CENTRO
COREOGRÁFICOCANAL
ACTIVIDADES
2020

ÍNDICE

Un año de Cultura Segura

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Palabras preliminares de Blanca Li,
Directora del Centro Coreográfico CanalEl Centro Coreográfico Canal

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Convocatoria de Residencias 2020

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Modalidad de creación: Ciclo Canal Baila
Modalidad de investigación: Ensayos Abiertos
Residencias intermitentes

Otras Actividades
Estudio 1
Festival LDC
Canal Performance
Gallery Weekend

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UN AÑODE CULTURASEGURA
BLANCA LI
Directoradel Centro
Coreográfico
Canal

1

7

No vamos a olvidar fácilmente 2020, el año de la pandemia y el confinamiento, de la extrañeza y la lejanía, un año surcado por el dolory la incertidumbre. Pero, cuando aún seguimos inmersos en lo quese antoja como un mal sueño colectivo, una verdad ha surgido con
fuerza: la cultura ha sido una herramienta fundamental para sobrellevarlo, para no desalentarnos, para poder continuar sonriendo ymirando con cierta esperanza hacia el futuro.
He visto con preocupación cómo Europa ha enfrentado esta pandemia: una mezcla de coraje, decisiones difíciles de tomar, aliento,
confianza en la responsabilidad civil individual y social, y cierta falta
de reflexión en unas circunstancias donde lo urgente se ha llevado
por delante todo lo demás. No estábamos preparados, lo podemos
asumir ahora, y hemos hecho lo que se creía más acertado. Y sinembargo, creo que España ha liderado una visión muy poco compartida por su entorno: la defensa de una cultura abierta en tiempos decrisis. Mantener viva la llama de la esperanza, la posibilidad de quelos ciudadanos responsables tengan un ágora desde la que, si no ya
socializar, al menos enriquecerse, poner la mente en otro sitio, disfrutar de las ideas y no ser absorbidos por el monotema diario que
imponía la realidad. Un espacio para crecer y volver a soñar, algo que
no debemos jamás infravalorar y que solo alimenta la cultura en sus
más diversas formas.
Todos hemos tenido que acostumbrarnos a unas nuevas normassociales y realizar un esfuerzo para llevarlas a cabo. Los creadores,
pero también otros agentes culturales y los equipos humanos y técnicos de los teatros hemos logrado elaborar e incorporar unos protocolos de seguridad e higiene efectivos, viables en sus evidentes restricciones, y duraderos para lo que resta de esta anómala situación,
que nos han permitido seguir ofreciendo cultura al ciudadano. Unos
protocolos que han requerido una disposición y una empatía notablede todos: no solo a nosotros, los que estamos en la tramoya teatral,también a los que están sobre el escenario y, sobre todo, al público
desde sus butacas. Pienso a menudo en ese público, y en sus propias
ansias de bailar, de entrar en contacto con otros cuerpos: al menos leshemos podido ofrecer ese gran, maravilloso, sucedáneo que es ahora
mismo la representación, hoy más necesaria que nunca antes, invitándolos a moverse con nosotros. Deberíamos ahora reivindicarlo,
agradecérnoslo y sentirnos orgullosos: lo hemos logrado entre todos,
en un ejercicio responsable y cómplice para mantener vivo aquelloque nos hace mejores, más libres y más fuertes como sociedad.
Gracias a este esfuerzo común, el Centro Coreográfico Canal halogrado llevar a cabo la mayor parte de lo pensado y programado paraeste difícil año. Hemos logrado mantener ciclos y ensayos, pero también el proceso vivo de la creación coreográfica, evitando un año que
podría haberse dado por perdido, con nefastas consecuencias no solopara la cultura española, sino para nuestro espíritu colectivo. Por
todo esto, gracias a los creadores por no desistir, al equipo del Centro
Coreográfico Canal y los Teatros del Canal por hacerlo posible y alpúblico por su confianza y su implícita reivindicación de la danza
al venir a contemplarla.

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Memoria de actividades 2020

EL CENTRO
COREOGRÁFICOCANAL

2El Centro Coreográfico Canal, dependiente dela Comunidad de Madrid y creado en 2009, es
un centro de creación, difusión, investigación yestudio de la danza, nacido con la intención deprofundizar y promover la creación artística coreográfica en todas sus formas de expresión. Un
espacio concebido también para posibilitar elencuentro e intercambio entre profesionales delmundo de la danza, que apuesta abiertamente porla investigación, la innovación y la expermientación como herramientas vitales para la creación,
instituyéndose éstas como el origen, la fuerza yla energía motora del propio Centro Coreográfico
Canal.
Un centro también abierto a todos los estilos
de danza: ballet, danza contemporánea, danza española y flamenco, hip-hop y el resto de danzas
urbanas y otros estilos dancísticos. El Centro Coreográfico Canal se piensa como un entorno dedicado y al servicio de la creación, para dotar de un
marco estable de creación y un espacio de trabajo
tanto a los creadores con compañías consagradas
y estables como a los emergentes y jóvenes en sus
primeros trabajos. Un centro de asistencia y colaboración para la generación de expresiones coreográficas y la experimentación sin trabas de nuevas
formas escénicas.

Las dotaciones estructurales y técnicas delCentro Coreográfico Canal sitúan a este centro dela Comunidad de Madrid entre los más cualificados de Europa. El Centro Coreográfico Canal pone
al servicio de los profesionales una serie de estudios, de doble altura y uno más a triple. Sus superficies oscilan entre 72 m2 y 238 m2. Cuatro deestos estudios de danza tienen galerías superiores
que, a modo de miradores, permiten presenciar
ensayos abiertos. Todas las salas están climatizadas. Forrados en madera y con amplios espejos desuelo a techo, entre otras dotaciones puede destacarse la composición de sus suelos, fabricados en
linóleo polivalente.
El Centro Coreográfico Canal también cuenta
con una sala de reuniones en la quinta planta a
disposición de las compañías residentes, además
de una cantina en la planta cero. También dispone, entre sus dependencias, de cuatro camerinos
individuales, equipados con baño, mesas de maquillaje, armario y dos vestuarios colectivos. Las
instalaciones se completan con dos vestuarios comunes, uno femenino en la planta tercera y otro
masculino en la cuarta planta.
La intención de su directora, la coreógrafa
Blanca Li, es que sea reconocido como un espaciode vital importancia para la danza de la Comunidad de Madrid, pero también como un centro
de creación de primer nivel a escala nacional einternacional, abierto a su amplia diversidad demanifestaciones y que permita la transmisión deconocimientos e ideas entre creadores y entre generaciones, manteniéndose siempre al servicio delos proyectos que asume durante cada una de lasetapas de la creación: desde la gestación creativa ylos ensayos a la exhibición final en representaciones. Un lugar para que el creador pueda experimentar, testar y dar forma a sus proyectos, recibiry dar ideas e información a otros profesionales
y compañeros, pero también un lugar abierto al

Un centro abierto
a todos los estilos dedanza. Un entorno alservicio de la creación,
pensado para dotar deun marco estable decreación y un espaciode trabajo tanto a
los creadores concompañías consagradas
y estables como a losemergentes y jóvenes ensus primeros trabajos

público amante de la danza y a los investigadores,para que puedan asistir al proceso de creación invitándoles puntualmente a ensayos abiertos, clases maestras o workshops profesionales. Un lugarúnico que centralice los recursos para la danza ylos ponga al servicio de los creadores. Como partedel proceso de tutelaje de los proyectos participantes, las piezas creadas en el Centro Coreográfico Canal llevarán el sello de los Teatros del Canal.
El Centro Coreográfico Canal ha asumido también un compromiso claro con la difusión del trabajo de las compañías madrileñas, fundamentales
en el tejido sociocultural de la capital, y ofrece
una herramienta completa de información sobre
todas las agrupaciones profesionales de danza dela Comunidad de Madrid, abarcando el mayor
abanico de estilos posible, al servicio de los profesionales y programadores de todo el mundo.
Una herramienta para favorecer los vínculos internacionales de la danza creada en Madrid y su
posicionamiento creativo global en los circuitos
internacionales de primer orden.
A pesar de las circunstancias especiales y complejas motivadas por el COVID 19, el Centro Coreográfico Canal ha podido desarrollar todas las
Residencias de Creación e Investigación seleccionadas para el año 2020. Así mismo, y con los debidos protocolos de seguridad e higiene estipula-9

dos por el Gobierno central y el de la Comunidad
de Madrid, el público también pudo disfrutar delciclo “Canal Baila” en los Teatros del Canal: la herramienta de programación a través de la cual semuestran los trabajos desarrollados por los coreógrafos escogidos en las Residencias de Creación,
permitiendo con la exhibición pública de los trabajos que el ciclo creativo se cierre efectivamente.
De la idea original planteada este año para elCentro Coreográfico Canal, solo un apéndice delproyecto, relativo a la formación en danza de losprofesionales, no ha podido llevarse a cabo, debido también a las restricciones lógicas impuestas
por el Covid 19. Se habían previsto unos ciclos declases diarias de danza para profesionales, ideadas como entrenamiento diario para profesionales. Este proyecto pedagógico para profesionales
permanece en la idea base de las actividades que
ha de desarrollar el Centro Coreográfico Canal yserá puesto en marcha en cuanto las circunstancias de seguridad e higiene lo permitan, siguiendo
los protocolos pertinentes.

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Memoria de actividades 2020

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CONVOCATORIADE RESIDENCIAS
2020

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El objetivo es
apoyar al tejido
profesional a travésde la concesión deespacios profesionales
con dotación yequipamiento

Este programa está dirigido a profesionales de la
danza, tanto creadores individuales como a compañías consolidados o emergentes, que desarrollen sus líneas de trabajo en torno a la danza y lasartes del movimiento, y que tengan como objetivo investigar o desarrollar nuevos proyectos en el
marco de lo coreográfico.
Por vez primera en la historia de esta convocatoria, la dirección del Centro Coreográfico
Canal decidió otorgar una asignación económica,
vital para el desarrollo en condiciones de la actividad coreográfica en el periodo de investigacióny creación, en ambas secciones de Residencias: lade Creación y la de Investigación.
Los seleccionados en esta 12ª convocatoria de
Residencias 2020 fueron 30 proyectos, escogidos
entre un total de 217 compañías presentadas. Se
adjudicaron 10 Residencias de Creación y 20 Residencias de Investigación. El proceso de selección, siguiendo los criterios de transparencia yobjetividad, contó con un Comité Seleccionador
formado por profesionales de prestigio en el ámbito de la danza: la coreógrafa y bailarina María
Pagés, el Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza, José Carlos Martínez y la artista
performativa, coreógrafa e intérprete La Ribot,
así como, en representación de los Teatros delCanal y del Centro Coreográfico Canal, su directora, la coreógrafa Blanca Li.

de 2 meses y fueron así mismo exhibidos dentro
de la programación regular de los Teatros del Canal, dentro del ciclo específico canal baila.

Residencias de Creación

Back Productions. Jorge Gonzalo / Metamorphoses(Gender Performativity). Daniel Doña / Entre hilos yhuesos. Compañía Daniel Abreu / El hijo. Compañía
Antonio Ruz / Aún. Jesús Rubio / Buscar la danza
La Pharmaco / Bekristen / Cristianos.Capitulo II.
Yoshua Cienfuegos / Herramientas de composición
y metodología. El Lagarto Baila. Leire Amonarriz /IzzzAdi!. Joaquín Abella / Mi funeral. Poliana Lima

Dirigidas al desarrollo de propuestas escénicas
de nueva creación, o a creaciones en proceso noconcluidas ni exhibidas, que tienen como objeto
el desarrollo de un trabajo escénico puesto en
marcha en el CCC. Los proyectos escogidos para
esta modalidad tuvieron un periodo de residencia

Las diez compañías seleccionadas para las residencias de creación fueron:Jesús Carmona / El Salto. Instituto Stocos. Muriel
Romero y Pablo Palacio / The Hidden Resonancesof Moving Bodies II. Compañía Ana Morales / En lacuerda floja. Proyecto Lanza. Cristian Martín / Márgenes. Begoña Quiñones y Verónica Garzón / Pacto.
Full Time Company. Fabián Tomé / Moi Je.Humos.
10 & 10. Runde-Narváez-Sanz / Gala. Colectivo Lamajara / Ígnea. Metamorphosis Dance / Elkarrizketa Ilunak. Elías Aguirre / Empusa Poem
Residencias de investigación
Dirigidas a apoyar la exploración, investigación yel desarrollo de proyectos en incipiente procesode gestación. Se otorgaron residencias de un mes
de duración y se incorporaron a un programa de
Ensayos Abiertos con público, para generar sinergias y también para dar la oportunidad al públicode presenciar los procesos de creación en danza.
Las veinte compañías seleccionadas para las residencias de investigación fueron:/ Petróleo. Lucía Marote / Música callada–El ojo delhuracán. Samuel Retortillo / Solo 40. Allan Falieri/ Vanishing ID. Manuel Liñán / SiNNorte. Sara Cano
Compañía de Danza / Aquí estoy aguardando el silencio.
The Colectivo. Victoria P. Miranda / Besta. Adriana
Bilbao / É C L A T. Fragmento desprendido de un cuerpo
que explota. Tania Garrido y Eva Alonso / La convergencia de las relaciones corpóreas. Mey-Ling Bisogno/ Cómeme otra vez. Carmelo Segura / Home. (Carmelo Segura renunciará posteriormente a la la residencia y su pieza no será desarrollada en el CCC).
A continuación, se desglosan en capítulos tantolos proyectos como los currículums profesionales
de las compañías receptoras de las Residencias deCreación (en el programa canal baila) como las
receptoras de las Residencias de Investigación (enel Programa de Ensayos Abiertos).

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MODALIDAD DE
CREACIÓN: CICLOCANAL BAILA

3.1

CANAL BAILA
Creaciones delas compañías
residentesdel Centro
Coreográfico
Canal

DANZA
Del 1 de septiembre
al 11 de octubreMemoria de actividades 2020

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CANAL
BAILA
BLANCA LI
Directora delos Teatros
del Canal y
del Centro
CoreográficoCanal

El ciclo Canal Baila, en cartel del 1 de septiembre al 11 de octubre de2020, en la Sala Negra de este teatro, ha supuesto una oportunidadúnica para disfrutar de las creaciones y del talento de algunos denuestros mejores y más premiados coreógrafos, bailarines y bailarinas. Las compañías Ana Morales, Jesús Carmona, Colectivo Lamajara,
Begoña Quiñones & Verónica Garzón, Proyecto Lanza-Cristian Martín, 10 & 10 (Runde, Narváez, Sanz), Metamorphosis Dance, Instituto
Stocos-Muriel Romero, Full Time Company-Fabian Thomé y Elías
Aguirre han presentado sus creaciones, a las que han dado forma
desde sus cimientos al amparo de las Residencias de Creación en elCentro Coreográfico Canal durante este año 2020. El centro tuvo
que cerrar sus puertas debido a las medidas sanitarias de control dela pandemia entre el 12 de marzo y el 18 de junio pero, a pesar detodo, las compañías han trabajado sin descanso para poder estrenar
sus creaciones.
Esta es la 12ª edición de residencias artísticas en el Centro Coreográfico Canal para creadores y compañías profesionales, consolidadaso emergentes, convocadas por la Consejería de Cultura y Turismo dela Comunidad de Madrid.
La finalidad de este programa de residencias, mediante la puesta
a disposición a creadores y compañías de las salas del Centro Coreográfico Canal, es apoyar la creación coreográfica y consolidar el tejido
profesional y empresarial de las compañías, facilitando recursos y espacios con unas condiciones excepcionales que permitan a estos artistas investigar, crear, desarrollarse y compartir sus procesos creativos.

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Memoria de actividades 2020

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ANA
MORALESEn lacuerda floja
Pre-estreno: MadridGénero: Flamenco
Duración: 45’
Dirección artística y coreografía: Ana Morales
Dirección escénica: Roberto Olivan y Ana Morales
Dirección y creación musical: José Quevedo “Bolita”
Baile: Ana Morales
Guitarra: José Quevedo “Bolita”
Percusión: Paquito González
Contrabajo: Pablo Martín
Voz en off: Sandra Carrasco
Director de iluminación: Benito Jiménez
Técnico de Sonido: Gaspar Leal Barker
Regidor y maquinista: Jorge Limosnita
Diseño de escenografía: Roberto Olivan,
Antonio Godoy y Ana Morales
Realización escenográfica: Antonio Godoy
Productora ejecutiva: Ana Morales
Distribución: Matel Cultura / May Torrejón
Producción: Elena Martín
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros delCanal, La Bienal de Sevilla, Flamenco Biennale,
L’Obrador - Espai de Creació

FOTOGRAFÍA: ©ÓSCAR ROMEROCREACIÓNCANAL

Sala Negra / 1 y 2 de septiembre
La relación que tenemos con nuestros estados hace que nos planteemos si la estabilidad es una utopía o algo tangible. Si es duradera osi es temporal; si nos gusta o la rechazamos; y a su vez, que entendamos el desequilibrio como necesario para sobrevivir. ¿Qué le pasa anuestro cuerpo y a nuestra mente cuando busca el orden y se siente
cómodo en el caos?
En la cuerda floja nos pondremos a prueba... Decidir, acompañar,
atravesar, estar en el momento y reconocerlo. Mantener el equilibrio. Inventar, intentar conseguir algo y no lograrlo. Desequilibrarnos... y generar más energía para conseguirlo… Ahí empieza todo.
Ana Morales (Barcelona, 1982). Bailaora, coreógrafa y directora de su
propia compañía. Estudió danza en el Conservatorio de Barcelona y a
los 16 años fue becada por la Compañía Andaluza de Danza, en la que
ingresó en 2001, bailando a las órdenes de coreógrafos como Antonio Gades, José Antonio Ruiz o Javier Latorre y también para Javier
Barón o Andrés Marín, entre otros. En 2010 estrenó su primera creación propia, “De sandalia a tacón”, a la que siguieron “ReciclARTE” y“Callejón del agua” (2014), “Los pasos perdidos” (2015), “Una mirada
lenta” (2017), “Sin permiso” y “Canciones para el silencio” (2018), galardonada con el prestigioso Giraldillo al Baile en la Bienal de Sevillay “En la cuerda floja” (2020). Ha sido solista del Ballet Flamenco deAndalucía, y recibido premios en el Concurso de Baile Flamenco de
La Perla (Cádiz, 2017), el Festival Internacional de Cante de las Minasde la Unión (Murcia, 2009), en los Premios Lorca del Teatro Andaluz por “Los pasos perdidos” y “Sin permiso” y ha sido nominada amejor Intérprete de Danza la los premios Max en varias ocasiones.

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Memoria de actividades 2020

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COMPAÑÍA
JESÚS CARMONAEl salto
CREACIÓN
CANAL
Estreno absoluto
Género: Flamenco
Duración: 1 hora
Dirección artística y coreografía: Jesús Carmona
Dirección de escena y dramaturgia: Ferrán Carvajal
Bailarines: Jesús Carmona, Ángel Reyes, Rubén
Puertas, José Alarcón, Adrián Maqueda,
Borja Cortés, Joan Fenollar y Daniel Arencibia
Músicos: Jose Valencia (cante), Juan Requena(guitarra) y Manu Masaedo (percusión)
Luces: David Pérez
Escenografía: Carmen Martínez
Vestuario: Rosa García Andújar
Asesoramiento en temas de género: Nerea Galán
Música original: Juan Requena y Sabio Janiak
Espacio sonoro: Sabio Janiak
Maquinaria y regiduría: Lola García
Sonido: Fali Pippio
Producción ejecutiva y tour manager: Eva Marcelo
Dirección de producción: Gachi Pisani
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros delCanal, Bienal de Flamenco de Sevilla, Teatro
Sadlers Wells/ Flamenco Festival London

FOTOGRAFÍA: ©LUKA RADIKOVIK

Sala Negra / 8 y 9 de septiembre
La concepción de este espectáculo nace de cuestionarme personalmente la relación que tanto hombres como mujeres mantenemos
con la masculinidad en pleno siglo xxi.
En la búsqueda de respuestas, he ido comprendiendo de manera
cada día más profunda en qué tipo de sociedad vivimos y qué podemos hacer para mejorarla: algunas actitudes más sencillas o cotidianas son las que necesitan quizá un cambio. Quise llevar a escena
este trabajo de crecimiento personal con el pensamiento de que elarte abre el alma a un lugar de entendimiento, y con la esperanza deconmover o abrir los ojos al espectador más reacio al conflicto quesugiere el espectáculo.
Jesús Carmona (Barcelona, 1985). Precoz bailaor y coreógrafo, quedebuta sobre los escenarios ya a los siete años. Licenciado en Danzaespañola y flamenco por el Institut del Teatre, pronto despunta comobailarín, trabajando para varias compañías españolas: Nuevo Ballet
Español, Carmen Cortés, El Güito, Rafael Amargo, Antonio Canales y
La Truco. En 2006 estrena su primer montaje propio, “El silencio dela Luna” y al año siguiente ingresa en el Ballet Nacional de España,
donde permanece hasta 2010 como Primer Bailarín. Con el estreno de “Cuna Negra & Blanca” (2011) establece su propia compañía,
con las que monta “7 Balcones” (2013), “Ímpetu's” (2015) , “Amator”(2017), “The Game” (2019) y “El Salto” (2020). Mejor Bailarín Sobresaliente del XX Certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid
en 2011, ha obtenido el Premio Nacional de Danza 2020, en la modalidad de Creación, además del Premio Desplante en el 52º Festival
Internacional de Cante de las Minas de la Unión y el Premio El Ojo
Crítico de Danza 2019. Ha sido nominado en varias ocasiones a lospremios Max de Artes Escénicas.

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Memoria de actividades 202023

COLECTIVOLAMAJARA
DANZA
Ígnea
Estreno: Absoluto
Duración: 1 hora
Concepto y dirección: Paloma Hurtado,
Reinaldo Ribeiro y Daniel Rosado
Dirección escénica: Reinaldo Ribeiro
Dramaturgia y ojo externo: Arantza López
Coreografía: Colectivo Lamajara y bailarines
Intérpretes: Igor Calonge, Milagros García,
Paloma Hurtado, Daniel Morales
y Daniel Rosado
Textos: Arantza López en colaboración
con Colectivo Lamajara
Diseño de iluminación: Irene Cantero
Música original: Paloma Peñarrubia
Diseño de escenografía: Luis Crespo
Diseño de vestuario: Héctor León
Asistente de iluminación: Alfredo
Díez-Umpiérrez
Fotografía: Tristán Pérez-Martíny Luca Lorenzo Sala
Video: Tristán Pérez-Martín
Producción: Lola Rodríguez
Distribución: Valeria Cosi
Coproducción: Madrid Culturay Turismo SAU y Cabildo de Tenerife

FOTOGRAFÍA: ©LUCA LORENZOCREACIÓNCANAL

Sala Negra / 16 y 17 de septiembre
Vivir no es otra cosa que arder en preguntas—Antonin Artaud
Nos dejamos quemar e invocamos la naturaleza inestable de las cosas
trayendo la figura del volcán como metáfora. El aparente equilibrio
rechaza la inestabilidad. ¿Y si de repente volviéramos al Todo? ¿Y si
de repente volviéramos al Origen? ¿Y si erupcionáramos? Para erupcionar hace falta voluntad y tiempo. Esto que ves son miles de tiempos que traigo en mi cuerpo; esto que ves no es lava, es sangre y fe…
Sentir que la piel quema y desprendernos del tiempo, deshacernos ytransformarnos sin miedo, y peregrinar juntas en este arder en preguntas, en este reconocernos en la mirada del otro, en un darnos lamano y sentir que el calor es origen y destino. Al rojo vivo, ardiendo,
porque la vida quema.
Lamajara Danza Colectivo surgido en 2013 para unir a bailarines yartistas de otras disciplinas y dialogar desde el lenguaje del cuerpo.
Se organiza de forma cooperativa y explora el concepto de cultura "através de los principios de la naturaleza: el devenir, la transformación
y el cambio", manteniendo fuertes vínculos con el análisis de las relaciones entre el ser humano, el territorio y su forma de habitarlo,en oposición a las lógicas de las estructuras capitalistas y coloniales. Entre sus piezas, títulos como "Innings" (2014), "El Buhonero"(2015), "Al Voltant" y "Träd" (2017) o "Labranza" (2017), cuyo éxito ha
motivado su despliegue en proyectos paralelos como su adaptaciónpara niños "Labranza Kids" o el workshop "LabraT". Han participado
en festivales como Sismograf, Festival Dansa Valencia, DanSAT, Fira
Tárrega o Cádiz en Danza y obtuvieron el Premio del Jurado Popular
en el Certamen Coreográfico Danza en el Camino en 2020. Su última
obra “Ígnea” ha sido galardonada como mejor espectáculo de danza y
por mejor iluminación en los Premios Réplica.

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Memoria de actividades 202025BEGOÑAQUIÑONES& VERÓNICA
GARZÓNCREACIÓN
CANAL

Pacto
Estreno: Absoluto
Género: danza contemporánea
Duración: 1hConcepto, dirección y coreografía: Verónica
Garzón y Begoña Quiñones
Acompañamiento artístico: Antonio Ruz
Asistente de dirección: Joaquín Abella
Dramaturgia: Jana Pacheco
Música: Pablo Palacio
Vestuario: Paola de Diego
Producción: Spectare
Diseño de iluminación y coordinación
técnica: Pablo Seoane
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal

Sala Negra / 19 y 20 de septiembre
Pacto es una pieza que habla de la complejidad, ambigüedad, y naturaleza de las relaciones interpersonales entre individuos en los contextos
negociadores actuales así como de su potencial creador, volitivo y vital.
Se parte de la idea de pactar en su sentido más amplio: el de convenir,
acordar, conciliar o resolver algo de común acuerdo. Imaginando lospactos como encuentros que implican infinidad de ajustes que con una
cierta determinación pueden conducir al individuo a ejecutar algo oacomodarse a sus voluntades, fluctuamos con nuestros cuerpos entre elacto ciego de la entrega incondicional y el rapto visceral.
Los pactos, complejos o simples, implícitos o explícitos, requieren
renunciar a la individualidad, en alguna u otra medida, por parte de losindividuos implicados. Existen pactos que generan un falso sentido delibertad individual simplemente a través de su comprensión, pero que
no dejan de representar una mera expresión de arraigados desequilibrios de poder. En resumen, podemos comprender y aceptar los pactos,
pero esto no implica una unificación completa de sus reglas.
Begoña Quiñones & Verónica Garzón Las bailarinas y coreógrafas
Begoña Quiñones y Verónica Garzón comenzaron a asociarse creativamente a partir de 2012. Begoña Quiñones, junto a Mar Rodríguez, creó “fETCH”, un dúo que recibió en 2013 el Premio del Jurado
en el Certamen Coreográfico del 18MASDANZA. Verónica Garzón,
mención a la bailarina sobresaliente en el Certamen Coreográfico de
Madrid Pasoa2 (2009), obtuvo el Premio a la Mejor Coreografía de
Danza Contemporánea en el I Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán (2014). Fruto de la colaboración entre las tres coreógrafas sería“Prueba Trinity 1.0” (2014), una pieza que recibió el apoyo de varias
plataformas (Dantzagunea, Larumbe Danza, Conservatorio Superior
de Danza María de Ávila, Certamen Coreográfico de Madrid, Festival Internacional de Danza Contemporánea MASDANZA, Centro deDanza Canal) así como su representación en varios festivales nacionales. En 2017 crearon “Tríptico”, una pieza larga que se estrenaría
en el Centro Cultural Conde Duque dentro del Festival Ellas Crean,y que sentaría las bases de su actual colaboración: “Pacto”, pieza ganadora del Primer Premio de Coreografía en el XXXII Certamen Coreográfico de Madrid 2019 en su versión corta y estrenada en la Sala
Negra de los Teatros del Canal en Octubre 2020 en su versión larga.

FOTOGRAFÍA: ©JESÚS VALLINAS

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Memoria de actividades 2020

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PROYECTOLANZA / CRISTIANMARTÍN
Márgenes
Estreno: Absoluto
Género: flamenco con
raíz contemporánea
Duración: 1hDirección escénica: Daniel Doña
Artista invitada: Sandra Carrasco
Idea original e interpretación: Cristian Martín
Coreografía: Daniel Doña y Cristian Martín
Diseño de iluminación: Álvaro Estrada (A. a. i)
Composición musical original y diseño
de espacio sonoro: Pablo Martín Jones
Diseño de espacio escénico: Davinia Fillol
Técnico de sonido: Kike Calvo
Maquinista: Óscar Alonso (Rusti)
Fotografía y diseño gráfico: MarcosGpunto
Realización de vídeo: Beatrix Molnar
Taller de escenografía: María Luisa Talavera
y Manuel Álvarez
Taller de sastrería: Maribel Rodríguez
Producción: Cristian Martín
Producción ejecutiva: Carolina Pozuelo

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 23 y 24 de septiembre
Cuerpos que bailan, cantan y desaparecen detrás de la emoción que
suscitan. Cuerpos que nos mueven y nos conmueven. Cuerpos que setransforman en armonía, en esplendor, en caos, en vida y muerte. Son
los cuerpos olvidados, aquellos que están en los espacios donde nadie
mira, en los puntos ciegos del universo, en los márgenes donde hallansu verdad, su belleza más sublime. La contemplación de la belleza nos
produce placer, nos emociona; plantea un enigma que nos seduce. Pero¿lo marginal es bello? ¿Qué es la belleza? ¿Cómo se ha transformado
el concepto de belleza a través de nuestra historia? ¿Cuál es la relaciónde la belleza con el arte y las diferentes sociedades? ¿Dónde encontramos belleza? ¿Cuál es nuestra relación con lo bello y lo feo? ¿Belleza
y fealdad se complementan? Todas estas cuestiones son las que me heplanteado a lo largo de este trabajo coreográfico, preguntas que me hanhecho reflexionar acerca de este término tan universal como paradójico
y me han permitido desarrollar un proyecto inspirado en el estudio denuestra propia historia.
Cristian Martín (Ávila, 1985). Titulado por el Real Conservatorio deDanza de Madrid, este bailarín y coreógrafo comenzó su andaduraprofesional de la mano del Maestro Granero. Artista invitado en lascompañías de coreógrafos como Teresa Nieto, Manuel Liñán y sobre
todo Daniel Doña, para el que ha bailado en más de una decena deespectáculos, recorriendo importantes festivales nacionales e internacionales como el Festival de Jerez, Festival Internacional Madrid
en Danza, Ibérica Contemporánea, Tanzhaus -NWR de Düsseldorf,
el Festival de Leipzig o el de Birmingham, entre muchos otros. Ha
recibido el premio AISGE al bailarín sobresaliente en 2008, y su
primera creación, “Materia”, fue merecedora del Primer Premio en
Coreografía de Solo por el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid. En 2018 funda su propia formación
artística, Compañía Proyecto Lanza, y estrena su primer espectáculo
“Ser” con el que obtiene dos nominaciones a los Premios Max de lasArtes Escénicas como mejor intérprete de danza y mejor espectáculo
revelación. En 2020 estrena en Los Teatros del Canal “Mágenes”, segundo espectáculo como Compañía Proyecto Lanza.

FOTOGRAFÍA: ©MARCOSGPUNTO

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Memoria de actividades 202029

10 & 10NARVÁEZ,
RUNDE, SANZ
Dos de Gala
Estreno: Absoluto
Género: danza contemporánea
Duración: 1h
Idea original, coreografía, dramaturgia,
escenografía y vestuario: Inés Narváez,
Mónica Runde y Elisa Sanz
Música original y espacio sonoro: Mónica Runde
Otras músicas: Chaikovsky, Chopin, Wagner
Grabación y edición de vídeo en escena:
Mónica Runde
Diseño de iluminación: Bea FD
Diseño gráfico: Luis Carlos Molina Cuevas
Intérpretes creadores: Luiscar Cuevas, Inés
Narváez, Mónica Runde, José Luis Sendarrubias
y Gonzalo Simón
Luces, sonido y vídeo: Beatriz Francos
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal
Con el apoyo de: Ayuntamiento de Madrid,
Ayudas CREA 2020 Artes Escénicas de laFundación Caja Burgos, Teatro PradilloInvestigación y Creación

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 26 y 27 de septiembre
Para descubrir a Gala es importante tener un acercamiento a su trabajo
creativo y el de sus hombres (Paul Éluard, Salvador Dalí, Max Ernst).
¿Cuáles eran sus fuentes de inspiración; cuáles sus procesos?
Nos centramos en Gala y sus autorretratos, su preocupación por su
imagen y su rostro, su miedo a envejecer, su cuerpo; la composición desu imagen en cuadros y fotografías que, aun siendo otros los autores,
ella creaba al detalle. Vivir la experiencia creativa de Gala a través denuestros cuerpos en un formato de creación para la composición de unautorretrato / collage / audiovisual / danza / sonoro. Un Autorretrato /Mosaico de Gala con nuestros cuerpos viviendo la experiencia de Gala
para crear una nueva Gala a través de ella. Surrealismo / subconsciente/ poética del sueño / nueva realidad / técnicas de libre asociación / lenguaje simbólico. Creación de la acción a partir de procesos a través delsueño. Soñar la acción.
10 & 10 Danza. Runde-Narváez-Sanz Fundada en 1989 por Mónica
Runde (Madrid, 1961) y otros bailarines, entre los que se encuentra
Pedro Berdäyes, Runde asumirá su dirección en solitario a partir de2005. Runde es una de las más importantes, reconocidas y prolíficas–su trabajo supera las 60 piezas– personalidades de la danza contemporánea en España y una presencia apreciada y constante en el
circuito internacional: habitual de festivales como los de París, Lyon,
Lieja, Madrid, Florencia o Lille en un inabarcable etcétera. Premio
Nacional de Danza en 2000 y Premio Nacional de Danza de Costa
Rica en 2004, también atesora los premios Ricard Moragas de la Generalitat de Catalunya o el Premio de Cultura de la Comunidad de
Madrid. Tras varias colaboraciones conjuntas con la también coreógrafa Inés Narváez y la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, ambas con
prestigiosas y fecundas carreras, deciden codirigir a partir del 2020la compañía asumiendo en tripartito la dirección artística de 10 & 10.

FOTOGRAFÍA: © MÓNICA RUNDE

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Memoria de actividades 2020

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METAMORPHOSISDANCEElkarrizketa
Ilunak(Conversaciones
a oscuras)

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 30 de septiembre y 1 de octubre
Estreno: Absoluto
Género: danza contemporánea
Idiomas: inglés, euskera, español, italiano
Duración: 1h y 10'
Dirección y coreografía: Igor Bacoviche Iratxe Ansa
Bailarines: Iratxe Ansa, Igor Bacovich, Sasha
Riva, Simone Repele, Jay Aries
Música: Francesco Tristano, Liu Yiwei
Iluminación: Nicolas Fischtel
Textos: Aizpea Goenaga
Voz: Aia Kruse Goenaga
Escenografía: Iratxe Ansa, Igor Bacovich
Dibujo de vestuario: Iratxe Ansa, Igor Bacovich
Producción: Gabriel Blanco (Spectare
Producción Creativa)
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal

Una de las señas de identidad del proyecto de Metamorphosis Dance
es el desarrollo de un lenguaje coreográfico muy físico, heredero delos grandes coreógrafos del siglo xx. Esto se traduce en una búsqueda
que ahonda en las posibilidades artísticas brindadas por el uso de una
técnica que, partiendo de lo académico, deconstruye la fisicidad clásica
al incorporar elementos contemporáneos actuales.
De esta forma, Iratxe e Igor, sintiendo la necesidad de explorar nuevas formas de composición coreográfica, plantean una obra constituida
por secciones muy definidas y con un carácter propio. Cada sección dela obra provendrá de una inspiración específica que afectará tanto al estilo dancístico y la fisicidad, la música y la iluminación como a la propia
construcción coreográfica.
Metamorphosis Dance Compañía fundada en 2019 por los bailarines
y coreógrafos Iratxe Ansa e Igor Bacovich. Ansa es una bailarina deprestigio que ha rotado por compañías como la Nacional de Danza,
el Basel Ballet, el Ballet Gulbekian de Lisboa, el Ballet de la Ópera
de Lyon o la Nederland Dans Theater. En 2020 fue reconocida con
el Premio Nacional de Danza. Bacovich se formó en la Accademia
Nazionale de Danza di Roma y en CODARTS (Rotterdam), y ha formado parte de las compañías de Kirsztina de Chatel, Bruno Listopard
o Nanine Linning. Juntos han desarrollado su propia metodologíade trabajo llamada Metamorphosis Method, que es el punto de partida tanto del entrenamiento de sus bailarines como de sus procesos creativos. A partir de 2013, unen sus experiencias individuales yconjuntas para desarrollar un proyecto que aúna fuerza expresiva,
profundidad emocional y limpieza y precisión en el movimiento.
Bajo Metamorphosis Dance han creado los espectáculos, “Dog Talks”(2019), “Al desnudo” (2020) y "Elkarrizketa Ilunak" (2020), estrenados
en los Teatros del Canal. En su trayectoria, Metamorphosis Dancetambién ha desarrollado un nutrido catálogo de piezas para la cámara y vídeo-creaciones que forman otra vertiente importante de su
trabajo creativo.

FOTOGRAFÍA: © DANILO MORONI Y JUAN CARLOS TOLEDO

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Memoria de actividades 2020

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INSTITUTO
STOCOSThe Hidden
Resonancesof Moving
Bodies II

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 3 y 4 de octubre
Estreno: Absoluto
Género: danza, música y tecnología
Duración: 1hCoreografía: Muriel Romero
Composición musical: Pablo Palacio
Asistente de dirección: Alicia Narejos
Bailarines: Muriel Romero, Luciana Croatto,
Charlie Prince, Alicia Narejos
Músicos: Juanjo Guillem, Rafa Gálvez
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Estilismo: Rosa Murillo
Software y tecnología interactiva: Pablo Palacio,
Daniel Bisig, Infomus Casa Paganini
Producción: Spectare Producción Creativa
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal
Con el apoyo de: Unión Europea (H2020),
Comunidad de Madrid, INAEM

The Hidden Resonances of Moving Bodies II es la segunda parte de una serie
de obras que confrontan en la escena a bailarines con músicos clásicos-contemporáneos, con el objetivo de explorar los principios comunes que subyacen a la creación de la danza y la música. La pieza es una
colaboración entre la compañía Instituto Stocos y el reconocido grupo
Neopercusión, percusionistas solistas de la Orquesta Nacional de España. El resultado de este proceso es una obra que propone una relación
original entre ambas disciplinas, centrada en el importante papel de laexperiencia y la consciencia corporal tanto en el ámbito de las artes delmovimiento como en la interpretación instrumental. Esta relación entre cuerpo y sonido es explotada gracias a una tecnología específica que
combina técnicas de captura de movimiento con modelos de inteligencia artificial, la cual posibilita la transformación del movimiento corporal de los bailarines en sonido y permite a los percusionistas expandir
su técnica más allá de la relación física con sus instrumentos.
Instituto Stocos Cofundado y codirigido pora la bailarina, coreógrafa
y pedagoga Muriel Romero y el compositor Pablo Palacio en 2008,
está centrado en el análisis y el desarrollo de la interacción entre elgesto corporal, el sonido, la imaginería visual, las nuevas tecnologías
y la psicología experimental. El Instituto, que se mueve tanto en elcampo de la investigación, la teorización y lo pedagógico como enla creación de trabajos escénicos, ha producido piezas como “Acusmatrix” (2008), “Catexis” (2010), “Stocos” (2012), “Piano & Dancer”(2016), “The Marriage of Heaven and Hell” (2018), “Oecumene” (2019)o sus series “Neural Narratives” (2014-15) y “The Hidden Resonancesof Moving Bodies”, cuya segunda parte han desarrollado en el Centro
Coreográfico Canal. Su trabajo ha sido apoyado por los organismo
españoles de cultura exterior (INEM, AECID, Instituto Cervantes) yla UE y han participado en publicaciones y talleres en conservatorios
y universidades nacionales e internacionales. Actualmente colabora
junto a Motion Bank (el proyecto de digitalización coreográfica dela Forsythe Company) y C-DaRE (Centre for Dance Research of Coventry University) en un nuevo proyecto europeo dentro del programa Horizon2020 centrado en explorar cómo la inteligencia artificial
puede contribuir a expandir la creatividad en la creación coreográfica y musical actual mediante la interacción entre movimiento corporal, sonido e imagen.

FOTOGRAFÍA: © DANIEL BISIG

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Memoria de actividades 2020

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FULL TIMECOMPANY /FABIAN THOMÉMOI JE. Humos
Estreno: Absoluto
Género: danza contemporánea
Duración: por determinar
Dirección y coreografía: Fabian Thomé
Bailarines: Eva Alonso, Laura Cardona, Arturo
Vargas, Edoardo Ramírez
Música original: Miguel Marín Pavón
Dramaturgia: Ignacio Urrutia
Luces: Gloria Montesino
Vestuario: Fabian Thomé
Producción: Andrea Méndez Criado
Manager: Valeria Cosi
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 7 y 8 de octubre
El espejo está lleno de humo.
Humo que sale del YO que fumo.
Mirando mi reflejo intento ver quién soy.
Al mirarnos, olvido si soy yo quien te mirao a quien tú miras. Cuántos humos…
¿Será este humo el que no me deja ver?
Cuatro facetas del Ego se enfrentan a sus propias limitaciones. Se reflejan los unos a los otros y se construyen entre sí llegando a formar
un cuadro caricaturesco dentro de una sociedad llena de “humos”. Esta
propia escucha de nuestra intimidad irá disipando esos humos para poder conectar tanto con uno mismo como entre ellos, para poder apreciar nuevas perspectivas. Un punto de partida para cada uno, con una
toma de conciencia necesaria.
Full Time Company Fundada y dirigida por Fabian Thomé (San Juande Luz, Francia, 1981) en 2019. Este joven coreógrafo y bailarín, formado en múltiples disciplinas danzísticas, fue intérprete de compañías como el Circo del Sol, la Eastman Company de Sidi Larbi
Cherkaoui o Sharon Fridman. En 2019 crea “Moi Je”, una pieza sobre
el Ego que recibe el Primer Premio del Certamen Coreográfico de
Madrid. Su proyecto en el Centro Coreográfico Canal es una ampliación, variación o desarrollo de esta primera coreografía.

FOTOGRAFÍAS: © IGNACIO URRUTIA

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Memoria de actividades 2020

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ELÍAS
AGUIRRE
Empusa PoemCREACIÓN
CANAL
Estreno: Absoluto
Género: danza contemporánea
Duración: por determinar
Dirección y coreografía: Elías Aguirre
Intérpretes: Víctor Fernández, Paula Montoya,
Mario González, Ainhoa Cristóbal, Elías Aguirre
Música original: Ed is DeadColaboración musical: Jorge da Rocha
Asistente: Ruth Muelas
Diseño de iluminación: Sergio G. Domínguez
Realización de vídeo: Rober Gimbel
Comunicación: Estela Pato
Asesor entomólogo UCM: Eduardo Ruiz
Diseño cartelería: Ramseh Beogram
Constructor: Juanjo de la Fuente
Vestuario: Marisa Maggi
Producción ejecutiva: Mayda Álvarez / SNEO
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal
Con el apoyo de: Comunidad de Madrid, SNEO

Sala Negra / 10 y 11 de octubre
La estructura de un poema haiku conforma el exoesqueleto de esta
producción, estableciendo un paralelismo entre la incapacidad para
explicar ciertos aspectos de la etología de los insectos y el comportamiento humano.
Los insectos son el epicentro de esta obra, evocando a criaturas
exóticas que sostienen arquitecturas que bien pudieran recordar a
estructuras de origami, articuladas en un eterno pliegue-despliegue
de alas, incluso insinuando geishas de un imaginario onírico.
Incomprensibles criaturas, escenas y escenarios inundan esta
obra, hasta “agotar el ámbito de lo posible de una vida mortal”, comoseñala Píndaro en El mito de Sísifo, de Albert Camus.
Empusa poem supone una evolución de la obra anterior, Insecto
primitivo, creando una armonía de multilenguajes entre la danza, el
teatro físico y el deporte, y adentrándose en un nuevo e inquietante
imaginario de mitología entomológica.
Elías Aguirre Creador multidisciplinar, bailarín, coreógrafo, fotógrafo, artista plástico y audiovisual. En 2008 comienza a desarrollar
proyectos propios y en colaboración con destacados artistas. Sus
trabajos se caracterizan por la convergencia de técnicas de danzacontemporánea, danza urbana, teatro gestual y una constante inspiración en la “naturaleza invisible”. En 2010 pasa a formar parte delas Compañías residentes del Ayuntamiento de Madrid. Sus piezas
han obtenido diversos premios internacionales (Primer Premio Iberoamericano Alicia Alonso, Primer Premio Burgos Nueva York…) y
han sido representadas en festivales de los cinco continentes. Entresus creaciones se encuentran “White Room” (2009), la mutipremiada “Entomo” (2010), “Longfade” (2012), “Lucha o Vuelo” (2015), “PezEsfinge” (2017), ‘Insecto Primitivo’ (2019), ‘Empusa Poem’ (2020) y‘Flowerheads’ (2021). Aguirre es director artístico del Festival Cuerpo Romo. www.eliasaguirre.com

FOTOGRAFÍA: © ELÍAS AGUIRRE38

MODALIDAD DEINVESTIGACIÓN:ENSAYOS ABIERTOS

3.2

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Memoria de actividades 2020

1

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“METAMORPHOSES” DE BACK PRODUCTIONS
Realizado el 1 de octubre de 2020 a las 18h
Es un espectáculo interdisciplinar de danza y teatro a través del cual se analiza la creación culturaldel género binario masculino/femenino. ¿Cómo
se va creando la idea de lo que significa ser una
mujer y un hombre?
Back Productions Es una productora activista sinánimo de lucro creada en 2017. Está focalizada enla producción audiovisual y escénica, con el objetivo de crear ficciones que sensibilicen al público
en cuestiones de género y diversidad LGBTIQ+,
bajo la idea general de desafiar las estructuras
mentales moldeadas por la cultura popular a través de narrativas que planteen nuevas preguntas.
Entre sus proyectos destacan “Camino”, un documental sobre una chica intersex, “GEN 2121”, una
serie distópica sobre un futuro donde no existe
el género y la función “Metamorphoses (Parte 1)”que analiza la creación de los modelos de masculinidad y feminidad.

2

goga de la danza, formada en el CNDC L'Esquisse (Angers, Francia) y Merce Cunningham (New
York) . Con una larga trayectoria como coreógrafa, asistente de dirección, repetidora y bailarina
para diversas compañías, teatros y conservatorios
nacionales e internacionales como Coocon Dance
Company, Cooperativa Maura Morales (Alemania),
Provisional Danza (“Te voy a echar de menos”, junto a Carmen Werner, 2007), la Compañía Nacionalde Costa Rica (“El 7”, 2016), Dar en Sankt San Petersburgo (“Por las bestias”, 2017) o la Praga School
Dance (“Alone”, 2017). Está constituída por cinco
jóvenes intérpretes e investiga sobre los límites y laresistencia física, combinando la danza y el texto.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“LA OTRA ESCENA” DE MANUEL LIÑÁN
Realizado el 20 de octubre de 2020 a las 18h

Romper las barreras de la expresión corporal, de laresistencia física, de la presencia muda, del riesgo,
el dolor y el abandono en pos de una actuación
más allá del teatro y de la danza, en el terreno deaquelarre ritual, de la invocación catártica, de una
mezcla divino-humana-animal que conmocione yno tenga explicación lógica.

Somos transmisores de herencias traumáticas,
acontecimientos emocionalmente intensos y conflictos no resueltos de nuestros antepasados, que
son transmitidos generación tras generación. Profundizar en estos hechos, nos acerca al miedo ya descubrir todo un muro construido a base desilencios, un lugar donde reposan innumerables
experiencias internas y externas. Internas porquese extienden en nuestra conciencia y externas
porque afectan a nuestro comportamiento. Canalizarlas o resolver estos conflictos nos lleva a
un lugar desconocido, "La otra escena”, donde seacumulan impresiones, pensamientos incontrolados y recuerdos reprimidos. La espera, la rabia, el
duelo, el tabú de transgredir los limites de la vergüenza, los sentimientos de culpa interiorizados
o la sumisión, aparecen en este inquebrantableviaje, una danza que se entrega a los sentimientos.

Compañía The Colectivo Fundada en 2020 por
Victoria P. Miranda, bailarina, coreógrafa y peda-

Manuel Liñán Liñán (Granada, 1980). Premio Nacional de Danza en 2017, es un artista flamenco

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “BESTA”
DE COMPAÑÍA THE COLECTIVO-VICTORIA
P. MIRANDA Realizado el 15 de octubre de2020 a las 18h

41

1. Imagen de «Besta», de The
Colectivo-Victoria P. Miranda.
2. Imagen de «Metamorphoses» de
Back Productions. 3. Imagen de «Laotra escena» de Manuel Liñán.

342

Memoria de actividades 2020

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1. Imagen de «Bekristen / Cristianos»

1alabado por la pureza de su arte y su frescura ypasión interpretativa. Tras años de investigación
hacia nuevas tendencias, este bailaor y coreógrafo se mueve entre tradición y vanguardia, hasta
llevarla a un punto insólito entre la genialidad
y la simpleza, que lo sitúa en un lugar privilegiado del panorama actual de la danza flamenca.
Entre sus espectáculos más destacados se encuentran “Cámara Negra” ( junto a Olga Pericet, 2005),“Tauro” (2010) y “Mundo y aparte” (2012), “Nómada” (2014), “Sinergia” (2015), “Reversible (2016)“Con-vivencias” (2017), “Baile de Autor” (2018) o“Viva!” (2019). Manuel Liñán atesora entre otros
4 Premios Max y ha sido galardonado tres años
consecutivos con el Premio de La critica Nacional“Flamenco Hoy”.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“BEKRISTEN / CRISTIANOS” DE
LA PHÁRMACO
Realizado el 18 de noviembrede 2020 a las 18h
Esta pieza es un proyecto que recoge años de viajes y reflexiones (desde 2016, en Guinea Ecuatorial, pasando por diversos países de Latinoamérica)
acerca del neoliberalismo como nuevo sistema decolonización. La imposición de los modelos culturales, económicos, sociales y políticos ahora procede
quizá de unas élites más sutiles, pero también másviolentas y efectivas. La obra dialoga entre dos ideas
clave: los modelos culturales que impone nuestro
sistema actual, que apuntan hacia la desterritorialización de los individuos, la pérdida de comunidad histórica y cultural; y también la asimilaciónde valores que generan unas necesidades extremas
relativas al consumo, al éxito, al deseo de juventudy a la superación de la enfermedad y de la muerte.
Sobre Luz Arcas/ La Phármaco Fundada en 2009de La Phármaco. 2. Imagen de «El hijo»
de Compañía Daniel Abreu.

por la bailarina y coreógrafa Luz Arcas (Málaga,1983), ganadora del Premio El Ojo Crítico de Danza en 2015, Premio Mejor Intérprete Femenina deDanza 2015 en los Premios Lorca y nominada como
Mejor Intérprete Femenina de Danza en Premios
Max (2017). Entre sus espectáculos destacan “Kaspar Hauser. El huérfano de Europa” (2016), “Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán conella” (2017), “Una gran emoción política” (2018)
coproducida por el Centro Dramático Nacionaly la trilogía “Bekristen/ Cristianos”, estrenada en
Teatros del Canal en 2019. Ha coreografiado parael Víctor Ullate Ballet o la Compañía Nacional de
El Salvador y ha realizado numerosos proyectos
en países de África y América. Su último trabajo,“Toná” (2020), se estrenó en el Teatro de la Abadía
dentro del Festival de Otoño de Madrid.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“EL HIJO” DE LA COMPAÑÍADANIEL ABREU
Realizado el 28 de octubre
de 2020 a las 18h
Durante el proceso de investigación, rondaban
por el estudio ideas de movilidad frágil relacionadas con la inocencia y la búsqueda de nuevos
caminos. En “El Hijo” he ido al verbo en acción,
al nacer, a los fantasmas infantiles, al desarrollo
ligado a lo primario y la cultura y, desde ahí, a loque conforma su camino. No lo represento, sólo
lo uso como pilar. Presento a través de la poética de la imagen y del sonido a un descendiente,
hablo de padres sin estar presentes, también deun lugar pero, sobre todo, de lo mágico. Y es quela danza permite la celebración de un estar vivos
y tener historia; la experiencia de ser hijo, y su
entusiasmo; la relación con los ciclos naturales ylos sistemas; y en ello, el conjunto de reacciones
dentro y fuera que hacen que uno exista2

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Memoria de actividades 2020

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1. Imagen de «El ojo del huracán» de1Daniel Abreu (La Matanza, Tenerife, 1976). Formado como bailarín clásico y contemporáneo, pero
también Licenciado en Psicología, lo que está muy
presente en sus trabajos, fundó su propia compañía en 2004. Entre sus muchos trabajos realizados,
destacan “Perro” (2006), “Animal” (2011), “Cabeza”(2012), “Silencio” (2013), “Venere” y “Vertebral”(2015), “Two Men” (2016), “La Desnudez” (ganadora de tres Premios Max a intérprete, coreografía
y mejor espectáculo), “Más o Menos Inquietos”(2017) o “Abisal” (2019). En el año 2011 entra enel prestigioso grupo de artistas que conforman el
programa europeo Modul Dance. De 2018 a 2020
es nombrado director artístico de Lava Compañíade Danza, la compañía de El Auditorio de Tenerife. Entre los numerosos premios que atesora, seencuentra el Premio Nacional de Danza (2014), elPremio del Jurado a la mejor coreografía en el
XVIII Certamen Coreográfico de Madrid (2005) oel Premio Fundación AISGE al bailarín sobresaliente (2005).

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “ELOJO DEL HURACÁN” DE LUCÍA MAROTE
Realizado el 30 de octubre de 2020a las 19h
“El ojo del huracán” es una investigación corporaly coreográfica que parte de la acción de girar, ycómo la permanencia en esta acción nos va transformando y permitiendo que emerja lo personalde manera sutil pero visible. Se trata de dar tiempo a que lo inestable se vuelva estable, de rendirsea la acción, quitar resistencias y componer y relacionarnos desde este nuevo estado.
Lucía Marote (Costa Rica, 1980). Bailarina intuitiva desde la infancia, que tomó clases de ballet,
gimnasia deportiva, danza contemporánea y otras

2

disciplinas corporales pero no siguió una educación reglada, Marote entró de joven en compañías de danza independiente y comenzó a darclases de baile en Costa Rica. Emigró a España aprincipios del milenio y fundó su compañía en
2012, dedicada precisamente a proyectos que dialogan entre lo estructurado y lo preciso, y lo caótico y espontáneo y que se asumen de una forma
más emotiva que intelectual. Entre sus trabajos
destacan “El Pie” (2012), “Downtango” (2017),“Anatomía del Sentimiento” (2018), “Fall” (2019;
nominada a los Premios Max) o “Perder Tiempo para Ganar Espacio” (2020). Marote ha sido
profesora invitada del Belgrade Dance Institute,y ha participado en festivales y circuitos como
Acieloabierto, Danza a Escena, Ellas Crean, Surge
Madrid, Abierto en Canal y The Lucky Trimme(Berlín).

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “MUJER
DE PIE” DE SARA CANO CÍA. DE DANZA
Realizado el 10 de noviembre de 2020a las 18h
Soy mujer, bailarina y estoy en la plenitud de mi
vida. Con un cuerpo que ha vivido ya sus cuarenta
primaveras, cuyas hojas empiezan a caer y unos
huesos que ya no vuelan tan alto… Pero este cuerpo aún tiene mucho que decir. Hay muchas vidas
en este cuerpo, muchas ganas de beber de otras
vidas. Hay mucha danza aún en este cuerpo… antes de que llegue el silencio. No soy flamenca.
Tampoco soy contemporánea. No sé qué etiqueta
es la que tengo que ponerme para que los demásme reconozcan. No pretendo nada más que sermi propia etiqueta. No trato de llegar a ninguna
meta. Esto es una carrera de fondo y aquí permanezco, con este cuerpo lleno de cosas por decir.
Antes de que el silencio lo inunde todo, y este
cuerpo ya no vuele y viva su ocaso, aún quedan

Lucía Marote. 2. Imagen de «Mujer
de pie» de Sara Cano Compañía de
Danz. 3. Imagen de «Funeral Ensayo
2020» de Joaquín Abella.

días de sol, algún amanecer que otro por vivir.
Aquí sigo…
Sara Cano Cía. de Danza Bailarina y coreógrafa
de formación ecléctica y estilos que van desde la
danza contemporánea a la española, el folkclore
y el flamenco. Graduada en Coreografía e Interpretación de Danza Contemporánea por el CSDMA de Madrid, dirige su propia compañía desde2014, cuando comienza su andadura en solitario
con la pieza corta “A Palo Seco Redux”, programada y premiada en festivales españoles e internacionales, germen además de “A Palo Seco” (2015),
en la que establece una forma propia de expresión que amalgama flamenco y danza contemporánea. En esta búsqueda, crea en 2017 “Sintempo” y, en 2018, “La Espera”. En 2019 estrena su
primer espectáculo de gran formato, “VENGO!”,en el que aborda las raíces del folkclore español
desde lo contemporáneo y por el que recibe elPremio Max 2020 a Mejor Coreografía. Su nuevo
espectáculo “Mujer de Pie” (2020) es un alegato afavor de la resiliencia y el poder de reinvención.
Ha creado también piezas para otras compañías
como Ibérica de Danza (“Fígaro, Barbero de Sevilla”) y Miguel Ángel Rojas (“Ya no Seremos”),
además de haber coreografiado la XXII Gala delos Premios Max de las Artes Escénicas.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“FUNERAL, ENSAYO DE 2020”
DE JOAQUÍN ABELLA
Realizado el 19 de noviembrede 2020 a las 19h“Funeral, ensayo de 2020” es la composición escénica de un rito funerario que está basado enla herencia artística del creador. Son las memorias de las experiencias como intérprete, ayudante, repetidor, espectador, coreógrafo, etc. Para su

3creación, he recurrido a dos temas: el cuerpo y lamuerte. Ambos se corresponden de alguna manera a aspectos metaempíricos de la existencia: lamuerte por hallarse siempre más allá de la experiencia “relatable”; el cuerpo, por hallarse como
sustrato en el más acá de toda experiencia. La
aporía de la muerte es, en muchos aspectos, serla última experiencia del cuerpo y la más corpórea de todas. Los ríos de tinta dedicados a ambos,
muerte y cuerpo, no terminan de documentar
ni la una ni el otro. No hay, en última instancia,
ninguna documentación sobre muerte y cuerpo
que no desemboque en una reflexión propiamente dicha: un volverse hacia el cuerpo propio
como potencia de muerte.
Joaquín Abella Bailarín, actor, coreógrafo y docente de danza, lleva desde 2002 realizando trabajos de investigación escénica, que compagina
con colaboraciones con otras compañías o creadores independientes. Después de estudiar interpretación en la Escuela Cuarta Pared, se tituló
en el CSDMA y es máster en Creación Escénica. Ha trabajado como coreógrafo, intérprete oasesor para artistas como Cristoph Marthaler, Julián Fuentes, Mathieu Copeland, Krzysztof Warlikowski, Sol Picó, Amalia Fernández, Andrés
Lima o Marta Pazos. Con estas colaboraciones oen creación propia, ha participado en festivales
y certámenes como Cádiz en Danza, el Certamen
de Danza de Hannover, el Festival Ruhrtriennale
en Bochum o el Certamen Coreográfico de Madrid Pasoa2. Como docente, destacan los proyectos Trasdanza de la Consejería de Cultura yTurismo de Madrid y la Asociación Cultural por
la Danza, y Todos Creamos III edición, Las Torres de Babel, proyecto del Centro Nacional deDifusión Músical. Desde 2017 es profesor en la
Fundación de Universidades y Enseñanzas Superiores de Castilla y León.

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Memoria de actividades 2020

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1. Imagen de «Entre hilos y huesos»1de DDCDanza. 2. Imagen de «Éclat.
Fragmento desprendido de un cuerpo
que explota» de Adriana Bilbao.

ENSAYO ABIERTO DE “ENTRE
HILOS Y HUESOS” DE DDCDANZA
Realizado el 26 de noviembrede 2020 a las 18h“Lo que la pasión política o la guerra desgarran, lo
puede coser el arte, con sus manos aladas, con su
aguja y su hilo sutiles e invisibles”. Este proyecto
coreográfico se cimenta sobre cuatro grandes periodos que nos acercan al corpus artístico, multidisciplinar, creativo e intelectual de las vanguardias españolas y cómo se desarrollaron en etapas
históricas con diferentes intereses y orientaciones
socio-políticas: la II República, la Guerra Civil,
el Franquismo y la Democracia. Se propone una
manera alternativa de leer la historia, acercando
al espectador de forma rigurosa y documentada ala estrecha colaboración entre los mundos de lasartes pláticas, la escritura y la danza; un fértil yapenas conocido espacio integrador de colaboraciones y producciones creativas y cómo se imbricaron o entrelazaron entre ellas desde la necesaria
perspectiva feminista de la historia del arte con el
fin de proponer una reescritura reivindicativa dela mujer en el contexto artístico.
DDCdanza Fundada en 2013 por el coreógrafo
y bailarín Daniel Doña (Granada, 1977), con una
amplia experiencia en grandes teatros internacionales como intérprete, desde La Ópera de París a la de Sídney, esta compañía pronto se reveló
entre las más destacadas de nuestro país por su
fusión renovadora de la danza española, el flamenco y la danza contemporánea, combinando
tradición y nuevas tendencias. Entre sus espectáculos más destacados se encuentran “A Pie” y“A Pie de Calle” (2013), “Black Box” (2014), “No
Pausa” (2015), “Nada Personal” y “Hábitat” (2016),“Cuerpo a Cuerpo” (2017), ”Psique” o “Campo Cerrado” (2020). Daniel Doña ha sido maestro invi-

tado del Ballet Nacional de España y coreógrafo
en las compañías de Miguel Ángel Berna, Ibérica
de Danza, Ballet Nacional de Cuba, Rojas & Rodríguez, Rafaela Carrasco y Teresa Nieto. Desde el
año 2014 es miembro de la Academia de las Artes
Escénicas de España y co-director del Certamen
Coreográfico del Distrito de Tetuán de Madrid.
Ha recibido dos Premios Max (mejor coreografía
en 2009 y mejor intérprete en 2019), el Premio
RNE Ojo Crítico (2016), el premio HEBE de Honor en el campo de las Artes Escénicas (2016) yel Premio Hugo Boss a los Jóvenes Valores de lasArtes Escénicas (2004).

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“ÉCLAT. FRAGMENTO DESPRENDIDO DE UN
CUERPO QUE EXPLOTA” DE ADRIANA BILBAO
Realizado el 9 de diciembre de 2020 a las 12h
La historia de la moda y la silueta en base a las
coyunturas históricas, contadas a través de la música y la danza. Un particular recorrido que revela
ciertos hitos de la moda desde finales del s.xix
y a lo largo del s.xx. Teniendo en cuenta que lahistoria, la economía, la cultura y el arte van en
sintonía con las tendencias, es lógico pensar que alo largo del pasado siglo, estas fueron numerosas.
Se plasman en la obra momentos de opresión, lucha, liberación, desenfado y pragmatismo. A través de la elección de diversos elementos icónicosen la moda, se plantea lo que motivó su aparición;
circunstancias que marcaron una forma de vestir,
una forma de ser y una forma de relacionarse. Se
abarcan estos aspectos a través de la música, elcante y la danza, con base flamenca en su esencia,
pero también contemporánea.
Adriana Bilbao (Bilbao, 1987). Bailaora y coreógrafa, titulada en Pedagogía de la Danza por el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de2

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Memoria de actividades 2020

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1. Imagen de «Vanish_ID» de Alllan

12Madrid. Funda su compañía propia en 2019, aunque anteriormente ya había debutado como coreógrafa con “El cuarto escalón” (2013). Bailarina
habitual en tablaos de flamenco como el Café Chinitas, Torres Bermejas o Casa Patas, “Burdina/Hierro” (2019) fue el espectáculo debut de su compañía, incluido en el catálogo del Circuito de Danza
Vasco y aún en gira. Para “ÉCLAT”, la bailaora ha
contado con Mikel del Valle, bailarín de contemporáneo y fundador de MDVdanza; y un elenco decuatro músicos con una importante trayectoria:
José Almarcha a la guitarra, Víctor Guadiana conel violín y la guitarra eléctrica, Elena Morales, alcante y Epi Pacheco a la percusión.

conjunto de situaciones […] El amor, la empatía yel respeto por la diversidad de los seres humanos
son las urgencias de hoy. En una época de incertidumbre, la injusticia, el miedo y el odio surgenante nuestros ojos. Quizás deberíamos preguntarnos más de lo que nos respondemos.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“VANISH_ID ” DE ALLAN FALIERI
Jueves 10 de diciembre de 2020a las 18h
La raza ya no importará, ni el sexo, ni el género,ni la orientación de ninguna descripción. Cómo
sobreviviremos será nuestra única preocupación
y quién estará con nosotros—Alice Walke
La heterotopia es una condición del mundo
moderno, no solo territorial cuando se explora
y utiliza como herramienta metodológica, sinotambién muy útil para pensar en la complejidaddel entorno social. Nuestras vidas cambian y sealteran constantemente […] “VANISH-ID” es una
reflexión sobre la traducción de la resistencia,
donde los fallos y aciertos acompañan los esfuerzos de nuestro protagonista en busca de una
sociedad equitativa. La obra se manifiesta en oscuras topografías de deseo desarticulado. Un oratorio desentonado y sobrenatural, interpretado
con gestos incomprensibles e ininteligibles, quesirve de orquesta complementaria a un extraño

Allan Falieri Nacido en Río de Janeiro y formado
en el Centro de Dança Rio, este bailarín internacional ha formado parte de la Compañia Nacional de Danza, Nerderlands Dans Theater, Ballet
Gulbenkian, Bejárt Ballet Lausanne y Theatro
Municipal do Rio de Janeiro. Ha trabajado a lasórdenes de Jiří Kylián, Maurice Bèjart, Ohan Naharin, Crystal Pite, Wayne McGregor o Marie
Chouinard. También ha impartido clases paraSão Paulo Companhia de Dança, Sesc Companhia
de Dança, West Australian Ballet y Ballet da Cidade de São Paulo. Su carrera como coreógrafo seinicia en España, con “The Secret Of My Pocket
Show I Share With Dr. Almeida” (2010) para la
CND, a la que siguen otras como “How to HideYour Hand” (2010) y “Me, You... almost Us” ( junto a Yoko Taira, 2011) para el MNCAR, “Cod.bh-8”
para la São Paulo Companhia de Dança, (2014),“Cod.MMTF” para el D.A.F., Dance Art Faculty,
Roma, (2016), “Entropia” para Sesc Companhia
de Dança, (2016), “Insight” (2017), “La Mujer que
no se Comió la Manzana”, “Beautiful Strangers”
o "Bashdoor… La Victoria Absurda" (2018) para el
CCC y “MEMORY” (2019), para el Teatro Romano
de Lisboa.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“AÚN” DE LA CÍA. ANTONIO RUZRealizado el 16 de diciembrede 2020 a las 17:30h“Aún” es un encuentro celebrativo, una obra enla que artistas y personas que han colaborado con

Falieri. 2. Imagen de «Aún» de laCompañía Antonio Ruz. 3. Imagende «Herramientas de Composición ymetodología» de Yoshua Cienfuegos.

Antonio Ruz a lo largo de los últimos diez años,
o que lo hacen hoy, se reúnen para revisar lo
aprendido y los recuerdos comunes, pero también para investigar las aspiraciones de la Compañía, aquello en lo que sueña en convertirse.
Es una intervención en un espacio emblemático
de Madrid que espera abordar el pasado, el presente y el futuro de la Compañía en su décimo
aniversario y, al mismo tiempo, rendir homenaje
a la ciudad, que ha sido pivotal en su reconocida
trayectoria.
Cía. Antonio Ruz Creada en el año 2009 por
este director y coreógrafo cordobés nacido en
1976, tiene como objetivo la investigación ybúsqueda de nuevas vías en el campo del movimiento y la colaboración con artistas de otras
disciplinas como las artes plásticas, la música
antigua y contemporánea. Entre sus producciones, generalmente realizadas con el apoyo o lacolaboración de distintas instituciones nacionales e internacionales, destacan “No Drama”(2010), “Ignoto” (2011), “Ojo” (2012), “Libera
Me!” (2012), “Vaivén” (2014 ), “À L’Espagnole”(2015 ), Premio al Mejor Espectáculo Innovador
por la Asociación de Grupos Españoles de Música Antigua (GEMA) y nominada a los Premios
Max como Mejor Espectáculo de Danza, Coreografía y Elenco, “Recreo.02” (2015 ), “Beautiful
Beach” (2015 ), “Double Bach” (2016), con laaclamada bailarina Tamako Akiyama, “Presente” (2019), nominada a los Premios Max como
Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Coreografía, Mejor Diseño de Iluminación, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Interpretación Femenina, o “Signos” (2021) en colaboración con laviolista Isabel Villanueva.

3

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “HERRAMIENTASDE COMPOSICIÓN Y METODOLOGÍA” DE YOSHUA
CIENFUEGOS Realizado el 18 de diciembre de2020 a las 12h
A través de unas herramientas propias de la composición coreográfica, Yoshua Cienfuegos presenta el “Pentagrama” y la metodología de aplicación
en la acción coreográfica. Un diseño telemático ysu aplicación.
Yoshua Cienfuegos (Oviedo, 1973). Graduado enArte Dramático por el ITAE y en danza contemporánea en el Institut del Teatre de Barcelona, es
un consolidado creador y director de la escena
actual española. Miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España, lidera desde 1999 CienfuegosDanza, para la que ha creado
espectáculos como, entre otros, “Ainielle” (1999),“Ley de silencio” (2000), “Purgatorio” (2001), “Ala mesa!” (2002), “Agua de arroz” (2003), “Cuando muere un ángel” (2004), “Ofelias” (2005),“Cisnes negros” (2007), “Matar a Cupido” (2009),“1.618… DAVINCI, Leonardo inspira danza” (2010)“Odeim” (2011), “La consagración de la primavera” y “La siesta de un fauno” (2014), “88 Azucenas y un perro” (2016), “Tabula Rasa / Viejas”(2018) o “Réquiem” (2019), así como los montajespara público familiar “El barón de Münchausen”,“La Cerillera”, “Amada Candela” y “La Bella Durmiente?”. Cienfuegos también ha coreografiado
para otras compañías como el Ballet Contemporáneo de los Teatros San Martín de Buenos Aires, laCompañía Nacional de Danza de Costa Rica, la deVenezuela o la de El Salvador. Ha sido galardonado con el Premio Nacional de Danza de Costa Rica
(2010) y varios premios nacionales como director
escénico y coreógrafo. Director del proyecto deinvestigación Estancias Coreográficas, pertenece
también al cuerpo de Catedráticos del CSDMA.

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Memoria de actividades 2020

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4

1. Imagen de «Buscar la danza» de Jesús Rubio

1

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“BUSCAR LA DANZA” DE JESÚSRUBIO GAMO Realizado el 21 dediciembre de 2020 a las 12h¿Dónde está la danza? ¿Dónde está mi danza? ¿Yla nuestra? ¿Hay un “nuestra”? ¿De dónde sale?
¿Viene de lejos, como desde fuera? ¿La aprendí?
¿Está en las formas que me enseñaron? ¿O en
el temperamento de quien me enseñó? ¿O en lo
que un día hizo excitarse a unos que la vieron ya otros que pensaban que la estaban construyendo? ¿O en el recuerdo atávico de celebraciones ylamentos? ¿O en la transformación? ¿Es un soplo que nos toma? ¿O sopla desde lo más profundo de nosotros, propagándonos? ¿Nos une?
¿Nos distingue? ¿Cómo sé si estoy bailando?
¿Estoy bailando verdaderamente desde el primer
momento en el que empiezo a bailar? ¿O cuánto tiempo pasa? ¿Es suficiente con que yo baile,aunque tú no lo veas? ¿Es suficiente para quién ypara qué? ¿Es placentera la danza? ¿Y, si no? [...]¿Y si al final la danza no se abre paso entre loscuerpos que la buscan? ¿Vamos a seguir intentándolo? ¿Quieres venir conmigo? ¿Quieres que
sigamos buscando juntos hasta el final?
Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982). Bailarín y coreógrafo independiente que lleva produciendo sus
propias creaciones desde 2008, entre las que destacan “Anunciación” (2011), “El rapto de Europa”(2013) o “Ahora que no somos demasiado viejos
todavía” (2016). Formado en diferentes disciplinas
teatrales y literarias por la RESAD, el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma o la
Universidad Complutense de Madrid; es también
Máster en Coreografía por la London Contemporary Dance School (The Place) y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la UAH. Con una
amplia trayectoria internacional, sus piezas se han

23

mostrado en festivales como Chantiers d’Europe,
Théâtre de la Ville de París; Festival Brandhaarden,
International Theater Amsterdam; Red Nacionalde Danza de Suecia; Festival de Artes Escénicas
de Lima; ARC for Dance (Atenas); Greenwich andDocklands International Festival de Londres; Birmingham International Dance Festival o Festival
RomaEuropa. En 2020 recibe el Premio RNE Ojo
Crítico de Danza y su pieza “Gran Bolero” (2020)
ha ganado el Premio Max al Mejor Espectáculo deDanza.

Nacional de Portugal, el Ballet National de Marseille, el Ballet des Jeunes d'Europe, la Compañía
Víctor Ullate, Pina Bausch Tanztheater Wuppertal, Rui Horta Stage Work, Instituto Stocos, Cía.
Daniel Abreu, Ballet de Teatres de la Generalitat
Valenciana, Ballet de Zaragoza o Cobosmika Dance Company. Debuta como coreógrafo con “Solocon-tigo” (2003), a la que siguen piezas como
“Gus espera el bus” (2004), “The End” (2006),“Nana” y “Vértigo” (2010), “Geometría del adiós”(2014), “Óptica” (2015) “Archipiélago” y “La escalera” (2016), “Dance with me” (2017) y “Goldfish”(2018). Actualmente es Director Artístico de losFestivales Fiver y Margen Danza y de la Bienal
de las Artes del Cuerpo Imagen y Movimiento de
Madrid. Es también cofundador del Centro Coreográfico de La Rioja y del Colectivo Artistas
Inflamables.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“SOLO 40” DE SAMUEL RETORTILLO
Realizado el 22 de diciembre de 2020a las 17:30h¿Cómo recuerda el cuerpo de un bailarín o bailarina? En esta residencia se pone en marcha una
metodología de recuperación de memoria corporal en base a cien obras que Samuel Retortillo habailado en su carrera de veinte años como profesional. Este experimento lo activa al cumplir
los cuarenta, durante el confinamiento, y le sirvecomo base para la formulación de preguntas quea día de hoy el artista explora en torno a la figuradel intérprete y la autoría de las obras, las relaciones del bailarín con las instituciones y el sistema
actual, las derivas y el paso del tiempo a nivel físico y emocional en el marco de la profesión, o elanálisis de la historia de la danza sobre el propio
cuerpo.
Samuel Retortillo (Logroño, 1980). Graduado porla Escuela Nacional Superior de Danza de Marsella (Francia) y experto en Prácticas Escénicas y
Cultura Visual por la Universidad de Castilla La
Mancha y Museo Reina Sofía. Samuel Retortillo
ha sido bailarín estable e invitado de distintas
compañías, entre las que destacan la Compañía

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “PETRÓLEO”
DE POLIANA LIMA Realizado el 29 dediciembre de 2020 a las 19h“Petróleo” es un proyecto coreográfico que profundiza en la línea de investigación sobre memoria e identidad del cuerpo, presente en todos
los trabajos anteriores de Poliana Lima. El puntode partida de “Petróleo” es la búsqueda de los diferentes orígenes étnicos y herencias culturales
presentes en un único cuerpo.
Poliana Lima (Brasil, 1983). Bailarina, coreógrafa
y docente, afincada en Madrid desde 2010. Licenciada en Ciencias Sociales por la Universidad
Estatal de Campinas, se forma en ballet clásico
y danza contemporánea en varios centros deSão Paulo. Inicia sus creaciones coreográficas en
2011, con la pieza “Palo en la rueda”. En 2012
comienza a colaborar con la coreógrafa lituana
Ugne Dievaityte, creando juntas las piezas “EsGamo. 2. Imagen de «Solo 40» de Samuel Retortillo.
3. Imagen de «Petróleo» de Poliana Lima. 4. Imagende «Convergencias» de Tania Garrido y Eva Alonso.

como ver las nubes” (2013) y “Flesh” (2014), premiadas en varios certámenes coreográficos y que
giran internacionalmente. En 2013 crea para elMuseo de Arte Contemporáneo de Zagreb (Croacia) la pieza “Cuerpo-Trapo”, y en 2014 su “Atávico” gana varios premios en el Certamen Coreográfico de Madrid, y las becas Impulstanz Vienay Tanzhaus Zurich. Con “Hueco” (2018) logra dos
nominaciones a los Premios Max de 2018, en las
categorías de Espectáculo Revelación y Autoría
Revelación. Artista asociada del Centro Conde
Duque de Madrid, donde ha estrenado “Aquí.
Siempre” (2019) y “Las cosas en la distancia”. Suúltimo trabajo, “Las cosas se mueven pero no dicen nada” (2020), estrenado por los Teatros delCanal, se ha visto en 2021 en el Centre Nationalde la Danse de Paris.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“CONVERGENCIAS” DE TANIAGARRIDO Y EVA ALONSO
Realizado el 30 de diciembrede 2020 a las 13h
Eva y Tania son dos bailarinas de la escena contemporánea de Madrid. Tania está cerca de los
40 y la edad le tira a lo pragmático, es madre yestá empezando a considerar la idea de tomarse
unas vacaciones en un resort con una pulserita
de esas que pone “todo incluido”. Eva está cerca
de la treintena y es valiente y reivindicativa. Todavía tiene muchas alas para volar pero por ahora
apuesta por Madrid, porque cree que todavía sepueden hacer cosas interesantes aquí. Ambas se
han juntado por primera vez para investigar sobre
la idea de repetición y permanencia. Dos caminos
vitales paralelos que se acompañan y convergen.
Tania Garrido y Eva Alonso Tania Garrido es licenciada en teatro gestual por la RESAD de Madrid.

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Memoria de actividades 2020

2

1. Imagen de «IzAdi» de El Lagarto

1

Baila-Leire Amonarriz. 2. Imagen de«Cómeme otra vez» de la Compañía
Mey-Ling Bisogno Physical Theater.

Estudia danza de manera independiente entre
Madrid y Nueva York, profundizando en la danza
Contact-Improvisación, en el Butoh y en el teatro físico. Como intérprete trabaja para diversas
compañías como el Teatro del Silencio, Karlik
Danza, Jesús Rubio o Sharon Fridman. Como coreógrafa, codirige “Cranämour” (2001-2010). Eva
Alonso es graduada en danza contemporánea en
el Conservatorio Profesional de Danza Mariemma. Amplía sus estudios con danza-contacto, teatro y dramaturgia para la danza en Madrid y Bruselas. Trabaja como intérprete para José Reches,
Pedro Berdäyes, Yuri Gudushauri, Jesús Rubio
Gamo, Ana Rando, Poliana Lima y Fabian Thomé. Complementa su trabajo en compañías como
La Fura dels Baus y participa en diversas óperas.
Eva y Tania son dos creadoras que, después decoincidir en varios proyectos como intérpretes,
deciden unirse con la intención de investigar qué
es lo que tienen en común y cómo pueden sustentarlo en un hecho escénico. "Convergencias”
es su primer trabajo conjunto.

El Lagarto Baila–Leire Amonarriz Compañía formada en 2013 por la pedagoga e investigadora
guipuzcoana Leire Amonarriz, para ampliar su
acción pedagógica a través de propuestas escénicas. Amonarriz es licenciada en Pedagogía dela Danza por el Conservatorio Superior de Danza
María de Ávila de Madrid y máster en Psicodidáctica por la Universidad del País Vasco. Su interés en la educación a través de la danza le lleva
a impulsar El Lagarto Baila, proyecto coreográficoeducativo multidireccional, enfocado a acercar
el lenguaje de la danza a diversos entornos dela sociedad y poner en valor los componentes
educativos de la danza: estéticos, culturales ypsico-afectivos, partes fundamentales del proceso de desarrollo integral de las personas. En la
actualidad, Amonarriz es profesora en el Centro
Superior de Arte Dramático y Danza de Euskadi“Dantzerti” y en el Máster de Educación a travésde la Danza de la Universidad Autónoma de Madrid. Ha sido docente de la especialidad de Danza
Educativa en el CSDMA.

ENSAYO ABIERTO DE LA
PIEZA “IZADI” DE EL LAGARTOBAILA-LEIRE AMONARRIZ
Realizado el 17 de enerode 2021 a las 11:30h

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA“CÓMEME OTRA VEZ” DE CÍA. MEY-LING
BISOGNO PHYSICAL THEATER
Realizado el 14 de abril de 2021
a las 16:30h

Una oda al mundo de los sentidos. Un paisajesonoro y un viaje sensorial a través del lenguaje
primitivo del cuerpo. “IzAdi” busca inspiración
coreográfica en la poesía japonesa “haiku”, paratransformar este género en un juego escénico dirigido a la infancia. Partiendo de la idea esencial
de describir los fenómenos naturales, la realidad y lo percibido por los sentidos, se crea una
miscelánea de poemas visuales breves llenos demovimiento, color, sonido y texturas que se perciben como una caricia continua al alma.

Existe una teoría que afirma que la gula y la lujuria hunden sus raíces en la biología humana,
en el propio instinto de supervivencia. Entonces,¿cómo distinguir la frontera entre la necesidad yel exceso? ¿Quién es capaz de poner límites morales al placer cuando este aparece como efecto
colateral de una actividad necesaria?
Cía. Mey-Ling Bisogno Physical Dance Fundada
en 2008 por esta coreógrafa, bailarina y actriz
franco-venezolana, con ascendencia china e ita-

liana, formada en disciplinas que abarcan desdela danza clásica y contemporánea a la mimo-dinámica o la lucha libre. Fue becada en formación
por la Alvin Alley American Dance de Nueva
York, y estudió también interpretación teatralcon Rubén Szuchmacher en Buenos Aires y en
L’École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq
de París. Entre los espectáculos de su compañía,
con un repertorio actual de unas 35 coreografías,
destacan “Cómeme” (2010; del que este “Cómeme otra vez” desarrollado en el Centro Coreográfico Canal es una secuela); “Peep Box” (2012);“Mi cuerpo, un Hotel” (2016), “Cuando muere un
sueño... corre mucha sangre” (2017; proyecto ganador de la convocatoria “Of death an dying” dela Associazione Dello Scompiglio, Italia), “Painkiller (2019) o “PepBox350o los soldados de franela”, presentado en los Teatros del Canal en 2021.
Bisogno ha sido invitada a colaborar como coreógrafa en espectáculos del Centro Dramático
Nacional y de la Compañía Nacional de Teatro
Clásico, y ha sido responsable de la coreografía
de la Cabalgata de Reyes de Madrid de 2017 a
2019. Es así mismo programadora y comisaria dedanza, trabajo desempeñado para el Festival Ellas
Crean (2019-2021).

53

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Memoria de actividades 2020

55

RESIDENCIASINTERMITENTES

3.3

Una de las ideas conductoras del Centro Coreográfico Canal es la maximización de sus recursos,
y su puesta a disposición de los profesionales que
los necesiten, como un apoyo firme a la investigación y la creación dancística, pero también como
una ayuda a los creadores y las compañías en su
desarrollo profesional, apoyando la estabilidad deltejido empresarial y profesional de esta importante industria cultural.
Para mantener en uso rotativo las excelentes
infraestructuras del Centro Coreográfico Canal, afin de que estén permanentemente ocupadas por
creadores, se ofrecen durante todo el año “Estancias Intermitentes” para que los artistas y compañías profesionales de danza y otras artes delmovimiento, con prioridad a las compañías afincadas en la Comunidad de Madrid, puedan hacer
uso de sus instalaciones planificando sus ensayos
y compartiendo las salas. Es un método que seha revelado muy efectivo para la generación desinergias entre distintos profesionales y compañeros, y un estímulo para el intercambio de ideas,
de la misma forma que permite mantener los recursos del Centro Coreográfico Canal siempre
en uso, cumpliendo completamente con su deber como institución pública. Esta línea de apoyo
consiste básicamente en la puesta a disposiciónde los profesionales del sector, sin diferencias deestilos, de los estudios y las salas de ensayo, paraque puedan crear, desarrollar y poner a punto sus
coreografías en ellos, siguiendo las reglas de uso
compartido y en función de la disponibilidad delos espacios.
Así mismo, las Compañías programadas por
los Teatros del Canal en la progamación anual desus tres Salas (Roja, Verde y Negra), y las compañías programadas por los distintos Festivales deDanza con los que los Teatros del Canal colaborao acoge, y que han solicitado la disponibilidad desalas de ensayo a parte de los escenarios para lapuesta a punto de sus espectáculos, han podido
también disfrutar de estas microresidencias.
En total, más de 30 compañías se han beneficiado en 2020 de estos programas de residencias,a pesar de la situación generada por la pandemia:
téngase en cuenta que el Centro Coreográfico Canal permaneció cerrado de marzo a mediados dejunio de 2020.
La programación de festivales de organización
ajena a los Teatros del Canal, pero con los que se
trabaja en colaboración, ha sido:
Festival Madrid en danza: 5 compañías.
Festival de Otoño: 5 compañías.
Festival Suma Flamenca: 6 compañías.
Fuera de programación, y para atender a la demanda de espacios para el ensayo, la investigacióny la gestación de nuevos espectáculos de las compañías principalmente asentadas en la Comunidad
de Madrid, se concedieron estas microresidencias
intermitentes a:
Dani Pannullo Dancetheatre Co. Fundada por el
coreógrafo argentino afincado en Madrid Dani
Pannullo en 1999, especializada en la fusión delas danzas urbanas de hoy (break-dance, hip-hop,parkour, etc) y las danzas gimnásticas y acrobáticas, con la danza contemporánea occidental ylas de otras latitudes (Butoh, danzas tradicionales
indias, danzas rituales árabes). Entre sus espectáculos destacan “Fuerza Extraña” (1998), “Communion” (1999), “Yukkuri” (2000), “Orden deAparición” (2003), “Oro Negro, teatro Hip-Hop”(2004), “Tiranah, Cabaret Hip-Hop” (2005), “Suite de Calles” ( 2005), “Quijote Hip-Hop” ( 2005),
su serie de cinco espectáculos “Desordances”(2005-10), “Uirapurú” (2011), “Avalanche” (2012)
o “Atlas, Map of Moves” (2018).

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Carmen Fumero Cía. Fundada en 2011 por los bailarines Carmen Fumero y Miguel Zomas, con trayectorias previas trabajando para otras compañías ycoreógrafos como La Intrusa / Virginia García / Damián Muñoz, Compañía Antonio Ruz, Cía. Daniel
Abreu, 10 & 10 Runde-Narváez-Sanz, Iker Arrue,
Dimo Kirilov y Tamako Akiyama y Compañía Lava.
Establecieron definitivamente su proyecto personal gracias a las residencias del Centro Coreográfico Canal en 2013. Entre sus espectáculos más destacados se encuentran “Ironía” (2011), “Montando
Cabos” (2013), el multipremiado “... eran casi lasdos” (2014), que les permitió girar internacionalmente, o “Un poco de nadie” (2018). A día de hoy,continúan investigando y desarrollando su propio
lenguaje a través de sus proyectos, a la par que colaboran como intérpretes para otras compañías.
Antonio Najarro Cía. Fundada en 2002 por el reconocido bailarín y coreógrafo español Antonio
Najarro (Madrid, 1975), quien comenzó su andadura profesional con la distinción de Matrícula
de Honor del Real Conservatorio Profesional deDanza de Madrid a los 15 años. Fue bailarín deinfinidad de compañías, interpretando los roles
principales en ballets como el Ballet Teatro Español de Rafael Aguilar, Ballet del Teatro Lírico
de la Zarzuela, el Ballet Antología, José Antonio
y los Ballets Españoles, la Compañía Antonio
Márquez o la Compañía Aida Gómez. De 2011 a
2019, Najarro dirigió el Ballet Nacional de España, creando un completo conjunto de nuevas coreografías para la institución española y dándole
una gran visibilidad a todos los niveles. Con su
propia compañía, ha creado los espectáculos “Tango Flamenco” (2002), “Flamencoriental” (2006),“Jazzing Flamenco” (2008), “Suite Sevilla” (2011)o “Alento” (2019). Es así mismo coreógrafo de patinaje artístico sobre hielo, muy apreciado internacionalmente, llevando a los equipos franceses,suizos y españoles a conseguir medallas olímpicas
y del mundo. Entre los múltiples premios recibidos, cabe destacar el Premio Fundación AISGE
Actúa de Danza en 2016, Premio de Cultura de la
Comunidad de Madrid en 2013, Premio Mejor Coreógrafo en el Certamen Internacional de Danza
Española y Flamenco de Sevilla (2008) o el Premio
Max al Mejor Intérprete de Danza en 2010.
Carlos Rodríguez (Madrid, 1975), cofundador junto a Ángel Rojas de la compañía Nuevo Ballet Español, en activo desde 1995 y que en 2008 pasóa denominarse Rojas y Rodríguez Compañía. En
colaboración con Rojas, ha coreografiado los espectáculos “Canela y Fuego” (1996), “Sangre Flamenca” (1997), “Flamenco Directo” (1998), “Furia”

Memoria de actividades 2020

(2000), “Alma” (2006), “Sangre” y “Cambio de Tercio” (2009), “Titanium” (2013) o “Azul Vida” (2018)
entre otros muchos. En solitario, ha coreografiado espectáculos como “Romeo y Julieta” (2003) o“Amores Flamencos” (2020). Rodríguez fue Premio al bailarín sobresaliente en el Certamen Nacional de Coreografía en 1994 y el Premio Villade Madrid al mejor intérprete de danza en 2005.
Ballet Flamenco Español Compañía fundada a finales de 2017 por el productor y director escénico
Tito Osuna, hombre de escena criado en el mundodel teatro desde pequeño y heredero, en cuarta
generación, de una larga tradición familiar en elmundo de la música y las artes escénicas, que incluye al pianista Julio Osuna Fajardo, su abuelo,
y los directores teatrales José Osuna Lameyer yJosé Osuna Coronado, tío y padre respectivamente. Formado en su juventud de manera transversal, con estudios de ballet clásico con Ángela Santos, pero también de piano con Osuna Fajardo, ycurtido como técnico de sonido e iluminación deuna inabarcable lista de conciertos y espectáculos
teatrales y de danza, saltó posteriormente de la dirección técnica a la dirección escénica. En la aúnreciente trayectoria del Ballet Flamenco Español,
ha montado los espectáculos “Carmen” (2018),“Bolero” (2018), “Zapateando a Mozart” (2019) y“Flamenco in Live” (2020), trabajando para ellocon distintos coreógrafos y bailarines.
Inma Marín Con más de diez años de trayectoria
en la danza, las artes visuales y la performance,
es licenciada en Humanidades y diplomada en
Danza Contemporánea en SEAD Salzburg Experimental Academy of Dance y ha trabajado como
intérprete y asistente de dirección en compañías
nacionales e internacionales. En 2011 funda su
Compañía Flesh, con la que fue finalista en el
Certamen Coreográfio de Madrid Paso a Dos con“A solas”, a los que siguieron “Nobody’s Story”(2013, estrenado en el Certamen Internacional
Masdanza, premiado con Masdanza Extensiones),“Silence, Please” (2014, galardonado por Councilde Singapore a mejor coreografía con el premio"Second Company Choreographic Commission2015). Con esta beca creó “Peso” (2015), estrenada
en el Black Box Theater de Singapur. En 2017 realiza el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la UCL en colaboración con el MNCARSy Matadero. Desde el 2016 reside y trabaja en Madrid como performer, bailarina y artista plásticaen varios proyectos y continúa su labor como
directora artística e intérprete en la Compañía
Flesh, articulando proyectos interdisciplinares
que combinan artes visuales y performance.

Proyecto artístico compañía de danza Leopoldo, de
ELAMOR. ELAMOR es una productora creativa
de danza afincada en Madrid. Acompaña e impulsa iniciativas artísticas que materialicen ideas basadas en la investigación del movimiento, lo performativo y las artes vivas. Su deseo es crear una
estructura económica para ayudar a fortalecer elsector profesional. ELAMOR busca que sus intereses y campos de acción muten, se abran y semultipliquen, por eso desarrolla acciones artísticas y divulgativas que van desde las producciones
de danza, propias y para terceros, al comisariado
de cultura nocturna, pasando por publicaciones(AMOR Editions), encuentros profesionales o eldesarrollo de Intercambio VORTEX. Algunas desus piezas son “Prólogo”(2019), escenificada en el
Pabellón de Villanueva del Jardín Botánico; “Equilibrio” (2020), en compañía de bailarines de la
CND y con apoyo del INAEM, llevada a cabo en elMuseo del Prado; el largometraje “Aún” de Antonio Ruz o “Entertainment” (2020) de Manuel Rodriguez y Stella de Mar Aguiló. El proyecto Compañía de Danza Leopoldo nació con el objetivode explorar lenguajes y disciplinas artísticas. Reconsiderando parámetros colaborativos, Leopoldo
trabaja para superar las nociones estructurales
relativas a los géneros artísticos y encontrar equilibrios multidisciplinares. En su Laboratorio01(2020), realizado en el Centro Coreográfico Canala, se dividió en cinco áreas de trabajo en paralelo:
movimiento-cuerpo, proceso-método-concepto,
sonido-música, mirada-audiovisuales y espacio-arquitectura.
Compañía No Bautizados Fundada en 2018 por
Katia Humenyuk y Rolando Salamé, integra ladanza contemporánea con el teatro gestual y hasido premiada en diversos certámenes y festivales,
tales como Burgos Nueva York, Bionic Dance festival y el Certamen Coreográfico de Madrid donde
obtuvieron la residencia en el Centro Coreográfico Canal para crear la versión larga de su pieza“Lo invisible”, estrenada en 2020 en 21 Distritos.
Hoy forman parte de Red Cielo Abierto 2021 y
preparan su estreno internacional en San Vincenti Festival en Croacia y en el Festival Solodos de
Costa Rica.

57

Memoria de actividades 2020OTRAS
ACTIVIDADES

459

En la voluntad y el compromiso del Centro Coreográfico Canal por
dar a conocer la danza y crear una cultura viva y accesible para todos de las artes escénicas del movimiento, en 2020 se iniciaron una
serie de proyectos novedosos, expandiendo la creación coreógráfica
fuera de sus muros, o abriendo otras zonas del Centro con el objetivode que el público general también conozca mejor sus instalaciones,
dotaciones y posibilidades, y pensando siempre en la ampliación,
investigación y reflexión común y transversal con otras disciplinas
y públicos.
Por esta razón, el Centro Coreográfico Canal ha puesto en marcha
espectáculos ocasionales en su Estudio 1, invitando a propuestas distintas, para públicos diversos y que requieren otros tipos de aproximaciones escénicas. En la temporada 2020-21, ha promovido:
Compañía La Fábrica de los Sueños Con el espectáculo “Ilusionarte”, dedicado a los más jóvenes: una mezcla de circo experimental,
acrobacia, danza, teatro de títeres, y poesía visual. Esta compañía deteatro callejero, danza, acrobacia, magia y clown se formó dentro delprograma infantil de RTVE “El Duende del Globo” (1990), y lleva tres
décadas ofreciendo espectáculos infantiles al aire libre. El Centro Coreográfico Canal los invitó a desarrollar una suerte de “jardín secreto” para los más pequeños, lleno de magias y a modo de espectáculo
inmersivo de cara a la temporada navideña de 2020.
Canal Performance Un proyecto intermitente para mostrar nuevas
formas de comunicación entre espectador, creador y obra en una
misma experiencia, convirtiendo los espacios no convencionales delteatro en un lugar para mostrar las performances más novedosasdel panorama artístico actual, creaciones que no demandan de laoperativa escénica de un teatro, sino de la inmediatez y cercanía deun público que a veces puede o debe interactuar, y que se ha realizdo también en el marco de nuestro Estudio 1. Se han invitado acreadores entre los márgenes de la creación escénica y la creación
plástica, programando acciones perfomativas de destacados creadores. Así, han pasado por el Estudio 1 diversos creadores como Juan
Gómez Alemán, director y fundador de La Juan Gallery, un espacio
artístico dedicado a las artes vivas y performativas, con el espectáculo “40 Volando” y en el futuro lo harán creadores de prestigio
internacional tan singulares como el performer americano Taylor
Mac, con una versión reducida de su mítico “A-24 Decade History of
Popular Music”.
Colaboración en el Festival LDC 2020 Un Lugar Donde Compartir. Del 22
de octubre al 15 de noviembre. En un año en que los contenidos culturales se han viralizado por la pandemia, el Festival LDC, Un Lugar
Donde Compartir, ha ofrecido una variada programación en centros
culturales pero, sobre todo, vía streaming, buscando compensar las
limitaciones presenciales con las posibilidades de lo digital. Como subraya la directora artística del Festival LDC, Cristina Masson: “Es una
oportunidad para acercar nuevas audiencias a la danza y como foro
para generar una reflexión acerca de su valor como fuerza creativa
en la sociedad”. La colaboración y el apoyo desde el Centro Coreográfico Canal se centró en la sección “Localización, Danza y Cámara”, un60

espacio de experimentación y vÍdeo-creación desarrollado desde el Centro Coreográfico Canal, que
incluyó la participación del director Juan Vicente
Chuliá, de la compañía MyL y el estreno de “Diosasdel Agua (Parte 1)” de ES.ARTE, EnClaveDANZA yAndrágora (México), espectáculo que cuenta con la
ayuda a la producción coreográfica de la Comunidad de Madrid. EnclaveDANZA es una compañía
madrileña dirigida por la coreógrafa y bailarina
Cristina Masson, Premio 100Latinos Madrid 2010,con una impronta abiertamente multidisciplinar.
Entre sus espectáculos más destacados figuran “Fatum” (2006), presentado en Montpellier; “Ausente
en Negro” (2008), “...No Vacía...” (2010), homenajea Miguel Hernández;“ GOLDBERG” (2013), con el
Trío de Cuerda Garnat; “3 Mujeres” (2015), con residencia de creación en el Centro Coreográfico yestreno en los Teatros Canal; “Marzo 10, NY" (2017),
estrenado en el Festival de Málaga y también objeto de residencia del CCC; “IA La Edad Pos Humana” (2018), danza-multimedia que participó envarios festivales italianos (Milán, Roma, Toscana,
Nápoles, L'Aquila). En 2017 crea el Festival LDC(Un lugar Donde Compartir) en Madrid que ya va
por su quinta edición y se expande por otras Comunidades.
Danza en las galerías: Madrid Gallery Weekend.
Una colaboración entre el Centro Coreográfico
Canal y Arte Madrid, la asociación profesional degalerías de arte madrileñas, realizada con motivo del programa Apertura 2020 / Madrid Gallery
Weekend, por el que las galerías de arte de toda laciudad coordinan la inauguración conjunta de sus
espacios y las nuevas exposiciones de la temporada,que en 2020 tuvo lugar del 10 al 13 de setiembre.
Basándonos en las tradicionales relaciones entre ladanza y el arte de vanguardia, con múltiples ejemplos transversales desde Les Ballets Russes de Serguei Diaghilev (1909) , el “Ballet Mécanique” (1924)
de Fernand Léger o “Das Triadische Ballet” (1922)
de Oskar Schlemmer a los casos más recientes decolaboración entre el bailarín Serguei Polunin y el
fotógrafo David LaChapelle o entre el artista Matthew Barney y la coreógrafa Eleanor Bauer (“Redobut”, 2019), se lanza este proyecto de colaboración,
aunando dos visiones paralelas: la de Arte Madrid,y su objetivo de que las galerías sirvan de puntode encuentro con otras artes, y la de la direccióndel Centro Coreográfico Canal, que busca llevar ladanza y las artes del movimento a otros públicos yespacios alejados de los tradicionales.
Con este objetivo, se realiza en colaboración y con
la complicidad de los coreógrafos en Residencias
de Creación, una adaptación de las piezas que pre-paran para su exhibición pública en las galerías
madrileñas participantes. En palabras de la Directora del Centro Coreográfico Canal, Blanca Li:“Dentro del proyecto más amplio OFF Canal, para
ampliar el radio de acción de los Teatros y el Centro Coreográfico Canal fuera de sus muros, queremos compartir con las galerías de arte madrileñas
una muestra de las creaciones coreográficas de lascompañías residentes en 2020 y así situar la danza
más actual y de vanguardia fuera de su espacio habitual, con la intención de crear nuevas sinergias
interesantes y productivas para el público madrileño”. Las compañías participantes en este proyecto
fueron:Instituto Stocos
Compañía Ana Morales
Proyecto Lanza / Cristian Martín
Begoña Quiñones & Verónica Garzón
Full Time Company / Fabián Thomé
Colectivo Lamajara
Metamorphosis Dance
Elías Aguirre“Danza en las galerías” se desarrolló en la tarde delviernes 11 y la mañana del sábado 12 de septiembre
2020, en diversas galerías madrileñas.

TEATROS del CANAL
2020/2021
Directora de los Teatros del Canal:
Blanca Li
Los Teatros del Canal pertenecen a:
Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivalesde Titularidad Pública
Proyecto de Teatro Europeo PROSPERO-EXTENDED THEATRE: proyecto
colaborativo de producción y distribución formado por nueve países europeos
que incluye los siguientes teatros: Théâtre de Liège Schaubühne am Lehniner
Platz (Berlín), Théâtre National de Bretagne (Rennes), Odéon-Théâtre deL’europe (París), Emilia Romagna Teatro Fondazione (Módena-Bolonia),
Internationaal Theater Amsterdam, Teatro São Luiz (Lisboa), Göteborgs
Stadsteater, Croatian National Theatre Of Zagreb, Teatros del Canal (Madrid)
Diseño:Jaime Narváez
Gestión:Clece
Imprime: BOCM
Depósito Legal: M-18649-2021