TOKYO ARTS AND SPACEANNUAL REPORT 2020

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目次｜CONTENTS
004

はじめに｜Message

006

ミッションと活動｜Missions & Activities

ARTIST INTERVIEWS
010

風間サチコ｜KAZAMA Sachiko022

コブラ｜COBRAPART 1 新進・中堅アーティストの活動支援｜ARTIST SUPPORT034

TOKAS-Emerging 2020038

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 3

停滞フィールド 2020→2021｜Stasis Field 2020→2021
042
凡例｜Explanatory Notes• 人名をフルネームで記載する場合の姓・名の順は、特に指定がない場合、各言語における表記の順に従った。
• アーティスト、クリエーター、委員、講師の名前は敬称を省略し、委員、講師の肩書きは事業開催当時のものを記載した。
• アーティスト、クリエーターのプロフィールは、2021年3月時点の情報を記載した。

Tokyo Contemporary Art AwardPART 2 レジデンスとその成果発表展｜RESIDENCY PROGRAMS
050

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム｜Creator-in-Residence Program

060

トーキョーアーツアンドスペース レジデンス2020 成果発表展
TOKAS Creator-in-Residence 2020 Exhibition•プロフィールは、アーティスト、クリエーターより提供のあった資料にもとづき編集・作成した。

デイジーチェーン｜Daisy Chain• 作品名は《》、プロジェクト名・展覧会名・曲名は「」、書名・映画タイトルは『』で示した。
• 作品情報は、作家名、作品名、制作年の順に記載した。
• 展覧会風景、公演風景は、一部キャプションを省略した。
• 展覧会情報は、「展覧会名」（会場、都市、都道府県／国、開催年）の順。ただし、会場名に都市が含まれるものは都市を省略した。また、展覧会名に開催年が含まれるものは開催年を省略した。日本での展覧会は、都市が県庁所在地、政令指定都市においては都道府県を省略した。海外での展覧会は、都市が首都や世界都市においては国を省略した。

PART 3 実験的な創造活動｜EXPERIMENTAL CREATION
094

TOKAS Project Vol. 3

100

OPEN SITE ５

東京デトロイトベルリン｜Tokyo Detroit Berlin• 受賞歴は、会場を省略し、賞名に開催年のないものは最後に開催年を記した。
• 写真クレジット：展示風景、活動風景および ポートレートの撮影者は奥付にまとめた。アーティスト、クリエー

ターから提供された写真にはクレジットを記載した。
• 著作権：特に記載のない場合、著作権はすべてトーキョーアーツアンドスペースに帰属する。
• When listing full names, they are listed in the appropriate order for each language, except when specific requests
state otherwise.
• Honorific titles for artists, creators, jury members, and lecturers have been omitted. Job titles for jury members
and lecturers are listed as current at the time of each event.
• Artist and creator profiles are current as of March 2021.
• Profiles are edited and composed based on documents provided by the artists and creators.
• Titles of artworks, musical compositions, publications and film works are given in italics. Quotation marks areused for exhibition and project titles.
• Information on the artworks is listed in the following order: name of artist, title of work, and year of production.
• Captions are omitted for installation views and the performance views.
• Information about exhibitions is written in order of: Exhibition title, venue, city, prefecture/country, year of holding. However, in cases where the exhibition title includes the name of the city it is held in, the city name is notlisted with the other items. Also, if the year the exhibition was held is included in the exhibition title, the year isomitted from the list of items. For exhibitions in Japan, the names of prefectures are omitted when the city is aprefectural capital or prefecture status city. For exhibitions held overseas, the country names have been omitted
the city it is held in is the capital city of a major international city.
• In award histories, venue names are omitted, and when award names do not contain the year of the award, the year
is listed at the end.
• References to “in 2020-21” reflect Japan’s fiscal year of April 1st, 2020 to March 31st, 2021.
• Photo credits for exhibition views, activities, and portraits are listed in the colophon. Credits for photos provided
by the artists and creators appear next to each picture.
• All rights reserved by Tokyo Arts and Space unless otherwise specified.

﻿PART 4 普及広報｜ART MEDIATION AND ARTS PROMOTION
130

オンライン・コンテンツ｜Online contents

132

TOKAS 本郷建物リサーチ｜TOKAS Hongo Building Research

133

文京ミューズフェスタ2020｜Bunkyo Muse Festa 2020

134

出版物｜Publications

特別企画｜SPECIAL FEATURE
コロナ禍、アートを巡って｜COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART
136

インタビュー：ミア・カバルフィン｜Interview: Mia CABALFIN

140

アーティストの今を知るQ&A｜Artists in the Present Q&A

154

寄稿：小田井真美、コニー・ラム｜Contributions: ODAI Mami, Connie LAM

160

コロナ禍での TOKAS の取り組み
TOKAS Countermeasures in the COVID-19 Pandemic

164

施設案内｜General Information
﻿MESSAGE

はじめに

Since its founding in 2001, Tokyo Arts and Space (TOKAS) has engaged in a variety of programs aimed at providing support for artists and creators and sendingout the results of arts and culture created in Tokyo. From its two bases in Tokyo,
TOKAS mounts exhibitions and performances and conducts residency programs
throughout the year under its missions of “Ongoing support for emerging andmid-career artists,” “Promoting creative international cultural exchange” and“Supporting cutting-edge and experimental creative activities.”

トーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）は、アーティスト／クリエーターの活動を支援し、東京から文化芸術を創造、発信することを目的に2001年より事業を行っています。都内2ヶ所に拠点をもち、「新進・中堅アーティストの継続的支援」「創造的な国際文化交流の促進」「実験的な創造活動の支援」をミッションに、年間を通じ展覧会や公演、レジデンス・プログラムなどを実施しています。

At our TOKAS Hongo facility outfitted as a venue for art presentation, we holdexhibitions and performances that present experimental ideas and the results ofcreative activities. At our TOKAS Residency that serves as a facility for artistic
creation and research, artists and creators from Japan and abroad engage inexchange and creative work in residence. In addition, it also sends artists abroad
to affiliated institutions and supports their creative activities overseas.

発表の場としての TOKAS 本郷では、実験的なアイデアや活動の成果を提示しうる展覧会や公演などを開催しています。創作活動の拠点としての TOKASレジデン
シーでは、国内外のアーティストが交流し、滞在制作を行うほか、海外の提携機関
へアーティストを派遣し、海外での滞在制作を支援しています。

In 2020, exhibitions were held at the Museum of Contemporary Art Tokyo for thewinners of the 1st Tokyo Contemporary Art Award (TCAA) launched in 2018 with
the Tokyo Metropolitan Government. Due to the effects of the coronavirus (COVID19) pandemic that emerged in the beginning, 2020 became a year when it wasdifficult to conduct the other program of support for overseas activities that thewinners were supposed to receive. However, in line with the underlying principle ofsupporting primarily young artists that TOKAS has dedicated itself to since its
founding, this was a year when the first serious steps were taken toward thelaunch of new program.

2020年度は、東京都とともに2018年度に創設し、複数年にわたる支援を特徴とした「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」の第1回受賞者による展覧会を
東京都現代美術館で開催しました。2020年初めからの新型コロナウイルス感染症によるパンデミックの影響により、賞のもうひとつの特徴である海外活動支援は難し
い1年となりましたが、開館以来、若手アーティストを中心に活動支援を行ってきた
TOKAS にとって、新たな事業展開の本格的な第一歩となりました。
2020年度は、TCAA のみならず、多くの事業が変更や中止あるいは延期を余儀なIn 2020, not only the TCAA but many other programs had to be changed, cancelledor postponed due to the pandemic, but the flame of the beacon of creativity has
never wavered. Through the changes that the times will bring, we will respondwith flexibility in our programs in order to continue our activities. In this importanttime of trial, we ask for your kind support and continued cooperation.

くされましたが、創造の灯が消えることはありません。変化する世界に柔軟に対応
しつつ、これからも活動を継続していきます。引き続きご支援、ご協力を賜りますようお願い申し上げます。

Tokyo Arts and Space

トーキョーアーツアンドスペース

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ミッションと活動

Mission 1

新進・中堅アーティストの継続的支援
Ongoing Support of Emerging and Mid-career Artists

MISSIONS & ACTIVITIES

新進アーティストに発表の機会を提供する「TOKAS-Emerging」、TOKAS 事業に参加経験のある作家を中心としたグループ展「ACT（Artists Contemporary TOKAS）」、中堅アー
ティストを対象とした「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」など、アーティストへの継続的な支援を行います。

トーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）は、アート、音楽、建築、キュレーションな

TOKAS provides creators with ongoing support through such opportunities as presenting works
in our TOKAS-Emerging exhibitions for promising new emerging artists, through our Artists
Contemporary TOKAS (ACT) group exhibitions for creators who have taken part in TOKAS programs and through our Tokyo Contemporary Art Award (TCAA) for mid-career artists.

ど幅広いジャンルの活動や領域横断的・実験的な試みを支援し、同時代の表現を東京から創造・発信するアートセンターです。
「TOKAS 本郷」「TOKASレジデンシー」を中
心に、2001年より活動を行っています。
Tokyo Arts and Space (TOKAS) is an arts center dedicated to the support of creation andpresentation of contemporary arts from Tokyo in a wide range of genres, from the fine arts,
music and architecture, to curation and inter-disciplinary and experimental creative
activities. Operating mainly from our TOKAS Hongo facility and our TOKAS Residency
facility, we have engaged in varied activities since 2001.

Mission 2

創造的な国際文化交流の促進
Promoting Creative International Cultural Exchange
レジデンス事業を中心に、国内外の才能あるクリエーターにリサーチや創作活動を行う機会を提供。その成果を展覧会やオープン・スタジオ、トーク・イベントなどで紹介し、アート、音楽、キュレーション、建築、デザインなど幅広いジャンルの才能が交差する拠点を目指します。
Through primarily artist-in-residence programs, TOKAS provides talented creators from Japanand abroad the opportunity to do research or create works. The results of their work are shownin exhibitions and our Open Studio program or through talk events, as we strive to be a hub for awide range of talented creators working in a broad range of genres, from the visual arts, music,
curation, architecture, design and more, to meet and interact.

Mission1

Mission 3

新進・中堅アーティストの継続的支援

実験的な創造活動の支援
Supporting Cutting-edge and Experimental Creative Activities

Ongoing Support ofEmerging andMid-career Artists

ジャンルを問わず、領域横断的、実験的な企画の実現に向けた公募プログラム「OPENS I T E 」や 国 際 的 な活 動を行うアーティストや キュレーター、文 化 機 関と協 働して行う「TOKAS Project」をとおして、多様な価値観が表現される場を作り上げていきます。

Mission2

Mission

創造的な
国際文化交流の促進

実験的な創造活動の支援Promoting Creative
International Cultural
Exchange

Supporting Cutting-edge
and Experimental
Creative Activities

Through our open-call program OPEN SITE for creators pursuing inter-disciplinary and experimental projects in the full range of genres, and through our TOKAS Project run in collaboration
with international artists and curators as well as arts/culture organizations, we seek to provide
venues for work that expresses diverse values.

3

普及広報｜Art Mediation and Arts Promotion
アーティスト／クリエーターによるさまざまな創作活動と作品への理解を深めるためのトークやワークショップ、発信の幅を広げるアーカイブやオンラインの利活用、メールニュースや定期刊行誌の発行など、より多くの方々と創造の場をつなぎ、共有することを試みます。

普及広報
Art Mediation and Arts Promotion﻿

Through the holding of talks and workshops by artists and creators aimed at spreading understanding about a variety of creative methods and artworks, and by broadening the range of
information we can get out through the creation of archives and utilization of online content, andthrough e-mail Newsletter and publishing of Annual Report, etc., we seek to connect more people to enjoy creative activities and share experiences.

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TOKAS ANNUAL REPORT 2020

ARTIST
INTERVIEWS
アーティスト・インタビュー

風間サチコ｜KAZAMA Sachiko
コブラ｜COBRA

中堅作家の更なる飛躍を促すことを目的とした賞「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」の第1回に選出され、東京都現代美術館で展覧会を行った風間サチコ。そして、展覧会「東京デトロイト
ベルリン」で協働したアーティストであり、アーティスト・ラン・スペースのディレクターでもあるコブラ。
今後、益々の活躍が期待される2名に、現在の活動に至る経緯や創作の背景などについて聞きました。
As winner of the 1st Tokyo Contemporary Art Award (TCAA), an award program aimed at encouraging
new opportunities for artistic development by mid-career artists, Kazama Sachiko had an exhibition ofher work at the Museum of Contemporary Art Tokyo. COBRA is an artist and director of an artist-run
space who cooperated with TOKAS in the organizing of the exhibition “Tokyo Detroit Berlin.” Weinterviewed these two promising artists about their careers leading up to their current activities, thebackground behind their artistic creation and more.

008

ARTIST INTERVIEWS 01

風 間 サチコ
KAZAMA Sachiko

世界への疑問や違和感を表現して伝える
その大切さを教えてくれたのが、美術でした
Art showed me the importance of
expressing and sharing questions anddoubts about the world I see

2020 年 10 月 28 日、
東京都世田谷区内・
風間氏アトリエにて

シャープな描線のモノクローム木版画で、史実や時事も取り込みながら、人間社会の未来を問うような表現を続ける風間インタビューサチコ。中堅アーティストを支援する「 Tokyo Contemporary

This interview
was conducted at
Kazama’s studioin Setagaya, Tokyo
on Oct. 28, 2020.

Art Award 」の初回受賞者となるなど活躍が続く彼女に、これまでの試行錯誤と、作家活動を継続するうえで大切にしてきたことを聞いた。

Kazama Sachiko is known for her use of sharp-lined monochrome
woodblock prints to depict subjects like historic as well as current
events works that pose questions about the future of human society. In this interview, she speaks about the trials and errors of her
career until now, winning the inaugural Tokyo Contemporary Art
Award, a program aimed at supporting mid-career artists, and also
the values that guide her in her pursuits as an artist.
010

011

服飾に惹かれた高校時代から、木版画の道へ

From fashion design in high school to artistic pursuits in woodblock prints

木版画の魅力に出会ったのは高校時代、萩原朔太郎の詩集の装丁画や、同人誌『月映』I was first attracted to woodblock printing in high school through the work of artists suchas Tanaka Kyokichi, Onchi Koshiro, and Fujimori Shizuo, known for their prints in books
like poetry collections of Hagiwara Sakutaro and the art and poetry magazine Tsukuhae.
Until then, my primary image of woodblock prints was that of ukiyo-e prints, but withartists like these three, their compositions themselves were like poems, and I was attracted
to their uniquely introverted nature. Unlike oil paintings that are painted directly with thebrush, I was also drawn to the unique quality of depth perception and 3-dimensionality, or
their air of something like desolation. This newfound appeal also led me to appreciate thetype of expression achieved by artists like Aubrey Beardsley in late 19th century Britain.
At that time, I attended evening high school, and I was interested in fashion design, so
during the day I was making clothes in the “Gothic Lolita” style that was beginning toappear at the time and wearing them to school in the evening. Also, I had always been asickly child, and all through elementary and middle school I only attended school about
one-third of the regular class days, so I wasn’t comfortable working with others as a groupor team and I realized that would make it difficult for me to become a fashion designer.
But I was good at drawing pictures, and that became my anchor as an individual. Afterhigh school, I was aware of the choice of going to an art university, and since I was selftaught in everything like design, I knew that passing an entrance exam would be difficult forme. But I learned that Musashino Art University ran a training college called Musashino
Art School, which had no entrance exam, only an interview. And, since the classes were
taught by Musashino Art University professors, I decided to go there. After learning thebasic techniques of woodcut printmaking, copperplate printmaking and lithography, I
entered the woodblock print course. One reason was the only equipment I needed was asculpting chisel and a printing hand baren.

を手がけた田中恭吉、恩地孝四郎、藤森静雄らの作品がきっかけです。それまで版画といえば浮世絵の印象が強かったのですが、彼らの版画はそれ自体が詩のようで、独特の湿り気にも惹かれました。また、油絵のように直には描かないからこその「抜け感」や枯れた魅力があり、そこから 19 世紀末英国のオーブリー・ビアズリーのような表現にも関心が広がりました。
当時は定時制高校に通っていて、ファッションに興味があり、日中に自宅でゴスロリの走り的な衣装を作り、夜はそれを着て登校する日々。ただ、幼少時に虚弱児だったこともあり、小中学校をとおして出席日数の 3 分の 1 ほどしか通っていない私は、集団やチームでの仕事が苦手な点で、デザイナーになるのは難しいのかもと感じていました。
他方、絵を描くことは得意で、それだけが自分の拠りどころと言ってもいいくらいでした。進学先として美大という選択肢を知ったものの、勉強はわからず、デッサンなども学します。木版画、銅版画、リトグラフなど一通り実技の基礎を学んだ後、木版画のコー
スに進みました。彫刻刀とバレンさえあれば制作できる、というのも理由のひとつでした。

世界への「違和感」を表現につなげる
現代美術に触れたのは、この学校の先輩の影響でした。その先輩が当時の銀座の画廊巡りを企画してくれて、参加したのがきっかけです。最初は、真っ白な部屋に紐が垂ら

012

ARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko

ARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko

すべて独学の私には難しそうでしたが、武蔵野美術大学が運営していた実技専修学校の「武蔵野美術学園」は試験が面接のみ、かつムサビの先生が教えてくれると知り、ここに進013

Connecting what “feels wrong” about the world to artistic expression

My first introduction to contemporary art came through an upperclassman of that school,
who organized a tour of galleries in the Ginza district of Tokyo. At first, seeing things like awhite gallery space with an installation of just strings hanging down, I said, “What is this
supposed to be?” But when I learned that there were concepts behind such works, it became
interesting, and as I realized there were no limits on expressive output and that I could
express myself just as I wanted through woodblock prints, that opened the door for me.
Most of my work deals with things in the world I felt uncomfortable about from a young
age. When I saw people’s views on things, I thought were right, I found they are different.
In most cases, I found people weren’t concerned about the things that bothered me, so I
didn’t talk about them. But thanks to my encounter with contemporary art, I felt it was OK
to connect these doubts to my creations. Ever since, this connection remains at the core of
my being.
I think my works show a questioning of the human-centric world view and concern for
those victimized by economy-centric ideals. During Japan’s high economic growth after
WWII, a wealth became concentrated in the cities, while the surrounding areas tended tobe neglected. And when we look at the ancient Jomon Period, don’t we see thinks about life
then that are more ideal than life today? I was inspired by the concern with such issues inwritings of the folklorist Miyamoto Tsuneichi and others, and it expanded to other issues

like apparent revenge by nature against human activities, concerns about the afterlife andquestions of life and death.
My first exhibition after school was Parco’s “Urbanart #3” (1994), where my work Owari
de Hajimari (meaning: It’s the end, and it’s a beginning) (1994) received the Encouragement Award / Yoko Yamamoto Award. I think this was important to me in that it showedme that my search had been in the right direction. With my first solo exhibition in 1998
(Gallery Yamaguchi), my motif was photographs on leaflets of model homes (Common
Wealth). Seen individually, the pictures probably looked like nice private homes, and theyalso stood as symbols of the lifetime employment and the idea that all Japanese are middle
class, which were still believed in at the time. But when I lined them up, I felt something
disturbing and negative in them. Ever since, I have created works based on what I might callmy “Kazama Land” connecting the past, present and future.
Encounters that have supported activities as an artist

こにコンセプトがあるのを知ると面白く感じ、同時に「表現のアウトプットに制限はない
んだ」「私も版画をとおしてありのままの自分を出していいのでは？」と思えた点で、契機になりました。
私の作品の多くは、幼少期から抱いてきたこの世界への「違和感」が起点です。正しいと思っていたことが、周りの人々の捉え方を見ると違っている。そんな私的な疑問や違和感は多くの場合、誰も耳を傾けてくれず、自分からも話そうとはしてこなかったものでした。ただ、現代美術を通じて、こうした疑問を表現につなげてもいいのだと思えた。そこから、自分の根底にある疑問をテーマに作り続けています。
自分では作品の中に、人間中心主義への疑問や、経済中心主義で犠牲になるものへの関心があると思っています。戦後の高度成長期を経て都会が富の中心になり、周辺はないがしろにされる傾向がなかったか。逆に縄文時代などをみると、現代からすればARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko

ARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko

されただけのインスタレーションなどを前に「なんだこりゃ？」と思いました。ただ、そ理想郷的に思える部分もないだろうか。こうした問題意識は、民俗学者の宮本常一らに感化された部分もあり、更に自然による人間への報復のような出来事や、その後に訪Looking back, I feel I have been lucky, especially in the support I have received fromdependable women I have met. The late Yamaguchi Mitsuko of Gallery Yamaguchi was one
who supported me from my first solo exhibition, not only with her gallery but by introducing my work elsewhere and connecting me to mentors like Hori Kosai that broadened
my perspective. After receiving the Outstanding Performance award, The Taro Okamoto
Award for Contemporary Art in 2006, Takahashi Mizuki, who organized my solo exhibition the year before as the curator of the Contemporary Art Center, Art Tower Mito
(currently the Executive Director and Chief Curator of CHAT) advised me to find agallery that would support me. She introduced me to the gallerist Fujiki Rika, which led to
my association with her “MUJIN-TO Production.”
Twice I had the opportunity to have Fujiki-san look at my portfolio, but I went with noreal presentation prepared. After the second of those meetings, Takahashi-san told me that
I should learn how to tell the people what I want to do in my work. Since then, I make sureto write a rough outline of what I want to say. Even if it is about things that I can’t achieve
directly, the feedback I get helps me revise my thoughts and shows me new directions. Also,
when I get a suggestion, I can consider it as a new idea I can develop. Since if I don’t havesomething inside of me, I can’t respond to anything, this is a process I value until this day.

れる世界、生と死といったものに広がりました。
そ う し て 、学 校 以 外 の 場 で 初 めて発表した作品《終わりで始まり》（1994）が、パルコ主催の公募展「アーバナート #3」で奨励賞／山本容子賞
を い た だ き ま し た 。自 分 が 手 探 りで選んだやり方について「これでいいんだ」と思えたのは大きかったと思います。その後、1998 年の初個展（ギャラリー山口）でモチーフにしたのは、モデルハウスのチラシ写真です

014《存在の同じ家》1997
Common Wealth, 1997015

（《存在の同じ家》）。個々にみれば素敵なマイホームかもしれず、当時まだ信じられていた終身雇用、一億総中流の象徴でもありますが、私が並べた版画には、不吉さやネガ
ティブなものが感じられます。以降も過去、現在、未来をつなぐように思考しつつ、いわば自分の中の「かざまランド」から作品を作り続けています。

作家活動を支えてきた、人との出会い
振り返ると私は強運で、特に、頼れる女性達との出会いに支えられてきたように思います。初個展からお世話になったギャラリー山口の故・山口侊子さんは、会場貸しだけでなく私の作品をさまざまな場に紹介してくださり、堀浩哉さんら諸先生方とも引き合《風雲13号地》2005

わせてくださるなどして、視野を広げてくれました。また 2006 年に「岡本太郎現代芸術

The Whirlwind of the 13th District, 2005 Collection of Agency for Cultural Affairs, Japan(Deposited in Museum of Contemporary Art Tokyo)

文化庁蔵（東京都現代美術館寄託）賞」で優秀賞をいただいた後、のんびり構えてしまっていた私に、協働してくれるギャ
ラリーを探すことを強く勧めてくれたのは、その前年に水戸芸術館現代美術センターでフキュレーター）でした。彼女の紹介でギャラリストの藤城里香さんにお会いしたことが、いま藤城さんが運営する無人島プロダクションとのお付き合いにつながっています。
実は藤城さんに 2 度も作品ファイルを見ていただく機会があったのに、2 回とも話す
内容もろくに考えずに訪ねてしまったんです。自分をどうプレゼンテーションすればいいかわからないまま面会が終わった帰り道、高橋さんは「自分が今やりたいことを、出会う人々に伝えられるようになった方がいい」と諭してくれました。そこからは、新たに誰かとお話しするときは、ラフなメモ書き１枚でもいいので携えて行くことにしています。直接実現につながらなくても、意見をもらうと改善点や新たな展開が見えてくることがある。また先方から何か提案をいただいた際も、「それは考えたことがない
けれど、こういう点でつながるなら、やれるかもしれません」と言える。やはり無からは何も打ち返せないので、これは今も大切にしていることです。

ARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko

ARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko

私の展示を企画してくれた高橋瑞木さん（現 CHAT エグゼクティブディレクター兼チー《ツァウバーベルク》2021
Der Zauberberg, 2021

作家活動を続けるうえでの道しるべ

2019 年には、東京都と TOKAS が創設した「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」の第 1 回受賞者に、下道基行さんとともに選出いただきました。同賞は海外活動費用

Guidelines for going forward as an artistも支援してくれるため、ドイツのミュンヘンやベルリンなどに滞在し、ナチスの優生思In 2019, I was a winner of the Tokyo Metropolitan Government and TOKAS organized“Tokyo Contemporary Art Award (TCAA)” along with Shitamichi Motoyuki. Part of the
support offered by the award was funding for overseas activities, so I had submitted a plan
to go to Munich and Berlin, etc., to research subjects such as Nazi eugenics, the Berlin
Olympics and the Decadent Art Exhibitions during the Nazi regime. Unfortunately, due tothe COVID-19 pandemic, I was not able to realize those plans. But during the period when
we had to work independent research, I had the opportunity to spend time reading Thomas
Mann’s Der Zauberberg (The Magic Mountain), and I found in it links to today’s situation,
because it deals with tuberculosis and the long period of quarantine resulting from it. I hope

想とベルリン五輪、退廃芸術展などについて調査する計画を立てました。残念ながら
これは新型コロナウイルス感染症の拡大で実現できなかったのですが、自粛期間中にドイツの小説家、トーマス・マンの『魔の山』をじっくり読む機会があり、結核とそれに伴う長期の隔離生活を扱う同作は、今の状況にもリンクすると感じました。「Tokyo

Contemporary Art Award 2019-2021 受賞記念展」ではこうした経験も反映できたらと思っています。また同賞ではモノグラフ（作品集）制作の機会もいただけたので、そこに掲載すべく、まとまった量の文章執筆にも取り組んでいます。

016

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TCAA は中堅作家を支援する賞です。関連して、これまで四半世紀ほど作家を続け

I can employ some of this experience in my work for the Tokyo Contemporary Art Award2019-2021 Exhibition. Also, another part of the award is the chance to publish a collectionof my works, and for that I am presently involved in putting together a certain amount of
my writings to include in it.
TCAA is an award program aimed at providing support for mid-career artists. If I wereto cite things I have valued over the past 25 years or so, first is my determination to not let
myself be outdone by what I did when I was younger. There were things like the straight-forward strength of expression I brought to my first solo exhibition, but now I want to try
achieving things I can do today. Another thing that is always important for me is to neverforget to express my gratitude for everything I receive from others. If a gallery or museum
gives me a chance by to show my work, it is not enough to do my best to provide works thatare worthy, because that is still only a 50/50 exchange and doesn’t amount to an expressionof gratitude. To be invited back for another chance to compete that way requires that I give
more. I believe that is how severe the real art world is.
The art world is severe, but art is also what showed a person like me, with all the doubts
and questions I had about the world from childhood, the importance of being able toexpress and communicate my thoughts to others.

てきた中で大切にしていることを挙げるなら、まず、昔の自分に負けられないという気持ちが常にあります。初個展のときのストレートな力の出し方など、当時だからできたこともありますが、やはり現在の私にできることに挑戦し続けたいです。もうひとつ大切にしているのは、「一宿一飯の恩義」を忘れないこと。ギャラリーや美術館から声をかけていただいて展示する際、期待どおり、100% で返しただけではまだフィフティ・
フィフティで、お礼には至らない。次の「鉄火場」に呼んでもらうには、それ以上の力を出したいし、それくらいシビアな世界にいるとも考えています。
美術界は厳しさもありますが、同時に、小さな頃からこの世界に対して疑問に思うことや、想像することが多くて困っていた私に、それを表現して伝えることの大切さに気づかせてくれたのも、やはり美術なんですね。このことも今、改めて感じています。

ARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko

ARTIST INTERVIEWS 01—KAZAMA Sachiko「Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 受賞記念展」（東京都現代美術館）
展示風景、2021
Installation view at “Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 Exhibition,”
Museum of Contemporary Art Tokyo, 2021

PROFILE1972年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。1996年武蔵野美術学園版画研究科修了。TOKAS 参
加プログラムに「Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 受賞記念展」（東京都現代美術館、2021）。
Born in Tokyo in 1972. Lives and works in Tokyo. Graduated from Department of Printmaking,Musashino Art School in 1996. Participation in TOKAS Program: “Tokyo Contemporary Art Award2019-2021 Exhibition,” Museum of Contemporary Art Tokyo, 2021.

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PROGRAM ⇒ p.46

風間サチコ「Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 受賞記念展」（東京都現代美術館）展示風景、2021
KAZAMA Sachiko, Installation view at “Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 Exhibition,”
Museum of Contemporary Art Tokyo, 2021

020

021

ARTIST INTERVIEWS 02

コブラ
COBRA

アーティスト・ラン・スペースが今、作ろうとしているもの
What artist-run spaces areworking to create today

2020 年 10 月 16 日、
TOKAS 本郷にてインタビューThis interview
was conducted
at TOKAS Hongoon Oct. 16, 2020.

オフビートなユーモアとともに、ときに美 術 史の参 照やアー
ト界への風刺なども織り交ぜた表現で異彩を放つコブラは、東京のアーティスト・ラン・スペース「 XY Z collective 」の共同ディレクターという顔も持つ。双方の立場からTOKAS の活動にも関わってきた作家に、表現しながら場を作ることの経
緯と動機を聞いた。

COBRA is an artist whose work draws on off-beat humor while also
including references to satires of the art world in his unique style ofexpression. At the same time, he is also a co-director of the artist-run
space “XYZ collective.” In this interview, we talk with him about his
participation in TOKAS programs in both of these capacities andthe background and motivations that have driven him both as an
artist and as the director of an arts space.
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コブラ登場までの紆余曲折

The Winding Road Leading to the Emergence of COBRA

美大進学を選んだのは単純な理由で、誰かに評価されたことはないけれど、自分では絵

The reason I chose to go to an art college was quite simple. Even though I had never reallybeen complimented by anyone, I thought I was very good at drawing pictures. When Isought the advice of my high school art teacher, I was told that no one from our high school
had ever gone to an art college, but that I should give it a try. At prep school I entered thecrafts course (which had a high percentage of girls in it, and a lot of cute ones), and I ended
up going to Tama Art University, where I majored in the Metal Program of the Department
of Ceramic, Glass and Metal Works. Using a hammer to beat the metal out in order to shapean urn or something is pretty hard work. And while I was learning to do that, I also started
to work with video and other media. Eventually I quit working with metal, but at the sametime, I had another encounter.
That was with students of the Oil Painting department who went under the group nameof MIHOKANNO, they included Matsubara Soshiro, Chiba Masaya and Enokura Saeka,
and their class was very interesting. The professors included people like Wakabayasi Isamu,
Tatsuno Toeko and Hori Kosai. Meanwhile, with the students, the feeling was like,“Whoever does the most interesting thing is the winner.” The works they came in with were
things like parodies or kung-fu films, while another got drunk and blurted out statements
about aesthetics and it was all so wild but fascinating that I got in the habit of sitting in on
the sessions where their works were critiqued.
For about the first two years after graduation I was participating theater productions or
self-produced films. Meanwhile, Chiba-kun and Matsubara-kun had started using part ofthe space of the studio that they rented together as a gallery for organizing exhibitions, andit was at their invitation that I first exhibited my own work. When Chiba-kun saw some of
the notebooks that I had filled with drawings, he said they were really disturbing, and in a
way that communicated a strange sort of warmth and interest, he asked me if I wanted totry displaying the works. Since at the time I was still performing in theater, it was decided
that I needed a separate artist’s name and Matsubara-kun decided on COBRA. I guess his
aim was a sort of villainous branding, like the poisonous snake or a rapper. But to this day, I
guess I continue that sort of image with sunglasses and a cap.

がすごくうまいと思っていたからです。高校の美術の先生に相談すると「この学校から美大に行った生徒はいないけど、やってみたら」と言われました。予備校では工芸科を選び（女子の比率が高くて可愛い子も多かった）、入学した多摩美術大学では工芸学科の鍛金を専攻しました。金属を槌で叩き、伸ばして壺などを造形する、割とハードな世界です。そこで学びつつ、やがて映像などいろいろな表現も試したくなり、金属を触るのをやめてしまうのですが、同時に別の出会いもありました。
それが、後に MIHOKANNO の名で一緒に活動する松原壮志朗、千葉正也、榎倉冴香といった油絵科の人達で、そのクラスがすごく面白かった。先生は若林奮、辰野登恵子、堀浩哉などで、一方の生徒達は「一番面白いやつが勝ち」みたいな状況になっていた。
作品発表でも、モノマネをする人、カンフー映画を作ってくる人、酔っ払いながら芸術宣言する人とか、めちゃくちゃですけど面白くて、講評会もよくのぞきに行きました。
卒業後 2 年ほどは、劇団や自主制作映画に参加していました。一方、千葉くんや松原
めて展示をしたんです。僕が手帖に何冊も描いていたドローイングを千葉くんが見て、「めちゃくちゃ気持ち悪い」と言いつつ「展示してみれば？」と不思議な温度感で誘われました。まだ演劇も続けていたのでアーティスト名は別につけようとなり、松原くんがコブラに決めました。彼としては当初、毒蛇とか悪いラッパーみたいな、悪役的ブラン
ディングみたいな狙いだったのかなと。ともあれ、そこから今に至るまで、サングラスにキャップ姿という感じです。

アーティスト・ラン・スペースとの出合い

ARTIST INTERVIEWS 02—COBRAARTIST INTERVIEWS 02—COBRA

くんは共同スタジオの一部をギャラリーにして展覧会も企画していて、僕も誘われて初以降も展示の機会を得て、トーキョーワンダーサイト（TWS、現 TOKAS）でも「O コレクションによる空想美術館」（TWS 本郷、2008、2009）や、「Hello! MIHOKANNO」展（TWS 渋谷、2009）に参加し、彫刻的なオブジェや、自ら男女二役を演じる恋愛ドラマ的な映像を出展しました。

2010 年には TWS の二国間交流事業プログラムでメルボルンのアート・スペース、ガー
トルード・コンテンポラリーに 2ヶ月滞在します。そこで制作し、あわよくば現地で彼女もできたらと思ったけれど、そう簡単に作品はできず、初の海外生活で英語もうまく話せなくて、スタジオにこもりがちになってしまいました。
そんな中、誘われて出かけたアーティスト・ラン・スペース「Hell Gallery」のオープニ
ングにすごく刺激されました。普通の家のガレージを展覧会場にして、横の部屋でバンドが演奏したり、中庭ではバーベキューをしていたり。100 人くらいの多様なお客さんが集っていて、大人の文化祭という感じでした。後から考えると、自分が東京では限られた世界とだけつながって活動してきたことに気づくきっかけにもなった気がします。
ちなみに帰国後の成果発表展「TOKYO STORY」（TWS 本郷、2010）のオープニングで024《2017(Gordon-Matta-Cobrark) #1》
2017
2017(Gordon-Matta-Cobrark) #1, 2017025

は、この Hell Gallery もモチーフのひとつとして、メルボルン滞在記的な人形劇を松原くん達と行いました。
その後、2011 年に東京で自分たちのスペース「XYZ collective」を立ち上げます。一緒に始めたのは、松原くんと、予備校時代からの知り合いでフリーランス編集者の服部円さん。場所は世田谷区の弦巻にある元倉庫で、数年後に決まっている取り壊し時期までなら、と貸してもらえたんです。そこで半分をアーティスト達にスタジオとして貸し出し、半分をギャラリーにしました。年に 1、2 回は企画展を開き、ほかの期間は貸会場にして運営費に充てることにしました。

国境や世代を超えた交流スペースを運営するうえでは主に海外のユニークな例も参考になりましたが、同じ東京のギャラリー「Misako & Rosen」のローゼン・美沙子さんとジェフリーさんとの出会「東京デトロイトベルリン」で展示した《ストリート・オブ・エッグ（バードギャラリー・フォーバード）》2020

いも大きかったです。XYZ collective のような場はこれまで日本になかった、と興味をフロリダのアートフェア「NADA Miami」への参加も彼女らに勧めてもらったのがきっかけで、ブースにお客さんが来たときの対応まで、レクチャー映像を作って教えてくれました。初参加時はそれほど売れなかったけれど、そこから大切なつながりや広がりを得られています。美沙子さん達は、海外でつながった知人達の来日時もホスピタ
リティがすごくて、そうした交流の中で、海外ギャラリーとの交流展（自ギャラリーの企画展を相手側ギャラリーで開催し合う）なども実現したのだろうと実感しました。

XYZ collective は 2016 年に巣鴨へ移転し、現在は僕と、新たにミヤギフトシさんを迎えてアーティスト 2 人のディレクター体制になっています。以前のように場所貸しできる広さはないので、運営面では作品販売がより重要になりました。結果的に個展が増ARTIST INTERVIEWS 02—COBRAARTIST INTERVIEWS 02—COBRA

もってくれて、国内だけでなく海外とつながっていくうえでの助言をくれました。

Story of egg (bird gallery for bird), 2020 displayed at “Tokyo Detroit Berlin”

え、若い作家を軸に、マネジメントも手伝いながら互いに良い形を目指す方向になっています。海外のスペースなどと交流展も行い、都市間で作家達を紹介し合える良い機会になっていると思います。
XYZ collective Grand Opening Party「Archive!」2011
XYZ collective Grand Opening Party “Archive!,” 2011

もうひとつの変化は、移転後 2 年目から、より若い世代によるアー
ティスト・ラン・スペース「4649」と場所をシェアしていること。これは僕らから誘ったもので、東京でも増えてきたこうしたスペースが、互いに交流を持てたらいいと思っています（編注：取材後の 2020 年
末〜 2021 年初頭には、東京と京
都のスペースが参加する「 Artist

Running Festival 2020 」を XYZ
collective にて開催した）。
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The Encounter with Artist-run Spaces

Since then I have continued to receive opportunities to display my work at Tokyo Wonder
Site (TWS, currently TOKAS) in exhibitions like “Imaginary Museum of the O-collection” (TWS Hongo, 2008, 2009) and “Hello! MIHOKANNO” (TWS Shibuya, 2009),
where I displayed everything from sculpture-like art objects to video works like love dramas
in which I played both the male and female roles.
In 2010, I participated in the TWS Exchange Residency Program and spent two months
in residency at the Gertrude Contemporary arts space in Melbourne. I was hoping that I
might find a girlfriend there, but it wasn’t that easy, and I ended up spending most of mytime in that first overseas residency alone in my studio because of my lack of ability tocommunicate in English.
It was during that time that I was invited to go to an exhibition opening at an artist-run
space named “Hell Gallery” and that experience really inspired me. They had made a gallery
space in the garage of a common residential house, and in the next room there was a band
performing and in the yard they were having a barbeque, and things like that. For that
opening there were about 100 people of all backgrounds. It was like an adult version of aschool’s culture festival. Looking back, I think that experience made me feel like, until thenI had only been active among a small community of like-minded people in Tokyo. By theway, after I returned to Japan, I used that Hell Gallery experience as the motif for one of thethings I presented at the opening of the Result Exhibition for that year’s residencies“TOKYO STORY” (TWS Hongo, 2010), which was a puppet play depicting my time in
Melbourne performed with Matsubara-kun and others.
After that, we opened our own space “XYZ collective” in Tokyo in 2011. The people
who opened it with me were Matsubara-kun and the freelance editor Hattori Madoka, who
I have known since our prep school days. The facility was a former warehouse in theTsurumaki district of Setagaya Ward, which was lent to us on the condition that it would
only be until the planned demolition of the building a few years later. We rented out half ofthe space as artist studios, while the other half was used as gallery space. We held exhibitions
curated by ourselves there once or twice a year, and the rest of the time we rented it out asan event space in order to provide us with operating income.
Exchanges Across Borders and Generations

ARTIST INTERVIEWS 02—COBRA

In the running of our arts space, we primarily referenced examples of unique overseas
spaces, but our encounter with the gallery Misako & Rosen run by Misako and Jeffrey
Rosen right here in Tokyo also became an important reference. They were interested in us
because, until that time, there had been no spaces like our “XYZ collective” in Japan, andthey ended up giving us valuable advice about connecting to other spaces not only here in
Japan but abroad as well.
Our first participation in the “NADA Miami” art fair in Florida also came as a result of
Misako and Jeffrey’s advice and they gave us advice and made us lecture videos about how
to respond when visitors came to our booth at the fair. We didn’t sell much at the time of
our first participation, but from there we were able to make a growing number of importantnew connections. The hospitality Misako-san offered when people they had connected tooverseas visited Japan is amazing, and we realized that it is out of those kinds of exchanges
that have made it possible to begin holding exchange exhibitions with overseas galleries(exchanges in which exhibitions they planned would be held at overseas galleries and viceversa).
In 2016, we moved our XYZ collective to the Sugamo district of Tokyo, and today
Miyagi Futoshi has joined me so that we now have two artists as co-directors. Since we don’t
have enough space to use as rental space like we did in the past, our sales of artworks havebecome a more important source of income to cover our operating costs. As a result, we holdmore solo exhibitions now, which are mainly by younger artists, and we have developed a
new methodology by which we help them out in the management aspects as we work to

左）「TOKAS Project Vol. 3『東京デトロイトベルリン』」（TOKAS 本郷）展示風景、2020
left: Installation view at“TOKAS Project Vol. 3‘Tokyo Detroit Berlin’,”TOKAS Hongo, 2020

右）東京と京都のアート・スペースが参加し、XYZ collectiveで開催された、「Artist Running Festival 2020」の会場風景
right: Scene at the “Artist Running
Festival 2020” organizedby XYZ collective that Tokyo andKyoto arts spaces participated in

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establish a mutually beneficial format. We also hold exchange exhibitions with overseas arts
spaces, which I believe provides us with good opportunities to invite artists from abroad.
Another recent change has been that, from the second year since we moved here to
Sugamo, we share our space with another young artist-run space named “4649.” It was our
initiative that invited them to join us, and we now feel that it will be good if there is moreexchange like this between the growing number of such spaces in Tokyo. [Editorial note:
XYZ collective held the “Artist Running Festival 2020” from the end of 2020 into early2021 attended by artist-run spaces from Tokyo and Kyoto.]
Toward an Arts Ecosystem of the Future

作家活動とスペース運営のバランスについて考えることもあります。運営を通じての出会いや、XYZ collective のフェア参加をきっかけに生まれた自分の作品などもあるし、何よりアーティスト・ラン・スペースのような場が身近にあるのは嬉しい。一方で僕自ARTIST INTERVIEWS 02—COBRAARTIST INTERVIEWS 02—COBRA

これからのアートの生態系に向けて

身は、やはり良いギャラリーが良いアーティストと互いに成長することも重要だろうと思います。また、TOKAS のような芸術機関も日本にもっとあっていいと思うし、そうした中で各々がユニークな活動を展開できたらいいのではと考えます。

2020 年には、TOKAS との共同企画で、3 つの都市におけるアート・スペースを紹介する展覧会「TOKAS Project Vol. 3『東京デトロイトベルリン』（TOKAS 本郷）を行いま」I also have some thoughts I would like to share concerning the balance between one’s own
creative work as an artist and the running of an artist-run space. As an artist, there are valuable new encounters that come with running an arts space, and there are also works that haveresulted from my participation in art fairs. But most of all, there is the joy that comes fromhaving an arts space so close to me. At the same time, I also think there is importance in themutual growth that comes with having good galleries and good artists working together. I
think also that it will be good if we have more arts institutions like TOKAS here in Japan,
and I believe it will be good if those relationships result in unique activities in the arts.
In 2020, I worked jointly with TOKAS to organize the exhibition “TOKAS ProjectVol. 3 'Tokyo Detroit Berlin'” (TOKAS Hongo) introducing arts spaces in three cities. We
invited the spaces Schiefe Zähne of Berlin and What Pipeline of Detroit in a new project toshow four exhibitions on the three floors of the venue, each curated respectively by the
spaces from Berlin, Detroit and Tokyo, where XYZ collective worked together with 4649.
It turned out that due to the effects of the spreading COVID-19 pandemic, they were
unfortunately unable to come to Japan, but I believe it was very good that, by connecting
the four spaces with online presentations, we were able to get a result close to the originalplan. While on the one hand it was interesting to see differences in the four exhibitions, atthe same time I think we also saw a common thread uniting them through the planned
theme of “What is lacking in today’s arts environment.” Also, while we saw something of
the different conditions in the art of the three cities, we also saw the diversity in the four
participating artists’ nationality and means of expression. From this relationship, I believe it
will be interesting if we can see the development of this sort of importing and exporting of
small-scale curation like this.

した。ベルリンの「シーフェ・ツェーネ」と、デトロイトの「ワット・パイプライン」を招き、東京の XYZ collective、4649 も加わり、会場の 3 フロアでそれぞれがキュレーションした展覧会を見せる試みです。
新型コロナウイルス感染症の拡大で彼らが来日できなくなったのはとても残念でしたが、オンラインで互いをつなぎながら、実現に漕ぎ着けられたのは本当に良かったと思います。三者三様の展示が興味深かった一方で、「今の環境に足りないもの」を作ろうと

PROFILE
1981 年千葉県生まれ。東京都を拠点に活動。2005 年多摩美術大学工芸学科卒業。2011 年よりアーティスト・ラン・スペース「XYZ collective」のディレクターを務める。TOKAS 参加プログ
ラムに「TOKAS Project Vol. 3『東京デトロイトベルリン』（」2020）、「レジデンス成果発表展覧会している点は通じるように思います。また、各地のアートを巡る状況なども感じると同『TOKYO STORY』（」2010）、「平成21年度二国間交流事業プログラム〈メル ボルン〉（
」2010）など。

時に、四者とも参加作家の国籍や表現は多様です。こうした関係から、小規模でもキュ

Born in Chiba in 1981. Lives and works in Tokyo. Graduated with a BA in Department of Ceramic,
Glass and Metal Works from Tama Art University in 2005. Opened the XYZ collective in 2011 andacts as representative director. Participation in TOKAS Programs: “TOKAS Project Vol. 3 ‘Tokyo
Detroit Berlin’,” 2020, “Creators-in-Residence, Tokyo Wonder Site 2009-2010 ‘TOKYO STORY’,”“Tokyo-Melbourne Exchange Residency Program 2009,” and more.

レーションの輸出入的なことも生まれ得るとしたら、面白いなと感じています。

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PROGRAM ⇒ p.94

TOKAS ANNUAL REPORT 2020

下道基行「Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 受賞記念展」（東京都現代美術館）展示風景、2021
SHITAMICHI Motoyuki, Installation view at “Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 Exhibition,” Museum of Contemporary Art Tokyo, 2021

PART 1
新進・中堅アーティストの活動支援

TOKAS-Emerging 2020
ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 3
停滞フィールド 2020→2021｜Stasis Field 2020→2021
Tokyo Contemporary Art Award

ARTISTSUPPORT

PART 1では、公募により個展形式の展示を行う「TOKAS-Emerging」、注目のアーティストによる企画展示「ACT（Artists Contemporary TOKAS）」、そして中堅作家を継続的に支援し、更なる飛躍を促す賞「Tokyo Contemporary Art Award」を紹介します。
In PART 1, we introduce the open-call TOKAS-Emerging program that gives selected artists theopportunity for a solo-type exhibition, the ACT (Artists Contemporary TOKAS) exhibition program forpromising artists of achievement, and the Tokyo Contemporary Art Award program providing ongoingsupport for mid-career artists aimed at encouraging their further artistic development.

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TOKAS-Emerging 2020
第1期｜Part 1: 2020.4.4–5.6

第2期｜Part 2: 2020.5.16–6.14

宮川知宙｜MIYAKAWA Tomohiro塙 龍太｜HANAWA Ryota

GengoRaw（石橋友也＋新倉健人）

吉田志穂｜YOSHIDA Shiho

GengoRaw (Tomoya Ishibashi + Kento Niikura)

宮 川 知宙GengoRaw

MIYAKAWA Tomohiro（石 橋 友 也＋新 倉 健 人）

スーパーゴーストカミカゼアタック!!

GengoRaw(Tomoya Ishibashi + Kento Niikura)

Super Ghost Kamikaze Attack!!

コトバノキカイ
Machine of Words

岩本麻由｜IWAMOTO Mayu

水上愛美｜MIZUKAMI Emi* 新型コロナウイルスに係る緊急事態宣言のため第1期は中止され、第2期は2020.6.2-6.21に開催。
* Due to the issuance of the State of Emergency declaration in response to the COVID-19 pandemic,
Part 1 of the TOKAS-Emerging 2020 was cancelled and Part 2 was held from June 2 to 21, 2020.

新進アーティストによる個展形式の展覧会
Solo-format Exhibitions for Emerging Artists
Emerging は、新進のアーティストに発表の機会を提供することを目的として、2001年から実施している展覧会プログラムです。35歳以下の国内在住アーティストを対象に公募を行った2020年度は、ポートフォリオでの第1次審査、面接による第2次審査を経て、108組の応募から6組のアーティストを選出しました。当初2会期にわたり、各アーティストの個展形式で実施を予定していた本展は、新型コ
ロナウイルス感染症の拡大に係る緊急事態宣言発令のため、第1期は臨時休館のまま中止となり、第2期は会期を変更しての実施となりました。詳しくは本展のカタログをウェブサイトよりご覧ください。
Emerging is an exhibition program launched in 2001 aimed at providing emerging artists with anopportunity to show their works. The 2020 holding was an open-call exhibition for artists living in Japan
under the age of 35. Following a preliminary judging of applicant portfolios and secondary judging byinterview, six artists/groups were selected from the original 108 applicant artists/groups for the final
exhibitions. The initial plan was to divide the exhibitions into two parts to provide each of the artists withspace for a solo exhibition opportunity. However, due to the temporary closing of the exhibition venue inaccordance with the National State of Emergency declared in Japan as a result of the spread of thecoronavirus (COVID-19) pandemic, the Part 1 exhibition was cancelled, and the Part 2 event wasrescheduled.

鳥山明の漫画『ドラゴンボール』に登場する、神風特アーティストの石橋とエンジニアの新倉が 主宰す攻隊をモチーフとした技の名前を表題に掲げ た本

る「機械の視点を通じて、言葉の持つ論理とイマジ

展で、宮川は、彼の父親や自身の少年期の趣味やネーションに関する実験／制作を行う」アート・ユ

興味、そして彼が働く学童保育の場におけるこども

ニット。AI 技術を用いた新作４点で、人間が無意識達の無邪気さに見え隠れするプロパガンダを象徴に使う言葉を多角的に考察する展示を行いました。

的に提示しました。
The title for this exhibition was borrowed an image
from a technique used by the Kamikaze Attack groupthat is mentioned in the manga Dragon Ball by
Toriyama Akira, and in it Miyakawa made symbolic
allusions to the hobbies and interests of his father andhimself in his childhood years as well as fleeting
images from the innocent exuberance of the children
at the nursery school institution where he works.

The artist Ishibashi and the engineer Niikura lead an
art unit that “engages in experiments and creative
work aimed at revealing the logic and imagination
behind languages, from the viewpoint of machines.” Infour new works making use of artificial intelligence
technology, their exhibit focuses attention on words
that tend to use unconsciously for new considerationfrom a number of perspectives.

For further details see the exhibition catalogue on TOKAS website.

DATA

PROFILE

会場：TOKAS 本郷

1993年千葉県生まれ。神奈川県を拠点に活動。2019年

2 0 1 8 年に結 成 。東 京 都を拠 点に活 動 。主 な展 覧 会 に関連イベント：

多摩美術大学大学院美術研究科修了。主な展覧会に「引「Encounters」（Ginza Sony Park、東京、2019）など。受

4.4「第1期 オープニング・トーク」ゲスト：桝田倫広（東京国立近代美術館 主任研究員）※中止
5.16「第2期 オープニング・トーク」ゲスト：三本松倫代（神奈川県立近代美術館 主任学芸員）※中止
4.18 & 5.30「スタッフによるギャラリー・トーク」※中止

込線／放射線：Satellite Final, or…」
（ HIGURE 17-15

賞歴に「CREATIVE HACK AWARD」グランプリ（2019）

cas、東京、2020）、「引込線／放射線」（北斗第19ビル、埼など。

玉、2019）など。

Venue: TOKAS Hongo
Event:
4.4 “Part 1 Opening Talk” Guest: MASUDA Tomohiro (Curator, The National Museum of Modern Art, Tokyo) *Cancelled.
5.16 “Part 2 Opening Talk” Guest: SANBONMATSU Tomoyo (Curator, The Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama) *Cancelled.
4.18 & 5.30 “Gallery talk by TOKAS Staff” *Cancelled.

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PROFILE

Born in Chiba in 1993. Lives and works in Kanagawa. Graduated with an MFA from Tama Art University in 2019.
Recent exhibitions: “Absorption / Radiation: Satellite
Final, or…,” HIGURE 17-15 cas, Tokyo, 2020, “Absorption /Radiation,” Hokuto Building, Saitama, 2019.

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Formed in 2018. Work in Tokyo. Recent exhibition: “Encounters,” Ginza Sony Park, Tokyo, 2019. Award: “CREATIVEHACK AWARD,” Grand prize, 2019.

SPECIAL FEATURE ⇒ p.140

TOKAS-Emerging 2020

水 上愛美塙 龍太

吉 田 志穂岩本麻由

MIZUKAMI Emi

HANAWA Ryota

YOSHIDA Shiho

IWAMOTO Mayu

paintings of stranger

創意に満ちた等価性

余白の計画

Untitled Scenes

Inventive equivalence

plan of blank

DATA
助成：公益財団法人朝日新聞文化財団
Support: THE ASAHI SHIMBUN FOUNDATION

連綿と反復される他者の身体の動きを主題に、ブスピーカー部品とドローイング、モニターアームで支室内で撮影されたインスタレーションのイメージを、

建設現場の足場やフェンスなど匿名的で、誰の記

ルース・ナウマンのビデオ作品を参照し、彼のポーえられた平面など、一見異質な物質が合わさること

プロジェクターで野外に投影し、更にそれを被写体

憶にも残らないような風景を、大胆に余白をとった

ズから得られ た点を星座に見立てて描いた作品群で生じる無関係性と等価性から、鑑賞者に誤読を促として撮影。印画紙に現像されたそれらのイメージ

構図に、繊細な筆致で描いた作品を発表。多くの作と、労働における身体の動きをモチーフにレイヤー

し、無意味そのものから得られる快楽へ導く作品群

を、角度をつけた支持体に配置し、会場内に点在さ品は木枠などの支持体をもたず、直接壁面に打ちつを重ねて描いた絵画作品を発表しました。

で構成しました。

せ、空間全体を多層的なインスタレーションとしてけられ、素材そのものがもつ揺らぎが、永続的では構成しました。

ないはかなさを強調しました。

Images taken of an indoor installation are projected
out of doors with a projector and then photographs aretaken of that as a subject. The resulting images arethen printed on photographic paper, and those prints
are then positioned on a support with angled surfaces
and then placed around the exhibition space to createa multi-layered installation that fills the entire space.

Iwamoto displayed paintings of anonymous things likethe scaffolding and fences at construction sites,
scenes that will never remain in anyone’s memories,
painted in bold compositions with large blank areas
and fine brushwork. Many of the paintings were on
supports without wooden frames and were directly
pinned to the wall surfaces. And the fluctuant qualitiesof the materials themselves emphasize the inevitabletransience of the creations’ impermanent nature.

Taking the continuous and repetitive motion of otherpeople’s physical actions, while referring to the early
video works of Bruce Nauman, Mizukami presented agroup of works that arranged Nauman poses in formations like stars in constellations, and created paintingsby layering on images of the motion of laborers’ bodies
at work.

Hanawa’s exhibit consisted of works made of apparently unconnected objects like speaker parts anddrawings, or 2-dimesional supports held up by monitor
arms, the combinations of which created sense of
unrelatedness and equivalence that invited misunderstanding in the viewers that led to an enjoyment of
meaninglessness itself.

PROFILEPROFILEPROFILEPROFILE

1992年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2017年多1990年神奈川県生まれ。神奈川県を拠点に活動。2017

1992 年千葉県生ま れ 。東京都を拠点に活動。2014 年

1991年大阪府生まれ。神奈川県を拠点に活動。2016年女

摩美術大学美術学部油画専攻卒業。主な展覧会に「4649

年東京藝術大学大学院美術研究科油画専攻修了。主な展

東 京 工 芸 大 学 芸 術 学 部 写 真 学 科 卒 業 。主 な展 覧 会 に

子美術大学大学院美術研究科美術専攻洋画研究領域修了。

at Pina」(Pina、オーストリア、2020) など。受賞歴に「ター覧会に「鮭」（アキバタマビ21、東京、2020）、「BankART「VOCA 展 2018 現代美術の展望―新しい平面の作家た主な展覧会に「FACE 2020 損保ジャパン日本美術賞展」

ナーアクリルガッシュビエンナーレ2018」優秀賞など。

AIR 2019」（BankART Station、神奈川）など。

ち」（ 上野の森美術館、東京）など。受賞歴に「Prix Pictet（東郷青児記念 損保ジャパン日本興亜美術館、東京）など。

Born in Tokyo in 1992. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith a BA in Oil Painting from Tama Art University in 2017.
Recent exhibition: “4649 at Pina,” Pina, Austria, 2020.
Award: “Acrylic Gouache Biennale 2018,” Outstanding
Performance Award, Tokyo.

Born in Kanagawa in 1990. Lives and works in Kanagawa.
Graduated with an MA in Painting from Tokyo University of
the Arts in 2017. Recent exhibitions: “sake,” Akibatamabi
21, Tokyo, 2020, “BankART AIR 2019,” BankART Station,
Kanagawa.

TOKAS-Emerging 2020

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Japan Award 2017」ファイナリスト（2018）など。
Born in Chiba in 1992. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith a BA in Photography from Tokyo Polytechnic University
in 2014. Recent exhibition: “VOCA -THE VISION OF CONTEMPORARY ART 2018,” The Ueno Royal Museum, Tokyo.
Award: “Prix Pictet Japan Award 2017,” finalist.

037

Born in Osaka in 1991. Lives and works in Kanagawa. Graduated with an MFA in Oil Painting from Joshibi University of
Art and Design in 2016. Recent exhibition: “FACE 2020
Sompo Japan Nipponkoa Art Award Exhibition,” Seiji Togo
Memorial Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art, Tokyo.

TOKAS-Emerging 2020

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 3

停 滞フィールド 2020→2021

田 中 秀介広 瀬 菜々＆永 谷 一 馬

TANAKA Shusuke

HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma

Stasis Field 2020 →2021

DATA
協力：伊佐治雄悟
Cooperation: ISAJI Yugo

2021.2.20–3.21《Still life》2013年からの継続作品

田中秀介｜TANAKA Shusuke

Still life, Ongoing series since 2013

広瀬菜々＆永谷一馬｜HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma
渡辺 豪｜WATANABE Go

注目すべき活動を展開する作家の展覧会
An Exhibition Focused on Prominent Artists’ Activities
ACT（Artists Contemporary TOKAS）は、アーティストの継続的支援を目的として、TOKASのプロ
グラムに参加経験があり、注目すべき活動を展開している作家を中心に構成する企画展です。第3回となる2020年度は、新型コロナウイルス感染拡大の影響により開始直後に中止となった ACT Vol. 2

日々の暮らしが大きく変わった社会の中で、自身の2020年に発表した約300個の磁器から成るインス「停滞フィールド」の参加作家3組を再び迎えました。SF 作品などに登場する「停滞フィールド」は、時眼差しの変化を確かめるように、2020年から2021

タレーション《Still life》を再展示しました。全く同じ間の停止や遅延により、内部の物体の動きが止まっているように見える領域です。本展では、1年前の展示から引き延ばされた時間に対峙しながら、ウイルスによって人々の活動が滞り、停滞フィールドの内部に取り込まれたかのような社会を、アーティストがそれぞれの視点から捉えようと試みました。
詳しくは本展のカタログをウェブサイトよりご覧ください。

ACT (Artists Contemporary TOKAS) is an exhibition program that aims to provide ongoing support
primarily for artists who have participated in TOKAS programs and continued to carry on notable artistic
activities. In its third holding in 2021, the exhibition ACT Vol. 2 “Stasis Field” had to be closed soon after
its opening due to the effects of the coronavirus (COVID-19) pandemic, so the three participating artists/group were able to appear again this time. In the science fiction styled works appearing in “Stasis Field,”the use of time stoppage or delay creates a realm in which the objects in it appear to be stationary. In the
exhibition this time, some work from last year was viewed again from a new perspective of that lapsedinterval of time during which the effects of the COVID-19 pandemic induced a social atmosphere inwhich our lives themselves seemed to be delayed or even static. This was one of the conditions the artists
sought to address from their different perspectives.
For further details see the exhibition catalogue on TOKAS website.

DATA
会場：TOKAS 本郷
協力：ANOMALY
Venue: TOKAS Hongo
Cooperation: ANOMALY

年に制作した作品を発表。モチーフや作品の配置

空間、同じ構成によって展示を再現することにより、に前回の展示とのつながりをもたせ、現在の状況に

社会の変化に伴う鑑賞者の知覚の揺らぎを露わにし、おいて絵画を描くこと、見ることとは何かを問いかけ

突然に変化しうる日常を表現しました。

ました。
To see whether his view of society has changed in thetime of pandemic that has changed our daily lives,
Tanaka showed paintings done from 2020 into 2021.
While creating a connection with the motifs and placement of his works in the last exhibit, he questioned
anew what painting and seeing mean in the current
conditions of life.

This time, the artists re-presented their 2020 installation Still Life, consisting of some 300 porcelain works.
By re-creating the exhibit in exactly the same spacewith the same composition, the installation revealed
the fluctuations in viewer perceptions that haveoccurred due to the changes in the social environment,
thus showing how suddenly changes can take place inour daily lives.

PROFILEPROFILE1986年和歌山県生まれ。大阪府を拠点に活動。主な展覧

広瀬：1980年大阪府生まれ。永谷：1982年兵庫県生ま会に「なつやすみの美術館10：あまたの先日ひしめいて今れ。デュッセルドルフを拠点に活動。主な展覧会に「Out日」（ 和歌山県立近代美術館、2020）、「TWS-Emerging

of the Ordinary」（ウルム芸術財団、ドイツ、2019）など。

2016『円転の節』」（TWS 渋谷）など。

「平成29年度リサーチ・レジデンス・プログラム」参加。

Born in Wakayama in 1986. Lives and works in Osaka.
Recent exhibitions: “MOMAW Summer Museum Project#10: A Lot of Other Days Loaded in Today,” Museum ofModern Art, Wakayama, 2020, “TWS-Emerging 2016
‘Section of the circle’,” TWS Shibuya.

HIROSE: Born in Osaka in 1980. NAGATANI: Born in
Hyogo in 1982. Live and work in Dusseldorf. Recent exhibition: “Out of the Ordinary,” Ulm Art Foundation, Germany,
2019. Participation in “Research Residency Program 2017.”

SPECIAL FEATURE ⇒ p.140

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Stasis Field 2020→2021

渡辺 豪
WATANABE Go《停滞フィールド》2020-2021
Stasis Field, 2020-2021

あらゆる行動が制限される状況下で、作家の「通常」
をつなぐ特殊な時空として、自宅からアトリエまでの経路に着目したアニメーション《自分の成分》を制作。
展示室の窓をモチーフに、2020年と今回の展覧会を接続させる作品《停滞フィールド》
とともに発表しました。
Now, when there are restrictions on all of our actions,
Watanabe chose the path from home to his studio as a
special time and space representing his “normal,” andmade it the subject of his new animation What I am
consisted of. Along with this, he created a work Stasis
Field with the exhibition room’s window as a motif toconnect this exhibition to 2020.

PROFILE
1975年兵庫県生まれ。東京都を拠点に活動。主な展覧会に「第13回恵比寿映像祭『映像の気持ち』」（2021）、「あざ
み野コンテンポラリー vol.8 渡辺豪 ディスロケーション／
dislocation」（横浜市民ギャラリーあざみ野、2017）など。
Born in Hyogo in 1975. Lives and works in Tokyo. Recent
Exhibitions: “Yebisu International Festival for Art &Alternative Visions 2021: E-MOTION GRAPHICS,” “Azamino Contemporary vol. 8 ‘Go Watanabe / dislocation’,”
Yokohama Civic Art Gallery Azamino, 2017.

Stasis Field 2020→2021

渡辺 豪《自分の成分》2020
WATANABE Go, What I am consisted of, 2020

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Stasis Field 2020→2021

Tokyo Contemporary Art Award

中堅アーティストの更なる飛躍をサポート
Supporting new artistic developments by mid-career artists
Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）は中堅アーティストを対象に、海外での展開も含め、更なる飛躍を後押しする賞です。2020年度は、第3回受賞者の決定、第1回受賞者の受賞記念展とモノグラフ作成を実施しました。新型コロナウイルスの影響で、受賞者決定までのスタジオ訪問、選考会、また受賞者決定後の授賞式とシンポジウムもオンラインを活用して海外とつなぎました。受賞記念展
は、受賞者2名の新作のほか、過去作品も展示し、これまでの作家活動と次の段階を見据えた思考の変遷の理解につながる展示になりました。第2回受賞者の海外活動支援は延期となりました。
Tokyo Contemporary Art Award (TCAA) is an award for mid-career artists poised for further development,
including through overseas activities. Winners were chosen for the third holding of the Award in 2020,
and an award exhibition was held and solo collections of their works published for the winners of theAward’s first edition. Due to the effects of the coronavirus (COVID-19) pandemic, online connections wereused for the studio visit and selection stages and the award ceremony and symposium, including overseas
online connections. As for the first winner exhibition, two artists showed their new work, as well as pastworks, which made the exhibition an opportunity to review their work until now and help communicate
ideas about their work and transitions going forward. Meanwhile, support for overseas activities for thewinners of the second editions of the Award had to be postponed.

「TCAA2019-2021 受賞記念展」（東京都現代美術館）展示風景、2021
Installation view at “TCAA2019-2021 Exhibition,” Museum of Contemporary Art Tokyo, 2021

DATA
主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 トーキョーアーツアンドスペース
選考委員：［TCAA 2019-2021、TCAA 2020-2022］ 神谷幸江（ジャパン・ソサエティー、ニューヨーク ギャラリー・ディレクター）、
住友文彦（アーツ前橋 館長／東京藝術大学大学院 准教授）、ドリュン・チョン（M＋ 副館長兼チーフ・キュレーター）、
マリア・リンド（キュレーター／ライター／エデュケーター）、キャロル・インハ・ルー（北京中間美術館 ディレクター）、
近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）［TCAA 2021-2023］ソフィア・ヘルナンデス・チョン・クイ（クンストインスティテュート・メリー ディレクター）、
住友文彦（アーツ前橋 館長／東京藝術大学大学院 准教授）、
高橋瑞木（CHAT［Centre for Heritage, Arts and Textile］エグゼクティブディレクター兼チーフキュレーター）、
キャロル・インハ・ルー（北京中間美術館 ディレクター）、鷲田めるろ（十和田市現代美術館 館長）、
近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）
選考会運営事務局：特定非営利活動法人アーツイニシアティヴトウキョウ [AIT/ エイト]
Organizers: Tokyo Metropolitan Government and Tokyo Arts and Space (Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan
Foundation for History and Culture)
The International Selection Committee:[TCAA 2019-2021, TCAA 2020-2022] KAMIYA Yukie (Gallery Director, Japan Society, New York),
SUMITOMO Fumihiko (Director, Arts Maebashi / Associate Professor, Graduate School of Tokyo University of the Arts),
Doryun CHONG (Deputy Director, Curatorial and Chief Curator, M+), Maria LIND (Curator, Writer and Educator),
Carol Yinghua LU (Director, Beijing Inside-Out Art Museum), KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)[TCAA 2021-2023] Sofía Hernández Chong CUY (Director, Kunstinstituut Melly),
SUMITOMO Fumihiko (Director, Arts Maebashi / Associate Professor, Graduate School of Tokyo University of the Arts),
TAKAHASHI Mizuki (Executive Director and Chief Curator, CHAT [Centre for Heritage, Arts and Textile]),Carol Yinghua LU (Director, Beijing Inside-Out Art Museum), WASHIDA Meruro (Director, Towada Art Center),
KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)
Selection Secretariat: Arts Initiative Tokyo [AIT]042左上）TCAA2021–2023 受賞記念シンポジウム
above left: TCAA2021–2023 Symposium右上）スタジオ訪問（志賀理江子）
above right: Studio Visit (Shiga Lieko)下）スタジオ訪問（竹内公太）
bottom: Studio Visit (Takeuchi Kota)

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Tokyo Contemporary Art Award
2020–2022

Tokyo Contemporary Art Award
2021–2023

藤 井 光、山城知 佳 子

志賀理 江子、竹内公太

FUJII Hikaru,
YAMASHIRO Chikako

SHIGA Lieko, TAKEUCHI Kota

DATA

DATA

特設サイトインタビュー

授賞式・受賞記念シンポジウム

藤井 光（2020.8.28実施、11.13ウェブ公開）、

授賞式：2021.3.19

山城知佳子（2021.1.28実施、2021年度ウェブ公開）、会場：東京都現代美術館 地下2階講堂

授賞式｜Award Ceremony

受賞記念シンポジウム：2021.3.21

インタビュアー：住吉智恵

主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 トーキョーアーツアンドスペース

Interviews
FUJII Hikaru: Interview on August 28, 2020,
Released on the website on November 13, 2020,
YAMASHIRO Chikako: Interview on January 28, 2021,
Released on the website in 2021,
Interviewer: SUMIYOSHI Chie

［受賞記念シンポジウム登壇者］
受賞者：志賀理江子、竹内公太

選考委員：住友文彦、キャロル・インハ・ルー

モデレーター：塩見有子（特定非営利活動法人アーツイニシアティヴトウキョウ [AIT/ エイト] ディレクター）

上）インタビュー（藤井 光）｜top: Interview (Fujii Hikaru)
下）インタビュー（山城知佳子）
bottom: Interview (Yamashiro Chikako)

Award Ceremony and Symposium
Date: Award Ceremony 2021. 3.19, Symposium 2021. 3.21
Venue: B2 Auditorium, Museum of Contemporary Art Tokyo
Organizers: Tokyo Metropolitan Government and Tokyo Arts and Space(Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture)[Symposium Panelists]
Winners: SHIGA Lieko, TAKEUCHI Kota
The International Selection Committee: SUMITOMO Fumihiko, Carol Yinghua LU
Moderator: SHIOMI Yuko (Director, Arts Initiative Tokyo [AIT])受賞者の藤井光と山城知佳子に、受賞への思いや自身の制作、今後の展望についてインタビューを行
い、TCAA 特設サイトに掲載しました。また、本来は海外活動支援を行う年でしたが、新型コロナウイ
ルス感染症の影響により渡航を2021年度に延期しました。

オンラインを併用したスタジオ訪問や選考会を経て、公募と推薦の候補者から志賀理江子と竹内公太Interviews were conducted with the award winners Fujii Hikaru and Yamashiro Chikako concerning their feelings
about the award and about their working methods and visions going forward, and the resulting interviews werethen posted on the TCAA website. Also, although it was the year that they would normally receive support foroverseas activities as part of their award, due to the spread of the COVID-19 pandemic, their travel abroad was
postponed until 2021.

を選出。3月に授賞式と受賞記念シンポジウムを行いました。シンポジウムでは受賞者が今後の活動

PROFILEPROFILE

藤井 光｜FUJII Hikaru

山城知佳子｜YAMASHIRO Chikako

1976 年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2004 年パリ
第 8 大学美学・芸術第 3 博士課程 DEA 修了。主な展覧会にについて、また選考委員がアーティスト活動の軌跡における発展や変化について話しました。
Shiga Lieko and Takeuchi Kota were selected from among open-call applicants and recommended ones after going
through the studio visits and selection stages combined with online component. Then in March came the Award
Ceremony and Symposium. In the Symposium, the winners spoke about their plans for activities going forward andthe selection committees talked about developments and changes in the course of the artistic activities.

志賀理江子｜SHIGA Lieko

竹内公太｜TAKEUCHI Kota

1976 年沖縄県生まれ。2002 年沖縄県立芸術大学大学院環1980年愛知県生まれ。宮城県を拠点に活動。2004年ロンド

1982年兵庫県生まれ。福島県を拠点に活動。2008年東京藝境造形専攻修了。主な展覧会に「彼女たちは歌う」（ 東京藝術ン芸術大学チェルシー・カレッジ・オブ・アート・アンド・デザ

術大学美術学部先端芸術表現科卒業。主な展覧会に「Body「Thank You Memory – 醸造から創造へ –」（弘前れんが倉庫

大学 美術館陳列館、2020）、「話しているのは誰？ 現代美術にイン卒業。主な展覧会に「ヒューマン・スプリング」（ 東京都写is not Antibody」（ SNOW Contemporary、東京、2020）、美術館、青森、2020）、「もつ れるものたち」（東京都現代美術

潜む文学」（国立新美術館、東京、2019）など。

真美術館、2019）、「ブラインドデート」（ 丸亀市猪熊弦一郎現「メモリー・バグ」（Arts Catalyst、ロンドン、2016）など。

館、2020）など。
Born in Tokyo in 1976. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith a DEA (MA) from Université de Paris 8 in 2004. Recent
exhibitions: “Thank You Memory: From Cidre to Contemporary
Art,” Hirosaki Museum of Contemporary Art, Aomori, 2020,“Things Entangling,” Museum of Contemporary Art Tokyo,
2020.

Tokyo Contemporary Art Award 2020–2022

Born in Okinawa in 1976. Graduated with an MA in Environmental Design, Graduate School of Formative Arts from
Okinawa Prefectural University of Arts in 2002. Recent exhibitions: “Listen to Her Song,” The Chinretsukan Gallery, Tokyo
University of the Arts, 2020, “Image Narratives: Literature in
Japanese Contemporary Art,” The National Art Center, Tokyo,
2019.

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代美術館、香川、2017）など。
Born in Aichi in 1980. Lives and works in Miyagi. Graduatedwith an MA in Fine Art New Media from Chelsea College of Art
and Design, London Institute in 2004. Recent exhibitions:“Human Spring,” Tokyo Photographic Art Museum, 2019, “Blind
Date,” Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art, Kagawa, 2017.

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Born in Hyogo in 1982. Lives and works in Fukushima. Graduated with a BA in Intermedia Art from Tokyo University of theArts in 2008. Recent exhibitions: “Body is not Antibody,” SNOW
Contemporary, Tokyo, 2020, “Memory Bug,” Arts Catalyst, London, 2016.

Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023

Tokyo Contemporary Art Award
2019–2021

下道基行 展示風景
Installation View
(Shitamichi Motoyuki)

風 間サチコ、下道 基 行
KAZAMA Sachiko,
SHITAMICHI Motoyuki
第1回受賞記念展を開催し、モノグラフを作成しました。風間サチコは、展覧会タイトルを「Magic
Mountain」とし、コロナ禍の外出自粛中に読んだ
トーマス・マンの『魔の山』から着想を得て、内省による対立との和解をテーマに新作を制作。二項対立や近代化への疑念が前面に出た過去の作品とともに展示し、次の展開への道筋を想起させました。下道基行は、2011年以降のプロジェ
クト、シリーズ作品を展示。代表作のほか、拠点とする直島の記録や歴史を掘り起こす新しいプ

風間サチコ 展示風景上）展示風景｜top: Installation View

Installation View
(Kazama Sachiko)下）モノグラフ｜bottom: Monographs

ロジェクト、協働作品など、日常の営みから生まれるものや、制作過程に重きを置く作品を展示しました。モノグラフは、作家活動の軌跡が わかる内容となっており、今後の活躍につながるよう、
国内外の美術館を中心に配布しています。
An award exhibition for the winners of the first edition of the TCAA was held and collections (monographs) ofworks by the two winners were published. Kazama Sachiko titled her exhibition “Magic Mountain” due influencesof Thomas Mann's The Magic Mountain that she read during the period of home restriction in the COVID-19
pandemic, which led her to create new works on the theme of breaking away from confrontation through introspection. She also showed past works related to dichotomies and doubts about modernization, which helped
reveal future trajectories of her thought as an artist. Shitamichi Motoyuki exhibited works from his projects andworks in series since 2011. In addition to these, he also showed results of new projects dealing with records andthe history of Naoshima, where he is now based and works born within his everyday life and works that incorporate
the intentions of others, while placing importance on the creative process itself. Their monographs, which reflect
these creative processes and point to future developments have been distributed to museums in Japan and abroad.

DATA
PROFILETokyo Contemporary Art Award 2019-2021 受賞記念展
会期：2021.3.20-6.20

会場：東京都現代美術館 企画展示室1F

主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 トーキョーアーツアンドスペース・東京都現代美術館
協力：公益財団法人 福武財団、無人島プロダクション

展示照明：山本圭太

展示グラフィックデザイン：岡本健デザイン事務所

Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021 Exhibition
Date: 2021.3.20-6.20 Venue: Exhibition Gallery 1F, Museum of Contemporary Art Tokyo
Organizers: Tokyo Metropolitan Government and Tokyo Arts and Space /Museum of Contemporary Art Tokyo of the Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
Supports: Fukutake Foundation, MUJIN-TO Production Exhibition lighting: YAMAMOTO Keita
Exhibition Graphic Design: Ken Okamoto Design Office Inc.

INTERVIEW ⇒ pp.10–19

Tokyo Contemporary Art Award 2019–2021046

風間サチコ｜KAZAMA Sachiko

下道基行｜SHITAMICHI Motoyuki

1972年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。1996年武蔵野1978 年岡山県生まれ。香川県を拠点に活動。2001 年武蔵美術学園版画研究科修了。主な展覧会に「セメントセメタリー」

野美術大学造形学部油絵学科卒業。主な展覧会に「漂泊之碑」（無人島プロダクション、東京、2020）、「風間サチコ展 コン（大原美術館／有隣荘、岡山、2019）、「第58回ヴェネチア・

クリート組曲」（黒部市美術館、富山、2019）など。

ビエンナーレ国際美術展」（日本館、2019）など。

Born in Tokyo in 1972. Lives and works in Tokyo. Graduatedfrom Department of Printmaking, Musashino Art School in
1996. Recent exhibitions: “Cement Cemetery,” MUJIN-TO
Production, Tokyo, 2020, “Sachiko Kazama Concrete Suite,”
Kurobe city art museum, Toyama, 2019.

Born in Okayama in 1978. Lives and works in Kagawa. Graduated with a BA in Painting from Musashino Art University in
2001. Recent exhibitions: “Floating Monuments,” Ohara museumof art / yurinso, Okayama, 2019, “The 58th International Art
Exhibition, La Biennale di Venezia,” Japan Pavilion, 2019.

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Tokyo Contemporary Art Award 2019–2021

TOKAS ANNUAL REPORT 2020

衣 真一郎「トーキョーアーツアンドスペースレジデンス2020成果発表展『デイジーチェーン』」展示風景、2020
KOROMO Shinichiro, Installation view at “TOKAS Creator-in-Residence 2020 Exhibition ‘Daisy Chain’,” 2020

PART 2
レジデンスとその成果発表展

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム｜
Creator-in-Residence Program
トーキョーアーツアンドスペース レジデンス2020 成果発表展
TOKAS Creator-in-Residence 2020 Exhibition

デイジーチェーン｜Daisy ChainRESIDENCYPROGRAMSPART 2では、国内外のアーティストを派遣・招聘する「クリエーター・イン・レジデンス・プログラム」
や 2019年度のレジデンス・プログラムに参加し、滞在制作を行ったクリエーターによる成果発表展「デイジーチェーン」を紹介します。
In PART 2, we introduce the Creator-in-Residence Program that received overseas artists in Japan andsends artists to overseas residencies and the TOKAS Creator-in-Residence 2020 Exhibition “Daisy
Chain,” showing work created by these artists while in residence during 2019.

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Creator-in-Residence Program
クリエーター・イン・レジデンス・プログラム

クリエーターが滞在制作する創造的な拠点
Being a hub for creative work by creators in residence
2020年度は新型コロナウイルス感染症拡大の影響により、レジデンス・プログラムの大半が延期となり、年3回レジデンス期間の終盤に行うオープン・スタジオも全て中止されました。入国制限措置が長引く中、レジデンス・プログラムの招聘者は「芸術文化・国際機関推薦」の1名、派遣者は「二国間交流」でベルリンに滞在したクリエーター1名のみという異例の年となり、「二国間交流」のベルリン
招聘クリエーターとは初のオンライン・レジデンスを実施。また、コロナ収束後の活動への期待からか、
2021年度の「海外クリエーター招聘」と「リサーチ・レジデンス」への応募者数は例年を上回る460名となりました。
Due to the spread of the coronavirus (COVID-19) pandemic in 2020, most of the residency programs had
to be postponed, and all of the OPEN STUDIO normally held after the three annual residency periods had
to be cancelled. Due to the prolonged period of COVID-related travel restrictions, it was an unusual year
in which only one creator was invited for our residency from abroad in the Institutional Recommendation
Program and only one sent abroad on the Exchange Residency Program. Also, for the ﬁrst time an online
residency was conducted for an invited creator from Berlin in the Exchange Residency Program. Dueperhaps to the increased interest in post-corona residencies, the number of applicants for our Residency
Program 2021 exceeded past years with a total of 460 applicants.

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二国間交流事業プログラム（派遣・招聘）

海外クリエーター招聘プログラム

Exchange Residency Program

International Creator Residency Program

海外の芸術文化機関と提携して各分野で活動するクリエーターの相互派遣を行い、海外での制作活動の支援と、各都市と東京との文化交流促進を目的としたプログラム。2020年度は、新型コロナウイルス感染症拡大により1名のみを派遣。また、初のオンライ
ン・レジデンスを行いました。

This program is conducted as exchanges with ouraﬀiliated overseas arts and culture institutions, sending Japan-based creators abroad and receiving overseas creators in order to support their creative activities and promote exchange between Tokyo and thecities overseas. Due to the spread of the COVID-19
pandemic in 2020, only one creator was sent abroad.
Also, the ﬁrst-ever online residency was held.

ヴィジュアル・アートを中心としたさまざまな分野で活動する中堅クリエーターに、経済的支援とともに東京での創作活動の機会を提供する公募プログラム。
滞在制作の成果はオープン・スタジオで発表します。
2020年度は、新型コロナウイルス感染症拡大により、全員が滞在を延期しました。

サポート内容 ｜ Support contents

サポート内容 ｜ Support contents•〈派遣〉渡航費、滞在費、制作費を提供• 渡航費、滞在費、制作費、居室、シェアスタジオを提供•〈招聘〉居室、シェアスタジオを提供

This open-call program oﬀers accomplishedmid-career creators from abroad ﬁnancial support fora residency in Tokyo to engage in creative activities
primarily in the visual arts but also a variety of otherﬁelds. The outcome of their creative work are thenshown in the OPEN STUDIO. In 2020, all of the creators’ residencies had to be postponed due to the
spread of the COVID-19 pandemic.

• Airfare, living expenses, fee for creative work/project, living space, shared studio space• Japan-based creators sent abroad: Airfare, living expenses, fee for creative work/project• International creators from abroad: Living space, shared studio space

提携機関 ｜ Partner Institutions

アトリエ・モンディアル（スイス、バーゼル）、クンストラウム・クロイツベルク／ベタニエン、ベルリン市（ドイツ、ベルリン）、
HIAP［ヘルシンキ ･インターナショナル ･アーティスト･プログラム］、フィンランド文化財団（フィンランド、ヘルシンキ）、
センター・クラーク、ケベック・アーツカウンシル（カナダ、ケベック）、
トレジャーヒル・アーティスト・ヴィレッジ、アーティスト・イン・レジデンス台北（台湾、台北）、
エディンバラ・スカルプチャー・ワークショップ（スコットランド、エディンバラ）、ウィールズ、ベルギー・フランダース政府（ベルギー、ブリュッセル）リサーチ・レジデンス・プログラム
Research Residency Program
国内外のさまざまなジャンルのクリエーターを対象に、東京での芸術文化の研究や制作リサーチの機会を提供する公募プログラム。2020年度は、9名がAtelier Mondial (Basel, Switzerland), Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlin City (Berlin, Germany),
HIAP [Helsinki International Artist Programme], The Finnish Cultural Foundation (Helsinki, Finland),Centre Clark, Conseil des arts et des lettres du Québec (Quebec [Montreal], Canada),
Treasure Hill Artist Village, Artist-in-Residence Taipei (Taipei, Taiwan),
Edinburgh Sculpture Workshop (Edinburgh, Scotland), WIELS, Flemish Government (Brussels, Belgium)

TOKAS に滞在予定でしたが、新型コロナウイルス
感染症拡大により1名が中止、8名が次年度以降に延期となりました。

This open-call program oﬀers creators from Japanand abroad working in a variety of genres the opportunity to conduct research in Tokyo on the arts andculture or research for their own new creative activities. In 2020, of the nine residencies planned at
TOKAS, one had to be cancelled due to the spread of
the COVID-19 pandemic, and the other eight were
postponed to the following year or later.

サポート内容 ｜ Support contents• 居室を提供• Living space

芸術文化・国際機関推薦プログラム

国内クリエーター制作交流プログラム

Institutional Recommendation Program

Local Creator Residency Program

国内外の公的機関、芸術文化団体などの推薦を受けたクリエーターを受け入れ、国際文化交流の促進を図るプログラム。2020年度は、フランスの文化機
関の推薦を受けた1名が、東京でのプロジェクト実施を目的に TOKASレジデンシーに滞在し、制作やリサーチを発展させました。

This program accepts creators recommended bypublic institutions or arts and culture organizations inJapan and abroad to promote international cultural
exchange. In 2020, one participant recommended bya French cultural institution was given a period ofresidency at TOKAS to engage in a project in Tokyo,
resulting in development in both creative work andresearch.

国内で活動する日本人クリエーターを対象とする公募プログラム。同じテーマに取り組む海外クリエー
ターとの対話や議論をとおして制作を進め、成果を発表します。2020年度は、新型コロナウイルス感染症拡大により海外クリエーターが来日できず、参加予定の2名も滞在を延期しました。

This is an open-call program for Japanese creators
active in Japan. The selected creators are given theopportunity to work on new creations while engaging
in dialogues and discussions with international creators working in the same thematic context, and subsequently to present the results of their work. In 2020,as the overseas creators were unable to come to
Japan, the two planned residencies were postponeddue to the spread of the COVID-19 pandemic.

サポート内容 ｜ Support contents

サポート内容 ｜ Support contents• 居室を提供• 滞在費、制作費、居室、シェアスタジオを提供• Living space• Living expenses, fee for creative work/project, living space, shared studio space

Creator-in-Residence Program

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Creator-in-Residence Programクリエーター・イン・レジデンス・プログラム参加作家• 延期については、2021年4月時点の予定です。予定は変更になる場合があります。
• Postponements as of April 2021. The plans might change.

Creator-in-Residence Program Creators● 二国間交流事業プログラム

招聘クリエーター● 海外クリエーター招聘プログラム● 芸術文化・国際機関推薦プログラム

Exchange Residency Program

Invited Creators from abroad

International Creator Residency Program

Institutional Recommendation Program

派遣クリエーター［BASEL-TOKYO］

Japan-based creators sent abroad

トレーシー・スネリング｜Tracey SNELLING

ソフィア・ドゥリュー｜Soﬁa DURRIEU

2020.5–7 → 延期｜Postponed（2022.5–7）

バディ・ダルル｜Bady DALLOUL
2021.2.15–4.4 & 4.12–5.7

2020.1–3 → 延期｜Postponed（2022.5–7）

ティモ・ライト｜Timo WRIGHT［TOKYO-BASEL］

早崎真奈美｜HAYASAKI Manami

2020.4.4–6.29 → 延期｜Postponed（2022.4–6）

2020.5–7 → 延期｜Postponed（2022.5–7）［BERLIN-TOKYO］

ユリアン・ヴェーバー｜Julian WEBER
2021.1.19–3.31［TOKYO-BERLIN］

ラービッツ シスターズ｜LarbitsSisters（ベネディクト・ジャコブズ＆ロール＝アンヌ・ジャコブズ* オンライン・レジデンス｜Online residency

2020.4.7–6.29 → 中止｜Cancelled［HELSINKI-TOKYO］

─ミリアゴン｜Myriagon

2020.9–11 → 延期｜Postponed（2021.9–11）

Yuju（イェンニ・ヌルメンニエミ＆トゥオマス・A・ライティネン

ラージャ・ハリード｜Rajaʼa KHALID

2020.10.4–12.26

Jenni NURMENNIEMI & Tuomas A. LAITINEN）

2020.9–11 → 延期｜Postponed（2022.9–11）

─

2020.9–11 → 延期｜Postponed（2022.9–11）

船井美佐｜FUNAI Misa
2021.1–3 → 中止｜Cancelled［QUEBEC-TOKYO］

ベルトラン・フラネ｜Bertrand FLANET
2021.1–3 → 延期｜Postponed（2022.5–7）

キム・ワルドロン｜Kim WALDRON
2020.5–7 → 延期｜Postponed（2022.5–7）

ジェームズ・スコフィールド｜James SCHOFIELD
2020.9–11 → 延期｜Postponed（2021.9–10）
チョ・ヒョナ｜CHO Hyun A
2020.9–11 → 延期｜Postponed（2021.9–11）
ベギュム・エルジヤス｜Begum ERCIYAS
2020.9–11 → 延期（2021.9–11）

タイラー・コバーン｜Tyler COBURN
2021.1–3 → 延期｜Postponed（2022.1–3）

上村洋一｜KAMIMURA Yoichi

2020.9.7–11.28 → 延期｜Postponed（2021.9–11）

Research Residency Program

Bénédicte Jacobs＆ Laure-Anne Jacobs）

辻 梨絵子｜TSUJI Rieko［TOKYO-HELSINKI］●リサーチ・レジデンス・プログラム

アルバート・サムレス｜Albert SAMRETH
2021.1–3 → 中止｜Cancelled［TAIPEI-TOKYO］

チェン・ユーウェン｜CHEN Yu-Wen［TOKYO-QUEBEC］

國分郁子｜KOKUBUN Yuko

2020.4.8–6.30 → 延期｜Postponed（2022.4–6）［TOKYO-TAIPEI］

太田 遼｜OHTA Haruka

2020.10.5–12.25 → 延期｜Postponed（2021.10–12）

2021.1-3 → 延期｜Postponed（2022.1-3）［EDINBURGH -TOKYO］● 国内クリエーター制作交流プログラム

アダム・ルイス・ジェイコブ｜Adam LEWIS JACOB

Local Creator Residency Program

2020.5–7 → 延期｜Postponed（2022.5–7）
2020.5–7 → 延期｜Postponed（2022.5–7）

アヌリース・ヴァン・パレイス
Annelies VAN PARYS

梅原麻紀｜UMEHARA Maki

2020.5–7 → 延期｜Postponed（2022.5–7）

キム・ジョンヒョン｜KIM Junghyun
2021.1–3 → 延期｜Postponed（2022.1–3）

芦川瑞季｜ASHIKAWA Mizuki［BRUSSELS -TOKYO］［TOKYO-EDINBURGH］

パウロ・ダンタス｜Paulo DANTAS
2021.1–3 → 延期｜Postponed（2022.1–3）

黒田大スケ｜KURODA Daisuke
2020.5–7 → 延期｜Postponed（2021.5–7）

チェマ・ノヴェロ｜Txema NOVELO
2021.1–3 → 延期｜Postponed（2022.1–3）
ステファン＝クロスター・ポールセン
Steffen Kloster POULSEN

2020.4.20–7.18 → 延期｜Postponed（2021.9–11）

2021.1–3 → 延期｜Postponed（2022.1–3）［TOKYO-BRUSSELS］

渡邊拓也｜WATANABE Takuya
2020.7.6–12.25 → 延期｜Postponed（2021.7–12）

ニーン・山本‐マッソン

Nine YAMAMOTO-MASSON
2021.1–3 → 延期｜Postponed（2022.1–3）

Creator-in-Residence Program

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Creator-in-Residence ProgramYuju

社会的弱者に光を当て、その尊厳や生きづらさを作品で描く映像作家の Yuju は、コロナ禍のベルリンで受けた差別的行為をきっかけに、人権団体 Metoo-Asians

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉
Tokyo-Berlin
Exchange Residency Program

滞在期間 ｜ Residency Period2020.10.4–12.26

ユリアン・ヴェーバー

コロナ禍においてオンライン・レジデンスを行ったユリ

Julian WEBER

スの創作に多角的に取り組み、次々とビデオクリップを

アン・ヴェーバーは、地球外生命体に向けた求愛ダンとつながりました。そこからドイツ国内のアジア人差別試作。日々スタジオで身体を動かし、TOKAS スタッフ

についてインタビューや調査を行い、映像インスタレーとの隔週のZoomミーティングや、東京のアーティスト・ション《記憶された揺動》を制作。再ロックダウンにより
現地でのオープン・スタジオ実施は叶いませんでしたが、YouTubeで同作品を発表しました。
Yuju is a ﬁlm/media artist whose works focus on society’s
under-privileged, their dignity and the hardships of theirlives. She became connected with the human rights activist group Metoo-Asians after experiencing discriminatory
behavior due to being Asian during the COVID-19 pandemic in Berlin. From that encounter, she began doing
interviews and surveys about discrimination against
Asians in Germany, and from that created a video installation titled Remembered fluctuation: Ich erinnere mich...
Due to a reinstatement of corona lock-down, she wasunable to hold an open studio, but this recent work was
uploaded onto YouTube.

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉
Berlin-Tokyo
Exchange Residency Program* オンライン・レジデンス｜Online residency

滞在期間 ｜ Residency Period
2021.1.19–3.31

デュオMIRA新伝統とのコラボレーションによってコン
セプトを発展させて、ベルリンと東京をつなぎ、オンライ
ンで成果発表を行いました。
Julian Weber became the ﬁrst online resident creator for
TOKAS under the COVID-19 pandemic. He worked on
choreographing extraterrestrial-mating-dances throughmultiple approaches and made a collection of video clips.
Through daily practice in his studio, biweekly Zoom meetings with TOKAS staﬀ and a collaboration with Tokyobased artist duo, MIRA Shindento, Weber developed hisconcept and held a simultaneous online event in Berlin
and Tokyo at the end of his residency.

《記憶された揺動》2020
Remembered fluctuation: Ich erinnere mich..., 2020

PROFILE韓国生まれ。TOKAS 二国間交流事業プログラムから帰国
後、再び渡独。ベルリンを拠点に活動。2019年日本大学大学
院芸術学研究科映像芸術専攻修了。主な活動に「First-time
Filmmaker Sessions」（Lift-Oﬀ Global Network［オンライン］、2019）など。

CiR: Exchange Residency Program

PROFILE
Born in Korea. After TOKAS Exchange Residency Program,
moved to Berlin. Lives and works in Berlin. Graduated with an
MA from Nihon University Graduate School of Art in 2019.
Recent activity: “First-time Filmmaker Sessions,” Lift-Oﬀ
Global Network (online), 2019.

056

1986 年ドイツ生まれ。ベルリンを拠点に活動。ブラウンシュ
ヴァイク美術大学、ウィーン美術アカデミーで彫刻、HZT ベル
リン、de Theaterschool（アムステルダム）で振付を学ぶ。主な活動に「Allonge」（パフォーマンス、Tanzfabrik、ベルリン、
2020）。受賞歴にベルリン・アート・プライズ受賞（2015）。

057

Born in Germany in 1986. Lives and works in Berlin. Studied
sculpture at HBK Brunswick and Academy of Arts Vienna, andchoreography at HZT Berlin and the Theaterschool in
Amsterdam. Recent activities: “Allonge,” performance,
Tanzfabrik, Berlin, 2020, “streaming,” performance, Bangkok
Art & Culture Center, 2019. Award: “Berlin Art Prize,” 2015.

CiR: Exchange Residency Programバ ディ・ダル ル

ヴィラ九条山推薦のダ ル ル は、日本に住むアラブ圏

Bady DALLOULに再構成され た彼らの個人史をリサーチし、新しい環芸術文化・国際機関推薦プログラム
Institutional Recommendation Program

ルーツの人々の協力をとおして、私的・社会的・文化的境での発見、それが自身にどう影響するかについて探究しました。ワークショップ、ドローイング、コラージュ、職人とのコラボレーションからなる作品シリーズを制作
し、地理的距離をおいて見えてくる歴史と物語を織り交ぜた新たな歴史編纂を試みました。

滞在期間 ｜ Residency Period
2021.2.15–4.4 ＆ 4.12–5.7

DATA
パートナーシップ：
ヴィラ九条山 /アンスティチュ・フランセ日本

Recommended by Villa Kujoyama, Dalloul worked withthe cooperation of a group of newly arrived immigrants ofArab heritage to Japan to research their personal histories
and explore the personal, social and cultural changes they
had experienced in this new environment, and how such
experiences inﬂuence his own condition. He created aseries of works including workshops, drawings, collage
and collaborations with local artisans, in an attempt tocompile a new form of history interweaving conventional
historical fact and personal stories based on a new perspective that greater geographical distance can provide.

Partnership: Villa Kujoyama/Institut français du Japon

PROFILE1986年生まれ。パリを拠点に活動。2015年パリ国立高等美術学校修了。主な展覧会に「Notre monde brûle」（パレ・ド・
トーキョー、パリ、2020）、「Orientalism」（ Institut Valenciàd'Art Modern、バレンシア、スペイン、2020）など。ヴィラ九条山2021年レジデントアーティスト。

CiR: Institutional Recommendation Program

Born in 1986. Lives and works in Paris. Graduated with an MFAfrom École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris in
2015. Recent exhibitions: “Notre monde brûle,” Palais de Tokyo,
Paris, 2020, “Orientalism,” Institut Valencià d'Art Modern,
Valencia, Spain, 2020. 2021 laureate of Villa Kujoyama.

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トーキョーアーツアンドスペース レジデンス 2020 成果発表展

参加作家｜Creators

デイジーチェーン

Part 1

Part 2

大坪 晶｜OTSUBO Akira

有川滋男｜ARIKAWA Shigeo

しまうちみか｜SHIMAUCHI Mika

石塚まこ｜ISHIZUKA Mako

TOKAS Creator-in-Residence 2020 Exhibition

Daisy Chain

チャリントーン・ラチュルチャタ｜
Charinthorn RACHURUTCHATA

井原宏蕗｜IHARA Koro
Part 1: 2020.7.4–8.10

Part 2: 2020.8.22–9.27

今村 綾｜IMAMURA Aya
レキシー・ゼン｜Rexy TSENG
高石 晃｜TAKAISHI Akira

キム・ジヒ｜KIM Jihee

橋 本 仁｜HASHIMOTO Jin

衣 真一郎｜KOROMO Shinichiro

マルティナ・ミレル｜Martyna MILLER

北條知子｜HOJO Tomoko

国内外で滞在制作を行ったクリエーターによる成果発表展

リ・カイチョン（李 継忠）｜LEE Kai-Chung

An Exhibition Showing the Results of Creators Work in Residence
2019年度のレジデンス・プログラムに参加し、海外の提携機関や TOKASレジデンシーで滞在制作を行った合計15名のクリエーターによる成果発表展。3ヶ月に及ぶ異国での生活の中で、その土地の文化に触れながら制作した作品や、リサーチをもとに考察を深め発展させた作品を発表しました。国内外のクリエーター3名が TOKASレジデンシーで参加したテーマ・プロジェクトでは、「ミュトスの対話」という共通のテーマのもと、各自が取り組んだ制作活動の成果をひとつの空間に構成しました。また、新型コロナウイルスの影響による国内外の移動制限を鑑み、オンライン上で作家インタビューや展覧会を鑑賞することができる3D VRを制作しました。
This exhibition program was to show work done in residence by a total of 15 creators during 2019 ataffiliated overseas partner institutions, or at the TOKAS Residency in Tokyo. It introduced works created
while living and working in the respective foreign countries for three months, in contact with the uniquelocal culture, or works reflecting discoveries and deepened understandings in thought resulting fromon-site research. Three Japanese and overseas creators in residence at TOKAS Residency whoparticipated in the themed project worked under the shared theme of “Myth-understanding,” each
adopting their own approach to this theme and producing works that they showed in the same exhibition
venue. Also, in response to the restrictions on international travel due to the coronavirus (COVID-19)
pandemic, interviews of the artists were posted for viewing online, and 3D VR replications of the exhibition
contents were created to be viewed online.

テーマ・プロジェクト展示「ミュトスの対話」
Theme Project exhibition “Myth-understanding”

DATA
会場：TOKAS 本郷
提携都市／機関：アトリエ・モンディアル（スイス、バーゼル）、
クンストラウム・クロイツベルク/ ベタニエン、ベルリン市（ドイツ、ベルリン）、
クンストハレ・エクスナーガッセ（オーストリア、ウィーン）、センター・クラーク、ケベック・アーツカウンシル（カナダ、ケベック）、
トレジャーヒル・アーティスト・ヴィレッジ、アーティスト・イン・レジデンス台北（台湾、台北）、
HIAP［ヘルシンキ ･インターナショナル ･アーティスト･プログラム］、フィンランド文化財団（フィンランド、ヘルシンキ）
Venue: TOKAS Hongo
Partner Institutions: Atelier Mondial (Basel, Switzerland), Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlin City (Berlin, Germany),
Kunsthalle Exnergasse (Vienna, Austria), Centre Clark, Conseil des arts et des lettres du Québec (Quebec [Montreal], Canada),
Treasure Hill Artist Village, Artist-in-Residence Taipei (Taipei, Taiwan),
HIAP [Helsinki International Artist Programme], The Finnish Cultural Foundation (Helsinki, Finland)

060

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大坪 晶
OTSUBO Akira

DATA
平成31年度国内クリエーター制作交流プログラム
Local Creator Residency Program 20192017年より継続している「Shadow in the House」
プロジェクトにおいて、大坪は GHQ の施策により戦後占領期（1945〜1952）に接収された個人邸宅に着目し、アーカイブ資料から導き出される個人の記憶に焦点を当ててきました。本プロジェクトを通じて、
戦後日本における西欧文化の受容と葛藤の過程を室内の痕跡から探ることを目指しています。
本展では、滞在中に撮影した旧前田家本邸（東京都目黒区）でのダンサーとの協働による写真と映像作品をはじめ、4つの邸宅で撮影した写真を展示。またアメリカ国立公文書館で収集した記録映像を作品に用いました。接収時に増築されたキッチン台を参照
し、映像を投影した作品や住宅に開けられていた穴から展開する映像インスタレーションなど、写真や映像にフィクショナルな操作を加えることで、大坪は史実を寓話的な記憶として提示し、鑑賞者に歴史的な記憶の継承を促しています。
In her “Shadow in the House” project that Otsubo has
continued since 2017, she has focused on individual
memories that could be derived from archives connected to former occupants of the private homes thatwere taken over for use by the GHQ of the Allied
Occupational Force in Japan after WWII (1945-52).
Through this project, she has sought to find traces ofJapan’s acceptance of and conflict with Western culture in the postwar era.
In this exhibition, Otsubo displayed photographs
taken at four such houses, including the main residence of the Maeda Family (in Meguro Ward, Tokyo),
where she took on-site photos and video footage withthe cooperation of dancers during her residency. In her
works, Otsubo also used visuals collected at the
National Archives in the U.S., and by adding fictional
elements based on such devices as works projecting
the image of a kitchen sink and counter that wereadded to a confiscated residence or holes that wereopened in the original homes, she presents “allegoricalmemories” that stimulate a succession of historicalmemories.

Daisy Chain: Part 1

PROFILE
1979 年兵庫県生ま れ 。神奈川県を拠点に活動。2013
年プ ラ ハ 工 芸 美 術 大 学 写 真 学 科 修 了 。主 な 展 覧 会に「Graysc ale」
（ブ ルームギ ャラリー、大阪、2020）、「Shadow in the House」（ ポートアート＆デ ザイン津
山、岡山、2019）など。受賞歴に「Japan Photo Award
2017」、「6th EMON AWARD」グランプリ（2017）など。
Born in Hyogo in 1979. Lives and works in Kanagawa. Graduated with an MA in Visual Arts from Academy of Arts,
Architecture and Design in Prague in 2013. Recent exhibitions: “Grayscale,” BLOOM GALLERY, Osaka, 2020,“Shadow in the House,” PORT ART&DESIGN TSUYAMA,
Okayama, 2019. Awards: “Japan Photo Award 2017,” “6thEMON AWARD,” Grand Prix, 2017.

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Daisy Chain: Part 1

しまうちみ か
SHIMAUCHI Mika

DATA
平成31年度国内クリエーター制作交流プログラム
Local Creator Residency Program 2019

しまうちは、日本の社会が推し進める極端な合理化や SNS 上に溢 れる理想化され た自己を追い求める風潮に疑問を抱き、人々が自分達の作り出した理想に苦しめられている「現代の神話」を見出しました。過度な合理化を目指す社会がすべてを無機質にしていると感じたしまうちは、排除される非合理性をテーマに、オリンピック・パラリンピックを前に再開発される東京の街をリサーチしました。また東京の博物館で出会った埴輪に自身の作品に通じる野生を発見し、埴輪に用いられた原始的な製法である「輪積み」による大型彫刻を制作したことは、アジア人としてのアイデンティティを捉え直すきっかけにもなりました。
本展では、拠点の熊本で制作した籾殻を使った野焼《On being independent》2020

きによる彫刻とドローイングを発表。単管パイプに囲On being independent, 2020

まれ、窮屈そうな彫刻は合理化に適応できない人間を象徴するようで、非合理なものに伴う厄介さと向き《On being independent》2020

合い続ける覚悟を表しています。
Shimauchi is an artist who questions the extremes ofrationality that Japanese society pursues and the tendency to pursue excessively idealized personas thatabound on the social media, and in response to theseshe has envisioned a “contemporary myth” by whichpeople suffer under the burden of the ideals they create. Driven by her sense that an excessive pursuit ofrationality by society makes everything seem bleak,
Shimauchi decided to research the ongoing redevelopment of Tokyo leading up to the Olympics andParalympics while focusing on the theme of theremoval of things that are irrational or impractical. At
the same time, the discovery of a similar “primitive”
orientation between her own work and the ancientJapanese Haniwa clay sculptures she found at a
museum in Tokyo prompted her to create large sculptures using the same “ring-stacking method” of clay
work used in the Haniwa sculptures. This experience
led her to a new confirmation of her roots as an Asian.
In this exhibition Shimauchi displayed terracotta
sculptures made at her base in Kumamoto, using thenoyaki method (open-field firing using rice husks), anddrawings. The sense of confinement we feel in the
sculptures surrounded by pipes is surely an expressionof the human spirit’s inability to deal with rationalization, as well as the determination to continue facing
the difficulties that come with irrationality.

Daisy Chain: Part 1

On being independent, 2020

PROFILE
1987 年熊本県生ま れ 。熊本県を拠点に活動。2013 年
崇城大学大学院芸術研究科修了。主な展覧会に「秋の種2020： しまうちみか展 自立について 世界は想像した以上に私を受けい れてくれるはずである」（ 福岡アジア美術館）、「猛浪漫」（ Shun Art Gallery、上海、2018）、「境界
線からみえる風景」（ WHITE SPACE ONE、福岡、2018）、「しまうちみ か 個 展 」（ ガレリア・グラフィカ b i s 、東 京 、
2017）など。
Born in Kumamoto in 1987. Lives and works in Kumamoto.
Graduated with an MFA from Sojo University in 2013.
Recent exhibitions: “Seeds in Autumn 2020: Shimauchi
Mika Solo Exhibition On being independent,” Fukuoka
Asian Art Museum, “Big Romance,” Shun Art Gallery,
Shanghai, 2018, “A Landscape seen from the border,”WHITE SPACE ONE, Fukuoka, 2018, “Shimauchi Mika
works,” Galleria Grafica bis, Tokyo, 2017.

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Daisy Chain: Part 1

チャリントーン・ラチュル チャタ

DATA
平成31年度海外クリエーター招聘プログラム
International Creator Residency Program 2019

Charinthorn
RACHURUTCHATA

社会生活に仏教が今なお強い影響を与えているタ
イ出身のラチュルチャタは、仏教における家父長制や男尊女卑を「神話」と捉えています。仏教は平和と優しさに満ちた宗教として知られる一方で、男女不平等の伝統が存在することはあまり注目されていません。ラチュルチャタは女性が穢れた存在であり、男性として転生しない限り悟りを得ることはできないという仏教の考え方を問い直し、タイと日本における受容を比較すべく、奈良県にある女人禁制の区域や参道を持つ大峰山をテーマにリサーチを行いました。
本展では《（今はそうではないが）女人禁制の山》という写真インスタレーションを発表。会場全体を大峰山への旅に見立て、山の全景と女性の身体を関係づけた写真作品や窓を覆うフィルムにより架空の風景を創出しました。ラチュルチャタはこの静謐な空間の中で鑑賞者が仏教の自由な精神性と相反する《Temple of purity（清廉の寺院）》2020

女性の立場に思いを巡らせることを期待しています。

Temple of purity, 2020

As an artist from Thailand, where Buddhism still carries great influence in society and on people’s lives,
Rachurutchata sees the lingering patriarchal systemand belief in the predominance of men over women as
a form of “mythology.” Although Buddhism is widely
respected as a religion of peace and kindness, it is alesser known fact that Buddhism also has a traditionof gender inequality. Rachurutchata questions the
traditional Buddhist teachings that women are inherently “impure” and must be reborn as men before thepath to enlightenment becomes open to them, and inorder to compare the difference between how this isunderstood in Thailand and Japan, she conducted
research of the sacred area of Mt. Omine in Japan’s
Nara Prefecture where entry by women is still prohibited.
In this exhibition she presented a photograph installation titled A mountain (is no longer) set apart. The
entire installation space is arranged as a journey to Mt.
Omine, with a photo work connecting the female bodyform to the shape of the mountain and film applied on
the window to create a fictional landscape. The artist’s
hope is that the peacefulness of the space will provoke
thought about the contrast between the image of
Buddhism as a religion of free thought and the position of women that stands in contrast to it.

Daisy Chain: Part 1

PROFILE
1982 年バンコク生まれ。バンコクを拠点に活動。2006
年スコータイ大 学 卒 業（コミュニケーション・アーツ）。
主 な展 覧 会に「 S T R ATA Ph o t o B a n g k o k Po p - U p
Exhibition」（ BACC、バンコク、2018）、「Kaohsiung
Photo 2018」（ P i e r 2 A r t C e n t e r 、高 雄 、台 湾 ）、
「OTAKU」（Number 1 gallery、バンコク、2011）など。
Born in Bangkok in 1982. Lives and works in Bangkok.
Graduated in Communication Arts from Sukhothai University in 2006. Recent exhibitions: “STRATA PhotoBangkok
Pop-Up Exhibition,” BACC, 2018, “Kaohsiung Photo 2018,”
Pier2 Art Center, Taiwan, “OTAKU,” Number 1 gallery,
Bangkok, 2011.

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Daisy Chain: Part 1

井 原宏蕗IHARA Koro

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉
Tokyo-Berlin Exchange Residency Program 2019

生き物が生きた証や痕跡を探し、彫刻的な技法を用いて新たな価値を探求する井原は、ドイツ全16州を訪れ、各地でミミズの糞塚を採取し、生態系とその循環について考察しました。糞塚は、土、排泄物、生き物が いた痕跡からなり、その形は必然的にミミズから作り出されたとも言うことができます。
本展では、ベルリンでの展示を再構成し、東京で採取した生の糞塚（有機物）と焼成した糞塚（無機物）を対比させるインスタレーションと、糞塚をジュエリーに仕立てて展示しました。ミミズが落ち葉や枯れ枝などの有機物を分解して無機化する過程の一部を担うように、井原がテラコッタの製法で無機物を作る行為は、生態系におけるミミズによる分解の《worm in progress -tokyo》2020

プロセスを想起させます。また糞塚をミミズが生み

worm in progress -tokyo, 2020

出した有機的な形として捉え直してジュエリーにすることで、日常生活で見過ごされている自然の循環を再考しようと試みました。
Ihara is an artist whose search for remaining evidence
and traces of the lives lived by animals has led him toa form of sculptural expression that seeks to create
new value. In his search, Ihara visited all 16 states ofGermany and gathered worm cast excretion mounds
while thinking about the related ecosystem and theprocesses of natural recycling that occurs in it. The
casts are a combination of earth and excrement, as
well as traces of animal life that inhabited the site, andit can be said that their shape is created naturally byworms.
For this exhibition, a reproduction of Ihara’s previous
exhibit in Berlin was created, consisting of juxtapositions of raw cast (organic substance) collected inTokyo and fired cast (inorganic matter), as well as castshaped to represent a form of jewelry. Just as the process by which worms ingest organic materials likefallen leaves and twigs and break them down in thedigestion process that involves a partial transition to
inorganic substances, Ihara’s act of using the terracotta method to create inorganic products is suggestive of the role of the worms’ digestive breakdown oforganic substances in the ecosystem. Also, by seeing
the organic cast forms created by the worms in thedigestive process as material for making jewelry,
Ihara’s work can be seen as a reproduction of natural
recycling that we would otherwise fail to notice in ourdaily lives.

Daisy Chain: Part 1《jewelry in ground -tokyo》2020
jewelry in ground -tokyo, 2020

PROFILE1988年大阪府生まれ。東京都を拠点に活動。2013年東京藝術大学大学院美術研究科彫刻専攻修了。主な展覧会に「PRISMA」（Galleria dʼarte FABER、ローマ、2020）、「第20回岡本太郎現代芸術賞」（ 川崎市岡本太郎美術館、
2017）。受賞歴に「TOKYO MIDTOWN AWARD 2019」グランプリ、「トーキョーワンダーウォール 2016」トーキョー
ワンダーウォール賞など。
Born in Osaka in 1988. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith an MFA in Sculpture from Tokyo University of the Arts
in 2013. Recent exhibitions: “PRISMA,” Galleria d’arte
FABER, Roma, 2020, “The 20th Taro Okamoto Contemporary
Art Award,” Taro Okamoto Museum, Kawasaki, 2017.
Awards: “TOKYO MIDTOWN AWARD 2019” Grand Prize,“TOKYO WONDER WALL 2016,” TOKYO WONDER WALL
Prize.

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Daisy Chain: Part 1

キム・ジヒKIM Jihee

DATA
平成31年度海外クリエーター招聘プログラム
International Creator Residency Program 2019

身体を「不完全なユートピア」と定義するキムは、切断され たり傷つけられ たりして変形した身体をモチーフとした、大型のシルクスクリーン作品《Body
Proofs》を発表しました。銃弾で穴が開いた人の顔や、傷を負った虎、切断され た手脚が、カラフルな色彩で繰り返し描写され、その間を鳥の羽や蝶が舞い、まるで血液が飛散しているように画面全体にインクが滴っています。
キムは、古代ギリシアから現代に至るまで、完全で美しい肉体を崇拝し追い求めることを当然とする社《Body Proofs》2019

会に疑問を抱き、歪んだ身体のイメージを提示する

Body Proofs, 2019

ことで、「完璧な身体」の定義を問い直します。不完
全な身体をありのままに受け入れ、その中に美しさを見出すことは、人々の意識に刷り込まれてきた価《Body Proofs》（部分）2019

値観を再考することであり、私達一人一人の存在をBody Proofs (detail), 2019

肯定する試みです。液体のように流動的な思考を巡らせながら、社会や歴史によって形成され固定化した認識を解体しました。
Kim, an artist who redefines the body as a “deficient
utopia,” displayed a large-scale silkscreen work titled
Body Proofs, composed of motifs such as cut off, mutilated or deformed body parts. Images such as a facewith bullet holes in it, a wounded tiger and cut-off
arms and legs are repeated across the composition inbright colors and interspersed with floating bird feathers and butterflies, and with drippings of ink running
through the entire picture plane like splattered blood.
Kim asks why we must submit to the worship beautiful bodies that has been perpetrated by society fromancient Greece until the present, and by showing
images of deformed bodies, she questions the concept of the “perfect body.” Her act of accepting imperfect bodies as something natural and finding beauty inthem is an act of re-evaluating the aesthetic values
that have been drilled into our consciousness, as wellas an attempt to negate our existence as individuals.
By giving free rein to her thoughts, with their liquid-like fluidity, Kim seeks to break apart such stereotypes implanted in our consciousness by social norms
and history.

Daisy Chain: Part 1

PROFILE
1983年ソウル生まれ。ソウルを拠点に活動。2020年梨花女子大学校大学院造形芸術学部博士課程修了。主な展覧会に「Your Hands Are Mine」（All That Curating、ソウ
ル、2020）、「Uncanny Skin」（Gallery SoSo、パジュ、韓国、2019）、「B.P [body proofs]」（ThisWeekendRoom、ソウル、2019）など。
Born in Seoul in 1983. Lives and works in Seoul. Earned her
PhD in Painting Department of Fine Arts from the Graduate
School of Ewha Womans University in 2020. Recent exhibitions: “Your Hands Are Mine,” All That Curating, Seoul,
2020, “Uncanny Skin,” Gallery SoSo, Paju, Korea, 2019, “B.P
[body proofs],” ThisWeekendRoom, Seoul, 2019.

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071

Daisy Chain: Part 1

衣 真一郎KOROMO Shinichiro

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈ケベック〉
Tokyo-Quebec Exchange Residency Program 2019ケベック州モントリオールに滞在した衣は、カナダの風景とその自然の中で生まれた競技であるアイス
ホッケーについてリサーチを行いました。本展では、雄大な自然やモントリオールの街並み、滞在中に出会った人物をモチーフに描いた油彩画を中心に、ホッケーのスティックや土産物などのオブジェクト
によって展示空間を構成しました。
ケベックの州旗から着想を得て、青と白の絵の具を用いた《Landscape with Ice Hockey（アイスホッケーのある風景）》では、ホッケーをする人々を中央に、家屋や旗、企業のロゴを配置し、植民地や独立運動など複雑な歴史を抱えるケベックの風景をひとつの画面に描きました。また、20世紀初頭にオンタ
リオ州を拠点に活動したグループ・オブ・セブンの画家やトム・トムソンの風景画に強く惹か れ、「オイ
ルスケッチ」という彼らの技法を参照し、新たに取り組んだ木の板を支持体とする油彩画を発表しました。
During his residency in Montreal, Quebec, Koromo
studied the landscapes of Canada and did research on
the sport of ice hockey that was born in that Canadianenvironment. For this exhibition, he filled the space
mainly with oil paintings taking as their motifs large
open spaces of the natural environment, cityscapes ofMontreal and people he had met there in Canada,
while also placing objects such as a hockey stick andother souvenirs he brought back.
For the painting Landscape with Ice Hockey, Koromo
took a hint from the flag of Quebec and used blue andwhite paint in a composition that centered aroundpeople playing ice hockey and surrounded that withmotifs like houses and flags and company logos, all in
one painting intended to be a landscape of Quebec
with its complex history of colonization and independence movements. Also, Koromo displayed a new typeof painting executed in oils on a wooden support thatreflects his strong attraction to the landscape paintings of the Group of Seven active in Ontario in theearly part of the 20th century and Tom Thomson andtheir “oil sketch” style of painting.

Daisy Chain: Part 1

PROFILE1987年群馬県生まれ。群馬県を拠点に活動。2016年東京藝術大学大学院美術研究科絵画専攻修了。主な展覧会に「project N 75 衣真一郎 KOROMO Shinichiro」（東京オペラシティアートギャラリー、2019）、「para nature」（EUKARYOTE、東京、2018）、「TWS-Emerging 2014
『風景と静物』」（TWS 渋谷）など。
Born in Gunma in 1987. Lives and works in Gunma. Graduated with an MFA in Painting from Tokyo University of theArts in 2016. Recent exhibitions: “project N 75 Shinichiro
Koromo,” Tokyo Opera City Art Gallery, 2019, “para nature,”
EUKARYOTE, Tokyo, 2018, “TWS-Emerging 2014 ‘Landscape and Still life’,” TWS Shibuya.

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Daisy Chain: Part 1

北 條知子HOJO Tomoko

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉
Tokyo-Berlin Exchange Residency Program 2019

実験的な音、音楽、パフォーマンスの領域で活動する北條は、歴史的に沈黙させられてきた（女性の）声を可聴化するというテーマでプロジェクトを展開しています。川上音二郎一座として1899年より3度にわたり欧米に渡航した元芸者の川上貞奴は、日本
では女性が舞台に上がることを禁じられていた時代に、急遽「女優」になることを余儀なくされ、その美貌によって多くの観客を魅了し、欧米における日本
人女性のイメージ形成に大きな影響を及ぼしました。
1901年にはベルリンで日本人女性として初めて声が録音されました。
本展では、ベルリン国立民族学博物館附属フォノグ《男と女に浮かぶ》（部分）2020

ラム・アーカイブで、長い間「男性の声」として保管さHover Over Man and Woman (detail), 2020

れてきた貞奴の声をとおして、繰り返し語られる身体的・視覚的な美に対して単なる音として受容された彼女の声や沈黙を描き出すと同時に、現代においても消えることのない人種や女性に対する固定化したイメージについて問いかけました。
As an artist working in the areas of experimental
sound, music and performance, Hojo is presently
undertaking projects that seek to reveal the voices ofwomen that have tended to be silenced by history. A
former Geisha named Kawakami Sadayakko of the
Kawakami Otojiro theater troupe, traveled to Europe
and North America three times beginning 1899 at atime when it was forbidden for women to perform on
stage in Japan and was hurriedly thrust into the role ofactress of necessity, and ended up enchanting manyfans with her beauty. Her appearance there eventually
had a great influence on the image of Japanesewomen that then took root in the West. In Germany in1901, she became the first Japanese women to ever
have her voice recorded.
By presenting for this exhibition the recording of
Sadayakko’s voice that had long been stored in the
Ethnological Museum of Berlin Phonogram Archives
as a male’s voice, Hojo showed how, stripped of therepeatedly portrayed images of the woman’s physicaland visual beauty, her recorded voice was perceived
simply as a sound and subjected to a silencing overtime. At the same time, Hojo’s work asks questions
about stereotyped images that remain today about theraces and women.

Daisy Chain: Part 1

PROFILE1988年愛知県生まれ。東京都を拠点に活動。2016年ロンドン芸術大学ロンドン・カレッジ・オブ・コミュニケーション修了。主な展覧会に「さいたま国際芸術祭2020」、「TOKAS-Emerging 2019『声をひそめて』」（ TOKAS本郷）、「群馬青年ビエンナーレ 2019」（ 群馬県立近代美術館）、Hojo+Kraftとしてパフォーマンス「My Place/My
Sound」（京都芸術センター、2019）など。
Born in Aichi in 1988. Works in Tokyo. Graduated with an
MA from London College of Communication, the Universityof the Arts London in 2016. Recent exhibitions: “Saitama
Triennale 2020,” “TOKAS-Emerging 2019 ‘Sotto Voce’,”TOKAS Hongo, “The 14th Gunma Biennale for Young
Artists 2019,” The Museum of Modern Art, Gunma, “My
Place/My Sound,” presented as Hojo+Kraft, Kyoto Art
Center, 2019.

SPECIAL FEATURE ⇒ p.140

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Daisy Chain: Part 1

リ・カイチョン（李 継忠）
LEE Kai-Chung

DATA
平成31年度海外クリエーター招聘プログラム
International Creator Residency Program 2019

第二次世界大戦時に、香港、中国、日本で迫害を受けた難民の意識を探究するプロジェクト《深海への細道》を進めるリは、日本占領下（1942〜1945）の
香港と広州で起きた「南石頭事件」を主題に映像インスタレーションを発表しました。大日本帝国軍政によって、約80万人の香港人が、さまざまな理由で追放や本国送還される中、広東（広州）に辿り着いた難民たちは、南石頭難民所に拘留されました。
本展では、難民所で人体実験されていく男と、それを近くで見てい た女の視点から捉えた光景が描かれ、各々のモノローグが次第に対話となっていく2チャンネルの映像作品《夜の名残》のほか、物憂げにタバコをふかす女、演歌を細々と口ずさむ老人の映像を各壁面に投影。空間中央には梱包材に覆わ《深海への細道》2019

れ た彫像と、何かを掘り返す男の映像を映したブラ

The Narrow Road to the Deep Sea, 2019

ウン管テレビを配置しました。空間全体を包む暗鬱な雰囲気から、人の内面奥深くに潜む人間性を詳らかにすることを試みました。
Lee’s ongoing project, The Narrow Road to the Deep
Sea, aims to seek out and archive the records andvoices of refugees from Hong Kong, China and Japan
who suffered oppression during WWII, and for thisexhibition he presented a video installation focusing
on the Nanshitou Incident that occurred in Hong Kongand Guangzhou during the Japanese occupation(1942-45). Of the many refugees that were exiled ordeported to mainland China from Hong Kong for avariety of reasons by the Japanese Imperial Arm, that
ended up in Canton (Guangzhou), thousands of Hong
Kong citizens were detained in the Nanshitou RefugeeCamp.
For this exhibition, Lee created videos telling the stories of a man at the center who was subjected to biological weapon tests and a woman who watched what
he went through firsthand, and their monologues
gradually become a discourse in the 2-channel work
titled The Remains of the Night. Also, projected on thewalls are video images of a woman languidly smoking
a cigarette and another of an elderly man quietly
crooning the words of a Japanese popular (enka) song.
In the center of the space we see a sculpture coveredby packing material, and an old CRT television showing images of a man digging up something is also
placed. Amidst this overall gloomy atmosphere, wemight try to find an aspect of human nature harbored
deep within us all.

Daisy Chain: Part 1《深海への細道 Part IV（掘削者）》2019
The Narrow Road to the Deep Sea – Part IV: The Digger, 2019

PROFILE
1985 年香港生ま れ 。香港を拠点に活動。2014 年香港
城市大学クリエイティブ・メディア専攻修了。主な展覧会に「Once I Wake Up, My Body is Old」
（香港、2020）、「第12回上海ビエンナーレ」（2018）、「ソウル・メディアシ
ティ・ビエンナーレ2018」など。受賞歴に「Hong Kong
Arts Development Awards 2017」ヤングアーティスト賞。
Born in Hong Kong in 1985. Lives and works in Hong Kong.
Graduated with an MFA in School of Creative Media from
City University of Hong Kong in 2014. Recent exhibitions:“Once I Wake Up, My Body is Old,” Hong Kong, 2020, “12thShanghai Biennale,” 2018, “Seoul Mediacity Biennale
2018.” Award: “Hong Kong Arts Development Awards
2017,” Award for Young Artist.

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Daisy Chain: Part 1

有 川滋男ARIKAWA Shigeo

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉
Tokyo-Berlin Exchange Residency Program 2019

ベルリンに住む難民の現状をリサーチした有川は、シリアの武力紛争から逃れ、ベルリンに辿り着いた男性のモノローグと、彼の行為から示唆されるさま
ざまな解釈を重層的に提示する映像作品を展示しました。
本作は、ナチス迫害の犠牲者への記念碑として制作されたドイツ人アーティスト、グンター・デムニヒの《Stolperstein》（ 石畳に埋め込まれ た真鍮プレートの追悼碑）から着想を得ており、映像内では、シリア人男性が石畳に使わ れる玉石を積み上げる様子が映し出されます。一見、こどもの遊びにも見える石を積む行為や形跡は、世界各地で見られ、それは道標《石を積む》2019-2020

や記念碑、祈りの印であり、日本では賽の河原のよ

Piling Up Stones, 2019-2020

うに現世との境界を示し、故人の弔いを意味します。
白を基調とした部屋に散りばめられた四角い黒い石を、白い服の男が寡黙に積み上げようとする（そして《石を積む》2019-2020

崩れる）光景は、祈りの儀式のようにも、また延々とPiling Up Stones, 2019-2020

繰り返される暴力のようにも見え、彼の個人的体験と心情を鑑賞者に印象づけました。
Arikawa did research on immigrants/refugees living in
Berlin, and from it he created a video work containing
a monologue of a man who fled the violence in Syria
and finally settled in Berlin. It became a multi-layered
portrait open to multiple interpretations of the actions
the man took.
This work takes its inspiration from a work known as
Stolperstein (that covered cobblestones with brass
plate) by the German artist Gunter Demnig created asa memorial to the victims of the Holocaust, and in thevideo we see the Syrian man piling up cobble stones of
the kind used in roads. The act of piling the stones andthe resulting forms may look at first glance like child’splay, but in fact this is something seen in all parts of
the world, taking the form of things like road markers,
memorials or signs of prayer. In Japan they may standas representations of the border with this world as in
Sainokawara or memorials for the deceased.
The sight of the man dressed in white reticently pilingup (until they fall) the squarish black stones scatteredaround a white-based room can be seen as an act ofprayer, or like the endless repetition of violence. And in
the end, it gives the viewer an impression of what theman has experienced and his feelings.

Daisy Chain: Part 2

PROFILE
1982年東京都生まれ。アムステルダムと東京都を拠点に活動。2006 年東京藝術大学音楽学部音楽環境創造科卒
業。主な展覧会に「開館30周年記念特別展 美術館の七燈」（広島市現代美術館、2019）、「Buried Suns」（ Galerie
Ma z zoli、ベ ルリン、2019）、「アムステルダム国際ドキュメンタリー映画祭」上映（アイ・フィルムミュージアム、
2018）など。
Born in Tokyo in 1982. Lives and works in Amsterdam andTokyo. Graduated with a BA in Musical Creativity and theEnvironment from Tokyo University of the Arts in 2006.
Recent exhibitions: “30th Anniversary Exhibition: The
Seven Lamps of The Art Museum,” Hiroshima City Museumof Contemporary Art, 2019, “Buried Suns,” Galerie Mazzoli,
Berlin, 2019, “International Documentary Film Festival
Amsterdam,” screening, EYE Filmmuseum, 2018.

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Daisy Chain: Part 2

石 塚まこISHIZUKA Mako

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈ウィーン〉
Tokyo-Vienna Exchange Residency Program 2019

流動する人々の生活の中で、緩やかに変容する言語と文化に着目したプロジェクト「追熟と訛り」を展開する石塚は、南アフリカで行ったワークショップの記録映像を用いて構成した作品を中心に、コロナ禍
で日常を失い新たな状況に適応しようとする社会と、多様な文化に感化されてきた自身を重ね て、生まれ育った土地との隔たりを見つめ直すインスタレー
ションを制作しました。
映像の中で行わ れているワークショップは、他者がいることによって自分が存在できるというアフリカの哲学「ウブントゥ」と漢字の「人」を体現する試みです。
会期終了後には、本作品を舞台背景として、参加者がスクリーン越しに背中合わせとなって互いを支え、
座り、立ち上がるワークショップを実施しました。発《ムーサ・ムーア「文字の動き（私を頼って）」》2019-2020

話や他者への接触が制限されるようになった現在とMusa Moor 'Graphic Movements (Lean on Me),' 2019-2020

南アフリカの社会を対比させながら、異なる文化においても重なり合う文脈の変化とそれに伴う意味の変容、そして変わらない人間の本質を示唆しました。
As part of her project After-Ripening & Corruption with
its focus on the gradual change of language and culture in the lives of people on the move, Ishizuka developed the video documentation from workshops she
conducted in South Africa along with experiments in
mother tongue and dialect to create an installation. It
juxtaposes the society losing its routines and trying toadapt to the new realities during the COVID-19 pandemic and her own self as she has changed under the
influence of the diverse cultures she has lived in, andthus re-examine the distances from where she wasborn and raised.
The workshop we see in the video documentation was
an attempt to embody both the African philosophy of“Ubuntu,” which believes a person exist because of thepresence of others, and the Chinese character for“person” (two oblique strokes leaning on each other).
At the end of the exhibition, another version of theworkshop took place using the installation as a background, where pairs of participants put their backs
together with the projection screen in-between andwent through the action of sitting down and standing
up while supporting each other. Comparing the current situation restricting speech and physical contact
with others and South African society, she hints at theshift of meanings inherent in the transition of context
and the immutable essence of humanity, which overlap even among different cultures.

Daisy Chain: Part 2《居閑「未熟の回復」》2020
Ju Xian 'Recovering the viridity in my own language,' 2020

PROFILE
兵庫県生ま れ 。ストックホ ル ムと兵庫県を拠点に活動。
2005 年ルンド大学マルメ・アート・アカデミー自由美術専攻修了。主な展覧会に「グローバリゼーションの中の不和」（フランス国立社会科学高等研究院［EHESS］、パリ、2017-2018）、「MOT サテライト 2017秋 むすぶ風景」（MOT スポット、東京）、「Arts Meets 03」（アーツ前橋、
2016）など。
Born in Hyogo. Lives and works in Stockholm and Hyogo.
Graduated with an MFA in Free Art from Malmö Art
Academy, Lund University in 2005. Recent exhibitions:“Frictions in the Globalisation,” École des hautes études ensciences sociales (EHESS), Paris, 2017-2018, “MOT
Satellite 2017 Fall - Connecting Scapes,” MOT Spot, Tokyo,“Art Meets 03,” Arts Maebashi, 2016.

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Daisy Chain: Part 2今村 綾
IMAMURA Aya

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉
Tokyo-Basel Exchange Residency Program 2019

今村は女性とベール、裸体表現、美化された性差別的表現やエキゾチックな人種概念などのイメージを引用し、それらの隠された意味や意図を再考して作品を制作しています。
バ ーゼ ルで展示した《Can We Look at Each
Other?》（2019）は、インスタレーションと記録映像、
その撮影映像がリアルタイムで流 れる別室「観察室」の3つの要素からなる視覚実験作品です。本展では、その観察室で流された記録映像を展示しました。ガラスと光による全反射を利用したこのインスタ
レーションは、絵画の額のように縁取りされ たガラ
スを挟んで向かい合う2人の姿が光によって反射し《Can We Look at Each Other?−お互いを見つめる時に起こるコンタクト》2019て瞬間的に重なる一方、当事者は互いを同時に見る

Can We Look at Each Other?, 2019

ことができない状況を作り出しています。性別や外見的特徴などの見た目による自己／他者のイメージが揺らぎ、どのような反応が生まれるのか、更にそれ《Can We Look at Each Other?−お互いを見つめる時に起こるコンタクト》2019

をどのように「観察」できるのかを観る者に投げかけ

Can We Look at Each Other?, 2019

ました。
Imamura references images of women and veils,
expressions of the naked body and beautified depictions of gender discrimination, exoticism, racial concepts and the like to create artworks that re-examine
the meanings and intentions hidden within them.
Imamura’s visual experiment titled Can We Look at
Each Other? presented in Basel, Switzerland (2019)consisted of three components: an installation andthree so-called “Observation rooms” where video documentations of the experiments occurring there wereviewable in real-time. For the exhibition this time,
there were screenings of the video recordings documenting the experiment in Basel that were shown in
the Observation rooms there. In that experiment,
Imamura made use of the total reflectivity createdwith light and glass to create a situation that enabled
two people to face each other on either side of theglass barrier and see their own reflected images
simultaneously, while the other’s image remained
invisible to them. This served to reveal the persons’reactions when faced with distorted images of thenormally recognizable information about gender,
physical features, etc., that define the self and the“other,” as well as showing the audience what can be“observed” in such a situation.

Daisy Chain: Part 2

PROFILE
1982 年京都府生まれ。ベルリンを拠点に活動。2008 年
京都精華大学大学院芸術研究科博士前期課程修了。主な展覧会に「ポーラミュージアムアネックス展2018―イメー
ジと投影―」（東京）、「History is Ours―メディアにおける女性像」（ ベルリン日独センター、2017）、「Connected in
Art」（Schloss Plüschow、ドイツ、2015）など。
Born in Kyoto in 1982. Lives and works in Berlin. Graduatedwith an MA in Fine Art from Kyoto Seika University in 2008.
Recent exhibitions: “Pola Museum Annex 2018 -Image andProjection-,” Tokyo, “History is Ours- Portrayals of Womenin Media,” Japanese-German center, Berlin, 2017,“Connected in Art,” Schloss Plüschow, Germany, 2015.

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Daisy Chain: Part 2

レキ シー・ゼン
Rexy TSENG

DATA
平成31年度海外クリエーター招聘プログラム
International Creator Residency Program 2019

現代生活から抽出したダークユーモアと報われない欲望を主題に制作を行うゼンは、親密な人間関係における力学の表現を試みています。
本展で は、東京で働く人々の生活にインスピレー
ションを受け、孤独と親交というテーマに取り組みました。一般的な中年男性の時間を借りるというユ
ニークなビジネス「レンタルおじさん」のサービスを通じて知り合った「ヒデキ」を被写体とした写真作
品では、ヒデキの微妙な表情を多角的に捉えました。
また、映像作品《通路16》では、スーパーマーケットの通路を、カートを押しながら無表情に歩くヒデキの様子が描か れ、いかにも東京のサラリーマンらしい
彼の日常が、無味乾燥なものであるという錯覚を抱かせました。また、AIを用いたビデオゲーム作品では、1人の登場人物がもう1人を探しながら屋内を移動し続けますが、相手と再会する瞬間に場面が切り替わり、振り出しに戻ってしまいます。際限なく相手を探し続け（相手は待ち続け）、辿り着けそうで辿り着けない儚さを視覚化させました。
Tseng’s art draws from the dark humor and unrequiteddesires found within contemporary living conditions.
In his painting and installation works, he often strives
to play on the dynamics of the intimate relationshipsof his subjects.
For this exhibition, Tseng found inspiration from thelives of workers in Tokyo, and focused on the themesof loneliness and friendship. In a photography series
centered around a subject named “Hideki,” he captured Hideki’s personal expressions from various perspectives. Tseng met Hideki through a unique service
business called “Rental Ojisan,” where one could rent
an “average” middle-aged man to spend time with.
And in a video work titled Aisle 16, Tseng shows animpassive Hideki pushing a shopping cart through theaisles of a supermarket that makes the audience
sense the emptiness in this man who resembles atypical Tokyo salaried worker. In another work, a video
game created using artificial intelligence (AI), a solecharacter searches endlessly through an interior looking for his partner, but the moment he finds the othercharacter, the scene changes and resets. This searching for the other person (waiting for the other person)
goes on indefinitely, thus realizing a visual expressionof the desperate transience of coming close and yet
never truly finding one another.

Daisy Chain: Part 2

PROFILE1986年台北生まれ。上海を拠点に活動。2009年カーネギーメロン大学卒業（ファインアート）。主な展覧会に「台北アートアワード2020」（ 台北市立美術館）、「Tomorrow
Sculpture Awards」（ 四川美術学院美術館、重慶、中国、
2019）、「Ren Ren」（ OPPOSITE + Grace Collection
Gallery、上海、2019）など。
Born in Taipei in 1986. Lives and works in Shanghai. Graduated with a BFA from Carnegie Mellon University in 2009.
Recent exhibitions: “Taipei Art Awards 2020,” Taipei Fine
Art Museum, “Tomorrow Sculpture Awards,” Art Museumof Sichuan Fine Arts Institute, Chongqing, China, 2019,“Ren Ren,” OPPOSITE + Grace Collection Gallery, Shanghai,
2019.

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Daisy Chain: Part 2

高石 晃
TAKAISHI Akira

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈ヘルシンキ〉《リンナ A》撮影協力：ヨーナス・プルカネン、
エリザヴェータ・コノワロワ
協力：スオメンリンナ管制機関、ヴィアポリ造船所協会
Tokyo-Helsinki Exchange Residency Program 2019
Camera operators of Linna A: Joonas PULKKANEN,
Elizaveta KONOVALOVA
Cooperation: The Governing Body of Suomenlinna,
Viaporin telakka ry

高石は空間、物質、形態が精神的および心理的にどう作用するかに着目し、絵画やアースワークなどを制作しています。スオメンリンナ島にある星型の海
上要塞は、国防として築か れ、死角が ない形として有効性を発揮し、国家の変遷に対して軍事的な役割を担っていましたが、今では島全体が観光や居住の地となっています。高石はその要塞の中にあるドライ
ドックに砂で砦の特徴的な輪郭を模した彫刻を作り、そこにバ ルト海の水が入ることによって徐々に沈み、城壁、堤防、群島、渦潮を思わせる姿に変化していく様を撮影しました。
本展では、その様子を大きく映し出した映像とともに、要塞の地形や構造をリサーチし、要塞の画像、
ドロー
イング、CG などを交えて制作した作品を小さなモニ
ターに映して対比的に配置しました。本作では、要塞のように一見強固な存在も、社会の趨勢によって《リンナ B》2020

遷り変わり、要塞を有する国家の輪郭や概念さえも

Linna B, 2020

揺れ動き、不確実なものになることを示唆しています。
Takaishi is an artist who creates paintings and earthworks informed by his interest in the intellectual/spiritual and psychological effects of spaces, materials and forms. The island fortress of Suomenlinna with
its star-shaped fortifications was originally built for
defense and proved its effectiveness militarily as afortress with no blind spots through the periods ofnational transition. But today, the islands as a wholeserve mostly as a tourist and relocation spot. Here,Takaishi used sand in one of the former dry docks tocreate a sculpture defined by the typical outline of thefortifications and filmed it as the waters of the Baltic
Sea gradually swept over it and reduced it to forms
resembling remains of the defensive walls, the breakwaters, the islands and whirlpools.
For this exhibition, Takaishi presented large-screen
videos depicting this process, while also arranging
smaller monitors showing the results of his researchon the topography of the sites of the fortifications andtheir structures, along with photographs, drawings
and CG images of the fortress. This work showed howeven something as seemingly imposing and formidable as a fortress and the national borders and concepts
surrounding it can become nearly unrecognizable inthe course of societal/political changes over time.

Daisy Chain: Part 2

PROFILE
1985年神奈川県生まれ。東京都を拠点に活動。2010年
武蔵野美術大学大学院美術専攻油絵コース修了。主な展
覧会に「Inner Surface」（Maki Fine Arts、東京、2021）、「都美 セレクショング ループ展『描か れ たプール 、日焼けのあとがついた』」（東京都美術館、2020）、「下降庭園」（clinic、東京、2019）、「紅櫻公園アートアニュアル2018」（札幌）など。
Born in Kanagawa in 1985. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MA in Painting from Musashino Art University
in 2010. Recent exhibitions: “Inner Surface,” Maki Fine Arts,
Tokyo, 2021, “Group Show of Contemporary Artists 2020
‘Sunburn After Swimming in the Painted Pool’,” Tokyo Metropolitan Art Museum, “Descending Garden,” clinic, Tokyo,
2019, “BENIZAKURA PARK ART Annual 2018,” Sapporo.

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Daisy Chain: Part 2橋本 仁
HASHIMOTO Jin

DATA
平成31年度二国間交流事業プログラム〈台北〉協力：潘 興華、南天書局、松田良孝、犬吉工作室
特別謝辞：竹中信子、橋本治子、髙橋秀正、阿部由理香、
所澤 潤

蓄積された時間を題材に制作を行う橋本は、台湾に生まれ、第二次世界大戦後に日本に引き揚げ た「湾Tokyo-Taipei Exchange Residency Program 2019
Cooperation: PAN Xing-hua, SMC publishing Inc.,
MATSUDA Yoshitaka, INUKICHI BOOKSSpecial thanks: TAKENAKA Nobuko, HASHIMOTOHaruko, TAKAHASHI Hidemasa, ABE Yurika,
SHOZAWA Jun

生」である祖母のルーツを辿り、現地でリサーチを重ねました。敗戦によって強制的に故郷を離れることとなった湾生への取材から得られた、教科書では語られない当時の人々の生活や感情をモチーフに、
インスタレーションとして発表しました。
空間に向か い合わせに立てられ た一対の大きな自立壁の一方には、橋本が台湾で過ごす中で得た、過去としての「統治時代の台湾」を表し、もう一方を帰国後に台湾を振り返りリサーチを深める中で得た「現在日本から統治時代台湾への視座」として表しました。それぞ れの壁面には、木彫作品のほか、日本統治下時代の台北市の古地図や、現地アーティス
トと協働した作品を展示。壁と壁の間には真鍮の板が置か れ、過ぎてしまった時間や、海を隔て容易に往来できない土地への複雑な思いを象徴的に表現しました。
Hashimoto is an artist who values the accumulation oftime spent in the act of creative work, and this time he
did research in Taiwan on the roots of the “Wansei”(the “Taiwan-born Japanese”) generation that his own
grandmother belonged to who were born in Taiwan
and later returned to Japan after WWII. Based on his
research on the Wansei, who were forced to leave theirhomes due to Japan’s defeat in the War, Hashimoto
created an installation influenced by these people’s
feelings and lives, records of which will not be found inany history textbook.
On one side of large free-standing partition walls in
the exhibit space Hashimoto depicts things he foundduring his residency that represented “the old Taiwan”
during the period of Japanese rule, while on the wallon the other side he composed an installation whichreflects things that have emerged from his research
after returning to Japan and represent memories of“the old Taiwan” seen from present-day Japan. On
each side of the partition wall are wood-sculpture
works as well as things like old maps of Taipei city fromthe period of Japanese rule and works created in collaboration with local Taiwanese artists. In the space
between the walls lies a long brass plate that represents the sea separating the two lands and the complex
feelings related to the difficulty of travel between them.

Daisy Chain: Part 2

PROFILE
1984年埼玉県生まれ。埼玉県を拠点に活動。2014年東京藝術大学大学院美術研究科工芸専攻修了。主な展覧会に「Memory Code」（ Kuo Mu Sheng Foundation、台北、2020）、「Memento mori」（ 阪急 MENʼS TOKYO
tagboat gallery、東京、2019）、「FORSAKING POP: A
NEW ART GENERATION FROM JAPAN」（WhiteBox、
ニューヨーク、2018）など。
Born in Saitama in 1984. Lives and works in Saitama. Graduated with an MA in Crafts from Tokyo University of theArts in 2014. Recent exhibitions: “Memory Code,” Kuo Mu
Sheng Foundation, Taipei, 2020, “Memento mori,” HANKYU
MEN'S TOKYO tagboat gallery, 2019, “FORSAKING POP: A
NEW ART GENERATION FROM JAPAN,” WhiteBox, New
York, 2018.

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Daisy Chain: Part 2

マ ルティナ・ミレル
Martyna MILLER

DATA
平成31年度海外クリエーター招聘プログラム
協力：国立環境研究所、篠田山養鯉場
International Creator Residency Program 2019
Cooperation: National Institute for Environmental Studies,Japan, Shinodayama Koi Farm

日本の鯉の起源や文化的概念について人類学の観点からリサーチを行ったミレルは、3歳のときに溺れた自身の記憶を起点に、「あらゆる種は水を介してつ
ながっている」というハイドロフェミニズムの考えにもとづ いた作品《メモリーカープ》を中心とした映像
インスタレーションを発表しました。会場中央に設置された《ゾンビ・キンツギ》は、ガラスの鯉とテレ
ビモニターによって構成され、モニターの内部では、粉々に割れてしまった鯉を修復するミレルの映像が流れています。社会主義時代のポーランドでは、家の中で最も重要な場所であるテレビの上に、ガラス製の魚が置か れていました。残虐性や絶望の記憶を想起させるこのテレビと鯉は、《メモリーカープ》に《ゾンビ・キンツギ》2020も登場するモチーフであり、異なる時代の異なる文

Zombie kintsugi, 2020

脈に置かれることで、その意味を変容させています。
割れた鯉を元に戻す行為をとおして過去と現在を結びつけ、記憶の多様性を考察しました。
Miller’s project was to research the origins and cultural concepts of the Japanese culturing of carp fromthe perspective of anthropology, and taking as a pointof departure her own memory of nearly drowningwhen she was three years old, she created for thisexhibition a video installation titled Memory Carp
revolving basically around the concept of hydrofeminism that says all species are connected throughwater. The Zombie kintsugi set in the middle of theinstallation space consists of a glass carp and a television set, and the video shown in the TV screen shows
Miller trying to repair a carp that has been shatteredinto pieces. Back in Poland’s socialist era, there was a
glass fish placed in the most important place in thehouse, namely on top of the TV. The memories of cruelty and despair associated with this television andcarp are motifs that appear in the work Memory Carp,and by placing them in the different context of thatdifferent era, changes their meaning. The act of trying
to put the broken carp back together connects thepast to the present and provokes thought about thediversity of memories.

Daisy Chain: Part 2

PROFILE1988年ケントシン（ポーランド）生まれ。ワルシャワを拠点に活動。ポズナン芸術大学博士課程在籍。主な展覧会に「Common ground」（ Warsaw Under Construction
Festival、ワルシャワ近代美術館、2020）、「Back to the
Future」（BWA Zielona Góra、ジェロナ・グラ、ポーラン
ド、2020）、「Squat」（Body/Mind Festival、ワルシャワ、
2020）など。
Born in Kętrzyn (Poland) in 1988. Lives and works in
Warsaw. A PhD candidate at the University of Arts in
Poznan. Recent exhibitions: “Common ground,” Warsaw
Under Construction Festival, Museum of Modern Art in
Warsaw, 2020, “Back to the Future,” BWA Zielona Góra,
Poland, 2020, “Squat,” Body/Mind Festival, Warsaw, 2020.

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Daisy Chain: Part 2

TOKAS ANNUAL REPORT 2020

トレヴァー・シミズ《サンセット・スルー・ツリー》（部分）2020
Trevor SHIMIZU Sunset through trees (detail), 2020

PART 3
実験的な創造活動

TOKAS Project Vol. 3
東京デトロイトベルリン｜Tokyo Detroit Berlin
OPEN SITE 5

EXPERIMENTAL
CREATION

PART 3では、ジャンルを問わず、実験的な企画を発表するプログラム「OPEN SITE」や海外のアーティストやキュレーター、文化機関と協働する「TOKAS Project」で実施された展覧会「東京デトロイト
ベルリン」を紹介します。
In PART 3, we introduce OPEN SITE, a program that presents experimental artistic projects regardless ofgenre and the “Tokyo Detroit Berlin” exhibition organized as part of the TOKAS Project, conducted incollaboration with overseas artists, curators and arts-culture institutions.

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XYZ collective

TOKAS Project Vol. 3

東 京デトロイトベルリン

近年、国内外のギャラリーとネットワークを構築し、国際交流の活動を展開する「XYZ collective」。本展では、日本とアメリカの5 名の作家に加え、バス・ヤン・
アデルの作品を紹介し、滑稽さ、笑い、惑わせ、恐怖なTokyo Detroit Berlin

東 京｜Tokyo

ど「ユーモア」にまつわるさまざまな感情を巡って、作品を鑑賞することで思考するような展示を目指しました。
コロナ禍で先が見通せない不安な日々において、「ユー
モア」をとおして感情を解きほぐす場となりました。

2020.10.10–11.8

DATA

シーフェ・ツェーネ（ベルリン）｜Schiefe Zähne (Berlin)

ディレクター：コブラ、ミヤギフトシ
展示作家：バス・ヤン・アデル、トレヴァー・シミズ、

ワット・パイプライン（デトロイト）｜What Pipeline (Detroit)

中野浩二、堀 ななみ、チャドウィック・ランタネン、コブラ

XYZ collective（東京）｜XYZ collective (Tokyo)

Directors: COBRA, MIYAGI Futoshi
Artists: Bas Jan ADER, Trevor SHIMIZU, NAKANO Koji,
HORI Nanami, Chadwick RANTANEN, COBRA

4649（東京）｜4649 (Tokyo)
共同企画：コブラ
Co-planner: COBRA

XYZ collective is an artist-run space that has built a network of Japanese and overseas galleries to engage ininternational exchange programs. Their exhibition introduced works five artists from Japan and the U.S., as wellas the works of Bas Jan Ader, with the aim of providing aviewing experience that could provoke thought on various
emotions related to humor, ranging from absurdity, laughter and delusion to dread. Coming at a time tempered byuncertainty related to the COVID-19 pandemic, the exhibition became a venue that offered viewers a chance tounravel some of their concerns with the help of works
involving the breadths and deaths of humor.

3都市のアート・スペースによる展覧会
An Exhibition by Art Spaces in Three Cities「TOKAS Project」は、国際的な交流を促進し、多文化的な視点を通じて、アートや社会などさまざまなテーマについて思考する展覧会プログラムです。今回は TOKAS のレジデンス・プログラムに参加したことを契機にアーティスト・ラン・スペース「XYZ collective」を立ち上げたコブラと協働し、東京、
デトロイト、ベルリンからアート・スペースを招聘。各スペースが選出した作家を紹介しました。新型コ
ロナウイルスの影響によりディレクターや作家が来日できなくなりましたが、会期中にオンラインで各都市をつなぎ、アート・コミュニティの現状や展望について意見交換を行いました。
詳しくは本展のカタログをウェブサイトよりご覧ください。

“TOKAS Project” is an exhibition program that seeks to promote international exchange and to shed newlight on a variety of themes involving the arts and society from multi-cultural perspectives. The “TOKAS
Project” this time was planned and executed in collaboration with COBRA, co-directors of the artist-run
space XYZ collective that he started after participating in the TOKAS Residency program. Art spaces inTokyo, Detroit and Berlin were invited to participate, and each of them introduced their own selectedartists. Although the art space directors and their artists were unable to come to Tokyo due to therestrictions under the coronavirus (COVID-19) pandemic, they were connected online during theexhibition to exchange opinions about the current states of the respective art communities in their cities
and overviews going forward. For further details see the exhibition catalogue on TOKAS website.

PROFILE2011年世田谷の倉庫を改装し、アーティスト・ラン・スペースの運営を開始。2013 年には NADA Miami Beach に出展し、DATA
会場：TOKAS 本郷

海外のギャラリーやプロジェクト・スペースと交流が始まる。現

協力：ミサコ＆ローゼン、Meliksetian | Briggs

在は巣鴨を拠点として活動を行っている。

Venue: TOKAS Hongo Cooperation: MISAKO&ROSEN, Meliksetian | Briggs

In 2011, XYZ collective began operating the artist-run space. In
2013, the collective exhibited at NADA Miami Beach, marking
the beginning of its interaction with international galleries andproject spaces. Currently based in Sugamo, Tokyo.

INTERVIEW ⇒ pp.22–31

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Tokyo Detroit Berlinワット・パイプライン
What Pipelineデトロイト｜Detroit

DATA
ディレクター：ダニエル・スペリー、アリビア・ジビッチ
展示作家：マリー・アン・エイトケン、マイケル・E・スミス、
クインテッサ・マトランガ
Directors: Daniel SPERRY, Alivia ZIVICH
Artists: Mary Ann AITKEN, Michael E. SMITH,
Quintessa MATRANGA

デトロイトでアーティスト・ラン・ギャラリーを始めた当初
より関係性のあるアメリカを拠点に活動する3作家を紹介しました。デトロイトの風景や日常生活のシーンを多数描いたエイトケンによる絵画や、スミスのどこか不穏な空気を漂わせる映像作品とオブジェ、そしてマトラン

シーフェ・ツェーネ

目まぐるしく変化する政治的・経済的な環境における自Schiefe Zähne

自己の確立あるいは他者との関係性など、自己と他者

ベルリン｜Berlin

リン、ウィーン、ロンドンを拠点に活動する作家の作品についての多様な視点を提示しようと試みました。ベルガの酒や飲酒をして酩酊した状態からインスピレーショ

によって構成された空間は、オレンジと自然光の照明ンを得た絵画を展示室に配し、人生の愉しみや不安、喜に特徴づけられるように、観る者の認識に揺さぶりをかびにまつわるさまざまな感情を鑑賞者に喚起させました。

けるような展示が展開されました。

Shown in this exhibition were works by three U.S.-based
artists with an ongoing relationship with this artist-run
gallery in Detroit since its founding. The works include
paintings by Aitken, known for her many Detroit cityscapes and scenes from daily life, video works and art
objects by Smith, characterized by the somehow disquieting air flowing through them, and paintings by Matranga
depicting alcohol or visions inspired in a state of inebriation. The array of these works in the galleries invokes inviewers emotions related to the pleasures, anxiety andjoys of life.

DATA
ディレクター：ハネス・シュミット
展示作家：ルーカス・キッチュ、リチャード・サイズ、フィリップ・サイモン、トム・ハンフリーズ、エレーヌ・フォケ、
アリアン・ミューラー、ソフィー・ラインホルト、ヨナス・リップス
Director: Hannes SCHMIDT
Artists: Lukas QUIETZSCH, Richard SIDES, Philipp SIMON,Tom HUMPHREYS, Hélène FAUQUET, Ariane MÜLLER,
Sophie REINHOLD, Jonas LIPPSPROFILETokyo Detroit Berlin

己内省からもたらされるイメージを介して、自己認識やThrough images deriving from the self-reflection forced
upon us by the relentless pace of change in today’s political and economic environment, this exhibition attempted
to present the relationship between the self and the otherfrom a range of perspectives, such as that of self-consciousness, self-establishment or relationships with others. The display of works by artists based in Berlin, Vienna
and London in the distinctive exhibition space with its
unique combination of orange and natural lighting, created a viewing experience that challenged the perceptionsof the art-viewing audience.

PROFILE2013年にデトロイトで設立され たアーティスト・ラン・ギャラ

ベルリン、プレンツラウアー・ベルクにある住居ビルの裏手にリー。デトロイトの作家を中心に、アメリカ、ヨーロッパの都市位置する元工場の1階を利用したアート・スペース。ドイツ語でで、キュラトリアル・プロジェクトとして紹介してきた。Artadia「不揃いの歯」を意味するシーフェ・ツェーネは、社会政治的

NADA NYC 2014では作家賞を受賞。

な側面をもつプログラムを表し、実験的な活動を行っている。

What Pipeline is an artist-run gallery, founded in 2013. Mainly
What Pipeline has introduced Detroit artists to audiences outside of the city in the U.S. and Europe through curatorial projects, and received the Artadia NADA NYC 2014 Artist Award.

Schiefe Zähne is an art space located on the ground level of aformer workshop behind a residential building in Prenzlauer
Berg, Berlin. Schiefe Zähne, which means “crooked teeth” inGerman, is a program that includes a socio-political dimension.

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Tokyo Detroit Berlin4649

ともにアーティストでありディレクターの清水、小林、高見澤が、90年代生まれの作家ケロッグ、村田、デラクル
スをそれぞ れ選びました。各作家は日本・アメリカと離れた場所で活動しながら、共通する文化や情報を享受し、

東 京｜Tokyo

制作しています。コロナ禍で改めて構想するようになっようとするプロジェクトの方向性を示す機会となりました。

ディレクター：小林優平、清水将吾、高見澤ゆう
展示作家：ベンジャミン・アサム・ケロッグ、ラファエル・デラクルス、村田冬実
Directors: KOBAYASHI Yuhei, SHIMIZU Shogo,
TAKAMIZAWA Yuu
Artists: Benjamin Asam KELLOGG, Rafael DELACRUZ,
MURATA Fuyumi

FALSE SPACES Online Forum

それらに影響を受けてドローイングや写真、絵画などをた、作家の住む国や都市に制限されずに協働して活動し

DATA

FALSE SPACES 虚現空間 オンライン・フォーラム

The artists and directors Shimizu, Kobayashi, andTakamizawa each chose artists born in the 1990s, namely
Kellogg, Murata and Delacruz. The three artists live farapart in Japan and the U.S. but share common culture andinformation that influence their respective work in drawing, photography and painting and other media. This program provided an opportunity to rethink the possibilities
of working under the conditions of the COVID-19 pandemic and show the new directions that emerged in a
project that had the artists work in cooperation, unrestricted by the limitations imposed by the distance separating the countries and cities where they live and work.

2020.10.16
イップ・ユック＝ユー、コニー・ラム、伊藤隆介、津田道子、永田康祐、ステラ・ソー、ン・ツー＝クワン、WARE、トーキョーアーツアンドスペース
IP Yuk-Yiu, Connie LAM, ITO Ryusuke, TSUDA Michiko, NAGATA Kosuke, Stella SO, NG Tsz-Kwan, WARE,
Tokyo Arts and Space

2019年度に実施した TOKAS Project Vol. 2「FALSE SPACES 虚現空間」のキュレーター、アー
ティストによるオンライン・フォーラム。2020年2月に香港アーツセンターで予定していた本イベント
は、新型コロナウイルスの影響により延期となり、オンラインでの実施となりました。コロナ禍を経てアーティスト達がどのように社会や制作に向き合うかが語られました。
An online forum was conducted for the curator and artists who participated in TOKAS Project Vol. 2“FALSE SPACES” in 2019. The forum that was originally planned to be held at the Hong Kong Arts Centre
in February of 2020 had to be postponed due to the effects of the COVID-19 outbreak, and the format waschanged to an online forum. Discussion during the forum focused on how the COVID-19 pandemic had
influenced the views of the artists regarding social issues and their approach to their creative work.

PROFILE
小林優平、清水将吾、高見澤ゆうによるキュラトリアル・プロ
ジェクト。海外のアートシーンを展覧会によって紹介するとともに、海外のアートフェアやギャラリーで東京の若手作家展を企画している。巣鴨にあるスペースは XYZ collectiveと共同で運営。

Tokyo Detroit Berlin4649 is a curatorial project by Kobayashi, Shimizu, andTakamizawa. In addition to introducing the international art scene
via exhibitions, the project is also working to exhibit young artists from Tokyo at art fairs and galleries overseas. 4649 operated
an artist-run space in Sugamo, together with the XYZ collective.

DATA

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主催：香港アーツセンター
Organizer: Hong Kong Arts Centre

OPEN SITE 5
Part 1: 2020.11.21–12.20

参加作家｜Creators

Part 2: 2021.1.9–2.7

Part 1

Part 2

権瓶千尋と森岡美樹｜

飯沼珠実｜IINUMA Tamami

GOMPEI Chihiro and MORIOKA Miki

大岩雄典｜OIWA Euske* 新型コロナウイルス感染症拡大に係る緊急事態宣言のため、Part 2は2021.1.13–2.7に開催。
* Due to the issuance of the State of Emergency declaration in response to the COVID-19 pandemic, Part 2 was held from January
13 to February 7, 2021.

上村洋一＋黒沢聖覇｜
KAMIMURA Yoichi + KUROSAWA Seiha

パレイドリアン｜Pareidolian

どうぶつえん｜Doubutsuenzoo

Back and Forth Collective

ブルーエゴナク｜egonaku

クロエ・デランヘ｜Chloë DELANGHE

y/n

DATA

時代や社会を反映した新たな表現、創造的な企画公募プログラム
An open-call program for creative projects reflecting the times and society● 権瓶千尋と森岡美樹｜GOMPEI Chihiro and MORIOKA Miki

●クロエ・デランヘ｜Chloë DELANGHE

協力：入沢図工

協力：Vlaamse Gemeenschapscommissie（ブリュッセル、

OPEN SITE はあらゆる表現分野に門戸を開いた企画公募プログラムです。時代に即した視点に関連イベント：12.12「アーティスト・トーク」 出演：権瓶千尋、

ベルギー）

森岡美樹

Support: Vlaamse Gemeenschapscommissie (Brussels, Belgium)

Cooperation: Irisawa zuko Event: 12.12 “Artist Talk” Participants: GOMPEI Chihiro, MORIOKA Miki

● 飯沼珠実｜IINUMA Tamami

よる新たな表現を探求し、社会と向き合う創造的な企画や、美術館やコンサートホールとは異なる、
TOKAS 本郷の空間を生かした自由な発想による企画を募集しています。第5回となる2020年度は、国内外から161企画の応募があり、書類と面接審査を経て展示部門4企画、パフォーマンス部門3企
画、dot 部門2企画を選出し、TOKAS 推奨プログラムを加えた計10企画を実施しました。新型コロナ
ウイルス感染症拡大の影響で、各企画者が当初の発表計画からの変更を余儀なくされましたが、それ

協力：TNプローブ（大林組）● 大岩雄典｜OIWA Euske
漫才：キヨスヨネスク、矢野昌幸
撮影会場協力：北千住 BUoY

撮影・録音：屋上

稽古会場協力：WALLA、屋上、を新たな創造のチャンスと捉え、時勢を反映した展開を目指しました。

北千住 BUoY

OPEN SITE is an open-call program open to projects focused on artistic expression across all genres. It
solicits innovative projects that seek new forms of expression based on contemporary perspectives as
they consider pertinent social issues, as well as freely conceived projects that make creative use of the
TOKAS Hongo space, which is different from art museums or concert halls. The year 2020 marked thefifth annual call for proposals, and a total of 161 applications were received. Following a selection process
based on written applications and interviews, the selected projects included four in the Exhibition
category, three in the Performance category, and two in the dot category. An additional project from the
TOKAS Recommendation Program brought the total number of projects initiated to ten. Due to the
spread of the coronavirus (COVID-19) pandemic in 2020, changes had to be made in the project plan for
all artists, but this challenging situation was taken as an opportunity for further creation toward theeventual presentations as the conditions of the day allowed.

太郎：インスタレーションや執筆や二人が前提としていること

音楽：増田義基

家具：高本夏実

関連イベント：12.13「アーティスト・トーク『大岩雄典と布施琳
について』」出演：大岩雄典、布施琳太郎、福尾 匠（司会）、
きりとりめでる（企画トゥルク・進行）
Manzai: KIYOSU Yonesuku, YANO Masayuki Recording: oku-joh
Location: BUoY Rehearsal location: WALLA, oku-joh, BUoY
Music: MASUDA Yoshiki Furniture: COMOTO Natsumi
Event: 12.13 “Artist Talk” Participants: OIWA Euske, FUSE
Rintaro, FUKUO Takumi, Kiritorimederu● パレイドリアン｜Pareidolian
企画・演出：パレイドリアン
山本和智

出演：鐘ケ江織代、眞崎光司、

宣伝美術：すわあかね

Direction: Pareidolian Performers: KANEGAE Oriyo, MASAKI
Koji, YAMAMOTO Kazutomo Flyer Design: SUWA Akane

DATA● Back and Forth Collective

会場：TOKAS 本郷
関連イベント：関連イベント： ① 12.19「コレクティブ・フィルムメイキング

11.21「Part 1 オープニング・トーク」ゲスト：畠中 実

Speculative Fiction: Practicing Collectively」

1.9「Part 2 オープニング・トーク」ゲスト：小林晴夫 ※オンライン配信のみ

ゲスト： ジェン・クラーク、フィオン・ダフィー、レイチェル・

審査員：小林晴夫（blanClass ディレクター）、畠中 実（NTTインターコミュニケーション・センター[ICC] 主任学芸員）、

グラント 音楽： サラ・マクウィニー

久野敦子（公益財団法人セゾン文化財団 プログラム・ディレクター）、②12.20「WOMENʼS

BODIES / RIGHTS」 ③12.20「視点の交差・女性の移住」

近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラム・ディレクター）

ゲスト：ソファニット・ケセテ、松村圭一郎

Venue: TOKAS Hongo
Event:
11.21 “Part 1 Opening Talk,” Guest: HATANAKA Minoru
1.9 “Part 2 Opening Talk,” Guest: KOBAYASHI Haruo *Online streaming only.
Jury members: KOBAYASHI Haruo (Director, blanClass), HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC]),HISANO Atsuko (Program Director, The Saison Foundation), KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)

Event: [1] 12.19 “Collective Filmmaking: Speculative Fiction:

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Practicing Collectively” Guests: Jen CLARKE, Fionn DUFFY,
Rachel GRANT Music: Sarah McWHINNEY[2] 12.20 “WOMEN’S BODIES / RIGHTS”[3] 12.20 “Intersection of Perspectives -Women's Migration-”
Guests: Sofanit KESETE, MATSUMURA Keiichiro

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Cooperation: TN Probe (Obayashi Corporation)● 上村洋一＋黒沢聖覇｜KAMIMURA Yoichi＋KUROSAWA Seiha
協力：The 5th Floor
ジェクト2020

助成：東京藝大「I LOVE YOU」プロ

関連イベント：1.24「ラウンド・トーク『見えないエコロジーをどう想像するか？』」出演：上村洋一、黒沢聖覇、
髙木 遊、ゲスト：服部浩之（キュレーター／秋田公立美術大学
大学院准教授）※オンライン配信のみ
Supports: The 5th Floor, I LOVE YOU Project 2020, Tokyo
University of the Arts Event: 1.24 “Round Talk ‘How do we
imagine an invisible ecology?’” Participants: KAMIMURA
Yoichi, KUROSAWA Seiha, TAKAGI Yu, Guest: HATTORI
Hiroyuki (Curator / Associate professor, Akita University of Art)
*Online streaming only.

●どうぶつえん｜Doubutsuenzoo
出演：Aokid、濵田明李、米澤一平、たくみちゃん、武田 龍、
朴 建雄ほか
Performers: Aokid, HAMADA Miri, YONEZAWA Ippei,
Takumichan, TAKEDA Ryu, PARK Kenyu, etc.

●ブルーエゴナク｜egonaku
作・演出：穴迫信一
出演：小関鈴音、木之瀬雅貴、田中美希恵

音楽：Olive Oil

Writer/Director: ANASAKO Shinichi
Performers: OZEKI Suzune, KINOSE Masaki, TANAKA Mikie
Music: Olive Oil● y/n
構成・演出：y/n

出演：橋本 清Conceiver/Director: y/n Performer: HASHIMOTO Kiyoshi

展示部門｜Exhibition

会期｜Date：2020.11.21–12.20

権 瓶千尋と森岡 美 樹
GOMPEI Chihiro and MORIOKA Miki

答えていくところ。そのため作品の流れがランダムに進るそうなのだが、一見すると机には見えない。でもその行していく。作家が語るエピソードを発端に、時折アレ形態からか、どこかになにかの機能を微かに匂わせてクサへの（多くは抽象的な）質問が挿入され、はぐらかいる。
「自閉する」というのだから、単にたたまれている

すようなアレクサの返答によって、観るものを更に不安のではなく、一旦は擬人化された机が膝を抱えてうずくにさせる。

まるように内側に閉じこもって、まるで別の物体にトラン

もうひとつの共同作業のドローイングでは、習得され、 フォームしているようなのだ。

声になるまえUntil I hear my voice

コード化された絵画言語やイラストレーションも「声」に権瓶作品では多様な文化に埋もれている図像を、読含み、それ以前のイメージや個人的な手遊びのレベル

み直し結び直していき、文脈からず れて立ち上がるユでの交流が試されている。結果的に現れた有機的な細ニークな形にオリジナルな意味という命を吹き込むこと

胞のような図柄は、互いが歩み寄って出した答えが たが試されているようだ。対して森岡作品では、抽象的な

またまこんな形だったということのようだ。

がらも直接知覚した経験を契機とした物事を提示するこ

権瓶単独の作品は、海外留学時に感じた、異なる言とで、既存の社会でコード化されてしまった、言葉や意語や文化で育った者同士の間に生じるお互いの意味解味などの情報との間に新たな道筋を模索しているよう

釈のず れが制作の発端になっているという。それぞ れだ。2人の方向性は異なるが、自らも開いていって、開に育った地域の独特な伝統や価値観などを、違いにはか れた場所に問題を見つけ、社会と自分を切り結び な

気がつくものの、言葉での対話ではその溝が なかなかがら、直接の行動として表現を成立させようと苦心して埋まらないと感じたのだろう。しかしそれは経済を中心きたのだろう。しかし、グローバ ルな社会が切り開けたに教育や文化もグローバ ルに結ば れていく中で、特定ことで辿り着いたその先にも、表現の可能性として見出の人達と特定の言葉でのコミュニケーションが高度にそうとした多様性にも、その場所や局面に立ち会ってみ可能になったときに、初めて気がつくことなのかもしれ

ると、そこで語られる言語や目の当たりにする状況を簡ない。新作《わたしが服をつくるとき》は、新型コロナウ

単には共有できず、翻訳が難しい抽象的な物事を新たイルスの影響により、栃木での出産を決意したスウェーに経験し直しているのかもしれない。

デン人女性との対話によって構成されているが、その2人の思考や対話が、ひとつひとつの言葉が繰り返映像の中で作られる蜜蝋や、ワックスで固められたネグ

されるごとに、その声の以前に回帰するというよりは、

リジェの立像が別作品《わたしではない女性のための折り紙のように何度も内側に折りたたまれていくように

わたしの服》として発表されている。

感じた。ジェンダーにも関わる価値観も含めた、バラバ

森岡は、「もの」や「こと」がどう人に影響するかをテーラの文化や言葉が、解釈を拒み、結ばらず、交わらず、

マとし、旧作の《床を敷く》は、自身が幼少期に受けた並置していることが強調されていく。更にものとしての教育をモチーフに作られた幾何学パズルのような床の作品がスピンアウトして、同じように内側に折りたたま作品で、「もの」が及ぼす影響を端的に表している。新作

れた結果として、閉じたテーブルと固まったネグリジェ《自閉する机》は、机が折りたたまれた状態を示していになって目の前にあるみたいだった。

レビュー

折りたたまれた声
小林晴夫（blanClass ディレクター）
権瓶千尋と森岡美樹がともに考えていた、「言葉が定義た紙の裏に描か れた絵を当てるテレパシー遊びのエピできるものがあまりにも曖昧であるにも関わらず、そのソードが語られる。そこに重なるように、権瓶がリサー

言葉に振り回されてしまうという現実について考えるこ

チするヒルマ・アフ・クリントが描いた193枚のチャネと」が全体のテーマになっている。展示は旧作と新作がリングペインティングの話や、当時それらの絵が オカ

1点ずつのほか、2人の共同作業による作品によって構ルト視され たために埋もれてしまったこと、19世紀ま成されている。

でのヨーロッパにあった電磁波科学と教会における魔PROFILE

中でも中心的な役割を担っているのが、企画タイト

術的な信仰との対立、恋人アニーの死をきっかけに科

権瓶：1985年生まれ。2016年ロイヤル・カレッジ・オブ・アート

ルと同名の《声になるまえ》という映像インスタレーショ

学的な知性を前提にしながらも心霊や魔術に没入して（ミクストメディア・テキスタイルズ）修士課程修了。森岡：1989

ン。2人が「声に出して言葉」になる以前のイメージを想いったフレデリック・マイヤースの逸話などが語られる。

像するところから始まる。森岡が「言葉以前」というキー

ユニークなのはスマートスピーカーのアレクサが作

ワードを考えると思い出すという、神社で友達に渡され品と連動して、映像作品の問いかけにリアルタイムにOPEN SITE 5: Part 1

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年生まれ。2018年東京藝術大学大学院美術研究科修士課程修了。グローバ ル社会における他者表象と所属・帰属の感覚を模索する権瓶と、コミュニケーションが生じる空間、人、モノの関係性について制作する森岡による本展のための協働ユニット。

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GOMPEI: Born in 1985. Graduated with an MA in Mixed Mediaand Textiles from Royal College of Art. MORIOKA: Born in 1989.
Graduated with an MA in Intermedia Art from Tokyo Universityof the Arts. Gompei explores otherness and one’s sense of
belonging in the times of globalisation and Morioka works onrelationships among people, things, and spaces where communication occurs. They worked collaboratively for this exhibition.

OPEN SITE 5: Part 1

REVIEWThe Voices Between the Folds
KOBAYASHI Haruo (Director, blanClass)Gompei Chihiro and Morioka Miki were both thinking,“Despite the fact that the words can define are so
ambiguous, what are we to think about the fact that itis still words that keep us running around in circles?”That is the overlying theme. Their exhibition was composed of one old and one new work by each of themand one work that they created together.
Playing a central role among these works was avideo installation with the same title as their project,
Until I hear my voice. For these two artists, before
words are spoken, there are images that they begin
with. Morioka uses the term “pre-verbal” as a keyword
when she talks about her memories of a telepathy
game in which she had to guess what the picturedrawn on the back of a piece of paper that her friend
gave at the local shrine was. Then, as if to overlap with
this, Gompei talks about the 193 “channeling paintings” painted by the artist Hilma af Klint that she has
researched, and how the paintings where consideredoccult and therefore kept hidden away at the time, andof the “magnetic wave science” that existed in Europe
until the 19th century and the conflict between it andthe “magical faith” that existed in the church, and of
the anecdote of Frederick W. H. Myers, who became
immersed in psychical research, which he claimed tobe scientifically based and yet involving spirits andmagic, following the death of his supposed lover
Annie.
A unique aspect is the Alexa smart speaker connected to the video work that answers the questions it
poses in real-time. This creates a randomness to theprogression of the work. Based on the episodes told by
the artist, the (mostly abstract) questions inserted in
the Alexa at intervals, and the seemingly evasive
answers the Alexa responds with, combine to cause
disturbing uncertainty in the viewer.
Another work consisting of drawings executed
together by the two artists employs trained and coded
pictorial language and illustrations that, in addition tothat of “voice,” attempts to invoke pre-verbal images
and personal handplay on a unique level of interaction.
The resulting patterns resembling organic cells seemto be represent a form of happenstance answers thathave emerged from their efforts at pre-verbal interaction.
Of her solo works, Gompei says that they originate
from the schisms of misunderstanding between people of different languages and cultural backgrounds
that she has experience in her studies abroad. It seems
that despite sensing the gaps in understanding andinterpretation that exist in communication because of
the unique traditions and values of the respective environments where the different individuals have beenborn and raised, they still remain unable to bridge thus
gaps through the use of words in their discussions.

OPEN SITE 5: Part 1

However, this may be something that can be realized
when the process of globalization of education andculture driven largely by economic forces and necessities enables specific people to communicate at a highlevel using specific language. In the new work When I
make clothes, which came to be composed as theresult of conversations with a Swedish woman who, asa result of restrictions under the COVID-19 pandemic,
decided to give birth to her child in Japan’s Tochigi
Prefecture, the beeswax that we see being made in thevideo and the standing negligee that the wax is used
to solidify, is displayed under a different title from theoriginal work My dress for a woman other than me.
A theme of Morioka’s work is how mono (physicalthings) and koto (conceptual things) effect people, andher older work in this exhibition Bed Work derives fromher education as a child and consists of a bed (floor)
assembled from geometrically cut pieces of wood,
thus originating from the effects of mono. Her newwork The desk that decided to close itself is said to be
take the form of a desk that has been folded into itself,
although it doesn’t look like a desk at first glance. Yet
it does emit a slight sense of something functional.
Because the title says that it closed itself up, it implies
that it is not simply folded together, but rather that,through a moment of personalization, it has an
appearance of self-enclosure, as if it is huddled down
and grasping its own knees, and thus having transformed into a different type of entity.
Gompei’s works seem to be imbued with a breath oforiginal meaning shaped in a unique form of idiosyncrasy taken out of context in the process of re-reading
and re-connecting iconographies buried within cultural diversity. In contrast, by presenting things thatappear abstract but in fact derive from directly perceived experiences, Morioka’s work appears to search
for new paths to navigate the information communicated through words and meanings that have become
codified in existing societal conventions. Although thedirections of their creative pursuits are different, bothartists seem to open themselves to the finding of problems in open places and cross swords between themselves and society in their struggle to base their creative activities in direct action. However, lying ahead of
the contemporary conditions we have arrived atthrough the progression of globalization, and in thediversity that they seek through the potential of artistic
expression, what we find when we stand in the sameplaces and situations is that the language spoken
there and the things to be seen are not easy to share,
and the process may be one of re-experiencing thingsof an abstract nature that are difficult to translate.
Looking at the thoughts and the discourse between
these two artists and their carefully chosen words,
rather than a regression to the pre-verbal origins, we104

might feel something close to the repeated folding oforigami paper creations. In addition to the values thatspeak of gender concerns, the random mix of culturesand languages magnifies the rejection of interpretation, the disconnection, the lack of interaction and theparallel courses pursued. What’s more, the spinningout of works as things that showed the same kind ofinward folding of elements seemed to be honestlyreflected in the self-closed desk and the solidified
negligee we see.

105

OPEN SITE 5: Part 1

展示部門｜Exhibition

会期｜Date：2020.11.21–12.20

大 岩雄典
OIWA Euske

バカンス
Vacances

顕在化させたものが「盗言器」だとも言えよう。

感しにくいかもしれない）何も予定のない空っぽな時間

会場の奥に入ると、大きなダブルベッドがある、客室をタイトルに、それが突然、新型コロナウイルス感染に然とした部屋がある。それは、先の漫才のふたりのいる

よって延長されてしまった客室を模した空間で展開さ場所でもある（ということになっている）、クルーズ船のれた。と同時に外出自粛によって自宅に軟禁された私客室である。実際、それは、大型客船「ダイヤモンド・プ達と、その間、さまざまな情報（声）が錯綜していたこと、リンセス」号の客室を参照して制作されている。作品自更には、人との距離を保つソーシャル・ディスタンシン

体、本公募企画での展示が決定し、日本国内でも新型

グが重ね合わされ た。また、客室のヘッドホンの音を

コロナウイルスの感染が拡大し始める中で発想された

聞くとミュートされてしまう漫才や、ボケが映されないものだという。そうした時代の状況が、空っぽな空間で漫才のカメラワークなどの作為によって、「盗言器」のよある展示室にさまざまなレイヤーをもって、多層的に想うに問いを投げ かけてくる、思考空間としてのインスタ

起させる空間として設置されたのが、この作品だと言えレーションとなっていた。

るだろう。それは、「休暇」という（日本の労働者には実レビュー ｜ REVIEW

問いを投げかけてくる、思考空間としてのインスタレーション
Installation as Spaces that Confront Viewers with Questions

畠中 実（NTTインターコミュニケーション・センター[ICC] 主任学芸員）
HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])
薄暗い展示室の中に入ると、その中に合板パネルの裏

まったくわからない正体不明の装置）によって、会話のIn a dimly lit exhibition space, beyond a plywood panel
is a space set up to look like an unhidden backstage
area of a theater stage, and looking up slightly we see
a display. Because of the dim lighting, the first thing
we notice is a screen. In it, two men are standing side
by side talking to each other. Listening through headphones, they appear to be a Japanese style Manzai act(two man comedy act). Since the recording is playing
on a loop, if you come in while in the middle of the
dialogue the storyline gets lost and the lines the twoare speaking go on and on without coinciding.
What we hear is opposite of a bugging device,something that might be called a Tougenki, or “blabbering device” (a device that is completely unknown
and unknowable), and it has an effect like someone
else’s words being injected into the middle of a conversation (And in that sense might be called “wordinjection device” in another reading of the characters
for Tougenki. Or something that steals other people’s
words and injects them out of context. Meanwhile,
there are other places where one of the comic duo’s
words are cut in the middle and sent off to anotherplace, as if the words are being stolen). This causes the
dialogue between the two to become mixed up andincoherent. However, that is in fact the actual structureof Manzai comedy where the one (boke) makes crazystatements and other (tsukkomi) tries to bring theconversation back on course with normal, logicalreplies. So, we come to realize that the role of the bokein Manzai comedy to mix up the coherency can be said
to be a kind of Tougenki, or word stealing device.
As we go back into the farther area of the exhibition

側が丸見えの舞台のセット裏のような空間があり、見上中に誰かの言葉が闖入してくることによるという（そのげるくらいの位置にディスプレイが設置されている。薄意味では「投言器」というべきか。それとも、誰かの言葉

暗いため、画面が先に目に入ってくる。男ふたりが並んを盗んで、別の文脈に投げ込んでいるのか。一方、相で話している。ヘッドホンをして音声を聞くと、ボケと方の言葉が寸断され、どこか別の場所に行ってしまっ

1993年生まれ。東京都を拠点に活動。東京藝術大学大学院

ツッコミのかけあい漫才のようである。ループ再生のたたような、言葉が盗まれているような箇所もある）。そ

映像研究科映像メディア学博士後期課程在籍。主な展覧会にめ途中から聴き始めると、話がすれちがっていく、なんと

れが、ふたりの会話を錯綜させ、脱臼させている。しかも噛み合わないふたりのとりとめのない話が続く。

し、それこそが ボケとツッコミの構造であり、ボケとい

それは、盗聴器の反対の「盗言器」なるもの（実態はOPEN SITE 5: Part 1

う、あえて話を脱臼させる役割を漫才の中の装置として

106

space, we see a large double bed, in a room that looks
like a ship’s passenger cabin. This is also the place
where the Manzai comedy pair we just saw werestanding in (or that is the supposed intention). In fact,
it is designed after an actual passenger cabin in thelarge cruise ship Diamond Princess.
In fact, the artist says that this work itself was conceived, after he was accepted exhibit a work to thisopen-call exhibition, to be suggestive of this cruise
ship (with its many infected passengers) that became
the symbol of the initial spread of the COVID-19 inJapan. In that sense it can be said that the artist thenwent on to take this COVID era setting and apply amulti-layered concept to give a variety of layers to thebasically empty of the exhibition space. By adopting
the title Vacances, or time off from work to travel
around with no set purpose (a concept of a that may beforeign to many Japanese employees), the setting of apassenger cabin on this ship where that vacation was
suddenly and unwillingly extended by COVID infection
was chosen. At the same time, the imposition on all of
us to restraint from going out, as if being confined tohouse arrest, subjected us to time when information(voices) became complicated and mixed up, and on
top of this came the added constraints of social distancing. What’s more, the addition of devices such as
the muted sound of the Manzai comedy on theheadphones in the passenger cabin and the video
camerawork that doesn’t show boke half of the duo,made this installation an space for thinking that posedquestions to us as if by a Tougenki word stealing
device.

PROFILE「Emergency Call」（ 電話回線、日本、2020）、「別れ話」（北千住 BUoY、東京、2020）、「スローアクター」（駒込倉庫、東京、
2019）など。
『美術手帖』、『ユリイカ』、『早稲田文学』などに批
評を執筆。

107

Born in 1993. Lives and works in Tokyo. Enrolled in a PhD
course of the Graduate School of Film and New Media, Tokyo
University of the Arts. Recent exhibitions: “Emergency Call,”
Telephone line, Japan, 2020, “Breaking the Relation,” BUoY,
Tokyo, 2020, “Slow Actor,” Komagome SOKO, Tokyo, 2019. His
critical writings have appeared in “Bijutsutecho,” “Eureka,”“Waseda Bungaku” and elsewhere.

OPEN SITE 5: Part 1

展示部門｜Exhibition

会期｜Date：2021.1.9–2.7

飯 沼珠実
IINUMA Tamami

建築のことばを探す 多木浩二の建築写真
Searching for the Language of a House: Architectural Photography of Koji Taki

キスト（「家のことば」）には、多木の家へのまなざしが表家として機能し始める前の、家として住人との生を歩みされているようだ。それは、そもそも住まうためのもので出す前の、ほんのわずかな時間が永遠に引き延ばされある（はずの）家を、写真の対象として（だけ）凝視するまたかのようだ。それはかつてあった、のではなく、すでなざし、とも感じられる。家という建築が、完全な建築とに永遠であるような写真に思える。

してのイメージとなって定着されているような印象を受

展示は、いくつか予定されていたイベントも含めたける。ギャラリーや美術館のような展示空間ではない、

対話によって成立すると思われるので、新型コロナウイ

教室や会議室のような場所でもない、まぎれもない住宅

ルスの感染拡大防止のために、すべてのイベントが中としての建築が、その機能とは異なる「いい家」というま止となってしまったことは大変残念ではあった。しかし、なざしから捉えられている。
家という対象を、そこに住む人々との時間が、そこに成果のひとつは、この写真集と会場におか れた書評として結実している。写真集の刷本が、製本される前の、堆積していく前の状態で記録している。だから、住人の人の手がまだ触れ（られ）ない本となっていたのがどこ

生活感のあふれた空間を撮影する類の写真とは対極にか印象的だった。

ある。特に最後におかれた自邸「銀舎」の写真は、家がThe late Taki Koji was active as a critic in a wide range offields, from art to photography and architecture, and he
was also active as a photographer, as well as being afounding member along like-minded artists Nakahira
Takuma and Okada Takahiko of the photography magazine Provoke. From 1968 to 1979, Taki photographed 17
homes designed by Shinohara Kazuo, Sakamoto
Kazunari, Ito Toyo and Shirasawa Hironori. Of these, thehomes designed by Shinohara were central to this series
of works for accounting for 14 of the 17 homes. However,after one point in his career, Taki turned away from photography and would not publish a consolidated collectionof his work as a photographer during his lifetime. Artist
Iinuma Tamami took on the task of assembling thesephotographs of homes that Taki took during his lifetime,
which had been left in the keeping of the architects, topublish a book titled Searching for the Language of a
House: Architectural Photography of Koji Taki. This exhibition became a presentation by Iinuma of the results of her
research conducted for the compilation of this book, andshe had also planned to hold live discussions with a number of guest speakers who were involved in her project.
The statement, “A house that one feels to be a good
one, is not one that makes you feel you would want to livein as it is,” which Taki used as an introductory heading to
his essay “The Language of a House,” appears to be an aptsummary of Taki’s approach to viewing a house. The
statement can also be seen as a guide for looking intently
at a house (itself) which has (supposedly) been built to be
lived in as a subject for photography. We get the impres-レビュー ｜ REVIEW

建築のことば、写真のことば
The Language of a House, the Language of Photography

畠中 実（NTTインターコミュニケーション・センター[ICC] 主任学芸員）
HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])
美術、写真、建築、その ほ か多方面に批評活動を行とがなかった。これらの建築写真をアーティストの飯沼なった多木浩二は、写真家としても活動し、中平卓馬、珠実が、生前の多木から建築家が預かった写真資料を岡田隆彦らとともに、写真誌『Provoke』の同人でもあっもとに、写真集『建築のことばを探すた。多木は、1968年から1979年まで、篠原一男、坂本写真』として刊行した。この展覧会は、その写真集の制一成、伊東豊雄、白澤宏規の設計した17軒の住宅の写作過程におけるリサーチの成果発表展として、このプロ

1983年東京都生まれ。東京都とパリを拠点に活動。2018年

真を撮影している。特に篠原の設計による住宅が中心

ジェクトに関係する人々をゲストに迎え、この写真集を

東京藝術大学大学院美術研究科博士後期課程先端芸術表現に撮影され、上記のうち14軒が彼の作品となっている。

巡る対話とともに発表予定であった。

しかし、ある時期より写真から離れることになった写真「『いい家だ』と感じる家が、そのまま、住みたいと思う

家の生前には、それらのまとまった発表が行なわれるこ

家ではない」という、写真集の冒頭におかれた多木のテ

OPEN SITE 5: Part 2

sion that the image of a house, as a work of architecture,
has come to be taken as a purely architectural creation.
What is expressed is a viewpoint that takes what is obviously a house―and thus different from display spaces
such as galleries or museums and different from a classroom or meeting room―as purely a work of architecture.
The houses are taken as subjects before they begin toaccumulate the traces of the time their owners spent living in them. In this sense, the photographs lie on the
opposite pole from ones that would show evident tracesof the lives (time) spent there by their inhabitants. In particular, the final photographs we see of Taki’s own residence, the “Ginsha,” which were taken only shortly after
he took up residence there, and thus before the house
truly began to function as a home, seem to be frozen in along period of time as images of the house prior to the life
it shared with its owner. Those photographs do notappear to show something in the past, however, butrather something already eternal.
Since Iinuma’s exhibition appears to have beenplanned as a discourse that would only have been
complete if the various planned talk events had takenplace, it is very unfortunate that all of them had to becancelled due to the COVID-19 pandemic. However, oneof the positive results that actually remains is the reviewsof Iinuma’s book of Taki’s photographs. The fact that theprinted pages of the book displayed in the exhibition werefrom before the book was bound, and before being
exposed to human hands, also left a strong impression onus.

多木浩二の建築108

PROFILE

領域修了。主な展覧会に「JAPAN IN DER DDR ―東ドイツにみつけた三軒の日本の家」（ニコンサロン、東京／大阪、2020）など。受賞歴に「第22回三木淳賞」（2021）。

109

Born in Tokyo in 1983. Lives and works in Tokyo and Paris.
Earned her PhD in Fine Arts from Tokyo University of the Arts in
2018. Recent exhibitions: “JAPAN IN DER DDR –I Found ThreeJapan Houses in GDR,” Nikon Salon, Tokyo/Osaka, 2020,“Momentary Architecture,” Atrium Gallery, Pola Museum,
Kanagawa, 2018. Award: The 22nd Miki Jun Award.

OPEN SITE 5: Part 2

展示部門｜Exhibition

会期｜Date：2021.1.9–2.7

氷に雪が降るシンボリックなスノードームから始まる。
メインの展示室は薄暗く、2人がそれぞれに収録した、

上 村洋一 + 黒沢 聖 覇
KAMIMURA Yoichi+KUROSAWA Seiha

冷たき熱帯、熱き流氷
Floating Between the Tropical and Glacial Zonesの主題となる社会や地球が抱える深刻な問題に直接ケープが流れている。奥には3面モニターの映像インス

触れたいというのが動機だろう。この展示でも「惑星規タレーション。東京で眠る少女を映し出すモニターの両模で変化する環境やエコロジーに対する新しい感性と脇に、アマゾンの映像が展開している。右手の壁面に問いを提示する芸術的方法論を模索する」とあるように、は上村によるドローイングが展示されている。ハンモッ

ひとつの極地的な風景を前に、それをさまざまな断層、クの上で少女が夢を見ながらアマゾンや流氷を探索す

自然科学的な環境、社会学的な状況、歴史的な一場面、るというコンセプトによるそれらの作品は、上村が流氷

経済的な局面、人新世を含めた地質時代の一瞬を個々の記憶を頼りに描いたものから、黒沢から聞いたアマに読み分け、再編集するというのが彼の企てなのだ。

ゾンの様子を想像で描いたものへ、「冷たい」から「熱両者の動機の微妙な違いこそが今回「冷たい」からい」へのグラデーションを表すように並べられている。

「熱い」への移り変わりとともに内在されている「アー部屋の中央にはドローイングのコンセプトにもなった

ティスト」から「キュレーター」へのグラデーションといえるかもしれない。

製バ ルーンが転がり、どちらの場所でもないようなラン

ところで2人の作品に登場する夢見る少女は、おうち

ドスケープが展開している。バ ルーンには、いろいろ

時間でうたた寝している私達だろうか？ それでなくてな経緯で集められた流氷やアマゾンについてのテキスも多層に問題を抱えている極地でのリサーチに、2 人トが英語で印字され、ブラックライトを当てると、浮かびの姿勢の違いも加わってより複雑化した今回のコラボ

上がる仕掛けだ。リサーチ先で夜、暗闇に懐中電灯をレーションなのに、落とし込まれた展示はどこまでも抽照らしたときに突然現れる新発見という共通の体験をも象的な肌触りをしている。それは観客にも少女のようにとにしているという。

イマジネーションすることが期待されたからだろう。

気になったのは彼らが本当に経験したことが実際に展覧会の抽象度に反して、この企画は本展だけで完

どんなものだったのか、特殊な場所を経験し考える喜

結せず、別会場で は髙木遊との共同企画で関連展覧

び、そこから作品を作るまでの快楽についてだった。そ会 * が開催され、ゲストに服部浩之氏を交えたアーティ

もそもなぜフィールドリサーチを始めたのか？ 2人はストトークも含めて立体的に展開した。こうして点在し、それぞれちょっとだけ違う返答をしてくれた。
上村は3.11の震災で受けたショックが、スタジオで多層的な思考の場を模索しながら、分かち合うことが難しい経験を持った作り手同士が協働して考える姿勢は、思考するような従来の制作スタイルを見直すきっかけと十分に理想的な関係だと思う。なので、思い切って作なり、アーティストとして「考える」や「作る」行為のもうひり手と観客の関係も反故にして、実際に収集され、思考とつの答えとして、自然環境の中に飛び込んで実践するされた素材を更に多層的で立体的に配置していって欲フィールドレコーディングへ傾倒していった。またそのしい。

行為や成果を作品にするために自身の活動を文脈的にレビュー

キュラトリアルに夢見ること*「次元の衝突点 : 35°42'59.0” - N 139°46'07.4”E - 36.0892”AA Ft.」
（The 5th Floor、東京）

小林晴夫（blanClass ディレクター）
上村洋一は氷の周りに起こる現象を録音し、パフォーマ

いことに気がついたという。たまたまそれぞれの行先がンスや展示などさまざまな形で発表してきたアーティス「冷たい」と「熱い」という両極端な場所だったことから、ト。一方の黒沢聖覇は、自身も臆せず表現をしながら対比しつつその間を漂うような「熱帯と流氷の間に浮かキュラトリアルに芸術を実践するキュレーター。本展はぶ」という最初のアイデアが浮かんだそうだ。しかし奇しともに2019年に行った、北海道知床半島斜里町での

くもコロナ禍で、多くの人の移動が制限される中「行っオホーツクの流氷のフィールドレコーディング（上村）と、たことがない場所の経験をいかにして共有するのか」とブラジルのアマゾン地域で行わ れ たアーティストのたいう、今回の展示につながる共通のモチベーションがめの移動型滞在プログラム「LABVERDE」に参加して生まれたのだという。
展示は、そっくりなアングルで撮影された、オホーツ

PROFILE上村：1982年生まれ。主な展覧会に「道草展：未知とともに歩む」（水戸芸術館現代美術ギャラリー、2020）など。黒沢：1991
年生まれ。東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科博士後期課程在籍。主な展覧会に「欲望：20世紀の初めからデジタル

結果的に地球上の極地でフィールドリサーチをした2クとアマゾン、それぞれの小船の舳先が反転されるよう人が、互いの経験を喋ったとき、簡単には分かち合えな

時代にいたるまでのアートと欲望のあり方の変遷」（アイルランドにコラージュされ た写真作品と、アマゾンに浮か ぶ流

国立現代美術館、ダブリン、2019）など。

OPEN SITE 5: Part 2

黒沢は、キュラトリアルなアートの実践という、活動

流氷とジャングルの音がシャッフルされ たサウンドス

ハンモックが設えられており、床には透明なビニール収集された素材（黒沢）に由来する。

考え直すということも意識的に続けている。

110

111

KAMIMURA: Born in 1982. Recent exhibition: “Michikusa:
Walks with the Unknown,” Contemporary Art Center, Art Tower
Mito, 2020. KUROSAWA: Born in 1991. Enrolled in a PhD
course of the Graduate School of Global Arts, Tokyo Universityof the Arts. Recent exhibition: “Desire: A Revision from the 20th
Century to the Digital Age,” Irish Museum of Modern Art, Dublin, 2019.

OPEN SITE 5: Part 2

REVIEW

Visions of Curatorial Ideals
KOBAYASHI Haruo (Director, blanClass)Kamimura Yoichi is an artist who has used fieldrecordings of phenomena that occur around ice in avariety of performances and exhibitions. As for Kurosawa Seiha, he is a curator who doesn’t shy fromengaging in his own artistic expression from a curatorial perspective. For their joint exhibition held in 2019,
Kamimura used field recordings made along the iceflows of the Okhotsk Sea at Hokkaido’s Shari Town on
the Shiretoko Peninsula, and Kurosawa brought work
resulting from research done in the Amazon region ofBrazil while participating in the LABVERDE travelingresidence program with for artists.
The two had done field research in two extreme
environments at opposite ends of the global spectrum,
but they say that when they got together to talk about
their findings, it was not easy to communicate what
they had experienced. Because they had happened to
do research in the two extremes of cold and heat, they
say that they immediately arrived at the idea for atheme of “Floating Between the Tropical and Drift Ice
Zones.” And with the addition of another extreme circumstance in the form of the COVID-19 pandemic
that prevented travel for most, they found a common
motivation for this exhibition in the desire to sharewith others the experiences they had in places that so
few have ever seen.
The exhibition begins with a collage work of photographs taken from the same angle showing the bow ofa small boat pointing into the Okhotsk Sea and the
Amazon and juxtaposed back-to-back, and with asymbolic snow globe in which snow falls on a large ice
block floating on waters of the Amazon.
The main display room is dimly lit, and in it plays asoundscape shuffling sounds the two recorded of ice
flows and the Amazon jungle. In the back of the room
there is a video installation with a three-section monitor set. On the two sides of the center monitor showing a young girl sleeping in Tokyo there are monitors
showing scenes of the Amazon. On the right-handwall are displayed drawings by Kamimura. These
works created around the concept of a girl day-dreaming in a hammock as she explores the Amazon and ice
flows, depict Kamimura’s memories of the ice flows
and stories he heard from Kurosawa about the Amazon, and they are arranged in a gradation, from cold tohot.
In the center of the room, a hammock of the type
Kamimura imagined is hung, and scattered around on
the floor are clear vinyl balloons, creating a landscapethat doesn’t belong to either of the two (Okhotsk or
Amazon) areas. On the balloons are printed texts in
English about ice flows and the Amazon gatheredfrom a variety of sources, and they are illuminatedusing blacklights to appear as if floating. This is
inspired by the two artists’ shared experience of dis-

OPEN SITE 5: Part 2

covering unexpected new things when shining a flashlight in their surroundings during the dark of night.
One wonders what it was that the two artists actuallyexperienced. Was it the joy of thinking about theirexperiences in such extreme places, or the extasy inthe process of creating works from them? And what
had made them undertake such field research to begin
with? The answers that come back from the two areslightly different.
The shock that Kamimura experienced from witnessing the earthquake and tsunami of 3.11 made him
question his style of creating work in the studio until
then. And as another answer to the actions of thinking
and creating as an artist, he turned to thrusting himself into new natural environments and doing fieldrecordings. He has also continued to consciously
rethink from a contextual perspective his activities increating works based on those actions.
Kurosawa appears to want to directly address theserious societal and environmental issues we face as
the main motive of his curatorial art. As he said it astatement for this exhibition, “the creators seek anartistic methodology that sets forth a new sensibility
and framing of issues surrounding ecology and thechanging global environment.” In light of this, hechooses a methodology that looks at an extreme landscape on a number of levels, examining the environment from the perspective of natural science, thesociological conditions, historical aspects, economic
conditions, to consolidate a new geological age that
includes the Anthropocene aspect and then reorganize it with respect to each element.
The slight differences between the two’s motivations seem to be reflected in the expressed transition
from cold to hot, as well as the internal gradation fromartist to curator.
As for the dreaming young girl that emerges in theirwork, could it be an image of ourselves as we drift off
in naps during our increased time spent at home?
Even if not, the research that the two have conductedin their respective extreme environments with theirmulti-layered problems, and with the differences intheir respective approaches that made the collaboration this time so complex, have resulted in an exhibition with an extremely abstract feel. And perhaps this,
too, is due to their hope to instill in the viewer the same
type of imagination the young girl possesses.
As if to contradict the abstractness of this exhibition, we see that the project was not concluded here,
as a second related joint exhibition* with the artist
Takagi Yu at a different venue was executed to add
another dimension to the project, while also including
an artist talk event with guest speaker Hattori
Hiroyuki. And in this approach by creators who havepursued separate realms of research and explored112

multiple levels of thought and, having experienced in
the process the difficulties of mutual understanding
still continue to think together, we may be seeing an
unexpectedly ideal relationship. Therefore, we hopethat, without regard for the artist-audience relationship, these creators will continue unfettered to display
the materials that have actually gathered and thought
about, and work to exhibit them in ways that showeven more levels and dimensions of complexity going
forward.
* “COLLISION POINT ON DIMENSIONS: 35°42'59.0” - N 139°46'07.4”E - 36.0892”AA Ft.,” The 5th Floor, Tokyo

113

OPEN SITE 5: Part 2

公演日｜Date：2021.1.15–1.17

パフォーマンス部門｜Performance

が雑然と広がっているのだが、ほんわかした居心地のじ場を自然に共有し、互いに接続したり／しなかったり良さもある。そこに、出自も表現形態も異なるアーティ

しながら一緒に立ち上げているこのプラットフォームだ。

どうぶつ えん

ストたちが、「バトンをつなぐように（by Aokid）」現れて社会的に、上演場所への制約が強まる中、出来得る自Doubutsuenzoo

は上演し、入れ替わる。例えば、コーヒーを淹れながら由を最大限確保し、自分とは異なる世界観、価値観、美のトーク、ギャラリー・ツアー、建築談義、インタビュー、

意識との出会いがここでは可能になっている。
「どうぶ

詩や戯曲の朗読、演説、即興演奏、ダンス、歌、ワーク

つえん」という命名とその魅力を再認識した。さまざまな

ショップなど、あらゆる事がそこでは起こっていた。オ

事や物の中にいると、これまでとは別の思考や意識がどうぶつえん in TOKAS 2021

公演アーカイブ｜Performance archive：

Doubutsuenzoo in TOKAS 2021

https://doubutsuenzoo.tumblr.com/

ンラインや QRコードを通じて、ベルリンや江東区の稽呼び起こされる。これは、参加しているアーティストに古場や夜の代々木公園、自宅など外部からの参加もあり

とっても観客にとっても同じだろう。パフォーマンスの「どうぶつえん」はさまざまな場所にも飛び地していた。
興味深い作品や試みはいくつもあったが、一番、驚レビュー ｜ REVIEW

緊急事態宣言下の「どうぶつえん」“Doubutsuenzoos” under the COVID-19 State of Emergency

久野敦子（公益財団法人セゾン文化財団 プログラム・ディレクター）
HISANO Atsuko (Program Director, The Saison Foundation)「どうぶつえん」は、代々木公園や鴨川べりなどの屋た。上演の都度、観客10人の入場制限があったが、ラ外で実施されてきた、パフォーマンス、ワークショップ、イブ上演のほか、配信、記録映像、目撃者によるnote上

トーク、映像ありのパーティーのような、ミーティングののドキュメントなどのメディアを駆使して公開され、さまような、ピクニックのようなパフォーマンス・イベントだ。

ざまな方法で「どうぶつえん」を鑑賞することができた。

くべきことは、文脈の異なる作品やアーティストが、同緊急事態宣言下の帰路を急いだ。

The “Doubutsuenzoos” are originally outdoor performance events that have been held in places like Yoyogi
Park and Kamogawa riverside venues. They combine
performances, workshops, talk shows and film showings in an atmosphere that can be party-like andmeeting-like, as well as picnic-like. This time, one washeld in the white cube of TOKAS Hongo, in a way thatsummarized their activities over the past five years. In
this coronavirus time with its restrictions on people
gathering and traveling, the event still brought
together a total of 78 artists to present a constantstream of performances and the like over three days,
from 12:00 noon to 7:00 in the evening. For each performance the audience was limited to ten people, andthe variety of media presented included live performances, online broadcasts, film documentations,note-form documents from observers and more, allmade viewable by a variety of methods as a sort of“zoo” experience.
In the center of the space there was a moveablegarden of artificial grass, and between this and theaudience area, as if to ensure social distancing, construction site cones and bars formed an inobtrusive
barricade. On the walls were displayed drawing, achronology one could write on, while scattered aroundon the floor there were boxes, computers, a trampoline, cardboard sculptures, audio, visual and online
monitors, etc., all generating a warm, at-home atmosphere. And in this space, a progression of artists withdifferent backgrounds and means of expression
appeared to perform and then pass the baton (byAokid) on to the next performer one after another.
What unfolded there was a zoo-like menagerie of acts,
including for example, a performer giving a talk while
brewing a cup of coffee, another giving a gallery tour, atalk on the building’s architecture, interviews, readingsof poetry and plays, speeches, improvisational music
performances, dance, song, workshops and more.
Also, by going online or using QR codes, visitors could
connect to other far-flung Doubutsuenzoos in places
like rehearsal studios in Berlin or Tokyo’s in Koto-ku,
and nighttime Yoyogi Park.
Among the many interesting works and experiments, one of the most surprising things of all was thisplatform itself and the way it enabled such a diverse
group of artists and works from different contexts to
use this same space so naturally, at times with theirworks connecting, and other times not. As restrictions
on performance venues grew stricter throughout society, this event became an opportunity to encounternew world views, values and aesthetic visions different
from our own in the greatest freedom possible. It washere that we re-discovered the great appeal embodied
in the mission of a zoo. Being in the midst of suchdiversity of things and ideas gives birth to new
thoughts and new awareness. This was surely true
both for the participating artists and for the viewers.
Hidden in the presentations here may be things thatpoint toward new directions in the future of performance and stimuli for new ideas. It was with suchexpectations that I hurried home in the midst of the
COVID-19 State of Emergency.

PROFILE

今回は、TOKAS のホワイトキューブでこれまでの5年

会場内は、中央に可動式の人工芝の庭があり、観客

アーティストの Aokid が主催し、代々木公園を舞台に実施する間の活動を総括するイベントとして実施された。コロナ

エリアとの間には、社会的距離確保のためか、工事現

野外イベント。2016年に開始以来、さまざまなジャンルからの禍の「会えない／移動できない」時期ではあったが、総場のコーンとバーが設置されている。壁面にはドローイ

勢78人ほどのアーティストが参加し、3日連続、昼12

ング、書き込み可能な年表、床にもボックス、PC、トラ

時から夜7時までパフォーマンスなどが連続上演されン ポリン、段 ボール彫刻、音響、映像、配信機材など

OPEN SITE 5: Part 2114

未来につながる新しい方向、起爆剤となるような発想がここには潜んでいるかもしれない。そんな期待を抱いて、発表者は70人以上を数える。主な活動に『どうぶつえん vol.11』（代々木公園、東京、2019）、『どうぶつえん vol.10』（ 代々木
公園、東京、2019）、『どうぶつえん vol.9』（代々木公園、東京、
2018）、『どうぶつえん vol.8』（代々木公園、東京、2018）など。

115

The “Doubutsuenzoos” organized by an artist Aokid are outdoor
events held mainly in Yoyogi Park, in central Tokyo. Since 2016
there have been more than 70 presenters working in different
disciplines. Recent activities: “Doubustuenzoo vol. 11,” Yoyogi
Park, Tokyo, 2019, “Doubustuenzoo vol. 10,” Yoyogi Park, Tokyo,
2019, “Doubustuenzoo vol. 9,” Yoyogi Park, Tokyo, 2018,“Doubustuenzoo vol. 8,” Yoyogi Park, Tokyo, 2018.）

OPEN SITE 5: Part 2

パフォーマンス部門｜Performance

ブルーエゴ ナクegonaku

公演日｜Date：2021.1.29–1.31

主人公たちにとっては大ごとでもある出来事に対し、主クのこの試みそれ自体を表している。内容と形式が台詞* 新 型コロナウイル ス 感 染 症

人公が掘り下げる内面的な独白を耳元で聞く体験は親の一節によって重なったとき、作中で繰り返されていた、拡大の影響により TOK AS 本

密で、主人公の心情や体験をとても近い位置で追体験し一見本筋とは関係のないように思えたモチーフや発せら

郷で の公演は中止され、上演ているような心地になる。そうして意味のあるような、なれた音（言葉）が、別の強さをもってよみがえる。それはいような、羅列され、音楽によって強調される音の連なり散らばる些事に象徴を宿すように、小さな物語を抽象的からなる、それぞれ20分程度の小さな物語は、身体性をな世界認識へと変えていく。いや、むしろ音が意味から形態を変え〈演劇 / 音楽 的体
験を促す 音 楽 / 演 劇 〉としてCoincideaudio｜Coincide 同時に起こること

2021.1.29–3.29にストリーミ
ング配信。
* Due to the spread of the
COVID-19 pandemic, live presentations at TOKAS Hongo
were cancelled, and the formatchanged to online streamingfrom January 29 to March 29,2021 as “A musical/drama thatdraws you to dramatic/musicexperience.”

Coincideaudio｜COINCIDE

レビュー ｜ REVIEW

音と意味の間にBetween sound and meaning

近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラム・ディレクター）伴った鮮やかな情景として脳裏に浮かび上がっていく。
第一部（case.1）の主人公が最後に言う。
「ありがとう離れていたがゆえに、指示する意味を越えた一層の拡がりを聞く者に感じさせるのかもしれない。

の寺と名付けた寺は、なくならない。いや、なくなっても、「ヒップホップにおける韻を踏む行為から着想した、意

すでにないとしても、なくならないから、すごいのだ」。そ味と音の同時性を検証する」*というコンセプトは、オー

れはこの物語にとって、この主人公にとって重要な台詞

ディオ形式、無料配信のみという形態により、その意図をであるのは間違いない。と同時に、それはブルーエゴナ

一層強く示したようにみえた。

Due to effects of the COVID-19 pandemic, the Fukuokabased group egonaku had difficulty not only in conducting research for their new work but also in making preparations and conducting their creative work and travelingfor the planned performances, which forced them tochange their original plans to hold live performances of
the new work. The proposal put forward regarding theplan to hold performances at TOKAS Hongo underrestricted conditions was to have present egonaku’s
theater work as an audio work.
The setting of this work, which consists of three vocal
and music parts, deals with the daily lives and small anxieties of three classmates who all have a hard time gettingused living and working together with others. The interweaving stories of these three characters are told in astyle similar to a radio drama or a musical production. As
stage drama and in terms of the narrative content, it is no
more than repetitive scenes from daily life, and there is no
deep meaning in the lines that are spoken at times in its
course. However, while the succession of rhymes overlaps
with the story, the rhythm also communicates to the bodyof the listener. The reverberation with this strange physical sensation may be close to the sensation that people
get from rhythms or dance in rituals or ceremonies aswell. And, although they may be trifling daily concerns, tothe young characters of the story they are indeed very
important happenings, and the experience of hearing theinternal monologues of the characters delve deeply into
being whispered into our ears makes us feel that we arereliving their feelings and experiences at a very close
proximity. And as the succession of enumerations that
may or may not have any meaning are spoken, with theirsound accentuated by music, the short stories, eachabout 20 minutes in length, paint vivid scenes accompanied by physicality that appear somewhere in the back ofour minds.
The main character of the first part (case 1) says in theend, “The temple of thanks will never disappear. No, it isamazing because even if it does disappear, or even if it isalready gone, it will never disappear.” It is certain that thisis an important line for the character. And at the sametime, it also expresses the very thing that egonaku is
attempting to show. When content and form cometogether in one line, and when the motifs and utteredsounds (words) that are repeated during the work seemingly as things that have nothing to do with the main
subject, they are reborn with a new kind of strength. And
in the same way that scattered trivia can harbor symbols,
the small stories can transform into an abstract universal
consciousness. Or rather, because the sound was disconnected from the meaning, it may transcend the intended
meaning into a realm of larger expansion that is felt in thelisteners’ ears.
“The work COINCIDE, which explores the concept ofsimultaneity of meaning and sound inspired by the use of
rhyme in HIP HOP,”* was released online for free as anaudio piece only, in a way that seemed to intensify theintent of the work even more.

KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)『Coincideaudio（コインサイドオーディオ）』について」（http://buru-egonaku.com/coincide/）* ブルーエゴナク「

福岡拠点のブルーエゴ ナクは、パンデミックの影響で、公たちの日常が舞台となっている。それぞれの物語が交* About egonaku’s “Coincideaudio”（http://buru-egonaku.com/coincide/）

新作のためのリサーチ活動のみならず、準備、制作、公差しながら、ラジオドラマのような、歌劇のような形で語演のための移動が困難となり、企画していた上演形態のられていく。それは、舞台としても、描か れている内容と変更を余儀なくされた。TOKAS 本郷での観客に向けてしても反復的な日常の一コマに過ぎず、時にそこで発せの公演という当初案に対し、限られた状況下での開催方

られる言葉は深い意味を持たない。しかし韻を含む音の2012 年結成。代表穴迫信一。福岡県を拠点に活動。主な活法として提案された上演形態は、ブルーエゴナクの演劇

連なりは物語の進行と重なりながら、そのリズムを聞く者

動に「ザンザ カと遊行」（ 奥城崎シーサイドホテル敷地内、兵をオーディオ作品として発表するというものだった。

の身体に刻み込んでいく。この不思議な身体感覚への共音声と音楽からなる３部構成の本作は、集団生活に馴

鳴は、儀式におけるリズムや踊りによって得られる感覚と染めず、小さな悩みを抱えた同じ教室にいる3人の主人

近いのかもしれない。また些細な日常ではあるが、幼いOPEN SITE 5: Part 2

116

PROFILE庫、2020）、「ROMEO AND JULIET」（北九州芸術劇場、福岡、
2019）、「アイ・ノチス・バイ・ストッピング・ブレシング」（北九州モノレール車内、福岡、2019）、「sad」（ロームシアター京都
ノースホール、2018）など。

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Formed in 2012 and headed by Anasako Shinichi. Based in
Fukuoka. Recent activities: “Zanzaka To Yugyo,” Okukinosaki
Seaside Hotel, Hyogo, 2020, “ROMEO AND JULIET,” Kitakyushu Performing Arts Center PLAYHOUSE, Fukuoka, 2019, “I
Notice by Stopping Breathing,” Inside the monorail of theKitakyushu High-Speed Rail, Fukuoka, 2019, “sad,” ROHM
Theatre Kyoto North hall, 2018.

OPEN SITE 5: Part 2

公演日｜Date：2021.2.5–2.7

パフォーマンス部門｜Performancey/n
セックス／ワーク／アート
Sex / Work / Art

レビュー ｜ REVIEW

レクチャーと演劇の適切な関係
A proper relationship between Lecture and Theater

久野敦子（公益財団法人セゾン文化財団 プログラム・ディレクター）
HISANO Atsuko (Program Director, The Saison Foundation)
本公演の y/n「 セックス／ワーク／アート」は、並列さ

ア、CD などの小物が置いてある。まず、橋本が語るの価」に関する情報とともにエピソードを交えながら淡々と制であり客の数によって収入が決まることを話す。続いてレクチャーのように語られる。

OPEN SITEでの入場料収入は、全てy/n に出演料として仕事遍歴の話の前後には、さまざまな本が価格とと支払われること、希望する観客は、公演後に1,000円単位

もに紹介され、仕事時間を管理するかのようにストップで追加チケットを購入できることが説明される。本公演のウォッチが操作される。更に、歴史、社会規制、売春防「適正な対価」の判断は観客に委ねられ、彼らの収入を増止法に関する挿話も挟まれ、多くの情報が提供される。

やすことができる立場にあることが暗示される。最後に手それらが、社会全体との関わりを明らかにしつつ、また、に取られた本は、『セックスワーク・スタディーズ

時には対照しつつ、本作の核心につながっていく構成は視点で考える性と労働』、1,900円。冒頭のプロジェクター

非常に巧みだ。途中、「ここで語られることはフィクション

購入費用に関する話は、「セックス／ワーク／アート」にまである」との発言もあり、レクチャーと演劇を行きつ戻りしつわる自身の思い込みや先入観を疑うこと、労働やサーつつ、観客の関心を引きつけた。

ビスを提供する側と支払う側にある『「私たち」の「適正な」終盤、橋本は、売り専の賃金支払いの仕組みが歩合関係』についての問い掛けだったことに気づかされる。

This y/n “Sex / Work / Art” was performed in the form ofa lecture performance dealing with the associations andrelationships inferred from the three words it brings
together. Creating in this way a fusion of lecture andtheater helped to clearly show the complex inter-relationship between these three themes, and thus succeeded inheightening the audience’s involvement.
On stage in the solo role of lecture presenter was theactor Hashimoto Kiyoshi. A number of white vertically elongated boxes of varied heights were placed around the room,and on them were placed things that might be found in any
home, like books, toy figurines, CDs and the like. The firststory Hashimoto told was about how, as the producer ofsmall theater performances, he did a “uri-sen” side-job ofcatering to the physical needs of gay clients in order tocover the losses in his theater business, and that he used
the money he earned from the uri-sen jobs to buy a projector to use in his performances. Next, he told that, after being
selected for this OPEN SITE program, he had used part ofthe production funding he was given by TOKAS to buy the
projector he was using in this presentation. He also
informed the audience that the projector had cost 80,580
yen. After that he continued to talk on in lecture style about
the “labor and compensation” relationship, taking examples
from the various jobs he has worked at, from delivery andtransport work to working at pubs, call services and uri-sen,
and discussing the work contents, working hours andwages, and also including episodes from those experiences.
Before and after this lecture about his work experiences, many books are introduced along with their prices,
and a stopwatch is used to suggest that here to the work
hours are being kept track of. Furthermore, a lot of information and various episodes from history, social rules andregulations, the Anti Prostitution Law, etc., are also interjected. It must also be said that the overall structure of thelecture/performance was very skillfully organized in termsof the way it gave a clear picture of the connection to society as a whole, while also at times showing contrasts andconnecting it all to the core of the work. Along the way
there were also comments such as, “From here we will talkabout is fiction,” which stimulated the audience’s interestin the repeated shifts between the lecture and the theater
performance.
In the latter part of the lecture, Hashimoto explainedthat the payment system for the uri-sen work was conducted on a commission system by which the wages thesex worker received were determined by the number ofcustomers they serviced. After that, it was explained that
admission ticket revenue from this OPEN SITE event was
all paid to y/n as the performance reimbursement, andthose who wished could purchase an additional ticket for
1,000 yen after the performance. It was then suggested
that the decision as to whether the performance’s admission price was a “fair or reasonable price” would be left up
to the audience were in a position add an additionalamount to y/n’s revenue through the purchase of anotherticket. The final book introduced was titled Sexwork
Studies, dealing with views by sex-workers themselves
about the relationship between sex and labor, and that theprice was 1,900 yen. At the end we realize that the story
about earning money to purchase a projector was meant
to prompt a questioning of one’s preconceptions andprejudices regarding “Sex / Work / Art” and that the lecture and performance was intended to re-examine ideasof “proper” relationships between “us,” as those providing
labor or services and those who pay for them.

れた３つの語から想起される意味と関係について、レクは、小劇場の演劇公演の赤字を埋めるために主催者のチャー・パフォーマンスという形式を用いながら上演さ自分が男性客を相手にする「売り専」の仕事をして、公演れた。レクチャー（講義）と演劇を融合させることで、3つで使うプロジェクターを購入したという話。次に、OPENのテーマの込み入った関係が明快に提示され、観客のSITE に採択され たことで支払わ れ た制作支援金の一

演出家・俳優の橋本清と批評家・ドラマトゥルクの山﨑健太によ関与を高めることに成功していた。

部で、本作で使われるプロジェクターは購入されたこと。

るユニット（2019年結成）。リサーチやドキュメンテーションにも舞台には、レクチャーのプレゼンターの役割を務める

価格は80,580円だったことが告げられる。続いて、橋本

俳優、橋本清が1人。白い縦長の箱が数箱、高さをまちまの配送・物流関係、居酒屋、コールセンター、売り専でのちに配置され、その上には自宅にありそうな本、フィギュ

仕事遍歴が、仕事内容、拘束時間、賃金など「労働と対OPEN SITE 5: Part 2

118

当事者

PROFILEとづくパフォーマンスなどのプロジェクトを展開し、持続的な活動を目指す。主な活動に『カミングアウトレッスン』（急な坂スタジオ、横浜、2020、TPAMフリンジ参加作品）。

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Founded in 2019 by Hashimoto Kiyoshi (Director, Actor) andYamazaki Kenta (Critic, Dramaturg). The projects are based oninterviews and research, and in a sustainable way. Recent activity: “Coming Out Lessons,” Steep Slope Studio, Yokohama,
2020, TPAM Fringe.

OPEN SITE 5: Part 2

OPEN SITE dot

公演日｜Date：2020.11.27–11.29

パレイドリアン
Pareidolian

聴衆のいない演奏会 ―転倒する〈作曲・演奏・聴取〉
A concert without audience; The Tripped 'Composition, Performance, and Appreciation'

感想を引き出しながらのディスカッションが行なわれた。

ショップの内容について、たしかにある程度予想がつたしかに現代音楽とは「新奇」なものであり、場合にいてしまう。しかし、それでもある程度予期しない展開

よっては「珍奇」なものでもある。現代音楽が、彼らが言を作ることには成功していたのではないだろうか（あぁ、うような、「誰も聞いたことのない『新しい』音楽を目指し

そっちで はなく、こっちね、という感じであったにしてて創作される不可解な作品に潜む愉楽」を求めるものも）。むしろ参加者には、演奏に参加することに新鮮なだとするなら、そうした愉しみが、現在一部の聴衆の関感覚を持ったものも多かったろう。また、参加者の中に心しか惹かなくなってしまい、特殊なポジションに閉じ

は、抵抗感や不満をおぼえる向きもあっただろうとは思られたジャンルになってしまっていることを考えなけれうが、少なくともすべてが円満に終わってしまうよりは望ばならないだろう。現代美術でも同様のことは言えるが、ましい反応だとも言えるだろう（ある意味、『4ʼ33”』の初

わかりにくいことをわかりやすくすることが、ある意味で演がそうだったように）。

は理解を妨げることもある。
参加者がいつのまにか演奏者になってしまう、という

レビュー ｜ REVIEW「聴衆のいない演奏会」は、聴衆を取り戻すことができるか
Can A concert without audience bring the audience back?

畠中 実（NTTインターコミュニケーション・センター[ICC] 主任学芸員）
HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])「耳馴染みのない、新奇な音楽との出会いから生まれ

対する近寄りが たさに対する乗り越えをワークショップ

る驚きや戸惑いに身を投じることによって、音楽との向という形態で実践している。

仕掛けられたハプニングに由来するタイトルは、ワーク要があるだろう。

This workshop delves into “the way we engage withmusic by plunging headlong into the surprise andconfusion that comes from encountering new andunfamiliar sounds.” It can probably be said to be a
response to the commonly shared impression that thegenre known as contemporary music is “hard to understand” or “too difficult” and at times even “unpleasant.”
Pareidolian is an experimental music unit consisting ofmembers from different disciplines, a coordinator, alearning-environment design researcher, and a composer, who engage in workshops to help listeners
transcend the obstacles that can make contemporary
music difficult to approach.
The workshops were intended to use the new composition by composer Yamamoto Kazutomo titledKanrisareta Hijoujitai to Yuugeki (literally: Controlled
state of emergency and raid). However, a boycott by
the original performers of the piece led to a performance with no musicians/performers and instead an
improvisation in which participants in the workshop
were asked to become the performers for a series ofshort skits. The participants used the instruments onstage (many of which were actually noisemaking
devices) and perform with them as directed by the
conductor. After that, a discussion was held that consisted to a large degree of getting the participants totalk about what they experienced.
It is true that contemporary music is a novel genrethat is sometimes curious as well. If contemporary
music does indeed offer a chance, as the Pareidolian

members say, “To access the joy concealed in cryptic
works, created with the goal of presenting “newsounds” no one has ever heard, when participants
experience a new piece,” then surely thought should begiven to the fact that it is a genre closed away in aunique position today with only a small number of people who actually share in that enjoyment hidden within
it. The same thing can also be said about contemporary art, and in the same way, efforts to make the difficult works easier to understand can, in some sense,
actually hinder people’s attempts to understand it.
If a workshop’s title is based in the fact that a device
would be included to make the participants end up
being performers before they knew it, it would probably be possible to guess what the contents of theworkshop would be. But this time, it can probably besaid that it was conceived in a way that succeeded in
avoiding even such a degree of prediction (even if one
could say afterwards that it wasn’t what I had guessed
but rather this instead!). On the contrary, most of theparticipants seemed to find something surprisingly
refreshing in the experience. And, although there
might have been some elements that could havecaused reluctance or frustration in some participants,
at least that would surely be better than having
everything work out smoothly in the end (in somesense that is how it went in the premiere of 4’33”).
However, the issue of the presence of that type of
quality of deliberateness in a workshop is probably
something that should be thought about going forward.

き合い方を探る」という趣旨のワークショップである。こワークショップは、作曲者である山本和智による新作

れは、いわゆる現代音楽というジャンルについて共有『管理され た非常事態と遊撃』が、全演奏者の演奏 ボされている、「わからない」とか「むずかしい」とか、場合イコットによって演奏者不在となり、か わりに参加者に2020年結成の音楽実験ユニット。集団における表現と対話にによっては「不快である」などの、認識にもとづくものだ

演奏者になることを告げる、という一連の寸劇によって関心を持つアートマネージャーの鐘ケ江織代、特殊な環境下ろう。パレイドリアンは、コーディネーター、学習環境デ進行した。参加者は、会場にある楽器やそうでないもの

ザイン研究者、作曲家という、異なる出自のメンバーに（おもに鳴り物）を手に取り、指揮者の指示に従い演奏よる音楽実験ユニットということで、そうした現代音楽にを行なう。その後、参加者との、おもに体験についてのOPEN SITE 5: Part 1

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ただし、ワークショップにおける、そうした作為の完成度に対する問題は、これからの課題として考えていく必PROFILE

での学習をデザインする研究者の眞崎光司、日常の小さな違
和感から新たな音楽を創造する作曲家の山本和智は、ワークショップをとおして、〈体験と省察〉を軸とした新たな視点を参加者とともに模索する。

121

An experimental music unit formed in 2020 by Kanegae Oriyo(art manager) who is interested in expression and dialogue ingroups, Masaki Koji (researcher) who designs learning in special
environments, and Yamamoto Kazutomo (composer) who creates new music from a small sense of uncomfortable feelings ineveryday life. They explore new perspectives with participants
based on “experience and reflection” through their workshops.

OPEN SITE 5: Part 1

OPEN SITE dot

会期｜Date：2020.12.17–12.20

Back and Forth Collective
Feminists in Collective Practice−実践を共にする−られた役割を見つめ直すような、具体的かつ抽象的なが行われた。

モチーフがランダムに再編集されていた。パンデミック

松村作品《アンバ ルとアブド》では、経済的限界の中の最中、両国が政治や経済を度外視してつなが れるのにあるエチオピアの農村で埋もれるよりも、経済的にもいまどきなこと。そうして交わされ、炙り出されたのは、優位な欧州諸国への出稼ぎを選択する女性と、それを互いの国での迷信にも似た、土地土地に根ざしたのっ必ずしも望まない集落の男達や老人達が取材されていぴきならない保守性だった。

る。また、《エチオピア初のファッションスクール、Next

次のイベント（ P. 1 0 1 ② ）で は 、本 間の映 像 作 品

Designに関するドキュメンタリー》は、洗練された都会《Bodies in Overlooked Pain》を上映。自身も経験で生き生きと活躍する女性の記録だ。こうしたグローバ

した妊娠と出産をとおして、女性の身体と社会制度をル社会で顕出する極端な経済や教育の格差が浮き彫考えるレクチャー＆ディスカッションで は、リプロダク

りになり、女性の生き方に注視しようとするときにも、社

ティブ・ヘルス／ライツが定義する生殖に関する権利会の変化により問題そのものが複雑化していることがなどについて言及し、フェミニズム運動の歴史的な変遷窺えた。

を辿った。日本における避妊の権利に触れ、本間自身、

男性的で保守的な社会構造は、あくまでも目先の経妊娠前には詳しく知らなかった、日本で許されている避済活動を死守するための小さな絆で支えられているこ妊方法が少なすぎる事実や出産医療の現状、もうひととが多い。だからこそ排他的で完結した思想を熟成してつの拠点であるインドネシアのまるで違う状況や、規制、 しまった。実際の社会にあるはずの、想像を絶するほど法律などの社会制度を、当事者となって初めて実感し多様な価値観を前に、最近問題視されているスポーツ

たという話などが語られた。

だけでなくアートを取り巻く環境だっていかにも制度的当然ながら、近代の最も大きな功罪の1つは「生き死だ。このまま同じ制度を維持しながら分け入って、例えに」を既存のコミュニティから引き剥がし、すべて病院

女性が半数以上を占めたとしても、きっと新たな保守構化してしまったこと。便利で安全な市民社会が約束さ造が居座ってしまうに違いない。

れた一方で、一人一人の身体に繊細にある多くのもの

少なくとも女性達が、かつてフェミニズム運動を通じが切り捨てられてしまった。切り捨てられた繊細なものて獲得してきた、対話をしながら、痛みを共有し、学び、は消失したのではなくて、それぞ れの身体の奥にある

考え、つながっていくその手法を前提に、思い切って従襞のようなところに、人知れず仕舞われてしまったのか

前の制度を捨てることはできないのだろうか？

もしれない。
最後のイベント（P.101③）では、滝が日頃の活動でレビュー

今回 BFC は、結果的にグローバ ルに開かれたからこ
そ、SNSあってこそ、コロナ禍だからこそつながることも深く関わっている難民や海外からの移住者に目を向が可能な方法で実践した。ネットを介して彼女達同士

けて、エチオピア出身、同地でファッションデザインをの家庭内をタブレットの窓でつなぎ、改めて見つめ直し

学んだ、ソファニット・ケセテと、文化人類学者の松村

たのが各々の「私」のあり方だったとすると、そこに生ま圭一郎とともにエチオピアの農村と都市にそれぞ れ住

れる共感こそが、新しくて緩やかなシスターフッドと言えまう女性達の生活や移住による変化などについて発表

るのかもしれない。

緩やかなシスターフッドのために
小林晴夫（blanClass ディレクター）
Back and Forth Collective（BFC）は、滝朝子、本間

作業で紡いだその作品のあり方も含めて考察。更にレメイ、坂本夏海が女性の歴史を見直し、日常でジェンイチェル・グラントと坂本によって企画された映像作品

ダーやフェミニズムの実践を行うために展覧会やイベン《Speculative Fiction: Practicing Collectively》にトなどさまざまなプロジェクトを行うコレクティブ。今回

おける共同作業を紹介した上映とトークが行われた。

の「Feminists in Collective Practice―実践を共にす

ここで は日本とスコットランドの女性アーティストがる」は、4日間の上映プログラムと3つのイベントからな

抱える問題を交換するうちに、欧州でも、男性中心の時

る、なかなかの情報量のイベントだった。
まずは最初のイベント（P.101①）について。70年代

代を遠くに感じつつ、いまだに女性が社会の中で感じ

2017年より活動。メンバーの坂本夏海、滝朝子、本間メイは、る居心地の悪さや、無意識に刷り込まれた保守性へのそれぞ れスコットランド、日本、インドネシアを主な拠点とし、英国のドキュメンタリー《Women of Rhondda》を鑑賞

気づきなどが語られた。一方で、協働で作られた映像

し、女性達が、男性中心の製作にはなかった役割、技

プロジェクトは、コロナ禍も影響したのだろう、家の周術のシェアを試みながら、ひとつひとつのプロセスを手りで彼女達に直接起こった些細な変化や、自身に課せOPEN SITE 5: Part 1

PROFILE122

近年はジェンダーやフェミニズムに関わる展覧会やイベント、
リサーチなどをゲストとともに行っている。主な活動に「町に残るアートとコロニアリズムの跡」（黄金町エリアマネジメントセン
ター、横浜、2020）。

123

Back and Forth Collective, active since 2017, consists of
Sakamoto Natsumi, Taki Asako, and Homma Mei, who arebased in Scotland, Japan, and Indonesia respectively. Their
recent projects include exhibitions, events and collaborative
research focusing on gender issues and feminism. Recent
activity: “Remaining Traces of Art and Colonialism in Towns,”
Koganecho Area Management Center, Yokohama, 2020.

OPEN SITE 5: Part 1

REVIEW

Toward a More Inclusive Sisterhood
KOBAYASHI Haruo (Director, blanClass)
Back and Forth Collective (BFC) is a collective formed
by Taki Asako, Homma Mei and Sakamoto Natsumi
for the purpose of reassessing history from the perspective of women and to conduct activities on a daily
basis with regard to gender issues and feminism
through projects such as exhibitions and events, etc.
The project this time titled Feminists in Collective
Practice consisted of four days of film showings andthree events, which cumulatively amounted to quite alarge amount of information presented.
To begin with, we look at the first event (P.101①).
The British documentary from the 1970s titled Womenof Rhondda was screened, after which discussion washeld about this work that was produced by women
inexperienced in the processes normally conducted by
all-male staff, resulting in a sharing of technologies
and by-hand trial and error in the production process.
Then, Rachel Grant and Sakamoto introduced thecollaborative work involved in the film Speculative
Fiction: Practicing Collectively that they planned andproduced. This was followed by a screening of thework and a talk session.
Here, during discussion centered on the problems
faced by women artists in Scotland and Japan, it
became clear that even in Europe, while feeling the
distant presence of the male-centric era, women are
still uncomfortable about various aspects of society
and their realizations that they continue to be unconsciously dragged into conservative norms. On theother hand, perhaps because of the effects of the
COVID-19 pandemic, the film project they worked on
together contained things about trifling changes taking place around their homes, re-thinking about theroles they are expected to perform, and more. Somewere practical and some random motifs, and all ofthem were mixed together in almost a random order.
What came out of the exchange eventually was theunavoidable conservatism that, almost like superstition, lay rooted in the different localities.
The second event (P.101②) involved the screeningof Homma’s film Bodies in Overlooked Pain. Being one
who herself has experienced pregnancy and childbirth,
the subsequent lecture and discussion focused on
thoughts about the female body and social institutions
and systems. The discussion proceeded on to the subject of defining Sexual and Reproductive Health andRights and reviewing the transitions so far in the history of the Feminist Movement. The subject of rights
concerning pregnancy in Japan was touch on. Homma
said she herself had known little in detail before her
own pregnancy about things such as the fact that
there are too few forms of conception allowed inJapan, and the realities of the medical conditions
related to childbirth. She also related her experiencesin her other base, Indonesia, and the differences in

OPEN SITE 5: Part 1

conditions, regulations and legal system there that she
didn’t know about until she actually became involved
with them.
Of course, one of the biggest advantages and disadvantages of modern life is the way the course of lifeand death has been stripped away from our existing
communities and consolidated completely in today’s
hospital institutionalization. Aside from the convenience and safety we can gain as a result, in the process
we also risk having some of the sensitive differences in
our individual bodies that make each of us uniquebeing cut away. In fact, those small but sensitive
things that are cut away may not really disappear completely, but instead remain, unrecognized to us, as if insome fold deep within our bodies.
The third event (P.101③) takes a look at refugees
and immigrants who have moved to Japan fromabroad, with whom Taki is closely involved in her daily
activities. And a presentation was made with guest
speakers Sofanit Kesete, an Ethiopian woman who
studied fashion design there, and the Cultural Anthropologist Matsumura Keiichiro, both of whom spoke
about the lives of women living in the rural areas andthe cities of Ethiopia and the changes they go throughwhen they move to new locations.
The Matsumura film Anbar and Abd is based oninterviews of Abd, women from Ethiopia’s economically desperate rural areas who choose to go work inmore affluent European countries rather than remainin poverty, and the Ethiopian men and elderly who
oppose this exodus. And the Documentary on Next
Design, Ethiopia’s first Fashion Design School, which
depicts the lives of women living active, fulfilling lives
in the sophisticated urban environment. Exposing
such extreme differences in economic level and education that exist in today’s global society makes it clear
that, when focusing on women’s lives, the nature of the
problems themselves that women face become
increasingly complex due to societal change.
It is often the case that a male-centric conservativesocial structure is eventually supported by a fragile
bond that clings desperately to the immediate economic activities at hand. And that is the very reason
why the fundamental ideas become isolationist andfixed in terms of ideology. It is also the reason why,
despite the virtually unimaginable diversity of values
that naturally exist in society, not only the world ofsports that is often criticized today but even the environment surrounding the world of art remain so institutionalized. If things do not change and the sametypes of conservative institutions remain in place, for
the women that enter the art world, even to the point
where they may make up the majority, it will still be
under a new but still structurally conservative system.
If only women today are able to learn from the meth-124

ods of their Feminist Movement predecessors to converse, share their pain, learn, think and connect to eachother, wouldn’t it be possible to take a big step tothrow out the existing systems and institutions?
Because the BFC project this time was eventually
held as an international event, it was possible to connect everyone by means that are only possible with thesocial media and only because of the necessities of the125

COVID pandemic. If this was an opportunity that enabled the participating women to use the internet toconnect to each other from their own homes with theirtablet as the window of communication through which
to take this opportunity to look at and re-think whothey are and what they want to be, and with the empathy born of that process, can’t this perhaps be one way
to a new, more relaxed and inclusive sisterhood?

OPEN SITE 5: Part 1

構成され た。作中に登場する銀座の鳩、宮島の鹿、札

一方的に好意を伝えるさま、空間的な隔たり、そして相クロエ・デランヘ

幌のカラスは、いず れも親愛の眼差しをもってスクリー

手からの返答の獲得が困難な様子を、ラブレターが持ンに映し出されるが、相手を見つめ、その動きを追う視

つ特性になぞらえロマンティックに描き出した。

Chloë DELANGHE

線には、見つめ返してほしい、通じ合いたいといった無

他者に思いを投げ かけても返答が得られないことは意識の願望が垣間見える。しかし、その願いとは裏腹に動物との間に限ったことではない。人々の間でもコミュ

ミネブリーヴェン（ラブレターズ）

鹿や鳩は逃げていき、カラスの視線は逸らされる。そのニケーションの不足や不和は発生する。本作は、そうさまはどこか警戒心や緊張感を孕んでいるようにも感じいった返事がないことを自明のこととして捉え直すことられる。

で、見返りを求めない新たな関係性や可能性を提示

TOKAS推奨プログラム｜TOKAS Recommendation Program

会期｜Date：2020.12.3–12.12

Minnebrieven (Love Letters)

写真家としての経歴をもつデランヘは、こういったする。それは、動物とのコミュニケーションのみならず、

被写体の感情を直接伝達できるカメラの特性に注目し、人間同士の関係、ひいては世界との関わり方を再考す「見る／見られる」の関係をより際立たせ、鑑賞者にそるきっかけとなるだろう。

の精神的な隔たりを示唆した。更に、相手を見つめてChloë Delanghe, who participated in our 2019 residency program, is an artist who deals with subjects
like the fragility and complexity of human relationships. For this exhibition she focused on the relationship between humans and animals and encounterswith them, while referencing John Berger’s book Why
Look at Animals? and using the camera as her medium
in pursuit of the themes of solitude, love and more tocreate a multi-screen video installation work titled
Minnebrieven (Love Letters).
Delanghe’s work for this exhibition took as its basethe exhibition “Love Letters” that she held in Brussels
drawing on her experiences in Japan in 2016 and photographs she took there. Working from that base, shefurther developed it by adding new visual and audio
materials gathered during her 2019 residency inTokyo. This new work depicted animals living inJapan’s cities from the perspective of “looking,” and it
consisted of three video compositions. The one titledLove Letter consists of film images of pigeons andcityscapes and text written for a fictional companion;
another titled Two portraits of animals consists ofphoto portraits of two types of animals; while a third,
titled Postcard from Sumida river, is composed of night
scenes along Tokyo’s Sumida River. The pigeon in
Ginza, the deer in Miyajima and the crow in Sapporo
that appear in these works by Delanghe are depicted
on screen with a loving eye, and from that eye thatgazes at them and follows their movements, we sense
moments when, perhaps unconsciously, it longs for a

レビュー｜ REVIEW動物を見つめること｜クロエ・デランへ「ミネブリーヴェン（ラブレターズ）」について
About looking at animals: Chloë Delangheʼs work Minnebrieven (Love Letters)

宇野 歩（トーキョーアーツアンドスペース）UNO Ayumi (Tokyo Arts and Space)2019年のレジデンス・プログラムに参加したクロエ・した写真を用いてベ ルギーで開催した個展「ラブレデランヘは、人間関係やそこに潜む脆弱性や複雑さをターズ」のコン セプトをベースに、2019 年の東京滞テーマに制作を行っている。本展で は、人間と動物の在時に新たに収集した視聴覚素材を加えて発展させ関係やその出会いに焦点を当て、ジョン・バージャーのたものである。日本の都市に生息する動物との関係

著書『なぜ動物を観るのか？』を参照しながらカメラのを「見る」という行為をとおして描いた本作は、鳩と都

1991年オーストエンデ（ベルギー）生まれ。ブリュッセルを拠

媒介性、孤独、愛などを探究したマルチスクリーン・ビ

会の街並みの映像と架空の相手に向けて綴ったテキ点に活動。2014年ゲント王立美術アカデミー（KASK）卒業。

デオインスタレーション作品《ミネブリーヴェン（ラブレストから成る《Love Letter》、2種類の動物を撮影したターズ）》を発表した。

《Two portraits of animals》、隅田川の夜景を写した

本展は、2016 年の来日時の体験やその際に撮影

OPEN SITE 5: Part 1《Postcard from Sumida river》という３つの映像で

126

return gaze or some sign of communicative intent.
However, despite that hope of reciprocity, the deer andthe pigeon run or fly off, and the crow diverts its line ofsight from ours. From this, we sense that the animal’s
actions are perhaps even ripe with wariness or tension.
With her career background in photography,
Delanghe has become well aware of this characteristicof the camera to directly convey the emotions of thesubject, and by emphasizing the relationship between
looking and being looked at, she is able to suggest to
the viewer the potential mental or emotional distancethat can exist. Furthermore, the way the eye of thecamera gazing at the subject conveys a one-sided
fondness, the physical distance involved and the difficulty of getting a response from the other, are things
often shared in common with the nature of love letters,
and they are depicted here in a romantic tone.
The experience of failing to receive a response fromthe one you project your feelings of affection for is, ofcourse, not limited to our relationship with animals.
This kind of lack of communication or discord occurs
between people as well. In these works, accepting thelack of a response in return as a self-evident fact, provides us with the possibility of a new type of relationship that doesn’t ask for something in return. That
applies not only to relationships with animals but also
between people, and by extension, it can also provide
us with an opportunity to reconsider our relationshipwith the world at large.

PROFILE

主な展覧会に「第 32 回ヨーロピアン・メディアアート・フェス
ティバ ル」（ オスナブリュック、ドイツ、2019）、「elephy」（Size
Matters、ウィーン、2019）など。TOKAS 参加プログラムに「平成31年度芸術文化・国際機関推薦プログラム」（2019）。

127

Born in Ostend (Belgium) in 1991. Lives and works in Brussels.
Graduated from Royal Academy of Fine Arts (KASK) School ofArts, Ghent, Belgium in 2014. Recent exhibitions: “32ndEuropean Media Art Festival 2019,” Osnabrück, Germany,“elephy,” Size Matters, Vienna, 2019. Participation in TOKAS
Program: “Institutional Recommendation Program 2019.”

OPEN SITE 5: Part 1

TOKAS ANNUAL REPORT 2020

PART 4
普及広報

オンライン・コンテンツ｜Online contents
TOKAS 本郷建物リサーチ｜TOKAS Hongo Building Research
文京ミューズフェスタ2020｜Bunkyo Muse Festa 2020
出版物｜PublicationsART
MEDIATION
AND ARTS
PROMOTION

PART 4では、展覧会を紹介するオンライン・コンテンツや、文京区が開催する「文京ミューズフェス
タ」への出展、3D VR 版「TOKAS 本郷建物ガイド」の制作など、新たにロゴタイプを作成し、普及広報事業という名称のもと行われた、アーティストと社会や人々を多角的につなぐプログラムを紹介します。
In PART 4, we introduce new promotional and outreach initiatives aimed at connecting artists to thesociety at large from multiple directions. We have designed a new Symbol Mark logo to symbolize these
initiatives, which include online contents to introduce exhibitions, a TOKAS booth participation in the“Bunkyo Muse Festa” organized by our local Bunkyo Ward, our newly produced 3D VR version “TOKAS
Hongo Exploration Guide,” and more, all conducted under the name of Art Mediation and Arts Promotion.

128

129

普及広報｜Art Mediation and Arts Promotion 1

V R や動画を活用したオンラインでの取り組み
Online Exhibiting Initiatives Using VR and Video Contents

新型コロナウイルス感染症拡大に伴い、移動や密となることの制限を受けた2020年度は、VR や動画を活用しオンラインで展覧会やアーティストを紹介しました。
「レジデンス2020 成果発表展」では、展覧会の3D VRを制作し、参加アーティストによる作品解説の動画とともに公開。「TOKAS ProjectVol. 3」では、参加ギャラリーのディレクターのコメント映像と展示風景を動画にまとめました。また、「OPEN SITE 5」オープニング・トークは、オンラインでライブ配信が実施されました。これらは会期終了後もウェブサイトで引き続き公開され、アーカイブとして保存されています。
Amidst the spread of the COVID-19 pandemic and the resulting restrictions on travel and social
distancing for gatherings and in confined places and venues that lasted throughout most of 2020, we
turned to online exhibition contents and artist introductions making use of virtual reality (VR) and video
presentations. For our “TOKAS CiR 2020 Exhibition,” we reproduced the exhibits in 3D VR and broadcast
videos introducing the artists’ works, while for our “TOKAS Project Vol. 3” we put together videos
introducing commentary by the participating gallery directors and views of the exhibitions. Also, for our“OPEN SITE 5” we presented a live online broadcast of the opening talks. These presentations remained
posted on our website after the events ended and have now been preserved as an archive.
3D VR によりオンラインでも鑑賞を可能にした「レジデンス2020 成果発表展」“TOKAS CiR 2020 Exhibition” can be viewed online in 3D VR format「TOKAS Project Vol. 3」の動画では、ディレクターがギャラリーの活動を紹介
In the video of “TOKAS Project Vol. 3,” the respective directors introduce the activities of the galleries

ライブ配信された「OPEN SITE 5」
オープニング・トーク“OPEN SITE 5”
opening talk broadcast live

Online Exhibiting Initiatives Using VR and Video Contents

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131

Online Exhibiting Initiatives Using VR and Video Contents

普及広報｜Art Mediation and Arts Promotion 2

普及広報｜Art Mediation and Arts Promotion 3

TOKAS 本郷建物リサーチ

文京ミューズフェスタ2020

TOKAS Hongo Building Research

Bunkyo Muse Festa 2020

2020.12.15–12.20
2018年度から開始したTOKAS本郷の建物に関する調査を継続し、3D VR版「TOKAS本郷建物ガイ

文京区の博物館・美術館などが一堂に会す「文京ミューズフェスタ」。2020年度は、各館による展示ド」を制作しました。このガイドでは、館の内外を実際に歩くように進みながら、建物の解説や職業紹介を中心に6日間開催されました。TOKAS 本郷のブースでは、展覧会のポスターや VR にアクセスで所として建設された1928年当時の写真や建築図面などを見ることができます。

きるQRコードを掲示して事業を紹介したほか、「建物ガイドマップ」とその VRを紹介。今後、VR 版に更に、過去の建物写真の募集や職業紹介所時代を記憶する近隣住民への聞き取りを実施し、新たな掲載する昔の建物写真の募集も行いました。建設当初から改修までの沿革を年表にまとめて発表し、

地域連携事業として発展させました。

TOKAS 本郷の建物の魅力をアピールする機会となりました。

At TOKAS, we are engaged in ongoing research since 2018 concerning the TOKAS Hongo building, andfrom this research we have created a 3D VR version “TOKAS Hongo Exploration Guide.” This guide uses
VR technology to enable a virtual walk-through of the building from the outside and through the rooms
and ﬂoors of the interior, complete with explanations of the building, which was originally constructed in
1928 as an employment agency, and photographs and architectural design drawings from that time.
Furthermore, we solicited old photographs of the building and interviewed people in the neighborhood
who remember its history as an employment agency in order to document our findings and develop themas part of a new neighborhood outreach program.

The “Bunkyo Muse Festa” is a program held jointly by museums and other culture facilities in Tokyo’s
Bunkyo Ward. In 2020, the six-day program consisted primarily of booth displays by the museums andother facilities at the Bunkyo Civic Center. The TOKAS Hongo booth displayed information about the
TOKAS programs, such as exhibition posters and a QR code for accessing 3D VR online presentations of
exhibition contents, and a Hongo building guide map and a 3D VR version of the facility were also
displayed. Going forward, a request was made soliciting old photographs of the building to be used in a
3D VR reproduction. A chronology was made and released showing the building’s transition from the timeof its construction through to its subsequent renovations in order to show the full appeal of the TOKAS
Hongo facility.
DATA
会場：文京シビックセンター ギャラリーシビック
主催：文京区
Venue: Gallery Civic, Bunkyo Civic Center�
Organizer: Bunkyo Ward

1928年の建設当時の写真を掲載した3D VR
The 3D VR building guide with photos
from the time of its construction in 1928

1928年の建設当時の建築図面を掲載した3D VR
The 3D VR guide with architectural design
drawings for the construction in 1928

TOKAS Hongo Building Research

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Bunkyo Muse Festa 2020

TOKAS ANNUAL REPORT 2020

普及広報｜Art Mediation and Arts Promotion 4

出版物
Publications
特別企画
TOKAS では、年間の事業報告書『TOKAS アニュアル』のほか、一部展覧会のカタログや「Tokyo
Contemporary Art Award」受賞者のモノグラフを発行しています。また、毎年秋には事業やレジデ

SPECIAL FEATURE

ンス・プログラムを紹介する「TOKAS パンフレット／レジデンシーパンフレット」を更新し、2020年度
は「TOKAS パンフレット」繁体字版を作成しました。これらの出版物は TOKAS 各施設やウェブサイト
で公開しています。
At TOKAS, we publish our TOKAS Annual Report covering the programs and events conducted at TOKAS
each year, and we also publish catalogs of some of our exhibitions and monographs of the winners of theTokyo Contemporary Art Award that we co-organize. Also, each autumn we publish updates of our
TOKAS Pamphlet and Residency Pamphlet about our projects and our residency programs, and in 2020
we produced a traditional Chinese-character version of our TOKAS Pamphlet. These various publications
are made available to the public at our TOKAS facilities and published on our website.

1

2

3

コロナ禍 、アートを巡って

COVID-19 PANDEMIC,
THE IMPACT ON ART

42020 年度、トーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）では新型コロナウイルス感染症の拡大防止のため、休館やプログラムの中止・延期などの対応を行いましたが、それに伴い、アーティスト
5

6

やクリエーターも展覧会の実施や国内外での滞在制作を断念せざるを得ませんでした。日常が7

大きく揺らいだコロナ禍は、彼らの制作や活動、そしてアートを巡る状況にどのように作用したでしょうか？

TOKAS に関わりのあるクリエーターへのインタビューやアンケート、そしてアーティスト・イン・
レジデンスやギャラリーに関わる専門家による寄稿を通じて、それぞれの現状を紹介するとともに、コロナ禍における TOKAS の取り組みを紹介します。

1.「TOKAS-Emerging 2020」カタログ（P.34） 2.「TOKAS Project Vol. 3」カタログ（P.94） 3.「ACT Vol. 3」カタログ（P.38）
4.「Tokyo Contemporary Art Award」モノグラフ（P.42） 5. TOKASアニュアル 6. 年間スケジュール 7. TOKAS パンフレット
1. The catalog of “TOKAS-Emerging 2020” (p.34) 2. The catalog of “TOKAS Project Vol. 3” (p.94) 3. The catalog of “ACT Vol. 3” (p.38)
4. The monographs of “Tokyo Contemporary Art Award” (p.42) 5. TOKAS Annual Report 6. TOKAS Schedule 7. TOKAS Pamphlets

Publications

134

During 2020, Tokyo Arts and Space (TOKAS) took various measures to counter the spread of the coronavirus (COVID-19) pandemic, including closing our facilities and cancelling or postponing programs, and as aresult, it became necessary for artists and creators to abandon plans for holding exhibitions and conducting
creative activities in residence in Japan and abroad. The disruptive effect of the pandemic on daily life wassubstantial, raising many questions about the effects on artists’ creative activities and the conditions within
the art world at large.
Based on interviews with and questionnaire answers from TOKAS-related creators and reports contributed byprofessionals involved in artist-in-residence programs and galleries, we introduce their current situations, while
also reporting on the COVID-19 countermeasures taken by TOKAS.

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SPECIAL FEATURECOVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

INTERVIEW:

ミア・カバルフィン

Mia CABALFIN

136

137

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

TOKAS レジデンシーで迎えたコロナ禍Encountering the COVID-19 pandemic
during a TOKAS Residency

新型コロナウイルス感染症の拡大により、TOKAS レジデンシーでの滞在延期を余儀なくされた
フィリピン出身のダンス・アーティスト、ミア・カバルフィン。2020 年 4 月の帰国予定が約 4ヶ月延期となり、7 月の出国直前、期せずして経験したコロナ禍の東京、そしてウィズコロナやその後の状況を見据えた活動について話を聞いた。

Mia Cabalfin is a Filipino artist whose stay at TOKAS Residency was unavoidably extended by the spread of the
COVID-19 infections. In this interview held in July 2020, just before her return to the Philippines that had been
delayed some four months from the originally scheduled April repatriation, we asked her about her unexpected
experience of the COVID-19 pandemic in Tokyo and her activities under the resulting with-corona life here.

用が起きるため、それなしではとてもやりづらい。

織（ATD Fourth World、Protect The Frontline）に

こどもとどのように関わるか、どのように巻き込寄付しています。また、こどものオンライン学習

んでいくかは日々手探りです。先日、埼玉で幼稚の支援を行う「Save The Children Philippine」もサ園児とワークショップを行いましたが、今まで当ポートしています。小規模な活動ですが、こうしたり前だと思っていた、同じ空間でダンスを教えた活動がたくさん起きていて、助け合いの精神をることの大切さを改めて実感しましたね。
今回の滞在では、制作パートナーのロサムが予コロナ禍の東京で見ることができます。フィリピン政府もアーティ
スト支援をしていますが、金額は僅かですね。

なされたマニラでは、外を自由に歩けませんでし

定よりも早く日本を発たざるを得なくなりまし私はダンサーとして教えることが主な収入源とたから。もうひとつ挙げれば、5 月に緊急事態宣たが、私は東京に留まり、プロジェクトを完了さなっていますが、教えることも公演することも難TOKAS での「リサーチ・レジデンス・プログラム」

言が解除され、東京という都市が再び動き始める

せようと考えました。そう決めたことは間違っ

しい今、ほかのアーティストやダンサーも経済的は 3 月 31 日まででしたが、新型コロナウイルスのところを体感できたこと。東京都現代美術館が再ていなかったと思っています。滞在中の発表のな問題に直面しています。フィリピンのアーティ影響によりフィリピンへの帰国が難しくなり、滞開してからは、何度も観に行きましたし、ダンス場である「オープン・スタジオ」は中止になりまストの多くは、保険や年金、貯蓄といった備えに在の延長を認めてもらいました。異国の地で、何のワークショップに参加したり、レッスンを受けしたが、リサーチを進め、ワークショップもでき

対する意識が薄いと感じますし、自分の活動をビが起きているのかもわからず、最初はとても不安

たりもしました。もちろん混雑した場所には出かました。また、緊急事態宣言中に行ったオンライ

ジネスとして捉えていないため、今のように活動の場が失われると困窮してしまう。政府や民間でしたが、フライトのキャンセルが続き、TOKAS

けないなど細心の注意を払ってはいますが、東京ン・パフォーマンスでは、日本のアーティストとに３度目の滞在延長申請をした頃には、もう時間のほぼ “ 通常 ” に戻った生活を経験していることもコラボレーションし、原摩利彦さんや Masumiの団体からの支援には心から感謝していますが、に委ねるしかないと吹っ切れましたね。というのは、特別なことのように思います。

Muranaka (Polar M) さん、浅野忠信さんらがアーティストにとってこの経験が、支援頼みでは音楽で協力してくれました。これがフィリピン

なく、自立・自活へと目を覚まさせる良い機会に滞在延期中のオンライン活動のダンサー支援のための資金調達プロジェクトなると思います。そして、制作活動やサポート体

も、当時はこれからどうなるかは誰にもわかりませんでしたから。私は延長期間中にオンラインでダンスのレッスンを始めましたが、同じように帰（LikhaPH）の一部だと伝えると、快く引き受けて制について団結して考え、直面している「新しい生活」の中で、ただ生き延びるだけではなく、どう国できず困っている外国人もいる中で、活動でき

フィリピンでは、フィットネス・スタジオでもダンスくれたんです。私にとってこのパフォーマンスはる場所があることが本当にありがたかったです。

を教えていますが、今はオンラインで対応してい大きな成果であり、意義のあることでした。

TOKAS 以外にも、日本に住む友人や在日フィリます。それに加え、フィリピンの学校は年末まで

ピン大使館も支えてくれましたし、今は「これがオンライン授業になったので、こども向けのワー

新しい日常だとしたら、どう対応しようか？」とクショップも遠隔で行っています。ステイホーム

気持ちを切り替えて活動しています。

すれば成長できるのかを考える良い機会にもなるでしょう。

これから始まる新たな挑戦

フィリピンで活動を再開する際に、アーティス
トとしてどうあるべきか、どのように創作すべきかを、この頃ずっと考えています。人が密接する

中のこども達に身体を動かす機会を提供できる

私もオンラインで指導しているキッズ・クラスで資このような状況でも東京にいられてよかったのは不幸中の幸いです。ただ、オンラインでの問金調達活動を行っており、フィリピンの貧しい人

劇場やダンス作品は変わらざるを得ないからです。

のは、観光スポットには行けなくても、屋外に出

題は、直接エネルギーを感じられないこと。ダンス

達に食事を提供したり、新型コロナウイルス対策

それとどのように向き合うかは挑戦ですね。一方かけられること。同じ頃、厳しいロックダウンがの場合、身体のエネルギーを感じることで相互作の最前線で働く人達に防護具を送ったりする組

で、コロナ禍で人々がアートの必要性を感じられ

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART
た面もあったと思います。家に留まる中、テレビ

138

動の意味が見い出せれば、アーティストは前進すに参加したり、こどもが絵を描いたりすることが、ることができる。コロナ禍においてどのように前に健康的に暮らすうえで、不可欠だと気がついたと進み、活動していくか。それは私だけでなく多くの思うんです。先が読めず、不安な状況下において

アーティストにとっての課題でもあると思います。

アートが人々の助けになり、私自身も作品をほか（2020 年 7 月8日、TOKAS レジデンシーにてインタビュー）

COVID-19 pandemic in Tokyo

hard times, being able to help children who are forced tostay home a chance to get exercise is a special joy in itself.
But, one of the problems of doing these classes online isthat we can’t feel the energy directly. Because in the case ofdance there is a sense of mutual interaction that occurs by
feeling the physical energy, it is rather challenging to workwithout that aspect. Every day it is a matter of touch andgo, trial and error, trying to find ways to interact effectively
with the children and get them involved. The other day, I
did a workshop with nursery school children in Saitama,
and it gave me a renewed awareness of the importance ofteaching dance physically in the same space with the students, which until recently I had taken for granted.
This time, my creative partner, Rhosam had to leave
Japan sooner than he had planned, and I decided to stay inTokyo and try to finish the project we had started. I thinkthat was the right decision for me. The OPEN STUDIO
program that would have been the opportunity to present
our work during the residency had to be cancelled due tothe pandemic, but I continued our research and I was able
to do workshops as well. And for the online performance I
did during the period of the national State of Emergency, I
was able to collaborate with Japanese artists, including
Hara Marihiko, Muranaka Masumi (Polar M) and Asano
Tadanobu who cooperated for me on the music. Whenthey were told that this project came under a fund-raisingproject to support Filipino dancers (LikhaPH), they happily agreed to join in the performance. For me, this performance rendered significant results and was a very meaningful experience.

Activities in the residency extension period

In the Philippines I teach dance and also at fitness studios,but now I have been dealing with the new realities byteaching online. What’s more, the schools in the Philippines are having online classes until the end of the year, so
I am doing my workshops for children online too. In these

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ARTの人と分かち合えたことが励みになりました。活や映画を見たり、ダンスやエクササイズのレッスン

My stay at TOKAS on the Research Residency Program
was originally scheduled to end on March 31, but when
the COVID-19 pandemic made it difficult for me toreturn to the Philippines at that time, I was permitted tostay on until travel was possible. Being in a foreign country
under such uncertain conditions was unsettling for me atfirst, but after a succession of flight cancellations, by thetime I was forced to apply for my third residency extension, I knew I had to let time work things out. I say that
because no one knew how things were going to go after
that. During that extension period, I started giving dance
lessons online. Compared to other foreign nationals here
who were troubled because they couldn’t get home, I wastruly glad to have a place where I could be active. Besides
TOKAS, I was also helped by friends here in Japan and by
the Philippine Embassy in Japan, so I was able to start mypresent activities by changing my attitude and thinking
about how to react and handle things now if this wasgoing to be the new reality.
Even in the tough conditions of the time, the goodthing about being in Tokyo was that even though wemight not be able to go to the usual tourist spots, I could
still go for walks and bike rides. At that time in Manila thelock-down was so strict that people couldn’t even walkaround outdoors freely. Another thing I would add is thatin May Japan’s State of Emergency edict was withdrawn
and I began to get the feeling that this metropolis ofTokyo was going to begin functioning again. After theMuseum of Contemporary Art Tokyo re-opened, I went
to the exhibitions several times and, I was able to participate in dance workshops and take lessons too. Of course, I
have been careful not to go to places that are crowded andsuch, but I think it is something special in that I am able toexperience life here in Tokyo that is almost close to “normal.”139

New challenges to begin going forward

I am also involved in fund-raising activities through theonline kids classes I teach, and we make donations to anorganization that provides meal service for impoverishedpeople in the Philippines (ATD Fourth World) and also
sends PPE (personal protective equipment) for the frontliners in the fight against the COVID-19 pandemic (Protect The Frontline). We also support Save The Children
Philippines, which helps kids get access to online learning.
Ours is a small-scale program but there are lots of otherinitiatives like this and we can see the growth of a spirit tohelp each other. The Philippine government also has support programs for artists with a small amount of funding.

ミアが制作パートナーのロサム・プルデンシャド・ジュニアとともに滞在中に制作した新作《Pahayag（表現）》。
日本の人口、人との関係性、感情表現についてのインタビューから着想を得た言葉や概念を身体で表現した。
The new work Pahayag (Expression) created by Mia and Rhosam Prudenciado Jr. in residence. The work gives physical expression towords and concepts that emerged from interviews concerning the population of Japan, interpersonal relations and expression of emotions.

I am a dance artist and most of my income comes fromteaching, and in these times when both teaching and performing are difficult—I’m aware that I am not alone, as
co-artists and other members of this industry are also
crippled. This is a wake-up call for me, and I feel that many
artists in the Philippines have little awareness about safeguards such as insurance, pensions and savings, andbecause some don’t see their artistic activities as a form ofbusiness, they find themselves in trouble in times like thiswhen they are suddenly deprived of opportunities to perform or present their work. For artists, I think this experience is an opportunity to think anew the way we do ourwork, rather than only looking to “hand-to-mouth” meansof living. Of course, I am also deeply grateful whenever we
receive support from funding sources (both government
and private sector), but I feel now that we have to be prepared and be responsible for ourselves. It is a good opportunity to unite and rethink our artistic practices and support system, and really think—how can we thrive in andnot just merely survive this “new normal” that we are faced
with.
Recently, I have been thinking about what my stanceshould be as an artist and what should be the direction of
my creative work when I begin my activities again back in
the Philippines. That is because we are in times when thetheaters and the dance works where people used to gather
in close proximity are no more. The challenge is to find
how to deal with this new situation. On the other hand,
there is also a more positive aspect of the COVID-19
pandemic that has brought people to feel more intensely

the necessity of what art can offer them. I believe that as
we have had to spend more time in the seclusion of ourhomes, watching TV shows and films, and taking part indance and exercise lessons, and having children draw andpaint pictures, we have realized how essential these things
are for us to live and stay stable. Art helps people cope withsuch situations when the future is unforeseeable and wefind ourselves wrought with anxiety, and I personally gain
encouragement from the fact that I was able to share mywork during this time. If we can find meaning like this in
our activities, artists become inspired to move forward intheir work. So, how we can move forward with our activities in the midst of the COVID-19 pandemic? I believethat is a big challenge not only for me but for all artists—
how to keep putting the work out there.
(This interview was conducted at TOKAS Residency on
July 8, 2020)

PROFILE
マニラを拠点に活動。2003年アテネオ・デ・マニラ大学卒業。ロサム・プルデンシャド・ジュニアとデュオとしても活動している。TOKAS 参加プログラムに「平成31年度リサー
チ・レジデンス・プログラム」（2020）。
Lives and works in Manila. Graduated from Ateneo deManila University in 2003. Along with her solo activities, sheworks together with Rhosam Prudenciado Jr. Participation in
TOKAS Program: “Research Residency Program 2019.”

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

アーティストの 今を知る

Artists in the Present

140

141

Q &A

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

1

Anna VIHMA
アンナ・ヴィヒマPROFILE

コロナ禍やウィズコロナ時代のアートを、アーティストやキュレーターはどのように考え、また、現1980 年フィンランド生ま れ 。ヘ ル シンキを拠点に活動。

A2 ● 直前のプロジェクトで 1940 年代から今日に至るまでの北欧出身デザイナーの旅について調査して在どのように制作を続けているのか。冬に向け、新型コロナウイルス感染症の更なる拡大が不安視さ2013 年アアルト大学修了。ヘル シンキ・デザイン美術館

いたこともあり、今のこの特殊な状況は、旅についれていた 2020 年 11 月下旬に、国内外 6 組のクリエーターにアンケートで聞きました。

キュレーター。TOKAS 参加プログラムに「平成 31 年度リての新しい思考を巡らせる機会となりました。ある

サーチ・レジデンス・プログラム」。

In late November of 2020, at a time when fears and uncertainly about the further spread of coronavirus infectionsin the coming winter season were in the minds of so many, we asked six creators from Japan and abroad (fourindividuals and two as pairs) to respond to a TOKAS questionnaire asking about the thoughts of artists and one
curator on art in the COVID-19 pandemic and the with-corona era, and about their current creative activities.

意味この状況は、私達が仕事関係の旅をどのくらいBorn in Finland in 1980. Lives and works in Helsinki. Graduated with an MA from Aalto University in 2013. Works as a
curator at the Design Museum Helsinki. Participation in
TOKAS Program: “Research Residency Program 2019.”

多くしてきたか、そして実はそのうちのほんの一部

A1 ● ヘルシンキ・デザイン美術館のスタッフとしてのく自宅で仕事をしています。美術館は 2020 年の春から 2 回にわたりロックダウンで閉鎖されました。3 月

Q 1 ● コロナ禍における制作や仕事の状況についQ 3 ● 展覧会の中止や入場規制、また一部の施設て教えてください。

では 3D VR などオンラインでの観覧が可能となっまた、制作支援や活動支援などの経済的な援助をています。これからの作品展示や展示空間のあ受けましたか？

り方、実際の作品鑑賞についてどのように考え

Please describe the state of your current creative activities
during the coronavirus pandemic.
Also, do you receive financial support for creation or otheractivities?
Q2 ● コロナ禍での体験・経験は作品や表現、展覧会の企画に反映されると思いますか？
また、こうした状況が新たな表現へと向かわせる契機になると思いますか？
Do you think that things you have experienced orobserved during the coronavirus pandemic have beenreflected in your works or forms of expression, or in yourproject plans? Also, do you think conditions under the
pandemic will provide directions/inspiration for new
forms of expression?

ますか？
There have been cancellations of exhibitions and restrictions on venue admissions, and at some facilities there is
the possibility of new art viewing methods such as 3D VR
and online viewing. Please tell us your thoughts about
how art can be viewed or about viewing venues/spaces in
the future, and about the value of having people see theactual artworks in person.
Q4 ● 本、テレビ、ウェブ、SNS などからコロナ禍に自身が影響や刺激を受けた言動はありますか？
During the coronavirus pandemic, have you found any
words or behavior that you have influenced of inspired you
from sources such as books, TV, the Internet or social
media?

* アンケートは回答者の文章を編集せず、翻訳して掲載しています。
* For this questionnaire, the answers by the creators themselves were translated directly, without editing the creators’
original answer wording in advance.

きりと示してくれました。多くのことは Zoom やTeams などのツールを使ってオンラインで会話すれ仕事はほぼ通常通りですが、現在はオフィスではな

質問｜QUESTION

しか絶対的に必要なものではなかったことを、はっ

下旬から6 月初旬まで、そして11月末から1月10日までです（編注：その後 2021 年 3 月末まで延長された）。
フィンランド政府は文化分野に財政支援を提供していますが、もちろんパンデミックで失われた収入のすべてをカバーしてくれるわけではありません。しかし、私達の施設は幸運なことに、デザイン美術館とフィンランド建築博物館を統合して新しいミュージアムを作る現在進行中のプロジェクトに対して、政府から新型コロナウイルス復興計画の一環として

6,000 万ユーロの支援を受けることができました。
新しい施設は 2027 年にオープン予定です。
For us, the staff of the Design Museum Helsinki, work
continues as almost normal, only at the moment not at theoffice but working from our homes. The museum has beenclosed due to lockdown for two periods since the spring of
2020: first time from late March until beginning of June, andnow again from end of November until January 10 (Editorial note: Subsequently postponed until March 2021).
The Finnish state has offered financial support packages tothe cultural field, but of course they do not cover all of theincome lost to the pandemic. However, our museum has
also been lucky, as our ongoing project for a new museumthat would merge the Design Museum and the Finnish
Architecture Museum to form a completely new institution, has received 60M€ from the Finnish state as part of
the Covid-19 recovery plan. The new museum is plannedto open in 2027.

ば事足りるのです。
しかしその一方で、必要性のある旅に関してはそれがいかに有意義なものであったかも明らかになりました。物理的な出会い、空間的な体験、匂い、音、空
間の大きさ、自分にとって全く馴染みのないまたは理解できない場所に身を置く体験など、ひとつの場所に留まっているだけでは失ってしまうものがたく
さんあります。

Especially as my previous project looked into the travels of
Nordic designers from the 1940s until today, this time andthese special circumstances have brought on a lot of new
thoughts related to traveling. On the one hand, this time
has made it very visible how much we have traveled, moreor less in relation to work, and how only a fraction of thesetravels has been absolutely indispensable. A lot of things
can be transmitted online; a lot of conversations executed
via Zoom, Teams, or other such tools.
On the other hand, however, this period has also madeclear how very meaningful some of these travels have been.
There is a lot that we miss out on when only staying in one
place: physical encounters, spatial experiences, smells,sounds, the dimensions of a space, or the experience ofbeing in a place that is entirely unfamiliar and incomprehensible to you.
A3 ● TOKAS 滞在中に取り組んだ「Travel as a Tool」
展は、2020 年 4 月にデザイン美術館で開催予定でした。コロナ禍でヘルシンキの美術館が休館となり、オープンが 2ヶ月遅れることになった際には、展示
内容をオンラインで伝えようと、ウェブに特化した見せ方や映像ガイドツアー、ディスカッションなどを

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART
行いました。
これらを振り返ってみると、うまくいったものとそうでないものがあります。今後も活用できると感じたのは 3D ツアーで、今でも閲覧可能です。このア
プリケーションは今後も観客に使ってもらえますし、
例えば巡回展の際などキュレーター用のツールとしても役立つと思います。
しかしこのような方法で展覧会を見ると、実際の会

142

both serve our visitors, and work as a tool for curators, forexample in relation to touring exhibitions.
However, what’s very much apparent looking at thesekinds of presentations of an exhibition is the fact they
can’t transmit the spatial or haptic experience of actually
visiting an exhibition. This was very much evident tomyself, too, when visiting an art exhibition for the firsttime after the spring’s lockdown – the influence of being inthe space with the artworks was immense.

場で得られる空間的、触覚的な体験は伝えられないということも明らかです。私自身も春のロックダウ

A4 ● 本や映画、SNS が、ごく小さな生活圏で過ごさン後に初めて美術展を訪れたときに、作品と空間をねばならないときにとても重要なものであることは、ともにすることの威力を改めて感じました。

確かに証明されましたね。映画や自分の旅で撮影しThe project I worked on during my residency at TOKAS
was the exhibition “Travel as a Tool.” It was scheduled toopen at the Design Museum in April 2020. When the
pandemic kept the museums in Helsinki closed andpushed the opening of our exhibition forward by twomonths, we took several measures to make the contents ofour exhibitions accessible online; these were actions suchas special web presences, guided video tours, discussions
online, etc.
Looking back at these actions, some of them feel more
worthwhile than others. One of the actions that I would
repeat is the 3D tour of the exhibition, still visible on our
website. This is an application that could also in the future

た写真をとおして体験する遠くの都市や風景は、満たされない旅への欲求を癒してくれました（ときに悪化することもありましたが）。
しかし、この状況が明らかにしたことは、ときに「Lessis More（少ない方が豊かである）」は確かだということです。近所を散歩するだけの毎日を過ごしていると、2020」展示風景（ヘルシンキ・デザイン美術館、2020）
Installation view at “Travel as a Tool – Nordic Designers on the
Road 1940-2020,” Design Museum Helsinki, 2020
Photo: Paavo Lehtonen

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

2

黒 田 大スケ
KURODA Daisuke

PROFILE
1982 年京都府生まれ。2013 年広島市立大学大学院芸術学研究科総合造形芸術専攻彫刻領域修了。TOKAS 参加／
参加予定プログラムに「2021年度国内クリエーター制作交流プログラム」、「OPEN SITE 2017-2018『不在の彫刻史』」（2018）、「トーキョー・エクスペリメンタル・フェスティバ
ル Vol. 8『山あり谷あり』」（2013）など。
Born in Kyoto in 1982. Earned his PhD in Fine Arts and Art
Theory from Hiroshima City University in 2013. Participationin TOKAS Programs: “Local Creator Residency Program
2021,” “OPEN SITE 2017-2018 ‘The Absent History of
Sculpture’,” “TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol. 8‘YAMA ARI TANI ARI Peaks and Valleys’,” 2013 and more.

今まで気にも留めなかったような小さなことから、新たな発見や視点が生まれてきます。これは、私達の視覚情報を受け取る能力が、常に行われていた旅や移動、SNSにおける絶え間ない画像の消費によって飽和状態になっていたことを物語っています。この（部分的な）孤立の時間が、見落とされていたもののための余白を確保するのに役立っているのかもしれません。

「Travel as a Tool – Nordic Designers on the Road 1940-

143

Books, movies and the social media have definitely proved
important during the life spent inside very small circles.
The faraway cities or landscapes experienced throughfilms, or even through my own travel photos, have acted as
cure to the unfulfilled need to travel (although they havealso occasionally made it worse).
But what this time has also made apparent is how lessreally sometimes is more. When all you have are daily
walks around your neighborhood, new details and perspectives can start popping up – small things that were
never paid attention to before. I see this as telling about
the way our capacity to receive visual information has
become so saturated by both our constant travels and by
our incessant consuming of images through social media.
Perhaps this period of (partial) isolation has helped clear
space for things overlooked.

Q1 ● コロナ禍における制作や仕事の状況について教えてください。
Q2 ● コロナ禍での体験・経験は作品や表現、展覧会の企画に反映されると思いますか？
Q3 ● これからの作品展示や展示空間のあり方や実際の作品鑑賞についてどのように考えますか？
Q4 ● 本、テレビ、ウェブ、SNS などからコロナ禍に自身が影響や刺激を受けた言動はありますか？

A1 ● コロナの影響でレジデンスや展覧会が延期になりました。人に会うこともできず、かといってオンラインで話す元気もなく、この期間は孤独に自分に向き合う時間が多くなりました。その間、自分は 1 人
が好きなことと、1 人では全然何もできないことに気がつかされました。健康のために体を動かすことを心がけていたので、身体を取り戻していくように若いときの体の感じを思い出しました。制作はゆっ
くりと時間をかけて無理しないように進めました。
そのうえで公的・私的機関からの経済的な援助は可能な範囲で目一杯もらいました。経済的に困窮していたこともあるけれど、それよりも実験に取り組む
ための資金を得ようとしたのでした。人生は 1 度しかないことをよくよく考えたし、この先の展開のための準備のつもりで過ごしました。これが 2020 年 3〜8 月くらいまでの状況で、その後の短い夏は夏ら
しく過ごし今また冬が来ていますが、私としてはコロナ以後が始まっている感覚です。

Due to the coronavirus, residency programs and exhibitions were postponed and we weren’t able to meet withpeople. But I also lacked the energy to talk online, and I
spent a lot of time examining myself. It was then that I
found I liked being alone, and also that by myself I can donext to nothing at all. I was exercising to maintain myhealth and I tried to recall the physical feeling of myyounger years to regain the kind of condition I had in

those days. As for my creative work, I continued working
at a pace that was never too strenuous. I got as much financial support from public and private organizations as possible. There were times when I was financially stressed, but
I tried to get enough to finance my experiments. Since weonly live once, I have tried to spend my time wisely to
prepare for the developments that lie ahead. That was how
things went from March until about August in 2020, andI spent the short remains of the summer after that until
now when winter has come, and I feel now that I am entering the post-corona period going forward.
A2 ● 当然反映されると思います。コロナ禍ではさ
まざまな場面で国や自治体といった枠組みを意識させられることが多く、私はなんとなく、身体化された「公」というものを意識しました。それは集団的な無意識とか美意識とかにも関係する帰属意識に似たもので、私のように引きこもり、自己の内面に潜っていくように過ごしたアーティストも多いと思うので、公のものと自己を肯定的に重ねていくような表現が増えるのではないかと思っています。それは落ちていた服を着るような一過性のものかもしれませんが、戦前、戦中の雰囲気にも似たものがあるので、注意深く批判的に捉えていく必要を感じています。補助金などの支援策自体にそうした公への誘いが含まれていて、官製現代美術家が増えると思う
し、それに反発することを契機に新しい表現も出てくるのではないかと思います。私自身は、常に新しい表現に挑んでいますが、状況に絡め取られないよ
うに注意していきたいです。

Naturally, I think the things experienced during the pandemic are now reflected in my work. During the pandemic
we were made aware of the presence of numerous institutions, from the national and local governments to various
agencies, which made me more conscious of the public
sector. It was like a sense of belonging that connected tocollective unconscious and the aesthetic sense, and probably a lot of artists like me stayed home and became
absorbed in their own thoughts during this time. This
probably contributed to an increase in artistic expression
based on a more affirmative perspective bridging the self

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART
and the public domain. It may be a fleeting, but since it isalso similar to the atmosphere in Japan before and during
WWII, I feel a need to watch this trend with a critical eye.
I think this critical approach should include the system offinancial support, because reacting against the increase inso-called government-made contemporary artists may also
be an opportunity for new types of expression to emerge.
Personally, I am always seeking new forms of expression,
but I am also be careful to avoid getting caught up in theconditions involved at any one time.

144《彫刻に聞く》2019
Asking the Sculpture, 2019

A3 ● 人間は身体からは逃れられないので実際に作品を見ることの情報量は非常に多く、3D や VR では
まだまだ乗り越えられないものがあり、実際の鑑賞
体験の重要さを再認識させられました。ただし、私は VR には非常に興味があって、これが開いていく
別の世界の可能性を感じています。言うことがあるとすれば、コロナ禍で芸術関連の施設やアーティス
トがとった対策はどれも似ている印象があり、これは気持ちの悪いものだと思いました。なぜもっとク
リエイティブになれなかったのか。どこも公的な補助金頼みで上から下へ資金が流れているだけで似たようなルールの中で対策を講じていることが背景にあるように思います。施設などは仕方ない面があるとしても、アーティストもその末端の実働部隊として大きな組織に組み込まれているように思えてゾッとしました。展示のあり方は、こういうときだからこそ、挑戦的でクリエイティブであるべきだと思いました。

Since human beings can never be released from the body,there is a tremendous amount of sensory information we
receive, and things like 3D and VR are not at a point
where they can surpass that capacity. So, I was impressedanew with the importance of the actual viewing experience. However, I am extremely interested in VR, and I feelthat it can open up other worlds. In my impression, theactions that institutions and artists have taken in responseto the coronavirus pandemic have been rather similar, andthat made me feel uncomfortable. I wondered why people
couldn’t be more creative in their responses. I felt that

145

Something that emerged from the pandemic that
impressed me was the new term “san-mitsu” (the three
conditions of closed spaces, crowds and close contact thatfacilitate the transmission of infectious diseases like
COVID-19). I still don’t understand what this strange
term means, but it seems to be some kind of magic spelltrying to say something but not really succeeding, and thatmade a very strong impression on me. Another thing,though it is not a word, concerns the reason why everyone
seemed to be reacting in similar ways, like I just mentioned. I wondered if it was something biological or something political. It impressed me that artists, whose work isbehind this lay a dependence on public funding resulting
in a simple top-down flow of funds that produced measures complying to the same set of rules. With institutions
this may be unavoidable in some aspects, but regarding theartists who are doing the actual end work, I became very
uneasy with the feeling that they were acting like parts of
the large organizations. I felt that it was exactly in times
like these that there should be more creative experimentation to find new forms of exhibiting works.
A4 ● 言葉としては「三密」です。この奇妙な言葉が何を示しているのかいまだによくわかりませんが、何かを言っているようで言っていない呪文のようなもので、非常に強く心に残りました。そして、言葉COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

GengoRaw（石橋友也＋新倉健人）
GengoRaw (Tomoya Ishibashi + Kento Niikura)

PROFILE2018 年結成。東京都を拠点に活動。石橋友也 : 1990 年生まれ。早稲田大学大学院電気・情報生命専攻修了。新倉健人 : 1989 年生まれ。東京工業大学大学院理工学研
究科数学専攻修了。TOKAS 参加／参加予定プログラムに「TOKAS-Emerging 2021『コトバノキカイ』」、「TOKAS-

ような反応だったことの理由が、生物的なものなの

Emerging 2020『コトバノキカイ』」。

か政治的なものなのかはとても気になります。アーFormed in 2018. Work in Tokyo. ISHIBASHI Tomoya: Born in
1990. Graduated with an MS in Biology from Waseda University. NIIKURA Kento: Born in 1989. Graduated with an
MS in Mathematics from Tokyo Institute of Technology.
Participation in TOKAS Programs: “TOKAS-Emerging 2021
‘Machine of Words’,” “TOKAS-Emerging 2020 ‘Machine ofWords’.”

アートに関わる人が似たような振る舞いをとったこと、これは気になりました。あと、今思い出しましたが、「アマビエ」も印象深いです。気晴らしの意味かもしれませんが、こんなときでもこんなときだからこ
そ「おまじない」にすがるのは日本らしく、非常に嫌な気持ちになりました。科学的に冷静な対応が求められる中で「おまじない」が流行ることは気持ちの良いものではありませんでした。あのイメージを見る
たびに絶望的な気持ちになります。

A1 ● 家にいる時間が増えて制作は今までよりも行っている。特にアウトプットよりも今の時点でできることはインプットではないかと思い、作品制作
よりも作品制作のための研究が多くなっている。また遠隔環境を活かしての輪読会や勉強会には多く参加している。ただし発表する場がことごとくな

Q1 • Please describe the state of your current creative activities during the COVID-19 pandemic.
Q2 • Do you think that things you have experienced or observed during the COVID-19 pandemic have been
reﬂected in your works or forms of expression, or in your project plans?
Q3 • Please tell us your thoughts about how art can be viewed or about viewing venues/spaces in the future,
and about the value of having people see the actual artworks in person.
Q4 • During the COVID-19 pandemic, have you found any words or behavior that you have inﬂuenced of inspired
you from sources such as books, TV, the Internet or social media?

PROGRAM ⇒ p.35

3ではないですが、先ほど述べたとおり、みんな似た

ティストというクリエイティブな仕事をする人やsupposedly creative, and people involved in the arts wereacting in very similar ways. Another thing that left a strong
impression on me was “amabie” (images of a legendary
monster that forecasts abundant harvests or epidemics,
which became popular at shrines, etc., from around July of2020). It may be just for diversion, but it was disturbing
for me to see this very Japanese interest in “omajinai”(good luck charms/words with magic power, etc.) emerge
at a difficult time like this pandemic. I felt uneasy seeing
this trend when we should rather be cool-headed andimplement scientific pandemic measures. It discouraged
me to see the amabie image.

くなる状況で、制作しても発表する場がないことによるモチベーションの低下はある。経済的な援助や助成金について調査はしたものの、仕事も忙しい中、結局申請を行えていない。

More time has been spent at home and the volume of ourcreative work has increased. Rather than artistic output,
however, at this point it seems to be more a time to concentrate on input. So rather than actually creating works,
more time has been spent on research for future work.
Also, using remote communication environments, we havebeen participating in many circle discussions and study
groups. However, as there became fewer and fewer places
to present works, we experienced a decrease in motivation
to create works because of the fewer possibilities of presenting them. Regarding financing or grants, we did someinvestigation of potential sources of funding, but work has
eventually kept us too busy to make any grant applications.
A2 ● GengoRawのテーマである「機械とコトバ」という部分に関してはコロナ禍という状況に関わらず変わらない部分である。一方で「展示の機会を自ら創出する発想」で我々がキュレーションした BECV.jpというオンライン展示はコロナ禍特有の環境で生まれた活動であると思う。我々もコロナ関連のツイートを収集・学習し、その日の新規感染者数と同じ文字数分のつぶやきを生成する bot『Infodemic』という作品を制作し、機械の視点を通じて SNS 上のコロ
ナを巡る混乱を表す作品になっていると思う。
コロナ禍という、「できないこと」が通常よりも多くなっている状況において、その制限が現在「できるCOVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

146

こと」の拡張性を生むことはあると思う。我々の場

リアルな場所での身体感を伴った鑑賞体験の必然性

合、特にオンライン展示を行ったが、そこでの表現のとその一方でオンラインの展示の必然性が改めて問可能性の模索ができた。

い直された一年であった。

There are some aspects of our GengoRaw theme of“Machines and Words” that are not related to the conditions of the coronavirus pandemic and therefore have notchanged. On the other hand, I believe that our online
exhibition BECV.jp, which we curated based on “The ideathat exhibition opportunities are something we create
ourselves,” was a project that was born of the unique environment brought on by the pandemic. In it we collected
and studied tweets related to the pandemic and then created works called bot “Infodemic” in which we created
tweets that had the same number of letters as each day’s
new corona infections reported, and we believe that thiswas a work that reflected the confusion generated on thesocial media from a mechanical perspective.
We believe that, despite the pandemic being a time when
the number of things we can’t do increased, those restrictions can now be turned around and expanded on to givebirth to new things that we can do. In our case, we began
doing online exhibitions and that provided us with theopportunity to seek new possibilities for expression.

We believe that using online exhibitions as an alternative
for real (in-person) viewing opportunities is not a practicethat makes full use of the advantages of the online platform. Media where physicality is tied to art works will
never surpass the experience of real live viewing. Detrimental aspects will always emerge when works that are
online-adaptable are presented as they are in viewing situations on online media.
Our BECV.jp project experience showed us anew the difficulties of online exhibits. In the online environment,
where limitations cannot be placed on the viewers’ consciousness or physical state, it is difficult to create a truly
strong, impactful viewing experience. The absence ofinteraction or exchange between the viewer and the artist
is also painfully apparent. This made us newly aware of thefact that viewing works in a real space is an experience thatbuilds new connections with viewers.
We want to continue to search for new ways to communicate meaning online and better methods. Communicating
the meaning of works that make use of social media iseasier than simply using the online exhibition format forexisting works, and we find it also has a high degree ofcompatibility for our theme of “Machines and Words.”
This past year has been a time that has forced us to thinkagain about the necessity of the physical sensations that
accompany the art viewing experience in real spaces, andin addition, the necessity of the opportunity offered byonline exhibitions.

A3 ● リアルの代替としてのオンライン展示はオンラインの優位性を生かしきれていないように思える。
作品が身体性に紐づいたメディアではリアルな展示に勝るものはない。オフラインに向いている作品を無理やりオンラインのメディアに適応しても無理が生じる。

BECV.jp を実施して、改めてオンライン展示の難しさを感じた。鑑賞者の意識や身体を制限できないた
めに、強度の強い鑑賞体験を生み出すことが難しい。
展示の場で行われる作家と鑑賞者のやり取りが発生しないのも痛い。リアルな場所での展示が新たな人とのつながりを生み出していたことに気づかされた。
オンラインで伝える意味や手法については模索していきたい。SNS を使った作品の発信はオンライン展示というフォーマットよりも気軽で、「機械とコトバ」というテーマとも親和性が高い。

147

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART
On the Rhizomatiks’ Staying Tokyo and Playing Tokyo
programs broadcast every Friday, people active on thefront line in the arts, advertising and entertainment havetalked about ways that people are dealing with the corona
pandemic and have given their opinions and held discussions on the subject that we have found very useful. Also,in an article about the coronavirus written by Yuval NoahHarari, the author of Sapiens: A Brief History of Humankind, he spoke about his views on globalism, nationalism,
privacy and health, while also posing informative questions about the world after corona from a broad perspective and with in-depth examinations that we found verystimulating.

《Journey into Word2vec》2020
Journey into Word2vec, 2020

広瀬菜々＆永谷一馬
HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma

PROFILE
広瀬菜々：1980年大阪府生まれ。永谷一馬：1982年兵庫県生まれ。デュッセルドルフを拠点に活動。2014年ブレー
メン芸術大学美術学部マイスターシューラー修了。TOKAS
参加プログラムに「ACT (Artists Contemporary TOKAS)
Vol. 3『停滞フィールド 2020 → 2021』」（ 2021）、「ACT(Artists Contemporary TOKAS) Vol. 2『停滞フィールド』」（2020）、「平成29年度リサーチ・レジデンス・プログラム」。

A4 ● Rhizomatiks が毎週金曜実施していた Staying

TokyoやPlaying Tokyoでは、アートや広告、エンター
テイメントのコロナに対する向き合い方を、最前線の方の目を通して議論しており、とても参考になった。
また、『サピエンス全史』の著者ユヴァル・ノア・ハラ

HIROSE Nana: Born in Osaka in1980. NAGATANI Kazuma:
Born in Hyogo in 1982. Live and work in Dusseldorf. Bothgraduated from University of the Arts Bremen in 2014. Participation in TOKAS Programs: “ACT (Artists Contemporary
TOKAS) Vol. 3 ‘Stasis Field 2020→2021’,” 2021, “ACT(Artists Contemporary TOKAS) Vol. 2 ‘Stasis Field’,” 2020,“Research Residency Program 2017.”

リが書いたコロナに関する記事はグローバリズムとナショナリズム、プライバシーと健康に関する考え方の提示において、広い視野と考察を行っていて、コ
ロナ収束後の世界へ向けた我々に対する投げかけとして刺激を受けた。

Q1 ● コロナ禍における制作や仕事の状況について教えてください。
Q2 ● コロナ禍での体験・経験は作品や表現、展覧会の企画に反映されると思いますか？
Q3 ● これからの作品展示や展示空間のあり方や実際の作品鑑賞についてどのように考えますか？
Q4 ● 本、テレビ、ウェブ、SNS などからコロナ禍に自身が影響や刺激を受けた言動はありますか？

PROGRAM ⇒ p.39

4

In the past several years, we were able to travel to various
places through artist in residence programs and the likeand engage in creative work based on the travel experiences and exchange with people in each vicinity, but wehave also suffered the consequences of increasingly strict
corona-induced travel and social distancing restrictions,and now we are mainly conducting creative work in ourown studio and the local vicinity.
We have received financial support in the form of compensation for losses in income from the government as a
private business owner, and we have also received grants
from the German state government and the National government public-funded arts foundation for the purpose ofrestarting artistic activities.
A2 ● コロナの影響により、日々状況が変化し、そのA1 ● ここ数年はアーティスト・イン・レジデンスなど

都度ルールが書き換えられるという事態が続いてでさまざまな地域を巡り、移動や交流を通じて制作います。これまでの当たり前の日常風景が一変し、を展開してきましたが、移動や接触制限などが厳し

普通という価値観が大きく揺さぶられる体験は、作

くなった影響もあり、現在は主に自身のアトリエや品や表現にも反映されると思います。作品や表現は近隣地区での制作を進めています。

作り手と受け手との間で成立するものであると考え損失補填のための国からの個人事業主を対象としますので、その影響と変化はその両者に起こるのでた経済的援助、ドイツの州政府と国費芸術財団からはないかと思います。

活動再開に向けての助成を受けています。

Due to the effects of the coronavirus pandemic, daily conditions have been constantly changing and the rules welive under have consequently been rewritten numerous

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART
times. The life circumstances we had taken for granted
have completely changed and we believe that the experience of having the values we had considered normal suddenly overturned has been reflected in our works andmodes of expression. Since we believe that artistic works
and modes of expression are products based on theexchange between the creators and the viewers/audience,
we believe that the effects and changes occurring in them
are experienced on both sides.
A3 ● 活動の拠点としているドイツでは、2020 年 11月以降再び部分的なロックダウンとなり、美術館、劇場なども閉館中です。その状況においてオンライン
や、VR での観覧には新しい可能性を感じています。

5 月にはドイツで初めての VR に特化した芸術賞も設立されました。それらはコロナの影響に関わらず、時代の中で成長していく分野であり、展示や鑑賞の新しい可能性として興味深いと思います。一方、作品の性質上、実際の展示空間でしか得られない体験や、その場所でしか成立しない構造の作品も多くあり、その場合はオンラインや VR が展覧会で実際の作品を鑑賞することの代わりにはならないと感じます。

In Germany, where we live and work, new lockdowns wereenacted from November in 2020, and it closed down art
museums and theaters, etc. That has reinforced our interest in the new possibilities in online and VR platforms forarts viewing. In May, a new art award exclusively for VR
was established in Germany. These are areas that are
expected to grow in the future as developments of thecoming era, regardless of the effects of the corona pandemic, and for that reason we are interested in the new
possibilities they will offer for exhibitions and arts viewing. On the other hand, there are also many art works withqualities that make them only fully appreciable in actual
in-person viewing and one with structures that can only be
viable in certain spaces or places, which leads us to theconclusion that such works cannot be displayed online or
through VR.

148

149

A4 ● ロックダウン生活の当初は、この状況はいつ頃

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

5まで続くのだろう、またはいつになったら元に戻る

Samuli BLATTERのだろう、という考えがありました。そんなときに知人が SNS にて、「コロナ前に戻らなくて良い、それ

サムリ・ブラッター

は決して完璧で素晴らしい世界ではなかったから」という趣旨の発言をしていて刺激を受けました。コロナ禍という状況が唯一の問題と捉えるのではなく、この事態をきっかけとし、現在当たり前とされていPROFILEる日常、常識や意識を、もう一度本質的に問い直す

1986年オリパー（フィンランド）生まれ。バーゼルを拠点にことができればと考えています。

活動。2014年ベルン芸術大学修了。TOKAS 参加プログラムに「平成31年度二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉」

Early in life under lockdown, we found ourselves wondering how long these conditions would last, or when things
would get back to normal again. Then, an acquaintancemade the point on social media that there was no need toreturn to the way things were before the pandemic,
because that was by no means a perfect world after all. We
found that to be a very stimulating idea. So, now we thinkthat conditions under the corona pandemic are not the
only problem and that we should take this opportunity to
re-examine the accepted state of life today and common
beliefs and attitudes at the most fundamental level andre-evaluate the core elements of things once again.

（2020）。
Born in Oripää (Finland) in 1986. Lives and works in Basel.
Graduated with an MA from Bern University of the Arts in2014. Participation in TOKAS Program: “Basel-Tokyo Exchange
Residency Program 2019.”

A2 ● この状況が創作に役立っているというアー
A1 ● パンデミックはスイスのアート界にも爪痕を残し、多くの展覧会が中止や延期になりました。レジ
デンス・プログラムから帰国後、知り合いのアーティ
ストがバーゼル近郊にあるアートスペース Kunst

Raum Riehen で企画したグループ展に参加しました。難しい時期にも関わらず、素晴らしいスタートを切ることができました。地元のコミュニティからも支援を受けました。その後クリストフ・メリアン財団の協賛で、アトリエ・モンディアルで個展を開催し、日本滞在中に制作した作品を発表しました。現在は、スイス中部にある小さなギャラリーzsuzsaʼs galleryで3 つ目の展覧会を開催中です。このように、作品を発表する機会は多くありました。展示主催者からは少し支援を受けたものの、必要条件を満たせなかったため政府からの支援は受けませんでした。また、
そこまで酷い状況でもなかったので、そのほかの支《Why donʼt cats wear shoes?》2019
Why don’t cats wear shoes?, 2019

Q1 • Please describe the state of your current creative activities during the COVID-19 pandemic.
Q2 • Do you think that things you have experienced or observed during the COVID-19 pandemic have been
reﬂected in your works or forms of expression, or in your project plans?
Q3 • Please tell us your thoughts about how art can be viewed or about viewing venues/spaces in the future,
and about the value of having people see the actual artworks in person.
Q4 • During the COVID-19 pandemic, have you found any words or behavior that you have inﬂuenced of inspired
you from sources such as books, TV, the Internet or social media?

the third show is running at zsuzsa’s gallery, a small local
gallery in Central Switzerland. As you see, I had many
opportunities to show my work. While I was supported alittle by some of the exhibition organizers, I didn’t get any
support by the government, because I didn’t meet thenecessary requirements for some support options and on
the other hand didn’t apply for other support, because I
didn’t see myself in a dire enough situation.

援にも応募はしませんでした。

The pandemic left it’s traces in the art world in Switzerland
too, a lot of shows were canceled or postponed. After
returning from my residency program, I took part in agroup exhibition in the art space “Kunst Raum Riehen”
close to Basel. Said show was put together by a befriended
artist, who organized everything. It was a wonderful startin a rather challenging time. I received some support by
the local community that funds the art space. Later on, I
had a solo exhibition, that was made possible throughAtelier Mondial – giving me the opportunity to show
works I created during my time in Japan. This exhibition
was supported by the Christoph Merian Foundation,
which also funds Atelier Mondial. While I write this text,

ティストももちろんいると思いますが、自分の作品のコンセプトにはあまり変化を感じませんでした。
でももしかしたら私が気づいていないだけで、日常生活は常に作品に影響を与えているので、何らかの行動の変化や政治的な動き、あるいはこの世界的な
パンデミックなどが、作品に作用しているのかもしれません。変わったのは、今後の展覧会に何を期待するかです。先の計画を立てるのはそう簡単ではないし、美術館や展示スペースが一部閉鎖されたり、オープニングがないまま展覧会が始まったりしていて、観客が来られないという状況の中で仕事をするのはかなり大変です。私の制作への意欲とペースは前と同じなのですが、静かな観客のために制作することに慣れなければいけません。

While I certainly believe that some artists are profiting
creatively from this situation, I didn’t see much change inthe concepts of my work. But I might be wrong, sincedaily life always influences our work, any kind of change of
behavior, political movements or in that case – a global
pandemic may have an impact on our work. What didchange, is the expectation towards possible exhibitions in
the future. It’s not that easy to plan ahead and it’s certainly
not easy to work for an audience that doesn’t pop up since
the museums and exhibition spaces are partly shut down
or started exhibitions without any opening ceremony. My
production effort and rate are mainly the same, but I haveto get used to produce for a silent audience.

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART
A3 ● 展覧会の VR はいくつか見ましたが、技術はまだ発達段階だと思います。アーティストは新しい技術をすぐに取り入れますから、VR のみの展示が見られるのもそう遠くないでしょう。それは新しい表現分野となり、新しいアートの解釈につながります。
しかし物理的な展示の代替にはなりません。どのよ
うな展示の実践においても、それぞれの作品には適性があります。適切な展示方法を見つけて、何を作品とするのかを理解することが重要です。キュレー
ションやトーク、展示に対する新しいアプローチが出てくるのは新鮮ですね。私のドローイングについて言えば、デジタルでも従来的な形でも、展示の可能性は無限だと思います。しかし展示方法が作品の捉え方や消費のされ方に影響することを意識しなけ
ればなりません。来場者には、やはり展示空間や照明が紙の表面やグラファイトの反射・吸収に作用するような場で、ドローイングと密に接してもらうのが理想です。

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Some time ago I recognized first galleries showing VR
representations of their exhibitions. The technology seems
still very young and first steps are done. Artists start toincorporate new technologies fast and I think it doesn’ttake long until pure VR exhibitions can be seen online. It
will be a new field of presentation, and it will probably
work as a new way of understanding art. But I don’t think
it will substitute any kind of exhibition display that ismeant to show specific art works physically. With any
kind of presentation practice, there is a certain eligibility
for certain works of art. It’s just important to find the rightway of showing and perceiving what we understand as anart work. It’s refreshing to see so many new approaches
towards curatorial practices, talks and shows. Speaking
about my drawings, I believe there is an indefinite numberof possibilities to show them, either digitally or in a traditional situation. But it seems important to me to be aware
how our perception works and how an exhibition setting
is influencing the way we perceive and finally consume art.
The most preferred circumstance to show my work would
still require the visitor to be in close contact to thedrawing. Having the exhibition architecture and lighting
specifically arranged to interact with the surface of thepaper and the graphite with it’s reflecting and absorbing
qualities.
A4 ● 感染拡大以降、特にデジタルメディアの利用が増えたわけではありませんが、デジタル技術を用いてたくさんコミュニケーションを取るようになりました。オンライン授業をしたり、友人や仕事相手と

151

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

took up studying Japanese during my free time since I plan
to spend more time in Japan in the future. There must be
some interaction and influence in my art works by thestudy of Kanji, I presume. Reducing the amounts of exhibitions, openings, presentations etc. left me with more freetime to spend (e.g language study).

6

北條知子
HOJO Tomoko
Photo: rikiya nakamura

PROFILE1988年愛知県生まれ。東京都を拠点に活動。2016年ロン
ドン芸術大学ロンドン・カレッジ・オブ・コミュニケーション修了。TOKAS 参加プログラムに「トーキョーアーツアン
ドスペースレジデンス2020 成果発表展『デイジーチェーン』」、「平成31年度二国間交流事業プログラム〈べルリン〉」(2020)、「TOKAS-Emerging 2019『声をひそめて』」など。
Born in Aichi in 1988. Works in Tokyo. Graduated with an MAfrom London College of Communication, University of theArts London in 2016. Participation in TOKAS Programs:“TOKAS Creator-in-Residence 2020 Exhibition ‘Daisy
Chain’,” “Tokyo-Berlin Exchange Residency Program 2019,”“TOKAS-Emerging 2019 ‘Sotto Voice’,” and more.

連絡を取ったりと、日常生活におけるコミュニケー
ションのあり方が大きく変わりました。一方で、また日本に滞在したいと思っているので、空いた時間に日本語の勉強をしています。漢字の勉強をすることは、私の作品に何かしらの作用や影響を与えていると思います。展覧会やオープニング、プレゼンテー
ションの機会が減ったことで、語学の勉強など自由に使える時間が増えました。

《Daily Exorcism》2020
Daily Exorcism, 2020

I haven’t consumed more digital media since the pandemic started but started to communicate way more on
digital channels. From teaching classes online to contacting friends and business partners, daily life has undergone
a huge change in the way I communicate. Meanwhile I

A1 ● 新型コロナウイルスの影響によって、ベルリンで行う予定だった展覧会、パフォーマンス、コンサートなどが中止になったほか、2020 年 7 月から予定されていた半年間のニューヨーク滞在も時期未定の延ンプットを行うことで長期的な将来の展望を得たいと考え、時間をかけて準備してきたので、突然迫られた方向転換にどう対処すべきか悩ましかったです。結果的には、オンライン上で進められるプロジェ
クトを優先的に行うことにしました。過去の音源をリリースしたり、楽曲の制作を行ったり、記録集のども着手できていなかったことや、この状況を受け

Q1 ● コロナ禍における制作や仕事の状況について教えてください。

Q4 ● 本、テレビ、ウェブ、SNS などからコロナ禍に自身が影響や刺激を受けた言動はありますか？

Due to the emergence of the coronavirus pandemic, thesituation changed dramatically for me, as planned exhibitions, performances, concerts and the like in Berlin had tobe cancelled and the 6-month New York residency program I was scheduled to have beginning in July of 2020
was postponed indefinitely. I had spent a lot of time preparing with the hope to open up new perspectives for myfuture work through input from local research andexchange with people during 2020, so I was forced tothink about what to do in the face of this sudden change in
my situation. In the end, I decided to place top priority on
projects that could be conducted online. I have now been
doing things for which I had ideas in mind but hadn’t
started work on yet, such as releasing past sound tracks,
composing music pieces and preparations for things likepublishing a record of past work, as well as starting workon new ideas that had come to me under the new coronaconditions. For these projects I made use of funding
received from two public foundations and government
grant money.

期になったことで、状況が一変しました。2020 年は、現地でのリサーチや人々との交流など、現地でのイ発行の準備を進めたり、アイデア自体はあったけれ

Q2 ● コロナ禍での体験・経験は作品や表現、展覧会の企画に反映されると思いますか？
Q3 ● これからの作品展示や展示空間のあり方や実際の作品鑑賞についてどのように考えますか？

PROGRAM ⇒ p.74て初めて思いついたことに取り組んでいます。これらのプロジェクトでは、2 つの公益財団法人および国の給付金などから得た経済的なサポートを活用しています。

A2 ● 少なくとも今の自分の制作においては反映されています。現在、2021 年のコンサートの楽曲制作を行っていますが、感染対策上守らなければいけない奏者と観客の距離自体を作曲上のパラメーターとして組み込んだ作品になりそうです。これは、コロナ禍でなければ生まれなかったアイデアだといえます。一方で、将来的に個々の表現の幅を広げる契機になるのかについては、必然的に発生する制限とどう向き合うかによるのではないでしょうか。例えば、
パフォーミング・アーツにおいては、今後、ライブ・ス
トリーミングや映像記録を前提とした画面映え、尺、わかりやすさなどが優先された制作がなされること

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

152

153

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ARTが予測されます。そうしたとき、画面上ではわかり

チ・チャンネルの作品などはその効果が薄れてしま

A4 ● 緊急事態宣言が発令されていた 2020 年 4 月 20

にくい表現を排除するのか、もしくは別の方法で伝う一面もあります。現状を踏まえながら、どうした日から 1ヶ月間、現代詩ユニットの TOLTA が行った

えようとするのか。個々の向き合い方によって、制らより良い形で展覧会＝鑑賞体験を提供できるの「マイナンバープロジェクト」に参加しました。これは、限による表現の矮小化にも、新たな表現の誕生の契か、作家とキュレーター、運営側それぞれの折衷点

16 人の参加者が、1ヶ月間、1 日に 1 回、ひとつ以上の機にもなり得ると考えます。

を見つけるための綿密な話し合いと試行錯誤が必

数字を含んだ文を匿名で入力していくもので、ここ要だと感じます。

で書かれた文は最終的に『閑散として、きょうの街

I think my experiences during the coronavirus pandemic
are reflected at least in my present creative work. At present, I am creating music for my concert in 2021, and it
seems this music will reflect parameters related to measures put in place for infection prevention, such as the distance between the performers and the audience. This canbe said to include ideas that would not have been present
if not for the corona pandemic. As for the possibilities ofopportunities to expand my forms of expression going
forward, I believe this will most certainly depend on whatkinds of restrictions become necessary. For example, in theperforming arts from now on, we can expect the emergence of creative work where priority is placed on things
like the illumination potential and dimensions of screens
and the ease of perception of the images portrayed onthem as intended for live streaming and video recordings.
In that case, forms of expression that cannot be easily perceived or understood on screens will either be eliminatedor presented through different methods. Depending on
the approach of the individual, I think restrictions canlead either to trivialization of forms of expression or
opportunities for new ones.

Normally, I think that when a work in an exhibition isaccompanied by sound, headphones are most often used
to prevent interference of sound from other works in an
exhibition. With the need now for sterilization of suchheadsets, they can still be used only if there are enoughworkers available to perform that sterilization regularly,
but if not, the sound volume will have to be lowered, orsuch sound-emitting works must be placed farther apartor the mutual noise interference simply ignored. In fact,
when I participated in TOKAS CiR 2020 Exhibition at
TOKAS Hongo in July, there were plans for the display ofnumerous sound-emitting works, but I was forced tochange the output of the works as a result. Online display
is optimal in terms of infection prevention, but on detriment is that the effect of multi-channel works will bedecreased. Under present conditions, the search for better
forms of display and viewing experience will require closeand detailed consultations and trial and error will be necessary between the creators, the curators and the institutions in order to find the best compromises.

A3 ● 通常、展示作品に音が用いられている場合、作品同士が干渉し合わないようにヘッドホンを使う機会は多いと思います。定期的な消毒のための人材が獲得できればこれまで通りの方法でも運用可能ですが、そうではない場合、音量を小さくしたり、なるべく音を発するものを遠ざけたりするか、音の干渉は無視して配置せざるを得なくなります。実際、2020 年の 7 月に TOKAS 本郷で行われた成果発表展に参加した際も、複数の音作品を出品予定だったので、作品のアウトプットの変更を余儀なくされました。感染対策としてオンラインは最適ですが、マル《想像上の絵画の（考えられる）残り物》2019
Some (possible) leftovers from imaginary paintings, 2019

Q1 • Please describe the state of your current creative activities during the COVID-19 pandemic.
Q2 • Do you think that things you have experienced or observed during the COVID-19 pandemic have been
reﬂected in your works or forms of expression, or in your project plans?
Q3 • Please tell us your thoughts about how art can be viewed or about viewing venues/spaces in the future,
and about the value of having people see the actual artworks in person.
Q4 • During the COVID-19 pandemic, have you found any words or behavior that you have inﬂuenced of inspired
you from sources such as books, TV, the Internet or social media?

はひときわあかるい』という詩集として出版されています。社会全体に漠然とした不安や焦燥感が漂い、日々移り変わる感染者数や、人との物理的距離など、数字をとおして世界との距離を測ることを強いられていた中、オンライン上で毎日書き足される文から、同じ状況下でそれぞれの日常を生きる人の息づかいが感じられ、不思議な連帯感にとてもほっとした
ことを覚えています。また、日々積み上げていくことで達成感も得られ、創作を再開するための良い刺激になりました。

For a month after the declaration of the State of Emergency on April 20, 2020, I participated in the “My Number Project” of the contemporary poetry unit TOLTA.
There were 16 participants, and once a day for a month aline containing multiple numerals was composed andadded to the collection anonymously, and the resulting
collection of poems was published under the title Quiet as
it is, today’s town is one bit brighter. Amid the vague anxiety
and discontent that embraced society as a whole in which
we were forced to measure distances in the world thoughnumbers such as the daily infection counts and social distancing, etc., I recall feeling a strangely comforting sense ofconnection with others living their individual daily lives
under the same conditions through these lines of poetrythat were added each day online. Also, there was a sense ofsatisfaction and achievement with each passing day’s addition, and it inspired me to resume my creative activities.

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

寄稿

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コロナ禍 の日本のAIR
小田井真美（さっぽろ天神山アートスタジオ AIRディレクター）

155

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

AIR はアーティストの創造的活動を支える場と機会として、アーティストの活動や社会の状況にそって制度や仕組みをも組み換えるような柔軟なインフラであり、私達を取り巻く社会や制度という柔軟性の乏しい存在とは明確に異なるカウンターパートであることを突きつけています。例えるとすると、どんな形にも変形する力でこども達と一緒に遊ぶバーバパパのようなもの、なのかもしれません。

アーティスト・イン・レジデンス（AIR）が文化芸術振興のため文化芸術分野のインフラでありながら、AIR 事業運営者が拠点とする地域において主に地域資源を発掘・開発する地域振興、空き家対策など地域活性化の手法のひとつとして定着し、過去 30 年間で日本国内に広がりを見せてきたことは日本のAIRの大きな特徴です。この現象は、AIR事業のみならず、地方で開催される国際美術展事業、アートプロジェクトの様相とも重なるものだと考えています。また、近年の傾向として、海外拠点のアーティストの国境を越えた移動を

この原稿は 2020.12 AIR on AiR 原稿をリライトしたものです。
* 2020年8月実施「国内AIR運営者オンラインミーティング」参加申し込みと同時に実施したオンラインサーベイ集計
結果。77回答（内訳：公的セクター17団体、民間セクター29団体および個人）。https://tenjinyamastudio.jp/
コロナ禍における日本の AIRを対象にしたそのほかの調査実施組織
・Res Artis (2020.5)
・遊工房アートスペース、Microresidence Network および AIRとパンデミック研究会（2020.12）

伴う国際プログラムではなく、日本国内のアーティストを積極的に招聘する事業、拠点の多くが AIR に取り組み、コロナ禍にあっても、事業の継続、新しい AIR 拠点や活動も生まれています。
コロナによるパンデミックは、日本社会で存在感が乏しく基盤の弱い AIR 事業経営に大きな打撃を与えましたが、活発になった同業者間のコミュニケーションは、コロナにおけ

CONTRIBUTION

Japan’s AIR programs in the COVID-19 pandemic
ODAI Mami (AIR director, Sapporo Tenjinyama Art Studio)

るポジティブな側面といえます。2020 年 5 月に、AIR ネットワークジャパンの呼びかけにより「テーマを決めずにお互いの近況報告をしあうオンライン茶話会」を開催したところ

80 名の参加がありました。この集いを受け、さっぽろ天神山アートスタジオが主催し 8 月に「国内 AIR 運営者オンラインミーティング」を開催。この機会は、北海道から沖縄まで国
内すべての地域から 76 名の参加をみることになりました。このミーティングへの反応と参加数、またミーティングの内容をとおして知った日本各地の状況から、多くの AIR 事業
運営者が動揺し、難題に直面していることがわかりました。更に、8 月に集まった参加者を対象にした調査 * で、約 70% が 2020 年度も AIR プログラム実施を計画していることがわかりました。
国内 AIR で特に公的予算や補助金を受けて事業運営をしている団体・組織は、コロナで海外からの渡航に強い制限がある、国内移動も簡単ではない中でも多くの現場が、「AIR事業を実施している」ことが調査で可視化されました。そこには、日本独特の事情が絡んでいると考えています。地方自治体の予算、公的な補助金は単年度で消化しなくてはな
らず、来年度に繰越する柔軟性がありません。そのため、招聘アーティストの身体的移動が伴わなくても AIR は成立するのかどうかという十分な議論を経た結論というよりは、
決まっている計画は実施しなくてはならないという事情が先行したと読み取れます。
また、コロナ禍は、「異なるもの、やっかいもの、邪魔者の排除」に転がりやすい、日本社会の閉じた性質、ダークサイドもあぶりだしました。地域差はあるものの、社会に生まれた「過剰な警戒感」「とても日本的な状況」に、今後の AIR 運営や継続した活動が多かれ少
なかれキツい影響を受けることになると予感しています。この新たな局面はアーティス
トの創造活動、AIR 運営者の新しい取り組みに着手する強いエネルギーとなることは間違いありません。ここまで述べたとおり、図らずもパンデミックは日本の状況に合わせて変容した日本の AIR を振り返る機会を与えました。
「AIR とはなにか」に立ち戻ったとき、

Artist-in-residence (AIR) programs are part of the infrastructure for the promotion of artsand culture, and a defining characteristic of the AIR programs that have spread throughout
Japan in the past 30 years is the local orientation of their program operators, aiming mainly
to discover and promote regional resources, while also promoting local re-development
through the use of unoccupied residences and buildings and the like. Besides AIR programs,
this trend can also be seen in international arts exhibitions/fairs and other arts projects
conducted in localities around the country. Another trend in recent years is that, instead of
the common international programs bringing in overseas-based artists, a growing number of
AIR programs have been initiated for domestic Japanese artists, thus facilitating the continuation of programs despite the COVID-19 pandemic, while also leading to the birth of new
AIR facilities.
The COVID-19 pandemic has had a devastating impact on AIR program operation in
Japan, due to their inherently low level of recognition and weak base of support, but active
communication between AIR program operators has seemingly proved to be a positiveside-effect inspired by the coronavirus pandemic. In May of 2020, an open call from AIR
Network Japan for an online “Tea Talk event for non-themed general sharing of information by
AIR program operator’s about current conditions,” which attracted a turnout of 80 participants. With the success of this event, the Sapporo Tenjinyama Art Studio organized an event inAugust called the “Domestic AIR Operators Online Meeting,” which attracted another large
turnout of 76 representatives of facilities from Hokkaido in the north to Okinawa in thesouth. The response and number of participants in this event and the information fromthroughout the country brought to light the fact that many of the AIR operators were
struggling with difficult problems. Also, a survey* conducted of the participants in this event
in August revealed that about 70% had plans to continue their AIR programs in 2020.
This survey showed that severe restrictions on travel to and from abroad were placed

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

156

particularly on domestic institutions conducting
AIR programs that were dependent on publicfunding or subsidy grants, and also that evendomestic travel was not easy, nonetheless, mostwere still conducting their 2020 AIR programs.
Behind this finding seems to be a uniquely
Japanese condition, namely that budgets of local
governments and the grants they allot for「国内 AIR 運営者オンラインミーティング」の様子
Domestic AIR Operators Online Meeting
programs are provided as part of yearly budgets
that have to be used within the given year.
Therefore, institutions do not have the budget flexibility to allow programs to be postponed
into the following year. As a result, rather than cases where the institutions could debate andmake decisions on the viability of AIR programs even if the invited artists could not bephysically present, it appears that the institutions felt compelled to go ahead with theirplanned programs which were already funded.
Furthermore, the COVID-19 pandemic makes it easier for another, darker side of theJapanese character to come out—the side that wants to be rid of those who are different,
bothersome or causing interference. Although this trend differs in degree in different regionsof the country, one fears that the excessive sense of caution now prevalent in society, and thevery Japanese conditions that exist, may subject AIR programs to obstructive pressure ofvarying degrees in the future. But it has become certain that this new pressure will become astrong source of energy for the artists in their creative activities and for the AIR program
operators in their efforts to deal with it. As I have said above, the way that our AIR operators
have adapted to the unexpected conditions of the COVID-19 pandemic in Japan until now
has presented us with an opportunity to analyze our present state. When we return to thequestion of what is the essence of AIR programs, we are forced to recognize that, as part ofthe infrastructure that provides artists with the spaces and opportunities to engage in creative
activities, we must clearly show ourselves to be a flexible part of that infrastructure thatclearly stands as a counterpart to the society at large and its institutions that lack the flexibility to change in response to the changing times. If I were to cite one example, it might be
Barbapapa, a program that has the ability to change its engagement format to be able tosuccessfully engage in play with children that they always become absorbed in.
(This is an edited version of the interview broadcast on AIR on AIR in Dec. 2020.)*The results of the online survey conducted along with the participant applications for the “Domestic AIR Operators
Online Meeting,” event in August. Survey answers of the 77 respondents (breakdown: 17 public sector organizations, 29 private sector organizations and individuals). https://tenjinyamastudio.jp/
Other institutions conducting surveys on AIR organizations about the COVID-19 pandemic in Japan.
・Res Artis (May, 2020)・Youkobo Art Space, Microresidence Network and AIR & Pandemic Research Lab (Dec. 2020）

157

寄稿

COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

創造の火を絶やさないようにすること
コニー・ラム（香港アーツセンター エグゼクティブ・ディレクター）

香港アーツセンター（HKAC）は、「芸術は人生、人生は芸術」を信条としており、2020 年
はそれを試す良い機会となりました。
ミレニアムから 20 年が経とうとするこの年に、地球全体が新型コロナウイルス感染症という前例のないパンデミックを経験し、世界は正式に「ニューノーマル」の時代を迎えました。社会的な距離を保つ感染予防策は、私達の日常的な活動のほとんどを中断させました。芸術関連施設の閉鎖や展覧会、パフォーマンス、ワークショップ、セミナーの中止が相次ぐ危機的状況の中、私達のすべきことは、現代アートと文化を醸成し、芸術的な活気に満ちた都市を作るという使命を忘れずに、創造の火を絶やさないようにすることだと感じました。
この経験から人類が学ぶべき教訓は、ウイルスが私達を引き離そうとも「ともにいる」
ことの大切さです。この 1 年、街がロックダウンされたことで誰もが孤立し、不安に見舞
われ、精神的に苦しむ人もいました。何かを表現したり、誰かとつながったりすることを切実に求める人々を目の当たりにし、その度にアートが単に遊びや娯楽のためだけでないことに改めて気づかされました。
テクノロジーは、アートをこれまでにない形で再定義しています。現代のテクノロ
ジーとアートの組み合わせは、人々に新しい表現方法を提供し、人同士がこれまで以上に関わり合うことを可能にするなど、現代の私達が直面している困難に対処するためのひとつの解を示しています。HKAC もまた、すべてのプログラムをライブ配信でバー
チャル化しました。つい先日、香港政府がアートテック（芸術科学技術）開発を充実させたい意向を示し、創新及科技局、商務及経済発展局（CEDB）、教育局（EDB）の代表に加え、関連セクターや非政府組織（NGO）のメンバーで構成される特別チームを設置して、アートテックの発展および普及のための戦略と対策を策定することになったことを鑑みると、この探求は今後も続くと考えています。
私達のオンライン・プログラムの視聴者数は、世界中の人々が芸術的な豊かさや娯楽を強く求めていることを明示しました。ARやVRなどを用いたバーチャル・ギャラリーの公開は、オンライン・プログラムのあり方を一歩先に進めて、インタラクティブで体験的なものにしてくれました。
また、オンライン・ミーティング用のサービスを利用することにより、多彩なセミナー
やワークショップを開催し、アイデアを交換したり対話を重ねたりすることができまし

PROFILE
小田井真美

ODAI Mami

2014年よりさっぽ ろ天神山アートスタジオ運営に携わり、Since 2014, Odai Mami continues to be involved in the
management of Sapporo Tenjinyama Art Studio. She has
conducted research on domestic and overseas AIR programsand their backgrounds, and has been involved in numerous
projects for AIR program design, program operation andcreating infrastructure for creative activities.

現職。国内外のAIR事業とその背景に関するリサーチおよび、
AIR 事業設計・事業運営や創造的活動のための環境整備に多数関わる。

た。そこでは参加者達がいかに熱心に、お互いの考えを聞き、自分の考えを聞いてもら
いたいと感じていたかを知りました。
最後に大事なことですが、HKAC は地元のアートグループなどと連携して、アーティストの創造的な生活を守る活動を始めています。例えば、演劇グループとともに、12 人の劇作家の未発表脚本をライブ配信で朗読するプログラムを開始しました。資金がCOVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

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COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

集まれば、将来的には同様のプログラムをもっと立ち上げて、地元のアートシーンを支援していきたいと思っています。

HKAC は、空間、時間、テクノロジーの概念を軸に、「ニューノーマル」の生活下で「アート」をどのように活かすことができるかを考えてきました。私達は、ともにいれば、強くなれると信じています。

CONTRIBUTION

Keeping the flame of creativity alive
Connie LAM (Executive Director, Hong Kong Arts Centre)

Hong Kong Arts Centre (HKAC) always believes in “art is life, life is art”; and the year of2020 was the best timing to put this belief into test.
At the close of the second decade after the millennium, the globe experienced an unprecedented pandemic of COVID-19 which posed challenges to the human world, and theworld has officially come to the age of “new normal.” Preventive measure of social distancing
interrupted most of our daily activities, including those that take place in the art ecology.
With the closure of art venues, art exhibitions, performances, workshops and seminars, atthis critical moment, we are prompted to ignite our creativity in order to keep us to stay on
track with our mission of promoting contemporary arts and culture and making our city
artistically vibrant during times of turbulence such as this pandemic.
What’s more important a lesson the whole humanity has to learn is the preciousness of“staying together” despite the pandemic sets us apart. In this year, we all experienced isolation, followed by anxiety and even depression as a result of lockdown of our city. We see
individuals who were desperate to express and to connect with one another, and it is at such
moment when we discovered that art is more than just for fun and leisure.
Technology is redefining art in strange, new ways, and the combination of modern technology and art serves as a possible solution in dealing with hardships that humanity faces
today, providing people with new ways to express themselves, and allowing more humaninteraction. We also went virtual all of our art programmes online and on live. We believethat our exploration will continue, as the Hong Kong government has just recently
announced their interest in the development of Art Tech, and will set up a task force
comprising representatives of the Innovation and Technology Bureau, the Commerce andEconomic Development Bureau (CEDB) as well as the Education Bureau (EDB), plus
representatives from the relevant sectors and non-government organisations (NGOs) toformulate strategies and measures to develop and promote Art Tech.
The number of viewership of our online programmes revealed the deep desire of people
around world for artistic nourishment and entertainment. The setup of virtual galleries informs of AR and VR brought us one step further and made our online programme delivery
to become interactive and experiential.
Various online meeting means also enabled us to carry on with all sorts of seminars
and workshops for an exchange of ideas and dialogues, and we saw how enthusiastic

香港アーツセンター（HKAC）がオンラインで実施した「Nimrod Weis session from Jockey Club Pop-Up
Art Park-Roundtable Discussion」“Nimrod Weis session from Jockey Club Pop-Up Art Park-Roundtable Discussion by Hong Kong Arts Centre”
Online version

participants had been in hearing each other’s thoughts, as well as making themselves
be heard.
Last but not the least, HKAC has joined hands with local art groups to safeguard thecreative life of the art practitioners. For instance, we collaborated with a local theatre groupand launched a play reading programme which showcased the unpublished scripts oftwelve local playwrights through live-streaming. With more resources available, similar
programmes will be launched in the future as a token of support to the local art scene.
HKAC has wrought upon conceptions of space, time and technology, and how ‘art’ canbe applied under the “new normal,” and we believe that we’re strong when we’re together.

PROFILE
コニー・ラムConnie LAM

1997年より香港アーツセンターに勤務し、2009年より現職。

Connie Lam joined the HKAC in 1997 and has been the
Executive Director since 2009. Apart from working at theHKAC, she has been sitting in the committees of a numberof arts and cultural bodies, as well as being a member in
judging panels of various video, visual arts and comics
competitions. She is a seasoned curator. Participated in
TOKAS Project Vol. 2 “FALSE SPACES” as a member ofCuratorial Team of HKAC with IP Yuk-Yiu in 2019.

そのほかの活動として、芸術文化機関の委員や映像、ヴィジュアルアート、コミックなどのコンペティションの審査員を務める。TOKAS Project Vol. 2「FALSE SPACES 虚現空間」（2019）では、イップ・ユック＝ユーとともに、香港アーツセンターキュラトリアル・チームとして参加。

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COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

コロナ禍でのTOKASの取り組み

TOKAS Countermeasures in the COVID-19 Pandemic

もうひとつの方法論の獲得

Toward the Acquisition of New Methodologies

近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）

KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)2020 年明けから姿が見えてきた COVID-19 は、今なお拡がり続けている。感染拡大防止を目的に移動と接触の回避が求められ、国際的な往来が難しくなり、世界中で多くの活動が中止や延期を余儀なくされた。

TOKAS で一番影響を受けたのはレジデンス事業だろう。2020 年 3 月末に帰国予定だった滞在アーティストは、突然のロックダウンやフライトの相次ぐキャンセルにより、帰国できない事態が続いた。海外からの招聘や提携機関への派遣は軒並み延期となり、合間を縫って渡航したアーティストは、感染拡大が深刻なヨーロッパでアジア人差別に見舞われた。

TOKAS 本郷ではいくつかの展覧会や公演、イベントが中止や内容変更を余儀なくされ、人と接触するワークショップや海外活動支援などは実施不可能となった。アーティ
ストにとってはこうした状況やそれに伴う変更に振り回された厳しい一年であったに違いない。
一方この時期、他館同様 TOKAS でも動画配信や 3D VR での事業の公開、ウェブを使ったミーティングやリモート設営、リモート審査など、移動や集合が困難な状況やアーティストが被った不利益を補うべく、ICTの活用により新たな手段の開拓を試みた。
本誌では、コロナ禍での活動について、アーティストや関係者にインタビューやアン
ケートを行っている。まだ客観視できない状況ではあるが、渦中にあるからこその声を記録しておくことにも意味があるだろう。
「未曽有」と言われるが、感染症や災害は人類の歴史の中で幾度となく繰り返されてきた。発表や制作の場が制限されてもなお、別の方法をポジティブに見出していこうとするアーティストのように、我々もこの停滞した状況下での沈思によって、不変のコアと可変の手段を探り、もうひとつの方法論を獲得していきたい。

The outbreak of COVID-19 that became apparent at the beginning of 2020 is still
spreading today. To help prevent the spread of corona infections, restriction had to be put
in place to prevent movement and contact, thus making international travel difficult andcausing the cancellation or postponement of many planned activities around the world.
At TOKAS, the thing that was affected most was probably our residency programs. The
artists in residence here that were scheduled to return home at the end March (2020)
suddenly saw their flights home cancelled one after another due to the COVID-19 shutdown, leaving them stuck in Japan. Residence invitees from abroad and those scheduled togo from Japan to our affiliated residence organizations overseas all had their residencies
postponed. While the artist who had traveled to Europe, where the epidemic was raging
most severely, became the object of anti-asian discrimination.
Meanwhile, exhibitions, lectures or events scheduled at TOKAS Hongo had to becancelled or changed in format, and it became impossible to hold workshops that involved
close contact with others or to support artistic activities overseas. Thus, for the artists
involved it surely became a difficult year of dealing with these situations and the changes
they caused.
At the same time, this became a period when TOKAS, like other institutions, worked todevelop new ICT-based methods such as projects or showing of works via video broadcasts
or 3D VR, online meetings and construction of remote venues, remote judging and the like,all of which helped relieved artists of the need to engage in inadvisable travel or gatheringsin difficult places.
In this publication, you will find the results of artist and arts professional interviews andquestionnaires we initiated concerning their activities during the coronavirus pandemic.
Although we still find ourselves in a situation where true objectivity is difficult, we believein the significance of recording these voices while still in the midst of this very pandemic.
Although the current epidemic and frequent natural disasters experienced in recent
years are often being described as unprecedented, they are in fact events that have occurred
repeatedly throughout the history of the human race. Like the artists we see who have positively sought other new methods in the face of the current restrictions on exhibiting works
or finding facilities for their creative work, we at TOKAS are determined to continue positive reflection during this time of seeming stagnation to search for and acquire viable newalternative methodologies.

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COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

コロナ禍での TOKAS の取り組み

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COVID-19 PANDEMIC, THE IMPACT ON ART

TOKASレジデンシー
TOKAS Residency

TOKAS Countermeasures in the COVID-19 Pandemic

他施設とのオンライン・ミーティングやオンライン・レジデンスを実施した。
Online meetings with other aﬀiliated residence facilities
and online residency activities were conducted.

TOKAS本郷
TOKAS Hongo

1

2

Tokyo
Contemporary Art Award
3

候補作家と国内外の選考委員をつなぎオンライン選考を行った。
1. 入館の際には手の消毒、検温を実施した。

TCAA nominated artists were connected online
with the selection committee in Japan and abroad.

Everyone entering the venue sterilized their hands andpassed a temperature test.

2.「OPEN SITE 5」のオープンニング・トークはライブ配信を行った。
“OPEN SITE 5” opening talk was broadcast live online.

3. 「OPEN SITE 5」ではZoomやYouTubeなどを活用して企画者がオンライン配信を行った。
The planners of “OPEN SITE 5” used Zoom andYouTube to broadcast their projects online.

4. カメラマンによる展示空間の3D VR 撮影。
Filming of the displays to produce 3D VR presentations of the exhibition spaces.

4

施設案内
GENERAL INFORMATION

トーキョーアーツアンドスペース本郷

トーキョーアーツアンドスペースレジデンシー〒113-0033 東京都文京区本郷2-4-16〒130-0023

TEL: 03-5689-5331 / FAX: 03-5689-7501

TEL: 03-5625-4433 / FAX: 03-5625-4434

開館時間：11:00-19:00（入場は閉館30分前まで）※イベント開催時のみ一般公開

休館日：月曜日（祝日の場合は翌平日）、
展示替期間、年末年始

Tokyo Arts and Space Hongo
2-4-16 Hongo, Bunkyo-ku, Tokyo 113-0033
TEL: +81-(0)3-5689-5331
FAX: +81-(0)3-5689-7501
OPEN: 11:00-19:00 (Last Entry: 18:30)
CLOSED: Mondays (first weekday after national holidays),
Exhibition preparation periods, and Year-end and
New Year Holiday.

東京都墨田区立川2-14-7-1F

Tokyo Arts and Space Residency
1F, 2-14-7 Tatekawa, Sumida-ku, Tokyo 130-0023
TEL: +81-(0)3-5625-4433 / FAX: +81-(0)3-5625-4434*Open to the public only on event days.

Tokyo Arts and Space
トーキョーアーツアンドスペース

トーキョーアーツアンドスペースオフィス〒135-0022 東京都江東区三好4-1-1
東京都現代美術館内
TEL: 03-5245-1142 / FAX: 03-5245-1154

Tokyo Arts and Space Oﬀice
4-1-1 Miyoshi, Koto-ku, Tokyo 135-0022 (Located in MOT)
TEL: +81-(0)3-5245-1142 / FAX: +81-(0)3-5245-1154

プログラムディレクター：近藤由紀
TOKAS 本郷：鬼頭早季子、大島彩子、小野洵子、辻 真木子
TOKASレジデンシー：大竹かおり、宇野 歩、内山史子、花岡美緒、植田かほる、田口充奈子
普及広報／TCAA：舟橋牧子、市川亜木子、関 朝子、武智あさぎ、中村菜美、山田絵里
Program Director: KONDO Yuki
TOKAS Hongo: KITO Sakiko, OSHIMA Ayako, ONO Junko, TSUJI Makiko
TOKAS Residency: OTAKE Kaori, UNO Ayumi, HANAOKA Mio, UCHIYAMA Fumiko, UEDA Kaoru, TAGUCHI Minako
Art Mediation and Arts Promotion / TCAA: FUNABASHI Makiko, ICHIKAWA Akiko, NAKAMURA Nami, SEKI Asako,
TAKECHI Asagi, YAMADA Eri

トーキョーアーツアンドスペース アニュアル 2020
Tokyo Arts and Space Annual Report 2020

編集：杉本勝彦、トーキョーアーツアンドスペース（舟橋牧子、市川亜木子、関 朝子、武智あさぎ）
Editors: SUGIMOTO Katsuhiko,Tokyo Arts and Space (FUNABASHI Makiko, ICHIKAWA Akiko, SEKI Asako, TAKECHI Asagi)

インタビュー：内田伸一（P.10-19、P.22-31）、トーキョーアーツアンドスペース（P.136-139）
Interviewers: UCHIDA Shinichi (pp.10-19, pp.22-31), Tokyo Arts and Space (pp.136-139)

翻訳：ロバート・リード（P.2-140、P.143-148、P.151-156（プロフィールを除く）、P.160-163）、
田村かのこ（Art Translators Collective）（P.141-142、P.149-151、P.157-159（プロフィールを除く））、
トーキョーアーツアンドスペース
Translation: Robert REED (pp.2-140, pp.143-148, pp.151-156, except artist profiles, pp.160-163),
TAMURA Kanoko (Art Translators Collective)(pp.141-142, pp.149-151, pp.157-159, except artist profiles),Tokyo Arts and Space

インタビュー撮影：加治枝里子（P.9-19、P.22-31）、佐藤 基（P.137）
Interview Photos: KAJI Eriko (pp.9-19, pp.22-31), SATO Motoi (p.137)

撮影：加治枝里子、加藤 健、髙橋健治、田中和人、中川 周、bozzo、トーキョーアーツアンドスペース
Photos: bozzo, KAJI Eriko, KATO Ken, NAKAGAWA Shu, TAKAHASHI Kenji, TANAKA Kazuhito, Tokyo Arts and Space

アートディレクション＆デザイン：中西要介（STUDIO PT.）Art Direction & Design: NAKANISHI Yosuke (STUDIO PT.)

デザイン：根津小春（STUDIO PT.）、寺脇裕子
Design: NEZU Koharu (STUDIO PT.), TERAWAKI Hiroko

印刷：株式会社アトミ
Printing: ATOMI co.,Ltd

発行：公益財団法人東京都歴史文化財団東京都現代美術館トーキョーアーツアンドスペース事業課
東京都江東区三好4-1-1
Published by Arts Program and Residency Division, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
4-1-1 Miyoshi, Koto-ku, Tokyo

発行日：2021年6月1日
Publication Date: June 1, 2021

©2021 Arts Program and Residency Division,
Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

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