⻑編 2 作⽬にあたる「よだかの⽚想い」が東京国際映画祭で上映されたのがきっかけで、ベルリン国際映画祭のヨーロピアン・フィルムマーケットに派遣監督の⼀⼈としてオンラインで参加しました。
講義では、海外の主要映画祭のプログラムディレクター、セールスエージェント、国際共同制作の経験が豊富なプロデューサーなど、普段出会えない⽅々と直接会話をし、次作のピッチを⾏う得難い経験をさせていただきました。
レポートの前に参加理由を書き記しておきます。
⽇本映画は、製作本数に⽐べて海外で劇場公開される作品の本数が限られています。
原因として、⽇本映画の既存市場が⼤きいため、国内向けの同じジャンルの映画ばかりが製作されやすい点がありますが、海外進出の意欲を持ったインディペンデントの作家でも、具体的なアクションを起こす為の情報や知識を得られていないケースが多くあるように思います。
私⾃⾝、過去に映画祭について「⻑編監督本数１〜２（3）本⽬までしか新⼈扱いとならない」という基本的な知識がなかったことで、監督１作⽬の貴重なチャンスを⽣かすことができませんでした。ジャンル要素があること、かなりのローバジェットで製作していることなどから、映画祭向きではないと思い込み、アプローチを怠ったのです。
荒削りな作品なので映画祭に拾ってもらえたかはわかりませんが、何もしなかったことに対しては後悔がありました。ファンタスティック系の映画祭も数多くありますし、後にレポートの中でも触れますが、映画祭⾃体がドラマ中⼼ではなくなってきていて、低予算でも優れた作品は海外まで届いています。
作品の出来以前の知識不⾜を解消し、多様な映画を作り続ける為に海外への⾜掛かりを掴みたい思いから、参加を希望しました。
このレポートでは、⽇本の映画製作に携わる⽅々にも広く共有したいと思った点を書き記してゆきます。
初⽇は、エリック・ロメール作品の⾳楽家として活躍し、現在は国際共同制作のコンサルタントとして、フランスや⽇本、中国など多くのプロジェクトに携られているフランス⼈のロナン・ジレさんからピッチの⼼得を学びました。⾃⾝の復習の意味も兼ねてポイントをまとめてみたいと思います。
①名前とプロジェクトのタイトルをはっきり伝える
ローマ字で書いてプレートを⾸からぶら下げておくのがベスト。⾃⾝の役職（プロデューサー、通訳、監督など）も認識してもらう。
②ピッチの種類を意識する
ピッチの相⼿は配給会社、プロデューサー、ワールドセールス、俳優事務所など様々なので、それぞれの相⼿から何を得たいのかを⾒極め、相⼿によって質問を変える。
③企画内容の説明
ストーリーの細かい説明よりも、主⼈公や周囲のキャラクターの紹介が⼤事。また、映画の意味、メッセージがヨーロッパでは重要。ストーリーの終わらせ⽅（ハッピーエンドか、バッドエンドか、もやもやしたまま終わるのか）も伝える。「〇〇みたいな映画が作りたい」は NG。既存の映画のタイトルを出すよりも、⾃⾝の過去作（短編が好ましい）や予告編のリンクを送るのが良い。また、⾒てもらいたい層やターゲットもはっきりさせる。
④進⾏状況の説明
脚本の翻訳はあるのか、資⾦到達はどの程度まで進んでいるか、何パーセント集まっているのか（⾃国で 30%程度は集まっていないと信⽤されにくい）を伝える。
⑤何が欲しいのかをはっきりさせる
ロケーション、資⾦、海外の共同脚本家、ポスプロ環境など。⼀つである必要はない。
⑥⾃分とコラボレーションをするメリットを伝える“けっこう”⾯⽩い、“たぶん”笑っちゃう、など謙遜の表現は使わない。配給会社などはデリケートではないので、“絶対”、 “凄く”、と⾔い切ることが⼤事。
ロナンさんの講義は具体的です。上記の⼼得以外では、”内容にロリコンや⼦供の⾃殺が含まれているとフランスで資⾦を得るのは難しい”、特に⽇本はこれらの題材をカジュアルに撮りすぎていると批判されていたのも印象に残りました。
フランスでは、教養の観点からアートハウス系の映画を家族で⾒に⾏く習慣が残っており、先ほどあげた題材を扱うと誰も⾒に⾏かないからだとその理由を述べられます。
未成年の⼥性を性的に切り取る⽇本映画が多すぎるとは常々感じていましたが、ロリコン⽂化をたとえ批判的に描いたとしても同じだとロナンさんは⾔います。海外では理解されにくい⽂化事情であるため、扱い⽅がどうであれ興味を持ってもらえないのです。
私は⽇本で⽣活しているので、⾃国が抱えている社会問題や違和感から物語を発想することが少なくありません。その場合は海外との共同製作は難しいのかと質問を投げかけてみると、その答え、ではないですが、濱⼝監督のようにアワードでの受賞経験のある監督であれば、どんな題材でもピッチの相⼿は話を聞くだろうとおっしゃられていました。
描きたいものにドメスティックな題材が含まれている場合、キャリアがないと海外で資⾦を得るのは難しい。⾝も蓋もない話ですが、今後海外も交えて映画製作をしていきたいなら、第 1 作⽬からのキャリア形成を頭に置いておく必要があるようです。
では逆に、興味を持ってもらえるのはどのような企画なのか。今のトレンドについて、ロナンさんは「本物の⼈と本物の社会問題を扱った映画」と考えを述べられました。最近の⽇本映画でいうと、脳性⿇痺の当事者である⼥性が主⼈公を演じた『37 セカンズ』がそれに当たるでしょうか。他にも、描くストーリーや題材と監督⾃⾝のバックグランド、パーソナルな部分が結びついているとポイントが⾼くなる傾向にあるとのことでした。
この話題と関連して、参加監督の中村真⼣監督のある経験から⽇本特有の問題が浮き彫りになりました。中村監督は次回作としてノンバイナリー（性認識が男⼥のどちらにも当てはまらない）の⼈が抱える問題を当事者の俳優を使って⽇本で撮ることを考えていました
が、映画会社と具体的に話を進めようとすると、有名なアイドルが主役でないとプロジェクトは進められないと断れてしまったそうです。ヒットの保証を俳優の知名度に頼り過ぎている⽇本映画の弱点が垣間⾒えるエピソードですが、ならば海外で資⾦を集められるかというとそう簡単ではなく、ピッチ⼼得④にあったように、⾃国で資⾦が 30%以上は集まっていないと信⽤を得るのが難しいため、出資者を⾒つけるのは困難です。中村監督は⽇本での製作は諦め、永住権を持っているアメリカでの製作を考えているとのことでした。
⽇本映画のジェンダー観に古臭さや不満を感じる観客の声も聞こえている今こそ需要がありそうな企画ですが、同じ⽅法で作られた海外作品が⽇本でヒットするなど、前例が作られてからようやく企画会議の俎上に上がるのかもしれません。タイムラグを埋める⽅法を考えなければ、⽇本映画が国際市場に届く可能性は益々狭まってゆくように感じました。
2 ⽇⽬からは、早速ピッチングが始まりました。
今回参加している監督たちは昨年の東京国際映画祭か東京フィルメックスで上映された新作を持っていますが、ワールドプレミアを既に終えていることを意味するため、これから開催される映画祭にとっては「古い」映画です。それを踏まえた上で、上映された映画をアピールするか、次作の映画のピッチを⾏うかを決める必要がありました。私は締め切り前の映画祭は『よだかの⽚想い』について、締め切りに間に合わない映画祭については次作のピッチを⾏うことにしました。
海外でのピッチの経験がある『親密な他⼈』の中村真⼣監督、『リング・ワンダリング』の⾦⼦雅和監督は、企画書やパイロット版動画を駆使して短い時間でも確実に⾃作をアピールする術を⼼得ていて、初対⾯でもフレンドリーに接して相⼿に緊張を感じさせない姿勢など⾒習いたい点が多くありました。『誰かの花』の奥⽥裕介監督は、⾃作のポイントを理路整然と説明することに⻑けておられて、作りたい動機が⾃⾝のパーソナリティと深く結びついていることからも、初⽇にロナンさんがおっしゃっていた「嘘のなさ」を強く感じました。
私は海外の映画関係者に向けてのピッチが初めてなうえに、参加監督たちが⾒ている中で⾃作のアピールをするシチュエーションにも緊張し、ロナンさんの⼼得を⽣かせず苦戦しましたが、数を重ねるうちに少しずつ慣れて余裕が出てきました。プログラマーから「⾯⽩そう」と⾔葉をかけてもらえた時は本当に嬉しかったです。
4 ⽇⽬には、シドニー映画祭のプログラミングをされている Nashen Moodl さんに、気になっていたことを質問してみました。
監督作の『よだかの⽚想い』は顔にアザのある⼥性が主⼈公ですが、演じている俳優は実際にアザがある訳ではなく、メイクでアザを表現しています。
アザとは少し異なりますが、海外では数年前から LGBT の当事者ではない俳優が LGBT の役を演じることが問題となり、実際に降板するなどの出来事も起きています。
マイノリティの苦悩を当事者ではない俳優が演じることについて、映画祭ではどのように議論されているのか、基準などは出来つつあるのかを問いました。
Nashen Moodl さんは、いい質問だと理解を⽰してくださったうえで、俳優が真髄に演じているのだからそれだけで外すということはないが、題材にどのように向き合ったのかについて監督がしっかり説明できることが⼤事だとアドバイスをくださいました。
私は『よだかの⽚想い』で主⼈公を演じた松井玲奈さんの演技は素晴らしかったと⾃信を持っていますし、映画の中ではマイノリティを特権的な⽴場の⼈間が芸術に昇華する暴⼒性についても取り上げています。それはそのまま⾃分に跳ね返ってくる問題であることも⾃覚していましたが、⽭盾も含めた今を映画として残しておきたかったのです。
ピッチング全体を通して、気になっていた問題について現役のプログラマーから直接考えを伺えたのは⼤変貴重な経験でした。

最後に、4 ⽇⽬にお話を伺った、フランスのプロデューサーで国際共同制作の経験も豊富な Catherine Dussart さんの講義からも得るものが多くありましたので、共有したいと思います。
カトリーヌさんはロシア、イスラエル、カンボジア、インド、⽇本など様々な国の監督とコラボレーションを続けられ、30 年以上のキャリアを持たれています。
新作を携えて常に⼤きな映画祭を周っているカトリーヌさんですが、脚本を読んだ段階で映画祭向きかを考えるかとの質問については「⼀切考えない、考えなくていいこと。ただ最⾼の映画を作ることに集中する」と断⾔されていたのが印象的でした。
カトリーヌさんは映画祭について「約束されたルールなどはなく、有名な監督を起⽤しても断られるのはよくあること。内容についても重厚なドラマだから選ばれるということはなく、『チタン』のようなジャンル映画も選出され映画祭に根付き始めている。ドラマ中⼼ではなくなりつつある」、と最近の印象について教えてくださいました。私が冒頭で述
べたジャンル映画は映画祭向きではないという考えは過去のものになりつつあるようです。
また資⾦集めについては、COVID 以降はカトリーヌさんのようにキャリアを持ったプロデューサーでも苦労されているようで、⽇本でも⼈気の⾼いクレール・ドゥニ監督、アモス・ギタイ監督などの巨匠監督と組んだ作品であっても、⾮常に低予算で作らざる負えなかったそうです。
「それでも 2 ⼈の俳優と少ないスタッフで 2 本の美しい映画を作ることができたのだか
ら、映画のクオリティを上げるのはコストではない」と参加監督にとっても励みになる⾔葉を残してくださいました。
ワークショップ全体を通して学んだのは、監督には強い視点を持った映画を作ろうとする意志が何より重要だということです。「⽬の前の映画を最⾼のものにする」ことに集中すれば、⾃ずと強い視点と⾔葉も獲得できるのでしょう。映画祭は⽬的であってはいけないのです。
実際にお会いできなかったのは残念でしたが、オンラインだからこそじっくりお話を伺えた⾯もあるので、結果的にはとてもいい経験をさせていただきました。
今回知り合った皆さんと直にお会いできる⽇を楽しみに、次回作に取り組みたいと思います。