美術、
そして美術館について
美術は何のためにあるんですか、美術作品を見て何か役に立つんですか。そんな質問を遠回しに受けることがあります。遠慮がちな
その言い方には、美術に関わる者に対する配慮を感じることができますが、その裏には、
このご時世によくやっているなという相手の思いも見え隠れします。私自身は、そんなことは理論を越えた自明の理と思い続けようとしてきましたが、一方で言葉による明快な答
えをだそうと久しく自問自答してきてもいます。美術は、たとえば現代日本の社会が否が応にも巻き込まれつつある資本原理主義（市
場原理型資本主義）のような金銭や数値を至上とする価値観とは合わないというか、別次
元の話のようだし……。でも、関心のある展
覧会があれば人は見に出かけるし、いいと思ったら、本を買って調べたくなるし……。
一方、芸術の効能として、作品にこめられたメッセージが世界を変えたり、平和への大きな力となるとも言われることもありますが、
そんな単純なものではない気もします。
美術にかかわる仕事をしている者として、作品を見ることの意味を小中学生に対しても話さなければならない時もあります。そんな時、「作品を見てもお腹いっぱいにならない
けれど、胸がいっぱいになるよ」と伝えてきました。大人に対しても同様に言ってきたのですが、最近は「動物は、魅力的な異性と、美味しい食べ物にドキドキするだけだと思う
が、人間は、何にでもドキドキする。
」、こんなふうに言うようにしています。
人間を他の動物と区別する特徴は何だろう
かと、少し調べてみると、さまざまな事が挙げられていることがわかります。まずは二足歩行です。それによって前足が自由になって手となり、体の軸上に頭が来ることによって頭が大きくなりつまり脳が大きくなり、道具を作ってそれを利用する能力が得られたので
名古屋市美術館常設展示室

あいちトリエンナーレ エクトール・サモラ《大胆なレジャー》ⒸHéctor Zamora

この原稿を書いている今、円高がつづいています。
1995年以来の高値ということですが、当時のような、バブル経済が崩壊した後でも円高メリットを活かして海外から作品を購入し、コレクションを充実させようとした動き
は、今の公立美術館にはあまり見られないようです。
日本人作家の作品も、海外からでは割高になる今が、収集の好機とも言えなくもないのですが、国内の経済状況がおもわしくないな

かでは、美術作品の収集などは意識の外にならざるを得ないのかもしれません。
資産の状況や私的な判断にあわせて柔軟に活動できる個人の収集家は、美術館よりも特徴のある優れたコレクションを作りやすい一面を持っています。不況の近年でも、コレクションを着実に増やしている個人収集家はいますし、自他ともに認める優れたコレクショ
ンとなるまでには、経済的に恵まれるだけでなく、集めて持ちつづける気持ちが必要なのでしょう。
名古屋市美術館で開催する｢ポーラ美術館
コレクション展｣は、箱根にあるポーラ美術館の収蔵品を一部借用して紹介するものですす。また、言語を使うこと、社会を形成する
傾向や文化を持っていることも挙げられています。さらに、宗教など、知識だけでなく、自らの精神や心にも注意を向ける傾向もあります。過去、現在、未来という時間の概念もあり、空間と時間の中に自分を置いて自分を認識することができる、つまり自我を持つのも人間だけらしいのです。
魅力的な異性と、美味しそうな食べ物を求め興奮するのは、生命の維持と種の保存のための動物の本能だろうというのは私にもたやすく理解ができます。ヒトももちろんそうです。しかし、人間はそれ以外のものにも「ドキドキ」
します。音符の組み合わせである音
楽はもちろん、文字であっても記号としての意味を離れた文字の形そのもの（書）にも感動できますし、それが書かれた
「行間」
にも意味
を見いだして感動することさえあります。他
人の描いた絵にも感じますし、沈む夕陽にさえ感動します。
世の中に同じようなことを考える人はいる
もので、藤原正彦は読書について『決定版
この国のけじめ』（文春文庫）の中で、瀬戸内
寂聴の「人生の愉しみは、食べること、セッ
クスすること、そして読書することに尽きるのではないでしょうか」を引用し、読書は「一
言で言うと、時空を越える愉しみである。知識を得る、感動を得る愉しみである。人間は知識を得たい動物である。脳はそのようにできている。人間は感動したい生物である。脳がそのようにできている。
」と言っています。
極端な言い方ですが、本質を突いているように思えてなりません。
生命維持に直接関係しないものにも感動す
るのは、人間を他の生物と区別する特徴のひとつであり、これはいわば人間が人間である証であると私は思っています。
人間はさまざまなドキドキするものを作ってきました。文字によるものが文学、音によるものが音楽です。科学技術の進歩もまた、人間をワクワクさせてきました。美術館は、
まさにこうしたもののうち、視覚で体験できる《ドキドキ》を体験できる場なのであり、大げさに言えば、ヒトが人間であり続けるための体験ができる場なのです。
さきに言及した藤原正彦は言います。
「愉
しみというのは不思議なもので、経験する前には決して分からない、初めて食べるまでは
餃子のうまさは見当もつかないし、豆大福のうまさも想像できない。モーツァルトやビー
トルズのすばらしさも、聴くまでは分からな
いし、説得も不可能である。
（
」同前書）
。美術
館では、さまざまな作品を展示、紹介しています。まさに、未体験の視覚の愉しみに出会うことができる場所です。また、同じ人が同じ作品を見ても人生の積み重ねによって感じ方は変わり、新たな感動があります。
美術館では、ゴッホやモネ、ルノアールなど、その魅力がよく知られている作家の作品を紹介、展示することがあります。どれだけ有名な作家、作品でも、名前は知っているだ
けではだめで、実際に見なければその魅力は実感できません。グルメ番組でおいしいと紹介されたものは、実際に食べてみなければわからないのと同じです。
美術館は、そうした周知の作家の作品の素晴らしさも紹介しますが、実は、体験するまで分からない魅力的な作品はまだまだ隠れています。かのゴッホの作品が生きている間には１点しか売れなかったことは有名な話でが、そのコレクションは、ポーラ・オルビス
グループのオーナーだった鈴木常司（1930−
2000）さんが40年の歳月をかけて収集したものです。同じ時期に名古屋で公開されるド
キュメンタリー映画｢ハーブ＆ドロシー｣（佐々木芽生監督、2008年）の主人公ヴォーゲ
ル夫妻は、鈴木さんのように大企業のオーナーではないけれど、40年以上にわたってア
メリカの現代美術作品を収集してきました。
図書館に勤めるドロシーさんの給料を生活費にし、郵便局に勤めるハーブさんの給料を購入資金にして集めた作品は4000点にもなり、ナショナルギャラリーをはじめ全米50州の美術館にそれらは寄贈されています。

ふたりの暮らしぶりは、特別なお金持ちでなくても優れたコレクターになれることを教えてくれるのですが、驚くのは、美術への愛
情とセンスはもちろんのこと、夫妻の作品を集める類まれな智慧と技術です。同じことができるかどうかはともかくとして、私たちも見習うべきところがあります。
作品を受け入れたナショナルギャラリーも見事。作品をケアして、活用しながら後世に伝えるという、地道で手間のかかる息の長い仕事を引き受けています。こういう役割を担えるかどうかが、美術館の地力の差となって積み重なるのです。彼我の差は大きいようで
す。
（み。
）

す。生きていた当時は見向きもされず、その魅力はゴッホの没後に認識されるに至ったのです。同様に、私たちがまだ気づいていない作品の魅力もあるはずですし、それを見出して紹介するのは美術館の重要な役割です。地域に埋もれていた作家の活動を、コレクショ
ンとして蓄積しつつ長い時間をかけてでも追跡し、その魅力を見出すことは、地域の美術館の重要な役割だと考えています。人間とは面白いもので、楽しいあるいは美しいものだ
けに惹かれるのではなく、わざわざ悲しい物
語を買って読んだり、入場料を払って悲しい映画を見に行くのも人間です。そうしたもの
すべてをひっくるめて、これまでに知られていない作品の魅力を発掘して紹介することは、美術館の基本的な使命なのです。
とはいえ、これまでに体験したことのないタイプのドキドキを紹介しても、わからない
ことは少なからずあるでしょう。特に難解なものの代表が、抽象美術や現代美術かも知れません。どのように感じていいのか分からな
いことも多いようです。色や形の美しさであれば、その場で感覚的に印象づけられますが、そうでないものもあります。
ヒントをひとつ、
私がまだ美術館に勤める前からやっていた鑑
賞法です。
「何だこりゃ？」と思っても、何が描いてあるか（作られているか）、どのように描いたのか（作られているのか）、そして、作
家はなぜその手法・技法を採用したのか、これだけをヒントにみることにしています。美術鑑賞法研究などでは、もっと詳しく厳密に分析されていますが、実際にはこのくらい簡単なワタクシ流で十分だと思っています。さ
まざまな現代美術作品の並ぶ名古屋市美術館の常設展でも試してみてください。日付だけが表現されている河原温の《"Today" series》
を、20年以上前、何も知らないで見たときも、作品の運搬と展示 7
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作品の点検が終わると、いよいよ展示に取りかかることになりますが、展示はあらかじ
め作成されている展示図面にしたがって行われます。当館の場合実際の展示室を100分の₁に縮小した図面があり、そこにどのように壁を立て作品を並べていくのかを書き込んでいきます。事前に机上で作成した図面ですか
ら、実際に作品を置いてみたら予定通りにはいかず、変更に次ぐ変更となる場合も稀にありますが、基本的な展示方針はこの図面によって決定され、大幅に変更されることはまずありません。なぜなら、作品が展示室に搬入される前に、壁面の移動や塗装などといった事前の作業が終了されていなければならず、これらの作業を搬入後に行うことは作品の保全上まず不可能だからです。また壁を動かさずとも、作品そのものをあちらへこちらへと移動することは事故の危険性を高めることに当然つながりますから、これも控えなくてはなりません。よって、究極の展示図面とは、その図面から₁点たりとも変更することなく展示が終了するような図面ということになりますが、残念ながらそんなことは滅多になく、たいていは微調整を少しずつ加えながら展示を完成することになります。
それでは展示図面を作る際、作品の配置を決める際、留意すべき点とは何か？ 学芸員

写真家・東松照明 全仕事
2011(平成23)年₄月23日㈯〜₆月12日㈰東松照明（1930ー ）は、戦後の日本を代表する写真家というに留まらず、その表現は写真というメディアの記録性を活かしながら、敗戦からのわれわれ日本人の精神の在り処とも呼ぶべきものをその深奥から浮かび上がら
せて見せます。
1930（昭和₅）
年に名古屋市東区新出来町に生まれた東松は、20歳の時に写真に出会い、このプロセスで私なりの理解が得られました。生きていることの意味、時間の経過の中に置かれた自己を見つめることなどなど、勝手に得心し、心にズシリと響きました。
一方、先日まで開催されていたあいちトリ
エンナーレ2010は、現代美術を中心にした総合芸術祭として企画されました。分かりにく
いと思い込まれている現代美術の展覧会としては予想以上の来場者を迎えることができた
のは、
おそらく、
何だこりゃと思いながらも、
視覚や聴覚に直接訴えかける作品が多く、人々の関心を呼び起こしやすかったからだと思っています。メッセージ性の高い作品や、心に深く染みわたるタイプの作品もありまし
たが、どちらかというと、テーマである「都市の祝祭」
を現出すべく五感に直接訴えかける作品が多く見受けられました。
ともあれ、心に響く体験をすることは人間にとってたいへん大切だと思っていますし、そうしたものを展示、紹介する美術館の存在する意味もそこにあると思っています。これは美術に関係するワタクシ流の独りよがりな
思い込みではないと強がりを言わせていただ
きましょう。教育基本法第二条（教育の目標）で、「豊かな情操」
を培うことがあげられています。
「情操」には広い意味が含まれているでしょうが、学校教育における指導方針の基本を定めた指導要領の中学校学習指導要領の美術の目標に「感性を豊かにし」とはっきりと謳
われています。この「感性を豊かに」ということは、他の教科でも重視されつつあり、感動したことを自分の言葉で言い表すことが求められている状況は図工・美術のみならず、国語科でもみられる要素だとのこと。これは、まさに美術館の活動と共通するものでしょう。
動物として、生命体として生きていくために必要なことに加え、美しいものに触れて感動し、古典を読んで時空を越えて共感すること、
これが人間として生きていく証なのかも知れません。その場は、美術館だけではありません。博物館ではいにしえの人の知恵や工夫とその姿勢に学び、科学館では自然や宇宙のロマンにひたるのも同じことでしょう。そこでは、こうした豊かな心を養うべく、一定のシナリオのもとに、モノが提供されているのです。
美術館は広義の「博物館」に含まれます。いわゆる「博物館」
は、歴史博物館、美術館、科学館、動物園、植物園、水族館、史料館などなど、多岐にわたった分野の施設を含んでいます。諸種の「博物館」を包括して規定している博物館法の第₁条（この法律の目的）
に
「こ
の法律は、
社会教育法の精神に基き」とあり、また、第₃章では公立博物館について規定しており、第19条でその所管を教育委員会としています。
博物館施設は社会教育施設であり、教育のための施設と宣言されているのです。
現実には、教育委員会の所管ではない「博物館」
も多くあります。
それぞれに理由があってのことでしょうが、教育的配慮を放棄した
運営をしているところはどこにもないはずです。楽しんでもらうだけではなく、教育的効果が期待されているのです。大の大人に教育というと押しつけめいた印象がするならば、

あいちトリエンナーレ2010

都市の祝祭
2010年₈月21日㈯～10月31日㈰はどのような視点に立って作品を並べているのか、100点ほどの絵画による個展を例にとって考えてみましょう。個展であり、その画家の業績の全体像を紹介する回顧展であれば、通常は制作年順に作品は並べられます。絵を学び始めた若い頃の作品から、亡くなる直前の作品まで、時系列に並べることによりその画家の作風の変遷や成長の過程を見ることが
できます。
しかし、
筆者は一度だけ海外の美術館でまったく逆に、最晩年から初期へと遡っていく回顧展を見た経験があります。途中で順路を間違えたのかと思って展示の最初に戻ったのですが、間違いではなく明らかに意図的に逆に並べているということが分かり、再び順路に沿って見ていったのですが、それはとても不思議な体験でした。普通であれば順を追うごとに作品には新たな要素が加わり、技法は成熟の度合いを増していくものですが、この展示では作品は逆に単純化し、技法は素朴になっていったのです。謂わばルーツ探しの旅をしているような感じで、最後にその画家の原点といえる作品にたどり着いた
時、ここから全てが始まったのかと深い感慨にふけったことを記憶しています。そして、その原点が間違いなく最後の作品とつながっていたという事実を、通常の年代順の展示以
上にはっきりと意識させられ、こんな方法があるのかと新鮮な驚きを味わいました。
以後、通常の年代順の展示の場合でも、最後まで見てから必ずもう一度逆行するという鑑賞方法を試すようにしていますが、最初ほどの新鮮さ
はないものの、
いつも新たな発見があります。
一度お試しになってはいかがでしょう。
（F）

今年の夏に開催されたあいちトリエンナー
レでは、名古屋市美術館もメイン会場のひとつとなりました。各会場の展示内容は、それぞれの会場ごとの個性を活かそうと考えたもので、街という社会的要素が含まれる中で展開した長者町地区や、建物の構造上の理由か
ら映像作品を中心にした納屋橋会場と両美術館内での展示は意識して対照的なものとなる
ようにしました。街なかでは、街という要素
や街の人々とのコラボレーションということも重要であるのに対し、美術館は、もともと美術作品を見せる場所として作られていますから、他の要素が入らない分、「美術作品そのもの」の存在が浮き彫りになります。そのようなことを考慮に入れた上で、巨大な空間を持った愛知県美術館では、現代美術を「魅せる」ことを意識し、規模としてはこぢんまりとしつつも、黒川記章による個性の強い空間を持った名古屋市美術館では「経験する」
ことをより強く打ち出した展示構成にしました。トリエンナーレの成功と相俟って、当館での展示もおおむね好評だったようです。
「いつもの美術館より気楽に見ることができました。
「」トリエンナーレを見に来たケド、常設展示が非常におもしろい。
「」トリエンナーレの会場の中で一番好きかも！」「市美に入った
らお香のかおりがして、不思議に思ったので
すが、作品でしたか。ようこそと歓迎された気分になりました。
」
あるいは、「この美術館の全部の作品がまるで生きているようでした。
」など、視覚のみならず、嗅覚など五感を使って感じるものや、実際に動きのある作品も多かったためか、作品を体感するということについての感想が多くありました。
中 に は、「《Erotic Space Ⅱ》に は エ ロ
ティックな要素は一切なく、
ひどく憂鬱で寒々としていて、ぞっとするぐらいの悲しみが愛知大学卒業後上京し、岩波写真文庫のフリーランス・カメラマンとしてそのキャリアを始めました。戦後日本が抱えることになった矛盾や問題を、従来の報道写真とは異なる手法で見せるその表現は、日本の写真の“ヌー
ヴェル・ヴァーグ
（新しい波）”の旗手として一躍注目を浴びることになります。
「被爆」の精神的葛藤を追及し、写真家のライフ・ワークともなった
〈長崎〉
シリーズ
（1961
～）
。占領と独自性が屹立する沖縄の精神性を注視した『太陽の鉛筆』（1975）など沖縄に取材した一連の作品等、それらは現在でも継続して撮影されています。そうした東松の写真
表現は海外でも高く評価され、2004年には『Skin of the Nation』と題した大回顧展がニューヨーク、ワシントンD.C.、サンフラン
シスコで開催され、大きな反響を呼びました。
2000年代に入ると、写真家はかつて取材・生活・撮影した都市の写真群を集大成し、その成果は長崎、沖縄、京都、愛知、東京の各
地の美術館で、「マンダラ」と題して展示されました。町並みや人々の暮らし、土地の記憶や今日の姿が、モノクロ・プリント、カラー
写真、さらにはインクジェット・プリントで焼き付けられ、並置・混在されたその展示には、時間を越えたイメージの集積を見せようとした作家の新たな試みにも思われました。
今回の展覧会は、60年に及ぶ東松照明の表現の集大成を見せる本格的な回顧展を目指しな
がらも、その「全仕事」
をどのように紹介する学習と言いかえればよいでしょうか。学習の場なのです。15年ほど前からでしょうか、「博
物館はテーマーパークだ」
とか「博物館でエンターテイメント」などと言われることがありました。それは、かしこまった活動や、専門的に過ぎる活動の目立った
「博物館」
に、楽し
さの要素を取り込み、たのしみながら学ぶことを提唱したかったに他なりません。
このことは、今でも私に重くのしかかっています。美術館で提供されるたのしみは、軽薄な上っ面の楽しみではありません。精神の愉悦なのです。それを可能な限り多くの人に伝えるべく、展示の方法に工夫をしたり、広報宣伝を変えてみたりと、さまざまな配慮をめぐらすのです。効果は一朝一夕には出ないのが苦しいところです。ともあれそうした手法としてエンターテイメント的要素などが提案されたわけですが、楽しければいいというものではないはずです。このことを忘れるわ
けにはいきません。
なぜ豊かな情操が必要なんだろう。なぜ豊かな感性を育てるんだろう。人間に必要だか
らなのです。教育は人間として生きる力をはぐくむことであり、芸術などに心を動かすこ
とも、めぐりめぐって生きる力につながると信じています。
（hhk）
あった。まるで、人生の最後に病院で介護されてベッドの上でひどい悪夢を見ているかのようだった。でも、この作品が全体の中で一番考えさせる作品だった。
（原文英語翻訳筆者）」
や、「死にたいと思っている私が、
《不在
との対話》
を見て、生きているのは素晴らしいことだと見ている時だけ思った。
ずっと《不在との対話》がここにあれば時々見ては生きていけるのに。
」
といった、生と死－私たちが見たり考えたりする以前にここに存在するかどうか－という根源的な問題についてのコメントがありました。私たちは、それぞれに悩
み、苦しみ、希望や楽しみを持って生きていて、時に、作品に表現されている作家の感動と私たちの心の何かが共振することがあります。
「生きているのは素晴らしい」と一度でも感じれば、人間は無意識においてその感情を忘れることができないと私は信じます。
「ト
リエンナーレまた₃年後も待っています」
ぜ
ひ、また見に来てください。
（hina）

塩田千春《不在との対話》
photo : Sunhi Mang ©Chiharu Shiota

かが、非常に重要な課題になってきます。全
仕事を通して何が見えてくるのか。戦後日本の歴史的肖像か、或いは日本人の精神的「原風景」
なのか。ご期待下さい。
（J.T.）

東松照明《波照間島》1971（昭和46）年

温かさ、これからの厳しさをあらわしているように見えました。
（」たまんちゅさん、20歳）

今回の「どこがおもしろい？」
は、
ディエゴ・
リベラ
（1886-1957）による《スペイン風景（ト
レド）（》1913年）に寄せられた皆さんからのコメントを紹介します。
「山の中のふうけいがうかんできているようで、おもしろいです。どこもいろがちがうので、おもしろいです。おくの山みたいなやつが、はしなのか山なのか、わからなくておもしろいです。
（」いーいーさん、₈歳）「遠くの方はにぎやかでおだやかで、近くの方はとげがあって、より攻撃的な感じがします。
（」ほんまこさん、23歳）「好きな絵です。
風景をキュビズムで描くのは珍しいのでは？手前の丘や山が斬新ですが、遠くに家や木、畑がかわいらしくあり、なん
だかホッとします。
（」Takayoさん、52歳）「色数ハンパねぇって最初に思いました。手
前は渓谷で、真ん中に小川が流れているように感じます。奥の暖色系の部分は畑に見えます。最も奥はけわしい山に思えます。
（
」匿
名、？歳）
「この作品のぬり絵があったらたのしそうです。いろいろな風景ができそうで、そんな展
示をみてみたい。
（」すずきさん、？歳）「色合いがとても美しいです。スカーフやタペストリーなど布の柄になったら素敵だと思います。派手すぎず、地味すぎず、良いですね。
（」パーポスさん、43歳）「展示室の隅に座っている人は、何をしているの？」
学芸員という仕事は、一般的には馴染みがないのでしょう。
「学芸員です」と話すと、よく「美術館で絵のそばに座っている人ですね」と言われます。実際はそうではなくて、学芸員は展示室の裏の事務室で、次の展覧会の計画を立てていたり、イベントの準備をしていたり、何がしかの原稿を書いていたりします。
言ってみれば「仕込み」の仕事が大半なので、展覧会の会場で学芸員の姿を見ることはあまりありません。
「展示室の隅に座っている人」
は、展示されている作品の安全と、会場内の庄司 達（しょうじ さとる／1939−）

庄司達は1939年、京都市に生まれ、生後まもなく名古屋に転居した。両親は華道と茶道の教師をしており、大学卒業後、家業を継ぐという条件のもと、京都市立美術大学（現在の京都市立芸術大学）
美術学部彫刻科へ進学する。この時期の試行錯誤を通じて空間への関心と問いが芽生え、三次元のボリュームある彫刻への志向は遠のいていった。卒業後、名古屋に戻って名古屋市立工芸高校のデザイン科で教え始めるが、そこで、後の作家活動を決定付けるような出会いを果たす。
それは、「布」との出会いだった。その時のことを、庄司は次のように語る。
「ある日、校内の文房
具店の店先に積み重ねられているハンカチに目が引き付けられてしまった。生徒がその一枚を指でつまんでひらっとさせて買って行く光景に非常な新鮮さを感じたのだ。積み重なってボリュームとなった、布の束の最上部の一枚が飛び上って空間の中に融け込んで行
くかのように思えた。私は興奮した。授業が終るのももどかしく、何十枚ものハンカチを手に入れて研究室に閉じこもった。
（」浮かぶ

ディエゴ・リベラ《スペイン風景（トレド）》（1913年）「真ん中にいる人が気になる…人なのか、岩なのか…？左下のぐるぐるがわらびに見える
けど海外にわらびはあるのだろうか？」（おくむらさん、18歳）「おくむらさんの感想の『真ん中にいる人が気になる…』に『人なんていたっけ？』ともう一度見てみたら、確かに人がいるように見えて驚きました。そうして見えたことによって左側にもピンクの衣装をまとった女の人が腰かけているようにも見えてきました。暗い色も明るい色も淡いトーンで、見てて落ち着きます。だけれどもカチャカチャとした形が沢山あって、野山を見に出かけたくなるような絵です。
（」さるさん、22歳）
良好な鑑賞環境を保つための監視をしています。監視員は、作品に触れないよう、また撮影や携帯電話の通話がないよう来館者に注意をうながしたりします。
美術品は見られてこそ意味を持ちますが、安全な収蔵庫から出されれば、必ず損傷・劣化・盗難のリスクを負います。今年の₁月には、メトロポリタン美術館に展示していたピ
カソの絵画（当時約117億円相当）に、来館者が誤って倒れかかり、画面が損傷したというニュースがありました。やむをえない場合もありますが、文化財の保護も美術館の重要な任務ですので、人災や虫害などを抑止するた
めには、展示室内の必要な箇所に監視員を配置しておくことが大切です。
「作品に触れな
いでください」と呼び止められて、気分を損ねた経験がある方もいらっしゃると思いますが、美術品は一般的に想像されるよりずっと布－庄司達展[柔・空間の散歩]〈新潟市美術館〉カタログより）1968年には、桜画廊（名古屋）
において個展を開催し、彼の初めての布によるシリーズ《白い布による空間》
を発表した。1970年代にはコンセプチュアルな方向への関心から新聞紙や絵葉書を使用した作品も発表しているが、1970年代後半からは再び布による作品に立ち返っている。1985年頃より始められた《Navigation》
シリーズでは、布、木の棒、ロープなどを用いて展示室の中に伸びやかな空間を創り出し、布の特質を生かしたスケールの大きな造型が実現された。庄司は布を「宇宙と地球と私の力関係を自己表現として見せてくれる」
格好の素材と考えており、現在に至るまで、布による豊かな空間の表現を探求し続けている。2010年には、碧南市藤井達吉現代美術館（愛知）
にて、個展が開催された。
（akko）

庄司達《Navigation Flight（空間の誘導・飛行）No.5−6》1991年「トレドを中心に描くのではなく、あえて端に寄せることでうまくスペインを表わした絵になっていると感じました（オリーブ畑？など）。
（」tonny3さん、23歳）「光と奥行き、堅固となだらかの対比。近くで観た時は、各ピースに特別印象はなかったが、遠くから全体を観た瞬間自然と、はっきりと風景が浮かんだ。影を描いているわけでもないのに、光の感じというか、陽の注がれ方が分かるのが不思議。
（」匿名、24歳）「家を出た少年が自分の家が最後に見えるところで振り返った情景のような感じ。故郷の貴重で繊細ですので、どうかご容赦いただけ
ればと思います。
「話しかけてもいいの？展示について質問してもいいの？」
監視員は来館者からよく質問を受けます。
「常設展は展示替えしますか？」「美術館には全部で何点の作品がありますか？」という質問が多いそうです。
（常設展は年₃～₆回の展示替え、作品総数は4358点です）。作品の特徴や技法については、展示替えごとの研修や自己学習で勉強していますので、その場でわかることでしたらお答えできます。込み入った質問であれば学芸員が取り次ぎ、調査して返答しています。
現役監視員の方に聞いてみたところ、この仕事はとても気に入っているとのこと。
「ス
タッフは全員美術が好きで、快適な環境で作渡辺 英司（わたなべ えいじ／1961−）

図鑑の蝶が本の中から解き放たれ、床、天井、壁にとまっている。蝶が図鑑から飛び立つという超現実主義的なイメージは、詩的でロマンチックでいて、₂次元から₃次元に展開することで、よりリアリティのあるものとして見ているわれわれを中に取り込みながら現前してくる。その美しいイメージが織りなす世界は、あまりに洗練された美しさでもって、渡辺の作品がコンセプトとユーモアが中
心にあることを忘れさせてしまいそうだ。渡
辺自身、植物図鑑のモチーフから始めたこのシリーズを「蝶」でやるためには時間が必要だったと言う。彼自身、そもそも虫があまり好きでないということもあったようだが、やはり蝶がもたらすイメージと取り組むには、心の準備が必要だったのではないか。
しかし、
このシリーズの作品は、そのようなロマン
チックなイメージとは別の次元で、名付けることで世界の中に存在を与えるという「言葉」の機能を思い起こさせる。名付けられ、分類されることで、存在が視覚化する。記号学者のロラン・バルトは「絵画は言語活動か」と問うたが、まるでその問いに答えるかのように、
スコットランドの作家トーマス＆ローリー・
クラークの蝶の分類名の文字のインスタレー
ションをコラボレーションする。蝶のモチー《スペイン風景（トレド）》はタイトルの通り、スペイン中央部に位置する古都トレドを描いた作品です。この街は中心部を流れるタ
ホ川によって、大聖堂を中心に城塞やレンガ造りの家々が並ぶ旧市街と自然が豊かな地域とに二分され、作品の中でも川を挟んで二つの対照的な風景が描かれています。キュビス
ムの理論に基づきつつも風景画としても成立している作品は、伝統的なヨーロッパ絵画を真摯に学ぶことで磨かれた豊かな色彩感覚と構成力を持つ、
この画家ならではのものです。
当時リベラはトレドの街に魅かれ、友人とともに何度か滞在しては17世紀の画家エル・グ
レコを熱心に研究しており、構図を参考にしたと思われる作品が残っています。
リベラはメキシコの美術学校を優秀な成績で卒業した後、1907年から約15年間をヨー
ロッパで過ごしました。当時、芸術を志す若者はこぞってパリを目指しましたが、彼はス
ペインのマドリードで留学生活をスタートさせています。渡欧後の数年間は伝統的なヨー
ロッパ文化を尊ぶ保守的な価値観に基づいた作品を制作していましたが、1913年故国メキ
シコで内戦が起こるなどの社会的な変動によってそれまで信じてきた価値観が大きく揺さぶられると、リベラは画家としての新境地を開拓すべく実験的な前衛美術の世界、特にキュビスムに傾倒し、その独自性を開花させていきました。
ところが、メキシコに戻った後の作品にその影響を見ることはできません。これはキュ
ビスムのような一部の限られた知識階級を楽しませるための芸術思想と、帰国後のリベラが取り組んだ活動における「民衆のために芸術は何が出来るか」という考えとが相容れなかったから、と考えられています。
（3）
品に囲まれて過ごせるのが良い」
のだそうで
す。また
「美術好きのお客様から感想をいた
だくのも楽しく、研修などで美術の知識が得られるのも魅力」
だそうです。逆に、「混雑時はかなり神経を使い、一日中立ちっぱなしなので辛い」ということです。また、「解釈の難
しい現代美術について、お客様から感想を求められることがあり、それは困ってしまう」
そうです。
ちなみに当館の場合、常設展の監視員は人
材派遣会社に依頼して来ていただいている方々です。欠員があった場合には、契約会社
より求人情報が出ますので、美術館で働いてみたい！という方は、「美術館 求人」などのワードでネット検索してみると、時おり募集が見つかると思います。
（nori）＊ご質問いただいたＭさんには特別展のペアチケットをお送りします。

フは、1992年から、このシリーズに展開されるようになった。
「蝶による鳥瞰図」と作家本人が話るように、彼の作品はユーモアが常に発想の根本にある。あいちトリエンナーレでは、ビル₁棟を使い、渡辺の芸術の神髄を思う存分見せつけた。人工芝に人工の芝を生やし、緊急救助のためのようでもあるが、ヘリコプターを止めることがないヘリポートなど、ものの概念や日常的な感覚をほんの少しずらすことでもたらされる独特の世界で、ユーモアとともに見る者を知的な遊戯に誘い出す。１９６１年愛知県生まれ。この地方の若い作家や海外の作家を招聘し、名古屋で発表の機会を与える活動も精力的に行っている。名古屋市美術館協力会の２０１１年のカレンダーを制作。
（hina）《蝶瞰図
（蝶の名前／名前の蝶）
コラボレーションワーク》
あいちトリエンナーレ ⒸEiji Watanabe photo:Tetsuo Ito

2010年11月₂日㈫～30日㈫
白土舎常設展示「現代美術のメッカ」の終末......?!
白土舎が閉廊するという通知を受けて、さっそく訪ねた最後の展覧会には、この画廊に縁の深い作家12名（岩城直美、坂本夏子、
設楽知昭、鋤柄ふくみ、鷲見麿、高橋信行、
奈良美智、生川晴子、藤城凡子、松井紫朗、
森北伸、チャールズ・ウォーゼン）の作品が展示されていた。
画廊主（土崎正彦さん）のお眼鏡に適った数少ない作家たちの作品は、「いつまでも壁に掛っていたい」と静かに語っていた。
いまから20年程前、名古屋市美術館が開館した頃、名古屋には数多くの現代美術の画廊があって、「現代美術のメッカ」と呼ばれていた。
とくに伏見界隈（名古屋市中区錦）には有力な画廊が集っていた。
「桜のおばちゃん」の人柄で愛された桜画廊、現代美術家・荒川修作を全面的にバック・アップしていたギャラリーたかぎ、
アメリカ現代美術の本流を紹介していた
アキライケダ・ギャラリー、イギリス現代美術の新鋭作家たちの発表の場であったコオジ
オグラ・ギャラリー、名古屋の若手作家を積極的に取りあげたラヴコレクション・ギャラ『誰も知らない印象派 娼婦の美術史』
山田登世子著、左右社、2010年

ルノワール《船遊びの昼食》
フィリップス・コレクション（ワシントン）蔵

本の帯紙
（別名
「腰巻」
）
に赤い文字で、
でかで
かと
「驚愕！」
の二文字が踊っていますが、確かに題名からして挑発的な本です。
印象派ほどポピュラーで、
研究者がごまんといるテーマについて、「誰も知らない印象派」
について教えてあげましょう、と宣言するのは相当な度胸と自信が必要です。
そこに「娼婦の美術史」
と続くわけ
ですから、
読者の興味を煽る戦略としては満点です。
なにかしら後ろ暗いような興味に引かれつつ、あたりを伺いながらそっと本を手に取り、ページを繰っていくと、なるほど通常の印
象派本ではお目にかかれないような情報が満載されています。
多少印象派をかじっている評者としては、「驚愕！」とまではいきませんでしたが、読み進めるうちに「ほぉー」
っと声を漏ら「ファイナルシンポジウム
みんなで話そうあいちトリエンナーレ！」2010年10月29日㈮18時～
あいちトリエンナーレの閉幕直前、トリエン
ナーレについて振り返りつつ様々な人が気軽に話せる場をつくろうと、
あえてパネリストを固定せず、キュレーター、
事務局、
ボランティ
ア、
サポーターズクラブや長者町の人々さらには報道関係者から、会場内の参加者の方にパネ
リストになって頂き、カジュアルに開催しました。
酷暑の中開幕したトリエンナーレは、
肌寒
い空気が感じられた10月下旬には、当初の目標をはるかに超えた50万人以上の観客数を数えることとなりました。
（最終的には57万人）
実際に、長者町での経済効果、あるいは、はじめて美術館に訪れてくださったお客様が急激に増えるなど、トリエンナーレが及ぼした影響は様々な局面で見られました。
会場では、
その効
果について積極的に評価する声、例えば、「現代
芸術に目覚めた」「、芸術を通じて国際交流をした」「、街の人の意識が変わった」
等々が挙げられたと同時に、
一方では、
ボランティアのシス
テムやイベントについての運営面での問題点
古紙パルプを含む再生紙を使用しています。

リー、
そして1992年に新しく開廊した白土舎。
東京をはじめ全国各地から名古屋市美術館を訪れた学芸員たちは、ほとんど例外なく、仕事帰りに伏見界隈の画廊を訪ね歩いていた。
まだ駆け出しの学芸員だった私も、新聞や雑誌の「展評」の取材のために、しばしば「画廊まわり」をしたものだった。すでに世界的に活躍していた作家たち（荒川修作、河原温、
桑山忠明など）の新作を見に行ったり、新鋭
作家たち（吉本作次、
宮島達男、
奈良美智など）のデビュー作に出会ったりしたこともあった。
しかし、伏見界隈の画廊が次々と閉廊、移転して、残されていた白土舎が閉廊したいま、
まさに「現代美術のメッカ」の終末を感じざるを得ない。新しい美術の創造を現場で支えている画廊の存在は、美術館とともに、その都市の芸術・文化のレベルを反映しているが、名古屋が再び「文化不毛の地」と呼ばれないように、私たちに何ができるのだろうか。
（sy）

したことは一度や二度ではありません。
例えば
ルノワールの有名な《舟遊びの昼食》
について触れた次の箇所。
「ところで、クイズではないけ
れど、この名画について、こうたずねられたら、
読者は何と答えるだろうか。 －この絵の中に〈娼婦〉が何人いるでしょう？ あくまで筆者の推測だが、描かれた女たちは全員あやしいと言わねばならない」。驚きますよね。ルノ
ワールの代表作であり、パリ近郊ののどかな休日の一時を描いた、
この幸せ一杯の名画に登場する女性たちがすべて娼婦と言われたら。
明るい喜びに満ちた画面の中に、急に生臭い風が吹き始めるような気がしてきます。
美術の教科書にも載っているのに、小学生になんて説明したらいいんだろう、
なんて余計な心配までしてしまいます。
著者によれば、《舟遊びの昼食》の舞
台になっているシャトゥをはじめ、
ラ・グルヌ
イエールやブージヴァルなど、印象派が好んで描いたパリ近郊のセーヌ河畔の行楽地は、
いず
こも娼婦と彼女たちを目当てにやって来るいかがわしい男たちであふれる「歓楽の水辺」ということらしいのです。
しかし、印象派の絵からは、そういった生臭い現実はきれいさっぱり取り除かれ、
喜びと輝きに満ちた人生だけが謳歌されるのですが、だからこそ彼らの絵を支持した中産階級の居間を飾ることになったのだ、という分析もしっかり行われています。
なるほどね。しかし、この本を読むと、パリの町
中も近郊も当時は娼婦で溢れかえっていたよ
うですが、となると堅気のご婦人方は一体どうしていたのでしょう？ 次回の著書で是非そのあたりを教えてください。
登世子先生！
（F）などもあげられました。
名古屋という街でトリ
エンナーレを通じて何かがほんの少し動いたということは事実だと思います。また、₃年ごとに続いていくことでその動きが名古屋という街の魅力を形作る一つのダイナミズムに発展する可能性もあります。
運営面での問題点については、回数を重ね経験を通じて解決していけると思います。しかし、私は、定期的に国際展を開催することを決定してしまった（たと
えそれが行政的な決定でなされたとしても）この街とそこに住む人々の責任についてもっと議論する必要があるのではないかと感じました。つまり、この街に生きる人間として、ありきたりの情操的なとらえ方に留まらずに芸術という存在を見つめ、国際展や美術館の矛盾に満ちた存在について、それをとりまく社会の状況について考え続けることです。
とにもかく
にも、
この一過性の出来事を₃年ごとに続けていくという責任を負ってしまった私たちは、それについて始めたばかりなのです。
（hina）

国際展の時代（？）に生きる私たち、
そして美術館
今年は、名古屋ではじまったあいちトリエンナーレはじめ、瀬戸内国際芸術祭、釜山、光州、ソウル、上海、台北等々で、たくさんの国際展がアジアで開催されており、私自身
は、お財布と時間の事情から、瀬戸内と韓国の₃つの国際展を駆け足で巡りました。
近年の世界的ポリティックスのイデオロ
ギーともいえる「グローバリゼーション」
を背景に、特にアジアを中心に、各地に国際展が設立されています。国際展が乱立する中で、あいちの発信力がいかほどになりうるのかという観点から、なぜここで、どのようにやるのかということについての議論は、今回の成功に拘わらず、引き続きなされるべきでしょう。しかしながら、建畠晢監督によって掲げられた「都市と祝祭」
といった概観的なコンセ
プトは、最初は批判を受けたものの、その意
図されたゆるさによって芸術の多様な存在を包括することができ、それを通じてほんの少し露わとなった名古屋という都市が持ちえていなかった、多様性への許容へと近づく一歩になり得たと、私は感じました。あいちに出品したホアン・スー・チエ
（黃世傑）
は、釜山
と光州でも展示をしていました。日用品を美しい機械仕掛けのインスタレーションに展開させる彼の作品は、名古屋では、アジア的な祝祭性を見せましたが、「Living in Evolution（進化の中に生きている）」と題された釜山ビエンナーレでは、作品のインヴェンショナルな側面が強調されました。芸術監督が掲げる
展覧会のコンセプトは、作品の多様な見え方を提供するだけでなく、実際にはそれぞれの地の国際展の個性も反映されていきます。韓
国の民主化運動の聖地と言われる場所で開催される光州ビエンナーレが、展覧会にどのようなコンセプトを掲げようとも場所の持つ社会性と無関係でいられないように。つまり、芸術祭の特色付けには、芸術監督のコンセプ
トとともに、その地の人々が芸術祭とどう向き合うかということも重要なのです。
そして、この地ではじまった国際展をわれわれが大切にすることは、それと補完的関係にある美術館の活動やその他のオルタナティブな活動をも大切にしていくことにつながっていくのではないでしょうか。
（hina）

ホアン・スー・チエ（黃世傑）"Eye Series"2010
釜山ビエンナーレ ⒸHuang Shih Chieh

演題：ゴッホの見た日本※₂階講堂、無料、定員180名〈約₂時間〉■特別展 ポーラ美術館コレクション展－印象派とエコール・ド・パリ
箱根にあり国内有数の内容を誇るポーラ美
術館コレクションの、中でもとりわけ評価が高い、
モネ、
ルノワール、
セザンヌ、
ゴッホ、
スーラ
など印象派から３６点と､ピカソ､モディリアー
ニ、シャガール､ スーティン､ フジタなどエ
コール・ド・パリから３８点の、合計２５作家７４点の名品を、厳選してお楽しみいただきます。
会期：2010年12月₇日㈫～2011年₂月₆日㈰会場：第₁・₂企画展示室
料金：一 般1,300円（1,100円）
高大生 900円（ 700円）
小中生 600円（ 400円）※（ ）内は20名以上の団体{関連催事}○解説会

日時：₁月29日㈯午後₂時～
講師：角田美奈子（名古屋市美術館学芸員）※₂階講堂、無料、定員180名〈約₂時間〉○ギャラリートーク

当館ボランティアと、楽しく観覧します。
日時：[1月]7・12・13・14・16・18・19・20・21・25・26・27・28日
午前10時30分～／午後₁時30分～※展覧会入場券で参加できます。
〈約₁時間〉■特別展 没後120年 ゴッホ展

会期：2011年₂月22日㈫～₄月10日㈰※従来の金曜に加えて土曜も夜間開館します。

会場：第₁・₂企画展示室
料金：一 般1,500円（1,300円）
高大生1,000円（ 800円）
小中生 600円（ 400円）※（ ）内は20名以上の団体{関連催事}○講演会

日時：₃月₆日㈰午後₂時～
講師：神谷浩（名古屋市美術館副館長、国際浮世絵学会理事）○解説会

日時：₃月20日㈰午後₂時～
講師：深谷克典（名古屋市美術館学芸課長）
演題：アルルのファン・ゴッホ※₂階講堂、無料、定員180名〈約₂時間〉○映画上映会⑴「There Is No Blue Without Yellow
And Orange ゴッホの足跡をたどるヨー
ロッパの旅と日本の印象」
フィンセント・ファン・デ・ワインガールト監督
ドキュメンタリー映画（2010年、約70分）
日時：₂月27日㈰午前10時～/午後₂時～⑵アラン・レネ監督映画｢ゴッホ｣（1948年､ アカデミー賞短編映画
賞)/｢ゴーギャン｣（1950年)〈約18分/約13分〉
日時：[₂月]25日㈮・[₃月]₄､11､18日㈮
午後5:30分～/₆時30分～※₂階講堂、無料、定員180名■常設企画展「ぷろだくしょん我S」

会期：2010年12月₄日㈯～2011年₂月₆日㈰場所：常設展示室₃■ポジション2011常設企画展「米山和子展」
名古屋市美術館がお贈りする、この地方のアーティストを紹介する企画の第一弾。和紙や米など身近な素材を用いる米山和子の清浄な神秘性を宿した世界をお楽しみください。
会期：2011年₂月19日㈯～年₄月10日㈰場所：常設展示室₃■コレクション解析学2010−2011○第₄回 ₁月３０日㈰ 午後₂時〜

講師：原沢暁子（名古屋市美術館学芸員）
作品：ジョナサン・ボロフスキー《ハンマリングマン》
1982年
演題：
“Everything is connected.
（すべてのものごとは繋がっている）”※当館ホームページ（http://www.art-museum.
city.nagoya.jp/）
を、ご覧ください。
美術館の定休日は月曜（祝休日の場合は翌日）（A）【編集後記】『ようこそ、アムステルダム国立美術館へ』という映画を見ました。美術
館の改装工事という一大事業を前に、美術館員たちが市民のための理想の美術館を目指し、情熱を込めて計画を進めようとする中、改装に伴う建物
内を通る道の構造変更に関してサイクリスト協会をはじめ地元民が大反対運動を展開、建築許可の手続きもなかなか進まず、工事はストップしたま
ま館長は辞任という、あまり愉快とはいえない内容でした。
（2003年以降、現在も休館中だそうです。
）というのも、美術館に勤めている私は、この騒動について、計画を進めたい美術館側に共感し、民主主義あるいはビュー
ロクラシーの悪夢として実感してしまったからでしょう。とはいえ、市民
ひとりひとりが自分の問題として美術館と向き合うということは大切なことでもあります。しかしながら、「我々は美しい入り口ではなく絵画を見に美術館に行くのだから、建物は美しくなくてもいい」という発言に拍手喝采をする人々の姿を見て、美しいもの（と誰かが思うこと）
への許容心（あ
るいは敬意）も持った社会に生きたいなあというのが本音です。
（hina）

アートペーパー第85号 発行日：2011年1月1日

発行 名古屋市美術館［白川公園内］
http://www.art-museum.city.nagoya.jp/〒460-0008
名古屋市中区栄二丁目17番25号
地下鉄《伏見駅・大須観音駅・矢場町駅》下車
Tel.052-212-0001 Fax.052-212-0005
休館日：毎週月曜（祝日の場合は直後の平日）

執筆者／神谷浩（hhk）、深谷克典（F）、山田諭（sy）、鈴木明世（A）、竹葉丈（J.T.）、角田美奈子（み。
）、原沢暁子（akko）、笠木日南子（hina）
、清家三智
（3）
、保崎裕徳
（nori）