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# 新現代主義建築[编辑]

紐約雲杉街8號
多倫多市阿德萊迪灣大廈起先在1980年採用現代建築設計，後來2009年完成時的轉變即是一例，大廈修改變成為後現代主義的風格
**新現代建築**是一種從20世紀末期到21世紀初的建築風格，最早在1965年有出現的蹤跡。新現代建築透過新的簡約而平民化的設計而對後現代建築的複雜建築結構作出折衷主義的回應。可以說是介於現代主義和後現代主義中間的微小地帶。。

「新現代建築」這個名詞有時亦被用於汎指21世紀後建造的所有建築。

大致上21世紀後建築界设计上有两条发展的主脉络，其中一条是后现代主义建築的探索，另外一条则是对现代主义建築的重新研究和发展，它们基本是并行发展的。第二條路的发展就被称为“新现代主义”，或者“新现代”设计。虽有不少设计師在70年代认为现代主义已经穷途末路，认为国际主义风格充满了与时代和當地文化不适应的成份，因此必须利用各种历史的、装饰的风格进行修正，从而引发了后现代主义运动，但有一些设计師却依然坚持现代主义的传统，完全依照现代主义的基本设计，他们根据新需要给现代主义加入了新的简单形式變化其象征意义，但从总体来说他们可以说是现代主义继续升級发展的后代。

这种依然以理性主义、功能主义、减少主义方式进行设计的新現代建筑家，虽然人数不多但影响力依然存在。

* 位於瑞士蘇黎世的新現代主義建築。
* 台灣中鋼總部
* 阿德萊迪灣大廈
* 紐哈芬市KofL總部

### 引用

### 来源

书籍
* Dirk Meyhöfer. *Kein Abschied von der Moderne. Architekten und ihre Visionen*. Hamburg. 2000. ISBN 3-88506-293-3 （德语）.
* Alexander Tzonis; Liane Lefaivre. *Architektur in Europa seit 1968*. Frankfurt nad Menem-Nowy Jork. 1992. ISBN 3-593-34708-3 （德语）.

## 參看

* 新現代主義 - 現代主義建築 - 簡約主義
* 新城市運動
* 再現代主義
* 反概念藝術（Stuckism）

* Neomodern group manifesto
* Remodernist Manifesto （页面存档备份，存于互联网档案馆）
# 關係美學

**關係美學**（英語：**relational aesthetics**）又被稱作**關係藝術**（英語：**relational art**），是美術實踐上所呈現的一種模式或者趨勢，最早發現並提出者為法國藝術評論家尼可拉·布西歐。布希歐認為關係美學並非獨立的私人空間，而在理論或者實踐上從整體人類關係和社會背景發展的藝術實踐模式。這時藝術家應當被視為呈現關係美學的「催化劑」，而非整個藝術概念的中心。
# 反觀念主義

| 反觀念主義 Stuckism International |
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|  |
| 成立時間 | 1999年8月3日​（1999-08-03） |
| 類型 | 艺术运动 |
| 地址 | * 全球
 |
| 會員 | 233個團體 |
| 網站 | stuckism.com |

**反觀念主義**（英語：Stuckism），是一種對觀念藝術的反思，強調以人物或實際描繪物品為主的藝術創作，是新現代主義藝術的一支。反觀念藝術起始於1999年，其重點在於重新檢視「觀念藝術」，從而找出今日藝術發展的路向。

## 歷史

反觀念主義是由 Billy Chidish 和 Charles Thomson 創建於1999年的國際藝術運動，該運動鼓吹以具象繪畫作為對抗概念藝術的手段。直至2012年七月為止，十三個英國藝術家組成的原始團體已經擴張到52國的233個團體。

## 圖庫

* Paul\_Harvey作品
* 反觀念主義畫展的海報
* 反觀念主義畫廊

## 參考
# 非裔美國人藝術[编辑]

非裔美國人藝術是對美國黑人社區的視覺藝術的廣義描述。由各種各樣的文化傳統影響, 包括那些非洲、歐洲和美洲, 傳統非裔美國人藝術形式包括造型藝術的範圍, 從藤藍編織, 瓦器和縫製對木雕和繪畫。

## 歷史

最早期的非裔美國人藝術家是奴隸工匠。例如陶瓷工、鐵匠、傢具工、縫紉工匠(quilters)、藤藍工匠和銀器工匠。許多奴隸從非洲到達了美國成為熟練的工匠, 工作跟非洲那些很相似。其他人以學徒身分學會了他們的貿易或工藝後都成為非洲或白種熟練工人。他們都是奴隸主人慣常聘用熟練的工匠。得到大師的同意, 一些奴隸工匠能保留薪水被獲得在他們的自由時間。因此能夠存足夠的金錢購買他們自己和他們的家庭的自由。

G.W. Hobbs, 威廉森遜, 羅伯特・M. 小德格拉斯、帕特里克・亨利原因、約書亞・約翰遜, 和Scipio Moorhead 是在最早期的知道的畫像藝術家之中, 從1773-1887 的期間。當時美國沒有學校會讓在一位非裔美國人藝術家學習繪畫, 一些白種人家庭只好光顧一些私營教授。

內戰後，非裔美國人藝術得到越來越受人認同。

哈林文藝復興是非裔美國人藝術的最著名的運動。

* 非裔美國人文學
* 非裔美國人音樂

Sylvester, Melvin R. 視覺藝術中的非裔美國人: 歷史視點. 美國紐約長島大學. Retreived January 23, 2005.
# 古埃及艺术[编辑]

镀金木雕泰伊王后，约前1390年
木雕特写Kaaper，第四或第五古王國時期，薩卡拉，约前2500年
Sarenput二世之墓
提雅王后(?)，约前1352-前1336年。沙岩制。纽约布鲁克林博物馆
娜芙蒂蒂
**古埃及艺术**包括约公元前3000年至公元30年之间古埃及文明所创作的绘画、雕塑、建筑等艺术作品。现存的艺术作品大多是从陵墓和遗迹中发掘而来。

## 绘画

壁画妮菲塔莉
某些陵墓、神庙、宫殿内部的墙上留有绘画。好的石灰岩墙面可以直接作画，而石头墙面则用石灰粉刷，更粗糙的话用粗泥石膏打底后再刷上石膏底料后作画。颜料主要选自矿物，可以抵挡强烈的日晒不褪色。古埃及人未采用濕壁畫（在湿的石膏上作画），而是在干石膏上作画。而使用何种粘合剂尚不清楚，可能是鸡蛋。绘制完毕后，涂上清漆或是树脂用来作保护层，加之当地气候极其干燥，使得许多画作至今依旧保存完好。这些画作的目的是希望给死者带来舒适的来世。

在新王國時期及之后的时期，死者之书和人一起埋葬，它用来介绍人的来世。

古埃及绘画同时展示人或动物的正视图和侧视图。例如头是侧视图而身体则是正视图。使用的颜色主要有红、蓝、绿、金、黑、黄。

## 雕塑

那尔迈调色板复制品，前3100年
孟卡拉和他的妻子，旧王国第四王朝，前2490年–前2472年
古埃及神庙的纪念性雕塑举世闻名，另一方面精美小作品的数量则更多。古埃及人使用了浮雕技术，使得雕塑在日光照射形成的阴影下轮廓清晰。雕塑有一个特色，就是人的站立姿势是双脚前后站着，这对雕塑的力量和平衡性起到了很好的作用,另一种常见的姿势则是坐着。

常出现在雕塑中的古埃及法老被认为是神，其他神则不怎么常出现在大型雕塑中，而是在绘画中出现得比较多。如阿布辛拜勒神廟外的四尊拉美西斯二世雕像很有名。绝大多数雕塑都是在埃及神廟或陵墓中得以幸存的，大量的雕像以神、法老及他们的皇后的模样建造。狮身人面像是一个非常早期的作品，之后再也没有类似的作品。

早期墓中还有一些奴隶、动物、建筑、船等小型模型，目的也是希望给死者带来舒适的来世,但是这些木雕都因腐烂而丢失了，有些则是可能被当作燃料使用掉。比较贵重的雕塑采用雪花石膏做材料，而最普通的则是用木头。

一位老人的雕像，可能是第25王朝
* 木质陵墓模型，第十一王朝，高级行政官在数牛
* 图坦卡蒙的黄金面具，埃及第十八王朝，埃及博物館
* 年轻的门农约前1250年，大英博物馆
* 凹雕，鳄鱼神索貝克
* 中间为在青金岩柱上的俄西里斯，左为荷鲁斯，右为伊西斯，第二十二王朝，卢浮宫
* The ka statue，埃及博物館
* 团块雕像Pa-Ankh-Ra
* 阿蒙霍特普三世
* 皇后Ankhnes-meryre二世和她的儿子，前2200年，布鲁克林博物馆

## 陶器与玻璃

微缩版古埃及玻璃器皿
古埃及彩陶是用二氧化硅（石英）、石灰
、天然碳酸钠制作，成本低廉，五颜六色，十分精美。古埃及玻璃历史则可以追溯到很久，起初是奢侈品，后来才变得普遍。装香水或其它液体的罐子常用玻璃装饰，这些在陪葬品中很常见。

新王国时期的陶器，前1400年
## 建筑

古埃及建筑材料使用经过日晒或窑烧的砖、砂岩、石灰石、花岗岩。石头的接合需要精心计算，因为没有泥或灰浆。建造金字塔时使用了斜坡。

* Smith, R.R.R., *Hellenistic Sculpture, a handbook*, Thames & Hudson, 1991, ISBN 0500202494
* Smith, W. Stevenson, and Simpson, William Kelly. *The Art and Architecture of Ancient Egypt*, 3rd edn. 1998, Yale University Press (Penguin/Yale History of Art), ISBN 0300077475
# 秋田蘭畫

| 日語寫法 |
| --- |
| 日語原文 | 秋田蘭画 |
| 假名 | あきたらんが |
| 平文式罗马字 | akitaranga |

《東叡山不忍池》，小田野直武，1770年代，秋田縣立近代美術館藏
**秋田蘭畫**，是指日本江戶時代的繪畫類型之一。此派主要的畫家是久保田藩（也稱秋田藩）的藩主及藩士，也被稱為**秋田派**。此派畫作揉合了西洋畫的構圖技法及日本傳統的畫材，是一種日西合壁的繪畫。

此派的誕生是在安永年間（1772年－1781年）於久保田藩成立，但由於無後繼者，在天明年間（1781年－1789年）即已廢亡。但是，這個畫派極端的透視法對後世的浮世繪有很大的影響。代表性的畫家有小田野直武（1750年－1780年）、藩主佐竹曙山（1748年－1785年）及佐竹義躬（1749年－1800年）。而將秋田蘭畫發揚光大的推手是與小田野直武同鄉的日本畫家平福百穗。他在1930年（昭和5年），在名為《日本洋畫曙光》（日語：日本洋画曙光）的大型版畫集中介紹了秋田蘭畫。此外，由於百穗同時也是阿羅羅木派的歌人，他也做了兩首短歌來歌詠秋田蘭畫。

## 參考文獻

* 《画集秋田蘭画》，武塙林太郎，秋田魁新報社，1989年7月，ISBN 4-87-020070-8
* 《蘭学の興隆と秋田蘭画》，《日本美術館》叢書，児島薫，小學館，1997年10月，ISBN 4-09-699701-3
* 〈南蘋派と秋田蘭画〉，成澤勝嗣，秋田市立千秋美術館『秋田蘭画とその時代展』，2007年9月
* 〈秋田蘭画の写実表現〉，松尾ゆか，秋田市立千秋美術館『秋田蘭画とその時代展』，2007年9月
* 《秋田蘭画》，太田桃介，《秋田大百科事典》，秋田魁新報社編，1981年9月，ISBN 4-87-020007-4
* 《江戸のなかの近代―秋田蘭画と『解体新書』》，高階秀爾監修，武塙林太郎、養老孟司、芳賀徹著，筑摩書房，1996年12月，ISBN 4-48-085729-X
# 日本藝術

歌川廣重的浮世繪
**日本藝術**歷史悠久，可以追溯至西元前1000年。日本藝術範圍相當廣泛，從古代的陶器、雕刻到現代的漫畫及動畫都涵蓋其中。

## 历史

日本傳統的表演藝術有歌舞伎、能劇、狂言、文樂、漫才、落語等。能是一種日本獨有的古典歌舞劇，演員須帶著面具（能面）表演。歌舞伎起源於戰國時代末期，演員必須是男性，是比能更大眾化的藝術。文樂又名人形凈琉璃，是一種木偶戲。

日本繪畫有單色畫和雙色畫之分。浮世繪是日本畫中最廣為人知的一種，對西方的印象派產生了不小的影響。日本漆器工藝在世界享負盛名，「Japan」一字除瞭解作「日本」，亦為漆器之意。日本漆器的特色是以金銀作為裝飾花紋，即所謂的「蒔繪」，以金、銀屑嵌貼於漆液中，乾後推光處理，表現出極盡華貴的金銀色澤，有時並以螺鈿、銀絲、沈金嵌出花紋花鳥草蟲或吉祥圖案，具有極高的藝術價值。

花道、茶道和香道都是伴隨著佛教進入日本的，現在已在日本紮根，成為了日本藝術的重要組成部分。

* The Art of Bonsai Project （页面存档备份，存于互联网档案馆）

* The Vision and Art of Shinjo Ito （页面存档备份，存于互联网档案馆）: Sculptures, calligraphy, photographs of a buddhist Great Master (Grand Acharya)
* *Japanese Prints* （页面存档备份，存于互联网档案馆） by John Gould Fletcher
* Tokyo National Museum: Photographs from Japan Collection. Comprehensive collection from all periods.
# 浮繪

**浮繪**（日語：浮絵），為採用明顯西方透視法的浮世繪作品，是浮世繪的繪畫類別之一。浮繪的創始者為浮世繪初期畫家奧村政信。

## 主題

早期浮繪多以室內空間為主題，此期浮繪尚未純熟地使用透視技法，常藉由室內空間的梁柱強調透視法中的「原線」與「變線」，以加強透視的感覺。歌川派始祖歌川豐春(歌川豊春）將西洋透視法應用得更為純熟，並將浮繪用於室外風景描摹，拓展了浮繪的主題。

## 觀賞方式

初期浮繪作品應直接以肉眼欣賞，待歌川豐春與北尾政美等人創作浮繪時，才導入以窺視機關觀看浮繪的新感官體驗。

## 起源

「浮繪」的起源仍未有定論，目前推測可能受到「蘭學」或「洋風蘇州版畫」的影響。

### 蘭學的影響

1720年，德川吉宗放寬鎖國禁令，開放基督宗教以外的西洋書籍進入日本；元文與寬保時期，青木昆陽和野呂元丈等人與荷蘭人對談交流。此外，享保時代起，荷蘭的繪畫越發受到日本人的歡迎，故有一說為此時期的奧村政信透過西方傳入的書畫習得透視技法，進而創作出浮繪。

### 洋風蘇州版畫的影響

更多學者認為，浮繪的出現應是受到十八世紀左右傳入的西洋風「蘇州版畫」影響，當時這些採用顯著線透視法的版畫，經由長崎傳入江戶，對江戶的浮世繪畫家造成衝擊。

蘇州版畫又稱「姑蘇版」，是蘇州一帶創作的木版畫。而導入透視法的的蘇州版畫，約莫出現於雍正乾隆年間。現存的史料支持這些蘇州版畫經由貿易傳入日本的可能性。中國自施琅攻克台灣後，對外貿易日益開放。1684年，康熙皇帝廢止順治皇帝遷界令，並發布展海令。1685年，台灣蔗糖赴日銷售，中日兩國正式展開貿易。相對於中國的日趨開放，日本對外貿易則日益限縮。德川幕府在1633年下達第一次鎖國令；自1641年起，僅中國與荷蘭兩個國家可以進行貿易；1685年下達「貞享令」限縮中日兩國交易金額；1689年設置唐館；1715年下達「正德新令」限制唐船。儘管如此，當時南京船與寧波船依然占據主要的通船限額。江南一帶對日貿易一直是中日貿易的主流，也增加蘇州版畫藉由江南與長崎密切的貿易往來而傳入日本的可能。

此外，「版畫」的確是中日貿易的品項之一，中日分別留有相關史料佐證。根據永積洋子所編《唐船輸入品數量一覽1637～1833》，1681年至1816年有版畫運往日本的紀錄。1754年9月27日更明確記載二十六番南京船運版畫往日本。李衛在雍正六年（1728年）十一月三日和同年十二月十一日的奏摺中，紀錄蘇州商人李昌謀將蘇州版畫〈慶祝萬壽圖〉、〈西湖春夏秋冬四季〉、〈城隍山迎會景象之圖〉等帶往日本。而李昌謀在正德享保年間亦有多次至日本貿易的紀錄。

永積洋子紀錄中的版畫，多半為將軍和奉行們的預訂。然而，不只是將軍和奉行們，平民階層也有可能接觸到蘇州版畫。江戶的蘭學家森島中良的剪貼簿《惜字帖》中，就收藏了五件尺幅偏小的蘇州桃花塢版畫，有可能是蘇州版畫商舖的廣告。。

#### 直接證據

奧村政信的〈唐人館之圖〉（現收藏於廣島海の見える杜美術館）與蘇州版畫〈蓮池亭遊戲圖〉在室內空間的構圖多有雷同之處。奧村政信可能在反芻蘇州版畫的西方視角後，保留相同的構圖技法，並帶入日本主題，創造出浮繪。

## 浮繪畫家與作品列表

### 奧村政信

* 〈芝居狂言浮繪根元〉
* 〈芝居狂言舞台顏見世大浮繪〉
* 〈見兩國橋夕涼〉
* 〈新吉原大門口仲之町〉
* 〈浮繪三夕三服對〉
* 〈駿河町越後屋吳服店大浮繪〉

### 西村重長

* 〈新吉原月見之座舖〉

### 羽川藤永

* 〈朝鮮通信史來朝圖〉

### 歌川豐春

* 〈浮繪芝居小屋之圖〉
* 〈浮繪駿河町吳服屋圖〉
* 〈阿蘭陀雪見圖〉
* 〈浮繪阿曼尼亞珍藥物集之圖〉
* 〈浮繪紅毛FURANNKAINO湊萬里鐘響圖〉
* 〈阿蘭陀FURANNSUKANO伽藍之圖〉

### 北尾政美

* 〈東都兩國橋夕涼圖〉

### 葛飾北齋

* 〈江都兩國橋夕涼花火之圖〉
* 〈東都歌舞伎大芝居之圖〉
* 〈風流浮繪勝天之圖〉
* 〈東叡山中堂之圖〉
* 〈金龍山二王門之圖〉
* 〈新版浮繪浦島龍宮入之圖〉

## 參考資料

* 维基共享资源上的相關多媒體資源：浮繪
# 薩珊藝術[编辑]

沙阿狩獵的場景，是薩珊王朝金屬製品中最典型的藝術主題之一
**薩珊藝術**（هنر ساسانیان）在公元3世紀至7世紀期間於薩珊王朝統治下產生，一直持續到大約公元651年波斯被穆斯林征服為止。公元224年，當最後一任帕提亞帝國國王阿爾達班四世被薩珊王朝創始者阿爾達希爾一世擊敗後，歷任薩珊王朝君主持續統治伊朗、伊拉克的大部分土地長達四百多年的時間，有時黎凡特、安納托利亞的大部分地區，以及埃及和阿拉伯半島的部分地區也被納入薩珊王朝的疆域。薩珊王朝可說是開啟了伊朗和美索不達米亞的新紀元，就許多方面而論，薩珊王朝明顯立基於阿契美尼德帝國傳統的基礎上進一步發展，當時的藝術作品亦是如此，除此之外，薩珊藝術也受到中國以及地中海地區藝術的部分影響。

薩珊王朝倖存至今的藝術作品，以建築、浮雕和金屬製品為大宗，其他尚有在當時大量生產的繪畫作品也留存了下來。岩石浮雕的留存數量遠遠超過石膏浮雕，今日薩珊時期的石膏浮雕僅有部分碎片倖存。雖然薩珊藝術的獨立式雕塑比起帕提亞藝術要少得多，但沙普爾一世巨像卻是個獨特的例外，該雕像是由生長在洞穴中的天然石筍雕刻而成，在相關歷史文獻中提到另有其他國王的巨大雕像，但現今已消失無蹤。時至今日，部分建造於薩珊王朝時期的重要岩石浮雕，以及包括大型主題場景在內，帕提亞建築中重要的粉饰灰泥傳統裝飾皆得以延續下來。

倖存的薩珊王朝藝術大多描繪宮廷和騎士的場景，其風格宏偉而壯麗，反映出東羅馬帝國使節所記錄下薩珊宮廷令人目眩神迷的奢華生活。薩珊統治者的形像在許多現存的作品中，占據相當大的比重，儘管沒有一件像沙普爾一世巨像那麼龐大。打獵和戰鬥的場景，以及穿著輕便的舞女和藝人特別受到歡迎。而儘管帕提亞藝術在構圖上，更為偏愛正面視圖的表現形式，但薩珊藝術的敘事表現形式特點，則通常以側面或四分之三視圖來顯示人物，正面視圖出現的次數較低。

## 圖集

* 描繪阿爾達希爾一世從阿胡拉·馬茲達手中接過王權之冠的薩珊岩石浮雕
* 約鑄造於公元300年－500年間的鍍金銀容器，瓶上的女舞者可能是祆教酒神的宗教形像，或是希臘酒神狄俄倪索斯的崇拜者
* 製作於公元5或6世紀的粉飾灰泥浮雕，題材為象徵不朽的生命之樹以及兩隻相對的野山羊，浮雕曾經塗有色彩現已不存
* 比沙普爾的馬賽克拼貼，描繪的是一名正在演奏角豎琴的音樂家

## 註釋

## 參考資料

* Canepa, Matthew P., "Topographies of Power, Theorizing the Visual, Spatial and Ritual Contexts of Rock Reliefs in Ancient Iran", in Harmanşah (2014), google books
* Cotterell, Arthur (ed), *The Penguin Encyclopedia of Classical Civilizations*, 1993, Penguin, ISBN 0670826995
* Kurt Erdmann: *The Art of Iran in the Time of the Sassanids*. Berlin 1943, 1969
* G. Reza Garosi: *The Colossal Statue of Shapur I in the style of Sasanian Sculpture*. Verlag Philipp von Zabern, Mainz 2009, ISBN 978-3-8053-4112-7
* Roman Ghirshman:  *Iran. Parthian and Sassanid*. Munich 1962 (orig. London 1962)
* Harper, P.O., "History of Art in Iran, v. Sasanian" （页面存档备份，存于互联网档案馆）, 1986–2011, *Encyclopedia Iranica*
* Prudence Oliver Harper: *In search of a cultural identity: monuments and artifacts of the Sasanian Near East, 3rd to 7th century A.D.* New York 2006
* Herrmann, G, and Curtis, V.S., "Sasanian Rock Reliefs", *Encyclopaedia Iranica*, 2002, Online text （页面存档备份，存于互联网档案馆）
* Keall, Edward J., "Bīšāpūr" （页面存档备份，存于互联网档案馆）, 1989, *Encyclopedia Iranica*
* Luschey, Heinz, "Bisotun ii. Archeology", *Encyclopaedia Iranica*, 2013, Online text （页面存档备份，存于互联网档案馆）
# 熱帶主義運動

**熱帶主義運動**（葡萄牙語：Tropicália / Tropicalismo ），是1960年代晚期興於巴西的文藝運動，雖然包含戲劇、詩歌、音樂等藝術形式，但以音樂為主的文藝運動。最初，熱帶主義運動融合巴西音樂、非洲節奏樂、搖滾樂等不同類型音樂。

熱帶主義運動受巴西的圖象詩影響甚多。圖像詩是一種巴西前衛詩歌文體，代表作家包括Noigandres詩歌小組的奧古斯托(Augusto de Campos)與阿羅多(Haroldo de Campos)，以及 Décio Pignatari。

## 歷史

### 食人宣言

熱帶主義（Tropicália）一詞，取自奧蒂西卡(Hélio Oiticica)的同名裝置藝術。食人文化（葡萄牙語：antropofagia）是熱帶主義運動中重要的文化建構母題，指各文化間的同類相食（cannibalism），即融合不同藝術類型來創造出獨特的新類型。食人文化，詩人安得拉德（Oswald de Andrade） 在1928年出版的《食人宣言》（葡萄牙語：*Manifesto Antropófago*；英語：*Cannibal Manifesto* ）中提出，1960年代的熱帶主義運動家們進一步推廣。

透過奧蒂西卡、Emerson Adriano Catarina、莉吉亞·克拉克(Lygia Clark)、Rogério Duprat、Antonio Dias 等藝術家之手，熱帶主義在巴西60年代的視覺藝術場域也佔有一席之地。

### 1960年代巴西音樂

卡耶塔諾·費洛索是熱帶主義運動的代表音樂家。1967年10月21日，第三屆大眾音樂節。
熱帶主義汲取了嬉皮運動中的包容與開放，於1960年代開始影響巴西的音樂界。運動早期是由著名音樂人卡耶塔諾·費洛索（Caetano Veloso）和吉巴托·吉爾（Gilberto Gil）主導，兩人以及其他參與運動的樂手，時常以不同於傳統的曲式來創作。1968年，多名樂手共同製作的唱片《热带主义：面包和马戏》（*Tropicália: ou Panis et Circencis*） ，是熱帶主義運動的音樂宣言，而政治上，這張唱片表達了對巴西1964年政變的反抗心理。1964年政變之後，政治意味濃厚的歌詞及激進的藝術形態成了熱帶主義運動前進的推手，與同時期的巴西新電影運動（Cinema Novo）一同為社會發聲。

熱帶主義運動的推展雖然成功，卻只維持了短暫幾年，但其對巴西音樂的影響卻極為深遠。運動起初的推手卡耶塔諾·費洛索和吉巴托·吉爾，因作品充滿政治意涵而遭到巴西軍政府逮捕，兩人雖然在兩個月後獲釋，卻被迫流亡倫敦，直到1972年為止。但有些參與運動的人卻沒有那麼幸運，有的被施以酷刑，有的則被迫接受「心理照護」，歌詞創作者及詩人Torquato Neto 即在接受處置後自殺身亡。而儘管費洛索和吉爾在外流亡了4年，最終得以返回巴西繼續他們的音樂生涯。

熱帶主義運動雖然只持續了幾年，但20年之後，當巴西民主政府於1985年再度執政時，運動也獲得了該得的尊敬。1993年，耶塔諾·費洛索和吉巴托·吉爾共同發行了一張唱片《熱帶主義2》（Tropicália 2），以紀念熱帶主義運動25年的歷史及其在巴西的重要性，同時也回顧了他們當年所從事的諸多實驗性藝術活動。事實上，在運動開展後多年，世界各地的音樂家還是以熱帶主義運動及其先鋒作為音樂創新的靈感源頭。

### 21世紀

如今熱帶主義及相關的樂手已越來越受歡迎，也有許多搖滾樂手聲稱自己受到熱帶主義影響。

2002年卡耶塔諾·費洛索出版了《Tropical Truth: A Story of Music and Revolution in Brazil》，記錄並回顧熱帶主義運動。1999年發行的唱片《Tropicália Essentials》，收入了巴托·吉爾, 卡耶塔諾·費洛索, Gal Costa, Tom Zé，以及 Os Mutantes 的音樂，介紹了熱帶主義音樂的風格。其他的合輯還包括：《Tropicalia: Millennium》 (1999), 《Tropicalia: Gold》 (2002),《Novo Millennium: Tropicalia》 (2005)，以及《Tropicalia: A Brazilian Revolution In Sound》(2006)。

## 參考文獻

* 葡萄牙熱帶主義
* 異域風情
* 森巴
# 抽象藝術[编辑]

**抽象藝術**一般被理解為一種不描述自然世界的藝術，反而透過形狀和顏色以主觀方式來表達。20世紀初期，抽象藝術主要是指表達自然世界的藝術，譬如立體主義和未來派藝術。雖然奪取某事它不變的內在質量而不是由仿效它的外在表現。

抽象派被定義為沒有比喻現實參考的藝術。更廣闊的定義是以簡化但又可以保留原始自然的方式來描述真實題材。祖安·米羅的抽象畫是這個更寬的定義一個好例子。

抽象藝術，特別是由抽象繪畫是現代藝術中一個非常突出的現象，他完全打破了藝術原來強調主題寫實再現的局限，把藝術基本要素，進行抽象的組合，創造出抽象的形式，因而突破了藝術必須具有可以辨認形象的籓籬，開創了藝術新的發展天地。

## 歷史

抽象藝術不是20世紀才出现的。猶太教和伊斯蘭教未允許對人的描繪，但結果開發了高標準的裝飾藝術。書法也是非比喻的藝術形式。在攝影未普及的時候，有些藝術家譬如詹姆斯·麥克尼·惠斯勒已經很重視視覺多於對物件的描繪。惠斯勒堅信藝術要跟顏色和諧協調，正如音樂要跟聲音和諧協調。惠斯勒的畫“黑與金的小夜曲－下跌的火箭”(1874)標誌著邁向抽象藝術的重要一步。最新藝術家譬如康定斯基爭辯說現代科學應付了動態力量，顯露事情藏在字內的最後精神。藝術應該在視覺世界之後顯示精神力量。1911年，康定斯基、馬列維奇、宮察洛娃、拉里歐諾夫的作品被認為是第一批完全的抽象畫。[1]

構成主義(1915)是把立體雕塑和建築抽象化的行動。構成主義者相信藝術家的工作是革命活動，使用機器生產和圖表和攝影通信方式表達人民的志向。一些美國抽象表現主義是純淨地抽象的和包括: 巴尼特·紐曼，馬克·羅斯科和羅伯特·馬瑟韋爾。歐普藝術(1962)及簡約主義(1965)[2]成了現代的成語。抽象藝術家的作品看似單獨個體而不是運動的一部分。Sean・Scully、約翰・McLaughlin、Callum Innes、羅伯特·純然和Yuko Shiraishi是當代的抽象畫家。

## 參考書目

1. **^** Compton, Susan. The World Backwards: Russian Futurist Books 1912-16. The British Library. 1978. ISBN 0714103969.
2. **^** Stangos, Nikos (editor). Concepts of Modern Art. Thames and Hudson. revised 1981. ISBN 0500201862.  请检查`|date=`中的日期值 (帮助)
3. **^** Gooding, Mel. Abstract Art (Movements in Modern Art series). Tate Publishing. 2001. ISBN 1854373021.

* 幾何抽象
* 抒情抽象
* 構成主義
* 現代藝術博物館
* 抽象表現主義
* 抽象知識
* 中國油畫
# 反艺术[编辑]

1961年由意大利艺术家皮耶罗·曼佐尼创作的艺术品《艺术家之粪》。它由90个罐头组成, 据说每个罐头里装满了30克粪便。他的一位朋友恩里科·巴伊说这些罐头是“对艺术界、艺术家和艺术批评的挑衅行为”。
**反艺术**（英語：anti-art）是一个宽泛的术语，用来指各种拒绝艺术定义或更一般地质疑艺术本身的概念和想法。反艺术在某种程度上是自相矛盾的，因为其倾向于从艺术的角度进行这种质疑和拒绝。这一概念与达达主义有关，通常认为是马塞尔·杜尚于1914年左右最早使用的，当时他正开始制作其现成物艺术。反艺术一开始用来形容革命性的艺术形式，后来则被1960年代的概念艺术家们用来描述那些声称完全退出艺术创作、不再出售作品的人的作品。

反艺术的表达可能采用传统形式、符合普遍的艺术品定义标准，也可能不采用传统形式或不符合普遍艺术标准。反艺术作品可能表示完全反对使用传统标准来判断什么是艺术、什么不是艺术，或者只将批评集中在传统艺术标准的某些方面，例如艺术市场或高雅艺术。一些反艺术作品可能反对艺术中的个人主义，而另一些可能拒绝艺术的“普遍性”。此外，某些形式的反艺术完全不承认艺术，或拒绝承认艺术是一个单独的领域或专业。反艺术作品也可能因为认为艺术压迫一部分人群而反对艺术。

反艺术的艺术作品可能反对把艺术与生活分离的普遍看法，或者提出“艺术”是否真正存在的问题。“反艺术”被认为是一个“自相矛盾的新词”，因为它与艺术的明显对立其实与20世纪艺术或“现代艺术”的主要内容一致，特别是那些有意识地试图超越传统的艺术运动。然而，反艺术本身并不是一场艺术运动。它延续的时间就可以说明这一点，它比通常的艺术运动跨越更长的时间。不过，有一些艺术运动确实被贴上了“反艺术”的标签。达达主义就通常被认为是第一个反艺术运动；据说“反艺术”一词本身是由达达主义者马塞尔·杜尚在1914年左右创造的，他的现成物被认为是反艺术物品的早期实例。 狄奥多·阿多诺在其1970年《美学理论》（*Aesthetic Theory*）一书中指出“……即使废除艺术也是对艺术的尊重，因为它认真对待艺术所宣称的真相”。

反艺术已被艺术界普遍接受为艺术，尽管有些人仍然拒绝将杜尚的现成品视为艺术，例如“反反艺术”（anti-anti-art）的反概念主义艺术家。

## 形式

马塞尔·杜尚的作品《喷泉》（1917年），由阿尔弗雷德·斯蒂格利茨拍摄。
反艺术可以采取艺术形式，也可以不采取艺术形式。有人认为，反艺术并不必须采用艺术的形式以展现其反艺术功能。不过这一点存在争议。一些作为艺术的反艺术形式试图通过扩展艺术边界来揭示艺术的传统局限。

一些反艺术的例子是对艺术基本构成要素的简化，包括单色画、空画框、沉默音乐和随机艺术。反艺术也经常利用高度创新的材料和技术，包括视觉艺术中从未使用过的元素。这一类型的反艺术可以是现成物艺术、异轨艺术、融合绘画、挪用、偶发艺术、行为艺术和身体艺术等。

反艺术可能涉及对艺术创作的完全舍弃。这可以通过艺术罢工或者革命行动主义来实现。反艺术的目的可能是淡化个人创造力的影响，比如使用现成物。还可以在艺术创作中使用工业生产过程以进一步减少个人创造力的介入。反艺术家也会通过匿名创作作品来淡化个人因素。他们可能会拒绝展示他们的作品，或者拒绝公众承认。反艺术家可能会选择集体工作，以减少对个体身份的强调，比如偶发艺术。“超时间”（supertemporal）艺术品有时就是这种情况，这些艺术品被设计成是暂时的。反艺术家有时还会破坏他们自己的艺术作品。一些反艺术家创作的艺术品是故意创造出来的用来销毁的，例如自毁艺术。

安德烈·马尔罗发展了一种与上述完全不同的反艺术概念。对于马尔罗来说，反艺术始于19世纪的“沙龙”（Salon）或“学院派”（Academic）艺术，它拒绝了艺术的基本启图，转而支持半摄影的幻觉（通常经过美化）。谈到学院派绘画，马尔罗写道：“所有真正的画家，所有认为绘画有价值的人，都对这些画作感到恶心，比如《一位伟大的外科医生手术时的肖像》之类的画作。因为他们在其中看到的不是一种绘画形式，而是对绘画的否定。”对于马尔罗来说，反艺术仍然与我们同在，尽管现在有着不同的形式。它的后代是商业电影和电视、流行音乐和小说。马尔罗写道，“沙龙艺术已被排除在绘画之外，但它仍在其他地方有着至高无上的地位”。
# 俄罗斯芭蕾舞团[编辑]

| Ballets Russes |
| --- |
| 基本信息 |
| 成立 | 1909 |
| 關閉 | 1929 |
| 藝人 |
| 艺术总监 | 谢尔盖·狄亚基列夫 |

1911年巴黎演出海报，上面的人物是瓦斯拉夫·尼金斯基
**俄罗斯芭蕾舞团**（法語：Ballets Russes 法語：[balɛ ʁys]）是1909年由谢尔盖·狄亚基列夫创立于巴黎的一个芭蕾舞团，1909年至1929年间在欧洲及南北美巡回演出。虽然叫做“俄罗斯芭蕾舞团”，但实际上它从来都没有在苏俄演出过。它是20世纪最有影响力的芭蕾舞团之一，斯特拉文斯基、德彪西、普罗科菲耶夫和莫里斯·拉威尔都曾为它写作作品。

狄亚基列夫在1929年去世，芭蕾舞团欠下大量债务，加上大萧条爆发，舞团解散。1931年瓦西里·德·巴兹尔（Wassily de Basil）和雷内·布鲁姆（René Blum，蒙特卡洛歌剧院的芭蕾指导）成立了蒙特卡洛俄罗斯芭蕾舞团（Ballets Russes de Monte-Carlo，后来的Ballet Russe de Monte-Carlo），1932年首演。两人后来产生矛盾，巴兹尔自己又创办了巴兹尔上校俄罗斯芭蕾舞团（Ballets Russes de Colonel W. de Basil，后来的Original Ballet Russe）。两家舞团分别在1968年和1947年倒闭。

## 委託創作

受俄羅斯芭蕾舞團的委託而特別寫作的作品包括：

* 拉威爾《達夫尼與克羅伊》，1912年
* 史特拉汶斯基《火鳥》、《彼得鲁什卡》、《春之祭》

## 參考資料

* Gosudarstvennyĭ russkiĭ muzeĭ; Foundation for International Arts and Education; Joslyn Art Museum; Frederick R. Weisman Art Museum; Princeton University Art Museum. Mir iskusstva: Russia's Age of Elegance. St. Petersburg, Russia; Omaha, NE; Minneapolis, MN; Princeton, NJ: Palace Editions. 2005. ISBN 9780967845135. OCLC 60593691.
* Anderson, Jack. Ballet and Modern Dance: A Concise History. New Jersey: Princeton Book Company. 1992.
* Garafola, Lynn. The Ballet Russe and its World. New Haven, CT: Yale University Press. 1999.
* Garafola, Lynn. Diaghilev's Ballets Russes. New York: Da Capo Press. 1998.
* Purvis, Alston. The Ballets Russes and the Art of Design. New York: The Monacelli Press. 2009.

* The History of Diaghilev's Ballets Russes 1909–1929（页面存档备份，存于互联网档案馆）
* Ballet Russe Cultural Partnership website（页面存档备份，存于互联网档案馆）
* Pathé newsreel extract of *Les Sylphides* by Ballets Russes（页面存档备份，存于互联网档案馆）
* Ballets Russes de Serge Diaghilev at the Library of Congress（页面存档备份，存于互联网档案馆）:
* Ballets Russes, 1928, concert program, Library of Congress（页面存档备份，存于互联网档案馆）
# 凯尔特艺术[编辑]

一个来自不列颠岛的铜镜。时间大约在公元前50年至公元50年
**凯尔特艺术**泛指那些由凱爾特人創作，以及那些尚未被明確定義為凱爾特人，卻有著相同藝術風格的藝術類型。（凱爾特人通常指的是，從史前時期到中古時期在歐洲說著凱爾特語的民族。）

由於凱爾特藝術涵蓋了非常長的一段時期、地理位置、和文化，因此它是個非常難以定義的詞彙。在歐洲，凱爾特藝術的雛形最早可追溯到青銅時期，甚至可到更早的石器時代，並且在歷史發展的一路上呈現出此藝術的延續性。不過，考古學家在使用「凱爾特」這個詞彙時，通常專指從西元前1000年的歐洲鐵器時代，到羅馬帝國達到疆界頂峰的這段時間。而藝術歷史學家在提到「凱爾特藝術」時，通常指的是從拉坦諾文化（西元前五世紀到前一世紀）開始到西元150年的不列顛。早期凱爾特藝術也往往會用來指稱這段時期。

在英語世界中，提到「凱爾特藝術」時，浮現在眾人腦海中的，通常是在不列顛和愛爾蘭的早期中世紀，創作出《凱爾經》等其他大師藝術作品的這段時期。這些在不列顛和愛爾蘭發生的藝術風格又往往因此被稱之作「島嶼藝術」。這是大多數人對於早期中世紀的凱爾特文化的認識。這雖屬可信，但仍須納入蘇格蘭的皮克特藝術才完整。

兩種風格都受到來在外來文化的影響，但在象徵主題的造型上仍保有獨特的幾何式裝飾性風格。當這些主題出現時，通常會極具特色和裝飾。纏繞圓、三曲枝圖、螺旋型式是最具代表性的特色。許多留存至今的物件大多以貴金屬製成，這些藝術品因此難以作為具有代表性的藝術全貌。此外，除了皮克特石碑和高十字之外，大型的紀念雕像也非常罕有。少數現今能找到的男性人物雕像，包括赫希蘭登戰士和所謂的格勞伯格領主，應該在木製雕刻品中會更常見。

此外，凱爾特藝術一詞也包括了自18世紀到現代，以「凱爾特復興」為題的視覺藝術。這場運動起源於現代凱爾特人（大多在不列顛群島）作為表達自我認同和愛國主義的運動。此「凱爾特復興」運動甚至在凱爾特民族外也廣為流行，迄今各類藝術仍常見凱爾特藝術的風格，例如凱爾特十字的墓碑、纏繞紋紋身。

通常而言，凱爾特藝術是裝飾性的，它們往往避開直線，而且很偶爾才會使用對稱風格。它們也沒有如同古典藝術對於描繪自然的核心傳統，而是涉及了複雜的象徵意義。凱爾特藝術通常使用：繩結、螺旋、鑰匙型、裝飾性字母、動物、植物和人類的型態。如同考古學家凱瑟琳・約翰斯（Catherine Johns）曾稱讚凱爾特藝術如下：「凱爾特藝術通常在圖案的佈局和發展中具有一種精妙的平衡感。曲線的形式將整體格局設計出正負兩造的空間，這個空間最終形成一個和諧的整體。在紋理和浮雕的設計上精細卻又掌握得宜，設計了非常複雜的曲線圖案，以精確地覆蓋最棘手和不規則表面的部分。」

## 参考资料
# 民間藝術

挪威民間藝術——樂斯梅林
**民間藝術**是藝術的一種。指的是與特定文化脈絡或社區密切關聯，受到傳統方法或原則引導而產出的藝術與手工藝術，包含繪畫、陶瓷、織品、雕塑與其他藝術形式。意義與手工藝有點接近，但比較偏向於純樸簡實的方向。從民間的意思來看，民間藝術意謂了升斗小民們日常生活中所做的創作。因此，鄉下大嬸的剪纸畫，鄰家大叔替小孩兒雕塑的小牛，街頭吸引小孩的拉洋片，都是此藝術類別的範圍。

**民間藝術**同時也可以稱為**民間美術**，但民間藝術的範圍較廣。美術這個字較為狹窄，著重在物品的發展。所以打陀螺的技巧可算是民間藝術，但陀螺本身的裝飾，形狀等，就算是民間美術之一

一般來說，**民間藝術**不同於「素人藝術」，即未經正式訓練的藝術家所創作的，但不一定與特定文化社區有黏著關係。該詞彙通常也不同於「非主流藝術」，該藝術特別迴避正統訓練的主線思想而進行創作或收藏。

與民間藝術相對的，是以傳統正規藝術教育承傳下來的方式創作的藝術作品，亦可稱之為正規藝術或主流藝術。

## 參看

* 民間歌謠
* 民間音樂
* 民藝

永隆民間藝術 （页面存档备份，存于互联网档案馆）
# 风俗画[编辑]

由十九世紀意大利畫家安东尼奥·罗塔所繪的布面油画《女孩和葡萄》
**風俗畫**，泛指以社會風情、民間習俗等日常生活為主題的繪畫。此類繪畫為人物畫的一種，繪畫手法上強調紀實性，內容則包羅萬象，常取材自風土民情、歷史事件、歲時節令、民間習俗、生產買賣、醫藥病理等等市井社會生活樣貌。

風俗畫題材多樣，有以歷史事件呈現為主者、以娛樂休閒為題材者、以床笫交合為題材者、以生產活動為主者、以歲時節令為主題者，還有集合各點而成者。

Antonio Rotta, *Il caso senza speranza*, 1871

* 現實主義
# 犹太文化[编辑]

**猶太文化**或可定義為由猶太族群所創造（及主導運作）並專屬該族群的文化。 猶太教本身不是基於信仰的宗教，而是與行為和實踐有關的「正教」（英語：Orthopraxy，宗教研究用語）。 猶太文化涵蓋許多方面，包括宗教和世界觀、文學、電影、建築、美食、傳統服飾、對性別的態度、婚姻和家庭、社會習俗和生活方式、音樂和舞蹈等。 猶太文化的一些元素來自猶太教內部，另一些來自猶太人與居住地人口的互動，還有一些來自（猶太）社群內部的社會和文化動態。 在 18 世紀之前，宗教幾乎主導了猶太人生活的每個層面，並融入其文化中。 自世俗化現象出現以來，完全世俗的猶太文化同樣開始出現。

## 世俗的犹太文化

世俗的犹太文化包括若干相关现象，它是全世界犹太民族的一种世俗文化。根据摩西·门德尔松的理论，在19世纪早期，犹太人的国际群体就开始被视为一种民族宗教群体，而非只是一个宗教群体。犹太教在实践和信仰上指引它的拥护者，所以它不仅仅只是一个宗教，而应为一种正统体系。因此很难将犹太人所产生的文化与属于犹太人的文化分开。而且并不是个人或者所有文化现象都可以按照欧洲启蒙运动被分为世俗或是宗教的，对于非阿什肯納茲猶太人来说这更是十分陌生。

## 参考资料
# 素人藝術

素人藝術的例子：亨利·盧梭的作品《猛獅就食》（*The Repast of the Lion*，1907年左右）
**素人藝術**（法語：art naïf）也稱為**質樸藝術**、**樸素派**、**稚拙艺术**、**樸素藝術**，指未經過正式訓練，通常是自學的，非專業藝術家或藝師所創作的藝術。常用來指稱創作於十九到二十世紀歐洲與北美洲的這類物件。這種藝術通常不同於「非主流藝術（outsider art）」，其中包含有較為誇張的精神錯亂狀態圖畫，以及特別迴避正統訓練的主線思想而進行創作或收藏。這種藝術通常也有別於根據特定文化傳統所創作出來的「民間藝術（folk art）」。

## 註腳
# 非主流藝術[编辑]

**非主流藝術**，又称**边缘艺术**（英語：outsider art）、**原生艺术**（法語：Art brut，發音：[aʁ bʁyt]），指的是以刻意迴避正統訓練的主線思想而進行創作或收藏。這個概念一般指的是符合让·杜布菲所描述的理想，他主張藝術應該是具創造力的，非遵循舊規的，未經加工的，自然流露的，隔絕於所有社會與文化影響之外，「未經雕琢的」，沒有考慮到名或利，基於自主靈感創作出來，完全對立於傳統的或正式的有關藝術活動的刻板印象。杜布菲追求的作品，一如精神病患與其他被囚禁隔離者的作品。這類藝術一般有別於未經正式訓練的藝術家所創作的「素人藝術（naive art）」，其創作原則未必符合上述條件。這類藝術通常也有別於根據特定文化的原則與傳統所創作的「民間藝術（folk art）」。
# 肖像[编辑]

伊莉莎白·維傑·勒布倫自畫像
**肖像**是一种表現人類形象並以真實描繪為目的之藝術，在攝影技術出現前，肖像都是繪畫而成，稱為肖像畫，東亞很早就已經有肖像畫，譬如中國歷朝歷代都有很多描繪君主御容的肖像。肖像通常是作為或慎終追遠、緬懷先賢等宗教用途的容像。西方的肖像畫发展自文艺复兴时期，通常是作為人面輪廓美感藝術欣賞的用途。

清聖祖御容

随着摄影技术的发展，肖像也进入了摄影领域。其主体内容通常是单个的人物画像，通常大頭照形式的肖像照都以脸部為表现的焦点，对五官进行细致刻画。全身或肖像照中的人物通常正襟危坐，並沒有太多姿勢或動作。

## 肖像崇拜

在政治方面，君主、國父、民族英雄或國家領導人的肖像常常被用來作為代表國家的象徵符號。在大多數的國家，國家元首的玉照會出現在各大重要的政府、教育或軍事機關禮堂（如美國總統官方肖像、法國總統官方肖像），比方孫中山、列寧、斯大林、希特勒、墨索里尼、佛朗哥、蔣中正、毛澤東、金日成與金正日、胡志明、霍查、尼亞佐夫、拉丁美洲考迪羅、凱末爾、真納、霍梅尼及阿塞德等人，有觀點認為若過度使用領導人肖像是形塑該國家領導人權威的個人崇拜色彩。此外，比如在中華民國，歷任總統（現任：賴清德）的玉照都會被展示在總統府的官方網站 （页面存档备份，存于互联网档案馆），以供民眾一觀總統容貌。

宗教界會印製大量宗教領袖或該宗教中的聖人之像，如基督教中的聖徒，佛教中一些歷史上出現過的覺者，道教、儒教、以及東亞民間信仰中的先賢及人物神肖像以供信徒膜拜。

演藝界、體育界方面也發展出明星偶像崇拜的風潮，不少粉絲會瘋狂搜集明星的寫真肖像。
# 视觉陷阱

矮拱顶上绘制的视觉陷阱湿壁画，耶稣会教堂，维也纳，奥地利，Andrea Pozzo1703年绘制
**视觉陷阱**（法語：Trompe-l'œil，法語發音：[tʁɔ̃p lœj] ）是一种作画技巧，使二维的画给人以极度真实的三维空间的感觉。

这名詞起源于巴洛克时期，但此技法在文藝復興時期即廣泛的被畫家應用。

## 绘画中视觉陷阱的例子

* 《加尔都西会士肖像》，彼得魯斯·克里斯蒂於1446年绘畫。留意底端的苍蝇。
* 雅各布·德巴爾巴里，1504年繪，這是第一幅采用了视觉陷阱技法的静物画。
# 阿里斯蒂德·马约尔[编辑]

| 阿里斯蒂德·马约尔 |
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| 出生 | 1861年12月8日  滨海巴纽尔斯  |
| 逝世 | 1944年9月27日  （82歲） |
| 母校 | * 国立高等美术学院
* 克拉羅西學院
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| 职业 | 雕塑家、畫家、石版画家、蚀刻家、版畫家、素描家  |
| 签名 |
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《夜晚》，1920年，斯图加特
**阿里斯蒂德·马约尔** （Aristide Joseph Bonaventure Maillol，1861年12月8日—1944年9月27日）是法国雕塑家和画家。

## 生平

马约尔出生于法国西南部东比利牛斯省边境沿海的班雨勒镇，1881年前往巴黎学习艺术，1885年进入美术学校，师从于卡巴内尔和杰洛姆学习，他早期的绘画明显受到夏凡纳和高更的影响。

高更鼓励他从事装饰艺术，他参与了织花挂毯的设计。1893年，他在班雨勒镇开办了一个织花挂毯厂，在法国造成很大的影响。1895年开始，他创造了一些小泥塑，开始从事雕塑并放弃了设计织花挂毯工作。

他在83岁高龄在家乡班雨勒镇，因在雷雨天发生车祸而逝世。在巴黎有收藏他作品的一个博物馆，他的故居也已经开辟成一个博物馆。

## 作品

他重要的作品包括1912年为塞尚设计的纪念碑，以及一系列纪念第一次世界大战的纪念碑。他的雕塑作品大部分是以女人人体作为主题的，稳重、成熟并有古典主义艺术的痕迹，是古典主义和现代摩尔的抽象雕塑之间乘前启后的过渡时期最重要的雕塑家。

* Solomon R. Guggenheim Museum, “Aristide Maillol, 1861-1944”, New York, Solomon R. Guggenheim Foundation, 1975.

* 20世纪雕塑大师 （页面存档备份，存于互联网档案馆）
* 马约尔博物馆网站
# 路易斯·穆尼奥斯·马林

**何塞·路易斯·阿尔韦托·穆尼奥斯·马林**（西班牙語：José Luis Alberto Muñoz Marín；1898年2月18日—1980年4月30日），通稱**路易斯·穆尼奥斯·马林**（西班牙語：**Luis Muñoz Marín**），波多黎各政治人物，诗人，记者。1949年1月至1965年1月，担任波多黎各总督，为波多黎各立宪后首任总督。波多黎各主要机场之一路易斯·穆尼奥斯·马林国际机场即以其命名。

| 官衔
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| 前任： **赫苏斯·T·皮涅罗（美国政府任命，非民选）** | **波多黎各总督** 1949–65
 | 繼任： **罗贝托·桑切斯·比莱利亚** |
# 印度的去工业化

1757年—1947年，英国殖民势力主导了**印度的去工业化**（英語：De-industrialisation of India），据统计印度制造业产值在世界制造业产出中的占比从1750年24.5%下降到1947年的仅2.4%，与之相对英国等西方国家通过印度的去工业化将印度改造为了原材料产地和商品倾销地，并以此攫取了大量财富和利益反哺自身，进而占据了世界制造业的主导地位。

印度的去工业化进程始于英国东印度公司的统治，1757年至1858年间东印度公司统治下，英国通过贸易保护措施限制印度商品在英国管辖区域内（包括英属印度）的销售，并且以豁免关税和配额的手段促进英国工业制成品在印度的销售。至19世纪，英国取代印度成为世界上最大的纺织品制造国，而印度则在1858年彻底成为了英国的殖民地，直至1947年印度独立。

印度的去工业化既有内因也有外因。随着18世纪统治印度的莫卧儿帝国衰弱，印度社会整体动荡，粮食供应出现危机，对纺织业及其上游的棉花种植业造成冲击，制造业成本因此飙升。英国的乘虚而入更是令印度脆弱的纺织业雪上加霜。英国对印度棉料向国内纺织业出口大开绿灯，但对殖民地的棉纺织业主征收不公平的关税并克以重税。印度成为英国产棉纱和布料的主要市场之一，并成为英国谷物的主要供应国之一；与1800年相比，20世纪棉花价格下降了三分之一以上。

英国对印度最大的工业投资在于遍及全次大陆的铁路系统，然而这一系统主要用于输出印度的资源，并没有起到促进工业发展的作用。英国通过行政手段限制了印度工业技术发展，以铁路机车为例子，印度从1870年开始自主研发机车技术，然而到了1912年英国殖民当局禁止印度自行生成铁路机车，印度在这项技术上不得不仰赖于英国等西方国家。

* 去工业化

## 参考资料
# 1830年至1922年的英国铁路运输史[编辑]

**1830年至1922年的英国铁路运输史**，旨在讲述在1830年至1922年的英国的铁路运输历史及主要事件。

## 19世纪30年代

* 随着1825年世界上第一条动力机车线路的开通，英国各地开始大兴土木建设铁路。主要有利兹曼彻斯特铁路（L&MR）（因纺织业发展需要），Leeds and Selby Railway（采矿业发展需要），London and Birmingham(L&BR)（超乎预期的旅行人数）。

* 虽然一项议会的法案允许铁路公司强制购买通行权，但一些强势的地主反对穿过他们的土地修建铁路。一些地主要求缴纳过多的费用，因此这些早起的铁路线路并不总是最优的。此外，因为普遍认为火车速度不会超过30英里每小时，铁轨往往尽量避免陡峭的斜坡，而多一些弯曲的路线不是一个大的问题。可正是这些弯路，使得英国铁路在一个世纪后开始实验摆式列车。

## 铁道狂时代

* 尽管政府鼓励发展铁路干线来刺激经济和为运输军队提供便利，但每一条线路在法律上必须得到一个单独的议会法案的授权。尽管一些企业家看好城际铁路网，但那些较短的目的明确的线路更容易找到投资者，因为可以预期到快速的投资回报。

* 所有的铁路都是在商业利益的驱使下建造的。1836年之前建造的铁路都支付很高的股息，以促使财团来投资。到了1845年，有超过1000个项目被提了出来。这导致了一个投机狂潮，他们都符合一个共同的模式：随着铁路股的价格上涨，越来越多的投机资金流入，直到价格崩溃不可避免的到来。在1846年的顶峰时，有272个关于成立铁路公司的议案得到通过。和大多数股市泡沫不一样的是，所有这些投资的结果都是有形的资产——英国铁路系统的巨大扩张，尽管投资成本可能是虚高的。当政府开始介入并且宣布结束存积的方案，铁道狂时代走到了尽头。

## 政府参与

* 尽管每条铁路的建造都要求获得议会法案的通过，政府对它们的建造和运营还是采取放任自由的主义。1840年的铁路管制法案，表明政府开始关注铁路安全事务。法案授予商务部以任命铁路调查局的权利。早在1844年，一项建议国家购买铁路的草案就被提出，后来未被采用。但它因为松宁（Sonning）事故，引入了建造三级车型的最低标准。
* 在一战期间，这个铁路网由政府控制，并且许多合并和规划的优势显现出来。然而，1921年战时的保守党联合政府顶住了将铁路正式国有化的呼声。

## 伦敦

* 到19世纪50年代，许多蒸汽动力线路已经延伸到了伦敦市区（比现在小得多）。但这些线路却不被允许通过拆除足够多的物业而贯穿伦敦城或伦敦西区，因此乘客只好在帕丁頓、帕丁頓站、尤斯頓站、國王十字站、芬喬奇街站、查令十字站、滑鐵盧站或維多利亞站等其他車站下车，然后自己通过计程车或步行到市中心，因此大大增加了城市的堵塞。于是便在地下修建了城市铁路来连接这些分离的铁路终点站。线路于1863年开通，这就是后来的伦敦地铁的第一条线路。Marylebone被Bakerloo Line连接了起来，然而Fenchurch Street从来没有被连接到这个系统中，直到今天仍然是个特例。

## 早期的成功

* 早期铁路在财务上的成功只是一个现象，因为他们没有受到实质性的竞争。道路交通仍然非常慢并且条件很差。因为运输成本的降低，铁路沿线城市的燃料和食品价格下降了。考虑到当时较弱的引擎和刹车的需要，线路的设计采用了缓慢的坡度和弧度，这就有利于当速度提升的时候，避免在大多数地方重新勘察线路。利物浦线开通不到20年内，从伦敦坐火车到苏格兰就已成为可能，所需时间只是先前公路的几分之一。
* 到1923年，英格兰大约有9条重要线路而苏格兰有5条。此外还有很多小公司，例如威尔斯铁路和许多南威尔士线；英格兰的Furness和Hull and Barnsley 铁路；以及很多更短的线路。下面关于每个大公司的简短的注释说明了在1923年的大整合时期，他们怎样扩张并达到所预期的重要地位。在大整合时期，为数不多的所有的铁路被吞并了。

Categomslslry:1920年代英国