Eliahu INBAL
Conductor Laureate

エリアフ・インバル

桂冠指揮者

2
2
2
2
2
11
16
17
22
23

©堀田力丸

1936年イスラエル生まれ。これまでフランクフルト放送響（hr響）首席指揮者（現名誉指揮者）、ベルリン・コンツェルトハウス管首席指揮者、フェニーチェ劇場（ヴェネツィア）音楽
監督、チェコ・フィル首席指揮者などを歴任。
都響には1991年に初登壇、特別客演指揮者（1995 ～ 2000年）、プリンシパル・コンダクター（2008 ～ 14年）を務め、２回にわたるマーラー・ツィクルスを大成功に導いたほか、数多くのライヴCDが絶賛を博している。『ショスタコーヴィチ：交響曲第４番』でレコード・アカデミー賞〈交響曲部門〉、『新マーラー・ツィクルス』で同賞〈特別部門：特別賞〉を受賞した。仏独政府およびフランクフルト市とウィーン市から叙勲を受けている。渡邉曉雄音楽基金特別賞（2018年度）受賞。
2014年４月より都響桂冠指揮者。マーラーの《大地の歌》、ブルックナーの交響曲第３番（1873年初稿）
・第４番《ロマンティック》（1874年稿と1878/80年稿）
・第８番（1890年
第2稿）、ベルリオーズの《幻想交響曲》、バルトークの《管弦楽のための協奏曲》、ショスタ
コーヴィチの交響曲第５番・第７番《レニングラード》・第８番・第11番《1905年》・第12番《1917年》・第15番などで精力的な演奏を繰り広げ、話題を呼んでいる。
Eliahu Inbal was born in Israel in 1936. He held numerous chief posts with orchestras
such as Frankfurt Radio Symphony (hr-Sinfonieorchester), Konzerthausorchester Berlin,
Teatro la Fenice di Venezia, and Czech Philharmonic. He was appointed Conductor Laureate of Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra in 2014. Many CDs of live performances by Inbal and TMSO are winning great acclaim. He was decorated by French and German Government, and by the cities of Frankfurt and Wien.

4

2/11

2/16

2/17

2/22

2024-02都響̲20240129v13.indd 4

2/23

2024/01/29 17:42

P

PromenadeプロムナードコンサートNo.406
Promenade Concert No.406

2月11日（日・祝）  14:00開演

サントリーホール

2024年

Sun. 11 February 2024, 14:00 at Suntory Hall

指揮 ● エリアフ・インバル Eliahu INBAL, Conductor

コンサートマスター ● 山本友重 Tomoshige YAMAMOTO, Concertmaster

ブラームス：大学祝典序曲  op.80  （11 分）
Brahms: Akademische Festouvertüre, op.80

ベートーヴェン：交響曲第 8 番 ヘ長調  op.93  （26 分）
Beethoven: Symphony No.8 in F major, op.93
Ⅰ Allegro vivace e con brio
Ⅱ Allegretto scherzando
Ⅲ Tempo di Menuetto
Ⅳ Allegro vivace
休憩 / Intermission  （20 分）

ドヴォルザーク：交響曲第 8 番 ト長調  op.88  （37 分）
Dvořák: Symphony No.8 in G major, op.88
Ⅰ Allegro con brio
Ⅱ Adagio
Ⅲ Allegretto grazioso
Ⅳ Allegro ma non troppo

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会

演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

ヤングシート対象公演（青少年と保護者をご招待）
協賛企業・団体は P.79、募集は P.82 をご覧ください。

2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 552024/01/29 17:42

2/11 Promenade  ブラームス：  大学祝典序曲 op.80
1879年3月11日、ヨハネス・ブラームス（1833〜97）はブレスラウ大学（現ポーランド西部の街ヴロツワフの大学）から名誉博士号授与の申し出を受けた。1876
年にケンブリッジ大学から同様の申し出があった際には、イギリスへの船旅や英語での会話、儀礼的な授与式への出席を負担に感じて辞退したブラームスだったが、プロイセン王国領であり、ドーバー海峡を渡ることなく授与式に出席可能なブレス
ラウからの提案は受けることにした。
そして、推薦者のひとりで、ブレスラウ管弦楽協会の指揮者を務めていたベルンハルト・ショルツ（1835〜1916）から、返礼にオーケストラ作品を書くよう依頼されたブラームスは、学生歌を引用した演奏会用序曲の作曲を計画する。こうして書かれたのが 《大学祝典序曲》 op.80である。作品は1880年８月に、アルプスの美しい山々を望むオーストリア、ザルツカンマーグートの保養地バート・イシュル
で、本作と対を成す《悲劇的序曲》 op.81と並行して書き進められ、９月に完成。
同年12月にベルリンで試演した後、1881年１月４日ブレスラウにて、作曲者自身の指揮で初演された。
本作はブラームスの管弦楽曲にしては珍しく、打楽器や金管楽器が活躍する祝祭的な響きの作品であり、全体は提示部の後に展開的再現部とコーダが続く、自由なソナタ形式で書かれている。
曲はハ短調、アレグロの行進曲風の音楽で始まる。リストやベルリオーズが自作に取り入れた《ラコッツィ行進曲》を髣髴とさせる歯切れのよい主題を扱って盛り上がりを見せた後、一旦落ち着きを取り戻すと、ティンパニのロールに乗ってトランペッ
トがハ長調の旋律を歌い始める。本作に引用された４曲の学生歌の１つめ〈 我らは立派な校舎を建てた 〉である。この学生歌と行進曲主題などを扱う部分に続き、オクターヴの跳躍上行に導かれるようにして、第２ヴァイオリンが情感豊かに歌い出すホ長調の旋律が〈 領邦君主（Landesvater）〉。続いてファゴットが奏でるどこ（アニマート、
かおどけた調子の旋律が〈 新入生の歌（あそこの山から来るものは？）〉
ト長調）
であり、この小結尾にあたる部分を経て、音楽は展開的再現部に入る。
まずは冒頭の行進曲が変形され、一部順番を入れ替えられたかたちで再現される（〈我らは立派な校舎を建てた〉は省略）。やがて打楽器の盛大な強奏を伴ってハ長調に転じると、〈領邦君主〉と〈新入生の歌〉が再び歌われる。そして、最後はマエストーソのコーダに到り、両ヴァイオリンが32分音符の音階を奏でる中、満を持して４つめの学生歌〈 大いに楽しもう〉が登場。輝かしく熱気に満ちた響きで結ばれる。
（本田裕暉）
作曲年代： 1880年
初6

演： 1881年１月４日 ブレスラウ 作曲者指揮 ブレスラウ管弦楽協会

2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 6

2024/01/29 17:42

楽器編成： ピッコロ、フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、コントラファゴット、ホル
ン４、トランペット３、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、シンバル、トライ
アングル、弦楽５部

  ベートーヴェン：
  交響曲第８番 へ長調 op.93
ルートヴィヒ･ヴァン･ベートーヴェン（1770 ～ 1827）は、1808年の交響曲第５番と第６番以後、しばらく交響曲のジャンルから遠ざかった。ナポレオン軍のウィーン
侵攻や不安定な社会情勢、それにも幾分関連する彼自身の個人的事情などが、交響曲のような大作に取り組む余裕を与えなかったのかもしれない。徹底した展開法と拡張された構成を結び付けた中期様式を究め尽くし、一方で聴覚の衰えの進行などによる内面の変化が、彼を新しい作風の模索へ向けていったことも大きかったと思われる。
彼が再び交響曲に着手するのは1811年晩秋になってからで、翌1812年前半に第７番がほぼ仕上げられ、その推敲と並行して1812年初夏から第８番を手掛けて年末にこれを脱稿、第７番はさらに修正が加えられ1813年初めに最終的な完成をみたようだ。
相次いで書かれたこれら２曲の交響曲はリズムに重きを置いている点に共通性がみられる。しかし性格は対照的で、それまで彼が追求してきた形式拡大的な方向の線上にある交響曲第７番に対し、第８番は一見コンパクトにも思える凝縮性を特徴としている。リズム的特質の面でも、第７番ではリズムの持つ根源的なエネルギーを前面に押し出すことで大きなスケール感を作り上げているのに対し、第８番では軽快な律動性が活用されており、それによってユーモアに満ちた洒脱な作品に仕立て上げられている。
こうした点から交響曲第８番は古典様式への回帰と見なされがちだが、実際は主題の処理の仕方や転調の大胆さなど随所に思い切った試みがみられ、また全体に漲る精神と軽快さの根底にダイナミックなリズムの力感も生かされていて、既存の様式を超えることを常にめざしたベートーヴェンらしい革新性がこの作品にもはっきり示されている。
第１楽章

アレグロ・ヴィヴァーチェ・エ・コン・ブリオ

ヘ長調

決然とした第１主題で開始されるソナタ形式。 強弱やリズムの鋭い対比、ヘミオラの効果などを生かした活力溢れる楽章だ。
第２楽章

アレグレット・スケルツァンド

変ロ長調

メトロノーム風のリズムの刻みの上で軽快な主題が奏されていくユーモラスな楽章。
第３楽章

テンポ・ディ・メヌエット

ヘ長調“メヌエット”でなく“メヌエットのテンポで”と表記されている点が意味深長。アクセントを強調した主題など、メヌエッ
トのパロディともいえる面白さがある。トリオではホルンが牧歌的な旋律を奏でる。
2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 772024/01/29 17:42

2/11 Promenade

第４楽章

アレグロ・ヴィヴァーチェ

ヘ長調

軽快な動きの中に諧謔性、遊戯性、アイロニーを盛り込んだ型破りなロンド・ソナタ風フィナーレである。
（寺西基之）
作曲年代： 1812年
初

演： 1814年２月27日 ウィーン 作曲者指揮（試演は1813年４月／ルドルフ大公邸）

楽器編成： フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン２、トランペット２、ティンパニ、
弦楽５部

  ドヴォルザーク：
  交響曲第8番 ト長調 op.88
1884年、すでに国際的に高い名声を得ていたアントニン・ドヴォルザーク（1841～ 1904）は、プラハの南西に位置するヴィソカー村に別荘を建て、翌年から、冬のシーズンを除いて１年の多くをここで過ごすようになる。ヴィソカー村の生活はドヴォルザークに精神的な落ち着きを与え、充実した生活の中で彼は円熟期の名作を生み出していく。
特に1889年はピアノ曲集《詩的な音画》、ピアノ四重奏曲第２番、本日の交響曲第８番など、重要な作品が書かれている。 彼自身、ピアノ四重奏曲を作曲中に友人に宛てた手紙で「溢れ出る楽想を書き留めていくのに手が追いつかない」と述べていることからも、この時期の彼の霊感の高まりが窺い知れる。
交響曲第８番は、このピアノ四重奏曲完成直後の８月26日に着手され、わずか１ヶ月足らずで全曲のスケッチを完了、ただちにオーケストレーションに着手して、11月８日に全曲が完成された。まさに霊感に衝き動かされるように作曲された交響曲といえよう。
この交響曲に見られる創造力の高まりは、筆の速さだけでなく、迸り出るようなボヘミア的な数々の楽想や、音楽の流れの勢いを感じさせるラプソディックな構成にも表れている。といっても決して勢い任せに書かれているわけではない。彼自身、この交響曲をこれまでにない「新しい手法」で作曲したと述べているとおり、この作
品で彼は意識して独創的なスタイルと書法を試み、伝統的な交響曲の論理的な作法から離れて、湧き上がる楽想とラプソディックな展開を生かすような、民族的な交響曲にふさわしい独自の論理的手法を追求しているのだ。一方で霊感の発露と、他方でそれをまとめる新しい書法の開拓とが結び付いてきわめてボヘミア色豊
かな作品を生み出した点に、この時期のドヴォルザークの充実ぶりが示されている。
この作品の独自性の例として第１楽章第１主題を挙げよう。 多様な楽想が次々現れるこの第１楽章の中でも最も主要な素材となるのが冒頭の２つの楽想、すな
わちチェロ、クラリネット、ファゴット、ホルンのユニゾンによる哀愁を帯びたト短調
8

2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 82024/01/29 17:42

の楽想と、それにすぐ引き続いてフルートが示す鳥の歌のような明るいト長調の楽想である。 第１主題部はこの２つの全く異なる楽想によって形成されており、同主調の短調・長調の対比と楽想の変化を結び付けて気分の変化を生み出すこうした主題の構成法に、伝統的な主題作法とは違う独創的な発想が示されている。
かかる長短三和音の自由な交替による気分の変転はスラヴの民俗音楽に通じるもので、民族性の表現を交響曲の様式のうちに盛り込もうとする綿密な意図がこの第１主題にはっきり窺える。
初演は1890年２月２日プラハでドヴォルザーク自身の指揮で行われて大成功を収めた。
４月24日のロンドン初演もやはり彼の指揮でなされて大喝采を浴びている。
第１楽章

アレグロ・コン・ブリオ ト長調

先述のように対照的な２つの楽想を持つ第１主題に始まる。 第２主題はロ短調で現れる軽快なもの。 展開部は冒頭に戻ったかのように第１主題の２つの楽想で始まるが、やがて劇的盛り上がりを築き、その頂点で第１主題第１楽想がトランペットに激しく主調で現れて再現部に突入、続けて第１主題第２楽想をイングリッシュホルンがのどかに吹いてその嵐を静める。全体に様々な楽想に富んだ活力に溢れる楽章だ。
第２楽章

アダージョ ハ短調

同じ年に先に書かれたピアノ曲集 《詩的な音画》の中の〈古城で〉との関連が指摘されている緩徐楽章。静かな自然の中で孤独に瞑想するような主部に始まる。フルートの鳥の声も寂しい気分を際立たせるかのようだ。ハ長調となる中間部は一転楽しげな足取りとなって、村のヴァイオリン
弾きの描写を挟みながら、光燦々と照るような輝かしい高揚を見せる。やがて主部が戻るが、単なる回帰でなく、展開的な発展のうちに不安な気分を強め、緊迫感に満ちた盛り上がりを形成、その後中間部が回想され、コーダに至る。
第３楽章

アレグレット・グラツィオーソ ト短調

いかにもボヘミア的な伸びやかさを持つ舞曲風の楽章。ト長調の牧歌的な中間部は、自作のオペラ『頑固者』（1874年）の中の旋律による。

第４楽章

アレグロ・マ・ノン・トロッポ ト長調

変奏形式にロンド・ソナタの要素を結び付けた独自の形式のフィナーレ。トランペットのファンファーレの後、のどかな主題がチェロに現れ、以後この主題の変奏を中心に、エピソードや展開的部分、ファンファーレの再帰などを取り交ぜつつ自由な発展を繰り広げる。 後半は緩やかなテンポとなって気分を和らげた後、第２変奏の回帰が再び曲を活気づけ、華やかなコーダを導く。
（寺西基之）
作曲年代： 1889年
初

演： 1890年2月2日 プラハ 作曲者指揮

楽器編成： フルート２（第２はピッコロ持替）、オーボエ２（第２はイングリッシュホルン持替）、クラリネッ
ト２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、弦楽５部

2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 992024/01/29 17:42

2/11 Promenade

Program notes by Robert Markow

  Brahms:
  Academic Festival Overture, op. 80
Johannes Brahms: Born in Hamburg, May 7, 1833; died in Vienna, April 3, 1897
Brahms was not a man to stand on ceremony. In 1876, at the relatively young

age of 43, he was honored by Cambridge University with the offer of an honorary

Doctorate, but he couldnʼt manage the journey to England so the offer was with-drawn. Three years later, another academic institution, the University of Breslau,
conferred upon him in absentia the same degree, with the official parchment

describing him as artis musicae severioris in Germania nunc princeps (the leader

in Germany today of music in the more serious vein). Brahmsʼs acknowledgement
took the form of a postcard to his conductor friend at the university, Bernhard

Scholz, asking him to thank the proper authorities on his behalf. Scholz had toadvise the composer that a major work was expected of him: “a symphony, or atleast a festive song.” Brahms grudgingly complied, but it was nearly two years after

conferral of the degree before his “doctoral thesis” was heard. On January 4, 1881,

before the distinguished faculty and administration of the school, Brahms conducted the premiere of his Academic Festival Overture.

The overture was written in the summer of 1880, along with its companion

piece, the Tragic Overture, Op. 81, at Brahmsʼs favorite summer resort in themountains of Upper Austria.   “One weeps; the other laughs,” said Brahms of his

two overtures. He further described the Academic Festival Overture as “a jolly

potpourri of student songs à la Suppé.”  

Although not a university man himself, Brahms was familiar with student life,

having shared in convivial university gatherings and events in his earlier years. Into
his Academic Festival Overture in standard sonata-allegro form he worked four

student songs interspersed with original material of his own. The first of thesesongs, “Wir hatten gebauet ein stattliches Haus” (We had built a stately house) is

softly and solemnly intoned by the brass following a soft roll on the timpani. The
second, “Der Landesvater” (Father of Our Country) is a flowing, lyrical theme forthe violins. A perky tune in the bassoons suddenly interrupts the mood to announce

the ribald and mischievous Freshmenʼs initiation song “Was kommt dort von der

Hoh?” (What comes there from on high?). For a grandiose coda, Brahms introduces

his fourth song, the immensely popular (in nineteenth-century Germany)“Gaudeamus igitur” (Let us now rejoice), with the full orchestra blazing away injoyous C major.

10

2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 102024/01/29 17:42

  Beethoven:  Symphony No.8 in F major, op.93
Ⅰ Allegro vivace e con brio

Ⅱ Allegretto scherzando

Ⅲ Tempo di Menuetto

Ⅳ Allegro vivace

Ludwig van Beethoven: Born in Bonn, December l6, 1770; died in Vienna, March
26, 1827

The first public performance of Beethovenʼs Eighth Symphony took place

under the composerʼs direction in the Grand Redoutensaal in Vienna on February

27, 1814 at one of the concerts featuring a repeat performance of Wellingtonʼs

Victory. It met with a cool reception, sandwiched as it was between the powerful,
highly-charged Seventh Symphony and the bombastic Wellington ʼ s Victory.

Nothing could compete with Wellingtonʼs Victory!

The Eighth has earned a reputation as one of Beethovenʼs “lesser” sympho-

nies, not to be compared with such towering masterworks as the Eroica or theNinth. Give or take a few minutes, it is also the shortest Beethoven symphony. Yet,in its own ways, the Eighth is as original and interesting a work as most any othersymphony of Beethoven. Consider the generous amount of humor − surely morehere than in any other Beethoven symphony. This includes the sudden outbursts in
2/4 meter within the 3/4 first movement, the “tick-tock” effect in the second move-

ment, the rhythmic ambiguity at the beginning of the third movement, the quick“um-pahs” of the timpani in the finale, and much more − unexpected pauses,

unprepared gestures, surprise intrusions of loud and soft notes, etc.   Beethoven

himself referred to the symphony as aufgeknöpft (unbuttoned).

One should, however, avoid the temptation to read into the work a reflectionof the composerʼs personal life at the time of writing, for he was going through oneof the most tortured periods of his existence. A persistent stomach ailment; thedeepest love affair of his life (with Antonie Brentano), which was doomed, like all
the rest, to failure; and his interference in the love life of his brother Johann all

made for anything but the happy, joyous mood evinced in the Eighth Symphony.

With a burst of energy, the symphony begins immediately with the first theme− a bright, well-balanced, classical-style theme consisting of “question and answer”
phrases. The second subject is a graceful, lilting melody in the violins. Further

melodic material is heard as a closing theme.

Beethoven omits the usual slow movement, using in its place a rather animat-ed Allegretto scherzando. Legend has it that this movement was written as ahumorous tribute to Beethovenʼs friend Maelzel, inventor of the metronome and2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 11112024/01/29 17:42

2/11 Promenade

two of the innovative instruments used in Wellingtonʼs Victory. Scholars are notagreed on the matter, but this detracts not a whit from the unavoidable feeling that

there is some kind of tick-tock mechanism at work. One is tempted to think backalso to Haydnʼs Clock Symphony (No. 101) with its ticking second movement.

For the third movement, Beethoven returned to the eighteenth-century worldof the minuet, but this “minuet” is unusually robust and heavy-footed, almost likethe scherzos found in all his previous symphonies except the First. A typical

Beethovenian joke is seen in the designation of the movement as Tempo di menuetto − not a real minuet, apparently, just the tempo of a minuet! The central section is a gracious and elegant Trio for two horns and clarinet, plus cello accompaniment.

The boisterous finale is chock full of jollity and musical jokes. Throughout

this movement lasting but six or seven minutes Beethoven again and again sets

loud and soft passages violently against each other. There is a plethora of sforzandos − a brand of accents that requires something of a stinging attack. Surprisepauses abrupt harmonic shifts abound. A false recapitulation leads music theorists
down the garden path. And for a work of such modest means, Beethoven gives us

an obviously overdone coda − one that would almost have befit the mighty Fifth

Symphony, but which seems here almost clownish. Who says classical music

always has to be serious?

  Dvořák:  Symphony No.8 in G major, op.88
Ⅰ Allegro con brio

Ⅱ Adagio

Ⅲ Allegretto grazioso

Ⅳ Allegro ma non troppo
Antonín Dvořák: Born in Mühlhausen (near Prague), Bohemia (today Nelahozeves,

Czech Republic), September 8, 1841; died in Prague, May 1, 19047

The genial, carefree spirit of Dvořákʼs Symphony No. 8 has endeared it togenerations of concertgoers. Its prevailing happy spirit, idyllic moods, and evoca-

tions of nature and simple rustic life call to mind other symphonies of a pastoral
nature: Beethovenʼs Sixth, Schumannʼs Spring Symphony (No. 1), Schubertʼs Fifth,

Mahlerʼs Fourth, and Brahmsʼs Second.

Dvořák began work on his Eighth Symphony in late August, 1889. He was inhigh spirits and full of creative confidence. He “complained” to a friend that hishead was so full of ideas that it was a pity it took so much time to jot them down.

“Melodies simply pour out of me.” For this reason, it took him only twelve days to12

2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 122024/01/29 17:42

write the composition sketch for the first movement, a week for the second, fourdays for the third and six for the finale. The orchestration required an additional six
weeks. Three months after commencing work on it, the score was ready for the

printer, who, in this exceptional case, was not the usual Simrock, but the English

firm of Novello. Dvořák conducted the first performance on February 2, 1890 in
Prague.

The symphonyʼs first movement presents analysts with a puzzle: What role

does the opening nostalgic theme play? Is it the “first” theme, or an introduction? Is

the “main” theme then the simple, birdlike tune played later by the flute? If so,

what then does one call the warmly noble cello theme that follows the timpaniʼs“rat-a-tat” and the succeeding idea characterized by upward leaping octaves in thecellos? No matter, really. The point is that Dvořák did incorporate a great wealthof melody into this movement. One program annotator (Richard Freed) finds in it“an atmosphere of fairy tales and forest legends … bird calls, woodland sounds andbluff Slavonic marches.”

The second movement, like the first, opens with a nostalgic, rather solemn

theme. A second idea in C major offers a new theme in the flute and oboe, accom-

panied by descending scales in the violins. An angry outburst from the horns leads
to a brief, anxiety-filled passage, but sun, warmth and charm soon return.

The third movement is a graceful waltz that frames a central trio section

announced by a new theme in the flute and oboe. Dvořák borrowed this themefrom his opera The Stubborn Lovers. The waltz returns, and a brief, energeticcoda concludes the movement.

A trumpet fanfare opens the Finale, followed by a charming and carefreetheme in the cellos. Simple and natural as the theme sounds, it caused Dvořák

much difficulty. He wrote ten different versions of it before he was satisfied.

(Beethovenʼs “Ode to Joy” theme underwent a similar metamorphosis.) Dvořák thenbuilds a set of variations on this theme, including an exuberant outburst from thefull orchestra with trilling horns and scurrying strings. A central section in C minor

presents a new march-like idea. When this subsides, Dvořák returns to the peacefulworld of the principal theme, which undergoes further variations. A rousing coda

brings the symphony to a brilliant close.

Robert Markowʼs musical career began as a horn player in the Montreal SymphonyOrchestra. He now writes program notes for orchestras and concert organizationsin the USA, Canada, and several countries in Asia. As a journalist he covers themusic scenes across North America, Europe, and Asian countries, especially Japan.

At Montrealʼs McGill University he lectured on music for over 25 years.

2/11 Promenade2024-02都響̲20240129v13.indd 13

132024/01/29 17:42

B
T【マエストロ・インバル88歳記念】

SeriesTMSO

第994回 定期演奏会Bシリーズ
Subscription Concert No.994 B Series

2月16日（金）  19:00開演

サントリーホール

2024年

Fri. 16 February 2024, 19:00 at Suntory Hall

都響スペシャル
TMSO Special

2月17日（土）  14:00開演

サントリーホール

2024年

Sat. 17 February 2024, 14:00 at Suntory Hall

指揮 ● エリアフ・インバル Eliahu INBAL, Conductor

語り ● ジェイ・レディモア* Jaye LADYMORE, Speaker*

ソプラノ ● 冨平安希子* Akiko TOMIHIRA, Soprano*

合唱 ● 新国立劇場合唱団* New National Theatre Chorus, Chorus*

合唱指揮 ● 冨平恭平* Kyohei TOMIHIRA, Chorus Master*

児童合唱 ● 東京少年少女合唱隊* The Little Singers of Tokyo, Children’s Chorus*

合唱指揮 ● 長谷川久恵* Hisae HASEGAWA, Chorus Master*

コンサートマスター ● 山本友重 Tomoshige YAMAMOTO, Concertmaster

ショスタコーヴィチ：交響曲第 9 番 変ホ長調  op.70  （30 分）
Shostakovich: Symphony No.9 in E-flat major, op.70
    Ⅰ  Allegro

Ⅱ  Moderato

Ⅲ  PrestoⅣ  Largo

Ⅴ  Allegretto

休憩 / Intermission  （20 分）

バーンスタイン：交響曲第 3 番《カディッシュ》
  （1963）*                                                        （日本語字幕付き）（45 分）
Bernstein: Symphony No.3 “Kaddish” *Ⅰ Invocation - Kaddish 1
Ⅱ Din Torah - Kaddish 2
Ⅲ Scherzo - Kaddish 3 - Finale※当初の発表から語り手と語りテキストが変更となりました。
（日本語字幕付き）日本語字幕：三ヶ尻 正
字幕操作：Zimaku プラス株式会社
音響協力：宮沢正光（有限会社ふぉるく）
主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
シリーズ支援：明治安田生命保険相互会社（2/16）
助成：

演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

14

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 14

2024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special

Jaye LADYMORE
Speaker

ジェイ・レディモア
語り

2022年、アメリカ・イリノイ州ハイランド・パークで開催された歴史ある野外音楽祭「ラヴィ
ニア・フェスティバル」にて、バーンスタインの交響曲第３番《カディッシュ》の語り手として
マリン・オルソップ指揮シカゴ響と共演。シカゴを中心に全米の数多くの舞台に出演するほか、シカゴのタイムライン・シアターで開催された舞台への出演が評価され、2019年ブラッ
ク・シアター・アライアンス賞の最優秀主演女優賞を受賞。ステージでのパフォーマンスに
加 え、テレビドラマ『Empire 成 功 の 代 償 』『 シカゴ・メッド』『4400』、 映 画『AnAcceptable Loss』『Killing Eleanor』などにも出演し、話題を集めている。AEA（米国俳優協会）とSAG-AFTRA（映画俳優組合〜米テレビ・ラジオ芸術家連盟）メンバー。
Stewart Talent所属。
Jaye Ladymore has previously performed with Chicago Symphony under direction ofMarin Alsop at internationally renowned Ravinia Festival in Highland Park, Illinois. Ladymore has performed on numerous regional stages across the US. She received the 2019Black Theatre Alliance Award for Best Featured Actress in a Play for her work at TimeLine Theatre, an honor for which she is extremely grateful. In addition to performing on
stage, Ladymore has appeared in multiple TV shows like Empire, Chicago Med, Chicago
P. D., The Chi, and Proven Innocent. She garnered a series regular role on the hit show
The 4400 in 2021 and has enjoyed featured roles in the movies An Acceptable Loss andKilling Eleanor. Ladymore is a proud member of AEA and SAG-AFTRA. She is representedby Stewart Talent.

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 15152024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special

Akiko TOMIHIRA
Soprano

冨平安希子
ソプラノ

©YOSHINOBU FUKAYA aura. Y2

東京藝術大学卒業。同大学院修了。明治安田生命クオリティオブライフ助成金を受け渡独。シュトゥットガルト州立音楽演劇大学を最優秀の成績で修了。2005年リヒャルト・ワー
グナー協会奨学生。その後、バイエルン州立歌劇場オペラ研修所で研鑽を積む。在籍中に『ばらの騎士』でバイエルン州立歌劇場にデビュー、『ヘンゼルとグレーテル』『魔笛』などに出演。ペーター・シュナイダー、ケント･ナガノら著名な指揮者と共演。ドイツ各地の劇場で演じた『フィガロの結婚』スザンナ、『メリー・ウィドウ』ヴァランシェンヌなどは各地で好評を博した。
国内では日生劇場『ラ・ボエーム』
をはじめ、東京二期会『魔笛』『魔弾の射手』『金閣寺』『後宮からの逃走』『フィデリオ』など数多く出演。2021年『ルル』題名役は高い評価を得た。
ソリストとしてオーケストラとの共演も多い。表情豊かな声質と華やかな舞台姿、卓越した演技力で活躍を続けている。二期会会員。
Akiko Tomihira graduated from Tokyo University of the Arts and obtained a Masterʼsdegree at the same university. After she received a grant from Meiji Yasuda Cultural
Foundation, she studied at Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart. In 2005, Tomihira received Richard Wagner Scholarship. In 2006, she matriculated
to Bayerische Opernakademie. At Bayerische Staatsoper, she sang in operas including
Der Rosenkavalier, Hänsel und Gretel, and Die Zauberflöte with conductors such as Peter
Schneider and Kent Nagano. In Germany, Tomihira appeared in operas such as Le Nozzedi Figaro, Die lustige Witwe, among others. In Japan, she has performed in operas including La Bohème, Die Zauberflöte, Der Freischütz, Kinkakuji, Die Entführung aus dem Serail,and Fidelio. In 2021, her performance at Lulu received unprecedented praise. She is amember of Nikikai.

16

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 16

2024/01/29 17:42

New National Theatre Chorus Chorus
新国立劇場合唱団

合唱

©堀田力丸

都響スペシャル「第九」（2023年12月26日／サントリーホール／アラン・ギルバート指揮 新国立劇場合唱団 他）

新国立劇場は、オペラ、バレエ、ダンス、演劇という現代舞台芸術のためのわが国唯一の国立劇場として、1997年10月に開場した。新国立劇場合唱団も年間を通じて行われる
数多くのオペラ公演の核を担う合唱団として活動を開始。個々のメンバーは高水準の歌唱力と演技力を有しており、合唱団としての優れたアンサンブル能力と豊かな声量は、国内外の共演者およびメディアからも高い評価を得ている。
New National Theatre, Tokyo, opened in October 1997 as the only national theatre forthe modern performing arts of opera, ballet, contemporary dance, and play. Meanwhile,
New National Theatre Chorus started its career and has played a central role in many
opera performances all through the seasons. Their ensemble ability and rich voices haveachieved acclaim from co-starred singers, conductors, directors, stage staffs as well as
domestic and foreign media.

Kyohei TOMIHIRA
Chorus Master

冨平恭平
合唱指揮

東京藝術大学卒業。指揮を高関健、田中良和、小田野宏之の各氏に師事。これまでに群響、東京シティ・フィル、東京フィル、東響などを指揮。オペラでは新国立劇場、東京
二期会、藤原歌劇団などの公演で副指揮者、合唱指揮者などを務めている。2019年４月
から新国立劇場合唱指揮者。
Kyohei Tomihira graduated from Tokyo University of the Arts. He has conducted orchestras such as Gunma Symphony, Tokyo City Philharmonic, Tokyo Philharmonic, and Tokyo
Symphony. He also serves as Associate Conductor and Chorus Master in opera performances of New National Theatre, Tokyo, Tokyo Nikikai Opera Foundation, and The Fujiwara Opera. He is a Chorus Master of New National Theatre, Tokyo.
2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 17172024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special

The Little Singers of Tokyo Childrenʼs Chorus
東京少年少女合唱隊

児童合唱

©堀田力丸

マーラー：交響曲第３番（第853回定期B・2018年4月10日・サントリーホール／大野和士指揮 東京少年少女合唱隊 他）

ヨーロッパの伝統音楽に基づく音楽教育を目的とする日本初の本格派合唱団として1951年設立。グレゴリオ聖歌から現代作品までレパートリーは幅広く、年２回の定期公演のほか、1964年の訪米以来海外公演は33回を数える。国内外のオーケストラ、オペラ劇場との共演も多く、アバド、ムーティ、ルイージらとも共演し高い評価を得た。2016年、創立65周年にマカオ公演とイタリア公演を実施。2021年に創立70周年を迎え、連続演奏会「70周年記念コンサートシリーズ 2021-2023」
を開催、最終公演を2023年７月にサントリーホールで実施した。
The Little Singers of Tokyo (LSOT) formed in 1951 with the concept “for Japanese children to sing Renaissance works” . The founding spirit continues today with a repertoire
focusing on authentic choral works based on traditional European music. LSOT covers awide range of music from Gregorian Chants to contemporary works. In addition to theregular concerts held twice a year, LSOT has made 33 overseas concert tours. They havealso appeared with many orchestras and opera theaters at home and abroad, and have
performed with maestros such as Abbado, Luisi, and Muti.

Hisae HASEGAWA
Chorus Master

長谷川久恵
合唱指揮
©LSOT

東京少年少女合唱隊の常任指揮者。主催公演並びに海外公演を牽引するかたわら、オペラなどの外部公演でコーラスマスターを数多く歴任。「コールスLSOT」や声楽アンサン
ブル「LSOTカンマーコア」を組織し、幅広い演奏活動を展開している。

18

Hisae Hasegawa is Principal Conductor / Artistic Director of the Little Singers of Tokyo.
She has conducted self-promoted concerts and overseas performances and also successively served as a chorus master of various outside performances including operas. She
formed Chorus LSOT and a choral ensemble LSOT Kammerchor as well, expanding wideranging performance activities.

2024-02都響̲20240129v13.indd 18

2024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special  ショスタコーヴィチ
  交響曲第９番 変ホ長調 op.70
ドミトリー・ショスタコーヴィチ（1906 ～ 75）の交響曲第９番が完成したのは1945
年８月30日のことだった。第７番、第８番と、いずれも戦争に関連する内容の大交
響曲を発表してきたショスタコーヴィチだけに、ソ連が勝利したあと初めて発表する交響曲に注目が集まるのは当然のことだった。さらに、偶然にもそれが第９番にあたっていたこともあり、政府や人々は、ベートーヴェンの交響曲第９番のような、合唱や独唱を伴う大規模な祝典的交響曲を期待した。ショスタコーヴィチ自身が、そのような交響曲を書くつもりだとほのめかしたこともあった。 実際、彼は、1945
年４月ごろに、現在の第９番とは別の、大編成の力強い響きで始まる交響曲を第１楽章の途中まで書き、親しい人々にピアノで弾いて聴かせている。だが、ショス
タコーヴィチはこれを途中で放棄してしまう。
1945年７月下旬になって、ショスタコーヴィチは全く異なる第９番を書き始めた。
これが、現在我々の知る第９番だ。作曲は非常に速く進み、わずか１ヶ月ほどで全曲が完成した。 初演は、同じ年の11月に、エフゲニー・ムラヴィンスキー（1903～ 88）の指揮するレニングラード・フィルによって行われた。 壮大な勝利の讃歌とは正反対の、ハイドンを思わせる、短くユーモラスな第９番は世間を驚かせたが、そのときはおおむね好評だった。
ところが1948年２月、ソ連共産党中央委員会は「ムラデリのオペラ『偉大な友情』について」という決議を出す。この中でショスタコーヴィチは、プロコフィエフやハチャトゥリャンらとともに「形式主義的」と強く批判される。これにより、彼は要注意人物とされ、収入が激減しただけでなく、逮捕の危険にさらされることになった。
ショスタコーヴィチは、オラトリオ《森の歌》など、政府におもねる作品をいくつか作
曲して、ようやく難を逃れた。しかし、このときに、当局から特に強く非難された
交響曲第９番は、交響曲第８番などとともに、演奏が事実上禁止されてしまう。この状況は、1953年にスターリンが世を去り、次にソ連の最高指導者となったフル
シチョフによる「雪どけ」の時代が来るまで続いた。
第１楽章

アレグロ ソナタ形式。 古典派の交響曲を思わせる曲想にふさわし

く、提示部の終わりにはリピートの記号が置かれている。 下降する分散和音で始まる第１主題、唐突なトロンボーンの４度音程ファンファーレと打楽器のリズムに導かれるピッコロの第２主題は、ともにユーモラスでパロディ的な性格を持っている。
再現部では、第２主題がソロ・ヴァイオリンで現れる。
第２楽章

モデラート

展開部のないソナタ形式。 低弦の単純な音型に伴われてクラリネットのソロが物憂く歌う第１主題と、弱音器を付けた弦によるどこか不気

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 19192024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special

味な第２主題が対比される。なお、♩＝208という楽譜指定のテンポはかなり速いので、実際には、もっと遅いテンポを取って緩徐楽章としての性格を強調する演奏も多い。楽譜のテンポに従うと都会風のメランコリックなワルツになる。
第３楽章

プレスト

複合三部形式。 猛烈に疾走するスケルツォ。 第２楽章と同じくクラリネットのソロで始まる主部では、交響曲第６番の第２楽章と同様、多彩な楽想が次々と現れる。中間部は、レナード・バーンスタインが「突然闘牛士が乱入するような」と形容したスペイン風の曲想となり、トランペットのソロが活躍する。
なお、第３～５楽章は続けて演奏される。
第４楽章

ラルゴ

短い間奏的な楽章。トロンボーンとテューバによる深刻な調子のファンファーレと、ファゴットによるモノローグが対話する。
第５楽章

アレグレット

自由なロンド・ソナタ形式。さっきまでしおらしくまじめな旋律を吹いていたファゴットが、いたずらっぽい主題を吹き始める。この主題が様々な楽器に受け継がれ、次第にテンポを速め、最後は乱痴気騒ぎで曲を閉じる。
（増田良介）
作曲年代：1945年７月下旬～ 8月30日
初

演：1945年11月３日 エフゲニー・ムラヴィンスキー指揮 レニングラード・フィル

楽器編成： ピッコロ、フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、小太鼓、シンバル、トライアングル、タンブリン、弦楽５部

  バーンスタイン：
  交響曲第３番《カディッシュ》（1963）『ウエスト・サイド・ストーリー』などミュージカルの作曲家として知られるレナード・バーンスタイン（1918〜90）は、シリアスなクラシック作品も多く残しており、また20世紀後半を代表する指揮者でもあった。 彼はボストン交響楽団の創立75周年（1956年）を記念するため、同交響楽団とクーセヴィツキー音楽財団から新曲の委嘱を受けた。しかし 1950年代半ばのバーンスタインには映画や舞台、コンサート
作品など、他にも作曲プロジェクトがあり、1958年からはニューヨーク・フィルの音楽監督に就任するなど多忙を極めていた。 彼が委嘱作品にとりかかったのは1961年頃で、オーケストラ、混声合唱、児童合唱、語り手、独唱ソプラノによる交響曲《カディッシュ》は、1963年に完成した。完成間際にはジョン・Ｆ・ケネディ
大統領（1917〜63）が暗殺される事件（11月22日）が起こり、バーンスタインはこの曲を「ジョン・Ｆ・ケネディの思い出に」献呈することにした。

20

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 20

2024/01/29 17:42

曲名の《カディッシュ》は、ユダヤ教の伝統的な日々の祈りで、死に言及しているわけではないが、葬儀において墓前で引用される主要な祈りでもある。また、神への讃歌であると同時に平和への祈りでもある。この平和と救いを願うアラム
語・ヘブライ語の讃歌は、交響曲の中で歌われる。またバーンスタインが作った
英語による語りもある。その内容は、現代における信仰の危機、深刻な社会問題についてで、作品が東西冷戦期に書かれたことを彷彿とさせる。ときおり聞かれぼう とくる神に対する鮮烈な不信や怒りが神への冒瀆ではないかという意見も評論家からは出されたが、バーンスタインはこれらをユダヤ教の伝統にあるものと認識していた。
曲は３つの楽章からなり、第１・第２楽章は２つに、第３楽章は３つの部分に分かれるが、全曲は続けて演奏される。
第１楽章は、序奏となる〈祈り〉と、主部にあたる〈カディッシュ１〉という構成。まずは合唱によるハミングを背景に〈 祈り〉が始まる。フルートとハープによる謎めいた動機は弦楽器に受け継がれ、盛り上がる。この間に管楽器による突き刺さるよ
うな響きが挿入される。
〈カディッシュ１〉に入り、合唱が歌い始めると、オーケストラが12音音列を使った不協和な動機を爆発させ、８分の７拍子と４分の３拍子が入り交じる変拍子の速いテンポの部分となる。合唱は手拍子も交え、エネルギッシュに進む。最後は「アーメン」を叫んで第１楽章が終わる。
第２楽章の前半〈ディン・トラー 〉は「裁きの場」。打楽器合奏が主導し、合唱のハミングを背景に語り手は、人間が起こした災いに満ちた世界における神の沈黙に対し、信仰の揺らぎを語る。やがて金管群による無調のファンファーレが始まり、心をかきむしる不協和な楽想が続く。曲は「アーメン」の合唱とともに高揚し、裁きが下されたかのような決然としたクライマックスに到達。最後は、８つのパートに分かれた合唱が各々のテンポで歌うカデンツァにより、瞑想的に 「ディン・トラー」
を閉じる。
楽章の後半、８分の５拍子の〈カディッシュ２〉は、優しいオーケストラの伴奏に乗せたソプラノ独唱。三部形式で、神を讃美するソプラノの歌に、女声合唱は「アーメン」などで応えていく。中間部は16分の５拍子で盛り上がりを見せる。
第３楽章は３部構成。〈スケルツォ〉はクラリネットとピッコロによる４分の３拍子の軽妙な動機で始まる。しかし無調のためか嘲笑的で皮相的だ。しかし語りが平和の虹とともに信仰を取り戻したことに触れると、変ト長調による希望の見える旋律
が弦楽器を中心に麗しく奏される。この旋律は児童合唱によって導かれる〈カディッシュ３〉へとつながり、展開していく。

〈フィナーレ〉は夢から現実への目覚めで、不協和な全奏によって始まる。弦楽による重々しい雰囲気が醸しだされ、静かになると、〈スケルツォ〉の後半で聴かれ2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 21

212024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special

た希望の見える旋律とともに、神と人間との間に結ばれた契約に由来する生命の喜びや両者の共生が語られる。 終結部は変拍子を使った賑やかな〈フーガ〉で、独唱ソプラノも加えた全ての合唱がオーケストラと華々しく共演する。最後に短く第１楽章冒頭の動機が回帰し、熱狂のうちに曲を閉じる。
（谷口昭弘）
作曲年代： 1961 ～ 63年
初

改訂／ 1977年

演： 1963年12月10日 イスラエル テルアヴィヴ
作曲者指揮 イスラエル・フィル 語り／ハンナ・ロヴィーナ
ソプラノ／ジェニー・トゥーレル アブラハム・カプラン指揮の合唱団

楽器編成： フルート４（第３はアルトフルート、第４はピッコロ持替）、オーボエ２、イングリッシュホルン、
小クラリネット、クラリネット２、バスクラリネット、アルトサクソフォン、ファゴット２、コン
トラファゴット、ホルン４、ピッコロトランペット、トランペット３、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、ヴィブラフォン、シロフォン、グロッケンシュピール、小太鼓、大太鼓、サス
ペンデッドシンバル、ハンドドラム、シンバル、フィンガーシンバル、アンティークシンバル、
タムタム、ボンゴ、テンプルブロック、ウッドブロック、サンドペーパーブロック、ギロ、鞭、
ラチェット、トライアングル、マラカス、タンブリン、クラベス、チャイム、ハープ、ピアノ、チェレスタ、弦楽５部、語り、独唱ソプラノ、混声合唱、児童合唱（編集部注）
バーンスタイン自身が書いた《カディッシュ》の語りテキストは、神への信仰の揺らぎと回復というパーソナルな内容です。そのテキストに満足していなかったバー
ンスタインは、ホロコーストの生存者として切実に神の存在と対峙してきたサミュエ
ル・ピサール（ 1929 ～ 2015 ／法律家、外交官、作家）にテキスト制作を依頼。
ピサールは一度は辞退したものの、2001年の同時多発テロの衝撃により考えを改め、《カディッシュ》のために新たなテキストを書き下ろしました。
人類普遍の問題を扱ったそのテキストは高い評価を受け、ピサール版《カディッ
シュ》はピサール自身を語り手として世界各地で上演。ピサール没後は夫人ジュディスと娘リアのみが朗読を許され、インバルと都響による2016年３月の上演もその形で行われました。それから８年を経た今回も同様のキャストで演奏予定でしたが、ジュディス・ピサールとリア・ピサールの2人がやむを得ない事情で来日できなくなり、代わってジェイ・レディモアが語り手を務めます。これに伴い、語りテキス
トをピサール版からバーンスタインのオリジナル版に変更、原典に立ち返る形で演奏いたします。

22

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 222024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special

Program notes by Robert Markow

  Shostakovich:  Symphony No.9 in E-flat major, op.70
Ⅰ Allegro

Ⅱ Moderato

Ⅲ Presto

Ⅳ LargoⅤ Allegretto

Dmitri Shostakovich: Born in St. Petersburg, September 25, 1906; died in Moscow,
August 9, 1975

If there is a thread that runs through Shostakovichʼs canon of fifteen sympho-

nies, it is the element of unpredictability from one to the next. The Ninth proved asmuch of a surprise as the previous eight; in fact, more so. Shostakovich wrote it in
the summer of 1945, immediately following the end of World War II in Europe.

Everyone fully expected that this would be a work on a grand scale, not only tocelebrate the end of the war, but as a capstone to his trilogy of war symphonies

and as a worthy continuation to the hallowed tradition of great Ninths by othercomposers (Beethoven, Schubert, Dvořák, Bruckner, Mahler, etc.). But what
Shostakovich revealed to the public at a concert in Leningrad on November 3,1945 was a relatively short, unpretentious piece shot through with sardonic humor,

verve and wit. There was no heroic grandeur, no dedication, no apotheosis, nochorus … nothing remotely like the grandiose hymn to victory or tribute to the war

dead everyone was expecting. Stalin was incensed, the public was confused, thecritics were disappointed.

Well, times change. The Ninth Symphony is now happily accepted for what itis, rather than rejected for what it is not and never attempted to be. “A merry little

piece” was the composerʼs own description. Laurel Fay, a musicologist specializingin twentieth-century Russian music, calls the symphony “an escape, a cheerful celebration, perhaps even a hopeful look into the future.” The English musicologist

Robert Layton finds hints of a darker world: “There is a restless movement, as if the
comedy provided a distraction for events working at a deeper level whose shape isnever clearly defined.” The assessment of Richard Rodda, writing for the Cleveland

Orchestra, is darker still: “The referential framework of the symphony is almost certainly one of irony, or even of bitterness, so that the brilliant, chuckling surface ofthe music masks, perhaps, anger or sadness of derision or some burning frustration

for which there is no name.” Shostakovichʼs Ninth may not be a masterpiece on theorder of Beethovenʼs or Brucknerʼs Ninth, but it has a curiously ambivalent character that focuses attention and provokes contemplation. Here is Laurel Fay ʼ sthoughtful summary of the workʼs achievement:

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 23

232024/01/29 17:42

2/16 B Series

2/17 Special“Critics, both Soviet and Western, will undoubtedly continue to argue themerits of Shostakovichʼs Ninth Symphony. That it is so different in style and substance from the symphonies which immediately preceded it, that it was a wholly

unexpected and not inappropriate response to a perceived historical necessity, areissues which are bound to stimulate further debate among those determined to

explain and justify the continuity of Shostakovichʼs creative development. Taken on

its own terms, though, as a piece of absolute music, the symphony eloquently justifies itself.”  Bernstein:  Symphony No.3 “Kaddish”
Ⅰ Invocation - Kaddish 1

Ⅱ Din Torah - Kaddish 2

Ⅲ Scherzo - Kaddish 3 - Finale
Leonard Bernstein: Born in Lawrence, Massachusetts, August 25, 1918; died in

New York City, October 14, 1990

Each of Leonard Bernsteinʼs three symphonies is utterly different from theother two, but they are all programmatic in content, and one theme unites them all:man and his search for meaning and spiritual sustenance in the modern world. The

Third Symphony (Kaddish) focuses on manʼs crisis of faith even more potently than

had the First (Jeremiah) or the Second (The Age of Anxiety). Bernsteinʼs Kaddish

Symphony actually bears more in common with oratorio than it does with symphony, and it incorporates theatrical elements as well. But regardless of its designatedgenre, it remains a powerful, if controversial work. The controversy revolves mainly

around Bernsteinʼs own texts, which have been held up to ridicule and to charges
of pretentiousness, vulgarity and even blasphemy.

Kaddish (sanctification or holy) is the prayer Jews chant at the graveside andat memorial occasions in the home or at synagogue. Yet there is not a single mention of the word “death” in the text. On the contrary, Kaddish is an affirmation oflife and a hymn of praise to God, ending with a plea for peace. Bernstein set thistext three times, each movement expressing the text in a different mood − disturbing, tenderly comforting and wildly excited. To this text, sung in Hebrew andAramaic (the ancient language spoken by Jesus), Bernstein added narrative texts of

his own. These texts thrust man into direct confrontation with his God as man

addresses Him in intimate, angry, accusatory and challenging tones. Bernstein wasconcerned that many Jews would find this language and tone offensive. A scholarof Hebrew literature and philosophy in Tel Aviv was consulted, and the response

was that he could find no valid reason for taking offence; moreover, there had

been many precedents for this type of commentary in Jewish and Hebrew litera24

2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 24

2024/01/29 17:42

ture, and even in the Bible (Jacob, Job, Moses, etc.).

Humphrey Burton, in his monograph on the composer, observes: “That theKaddish Symphony would also jolt concert-going audiences out of their seats by

the brutality of its assault on received ideas of religion and manʼs relationship with
God was characteristic of Bernstein's flair for the grand gesture … his intention was

to express in a spectacular way the loss of faith experienced by people of all reli-gions, not just the Jews, in a century dominated by senseless killing and destruction.
And what could be more dramatic than a frontal attack on God?” Underscoring

Burtonʼs comment was the event that led to the dedication to John F. Kennedy.

While Bernstein was orchestrating the final “Amen” pages of the score, he received
news that Kennedy had been shot, and later that he had died. Bernstein knew

immediately to whom the dedication must go.

The Symphony resulted from a joint commissioned by the Koussevitzky Music

Foundation and the Boston Symphony Orchestra on occasion of its 75th anniversa-

ry in 1956. Bernstein was asked to write something for the Orchestra, but did not

begin serious work on it until 1961. The work for orchestra, mixed chorus, boys
choir, speaker, and soprano soloist was completed in November of 1963. The

Boston Symphony waived the right for the world premiere when Bernstein request-

ed that the honor go to the Israel Philharmonic. This premiere was given in Tel

Aviv on December 10, 1963 with Bernstein conducting. The speaker was Hannah

Rovina, one of Israelʼs leading actresses. Such was its success that two extra performances had to be added to the nine already scheduled.

The Boston Symphony under Charles Munch (returning as guest conductor)

gave the first American performance on January 31, 1964, for which occasion

Bernsteinʼs wife, Felicia Montealegre (also from the world of professional theater), took
the role of the speaker. Here the reception was mixed, with the Boston Globeʼs music

critic Michael Steinberg calling Bernsteinʼs texts “a lava-flow of clichés.” Steinbergʼsscathing review aroused almost as much controversy as the new symphony.

Bernstein substantially revised portions of the Symphony in 1977, particularly

the spoken texts. At this time he also consented that the speaker could be either awoman (as in the original version) or a man. This revised version, with Michael

Wager as the speaker, was also presented by the Israel Philharmonic, this time on
Bernsteinʼs 59th birthday (August 25, 1977) in Mainz, Germany.

The spiritual journey from angry accusations and despair to joy and jubilationis accomplished in a forty-minute span of three connected movements. Several

themes and motifs play a part in conferring musical unity. One is the three-note

motif heard at the very outset in the flutes; another is what Bernstein calls theKaddish tune, a gently flowing melody played usually by the strings. Its eclectic styleincorporates everything both twelve-tone writing to unabashed tonality. There ishand-clapping, foot-stomping, jazz rhythms, and a huge percussion department thatamounts to a small orchestra in itself. This symphony still generates controversy.
For a profile of Robert Markow, see page 13.
2/16 B Series & 2/17 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 25

252024/01/29 17:42

C
T

Series

TMSO【インバル／都響 第3次マーラー・シリーズ①】［Inbal / TMSO The 3rd Mahler Series: 1］

第995回 定期演奏会Cシリーズ
Subscription Concert No.995 C Series

東京芸術劇場コンサートホール

2月22日（木）  14:00開演

2024年

Thu. 22 February 2024, 14:00 at Tokyo Metropolitan Theatre

都響スペシャル
TMSO Special

東京芸術劇場コンサートホール

2月23日（金・祝）  14:00開演

2024年

Fri. 23 February 2024, 14:00 at Tokyo Metropolitan Theatre

指揮 ● エリアフ・インバル Eliahu INBAL, Conductor

コンサートマスター ● 矢部達哉 Tatsuya YABE, Concertmaster

マーラー：交響曲第 10 番 嬰へ長調（デリック・クック補筆版）（73 分）
Mahler: Symphony No.10 in F-sharp major (Cooke version)
Ⅰ Adagio：Andante – Adagio
Ⅱ Scherzo: Schnelle Vierteln
Ⅲ Purgatorio: Allegretto moderato
Ⅳ Scherzo: Allegro pesante. Nicht zu schnell
Ⅴ Finale: Langsam, schwer - Allegro moderato

本公演に休憩はございません。

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
  
助成：

文化庁文化芸術振興費補助金（舞台芸術等総合支援事業（創造団体支援））（2/22）
独立行政法人日本芸術文化振興会

演奏時間は予定の時間です。

44

2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 44

2024/01/29 17:42

2/22 C Series

2/23 Special

マーラーが遺した最後の言葉
最もマーラーらしく最上の「クック版」©K. Miura

作曲家が遺した未完の作品が、常に完成されるべきものとは限りません。けれどもマー
ラーの交響曲第10番には、大いにその価値があります。なぜならそれはマーラーが書いた交響曲という自叙伝の続きであり、彼の人生と願望、世界観についての長編小説の続きだからです。
マーラーは何回も「別れ」（Abschied）
を告げています。《大地の歌》では「永遠に、永遠に」と。第９交響曲で彼は人生に別れを告げ、死を受け入れます。そして第10番は、まるで死後の世界で書かれたような、非常に不思議な強い印象を受けます。 死後に彼が復活し、人生や死について回想しているかのような。
楽譜には、彼の妻に宛てたたくさんの書き込みがあり、妻への愛を表しています。２
人の生活は大きな問題を抱えていたのですが、マーラーは音楽の中で愛が完全に成就するようにしたのです。 最終楽章は、彼が人生に求め、得られなかったすべてのものへの熱望で、心が張り裂けるようです。
完成されていたら、これは非常に偉大な交響曲だったでしょう。 肝心なのは、彼がすべての小節を書き、全曲を通して欠落はなかったということです。 作品の半分はオーケ
ストレーションまで完成し、残りも四段譜に各声部が書かれていましたが、いくつかの箇
所はハーモニーを完成させる必要がありました。
シェーンベルクやベルクなどの作曲家は交響曲を完成させる勇気がありませんでした。デリック・クックだけがまるでマーラーが乗り移ったかのように取り組み、何年もかかって演奏可能な状態にまで仕上げました。
私がロンドンのBBC交響楽団で演奏した際、クックがリハーサルに立ち会い、いくつかの箇所で代替のオーケストレーションを話し合いましたが、彼はその後改訂版（第3稿第1版）を出版しました。彼の死後、助手が小さな修正を加えた新しい版（第3稿第2版）も出ましたが、私はいくつか同意できない変更点は前の版に戻しています。それが最も満足できる、マーラーの精神に忠実なものだと思うからです。
クックの作業は、すべてマーラーのスケッチに基づいています。その後、他の研究者などによる別の完成版も作られましたが、私はクック版が最もマーラーらしく、信頼できる、最上のヴァージョンだと考えています。
この演奏をお聴きいただくことは非常に重要なことで、これによって彼の全交響曲シ
リーズが完結するのです。ちょうどマーラー最後の言葉のように。
（エリアフ・インバル）（『月刊都響』2014年７・８月号の原稿を改訂）
2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 45452024/01/29 17:42

2/22 C Series

2/23 Special  マーラー：
  交響曲第10番 嬰へ長調
  （デリック・クック補筆による、草稿に基づく演奏用ヴァージョン）
グスタフ・マーラー（1860 ～ 1911）が、夏の避暑地としていた南チロル地方（現イタリア領）のトプラッハで交響曲第10番の作曲を始めたのは1910年の７月初旬。 交響曲第９番のスコアの浄書を終えてから３ヶ月後のことだ。 翌年の５月18日に彼は世を去っているから、人生の残り時間はわずか10 ヶ月余りでしかなかった。
それも波乱含みの時間だった。 同じ７月の末には妻アルマ・マーラー（1879 ～1964）と建築家ヴァルター・グロピウス（1883 ～ 1969）の不倫関係が明るみに出る。アルマが夫を選ぶ意志を示して一応の決着を見るが、彼がこうむった痛手の（1856 ～ 1939）
大きさは、８月25日にオランダで精神分析医ジークムント・フロイトのもとを訪れ、診断を請うた事実からも伝わってこよう。そこで得た所見により精神状態を好転させると、９月には第８交響曲のミュンヘンにおける初演を自らの指揮で大成功に導き、続く秋からのシーズンはニューヨーク・フィルと精力的な演奏活動にも乗り出したマーラー。しかし年末には病魔が発覚してしまう。
交響曲第10番の作曲に費やした期間はちょうどフロイトと面会を果たした頃までで、それ以降に作業が進んだ形跡はない。 遺品となった自筆草稿のうち、スコアの体裁をなしているのは最初の３楽章のみ。 第１楽章は完成状態に近く、いくつかの箇所で臨時記号や声部配置の解読に疑問の余地を残し、マーラーが存命なら空白部分への音符の追加や楽器用法の修正がなされた可能性は高いが、そのままでもほぼ演奏に堪える。 第２楽章は冒頭から最終小節まで切れ目なく続くものの、先に行くにつれて、必要最低限の声部を略記的に書き込んだ小節が大半を占める。第３楽章は全体の約３分の１弱がスコア化されており（“ダ・カーポ” の指定で音符を省略した小節も含む）、その部分に関してはやはり完成に近い。
これとは別にマーラーが残したのは作品全体のパーティセル（４段ないし５段の五線譜に記された略式スコア）。 第３楽章のスコア化されていない部分、そして第４楽章以降を補筆する上での典拠をなすものだ。旋律声部と和声的なメモ程度しか読み取れない箇所も多いが、音楽の流れは最後まで途切れずに続く。ところどころに付記された楽器の名称から、オーケストレーションのアイデアも確認できる（フィナーレ序奏部のフルート・ソロはその一例）。
以上の状態からして、アルマに補筆の依頼を受けた作曲家エルンスト・クルシェ
ネク（1900 ～ 91）が、第１楽章と第３楽章のみに手をつけたのは当然のなりゆきだろう。 彼がスコアを整備した２つの楽章は、1924年10月14日にフランツ・シャル
ク（1863 ～ 1931）の指揮するウィーン・フィルが初演を果たした。このクルシェネク
版のスコアは第三者の編纂を経て1951年に出版されるが、今日では顧みられる46

2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 46

2024/01/29 17:42

機会が少ない。その一方、国際マーラー協会による “全集版” のスコアとして、
1964年に第１楽章が単独の形で出版された。マーラーの交響曲第10番といえば、〈アダージョ〉のタイトルを抱く第１楽章のみを演奏するのが、ひと昔前まで一般的だった理由である。
こうした状況を一変させたのが、本日のコンサートで用いられるデリック・クック（1919 ～ 76）の補筆版だ。 曲を演奏に堪える形にする作業の匙加減が慎重かつ適切で “捏造感” が薄く、音楽界で広く信頼をかちえたスコアである。その出発点となったのは、マーラー生誕100年にあたる1960年にベルトルド・ゴルトシュミット（1903 ～ 96）の指揮する放送録音で世に紹介された、第２楽章と第４楽章に欠落箇所を伴う形のヴァージョン
（＝第１稿）。アルマからは猛烈な抗議が寄せられたが、録音に接した彼女は態度を軟化させ、補筆に関して正式な承認を与える。並行して得られた新たな資料にも基づいて作業は進み、1964年に欠落箇所を補填した
全５楽章版の初演が実現した（第２稿＝ Cooke Ⅰ）。そこへ改訂を施した上で1976年にスコアが出版に至る（第３稿第１版＝ Cooke Ⅱ）。そしてクックの没後にも編纂作業の協力者（前記のゴルトシュミット、そしてコリン＆デイヴィッド・マ
シューズ兄弟）による細部の検証が続き、それを反映させたスコアが1989年に第２版（第３稿第２版＝ Cooke Ⅲ）
として刊行を見た。
パーティセルに最低限の音のみ書かれ、楽器指定もない箇所をいかに補筆するかという点については、1964年の初演時の録音で確認する限り、Cooke Ⅰ の段
階でほぼアイデアは固まっている。そこから枝葉を刈り取り、音響的に目立つ金管
楽器や打楽器を中心にオーケストレーションも抑制する方向で Cooke Ⅱ が成立。その改訂作業に比べれば、Cooke Ⅱ と Ⅲ との差異はごく細部の手直しにとどまる。おおまかにいって1990年代以降、クックの補筆版を演奏する際のスコアとパート譜はCooke Ⅲ に切り替わっているのだが、インバルは1992年に果たしたフランクフルト放送響との録音でも、2014年に都響へ客演したときも、クック本
人の立ち会いのもとで指揮した経験を持つ彼が信頼を寄せる版として、Cooke Ⅱ
を用いていた。
たとえば Cooke Ⅱ の第４楽章では、小太鼓のロールや（冒頭の和音にも重なる）、弦楽器が奏でる旋律線を部分的に縁取るシロフォンが随所で印象的な役割を果たす。これは Cooke Ⅲ になると姿を消すものだが、都響との演奏を収めた
ライヴ録音のCDで確認できるとおり、インバルは Cooke Ⅱ に従っている。しかし同じ録音でも明らかなように、細部まで完全にこの譜面に準拠しているわけではない。 顕著な例が第２楽章の終結楽句（終わりから２小節目）で鳴らされるシンバ
ル。これは Cooke Ⅲ の形だ。実はこのシンバル、Cooke Ⅰ では存在したが、Cooke Ⅱ を編む際にクックが削除したもの。それをゴルトシュミットとマシューズ兄弟が復活させたのだ。さらには第４楽章の大詰め近くで、ルーテが叩くリズム音形
2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 47

472024/01/29 17:42

2/22 C Series

2/23 Specialに誘われて登場する旋律を奏でる楽器は Cooke Ⅱ がヴィオラ、Cooke Ⅲ がイ
ングリッシュホルン。インバルと都響のCDでは両者をユニゾンで重ねる形で処理しており、これは結果的に Cooke I と等しい。
つまりこうしたオーケストレーションの異同に関して、インバルのアプローチはクッ
クが抱いた初期のアイデアへ、部分的に立ち戻った様相も呈している。その一方、Cooke Ⅱ の段階でパーティセルの読み方に誤謬があるとして、Cooke Ⅲ で修正された音高に従った箇所も上記の録音では認められる。インバルの眼と耳が収束点を導き出した、いわば Cooke Ⅱ の進化形だ。今回の共演でも、リハーサルを通じてさらに見直しや彫琢の手が加わる可能性はあろう。
なお、以下に記す楽章解説の太字部分で、第４楽章のタイトルとテンポ指定、そして第５楽章の序奏部のテンポ指定はクックの判断による補筆だが、他はすべてマーラーの自筆草稿スコアかパーティセルに由来するものである。
第１楽章

アダージョ

導入部をなすのはアンダンテのテンポによるヴィオラのモノローグ。 アダージョの主部に入ると、ヴァイオリンが幅広い音域を行き来する
第１主題を提示する。 第２主題は動的な要素が増し、鋭いトリルを含む音形が特徴。ヴィオラのモノローグの回帰をはさんだ後の展開部は、２つの主題の対置と融合の場と化していく。 再現部がいったん鎮まった先には痛ましいまでのトゥッティの咆哮が置かれ、クライマックスの不協和音を切り裂くがごとくトランペットの高音（アルマの頭文字でもあるAの音）が鳴り響く。コーダは内心の不安を内に包み込
みながら、甘く平穏な情調へ転じる。
第２楽章

スケルツォ／非常に速い４分音符で主部は拍子の変化がめまぐるし

く、力感を発散しながらもどこか安定感を欠く身振りだ。トリオはひなびた民俗舞曲
風で、第１楽章と動機的な関連性が強い。主部の再現以降もトリオの要素が幾度も割って入り、両者が次第に渾然一体となっていく。
第３楽章

プルガトリオ／アレグレット・モデラート シンメトリカルな構成をした作品の核をなす部分に置かれた短い楽章。《少年の不思議な角笛》から〈この世の暮らし〉の旋律が引用され、あくせく波打つ伴奏音形とアイロニーをたたえた動機群が奇妙な雰囲気を醸し出す。タイトルは、天国には行けないが地獄に堕ちるほどでもない人間が清めを受ける場所（煉獄）を意味し、スコアではその後に “または地獄”という言葉が記されていたが、斜線で抹消された。第３楽章以降のパーティ
セルには妻アルマに向けて記したとおぼしき言葉が多く残され、ここでは中間部に出てくる付点音符を含む下降音形に記された「死！ 変容！」が目をひく（同じ下降音形を含むモチーフがフィナーレの要所で重要な役割を果たす点からしても、意味深長な書き込みだ）。
第４楽章

スケルツォ／アレグロ・ペザンテ、速すぎずに

パーティセルの冒頭には「悪魔が私を踊りに誘う」で始まる一連の自虐的な言葉が記されており、マー48

2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 48

2024/01/29 17:42

ラーの精神状態をうかがわせる。形式的にはA－B－A’－B’ ……と２つの主題群が交替と変容を重ねる形で書かれ、Aはその楽想や厭世的なタッチからして《大地の歌》と性格が類似し、Bは交響曲第５番のスケルツォの引用句らしきものを含む。
両者が消耗戦を演じるような形で曲は進み、音勢を減じたコーダをしめくくるのは軍楽隊用大太鼓の強打。該当箇所のパーティセルにマーラーは「その意味はお前だけが知っている」と記し、「さようなら、私の竪琴、ああ！ ああ！」と悲痛な調子の言葉を続けている。1907年の暮れから翌年にかけて滞在したニューヨークでマーラー夫妻が耳にした葬列の太鼓が直接的なモチーフとされるが、ショッキング
な打撃音に秘められた意味は明らかだろう。
第５楽章

フィナーレ

序奏部（ 遅く、重々しく）では軍隊用大太鼓が鳴り響く

中、第３楽章に由来する警句的なモチーフが断続的に登場。やがてフルートが悲痛にして甘美な主題を吹き連ねる。 主部のアレグロ・モデラートに入ると、前記のモチーフをはじめとする動機群が、半ば分裂症的な挙動と共に行き交い、そこに序奏部の主題が対置される。やがて訪れるのは第１楽章と同じ不協和音によるカタストロフ。トランペットが吹く下降音形（やはりA音の吹き延ばしで始まる）を伴いながらホルンが回帰させるのは、第１楽章冒頭部の主題だ。 音楽が平静を取り戻すと、序奏部の主題が感情的な高揚と沈静を経た後、澄んだ響きの中に安息感を漂わすコーダへと流れ込む。それが終結点に達しようかというところでヴァイ
オリンとヴィオラが奏でるのは、唐突なクレッシェンドを伴う、１オクターヴ半にもおよぶ幅広いグリッサンドの上昇音形。そして付点音符を含む下降音形がゆっくりとした足取りで全曲の幕切れを導く。これに該当する部分のパーティセルにマーラー
が妻の愛称を用いて記した言葉は、「アルムシ、お前のために生き、お前のために死ぬ」というものだった。
（木幡一誠）
作曲年代： 1910年
初

演： クックの補筆による全５楽章版
1964年８月13日 ベルトルド・ゴルトシュミット指揮 ロンドン交響楽団

楽器編成： フルート４（第４はピッコロ持替）、オーボエ４（第４はイングリッシュホルン持替）、クラリネット４（第４は小クラリネット持替）、バスクラリネット、ファゴット４（第３・第４はコントラファゴッ
ト持替）、ホルン４、トランペット４、トロンボーン４、テューバ、ティンパニ
（奏者２）
、大太鼓、
軍楽隊用大太鼓、小太鼓、シンバル、トライアングル、タムタム、ルーテ、シロフォン、
グロッケンシュピール、ハープ、弦楽５部

2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 49492024/01/29 17:42

2/22 C Series

2/23 Special

Program notes by Robert Markow

  Mahler:  Symphony No.10 in F-sharp major (Cooke version)
Ⅰ Adagio: Andante - Adagio

Ⅱ Scherzo: Schnelle Vierteln

Ⅲ Purgatorio: Allegretto moderato

Ⅳ Scherzo: Allegro pesante. Nicht zu schnell

Ⅴ Finale: Langsam, schwer - Allegro moderato

Gustav Mahler: Born in Kalischt, Bohemia, July 7, 1860; died in Vienna, May 18,

1911

Mahlerʼs contention that “a symphony should be like a world; it mustembrace everything” is fully borne out in his last testament: anguish, despair, joy,

exuberance, regret, terror, agony, peace and much more are found in this symphony, many parts of which reach into psychic realms even Mahler had never before

penetrated.

A shroud of mystery, controversy and misunderstanding has surrounded

Mahlerʼs Tenth ever since the composerʼs death in the spring of 1911. Bruno

Walter, the Mahler disciple who conducted the premieres of the Ninth and Das

Lied von der Erde, refused even to look at the Tenth. An early biographer andfriend of Mahler, Richard Specht, wrote that the Tenth “will never come to performance … it is quite impossible that anyone could complete a score from his mutesymbols.” Mahlerʼs widow refused until 1963 to allow the sketches to be performed.

Numerous Mahler scholars and conductors including Leonard Bernstein, Bernard

Haitink, and Raphael Kubelik have steadfastly refused to acknowledge a bona fidecomplete Tenth.

Yet obviously there is more, much more, to this work than the single Adagio

movement that used to stand as proxy for the whole symphony. What we hear at

this concert is designated the “revised performing version of the draft” as preparedby the English musicologist Deryck Cooke (1919-1976). The chronology of events
leading to this version is long and involved, but it offers one of the most fascinating
stories in musicology of the twentieth century. The story has been well document-

ed, especially in numerous articles by Cooke himself. In much condensed form, itruns as follows:

In 1924, Mahlerʼs widow Alma decided to reveal a portion of the symphonyto the world. She asked Ernst Krenek to edit the two movements most nearly com-plete, the long opening Adagio and the curious little “Purgatorio” third movement.
These were conducted by Franz Schalk in Vienna on October 14, 1924. (The two

movements were published only in 1951.) The same Richard Specht who had pre-viously claimed the Tenth “will never come to performance” thereupon reversed his
50

2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 50

2024/01/29 17:42

position and issued a call for “some musician of high standing who is devoted to

Mahler and intimate with his style” to prepare a performing edition of the entire

five-movement symphony. Among the famous composers approached were
Schoenberg and Shostakovich, but it was destined for musicologists to fulfill thequest: Joe Wheeler and Deryck Cooke in England, Clinton Carpenter and Joseph

Mazzetti in the United States, the Russian conductor Rudolf Barshai, the Israeli-

American conductor Yoel Gamzou, and a pair of Italians, Giuseppe Mazzuca andNicola Samale, all working independently, have prepared seven additional perform-ing versions of the symphony. An eighth, by the German Hans Wollschläger, wasabandoned in 1959 when he changed his mind on the feasibility of the undertak-ing. There are also a couple of chamber orchestra versions. Of these ten, only

Cookeʼs revised version has acquired any currency to date.

Cooke first came face to face with the problem of the Tenth in 1959, when

he was commissioned by the BBC to write a brochure about Mahlerʼs symphonies
as part of the 1960 Mahler centennial year observations. Not content to accept

only the two published movements of the Tenth, Cooke investigated Mahlerʼssketches and found to his surprise that the composer had left the symphony in anadvanced state of development. Every bar of each movement had been continuously laid out, from beginning to end. These were no mere fragments. The firstmovement had been fully orchestrated, the third was nearly complete, and there
was a four-staff “open” score with many instrumental cues for nearly everythingelse. Cookeʼs fascination and absorption with the Tenth extended to copying out

by hand all the sketches Mahler had left, fully orchestrating everything himself andpreparing a performance-cum-narration for radio broadcast. On December 19,

1960, the BBC carried a broadcast of the first, third and fifth movements complete,plus substantial portions of the two Scherzo movements introduced by Cookeʼs lecture. Berthold Goldschmidt conducted the Philharmonia Orchestra.

Fired by the success of this venture, Cooke prepared to refine and conclude

his cause célèbre when Alma stepped in, refusing permission for any further broadcasts. But she had never even heard the first one, and when finally, three years

later, she was persuaded to listen to a copy of it, she was so moved that she immediately retracted her previous stricture. Alma died shortly thereafter, and in her possession were found 44 additional pages of manuscript, hitherto unknown, whichenabled Cooke to complete his performing version of the symphony. The first com-plete performance was given by Goldschmidt and the London Symphony Orchestra
on August 13, 1964 in Royal Albert Hall. The Philadelphia Orchestra under Eugene

Ormandy gave the American premiere in November of 1965 and made the firstcomplete recording of the work.

Cooke continued to work on and refine the orchestration. His revised “per-forming version of the draft” was published in 1976. Essentially, Cookeʼs accom-

plishment lay not in composing but rather in orchestrating the sketches (many ofwhich already contained indications and cues), determining the harmonies, adding

2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 51

512024/01/29 17:42

2/22 C Series

2/23 Special

contrapuntal lines, and generally filling out the texture. In his revised version, he

augmented each woodwind and brass section from three to four (only the horns
remained at the original number of four; he also added a fifth clarinet). Cooke also

incorporated additional adjustments that he felt brought “the sonority of the musicnearer to the true ‘Mahler soundʼ in so far as that is possible.”

The 25-minute Adagio is an extended elegy imbued with profound nostalgia,

passionate intensity, glowing colors and sinewy chromaticism. Three main ideas −the opening meditation for violas alone, the soaring theme spanning two octaves
for the full string orchestra; and a lighter, dance-like subject − alternate throughout

the movement. The climax intrudes suddenly as monolithic, organ-like chords burst
forth in the brass, accompanied by sweeping figurations in the harp and strings.

Trumpets scream a sustained high note while massive, terrifying dissonances hurlthemselves against it. The agonized, nightmarish episode dissipates almost as suddenly as it appeared.

The first of two scherzos, each about twelve minutes in length, is character-ized by an exuberant mood and almost constantly changing meters ( “one of

Mahlerʼs most astonishing leaps into the future,” to quote musicologist Michael

Steinberg). There are two contrasting episodes, each reminiscent of the dance-likeLändler.

ブ

B

T

The centerpiece of the five-movement structure is the tiny, four-minute“Purgatorio.” While writing the symphony, Mahler learned that his wife Alma washaving an affair with the architect Walter Gropius. He titled the movement not

after Dante, but in reference to a poem by Siegfried Lipiner about betrayal.

The second scherzo combines music of spectral visions and demonic furywith dance-like impulses. “The devil dances it with me,” Mahler wrote in the score.

Shrill outcries alternate with ghostly rustlings in some of the most advanced music
Mahler ever wrote.

Mahler preserves the symphonyʼs symmetrical layout in a long, slow finale.

Utter desolation pervades the movementʼs opening pages. Eventually a long, arching flute solo of ineffable beauty spreads its consoling message over the gloom.

This theme is developed at great length, and is interspersed with elements fromprevious movements as well (notably the sustained scream of anguish from thetrumpets), each bringing its message of distress, tension or passion. The final pages

open out onto a world of serene resignation and tenderness. “To live for you! To

die for you!, Almschi,” Mahler wrote over the last notes, his way of showing that hehad passed beyond the pain of betrayal from the woman he still loved.

ワー
ブル

指揮：

ソプラ

メゾ・

テノー

バス：

管弦

For a profile of Robert Markow, see page 13.

合唱：

合唱指

チケッ

東京・

ww

（座席選

52

2/22 C Series & 2/23 Special

2024-02都響̲20240129v13.indd 52

2024/01/29 17:42