CENTRO
COREOGRÁFICOCANAL
ACTIVIDADES
2021

ÍNDICE

1

La transición correcta

5

Palabras preliminares de Blanca Li,
Directora del Centro Coreográfico Canal

2

El Centro Coreográfico Canal

63

Una nueva herramienta de acceso online directo

10

4

Convocatoria de Residencias 2021

14

Modalidad de creación: Ciclo Canal Baila
Modalidad de investigación: Ensayos Abiertos
Residencias intermitentes

16
38
56

Otras Actividades

65

5

Estudio 1
Festival LDC
Canal PerformanceMemoria de actividades 2021

LA
TRANSICIÓNCORRECTAPALABRASPRELIMINARES
DE BLANCA LI
Directoradel Centro
Coreográfico
Canal

5

El Centro Coreográfico Canal puede congratularse de haber mantenido viva, un año más, la llama de la creación coreográfica nacional,
ofreciendo sin contratiempo sus espacios a las compañías y artistas
madrileños, españoles y a los extranjeros que nos han visitado y,más allá de esto, haber logrado desarrollar al completo su programade Residencias de Creación e Investigación, fundamentales para uncorrecto fluir de la actividad artística en nuestro país, aún a pesar deseguir inmersos en un segundo año de pandemia, con los constantes avances y reveses en las leyes de convivencia ciudadana por esta
nefasta enfermedad, y con la incertidumbre como indeseada compañera de viaje. Hemos vivido una situación inaudita, que creíamos
mucho más transitoria de lo que finalmente ha sido, pero que nos
ha permitido adecuar la institución a unas necesidades inéditas, ymejorar otros servicios para ampliar la accesibilidad a nuestras instalaciones en cualquier circunstancia futura.
Gracias a unos estrictos protocolos de seguridad e higiene, cuyarápida y efectiva implantación solo puedo agradecer a los equipos
coordinados tanto de la Comunidad de Madrid, como de los Teatros
del Canal y el propio Centro Coreográfico Canal, esta institución hapodido continuar con su labor efectiva y vital para el sector de la
danza, una labor que tiene un retorno directo para la ciudadanía: saber que la creación en danza desde Madrid es ahora más fuerte y está
mejor posicionada frente al mundo, porque son muchos otros lospaíses que no han contado con estos meses hábiles para reflexionar
y crear, lo que nos da cierta ventaja hoy en el concierto internacional. Una cultura española más fuerte es una herramienta geopolítica
imprescindible.
En favor de una mejor organización y una mayor transparencia
de cara al futuro, el Centro Coreográfico Canal ha desarrollado este
año una nueva herramienta online para el acceso igualitario y proporcional a los estudios por parte de las compañías profesionales
registradas. Con esta herramienta online, además de tener un loablearchivo de las compañías que operan en nuestra Comunidad Autónoma, hemos facilitado el acceso a una institución pensada para
apoyar la creación de todos los profesionales de la danza por igual.
Su implantación era otra de las prioridades pendientes que teníamos,
y por fin ha podido hacerse realidad.
Solo me queda felicitar a todos los participantes en nuestros programas, a todos los usuarios y al público que en los ciclos Canal
Baila o en nuestros Ensayos Abiertos ha podido disfrutar del talentoy la diversidad de las propuestas de movimiento que nuestro Centro
Coreográfico Canal ha albergado este año. Una prueba indudable dela buena salud creativa, estética y artística que tiene la danza hoy ennuestro país. Para mí ha sido un auténtico placer el ver estos espacios
llenos de la energía de la creación y de la danza un año más. Estoy
segura que también lo ha sido para sus usuarios y para el público que
nos ha visitado.

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Memoria de actividades 2021

EL CENTRO
COREOGRÁFICOCANALEl Centro Coreográfico Canal, dependiente de la
Comunidad de Madrid y creado en 2009, es uncentro de creación, difusión, investigación y estudio de la danza, nacido con la intención de profundizar y promover la creación artística coreográfica en todas sus formas de expresión. Un espacio
concebido también para posibilitar el encuentro eintercambio entre profesionales del mundo de la
danza, que apuesta abiertamente por la investigación, la innovación y la expermientación como herramientas vitales para la creación, instituyéndoseéstas como el origen, la fuerza y la energía motoradel propio Centro Coreográfico Canal.
Un centro también abierto a todos los estilos dedanza: ballet, danza neoclásica y contemporánea,danza española y flamenco, hip-hop y el resto dedanzas urbanas y otros estilos danzísticos. El Centro Coreográfico Canal se piensa como un entorno
dedicado y al servicio de la creación, pensado para
dotar de un marco estable de creación y un espacio de trabajo tanto a los creadores con compañías
consagradas y estables como a los emergentes y jóvenes en sus primeros trabajos. Un centro de asistencia y colaboración pensado para la generaciónde expresiones coreográficas y la experimentación
sin trabas de nuevas formas escénicas.

Las dotaciones estructurales y técnicas del Centro Coreográfico Canal
sitúan a este centro de la Comunidad
de Madrid entre los más cualificadosde Europa. El Centro Coreográfico
Canal pone al servicio de los profesionales una serie de nueve estudios,
todos de doble altura y uno de ellosa triple. Su superficie oscila entre 72
m2 y 238 m2. Cuatro de estos estudios
de danza tienen galerías superiores
que, a modo de miradores, permitenpresenciar ensayos abiertos. Dispone de las mas completas dotaciones
técnicas para que los profesionales dela danza puedan desarrollar su trabajo en las condiciones más favorables.
Además, el Centro cuenta con pianoen cada uno de los estudios, 6 verticales y 3 medias colas. Sus paredes,
forradas en madera y con amplios
espejos de suelo a techo, y sus suelos, fabricados en linóleo polivalente, salvo uno de ellos que es un sueloespecial de madera para los ensayos
de danza flamenca o española, están
entre sus dotaciones.
La intención de su directora, la
coreógrafa Blanca Li, es que sea reconocido como un espacio de vital
importancia para la danza de la Comunidad de Madrid, pero también
como un centro de creación de primer nivel a escala nacional e internacional, abierto a su amplia diversidad
de manifestaciones y que permita latransmisión de conocimientos e ideas
entre creadores y entre generaciones,
manteniéndose siempre al servicio delos proyectos que asume durante cadaLas dotaciones
estructurales y técnicasdel Centro Coreográfico Canallo sitúan entre los más
cualificados de Europa. La
intención de su directora
es que sea RECONOCIDO
como un Centro deCreación de primer nivel
a escala NACIONAL e
INTERNACIONAL

una de las etapas de la creación: desde la gestación
creativa y los ensayos a la exhibición final en representaciones. Un lugar para que el creador pueda
experimentar, testar y dar forma a sus proyectos,
recibir y dar ideas e información a otros profesionales y compañeros, pero también un lugar abierto
al público amante de la danza y a los investigadores,para que puedan asistir al proceso de creación invitándoles puntualmente a ensayos abiertos, clases
maestras o workshops profesionales. Un lugar único que centralice los recursos para la danza y losponga al servicio de los creadores. Como parte delproceso de tutelaje de los proyectos participantes,
las piezas creadas en el Centro Coreográfico Canalllevarán el sello de los Teatros del Canal.
Un objetivo manifiesto de estas convocatorias es
ayudar a consolidar el tejido profesional y empresarial de las compañías de danza afincadas en Madridy en otras comunidades autónomas, así como coreógrafos y compañías internacionales, facilitando
los recursos del Centro Coreográfico Canal y sus
espacios y salas de ensayo con unas condiciones excepcionales, como un apoyo directo y sin paliativos
a la creación de una escena de danza estable, conmúsculo y viva, no solo en el marco local sino parael contexto nacional e internacional.
El Centro Coreográfico Canal ha asumido también un compromiso claro con la difusión del trabajo de las compañías madrileñas, fundamentales

en el tejido sociocultural de la capital,
y ofrece una herramienta completa
de información sobre todas las agrupaciones profesionales de danza dela Comunidad de Madrid, abarcando
el mayor abanico de estilos posible, alservicio de los profesionales y programadores de todo el mundo. Una herramienta para favorecer los vínculosinternacionales de la danza creada en
Madrid y su posicionamiento creativo
global en los circuitos internacionales
de primer orden.
A pesar de las circunstancias especiales y complejas motivadas por
el COVID 19, el Centro Coreográfico
Canal ha podido desarrollar todas las
Residencias de Creación e Investigación seleccionadas para el año 2021.
Así mismo, y con los debidos protocolos de seguridad e higiene estipulados por el Gobierno central y el dela Comunidad de Madrid, el público también pudo disfrutar del ciclo“Canal Baila” en los Teatros del Canal:
la herramienta de programación porla que se muestran los trabajos desarrollados por los coreógrafos escogidos en las Residencias de Creación,
permitiendo con la exhibición pública
de los trabajos que el ciclo creativo se
cierre efectivamente.

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Memoria de actividades 2021

UNA NUEVAHERRAMIENTAONLINE DE
ACCESO

75 COMPAÑÍAS y/ocreadores PROFESIONALES
se han registrado en esta
herramienta online y están
habilitadas para utilizar
los estudios del Centro
Coreográfico Canal en funciónde sus necesidades y en
condiciones de igualdadde acceso

Una de las iniciativas que urgía implantar ya esteaño, y que se ha logrado plenamente, era el disponer de una herramienta online de reserva y acceso
a los estudios por parte de las compañías madrileñas. Era, digamos, un deber con el signo de lostiempo y a favor de la transparencia y el acceso
igualitario de todos a unos recursos públicos y deservicio para la creación profesional. Para acceder alos espacios, las compañías han de registrarse previamente como usuarios. Para hacer esto, se establecieron los siguientes requisitos:• Pertenecer al ámbito profesional de la danza.
• Estar inscritas en nuestra base de datos.
• Ser residentes en Madrid.
Si se cumplen estos requisitos, las compañías
deben solicitar un formulario de incripción enla herramienta online y devolverlo cumplimentado. La solicitud se realiza a través del correo
centrocoreograficocanal@uteteatrosdelcanal.com
Esta solicitud de usuario estará siempre sujeta aaprobación del Centro Coreográfico Canal, que
ha de corroborar los datos profesionales de lascompañías antes de darles acceso. El Centro Coreográfico Canal es un espacio abierto únicamente a profesionales.
Por supuesto, los receptores de los Programas de
Residencias de Creación e Investigación, algunos deellos no locales, no tienen acceso directo a esta herramienta: para ellos se otorga un acceso preferente a través del departamento de coordinación delCCC. En las etapas en que estas residencias están en
funcionamiento, el número de estudios disponibles
para las compañías no residentes varía.
Una vez aprobada la solicitud, la compañía
recibirá un email con un usuario y contraseña(de uso único e intrasferible para cada compañía)
que permitirá el acceso al perfil personal y alcalendario de reservas. La contraseña puede sercambiada por el usuario, igual que podrá editar
su perfil personal con la información que considere oportuna: curriculum vitae, perfil narrado
de trayectoria, etc. Se considera obligatorio que
el usuario que realice la reserva o, en su defecto,
un responsable de la compañía esté presente durante el uso del espacio.
Con esta contraseña, el usuario estará habilitado para hacer reservas en las franjas horarias disponibles en el calendario, que se habilitará en losprimeros días de cada mes para reservas a dos meses vista. Este calendario se actualiza diariamente,
con las posibles anulaciones y nuevas disponibilidades en función de la actividad del Centro y delos Teatros del Canal.
Se establece así mismo una penalización para lascompañías que no disfruten de su reserva sin haberla cancelado al menos 24 horas antes, perdiendo
el derecho de uso de la herramienta online.
Los estudios están disponibles de 9:00 a 23:00, delunes a domingo.
Cada usuario dispondrá de un máximo de 216
horas anuales para reservar, y el seguimientode las horas utilizadas se podrá consultar en el
perfil de cada usuario. Una vez seleccionados
los bloques, para poder confirmar la reserva, el
usuario deberá seleccionar el check-box y confirmar así que está informado de las normas de
uso y acceso a las instalaciones y que cumple lasnormas Covid del Centro, mientras dure la alerta
sanitaria:• Es requisito indispensable que todos los integrantes de la compañía o sus colaboradores que accedana los estudios sean profesionales autónomos o dados de alta en la Seguridad Social y tener relación
laboral con la compañía titular de la cesión de losespacios de ensayo.
• En caso de personas con contrato laboral, será suficiente la firma de un solo formulario por parte dela compañía contratante.
• En caso de trabajadores autónomos, cada uno
deberá firmar un formulario individual.
• Una vez seleccionado el check-box, se habilitará laconfirmación de la reserva. El usuario recibirá unmensaje electrónico de confirmación de reserva ocancelación (lo que proceda). Para acceder al estudio, el usuario deberá tener a mano el justificantede la reserva impresa o bien de forma digital en un
dispositivo, para su comprobación en recepción del11

Centro. Por supuesto, no se permiten las reservaspara terceros y, si se produjesen, estas serían penalizadas con la cancelación de la cuenta. Todas las
reservas se podrán cancelar en un plazo máximo
de 24 horas previas a la reserva. En el caso de que
el usuario no cancele, perderá su derecho al uso
de la herramienta. Para acceder a los estudios, cadaintegrante de la compañía deberá apuntarse en ellistado del estudio reservado, disponible en recepción del Centro Coreográfico.
El Centro Coreográfico Canal se reserva el derecho
a suspender cualquier reserva debido a las necesidades internas de los Teatros. Cualquier modificación será comunicada con la mayor antelación
posible.
El aforo máximo estipulado es:—Estudio 3: 36 personas—Estudio 4: 22 personas—Estudio 5: 19 personas—Estudio 6: 12 personas—Estudio 7: 22 personas—Estudio 8: 14 personas (compañías de flamenco/
danza española, que necesiten suelo de madera)—Estudio 9: 10 personas
Cada usuario será responsable de la actividad desarrollada en los estudios reservados y de cualquier
incidente o desperfecto que pueda generar. Parasolucionar cualquier incidencia, se les pide que se
pongan en contacto con el Centro Coreográfico Canal a través del mail general o en el teléfono 913 08
99 99 en horario de oficina; de lunes a jueves de 9 a
18 horas y los viernes de 9 a 14 horas.
A día de hoy, 75 compañías y/o creadores profesionales se han registrado y están habilitadas para
utilizar los estudios del Centro Coreográfico Canalen función de sus trabajos. Son Milagros Galiano,12

Jesú Rubio Gamo, David Vento Dance Theater, Ogmia, Cristian Pérez Flamenco Ballet, Tejido Conectivo, Fernando López, Juan Carlos
Avecilla Cía. Danza, Rolando Salamé, CaraBDanza, Maite Larrañeta,Cía. Daniel Abreu, Metamorphosis Dance, Ballet Flamenco Español,
Janet Novás, Sara Calero, Carmen Mota Compañía de Danza, EnClaveDanza, Compañía de danza inclusiva A Nuestro Ritmo, Caminantes Danza, Manuel Liñán, Camille Hanson, Castro Romero Flamenco,
Danza Down-Compañía Elías Lafuente, Begoña Quiñones & Verónica
Garzón, Melania Olcina, Asociación Beta Pública, Ugne Dievaite, El
Manisero, La vida misma, Mey-Ling Bisogno Physical Theatre, El Curro DT, Instituto Stocos, Esther Rodríguez-Barbero, Ana Arroyo Art,
En Compañía, Cía. Olga Pericet, Ntamo Performance, Cía. Embrujo,
K´ORSIA, Antonio Ruz, Luz Arcas-La Phármaco, Full Time Company,
Yerbanegra, Laimperfecta, Cía. Adriana Bilbao, ELAMOR, Cía. No
Bautizados, 10&10 Danza, Marcat Dance, Paula Quintana, Elías Aguirre, Gonzalo Simón, Sharon Fridman, Ángel Garcés, Cía. Jesús Carmona, LosDedae, Javier Monzón, LaGalga, Reinaldo Ribeiro, Perros,
Eva Alonso-Tania Garrido, Laura Ramírez Ashbaugh, Esther Moreno, Compañía Lúa, Mucha Muchacha, Cía. Marco Flores, Compañía
La Piel, Alfonso Losa & Cía, Eyas Dance Project, Adrián Manzano,Cía. Hastaqueªcabe, Barbara Frische Dance Project y Poliana Lima.

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Este programa está dirigido
a profesionales de la DANZA,
tanto creadores individuales
como a COMPAÑÍAS
consolidadas o emergentes, que
tengan como objetivo investigaro desarrollar nuevos proyectos enel marco de lo coreográfico. Se
les cede un espacio y una dotación
económica para poder realizarlo

CONVOCATORIADE RESIDENCIAS
2021

Este programa está dirigido a profesionales de la
danza, tanto creadores individuales como a compañías consolidadas o emergentes, que desarrollen sus líneas de trabajo en torno a la danza y lasartes del movimiento, y que tengan como objetivo investigar o desarrollar nuevos proyectos en el
marco de lo coreográfico.
Siguiendo la estala del año anterior, el Centro
Coreográfico Canal ha decidido mantener la asignación económica a estas residencias, que considera vital para el desarrollo en condiciones de laactividad coreográfica en el periodo de investigación y creación, en ambas secciones de Residencias: la de Creación y la de Investigación.
Los seleccionados en esta 13ª convocatoria de
Residencias 2021 fueron 30 proyectos, escogidos
entre un total de 308 compañías presentadas, de16 países. Se adjudicaron 10 Residencias de Creación y 20 Residencias de Investigación. El procesode selección, siguiendo los criterios de transparencia y objetividad, contó con un Comité Seleccionador formado por profesionales de prestigio
en el ámbito de la danza: el bailarín, coreógrafo y
ex director del Ballet Nacional de España, Antonio
Najarro; el bailarín y ex director de la Compañía
Nacional de Danza, Fabrice Edelmann; la coreógrafa, bailarina y Premio Nacional de Danza en
2016, Sol Picó así como, en representación de losTeatros del Canal y del Centro Coreográfico Canal, su directora, la coreógrafa Blanca Li.

Residencias de creación
Dirigidas al desarrollo de propuestas escénicas de nueva
creación, o a creaciones en proceso no concluidas ni exhibidas, que tienen como objeto el desarrollo de un trabajo
escénico puesto en marcha en el CCC. Los proyectos escogidos para esta modalidad tuvieron un periodo de residencia de 2 meses, a ejecutarse entre enero y julio de2021 y fueron así mismo exhibidos dentro de la programación regular de los Teatros del Canal, dentro del ciclo
específico CANAL BAILA. La Consejería de Cultura, Deportes y Turismo aporta, para cada uno de los diez proyectos seleccionados en esta modalidad, la cantidad de 10.000
euros. Además, para la muestra se abonará un caché que
se acordará entre la dirección del Centro Coreográfico Canal, los Teatros del Canal y el creador o la compañía.
Las diez compañías seleccionadas para las residencias decreación fueron:—Estévez / Paños y Compañía / La confluencia—Proyecto Cano & Aibar / Todas las noches—Dani Pannullo Dancetheatre Co. / Expulsión! (Dance Riot)—La intrusa. Virginia García / Damián Muñoz / Prusik—Cía. Arnau Pérez / Fridge—The Colectivo. Victoria P. Miranda / Besta—Riva & Repele Danzarte / La Gert
—Mar Aguiló / Stella—Allan Falieri / Titun... The Serendipity of the Black
Swan's Death—Lucía Marote / El ojo del huracán

Residencias de investigación
Dirigidas a apoyar la exploración, investigación yel desarrollo de proyectos en incipiente procesode gestación. Se otorgaron residencias de un mes
de duración, a ejecutar entre enero y diciembrede 2021, y se incorporaron a un programa de Ensayos Abiertos con público para generar sinergias
y también para dar la oportunidad al público depresenciar los procesos de creación en danza. La
Consejería de Cultura, Deportes y Turismo aporta,para cada uno de los 20 proyectos seleccionados
en esta modalidad, la cantidad de 2.500 euros, conla finalidad de facilitar el proceso de exploración,
investigación y desarrollo del proyecto, que culminará con una muestra del proceso
Las veinte compañías seleccionadas para las residencias de investigación fueron:—Richard Mascherin / Caer, caer, caer
—Laia Santanach / Tradere—Chey Jurado / Por parte de Mare
—Movimiento Colectivo (Laura Cuxart, Tatiana
Chorot, José Luis Sendarrubias y Dácil González)/ Útil—Mariana Collado & Lucio A. Baglivo / Esto podría
ser lo imposible—Narváez Arróspide / No sé—Lucía Montes y Mado Dallery / In-side—Carmen Fumero Cía. / Las idas
—Natalia Fernandes / ¿Podemos hablar de Caetano?
—Mercedes Pedroche / Terrario [La tierna indiferenciadel mundo]—Maximiliano Sanford / Yeinner Chicas / Vientre—Rajatabla Danza / Antígona inmortal—La Permanente. Paloma Díaz / Bloody Mary
—Amaranta Velarde / Desbordes—Ana Erdozain / Las Doradas—HURyCAN. Candelaria Antelo / bruta.L—Lali Ayguadé Company / Gizaki—Proyecto Larrua / Muda
—Miguel Ballarín y Víctor Aguado / Hardstyle—Agudo Dance Company / Hero(ine)El objetivo de este programa de residencias es apoyar al tejido profesional a través de la concesión deespacios profesionales con dotación y equipamiento para el desarrollo de la creación, además de untiempo razonable para que puedan investigar. También se generan recursos para la formación de losseleccionados, y se propicia que puedan compartir
sus procesos creativos.
A continuación, se desglosan en capítulos tantolos proyectos como los currículums profesionales
de las compañías receptoras de las Residencias deCreación (en el programa CANAL BAILA) como,
después, las receptoras de las Residencias de Investigación (en el Programa de Ensayos Abiertos).

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MODALIDAD DE
CREACIÓN: CICLOCANAL BAILACANAL BAILA
Creaciones delas compañías
residentesdel Centro
Coreográfico
Canal

DANZA
Del 1 de septiembre
al 11 de octubre

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Memoria de actividades 2021

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ALLAN
FALIERI
Lie... The
Serendipity Of
The Black Swan’s
Death

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 2 y 3 de septiembre
ESTRENO
Género: Danza contemporánea
País: Brasil
Duración: 50’
Concepto, coreografía e interpretación:
Allan Falieri
Asesoría artística: Luiz Antunes
Música: Brenda Sayuri & Rubéns Allan
Diseño de luz: Gloria Montesinos (A.A.I)
Diseño de vestuario:
Filipe Augusto / Jon Marmol
Fotografía: Margarida Dias
Vídeo: Rafael Magalhães / Aloga Filmes
Coproducción:
Centro Coreográfico-Teatros del Canal
Apoyo cultural: O Espaço do Tempo, 23
Milhas-Ílhavo y CAB/Centro Coreográfico
LisboaEncuentro con el público:
2 de septiembre, al terminar la función

FOTOGRAFÍA: ©MARGARIDA DIAS

El trabajo será realizado por un intérprete heredero de la diáspora
africana, donde reflexiona sobre el papel que el pasado ha dejado
como legado y donde sus inquietudes lo impulsan a transitar por lasesferas de género, clase y heterotopía.
“Titun” en yoruba significa “nuevo”. Un cuerpo nuevo. Un cuerpo
que se convierte en una mejor versión de sí mismo. Un cuerpo quese presenta como político, diverso, presente, en el que su sola existencia es suficiente y no requiere nada más para validar su identidad.
Una identidad que sacudirá las estructuras al ocupar espacios donde
antes no se permitía su presencia.
La identidad es nombrarte a ti mismo—Édouard GlissantAllan Falieri Nacido en Río de Janeiro y formado en el Centro deDança Rio, este bailarín internacional ha formado parte de nuestra
Compañia Nacional de Danza y también del Nerderlands Dans Theater, el Ballet Gulbenkian, el Bejárt Ballet Lausanne y la compañía
del Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Ha trabajado a las órdenes
de Jiří Kylián, Maurice Bèjart, Ohan Naharin, Crystal Pite, Wayne
McGregor o Marie Chouinard. También ha impartido clases paraSão Paulo Companhia de Dança, Sesc Companhia de Dança, West
Australian Ballet y Ballet da Cidade de São Paulo. Su carrera como
coreógrafo se inicia en España, con “The Secret Of My Pocket Show
I Share With Dr. Almeida” (2010) para la CND, a la que siguen otras
como “How to Hide Your Hand” (2010) y “Me, You... almost Us” ( junto a Yoko Taira, 2011) para el MNCARS, “Cod.bh-8” para la São Paulo
Companhia de Dança, (2014), “Cod.MMTF” para el D.A.F., Dance Art
Faculty, Roma, (2016), “Entropia” para Sesc Companhia de Dança,(2016), “Insight” (2017), “La Mujer que no se Comió la Manzana”,“Beautiful Strangers” o "Bashdoor… La Victoria Absurda" (2018) parael CCC y “MEMORY” (2019), para el Teatro Romano de Lisboa. Actualmente colabora con el Cirque du Soleil en el equipo de casting.

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Memoria de actividades 2021

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LA INTRUSAVIRGINIA GARCÍA
/ DAMIÁN MUÑOZ
Prusik
ESTRENO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1h y 5'
Idea y dirección:
Virginia García y Damián Muñoz
Dramaturgia: Virginia García
Creación e interpretación: Carmen Fumero,
Virginia García, Helena Gispert
Comunidad PRUSIK Madrid: María Casares,
Paula Montoya, Isabella Rossi y Olaia Valle
Música: Jesús Díaz (Making Music in Silence)
Vestuario: La Intrusa
Iluminación: La Intrusa / Daniel Badal Técnico
de iluminación y sonido: Daniel Badal
Producción y management: Cane (N. Canela)
Una producción de La Intrusa con el apoyo ycolaboración de: Gobierno Vasco y Donostia
Cultura- Teatro Victoria Eugenia
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal
Encuentro con el público:
7 de septiembre, al terminar la función

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 7 y 8 de septiembre
Prusik es el nombre de un nudo de agarre y bloqueo. Es una atadurade fricción que se suelta al liberar la presión. Un nudo de salvación.
Utilizamos la metáfora del nudo Prusik para representar el universo de una comunidad. Buscando nuevos parámetros se autodestierran con la propuesta de una nueva humanidad. Para no construir
lo mismo y desde el coraje crear algo nuevo en relación a los vínculos, al deseo, al anhelo de ser libres, a la naturaleza original del ser;a la desnudez de uno mismo, a la emoción, al trabajo, a la familia, alplaneta… Para recuperar la inocencia del devenir, para volver a jugar
en paz y reencontrar la identidad que precede a la separación. Esurgente y necesario asaltar el Edén y recuperarlo.
La Intrusa– Virginia García & Damián Muñoz La intrusa es una compañía de creación artística contemporánea formada en 1996 por Virginia García y Damián Muñoz, Premio Nacional de Danza en 2015.
Su trabajo se ha caracterizado, desde sus inicios, por la capacidad degenerar espectáculos poéticos, de fuerte impacto visual y emocional,
siempre con la voluntad de empatizar con el público en un tono intimista. Colaboran con diferentes artistas nacionales e internacionales
de diferentes disciplinas. Han presentado sus creaciones por distintos teatros y festivales nacionales e internacionales como el Downtown Dance Festival en Nueva York, Festivales Internacionales dela Red Norte, Noroeste y Centro Occidente de México, Festival Viva
Dança de Brasil, Festival Internacional GREC en Barcelona, Festival
Internacional Madrid en Danza o Mercat de les Flors en Barcelona.
También crean y dirigen espectáculos por encargo de otras compañías nacionales e internacionales como Cía. LAVA de Tenerife, Cía.
Delfos Danza de México, Carte Blanche, Cia. Nacional de Noruega,
KUKAI Dantza, entre otras. Colaboran como asesores de movimiento
en obras de teatro dirigidas por reconocidos directores. Imparten
cursos y talleres en prestigiosas escuelas y centros coreográficos nacionales e internacionales, recibiendo premios por sus creaciones
coreográficas y audiovisuales. Han creado y producido más de 30
espectáculos, entre los que se encuentran “Beyond” (2018), “Niágara”(2019), “It's a Wrap” (2019) o “Balance” (2020).

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Memoria de actividades 2021

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THE COLECTIVO
VICTORIA
P. MIRANDA
Besta
ESTRENO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1hCreación, dirección y coreografía:
Victoria P. MirandaInterpretación: Ana Fernández, Jerónimo
Ruiz, Raúl Pulido, Lucía Burguete, María
Fagundez Diseño de iluminación: Olga García
Asistente y repetidor: Indalecio Séura
Diseño de vestuario: Matias Zanotti
Colabora: Galicia Danza Contemporánea
Apoyos: Compañía Nacional de Danza, Surge
Madrid 2020 y Centro Coreográfico Canal
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal
Encuentro con el público:
11 de septiembre, al terminar la función

CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 11 y 12 de septiembre
Besta: una pieza sobre la bestia que lleva dentro el ser humano, dando
igual el sexo que tengamos.
“Una humanidad ausente fuera del camino”, Emma Dante. “Nuestra bestia interior no es más que nuestra sombra, las partes heridas
de nuestra historia que aún no hemos trabajado”.
Me sumerjo en algo muy complicado para mí pero que al mismo
tiempo me inquieta y me ronda mucho en mi interior. Siempre, enmi trabajo, abordo el tema animal desde muchos lugares y en esta
ocasión quiero ir un paso más allá.
Me gustaría romper las barreras de la expresión corporal, de laresistencia física, de la presencia muda, del riesgo, el dolor y el abandono en pos de una actuación más allá del teatro y de la danza en elterreno de aquelarre ritual, de la invocación catártica, de una mezcla
divino-humana-animal que conmocione y no tenga explicación lógica.
Cinco intérpretes con una fisicalidad y resistencia que les transportará a otra forma de moverse.
Llegar a estar tan extenuado que es en ese preciso momento donde lo más puro y real sale a la luz.
Donde quiero encontrar a la BESTA de cada uno.
—Victoria P. Miranda
Compañía The Colectivo Fundada en 2020 por Victoria P. Miranda,
bailarina, coreógrafa y pedagoga de la danza, formada en el CNDC
L'Esquisse (Angers, Francia) y Merce Cunningham (New York). Con
una larga trayectoria como coreógrafa, asistente de dirección, repetidora y bailarina para diversas compañías, teatros y conservatorios
nacionales e internacionales como Coocon Dance Company, Cooperativa Maura Morales (Alemania), Provisional Danza (“Te voy a echarde menos”, junto a Carmen Werner, con la que bailó de 2000 a 2008),
la Compañía Nacional de Costa Rica (“El 7”, 2016), Dar en Sankt San
Petersburgo (“Por las bestias”, 2017) o la Praga School Dance (“Alone”,
2017). Está constituida por cinco jóvenes intérpretes e investiga sobre los límites y la resistencia física, combinando la danza y el texto.
“Besta” es su primer proyecto.

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Memoria de actividades 2021

DANI PANNULLODANCETHEATRE
CO.
Expulsión!
(dance riot)
ESTRENO
Género: Danza urbana
País: España
Duración: 1hDirección y coreografía: Dani Pannullo
Bailarines: Alexander Peacock,
Christian Gutiérrez, Julián Gómez,Samuel Martí y Gilberto Hernández
Diseño de vestuario: Maison Mesa
Diseño de iluminación: Lola Barroso
Diseño de escenografía: Dani Pannullo
Diseño de sonido: Tzootz
Fotografía: Rafa Galar y Jaro
Arte: Manuel Rodríguez
Producción: Ritmos del Mundo
Management: Claudia Morgana
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal
Encuentro con el público: 16 de septiembre,
al terminar la función

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CREACIÓNCANAL

Sala Negra / 16 y 17 de septiembre
Expulsión! es un conjunto de piezas de danza inspiradas por el ensayo
Vigilar y castigar, publicado por Michel Foucault en 1975. Se construye
a través de la mirada de un librepensador a un texto que presagiaba elcortocircuito global de las sociedades actuales, analizando la nuevaséticas de encierro y la difusión operativa de sus reglas y modelos,
incluso estéticos, a otros sistemas de represión sutiles y hoy omnipresentes fuera de las cárceles: la llegada de un mundo más crueldonde la justicia y la decencia moral se posponen ante la urgencia deencontrar equívocas y fáciles soluciones.
Expulsión! plantea una cárcel imaginaria, donde ficción y realidad
se entrecruzan para mostrar los grandes conflictos del ser individual y el ser social. Donde los choques culturales, la migración, lasrelaciones de poder y sometimiento, la fragilidad de los derechos
humanos ante la banalidad del mal y la ausencia de utopías meridianas se enfrentan a la incomprendida esencia física del ser: sus
miedos y deseos, su fuerza y esperanza, su lealtad o desconfianza,
sus rituales espirituales... Es, como mencionaba el propio Foucault,
la certificación del alma como cárcel del cuerpo, y la explicitación delas barreras que los propios individuos creamos para tratar de eliminar aquello que consideramos disidencia, que no deja de ser más que
una esperanza distinta de libertad individual.
Expulsión! utiliza la escena y el cuerpo de sus bailarines,
una suerte de arcano aglutinador de movimientos en su forma más
amplia, como un arma política y cultural, para forzar una reflexión
esperanzadora en el público, a modo de bálsamo o ritual de curación,
desde donde tratar de superar esa infinidad de dudas y preguntas sin
respuesta que nos ofrece hoy el presente.
—Guillermo Espinosa

FOTOGRAFÍA: ©RAFA GALLAR

Dani Pannullo Dance Theater Co. Fundada en 1999 por el coreógrafo
argentino afincado en Madrid, Dani Pannullo, uno de los pionerosde la fusión entre las danzas urbanas de hoy (break-dance, hip-hop,parkour, etc.) y la danza contemporánea, a las que ha ido añadiendoya desde sus orígenes las danzas gimnásticas y acrobáticas, la danzacontemporánea de otras latitudes, como el Butoh, y un amplio catálogo de danzas tradicionales del mediano y lejano oriente: indias,
turcas, árabes. Entre sus espectáculos, generalmente ideados desdeideas trascendentes de la mística internacional o también por lecturas de filosofía o estética del siglo xx y xxi, destacan “Fuerza Extraña”(1998), “Communion” (1999), “Yukkuri” (2000), “Orden de Aparición”(2003), “Oro Negro, teatro Hip-Hop” (2004), “Tiranah, Cabaret HipHop” (2005), “Suite de Calles” ( 2005), “Quijote Hip-Hop” ( 2005),
su serie de cinco espectáculos “Desordances” (2005-10), “Uirapurú”(2011), “Avalanche” (2012), “Atlas, Map of Moves” (2018) o “Expulsion!
Dance Riot” (2021).

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Memoria de actividades 2021

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CÍA. ARNAU
PÉREZ
FridgeCREACIÓNCANAL
ESTRENO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1hDirección y coreografía: Arnau Pérez
Interpretación: Olympia Kotopoulos, Maddi Ruizde Loizaga, Paula Montoya, Jerónimo Ruiz,
Javier de la Asunción
Asistencia artística: Olympia Kotopoulos
Diseño sonoro: Toromecánico y Casasnovas
Diseño de iluminación y dirección técnica:Álvaro Estrada
Vestuario: Gemma Espinosa
Escenografía: Sergi Cerdán
Diseño gráfico y créditos: Gorka Plans
Imagen y producción: Diego Pérez
Coproducción:
Centro Coreográfico-Teatros del Canal
Encuentro con el público:
21 de septiembre, al terminar la función

Sala Negra / 21 y 22 de septiembre
Fridge surge de la idea de replantear las expectativas. Cómo deconstruir o reconstruir la escena a través del análisis de las acciones y la
expectativa o imaginario futuro que generan. Cada acción plantea osugiere en nuestra mente un escenario concreto a acontecer, ahí esdonde Fridge, a través del movimiento, busca su marco de creación.
Una nevera (fridge) es un objeto de almacenamiento donde concebimos que solo puede contener ciertos alimentos u objetos, por lotanto, genera unas expectativas preconcebidas muy concretas sobre su
contenido. A veces, la escena se nos plantea como una idea concreta
sobre el contenido de ese espacio escénico, y nos reducimos a unas expectativas precisas de lo que se va a accionar o se puede desarrollar allí.
¿Qué ocurre al sacar unas gafas de una nevera?
Cía. Arnau Pérez Coreógrafo e intérprete nacido en Blanes (Girona).
Graduado en interpretación de danza contemporánea por el CSDMA de Madrid, donde reside y es director de su propio proyecto decompañía. Como coreógrafo, ha desarrollado piezas para compañías
como Company E (Washington D.C.); la Jove Compañía Gerard Collins (Valencia); el Jove Ballet de Catalunya (Barcelona) o el Laboratorio 180º (Madrid). Ha bailado en las compañías de Daniel Abreu,
Instituto Stocos, Marcat Dance, Valencia Dancing Forward y Elías
Aguirre, e interpretado piezas de coreógrafos como Sharon Fridman,
Guido Sarli, Victoria P. Miranda, Fernando Magadán o Gustavo Ramírez. Con su creación “Young Blood”, ha sido galardonado con el
premio a mejor coreografía en el 24 Masdanza , además del premiodel público, jurado joven y bailarín sobresaliente en el 32 Certamen
Coreográfico de Madrid. También obtuvo el primer premio de coreografía en el 25 Festival International Solotanz Stuttgart con "Single".
Otros de sus espectáculos han sido “LP” (2020) o “FRIDGE” (2021)
estrenado en Teatros del Canal.

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Memoria de actividades 2021

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ESTÉVEZ / PAÑOS
Y COMPAÑÍA
La confluencia
CREACIÓNCANAL
ESTRENO
Género: Flamenco contemporáneo
País: España
Duración: 1hBaile: Rafael Estévez, Valeriano Paños,
Jesús Perona, Alberto Sellés, Jorge Morera
Cante: Rafael Jiménez “Falo”
Guitarra: Claudio Villanueva
Percusión: Iván Mellén
Dirección, idea original, coreografía:
Rafael Estévez y Valeriano Paños
Música original: Claudio Villanueva
Música: popular del flamenco y del folclore,
Rafael Jiménez “Falo”, Iván Mellén,
Rafael Estévez
Guion, repertorio, selección de textos:
Rafael Estévez, Rafael Jiménez “Falo”
Textos: populares
Diseño de iluminación y dirección técnica:
Olga García (a.a.i)
Espacio escénico, vestuario y atrezo: EPCIA
Sonido: Chipi Cacheda
Técnico de luces: Olga García, ManuelColchero o Álvaro Estrada
Regiduría y coordinación: María José Fuenzalida
Coordinación, producción y road-manager:
Patricia Garzón, Aurora Limburg, Rocío Sánchez
Gestión y administración: GNP Producciones
Distribución nacional: Estévez / Paños yCompañía, Patricia Garzón (GNP Producciones),
Carmen Cantero
Distribución internacional: Aurora Limburg
Producción ejecutiva: GNP Producciones y
Estévez / Paños y Compañía
Apoyo a la producción: Instituto Andaluz del
Flamenco (Agencia Andaluza de Instituciones
Culturales-Consejería de Cultura Junta deAndalucía)
Espectáculo creado en residencia artística en:
Centro Coreográfico Canal
Comunicación: Ángela Gentil, Virginia
Moriche, Surnames, Narradores Transmedia
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal
Encuentro con el público: 25 de septiembre,
al terminar la función

FOTOGRAFÍA: ©BEATRIX MEXI MOLNAR

Sala Negra / 25 y 26 de septiembre
Una nueva lectura de la raíz de los códigos del arte flamenco. La confluencia es un proyecto que tiene como objetivo la creación coreográfica
desde un lenguaje de baile flamenco actual que se alimenta de su pasado
y de su raíz y también del arte contemporáneo. Un baile flamenco que
es hijo del tiempo que estamos viviendo…
Ocho hombres, ocho perfiles muy concretos que a través de la música y el baile encarnarán al flamenco, al campesino, al bolero, al gitano,al bailaor, al cantaor, al pregonero, al majo, al manolo, al esclavo, al converso, al huido, al guitarrista, al barbero, al preflamenco, al montañés, alamericano, al andaluz, al hombre… al hombre contemporáneo.
Estévez / Paños y Compañía Compañía fundada en 2003 por Rafael
Estévez y Valeriano Paños con las creaciones “Martinete” y “Tres por
medio”, con las que actúan como artistas invitados en el Certamen
Coreográfico de Madrid 2003. Han coreografiado y dirigido a artistas
como Lola Greco, Miguel Poveda, María Vivó, Rocío Molina, Olga
Pericet, Manuel Liñán, Marco Flores, Concha Jareño, Pastora Galván,
Ana Morales, Patricia Guerrero, Compañía Antonio Ruz, Compañíade Teatro 300 Pistolas o Yjastros: The American Flamenco Repertory
Company, entre muchos otros. También han coreografiado y bailado
para las Galas de la Danza en el Teatro Real de Madrid (2004), Gala
Española de Danza en el Tokyo Forum Hall EXPO AICHI (2005) y
Gala de la Danza EXPO Zaragoza (2008). En 2019 reciben el Premio
Nacional de Danza en la modalidad de Creación, por su labor de abrir
nuevos lenguajes y por la investigación de la danza española, flamenco y contemporáneo, desde la tradición a la vanguardia, logrando
originales resultados de una danza de hoy. Algunos de sus espectáculos son “Tiempo” (2005), “Muñecas” (2006), “Sonata” (2008), “Laconsagración” (2012) o la pieza en vídeo “EP2020. Capricho coreográfico para dos hombres que bailan y dos cámaras de vídeo” (2020)
durante la pandemia.

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Memoria de actividades 2021

PROYECTO CANO& AIBAR

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CREACIÓN
CANAL

Todas las noches
Sala Negra / 30 de septiembre y 1 de octubre

ESTRENO
Género: Flamenco contemporáneo
País: España
Duración: 1hDirección, coreografía e interpretación:
Sara Cano & Vanesa Aibar
Acompañamiento artístico:Juan Carlos Lérida
Dramaturgia: Francisco Sarabia MarchiránComposición musical:
María Marín, Frank Moon
Adaptación letras, guitarra y voz: María Marín
Espacio sonoro: José Torres
Espacio escénico e iluminación: Cube.bz
Fotografía/vídeo: Carlos Bonilla
Producción:
Gestora de Nuevos Proyectos Culturales
Management: Elena Santonja
Espectáculo creado en Residencia Artísticaen Espacio de Creación Silvestre La Muela,
Centro de Creación La Aceitera y Centro
Coreográfico Canal
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros delCanal
Encuentro con el público:
30 de septiembre, al terminar la función
Proyecto en colaboración con la Junta deAndalucía, Agencia Andaluza de Instituciones
Culturales

Todas las noches es la cristalización del proceso artístico establecido
entre dos creadoras con un bagaje muy particular, y una manera muy
personal de entender el arte como forma de expresión. Este encuentro
coreográfico, enmarcado en una danza conceptual que oscila entre elflamenco y la danza contemporánea, es entendido por ambas como una
dinamo, como un continuo generador de energía creada a partir de lapotencia y el movimiento de cuerpos, acompañados por la presencia deMaría Marín, una artista cuya trayectoria la ha llevado a conjugar guitarra y voz de una manera potente y personal.
A través del encuentro de estas tres mujeres, entramos en el terreno
de la noche, de lo desconocido, lo velado, lo oscuro, lo festivo, lo onírico, lo salvaje. La noche, universalmente relacionada con lo femenino y
con el inconsciente, es el motor de esta obra, partiendo del caos, de laoscuridad y de lo indeterminado para, a través de esa energía primaria,
generar su propio Big Bang, llevando así a la luz, al mundo consciente.
Se establece así una analogía entre dos mundos: oscuridad-noche-inconsciente frente a luz-día-consciente y el continuo devenir entre uno
y otro, entendiendo este devenir como el mismo acto de crear.
Proyecto Cano & Aibar Vanesa Aibar y Sara Cano se unen por primera
vez en el estreno de “Todas las noches”. Aibar es una bailaora y creadora jienense que desarrolla su trabajo a partir de la danza española yel flamenco hasta desembocar en una danza moderna, libre, estética yde grandes cualidades técnicas. Sus primeras creaciones son “Era Silencio” (2012), “EviscerArte” (2014) o la pieza corta “Mujer en Azul” (2017)
galardonada con el Primer Premio Coreografía de Solo en el XXVI Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid. En“Sierpe” (2019), combina su fascinación por el folklore español con una
reflexión sobre la feminidad a partir de la mitología, y que estrena enla Flamenco Biennale Nederland y posteriormente, en el Festival deJerez. Cano es una bailarina y coreógrafa cuyo estilo abarca desde la
danza contemporánea a la danza española, el folklore y el flamenco.
Graduada en Coreografía e Interpretación de Danza Contemporánea por
el CSDMA. Es directora de su propia compañía desde 2014, año en que
comienza su andadura en solitario con la pieza corta “A Palo Seco Redux” que ha sido premiada y programada en festivales tanto españoles
como internacionales y que es además el germen de “A Palo Seco”, unapieza en la que la coreógrafa establece una forma propia de expresión
que fusiona flamenco y danza contemporánea. Continuando con esta
búsqueda crea “Sintempo” (2017), “La Espera” (2018), “Vengo!” (2019), su
primer espectáculo de gran formato, o “Mujer de Pie” (2020), Premio
Max 2020 a Mejor Coreografía y Primer Premio de Coreografía XXVII
Certamen de Danza Española y Flamenco, entre otros.

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Memoria de actividades 2021

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LUCÍA
MAROTEEl ojo delhuracán
ESTRENO
Género: Danza contemporáneo
País: Costa Rica
Duración: 1h
Idea y dirección: Lucía Marote
Danza: Alberto Alonso, Clara Pampyn,
Diego M. Buceta, Lucía Marote, Paula
Santos y Tania Garrido
Diseño de sonido: Peter Memmer
Diseño de iluminación:
Sergio García Domínguez
Dramaturgia: Poliana Lima
Diseño de vestuario:
Lucía Marote y la compañía
Confección de vestuario: Ana Trejos
Asistencia a la producción: Mar López
Colaboradores: Centro Coreográfico Canal,
La Caldera Barcelona, La Nave del Duende
Coproducción:
Centro Coreográfico-Teatros del Canal
Encuentro con el público:
5 de octubre, al terminar la función

FOTOGRAFÍA: ©TRISTÁN PÉREZ-MARTÍN / LA CALDERACREACIÓNCANAL

Sala Negra / 5 y 6 de octubre
En un huracán el ojo es la zona de calma que se forma en su centro,
rodeada por los vientos violentos de la tormenta. En El ojo del huracán
buscamos ese estado de calma en medio del movimiento generado a
través de la acción continuada de girar. Partiendo de un orden ritual,seis cuerpos transitan un viaje hacia un caos orgánico, basado en laconfianza y en la entrega sin reservas, donde se comparte un estado
de concentración a la vez personal y colectivo. La perseverancia y lacontinuidad conllevan una transformación donde la individualidad
aflora sin intención, y se abre la posibilidad de rendirse a un espacio yunas fuerzas que van más allá de las posibilidades de control.
Lucía Marote (Costa Rica, 1980). Bailarina intuitiva desde la infancia,
que tomó clases de ballet, gimnasia deportiva, danza contemporánea
y otras disciplinas corporales, pero sin seguir una educación ortodoxamente reglada, Marote entró de joven en compañías de danza
independiente y comenzó a dar clases de baile en Costa Rica. Emigróa España a principios del milenio y fundó su compañía en 2012, dedicada precisamente a proyectos que dialogan entre lo estructurado
y lo preciso, lo caótico y lo espontáneo, y que se asumen de una
forma más emotiva que intelectual. Entre sus trabajos destacan “ElPie” (2012), “Downtango” (2017), “Anatomía del Sentimiento” (2018),“Fall” (2019), nominada a los Premios Max, "Ella" (2019) o "El ojo delhuracán" (2021). Marote ha sido profesora invitada del Belgrade Dance Institute y ha participado en festivales y circuitos como Acieloabierto, Danza a Escena, Ellas Crean, Surge Madrid, Abierto en Canaly The Lucky Trimmer (Berlín).

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Memoria de actividades 2021

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MAR AGUILÓ
StellaCREACIÓNCANAL
ESTRENO
Género: Danza contemporánea
País: España
Duración: 1hDirección y coreografía: Mar Aguiló
Codirección: Eduardo Rivero
Colaboración en la coreografía e interpretación:
Mar Aguiló, Benoit Couchot, Guillem Jiménez,
Helena Olmedo, Yae Gee Park,
Shlomi Sholomo Miara, Irene Tena
Composición sonora: AIRE
Iluminación: Oscila Estudio
Dramaturgia: Roberto Fratini
Arte: Perla Zúñiga
Vestuario: Andrea Pimentel
Producción y distribución: ELAMOR
Vídeo: Lourdes Cabrera / Elena Feduchi
Fotografía del cartel: Hugo de la Rosa
Diseño gráfico: Esteve Padilla
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros
del Canal y ELAMORAgradecimientos: Juan Domínguez, Marion
Barbeu y a todxs lxs bailarinxs que nos han
acompañado en el aula
Encuentro con el público:
9 de octubre, al terminar la función

Sala Negra / 9 y 10 de octubre
En Madrid, en la calle Arlabán, una bolera se reformó en los años ochenta
para convertirse en un club, la sala Stella. Ese transformado nuevo
Mondo creó noches y abrió caminos. Muchos de ellos inexplicables. Un
espacio mutante, cambiando de nombre y de público, que para nosotros
fue The Room. Un recuerdo de aquello es quizás el inicio de esto.
Ahora, Roberto Fratini habla de la noche como evento cósmico; diceque, como pieza, Stella - “estrella” - es quizás étoile de ballet -, y añade
que es “Una composición que reinterpreta la concitación onírica de la pista, susescaladas rítmicas y saturaciones sonoras como formas de la inminencia: comosi en todo momento sobre sus cuerpos diáfanos, incandescentes, resplandeciera,
sin concretizarse nunca, la amenaza de una catástrofe silenciosa e incalculable,
parecida a la misma convulsión inorgánica que deshace galaxias. La pista es
un apocalipsis siempre postergado, invariablemente abocada al desencanto deun amanecer que apaga las estrellas, los focos, los estrobos y demás artilugios
estudiados para volver fantasmas los cuerpos que la habitan. Son por definición
los revenants y habitués de las tinieblas, los que vuelven”.
Stella de Mar Aguiló es parte de un proceso en el que, con ELAMOR,
se buscan y hacen noches. Llevando coreografías a fiestas de Madridy Milán y trayendo la noche a los estudios de danza, apagando luces,bajando persianas, subiendo el volumen, recordando sensaciones, obuscando movimientos del club en el aula.
Mar Aguiló Nacida en Palma de Mallorca, en 2005 ingresa en la École atelier Rudra Bejart, de Maurice Béjart (Lausanne), donde finaliza
su periodo de formación. Desde su incorporación a la CND, ha interpretado roles principales en obras como “Cor Perdut” y “Arcangelo”,
de Nacho Duato, o “Artifact”, de William Forsythe, y ha trabajado con
coreógrafos como Mats Ek, Ohad Naharin, Alexander Ekman, Marcos Morau, Johan Inger o Iván Pérez entre otros. Es en el seno de la
CND donde comienza a desarrollar su faceta coreográfica, con piezas
y solos como como “Francine” para el museo Guggenheim de Bilbao;“Hotel Room”, para el Museo Thyssen-Bornemisza o “Afterlove”, unapieza audiovisual para el Día Internacional de la Música, así como“Fandangos y Tonadillas”, una colaboración con la Compañía Nacional de Teatro Clásico y “Arriaga” estrenada en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. También ha colaborado como
movement director, coreógrafa y bailarina con artistas de diferentes
disciplinas. Actualmente, es también directora creativa de ELAMOR
y aquí ha creado piezas para grandes espacios, como “Prólogo” enel Real Jardín Botánico, “Equilibrio” en el Museo del Prado, “E giratutto intorno alla stannza”, una colaboración con el artista Bernat enel Caixa Fórum o “Alicia” en los Teatros de la Abadía. El 9 y 10 deoctubre de 2021 con ELAMOR, presenta su primera pieza de granformato, “Stella”, en el festival Canal baila como resultado de una
residencia de creación en el Centro Coreográfico Canal.

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Memoria de actividades 2021

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RIVA & REPELE
La gertCREACIÓNCANAL
ESTRENO
Género: Danza neoclásica-contemporánea
País: Suiza
Duración: 1hCoreografía: Simone Repele y Sasha Riva
Bailarines: Rena Narumi, Sara Ezzell,
Sasha Riva, Simone Repele
Música: Richard Wagner, 17Hippies
Coproducción:
Centro Coreográfico-Teatros del Canal
Encuentro con el público:
14 de octubre, al terminar la función

Sala Negra / 10 y 11 de octubre
Valeska Gert podría considerarse una de las artistas alemanas más
ambiguas e ignoradas. Fue bailarina, actriz y estrella de cine y cabaret.
Fue una artista pionera en el mundo de las performances, de quien sedice que sentó las bases y abrió camino para el movimiento punk.
Gertrud Valesca Samosch, conocida como Gert, nació en el seno de una
familia judía en Berlín. Su amor por la moda ornamental la condujo
hacia una carrera profesional en el mundo de la danza y en el arte delas performances. Libremente inspirados por su vida y su extraordinaria
expresión corporal, el concepto artístico que gira alrededor delpersonaje de Valeska Gert pretende reproducir, a través de nuestro
lenguaje coreográfico, algunas de las más reconocidas actuaciones quellevó a cabo durante su actividad profesional, vinculándolas a nuestra
narración personal. Su tosca personalidad y la emergencia de comunicar
a la audiencia su fuerte emotividad casan perfectamente con nuestra
visión artística. Un argumento moderno que conecta los detalles sobrela vida de Gert y momentos inspirados en situaciones que cada uno denosotros probablemente podría atravesar durante nuestro tiempo enla tierra. La creación pivota en torno a cuatro artistas, dos hombres ydos mujeres. La música queda a cargo de Richard Wagner y 17Hippies.
—Simone Repele y Sasha Riva
Riva & Repele Asociación artística creada por los bailarines y coreógrafos Simone Repele y Sasha Riva en 2020. A lo largo de sus
carreras como bailarines, tocaron muchos estilos de danza, hasta descubrir una fuerte necesidad propia de expresar su creatividad. Las
cualidades únicas como intérpretes, junto con la voluntad de crear,los llevó a colaborar como equipo para encontrar un lenguaje másrico al combinar sus pensamientos y su arte. Todavía en una edad
temprana, sintieron la necesidad de comenzar a construir su propio
entorno para rodearse de artistas que los inspiraran y los ayudaran a crecer. Las obras coreográficas de Riva & Repele encuentransu fuente en una fuerte vertiente narrativa, sensible y poética. Las
imágenes teatrales o las proyecciones estilizadas están unidas por un
vocabulario neoclásico, gestualidad fuerte y un fino toque folclórico.
Entre otras, destacan sus producciones “End of Eternity” (2016, unareflexión sobre la despedida al final de una vida), “Shudder on theLoms” (2018, inspirado en el episodio mitológico de Leda y el Cisne);“Histoire du soldat” (2019), “Moms” (2019; dedicado a las madres,niñas que nos enseñaron a caminar) o “Pulcinella” (2020), “Lili ElbeShow” (2020, inspirada libremente en la vida de una de las primeras
personas identificadas como mujer transexual) o “La Jeune Fille et laMort” (2022, una joven se relaciona con dos caras de la muerte comoel espejo que lleva y en el que debemos contemplar nuestro destino).

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MODALIDAD DEINVESTIGACIÓN:ENSAYOS ABIERTOS

4.2

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Memoria de actividades 2021

41

1. Imagen de No sé por
Inés Arróspide Narváez.
2. Imagen de Caer caer
caer por Richard Marscherin.
3. Imagen de Boody Mary por
Paloma Diaz-La Permanente.

1

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘NO SÉ’DE INÉS NARVÁEZ ARRÓSPIDE Realizado
el lunes 22 de marzo a las 13h Duración:
45 minutos
Una reflexión sobre el acto creativo generando unacto escénico. Cómo el tiempo afecta y modifica
el yo creativo. Hacer convivir pasado, presente yfuturo. No todas ellas tienen voz, no todas ellastienen cuerpo… Cómo dialogan, cómo se afectan,
cómo este cuerpo confinado, inexacto, vulnerable
convive con la incertidumbre (es necesario encontrar el modo de haceros partícipes). No es una
historia y son muchas. Es estar perdida, es tejer
con esos pequeños hilos que aparecen cuando cierro los ojos. Es moverse y no hablar de moverse.
Decir lo que quieras… Es la búsqueda de una vedette contemporánea. Es, quizás, una osadía y un
salto al vacío. “No sé” se deja ver entre los resquicios de mis caderas y de mis manos. Es hacer pop
con el cuerpo. “No sé” es conciencia de dejarse
libre. Mamá, quiero ser artista.
Inés Narváez Arróspide Graduada en danza por
el Real Conservatorio Profesional de Danza Marienmma de Madrid, completa sus estudios con
profesoras como Michelle Man, Marnie Thomas yotros. También estudia Arte Dramático en Ensayo
100 y DT Espacio Escénico. Durante años, colabora como intérprete o asistente de dirección en
producciones de distintos directores y coreógrafos, entre los que destacan Natalia Menéndez, Jesús Rubio, Guillermo Wumutt, Carmen Werner,
Sharon Fridman, Mónica Runde o Pedro Berdäyes. Fue miembro confundador, desde 2009 hasta
2014, de los proyectos T.A.C.H., La mínima y Aula3, en los que se acerca a la creación de un modo
colectivo. Desde 2014 empieza a hacer sus propias
creaciones en solitario estrenando “Un minuto desilencio” (2014), “Reflexiones de una disléxica”

2(2015), “Time Out” (2016), estos dos para el festival Surge de Madrid, “Olvido… de Hilo Blanco”(programado en Madrid en Danza en 2016 o elproyecto para espacios no convencionales “Boceto
Efímero” (que desde 2017 hasta la actualidad ha
circulado por distintas instituciones como la Fundación Telefonica, el CAB de Burgos, la Universidad de Navarra...), “Tr3s” (2017), “Y quizás sonría”(2017), “One Moment In time- AHORA” (2019),“Las Musas” (2020), “Dos de Gala” (2021). Desde2018 codirige 10 & 10 Danza junto con Mónica
Runde y Elisa Sanz.

ENSAYO ABIERTO DE “CAER CAER CAER”
DE RICHARD MASCHERIN Realizado
el sábado 27 de marzo a las 12:30h.
Duración: 30 minutos“CAER, CAER, CAER” busca tomar acciones que
lleven al cuerpo a perder el control, desde el impulso, la gravedad o el esfuerzo corporal. La relación entre la caída emocional y la física, entre elplacer y el dolor, entre la danza y la performance.
Mascherin, propone un viaje hacia el caos y el
fracaso. Se muestra un cuerpo que se lleva a símismo hacia su decadencia, convirtiendo el espacio en un lugar terrenal y visceral, mostrando
el deseo más profundo. El cuerpo vulnerable y lainevitabilidad de la caída son los conceptos fundamentales en este camino.
Richard Mascherin Artista canario nacido en 1992
y afincado en Madrid desde el 2010. Graduado en
Danza Contemporánea, Título en Dirección General de Cine y Título en Especialista de Cine y TV.
Ha pasado por trabajos escénicos con directoresy coreógrafos como Sharon Fridman y Marcos
Morau, entre otros. En su trabajo artístico indaga
y vincula diferentes medios: danza, performan-

342

Memoria de actividades 2021

Imagen de In-side por Lucía
Montes y Mado Dallery.

ce, video y fotografía. Dirige su proyecto CAER,
CAER, CAER, ramificado en diferentes formas
y propuestas escénicas y visuales en torno a lainevitabilidad de la caída.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘IN-SIDE’ DELUCÍA MONTES & MADO DALLERY Realizado
el martes 13 de abril a las 18h. Duración:
18 minutos
Un espacio en el que dos cuerpos son atraídos hacia
el otro, conviven, se afectan o no… En un ambienteque pasa de lo etéreo e intangible a lo más terrenaly consciente. Los cuerpos parecen coincidir en infinitas formas y sensaciones. A veces, conviviendoen un mismo mundo que los envuelve; otras, ganando el mundo interior personal. Viajamos por
un camino de sensaciones, cambios y sentimientos
que se apoderan de los cuerpos, en busca de un
lenguaje que contenga nuestras influencias personales, nuestros deseos y naturalezas complementarias: un universo imaginado por ambas.
Compañía Lucía Montes & Mado Dallery Surgida
en 2021 por el deseo de ambas intérpretes y coreógrafas de crear y bailar juntas, uniendo sus conocimientos en diferentes disciplinas y utilizando
la gran afinidad artística y personal que vienen
desarrollando.
Mado Dallery (Milán, 1998) se formó entre París e
Israel. En 2017 se afinca en Madrid como bailarina, colaborando con Somosdanza, La Compañía
Antonio Ruz y en LaRumbe Danza.
Lucía Montes (Castro Urdiales, 1991) se formó
entre Chile, Marruecos, Costa Rica y España. Licenciada por el Conservatorio Superior de Danza
María de Ávila, comenzó a trabajar en 2012 como

intérprete y asistente con la Compañía Sharon
Fridman. En 2015 creó junto a Nathalie Remadi
el dúo Masawa. A partir de 2018, amplía también
su radio de trabajo con otros coreógrafos como
Richard Mascharin, Elías Aguirre, Antonio Ruz,
Camille Hanson, La Phármaco, LaRumbe Danzao Fabian Thomé. Su conexión artística las ha llevado al deseo de investigar sobre su relación ysemejante manera de ver la danza y su alrededor.
“IN-SIDE” es su primer trabajo conjunto.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘BLOODY MARY’
DE PALOMA DÍAZ-LA PERMANENTE Realizado
el jueves 19 de abril a las 18h. Duración:
30 minutos“Bloody Mary” es un relato coreográfico basado
en “La niña de nieve”, cuento de inspiración gótica de la escritora inglesa Angela Carter. Mi encuentro con el texto me sedujo de tal manera quesentí el reto de sumergirme en la búsqueda dediferentes maneras de crear una pieza inspirada
por él, de trasladar la fuerza del texto a mi propio cuerpo. Es la primera vez que me enfrento aesta manera de hacer, lo que está siendo verdaderamente apasionante. “La niña de nieve” es una
revisión del clásico de Blancanieves en la que lamadrastra adquiere el protagonismo. Así, el texto
me sirve para hablar de la pérdida de poder, dela caída de estatus que, como mujer, y más aún
como bailarina, conlleva la edad madura.
Paloma Díaz-La Permanente Formada como actriz
en el Instituto del Teatro de Sevilla y como bailarina
en Madrid, Sevilla, Londres y Essen, trabaja primero como intérprete para compañías y coreógrafos
en Austria, Alemania y España: Provisional Danza,
Teatro de la Zarzuela, Teatro Real, Nigel Chernok,
Teatro del Zurdo, Cía. Rocío Molina o Carlota Fe-

43

Imagen de Gizaki por LaliAyguadé y Akira Yoshida.

rrer. Forma la compañía La Permanente junto al
cineasta Chiqui Carabante tras ganar el Primer Premio del Certamen Coreográfico de Madrid con “Meda igual” (1998). A esta pieza seguirán “Ha pasado
un Ángel” (2000), “Palabras de amor”, “Tanzabendpara Malou” (2005) o “Una Palabra” (2010), y encargos para el Festival de Itálica, Días de Dansa, Los
Veranos de la Villa o el FiberFib. En 2014 codirige“Hora de Cierre” junto a Isabel Vázquez, recibiendoel Premio Andaluz de Teatro al mejor espectáculo
de Danza. Ha trabajado también como ayudante dedirección y asesora coreográfica para el Centro Andaluz de Teatro, el Teatro Español, Cía. Chirigóticas,
Imprebís, Claudia Faci, Alberto San Juan y Antonio Álamo. Entre sus últimos trabajos como coreógrafa destacan “Tres deseos” (2018), coproducción
del Teatro Español y la Fundación José Monleón
con intérpretes con diversidad funcional; “Mundo
obrero” (2018), de Alberto San Juan, producción
también del Teatro Español e "Inloca" con Matarile
Teatro coproducida con CDN. A parte de docente dedanza para varias instituciones, es también profesora de yoga con una práctica de más de veinte años.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘GIZAKI”
DE LALI AYGUADÉ Y AKIRA YOSHIDA Realizado
el viernes 7 de mayo a las 17h. Duración:
25 minutos
Gizaki” es una obra creada durante la cuarentena
causada por el Covid-19, y por tanto, influenciada
por ella. En el marco de dos personajes coexistiendo en una habitación, Akira Yoshida y Lali Ayguadé analizan al ser humano partiendo de la ideade que somos un mecanismo muy complejo, que
no somos capaces de comprender.
Lali Ayguadé (Barcelona, 1980). Se formó en elConservatorio Superior del Liceu de Barcelo-na, en el Institut del Teatre y en PARTS (Bélgica). Desde 2013, dirige su propia compañía yha realizado trabajos por encargo para otras
como Bodhi Project y Verve. Con una amplia
trayectoria internacional como bailarina (Hofesh Shechter Company y Akram Khan Company, entre otras), se convirtió en coreógrafa
con producciones como el dúo emblemático
“Incognito”, que terminaría inspirando partede la coreografía en el cortometraje “Timecode”, de Juanjo Giménez, ganador de múltiples
premios y nominado a los Oscars. En 2015, inició una investigación creativa sobre el concepto
de identidad con su primera trilogía compuesta
por “Kokoro”, “iU an Mi” y “Hidden”. Además,
Lali Ayguadé Company es una plataforma para
numerosas colaboraciones artísticas, como por
ejemplo con Guilhem Chatir, Joana Gomila y
Akira Yoshida en la pieza ‘GIZAKI’, nominada
por los Premis de la Crítica como mejor pieza demedio-formato y ganadora del premio a mejor
bailarina en 2021.
Akira Yoshida Se formó como break dancer obteniendo más de sesenta premios en España, Francia y Austria. A los 23 años decidió comenzar una
transición a la danza contemporánea, recibiendola Beca Artística Principal de Navarra y estudiando en la Academia Experimental de Danza deSalzburgo. A parte de su trabajo para la compañía
austriaca Hungry Sharks, para Robert Oliván Performing Arts o Phsycal Momentum, ha creado los
solos “Home” (2017), “Burial of the Bark” (2021) yel dueto “Ahotsak” con Ziomara Hormaetxe (20192021). Actualmente trabaja como asistente coreográfico y bailarín de Lali Ayguadé. También imparte talleres en festivales internacionales como
B12 Berlin, Deltebre Dansa, Kalamata International Dance Festival o Portugal Summer Intensive
entre otros.

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Memoria de actividades 2021

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1. Imagen de Bruta.l por Hurycan.

2. Imagen de Esto podría ser lo imposible

por Mariana Collado y Lucio A.Baglivo.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “BRUTA.L”
DE LA COMPAÑÍA HURYCAN, DIRIGIDO PORCANDELARIA ANTELO Realizado el sábado
8 de mayo a las 12:30h. Duración: 45 minutos
Cuatro mujeres conviven en una incesante lucha
por el poder, en la brutalidad de cuerpos que chocan, caen, se sostienen y repelen entre sí. Los cuerpos son arrastrados, y con ellos nos trasladamos hacia estados extremos, situaciones que provocamos,
que deseamos, o por el contrario, que nos sorprenden y atrapan. En un diálogo entre danza, teatro y
música.
Compañía HURyCAN Bautizada en 2013 por Candelaria Antelo y Arthur Bernard Bazin, HURyCAN es un proyecto de creación escénica que
afirma la necesidad comunicativa del movimiento, sus límites, su dimensión personal y emocional. El trabajo expone una experiencia física ysensible a través de juegos ingenuos y transgresores. Candelaria Antelo inicia sus estudios dedanza contemporánea en Buenos Aires. A continuación, viaja a Inglaterra, donde se gradúa en laescuela The Northern School of Contemporary
Dance (2007) y en Madrid en el CSDMA (2013).
Durante esos años trabaja con coreógrafos como,
Dani Pannullo, Jivko Jeliazkov, Mey-ling Bisogno
y Lucio Baglivo. Arthur Bernard se inicia en lasartes escénicas en París. En 2007 se instala en
Madrid donde profundiza su formación teatral ycorporal. Estudia en LA USINA, LA RESAD, el
CSDMA y trabaja con coreógrafos como Camille
C. Hanson, Maryluz Arcas (La Phármaco) y Sharon Fridman, con quien realiza una colaboración
continua como bailarín y asistente entre 2010 y
2015. Juntos empiezan a investigar en 2010 creando “Discordio”, pieza ganadora del Certamen Coreográfico de Vallecas. Su primera creación como1

HURyCAN es “Te odiero”, que les valdrá diversos
premios en España, Alemania y Francia. Después
vendrán los también internacionalmente premiados “Je te haime” (2013) y “ASUELTO” (2016).
A fecha de hoy, la compañía funciona como una
plataforma donde ambos coreógrafos pueden desarrollar sus creaciones de forma paralela, comoes en el caso de “Maslenitsa” (2020), “tuS extremoS” y “bruta.L” (2021).

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘MUDA’ DE LA
COMPAÑÍA PROYECTO LARRUA, COREOGRAFIADOPOR JORDI VILASECA Realizado el jueves 13 demayo a las 17h. Duración: 30 minutos
Muda es un viaje a través de la evolución de dos
cuerpos. Dos mujeres que comparten un espacio,
experiencias y un proceso de renovación, que determina un cambio, abriendo paso a una nuevaépoca. Abandonado un estado de letargo, una pausa
personal para juntas, avanzar y abrir camino a una
transformación. Muda forma parte de un tríptico depiezas que la compañía Proyecto Larrua desarrolla
sobre la piel, el reconocimiento y la protección por
medio de ella.
Proyecto Larrua Compañía de danza contemporánea dirigida por Jordi Vilaseca y Aritz López, conbase en Vitoria-Gasteiz. Coreográfica y dramatúrgicamente, la compañía tiene una visión personal
sobre cómo aunar la fiscalidad y la emoción y decómo escenificarla, utilizando elementos del imaginario común del espectador y contemporizándolos.
Resultado de esa visión personal son las piezas coreográficas que forman parte de su repertorio y que
han sido representadas en Euskal Herria en festivales como Dferia, Festival Internacional de Vitoria-Gasteiz o Bad Festival, entre otros. En el ámbito
nacional ha formado parte de importantes programaciones como Madrid en Danza. En el panorama

2internacional ha participado en festivales como elFestival de Artes Escénicas de Costa Rica (Centro
América), Fest´arts y Quartier Danses (Canadá). El
repertorio de la compañía abarca diferentes especialidades: para espacios urbanos y no convencionales, la pieza Larrua (Premio Compañía emergenteen Umore Azoka 2016), Ozkol e Idi-Begi (Premiada
en el festival MasDanza); para Teatros, la producción
Baserri (candidata a 3 Premios Max), Otsoa (candidata a 5 Premio Max) y la recién estrenada Ojo de
Buey. Estas piezas han formado parte de diferentes
circuitos como Red Sarea, Platea, A Cielo Abierto,
Red de Navarra y en el catálogo de la Comunidad
de Madrid. Larrua también aborda la formación
con su programa LarruaLab, un seminario de danzacontemporánea en Vitoria, y el Virtual-Lab, un magacín creado durante el confinamiento.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘ESTO PODRÍA
SER LO IMPOSIBLE’ DE MARIANA COLLADO &LUCIO A. BAGLIVO Realizado el 9 de julio de2021 a las 13h. Duración: 40 minutos
Cuando se muestra un trabajo escénico, durante eltranscurso de este, todo sucede en el aquí y el ahora.
El cuerpo en movimiento es un presente absoluto.
Entonces nos preguntamos: ¿cómo representar elpaso del tiempo en nuestros cuerpos? ¿Cómo responden ellos ante los recuerdos, ante lo material,
ante los espacios que fueron importantes para nosotros? ¿Y los espacios que ni siquiera hemos conocido? ¿Cómo se podría plasmar ahora una escena que
sucederá en el futuro? ¿Puede un cuerpo viajar enel tiempo? ¿Cómo explicar en un instante una vida
entera? ¿Podremos traer nuestras muertes al presente? ¿Cómo podemos demostrar que han pasado
5 años desde la última vez que nos vimos, que bailamos juntos? ¿Cómo podemos volver al pasado paravivir en el presente un recuerdo que añoramos?

Mariana Collado Bailarina galardonada con elPrimer Premio de Coreografía de Solo en el XXI
Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid con la coreografía “El cuervo y
el reloj” de Kaari Martin (2012) y Segundo Premiode Baile Flamenco en el II Festival Internacionalde Danza de Almería (2011). En la actualidad forma parte como intérprete y coreógrafa de la Compañía Malucos Danza dirigida por el coreógrafo
Carlos Chamorro desde 2009 hasta la actualidad.
Ha codirigido junto a él los espectáculos “Vecinos”(2016), “Vecinos y la Comunidad” (2017), “Los dioses no lloran ni vierten lágrimas” (2018), “Trajes
de domingo” (2019) y “Lady Mambo” (2021). Solista y coreógrafa de la Compañía finlandesa Kaari &Roni Martin desde 2008 en los espectáculos "Kill
Carmen"(2015) y “Anna Karenina” (2018), entre
otros. Codirige junto al bailarín y coreógrafo José́
Maldonado el espectáculo “Bodegón” galardonado
en el Festival de Jerez 2019 con el Premio Artista Revelación y “Galería”, su segunda producción,
estrenada en el XXV Festival de Jerez (2021). Dirige y coreografía junto al bailarín Lucio Baglivo el espectáculo “MyL 2.0” (2019), utilizando un
lenguaje mucho más teatral y arriesgado, donde
conviven diferentes disciplinas como la acrobacia,
el teatro, la danza contemporánea y el flamenco.
Intérprete de la Compañía Manuel Liñán en su
nueva creación, “La otra escena” (2020), en la queel coreógrafo posiciona a la bailarina en un papel
mucho más interpretativo y versátil.
Lucio A. Baglivo Trabaja como bailarín, acróbata, actor, profesor de danza, director y coreógrafo.
Desde el año 2000 trabaja para distintas compañías de teatro, circo y danza en Argentina y Europa, y a partir de 2006 comienza a realizar sus
propias creaciones. Sus proyectos se han presentado en Alemania, Turquía, Argentina, Holanda,
EE. UU., Brasil, Grecia, Dinamarca, Chile, España

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1. Imagen de Las Doradas
por Ana Erdozain 2. Imagen deLa tierna indiferencia del mundode Mercedes Pedroche 3. Imagen deMuda por proyecto Larrua.

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e Italia. El objetivo de sus obras es lograr un trabajo escénico que, a través de la danza, la acrobacia y el teatro transmita emociones y conecte
con el espectador, desplegando todos los sentidos
en escena. Cada proyecto busca un lenguaje demovimiento propio y una poética escénica particular. En 2015 estrenó “Solo Juntos” en el Festival
Umore Azoka del País Vasco y, desde entonces,
realiza más de 70 funciones en festivales de España, Brasil y resto de Europa. Su última creación“MyL”, creada con la bailarina de flamenco Mariana Collado, estrenó la versión corta en mayo
de 2019 y la versión larga MyL (2.0) en Madrid ennoviembre de 2020. Su última creación “Mientras
tanto” se presenta como trabajo en proceso en el
marco de la Muestra escénica Surge Madrid y recibe las Ayudas de la Creación a la Coreografía departe de la Comunidad de Madrid. Se estrenó en la
Sala nave73 de Madrid en abril de 2021.

su carrera como intérprete con Chevi Muraday,
Carlota Ferrer, Compañía Danza Mobile, Antonio
Fernández Lera, Patricia Ruz, Compañía Lisarco,
Compañía Tejido Conectivo, Compañía Alba González y con el proyecto Bailar el agua de Raquel
Sánchez y Chefa Alonso. Como coreógrafa ha sidopremiada en el 28 Certamen Coreográfico de Madrid y en el III Certamen DanzaXtrema (Cáceres).
A la par que desarrolla su propia compañía, colabora como coreógrafa en el espectáculo de Teatro
Inclusivo “Moving 360º”, de la compañía Teatro
Reno (México), y en “El festín de los cuerpos” dela Compañía Danza Mobile, dirigido por ArturoParrilla y estrenado en la 33ª edición del Festival
Madrid en Danza. Como asistente de movimiento
trabaja en diferentes espectáculos de Carlota Ferrer, con la Compañía de Teatro El Pontflotant y
en el espectáculo de Julia de Castro, “Exhalación:
vida y muerte de La Puríssima”.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘LAS
DORADAS’ DE ANA ERDOZAIN Realizado
el jueves 29 de julio de 2021, a las 12:30h.
Duración: 15 minutos

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘TERRARIO [LATIERNA INDIFERENCIA DEL MUNDO]’ DE MERCEDESPEDROCHE Realizado el jueves 29 de julio de2021, a las 12:30h. Duración: 15 minutos

Un cuerpo descompuesto por el ser humano, un
cuerpo con tripas de plástico, pieles negras, músculos hidratados de antibióticos, cerebro tecnológico con obsolescencia programada y respiración
nuclear. Un cuerpo llamado i81, con vivienda en
human@destruction.com, comienza su camino
hacia la abundancia…

Cinco extraños, apátridas en una tierra contradictoria, ocultan su orfandad tras la indiferencia. Desconocen de dónde vienen los otros y a dónde van,y carecen de normas y pautas para juzgar las nuevas relaciones que van tejiendo en su encuentro.

Ana Erdozain Formada en las escuelas Carmen
Senra y Real Conservatorio Profesional de DanzaMariemma de Madrid. Complementa sus estudios
con el curso intensivo de la SNDO (School for
New Dance Development) y en la escuela Henny
Jurriens Dance, ambas en Amsterdam. Desarrolla

Mercedes Pedroche Bailarina, coreógrafa y docente dedicada a la creación escénica independiente
desde el año 2005. Su lenguaje escénico se mueve
en un territorio sin fronteras entre la danza y elteatro, donde la realidad se convierte en ficción
y el espectador en partícipe activo del acontecimiento escénico. Comprende la creación como
una necesidad de adentrarse en la intimidad exis-

3

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Memoria de actividades 2021

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1. Imagen de Por parte de Mare de Chey

Jurado y Diego Garrido. 2. Imagen deVientre por Maximiliano Sandford y
Yeinner Chicas 3. Imagen de Hero(ine)por Agudo Dance Company.

tencial, compartiendo en la escena interrogantes
que cuestionan los impulsos e inquietudes delser humano en su contexto social. Ha estrenado las piezas «Artificios y Leopardos», «Árido,
Seda», «Parámetros», «Grita», «Réquiem al 33»,
«Que paren la tierra que me subo a una canica» y«Cambio curso de discusión avanzada por asiento
con vistas», formando parte de la programaciónde festivales y teatros como los Teatros del Canal,
Teatro de la Abadía, La Mutant, Festival Internacional Madrid en Danza, Festival Dansa Quinzena
Metropolitana, Festival Ellas Crean, Lekuz Leku,
Mes de Danza de Sevilla, Cartografías de la Danza, Gatadans, Ciclo Desbordarte, Festival Al borde y Festival Endanzante (Colombia). Premio a la
Mejor Interpretación y Premio a la Mejor Puesta
en Escena en el XIII CENIT (Certamen de Nuevos
Creadores Teatrales), Candidata a los Premios Max
de las Artes Escénicas 2021 en las categorías de
Mejor Intérprete de Danza y Mejor Autoría Revelación, Premio a la Mejor Intérprete en el IX Certamen Internacional de Coreografía Burgos-Nueva York, Primer Premio en Danza Contemporánea
y Premio Especial del Jurado en el IX y en el IV
Maratón de Danza del Teatro de Madrid. En paralelo a su trayectoria como creadora escénica, realiza coreografías para eventos, cine y publicidad,
además de impartir clases de danza contemporánea y talleres de creación e investigación escénica.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA ‘POR PARTE DE
MARE’ POR CHEY JURADO Y DIEGO GARRIDO
Realizado el sábado 28 de agosto de 2021
a las 19h Duración: 1 hora
‘Por parte de Mare’ nace de un deseo de expresión
personal y artístico. La construcción de la identidad a través de la danza, la familia y el flamenco,
mostrando la herencia que permanece en el cuer-

1po, en la voz, en las emociones…
Chey Jurado Bailarín y coreógrafo autodidacta centrado en el desarrollo del movimiento y de las artesescénicas a través de disciplinas como el breaking,poppin, acrobacias, danza contemporánea y el teatro físico. Como intérprete ha trabajado con lascompañías La Veronal, Roberto Olivan, Taiat Dantza, Elías Aguirre o Perfordance. En las danzas urbanas destaca como ganador de eventos como Redbull BC one, Redbull Dance Your Style, I Love This
Dance, Open Your Mind o Who Got The Flower.
Como creador ha producido junto a Akira Yoshida(“Agua” o “Hito”), Noé Chapsal (“Gomera”) y sus últimas producciones estrenadas en 2022: “Samsara”
junto a Javito Mario y “Raíz” como solista.
Diego Garrido Bailarín y coreógrafo en Iron Skulls
Co. Comenzó a bailar b-boying en 1999 y gracias a
sus viajes en eventos nacionales e internacionales
de danzas urbanas descubrió y profundizo en elmundo del Hip hop. En 2012 completó la formación en danza contemporánea en la escuela Variumde Barcelona. Desde entonces, ha ido descubriendo
otras disciplinas como el Butoh, la danza vertical,
el clowning o el teatro físico. Ha participado en
proyectos para otras compañías como Enriqueta en
el TAC de Valladolid o ‘Al Aire’, de la compañía de
Rafael Amargo, y trabajado en campañas de animación y salas de fiesta en toda España como bailarín.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “VIENTRE”
DE MAXIMILIANO SANFORD Y YEINNER CHICAS
Realizado el jueves 28 de octubre a las 13h
Duración: 1 hora
En “Vientre”, Maximiliano Sanford y Yeinner Chicas tratan de dar espacio para que aflore la energía
femenina. Abordan lo dual, teniendo en cuenta los2

infinitos matices que existen entre ambas energías complementarias. Con esta propuesta quieren
plantear una búsqueda de un cuerpo que se transforma, usando la fisicalidad como vía y canal deapertura para llegar a un cuerpo más sensible.
Maximiliano Sanford Exgimnasta de la selección
Olímpica brasileña. Ha bailado en compañías
como Losdedae (Madrid), Date Danza (Granada),
Cie La Flux (Paris), Cía. Daniel Abreu (Madrid) o
Cía. Isabel Vásquez (Sevilla). Formó parte en diferentes proyectos con coreógrafos europeos como
Sharon Fridman (Madrid), Yutaka Takekey (Toulouse), Win Vandekeybus (Bruselas), Raphael Boitell (Paris), Lucio Baglivo (Madrid) o Lali Ayguadé(Barcelona). Participó del elenco de “Macbeth” enel teatro de La Scala de Milán como bailarín acróbata. Ha trabajado con la coreógrafa Lali Ayguadé
en el espectáculo “De camino al otro” en Freedom Festival Hull en Kingston Upon Hull. Ha
sido también docente en escuelas de danza y ha
impartido talleres por Europa y Brasil.
Yeinner Chicas Nace en Masaya, Nicaragua, y actualmente reside en Barcelona. Estudia danzafolclórica nicaragüese para luego graduarse enla Academia Nicaragüense de la Danza (Managua) como coreógrafo y bailarín. Ha trabajado y/ocolaborado con los coreógrafos Alpo Aaltokosik,
Kati Kallio, Alba Lorca, Trayectos Festival, Tina
Halford, Tanya Taravanoba, Sedimenti ProyectItalia o Elías Aguirre en “Insecto Primitivo” (2019),
pieza estrenada en los Teatros del Canal. Yeinner
ha recibido reconocimientos en Nicaragua por
su destacada labor como promotor de las artes escénicas en la región centroamericana. Fue ganador del certamen coreográfico Solodosen Danza
Costa Rica 2015 con la pieza “Punto en Común”
junto a Tina Halford (pieza girada en la Red Cielo
Abierto España).

3

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “HERO(INE)”
DE JOSÉ AGUDO / AGUDO DANCE COMPANY
Realizado el jueves 11 de noviembre a las 16h.
Duración: 30-45 minutos“HERO(INE)” está basada en la búsqueda del héroe o heroína que hay en cada uno de nosotros.
José Agudo se embarca en un viaje personal conla ayuda y guía de los libros “The Hero With aThousand Faces” de Joseph Campbell y “The Heroine With a Thousand and One Faces”, de Maria Tatar. Se adentra en el mundo interior para
descubrir las distintas caras de nuestras personalidades, entender la masculinidad y feminidady, por último, mostrar la vulnerabilidad del ser
humano a flor de piel. José Agudo explora un
lenguaje híbrido, donde el ritmo de Bernhard
Schimpelberger sostiene el hilo dramatúrgico.
Artísticamente, el trabajo está inspirado en “A
Hero’s Journey”, escrito por Joseph Campbell,que explora el héroe arquetípico en los mitos
mundiales, que abarca la cultura humana en todo
el mundo. En esta oportunidad de investigaciónde la danza, José Agudo ha tenido la oportunidad
de conocer a varios artistas en el Centro Coreográfico como Eduardo Guerrero, Mateo Feijoo,
Guillermo Weickert, Hemabharathy Palani y Sonia Prado.
Agudo Dance Company Fue fundada por José
Agudo, director artístico; y Claire Cunningham,
productora creativa. Con más de 40 años de experiencia en el sector de la danza, la compañía crea
producciones de danza ambiciosas, evocadoras
y estimulantes para el escenario internacional.
Trabajan para brindar al público un viaje a travésde los sentidos. Invitan tanto a los espectadorescomo a los participantes a que se emocionen en
todos los sentidos: físico, emocional y cerebral.
En la coreografía y la actuación, conectan a las

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Memoria de actividades 2021

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1. Imagen de ¿Podemos hablar de Caetano?

1

personas con la experiencia catártica de la danza,
donde la creatividad, la buena salud y el bienestar son la esencia de estar vivo. Algunos de sus
espectáculos más destacados son “4m2” (2008);“Time/Dropper” (2011); “A Thousand Shepperds”(2013); “Arctic” (2014); “Silk Road” (2020) o “Carmen” (2021).

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “¿PODEMOSHABLAR DE CAETANO?” DE NATALIA FERNANDESY VICKY LEAKS Realizado el miércoles 17 denoviembre a las 18h. Duración: 1 hora.
“¿Podemos hablar de Caetano?” Es un punto geográfico donde te sitúas para ver el mundo. En
esta pieza, que transita entre un álbum de música, una conversación y una coreografía, la coreógrafa Natalia Fernandes se apoya en el universo
poético del cantante Caetano Veloso para crear
un espacio de reflexión. El movimiento del cuerpo, y de la voz, bailan en un diálogo indirecto
con la mirada periférica, luso-parlante, colonizada, exiliada, romántica, idealista y resistente delcantante brasileño. Habitando la frontera entre
la coreografía y el texto, la música y el silencio,
el diálogo y el monólogo, la pieza busca generar
un espacio geográfico donde el cuerpo de Natalia
Fernandes encuentra sus desvíos para hablar deCaetano.
Natalia Fernandes Bailarina, coreógrafa y pedagoga de la danza, oriunda de Sao Paulo, Brazil,
y residente en Madrid desde 2017. Ha trabajado
para creadores como Jesús Rubio Gamo y Poliana
Lima en España, y con coreógrafos y compañías de
Alemania, Israel o India entre otros países. Como
creadora, parte del método Anatomía Inventada
en todos los ámbitos de su trabajo artístico.
Victoria Trillo aka Vicky Leaks Cantante, compositora, performer y creadora de ambientes so-de Natalia Fernandes y Vicky Leaks.
2. Imagen de Desbordes de Amaranta Velarde.

noros valenciana, cuyos comienzos se esbozan
dentro del blues, jazz, funk y soul. Desde 2005
se dedica a la investigación de procesos de composición basados en la improvisación para artesescénicas y medios audiovisuales. Además de investigar en formato ensemble y la creación depaisajes sonoros, así como la relación entre artes visuales y música. En su último proyecto, su
alter ego Vicky Leaks busca nuevas formas decomposición y escritura, llevándola a la descomposición de la estructura musical basada en elbordón, donde se busca la esencia y la emoción
pura que subyace en la expresión musical. Proyecto interdisciplinar, donde la performance, el
teatro contemporáneo y la música se mezclan
para generar un lenguaje propio.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “DESBORDES”
DE LA COMPAÑÍA AMARANTA VELARDE
Realizado el 19 de noviembre a las 18h.
Duración: 1 hora
El proyecto investiga los conceptos de desbordamiento y contención en relación a la estética escénica, la corporalidad y el lenguaje coreográfico. Indaga en la necesidad de búsqueda deestado alterados de conciencia y la producciónde identidades alternas como vía de escape a loslímites cotidianos y la condición de vacío humano. Como punto referencial de inspiración,“Desbordes” mira hacia la estética camp y el movimiento efímero de los años ochenta del siglo
XX denominado New Romantics. La mezcla deelementos que lo comportan, su estética kitsch,su optimismo y exuberancia, las características
andróginas y la teatralización que implica la desnaturalización y artificialidad a través del exceso
y la evasión son el punto de partida del trabajo.
“Desbordes” cuenta con Amarante Velarde y Gui-

2

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Memoria de actividades 2021

Imagen de Útil por
Movimiento Colectivo.

llem Jiménez como intépretes, con Juan Cristóbal Saavedra como diseñador del espacio sonoro
y con la colaboración de Cris Blanco y Oihana
Altube.
Amaranta Velarde Bailarina y coreógrafa, su interés gira entorno a la intersección de aquello que
es producido artificialmente y determinado culturalmente con lo que aparece ser espontáneo,desinhibido e involuntario. Se gradúa en CODARTS (Universidad de Danza de Rótterdam) en
2004 y desde entonces trabaja intensamente con
el coreógrafo Bruno Listopad entre otros creadores. Se muda a Barcelona en 2011, realizando
las coreografías propias “Lo Natural”, “Hacia una
estética de la buena voluntad”, “Mix-en-scene” y“Apariciones Sonoras”. A parte, trabaja con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y
Ola Maciejewska. Ha formado parte del colectivo
ARTAS de La Poderosa (2013-2016) e imparte clases en el Institut del Teatre de Barcelona.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “ÚTIL” DE
LA COMPAÑÍA MOVIMIENTO COLECTIVO
Realizado el jueves 9 de diciembre a las 18h.
Duración: 1 hora
«En el silencio del cuerpo el movimiento nuncapara, y al entrar en relación con el espacio y elcontexto creamos significado a través de nuestras acciones. El movimiento es inconsciente, el
cuerpo aprende e integra.». “Útil” es un espaciode escucha. Un lienzo en blanco donde reflejar
el mapa del cuerpo. El significado más artesano de la danza. La motivación principal es la deelaborar un movimiento basado en la memoriadel cuerpo vivido. Tras muchos años de experiencia, en los que nuestros mapas físicos reales y virtuales han ido reescribiéndose en cadaetapa, pondremos nuestra intención en El Cuerpo como motor de movimiento, aislándolo de lavertiginosa sucesión de acontecimientos a nuestro alrededor, el «ruido» constante que nos ha
obligado a poner más atención al mensaje y noa lo que verdaderamente lo origina. Se utilizará
una cámara para registrar el proceso, con la idea
de obtener un documental del cuerpo que nos
permita reconocer cada detalle.
Movimiento Colectivo Tatiana Chorot, Laura Cuxart, José Luis Sendarrubias y Dácil González sereúnen bajo el nombre de Movimiento Colectivo.
Sus trayectorias les unen por primera vez, y lesbrindan la oportunidad de compartir experiencias, propiciando un espacio en común, donde
desplegar un imaginario de movimiento y de acción. Compartirán bagajes, conocimiento, y modos de abordar la escena.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “ANTÍGONAINMORTAL” DE LA COMPAÑÍA RAJATABLA DANZA
Realizado el viernes 10 de diciembre a las 12h.
Duración: 45 minutos“Os abro la puerta a mi forma de trabajo explicándola, desde las primeras fuentes de inspiración,
pasando por las ideas fundamentales, la filosofía
que me lleva a querer montar este espectáculo y elproceso de creación desarrollado en la residencia”—Esther Tablas“Antígona Inmortal” es una reinterpretación de lafamosa tragedia de Sófocles desde el punto de vista de la danza de raíz. Contar la vida de Antígona,
uno de los personajes femeninos universales delteatro, nos obliga a reflexionar sobre temas políticos, sociales, espirituales y morales, potencian-do el mensaje al conectar desde la danza directamente con el espectador, a través de la emoción.
El proyecto escénico se cimentará en las obrasde Sófocles y de Esquilo, para contar la historia
completa de nuestra protagonista. Y en diferentes
disciplinas artísticas, como la danza, el teatro y lamúsica, con la intención de que se comuniquen,
se influencien y contaminen entre ellas. El carácter ancestral conecta a nuestra Antígona con
el flamenco, así mismo, conecta el pensamientodel pueblo, representado por el coro de bailarines
y cantaores, con la danza folclórica y el flamenco a partes iguales. Se trata de dar rienda suelta
a la creatividad impulsándola con las siguientes
preguntas: ¿Qué haría una Antígona del siglo xxi
frente a una situación de conflicto extremo? ¿Essu mensaje, universal? ¿Qué armas tendría para
hacerse oír por la sociedad?
Rajatabla Danza Compañía dirigida por Esther
Tablas, que cuenta historias actuales a través deun lenguaje propio que nace de la danza española
tradicional y que crece y se renueva en cada pieza. Las propuestas despliegan todo su potencial
en escena combinando movimiento, música (deautores contemporáneos), luz y palabra. Las creaciones conectan de manera inmediata con todo
tipo de público a través de tres elementos clave: elegancia, pasión y actualidad. La Compañía
surge en 2007 y hasta 2013 estuvo dirigida por
sus dos fundadores, Esther Tablas y Antonio C.
Guijosa. En este periodo produce obras de teatro y danza, como “Enfermedades del Silencio”
o “Desde la oscuridad”, que han pasado -entre
otros- por el XVI Certamen de Coreografía de
Danza Española y Flamenco, por los Teatros delCanal o por el Teatro Albéniz. Desde 2013, Esther
Tablas toma el relevo en la dirección. La Compañía, conserva el carácter dramatúrgico centrado
en las inquietudes y problemas de la sociedad
actual, y orientando el lenguaje escénico hacia la
Danza Española Contemporánea en combinación
con distintas miradas plásticas y musicales. En
este periodo destacan “#am@r” o “Nora”, basada
en “Casa de Muñecas” de H. Ibsen. Desde 2021 es
Compañía Residente del Distrito Latina, donde
en noviembre de 2021 estrena “ANEMOI”, piezapensada además para espacios no convencionales.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “TRADERE”
DE LAIA SANTANACH Realizado el viernes 17
de diciembre a las 16h. Duración: 1 hora
“Tradere” es una propuesta de danza contemporánea y música electrónica en vivo que investi-

53

ga sobre la práctica de aquellas tradiciones occidentales que sacrifican el cuerpo por estima,
creencia y tradición y para formar parte de una
comunidad dentro de una festividad. Es una reflexión sobre la permanencia, de generación engeneración, de prácticas grupales tradicionales
donde el cuerpo es la principal herramienta deexposición. “Tradere” es una propuesta pensada
en tres formatos: Tradere-videodanza, Tradere
Short Piece y Tradere Indoor. Está coproducida
por Mercat de les Flors, Dansàneu, Ballet National de Marseille, Fira Mediterrània de Manresa y
Dansa Metropolitana.
Laia Santanach Lidera su propia compañía dedanza bajo su nombre. Cabe destacar sus creaciones “Aér”, premio Delfí Colomé 2018, candidata a los premios Max como mejor coreografía
y finalista en los premios Dansacat como espacio
sonoro. También ha realizado su trabajo en solitario “Bailando Bailábamos”. Actualmente, está
inmersa en su nueva creación TRADERE que se
estrenará en marzo del 2022 en el Mercat de lesFlors de Barcelona.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “LAS IDAS”,
DE CARMEN FUMERO CÍA. Realizado
el sábado 18 de diciembre a las 13h.
Duración: 40 minutos
Una ida, un paso atrás, una retirada. Los dos seencuentran en un alto. Una pequeña pausa en su
camino, solo posponen el siguiente paso. ¿Se han
ido o están idos?
Carmen Fumero Cía Carmen Fumero y Miguel
Zomas son bailarines freelance. Han colaborado
y trabajado juntos con coreógrafos y compañías
como Compañía Antonio Ruz, La Intrusa Virginia García/Damián Muñoz, Daniel Abreu, Mónica
Runde e Inés Narváez, Iker Arrue, Dimo Kirilov y
Tamako Akiyama y Compañía Lava. Comenzaron
su proyecto personal gracias a las residencias delCentro Coreográfico Canal en 2013. Desde entonces sus trabajos han sido presentados en varios
festivales por España, Red de Teatros Alternativos(2019), Red Acieloabierto (2016 y 2018), Circuito
Danza a Escena (2018), y en Festivales Internacionales como el Tanec Praha (República Checa),
Baila España Bremen (Alemania), Jacob´s Pillow(EE.UU.), Festival Rendez vous chez nous (Burkina Faso) y gala B.OOM by B. Dance en Taiwán yMalasia. Su dueto “…eran casi las dos” se llevó elprimer premio en el 29º Certamen Coreográfico
de Madrid, y primer premio en el II Certamen

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Memoria de actividades 2021

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2
1
1. IImagen de Antígona Inmortal por Rajatabla Danza.
2. Imagen de Tradere por Laia Santanach.

Coreográfico Distrito de Tetuán. Su último trabajo “Un poco de nadie” también ha sido premiado
con el 2º premio en el XV Certamen Coregráfic
de Sabadell y Premio Acorán de la Comunidad
Artística Canaria en XXV Certamen Coreográfico
Masdanza. A día de hoy, continúan investigando
y desarrollando su propio lenguaje a través desus proyectos, a la par que colaboran como intérpretes para otras compañías.

ENSAYO ABIERTO DE LA PIEZA “HARDSTYLE”,
DE VÍCTOR AGUADO Y MIGUEL BALLARÍN
Realizado el lunes 20 de diciembre a las 12h.
Duración: 1 hora
“Hardstyle, a Bootleg Choreography” es un proyecto de investigación y creación coreográfica
acerca de las danzas urbanas y nocturnas heterodoxas, presentes en el contexto de fiestas demúsica electrónica. Siempre en compás de 4/4
y a velocidades que sobrepasan los 120 bpm, su
objetivo coreológico principal (tanto el de las
músicas como el de las danzas) es el suscitar, por
un lado, estados de conciencia individuales placenteros (tanto por relajación como por activación) y, por otro, dinámicas gozosas de relación
social (tanto por cohesión como por distinción).
Por tanto, el primer criterio es metabólico: el delenguajes coreográficos capaces de incidir material y simbólicamente en el estado de relación
intrapersonal e interpersonal de los cuerpos danzantes. Un código que abandona toda disposición
computacional, sistemática, racional o lógica dela danza; en ella, ningún paso lleva a otro paso,
ningún movimiento es medio para ningún fin
más que sí mismo, pues cada paso es inmediatoy, así, el cuerpo que baila se hace máximamente
presente, e instantáneo. Una coreografía sumamente accesible y, por ende, una que permite ymotiva la grupalidad multitudinaria del fenómeno danzístico, de todo lo cual -se- trata esta forma radical de danza.
Miguel Ballarín (Madrid, 1993). Grado en Filosofía y Máster en Estudios Avanzados de Filosofía
por la UCM. Miembro del Seminario Complutense de Investigación en Historia y Teoría dela Danza, fundador y director de Cía. Co-Lapso.
Coreógrafo residente en Naves Matadero (2017),
Teatro Circo Price (2017), Centro Coreográfico
Canal (2018, 2021) y Centro Cultural Conde Duque (2018); coreógrafo para «Silent Opera on theLife and Art of Tehching Hsieh» (2018, The Place,
Londres) por Li-E Chen; coreógrafo invitado para
Tanzkongress (2019, Dresde), por Meg Stuart; coreógrafo y performer para «Sal de mi cuerpo»,
show de Arca para el Festival Sónar (2019, Bar-

Imagen de Las Idas por Carmen Fumero Cia.

celona). Docente de Danzas Urbanas en la Escuela Municipal de Música y Danza María Dolores
Pradera (Madrid): coordinador y co-redactor dellibro de texto “Historia de la Danza III: Danzas
Urbanas” por la editorial Mahali. Centrado en la
crítica del pensamiento estético desde una perspectiva histórica y técnica, cursa actualmente unproyecto doctoral titulado «Cuerpo y crisis: crítica del momento romántico» en el Departamento
de Filosofía de la UAM.
Víctor Aguado (Madrid, 1989). Máster en Crítica y
Argumentación Filosófica por UAM y Arquitecto
por la Universidad Politécnica de Madrid con estancia en Vilniaus Gedimino Technikos Universitetas (Vilnius, Lituania, 2013). DJ, músico, artista,
investigador y comisario de exposiciones, festivales y seminarios de investigación. Su trabajo como
DJ, músico y artista ha sido mostrado en espacios
como el Instituto Cervantes de Berlín y el de Nue-va York (2016), The Graduate Center of CUNY (City
University of New York) (2017), ArtCenter/South
Florida (Miami, 2017) o Théâtre de l’Échange Annecy (Francia, 2018). Como comisario, destacan las
exposiciones “Grafización” para el LiMac (Museode Arte Contemporáneo de Lima) (2015), “Suomen
kokeellinen musiikki/Música experimental finlandesa” (2017) gracias a Frame Contemporary Art
Finland y al apoyo del Instituto Iberoamericano deFinlandia y “Una imagen que no duela ni cueste
mirar “para la Sala de Arte Joven de la Comunidad
de Madrid (2020).Organización de los eventos formato fiesta/exposición “Horas Extras” en el Club
Siroco (Madrid, 2019) y “Trashnocheo” (con Julia
Morandeira, 2020) En el plano de la gestión cultural, destaca la colaboración con el Estudio Carlos
Garaicoa (2015), la dirección desde 2015 de la AMEE(Asociación de Música Electroacústica y Arte Sonoro de España) y la secretaría de la Unión de Artistas
Contemporáneos de España (Unión A.C.).

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Memoria de actividades 2021

57

RESIDENCIASINTERMITENTES

4.3

Una de las ideas conductoras del Centro Coreográfico Canal es la maximización de sus recursos,
y su puesta a disposición de los profesionales que
los necesiten, como un apoyo firme a la investigación y la creación danzística, pero también como
una ayuda a los creadores y las compañías en su
desarrollo profesional, apoyando la estabilidad deltejido empresarial y profesional de esta importante industria cultural.
Para mantener en uso rotativo de las excelentes infraestructuras del Centro Coreográfico Canal, a fin de que estén permanentemente ocupadas por creadores, se ofrecen durante todo el año“Estancias Intermitentes” para que los artistas ycompañías profesionales de danza y otras artesdel movimiento, con prioridad a las compañías
afincadas en la Comunidad de Madrid, puedan
hacer uso de sus instalaciones razonadamente,
planificando sus ensayos y compartiendo las salas. Es un método que se ha revelado muy efectivo para la generación de sinergias entre distintos
profesionales y compañeros, y un estímulo parael intercambio de ideas, de la misma forma que
permite mantener los recursos del Centro Coreográfico Canal siempre en uso, cumpliendo completamente con su deber como institución pública. Esta línea de apoyo consiste básicamente enla puesta a disposición de los profesionales delsector, sin diferencias de estilos, los estudios ylas salas de ensayo, para que puedan crear, desarrollar y poner a punto sus coreografías en ellos,
siguiendo las reglas de uso compartido y en función de la disponibilidad de los espacios.
Así mismo, las Compañías programadas por
los Teatros del Canal en la progamación anual desus tres Salas (Roja, Verde y Negra), y las compañías programadas por los distintos Festivales deDanza con los que los Teatros del Canal colaborao acoge, y que han solicitado la disponibilidad desalas de ensayo a parte de los escenarios, para lapuesta a punto de sus espectáculos, han podido
también disfrutar de estas micro-residencias.
En total, más de 30 compañías se han beneficiado en 2021 de estos programas de residencias,
En función de la programación de los Festivalesde la Comunidad de Madrid que se exhiben en los
Teatros del Canal, han sido:—Festival Madrid en danza: 11 compañías—Festival de Otoño: 6 compañías—Festival Suma Flamenca: 8 compañías—Canal Street (programa de danza urbana
nacional e interancional): 7 compañías
Fuera de programación, y para atender a la demanda de espacios para el ensayo, la investigacióny la gestación de nuevos espectáculos de las compañías principalmente asentadas en la Comunidad
de Madrid, se concedieron estas micro residencias
intermitentes a:
Antonio Najarro Cía Fundada en 2002 por el reconocido bailarín y coreógrafo español Antonio
Najarro (Madrid, 1975), distinguido con la Matrícula de Honor del Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid a los 15 años y bailarín
principal de infinidad de compañías como el Ballet Teatro Español de Rafael Aguilar, Ballet delTeatro Lírico de la Zarzuela, el Ballet Antología,
José Antonio y los Ballets Españoles, la Compañía
Antonio Márquez, la Compañía Aida Gómez o elBallet Nacional de España, que luego dirigiría de2011 a 2019, creando un completo conjunto denuevas coreografías para la institución española
y dándole una gran visibilidad a todos los niveles. Con su propia compañía, ha creado los espectáculos “Tango Flamenco” (2002), “Flamencoriental” (2006), “Jazzing Flamenco” (2008), “Suite

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Sevilla” (2011) o “Alento” (2019). Es así mismo coreógrafo de patinaje artístico sobre hielo, muy
apreciado internacionalmente, llevando a losequipos franceses, suizos y españoles a conseguir
medallas olímpicas y del mundo. Entre los múltiples premios recibidos, cabe destacar el Premio
Fundación AISGE Actúa de Danza en 2016, Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en
2013, Premio Mejor Coreógrafo en el Certamen
Internacional de Danza Española y Flamenco de
Sevilla (2008) o el Premio Max al Mejor Intérprete de Danza en 2010.
La Phármaco Fundada en 2009 por la bailarina ycoreógrafa Luz Arcas (Málaga, 1983), ganadora delPremio El Ojo Crítico de Danza en 2015, Premio
Mejor Intérprete Femenina de Danza 2015 en los
Premios Lorca y nominada como Mejor Intérprete Femenina de Danza en Premios Max (2017). Entre sus espectáculos destacan “Kaspar Hauser. El
huérfano de Europa” (2016), “Miserere. Cuando lanoche llegue se cubrirán con ella” (2017), “Unagran emoción política” (2018) coproducida por elCentro Dramático Nacional y la trilogía “Bekristen / Cristianos”, estrenada en Teatros del Canalen 2019. Ha coreografiado para el Víctor Ullate
Ballet o la Compañía Nacional de El Salvador y harealizado numerosos proyectos en países de Áfricay América. Su último trabajo, “Toná” (2020), se
estrenó en el Teatro de la Abadía dentro del Festival de Otoño de Madrid.
Lucía Lacarra (Zumaia, Guipúzcoa, 1975). Primera
Bailarina del Ballet de la Ópera de Múnich. Considerada una de las principales figuras del balletclásico actual, presenta una trayectoria artística degran relevancia. Su interés por la danza lo mostró
desde una edad muy temprana y a los 9 años comenzó a tomar clases en su Zumaia natal. A los 13,
ingresa en la Academia Thalía, de Mentxu Medelen San Sebastián, y un año después llega a Madridpara ingresar en la Escuela de Víctor Ullate en laque comenzó a despuntar como futura promesa
de la danza, hoy consagrada. El Ballet Nacional deRoland Petit, donde interpretó todo el repertoriodel prestigioso creador, el Ballet de San Francisco
y el Ballet de la Ópera de Múnich, del que ha sido
solista desde que ingresara en 2002, conforman lacarrera artística de esta bailarina galardonada con
el Premio Nacional de Danza en la modalidad deInterpretación en 2005. Un premio que se suma aotros en su haber como el Premio Nijinsky 2002y el Benois de la Danza 2003.
Daniel Abreu (La Matanza, Tenerife, 1976). Formado como bailarín clásico y contemporáneo,Memoria de actividades 2021

pero también Licenciado en Psicología, algo muy
presente en sus trabajos, fundó su propia compañía en 2004. Entre sus muchos trabajos realizados destacan “Perro” (2006), “Animal” (2011),“Cabeza” (2012), “Silencio” (2013), “Venere” y“Vertebral” (2015), “Two Men” (2016), “La Desnudez” (ganadora de tres Premios Max a intérprete,coreografía y mejor espectáculo), “Más o Menos
Inquietos” (2017) o “Abisal” (2019). En el año 2011
entra en el prestigioso grupo de artistas que conforman el programa europeo Modul Dance. De
2018 a 2020 es nombrado director artístico deLava Compañía de Danza, la compañía de El Auditorio de Tenerife. Entre los numerosos premios
que atesora, se encuentra el Premio Nacional deDanza (2014), el Premio del Jurado a la mejor
coreografía en el XVIII Certamen Coreográfico
de Madrid (2005) o el Premio Fundación AISGE
al bailarín sobresaliente (2005).
Metamorphosis Dance Compañía de danza contemporánea fundada en 2019 por los bailarines,
directores y coreógrafos Iratxe Ansa e Igor Bacovich. Ansa es una artista de prestigio internacional que ha bailado en algunas de las compañías
más afamadas del mundo, como el Basel Ballet, elBallet Gulbekian, la Compañía Nacional de Danza,
el Ballet de la Ópera de Lyon o la Nederland Dans
Theater. En 2020 fue reconocida con el Premio
Nacional de Danza y, en 2021, con el Premio Max
a la mejor intérprete femenina de danza. Bacovich
se formó en la Accademia Nazionale de Danza diRoma y en CODARTS (Rotterdam) y ha formado
parte de las compañías de Kirsztina de Chatel,
Bruno Listopard o Nanine Linning. En 2021 recibió el prestigioso Premio Nazionale Sfera D’Oro
per la Danza en Italia. Juntos han desarrollado su
propia metodología de trabajo, llamada Metamorphosis Method, que es el punto de partida tanto del entrenamiento de sus bailarines como desus procesos creativos. Su proyecto aúna fuerza
expresiva, profundidad emocional, fisicalidad,
riesgo, audacia, excelencia y precisión en el movimiento. Con Metamorphosis Dance han creado,
entre otros, los espectáculos “Dog Talks” (2019),“Al desnudo” (2020), "Elkarrizketa Ilunak" (2020)-ambos estrenados en Teatros del Canal- y CreAcción (2021). Metamorphosis Dance también hadesarrollado un nutrido catálogo de videocreaciones que conforman otra vertiente importante desu trabajo creativo.
Ángel Garcés Nacido en Caracas, Venezuela, ycriado en las Islas Canarias, se ha formado en distintas disciplinas en torno al movimiento, siendola danza contemporánea y el hip-hop las herra-

mientas de base para desarrollar su creatividad.
Ha trabajado en las compañías de Natalia Medina y Sara Sánchez. Comienza su carrera como
coreógrafo con “Vamos” (2020), interpretándola
en festivales como SoloDos En Danza, con la queconsigue el Premio de Programación en el 34º
Certamen Coreográfico de Madrid. Ha participado
en el Festival 10 Sentidos, donde recibe el Premio
Migrats, y otros festivales como el HOP Barcelona
o Sanskar Festival India. Actualmente reside entre
Canarias y Madrid.
Elías Aguirre Creador multidisciplinar, bailarín,coreógrafo, fotógrafo, artista plástico y audiovisual. En 2008 comienza a desarrollar proyectos
propios. Sus trabajos se caracterizan por la convergencia de técnicas de danza contemporánea,danza urbana, teatro gestual y una constante inspiración en la “naturaleza invisible”. En 2010 pasa
a formar parte de las Compañías residentes del
Ayuntamiento de Madrid. Sus piezas han obtenido
diversos premios internacionales (Primer Premio
Iberoamericano Alicia Alonso, Primer Premio
Burgos Nueva York…) y han sido representadas en
festivales de los cinco continentes. Entre sus creaciones se encuentran “87 grillos” (2008), la multipremiada “Entomo” (2009), “Escuálido Marsupial”(2010), “Longfade” (2011), “Lucha o Vuelo” (2012),“Fligthless” (2015), “Shy blue” (2016), “Pez esfinge” (2017), “Rarewalk” (2018), “Insecto Primitivo’(2019), “Empusa Poem” (2020) y “Flowerheads”(2021). Aguirre es director artístico del Festival
Cuerpo Romo.
Nafas Dance Company-Patrick de Bana (Hamburgo, Alemania). Bailarín y coreógrafo de nacionalidad alemana-nigeriana y afincado en España inició su carrera a las órdenes de Maurice Béjart en
Laussane e ingresó en 1992 como bailarín de laCompañía Nacional de Danza a petición de Nacho Duato. Ha bailado con coreógrafos de la talla
de Jiri Kylian, Ohad Naharin, William Forsythe,Mats Ek o Hans van Manen. Ha sido coreógrafo ybailarín en las películas "Iberia" (2004) y "Fados"(2006) dirigidas por Carlos Saura. Ha sido director
artístico de la Gala Mundial del Ballet de Shanghái "Baiser vole" y creador de "Echoes of Eternity" (2014) y "Memories of a kiss" (2016); el mismo
año, Patrick de Bana creó "Marie-Antoinette" parael Wiener Staatsballett. Ha trabajado con bailarines como Agnes Letestu, Aurèlie Dupont, Eleonora Abbagnato, Friedeman Vogel, Mizuka Ueno,
Farouk Ruzimatov, Ilze Liepa, Eva la Yerbabuena,
Ivan Vasiliev, Isabelle Guèrin y Svetlana Zakharova. En 2018 creó "Medea" para Laura Hecquet,
Etoile del Ballet de la Ópera de París y "Dreams of59

a Traveller – A Tale from Muharraq" estrenada conéxito en Bahrein. En 2019, estrenó "Silk/Ochiba"en la gala "Manuel Legris and Stars in blue" en Tokio con Manuel Legris y Olga Smirnova. En 2019
estrenó "Les Noces - Svadebka. Solitude of Poetry"en el Teatro de la Academia Estatal de Moscú yen 2020 estrenó "Call of the Steppe" para el Balletde la Ópera de Astana. En 2022 crea el solo "In
your black eyes" para el reconocido bailarín italiano Roberto Bolle que actualmente es parte de su
tour mundial y estrena "Windgames" con Masayu
Kimoto, para el Tokyo City Ballet. Actualmente
Patrick de Bana crea, en paralelo a sus compromisos artísticos con diferentes teatros europeos, su
proyecto de danza contemporánea "Medea, Madre"
junto a Helena Martín, Aida Badia y Luis Ortega
con base en el Centro Coreográfico Canal.
Manuel Liñán (Granada, 1980). Premio Nacional deDanza en 2017, es un artista flamenco alabado porla pureza de su arte, su frescura y su pasión interpretativa. Tras años de investigación hacia nuevas
tendencias, este bailaor y coreógrafo se mueve entre tradición y vanguardia, hasta llevarla a un punto insólito entre la genialidad y la simpleza, que lo
sitúa en un lugar privilegiado del panorama actualde la danza flamenca. Entre sus espectáculos más
destacados se encuentran “Cámara Negra” ( juntoa Olga Pericet, 2005); “Tauro” (2010); “Mundo yaparte” (2012); “Nómada” (2014); “Sinergia” (2015),“Reversible (2016), “Convivencias” (2017), “Baile deAutor” (2018) o “Viva!” (2019). Entre otros premios,tiene en su haber cuatro Premios Max y ha sido
galardonado tres años consecutivos con el Premiode la Crítica Nacional “Flamenco Hoy”.
Daniel Doña (Granada, 1977), fundador de DDC
Danza en 2013, es un coreógrafo y bailarín con una
amplia experiencia como intérprete en grandes
teatros internacionales, desde La Ópera de París ala de Sídney. Su compañía pronto se reveló como
un agente de fusión renovadora de la danza española, el flamenco y la danza contemporánea, combinando tradición y nuevas tendencias. Entre sus
espectáculos más destacados se encuentran “A Pie”
y “A Pie de Calle” (2013), “Black Box” (2014), “No
Pausa” (2015), “Nada Personal”, “Hábitat” (2016),“Cuerpo a Cuerpo” (2017), “Psique” o “Campo Cerrado” (2020). Ha sido maestro invitado del Ballet
Nacional de España y coreógrafo en las compañíasde Miguel Ángel Berna, Ibérica de Danza, Ballet Nacional de Cuba, Rojas & Rodríguez, Rafaela Carrasco y Teresa Nieto. Desde el año 2014 es miembrode la Academia de las Artes Escénicas de España yco-director del Certamen Coreográfico del Distrito
de Tetuán de Madrid. Ha recibido dos Premios Max

60(mejor coreografía en 2009 y mejor intérprete en2019), el Premio RNE Ojo Crítico (2016), el premio
HEBE de Honor en el campo de las Artes Escénicas(2016) y el Premio Hugo Boss a los Jóvenes Valores
de las Artes Escénicas (2004).
Marcat Dance Compañía de danza contemporánea
con sede en Vilches, Jaén, fundada en 2016 por el
coreógrafo español Mario Bermúdez Gil y la bailarina estadounidense Catherine Coury. A travésde la continua investigación sobre la dinámica delcuerpo, apuestan por el poder de la imaginacióny los riesgos creativos, buscando inspiración endiferentes culturas, rituales, tradiciones y paisajesdel mundo. Mario Bermúdez, tras su experiencia
como bailarín de la Batsheva Dance Company en
Israel, compagina las creaciones y exhibiciones desu propia compañía por España y el extranjero, conla enseñanza y transmisión de su forma de trabajo,
y con encargos coreográficos para otras relevantes
compañías internacionales como la CND, la Hung
Dance Taiwán, el Scapino Ballet de Rotterdam,il Nuovo Balletto di Toscana o la National Dance
Company Wales. Desde su establecimiento en España, Mario Bermúdez ha sido galardonado con
piezas creadas para Marcat Dance en el Concurso Internacional de Copenhague 2016, Masdanza
2018, Burgos-New York en 2019, y ha sido nominado para tres categorías en los Premios Max en el
año 2020. El extenso repertorio actual de Marcat
Dance incluye las piezas largas como Anhelo, Alanda, Huesos de Madera e Inside Kid, y las piezas
cortas Adama, Garip y Duet Alanda.
KOR'SIA Colectivo con sede en Madrid dirigido por
los coreógrafos Mattia Russo y Antonio de Rosa,
junto con el investigador de artes vivas y co-fundador, Giuseppe Dagostino y Agnès López-Río,
Catedrática de Artes Escénicas y asesora artística.
Para este colectivo, las artes, y en concreto las artes del movimiento, se conforman como las únicas
representaciones que logran transmitir la esenciadel ser humano, todo aquello que es gestado por
nuestras sociedades: tradición, sociedad, cultura.
En su joven y muy reconocida internacionalmente
trayectoria, caben destacar espectáculos como “Yellow Place” (2014); “Cul de Sac” (2016), “The Lamb”
y “Human” (2017), “Spanish Suite” (2019), “Giselle”(2021) o “IGRA” (2021-22).
Fabian Thomé (San Juan de Luz, Francia, 1981),
funda y dirige la Full Time Company en 2019. El
coreógrafo y bailarín, formado en múltiples disciplinas dancísticas y graduado por el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid en Danza
Española y Flamenco, ha sido intérprete de com-

Memoria de actividades 2021

pañías como el Cierco del Solla Eastman Company
de Sidi Larbi Cherkaoui, Sharon Fridman, Joaquín
Cortés, Rafael Amargo, Carlos Fuentes o Jean Phillipe Dury. En 2011 funda su propia compañía, Full
Time, con la que coreografía “Desde el Sofá”, alque segurián “Del Juego a la Pelea” (2011; segundo premio en el Certamen Coreográfico Nacionalde Danza Española y Flamenco), “Entre Sombras”(2014), “Umbra” (2016), “YöY” (20189, “Moi Je”(2019), una pieza sobre el Ego que recibe el Primer
Premio del Certamen Coreográfico de Madrid, y“Humos” (2020).
Yoshua Cienfuegos (Oviedo, 1973) es un consolidado creador y director de la escena actual española.
Miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España, lidera desde 1999 CienfuegosDanza, para la que ha creado espectáculos como
“Ainielle” (1999), “Ley de silencio” (2000), “Purgatorio” (2001), “A la mesa!” (2002), “Agua de arroz”(2003), “Cuando muere un ángel” (2004), “Ofelias”(2005), “Cisnes negros” (2007), “Matar a Cupido”(2009), “1.618… DAVINCI, Leonardo inspira danza” (2010), “Odeim” (2011), “La consagración dela primavera”, “La siesta de un fauno” (2014), “88Azucenas y un perro” (2016), “Tabula Rasa / Viejas” (2018), “Réquiem” (2019) o su última creación,“Aisla2” (2021), así como los montajes para público familiar “El barón de Münchausen”, “La Cerillera”, “Amada Candela” y “La Bella Durmiente?”.
Cienfuegos también ha coreografiado para otras
compañías como el Ballet Contemporáneo de losTeatros San Martín de Buenos Aires, la Compañía
Nacional de Danza de Costa Rica, la de Venezuela o la de El Salvador. Ha sido galardonado con elPremio Nacional de Danza de Costa Rica (2010) yvarios premios nacionales como director escénico
y coreógrafo. Director del proyecto de investigación Estancias Coreográficas, pertenece también al
cuerpo de Catedráticos del CSDMA.
Instituto Stocos Compañía fundada y dirigida por
Muriel Romero y Pablo Palacio, centrada en el análisis y el desarrollo de la interacción entre el gesto
corporal, el sonido y la imaginería visual. La investigación y los trabajos desarrollados en este ámbito
integran en un contexto escénico abstracciones tomadas de otras disciplinas tales como la inteligencia artificial, biología, matemáticas o la psicología
experimental. La expansión de la energía corporalde la danza a otras modalidades sensoriales, en un
dialogo sostenido con la ciencia, es el campo de investigación de la coreógrafa y bailarina Muriel Romero y el compositor Pablo Palacio. Romero, que
comenzó su trayectoria con coreógrafos como W.
Forsythe o Jiří Kylián, funda junto a Pablo Palacio

el Instituto Stocos, desde el que analizan y desarrollan la interacción entre gestos, sonidos e imaginería visual. Se sirven de la tecnología para evolucionar la danza y la música. Fruto de su imaginario, elInstituto Stocos ha producido una serie de trabajos
escénicos que funcionan como una diseminación
artística de su investigación. Piezas suyas comoAcusmatrix, Catexis, Stocos, Double Bind, Neural
Narratives, Piano & Dancer, The Marriage of heaven and Hell, Ocuemene o The Hidden Resonancesof Moving Bodies hablan este nuevo idioma inventado por ellos. El cuerpo teórico que generan Muriel Romero, Pablo Palacio es además objeto de estudio en conservatorios y Universidades de todo elmundo. Participan en proyectos europeos pionerosde investigación como WhoLoDancE, Metabody,
D.A.N.C.E o PREMIERE.
Cía. Alba González Licenciada en Psicología por laUAM, en 2009 comienza su formación de danza
con Carmen Senra y continúa en el Professional
Dance Master SEEDS de Cobosmika Company.
Como intérprete ha trabajado con diversos creadores como Thomas Noone, Jorge Jauregui, Roberto
Olivan, Peter Mika, Colectivo Lisarco, Compañía
Tejido Conectivo, Laminima, Laimperfecta, Raquel
Sánchez y Chefa Alonso en Bailar el agua, Ainhoa
Hernández Escudero, Ana Erdozain o Chevi Muraday. A parte de ser profesora en varios Centros deDanza, funda en 2011 su propia compañía, con laque ha creado piezas como el solo “Nudo”, “Salida
de Emergencia” (2015, ganador del Premio Residencia Artística Tanzhaus de Zurich en el 29 Certamen Coreográfico de Madrid); “Glitter” (2019 Ayuda a personas físicas para la creación y el desarrollode las artes escénicas, musicales, cinematográficas
y de diseño de moda de la Comunidad de Madrid)y “Piel, o de cómo volver a pasar por el corazón”(2021), ambas programadas por el Festival Surge
Madrid y esta última en el festival MoverMadrid.
Olga Pericet Creadora internacional, la bailaora ycoreógrafa Olga Pericet comparte su vibrante arte
con el público de los principales festivales y teatros del mundo. Bebe de la tradición y se lanza al
abismo de lo nunca visto con espectáculos en losque late un flamenco de opuestos: oscuro y luminoso, femenino y masculino, inquietante y bello.
En 2018 recibe el Premio Nacional de Danza en
la modalidad de Interpretación por "su capacidad
de aunar las distintas disciplinas de la danza española, actualizándolas en un lenguaje interpretativo
con sello propio” y por “su versatilidad escénica
y su valiosa capacidad de transmisión”. Gran renovadora del flamenco, muchos otros galardones
reconocen su dominio técnico, la armonía y el pre-61

ciosismo de su trabajo: el Premio MAX a la Mejor
Intérprete de Danza por Un cuerpo infinito (2020),
el Premio Extraordinario de Teatro ACE Awards
2016 (Asociación de Cronistas de Espectáculos deNueva York) o el Premio de la Crítica del Festival
de Jerez (2018). Es requerida por el Ballet Nacionalde España como coreógrafa invitada para el espectáculo “Electra”, de Antonio Ruz. Como artista invitada ha colaborado junto a artistas de la talla deBelén Maya, Blanca Del Rey, Rocío Molina, Teresa
Nieto, Manuel Liñán, Marco Flores, Daniel Doña,
Juan Carlos Lérida, Chevi Muraday, Ángel Rojas,
Carlos Rodríguez o Miguel Ángel Berna, entre muchos otros.
Compañía Embrujo Fundada por el bailaor y coreógrafo especializado en flamenco, danza española y escuela bolera Pedro Fernández Embrujo, en
Chile en el año 2000, Embrujo ha trabajado en laincorporación de ciertos elementos latinoamericanos a estas disciplinas como melodías de tangos
argentinos, letras de Violeta Parra o la poesía de Pablo Neruda. Sus obras le han hecho merecedor dealgunos prestigiosos galardones como el Premio al
mejor coreógrafo 2018, otorgado por el Círculo deCríticos de Arte de Chile y el Premio al mejor bailarín e intérprete 2019, otorgado por la Academia
de Bellas Artes de Chile, entre otros. Actualmente
el artista reside y trabaja en Madrid. Entre otros
espectáculos de esta compañía, destacan “Lota, lasmujeres del carbón” (2017), “Zarzuela Rosa” (2019)o “Lorca es Flamenco” (2021).
Cía. Antonio Ruz (Córdoba, 1976), creada en el año
2009 por el director y coreógrafo Antonio Ruz, tiene como objetivo la investigación y búsqueda denuevas vías en el campo del movimiento y la colaboración con artistas de otras disciplinas como lasartes plásticas, la música antigua y contemporánea.
Entre sus producciones, generalmente realizadas
con el apoyo de distintas instituciones nacionales
e internacionales, destacan: “No Drama” (2010),“Ignoto” (2011), “Ojo” (2012), “Libera Me!” (2012),“Vaivén” (2014), “À L’Espagnole” (2015), premio
al Mejor Espectáculo Innovador por la Asociaciónde Grupos Españoles de Música Antigua (GEMA) y
nominada a los Premios Max como Mejor Espectáculo de Danza, Coreografía y Elenco; “Recreo.02”(2015), “Beautiful Beach” (2015), “Double Bach”(2016), con la aclamada bailarina Tamako Akiyama, “Presente” (2019), nominada a los Premios Max
como Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Coreografía, Mejor Diseño de Iluminación, Mejor Diseño
de Vestuario y Mejor Interpretación Femenina, o“Signos” (2021) en colaboración con la violista Isabel Villanueva.

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Rolando Salamé Actor y mimo escénico, ha desarrollado su carrera en teatro, danza y cine con trabajos unipersonales y como integrante de distintas
compañías en teatros y festivales de Europa y Latinoamérica. En 2018 funda junto a Katia Humenyuk la compañía No Bautizados, que integra la danza contemporánea con el teatro gestual y que hasido premiada en diversos certámenes y festivales,
tales como Burgos-Nueva York, Bionic Dance festival y el Certamen Coreográfico de Madrid, donde
obtuvieron la residencia en el Centro Coreográfico
Canal para crear la versión larga de su pieza “Loinvisible”, estrenada en 2020 en 21 Distritos. Hoyforman parte de Red Cielo Abierto 2021 y preparansu estreno internacional en San Vincenti Festivalen Croacia y en el Festival Solodos En Danza de
Costa Rica.
Paula Quintana Creadora e intérprete. Su trabajo
se basa en un lenguaje personal que hibrida estilos creando un vínculo con el espectador a diferentes niveles, intelectuales y viscerales, en un
firme compromiso con el tiempo en que vivimos
y la búsqueda de formas y modos genuinos paracada creación. Artista Art For Change Fundación
LaCaixa, 2021, ha recibido también la beca “Fondsde dotation Porosus" y residencia en “Cité international des Arts” para "CAMPING'19" de creación
contemporánea en el Centre National de la Danse Paris; y los premios a Mejor Intérprete en los
Premios Réplica de las Artes Escénicas 2019; Primer premio III Certamen Europeo Mujer Creadora
Contemporánea 2016; Premio Especial Mejor Artista Emergente Feria Umore Azoka 2015; Cuatro
candidaturas Premios Max 2020 y dos en 2016.
Como creadora, entre sus espectáculos destacan“La Carne” (2020), “Las Alegrías” (2019), “Siempre,
en algún lugar” (2017), “Latente” (2015), “Amarga
Dulce” (2015), “Sueño3” (2015) y “Pieles” (2014).
Ha sido artista residente en Centro Coreográfico
Canal Madrid, Centro Granner Barcelona, Tipperary Platform Irlanda o Teatro de La Abadía Madrid
entre otros. Realiza piezas site-specific, talleres yactividades de mediación cultural para instituciones y festivales dentro y fuera de España. En losúltimos años ha presentado su trabajo en España,
Italia, Francia, Corea del Sur, Reino Unido, Congo,
Uruguay y EE.UU. entre otros.
Teresa Garzón Creadora, bailarina y actriz granadina, graduada por el CSDMA de Madrid. Ha trabajado en diversos proyectos escénicos con compañías
de danza y teatro como La Fura dels Baus, Alfredo
Sanzol o Instituto Stocos. Actualmente trabaja en
cía. Antonio Ruz, La Tristura y Aves Migratorias deMadrid. Como coreógrafa y creadora, aparte de su

Memoria de actividades 2021

proyecto en solitario “FuckSia”, finalista del certamen de solos en estado de germen "Me, Myself& I" dentro del Certamen Coreográfico de Madrid,Santas Al Cielo, estrenada en el Teatro Isabel La
Católica en 2021, y con Chantal Soler el duo “El
Cielo” (2021).
Otras compañías que han pasado para ensayos puntuales en nuestras instalaciones son:
Elephant In The Black Box Company se creó en2013 bajo la dirección artística de Jean-Philippe
Dury. Desde entonces cuenta con artistas llegados
de importantes compañías de danza internacionales en sus espectáculos. La elegancia, el rigor y la
excelencia son su marca. EBB Dance Company parte de una concepción escénica contemporánea quele permite tanto la revisión de famosos clásicos dela danza, como abordar temáticas actuales. Ha producido 12 espectáculos de danza incluyendo coreografías del director artístico Jean-Philippe Dury yde otros creadores como Nacho Duato o el israelí
Idan Sharabi y han ganado presencia en multitudde festivales y teatros internacionales Dance Salad,
Huston, Festival Le temps d’Aimer, International
Dance Festival Busan BIDF, Corea del Sur, Dance
Gallery Festival, NY o Festival Internacional Madrid En Danza.
Marina Heredia y Eva la Yerbabuena La cantaora
granadina, que en 2004 recibió el Premio Andalucía Joven a las Artes por contribuir a la difusióndel flamenco y de Andalucía en el mundo, se une
a la coreógrafa que en 1998, a los 28 años, fundó
su propia compañía y que puede vanaglorariarsede haber actuado en los principales escenarios delmundo: la Ópera de Sidney, el Theatre de la Ville deParís, el Sadler´s Wells y el Barbicane de Londres,
el City Center Neoyorquino etc. Marina Heredia
tiene una larga carrera discográfica, de la que podemos destacar discos como “A mi tempo” (2013)
o “Capricho” (2021). Eva Yerbabuena ha coreografiado espectáculos como “El huso de la memoria”(2006), “Santo y Seña” (2007), “Ay” (2013), “Carne yhueso” (2017) o “Al igual que tú” (2021) entre muchos otros. Juntas trajeron a Madrid su espectáculo
“Lorca y la pasión. Un mar de sueños” (2020).
Cía Käfig La compañía Käfig fue fundada en 1997
por el bailarín y coreógrafo de danza contemporánea y hip-hop Mourad Merzouki, reconocido por
ser el gran renovador del lenguaje del hip hop,transcendiéndolo en las vertientes coreográfica,
escenográfica y estética. El trabajo de Merzouki
siempre ha estado cerca de las denuncias sociales yha querido alejar al hip hop de su contexto de marginalidad, evitando los estereotipos sociales. En
2006, el recibió el Premio SACD de nuevo talento
coreográfico. La Cía.Käfig es residente en el Espace
Albert Camus de Bron (Francia). Desde 2009 dirige
el Centro Coreográfico Nacional de Créteil convirtiéndose en el segundo coreógrafo de hip-hop (conKader Attou) a la cabeza de un CCN en Francia,
en sucesión de Dominique Hervieu y José Montalvo. Entre los últimos espectáculos de la compañía
destacan “Pixel” (2014), “Cartes Blanches” (2016) o“Vertikal” (2019).
Cie Accrorap-Kader Attou La compañía Accrorap
nació a finales del año 1989 con Kader Attou, coreógrafo francés de origen argelino, y sus amigos Eric
Mézino, Mourad Merzouki y Chaouki Said en lossuburbios de Lyon. Fusionando las acrobacias y ladanza de calle crearon unas originales coreografías.
Los espectáculos de Accrorap cuentan historias yson especialmente vitales, en un diálogo entre el
hip hop y la danza contemporánea. Actualmente lacompañía Accrorap está considerada la más importante de Francia en esta fusión. Entre sus espectáculos más destacados, cabe citar “Anohka” (2000);“Porquoi Pas” (2002), “Douar” (2003), “Les corpsétrangers”(2006), “Pequeñashistorias.com” (2008),“Symphonia Piesni Zalosnych” (2010), “Allegria”(2018) o “The Roots” (2019).
Brodas Bros Compañía internacional de hip hop,danza y cultura urbana nacida en Barcelona en 2006
y creada por dos hermanas, Clara y Berta Pons, y
dos hermanos, Pol y Lluc Fruitós, pioneros en llevar
sus espectáculos urbanos a grandes teatros nacionales, ya desde su primer "Brodas bros" (2006) o con"Concierto concepto" (2012), "Vibra" (2016), “Around
the World” (2019) o “Doji” (2021). Han ganado elcampeonato del mundo SDK, el Eurobattle 2012 y
Justedebout Spain en numerosas ocasiones. En 2017
fueron nominados a los Premios Max como mejor
elenco por “Vibra” y en 2018 al mejor espectáculo
de calle por “Ejército de la luz”. Han trabajado con
Tricicle, Cirque du Soleil, Desigual, Chevrolet, TVE,
Vodafone y Rafa Nadal entre otros.

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Stéphane Phavorin Durante sus 25 años de carrera
profesional como primer bailarín en el ballet de laÓpera de París, baila coreografías de muchos de losgrandes coreógrafos contemporáneos, incluyendoa Pina Bausch, William Forshythe, Mats Ek, Twyla
Tharp, Jiri Kilian, and Wayne McGregor. Su repertorio clásico incluye los roles principales en los Ballets de Rudolf Nureyev: Rothbart en “El Lago delos Cisnes”; el príncipe en “El Cascanueces”; Tybalt
en “Romeo y Julieta”, así como papeles principales
en otros ballets clásicos como James en el ballet romántico “La Sílfide” de Pierre Lacotte. Ha recibido
el premio AROP de la Opera de París y las medallasde plata en los prestigiosos concursos internacionales de París y San Petersburgo.
Olga Mesa (Asturias, 1962), coreógrafa y artista
visual, es una destacada personalidad de la danzacontemporánea hecha dentro y fuera de nuestro
país, una creadora ecléctica que se mueve en diversos campos artísticos. Estudia danza, música yteatro en España y Francia, y gracias a una beca
ganada en el Certamen Coreográfico de Madrid,
también en el Merce Cunningham Studio de Nueva York. Su trayectoria como creadora comienza a
finales de los años ochenta, cuando junto a Blanca Calvo y La Ribot, funda la compañía Bocanada
Danza, y diez años más tarde, La Asociación La Inesperada. Destinado este colectivo a acoger proyectos de investigación y talleres sobre la danza másvanguardista, continúa en esa tónica de investigación y territorios indisciplinados. En 1992 fundó
su propia compañía en Madrid y ha creado 11 piezas, muchas de ellas agrupadas en trilogías, como
"Res, non verba", donde se encuentra su aclamado
solo "estO No eS Mi CuerpO", o el proyecto "Máspúblico más privado", iniciado en 2001 y compuesto de cinco movimientos, donde se incluye la pieza "Suite au dernier mot: au fond tout est surface"(2003). La creadora también desarrolla obra comovídeo artista en colaboración con el creador visualcatalán Daniel Miracle. Desde 2005 dirige la asociación Hors Champ/Fuera de campo. En 2016 fue
nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las
Letras de la República Francesa.

Memoria de actividades 2021

OTRAS
ACTIVIDADES

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En la voluntad y el compromiso del Centro Coreográfico Canal por
dar a conocer la danza y crear una cultura viva y accesible para todosde las artes escénicas del movimiento, este 2021 se han iniciado una
serie de proyectos novedosos, expandiendo la creación coreógráfica
fuera de sus muros, o abriendo otras zonas del Centro con el objetivode que el público general también conozca mejor sus instalaciones,
dotaciones y posibilidades, y pensando siempre en la ampliación,
investigación y reflexión común y transversal con otras disciplinas
y públicos.
Por esta razón, el Centro Coreográfico Canal ha puesto en marcha
espectáculos ocasionales en su Estudio 1, invitando a propuestas distintas, para públicos diversos, y que requieren otros tipos de aproximaciones escénicas. En la temporada 2020-21, ha promovido:
Compañía La Fábrica de Sueños Con los espectáculos “Ilusionarte”,“Suonick Circus” y “Ellas. Conciertoz Pirataz”, dedicados a los máspequeños: una mezcla de circo experimental, acrobacia, danza, teatrode títeres, y poesía visual. Esta compañía de teatro callejero, danza,
acrobacia, magia y clown se formó dentro del programa infantil de
RTVE “El duende del Globo” (1990), y lleva tres décadas ofreciendo
espectáculos infantiles al aire libre.
Territorio Violeta Dentro de la programación también familiar, se
invitó a esta compañía a que desarrollara un proyecto de acciones
puntuales mezcla de poesía visual y narrativa para los más pequeños,
en todos los espacios no canónicos de los Teatros del Canal: fuera desus salas. Bajo el lema genérico de Los Rincones del Canal, uno de losespacios intervenidos a los que se invitó público fue al Estudio 1, que
presentó los show “Con la cabeza en las nubes” cuentos de Eugenia
Manzanera (3 de enero); “Las aventuras musicales de Perico Melón”,
con música de Pedro Herrero (17 de enero); “Un show de magia...
pero más chulo” de Iván Santa Cruz (24 de enero); “Éranse muchas
cosas”, cuentos de Laboratoria (Maribel Ganso Bueno, Mónica Florensa, Guadalupe Estévez; 24 de enero); “Criaturas particulares”,
espectáculo de títeres de Roberto White (31 de enero); “Piensa en
Wilbur”, junto al taller “Mi ballena viajera”; y el espectáculo musical“Ah, Isla! 2” de la Potato Omelette Band” (26 de diciembre). Territorio
Violeta no es sólo una compañía de teatro, también un hub de gestión cultural y creación escénica. Fundada por Rosa Merás y Silvia
Pereira, hacen de la investigación escénica y la gestión, enseñanza ydifusión de proyectos su punto de partida: no sólo programas infantiles o para familias, también espectáculos para adultos.
Canal Performance Un proyecto intermitente para mostrar nuevas formas de comunicación entre espectador, creador y obra en una misma
experiencia, convirtiendo los espacios no convencionales del teatro
en un lugar para mostrar las performances más novedosas del panorama artístico actual, creaciones que no demandan de la operativa
escénica de un teatro, sino de la inmediatez y cercanía de un públicoque a veces puede o debe interactuar, y que se ha realizdo también enel marco de nuestro Estudio 1. Se han invitado a creadores entre losmárgenes de la creación escénica y la creación plástica, programando
acciones performativas. Coordinado y comisariado por Juan Gómez

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Alemán, director y fundador de La Juan Gallery,
un espacio artístico mardrileño dedicado a las artes
vivas y performativas, entro los shows presentados
se encuentran “40 volando”, una performance decreación colectiva que analiza la visión de la vida
desde su meridiano (programada el 23 de enero);“Mal-Versar”, un programa doble con Amaia Bonoy Damián Montesdeoca (el 20 de marzo); “Querida
Britney”, propuesto por el propio Gómez Alemán
y una performance a partir del movimiento #freebritney que ahondaba en las relaciones entre ídolo
y fan (el 20 de marzo) e “Invitación al Desastre”, delcolectivo OVERture (el 8 de mayo).
Colaboración en el Festival LDC 2021 Un Lugar DondeCompartir. Del 13 de octubre al 14 de noviembre. La
colaboración y el apoyo desde el Centro Coreográfico Canal se centró en las secciones “LDC Focus
México”, con un encuentro de creadores interdisciplinar para hablar de dramarturgia aplicada a ladanza; la “LDC Meets”, diálogos entre agentes yprofesionales del mundo de la danza; el “LDC Lab:
Localicación, Danza y Cámara” y “LDC Media”, unencuentro retransmitido en directo desde la Sala dePrensa del Centro Coreográfico Canal, dedicado porentero a la Plástica Escénica, donde se exploraron
los imaginarios que envuelven la inspiración cuandoqueremos representar y plasmar en escena la danza. EnclaveDANZA es una compañía madrileña dirigida por la coreógrafa y bailarina Cristina Masson,
Premio 100Latinos Madrid 2010, con una impronta
abiertamente multidisciplinar. Entre sus espectáculos más destacados figuran “Fatum” (2006), presentado en Montpellier; “Ausente en Negro” (2008), “...
No Vacía...” (2010), homenaje a Miguel Hernández;“
GOLDBERG” (2013), con el Trío de Cuerda Garnat;“3 Mujeres” (2015), con residencia de creación enel Centro Coreográfico y estreno en los Teatros Canal; “Marzo 10, NY" (2017), estrenado en el Festivalde Málaga y también objeto de residencia del CCC;
“IA La Edad Pos Humana” (2018), danza-multimedia
que participó en varios festivales italianos (Milán,
Roma, Toscana, Nápoles, L´Aquila). En 2017 crea elFestival LDC (Un lugar Donde Compartir) en Madrid que ya va por su quinta edición, y se expande
por otras Comunidades.

TEATROS del CANAL
2021/2022
Presidenta de la Comunidad de Madrid:
Isabel Díaz Ayuso.
Consejera de Cultura, Deportes
y Turismo de la Comunidad de Madrid:
Marta Rivera de la Cruz
Directora del Centro Coreográfico Canaly de Teatros del Canal:
Blanca Li
Coordinación del Centro Coreográfico Canal:
Beatriz Arzamendi
Carmen Fuentes
Coordinación editorial:
Guillermo Espinosa
Diseño:Jaime Narváez
Fotograf ías:Danilo Moroni
Juan Carlos Toledo
Textos:Guillermo Espinosa, Rocío Pérez-Mínguez
y cada una de las compañías de danza recogidas
Gestión: UTE Teatros del Canal(IMESAPI S.A + Salzillo Servicios Integrales SLU)
Imprime:
BOCM
Depósito Legal: M-12139-2022
Los Teatros del Canal pertenecen a:
Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivalesde Titularidad Pública
Proyecto de Teatro Europeo PROSPERO-EXTENDED THEATRE: proyecto
colaborativo de producción y distribución formado por nueve países europeos
que incluye los siguientes teatros: Théâtre de Liège Schaubühne am Lehniner
Platz (Berlín), Théâtre National de Bretagne (Rennes), Odéon-Théâtre deL’europe (París), Emilia Romagna Teatro Fondazione (Módena-Bolonia),
Internationaal Theater Amsterdam, Teatro São Luiz (Lisboa), Göteborgs
Stadsteater, Croatian National Theatre Of Zagreb, Teatros del Canal (Madrid)