ÍNDICE

1

Mirar al futuro7

Blanca Li
Directora del Centro Coreográfico Canal

2

El Centro Coreográfico Canal

83

Convocatoria de Residencias 2023

14

3.1. Residencias de creación: programa Canal Baila

16

3.2. Residencias de investigación: Ensayos Abiertos

40

4Compañías y artistas que han ensayado en losestudios del Centro Coreográfico Canal en 2023

65

5

Ensayos de las compañías programadas
en Teatros del Canal y otras actividades

87

6

Balance general anual92Memoria de actividades

MIRAR
AL FUTURO
Blanca Li
Directoradel Centro
Coreográfico
Canal

7

Una de las labores que más me enorgullece de estos cuatro años como
directora de los Teatros del Canal es el impulso definitivo dado a su institución compañera, el Centro Coreográfico Canal. En 2022 ya proclamamos cómo funcionaba a pleno rendimiento, a través de una serie decambios introducidos, basados en nuestro programa de treinta residencias anuales para creadores (diez en la modalidad de creación y veinte
en la de investigación), y en la presentación y constante mejora de una
herramienta online para el uso continuado de nuestros estudios por parte de los creadores afincados en nuestra Comunidad, un reparto mejor
organizado ahora y más transparente. 2023 ha sido el año de la constatación de estos avances: hemos llegado a las 190 compañías registradas
para su uso, y en la nueva convocatoria de Residencias para el año 2024,
cerrada el pasado noviembre, hemos recibido 345 propuestas. Esto indica el interés general que despierta nuestro Centro Coreográfico a nivel
nacional e internacional, pero también la realidad de haber suplido con
creces una necesidad abierta de los creadores españoles, cumpliendo escrupulosamente con nuestro presupuesto y siempre tratando de ofrecer
un servicio público de excelente calidad y cuidado con nuestros creadores: ellos son el futuro de nuestra danza.
La danza en España, como demuestran los recientes nombramientos
para altos cargos de dirección artística internacionales de personalidadescomo José Carlos Martínez, Tamara Rojo, Aina Alegre o Marina Mascarell, o los encargos de prestigiosas compañías foráneas a creadores como
Marcos Morau o KOR´SIA, vive un momento de gloria y reconocimiento
mundial. Generamos y seguiremos generando cada vez más interés, atodos los niveles, ganando un público para la danza en España cada vez
mayor y más estable. Pero para conseguir todo esto, es fundamental contar con espacios y dotaciones tan notables y bien administradas comoeste Centro Coreográfico Canal, sin duda a la cabeza de nuestros centros
nacionales, y cada vez observado con mayor deseo por los internacionales. Tenemos que seguir luchando, todos juntos, creadores, programadores e instituciones, para que esto no se malogre y siga permitiéndonos
crecer. Ese es el reto hoy: mantener lo logrado y mirar hacia el futuro
sin dar un paso atrás, todos en la misma dirección.
Quiero agradecer un año más la buena disposición de los implicados,
los creadores y compañías que nos visitan, por hacer viable, fácil enel trato, agradable para todos, el ímprobo trabajo que el equipo humano del Centro Coreográfico Canal, desde limpieza o seguridad a nuestro personal de recepción, técnicos y coordinadores, realizan para que
esta excelente institución que hemos construido entre todos funcionede una forma óptima. Hemos logrado un espacio público y acogedor
donde los artistas del movimiento pueden darse cita para lo único queles ha de importar: crear, mantener viva su imaginación, poder ensayary pensar, poder testar sus apuestas con el público en los ensayos abiertos
y afinarlas… todo en un entorno de máxima profesionalización, que eslo que nos traerá siempre un máximo reconocimiento en el futuro. A
todos, y también al público por su apoyo constante a los creadores que
hacen uso de estas instalaciones, gracias una y otra vez. ¡Viva la danza yviva la creación!

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Memoria de actividades

EL CENTRO
COREOGRÁFICOCANALEl Centro Coreográfico Canal, dependiente de la
Comunidad de Madrid y creado en 2009, es un centro de creación, difusión, investigación y estudio dela danza, nacido con la intención de profundizar y
promover la creación artística coreográfica en todas
sus formas de expresión. Un espacio concebido también para posibilitar el encuentro e intercambio entre profesionales del mundo de la danza, que apuesta abiertamente por la investigación, la innovación yla experimentación como herramientas vitales parala creación, instituyéndose estas como el origen, lafuerza y la energía motora del propio Centro Coreográfico Canal.
Es también un centro que nace para estar abierto
a todos los estilos de danza que puedan practicarseen España: ballet clásico y neoclásico, danza contemporánea en cualquiera de sus variantes, danza española y flamenco, hip-hop, el resto de danzas urbanas y otros estilos de danza. El Centro Coreográfico
Canal se piensa como un entorno al servicio de loscreadores, pensado para dotar de un marco estable decreación y un espacio de trabajo tanto a los que hanconstituido compañías consagradas y estables comoa los emergentes y jóvenes en sus primeros trabajos.
Un centro de asistencia y colaboración pensado parala generación de expresiones coreográficas y la experimentación sin trabas de nuevas formas escénicas.

Las dotaciones estructurales y técnicas del Centro Coreográfico Canal sitúana este centro de la Comunidad de Madrid
entre los más cualificados de Europa. El
Centro Coreográfico Canal pone al servicio de los profesionales una serie de estudios de doble altura y uno más a triple.
Su superficie oscila entre los 68 m2 y 270
m2. Cuatro de estos estudios de danza
tienen galerías superiores que, a modode miradores, permiten presenciar ensayos abiertos. Dispone de las más completas dotaciones técnicas para que los profesionales de la danza puedan desarrollar
su trabajo en las condiciones más favorables. El Centro cuenta con piano en cadauno de los estudios que lo necesitan, 6verticales y 3 de media cola. Todos losestudios están climatizados; sus paredes,
forradas en madera y con amplios espejos de suelo a techo y sus suelos fabricados en linóleo polivalente, salvo uno deellos que está dotado de un suelo especial
de madera especialmente pensado para ladanza española y el flamenco.
La intención de su directora, la coreógrafa Blanca Li, es que sea reconocido como un espacio de vital importancia
para la danza de la Comunidad de Madrid, pero también como un centro decreación de primer nivel a escala nacional e internacional, abierto a su amplia
diversidad de manifestaciones y que permita la transmisión de conocimientos e
ideas entre creadores y entre generaciones, manteniéndose siempre al serviciode los proyectos que asume durante cadauna de las etapas de la creación: desdela gestación creativa y los ensayos a la
exhibición final en representaciones. Un
lugar para que el creador pueda experimentar, testar y dar forma a sus proyectos, recibir y dar ideas e información aotros profesionales y compañeros, pero

Las dotaciones
estructurales y técnicasdel Centro Coreográfico Canallo sitúan entre los más
cualificados de Europa. La
intención de su directora
es que sea RECONOCIDO
como un Centro deCreación de primer nivel
a escala NACIONAL e
INTERNACIONAL

también un lugar abierto al público amante de la danza y a los investigadores, para que puedan asistir alproceso de creación invitándoles puntualmente a ensayos abiertos, clases maestras o workshops profesionales. Un lugar único que centralice los recursos para ladanza y los ponga al servicio de los creadores. Comoparte del proceso de tutelaje de los proyectos participantes, las piezas creadas en el Centro Coreográfico
Canal en sus programas de residencias llevarán el sello de Creación de los Teatros del Canal.
Un objetivo manifiesto de estas convocatorias de
Residencias de Creación e Investigación es ayudar a
consolidar el tejido profesional y empresarial de lascompañías de danza afincadas en Madrid y en otras
comunidades autónomas, así como coreógrafos ycompañías internacionales, facilitando los recursosdel Centro Coreográfico Canal y sus espacios y salasde ensayo con unas condiciones excepcionales, como
un apoyo directo y sin paliativos a la creación de una
escena de danza estable, con músculo y viva, no solo
en el marco local sino para el contexto nacional e internacional.
El Centro Coreográfico Canal ha asumido también
un compromiso claro con la difusión del trabajo delas compañías madrileñas, fundamentales en el tejido
sociocultural de la región, y ofrece una herramienta
completa de información sobre todas las agrupaciones profesionales de danza de la Comunidad de Madrid, abarcando el mayor abanico de estilos posible, alservicio de los profesionales y programadores de todo
el mundo. Una herramienta para favorecer los vínculos internacionales de la danza creada en Madridy su posicionamiento creativo global en los circuitos
internacionales de primer orden.

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A fin de que la asignación de espacios a todas lascompañías y creadores sea más eficaz, igualitario ytransparente, el Centro Coreográfico Canal dispone
de una herramienta online de reserva y acceso a losestudios por parte de las compañías madrileñas. Para
acceder a los espacios, las compañías han de registrarse previamente como usuarios.
Para hacer esto, se establecieron los siguientes
requisitos:• Pertenecer al ámbito profesional de la danza.
• Estar inscritas en nuestra base de datos.
• Ser residentes en la Comunidad de Madrid.
Si se cumplen estos requisitos, las compañías deben solicitar un formulario de inscripción enla herramienta online y devolverlo cumplimentado. La solicitud se realiza a través del correo
centrocoreograficocanal@uteteatrosdelcanal.com
Esta solicitud de usuario estará siempre sujeta aaprobación del Centro Coreográfico Canal, que ha decorroborar los datos profesionales de las compañías
antes de darle acceso. El Centro Coreográfico Canales un espacio abierto a profesionales; los estudiantes y las compañías amateurs tienen otros espacios en
Madrid donde desarrollar su actividad.
Por supuesto, los receptores de los Programas de
Residencias de Creación e Investigación, algunos deellos no locales, no tienen acceso directo a esta herramienta: para ellos se otorga un acceso preferentea través del departamento de coordinación del Centro
Coreográfico Canal. En las etapas en que estas residencias están en funcionamiento, el número de estudios
disponibles para las compañías no residentes varía.
Una vez aprobada la solicitud, la compañía recibirá un email con un usuario y contraseña (de uso único e intransferible para cada compañía) que permitirá
el acceso al perfil personal y al calendario de reservas. La contraseña puede ser cambiada por el usuario, igual que podrá editar su perfil personal con la
información que considere oportuna: curriculum vitae,
perfil narrado de trayectoria, etc. Se considera obligatorio que el usuario que realice la reserva o, en su
defecto, un responsable de la compañía esté presentedurante el uso del espacio.
Con esta contraseña, el usuario estará habilitado
para hacer reservas en las franjas horarias disponibles
en el calendario, que se habilitará en los primeros
días de cada mes para reservas a dos meses vista. Este
calendario se actualiza diariamente, con las posibles
anulaciones y nuevas disponibilidades en función dela actividad del Centro y de los Teatros del Canal.

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Memoria de actividades11

A 31 de diciembre de2023, 190 COMPAÑÍAS
Y/O CREADORESPROFESIONALES se
han registrado y están
habilitados para utilizar
los estudios del Centro
Coreográfico CanalSe establece así mismo una penalización para lascompañías que no disfruten de su reserva sin haberla cancelado al menos 24 horas antes, perdiendo elderecho de uso de la herramienta online. También se
han incorporado nuevas normas para impedir el abuso de usuarios en aquellas partes que dejaban zonas
grises a la interpretación, y que podían general problemas en la reserva. En estos casos, el Centro Coreográfico Canal se reserva el derecho de sancionar a losusuarios que, de alguna manera, no respetando loscriterios de acceso igualitario, manipulen esta apertura de las normas a su favor, siempre dándoles una
motivación razonada previa a cualquier sanción paraque corrijan su práctica.

Cada usuario dispondrá de un máximo de 216 horas
anuales para reservar, y el seguimiento de las horas utilizadas se podrá consultar en el perfil de cadausuario. Una vez seleccionados los bloques, para poder confirmar la reserva, el usuario deberá seleccionar el check-box y confirmar así que está informado
de las normas de uso y acceso a las instalaciones.

El Centro Coreográfico Canal se reserva el derecho asuspender cualquier reserva debido a las necesidades
internas de los Teatros. Cualquier modificación será
comunicada con la mayor antelación posible.

• Es requisito indispensable que todos los integrantes de la compañía o sus colaboradores que accedana los estudios sean profesionales autónomos o dadosde alta en la Seguridad Social y tener relación laboral
con la compañía titular de la cesión de los espaciosde ensayo.

– Estudio 1: reservado para asistenciaa Teatros del Canal. 41 personas / 230 m2

El Centro Coreográfico Canal, además, reserva losestudios 1 y 2 para las necesidades puntuales de losTeatros del Canal y las compañías que acoge en su
programación. Estos dos estudios están a disposiciónde los Teatros, siempre con la colaboración del Centro Coreográfico Canal.

• En caso de personas con contrato laboral, será suficiente la firma de un solo formulario por parte de lacompañía contratante.

Los bloques horarios de reserva son los siguientes:• En caso de visita puntual de un colaborador, deberá
registrase en el control de puerta del Centro Coreográfico Canal.

De lunes a domingo:– 9:00-13:00 (4 horas)– 13:00-17:00 (4 horas)– 17:00-21:00 (4 horas)• En caso de trabajadores autónomos, cada uno deberá firmar un formulario individual.

Una vez seleccionado el check-box, se habilitará la confirmación de la reserva. El usuario recibirá un mensaje electrónico de confirmación de reserva o cancelación (lo que proceda). Para acceder al estudio, el
usuario deberá tener a mano el justificante de la reserva impresa o bien de forma digital en un dispositivo, para su comprobación en recepción del Centro.
Por supuesto, no se permiten las reservas para terceros y, si se produjesen, estas serían penalizadas con lacancelación de la cuenta. Todas las reservas se podrán
cancelar en un plazo máximo de 24 horas previas a lareserva. En el caso de que el usuario no cancele, perderá su derecho al uso de la herramienta. Para accedera los estudios, cada integrante de la compañía deberá
apuntarse en el listado del estudio reservado, disponible en recepción del Centro Coreográfico.

El aforo máximo de cada estudio y sus dimensionesson:– Estudio 2: reservado para asistenciaa Teatros del Canal. 28 personas / 150 m2– Estudio 3: 48 personas / 271 m2– Estudio 4: 30 personas / 153 m2– Estudio 5: 26 personas / 135 m2– Estudio 6: 16 personas / 70 m2– Estudio 7: 30 personas / 148 m2– Estudio 8: únicamente estilo flamenco /danza española. 19 personas / 103 m2– Estudio 9: 14 personas / 68 m2

Cada usuario será responsable de la actividad desarrollada en los estudios reservados y de cualquier incidente o desperfecto que pueda generar. Para solucionar cualquier incidencia, se les pide que se pongan
en contacto con el Centro Coreográfico Canal a travésdel mail general o en el teléfono 913 08 99 99 en horario de oficina; de lunes a jueves de 9 a 18 horas y
los viernes de 9 a 14 horas.
A 31 de diciembre de 2023, 190 compañías y/o creadores profesionales se han registrado y están habilitados para utilizar los estudios del Centro Coreográfico
Canal en función de sus trabajos. De estas, las 102 que
han hecho uso este año de nuestras instalaciones están listadas en el capítulo de esta memoria titulado
Compañías que han hecho uso de los estudios del Canal en
2023.

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

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Memoria de actividades

Este programa está dirigido
a profesionales de la DANZA,
tanto creadores individuales
como a COMPAÑÍAS
consolidadas o emergentes, que
tengan como objetivo investigaro desarrollar nuevos proyectos enel marco de lo coreográfico. Se
les cede un espacio y una dotación
económica para poder realizarlo

CONVOCATORIADE RESIDENCIAS
2023

Este programa está dirigido a profesionales de la
danza, tanto creadores individuales como a compañías consolidados o emergentes, que desarrollen sus
líneas de trabajo en torno a la danza y las artes delmovimiento, y que tengan como objetivo investigaro desarrollar nuevos proyectos en el marco de lo coreográfico.
Siguiendo la estela de años anteriores, la direccióndel Centro Coreográfico Canal ha decidido mantenerla asignación económica a estas residencias, vital parael desarrollo en condiciones de la actividad coreográfica, en ambas secciones de Residencias: la de Creación y la de Investigación.
Los 30 proyectos seleccionados para el 15º
programa de residencias artísticas, realizado durante
2023, se escogieron entre un total de 346 solicitudes,
143 para Residencias de Creación y 203 de investigación. Como en ocasiones anteriores, se asignaron
10 Residencias de Creación y 20 de investigación. El
proceso de selección, siguiendo los criterios de transparencia y objetividad, contó con un Comité de Selección formado por profesionales de prestigio en elámbito de la danza: la bailarina y directora Lucía Lacarra, y el coreógrafo y director del Ballet Nacionalde España Rubén Olmo, así como por la directora delos Teatros del Canal y del Centro Coreográfico Canal,
Blanca Li.

Residencias de creación
Dirigidas al desarrollo de nuevas propuestas escénicas o piezas no concluidas que tienen como objeto
el desarrollo de un trabajo escénico puesto en marcha en el Centro Coreográfico Canal. Los proyectos
escogidos para esta modalidad tuvieron un periodo
de residencia de dos meses, a ejecutarse entre enero y octubre de 2023 y fueron así mismo exhibidos
dentro de la programación regular de los Teatros delCanal, en el ciclo Canal Baila entre septiembre y octubre de 2023. La Consejería de Cultura, Turismoy Deporte de la Comunidad de Madrid aporta, paracada proyecto, la cantidad de 10.000 euros. Además,a las compañías y artistas seleccionados se les abona
un caché acordado entre los creadores, el CCC y losTeatros del Canal.
Las diez compañías seleccionadas para las residencias de creación fueron:— Elephant in the Black Box / Jean Philippe Dury.
Atraspasar (Madrid)— Compañía La Turba – Carlota Berzal.
Imaginario Corporal: efecto migratorio (Madrid)— Jesús Benzal. Lo que ocurre en un instante (Sevilla)— DanZarte – Bruno Argenta y Natalia Ferrándiz.
Le memoria que no cesa. Miguel Hernández (Madrid)— Cristina Cazorla. Madrileña (Madrid)— Richard Mascherin.
He aquí un acto romántico (Tenerife - Madrid)— Alfonso Losa y Patricia Guerrero.
Alter ego (Madrid)— Baldo Ruiz & Paloma Calderón. Visillo (Valencia)— HURyCAN – Candelaria Antelo y Arthur Bazin.
salVa (Madrid)— Candela Capitán. Solas (Sevilla - Berlín)

Residencias de Investigación
Dirigidas a apoyar la exploración, investigación y desarrollo de proyectos en proceso. En este caso la residencia será de 1 mes. Las 20 compañías seleccionadas
para las residencias de investigación son:
— Eyas Dance Project. Sensual Texion (Valencia)— Estévez / Paños y Compañía.
NONDEDEU (Madrid)— The Kids Are Missing – Fernando Troya.
Jugamos tan duro que nos hacemos daño
(Madrid - Ámsterdam)— Proyecto Larrua. Shot the Target! (Álava)— Cía. Sara Arévalo. Exuvia (Madrid)— Ana Arroyo Art. Looking for an Heroin (Madrid)— [MA•ZE]. [Perfection Detox] (Hungría - Alemania)— Cía. Eduardo Guerrero.
Work in Progress: bailar no es solo bailar (Cádiz)— VIDAVÈ.
Spoken Dance / Stimmung (Italia - Alemania)— Leonor Leal. De voz, un cuerpo ( Jerez de la Frontera)— Cía. Yerbanegra - Teresa Garzón Barla.
La Tercera (Granada)— Ángel Lara y Sara Yáñez. Surco (Valencia)— CienFuegos Danza. Caballo Blanco (Valencia)— La Intrusa. Moonshot (Madrid)— Led Silouhette. Halley (Navarra)— Laia Santanach. Jarana (Barcelona)— Miller de Nobili. Labyrinth (Alemania)— AnnaOtta y Lucía Bocanegra.
Persona (Madrid – Berlín)— Manuel Liñán.
Muerta de Amor (Granada - Madrid)— Carmen Fumero y Dácil González.
Mutable (Canarias - Madrid)

El objetivo de este programa de residencias es apoyar al tejido profesional a través de la cesión de espacios profesionales con dotación y equipamiento para eldesarrollo de la creación, además de facilitar un tiempo razonable para la investigación. También se generan recursos
para la formación de los seleccionados,y se propicia que puedan compartir sus
procesos creativos. Todos los proyectos
contarán con una dotación económica.
A continuación, se desglosan en capítulos tanto los proyectos como los currículums profesionales de las compañías
y artistas receptores de las Residencias
de Creación (en el programa Canal Baila)como, acto seguido, los receptores de las
Residencias de Investigación (en el programa de Ensayos Abiertos).

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RESIDENCIAS DE
CREACIÓN: PROGRAMACANAL BAILACANAL BAILA
Creaciones delas compañías
residentesdel Centro
CoreográficoCanal

Del 2 de septiembre
al 21 de octubre

FOTOGRAFÍA: ©YOSHUA CIENFUEGOS

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Memoria de actividades

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CANDELACAPITÁNSOLAS
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1 h
Edad recomendada:
mayores de 18 años
Coreografía y creación escénica:
Candela CapitánInterpretación: Rocío Begines,
Laia Camps, Mariona Moranta,
Vera Palomino, Julia Romero
Dirección de ensayos
y asistencia coreográfica:
Virginia Martín
Diseño de sonido: Slim Soledad
Asistencia a la dramaturgia: Joan Morey
Diseño de iluminación
Sergio G. Domínguez
Vestuario: Candela Capitán, extraídode su solo Dispositivo de Saturación
Sexual, iniciado en 2019
Documentación fotográfica: Daniel Cao
Con la colaboracióndel Goethe Institut Madrid

Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©DANIEL CAO

Sala Negra / 2 y 3 de septiembre
SOLAS (2023) es una creación escénica de Candela Capitán para cinco
intérpretes, cinco ordenadores y una plataforma web de transmisión
online. Esta pieza explora la sobreexposición del cuerpo femenino enla era de la comunicación digital y bajo los efectos de la globalización.
Su coreografía, que atraviesa los cuerpos sobre el escenario y entra
en “la pantalla”, arranca de una partitura que toma como estructura
base dieciséis figuras de carácter erótico. Las figuras se unen entre sí
generando una secuencia acumulativa que incrementa su velocidad:
cada frase de movimiento comienza con la primera figura a la que se lesuma la de la frase anterior, dando lugar a la sucesión ordenada A - AB ABC - ABCD - ABCDE... y así progresivamente.
La banda sonora entremezcla ruido ambiental, sonidos digitales
y música de diversos estilos: en la primera parte evoca una calletransitada y la pista de baile de un club techno; en la segunda mitad los
cuerpos abatidos de las intérpretes conviven con música reguetón. Las
canciones de este género urbano que aparecen en la pieza son de artistas
exclusivamente hombres, en su mayoría de Puerto Rico, cuna de esta
corriente musical. Esto hace que cuando las voces masculinas y las letrasde las canciones irrumpen en la escena parezca que la obra incorpora
nuevos personajes.
Además, SOLAS ofrece al espectador dos formas de ver la pieza:
desde el patio de butacas o una plataforma de transmisión en línea
empleada durante toda la obra. La imagen digital, a diferencia de loque sucede en el escenario, presenta cierta demora en su transmisión
en línea, junto a otras particularidades del medio como es el chat. De
este modo, la relación que se establece entre el público presencial ylos espectadores anónimos situados al otro lado de cada dispositivo
incorpora un metalenguaje ambiguo que expresa una mirada crítica
hacia el uso y el abuso de la tecnología e internet en las artes escénicas
y en otros espacios de creación contemporánea.
Candela Capitán. Nacida en Sevilla en 1996, vive y trabaja en Barcelona.
Comienza sus proyectos personales en 2018, explorando la activacióny desactivación de los lazos sociales, poniendo el cuerpo en relación
con otros cuerpos, objetos e imágenes colectivas. Las nuevas tecnologíasde la comunicación, las relaciones transfronterizas entre disciplinas
artísticas o el impacto intergeneracional y sus consecuencias son
algunas de las materias que atraviesan sus proyectos. Utilizando
principalmente el lenguaje de la performance, pero también el de la
danza, estudia los límites de esta y la presencia del cuerpo en escena
como elemento sexualizado y voyeurizado. Sus obras de desarrollan
en diferentes medios (acciones en vivo, instalaciones o proyectos
audiovisuales) tanto a través de pantallas y en espacios virtuales comoen directo. Entre sus proyectos, destacan: Mantis, Three Hours of Coffin(2018); The Death at the Club (2019-2022); Tomorrow People (2019); Boiler
Room (2019, online); Dispositivo de Saturación Sexual (2020) y 19762. Solosy conectados (2022-23) creado para la compañía estatal Tanzkassel ypresentado en el Teatro del Fridericianum durante la Documenta 15-Universe in Universes- de Kassel.

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Memoria de actividades

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ELEPHANTIN THEBLACK BOXATRASPASAR
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1 hBailarinas: Marie-Pierre Genovese,
Antonella Sampieri, Luce Bron,
Claudia Sportelli, Elena Grimaldi,Louise Tertrais, Isabelle Tudor,
Vanessa Wüthrich, Lilou Rouanet,
Mariana Guimarães, Julia Kania
y Cristina Grandi
Dirección artística y coreografía:
Jean-Philippe Dury
Dirección teatral: Santi Senso
Iluminación: Ivon Delpratto
Escenografía: Jean-Philippe Dury
Música: Collage - Ludwig van Beethoven /Henry Purcell / Johann Sebastian Bach
Diseño de vestuario:
Carolina de los Mozos
Sastrería: Encarnación María Fuentes(A Tola de Migitana)
Asistente de dirección: Marisol Cernello
Gestión y comunicación: Víctor Álvarez
Producción y distribución:
Elephant in the Black Box
Agradecimientos:
Goethe-Institut Madrid

Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal
Con la colaboración dela Comunidad de Madrid

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©MARIELLE ELLEIRAME

Sala Negra / 7 y 8 de septiembre
ATRASPASAR se inspira libremente en una obra del repertorio clásico deteatro: El jardín de los cerezos, de Antón Chéjov. La intención es partir deeste patrimonio para proponer nuevos puntos de vista que nos sirvan deapoyo en la comprensión de nuestra realidad actual, desde un lenguaje
coreográfico radicalmente contemporáneo y simbolista.
De ese modo, ATRASPASAR aborda no solo las tensiones sociales e individuales que se generan en contextos de crisis y cambios de era, comoel que vivimos en nuestros días, sino también las relaciones sentimentales que caracterizan la toma de conciencia y la capacidad de elección.
A partir de ahí, la obra nos plantea cuánto pesa en nuestras decisiones lapropia naturaleza humana y sus pasiones y cómo podemos enfocarnos
hacia un elemento fundamental de la vida: saber soltar. Esta dialéctica
entre apego/confort y destrucción/liberación se estructura en la pieza a
través de la confrontación de los símbolos de la casa y el jardín. La destrucción de estos símbolos ¿nos deja sin raíces o más bien nos permite
avanzar hacia un futuro más libre? En definitiva, ¿podemos hablar deverdaderos valores?, ¿podemos refugiarnos en un pasado esquivo en elque ya no es posible quedarse?
Para crear nuevas posibilidades nos vemos obligados a huir, a renunciar, para no sucumbir como sucumbe el jardín ante la maleza. Quizá
solo la evasión puede llevar a un amor “más allá del amor”, como dice
Trofimov al final del acto II, más allá de cualquier interés social y económico.
Elephant in the Black Box / Jean-Philippe Dury. Esta asociación sin ánimo de lucro, que tiene como misión apoyar la creación y la difusiónde la danza e impulsar a sus artistas y profesionales, tiene dos compañías: EBB Dance y EBB Junior. Creada en 2013 bajo la dirección artísticade Jean-Phillippe Dury, hace de la elegancia, el rigor y la excelencia su
principal rasgo, y ha trabajado durante años con grandes bailarines ycoreógrafos internacionales, creando en paralelo una cantera de jóvenes
bailarines a través de sus estudios y workshops. En total, EEB Dance haproducido más de una docena de espectáculos, que incluyen coreografías del propio Dury pero también de otros creadores como Nacho Duato, Alain Fallieri, Idan Sharabi, Marco Blázquez o Federico Vecchione,
entre otros. Entre sus creaciones más destacadas se pueden mencionar
Cel Black Days (2013), estrenada por la Compañía Nacional de Danza; The
Four Seasons (2014); Romeo & Juliet (2016); Le Sacré du Printemps (2016);
1936 (2017, coreografía de Marco Blázquez); Siuk (2017, coreografía deFrancesco Vecchione); Gravity (2017); Cel Black Days (2013); Nitch (2019,
coreografía de Marco Goecke) o The Hidden Beauty (2019). ATRASPASAR(2023) es su última creación. Jean-Philippe Dury ha bailado para las
mejores compañías internacionales, que incluyen desde el Ballet de laÓpera de París o Les Ballets de Montecarlo a la CND española o Les
Grands Ballets de Montreal, como artista invitado. Como coreógrafo, ha
creado piezas para compañías como el Leipzig Opera Ballet, Basel Balleto Illicit Company. Cuenta con más de 20 piezas coreográficas, y premios
como el Talent Madrid en 2013, el Taglioni European Ballet Awards Berlín (2014) y el premio Simón Bolívar de la UNESCO a la mejor carrera.

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Memoria de actividades

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COMPAÑÍA
LA TURBA
Imaginario
corporal:efectomigratorio
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza
Países: España / Chile
Brasil / México / Perú
Duración: 1 h
Idea original:
Cristóbal Santa María Cea
Creación, producción e intérpretes:
Carlota Berzal
y Cristóbal Santa María Cea
Dirección: Poliana Lima
Dramaturgia: Ricardo Mena Rosado
Espacio sonoro:Álvaro Mansilla Villalpando
Documenta: Fernando Vílchez
Iluminación: Jesús Díaz Cortés
Vestuario: Gloria Trenado
Compañía residente en Creacióndel Centro Coreográfico Canal,
con el apoyo de los Teatros del Canaly Comunidad de Madrid.
Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©FERNANDO VÍLCHEZ

Sala Negra / 12 y 13 de septiembre
Una obra que articula identidad y migración, con el cuerpo como biografía hecha de dos culturas: origen y acogida.
¿Toda migración implica transformarse en el camino?
Desde el movimiento telúrico hasta la danza más frenética, se reflexiona sobre la permeabilidad de los países, los cuerpos y las ideas,
construyendo un territorio intangible.
Compañía La Turba. Fundada en 2014 por Carlota Berzal, artista escénica y dramaturga, para acometer sus proyectos, en los que mezcla danza,
teatro y performance en torno al lenguaje corporal y sus posibilidades.
Entre sus espectáculos, se encuentra Ofelia Vegetariana (FAUNA 2017 Argentina, Festival Escénika Concepción 2018 Chile, Festival Nuevas Tendencias Mendoza 2018 Argentina, Festival FAKI 2021 Croacia, Festival
Internacional de Teatro de Alejandría, Egipto donde fue galardonada
con Mención Especial del Jurado y Premio a Mejor Actriz, Bacau Monodrama Fest 2022 Rumanía, Nandimkuh Festival 2022 Bangladesh yParade of Winners 2023 Mongolia), Mi Bandera (Gran Premio de España
de Artes Escénicas en la categoría de Danza del ARS Mediterránea International) o Lo quiero tó (Festival LEC Coreógrafos Emergentes (Santander, España) 2022, Residencia Subscena Team (Zagreb, Croacia), 2023),
entre otros. Para la obra Imaginario corporal: efecto migratorio, cuenta conla idea original y creación de Cristóbal Santa María Cea, artista escénico
y gestor cultural. Cristóbal centra su interés en las técnicas corporales,
investigación del movimiento y artes vivas. Desde el año 2010 hasta la
actualidad se desarrolló como intérprete para Claude Brumachon (Francia), Pablo Rotemberg (Argentina), Chevi Muraday (España), Thomas
Bentin (Dinamarca), Antimétodo (Chile), Miquel Barcelona (Catalunya),Cía. La Taimada (Catalunya), entre otros. Desde el año 2014 formó partedel Centro Cultural Escénica en Movimiento, realizando diversas labores
fomentando el desarrollo de la danza como eje de transformación social
y creativo en Biobío-Chile. Ha participado en encuentros de danza como
REVES (Costa Rica) y Taxi 10 días de danza (Ecuador). Como docente
ha realizado diversos seminarios en Chile, Montevideo, Quito, Madrid,
Barcelona, Mallorca y Menorca. Egresado del Postgrado en Creación Coreográfica en AREA Espai de Dansa i Creció. Director de Proyecto Resonantes y la producción TRINARIO, Coproducción entre Chile – Cataluña (Iberescena 2021), Dantzagunea - 2021 Sortutakoak y Support a la
Creació FiraTárrega - 2022.

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Memoria de actividades

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JESÚS
BENZALLo que ocurre
en un instante
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1 hConcepto: Jesús Benzal
Coreografía: Jesús Benzal en
colaboración con las intérpretes
Intérpretes: Elena Castellanos,
Javier De La Asunción, Lionel Giacomelli,
Mariona Jaume, Paula Montoya
y Mauricio Pérez
Espacio sonoro: Ona Galo
Iluminación: Mauricio Pérez Fayos
Piano: Lionel Giacomelli
Escenografía: Orlando Jiménez
Vestuario: Valleriola y Benzal
Fotografía: Elena Castellanos
Producción: Marina Fullana
Ayudantía: Mariona Signes
Colaboración:
Centro Coreográfico Canaly Compañía Nacional de Danza
Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©ELENA CASTELLANOS

Sala Negra / 16 y 17 de septiembre
Lo que ocurre en un instante es un proyecto artístico para seis intérpretes
que busca establecer una relación directa entre tiempo/instante y creación.
¿Cuánto dura un instante?, ¿cuánto cambia en un instante?
Estas dos premisas son el estandarte argumental donde se estructura una pieza que pretende investigar con el cuerpo lo irreversible delahora y nuestra capacidad de alargar el momento, definido por amplios
paisajes emocionales que ofrecen al espectador la oportunidad de estar,de ser consciente e inconsciente de la creación y de los cuerpos ahí presentes, ocupados en la exploración de volver a nacer, de reinventarse.
Jesús Benzal, Nacido en Sevilla, estudia Coreografía e Interpretación dela Danza en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid. Como coreógrafo, lleva activo desde 2015 con su proyecto de compañía, llevando su firma a otras compañías e instituciones como Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid, På Tå Hev (Oslo) o
Danza 180º. Además, ha participado en diferentes festivales como Grec
Festival de Barcelona o KoreografiLaboratorie en Dansens Hus, Oslo. Su
pieza Handle With Care (2018), candidata a Mejor Espectáculo de Danzaen los XXII Premios Max, recibió el primer premio en el Premi de Dansa de l’Institut del Teatre. Como bailarín, ha trabajado con las compañías
IT Dansa de Barcelona, bajo la dirección artística de Catherine Allard;con el Centro Coreográfico Gallego, junto a Johan Inger; en Thomas
Noone Dance, Acosta Danza, Transit Dansa, VDF, Teatro El Velador, Dance Craft y, actualmente, trabaja con la compañía Unaiuna. Lo que ocurre
en un instante fue un proyecto merecedor de una Residencia de Investigación 2023 del Centro Coreográfico Canal.

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Memoria de actividades

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CRISTINACAZORLA
Madrileña
ESTRENO ABSOLUTO
Género:Danza española-Escuela bolera
País: España
Duración: 1 h
Dirección y coreografía: Cristina Cazorla
Dirección de escena: Carmen Angulo
Asistencia de movimiento:
Verónica Garzón
Danza: Cristina Cazorla
Soprano: Mariví Blasco
Guitarra española: Álvaro Toscano
Violín: Nacho Carnota
Dirección musical y arreglos:Álvaro Toscano
Composición original“Madrileña” (última escena):
María Jesús Amaro
Composición electrónica
y diseño sonoro: Sala Elassir
Diseño de vestuario: Yaiza Pinillos
Diseño de iluminación: Inés de la Iglesia
Equipo técnico
Inés de la Iglesia y Pilar Calvo
Sastrerías: Gabi Besana,
Paloma de Alba y Lourdes Boan
Escenografía: Julián García
Atrezo: Isabel García García
y Francisco Cazorla Muñoz
Fotografía: Sala Elassir
Maquillaje: Cristina Calavia
Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©SALA ELASSIRSala Negra / 21 y 22 de septiembre
Madrileña de nacimiento, Cristina Cazorla pretende regalar al público
un paseo por su ciudad, sus costumbres y su esencia.
Madrileña es un homenaje al pasado y una manifestación del presente, una representación de la esencia de Madrid a través de su danza y su
música.
Con cuatro artistas en escena, tres músicos en directo y la bailarina,
el espectáculo viaja a través de músicas tan representativas de la ciudadcomo el chotis o el mismo Pichi; épocas y ambientes como el Madrid delos Austrias, la ciudad del s. XXI que vive deprisa y sin parar, la estética
goyesca, la copla o la Movida Madrileña.
Un paseo de un día que realiza una “gata” madrileña por sus lugares
más emblemáticos, como la Pradera de San Isidro, la Puerta del Sol, laGran Vía, El Retiro o la Plaza Mayor.
Madrileña es el pequeño gran homenaje que Cristina Cazorla quiere rendir a su ciudad.
Cristina Cazorla. Nacida en Madrid en 1997, esta bailarina, coreógrafa ydirectora artística se graduó como Premio Extraordinario de su promoción de 2015 en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, para licenciarse en el CSD María de Ávila en coreografía cinco años
después. Vinculada desde sus orígenes a la Escuela Bolera ha estrenado
con el Ballet Nacional de España espectáculos como Homenaje a Antonio
Ruiz Soler, y ha sido bailarina de compañías como Antonio Najarro Cía,
Sara Cano, Sergio Bernal Dance Company, Aída Gómez, Antonio Márquez, entre otras, desarrollando roles como bailarina solista. Forma un
dúo junto al guitarrista Álvaro Toscano en el espectáculo Escuela Bolera y Guitarra Española, siendo reconocidos por la crítica en el Teatro dela Maestranza de Sevilla. Como coreógrafa, destacan sus trabajos Orimel(2019, ganadora del 2º Premio Coreografía Grupal en el 28º Certamen
Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid, Premio Bailarinas Sobresalientes a las tres mujeres del elenco, y Mención Especialdel Jurado “por visibilizar, recuperar y mantener la técnica del lenguaje académico y las formas estilísticas que son características de la Escuela Bolera tradicional”) y Lamentatio (2021, ganadora del 1er Premiode Coreografía de Solo y Premio Bailarina Sobresaliente en los mismos
certámenes). Como intérprete, recibe entre otros el Primer Premio deDanza Española en el V Concurso de Danza Española y Flamenco de
Almería en 2017; el Premio de Danza Española en el Concurso Ciudad
de Castellón en 2015. En 2020 comienza a investigar en la evolución dela Escuela Bolera hacia movimientos y músicas contemporáneas y crea,
con el compositor clásico contemporáneo Antonio Blanco Tejero, Proserpina: Mundo, Inframundo, Mujer (2020). Es así mismo docente de Escuela
Bolera en conservatorios nacionales y cursos como Valencia En Danza oEncuentro con los Maestros.

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Memoria de actividades

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RICHARD
MASCHERIN
He aquí un actoromántico
Sala Negra / 26 y 27 de septiembre
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1 h
Dirección y coreografía:
Richard Mascherin
Intérpretes: Lucía Montes,
Javier Mario Salcedo
y Richard Mascherin
Texto y asesoramiento dramatúrgico:
Sergio Martínez Vila
Iluminación: Laura Iturralde
Música: Alejandro Da Rocha
Asesoramiento musical:
Alberto Cernadas
Sonido y espacio sonoro:
Iñaki Ruiz Maeso
Vestuario y escenografía:
Richard Mascherin
Confección de vestuario:
Marisa Maggi
Fotografía: Lúa Ribeira
Distribución:
Lola Ortiz de Lanzagorta
Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©LÚA RIBEIRA¿Qué acaba y qué comienza con un accidente? ¿Qué duele más, un golpe
o un beso en los labios? ¿Es odiar otra forma de amar? ¿Quieres que meentregue a ti? ¿Me querrías si no te necesitara? ¿Puedo caer contigo?
¿Qué es un acto romántico?
Aquí se emplea la caída física y la emocional para crear un mapa decuerpos arrojados al vacío.
La pieza es una reacción al bombardeo actual de estímulos y a laacumulación imparable de objetos que nos consuelan, nos dañan y nos
anulan.
Tres víctimas prueban a moverse de un modo consciente en mediode esta espiral violenta, haciendo que accidentes y provocaciones, apegos y desapegos sean un rito de paso hacia la trascendencia, una ceremonia donde lo tóxico es herramienta para la resurrección.
Aquí la entrega tiene dos caras. Por un lado, pone en peligro; por elotro, pone en valor, fortalece, vivifica. Al fin y al cabo, uno no puedelevantarse del suelo antes de haber caído en él.
He aquí la declaración de algo indomable. He aquí una resistencia
heroica. He aquí un acto romántico.
Richard Mascherin. Artista canario nacido en 1992 y afincado en Madrid desde el 2010. Graduado en Danza Contemporánea, está titulado en
Dirección General de Cine y en Especialista de Cine y TV. Ha realizado
trabajos escénicos con directores y coreógrafos como Sharon Fridmany Marcos Morau, entre otros. En su trabajo artístico, indaga y vinculadiferentes medios: danza, performance, vídeo y fotografía. Dirige su proyecto CAER, CAER, CAER, ramificado en diferentes formas y propuestas
escénicas y visuales en torno a la inevitabilidad del hecho de caer conla idea de trascender. Tras la investigación sobre las caídas físicas y eldolor corporal, reconduce estas concepciones vinculadas al movimientoromántico hacia las caídas y fallas emocionales, surgiendo así su nueva
creación He aquí un acto romántico.

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Memoria de actividades

ALFONSO LOSAy PATRICIAGUERRERO
Alter ego
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Flamenco
País: España
Duración: 1h y 10 min
Dirección artística y coreografía:
Alfonso Losa & Patricia Guerrero
Composición musical: Francisco Vinuesa
Diseño de vestuario: Belén de la Quintana
Diseño de iluminación: Olga García
Diseño de sonido: Pedro León
Conceptos comunicación y diseño gráfico:Javi Mamífero
Vídeos: Esteban Perles
Fotos: Celina Yéye, Esteban Perles
Dirección de producción y management:Loïc Bastos
Producción: BLEU PROD
ElencoPatricia Guerrero, baile
Alfonso Losa, baile
Sandra Carrasco, cante (artista invitada)
Ismael “El Bola”, canteFrancisco Vinuesa, guitarra
Alter ego ha sido desarrollado en el
marco de los programas siguientes:
Residencias artísticas del Centro
Coreográfico Canal (Madrid);
Residencias artísticas “In Progress”,
impulsado por Flamenco Festival
y el Ayuntamiento de Torrox (Málaga).
Coproducción: Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal
Con la ayuda de:

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©ESTEBAN PERLES

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Sala Negra / 30 de septiembreTú eres, como yo, tu sótano y tu escaparate. La fuerza, los miedos, la austeridad, el compromiso con la tradición, la osadía y la alegría tonta.
Y un asterisco, somos un cuerpo con un asterisco encima que nos
inunda de posibilidades, de libertad para poder corregirnos, para vivir
otro destino.
Te doy mis rodillas y te pido el tronco. Te pido los pies y te doy mi
cuello, que es una cometa que se descontrola.
Y ahora y así somos tres. Y hemos creado un cuerpo nuevo. Sabemos
que está y no lo vemos. Es real y es abstracto como un impulso genuino
que escapa, por pura necesidad, del vértigo.
Alfonso y Patricia no son solo dos. En este encuentro de espejos emocionales aparecen también sus otros yos más sinceros, lejanos, comprometidos, desinhibidos y expuestos. Dejándose llevar por lo latente, por
el yo que les acompaña, les protege y también les contradice. Alter ego es
un juego de espectros, de dos cuerpos que se enseñan y nos enseñan sus
asteriscos, bailando al borde de lo propio.
Patricia y Alfonso buscándose en lo ajeno, descubriendo el movimientode la sombra que son y no son. Dos espontáneos agotando sus escondites.
Alter ego es un reto compartido, abierto y libre. Un baile hecho deimpulsos, sorpresas, preguntas, tesoros, desconciertos, vapor, entrañas yhorizontes.
Alfonso Losa & Patricia Guerrero. Dúo de conocidísimos creadores ybailaores, que comparten entre otras cosas una formación presidida por
grandes maestros del flamenco y la danza española. Alfonso Losa (Madrid, 1980) inició sus estudios en la academia de Rafael de Córdoba para
finalmente titularse con sobresaliente en el Real Conservatorio de Danza.
Se especializó en el baile flamenco con maestros como Manolete, Antonio Canales, La China o Javier Latorre. Su carrera profesional comienza
en 1996 con la Cía. Adrián Galia, para luego ser reclamado como primer
bailaor o solista en los conjuntos de Ricardo Franco, El Güito, Manuela
Carrasco o Rafael de Córdoba. Además, ha colaborado con autores como
el guitarrista Tomatito o los bailaores Farruquito y La Moneta. Entre sus
numerosos premios, destacan los premios como Mejor Bailarín en loscertámenes de Coreografía de Danza Española y Flamenco de los años
1996 y 2000; el Premio Soleá del Concurso Nacional de Córdoba en 2007;
Premio El Desplante del Concuso Internacional de Las Minas en 2008 o el
XXIII Premio de la Crítica de la XXVI edición del Festival de Jerez (2022).
Entre sus espectáculos propios como coreógrafo y bailaor, destacan Candela (2000), Dos Mundos (2002, en colaboración con José Maya); Hombres fuertes (2003, en colaboración con Isaac y Nino de los Reyes); Duende (2004,
con José Maya); Flamenco (2005); Mirando Atrás (2009); Grito (2010, con
José Maya); Camino Flamenco (2012); Tendencias Flamenco a Tres (2013); Bailaores (2014); Senti2 (2017); Con-secuencia (2018) o Flamenco: espacio creativo(2022). Losa, aparte de ser un habitual del flamenco en Tokio, ha girado
estos espectáculos por Europa, América y Asia. Patricia Guerrero nace enel Albaicín (Granada) en 1990. Comienza a bailar desde los tres años, consu madre, la bailaora María del Carmen Guerrero, y luego en el Centrode Estudios Flamencos de Mario Maya, y a los 17 recibe el Premio Desplante en el Festival Internacional del Cante de las Minas (2007). A partirde 2010 ingresa en la Compañía de Rubén Olmo, y al año siguiente seconvierte en primera bailarina del Ballet Flamenco de Andalucía. En 2013
estrena su espectáculo Latidos del agua en el teatro Alhambra de Granada yun año después entra en la compañía de Belén Maya como artista invitada. En 2016 presenta la creación Pórtico en el Festival de Jerez, que será elpunto de partida de su pieza Catedral, que presenta también ese año en la
XIX Bienal de Sevilla. En 2021 protagoniza La Bella Otero como artista invitada del Ballet Nacional de España, y recibe precisamente por este papelel Premio Nacional de Danza en la modalidad de interpretación.

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Memoria de actividades

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BALDO RUIZ
& PALOMACALDERÓN /GNP
PRODUCCIONES
Visillo
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza-teatro
País: España
Duración: 1 h
Dirección y coreografía: Baldo Ruiz
Intérpretes: Paloma Calderón,
Sara Canet y Cristina Maestre
Cover: Ana Lola Cosin
Dramaturgia: Baldo Ruiz,
Sonia Astacio y Eloína Marcos
Espacio sonoro: Baldo Ruizy Esteban Garrido
Iluminación: Carmen Mori
Escenografía:
Julia Rodríguez - La Ejecutora,
con la colaboración de Gloria Trenado
Diseño de vestuario: Baldo Ruiz Diseño
gráfico: Salvador Gil
Producción ejecutiva: GNP Producciones
Dirección de producción: Rocío Sánchez
Distribución:
Susana Rubio - Nuevos Planes
Comunicación:Ángela Gentil - Surnames
Narradores Transmedia
Un espectáculo de Baldo Ruiz & Paloma
Calderón junto a GNP Producciones en
coproducción con Centro Coreográfico
Canal, que cuenta con el apoyo delConservatorio Profesional de Danza
Antonio Ruiz Soler y Espai Lagranja.
Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 5 y 6 de octubre
Visillo es una oda al recóndito placer de la mujer. Una creación de danza-teatro en la que tres mujeres se desnudan interiormente ante aquellos que las miran. Intuyendo que lo que esperan en sus vidas no acontece, sintiéndose inesperadas y a la vez sucediendo. Vivas se abrazan y
gritan dentro de la muerte momentánea del placer, sin sentirse extrañas
ni juzgadas. Invocándose a ellas mismas en un conjuro en el que escupen la soledad y la culpa. Viviendo y deseando días de terrorífica belleza, habitando sus cuerpos como brujas que invocan una libertad salvaje.
Baldo Ruiz & Paloma Calderón son un dúo de bailarines y coreógrafos
españoles. Se unieron como tándem artístico en 2018, en el espectáculo
Cortejo, con el que fueron premiados en 2019 en los Premios Lorca (Mejor espectáculo de danza y Mejor Intérprete masculino de danza contemporánea); en los Premios Escenario (Mejor intérprete masculino) y
nominados como Mejor Bailarina y Mejor Espectáculo Revelación enlos premios Max de 2020. Visillo es su segundo espectáculo, de consolidación de la compañía, con un trío de bailarinas. Baldo Ruiz es actor
y director, bailarín y coreógrafo, nacido en Sevilla. Recibió el Premio
Fundación Aisge al Bailarín Sobresaliente en el Certamen Coreográfico
de Madrid en 2013, entre otros premios. Director de la compañía Porinercia Teatro, con la que ha recibido más de 20 premios en diferentes
certámenes nacionales. Ha trabajado también con creadores como Wim
Vandekeybus – Ultimavez, Chevi Muraday, Antonio Rincón Cano, Isabel
Vázquez, Carl Flink, Fernando Lázaro y Joan Santacreu. Paloma Calderón es una bailarina, coreógrafa, pedagoga y gestora cultural afincada
en Valencia. Ha sido bailarina para compañías nacionales como Ananda
Dansa, Maduixa Teatre, Isabel Vázquez, Cristina Gómez, Ballet de Teatresde la Generalitat o Alicia Soto-Hojarasca, entre otras.

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Memoria de actividades

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HURyCANsalVa
ESTRENO ABSOLUTO
Género:Danza contemporánea / teatro físico
País: España
Duración: 1 h
Dirección y coreografía:
Arthur Bernard Baziny Candelaria Antelo
Música original: Sergio Salviy Joaquín Segade
Espacio escénico: Marcos Carazo
Iluminación: Inés de la Iglesia
Asistencia y producción:
Verónica ToroInterpretación: Eva Alonso,
Javiera Paz, Loredana Gargano,
Marvin Alfaro y Marton Debreczenyi
Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

Sala Negra / 15 de octubre
En la conquista de uno mismo, donde se pierden y reordenan las referencias individuales y sociales, hay un aquello que se conserva a pesardel náufrago: un hálito, como el último agarre antes de abandonar laembarcación. Aquello es el gancho con la existencia, el mínimo equipaje
que acompaña y conserva lo esencial, el hatillo que mantiene un hogar,
preservando la identidad y la dignidad, como envueltas en el arnés deun chaleco salvavidas, tal vez mojadas, pero no hundidas.
Ya sean nombrados migrantes, colonos, exploradores o incluso bacterias y microorganismos; ya busquen recursos, renombre, reforma osimplemente un entorno más favorable, lo pueden arriesgar todo (sobre
el agua, en el aire o dentro de la tierra), en unas travesías indefinidas,
con embarcaciones precarias y conocimientos inadecuados.
A caballo sobre las fronteras del espacio y del tiempo, se interroganlas posibilidades de convivir con dignidad, aun siendo diferentes. Capa
tras capa, aparece el ADN de la evolución, construyendo un bagaje o
una civilización.
Ese es el viaje de todos, el viaje del mestizaje y de la aculturaciónde las sociedades, el viaje de la evolución técnica, genética y sensible,
el viaje que ve los seres forzados al cambio, obligados a adaptarse para
poder vivir, crecer y, si es posible, trascender.
HURyCAN. Bautizado en 2013 por Candelaria Antelo y Arthur Bernard
Bazin, HURyCAN es un proyecto de creación escénica que afirma la necesidad comunicativa del movimiento, sus límites, su dimensión personal y emocional. El trabajo expone una experiencia física y sensible a
través de juegos ingenuos y transgresores. Candelaria Antelo inicia sus
estudios de danza contemporánea en Buenos Aires. A continuación, viaja a Inglaterra, donde se gradúa en la escuela The Northern School ofContemporary Dance (2007) y en Madrid en el CSDMA (2013). Duranteesos años trabaja con coreógrafos como Dani Pannullo, Jivko Jeliazkov,
Mey-ling Bisogno y Lucio Baglivo. Arthur Bernard Bazin se inicia en lasartes visuales y escénicas en París. En 2007 se instala en Madrid donde
profundiza su formación teatral y corporal. Estudia en LA USINA, LA
RESAD, el CSDMA y trabaja con coreógrafos como Camille C. Hanson,
Luz Arcas-La Phármaco y Sharon Fridman, con quien realiza una colaboración continua como bailarín y asistente entre 2010 y 2022. Candelaria y Arthur empiezan a investigar juntos en 2010 creando Discordio,
pieza ganadora del Certamen Coreográfico de Vallecas. Su primera creación como HURyCAN es Te odiero (2011), que les valdrá diversos premios
en España, Alemania, Francia y EE.UU. Después vendrán los también
internacionalmente premiados Je te haime (2013) y ASUELTO (2016). A
fecha de hoy, la compañía funciona como una plataforma donde ambos
coreógrafos pueden desarrollar sus creaciones de forma paralela comoen el caso tuS extremoS (2020) y bruta.L (2021), o de forma conjunta comopara en última creación: salVa (2023).

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©CAROLINA FUSILIER

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Memoria de actividades

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danZarte
La memoria
que no cesa.
MiguelHernández
ESTRENO ABSOLUTO
Género:Danza española - flamenco
País: España
Duración: 1 h
Dirección y coreografía:
Bruno Argenta y Natalia Ferrándiz
(Cía. danZarte)
Dirección de escena: Juana Casado
Bailarines: Bruno Argentay Natalia Ferrándiz
Guitarra: José Almarcha
Violonchelo: Javier Morillas
Voz: Eva Durán
Dirección musical y arreglos:
José Almarcha
Música: A. Robledo, L. Boccerini, J. S.
Bach y música tradicional
Diseño de iluminación: Dominique You
Diseño de vestuario: danZarte
Diseño de sonido: Carlos Mankuzo
Escenografía: danZarte
Producción:
Centro Coreográfico Canal
Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©JESÚS VALLINASSala Negra / 21 de octubre
Hace ya tiempo que teníamos en mente para una próxima aventura coreográfica los poemas de Miguel Hernández.
No quiero morir -dormirno quiero dormir muriendoen un estéril jardín…
¡Yo quiero morir viviendo!
Estas palabras nos dieron el impulso y la inspiración para arrancar
nuestro espectáculo. Miguel Hernández sigue vivo; su imagen, su memoria y su mensaje se expanden en todas direcciones progresivamente,
realizando el “morir viviendo”.
En el tiempo en que vivimos, donde todo se mueve tan rápido, concambios continuos y sin frenos, es más necesario que nunca poder anclarnos en la poesía y encontrar descanso en algo que permanece, sólido
y hermoso, como las palabras escritas por Miguel Hernández.
Queremos homenajear a este insigne poeta, dándole movimiento asus versos, tan bellos, profundos y eternos.
danZarte. Compañía creada en 2006 por los bailarines y coreógrafos dedanza española Bruno Argenta y Natalia Ferrándiz. Ese año estrenan su
primer espectáculo, basado en poemas de Caballero Bonald, Perfiles deltiempo. El siguiente, ¡Voy! (2009) cuenta con coreografía de Teresa Martín
y música de Alfredo Lagos. Luego siguieron Otros perfiles (2010) o Los Laberintos de Dürrenmatt (2019), basado en textos de Friedrich Dürrenmatt.
Su siguiente proyecto, iniciado en 2022, inspirado en poemas de MiguelHernández y el objeto de esta residencia de creación del Centro Coreográfico Canal 2023. Natalia Ferrándiz es oriunda de Úbeda, Jaén. Ha formado parte e interpretado roles de primera bailarina y solista en varias
compañías como Ziryab Danza; Compañía de Blanca del Rey; Compañíade José Antonio y los Ballets Españoles; Nuevo Ballet Español; Compañía
Flamenco XXI; Compañía Carmen Cortés o Extremus Danza, entre otras.
En 2000 crea su primera compañía, De Lunares Danza, participando
en diversos festivales internacionales y realizando una gira por Europa(2001-2002). Es invitada como coreógrafa y bailarina principal por teatros internacionales como el Theatre Royal La Monnaie de Bruselas, La
Fenice de Venecia o el Teatro de São Carlos de Lisboa. Bruno Argenta estudia ballet clásico con Julia Estévez, Rosa Naranjo, Lola Blanco; floor-barre con Zena Rommett (Nueva York); danza española con Paco Romero,
María Magdalena, Carmen Cubillo, Elvira Andrés; folclore con Pedro
Azorín, Juanjo Linares; flamenco con maestros como Ángel Torres, Paco
Fernández, El Güito, Raúl y Ciro entre otros. Como solista y primer bailarín trabaja con coreógrafos como Merche Esmeralda, Mario Maya, José
Granero, Rosita Segovia o con las compañías de Rafael Aguilar, Blancadel Rey, Cristóbal Reyes, La Tati o Víctor Ullate, entre otras. En distintas ocasiones ha sido invitado para bailar y coreografiar por Masamy
Okada en Japón. En 1992 gana en el primer Certamen de Coreografía de
Danza Española y Flamenco como bailarín sobresaliente interpretando
su propia coreografía. Ha viajado por los cinco continentes destacando
sus actuaciones en los teatros Lincoln Center y New Victory Theatreon Broadway en New York, Hollywood Bowl en Los Ángeles, Teatro dela Ópera en El Cairo, Teatro Wolf Trap de Washington, Jacob´s Pillow
Dance Festival, Teatro Avenida de Buenos Aires, Athenaeum Theatre deSydney, etc.

FOTOGRAFÍA: ©ANA YÁÑEZ

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RESIDENCIAS DE
INVESTIGACIÓN:ENSAYOS ABIERTOS

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Memoria de actividades

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1. Imagen de SENSUAL TEXION de la compañía EYAS Dance Project
2. Imagen de NONDEDEU de Estévez / Paños y Compañía

Ensayo abierto de la pieza SENSUAL TEXION,de EYAS Dance Project. Realizado el 28 de abril
de 2023 a las 13:00 horas. Duración: 60 minutos.
Durante la historia de la humanidad, la sexualidad, el
género y su expresión se han ido retejiendo, develando su amplitud y profunda complejidad. Somos parte de una biodiversidad, donde multitud de colores
y formas conforman la belleza de estar vivas, dondecada ser posee una libertad en potencia para expresarsu esencia, como principio básico de ser parte de esteplaneta. Sin embargo, esta diversidad de cuerpos, sexualidades y maneras de habitar, han sido aniquiladas
históricamente por nuestra raíz patriarcal, generando
una violencia estructural que han sufrido en mayor
medida las personas trans. Se ha construido un sistema de control de los cuerpos y la naturaleza para el
progreso, la reproducción y la explotación capitalista,
anulando las subjetividades, estableciendo binarios
rígidos, homogeneizando los afectos y borrando a laspersonas que existen fuera de este canon normativo.
SENS UAL TEXION es una innovadora experiencia
multidisciplinar e inmersiva, protagonizada por tres
intérpretes trans de backgrounds distintos, un DJ en
directo y una puesta en escena ígnea. Rompemos con
el concepto tradicional del público pasivo, para darpaso a una experimentación de observadores partícipes incluidos en partes del espectáculo, transformando así a los espectadores en agentes performáticos. La
obra pone el foco en el empoderamiento, la sanacióny la celebración de la diversidad de cuerpos a travésdel goce, la libertad y el fuego interno. Una revolución sensual de alta frecuencia.

1

EYAS Dance Project. Compañía de danza contemporánea
y productora cultural valenciana fundada en 2018,codirigida por los creadores y bailarines Carlos González y Seth Buckley. Presentan un modelo de compañía híbrida entre autor y repertorio, generando una
estructura innovadora y fresca que visibiliza tanto
sus propias creaciones, como el trabajo de creadorxs de gran interés artístico. Apuestan por una danzafísica y sensorial, con el foco en crear experiencias
que trascienden los cuerpos de intérpretes y espectadores, investigando el movimiento a través del placer, el ritmo, el imaginario mágico y el disfrute comoreivindicación política, así como prestando especial
atención a las múltiples capas de información añadidas al movimiento. Como colectivo queer, centran
su investigación en temas relacionados con el género,la sensualidad, el feminismo, la diversidad sexual, el
anti-terrorismo del cuerpo y el trato humano ético.
Entre sus espectáculos, destacan SENSUAL TEXION(estrenado en Valencia en 2023, tras la residencia en
Centro Coreográfico Canal); MYTIKA (2022); Júpiter+ Jaguar (2022); HIIT (2021) y el solo Onírico (2020).
EYAS ha recibido 5 nominaciones en los Premios delas Artes Escénicas Valencianos 2022 y 2023. Hanpresentado su trabajo en países como Alemania,
Bélgica, Italia, EEUU, Polonia, Taiwán y Suecia,
participando en festivales como Dansa València,
Madrid en Danza, MASDANZA, Abril en Danza, Festival Dantza Hirian, Menorca en Dansa, Festival Figueres es MOU, Festival Abanea, Tendance Festival(Italia), Festival Trayectos, FIND Festival (Italia), entre
otros. Asimismo, ha recibido diversos premios en certámenes coreográficos como Solo Tanz Theater Festival Stuttgart, MASDANZA, Certamen Coreográfico deTetuán o en el Certamen Coreográfico de Madrid.

Ensayo abierto de la pieza NONDEDEU de Estévez /Paños y Compañía. Realizado el 16 de mayo de 2023
a las 19:00 horas. Duración: 20 minutos.
¿Qué produce el cante flamenco en el cuerpo
humano? ¿Es danza la expresión corporal que provoca
el esfuerzo del cantaor al cantar? Estas dos preguntas
son el punto de partida para la investigación de
NONDEDEU, una pieza de baile flamenco actual que
es a veces una conversación entre el baile flamenco yla danza, el cante flamenco, la expresión corporal delos cantaores y cantaoras, una contestación o réplica
danzada a las declaraciones y testimonios de un
antepasado cantaor…
Es Alberto Sellés, bailaor/bailarín/cantaor/coreógrafo, con quien exploraremos este camino que se bifurcará en los contextos flamencos del propio Alberto
y de su tío-bisabuelo, Aurelio Sellés Nondedeu, legendario maestro del cante flamenco. Del cantaor nos
servirán como soporte sonoro unas grabaciones inéditas encontradas hace unos años sobre las que bailará
y cantará Alberto Sellés, confluyendo así con su antepasado en un encuentro, diálogo y celebración de la
unión de la tradición y la vanguardia, de lo ortodoxo
y lo experimental, del cante y el baile, de la danza y la
no danza, de la expresión corporal y la expresión delalma, la extroversión y la intimidad, el sí y el no, el
temple, la vibración, el pasado y el presente.

©BEATRIX MEXI MOLNAR

2

Estévez / Paños y Compañía. Fundada en Madrid en
2003 por el tándem formado por Rafael Estévez y Valeriano Paños, han creado espectáculos como Tiempo(2005), Muñecas (2006), A Piano (2006), Flamenco XXI:Ópera, café y puro (2007, ganadora del premio Producciones Nuevas del a II Bienal de Flamenco de Málaga, y premio Revelación del Festival de Jerez en 2008);
Sonata (2008); Danza 220v (2010, en colaboración con
Antonio Ruz y Artomático); Pref lamencos (2001). En
2012, crean Romances, junto a Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola, y La Consagración, ganador del premio
Giraldillo a la Mejor Coreografía en la XVII Bienal de
Flamenco de Sevilla. En 2016 crean Bailables y la pieza Silencios, con la colaboración artística de Juan Kruz
Díaz de Garaio Esnaola. En 2019 producen el espectáculo El Sombrero, con la colaboración de la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid, GNP Producciones y Fundación Cristina Heeren, así como una
serie de cien vídeos sobre el proceso creativo de esta
obra para conmemorar el 100 aniversario del ballet Le
Tricorne; y Conferencia Bailada: Los bailes flamencos en los
años de creación de Le Tricorne. Crean la pieza de vídeo
EP2020 (Capricho Coreográfico para dos hombres que bailan
y dos cámaras de vídeo) y los espectáculos La Confluencia(2021) creado en residencia artística en el Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal (Madrid), El Cuaderno (2021) y Flamenca 391 (2022). Estévez / Paños yCompañía fueron Premio Nacional de danza 2019 enla modalidad de creación. Han bailado para las Galasde la Danza del Teatro Real, la Gala Española de Danzaen el Tokyo Forum Hall EXPO AICHI (2005) y Galade la Danza EXPO Zaragoza (2008). También para losespectáculos Goyesca (2008) y Flamenco Hoy! (2013), de
Carlos Saura, y para las películas Flamenco, Flamenco(2010) y Jota (2016), del mismo director. Ha dirigido elBallet Flamenco de Andalucía y ha trabajado con nombres como Lola Greco, María Vivó, Tamara Rojo, Ana
Laguna, Mats Ek, Nacho Duato, José Martínez, Ángel
Corella, Fernando Terremoto, Israel Galván, Miguel
Poveda, Merche Esmeralda, Rocío Molina, Eva Yerbabuena, Giovanni Sollima, Jorge Pardo, Antonio Losa,
Miguel Poveda o Carmen Linares entre muchos otros.

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Memoria de actividades45

1. Imagen de Jugamos tan duro que nos hacemos daño

de la compañía The Kids Are Missing
2. Imagen de Shot the Target! de la compañía Proyecto Larrua

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Ensayo abierto de la pieza Shot the Target!
(título provisional), de Proyecto Larrua.
Realizado el 6 de junio de 2023 a las 17:30 horas.
Duración: 20 minutos.

Ensayo abierto de la pieza Jugamos tan duro que nos
hacemos daño de la compañía The Kids Are Missing /Fernando Troya. Realizado el 2 de junio de 2023
a las 12:00 horas. Duración: 75 minutos.
Jugamos tan duro que nos hacemos daño es un proyecto en desarrollo en formato de solo, de coreografía einterpretación propia, sobre identidad y representación que pone especial atención al proceso creativo.
De tintes sarcásticos y carácter performativo, legitimala indagación y el uso metafórico del objeto en su relación con el cuerpo para interesarse en los espacios
intermedios del movimiento, la danza y el teatro.
The Kids Are Missing - Fernando Troya (Madrid,1989), creador y artista multidisciplinar de danza yteatro físico afincado entre Madrid y Amsterdam. Se
forma en danza clásica en el Real Conservatorio de
Madrid. Profesionalmente ha bailado para Goyo Montero, Stephan Thoss y con Netherlands Dance Theatre
II. Además, trabaja como asistente y repetidor paralos coreógrafos Alexander Ekman, Iván Pérez, Lukas
Timulak y Jiri Pokorn. Ha producido proyectos independientes, como la serie Reminiscente, una investigación de dos años y medio sobre la teoría de Platóny ​​el pintor Francisco de Goya, con cinco creaciones
de danza diferentes, realizadas a nivel nacional e internacional (Países Bajos, México, Rusia, Turquía, entre otros) y con el apoyo de Dansmakers Amsterdam,
Teatro Korzo de La Haya, y los Fondos Nacionales delas Artes Escénicas de Holanda y de diferentes embajadas de España: en Turquía, San Petersburgo y Ciudad de México. También Essential Rights, otorgado el
premio BNG (Bank Dansprijs) en Los Países Bajos; se
estrenó en el Teatro Korzo de La Haya, y tuvo una
gira nacional holandesa; Withering, solo con el queganó el primer premio en el ’10 festival Sentidos en
Valencia, España; el segundo premio a la mejor actuación en el Festival Solo-Tanz-Theatre de Stuttgart
y el tercer premio de coreografía en el Concurso deCoreografía de Varsovia-Zawirowania.

2

También ha participado en colaboraciones internacionales, como Found in Translation, con la creadora
eslovena Kristina Aleksova. En paralelo, Troya también ha creado obras por encargo para compañías internacionales, como Uncertain Distance para el Ballet
Nacional de Filandia, estrenada en el Teatro Nacionalde Helsinki o The Animal That Takes You para Budapest Dance Theatre, estrenada en el Teatro Nacionalde Budapest. Recientemente ha estado creando obras
para universidades de danza en el Países Bajos: CODARTS, AHK (MTD y MIME Opleiding) y ArtEZ. Su
última producción, Jugamos Tan Duro Que Nos Hacemos
Daño, es un espectáculo de teatro físico de 75 minutos
de duración en formato de solo, creada e interpretada
por Troya. Producida con la ayuda de residencia deInvestigación del Centro Coreográfico Canal, fue representada en Nave 73 en junio de 2023 y entrelaza
la novela Peter Pan, de J. M. Barrie, con notas autobiográficas del coreógrafo.

¡Siempre nos movemos! nos interrumpen y sin
embargo nos movemos… Dialogamos, conversaciones
entrecortadas… Nos deconstruimos, deformamos,
variamos nuestras formas naturales. ¡Nos movemos!
Desde el conflicto a la paz con uno mismo y
su cuerpo. Desde la negación a la afirmación yaceptación del mismo, ¡nos movemos! Somos mapas
y paisajes de nuestras propias vidas en movimiento.
Buscamos nuestra manera de ser el canal de nuestros
mensajes en la búsqueda de un receptor, una meta,
un fin o una diana.
Proyecto Larrua es una compañía de danza contemporánea, fundada en 2015 y con base en Vitoria-Gasteiz, dirigida por Aritz López y Jordi Vilaseca. Con
especial interés en la creación de piezas para espacios urbanos y no convencionales, Proyecto Larrua
busca contextos distintos para la relación entre creador y público. Sus primeras piezas cortas como Larrua (2016) y Ozkol (2018) y algunas posteriores comoIdi Begi (2020), apuntaban a esta búsqueda. Algunas
de ellas han recibido reconocimientos en festivales
como MasDanza o Umore Azoka de Leioa, donde fueron galardonados como mejor compañía emergente.
Además, han realizado creaciones por encargo site-specifics para distintas instituciones y para el Festival Las Noches del Patrimonio UNESCO. En paralelo,
Proyecto Larrua también se ha significado con piezasde carácter más teatral, donde la danza converge con
un espacio visual y sonoro al modo de universos propios. Entre este tipo de trabajo destacan sus piezas
Baserri (2017, nominada a tres premios Max); Otsoa(2019, nominada a cinco premios Max); Ojo de Buey
(2021) o La Casa Vacía (2023). Estas piezas han formado parte de diferentes circuitos como Red Sarea,
Platea, A Cielo Abierto, Red de Navarra y el catálogo
de la Comunidad de Madrid.

El proyecto se completa con sus divisiones formativas y divulgativas, como LarruaLab, un seminario dedanza contemporánea en Vitoria y Zubiak, un programa de mediación y recuperación de públicos en colaboración con el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz.
Jordi Vilaseca (Barcelona, 1982) inicia sus estudios en
el Conservatorio Profesional de Danza (Institut delTeatre), de Barcelona y sigue su formación artísticaen la Henny Junniens Foundation de Ámsterdam. Ha
trabajado para las compañías La Metros, Lanónima
Imperial, Norrdans Company, Steptex Dance Project,
Centro Coreográfico Gallego, Compañía Entremans,
Dance Channel Project, Plan B, Cia Antonio Ruz, Ballet Carmen Roche, Teresa Nieto en Compañía, entre
otros. Actualmente, combina la faceta de bailarín ycreador con la docencia, impartiendo clases de Danza en diferentes centros y Conservatorios Nacionales. Aritz López (Vitoria 1988), comienza su carrera
como bboy con el grupo Soul Flavas, disciplina conla que ha participado en importantes competiciones
como BCONE, Versus, Battle of the year… En 2010
ingresa en el Conservatorio de danza José Uruñuela
para aprender Ballet y contemporáneo, y comienza abailar colaborando con otros profesionales como Anton Lachky, David Zambrano, Sita Ostheimer o Peter
Jasco. En 2013 comienza a trabajar como bailarín parala compañía austríaca Nobulus. Desde entonces, habailado para Round Corner (Austria), Next Zone (Dinamarca), Nui (Vitoria), Kukai (Rentería), Ertza (San
Sebastián), Organik (Bilbao), hasta cofundar Proyecto
Larrua.

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Exuvia por la compañía Sara Arévalo
2. Imagen de Looking for an Heroine por la compañía Ana Arroyo Art
3. Imagen de [Perfection Detox] por la compañía [MA•ZE]

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Ensayo abierto de la pieza Exuvia, de Sara Arévalo.
Realizado el 8 de junio de 2023 a las 18:30 horas.
Duración: 20 minutos.

Ensayo abierto de la pieza Looking for an Heroine,de la Compañía Ana Arroyo Art. Realizado el 9 dejunio a las 19:00 horas. Duración: 40 minutos aprox.

Ensayo abierto de la pieza [Perfection Detox] de lacompañía [MA•ZE], realizada el 16 de junio de 2023
a las 14:00 horas. Duración: 30 minutos aprox.

Nuestro mundo interior es algo intangible que solo
uno mismo entiende, o no, pero sin embargo siente. Inspirándome en Friedensreich Hundertwasser
y en su teoría de que el individuo está constituido
por cinco pieles, abordo mi idea e intento trasladarla dancísticamente. Partiendo de la danza española,que es desde donde inician todos mis movimientos,
planteo esta propuesta como una alegoría, dándole forma y haciendo visible lo abstracto a través deimágenes. Esa búsqueda de formas irá apoyada por
un instrumento poco convencional dentro de la danza española, el trombón, donde no habrá imposiciónde movimientos, ritmos ni sonidos. Roberto Pacheco,profesor y creador de MusíLabUs, me acompañará enesta aventura.

Re-construirnos y encontrar aquello que nos harálibres y verdaderos de nuevo. De eso habla Looking
for an Heroine, de lo vulnerables y de los frágiles que
somos cuando nos encontramos vacíos y fragmentados, ya sea por amor o por una sociedad que todo lo
manipula. En esta tragicomedia performática, que usa
la danza, el flamenco y el teatro como lenguaje, la heroica nos enseña a crear nuestro propio reino y a darnos cuenta de cómo después de hacernos pedazos, leechamos imaginación para inventar y atraer de nuevo
otras ilusiones.

[Perfection Detox] es una investigación sobre la presencia femenina en la comedia a través de la comprensión de todos los personajes de la Commedia dell’Arte,
los enmascarados y los desenmascarados, su estatus,
sus formas físicas y sus personajes. Me gustaría experimentar e investigar nuevos escenarios contemporáneos y recabar información sobre los orígenes,las pautas y la morfología del ridículo, la transformación, el teatro físico, la máscara, el payaso y el bufón.

Sara Arévalo. Bailarina y coreógrafa madrileña que
obtiene el título de grado medio en el Conservatorio
de danza Carmen Amaya y el de grado superior enel Conservatorio Superior María de Ávila de Madrid.
Becada por el Centro Andaluz de Danza de Sevilla.
Ha pasado por compañías como las de Joaquín Cortés, Estévez / Paños y Compañía, Enclave Español, Ballet Flamenco de Andalucía y ha trabajado con Goyo
Montero y Joaquín Ruiz. Desde 2013 pertenece al Ballet Nacional de España. En 2019 estrena su espectáculo A zapato, zapatilla; y en 2022, Flamen¿ké?. Entrelos premios obtenidos destacan el Primer premio de
Solo en el Certamen Coreográfico de Danza de la ciudad de Almería (2009) y el Segundo premio de coreografía de solo en el Certamen Coreográfico de Madrid(2021). Bajo la dirección artística de José Carlos Martínez, participa en sus galas de estrellas de danza. En
2022 participa como bailarina y coreógrafa invitada
en la producción francesa Manuel de Falla: l´eternel, estrenado en el Teatro de l’Atelier de Paris.

Ana Arroyo Art. Compañía fundada por la bailarina,
actriz y coreógrafa madrileña en 2005. Comenzó su
andadura clásica con Fernando Bujones, y en danza española y flamenco ha bailado desde 1998 junto a Joaquín Cortés, Rafael Amargo, Cristóbal Reyes,
Nuevo Ballet Español, Rafaela Carrasco, CaminantesDanza, Carlos Carbonell o Marco Flores. Ángel Rojas creó para ella el espectáculo En Carne Viva (2005).
Como bailarina contemporánea, ha colaborado con
Philippe Talard, Chevy Muraday, Fabián Thomé, Patrick de Bana o Giuliano Peparini, que la eligió para
ser una de las protagonistas del show de Franco Dragone The House of Dancing Water (2008), iniciando una
larga colaboración con estos dos creadores de grandes
espectáculos internacionales que combinan danza,
teatro, performance, teatro musical y circo. Ha formado parte del proyecto de Teatro Inmersivo Tacones
Manoli, basado en La Casa de Bernarda Alba, dirigido
por Felype de Lima (2019/2020), y actualmente forma
parte del elenco de Jaleos Jondos, dirigido por Daniele Finzipasca. Como coreógrafa, debuta en 2005 con
Amor al descubierto, al que seguirán los espectáculosCorazón roto (2007); Trazos de soledad y ¡Pasen y vean!
(ambos en 2008); Diálogos del alma… (que estrenó en
Hong Kong en 2011); Vindícate (2015) o Piel de seda
(2016). Tras un tiempo centrada en sus compromisos
internacionales como creadora y bailarina, y también
en participaciones como actriz teatral, Looking for an
Heroine está previsto como su regreso en solitario a
los escenarios españoles, esta vez bajo la dirección deRegina Ferrando. Ana Arroyo ha ganado el premio ala Bailarina Sobresaliente por la pieza Pandora (2003)
en el XII Certamen de Coreografía de Danza Españolay Flamenco.

Para aprender a volar, he construido aire bajo mi castillo.
David Testal[MA•ZE] es una compañía fundada en 2017 y dirigida por Emese Nagy, coreógrafa, bailarina y profesora
de danza húngara, residente en Múnich, Alemania. Se
graduó en el departamento de danza contemporánea
de la Academia Húngara de Danza. Como bailarina,
ha trabajado con compañías y coreógrafos de Europa e Israel, y parte de su formación transcurrió enla Batsheva Dance Company de Ohad Naharin. Fuegalardonada con el título de coreógrafa emergente
en Springboard Danse Montreal 2018, premio que
también recibió en La Biennale di Venezia 2020 y en
Bolzano Danza 2022, junto a Silvia Giordano. Recibió
la beca Bayern Innovativ en Múnich en 2022. Ahora trabaja como artista de danza independiente para
coreógrafos como Hiroaki Umeda, Yaniv Cohen, Victor Rottier, Yaniv Avraham, Guy Shomroni, Jasmine
Ellis, Jack Gallagher, Máté Mészáros y László Fülöp,por nombrar algunos. Entre sus creaciones recientes
destacan Kill the Comedy (2020) y OCD (2023).
Con el apoyo del Goethe Institut de Madrid.

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Memoria de actividades

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Ensayo abierto de la pieza Work in Progress:
Baila no es solo bailar, de la Cía. Eduardo Guerrero.
Realizado el 27 de junio a las 18:00 horas.
Duración: 60 minutos aprox.
Este proyecto tiene la intención de encontrar su centro a través de este ejercicio tríadico entre cante, toque y baile. Responder a nuestras preguntas creando
una triangulación escénica, geométrica primera delFlamenco en tablas y por tanto vehículo perfectopara descorrer este camino caminado, para emprender una vuelta al origen, al Flamenco como latido
puro, territorial y materno. A la escena sin engaño.
Al baile sin evasiva.
Tres universos para generar espacio fértil donde
profundizar, deshacerse, fusionarse y renacer. Alejándose del habitual acompañamiento para sumergirnos
en el encuentro real y sin escapatoria con intenciónde crear juego vivo, donde cuerpos e interacción
convivirán para conectarse, potenciarse y destruirse,
Donde la verdad, la pulsión honesta y la búsqueda dela certeza sea la única pretensión. Volver al Flamenco
como campo labrado sin llave donde ser es solo ser.
Cía. Eduardo Guerrero (Cádiz, 1983) empezó a bailar alos seis años en la escuela de Carmen Guerrero, continuando luego junto a maestros de la talla de Mario
Maya, Antonio Canales o Manolo Marín, entre otros.
Estudió Danza Española en el Conservatorio de Danzade Cádiz y posteriormente amplió sus conocimientos de danza contemporánea y de clásica. A partir delaño 2002 comienza a despuntar en papeles principales para compañías como las de Aída Gómez, Eva
La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional deEspaña, Javier Latorre, Rafael Aguilar… en giras internacionales, siendo estrella invitada del Teatro Bolshoi
de Moscú o del Festival de Estrellas del Museo Guggenheim de Nueva York. En 2011 crea su primera coreografía, Mayo, con la que obtiene el primer Premio
en el Concurso Coreográfico de los Conservatorios
Profesionales.
©ANA PALMA

Imagen de Work in Progress: Baila no es solo bailar de la compañía Eduardo Guerrero

A partir de ahí, montará compañía y trabajará en solitario la creación de piezas como De Dolores (2012, estrenada en el Festival de Jerez); Las Minas (2013, parael Festival de Cante de Las Minas); Re-torno (2014);
Callejón de los pecados (2014, para la Bienal de Flamenco de Sevilla); Desplante (2015, estrenada en México);
Qualitätskontrolle (2015, para Amsterdam Der Kappel);
Guerrero y Faro (2017); Sombra Ef ímera y Gaditanía(2018); Sombra Ef ímera II (2019, que gira por Latinoamérica), Etéreo (2020); Jondo: del primer llanto al primer beso (2022, adaptando a Lorca) o Debajo de los pies
(2023). Entre los reconocimientos obtenidos destacan
el Premio Desplante del Festival de las Minas de La
Unión (2013), Gaditano del año (2016), Premio delPúblico del Festival de Jerez por Guerrero (2017), Premio del Festival FIVER por su cortometraje Symphonyof the Body (2019), Premio Gaditano del año del Ateneode Cádiz (2021), Premio Lorca al Intérprete Masculino de Danza Flamenca (2022), la Zapatilla de Plata deIndanza y el Ayuntamiento de Almería (2023) y Premio Alma Andalucía por Trayectoria Internacional,
FECACE y Junta Andalucía (2023).

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Spokem Dance / Stimmung de la compañía VIDAVÈ
2. Imagen de De voz, un cuerpo de la compañía Leonor Leal

Ensayo abierto de la pieza Spoken Dance / Stimmungde la compañía VIDAVÈ. Realizado el 10 de agosto de2023 a las 19:00 horas. Duración: 35 minutos aprox.
Spoken Dance es un contenedor de experimentos coreográficos entre lenguaje hablado y lenguaje del movimiento, donde intentamos crear nuevas relaciones
entre palabra y movimiento, ambos artefactos del mismo pensamiento humano. Stimmung se basa en el fuerte uso del tiempo de movimiento, a través de expresivas representaciones de la voz humana, y sirve para
investigar una experiencia común del ser humano: lavibración del sonido de la voz dentro del cuerpo.
La composición musical que nos inspira, y que
forma parte del paisaje sonoro, es la obra original
para seis voces de Stockhausen, y el propio título que
significa literalmente Estado de ánimo / Estado mental /Entonación. Así como la interpretación vocal permite
al grupo de intérpretes crear una estratificación caleidoscópica de frecuencias armónicas sobre acordes
individuales de las vocales a, e, i, o, u, esta muestra
también propone recrear una relación simbiótica entre forma y contenido del movimiento a través de lainterpretación de la voz, sus timbres, tonos y volúmenes, eviscerando un cambio emocional constante.
La coreografía -compuesta de movimientos rítmicos,
posturas y gestos instintivos-, expresa el sonido de lavoz a través de cada una de las partes del cuerpo. Losintérpretes se centran en la ejecución de las partituras
de movimiento con la intención de establecer una relación emocional con ellos mismos, para luego provocar un cambio gradual de estado de ánimo también enel espectador, proyectando sus emociones a la comunidad y creando una especie de ritual. La voz se alza
como medio de expresión universal del sentimiento
humano que precede a la creación de la palabra y su
significado.
VIDAVÈ, acrónimo de Vignali y Dalla Vecchia, dos
jóvenes bailarines y coreógrafos italianos, nació en2020 como un proyecto de investigación para una
identidad coreográfica personal. Ambos bailarines en
su formación se han dedicado a la hibridación de algunas técnicas provenientes de las danzas callejeras
con las estéticas y lenguajes de la danza contemporánea, colocando siempre el movimiento con su musicalidad y significado en el centro de sus trabajos.

Matteo Vignali (Perugia, 1993), comenzó su carrera
como bailarín callejero, dándose a conocer en numerosos eventos italianos. Profundizó sus estudios
en coreografía en la Academia Bounce Factory Rome,con formaciones técnicas en Hyper Week Catania,
IDance Camp Rome y Juste Debout Summer School
Paris hasta 2018. Paralelamente, conoció el teatro conla compañía The Clouds/Botega y también como intérprete en los espectáculos de Mecnun Giasar, Aaron
Sillis y Giuliano Peparini hasta 2021. En ese año descubrió el análisis de movimiento del Laban Bartenieff Movement System, que lo nominará como analista
certificado en 2024. Noemi Dalla Vecchia (Lecco, 1997)
se graduó en la formación profesional del Opus Ballet Firenze en 2014. Continuó sus estudios en danzacontemporánea a través de talleres con Jiry Pokorny,
Iván Pérez, Metamorphosis Dance, Hofesh Shechter yotros coreógrafos internacionales. Asiste simultáneamente a clases de coreografía de hip hop y dancehallen Roma y Florencia hasta 2021. Su sólida experiencia profesional está jalonada de colaboraciones concompañías como Ritmi Sotterranei, de Alessia Gatta,
y ESKLAN, de Erika Silgoner y también como intérprete en eventos de moda y televisión con los coreógrafos Alessandra Valenti y Luca Tommassini. Ambos
asistieron al curso Next Generation Choreographersde AterBalletto en 2021 y en 2023 al curso Pioneer
Project de Korzo Theatre. Con el proyecto VIDAVÈ seconvirtieron en artistas asociados del Centro Nacionalde Producción de Danza DANCEHAUSpiù Milano, ycolaboran desde 2022 con el Organismo Nacional deProducción Movimento Danza Napoli. Con sus obras
Another With You y Hansel & Gretel Alteration obtuvieron el premio ADEB Udine en 2021, la mención en el
premio Theodor Rawyler en 2021, el premio Prospettiva Danza Teatro en 2021, el segundo premio en el
Linkage Choreographic Concurso en 2022, premio de
Residanza National Award 2022, final en el Festival
SoloTanz 2023, final en el TanzPlatform Bern 2023,
y otros premios como la selección para la Bienal College Danza Choreographers 2023. Sus obras han sido
seleccionadas varias veces por Network Anticorpi XL,
una red de festivales, instituciones y teatros italianos,
y se han presentado en numerosos festivales italianos y europeos de 2020 a 2023. El último año se han
dedicado al proyecto de investigación Spoken Dance,
un contenedor de piezas experimentales sobre “danzahablada” y/o “palabra danzada”, con el que pretenden
definir herramientas sólidas que apoyen y definan su
futura estética coreográfica.

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Ensayo abierto de la pieza De voz, un cuerpo de Leonor
Leal. Realizado el 14 de septiembre a las 19:00 horas.
Duración: 60 minutos.
De voz, un cuerpo es un proyecto creativo de investigación y diálogo con bailaoras de flamenco que ya están
retiradas. Hay pocos textos escritos por bailaoras deflamenco, y no me refiero a tratados de bailes ni tampoco a biografías. Me refiero a que hay pocos cuerpos
que han publicado desde sus imágenes internas, desde sus anotaciones personales que las ayudaron a bailar mejor. La práctica está llena de materiales tangibles para nuestro cuerpo, palabras que resonaron un
día en nuestro aprendizaje y nos cambiaron la visión,
líneas de luz, líneas en el suelo, en el sonido, en lapiel, ideas, sensaciones, parámetros temporales, silencios, gestos, plegarias, invocaciones a otros cuerpos,
melodías, remiendos y hasta conversaciones completas en la soledad de nuestro cuerpo de este arte que
siempre fue mudo de puertas para afuera.
¿Qué sería si pudiéramos hablar de todo esto?
De todo ese saber del baile tan concreto, pero a lavez tan rico, tan complejo y tan lleno de imágenes.
¿Cuáles son las dudas que inundaron una etapa de
una trayectoria artística?, los deseos, los viajes, lafrustración, los fantasmas o el amor impreso en las
coreografías que conformaron todo un mundo y una
filosofía personal.
Leonor Leal
Con el apoyo del Goethe Institut de Madrid.

Leonor Leal ( Jerez de la Frontera, 1980). Bailaora deflamenco e investigadora independiente con una formación sólida en Danza Clásica y Española. Sus propuestas escénicas le permiten abordar el cuerpo, lamúsica, la voz o el espacio desde la necesidad de un
lenguaje propio y específico que acompañen sus investigaciones. Tras pasar por compañías de flamencode la talla de Andrés Marín, Antonio el Pipa, Cristina
Hoyos, Javier Barón, el Ballet Flamenco de Andalucía
y otros muchos artistas y músicos, comienza a crear
sus propias piezas en 2008 con Leoleolé, presentada enel Festival de Jerez, a la que siguen eLe eLe (2011); Mosaicos (2012); La mujer habitada (2012); Naranja Amarga(2013); El verbo en tu boca (2014); Frágil (2015); J.R.T. pintor y flamenco (2016), en la que colabora con el artista
y flamencólogo Pedro G. Moreno; Nocturno (2018), En
talleres (2019) o LOXA, estampas y bailes a partir de losexperimentos radiofónicos de Juan de Loxa, presentada enla XXI Bienal de Flamenco de Sevilla 2020. Compatibiliza estas producciones con proyectos muy variados
ya sean para teatro, piezas didácticas, vídeo-danzas ocompuestos con entramados musicales diversos, desde el barroco a la música contemporánea. Su trayectoria como solista es apoyada por diversos galardones como el de Bailarina Sobresaliente del certamen
Coreográfico de Danza española y Flamenco de Madrid 2008; el premio al Mejor Artista Revelación delFestival de Jerez 2011; el Premio Mejor EspectáculoDe Danza en los Premios Escenarios de Sevilla 2019 olas Nominaciones a la Mejor Intérprete Femenina deDanza y al Mejor Espectáculo de Danza de los XXIII
Premios Max de las Artes Escénicas en 2020. También cultiva una carrera pedagógica y docente. Desde2015 trabaja en otros formatos escénicos como el teatro musical, conferencias bailadas y teatro documenta. Imparte clases dentro del Máster Universitario deArtes del Espectáculo vivo de Sevilla y pertenece algrupo de investigación y creación escénica ARTEA.

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Memoria de actividades

Ensayo abierto de la pieza La Tercera, de la Compañía
Yerbanegra - Teresa Garzón Barla. Realizado el 15
de septiembre de 2023 a las 19:00 horas.
Duración: 60 minutos.

©ALBA SÁNCHEZ

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1. Imagen de La Tercera de la compañía

Yerbanegra - Teresa Garzón Barla
2. Imagen de Surco de Ángel Lara y Sara Yáñez
3. Imagen de Caballo Blanco de la compañía

CienfuegosDanza-Yoshua Cienfuegos

Una tercera de picardía es un recurso armónico usado
desde el Renacimiento que, de manera muy resumida, consiste en terminar en modo mayor una piezaque estaba en modo menor, manteniendo siempre
una tensión musical y emocional, que no resuelve
hasta el final. Esta idea inspira prácticamente todas
las estructuras de la obra.
La Tercera es una ficción obstinada e irónica. Es
un universo habitado por una serie de individuos que
crean y piensan sobre la danza, en un plano totalmente visible, y sobre el amor, el deseo y la sexualidad en un plano más soterrado. Plantea unos códigos/tratados/manifiestos propios de danza inspirados
en la Tercera de Picardía, que cuentan que existen
dos maneras de danzar: la Menor y la Mayor; a veces
modificadas por una “tercera” opción que es la danza Obstinada. La idea es viajar desde este universo ala realidad, y viceversa. Esta obra reflexiona y trata
de hacer crítica acerca de las leyes impuestas en losgrandes pilares: danza, amor, deseo y sexualidad.
Una de las ideas claves de este proyecto escénico
es que cada uno de los planos que participan y conviven en la obra (cada intérprete, cada escena, espacio
sonoro, vestuario, etc.) pasen por un proceso propio
en el que viajen desde su modo Menor al modo Mayor, pasando por el Obstinado; pudiendo transferir
los conceptos que entendemos como menores, mayores u obstinados a cualquier ámbito: movimiento, sonido, canto, espacio, tejido, postura, estado, música...

Ensayo abierto de la pieza Surco de Ángel Lara y Sara
Yáñez, realizado el 25 de septiembre a las 19:00 horas.
Duración: 60 minutos.
Surco busca descifrar el sonido viajando entre el ruido, el sonido caótico que carece de orden; y el ritmo,
entendido como una sucesión de sonidos que ocurrencada cierto tiempo y que marca una serie de pulsos,
dando lugar a la música en su nivel más primario.
Ángel Lara y Sara Yáñez son dos bailarines residentes
en Valencia, de danza urbana, especializados en Hiphop. Desde hace más de 10 años llevan formándose
en diferentes disciplinas dentro de esta área. Ángel
Lara ha sido docente de esta especialidad, ha bailado
para la Tremor Dance Company. Sara Yáñez es también profesora y ha bailado para las compañías Hommies (Las Vegas, EE.UU.) y Primos VLC. Ambos hancoreografiado para los equipos competitivos junior yjuveniles las Rafel Crew y Las Purple Crew, en batallas de hip hop a nivel regional y nacional. Interesadas por la cultura de la que proceden estas ramas dancísticas, han viajado a diferentes países como
EEUU o Japón, para poder observar las raíces y su
forma más primaria. Hace un año decidieron, junto a
sus compañeras Mireia Gonzalez y Cristina Buenaflor,
tomar la idea e imaginario de lo que hoy se está vertebrando y cosiendo con el nombre de Surco.

Cía. Yerbanegra - Teresa Garzón Barla. Bailarina, coreógrafa y actriz nacida en Granada. Ha desarrollado
su carrera como freelance, tanto en danza como en interpretación, trabajando con diferentes directores/as
artísticos como Antonio Ruz, Luz Arcas, Juan Carlos
Lérida, Miguel del Arco, La Tristura (Celso Giménez,Violeta Gil e Itsaso Arana), Muriel Romero, Alfredo
Sanzol, Bewis de la Rosa o Mucha Muchacha, entre
otros. Paralelamente, como creadora, ha formado parte de diferentes proyectos colaborativos como El Águila para la Compañía Aves Migratorias (2020); Maricónde España (que coreografió junto a Carlos Carvento) o
Con[porte] para el taller I+D+I de reconstrucción dela danza española del Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía. Comienza a desarrollar proyectos propios
en 2020 con la obra Santas Al Cielo; El Cielo (2021) y
Realidad o Vuelo (2022), para el grupo de danza y teatro de la Universidad de Granada. La Tercera, objeto dela residencia de investigación del Centro Coreográfico, se estrenará en el Festival de Otoño de 2024.
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Ensayo abierto de la pieza Caballo Blanco,de CienfuegosDanza-Yoshua Cienfuegos.
Realizado el 18 de octubre a las 18:00 horas.
Duración: 45 minutos aprox.
Tras la vinculación del coreógrafo con el Grupo deInvestigación Literature, Arts and Performance de la Universitat de València, la primera parte de Caballo Blanco está relacionada con el espectáculo previo Madame(2023), donde se revisita la figura de Madame Wartony sus espectáculos de tableaux vivant. Yoshua Cienfuegos devuelve a la contemporaneidad los cuerpos
modelados de los tableaux de Warton a partir de una
reflexión sobre conceptos como la voluptuosidad delcuerpo femenino, las restricciones y estereotipos dela feminidad en la época victoriana y figuras míticas
de la mitología occidental como Ariadna o las Tres
Gracias.
CienfuegosDanza. Compañía fundada y dirigida en
1999 por Yoshua Cienfuegos (Oviedo, 1973) Graduado
en Arte Dramático por el ITAE y en danza contemporánea en el Institut del Teatre de Barcelona, es unconsolidado creador y director de la escena actual española, y miembro fundador de la Academia de lasArtes Escénicas de España. Entre sus espectáculos,
destacan Ainielle (1999); Ley de silencio (2000); Purgatorio(2001); ¡A la mesa! (2002); Agua de arroz (2003); Cuando muere un ángel (2004); Ofelias (2005), Cisnes Negros(2007); Matar a Cupido (2009); 1.618… DAVINCI, Leonardo inspira danza (2010); Odeim (2011); La consagración dela primavera y La siesta de un fauno (2014); 88 Azucenas
y un perro (2016); Tabula Rasa / Viejas (2018); Requiem(2019); Aisla2 (2021); Elles, ballant en femení (2022) o
Madame (2023), así como los montajes para público
familiar El barón de Münchausen, La Cerillera, Amada
Candela y La Bella Durmiente?, entre otros. Cienfuegos
también ha coreografiado para otras compañías comoel Ballet Contemporáneo de los Teatros San Martínde Buenos Aires, Teatro del Bicentenario de San Juan
(Costa Rica), la Compañía Nacional de Danza de Costa
Rica, la de Venezuela o la de El Salvador. Ha sido galardonado con el Premio Nacional de Danza de Costa
Rica (2010) y varios premios nacionales e internacionales como director escénico y coreógrafo. Ideólogo
y director del proyecto de investigación Estancias
Coreográficas, Cienfuegos también es Catedrático deComposición Coreográfica del CSDMA.

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Moonshoot de la compañía La Intrusa
2. Imagen de Halley de la compañía Led Silhouette

Ensayo abierto de la pieza Moonshoot, de laCompañía La Intrusa. Realizado el 20 de octubrea las 12:00 horas. Duración: 30 minutos aprox.

Ensayo abierto de la pieza Halley, de la compañía
Led Silhouette. Realizado el 24 de octubre a las
19:00 horas. Duración: 50 minutos aprox.

Primer periodo de investigación del vocabulario físico y conceptual de la creación Moonshot. La intenciónde pegar “un disparo a la Luna” para dejar de estar enla parte de atrás de la montaña rusa. Coger mi ficha,
ponerme a la cola, asegurarme en el asiento. Sentir
la tensión de la subida y, al caer, levantar los brazos ygritar. Que la vida vuelva a moverme. Hablo de teneresperanza.

Como hijos de esta era, estamos agotados de tenerque justificar constantemente nuestra existencia:
hemos aprendido a hablar como se nos quiere escuchar. Cuando tratamos de buscar un origen dentro
de nuestra identidad, no podemos dejar de sentir unvacío, ese irremediable sentimiento que se manifiesta en no poder llegar a conocer las historias de lasque nos precedieron. Nos reconocemos como cuerpos que están hechos de otros cuerpos, que se juntan
innumerables veces, una y otra vez, a lo largo de lossiglos.
Cansados, queremos ahora acabar con este letargo
de cuerpos encerrados, tratando de entender la historia que se nos presenta en espiral, como la forma delADN humano y que en este caso le faltan cromosomas que nos impiden ver la cadena completa.
¿Quién hizo desaparecer esos relatos que le faltana los nuestros? Nuestra historia también es la vida delas que estaban antes que nosotros aquí, ellas existían
mucho antes que las historias. Nos preguntamos,¿qué es lo moderno en nuestra identidad cuando deverdad llegamos a ser conscientes de cuál es nuestra
historia?
No somos modernos, somos mucho más antiguos.
Como cantaba Björk, todas las cosas modernas han
existido siempre. Nos damos cuenta de que todo tiene millones de años, de que con nosotros el mundo
nace de nuevo, antes de nosotros nada existía, perosabíamos quienes éramos antes de nacer.

La Intrusa. Compañía formada en 1996 por Virginia
García y Damián Muñoz, Premio Nacional de Danza en 2015. Su trabajo se ha caracterizado, desde sus
inicios, por la capacidad de generar espectáculos poéticos, de fuerte impacto visual y emocional, siempre
con la voluntad de empatizar con el público en un
tono intimista. Colaboran con diferentes artistas nacionales e internacionales de diferentes disciplinas.
Han presentado sus creaciones por diferentes teatros y festivales nacionales e internacionales como el
Downtown Dance Festival en Nueva York, Festivales
Internacionales de la Red Norte, Noroeste y Centro
Occidente de México, Festival Viva Dança de Brasil,
Festival Internacional GREC en Barcelona, Festival
Internacional Madrid en Danza o Mercat de les Florsen Barcelona. También crean y dirigen espectáculos
por encargo de otras compañías nacionales e internacionales como Cia. LAVA de Tenerife, Cia. Delfos
Danza de México, Carte Blanche, Cía. Nacional de
Noruega, KUKAI Dantza, entre otras. Colaboran como
asesores de movimiento en obras de teatro dirigidas
por reconocidos directores. Imparten cursos y talleres en prestigiosas escuelas y centros coreográficos
nacionales e internacionales, recibiendo premios por
sus creaciones coreográficas y audiovisuales. Han
creado y producido más de 30 espectáculos, entre losque se encuentran Beyond (2018), Niágara (2019), It’s aWrap (2019), Balance (2020) o Prusik (2021), realizado
durante una residencia de creación del Centro Coreográfico Canal.

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Led Silhouette. Compañía creada y dirigida por Martxel Rodríguez y Jon López en 2016, afincada en el
pueblo navarro de Lesaka, en paralelo a su actividad
en la compañía La Veronal. Paralelamente a su actividad en la compañía La Veronal, inician en 2016 su
etapa como creadores codirigiendo el colectivo Led
Silhouette, compuesto por artistas formados en diferentes disciplinas de la danza e influenciados por
el arte contemporáneo. Desde el estreno en 2016 desu primera pieza, Moira, coproducida y estrenada enel Festival 10 Sentidos de Valencia, sus trabajos han
tenido cabida en festivales nacionales como Madrid
en Danza, Temporada Alta o Escena Patrimonio y eninternacionales como Le Temps d’Aimer la Danse(Francia); Festival Quincena de Dança Almada (Portugal) o el Festival Internazional Nuova Danza (Italia).
Entre sus obras destacan Creepy Crawly (2017); Errata Natural (2018); Cóncavo Convexo (2019); Wild Street(2020); RGB (2021, su primera pieza de gran formato
para la Companhia de Dança Almada de Portugal); Lys(2021); Los Perros (2022, con Marcos Morau, Premiode la Crítica Catalana a la mejor coreografía) y la película de danza Esquicio (2022). Continúan investigando
sobre nuevas formas de movimiento para crear una
metodología propia, donde el cuerpo tiene como fundamento filosófico convertirse en un acontecimientodel movimiento y la vitalidad. Sus proyectos pretenden generar atmósferas transformadoras donde laforma se expone de diversas maneras, utilizando elmovimiento y la imagen como armas primordiales yembaucadoras.

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Jarana de la compañía Laia Santanch
2. Imagen de Labyrinth de la compañía Miller de Nobili

1

Ensayo abierto de la pieza Jarana, de Laia Santanach.
Realizado el 3 de noviembre a las 17:00 horas.
Duración: 30 minutos aprox.
Jarana es la tercera parte de una trilogía donde la tradición y el ritual sirven de conceptos principales, conla danza contemporánea como vehículo de comunicación en diálogo con la música electrónica en vivo
y en relación al espacio que se habita. Jarana investiga aquellas prácticas tradicionales que están desaparecidas o en peligro de desaparecer. Una obra que
invita a la reflexión sobre la importancia de preservar
las tradiciones y, al mismo tiempo, la exploración denuevas formas de expresión colectivas en un mundo
cambiante y más tecnológico.

2

Ensayo abierto de Labyrinth, de la Compañía Miller
de Nobili. Realizado el 24 de noviembre a las 18:00
horas. Duración: 30 minutos aprox.
Laia Santanach es una coreógrafa, bailarina y pedagoga afincada en Barcelona. En 2016 creó su solo
Bailando bailábamos, y a partir de 2017 se interesó por
el trabajo con música electrónica en directo, con laque creó la pieza Réplica, finalista en los Premios IT.
Desde 2018, investiga la tradición y el ritual en obras
como Àer (2019, ganadora del Premio Delfí Colomé;
finalista de los Premios Max a la mejor coreografía
y finalista de los Premios Dansacat al mejor espacio
sonoro). En 2022 estrenó Tradere en el Mercat de lesFlors de Barcelona, trabajo que fue merecedor de una
residencia de investigación del Centro Coreográfico
Canal y luego pudo verse en el festival Madrid en
Danza. Esta pieza obtuvo dos nominaciones en los
XXV Premios de la Crítica como mejor coreografía
y mejor espectáculo de danza nacional. Actualmente
trabaja en la tercera parte de esta trilogía de piezas,
Jarana. Sus creaciones han recorrido España, Francia,
Holanda e Italia y han recibido el apoyo de instituciones como el Ballet Nacional de Marsella, el Mercat deles Flors y los Teatros del Canal, entre otros.
Con el apoyo del Goethe Institut de Madrid.

Labyrinth explora los sueños, comparando las teorías
científicas y psicológicas con las ideas individuales
sobre estos, traduciéndolas en repertorios de movimiento y conocimiento materializado. Combinando influencias del break dance y otras danzas urbanas
y contemporáneas, el teatro físico y las técnicas deinterpretación, la creación pretende desdibujar las
fronteras, invitando a todos a recorrer el tema con
imaginación, introspección y reflexión sociocultural.
Miller de Nobili. Compañía creada durante el confinamiento de 2020, como una colaboración artística
entre M. Chiara de Nobili y Alexander Miller. Con
una visión compartida, se propusieron desarrollar
una plataforma que integrara sus pasiones conjuntas
por el teatro, la interpretación, la danza contemporánea y la urbana. Su primera colaboración, Momento(2020), obtuvo el prestigioso Premio a la Produccióndel Ballet Scapino en el 35º Certamen Coreográfico
de Hannover. Impulsados por la innovación, el virtuosismo y la atención al detalle, Miller de Nobili
ha ido ganando reconocimiento y éxito a través deuna serie de creaciones: PACK (2021) se estrenó en elFestival Dancing About, y fue una coproducción con
Tanzpakt Dresden en Hellerau – Centro Europeo delas Artes. En 2022, Miller de Nobili produjo Clouds
for tomorrow, que se estrenó en el PACT Zollverein enel marco del ATELIER nº 66. La obra fue invitada apresentarse en el Tanzplattform Berna, el Tanz Labor
Ulm y el 36 Concurso coreográfico internacional de
Hannover. Ese mismo año, produjeron dos creaciones cortas más: Stay, producido por SILK Fluegge y
Pottporus e.V.; y Up the Slippery Slope para Think Big
2022, apoyado por el Staatsballett Hannover.

En noviembre de 2022, Miller de Nobili estrena suúltima producción, Don’t you dare! coproducida por
Hellerau – Centro Europeo de las Artes y con el apoyo de Residenzzentrum Tanz+. En 2023, recibió la financiación oficial durante tres años de la ciudad deDresde. Ese mismo año, Miller de Nobili participó enel Concurso Coreográfico Internacional de Rotterdam
con su última creación corta, Until Again y anunció
una futura coreografía por encargo para el Scapino
Ballet de Rotterdam. Su próxima creación de larga
duración para 2024 se desarrollará en colaboración
con instituciones internacionales como AGORA deMontpellier Danse, Teatros del Canal y Residenzzentrum Tanz+ en Baden, Suiza.
Con el apoyo del Goethe Institut de Madrid.

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Memoria de actividades

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Ensayo abierto de la pieza Persona,de las creadoras AnnaOtta y Lucía Bocanegra.
Realizado el 28 de noviembre a las 19:00 horas.
Duración: 60 minutos aprox.
En esta pieza la bailarina y coreógrafa Lucía Bocanegra colabora con el dúo de electrónica experimental
AnnaOtta, formado por Jenny Thiele e Irene Novoa;
para investigar el lenguaje corporal y coreográfico delespectáculo de música Persona.
Persona se basa en un cuento de Irene Novoa y habla del núcleo abstracto en el carácter de cada uno,
una búsqueda de identidad que cuestiona el peligro
de construir rasgos identitarios que generen separación y conflicto. Experimentando con movimientos
abstractos que inciden en el sonido y viceversa, lapieza cuestiona diferentes clichés de identidad, comola procedencia, la profesión o el género.
Nuestro objetivo es explorar el colapso y la reconstrucción de esos clichés de identidad a travésdel movimiento y el sonido. La música de AnnaOtta,
creada a partir de muestras de voz del dúo, se verá
afectada por los movimientos de Bocanegra a travésde sensores, cuya programación corre a cargo de Álvaro del Valle. A su vez, estas crearán reacciones enlas visuales del artista gráfico Nicolai Troshinsky.
1

2

1. Imagen de Persona de AnnaOtta
2. Imagen de Persona de Lucía Bocanegra

AnnaOtta. Dúo de música electrónica experimental creado por la alemana Jenny Thiele y la española
Irene Novoa. Su música se compone exclusivamente
de sus voces, que manipulan electrónicamente. Novoa y Thiele trabajan con loops, muestreos en directo y efectos, mezclados con sintetizadores basados ensamples construidos a partir de sus voces y canciones.
AnnaOtta pretende desafiar los estereotipos de género y contribuir a una visión diferente de la belleza yla feminidad, fomentando los errores y utilizando latecnología para producir sonidos extremos y arriesgados. En este trabajo en concreto, además, cuentan
con la colaboración de Álvaro del Valle como programador de los entornos reactivos que conectan la música de AnnaOtta con el baile de Bocanegra mediantesensores; y Nicolai Troshisnky como diseñador de visuales reactivas.

Lucía Bocanegra. Bailarina, cantante y coreógrafa
nacida en Sevilla en 1997, perteneciente a la nueva
generación de la danza contemporánea andaluza.
Formada en el Conservatorio Profesional de Danza
Antonio Ruiz Soler, y en el Centro Andaluz de Danza,
sus primeros pasos profesionales los da en el proyecto europeo Sharpes, de la compañía francesa Ex Nihilo, con la que trabaja de 2016 a 2018. Para esa compañía crea, junto a Elvi Balboa, Ática. Como intérprete,
trabaja con Isabel Vázquez en Laika y en Archipiélago
de los desastres; en el espectáculo Safo, de Marta Pazos,
o en Am I What?, de Elvi Balboa. Bajo la dirección
escénica de su padre, el director teatral Ramón Bocanegra, crea Mujer descalza frente al mar, y ya en solitario el show INPUT/OUT SIDE, al que sigue Un paraíso
artificial, espectáculo musical en colaboración con elmúsico electrónico Hartta.

60©INÉS GARCÍA©MIGUEL ZOMAS

1. Imagen de Muerta de Amor de la compañía Manuel Liñán
2. Imagen de Mutable de la compañía Carmen Fumero

Memoria de actividades

1

2

Ensayo abierto de la pieza Muerta de Amor,de la Compañía Manuel Liñán.
Realizado el 29 de noviembre a las 19:00 horas.
Duración: 45 minutos aprox.

Ensayo abierto de la pieza Mutable,de las coreógrafas Carmen Fumero y Dácil González.
Realizado el 5 de diciembre a las 13:00 horas.
Duración: 45 minutos aprox.

El deseo, el abrazo, la provocación… son algunas delas necesidades que emanan de nuestra propia intimidad, de nuestro cuerpo, y hacen sostener nuestra
energía vital. En esta nueva creación, Manuel Liñán
busca el sustento a través de la emoción y la carne,
durante un proceso de investigación que lo invita adescubrir la necesidad del ser humano por relacionarse, el acercamiento entre los cuerpos y lo que losimpulsa.

La belleza está en el ojo del que mira.
Con un lenguaje contemporáneo, la obra parte dela “apariencia” y la “realidad”, mostrando cómo lamanera en que los puntos de vista se conectan con
la realidad proporcionan una perspectiva e influyen
en nuestra percepción. Cambiamos nuestros puntos
de vista ante las distintas situaciones que se nos presentan. Las actitudes y consideraciones que tomamos
responden a un conjunto de experiencias, vivencias ycreencias que nos posicionan ante lo observado. Antes de entrar en la sala, piénsala unos minutos como
una obra a punto de ser esculpida… Párate a observarla, contémplala, mira su paisaje. Las palabras y laemoción que describan lo que allí suceda dependendel punto de vista del que la observa. La percepción
está ligada a nuestra manera de mirar las cosas y loshechos en cada espacio.
There is a crack, a crack in everything. That´s how thelight gets in / Leonard Cohen.
Una hendidura da paso a un hueco a través delcual mirar y ser observado, una grieta en la piel oen una superficie; algo se mueve para formarla, ennosotras, o tal vez nosotras quebrando el espacio en
el que nos encontramos, quebrándonos. Y el hueco se
convierte en garganta y pasa a ser un instrumento resonador, que vibra, que se quiebra y alarga, y que deja
fluir el aire al resto del cuerpo… Un cuerpo a veces
bravo, a veces apacible, pero siempre vivo.
El cambio es lo único que permanece estable anuestro alrededor y en nosotros mismos.

Manuel Liñán (Granada, 1980). Premio Nacional deDanza en 2017, es un artista flamenco innovador,
alabado por la pureza de su arte y su frescura ypasión interpretativa. Tras años de investigación hacia
nuevas tendencias, este bailaor y coreógrafo se mueve
entre tradición y vanguardia, derribando muros,
hasta llevarla a un punto insólito entre el genio y lasimpleza, que lo sitúa en un lugar privilegiado delpanorama actual de la danza flamenca. Entre sus
espectáculos más destacados se encuentran: Cámara
Negra ( junto a Olga Pericet, 2005): Tauro (2010); Mundo y aparte (2012); Nómada (2014); Sinergia (2015); Reversible (2016); Con-vivencias (2017); Baile de Autor (2018)o Viva! (2019). Manuel Liñán atesora entre otros cuatro Premios Max como bailaor y coreógrafo, y ha sido
galardonado durante tres años consecutivos con elPremios de La Crítica Nacional Flamenco Hoy. Ha
sido también nominado a los presitigiosos OliverAwards 2022 y también al National Dance Award
2022, ambos en Reino Unido.

61

Dácil González y Carmen Fumero son dos bailarinas
y creadoras canarias afincadas en Madrid, con una
amplia y sólida trayectoria, cuyos caminos ya se han
cruzado en varias ocasiones de la mano de coreógrafos como Daniel Abreu o Iker Arrue. La admiración
que se profesan y su manera de entender el cuerpo yla escena, las reúnen ahora en un proyecto creativo
común en el que comparten conocimiento y experiencias, y plantean un espacio desde el que poder
cuestionar y abrir un imaginario de movimiento yacción. Un proyecto de colaboración que dio comienzo con Mutable, obra en la que comparten escena conla cantante Aurora Arteaga.
Dácil González es Premio Nacional de Danza 2019 enla modalidad de interpretación. Bailó como intérprete principal para la compañía 10 & 10 Danza durantecasi dos décadas, para luego hacerlo de forma independiente con otros creadores como Daniel Abreu,
junto al que también perfiló y asumió varias labores de gestión y coordinación en la Compañía Lava
(2018-20). Fuera de España, ha bailado para el Staatsteater Darmstadt (Alemania) a las órdenes de Mei
Hong Lin. Como coreógrafa, y con su propia compañía, ha creado las piezas Solo de momento, A mí nome gusta hablar, el dúo Cuando digo una palabra, juntoa Gustavo Martín, una colaboración con la compañía
Maltrago Teatro para el espectáculo La niña sin muelas.
También cocrea la pieza It, junto a Gustavo Martín yJesús Caramés – La Otra Compañía de Danza.
Carmen Fumero Cía. Fundada en 2011 por los bailarines Carmen Fumero y Miguel Zomas, con trayectorias previas trabajando para otras compañías y coreógrafos como La Intrusa / Virginia García / Damián
Muñoz, Compañía Antonio Ruz, Cía. Daniel Abreu, 10& 10 Runde-Narváez-Sanz, Iker Arrue, Dimo Kirilovy Tamako Akiyama y Compañía Lava. Establecieron
definitivamente su proyecto personal gracias a lasresidencias del Centro Coreográfico Canal en 2013.
Entre sus espectáculos más destacados se encuentran
Ironía (2011), Montando Cabos (2013), el multipremiado ...eran casi las dos (2014), que les permitió girarinternacionalmente, o Un poco de nadie (2018). A día
de hoy, continúan investigando y desarrollando su
propio lenguaje a través de sus proyectos, a la par que
colaboran como intérpretes para otras compañías.

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

Memoria de actividades

COMPAÑÍAS
QUE HANHECHO USO DE
LOS ESTUDIOSCOREÓGRAFICOS
EN 2023

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Luis Fernando Agorreta. Inicia su aprendizaje en danza en la escuela Endanza de Salamanca
durante su formación universitaria como médico.
Posteriormente se gradúa en danza contemporánea
en el Real Conservatorio Profesional de DanzaMariemma, donde participa en creaciones deprofesionales como José Reches y Pedro Berdäyes. Su
trayectoria como bailarín la desarrolla en compañías
como La Piel o Lava, de la mano de coreógrafos como
José Reches, Fernando Magadán, Paloma Hurtado o
Daniel Abreu. Desde 2019 se dedica como freelance ala danza, y en 2020 presenta su primera creación coreográfica: NINDAMar Aguiló. Nacida en Palma (Mallorca), en 2005
ingresa en la École atelier Rudra Béjart, de Maurice
Béjart (Lausanne), donde finaliza su periodo de formación. Desde su incorporación a la CND, ha interpretado roles principales en obras como Cor Perduty Arcangelo, de Nacho Duato, o Artifact, de William
Forsythe, y ha trabajado con coreógrafos como Mats
Ek, Ohad Naharin, Alexander Ekman, Marcos Morau,
Johan Inger o Iván Pérez entre otros. Es en el senode la CND donde comienza a desarrollar su faceta
coreográfica, con piezas y solos como como Francine,para el museo Guggenheim de Bilbao; Hotel Room, parael Museo Thyssen-Bornemisza, o Afterlove, una piezaaudiovisual para el Día Internacional de la Música, asícomo Fandangos y Tonadillas, una colaboración con la
Compañía Nacional de Teatro Clásico, y Arriaga, estrenada en el Festival Internacional de Música y Danzade Granada. También ha colaborado como movement director, coreógrafa y bailarina con artistas de diferentes
disciplinas. Actualmente, es también directora creativa de ELAMOR y aquí ha creado piezas para grandes espacios, como Prólogo, en el Real Jardín Botánico;Equilibrio, en el Museo del Prado; E gira tutto intorno alla
stannza, una colaboración con el artista Bernat en el
Caixa Fórum, o Alicia, en el Teatro de la Abadía. El 9
y 10 de octubre de 2021, con ELAMOR, presenta su
primera pieza de gran formato, Stella, en el ciclo Canal
Baila como resultado de una residencia de creación enel Centro Coreográfico Canal. Su último trabajo, Swan,se estrenó en los Teatros del Canal en abril de 2023.

Memoria de actividades

Elías Aguirre. Creador multidisciplinar, bailarín, coreógrafo, fotógrafo, artista plástico y audiovisual. En
2008 comienza a desarrollar proyectos propios y en
colaboración con destacados artistas. Sus trabajos se
caracterizan por la convergencia de técnicas de danza contemporánea, danza urbana, teatro gestual y una
constante inspiración en la “naturaleza invisible”. En
2010 pasa a formar parte de las Compañías residentesdel Ayuntamiento de Madrid. Sus piezas han obtenido diversos premios internacionales (Primer Premio
Iberoamericano Alicia Alonso, Primer Premio Burgos
Nueva York…) y han sido representadas en festivalesde los cinco continentes. Entre sus creaciones se encuentran White Room (2009), la mutipremiada Entomo(2010), Longfade (2012), Lucha o vuelo (2015), Pez Esfinge(2017), Insecto primitivo (2019), Empusa Poem (2020) y
Flowerheads. (2021). Aguirre es director artístico delFestival Cuerpo Romo. www.eliasaguirre.com
Tania Garrido y Eva Alonso. Tania Garrido es licenciada en teatro gestual por la RESAD de Madrid. Estudia danza de manera independiente entre Madrid y
Nueva York, profundizando en la danza Contact-Improvisación, en el Butoh y en el teatro físico. Comointérprete trabaja para diversas compañías como elTeatro del Silencio, Karlik Danza, Jesús Rubio o Sharon Fridman. Como coreógrafa, codirige Cranämour
(2001-2010). Eva Alonso es graduada en danza contemporánea en el Conservatorio Profesional de DanzaMariemma. Amplía sus estudios con danza-contacto,
teatro y dramaturgia para la danza en Madrid y Bruselas. Trabaja como intérprete para José Reches, Pedro
Berdäyes, Yuri Gudushauri, Jesús Rubio Gamo, Ana
Rando, Poliana Lima y Fabian Thomé. Complementa su trabajo en compañías como La Fura dels Baus,y participa en diversas óperas. Eva y Tania son dos
creadoras que, después de coincidir en varios proyectos como intérpretes, deciden unirse con la intención
de investigar qué es lo que tienen en común y cómo
pueden sustentarlo en un hecho escénico. Convergencias (2020) fue su primer trabajo conjunto.

Compañía Amores Flamencos – Carlos Rodríguez
(Madrid, 1975), cofundador junto a Ángel Rojas de lacompañía Nuevo Ballet Español, en activo desde 1995
y que en 2008 varió su nombre a Rojas y Rodríguez
Compañía. En colaboración con Rojas, ha coreografiado los espectáculos Canela y fuego (1996), Sangre
flamenca (1997), Flamenco Directo (1998), Furia (2000),
Alma (2006), Sangre y Cambio de tercio (2009), Titanium(2013) o Azul vida (2018) entre otros muchos. En solitario, ha coreografiado espectáculos como Romeo y
Julieta (2003) o Amores Flamencos (2020). Rodríguez
fue Premio al bailarín sobresaliente en el Certamen
Nacional de Coreografía en 1994 y el Premio Villa deMadrid al mejor intérprete de danza en 2005.
Carmen Angulo. Graduada en danza clásica en
el Conservatorio de Valencia, ha completado sus
estudios en Madrid, donde ha desarrollado su carrera
en torno a la Danza española. Ha bailado para lascompañías de profesionales como Antonio Márquez,
Joaquín Cortés, Luis Ortega, Rafael Aguilar, Rafael
Amargo, Marta Carrasco, Rojas y Rodríguez Nuevo
Ballet Español, Losdedae, o Rafaela Carrasco, entre
otras. Como actriz, ha estrenado junto a la compañía
Pílades teatro la obra Electra en el Teatro de La Abadíade Madrid, bajo la dirección de Fernanda Orazi.
Ana Arroyo. Bailarina y coreógrafa formada en danza clásica, contemporánea y flamenco; fue Bailarina
Sobresaliente del décimo segundo certamen de coreografía de danza española y flamenco de Madrid,
por la pieza Pandora. Profesionalmente, ha trabajado
en las compañías de Joaquín Cortés, Fernando Bujones, el Nuevo Ballet Español o los Ballets Españoles
de José Antonio, aparte de figuras como Lola Greco,
Rafaela Carrasco o Juan Andrés Maya. En 2005 firmó
su primera pieza como coreógrafa: Amor al descubierto,
presentada en el Teatro Pradillo de Madrid junto a
Patrick de Bana y Carlos Carbonell. Ese mismo año
protagoniza la pieza En carne viva, que Ángel Rojas
creó para ella. Otras de sus creaciones son Diálogos
de alma (2007 o Trazos de soledad (2008). También hatrabajado para el Ballet Nacional de Mannheim en lacreación del espectáculo No man´s land.

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Lucio A. Baglivo. Trabaja como bailarín, acróbata,actor, profesor de danza, director y coreógrafo. Desdeel año 2000 trabaja para distintas compañías de teatro, circo y danza en Argentina y Europa, y a partirde 2006 comienza a realizar sus propias creaciones.
Sus proyectos se han presentado en Alemania, Turquía, Argentina, Holanda, EE. UU., Brasil, Grecia,
Dinamarca, Chile, España e Italia. El objetivo de sus
obras es lograr un trabajo escénico que, a través dela danza, la acrobacia y el teatro transmita emociones y conecte con el espectador, desplegando todos
los sentidos en escena. Cada proyecto busca un lenguaje de movimiento propio y una poética escénica
particular. En 2015 estrenó Solo Juntos en el Festival
Umore Azoka del País Vasco y, desde entonces, realiza
más de 70 funciones en festivales de España, Brasil yresto de Europa. MyL, junto a la bailarina de flamenco Mariana Collado, se estrenó tanto en versión corta(mayo 2019) como en versión larga, MyL (2.0), en noviembre de 2020. Su última creación, Mientras tanto,
se presenta como trabajo en proceso en el marco dela Muestra escénica Surge Madrid y recibe las Ayudas
de la Creación a la Coreografía de parte de la Comunidad de Madrid.
Cía La Basal. Colectivo de jóvenes creadoras formado por Rocío Barriga, Luna Sánchez, Sergio Suárez,Laura Eugenia Sánchez, Aurora Constanza y Clàudia
Bosch y fundado en 2018. La Basal nace con el objetivo principal de servir de plataforma de acompañamiento, ayuda y apoyo entre creadores. Desarrolladiferentes proyectos artísticos cuyo núcleo de trabajo
es utilizar el cuerpo y su movimiento como herramienta principal: proyectos escénicos, talleres pedagógicos, exposiciones y vídeo creación. Entre sus
trabajos se encuentra Mimi (2018); Quiral (2019) deRocío Barriga y Luna Sánchez, que es finalista de SoloDos en Danza2020 en Orense; Todo esto no es tradición (2022), estrenado en el Teatro de la Maestranza
de Sevilla, dentro de Vertebración XII, y MudarseInstalarse que se estrena en Teatro Pradillo de Madrid y
recibe la Ayuda INJUVE de Creación Joven. Ese año
son artistas residentes de la CND y el CC María Pagés.

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Compañía Mariano Bernal. Nacido en Sevilla (1978)es un bailarín de danza española y clásica, ex Primer
Bailarín del Ballet Nacional de España. Inicia sus estudios a los 6 años con el maestro Farruco. A los 12,
comienza su formación en Danza Española y Clásica
con Carmen Montiel (Premio Nacional de Córdoba) ycompagina sus estudios con el Ballet de Danza Ciudad
de Sevilla. Con 14 años ingresa en el Conservatorio deDanza de Sevilla, finalizando con la nota de sobresaliente. Durante este periodo trabaja en la Compañíade María Pagés en los espectáculos de La Luna al Vientoy La Tirana. En 1997, entra a formar parte de la Compañía Andaluza de Danza (CAD), bajo la dirección de
José Antonio, y al año siguiente en el Ballet Nacionalde España bajo la dirección de Aída Gómez. Alcanzala categoría de solista en 2001 y en 2012 la de Primer Bailarín, bajo la dirección de Antonio Najarro.
También ha colaborado con las compañías de Antonio
Canales, Aída Gómez, Pilar Távora, Estrella Morente,
Metros-Ramón Oller, Eva Yerbabuena, Úrsula López
y el Ballet Flamenco de Andalucía, bajo la direcciónde Cristina Hoyos. A partir de 2010, cuando recibe elPremio Joven del Año, decide formar su propia compañía. Entre sus espectáculos más destacados destacan Atando Cabos (2017) o Silencio (2023).
Lucía Bocanegra. Bailarina, cantante y coreógrafa
nacida en Sevilla en 1997, perteneciente a la nueva
generación de la danza contemporánea andaluza.
Formada en el Conservatorio Profesional de Danza Antonio Ruiz Soler, y en el Centro Andaluz deDanza, sus primeros pasos profesionales los da en elproyecto europeo Sharpes, de la compañía francesa
Ex Nihilo, con la que trabaja de 2016 a 2018. Para
esa compañía crea, junto a Elvi Balboa, Ática. Comointérprete, trabaja con Isabel Vázquez en Laika y en
Archipiélago de los desastres; en el espectáculo Safo, deMarta Pazos, o en Am I What? de Elvi Balboa. Bajo la
dirección escénica de su padre, el director teatral Ramón Bocanegra, crea Mujer descalza frente al mar, y ya
en solitario INPUT/OUT SIDE, al que sigue Un paraíso
artificial, espectáculo musical en colaboración con elmúsico electrónico Hartta.
Violeta Borruel. Nacida en Huesca, y formada en danza clásica y contemporánea entre Zaragoza y Granada,termina sus estudios en el CSDMA de Madrid, mientras completa su formación con Danza para el Parkinson y se doctora también en Geología. En 2013 recibe
el primer premio en el XVIII Concurso Coreográfico
del Conservatorio Profesional de Danza de Granada.
En 2019 crea su propia compañía, que es premio Artista Revelación 2023 por la Asociación de las Artes
Escénicas de Aragón. Lo hace con la pieza corta Mu(danza), a la que siguen Dentro de mí, Golondrinas (2019)y la pieza de corte ecologista Blu (2022).

Memoria de actividades

Caminantes Danza - Pepa Sanz y José Merino. Compañía fundada en 2011 por estos dos bailaores y coreógrafos. Pepa Sanz debutó a los 15 años con el Mariemma Ballet, y ha trabajado para coreógrafos como
Antonio Ruiz, Pedro Azorín, Juanjo Linares, María
Rosa, Alberto Lorca, Tomás de Madrid, Antonio Alonso, Cristina Hernando, Carmen Cortés, Antonio Reyes, Lola Greco, Ricardo Franco, Jean Albert Cartier,Ricardo Cué, Luis Olmos, Santiago Sánchez, Antonia
García o Mario Maya. Fue galardonada con la Unesco Aschberg Bursary for Artist Programm 2005, ha
sido intérprete de diversas coreografías premiadas
en el Certamen Coreográfico de Madrid, 1995, 2000,
2003, premiada con la Beca a la Creatividad Artística
Alcobendas 1996 y Artista Invitada en la Gala Danseen Méditerranée 2003. José Merino comienza profesionalmente en el Ballet de Madrid bajo la direcciónde José Granero, para luego formar parte del Ballet
Flamenco de Antonio Canales, del Nuevo Ballet Español y la Cía Flamenco XXI Danza, dirigida por Ricardo Franco. En 1998 ingresa en el Ballet Nacional deEspaña donde permanece hasta 2005 bajo las direcciones de Aída Gómez, Elvira Andrés y José Antonio,
interpretando roles de solista y primer bailarín. De
2005 a 2011 colabora estrechamente con la compañía
Malucos Danza, dirigida por Carlos Chamorro. A lo
largo de su carrera artística ha trabajado con coreógrafos y directores emblemáticos como: Antonio Gades, Antonio Canales, José Antonio, Mariemma, José
Granero, Pilar López, Javier Latorre, Joaquín Grilo,
Karine Saporta, Ricardo Franco, Teresa Nieto, Israel
Galván, Adrián Galia, Florencio Campo, María Pagés,
Aída Gómez, Elvira Andrés, Ricardo Cue, Lluís Pasqual, Luis Olmos, Hansel Cereza, Amelia Ochandiano... Premiado con la Beca de Creación Coreográfica
Comunidad de Madrid por Solo en 2006, e intérpretede la coreografía Pared con pared, ganadora del 1º Premio del VIII Certamen de Directoras de Escena 2005,
dirigida por Eva Moreno. Desde 2014 dirige su propio
estudio de danza. Caminantes Danza ha creado, entre
otros espectáculos, Párrafos, Grietas en el Agua o Impermanente.

Lucía Campillo. Nacida en Murcia en 1987, comienza
sus estudios en el conservatorio profesional de danza de Murcia y termina la carrera en Madrid. Se haformado con maestros como José Antonio Ruiz, Merche Esmeralda, Aída Gómez, Juana Amaya o Aurora
Bosch, entre otros. En 2006 ingresa en el Taller Estudio del Ballet Nacional de España bajo la direcciónde José Antonio Ruiz, participa en la película Iberia
de Carlos Saura y posteriormente comienza su andadura profesional en la Compañía de Antonio Gades.
En 2010 entra a formar parte del Ballet Nacional deEspaña a cargo de José Antonio Ruiz y, más tarde, alas órdenes de Antonio Najarro. Participa en el repertorio en la categoría de solista, recorriendo losprincipales festivales nacionales e internaciones con
espectáculos como Ritmos, Medea o La leyenda. Ha formado parte de compañías como María Pagés, Rojas yRodríguez y el espectáculo Gala Flamenca dirigido porÁngel Rojas. Ha compartido escenario con artistas
como Antonio Canales, Karime Amaya, Carlos Rodríguez y Jesús Carmona, con el que interpretó el paso
a dos Trilla A7 y los espectáculos 7 balcones e Ímpetus.
En 2016, su pieza La imperfecta obtiene los premios demejor bailarina, mejor composición musical y mejor
diseño de vestuario en el Certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid. Habitual de los mejores
tablaos flamencos de España, ha sido requerida porla Universidad de Alburquerque como profesora, asícomo por escuelas de México, Boston, Hong Kong o
Tokio.
Sara Cano. Bailarina y coreógrafa de formación ecléctica y estilos que van desde la danza contemporánea
a la española, el folclore y el flamenco. Graduada en
Coreografía e Interpretación de Danza Contemporánea por el CSDMA de Madrid, dirige su propia compañía desde 2014, cuando comienza su andadura ensolitario con la pieza corta A Palo Seco Redux, programada y premiada en festivales españoles e internacionales, germen además de A Palo Seco (2015), en la queestablece una forma propia de expresión, que amalgama flamenco y danza contemporánea. En esta búsqueda, crea en 2017 Sintempo y, en 2018, La Espera. En
2019 estrena su primer espectáculo de gran formato,
VENGO!, en el que aborda las raíces del folclore español desde lo contemporáneo y por el que recibe
el Premio Max 2020 a Mejor Coreografía. Su nuevo
espectáculo, Mujer de Pie (2020), es un alegato a favorde la resiliencia y el poder de reinvención. Ha creado
también piezas para otras compañías como Ibérica deDanza (Fígaro, Barbero de Sevilla) y Miguel Ángel Rojas(Ya no seremos), además de haber coreografiado la XXII
Gala de los Premios Max de las Artes Escénicas.

69

Jesús Carmona (Barcelona, 1985). Precoz bailaor y coreógrafo, que debuta sobre los escenarios ya a los siete años. Licenciado en Danza española y flamenco por
el Institut del Teatre, pronto despunta como bailarín,
trabajando para varias compañías españolas: Nuevo Ballet Español, Carmen Cortés, El Güito, Rafael
Amargo, Antonio Canales y La Truco. En 2006 estrena su primer montaje propio, El silencio de la Luna y alaño siguiente ingresa en el Ballet Nacional de España,
donde permanece hasta 2010 como Primer Bailarín.
Con el estreno de Cuna Negra & Blanca (2011) establece su propia compañía, con las que monta 7 Balcones(2013), Ímpetu´s (2015), Amator (2017), The Game (2019)y El Salto (2020). Mejor Bailarín Sobresaliente del XX
Certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid
en 2011, ha obtenido el Premio Nacional de Danza
2020, en la modalidad de Creación, además del Premio Desplante en el 52º Festival Internacional deCante de las Minas de La Unión y el Premio El Ojo
Crítico de Danza 2019. Ha sido nominado en varias
ocasiones a los premios Max de Artes Escénicas.
David Carome. Creador formado en diversas escuelas de danza, pero también en diseño de iluminación,
maquillaje, moda, fotografía y vídeo. Como intérprete, ha trabajado para Manuela Barrero, Daniel Abreu oAnuska Alonso, pero también para Nicolas Rambaud,
Ricardo Buscarini o Cía Della Quarta. Ha colaborado
así mismo con Abel Azcona en varias de sus performances. Fundó Cincopuntocero junto a Nadia Yagoubi, como vehículo inicial para sus producciones teatrales, híbridos de danza y teatro físico. Con trabajos
en la escena clandestina y en pequeñas salas alternativas dentro de la red de teatros alternativos de la Comunidad de Madrid, el proyecto se disolvió a los dosaños, encaminándolo a una producción en solitario
tendente a la performance: títulos como Así Habló Zaratustra. Después, tras presentar el solo de danza Carne
Cruda y Leche Fría, junto a Carmen Werner y Mónica
Runde, consigue una residencia de creación para lacompañía LosDedae. Posteriormente entra a trabajar
en la compañía dlcAos, como intérprete y asistentecoreográfico, presentando un proyecto personal mezcla de disciplinas artísticas con danza y filosofía alque denomina pseudodanza. Con este proyecto ha sido
coreógrafo residente del Centro Coreográfico Canal,
Centro Cultural Conde Duque, la Compañía Nacional de Danza de España o Centro Cultural Paco Rabal
entre otros. Junto a Mario Tejero conforma Dama de
Vidrio, una asociación artística basada en la pseudodanza enfocada a ser el pilar sobre el que construir
sus montajes: Bestias Heridas o si Dios fuera una Mujer,
o el muy reciente Mientras Hablabais (la permanente ysosegada tristeza vaga y pasión inútil).

70​ olectivo Banquet. Formado por seis integrantes (AnaC
F. Melero, Laura G. Carrasco, Jerónimo Ruiz, Javier
De la Asunción, Mauricio Pérez Fayos y Edoardo Ramírez), todos con trayectoria previa como bailarines
freelance para varias compañías, o con estudios de coreografía. Como colectivo, han ganado el Primer premio de la categoría Bailando con Piedras del XIX CIC
Burgos New York en 2020; el premio del público enel XVI Certamen Coreográfico de Sabadell en 2021 y
el Premio de Residencia en Centro Cultural EduardoÚrculo y residencia técnica en la Nave del Duendetambién en 2021. Entre sus creaciones más recientes
destacan Lun_ar; Conxuro; Ni hemos hablado, Prepárate o
Rojo Rojo Verde.
Mariana Collado. Bailarina galardonada con el Primer
Premio de Coreografía de Solo en el XXI Certamen
Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid con la coreografía El cuervo y el reloj de Kaari Martin (2012) y Segundo Premio de Baile Flamenco en el
II Festival Internacional de Danza de Almería (2011).
En la actualidad forma parte como intérprete y coreógrafa de la Compañía Malucos Danza dirigida por
el coreógrafo Carlos Chamorro desde 2009 hasta la
actualidad. Ha codirigido junto a él los espectáculos
Vecinos (2016), Vecinos y la Comunidad (2017), Los dioses no lloran ni vierten lágrimas (2018), Trajes de domingo(2019) y Lady Mambo (2021). Solista y coreógrafa de laCompañía finlandesa Kaari & Roni Martin desde 2008
en los espectáculos Kill Carmen (2015) y Anna Karenina(2018), entre otros. Codirige junto al bailarín y coreógrafo José Maldonado el espectáculo Bodegón, galardonado en el Festival de Jerez 2019 con el Premio
Artista Revelación y Galería, su segunda producción,
estrenada en el XXV Festival de Jerez (2021). Dirige ycoreografía junto al bailarín Lucio Baglivo el espectáculo MyL 2.0 (2019), utilizando un lenguaje mucho
más teatral y arriesgado, donde conviven diferentes
disciplinas como la acrobacia, el teatro, la danza contemporánea y el flamenco. Intérprete de la Compañía Manuel Liñán en su nueva creación, La otra escena(2020), en la que el coreógrafo posiciona a la bailarina en un papel mucho más interpretativo y versátil.

Memoria de actividades

Carmen Cortés. Nace en Barcelona de padres andaluces. Autodidacta, en 1978 comienza a trabajar en el
Tablao los Canasteros, donde conoce a Mario Maya,que rápidamente la incorpora a su compañía. Su
concepción del flamenco impregnará decididamentea esta bailaora, coreógrafa y directora artística. Con
una carrera que se extiende a lo largo de cuarenta
años, Cortés ha rodado desde películas como Corre
Gitano (Toni Gatlif, 1982) hasta haber producido másde una veintena de espectáculos desde que creara su
propia compañía en 1987. Licenciada en Danza por
Real Conservatorio Superior de Danza y Máster deArtes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos,
es miembro del Consejo de la Danza de la UNESCO. Entre sus espectáculos más conocidos, Flamenco
Flamenco (1988), Memorias del Cobre (1990), A Federico(1995), el primero de una larga serie de espectáculos
dedicados al poeta, del que la bailaora es quizá la primera en ligarlo abiertamente a la cultura flamenca, alque seguirán Yerma (1996), Soleá: un son eterno (2000),
Mujeres de Lorca (2006), Los dos lados de la cama (2012)o Gira Corazón. Bailando con Lorca en la Edad de Plata(2021) entre muchísimos espectáculos de danza, teatro e híbridos.

DanceLab Berlin. Compañía internacional de danzadirigida por los coreógrafos Jorge Morro y Norbert
Servos, originalmente creada como proyecto hispano-alemán para la Berliner Akademie der Künste,
como plataforma para diferentes creadores que promocionase a jóvenes talentos. Sus directores creantambién el a/skin’ Festival y Program, para creación ycolaboración cultural con otros coreógrafos, países yciudades. Entre sus producciones recientes, destacan:
Solo for a Mad King - Cordelia, para el Goethe Institut en
Toronto; Elements of Mine, película para el canal ARTEy la NDR; Drink, Smoke - Made in Havana, coproduccion
con DanzAbierta Cuba; Valbarena, para el Staatstheater
Braunschweig; el programa doble que junta los solos
Not Coming Back y Dressed to Kill, coproducción con
Grand Theatre Groningen para Noorderzon Festival y
El Circulo Eterno. Homenaje a Harald Kreutzberg y su H.K.
Quintett, un proyecto de Tanzfonds Erbe.Norbert Servos nace cerca de Colonia (Alemania), donde cursa sus
estudios de Danza. Además de las carreras de ciencias
del Teatro, Cine y Televisión, estudia Filología Alemana y Filosofía en Bonn y Colonia. Trabaja como dramaturgo, asistente de dirección, docente, profesor ylector editorial. Fue cofundador de la revista Ballett International. En 1983 crea su propia compañía y combina su trabajo de coreógrafo con el de publicista independiente de danza, escritor y docente especializado
en Danza-Teatro en Alemania y a nivel internacional.
Para su companía crea las piezas: Ich trage das Herz nicht
in mir, Königskinder, Schiffeversenken y Sisyphos. También
las obras Gilgamesch y Feuer fiel ins Herz, para la Ópera
de El Cairo. Ha publicado un total de 16 libros sobre
Danza-Teatro, además de poesía. Colaboró estrechamente con Pina Bausch y su Tanztheater Wuppertal,
habiendo publicado el grueso de libros actuales sobre la coreógrafa. Jorge Morro es licenciado en balletclásico por el Real Conservatorio de Madrid, donde
también estudia música y piano. Se traslada a Londresy se gradúa en Ballet y danza contemporánea en elCentral School of Ballet, bajo la dirección de Christopher Gable, quien a su vez dirige el Northern Ballet
Theatre y le ofrece su primer contrato profesional.
En 1993 forma parte del renombrado Dance Course forProfessional Choreographers and Composers, fundado por
John Cage, bajo la dirección de Robert Cohen. Aquí
comienza su conexión y trabajo con la danza contemporánea. Durante todo este tiempo ha trabajado encompañías estables y producciones independientes en
Inglaterra, Holanda y Alemania principalmente: es solista del Berlín Ballett / Komische Oper Berlin y forma
parte de las compañías Sasha Waltz and Guests, Galili
Dance / Itzik Galili, Club Guy and Roni, Ms Schrittmacher, y Tolada Dance Company. En el 2004 recibe
el premio Mopix al mejor intérprete del Festival de
Toronto por el corto documental Elements of Mine. Con
su primera coreografía, Donde nunca he estado, para ela/skin’ Festival de DanceLab Berlin en la Academia delas Artes, comienza una estrecha colaboración comocoreografo junto a Norbert Servos. Crea también En
solo diez minutos para el Festival de Otoño de Madrid y
How It Happens para el Komische Oper Berlín.

71

LOSDEDAE. Chevi Muraday comienza su formación
como Bailarín en España en 1985 con Carmen Senra,y amplía sus estudios de Danza Contemporánea en
escuelas internacionales como Martha Graham (Nueva York), Laban Center, The Place y Dance Work’s(Londres), S. O. A. P. Dance Theatre (Frankfurt), Neuer Tanz (Dusseldorf ), entre otras. Inicia su trayectoria
profesional en la Compañía de Carmen Senra en 1989
y en el año 1992 presenta en el VII Certamen Coreográfico de Madrid su primera pieza como coreógrafo,
Por el campo entre las flores te busqué y no te encontraba,
por la que recibe una beca como Bailarín Sobresaliente en Transition/Laban Center de Londres. Durante 1993 y 1994 trabaja en Londres como bailarín en
Transition Dance Company y Jane Turner Company,e ingresa en la Compañía Nower Tanz en Düsseldorf(Alemania), donde imparte clases de Danza Contemporánea y baila coreografías de Vanda Golonka. Después trabaja en S.O.A.P. – Dance Theatre Frankfurtcon coreografía de Ruy Horta. En 1997 pone en pie
su propia compañía, LOSDEDAE, con el propósito degenerar movimiento en torno a la Danza Contemporánea en España. En 2006, el Ministerio de Cultura leotorga el Premio Nacional de Danza en su modalidad
de interpretación. En los últimos años se han estrenado Return (2012), con la actriz Marta Etura; Cenizaso Dame una razón para no desintegrarme (2014, nominada a 3 premios Max): En el desierto (2014) Premio Max
Mejor Espectáculo de Danza; Teresa, Ora al Alma y El
Cínico (2015); Black Apple y los párpados sellados (2016);
Marikón esto acaba de empezar (2017, para celebrar los
20 años de su compañía) y Juana (2019).

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Paloma Díaz-La Permanente. Formada como actriz
en el Instituto del Teatro de Sevilla y como bailarina
en Madrid, Sevilla, Londres y Essen, trabaja primero como intérprete para compañías y coreógrafos enAustria, Alemania y España: Provisional Danza, Teatro de la Zarzuela, Teatro Real, Nigel Chernok, Teatrodel Zurdo, Cía. Rocío Molina o Carlota Ferrer. Formala compañía La Permanente junto al cineasta Chiqui
Carabante tras ganar el Primer Premio del Certamen Coreográfico de Madrid con Me da igual (1998).
A esta pieza seguirán Ha pasado un Ángel (2000), Palabras de amor, Tanzabend para Malou (2005) o Una Palabra (2010), y encargos para el Festival de Itálica, Díasde Dansa, Los Veranos de la Villa o el FiberFib. En
2014 codirige Hora de Cierre junto a Isabel Vázquez,
recibiendo el Premio Andaluz de Teatro al mejor
espectáculo de Danza. Ha trabajado también como
ayudante de dirección y asesora coreográfica parael Centro Andaluz de Teatro, el Teatro Español, Cía.
Chirigóticas, Imprebís, Claudia Faci, Alberto San Juany Antonio Álamo. Entre sus últimos trabajos como
coreógrafa destacan Tres deseos (2018), coproducción
del Teatro Español y la Fundación José Monleón con
intérpretes con diversidad funcional; Mundo obrero(2018), de Alberto San Juan, producción también delTeatro Español e Inloca con Matarile Teatro coproducida con el CDN. Aparte de docente de danza para varias instituciones, es también profesora de yoga con
una práctica de más de veinte años.
10 & 10 Danza. Runde-Narváez-Sanz. Fundada en 1989
por Mónica Runde (Madrid, 1961) y otros bailarines,
entre los que se encuentra Pedro Berdäyes, Rundeasumirá su dirección en solitario a partir de 2005.
Runde es una de las más importantes, reconocidas yprolíficas -su trabajo supera las 60 piezas- personalidades de la danza contemporánea en España, y una
presencia apreciada y constante en el circuito internacional: habitual de festivales como los de París,
Lyon, Lieja, Madrid, Florencia o Lille en un inabarcable etcétera. Premio Nacional de Danza en 2000,y Premio Nacional de Danza de Costa Rica en 2004,
también atesora los premios Ricard Moragas de laGeneralitat de Catalunya o el Premio de Cultura dela Comunidad de Madrid. Tras varias colaboraciones
conjuntas con la también coreógrafa Inés Narváez
y la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, ambas con
prestigiosas y fecundas carreras, deciden codirigir apartir del 2020 la compañía asumiendo en tripartito
la dirección artística de 10&10.

Memoria de actividades

EnclaveDANZA - Cristina Masson. Compañía madrileña dirigida por la coreógrafa y bailarina Cristina Masson, Premio 100Latinos Madrid 2010, conuna impronta abiertamente multidisciplinar. Entre
sus espectáculos más destacados figura Fatum (2006),
presentado en Montpellier; Ausente en Negro (2008);...No Vacía... (2010), homenaje a Miguel Hernández;
GOLDBERG (2013), con el Trío de Cuerda Garnat; 3
Mujeres (2015), con residencia de creación en el Centro Coreográfico y estreno en los Teatros del Canal;
Marzo 10, NY (2017), estrenado en el Festival de Málaga y también objeto de residencia del CCC; A La Edad
Pos Humana (2018), danza-multimedia que participó
en varios festivales italianos (Milán, Roma, Toscana,
Nápoles, L´Aquila). En 2017 crea el Festival LDC (Unlugar Donde Compartir) en Madrid que ya va por su
quinta edición, y se expande por otras Comunidades.
Ana Erdozain. Se forma en las escuelas Carmen Senra
y Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de Madrid y en la Sala Cuarta Pared, complementando sus estudios con el curso intensivo de la SNDO
(School for New Dance Development) y en la escuela
Henny Jurriens Dance, ambas en Amsterdam. Desarrolla su carrera como intérprete con Chevi Muraday, Carlota Ferrer, Compañía Danza Mobile, Antonio Fernández Lera, Patricia Ruz, Compañía Lisarco,
Compañía Tejido Conectivo, Alba González y con elproyecto Bailar el agua de Raquel Sánchez y Chefa
Alonso. Como coreógrafa ha sido premiada en el 28
Certamen Coreográfico de Madrid y en el III Certamen DanzaXtrema (Cáceres). Colabora en el espectáculo de Teatro Inclusivo Moving 360º, de la compañía
Teatro Reno (México), y en El festín de los cuerpos de laCompañía Danza Mobile, dirigido por Arturo Parrilla
y estrenado en la 33ª edición del Festival Madrid
en Danza. Como asistente de movimiento trabaja
en diferentes espectáculos de Carlota Ferrer, con la
Compañía de Teatro El Pontflotant y en el espectáculo de Julia de Castro, Exhalación: vida y muerte de La
Puríssima.

Estévez / Paños y Compañía. Fundada en 2003 por
Rafael Estévez y Valeriano Paños con las creaciones
Martinete y Tres por medio, con las que actúan como
artistas invitados en el Certamen Coreográfico de
Madrid 2003. Han coreografiado y dirigido a artistas
como Lola Greco, Miguel Poveda, María Vivó, Rocío
Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Marco Flores,
Concha Jareno, Pastora Galván, Ana Morales, Patricia
Guerrero, Companía Antonio Ruz, Companía de Teatro 300 Pistolas o Yjastros: The American Flamenco
Repertory Company, entre muchos otros. También
han coreografiado y bailado para las Galas de la Danzaen el Teatro Real de Madrid (2004), Gala Española deDanza en el Tokyo Forum Hall EXPO AICHI (2005)y Gala de la Danza EXPO Zaragoza (2008). En 2019reciben el Premio Nacional de Danza en la modalidad
de Creación, por su labor al abrir nuevos lenguajes y
por la investigación de la danza española, el flamenco y la danza contemporánea, desde la tradición a lavanguardia, logrando originales resultados de una
danza de hoy. Algunos de sus espectáculos son Tiempo(2005), Muñecas (2006), Sonata (2008), La consagración(2012) o la pieza en vídeo EP2020. Capricho coreográfico
para dos hombres que bailan y dos cámaras de vídeo (2020)
durante la pandemia. En 2021 estrenaron en Teatros
del Canal su última creación, La confluencia.
Jesús Fernández. Bailaor y coreógrafo flamenco originario de Cádiz. Titulado por el Conservatorio Superior María de Ávila, su baile se caracteriza por la
mezcla continua de tradición y vanguardia. Ha trabajado con grandes compañías nacionales, como la deManuel Liñán, e internacionales como la Nord Nederland Toneel, y también ha producido numerosos
espectáculos con los que ha girado por medio mundo: Ataduras (2009), A tres bandas (2013), Gaditaneando (2014) o Puntos inacabados (2018). Compagina sus
actuaciones en grandes teatros con su habitual presencia en los mejores tablaos de España, en los que
desarrolla su faceta de improvisación. Ha sido nominado al mejor intérprete masculino de danza en los
Premios Max 2018, y ha recibido el Premio Desplantedel Festival Internacional del Cante de las Minas y el
Premio Fundación Aisge.

73

Natalia Fernandes. Bailarina, coreógrafa y profesora de danza originaria de Brasil, afincada en Madrid
desde 2017. Becada por el SAE-UNICAMP cuando era
estudiante, entra en la escena independiente de São
Paulo en 2005, trabajando con coreógrafos brasileños como Mauricio de Oliveira, Sandro Borelli, Alex
Soares, Morena Nascimento o Mirian Druwe, entre
otros. En 2013, recibe una invitación para bailar con
Nir de Volff - TOTAL BRUTAL, en Berlín. A partirde este momento, empieza a colaborar con distintos
coreógrafos entre Alemania, EE.UU. y España, como:
Cocoon Dance, Sebastian Hirn, Sonia Soares, Abhilash Ningappa, Jesús Rubio, Lucía Marote y Poliana
Lima. Es también docente e investigadora de danza, ycomo creadora ha estrenado proyectos como The Oldest Thing in the World, que contiene uno de sus solos
más famosos, This Is Not Mine. Para la Compañía Laboratorio 180 creó Anatomía y estrategia 1. En 2016 ganala convocatoria de solos del 29 Certamen Coreográfico de Madrid con la versión en solo de esa misma
pieza. De ella también parte sus Estudios para Anatomía– Desnaturaleza y Estudios para Anatomía-Laberinto. En
2018 es una de las coreógrafas seleccionadas para laresidencia LATIDOS, de Coreógrafos en Comunidad yCentro Cultural Conde Duque.
Joan Ferré Go (Barcelona, 1993). Estudia danza contemporánea primero en Àrea Espai de Dansa i Creació en Barcelona y luego en Rotterdam, en la Universidad Codarts. Realizó prácticas en el Teatro Luzerner(Suiza). Se graduó en Codarts en 2016 y consiguió su
primer trabajo en el Teatro Nacional de Mannheim(Alemania), bajo la dirección de Stephan Thoss. Dosaños después se trasladó a trabajar al Teatro Gerhart
Hauptmann de Görlitz (Alemania), bajo la direcciónde Marko E. Weigert y Dan Pelleg. Durante esos años
llegó a trabajar con coreógrafos como Marina Mascarell, Idan Sharabi, Felix Lander, Marco Goecke o Jan
Martens. A partir de 2019 trabaja como freelance paradistintos coreógrafos europeos, como Ivgi & Greben oThor. En 2020, con el apoyo del Centro Coreográfico
de Heidelberg, crea su primer dúo, Go Ask the River,que estrena en la Tanzbiennale 2021 de Heilderberg.
Ese mismo año regresa a España, para trabajar en Hâmaïkà, producción de la Cía. Cielo Raso, y en Todo esto
era campo, de la Cía Unaiuna. Con este trabajo gana elpremio al mejor intérprete en los Premis de Dansade L´Institut del Teatre. También produce su segundo
trabajo, Descaparse (2021). En 2022 se traslada a Madrid para trabajar con Antonio Ruz en su nueva obra,
Pharsalia. Actualmente vive en Madrid y trabaja con
Sharon Fridman y Luis Luque.

74

Cía. Flesh - Inma Marín. Con más de diez años detrayectoria en la danza, las artes visuales y la performance, es Licenciada en Humanidades y diplomada en
danza contemporánea en SEAD Salzburg Experimental Academy of Dance, y ha trabajado como intérprete y asistente de dirección en compañías nacionales
e internacionales. En 2011 funda su Compañía Flesh,con la que fue finalista en el Certamen Coreográfiode Madrid Paso a Dos con A solas, a los que siguieron
Nobody’s Story (2013, estrenado en el Certamen Internacional Masdanza, premiado con Masdanza Extensiones), Silence, Please (2014, galardonado por Council deSingapore a mejor coreografía con el premio Second
Company Choreographic Commission 2015). Con esta
beca creó Peso (2015), estrenada en el Black Box Theater de Singapore. En 2017 realiza el Máster en Práctica
Escénica y Cultura Visual de la UCL en colaboración
con el MNCARS y Matadero. Desde el 2016 reside ytrabaja en Madrid como performer, bailarina y artista
plástica en varios proyectos, así como continúa su labor como directora artística e intérprete en la Compañía Flesh, articulando proyectos interdisciplinares que
combinan artes visuales y performance.
Cía. Marco Flores. Nacido en Arcos de la Frontera,
Cádiz, en 1981, comenzó como autodidacta hasta empezar a aprender de maestros como Antonio Canales
o Javier la Torre. A los 18 años ya bailaba para grandes
compañías como la de Sara Baras o Rafaela Carrasco.
En 2004 comienza a realizar sus primeros espectáculos junto a Manuel Liñán (Dos en Compañía), Olga Pericet (En sus 13 o En clave) Daniel Doña (Chanta la mui
o Recital) hasta fundar su propia compañía en 2010,
estrenando DeFlamencas. En 2012 presenta en Teatros
del Canal su segundo espectáculo, Tránsito, con el que
girará ya internacionalmente. Laberíntica (2014), Paso
a dos (con Olga Pericet, 2015) o Extrema (2018) afianzan su prestigio. Marco Flores es Premio Nacionalde Flamenco, Premio de la Crítica Especializada delFestival de Jerez, Premio Ojo Crítico de Danza RNE
y Premio Max al mejor intérprete de danza en 2020.
Barbara Fritsche Dance Project. Proyecto creado en
Madrid por la bailarina y coreógrafa alemana de orígenes polacos. Comienza sus estudios de danza con
10 años. En 2002 se gradúa con una licenciatura en
Danza por la Escuela Superior Palucca Hochschulefür Tanz Dresden (Alemania) y decide trasladarse a
Madrid con una Beca del DAAD para continuar sus
estudios. Rápidamente se distingue también como
pedagoga, trabajando durante trece años en la escuela Karen Taft, trabajo que desarrolla en la actualidad
en otras escuelas madrileñas y europeas. Ha realizado
colaboraciones como bailarina y coreógrafa en eventos y vídeo-producciones (Beatriz Abad, Tiffany´s, Gota Talent Tv, 3threeEvents, Zinc Shower Madrid). Entre sus trabajos coreógráficos recientes, destacan Vasos Llenos (2018) o Heart Beats (2022).

Memoria de actividades

Full Time Company - Fabián Thomé (San Juan de Luz,
Francia, 1981) se gradúa en Danza Española y Flamenco en el Conservatorio Profesional de Danza deMadrid. Trabaja como solista y primer bailarín para
Joaquín Cortés, Rafael Amargo, Lola Greco o Amor
Brujo. En 2009 gana el 2º Premio en el XVIII Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de
Madrid, Teatros del Canal. En 2011 decide crear su
propia compañía, Desde el Sofa, un espectáculo pluri
disciplinar mezclando danza y teatro. Este mismo año
gana el 2º Premio de Coreografía en el XX Certamen
de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, con su pieza Del Juego a la Pelea. En 2012 Franco
Dragone, director de Circo du Soleil, le invita a participar como coreógrafo y bailarín en TABOO, en Macao. En 2013, de vuelta a Europa, baila para las compañías Elephant in the Black Box, Sharon Fridman
y Carlos Fuentes. En 2014 crea Entre Sombras, con laque gana el premio de Interpretación en el certamen
Internacional de Burgos/Nueva York. Los siguientes
años entrará en el elenco de la Compañía Eastman
Sidi Larbi Cherkaoui (Bélgica). Compaginará esta actividad con la docencia y con la creación propia de espectáculos como UMBRA (2016), INVOLUTION (2018),
YÖY (2018-2019), MOI-JE (2019) y Humos, estrenado
en Teatros del Canal en 2020. En 2020 recibió el 1
premio en el 33º Certamen Coreográfico de Madrid ypremio con mención especial en el Certamen Internacional de Coreografía Masdanza.
Carmen Fumero Cía. Fundada en 2011 por los bailarines Carmen Fumero y Miguel Zomas, con trayectorias previas trabajando para otras compañías y coreógrafos como La Intrusa / Virginia García / Damián
Muñoz, Compañía Antonio Ruz, Cía. Daniel Abreu, 10& 10 Runde-Narváez-Sanz, Iker Arrue, Dimo Kirilovy Tamako Akiyama y Compañía Lava. Establecieron
definitivamente su proyecto personal gracias a lasresidencias del Centro Coreográfico Canal en 2013.
Entre sus espectáculos más destacados se encuentran
Ironía (2011), Montando Cabos (2013), el multipremiado ...eran casi las dos (2014), que les permitió girarinternacionalmente, o Un poco de nadie (2018). A día
de hoy, continúan investigando y desarrollando su
propio lenguaje a través de sus proyectos, a la par que
colaboran como intérpretes para otras compañías.
Cía. La Galga. Fundada un año antes de la pandemia por el actor y director Pau Cólera y el bailarín
Juan Carlos Toledo, esta joven compañía orientada ala danza-teatro de carácter social logró estrenar su
primer espectáculo en 2020, MiMeConmigo y además
realizar una pieza corta premiada en el Certamen Coreográfico de Madrid al año siguiente. Actualmenteestán preparando su tercer proyecto.

Ángel Garcés. Nacido en Caracas, Venezuela, y criado en las Islas Canarias, se ha formado en distintas
disciplinas en torno al movimiento, siendo la danza contemporánea y el hip-hop las herramientas debase para desarrollar su creatividad. Ha trabajado enlas compañías de Natalia Medina y Sara Sánchez. Comienza su carrera como coreógrafo con Vamos (2020),
interpretándola en festivales como SoloDos En Danza, con la que consigue el Premio de Programación
en el 34º Certamen Coreográfico de Madrid. Ha participado en el Festival 10 Sentidos, donde recibe elPremio Migrats, y otros festivales como el HOP Barcelona o Sanskar Festival India. Actualmente resideentre Canarias y Madrid.
Kike García (Madrid, 1989), bailarín, coreógrafo y bordador. Empezó en el mundo de las artes marciales,
formándose en taekwondo desde los 4 años de edad.
Luego saltó a la danza contemporánea, el butoh japonés y el flamenco, tratando de combinar los movimientos de estas distintas vías de danza. Graduado
en Danza, Coreografía y Contexto en HZT Berlín,
que ofrece una formación multidisciplinar conectada
con las vanguardias experimentales escénicas y coreográficas, ha trabajado con la Compañía de Teatropara Migrantes junto con Juan Camilo Estrada en el
Reykjavík Dance Festival; para Mónica Valenciano yotras coreógrafas madrileñas; para Ivo Dimchev, deufert&plischke, Arantxa Martínez y Antonija Livingstone en Berlín o en Atenas con la Compañía de Danza
Kinitiras. Entre sus trabajos recientes se encuentra
Mon Strua y A-bomb (2016), RGB y Duet (2019) o Paisajes(2021).
Teresa Garzón. Creadora, bailarina y actriz granadina,
graduada por el CSDMA de Madrid. Ha trabajado en
diversos proyectos escénicos con compañías de danza y teatro como La Fura dels Baus, Alfredo Sanzolo Instituto Stocos. Actualmente trabaja en cía. Antonio Ruz, La Tristura y Aves Migratorias de Madrid.
Como coreógrafa y creadora, aparte de su proyecto
en solitario FuckSia, finalista del certamen de solos enestado de germen, Me, Myself & I dentro del Certamen
Coreográfico de Madrid, Santas Al Cielo, estrenada enel Teatro Isabel La Católica en 2021, y con Chantal
Soler el dúo El Cielo (2021).
Cía. Iván Gómez. Nacido en Alicante y formado enel Conservatorio Profesional Fortea de Madrid, Iván
Gómez funda su propia escuela, Danza13, en la capitalen 2018. Es el germen de su propia compañía, quecuenta con un cuerpo de baile de 14 bailarines y sesustenta en coreografías propias de Gómez, junto a
otros coreógrafos como Antonio Najarro, Aída Gómezo Marco Flores. Su espectáculo Folíajazz (2021) es su
carta de presentación, aunque Gómez también coreografía y dirige por encargo musicales de pequeño formato como Grease es la voz o Cabaret, y espectáculos decámara para tablaos y otros escenarios.

75

Cía. Alba González. Licenciada en Psicología por laUAM, en 2009 comienza su formación de danza con
Carmen Senra y continúa en el Professional Dance
Master SEEDS de Cobosmika Company. Como intérprete ha trabajado con diversos creadores como
Thomas Noone, Jorge Jauregui, Roberto Olivan, PeterMika, Colectivo Lisarco, Compañía Tejido Conectivo, Laminima, Laimperfecta, Raquel Sánchez y Chefa
Alonso en Bailar el agua, Ainhoa Hernández Escudero, Ana Erdozain o Chevi Muraday. Aparte de ser profesora en varios Centros de Danza, funda en 2011 su
propia compañía, con la que ha creado piezas como
el solo Nudo o Salida de Emergencia (2015, ganador delPremio Residencia Artística Tanzhaus de Zurich enel 29 Certamen Coreográfico de Madrid); Glitter (2019Ayuda a personas físicas para la creación y el desarrollo de las artes escénicas, musicales, cinematográficas
y de diseño de moda de la Comunidad de Madrid) y
Piel, o de cómo volver a pasar por el corazón (2021), ambas
programadas por el Festival Surge Madrid y esta última en el festival MoverMadrid.
Mario González. Joven bailarín y coreógrafo pacense, comienza sus estudios en Sevilla en 2008, especializándose en danzas urbanas. Decide continuar su
formación en el Centro Andaluz de Danza, tomando
el camino de la danza contemporánea. Completa su
formación en Alemania, donde participa en la Cía.
Hani Dance, Reino Unido, Suecia, Italia y Luxemburgo, hasta que vuelve a Madrid, donde baila con Elías
Aguirre. Decide saltar a la creación con la vídeo danza Overthinking (2019), a la que siguen las piezas cortas
Club o el solo Phase. David (2021) es su primer dúo.
Tania González. Coreógrafa, intérprete e investigadorainterdisciplinar. Durante los últimos años ha vivido
entre Estocolmo y Berlín. En sus trabajos combina
métodos etnográficos con la investigación somática,
la improvisación y la composición instantánea. Titulada en Danza Española por el Conservatorio de Danza de Madrid y Doctora en Antropología Social por
la Universidad de Estocolmo, ha cursado estudios dedanza contemporánea en Tanzfabrik Berlin. A lo largo de su trayectoria ha impartido talleres en España,
Irlanda y Suecia y colaborado con artistas de distintas
disciplinas, especialmente en el campo de la improvisación. Sus últimas creaciones han sido presentadas
en la sala Fylkingen (Estocolmo), en Tanzfabrik Berlin
y en el festival de micro-danza itinerante 15m2. Adicionalmente, en su faceta como antropóloga, resultó
becada por el programa Marie-Curie de la Comisión
Europea para formar parte de la red doctoral CoHaB(Constructions of Home and Belonging) y ha participado
en diversos proyectos de investigación relacionados
con la migración transnacional, las relaciones de género y los cuidados. En 2021 cursó el Master Performance Practices en ArtEZ University of the Arts en
Arnhem, Holanda.

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Camille Hanson - Ladinamo. Bailarina y coreógrafa
licenciada en Bellas Artes, en Danza Clásica y Contemporánea y Máster en Coreografía y Performancede U.C.L.A (Universidad de Los Ángeles, California,
U.S.A). Ha trabajado con diversos artistas y compañías
entre Europa y Estados Unidos: MN. Dance Theater,
Kristen Kusanovich y Paul Thompson, Elena Córdoba, entre otros. En 2002 se trasladó a Madrid y fundó el proyecto madrileño Ladinamo Danza, donde
recibió el primer premio coreográfico de Teatro Nuria Espert, Madrid. Actualmente, realiza sus propias
creaciones escénicas y site-specific works para festivales
como Alt. Vigo, Spain NOW!, Territorio Danza, Hurta Cordel de La Casa Encendida, Teatro T.E.A., y Teatro Victoria de las Islas Canarias, Veranos de la Villa
Danzacalle. Dust and Water (2013) formó parte del proyecto Nomadans. Su última creación, Make me Wild
(2023) se presentó en el Museo de las Américas dentro del Festival Ellas Crean de Madrid.
Ainhoa Hernández. Coreógrafa madrileña afincada
entre Madrid y Ámsterdarm. Graduada en DAS Theater MA en 2022. Su trabajo atraviesa prácticas contrahegemónicas -como la brujería, el movimiento drag,la magia o la herbología- bajo el hechizo de la estética
pop, la tecnología y la cultura mainstream inherentes
a nuestra realidad actual. Actualmente desarrolla elsegundo capítulo de su proyecto Blooming-The Saga.
Precisamente la primera parte, Blooming-The Saga-La
antorcha, la llave y la serpiente, se mostrará en 2023 en
Frascati, La Capella y Bâtard Bruselas. Ha recibido
el 3Package Deal 2023 en la categoría de Danza. Es
miembro fundador del colectivo coreográfico Twins
Experiment y forma parte del proyecto curatorial Saliva, y de Bastante Algo, Otros Muebles, un proyecto
que combina diseño y coreografía. Ha expuesto trabajos en contextos como: Gessnerallee Zurich, Center for the Performance Research NY, Tanzquartier
WIEN, Archeologies of the Future ARG, Museo delChopo MEX Antic Teatre BCN, La Caldera BCN, La
Casa Encendida MAD, CA2M, MAD. Ha trabajado con
Valentina Desideri, Xavier Le Roy, María Jerez, Meg
Stuart, Andrea Zavala, Rosa Casado & Mike Brookes,
Eli Steffens, Reza Mirabi, Alexa Mardon, entre otros.

Memoria de actividades

Francisco Hidalgo Cía. Nacido en Algodonales (Cádiz,1985), es Licenciado en Pedagogía del baile flamenco
por el CSDMA de Madrid y Máster en Liderazgo y
Gestión de proyectos culturales por la URJC de Madrid. Habitual en tablaos como Los Gallos, Corral dela Morería o Casa Patas, funda su propia compañía alrecibir el encargo del Instituto Cervantes de producir el espectáculo Sonidos Blancos (2015), que rota por
el Magreb. Con el apoyo de la Fundación Casa Patas
creará Los Silencios del Baile (2016) y Binomio (2017), que
estrenará en el Miami Dade County Auditorium, girando por diferentes ciudades de EE.UU. como Teatro
Gala de Washington, Benaroya Hall de Seattle y Center for the Performing Art de Olympia. Con producción propia estrena Ver, oír y bailar (2018) con apoyo
del Teatro Vicente Espinel de Ronda, posteriormente
se presenta en la XXIV edición del Festival Flamencode Jerez y gira por diferentes festivales y circuitos
nacionales e internacionales. Moscas y Diamantes(2022) una propuesta creada a partir de una residencia de investigación otorgada por el Centro Coreográfico Canal. Hidalgo también crea, desde 2021, variaspiezas breves o improvisaciones vinculadas al mundo del arte, como Impulsos pictóricos (2021) en Casa deVelázquez; Mahtematical Inmmanaence (2022) para unproyecto del artista Miguel Angel Rego para el Museo
Marienma de Iscar – Valladolid; Bailar a Siquier y Gasparini (2022), vídeo-danza para la Fundación MAPFREde Madrid (2022). Su trabajo Moscas y Diamantes(2022), creado bajo una residencia de Investigacióndel Centro Coreográfico Canal, se pudo ver en el Festival Madrid en Danza de 2023. Hidalgo ha sido seleccionado por los festivales Suma Flamenca, Festival
Flamenco de San Blas, La Isla ciudad flamenca, Nuits
Flamencas de Chateauvallon, Festival de Avignon,
Jornadas flamencas de la Fortuna, Festival de Cante
Grande de Ronda, Festival La Serrana o Festival de la
Guitarra de Marchena entre otros. Como intérprete,
ha trabajado para compañías, coreógrafos o directorescomo Lucía Guarnido, Yurico Yoda, Cristina Hoyos,
José Carlos Plaza o Arlene Phillips, entre otros.

HURyCAN. Bautizada en 2013 por Candelaria Antelo
y Arthur Bernard Bazin, HURyCAN es un proyecto
de creación escénica que afirma la necesidad
comunicativa del movimiento, sus límites, su
dimensión personal y emocional. El trabajo expone
una experiencia física y sensible a través de juegos
ingenuos y transgresores. Candelaria Antelo inicia sus
estudios de danza contemporánea en Buenos Aires.
A continuación, viaja a Inglaterra, donde se gradúa
en la escuela The Northern School of Contemporary
Dance (2007) y en Madrid en el CSDMA (2013). Durante esos años trabaja con coreógrafos como, Dani
Pannullo, Jivko Jeliazkov, Mey-ling Bisogno y Lucio
Baglivo. Arthur Bernard se inicia en las artes escénicas en París. En 2007 se instala en Madrid donde
profundiza su formación teatral y corporal. Estudia
en LA USINA, LA RESAD, el CSDMA y trabaja con
coreógrafos como Camille C. Hanson, Maryluz Arcas(La Phármaco) y Sharon Fridman, con quien realiza
una colaboración continua como bailarín y asistente
entre 2010 y 2015. Juntos empiezan a investigar en2010 creando Discordio, pieza ganadora del Certamen
Coreográfico de Vallecas. Su primera creación como
HURyCAN es Te odiero, que les valdrá diversos premios en España, Alemania y Francia. Después vendrán los también internacionalmente premiados Je tehaime (2013) y ASUELTO (2016). A fecha de hoy, lacompañía funciona como una plataforma donde ambos coreógrafos pueden desarrollar sus creaciones
de forma paralela, como es en el caso de Maslenitsa(2020), tuS extremoS y bruta.L (2021).
Instituto Stocos. Cofundado y codirigido por labailarina, coreógrafa y pedagoga Muriel Romero y elcompositor Pablo Palacio en 2008, está centrado en el
análisis y el desarrollo de la interacción entre el gesto
corporal, el sonido, la imaginería visual, las nuevas
tecnologías y la psicología experimental. El Instituto,que se mueve tanto en el campo de la investigación,la teorización y lo pedagógico como en la creación detrabajos escénicos, ha producido piezas como Acusmatrix (2008), Catexis (2010), Stocos (2012), Piano & Dancer(2016), The Marriage of Heaven and Hell (2018), Oecumene (2019) o sus series Neural Narratives (2014-15) y The
Hidden Resonances of Moving Bodies, cuya segunda partehan desarrollado en el Centro Coreográfico Canal. Su
trabajo ha sido apoyado por los organismos españoles
de cultura exterior (INAEM, AECID, Instituto Cervantes) y la UE, y han participado en publicaciones
y talleres en conservatorios y universidades nacionales e internacionales. Actualmente colabora junto a
Motion Bank (el proyecto de digitalización coreográfica de la Forsythe Company) y C-DaRE (Centre forDance Research of Coventry University), en un nuevo
proyecto europeo dentro del programa Horizon2020,
centrado en explorar cómo la inteligencia artificial
puede contribuir a expandir la creatividad en la creación coreográfica y musical actual mediante la interacción entre movimiento corporal, sonido e imagen.

77

Lucía Lacarra (Zumaia, Guipúzcoa, 1975). Primera
Bailarina del Ballet de la Ópera de Múnich. Considerada una de las principales figuras del ballet clásico actual, presenta una trayectoria artística de granrelevancia. Su interés por la danza lo mostró desdeuna edad muy temprana y a los 9 años comenzó atomar clases en su Zumaia natal. A los 13, ingresa enla Academia Thalía de Mentxu Medel en San Sebastián, y un año después llega a Madrid para ingresaren la Escuela de Víctor Ullate, en la que comenzó
a despuntar como futura promesa de la danza, hoyconsagrada. El Ballet Nacional de Roland Petit, dondeinterpretó todo el repertorio del prestigioso creador,el Ballet de San Francisco y el Ballet de la Ópera deMúnich, del que ha sido solista desde que ingresara
en 2002, conforman la carrera artística de esta bailarina galardonada con el Premio Nacional de Danza en
la modalidad de Interpretación en 2005. Un premio
que se suma a otros en su haber como el Premio Nijinsky 2002 y el Benois de la Danza 2003.
Psico Ballet Maite León. Nacida en Madrid en 1943,
fue titulada por el Real Conservatorio de Madrid en
Danza Clásica y Clásica-española. A los 18 años completa sus estudios en la Escuela de la Ópera de París, donde colaborará como coreógrafa con algunas
compañías francesas. Se convierte en maestra y coreógrafa de la Escuela de Teatro Ópera de Munich,así como del Ballet de Stuttgart, alternando dichas
experiencias con la dedicación a compañías de danza españolas como las de Pilar López, Alfredo Lariay Mariemma, participando en distintos festivales nacionales e internacionales. Cuando regresa a España,
crea su escuela de danza Thalia y comienza a trabajar
como coreógrafa para la Compañía de la Antología dela Zarzuela, bajo la dirección de José Tamayo. En 1968
nace su primera hija, Marite, que sufre anoxia cerebral durante el parto y le produce una lesión cerebral.
En este momento, Maite se aparta temporalmente delmundo laboral para dedicarse a su hija. Comienza aestimularla física y sensorialmente a través de la danza, la música y el canto, estableciendo una relación
entre ambas de trabajo, superación y conocimiento.
Maite descubrió belleza en los movimientos de su
hija y una nueva forma estética. Y comienza a trabajar a través del arte con alumnxs con dificultades
de aprendizaje, con problemas de integración social
y finalmente con singularidades psicomotrices. Junto
con su compañero Fidel Martín constituyen en 1980
la compañía Psico Ballet, integrada por 40 bailarinxs
con y sin diversidades funcionales, realizando su primera representación artística con el espectáculo Contaminación en 1982, al que seguirá Nacimiento para un
Eclipse (1983). En 1992, con el apoyo del Ministeriode Trabajo y Asuntos Sociales, crea la Escuela permanente de Artes Escénicas y Discapacidad y actual sedede la Fundación Psico Ballet Maite León. Maite León
falleció en 2006, pero su compañía sigue viva.

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Poliana Lima (Brasil, 1983). Bailarina, coreógrafa y docente, afincada en Madrid desde 2010. Licenciada en
Ciencias Sociales por la Universidad Estatal de Campinas, se forma en ballet clásico y danza contemporánea en varios centros de São Paulo. Inicia sus creaciones coreográficas en 2011, con la pieza Palo en larueda. En 2012 comienza a colaborar con la coreógrafa lituana Ugne Dievaityte, creando juntas las piezas
Es como ver las nubes (2013) y Flesh (2014), premiadas
en varios certámenes coreográficos y que giran internacionalmente. En 2013 crea para el Museo de Arte
Contemporáneo de Zagreb (Croacia) la pieza Cuerpo-Trapo, y en 2014 su Atávico gana varios premios en
el Certamen Coreográfico de Madrid, y las becas Impulstanz Viena y Tanzhaus Zurich. Con Hueco (2018)logra dos nominaciones a los Premios Max de 2018,en las categorías de Espectáculo Revelación y Autoría
Revelación. Artista asociada del Centro Conde Duquede Madrid, donde ha estrenado Aquí. Siempre (2019)y Las cosas en la distancia. Su último trabajo, Las cosas
se mueven pero no dicen nada (2020), estrenado por los
Teatros del Canal, se ha visto en 2021 en el Centre
National de la Danse de Paris.
Make Sense - Cía. Lydia Rioboo. Bailarina, coreógrafa y formadora nacida en Córdoba y afincada en
Madrid. Comenzó estudiando flamenco y danza española, pero pronto se decidió por las danzas urbanas y la cultura hip hop. Se formó entre Andalucía,
Madrid y París, y es habitual del circuito de batallasde la FEBD, donde ha dirigido el apartado Hip Hop
Topstyle Battles. Fundó Make Sense en paralelo a su
propia compañía, con la que por ahora está preparando la pieza Isolé. Ha sido intérprete principal delespectáculo Casse Noissete (2022) de la coreógrafa hispano-francesa Blanca Li.
Adrián Manzano. Bailarín, docente y coreógrafo andaluz graduado en danza contemporánea por el Centro Andaluz de Danza, completa su formación en
Madrid en el Laboratorio de Danza 180º. Intérprete
en compañías como Date Danza y Cía. Arnau Pérez,para el que interpreta Young Blood. Bailarín en piezasde Carla Diego, EYAS Dance Project, Javier Guerrero,
Victoria Miranda… y en Lo que yo canto, una pieza decreación propia junto a Diana Grytsailo que ha recorrido gran parte del territorio nacional. Obtuvo elprimer puesto en el Certamen Solodanza La Imperdible con la pieza Fase REM. Otros de sus trabajos sonlas piezas Llorona de azul celeste y Hay un fuego para el
LAB coreográfico de Danza180º. Participó y recibió
el tercer puesto en el talent show de televisión Famaa bailar! Y ha sido coreógrafo para diferentes artistas
musicales, como Natalia Lacunza y Taburete.

Memoria de actividades

Lucía Marote (Costa Rica, 1980). Bailarina intuitiva desde la infancia, tomó clases de ballet, gimnasia
deportiva, danza contemporánea y otras disciplinas
corporales, pero no siguió una educación reglada,
Marote entró de joven en compañías de danza independiente y comenzó a dar clases de baile en Costa Rica. Emigró a España a principios del milenio yfundó su compañía en 2012, dedicada precisamente
a proyectos que dialogan entre lo estructurado y lo
preciso y lo caótico y espontáneo, y que se asumen
de una forma más emotiva que intelectual. Entre
sus trabajos destacan El Pie (2012), Downtango (2017),
Anatomía del Sentimiento (2018), Fall (2019; nominada
a los Premios Max) o Perder tiempo para ganar espacio(2020) y El ojo del huracán (2021) estrenada en Teatros
del Canal. Marote ha sido profesora invitada del Belgrade Dance Institute, y ha participado en festivales
y circuitos como Acieloabierto, Danza a Escena, Ellas
Crean, Surge Madrid, Abierto en Canal y The Lucky
Trimme (Berlín).
Helena Martín. Bailarina, coreógrafa y con un máster
en Investigación de Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos, empezó su carrera en el Ballet
Nacional de España, donde interpretó numerosos roles como solista y primera bailarina, destacando como
intérprete principal en Bolero, del maestro José Granero. Tras su paso por el BNE, será primera bailarina delBallet Teatro Español de Rafael Aguilar. Aquí trabajará
además bajo las órdenes de prestigiosos profesionales
como José Antonio, Joaquín Cortés y Antonio Gades.
Paralelamente, trabaja asiduamente, como intérprete
y cocreadora, con el bailarín y coreógrafo de danzacontemporánea Patrick de Bana. Es artista invitada dela compañía Antonio Márquez, donde interpreta el papel principal en la obra cumbre del maestro Granero,
Medea (premio del público del XXV Festival de Jerez)
y que le ha valido una candidatura a los premios Max
como mejor intérprete femenina de danza. Como coreógrafa, cabe destacar Igual que tú, pieza creada junto a Saulo Garrido con dirección artística de Candela
Peña, que recibe el primer Premio de coreografía y el
Premio Bailarina Sobresaliente en el X Certamen deCoreografía de Danza Española y Flamenco; El baño,
que recibe el Primer Premio en el VI Certamen Internacional de Danza y Artes Escénicas Ciudad de Alcobendas, y el segundo premio en el XX Certamen
de Danza Española y Flamenco de Madrid, y premio
Conservatorio Superior de Danza María de Ávila) y suúltima creación, en coproducción con los Teatros delCanal, Los Narciso, estrenado en 2022.

Sara Martín es una pedagoga y bailarina española deflamenco y danza española, miembro del Consejo
Internacional de Danza de la Unesco. Licenciada en
Danza Española por el Real Conservatorio Profesional de Danza Marienmma, ha trabajado durante másde quince años para compañías y coreógrafos comoÁngel Bleda, Miguel Ángel Berna, Sara Baras, José Antonio, Antonio Canales, Patrick de Bana, José Huertaso Aída Gómez, compañía en la que trabajó durante
8 años. Posteriormente, pasó a la Compañía Antonio
Márquez como bailarina solista, y luego con Ibérica
de Danza.
Richard Mascherin. Artista canario nacido en 1992 yafincado en Madrid desde el 2010. Graduado en Danza Contemporánea, Título en Dirección General de
Cine y Título en Especialista de Cine y TV. Ha pasado
por trabajos escénicos con directores y coreógrafos
como Sharon Fridman y Marcos Morau, entre otros.
En su trabajo artístico indaga y vincula diferentes
medios: danza, performance, vídeo y fotografía. Dirige
su proyecto CAER, CAER, CAER, ramificado en diferentes formas y propuestas escénicas y visuales en
torno a la inevitabilidad del hecho de caer y volverse
a poner en pie. En 2023 estrena He aquí un acto romántico en los Teatros del Canal, como merecedor deuna Residencia de Creación del Centro Coreográfico
Canal.
José Maya. Bailaor y coreógrafo nacido en 1983 en elseno de una familia gitana de larga tradición artística,
no solo en el ámbito musical. Empieza a bailar profesionalmente con nueve años, compartiendo cartel
en el Teatro Albéniz de Madrid con Antonio Canales,
Juan Ramírez y Joaquín Grilo. A los trece entra enla compañía de El Güito y Manolete. En 1998 ganala Copa Pavón y el premio al Mejor Bailarín del Certamen Coreográfico de la Comunidad de Madrid enel 2000. Ese año es objeto de la beca Fundación Autor-Cátedra Alicia Alonso de Ballet Clásico. Entre sus
trabajos recientes destacan Al Natural, un musical flamenco representado en el Teatro Alcalá de Madrid oel Festival de Jerez; El velero de las rosas (2008), junto
a Lola Greco; Grito (2010) junto a Antonio Losa; Maya
(2011) que giró internacionalmente; Latente (2014),
estrenado en Le Palace de París y también un éxito
internacional: Baila (2018), junto a Farruquito; Rizoma(2021) junto a Pastora Galván; Liturgia (2022) o Color sin nombre (2023). Maya es habitual de los espectáculos de grandes guitarristas como Vicente Amigo
o Tomatito. Actualmente, Maya vive a caballo entre
Madrid y París, donde tiene su escuela de danza.

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Lucía Montes & Mado Dallery. Surgida en 2021 porel deseo de ambas intérpretes y coreógrafas decrear y bailar juntas, uniendo sus conocimientos en
diferentes disciplinas y utilizando la gran afinidad
artística y personal que vienen desarrollando. Mado
Dallery (Milán, 1998) se formó entre París e Israel. En
2017 se afinca en Madrid como bailarina, colaborando
con Somosdanza, La Compañía Antonio Ruz y en Larumbe Danza. Lucía Montes (Castro Urdiales, 1991) se
formó entre Chile, Marruecos, Costa Rica y España.
Licenciada por el Conservatorio Superior de Danza
María de Ávila, comenzó a trabajar en 2012 como intérprete y asistente con la Compañía Sharon Fridman.
En 2015 creó junto a Nathalie Remadi el dúo Masawa.
A partir de 2018, amplía también su radio de trabajo
con otros coreógrafos como Richard Mascharin, Elías
Aguirre, Antonio Ruz, Camille Hanson, La Phármaco,
Larumbe Danza o Fabian Thomé. Su conexión artística las ha llevado al deseo de investigar sobre su relación y semejante manera de ver la danza y su alrededor. IN-SIDE (2021) fue su primer trabajo conjunto.
Moodanza es una compañía emergente dirigida yfundada por Marina Vara Busto. Licenciada en Danza
Clásica en el CPD Maribel Gallardo de Cádiez y también exalumna del Centro Andaluz de Danza en Danza Neoclásica y Contemporánea, formada con profesionales como Johan Inger, Davis Robertson, Elena
Vostrotina, Amancio González, África Guzmán, Carmina Ocaña, Otto y Jîri Bubenicek, Elena Matamoros,
Rubén Olmo o José Carlos Martínez, entre otros. Profesionalmente ha trabajado en varias producciones dedanza y ópera con coreógrafos como Blanca Li, Michele Merola, Yoshua Cienfuegos y Davis Robertson.
Bailarina en el LAB 180º durante la temporada 202021, dirigido por Adrián Manzano, Fernando Lázaro e
Iker Karrera; y en Larumbe Danza durante la temporada 2021-22 a cargo de Juan de Torres.
Movimiento Colectivo. Tatiana Chorot, Laura Cuxart,
José Luis Sendarrubias y Dácil González se reúnen
por primera vez en 2021 bajo el nombre de Movimiento Colectivo. Sus trayectorias les unen por primera vez, y les brindan la oportunidad de compartir experiencias, propiciando un espacio en común,donde desplegar un imaginario de movimiento y deacción. Compartirán bagajes, conocimiento, y modosde abordar la escena. Han creado de forma conjuntaÚtil (2021), un proyecto que obtuvo una residencia deinvestigación del Centro Coreográfico Canal.

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Ruth Muelas. Titulada Superior en Coreografía e Interpretación por el CSD María de Ávila y graduada
en danza contemporánea con Mención de Honor por
el RCPD Mariemma (Madrid). Complementa sus estudios como bailarina, pedagoga e investigadora de la
danza con una Licenciatura y estudios de Tercer Cicloen Ciencias del Deporte (Uex), así como un Máster
en Artes Escénicas (URJC). Tras iniciarse en la danza
clásica descubre la danza contemporánea con profesores como Fernando Hurtado, Pablo Molero, Olga
Cobos, Peter Mika, Hans Werner o Juschka Weigel.
Becada en LCDS (Londres) para ampliar su formación
con maestros como Francesca McCarthy, Akane Abe,
Richard Alston, Martin Lawrence, Tory Jestyn o Lyndsey McConville (2005). Ha bailado con coreógrafos
como Pedro Berdäyes, José Reches, Fernando Hurtado, Cristina Silveira, Shlomi Bitton, Elías Aguirre o
Teresa Nieto (Premio al Mejor Espectáculo en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, 2012).
Como docente ha sido invitada a diversas universidades, escuelas, conservatorios y centros de formaciónde profesorado como La Escuela Profesional de Danzade Burgos (EPDCyL), el Aula de danza de la Universidad de Extremadura (Uex), el Centro Europeo deFormación para la Danza-Ballet Blanca Li o el Conservatorio Superior de Málaga. Actualmente compagina su labor como pedagoga en la EPDCyL con la elaboración de su tesis doctoral en biomecánica (UMH)y su colaboración permanente con la compañía Elías
Aguirre y el Festival Cuerpo Romo de Madrid.
Inés Narváez Arróspide. Graduada en danza por elReal Conservatorio Profesional de Danza Marienmma de Madrid, completa sus estudios con profesoras como Michelle Man, Marnie Thomas y otros.
También estudia Arte Dramático en Ensayo 100 y
DT Espacio Escénico. Durante años, colabora como
intérprete o asistente de dirección en producciones
de distintos directores y coreógrafos, entre los que
destacan Natalia Menéndez, Jesús Rubio, Guillermo
Wumutt, Carmen Werner, Sharon Fridman, Mónica
Runde o Pedro Berdäyes. Fue miembro confundador,
desde 2009 hasta 2014, de los proyectos T.A.C.H., La
mínima y Aula 3, en los que se acerca a la creaciónde un modo colectivo. Desde 2014 empieza a hacer
sus propias creaciones en solitario estrenando Un minuto de silencio (2014), Reflexiones de una disléxica (2015),
Time Out (2016), estos dos para el festival Surge deMadrid, Olvido… de Hilo Blanco (programado en Madrid en Danza en 2016) o el proyecto para espacios noconvencionales Boceto Ef ímero (que desde 2017 hasta
la actualidad ha circulado por distintas instituciones
como la Fundación Telefónica, el CAB de Burgos, la
Universidad de Navarra...), Tr3s (2017), Y quizás sonría(2017), One Moment In time-AHORA (2019), Las Musas(2020), Dos de Gala (2021). Desde 2018 codirige 10 &10 Danza junto con Mónica Runde y Elisa Sanz.

Memoria de actividadesCompañía No Bautizados. Fundada en 2018 por Katia
Humenyuk y Rolando Salamé, integra la danza contemporánea con el teatro gestual y ha sido premiado en diversos certámenes y festivales, tales como
Burgos Nueva York, Bionic Dance festival y el Certamen Coreográfico de Madrid, donde obtuvieron laresidencia en el Centro Coreográfico Canal para crearla versión larga de su pieza Lo invisible, estrenada el2020 en 21 Distritos.
Mireia R Novas. Titulada en coreografía e interpretación de danza por el CSMMA, completó sus estudios
también con conocimientos de danzas urbanas, teatro, publicidad, canto, piano y yoga. Compagina su
labor como coreógrafa de su propia compañía, activa
desde 2015, con la interpretación y asistencia en otras
como la Cía. Vinculados, Jorge Crecis, La Fura delsBaus. Activa desde 2015. Entre sus piezas, destacan
De(v)iledad (2018); ¿Y qué? ¡Ah! (2019) o Tele(a)fónica
(2022)
Emilio Ochando y Compañía. Coreógrafo valencianonacido en 1984. Comienza en la danza a los 9 años, ya los 12 ya participa en algún espectáculo del Ballet
Nacional de España. Prosigue sus estudios en Madrid,en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila. Comienza a colaborar con compañías como las de
Domingo Ortega, Malucos Danza, Nuevo Ballet Español y Flamenco Vivo. Constituye su propia compañía en 2014, creando espectáculos como Ida y vuelta(2014); 3DUno (2015); Siroco (2017, nominado al Max
a Mejor Interpretación de Danza Masculina y Espectáculo Revelación) o Clásica Tradición (2020). Ha ganado diversos premios en los Certámenes Nacional de
Flamenco y Danza Española, Alcalá de Henares, Concurso Internacional de Danza Española y Flamenco
Ciudad de Almería y Talent Madrid 2016.
OGMIA – Eduardo Vallejo. Compañía fundada en
2019 por el bailarín y coreógrafo Eduardo Vallejo,
formado en su juventud en artes plásticas, fotografía y artes marciales, y luego estudiante, profesor e
investigador de danza clásica y contemporánea. Ha
participado en festivales nacionales e internacionales como Madrid en Danza, Danza Xixón, Taztheatre
International, Abril en Danza, Masdanza, teatr i Tanca Zworowania, Gdansk festival Tanca entre muchos
otros. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Indulgence y Not Time to Rage (2019); Doppelgänger
(2020); The Holy Trinity (2020); Time X (2021) o MotherTongue (2021).

Annika Pannitto. Nacida en Italia en 1981, es coreógrafa, bailarina e investigadora, formada principalmenteen ballet clásico, del que pasó a la danza contemporánea. Después de una breve carrera como bailarina
para otros coreógrafos (como Adriana Borriello, Simona Bertozzi y Alessandra Sini), empieza su propio
trabajo en 2007 con la pieza Solitudo y desde entonces
ha creado piezas escénicas, obras site specific y películasde danza. Piezas recientes como Dances Beneath the Oaky los proyectos Piazza y The Third Table están muy relacionadas con la investigación práctica y teórica, que
comenzó durante un Máster de coreografía en ArtEZ
en Arnhem, donde se graduó en 2014. Su trabajo se
ha presentado en varios teatros y festivales, como elRotterdamse Schowburg de Rotterdam, el Museo Reina Sofía en Madrid, el Festival Diskurs ’15 de Giessen,
el Dock 11 en Berlín, el Festival de Santarcangelo, elMuseo MAK de Viena, el Atelier RE.AL en Lisboa y elCentro Coreográfico Canal en Madrid.
Dani Pannullo Dancetheatre Co. Fundada por el coreógrafo argentino afincado en Madrid Dani Pannullo
en 1999, y especializada en la fusión de las danzas urbanas de hoy (break-dance, hip-hop, parkour, etc.) yla danzas gimnásticas y acrobáticas, con la danza contemporánea occidental y las de otras latitudes (Butoh,
danzas tradicionales indias, danzas rituales árabes).
Entre sus espectáculos destacan Fuerza Extraña (1998),
Communion (1999), Yukkuri (2000), Orden de Aparición(2003), Oro Negro, teatro Hip-Hop (2004), Tiranah, Cabaret Hip-Hop (2005), Suite de Calles (2005), Quijote HipHop (2005), su serie de cinco espectáculos Desordances(2005-10), Uirapurú (2011), Avalanche (2012); Atlas. Mapof Moves (2018) o Expulsion! (dance riot), estrenado en
Teatros del Canal.
Fernando López Parra. Nacido en Madrid en 1990, es
Doctor en Estética por la Universidad Paris 8-Saint
Denis y también bailarín y coreógrafo que compagina
la actividad artística con la investigación académica yla enseñanza. Desde 2009 dirige su propia compañía
en el ámbito del flamenco contemporáneo, habiendo
estrenado más de diez espectáculos en los que la danza, la palabra y la música se entremezclan traspasando todas las etiquetas. En sus creaciones, ha contado
con la participación de artistas como Álvaro Romero,
Jero Férec, Belén Maya, La Chachi, Carmen Muñoz e
Isabel Do Diego, entre otros. Ha sido requerido como
director artístico y asesor por coreógrafos como Olga
Pericet, Belén Maya, Juan Carlos Lérida, José ManuelÁlvarez, Poliana Lima, Carmen Muñoz, etc. Ha recibido el Premio a Mejor Bailarín del Certamen ElÁlamo (2010) y la Beca DanceWeb (2013) del Festival
ImpulsTanz de Viena. Desde 2020 es Miembro de la
Academia de las Artes Escénicas de España y profesor invitado en diferentes universidades de España yFrancia, en las que imparte talleres teóricos y prácticos centrados en la investigación-creación y en lascuestiones de género en la danza. Entre sus piezasmás destacadas No más versiones: El Amor Brujo, El movimiento o Pensaor. Un filósofo en el tablao.

81

Cía. Arnau Pérez. Coreógrafo e intérprete nacido enBlanes (Girona). Graduado en interpretación de danza contemporánea por el CSDMA de Madrid, donde
reside y es director de su propio proyecto de compañía. Como coreógrafo, ha desarrollado piezas para
profesionales como Company E (Washington D.C.);
la Joven Compañía Gerard Collins (Valencia); el Jove
Ballet de Catalunya (Barcelona) o el Laboratorio 180(Madrid). Ha bailado en para Daniel Abreu, Instituto Stocos, Marcat Dance, Valencia Dancing Forward
y Elías Aguirre, e interpretado piezas de coreógrafos
como Sharon Fridman, Guido Sarli, Victoria P. Miranda, Fernando Magadçan o Gustavo Ramírez. Con su
creación Young Blood, fue galardonado con el premio
a mejor coreografía en el 24 Masdanza, además delpremio del público, jurado joven y bailarín sobresaliente en el 32 Certamen Coreográfico de Madrid.
También obtuvo el primer premio de coreografía enel 25 Festival International Solotanz Stuttgart con
Single. Otros de sus espectáculos han sido LP (2020) o
FRIDGE (2021), estrenado en Teatros del Canal.
Mauricio Pérez Fayos. Artista multidisciplinar valenciano, graduado en coreografía de danza contemporánea por el CSDMA (Madrid) y que también es iluminador profesional de espectáculos, incluidos los
suyos propios, y coordinador técnico de La Basal y el
Colectivo Banquet. Es creador residente en el programa Graners de Creació 23-25. Ha participado en diferentes certámenes como en el Certamen Coreográfico
distrito de Tetuán y en festivales de danza nacionales,
como Escena Abierta, Migrats en Breu o en Festival
10 Sentidos, que coprodujo su participación en la VII
edición. Entre sus espectáculos recientes destacan
Quiero avanzar, pero… (2022) o Esto iba a ser la oportunidad y ha terminado siendo mi primera despedida (2023).

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Olga Pericet. Creadora internacional, la bailaora y coreógrafa Olga Pericet comparte su vibrante arte con
el público de los principales festivales y teatros delmundo. Bebe de la tradición y se lanza al abismo delo nunca visto con espectáculos en los que late un
flamenco de opuestos: oscuro y luminoso, femenino y masculino, inquietante y bello. En 2018 recibe el Premio Nacional de Danza en la modalidad deInterpretación por “su capacidad de aunar las distintas disciplinas de la danza española, actualizándolas en un lenguaje interpretativo con sello propio”
y por “su versatilidad escénica y su valiosa capacidad de transmisión”. Gran renovadora del flamenco, muchos otros galardones reconocen su dominio
técnico, la armonía y el preciosismo de su trabajo:
el Premio MAX a la Mejor Intérprete de Danza por
Un cuerpo infinito (2020), el Premio Extraordinario deTeatro ACE Awards 2016 (Asociación de Cronistas deEspectáculos de Nueva York) o el Premio de la Crítica
del Festival de Jerez (2018). Es requerida por el Ballet
Nacional de España como coreógrafa invitada para el
espectáculo Electra, de Antonio Ruz. Como artista invitada ha colaborado junto a artistas de la talla de Belén Maya, Blanca Del Rey, Rocío Molina, Teresa Nieto,
Manuel Liñán, Marco Flores, Daniel Doña, Juan Carlos Lérida, Chevi Muraday, Ángel Rojas, Carlos Rodríguez o Miguel Ángel Berna, entre muchos otros.
Cía. Perros de otra vida. Fundada por Rolando Salamé, Óscar Lozano, Marta Wrzesinska, Leonardo Robayo y Lorena Díaz, es una compañía exclusivamente dedicada a la investigación en improvisación delmovimiento. Entre sus últimas creaciones, destaca A
tientas (2021)
La Phármaco. Fundada en 2009 por la bailarina y coreógrafa Luz Arcas (Málaga, 1983), ganadora del Premio El Ojo Crítico de Danza en 2015, Premio Mejor
Intérprete Femenina de Danza 2015 en los Premios
Lorca y nominada como Mejor Intérprete Femenina
de Danza en Premios Max (2017). Entre sus espectáculos destacan Kaspar Hauser. El huérfano de Europa(2016); Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella
(2017); Una gran emoción política (2018) coproducida por
el Centro Dramático Nacional y la trilogía Bekristen /Cristianos, estrenada en Teatros del Canal en 2019. Ha
coreografiado para el Víctor Ullate Ballet o la Compañía Nacional de El Salvador y ha realizado numerosos
proyectos en países de África y América. Su último
trabajo, Toná (2020), se estrenó en el Teatro de La
Abadía dentro del Festival de Otoño de Madrid.

Memoria de actividades

Elena Puchol Solá. Nacida en 1996 en Valencia, estudió ballet en el Conservatorio Superior de Danzade Valencia. Inmediatamente después desarrolló sus
habilidades contemporáneas en Rambert School en
Londres, terminando su Foundation/BA (Hons) Degree. Desde 2019, ha trabajado como bailarina freelance por Europa para diferentes compañías de danza,colectivos artísticos y artistas como TAIAT DANSA(Valencia), AOMaon (Francia), La Imperfecta (Madrid),
Chantal Kohllmeyer, Nicolas Ventura, Jesús Pedrochey Olivia Grassot, entre otros. A partir de 2020 desarrolla su propio trabajo coreográfico, con trabajos
como Breakers (2020); Ryttarna (2021, tercer premio en
el Concurso Coreográfico Burgos-NY, actualmente enrepertorio de la Joven Compañía de Castilla y León);No hay hueco en el Jardín (2022, ganadora en el 36º Certamen Coreográfico de Madrid de los premios AISGUE - Fundación ADF; Dantzaz Compañía; Residencia Vilarinyo, Festival Cervandantes y de la Crítica);
From the Hole y Puré Pure (2023). Actualmente dirige
su productora cofundada Somos, que desarrolla, produce y distribuye obras artísticas interdisciplinares
creadas sustancialmente con el arte del movimiento.
Paula Quintana. Creadora e intérprete. Su trabajo
se basa en un lenguaje personal que hibrida estilos
creando un vínculo con el espectador a diferentes niveles, intelectuales y viscerales, en un firme compromiso con el tiempo en que vivimos y la búsqueda deformas y modos genuinos para cada creación. Artista
Art For Change Fundación LaCaixa, 2021, ha recibido
también la beca Fonds de dotation Porosus y residencia en Cité international des Arts para CAMPING´19
de creación contemporánea en el Centre National dela Danse Paris; y los premios a Mejor Intérprete en
los Premios Réplica de las Artes Escénicas 2019; Primer premio III Certamen Europeo Mujer Creadora
Contemporánea 2016; Premio Especial Mejor Artista
Emergente Feria Umore Azoka 2015; Cuatro candidaturas Premios Max 2020 y dos en 2016. Como creadora, entre sus espectáculos destacan La Carne (2020),
Las Alegrías (2019), Siempre, en algún lugar (2017), Latente (2015), Amarga Dulce (2015), Sueño3 (2015) y Pieles(2014). Ha sido artista residente en Centro Coreográfico Canal Madrid, Centro Granner Barcelona, Tipperary Platform Irlanda o Teatro de La Abadía (Madrid),
entre otros. Realiza piezas site-specific, talleres y actividades de mediación cultural para instituciones yfestivales dentro y fuera de España. En los últimos
años ha presentado su trabajo en España, Italia, Francia, Corea del Sur, Reino Unido, Congo, Uruguay y
EE.UU. entre otros.

Begoña Quiñones & Verónica Garzón. Las bailarinas ycoreógrafas Begoña Quiñones y Verónica Garzón comenzaron a asociarse creativamente a partir de 2012.
Begoña Quiñones, junto a Mar Rodríguez, creó fETCH,
un dúo que recibió en 2013 el Premio del Jurado enel Certamen Coreográfico del 18MASDANZA. Verónica Garzón, mención a la bailarina sobresaliente en el
Certamen Coreográfico de Madrid Pasoa2 (2009), obtuvo el Premio a la Mejor Coreografía de Danza Contemporánea en el I Certamen Coreográfico Distrito
de Tetuán (2014). Fruto de la colaboración entre las
dos coreógrafas sería Prueba Trinity 1.0 (2014), una pieza que recibió el apoyo de varias plataformas (Dantzagunea, Larumbe Danza, Conservatorio Superior deDanza María de Ávila, Certamen Coreográfico de Madrid, Festival Internacional de Danza Contemporánea
MASDANZA, Centro Coreográfico Canal), así comosu representación en varios festivales nacionales. En
2017 crearon Tríptico, una pieza larga que se estrenaría
en el Centro Cultural Conde Duque dentro del Festival Ellas Crean, y que sentaría las bases de su actual
colaboración: Pacto, pieza ganadora del Primer Premio de Coreografía en el XXXII Certamen Coreográfico de Madrid 2019 en su versión corta y estrenada
en la Sala Negra de los Teatros del Canal en octubre2020 en su versión larga.
Esther Rodríguez-Barbero. Coreógrafa, performer yarquitecta. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y
Cultura Visual de la UCLM en colaboración con elMuseo Reina Sofía. Trabaja en la investigación a través de la práctica artística. Su trabajo se mueve entre
la coreografía, la práctica escénica, lo performativo
y arquitectónico, empleando principios asociados a
dichas disciplinas para diseñar prácticas espaciales ysociales. Investiga los usos del espacio en relación al
cuerpo y su movimiento. Actualmente se dedica a diseñar prácticas que invitan al público a experimentar
otras maneras de relacionarse con lugares específicos.
Estas prácticas proponen revisitar hábitos y comportamientos como estrategia coreográfica para expandir el espacio performativo. En el 2017 se traslada a
Bruselas para continuar su labor de investigación ena.pass (advanced performance & scenography studies). Sus últimos trabajos han sido Pase (Laboratorio
de Danza y Nuevos Medios. Etopia, centro de Artey Tecnología); We Can Dance (Teatro Pradillo, Certamen Coreografico de Madrid, Centro Conde Duque,
Antic Teatre, Centro Coreográfico Canal, La Caldera
Barcelona, L’estruch Sabadell, LEAL.LAV, TNT Terrasa
Trailers ´17-18); Guided Tour (‘Artistas en Residencia 18’
La Casa Encendida-CA2M, a.pass), Manual: On Ways To
Inhabit a Table & Other Issues (Decoratelier, apass, Nadine, Bruselas 18).

83

Celia Reyes. Bailarina y creadora escénica, comenzó
su acercamiento a las artes del movimiento en 2012,
practicando Danza Tribal para luego pasar a la danza contemporánea o el butoh, sobre las que funda su
trabajo teórico y creativo. Es así mismo licenciada
en Arqueología y Máster en Artes Escénicas. Entre
2019 y 2020 estuvo inmersa en el II Laboratorio deCreación Escénica (Colectivo Cuerpo de Guardia) en
el Centro Conde Duque, para explorar herramientas
de creación, interpretación y composición escénica.
Crearon e interpretaron tres piezas: Ficciones, de Poliana Lima; la pieza de inmersión Vis-à-Vis Metrópoli,tutorizada por Sleepwalk Collective; y la performancede Vicente Arlandis en formato digital Siempre hay un
fondo. Ha creado un solo de danza, Gerundio, presentado en 2021 en el Certamen Coreográfico de Madrid,y compagina sus proyectos artísticos con la pedagogíadel movimiento y la investigación.
Daniel Rodríguez. Original de O Porriño (Galicia),
comienza en el mundo de la danza practicando baile deportivo. Comienza a formarse en danza clásica
y contemporánea a los 21 años, primero con Paula
Cobián, luego en Danza180º, y luego en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila en Madrid.
Ha formado parte como intérprete de piezas de Tangen-Benzal, Javier Guerrero y Sidi Larbi Cherkauoi
para el CSDMA. Como creador, participó en el festival
Abril en Danza y en el festival Herdanza con su pieza
Conxuro (2020). Fue becado ese mismo año por la Alvin Ailey School de Nueva York. En 2023 estrena su
pieza A raíz de en Danza Pontevedrda.
Castro Romero – Suite Española. Los hermanos granadinos José, Rosario y Ricardo Castro Romero están
entre los coreógrafos y bailarines de flamenco másreconocidos de España. Han sido también bailarines
invitados en prestigiosos conjuntos internacionales
como el Ballet Bolshoi, Mariinsky Ballet, American
Ballet, Ópera de París, Royal Ballet y Mikhailovsky
Ballet entre muchos otros. Han sido los primeros artistas flamencos invitados a bailar en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Rusia. En 2008 fueron
galardonados con el Premio de Danza Cultura Viva.
Han coreografiado las óperas Carmen para el Teatro
Bolshoi y El Diablo enamorado para el Teatro Stanislavsky de Moscú en 2019. A temprana edad bailaronen la aclamada película El Amor Brujo de Carlos Sauray Antonio Gades, y han sido figuras destacadas en elfamoso Corral de la Morería de Madrid. Crearon Suite
Española en 1994, donde siguen como directores artísticos, coreógrafos y bailarines principales. Entre sus
espectáculos más recientes destacan Buscando a Cervantes, Esencia Flamenca, Flamenco X Tres, La Petenera oMalasaña.

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Isabella Rossi. Bailarina y coreógrafa de origen brasileño, graduada en el Real Conservatorio Profesionalde Danza Marienma en 2016. Ha colaborado comobailarina con diferentes profesionales como Cía.
Input, Vilarinyo Dance Company, Mey-Ling Bisognoo Lucía Marote, entre otros. Como coreógrafa ha desarrollado (Sin título) cuerpo sobre espacio, propuesta que
fue seleccionada para participar en el proyecto Solosen Pradillo (2019) y finalista en el MM&I dentro del
33º Certamen Coreográfico de Madrid. Las últimas
colaboraciones como intérprete son en creaciones delas coreógrafas Poliana Lima, Candelaria Antelo y Natalia Fernandes, recibiendo el premio AISGE de bailarina sobresaliente en la pieza LINGUA.
Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982). Bailarín y coreógrafo independiente que lleva produciendo sus propias creaciones desde 2008, entre las que destacan
Anunciación (2011), El rapto de Europa (2013) o Ahora
que no somos demasiado viejos todavía (2016). Formado
en diferentes disciplinas teatrales y literarias por la
RESAD, el Real Conservatorio Profesional de DanzaMariemma o la Universidad Complutense de Madrid, es también Máster en Coreografía por la London
Contemporary Dance School (The Place) y Máster en
Práctica Escénica y Cultura Visual por la UAH. Con
una amplia trayectoria internacional, sus piezas se
han mostrado en festivales como Chantiers d’Europe,
Théâtre de la Ville de París; Festival Brandhaarden,
International Theater Amsterdam; Red Nacional deDanza de Suecia; Festival de Artes Escénicas de Lima;
ARC for Dance (Atenas); Greenwich and Docklands
International Festival de Londres; Birmingham International Dance Festival o Festival RomaEuropa. En
2020 recibe el Premio RNE Ojo Crítico de Danza, ysu pieza Gran Bolero (2020) ha ganado el Premio Max
al Mejor Espectáculo de Danza.
Cía. José Ruiz. Intérprete y coreógrafo emergente, nacido en Sevilla, donde se forma en el Conservatorio
Profesional de Danza y es becado por el Centro Andaluz de Danza. Posteriormente, ampliará sus estudios
de coreografía en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid. Se desarrolla profesionalmente como intérprete trabajando para creadorescomo Jesús Rubio Gamo, Cienfuegos Danza, Ramon
Oller, Mikel del Valle Danza, Victoria P. Miranda, Maxine Steinman, Ramsés Siegel, Sharon Fridman y La
Fura del Baus, entre otros.

Memoria de actividades

Cía. Patricia Ruz. Bailarina, coreógrafa y artista sonora y visual nacida en Madrid en 1972. En 1997 entra aforma parte de la Cía. El Tinglao, y en 2003 funda su
propia compañía. Entre sus espectáculos más representativos se encuentran A piel de pies (2000; segundo
premio de coreografía y mención especial en el XIV
Certamen Coreográfico de Madrid); Ensayo para un
beso (2001); La medida y Alas (2004); En Blanco (2005,
segundo premio de coreografía en el XIX Certamen
Coreográfico de Madrid); el solo Con la yema de los dedos (2006); Cóctel (2010); Café e Ida (2014); Animales deCompañía (2015); Guernika (2016), Polvo o Green (2017).
Ha creado así mismo los cabarets Choc-Bang-Boom(2002); Paraíso 7 (2008) y Humo (2014), y los espectáculos infantiles Parapapel (2007), Cuatro (2013, ambos
en colaboración con Maral Kekejían y David Picazo,
con los que funda una compañía específica para losmás pequeños: Demolecula), y Ciudades (2022) con el
Colectivo Milímetro que ella misma funda. Durante
11 años trabajó en el departamento pedagógico del
MNCARS, creando proyectos educativos que vinculaban danza, música en directo y obras artísticas.
Paula Sánchez-Cía. Intangible. Bailarina, coreógrafa, investigadora, pedagoga y también autora de literatura
infantil, nacida en Madrid en 1972. Se formó en losestudios de danza de Carmina Ocaña y Carmen Roche,y también en la Escuela del Ballet Nacional de España. De 1996 a 2006 fue bailarina del Nederlands Dans
Theater, bajo la dirección de Jiri Kylian, para luego dedicarse como freelance a trabajos con el propio Kylian,pero también con Michael Schumacher, Dotroep, Richard Siegal o Ginstersdofer / Klassen. Como coreógrafa, desde su regreso a España ha participado en lapelícula Primos de Daniel Sánchez-Arévalo y en varios
proyectos del director David Serrano. Su Solo para 50
fue seleccionado en el programa Me, Myself and I de
Paso a 2 – Certamen Coreográfico de Madrid 2022.
Sara Sánchez. Joven bailaora de 18 años de edad, quelleva bailando profesionalmente desde los 9, se gradúa
en el Conservatorio Profesional de Danza Reina Sofía
de Granada. Ha participado en festivales como la Bienal de Málaga, La caña flamenca o el Festival de Jerezy ha bailado como artista invitada por Alejandro Sanzen sus conciertos en Madrid. Entre las compañías oprofesionales con los que ha trabajado o colaborado, seencuentran Diego Guerrero, Luis de Perikín, Andrés
Barrios, Israel Fernández, Diego Carrasco, Rosa López,Kiki Morente, Marta Sánchez o María Toledo. Actualmente forma parte de la banda Patax.
Eva Sanz. Bailarina, Creadora y Pedagoga de Danza
Contemporánea. Licenciada en Pedagogía de la danza y
Master en Artes Escénicas en la Universidad Rey Juan
Carlos de Madrid (Instituto Alicia Alonso). Desde el año
1995 dirige el Aula de Danza de la Universidad Carlos
III de Madrid y realiza la dirección artística de la Cía
Universitaria El Laboratorio Uc3m, a través de una labor pedagógica basada principalmente en la Improvisación como herramienta de Composición en escena.

Cía. Peter Speler - Fernando Troya. Nacido en Madrid en 1989, este bailarín y coreógrafo emergente,
residente entre Madrid y Ámsterdam, ha bailado para
Goyo Montero, Stephan Thoss y Netherlands Dance
Theatre II. Ha producido proyectos independientes,
como la serie Reminiscente, una investigación sobre la
Teoría de la Forma de Platón y el pintor Francisco deGoya, con 5 creaciones de danza diferentes, representadas nacional e internacionalmente (México, Rusia,
Turquía...) y apoyadas por Dansmakers Amsterdam,
Korzo Theatre en La Haya, y los Fondos Nacionales
para las Artes Escénicas en Holanda y La Embajada
de España en Turquía, St. Petersburgo y Ciudad de
México; Essential Rights, galardonada con el BNG Bank
Dansprijs en los Países Bajos; estrenada en el Teatro
Korzo de La Haya y representada en Dansmakers
Amsterdam; Withering, un solo representado y premiado en diferentes festivales de todo el mundo (1erpremio en el festival 10 Sentidos de Valencia, España;
2º premio a la mejor interpretación en el Festival Solo-Tanz-Theatre de Stuttgart y 3er premio a la coreografía en el Certamen Coreográfico Zawirowania deVarsovia). También participa en colaboraciones internacionales Found in Translation, con la creadora eslovena Kristina Aleksova; entre otras. Y simultáneamente,
Fernando también ha creado obras de encargo para
compañías de danza internacionales: Uncertain Distance para Ballet Finland, estrenada en el Teatro Nacional de Helsinki; The Animal That Takes You, para el
Budapest Dance Theatre, estrenada en el Teatro Nacional de Budapest. Recientemente ha creado obras
para universidades de danza de los Países Bajos: AHK(MTD y MIME Opleiding), ArtEZ y Codart.
Sergio R. Suárez (Madrid, 1995). Graduado en Danza
Española por el Real Conservatorio Profesional deDanza Mariemma, Título Superior de Coreografía de
Danza Española y Flamenco en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila y Máster en Estudios
LGBTIQ+ en la Universidad Complutense de Madrid,que finaliza con una investigación performativa sobre la construcción de los códigos de representacióndel lenguaje de la danza española y el flamenco enmateria de género. Como creador ha desarrollado diferentes trabajos: en junio de 2021 estrena I’AAM enel Ciclo Versión Original (DT Espacio Escénico) y enel Ciclo Iguales (Nave 73), ambas programaciones enfocadas a proyectos de creación escénica que aborden
cuestiones LGBTIQ+; en septiembre de 2021 estrena
Fetiche, firmando la coreografía en colaboración con
las intérpretes, en el CC Paco Rabal y el CC EduardoÚrculo, con posterior representación en Nave 73 en
enero de 2022. En octubre de 2022 estrena ¿Y ahora?
como continuación del proceso iniciado con I’AAM
en el marco del Festival Circuito Bucles. En noviembre de 2022 continúa desarrollando este proyecto hacia La Revisión como residente de investigación en elCentro Coreográfico Canal.

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Tejido Conectivo. Proyecto artístico fundado en 2013
y fuertemente comprometido con la pedagogía y laescena de la danza, con los nuevos modelos de educación a través del movimiento y con los nuevos lenguajes del cuerpo en la escena contemporánea. Apartede ser Escuela y promover talleres, como compañía
se dedica a la investigación, la producción y la creación coreográfica. Ha sido residente de Espacio en
Blanco y de Nave 73 en Madrid, donde desarrollan
su trabajo. Entre sus proyectos, mayoritariamente
coreografiados por Miguel Ángel Punzano y Andrea
Amor, destacan las piezas cortas Tai Sabaki (2015), Tábula Rasa (2016), Tr3s (2017), Kuzushi (2018) y la piezalarga TheWalk (2019).
Inés Valderas. Bailarina y coreógrafa, durante casi
una década asociada como intérprete a la compañía
LosDedae de Chevy Muraday, con el que interpreta
piezas como Le plancher o Marikón, ¡esto acaba de empezar! En paralelo, y junto a Sheila García, crea Ginebra
Movement, una empresa de asesoría del movimiento
que trabaja para eventos y firmas comerciales como
H&M, TRESemmé o La Liga, y que busca vincularel movimiento a otras disciplinas artísticas como lamoda o la arquitectura.
David Vento Dance Theater inicia su andadura en
2018 tras la producción de la pieza de danza Indala, premiada como mejor creación coreográfica en
dos certámenes. El éxito los impulsa a crear Neanderthal (2019), que recibe el premio FETÉN al mejor
espectáculo de noche. En esos años, Vento suma almúsico Silberius y a los bailarines Graciel Stenio yFrancisco Lorenzo, que se convierten en colaboradores estables del proyecto. Vento es un artista multidisciplinar, director escénico y coreógrafo que centra su trabajo en la danza, el teatro físico y las artesdel circo. Se inició como bailarín de breaking en su
Salamanca natal, convirtiéndose en un habitual delas competiciones internacionales, también por su
virtuoso manejo del Cyr Wheel cirquense. En el año
2004, entró a formar parte de la compañía Circle ofTrust, y en 2008 trabajó para el Cirque du Soleil. En
los últimos años, David colabora asiduamente como
intérprete en grandes producciones operísticas delTeatro Real de la mano de directores como Romeo
Castellucci, Claus Guth, Hugo de Ana, Débora Warner o Robert Wilson.

Memoria de actividades

ENSAYOS DELAS COMPAÑÍASPROGRAMADASEN TEATROS DELCANAL Y OTRAS
ACTIVIDADES

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Uno de los motivos de la asociación del Centro Coreográfico Canal con
los Teatros del Canal es el de servir de plataformas complementarias deservicios públicos profesionales. Teatros del Canal estrena las creaciones
auspiciadas por el CCC, en su programa Canal Baila, y en contraprestación, el CCC permite el uso de estudios a las compañías profesionales,tanto nacionales como internacionales, que visitan los Teatros dentro desu programación anual. Este trabajo de asistencia creativa es fundamental para el buen desarrollo de los espectáculos que programa el Teatro,
dando un espacio profesional de ensayo a las compañías, para que retomen sus espectáculos en gira incluso tiempo después de haberlos producido, pero también es un elemento de difusión a nivel mundial de lalabor del Centro Coreográfico Canal y de sus dotaciones.
Durante 2023, nos han visitado las siguientes compañías de danza:
Blanca Li y Les Arts Florissantas para la coproducción con el Teatro
Real de Dido y Eneas; Les Ballets de Monte-Carlo / Jean-Christophe Maillot para su espectáculo Coppél.I.A; Mar Aguiló, con Swan; Eva Yerbabuena y Juan Cruz Días de Garaio Esnaola, para Re-fracción (desde mis ojos);Las Hermanas Gestring con Hacer Amor; Thétome Langlois de Swarte ySilvère Jarrosson con Visual Music; Compagnie Sam-Hester – Pierrine
Valli con Cloud; Ibérica de Danza con Celebración / Gaudí Dance Experience; La Juan Gallery para sus Acciones x m2 (dentro del Programa Canal
Performance); Luz Arcas – La Phármaco para su espectáculo Mariana;
Daniel Abreu con su nueva creación VAV; Kukai Dantza con ¿Y ahoraqué?; Hofesh Schechter Company para su espectáculo Double Murder:
Clowns / The Fix; Olga Mesa en diálogo con Francisco Ruiz de Infantecon 2019. Esto no es mi cuerpo; Anna van der Broek con Joy Enjoy Joy; Lasdacum con su espectáculo Aclucalls; el Festival Beta Pública para sus coreógrafos emergentes; Riva & Repele para su espectáculo Lili Elbe Show,dentro de la programación del Festival Madrid en Danza pero realizado
en el Teatro de La Abadía; William Kentridge Company con su ópera
africana Sybill; Lucía Lacarra Ballet con Lost Letters; Paco Hidalgo para
Moscas y Diamantes, en el marco de la programación de Madrid en Danza; Ondina Maldonado y Ferrán Carvajal, con No Gender; CompagnieMarie Chouinard para M; Komoco - Sophia Nappi para su espectáculoIMA, presentado en el Real Coliseo Carlos III de El Escorial en el marcodel Festival Madrid en Danza; Compagnie N´Soleh con Faro Faro; Compagnie X-Press – Abderzak Houmi para Y´a plus d´saisons; The Ruggeds
para su espectáculo Between Us; Battle Pro Series, para las competiciones
previas a las semifinales por categorías de su Summer Battle Pro Series
Madrid; Marina Otero para su nueva creación, Kill Me!; Sydney Dance
Companie – Rafael Bonachela para sus espectáculos ab [intra] e Impermanence; Olga Pericet con La Leona; Stocos Dance – Muriel Romero, en
el marco del Festival FIVER; Peeping Tom para su espectáculo S 62° 58’,
W 60° 39’; Niño de los Reyes para Vuelta al Sol; Gabriel Matías con Tierra,
en el marco del Festival Suma Flamenca. Dentro del marco del Festival de Otoño: Sasha Waltz & Guest con In C; Dimitris Papaioannou con
Ink; Luz Arcas – La Phármaco para Bekristen / Tríptico de la Prosperidad;
Mal Pelo, para sus espectáculos The Mountain, the Truth and the Paradise, y
Double Infinite. The Bluebird Call; Luz Prado y Jesús Rubio con su espectáculo Estudios Elementales y Ioanna Praskevoupou para su Mos. Además,
el Ballet Nacional de España con La Bella Otero y Cloud Gate Company
para su espectáculo 13 Tongues.

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En este mismo compromiso de apoyo artístico, elCentro Coreográfico Canal ha habilitado salas lectivas para los ensayos de las agrupaciones musicales
Ensamble Diderot, con su espectáculo Bach Inmersive-Ofrenda musical, y para los intérpretes del Festival
CLAZZ que así lo necesitaran.
El Centro Coreográfico Canal, consciente de lasnecesidades de un teatro polivalente y de amplio
espectro como los Teatros del Canal, pone otros espacios al servicio de las compañías teatrales que lonecesiten, en el marco de la programación de los Teatros del Canal o de los Festivales de la Comunidad
de Madrid, para ofrecerlos como salas de ensayo teatral para proyectos de pequeño y mediano formato.
Se realizan primeras lecturas y ensayos de puesta en
escena. Las compañías que han utilizado este servicio
han sido Marilú Marini y Erica Rivas para su espectáculo Mátate, amor; Katie Mitchell – Schaubünhe parael espectáculo Orlando; Chiens de Navarre para su espectáculo La vie est un fête; Juan Carlos Fisher para su
espectáculo Prima Facie, de Suzy Miller; Lobato&Rojas
para su espectáculo Sodoma, estrenado en la Sala Mirador en el marco del Festival de Otoño y Teatro delos Invisibles, para su espectáculo Contención Mecánica,
representado en el Teatro del Barrio en el marco delFestival de Otoño 2023.
Colaboración con el Certamen Coreográfico de Madrid
Todos los años, el Centro Coreográfico Canal colabora
con el Certamen Coreográfico de Madrid ofreciendouna residencia de investigación de duración variablepara los artistas ganadores de algunas de las categorías. Este año, la premiada con la residencia fue lacompañía Lookathingsdifferent, de Carla Cervantes y
Sandra Egido.
En palabras de las propias creadoras: “La residencia
en el Centro Coreográfico Canal de Madrid se convirtió en un capítulo transformador en nuestro viaje
artístico. Más que simplemente un espacio de creación, descubrimos la importancia de que existan lugares que brindan la oportunidad de poder formularte preguntas y explorar nuevas formas. Esta cortapero intensa residencia de una semana nos permitió
empezar a explorar diferentes técnicas de movimiento, enfocadas en el trabajo en pareja y a la construcción a través de dos cuerpos. Nos dio el espacio dereplantear nuestra forma de construir, buscando nuevas energías y densidades. No solo buscando nuevas
formas de movimiento, sino cómo crear una narrativa consistente a través de él. También tuvimos laoportunidad de trabajar por primera vez con un ojo
externo y no estar solas en la sala. Esto nos ayudó
mucho a tener una primera impresión de lo que seestaba generando y una guía en el ensayo, lo cual fue
muy positivo. Sirvió de comienzo y gestación de nuevas ideas para la siguiente pieza de formato largo, quetenemos en proceso de creación y esperamos poderseguir desarrollando pronto. Ojalá sea en este maravilloso espacio, que nos abrió sus puertas para empezara plantar esta semilla”.

Memoria de actividades

Lookathingsdifferent – Carla Cervantes y Sandra Egido. Bailarinas, coreógrafas y creadoras autodidactas
de contenido artístico relacionado con la fotografía,
el vídeo y la danza, interesadas por el arte, el mundo audiovisual y la arquitectura, y reconocidas por su
habilidad a la hora de mostrar nuevas perspectivas a
través de sus imágenes y movimientos. Llevan creando juntas desde 2013, desarrollando su identidad conjunta en China. Han viajado con sus creaciones por
países como los Emiratos Árabes, Croacia, Francia,
Alemania, Japón, Italia o la ciudad de Hong Kong. Su
estilo de danza se caracteriza por un trabajo de suelofísico y, a la vez, delicado, que incorpora influencias
de la danza contemporánea, del breaking y del threading. El trabajo en pareja es otro de los puntos claves
que destacan en la identidad de su propuesta. Entre sus coreografías más conocidas, destacan Huldra(2018) o Somos (2022, Primer Premio del Certamen
Danza en el Camino 2023; Premio reconocimiento
en el SAI Dance Festival de Japón 2023; Premio de
Acompañamiento y Residencia Centro Coreográfico
Canal en el Certamen Coreográfico de Madrid 2023).
Han sido objeto, de entre otros reconocimientos, elpremio Forbes 30under30 2020.
Rodaje del documental El paso ausente, sobre el Psico
ballet Mayte León.
El Centro Coreográfico Canal acogió varias sesiones
de grabación del documental El paso ausente, de la directora Judith Hidalgo, una producción de José María
Campos. Este documental de creación, donde bailarines con diversas capacidades como síndrome deDown, autismo, parálisis cerebral, sordera o ceguera
muestran, a través de la danza y la poesía, una visióníntima y artística de su vida, sus muros y formas desuperarlos, aprovechó los ensayos de la compañía Psico ballet Mayte León.
Psico ballet Maite León. Nacida en Madrid en 1943,
fue titulada por el Real Conservatorio de Madrid en
Danza Clásica y Clásica-española. A los 18 años completa sus estudios en la Escuela de la Ópera de París,donde colaborará como coreógrafa con algunas compañías francesas. Se convierte en maestra y coreógrafa de la Escuela de Teatro Ópera de Munich, así comodel Ballet de Stuttgart, alternando dichas experiencias
con la dedicación a compañías de danza españolas
como las de Pilar López, Alfredo Laria y Mariemma,
participando en distintos festivales nacionales e internacionales. Cuando regresa a España, crea su escuelade danza, Thalia, y comienza a trabajar como coreógrafa para la Compañía de la Antología de la Zarzuela, bajo la dirección de José Tamayo. En 1968 nace su
primera hija, Marite, que sufre anoxia cerebral durante el parto, lo que le produce una lesión cerebral.
En este momento, Maite se aparta temporalmente delmundo laboral para dedicarse a su hija. Comienza aestimularla física y sensorialmente a través de la danza, la música y el canto, estableciendo una relación
entre ambas de trabajo, superación y conocimiento.
Maite descubrió belleza en los movimientos de su

hija y una nueva forma estética. Y comienza a trabajar a través del arte con alumnxs con dificultades
de aprendizaje, con problemas de integración social
y finalmente con singularidades psicomotrices. Junto
con su compañero Fidel Martín constituyen en 1980
la compañía Psico Ballet, integrada por 40 bailarinxs
con y sin diversidades funcionales, realizando su primera representación artística con el espectáculo Contaminación en 1982, al que seguirá Nacimiento para un
Eclipse (1983). En 1992, con el apoyo del Ministeriode Trabajo y Asuntos Sociales, crea la Escuela permanente de Artes Escénicas y Discapacidad y actual sedede la Fundación Psico Ballet Maite León. Maite León
falleció en 2006, pero su compañía sigue viva.
Exposición Máquina Orgánica, en el marco de Canal
Connect. Realizado del 23 de marzo al 23 de abril, en
horario continuo de martes a domingo.
Un año más, el Centro Coreográfico Canal acogió
parte de la muestra expositiva que acompaña las jornadas Canal Connect: Ciencia, Arte y Tecnología. La
exposición, comisariada por el experto francés Charles Carcopino, llevaba por título Máquina Orgánica,
y trataba de interpelar al público sobre los últimos
avances que difuminan las barreras entre lo natural
y lo artificial en el mundo de la ciencia y la tecnología, a través de la biotecnología y sus implicaciones
bioéticas. “Las máquinas orgánicas transforman, reparan y aumentan lo vivo, mientras que las que tienen inteligencia artificial se vuelven autónomas hasta
el punto de convertirse en la primera potencia capazde organizar y gestionar el flujo de información entre
humanos”, especifica el comisario.
La exposición, distribuida entre los estudios 1 y 6
del Centro Coreográfico Canal, acogió las obras Floating Codes (2022), del alemán Ralf Baecker, una representación de las redes neuronales artificiales; Demain
les Robots (2019), de la francesa France Cadet, que abrela posibilidad de una reproducción biológica de entes artificiales; la escultura con pantallas pi(x)el (2022)
del español Filip Custic, sobre las posibilidades demodificación corporal; las esculturas interactivas
Vitamophose (2019) y Sexus Fleurus (2021), de la iraní
Yosra Mojtahedi, sobre nuevas especies sintéticas que
integran lo vegetal y lo animal; las esculturas electrónicas Especies IV, V y VI (2023), que reproducen comportamientos asociados a lo vivo, y La computadora quequería ser incomputable (2020), sobre una inteligencia
artificial que asume su propia mediocridad; todas
de la española Mónica Rikiç; la escultura interactiva Reliquiae Mirabilis (2023), cocreada por el colectivo francés Scenocosme (Gregory Laserre y Anais Met
den Ancxt) y la iraní Yosra Mojtahedi, que revive untronco de árbol muerto; la instalación audiovisual generativa e interactiva Prévisible-hétérotopies #2 (2020),
del francés Antoine Schmitt, que crea previsiones
climáticas apocalípticas; y la gran instalación robótica I.C.U (Intensive Care Unit) (2021) del canadiense Bill
Vorn, a modo de hospital de robots moribundos. Másde 12.000 personas recorrieron las instalaciones a lolargo de la muestra.

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Charla-coloquio y taller. Enrique Viana: El género frívolo, la zarzuela y el cuplé. Realizado el 29 de junio a las
18:30 horas. Duración: 90 minutos aprox.
Enrique Viana nos cuenta la manera de abordar un
género curioso, que tiene éxito cada vez que se poneen escena y se da a conocer al gran público del siglo
XXI. En una charla/coloquio/taller sobre esta curiosa y particular “especie musical”. Viana comparte su
manera elegante de ver la sicalipsis… sean bienvenidos.
Enrique Viana. Tenor belcantista y director de espectáculos de zarzuela y género frívolo (cabaret, varietés,cuplé). Nace en Madrid, donde estudia la carrera superior de canto en el Real Conservatorio Superior deMúsica, y más tarde amplía sus estudios en Barcelona, Milán, Siena, Roma y París. Se especializa en el repertorio belcantista (Rossini, Donizetti, Bellini), y en
determinados autores románticos franceses (Auber,
Massenet, Bizet, Gounod, Boieldieu...). En su estancia
en Italia, estudia especialmente la obra y la figura delcompositor bergamasco Gaetano Donizetti, investigando su escritura y llegando a tener en su repertorio
para recital, hasta setenta arias de este compositor alque ha dedicado ciclos por diversos países. Ha actuado en Festivales, Ciclos y Teatros en EE.UU., Francia,
Inglaterra, Alemania, Italia, Bélgica, Portugal, Canadá,
China, Corea, Filipinas, Japón, Argentina, Cuba, Costa
Rica, Perú, Venezuela, Bulgaria, Egipto, México, Chile, Marruecos, Uruguay y Hungría, trabajando a lasórdenes de directores como Rós Marbá, M. A. Gómez
Martínez, J. López Cobos, Ralf Weikert, D. Debart,
R. Raichev, M. Angeloff, Z. Delibozov. E. G. Asensio,
P. M. Durand, A. Kriegger, R. Palumbo, Ian Cayers,
Christophe Rousset, Víctor Pablo Pérez y otros muchos. En los últimos años ha dirigido y coordinado
varios cursos sobre el belcanto en el siglo XIX y sobrela ópera romántica francesa. Ha publicado ocasionalmente artículos sobre el belcanto en revistas como
Scherzo o Cavatina. Ha dirigido los espectáculos Quo
Vadis, La locura de un tenor, Tenor, vivo… y al rojo, Música
y excusas, A vueltas con la Zarzuela, Banalités y Vianalités;Tardes con Donizetti, Rossiniana, alta en calorías y Algo secuece en la Plaza para el Teatro Real de Madrid; Ni fu,
ni fa y Arriaga, egunon para el Teatro Arriaga de Bilbao;
y para el Teatro de la Zarzuela, Ven a la Zarzuela y Arsenio por Compasión. Durante dos años ha sido presentador y guionista del programa Sólo canciones españolas
de Radio Clásica, Radio Nacional de España.
Workshops para conservatorios con Rafael Bonachela ySydney Dance Company.
La Sydney Dance Company, dentro de su gira europea
y americana, tuvo que permanecer con nosotros unas
semanas, por motivos imprevistos en su calendario deteatros y festivales. Se le dio asistencia a sus ensayos,
para que pudieran seguir trabajando dos semanas, acondición de que realizaran workshops para estudiantes y profesionales. Los workshops se acordaron con elConservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya.
Fueron:90

23 de septiembre: Asistencia al ensayo técnico dela Sydney Dance Company en los Teatros del Canal.
Alumnos de 5º y 6º curso de Danza Clásica y 4º y 5ºcurso de Danza Contemporánea. Se contó con la participación de 36 alumnos y 3 profesores.
28 de septiembre. 2 talleres de 2 horas de duración cada uno, impartidos en el Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya por Jacopo Brabar,
bailarín de la Sydney Dance Company, el primeropara los alumnos de 5º y 6º curso de Danza Clásica yel segundo para los alumnos de 4º y 5º curso de Danza Contemporánea. Participaron 36 alumnos.
10 de octubre. Invitación para asistir a la clase yensayos de la Sydney Dance Company en los Teatros
del Canal. Alumnos de 5º y 6º curso de Danza Clásica.
Participaron 19 alumnos y 3 profesores.
11 de octubre. Invitación para asistir a la clase yensayos de la Sydney Dance Company en los Teatros
del Canal. Alumnos de 4º y 5º curso de Danza Contemporánea. Participaron 17 alumnos y 2 profesores.
Colaboración con el Coordenadas Fest.
Coordenadas Fest nace en 2017 con la premisa de generar un espacio para la exhibición y experimentación en torno a los lenguajes del movimiento.
Tras seis años de recorrido y atento a uno de losretos que implica promover la participación de lospúblicos y la accesibilidad a la cultura, en especial las
actividades vinculadas a la danza, para su séptima edición apuesta por potenciar una de las características
que ha sido clave en su trayectoria para la creaciónde nuevos públicos: la singularidad de los espacios deexhibición. Estos adquieren nuevos significados, laatracción e interés en el acontecimiento actúan comoelementos activadores del espacio arquitectónico. La
reconfiguración del espacio escénico habilita nuevas
experiencias y condiciones de interacción con los públicos. En la colaboración, utilizaron uno de los estudios del Centro Coreográfico Canal para mostrar:

Memoria de actividades

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Antonio Quilez (Tarifa, 1974) es Licenciado en Bellas
Artes por la Universidad de Cuenca. Estudió Danzacontemporánea en el Hoogeschool voor de Kunsten Arnhem, ARTEZ (Holanda) y en Centro Andaluz
de Danza. Estudia Teatro y Dirección Escénica en la
Theateracademie Hoogeschool voor de Kunsten Utrecht (Holanda) y en el Centro Andaluz de Teatro. Asímismo se especializa en Danza Inclusiva con Adam
Benjamín. Como intérprete, ha trabajado con lascompañías i-Dance co. (Holanda), BewegGrund Co.
e Influxtanz Co. (Suiza), Cía. Alicia Sánchez (México
DF), Cía. Alicia Soto/Hojarasca (España), Cía. Pilar Gallegos (Mex/Italia), SHIFTS -Arts in movement- Co.
(Alemania/Francia) o en TanzBar_Bremen Co. (Alemania). Como coreógrafo, ha creado una veintenade espectáculos entre los que destacan: Desenfocados(2005), Inevitable ( junto a Carmen Correa, 2006); Baby
Doll (la mirada de la muñeca) (uno de los varios espectáculos coproducidos con Danza Mobile); Trío (o la incapacidad de llegar a un acuerdo), creado para y co producido por Co. Beweggrund, Suiza y TanzBar_Bremeny Thikwa Teater and NO LIMITS Festival (Berlin);
Stormen y The Rumble (creado para y coproducido por
Glad Teater y HamletScenen, Dinamarca) y Si te dicen
SALVAJE (proyecto seleccionado en la convocatoria
Art for Change de Obra social La Caixa).

Muestra de Home, Sweet Home, de la compañía Alteraciones Danza-Teatro. Realizado el 8 de noviembre alas 18:00 horas. Duración: 60 minutos aprox.
En clave de clown, esta pieza habla sobre construir yconstruirse un espacio propio en un lugar y en un
tiempo que sea nuestro y natural, reconstruir un sentido comunitario a nuestra existencia para así, poderser quienes quiera que tengamos que ser, sin miedos
ni disculpas y eso sí, con muchas risas. Que no se nos
olvide reírnos mucho.
Alteraciones DT. Compañía fundada en México en
2006 por el coreógrafo, bailarín y pedagogo Antonio
Quilez, que se afinca definitivamente en España apartir de 2011. Es una compañía que busca unir diferentes lenguajes y disciplinas de forma natural yorgánica, centrándose en la búsqueda de nuevas dramaturgias, la relación entre cuerpo y espacio, la inclusividad de bailarines con diversidad funcional ytemáticas referidas al propio hecho escénico, la identidad y las relaciones entre individuo y sociedad.

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

Memoria de actividades

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BALANCEGENERAL ANUALEl Centro Coreográfico Canal ha vuelto a superar lospromedios del año anterior, manteniendo una actividad coreográfica sin precedentes durante el año
2023. Ha ofrecido sus espacios a compañías y coreógrafos madrileños, españoles y extranjeros, logrando
un equilibrio perfecto entre sus propios residentes decreación e investigación (treinta en total); las compañías y bailarines profesionales de Madrid y la asistencia a la programación regular de los Teatros delCanal -compañías tanto nacionales como internacionales, incluidas algunas de teatro en los espacios ya
creados para ello- pero también de los Festivales dela Comunidad de Madrid: Festival de Otoño, Festival
Suma Flamenca y Suma Flamenca Joven, Festival Internacional de Arte Sacro, Festival Internacional Madrid en Danza y Festival Teatralia, y de los programas
propios del Canal como Canal Connect, Canal Streeto Canal Performance. Añadiendo además esos pequeños festivales independientes de calidad que una institución pública como la nuestra debe apoyar: Festival
Cuerpo Romo, FIVER Festival, Festival Beta Pública y
Festival LDS.

No menos importantes para el tejido creativo, pero
también para la supervivencia de un tejido profesional en el marco de las industrias culturales, son
las Residencias de Investigación, veinte, que dan unespacio de reflexión a los profesionales a la hora deenfrentarse a la creación de un nuevo espectáculo.
Como institución pública, el Centro Coreográfico Canal ha de apoyar la exploración, investigación y el desarrollo de proyectos en incipiente proceso de gestación. Que además son también una actividad favorita
de su público: agotaron el cupo de invitaciones todasellas, con lo que se demuestra el interés por una actividad prospectiva y de investigación que el público
observa como una oportunidad única para conocer
los procesos creativos de los artistas, complementados por las animadas charlas y diálogos que se dan
después con estos.

Hemos cumplido ampliamente los requisitos dealentar la creación original en Madrid y en España,
apoyar la creación reciente internacional, facilitar espacios de investigación en nuevas modalidades escénicas a través de nuestras residencias, y alentar a losprofesionales a usar y crear en nuestras instalaciones.
También facilitamos el conocimiento de los procesos
creativos y los creadores emergentes al gran público, que además puede considerarse de los pocos en
el mundo con acceso a unas instalaciones semejantes, exclusivas para profesionales, a través de nuestro
programa de ensayos abiertos -para works in progresspero también en los recorridos expositivos de Canal
Connect o en los espectáculos de artes vivas de Canal
Performance.

– Enero: 21 compañías– Febrero. 32 compañías– Marzo: 18 compañías– Abril: 17 compañías(son las fechas de la exposición
que reducen el número de estudios)– Mayo: 23 compañías– Junio: 21 compañías– Agosto: 12 compañías– Septiembre: 20 compañías– Octubre: 35 compañías– Noviembre: 32 compañías– Diciembre: 40 compañías

La posibilidad de ofrecer 10 residencias de creación
anuales, que son exhibidas por los Teatros del Canal a
través del programa Canal Baila, es fundamental parael desarrollo, evolución y evaluación de la cultura dedanza en nuestro país, para apoyar a los creadores ytener una idea de qué tipo de danzas estamos ofreciendo al mundo. Es lógico que nos congratulemosdel éxito de público de esta convocatoria, que agota
muchas veces las entradas.

Por último, destacar la consolidación de la herramienta de reserva online de estudios, para la totalidad
de las compañías que operan en Madrid. Por meses,
podemos establecer esta tabla de solicitudes:

Los Teatros del Canal han abierto además las colaboraciones con otras instituciones, como la Casa deVelázquez de Madrid, institución dependiente del Ministerio de Cultura de Francia, que ofrece la posibilidad de una Residencia Internacional de Danza, para
creadores internacionales afincados o no en España,
con dotación económica y una duración de seis meses, residencia vital en Casa de Velázquez y residencia
creativa paralela en el Centro Coreográfico Canal. Esta
residencia, que se declaró desierta en su primera convocatoria por la falta de proyectos, se ha modificado
para, bajo concurso, habilitar una primera a modo deprueba de un mes de duración, que fue otorgada a lacreadora argentina Marina Otero, se desarrollará en
febrero en 2024, mientras se convoca otra vez en su
vertiente semestral.

TEATROS del CANAL
2023/2024
Presidenta de la Comunidad de Madrid:
Isabel Díaz Ayuso.
Consejero de Cultura, Turismoy Deporte de la Comunidad de Madrid:
Mariano de Paco Serrano
Viceconsejero de Cultura y Turismo:
Carlos Daniel Martínez Rodríguez
Director General de Promoción Cultural:
Gonzalo Cabrera Martín
Directora del Centro Coreográfico Canaly de Teatros del Canal:
Blanca Li
Coordinación del Centro Coreográfico Canal:
Beatriz Arzamendi
Fabrice Edelmann
Carmen Fuentes
Coordinación editorial:
Guillermo Espinosa
Patricia Calvo
Diseño:Jaime Narváez
Fotograf ías:Daniel Ramos
Pablo Lorente
Textos:Guillermo Espinosa, Centro Coreográfico Canaly cada una de las compañías de danza recogidas
Gestión: UTE Teatros del Canal(IMESAPI S.A + Salzillo Servicios Integrales SLU)
Imprime:
BOCM
Depósito Legal: M-35198-2023