para nature
2018.11. 2 —11. 25
EUKARYOTE

Yu-ki Abe
Shinichiro Koromo
Miyu Araki
Taishi Hatayama

Introduction to “p a r anature”

S h i n Yo s h i m u r a(curatorial partner of this exhibition, art historian)para
natureTimothy Morton said, “Nature wavers in between

itself. Nature in this sense works to us throughthe divine and the material”. In relation toour ‘body’. it can be thought as a force thathuman society since the modern era, nature –opens up unknown landscapes by involving

its existence which arises regardless of humanboth humanity and the earth. Nature and us arehands – is being riven in two by its use as a

not completely either separated or unified intomere resource for manufacturing and as a target

one. There is a intimacy between humanity andof mostly religious adoration. On the one side

the earth, even if it is also full of conflict. Let us

Romanticism has pursued a unity with God

try calling this “para nature”, landscapes andwithin a sublime landscape that overpowers

things which are born from the relation between

perception, but on the other side Rationalism

nature and artificiality without one dominates

which regards natural beauty a reflection of

the other. In the side of nature, while following

human’s geometrical spirit has made materials

it, the artificial = ‘art’ invites something different

fit to purposeful forms. As a result of these twofrom the original nature, so that art will be able

trends of thoughts, can we say that we have toto change our human nature which aims at

be content with fragments of nature ordered in

the artificially complete order. There are hints

artificial urban environments (garden trees andof future symbiosis in ruined sites in a city, inplants in parks etc.), otherwise we can only desire

junk abandoned in countryside, or in our body

illusions of romantic landscapes distributed in theshocked at encounter with materials.

consumer society (calendar with seasonal photos

In this group exhibition, four artists areof sea or mountain etc.)? Morton asserts that wegathered who search visions that our outsideshould abandon the concept of ‘nature’ in orderand inside nature generates while being

to think of the real ecological symbiosis between

inspired. When we put the concept of "parahumanity and the earth.

nature" in perspective, the works of Yu-ki Abe,

However, in reality, nature has not become

Shin-ichiro Koromo, Miyu Araki, and Taishi

a needless concept. We’d like to think about

Hatayama, will show what kind of harmony,natura naturans (naturing nature), which is not

and what symbiosis will be realized in thestatic creations, but a creative flow that changes

architectural space of EUKARYOTE ?

1F

1F
“Para nature” のために吉村真
（本展企画パートナー、美術史）

ティモシー・モートンが述べたように「自然は神的なもの（divine）と物質的なもの（material）のあいだで揺れ動いている」1。近代以降の人間社会とのかかわりにおいて自然、すなわち人の手と無関係に生じる存在は、おおむね宗教的な憧憬の対象とモノづくりの単なる素材という両極に引き裂かれているということだ。たしかに十九世紀から二十世紀にかけて、一方では人間の知覚を圧倒する崇高な風景のなかで神的なものとの合一を求めるロマン主義が起こり、他方
では自然美を人間の幾何学的精神の反映とみな《天に落ちる #2》

2018acrylic on canvas

して、素材を目的にかなったフォルムに従属さ

H910 x W652 mm

せようとする合理主義の思想が隆盛した。近代
芸術の歴史を彩る諸々の動向も、たとえば印象
主義や抽象表現主義は前者、バウハウスの運動や新造形主義は後者のヴァリエーションとみなせよう。あるいは現代社会に生きる私たちは、公園に植えられた草花など都市のなかで制御された自然の断片を楽しみつつ、さまざまなメディ
アを通して手つかずの雄大な自然のイメージを欲望していると言える。
自然の風景というものは、ときにそれ自体が調和のとれた都市環境を構成する要素として扱
われ、人工の技術に支配されながらも、同時に人間不在の山々や海、原野こそが純粋無垢なあるべき地球の姿であるといった考えを呼び起こ《ice forest》

2018

inkjet print

H1118 x W1580 mm

す。それゆえモートンは、地球と人間のエコロ

1F
ジカルな共生について思考するためには、もはや「自然」の概念を手放す必要があると主張する。少なくとも有機的＝組織的な全体性と結びつく自然の概念を重視するかぎり、私たちは人間社会 — 社会をつくり、都市を築くのが人間の「本性＝自然」だ — と人間不在の地球どちらのシステムが優位に置かれるべきかという二者択一の議論を免れることはできない。
だが本当に自然の概念は無用のものとなってしまったのだろうか。静態的な事物としての自然ではなく、自ら変化してゆく流れとしての自然、「産出する自然（natura naturans）」について考えてみたい。そのような自然はつねに「身体」を通して私たちに働きかけ、私たちと地球《横たわる風景》

2018

oil on canvas

をともに巻きこんで、未知の風景を開いていく

H970 x W1303 mm

力であるとは言えないか。自然と私たちは完全に切り離されているのでも、一体化しているのでもない。一方が他方を支配することなく、闘争をはらみながらも親密な人と地球、人為と自然の関係から生まれるモノや風景を “paranature” と呼んでみよう。自然の傍らで、自然に倣いながらも、元ある自然とは別の何かを招き寄せる人為＝ art は、人工的に完結した秩序を志向する私たち人間の本性＝自然をも別の何かへと変えてゆく力たりうる。荒廃した都市の片隅や山野に放擲されたガラクタ、あるいは物質との出会いに慄く身体には来るべき共生のヒントがある。
私たちの外部と内部の ‘nature’ が触発しあ《trip - Spain》 2018 stone (Barcelona) H160 x W118 x D80 mm(center) 《trip - MV》 2015 stone (NY) H80 x W210 x W60 m(right) 《trip - MV》 2015 stone (NY) H120 x W160 x W60 mm(left)

いながら生成する景色としての “para nature”という概念を視座に置いたとき、本展に集った四人の作家、阿部祐己、衣真一郎、荒木美由、畑山太志の作品はどのような相貌を呈し、EUKARYOTE の建築空間でいかなる共生を実《jealousy》

2018

stone, shell, resin

H95 x W110 x D37 mm

現するだろうか。

1– 2 F
カメラをたずさえて出身地長野の霧ヶ峰周辺を踏査する写真家・阿部祐己は、風景の観察者である。彼が〈Trace of fog〉シリーズで捉えたのは、古来よりさまざまに人の手によって改変されてきた山野、あるいは人の生活が放棄された
後、ふたたび自然の諸力に侵食されている廃墟などだ。100 万年以上の昔、フォッサマグナ沿の成層火山として誕生した霧ヶ峰は長い年月をかけて雨風に削られ、標高 1,500 から 1,900 メー
トルのなだらかな連峰と化し、中世には武士によって狩猟地として拓かれ、近世には農業用の採草地として野焼きがおこなわれるなど、有史以来つねに山肌を覆う植生は人為にコントロー
ルされてきた。今日そうした環境は、夏には山野草のメッカ、冬にはスキーリゾートというように「自然を愛する」人びとが多く訪ねる観光資源として利用されているが、もちろん、そのこともまた環境をつくり変える。しかし、阿部の意
図は環境破壊への非難などではない。彼の眼差しを支えるのは、山の地質学的な歴史の前にしたとき、人間の営みとは何であり得るかを問う《星を見つめる》

2018

acrylic on cotton

H273 x W220 mm

詩的な想像力である。山が誕生してから辿ってきた全時間を想えば、中世以来つづく慣習も相次ぐ開発も、束の間に現れては消える霧のように思われる。だが、確かに一瞬でも存在したことの痕跡（trace）を人間は山に刻み込んでいるのではないか。阿部の写真は、見る者を自然の悠久さと私たちの生の無常さについての東洋的とも言える思索へと向かわせつつも、「人新世」
すなわち人間の活動が地質学的なレベルで環境に影響している状況をめぐる近年の思想を想起させる。夜間に一シーズン限りのゲレンデを準備するため人工降雪機が噴射する雪の幕は、ス
キー場のライトに照らされオーロラのように妖しく輝いている。この人為は地球の表層にただ2F
仮初めの景色をつくっているのか、決定的な気候変動を引き起こそうとしているのか。阿部の写真は端正な構図に心地よい色彩のコントラス
トやハーモニーが意識されており、絵画的です
らあるが、加えてそれらがデジタル写真で、多少の色味補正が施されていることはなお示唆的だろう。言うなれば、その写真は「自然の鉛筆」、
あるがままの光景のインデックスとは見なしえない。新作〈ice forest〉シリーズのように天然の雪景色が写されている場合も、それは温暖化によって人工雪が当たり前（＝自然）となった未来の原像でもあるのだ。
故郷の風景、それも自然と人の営みが一緒になって織りなす風景をモティーフにしている点は、衣真一郎の絵画についても同じである。彼のカンヴァスに見出されるのは田畑や川、遠い
山並み、まばらな家、そして前方後円墳や埴輪など、いずれも彼が生まれ育った群馬の景色を特徴づけるものだ。とはいえ衣の絵画は単にこうした牧歌的な風景を写し取ったものではない。
先に挙げたモティーフは多かれ少なかれ記号的に単純化されており、それを見る視点も地上からの視点と俯瞰視点が複数共在している。また
個々の物体間の距離や大きさの比も経験的事実にそぐわないことが容易に見てとれる。それゆえ衣の画面は諸対象と鑑賞者（画家）が同一平面上にいることを前提とする「眺め（view）」の再現とは異なり、しばしば概念的に総合された風土観を表す絵地図のような様相を呈する。しかしながら、その印象は地図一般における固有の物質性を欠いたそれとはほど遠い。同じく地《ice forest》

2018

inkjet print

H210 x W297 mm

図を思わせるクレーの絵においては記号化されたモティーフが浮遊するのとは反対に、衣の厚く塗り重ねられた緑やアースカラーの絵具は土

2Fのようなテクスチャーを有していて、むしろモティーフをカンヴァスに繋ぎとめていると言えようか。おそらく衣は、故郷の風景に宿る記号
性と大地の物質性のせめぎ合いを絵画のなかに求めているのだろう。北関東の平野部を Google
アースを使って俯瞰してみると、田畑の畦は市
街地や住宅地以上に整然と土地をグリッド状に区分けしている。ひとは古来より農耕文明において田畑を区画化することで土地の領有権や使用権の及ぶ範囲を示し、つまり大地のうえに人工世界の記号的な秩序を刻んできた。一方、農民たちは田畑を耕して作物を育てるために、必然的に四季の自然の循環にあわせて生活を営むようになり、大地に根差す。謎めいた鍵穴型を留めつつ、樹木に覆われて天然の小山と見紛うのような古墳にしてみても、やはり古代社会の権力の象徴が発する超自然的な異様さと、その
《山と畑》

2018

oil on canvas

H1300 x W1620 mm

象徴が時の作用のなかで埋葬された権力者同様、大地に帰っていった様子を同時に窺わせる
モティーフである。
《横たわる風景》の画面下部に並ぶ、カンヴァスの白地がそのままに残された五つの矩形は、衣にとって木枠に貼ったカン
ヴァスと区画化された大地という二つの支持体のあいだにアナロジーが存在することを明かしている。《風景 — 家、馬、古墳》などを見ると、画家はカンヴァスという大地を耕して思いがけない形象や色彩を掘り出し、絵画の地表を更新しているようだ。衣の描く風景、衣の絵画という風景はつねに懐かしく未知のものである。
ここでモティーフという語について考えてみたい。一般にモティーフと言うと絵画や写真のなかで表されている物を指すことが多い
が、そうした物はときに対象（object）とも主

《畑》

2018

oil on canvas

H242 x W333 mm

題（subject）とも呼ばれる。つまり、それはあ

2F
る作品の制作において作者と可逆的な主客の関係をむすぶ物、作者によって表象されたり、変形されたりしつつも、制作に先立って存在して作者を触発する物のことであろう。その意味でのモティーフは、阿部や衣にとってはまず彼らの前に広がる風景であったが、荒木美由にとっては彼女が彫刻の素材として選んだ物たちである。荒木はおもに石や食器、衣服などさまざまな素材にひたすら穴を開けるという行為の反復によって彫刻をつくる作家であり、本展においては石や建築廃材を素材としたシリーズを出品している。何かを象るわけでも道具的な有用性を求めるわけでもなく、ひたすら石に穴を穿つ《呼吸する石》

2016

komatsu stone

H200 x W200 x W200 mm

荒木の行為は、そう聞いただけでは自然物に対する無目的な暴力と受け取られるかもしれない。
事実、作家もその暴力性については自覚的であり、自らの制作の原動力は自然の造形に対する嫉妬にあると述べている。たとえば海辺を歩いているときに見つかる石に開いた穴など、波や雨の作用か、何か生物の仕業かわからないが、ただその造形の自然なさまに感嘆するしかない物
が荒木に嫉妬という制作欲を掻き立てる。貝が石に開けた穴を樹脂で埋め尽くした《jealousy》
は、こうした制作欲が凶々しい暴力となって現れた作品だ。しかし、物が示すふるまいに注意を向けていれば、制作の過程で攻撃的な行為の性質も反転し得る。荒木は石に穴を穿っていくな
かで、次第に石がそれらの穴を通して呼吸しているような気がしてくると言う。その時点から荒木の制作は石の求めに応じて、よりよく石に呼吸させるための行為となる。モティーフとして主体的かつ客体的にふるまう石は、次第に無機物と生物の中間にある存在と化し、それが身を置く場に一過的な独自の環境をもたらす。
《石《風景 – 家、馬、古墳 –》2018

oil on canvas

H500 x W652 mmになる日を待つ》は自然石ではなく風化した建2 –3F
築廃材の小塊に穴を開けたものだが、まるで珊
瑚の化石のように見え、やはり無機物と生命のあいだの移行、それも双方向的な移行を感じさせる。
モティーフはもちろん畑山太志の絵画にとっても存在する。だが、それは容易に名指せる自然の産物ではない。たしかに彼の絵には草花や樹木、天然の巨岩といったものがしばしば登場
し、たとえば今回の出品作では《花のぼり》と《Cosmic flower #2》に野の花が描かれている。
しかしながら、両作品において花は画面の中心にあるにもかかわらず、その認識には若干の時間を要するうえ、鑑賞の特権的な対象とはならない。淡い緑や黄色、ピンクの短い筆致が飛び交う光となって画面を充たしており、視線は幾ば
くかのあいだ、あらゆるものが気化した空間をさまよったのち、やがて筆致の方向性を捉えて花の存在に気づくが、すぐに花は光の奔流へと帰ってしまう。名指せるものの知覚が遅延し、前景と背景の区別が現れては消える時間そのもの《Cosmic flower #2》

2018acrylic on canvas

H455 x W380 mmが意識されるのだ。畑山自身の言葉を借りれば、彼の制作を衝き動かすモティーフは「知覚領域の外側」の「見えないもの」である。そういった存在の気配ないし力について、畑山はフィンラ
ンドの森や沖縄の御嶽に訪れたさいに強く感じたとも述べており、ともすれば自然（人為によらないもの）に宿る超自然の（自然科学を超越した）霊性を信じるアニミズムに近い態度を彼のうちに認めることもできよう。だが上述した通り、畑山の作品には徹底した知覚への問いかけがあり、霊的な存在者を図示的に形象化した
り、まったき不在のまま観念として差しだすことはない。おそらく彼の言う「見えないもの」は可視的なものの彼方というより手前にある。地3F
球に接近した火星を見つめる経験にもとづいていて描かれたという《星を見つめる》では、われ
われは画家の目の内側で起きている事態に立ち会っているのだろうか。画面中心に裂け目のよ
うに覗くオレンジ色は瞳孔に焼きついた火星の光を、その周囲で無数に湧きたつ泡のような筆触は網膜周縁で暗順応しつつある視細胞のざわ
めきを思わせる。細胞や神経の働きは、それ自体としては不可視であり、身体の内側にありながら意識的な知覚の外側にとどまり、かつ身体の外部にあるものを無意識的な知覚の内部にひき入れるものだ。畑山の絵画は物質と光が名指せるものや形態の秩序へ組織される手前の一種の極限状態を示すことで、外部の自然と触れあうわれわれ自身の「自然」、無数のアニマたちが交感する身体の内景へと意識を向け直させる。
四人のアーティストたちはそれぞれの仕方で地上の風景に触発され、あるいは外的な自然との交流のなかから作品をつくりだし、今度はその作品たちが一個の空間において共生すること
で展示の場を生む。本展にパートナーという立場で参加することになった私は、EUKARYOTEというギャラリーの建築空間がアーティストたちの作品を引き立てる効果的な背景として機能するだけでなく、この空間自体が風景として経験されるような展示にしたいと考えた。2018
年春にオープンしたばかりの EUKARYOTE は
都心に近い三階建ての元雑居ビルに秋山祐太が改装をほどこしたアートスペースであり、各フロアとも隅が直角ではなく、斜めの要素の多い
間取りとなっている。また（こう言ってはギャ
ラリーに失礼かもしれないが）やや狭めな各フ
ロアには一階をのぞいて窓がなく、フロアを結ぶ階段の壁と天井はゴツゴツと岩めいた灰色の3F
コンクリートで出来ており、ここを訪れる度に私は上階に登るほど暗い竪穴に降りてゆくような身体的感覚を受けた。そこで考えついたのが、二階三階を地下世界に見立て、うち二階は人間が整備して人工照明で充たした空間を、三階をそうした人間の生活圏の下で放擲されている空間をイメージして演出するというプランであった。これは元来けっして共通のテーマをもっているわけでも、サイト・スペシフィックに制作されているわけでもない四人の作品に、一個の建築空間を分かち合ってもらうための空間理解の指針として設けたイメージでもある。とは言え本展は作品と建築が一体化した展示ではない。
目指したのは両者が別レイヤーとしてありながら、ときに図と地が反転するように作品から壁や床へと注意が向けられ、建築と作品が互いに影響しあっている環境＝風景に来訪者が気づく《天に落ちる》2018

acrylic on cotton

ような展示、モートンの言葉を借りれば「アンH455 x W380 mm

ビエンス」、すなわち「周囲のもの、とりまくもの、世界の感覚を意味し」、「なんとなく触れることができないものでありながら、物質的であり物理的でもある」空間＝場の性質が感じられる展示である 2。この構想は作家たちと照明家の伊藤啓太の協力のおかげで実現できた。とりわけ三階の展示風景について最後に触れてこの文章を締めくくりたい。
明るい二階と対照的に半暗室となった三階は、先ほど述べたように都市の「地下の地下」に放《Zeit - 集積》2018

granite, mercury lamp

variable

擲された空間、われわれの暮らしのそばにありながら普段は目を向けられることのない、静寂が支配する空間のイメージである。荒木はそれを「死の空間」として受け止めた。荒木と照明を担当した伊藤との共作と呼べる《Zeit — 時の集積》は、荒木が穴を開けて磨いた御影石のか《Trace of fog》

2018

inkjet print

H420 x W594 mm

けらを床に並べたのを、伊藤が天井から低く吊3F
り下げた水銀燈が照らすインスタレーションであったが、あたかもその状況は発掘途中のまま忘れられてしまった遺跡を想起させ、煌々とした冷たい光のもとで石たちは磨滅した骨や石器のようであった。しかし、やはり荒木の石彫の形
態は生命的な動きを宿している。このインスタ
レーションの隣に掛けられた阿部の写真、廃ホテルのロビーの鏡に映った人造の観葉植物が唯一生き生きと輝いている様子を撮影した写真は、「死の空間」において「何か」が目覚める可能性を端的に示している。あるいは衣と畑山の絵画もそれぞれの仕方で半暗室を母胎として「何《Trace of fog》

2018

inkjet print

H210 x W297 mm《Trace of fog》

2018

inkjet print

H210 x W297 mmか」へと生まれ変わろうとしていた。
「死の空間」は、その潜在的な力を使い果たしてしまったような「死した空間」ではなく、“para nature”が作動する場、生の残滓が別の命をはぐくみ、死したものがそのまま生き始める場でありうる。

《Trace of fog》

2018

inkjet print

H420 x W594 mm

1 ティモシー・モートン『自然なきエコロジー：来るべき環
境哲学に向けて』篠原雅武訳、以文社、2018 年、29 頁。
2 同上、66 頁。

B i o g r a p h y / Yu-ki Abe

阿部祐己
1984

長野県生まれ個展

2018

Yu-ki Abe
1984 Born in Nagano
Solo Exhibition「Trace of fog」Alt_Medium ( 東京 ) 時さえ忘れて（会津若松）BOOKS f3（新潟）2018「Trace of Mountain」エプサイト（東京）2017「Trace of fog」Space Jing（東京）2016「霧のあと」銀座 Nikon Salon / 大阪 Nikon Salon / 岩波書店 雑誌世界 12 月号掲載

“Trace of Fog”, Alt_Medium; Tokyo“Trace of Mountain”, epSITE; Tokyo

And many others「新しき家」三木淳賞 受賞作品展 , 大阪 Nikon Salon（大阪）Group Exhibition

2015「新しき家」三木淳賞 受賞作品展 , 新宿 Nikon Salon（東京）2014「新しき家」新宿 Nikon Salon / 大阪 Nikon Salon / 日本カメラ 10 月号掲載

2018

“SHINBISM”, Suwa City Museum of Art

2012“New Cosmos of Photography” Tokyo Metropolitan Museum of Photography/Sendai Mediateque

主なグループ展

2018

And many others「New universality 01 展」四谷 CCAA（東京）Prize「シンビズム 展」諏訪市美術館（長野）2018

epSITE Exhibition Award

2015

Miki Jun Prize

2015「全州国際 Photo FESTIVAL」全州郷校 全州市（韓国）2014「BIRTH 展」CANSON Gallery（ソウル・韓国）「三菱商事アートゲートプログラム展」表参道 GYRE（東京）2013

キヤノンフォトグラファーズセッション（東京）2012「写真新世紀」東京都写真美術館 , せんだいメディアテーク（宮城）2011「写真新世紀」東京都写真美術館 , せんだいメディアテーク（宮城）

受賞

2018

epSITE Exhibition Award

2015

三木淳賞

2012

写真新世紀 佳作

2011

写真新世紀 佳作

2012 and 2011 Honorable Metion Award in New Cosmos of Photography

B i o g r a p h y / Shinichiro Koromo

衣真一郎

Shinichiro Koromo

1987

群馬県生まれ1987

Born in Gunma

2013

東京造形大学造形学部美術学科絵画専攻 卒業

2013

B.F.A.( Painting), Tokyo Zokei University

2014-15

パリ国立高等美術学校 交換留学

2016

M.F.A.(Painting ), Tokyo University of the Arts

2016

東京藝術大学大学院美術研究科絵画専攻 修了
Solo Exhibition

個展

2018

“Mountains and Fields”, ya-gins; Maebashi

2018「山と畑」ya-gins（群馬）2016“Town”, switch point; Kokubunji

2016「Town」switch point（東京）And many others

2015「E-CUS Project cotton #4 SHINICHIRO KOROMO」cotton（埼玉）2014「TWS-Emerging 214 風景と静物」トーキョーワンダーサイト渋谷（東京）Group Exhibition「田園風景」現代 Heights Gallery DEN &.ST（東京）2018“Unexpected Encounter — Artsit in Residence Maebashi 2015-2018”, Maebashi

2017“BankART Bank U35 2017”, BankART Studio NYK; Yokohama

主なグループ展

2018「つまずく石の縁 - 地域に生まれるアートの現場 -」前橋中心市街地周辺 ( 群馬 )2017

「BankART Bank U35 2017」BankART Studio NYK（神奈川）「3331Art Fair 2017」アーツ千代田 3331（東京）「群馬青年ビエンナーレ 2017」群馬県立近代美術館（群馬）2016「corner」see saw gallery ＋ cafe（愛知）「アートアワードトーキョー丸の内 2016」丸ビル 1 階マルキューブ（東京）2015「太郎かアリスの liquid」遊工房アートスペース（東京）「Choque Parisien」パリ国際大学都市日本館（パリ）

2014「Atelier Djamel Tatah」パリ国立高等美術学校（パリ）「PORTAGE」パリ国立高等美術学校（パリ）「原景 -01」Maebashi Works（群馬）2013「light house vol.8 石崎尚 企画 国分寺の女主人 K」switch point（東京）「The Real Rio」Gallery Barco（東京）「ジェロニモ」Turner Gallery（東京）「トーキョーワンダーウォール 2013」東京都現代美術館（東京）「アートアワードトーキョー丸の内 2013」行幸地下ギャラリー（東京）「ワンダーシード 2013」トーキョーワンダーサイト本郷（東京）アーティスト・イン・レジデンス

2017「群馬県ゆかりのアーティストによる滞在制作事業」アーツ前橋（群馬）And many othersB i o g r a p h y / Miyu Araki

荒木美由
1988

東京都生まれ2013

女子美術大学修士課程芸術領域立体アート専攻

Miyu Araki
修了

個展

2017

1988

Born in Tokyo

2013

M.F.A.(Sculpture), Joshibi University of Art and Design

Solo Exhibition「わたしがわたしであること」天王洲アイル / セントラルタワービル（東京）2017“Will Sleep Like a Stone”, BLOCK HOUSE; Tokyo「いしをもって眠りたい」BLOCK HOUSE（東京）2016“for grand mother”, sanka; Tokyo

2016「for grand mother」sanka（東京）2014“anarchy”, Yellow House; Tokyo

2015「いしに あな をあける」いりや画廊（東京）And many others

2014「 anarchy」Yellow house（東京）Group Exhibition

主なグループ展

2017“Araki Yu, Aramaki Haruka, Araki Miyu”, blanClass; Yokohama

2018

京都 UrBANGUILD にて岸井大輔戯曲参加、押上 float にて個展開催予定。

2016“BARRACK OUT”, Kyu-Matsuda House; Tokyo2017「アラキユウ アラマキハルカ アラキミユ」blanClass（井土ヶ谷）

And many others「ART SESSION TSUKUBA」磁場 / 地場（つくば）「say good buy」野方の空白（東京）
南総金谷藝術特区 レジデンス招致 ( 千葉 )2016

「一瞬のごちそうさまのあとに、100 年後の石の話」BlanClass（横浜）「BARRACK OUT」旧松田邸（東京）
那須野が原国際芸術 シンポジウム 招致、大田原芸術研究所（栃木）2015

日本モンゴル交流展 招致 ( モンゴル / ウランバートル）

2014

我孫子国際野外美術展 レジデンス招致（千葉）B i o g r a p h y / Taishi Hatayama

畑山太志

Taishi Hatayama

1992

神奈川県生まれ

1992

Born in Kanagawa

2015

多摩美術大学美術学部絵画学科油画専攻 卒業

2015

B.F.A.(Painting),Tama Art University

2017

多摩美術大学大学院美術研究科博士前期 ( 修士 ) 課程絵画専攻油画研究領域 修了

2017

M.F.A.(Painting), Tama Art University

個展

Solo Exhibition

2017「時はぐれ」SEZON ART GALLERY（東京）2017"Astray in Time", SEZON ART GALLERY; Tokyo2014「畑山太志展」GALLERY b.TOKYO（東京）2014"HATAYAMA Taishi Exhibition", GALLERY b.TOKYO; Tokyo

主なグループ展

2018「網膜と記憶のミトロジー」セゾン現代美術館（長野）「京都アートラウンジ」HOTEL ANTEROOM KYOTO（京都）「PREVIEW」EUKARYOTE（東京）2017「CYA! Modern / セイヤー！モダン 〜 to the next stage」SEZON ART GALLERY（東京）「美藝礼讃ー現代美術も古美術も」セゾン現代美術館（長野）「ART FORMOSA 2017」誠品ホテル ( 晴山藝術中心 )（台北）「3331 Art Fair 2017 -Various Collectors Prizes-」3331 Arts Chiyoda（東京）「Arts in Bunkacho ~ トキメキが、爆発だ ~」文化庁 ( 旧文部省庁舎 ) 公共スペース（東京 )「第 40 回東京五美術大学連合卒業・修了制作展」国立新美術館（東京）2016「CAF 賞選抜展」HOTEL ANTEROOM KYOTO | GALLERY 9.5（京都）「美大生展 in 2016」SEZON ART GALLERY（東京）2015「TARGET」府中市美術館１階市民ギャラリー（東京）「第 38 回東京五美術大学連合卒業・修了制作展」国立新美術館（東京）「TURNER AWARD 2014」TURNER GALLERY（東京、大阪、札幌、名古屋）

2014「第 1 回 CAF 賞」TABLOID GALLERY ( 東京 )2013

「第 49 回神奈川県美術展」神奈川県民ホールギャラリー ( 神奈川 )「ワンダーシード 2013」トーキョーワンダーサイト本郷 ( 東京 )

受賞

2015

「多摩美術大学卒業制作展」福沢一郎賞「TURNER AWARD 2014」優秀賞

2014

平成 26 年度 日本学生支援機構 優秀学生顕彰 奨励賞
平成 26 年度 多摩美術大学校友会奨学生「第 1 回 CAF 賞」優秀賞、審査員特別賞（名和晃平賞）

Group Exhibition

2018"Memory of Retina － Mythology － ", Sezon Museum of Modern Art; Karuizawa"Kyoto Art Lounge", HOTEL ANTEROOM KYOTO; Kyoto

And many others
Prize

2015

Ichiro Fukuzawa Prize "Tama Art University Graduation Exhibition"
Prize for Excellence "TURNER AWARD 2014"2014

2nd Prize and Special Jury Prize (Kohei NAWA Prize) "CAF ART AWARD 2014"

L i s t / Yu-ki Abe
No. 1

No. 6

ice forest

Trace of fog

2018

2018

inkjet print

inkjet print

H1118 × W1580 mm (ed.3)
H210 × W297 mm (ed.20)

H210 × W297 mm

No. 2

No. 7

Trace of fog

Trace of fog

2018

2018

inkjet print

inkjet print

H420 × W594 mm (ed.8)
H210 × W297 mm (ed.20)

H210 × W297 mm

No. 3

No. 8

Trace of fog

ice forest

2018

2018

inkjet print

inkjet print

H420 × W594 mm (ed.8)
H210 × W297 mm (ed.20)

H210 × W297 mm

No. 4

No. 9

Trace of fog

ice forest

2018

2018

inkjet print

inkjet print

H210 × W297 mm

H210 × W297 mm

No. 5

No. 10Trace of fog

2018

ice forest

2018

inkjet print

inkjet print

H210 × W297 mm

H210 × W297 mm

L i s t / Shinichiro Koromo
No. 1

No. 6

山と畑
(Mountains and Fields)

静物

2018

(Still Life)oil on canvas

No. 7

横たわる風景(Lying Landscape)2018
oil on canvas
H970 × W1303 mm

No. 3

風景
- 家、馬、古墳 (Landscape– House, Horse, Tumulus)

2018
oil on canvas
H500 × W652 mm

No. 4

Pyramid2013
oil on canvas
H410 × W318 mm

No. 5

畑
(Fields)2018
oil on canvas
H242 × W333 mm

oil on canvas
H410 × W318 mm

H1300 × W1620 mm

No. 2

2015

L i s t / Miyu Araki
No. 1

No. 6

trip - MV

いしをもって眠りたい

2015(Will Sleep Like a Stone)stone (NY)H120 × W160 × W60 mm

No. 2

2017
granite
H460 × W300 × D120 mm

No. 7

trip - MV

呼吸する石

2015

(Breathing Stone)stone (NY)H80 × W210 × W60 mm

No. 3

2016
komatsu stone
H200 × W200 × W200 mm

No. 8

trip - Spain

いしになる日を待つ
1-5

2018
stone (Barcelona)(Waiting for the Day
When It Becomesa Stone 1-5)

H160 × W118 × D80 mm

No. 4

2018
Building waste
H90 × W85 × W60 mm
H125 × W65 × W55 mm
H90 × W80 × W50 mm
H70 × W65 × W58 mm
H75 × W80 × W55 mm

No. 9

jealousy

2018
stone, shell, resin
H95 × W110 × D37 mm

Zeit - 集積(Zeit -Accumulation)

2018
granite, mercury lamp
(Lighting design: Keita Ito)variableNo. 5

jealousy

2015
stone, shell, resin
H90× W150 × D40 mm

L i s t / Taishi Hatayama
No. 1

No. 6

星を見つめる(Stargazing)

2018
acrylic on cotton
H273 × W220 mm

No. 2

エーテルの群れ(The Cluster Ether)2018
acrylic on cotton
H333 × W242 mm

No. 3

Cosmic flower #2

2018acrylic on canvas
H455 × W380 mm

No. 4

天に落ちる
(Falling into the Sky)2018
acrylic on cotton
H455 × W380 mm

No. 5

天に落ちる #2
(Falling into the Sky #2)

2018acrylic on canvas
H910 × W652 mm

花のぼり(Flower Ascending)2018
acrylic on canvas
H727 × W530 mm

para nature
阿部祐己

衣真一郎

荒木美由

畑山太志

会場＝EUKARYOTE

会期＝2018 年 11 月 2 日〔金〕―― 11 月 25 日〔日〕
企画協力＝吉村真

Yu-ki Abe

展示照明協力＝伊藤啓太

Shinichiro Koromo

Venue: EUKARYOTE
Partner: Shin Yoshimura“p a r a

宣伝美術＝浅田農

Miyu Araki

Taishi Hatayama

Date: Friday, November 2 ―― Sunday, November 25, 2018

Lighting Design: Keita Ito

Graphic Design: Minori Asadan a t u r e ” アーカイブ

2019年12月 ウェブ発行
発行元＝EUKARYOTE
執筆・編集＝吉村真デザイン＝浅田農
撮影＝松尾宇人（展示写真）、加藤健（《横たわる風景》）、毛利聰（《畑》、《山と畑》）

Archive of “p a r anature”

E-publication Date: December 2019

［ユーカリオ EUKARYOTE］
東京都渋谷区神宮前3-41-3

3-41-3, Jingumae, Shibuya-ku, Tokyo,
150-0001, Japan

contact@eukaryote.jp / eukaryote.jp

Publishing: EUKARYOTE
Text, Editing: Shin Yoshimura
Design: Minori Asada

Photo: Ujin Matsuo (Installation Shots), Ken Kato (Lying Landscape), Satoshi Mouri (Fields and Mountains and Fields)