Alan GILBERT
Principal Guest Conductor

アラン・ギルバート
首席客演指揮者
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© 堀田力丸

都響首席客演指揮者、NDRエルプフィル（北ドイツ放送響）首席指揮者、スウェーデン王立歌劇場音楽監督、ロイヤル・ストックホルム・フィル桂冠指揮者、ジュリ
アード音楽院指揮・オーケストラ科ディレクター。
2017年まで８シーズンにわたってニューヨーク・フィル音楽監督を務め、芸術性を広げる活動が高く評価された。ベルリン・フィル、ロイヤル・コンセルトヘボ
ウ管、シュターツカペレ・ドレスデン、ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管、パリ管、クリーヴランド管、ボストン響、フィラデルフィア管などへ定期的に客演。オ
ペラではメトロポリタン歌劇場、ロサンゼルス歌劇場、ミラノ・スカラ座、ゼンパー・
オーパー（ドレスデン）、チューリヒ歌劇場などへ登場した。メトロポリタン歌劇場とのDVD『ドクター・アトミック』（Sony Classical）、ルネ・フレミングとのCD『ポエム』（Decca）でグラミー賞を獲得。
都響とは2011年７月に初共演、2018年４月に首席客演指揮者へ就任。2021年
12月、都響首席客演指揮者としての任期延長（2025年３月まで）が発表された。
Alan Gilbert is Principal Guest Conductor of TMSO, Principal Conductor of NDR Elbphilharmonie

Orchester, Music Director of Royal Swedish Opera, Conductor Laureate of Royal Stockholm
Philharmonic, and Director of Conducting and Orchestral Studies at Juilliard School. He wasalso Music Director of New York Philharmonic between 2009 and 2017. Gilbert makes regular
guest appearances with orchestras including Berliner Philharmoniker, Royal Concertgebouw
Orchestra, Sächsische Staatskapelle Dresden, Gewandhausorchester Leipzig, Orchestre deParis, Cleveland Orchestra, Boston Symphony, and Philadelphia Orchestra. He has appeared
at Metropolitan Opera, LA Opera, Teatro alla Scala, Semperoper, and Oper Zürich, among
others. TMSO announced that the term of Gilbert as Principal Guest Conductor was prolonged
until March 2025.

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田力丸

T

都響スペシャル「チック・コリアに捧ぐ」
TMSO Special “Tribute to Chick Corea”

7月17日（日）  14:00開演

TMSO

サントリーホール

2022年

Sun. 17 July 2022 14:00 at Suntory Hall

7月18日（月・祝）  14:00開演

2022年

Mon. 18 July 2022 14:00 at Suntory Hall

指揮 ● アラン・ギルバート Alan GILBERT, Conductor

トロンボーン ● ジョセフ・アレッシ Joseph ALESSI, Trombone

コンサートマスター ● 四方恭子 Kyoko SHIKATA, Concertmaster

ガーシュウィン：キューバ序曲（10 分）
Gershwin: Cuban Overture：
チック・コリア（オーケストレーション／ジョン・ディクソン）（24 分）〔日本初演〕
トロンボーン協奏曲（2020）

Chick Corea (orchestrated by John Dickson): Trombone Concerto (2020) [Japan Premiere]（Ⅰ）“A Stroll” Opening - “A Stroll”  Ⅱ  “Waltse for Joe”  Ⅲ  “Hysteria”  Ⅳ  “Joeʼs Tango”（ピアノ／江口 玲 Akira EGUCHI, Piano）（ハープ／早川 りさこ Risako HAYAKAWA, Harp）※ “A Stroll” Opening および “A Stroll” が第１楽章に当たるが、スコアには楽章番号の記載がないため、
  ここでは（Ⅰ）と表記した。

休憩 / Intermission  （20 分）

ラヴェル：スペイン狂詩曲  （17分）

Ravel: Rapsodie espagnole
Ⅰ Prélude à la nuit Ⅱ Malagueña Ⅲ Habanera Ⅳ Feria

ラヴェル：ボレロ  （15分）
Ravel: Boléro

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
助成：

文化庁「ARTS for the future! 2」補助対象事業

演奏時間と休憩時間は予定の時間です。
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Joseph ALESSI
Trombone

ジョセフ・アレッシ
トロンボーン

1985年、ニューヨーク・フィル（NYP）首席トロンボーン奏者に就任。
父ジョセフ・アレッシ・シニアのもとで音楽の勉強を始め、高校生のときにサンフラ
ンシスコ響のソリストとして活躍した後、カーティス音楽院で学ぶ。NYP に参加する前は、フィラデルフィア管とモントリオール響に所属。また、ブーレーズ指揮ロンドン響のゲスト首席奏者としてカーネギーホールで演奏した。NYP を含む世界中のオーケスト
ラと数多くの世界初演を行っている。ソリスト、リサイタリスト、室内楽奏者としても世界中で活躍、カナディアン・ブラスなど著名な金管アンサンブルとの録音や演奏も多い。
彼のディスコグラフィには、Summit Records、Cala Records、オーケストラの自主制作レーベルからのリリースが多数含まれている。ジョージ・クラム《スター・チャ
イルド》にソリストとして参加した録音（Bridge Records）はグラミー賞を受賞した。
ジュリアード音楽院教授、国際トロンボーン協会元会長。Shires-Alessi モデルのトロンボーンを使用している。
Joseph Alessi was appointed Principal Trombone of New York Philharmonic (NYP) in 1985.
As a high school student, he was a soloist with San Francisco Symphony before continuing hismusical training at Curtis Institute of Music. Prior to joining NYP, he was with Philadelphia
Orchestra and Orchestre symphonique de Montréal. Alessi is an active soloist, recitalist, andchamber music performer all over the world. His recording of George Crumbʼs Star Child on
Bridge Records, featuring Alessi as soloist, won a Grammy Award. He is currently on the faculty of Juilliard School and past president of International Trombone Association. Alessi plays
exclusively on a Shires-Alessi model trombone.

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  ガーシュウィン：  キューバ序曲
ミュージカルやアメリカ独自のクラシック音楽の作曲家として名声を確立したジョージ・ガーシュウィン（1898～1937）は、1932年２月、忙しい作曲活動の合間を縫ってキューバのハバナで２週間の休暇を取った。昼はゴルフ、夜はナイトクラブ、時にはパーティーに参加し、ダンス公演も楽しんだ。そんな休暇中の彼を特に魅了したのは現地のダンス・バンドが自然体で演奏した複雑なリズムの音楽だった。滞在２日目の朝４時に「流し」 のルンバ・バンドが寝室の窓の外からセレナーデを演奏したのも、強い印象を残した（他の客にはかなり迷惑だったようだが）。ガーシュウィンはキューバ音楽を特徴づけていた打楽器を持ち帰り、新作に使おうと考えた。
帰国して、７月から彼はキューバのエッセンスを取り入れた管弦楽作品 《ルンバ》
を書き始め、８月１日にオーケストレーションを開始し、９日に完成。ニューヨーク・フィルによるオール・ガーシュウィン・ナンバーの野外コンサートで発表した。会場である
スポーツ・スタジアムを埋め尽くした１万８千人の聴衆は、指揮者とオーケストラの間（協奏曲のソリストの位置）に立って演奏した、当時としては物珍しいキューバの打楽器（下手側からキューバンスティック、ボンゴ、ギロ、マラカス）に興味を示し、香り高く色
彩鮮やかなガーシュウィンのラテン風作品を楽しんだ。11月にはメトロポリタン歌劇場でもこの 《ルンバ》 は演奏されたが、曲名は 《キューバ序曲》に変更された。
作品が、当時流行していた《南京豆売り》 のようなダンス・ナンバーのアレンジものだと誤解されるのを避けるためだった。ガーシュウィンはこの作品を「交響的序曲」とまで呼んでいた。
《キューバ序曲》 は「急―緩―急」 の３部形式で、まず導入部では曲の両端部に登場する様々な動機が登場する（イグナシオ・ピニェイロ〔1888～1969〕作曲の《エチャレ・サルシータ》 の一部も引用されている）。賑やかな転調を経てハ長調に落ち着くと主部に入り、軽快な民族打楽器に乗せてヴァイオリンやホルン、イングリッシュ
ホルンが息の長い第１主題を奏する。木管楽器による複調（異なる調に属する和音や旋律が同時に鳴らされること）の推移部の後、フルートとオーボエが上行音形で始まる第２主題を提示する。
中間部は独奏クラリネットのカデンツァに導かれる形で始まり、キューバの打楽器がリズムを静かにこだまさせるのに乗せて、木管楽器が寂しげな主題をカノンで提示する。これにヴァイオリンとフルートが悩ましげな主題で応答する。この２つの主題は交互に登場しながら金管楽器と組み合わされて盛り上がり、やがて軽快なテンポとリズムが戻ってくる。
後半部は、曲の冒頭で提示された動機や第１主題が次々と現れ、たたみかけるように展開。聴き手を興奮させる。終結部は低音域から高音域にかけて管楽器を中
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心に音が堆積し、叫びのような全奏で曲が閉じられる。なお、最後から２小節目のリズム動機による全奏については、自筆譜に “3 TIMES” と記されているため、ここを３回繰り返す指揮者もいる。
（谷口昭弘）
作曲年代： 1932年
初

演： 1932年8月16日 ニューヨーク
アルバート・コーツ指揮 ニューヨーク・フィル

楽器編成： フルート３（第３はピッコロ持替）、オーボエ２、イングリッシュホルン、クラリネット２、バ
スクラリネット、ファゴット２、コントラファゴット、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、
テューバ、ティンパニ、小太鼓、シロフォン、グロッケンシュピール、大太鼓、シンバル、
ウッドブロック、キューバンスティック、ギロ、マラカス、ボンゴ、弦楽５部

  チック・コリア（オーケストレーション／ジョン・ディクソン）：
  トロンボーン協奏曲（2020）〔日本初演〕
チック・コリアがトロンボーン協奏曲を書くことになったきっかけは、日本の優れたピ
アニスト小曽根真が、数年前にニューヨーク・フィルと共演した頃にさかのぼる。そのコンサートのあと、マエストロ・アラン・ギルバートと私は、真からバードランド（訳注：
ニューヨーク市の名ジャズ・クラブ）に招待され、彼が偉大なるゲイリー・バートンと共演するのを聴いた。第２セットの中で、彼らは《ブラジリア》というチック・コリア
による美しい調べを演奏した。この素晴らしい曲に私は大きな感銘を受け、真に尋ねたのだった。チックは私のためにトロンボーン協奏曲を書いてくれないだろうか、と。
真がチックにメッセージを送ると、とても興味があると返信が来た。だがチックは当初、シンフォニー・オーケストラのために作曲することにためらいがあったようだ。
私はニューヨーク・フィルが優れたプロ集団であり、新しい音楽の演奏にも精通していることを伝えて、彼を説得した。ようやくチックは作曲を認めてくれて、私たちはフロリダの彼の自宅で会い、最初の３つの楽章についてアイディアやアウトラインの意
見交換を行った。
作品は「“A Stroll” Opening（そぞろ歩きの始まり）」と題された、実質的には序奏となる部分から開始する。トロンボーンの自由なインプロヴィゼーションから始まり、
ハープ、打楽器、ピアノとの掛け合いがそれに続く。その対話ののち、「“A Stroll”（そぞろ歩き）」 部に入る。ニューヨークに暮らすチックが、アップタウンやダウンタウ

ンを歩きながら捉えた風景や音にインスパイアされて作られたものである。
第２楽章は「“Waltse for Joe”（ジョーのためのワルツ）」と題されている。チックはトロンボーンの叙情的な面を熱心に追求していたが、それがこの楽章に結実している。伸びやかで美しい弦楽器の間奏で始まるこのワルツは、エリック・サティの音
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楽を彷彿とさせる。
「“Hysteria”（ヒステリー）」と題された第３楽章は、新型コロナウイルスのパンデミッ
クが起こり始めた頃に作曲されたもので、タイトルは世界中の混沌とした状況を強調
しようと意図的につけられたものである。タイトルのとおり、半音階的で威嚇するような音楽でありながら、同時にどこか軽快でもある。ハープとピアノのヴァンプ（訳注：
短いコード進行やリズムなどの繰り返し）に独奏トロンボーンの即興が重なって、この楽章は終わる。
第４楽章の 「“Joeʼs Tango”（ジョーのタンゴ）」は弦楽器と打楽器によるヴァン

プと、それに時に応じ、時に相反する独奏トロンボーンとによって、大胆に開始する。
カデンツァもチック・コリア自身によって作曲されている。ラテン的なヴァンプに乗ったメロディーはとても叙情的である。ゆったりとしたテンポが、しまいには完全に停止す
るが、最後は新たに速いテンポのヴァンプが現れて、協奏曲全体を華やかに締めくくる。
「“Joeʼs Tango”」 の最初のヴァージョンでは、第３楽章と同様に穏やかに締めく
くられていたが、私は勇気を振り絞って、エンディング部分を書き直してほしいとチックに頼んだ。見ず知らずの２人が、最初は気乗りせずにタンゴを踊っているが、やがて情熱を帯びてゆき、しまいには互いを抱きしめ合うイメージだと説明した。チックはその案に賛成してくれて、大胆なエンディングに仕上げてくれた。
2020年11月、チックから治療のためしばらく連絡ができなくなると伝えられた。
2021年２月９日に彼が亡くなったと知らされ、私はショックに打ちのめされた。この協奏曲のブラジルでの演奏にチックも同行し、ピアノ・パートを弾いてくれるのを楽しみにしていたからだ。
この作品の見事なオーケストレーションを手がけてくれた、素晴らしい作編曲家であるジョン・ディクソンに心から感謝申し上げる。
私はこの演奏を、真の天才的な音楽家であり、私がこれまでに出会ったもっとも優しく誠実な人、チック・コリアに捧げたいと思う。
（ジョセフ・アレッシ／飯田有抄訳）
委

嘱： ジョセフ・アレッシのためにニューヨーク・フィルが委嘱

作曲年代： 2020年
初

演： 世界初演／2021年8月6・7日 サンパウロ
ジョセフ・アレッシ独奏 ジャンカルロ・ゲレーロ指揮 サンパウロ交響楽団
日本初演／2022年７月17・18日 東京（当公演）
ジョセフ・アレッシ独奏 アラン・ギルバート指揮 東京都交響楽団

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楽器編成： ピッコロ、フルート３（第３はアルトフルート持替）、オーボエ２、イングリッシュホルン、
クラリネット２、バスクラリネット、ファゴット２、コントラファゴット、ホルン４、トランペッ
ト３、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、マリンバ、シロフォン、ヴィブラフォン、ア
ルムグロッケン、ゴング、アンティークシンバル、シンバル、ハイハット、マークツリー、
小太鼓、ログドラム、大太鼓、トムトム、タンブリン、テンプルブロック、クラヴェス、トライアングル、カウベル、コンガ、カバサ、ギロ、マラカス、スルド、ガムラン、シェケレ、
アゴゴ、カスタネット、ハープ、ピアノ、弦楽５部、独奏トロンボーン

チック・コリア（1941.6.12 ～ 2021.2.9）
キーボーディスト、作曲家、バンドリーダーとして活躍したジャズの巨匠。マサチューセッツ州生まれ。コロンビア大学とジュリアード音楽院に学ぶ。20 代で頭角を現し、マイルス・デイヴィス・グループに参加。独立後は、前衛的なジャズ・グループ「サークル」、
革新的なフュージョン・バンド「リターン・トゥ・フォーエヴァー（RTF）」、そして後に「チック・コリア・エレクトリック・バンド」などを結成。バンドでの活動と並行してソロやデュオでも活躍した。
RTF の２枚目のアルバム『ライト・アズ・ア・フェザー』（1972）
収録の 《スペイン》は彼の代表曲として知られる。作品にはラテ©Chick Corea Productions

ン、ロック、クラシックなど幅広い音楽性が感じられ、生涯に発表したアルバムは 100 作以上、グラミー賞の受賞は 25 回を数える。親日家であり、1968 年以降 50 回以上来日した。クラシッ
ク分野ではフリードリヒ・グルダやニコラウス・アーノンクールとの共演が有名。2020/21 シー
ズンにはニューヨーク・フィルのアーティスト・イン・レジデンスを務める予定だった。

  ラヴェル：  スペイン狂詩曲
フランスの作曲家モーリス・ラヴェル（1875～1937）には有名な 《ボレロ》をはじめ、スペインに題材を採った作品が多い。彼がみせたスペイン文化への傾倒は、スペイン国境にほど近いバスク地方出身の母マリ（1840～1917）の影響によると指摘する向きがある。しかし、バスクはスペインとは異なる文化圏に属し、ラヴェル自身、後年のピアノ協奏曲ト長調をはじめ、バスク文化に深い理解を示す作品を書いていることを考えると、そうした指摘は正しいとは言い難い。
彼の偏愛はむしろ、エドゥアール・ラロ（1823～92）やジョルジュ・ビゼー（1838～75）らをはじめとして、フランス音楽界に伝統的にみられるスペイン好みの系譜に連なるものとみなすべきだろう。
《スペイン狂詩曲》 は、まず２台ピアノのための楽譜が1907年夏に作成された。
その後12月になって、ラヴェルはイギリスよりレイフ・ヴォーン・ウィリアムズ（1872～1958）の訪問を受け、約３ヵ月にわたって彼を指導しつつ共に近代管弦楽法を集
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中的に研究する機会を得る。翌年２月に完成された《スペイン狂詩曲》 管弦楽版には、その研究の成果が反映され、自身初の本格的な管弦楽曲にして、既に完成された書法をみせる傑作となった。
第１曲

夜への前奏曲

弦楽器の奏でる、印象的な半音進行を含む下降音形の反復が夜の静けさを描写する。その中でクラリネットから弦楽器へと、官能的な旋
律が歌い継がれていく。
第２曲

マラゲーニャ

高音域を主体に透明感のある音楽を繰り広げた第１曲とは対照的に、低音域での特徴的な動きが音楽を支える。打楽器も加わって沸き立
つリズムの中から断片的な旋律があらわれては消える夢幻的な構成には、ドビュッシーの交響詩 《海》 の第２楽章 「波の戯れ」 の影響が指摘されている。
第３曲

ハバネラ

1895年に書かれた２台ピアノのための作品を原曲とする。執拗に反復されるハバネラ舞曲のリズムを背景に、点描的な管弦楽書法と大胆な和声進行が繰り広げられる。
第４曲 祭 大規模な打楽器群を伴う管弦楽がここで初めて力を解放し、力強いフィナーレを築き上げる。３部形式を採り、主部ではスペイン風の３連符を多用した旋律が飛び交って、祭の喧騒を描く。中間部ではイングリッシュホルンの歌う旋律が気怠い雰囲気を喚起するが、トランペットの刻むリズムとともに主部が回帰し、轟然と鳴りわたるクライマックスに至る。
（相場ひろ）
作曲年代： 1907年夏から1908年２月
初

演： 1908年３月15日 パリ エドゥアール・コロンヌ指揮 コロンヌ管弦楽団

楽器編成： ピッコロ２、フルート２、オーボエ２、イングリッシュホルン、クラリネット２、バスクラリネ
ット、ファゴット３、コントラファゴット、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、シンバル、小太鼓、トライアングル、タンブリン、カスタネット、
シロフォン、タムタム、ハープ２、チェレスタ、弦楽５部

  ラヴェル：  ボレロ
しばしば “管弦楽の魔術師” と称されるフランス近代の作曲家モーリス・ラヴェル（1875～1937）だが、その “魔術師” ぶりを最も端的に示した作品が、彼の全作品の中でも最も有名な 《ボレロ》 である。
曲の構造は単純ながらきわめて大胆で、終始一貫して繰り返される小太鼓のボレ
ロ（18世紀末起源のスペインの舞踏）のリズム上で、対となったわずか２つの主題をそのままの形で転調もせずに、ただただ反復していくだけというもの。旋律とリズムをこのように単調に繰り返す手法を敢えてとりつつ、ラヴェルは数々の楽器とその多7/17 & 7/18 Special

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様な組み合わせによって響きの色合いの変化を鮮やかに浮かび上がらせた。同一音型の反復の中で多彩に変わりゆくその音響世界はあたかも万華鏡のようで、まさに “魔術師” ラヴェルの面目躍如たるものがある。
そうした色調の変化に加え、全体にわたって次第に音量を徐々に上げていくことで高揚感を作り出す設計も見事で、その最高潮でそれまでのパターンを崩して、全く思いがけない転調（主調のハ長調からホ長調へ）とともにここまで膨れ上がってきたエネルギーを一挙に解放、再度主調に戻ったかと思うと突然崩れるように終わる。
曲は1928年に、有名な舞踏家イダ・ルビンシテイン夫人（1888～1960）からの委嘱で書かれた。スペイン風のバレエというのが彼女の依頼で、ラヴェルは当初スペインの作曲家イサーク・アルベニス（1860～1909）のピアノ組曲 《イベリア》 の抜粋を管弦楽用に編曲することを考えたが、この作品はすでにエンリケ・アルボス（1863～1939）が管弦楽に編曲しており、アルベニスの遺族から許可を得る必要があった

こともあって、結局スペインのボレロの様式によるこの斬新きわまりない作品が生まれることになったのだった。
初演は1928年11月22日、パリのオペラ座でルビンシテインを主役とする彼女の舞踏団によってなされた。筋書きはスペインの酒場を舞台に、若い娘がテーブル上
でボレロを物憂げに踊り始め、その場にいた人々も次第にそれに加わり、全員が舞踏の熱狂の渦に巻き込まれるというもの。演奏会初演は1930年１月11日、パリでラヴェル指揮ラムルー管弦楽団によって行われている。
（寺西基之）
作曲年代： 1928年
初

演： 1928年11月22日 パリ ヴァルテル・ストララム指揮

楽器編成： ピッコロ、フルート２（第２はピッコロ持替）、オーボエ２（第２はオーボエダモーレ持替）、
イングリッシュホルン、クラリネット２（第２は小クラリネット持替）、バスクラリネット、サクソフォン２（ソプラノ、テノール）、ファゴット２、コントラファゴット、ホルン４、トランペ
ット３、小トランペット、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、シンバル、小太鼓２、タムタム、ハープ、チェレスタ、弦楽５部

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Program notes by Robert Markow (except Chick Coreaʼs Trombone Concerto)

  Gershwin:  Cuban Overture
George Gershwin: Born in Brooklyn, September 26, 1898; died in Hollywood,
California, July 11, 1937
Early in 1932, eight years after composing the Rhapsody in Blue, Gershwin
took a brief holiday in Cuba. Throughout his stay he encountered much native
Cuban music, whose rhythms and special percussion instruments especially attracted his interest and led to the composition of his Cuban Overture several months
later. Gershwin had planned to write the work in Europe, but the death of his
father intervened, and he spent the summer in New York City instead, trying to
sublimate his grief in composing this charming, lighthearted Overture.
Initially entitled Rumba, the work was first performed at a most auspicious
event, the first all-Gershwin concert given anywhere. That “anywhere” was noneother than New Yorkʼs Lewisohn Stadium, on August 16, 1932. Nearly 18,000 people attended, and some 5,000 were turned away, breaking the all-time record for
Stadium Concerts. (Records were again broken in 1937 and 1941 at the Stadium,
each time for all-Gershwin concerts.) On November 1, Rumba was performed
again, this time indoors at the august Metropolitan Opera House, as part of amusiciansʼ benefit concert. For this occasion Gershwin changed the name to Cuban
Overture explaining that “When people read Rumba they expect the ‘Peanut
Vendorʼ or a like piece of music. Cuban Overture gives a more just idea of thecharacter and intent of the music.”
Catchy tunes, provocative rhythms, colorful orchestration and native percussion instruments all contribute to the Cuban Overtureʼs lively effect. The Overtureis in three parts, with zesty outer sections framing a slower, romantic central passage (introduced by a clarinet cadenza) richly evocative of a sultry Caribbean evening. The Cuban Overture concludes with the infectious gaiety of the rumba
rhythm colored by the sounds of the bongo, gourd, maracas and the Cuban sticks.
The good-natured charm and sense of spontaneity that infuse this unpretentious little piece is neatly summed up in the words of Robert Payne: “It is perfectly
possible to imagine an American sitting down at a cafe after being deafened by thefiesta and then slowly getting maudlin drunk, only to be awakened sharply by the
resounding concluding passages, which form an imperious salute to the Iberian heritage.”

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  Chick Corea (orchestrated by John Dickson):
  Trombone Concerto (2020) [Japan Premiere](Ⅰ) “A Stroll” Opening - “A Stroll”
Ⅱ “Waltse for Joe”
Ⅲ “Hysteria”
Ⅳ “Joeʼs Tango”※ “A Stroll” Opening and “A Stroll” correspond to first movement, but score does notinclude movement number. Therefore, it is written as (I) above.

Chick Corea: Born in Chelsea, Massachusetts, June 12, 1941; died in Tampa Bay
area of Florida, February 9, 2021
The reason why Chick Corea came to write a Trombone Concerto dates backto the occasion when the brilliant Japanese pianist Makoto Ozone was performing
as a soloist with the NY Philharmonic several years ago. After the concert, Makoto
invited Maestro Alan Gilbert and myself to Birdland, where Makoto was performingwith the great Gary Burton. During the second set, they played a beautiful tune
composed by Chick Corea called Brasilia. When I heard this wonderful piece, I felt
so inspired that I approached Makoto and asked him if he thought that Chickwould ever consider writing me a trombone concerto.
Makoto texted Chick who replied that he might indeed be interested. Whileat first Chick was hesitant about working with a symphony orchestra, I assured himthat the New York Philharmonic was well versed playing and performing new
music with unmatched professionalism. Chick eventually agreed to write the trombone concerto, and we met at his home in Florida to exchange ideas and outline
the first three movements.
The composition begins with a substantial introduction entitled “A Stroll”
Opening that includes trombone free improvisation followed by an interplay with
harp, percussion, and piano. After the dialogue, “A Stroll” begins; inspired by
Chickʼs time living in New York City walking Uptown and Downtown while taking
in the sights and sounds of the Big Apple.
The second movement is entitled “Waltse for Joe” . Chick was very keen on
exploring the very lyrical side of the trombone and this part was composed to dojust that. Beginning with an extended, beautiful string interlude, this waltse is reminiscent of the music of Eric Satie.
“Hysteria” the third movement, was composed at the start of the Covid 19
pandemic and this title was chosen purposefully to stress the chaos enveloping in
the world. The music is menacingly chromatic, apropos of the movementʼs title, but
is at the same time lighthearted. The movement finishes with a harp and piano
vamp overlaid with an improvised trombone solo.
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The 4th movement “Joeʼs Tango” starts boldly with a strings and percussion
vamp over a both agreeable and contrary solo and a cadenza composed by Chick
Corea. The melody then becomes very lyrical riding on a vamp with a Latin flavor.
The tempo slows and eventually ceases entirely. Finally, a new, faster vamp creates a flourish of activity to finish the concerto.
Note: The first version of “Joeʼs Tango” ended peacefully, similar to the previous movements. I had to summon the courage to ask Chick if he might consider
rewriting the ending. After I explained to him that his composition suggested to me
the idea of two strangers, reluctant to really engage, dancing an increasingly
impassioned tango and finally surrendering in the embrace of one another. Chickagreed and created a bold ending.
In November of 2020 I heard briefly from Chick who said that he would beout of touch while during some necessary medical treatments. It was devastating
for me to learn on February 9 of 2021 that he had died. We had expected that hewould be with us in Brazil to hear and enjoy this music, as well as for him to play
the piano part of this concerto onstage.
Thank you sincerely to the wonderful composer, musician and arranger John
Dickson for his masterful orchestration of the score for this concerto.
I dedicate these performances to the life and memory of Chick Corea; a musician of true genius and one of the kindest and most sincere people I have ever met.
(Joseph Alessi)
Commissioned by the New York Philharmonic for Joseph Alessi, Trombone
World Premiere: August 6 & 7, 2021 São Paulo
Joseph Alessi, São Paulo Symphony Orchestra / Giancarlo Guerrero
Japan Premiere: July 17 & 18, 2022 Tokyo
Joseph Alessi, Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra / Alan Gilbert

Chick Corea (June 12, 1941 - February 9, 2021)

A jazz master who was active as a keyboardist, composer, and bandleader. Born in Massachusetts, he studied atColumbia University and Juilliard School. In his twenties, heemerged as a prominent figure and joined Miles Davis Group.
After establishing himself as an independent musician, he
formed avant-garde jazz group “Circle” , innovative fusion
band “Return to Forever (RTF)” , and later “Chick Corea Elektric Band” . He was active as a soloist and duos along withhis band activities. Spain from RTFʼs second album “Light asa Feather” (1972) is his best known work. His works show awide range of music styles, including Latin, Rock and Classi©Chick Corea Productions
cal. He has released more than 100 albums and has won 25
Grammy Awards in his lifetime. He was a Japanophile and has visited Japan more than
50 times since 1968. Known for co-starring with Friedrich Gulda and Nikolaus Harnoncourt in the classical field. He was scheduled to be Artist-in-Residence of New York
Philharmonic in 2020/21 season.
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7/17 Special

7/18 Special

  Ravel:  Rapsodie espagnole
Ⅰ Prélude à la nuit
Ⅱ Malagueña
Ⅲ Habanera
Ⅳ Feria

Maurice Ravel: Born in Ciboure, Pyrénées-Atlantiques, March 7, 1875; died in Paris,
December 28, 1937
Of the many non-Iberian composers who have been fascinated with Spanish
music and who have evoked it in their compositions, the French have been the richest source of this genre. These include Bizet (Carmen), Chabrier (España), Lalo
(Symphonie espagnole), Saint-Saëns (Caprice andalous for violin and orchestra),Massenet (the opera Don Quichotte), Ernest Boulanger (father of Nadia and Lili, an
opera Don Quichotte), Ibert (three different works derived from Cervantesʼ novel −music for a radio play, a ballet score, and a film score), and of course Ravel, whose
predilection for the Spanish touch is evidenced in his short opera LʼHeure espagnole,a Habanera for two pianos, the song cycle Don Quichotte à Dulcinée, passages in
the Piano Concerto in G, Boléro, Alborada del gracioso, and the work on this program, Rapsodie espagnole. Ravelʼs penchant for things Spanish may be due in part tothe proximity of his birthplace to the Spanish border and to his Basque mother.
Rapsodie espagnole, Ravelʼs first published orchestral work, is Spanish to thecore, subtly and brilliantly evoking the sights, sounds, colors and physical sensations of this land. It was written in 1907 within the space of thirty days and wasgiven its world premiere on March 15 of the following year in Paris with Edouard
Colonne conducting. The Spanish composer Manuel de Falla heartily endorsed theauthentic Spanish flair in Rapsodie espagnole, noting that “This ‘Hispanizationʼ is
not achieved merely by drawing upon popular ‘folkʼ sources (except in the jota in‘Feriaʼ), but rather through the free use of the modal rhythms and melodies andornamental figures of our ‘popularʼ music, none of which has altered in any way
the natural style of the composer.”
The Rapsodie is in four movements of approximately equal duration. The“Prélude à la nuit” opens with a veiled, diaphanous sound resulting from the unusual spacing of muted violins and violas spaced two octaves apart. This four-note
descending motif, heard almost continuously throughout the movement in one formor another, with only brief interruptions, functions as a backdrop against which a
number of additional small motifs are presented. The dynamic range throughout issubdued, never rising above mezzo forte, and the delicacy of orchestration is
extraordinary. The movement is often said to evoke the languor of a lazy, warm
Andalusian night.
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The following movement, a “Malagueña,” is rhythmically much more active. It
begins quietly in the double basses and rises to a brilliant climax, following which
the English horn gives forth a plaintive, exotic arabesque. Then the basses returnwith their malagueña motf. The movement seems not so much to end as to evaporate into thin air.
The “Habanera” had its origins in an unpublished piece Ravel had written inl895 for two pianos. So closely does it resemble Debussyʼs Soirée dans Grenade(1903) that Ravel noted the date of his original piano version in the score to protect himself against plagiarism.
The “Feria” conjures up the brilliance, commotion and joyous confusion of a
Spanish festival, offering the composer splendid opportunities for dazzling orchestral effects and colors. An interlude midway through features languid, sensuously
sinuous solos for the English horn, then the clarinet. The transition back to the festive music is accomplished through reminiscences of the four − note motif from thefirst movement.
Rapsodie espagnole marked Ravel as a true master of orchestration. The critic
Lawrence Gilman described the work as follows: “Ravel empties his box of paints
into the orchestra to depict it … a brilliantly fantastic hurly-burly, a medley of gorgeous and delicate hues, grotesque humors, ingenious and enchanting arabesques.”

  Ravel:  Boléro
According to the Harvard Dictionary of Music, a bolero is “danced by one
dancer or a couple [and] includes many brilliant and intricate steps, quick movements
such as the entrechat of classical ballet, and a sudden stop in a characteristic position
with one arm held arched over the head (bien parado). The music is in moderate triple time, with accompaniment of the castanets and [characteristic] rhythms.”
Ever since its premiere performance on November 22, 1928 in Paris, Ravelʼs
Boléro has exerted a hypnotic power on most listeners, achieving its effect throughthe repetition of a pair of sensuous melodies repeated over and over in a carefullygauged crescendo of passion culminating in a feverish orgy of sound. Each repetition of one of the themes is played by a different solo instrument or combination of
instruments, all in the key of C major until the final, wrenching modulation to E
major. Each theme is played twice in succession in alternating pairs (AABBAABBetc.). Throughout the fifteen-minute work is heard the steady, characteristic bolero
rhythm in the snare drum, beginning almost inaudibly, and working up to terrifying
volume while hammered out by multiple drummers.
Ravel did not think that his Boléro would survive beyond the world of thedance, but it quickly established itself as an orchestral tour de force and has
become not only his most famous work but one of the best-known compositions in
the entire classical repertory.
For a profile of Robert Markow, see page 31.
For a profile of Joseph Alessi, see page 6.

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Interview

ジョセフ・アレッシ
チック・コリアのトロンボーン協奏曲を語る
７月17・18日の 「都響スペシャル」で、チック・コリアのトロンボーン協奏曲を演奏するジョセフ・アレッシ。この曲の世界初演の状況やアラン・ギルバートとの共演への期待、近年の活動などについて、お話を伺いました。

取材・文／後藤菜穂子※ジョセフ・アレッシのプロフィールは P. 6 を、トロンボー
ン協奏曲の委嘱については曲目解説（P. 8 ～ 10）をご参照ください。
※取材は 2022 年 5 月 28 日、東京～ニューヨークのリモートにて行いました。

◆ 来日の思い出― アレッシさんは、これまでさまざまな形で何度も来日されていますが、ソリストとして日本のオーケストラとの共演はありますか？

「このたびは偉大なミュージシャンかつ作曲家であったチック・コリアのトロンボーン協奏曲を東京都交響楽団と日本初演することになり、とても光栄に思っています。日本のオーケストラとの共演は、過去にインターナショナル・トロンボーン・サミットという催しで来日したときに新日本フィル（注：1995年、セロツキのトロンボーン協奏曲 他）と、そして名古屋フィルとの共演（注：2008年、ニーノ・ロータのトロンボーン協奏曲 他）などがあります。
都響とは初共演です。
初めて日本を訪れたのは1981年、フィラデルフィア管弦楽団の奏者だった時のリッカルド・
ムーティとの日本ツアーでした。友人が初めて寿司屋に連れて行ってくれたり、奈良や京都（金閣寺）を訪れたり、良い思い出となっています。その後、モントリオール交響楽団やニュー
ヨーク・フィル（NYP）ともたびたび来日しています。ソロやアンサンブルを含めると、今回が15回目くらいではないでしょうか。今年も７月の都響のあと、９月にはスライド・モン
スターズ（注：日米欧４人の名手によるトロンボーン・ユニット）のメンバーとしてもまた来ます」
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◆ チック・コリアのトロンボーン協奏曲― チック・コリアのトロンボーン協奏曲は、本来2021年6月にアレッシさんが NYPと世界初演するはずでしたが、コロナ禍の影響で延期になり、世界初演は同年８月にブラジルで、ジャンカルロ・ゲレーロ指揮サンパウロ交響楽団との共演で行われました。初演は盛り上がりましたか？

「当時、ブラジルではまだコロナの規制が残っていたため、オーケストラは距離を取りながらの演奏でしたし、満席ではありませんでしたが、聴衆は熱心に聴いてくださり、評判も上々でした。今年４月には同じ指揮者のもとで、ポルトガルのグルベンキアン管弦楽団とも演奏しましたが、その時は通常配置に戻っていました。
７月の東京公演のあとは、来年１月にヘルシンキ、そして５月にNYPと演奏します。その後もいくつか打診が来ていますので、演奏の機会はあると思います。本来の委嘱者であるNYPとの初演が終わるまではこの曲を演奏できるのは私だけですが、その後は誰でも取り上げられるようになります。私の仲間である中川英二郎も興味を示しています。作品には即興演奏の部分もありますので、即興の得意な彼などは私とはまた違った演奏をするでしょう。また、トロンボーンと吹奏楽とのヴァージョンも今、用意しており、こちらも需要が多いのではないかと期待しています。吹奏楽版は、来年ミッドウェスト・バンド・クリニックにおいてラスヴェガス大学のウィンド・オーケストラと一緒に初演する予定です」― そもそもチック・コリアに最初に作曲をお願いしたのはいつでしたか？ そして、どんな反応でしたか？

「最初に連絡を取ったのは2017年８月２日でした。初めはややためらっていたように思います。
というのも、彼はそれまでもオーケストラ曲を書いていましたが、クラシックのオーケストラとの経験は必ずしも良いものではなかったようです。そこで私は、NYPはあらゆる作曲家の曲を初演してきてどんなスタイルにもすぐに対応できるので大丈夫だと伝え、その後、彼もNYPを聴きに来て団員たちにも会い、最終的に引き受けてくれました。本当は2020/21年にNYPでチッ
クのレジデンシーが予定されており、トロンボーン協奏曲の初演ではピアノ・パートも弾いてくれるはずでしたので、みんなとても残念に思っています（注：チック・コリアは2021年２月９日に死去した）」― アレッシさんは、これまで多くの同時代の作曲家たちに協奏曲を委嘱してきました。レパー
トリーに定着したものとしてはどんな作品がありますか？

「アラン・ギルバートの指揮でNYPと初演したウィリアム・ボルコムの協奏曲（2008年）、
NYP が私のために委嘱してくれたクリストファー・ラウズの素晴らしい協奏曲（1992年）など
でしょうか。それからトロンボーンと吹奏楽のための協奏曲にも良い曲がたくさんあります。
私自身、これまでにジョン・ウィリアムズ、ジョン・アダムズ、ジョン・コリリアーノ、ジョン・ハー
ビソン、ウィントン・マルサリスらに協奏曲を書いてくれないかとお願いしましたが、実現しませんでした。タイミングもありますし、そもそもトロンボーンに興味がないという人もいましたね。
でもチックは思いきって引き受けてくれたのです。きっと彼はトロンボーンのために協奏曲をInterview2022-0708都響_20220704v11.indd 19192022/07/04 15:29

書くことになるとは夢にも思わなかったでしょうけれど、とても柔軟な人でしたので興味を持ってくれたのでしょう。その音楽は決して簡単ではありませんが、トロン
ボーンがとても映える曲だと思います。
私が彼の前でいろいろとトロンボーンを演奏してみせた時に、きっと彼は私の長所や短所も見抜いたのでしょう。その意味でも彼はとても切れる人でした」
ジョセフ・アレッシ（左）とチック・コリア（右）― 今回はアラン・ギルバートとの共演になりますが、どんなことを期待していますか？

「アランのご両親は、私とNYP の同僚でしたから、彼を子どもの頃から知っていましたが、とても聡明なお子さんだったことを覚えています。
NYP の音楽監督としては非常に優れていたと思っています。他の指揮者と違う点は、どんな曲であろうと、どんなプロジェクトであろうと恐れなかった点ですね。それはなかなか真似できないことだと思います。現代曲でも定番のレパートリーでも、彼に指揮できないものはなく、初めての曲を習得するのも早かった。その上、人間的に温厚で、いつでも気軽に話せる人でした。そうした指揮者は実はとても少ないですからね。ぜひまたNYPに戻ってきて指揮してほしいと思っています。
チックの協奏曲はこれまでジャンカルロ・ゲレーロの指揮でしか演奏していないので、ア
ランがどんな解釈をするのか私自身とても楽しみにしています。お互い付き合いが長いですから、安心して舞台に立てると思います」◆ トロンボーンとの出会い― アレッシさんは最初からオーケストラのトロンボーン奏者を目指されたのでしょうか。

「トロンボーンを８歳で始めた時には、いったいどんな役割を持つ楽器なのか、全くわかっていませんでした。うちは両親ともクラシックの音楽家で、トランペット奏者だった父がシカ
ゴ交響楽団や NYP のレコードをたくさん持っていて、それらを子どもの頃に聴いて、オー
ケストラ音楽が好きになったんです。
私はカリフォルニアで育ったのですが、地元のユース・オーケストラの水準が高く、11歳ぐらいで最初に演奏した曲がなんとショスタコーヴィチの交響曲第５番だったんですよ!
しかも第１トロンボーンを割り当てられまして（笑）。その少しあとにシカゴ響のロウブラス・アン
サンブルの LPを入手して、それに感化されて、トロンボーンを本格的に学ぼうと決意しました。

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同じ 頃、ジャズ・トロン ボ ー ン 奏 者 のJ.J.ジョンソンの演奏を聴き、彼の演奏が大好きになりました。また高校のジャズ・バンド
がけっこう上手だったので、高校ではジャズ・グループに入ったりもしました。モントレー・ジャ
ズ・フェスティヴァルのオールスター高校生バンドにも出たことがあるんですよ。結局、私はジャズの道は選びませんでしたが。

ジョセフ・アレッシ（取材中のリモート画面）

私自身がジャズ演奏に力を入れるようになったのはわりと最近のことです。今はジャズ・ピ
アノを練習していて、偉大な奏者のソロなどを研究したり、ジャズの和声法を勉強したりしています。いつか熟達したジャズ・プレイヤーになりたいですね」◆ complete musician を目指して― オーケストラ奏者になった時、ソロ奏者としても活動したいと思っていましたか？

「そうですね。当時、すでにリサイタルも開いていましたし、ソロで演奏することも好きでした。
NYP の奏者になった直後に、ネブラスカのオーケストラからソリストとして招かれ、セロツキの協奏曲を演奏しました――この曲は東京のインターナショナル・トロンボーン・サミットでも吹いた曲です。その後、デビュー CD『スライド・エリア』をリリースし、それが国際的に流通し始めた頃から、ソロ奏者として声がかかることが多くなりました」― オーケストラ奏者としての活動とソリストとしての活動をどのように両立されていますか？

「そもそも “両立” という考え方をしていません。オーケストラも、ジャズの演奏も、ソロ
活動も、金管五重奏も、指揮をするのも、ジュリアード音楽院で教えるのも、執筆や編曲も、
すべて私の音楽家としての活動なのであり、分けて考えるべきではないと思います。“すべてが揃った音楽家（complete musician）” になるためには、あらゆることができないといけないのです。それでも私は作曲しませんから、作曲もするクリスチャン・リンドバーグは
とても尊敬しています！」― オーケストラのトロンボーン奏者の醍醐味は？

「私たちはどちらかといえば脇役で、つねに吹いているわけではないので、同僚の名手たちの演奏を聴くことができるのが大きな醍醐味だと思っています。そして出番がくれば演奏に加わり、時折重要なパッセージを吹く機会があります。たとえばチャイコフスキーの交響曲第６番 《悲愴》 の第３楽章など、全員が演奏する中でトロンボーン・セクションの晴れ舞台が出てくると興奮しますね。セクションとしては、つねに良い音でバランスの取れた演奏ができるよ
うに心がけています」― これまでどんな音楽家から影響を受けてきましたか？

「子どもの頃はシカゴ響のジェイ・フリードマンを尊敬していました。それからサンフラン

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シスコで師事した先生たちですね―マイルズ・アンダーソンはロサンゼルス・フィルから
サンフランシスコ交響楽団に移ってきた方で、もうひとりのマーク・ウォレンもサンフランシ
スコ響を引退された方でした。彼らはトップクラスの奏者であり、素晴らしい教師でもありました。
それからクラシック以外では、もちろんJ.J.ジョンソン、アービー・グリーン、ディック・ナッ
シュら、ジャズの名手たちからも大きな影響を受けました。最近では、往年のジャズ・トラ
ンペット奏者のクリフォード・ブラウンの演奏をよく聴いています。若い世代のジャズ・トロ
ンボーン奏者では、マーシャル・ジルクス、マイク・ディーズが素晴らしいですね」― 年齢を重ねるごとに自分の練習方法など変化があると思いますが、特に何を意識してコンディションを整えているのでしょうか。

「練習方法はあまり変わっていないと思います。またウォームアップについては、今まで以上に真剣に取り組んでいると言えます。正しくウォームアップして、良い習慣をつけて、楽器を持ったらすぐに音を出せるようにすることです。それと、基礎練習（fundamentals）に以前より時間をかけるようになりました。これは歳を取るほど重要になると思います。また柔軟性の練習（flexibility studies）も重要だと思います。持久力と音域（endurance
and range）に関してはまったく劣らないか、むしろ良くなっていると思います。
実は初めてお話しするのですが、昨年11月に突然、ベル麻痺という顔面神経麻痺の病
気に罹り、一時期は楽器も吹けなくなり、オーケストラもソロ活動も数ヵ月間休まなければな
りませんでした。幸い、後遺症もなく回復し、今では完全復帰して、４月にはリスボンでチッ
クの協奏曲のヨーロッパ初演を無事行うことができました。
このようにパンデミックがあったり病気があったりで、実は楽器を演奏することも、演奏を楽しむことも、決して当たり前のことではないということに気づかされた年でした。そのことを忘れないでいたいと思います」◆ メッセージ― 最後に日本の皆さんへのメッセージをお願いします。

「日本を訪れるのはいつも楽しみですが、今回は都響という素晴らしいオーケストラとア
ラン・ギルバートと一緒に、チック・コリアのトロンボーン協奏曲をサントリーホールで演奏できることを本当に嬉しく思っています。しかも、ラヴェルの 《ボレロ》 ではオーケストラに参加させていただけるのも特別な体験になるでしょう。きっとエキサイティングな演奏会になると思います!」22

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C
B

Series

第955回 定期演奏会Cシリーズ
Subscription Concert No.955 C Series

東京芸術劇場コンサートホール

7月24日（日）  14:00開演

2022年

Sun. 24 July 2022 14:00 at Tokyo Metropolitan Theatre

第956回 定期演奏会Bシリーズ
Subscription Concert No.956 B Series

7月25日（月）  19:00開演

Seriesサントリーホール

2022年

Mon. 25 July 2022 19:00 at Suntory Hall

指揮 ● アラン・ギルバート Alan GILBERT, Conductor

コンサートマスター ● 矢部達哉 Tatsuya YABE, Concertmaster

モーツァルト：交響曲第 39 番 変ホ長調 K.543 （30 分）
Mozart: Symphony No.39 in E-flat major, K.543
Ⅰ
Ⅱ
Ⅲ
Ⅳ

Adagio - Allegro
Andante con motoMenuetto: Allegretto
Allegroモーツァルト：交響曲第 40 番 ト短調 K.550 （28 分）
Mozart: Symphony No.40 in G minor, K.550
Ⅰ
Ⅱ
Ⅲ
Ⅳ

Molto allegro
AndanteMenuetto: Allegretto
Allegro assai
休憩 / Intermission  （20 分）

モーツァルト：交響曲第 41 番 ハ長調 K.551《ジュピター》（33 分）
Mozart: Symphony No.41 in C major, K.551, “Jupiter”
Ⅰ
Ⅱ
Ⅲ
Ⅳ

Allegro vivace
Andante cantabile
Menuetto: Allegretto
Molto allegro

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
シリーズ支援：明治安田生命保険相互会社（7/25）
        文化庁文化芸術振興費補助金                （舞台芸術創造活動活性化事業）
助成：        独立行政法人日本芸術文化振興会
演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

ヤングシート対象公演（青少年と保護者をペアでご招待）（ 7/24）
協賛企業・団体は P.43、募集は P.46 をご覧ください。

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7/24 C Series

7/25 B Series

  モーツァルトの三大交響曲
  寺西基之ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト（1756～91）が初めて交響曲（第１番
変ホ長調 K.16）を書いたのは1764年、８歳の時だったが、この最初の試みから後期の作に至る彼の交響曲の軌跡をたどると、彼がいかに様々な角度から交響曲の様式の可能性を探っていったかがわかる。特に後半生のウィーン時代（1781～91）の交響曲は、その書法の円熟ぶりとともに、時代を先取りした大胆な創意が随所に現れている。本日取り上げられる最後の３つの交響曲（第39～41番）はそうした彼の交響曲の頂点といえる傑作である。
これら３曲は1788年夏に集中的に作曲された。短期間に３曲立て続けに書かれていることからみて、３曲が何らかの目的でセットとして作曲されたことが推察される。
しかし生前に出版されることはなく、またいかなる機会に演奏されるために書かれたかといった事情も不明である。初演の演奏記録も残っておらず、かつては作曲者の生前には初演されなかったとすら考えられていたが、近年の研究では、当時パート譜が作られていることなどからも生前すでに演奏されていたことは間違いないとみられており、特に第40番については後述のように何度かの演奏機会が指摘されている。
これら３曲が書かれた時期のモーツァルトは経済的な苦境にあり、１作目の第39番に着手した頃、知人の織物業者ミヒャエル・プフベルク（1741～1822）に借金を申し込んでいる。花形としてもてはやされた数年前に比べ人気は落ちていたものの、当時のモーツァルトは収入が充分にあったことは近年の研究で明らかになっているのだが、浪費からくる多大な支出ゆえに家計が苦しくなっていたようだ。３曲の交響曲セッ
トはそうした状況を打開するために書かれたとも見られている。
作曲事情はともかく、これら３曲はモーツァルトが長年追求し続けてきた交響曲の書法が驚くべき多様性と大胆な創意工夫のうちに結晶化された傑作であり、その円熟の極みといえる確かな筆遣いはまさに彼の交響曲創作の総決算というにふさわしい。
３曲それぞれが異なる個性を示しつつ、しかも動機の相互連関など書法上の関連性を持っていることも注目すべきだろう。
近年、古楽界の巨匠ニコラウス・アーノンクール（1929～2016）がモーツァルト
はこれら３曲をひとつの “器楽的オラトリオ” として構想したという大胆な仮説を打ち出したことは記憶に新しい。彼はこれら３曲に一貫した関連性と連続性があると考え、特に第39番と第40番は休みなしに続けて演奏すべきだと主張している。最近やはり古楽界のジョルディ・サバール（1941～）が３曲をひとつの作品と見なして休みなしに演奏しているのも、同様な見地からの試みといえよう。
実際にはこうした見方は18世紀当時の演奏会の慣習からみて考えにくいが、アー24

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ノンクールの言うように、モーツァルトが具体的な演奏会を前提とせずに新しいものを創造しようと３曲一体の作品を構想したということは、あり得ないことではない。

  交響曲第39番 変ホ長調 K.543
セットの第１作にあたるこの変ホ長調の交響曲は、モーツァルト自身の「自作品目録」によると1788年６月26日に完成されている。いかにもセットの幕開けにふさわしいスケー
ル感に満ちた序奏が第１楽章の冒頭に置かれており、全体的にカンタービレの豊かさと清澄な響きを基調とする優美かつ力強い性格を持った交響曲である。注目すべき点は、オーボエを省く代わりに当時まだ新しい楽器だったクラリネットを用いている点で、それがこの作品独特のふくよかな音調に結びついている。
第１楽章

アダージョ 変ホ長調 ２分の２拍子～アレグロ

変ホ長調 ４分の３

拍子 まず力強いリズムが壮麗な歩みを生み出す堂々たる序奏が置かれる。この序奏についてアーノンクールは、「王様が入場するような伝統的なフランス風序奏」「これから何かが起こることを予感させる」と述べている。続くソナタ形式の主部の２つの主題はいずれも優美な性格を持っているが、全体はダイナミックな輝かしさでもって晴れやかな発展を示す。
第２楽章 アンダンテ・コン・モート 変イ長調 ４分の２拍子 ロマン的ともいえる情調に満ちた２部分形式の緩徐楽章。付点リズムを生かした主要主題が奥深い美しさを持つのに対し、その穏やかさを脅かすようにヘ短調の副主題が出現し、激しいパトスを表し出す。
第３楽章 メヌエット／アレグレット

変ホ長調 ４分の３拍子

堂々とした宮廷風のメヌエットに対して、伸びやかなレントラー風のトリオでは２本のクラリネットが活躍し、フルートが合いの手を入れる。
第４楽章

アレグロ

変ホ長調 ４分の２拍子

無窮動的な動きに満ちた快活なソナタ形式のフィナーレ。自由に飛翔するかのような軽みで運ばれるが、最後はややあっけない終わり方をする（第39番と第40番は続けて演奏されるべきだとする前
述のアーノンクールの主張は、第39番のこの終止感の希薄な終結を根拠としている）。
作曲年代： 1788年
初

演： 不明

楽器編成： フルート、クラリネット２、ファゴット２、ホルン２、トランペット２、ティンパニ、弦楽５部

7/24 C Series & 7/25 B Series

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7/24 C Series

7/25 B Series  交響曲第40番 ト短調 K.550
第39番から約１ヵ月後の1788年７月25日に完成されたこの交響曲は、前作の明澄な世界から一転、モーツァルトの宿命の調といわれるト短調をとり、彼の短調作品に特有の暗い感情世界を劇的に表し出した作品だ。そうした特質を打ち出すにあたっての大きな要素となっているのが半音階的な動きで、それによって激しい情動や多感な内面の動きを濃やかに浮かび上がらせている。一方でそうしたパトスの表現が確固たる全体構成でしっかり律せられ、隙のない緊密な作品となっている点に円熟した筆致が窺えよう。トランペットやティンパニを省いた切りつめた編成も全体の厳しい音調にふさわしい。
初稿はクラリネットが入っておらず、本日もその初稿による演奏だが、モーツァルト
は後に２本のクラリネットを追加し元のオーボエ・パートを分担させた改訂稿も作った。
この改訂稿はモーツァルト生存中の1791年４月にウィーンでアントニオ・サリエリ（1750～1825）の指揮で演奏された可能性がある。またオーボエのみの稿には初稿とは違う形も残されており、おそらく別の演奏機会に手直しがなされたと推測できよう。
第１楽章

モルト・アレグロ ト短調 ２分の２拍子

大胆にもいきなり伴奏だけで始まり、その上で第１主題が呈示される。この主題はバロック時代の “ため息音型”
すなわち短２度（半音）下行に始まるのが特徴的。叙情的な第２主題もやはり半音の動きが陰影を与える。展開部の劇的な緊迫感も聴きものだ。
第２楽章

アンダンテ

変ホ長調 ８分の６拍子

穏やかな気分に満ちた緩徐楽章だが、やはり半音階的用法が時に陰りをもたらす。
第３楽章 メヌエット／アレグレット ト短調 ４分の３拍子

峻厳な趣の力強いメ

ヌエット。対照的にト長調のトリオは牧歌的な気分を湛えている。
第４楽章

アレグロ・アッサイ ト短調 ２分の２拍子

大胆な響きを随所に取り入れ、緊迫感溢れる推進力で運ばれるソナタ形式のフィナーレで、最後も短調の厳しい音調のまま終結を迎える。
作曲年代： 1788年
初

演： 初稿／不明

改訂稿／1791年４月16日 ウィーン（？）

楽器編成： フルート、オーボエ２、ファゴット２、ホルン２、弦楽５部

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  交響曲第41番 ハ長調 K.551《ジュピター》
セットの悼尾を飾るこの作品が完成されたのは1788年８月10日、先のト短調からわずか半月後である。交響曲においてモーツァルトが達した高みを示す壮大かつ綿密な構築性を持った傑作で、その壮麗さゆえに《ジュピター》（ギリシャ神話の最高神ゼウス）の愛称（ロンドンで興行師として名を成し、ハイドンとの関わりでも知られるドイツ人音楽家ヨハン・ペーター・ザロモン〔1745～1815〕の命名といわれる）で知られてきた。
とりわけ終楽章は、「ド－レ－ファ－ミ」 の音型（ジュピター音型と呼ばれるが決してこの曲特有のものでなく、中世聖歌以来様々な仕方で用いられた音型。モーツァ
ルトも最初の交響曲第１番 K.16をはじめとして、幾つかの作品ですでに使用していた）を主題としてフーガ風に展開する燦然たるもので、まさに全能の神の業を思わせるといって過言ではない。
第１楽章

アレグロ・ヴィヴァーチェ ハ長調 ４分の４拍子

堂々たる構えのソナタ形式で、軍隊調のユニゾンの動機に柔らかな動機が続き、さらに力強い動機に受け継がれる第１主題に象徴されるように、多くの楽想が次々現れる。それにもかかわらず楽章全体は緊密な統一感でまとめられている点、まさに円熟の筆致が窺えよう。
その多様な諸楽想の中で注目されるのが第３主題というべきコデッタ（小結尾）主題だ。これはこの交響曲を書く少し前（1788年５月）に作曲したアリア 《手に口づけをすれば》 K.541の一節の引用で、そのブッファ的な性格がこの楽章にさらなる奥行きを与えている。
第２楽章 アンダンテ・カンタービレ ヘ長調 ４分の３拍子 ソナタ形式をとり、弱音器付きの弦を中心に天上的といえる柔らかく澄明な響きの世界を現出する。一方でしばしば憂いの表情を垣間見せる点もまたモーツァルトらしい。
第３楽章 メヌエット／アレグレット

ハ長調 ４分の３拍子

伸びやかなメヌエッ

トで、旋律が下行の動きを繰り返すのが特徴。トリオも下行ベクトルが支配的だが、途中それに抗うように終楽章のジュピター音型が短調で先取りされる。
第４楽章 モルト・アレグロ ハ長調 ２分の２拍子 フーガ書法を導入したフィナー

レ。交響曲のフーガ・フィナーレはヨーゼフ・ハイドン（1732～1809）やその弟ミヒャエル・ハイドン（1737～1806）などの先例があるが、この作品における緊密なソナ
タ形式とフーガ書法の見事な融合は全く比類がない。ジュピター音型で始まる第１
主題、２つの経過主題、第２主題とその対位主題などが推進力溢れる運びのうちに
様々に絡み合って展開を繰り広げ、コーダではそれらの主題が同時に結びついて圧
倒的な頂点を築く。
作曲年代： 1788年
初

演： 不明

楽器編成： フルート、オーボエ２、ファゴット２、ホルン２、トランペット２、ティンパニ、弦楽５部

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Program notes by Robert Markow
Wolfgang Amadeus Mozart: Born in Salzburg, January 27, 1756; died in
Vienna, December 5, 1791
During the incredibly brief period of less than two months in the summer of 1788, Mozart turned out his last three symphonies: No. 39 in E-flat,
No. 40 in G minor, and No. 41 in C (Jupiter). Equally incredible is the factthat these works − all monuments of the genre − were written for no apparent immediate purpose, and that Mozart quite possibly never heard any ofthem played. Yet all have remained audience favorites for well over two hundred years − two joyous, life-affirming works (Nos. 39 and 41) framing adark, deeply serious symphony that looks forward to the romantic era. Eachof these is often performed in concerts as a single work before or after intermission.
In recent years, however, a number of famous conductors have taken tooffering them as a grand trilogy, either in live performances, on disc, or both.
These include Nikolaus Harnoncourt, Jordi Savall, Hartmut Haenchen, Phillippe
Herreweghe, Simon Rattle, and Richard Tognetti. Alan Gilbert too belongs inthis distinguished company. He was scheduled to conduct these three symphonies with the Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra in 2020, but due to
COVID-19, the concert was cancelled. Mr. Gilbert now returns to lead theorchestra in the same program.

  Mozart:
  Symphony No.39 in E-flat major, K.543
Ⅰ Adagio − Allegro
Ⅱ Andante con moto
Ⅲ Menuetto. Allegretto
Ⅳ Allegro

The Mozart scholar Eric Blom called the Symphony in E-flat “the mostlimpid and lyrical music in existence.” The French writer Georges de SaintFoix described it as “an immense portico through which the composer reveals
to us all the warm and poetic beauty thronging through his mind.” These
qualities are in large part attributable to the special woodwind coloration inthis work. Mozart dispenses with oboes; in their place he prominently
employs two clarinets, instruments still not in general use at the time. A fluteand two bassoons are also included. Thus, a softer, more diffuse tone color isachieved.

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The symphony opens with a lengthy, imposing slow introduction strongly reminiscent of the Baroque French overture with its dotted rhythm (longshort-long-short), scales, full orchestral chords, grinding dissonances, andsharp contrasts of loud and soft. All this serves as a perfect foil for the gentle,
lyrical first theme of the Allegro that follows, a theme that slips in so gently
and unassumingly that one is apt to miss it entirely. Note the finesse withwhich Mozart subdivides this theme into little three- and four-note segmentsfor violins, horns and various woodwinds in turn − each color coming
momentarily to the fore and contributing to, but never interrupting, thesmoothly unfolding melody. Throughout the movement passages of elegant
simplicity and refined beauty alternate with music of martial exuberance.
The Andante is in simple binary form, and again, like the first movement, is replete with startling contrasts. It opens with a melody of embracing
warmth and beauty, then plunges unexpectedly into a defiant and dramatic
episode in F minor. A lyrical third idea exploits the colors of the three woodwind instruments: bassoon, clarinet, and flute.
The robust Minuet frames a delightful Trio with its famous clarinet duet:
one instrument plays a lyrical melody while the other accompanies in the low
register.
The monothematic finale employs a sprightly motif for its solo thematic
material, the second “theme” being in reality only a variant of the first.

  Mozart:
  Symphony No.40 in G minor, K.550
Ⅰ Molto Allegro

Ⅱ Andante

Ⅲ Menuetto. Allegretto

Ⅳ Allegro assai

Symphony No. 40 was a harbinger of what was to follow in Beethoven
and the symphonies of the nineteenth century, what we call the “Romantic”
period of music history. The high level of dissonance in this symphony, the pronounced use of counterpoint (two or more musical lines played simultaneously), the angular shape of some of the melodies, the highly personalized visions
in which the composer “bares his soul,” the persistence of the minor tonality,
and the sheer intensity of emotional outpouring all point to music of the
Romantic period. The fact that it was created near the end of a tragically shortlife beset with endless harassments and tribulations has further fueled the
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7/24 C Series

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Of the creation of the G-minor symphony we know nothing aside fromthe fact that it was composed, along with Symphonies Nos. 39 and 41, during
the summer of 1788. Composers in this age composed only to order. Withouta performance in sight, music simply wasnʼt written. Nevertheless, scholars
today feel fairly certain that Symphony No. 40 was in fact played at least
once, at a concert on April 16, 1791.
One of the reasons we suspect this symphony was played before
Mozart died is that the composer revised the score by adding a pair of clarinets and rewriting the oboe parts. It is not only the special color of the clarinet that is featured in the G-minor Symphony; all the winds have importantparts to play − commenting on, imitating, and answering the strings, sharing
in the main melodic material as well.
The opening theme begins with the interval of the falling minor second,
the same interval that initiates the second theme. In the development section
Mozart puts this material, often in fragments, through a galaxy of harmonicand chromatic adventures that must have been jarring in the extreme to early
listeners, and to a large extent still are today.
Violas launch the slow movement with an even rhythmic pulse imitatedby the other string sections. A wistful theme in the violins serves as a second
subject, but it is the rhythmic patterns − the even, repeated notes of the
opening and the quick, two-note fillips that pervade the movement − thatprovide most of the interest in the development section.
The Minuet is rugged, powerful, even aggressive, and far removed fromthe courtly, stylish ballrooms of Mozartʼs age, while the quiet, gracious Triosection offers an oasis of repose.
In the finale we find some of the fiercest, most fiery writing Mozart evercomposed, its drama deriving from the endlessly fascinating ways in which
melodic fragments are tossed about, from how the music ventures throughremote harmonic regions with almost reckless abandon, and from the constant sharp contrasts of loud and soft, of full and sparse instrumentation, of
stable and unstable harmony.

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  Mozart:
  Symphony No.41 in C major, K.551, “Jupiter”
Ⅰ Allegro vivace
Ⅱ Andante cantabile
Ⅲ Menuetto. Allegretto
Ⅳ Molto Allegro

Mozartʼs valedictory effort as a symphonist represents the supremeheights of symphonic craftsmanship welded to artistic inspiration. Mozart did
not assign the nickname “Jupiter” (it came years after his death from theimpresario Salomon, Haydnʼs London sponsor), but it seems absolutely appropriate for music that evokes images of Olympian pomp, nobility, grandeurand perfect mastery of construction. Klaus G. Roy sees in this music a “classic
divinity … Nowhere else in his entire output does Mozart convey so directly
the atmosphere of mastery, imperiousness, even omnipotence. … It was, inthis medium, the final thunderbolt of the chief of the musical gods.”
The first movement contains three distinct themes, each a perfectly balanced entity in itself. The first consists of a brusque, imperious call to attention followed by a graceful, lilting figure. The second consists of ascending
and descending scale-like fragments, of strings alone and then combined withwoodwinds. The third has a mischievous, capricious quality to it.
The second movement is profoundly expressive, filled with pensive eloquence and restrained elegance. The first theme is one of the longest Mozart
ever wrote. The use of muted violins throughout lends a shadowy, introverted
character to the music.
The dignified Menuetto, like the first movement, combines contrasts ofloud and soft, graceful and imperious, smoothly lyrical and sharply detached,in music of exquisitely balanced form.
The finale opens with a four-note motif followed by several additional
themes and motifs. Mozart builds everything into an effortlessly flowing web
of counterpoint all fashioned into a dazzling display of tonal architecture.
Robert Markowʼs musical career began as a horn player in the Montreal
Symphony Orchestra. He now writes program notes for orchestras andconcert organizations in the USA, Canada, and several countries in Asia. As ajournalist he covers the music scenes across North America, Europe, andAsian countries, especially Japan. At Montrealʼs McGill University he lectured
on music for over 25 years.

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