CENTRO
COREOGRÁFICOCANAL
ACTIVIDADES
2022

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

ÍNDICE

1Asentar las bases

7

Palabras preliminares de Blanca Li,
Directora del Centro Coreográfico Canal

2

El Centro Coreográfico Canal

83

Convocatoria de Residencias 2022

14

3.1. Modalidad de creación: Ciclo Canal Baila

16

3.2. Modalidad de investigación: Ensayos Abiertos

40

4Compañías que han hecho uso delos estudios coreógraficos en 2022

65

5

Asistencia a los Teatros del Canal y otras actividades

81

6

A modo de conclusión: balance general anual84

Memoria de actividades

ASENTARLAS BASES
Palabraspreliminares
de Blanca Li
Directoradel Centro
Coreográfico
Canal

7

En el año de la definitiva vuelta a la normalidad sanitaria, una vez recuperados todos los frentes y espacios de nuestra vida cotidiana en
términos sociales e individuales, en lo público y lo privado, el Centro
Coreográfico Canal se ha visto embebido en una vorágine de actividad
creativa sin precedentes. Nuestros estudios han sido ocupados sin descanso, y los creadores, tras el parón, han renovado sus actividades con
optimismo y energía, con responsabilidad y creatividad, desbordando
nuestras previsiones. A pleno rendimiento, se ha conseguido una importante misión: convertirnos en una herramienta insustituible y cadavez más útil para la creación de danza en nuestro país, a la cabeza de losCentros Coreográficos nacionales y al servicio de todos los creadores dela Comunidad de Madrid, y de muchos otros visitantes tanto nacionales
como internacionales que han pasado por nuestras instalaciones.
Como elemento vivo de la cultura en esta región, nuestra convocatoria de residencias de creación e investigación volvió a superar cualquier récord anterior, alcanzando las 247 solicitudes entre residencias decreación e investigación. No puedo más que compartir el optimismo desaber que cada vez más creadores confían en nosotros como un motor
habilitador para sus trabajos. Es duro escoger entre tantas propuestas decalidad tan solo las treinta finalmente seleccionadas, pero más duro aún
sería no poder hacerlo: que nuestros creadores no dispongan de la oportunidad de que un jurado profesional y prestigioso evalúe sus trabajos ylos apoye en la medida de nuestras posibilidades.
A parte de nuestras residencias oficiales, también un número mayor
de compañías profesionales, en constante aumento, ha acudido a nosotros para encontrar un espacio afín al movimiento: un espacio donde la creación se haga posible con un máximo rendimiento y en unas
instalaciones que se encuentran entre las mejores de Europa. Tratamos
de mantener este nivel de exigencia institucional subsanando cualquiereventualidad. Igualmente hemos vuelto a ampliar los aforos, reducidos
por las condiciones de la pandemia, hasta alcanzar la normalidad.
Con un Centro Coreográfico más activo y más abierto, más colaborativo también con acciones especiales, y que se entrega por completoa los creadores y bailarines profesionales, solo me resta precisamente
agradecer a todos ellos su confianza, su respeto general a las normas deconvivencia y uso, y sobre todo su generosidad al permitirnos ser cómplices de lo que siempre he admirado de cualquier artista: esa capacidad
de entregarnos totalmente para ofrecer belleza, pensamiento y cultura
en cualquier situación. Es lo que nos hace únicos y todos lo sabemos,
porque tampoco podemos remediarlo: lo llevamos dentro, agarrado anuestros corazones, y hacemos bien en compartirlo y entregárselo alpúblico. ¡Viva la danza y viva la creación!

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Memoria de actividades

EL CENTRO
COREOGRÁFICOCANALEl Centro Coreográfico Canal, dependiente de la
Comunidad de Madrid y creado en 2009, es un centro de creación, difusión, investigación y estudio dela danza, nacido con la intención de profundizar y
promover la creación artística coreográfica en todas sus formas de expresión. Un espacio concebido
también para posibilitar el encuentro e intercambio entre profesionales del mundo de la danza, queapuesta abiertamente por la investigación, la innovación y la experimentación como herramientas vitales para la creación, instituyéndose éstas como el origen, la fuerza y la energía motora del propio Centro
Coreográfico Canal.
Es también un centro que nace para estar abierto
a todos los estilos de danza que puedan practicarse en
España: ballet clásico y neoclásico, danza contemporánea, danza española y flamenco, hip-hop, el restode danzas urbanas y otros estilos de danza. El Centro
Coreográfico Canal se piensa como un entorno dedicado y al servicio de los creadores, orientado a dotar
de un marco estable de creación y un espacio de trabajo tanto a los creadores con compañías consagradas
y estables como a los emergentes y jóvenes en sus
primeros trabajos. Un centro de asistencia y colaboración pensado para la generación de expresiones coreográficas y la experimentación sin trabas de nuevas
formas escénicas.

Las dotaciones estructurales y técnicasdel Centro Coreográfico Canal sitúan aeste centro de la Comunidad de Madrid
entre los más cualificados de Europa. El
Centro Coreográfico Canal pone al servicio de los profesionales una serie deestudios, de doble altura y uno más atriple. Su superficie oscila entre 72 m2
y 238 m2. Cuatro de estos estudios dedanza tienen galerías superiores que, amodo de miradores, permiten presenciar ensayos abiertos. Dispone de lasmás completas dotaciones técnicas paraque los profesionales de la danza puedan desarrollar su trabajo en las condiciones más favorables. El Centro cuenta
con piano en cada uno de los estudios
que lo necesitan, 6 verticales y 3 de media cola. Todos los estudios están climatizados; sus paredes, forradas en maderay con amplios espejos de suelo a techo ysus suelos fabricados en linóleo polivalente, salvo uno de ellos que está dotado
de un suelo especial de madera especialmente pensado para la danza española yel flamenco.
La intención de su directora, la coreógrafa Blanca Li, es que sea reconocido como un espacio de vital importancia para la danza de la Comunidad de
Madrid, pero también como un centro
de creación de primer nivel a escalanacional e internacional, abierto a su
amplia diversidad de manifestaciones yque permita la transmisión de conocimientos e ideas entre creadores y entre
generaciones, manteniéndose siempre
al servicio de los proyectos que asume durante cada una de las etapas dela creación: desde la gestación creativa
y los ensayos a la exhibición final en
representaciones. Un lugar para que elcreador pueda experimentar, testar y
dar forma a sus proyectos, recibir y dar

Las dotaciones
estructurales y técnicasdel Centro Coreográfico Canallo sitúan entre los más
cualificados de Europa. La
intención de su directora
es que sea RECONOCIDO
como un Centro deCreación de primer nivel
a escala NACIONAL e
INTERNACIONAL

ideas e información a otros profesionales y compañeros, pero también un lugar abierto al público amantede la danza y a los investigadores, para que puedanasistir al proceso de creación invitándoles puntualmente a ensayos abiertos, clases maestras o workshops profesionales. Un lugar único que centralice
los recursos para la danza y los ponga al servicio delos creadores. Como parte del proceso de tutelaje delos proyectos participantes, las piezas creadas en elCentro Coreográfico Canal llevarán el sello de losTeatros del Canal.
Un objetivo manifiesto de estas convocatorias es
ayudar a consolidar el tejido profesional y empresarial de las compañías de danza afincadas en Madrid yen otras comunidades autónomas, así como coreógrafos y compañías internacionales, facilitando los recursos del Centro Coreográfico Canal y sus espacios ysalas de ensayo con unas condiciones excepcionales,
como un apoyo directo y sin paliativos a la creaciónde una escena de danza estable, con músculo y viva,
no solo en el marco local sino para el contexto nacional e internacional.
El Centro Coreográfico Canal ha asumido también
un compromiso claro con la difusión del trabajo delas compañías madrileñas, fundamentales en el tejido
sociocultural de la capital, y ofrece una herramienta completa de información sobre todas las agrupaciones profesionales de danza de la Comunidad de
Madrid, abarcando el mayor abanico de estilos posible, al servicio de los profesionales y programadoresde todo el mundo. Una herramienta para favorecer
los vínculos internacionales de la danza creada en
Madrid y su posicionamiento creativo global en loscircuitos internacionales de primer orden.

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A fin de que la asignación de espacios a todas lascompañías y creadores sea más eficaz, igualitario ytransparente, el Centro Coreográfico Canal dispone
de una herramienta online de reserva y acceso a losestudios por parte de las compañías madrileñas. Para
acceder a los espacios, las compañías han de registrarse previamente como usuarios.
Para hacer esto, se establecieron los siguientes
requisitos:• Pertenecer al ámbito profesional de la danza.
• Estar inscritas en nuestra base de datos.
• Ser residentes en Madrid.
En periodos de gran demanda, se priorizará aquellascompañías con recorrido profesional reconocido yque necesiten una dotación específica en la sala deensayo, suelos acondicionados con linóleo polivalente,barras, espejos, espacio de desplazamiento, pianos, etc.
Si se cumplen estos requisitos, las compañías deben solicitar un formulario de inscripción en la herramienta online y devolverlo cumplimentado. La
solicitud se realiza a través del correo centrocoreograficocanal@uteteatrosdelcanal.com
Esta solicitud de usuario estará siempre sujeta aaprobación del Centro Coreográfico Canal, que ha decorroborar los datos profesionales de las compañías
antes de darle acceso. El Centro Coreográfico Canales un espacio abierto a profesionales; los estudiantes y las compañías amateurs tienen otros espacios en
Madrid donde desarrollar su actividad.
Por supuesto, los receptores de los Programas de
Residencias de Creación e Investigación, algunos deellos no locales, no tienen acceso directo a esta herramienta: para ellos se otorga un acceso preferente a
través del departamento de coordinación del CCC. En
las etapas en que estas residencias están en funcionamiento, el número de estudios disponibles para lascompañías no residentes varía.
Una vez aprobada la solicitud, la compañía recibirá un email con un usuario y contraseña (de usoúnico e intransferible para cada compañía) que permitirá el acceso al perfil personal y al calendario dereservas. La contraseña puede ser cambiada por el
usuario, igual que podrá editar su perfil personal con
la información que considere oportuna: currículum
vitae, perfil narrado de trayectoria, etc. Se considera
obligatorio que el usuario que realice la reserva o, en
su defecto, un responsable de la compañía esté presente durante el uso del espacio.

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Memoria de actividades

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A día de hoy,
178 COMPAÑÍAS
Y/O CREADORESPROFESIONALES se
han registrado y están
habilitadas para utilizar
los estudios del Centro
Coreográfico CanalCon esta contraseña, el usuario estará habilitado
para hacer reservas en las franjas horarias disponibles
en el calendario, que se habilitará en los primeros
días de cada mes para reservas a dos meses vista. Este
calendario se actualiza diariamente, con las posibles
anulaciones y nuevas disponibilidades en función dela actividad del Centro y de los Teatros del Canal.
Se establece así mismo una penalización para lascompañías que no disfruten de su reserva sin haberla cancelado al menos 24 horas antes, perdiendo elderecho de uso de la herramienta online. También se
han incorporado nuevas normas para impedir el abuso de usuarios en aquellas partes de las normas que
dejaban zonas grises a la interpretación, y que podían
general problemas en la reserva. En estos casos, elCentro Coreográfico Canal se reserva el derecho desancionar a los usuarios que, de alguna manera, norespetando los criterios de acceso igualitario, manipulen la apertura de las normas a su favor, siempre
dándoles una motivación razonada para que corrijan
su práctica.
El Centro Coreográfico Canal, además, reserva losestudios 1 y 2 para las necesidades puntuales de losTeatros del Canal y las compañías que acoge en su
programación. Estos dos estudios son de acceso a disposición de los Teatros, siempre con la colaboracióndel Centro Coreográfico Canal.
Los bloques horarios de reserva son los siguientes:
De lunes a domingo:– 09:00 – 13:00 (4 horas)– 13:00 – 17:00 (4 horas)– 17:00 – 21:00 (4 horas)

Cada usuario dispondrá de un máximo de 216 horas
anuales para reservar, y el seguimiento de las horas utilizadas se podrá consultar en el perfil de cadausuario. Una vez seleccionados los bloques, para poder confirmar la reserva, el usuario deberá seleccionar el check-box y confirmar así que está informado
de las normas de uso y acceso a las instalaciones.
• Es requisito indispensable que todos los integrantes
de la compañía o sus colaboradores que accedan a losestudios sean profesionales autónomos o dados dealta en la Seguridad Social y tener relación laboral
con la compañía titular de la cesión de los espaciosde ensayo.
• En caso de personas con contrato laboral, serásuficiente la firma de un solo formulario por parte dela compañía contratante.
• En caso de trabajadores autónomos, cada uno deberá
firmar un formulario individual.
Una vez seleccionado el check-box, se habilitará laconfirmación de la reserva. El usuario recibirá unmensaje electrónico de confirmación de reserva ocancelación (lo que proceda). Para acceder al estudio,
el usuario deberá tener a mano el justificante de lareserva impresa o bien de forma digital en un dispositivo, para su comprobación en recepción del Centro.
Por supuesto, no se permiten las reservas para terceros y, si se produjesen, estas serían penalizadas con lacancelación de la cuenta. Todas las reservas se podrán
cancelar en un plazo máximo de 24 horas previas ala reserva. En el caso de que el usuario no cancele,
perderá su derecho al uso de la herramienta. Para acceder a los estudios, cada integrante de la compañía
deberá apuntarse en el listado del estudio reservado,
disponible en recepción del Centro Coreográfico.
El Centro Coreográfico Canal se reserva el derecho
a suspender cualquier reserva debido a las necesidades internas de los Teatros. Cualquier modificación
será comunicada con la mayor antelación posible.

Tras el fin de las precauciones sanitarias con motivodel COVID-19, el aforo máximo de cada estudio havuelto este año a la normalidad.
– Estudio 3: 48 personas– Estudio 4: 30 personas– Estudio 5: 26 personas– Estudio 6: 16 personas– Estudio 7: 30 personas– Estudio 8: 19 personas(únicamente estilo flamenco/español)– Estudio 9: 14 personas
Cada usuario será responsable de la actividad desarrollada en los estudios reservados y de cualquier incidente o desperfecto que pueda generar. Para solucionar cualquier incidencia, se les pide que se pongan
en contacto con el Centro Coreográfico Canal a través del mail general o en el teléfono 913 08 99 99 en
horario de oficina; de lunes a jueves de 9 a 18 horas y
los viernes de 9 a 14 horas.

A día de hoy, 178 compañías y/o creadores profesionales se han registrado y están habilitadas para utilizar los estudios del Centro Coreográfico Canal en
función de sus trabajos. Son Patrick De Bana, Jesús
Rubio Gamo, Elías Aguirre, Los Dedae, Compañía
La Galga, Adrián Manzano, HURyCAN, Mey-Ling
Bisogno Physical Theatre, Cía. Sara Cano, Cristina
Masson, Cía. Marco Flores, Fernando Agorreta, Mireia
R. Novas, Compañía Flesh, Cía. Olga Pericet, Fernando
Parra, Paz Rojo, Annika Pannitto, Proyecto Birth,Richard Macherin, Ángel Garcés, Compañía Iván
Gómez, The Colectivo, Mario González, Compañía
Arnau Pérez, 10&10 Danza, Paula Quintana, Violeta
Borruel, Roland Salamé, Eva Alonso & Tania, Carlos
González, Compañía Manuel Liñán, Estevez&Paños
Compañía, Esther Rodríguez, Jesús Fernández,
Marcos Martincano, Iker Carrera, Compañía Perros deotra vida, Marta Nogal, Celia Reyes, Laura Ramírez,OGMIA, Pepa Sanz, PsicoBallet Maite León, Laura
G. Carrasco, Lucía Montes & Mado Dallery, Sara
Sánchez, Kike García, Cía. Labasal, Camille Hanson,
Ana Fernández Melero, Mariana Collado & Lucio A.
Baglivo, Lucía Marote, Ana Arroyo, Tania González,Cía La Phármaco, David Carome, Ruth Muelas,
Compañía Amores Flamencos, Fabián Thomé, Paloma
Díaz, Lucía Lacarra, Begoña Quiñones & Verónica
Garzón, Poliana Lima, Julia Nicolau, Manuela Barrero,
Compañía La Permanente, Cía. Carmen Cortés, Cía.
Carmen Fumero, David Vento, Aracaladanza, Lucía
Campillo, Cía. Rajatabla, Laura Erguido, Sara Calero,
Leire Amonárriz, Dani Pannullo Dance Theater Co.,
Alba González, Teresa Garzón, Cía. Los No Bautizados,
Natalia Fernández, Cía Castro Romero, María Collado,
Paula Sánchez, Arthur Bernard-Bazin, Cristian Pérez,Cía. Jesús Carmona, Cía. X, Inés Valderas, Isabella
Rossi, Ana Erdozain, Lucía Bocanegra, Alfonso Losa,
Bárbara Frischtel, Fernando Troya, José Maya, Eva
Sanz, Muriel Romero y Ainhoa Hernández.

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

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Memoria de actividades

Este programa está dirigido
a profesionales de la DANZA,
tanto creadores individuales
como a COMPAÑÍAS
consolidadas o emergentes, que
tengan como objetivo investigaro desarrollar nuevos proyectos enel marco de lo coreográfico. Se
les cede un espacio y una dotación
económica para poder realizarlo

CONVOCATORIADE RESIDENCIAS
2022

Este programa está dirigido a profesionales de la
danza, tanto creadores individuales como a compañías consolidados o emergentes, que desarrollen sus
líneas de trabajo en torno a la danza y las artes delmovimiento, y que tengan como objetivo investigaro desarrollar nuevos proyectos en el marco de lo coreográfico.
Siguiendo la estela de años anteriores, la direccióndel Centro Coreográfico Canal ha decidido mantener la asignación económica a estas residencias, vitalpara el desarrollo en condiciones de la actividad coreográfica, en ambas secciones de Residencias: la deCreación y la de Investigación.
Los 30 proyectos seleccionados para el 14º programa de residencias artísticas, realizado durante
2022, se escogieron entre un total de 247 solicitudes, 110 para residencias de creación y 137 de investigación. Como en ocasiones anteriores, se asignaron
10 Residencias de Creación y 20 de investigación.
El proceso de selección, siguiendo los criterios detransparencia y objetividad, contó con un Comité deSelección formado por profesionales de prestigio enel ámbito de la danza: la coreógrafa Premio Nacionalde Danza Mónica Runde, el coreógrafo Daniel Doñay el bailarín José Carlos Blanco Martínez, así comopor la directora de los Teatros del Canal y del Centro
Coreográfico Canal, Blanca Li.

Residencias de creación
Dirigidas al desarrollo de nuevas propuestas escénicas o piezas no concluidas que tienen como objeto eldesarrollo de un trabajo escénico puesto en marcha
en el Centro Coreográfico Canal. Los proyectos escogidos para esta modalidad tuvieron un periodo deresidencia de dos meses, y fueron así mismo exhibidos dentro de la programación regular de los Teatros
del Canal, en el ciclo Canal Baila entre septiembre yoctubre de 2022. La Consejería de Cultura, Deportes
y Turismo de la Comunidad de Madrid aporta, paracada proyecto, la cantidad de 10.000 euros. Además,a las compañías y artistas seleccionados se les abona
un caché acordado entre los creadores, el CCC y losTeatros del Canal.
Las diez compañías seleccionadas para las residencias de creación fueron:— Daniel Ramos López.
ConTRAcuerpo (Madrid)— Lucía Vázquez.
Further thoughts(Pensamientos adicionales) (Sevilla)— Helena Martín. Los Narciso (Madrid)— Komoco. Ima (Italia)— Alberto Alonso/ Laimperfecta.
Folk (Madrid)— Mey-Ling Bisogno physical theatre.
Ready-made (Madrid)— Mercedes Pedroche.
Terrario (La tierna indiferencia del mundo) (Madrid)— Lucía Álvarez La Piñona.
Insaciable (Sevilla)— Manuel Rodríguez. Manu ( Jaén)— Pau Aran.
The same difference (Alemania)

Residencias de investigación
Dirigidas a apoyar la exploración, investigación y desarrollo de proyectos en proceso. En este caso la residencia será de 1 mes. Las 20 compañías seleccionadas
para las residencias de investigación son:
— Gonzalo Simón. Pieles y pliegues (Madrid)— Manuela Barrero dlcAos …el continuo
interminable amor que tengo por ti (Madrid)— La mínima.
Pieza para el sombrero de mi madre (Madrid)— Compañía Carmen Muñoz. Invocation (Barcelona)— Jesús Benzal. Lo que ocurre en un instante (Madrid)— Kor’sia. Mont Ventoux (Madrid)— Sergio R. Suárez. La revisión (Madrid)— Miguel Fiol y Daniel Claret.
AHA (Antes Hacíamos Análogos) (Palma de Mallorca)— Lia Ujčič & Vincent Wodrich.
Somethingtouching (Eslovenia/Alemania)— Allan Falieri. O nao lug_ar (Madrid)— Francisco Hidalgo y Belén Maya.
Moscas y diamantes (Madrid)— ELAMOR. Alicia (Madrid)— Compañía Daniel Abreu. Dalet (Madrid)— Melania Olcina Yuguero. Deambulantes (Madrid)— Janet Novás. Proto (Madrid)— Arthur Bernard Bazin, Julia Nicolauy Javiera Paz. DesRoutes (Madrid)— Jesús Rubio Gamo y Luz Prado.
32 estudios elementales (Madrid)— Babirusa Danza / Beatriz Palenzuelay Rafael de la Lastra. Muchos caballos cabalgando
juntos pueden hacer temblar la tierra (Santander)— Proyecto Reyes-Angulo.
Polvo, nada y viento (Madrid)— Mucha Muchacha. Seré folklore o no seré (Madrid)

El objetivo de este programa de residencias es apoyar al tejido profesional a
través de la cesión de espacios profesionales con dotación y equipamiento parael desarrollo nde la creación, además
de facilitar un tiempo razonable parala investigación. También se generan
recursos para la formación de los seleccionados, y se preopicia que puedan
compartir sus procesos creativos. Todoslos proyectos contarán con una dotación
económica.
A continuación, se desglosan en capítulos tanto los proyectos como los currículums profesionales de las compañías
y artistas receptores de las Residencias
de Creación (en el programa Canal Baila)como, acto seguido, las receptores de las
Residencias de Investigación (en el programa de Ensayos Abiertos).

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MODALIDAD DE
CREACIÓN: CICLOCANAL BAILACANAL BAILA
Creaciones delas compañías
residentesdel Centro
Coreográfico
Canal

DANZA
Del 1 de septiembre
al 23 de octubre
FOTOGRAFÍA: ©MARTA RUBIO

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Memoria de actividades

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MANUELRODRÍGUEZ
MANU
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1h (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función: 1 de septiembre
Creación e interpretación: Manuel Rodríguez
Acompañamiento artístico: Paz Rojo
Iluminación: Víctor Colmenero
Vestuario: Rytas Matuliauskas
y Manuel Rodríguez
Agradecimientos a Javier Pividal,
Miguel Álvarez-Fernández y Elías Aguirre
Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

Sala Negra / 1 y 2 de septiembre
El término MANU proviene del sánscrito, en la mitología oriental es
el nombre que se le da al primer ser humano. La tipología del primer
avatar sobre la tierra, una representación visual, un regreso a la forma.
Este proyecto parte como una indagación en cuestiones identitarias a
través de mi propia cosmología. Un espacio de invocación y de encantamiento.
Una oportunidad de reescribir cada una de las letras que componen
mi nombre.
Cuando bailo, mi cuerpo se desfasa de mí mismo. Se pierde y seencuentra continuamente. Me diluyo en un devenir constante, enla búsqueda de mi propia ausencia, en la ilusión de vislumbrarme, denombrarme: MANU. La distancia del nombre.
—Manuel Rodríguez

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©MANUEL RODRÍGUEZ

Manuel Rodríguez. (Úbeda, 1980) es un artista multidisciplinar, que desarrolla su práctica en torno al cuerpo y la coreografía, y las intersecciones con otras disciplinas como el vídeo, la fotografía y la instalación.
Desde 2005 colabora como bailarín en compañías como La Veronal,
Provisional Danza, Sharon Fridman y James Thierree. En 2010 crea su
primer solo escénico, Limits, con el que obtiene diversos premios en
concursos internacionales como Internacional ACT Festival (Bilbao),
Certamen Coreográfico de Burgos/New York y Certamen Unidanza deMadrid. Ese mismo año recibe el 2º Premio del Certamen Coreográfico
de Madrid por el dúo Escuálido Marsupial, junto a Elías Aguirre. En 2012crea Loser Kings y su versión corta Fifht Corner, codirigida con Guido Sarlicon el que consigue el 1º Premio en el Certamen Coreográfico Burgos/
NYC, el 1º Premio en el Certamen Coreográfico de Madrid, el 2º Premio
en el Copenhagen International Choreography Competition, Premio a laproducción Tanzcompany of Graz Opera en International Choreography
Competition No Ballet 2013 y una Mención de honor en el 17º Certamen
Coreográfico MasDanza. A estas piezas seguirán Screensaver (2014; 1ºPremio en Gdansk International Solo Dance Contest); R.E.M (2016) estrenado en Mércat de les Flors; Blue Colored Sequence (2017, para el MACBA
Barcelona), Venue (2019) mientras trabaja en Body on Paper, compuesto
por un solo escénico, un fotolibro y una instalación y también Hacer
visible lo invisible para la galería Blue Project Fundation. En 2021 estrena
Entertainment, en el Teatro Sat! de Barcelona y en 2022 Manu en Teatros
del Canal. Durante su carrera obtiene el apoyo de numerosas instituciones nacionales e internacionales como Aerowaves, Acción Cultural
Española, CND, Ayuntamiento de Barcelona, Kyoto Art Center, Centro
Coreográfico Canal, Tanzhaus de Zurich, Instituto Cervantes, Instituto
Ramon Llull, Festival Salmon, Mercat de les Flors y Graner, Teatro
Victoria de Tenerife y Centro Coreográfico de la Gomera, entre otros.
Actualmente se prepara para cursar el Master en New Performative
Practice de la Universidad de las Artes de Estocolmo.

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Memoria de actividades21LUCÍA ÁLVAREZLA PIÑONA
Insaciable
Género: Flamenco
País: España
Idioma: español
Duración: 1h y 10’ (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función: 6 de septiembre
Baile y coreografía: Lucía Álvarez la Piñona
Baile: Jonatan Miró
Guitarra: Ramón Amador
Cante: Jesús Corbacho, Matías López el Matiy José el Pechugita
Dirección artística: Rafael Estévez y Nani Paños
Coreografía: Lucía Álvarez La Piñona
y Estévez/Paños
Asesoría artística y textos: Sara Arguijo
Iluminación: Olga García AAI
Espacio sonoro: Fali Pipío / Víctor Tomé
Diseño de vestuario: Belén de la Quintana
Confección de vestuario: Pilar Cordero
Producción: Marta Tenorio
Distribución: Naranjo Producciones
Comunicación:
Édere Comunicaciones y Servicios
Regiduría: Marta Howard
Con el patrocinio de:Colaboran: Bienal de Flamenco de Sevilla,
Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico
de la Junta de Andalucía y Centro Culturalde la Villa (San José de la Rinconada)
Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©JUAN DE LA FUENTE

Sala Negra / 6 de septiembre
Insaciable es una confesión compartida. Un acto de destape emocional,
corporal y artístico en el que Lucía Álvarez la Piñona explora en sí misma para exponerse tal y como es, quitándose de encima el peso delabismo y de la duda. Así, en este camino de búsqueda, reafirmación yliberación, la bailaora aparece arrebatadora, dispuesta a penetrar, sucumbir, devorar y consumirse.
Mostrando la vulnerabilidad, pero ya segura de sus certezas, La Piñona
decide aquí escuchar a su cuerpo para que sea él quien actúe como válvulaorgánica y motora de lo que sucede en el escenario. Permitiendo que cadaemoción tenga su correlato somático, que cada movimiento se construya
desde lo sensorial: desde unos vellos de punta, una carne de gallina, unas
piernas cansadas, un escalofrío, un latido acelerado, una palma sorda...
En este sentido, Insaciable es también el descubrimiento íntimo de lo
que remueve, conmueve y sacude a la artista. El fruto de una curiosidad
inagotable y un deseo voraz.
Perder la vergüenza a reconocerse incansable, excesiva, infatigable,
animal, contradictoria. Bailar para empaparse, tambalearse, seducir ydesplomarse.
Lucía Álvarez La Piñona. Nacida en Jimena de la Frontera (Cádiz), es una
de las bailaoras más personales e inquietas de su generación. Ha construido una sólida trayectoria en los principales tablaos, escenarios y festivales flamencos nacionales e internacionales, colaborando con grandes
artistas como Arcángel, Esperanza Fernández o Manuel Liñán, y participando en compañías como el Ballet Flamenco de Andalucía. Tras recibiren 2011 el Primer Premio Trofeo Desplante en el 51 Festival de La Unión(Murcia), así como el Primer Premio de la Federación de Entidades
Flamencas de Sevilla (2009), la bailaora impulsa su carrera en solitario
recibiendo el aval de la crítica y del público gracias a propuestas como
Emovere, estrenada en el Festival Flamenco de Jerez de la Frontera y con
la que obtiene una candidatura en los Premios MAX y dos nominaciones a los Premios LORCA; Recital, estrenada en el Festival Flamencode Toulouse (Francia) y Abril, espectáculo que presenta en la Bienal de
Flamenco en 2020 y en 2022 en el Festival de Jerez. Actualmente, seencuentra girando con su última obra llamada Insaciable, que preestrenó
en los Teatros del Canal de Madrid y estrenó en la Bienal de Flamenco
de Sevilla, y que tiene una excelente acogida entre público y crítica.
También participa en la performance Flamenco Experimental. Rosario
Escudero de Pedro G. Romero. Recientemente es galardonada con elPremio a la Mejor Intérprete Femenina de Danza Flamenca en los IX
Premios Lorca de las Artes Escénicas de Andalucía 2023.

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Memoria de actividades

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DANIEL RAMOS
conTRAcuerpo
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza española y flamenco
País: España
Idioma: español
Duración: 1h (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función:
10 de septiembre
Idea original, coreografía
e interpretación: Daniel Ramos
Dirección escénica: Noelia de la Rosa
Colaboración coreográfica:
Miguel Ángel Heredia (seguiriya)
Música: Jose Almarcha (guitarra),
Víctor Guadiana (violín), Juan Debel (voz),
Epi Pacheco (percusión)
Diseño y confección de vestuario:
Daniel Ramos y Ángela Lozano
Diseño de iluminación: Alberto de las Heras
Producción: Marta Otazu(LaFiguranta Producciones)
Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 10 de septiembre
contra1
1. prep. Denota la oposición y contrariedad
de una cosa con otra.
2. prep. Enfrente de.
3. prep. Hacia (denota el sentido de un movimiento).
4. prep. A cambio de.
El prefijo CONTRA parece una contradicción en sí mismo, y es que
puede señalar tanto el sentido del movimiento como la posición o contrariedad de y hacia algo.
Así es como Daniel define la danza: CONTRA-cuerpo. Hacia ella, frente a ella, contra ella y a cambio de lo que ella significa con y para él. Su
cuerpo, semidesnudo, como si se tratara de un lienzo en blanco o una
caja vacía, irá llenándose de recuerdos, experiencias y contradicciones. La
solemnidad, la tradición y lo establecido se unen con la espontaneidad, eljuego y lo inesperado para mostrar al bailarín tal y como es.
Daniel Ramos. Bailarín y coreógrafo oriundo de Torrejón de Ardoz,
Madrid. Inició sus estudios de danza a los tres años y a los quince ingresó en el RCPD Mariemma, finalizando sus estudios con el Premio Finde Grado y Mejor Expediente Académico Nacional. Ha formado parte de compañías de danza como EnClave Español, Carlos Vilán, Nuevo
Ballet Español, Compañía Shoji Kojima o Ballet Nacional de España.
Actualmente, es bailarín solista de la Compañía Antonio Najarro y dela Compañía de Manuel Liñán con el espectáculo VIVA! En 2015 forma junto a Víctor Martín EnCompañía Danza, con la que crean Tiempos
diferentes (2015) y Boreal (2018); éste último, estrenado en la Sala Verdede los Teatros del Canal con lleno absoluto en el marco del Festival
Madrid en Danza. Es también un invitado habitual de los grandes tablaos flamencos de la capital, como Las Carboneras, La Cueva de Lola,
Tablao La Carmela o las Tablas, interpretando piezas de danza española
en un contexto flamenco. Ha recibido el Premio al Mejor Intérpretede la Fundación Davalos-Fletcher (Ciudad de Castellón); Premio
Bailarín Sobresaliente en el Certamen Coreográfico de Danza Españolay Flamenco de la Comunidad de Madrid; el primer premio del Festival
Talent con la compañía de Emilio Ochando y ha estado nominado a losPremios Max 2023 como mejor intérprete masculino de danza por elespectáculo Querencia, de Antonio Najarro. ConTRAcuerpo (2022) es su
primer espectáculo en solitario.

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Memoria de actividades

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HELENA MARTÍN
Los Narciso
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza - teatro
País: España
Duración: 1h (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función: 15 de septiembre
Dirección y coreografía: Helena Martín
Intérpretes: David Acero, Yolanda Barrero,
Remei Domingo, Lucía Fernándezy Daniel Morillo
Iluminación: Gloria Montesinos y Keith Yetton
Música y espacio sonoro: Pablo Peña
Fotografía: Silvia del Barrio
Foto y diseño cartel: Javier Garceche
Vestuario: Helena Martín, Marta Otazu
y Víctor Donoso
Asesor espacio escénico: Hansel Cereza
Asesor poético/músical: Eduardo Carranza
Producción: Marta Otazu(LaFiguranta Producciones)
Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©SILVIA DEL BARRIO

Sala Negra / 15 y 16 de septiembre
En la ópera de Purcell, antes de su lamento, Dido le dice a su hermana:“La muerte es ahora una invitada bien acogida”.
La muerte está presente en nuestra mesa; es, a nuestro pesar, una
invitada más.
Podemos llenar las sillas, pero no el vacío que dejan nuestros muertos.
Los Narciso cuenta la historia de una familia con sillas vacías, huecos yesquinas. Es la historia de una madre que no puede evitar que su hija Dido
se suicide por amor, rota de dolor, a causa de la partida de Eneas.
Y es que su amor de madre no es suficiente. Porque el amor, a veces,no es suficiente.
No somos dueños de nuestra vida, y menos aún de la vida de los demás.
No podemos modificar ni influir en las decisiones de las personas alas que amamos.
Podemos cuidar, educar, querer… y luego soltar.
Solo queda seguir esforzándonos en amar por encima de nosotros
mismos, sentar a la muerte a la mesa y cubrirla de narcisos.
Helena Martín. Bailarina, coreógrafa y con un máster en Investigaciónde Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos, empezó su carrera en el Ballet Nacional de España, donde ya interpretaría numerosos
roles como solista y primera bailarina, destacando como intérprete principal en Bolero del maestro José Granero. Posteriormente, será primera
bailarina del Ballet Teatro Español de Rafael Aguilar, en el que desempeñó los papeles protagonistas de las obras Yerma, Rango y Carmen. Además,
trabajará bajo las órdenes de importantes figuras como José Antonio(BNE), Joaquín Cortés (Gitana Cortés Project) y Antonio Gades (BNE).
Cabe destacar su vínculo artístico como intérprete y creadora con elbailarín y coreógrafo Patrick de Bana, con quien participa en numerosas
galas compartiendo escenario con estrellas de la talla de Manuel Legris
y Marianela Núñez. Es artista invitada de la compañía Antonio Márquez,donde interpreta el papel principal en la obra cumbre del maestro
Granero, Medea (premio del público del XXV Festival de Jerez). Como
coreógrafa, hay que reseñar sus composiciones Al son del agua para lacompañía de Luis Ortega; Igual que tú, pieza creada junto a Saulo Garrido
con dirección artística de Candela Peña (primer premio de coreografía en el X Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco, ypremio Bailarina Sobresaliente); El Baño (primer premio de coreografía
en el VI Certamen Internacional de Danza y Artes Escénicas Ciudad deAlcobendas, segundo premio en el XX Certamen de Danza Española y
Flamenco de Madrid, y premio Conservatorio Superior de Danza Maríade Ávila); 1 Deseo (compañía Inconstantes Teatro) y su última creación en
coproducción con los Teatros del Canal, Los Narciso. Como docente hasido profesora invitada en varios conservatorios como el Conservatorio
Superior de Danza María de Ávila para impartir técnicas de coreografía
y talleres de creación, entre los que destaca la pieza Adéu. Además, participa en numerosas jornadas de danza como maestra o ponente, comoes el caso de su última intervención en los Encuentros Coreográficos
Internacionales de Fuenlabrada, organizados por el Centro Coreográfico
María Pagés.

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Memoria de actividades

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LAIMPERFECTA
Sudar Folklore
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza contemporánea
País: España
Idioma: español
Duración: 1h (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función: 20 de septiembre
El espectáculo contiene
desnudos integrales
Intérpretes: David Acero, Lucía Marote,
Danielle Mesquita, Daniel Cabezuelo,
Aurora Costanza
Coreografía: Laimperfecta / Alberto Alonso
en colaboración con las intérpretes
Asistencia coreográfica:
Laimperfecta / Clara Pampyn
Asesoría folklore: Daniel Hernández
Espacio sonoro: José Pablo Polo
Diseño de iluminación: Andrés Dwyer
Vestuario: Laimperfecta y Fede Pouso
Producción: Laimperfecta y Mar López
Técnico iluminación y sonido: Andrés Dwyer
Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

Sala Negra / 20 y 21 de septiembre
Sudar Folklore es una pieza de danza contemporánea en la que me gustaría poner en relación parte del folklore español con la acción de bailar
juntas en una rave de música electrónica, con el objetivo de averiguar
cuáles son los códigos que comparten y entender qué es lo que hace quelos cuerpos trasciendan y se eleven a través de estas danzas.
Me imagino este proceso como un lugar en el que encontremos cuál es
el folklore de nuestra generación. Tengo la sensación de que hay algo delfolklore que es trasgeneracional y cultural. En mi caso no he vivido eso,
pero sí que tengo una sensación parecida, una experiencia casi ritualística,
cuando he bailado en festivales de música electrónica. Hay algo del tipo
de danza, de la repetición de patrones de movimiento que comparten el
folklore y la acción de bailar electrónica que me interesa, del beat y el pulso
que hace que el cuerpo trascienda, se acompase y genere un estado a travésde la danza que deja en evidencia al pensamiento.
Sudar Folklore es la búsqueda de una identidad, la construcción de la posibilidad de pertenecer a un lugar, una celebración de poder bailar juntas yentender a través de la danza y la permanencia qué es lo que nos mantieneaquí o quizás bailar y sudar el peso de la tradición.
—Alberto AlonsoLaimperfecta – Alberto Alonso y Clara Pampyn. Colectivo artísticocreado en 2016 en Madrid. Tanto Alberto Alonso (Madrid, 1987)
como Clara Pampyn (Madrid, 1988) se formaron en arte dramático,compaginándolo con estudios de danza contemporánea a través delEstudio Carmen Senra. Han trabajado como intérpretes, juntos y por
separado, para diferentes coreógrafos como Jesús Rubio Gamo en Bolero(2016), Gran Bolero (2018) y Acciones Sencillas (2020); Elena Córdoba en
Y parecemos árboles” (2022); ACAB, de Spin-off danza junto a Daniel
Hernández y Abraham Hurtado; El ojo del huracán y Ella de Lucía Marote,entre otros. Interesados por el movimiento, la palabra y las nuevas prácticas escénicas, a través de Laimperfecta han creado los espectáculos
SobrelaJuventud (2016), Premio del Público en el Certamen Coreográfico
de Madrid; Concierto (2016), ganador del Certamen de solos Me Myself
and I; Twist (2019) y Fuga (2021); Sudar Folklore (2022) ; 262mil pasos debaile y Las que bailan (2023).

CREACIÓN
CANAL

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Memoria de actividades

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MERCEDESPEDROCHE& COMPAÑÍA
Terrario[La tierna
indiferenciadel mundo]
ESTRENO ABSOLUTO
Género: Danza contemporánea
País: España
Idioma: español
Duración: 1h y 15 (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función: 24 de septiembre
El espectáculo contiene
desnudos integrales
Dirección, coreografía y dramaturgia:
Mercedes Pedroche
Intérpretes: María Fagúndez,
Milagros Galiano, Lionel Giacomelli,David Grimaldi, Juana Jodar, María López
Música original y diseño de sonido: Borja Ramos
Músicos: Eduardo Raimundo (clarinete bajo,
clarinete contrabajo), Mario Pérez (violín, viola),
Arturo Blasco (guitarras, ukeleles), Borja
Ramos (guitarras, bajo, piano, electrónica)
Masterización:
Juanan Ros - El Cantón de la Soledad
Iluminación y coordinación técnica:
Inés de la Iglesia
Vídeo: Eva Viera, Urbanfakirfilms,
María Artiaga
Fotografía: Juan Carlos Arévalo,
Ana Erdozain, Mercedes Pedroche
Producción: Mercedes Pedroche
Ayudante de producción: Mariano Repollés
Agradecimientos: Agustín Bellusci,
Sergio Algora, Danza 180, Ana Erdozain,
Verónica Garzón, Begoña Quiñones,
Romain Ruchaud
Apoyos:Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©JUAN CARLOS ARÉVALO

Sala Negra / 24 de septiembre
Terrario [La tierna indiferencia del mundo] es una pieza con una textura depapel de lija. Áspera, cruda y salvaje, la pieza indaga en el encuentro conla otredad, en el gregarismo y en la indiferencia que mostramos frente
al contexto social que nos rodea.
Seis extraños, apátridas, se encuentran en un espacio desconocido sinpuerta de entrada ni de salida. No saben cuánto tiempo llevan allí. No
saben de dónde vienen ni a dónde van. Y, sobre todo, carecen de normaso pautas para juzgar a los otros. Se ven obligados a convivir con su desorientación y desconcierto. Su única referencia es un muro que se eleva
al fondo del espacio tras el cual creen intuir la existencia de alguien oalgo que les ha abandonado.
Terrario [La tierna indiferencia del mundo] es una mirada microscópica
sobre nuestra sociedad, donde seis individuos, como gladiadores lanzados a la arena, tejen sus relaciones frente a la otredad. Indómitos y asilvestrados, ajenos a la compostura social, su principal arma es la locura.
Mercedes Pedroche. Bailarina, coreógrafa y docente dedicada a la creación escénica independiente desde el año 2005. Su lenguaje escénico
se mueve en un territorio sin fronteras entre la danza y el teatro, donde la realidad se convierte en ficción y el espectador en partícipe activo del acontecimiento escénico. Ha estrenado las piezas Terrario [Latierna indiferencia del mundo]; Artificios y Leopardos; Árido, Seda; Parámetros;
Grita; Réquiem al 33; Que paren la tierra que me subo a una canica y Cambio
curso de discusión avanzada por asiento con vistas, formando parte de la programación de festivales y teatros como los Teatros del Canal, Teatro dela Abadía, La Mutant, Festival Internacional Madrid en Danza, Festival
Dansa Quinzena Metropolitana, Festival Ellas Crean, Lekuz Leku, Mes deDanza de Sevilla, Cartografías de la Danza, Gatadans, Ciclo Desbordarte,Festival Al borde y Festival Endanzante (Colombia). Premio a la Mejor
Interpretación y Premio a la Mejor Puesta en Escena en el XIII CENIT(Certamen de Nuevos Creadores Teatrales), Candidata a los Premios Max
de las Artes Escénicas 2021 en las categorías de Mejor Intérprete deDanza y Mejor Autoría Revelación, Premio a la Mejor Intérprete en el
IX Certamen Internacional de Coreografía Burgos-Nueva York, Primer
Premio en Danza Contemporánea y Premio Especial del Jurado en el IX
y en el IV Maratón de Danza del Teatro de Madrid. En paralelo a su trayectoria como creadora escénica, realiza coreografías para eventos, ciney publicidad, además de impartir clases de danza contemporánea y talleres de creación e investigación escénica.

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Memoria de actividades

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PAU ARAN
La mismadiferencia
Género: Danza - teatro
Países: España - Alemania
Idioma: español
Duración: 35’ - 40’(sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función:
29 y 30 de septiembre
Dirección: Pau Aran
Creado con e interpretado por: Junyi Sun,
Melissa Medina, Carlos Carvento, Urielle
Perona, Helena Gispert
Dramaturgia: Eva Martínez
Asesoramiento:
Miquel Missé, Mar Ortiz
Música: Juan J. Ochoa
Diseño de iluminación:
Leticia L. Karamazana
Escenografía: Stefan Jovanović
Diseño de vestuario: Isabel Peña
Producción: Nadine Freisleben, Angela Fegers(Apricot Productions)Management / distribución: Godlive Lawani(Stane Performing Arts Management)
Este proyecto ha tenido dos fases previas
de investigación apoyadas por la NATIONALPERFORMANCE NETWORK - STEPPING
OUT, financiada por el Comisionado delGobierno Federal Alemán para la Cultura ylos Medios de Comunicación como parte dela iniciativa NEUSTART KULTUR(Programa de Apoyo a la Danza).

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 29 y 30 de septiembre
La misma diferencia es un nuevo trabajo de grupo que explora cómo trascendemos el género y otras identidades limitantes a través de la presencia encarnada de la danza. A través de mis observaciones como coreógrafo, bailarín y profesor, me he dado cuenta de que los intérpretes estáncambiando su relación con el cuerpo; las motivaciones que impulsan su
movimiento y la relación con la autoexigencia están alteradas. Partiendode la desestabilización del concepto de individuo, en esta pieza quiero
mostrar, a través del cuerpo en movimiento, cómo nuestra esencia es
visible cuando trascendemos la necesidad de identificarnos a través decategorías.
¿Cómo contribuye la danza a la diversidad, la igualdad y el respeto
por la libertad? ¿Cómo ensalzamos el valor y la belleza de lo diferente?
La clave de todo esto son los viajes individuales de lxs colaboradorxs en
relación a la idea de transformación. Es la piedra angular de este proceso creativo. Su experiencia dentro del desarrollo informará el resultado. Además, esta pieza también llega para mí en una fase importantede mi camino como artista, en la que estoy haciendo una transición ytransformando mis conocimientos y experiencia en una metodología,
un lenguaje y un mundo coreográficos para el público de hoy y las sensibilidades actuales. Transición. Transformando. Liberándonos.
—Pau Aran
Pau Aran Gimeno. Nacido en Barcelona, comenzó su carrera a los once
años a través de los bailes latinoamericanos, estándar, jazz, moderno yballet clásico. Completó sus estudios en el Conservatorio Profesionalde Danza Mariemma de Madrid y posteriormente en la Folkwang
Hochschule der Künste de Essen, antes de incorporarse al ensemble delTanztheater Wuppertal - Pina Bausch en 2005: hasta 2020 como miembro permanente y posteriormente como invitado. Es también en 2020
cuando inicia su colaboración artística con Sidi Larbi Cherkaoui, la cual
continúa hasta hoy. A partir de 2013, comienzan sus creaciones coreográficas independientes, generalmente desarrolladas a través de trabajos colectivos interdisciplinares y de talleres creativos. Entre sus espectáculos más significativos se encuentran Avui em veus, demà seré invisible(2013); Tres maneras y Mimosa (2016), Notes of Life (2019, producido en
Yokohama); Brocken e Ich bin nicht nur ein Körper, aber wenn du willst, kannich tanzen (2019, ambas para el Tanztheater Wuppertal), Lettre d´amour(2020, junto a Consuelo Trujillo y Alberto Conejero) y Un cadavre exquis
II (2022, junto a José Troncoso).

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Memoria de actividades

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KOMOCO /SOFIA NAPPIIMAESTRENO EN ESPAÑA
Género: Danza contemporánea
País: Italia
Duración: 50’ (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función:
4 de octubre
Dirección artística y coreografía: Sofia Nappi
Bailarines: Lara di Nallo, Valentin Durand,
Evelien Jansen, Paolo Piancastelli, Gonçalo Reis
Diseño de vestuario: Luigi Formicola
Realización de vestuario: Silvia Salvaggioy Elisa Varvarito, gracias a la colaboración de
Manifatture Digitali Cinema Prato di
Fondazione Sistema Toscana
Asistente de coreografía: Adriano Popolo Rubbio
Iluminación: Alessandro Caso
Producción: Sosta Palmizi,
KOMOCO/ Sofia Nappi
Residencia: Orsolina 28, Centro di Residenzadella Toscana (Fondazione Armunia
Castiglioncello – CapoTrave/Kilowatt
Sansepolcro), Opus Ballet Firenze,
Istituto Italiano di Cultura di MadridTour management: ecotopia dance productions
Seleccionado para Bando Abitante / Centro
Nazionale di Produzione della Danza Virgilio
Sieni e Fondazione CR Firenze
Agradecimientos: PARC Performance Arts
Research Centre di Firenze
Coproducción: La Biennale di Venezia,
COLOURS – International Dance Festival,
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 4 y 5 de octubre«Ima» es un término japonés que hace referencia al «momento presente»; en arameo y hebreo «Ima» también significa «madre», en referencia
al renacer y la renovación. IMA nace en el tiempo de distanciamientosocial debido a la emergencia sanitaria de la COVID-19.
Nos hemos quedado solos en nuestro verdadero hogar, nuestro cuerpo, donde únicamente existe la dimensión temporal del presente, donde
nuestra existencia se hace más sensible a las pequeñas cosas, donde lanecesidad de relación con el otro, en ausencia de contacto físico, noslleva a alcanzar un profundo sentido de interconexión y anhelo de creación conjunta. Estar a solas con nuestro cuerpo nos hace percibir claramente que todo lo que hay dentro y alrededor de nosotros no se hadetenido, sino que está en continua evolución en una danza que es lainterconexión de todas las cosas.
Komoco – Sofía Nappi. Coreógrafa y bailarina internacional procedente de Italia, se graduó en el Alvin Ailey American Dance Theater deNueva York para luego profundizar sus estudios a nivel internacional.
En su formación juega un papel fundamental el estrecho contacto conla Hofesh Shecter Dance Company y sus estudios de Gaga, lenguaje delfamoso coreógrafo Ohad Naharin. Directora artística y cofundadora desu proyecto KOMOCO, nacido en 2021, sus primeras creaciones ganaron
el Premio Partner Introdans en el Certamen Coreográfico Internacionalde Dúos de Rotterdam 2021; el 1er Premio, el Premio de la Crítica yel Premio de Producción de la Fundación Tanja Liedtke, en asociación
con el Staatstheater Hannover, bajo la dirección de Marco Goecke, en
el XXXV Certamen Coreográfico Internacional de Hannover. KOMOCO
ha mostrado sus trabajos en Alemania, Estados Unidos, Italia, Holanda,
Israel, Francia, Albania, España, Kosovo, Bélgica y Hungría, haciendo escala en numerosos y prestigiosos festivales y plataformas italianas e internacionales, entre ellos: La Biennale Di Venezia, The Albania
Meeting Dance Festival, RomaEuropa Festival, MASDANZA, the Colours
International Dance Festival o Teatros del Canal. Como coreógrafa independiente al servicio de otras compañías, Sofía Nappi ha trabajado en
Holelah, creada para la Biennale di Venezia 2019 por el Teatro Nacionalde Mannheim; Tagadà en la Staatsoper Hannover (2023); Moving Cloudpara el Scottish Dance Theatre (2023) y un nuevo proyecto especial con
la Nederland Danse Company, Introdans (2023). Para 2024, el Nederlands
Dans Theater 2 le ha encargado una nueva obra.

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Memoria de actividades35LUCÍA VÁZQUEZ
FurtherThoughts(Pensamientos
adicionales)
ESTRENO ABSOLUTO
Género:Danza contemporánea-multidisciplinar
País: España
Duración: 1h (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función:
18 de octubre
Idea original, coreografía
e interpretación:
Lucía Vázquez
Música, espacio sonoro
e interpretación: Miguel Marín
Arte e interpretación:
Julia Llerena
Iluminación: Benito Jiménez
Vestuario: Atelier3
Fotografía: Marta Rubio
Distribución:
Lucia De Franchi
Con el apoyo de:

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©MARTA RUBIO

Sala Negra / 18 y 19 de octubre
Espectáculo de danza donde la experiencia artística total va más allá dela danza en sí misma. Una obra multidisciplinar en la que la coreografía, en su sentido más tradicional como en su sentido más actual, la
experiencia de sonido cuadrofónico y la instalación artística, materia yforma, conviven en la obra contemporánea sin etiquetas. Donde sus tres
protagonistas comparten con honestidad sus “pensamientos adicionales”
partiendo desde una nada que en sí misma vibra de posibilidades.
Un acto poético sin pretensión donde de forma orgánica e intuitiva seencuentran distintos gestos e intenciones en un diálogo diverso.
Usando los cuerpos de estos tres narradores, en el espacio, con una
coreografía uniendo la danza, la acción, la fisicalidad orgánica, espacio
sonoro, la música construida en directo, loops, spoken words…
No hay límites para los artistas. Solo la implicación sincera de las artes para construir una obra vibrante y bella con una base absolutamente
coreográfica.
Lucía Vázquez. Bailarina y coreógrafa sevillana, formada como bailarina
clásica con Carmen Roche y maestros del Ballet Nacional de Cuba y en
danza contemporánea en el Centro Andaluz de Danza, donde obtuvo
una beca además de en numerosos cursos de perfeccionamiento
en el extranjero. Es también Técnico Superior en Estilismo de la
Indumentaria. Alabada por su precisión técnica y su variedad deregistros, ha trabajado como intérprete para otros coreógrafos como
Manuela Nogales, Poliana Lima, Bárbara Sánchez y Álvaro Frutos, entre otros, y mantiene colaboraciones con Guillermo Weickert, MiguelMarín y Andrés Marín. Su danza, sobre todo en su última etapa, mantiene una constante investigación en torno a otras disciplinas artísticas
y mantiene una sutil influencia japonesa motivada por sus cuatro años
residiendo en Tokio, donde estableció estrechos vínculos con creadores japoneses: presentó Crumpled junto a Saori Hala; la premiada pieza
Flying Birds con el bailarín de butoh Nobuyoshi Asai y con Satoshi Kudo
produjo la galardonada Mazari y Hasekura Project. De regreso a España,
estrenó About Bunny (2021), junto al músico y compositor Miguel Maríny Further Thoughts (2022) con la residencia de Creación Canal. Ha sido
galardonada como Mejor Bailarina en los Premios Escenarios de Sevillaen 2011, 2015, 2019 y 2021; el Premio Lorca a Mejor Bailarina en 2013y 2019, y en la misma categoría el Premio Asociación de Profesionales
de la Danza de Andalucía en 2019. Fue galardonada por Flying Birds en
el Festival New Dance for Asia International Festival (Seúl, Corea delSur) con el Premio del Festival en 2017. Su trabajo ha podido verse en
festivales y teatros de España, Italia, Japón, Corea del Sur, China e India.

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Memoria de actividades

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MEY-LING
BISOGNOPHYSICALTHEATRE
Ready-Made
ESTRENO ABSOLUTO
Género:Danza - teatro físico de objetos
Duración: 1h (sin intermedio)
Encuentro con el público
al terminar la función: 22 de octubre
Dirección artística: Meyling Bisogno
Coreografía: Mey-Ling Bisogno conla colaboración de sus intérpretes
Intérpretes: Ian Garside y Elisa Forcano
Música original y ambientación sonora:
Martín Ghersa
Diseño de iluminación: Álvaro Guisado
Escenografía: Laura Ferron
Atrezo: Mey-Ling Bisogno
Estilismo: Cristina Pérez Sosa
Comunicación y management:
Peso producciones
Fotografías y vídeo: Jesús Robisco
Coproducción:
Centro Coreográfico Canal - Teatros del Canal
Con la ayuda del programa de movilidad culturaldel Gobierno de Canarias para Ian Garside

Con el apoyo de la Comunidad de Madrid

CREACIÓNCANAL
FOTOGRAFÍA: ©JESÚS ROBISCO

Sala Negra / 18 y 19 de octubre
El trabajo deriva a partir del tratamiento del objeto en las Vanguardias
de las artes visuales. Por ejemplo, de Duchamp, del Dadaísmo, deTadeusz Kantor… Dando al objeto familiar un significado adicional, unvalor simbólico y metafórico distinto de su simple valor de uso. Sobre laescena, el objeto no solamente abandonará su contexto natural, sino que
además será dotado de movimiento tanto físico como expresivo.
Desarrollaremos la zona de tensión entre el intérprete y el objeto,ese “entre” que hay ahí, que no tiene forma o consistencia material. La
idea principal es jugar con los vínculos entre el intérprete y el objeto. El
bailarín no está permanentemente ligado al objeto, sino que también es
personaje dentro de la obra. Estas relaciones generadas a partir del juego
de la manipulación son innumerables, uno puede manipular sin siquiera tocar a un objeto. Un intérprete puede sugerir la vida del objeto asiete metros de él, mediante la actuación, haciéndole creer al espectador
que ese objeto está vivo, porque él lo cree, y si él lo cree, el espectador
también.
Mey-Ling Bisogno Physical Theatre. Compañía fundada en 2008 por esta
coreógrafa, bailarina y actriz franco-venezolana, con ascendencia china
e italiana, formada en disciplinas que abarcan desde la danza clásica ycontemporánea a la mimo-dinámica o la lucha libre. Fue becada en formación por la Alvin Alley American Dance de Nueva York, y estudió
también interpretación teatral con Ruén Schumacher en Buenos Aireso en L’École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq de París. Entre losespectáculos de su compañía, con un repertorio actual de unas 35 coreografías, destacan Cómeme (2010) y su secuela Cómeme otra vez (2020); PeepBox (2012); Mi cuerpo, un Hotel (2016), Cuando muere un sueño... corre mucha
sangre (2017; proyecto ganador de la convocatoria Of Death and Dying dela Associazione Dello Scompiglio, Italia), Painkiller (2019) o PepBox350o lossoldados de franela, presentado en los Teatros del Canal en 2021. Bisogno
ha sido invitada a colaborar como coreógrafa en espectáculos del Centro
Dramático Nacional, el Teatro Español y de la Compañía Nacional deTeatro Clásico, y ha sido responsable de la coreografía de la Cabalgata deReyes de Madrid de 2017 a 2019. Es también programadora y comisariade danza, trabajo desempeñado para el Festival Ellas Crean desde 2019 ala actualidad.

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

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MODALIDAD DEINVESTIGACIÓN:ENSAYOS ABIERTOS

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Somethingtouching por Lia Ujcic y Vincent Wodrich
2. Imagen de … el continuo interminable amor que tengo por ti por lacompañía Manuela Barrero

1

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA«SOMETHINGTOUCHING», DE LIA UJČIČ Y VINCENTWODRICH Realizado el viernes 13 de mayo
a las 17:30 horas. Duración: 45 minutos.
somethingtouching es un poema en movimiento queversa sobre todos nosotros. Cuenta una historia sobre
las conexiones humanas más naturales y su interrupción. Habla de nuestra piel y del corazón que hay debajo de ella. Habla en voz alta de un mensaje delicado
que no contiene palabras. Un mensaje que sostienesolo las manos y el poder cuando estás en contacto
con otra mano. Una cara. Un hombro. Una espalda.
U otro corazón. ¿Todavía sabes cómo conocer a otro
corazón? ¿Cómo dar la bienvenida a otra piel? somethingtouching quiere ser un recordatorio suave y una
invitación a acariciarse, darse la mano y abrazarnos
los unos a los otros. En una época en la que un abrazo sería la respuesta a muchas de nuestras preguntas,
esta obra quiere ser una pequeña guía instructiva sobre cómo salir del aislamiento. Una guía para tocar aotras personas y sonreír.
Vincent Wodrich es un artista de la danza, investigador y coreógrafo originario de Alemania. Se licenció en la Universidad de Música y Danza de Colonia.
Durante sus estudios trabajó y colaboró con varios
bailarines de compañías de toda Europa, como Sidi
Larbi Cherkaoui y Última Vez, que le influyeron profundamente. Desde entonces Vincent ha trabajado
para numerosos teatros como Volkstheater Rostock,
Nordharzer Städtebundtheater y como residente en elCentro Coreográfico Canal (Madrid). Artísticamente
ha colaborado también con Smadar Goshen, Christina
Comtesse, Laura Witzleben, Edan Gorlicki y Billinger& Schulz. Desde la temporada 2022/23 Vincent baila
con el Teatro Regensburg.

Lia Ujčič es una artista independiente de danzacontemporánea originaria de Eslovenia. Su práctica personal está influenciada por su educación enla Northern School of Contemporary Dance (BA(Hons) y MA) y su formación y enseñanza en esquí alpino. Como intérprete y asistente coreográfica, Lia ha trabajado extensamente con la compañía
Tanz Gervasi. Artísticamente ha colaborado también
con Compagnie Linga, Laura Witzleben, Christina
Comtesse, Mark Bruce Company, Mad Dogs Dance
Theatre y en el cine en ANIMA de Paul Thomas
Anderson, Thom Yorke y Damien Jalet. Lia ha sido
durante muchos años miembro de Ferus Animi //Terra Nova, un colectivo de investigación del movimiento con sede en Europa. Actualmente, sus principales áreas de investigación son la improvisación delmovimiento, la coreografía, la prevención/rehabilitación de lesiones y la psicología.
En colaboración con el Goethe-Institut Madrid

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA«…EL CONTINUO INTERMINABLE AMORQUE TENGO POR TI», DE LA COMPAÑÍA MANUELABARRERO dlcAos Realizado el día 31 de mayo
de 2022 a las 17:30. Duración: 30 minutos.
Arraigada en el pensamiento oriental primigenio(principalmente chino y japonés), esta pieza se propone vaciar el vaso de lo que no nos pertenece como
seres humanos hermosos, poner en duda eso de loque parece estamos llenos. Dice Zhuangzi: “Antesque defender el punto de vista que uno rechaza oque el otro defiende, mejor sería ver claro”. En momentos de vertiginosa confusión global, ir al pensamiento originario, puede ser una valiosa brújula.
Acercándonos a emociones primarias puramente
humanas, e intentando mirarlas sin juicios predeterminados e impuestos de positividad o negatividad, lapieza va apareciendo mágicamente, como escribiría
Gerardo Jorge sobre J. Cage en Escribir en el agua, gracias a una actitud meditativa, receptiva con el caos, laanarquía y la continuidad. Así, impregnada del concepto ancestral de vacío oriental, … el continuo interminable amor que tengo por ti quiere ser la brocha seca en
el arte de la caligrafía japonesa, la caricia del pincelsobre el papel, el final y rastro del gesto en un solo
trazo, el significado profundo de lo que se mueve
de dentro a afuera. Difuminar límites entre géneros
escénicos, dar una posición central a la poesía de lopequeño y la composición musical como ejes generadores de danza e investigación coreográfica, está en el
trabajo diario. El no aislamiento del lenguaje coreográfico del resto de las artes, es sello imprescindiblede creación dlcAos. ...el continuo interminable amor que
tengo por ti es estar y ser en el camino. Y verlo. Es
tener como certezas únicas el valor incalculable devivir ya, y que el Amor es el motor del Todo del quesomos parte. Esa es la defensa. Nada más. Eso, y lacalma de saber que con mucha probabilidad: “La belleza permanece en las imposibilidades del cuerpo”.

©JACOBO MEDRANO

2

Sobre Manuela Barrero - dlcAos Licenciada en
Historia del Arte por la Universidad Complutense de
Madrid, cursa estudios de doctorado especializándose en Arte Contemporáneo. Estudia danza clásica en
el Real Conservatorio de Madrid. Continúa su formación en Berlin y París. Tras trabajar durante trece años con la compañía LosDedae en más de una
veintena de producciones, comienza su trayectoria
como creadora. Así funda y dirige desde 2016 la compañía Manuela Barrera dlcAos, un proyecto en el que
el encuentro y retroalimentación entre diferentes
disciplinas (artes plásticas, lo audiovisual, literatura, música, danza, teatro, pensamiento) y lo escénico, marca la línea que sigue en cada creación. Con
su compañía ha sido coreógrafa residente del Centro
Coreográfico Canal, Centro Cultural Conde Duque, laCompañía Nacional de Danza, el Centro Coreográfico
María Pagés o La Nave del Duende en Cáceres. Ha
viajado a festivales como España Baila 2017 (Bremen)organizado por el Instituto Cervantes, el Festival
Iberoamericano de danza Plataforma Berlin 2017,
el Festival DanzaEñe, I Muestra de Danza Española
Contemporánea para Programadores Internacionales
de la Fundación SGAE en Teatro Español, entre otros.
Ha participado también en otros encuentros, comoen el programa Desembarco de la Danza organizado
por el Pavón Teatro Kamikaze en Madrid, el programa
Danza en la Villa en las ediciones del 2021 y 2022 enel Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, oel SURGE Madrid 2022. Entre sus trabajos para producciones teatrales ha coreografiado para el Teatro
Calderón de Valladolid, para el Teatro de la Zarzuela,
así como para directores de escena como Miguel delArco, Juan Echanove o Luis Luque, entre otros. Comodocente, imparte clases de danza y composición coreográfica, movimiento escénico, o artes aplicadas ala interpretación en diferentes proyectos escénicos.

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Memoria de actividades45

1. Imagen de Moscas y Diamantes por la compañía Francisco Hidago
2. Imagen de Rota por la compañía Julia Nicolau y Javiera Paz
3. Imagen de No tiene dolora de la compañía Zebra Prieta
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ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «MOSCASY DIAMANTES» DE LA COMPAÑÍA FRANCISCO
HIDALGO Realizado el 17 de junio de 2022 alas 17:00 horas. Duración: 25 minutos.
¿Qué somos? ¿Quién nos mueve? ¿Qué queremos
ser? ¿Hacia dónde dirigimos nuestros impulsos? Cada
ser humano, de una u otra forma, está condicionado
por una serie de normas de comportamiento impuestas por terceros que determinan lo supuestamente
correcto como una verdad absoluta, y que coartan
nuestros actos y forma de vida para arrastrarnos, enla mayoría de ocasiones, a una zona de confort resultado del miedo que nos imprimen a salirnos de loestablecido. En Moscas y Diamantes me someto a un
trabajo de introspección donde reflexionar sobre lasconsecuencias que esto ha generado en mi auto-realización como danzante, para alejarme de cualquierprejuicio adoptado por las mismas y encontrar la realidad de mi mundo utópico. Impulsado por el artepictórico de Oswaldo Guayasamín, busco mi perfección en la expresión máxima de mi yo en todos lossentidos; el yo calvo, el yo imperfecto, el yo varonil,
el yo humano, el yo rústico, mi yo perfecto… el yoque el espectador quiera percibir de mí. Porque nuestro ser no está en manos de otros y la única verdad
absoluta es la propia, si nos llaman locos… lo mejor
será que bailemos…
—Francisco Hidalgo.
Ficha artística:
Idea y baile: Francisco Hidalgo
Dirección escénica: Carlos Chamorro
Asesoramiento coreográfico: Belén Maya

Sobre Francisco Hidalgo. Nacido en Algodonales,
Cádiz (1985), es Licenciado en Pedagogía del baile
flamenco por el CSDMA de Madrid y Máster en
Liderazgo y Gestión de proyectos culturales por
la URJC de Madrid. Habitual en tablaos como Los
Gallos, Corral de la Moreria, o Casa Patas, funda su
propia compañía al recibir el encargo del Instituto
Cervantes de producir el espectáculo Sonidos Blancos(2015), que rota por el Magreb. Con el apoyo de laFundación Casa Patas creará Los Silencios del Baile(2016) y Binomio (2017), que estrenará en el Miami
Dade County Auditorium, girando por diferentes
ciudades de EEUU como Teatro Gala de Washington,
Benaroya Hall de Seattle y Center for the Performing
Art de Olympia. Con producción propia estrena
Ver, oír y bailar (2018) con apoyo del Teatro Vicente
Espinel de Ronda, posteriormente se presenta en la
XXIV edición del Festival Flamenco de Jerez y girapor diferentes festivales y circuitos nacionales einternacionales. Moscas y Diamantes (2022) una propuesta creada a partir de una residencia de investigación otorgada por el Centro Coreográfico Canal.
Hidalgo también crea, desde 2021, varias piezas breves o improvisaciones vinculadas al mundo del arte,como Impulsos pictóricos (2021) en Casa de Velázquez;
Mahtematical Inmmanaence (2022) para un proyecto delartista Miguel Angel Rego para el Museo Marienma
de Iscar – Valladolid; Bailar a Siquier y Gasparini(2022), vídeo-danza para la Fundación MAPFRE de
Madrid (2022). Hidalgo ha sido seleccionado por
los festivales Suma Flamenca, Festival Flamenco de
San Blas, La Isla ciudad flamenca, Nuits Flamencas
de Chateauvallon, Festival de Avignon, Jornadas flamencas de la Fortuna, Festival de Cante Grande de
Ronda, Festival La Serrana o Festival de la Guitarra deMarchena entre otros. Como intérprete, ha trabajado
para compañías, coreógrafos o directores como Lucía
Guarnido, Yurico Yoda, Cristina Hoyos, José Carlos
Plaza o Arlene Phillips, entre otros.

3

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ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «ROTA» DE LA
COMPAÑÍA JULIA NICOLAU Y JAVIERA PAZ (CONLA ASISTENCIA COREOGRÁFICA DE ARTHUR
BERNARD BAZIN) Realizado el viernes 17 de junio
a las 18:00 horas. Duración: 30 minutos.
ROTA: Danzas de la intención y del fracaso. Poner en
diálogo coreográfico las ideas que se persiguen conlas acciones, lo que un ser humano se propone hacery qué es lo que resulta cuando este intento es fallido,
cuando tiene un resultado adverso o quizás, inesperado. Las pautas que mueven este dúo hacen convivir
en el proceso las dificultades para ponerse de acuerdo, generar códigos comunes a pesar de las discrepancias, la falta de acuerdos e incluso aceptación deuna situación. Convergencia y entrecruces, convivencia y entrelazados, consecuencia e intersecciones sonconceptos que sostienen la coreografía de la pieza.
Esta investigación es como un síntoma coreográfico
que hace colindar, en competencia, el juego y la violencia. Aspirar a un objetivo, disputarse por lograrlo y provocar una gran demostración de capacidadespara poder desarrollar un sentimiento de identidad ypertenencia, puesto que todo aquello que se activa enel camino es la danza, en realidad.
Sobre Julia Nicolau y Javiera Paz. Primer proyecto
conjunto de esta pareja de artistas. Julia Nicolau es
una bailarina, coreógrafa, actriz y música madrileña
asociada desde sus inicios al Teatro Físico. Ha dirigido
los espectáculos Antes – Después (2022, estrenado en elFestival Surge) e Y todavía somos (2022, estrenado en elFestival de Otoño de Madrid) tras girar con este último por España, Islandia y Costa Rica. Recientemente
ha trabajado en el último proyecto audiovisual deMiguel del Arco y Antonio Ruz. Javiera Paz es una
bailarina y creadora escénica chilena. Afincada en
Madrid desde 2019, funda la compañía Egozkue y Paz,
junto al actor Manuel Egozkue. En 2021 estrenan en
Madrid su primera obra, Pletórico, que gira por distintas ciudades entre Chile y Argentina. Juntos desarrollan Fiesta intensiva, una práctica de movimiento continua y sonorizada en directo. En el presente colaboran
con distintos proyectos escénicos y audiovisuales.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA «NO TIENE DOLOR»
DE LA COMPAÑÍA ZEBRA PRIETA Realizado el martes
12 de julio a las 12.30 horas. Duración: 30 minutos
Este trabajo recoge una serie de obras de danza contemporánea, performances e improvisación basadas
en el periplo migratorio de personas afrocaribeñxs.
Cuerpos que transcurren de forma intermitentecrean imaginarios de resistencia donde la disputa por
el estar es la protagonista.
Sobre Zebra Prieta. Una plataforma de entrenamiento físico, y creación coreográfica que transita entre
la performance y la danza contemporánea dentro deuna visión de pensamiento radical cuir negro y dirigida por Malvin Montero Puerca de goma. La plataforma brinda espacios para creadoras racializadas
y apoyo en sus propuestas artísticas. Zebra Prieta ha
participado en el Festival Social Tu Danza con la pieza
Tragar Voces Rudas (2018); en la Feria del Libro de La
Latina con la pieza El sol es mi patria (2019), en las Residencias de Matadero 2020 con Escupir tu rabia y en
2021 en el Ciclo de Danza Latina del Auditorio Pacode Lucía con No tiene dolor.
Ficha artística:
Coreografía: Malvin Puerca De goma
Intérpretes: Jean Pierre Ozuna, Samuel Ramírez.
Zebra Prieta, plataforma de creación escénica
y pensamiento Radical Negro.

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Memoria de actividades

1©CARLA DI GIROLAMO

2©DANILO MORONI / JUAN CARLOS TOLEDO

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1. Imagen de Dalet (Da) por la compañía Daniel Abreu
2. Imagen de Alicia por la compañía El Amor

3. Imagen de La declamación por Melania Olcina

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ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «DALET (DA)»,DE LA COMPAÑÍA DANIEL ABREU Realizado el
28 de julio a las 13:00 horas. Duración: 30 minutos.

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «ALICIA»,DE LA COMPAÑÍA ELAMOR Realizado el 9 deseptiembre a las 18:00 horas. Duración: 45 minutos

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «LA DECLAMACIÓN
MUDA», DE MELANIA OLCINA Realizado el 23 deseptiembre a las 13:00 horas. Duración: 25 minutos.

Dalet es una letra del alfabeto hebreo que hace referencia a la puerta. Una puerta sin dintel que permite
ir a través de. Un ir desde el vacío a la forma sin dimensiones. Es una travesía del desierto, un símil conla vida, con las grandes etapas como el nacimiento, laadolescencia, el matrimonio, la muerte. Su presencia
nos invita a cambiar de lugar, de mundo. Esta idea depaso y camino es el punto de inicio para acercarmea una narrativa danzada en la que varios personajes
actúan e interactúan en la toma de decisiones.

Sonido y movimiento. El sonido invade el espacio.
Lxs bailarinxs entran en movimiento. En esta investigación, la música y el sonido pasan de celestial a concreto. La composición musical y lxs bailarinxs se agarran al ruido de la materia para generar un contraste
y una armonía inusual. Así, partiendo del diálogo con
el espacio, Alicia crea atmósferas de sonido envolventes, para dotarlas de un significado contemporáneo. A
través de la artesanía del movimiento, de su fisicidad
y desde las texturas del sonido, Alicia transmite una
vibración sensible y un contacto no mediado con el
espectador.

Esta pieza busca la relación entre las vibraciones
sonoras de un instrumento de viento y un cuerpo
afectado por sus dinámicas aéreas. De tal modo, el
oído soñador escucha la voz íntima no formulada yúnicamente aérea. Tal y como dice Gaston Bachelard,en El aire y los sueños, imaginación del movimiento (1958):“El viento es para el mundo, lo que el hálito para elhombre, manifestación de la expansión de las cosas infinitas, llevan a lo lejos y cerca el ser íntimo haciéndolo
participar en todos los lugares del universo”.

Sobre la Compañía Daniel Abreu. Formado en danza clásica y contemporánea, pero también Licenciado
en Psicología, lo que está muy presente en sus trabajos, fundó su propia compañía en 2004. Entre sus
muchos trabajos realizados, destacan Perro (2006),
Animal (2011), Cabeza (2012), Silencio (2013), Venere yVertebral (2015), Two Men (2016), La desnudez (ganadora de tres Premios Max a intérprete, coreografía y mejor espectáculo), Más o menos inquietos (2017)
o Abisal (2019). Uno de sus últimos trabajos, El Hijo
(2021), también fue objeto de una residencia de investigación en el Centro Coreográfico Canal. En elaño 2011 entra en el prestigioso grupo de artistas
que conforman el programa europeo Modul Dance.
De 2018 a 2020 es nombrado director artístico deLava Compañía de Danza, asociada a El Auditorio de
Tenerife. Entre los numerosos premios que atesora,
se encuentra el Premio Nacional de Danza (2014), elPremio del Jurado a la mejor coreografía en el XVIII
Certamen Coreográfico de Madrid (2005) o el Premio
Fundación AISGE al bailarín sobresaliente (2005).

Sobre ELAMOR. Compañía de danza y productora
creativa en torno a las artes vivas, creada en 2020
con el objetivo de ampliar las posibilidades y ámbitos de acción de ambas disciplinas. Crea obras de distinta naturaleza, donde también ha cabido lo efímero
y la improvisación. En el campo de lo escénico, ha
estrenado Stella de Mar Aguiló, en Teatros Canal, yha colaborado en Entertainment, de Manuel Rodríguez
en el SAT!. Entre los proyectos abiertos de la compañía está la serie Nuevos Coreógrafos que inauguró
el artista Isidoro Varcárcel-Medina en 2021 y que
tendrá continuidad en 2022 con la también artista
Dora García. También el circuito de danza y arte deacción VÓRTEX que ha programado múltiples creadores en Goethe Institut, Casa Árabe, Club Matador,
CentroCentro y The Ryder. Ambas series y movimientos siguen vinculando artistas, sedes y obras dedanza y performance. En cuanto a cine danza, y danza para empresas, han producido la película AÚN, conla compañía de Antonio Ruz, y han creado piezas dedanza para para el Instituto Empresa IE, la cantante Anaju y el Centro de Arte Santa Mónica, la empresa Xiaomi España y la artista textil Alex Hug en
Colección Solo. También han impulsado comisariados de noche para ArcoMadrid y Sprint-Italia, y estánasociados a nods de creación e investigación como
112Lab Barcelona o Leopoldo Madrid. Tienen también su propia editorial de arte, AMOR EDITIONS. La
compañía promueve regularmente encuentros profesionales y conferencias multidisciplinares.

Sobre Melania Olcina. Licenciada en Historia del Artepor la Universidad Complutense de Madrid (2009)y Diplomada en Danza Contemporánea por el Real
Conservatorio Profesional Mariemma de Madrid(2008). Masterizada en Pensamiento y Creación
Escénica Contemporánea por la Escuela Superior De
Arte Dramático de Castilla y León (2021). Obtienediferentes premios y becas como intérprete en festivales nacionales e internacionales de danza como
el Festival Internacional de Viena Impulstanz (2009);
el Certamen de la Universidad Carlos III de Madrid(2009); XXIII Certamen Coreográfico de Madrid(2008); XXII Certamen Coreográfico de Madrid(2007); Festival internacional de danza y artes escénicas ADAE (2008); y Festival de danza de Alcalá deHenares (2005). Como intérprete, ha trabajado para
Pedro Berdäyes, José Reches, Jesús Rubio Gamo,
Teresa Nieto, Carmen Roche, Claudel Bardouil y desde 2013 es solista habitual de la Compañía Sharon
Fridman. Así mismo, trabaja desde 2010 de forma asidua con Antonio Ruz. Como coreógrafa, ha realizado piezas como Solo orgánicos (2008), Tengo la ambición
de una hormiga (2015) y La declamación muda (2022).
Como vídeoartista, obtiene una mención de honor enel 8º Festival Internacional de Video Movimiento 14(Colombia) con Woman on Background (2013); el PremioÚnico Internacional en el 9º Festival Internacional devideo danza, Video Movimiento´15 (Colombia) con
Galmatopeia (2015). También ha realizado las piezas
Homo (2019) y Niobe (2021). Como docente, ha trabajado en el Proyecto Jóvenes en Movimiento Trasdanza,
promovido por la Asociación de Profesionales de la
danza de Madrid (2012-13); y en la Fundación Culturadel Sur de Blanca Li (2011-2013).

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Memoria de actividades

ENSAYO ABIERTO DE «NÃO SABEMOS O CHÃO»,DE PINY Y ALLAN FALIERI Realizado el 21 deseptiembre a las 17:30. Duración: 40 minutos.
Este dispositivo-experiencia está conducido por losintérpretes. Potentes, cansados, eróticos y erotizados,
reflejan inquietudes, su historia y pensamientos utópicos, desde el cuestionamiento del lugar -tanto geográfico como temporal- y del cuerpo, para promover
un tránsito por las diversas fronteras existentes: la dela realidad, pero también los propios límites corporales. Una perspectiva concreta, donde los días y lahistoria son cíclicos pero los individuos somos mucho más. Vivimos aquí y compartimos nuestras experiencias allí. Tenemos la necesidad de otras narrativas
y un lugar seguro donde ser cuidados. Somos vistos,
pero vemos. Así, se articula una investigación creativacomo un espacio de cuestionamiento sobre el cuerpo,
el tiempo, la percepción, el prejuicio, la descolonización de la mirada, el ego y su anulación, en una composición caleidoscópica, que siempre ha estado y que,sin embargo, nunca empezó. A las diosas, reverencias.
A los ancestros, gratitud. Cada día se vuelve más nítido mientras todo permanece turbio, y nada está solo.

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Imagen de Nao sabemos o chao por Piny y Allan Falieri

Sobre Piny y Allan Falieri. Los dos creadores se conocieron ahora, pero probablemente se cruzaron en
otros cuerpos o lugares. Se reencuentran después deun largo e intenso recorrido y paran juntos, provenientes de contextos diferentes, pero compartiendosimilitudes: entre la academia y la calle, lo formal
y lo informal, el centro y la periferia, la estabilidad y la inestabilidad, con una fuerte experiencia
como creadores y personas vivas. Cuestionan mucho su recorrido, el futuro y sobre todo el presente.
Asumen su presencia en el contexto social, político
y espiritual de los cuerpos queer y racializados, buscando un lugar que no es lugar pero que es absoluto
en su inexistencia. Este proceso es de Piny y Allan
Falieri. Allan Falieri nació en Río de Janeiro y estudió en el Centro de Dança Rio. Su carrera como bailarín internacional lo ha llevado a formar parte dela Compañía Nacional de Danza, Nerderlands Dans
Theater, Ballet Gulbenkian, Bejárt Ballet Lausanney Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Ha colaborado con los creadores: Jiří Kylián, Maurice Bèjart,
Ohan Naharin, Crystal Pite, Wayne McGregor oMarie Chouinard. También ha impartido clases paraSão Paulo Companhia de Dança, Sesc Companhia deDança, West Australian Ballet, Ballet da Cidade deSão Paulo, Ballet National de Marseille. Su carrera
como coreógrafo se inicia en España, con The Secret
Of My Pocket Show I Share With Dr. Almeida (2010) para
la CND, a la que siguen otras como How To Hide Your
Hand (2010) y Me, You... Almost Us ( junto a Yoko Taira,2011) para el MNCAR; Cod.bh-8 para la São Paulo
Companhia de Dança, (2014 ); Cod.MMTF para el
D.A.F. Dance Art Faculty, Roma, (2016), Entropia para
Sesc Companhia de Dança, (2016); Insight (2017); La
Mujer Que No Se Comió La Manzana, Beautiful Strangers
y Bashdoor… La Victoria Absurda (2018) para el CCC y
MEMORY (2019), para el Teatro Romano de Lisboa. En
2020 estrena Vanish Id en Teatros del Canal, y en 201
Titun… The Serendipity Of The Black Swan’s Death. CCC,y crea la pieza ÀÀLÀ que muestra posteriormenteen espacios de arte como la Galería Javier López &Fer Francés y la Freijoo Gallery de Madrid. En 2022
crea las piezas Sister of the Yam, con ORE ART para
EinTanzHaus – Heidelberg; también Muyrakytã, parael Balé Da Cidade de São Paulo. Y Cautiverio: In the End
We Are All Stories para el Conservatorio Superior deDanza María de Ávila.

©PINY

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Memoria de actividades

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1. Imagen de A.H.A (antes hacíamos análogos) por Miguel Fiol
2. Imagen de Muchos caballos galopando juntos pueden hacer temblar

la tierra por la compañía Babirusa

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «A.H.A.
(ANTES HACÍAMOS ANÁLOGOS)» DE MIGUELFIOL Realizado el 7 de octubre de 2022
a las 18:00 horas. Duración: 20 minutos.
A.H.A. (Antes Hacíamos Análogos) parte del conflictoque se genera cuando dos realidades se encuentran,
chocan, coinciden en el mismo sitio con miradasdiferentes. Como la pulsión de un cuerpo se adapta
a situaciones que este no es capaz de concebir.
Como si la razón escapara de la razón. ¿Quién
tiene el poder de cambiar tu mirada? ¿Existe cierta
dificultad a la hora de percibir con empatía otra
verdad? La percepción de una realidad no debería sercuestionable. Entonces, ¿cómo nos relacionamos?

©YAPO27

1

2

Sobre Miquel Fiol. Coreógrafo y bailarín mallorquín.
Graduado en 2006 en Barcelona, trabaja como intérprete, con prestigiosas compañías nacionales como
Cía. Sol Picó, Cía. Mudanzas / Ángeles Margarit, Pere
Faura, Verónica Cendoya, Aymar Perez Galí, y actualmente se encuentra de gira con la Cía. Mal Pelo ysu último espectáculo Highlands. También ha trabajado a nivel internacional, en Holanda, con la compañía Panama Pictures, y en Alemania con Johana
Richter, así como con la compañía Hofesh Shechter,en Inglaterra. Formó parte del elenco en el proyecto Enter Aquiles de la compañía DV8 Physical Theater,
en el remake que se estrenó en 2020. Co-dirigió,
como director, coreógrafo e intérprete, la compañía
Los Moñekos, girando sus espectáculos por España,
Inglaterra, Rusia y Canadá, recibiendo premios como
el del Festival ACT en Bilbao y formando parte deredes como A Cielo Abierto. Obtuvo el premio como
Mejor Bailarín en los XIX Premios de la Crítica, conel espectáculo Back Ábac de la Cía. Mudanzas/ Àngels
Margarit. Actualmente dirige su siguiente creación,
A.H.A. junto con el violonchelista Daniel Claret y forma parte de la nueva creación de la compañía Baród´Evel que se estrenará en Julio 2024.

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «MUCHOSCABALLOS GALOPANDO JUNTOS PUEDEN HACERTEMBLAR LA TIERRA», DE LA COMPAÑÍA BABIRUSADANZA Realizado el 28 de octubre de 2022
a las 13:30 horas. Duración: 60 minutos.
En este proceso de investigación abordamos algunos
temas específicos como la manada, la fuerza, la pureza, la fragilidad, la belleza y la trascendencia. Lo coreográfico nos guiará atravesando un viaje comunitario lleno de particularidades. La transformación, laenergía, una manada galopante de cuerpos llenando
el aire, cuidando lo particular y haciendo grupo.
Sobre Babirusa Danza. Fundada por Beatriz Palenzuelay Rafael de la Lastra, desde su creación ha estrenado diversas producciones para teatros y espacios noconvencionales. La compañía entiende el hecho escénico como un artefacto complejo donde todas laspartes son fundamentales. En sus trabajos se fundenla danza contemporánea, lo cinematográfico, lo poético y la belleza, estando presente en sus coreografías una fisicidad llena de matices. La fuerza emotiva
de sus composiciones, trasladan al espectador a serparte de la obra, haciéndole partícipe y trabajandola empatía como motor de la comunicación. Beatriz
Palenzuela es Titulada por el Real Conservatorio
Profesional de Danza Marienma de Madrid y se formó en Carmen Senra (Madrid) y Henny Jurriens
Stiching (Ámsterdam). Ha estudiado Danza Clásica enla Escuela de Iom Beitia de Bilbao y es titulada por la

Royal Academy of Dancing. En Estados Unidos fue
seleccionada para participar en el Forsythe Projectcon Richard Siegal, Nik Hafner y Dana Caspersen.
También ha tomado cursos con Roberto Oliván, David
Zambrano, María Muñoz y Pep Ramis (Mal Pelo) y
Mónica Valenciano entre otros. Profesionalmente
ha bailado para Larumbe Danza, Teresa Nieto, Pedro
Berdäyes y Sharon Fridman. Formó parte del proyecto Trasdanza 2007 de la Comunidad de Madrid y laAsociación de Profesionales de la Danza. Rafael dela Lastra estudió danza contemporánea con Roberto
Oliván, David Zambrano, María Muñoz y Pep Ramis(Mal Pelo), Michelle Man, Marta Carrasco, Iñaki
Azpillaga, Sharon Fridman y 10&10 Danza. Completó
sus estudios en Ámsterdam, en el Henny Jurriens
Stiching y en E.E.U.U. en el American Dance Festival
donde participa como oyente en el Forsythe Project.
Profesionalmente ha trabajado para El Curro DT
en el XVII Festival Internacional Madrid en Danza
2002 y para Els Comediants. Es así mismo cofundador del colectivo Coreógrafos en Comunidad en
Conde Duque Madrid. Entre los trabajos de Babirusa
Danza destacan De Museumnacht (2007), premiada enel XX Certamen Coreográfico de Madrid; Lines (2008),
Folds (2009), ¿M.R.U.M.? (2010), Brea y Plumas (2013,
Primer Premio Certamen DeUnaPieza UC3 Madrid),Ánimo Animal (2014, Primer Premio II Concurso deAcciones Artísticas Urbanas AD Festival, Molina de
Segura), La naturaleza del silencio (2018) y Recuerda queno pueden cancelar la primavera, El Jardín (2020).

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Polvo, nada y viento por el Proyecto Reyes-Angulo
2. Imagen de Lo que ocurre en un instante por Jesús Benzal
3. Imagen de Para el sombrero de mi madre por La Mínima
3

1

2

ENSAYO ABIERTO DE «POLVO, NADA Y VIENTO»,
DE PROYECTO REYES-ANGULO Realizado el 28
de octubre a las 13:00 horas. Duración: 30 minutos.

ENSAYO ABIERTO «LO QUE OCURRE EN UN INSTANTE»,
DE JESÚS BENZAL Realizado el 3 de noviembrede 2022 a las 19:00 horas. Duración: 40 minutos.

Tomando como punto de partida la idea de la inconsistencia de la vida y de la muerte, nos asomamos aluniverso del Barroco para ahondar levemente en su
inmenso caudal estético y temático.

¿Cuánto dura un instante? ¿Cuánto cambia en un
instante? Estas dos premisas son el estandarte argumental elegido como paisaje de fondo dónde se
estructura el germen de la pieza Lo que ocurre en un
instante. Es un proyecto artístico para seis intérpretes
que busca establecer una relación directa entre tiempo/instante y creación, investigando con el cuerpo lacapacidad de alargar el momento.

Sobre Proyecto Reyes-Angulo. Fundado por Carmen
Angulo y Alberto Ferrero en 2011, año de su primera
colaboración en la pieza A la limón, galardonada conel primer premio de coreografía en el VIII Certamen
Internacional de Danza y Artes Escénicas ADAE de laciudad de Alcobendas. Surge por un entendimiento
mutuo del lenguaje de la danza, y con él pretenden
acercarse desde diversos lenguajes coreográficos a varios temas de interés común para convertirlos en material escénico. Centrado en las características propias
de la Danza Española, buscan ampliar miradas y lenguajes por aproximación a otros estilos de movimiento y otros usos del espacio escénico y sonoro. Alberto
Ferrero es graduado en Danza Española, coreografía einterpretación por el Real Conservatorio Profesionalde Danza de Madrid Mariemma. Profesionalmente
ha sido intérprete del ballet Mariemma, también dela Compañía Nacional de Teatro Clásico, el Ballet
Nacional de España y ha trabajado de forma regularcon directores de escena y coreógrafos como Luis
Olmos, Paco Mir, Emilio Sagi, Antonio Gades, Goyo
Montero, Fuensanta Morales, José Antonio, Javier
Latorre, Nuria Castejón, Teresa Nieto, Aida Gómez,Jesús Castellón y Helena Pimenta. Carmen Angulo
Graduada en danza clásica en el Conservatorio de
Valencia, ha completado sus estudios en Madrid
donde ha desarrollado su carrera en torno a la Danzaespañola. Ha bailado para las compañías de profesionales como Antonio Márquez, Joaquin Cortés,Luis Ortega, Rafael Aguilar, Rafael Amargo, Marta
Carrasco, Rojas y Rodriguez Nuevo Ballet Español,
Losdedae, o Rafaela Carrasco, entre otras. Como actriz, ha estrenado junto a la compañía Pílades teatro
la obra Electra en el Teatro de la Abadía de Madrid,bajo la dirección de Fernanda Orazi.

Sobre Jesús Benzal. Nacido en Sevilla, estudia
Coreografía e Interpretación de la Danza en elConservatorio Superior de Danza María de Ávila deMadrid. Como coreógrafo, lleva activo desde 2015
con su proyecto de compañía, llevando su firma aotras compañías e instituciones como Conservatorio
Superior de Danza María de Ávila de Madrid, På Tå
Hev (Oslo) o Danza 180º. Además, ha participado en
diferentes Festivales como Grec Festival de Barcelona
o KoreografiLaboratorie en Dansens Hus, Oslo. Su
pieza Handle With Care candidata a Mejor Espectáculo
de Danza en los XXII Premios Max, recibió el primer premio en el Premi de Dansa de l’Institut delTeatre. Como bailarín, ha trabajado con las compañías
IT Dansa de Barcelona, bajo la dirección artística deCatherine Allard; con el Centro Coreográfico Gallego,
junto a Johan Inger; en Thomas Noone Dance,
Acosta Danza, Transit Dansa, VDF, Teatro El Velador,
Dance Craft y, actualmente, trabaja con la compañía
Unaiuna.

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «PIEZAPARA EL SOMBRERO DE MI MADRE», DE LAMÍNIMA Realizado el 11 de noviembre de2022 a las 19:00 horas. Duración: 60 minutos.
Pieza para el sombrero de mi madre es una investigación coreográfica sobre la ausencia. Durante la investigación, dudamos dramáticamente acerca dela necesidad de aferrarnos a recuerdos o dejarlos
tranquilamente ocultos en el fondo de un armario.
Evidentemente hay recuerdos que nos ayudan a vivir,
que nos enseñan patrones necesarios y que fundamentan la adaptabilidad y la supervivencia. Las mentes casi sin recuerdos de los niños permiten que sus
cuerpos se muevan con una fisicidad absolutamentedistante de la de los adultos. Esos cuerpos sin miedo carentes de melancolía, en cuyas mentes los sentimientos son límpidos, absolutos: la felicidad no se
tiñe de tristeza.
Sobre La mínima. Compañía de danza contemporánea
fundada en 2010 por Alberto Almazán y Luiscar
Cuevas. El principal interés de la formación es el dela renovación de los lenguajes de la danza, así como
el desarrollo de nuevas dramaturgias que se alejende cánones establecidos y estancos en lo que a lasartes escénicas se refiere. A parte de algo más deuna decena de piezas cortas realizadas en la última
década, la compañía ha creado los espectáculos La
mínima expresión (2011), Pequeñas psicopatías cotidianas(2011), Percival ha muerto (2012), Los martes yo iba al
cole en bicicleta (2013), Carne de taxi (2013), El unicornio(2015), Epifanías (2016), Truffaut nunca hablaría de esto
(2017), En cualquier lugar. Este lugar (2018), By a Lady
(2019) y Proserpina (2020). La mínima es también uneje de dinamización cultural en Alcalá de Henares,
elaborando proyectos de difusión y pedagogía de la
danza, desde 2016 organizan en la ciudad el Festival
de Danza Cervandantes. Esta será la primera piezaque han codirigido Alberto Almazán, Luiscar Cuevase Inés Narváez Arróspide.

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Memoria de actividades

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ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «INVOCATION»,
DE COMPAÑÍA CARMEN MUÑOZ Realizado el 11 denoviembre de 2022 a las 17:30. Duración: 60 min.
Invocation es una investigación performativa cuyo eje
de estudio son los cuerpos de la danza posmoderna:
Steve Paxton, Yvonne Rainer y Trisha Brown. Indagar,
explorar y profundizar la parte objetiva y subjetiva
de los cuerpos y los pensamientos (que son una misma cosa) de artistas referentes, para destilarlos y llegar al propio cuerpo. ¿Cuál es el cuerpo del presente
de Carmen Muñoz? ¿Cuáles son sus vínculos con elmundo? ¿Cuál es su relación con el flamenco? Abrirel espacio creativo y permitir que sucedan y puedan
desplegarse el pensamiento, las dudas, la danza, laspreguntas, el pasado, el presente y lo que se nos escapa. A través de referencias de autores como Giorgio
Agamben, Pablo Messiez, Aimar Pérez Gali, André
Lepecki, Rainer María Rilke, John Cage, Jaime Conde
Salazar, y de referentes audiovisuales como Bill Viola,
Invocation toma el espacio y el tiempo para adentrarse
en las entrañas del cuerpo, oler su presencia, su vibración y su estado.

©CLÀUDIA SERRAHIMA

Imagen de Invocation por la compañía Carmen Muñoz

Sobre Compañía Carmen Muñoz. Bailarina y coreógrafa granadina, afincada en Barcelona. Es licenciada en coreografía e interpretación por el CSD
del Institut del Teatre de Barcelona. Comienza su
formación en danza en Úbeda ( Jaén, y realiza estudios profesionales de danza española y flamenco en
los Conservatorios de Granada y Madrid. Es becada
para formar parte del Centro Andaluz de Danza deSevilla durante dos años (2010-2012). Ha completado su formación de manera extraoficial con artistas
como Antonio Ruz, Olga Pericet, Marco Flores, Óscar
Quero, Manel Sala o Rocío Molina. Inicia su trayectoria profesional como bailarina en 2012, en la compañía Nosolodanza. Continuará trabajando con Marco
Vargas & Chloé Brûlé , Estévez-Paños, Juan Carlos
Lérida, José Manuel Álvarez o La Fura dels Baus, entre
otras. Funda su compañía en 2015, al estrenar Vallejo,a la que siguen las piezas cortas Piel sin Luz o Limboes mismo año. Catalina Mía (2017) obtiene varios premios en el Certamen de Danza española y flamencode Madrid, y se consagra definitivamente con Bailes
de histéricas (2019), su proyecto fin de carrera, creado
en colaboración con el cantaor Pepe de Pura. En 2020
crea junto a Cristina Aguilera el espectáculo Germen
estrenado en el Auditorio Municipal de La Chumbera
de Granada. Desde 2017 forma parte del colectivo deinvestigación en danza Les Empíricxs, y desde 2018
del Proyecto de investigación desde el Flamenco IT
dirigido por Juan Carlos Lérida. Actualmente despliega un trabajo como docente en diferentes espacios dedanza del país, y forma parte del equipo docente delCSD del Institut del Teatre. En 2021 recibe el premioa la mejor intérprete por Estudio sobre la Histeria en elFestival 15m2 Festival Itinerant de Dansa, y en 2022
premio a la mejor intérprete por la PAD (Asociaciónde Profesionales Andaluces de la Danza) por su participación en Origen de Marco Vargas & Chloé Brûlé.

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Proto (SN1806) por Janet Novás
2. Imagen de Bird of Paradise por la compañía Kor’sia

1

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA «PROTO (SN1806)»,
DE JANET NOVÁS Realizado el 2 de diciembrea las 17:00 horas. Duración: 40 minutos.
PROTO (SN1806) toma como punto de partida el fenómeno de las supernovas. ¿Y si nos juntamos y nos
dejamos morir y explotar y ver después qué otros
imaginarios aparecen? Nos interesan e interpelanestas experiencias de calor, explosión, visibilidad delas diferentes capas que nos componen, luminosidad,
muerte, enriquecimiento del espacio y formación denuevos sistemas. ¿Cómo explotar juntas y generar
nuevos escenarios más colectivos, más luminosos ymenos catastróficos? Experimentar este último hurra
juntas y crear nuevas formas de estar en comunidad.
Porque todo fin, tiene un comienzo. Un viaje desde lo
terrenal a lo más astral. Un espacio que nos devuelva
la integridad y la fuerza del calor colectivo. PROTO(SN1806) es una propuesta abierta, que invita a otros
tiempos de producción. La pieza se irá creando a través de varias cápsulas desconociendo cuál será su final, quizás no haya final, quizás sea infinito… PROTO(SN1806) se propone como un espacio para crecer yabrir, para habitar el no saber que sabemos sin miedo.

Sobre Janet Novas. Bailarina, performer, coreógrafa ydocente. Reside en Barcelona desde el año 2020. Se
formó en danza contemporánea y desarrolló su carrera entre Madrid, Bruselas y Berlín. En el año 2007
comienza a crear y a desarrollar sus propios proyectos en solitario. Su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo
como principal herramienta, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional yla sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Ha
recibido varios premios, entre los que cabe destacar
el Premio Ojo Crítico 2021 de RNE, el Premi de la
Crítica Catalana 2021 a mejor bailarina o el Premio
Injuve 2011. Entre sus creaciones se encuentranMarieta (2007); Cara pintada (2010); Who Will Save Me
Today? (2012); Feelings (2015), Si pudiera hablar de esto
no haría esto (2016); Mercedes máis eu (2018, junto a
Mercedes Peón); Imaginé cinco cuerpos y ninguno era elmío (2019) o Where is Janet? (2022). Sus obras se han
presentado en diferentes festivales nacionales e internacionales como Rencontres Chorégraphiques,Festival de Marseille, Festival Nouvelles-Pole Sud,
Cement Festival, Dansa en Tránsito, Festival de Otoño
y el Festival Bad entre otros. Actualmente es artista
asociada al Graner Centro de Creació con su nuevo
proyecto Proto (SN1806) (Barcelona). Janet Novás alterna su labor como bailarina y creadora con la deprofesora, impartiendo clases y talleres en diferentes
centros de España, Europa, Latinoamérica y Asia.

2

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «BIRD
OF PARADISE», DE KOR’SIA Realizado el docede diciembre a las 12:00 horas. Duración: 15
minutos, seguido de un coloquio con el público.
Esta pieza nace del estudio del comportamiento delos animales, particularmente de las aves, y de lascorrespondencias con los humanos. El ámbito sentimental, los lenguajes, las relaciones entre los pares, lahabilidad para crear y decorar nidos, las actuaciones
durante los rituales son, entre otros, los puntos departida de la investigación coreográfica. El objetivo esaumentar la conciencia de la relación con los demása través del carácter humano instintivo y expresivo ya través de las habilidades evocativas del cuerpo humano. Para el colectivo Kor’sia, las artes y en concreto las artes del movimiento, como su competencia,
son las únicas representaciones que consiguen transmitir el mundo humano, todo lo creado por nuestras sociedades: tradición, sociedad, cultura… de una
manera que ninguna otra habilidad cognitiva logra.
Sobreviviendo en el tiempo más allá de las sociedades que los produjeron y logrando trascender lo que
llamamos ideas, brindando a los individuos acceso a
sus caminos más íntimos y espirituales. Por lo tanto,
el objetivo de este colectivo se basa en la creación dedispositivos artísticos cuyo epicentro se ubica en el
cuerpo y que proponen una reflexión sobre la posible
gestación de espacios individuales y colectivos, quepueden brindar nuevos accesos a modos de ser y estar en el mundo a través de las artes vivas.
En el escenario: Mattia Russo,
Antonio de Rosa y Agnés López-Río.

Sobre KOR’SIA. Colectivo con sede en Madrid dirigido por los coreógrafos Mattia Russo y Antonio
de Rosa, junto con el investigador de artes vivas yco-fundador, Giuseppe Dagostino y Agnes Lopez-Rio,
Catedratica de Artes Escenicas y asesora artistica. En
su joven, pero muy reconocida trayectoria, caben destacar los espectáculos Yellow Place (2014), Cul de Sac(2016), The Lamb y Human (2017), Spanish Suite (2019),
Giselle (2021) o IGRA (2022). KOR’SIA fue seleccionada como una de las veinte compañías emergentes
de la red Aerowawes Europe en 2019 y ha girado con
sus creaciones por festivales como Les Synodales(Francia), Dantzaldia Festival (España), Bologna
Gender Bender Festival (Italia), Venice Prozact Palazzo
Ca ‘Zanardi Venice Expo (Italia), PRISMA Panama
Festival (Panamá), Madrid en Danza (España), Danza
Valencia, Tanzplattform Bern (Suiza), Lucky Trimmer
Berlin (Alemania), BE Birmingham Festival (Reino
Unido), Roma Europa Festival (Italia), Bolzano Danza
Festival (Italia), Festival Opera Estate Bassano delGrappa (Italia). Entre los teatros por los que han pasado destacan Statstheatre Darmstadt (Alemania), Operade Bordeaux (Francia), Suzanne Dellal Center en Tel
Aviv (Israel), Mercat de les Flors (Barcelona), Operadu Rhin o el Teatro Nacional de la Danza Chaillot deParís. Es notable también su producción de piezas site
specific para instituciones culturales y museos comoel Museo del Prado de Madrid o el de Bellas artes deBilbao. Este año han recibido el Fedora – Van Cleef &Arpels Prize for Ballet con Mont Ventoux,(2023)

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Memoria de actividades

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1. Imagen de Pieles y pliegues por Gonzalo Simón
2. Imagen de Thebadweeds por Rocío Berenguer
3. Imagen de 32 Estudios elementales por Luz pardoy Jesús Rubio Gamo

1

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO«PIELES Y PLIEGUES» DE GONZALO SIMÓN
Realizado el 14 de diciembre a las 13:00
horas. Duración: 40 minutos aprox.
Pieles y pliegues se construye como una celebración yreivindicación del vestuario escénico. El trabajo se
centra en las posibilidades de transformación de loscuerpos, de su percepción, de sus capacidades y desus significados a través del vestido. Una investigación sobre las infinitas formas corporales que se hacen visibles y se llenan de significado cuando un vestuario los cubre, los modifica y los singulariza. Pieles
y pliegues pone el foco en la necesidad de reflexión
sobre las posibilidades que ofrece el vestuario
escénico en diálogo con el cuerpo y el movimiento,
con las propuestas coreográficas y con la semánticadel discurso dancístico.
Sobre Gonzalo Simón. Bailarín y coreógrafo madrileño graduado en la especialidad de danza contemporánea por el Real Conservatorio Profesional deDanza Mariemma de Madrid, con los maestros Pedro
Berdaÿes, Christine Tanguay, José Reches y Óscar
Lozano. Ha trabajado como intérprete bajo la dirección de Mónica Runde, Antonio Ruz, Mey-Ling
Bisogno, Natalia Fernandes, Alfredo Sanzol, Manuela
Barrero, Natalia Menéndez o Juan Echanove, entre
otros. Actualmente colabora con la Cía. Mey-Ling
Bisogno; con Narváez Arróspide y con 10&10 Narváez,
Runde, Sanz. En 2017 comienza su andadura como
creador en solitario, funda la Cía. Gonzalo Simón ycomienza a estrenar piezas de gran y pequeño formato como Desconexión (2017) TALL (2018), Los ladosdel cuadro (2019), No sé qué nombre tiene esto pero lo deseo (2019, presentada en Festival Surge) o Antigracia(2022).

©NAYAN DUCRUET

2©ANA YÁÑEZ

3

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «THEBADWEEDS»,
DE ROCÍO BERENGUER Realizado el 14 dediciembre a las 18:45. Duración: 50 minutos.

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «32 ESTUDIOSELEMENTALES», DE LUZ PRADO Y JESÚS RUBIO GAMO
Realizado el 15 de diciembre a las 13:00 horas.

Criaturas medio humanas, medio vegetales, alocadas,cantan, bailan y se divierten en el post-antropoceno.
Rocío Berenguer es una artista transversal que proyecta a la humanidad en un mundo transespecie, entre la realidad y la ficción. Ya no hay distinción entre
géneros, entre naturaleza y tecnología, entre el concierto como gran ritual colectivo y la representaciónde danza, teatro, poesía… Ni entre buenos espíritus y«malas hierbas». Al contrario, nos divertimos juntos
haciendo florecer un mundo nuevo, no antropocéntrico, poblado por entrañables y maravillosamente
peludos smart-fungi.

En 32 Estudios Elementales, Jesús Rubio Gamo y Luz
Prado comparten un espacio en el que tocar y bailar
para profundizar en las posibilidades de su encuentro,
de la unión entre música y danza, la transformacióndel cuerpo en sonido, el sonido en movimiento y elmovimiento en su propia emanación.

Sobre Rocío Berenguer. Afincada en Francia desde 2012,
entre sus temas de interés se encuentran la evoluciónde los espacios de libertad individual en nuestra sociedad, el lugar de la tecnología en nuestra vida cotidiana,
las cuestiones medioambientales... Algunas de sus piezas como Homeostasis#V2 (2016), centrada en el diálogo entre el ser humano y la inteligencia artificial, en
Ergonomics (2017), inspirada en el mundo de las startups o en G5 (2020), sobre las amenazas para el futuro
de la humanidad y la diversidad de las especies, realiza ficciones prospectivas que exploran la posibilidad
de otro mañana. También se refieren implícitamente a
nuestras neurosis contemporáneas, y trabaja siempre
sobre investigaciones y diálogos con científicos, con
los que elabora el texto matriz del que luego hibridará sus piezas: texto, danza, vídeo, arte digital, música…
Entre sus creaciones destacan Stéthoscope (2013), Corps/
non-lieu (2014, ganador del 1er premio de la Bienal
Les Bains Numériques) o Coexistence (2019) o Lithosys(2020). Su obra se representa principalmente en
Francia y a escala internacional. Realiza una residencia
de investigación en el Centro de Artes de Enghien-lesBains, un centro financiado por el Estado especializado
en artes digitales, y en el Hexagone, Scène Nationalede Meylan. Fue artista asociada del Théâtre Nouvelle
Génération, Centre Dramatique National de Lyon, dirigido por Joris Mathieu, hasta 2021.

Coreografía e interpretación: Jesús Rubio Gamo
Composición e interpretación: Luz Prado
Iluminación: Cristina Bolívar
Sobre Luz Prado y Jesús Rubio Gamo. Sonido y movimiento son ejes fundamentales para la violinista y
performer malagueña Luz Prado. Desde su relación
con la fiesta, el cacharreo, la danza y el ruido articula un lenguaje nutrido por la dialéctica de la libre
improvisación. Así pone en valor el ser y el estar en
una gran variedad de contextos artísticos y escénicos
en los que se mueve. Comparte procesos con músicos
centrados en la improvisación como Wade Matthewso Julián Sánchez; expande lo sonoro con artistas
como Nilo Gallego, Elsa Paricio, Vito Gil-Delgado oVioleta Niebla y colabora intensamente con bailarinas
y creadoras como Elena Córdoba, La Chachi, Carlota
Mantecón o Alberto Cortés. Jesús Rubio Gamo, nacidoen Madrid, es una bailarín y coreógrafo independiente que produce sus propias creaciones desde 2008.
Ha estudiado ballet clásico, danza contemporánea,teatro y literatura en instituciones como la Real
Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), el
Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma(RCPDM) o la Universidad Complutense de Madrid.
Recibió una beca MAE-AECID (2005-2007) para desarrollar un Máster en Coreografía en la London
Contemporary Dance School (The Place) que concluyó con el grado de Distinción y ha cursado los estudios de Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual
por la UAH en colaboración con el Museo Nacionalde Arte Reina Sofía.

Sus piezas se han mostrado en espacios como
Chantiers d’Europe, Théâtre de la Ville de París;Festival Brandhaarden, International Theatre
Amsterdam; Red Nacional de Danza de Suecia;
Escena Contemporánea (Madrid); Danza a Escena(Red Nacional de Teatros de España); Festival deArtes Escénicas de Lima; Les Plateaux (La Briqueterie,París); ARC for Dance (Atenas); Greenwich andDocklands International Festival de Londres;Birmingham International Dance Festival; Hay
Festival (Arequipa) o Festival RomaEuropa. Fue seleccionado en 2017 y 2018 como uno de los veinte coreógrafos más destacados del panorama eruopeo por
Danza Aerowaves. Recibió el premio Ojo Crítico de
RNE en 2020. El jurado valoró “su enfoque artesanalde la composición coreográfica que se evidencia tanto en proyectos íntimos, a la hora de hacer bailar lapalabra, como en la orquestación de grandes grupos
en los que consigue aunar la estructura con la individualidad de sus intérpretes”. Entre sus piezas, destacan Acciones Sencillas (2021) que fue nominada como
Mejor Coreografía en Los Premios de la Crítica deBarcelona en 2021 y Gran Bolero (2019) que obtuvo elPremio MAX al Mejor Espectáculo de Danza en 2020.

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Memoria de actividades

1. Imagen de La Revisión por Sergio R. Suárez
2. Imagen de Cuatro jinetes por Mucha Muchacha
1

2

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «LA REVISIÓN»,DE SERGIO R. SUÁREZ Realizado el martes 20 dediciembre a las 19:00 horas. Duración: 60 minutos.

ENSAYO ABIERTO DEL PROYECTO «PARA CUATROJINETES», DE MUCHA MUCHACHA Realizado el 22 dediciembre a las 12:00 horas. Duración: 30 minutos.

Investigación sobre la expresión de género en el lenguaje de la danza española y el flamenco, a través deun espacio de conversación con les asistentes.

“Ha nacido un tiempo nuevo
Que crece en las cicatrices
Que crece en las cicatrices
La mano se hizo semilla
La semilla se hizo trueno
El trueno se hizo gargantaY, la garganta, sendero
El sendero se hizo noche
Y la noche se hizo sueñoEl sueño se hizo montaña
Que parió un mundo nuevo.”

Sobre Sergio R. Suárez. Joven creador madrileño, máster en Estudios LGBTIQ+ y miembro de laAsociación Cultural La Basal, una red de apoyo a lacreación artística y escénica que alienta la diversidad.
En su aún corta trayectoria, ha realizado las piezas
I´AAM y Fetiche (2021) y La Revisión (aún por estrenar),pieza que cuenta con una versión site specific que se
estrenará en el Festival 10 Sentidos de Valencia en
mayo de 2023. Su trabajo se centra en la investigación en torno a los lenguajes creativos e interpretativos, desde la que desarrolla su inquietud en torno
a la perspectiva de género de la danza española y elflamenco, la convivencia de lenguajes o el exceso devirtuosismo de la escena actual.

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La danza de los Cedazos
Sobre Mucha Muchacha. Compañía fundada por Ana
Botía, Marta Mármol, Belén Martí Lluch y Marina de
Remedios en 2019. Como joven compañía formada
en danza española y flamenco, trabajan desde la contemporaneidad, estando en relación con el contexto
actual de las artes vivas, dialogando e incorporando
otras formas de lenguaje que potencien el contacto yla cercanía con el espectador, siempre con un fuerte
compromiso con la innovación escénica. Su primera
creación, Volumen 1 (2019) obtuvo varios galardones
coreográficos en distintos certámenes coreográficos,
y ha sido representada en más de 20 ciudades y festivales. A estas creaciones les siguieron su trabajo
coreográfico para Renacimiento (2020) de la Tristura,
estrenada en los Teatros del Canal y su primera obra
de gran formato Mucha Muchacha (2021) estrenada enel Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque,con las que actualmente se encuentran en gira en espacios y contextos como el Teatro Central de Sevilla,
el Festival Internacional de Flamenco de Vancouver ola Metropolitana de Dansa de Barcelona, entre otros.
En este tiempo generan también contextos de creación e investigación como su característico TallerFiesta donde comparten con grupos de personas, dedistintas procedencias y con más o menos vinculación con la danza, materiales coreográficos de lacompañía. En este último año han estrenado su última obra Para Cuatro Jinetes (2023) en el Centro deCultura Contemporánea Conde Duque de Madrid
con la que pronto emprenderán una gira nacional einternacional.

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

Memoria de actividades

COMPAÑÍAS
QUE HANHECHO USO DE
LOS ESTUDIOSCOREÓGRAFICOS
EN 202265

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Luis Fernando Agorreta. Inicia su aprendizaje endanza en la escuela Endanza de Salamanca durante
su formación universitaria como médico. Posteriormente se gradúa en danza contemporánea en el Real
Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, donde participa en creaciones de profesionales como
José Reches y Pedro Berdäyes. Su trayectoria comobailarín la desarrolla en compañías como La Piel oLava, de la mano de coreógrafos como José Reches,
Fernando Magadán, Paloma Hurtado o Daniel Abreu.
Desde 2019 se dedica en modo freelance a la danza, yen 2020 presenta su primera creación coreográfica:
NINDA
Elías Aguirre. Creador multidisciplinar, bailarín, coreógrafo, fotógrafo, artista plástico y audiovisual. En
2008 comienza a desarrollar proyectos propios y en
colaboración con destacados artistas. Sus trabajos se
caracterizan por la convergencia de técnicas de danza contemporánea, danza urbana, teatro gestual y una
constante inspiración en la “naturaleza invisible”. En
2010 pasa a formar parte de las Compañías residentesdel Ayuntamiento de Madrid. Sus piezas han obtenido diversos premios internacionales (Primer Premio
Iberoamericano Alicia Alonso, Primer Premio Burgos
Nueva York…) y han sido representadas en festivalesde los cinco continentes. Entre sus creaciones se encuentran White Room (2009), la mutipremiada Entomo(2010), Longfade (2012), Lucha o vuelo (2015), Pez Esfinge(2017), Insecto primitivo (2019), Empusa Poem (2020) y
Flowerheads. (2021). Aguirre es director artístico delFestival Cuerpo Romo. www.eliasaguirre.com
Tania Garrido y Eva Alonso. Tania Garrido es licenciada en teatro gestual por la RESAD de Madrid. Estudia danza de manera independiente entre Madrid y
Nueva York, profundizando en la danza Contact-Improvisación, en el Butoh y en el teatro físico. Comointérprete trabaja para diversas compañías como elTeatro del Silencio, Karlik Danza, Jesús Rubio o Sharon Fridman. Como coreógrafa, codirige Cranämour
(2001-2010). Eva Alonso es graduada en danza contemporánea en el Conservatorio Profesional de DanzaMariemma. Amplía sus estudios con danza-contacto,

Memoria de actividades

teatro y dramaturgia para la danza en Madrid y Bruselas. Trabaja como intérprete para José Reches, Pedro
Berdäyes, Yuri Gudushauri, Jesús Rubio Gamo, Ana
Rando, Poliana Lima y Fabian Thomé. Complementa su trabajo en compañías como La Fura dels Baus,y participa en diversas óperas. Eva y Tania son dos
creadoras que, después de coincidir en varios proyectos como intérpretes, deciden unirse con la intención
de investigar qué es lo que tienen en común y cómo
pueden sustentarlo en un hecho escénico. Convergencias (2020) fue su primer trabajo conjunto.
Compañía Amores Flamencos – Carlos Rodríguez
(Madrid, 1975), cofundador junto a Ángel Rojas de lacompañía Nuevo Ballet Español, en activo desde 1995
y que en 2008 varió su nombre a Rojas y Rodríguez
Compañía. En colaboración con Rojas, ha coreografiado los espectáculos Canela y fuego (1996), Sangre
flamenca (1997), Flamenco Directo (1998), Furia (2000),
Alma (2006), Sangre y Cambio de tercio (2009), Titanium(2013) o Azul vida (2018) entre otros muchos. En solitario, ha coreografiado espectáculos como Romeo y
Julieta (2003) o Amores Flamencos (2020). Rodríguez
fue Premio al bailarín sobresaliente en el Certamen
Nacional de Coreografía en 1994 y el Premio Villa deMadrid al mejor intérprete de danza en 2005.
Ana Arroyo. Bailarina y coreógrafa formada en danza clásica, contemporánea y flamenco; fue Bailarina
Sobresaliente del décimo segundo certamen de coreografía de danza española y flamenco de Madrid,
por la pieza Pandora. Profesionalmente, ha trabajado
en las compañías de Joaquín Cortés, Fernando Bujones, el Nuevo Ballet Español o los Ballets Españoles
de José Antonio, aparte de figuras como Lola Greco,
Rafaela Carrasco o Juan Andrés Maya. En 2005 firmó su primera pieza como coreógrafa: Amor al descubierto, presentada en el Teatro Pradillo de Madrid
junto a Patrick de Bana y Carlos Carbonell. Ese mismo año protagoniza la pieza En carne viva que Ángel
Rojas creó para ella. Otras de sus creaciones Diálogos
de alma (2007 o Trazos de soledad (2008). También hatrabajado para el Ballet Nacional de Mannheim en lacreación del espectáculo No man´s land.

Lucio A. Baglivo. Trabaja como bailarín, acróbata,actor, profesor de danza, director y coreógrafo. Desdeel año 2000 trabaja para distintas compañías deteatro, circo y danza en Argentina y Europa, y a partirde 2006 comienza a realizar sus propias creaciones.
Sus proyectos se han presentado en Alemania,
Turquía, Argentina, Holanda, EE. UU., Brasil, Grecia,
Dinamarca, Chile, España e Italia. El objetivo de sus
obras es lograr un trabajo escénico que, a través de la
danza, la acrobacia y el teatro transmita emociones
y conecte con el espectador, desplegando todos lossentidos en escena. Cada proyecto busca un lenguaje
de movimiento propio y una poética escénica
particular. En 2015 estrenó Solo Juntos en el Festival
Umore Azoka del País Vasco y, desde entonces, realiza
más de 70 funciones en festivales de España, Brasily resto de Europa. Posteriores como MyL, junto a labailarina de flamenco Mariana Collado, se estrenarontanto en versión corta (mayo 2019) como en versión
larga, MyL (2.0), en noviembre de 2020. Su última
creación Mientras tanto se presenta como trabajo enproceso en el marco de la Muestra escénica Surge
Madrid y recibe las Ayudas de la Creación a la Coreografía de parte de la Comunidad de Madrid.
Lucía Bocanegra. Bailarina, cantante y coreógrafa
nacida en Sevilla en 1997, perteneciente a la nueva
generación de la danza contemporánea andaluza.
Formada en el Conservatorio Profesional de Danza
Antonio Ruiz Soler, y en el Centro Andaluz de Danza,
sus primeros pasos profesionales los da en el proyecto europeo Sharpes, de la compañía francesa Ex Nihilo, con la que trabaja de 2016 a 2018. Para esa compañía crea, junto a Elvi Balboa, Ática. Como intérprete,
trabaja con Isabel Vázquez en Laika y en Archipiélago
de los desastres; en el espectáculo Safo, de Marta Pazos,
o en Am I What? de Elvi Balboa. Bajo la dirección escénica de su padre, el director teatral Ramón Bocanegra, crea Mujer descalza frente al mar, y ya en solitario el show INPUT/OUT SIDE, al que sigue Un paraíso
artificial, espectáculo musical en colaboración con elmúsico electrónico Hartta.
Violeta Borruel. Nacida en Huesca, y formada en danza clásica y contemporánea entre Zaragoza y Granada,termina sus estudios en el CSDMA de Madrid, mientras completa su formación con Danza para el Parkinson y se doctora también en Geología. En 2013 recibe
el primer premio en el XVIII Concurso Coreográfico
del Conservatorio Profesional de Danza de Granada. En 2019 crea su propia compañía, que es premio
Artista Revelación 2023 por la Asociación de las Artes Escénicas de Aragón. Lo hace con la pieza corta
Mu(danza), a la que siguen Dentro de mí, Golondrinas(2019) y la pieza de corte ecologista Blu (2022).
Caminantes Danza - Pepa Sanz y José Merino. Compañía fundada en 2011 por estos dos bailaores y coreógrafos. Pepa Sanz debutó a los 15 años con el Mariemma Ballet, y ha trabajado para coreógrafos como
Antonio Ruiz, Pedro Azorín, Juanjo Linares, María

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Rosa, Alberto Lorca, Tomás de Madrid, Antonio Alonso, Cristina Hernando, Carmen Cortés, Antonio Reyes, Lola Greco, Ricardo Franco, Jean Albert Cartier,Ricardo Cué, Luis Olmos, Santiago Sánchez, Antonia
García o Mario Maya. Fue galardonada con la Unesco
Aschberg Bursary for Artist Programm 2005, ha sido
intérprete de diversas coreografías premiadas en el
Certamen Coreográfico de Madrid, 1995, 2000, 2003,
premiada con la Beca a la Creatividad Artística Alcobendas 1996 y Artista Invitada en la Gala Danse en
Méditerranée 2003.
José Merino. Comienza profesionalmente en el Ballet de Madrid bajo la dirección de José Granero, paraluego formar parte del Ballet Flamenco de Antonio
Canales, del Nuevo Ballet Español y la Cía Flamenco
XXI Danza, dirigida por Ricardo Franco. En 1998 ingresa en el Ballet Nacional de España donde permanece hasta 2005 bajo las direcciones de Aida Gómez,Elvira Andrés y José Antonio, interpretando roles desolista y primer bailarín. De 2005 a 2011 colabora estrechamente con la compañía Malucos Danza, dirigida por Carlos Chamorro. A lo largo de su carrera
artística ha trabajado con coreógrafos y directores
emblemáticos como: Antonio Gades, Antonio Canales, Jose Antonio, Mariemma, José Granero, Pilar
López, Javier Latorre, Joaquín Grilo, Karine Saporta,
Ricardo Franco, Teresa Nieto, Israel Galván, Adrián
Galia, Florencio Campo, María Pagés, Aida Gómez, Elvira Andrés, Ricardo Cue, Lluis Pascual, Luis Olmos,
Hansel Cereza, Amelia Ochandiano... Premiado con
la Beca de Creación Coreográfica Comunidad de Madrid por “Solo” en 2006, e intérprete de la coreografía“Pared con pared”, ganadora del 1º Premio del VIII
Certamen de Directoras de Escena 2005, dirigida por
Eva Moreno. Desde 2014 dirige su propio estudio dedanza. Caminantes Danza ha creado, entre otros espectáculos, Párrafos, Grietas en el Agua o Impermanente.
Lucía Campillo. Nacida en Murcia en 1987, comienza
sus estudios en el conservatorio profesional de danzade Murcia terminando la carrera en Madrid. Se haformado con maestros como Jose Antonio Ruiz, Merche Esmeralda, Aida Gómez, Juana Amaya o Aurora
Bosch, entre otros. En 2006 ingresa en el Taller Estudio del Ballet Nacional de España bajo la direcciónde Jose Antonio Ruiz, participa en la película Iberia
de Carlos Saura y posteriormente comienza su andadura profesional en la Compañía de Antonio Gades.
En 2010 entra a formar parte del Ballet Nacional deEspaña a cargo de Jose Antonio Ruiz y, más tarde, alas órdenes de Antonio Najarro. Participa en el repertorio en la categoría de solista, recorriendo losprincipales festivales nacionales e internaciones con
espectáculos como Ritmos, Medea, o La leyenda. Ha formado parte de compañías como Maria Pagés, Rojas yRodríguez y el espectáculo Gala Flamenca dirigido porÁngel Rojas. Ha compartido escenario con artistas
como Antonio Canales, Karime Amaya, Carlos Rodríguez y Jesús Carmona, con el que interpretó el paso
a dos Trilla A7 y los espectáculos 7 balcones e Ímpetus.

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En 2016, su pieza La imperfecta obtiene los premios demejor bailarina, mejor composición musical y mejor
diseño de vestuario en el Certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid. Habitual de los mejores
tablaos flamencos de España, ha sido requerida porla Universidad de Alburquerque como profesora, asícomo por escuelas de México, Boston, Hong Kong o
Tokio.
Sara Cano. Bailarina y coreógrafa de formación ecléctica y estilos que van desde la danza contemporánea
a la española, el folkclore y el flamenco. Graduada
en Coreografía e Interpretación de Danza Contemporánea por el CSDMA de Madrid, dirige su propia
compañía desde 2014, cuando comienza su andaduraen solitario con la pieza corta A Palo Seco Redux, programada y premiada en festivales españoles e internacionales, germen además de A Palo Seco (2015), enla que establece una forma propia de expresión, que
amalgama flamenco y danza contemporánea. En esta
búsqueda, crea en 2017 Sintempo y, en 2018, La Espera.
En 2019 estrena su primer espectáculo de gran formato, VENGO!, en el que aborda las raíces del folkclore español desde lo contemporáneo y por el que
recibe el Premio Max 2020 a Mejor Coreografía. Su
nuevo espectáculo Mujer de Pie (2020) es un alegato
a favor de la resiliencia y el poder de reinvención.
Ha creado también piezas para otras compañías como
Ibérica de Danza (Fígaro, barbero de Sevilla) y MiguelÁngel Rojas (Ya no seremos), además de haber coreografiado la XXII Gala de los Premios Max de las Artes
Escénicas.
Jesús Carmona (Barcelona, 1985). Precoz bailaor ycoreógrafo, que debuta sobre los escenarios ya a lossiete años. Licenciado en Danza española y flamenco
por el Institut del Teatre, pronto despunta como bailarín, trabajando para varias compañías españolas:
Nuevo Ballet Español, Carmen Cortés, El Güito, Rafael Amargo, Antonio Canales y La Truco. En 2006
estrena su primer montaje propio, “El silencio de laLuna” y al año siguiente ingresa en el Ballet Nacionalde España, donde permanece hasta 2010 como Primer Bailarín. Con el estreno de Cuna Negra & Blanca (2011) establece su propia compañía, con las quemonta 7 Balcones (2013), Ímpetu´s (2015), Amator (2017),
The Game (2019) y El Salto (2020). Mejor Bailarín Sobresaliente del XX Certamen de Danza Española y
Flamenco de Madrid en 2011, ha obtenido el Premio
Nacional de Danza 2020, en la modalidad de Creación, además del Premio Desplante en el 52º Festival
Internacional de Cante de las Minas de la Unión y el
Premio El Ojo Crítico de Danza 2019 que concede. Ha
sido nominado en varias ocasiones a los premios Max
de Artes Escénicas.
David Carome. Creador formado en diversas escuelas de danza, pero también en diseño de iluminación,
maquillaje, moda, fotografía y vídeo. Como intérprete, ha trabajado para Manuela Barrero, Daniel Abreu
o Anuska Alonso, pero también para Nicolas Ram-

Memoria de actividadesbaud, Ricardo Buscarini o Cïa Della Quarta. Ha colaborado así mismo con Abel Azcona en varias de sus
performances. Fundó Cincopuntocero junto a Nadia
Yagoubi, como vehículo inicial para sus producciones teatrales, híbridos de danza y teatro físico. Con
trabajos en la escena clandestina y en pequeñas salasalternativas dentro de la red de teatros alternativosde la Comunidad de Madrid, el proyecto se disolvió
a los dos años, encaminándolo a una producción ensolitario tendente a la performance: títulos como Así
Habló Zaratustra. Después, tras presentar el solo dedanza Carne Cruda y Leche Fría, junto a Carmen Werner y Mónica Runde, consigue una residencia decreación para la compañía Los Dedae. Posteriormente
entra a trabajar en la compañía dlcAos, como intérprete y asistente coreográfico, presentando un proyecto personal mezcla de disciplinas artísticas con
danza y filosofía al que denomina pseudodanza. Con
este proyecto ha sido coreógrafo residente del Centro
Coreográfico Canal, Centro Cultural Conde Duque,la Compañía Nacional de Danza de España o Centro
Cultural Paco Rabal entre otros. Junto a Mario Tejero conforma Dama de Vidrio, una asociación artística
basada en la pseudodanza enfocada a ser el pilar sobre
el que construir sus montajes: Bestias Heridas o si Dios
fuera una Mujer, o el muy reciente Mientras Hablabais(la permanente y sosegada tristeza vaga y pasión inútil).
​ olectivo Banquet. Formado por seis integrantes (AnaC
F. Melero, Laura G. Carrasco, Jerónimo Ruiz, Javier
De la Asunción, Mauricio Pérez Fayos y Edoardo Ramírez), todos con trayectoria previa como bailarines
freelance para varias compañías, o con estudios decoreografía. Como colectivo, han ganado el Primer
premio de la categoría Bailando con Piedras del XIX
CIC Burgos New York en 2020; el premio del público
en el XVI Certamen Coreográfico de Sabadell en 2021
y el Premio de Residencia en Centro Cultural Eduardo Úrculo y residencia técnica en la Nave del Duendetambién en 2021. Entre sus creaciones más recientes
destacan Lun_ar; Conxuro; Ni hemos hablado, Prepárate o
Rojo Rojo Verde.
Mariana Collado. Bailarina galardonada con el Primer Premio de Coreografía de Solo en el XXI Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de
Madrid con la coreografía El cuervo y el reloj de KaariMartin (2012) y Segundo Premio de Baile Flamenco
en el II Festival Internacional de Danza de Almería(2011). En la actualidad forma parte como intérprete
y coreógrafa de la Compañía Malucos Danza dirigida
por el coreógrafo Carlos Chamorro desde 2009 hasta
la actualidad. Ha codirigido junto a él los espectáculos Vecinos (2016), Vecinos y la Comunidad (2017), Losdioses no lloran ni vierten lágrimas (2018), Trajes de domingo (2019) y Lady Mambo (2021). Solista y coreógrafa dela Compañía finlandesa Kaari & Roni Martin desde2008 en los espectáculos Kill Carmen (2015) y Anna
Karenina (2018), entre otros. Codirige junto al bailarín
y coreógrafo José Maldonado el espectáculo Bodegón,
galardonado en el Festival de Jerez 2019 con el Pre-mio Artista Revelación y Galería, su segunda producción, estrenada en el XXV Festival de Jerez (2021).
Dirige y coreografía junto al bailarín Lucio Baglivo
el espectáculo MyL 2.0 (2019), utilizando un lenguaje mucho más teatral y arriesgado, donde conviven
diferentes disciplinas como la acrobacia, el teatro, la
danza contemporánea y el flamenco. Intérprete de laCompañía Manuel Liñán en su nueva creación, La
otra escena (2020), en la que el coreógrafo posicionaa la bailarina en un papel mucho más interpretativo
y versátil.
Carmen Cortés. Nace en Barcelona de padres andaluces. Autodidacta, en 1978 entra a el Tablao los Canasteros, donde conoce a Mario Maya, que rápidamente
la incorpora a su compañía. Autodidacta. En 1978/79
entra en el Tablao Los Canasteros y a los tres meses
conoce a Mario Maya, cuya concepción del flamenco
impregnará decididamente a esta bailaora, coreógrafa
y directora artística. Con una carrera que se extiendea lo largo de cuarenta años, Cortés ha rodado desdepelículas como Corre Gitano (Toni Gatlif, 1982) hasta
haber producido más de una veintena de espectáculos
desde que creara su propia compañía en 1987. Licenciada en Danza por Real Conservatorio Superior deDanza y Máster de Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos, es miembro del Consejo de laDanza de la UNESCO. Entre sus espectáculos más conocidos, Flamenco Flamenco (1988), Memorias del Cobre(1990), A Federico (1995) el primero de una larga seriede espectáculos dedicados al poeta, del que la bailaora
es quizá la primera en ligarlo abiertamente a la cultura flamenca, al que seguirán Yerma (1996), Soleá: un son
eterno (2000), Mujeres de Lorca (2006), Los dos lados dela cama (2012) o Gira Corazón. Bailando con Lorca en la
Edad de Plata (2021) entre muchísimos shows de danza, teatro e híbridos.
Los DEDAE. Chevi Muraday comienza su formación
como Bailarín en España en 1985 con Carmen Senra,y amplía sus estudios de Danza Contemporánea en
escuelas internacionales como Martha Graham (Nueva York), Laban Center, The Place y Dance Work’s(Londres), S. O. A. P. Dance Theatre (Frankfurt), Neuer Tanz (Dusseldorf ), entre otras. Inicia su trayectoria profesional en la Compañía de Carmen Senra en1989 y en el año 1992 presenta en el VII Certamen
Coreográfico de Madrid su primera pieza como coreógrafo, Por el campo entre las flores te busqué y no teencontraba”, por la que recibe una beca como Bailarín
Sobresaliente en Transition/Laban Center de Londres. Durante 1993 y 1994 trabaja en Londres comobailarín en Transition Dance Company y Jane Turner Company, e ingresa en la Compañía Nower Tanz
en Düsseldorf (Alemania), donde imparte clases deDanza Contemporánea y baila coreografías de Vanda
Golonka. Después trabaja en S.O.A.P. – Dance Theatre Frankfurt- con coreografía de Ruy Horta. En 1997
pone en pie su propia compañía, Losdedae, con el
propósito de generar movimiento en torno a la Danza Contemporánea en España. En 2006, el Ministerio

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de Cultura le otorga el Premio Nacional de Danza en
su modalidad de interpretación.En los últimos años
se han estrenado Return (2012), con la actriz Marta
Etura; Cenizas o Dame una razón para no desintegrarme (2014, nominada a 3 premios Max): En el desierto(2014) Premio Max Mejor Espectáculo de Danza; Teresa, Ora al Alma y El Cínico (2015); Black Apple y lospárpados sellados (2016); Marikón esto acaba de empezar(2017, para celebrar los 20 años de su compañía) y
Juana (2019).
Paloma Díaz-La Permanente. Formada como actriz
en el Instituto del Teatro de Sevilla y como bailarina
en Madrid, Sevilla, Londres y Essen, trabaja primero como intérprete para compañías y coreógrafos enAustria, Alemania y España: Provisional Danza, Teatro de la Zarzuela, Teatro Real, Nigel Chernok, Teatrodel Zurdo, Cía. Rocío Molina o Carlota Ferrer. Formala compañía La Permanente junto al cineasta Chiqui
Carabante tras ganar el Primer Premio del Certamen Coreográfico de Madrid con Me da igual (1998).
A esta pieza seguirán Ha pasado un Ángel (2000), Palabras de amor, Tanzabend para Malou (2005) o Una Palabra (2010), y encargos para el Festival de Itálica, Díasde Dansa, Los Veranos de la Villa o el FiberFib. En
2014 codirige Hora de Cierre junto a Isabel Vázquez,
recibiendo el Premio Andaluz de Teatro al mejor
espectáculo de Danza. Ha trabajado también como
ayudante de dirección y asesora coreográfica parael Centro Andaluz de Teatro, el Teatro Español, Cía.
Chirigóticas, Imprebís, Claudia Faci, Alberto San Juany Antonio Álamo. Entre sus últimos trabajos como
coreógrafa destacan Tres deseos (2018), coproducción
del Teatro Español y la Fundación José Monleón con
intérpretes con diversidad funcional; Mundo obrero(2018), de Alberto San Juan, producción también delTeatro Español e Inloca con Matarile Teatro coproducida con CDN. A parte de docente de danza para varias instituciones, es también profesora de yoga con
una práctica de más de veinte años.
10 & 10 Danza. Runde-Narváez-Sanz. Fundada en 1989
por Mónica Runde (Madrid, 1961) y otros bailarines,
entre los que se encuentra Pedro Berdäyes, Rundeasumirá su dirección en solitario a partir de 2005.
Runde es una de las más importantes, reconocidas
y prolíficas -su trabajo supera las 60 piezas- personalidades de la danza contemporánea en España, y
una presencia apreciada y constante en el circuito internacional: habitual de festivales como los de París,
Lyon, Lieja, Madrid, Florencia o Lille en un inabarcable etcétera. Premio Nacional de Danza en 2000,y Premio Nacional de Danza de Costa Rica en 2004,
también atesora los premios Ricard Moragas de laGeneralitat de Catalunya o el Premio de Cultura dela Comunidad de Madrid. Tras varias colaboraciones
conjuntas con la también coreógrafa Inés Narváez
y la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, ambas con
prestigiosas y fecundas carreras, deciden codirigir apartir del 2020 la compañía asumiendo en tripartito
la dirección artística de 10&10.

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EnclaveDANZA - Cristina Masson. Compañía madrileña dirigida por la coreógrafa y bailarina Cristina
Masson, Premio 100Latinos Madrid 2010, con una
impronta abiertamente multidisciplinar. Entre sus
espectáculos más destacados figura Fatum (2006), presentado en Montpellier; Ausente en Negro (2008); ...No
Vacía... (2010), homenaje a Miguel Hernández; GOLDBERG (2013), con el Trío de Cuerda Garnat; 3 Mujeres (2015), con residencia de creación en el Centro
Coreográfico y estreno en los Teatros Canal; Marzo
10, NY (2017), estrenado en el Festival de Málaga ytambién objeto de residencia del CCC; A La Edad Pos
Humana (2018), danza-multimedia que participó envarios festivales italianos (Milán, Roma, Toscana, Nápoles, L´Aquila). En 2017 crea el Festival LDC (Un lugar Donde Compartir) en Madrid que ya va por su
quinta edición, y se expande por otras Comunidades.
Ana Erdozain. Ana Erdozain se forma en las escuelas Carmen Senra y Real Conservatorio Profesionalde Danza Mariemma de Madrid y en la Sala Cuarta
Pared, complementando sus estudios con el curso intensivo de la SNDO (School for New Dance Development)y en la escuela Henny Jurriens Dance, ambas en Amsterdam. Desarrolla su carrera como intérprete con
Chevi Muraday, Carlota Ferrer, Compañía Danza Mobile, Antonio Fernández Lera, Patricia Ruz, Compañía
Lisarco, Compañía Tejido Conectivo, Alba González y
con el proyecto Bailar el agua de Raquel Sánchez y
Chefa Alonso. Como coreógrafa ha sido premiada enel 28 Certamen Coreográfico de Madrid y en el III
Certamen DanzaXtrema (Cáceres). Colabora en el espectáculo de Teatro Inclusivo Moving 360º, de la compañía Teatro Reno (México), y en El festín de los cuerpos
de la Compañía Danza Mobile, dirigido por ArturoParrilla y estrenado en la 33ª edición del Festival
Madrid en Danza. Como asistente de movimiento
trabaja en diferentes espectáculos de Carlota Ferrer,
con la Compañía de Teatro El Pontflotant y en el espectáculo de Julia de Castro, Exhalación: vida y muertede La Puríssima.
Estévez / Paños y Compañía. fundada en 2003 por
Rafael Estévez y Valeriano Paños con las creaciones
Martinete y Tres por medio, con las que actúan como
artistas invitados en el Certamen Coreográfico de
Madrid 2003. Han coreografiado y dirigido a artistas
como Lola Greco, Miguel Poveda, Maria Vivo, Rocio
Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Marco Flores,
Concha Jareno, Pastora Galván, Ana Morales, Patricia
Guerrero, Companía Antonio Ruz, Companía de Teatro 300 Pistolas o Yjastros: The American Flamenco
Repertory Company, entre muchos otros. También
han coreografiado y bailado para las Galas de la Danzaen el Teatro Real de Madrid (2004), Gala Española deDanza en el Tokyo Forum Hall EXPO AICHI (2005)y Gala de la Danza EXPO Zaragoza (2008). En 2019reciben el Premio Nacional de Danza en la modalidad
de Creación, por su labor al abrir nuevos lenguajes y
por la investigación de la danza española, el flamenco y la danza contemporánea, desde la tradición a la

Memoria de actividades

vanguardia, logrando originales resultados de una
danza de hoy. Algunos de sus espectáculos son Tiempo(2005), Muñecas (2006), Sonata (2008), La consagración(2012) o la pieza en video EP2020. Capricho coreográfico
para dos hombres que bailan y dos cámaras de vídeo (2020)
durante la pandemia. En 2021 estrenaron en Teatros
del Canal su última creación, La confluencia.
Jesús Fernández. Bailaor y coreógrafo flamenco originario de Cádiz. Titulado por el Conservatorio Superior María de Ávila, su baile se caracteriza por la
mezcla continua de tradición y vanguardia. Ha trabajado con grandes compañías nacionales, como la deManuel Liñán, e internacionales como la Nord Nederland Toneel, y también ha producido numerosos
espectáculos con los que ha girado por medio mundo: Ataduras (2009), A tres bandas (2013), Gaditaneando (2014) o Puntos inacabados (2018). Compagina sus
actuaciones en grandes teatros con su habitual presencia en los mejores tablaos de España, en los que
desarrolla su faceta de improvisación. Ha sido nominado al mejor intérprete masculino de danza en los
Premios Max 2018, y ha recibido el Premio Desplantedel Festival Internacional del Cante de las Minas y el
Premio Fundación Aisge.
Natalia Fernandes. Bailarina, coreógrafa y profesora de danza originaria de Brasil, afincada en Madrid
desde 2017. Becada por el SAE-UNICAMP cuando era
estudiante, entra en la escena independiente de Sao
Paulo en 2005, trabajando con coreógrafos brasileños como Mauricio de Oliveira, Sandro Borelli, Alex
Soares, Morena Nascimento o Mirian Druwe, entre
otros. En 2013, recibe una invitación para bailar con
Nir de Volff - TOTAL BRUTAL, en Berlín. A partirde este momento, empieza a colaborar con distintos
coreógrafos entre Alemania, EEUU y España, como:
Cocoon Dance, Sebastian Hirn, Sonia Soares, Abhilash Ningappa, Jesus Rubio, Lucia Marote y Poliana
Lima. Es también docente e investigadora de danza, ycomo creadora ha estrenado proyectos como The Oldest Thing in the World, que contiene uno de sus solos
más famosos, This Is Not Mine. Para la Compañía Laboratorio 180 creó Anatomía y estrategia 1. En 2016 ganala convocatoria de solos del 29 Certamen Coreográfico de Madrid con la versión en solo de esa misma
pieza. De ella también parte sus Estudios para Anatomía– Desnaturaleza y Estudios para Anatomía- Laberinto. En
2018 es una de las coreógrafas seleccionadas para laresidencia LATIDOS, de Coreógrafos en Comunidad yCentro Cultural Conde Duque.
Cia Flesh - Inma Marín. Con más de diez años detrayectoria en la danza, las artes visuales y la performance, es Licenciada en Humanidades y diplomada
en danza contemporánea en SEAD Salzburg Experimental Academy of Dance, y ha trabajado como intérprete y asistente de dirección en compañías nacionales e internacionales. En 2011 funda su Compañía
Flesh, con la que fue finalista en el Certamen Coreográfio de Madrid Paso a Dos con A solas, a los que

siguieron Nobody’s Story (2013, estrenado en el Certamen Internacional Masdanza, premiado con Masdanza Extensiones), Silence, Please (2014, galardonado
por Council de Singapore a mejor coreografía con el
premio Second Company Choreographic Commission2015). Con esta beca creó Peso (2015), estrenada enel Black Box Theater de Singapore. En 2017 realiza
el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual dela UCL en colaboración con el MNCARS y Matadero. Desde el 2016 reside y trabaja en Madrid como
performer, bailarina y artista plástica en varios proyectos, así como continúa su labor como directora artística e intérprete en la Compañía Flesh, articulando
proyectos interdisciplinares que combinan artes visuales y performance.
Cía. Marco Flores. Nacido en Arcos de la Frontera,
Cádiz, en 1981, comenzó como autodidacta hasta empezar a aprender de maestros como Antonio Canales
o Javier la Torre. A los 18 años ya bailaba para grandes
compañías como la de Sara Baras o Rafaela Carrasco.
En 2004 comienza a realizar sus primeros espectáculos junto a Manuel Liñán (Dos en Compañía), Olga Pericet (En sus 13 o En clave) Daniel Doña (Chanta la mui
o Recital) hasta fundar su propia compañía en 2010,
estrenando DeFlamencas. En 2012 presenta en Teatros
del Canal su segundo espectáculo, Tránsito, con el que
girará ya internacionalmente. Laberíntica (2014), Paso
a dos (con Olga Pericet, 2015) o Extrema (2018) afianzan su prestigio. Marco Flores es Premio Nacionalde Flamenco, Premio de la Crítica Especializada delFestival de Jerez, Premio Ojo Crítico de Danza RNE
y Premio Max al mejor intérprete de danza en 2020.
Barbara Fritsche Dance Project. Proyecto creado en
Madrid por la bailarina y coreógrafa alemana de orígenes polacos. Comienza sus estudios de danza con
10 años. En 2002 se gradúa con una licenciatura en
Danza por la Escuela Superior Palucca Hochschulefür Tanz Dresden (Alemania) y decide trasladarse a
Madrid con una Beca del DAAD para continuar sus
estudios. Rápidamente se distingue también como
pedagoga, trabajando durante trece años en la escuela Karen Taft, trabajo que desarrolla en la actualidad
en otras escuelas madrileñas y europeas. Ha realizado
colaboraciones como bailarina y coreógrafa en eventos y video producciones (Beatriz Abad, Tiffany´s, Gota Talent Tv, 3threeEvents, Zinc Shower Madrid). Entre sus trabajos coreógráficos recientes, destacan Vasos Llenos (2018) o Heart Beats (2022).
Full Time Company - Fabián Thomé (San Juan de Luz,
Francia, 1981) se gradúa en Danza Española y Flamenco en el Conservatorio Profesional de Danza deMadrid. Trabaja como solista y primer bailarín para
Joaquín Cortés, Rafael Amargo, Lola Greco o Amor
Brujo. En 2009 gana el 2º Premio en el XVIII Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamencode Madrid, Teatros de Canal. En 2011 decide crear
su propia compañía, con Desde el Sofa un espectáculo
pluri- disciplinar mezclando danza y teatro.Este mis-

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mo año gana el 2º Premio de Coreografía en el XX
Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, con su pieza Del Juego a la Pelea.
En 2012 Franco Dragone, director de Circo du Soleil,
le invita a participar como coreógrafo y bailarín ensu última producción TABOO, en Macao. En 2013, devuelta a Europa, baila para las compañías Elephantin the Black Box, Sharon Fridman y Carlos Fuentes.
En 2014 crea Entre Sombras, con la que gana el premio de Interpretación en el certamen Internacionalde Burgos/Nueva York. Los siguientes años entrará enel elenco de la Compañía Eastman Sidi Larbi Cherkaoui (Bélgica). Compaginará esta actividad con la docencia y con la creación propia de espectáculos como
UMBRA (2016), INVOLUTION (2018), YÖY (20182019), MOI-JE (2019) y Humos, estrenado en Teatros
del Canal en 2020. En 2020 recibió el 1 premio en el
33º Certamen Coreográfico de Madrid y premio con
mención especial en el Certamen Internacional deCoreografía Masdanza.
Carmen Fumero Cía. Fundada en 2011 por los bailarines Carmen Fumero y Miguel Zomas, con trayectorias previas trabajando para otras compañías y coreógrafos como La Intrusa / Virginia García / Damián
Muñoz, Compañía Antonio Ruz, Cía. Daniel Abreu, 10& 10 Runde-Narváez-Sanz, Iker Arrue, Dimo Kirilovy Tamako Akiyama y Compañía Lava. Establecieron
definitivamente su proyecto personal gracias a lasresidencias del Centro Coreográfico Canal en 2013.
Entre sus espectáculos más destacados se encuentran
Ironía (2011), Montando Cabos (2013), el multipremiado ...eran casi las dos (2014), que les permitió girarinternacionalmente, o Un poco de nadie (2018). A día
de hoy, continúan investigando y desarrollando su
propio lenguaje a través de sus proyectos, a la par que
colaboran como intérpretes para otras compañías.
Cia. La Galga. Fundada un año antes de la pandemia por el actor y director Pau Cólera y el bailarín
Juan Carlos Toledo, esta joven compañía orientada ala danza-teatro de carácter social logró estrenar su
primer espectáculo en 2020, MiMeConmigo y además
realizar una pieza corta premiada en el Certámen Coreográfico de Madrid al año siguiente. Actualmenteestán preparando su tercer proyecto.
Ángel Garcés. Nacido en Caracas, Venezuela, y criado en las Islas Canarias, se ha formado en distintas
disciplinas en torno al movimiento, siendo la danza contemporánea y el hip-hop las herramientas debase para desarrollar su creatividad. Ha trabajado
en las compañías de Natalia Medina y Sara Sánchez.
Comienza su carrera como coreógrafo con “Vamos”(2020), interpretándola en festivales como SoloDos
En Danza, con la que consigue el Premio de Programación en el 34º Certamen Coreográfico de Madrid.
Ha participado en el Festival 10 Sentidos, donde recibe el Premio Migrats, y otros festivales como el HOP
Barcelona o Sanskar Festival India. Actualmente reside entre Canarias y Madrid.

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Kike García (Madrid, 1989), bailarín, coreógrafo ybordador. Empezó en el mundo de las artes marciales, formándose en Taekwondo desde los 4 años deedad. Luego saltó a la danza contemporánea, el butohjaponés y el flamenco, tratando de combinar los movimientos de estas distintas vías de danza. Graduado
en Danza, Coreografía y Contexto en HZT Berlín, que
ofrece una formación multidisciplinar conectada conlas vanguardias experimentales escénicas y coreográficas, ha trabajado con la Compañía de Teatro para
Migrantes junto con Juan Camilo Estrada en el Reykjavík Dance Festival; para Mónica Valenciano y otras
coreógrafas madrileñas; para Ivo Dimchev, deufert&plischke, Arantxa Martínez y Antonija Livingstone
en Berlín o en Atenas con la Compañía de Danza Kinitiras. Entre sus trabajos recientes se encuentra Mon
Strua y A-bomb (2016), RGB y Duet (2019) o Paisajes(2021).
Teresa Garzón. Creadora, bailarina y actriz granadina,
graduada por el CSDMA de Madrid. Ha trabajado en
diversos proyectos escénicos con compañías de danza y teatro como La Fura dels Baus, Alfredo Sanzolo Instituto Stocos. Actualmente trabaja en cía. Antonio Ruz, La Tristura y Aves Migratorias de Madrid.
Como coreógrafa y creadora, aparte de su proyecto
en solitario FuckSia, finalista del certamen de solos enestado de germen Me, Myself & I dentro del Certamen
Coreográfico de Madrid, Santas Al Cielo, estrenada enel Teatro Isabel La Católica en 2021, y con Chantal
Soler el dúo El Cielo (2021).

Memoria de actividades

y el desarrollo de las artes escénicas, musicales, cinematográficas y de diseño de moda de la Comunidad
de Madrid) y Piel, o de cómo volver a pasar por el corazón(2021), ambas programadas por el Festival Surge Madrid y esta última en el festival MoverMadrid.
Mario Gonzalez. Joven bailarín y coreógrafo pacence, comienza sus estudios en Sevilla en 2008, especializándose en danzas urbanas. Decide continuar su
formación en el Centro Andaluz de Danza, tomando
el camino de la danza contemporánea. que comenzó
sus estudios de danza en 2008 en la ciudad de Sevilla.
Completa su formación en Alemania, donde participa
en la Cía. Hani Dance, Reino Unido, Suecia, Italia y
Luxemburgo, hasta que vuelve a Madrid, donde entra
a bailar con Elías Aguirre. Decide saltar a la creación
con la vídeo danza Overthinking (2019), a la que siguen
las piezas cortas Club o el solo Phase. David (2021) es
su primer dúo.

Cía. Iván Gómez. Nacido en Alicante, y formado enel Conservatorio Profesional Fortea de Madrid, Iván
Gómez funda su propia escuela, Danza13, en la capitalen 2018. Es el germen de su propia compañía, quecuenta con un cuerpo de baile de 14 bailarines y sesustenta en coreografías propias de Gómez, junto a
otros coreógrafos como Antonio Najarro, Aída Gómezo Marco Flores. Su espectáculo Folíajazz (2021) es su
carta de presentación, aunque Gómez también coreografía y dirige por encargo musicales de pequeño formato como Grease es la voz o Cabaret, y espectáculosde cámara para tablaos y otros escenarios.

Tania González. Coreógrafa, intérprete e investigadorainterdisciplinar. Durante los últimos años ha vivido
entre Estocolmo y Berlin. En sus trabajos combina
métodos etnográficos con la investigación somática,
la improvisación y la composición instantánea. Titulada en Danza Española por el Conservatorio de Danza de Madrid y Doctora en Antropología Social por
la Universidad de Estocolmo, ha cursado estudios dedanza contemporánea en Tanzfabrik Berlin. A lo largo de su trayectoria ha impartido talleres en España,
Irlanda y Suecia y colaborado con artistas de distintas
disciplinas, especialmente en el campo de la improvisación. Sus últimas creaciones han sido presentadas
en la sala Fylkingen (Estocolmo), en Tanzfabrik Berlin
y en el festival de micro-danza itinerante 15m2. Adicionalmente, en su faceta como antropóloga, resultó
becada por el programa Marie-Curie de la Comisión
Europea para formar parte de la red doctoral CoHaB(Constructions of Home and Belonging) y ha participado
en diversos proyectos de investigación relacionados
con la migración transnacional, las relaciones de género y los cuidados. En 2021 cursó el Master Performance Practices en ArtEZ University of the Arts en
Arnhem, Holanda.

Cía. Alba González. Licenciada en Psicología por laUAM, en 2009 comienza su formación de danza con
Carmen Senra y continúa en el Professional Dance
Master SEEDS de Cobosmika Company. Como intérprete ha trabajado con diversos creadores como
Thomas Noone, Jorge Jauregui, Roberto Olivan, Peter Mika, Colectivo Lisarco, Compañía Tejido Conectivo, Laminima, Laimperfecta, Raquel Sánchez y
Chefa Alonso en Bailar el agua, Ainhoa Hernández
Escudero, Ana Erdozain o Chevi Muraday. A parte deser profesora en varios Centros de Danza, funda en
2011 su propia compañía, con la que ha creado piezas como el solo Nudo o Salida de Emergencia (2015,
ganador del Premio Residencia Artística Tanzhaus de
Zurich en el 29 Certamen Coreográfico de Madrid);
Glitter (2019 Ayuda a personas físicas para la creación

Camille Hanson - Ladinamo. Bailarina y coreógrafa
licenciada en Bellas Artes, en Danza Clásica y Contemporánea y Máster en Coreografía y Performancede U.C.L.A (Universidad de Los Ángeles, California,
U.S.A). Ha trabajado con diversos artistas y compañías entre Europa y Estados Unidos: MN. Dance
Theater, Kristen Kusanovich y Paul Thompson, Elena Córdoba, entre otros. En 2002 se trasladó a Madrid y fundó el proyecto madrileño Ladinamo Danza, donde recibió el primer premio coreográfico deTeatro Nuria Espert, Madrid. Actualmente, realiza
sus propias creaciones escénicas y site-specific works para festivales como Alt. Vigo, Spain NOW!, Territorio Danza, Hurta Cordel de La Casa Encendida,
Teatro T.E.A., y Teatro Victoria de las Islas Canarias,
Veranos de la Villa Danzacalle. Dust and Water (2013)

formó parte del proyecto Nomadans. Su última creación, Make me Wild (2023) se presentó en el Museode las Américas dentro del Festival Ellas Crean de
Madrid.
Ainhoa Hernández. Coreógrafa madrileña afincada
entre Madrid y Ámsterdarm. Graduada en DAS Theater MA en 2022. Su trabajo atraviesa prácticas contrahegemónicas -como la brujería, el movimiento drag,la magia o la herbología- bajo el hechizo de la estética
pop, la tecnología y la cultura mainstream inherentes a nuestra realidad actual. Actualmente desarrolla
el segundo capítulo de su proyecto Blooming-The Saga.
Precisamente la primera parte, Blooming-the Saga- La
antorcha, la llave y la serpiente, se mostrará en 2023 en
Frascati, La Capella y Bâtard Bruselas. Ha recibido
el 3Package Deal 2023 en la categoría de Danza. Es
miembro fundador del colectivo coreográfico Twins
Experiment y forma parte del proyecto curatorial Saliva, y de Bastante Algo, Otros Muebles, un proyecto
que combina diseño y coreografía. Ha expuesto trabajos en contextos como: Gessnerallee Zurich, Center for the Performance Research NY, Tanzquartier
WIEN, Archeologies of the Future ARG, Museo delChopo MEX Antic Teatre BCN, La Caldera BCN, La
Casa Encendida MAD, CA2M, MAD. Ha trabajado con
Valentina Desideri, Xavier Le Roy, María Jerez, Meg
Stuart, Andrea Zavala, Rosa Casado & Mike Brookes,
Eli Steffens, Reza Mirabi, Alexa Mardon, entre otros.
HURyCAN. Bautizada en 2013 por Candelaria Antelo
y Arthur Bernard Bazin, HURyCAN es un proyecto
de creación escénica que afirma la necesidad
comunicativa del movimiento, sus límites, su
dimensión personal y emocional. El trabajo expone
una experiencia física y sensible a través de juegos
ingenuos y transgresores. Candelaria Antelo inicia sus
estudios de danza contemporánea en Buenos Aires.
A continuación, viaja a Inglaterra, donde se gradúa
en la escuela The Northern School of Contemporary
Dance (2007) y en Madrid en el CSDMA (2013). Durante esos años trabaja con coreógrafos como, Dani
Pannullo, Jivko Jeliazkov, Mey-ling Bisogno y Lucio
Baglivo. Arthur Bernard se inicia en las artes escénicas en París. En 2007 se instala en Madrid donde
profundiza su formación teatral y corporal. Estudia
en LA USINA, LA RESAD, el CSDMA y trabaja con
coreógrafos como Camille C. Hanson, Maryluz Arcas(La Phármaco) y Sharon Fridman, con quien realiza
una colaboración continua como bailarín y asistente entre 2010 y 2015. Juntos empiezan a investigar
en 2010 creando Discordio, pieza ganadora del Certamen Coreográfico de Vallecas. Su primera creación
como HURyCAN es Te odiero, que les valdrá diversos premios en España, Alemania y Francia. Después
vendrán los también internacionalmente premiados
Je te haime (2013) y ASUELTO (2016). A fecha de hoy,la compañía funciona como una plataforma dondeambos coreógrafos pueden desarrollar sus creaciones
de forma paralela, como es en el caso de Maslenitsa(2020), tuS extremoS y bruta.L (2021).

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Instituto Stocos. Co-fundado y codirigido por la bailarina, coreógrafa y pedagoga Muriel Romero y elcompositor Pablo Palacio en 2008, está centrado en el
análisis y el desarrollo de la interacción entre el gesto
corporal, el sonido, la imaginería visual, las nuevas
tecnologías y la psicología experimental. El Instituto,que se mueve tanto en el campo de la investigación,la teorización y lo pedagógico como en la creación detrabajos escénicos, ha producido piezas como Acusmatrix (2008), Catexis (2010), Stocos (2012), Piano & Dancer(2016), The Marriage of Heaven and Hell (2018), Oecumene (2019) o sus series Neural Narratives (2014-15) y The
Hidden Resonances of Moving Bodies, cuya segunda partehan desarrollado en el Centro Coreográfico Canal. Su
trabajo ha sido apoyado por los organismos españoles
de cultura exterior (INEM, AECID, Instituto Cervantes) y la UE, y han participado en publicaciones y talleres en conservatorios y universidades nacionales einternacionales. Actualmente colabora junto a Motion
Bank (el proyecto de digitalización coreográfica de laForsythe Company) y C-DaRE (Centre for Dance Research of Coventry University), en un nuevo proyecto
europeo dentro del programa Horizon2020 centrado
en explorar cómo la inteligencia artificial puede contribuir a expandir la creatividad en la creación coreográfica y musical actual mediante la interacción entre
movimiento corporal, sonido e imagen.
Cia Labasal. Colectivo de jóvenes creadoras formado
por Rocío Barriga, Luna Sánchez, Sergio Suárez, Laura
Eugenia Sánchez, Aurora Constanza y Clàudia Boschy fundado en 2018. La Basal nace con el objetivo
principal servir de plataforma de acompañamiento,
ayuda y apoyo entre creadores. Desarrolla diferentes
proyectos artísticos cuyo núcleo de trabajo es utilizar
el cuerpo y su movimiento como herramienta principal: proyectos escénicos, talleres pedagógicos, exposiciones y vídeo creación. Entre sus trabajos se encuentra Mimi (2018); Quiral (2019) de Rocío Barrigay Luna Sánchez, que es finalista de SoloDos en Danza2020 en Orense; Todo esto no es tradición (2022)
estrenado en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.
Dentro de Vertebración XII y MudarseInstalarse que se
estrena en Teatro Pradillo de Madrid y recibe la Ayuda INJUVE de Creación Joven. Ese año son artistas
residentes de la CND y el CC María Pagés.
Lucía Lacarra (Zumaia, Guipúzcoa, 1975). Primera
Bailarina del Ballet de la Ópera de Múnich. Considerada una de las principales figuras del ballet clásico
actual, presenta una trayectoria artística de gran relevancia. Su interés por la danza lo mostró desde una
edad muy temprana y a los 9 años comenzó a tomar
clases en su Zumaia natal. A los 13, ingresa en la Academia Thalía, de Mentxu Medel en San Sebastián, yun año después llega a Madrid para ingresar en laEscuela de Víctor Ullate en la que comenzó a despuntar como futura promesa de la danza, hoy consagrada.
El Ballet Nacional de Roland Petit, donde interpretó todo el repertorio del prestigioso creador, el Balletde San Francisco y el Ballet de la Ópera de Múnich,

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del que ha sido solista desde que ingresara en 2002,
conforman la carrera artística de esta bailarina galardonada con el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación en 2005. Un premio que sesuma a otros en su haber como el Premio Nijinsky
2002 y el Benois de la Danza 2003.
PsicoBallet Maite León. Nacida en Madrid en 1943,
es titulada por el Real Conservatorio de Madrid en
Danza Clásica y Clásica-Española. A los 18 años completa sus estudios en la Escuela de la Ópera de Paris, donde colaborará como coreógrafa con algunas
compañías francesas. Se convierte en maestra y coreógrafa de la Escuela de Teatro Ópera de Munich,así como del Ballet de Stuttgart, alternando dichas
experiencias con la dedicación a compañías de danza
españolas como las de Pilar López, Alfredo Laria yMariemma, participando en distintos festivales nacionales e internacionales. Cuando regresa a España,
crea su escuela de danza Thalia y comienza a trabajar
como coreógrafa para la Compañía de la Antología
de la Zarzuela, bajo la dirección de José Tamayo. En
1968 nace su primera hija Marite que sufre anoxia
cerebral durante el parto y la produce una lesión
cerebral. En este momento, Maite se aparta temporalmente del mundo laboral para dedicarse a su
hija. Comienza a estimularla física y sensorialmentea través de la danza, la música y el canto, estableciendo una relación entre ambas de trabajo, superación y conocimiento. Maite descubrió belleza en losmovimientos de su hija y una nueva forma estética.
Y comienza a trabajar a través del arte con alumnxs
con dificultades de aprendizaje, con problemas deintegración social y finalmente con singularidades
psicomotrices. Junto con su compañero Fidel Martin
constituyen en 1980 la compañía Psico Ballet, integrada por 40 bailarinxs con y sin diversidades funcionales realizando su primera representación artística con el espectáculo Contaminación en 1982, al queseguirá Nacimiento para un Eclipse (1983). En 1992, conel apoyo del Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales, crea la Escuela permanente de Artes Escénicas
y Discapacidad y actual sede de la Fundación Psico
Ballet Maite León. Maite León falleció en 2006, pero
su compañía sigue viva.
Poliana Lima (Brasil, 1983). Bailarina, coreógrafa ydocente, afincada en Madrid desde 2010. Licenciada en Ciencias Sociales por la Universidad Estatal deCampinas, se forma en ballet clásico y danza contemporánea en varios centros de São Paulo. Inicia
sus creaciones coreográficas en 2011, con la pieza
Palo en la rueda. En 2012 comienza a colaborar con
la coreógrafa lituana Ugne Dievaityte, creando juntas
las piezas Es como ver las nubes (2013) y Flesh (2014),
premiadas en varios certámenes coreográficos y que
giran internacionalmente. En 2013 crea para el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb (Croacia) lapieza Cuerpo-Trapo, y en 2014 su Atávico gana varios
premios en el Certamen Coreográfico de Madrid, ylas becas Impulstanz Viena y Tanzhaus Zurich. Con

Memoria de actividades

Hueco (2018) logra dos nominaciones a los Premios
Max de 2018, en las categorías de Espectáculo Revelación y Autoría Revelación. Artista asociada delCentro Conde Duque de Madrid, donde ha estrenado Aquí. Siempre (2019) y Las cosas en la distancia. Suúltimo trabajo, Las cosas se mueven pero no dicen nada
(2020), estrenado por los Teatros del Canal, se havisto en 2021 en el Centre National de la Danse deParis.
Adrián Manzano. Bailarín, docente y coreógrafo andaluz graduado en danza contemporánea por el Centro Andaluz de Danza, completa su formación en
Madrid en el Laboratorio de Danza 180º. Intérprete
en compañías como Date Danza y CÍA. Arnau Pérez,para el que interpreta Young Blood. Bailarín en piezasde Carla Diego, EYAS Dance Project, Javier Guerrero,
Victoria Miranda… y en Lo que yo canto, una pieza decreación propia junto a Diana Grytsailo que ha recorrido gran parte del territorio nacional. Obtuvo elprimer puesto en el Certamen Solodanza La Imperdible” con la pieza Fase REM. Otros de sus trabajos sonlas piezas Llorona de azul celeste y Hay un fuego para el
LAB coreográfico de Danza180º. Participó y recibió eltercer puesto en el talent show de televisión Fama abailar! Y ha sido coreógrafo para diferentes artistas
musicales, como Natalia Lacunza y Taburete.
Lucía Marote (Costa Rica, 1980). Bailarina intuitiva
desde la infancia, que tomó clases de ballet, gimnasia deportiva, danza contemporánea y otras disciplinas corporales, pero no siguió una educación reglada,
Marote entró de joven en compañías de danza independiente y comenzó a dar clases de baile en Costa Rica. Emigró a España a principios del milenio yfundó su compañía en 2012, dedicada precisamente
a proyectos que dialogan entre lo estructurado y lo
preciso, y lo caótico y espontáneo, y que se asumen
de una forma más emotiva que intelectual. Entre
sus trabajos destacan El Pie (2012), Downtango (2017),
Anatomía del Sentimiento (2018), Fall (2019; nominada
a los Premios Max) o Perder tiempo para ganar espacio(2020) y El ojo del huracán (2021) estrenada en Teatros
del Canal. Marote ha sido profesora invitada del Belgrade Dance Institute, y ha participado en festivales
y circuitos como Acieloabierto, Danza a Escena, Ellas
Crean, Surge Madrid, Abierto en Canal y The Lucky
Trimme (Berlín).
Richard Mascherin. Artista canario nacido en 1992 yafincado en Madrid desde el 2010. Graduado en Danza Contemporánea, Título en Dirección General de
Cine y Título en Especialista de Cine y TV. Ha pasado
por trabajos escénicos con directores y coreógrafos
como Sharon Fridman y Marcos Morau, entre otros.
En su trabajo artístico indaga y vincula diferentes
medios: danza, performance, video y fotografía. Dirige su proyecto CAER, CAER, CAER, ramificado en diferentes formas y propuestas escénicas y visuales en
torno a la inevitabilidad del hecho de caer y volverse
a poner en pie.

José Maya. Bailaor y coreógrafo nacido en 1983 en elseno de una familia gitana de larga tradición artística,
no solo en el ámbito musical. Empieza a bailar profesionalmente con nueve años, compartiendo cartel
en el Teatro Albéniz de Madrid con Antonio Canales,
Juan Ramírez y Joaquín Grilo. A los trece entra enla compañía de El Güito y Manolete. En 1998 ganala Copa Pavón y el premio al Mejor Bailarín del Certamen Coreográfico de la Comunidad de Madrid enel 2000. Ese año es objeto de la beca Fundación Autor-Cátedra Alicia Alonso de Ballet Clásico. Entre sus
trabajos recientes destacan Al Natural, un musical flamenco representado en el Teatro Alcalá de Madrid oel Festival de Jerez; El velero de las rosas (2008), junto a
Lola Greco; Grito (2010) junto a Antonio Losa; Maya
(2011) que giró internacionalmente; Latente (2014),
estrenado en Le Palace de París y también un éxito
internacional: Baila (2018), junto a Farruquito; Rizoma(2021) junto a Pastora Galván; Liturgia (2022) o Color sin nombre (2023). Maya es habitual de los espectáculos de grandes guitarristas como Vicente Amigo
o Tomatito. Actualmente, Maya vive a caballo entre
Madrid y París, donde tiene su escuela de danza.
Lucía Montes & Mado Dallery. Surgida en 2021
por el deseo de ambas intérpretes y coreógrafas decrear y bailar juntas, uniendo sus conocimientos en
diferentes disciplinas y utilizando la gran afinidad
artística y personal que vienen desarrollando. Mado
Dallery (Milán, 1998) se formó entre París e Israel. En
2017 se afinca en Madrid como bailarina, colaborando con Somosdanza, La Compañía Antonio Ruz y en
LaRumbe Danza. Lucía Montes (Castro Urdiales, 1991)
se formó entre Chile, Marruecos, Costa Rica y España.
Licenciada por el Conservatorio Superior de Danza
María de Ávila, comenzó a trabajar en 2012 como intérprete y asistente con la Compañía Sharon Fridman.
En 2015 creó junto a Nathalie Remadi el dúo Masawa.
A partir de 2018, amplía también su radio de trabajo
con otros coreógrafos como Richard Mascharin, Elías
Aguirre, Antonio Ruz, Camille Hanson, La Phármaco,
LaRumbe Danza o Fabian Thomé. Su conexión artística las ha llevado al deseo de investigar sobre su relación y semejante manera de ver la danza y su alrededor. IN-SIDE (2021) fue su primer trabajo conjunto.
Movimiento Colectivo. Tatiana Chorot, Laura Cuxart,
José Luis Sendarrubias y Dácil González se reúnen
por primera vez en 2021 bajo el nombre de Movimiento Colectivo. Sus trayectorias les unen por primera vez, y les brindan la oportunidad de compartir experiencias, propiciando un espacio en común,donde desplegar un imaginario de movimiento y deacción. Compartirán bagajes, conocimiento, y modosde abordar la escena. Han creado de forma conjuntaÚtil (2021), un proyecto que obtuvo una residencia deinvestigación del Centro Coreográfico Canal.
Ruth Muelas. Titulada Superior en Coreografía e Interpretación por el CSD María de Ávila y graduada
en danza contemporánea con Mención de Honor por

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el RCPD Mariemma (Madrid). Complementa sus estudios como bailarina, pedagoga e investigadora de la
danza con una Licenciatura y estudios de Tercer Cicloen Ciencias del Deporte (Uex), así como un Máster
en Artes Escénicas (URJC). Tras iniciarse en la danza
clásica descubre la danza contemporánea con profesores como Fernando Hurtado, Pablo Molero, Olga
Cobos, Peter Mika, Hans Werner o Juschka Weigel.
Becada en LCDS (Londres) para ampliar su formación
con maestros como Francesca McCarthy, Akane Abe,
Richard Alston, Martin Lawrence, Tory Jestyn o Lyndsey McConville (2005). Ha bailado con coreógrafos
como Pedro Berdäyes, José Reches, Fernando Hurtado, Cristina Silveira, Shlomi Bitton, Elías Aguirre o
Teresa Nieto (Premio al Mejor Espectáculo en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, 2012).
Como docente ha sido invitada a diversas universidades, escuelas, conservatorios y centros de formaciónde profesorado como La Escuela Profesional de Danzade Burgos (EPDCyL), el Aula de danza de la Universidad de Extremadura (Uex), el Centro Europeo deFormación para la Danza-Ballet Blanca Li o el Conservatorio Superior de Málaga. Actualmente compagina su labor como pedagoga en la EPDCyL con la elaboración de su Tesis doctoral en biomecánica (UMH)y su colaboración permanente con la compañía Elías
Aguirre y el Festival Cuerpo Romo de Madrid.
Compañía No Bautizados. Fundada en 2018 por Katia
Humenyuk y Rolando Salamé, integra la danza contemporánea con el teatro gestual y ha sido premiado
en diversos certámenes y festivales, tales como Burgos Nueva York, Bionic Dance festival y el Certamen
Coreográfico de Madrid donde obtuvieron la residencia en el Centro Coreográfico Canal para crear la versión larga de su pieza Lo invisible, estrenada el 2020en 21 Distritos.
Mireia R Novas. Titulada en coreografía e interpretación de danza por el CSMMA, completó sus estudios
también con conocimientos de danzas urbanas, teatro,
publicidad, canto, piano y yoga. Compagina su laborcomo coreógrafa de su propia compañía, activa desde2015, con la interpretación y asistencia en otras comola Cía. Vinculados, Jorge Crecis, La Fura dels Baus.
Activa desde 2015. Entre sus piezas, destacan De(v)iledad (2018); ¿Y qué? ¡Ah! (2019) o Tele(a)fónica (2022)
OGMIA – Eduardo Vallejo. Compañía fundada en
2019 por el bailarín y coreógrafo Eduardo Vallejo,
formado en su juventud en artes plásticas, fotografía y artes marciales, y luego estudiante, profesor e
investigador de danza clásica y contemporánea. Ha
participado en festivales nacionales e internacionales como Madrid en Danza, Danza Xixón, Taztheatre
International, Abril en Danza, Masdanza, teatr i Tanca Zworowania, Gdansk festival Tanca entre muchos
otros. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Indulgence y Not Time to Rage (2019); Doppelgänger
(2020); The Holy Trinity (2020); Time X (2021) o MotherTongue (2021).

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Annika Pannitto. Nacida en Italia en 1981, es coreógrafa, bailarina e investigadora, formada principalmenteen ballet clásico, del que pasó a la danza contemporánea. Después de una breve carrera como bailarina
para otros coreógrafos (como Adriana Borriello, Simona Bertozzi y Alessandra Sini), empieza su propio trabajo en 2007 con la pieza Solitudo y desde entonces ha
creado piezas escénicas, obras site specific y film dedanza. Piezas recientes como Dances Beneath the Oak y
los proyectos Piazza y The Third Table están muy relacionadoas con la investigación práctica y teórica, que
comenzó a investigar durante un Máster de coreografía en ArtEZ en Arnhem, donde se graduó en 2014. Su
trabajo se ha presentado en varios teatros y festivales, como el Rotterdamse Schowburg de Rotterdam, elMuseo Reina Sofía en Madrid, el Festival Diskurs ’15
de Giessen, el Dock 11 en Berlín, el Festival de Santarcangelo, el Museo MAK de Viena, el Atelier RE.AL en
Lisboa y el Centro Danza Canal en Madrid.
Dani Pannullo Dancetheatre Co. Fundada por el coreógrafo argentino afincado en Madrid Dani Pannullo
en 1999, y especializada en la fusión de las danzas urbanas de hoy (break-dance, hip-hop, parkour, etc) yla danzas gimnásticas y acrobáticas, con la danza contemporánea occidental y las de otras latitudes (Butoh,
danzas tradicionales indias, danzas rituales árabes).
Entre sus espectáculos destacan Fuerza Extraña (1998),
Communion (1999), Yukkuri (2000), Orden de Aparición(2003), Oro Negro, teatro Hip-Hop (2004), Tiranah, Cabaret Hip-Hop (2005), Suite de Calles (2005), Quijote HipHop (2005), su serie de cinco espectáculos Desordances(2005-10), Uirapurú (2011), Avalanche (2012); Atlas. Mapof Moves (2018) o Expulsion! (dance riot), estrenado en
Teatros del Canal.
Fernando López Parra. Nacido en Madrid en 1990, es
Doctor en Estética por la Universidad Paris 8-Saint
Denis y también bailarín y coreógrafo que , compagina la actividad artística con la investigación académica y la enseñanza. Desde 2009 dirige su propia
compañía en el ámbito del flamenco contemporáneo,habiendo estrenado más de diez espectáculos en losque la danza, la palabra y la música se entremezclan
traspasando todas las etiquetas. En sus creaciones, hacontado con la participación de artistas como Álvaro
Romero, Jero Férec, Belén Maya, La Chachi, Carmen
Muñoz e Isabel Do Diego, entre otros. Ha sido requerido como director artístico y asesor por coreógrafos
como Olga Pericet, Belén Maya, Juan Carlos Lérida,
José Manuel Álvarez, Poliana Lima, Carmen Muñoz,
etc. Ha recibido el Premio a Mejor Bailarín del Certamen El Álamo (2010) y la Beca DanceWeb (2013) delFestival ImpulsTanz de Viena. Desde 2020 es Miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España
y profesor invitado en diferentes universidades deEspaña y Francia, en las que imparte talleres teóricosy prácticos centrados en la investigación-creación yen las cuestiones de género en la danza. Entre sus
piezas más destacadas No más versiones: El Amor Brujo,
El movimiento o Pensaor. Un filósofo en el tablao.

Memoria de actividades

Cía. Arnau Pérez. Coreógrafo e interprete nacido enBlanes (Girona). Graduado en interpretación de danza contemporánea por el CSDMA de Madrid, donde
reside y es director de su propio proyecto de compañía. Como coreógrafo, ha desarrollado piezas para
profesionales como Company E (Washington D.C.);
la Joven Compañía Gerard Collins (Valencia); el Jove
Ballet de Catalunya (Barcelona) o el Laboratorio 180(Madrid). Ha bailado en para Daniel Abreu, Instituto Stocos, Marcat Dance, Valencia Dancing Forward
y Elías Aguirre, e interpretado piezas de coreógrafos
como Sharon Fridman, Guido Sarli, Victoria P. Miranda, Fernando Magadçan o Gustavo Ramírez. Con su
creación Young Blood, fue galardonado con el premio
a mejor coreografía en el 24 Masdanza , además delpremio del público, jurado joven y bailarín sobresaliente en el 32 Certamen Coreográfico de Madrid.
También obtuvo el primer premio de coreografía enel 25 Festival International Solotanz Stuttgart con
Single. Otros de sus espectáculos han sido LP (2020) o
FRIDGE (2021) estrenado en Teatros del Canal.
Olga Pericet. Creadora internacional, la bailaora y coreógrafa Olga Pericet comparte su vibrante arte con
el público de los principales festivales y teatros delmundo. Bebe de la tradición y se lanza al abismo delo nunca visto con espectáculos en los que late un
flamenco de opuestos: oscuro y luminoso, femenino
y masculino, inquietante y bello. En 2018 recibe elPremio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación por “su capacidad de aunar las distintas
disciplinas de la danza española, actualizándolas en
un lenguaje interpretativo con sello propio” y por“su versatilidad escénica y su valiosa capacidad detransmisión”. Gran renovadora del flamenco, muchos otros galardones reconocen su dominio técnico,la armonía y el preciosismo de su trabajo: el Premio
MAX a la Mejor Intérprete de Danza por Un cuerpo
infinito (2020), el Premio Extraordinario de Teatro
ACE Awards 2016 (Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York) o el Premio de la Crítica
del Festival de Jerez (2018). Es requerida por el Ballet
Nacional de España como coreógrafa invitada para el
espectáculo Electra, de Antonio Ruz. Como artista invitada ha colaborado junto a artistas de la talla de Belén Maya, Blanca Del Rey, Rocío Molina, Teresa Nieto,
Manuel Liñán, Marco Flores, Daniel Doña, Juan Carlos Lérida, Chevi Muraday, Ángel Rojas, Carlos Rodríguez o Miguel Ángel Berna, entre muchos otros.
Cía. Perros de otra vida. Fundada por Rolando Salamé, Óscar Lozano, Marta Wrzesinska, Leonardo Robayo y Lorena Díaz, es una compañía exclusivamente dedicada a la investigación en improvisación delmovimiento. Entre sus últimas creaciones, destaca A
tientas (2021)
La Phármaco. Fundada en 2009 por la bailarina y coreógrafa Luz Arcas (Málaga, 1983), ganadora del Premio El Ojo Crítico de Danza en 2015, Premio Mejor
Intérprete Femenina de Danza 2015 en los Premios

Lorca y nominada como Mejor Intérprete Femenina
de Danza en Premios Max (2017). Entre sus espectáculos destacan Kaspar Hauser. El huérfano de Europa(2016); Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella
(2017); Una gran emoción política (2018) coproducida por
el Centro Dramático Nacional y la trilogía Bekristen /Cristianos, estrenada en Teatros del Canal en 2019. Ha
coreografiado para el Víctor Ullate Ballet o la Compañía Nacional de El Salvador y ha realizado numerosos proyectos en países de África y América. Su último trabajo, Toná (2020), se estrenó en el Teatro de la
Abadía dentro del Festival de Otoño de Madrid.
Paula Quintana. Creadora e intérprete. Su trabajo
se basa en un lenguaje personal que hibrida estilos
creando un vínculo con el espectador a diferentes niveles, intelectuales y viscerales, en un firme compromiso con el tiempo en que vivimos y la búsqueda deformas y modos genuinos para cada creación. Artista
Art For Change Fundación LaCaixa, 2021, ha recibido
también la beca Fonds de dotation Porosus y residencia en Cité international des Arts para CAMPING´19
de creación contemporánea en el Centre National dela Danse Paris; y los premios a Mejor Intérprete en
los Premios Réplica de las Artes Escénicas 2019; Primer premio III Certamen Europeo Mujer Creadora
Contemporánea 2016; Premio Especial Mejor Artista
Emergente Feria Umore Azoka 2015; Cuatro candidaturas Premios Max 2020 y dos en 2016. Como creadora, entre sus espectáculos destacan La Carne (2020),
Las Alegrías (2019), Siempre, en algún lugar (2017), Latente (2015), Amarga Dulce (2015), Sueño3 (2015) y Pieles(2014). Ha sido artista residente en Centro Coreográfico Canal Madrid, Centro Granner Barcelona, Tipperary Platform Irlanda o Teatro de La Abadía Madrid
entre otros. Realiza piezas site-specific, talleres y actividades de mediación cultural para instituciones yfestivales dentro y fuera de España. En los últimos
años ha presentado su trabajo en España, Italia, Francia, Corea del Sur, Reino Unido, Congo, Uruguay y
EE.UU. entre otros.
Begoña Quiñones & Verónica Garzón. Las bailarinas
y coreógrafas Begoña Quiñones y Verónica Garzón
comenzaron a asociarse creativamente a partir de2012. Begoña Quiñones, junto a Mar Rodríguez, creó
fETCH, un dúo que recibió en 2013 el Premio del Jurado en el Certamen Coreográfico del 18MASDANZA.
Verónica Garzón, mención a la bailarina sobresaliente en el Certamen Coreográfico de Madrid Pasoa2(2009), obtuvo el Premio a la Mejor Coreografía de
Danza Contemporánea en el I Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán (2014). Fruto de la colaboración entre las tres coreógrafas sería Prueba Trinity 1.0(2014), una pieza que recibió el apoyo de varias plataformas (Dantzagunea, Larumbe Danza, Conservatorio
Superior de Danza María de Ávila, Certamen Coreográfico de Madrid, Festival Internacional de Danza
Contemporánea MASDANZA, Centro de Danza Canal)
así como su representación en varios festivales nacionales. En 2017 crearon Tríptico, una pieza larga que se77

estrenaría en el Centro Cultural Conde Duque dentro del Festival Ellas Crean, y que sentaría las bases
de su actual colaboración: Pacto, pieza ganadora delPrimer Premio de Coreografía en el XXXII Certamen
Coreográfico de Madrid 2019 en su versión corta yestrenada en la Sala Negra de los Teatros del Canal en
octubre 2020 en su versión larga.
Esther Rodríguez-Barbero. Coreógrafa, performer yarquitecta. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM en colaboración con el Museo Reina
Sofía. Trabaja en la investigación a través de la práctica artística. Su trabajo se mueve entre la coreografía,la práctica escénica, lo performativo y arquitectónico,empleando principios asociados a dichas disciplinas
para diseñar prácticas espaciales y sociales. Investiga
los usos del espacio en relación al cuerpo y su movimiento. Actualmente se dedica a diseñar prácticas
que invitan al público a experimentar otras manerasde relacionarse con lugares específicos. Estas prácticas proponen revisitar hábitos y comportamientos
como estrategia coreográfica para expandir el espacio
performativo. En el 2017 se traslada a Bruselas paracontinuar su labor de investigación en a.pass (advanced performance & scenography studies). Sus último
s trabajos han sido Pase (Laboratorio de Danza y Nuevos Medios. Etopia, centro de Arte y Tecnología); We
Can Dance (Teatro Pradillo, Certamen Coreografico de
Madrid, Centro Conde Duque, Antic Teatre, Centro
Coreográfico Canal, La Caldera Barcelona, L’estruch
Sabadell, LEAL.LAV, TNT Terrasa Trailers ´17-18); Guided Tour (‘Artistas en Residencia 18’ La Casa Encendida-CA2M, a.pass), Manual: On Ways To Inhabit a Table &Other Issues (Decoratelier, apass, Nadine, Bruselas 18).
Celia Reyes. Bailarina y creadora escénica, comenzó
su acercamiento a las artes del movimiento en 2012,
practicando Danza Tribal para luego pasar a la danza contemporánea o el butoh, sobre las que funda su
trabajo teórico y creativo. Es así mismo licenciada
en Arqueología y Máster en Artes Escénicas. Entre
2019 y 2020 estuvo inmersa en el II Laboratorio deCreación Escénica (Colectivo Cuerpo de Guardia) en
el Centro Conde Duque, para explorar herramientas
de creación, interpretación y composición escénica.
Crearon e interpretaron tres piezas: Ficciones, de Poliana Lima; la pieza de inmersión Vis-à-Vis Metrópoli,tutorizada por Sleepwalk Collective; y la performancede Vicente Arlandis en formato digital Siempre hay un
fondo. Ha creado un solo de danza Gerundio, presentado en 2021 en el Certamen Coreográfico de Madrid,y compagina sus proyectos artísticos con la pedagogíadel movimiento y la investigación.
Castro Romero – Suite Española. Los hermanos granadinos José, Rosario y Ricardo Castro Romero están
entre los coreógrafos y bailarines de flamenco másreconocidos de España. Han sido también bailarines
invitados en prestigiosos conjuntos internacionales

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como el Ballet Bolshoi, Mariinsky Ballet, American
Ballet, Ópera de París, Royal Ballet y Mikhailovsky
Ballet entre muchos otros . Han sido los primeros
artistas flamencos invitados a bailar en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Rusia. En 2008 fueron
galardonados con el Premio de Danza Cultura Viva.
Han coreografiado las óperas Carmen para el Teatro
Bolshoi y El Diablo enamorado para el Teatro Stanislavsky de Moscú en 2019. A temprana edad bailaronen la aclamada película El Amor Brujo de Carlos Sauray Antonio Gades, y han sido figuras destacadas en elfamoso Corral de la Morería de Madrid. Crearon Suite Española en 1994, donde siguen como directoresartísticos, coreógrafos y bailarines principales. Entre
sus espectáculos más recientes destacan Buscando a
Cervantes, Esencia Flamenca, Flamenco X Tres, La Petenera
o Malasaña.
Isabella Rossi. Bailarina y coreógrafa de origen brasileño, graduada en el Real Conservatorio Profesionalde Danza Marienma en 2016. Ha colaborado comobailarina con diferentes profesionales como Cía.
Input, Vilarinyo Dance Company, Mey-Ling Bisognoo Lucia Marote, entre otros. Como coreógrafa ha desarrollado (Sin título) cuerpo sobre espacio, propuesta que
fue seleccionada para participar en el proyecto Solosen Pradillo (2019) y finalista en el MM&I dentro del
33º Certamen Coreográfico de Madrid. Las últimas
colaboraciones como intérprete son en creaciones delas coreógrafas Poliana Lima, Candelaria Antelo y Natalia Fernandes, recibiendo el premio AISGE de bailarina sobresaliente en la pieza LINGUA.
Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982). Bailarín y coreógrafo independiente que lleva produciendo sus propias creaciones desde 2008, entre las que destacan
Anunciación (2011), El rapto de Europa (2013) o Ahora
que no somos demasiado viejos todavía (2016). Formado
en diferentes disciplinas teatrales y literarias por la
RESAD, el Real Conservatorio Profesional de DanzaMariemma o la Universidad Complutense de Madrid, es también Máster en Coreografía por la London
Contemporary Dance School (The Place) y Máster en
Práctica Escénica y Cultura Visual por la UAH. Con
una amplia trayectoria internacional, sus piezas se
han mostrado en festivales como Chantiers d’Europe,
Théâtre de la Ville de París; Festival Brandhaarden,
International Theater Amsterdam; Red Nacional deDanza de Suecia; Festival de Artes Escénicas de Lima;
ARC for Dance (Atenas); Greenwich and Docklands
International Festival de Londres; Birmingham International Dance Festival o Festival RomaEuropa. En
2020 recibe el Premio RNE Ojo Crítico de Danza, ysu pieza Gran Bolero (2020) ha ganado el Premio Max
al Mejor Espectáculo de Danza.
Paula Sánchez- Cía. Intangible. Bailarina, coreógrafa,
investigadora, pedagoga y también autora de literatura infantil, nacida en Madrid en 1972. Se formó enlos estudios de danza de Carmina Ocaña y Carmen
Roche, y también en la Escuela del Ballet Nacional deMemoria de actividades

España. De 1996 a 2006 fue bailarina del Nederland
Dans Theater, bajo la dirección de Jiri Kylian, paraluego dedicarse como freelance a trabajos con el propio Kylian, pero también con Michael Schumacher,
Dotroep, Richard Siegal o Ginstersdofer / Klassen.
Como coreógrafa, desde su regreso a España ha participado en la película Primos de Daniel Sánchez-Arévalo y en varios proyectos del director David Serrano.
Su Solo para 50 fue seleccionado en el programa Me,
Myself and I de Paso a 2 – Certamen Coreográfico de
Madrid 2022.
Sara Sánchez. Joven bailaora de 18 años de edad, quelleva bailando profesionalmente desde los 9, graduándose en el Conservatorio Profesional de Danza Reina
Sofía de Granada. Ha participado en festivales como
la Bienal de Málaga, La caña flamenca o el Festival dejerez y ha bailado como artista invitada por AlejandroSanz en sus conciertos en Madrid. Entre las compañías o profesionales con los que ha trabajado o colaborado, se encuentran Diego Guerrero, Luis de Perikín, Andrés Barrios, Israel Fernández, Diego Carrasco,
Rosa López, Kiki Morente, Marta Sánchez o María Toledo. Actualmente forma parte de la banda Patax.
Eva Sanz. Bailarina, Creadora y Pedagoga de Danza
Contemporánea. Licenciada en Pedagogía de la danzay Master en Artes Escénicas en la Universidad Rey
Juan Carlos de Madrid (Instituto Alicia Alonso). Desde el año 1995 dirige el Aula de Danza de la Universidad Carlos III de Madrid y realiza la dirección artística de la Cía Universitaria El Laboratorio Uc3m, a
través de una labor pedagógica basada principalmenteen la Improvisación como herramienta de Composición en escena.
Cía. Peter Speler - Fernando Troya. Nacido en Madrid en 1989, este bailarín y coreógrafo emergente,
residente entre Madrid y Ámsterdam, ha bailado para
Goyo Montero, Stephan Thoss y Netherlands Dance
Theatre II. Ha producido proyectos independientes,
como la serie Reminiscente, una investigación sobre la
Teoría de la Forma de Platón y el pintor Francisco deGoya, con 5 creaciones de danza diferentes, representadas nacional e internacionalmente (México, Rusia,
Turquía...) y apoyadas por Dansmakers Amsterdam,
Korzo Theatre en La Haya, y los Fondos Nacionales
para las Artes Escénicas en Holanda y La Embajada
de España en Turquía, St. Petersburgo y Ciudad de
México; Essential Rights, galardonada con el BNG Bank
Dansprijs en los Países Bajos; estrenada en el Teatro
Korzo de La Haya y representada en Dansmakers
Amsterdam; Withering, un solo representado y premiado en diferentes festivales de todo el mundo (1erpremio en el festival 10 Sentidos de Valencia, España;
2º premio a la mejor interpretación en el Festival Solo-Tanz-Theatre de Stuttgart y 3er premio a la coreografía en el Certamen Coreográfico Zawirowania deVarsovia,). También participa en colaboraciones internacionales Found in Translation, con la creadora eslovena Kristina Aleksova; entre otras. Y simultáneamente,

Fernando también ha creado obras de encargo para
compañías de danza internacionales: Uncertain Distance para Ballet Finland, estrenada en el Teatro Nacional de Helsinki; The Animal That Takes You, para el
Budapest Dance Theatre, estrenada en el Teatro Nacional de Budapest. Recientemente ha creado obras
para universidades de danza de los Países Bajos: AHK(MTD y MIME Opleiding), ArtEZ y Codart
Inés Valderas. Bailarina y coreógrafa, durante casi
una década asociada como intérprete a la compañía
LosDedae de Chevy Muraday, con el que interpreta
piezas como Le plancher o Marikón, ¡esto acaba de empezar! En paralelo, y junto a Sheila García, crea Ginebra
Movement, una empresa de asesoría del movimiento
que trabaja para eventos y firmas comerciales como
H&M, TRESemmé o La Liga, y que busca vincularel movimiento a otras disciplinas artísticas como lamoda o la arquitectura.
David Vento Dance Theater inicia su andadura en
2018 tras la producción de la pieza de danza Indala,premiada como mejor creación coreográfica en dos
certámenes. El éxito los impulsa a crear Neanderthal(2019), que recibe el premio FETÉN al mejor espectáculo de noche. En esos años, Vento suma al músico
Silberius y a los bailarines Graciel Stenio y Francisco
Lorenzo, que se convierten en colaboradores establesdel proyecto. Vento es un artista multidisciplinar, director escénico y coreógrafo que centra su trabajo enla danza, el teatro físico y las artes del circo. Se inició como bailarín de breaking en su Salamanca natal,
convirtiéndose en un habitual de las competiciones
internacionales, también por su virtuoso manejo delCyr Wheel cirquense. En el año 2004, entró a formar
parte de la compañía Circle of Trust, y en 2008 trabajó para el Cirque du Soleil. En los últimos años, David colabora asiduamente como intérprete en grandes
producciones operísticas del Teatro Real de la manode directores como Romeo Castellucci, Claus Guth,
Hugo de Ana, Débora Warner o Robert Wilson.

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Memoria de actividades

ASISTENCIAA LOS TEATROSDEL CANALY OTRAS
ACTIVIDADES

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Uno de los motivos de la asociación del Centro Coreográfico Canal con
los Teatros del Canal es el de servir de plataformas de servicios públicos
profesionales complementarias. Teatros del Canal estrena las creaciones
auspiciadas por el CCC, en su programa Canal Baila, y en contraprestación, el CCC permite el uso de estudios a las compañías profesionales,tanto nacionales como internacionales, que visitan los Teatros dentro desu programación anual. Este trabajo de asistencia creativa es fundamental para el buen desarrollo de los espectáculos que programa el Teatro,
dando un espacio profesional de ensayo a las compañías, para que retomen sus shows en gira incluso tiempo después de haberlos producido,
pero también es un elemento de difusión a nivel mundial de la labor delCentro Coreográfico Canal y de sus dotaciones. El Centro Coreográfico
Canal también cuenta, precisamente por su cercanía a los Teatros delCanal, con dos aulas preparadas solo para ensayos o lecturas teatrales.
Son espacios más reducidos que los estudios, rescatados para esta actividad en complicidad con los Teatros del Canal.
Durante 2022, las compañías nacionales e internacionales, de danza oteatro, que han hecho uso de estos espacios del Centro Coreográfico
Canal ha sido:
Compañía Nacional de Danza de España; Atra Bilis / Angélica Liddel,
para los ensayos de su obra “Una costilla sobre la mesa: Padre (…)”; Aracaladanza, para los ensayos de su espectáculo Loop; Iron Skulls Co, paralos ensayos de su espectáculo Azul Petróleo dentro de la programaciónde Canal Street; Carmen Cortés, para su espectáculo Gira Corazón. Bailando con Lorca en la Edad de Plata; Blanca Li Cía. para los ensayos de sus
creaciones Cascanueces y Dido y Eneas; Kompanie Florentina Holzinger,para los ensayos de su espectáculo Tanz; VVAA Colectivo para el ensayo de Arcas 2000; Nazareth Panadero & Co. Para el ensayo de Vive ydejar vivir: Two Die For y Mañana Temprano; Emilia y Pablo, dúo de compositores e intérpretes en el marco del Festival FIAS 2022; 10&10 danza para su espectáculo Precipitados; Cas Public, en el marco del Festival
Teatralia; Instituto Stocos para su show Oecumene; Christine Bonansea
Dance Company, para su espectáculo Gamer; Danish Dance Theater parasu espectáculo Centaur; Not Standing / Alexander Vantourhout para su
espectáculo Contre-Jour; Kibbutz Contemporary Dance Company para su
espectáculo Asylum, de Rami Be´er; Hotel Col.Lectiu Escènic, para su espectáculo Habitación 11: La Honte; La Compagnia Del Madrigale / Il Pomo
D’oro / Davide y Giuseppe Di Libertopara su programa Sparge la Morte,
sobre Madrigales de Gesualdo da Venosa; Pilobulos, para su espectáculo Big
Five – Oh!; Más que Ópera, para los ensayos de sus matinales infantiles
de difusión de la ópera; Jo Strømgren Kompani para su programa Madein Oslo: a Quadruple Bill; Kidd Pivot-Crystal Pite para su show Revisor;
Antonio Ruz para su nueva creación Pharsalia; Akram Khan Company
para su espectáculo Jungle Book Reimagined; Alan Lucien Øyen parasu programa Winter Guests / story, story… die; Boy Blue para su espectáculo Blak Whyte Gray. A Hip Hop Dance Triple Bill dentro de Canal Street;
Brodas Bros para su espectáculo Döji dentro de Canal Street; Granvat& Quan Bui Ngoc para su espectáculo Come On Feet, dentro de Canal
Street; Compañía María Pagés para su espectáculo De Scherezade; Cia.
AWA, en el marco del FIVER Festival Internacional de Vídeodanza; Crea
Dance Company, dirigida por María Rovira, para su espectáculo Odissea;
Compañía José Maya en el marco del Festival Suma Flamenca; Metamorphosis Dance para su espectáculo CreAccion; La Tati, en el marco delFestival Suma Flamenca; Amaeru, ensayos para este espectáculo teatral
dirigido por Carolina Román; Colectivo Fango, en el marco de la muestra con su Trilogía sobre la búsqueda de la identidad a través del tiempo, que

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incluyó las obras F.O.M.O; Tribu y La Espera; Juan Mayorga, para el ensayo de su próximo proyecto teatral;
Dialegs de Tirant e Carmesina, ensayos de esta ópera decámara de Joan Magrané; Animal Religion para el ensayo de Ahir, en el marco del Festival de Otoño; Mère,
ensayos para esta obra de Wajhid Mouawad producida
por el Theatre de la Colline, en el marco del Festivalde Otoño; La Cía. Sharon Fridman para el show Exprímeme_Life in Process; Compagnie Jerôme Bel, para elensayo de su pieza Stand en el marco del Festival de
Otoño; Compagnie Phia Ménard, para su espectáculo
Vortex en el marco del Festival de Otoño; El maleficio dela mariposa, espectáculo del Ballet Flamenco de Andalucía; Compagnie Olivier Dubois para su espectáculo Tragédie, New Edit; Juan Carlos Lérida para el ensayo de su espectáculo Doce; Rocio Berenguer, para su
creación TheBadWeeds; Cía Thaumasia para una nueva creación; Antonio C. Guijosa para el estreno de su
obra teatral Las cartas de Cristian; la asociación ADGAE y el FECED.
El Centro Coreográfico Canal también ha participado
con la cesión de espacios y la realización de show enespacios no convencionales, los estudios o algunas estancias del CCC, en los proyectos de Festival LDC y
Festival Beta Pública, festivales asociados a los Teatros
del Canal o a la programación del Festival Madrid en
Danza.
También hemos colaborado con el Festival Me gustas
Pixelad de La Casa Encendida al cederles una sala deensayo para una de sus compañías durante una semana; con el Festival LDC al cedérseles un estudio y lasala de prensa para llevar a cabo sus Diálogos en danzay sus Encuentros con otras disciplinas y con el Certamen
Coreográfico de Madrid al cederles un estudio durante una semana y una Residencia Especial de un mes alganador del Certamen en 2021.

Memoria de actividades

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El Centro Coreográfico Canal también acoge algunas
performances del ciclo Canal Performance, pensado
precisamente para utilizar los espacios singulares yno escénicos de estos teatros. Es un programa comisariado por La Juan Gallery en colaboración con Teatros del Canal.
Este año, y para fortalecer los lazos con el sector profesional de la Danza en Madrid, el Centro Coreográfico Canal cedió uno de sus espacios, la Sala de Prensa,
para el encuentro semestral de la Federación Estatalde Compañías y Empresas de Danza (FECED). Con
una duración de un único día, dividido en varios tramos temáticos de discusión, la FECED presentó sus
conclusiones anuales y auspició el debate sobre el futuro de la profesión en España.
Por último, durante aproximadamente un mes, del 24
de marzo al 17 de abril, el Centro Coreográfico Canal acoge, en alguno de sus estudios, la exposiciónde Arte Científico y Tecnológico asociada a las Jornadas de Arte, Ciencia y Tecnología Canal Connect.
Es una exposición que recorre al completo el edificode los Teatros y del CCC, y la del año 2022 se tituló
Máquina Mística, fue comisariada por el experto francés Charles Carcopino, y el CCC acogió la instalación
escultórica-pictórica extendida Performance Matière-Lumière, de Evi Keller; la instalación de vídeo Unus Mundus del colectivo Petites Planètes; la instalación sonora I Heard There Was a Secret Chord, del colectivo Daily
Tous Les Jours; la instalación escultórica Zoryas y lainstalación de ondas de radio codificadas Les Aethers/ Ondoscope de Claire Williams; la instalación L´etantde Esther Denis; las piezas de luz cinética Fading Shadows de Joris Strjbos & Nicky Assmann; la instalación
multimedia Reverse Phlogenesis de Golnaz Behrouznia& Dominique Perysson y la instalación D.W.I: Modularde Félix Luque Sánchez.

FOTOGRAFÍA: ©PABLO LORENTE

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Memoria de actividades

A MODO DECONCLUSIÓN:BALANCEGENERAL ANUALEl Centro Coreográfico Canal puede estar satisfechode haber tenido una actividad coreográfica sin precedentes durante el año 2022. Ha ofrecido sus espacios
sin contratiempo a compañías y coreográfos madrileños, españoles y extranjeros logrando un equilibrio
perfecto entre sus propios residentes de creación einvestigación (30, en total); las compañías y bailarines
profesionales de Madrid y la asistencia a la programación regular de los Teatros del Canal -compañías tanto nacionales como internacionales, incluidas algunas
de teatro en los espacios ya creados para ello- pero
también de los Festivales de la Comunidad de Madrid:
Festival de Otoño, Festival Suma Flamenca y Suma
Flamenca Joven, Festival Internacional de Arte Sacro; Festival Internacional Madrid en Danza y Festival
Teatralia, y de los programas propios del Canal como
Canal Connect, Canal Street o Canal Performance.
Añadiendo además esos pequeños festivales independientes de calidad que una institución pública comola nuestra debe alentar: Festival Cuerpo Romo, FIVER
Festival, Festival Beta Pública y Festival LDS.
Hemos cumplido ampliamente los requisitos dealentar la creación original en Madrid y en España,
apoyar la creación reciente internacional, facilitar espacios de investigación en nuevas modalidades escénicas a través de nuestras residencias, y alentar a losprofesionales a usar y crear en nuestras instalaciones.
También facilitamos el conocimiento de los procesos
creativos y los creadores emergentes al gran público, que además puede considerarse de los pocos en
el mundo con acceso a unas instalaciones semejantes, exclusivas para profesionales, a través de nuestro
programa de ensayos abiertos -para obras en work inprogress- pero también en los recorridos expositivosde Canal Connect o en los espectáculos de artes vivas
de Canal Performance.
La posibilidad de ofrecer 10 residencias de creación
anuales, que son exhibidas por los Teatros del Canal a
través del programa Canal Baila es fundamental parael desarrollo, evolución y evaluación de la cultura dedanza en nuestro país, para alentar a los creadores ytener una idea meridiana de qué tipo de danzas estamos ofreciendo al mundo. Es lógico que nos congratulemos del éxito de público de esta convocatoria,
que agota sistemáticamente las entradas en la mayoría de ellas.
No menos importantes para el tejido creativo pero
también para la supervivencia de un tejido profesional en el marco de las industrias culturales sonlas Residencias de Investigación, veinte, que dan unespacio de reflexión a los profesionales a la hora de85

enfrentarse a la creación de un nuevo espectáculo.
Como institución pública, el Centro Coreográfico Canal ha de apoyar la exploración, investigación y el desarrollo de proyectos en incipiente proceso de gestación. Que además son también una actividad favorita
de su público: agotaron el cupo de invitaciones todasellas, con lo que se demuestra el interés por una actividad prospectiva y de investigación que el público
observa como una oportunidad única para conocer
los procesos creativos de los artistas, complementados por las animadas charlas y diálogos que se dan
después con estos.
Por último, destacar la gran aceptación que ha la definitiva implantación de la herramienta de reserva
online de estudios, para la totalidad de las compañías
que operan en Madrid. Por meses, podemos establecer esta tabla de solicitudes:– Enero: 21 compañías– Febrero. 32 compañías– Marzo: 18 compañias– Abril: 17 compañías(son las fechas de la exposición
que reducen el número de estudios)– Mayo: 23 compañías– Junio: 21 compañías– Agosto: 12 compañías– Septiembre: 20 compañías– Octubre: 35 compañías– Noviembre: 32 compañías– Diciembre: 40 compañías.
Un total de 291 han utilizado a lo largo del año estos
espacios. Lo que supone un record sobre el año anterior.
El Centro Coreográfico Canal también ha auspiciado
y apoyado los proyectos de diálogo y discusión sobre la danza: tanto estéticos como sus problemáticas
como industrias culturales, a través de sus relaciones
con Festivales Independientes pero también con federaciones profesionales como FEDEC. Esta labor demotor de diálogo es igualmente insoslayable, y tendrá
crecimiento en un futuro.
Por último, la colaboración constante con los Teatros del Canal, pero también con los Festivales de la
Comunidad Madrid, los Festivales independientes ycon otras instituciones como La Casa Encendida, nos
permiten ir creando una permeabilidad institucional que redunde en un mejor funcionamiento conjunto de la cultura en la Ciudad y la Comunidad de
Madrid.

TEATROS del CANAL
2022/2023
Presidenta de la Comunidad de Madrid:
Isabel Díaz Ayuso.
Consejera de Cultura, Deportes
y Turismo de la Comunidad de Madrid:
Marta Rivera de la Cruz
Viceconsejero de Cultura y Turismo:
Carlos Daniel Martínez Rodríguez
Director General de Promoción Cultural:
Gonzalo Cabrera Martín
Directora del Centro Coreográfico Canaly de Teatros del Canal:
Blanca Li
Coordinación del Centro Coreográfico Canal:
Beatriz Arzamendi
Fabrice Edelmann
Carmen Fuentes
Coordinación editorial:
Guillermo Espinosa
Diseño:Jaime Narváez
Fotograf ías:Daniel Ramos
Pablo Lorente
Textos:Guillermo Espinosa, Centro Coreográfico Canaly cada una de las compañías de danza recogidas
Gestión: UTE Teatros del Canal(IMESAPI S.A + Salzillo Servicios Integrales SLU)
Imprime:
BOCM
Depósito Legal: M-16450-2023