LA BATALLA DEL MATADERO. ¿ESTÁS VIVA, ESCENA?
Llegará alguien y esgrimirá un término con su propio significado y también con su significante: no tiene mayor importancia, porque recoge lo que ese y tal vez «otros álguienes» comprenderán y desarrollarán con él. Nada ocurre mientras nadie vea el uso del término. El problema no surge con la primera idea, sino cuando cualquiera se siente disminuido o agredido por el término y su uso, o bien cuando cualquier otro lo utiliza con ese fin. En realidad estamos discutiendo de una nimiedad, ya que no he utilizado ningún término, pero posiblemente ya habrá detractores y defensores de lo que pueda decir.
Supondría un atrevimiento por mi parte ponerme a defender un tipo de creación artística, una casilla o una etiqueta, desde el punto de vista de su necesidad, o de la importancia que hará trascender dentro de las Artes Escénicas al conjunto de productos asimilados. Una postura así, tan sólo podría nacer de mis preferencias y gustos personales (que los tengo y bastante intensos) y, el mero hecho de traerlos a este espacio, dejaría sin valor la opinión que quiero exponer.
Hace unas semanas me encargaron un artículo para la Universidad de Jacksonville, que ya ha sido publicado y que a la hora de publicarse este otro, ya se habrá publicado también en la revista que dirijo. En él tuve la oportunidad y necesidad de explayarme un poco en la justificación de un sinsentido que ha generado importantes enfrentamientos dentro del panorama de las Artes Escénicas madrileñas y españolas, a costa del nombramiento de nuevo director en los espacios de Matadero Madrid, desde la dirección del municipal Teatro Español, pero, sobre todo, por la nueva orientación en los uso a los que parece que se destinarán las conocidas Naves del Matadero, y que hoy día tampoco tenemos nada claro nadie más que quien se esté encargando de preparar su programación.
Encuentro conflictivo etiquetar y limitar las artes, de hecho, me resulta bastante agresivo, aunque comprendo la necesidad de explicar ciertas realidades y conceptos en evolución, que en el momento en que se encarcelan en un término, pierden toda libertad de crecimiento. Es algo así lo que vengo a tratar en el artículo que antes citaba titulado «Teatro al dente: ¿perdidos en la refriega de las Artes?». Haré hincapié en los signos de interrogación, antes de que alguien pueda sentirse objeto de ataque o cuestionamiento. La realidad de estos tiempos, tras unos meses de abandono y falta de norte en la Cultura de la capital, es que aguardamos a la propuesta tangible sobre lo que se prometía un cambio de timón, así que, más allá de esto, poco más podremos hablar acerca de la acción del nuevo equipo directivo (salvo que entre que se envíe este artículo y su publicación, la situación de un vuelco real y se desvele el trabajo).
Y entonces surgió el término.
Pero lo que se anunciaba en ese momento es que el espacio artístico cambiaba de nombre, para dedicarse a las Artes Vivas. Aquí surge un elemento de discordia y enfrentamiento, que lleva a polarizar bastante el debate entre quienes consideran que esto se refiere a ideas de creación más actuales vinculadas al concepto de lo posdramático, mientras que la otra parte, que agruparía a quienes tienen más conquistado el espacio escénico con formatos más «convencionales» (perdón por el término, porque no es adecuado), o incluidos en lo dramático, perderían un lugar de trabajo ya desarrollado y puesto en marcha en estos pocos años de vida de Matadero.
El término en sí mismo poco importa como tal, y en ciertas latitudes se utiliza para denominar a las acciones más arriesgadas dentro del Arte y el estudio de las mismas, mientras que en otras apenas se traduce como Artes Escénicas y engloba actuaciones en escenarios (por cierto, incluyendo a la música, la danza y cualquier otro espectáculo en vivo). Olvidemos un momento el término, para atrapar el concepto.
Si las artes escénicas han llegado a nuestros días, no es para que un patrón marque límites a su evolución, crecimiento, ni, mucho menos, a la generación de nuevos modelos artísticos. Hacer eso, no sólo sería actuar contra el concepto del Arte, en tanto que ataca a la libertad creativa, sino que rechazaría la responsabilidad sobre la generación de nuevas formas y sobre la obligación de dar a conocer a sus nuevas criaturas. Claro, el problema es que si lo nuevo mata a lo previo, un sinnúmero de profesionales pueden quedarse sin trabajo. Esto último no creo que sea el riesgo que puedan correr las Artes Escénicas a consecuencia de otros formatos «emergentes» (si después de décadas podemos hablar de emergentes). Más bien, esto último será la consecuencia de un sector maltratado que apenas nunca ha optado por la defensa colectiva.
Localizar los problemas a atajar.
Dejaré aparte también la cuestión del formato o el tipo de trabajo que se pueda desarrollar en los espacios escénicos, porque unos y otros aportan crecimiento a la Cultura. Pero si el problema nace de la ocupación física, es decir, quiénes tienen más oportunidades de trabajar, la cuestión cambia, y se convierte en una lucha de preeminencia: elija cada cual su postura.
Si hablamos de la calidad de las Artes Escénicas y su diversidad, habrá posibilidad de entendimiento, porque aunque me sugirieron la defensa de una u otra postura, me parece que el debate no se encuentra ahí: ni la pervivencia ni el crecimiento de cualquier género artístico dependerá nunca de un debate racional, más allá de la necesidad de permitir y favorecer su realidad. Creo que en eso habrá acuerdo unánime salvo leves matices, pero sí hay aspectos que deben sufrir revisión y modificación, porque aun siendo ajenos a la faceta creativa, son los que pueden determinar que esa existencia sea una posibilidad: programación/programador $@ \mathbf { s }$ , el nivel de riesgo en lo público y la implicación del colectivo creador y artístico.
La programación de espacios públicos no puede tener la misma norma ni los condicionamientos de un espacio privado, porque no pone sobre el tapete los mismos riesgos a la hora de definir sus contenidos. Creo que tenemos un claro déficit de conocimientos más profundos acerca de la realidad de la oferta escénica y, salvo cuando algunas recomendaciones puntuales conducen a la selección de propuestas diferentes, hay una clarísima tendencia a establecer corchetes donde se incluyen propuestas muy similares que hacen que el público acabe perdiendo interés por repetir experiencias o, más bien, probar a encontrar alguna nueva. Creo que esta última consecuencia bien merecería una revisión y un debate de interesad $@ \mathbf { s }$ en la cuestión. Así que, sería deseable desde mi punto de vista, contar con una buena preparación para quienes programan, además de seleccionar a quienes puedan contar con una experiencia suficientemente amplia como para ofrecernos todo un abanico de posibilidades: un teatro público bien merece invertir en este aspecto. Pero también hay que recordar que quienes programan no pueden estar limitados o atados de pies y manos, y eso es preciso reclamarlo siempre, antes de culpar indiscriminadamente.
El riesgo, que cito más arriba, no puede transferirse de lo privado a lo público, al menos no en su mayor parte ni, sobre todo, en Cultura. Lo público juega con ventaja, y debe facilitar un desarrollo puntero de la Cultura, es más: debería contar con los medios y responsables suficientes como para encabezarlo. Y esto no se traduce en acabar con un formato escénico para pasar a otro, sino en apoyar el conocimiento de todos, en favorecer que las líneas de evolución puedan fluir sin trabas. Es una cuestión que no siempre depende de cuestiones económicas, sino de generador $@ \mathbf { s }$ de desarrollo, de impulsores de ideas que no planifiquen intervenciones sin continuidad, por ejemplo, con talleres que no llevarán a nada más. En definitiva: lo que se llama un plan de trabajo, igual que los espacios y las compañías privadas tienen necesidad de su plan de empresa y su plan de trabajo para subsistir, salvo pasando lo económico a segundo plano.
Un colectivo implicado supone la cuestión principal, el meollo del asunto. Sin esa premisa, cualquier iniciativa sostenida se irá al garete, porque no será sostenible y desaparecerá. Y eso sólo depende de quienes participan de lo creativo y lo artístico, pero sin voces principales, porque esas voces sólo conducen a las líneas únicas y a los programas planos (como lo hacen en general los liderazgos). Cuestión esta que exige implicación similar para todo participante del colectivo artístico y creador.
Espacios integradores para todo.
Dicho esto, la trascendencia de los espacios públicos reside en dedicarla a todas las materias que puedan y deban estar, dentro de una línea de programación armada, coherente, sin miedo, con objetivos, participada por sus integrantes, sin exclusiones y conscientes de su realidad. En esta situación, podremos conceptualizar lo que se ofrece, sus creador $@ \mathbf { s }$ podrán mostrar sin limitaciones los trabajos y no será preciso compartimentalizar los espacios como cajas de Mondrian. Y en este sentido, creo que nadie debe hablar de destrucción de un espacio creado, sino que hay que abrir los espacios (todos) a una programación integral y plural, para que el público (todo) comencemos a salir de nuestra ignorancia y conocer la diversidad de las artes. Que podrán seguir siendo Vivas, Más Vivas o Revividas, sin molestarnos por el término, sino por las carencias.
No obstante, en el momento actual, la situación no permite elogiar lo que vendrá, porque se puede dar un tiempo para la puesta en marcha de un proyecto, lo que no se pueden dar es cien días de parón a un espacio escénico, porque son cien días de muerte, entierro, luto y olvido. La pelea está, como siempre, en la necesidad de exigir el todo para tod $@ \mathbf { s }$ , no pelearse por los restos una parte.
Julio Castro Jiménez