulo en Cataluña. En esta ocasión la oferta está compuesta por: Hitza eta keinua, Tripak Bistan, Stand-up comedy: El arte de escribir y de interpretar un monólogo, Laboratorio de bufonería y el arte de lo grotesco, Comicidad Auténtica: clown y teatro gestual y un Laboratorio de creación. Las docentes de esta segunda etapa son Idoia Zabaleta, Amaia Bono, Marina Suarez (integrante de Tripak), Vidda Priego, Angy Amaya, Marta Sitjà, Zahira Montalvo y Ana Cavilla.
Este mismo año Ana Cavilla entra a formar parte del equipo de la eskola con el objetivo de diseñar junto a Zahira las propuestas pedagó- gicas de los próximos años.
La oferta para el curso 2025 está compuesta por cuatro nuevas propuestas: Umoreak eta tumoreak (clown eta bufoien lurraldea), La mú- sica agita a las fieras, Istoriak gorputzen y Creación de personaje y repetimos los módulos de Comicidad Auténtica: clown y teatro gestual y ¿Nos revisamos? Teatro del sí e improvisación teatral” que se impartirán en Cataluña. Las docentes son: Eneritz Artetxe, Beatriz Egizabal, Ailén Kendelman (cía. A Panadaría), Pamela Palenciano, Anne Arrugaeta, Dorleta Kortazar, Marta Sitjà, Ana Cavilla y Zahira Montalvo.
https://vimeo.com/805344372/02da2614db.
La Mirada.
El arte es una manifestación e interpretación de la actividad humana cuya finalidad no es meramente estética sino también comunicativa, proporcionando una visión del mundo.
Por lo general, las manifestaciones artísticas están atravesadas por los valores normativos de la cultura occidental, alimentando el relato hegemónico. La escena alberga una responsabilidad social para con la representación del mundo y por eso necesitamos creaciones conscientes y consecuentes con los retos estéticos y discursivos que nos plantea el presente para la deconstrucción de la mirada y de nuestras prácticas.
Ponemos la atención en el anticapitalismo, antirracismo, transfeminismo, ecologismo y anticapacitismo, buscando ampliar la mirada para mostrar la diversidad del mundo.
Entendemos que este trabajo es enorme y no tenemos todas las respuestas, tan solo aquellas que recogemos de las distintas experiencias y que están en constante revisión. Nos encontramos al principio de un camino de deconstrucción y para ello ponemos el cuerpo en espacios atravesados por estos discursos para encontrarnos en la incomodidad. Esta incomodidad es la que hace que miremos aquello que necesitamos transformar.
Nuestra identidad se construye desde discursos normativos y ponernos en estas circunstancias evidencia las prácticas que necesitamos transformar. Esto nos coloca en un lugar de vulnerabilidad desde donde es posible comenzar la deconstrucción. Para ello es necesario generar un espacio amable que nos permita ser y que posibilite el aprendizaje desde el diálogo y el encuentro respetuoso.
Encontramos en el transfeminismo una herramienta que posibilita un lugar donde se conjugan todos estos discursos.
La Pedag og ía.
Nuestro objetivo es compartir herramientas técnico-artísticas de interpretación y creación escénica para acompañar a distintas personas que se encuentren en un proceso de profesionalización dentro del sector, así como ofrecer un espacio de entrenamiento, perfeccionamiento, aprendizaje y reflexión para artistas profesionales.
La línea pedagógica que diseñamos busca integrar la perspectiva transfeminista tanto en la enseñanza como en las prácticas de las artes escénicas. No sólo porque creamos importante intervenir la mirada y ampliar los relatos, sino que además creemos necesaria esta perspectiva para que nuestras relaciones atiendan a una realidad diversa de forma democrática, cuidando las necesidades de todes.
En nuestra experiencia como pedagogas, hemos identificado ciertas estructuras de las metodologías clásicas de enseñanza que necesitamos transformar. Es necesario aplicar esta perspectiva de forma radical y que no se quede sólo en la superficie de la experiencia. El transfeminismo no es una manera de hacer sino un nuevo hacer.
Para ello nos planteamos los siguientes objetivos a la hora de diseñar nuestra propuesta formativa.
En primer lugar, creemos que los cursos regulares de largos periodos continuados no se ajustan a la realidad de nuestro presente, ya que los hacen poco accesibles debido a la exigencia económica y vital que requieren. Por ello planteamos una formación en módulos repartidos a lo largo del año. Cada módulo trabaja diferentes herramientas y existe la posibilidad de cursar uno o todos, ajustándose así a diferentes necesidades y procesos.
Los módulos están diseñados como experiencias inmersivas y de convivencia, rentabilizando las horas de formación, la inversión económica y la propia experiencia del encuentro.
En el diseño de cada módulo atendemos a los siguientes principios: La inclusividad y diversidad: Promovemos un ambiente que celebre la diversidad de identidades de género, orientaciones sexuales y experiencias. Esto implica crear espacios de horizontalidad y seguros, donde todas las voces sean escuchadas y valoradas. La descolonización del conocimiento: Planteamos cuestionar y desafiar las narrativas hegemónicas en las artes escénicas, incorporando perspectivas y prácticas de grupos históricamente marginados, incluyendo mujeres, personas trans y no binarias. La interseccionalidad: Buscamos reconocer cómo las diferentes identidades (raza, clase, género, sexualidad, capacidades, etc.) se entrelazan y afectan las experiencias de las personas en el ámbito de las artes escénicas para deconstruir nuestra mirada y nuestras prácticas. Esto implica un enfoque que considere las múltiples capas de opresión y privilegio. El encuentro: Fomentamos un espacio de colaboración y co-creación en la práctica artística, donde todes les participantes tengan voz en el proceso creativo desde sus diversos saberes y experiencias. Este encuentro se da también entre les docentes que imparten los módulos, ya que la intención es juntar a diferentes creadoras para poner en diálogo técnicas, metodologías y saberes. Esto se amplía a la experiencia de convivencia. La crítica y la reflexión: Trabajamos desde la crítica constructiva y la reflexión sobre las prácticas artísticas, pedagógicas y vitales. Esto incluye cuestionar las estructuras de poder dentro de las instituciones artísticas y educativas; así como en nuestro día a día. El activismo y el compromiso social: Integramos el activismo en la práctica artística, utilizando el arte como una herramienta para la transformación social y la visibilización de las luchas transfeministas. El empoderamiento: Fomentar un enfoque que acompañe al alumnado en el desarrollo de una voz propia, conectando con sus deseos y con sus experiencias personales y colectivas. El cuerpo performativo: Exploramos el cuerpo como un espacio de resistencia, expresión y acción. Fomentamos prácticas que desafíen las normas heteropatriarcales y que permitan a les artistas explorar y redefinir su identidad a través del movimiento, la acción y la presencia.
Estas bases pueden ayudar a construir un enfoque pedagógico que no solo forme artistas, sino que también promueva un cambio social significativo a través de las artes escénicas.
El Deseo.
El deseo se encuentra en el centro del proyecto. Nuestros deseos futuros están puestos en seguir afianzando la continuidad de la eskola. En este sentido valoramos el apoyo de las instituciones que este año han empezado a colaborar con un porcentaje del presupuesto, por lo que el precio a pagar por el alumnado queda muy reducido haciéndolo accesible para muches. Desde la asociación Ahaltza buscamos nuevas formas de colaboración y financiación para hacer el proyecto cada año más sólido.
Deseamos ampliar la oferta formativa y ampliar territorios. Poder hacer más módulos y en distintas comunidades autónomas. En estos momentos trabajamos en Euskal Herria y Cataluña con la intención de hacer la primera oferta en Andalucía para el año 2026. Para ese mismo año estamos trabajando en una línea pedagógica que contemple nuevos formatos de cursos, integrando la formación online y propuestas de nuevos modelos de encuentro.
Nuestro deseo es ser más diversas e inclusivas. Somos conscientes de que las personas trans, no binaries y racializadas en estos momentos representan un porcentaje menor en el proyecto, pero confiamos en que las líneas de trabajo que nos planteamos nos llevarán a ampliar este porcentaje. En este mismo sentido ponemos la atención en la accesibilidad de los espacios en los que desarrollamos nuestras propuestas. Estamos en la búsqueda de lugares que estén adaptados a personas con movilidad reducida y la transformación de los espacios para hacerlos accesibles.
La eskola es un proyecto en constante construcción y abierto a la colaboración con todes aquelles que se sientan interpelades por la propuesta.
Deseamos abrir un espacio para residencias de creación. Creemos que es necesario proponer espacios seguros donde el cuidado de las personas y de los procesos se encuentre en el centro, para poder crear desde una perspectiva transfeminista y ampliar así la oferta artística.
Deseamos compartir los conocimientos que adquirimos a través de la experiencia. Creemos que la difusión del conocimiento debe ser accesible. Los saberes están generados a partir del contacto con cada persona que pasa por la eskola y cada experiencia concreta nos va señalando qué caminos debemos seguir y cuáles son las herramientas más eficaces y sensibles. Nuestro objetivo es generar materiales diversos para compartir estos saberes atendiendo así al principio de divulgación democrática del conocimiento.
Arte Eszenikoen Eskola Transfeminista nace del deseo y ha sido posible gracias a cada persona que se ha acercado a poner su cuerpo y compartir sus saberes: alumnes, cocineres, equipo docente, personal de limpieza, las personas responsables de los lugares que nos acogen, técniques, público, ponentes, medios de comunicación y amigues. Entre todes hemos formado una red que deseamos seguir tejiendo.
OHOLTZA TRANSFEMINISTA IZANGO DA EDO EZ DA IZANGO!!
Noelia Blanca Ana Cavilla Jenny García
Zahira Montalvo
Zuriñe Ormaetxe.
GUERRERO, ISABEL (2023) FESTIVALIZAR EL TEATRO. UN RECORRIDO A TRAVÉS DE LA CELEBRACIÓN DE WILLIAM SHAKESPEARE. UNIVERSIDAD DE MURCIA.
Sorprende que el festival, un fenómeno tan vinculado al origen y desarrollo de los espectáculos teatrales, haya merecido tan poca atención por parte de los teóricos de la escena. Como podemos deducir de las referencias bibliográficas de este interesantísimo trabajo, no es hasta los primeros años de nuestro siglo XXI que estudiosos como Willmar Sauter, Vicky Ann Cremona o Anne Marie Autissier se han preocupado por el análisis en profundidad de lo que Isabel Guerrero define en su propuesta de partida como «metaacontecimientos» formados por una «serie de acontecimientos teatrales individuales que se presentan ante un público particular en un tiempo y lugar específicos, a menudo con un ambiente festivo que hace de ellos acontecimientos cuasi rituales.» Este esfuerzo de conceptualización refleja la naturaleza fractal del festival y permite a la autora una aproximación al mismo desde sus elementos puramente dramatúrgicos. Como si se tratara de un evento espectacular concreto, demuestra que es posible abordar su análisis desde categorías como espacio, tiempo, público y estructura. Esta perspectiva, tan sencilla como efectiva, hace de Festivalizar el teatro un ensayo accesible y perspicaz.
Es en esta línea que la primera parte del trabajo, la que propone el abordaje teórico sobre el fenómeno, anima a Guerrero hilvanar referencias clásicas de la teoría del teatro (de Artaud a Brook pasando por Brecht, Grotowski, Ubersfeld o Pavis) y descender a firmas más especializadas en el estudio de los festivales como Kennedy, Pérez Falconi o Dragan Klaic. Es una mirada multidisciplinar construida desde campos tan diversos como la antropología y la semiótica, capaz de conectar los fenómenos contemporáneos con sus antecedentes más remotos. Un viaje entre lo específico y lo general (con vuelta) que, en lo relativo al espacio, por ejemplo, va ampliando la perspectiva desde lo relativo a la ubicación concreta de las actividades teatrales de un festival a su relación con la ciudad y a su reverso espectacular (a partir del concepto de heterotopía de Foucault).
Este análisis de los elementos clave de los festivales se vuelve especialmente interesante cuando se aborda su estructura, es decir, «la agrupación de acontecimientos teatrales», su rasgo más principal. Aquí, como apunta Schoenmakers, se hace evidente la dramaturgia de los mismos, poniendo en relación las categorías anteriores de espacio y tiempo como criterios fundamentales de su programación. Asimismo, el epígrafe abre a Guerrero la posibilidad de evidenciar la creciente «disneyficación» y «McDonaldización» de este tipo de eventos, una crítica que viene muy al caso, pues define la naturaleza actual de los festivales en un contexto marcado por las dinámicas de la economía global. El impacto de esta mercantilización se hace evidente en la homogeneización de los espectáculos y también en la gentrificación de los autores, las épocas o los estilos a los que rinden homenaje, llegando a comprometer la dimensión exclusivamente artística de los mismos.
La segunda parte del trabajo, la centrada en el análisis de los festivales en torno a Shakespeare, enriquece esta visión crítica aportando un contexto histórico y geográfico. En este punto, resulta fascinante atender a la evolución del fenómeno como si se tratara de un paisaje sobre el que pueden leerse los avances, pero también las tensiones, de nuestra cultura occidental contemporánea. El impulso ilustrado y, al mismo tiempo, romántico de la primera tentativa, el Gran Jubileo de 1769 organizado por David Garrick en Stratford, ya evidencia la complicada dialéctica entre lo local, lo global y lo erudito presente desde siempre en la configuración de los festivales. ¿Es Shakespeare una figura desde la que construir y reivindicar una identidad nacional concreta? ¿Es un autor que puede y debe reinterpretarse como patrimonio universal? ¿Tienen los festivales que favorecer la preservación de un legado o ponerlo al servicio de la experimentación artística y la búsqueda de nuevos lenguajes? Al mismo tiempo, Guerrero identifica con precisión las primeras tentativas de mercantilización de la cultura (la Royal Gala de 1830, también en Stratford) que anticipan la «turistificación» explícita actual. Bajo las categorías más recientes de «festival vacacional» y «festival comunitario», la autora plantea tanto la interpretación más oficial e interesada del fenómeno como su necesaria y prometedora alternativa.
Este recorrido por la historia de los festivales —en este caso shakesperianos— incide también en la importancia que estos han desempeñado en la evolución de las políticas culturales. De las diferentes celebraciones de Stratford surge, por ejemplo, la posibilidad de una Royal Shakespeare Company que es, a su vez, el germen del Teatro Nacional británico. Este proceso sitúa al festival en un lugar muy central en la conformación de proyectos públicos o democratizadores con los que el mundo occidental intentó fortalecer su reconstrucción tras las guerras mundiales del siglo XX y que en la actualidad tienen, una vez más, que lidiar con la tentación de lo comercial en un mundo definitivamente globalizado.
Por todo lo dicho, el trabajo de Isabel Guerrero se revela como una aproximación necesaria, ambiciosa y, al mismo tiempo, clarificadora. Más allá del concreto —la excusa shakesperiana— nos permite poner en valor lo que, a todas luces, ha sido desde sus orígenes la causa y justificación del teatro: la exaltación de unos determinados valores en el contexto de una celebración festiva de carácter escénico. Y al hacerlo, además, desde las herramientas de la dramaturgia, nos brinda un marco metodológico sugerente y accesible, muy tentador para futuros investigadores.