Rikunarita-ORG/Wikinium huggingface dataset:
# Mürekkep

Çeşitli mürekkepler, Almanya
Yazıcı mürekkebi
Şişe içinde bir miktar mürekkep
**Mürekkep** çeşitli renklendirici ya da boyalar kullanılarak üretilmiş akışkan bir maddedir. Fırça ya da kalem yardımıyla bir yüzeyi boyamak ya da yazı yazmak için kullanılır. Genellikle demir, sülfat ve az miktarda asit karışımından oluşan açık mavi veya siyah bir çözelti olan mürekkep, bu haliyle soluk göründüğünden içine toz halinde anilin esaslı boya katılmaktadır.

Mürekkeplerin ilk örnekleri günümüzden 4.500 yıl öncesinde Çin'de icat edildiği sanılan siyah renkli yazı mürekkepleridir. Bu mürekkepler için çeşitli maddeler ile birlikte yakılmasıyla elde edilirdi. İlk mürekkep fabrikasını 1818 yılında Fransız matbaacısı Pierre Lorilleux kurdu.

## Türleri

Dolma kalem ile çizilmiş büyütülmüş çizgi.
Mürekkebin formülü farklılık gösterse de genellikle dört bileşen içermektedir:

* Renklendiriciler
* Katkı maddeleri
* Araçları (bağlayıcılar)
* Taşıyıcı maddeler

Mürekkep genellikle dört sınıfa ayrılır:

* Sulu
* Likitli
* Tutkallı
* Tozlu

## Yazma amaçlı mürekkep

Mürekkepler içlerine boya maddesi katılıp katılmamasına göre birbirinden ayrılır. Dolmakalemlerde kullanılan mürekkebin içine boya karıştırılmaz çünkü boya dolmakalemin ucunu tıkayabilir. Yazı mürekkeplerinin büyük çoğunluğu meşe mazısından elde edilen asitler ile içinde demir bulunan kimyasal maddelerin karıştırılması ile elde edilir. Siyah görünümde olan bu mürekkebin rengi, başka kimyasallarla açılabilir.

Kâğıt üzerine geçirilmiş mürekkep, zaman geçtikçe her koşulda koyulaşır. Bu mürekkep ile yazılmış belgelerin yaşını saptamada araştırmacıların sıkça başvurduğu bir yöntemidir.

İçlerinde boya maddesi bulunan mürekkepler ise "tükenmez kalem" olarak anılan kalemlerde kullanılır. İçlerine su da katılmayan bu tip mürekkepler, dolmakalemlerdekilerin aksine oldukça koyulardır. Keçeli kalemlerde kullanılan boya-katkılı mürekkeplerde ise kurumayı önlemek için alkol kullanılır.Bazılarında ise yaklasık %5 kadar cıva vardır.Mürekkep heterojen bir maddedir.
Gizli mürekkep olarak adlandırılan mürekkep çeşitleri özel ve gizli iletiler için kullanılır. Normal koşullarda görünmez olan bu mürekkepler ile yazılan yazılar, ancak ortam elverişli hâle getirildiği takdirde görünür hâle geçer. Yazılı olduğu kâğıdın uygun biçimde ısıtılması ile bu mürekkepler maviye dönebilir. Görünmez mürekkep olarak kullanılabilecek alternatif malzemeler, limon suyu, soğan suyu ve süttür. Bu maddeler ile yazılan yazılar ısıtıldığında üzerindeki yazılar kahverengiye döner.

## Baskı amaçlı mürekkep

Günümüzde en çok kullanılan mürekkep türü baskı mürekkebi ya da matbaa mürekkebidir. Kitap, gazeteler, dergiler, paketler, kutular, paralar, pullar, afiş ve broşürler üzerinde bulunan yazı ve resimlerin hemen hepsi bu mürekkepler ile hazırlanmıştır.

Bu tür baskı işlemlerinde, mürekkebin kuruma hızı çok önemlidir. Basım makinelerinde kullanılan mürekkep kâğıt üzerine geçtikten sonra havadaki oksijeni soğurarak kurur. Kuruma işlemini daha çabuklaştırmak için mürekkebin içine kobalt, kurşun ve manganez bileşikleri atılabilir.

## Kaynakça
# Suluboya

Van Gogh'un suluboya bir resmi.
**Suluboya** ya da **suluboya resim**, bir boya türünü ve resim tekniğini anlatan terim. Sulu boya çeşitlerinde pigmentler su-bazlı bir solüsyon içerisinde bulunur. Suluboya resim tekniğinde ise ıslatılmış fırça bir palette boya ile karıştırılır ve kâğıt ya da başka bir yüzey üzerinde uygulanır. Açık ve koyu tonlar, fırça az ya da çok ıslatılarak elde edilir.

## Sulu boya resimde kullanılan araç-gereçler

* Boya, kutu içerisinde kuru ve yaş olarak iki şekilde bulunur.
* Kuru boyalar, her renk ayrı ayrı kalıplara dökülmüş (tablet) biçimdedir.
* Yaş suluboyalar ise havası alınmış madeni (kurşun) tüpler içinde satılır.
* Kolay eriyen boyalar genellikle daha kalitelidir.
* Sulu boya resim, diğer tekniklere göre daha çabuk çalışmayı gerektirir.

## Kaynakça

Wikimedia Commons'ta Suluboya ile ilgili ortam dosyaları mevcuttur.
# Soyut sanat

"Süprematist Kompozisyon (mavi üçgen ve siyah dikdörtgen ile)", Kazimir Maleviç, 1915
**Soyut sanat**, genel anlamıyla doğada var olan gerçek nesneleri betimlemek yerine, biçimler ve renklerin, temsili olmayan veya öznel kullanımı ile yapılan sanata denir. Nonfigüratif sanat terimi ile değişmeli olarak kullanılır. 20. yüzyıl başında bu terim, gerçek biçimleri sadeleştirilmiş veya değiştirilmiş halleriyle imgelere indirgeyen Kübist ve Fütürist sanatı tanımlamak için de kullanılmıştır.

## Tarihçe

Temsili olmayan sanat aslında bir 20. yüzyıl icadı değildir. Musevi geleneklerinde insanların resmedilmesinin yasak olması nedeniyle bu kültürlerde süsleme sanatları önemli derecede gelişmiştir. Bunlara örnek olarak gösterilebilecek kaligrafi ve hat sanatı da nonfigüratif sanatlardır. Batı kültüründe de soyut tasarımların kökü eskilere dayanır. Bunlara rağmen, soyut sanat süsleme sanatlarından farklı olarak, dekoratif değil güzel sanatlar adı altında incelenir. Bunun nedeni soyut sanat eserinin kendi başına, sanatçının sadece eserin kendisine yoğunlaşmasıyla ortaya çıkmasıdır.

Wassily Kandinsky, doğadaki dinamik kuvvetlerle uğraşarak madde hakkında bilgimizi artıran bilimin yanında, sanatın görsel dünyanın ardındaki ruhsal güçleri göstermesi gerektiğine inanıyordu. Kandinsky ile Kazimir Malevich ilk defa tamamen soyut olarak nitelendirilebilecek resimler yapmışlardır.

Konstrüktivizm (1915) ve De Stijl (1917) soyutlamayı heykel ve mimarinin üçüncü boyutuna taşımış paralel akımlardır. 1940'lardan 60'lara süregelen Soyut dışavurumculuk ve 1960'larda yaygın olan Op-art, Minimalizm akımları da soyut sanat akımlarıdır. Günümüzde ise sanat eserlerinin genel olarak akımlardan bağımsız olarak incelenmesi yaygındır. Buna örnek olarak Gerhard Richter'in aynı dönemlerde yapıp bir arada sergilediği tamamen nonfigüratif resimler ile fotogerçekçi resimler gösterilebilir. Ayrıca günümüzde fotoğrafta da, gerçek görüntünün işlenmiş hali olması, zamandan ve mekandan koparılmaya yatkın bir mecra olması gibi sebepler dolayısıyla soyutluk kavramı karşımıza çıkabilmektedir.

## Kaynakça

## Ayrıca bakınız

* Soyutlama
* Somut sanat
* Somut şiir
* Soyut dışavurumculuk
* Aksiyon resmi
* Renk alanı resmi
* Sert kenar resmi
* Op sanatı

## Galeri

* *Siyah Kare*, Kazimir Malevich, 1924
* *The Swan no.16*, Hilma af Klint, 1915
* *Premier Disque*, Robert Delaunay, 1913

## Kaynakça

* Compton, Susan (1978). **The World Backwards: Russian Futurist Books 1912-16**. The British Library
# Art deco

Helsinki Garı, belki art deco tarzında ilk binaydı (1919).
**Art deco** Fransa kökenli sanat akımıdır. 1920'li yıllardan sonra, özellikle mimari alanında görülmüştür. Adını 1925 yılında yapılan Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (*Uluslararası Modern Dekoratif ve Sınai Sanatlar*) sergisinden almıştır. Art nouveau'nun hemen ardından gelen bu akım, ondan farklı olarak el emeğine değil, sanayiye dayalıdır. Desenleri geometriktir. Art nouveau'da olduğu gibi Gotik süsleme öğelerinden yararlanılır. 1930'lardan sonra, mimarların mimariyi süsten ayırmak istemeleri ve süslemeyi değil işlevselliği savunmalarıyla son bulmuş; fakat 1960'lı yıllarda yeniden saygı görmeye başlamıştır.

Art deco'nun ilk büyük örneğinin Eliel Saarinen'in Helsinki Garı olduğu öne sürülür. Ankara Garı, Chrysler Binası, Rockefeller Center, Empire State Binası ve Streamline, art deco'nun mimarideki en bilinen ve en görkemli eserleridir.

## Etki

### Yirminci yüzyılın ilk avangart akımları

Art Deco tek bir stil değil, farklı ve bazen birbiriyle çelişen stillerin bir koleksiyonuydu. Ödünç alınan tarzlar arasında fütürizm, Orfizm, işlevselcilikve modernizm genel olarak yer alıyordu. Kübizm, tuvalden tekstil malzemesine veya duvar kağıdına aktarıldığında Art Deco estetiğindeki dekoratif potansiyelini ortaya koyar. Sonya Delaunay giysi tasarımlarını soyut ve geometrik tarzlarda, "canlı tablolar ya da canlı formların heykelleri gibi" sunar.

### Antik ve Avrupa dışı medeniyetler

Art Deco yüzeyler birçok farklı stili ödünç almış ve kullanmıştır. Bunlar arasında Museum du Louvre, Museum of Man ve National Museum of African and Oceanian Art'da görülebilen dünyanın dört bir yanından postmodern sanat da vardı. Arkeolojiye olan ilgi de, Pompeii, Troy ve 18. Hanedan firavunu Tutankhamun'un mezarındaki kazılar nedeniyle popülerdi. Sanatçılar ve tasarımcılar motifleri birleştirdi antik Mısır'dan, Afrika, Mezopotamya, Yunanistan, Roma, Asya, Mezoamerikave Makine Çağı unsurları ile Okyanusya.

### Birinci Dünya Savaşı öncesi geçmiş

Mimaride Art Deco, Art Nouveau'nun halefi ve ona bir tepki olarak 1895-1900 yılları arasında Avrupa'da gelişen ve Avrupa ve Amerikan mimarisine hakim olan Güzel Sanatlar ve neoklasisizm ile birlikte var olan bir stildi. 1905 yılında Eugène Grasset, birkaç yıl önce Paris'te çok popüler olan Hector Guimard'ın dalgalı Art Nouveau tarzının aksine (ve ondan bir ayrılış olarak) geometrik unsurların, şekillerin, motiflerin ve bunların varyasyonlarının dekoratif yönlerini sistematik olarak incelediği Kompozisyonel Tasarım Yöntemi "Düz Çizgilerin Unsurları"nı yazdı ve yayınladı.

## Kaynakça
# Renk alanı resmi

Renk alanı resmi
**Renk alanı resmi('Color field painting'**, Clement Greenberg'ün sonradan kullandığı bir terim olarak **Geç-resimsel soyutlama, 'Post-painterly abstraction'**), 1950'lerde Mark Rothko, Barnett Newman ve Clyfford Still gibi soyut dışavurumcu ressamları tanımlamak için kullanılmıştır. Genelde kompozisyon, büyük alanların tek ve düz bir renkle kapatılmasıyla oluşturulur. Amaç, resmi duygu, mitoloji ve inançlardan arındırmaktı. 1960'larda Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland bu isimlere katılmışlardır. 1964'te Clement Greenberg'ün *Geç-resimsel soyutlama* (*Post-painterly Abstraction*) isimli bir sergi hazırlaması nedeniyle 1960 nesilindeki ressamların tarzı için geç-resimsel soyutlama terimi de kullanılmıştır.

## Renk alanı resmi sanatçıları

|  |  |
| --- | --- |
| * Edward Avedisian
* Walter Darby Bannard
* Jack Bush
* Dan Christensen
* Gene Davis
* Ronald Davis
* Richard Diebenkorn
* Thomas Downing
* Friedel Dzubas
* Paul Feeley
* Sam Francis
* Helen Frankenthaler
* Sam Gilliam
* Al Held
* Hans Hofmann
* Wolfgang Hollegha
* Thomas Kausel
 | * Ellsworth Kelly
* Ronnie Landfield
* Morris Louis
* Howard Mehring
* Robert Motherwell
* Barnett Newman
* Kenneth Noland
* Jules Olitski
* Ray Parker
* William Perehudoff
* Larry Poons
* Jamie Primrose
* Paul Reed
* Mark Rothko
* Clyfford Still
* Frank Stella
* Alma Woodsey Thomas
* Larry Zox
 |

## Kaynakça

* Tate Online
# Konstrüktivizm (sanat)

László Moholy-Nagy'nin konstrüktvizm etkisiyle oluşturduğu Işık-uzay modülatörü isimli heykeli
**Konstrüktvizm**, 1914'te Rusya'da ortaya çıkmış bir sanat akımı.

Resim, heykel ve mimari alanlarında egemen olmuş, genelde çağdaş malzemeleri kullanan ve geometrik kompozisyon anlayışını benimseyen bir tutumdur. Ekim Devrimi'yle beliren Konstrüktivizm, geçmişle tüm bağlarını koparmış, endüstriyel malzeme ve teknikleri yücelten bir biçimlendirme çabası içinde olmuştur. Sosyalist Gerçekçilik resmî tutum olarak benimsenince ortadan kalkmış, yandaşlarının bir bölümü batıya göçmüştür.

Vladimir Tatlin'in önderliğinde ilk olarak mimarlıkta ortaya çıkmışsa da bu alanda tasarımdan öteye gidememiştir, hiçbir uygulanmış örneğe sahip olmamıştır. Fakat Pravda gazetesinin yönetim merkezi olarak tasarlanan yapı başta olmak üzere, çoğu konstrüktivist tasarımlar Modern Mimarlık'ın gelişiminde etki yapmışlardır.

Resim ve heykel alanında konstrüktivizm çok daha verimlidir. Ünlü konstrüktivistler arasında Antoine Pevsner, Naum Gabo, Kazimir Maleviç, László Moholy-Nagy adları sayılabilir.
# Çağdaş sanat

"Shibboleth", Doris Salcedo, 2007, Tate Modern
**Çağdaş sanat**, 20. yüzyılın ikinci yarısında veya 21. yüzyılda üretilen sanattır. Modern sanatın aksine üretim yöntemlerine ve akımlara göre incelenmesi güç; çevre ve toplum bilincinin ağır bastığı; ağırlıklı olarak küreselleşme, çevre, biyomühendislik, teknoloji, beden, göç, çok kültürlülük, kimlik siyaseti, kültürel bellek, kurumsal eleştiri gibi konularla ilgilenen; 1960'lı veya 1970'li yıllardan (başka bir deyişle modern sanatın veya Modernist dönemin bittiği kabul edilen zamandan sonra) günümüze kadar süregelen ve bir akım veya üslup benzeri birleştirici özellikleri olmadığından genel bir deyişle *çağdaş* olarak adlandırılan sanat biçimleridir.

## Geçmişi

Bir dönem olarak çağdaş sanatın başlangıç tarihi konusunda farklı görüşler olsa da 1850'lerden 1945'e kadar süregelmiş olan modern sanatı takip ettiği kabul edilir. Bazı sanat tarihçileri bunu pop sanatının ortaya çıktığı 1960'lı yıllar ile başlatır. *Çağdaş sanat* teriminin, modernden ayrı ve kendine özgü anlamı ile yayılmaya başlaması ise 1980'lerde oldu, bu kullanım 2000'lere gelindiğinde yaygınlaştı.

Günümüzde tarihteki tüm sanat akımlarında çalışan sanatçılar olduğu gibi modern sanat akımlarına bağlı sanatçılar da vardır; bunlar genellikle çağdaş sanatçı olarak nitelendirilmezler. Bazen Modernizm sonrası sanat için *postmodern sanat* dense de Postmodernizm tarihsel bir dönemle ve estetik bir yaklaşımla ilgili olduğundan çağdaş olarak nitelendirilen tüm eserleri kapsamaz. Başka bir deyişle sanat için *çağdaş*, modernizmden sonra gelen ve şu an için postmodernizmi de içinde barındırıp bununla sınırlı kalmayan bir terimdir.

Türkiye'de, İngilizcedeki *contemporary art* teriminin karşılığı olarak çağdaş sanat terimine alternatif olarak, özellikle 1990'larda akademik eğitimle kendi bakışını koparan bir çağdaş sanat akımının ortaya çıkmasıyla *güncel sanat* terimi de kullanılmaya başlanmıştır.

## Kaynakça
# Maniyerizm

Madonna ve çocuk
**Maniyerizm** (**üslupçuluk**), yaklaşık 1520-1580 tarihleri arasında ortaya çıkmış olan gizemli ve garip bir sanat akımıdır. Rönesans'ın getirmiş olduğu yetkinliğe karşı bir çıkış olmuş, kendisinden sonra gelen üslup ve akımlara ön ayak olmuştur. Başlatıcısı ve en önemli temsilcisi Michelangelo Buonarroti'dir. Sistina Şapeli'ndeki mahşer freskleri bu resim tarzı için belirleyici olmuştur. Artık ideal görüntü yerine sanatsal niteliğin araştırıldığı, figürlerin deformasyonu ile kendini belli eder ve özgün tarzlara doğru bir adım olarak belirir. En önemli sanatçıları Tintoretto ve El Greco'dur.

Maniyerizmde her şey birbirine karışmıştır. Her şey bir devinim halindedir. Olayın net olarak anlaşılması biraz zordur. Bu hareketlilik sanatçının fırçasından kaynaklandığı gibi figürlerin uzaması ve çeşitli pozlarla resmedilişinden de kaynaklanır. Bu o döneme değin Rönesans'ın uyumlu formlarının karşısında bir hareketti. Klasik sanattan baroka geçiş olarak da bilinir. Bireysel yorumlamalar, serbest duruşlar bu üslubun önemli özelliğidir.

## Maniyerist heykel

Resimde olduğu gibi, erken İtalyan maniyerist heykelde de Rönesans'taki başarılı eserlerden sonra yeni bir tarz ve orijinallik arayışına girilmiştir. Heykel için bu başarı Michelangelo'ydu. Floransa'da, Pizza della Signoria'daki diğer yerleri doldurmak istediler, özellikle de Michelangelo'nun 'Davut' heykelinin yanını... Baccio Bandinelli *Hecules and Cacus* projesini hocasından devraldı ki bu o zamanlar şimdikinden daha popüler bir şeydi ve Benvenuto Cellini tarafından *"Bir çuval kavun"* şeklinde eleştiri aldı. Yine de kabartmalı panellerin kaide üstünde açıkça sergilenmesi uzun süreli bir etki bıraktı.
Cellini'nin *Bronze Perseus with the head of Medusa*sı önemli bir yapıttır. Sekiz açıdan tasarlanmıştır. Maniyerist karakteri ve sanatsal bir şekilde stilize edilmiş olmasıyla Michelangelo'nun ve Donatello'nun 'Davut' heykelleriyle karşılaştırılabilir.

## Kaynakça

Özel
Genel
* Turani, Adnan (Ocak 2010). *Dünya Sanat Tarihi* (genişletilmiş 14. bas.). İstanbul: Remzi Kitabevi. s. 391. ISBN 978-975-14-1374-1. OCLC 728078662.
# Op sanatı

Macar sanatçı Victor Vasarely'nin bir op art eseri.
Resim Op sanati.
**Op art**, **optik resim** olarak da bilinen 1960'ların bir resim akımıdır. Renk, çizgi gibi öğeler göz yanılsamaları yaratmak için kullanılır. Eserler genelde soyut olup, pek çok durumda siyah-beyazdır.

Lekecilik ve hareket resmine karşı gelişen Op-art, sanat yapıtını kurallarla bilimsel olarak düzenlemeye önem vermiştir. Rastlantıya dayanan içgüdüsel otomatik yazı resmi(içgüdüsel-nonfigüratif), bu anlayışın tam karşıtı olmaktadır. Op-art resimde üçüncü boyut etkisini verme eğiliminin soyut sanatta ortaya çıkan şeklidir. Bunun için geometrik biçimler ritmik biçimde düzenlenmiş ve bu biçimler üzerinde renkle model yapılmıştır. Op-art, yeni konstrüktivist, geometrik biçimleme yöntemleriyle akrabadır ve onların olanaklarından geniş olarak yararlanmıştır. Josef Albers ile Vasarely'nin temsil ettiği Op-art, optik aldatmalara dayanan çalışmalara sahiptir. Resim sanatına, aldatıcı bilimsel perspektif resmine itibar etmeyen yeni bir konstrüktivizm ve doğal olmayan yeni bir optik görüntü getirmiştir.

## Dış bağlantılar

* "Jesus Rafael Soto"3 Temmuz 2006 tarihinde Wayback Machine sitesinde arşivlendi.
* "Cruz Diez"16 Haziran 2006 tarihinde Wayback Machine sitesinde arşivlendi.
* "Youri Messen-Jaschin Op art"
* "Youri Messen-Jaschin Op art"20 Temmuz 2006 tarihinde Wayback Machine sitesinde arşivlendi.
* "Julio Le Parc"
* "Zanis Waldheims"18 Haziran 2006 tarihinde Wayback Machine sitesinde arşivlendi.

Wikimedia Commons'ta Op sanatı ile ilgili ortam dosyaları mevcuttur.
# Noktacılık

Georges Seurat'nın *La Parade* (1889) isimli eserinden bir detay, puantilist tekniği açıkça gösteriyor.
**Noktacılık** veya **puantilizm**, 19. yüzyıl sonları ve 20. yüzyıl başlarında Fransız yeni izlenimci ressamlar tarafından yaygın olarak kullanılmış bir resim tekniğidir.

Bu teknikle yapılan resimlerde, çok sayıda ufak temel renk noktası, birbiriyle karıştırılmadan bir araya getirilerek izleyicinin gözünde çeşitli ara renklerin illüzyonu oluşturulur. Puantilizm, insan gözünün, birbirine yakın duran ufak renk noktalarını birleşik görmesi esasına dayanır. Bu tekniği başarıyla kullanabilmek, renk teorisi konusunda iyi bir eğitim gerektirir. Puantilizm kelimesi ilk olarak 1880'lerde bu teknikle alay eden sanat eleştirmenleri tarafından kullanılmış olsa da, bugün küçümseme anlamı içermez.

Puantilizm tekniğini başarıyla kullanan ressamlar arasında Georges Seurat, Paul Signac, Camille Pissarro ve Henri-Edmond Cross sayılabilir.

Günümüzün televizyon ve bilgisayar ekranlarının çalışma prensibi de aslında puantilisttir, çünkü bu cihazlarda çok sayıda küçük kırmızı, yeşil ve mavi nokta bir araya getirilerek geniş bir renk paleti yaratılır.
# Pop sanatı

Andy Warhol'un "Marilyn'ler" adlı eseri bir **Pop Art** ikonu olmuştur.
**Pop art**, 1950'lerde, özellikle ABD ve İngiltere'de soyut dışavurumculuğa tepki gösteren genç sanatçıların 1960'larda bir akım haline getirdikleri sanat türüdür. İngiltere ve ABD'de değişik koşullarda ve birbirinden bağımsız olarak ortaya çıkmıştır.

Marcel Duchamp'ın 20. yüzyıl başında hazıryapım nesneleri bağlamları nedeniyle sanat eseri olarak sunmuş olması, pop sanatçılarının popüler kültür imgelerini benzer bir motivasyonla sunmalarında etkili olmuştur.

## İngiltere'de pop sanatı

Richard Hamilton'ın "Günümüz Evleri..." başlıklı kolajı 1956'da ilk Pop Art örneği kabul edilmiştir.
İngiliz pop sanatı, Richard Hamilton'ın etkili olduğu bir dönemle başlar (1953-1957); Peter Blake, Roger Coleman gibi geç resimsel soyutlama tarzına yakın eser veren sanatçılarla devam eder (1957-1961), 1960'lardan sonra figüre geri dönülür ve en sonunda pop art sanatı olur.

## ABD'de pop sanatı

Amerikan pop sanatının ilk temellerinin soyut dışavurumculuk ile popüler imgeleri birleştiren Jasper Johns ve Robert Rauschenberg tarafından atıldığı söylenebilir. Sonrasında önemli sanatçılar arasında Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg vardır. Popüler kültür imgeleri kişisellikten arındırılmış bir şekilde sunulur; örnek alınan modellerin anonim kimliklerinden çok uzaklaşılmaz.

## Türkiye'de pop sanatı

Türkiye'de pop sanatı Andy Warhol akımıyla onun adını taşıyan stili ile ilk olarak izlerini bırakmaya başlamıştır. Fakat bu çizgiye sadık kalmak kaydıyla o çizginin dışına 2000'lerden sonra genç kuşak sanatçılar çıkmayı başarmış, çoğul ve renkli görünümlerin yerine daha sade ve net tekil renkler yerini almaya başlamıştır. Bu çizgiye çıkanlar çok ender sayılabilecek sanatçılardır. Pop sanatının ülkemizdeki tekil renk temsilcilerinden biri olan Ümit Bilgen (1979) alanında bir ilke imza atmış, siyah ve beyazın uyumunu bu sanata renklerin dışında uyarlamıştır. Sanatçının eserleri çoğul renklerden ziyade daha sade ve simetrik renkler olan siyah ve beyaza dönüştürmüştür. Bu anlamda Türkiye'de renk kombinasyonlarının çokça kullanıldığı stilden siyah beyaza uyarlanması ise oldukça sıra dışıdır. Bu sıra dışılık eserlerin farklılığında ve kullanılan materyalde kendini kolayca belli eder.

## Kaynakça

* Germaner, Semra (1997): **1960 Sonrası Sanat - Akımlar, Eğilimler, Gruplar, Sanatçılar**: Kabalcı Yayınevi, İstanbul
* Akman, Kubilay (2006): Amerikan Tüketici Rüyası ve Sanatı30 Ekim 2007 tarihinde Wayback Machine sitesinde arşivlendi.

## Dış bağlantılar

* Pop Art8 Mart 2017 tarihinde Wayback Machine sitesinde arşivlendi. (solakkedi.com)
# Rokoko

Sèvres porselenleri, 1756, içinde Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, ABD)
**Rokoko**, Barok stilinden sonra sanat akımlarına verilen addır. 18. yüzyılın ortalarına doğru Barok stilinde kullanılan doğru çizgilerden meydana getirilen süslemeye karşı tepki olarak doğmuş olan barok stilin hatları gibi eğri çizgili motiflerden ibaret olup Baroktan daha ince ve şekillerin kıvrımları daha zarif bir stildir.

Barok stiline karşı tepki olarak klasik stilin yeniden ortaya çıkmasından sonra Rokoko deyimi modası geçmiş şey anlamına kullanılmıştır.

13. yüzyılda kalın malzeme inceltilmek suretiyle levhalar haline gelmiştir. İnceltilmiş olan demir malzeme Rokoko stilinde yapılmış süslü işlerde kullanılmıştır. Bu stilde malzemeyi şekillendirmede kullanılan takım izleri açık olarak bellidir. Uç kısımları boncuk baskı ile izlenerek sonradan kısaçla içe veya dışa doğru bükülmüştür. Yarmalar dövülerek, bitki yapraklarını stilize edecek şekilde yapılmıştır. Dövülerek inceltilen kesit değişmeleri bazı yerlerde geometrik şekiller meydana gelecek şekilde delinmiştir. İnceltilmiş olan kesit kurşun üzerinde bombe başlı çekiç ile çukurlaştırılarak diğer yüzde kabarıklar elde edilir.

Bel (gövde) genellikle kare veya lama (dikdörtgen) gereçten yapılır. Rokoko stilinde yapılmış işlerde, sanatçı motifin her yerini en iyi işleme gayretini göstermiştir. Rokoko stilinde çerçeve kullanılmaz. Serbestlik esası konuya hakimse de simetrik konum çıkılmamıştır.

## Dış bağlantılar

* Wikimedia Commons'ta rokoko ile ilgili çoklu ortam belgeleri bulunur
# Vücut boyama

Floresans boyayla boyanmış bir yüz
**Vücut boyama**, insan teninin boyanmasıyla icra edilen bir vücut sanatıdır. Bununla birlikte askerî kamuflaj olarak da gerçekleştirilir.

## Kaynakça
# Figüratif sanat

**Figüratif sanat** veya **Figürativizm**, doğada mevcut nesneleri betimleyen sanat eserlerini (özellikle resim ve heykelleri) tanımlamak için kullanılan sanat terimi. Soyut sanatın tersi olarak kabul edilir. Terim, soyut sanatın ortaya çıkmasından bu yana, gerçek dünyayla ilgili güçlü referanslar içeren modern sanatın herhangi bir biçimini ifade etmek için kullanılmıştır.

Figüratif sanat, örneklerinde, insan ve hayvan figürleri sık görülse de, figür resmi (insan figürünü betimleyen sanat) ile eşanlamlı değildir.

## Kaynakça