AUXERRE

Voyage sonore

à l’Abbaye Saint-Germain d’Auxerre

Abbaye Saint-Germain

Centre Pompidou

20.06 › 31.12.2023
Lynda Benglis / Claude Closky / Bill Fontana / Bernard Heidsieck /Nancy Holt / Alvin Lucier / Christian Marclay / Philippe Parreno /Susan Philipsz / Richard Serra / Su-Mei Tse

www.auxerre.fr
Cité de la Parole@villedauxerre

et du SonÉDITO
Cette année l’exposition des œuvres duCentre Pompidou est une promesse devoyage, un itinéraire de découverte dans uneréalité améliorée. Elle nous pousse vers lapoésie sonore, où se mêlent anachronismes
et phénomènes acoustiques.
Dans notre abbaye, un parcours immersif
nous transporte par différents lieux : église,chapelle, nef ou encore cellier avec la piècemaîtresse, l’installation de Bill Fontana, un desgrands noms actuels de l’art contemporain.
© IDXPROD
Son œuvre Silent Echoes. Notre-Dame rend
C. MARAULT
perceptible les vibrations permanentes desMaire d’Auxerre dix cloches de la plus célèbre des cathédrales.
Cette invitation contemporaine au dépaysement nous invite à
repenser notre place dans une société numérique. C’est la force
de l’œuvre artistique de nous renvoyer une projection de notre
quotidien. Les œuvres exposées touchent aussi à un registre
plus facétieux. Comme L’Homme public de Philippe Parreno,
vidéo parodique sur l’art de l’imitation avec l’ancienne voix desGuignols de l’Info, Yves Lecoq.
Alors, si vous souhaitez voyager tout en restant à Auxerre,si vous voulez être transportés dans des lieux transformés
emplis de sonorités, d’échos, la nouvelle exposition du Centre
Pompidou vous propose une expérience ludique, facétieuse
voire humoristique.
This year, the exhibition of works from the Centre Pompidou is a promise of travel, an itinerary of discovery into an improved reality. It
takes us into sound poetry, where anachronism and acoustic phenomena mingle.
The master piece of this immersive tour, which will take place in the
Abbey, is an installation by Bill Fontana, one of the great names incontemporary art today. His Silent Echoes. Notre-Dame makes perceptible the permanent vibrations of the ten bells of the most famous of all cathedrals.
This contemporary invitation leads us to rethink our place in a digital society. The strength of artistic work lies in its ability to project
our daily lives back at us. Works exhibited also touch on a more facetious register. Like Philippe Parreno’s L’Homme public, a parody
video on the art of imitation featuring the former voice of Les Guignols de l’Info, Yves Lecoq.
So if you want to travel while staying in Auxerre, if you want to betransported to transformed places filled with sounds and echoes,
the Centre Pompidou’s new exhibition offers you a playful, facetious
and even humorous experience.

ÉDITO
L. LE BON
Président du Centre Pompidou© Didier PLOWY

Une mission essentielle du Centre
Pompidou est la diffusion sur l’ensemble
du territoire de la collection nationale
dont il a la garde. Cette exposition
à l’abbaye Saint-Germain en est un
magnifique exemple avec un choix subtild’œuvres qui invitent à renouveler nos
pratiques de l’écoute.
One of the Centre Pompidou’s essential
missions is to share the national collection inits care throughout France. This exhibition,
taking place in the Abbaye Saint-Germain,is a beautiful example of this task, with asubtle selection of works that invite us torenew our listening pratices.

Commissariat et scénographie :Philippe Bettinelli,en collaboration avec Anaïs Brives                          Musée national d'art moderne

Voyage sonore

à l’Abbaye Saint-Germain d’Auxerre.
L’abbaye Saint-Germain d’Auxerre et le Centre Pompidou
renouvellent leur collaboration pour la saison 2023, autour
d’une sélection d’œuvres portant sur le thème de l’écho.
Regroupant des artistes majeurs de la vidéo, de la poésie
sonore ou encore de la musique expérimentale, cetteexposition se propose d’explorer la manière dont répétitions,résonnances et réflexions sonores structurent notre rapport
au monde, et ont pu se révéler de surprenants outils decréation pour les artistes.
Un parcours dans les salles de l’abbaye conduit le visiteur àtravers les mots et les sons, de notre environnement quotidien
jusqu’aux sommets alpins – en passant par les tours de NotreDame de Paris. Certaines œuvres décortiquent avec humour
les lieux communs, tics et automatismes de notre langage.
D’autres explorent le potentiel de phénomènes acoustiques
qui ont fait du son un matériau de création essentiel pourplusieurs générations d’artistes, et un vecteur privilégiéd’expériences esthétiques immersives et méditatives. Toutes
se retrouvent autour de l’intuition que l’écho nous donne plus
à entendre que le seul son qu’il répète, et qu’il participe à lacompréhension des phénomènes acoustiques, médiatiques
ou sociaux qui nous entourent.

Sound journey

at Saint-Germain d’Auxerre Abbey.
Saint-Germain Abbey of Auxerre and the Centre Pompidou
are renewing their collaboration for the 2023 season, witha selection of works on the theme of echo. Bringing together
leading artists in video, sound poetry and experimental music,
this exhibition explores the way in which repetition, resonanceand sound reflections structure our relationship with the world,and have proved to be surprising creative tools for artists.
A tour of the abbey’s rooms takes visitors on a journey throughwords and sounds from our everyday environment to the peaksof the Alps - via the towers of Notre-Dame de Paris. Someof the works take a humorous look at the commonplaces,
tics and automatisms of our language. Others explore thepotential of acoustic phenomena that have made sound an
essential creative material for several generations of artists,
and a privileged vector for immersive and meditative aesthetic
experiences. They all share the intuition that the echo gives
us more to hear than just the sound it repeats, and that it
contributes to our understanding of acoustic, media and social
phenomena surrounding us.

Plande l’exposition

7

6

Crypte8Cloître
2
10
9
1

3

4

Accueil5

1

Bernard Heidsieck, Stratimelo,
1966 - Espace d’accueil

6

Alvin Lucier, I Am Sitting In A
Room, 1970 - Sacristie

Susan Philipsz, The Cuckoo’s

7

Christian Marclay, Téléphones,
1995 - Scriptorium

8

Philippe Parreno , L’homme
public, 1995 Salle d’archéologie médiévale

Lynda Benglis, Now, 1973

9Bill Fontana, Silent Echoes.
Notre-Dame, 2022 - Cellier

Claude Closky, Appelez vite,

10 Chapelle du CIAP

2 Nest, 2011 - Eglise

Richard Serra, Nancy Holt,

3 Boomerang, 1974

Avant-nef archéologique

4 Avant-nef archéologique
5 1995 - Tour Saint-Jean

Su-Mei Tse, L’Écho, 2003

Bernard Heidsieck
1928, Paris (France) – 2014, Paris (France).

1

Stratimelo, 1966

De l’album Totally Corrupt, 1976
Vinyle 33 tours numérisé
2 min
Achat, 2002
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Le poète français Bernard Heidsieck est l’un des créateurs de la« poésie sonore », expérimentant dès la fin des années 1950 avec lespossibilités du magnétophone comme outil de création poétique.
Par des jeux d’enregistrements et de répétitions mis au service delectures publiques, il utilise les moyens fournis par cette technologie
pour décortiquer notre langue et analyser ses usages quotidiens.
Sous le titre énigmatique de Stratimelo, semblant suggérer tant lasuperposition que le mélange, il s’attache par cette courte pièce à
l’exploration des formules de politesses. Sorties de leur contexte etrépétées sur un ton obséquieux, celles-ci sont vidées de leur sens
avec humour, réduites au statut d’automatisme de langage et derituel social. Enregistré à Paris en 1966, Stratimelo sera publié en 1977
dans la compilation The Dial-a-poem poets, Totally Corrupt, où il
figure aux côtés du travail de John Cage et de nombreux poètes dela Beat Generation dont John Giorno, Williams S. Burroughs et Allen
Ginsberg.
French poet Bernard Heidsieck is one of the creators of “poésie
sonore” (“sound poetry”), experimenting in the late 1950s with thepossibilities of tape recording as a tool for poetic creation. By playing
with recordings and repetitions, he uses the means provided by thistechnology to analyse our language and its everyday uses.
Under the enigmatic title of Stratimelo, which seems to suggest
both superimposition and mixing, he uses this short piece toexplore polite expressions. Taken out of context and repeated in an
obsequious tone, they are humorously emptied of meaning, reduced
to the status of automatic language and social ritual. Recorded in
Paris in 1966, Stratimelo was published in 1977 in the compilation
The Dial-a-poem poets, Totally Corrupt, where it appears alongside
the work of John Cage and many Beat Generation poets, like John
Giorno, Williams S. Burroughs and Allen Ginsberg.

© Susan Philipsz. Courtesy Galerie Isabella Bortolozzi, BerlinSusan Philipsz
1965, Glasgow (Royaume-Uni).
Vit et travaille à Berlin (Allemagne).

2

The Cuckoo’s Nest, 2011
Installation sonore
Socles noirs satinés, système sonore six canaux, fichiers audios
7 min
Don de Rosa et Gilberto Sandretto, 2021
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Le travail de l’artiste irlandaise Susan Philipsz, lauréate du TurnerPrize en 2010, porte sur le son, dont elle explore les propriétés
sculpturales et émotionnelles à travers des installations mettant
souvent en scène sa propre voix.
En 2011, elle crée The Cuckoo’s Nest, une œuvre dans laquelle ellechante un canon anglais du 13e siècle annonçant l’arrivée de l’été.
D’un haut-parleur à l’autre, l’artiste incarne les différentes voix dece chant médiéval inspiré du chant du coucou, un oiseau tirant son
nom du son qu’il produit, et dont les appels sont réputés marquer
l’arrivée des beaux jours. Intitulé Sumer Is Icumen, le chant choisi
par l’artiste est l’un des premiers exemples de composition suivant laforme de la « rota », un canon perpétuel pouvant être répété autant
que voulu sans que début ni fin ne se fassent entendre. Une structurede composition musicale cyclique qui peut aussi bien faire écho aurythme des saisons qu’au cercle de haut-parleurs de l’installation.
The work of Irish artist Susan Philipsz, winner of the 2010 Turner Prize,
focuses on sound, exploring its sculptural and emotional properties
through installations that often feature her own voice.
In 2011, she created The Cuckoo’s Nest, a work in which she sings
a 13th-century English canon announcing the arrival of summer.
From one loudspeaker to another, the artiste embodies several
different voices of this medieval song inspired by the cuckoo’ssong, a bird named after the sound it makes, and whose calls arerenowned to announce the arrival of fine weather. Named Sumer
Is Icumen, the song chosen by the artist is one of the first examples
of composition as “rota”, a perpetual canon which can be repeatedas often as desired without any beginning or ending being heard.
A cyclic musical composition that echoes both the rhythm of theseasons and circle of loudspeakers.

© Titouan Rimbault

Richard Serra, Nancy Holt
1938, San Francisco (États-Unis).
Vit et travaille à New York (États-Unis) /1938, Worcester (États-Unis) - 2014, New York (États-Unis).

3

Boomerang, 1974
Bande vidéo U-matic NTSC numérisée
4/3, couleur, son, anglais
10 minAchat, 1984
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Figure majeure du minimalisme américain, notamment célèbre
pour ses sculptures monumentales en acier, l’artiste Richard Serra aégalement produit un important corpus de films et de vidéos.
Avec l’artiste Nancy Holt, pionnière du Land Art, il réalise en 1974
en direct sur une chaine de télévision locale d’Amarillo au Texas
la vidéo Boomerang. Nancy Holt y apparaît face caméra, équipéed’un casque qui retransmet ses propos avec un léger retard, etcommente cette expérience en temps réel. Elle y décrit le sentimentd’être suspendue dans l’espace et le temps : une forme de distancede soi dans laquelle les mots, vidés de leur substance, « deviennent
comme des choses », et où le fonctionnement même de la pensée
est perturbé. L’expérience déroutante d’un effet de feedback est
renforcée par l’insert de sons externes, ménageant pauses etperturbations dans le discours de Nancy Holt, ainsi que par desinterventions hors champ de Richard Serra. Jouant du potentiel dediffusion quasi immédiate de la télévision, Boomerang en détourne
le dispositif. Paradoxalement, celui-ci est à la fois ce dont Nancy Holt
tente de nous parler, et ce qui l’en empêche.
A major figure in American minimalism, famous for his monumental
steel sculptures, Richard Serra also produced a large corpus ofmovies and videos.
With Nancy Holt, pioneer of Land Art, in 1974, he made the video
named Boomerang live on local television in Amarillo, Texas.
Nancy Holt appeared in front of the camera, wearing a headset
transmitting her words with a slight delay, and commented on theexperience in real time. Throughout, she describes the feeling of
being suspended in time and space : a form of self-distance in which
words, emptied of their substance, “become like things”, and where
the functioning of thought is disturbed. The confusing experimentof a feedback effect is reinforced by the addition of external sounds,
creating pauses and disturbances in Nancy Holt’s speech, and by
off-screen interventions of Richard Serra. Playing with the almost
immediate broadcasting potential of television, Boomerang hijacks
the device. Paradoxically, this is both what Nancy Holt is trying to tell
us about and what is preventing her to do so.

© Centre Pompidou, MNAM-CCI

Lynda Benglis
1941, Lake Charles (Louisiane, États-Unis).
Vit et travaille à New York (New York, États-Unis).

4Now, 1973
Bande vidéo U-matic NTSC numérisée
4/3, couleur, son, anglais
12 minAchat, 2014
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

L’artiste américaine Lynda Benglis, qui se fait connaître dans lesannées 1960 pour son travail de peinture et de sculpture, est dansles années 1970 une pionnière de la vidéo, et développe durant cettedécennie une œuvre à la dimension féministe affirmée.
Dans Now, elle interagit avec un double préenregistré : l’image d’ellemême filmée et diffusée sur un moniteur vidéo. Dans un jeu d’échos
autour de questions et d’injonctions simples, elle répète les phrases
et gestes de son double, se répondant et allant jusqu’à donner
l’impression de s’embrasser elle-même. La répétition successive desphrases, l’usage de couleurs saturées ainsi qu’un cadrage serré surle moniteur laissent planer un doute sur ce qui est donné à voir :où est le double, et où est l’artiste ? Qui dirige qui ? Qu’est-ce qui sedéroule en direct devant la caméra, et qu’est-ce qui est préenregistré ?
Jouant de cette confusion, Lynda Benglis met en cause les promesses
d’immédiateté et d’authenticité alors généralement associées aumédium vidéo.
American artist Lynda Benglis, who made herself known in the
1960s for her painting and sculpting, is in the 1970s a pioneer ofvideo, and developed during this decade, a work with a proclaimed
feminist dimension.
In Now, she interacts with a pre-recorded double: the image ofherself filmed and projected on a video monitor. In a game ofechoes based upon simple questions and injunctions, she repeats
the sentences and gestures of her double, responding to herself andgiving the impression of kissing herself. The repetition of sentences,
the use of saturated colours and a tight framing on the monitor
make us doubt on what is being shown : where is the double andwhere is the artist ? who is leading ? what is happening live infront of the camera, and what is pre-recorded ? playing with thisconfusion, Lynda Benglis challenges the promises of immediacy
and authenticity generally associated with the video medium.

Claude Closky
1963, Paris (France).
Vit et travaille à Paris (France).

5

Appelez vite, 1995
Installation sonore
CD audio stéréo diffusé sous forme de fichier numérique, haut-parleurs
4 min
Achat, 2001
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Lauréat du prix Marcel Duchamp en 2005, Claude Closky est l’auteur
d’une œuvre protéiforme (dessins, vidéos, livres, œuvres sonores,sites internet etc.) s’appuyant notamment sur une observation finedes médias et du monde de la communication.
Créé en 1995, Appelez vite est un collage sonore réalisé à partird’annonces publicitaires radiophoniques, dont l’artiste n’a gardé
qu’une suite de numéros de téléphones que l’auditeur est invité àappeler. Entre séduction et injonction, une série de voix nous assène
une succession de chiffres en dehors de tout contexte, soulignant
la manière dont notre environnement sonore quotidien est marqué
par la répétition de messages publicitaires stéréotypés. Diffuséeen boucle, dans un flot ininterrompu rappelant celui de la radio,cette composition sonore absurde, drôle et inquiétante rappellela puissance d’aliénation des médias de masse, et la redoutableefficacité des stratégies de communication contemporaines.
Winner of the 2005 Marcel Duchamp Price, Claude Closky is theauthor of a protean work (drawings, videos, books, sound works,
websites, etc.) based on a close observation of the media and theworld of communication.
Created in 1995, Appelez vite is a sound collage based on radio
advertisements, from which the artist only kept a series of telephone
numbers that the listener is invited to call. Between seduction andinjunction, a series of voices repeats a succession of numbers out ofany context, highlighting the way in which our sound environment
is marked by the repetition of stereotypical advertising messages.
Played in a loop, in an uninterrupted stream reminding of radio, thisabsurd, funny and disturbing sound composition is a reminder of thealienating power of mass media and the formidable effectivenessof contemporary communication strategies.

Alvin Lucier
1931, Nashua (États-Unis).
Vit et travaille à Middletown (États-Unis).

6

I Am Sitting In A Room, 1970

Enregistrement du 29 au 31 octobre 1980, Middeltown, Connecticut
CD audio diffusé sous forme de fichier numérique
45 min 21 s
Achat, 2003
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Se faisant connaître dans les années 1960 et 1970 pour des créations
sonores explorant le potentiel créatif de principes de physiqueacoustique, le compositeur américain Alvin Lucier est généralement
considéré comme une des figures les plus influentes de la musiquecontemporaine.
Au sein de ce corpus, I Am Sitting In A Room est certainement lapièce la plus importante. Réalisée pour deux magnétophones etdeux systèmes de diffusion, celle-ci prend pour point de départ lalecture d’un texte par l’artiste, enregistrée dans une pièce fermée. Le
résultat est ensuite diffusé dans la même pièce, et réenregistré. Alvin
Lucier répète ce processus trente-trois fois, chaque enregistrement
révélant progressivement des fréquences correspondant à laréverbération de la pièce. D’écho en écho, la résonnance du lieu
déforme progressivement les sons, et d’un texte très didactique etintelligible, la composition aboutit à une masse sonore où les motsse perdent, au profit des harmoniques caractérisant la pièce qui lesaccueille.
Making himself known in the 1960s and 1970s for his sound creations
exploring the creative potential of acoustic physics, Americancomposer Alvin Lucier is generally considered as one of the mostinfluential figures of contemporary music.
In this corpus, I Am Sitting In A Room, is certainly the most importantpiece. Produced by two tape recorders and two broadcast systems, ittakes as a starting point the reading of a text by the artist, recorded
in a closed room. The result is then broadcast in the very sameroom, and recorded again. Alvin Lucier repeats this process thirtythree times, each recording progressively revealing frequencies
corresponding to the reverberation of the room. From echo toecho, the resonance of the space gradually distorts sounds, andfrom a very didactic and intelligible text, the composition ends up
with a mass of sound where words are lost in favour of harmonics,
characterising the room in which they are heard.

© Centre Pompidou, MNAM-CCI

Christian Marclay
1955, San Rafael (Californie, États-Unis).
Vit et travaille à New York (New York, États-Unis).

7

Téléphones, 1995
Bande vidéo Betacam SP PAL diffusée sous forme de fichier numérique
4/3, couleur, son
7 min 30 s
Achat, 2002
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Compositeur, musicien et artiste plasticien d’origine suisse, le newyorkais Christian Marclay s’est fait connaître pour son travail marquépar sa pratique de DJ et par une esthétique Do it yourself aux
connotations punks.
L’œuvre de Christian Marclay donne la part belle au collage, au
sampling et au remix, puisant ses sources dans les productions del’industrie musicale et cinématographique. En 1995, il en donne
un exemple iconique à travers la vidéo Téléphones, entièrement
construite à partir d’extraits de films hollywoodiens montrant despersonnages au téléphone. Autour d’un acte anodin, marqué parses automatismes et ses conventions de langage, Marclay esquisse
une narration où des monstres sacrés du cinéma américain – Tippi
Hedren, Meg Ryan, Humphrey Bogart, Cary Grant, etc. – semblentse répondre, jouant avec humour d’anachronismes et de rupturesde ton.
Swiss composer, musician and visual artist, the New-Yorker ChristianMarclay made himself known for his work as a DJ and his punkish
Do it yourself aesthetic.
Christian Marclay’s work is most prominently based on collage,
sampling and remix, taking inspiration from the music and film
industries. In 1995, he gave an iconic example of this in the video
Telephones, entirely made of extracts of Hollywood films showing
characters on the telephone.
Marclay sketches out a narrative around an innocuous act, marked
by its automatisms and conventions of language, in which thesacred monsters of American cinema - Tippi Hedren, Meg Ryan,
Humphrey Bogart, Cary Grant, etc. - seem to respond to each other,playing with humour, anachronisms and breaks in tone.

© Centre Pompidou, MNAM-CCI

Philippe Parreno
1964, Oran (Algérie).
Vit et travaille à Paris (France).

8

L’homme public, 1995
Bande vidéo U-matic PAL numérisée
4/3, couleur, son
18 min 54 s
Achat, 1995
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Au début des années 1990, le plasticien français Philippe Parreno se
fait connaître pour un travail portant notamment sur l’analyse del’image télévisuelle et cinématographique, et des liens entre réalitéet fiction.
Lors de l’inauguration du Musée d’Art Contemporain de Marseille, il
invite l’imitateur Yves Lecoq, figure incontournable des Guignols del’info, à incarner certaines de ses voix les plus célèbres à la tribune,
avant le début des discours officiels. Outre les voix de Sylvester
Stallone et Jacques Chirac, il emprunte celle du ministre de laculture de l’époque, Jacques Toubon, qui prendra la parole après lui.
Dans cette œuvre parfois sous-titrée L’ordre du discours (la tribune),l’imité suit l’imitateur dont il devient l’écho, renversant le rapport
qui lie habituellement une figure publique à celui qui la pastiche.
L’intervention d’Yves Lecoq, mêlant les ressorts comiques de ses
caricatures à un discours sur la parole et son potentiel, est suivie d’une
scène le montrant dans les salles du musée. Il y résume le manga
Dragon Ball avec les voix de Johnny Halliday, Édouard Balladur ou
Jean-Pierre Papin, clôturant par le thème du dessin animé une vidéo
traversée de part en part par un imaginaire télévisuel.
In the early 1990s, French visual artist Philippe Parreno made aname for himself through his work analysing television and film
images and the links between reality and fiction.
For the inauguration of the Musée d’Art Contemporain in Marseille,
he invited impersonator Yves Lecoq, a key figure in the Guignols del’Info series, to play some of his most famous voices at the podium
before the official speeches began. For instance he borrowed thevoices of Sylvester Stallone, Jacques Chirac, or the Minister of Culture
at the time, Jacques Toubon, who was set to speak after him. In thiswork, sometimes subtitled L’ordre du discours (la tribune), thoseimpersonated follow their impersonator and become their echo,
reversing the relationship that usually links a public figure to thosemimicking him. Yves Lecoq’s speech, which combines the comedyof his caricatures with a discourse on speech and its potential, isfollowed by a scene showing him in the museum galleries. There hesummarizes the Dragon Ball manga series in the voices of JohnnyHalliday, Edouard Balladur and Jean-Pierre Papin. With the cartoon
theme, he brings to an end a video crossed from side to side by
televisual imagination.

© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Hervé Véronese

Bill Fontana
1947, Cleveland (Etats-Unis).
Vit et travaille à San Francisco (Etats-Unis).

9

Silent Echoes. Notre-Dame, 2022
Installation audiovisuelle
20 haut-parleurs, 8 écrans plats 16/9, fichiers numériques audio et vidéo,
logiciel de spatialisation sonore
Dimensions et durées variables
Don de l’artiste, 2023
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Formé dans les années 1960 à la New School for Social Researchà New York, Bill Fontana y fait la connaissance de John Cage, ets’intéresse à sa conception de la musique comme une pratique
relevant d’abord de l’écoute, étendue à des éléments dépassantle champ traditionnel de la production musicale. Depuis le débutdes années 1970, l’œuvre de Bill Fontana s’attache ainsi à l’écouteamplifiée d’objets et de lieux choisis, entrelaçant des sons discrets
dans de subtils paysages acoustiques.
Suite à l’incendie de Notre-Dame de Paris en 2019, l’artiste a conçu
dans les studios de l’Ircam (Institut de recherche et coordination
acoustique/musique) une sculpture sonore pour dix canaux,
à l’aide d’accélérateurs sismiques fixés sur dix cloches de lacathédrale. Réduites au silence le temps de la restauration dubâtiment, les cloches n’en demeurent pas moins d’extraordinaires
cavités résonantes. Chacune répond par sa tonalité aux bruits etbruissements de la ville. Ces multiples sonorités sont travaillées en un
ensemble distribué sur 20 haut-parleurs, présenté pour la première
fois sur la terrasse du Centre Pompidou en 2022, et augmenté pourcette présentation de vidéos prises depuis la cathédrale.
Trained in the 1960s at the New School for Social Research in New
York, Bill Fontana met John Cage, and became interested in his
conception of music as a practice primarily concerned with listening,extended to elements beyond the traditional field of musicalproduction. Since the early 1970s, Bill Fontana’s work has focused on
amplified listening to selected objects and places, weaving discretesounds into subtle acoustic landscapes.
Following the fire of Notre Dame of Paris, in 2019, he designed in
the studios of Ircam (Institute for Research and Coordination in
Acoustics/Music), a sound sculpture for ten canals, using seismic
accelerators attached to ten bells of the cathedral. Silenced while thebuilding is being restored, the bells are nonetheless extraordinary
resonant cavities. Each bell has its own tonal response to the sounds
and rustles of the city. These multiple sounds have been assembled
and distributed by twenty loudspeakers, presented for the fist timeon the terrace of the Centre Pompidou in 2022, and enhanced forthis presentation by videos taken from the cathedral.

© Centre Pompidou, MNAM

Su-Mei Tse

101973, Luxembourg (Luxembourg).
Vit et travaille à Mompach (Luxembourg) et Berlin (Allemagne).
L’Écho, 2003
Installation audiovisuelle
Vidéoprojecteur, haut-parleurs, bande vidéo Betacam numérique PAL
diffusée sous forme de fichier numérique
4/3, couleur, son stéréo
4 min 53 s
Don de la Société des Amis du Musée national d’art moderne, Paris- Projet
pour l’Art contemporain, 2004.
Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle

Fille d’une pianiste et d’un violoniste, l’artiste luxembourgeoise SuMei Tse s’est formée au Conservatoire de musique de Paris, avantd’étudier les arts plastiques. Son travail acquiert une reconnaissanceinternationale en 2003, lorsqu’elle obtient le Lion d’or de la meilleureparticipation nationale à la Biennale de Venise. Dans cette exposition
figure une œuvre liant ses deux formations : L’Écho.
Cette œuvre montre l’artiste filmée de dos, jouant du violoncelle dans
un paysage grandiose. Parée de vêtements rouges, sa silhouette sedétache sur une grande pelouse d’un vert éclatant, faisant face à une
imposante montagne. Minuscule figure perdue dans l’immensitéd’un paysage évoquant l’esthétique romantique, l’artiste se tient aubord d’un précipice. Elle n’en est pas moins imperturbable, jouant
sereinement un morceau de sa composition. Le son se réverbère surles parois de la montagne et, de monologue intérieur, la prestationde la musicienne se transforme en dialogue avec le paysage.
Daughter of a pianist and violinist, from Luxembourg, Su-Mei Tse
was trained at the Paris Conservatoire of Music before studying
visual arts. Her work gained international recognition in 2003,
when she was awarded with the Golden Lion for best national
participation at the Venice Biennale. This exhibition features a workthat links her two training courses : L’Écho.
This work shows the artist filmed from behind, playing the cello ina grandiose landscape. Dressed in red, her silhouette stands out
against a large, bright green lawn, facing an imposing mountain.
A tiny figure lost in the immensity of a landscape evocative of
Romantic aesthetics, the artist is standing on the edge of a precipice.
She is nonetheless unflappable, serenely playing a piece of her own
composition. The sound reverberates off the mountain walls, andthe musician’s performance transforms an interior monologue intoa dialogue with the landscape.

AUTOUR DE L’EXPOSITION

Programmation
ados/adultes
AbbayeSaint-Germain
VISITES GUIDÉES
Chaque mois, une visite
guidée vous est proposée pourdécouvrir l’exposition « Echos.
Voyage sonore à l’Abbaye SaintGermain d’Auxerre ».
Les 19 juillet, 30 août, 16 et 17
septembre, 15 novembre et 20
décembre à 15h - Sur réservation

VISITE« LES YEUX FERMÉS »Adaptée aux personnes mal ou
non-voyantes, ouverte à toutepersonne curieuse de cetteexpérience à partager, la visite« les yeux fermés » del’exposition « Echos. Voyage
sonore à l’Abbaye SaintGermain d’Auxerre » est une
invitation à découvrir l’art
autrement.
Le 18 octobre à 15h Sur réservation

CONFÉRENCE« L’ART SONORE »Par Nathalie Amiot, Directriceartistique de Hors[ ]Cadre,chargée de mission pourl’artothèque de la Ville
d’Auxerre.

Cette conférence se proposed’étudier quelques œuvres
sonores qui ont marqué le20e siècle, de la poésie sonore
des artistes dadaïstes (Hugo
Ball, Kurt Schwitters) au
détournement des instrumentsde musique et des techniquesd’enregistrement et dediffusion du son (Alvin Lucier,Gary Hill, John Cage). Elleévoquera également la relation
entre les espaces et le son,révélée par des artistes tels que
La Monte Yong, Luc Kerléo, Eric
Samakh et Pascal Broccolichi,
ou encore la relation entre son
et visuel développée par Rolf
Julius ou Patrice Carré.
Le 9 novembre à 18h30 –Entrée libre

SOPHROLOGIE AU MUSÉE
Salomé Peyronnon,
sophrologue, vous conduira
en douceur sur le cheminde la relaxation. A partir desœuvres de l’exposition « Echos.
Voyage sonore à l’AbbayeSaint-Germain d’Auxerre », elle
vous proposera un parcours
initiatique pour découvrir
les grands principes de lasophrologie.
Le 6 juillet, le 18 août et le 27
septembre à 18h30 –Sur réservation

Micro-Folie
PROJECTION« Notre-Dame.
Le chantier du siècle » Série documentaire Arte.
Comment reconstruire unmonument vieux de 800 ans,alors que personne ne saitcomment il a été construit àl’origine ? Au cœur du chantierde Notre-Dame, plus de
200 experts internationaux
partagent avec les architectes
l’objectif de percer les secretsde sa structure afin de rendre
à cette cathédrale uniqueson âme, sa lumière et son
caractère sacré. Cette série
documentaire de 3 épisodes,
réalisée par Vincent Amouroux,
nous offre une immersion
unique dans ce faramineux
chantier, aux côtés des ouvriers,
des architectes, des historiens
et des scientifiques qui luttent
pour ramener à la vie une icône
architecturale inestimable.

Cité de la Parole

et du Son

Diffusion de l’épisode 1« La quête de la hauteur »le 11 novembre à 15h
Diffusion de l’épisode 2« L’harmonie des forces »le 18 novembre à 15h
Diffusion de l’épisode 3« La fabrique du sacré »le 25 novembre à 15h
Sur réservation

RENSEIGNEMENTSET INSCRIPTIONS :Abbaye Saint-Germain :par téléphone au 03 86 18 05 50
Micro-Folie :par téléphone au 03 86 52 32 81

Ateliers d’été 2023
« EXPLORA-SON »pour les 8 ans et +Nicolas est musicien. Le temps
d’une journée, il te propose
une balade dans les œuvres
sonores exposées à l’abbaye.
Grâce aux instruments qu’ilaura apportés (guitare,percussions, mélodica…), tu
feras l’expérience du son dansdifférents espaces du site,écouteras comment le son
réagit pour ensuite créer ta
propre performance acoustique
Le 18 ou le 20 juillet – 9h à 12h et
14h à 17h (1 journée)« ÉCHO Y ES-TU ? »pour les 5-7 ans

L’écho, c’est un drôle dephénomène, ça répète lessons, les voix, ça les déforme
un peu. L’écho se cache dansles montagnes, les collines,
dans une ruelle étroite. C’est
aussi une œuvre sonore quetu découvriras avec Soo, artiste
plasticienne. Avec elle, tu
imagineras et créeras le mondede l’écho, ses couleurs, sesformes, ses habitants qui nous
ressemblent ou pas. Crée etdéfile dans le costume de tondouble, ton écho dans l’écho.
Du 24 au 28 juillet – 9h à 12h ou
14h à 17h (5 ½ journées)« HOLLYWOOD REMIX »pour les 13 ans et +Lucie et Nelson sontscénaristes, réalisateur(rice),
et artiste. Grâce à eux, viens
expérimenter avec des images
et des musiques issues du web,des archives et autres, afin deréaliser ton propre film ! Une
bande son viendra rythmer une
histoire inspirée des paroles dechansons que tu aura choisie.
Le résultat sera des films
courts, personnels et singuliers,
qui seront projeté lors de larestitution.
Du 24 au 28 juillet : 9h à 12h(6 ½ journées)+ restitution samedi 28 à 15h00.

« CONTINENT SONIQUE »pour les 8 ans et +Écouter, capter, enregistrer
pour ensuite créer et dessiner,
parce que le son a une forme,
parfois plusieurs. Voilà ce quete propose Nicolas, plasticien
sonore. 5 jours pour explorer
les sons dans la ville, à lacathédrale, mais aussi dans
un parc éolien, au bord d’uneécluse. Tu apprendras à «jouer des paysages sonores» pour ensuite les transcrireen spectogrammes, repris en
dessins, découpages, collages
et ainsi cartographier uncontinent sonique.
Du 31 juillet au 04 août – 9h à 12h
et 14h à 17h (5 journées)

AUTOUR DE L’EXPOSITION

Programmation

jeune public
Lézards des Arts

Ateliers d’automne
2023« DANS SON »pour les 8 ans et +Écoute, ressens les œuvres
sonores exposées à l’abbaye.
Avec l’aide de Laurence et d’untissu extensible, laisse-toi porterpar ces ambiances acoustiques
et invente de surprenantes
formes. Imagine une danse
et dessine-la librement dansl’espace et sur des feuilles depapier.
Le 23 ou 24 ou 25 ou 26 ou 27
octobre – 9h à 12h et 14h à 17h(1 journée)« ÉLECTRO ABBAYE »Tu t’inspireras des œuvres
sonores de l’exposition
du Centre Pompidou afind’inventer des sons et deles adapter aux espaces del’abbaye Saint-Germain : lecloître, l’escalier d’honneur, lelogis de l’abbé… Jef, musicien,
te montrera comment utiliser
du matériel professionnel pourcréer des sons électro. En piste !
Âge, date et durée à venir

RENSEIGNEMENTS
www.auxerre.fr
Inscriptions uniquement
par téléphone
Été dès le 19 juin Automne dès le 9 octobre
03 86 18 02 92
03 86 72 44 20

L’Abbaye Saint-Germain
Horaires d’ouverture
De juin à octobre :Ouvert tous les jours
De 10h à 13h et de 14h à 18h
Du 1er novembre au 31 décembre :Ouvert tous les jours sauf le mardi
De 10h à 12h et de 14h à 17h
Fermé le 25 décembre
			Cité de la Parole

Entrée libre

Contact
2 bis Place Saint-Germain
89000 Auxerre
03 86 18 02 90

et du Son

www.abbayesaintgermain.fr