Tokyo Arts and Space
Annual Report2022

トーキョーアーツアンドスペース
アニュアル

2022

005

はじめに MESSAGE

006

ミッションと活動 MISSIONS & ACTIVITIES

アーティスト・インタビュー
010

須藤美沙

SUDO Misa

020

國分郁子

KOKUBUN Yuko

030

志賀理江子×竹内公太

ARTIST INTERVIEWSSHIGA Lieko × TAKEUCHI Kota

PART 1: 新進・中堅アーティストの活動支援

凡例• 人名をフルネームで記載する場合の姓・名の順は、特に指定がない場合、各言語における表記の順に従った。

044

TOKAS-Emerging 2022

• アーティスト、クリエーター、委員、講師の名前は敬称を省略し、委員、講師の肩書きは事業開催当時のものを記載した。

050

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 5
引き寄せられた気配 Ungraspable• プロフィールは、アーティスト、クリエーターより提供のあった資料にもとづき編集・作成した。

054

3331 ART FAIR 2022

• 作品名は《》、プロジェクト名・展覧会名・公演名・曲名は「」、書名・映画タイトルは『』で示した。

056

Tokyo Contemporary Art Award• アーティスト、クリエーターのプロフィールは、2023年3月時点の情報を記載した。

• 作品情報は、作家名、作品名、制作年の順に記載した。

ARTIST SUPPORT• 展覧会風景、公演風景は、一部キャプションを省略した。

PART 2: レジデンスとその成果発表展• 展覧会情報は、「展覧会名」（会場、都市、都道府県／国、開催年）の順に記載した。
ただし、会場名に都市が含まれるものは都市を省略した。また、展覧会名に開催年が含まれるものは開催年を省略した。

RESIDENCY PROGRAMS

064

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム Creator-in-Residence Program090

オープン・スタジオ 2022–2023 OPEN STUDIO 2022–2023• 受賞歴は、会場を省略し、賞名に開催年のないものは最後に開催年を記載した。

092

キュレーター招聘プログラム・パイロット事業• 写真クレジット：展示風景、活動風景およびポートレートの撮影者は奥付にまとめた。

094

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス2022 成果発表展

日本での展覧会は、都市が県庁所在地、政令指定都市においては都道府県を省略した。
海外での展覧会は、都市が首都や世界都市においては国を省略した。

アーティスト、クリエーターから提供された写真には各ページにクレジットを記載した。

TOKAS Creator-in-Residence 2022 Exhibition• 著作権：特に記載のない場合、著作権はすべてトーキョーアーツアンドスペースに帰属する。

水路から柔い空へ

EXPLANATORY NOTESPART 3: 実験的な創造活動• When listing full names, they are listed in the appropriate order for each language, except when specific requests state otherwise.
• Honorific titles for artists, creators, jury members, and lecturers have been omitted.

102

Job titles for jury members and lecturers are listed as current at the time of each event.
• Artist and creator profiles are current as of March 2023.

Curator Residency Pilot Program

108

From a Dusky Canal to the Pale Blue Sky

EXPERIMENTAL CREATIONTOKAS Project Vol. 5

ひもとく Himotoku: The Opening Blossoms of an Unraveling World

OPEN SITE 7• Profiles are edited and composed based on documents provided by the artists and creators.
• Titles of artworks, performance, musical compositions, publications and film works are given in italics.

PART 4: 普及広報

Quotation marks are used for exhibition and project titles.
• Information on the artworks is listed in the following order: name of artist, title of work, and year of production.
• Captions are omitted for installation views and the performance views.

134• Information about exhibitions is written in order of: Exhibition title, venue, city, prefecture/country, year of holding.
However, in cases where the exhibition title includes the name of the city it is held in, the city name is not listed with the other items.

ART MEDIATION AND ARTS PROMOTION

夏のこどもワークショップ Summer Kids Workshop

マッチ、マッチ、マッチ。 Match, Match, Match136

TOKAS 本郷建物リサーチ

For exhibitions in Japan, the names of prefectures are omitted when the city is a prefectural capital or prefecture status city.

137

文京ミューズフェスタ2022 Bunkyo Muse Festa 2022

For exhibitions held overseas, the country names have been omitted the city it is held in is the capital city of a major international city.

138

出版物

140

施設案内

Also, if the year the exhibition was held is included in the exhibition title, the year is omitted from the list of items.

• In award histories, venue names are omitted, and when award names do not contain the year of the award, the year is listed at the end.

TOKAS Hongo Building Research

Publications• References to “in 2022–23” reflect Japanʼs fiscal year of April 1st, 2022 to March 31st, 2023.
• Photo credits for exhibition views, activities, and portraits are listed in the colophon.
Credits for photos provided by the artists and creators appear next to each picture on each page.

GENERAL INFORMATION• All rights reserved by Tokyo Arts and Space unless otherwise specified.

003

CONTENTS

004

はじめに
トーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）は、「新進・中堅アーティストの継続的支援」「創造的な国際文化交流の促進」「実験的な創造活動の支援」をミッションとし、都内2ヶ所の拠点を中心に、展覧会や公演、レジデンス・プログラムなどを実施しています。発表の場としての TOKAS
本郷では、実験的なアイデアや活動の成果を提示する展覧会や公演などを開催し、創作活動の拠点としての TOKAS レジデンシーでは、国内外のアーティストが交流し、滞在制作を行うほか、海外のレジデンス提携機関へ国内アーティスト／クリエーターを派遣しています。加えて、2018年より東京都とともに創設した国内の中堅アーティストを対象とする「Tokyo Contemporary Art

Award（TCAA）」では、複数年にわたる支援の最終年に実施する受賞記念展を、東京都現代美術館で開催しています。

2020年から続いた COVID-19の影響により、ここ数年多くの事業が変更や中止あるいは延期を余儀なくされてきましたが、2022年の春ごろより少しずつ、止まっていた時間が動き出しました。
海外渡航も含め、多くのアーティストが物理的に交流できるようになり、停滞していた時間に蓄えられた創造のアイデアが、咲き乱れるように動き出すさまは、アーティストの発案する企画を実現す
る TOKAS において身近に感じる世界の動きでした。今後、この数年で起きたさまざまな取捨選
択の真価はどのように問われるのでしょうか。これからも変わり続ける世界を感じながら、活動を続けてまいります。引き続きご支援、ご協力を賜りますようお願い申し上げます。
トーキョーアーツアンドスペース

Message
Tokyo Arts and Space (TOKAS) is an arts center with a mission of providing ongoing support
for emerging and mid-career artists, promoting creative international cultural exchange and offering support for cutting-edge and experimental creative projects. With two main venues in Tokyo,
the center presents exhibitions and performances as well as residency programs. TOKAS Hongo
serves as a facility for presentation, with exhibitions and performances that show the resultsof experimental ideas and activities, and as a facility for creation, TOKAS Residency provides
a place where domestic and international artists can meet and create works in residence, while
domestic artists and creators can also be sent to our affiliated overseas residency organizations towork in residency. In addition, Tokyo Metropolitan Government and TOKAS have establishedthe Tokyo Contemporary Art Award in 2018, in which chosen winners can subsequently hold an
exhibition of their works at the Museum of Contemporary Art Tokyo.
Due the effects of the COVID-19 pandemic which has continued since 2020, many of ourprograms in the past few years have had to be altered or cancelled, but from the spring of 2022,
that time which had been lost is gradually returning to normal. With the gradual relaxation ofoverseas travel restrictions, many artists have been able to engage physically in exchanges again,
and their creative ideas that had been on hold during that stopped time are beginning to comealive and reach fruition again. Also, as an organization dedicated to realizing projects proposedby artists, TOKAS has been especially keen about welcoming this worldwide return to motion
and action. Going forward, we are certain to see a questioning of the true value of the options
that have emerged in these past few years. While continuing to keep a close eye on the pulse of
the changing world we live in, we will keep moving forward positively. We ask for your continued support and cooperation towards these efforts.
Tokyo Arts and Space

005

MESSAGE006

Mission 1

ミッションと活動

新進・中堅アーティストの継続的支援
Ongoing Support of Emerging and Mid-career Artists

新進アーティストに個展の機会を提供する公募プログラム「TOKAS-Emerging」、TOKAS 事業に参加経験のあるアーティス

Missions & Activities

トを中心としたグループ展「ACT（Artists Contemporary TOKAS）」、海外での活動に意欲を持つ中堅アーティストを対象に東京都と共催する「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」など、アーティストへの継続的な支援を行います。

TOKAS provides up-and-coming artists with ongoing support through such opportunities as presenting works in our opencall program of TOKAS-Emerging exhibitions for promising emerging artists, our Artists Contemporary TOKAS (ACT) groupexhibitions primarily for artists who have participated in TOKAS programs, and our Tokyo Contemporary Art Award (TCAA)
for mid-career artists conducted in collaboration with the Tokyo Metropolitan government.

Mission【PROGRAMS】TOKAS-Emerging ｜ ACT（Artists Contemporary TOKAS）｜ Tokyo Contemporary Art Award1

新進・中堅アーティストの継続的支援Mission 2

創造的な国際文化交流の促進
Promoting Creative International Cultural Exchange

Ongoing Support ofEmerging andMid-career Artists

アーティスト・イン・レジデンス事業を中心に、国内外のクリエーターに東京や海外の提携機関でリサーチや創作活動を行う機会を提供。その成果を展覧会やオープン・スタジオ、トーク・イベントなどで紹介し、アート、キュレーション、建築、
デザインなど幅広いジャンルの才能が交差する拠点を目指します。

MissionMission

2

3

創造的な
国際文化交流の促進

実験的な創造活動の支援Promoting Creative
International Cultural
Exchange

Supporting Cutting-edge
and Experimental
Creative Activities

Through primarily artist-in-residence programs, TOKAS provides creators from Japan and abroad the opportunity to doresearch or create works in Tokyo or at our affiliated overseas residency organizations. The results of their work are introduced
in exhibitions, our OPEN STUDIO program and through talk events, as we strive to be a hub where a wide range of talented
creators working in a broad range of genres, from the visual arts, curation, architecture, design and more, can meet and interact.
【PROGRAMS】クリエーター・イン・レジデンス・プログラム Creator-in-Residence Program ｜レジデンス成果発表展 TOKAS Creator-in-

Residence Exhibition

Mission 3

実験的な創造活動の支援
Supporting Cutting-edge and Experimental Creative Activities

ジャンルを問わず、時代性に即した視点でこれまでにない表現を探求し、社会と向き合う創造的な企画の実現に向けた公「TOKAS Project」
募プログラム「OPEN SITE」や国際的な活動を行うアーティストやキュレーター、文化機関と協働して行うをとおして、多様な価値観が表現される場を作り上げていきます。

普及広報

Through our open-call program OPEN SITE for creators with contemporary perspectives pursuing completely new forms of expression in the full range of genres, we seek to realize creative projects that pose questions to society, and through our TOKAS
Project involving internationally active artists and curators as well as collaborations with arts/culture organizations, we seek toprovide venues for diverse forms of expression reflecting various values.

Art Mediation
and Arts Promotion【PROGRAMS】OPEN SITE ｜ TOKAS Project

普及広報

トーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）は、現代芸術の幅広いジャンルの活動や領域横断的・実験的な試みを支援し、同時代の表現を東京から創造・発信するアートセンターとして、2001年より活動を行って「TOKAS レジデンシー」を中心にさまざまな創作活動を支援するほか、鑑賞者います。「TOKAS 本郷」と作家／作品を多角的につなぐ普及広報事業も実施しています。

アーティスト／クリエーターによるさまざまな創作活動や作品理解を深めるためのトークやワークショップを実施するほか、関東大震災の復興建築として建てられた TOKAS 本郷の建物リサーチ、アーカイブやオンラインの利活用、メールニュースや展覧会ごとに発行するカタログ、年間報告書の発行など、多くの方々と創造の場をつなぎ、共有することを試みます。

Since its founding in 2001, Tokyo Arts and Space (TOKAS) has been an arts center dedicated to the
support of creation and dissemination of contemporary arts from Tokyo in a wide range of genres andinter-disciplinary and experimental creative activities. In addition to supporting a variety of creative activities mainly at our TOKAS Hongo and TOKAS Residency facilities, we also conduct Art Mediation andArts Promotion programs to promote the spread of information that leads to multi-faceted encounters
aimed at connecting audiences to artists and their artwork.

007

Art Mediation and Arts Promotion

MISSIONS & ACTIVITIESIn addition to holding of talks and workshops by artists and creators aimed at spreading deepened understanding about avariety of creative activities and artworks, we are conducting a research project on the TOKAS Hongo building constructed as areconstruction project after the Great Kanto Earthquake and, through the creation of archives and utilization of online content,
as well as publishing our e-mail Newsletter, catalogs for our exhibitions and our Annual Report, etc., we seek to connect withmore people by providing places and opportunities to enjoy creative activities and share experiences.
【PROGRAMS】ワークショップ

Workshop ｜オンライン・コンテンツ Online Contents ｜ TOKAS 本郷建物リサーチ TOKAS Hongo Building
Research ｜出版物 Publications

008

TOKAS ANNUAL REPORT 2022

アーティスト・インタビュー
Artist Interviews
須藤美沙
SUDO Misa

國分郁子

KOKUBUN Yuko

志賀理江子×竹内公太
SHIGA Lieko × TAKEUCHI Kota

無数の穴と光によって宇宙の姿を描き出す須藤美沙。コンテンポラリー・サーカスの聖地モントリオー
ルで舞台芸術への見識を深めた國分郁子。
「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」の受賞者である志賀理江子と竹内公太。今後、益々の活躍が期待される4名に、現在の活動に至る経緯
や創作の背景などについて聞きました。

Sudo Misa is an artist who employs countless holes and light to create images of the universe.
Kokubun Yuko traveled to Montreal, Canada, a mecca of contemporary circus, to deepen her
insights into the performing arts. Shiga Lieko and Takeuchi Kota are Tokyo Contemporary Art
Award winners. These four promising up-and-coming artists were interviewed about the paths thathave led up to their current activities and the background behind their creative works.

009

010

ARTIST INTERVIEWS

須藤美沙

01

SUDO Misa

作品も私も変化を続ける一方で何かを突き詰めた先の世界があると思っています。
While my works and I, myself keep changing,
I believe there is always a world beyond the things we have worked to discover.

支持体となる紙にピンで無数の穴を開け、そこに当たる光も用いて広大な宇宙や星々の姿を描き出す」で新たな挑戦を見せた彼女に、
須藤美沙。TOKAS 本郷での「ACT Vol. 5『引き寄せられた気配』
現在地に辿り着くまでの経緯や、作家活動と高校教師を両立するアーティストとしてのあり方について聞いた。

Sudo Misa is an artist who uses pins to open countless holes in the paper that serves as her support,
and along with the light she shines on these creations, succeeds in creating images of great expanses ofouter space or stars. At the Artists Contemporary TOKAS (ACT) Vol. 5 “Ungraspable” held at TOKAS
Hongo, where Sudo revealed new challenges she is undertaking, we interviewed her and heard about thepath she has traveled to reach her present state as an artist and how she balances her artistic career withher job as a high school teacher.
011

ARTIST INTERVIEWS 01

012

「プッシュピン・ドローイング」の宇宙

た気がします。
もともと光と闇というものに関心を持ち続けてきて、光を

こどものころは科学誌『たくさんのふしぎ』などを読み、扱う表現としてジェームズ・タレルやオラファー・エリアソン

星座の観測や、身のまわりの謎を探求することが好きでした。

のインスタレーションなどにも惹かれてきましたが、私の手そうして知ったことを誰かに伝えて共有するのも楽しくて、法ですぐ参考になるような先例も見つけられず、画材選び

そうした感覚を持ち続けたまま大人になったようなところがから作業時の体の姿勢まで、すべて手探りでした。ただ、あります。同時に、広告デザイナーだった父の影響でデザ独自の試みを選んだからには最低でも1、2年は続けないと、

インや美術にも興味を持ち、母や祖父が教師だったことと覚悟もしていました。

から、やがて教育の現場にも関心を抱くようになりました。

最初の発表の場となったのは、トーキョーワンダーサイト

そうしたこともあり、大学は教育学部に進み、美術教（TOKAS の前身）渋谷で行われた「TWS-Emerging 2015

諭養成課程で絵画、彫刻、デザイン、工芸を学びました。

『フォールスカラー』」です。天の川銀河を大判紙に描いた以来、自作には主に油彩や鉛筆を用いてきましたが、作品を中心に展示しました。今改めて見ると、当時の自やがて2014年から、紙にピンで穴を開けて描いていく現分ならではの執念のようなものも感じます。この展覧会では、在の手法に辿り着きます。きっかけのひとつは、卒業後に表現手法も考え方もさまざまな作家達と出会えたことも、

高校教師の仕事を始めてから、現代アートの学校「MAD私にとってその後の糧となりました。また、トーク・イベン（Making Art Different）（NPO アーツイニシアティヴトウキョウ」

トでは国立天文台の平松正顕さんに天文学の視点から［AIT/ エイト］が運営）で学んだことです。当時は自分の表

宇宙とその写真への向き合い方を伺い、キュレーターの現が社会のどこにもつながらずに螺旋階段を回り続けてい

中野仁詞さんからは作品と空間特性の関係を語ってもらるような感覚があり、制作に行き詰まっていました。でもうなど、いずれも大切なお話をいただきました。

MAD での授業やディスカッションを通じて、表現したいも

なお、この展示は、それまで私にとって距離のあった現のに合わせて手法も選び直してよいのだと思えるようになっ

代美術界で発表の場を求めて応募した「トーキョーワンダー

The Universe of “Push-pin Drawing”
When I was a child, I liked to read science magazines
such as Takusan no Fushigi (A lot of wonders) and to observe the constellations and explore the mysteries aroundme. And it was fun to share with people what Iʼd learned,
and it feels like Iʼve grown up with that feeling. At thesame time, I became interested in design and art under
the influence of my father, who was an advertising designer, and since my mother and grandfather were teachers,
I eventually became interested in the field of education.
From that background, I chose the Faculty of
Education at university and studied painting, sculpture,design, and crafts in the art education course. Since then,I have mainly used oil paints and pencil for my own
works, but from 2014, I arrived at my current method of“drawing” by making punching holes in paper with pins.
One of the reasons for this was that after graduating,I started working as a high school teacher and studied at
the contemporary art school MAD (Making Art Different) (run by the nonprofit organization Arts Initiative
Tokyo [AIT]). At the time, I felt like I was at a dead end
in terms of my artistic expression as if it continued towind around like on a spiral staircase, without every connecting to anything tangible in society. However, throughclasses and discussions at MAD, I feel that I have cometo think that it is okay to change my medium according
to what I wanted to express.
Iʼve always been interested in light and darkness, and013

Iʼve been attracted to installations by James Turrell andOlafur Eliasson as forms of expression that deal withlight. But I couldnʼt find any precedents that would be
immediately helpful as a medium for me, so I tried all
kinds of things, from my choice of art materials to theposture of my body when working. However, I was also
prepared with the knowledge that if I chose some unique
new medium of my own, I would need to stick with it
for at least one or two years.
My first serious presentation of works created withthis new working method was at TWS-Emerging 2015
“False color” held at Tokyo Wonder Site (the predecessorof TOKAS) in Shibuya. The exhibition centered aroundworks depicting the Milky Way Galaxy on large paper
supports. When I look back at them now, I feel a kindof obsession that was unique to me at that time. In
this exhibition, I was able to meet artists with various
methods of expression and ways of thinking, which was
also a source of inspiration for me. In addition, at the exhibitionʼs talk event, Hiramatsu Masaaki-san of National
Astronomical Observatory of Japan (NAOJ) talked about
how to approach the universe and photographs of it
from the perspective of astronomy, and curator Nakano
Hitoshi-san talked about the relationship between works
and the characteristics of the spaces they are shown in.
This exhibition was also an opportunity that I
gained when I was selected to participate in the Tokyo
Wonder Wall, which I had applied for in search of a place
to present my work in the contemporary art world, which
ARTIST INTERVIEWS 01「TWS-Emerging 2015『フォールスカラー』」（TWS 渋谷）展示風景
Installation view at “TWS-Emerging 2015 ʻFalse colorʼ,” TWS Shibuya「フォールスカラー」で展示した作品《Hubble Telescope》（部分）2014
Hubble Telescope (detail), 2014, displayed at “False color”

014

Blind (The cluster Westerlund 2 in the Milky Way), 2021

ウォール」に入選したことで得た機会でもありました。振り

私の作品は光を当てることでそれが開いた穴から反対側

返ると、その際に尊敬する作家さんら審査員にご意見をに通り、穴によって生じた紙の隆起がさまざまな表情を見せいただいたことが、自分の表現を再考する契機にもなった

るので、光を絵画に閉じ込めるのではなく、光そのものをと思います。

生かすことが課題になってきました。ここでも発表活動の中で得てきたものは大きいと感じています。例えば TOKAS で引き寄せられた気配開催された「ACT（Artists Contemporary TOKAS）Vol. 5『引き寄せられた気配』」では、太陽観測衛星「ひので」現在では NASA や国立天文台などが貴重な資料を一般が捉えた画像などをもとにした作品で空間を構成し、物公開しているおかげで、個人でも宇宙の世界の魅力に入語性よりも、作家の行為の痕跡や、純粋にその造形美のり込んでいけます。私は美術作品の制作をとおして、そう部分にフォーカスしました。そこで照明を専門家のご協力

した距離を縮めようと試みている感覚があります。無数のも得て工夫したことで、同じ作品でも光の当て方で全く異星々を一つひとつ追いかけるように穴を開けていると、生なる見え方になる体験をし、明かりの技術の奥深さと可能

まれくる星々も、やがて死にゆく星々もあることに思いがお性にふれることもできました。

よび、地球を描く際には、行ったこともない場所について気づくこと・想像できることがありました。また、宇宙の画

立天文台の太陽観測研究者・岡本丈典さんのお話を伺え

像は人間には不可視の光や電磁波も使って捉えられ、人たこと、また展覧会をご一緒した海老原靖さん、鮫島ゆい

工的に着色されていると知ると、私達に見えているもの・さんの表現を通じて「見えるもの／見えないもの」に対す見えていないものについても改めて考えさせられます。そうる向き合い方を改めて考えたことも、貴重な経験でした。こした体験と、天文学の専門家にお話を伺う体験なども融うした体験が常に新しく楽しい課題を与えてくれますし、自合させて制作していくことで、より宇宙に近づけたらと考え分の「作るための環境」を整えていく上でも大切だと考え

ています。

ています。

I had formerly felt as distant from myself until then.
Looking back, I think that the opinions from the judges,
which included artists I respected, gave me the opportunity to reconsider my form of artistic expression.

it has become a challenge for me to make the most of
the light itself, rather than confining it to the drawings.
Here as well, I feel that I have gained a lot from actively
showing my works in exhibitions, etc. For example, inArtists Contemporary TOKAS (ACT) Vol. 5 “Ungraspable,”
I composed the space with works based on images captured by the solar observing satellite “Hinode,” focusing
on the traces of the artistʼs actions and the pure beautyof the images, rather than emphasizing the stories theytell. Therefore, by devising lighting with the cooperationof lighting experts, I was able to see how a work can lookcompletely different depending on the way the light isapplied to it, and I was able to learn about the depth oflighting technology and its potential.
It was also a valuable experience for me to visit theJapan Aerospace Exploration Agency (JAXA) and speaking with Okamoto Joten-san, a solar observation researcher at the NAOJ, and to reconsider how to deal with the“visible and invisible” through the methods of artistic
expression employed Ebihara Yasushi-san and Samejima
Yui-san, who were my fellow exhibiting artists in the
ACT Vol. 5 “Ungraspable.” Experiences like these always
give me new and enjoyable subjects to think about, andI think they are also important in terms of creating a
positive environment for my own creative activities.
In another respect, when I look back, I realize that
there are some things that have always been inside me.
I feel that the idea of “leaving a history” through drawings that I learned from my university mentors is still

Exploring the Ungraspable
Today, thanks to the fact that NASA and the NAOJ
made valuable materials accessible to the public, even individuals can now immerse themselves in the fascinationof the world of outer space. I feel that I am now trying
to lessen the distance and make knowledge of outer space
more accessible through my creation of works of art. As
I punched holes in pursuit of countless stars one by one
in my works, I felt a connection to the fact that somestars are constantly being born and some are eventually
dying out. And when I draw the Earth, I could find newawareness and imagine places I have never been to before.
In addition, when we learn that images of the universeare captured using light and electromagnetic waves thatare invisible to humans, and that they are artificiallycolored, it makes us think again about what we can see
and what we cannot see. By combining these experienceswith the experience of talking to astronomy experts,
I hope to bring us closer to outer space.
In my work, when light is shined on the work, it
passes through the holes that I have opened to the otherside, and the protrusions that are created on the paper
due to the holes show various nuances of expression. So,
015

ARTIST INTERVIEWS 01

このときは宇宙航空研究開発機構（JAXA）に伺い、国016

一方で、振り返るとずっと自分の中にあるものを感じるいます。

こともあります。大学の恩師に学んだドローイングをとおしてこれらは自分にとっての教師の仕事ともつながると感じて「痕跡を残す」という考え方は今も私の中にあると感じまいて、例えば近年は美術教育でも作品を作るだけでなく、すし、大学院で「絵画において記憶はどのように表現さ生徒同士での鑑賞会などが行われており、私はこれを重れ得るのか」をテーマに行った研究の背景にあった心理視しています。また、生徒達に校内で展示する作品や壁画

学的な関心も、今、私が人間と宇宙の関係を考える際にを手がけてもらった際に、人は作ることを通じて達成感やつながりを感じることがあります。例えば、今宇宙につい自信を得られることもあるのだと実感しました。さらに、世て私達にわかっていることは全体のわずか4%とも言われ、界各地のこども達が参加する美術展などでは、同じ時代

それは心理学における人間の意識と無意識の関係性にどを生きていても全く違う価値観があると気づかされることがこか似ている気がするのです。そうしたことから、作品も私あります。そうしてともに考え、伝え合う場を持ち、作るこも変化を続ける一方で、何かを突き詰めた先の世界があとと鑑賞することの相乗効果で芸術文化が豊かになっていると思っています。

けるなら、それは素晴らしいことだと思っています。もちろん「美術は世の中の役に立つのか」と問われたとき、「自創作活動を続ける覚悟

分にとっては役に立たない」という視点もあり得るでしょう。
でも、すぐ形にはならなくても、美術が何かと何かを緩や

海外での制作や展示にも興味があり、今の生活スタイルとかにつないだり、社会あるいは人の心の隙間を埋めてくれの兼ね合いからすぐには難しそうですが、チャンスがあれたりすることがあり、今はわからないものだったとしても、ば挑戦したいです。また、「ACT」展のように、多くの方々

いつかその先でつながってくれたらという思いが私にはあとチームで何かを生み出していく経験が、作家としての自ります。だからこそ、表現を共有して、語り合える場作りを分をより強くしてくれるとも感じています。そうした中で、芸目指すなら、世の中をきちんと見つめることや、人との関術文化を作り上げる営みの中のひとりになれたらと思って係作りも大事だと感じています。

with me. I also feel that my interest in the psychologicalquestion of “How can memory be expressed in painting?” that I adopted as my research theme in graduate
school is now connected to my present thinking about
the relationship between humans and the universe. For
example, it is said that what we know about the universe
now is only about 4% of what there is to know in total,and I feel that there is a similarity between this and thequestion in the science of psychology about the relationship between human consciousness and unconsciousness.
As a result, while my works and I, myself keep changing,
I believe there is always a world beyond the things wehave worked to discover.

of art but also involves the students in things like art appreciation discussions, which I place a lot of importanceon. Also, when I asked the students to create individual
works and murals to be displayed in the school, I see
how that can sometimes give them an added sense ofaccomplishment and confidence. In addition, at art
exhibitions in which children from all over the world
participate, I sometimes see how completely different
their values can be, even though they are living in thesame era. I think it would be wonderful if we could have,
if we can create places where we can think and communicate together, and thus create a synergistic effect that will
enrich the positive effect of creating and appreciating art
and culture. Of course, when asked whether art serves auseful purpose in the world, some would say it does not
for them. However, even if the effect is not immediate,
I believe that art can create positive connections in agentle way that fill gaps in society or between peoplesʼ
hearts, even if it is not something that they understandat the time. I hope that someday the connection will go
beyond that. Thatʼs why I feel that if we aim to create
places where we can share our artistic expression and talkabout it, I feel that to create such spaces it is important
to look at the world properly and understand the valueof building relationships with people.
I believe that in order for artists to continue creating, they need to be prepared open up their own “uncharted path.” On top of that, it may also be important
to believe in your own potential for further maturation

Determination toContinue Creative Activities
I am also interested in creating works and showing in
exhibitions overseas, but due to my current lifestyle, it
seems difficult to do so immediately. But I would liketo try doing these things if I have the chance. I alsofeel that the experience of creating something as a teamwith many people, as in the ACT, strengthens me as an
artist. Under such circumstances, I would like to become
someone who is actively involved in creating art andcultural programs.
I feel that these are also things that connected to
my work as a teacher, and in recent years, for example,
art education has not only had students creating works
017

ARTIST INTERVIEWS 01「ACT Vol. 5『引き寄せられた気配』」（TOKAS 本郷、2023）展示風景
Installation view at “ACT Vol. 5 ʻUngraspableʼ,” TOKAS Hongo, 2023

Saturn, 2023

018

アーティストが創作を続ける上で自分にとっての「道なき道」を拓いていくには、やはりその人なりの覚悟が必要かと考えています。またその上で、自分の成熟の可能性を信じて、ときに辛抱しながら続けられることも大切かもしれま
せん。その先に広がる世界があると思えるかどうかは、諸先輩が実例を示してくれていますし、私もそうした場所に辿り着けたらと思います。そして、私の場合は家族の存在も大きいです。支えてくれる人、応援してくれる人達のためにも頑張ろうと思えるからです。
（2023年3月11日、TOKAS 本郷にてインタビュー）

PROFILE:

1982年生まれ。2007年埼玉大学大学院教育学研究科教科教育専攻「ACT Vol. 5
美術教育専修修了。TWS/TOKAS 参加プログラムに、『引き寄せられた気配』」（2023）、「TWS-Emerging 2015『フォールス《Sun》（部分）2023

カラー』
」など。

Sun (detail), 2023

and it may also be important to persevere with patienceat times. As for whether or not we can believe that there
is a world that expands beyond what we see immediately
before us, our seniors have given us examples, and I
want to reach such a place myself. And in my case, thepresence of my family is also a big factor. This is because
I want to do my best for the people who support me andbelieve in me.

須藤がプッシュピン・ドローイングを描く道具。使いやすいよ
うにカスタムし、穴の大きさに合わせて使い分けている。

The tools Sudo uses for her “push-pin drawings.” They are
customized to be easy to use and she uses them according to
the size of the holes she wants.

(This interview was conducted at TOKAS Hongo, March 11, 2023)

Sun, 2023
PROFILE:

Born in 1982. Graduated with an MA in Art Education from Saitama
University in 2007. Participation in TWS/TOKAS Programs: “ACT Vol. 5
ʻUngraspableʼ,” 2023, “TWS-Emerging 2015 ʻFalse colorʼ,” and more.

019

ARTIST INTERVIEWS 01

PROGRAM→pp.50–53
020

ARTIST INTERVIEWS

國分郁子

02

KOKUBUN Yuko

遠回りはしたかもしれませんが、今はこのやり方しかないとわかった感じがあります。
I may have taken the long way to get here,
but I now feel certain this is the only way for me.

「地球劇場」をコンセプトに、カラフルなコラージュや絵画で不思議な世界を描く國分郁子。目指すのは、舞台芸術が持つ、観る者の感情を動かす魅力を絵画で実現することだという。TOKASレジデンス・プ
ログラムを利用し、コンテンポラリー・サーカスのメッカであるモントリオールに滞在した彼女に話を聞いた。

Based on the concept of “Earth Theater,” Kokubun Yuko paints a mysterious world with colorful collages and paintings. Her goal is to realize through painting the appeal of the performing arts that movethe emotions of the viewer. We spoke with her after her stay in Montreal, a mecca for contemporary
circus, enabled through the TOKAS Residency Program.
021

ARTIST INTERVIEWS 02

022

絵画と舞台芸術をつないだ経験

私にとっての舞台芸術は、その場に居合わせた人しか得られない圧倒的な感動、心を揺さぶる体験です。そこ

大学で絵画を専攻し、今も絵画を中心に制作していますが、には、生身の発する声や音が内臓に響き、五感で体験でコンセプトとしては舞台芸術の存在がずっとあります。きっきる圧倒的なリアリティがあります。絵もこどものときから大かけは、東京藝術大学で学ぶ中で、絵を描く際もコンセ好きで、好きな絵画を3時間も見つめるようなことをしていプトが重要だと考え始めたことだと思います。そこで、まずました。でも舞台芸術と出合い、芸術は視覚だけでなく色々

は自分が何に興味を持ち、何を考えたいのかを探るうち、な要素から成るのだと実感できたことは、幸運な気づきだっ

演劇や舞踏を観にいくようになりました。藝大進学前に学たと思います。こうして、舞台芸術の存在が私の絵画の軸んだ多摩美術大学では映像演劇部の人々とも親交があっとして大切なものになっていきました。

國分が滞在したモントリオールは「シルク・ドゥ・ソレイユ」の拠点であり、今回の滞在中には本社も見学した。

The city of Montreal that Kokubun visited isthe home of Cirque du Soleil, and during her
stay this time she visited its Headquarters.

たため、彼らの舞台に出演したり、一緒にワークショップを受けたり、舞台を制作する側の視点を自然と持つように「地球劇場」というコンセプトの誕生

なりました。また、その時期に小池博史さんのパパ・タラ
フマラや、野田秀樹さんの NODA MAP を知ることになり

シルク・ドゥ・ソレイユの舞台を体験したことも転機になります。

ました。彼らの公演の幕開けに赤い緞帳が宙づりでパッと演者としての自分は、高校で新体操をやっていたものの、開く演出を見たとき、「私が進むべきなのはこっちだな」と飛び抜けて身体能力があるわけではなく、台詞回しも得悟るような感覚があったのです。その舞台は古今東西の意ではないことに早々に気づきました。ただ、例えばパパ・

人間の叙情や郷愁とともに、音楽も西洋からアフリカまで

タラフマラのように、明確な台詞ではなく奇声を発し、オノ

幅広いものを取り入れ、さらに演者の国籍も混ざり合う中マトペを使うような表現にも魅力を感じました。そうしたことで展開するものでした。それは人類の多様な文化を包含もあって、ある時期まで絵画とともにパフォーミング・アーツ

するメディアであり、言葉なしで観客とコミュニケーションす的な作品にも取り組みました。

る点でも、自分が取り組みたいものに近いと感じたのです。

The experience of connecting painting toperforming arts
At university, I majored in painting, and I still focus
primarily on painting, but the presence of the performing arts has always been a central concept in my work. I
think it all started when I was studying at Tokyo University of the Arts. It was there that I began to think thatconcepts were also important for painting. I first exploredthings I was interested in and what I wanted to think
about. I started going to watch theater and Butoh dance.
At Tama Art University, where I studied before entering
Tokyo University of the Arts, I had a good relationshipwith people in the film/theater department, so I performed in their stages and took workshops with them,and that naturally gave me an ability to look at thingsfrom the perspective of stage creators. Also, around thattime, I learned about Koike Hiroshiʼs Pappa Tarahumara
and Noda Hidekiʼs NODA MAP.
As a performer, I realized early on that even though
I had done rhythmic gymnastics in high school, I did
not really excel in terms of my physical capabilities ortheatrical elocution. However, I was attracted to thekind of theatrical expression of Pappa Tarahumara,that involved strange vocal presentation and the use of
onomatopoeia instead of clear delivery of lines. Becauseof those influences, until a certain time I worked on
performance-oriented works as well as my painting.
For me, the performing arts provide overwhelmingly
moving experiences that only those who are present023

can feel. There, the voices and sounds of the living
bodies resonate in the internal organs, and there is an
overwhelming reality that you experience fully with thefive senses. I have loved drawing and painting since I
was a child, and I would spend as much as three hours
staring at my favorite paintings. However, I think I wasfortunate to have encountered the performing arts andto realize that art is not only visual but can also be madeup of various other elements. That is why I think thatthe performing arts became an important element in mypaintings.

Birth of the Concept of
the “Earth Theater”
Experiencing the Cirque du Soleil (Circus of the Sun)
performances was also a turning point for me. When I
saw a red curtain hanging in the air suddenly open at the
beginning of the performance, I felt as if I knew that thiswas the place I should go. The stage was a mixture of human lyrics and nostalgia both ancient and modern, from
East and West, as well as a wide range of music comingfrom the West and Africa, and the nationalities of theperformers were also mixed. It was a medium that to me
encompassed the diverse cultures of humanity. And I feltthat it was close to the work I wanted to do, in terms ofcommunicating with the audience without words.
However, I also knew how difficult the actual
performing arts were and the limits of what I was able
to do in that realm, so I decided that my way was to
ARTIST INTERVIEWS 02

モントリオールで毎夏行われる
サーカス・フェスティバルの様子（2022年）。

A scene at the Circus Festival heldeach summer in Montreal (2022).

サーカス・フェスティバルで行われた国立サーカス学校の生徒達によるパフォーマンスの様子。

A scene of a performance by students ofCanadaʼs National Circus School at
the summer Circus Festival.

Photos Courtesy of Kokubun Yuko024

ただ、実際の舞台芸術の大変さや、そこで私ができる

モントリオールでのレジデンス

ことの限界も知っていたので、自分の道はこのビジョンを絵画で作り込んでいくことだと考えました。そこでコンセプ

2022年の春に、TOKAS の「二国間交流事業プログラム」

トとして「地球劇場」を掲げ、人間や生物の内部で起こる

でカナダのケベック州、モントリオールに約3ヶ月滞在しましドラマを、演劇的解釈で絵画に落とし込むという考え方でた。シルク・ドゥ・ソレイユの本拠地があり、コンテンポラリー・

制作しています。

サーカスや舞台芸術のカンパニーが数多く活動する街です。

その際、舞台芸術における演出的な要素も生かしています。人間がギュッと集まって言葉を発する、照明が変わって散り散りになっていく、といった際の人の動きや並び方に出合い、二度目の応募で実現しました。
モントリオールで舞台芸術が盛んな理由のひとつは、ケベッのイメージは、私にとってドローイング的にも感じられます。

ク州が国の文化予算を基盤に幅広い支援をしていることだ

そこで制作では、これらを絵画の構成に置き換えていくよと思います。毎年夏のサーカス・フェスティバルでは公園

うな感覚も大切にしています。コラージュ作品では、同じサに大がかりなセットが登場し、無料公演が行われます。また、イズで別々の背景を数枚並べ、そこへ同時進行でさまざま

シルク・ドゥ・ソレイユのホーム公演ではパフォーマーが登な素材を組み合わせていきます。素材は生物図鑑やファッ場すると、ロックスターのライブのように盛り上がります。日々

ション誌などから引用していて、このとき全体の構成や配の街角でも、横断歩道でパフォーマンスする人がいたり、色も、演出的な目線で見ている感覚があります。さらに、

ストリートパフォーマーが有名カンパニーにスカウトされたりこれらのコラージュ作品を融合させるなどして、絵画作品

しています。サーカスで地域の課題解決に取り組む活動もを制作しています。マーブリングや手描きの描線など、絵ありました。それは今回の調査で訪れた TOHU（サーカス

画ならではの表現はやはり魅力的ですし、コラージュを大芸術都市）というコンテンポラリー・サーカスの総合施設で、画面に置き換える作業は絵画で行いたいからです。

ここは近接するゴミ処理場で出る熱を運営に生かし、教育文化普及の場として機能させています。隣にはシルク・図鑑や雑誌などから素材を集めてコラージュする。
Collages are created from source materials like illustrated books and magazines.

create what I envisioned through painting. That is how
my concept of “Earth Theater” was born, and the idea
is to infuse the drama that occurs inside humans andall living things into paintings informed by theatricalinterpretations.
In doing so, I also make use of the theatrical elements of the performing arts. The image of how people
move and arrange themselves when they gather close
together to speak, or when the lighting changes or theactors scattered it feels like a drawing to me. In my work,
I feel that I translate these elements into the composition of a painting. Also, in my collage works, I line up
several different backgrounds of the same size and, in asimultaneous process, I combine different materials. The
materials I employ are taken from a variety of sources
such as biological encyclopedias and fashion magazines,
and I feel that I also view the overall compositions andcolor schemes from a theatrical perspective. In addition,
I also do things like fusing together these collage works
to create paintings. I also find things like marbling, handdrawn lines, and other expressions unique to painting to
be attractive, and I go through the process of transferring
these collages onto large supports because I want tocreate paintings.

Residency in Montreal
In the spring of 2022, I spent about three months in
Montreal, Quebec, Canada, on the TOKAS Exchange
Residency Program. Montreal is the home of Cirque

滞在中に行ったオープン・スタジオではコラージュやドローイング、絵画作品を展示した。
Kokubun displayed her collages, drawings, and paintings at the Open Studio event she held.
Photo Courtesy of Kokubun Yuko025

自分の作品の新展開がまとまり始めた時期にこのチャンス

ARTIST INTERVIEWS 02

du Soleil, and it is also a city where many contemporary circus and performing arts companies are active. I
took advantage of this opportunity at a time when new
developments were just starting to come together in mywork, and I was accepted for the program on my second
application.
I think that one of the reasons why the performing
arts have become so active in Montreal is that Quebec
provides a wide range of support enabled by Canadaʼsnational budget for arts and culture activities. Everysummer, during the Circus Festival large sets are put up
in the parks and free performances are held there. Also,
when performers appear at Cirque du Soleilʼs home
performances, the events take on a level of excitement as
if a famous rock star were performing. Even on street corners, every day there are people performing at places likepedestrian crossings, and street performers who performthere are often recruited by famous companies. There
are also initiatives that address ways to solve local issues
through circus. There is a facility called TOHU (Circus
City of the Arts), which utilizes the heat generated fromthe nearby garbage disposal plant in its operation, andit functions as a place to spread education and culture.
Next to it are the home facilities of major circus troupes
such as Cirque du Soleil, who also support TOHU.
At the same time, there are activities to enliven circus
culture held in various places, so it seems as if circus
is also an entity that draws on expressive vocabulary
from various genres. The combination of all this activity
made me feel a unique richness to the very ground that
026

027

ARTIST INTERVIEWS 02

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ドゥ・ソレイユなど大サーカス団の本拠地もあり、彼らももらえました。私の絵は日本では「情報が詰まっているから、心しました。自分のヒントにもなり、良いタイミングで見ら

TOHU を支援しています。各所でサーカス文化を盛り上げ

もう少し整理すれば」と言われることも多かったのですが、れたと思います。

る営みがあると同時に、サーカスが多様なジャンルの表現

モントリオールでは「いや、この情報がたくさんある感じがを拾い上げる存在にもなっているように思えて、その土壌いい」と言ってくれた方がいて、人それぞれだなと思いつつ、

ここでも絵画やコラージュの世界をいかに展示空間へ広げの豊かさを感じました。

自信を持てた面もあります。また「歌舞伎などの伝統的なられるかに挑戦したいと考えています。そして動線に沿って2023年の秋には TOKAS 本郷で展覧会に参加予定です。

滞在先のアートセンター「センター・クラーク」の人脈

舞台芸術にも影響を受けていますか」との質問もいただき進む中で、一本の舞台を見るような感情の動きを生み出せのおかげで、現地の舞台芸術界で活躍するさまざまな方とました。言われてみれば、画面内で人為的・統合的に光る展示が作れたらと思っています。また、ゆくゆくはその延お話しできたことも大きかったです。シルク・ドゥ・ソレイユの演出をしない私の絵は、自然光の下で演じられた昔の長線上で、実際の演者や衣装などのパフォーミング・アーツ

本社への見学では、衣装部門のマネージャーにお話を聞

歌舞伎と共通点があるかもしれません。私の場合はコラー的要素を組み込む試みもできるかもしれません。振り返ると、けました。あの規模とクオリティの舞台で世界各地をめぐり、ジュから始まることがその理由ですが、それゆえの不思議

すごく遠回りはしたと思いますが、今は自分にはこのやり

並行して新作も作り続ける活動はいかに達成されているのな魅力もあると考えています。また自分の表現に、実は浮方しかない、とやっとわかった感じもあります。

か、その一端を伺えて大変勉強になりました。さらに、各

世絵や歌舞伎の「かぶく」要素があったのかなと気づきカンパニーのディレクターや演者が参加するサーカス普及のました。

（2023年1月29日、オンラインにてインタビュー）

ためのコミュニティ・ネットワークに私も研究者として会員

滞在を経て、今後の作品展開に向けた意欲はより強く登録し、さまざまな現場の実態を調査できました。みなさなりました。今は自分の絵画をいかに「空間」にしていく

ん意外なほど気さくに会ってくださり、こうした関係性からかを目指したいと考えています。関連して良い刺激になっ

多様な協働も生まれているのだと感じました。

たのは、モントリオール美術館で開催していたスイスの作家、
ニコラス・パーティの個展です。歴史的な肖像画などの構滞在を経て見えてきたもの

図や色を引用してドリーミーな絵を描く方で、ここでは館の収蔵品と競演しつつ、展示壁にもオイルパステルで絵を描

滞在中に行ったオープン・スタジオでも、貴重な気づきをくなどし、作品と展示空間を自然に融合させている点に感

nourished it all.
Thanks to the connections available to me at theCentre Clark art center where I stayed, I was also able tomeet and talk with various people who are active in thelocal performing arts world. During a tour of the Cirquedu Soleil Headquarters, I was able to talk to the costumedepartment manager. It was a great learning experience
for me to hear about how it was possible to continue
creating new works, while at the same time travelingaround the world with productions of such scale andquality. In addition, I was able to register as a researcher
in the community network for the promotion of circus
that the directors and performers of various companies
participated in, and as a result I was able to investigate
the actual situation in a variety of fields. Everyone who
met with me was surprisingly friendly, and that made me
realize how various collaborations could be born fromthese relationships.

arts like Kabuki?” Hearing that, I realized that because in
my paintings I do not try to artificially or comprehensively create effects on the support by manipulating the useof light, my works may have something in common withthe old form of Kabuki performed under natural light. In
my case, the reason for this is that I begin from collage,
but I think that gives my works a mysterious sort ofcharm. I also realized that perhaps my form of expression
actually has elements of ukiyo-e and references to Kabuki
known as “kabuku” (eccentric ideas, exceptional (heretical) behavior).
As a result of my residency, my motivation for
future development has become stronger. I now want towork to see how I can make my paintings into “spaces.”
A positive related stimulus was the solo exhibition of
Swiss artist Nicolas Party held at the Montreal Museumof Fine Arts. He is an artist who creates dream-likepictures by drawing references from the compositions
and colors of works such as historical portraits, and I
was impressed by the way he created a natural fusionof the works in the exhibition space by juxtaposing his
own paintings with works from the museumʼs collection,
while also painting on the exhibition gallery walls withoil pastels. That exhibition gave me a good hint forthings to try, and I think it came at a good time for me.
In the fall of 2023, I plan to participate in an exhibition at TOKAS Hongo. Here, too, I want to take on thechallenge of how to expand on the world of paintingsand collages in the exhibition space. I hope to create an
exhibition with a progression of emotional responses

What I came to see as a result of my stay
The Open Studio that I held during my stay was anotherthing that gave me valuable insights. In Japan, I was often
told that my paintings were so full of information that I
should try to organize it a little more. But in Montreal,
there was a person who said, “No, I like the feeling that
I get from all this information in your paintings.” So, I
realized that different people saw it in different ways, andthat became a new source of confidence to me. I was
also asked, “Are you influenced by traditional performing
029

ARTIST INTERVIEWS 02

PROFILE:

1982年千葉県生まれ。2010年東京藝術大学大学院美術研究科美術

解剖学研究室修了。TOKAS 参加プログラムに「2020年度二国間交流事業プログラム〈ケベック〉」。

like those occurring in a stage performance as the viewer
proceeds through it. Perhaps, by following the naturalextensions of this concept, I may be able to try incorporating elements of a performing arts experience, such asencountering actual performers and costumes. Looking
back, I think it took a very long time for me to reachthis point, but now I feel as if I finally understand that
this is the only way for me to proceed.
(This interview was conducted online on Jan. 29, 2023.)

撮影は國分のアトリエで行った。制作途中の作品やスケッチ、
参考資料から國分の創作の様子を知ることができた。

Photographs were taken at Kokubunʼs studio. Her creative
process is revealed in sketches in-progress for her works andreference materials she uses.

PROFILE:

Born in Chiba in 1982. Graduated with an MFA in Artistic Anatomy
from Tokyo University of the Arts in 2010. Participation in TOKAS
Program: “Tokyo-Quebec Exchange Residency Program 2022.”

PROGRAM→p.67
030

ARTIST INTERVIEWS

03

TOKASと東京都が中堅作家支援として実施する「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」。
第3回受賞者の2人が各々の現在地を語る対談は、志賀のスタジオで行われた。

志賀理江子╳竹内公太

TOKAS and the Tokyo Metropolitan Government aim to support mid-career artists through the Tokyo
Contemporary Art Award (TCAA). This talk with the two award winners of the 3rd TCAA spoke withus at Shigaʼs studio about their current positions.

SHIGA Lieko ╳ TAKEUCHI Kota

もがきながら前に進むためにTo Move Forward
While Struggling

031

ARTIST INTERVIEWS 03032

活動拠点と制作の関係以降もいわきで暮らしています。スタジオはなく、外で写真を撮ったり調べ物をしたり、モノを作る際は近所の河川敷

志賀：このスタジオは、宮城県仙台市から車で約1時間で作業するようなことを続けてきました。今回は自分にとっの小牛田にあります。閉店して久しいパチンコ店舗で、持て得られるものがあると感じ、ここでお世話になっています。

ち主の石堂建設さんの社長さんからは「活用していいですよ」と、快く貸していただきました。自分達で最低限の志賀：今回、竹内さんに連絡したのは「たぶん、話した

整備をして、ここで作品を撮り、知人達と料理をしてテーブ方がいいな」と思ったからです。特にこのあと受賞記念展

ルを囲むなど活用していました。ただ、夏は暑く冬は寒く、で同じ場を共有するなら、これを単なる記念展ではなく、過酷な環境なのが悩みでした。そこへありがたいことにユニークな機会として捉えたかったのです。

TCAA の受賞があり、賞金を生かして空調付きの小屋を取り付け、人々を招いたワークショップなどもできるようにな

支援を生かしたそれぞれの挑戦

りました。今（取材時）は竹内さんが滞在制作をなさって
竹内：TCAA は海外での活動支援もあり、僕はアメリカでいます。

の調査を行いました。ここ数年、太平洋戦争で日本軍が竹内：2021年の受賞後は少し浮ついた気持ちでいたので使用した風船爆弾（米国空襲を企図した気球爆弾）を調べすが、志賀さんが連絡をくださって。はじめましてから始まり、ています。いわき市もこの風船が放たれた場所だと知った

展示に向けた熱量に刺激を受けて、その後スタジオ滞在のがきっかけで、やがて相手国側の取材も始め、2017年のお誘いに飛びつきました。僕は2012年以降、福島県いにアジアン・カルチュラル・カウンシル（ACC）の助成でわき市を拠点にしています。前年に震災と原発事故があり、渡米の機会をいただきました。さらに継続調査を準備して事故現場で作業員として働きました。その後これに関わりいたのがコロナ禍で頓挫し、困っていたときに TCAA のおのある発表や、いわき市で劇場の解体を取材するなどし、話がありました。そこで2021年6月、ニューヨークで観光

The relation between their base of activities
and their artistic creation

there to work at the damaged power plant. After that, I
made presentations related to all this, after which I did
things like covering the demolition of a theater in Iwaki
City. Since then, I had been living in Iwaki. I didnʼt havea studio, so I continued to take pictures and do researchoutdoors, and when I created works, I would do it onriverbeds in the vicinity. I felt that I would be able togain something by working in residence here this time, so
I accepted the kind offer to work here.

SHIGA: This studio is located in Kogota, about a onehour drive from Sendai City, Miyagi Prefecture. It was apachinko parlor that had been closed for some time, andthe president of the property owner, Ishidoh Construction, kindly lent it to us, saying, “You are welcome touse it.” We did the minimum necessary maintenance andrenovations ourselves, after which we used it for filming
our works, cooked with acquaintances and sat around thetable to eat and converse together. However, the harshenvironment with hot summers and cold winters was aconcern for us. Thankfully, I received the TCAA award,
and I was able to use the prize money to build a small
addition with proper air-conditioning and heating where
we could invite people in to take part in workshops
and other events with us. Right now (at the time of theinterview), Takeuchi-san is here doing creative work-inresidence.
TAKEUCHI: After receiving the award in 2021, I felt alittle up in the air, but then I got an email from Shiga-san.
It started with a nice-to-meet-you greeting, after which
I was inspired by the intensity of her attitude in preparation for the TCAA winnersʼ exhibition, and when
she invited me to do a creator residency at her studio, I
jumped at the opportunity. I have been based in Iwaki
City, Fukushima Prefecture since 2012. The previous
year, there was the Great East Japan Earthquake and thenuclear power plant accident in Fukushima, and I went
033

SHIGA: I contacted Takeuchi-san this time because
I thought that he was someone who I would benefit
from talking to, especially because we were both goingto participate in the same TCAA winnersʼ exhibition, I
wanted to see it as a unique new opportunity, not just as
a commemorative one.

Undertaking challenges
that makes use of support efforts
TAKEUCHI: TCAAʼs programs also include support
for overseas activities by artists, and through a TCAA
program I was able to conduct a survey in the UnitedStates. In the past few years, I have been investigating theso-called “balloon bombs” used by the Japanese armed
forces in the Pacific theater of World War II (bombcarrying hydrogen balloons intended to bomb territory
in the United States). When I learned that Iwaki City was
also the place where these balloon bombs were released,
I eventually started studying the balloon bomb fromthe perspective of the U.S., and in 2017 I was given the
ARTIST INTERVIEWS 03

志賀の制作の拠点、スタジオ・パーラー

Studio Parlor, the base for
Shiga Liekoʼs creative activities
Photo courtesy of Shiga Lieko034

客向けワクチン接種が始まり、入国のための検査もなくなっ

イベントが実現、という感じです。作家活動との両立は大た際、思い切って渡米しました。

変ですが、素晴らしいつながりだと思えたし、自分の制

今回は実際に着地した風船爆弾を捉えた米軍情報部

作にとっても大きなプラスになったと感じます。

の写真や報告書を頼りに、Google マップで場所を探し当て、現地に行くことができました。ワシントン州東南部のハン

竹内：受賞記念展は東京都現代美術館の同じフロアでそフォード・サイト（原爆開発のための「マンハッタン計画」にれぞれの個展だと知り、幸いこうして相談し合える間柄にてプルトニウム精製が行われた場所）の南西にあるラトルスネ

なれたので、互いにやりとりしながら準備することになりま

イク山（ラリイク山）のふもとです。僕はその着地点の地面した。展覧会タイトルにもなった言葉「さばかれえぬ私へ」を何枚も撮影しました。受賞記念展ではその写真を貼りは、志賀さんから提案いただいたものです。僕は展示の合わせて直径10m の風船と似た構造体を作り、地面が膨

方向性がほぼ固まりつつある一方、志賀さんはそれをじっ

らんだり萎んだりするという作品を考えています。

くり探っているような状況。だからこそ志賀さんから言葉を志賀：私の場合は小さなこどもがいて、今一緒に海外にます。

いただいて、僕はそれに反応していく感じかなと思ってい行くのは難しいと思いました。そこで代わりに、このスタジ

竹内公太《三凾座の解体》2013

TAKEUCHI Kota, Demolition of Mihako Theater, 2013

竹内が風船爆弾の調査で訪問したクラマス郡博物館（アメリカ・オレゴン州）。

The Klamath County Museum (Oregon State, United States) that Takeuchi visited to research the balloon bombs.
Photo courtesy of Takeuchi Kota

035

ARTIST INTERVIEWS 03

オで先ほど話したワークショップ等のさまざまなプログラム

志賀：私と竹内さんは、物事への向き合い方という点でを行うことを相談したのです。この選択は私にとって大きなは結構似ているように思います。ある問いを何年もかけてものになりました。スタジオを外に向けて開くと、当然知ら考え続けることがあり、突き詰めると、私の場合は「人間ない人が訪ねてきます。それによってこの場がアクティベイトと近代」に辿り着くようなところとか。とはいえ、竹内さん

されたのです。例えば東京のインフォショップの方にトークの話には筋が通っていて常にわかりやすく、それが作品のをお願いしたことで、彼らと縁のあるユニークな手芸グルー

強度にも表れている。作品を通じて、ある1点から物事のプに結び付き、さらにそれを見にきたミャンマー人の方の見方がガラッと変わるような強さを感じます。周囲を煙にopportunity to travel to the U.S. on a grant from the
Asian Cultural Council (ACC). Furthermore, when I was
preparing for a continuation of the survey, my efforts
were threatened by the COVID-19 pandemic restrictions.
It was at that troubled time that I heard about thepossibility of going to the States on a TCAA project. So,
in June 2021, when vaccination for tourists began in New
York and the immigration examination was eliminated,
I immediately took advantage of that opportunity to go
to the U.S.
On this trip, I relied on the photos and reports
from U.S. military intelligence about the balloon bombsthat had landed in the U.S. I then found the locationof one of the landings on Google Maps and went to thesite. It was located in southeastern Washington at thefoot of Rattlesnake (Laliik) Mountain, southwest of the
Hanford Site (the site where plutonium was refined forthe “Manhattan Project” for use in the development of
the atomic bomb). I took many pictures of the ground atthat landing site. In my exhibition for the TCAA award
winners, I am thinking of pasting the photographs of theground together to create a structure about 10 meters
in diameter like one of the bomb balloons and create awork in which the structure is inflated and deflated for an
appearance like ground swells.

me. When you open a studio to the outside, of course
strangers will come to visit you. Thatʼs how this placebecame activated. For example, by asking through an
infoshop in Tokyo for people to give a talk for me, I wasable to connect with a unique handicraft group that has
a connection with them, and then an event was realized
for a person from Myanmar who came to that event. Itʼshard to balance this with my career as an artist, but I feelthat it is a wonderful connection, and I feel that it has
been a big plus for my artistic work as well.

SHIGA: In my case, I have a small child, so I thought
it would be difficult to go abroad with my child thistime. Instead, we discussed doing various activities at
my studio here, such as the kind of workshop I talked
about earlier. This choice became an important one for

TAKEUCHI: I learned that we were both going to havesolo exhibits on the same floor of the Museum of Contemporary Art Tokyo in the TCAA winnersʼ exhibition,
it was fortunate that we were able to consult with eachother, and we decided to prepare for the exhibition while
communicating with each other. The words that became
the title of the exhibition, “Waiting for the Wind,” weresuggested by Shiga-san. While the direction for my exhibit is almost decided, Shiga-san still seems to be exploring
her plan carefully. So, I feel that when I hear things from
Shiga-san, I am mainly reacting to the things she says.
SHIGA: I think Takeuchi-san and I are quite similar
in terms of the way we approach things. I have spentyears thinking about a certain question, and eventually,in my case I think you can say that I have arrived at atheme “humankind and modernity.” In Takeuchi-sanʼscase, I think you can say that, for example, there is acoherency to the things he says, and they are always easy
to understand, and I feel that is reflected in the strength036

巻かず、稀有な存在だと思いました。そうした違いも、一の一部をいただいたのと同じように大変なことだと思うので、

緒に展示を作る上で前向きに捉えています。

たとえプロジェクトが大きくなっても、それだけは常に忘れ志賀理江子《風の吹くとき》2022–2023
SHIGA Lieko, When the Wind Blows, 2022–2023

ずにいようと思っています。そして、写真の暴力性とは別
竹内：僕は今まで制作手法も材料も、経済的な厳しさものものがいかに「向こう側」からやってくるのかを考えた

あって「これ以外は選べない」というやり方を続けてきた

いし、できればそれを迎え入れたいです。

とも言えます。それはスリリングでもあるけど、条件に身を委ねすぎて、ある意味では楽をしていたとも感じています。
志賀さんとこの展示を準備することは従来の自分のそうしさばかれえぬ私へ̶

震災から10余年を経てたやり方や、取材ありき・場所ありきという手法だけでなく、もう少し抽象化された表現に取り組める契機にもなればと

志賀：今回の展示にも関連しますが、東日本大震災から思っています。2人の違いという点では、志賀さんの場合の時間について考え続けています。それについて伝えられは常に多くの生身の人と深く関わっている点も大きいのでは。

たらと思うのは、震災の後、復興が目指される中で何が常に相手と向き合って責任を負う立場なのだと思うし、そ起きたかということです。例えば当時の私が暮らしていた

うした志賀さんの態度があるからこそ、協力者の人が身を宮城県名取市の北釜地区では、カジノを含む統合型リゾー

委ねることができるのだと思います。

トの誘致話が持ち上がりました。そこには強くて巧妙な資本の力が生じていたし、実現を望む人も望まない人もい志賀：写真は「こう撮りたい」というのが制御できてしまる中で、単純にコミュニティ内の分断やよくない妄想が膨うメディアだからこそ、それが人間の暴力性のようなものだ

らんで関係性に歪みが起きてしまうこともありました。それけになってしまうのは避けたいと思っています。一方で、そは近代の歩みにおいて、安心・清潔な暮らしに邁進する

れとは別に協力者との間で良い時間を共有できることがあ中で、さまざまな歪みが生じたこととも似ています。あの震ります。ただ私は、写真に写ってもらうということは、身体災後には、それらが一瞬にして起きたようでした。最終的

and intensity of his works. Through his works, I feela strength that brings us to a single perspective thatcompletely changes the way we look at something. The
way he refuses to cover things with a veil of cloudiness orambiguity has made him appear to me as a rare presence.
We also look at these differences in a positive light as wework toward the exhibition that we will jointly present.

another form of human violence. In another sense, there
is also an aspect that enables you to share good times
with the people who collaborate with you. However,since I feel that taking a photograph of someone is a very
serious matter, something akin to receiving a part of that
personʼs body, even if a project becomes large, I always
want to remember that responsibility to each person.
And, besides this concern for the potential of “violence”
in terms of unexpected or unintended results occurring
through photography, I want to think about what unintended motivations can come to the photographer (me)or a project from “the other side,” and if possible I want
to welcome that in a way that is fitting.

TAKEUCHI: Due to economic circumstances, I havealways been forced to use “only the things that I have”
for the way I create my works and the materials I use.
In a way that is also a thrilling state to be in, but I alsofeel like I was perhaps too dependent on the conditions
I worked under, in a way that may have made things tooeasy. I hope that the process of preparing this exhibition
with Shiga-san will give me an opportunity to work notonly within the scope of my conventional methods, suchas my dependence on research and my strongly place-oriented approach, but to also take a somewhat more
abstract approach in my form of expression. In termsof the differences between the two of us, I think that in
Shiga-sanʼs case, she is always deeply involved with many
real people. I think she is always in a position where she
faces those people with a great sense of responsibility,
and I think it is because of Shiga-sanʼs attitude that thepeople she works with are able to open themselves witha sense of trust.
SHIGA: Because photography is a medium with which
you can control the way you want the subject to look,
I donʼt want to let photography become something like
037

Waiting for the Wind̶
More than 10 years after the earthquake
SHIGA: Another thing that is related to this exhibitionis the fact that I continue to think about the time since
the Great East Japan Earthquake. What I would like tobe able to tell people about is what happened after theearthquake, as reconstruction was being implemented.
For example, in the Kitagama district of Natori City,
Miyagi Prefecture, where I lived at the time, there wasplan of trying to bring in a comprehensive resort projectthat included a casino. There was a strong and skillfully handled power of capital involved, and while somepeople wanted it and some didnʼt, it simply created adivision within the community and delusions that distorted relationships. Similarities can be drawn to the factthat various distortions have arisen during the modern
ARTIST INTERVIEWS 03

038

にカジノ構想は中止になりましたが、私達の人間性の中にしましたが、もともとメディアをとおして見る出来事のほうに断ち切り難く存在するさまざまなものを感じました。

関心を抱いてきた点で志賀さんとはまた異なるかもしれま

これはまだ説明が難しいのですが、震災後の復興とそせん。例えばいわきの劇場や石碑を扱った作品なども、こでの綻びが投影されるものを、私は地図のようなものとメディアをとおして僕らが「何を見ているのか・見ていな

して見ています。なぜ地図かといえば、地形というのは水いのか」ということを追いかけています。そこにも普遍的の中にある大地の境界線で、常にゆらいでいますよね。

な視点はあると思うからです。メディアから虚実ないまぜの潮位が上下することでもその形は変わる。そう考えるとき、発信がなされる「情報災害」の問題はずっとあって、敵打ち寄せる波と土地との関係が、地図のようだと思うのです。

か味方かの二項対立で、市民の責任としての政治的発言

震災のとき、真っ黒な波を被りながら逃げました。それがというレベルでは到底ない酷いやりとりが、こどもも見てい終わったあと、全てのものが水に沈んで水面鏡のようになっる SNS などに溢れている。これで人間はメディアを使いこたとき、あらゆる価値が失われてフラットな世界が現れた

なせていると言えるのか。そうした問題意識から何かを提感覚がありました。ふと、私はこれを求めていたのではと思っ示できないと、何か大きなものに負けっぱなしではないかたのです。自分が小さなころから感じていた、社会へのと思うのです。風船爆弾についても、平和的でやさしいイメー

違和感からの自由。でも同時に、私もこの社会によってジの風船が実は兵器であること、またそれが行き着いた

生かされていた、だったら社会を否定してはいけないので先の結果を誰も知る術のないまま、9300発も放たれたこはないかと思いました。そして、あのとき見た波の下に私とが、現在の SNS などを取り巻く状況ともどこか重なります。

志賀理江子《バイポーラー》よりスチル画像 2022

SHIGA Lieko, Still from Bipolar, 2022の無意識があるのではと思ったとき、この、海のあり方、海の形容をイメージとして考えて感じることは、重要な視点

志賀：私は展覧会になると毎回、開幕直前まで内容がどになってきました。

うなるかわからないのですね。自分の中の問いが「ああ、どうしよう」というくらい広がるところまで行き、そこから一

竹内：僕は過去に震災や原発事故に関わる作品を制作

旦立ち戻ることで改めて始まる感じです。今回は特に、こera as society strove to create safer and cleaner lifestyles.
After the earthquake, all this seemed to happen in an
instant. In the end, the casino concept was canceled, andafter that, it made me aware of about various difficult
problems people bear that are hard to avoid, and difficult
issues that remain.
This is another thing that is difficult to explain, butwhen looking at the falling apart of the reconstruction
after the disaster, I was seeing it as a sort of map. Why amap? I would say that we see topography as that of land
which is always fluctuating in relation to the boundaryline with the surrounding water, isnʼt it? It also fluctuateswith the rise and fall of the tides. With that in mind, I
think of the relationship between the waves that wash
ashore and the land as something like a map. During
the tidal wave disaster, we ran for safety with blackened
waves crashing over us. After that, everything was covered
with a mirror-lake surface of water, and I felt that aflat world stripped of all value had suddenly appeared.
Then, the thought came to my mind that this was in away something I had hoped for. It was a sense of being
suddenly freed of all the misgivings I had about society
since childhood. But at the same time, I felt that it wasalso this society that supported me, so I shouldnʼt negate
it. And, when I thought that what I saw under that tidal
wave was in fact the product of something in me that I
was not conscious of, I realized that the way this sea was
and what I felt when I thought about how to define its
image, this became an important perspective for me.

to the March 11th earthquake and the Fukushima
nuclear power plant accident, but I feel that it may bedifferent from Shiga-san in that I have always been moreinterested in events as seen through the media. For
example, in the works I shot dealing with the theaterand the stone monuments in Iwaki, my focus was always
on what we see through the media and what we are notseeing. Thatʼs because I think there is a universal perspective there, too. There has always been the problemof “information disasters” in which false messages are
disseminated by the media, the dichotomy of friend vs.
foe, and terrible exchanges that donʼt attain the level ofpolitical statements as the responsibility of citizens, all ofwhich are abundant on social media and other sites thatchildren are also seeing. Considering all this, can it reallybe said that people are using the media effectively? If we
canʼt present things with an awareness of this problem, I
think we will continue to be defeated by some large force
or other. As for balloon bombs, the fact that the samehydrogen balloons that commonly have a peaceful andgentle image today can also be used as weapons, and that
9,300 of them were actually released during the war without anyone knowing the outcome at their destinations,
I feel this somehow overlaps with the current situation
surrounding social media.

TAKEUCHI: In the past, I have produced works related039

竹内公太「さばかれえぬ私へ Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023 受賞記念展」（東京都現代美術館、2023）展示風景
TAKEUCHI Kota, Installation view at “Waiting for the Wind: Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023 Exhibition,” Museum of Contemporary Art Tokyo, 2023

SHIGA: Whenever it comes to an exhibition, I donʼtknow what the content will turn out to be until justbefore the opening day. I feel like I reach a point where
the question inside me expands to such a degree that I
think, “Oh, what should I do?” And then, I go back to
ARTIST INTERVIEWS 03040

のスタジオに人々を迎えて話し合うことが土台にあり、その竹内公太《地面のためいき》2022

TAKEUCHI Kota, Sigh of A Ground, 2022

方達から得たものが大きかった。加えて震災後の復興というものが、時が経つほど重い問題になってきました。そしてこの数年で私自身にも、社会にもさまざまな変化がありました。だからなかなか簡単ではないし、今回の展示も、どのように最終的に現れるのかわからなくて、もがいているところです。
（2022年9月2日、宮城県遠田郡内・志賀氏のスタジオにてインタビュー）

志賀理江子

1980年愛知県生まれ。宮城県を拠点に活動。2004年ロンドン芸術大学チェルシー・カレッジ・オブ・アート・アンド・デザイン卒業。TOKAS
参加プログラムに「さばかれえぬ私へ Tokyo Contemporary Art
Award 2021–2023 受賞記念展」（東京都現代美術館、2023）。
竹内公太

1982年生まれ。福島県を拠点に活動。2008年東京藝術大学美術学

部先端芸術表現科卒業。TOKAS 参加プログラムに「さばかれえぬ私

へ Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023 受賞記念展」（東。
京都現代美術館、2023）

the starting point and begin again from there. This timein particular, the base of my plan was to focus on mypractice of welcoming people to the studio and talking
to them, and to express how much I have gained fromthem. In addition, there is my awareness of how thereconstruction after the Great East Japan Earthquake
has become an even larger and more serious problem astime goes by. In the past few years, there have been manychanges in myself and in society. Thatʼs why itʼs not easy,
and Iʼm struggling with this exhibition because I donʼtknow how it will ultimately appear.
(This interview was conducted at Shigaʼs studio in Toda-gun,
Miyagi Prefecture on Sep. 2, 2022.)

SHIGA Lieko
Born in Aichi in 1980. Lives and works in Miyagi. Graduated with a
BA in Fine Art New Media from Chelsea College of Art and Design,
London Institute in 2004. Participation in TOKAS Program: “Waiting
for the Wind: Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023 Exhibition,”
Museum of Contemporary Art Tokyo, 2023.
TAKEUCHI Kota
Born in 1982. Lives and works in Fukushima. Graduated with a BA in
Intermedia Art from Tokyo University of the Arts in 2008. Participation in TOKAS Program: “Waiting for the Wind: Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023 Exhibition,” Museum of Contemporary Art
Tokyo, 2023.

041

ARTIST INTERVIEWS 03

2人の撮影は受賞記念展会場で行った。
Photos of the two were taken at the Award Exhibition venue.

PROGRAM→pp.60–61
042

TOKAS ANNUAL REPORT 2022: PART 1

新進・中堅アーティストの活動支援
Artist Support

TOKAS-Emerging 2022
ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 5

引き寄せられた気配
Ungraspable

3331 ART FAIR 2022
Tokyo Contemporary Art AwardPART 1 では、公募による新進作家の個展形式の展示「TOKAS-Emerging」、注目のアーティスト、そして中堅作家のさらなる飛躍を促す賞による企画展示「ACT（Artists Contemporary TOKAS）」「Tokyo Contemporary Art Award」などを紹介します。

PART 1 introduces TOKAS-Emerging exhibition, a series of solo exhibitions by emerging artists
selected via open-call, the Artists Contemporary TOKAS (ACT) exhibition for promising artists,
the Tokyo Contemporary Art Award that aims to support further artistic development for midcareer artists, and other programs.
043

044

TOKAS-Emerging 2022

公募により新進アーティスト6名の個展を開催「Emerging」は、35歳以下の日本在住アーティス

伊豆大島とアイスランドの火山地帯に住む人々の生トへの活動支援として、個展開催の機会を提供す

活を映像作品に編んだ山田沙奈恵、絵画や立体る公募プログラムです。2022 年度は、全国 142 組

作品などを組み合わせ、鑑賞者が自身の記憶との 応 募から、3 名 の 審 査 員による書 類 選 考と、関係性を築くことを試みた時山桜が出展。また、

TOKAS による面接を経て、6名のアーティストを選

両会期の初日には、審査員をゲストに迎えてアーティ出しました。

スト・トークを実施しました。

独自の染色技法を用いて記憶の揺らぎを表現し本プログラムの活動支援として、展示プランをブラッ

たむらたちひろ、国や組織が作る複数の家系図か

シュアップするため、TOKAS スタッフと対話を重ね、らさまざまな「家族の定義」を考察したジョイス・ラム、 プランを精査する機会や、照明の専門家からアド参加作家 Artists

第1期Part 1

むらたちひろ MURATA Chihiro
ジョイス・ラム Joyce LAM
冨樫達彦 TOGASHI Tatsuhiko
第2期Part 12022.4.2–5.8
第2期の感覚も引き出すインスタレーションを構成した冨樫や効果を学ぶ機会を設けています。2022年度は、達彦、植木鉢の形をした彫刻を他人の軒先の植

アーティストごとにカタログを製作し、今後の活動に木鉢の群に紛れこませて撮影をした婦木加奈子、も生かせるツールとしました。

Emerging is an open call program for artists
under the age of 35 residing in Japan and provides
selected artists opportunities for solo exhibitions
to support their activities. In 2022, six artists wereselected from 142 applicants nationwide throughdocument screening by three judges and interviewsby TOKAS.
The six exhibiting artists included Murata
Chihiro, who uses her own unique dyeing technique in attempts to capture fleeting personal
memories; Joyce Lam, who explores varying“definitions of family” from multiple family trees
defined by different countries and organizations;Togashi Tatsuhiko, who composed an installationthat uses ingredients such as turmeric and lard tobring out senses other than sight; Fuki Kanako,
who created flowerpot-shaped sculptures andphotographed them mixed in among otherpeopleʼs groups of potted plants; Yamada Sanae,

Part 2

Date

第1期

バイスを受け、空間づくりがもたらす展示の見せ方

Holding solo exhibitions for six emerging artists selected by open call

婦木加奈子 FUKI Kanako
山田沙奈恵 YAMADA Sanae
時山 桜 TOKIYAMA Sakura
会期

ターメリックやラードなどの食材を用いて、視覚以外

Part 22022.5.21–6.26

who weaved the lives of people living in the volcanic areas in Izu Oshima island and Iceland into
video works; and Tokiyama Sakura, who displayed
paintings and three-dimensional works intended toget viewers to build relationships with their own
memories. In addition, on the first day of both
Emerging exhibitions, an artist talk was held withthe jury members as guests.
As for the support for artist activities offeredby this program, in order to further develop theirexhibition plans, we are creating opportunities for
dialogue to examine the plan in depth, while also
seeking advice from lighting experts, all with theaim of learning more about how space creation
affects the way exhibits can be shown and theeffects they have. In 2022, we created a catalog foreach artist which can be used as a helpful tool for
future activities.

会場：TOKAS 本郷

審査員：三本松倫代（神奈川県立近代美術館 主任学芸員）、長谷川 新（インディペンデント・キュレーター）、
近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）

関連イベント：4.2「第1期：アーティスト・トーク」ゲスト：三本松倫代

5.21「第2期：アーティスト・トーク」ゲスト：長谷川 新

Venue: TOKAS Hongo
Jury menbers: SANBONMATSU Tomoyo (Curator, The Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama), HASEGAWA Arata (Independent curator),
KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)
Events: 4.2 “Part 1: Artist Talk” Guest: SANBONMATSU Tomoyo
5.21 “Part 2: Artist Talk” Guest: HASEGAWA Arata

045

TOKAS-Emerging 2022

詳しくは本展カタログをウェブサイトよりご覧ください。

For further details, see the exhibition catalogs on the TOKAS website.

046

むらたちひろinternal works / 彼方の果

冨樫達彦

MURATA Chihiro

internal works / kanata-no ka

TOGASHI Tatsuhiko

PROFILE:Eat Your School, Donʼt Do Vegetable

PROFILE:1986年京都府生まれ。京都府を拠点に活動。2011年京都市

立 芸 術 大 学 大 学 院 工 芸 専 攻 染 織 修 了。主 な 展 覧 会 に「VOCA 展2022 現代美術の展望─新しい平面の作家たち─」（上野の森美術館、東京）など。

Born in Kyoto in 1986. Lives and works in Kyoto. Graduatedwith an MFA in Crafts from Kyoto City University of Arts in
2011. Recent exhibition: “VOCA -THE VISION OF CONTEMPORARY ART 2022,” The Ueno Royal Museum, Tokyo.

1992年山形県生まれ。東京都を拠点に活動。2018年サンドベ

ルグ・インスティチュート・ファインアート専攻修了。主な展覧会に ｢Never the Same Ocean ─あるいは、46億年目のミューテーション─」（HAGIWARA PROJECTS、東京、2021）など。

Born in Yamagata in 1992. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith an MA in Fine Arts from Sandberg Institute in 2018. Recent
exhibition: “Never the Same Ocean,” HAGIWARA PROJECTS,
Tokyo, 2021.

ジョイス・ラム

家族に関する考察のトリロジー

婦木加奈子

ストレンジャー

Joyce LAM

On Family

FUKI Kanako

Stranger

PROFILE:PROFILE:香港生まれ。2022年東京藝術大学大学院映像研究科メディア映像専攻修了。主な展覧会に「Bauhaus Lab 2022: Doors of

Learning: Microcosms of a Future South Africa」（バウハウス・デッサウ校舎、ドイツ）など。

047

Born in Hong Kong. Graduated with an MA in Film and New
Media from Tokyo University of the Arts in 2022. Recent exhibition: “Bauhaus Lab 2022: Doors of Learning: Microcosms ofa Future South Africa,” Bauhaus Building, Germany.

TOKAS-Emerging 2022

1996年兵庫県生まれ。東京都を拠点に活動。2020年ロンドン

芸術大学チェルシー・カレッジ・オブ・アート・グラデュエート・

ディプロマ・ファインアート修了。主な展覧会に「第 1 回 MI-

MOCA EYE / ミモカアイ」（丸亀市猪熊弦一郎現代美術館、香川、2022）など。

Born in Hyogo in 1996. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith a Graduate Diploma in Fine Art from Chelsea Collegeof Arts in 2020. Recent exhibition: “1st. MIMOCA EYE,”
Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art,
Kagawa, 2022.

048

山田沙奈恵A Fire on My Palm

冨樫達彦《Eyes Closed》2022

TOGASHI Tatsuhiko, Eyes Closed, 2022

YAMADA Sanae

PROFILE:1987年群馬県生まれ。東京都を拠点に活動。2012年東京藝術大学大学院美術研究科デザイン専攻修了。主な展覧会に「山田沙奈恵展 トポフィリア」（富岡市立美術博物館・福沢一郎記念美術館、群馬、2023）など。

Born in Gunma in 1987. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith an MFA in Design from Tokyo University of the Arts in2012. Recent exhibition: “Topophilia,” Tomioka City Museum/ Fukuzawa Ichiro Memorial Gallery, Gunma, 2023.

時山 桜

白黒の朝、反射する川と高速で飛ぶ小虫、川辺で歌う歌

TOKIYAMA Sakura

A reflecting river and a small insect flying at high speed,a song sung by the riverside on a black-and-white morning

PROFILE:

1996年神奈川県生まれ。東京都を拠点に活動。2020年東京

造形大学大学院造形研究科美術研究領域修了。主な展覧会に「まなざしとやどり」（gallery TOWED、東京、2020）など。

049

Born in Kanagawa in 1996. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith an MFA from Tokyo Zokei University in 2020. Recent exhibition: “Gaze and Greenery,” gallery TOWED, Tokyo, 2020.

TOKAS-Emerging 2022050

不可視の存在を表出させる

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 5

引き寄せられた気配

Ungraspable「 ACT （ Artists Contemporary TOK AS ）」は、ワンシーンから連想ゲームのようにモチーフを選び、

TOKAS のプログラム参加経験者を中心に、近年

本来のシチュエーションや役柄から切り離すことで、注目すべき活動を行うアーティストを紹介する企画

鑑賞者に新たなストーリーを提示することを試みま展です。本展は、見えないものの存在を捉えて、した。鮫島は、古代遺跡の史料や使われなくなっさまざまスケールでその実体とイメージするものとのた誰かの道具など、残された情報からしか想像で関係性を問いかける3名のアーティスト、海老原靖、 きないものを題材に、絵画と立体作品を展示しま
鮫島ゆい、須藤美沙を迎えて開催しました。彼らは、 した。多角形のキャンバスは、それぞれが緩やか
時間や空間、心理的に距離のあるものを手繰り寄につながり、会場全体で1枚の大きな絵画を想起せ、実際には掴むことが叶わないものを手作業のさせました。ピンで紙に無数の穴を開け、光を当積み重ねにより、作品に留めようとしました。それてることで、宇宙のイメージを浮かび上がらせる作

ぞれのアーティストが描いたものは、それらを取り囲品を制作する須藤は、木星や土星、太陽など、む気配をも引き寄せ、不可視の存在を一層表出し宇宙探索をするようにインスタレーションを構成しまました。

した。紙に生じた隆起やうねりを光によって際立た

海老原は、長年手掛けている「NOISE」シリー

せ、星々の特質や造形美を探究しました。

ズより、新作17点の絵画を発表しました。映画のShowing the Presence of the Invisible
Artists Contemporary TOKAS (ACT) is an exhibition introducing notable artists of recent years, andprimarily ones who have previously participatedin TOKAS programs. The participants this time,
Ebihara Yasushi, Samejima Yui and Sudo Misa, arethree artists who try to capture invisible presence,and to evoke relationships between substance andimagination related to them on various scales.
They attempt to reel in things of distance, in
temporal, spatial or psychological aspects, and bymanually compiling things that are ungraspable,
to turn them into art. These artistsʼ visions draw
together things around them that can be perceived
but not recognized and yet show their invisible
presence.
Ebihara showed 17 new paintings from the“Noise” series he has long worked on. Choosing

参加作家 Artists

鮫島ゆい SAMEJIMA Yui
須藤美沙 SUDO Misa
海老原 靖 EBIHARA Yasushi
会期

Date

motifs from single scenes of movies, as if creatinga word association game, and taking them out of
the original situations and actor roles, he shows
viewers a new story. Samejima showed paintingsand sculptures based on information derived
from things of the past like ancient ruins or longunused tools. And her shaped canvases seem toconnect gently into one extended composition.
By piercing paper countless times with pins andeffectively lighting them, Sudoʼs works resembled
records of space, with Jupiter, Saturn, and the Sun.
And they were arranged in an installation in a waythat produced a feeling of space travel. Accentuated by lighting, the paperʼs protrusions gave an
aesthetic impression of stars.

2023.2.11–3.26
会場：TOKAS 本郷

関連イベント：2.11「アーティスト・トーク」

協力：Wada Fine Arts、KEN NAKAHASHI、SYP Gallery

Venue: TOKAS Hongo
Event: 2.11 “Artist Talk”
Cooperation: Wada Fine Arts, KEN NAKAHASHI, SYP Gallery051

詳しくは本展カタログをウェブサイトよりご覧ください。

For further details see, the exhibition catalog on the TOKAS website.

Ungraspable

052

鮫島ゆい

海老原 靖

SAMEJIMA Yui

PROFILE:EBIHARA Yasushi

PROFILE:1988年京都府生まれ。京都府を拠点に活動。2010年京都精華大
学芸術学部版画専攻卒業。主な展覧会に「The Layer, the layer」（The Third Gallery Aya、大阪、2022）など。

須藤美沙

Born in Kyoto in 1988. Lives and works in Kyoto. Graduated with a
BA in Printmaking from Kyoto Seika University in 2010. Recent exhibition: “The Layer, the layer,” The Third Gallery Aya, Osaka, 2022.

1976年茨城県生まれ。茨城県を拠点に活動。2001年東京藝術大（Wada Fine Arts、学大学院修了。主な展覧会に「Here and there」
東京、2023）など。

Born in Ibaraki in 1976. Lives and works in Ibaraki. Graduated withan MFA from Tokyo University of Arts in 2001. Recent exhibition:“Here and there,” Wada Fine Arts, Tokyo, 2023.

INTERVIEW→pp.10–19

SUDO Misa

Sun, 2023
PROFILE:

1982年生まれ。埼玉県を拠点に活動。2007年埼玉大学大学院教育学研究科教科教育専攻美術教育専修修了。主な展覧会に「巡りBorn in 1982. Lives and works in Saitama. Graduated with an MA in
Art Education from Saitama University in 2007. Recent exhibition:“The stars that go around,” SYP GALLERY, Tokyo, 2022.

053

Ungraspableゆく星たち」（SYP GALLERY、東京、2022）など。

054

「3331 ART FAIR 2022」では、ギャラリーやオルタ

3331 ART FAIR 2022
2022.10.28–10.30
アートフェアに出展し、作家や事業を紹介
Exhibit at ART FAIR to introduce artists and programs

参加作家：海老原 靖、小林 椋、志村信裕、須藤美沙、アグスティン・スピネット、ルイーズ・ラウス

主催・会場：アーツ千代田3331

At 3331 ART FAIR 2022 brought together exhibits
by galleries, alternative spaces, art organizations, art
ナティブ・スペース、美術団体、美術大学などがuniversities, as well as exhibits of works by up-and出展するとともに、全国のキュレーターや美術関係
coming artists selected by curators and art professionals nationwide.
者の推薦で選ばれた新進気鋭アーティストの作品
TOKAS has continued to participate in 3331
が展示されました。TOKAS は、2018 年より継続
ART FAIR since 2018, and in 2022 we introduced
的に参加し、2022年度は、「OPEN SITE 7」より
works of four selected artists who participated in our
OPEN SITE 7 exhibition, including Kobayashi Muku,
小林椋、志村信裕、アグスティン・スピネット、
Shimura Nobuhiro, Agustín Spinetto and Louise「ACT Vol. 5」より海老原靖、
ルイーズ・ラウスの4名、Rouse, and two artists selected from our ACT Vol. 5
須藤美沙の2名を選出し、若手・中堅アーティスト
program, namely Ebihara Yasushi and Sudo Misa.
In this way, we were able to introduce the works ofの作品と、創造的かつ実験的な場を提供し続ける
young and mid-career artists and the various proさまざまな事業を紹介しました。
grams that continue to provide venues for creativeand experimental work.

Artists: EBIHARA Yasushi, KOBAYASHI Muku, SHIMURA Nobuhiro, SUDO Misa, Agustín Spinetto, Louise Rouse
Organizer & Venue: 3331 Arts Chiyoda

055

3331 ART FAIR 2022

056

Tokyo Contemporary Art Award

中堅アーティストの飛躍をサポートし、受賞記念展や海外活動を実施「Tokyo Contemporary Art Award（TCAA）」は第3回受賞記念展では、選考時はコロナ禍の影

国内の中堅アーティストを対象に、海外での展開も響によりオンラインでの参加となった選考委員長が含め、さらなる飛躍を促すことを目的に、2018年来日を果たし、受賞者2人とのトーク・イベントをに創設した現代美術の賞です。

開催。選考から展覧会までの経緯を振り返りながら、

2022年度は第2回受賞者の藤井光・山城知佳
子の受賞記念展を前年度に引き続き開催し、第3展示作品や今後の展望について掘り下げる機会となりました。

回受賞者の志賀理江子・竹内公太の受賞記念展

海外渡航の制限が少なくなる中で、第4回受賞とモノグラフ製作、第 4 回受賞者のサエボーグ・

者は TCAA の受賞2年目のサポートである海外で2020–2022

津田道子の海外活動を実施しました。

の調査活動を行い、サエボーグはオーストラリアとヨー

藤井 光 FUJII Hikaru
山城知佳子 YAMASHIRO Chikako

第2回受賞記念展では、アーティスト・トークをロッパ各国、津田道子はヨーロッパ各国とアメリカ開催。各アーティストが出展作品に関連する分野

へ渡航しました。自身の展覧会への参加と合わせの専門家を招き、これまでの活動を振り返ったり、て、芸術祭や展覧会の視察、アーカイブの閲覧など、出品作に関する議論を交わしたりすることで、活動

それぞれの制作のテーマに則したリサーチ活動を2021–2023の周知や作品についての理解を深めるきっかけと行い、2024年の受賞記念展の構想の足掛かりとす

志賀理江子 SHIGA Lieko
竹内公太 TAKEUCHI Kota

なりました。

ることができました。

参加作家 Artists

Supporting new progress in mid-career artists,
while offering winner exhibitions and overseas activities

2022–2024

サエボーグ Saeborg
津田道子 TSUDA Michiko
主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 トーキョーアーツアンドスペース

選考委員：［2020–2022］神谷幸江（ジャパン・ソサエティー、ニューヨーク ギャラリー・ディレクター）、

住友文彦（アーツ前橋 館長／東京藝術大学大学院 准教授）、ドリュン・チョン（M＋副館長兼チーフ・キュレーター）、
マリア・リンド（キュレーター、ライター、エデュケーター）、キャロル・インハ・ルー（北京中間美術館 ディレクター）、
近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）、住友文彦、［2021–2023］ソフィア・ヘルナンデス・チョン・クイ（クンストインスティテュート・メリー ディレクター）

高橋瑞木（CHAT［Centre for Heritage, Arts and Textile］エグゼクティブディレクター兼チーフキュレーター）、
キャロル・インハ・ルー、鷲田めるろ（十和田市現代美術館 館長）、近藤由紀［2022–2024］ソフィア・ヘルナンデス・チョン・クイ、高橋瑞木、キャロル・インハ・ルー、

野村しのぶ（東京オペラシティアートギャラリー シニア・キュレーター）、鷲田めるろ、近藤由紀

選考会運営事務局：特定非営利活動法人アーツイニシアティヴトウキョウ［AIT/ エイト］

Organizers: Tokyo Metropolitan Government and Tokyo Arts and Space (Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan Foundation for
History and Culture)
The International Selection Committee:[2020–2022] KAMIYA Yukie (Gallery Director, Japan Society, New York),
SUMITOMO Fumihiko (Director, Arts Maebashi / Associate Professor, Graduate School of Tokyo University of the Arts),
Doryun CHONG (Deputy Director, Curatorial and Chief Curator, M+), Maria LIND (Curator, Writer and Educator),
Carol Yinghua LU (Director, Beijing Inside-Out Art Museum), KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)[2021–2023] Sofía Hernández Chong CUY (Director, Kunstinstituut Melly), SUMITOMO Fumihiko,
TAKAHASHI Mizuki (Executive Director and Chief Curator, CHAT [Centre for Heritage, Arts and Textile]), Carol Yinghua LU,
WASHIDA Meruro (Director, Towada Art Center), KONDO Yuki
[2022–2024] Sofía Hernández Chong CUY, TAKAHASHI Mizuki, Carol Yinghua LU,
NOMURA Shino (Senior Curator, Tokyo Opera City Art Gallery), WASHIDA Meruro, KONDO Yuki
Selection Secretariat: Arts Initiative Tokyo [AIT]057

Tokyo Contemporary Art Award

Launched in 2018, the Tokyo Contemporary Art
Award (TCAA) is an award for domestic mid-career
artists that aim for further advances in their career,
including expanding activities overseas.
In 2022, an award exhibition was held forthe second TCAA winners Fujii Hikaru andYamashiro Chikako continuing into the new fiscal
year, and an award exhibition was held for the third
TCAA winners Shiga Lieko and Takeuchi Kota
along with the publishing of monographs forthem. It was also the year that the fourth TCAA
winners Saeborg and Tsuda Michiko engaged inoverseas activities.
At the second TCAA winner exhibition, artist
talks were held. Specialists in the areas of eachartistʼs genre were invited to talk with them about
their activities until then and to discuss the works
they had exhibited in order to deepen knowledge
and understanding about their activities andworks.
At the third TCAA winner exhibition, thechair of the selection committee who had been

forced to attend selection meeting online due tothe COVID-19 pandemic, was finally able to cometo Japan and participate in a talk event held withthe two winners. While reflecting on the period
between the selection and the exhibition, the talkprovided an opportunity to discuss the displayed
works and the artistsʼ outlook going forward.
As the restriction regarding international travel
became more relaxed, the fourth TCAA winners
held the overseas research that was provided aspart of their second year of support, with Saeborg
visiting Australia and countries in Europe, while
Tsuda Michiko visited countries in Europe andthe U.S. In addition to attending their own exhibition, the artists visited arts festivals and viewed
exhibitions, accessed archives and the like to continue research on their respective creative subjects,
in hopes of informing plans for the compositionof works for their 2024 TCAA winner exhibition.

058

Tokyo Contemporary Art Award 2022–2024

Tokyo Contemporary Art Award 2020–2022

サエボーグ

津田道子

藤井 光

山城知佳子

Saeborg

TSUDA Michiko

FUJII Hikaru

YAMASHIRO Chikako

1, 2.

インタビュー（1: サエボーグ、2: 津田道子）

Interviews (1: Saeborg, 2: TSUDA Michiko)

1

2

1

2

3

4

3

4

3.

サエボーグ「Ultra Unreal」展示風景、シドニー現代美術館、2022 撮影：アレックス・デイヴィス
Saeborg “Ultra Unreal” installation view at Museum of Contemporary Art Australia, 2022

1, 2.

4.

3.

アーティスト・トーク（1: 藤井 光、2: 山城知佳子）

藤井 光 展示風景

山城知佳子

Artist Talk (1: FUJII Hikaru, 2: YAMASHIRO Chikako)

Installation view (FUJII Hikaru)

Installation view (YAMASHIRO Chikako)

展示風景

Photo: Alex DAVIES
4.

津田道子「Windowology: New Architectural Views from Japan」展示風景、VILLUM Window Collection、コペンハーゲン、2022
撮影：イェンス・リンデ
TSUDA Michiko “Windowology: New Architectural Views from Japan” installation view at VILLUM Window Collection, Copenhagen, 2022

Photo: Jens LINDHEPROFILE:

藤井 光

津田道子

PROFILE:

1980年神奈川県生まれ。石川県を拠点に活動。2013年東京藝術大

サエボーグ

1981年富山県生まれ。東京都を拠点に活動。2006年女子美術大学（高
芸術学部絵画学科洋画専攻卒業。主な展覧会に「Cycle of L」
知県立美術館、2020）など。

学大学院映像研究科博士後期課程映像メディア学専攻修了。主な展

Saeborg
Born in Toyama in 1981. Lives and works in Tokyo. Graduated with a
BA in Fine Arts from Joshibi University of the Arts and Design in 2006.
Recent exhibition: “Cycle of L,” The Museum of Art, Kochi, 2020.

TSUDA Michiko
Born in Kanagawa in 1980. Lives and works in Ishikawa. Earned her
PhD in Film and New Media Studies from Tokyo University of the Arts
in 2013. Recent exhibition: “10th Asia Pacific Triennial,” Queensland
Art Gallery & Gallery of Modern Art, Brisbane, Australia, 2021.

覧会に「アジア・パシフィック・トライアニュアル」（クイーンズランド州立
近代美術館、ブリスベン、オーストラリア、2021）など。

1976年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2004年パリ第8大学美学・芸術第3博士課程 DEA 修了。主な展覧会に「3.11とアーティスト：
10年目の想像」（水戸芸術館現代美術ギャラリー、2021）など。
FUJII Hikaru
Born in Tokyo in 1976. Lives and works in Tokyo. Graduated witha DEA (MA) from Université de Paris 8 in 2004. Recent exhibition:“Artists and the Disaster: Imagining in the 10th Year,” Contemporary
Art Gallery, Art Tower Mito, 2021.

山城知佳子

1976年沖縄県生まれ。2002年沖縄県立芸術大学大学院造形芸術研（丸
究科環境造形専攻修了。主な展覧会に「山城知佳子 ベラウの花」
亀市猪熊弦一郎現代美術館、香川、2023）など。

YAMASHIRO Chikako
Born in Okinawa in 1976. Graduated with an MA in Environmental
Design, Graduate School of Formative Arts from Okinawa Prefectural
University of Arts in 2002. Recent exhibition: “Chikako Yamashiro:
Flowers of Belau,” Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art, Kagawa, 2023.

【Tokyo Contemporary Art Award 2020–2022 受賞記念展】会期：2022.3.19–6.19

会場：東京都現代美術館 企画展示室3F

主催：東京都、】①4.23 ゲスト：河田明久（美公益財団法人東京都歴史文化財団 トーキョーアーツアンドスペース・東京都現代美術館 【アーティスト・トーク（藤井）】5.22
術史家、千葉工業大学教授） ②6.12 ゲスト：北原 恵（美術史家、ジェンダー研究者、大阪大学名誉教授）【アーティスト・トーク（山城）【海外渡航】サエボーグ：①7.11‒8.4 オーストラリア ②9.16 ‒10.8 ＆ 11.4 ‒12.1 ドイツ、コソボ、イタリア、ポーランド、フランス ③10.8‒11.4 イギリス
津田道子：①9.11‒10.13 デンマーク、ドイツ、コソボ、ベルギー、イタリア ②10.13‒10.18 ギリシャ ③10.23 ‒11.24 アメリカ合衆国【特設サイトインタビュー】実施日：7.3 公開日：9.20 インタビュアー：住吉智恵[Activities overseas] Saeborg: ①7.11‒8.4 Australia ②9.16 ‒10.8 & 11.4 ‒12.1 Germany, Kosovo, Italy, Poland, France ③10.8‒11.4 United Kingdom
TSUDA Michiko: ①9.11‒10.13 Denmark, Germany, Kosovo, Belgium, Italy ②10.13 ‒10.18 Greece ③10.23 ‒11.24 United States[Interviews] Interviews: 7.3, Released on the website: 9.20 / Interviewer: SUMIYOSHI Chie

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Tokyo Contemporary Art Award

ゲスト：港 千尋（写真家、映像人類学者、多摩美術大学教授） アーティスト・トーク会場：東京都現代美術館 地下2階講堂[Tokyo Contemporary Art Award 2020–2022 Exhibition] Date：2022.3.19–6.19 Venue：Museum of Contemporary Art Tokyo, Exhibition Gallery 3F
Organizers：Tokyo Metropolitan Government and Tokyo Arts and Space / Museum of Contemporary Art Tokyo of the Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture [Artist Talk (FUJII)] ①4.23 Speakers: KAWATA Akihisa (Art historian, Professor, Chiba Institute of Technology)②6.12 Speakers: KITAHARA Megumi (Emeritus Professor of Art History and Gender Studies, Osaka University) [Artist Talk (YAMASHIRO)] 5.22
Speakers: MINATO Chihiro (Photographer, Visual Anthropologist, Professor, Tama Art University) Venue (Artist Talk): Museum of Contemporary
Art Tokyo, B2 Auditorium

060

Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023
志賀理江子

竹内公太

SHIGA Lieko

TAKEUCHI Kota

INTERVIEW→pp.30–41

受賞記念展で、志賀は東日本大震災の被災後に始まった復興計画に圧倒された経験を、人間が「歩く」営みとして捉えなおし、竹内は第二次世界大戦時の兵器「風船爆弾」のリサーチにもとづいた新作を発表。2人の対話により、展覧会タイトルの考案や展示空間が構成されました。また、受賞者とゲストによるアーティスト・トークを開催し、展覧会にあわせ作家ごとにモノグラフを作成しました。

At the Tokyo Contemporary Art Award winnersʼ exhibition, Shiga
reinterpreted her experience of being overwhelmed by reconstruction plans introduced following the Great East Japan Earthquake aslikened to the human activity of “walking,” while Takeuchi presented
a new work based on his research on the “balloon bomb” weapons
used during World War II. Dialogue between the two artists led to a
proposal for the exhibition title and the composition of the exhibition space. In addition, artist talks were held by the award winners
and guest speakers. Also, monographs were created for each artist toaccompany the exhibition.

1

志賀理江子

展示風景

Installation View (SHIGA Lieko)
3

竹内公太

展示風景

Installation View (TAKEUCHI Kota)
1

2

モノグラフ

Monographs4

アーティスト・トーク

Artist Talk

2
PROFILE:

志賀理江子

1980年愛知県生まれ。宮城県を拠点に活動。主な展覧会に「温情の地：震災か（Composite、メルボルン、2021）、「ヒューマン・スプリング」（東ら10年の東北」
京都写真美術館、2019）など。

SHIGA Lieko
Born in Aichi in 1980. Lives and works in Miyagi. Recent exhibitions: “Compassionate Grounds: Ten Years on in Tohoku,” Composite, Melbourne, 2021, “Human
Spring,” Tokyo Photographic Art Museum, 2019.
竹内公太

1982年生まれ。福島県を拠点に活動。主な展覧会に「竹内公太 浜の向こう」（い、「六本木クロッシング2022展：往来オーライ！」（森
わき市立美術館、福島、2022）
美術館、東京）など。

TAKEUCHI Kota
Born in 1982. Lives and works in Fukushima. Recent exhibitions: “Beyond theBeach,” Iwaki City Art Museum, Fukushima, 2022, “Roppongi Crossing 2022:
Coming & Going,” Mori Art Museum, Tokyo.

3

4

さばかれえぬ私へ Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023 受賞記念展
会期：2023.3.18–6.18 会場：東京都現代美術館 企画展示室3F 主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 トーキョーアーツアンドスペー

ス・東京都現代美術館

施工：スーパー・ファクトリー株式会社

照明：山本圭太 グラフィックデザイン：熊谷篤史

関連イベント①3.19「アーティスト・トーク」出演：志賀理江子、竹内公太、キャロル・インハ・ルー（北京中間美術館 ディレクター、TCAA 2021–2023選考委員長） モデレーター：塩見有子（特定非営利活動法人 AIT ディレクター） 会場：東京都現代美術館 地下2階講堂、富井玲子（美術史家、②3.24「アーティスト・トーク」出演：竹内公太、ジェイソン・ウェイト（キュレーター、ライター、カルチュラル・ワーカー）

ポンジャ現懇主宰） 会場：東京都現代美術館 地下2階研修室1061

Tokyo Contemporary Art Award

モノグラフはウェブサイトよりご覧ください。

See the monographs on TOKAS website.

Waiting for the Wind: Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023 Exhibition
Date: 2023.3.18–6.18 Venue: Museum of Contemporary Art Tokyo, Exhibition Gallery 3 Organizers: Tokyo Metropolitan Government and Tokyo
Arts and Space / Museum of Contemporary Art Tokyo of the Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
Installation: SUPER-FACTORY Inc. Lighting Design: YAMAMOTO Keita Graphic Design: KUMAGAI Atsushi
Events
①3.19 “Artist Talk” Speakers: SHIGA Lieko, TAKEUCHI Kota, Carol Yinghua LU (Director, Beijing Inside-Out Art Museum, Chair of TCAA
2021–2023 Selection Committee) Moderator: SHIOMI Yuko (Director, Arts Initiative Tokyo) Venue: Museum of Contemporary Art Tokyo, B2F
Auditorium②3.24 “Artist Talk” Speakers: TAKEUCHI Kota, Jason WAITE (Curator, Writer, Cultural worker), TOMII Reiko (Art historian, Co-Founder, Co-Director of PoNJA-GenKon) Venue: Museum of Contemporary Art Tokyo, B2F Seminar Room 1

062

TOKAS ANNUAL REPORT 2022: PART 2

レジデンスとその成果発表展
Residency Programs

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム
Creator-in-Residence Program

オープン・スタジオ 2022–2023
OPEN STUDIO 2022–2023

キュレーター招聘プログラム・パイロット事業
Curator Residency Pilot Program

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス2022 成果発表展

水路から柔い空へ

TOKAS Creator-in-Residence 2022 Exhibition

From a Dusky Canal to the Pale Blue Sky

PART 2 では、国内外のアーティストを派遣・招聘する「クリエーター・イン・レジデンス・プログラム」
や2021年度のレジデンス・プログラムに参加した4名のアーティストによる成果発表展「水路から柔い空へ」を紹介します。

PART 2 introduces the Creator-in-Residence program that invites to Japan and sends abroad Japaneseand international creators, as well as the TOKAS Creator-in-Residence 2022 Exhibition “From a Dusky
Canal to the Pale Blue Sky,” showing results of work created by artists who participated in the 2021
residency programs.
063

064

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム

Creator-in-Residence Program

二国間交流事業プログラム（派遣・招聘）
Exchange Residency Program

各分野で活動するクリエーターの海外での制作活動の支援と、各都市と東京の文化交流促進を目的とし、海外の芸術文化機関と提携して相互派遣を行うプログラム。新型コロナウイルス感染症拡大に伴う入国制限の緩和を経て、2022年度は6名を派遣、11組を招聘しました。

This two-way exchange program is conducted in affiliation with overseas arts and culture institutions,sending Japanese creators abroad and receiving overseas creators for the purpose of supporting their creative activities and promoting exchange between Tokyo and the overseas cities involved. With the relaxation of immigration restrictions related to the COVID-19 pandemic, six individuals were sent abroad
and 11 individuals and groups were invited to Japan.
【サポート内容

Support Contents】【提携機関〈派遣〉渡航費、滞在費、制作費を提供

Partner Institutions】

P. 88をご覧ください。

〈招聘〉居室、シェアスタジオを提供

For details, see p.88.

Japan-based creators sent abroad: Airfare, living expenses, fee for creative work/projectInternational creators from abroad: Living space, shared studio space

コロナ禍を経てクリエーターの滞在制作が再開
2022年度前半は、新型コロナウイルス感染症拡大に伴う渡航制限が続く中、コロナ禍での延期、再延期を経て多くのクリエーターが来日。45組の滞在者を受け入れ、TOKASレジデンシーに活
気が戻りました。
「リサーチ・レジデンス」以外のプログラムの公募を再開するとともに、2023年度から開始する「キュレーター招聘」「国内若手クリエーター滞在」「二国間交流事業〈ロサンゼルス〉」の募集を行い、応募総数はコロナ前年を上回る436名にのぼりました。「二国間交流事業」
では派遣が延期となっていた新たな提携先のエディンバラ、ブリュッセルを含むバーゼル、台北、
ヘルシンキ、ケベックの６都市に日本人クリエーターを派遣しました。

早崎真奈美

バーゼル Tokyo - Basel
滞在期間

HAYASAKI Manami

Residency Period

2022.4.4–6.29

3つの国境が接するバーゼルにおける生態系の変化に注目した早崎は、日本では侵略的外来種として扱われる西洋タンポポをスイス、ドイツを経由し、フランスに植えるプロジェクトを記録した
ビデオを制作。また、製紙博物館の手すき紙を使用した国境線のない地図の制作を行い、バーゼルの主要産業であった活版印刷で現地の人達から集めた「国境・生態系」にまつわる言

Enduring the COVID pandemic, creator work in residency resumes.
During the first half of 2022, amid travel restrictions to prevent spread of the COVID-19 pandemic, many creators were able to come to Japan after initial postponement or re-postponement
due to the pandemic. Some 45 individuals or groups were welcomed in, thus enlivening TOKAS
Residency once again. With the exception of the Research Residency Program, open calls were
held for participants in the Curator Residency Program, the Local Emerging Creator Residency
Program, the Tokyo - Los Angeles Exchange Residency Program that will begin in 2023, andtotal applicants reached 436 persons, thus exceeding the total for the year before the COVID-19
pandemic. Concerning the Exchange Residency Program, in addition to the new destinationsof Edinburgh and Brussels, which had been postponed, Japanese creators were sent to exchange
programs in six cities, including Basel, Taipei, Helsinki, and Quebec.
065

Creator-in-Residence Program

葉を記録しました。

With a focus on documenting changes in theecosystem of Basel, where three European borders
meet, Hayasaki produced a video work documenting her project to transplant Western dandelions,which are an invasive alien species in Japan, from
Switzerland into France, via Germany. She also
produced a “map without borders” using handmade paper from the Basel Paper Mill, recording
words related to “borders and ecosystems” fromlocal people using letterpress printing, which wasformerly Baselʼs main industry.

PROFILE:

1980年大阪府生まれ。東京都を拠点に活動。2007年ロンドン芸術大学チェルシー・

カレッジ・オブ・アート・アンド・デザイン卒業（ファインアート）。主な展覧会に「越後妻有 大地の芸術祭 2022」（新潟）など。

Born in Osaka in 1980. Lives and works in Tokyo. Graduated with a BA in Fine Art
from Chelsea College of Art and Design in 2007. Recent exhibition: “Echigo-Tsumari
Art Field 2022,” Niigata.

066

太田 遼
滞在期間

OHTA Haruka

Residency Period

台北 Tokyo -Taipei

國分郁子

2022.10.10–12.23

KOKUBUN Yuko

太田は建築の持つ境界への懐疑心から、空間

身体構造や空間への興味から、舞台芸術に特の反転やフェイクの挿入、多層性をもとにインス

有の「空間・色彩・多文化融合」という要素

タレーションなどの作品を制作し、風景が表象

を二次元媒体に落とし込む國分は、メディア・アー

するものについて考察しています。台北では、

トや舞台芸術が市民に開かれているモントリオー

街中でよく見かける窓に取り付けられた鉄柵にルで、コンテンポラリー・サーカスやフェスティバル、

注目。公共空間に拡張された室内空間、内とまた、表現者を支える行政の役割や連携の仕外が共存するスペースから着想を得て、展示室組みを調査。舞台芸術のリサーチから発展した内に延長された外空間のインスタレーションや映

新作絵画のためのドローイングやコラージュを制

像作品を制作しました。

《内側からシューティング2》撮影時の記録写真 2022

Based on his uncertainty about the boundaries
created by architecture, Ohta creates works suchas installations that reverse the spaces or introduce fiction and multiple layers, to consider
what scenery represents. In Taipei, he noticed
the steel fencing often placed over windows.
Focusing on interior spaces extending out into
public ones and spaces where interior and exterior exist together, he created an exhibit with an
installation of exterior space extending throughthe gallery and also video works.

Photograph document of Shooting from inside 2, 2022, Photo by T.J.
PROFILE:

1984年生まれ。埼玉県を拠点に活動。2010年武蔵野美術大学大学院修了（建築）。主な展覧会に「I always wish you good luck.」（Land-ing pageとして参加、Art Plug Yeonsu、仁川、韓国、2022）、「風穴 a.k.a. VOID」（Arai Associates、
東京、2020）など。
Born in 1984. Lives and works in Saitama. Graduated with an MA in Architecturefrom Musashino Art University in 2010. Recent exhibitions: “I always wish you
good luck.,” Participated as Land-ing page, Art Plug Yeonsu, Incheon, Korea, 2022,“Dear Camus,” ELEPHANTSPACE, Seoul, 2020, “KAZA-ANA a.k.a. VOID,” Arai
Associates, Tokyo, 2020.

新井 卓

ヘルシンキ Tokyo - Helsinki
滞在期間

ARAI Takashi

Residency Period

2022.9.7–12.5

With an interest in body structure and space,
Kokubun is an artist who brings elements of“space, color, and multicultural fusion” uniqueto the performing arts into two-dimensionalart works. In her residency she did research on
contemporary circus and festivals and the role ofgovernmental support for artists and the collaboration that supports artists in Montreal, where
media and performing arts are open to the citizens. She created drawings and collages for new
paintings from her performing arts research.

する要素を取り込む梅原は、異なる文化を持つを行う新井。滞在中は、サーミ遺跡群や自然祭

他者に対して共感する要素が見い出せない場合、壇をめぐり、オルキルオト原発周辺での撮影、10

不理解や衝突等の危険性が潜んでいると考えま

万年保存される核廃棄物最終処分場のオンカロ

す。滞在中は、そうした違いを超えて共感するこの取材を実施。核廃棄物とともにダゲレオタイプでとや異質なものを自身の身体で受け止めるとい撮影したポートレートを保存することで、過去と現在、う原点に立ち戻り、女性、日本人、他者として10万年後をつなぐ新たな言語の探索を試みました。

の機能を探究し執筆を行いました。

067

PROFILE:

1978年神奈川県生まれ。神奈川県を拠点に活動。主な展覧会に「Squaring theCircles of Confusion: Neo-Pictorialism in the 21st century」（英国王立写真協会、、「世界付随人類生滅」（台湾国立美術館、台北、2021）など。
ブリストル、2022）
Born in Kanagawa in 1978. Lives and works in Kanagawa. Recent exhibitions:“Squaring the Circles of Confusion: Neo-Pictorialism in the 21st century,” Royal
Photographic Society, Bristol, 2022, “The world began without the human raceand it will end without it,” National Taiwan Museum of Fine Arts, Taipei, 2021,“Yokohama Triennale 2020 ʻAfterglowʼ,” Yokohama Museum of Art.

CiR: Exchange Residency Program

2022.4.3–6.27

1982年千葉県生まれ。東京都を拠点に活動。2010年東京藝術大学大学院美術研究科美術解剖学研究室修了。主な展覧会に「やわらかな強制」（TS4312、東、「VOCA 展2020 現代美術の展望―新しい平面の作家たち―」（上京、2022）

野の森美術館、東京）など。

Born in Chiba in 1982. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MFA in
Artistic Anatomy from Tokyo University of the Arts in 2010. Recent exhibitions:“Soft Coercion,” TS4312, Tokyo, 2022, “VOCA -THE VISION OF CONTEMPORARY ART 2020,” The Ueno Royal Museum, Tokyo.

INTERVIEW→pp.20–29

エディンバラ Tokyo - Edinburgh
滞在期間

UMEHARA Maki

「小さなモニュメント」としてダゲレオタイプで制作

Forests after 100,000 Years, Olkiluoto, 2022

Residency Period

PROFILE:

梅原麻紀
移動をテーマに、制作の場や文脈において矛盾《十万年後の森、オルキルオト》2022

滞在期間作しました。

対象に出合ったときの感覚を、時空を超えて伝える

Based on the feelings when he encounters a
new subject, Arai produces daguerreotypes as“micro-monuments” that transcend time andspace. During his residency, he visited the stonemonuments of the Saami people, and shot
images around Onkalo, Finland, where radioactive waste from the Olkiluoto Nuclear Power
Plant will be stored for the next 100,000 years.
By preserving daguerreotype portraits he plansto take along with nuclear waste at Onkalo, heaims to find new language for connecting thepast and present over 100,000 years.

ケベック Tokyo - Quebec

Addressing the topic of “moving,” Umehara focuses on contradictory elements in the working
space and the context of artworks. She believes
that when people of different cultures cannot
find any elements of empathy in others, it canlead to disagreement and conflict. During her
residency, she made efforts to empathize withothers and receive foreign elements with her
body to transcend such differences, researching
and writing about her perspective as a woman, aJapanese, and “the other.”

Residency Period

2022.4.8–6.29

PROFILE:

愛知県生まれ。ドイツと日本を拠点に活動。国立デュッセルドルフ芸術アカデミー修（群馬）、「ポーラミュージアムアネッ
了。主な展覧会に「中之条ビエンナーレ2019」

クス展2012−華やぐ色彩−」（東京）など。

Born in Aichi. Lives and works in Germany and Japan. Graduated with a Diploma
from Kunstakademie Düsseldorf. Recent exhibitions: “Nakanojo Biennale 2019,”
Gunma, “Pola Museum Annex 2012,” Tokyo.

068

渡邊拓也

ブリュッセル Tokyo - Brussels
滞在期間 Residency Period
2022.7.9–2023.1.4

WATANABE Takuya

ソフィア・ドリュー

個人が向き合っている現実から社会の構造を描

参加型インスタレーションやパフォーマンスをとおして、鑑賞者が機能的な構造や規則に取り組む

スニシティとその背景にある諸問題に注目。現地状況を構築するドリューは、日本伝統芸能におで出会ったモロッコ系青年との交流や、WIELS

ける黒子、後見の役割や能面に焦点を当て、「不での美術関係者との議論を通じて他者を考える可視」が果たす影響をリサーチ。東京では観劇、上での当事者性の問題を考察。半年の滞在中

役者や専門家へのインタビューを行い、伝統技に相手との齟齬や刺激に対して反応し続け、ビ術を学びながら、展開予定のパフォーマンス・

デオやインスタレーションの制作を通じて新たなプロジェクト「altered Noh play」のための土台《君は、僕と一緒に一日を過ごしてよかったですか？ #2》（Tʼes content dʼavoir
passé une journée avec moi? #2）2023

Watanabe looks at the realities people face with theaim of depicting the structure of society, and fromthe perspective of multi-ethnic Belgium, he focusedon ethnicity and the problems behind it. Throughinteraction with a young man of Moroccan originthat he met, and from discussions with arts professionals at WIELS, he considered the issue of commitment to think about otherness. In his 6-monthresidence, Watanabe continued to respond to thediscord and stimulation from others and createdan enlightening installation including videos.

Are you happy to have spent a day with me? #2, 2023

PROFILE:

1990年生まれ。東京都を拠点に活動。2016年東京藝術大学大学院美術研究科、「Exhibition修了。主な展覧会に「土蔵の疲れは夢」（デカメロン、東京、2022）
of AAUK virtual Residency Project 2021」（オンライン、2022）など。
Born in 1990. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MFA in Intermedia
Art from Tokyo University of Arts in 2016. Recent exhibitions: “dozo no tsukare
wa yume,” DECAMERON, Tokyo, 2022, “Exhibition of AAUK virtual Residency
Project 2021,” Online, 2022, “Standing on the Shoulders of Neighbors,” Hitachi
Civic Center, Ibaraki, 2020.

ミン・ドゥック・ファム

ベルリン Berlin -Tokyo
滞在期間

Minh Duc PHAM

Residency Period

2022.9.7–11.30

ファムは作品をとおして、ジェンダー、人種、階Through participatory installations and performances, Durrieu proposes situations where thevisitors are invited to engage in functional andregulated systems that offer an experience of
openness beyond the efficiency conditioning.
She researched the role of invisibility, within
Japanese traditional performing arts, focusing
on Kuroko, Kōken, and the Noh mask. She
attended live plays, interviewed specialists, andlearned specific skills, to inform the grounds fora larger performance project “altered Noh play.”

PROFILE:

1980年ブエノスアイレス生まれ。バーゼルとブエノスアイレスを拠点に活動。2020年北西スイス応用科学芸術大学バーゼル美術インスティテュート修了（芸術）。主な展覧（Parque de la Memoria、ブエノスアイレス、
会に「Performance Biennale BP21」2022）など。

Born in Buenos Aires in 1980. Lives and works in Basel and Buenos Aires. Graduated with an MA from FHNW Academy of Art and Design Basel in 2020. Recent
exhibition: “Performance Biennale BP21,” Parque de la Memoria, Buenos Aires,2022. Recent awards: “Swiss Art Awards,” “Kunstkredit Basel Stads,” 2022.

カスパー・ルートヴィヒ

バーゼル Basel -Tokyo
滞在期間

Kaspar LUDWIG

Residency Period

2023.1.6–3.28

資本主義社会への抵抗をテーマに作品を制作す級の交差点におけるアイデンティティの問題を検証

るルートヴィヒは、ムクドリの密集飛行についてのリサーチと作品制作を行いました。ムクドリの飛ぶ一方、公共空間に設置された大量の防犯カメ行の様子を彫刻した江戸切子グラスのほか、模ラや鏡から着想を得て、視線がもたらす暴力性

様を数学的に表現した木版画を制作。また、パと安心感という、相反する可能性を表現するテキ

フォーマンス・プロジェクトでは、ムクドリの動き

スタイル彫刻を制作しました。今後は生け花の勉をパフォーマーが摸倣し、人間における集団的強を継続し、新たなプロジェクトを展開します。

知性や集団協調を探究しました。

069

2022.5.12–7.26

Residency Period作りを行いました。

しています。東京では和紙や生け花について学

Pham examines the subject of identity at theintersection of gender, race and class. In Tokyo,
while conducting research on washi (Japanese
papers) and ikebana (flower arrangement), Phamcreated textile sculptures that address the contradictory potential of gazing between violenceand healing, inspired by the huge amount of
CCTV and security mirrors in public spaces. He
continues his study of ikebana while developing
new projects for the future.

滞在期間

Sofia DURRIEU

き出す渡邊は、多民族国家であるベルギーでエ視点を得ました。

バーゼル Basel -Tokyo

右 right: ̶ Daijbou (Working Title), 2022

PROFILE:

1991年バート・シュレーマ（ドイツ）生まれ。ベルリンを拠点に活動。2019年カールスルーエ造形大学修了（展示・舞台美術）。主な活動に「Semiotiken der Dreck-

sarbeit」（HAU3、ベルリン、2022）、「The wall between us」（Museo MA*GA、ミラノ、2021）など。
Born in Bad Schlema (Germany) in 1991. Lives and works in Berlin. Graduatedwith an MA in Exhibition Design and Scenography from Karlsruhe University ofArts and Design in 2019. Recent activities: “Semiotiken der Drecksarbeit,” HAU3,
Berlin, 2022, “The wall between us,” Museo MA*GA, Milan, 2021, “Home Away
From Home,” Cloud Gate Theater, Taipei, 2021.

CiR: Exchange Residency Program

Ludwigʼs work often suggests resistance against
the logic of the capitalist society. This time
he researched and created work focused on
the flight of flocks of starlings. He created Edo
Kiriko cut glasses with patterns of starlings inflight and woodblock prints with a mathematical depiction of their flight patterns. Moreover,
he developed a performance where performers
imitated the movements of starlings to explore
collective intelligence and group coordinationin humans.

PROFILE:

1989年ニュルンベルク（ドイツ）生まれ。バーゼルを拠点に活動。2018年北西スイス応用科学芸術大学バーゼル美術インスティテュート修了（芸術）。主な展覧会に（Spazio in Situ、ローマ、2022）、「Swiss Art Awards」（Art「Curato dalla Mamma」

Basel、2022）など。

Born in Nürnberg (Germany) in 1989. Lives and works in Basel. Graduated with an
MA from FHNW Academy of Art and Design Basel in 2018. Recent exhibitions:“Curato dalla Mamma,” Spazio in Situ, Rome, 2022, “Swiss Art Awards,” Art Basel,
2022, “La Regionale 21,” Villa Ciani, Lugano, Switzerland, 2021.

070

チェン・ユウェン（セラ）

台北 Taipei -Tokyo
滞在期間

Sera Yu Wen CHEN

Residency Period

2022.4.25–7.22

ミリアゴン（キィ・ヌルメンニエミ＆トゥオマス・A・ライティネン）
音、彫刻、文筆の要素を融合させながら、パ

主に映像と写真を組み合わせたインスタレーショ

フォーマンス、インスタレーション、出版物を制作

ンを制作するチェンは、庭師へのインタビューをするキュレーターとアーティストのデュオであるミリ

通じて伝統的な日本庭園をリサーチする一方、アゴンは、エコロジーをめぐる問題を取り上げ、街中の植栽を観察し、現代における人工的な隅田川や黒姫山の水を素材に、滞在中に録音

自然への考察を深めました。自然、風景、人した超音波オーディオ作品、リソグラフ、ガラス作

間の個性との関係を捉え直し、現象の風景を再品、ビデオからなる多面的なインスタレーション

現することで、弁証法的な空間を展開する作品を制作しました。

の制作を試みました。

Focusing on the formation of cultural identity
in an urban environment, Chen mainly createsvideo and image-based installations. She conducted research on Japanese gardens throughinterviews with gardeners and also observed
street plants and deepened her considerationof artificial nature in contemporary times. She
attempted to relocate our relationship with nature, landscape and human beingsʼ individuality
and recreate a phenomenal landscape to unfold
a dialectic space in her work.

PROFILE:

1991年花蓮（台湾）生まれ。台北を拠点に活動。2019年シカゴ美術館附属美術（関渡美術館、台北、大学修了（美術）。主な展覧会に「Scenery in Mock-up」

2021）、「Everyday Fictionality」（台北市立美術館、2019）など。

Born in Hualien (Taiwan) in 1991. Lives and works in Taipei. Graduated with an
MFA from the School of the Art Institute of Chicago in 2019. Recent exhibitions:“Scenery in Mock-up,” Kuandu Museum of Fine Art, Taipei, 2021, “Everyday Fictionality: Beholding Shadows of Illusion,” Taipei Fine Arts Museum, 2019, “Terms& Conditions,” SoMad Studio, New York, 2019.

パーサ・カメコシュ

ヘルシンキ Helsinki -Tokyo
滞在期間

Parsa KAMEHKHOSH

Residency Period

2022.9.6–11.30

Fusing together sonic, sculptural, and written
elements, curator-artist duo Myriagon create
performances, installations, and publications
based on their interest centered in ecologicalquestions. Their multilayered installation thistime focused on different bodies of water, from
Sumida River to Mt. Kurohime and consist of
an ultrasonic audio piece based on recordings
made during the residency, accompanied byprints of performance scores, poetry, a glass
vessel, and a video.

日常生活と実存的なレベルでの人生経験との相テクノロジーと形式的な経験を取り入れたアニメー

互作用の中で「世界に存在する」ことを問いかションや彫刻を制作するマッケンジーは、近年

けるカメコシュは、日本の伝統工芸における空間、

加速しているプライベートと非プライベートな空間

身体、素材、持続の要素に注目。近隣の木工の混在を意識しながら、ステレオスコピック（立房と協働しながら道具を制作し、レジデンシー体視）のストップモーション・アニメーション「All近くの建物の隙間で日没時に連日パフォーマン

My Dear Lilies」を制作。東京を空間的かつ時スを行い、生活における自然的−超自然的次間ベースで経験することを探究しました。

Through performances and making props forthem, Kamehkhosh explores the question of“being in the world” in the context of theinteraction between daily life and life on theexistential level. This time he focused on theelements of space, body, materials, and durationin Japanese craft traditions. He collaborated
with a nearby wood workshop to build theprops, and organized performances each day
around the time of sunset in a narrow space
between buildings in the neighborhood.

071

PROFILE:

1985年テヘラン生まれ。ヘルシンキを拠点に活動。2020年アアルト大学大学院修了（アート＆メディア）。主な展覧会に「Saturdays」（Myymälä 2 Gallery、ヘルシ、「Honey as Material/Material as Honey」（Azad Gallery、テヘラン、ンキ、2022）2022）など。
Born in Tehran in 1985. Lives and works in Helsinki. Graduated with an MA in
Art and Media from Aalto University in 2020. Recent exhibitions: “Saturdays,”
Myymälä 2 Gallery, Helsinki, 2022, “Honey as Material/Material as Honey,” Azad
Gallery, Teheran, 2022.

CiR: Exchange Residency Program

Mckenzie works with sculpture and animation
while engaging digital technologies and formalized experiences from a historical, tactile andgestural perspective. She created a stop-motion
stereoscopic animation titled “All My Dear
Lilies,” which explores the Tokyo metropolis asa spatial and time-based experience, with consideration of recent accelerated mixing between
private and non-private spaces as they flow
through a single domestic plane.

2022.9.26–11.29

PROFILE:

ティスト、音楽家）による変幻自在のコラボレーションプロジェクト。主な活動に（ソウル・メディアシティ・ビエンナーレ、ソウル市立美「Myriagon Word Worlds」
術館、2018）など。

The kaleidoscopic collaborative practice between Ki Nurmenniemi (curator,
researcher, writer) and Tuomas A. Laitinen (artist, musician). Recent activity:“Myriagon Word Worlds,” Seoul Media City Biennale, SeMA, 2018.

ケベック Quebec-Tokyo
滞在期間

Frances Adair MCKENZIE
歴史的、触覚的、動作的な観点からデジタル・Residency Period

キィ・ヌルメンニエミ（キュレーター、研究者、作家）とトゥオマス・A・ライティネン（アーフランシス・アディア・マッケンジー

パフォーマンスとそこで使用する道具作りを通じて、元の接続を試みました。

滞在期間

Myriagon (Ki NURMENNIEMI & Tuomas A. LAITINEN)

都市における文化的アイデンティティに注目し、ヘルシンキ Helsinki -Tokyo

Residency Period

2022.5.24–7.29

All My Dear Lilies, 2022

PROFILE:

1983年100マイルハウス（カナダ）生まれ。モントリオールを拠点に活動。2011年コンコルディア大学美術学部スタジオアーツ学科卒業。主な展覧会に「SAT Fest2022」（Société des Arts Technologique、モントリオール）など。

Born in 100 Mile House (Canada) in 1983. Lives and works in Montreal.
Graduated with a BFA in Studio Arts from Concordia University in 2011. Recent
exhibitions: “SAT Fest 2022,” Société des Arts Technologique, Montreal, “S.G.,”
Collaboration with GLOR1A, Artlab, Buenos Aires, 2022, “Banquet,” Afternoon
Projects, Vancouver, 2022, “BEDfellows,” MAXXI Museum, Rome, 2021.

072

キム・ワルドロン

ケベック Quebec-Tokyo
滞在期間

Kim WALDRON

Residency Period

2022.5.13–7.28

アヌリース・ヴァン・パレイス

現代の社会状況と関わる手段として、セルフ・ポー

オーケストラと音楽劇を中心に活動する現代音楽
作曲家のヴァン・パレイスは、音響現象をスペク

気候変動への取り組みを探究する「No Hero」

トル解析し、その物理的特徴の利用について研と題したプロジェクトを行い、人々の活動現場に究しています。東京では、新しいプロジェクトに潜入し、セルフ・ポートレートを撮影。彼女が繰向けて、能についてリサーチを行うために公演

り返し写真に登場することで、1人のヒーローがや稽古場に足を運び、能楽師にインタビューしま

世界を救うという私達が抱くヒーロー神話への執した。また東京の都市空間において音の採取や着がいかに不可能なものであるかを示しました。

分析を行い、作曲のためのインスピレーションを《オークション、株式会社ナカダイ》2022

Auction, Nakadai Co.,Ltd., 2022
PROFILE:

1979年モントリオール生まれ。モントリオールを拠点に活動。2013年コンコルディア

大学大学院修了（写真）。ケベック大学モントリオール校教授。主な展覧会に「e-Xcentrer」（Galerie dʼart Desjardins、ドラモンドビル、カナダ、2020）など。

Born in Montreal in 1979. Lives and works in Montreal. Graduated with an MFA
in Photography from Concordia University in 2013. Professor at Université duQuébec à Montréal. Recent exhibitions: “eXcentrer,” Galerie dʼart Desjardins,Drummondville, Canada, 2020, “Les Arts du Tout-Monde,” Montreal Museum ofFine Arts, 2019.

エディンバラ Edinburgh -Tokyo
滞在期間

Adam LEWIS JACOB

Residency Period

2022.5.31–8.17

日常生活を支配する構造と、それに疑問を投げ

Van Parys is a composer of contemporary art
music, mainly focusing on orchestra and music
theatre. Her research includes spectral analysisof acoustic phenomena and how to use its
physicalities to create music. In Tokyo, shevisited Noh performances and a rehearsal, alsointerviewed a Noh performer, to conduct her
research about Noh for a new project. Besides,
she collected and analyzed sounds from urban
spaces in Tokyo and got inspirations for hercompositions.

2022.6.1–7.29《Semi no obebe（蝉のおべべ）》2022年

Semi no obebe, 2022
PROFILE:

1975年ブリュージュ（ベルギー）生まれ。ゲントを拠点に活動。1999年ゲント王立音楽院修了（作曲）。近年の受嘱は、ベルリン国立歌劇場、フォルクオペラ歌劇場（ストックホルム）、ベルギー国立管弦楽団、ヴェネチア・ビエンナーレ・ムジカなど。

Born in Brugge (Belgium) in 1975. Lives and works in Ghent. Graduated with an
MA in Composition from University College Ghent Royal Conservatory in 1999.
Recent commissions: Staatsoper Berlin, Folkoperan Stockholm, Belgian National
Orchestra, Concertgebouw Orchestra Amsterdam, the Biennale Musica in Venice.

サラ・ヴェストファル

ブリュッセル Brussels -Tokyo
滞在期間

Sarah WESTPHAL

Residency Period

2022.9.7–11.26

学際的な作品をとおして壊れやすい生態系や水かける人々に関心を持つルイス・ジェイコブは、中の生息環境も含めた空間を探求するヴェストファ

カメラを用いて、アイデアや人が集まり、予期せル。水や風などの自然の力がいかに作品制作ぬ関係が生まれる空間を作り出します。滞在中の主体になり得るかを探るため、ダイビングによは打楽器奏者 Ryosuke Kiyasuとのコラボレーショ

る撮影を通じて人間の活動により絶滅の危機にンを行ったほか、日本ヌーヴェルヴァーグと左翼瀕した海洋生物を映像と音で記録しました。また、活動の関係性をリサーチしました。

国立環境研究所や東京大学の研究者にインタビューを行い、没入型インスタレーションの制作に着手しました。

PROFILE:

1985年イギリス生まれ。グラスゴー（スコットランド）を拠点に活動。2015年グラスゴー
美術学校修了（美術）。グラスゴーのアーティスト・ラン・スペース「Céline」の設立メンバー。主な展覧会に「Idrish」（LUX、ロンドン、2022）など。
Born in United Kingdom in 1985. Lives and works in Glasgow (Scotland). Graduated with an MFA in Fine Art from Glasgow School of Art in 2015. He is one of thefounding members of Céline, an artist-run space in Glasgow. Recent exhibitions:“Idrish,” LUX, London, 2022, “Transforming Narratives,” Dhaka, 2022.

073

Residency Period

得ました。

アダム・ルイス・ジェイコブ

Lewis Jacob is interested in the structures thatgovern our lives and the countercultural figuresthat question them. He uses the camera tocreate a space where ideas and people can bebrought together and unexpected relationships
can occur. During his residency, he collaborated with a percussionist Ryosuke Kiyasu andresearched the connections between Japanese
new wave cinema and left-wing activism.

滞在期間

Annelies VAN PARYS

トレートを使用するワルドロンは、東京の人々のUsing self-portraiture as a means of engaging
with various contemporary social situations,
Waldron worked on a project titled No Hero that
explores how people in Tokyo are contributing
to the fight against climate change. She tries todeconstruct our hero myth using self-portraiture. Her repetition in the images points out
how impossible or improbable our hero fixationis̶there is no one person who can save us.

ブリュッセル Brussels -Tokyo

CiR: Exchange Residency Program

Through multidisciplinary works, Westphal
explores the spaces of fragile ecosystems andthe habitat of the underwater world. In order tosearch for ways that natural forces like water andwind can be subjects for creating art, she madeimage and sound recordings of sea creatures endangered by human behavior taken while diving.
Interviews were also conducted with researchers
from the University of Tokyo and the National
Institute for Environmental Studies, which willlead to a future immersive installation.

《リサーチ1》2022

Research 1, 2022

PROFILE:

1981年ヴェルメルスキルヒェン（ドイツ）生まれ。ゲントを拠点に活動。2015–2017
年ゲント市立芸術大学（LUCA）研究員。主な展覧会に「Digital Corporeality」（Taiwan Contemporary Culture Lab［C-LAB］、台北、2021）など。
Born in Wermelskirchen (Germany) in 1981. Lives and works in Ghent. Researcher
at LUCA School of the Arts, Ghent in 2015–2017. Recent exhibitions: “Digital
Corporeality,” Taiwan Contemporary Culture Lab (C-LAB), Taipei, 2021, “Forêt
océanique,” Kortrijk Triennial, Belgium, 2021, “Setouchi Triennale 2019,” Ogijima,
Kagawa.

074

トレイシー・スネリング

海外クリエーター招聘プログラム

滞在期間

Tracey SNELLINGInternational Creator Residency Program

2022.5.9–7.29

Residency Period

特定の場所やそこに生きる人々に対する印象を再現するスネリングは、ラブホテルと歌舞伎町のホス

海外を拠点にヴィジュアル・アートを中心とした分野で活動する中堅クリエーターに、経済的支援と東京での3ヶ月間の制作の機会を提供する公募プログラム。活動の成果は、オープン・スタジオと翌年度以降のレジデンス成果発表展で展示します。2022年度は6組8名が参加しました。

関係などに関するインタビューやポートレート撮影を行い、ホストクラブではホストへの取材や接客の様子を収録。撮影を行った建物の内装や外観

Offered in this open-call program are opportunities for mid-career creators from abroad working primarily
in the visual arts with financial support and a residency period of about three months in Tokyo to engage
in creative activities. The results from these activities are shown in the OPEN STUDIO and are subsequently exhibited in the Creator-in-Residence exhibition held the following year. For the 2022 program,a total of eight creators in six groups participated.
【サポート内容

トクラブについて調査。ラブホテル内で愛や人間

Support Contents】

渡航費、滞在費、制作費、居室、シェアスタジオを提供
Airfare, living expenses, fee for creative work/project, living space, shared studio space

ベルトラン・フラネを模した彫刻に、そこで撮影した画像や映像を組み込んだ縮小型立体作品を作り上げました。

Known for works capturing her impressionsof places and their people, Snelling visited love
hotels in Japan and male host clubs in Kabukicho.
While conducting interviews and taking portraits of interviewees in love hotels about loveand relationships, she filmed interviews withhosts and video-documented scenarios similar
to a typical first visit to a host club. Finally, shecreated small scale sculptures that incorporate
images taken at the sites, imitating the interior
and exterior of the buildings where the recordings took place.

《ホテルロッシェル》2022

Hotel Rochelle, 2022

PROFILE:1970年カリフォルニア生まれ。ベルリンを拠点に活動。1996年ニューメキシコ大学

芸術学部アートスタジオコース卒業。主な展覧会に「第58回ヴェネチア・ビエンナー

レ」（Sale dʼArmi、Swatch Pavilion、2019）など。

Born in California in 1970. Lives and works in Berlin. Graduated with a BFA in art
studio from the University of New Mexico in 1996. Recent exhibitions:“Mäusebunker & Hygieneinstitut,” Università Iuav di Venezia, Architecture Biennale,
Venice, 2021, “La Biennale di Venezia,” Sale dʼArmi, Swatch Pavilion, 2019.

Zakkubalan（アルバート・トーレン＆空 音央）
滞在期間

Bertrand FLANET

Residency Period

2022.5.9–7.29

主に3D アニメーションを用いて人間社会に潜在

滞在期間

Zakkubalan (Albert THOLEN & SORA Neo)

Residency Period

2022.9.6–11.30

映画表現の枠に収まりきらない新しい感情と感する疎外感をフィクションで映し出すフラネは、覚を表現する Zakkubalan は、関東大震災（1923

巣鴨プリズンのリサーチをとおして、それが近代年）から100年の節目を前に、地震に関する「ア日本の政治と社会に与えた影響に注目。また、ンチ・スペクタクル」なイメージの表現を試みまし植物ハマユウの分布限界を示すハマオモト線と、た。日本の民話や日常の社会的想像力からヒ

地球温暖化で変化する日本の環境下でのそのントを得て、1923年の震災から現在までの日数役割について調査を行い、一見かけ離れたトピッと同じ数の1 円玉を使った街の風景の彫刻と、クをとおして、条件付けと影響に関する抽象的な

ロールプレイングゲームをとおして避難所の運営について学ぶ近隣住民の映像を制作しました。

ナラティブを構想しました。
Tempers, 2022–2023

Producing 3D animation videos that fictionalize and reflect on latent forms of alienation inhuman societies, Flanet explored the Sugamo
prison focusing on its impact on modern
Japanese politics and society. He also researched
the crinum line which indicates the geographic
limits of distribution of hamayu, and its rolein Japanʼs changing environment amidst global
warming. Through these seemingly disconnected topics, he establishes abstract narratives on
conditioning and influencing.

075

PROFILE:1986年シルティカイム（フランス）生まれ。ベルリンを拠点に活動。2017年国立造形美術大学シュテーデルシューレ・フランクフルト卒業。近年の展覧会に「Salonde Montrouge」（beffroi de Montrouge、パリ、2021）など。
Born in Schiltigheim (France) in 1986. Lives and works in Berlin. Graduated from
Städelschule, Frankfurt am Main in 2017. Recent exhibitions: “Salon de Montrouge,”
beffroi de Montrouge, Paris, 2021, “BPA at Gropius Bau,” Gropius Bau, Berlin, 2020.

CiR: International Creator Residency Program

Zakkubalan is an artist duo exploring new
sensory and emotive possibilities in cinema. In
anticipation of the Great Kanto Earthquakeʼs
centenary, they attempted to represent “antispectacular” images of earthquakes. Taking
inspiration from Japanese folklore and everyday
social imagination, they created a city landscapeusing a single yen coin for each day since the1923 disaster and a video of local residents
learning to run an evacuation site through arole-playing game.

Imagined Earthquake 01: One Yen City (Seismograph), 2022

PROFILE:

アルバート・トーレン：ワシントン D.C. 生まれ。ニューヨークを拠点に活動。2015
年ウェズリアン大学映画学科卒業。

空 音央：ニューヨーク生まれ。ニューヨークと東京を拠点に活動。2014年ウェズリアン大学卒業（映画学、哲学）。

Albert THOLEN: Born in Washington, D.C. Lives and works in New York. Graduated with a BA in Film Studies from Wesleyan University in 2015.
SORA Neo: Born in New York. Lives and works in New York and Tokyo. Graduated with a BA in Film Studies and Philosophy from Wesleyan University in 2014.

076

グシェゴシュ・ステファンスキ

ラービッツシスターズ（ベネディクト・ジャコブ＆ロール＝アンヌ・ジャコブ）

Grzegorz STEFAŃSKI

滞在期間

2023.1.5–3.31

Residency Period

パフォーマンスに強く影響を受けながら、所作、

メディア・アートの分野でアート、テクノロジー、

心理学、映像の結節点で活動するステファンス

政治・社会構造の不均衡や社会問題を扱うアー

キは、人間関係におけるケアと暴力の力学と家

ティスト・デュオ、ラービッツシスターズは、東京

庭という概念について探究。日本家屋において、の住宅街に点在する路上園芸で巻き起こる、微主人公達の関係性の中で再生される力学のパ生物と宿主との共生関係など、さまざまな生命

ターンを反映した無限ループ形式の映像作品をの形を観察。路上園芸を都市に酸素を供給す制作しました。本作は3部作の1作目にあたり、る能力を持つシステムとして捉え、今後のプロジェ

今後はイギリス、ポーランドでの制作を予定してクト発展に向けて技術者とも交流を重ねました。

います。

Strongly influenced by performance, Stefańskiʼspractice is located at the nexus of choreography,
psychology and film. In Tokyo, he investigated
the subject of care-violence dynamics in relationships and the idea of home, and he worked
toward a new film which takes the form of anendless loop, reflecting the pattern of dynamics
replayed in a relationship between protagonists.
This is the first film in a trilogy, which will be
produced in the UK and Poland in the future.

no sticks and stones can ever break our bones, 2023

PROFILE:

1983年チュウフフ（ポーランド）生まれ。ロンドンを拠点に活動。2018年ロンドン大学スレード美術学校メディアコース修了。主な展覧会に「sleeper」（Tick Tack、ア「spill」（CCA Ujazdowski、ワルシャワ、2018）など。
ントワープ、2022）、Born in Człuchów (Poland) in 1983. Lives and works in London. Graduated with
an MA in Media from UCL Slade School of Fine Art in 2018. Recent exhibitions:“sleeper,” Tick Tack, Antwerp, 2022, “spill,” CCA Ujazdowski, Warsaw, 2018.

滞在期間

LarbitsSisters (Bénédicte JACOBS & Laure-Anne JACOBS)

Dealing with the imbalances in art, technology, social structures and social issues throughmedia art, the artist duo LarbitsSisters observed
various forms of life around the street gardens
adorning Tokyoʼs residential areas, such as the
symbiotic relationship between micro-organisms and their hosts. They considered street
gardens as a system for photosynthesizing andoxygenation of the city, and also interacted withtechnicians for the future development of theirproject.

Residency Period

PROFILE:

ソーシャルメディア研究者のベネディクト・ジャコブと、メディア・アーティストのロール゠アンヌ・ジャコブにより2010年に結成。主な展覧会に「ICC アニュアル

2022 生命的なものたち」（NTT インターコミュニケーション・センター［ICC］
、東京）

など。

Formed in 2010 with social media researcher Bénédicte Jacobs and media artist
Laure-Anne Jacobs. Recent exhibitions: “Life/Likeness,” NTT InterCommunication Center [ICC], Tokyo 2022, “NTAAʼ22,” Liedts-Meesen Foundation, Ghent,
Belgium, 2022.

タイラー・コバーン
滞在期間

Tyler COBURN

Residency Period

2023.1.10–3.31

反実仮想（歴史上起こり得た別の道筋を想像する
思考実験）に興味を持つコバーンは、16世紀に渡来した最初のヨーロッパ人を調査。日本文化における彼らの描写と広がらなかった疫病の役割に注目し、胡粉を用いたウォール・インスタレー
ションと、２つの南蛮オブジェを中心に展開する
英語と日本語による親密なパフォーマンスを発表しました。

Based on an interest in the counterfactual, athought experiment which imagines alternate
routes that history could have taken, Coburn
researched the first Europeans who arrived inJapan in the 16th Century, with a focus on
their representation in Japanese culture and on
the role that disease could have played. During
his residency, he created a wall installation madewith gofun and organized intimate performances in English and Japanese, centered on two
Nanban objects.

077《Candlestick Man》でパフォーマンスを行う長沼航 2023

Naganuma Wataru performing Candlestick Man, 2023

PROFILE:

1983年アメリカ生まれ。ニューヨークを拠点に活動。2012年南カリフォルニア大学
Roski School of Art and Design 修了。主な展覧会に「Hello, Robot」（Vitra
Design Museum、ランス、フランス、2022）など。
Born in United States in 1983. Lives and works in New York. Graduated withan MFA in Art from the University of Southern California, Roski School of Art
and Design in 2012. Recent exhibition: “Hello, Robot,” Vitra Design Museum,
Rheims, France, 2022. Recent publication: Solitary, co-published by Sternberg Press,
London, and Art Sonje Center, Seoul, 2022.

CiR: International Creator Residency Program

2023.1.10–3.31

078

国内クリエーター制作交流プログラム

芸術文化・国際機関推薦プログラム

Local Creator Residency Program

Institutional Recommendation Program

国内在住作家を対象に海外クリエーターとの対話をとおして制作を行うプログラム。東京オリンピック下にお公的機関や芸術文化団体が推薦するクリエーターを受け入れ、国際文化交流の促進を図るプログラム。

ける「都市の祝祭性」というテーマで制作を予定していた芦川瑞季は、滞在延期により閉幕後の参加となっ2022年度は、国内外の文化施設から推薦されたクリエーターや、過去の TOKASレジデンス・プログラムたことから「祝祭の痕跡」へとテーマを変更し制作しました。

参加者6名が継続的なプロジェクトのために滞在し、他のレジデントとの交流を深めました。

This is a program for artists living in Japan to create works through dialogue with overseas creators.
Ashikawa Mizuki, who had planned to create a work on the theme of “Festivity in the City” accompanying the Tokyo Olympics, changed the theme to “Festival Traces” because she participated after the Olympics ended due to the postponement of her residency.

This program accepts creators recommended by public agencies and arts and culture organizations forthe purpose of promoting international cultural exchange. In 2022, six creators recommended by cultural
institutions in Japan and abroad and former participants in TOKAS residency programs worked inresidency on ongoing projects, while deepening relationships with the other residents.

【サポート内容【サポート内容

Support Contents】

Support Contents】

滞在費、制作費、居室、シェアスタジオを提供
Living expenses, fee for creative work/project, living space, shared studio space

居室を提供
Living space

芦川瑞季

ルーベン・デルス
滞在期間

ASHIKAWA Mizuki

Residency Period

2022.6.1–7.29

相容れない断片的なイメージを組み合わせてリト

Rubén DʼHERS

制作を行うデルスは、コロナ禍でのオンライン・

テーマで2021年のオリンピック以降の風景からレジデンスで始めたプロジェクトを完成させ、レジ制作を試み、東京湾沿岸の競技場跡地を訪問。

デンス成果発表展に参加。絵画制作やフィール

埋立地の見学を通じて、見えている部分と見えド・レコーディングのほか、サウンド・オブジェク

ない部分の相互作用が風景に違和感をもたらし、トの素材集めを行いました。東京では素材とな描かれない要素を意識することが重要だと認識る粗大ゴミの拾得が難しかったことから、モノのしました。判じ絵も調査し、絵の要素の参考に不在によって音を呼び起こす新作の展開につなしました。

《臨海公園》2022

079

Residency Period

2022.6.1–7.29

サウンド・インスタレーションと音楽が交差する

グラフを制作する芦川は、「祝祭の痕跡」というAshikawa creates lithographs by combining
incompatible fragmentary images. This time she
created works based on the scenery left behind
after the Tokyo Olympics of 2021, under thetheme of “Festival Traces.” She visited the sitesof former stadiums built on landfills in Tokyo
Bay. There she realized that the interaction between the visible and invisible parts of it evokes
discomfort in the landscape, and the importance of what is not depicted. She also investigated hanjie for reference in future paintings.

滞在期間

Rinkai park, 2022
PROFILE:1994年静岡県生まれ。東京都を拠点に活動。武蔵野美術大学大学院造形研究

科博士後期課程在籍。主な展覧会に「第3回 PATinKyoto 京都版画トリエンナー、「第8回山本鼎版画大賞展」（上田市立美術館、
レ2022」（京都市京セラ美術館）
長野、2021）など。

Born in Shizuoka in 1994. Lives and works in Tokyo. Enrolled in a PhD in
Production of Art at Musashino Art University. Recent exhibitions: “3rd PATinKyoto Print Art Triennale in Kyoto 2022,” Kyoto City KYOCERA Museum of Art,
“YAMAMOTO KANAE Print Grand Prix Competition,” Ueda City Museum ofArt, Nagano, 2021.

CiR: Local Creator Residency Program

がりました。

Working on the intersection of sound installations and music, DʼHers completed his project
initiated in a TOKAS online residency during
the COVID-19 pandemic, to participate in
TOKAS Creator-in-Residence 2022 Exhibition.
He conducted sound recordings and produced
new work. The work was shaped materially andconceptually by a limitation of finding bulky
garbage in Tokyo. It opened a conceptual andaesthetic path that draws on the absence ofobjects to evoke their sounds.

CiR: Institutional Recommendation Program

PROFILE:

1980年カラカス生まれ。ベルリンを拠点に活動。2016年ベルリン芸術大学大学院。主な展覧会に「A Garden of Forking Paths – Finale 4修了（Sound Studies）（MaerzMusik）」（SAVVY Contemporary、ベルリン、2022）など。

Born in Caracas in 1980. Lives and works in Berlin. Graduated with an MA in
Sound Studies from University of the Arts Berlin in 2016. Recent exhibitions: “A
Garden of Forking Paths – Finale 4 (MaerzMusik),” SAVVY Contemporary, Berlin,
2022, “Plural Domains,” Harn Museum of Art, Gainesville, United States, 2021,“Resonanz & Resilienz,” Sehsaal, Vienna, 2021.

080

アンナ・ベルニス・デロス・レイエスヂョン・ヨンドゥ
滞在期間

Anna Bernice DELOS REYES

Residency Period

2022.7.4–7.17

移民やアイデンティティ・ポリティクスを中心とした綿密なリサーチをもとに、事実とフィクションを重

現代美術のキュレーション、芸術・文化に関すねながら作品を制作し、国内外で大規模な展

る執筆を行うデロス・レイエスは、国際交流基覧会に参加するヂョンは、20世紀初頭に朝鮮

金とジャミールアートセンターの推薦で、東京、半島を離れた人々の物語で構成される展覧会に

金沢、京都の展示や日本人アーティストのアトリ

出展する2作品のため、日本での移民の歴史に

エを訪れました。日本の文脈の中と外におけるついてリサーチを実施。《百年旅行記》のため

彼らの活動の本質について話し合い、今後キュの群生サボテンの撮影や、《想像曲》のためのレーションする展示に向けて日本のアート関係者

義太夫や三線の歌い手とコラボレーションを行い、と交流を深めました。

制作を進めました。

Recommended by Japan Foundation and the
Jameel Arts Centre, Delos Reyes curates contemporary art, specifically focusing on migrationand identity politics. She also writes art and culture for various publications. She visited various
contemporary and modern art exhibitions andJapanese artistsʼ studios in Tokyo, Kanazawa,
and Kyoto, discussing the nature of their workin and outside of the Japanese context as material for use in future curation projects.

Based on elaborate research, Jung creates works
that combine fact and fiction with which he has
participated in major exhibitions in Korea andabroad. Working on two projects for an exhibition on the story of people who left Korea atthe beginning of the 20th century, he conducted research on the history of immigrants inJapan. He shot colonies of Nopal cacti for his
work A Hundred Years of Travel and collaborated
with Bunraku Gidayu and sanshin (3-stringedlute) singers for a work titled Imagine.

PROFILE:1997年フィリピン生まれ。ドバイ、マニラ、ベルリンを拠点に活動。2020年ニューヨー

ク大学アブダビ校卒業（社会調査・公共政策、演劇、副専攻：現代芸術）。主（Maisan15、ドバイ、2021）など。
なキュレーションに「In Response to Solastalgia」

Born in Philippines in 1997. Lives and works in Dubai, Manila, and Berlin.
Graduated with a Double BA in Social Research, Public Policy and Theater with a
Minor in Contemporary Art from New York University Abu Dhabi in 2020. Recent
curation/writings: Living Marcos, Vice Asia, 2022, “In Response to Solastalgia,”
Maisan15, Dubai, 2021.

カティ･ホファー
滞在期間

Kathi HOFER

Residency Period

2023.1.17–2.7

日常的な創造性のあり方や作品と個人史との関2023.1.23–2.20

PROFILE:1969年チンジュ（韓国）生まれ。ソウルを拠点に活動。1997年ロンドン大学ゴールドスミス・カレッジ修了。主な展覧会に「烏瞰圖」（蔚山市立美術館、韓国、

2022）、「Evening shower - Between Day & Night」（駒込倉庫、東京、2018）など。

Born in Jinju (Korea) in 1969. Lives and works in Seoul. Recent exhibitions:“Crowʼs Eye View,” Ulsan Art Museum, Korea, 2022, “Focus on #2 Yeondoo Jung,”
Total Museum of Contemporary Art, Seoul, 2021, “Evening shower - Between Day& Night,” Komagome SOKO, Tokyo, 2018.

滞在期間

Prapat JIWARANGSAN

Residency Period

2023.2.14–3.15

写真や動画などさまざまなメディアを通じて歴史や記憶、政治の関係性を掘り下げるジワランサ

滞在時に行った、自身の家族が製造していたンは、アジアの中で NFT 先進国である日本の「Hofer ジャケット」に関するリサーチをレジデン

NFT アートシーンに注目。日本の作家が NFT

ス近隣の Gallery Dalston で発表。ファッション

アート界にもたらしたアニメ、マンガ、VR などの社会学者の深町浩祥氏とトーク・イベントを開催

作品をリサーチし、アートフェアへの参加や関係したほか、アートの文脈におけるブランドの再構

者への聞き取りをとおしてマーケットの展望や築に向けて専門家と話し合いを進めました。

NFT が作品制作に与える影響について理解を

081

Residency Period

プラパット・ジワランサン

係に関心を持つホファーは、2019年の TOKAS

From her interest in forms of everyday creativity and the relation between artistic work andpersonal history, Hofer exhibited works basedon the research conducted during her stay at
TOKAS in 2019 on the “Hofer jacket,” which
was manufactured by her family, at Gallery
Dalston nearby TOKAS Residency. In addition
to a public talk with fashion sociologist
Fukamachi Hiroyoshi, she also engaged in
discussions with specialists to rebrand the jacket
in the context of art.

滞在期間

JUNG Yeondoo

Hofer Tokyo, 2023
PROFILE:

1981年ハライン（オーストリア）生まれ。ウィーンとベルリンを拠点に活動。2010年ウィー

ン美術アカデミー修了（美術・写真）。主な展覧会に「Hofer Tokyo」（Gallery

Dalston、東京、2023）など。

Born in Hallein (Austria) in 1981. Lives and works in Vienna and Berlin. Graduatedwith an MA in Art and Photography from Academy of Fine Art Vienna in 2010.
Recent exhibitions: “Hofer Tokyo,” Gallery Dalston, Tokyo, 2023, “Blood and Guts
in Grad School,” Winona, Brussels, 2022.
助成：オーストリア文化フォーラム東京、Gallery Dalston、オーストリア芸術・文化・

公務・スポーツ省

Support: Austrian Cultural Forum Tokyo, Gallery Dalston, Federal Ministry Republic of Austria for Arts, Culture, Civil Service and Sport

CiR: Institutional Recommendation Program

深めました。

Investigating relationships between history,
memory and politics, Jiwarangsanʼs work incorporates a variety of media, especially photography and video. In Japan, he focused on the
Non Fragment Token (NFT) art scene, as one of
the leading NFT countries in Asia. Researching
the anime, manga and VR that Japanese artists
have brought to the NFT art world, he deepened his understanding of the market outlook
and the impact of NFT on art production byattending fairs and interviewing artists.

PROFILE:

タイ生まれ。パタヤ（タイ）を拠点に活動。2011年ロイヤル・カレッジ・オブ・アー、「EXiS 賞」
ト修了（ファインアート）。主な活動に「ベルリン国際映画祭」（2022）（EXiS Experimental Film and Video Festival、2022）など。

Born in Thailand. Lives and works in Pattaya (Thailand). Graduated with an MA
in Fine Arts from Royal College of Art, London in 2011. Recent activities: “Berlin
International Film Festival,” 2022, “The EXiS Award,” EXiS Experimental Film andVideo Festival, 2022, “Vantage Point Sharjah 8,” Al Hamriyah Studios, Sharjah, 2020.

082

ミシェル・ウノー
滞在期間

Michel HUNEAULT

Residency Period

2023.3.14–3.31

リサーチ・レジデンス・プログラム
Research Residency Program

開発やトラウマ、地理的に複雑な現実における問題などをテーマに制作するウノーは、2012年
から継続している東日本大震災後の復興と日本

国内外で活動するさまざまなジャンルのクリエーターを対象に、東京を舞台とした芸術文化の研究、新しいの都市における自然と近代化の調査のため、宮創作に向けたリサーチの機会を提供する公募プログラム。2022年度は7名が滞在し、各々のトピックに関す

城県各地に建てられた記念碑や記念館を訪問。

る現地調査や撮影、有識者との交流などをとおして活動しました。

今や来訪者向けの震災伝承施設となり、ウノー
や地元の人々が過去や震災の記憶の変化と向き合う場となったこれらの建造物の撮影を行いました。

Focusing on issues of development, trauma, andother geographically complex realities, Huneault
continued research on post-3/11 rehabilitationin Tohoku and the relationship between natureand modernity in Japanese cities. He documented 3/11 memorials and museums that have beencreated across Miyagi Pref. Constituting a comprehensive official itinerary for the visitors, thesememorials interact with both his previous workin the area and the local populationʼs history
and evolving memory of the event.

Minute of silence, 14:46 on March 11 2023, Ishinomaki Minamihama
Tsunami Memorial Park, 2023

PROFILE:

1976年ルパンティニー（カナダ）生まれ。モントリオールを拠点に活動。2004年カリフォ
ルニア大学バークレー校修了（平和紛争学）。主な展覧会に「Incipit Covid-19」（McCord Museum、モントリオール、2022）など。

This is an open-call program for creators from Japan and abroad in a variety of genres to conduct researchin residence in the Tokyo area on the arts and culture, or to do research for their own new creative activities. In 2022, seven creators worked locally on their individual topics, engaging in research or photographing/filming, while also taking advantage of exchanges with people of knowledge in their related areas ofexpertise.
【サポート内容

Support Contents】

居室を提供
Living space

Born in Repentigny (Canada) in 1976. Lives and works in Montreal. Graduatedwith a Graduate Certificate in Peace and Conflict Resolution Studies from University of California Berkeley in United States in 2004. Recent exhibitions: “Incipit
Covid-19,” McCord Museum, Montreal, 2022, “Péninsule,” Gaspésie Museum,
Gaspé, Canada, 2022.

ジェームズ・スコフィールド
滞在期間

James SCHOFIELD

Residency Period

2022.9.5–10.16

展覧会企画運営、執筆、講演を幅広く行いながら、アートシステムや社会における実存的な問題を探求するスコフィールドは、東京のオルタナティブ・
スペースやコミュニティがコロナ禍でどう対応してきたのかを調査。インディペンデントな実践のスキル、知識、経験を共有し、ピア（市民）主導の非公式ネットワークを構築することを目指す、大規模な継続的プロジェクトへと発展させる予定です。

Combining expanded exhibition-making,writing and public speaking, Schofield explores
existential issues within the art system andbroader society. He explored self-organized,
artist-run and alternative spaces and their communities in Tokyo, and how they have navigatedthe COVID-19 pandemic. Moving forwards,
this research will evolve into the pilot of a larger
ongoing project seeking to share skills, knowledge and experience of self-organized practices
globally, creating an informal, peer-led networkof exchange and support.

083

CiR: Institutional Recommendation Program

CiR: Research Residency Program

PROFILE:

1990年バーンリー（イギリス）生まれ。ブラックバーンとリヴァプールを拠点に活動。
2021年リヴァプール・スクール・オブ・アート・アンド・デザイン博士課程修了。

現在、同校展覧会研究、ファインアート修士課程のプログラムリーダー代行を務めるほか、Corridor8編集、The Royal Standard 理事などを兼任。

Born in Burnley (United Kingdom) in 1990. Lives in Blackburn and works in
Liverpool. Earned his PhD from Liverpool School of Art and Design in 2021. He
is Acting Programme Leader for MA Exhibition Studies and Fine Art at Liverpool
School of Art and Design, and alongside this is an Editor at Corridor8, Trustee at
The Royal Standard, and Advisory Board member of PINK.

084

シャオ・ジャーシン

ライン・ベルナルディーノ
滞在期間

CHAO Jiaxing

Residency Period

2022.9.5–11.28

キュレーターのシャオは、学際的な芸術実践と、世界中のオルタナティブ・スペースやコミュニティベー

東アジアの現代アート制作が儀礼を方法論とす

スのプロジェクトのリサーチとマッピングを幅広くることに関心を持っています。日本ではさまざま行うベルナルディーノは、東京とその周辺を拠点な祭りを見学し、東アジアにおける経済的論理とするアーティスト・コレクティブ、自主運営アートや文化的起源の観点からの儀礼と近代オリンピッスペースの背景や相互関係を調査し、大きなエクの共通点について、アーティストやキュレーター、

コシステムの中で位置づけるためオンライン上に祭礼研究者を招いてワークショップを開催し、多記録。また、TOKAS や外部施設でフード・ギャ

角的な視点から考察しました。

ザリングを実施し、交流の場を作りました。

As a curator, Chao is interested in interdisciplinary art practices and in the way that ritualis employed as a methodology in East Asian
contemporary art creations. In Japan, she visited
various festivals and organized workshopswith artists, curators, and ritual researchers toconsider the points in common between rituals
and the modern Olympic Games, in terms of
economic logic and cultural origins in East
Asia, as considered from multiple perspectives.

Bernardino has been doing an extensive fieldresearch and mapping of alternative spaces andcommunity-based projects around the globe.
They sought to investigate artist collectives,
independently run arts spaces in and aroundTokyo to get insights into their context,
interconnectedness and how they are situatedin the larger ecosystem by mapping them into
an accessible online interface. They also created opportunities for exchanges by organizing
food-gatherings at TOKAS and other spaces.

PROFILE:

1984年上海生まれ。上海を拠点に活動。2011年上海大学美術学院修了（美術）。
主な活動に「Rituals in Rituals of the Future, Round 2: Cow Bell」（yuz museum ／ Shanghai Himalayas Museum、上海、2021）など。
Born in Shanghai in 1984. Lives and works in Shanghai. Graduated with an MA in
Fine Arts from Shanghai Academy of Fine Arts in 2011. Recent activities: “Rituals
in Rituals of the Future, Round 2: Cow Bell,” yuz museum / Shanghai Himalayas
Museum, 2021, “The Ship of Theseus,” Asia Culture Center, Gwangju, 2019.

ベギュム・エルジヤス
滞在期間

Begüm ERCIYAS

Residency Period

2022.9.23–11.22

マンスを発表する振付家のエルジヤスは、人工知

ンは、赤瀬川原平の「超芸術トマソン」と路上能の研究者が人間の行動を模倣する機械の開発

観察学会の記録方法から着想を得て、2018年よ

を通じて人間の感覚や知性をより深く理解できるとり新宿駅に焦点を当てたリサーチ・プロジェクトする主張に注目しています。東京では、触覚技術を行っています。今回は現地調査に加えて、歴についてリサーチし、研究者へインタビューを行いま

史的・文化的側面にも注目して文献資料をリサーした。今後も共同制作の可能性を含めて交流をチしました。今後も発展を遂げていく新宿駅とそ

085

2023.1.5–3.27

PROFILE:1988年ボホール島（フィリピン）生まれ。ロンドンを拠点に活動。2017年ロイヤル・カ（サウスバンク・
レッジ・オブ・アート修了（彫刻）。主な展覧会に「Pitch and Mix」、
「Di/visible Re/Public」（M+、香港、2022）など。
センター、ロンドン、2022）
Born in Bohol (Philippines) in 1988. Lives and works between London and Edinburgh. Graduated with an MA in Sculpture from Royal College of Art in 2017.
Recent exhibitions: “Pitch and Mix,” Southbank Centre, London, 2022, “Di/visible
Re/Public,” M+, Hong Kong, 2022.

滞在期間

Steffen Kloster POULSEN
主に写真を用いて作品を制作しているポールセ

Choreographer Erciyas recently presents interdisciplinary performances in which the role of
the audience is central. She focuses on claims
by artificial intelligence researchers that a deeper
understanding of human senses and intelligencecan be achieved through the development ofmachines that mimic human behavior. In Tokyo,
she did research and interviews to deepen her
understanding of haptic technology. Continued
exchanges bring possibilities of future collaborations on more works to come and will work on a
new piece about the future of our hands.

Residency Period

ステフェン＝クロスター・ポールセン

近年、観客の役割を軸に据えた学際的なパフォー

続け、人の手の未来に関する新作に取り組みます。

滞在期間

Rhine BERNARDINO

Residency Period

2023.1.10–3.28の周辺の現在を記録し、プロジェクトを掘り下げていきます。
PROFILE:

1982年トルコ生まれ。ベルリンとブリュッセルを拠点に活動。2007年ザルツブルグ・
エクスペリメンタル・ダンス・アカデミー卒業（振付）。主な活動に「Forest Silent
Gathering」（ミュンヘン小劇場、2022）など。
Born in Turkey in 1982. Lives and works in Berlin and Brussels. Graduated witha BA in Choreography from Salzburg Experimental Academy of Dance in 2007.
Recent activities: “Forest Silent Gathering,” Münchner Kammerspiele, 2022, “Lettersfrom Attica,” Wiener Festwochen, Vienna, 2021, “Pillow Talk,” Winzavod Arts
Center, Moscow, 2020.
助成：ベルギー・フランダース政府
Support: Government of Flanders

CiR: Research Residency Program

Working primarily with photography, Poulsen
has been conducting a research project focusing
on Tokyoʼs Shinjuku Station since 2018, inspired by Akasegawa Genpeiʼs “Hyperart Thomasson” and the recording methods of the Street
Observation Society. Based on field research,
this time Poulsen also focuses on the historicaland cultural aspects through archival researchon Shinjuku Station and its vicinity. He records
the area undergoing further development now
in order to add depth to his project.

PROFILE:

1990 年ティステズ（デンマーク）生まれ。オーフス（デンマーク）を拠点に活動。
2023年コペンハーゲン大学修了（日本研究）。HDK-Valand - Academy of Art
and Design 卒業（写真）。主な展覧会に「Hyper」（Museum Ovartaci、オーフス、
2018）など。
Born in Thisted (Denmark) in 1990. Lives and works in Aarhus (Denmark). Graduated with an MA from University of Copenhagen (Japan Studies) in 2023 and a
BFA from HDK-Valand - Academy of Art and Design, University of Gothenburg(Photography). Recent exhibition: “Hyper,” Museum Ovartaci, Aarhus, 2018.
助成：Bestles FondSupport: Bestles Fond086

チェマ・ノヴェロ

ルーベン・デルス「水路から柔い空へ」展示風景
Rubén DʼHers, Installation view at “From a Dusky Canal to the Pale Blue Sky”

滞在期間

Txema NOVELO

Residency Period

2023.1.11–3.10

メキシコ出身の映画監督ノヴェロは、岡本太郎
がメキシコのアステカ文明に関心を持っていたことに注目し、岡本が1967年にメキシコシティで壁画《明日の神話》を描いた時期についてリサーチしました。岡本が所有していたメキシコの粘土製民芸品「生命の樹」と《太陽の塔》内にある同名の彫刻作品との関係性を探ることから出発し、今後撮影予定の映画プロジェクトに取り組みました。

Inspired by the fact that Okamoto Taro wasinterested in Aztec civilization in Mexico, Mexican filmmaker Novelo researched the time that
Okamoto spent in Mexico City in 1967 painting his masterpiece mural The Myth of Tomorrow.
Novelo sought for a connection between the
Mexican clay folk sculpture called “The Treeof Life” in Okamotoʼs collection to Okamotoʼsmonumental sculpture of the same name within
the Tower of the Sun as a starting point for his
upcoming film project.

PROFILE:

1982年メキシコ生まれ。メキシコシティを拠点に活動。2018年 Le Fresnoy 修了（映画）。主な活動に「Vestiare 9 Videobox」（Le Carreau du Temple、パリ、2019）、「SICF 20」（SPIRAL、東京、2019）など。

Born in Mexico in 1982. Lives and works in Mexico City. Graduated with an
MA in Film from Le Fresnoy in 2018. Recent activities: “Vestiare 9 Videobox,” Le
Carreau du Temple, Paris, 2019, “SICF 20,” SPIRAL, Tokyo, 2019.

デイヴィ・ファン・ヘルフェン
滞在期間

Davy VAN GERVEN

Residency Period

2023.1.11–3.31

ファン・ヘルフェンは、さまざまな演劇の舞台デザインを手がけるほか、セノグラフィーの手法を用いたインスタレーションを制作しています。能や歌舞伎、文楽で使われる舞台装置や小道具の空間的な仕組みや制作方法、またその歴史的発展や起源となる儀式についてリサーチしました。さらに、日本のアニミズムに内在する二項対立の思考パターン（人間と自然、自己と他者）を探りました。

内省のためのインタラクティブな能の小道具

Interactive Noh prop for self-reflection

Van Gerven has worked on stage design forvarious theater disciplines, as well as creating
installations using the approach of scenography.
He researched the spatial workings and construction methods for sets and props of Noh,
Kabuki and Bunraku, as well as their historicaldevelopment and origins in ritual. Furthermore,
he investigated the binary thinking patterns(human vs. nature, self vs. other) inherent inJapanese animism.

087

PROFILE:

1989年マーストリヒト（オランダ）生まれ。マーストリヒトを拠点に活動。2017年マー

ストリヒト演劇アカデミー修了。主な展覧会に「Litanie van een Terugkeer」（DeFabriek、アイントホーフェン、オランダ、2022）など。

Born in Maastricht (The Netherlands) in 1989. Lives and works in Maastricht.
Graduated with an MA from Toneelacademie Maastricht in 2017. Recent exhibitions: “Litanie van een Terugkeer,” De Fabriek, Eindhoven, The Netherlands, 2022,“Limburgse Horizon,” Het Geluid, Maastricht, 2021, “Woyzeck,” Staatstheater,
Stuttgart, Germany, 2020.
助成：Creative Industries Fund NL
Support: Creative Industries Fund NL

CiR: Research Residency Program088

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム／参加作家
Creator-in-Residence Program / Creators

二国間交流事業プログラム

Exchange Residency Program

派遣クリエーター Japan-based Creators sent abroad［TOKYO-BASEL］

早崎真奈美［TOKYO-EDINBURGH］

HAYASAKI Manami

2022.4.4–6.29［TOKYO-BRUSSELS］

渡邊拓也［TOKYO-QUEBEC］

梅原麻紀 UMEHARA Maki

國分郁子 KOKUBUN Yuko

2022.7.9–2023.1.4

International Creator Residency Program

ベルトラン・フラネ Bertrand FLANET

グシェゴシュ・ステファンスキ Grzegorz STEFAŃSKI

2022.5.9–7.29

2023.1.5–3.31

トレイシー・スネリング Tracey SNELLING

タイラー・コバーン Tyler COBURN
2023.1.10–3.31

ラービッツシスターズ（ベネディクト・ジャコブ＆ロール＝アンヌ・ジャコブ）

2022.4.8–6.29

2022.4.3–6.27

2022.5.9–7.29［TOKYO-HELSINKI］［TOKYO-TAIPEI］

Zakkubalan（アルバート・トーレン＆空 音央）

新井 卓 ARAI Takashi

WATANABE Takuya

海外クリエーター招聘プログラム

太田 遼

2022.9.7–12.5

OHTA Haruka

2022.10.10–12.23

ソフィア・ドリュー Sofia DURRIEU［HELSINKI-TOKYO］

パーサ・カメコシュ Parsa KAMEHKHOSH

2022.5.12–7.26

2022.9.6–11.30

カスパー・ルートヴィヒ Kaspar LUDWIG

ミリアゴン（キィ・ヌルメンニエミ＆トゥオマス・A・ライティネン）

2023.1.6–3.28

Myriagon (Ki NURMENNIEMI & Tuomas A. LAITINEN)

2022.9.26–11.29［BERLIN-TOKYO］

ミン・ドゥック・ファム Minh Duc PHAM
2022.9.7–11.30［QUEBEC-TOKYO］

キム・ワルドロン Kim WALDRON
2022.5.13–7.28［BRUSSELS-TOKYO］

LarbitsSisters (Bénédicte JACOBS & Laure-Anne JACOBS）

2022.9.6–11.30

2023.1.10–3.31

国内クリエーター制作交流プログラム

招聘クリエーター Invited Creators from abroad［BASEL-TOKYO］

Zakkubalan (Albert THOLEN & SORA Neo)

芦川瑞季

Local Creator Residency Program

ASHIKAWA Mizuki

2022.6.1–7.29

芸術文化・国際機関推薦プログラム

リサーチ・レジデンス・プログラム

Institutional Recommendation Program

Research Residency Program

ルーベン・デルス

ジェームズ・スコフィールド

Rubén DʼHERSJames SCHOFIELD

2022.6.1–7.29

2022.9.5–10.16

アンナ・ベルニス・デロス・レイエス

シャオ・ジャーシン

Anna Bernice DELOS REYESCHAO Jiaxing

2022.7.4–7.17

2022.9.5–11.28

カティ･ホファーベギュム・エルジヤス

Kathi HOFER

Begüm ERCIYAS

2023.1.17–2.7

2022.9.23–11.22

ヂョン・ヨンドゥ

ライン・ベルナルディーノ

JUNG Yeondoo

Rhine BERNARDINO

提携機関 Partner Institutions

2023.1.23–2.20

2023.1.5–3.27

ウィールズ、ベルギー・フランダース政府（ベルギー、ブリュッセル）｜エディ

プラパット・ジワランサン

ステフェン＝クロスター・ポールセン

Prapat JIWARANGSAN

Steffen Kloster POULSEN

2023.2.14–3.15

2023.1.10–3.28

ミシェル・ウノー

チェマ・ノヴェロ

Michel HUNEAULT

Txema NOVELO

2023.3.14–3.31

2023.1.11–3.10

アヌリース・ヴァン・パレイス Annelies VAN PARYS
2022.6.1–7.29

フランシス・アディア・マッケンジー
Frances Adair MCKENZIE

サラ・ヴェストファル Sarah WESTPHAL

2022.5.24–7.29

2022.9.7–11.26［TAIPEI-TOKYO］

チェン・ユウェン（セラ） Sera Yu-Wen CHEN

［EDINBURGH- TOKYO］

アダム・ルイス・ジェイコブ

Adam LEWIS JACOB

2022.4.25–7.22

2022.5.31–8.17

アトリエ・モンディアル（スイス、バーゼル）｜ベルリン市（ドイツ、ベルリン）

ンバラ・スカルプチャー・ワークショップ（スコットランド、エディンバラ）HIAP［ヘルシンキ・インターナショナル・アーティスト・プログラム］、フィンランド文化財団（フィンランド、ヘルシンキ）｜センター・クラーク、ケベック・
アーツカウンシル（カナダ、ケベック州［モントリオール］）｜トレジャーヒル・アー

ティスト・ヴィレッジ、アーティスト・イン・レジデンス台北（台湾、台北）

Atelier Mondial (Basel, Switzerland)｜The City of Berlin (Berlin, Germany)
WIELS, Government of Flanders (Brussels, Belgium)｜Edinburgh Sculpture
Workshop (Edinburgh, Scotland) | HIAP [Helsinki International Artist Programme], The Finnish Cultural Foundation (Helsinki, Finland)｜Centre
Clark, Conseil des arts et des lettres du Québec (Quebec [Montreal],
Canada｜Treasure Hill Artist Village, Artist-in-Residence Taipei (Taipei, Taiwan)089

デイヴィ・ファン・ヘルフェン
Davy VAN GERVEN

2023.1.11–3.31
Creator-in-Residence Program / Creators

090

オープン・スタジオ

2022–2023

OPEN STUDIO 2022–2023

オープン・スタジオ 2022–2023/7月

オープン・スタジオ 2022–2023/11月

オープン・スタジオ 2022–2023/3月

OPEN STUDIO 2022–2023/ July

OPEN STUDIO 2022–2023/ November

OPEN STUDIO 2022–2023/ March

2022.7.15–7.17

2022.11.11–11.13

2023.3.17–3.19

トレイシー・スネリング

Zakkubalan（アルバート・トーレン＆空 音央）

Tracey SNELLING

Zakkubalan (Albert THOLEN & SORA Neo)

グシェゴシュ・ステファンスキ

ベルトラン・フラネ

ミリアゴン（キィ・ヌルメンニエミ＆トゥオマス・A・ライティネン）

タイラー・コバーン

芦川瑞季

パーサ・カメコシュ

ラービッツシスターズ

チェン・ユウェン（セラ）ミン・ドゥック・ファム

カスパー・ルートヴィヒ

キム・ワルドロン

サラ・ヴェストファル

ライン・ベルナルディーノ

フランシス・アディア・マッケンジー

ベギュム・エルジヤス

ステフェン＝クロスター・ポールセン

ソフィア・ドリュー

シャオ・ジャーシン

チェマ・ノヴェロ*

アダム・ルイス・ジェイコブジェームズ・スコフィールド *デイヴィ・ファン・ヘルフェン* 展示のみ Exhibit Only

* 展示のみ Exhibit Only

Bertrand FLANETASHIKAWA Mizuki
オープン・スタジオでは、アート、デザイン、建築、キュレーションといった創造的分野で活躍する世界中のクリエーターが、TOKAS レジデンシーで行った制作やリサーチ活動のプロセスを、レジデンス期間の最終月の3日間で展示・公開します。滞在クリエーターがトー
クやパフォーマンスを行ったほか、滞在中の活動や展
示作品の見どころについてスタッフが日本語で紹介するギャラリーツアーを開催しました。また宿泊設備などを案内する見学ツアーや「二国間交流事業プログラム」の海外提携機関の資料展示を通じて、レジデンス事業を紹介しました。

The OPEN STUDIO program is held over a 3-day
period in the last month of residency by creatorsfrom around the world engaged in creative activities
at TOKAS Residency. In the OPEN STUDIO period, the results of their activities are exhibited, andtheir creation processes introduced to the public.
The residing creators themselves give talks about
their works and occasionally performances, and
TOKAS staff give gallery tours for visitors explaining
in Japanese the contents of the creator activities andthe points of interest in the works on display. There
are also tours of the residence facilities and introductions of the residency programs, including displaysof information about our partner institutions
involved in the Exchange Residency Program.
091

Sera Yu Wen CHEN

Kim WALDRONFrances Adair MCKENZIE

Sofia DURRIEU

Adam LEWIS JACOB

アヌリース・ヴァン・パレイス

Myriagon (Ki NURMENNIEMI & Tuomas A. LAITINEN)

Parsa KAMEHKHOSHMinh Duc PHAM

Sarah WESTPHAL

Begüm ERCIYASCHAO Jiaxing

James SCHOFIELD*

Grzegorz STEFAŃSKI

Tyler COBURN

LarbitsSisters

Kaspar LUDWIG

Rhine BERNARDINO

Steffen Kloster POULSEN

Txema NOVELO*

Davy VAN GERVEN

Annelies VAN PARYS

アンナ・ベルニス・デロス・レイエス
Anna Bernice DELOS REYES

関連イベント：3.17&3.19「滞在クリエーターによるパフォーマンス」、3.18&3.19「滞出演：タイラー・コバーン、長沼 航（コラボレーター）

関連イベント：7.16&7.17「滞在クリエーターによるトーク」

関連イベント：11.12&11.13「滞在クリエーターによるトーク」

在クリエーターによるトーク」 3.18＆3.19「ギャラリーツアー」

Events: 7.16&7.17 “Talks by Residing Creators”
7.16&7.17 “Gallery Tour”

Events: 11.12&11.13 “Talks by Residing Creators”
11.12&11.13 “Gallery Tour”

Events: 3.17&3.19 “Performances by Residing Creator,”
Performer: Tyler COBURN and NAGANUMA Wataru (Collaborator),
3.18&3.19 “Talks by Residing Creators”, 3.18&3.19 “Gallery Tour”

7.16&7.17「ギャラリーツアー」

OPEN STUDIO 2022–2023

11.12&11.13「ギャラリーツアー」

092

キュレーター招聘プログラム・パイロット事業
Curator Residency Pilot Program

2022.10.4&10.12

2023年度から開始する「キュレーター招聘プ
ログラム」の本格実施に向けて、キュレーター
のジェームズ・スコフィールドが、TOKAS 事、
業参加クリエーターの楊いくみ（OPEN SITE６）
冨樫達彦（TOKAS-Emerging 2022）へのポー
トフォリオ・レビューを実施し、作品や制作について議論をしながら交流を深めました。また、スコフィールドによるイギリスのアートシーンに関するミニ・レクチャーを開催し、東京でのリサー
チ内容を交えながら、現地のアート事情について共有しました。

In preparation for the Curator Residency
Program that will commence from 2023,
curator James Schofield conducted portfolio
reviews of TOKAS program participants Yang
Ikumi (OPEN SITE 6), and Togashi Tatsuhiko(TOKAS-Emerging 2022) and got to know
them better through discussions with them
about their works and creative activities.
Schofield also conducted a mini-lecture about
the British art scene, and by including his
own experiences of doing research in Tokyo,
he shared views on the local art situation.

会場：TOKASレジデンシー 参加キュレーター：ジェームズ・スコフィールド ポートフォリオ・レビュー参加者：楊 いくみ、冨樫達彦
Venue: TOKAS Residency Participating Curator: James SCHOFIELD Participants of Portfolio Review: YANG Ikumi, TOGASHI Tatsuhiko093

Curator Residency Pilot Program094

黒田大スケ

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス2022 成果発表展

TOKAS Creator-in-Residence 2022 Exhibition

水路から柔い空へ

KURODA Daisuke

日本の彫刻史のあり方について長年研究を続けている黒田は、戦後のマッカー

From a Dusky Canal to the Pale Blue Sky

サー銅像建造計画に着目。本展では、犬や猫、馬などの動物に成り代わった当時の著名な彫刻家達を黒田が1人で演じ分け、一人語りや、架空のオンライン・ミー

参加作家 Artists

ティングを行う映像インスタレーションを発表しました。スクリーンの裏側には誰かの

黒田大スケ KURODA Daisuke
前谷 開 MAETANI Kai
ルーベン・デルス Rubén DʼHERS
上村洋一 KAMIMURA Yoichi
会期

スタジオが再現され、彼がコロナ禍の東京でひっそりと過ごしたレジデンスの気配を再現しました。

Date

2022.7.9–8.14
滞在制作やオンライン・レジデンスの成果を発表
コロナ禍の新しい生活様式が日常となった2021年は、過去1年以上にわたり中止していた TOKASレジデンス・プログラ

Kuroda, who has been researching theunique history of sculpture in Japanfor many years, focused on a postwar
plan to create a statue of US General
Douglas MacArthur. For this exhibition,
Kuroda created a video installation inwhich he solely acted out the roles offamous sculptors of the time, who were
portrayed as animals, including a dog,a cat, and a horse while also presenting
soliloquies, as well as a fictitious online
meeting. A studio of some artist is recreated behind the projection screen, which
is an evocation of the time Kuroda spent
in relative seclusion during his residency
in Tokyo during the pandemic.

ムを徐々に再開しました。本展は、2021年度に TOKASレジデンシーやヘルシンキで滞在制作したアーティストとベルリンからオンライン・レジデンスに参加したアーティストの計4名の成果発表として実施しました。
戦後整備された首都高速と人工河川に隣接する TOKASレジデンシーでの滞在やリサーチと、自然と調和しながら細やかな暮らしが営まれている北欧の空気感がそれぞれの作品から醸し出され、それらが展示室を移動するにつれ体感できるよう構成しました。

PROFILE:

1982年京都府生まれ。関西を拠点に活動。2013
年広島市立大学大学院博士後期課程修了。主な展覧会に「文化村クリエイション vol.1 黒田大

Presentation of the results of work in residency and online residency

スケ『湖 底 から帆』」
（なら歴 史 芸 術 文 化 村、In 2021, a year in which lifestyle changes accommodating the COVID-19 pandemic became the norm, the TOKAS
Residency Programs were gradually resumed, which had previously been suspended for more than a year. The 2022
Exhibition presented the results of work by a total of four artists: including those who worked in residency at TOKAS
Residency or resided and produced works in Helsinki during the 2021 year, as well as a residency artist who participatedonline from Berlin.
The works on display reflected influences of the locales where they were created, be it the TOKAS Residency, locatedadjacent to the Metropolitan Expressway constructed in post-war Japan and an artificial river, or the detail-oriented
Scandinavian lifestyle and its harmonization with nature, and the exhibition spaces were arranged to enable visitors toexperience these nuances as they moved from one work to the next.

、「国際芸術祭『あいち2022 」（青東京、2022）2023）、「DOMANI・明日展」（国立新美術館、

木旧製陶所、常滑）など。

Born in Kyoto in 1982. Lives and works in Kansai(western Japan). Earned his PhD from Hiroshima
City University of Arts in 2013. Recent exhibitions: “Sail from the lake bottom,” Nara Prefecture
Historical and Artistic Culture Complex, 2023,“DOMANI: The Arts of Tomorrow,” The National Art Center, Tokyo, 2022, “Aichi Triennale
2022,” Aoki-Seitoujyo, Tokoname.

会場：TOKAS 本郷

関連イベント：7.9「アーティスト・トーク」出演：黒田大スケ、上村洋一 7.23「アーティスト・トーク」出演：前谷 開、ルーベン・デルス

Venue: TOKAS Hongo
Events: 7.9 “Artist Talk” KURODA Daisuke, KAMIMURA Yoichi 7.23 “Artist Talk” MAETANI Kai, Rubén DʼHERS

095

From a Dusky Canal to the Pale Blue Sky

2021年度国内クリエーター制作交流プログラム参加
Participated in Local Creator Residency Program 2021

096

前谷 開

ルーベン・デルス

MAETANI Kai

自身の存在と場所の関係に関心を持つ

サウンド・アーティストのデルスは、オンラ

前谷は、カメラをとおして記録される被イン・レジデンスで、冷蔵庫やエアコンと写体としての風景に対して、自分自身もいった家電製品、日用品などが発するわ

風景から見られている可能性について想

ずかな稼働音に着目し、それらを増幅さ像してみる、というコンセプトのもと、身せたり、視覚的に意識させたりするデバイ

体と風景を被写体として撮影しています。

スを制作。それらの音が止む瞬間の無本展では、前谷が2022年まで拠点として音の空間と、脳内で補完される音へのアいた琵琶湖周辺の風景を、身体に投影

プローチを試みました。本展では、デバ

し重ね合わせる映像作品と写真作品をイス制作と並行して、初めて挑戦した絵発表しました。

画作品も組み合わせたサウンド・インス

Rubén DʼHERS

タレーションを発表しました。

Maetani is an artist interested in therelationship between his own existence
and places. Based on the concept ofimagining the possibility that he himself
is being seen by the scenery around him,
he photographs both his own body andthe scenery recorded by the camera as
subjects. In this exhibition, Maetanipresented video and photographic works
that project and superimpose on his
body images of the scenery around Lake
Biwa, where he was based until 2022.

During his online residency, sound artist
DʼHers, focused on the faint operating
sounds emitted by home appliances suchas refrigerators and air conditioners, aswell as other such daily necessities, while
also employing devices to amplify theirsounds and make them visually apparent.
He also attempted to address the silent
space at the moment when these sounds
stop, and the sounds that our brains
unconsciously supplemented in theirabsence. In this exhibition, in parallelwith the creation of these devices, healso presented for the first time a soundinstallation that included paintings.

PROFILE:PROFILE:1988年愛媛県生まれ。神奈川県を拠点に活動。
2013年京都造形芸術大学大学院芸術研究科表（FINCH
現専攻修了。主な展覧会に「Scape」
ARTS、京都、2022）、「山中 suplex『血の塩／Salt of the Blood』」（LEESAYA、東京、2021）、「類比の鏡／ The Analogical Mirrors」（山中suplex、滋賀、2020）など。

1980 年カラカス生まれ。ベルリンを拠点に活動。
2016 年ベルリン 芸 術 大 学 大 学 院 修 了（Sound
Studies）。主な展覧会に「A Garden of Forking
Paths – Finale 4（MaerzMusik）」（SAVVY Contemporary、ベルリン、2022）、「Plural Domains」（Harn Museum of Art、ゲインズビル、アメリカ、
2021）など。

Born in Ehime in 1988. Lives and works in
Kanagawa. Graduated with an MFA from Kyoto
University of Art and Design in 2013. Recent
exhibitions: “Scape,” FINCH ARTS, Kyoto, 2022,“Yamanaka Suplex ʻSalt of the Bloodʼ,” LEESAYA,Tokyo, 2021, “The Analogical Mirrors,” Yamanaka
Suplex, Shiga, 2020.

Born in Caracas in 1980. Lives and works in
Berlin. Graduated with an MA in Sound Studies
from University of the Arts Berlin in 2016. Recent
exhibitions: “A Garden of Forking Paths – Finale
4 (MaerzMusik),” SAVVY Contemporary, Berlin,
2022, “Plural Domains,” Harn Museum of Art,
Gainesville, United States, 2021.

2021年度二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉参加 ＊オンライン・レジデンス

提携機関：ベルリン市（ドイツ）

2021年度リサーチ・レジデンス・プログラム参加

Participated in Berlin-Tokyo Exchange Residency Program 2021 *Online Residency
Partner Institution: The City of Berlin (Germany)

Paricipated in Research Residency Program 2021

097

From a Dusky Canal to the Pale Blue Sky

098

上村洋一

KAMIMURA Yoichi

新しい環境観を探究し、調査する上村は、
フィンランドの太古氷河の痕跡岩盤や群島、そこでの暮らしから、オホーツク海を漂流する流氷を連想し、北極圏の凍結した川の音や教会で演奏した音楽など、
フィールド・レコーディングで採取した音を軸に、荘厳なサウンド・インスタレーションを発表。一画にはドローイングやライト
ワーク、植物、石なども配され、フィンラ
ンドの空をイメージした淡いピンクの光の中へと鑑賞者を誘いました。

Kamimura is an artist who investigates awide range of sites in search of new viewsof the environment. In this exhibition,
he presented a majestic sound installation
based on sounds collected from fieldrecordings of frozen rivers in the Arctic
Circle as well as the sounds and music
played in churches, etc. The research
he did on traces of bedrock in ancientglaciers in Finland and living in its
archipelagos, had connected to memories
of ice floes in the Sea of Okhotsk. Also,
drawings, light works, plants, stones etc.,
were displayed, inviting the viewer intoa pale pink light inspired by the Finnish
sky.

PROFILE:

1982 年 千 葉 県 生まれ。千 葉 県を拠 点に活 動。
2010 年東京藝術大学大学院美術研究科修了。
主な活動に「Ambient November」（Space
Odyssey、レイキ ャビ ク、2022）、「LA RADIO
DU VIVANT」（フランス国立自然史博物館・、「From Seeing to Acting」
パリ植 物 園、2022）（Looiersgracht 60、アムステルダム、2021）など。
Born in Chiba in 1982. Lives and works in Chiba.
Graduated with an MFA from Tokyo Universityof the Arts in 2010. Recent activities: “Ambient
November,” Space Odyssey, Reykjavik, 2022,“LA RADIO DU VIVANT, ” Jardin des Plantes,
National Museum of Natural History, Paris,
2022, “From Seeing to Acting,” Looiersgracht 60,
Amsterdam, 2021.

2021年度二国間交流事業プログラム〈ヘルシンキ〉参加

関連イベント：6.21「アーティスト・トーク」会場：フィンランドセンター、フィンランド文化財団（フィンランド、ヘルシンキ）
提携機関：HIAP［ヘルシンキ・インターナショナル・アーティスト・プログラム］

Participated in Tokyo-Helsinki Exchange Residency Program 2021
Event: 6.21 “Artist Talk” Venue: Finnish Institute in Japan
Partner Institutions: HIAP [Helsinki International Artist Programme] , Finnish Cultural Foundation (Helsinki, Finland)

099

From a Dusky Canal to the Pale Blue Sky

100

TOKAS ANNUAL REPORT 2022: PART 3

実験的な創造活動
Experimental Creation
TOKAS Project Vol. 5

ひもとく

Himotoku: The Opening Blossoms of an Unraveling World

OPEN SITE 7

PART 3 では、海外のクリエーターや文化機関と協働する「TOKAS Project」で実施した日本と台。そして、ジャンルを問わず、実験的な企画を発表す
湾の5名のアーティストによる展覧会「ひもとく」
るプログラム「OPEN SITE」を紹介します。

PART 3 introduces an exhibition of works by five artists from Japan and Taiwan titled Himotoku:
The Opening Blossoms of an Unraveling World organized in collaboration with overseas artists or
arts/culture organizations under the TOKAS Project, and the OPEN SITE program that seeks topresent experimental projects regardless of genre.
101

102

日本と台湾、その歴史や環境をそれぞれに紐解く

TOKAS Project Vol. 5

ひもとく

Himotoku:
The Opening Blossoms ofan Unraveling World「TOKAS Project」は、国際的な交流を促進し、ました。普遍的であるがゆえに見過ごされてしまう

多文化的な視点を通じて、アートや社会など、さまような現実のあり方を、アーティスト達は意識的にざまなテーマについて思考するプロジェクトです。

拾い出し、それぞれの手法で表現しました。

2022年度は、TOKASと台北国際芸術村（TAV）

会期中には、アーティスト・トークに加え、日本との提携15周年を記念し、日台5名のアーティスト

統治下の台湾で生まれ、現地で生活をしていた日による展覧会を開催しました。

本人「湾生」をテーマとしたトーク・イベントを行

彼らは、それぞれレジデンスに滞在した時期も、いました。

取り組むテーマも異なります。しかし、さまざまな関

また、本展に先駆け開催された TAV での記念展

わり方をしてきた日本と台湾の歴史が、社会に浸「信使」では、これまでレジデンス・プログラムに透し、人々の生活に無意識に受容されていることや、 参加したアーティストの両都市での思い出で彩られ個々を取り巻く環境の中で生じる一時的な分断やた手紙による展示「レター・プロジェクト」が企画

境界などをすべて包括した現在の有り様が、未来されました。今回、TAV の協力のもと、本展でもを形成していくことを各々の視点から敏感に察知しそれらを再構成して紹介しました。

Unraveling the history of Japan and Taiwan, and the respective environments

参加作家 Artists

チェン・イーシュアン（陳以軒） CHEN I-Hsuen（陳郁文） Sera Yu Wen CHEN
チェン・ユウェン（セラ）橋本 仁 HASHIMOTO Jin
ルー・チーユン（盧之筠） LU Chih-Yun
シュウ・ウハン（周武翰） CHOU Wuhan
会期

Date

The TOKAS Project is dedicated to promotinginternational exchange and strives to encouragethought about various themes such as art andsociety from a multicultural perspective. In fiscal
2022, to commemorate the 15th anniversary of
the partnership between TOKAS and the Taipei
Artist Village (TAV), an exhibition was held withfive artists from Japan and Taiwan participating.
The artists each had their residencies at different times, and they worked on different themes.
However, there was clear awareness of a sense thatthe history of Japan and Taiwan and the various
ways the two countries have been involved witheach other has permeated society and unconsciously become absorbed into the peopleʼs lives,
and that the current state, which encompasses all
the temporary divisions and boundaries that arisein the surrounding environment as seen from theperspective of each individual, will in some way
shape the future. These artists consciously picked
up on realities that are often overlooked becauseof their universal nature, and then give expression
to their perceptions using their own methods.
During the exhibition, in addition to talks by
the artists, there was a talk event held on thetheme of Wansei, Japanese who were born in
Taiwan during the period of Japan rule and lived
there when they were young.
Also, a commemorative exhibition titled“Messengers” was held at TAV prior to this exhibition, and as part of it “The Letter Project” wasconducted, in which artists who have participatedin the residency program wrote letters telling of
their memories of both cities. This time, with thecooperation of TAV, we reconstructed and introduced the project in this exhibition.

2022.8.27–10.10
会場：TOKAS 本郷

関連イベント：8.28「アーティスト・トーク」

協力：台北国際芸術村

後援：台北駐日経済文化代表処

Venue: TOKAS Hongo
Event: 8.28 “Artist Talk”
Cooperation: Taipei Artist Village
Support: Taipei Economic and Cultural Representative Office in Japan103

詳しくは本展カタログをウェブサイトよりご覧ください。

For further details, see the exhibition catalog on the TOKAS website.

Himotoku: The Opening Blossoms of an Unraveling World104

ルー・チーユン（盧之筠）チェン・イーシュアン（陳以軒）

LU Chih-Yun

CHEN I-Hsuen《ソフト・クォランティーン》2020 Soft Quarantine, 2020

PROFILE:PROFILE:

1984年日本生まれ。東京都を拠点に活動。2018年東京藝術大学大学院美術研究科博士課程修了。主な展覧会に「ルー・チーユン個展」（ガレリア・グラフィカ bis、東京、2019）など。

Born in Japan in 1984. Lives and works in Tokyo. Earned her PhD
from Tokyo University of the Arts in 2018. Recent exhibition:“LU Chih-Yun,” Galleria Grafica Bis, Tokyo, 2019.

1982年台北生まれ。台北を拠点に活動。2012年プラット・インスティ（鳳甲美術館、
テュート写真専攻修了。主な展覧会に「Commissioned」
台北、2019）、「台北ビエンナーレ」（台北市立美術館、2016）など。

シュウ・ウハン（周武翰）

橋本 仁

CHOU Wuhan

HASHIMOTO Jin

PROFILE:

Born in Taipei in 1982. Lives and works in Taipei. Graduated with an
MFA in Photography from Pratt Institute, New York in 2012. Recent
exhibitions: “Commissioned,” Honggah Museum, Taipei, 2019, “Taipei
Biennial,” Taipei Fine Arts Museum, 2016.

PROFILE:1987年生まれ。台北を拠点に活動。2014年ロンドン・メトロポリタン

大学院建築学科修了。主な展覧会に「古道と太鼓亭」（台北国際芸「場所感」（水谷芸術、台北、2021）など。
術村、2022）、105

Born in 1987. Lives and works in Taipei. Graduated with an MA in
Architecture from London Metropolitan University in 2014. Recent
exhibitions: “The Old Trail and the Drum Pavilion,” Taipei Artist
Village, 2022, “Sense of Site-specific,” Waley Art Gallery, Taipei, 2021.

Himotoku: The Opening Blossoms of an Unraveling World

1984年埼玉県生まれ。埼玉県を拠点に活動。2014年東京藝術大学（阪急 MENʼS
工芸科鍛金研究室修了。主な展覧会に「VIRTUS」

TOKYO tagboat gallery、2021）、「Memory Code」（郭木生文教基
金會、台北、2020）など。

Born in Saitama in 1984. Lives and works in Saitama. Graduated withan MFA in Crafts in Metal Smithing from the Tokyo University of
the Arts in 2014. Recent exhibitions: “VIRTUS,” HANKYU MENʼSTOKYO tagboat gallery, 2021, “Memory Code,” KUO MU SHENG
FOUNDATION, Taipei, 2020.

106チェン・ユウェン（セラ）（陳郁文）
Sera Yu Wen CHEN

トーク・イベント

橋本 仁×シュウ・ウハン
Talk Event

HASHIMOTO Jin × CHOU Wuhan

2022.10.9
台湾滞在中に、ともに日本統治下時代の建築物をリサーチしていたことで偶然出会った橋本仁とシュウ・ウハンが、本展の作品制作の主軸としていた「湾生の歴史」について、台湾のオーラル・ヒストリーを研究している教育学者の所澤潤氏、沖縄と台湾の関係を長年取材しているジャーナリストの松田良孝氏とともに、さまざまな角度から考察を行いました。

For this exhibition, Hashimoto Jin and Chou Wuhan, who met by chance because they both happened to be doing
research on the architecture of a building from the period of Japanese rule of Taiwan while there for their residencies,
prepared works related to the “History of Wansei,” which was the central theme of exhibition. They were joined by
Mr. Shozawa Jun, an education scholar who studies the oral history of Taiwan, and Mr. Matsuda Yoshitaka, a journalist
who has been covering the relationship between Okinawa and Taiwan for many years. This resulted in an exhibition
providing diverse views of the Japan-Taiwan relationship from various perspectives.
《もし私が木と言ったら、それは何色であるべきだとあなたは思う？》2022

会場：TOKAS 本郷 ゲスト：所澤 潤（教育学者）、松田良孝（ジャーナリスト）

If I mention a tree, what color do you think it should be?, 2022

Venue: TOKAS Hongo Guest: SHOZAWA Jun (Pedagogue), MATSUDA Yoshitaka (Journalist)

PROFILE:

1991年花蓮（台湾）生まれ。台北を拠点に活動。2019年シカゴ美術

館附属美術大学修了（美術）。主な展覧会に「Scenery in Mock-up」（関渡美術館、台北、2021）など。

Born in Hualien (Taiwan) in 1991. Lives and works in Taipei. Graduatedwith an MFA from the School of the Art Institute of Chicago in 2019.
Recent exhibition: “Scenery in Mock-up,” Kuandu Museum of Fine Art,
Taipei, 2021.

「信使」―TAV ＆ TOKAS 15周年交流記念展

Messengers:
TAV&TOKAS 15th Anniversary Commemorative
Exhibition

2022.6.25–7.24「レター・プロジェクト」TOKAS 本郷での展示風景“Letter Project,” installation view at TOKAS Hongo

TOKAS での展覧会に先駆け、TAV でも記念展が開催され、日台のアーティストが作品を展示しました。また、同展には、これまで TOKASとTAV のレジデンス・プログラムに参加したアーティスト達が各自の思い出を綴った「レター・プロジェクト」も展示。このプロジェクトは、TAV の協力のもと「ひもとく」展でも再構成して紹介しました。

Prior to the exhibition at TOKAS, a commemorative exhibition was also held at TAV, where Japanese and Taiwaneseartists exhibited their works. The exhibition also featured The Letter Project in which artists who have participated in
TOKAS and TAVʼs residency programs wrote letters about their memories. This project was also reconstructed andintroduced in the Himotoku: The Opening Blossoms of an Unraveling World exhibition with the cooperation of TAV.
会場：台北国際芸術村、百里廳

参加アーティスト：荒川創也÷阿部乳坊、チャン・ヨンタ（張永達）、花崎 草、中島伽耶子＋リ・テマオ（李德茂）

展示コンサルタント：ウー・ダークン（吳達坤）主催：台北国際芸術村

Venue: Barry Room, Taipei Artist Village
Artists: ARAKAWA Soya÷ABE Nyubo, CHANG Yung-Ta, HANASAKI Kaya, NAKASHIMA Kayako + LEE Te-Mao
Exhibition Consultant: WU Dar-Kuen
Organizer: Taipei Artist Village

107

Himotoku: The Opening Blossoms of an Unraveling World108

OPEN SITE 7

これまでにない表現を探究する創造の場
あらゆる表現活動が集まるプラットフォームの構築

試みにより、それまで企画者が思考してきた活動がを目指し、2016年から開始した企画公募プログラム。 より実践的かつ多面的な視点で表現されました。

7回目となる2022年度は、135企画の応募の中から、 また、展示企画においては、企画者によるアーティ

参加作家 Artists

展示部門として菅実花、米澤柊、Excitation of

スト・トークやワークショップなどの自主イベントもNarratives (EoN)、小林椋、ルイーズ・ラウス＆ア実施され、鑑賞者との交流を積極的に行うなど、「こ

KAN Mika

グスティン・スピネットの５企画、パフォーマンス部

れまでにない表現を探究した創造の場」を発信し、

YONEZAWA Shu

門として前田春日美＋豊島彩花、たくみちゃんの2

アーティストと社会との関わりを深める機会となりまし企画、dot 部門としてサトウアヤコ、高松霞の2企た。さらに、2022 年度より支援の一環として、展

Excitation of Narratives (EoN)

画を採 択し、さらに TOKAS 推 奨 企 画として Ad

覧会の記録冊子を製作。これらがアーカイブとしてMornings の展示、志村信裕のワークショップの2活用されることで、「OPEN SITE 7」での実験的企画を加えた合計11企画を実施しました。コロナな試みが企画者の今後の創作活動の領域をさらPart 1菅 実花
米澤 柊

前田春日美＋豊島彩花
サトウアヤコ SATO Ayako

MAEDA Kasumi ＋ TOYOSHIMA Sayaka

Louise Rouse & Agustín Spinetto

Creation spaces for exploring unprecedented forms of expression
With the aim of building a platform to bring
together all kinds of expressive activities, thisopen-call program was launched in 2016.
For the seventh holding of OPEN SITE, in
2022, a total of 135 applications were received,
and from them five projects were selected in
the Exhibition category: those by Kan Mika,
Yonezawa Shu, Excitation of Narratives (EoN),
Kobayashi Muku, and Louise Rouse & Agustín
Spinetto; two projects were selected for the performance category, one by Maeda Kasumi + Toyoshima
Sayaka and another by TAKUMICHAN; andtwo projects were chosen for the dot category,
one each by Sato Ayako and Takamatsu Kasumi.
In addition, two projects were chosen by the
TOKAS recommendation program, including an
exhibition by Ad Mornings and a workshop by
Shimura Nobuhiro, bringing the total to 11 projects. Perhaps reflecting the fact that restrictions
on activities due to the COVID-19 pandemic are

Ad Mornings

たくみちゃん TAKUMICHAN
志村信裕 SHIMURA Nobuhiro
会期に広げ、新たな挑戦の扉を開くきっかけになることを目指しています。

現実世界と仮想空間との狭間を生みだしたりする

Part 2ルイーズ・ラウス＆アグスティン・スピネット
小林 椋 KOBAYASHI Muku
高松 霞 TAKAMATSU Kasumi

禍による行動制限が解かれつつある状況を反映してか、自己と他者との関係性を捉えなおしたり、

DatePart 12022.10.22–11.27
Part 22022.12.10–2023.1.22

being lifted, attempts to look at the relationshipbetween oneself and others from new perspectives,and attempts to create things on the borderline
between the real world and virtual space brought
more practical and multifaceted perspectives tothe activities than those seen by creators until
then. In addition, in the Exhibition category
projects, independent events such as artist talks
and workshops were held by the project participants, and by actively interacting with the viewers,
they continued to disseminate “creation spacesthat explored unprecedented forms of expression”
and deepened the relationship between artists andsociety. In addition, as part of the artist support
efforts from 2022, catalogs documenting the exhibition were created. By utilizing these materials as
an archive of the artists, the experimental creations undertaken in OPEN SITE 7 aim to further
expand the scope of future creative activities of
the artists and open the door to new challenges.

会場：TOKAS 本郷、畠中 実（NTT インターコミュニケーション・センター［ICC］主任学芸員）
審査員：小林晴夫（blanClass ディレクター）
平倉 圭（横浜国立大学 准教授｜芸術学）、近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）

関連イベント：10.22「Part 1 オープニング・トーク」ゲスト：小林晴夫、平倉 圭

12.10「Part 2 オープニング・トーク」ゲスト：畠中 実、近藤由紀

Venue: TOKAS Hongo
Jury members: KOBAYASHI Haruo (Director, blanClass), HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])HIRAKURA Kei (Associate professor, Yokohama National University | Aesthetics), KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)
Events: 10.22 “Part 1 Opening Talk” Guest: KOBAYASHI Haruo, HIRAKURA Kei
12.10 “Part 2 Opening Talk” Guest: HATANAKA Minoru, KONDO Yuki

109

OPEN SITE 7

展示企画の詳細については、各カタログをウェブサイトよりご覧ください。

For further details concerning the exhibitions, see each catalog on the TOKAS website.

110展示部門／ Exhibition

畠中 実

菅 実花

自分のこととして考えるならば、自分自身の姿を見慣れるよ

姿が鏡にうつり込んでいることで、その空間に存在している（あうになったのは、インターネット配信によるところが大きい。

るいはしていないかもしれない）ことが認識される。
「鏡の国」は、

それらは、場合によってはアーカイブされ、ネットで公開されこれまで菅自身が鏡を介した被写体となっていたものを観客続ける。それまでは自分の姿を見ることを嫌悪さえしていた。

に体験させる（本人の人形が登場する作品も一点ある）。そのKAN Mika

鏡の国
Through the Selfie

2022.10.22–11.27

レビュー

NTT インターコミュニケーション・センター［ICC］主任学芸員

もちろん、自分の顔を鏡で毎日見てはいるはずだが、それは、展示空間に入り込むと、薄暗い空間のどこかに、自分の姿

自分自身と鏡像が対面し、自分が自分になるための、どこが意識される。
《非反転劇場鏡》では、通常、鏡に映るイメー

か儀式的な時間だったとも言えるかもしれない。

ジは、実際に自分が見られているイメージと異なり、左右が菅実花の展覧会「鏡の国」は、導入の《あなたの知ら

反転しているところを、さらにそれを反転させることで正像とない場所にいる》から「実在しない場所」の中に自分自身対面させられる。それは、どこか鏡の向こうからもうひとりのの姿が現れ、対面させられる。AI によって生成された風景と、自分が現れたかのような錯覚を起こさせる。

その場で撮影されている観客の映像のふたつが、CG のキャ

現在の若者だけではない多くの人々によって行なわれてい

ラクターなどを舞台に合成する透過型スクリーンに重ね合わさる「自撮り」の背景にあるのは、たとえば理想の自分、といっれて投影される仕組みである。展示空間が、タイトルのとおり、たイメージを自身に投影することで、変装、擬装することでも鏡の空間となり、その作品の中に取り込まれたかのような自あるだろう。そんな現代の鏡としての「自撮り」に慣れた現分自身とともに巡る展覧会である。それは、鏡というものが代の人間が、いま一度この空間で自身の姿を撮影するとき、対象を映すことによって認識されるものであることを意識させる。

何が起こるのだろうか。

菅には、自身の分身としての人形とともに撮影されたポー（資
トレートのシリーズがある。
「仮想の嘘か｜かそうのうそか」
生堂ギャラリー）で発表されていたこれらの作品の中でも、鏡を介して菅とその人形がおなじ写真に収まっている。それは、人形か菅本人のどちらかが、たとえばカメラで撮影している

HATANAKA Minoru

PROFILE:1988年神奈川県生まれ。千葉県を拠点に活動。主に19世紀の文化をリファレンスに、人形・写真・光学装置を用いて「人間と非人間の境界」を」（資生堂ギャラリー、東京、2021）、「BankART U35 菅問う。主な展覧会に「第15回 shiseido art egg 菅実花展『仮想の嘘か｜かそうのうそか』（2020）、「野村美術賞」（2020）など。
実花個展」（BankART KAIKO、横浜、2021）など。主な受賞歴に「平山郁夫文化芸術賞」

Born in Kanagawa in 1988. Lives and works in Chiba. Using dolls, photographs, and optical devices, she questions the “boundary between humanand non-human,” mainly with reference to 19th century culture. Recent exhibitions: “The 15th shiseido art egg Mika Kan: Virtual Lie or Virtual Lie,”
Shiseido Gallery, Tokyo, 2021, “BankART U35 Mika Kan Solo Exhibition,” BankART KAIKO, Yokohama, 2021. Recent awards: “Ikuo Hirayama
culture and the art award,” 2020, “Nomura Art Prize,” Nomura Foundation, 2020.
関連イベント：11.12「トーク・イベント」ゲスト：平野啓一郎（小説家）

Event: 11.12 “Talk Event” Guest: HIRANO Keiichiro (Novelist)

111

OPEN SITE 7

REVIEW

Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC]

If I think about it as myself, a large number of the images wehave become accustomed to seeing of ourselves is because of
the spread of Internet distribution. In some cases, things thatare posted on the Internet go on to be archived and become
accessible or broadcast on the Net. Before this, many people
even disliked seeing images of themselves. Of course, I would
normally be looking at my face in the mirror every day, but it
could be said that this is a process of me looking at my own
self in the mirror in a way that I can be myself. And in thatsense, it is a sort of ritualistic time with myself.
In Kan Mikaʼs exhibition “Through the Selfie” from theintroductory You are in a place that you donʼt know, you aremade to come face to face with yourself in a “non-existentplace.” In this system, two images, namely a landscape
generated by AI and the exhibition viewer being filmed on
the spot, are superimposed and projected on a transparent
screen for compositing characters generated by computer
graphics, in order to create an image on the exhibition stage.
As the title suggests, the exhibition space becomes a mirror
space, in which you appear as if in a portrait or work of art
that moves with you as you go around the exhibition. This
makes us aware that a mirror is something that is defined by
the fact that it reflects an object.
Kan has a series of portraits taken with dolls as her alterego. Some of these works, which were presented in the
exhibition “Imaginary Lie” (Shiseido Gallery) show Kan andher doll in the same photograph in a mirror. We recognize
from these works that either the doll or Kan herself, for exam-

ple, is present (or may not be) in the space when the figure
being photographed by the camera is reflected in the mirror.
In “Through the Selfie” the audience is able to experience
how Kan herself has been the subject of her photographs
taken through mirrors (there is also one work in which her
own puppets appear). When you enter the exhibition space,you will be aware of your own figure somewhere in the dimly
lit space. In the work Reversal mirror theatre, the image reflectedin the mirror is different from the image you are used toseeing, because usually a mirror image is reversed left forright, but by reversing the mirror image once again, you are
confronted with the correct (un-reversed) image of yourself. It
creates the illusion that another you have appeared fromsomewhere behind the mirror.
In the “selfie” images that many young people create
today, they show themselves in a background that is meant toshow perhaps an ideal image of themselves, which can in itself
be seen as an act of disguising or hiding themselves. But what
will happen when modern people like these who are accustomed to taking “selfies” as a form of modern mirror, would
instead take pictures of themselves in a space like thisexhibition space?

112

展示部門／ Exhibition

小林晴夫

米澤 柊

米澤柊はアニメーターとして、商業アニメの制作と並行して、

レビュー

blanClass ディレクター
の独創性。米澤はそこに無限の可能性を見出す。

自身の作品制作やメディアを横断する活動もしており、キャラ

特に米澤が注目するのが「オバケ」の存在。「オバケ」は

YONEZAWA Shu

クターアニメ制作のプロセスも含め、そこに広がる風景を内側「中割り」にある、キャラクターの肉体やその一部を極端にから眺めつつ、同時に俯瞰しながら思考を膨らませてきたアー

変形、ときに肉体から離れて、キャラクターに躍動感を与え名無しの肢体ティスト。

る技法のこと。米澤は、「オバケ」達のその溶けたような歪米澤が考えるのは、「魂」とその容れ物について。例えば肉体に「魂」が宿って人になるとすれば、同じことが、デジ

no nameタルで描き起こされた肉体にも起こっていて、「アニマ」が宿ったその肉体は人と同じように生きているという。

2022.10.22–11.27

生きものの「魂」は、肉体が滅びれば消えてしまうのか、

神的身体性と感情について、またそれらアニメーションが生きる空間の空気を制作している。主な展覧会に「惑星ザムザ」（小高製本工業株式会社「エマージェンシーズ！」（NTT インターコミュニケーション・センター［ICC］、東京、2022）など。主な受賞歴に「第27回学跡地、東京、2022）、

生 CG コンテスト」評価員賞（2021）など。

Born in Tokyo in 1999. Yonezawa is creating works about the physicality of characters in current digital animation and the mental physicality and emotions possessed by creatures in real space, as well as the atmosphere of the space in which these animations live. Recent exhibitions: “Planet SAMSA,”
Komoto Bookbinding industry site, Tokyo, 2022, “emergencies!,” NTT InterCommunication Center [ICC], Tokyo, 2022. Recent award: “Student CG
Contest,” Campus Genius Award BRONZE, 2021.
関連イベント：11.13「トーク・イベント」ゲスト：黒嵜 想（批評家）

Event: 11.13 “Talk Event” Guest: KUROSAKI So (Critic)

113

OPEN SITE 7

展覧会では、2つのスクリーンに「オバケ」と同質に描きわけられたクリーチャーが、生命を帯びて投影されている。
その間にはさらなる「中割り」が暗示され、乱反射して飛び交う光の粒子や、電波、塵、細菌、ウイルス、行き場を失ておき、さまざまな文化―絵画や彫刻、文字、石や滝な

い吹き溜まるエネルギー、画面から零れ落ちてくる「アニマ」

んかの中―に「魂」らしきものを重ね合わせては、ハッとや本物の「魂」など、虚実がない交ぜになって、「顔のなしたり、ゾッとしたりしてきた。

い誰か」どころか宇宙ぐらい無限の可能性が漂う。

西洋では、本物そっくりの描写や超越した表現の中に「魂」

米澤が「中割り」を適用するのは、「オバケ」や、キャラらしきものを定着させようと、また東洋や日本の文化では、「型」

クターの動きだけではない。アニメをアニメたらしめる、線やの文化に代表されるような仕掛けを駆使して、受け手の頭の背景や言葉や声や音楽や音や、バラバラの配置だけで成り立つ、全ての要素が再立ち上げを待っている。そればかりか、日本のキャラクターアニメはこの「型」の文化のひとつのアニメ空間から飛び出し、現実を成り立たせている、実はこ

到達点。リミテッドアニメを多用することで、フルアニメによるちらもただ配置されているだけで繋がっていない、全ての要

写実方向の表現から逸脱した文法や質感を獲得してきた。

素（私達も含めた）を、同じように「中割り」して、改めて静特徴的なのが、キャラクターの特異点同士を繋ぐ「中割り」

動させようとしているのかもしれない。

KOBAYASHI Haruo

1999年東京都生まれ。アーティスト、アニメーター。現在のデジタルアニメーションにおけるキャラクターの身体性と現実空間の生き物が持っている精と考えている。

肉体から抜け出して空気中を漂っているのか、その真偽はさ

中に「魂」らしきものを立ち上げてきたのだろう。

PROFILE:な形や独特な肌質の中にも、本体とは別個の「魂」が宿る

REVIEW

Director, blanClass

Yonezawa Shu is an artist who, in addition to her work oncommercial animated productions also creates her own
animated works and participates in multimedia activities, andto all these activities she brings a broad vision not only of
character anime creation but also the inner vision of thescenery that expands out from it.
Yonezawa thinks about the “soul” and its vessel. For
example, if a “soul” dwells in the body and thus becomes aperson, the same thing is happening to the digitally drawn
body, and the body in which the “anima” dwells is alive inthe same way as a person.
Regardless of whether the “soul” of a living thing
disappears when the body dies, or whether it escapes the bodyand continues to float in the air, the superposition of what
appears to be a “soul” on various manifestations of culture̶paintings, sculptures, letters, stones, waterfalls, etc.̶ theresult can be shocking or horrifying.
In Western culture, there is a tradition of trying toestablish something like a “soul” in lifelike depictions or intranscendent forms of expression, while in Eastern cultures
and Japan, full use has been made of devices typified by theculture of “kata” (forms/patterns) to create something like a“soul” in the viewer or recipientʼs mind.
Japanʼs character anime art is one of the furthest
developed extensions of this “kata” culture. By making
extensive use of “limited animation,” Yonezawa has acquired
vocabulary and texture that deviates from the realistic
direction of expression in full anime. A distinctive feature is
the originality of the “in-between” character shapes (nakawari)that connect the singular images of the characters. Yonezawa
finds virtually infinite possibilities there.
Yonezawa focuses particularly on the existence of obake(ghosts). “Obake” is a technique of nakawari “in-between”
character shapes that extremely deforms the characterʼs bodyor part of it, sometimes even departing from the body to givethe character an added sense of dynamism. Yonezawa believes
that even in these distorted, seemingly melted shapes and theunique skin quality of the “obake,” there is a “soul” separate
from that of the main body.
In the exhibition, creatures depicted in the same way as“obake” are projected on two screens in a life-filled appearance.
In between, further “nakawari” shapes are implied, along withparticles of light flying around in diffuse reflections, or likeradio waves, dust, bacteria, viruses, or energy that has
nowhere to go and thus accumulates, “anima” falling from thescreen, real “souls” and so on. The result is an unreal mix of
infinite possibilities expansive as the universe rather thanremaining in the realm of “someone without a face.”
Yonezawaʼs application of “in-between” shapes (nakawari)
is not limited to “obake” and character movements. All the elements that make anime what it is, consisting of lines,
backgrounds, words, voices, music, sounds, in all kinds ofdisparate arrangements, are waiting to be relaunched. Furthermore, they may also be trying to “break out” of the anime
space and make up a separate reality, which is also actuallyjust arranged and not connected. In this way, all of theelements (including yourselves) are turned into nakawari,
perhaps with the intent of becoming stillness again.

114

展示部門／ Exhibition

平倉 圭

Excitation of Narratives (EoN)

玄宇民、伊阪柊、竹内均の三者が、それぞれのスタイルで烈、なのだが、竹内がそれを《Journey of Self-care》とい話法を問題にしている。話法を問題にする、という仕方で、うタイトルのもと、自身の「ケア」の問題と位置づけているこ

それぞれの主観性、あるいは生き方のスタンスを問題にしてとに、この作品の重要な脆弱性とおもしろさがある。竹内の話法の生成 ―Essay Film の立地―
Excitation of Narratives ―Each Location of Essay Film―

いる。エッセイフィルムとは、端的に映像を用いた「主観性」

セルフケアは映画に直接的には映っていない。「私の結論」の生成形式であり、ここで主観性とは何らかの「内面」のという彫刻家の断言で映画は終わるが、断言の強さを前にことを指さず、異質な他者とその環境との出会いをとおしてした竹内の心身の動揺こそが主題であるようだ。

形成される、自己の心身のスタイルである。
伊阪の《Reconnaissance “Tephra”》は最も自己言及的2022.10.22–11.10

レビュー

横浜国立大学 准教授｜芸術学

玄の《JEJU》は進行中の作品。自身のルーツであるが自分では何も知らないという済州島について、四・三事件

な仕方で主観性の諸形態を問題化する。2021年の福徳岡をはじめとする島の凄惨な歴史にフォーカスするより、むしろノ場の爆発的噴火と軽石の漂着、2022年のフンガ・トンガ

ここ5年間の新たな転入／転出者に注目してインタビューする。

＝フンガ・ハアパイの爆発と地球規模の衝撃波、そして先

冒頭で「イメージにはまだ早い」と語られ、そう語ることで、史時代における鬼界カルデラの巨大爆発とその痕跡という３

他者と関わる自身の美学的・倫理的態度が示される。音とつの地質学的出来事をめぐって、「制作主体」「認識主体」

字幕だけで伝えられる新規転入／転出者達の生活をめぐる「表現主体」、その間を移動する「高速主体」という４つの複数の声は、移住者の普遍的孤独を対象化するというより主体の会話が交錯する。人間の認識の外部にある偶然的

むしろ身近に共有させ、しかし同一化することを許さない。

存在を捉える SF 的エッセイのようであり、同時にそれが、作他者との適切な距離を探る玄自身の生き方を強く感じさせる。

品制作の過程における迷いの記述をなし、おもしろい。
竹内は沖縄の彫刻家、金城実の語りを撮る。沖縄戦、チビチリガマにおける集団自決、毒薬を注射したとされる女性と、それを疑い真実を探す弟、極限的出来事を形にする彫刻家と、ガマの破壊……。重いテーマ、そして金城の語り口は強HIRAKURA Kei

PROFILE:伊阪柊、竹内均、玄宇民により2021年に発足したエッセイフィルム研究プロジェクト。東京都を拠点に活動。定期的に研究論文等の読書会を開き、翻訳や鑑賞会を行いながら制作を実践。主な活動に「オープン・スペース 2021 ニュー・フラットランド」アーティスト・トーク「話法の生成−Essay

Film を事例に」（NTT インターコミュニケーション・センター［ICC］、東京、2022）など。

A project on essay film research launched in 2021 by Isaka Shu, Takeuchi Hitoshi, and Hyun Woomin. Based in Tokyo. Recent activity: “Open Space
2021 New Flatland” Artist Talk “The Generation of Storytelling: Essay Film as a Case Study,” NTT InterCommunication Center［ICC］, Tokyo, 2022.
関連イベント：11.5「アーティスト・トーク」出演：伊阪 柊、竹内 均、玄 宇民

Event: 11.5 “Artist Talk” Participants: ISAKA Shu, TAKEUCHI Hitoshi, HYUN Woomin

115

OPEN SITE 7

REVIEW

Associate professor, Yokohama National University | Aesthetics

In their own ways, Hyun Woomin, Isaka Shu, and Takeuchi
Hitoshi are all concerned about their styles of speaking, or
narrative. In the way they make narrative an issue, we see eachartistʼs subjectivity or stance in questioning how one lives.
Essay film can be seen as a means of projecting “subjectivity”
directly through images, but this “subjectivity” doesnʼt mean
an “inner world,” but rather the style of oneʼs mind and bodythat is formed through encounters with people who are
different and their environments.
Isakaʼs Reconnaissance “Tephra” questions the forms ofsubjectivity in the most self-referential way. The conversation
between four subjects, “Visionary,” “Reconnaissance,”“Authority,” and “Celerity” moving between them intersects
around three geological events: the 2021 explosive eruptionof the submarine volcano Fukutoku-Okanoba and the landingof its pumice, the 2022 submarine eruption of Hunga Tonga
Hunga Haʻapai and the resulting global shock waves, and thehuge explosion of the Kikai Caldera in prehistoric times andits remains. It is like a science fiction essay that captures the
chance existence of things beyond human cognition, and at
the same time, it describes the hesitation involved in theprocess of creating the work, which is interesting.
Takeuchi photographs the narrative of Okinawan sculptor
Kinjo Minoru. The sculptor gave shape to extreme events; thecollective suicide in Chibichiri Cave in the Battle of Okinawa,
the woman who allegedly injected poison into people there,
her younger brother who doubted it and searched for thetruth, and the destruction of caves. Despite the weighty

themes and the intensity of Kinjo narratives, but the importance, the fragility and the interest of the work lies in the factthat by giving his work the title Journey of Self-care, Takeuchi
positions them as works involving his own “self-care.”Takeuchiʼs own self-care is not directly reflected in the film.
The film ends with the sculptorʼs assertion of “My conclusion.” But it seems that the actual theme is Takeuchiʼsphysical and mental turmoil in the face of the strength of thisaffirmation.
Hyunʼs JEJU is a work in progress. Rather than focusing
on the terrible aspects of the history of Jeju Island, including
the April 3rd Incident, which involves his personal roots thathe actually knows nothing about, he focuses on interviewing
people who have moved in and out of the island in the past
five years. At the beginning, he says, “Itʼs still too early forshowing images,” and by saying so, he shows his own
aesthetic and ethical attitude toward dealing with them.
However, rather than simply conveying the universal loneliness of migrants, the voices telling of the lives of new
migrants conveyed through sound and subtitles, a feeling ofshared experience is created. However, a distance remains thatmakes it impossible to fully associate with their feelings. Herewe feel Hyunʼs own way of life that seeks an appropriate
distance from others.

116展示部門／ Exhibition

近藤由紀

ルイーズ・ラウス＆アグスティン・スピネット

ルイーズ・ラウスとアグスティン・スピネットによる本展示は、

用語は、2018年頃から異質さを感じさせる日常空間をとら

地方都市に在住する海外移住者の女性達へのインタビューをえた写真にタグ付けされ、2019年頃よりインターネット・ミー

もとに制作された。中長期に渡り母国を離れ生活をしている

ムとして SNS 上で広まった。光や異常事態によって場が変容

Louise Rouse & Agustín Spinetto

レビュー

トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター

1

2

者の今いる場所の感覚を、「狭間の空間」、「物理的な境界している場合もあるが、主としてひと気のなさが日常空間をよSounds from Liminal Towns

線に縛られない第三の場所」と捉え、その抽象的なコミュニ

そよそしく見せている。その相反する性質の同居が現実と非ティをオブジェとサウンドによって空間に立ち上げることを試

現実を往還させる一方で、それらに欠かせない感覚として「ノみた。

スタルジア」が指摘されている。

2022.12.10–2023.1.22

会場には写真製版された版画やそれを身近な生活小物

作家はグローバルネットワークの増加とこの感覚を結び付や住宅資材から作られたオブジェとともに収めた小さな箱がけてもいるが、海外移住者として長く地方都市に居住するイ

34

展示され、それぞれにインタビュー時にレコーディングされた

ンタビュイーの疎外と親和、見えない距離と時間がもたらす、

サウンドスケープが加えられている。作品はインタビューをもと観念的な望郷の念は、ある土地に根を下ろしながらも、境に制作されているが、音と物は必ずしも一致しておらず、方々

界線のない場所を往還している人々の意識を想像させる。
「狭から聞こえる音は空間内で混じりあう。会場中央には畳敷き間の空間」という場の感覚は作家達の経験から導き出されの通路とその先にインタビュー時に撮影された内海／猪苗代ているに違いないが、意図的に選んだという自分達より長く湖の映像、ラウスの故郷で採取した石片のレプリカから成る

日本に在住する人々の経験を織り込むことで、より深層的なインスタレーションが設置された。通路の内で聞こえるインタ

情感を浮かび上がらせている。

ビューの声は断片的で、言葉というよりは音の塊として響いている。ひとつひとつの素材は具体的対象があるにも関わらず、それらは断片的なものの集積として提示されることで、抽象化され、場所や個人に属する感覚は宙づりにされる。
タイトルから「Liminal Spaces」を想起した。移動の途中に一時的に滞在する場と場の間の物理的な空間を指す建築

KONDO Yuki

PROFILE:

日本に長期在住し、それぞれ芸術と音楽を研究しているルイーズ・ラウスとアグスティン・スピネットにより2019年結成。東京都、ブエノスアイレス、ロン（2021）など。
ドンを拠点に活動。主な活動に「We, Women Short Film Festival」

Formed in 2019 by Louise Rouse and Agustín Spinetto, long-term residents of Japan, studying art and music respectively. They are based in Tokyo,
Buenos Aires and London. Recent activity: “We, Women Short Film Festival,” 2021.
関連イベント：12.17 ワークショップ「Memory Jukebox」

Event: 12.17 Workshop “Memory Jukebox”

117

OPEN SITE 7

1. ルイーズ・ラウス「Sounds from Liminal Towns」配布リーフレットより。
｜2. “Liminal Spaces / Images With Elegiac Auras,” know yourmeme, https://knowyourmeme.com/memes/cultures/liminal-spacesimages-with-elegiac-auras（参照2023年1月20日 ) ｜3. 木澤佐登志「【コ、FNMNL 編 集 部、https://fnmnl.
ラム】Liminal Space とは 何 か」
tv/2021/11/16/139203（参照2023年1月20日）｜4. 註１に同じ。

Program Director, Tokyo Arts and SpaceREVIEW

The exhibition, by Louise Rouse and Agustín Spinetto, isbased on interviews with expatriate women living in provincial cities around Japan. The image they propose of the place
where people who have been living away from their home1countries for a medium to long term is an “in between space”
and “a third place that is not bound by physical boundaries,”
and they attempted to create this abstract community inspaces by means of art objects and sound.
In the exhibition venue were displayed small boxes
containing photographic prints and art objects made fromfamiliar household accessories and housing materials, each ofwhich is accompanied with a soundscape recorded during therelated interviews. Although the works are based on theinterviews, the sound and the objects do not always coincide,and the sounds heard from the various exhibits intermingle in
the exhibition space. In the center of the venue, there is atatami walkway that leads to an installation consisting ofvideos of inland sea/ Lake Inawashiro taken during theinterviews and a replica of a stone fragments collected in
Rouseʼs hometown. The voices of the interviews heard in the
walkway are fragmentary, echoing more like a mass of sounds
than words. Although each of the building materials has aconcrete object, they are presented as a collection of fragmentary objects, which makes them abstract, and any sense of
belonging to a particular place or individual is left suspended.
The title reminded me of “Liminal Spaces.” The architectural term that refers to the physical space between places
where people temporarily stay during a move has been taggedwith photos that capture everyday spaces that make people
feel alien since around 2018, and it has spread on SNS as an
2
Internet meme since around 2019. In some cases, the places
are transformed by light and abnormal situations, but mainly
their casualness makes these everyday spaces look aloof. Whilethe coexistence of these contradictory qualities makes themshift back and forth between reality and unreality, “nostalgia”
3
has been cited as an indispensable sensation for them.
The artists also associate this feeling with the growing
4
number of global networks, but the alienation and affinity of
the interviewees who have lived in provincial cities for a longtime, along with the ideological sense of nostalgia brought
about by invisible distance and time, combine to evoke theconsciousness of people who are rooted in a certain land but
travel back and forth to places without boundaries. The senseof a place “in between spaces” must have been based in theexperiences of the artists, by weaving in the experiences ofpeople who have deliberately made choices to live in Japan
longer than themselves, a deeper emotion emerges.

1. Louise Rouse, “Sounds from Liminal Towns” from flyer of thisexhibition.｜2. “Liminal Spaces / Images With Elegiac Auras,” know
your meme, https://knowyourmeme.com/memes/cultures/liminalspaces-images-with-elegiac- auras (reference January 20, 2023)｜3. Kizawa Satoshi, “[Column] What is Liminal Space?,” FNMNL
editorial department, https://fnmnl.tv/2021/11/16/139203 (reference
January 20, 2023)｜4. Same as note 1.

118

展示部門／ Exhibition

畠中 実

小林 椋

小林椋の制作する不思議な装置の数々は、たとえばキネティッ

文学作品をモチーフに、「あるものの動きが、別の具体的

ク・スカルプチャーと言っても差し支えないものではあるが、なものの動きに例えられて描写」された一文をとりあげ、そそれらが具体的な何かを表しているといったものではない。

れをまずビデオで撮影する。その映像を、ロトスコープの手

KOBAYASHI Muku

亀はニェフスのイゥユのように前足を石にのばすとWhen the tortoise stretches its front paws to the stone, as in Euyu of Nefus…

2022.12.10–2023.1.22

レビュー

NTT インターコミュニケーション・センター［ICC］主任学芸員

何かのように見えることがあるにせよ、それは明示されてはい法でトレースし、それが線画によるアニメーションのようにディ

ないし、タイトルにしても作品そのものとの対応関係がみとめスプレイに表示される。文章から実写の映像へ、そしてそれられる、という程度でさらに謎を深めるようなことも少なくない。

をトレースすることで抽象化する。画面の中の対象は、背景

それらは、何らかの有用性に奉仕するような、主たる目的を省略したり、細部を簡略化したり、実写と切り替わりながら、らしきものを持っていないように見える。強いて言えば、それ動きが抽出される。それを、いつもの小林の装置でトレース自体の挙動そのものが目的化された、それだけの目的しかしてみる。その一連のプロセスが作品としてインスタレーショ

持っていない無用の装置とも言える。それが何かの機能にン化されている。そうやって、あらためて今回の小林の作品

限定されたものではなく、何の機能も持たないように思えるを眺めてみると、とても映像的にも見えてくる。しかし、そこことによって、何かいろいろなものに見えてくる。そして、次にはひとつの対象物としての作品が、鑑賞者それぞれのイメー

は何か起こるのか、とついじっと見入ってしまうような、愛着ジに解読されていく暗号のようなものでもあることが示されてさえ感じさせる。それは無用であるがゆえの、解釈可能性にいるようでもある。このインスタレーションの各要素の対応関開かれた作品だと言えるだろう。

係が、もっと混乱してしまっていたらどうか、などとも考えさせ

今回の展覧会で小林は、言葉とイメージの対応関係が明られた。

確でないこと、錯綜してしまうこと、その両者を翻訳することの不完全さという、これまでの自身の作品において、ある意
味では魅力のひとつである要素をテーマにしている。もちろん、小林はそれゆえの表現の可能性を試行しており、それによって、これまでの小林にはなかった方法による展示がなされている。

HATANAKA Minoru

PROFILE:

1992年生まれ。2019年京都市立芸術大学大学院美術研究科彫刻専攻修了。ある事物や歴史的な出来事に対して物理的な装置やオブジェを介入させることで生まれる飛躍や、不和や違和感を観察しながら、別様な姿を思弁するための作品を制作。主な展覧会に「BankART Under35 2022」、「州ん」（gallery N、愛知、2020）など。主な受賞歴に「第24回文化庁メディア芸術祭」アート部門審査委員会推薦（BankART KAIKO、横浜）
作品（2021）など。

Born in 1992. Kobayashi produces works in which he observes the leaps, discord, and discomfort that arise by intervening with a physical apparatus orobject rather than an actual object or historical event while speculating on different forms. Recent exhibitions: “BankART Under35 2022,” BankART
KAIKO, Yokohama, “Shoal N,” gallery N, Aichi, 2020. Recent award: “24th JAPAN MEDIA ARTS FESTIVAL,” Jury Selections at Art Division, 2021.
関連イベント：1.7「トーク・イベント」ゲスト：樋口恭介（SF 作家）

Event: 1.7 “Talk Event” Guest: HIGUCHI Kyosuke (Science Fiction Writer)

119

OPEN SITE 7

REVIEW

Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC]

The numerous strange devices that Kobayashi Muku createscan perhaps be called kinetic sculptures, but they do not
represent anything concrete. Even if they look like something,what it represents isnʼt explicitly stated. And even in the title,
it is not uncommon for it to only deepen the mystery as tothe correspondence with the work itself.
They do not appear to have what could be considered a
primary purpose that can be considered practical. To put it
simply, it can perhaps be said that they are useless devices
whose demeanor itself is purposed, and which has only that
purpose. They are not limited to some function, and the factthat they do not seem to have any function makes them takeon the appearance of a variety of different things. And, as you
stare at them you may begin wondering if something will
happen next, with the result they may even make you feel
attached to them. It can perhaps be said that the very factthat they are useless opens up possibilities of interpretation.
For this exhibition, Kobayashi focuses on the lack ofclarity in correspondence between words and images, and how
the resulting confusion and the imperfection in translationsof the two are, in a sense, one of the appeals of his works
until now. Of course, Kobayashi is experimenting with thepossibilities of expression for this purpose, which allows theexhibition to take a form that has never been seen from
Kobayashi before.
Using works of literature as motifs, a sentence in which
the movement of one thing is depicted by comparing it to the
movement of another concrete thing is taken and then filmed

on video. The image is traced using the rotoscoping method,and it is shown on the display like an animation done by line
drawings. A transfer is made from text to live-action footage,
and then made abstract and by tracing it. The subject in thescreen is extracted while abbreviating the background,simplifying the details, and switching to live action, thus
extracting the motion. Then an attempt is made trace it witha usual Kobayashi device. This series of processes is shown asa work in the form of an installation. When we look at
Kobayashiʼs work again in this way, its appearance looks like avideo work. However, it also seems to show that the work as
an object is also like a cipher that is deciphered by eachindividual viewerʼs image. It also made me wonder what
would happen if the correspondence between the elements ofthis installation were to become more confusing.

120

パフォーマンス部門／ Performance

小林晴夫

前田春日美＋豊島彩花

前田春日美は、長年、自身の身体に実感を得られず、不MAEDA Kasumi + TOYOSHIMA Sayaka

やわらかい杖を置く 平たい目で登る
Put a soft cane Climb with flat eyes

2022.11.18–11.20

レビュー

blanClass ディレクター

私が特に気になったのは、前田と豊島互いの身体が同じ自由だと感じていたが、布、ガラス、スチールなど、異質な身体として現れていないというところ。豊島は、あくまでもダ

肌理に肌が触れることで起こる痒みなどの感覚に、はじめてンサーなのに対して、前田は、ロープを持ってコントロールす実感らしきものを取り戻したという。それは彼女と彼女の身る係にも、工業製品みたいな装置のようにも見えて、実は、体との結びつきに希薄さを感じていたということだろうか？ 身

ものと身体の接点を監視する美術家の物腰でそこにいるよう体への「不自由さ」という思いと、接点に浮かび上がる実なのだ。そのことが、作品の役割以上に身体に刻まれた社

感が、ことの始まりになって、同じことをダンサーがしたらど会的な差異に見えて面白い。

うなるか、什器に身体を沿わせるという映像作品を思いつき、

もうひとつの見所は中心に置かれた透明なアクリルの箱、「平

豊島彩花に出演を頼んだそうだ。修練した身体を持ったダらな目」にある。なかにはカメラが収められ、撮影された動

ンサーは、輪郭と中身が一致していると考えたのかもしれない。

画が、壁にかけられたモニターに中継されている。この装置

豊島は生け花をする自身の身体にフォーカスしたダンスパ

は、その上で展開される彼女達の身体で組み合わされた形を、

フォーマンス『花を建てる』で、ものと身体との対称関係をアー空間に固定するための台座であり、アクリル板越しに下からキテクチャラルな作法になぞらえるような試みをしており、今回真空パックでもするかのように、平らなものに変換してしまう。

も単なる出演者にとどまらず、作品を共同で制作していた。

本人達は2人の内側にあるパーソナルなものから「観客の視「柔らかい杖」はパフォーマンスで使われているロープと同線を散らすため」に置いたというが、この装置が実現してい時に、前田と豊島それぞれの身体とそのパーツを示唆している。

るのは、2人の身体に注がれる以上に入り組んだ、多層なロープはそれ自体「自由」でも「不自由」でもあり、人身体の意味と、ものとの接点にある関係性の２つのバリエー

体に沿うような柔軟さを見せる一方、形が定まりにくく、思っションを広げ、空間というよりは、観客の眼差しのなかに「置たようには配置されてくれない。しかしこのロープの特性こそが、く」ことに成功しているように思う。

このパフォーマンスのルーラーのような役割を果たして2人の所作を規定している。

KOBAYASHI Haruo

PROFILE:

前田春日美：1991年生まれ。身体の不全性や不安を起点に、確信の持てなさや不安を払うように身体を確かめる振る舞いを記録したビデオワーク

を主に制作している。

豊島彩花：1993年生まれ。パフォーマー、ダンサー。いけばなのプロセスと踊りの関係性を主なテーマにパフォーマンスを展開し、花や枝などの自然物を用いて身体の接続を試みる。現在は身体表現に力を入れ、音楽家や美術家との共作も行う。

MAEDA Kasumi: Born in 1991. Using physical insufficiency and uneasiness as a starting point, Maeda creates video works that document behavior
intended to reconfirm the body and dispense with physical uncertainty and anxiety.
TOYOSHIMA Sayaka: Born in 1993. Performer and dancer. By creating performances that explore the relationship between the ikebana process anddance, Toyoshima forms a connection with the body through natural materials such as flowers and branches. She is currently concentrating on physical expressions, and collaborating with musicians and artists.

121

OPEN SITE 7

REVIEW

Director, blanClass

Maeda Kasumi had been unable to relate to her body formany years, which led to feelings of uncertainty, but it was
through the sensations like the itchiness in her skin that she
felt from touching foreign textures such as cloth, glass, andsteel that she says helped her gain a real sense of her body forthe first time. Was it that it gave her a sense of lack of connection to her body? The idea of what would happen if thisfeeling of disability regarding oneʼs body and the realizations
that arose from this connection could initiate the same kindof feeling in a dancer led her to the idea of creating a video
work in which the body was aligned with daily appliances.
Then, she asked Toyoshima Sayaka to perform in such asituation. She may have been thinking that with the trained
body of a dancer the framework and the contents would cometogether.
In her dance performance work Building Flowers, based on
her work in ikebana (flower arrangement), Toyoshima doesthings that appear to compare the symmetrical relationshipbetween things and the body to that of architectural method.
And this time, Toyoshima did not limit herself to the role ofjust a performer but also collaborated on creation of thework.
The “soft cane” is a hint suggesting the rope used in theperformance, as well as the bodies and parts of Maeda andToyoshima.
The rope itself is both “free” and “disabled,” and while itshows flexibility inherent to the human body, it is difficult todetermine its shape and difficult to arrange as one would
hope. However, it is the characteristics of this rope that makes

it function like the ruler in this performance and define thebehavior of the two performers.
What I particularly noticed was that Maeda andToyoshimaʼs bodies did not appear to be the same bodies.
While Toyoshima is essentially a dancer, Maeda seemed toplay the role of controlling Toyoshimaʼs body with a rope ina way her take on the appearance of a device like an industrial
product. But, in fact, Maeda seems to be there with thedemeanor of an artist who monitors the contact point
between things and the body. It was interesting to see this asa social difference engraved on the body more than being
merely a role in the work.
Another highlight is the function of the acrylic box
placed in the center of the stage as a “flat eye,” created by atransparent acrylic plate on the top. Inside the box below theplate was a camera that took video images that were relayed toa monitor hung on the wall. This device served as a pedestal
upon which the shapes created by combination of the two
performersʼ bodies could be frozen in space, and in theprocess the bodies seemed to be transformed into flat objects,
as if they were vacuum-packed from below through the acrylic
plate. It is said that they placed it “to distract the audienceʼsgaze” away from the personal things inside the two people,
but I think that this device succeeds in “placing” in theaudienceʼs gaze, rather than in space, an expansion of the twovariations of multi-layered meaning imposed on the intertwined bodies and the relationship at the point of contact
with things, which are more intricate than what is brought tothe two bodies.

122パフォーマンス部門／ Performance

平倉 圭

たくみちゃん荒木知佳が想像上の家での動きを踊る─その気配をする。

レビュー

横浜国立大学 准教授｜芸術学に裂かれるようにして、踊る。

省略的に。
「ハンガーから上着を取る」と言いつつ取る気配

定家本土佐日記の最後の部分─そこで定家は貫之のTAKUMICHAN

だけをする。ドアノブを押さずに開ける気配をする。
「外の階

女手゠平仮名のとおりに臨書している─の文字゠地形が段を降りる」と言いながら、足踏みさえせずに降りる気配を姿を表す。たくみちゃんが内容を語る。
「松の木の小さいの―(dash)#2 Rosetta Stone

する。動きの起こりと、仔細に描かれない流れだけがある。

が生えている。思い出されるのは土佐で亡くしてしまった幼続いてたくみちゃんがぎこちなく痙攣しながら、上演が行い娘のこと……」。死んだ子は小松に、貫之は定家に、漢2023.1.13–1.15

われている TOKAS の空間を記述する。
「黒い跡が、木が字は平仮名に、パターンを引き継ぐ。体を変え、動きを変形

黒ずんでいる、木が黒ずんでいる箇所がある、三個……」。

しながら伝播する。

床に目を近づけ、細かすぎる自分の言葉に追われるように、
ギクシャクした運動を繰り出し続ける。
ふたつの踊りは対照的だ。一方は省略的で流動的、他

作品終盤、こわばった記述を続けるたくみちゃんの体の動きを、荒木が執拗に目で追いかける。ふと覚めたように言う。
「さっき私は蝶になっていました……今は荒木知佳として作方は記述的で固く痙攣的。前者が平仮名、後者が漢字の品に出ています。でもこれこそが、蝶の見ている夢なのかも

書きぶりに対応するのだろうか、とふと思うのは、この作品しれません」。その言葉は、2人の体が、蝶 ‐ 人の関係にが漢字の伝播・変形と、その書きぶりのジェンダーを問題に置かれている可能性を示唆する。男の動きを目で追う時、していたからだ。

私は男になっていた。貫之の動きを追う定家が貫之になっ平安時代、漢字を男手、平仮名を女手と呼んでいた時ていたように。そう、言えるのだろうか。そのようなパターン

代に、平仮名で「をとこもすといふ日記といふ物」* を記したの連鎖が、文字゠踊りの生の根拠なのだろうか。言えるのは、

紀貫之のエピソードをたくみちゃんが導入する。壁には藤原

ここに不確かな伝播を見つめる未知の詩情が発生しているこ

定家が書き写した『土佐日記』のやや上下に押し潰されたとだ。

字形─それを PC 上でトレースし、さらに奥行き方向に輪郭を延長して、奇妙な「地形」と化した物体の映像─が回転する。たくみちゃんはそれを見ながら、複数の線の動き

HIRAKURA Kei

PROFILE:1988年生まれ。東京都を拠点に活動。独自のインプロヴィゼーションをもとにパフォーミングアーツ、美術、演劇など領域横断的に活動する。近年

は言葉の伝達がテーマのひとつである。主な活動に「記憶の人」（Stilllive Performance Art Summit Tokyo 2022、ゲーテ･インスティトゥート東京）、「―(dash)」（Contrail、横浜、2021）など。

Born in 1988. Lives and works in Tokyo. TAKUMICHAN uses a multidisciplinary approach to create unique improvisations that incorporate
performing arts, fine art, theater, and other genres. One of his recent themes is verbal communication. Recent activities: “the Memorious,” Stilllive
Performance Art Summit Tokyo 2022, Goethe-Institut Tokyo, “―(dash),” Contrail, Yokohama, 2021.
出演：たくみちゃん、荒木知佳、佐々木すーじん
制作：岩中可南子

翻訳・文芸協力：清水恵み

Performance: TAKUMICHAN, ARAKI Chika, SASAKI Sujin
Production Manager: IWANAKA Kanako Collaboration in Translation and Literature: SHIMIZU Megumi

123

OPEN SITE 7＊定家が書き写したときの誤記。原文は「をとこもすなる〜」。不確かな伝播の問題がここにもある。

REVIEW

Associate professor, Yokohama National University | Aesthetics

Araki Chika dances the movements of an imaginary house–that is the indication. In abbreviated form. Saying, “Take yourjacket from the hanger,” she only makes a gesture as if taking
it. Making a motion of opening (a door) without pushing thedoorknob. “Going down the stairs outside,” she says, withouteven taking steps there is a sense of going down. There is only
the start of movements and of flows that are not depicted indetail.
Next, Takumichan twitches awkwardly as he describes the
TOKAS space where the performance is taking place. “There
are black marks, there is darkened wood, there are darkened
areas of wood, three...” With his eyes close to the floor, hecontinues to perform jerky movements, as if he is beingchased by his own words that are too detailed.
There is a contrast between the two dances. One is abbreviated and fluid, the other is descriptive, rigid and convulsive.
Does the former correspond to the writing of hiragana(Japanese cursive characters) and the latter to the writing of
kanji (Chinese characters)? Because this work dealt withquestions of the propagation and deformation of kanji andthe gender of the writing.
In the Heian period, when kanji were called otoko-de (malehand) and hiragana was called onna-de (female hand), Takumichan introduced an episode of Kino Tsurayuki in which hewrote “otoko mo su toiu nikki to iu mono (I write a Nikki [diary]that I hear men write, thinking that I will try to do it as awoman)”* in hiragana. On the wall, are slightly squashedcharacter for Tosa Nikki (Tosa Diary) transcribed by Fujiwara
no Teika, which is traced on a PC and further extended backin the direction of depth, which creates a strange “topography”
of the object, as the image rotates. Takumichan watches it anddances as if torn by the splitting apart of the multiple lines.
The last part of Teikaʼs Tosa Diary – Teika wrote (from acopy) as it was in the female hand (hiragana) used by Tsurayuki– the characters show themselves as topography. Takumichan
talks about the contents. “There is a small pine tree growing
there, and it reminds me of my little daughter who died in
Tosa ....” The dead child becomes a small pine tree, Tsurayuki
becomes Teika, and the kanji becomes hiragana, as the patterncontinues. The body is changed, and the movement istransmitted while changing and deforming.
Towards the end of the work, Araki obsessively follows
Takumichanʼs body movements with her eyes, as he continues
to write stiffly. As if in a sudden awakening, she says, “I was abutterfly a while ago.... Now I am appearing in this work as
Araki Chika. But this may in fact be a dream seen by thebutterfly.” These words suggest that the two bodies may beplaced in a butterfly-man relationship. As if to say, “When I
followed the manʼs movements with my eyes, I was a man.
Just as Teika, who followed Tsurayukiʼs movements, had
become Tsurayuki. I wonder if I could say so. Is such a chainof patterns the real basis of this dance in which the charactersand the dance are equivalents? What we can say is that there
is an unknown poetic device in action here, as we watch
things unfold.
* There is an error in what the Teika transcribed. The original text is“otoko mo sunaru~.” There is also the problem of uncertain transmission here.

124dot 部門／ dot

小林晴夫

サトウアヤコ「日常記憶地図」は、サトウアヤコが考案したメソッド。特図は、佐渡、鯖江、サンパウロ……。対話からこぼれる、

定の場所のある時期の地図をつかい、ひとりでも、誰かと共ハラハラとした散文詩のような断片を読むうち、都市歩き型

SATO Ayako

日常記憶地図「“家族” の風景を“共有”する」
Read your familyʼs landscape through Personal Memory Mapping

2022.11.23–11.27にでも、土地に根ざした個人の記憶を掘り起こしたり、土地の演劇作品を想起してしまったが、演劇のような特定の形式の記憶をとおしてお互いを知るきっかけにしたり、土地の内を拠点に考えるタイプの仕事ではないようだ。

側にある記憶や変遷を呼び起こすことができる。

語」に集約してしまうことを嫌う。
「語り」や「物語」が対話

土地の関係性をヒントに「土地を観る」、「場所の記憶を探る」

を阻害すると考えているのだろう。サトウが関心を寄せるのは、ための方法として確立したのだという。その後、清澄白河、

特別な出来事を並べたり、誇張することではなく、わざわざ

長野、鳥取などで、「場所性」にフォーカスした、このメソッ言葉にしてこなかったような、微細な出来事を可視化すること、ドの実践を重ねてきた。

そこに生まれる気づきなのだ。

また、この土地に特化した方法を家族とのコミュニケーショ

地図は一般的な言語よりも万国共通の言語。現実の場所ンに応用すれば、家族のような近い関係だからこそ阻害してと重ね、時間に縛られず、同じ点に多層な出来事がある。

いるものを乗り越えられるのではと、サトウ自身の家族で試地図は知らない土地に対峙するときに、その機能を発揮するしたという。その実験が今回の家族の対話を前提にした展ものだが、このメソッドでは、よく知る場所を探すために置か示に展開していった。

れる。それだけなら、スマホ片手に Map 上の足跡を眺める「日常記憶地図」を試みた人達は、それまでには得られザインしたのはクリエイティブユニットgift_。彼らが仕事場でなかった言葉や気づきに触れたという。その秘密はきっと地

普段づかいする3つのテーブルが持ち込まれ、心地良い配置

図上の手触りにある。かつて擦り切れるくらい歩いた道を、が没入感を誘う。観客は好きな順番で、記憶の主や切り取

地図をガイドに、紙の上をたどたどしくなぞる、その仕草が、3組の家族は親子、姪と叔母、親子と叔母、選ばれた地

KOBAYASHI Haruo、「MOT サテライト2019『ひろがる地図』」（東京都現代美術館）など。
県立美術館、2021）

Born in Osaka. While developing methods of triggering memories and dialogues such as the Guide Dialogue, Personal Memory Mapping, and Micro
Stories, Sato creates places for people to engage in verbalization and mediated communication alone and with others. Recent activities: “Towns, Memories, and Landscapes with Museums: Fifty Years of ʻMaps of Everyday Memoriesʼ,” Nagano Prefectural Museum of Art, 2021, “MOT Satellite 2019
ʻMap of Spreadingʼ,” Museum of Contemporary Art Tokyo.
空間デザイン協力：後藤寿和・池田史子（gift_） 関連イベント：①11.23 ②11.27 ワークショップ「日常記憶地図インタビュー」、③11.26 トーク・イ

ベント「“ 家族 ” の風景を“ 共有 ”する」ゲスト：アサダワタル（アーティスト、文筆家、近畿大学文芸学部教員）

Spatial Design: GOTO Toshikazu, IKEDA Fumiko (gift_) Events: ①11.23 ②11.27 “Workshop” ③11.26 “Talk Event” Guest: ASADA Wataru (Artist /Writer / Senior Lecturer, Literature, Arts and Cultural Studies, Kinki University)

125

OPEN SITE 7

おぼろげな出来事を、頭のなかにデッサンさせるのではないだろうか。

REVIEW

Director, blanClass“Personal Memory Mapping” is a creative method devised by

大阪府生まれ。
「カード・ダイアローグ」「日常記憶地図」「マイクロ・ストーリーズ」など想起や対話の方法を開発しながら、言語化や媒介的なコミュのと変わらないかもしれない。

けらが書かれたカードと地図によって構成される。空間をデられた出来事をパズルのように組み合わせる。

（長野
ニケーションと「ひとりで、共に」在る場について探求している。主な活動に「美術館のある街・記憶・風景『日常記憶地』から見る50年」

またサトウは、交わされる言葉が「語り」に陥ること、「物

10年前に地域イベントの企画に誘われた際、「日常」と展示は、この方法で対話を試みた3組の家族の記憶のか

PROFILE:

レビュー

blanClass ディレクター

Sato Ayako. Using some maps of a specific place at a certain
time, it is possible to dig up the memories of individuals
rooted in the land, whether alone or with someone, and it
can be used as an opportunity for people to get to know eachother through the memories of the land, or to evoke
memories and transitions that lie inside the land.
When she was invited to a local event 10 years ago, Satocame up with a way to“see the land”and “explore thememories of the place” by taking hints from the relationshipbetween the land and its “everyday” occurrences. Since then,she has put this method to practice repeatedly in places like
Kiyosumi-Shirakawa, Nagano, Tottori, etc., by focusing on the“character of a place.”
In addition, Satoʼs own family tried it out because shethought that if she applied this locality-specific method tocommunication with her family, she would be able toovercome the obstacles caused of close relationships like thoseof families. This experiment was developed into an exhibition
based on the premise of family dialogue.
The exhibition this time consisted of cards and maps
with fragments of memories of three families who attempted
to interact using Satoʼs method. The space was designed by
the creative unit “gift_.” They brought in three tables theyusually use in their workplace, and the comfortable arrangement they set up created an immersive atmosphere. Working
in the order of their choice, the audience put together the
memories and the families like piecing together a puzzle.
The three families consisted each of parents and children,of nieces and aunts, and of parents and children and aunts,
and the selected maps were of is Sado, Sabae, and Sao Paulo.
As I read the prose poem-like fragments that spill over fromthe dialogue like falling flower petals, I was reminded of atheater work that has the audience walk through a city, but it
doesnʼt seem to be the type of work that is based on any
specific form like theater.
Sato also dislikes it when the words exchanged fall into
“narratives” and become reduced into “stories.” She probably
thinks that “narrative” and “storytelling” hinder dialogue.
Satoʼs interest lies not in arranging or exaggerating special
events, but in visualizing minute events that have never been
put into words before, and the awareness that arises fromthem.
Maps are a universal language rather than a common
language. Overlapping with real places, maps are not boundby time, and there are multiple layers of events that can andhave occurred at any one point. Maps perform their function
when facing unknown lands, but in this method, they areused to search for places that are familiar to us. If thatʼs all it
is, it might be no different from tracing oneʼs footprints on amap with a smartphone in one hand.
Those who tried the Personal Memory Mapping were
exposed to words and insights that they had not had access tobefore. The secret probably lies in the feel of the map. Usinga map as a guide, the gesture of tracing a road that was once
walked so often as to wear one out, the act of tracing it onthat piece of paper may have the effect of drawing a vague
distant memory of an event back to mind.

126dot 部門／ dot

近藤由紀

高松 霞

本企画は、カードゲームや紙芝居、盆踊りなどを取り入れ、色彩の豊かさを連句初心者に想起させる契機となる。ところ

TAKAMATSU Kasumi

連句の赤い糸RENKU of red thread

2022.12.10–12.18

レビュー

トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター

連句理解を促進するワークショップ「連句ゆるり」を2012年

どころ柱や部屋の角を跨ぐように赤い糸が長く張られているが、より主宰する高松霞による連句の創作の過程を視覚化する

それは句と句の間の大きな転じや物語の飛躍と対応している。

試みである。連句は、575、77、575と複数人によって句が既存の建築空間の特徴を取り入れ、会場空間に合わせて継がれていく共同詩であり、詠者によって即興的に詠まれる再構成されたこれらの句を、赤い糸に導かれ、部屋を巡り

句を「捌き」と呼ばれる進行役が、適切な判断によって次ながら読んでいく鑑賞体験は、言葉の軽重、句の展開を体句を選び、一連の詩として構成していく。高松は本企画にお感的、直観的に味わう体験となった。

いて、句が連ねられていく際のルールや手法、そして緩急、

本企画は総じて、連句を解体し、完成された句からはみ

雅俗、軽重といった構成上のリズムを可視化すべく、いくつ

えない創作の過程を観客と共有しようとする。Google Drive

かの形式の連句を空間的に配した。

を用いて行われたイベント「連句ライブ」では、選ばれた句会場には、歌仙（36句）、半歌仙（18句）、二十韻（20句）、だけが次々と示されるのではなく、次句を継ぐ際の議論や提胡蝶（24句）、ソネット（14句）など、新旧さまざまな形式の案、選ばれなかった句やその修正をも開示することで、生々連句が、それぞれ一句ごとに短冊に書かれ、句の軽重に合しくもエキサイティングな創作の過程を観客に開いて見せた。

わせて高さを変えながら壁面に掲示されている。それぞれの連句の句と句の間には独特の関連性や飛躍がある。本

短冊は赤い糸でつなげられており、そのリズムの動きと連続企画で試みられた連句の視覚表現への転換は、形式や手法、性を緩やかに強調する。句と句の間には、短い解説が記さそしてその読み方を楽しく学べる教育的機能も果たしうる。しれており、次句が連ねられた理由や、その句が全体の中でかしそれ以上にその行間にある豊かな想像の余白を開示し、どのような位置づけにあるのかを教えている。とはいえこの

企画者が感じている創作の楽しみを広く開いていこうとする

解説は説明的というよりは、句の性質を示すものであり、独強い意欲を感じさせた。

特の言い回しは婉曲的で、行間に秘された物語や情景、

KONDO Yuki

PROFILE:2011年より連句団体「草門会」に参加。2012年よりワークショップ「連句ゆるり」を開始。カードゲームや紙芝居などを取り入れ、連句未経験者が加わりやすい場づくりを行うほか、連句にまつわるワークショップやトーク・イベントなどを多数行っている。主な活動に連句総合サイト「連句新聞」
創刊（2021）、ワークショップ「連句×盆踊りつくって、うたって、おどる。」（美学校、東京、2019）など。

In 2011, Takamatsu joined a renku group called the Somonkai. In 2012, she began holding Renku Yururi workshops. Through the use of card games,
kamishibai (picture-story shows), and other things, she created an environment that was easily accessible to those without any knowledge of renku.
She has organized many other workshops and talk events related to renku. Recent activities: First issue of Renku Newspaper, a comprehensive site forrenku poetry, 2021, Workshop “Renku×Bon Odori: Make it, Sing it, Dance it,” Art School, Tokyo, 2019.
関連イベント：①12.11「連句ライブ」ゲスト：中村安伸②12.18「連句×盆踊り」ゲスト：盆博（小野和哉・盆キチ スー）

Events:①12.11 “Renku Live” Guest: NAKAMURA Yasunobu②12.18 “Renku×Bon Odori” Guest: BONPAKU (ONO Kazuya/ BONKICHI Su)

127

OPEN SITE 7

Program Director, Tokyo Arts and SpaceREVIEW

This project is an attempt to give visual form to the processof creating renku (linked poems created by two or more poets)
by Takamatsu Kasumi, who has led workshops titled “Renku
Yururi” since 2012 to promote understanding of renku byincorporating card games, kamishibai (picture card storytelling), and Bon Odori (Bon festival dance). Renku are “linked
poems” in which poetic verses created by a succession ofpeople are linked together in a series of 5-7-5-, 7-7-, and 5-7-5syllable links, with a facilitator, called the “Sabaki ,” whoselects which of the next verse will be added to the renku
based on appropriate judgment of the best poetic flow tocompose a good renku. In this project, Takamatsu spatiallyarranged several forms of renku in order to give a visual
understanding of the rules and methods for the sequencing ofverses, as well as the rhythm of composition, with regard tofluctuations of speed, refinement, and the lightness or weightof the words used.
At the venue, renku in various old and new forms, such as
Kasen (36 link renku), Hankasen (18 link renku), Niju-in (20 linkrenku), Kocho (24 link renku) and sonnets (14 link renku), arewritten on tanzaku (strips of fancy paper for writing haiku,
etc., on) and displayed on the wall while changing the heightaccording to the weight of the verse. Each tanzaku (verse) isconnected by a red thread, which gently emphasizes the
movement and continuity of the versesʼ rhythm. Between theverses, there is a short commentary, which tells the reason why
the next verse was added and what position the verse has in
the whole. However, this commentary is more of an indicationof the nature of the verse than an explanatory one, and theunique phrasing used is euphemistic, providing a chance tosuggest to people who are new to renku the way that the verses

evoke the stories, scenes, and richness of colors hidden
between the lines. In some places, the red thread connecting
the verses is strung longer distances around pillars or cornersof the room in order to indicate a major turn between thecorresponding verses or a leap or break in the story line. By
incorporating the characteristics of existing architectural spaces
and constructing the renku to fit into the venue spaces, andthe use of the red thread to guide the viewers around theroom in a way that enabled them to experience the lightness
or weightiness of the words and the development in theconnected verses in an experiential and intuitive way, surely
heightened the viewersʼ appreciation of reading these verses.
In general, this project attempts to dismantle the renku
verses and share with the audience the creative process thatcannot normally be seen from an initial reading of thecompleted phrases. At the event “Renku Live” held using
Google Drive, not only were selected verses shown one after
another but also adding discussions and suggestions about thenext phrase, as well as phrases that were not selected (by the
Sabaki) or their corrections, were disclosed to the audience,thus showing the audience the vivid and exciting creative
process.
There is a unique art to the connection or leap between
the verses that make up a renku. The conversion of the renku
by means of visual devices attempted in this project can also
fulfill an educational function that allows audiences to enjoy
learning the formats, creative method, and reading method of
renku. However, more than that, Takamatsu disclosed the richmarginal nuances of imagination between the lines, and indoing so, she conveyed her strong desire to reveal the joy ofcreation that she feels.

128

TOKAS 推奨プログラム／ TOKAS Recommendation Program

花岡美緒

Ad Mornings

コロナ禍の2020年から活動を開始し、「新聞」という媒体にPlace of Living Information

さらに、3〜4名のメンバーによるアクティビティを毎日実施し注目してきたコレクティブ、Ad Mornings は、ニュースを身近た。当日拾ったり買ったりして手に入れた日刊紙にコーヒーな出来事の延長線として新聞紙面をつくり、それをさまざまを垂らし、出来たシミ部分の記事をメンバーの1人が声に出な形で発行している。普段は通り過ぎてしまうニュースの場して読む。その断片的な情報から、他のメンバーが会場に散に身を置き、考え、小さな行為を実践し、書き残し、書き直りばめられた過去の新聞記事の「行為のスペック」を指示し、またそれを行為にすることで、情報を体得し消化を試み書として選び、パフォーマンスを構想する。プランを相談しなている。

2022.12.22–2023.1.7

レビュー

トーキョーアーツアンドスペース

がら、ときには複数のアイデアを掛け合わせてパフォーマンス

本展「Place of Living Information」では、17〜18世紀を即興的に実施し、記録係がその行為の過程をつぶさに記に市民の民主的精神を育てたコーヒーハウスなどの新聞の事にし、痕跡として新聞が1枚ずつ増えていった。情報を消歴史に関わる場所を参照しつつ、対話や情報の流通、配化する過程でのまごつきや、相談の公開など、プロセスを表布などを通じて、さまざまな媒体や行為のレイヤーが幾重に出させたそのアクティビティは、スペクタクルとは程遠いものでも重なった「生きた情報の場所」を作り出した。

あった。しかし、それこそが「生きた情報」を目の当たりにし、Ad Mornings は継続的に東京オリンピック・パラリンピッ
クやそのレガシーイベント、国葬、移民に関する取材を続け

持続の流れの中にいると感じさせてくれるものだった。
それぞれの目線で集めた情報と発せられる行為が交差し、てきた。本展では、公共の場で新聞を読む行為や新聞記

混ざり合わず消化しきれないまま、それでもともに生きている事を作成する際に残してきた「行為のスペック」をもとにしたという現在性は、消化したいという願望とともに常に「今」記録映像と、記事内容の3DCG アニメーションを織り交ぜを更新し続けている。

た3面プロジェクションを展開した。スクリーン裏には、ライオ
ン頭の投書箱が置かれており、来場者が指示書を書いて投函できるようになっていた。これは、かつてコーヒーハウスに、市民から投稿を募り、彼らの日常生活を執筆に生かすため設置されていたライオンヘッド・レターボックスを参照した。

HANAOKA Mio

PROFILE:

新聞をつくり発行する集団。言葉と形態のあいだの指示、命名、記述、配置に着目し、複数の記者が異なる場所で「行為のスペック」を提示し「痕跡のトレース」を生成する。主な活動に「Ad Mornings_Migration」（城崎国際アートセンター、兵庫、2022）、「オル太《生者のくに》」（KAAT 神

奈川芸術劇場、横浜／ BUoY、東京／神戸アートビレッジセンター、2021）など。

A group that creates and publishes newspapers. Focusing on the instructions, naming, description, and arrangement between words and forms,
multiple reporters present “specifications for actions” in different places to generate “traces of vestiges.” Recent activities: “Ad Mornings_Migration,”
Kinosaki International Art Center, Hyogo, 2022, “OLTA, Land of the Living,” KAAT Kanagawa Arts Theatre, Yokohama / BUoY, Tokyo / Kobe Art
Village Center, 2021.
参加メンバー：Jang-Chi、大和由佳、土本亜祐美、宇佐美奈緒、山科晃一、ユニ・ホン・シャープ、ジョイス・ラム、ゾエ・シェレンバウム
関連イベント：12.22–1.7「アクティビティ」
協力：城崎国際アートセンター

Participating members: Jang-Chi, YAMATO Yuka, TSUCHIMOTO Ayumi, USAMI Nao, YAMASHINA Koichi, Yuni Hong Charpe,
Joyce LAM, Zoé SCHELLENBAUM
Events: 12.22–1.7 “Activities”
Cooperation: Kinosaki International Arts Center

129

OPEN SITE 7

REVIEW

Tokyo Arts and Space

Ad Mornings is a collective that has been focusing on themedium of newspapers since 2020 during the COVID-19
pandemic. They have created newspaper articles that use news
as an extension of events happening around us and publish
them in various forms. They try to acquire and digest
information by placing themselves in a place that we usually
pass by, and by thinking, performing small actions, and thenleaving them behind, rewriting them, they eventually turnthem into actions.
In this exhibition, “Place of Living Information,” whilereferring to places related to the history of newspapers such as
coffee houses, which fostered the democratic spirit of citizens
in the 17th to 18th centuries, they created a “place of living
information” in which various layers of media and actions
come together with each other through dialogue andinformation circulation and distribution.
Ad Mornings has continued to cover the Tokyo Olympic
and Paralympic Games and their legacy events, as well asgathering material about state funerals, and immigration. In
this exhibition, they developed a three-screen projection tointerweave recorded video based on the “action specifications”
left behind when reading a newspaper in a public place or
creating a newspaper article, and 3DCG animation based on
the articlesʼ contents. Behind the screens, there was alion-headed suggestion box where visitors could write andinsert instruction sheets. This was a reference to the Lionhead
Letterboxes, which were formerly set up in coffee houses tosolicit contributions from citizens and things they wrote

about their daily lives.
In addition, activities conducted by three or four
members were held daily. Coffee is dripped onto the daily
newspaper that they picked up or bought that day, and oneof the members reads aloud the article in the stained part.
From the fragmentary information, the other members selectthe “action specifications” of past newspaper articles scatteredthroughout the venue as instructions for composing aperformance. While discussing plans, sometimes multiple
ideas were combined to improvise a performance, and therecorder writes a detailed article on the process of the act, andthe number of newspapers increase is this way page by page as
traces. The activities that describe the process, such asconfusion in the process of digesting information and thedisclosure of consultations, turn out to be far from spectacular. However, it was precisely this that made me feel that I was
witnessing “living information” and that I was in the continuous flow.
The information gathered from each perspective and theactions created intersect, and the fact of living together in thepresent, despite the failure of things to come together or be
fully digested, is nonetheless proof of the constantly renewing“present,” and also of our undying desire to digest it.

130

TOKAS 普及プログラム／ TOKAS Art Mediation Program

舟橋牧子

志村信裕

アーティストと鑑賞者をつなぐ普及プログラム「つなぐ TOKAS」

について前日書いたことをベースに一人ずつ語り、志村の撮の一環で実施された本ワークショップは、モノと人の関係に影によりモノと声が記録された。一人が語る間、他の参加

SHIMURA Nobuhiro

モノと語りArtifact and Narrative

2023.1.21–1.22

関心を持ち、近年は個人の記憶から浮かび上がる現代社

者は静かに聞き、最後はそれぞれの語りを聞いて気づいたこ会の問題を、ドキュメンタリーの手法で可視化する映像作家とを話し合った。

の志村信裕を講師に迎えた。
「モノと語り」と題して2日間に語りの際、白い台座に置かれ照明が当たったモノは、普わたり開催し、参加者は自身の所有物のうち、実用的／非段とは違う存在感を放ち、モノと向き合う参加者は、自分と実用的なモノを考え、目には見えないモノと自分の関係を語の関係についてあらためて考える。また、持ち寄ったモノはることにより、普段とは異なる視点で身近な存在を捉えることさまざまで、それぞれにとって心の拠り所、世界との接点、と、自己の内面の表出を試みた。

勇気の源であるなど、お互いの語りを聞くことで、人とモノの1日目の前半は、志村がレクチャーを行い、自身の作品

親密さを理解し、自分とは異なる視点ではあるが、独自にモを紹介しながら、モノと人の関係に関心を持った経緯を伝え、ノとの関係を築いているという共通性を見出しているようだった。

続いて静物画にまつわる美術史を解説した。文明・文化の発展により、宗教や神話から現世を生きる人間、個人に関1982年生まれ。千葉県を拠点に活動。2007年武蔵野美術大学大学院造形研究科映像コース修了。日用品や風景を題材とした映像インスタレーショ

ン作品や、ドキュメンタリーの手法を取り入れながら可視化され難い社会問題や歴史に焦点をあてた映像作品を制作する。主な展覧会に「デザインス（富山県美術館、2022）、「花侵庵と現代作家：No.1 志村信裕」（小金井市立はけの森美術館、東京、
コープ―のぞく ふしぎ きづく ふしぎ」

2022）など。

Born in 1982. Lives and works in Chiba. Graduated with an MA in Imaging Arts and Sciences from Musashino Art University in 2007. Shimura makes
video installations that deal with familiar subjects such as everyday things and landscapes, and video works in which he uses a documentary approach
to focus on difficult-to-visualize social problems and historical events. Recent exhibitions: “DESIGN SCOPE,” Toyama Prefectural Museum of Art and
Design, 2022, “Kashin-an and Contemporary Artsits: #1 Shimura Nobuhiro,” Koganei City Hakenomori Art Museum, Tokyo, 2022.

131

OPEN SITE 7

ところで「語り」は、自分の内面にあるものに意識を向け、表出する良い機会であるが、それを「聞く」他者がいる、と心が向き、それに伴い作品のモチーフも変化し、自身を取りいうことがさらに重要ではないか。伝えようとすることで、モ巻くモノが対象になってゆく歴史を通じ、モノと人の関わりにノと自分の関係を明確にし、考察が深まる。そしてその「語り」

ついて説明した。後半は、志村のレクチャーを踏まえて、参を聞いた者は、語られたモノの見え方が変わるとともに、自加者が実用的／非実用的という観点で選んだ所有物につい分がモノを見るときの意識も更新される。この2日間は、モノて、選んだ理由やモノから想起される記憶など、思考の整と個人の関係だけでなく、他者との関係の構築にもつながり、理のためにテキストを書いた。最後は、各自が選んだモノに

日常の中にも、豊かな創造の糸口は存在するという気づき

ついて発表し、全員で共有した。2日目は、持ち寄ったモノを与えてくれた。

FUNABASHI Makiko

PROFILE:レビュー

トーキョーアーツアンドスペース

REVIEW

Tokyo Arts and SpaceThis workshop, which was held as part of the Art Mediation
program that connects artists and viewers, welcomed as lecturer Shimura Nobuhiro, a visual artist who is interested in therelationship between objects and people and recently uses
documentary methods to create works aimed at visualizing
issues in modern society that emerge from personal memories. In his 2-day workshop held under the title of “Artifact
and Narrative,” the participants were asked to divide theirpossessions into practical and impractical objects and then todescribe the invisible aspects of the relationship between theobjects and themselves in order to try to perceive thesefamiliar things from a different perspective, and thus express
their inner self.
In the first half of the first day, Shimura gave a lecture
explaining how he became interested in the relationshipbetween objects and people while introducing his own works.
This was followed by an explanation of the history of still life
painting. Shimura explained that with the development ofcivilization and culture, there was shift in interest away fromreligion and mythology and toward people and individuals
living in this world, which brought a change in the motifs ofpainting toward an increasing interest in the relationshipbetween objects and their relationship to us. In the second
half, based on Shimuraʼs lecture, the participants wrote texts
to organize their thoughts about the possessions they chosefrom the perspective of practical and impractical, such as thereasons for their choice and the memories the objects evoke.
At the end, each person gave a presentation on the objects toshare with everyone. On the second day, each person talked
about the possessions they brought based on what they had

written the day before, and Shimura recorded what they said
along with the objects and their voices. While each person
spoke, the other participants listened quietly, and at the end,
they talked about what they noticed after listening to the
speeches.
During the participantsʼ narratives, their possessions,which were placed on a white pedestal and illuminated, took
on a different presence from usual, and facing the objects, theparticipants thought again about their relationship with them.
In addition, by listening to each otherʼs stories about thepossessions they brought, and how each of them had a special
place in the ownerʼs heart, were a point of contact with theworld, a source of courage and such, everyone seemed tounderstand anew the intimacy between people and possessions. And although their perspectives may differ, they founda commonality in that they all built their own relationships
with objects.
By the way, while such narratives are a good opportunity
to be aware of and express what is inside you, isnʼt it evenmore important that there are others who can listen to it? Bytrying to convey something, we clarify the relationshipbetween things and ourselves and deepen your thoughts
about them. And those who hear the narratives find a change
in the way they see the things, and their consciousness of thethings they see is also revitalized. Thus, these two days led
not only to new ideas about relationships between things andindividuals but also connected to building relationships withothers. In this way, it conveyed to us the existence of newsources for enriching our creativity in everyday life.

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TOKAS ANNUAL REPORT 2022: PART 4

普及広報

Art Mediation and Arts Promotion
夏のこどもワークショップ

マッチ、マッチ、マッチ。
Summer Kids Workshop

Match, Match, MatchTOKAS 本郷建物リサーチ
TOKAS Hongo Building Research

文京ミューズフェスタ2022
Bunkyo Muse Festa 2022

出版物

Publications

PART 4 では、クリエーターによるワークショップをはじめ、歴史ある TOKAS 本郷の建物リサーチ、「文京ミューズフェスタ2022」への出展など、アーティストと鑑賞者を多角的につなぐ普及広報プロ
グラムを紹介します。

PART 4 introduces our Art Mediation and Arts Promotion programs aimed at connecting art tothe public through projects such as creator-led workshops, the TOKAS Hongo Building Research
project, exhibiting in the Bunkyo Muse Festa 2022, and more.
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夏のこどもワークショップ

マッチ、マッチ、マッチ。
Summer Kids Workshop

Match, Match, Match
2022.8.20–8.21
3種類の版木を組み合わせた版画の制作
アートと人々を多角的につなぐことを目指す普及プログラム「つなぐ TOKAS」の一環として行われた「夏のこどもワー
クショップ」では、モチーフとなる自然と直接的に関わりながら木版画を制作する田中彰を講師に迎えました。3種類の版木を組み合わせて版画を制作した本プログラムでは、はじめに20種類の版木のサンプルを電熱ペンで焦がすワー
クを行い、煙の香りや彫る抵抗感の違いからそれぞれの木の特質を体感。参加者は香りや彫り心地の好みから3つの木を選びました。
次に、田中が海や海外で集めたものなどをモチーフに構図を決めて電熱ペンで彫り、版を制作。その後、色の組み合わせを考え、田中の丁寧なサポートのもと、一人ずつ作品を刷り上げました。最後は展示スペースでそれぞれの作品を鑑賞し、田中が制作したカルトン（台紙）と箱に版画と版木を入れて持ち帰りました。参加者一人ひとりの創造性と木の個性が合わさった色鮮やかな作品が完成しました。

Creating woodblock prints using blocks of three different types of wood
At the Summer Kids Workshop, held as part of the art mediation program that aims to connect people to art froma variety of angles, the invited workshop leader this time was Tanaka Sho, an artist who creates woodblock prints
while directly interacting with nature to find motifs. In this workshop, the aim was to have the participants create
woodblock prints using a combination of three different types of wood.
To choose the types of wood they would use from among the 20 types of wood blocks provided, the participants first burnt into them with electric heating pens to experience the characteristics of each wood, such as thedifference in the smell of their smoke and the degree of resistance when carving into them.
Next, Tanaka had the participants choose from among a number of motifs such as ones related to the sea andthings he had collected overseas to decide on a design, which they would carve into the wood blocks with anelectric heating pen to make their woodblock prints from. After that, the participants chose the combination ofcolors they wanted to use, and with Tanakaʼs careful guidance, they printed their works one by one.
At the end, after appreciating all of their works in the exhibition space, the participants took home their
woodblock prints placed between pasteboards and enclosed along with their woodblocks in boxes made by Tanaka.
The result was an array of colorful works that reflected the creativity of each participant and the different
qualities of the wood they worked with.

田中 彰

1988年岐阜県生まれ。茨城県を拠点に活動。2015年武蔵野美術大学
大学院版画コース修了。木や動物、釣り、水をモチーフに、人間と自然との関係を木版画で表現する。主な展覧会に「NATIVE / AROU
ND」（五月の庭、水戸、2022）、「岩礁」（水犀、東京、2022）、「第（京都市京セラ美術館）、
３回 PATinKyoto 京都版画トリエンナーレ2022」「恵比寿湖」（NADiff Gallery、東京、2022）など。
会場：TOKASレジデンシー 協力：白光株式会社

TANAKA Sho
Born in Gifu in 1988. Lives and works in Ibaraki. Graduated with an
MA in Printmaking from Musashino Art University in 2015. Recent
exhibitions: “Rocks and Reefs,” Mizusai, Tokyo, 2022, “3rd PATinKyoto
Print Art Triennale in Kyoto 2022,” Kyoto City KYOCERA Museumof Art, “Machida Styrax Japonica,” Machida City Museum of Graphic
Arts, Tokyo, 2019.

参加作家：田中 彰

Venue: TOKAS Residency Cooperation: HAKKO Corporaiton Artist: TANAKA Sho

135

ART MEDIATION AND ARTS PROMOTION

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TOKAS 本郷建物リサーチ

文京ミューズフェスタ2022

TOKAS Hongo Building Research

Bunkyo Muse Festa 2022

TOKAS 本郷の建物をコラムで紹介

文京区のイベントで展覧会や建物を紹介

An ongoing column introducing the TOKAS Hongo building

Introducing our exhibitions and building research at an event in Bunkyo Ward

2022.12.15

2022年度は、建物コラム「東京市の復興と歩んだ建物」を作成しました。本郷職業紹介所（現・TOKAS 本郷）の文京区の博物館、美術館、庭園等が一堂に会する「文京ミューズフェスタ」に出展しました。2022年度は、3年ぶ建設に至った関東大震災後の帝都復興事業や、図面や工事の仕様書から分かる建設当時の建物の構造や意匠、りに各館のスタッフが会場に常駐し、来場者と交流できるイベントとなりました。展覧会ポスターや「TOKAS 本郷建

そして今も残る外観の特徴的なデザイン等について、復興建築の研究者によるテキストと、イラストでまとめました。こ物リサーチ」の一環で制作したコラムをパネルで展示したほか、3D VR 版「TOKAS 本郷建物ガイド」を操作しながのコラムは館内や外部イベントで配布し、建築物としての TOKAS 本郷の魅力を紹介しました。

ら答えを探す建物クイズを実施。来場者は会場にいながら施設探検を楽しみました。

In 2022, TOKAS created a new column, as a series of articles on architecture, titled “Tokyo City Reconstruction
and the Birth of the Hongo Building.” A report was created on the building that originally housed the Hongo
Employment Agency (currently TOKAS Hongo), which was constructed as part of the Imperial Capital Reconstruction Project following the Great Kanto Earthquake (1921). The structure and design of the building at thetime of construction, can be seen from the architectural drawings and construction specifications, as well as thecharacteristic design of the exterior that remains today.
To this are added texts by a researcher of the periodʼs reconstruction architecture and illustrations createdbased on the texts. The results of this ongoing research has been presented inside the TOKAS Hongo facility andat outside events, in ongoing efforts to introduced the appeal of TOKAS Hongo as a building.

TOKAS mounted an exhibit at the Bunkyo Muse Festa, which brings together museums, art galleries, gardens, etc.
in Bunkyo Ward. In 2022, for the first time in three years, staff from each of the participating museums and galleries
were present at the venue to interact with visitors.
In addition to displaying exhibition posters and articles created as part of our TOKAS Hongo Building Research
project on panels, a “building quiz” was set up for visitors to find answers while operating the 3D VR version of
the TOKAS Hongo Exploration Guide, enabling visitors to enjoy exploring the facilities on-site at the Festa venue.

執筆：栢木まどか（東京理科大学工学部建築学科 准教授） イラスト：イチハラマコ デザイン：森垣 賢

会場：文京シビックセンター ギャラリーシビック 主催：文京区

Text: KAYANOKI Madoka (Associate Professor, Faculty of Engineering, Department of Architecture, Tokyo University of Science)
Illustration: ICHIHARA Maco Design: MORIGAKI Ken

Venue: Gallery Civic, Bunkyo Civic Center Organizer: Bunkyo Ward137

ART MEDIATION AND ARTS PROMOTION

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出版物

「TOKAS Project Vol. 5『ひもとく』」カタログ（P.102–107）

The catalog of TOKAS Project Vol. 5 “Himotoku:
The Opening Blossoms of an Unraveling World”

Publications(pp.102–107)

展覧会カタログや報告書を発行
Publication of Exhibition Catalogs and Annual Report

作家への支援拡充に伴い、「TOKAS-Emerging 2022」および「OPEN SITE 7」展示部門では、新たに参加作家ごとにカタログを作成。本郷で実施した展覧会のカタログや「Tokyo Contemporary Art

Award 2021–2023」受賞者のモノグラフ、前身の TWSとTOKAS の20周年特別企画や年間の事業を掲載した報告書『TOKAS アニュアル2021』はウェブサイトでも公開しました。

In line with efforts to expand our support for artists, the TOKAS-Emerging 2022 and OPEN SITE 7 exhibition categories have newly undertaken the creation of catalogs for each participating artist. In addition
to catalogs of exhibitions held at TOKAS Hongo and monographs introducing the winning artists of theTokyo Contemporary Art Award 2021–2023, our TOKAS Annual 2021, a 20th anniversary special reporton the annual events and activities conducted under our former Tokyo Wonder Site (TWS) and the ensuing TOKAS programs, can also be viewed on our TOKAS website.

「TOKAS-Emerging 2022」カタログ（P.44–48）
むらたちひろ、ジョイス・ラム、冨樫達彦、
婦木加奈子、山田沙奈恵、時山 桜

The catalogs of TOKAS-Emerging 2022 (pp.44–48)
MURATA Chihiro, Joyce LAM, TOGASHI Tatsuhiko,
FUKI Kanako, YAMADA Sanae, TOKIYAMA Sakura「ACT Vol. 5『引き寄せられた気配』」カタログ（P.50–53）
The catalog of ACT Vol. 5 “Ungraspable” (pp.50–53)「OPEN SITE 7」カタログ（P.108–131）
菅 実花、米澤 柊、Excitation of Narratives (EoN)、
ルイーズ・ラウス＆アグスティン・スピネット、
小林 椋、Ad Mornings

The catalogs of OPEN SITE 7 (pp.108–131)
KAN Mika, YONEZAWA Shu, Excitation of Narratives (EoN),
Louise Rouse & Agustín Spinetto,
KOBAYASHI Muku, Ad Mornings「Tokyo Contemporary Art Award 2021–2023」
モノグラフ（P.60–61）
志賀理江子、竹内公太

The monographs ofTokyo Contemporary Art Award 2021–2023 (pp.60–61)
SHIGA Lieko, TAKEUCHI Kota

TOKAS アニュアル2021
TOKAS Annual Report 2021
年間スケジュールTOKAS Schedule

各出版物は TOKASウェブサイトよりご覧ください。
See the publications on the TOKAS website.

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ART MEDIATION AND ARTS PROMOTION

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施設案内
General Information

トーキョーアーツアンドスペース本郷

トーキョーアーツアンドスペースレジデンシー〒113–0033 東京都文京区本郷2-4-16〒130–0023 東京都墨田区立川2-14-7-1F
TEL ：03-5625-4433
FAX：03-5625-4434

TEL ：03-5689-5331
FAX：03-5689-7501
開館時間：11:00–19:00（入場は閉館30分前まで）* イベント開催時のみ一般公開

休館日：月曜日（祝日の場合は翌平日）、Tokyo Arts and Space Residency

展示替期間、年末年始

1F, 2-14-7 Tatekawa, Sumida-ku, Tokyo 130-0023
TEL: +81-(0)3-5625-4433
FAX: +81-(0)3-5625-4434

Tokyo Arts and Space Hongo
2-4-16 Hongo, Bunkyo-ku, Tokyo 113-0033
TEL: +81-(0)3-5689-5331
FAX: +81-(0)3-5689-7501
OPEN: 11:00–19:00 (Last Entry: 18:30)
CLOSED: Mondays (first weekday after national holidays),
Exhibition preparation periods, and Year-end and New Year Holiday*Open to the public only on event days.

トーキョーアーツアンドスペース
プログラムディレクター：近藤由紀

TOKAS 本郷：大島彩子、杉原 駿、辻 真木子、小野洵子、鬼頭早季子
TOKASレジデンシー：大竹かおり、宇野 歩、花岡美緒、植田かほる、内山史子、清水美咲、堀江祐二
普及広報／ TCAA：舟橋牧子、石川達紘、市川亜木子、上田理絵、関 朝子、トーキョーアーツアンドスペースオフィス

武智あさぎ、水品真実、水野谷花梨、鈴木優美、山田絵里〒135–0022

東京都江東区三好4-1-1東京都現代美術館内

Tokyo Arts and Space

TEL：03-5245-1142
FAX：03-5245-1154

Program Director: KONDO Yuki
TOKAS Hongo: OSHIMA Ayako, SUGIHARA Shun, TSUJI Makiko, ONO Junko, KITO Sakiko,
TOKAS Residency: OTAKE Kaori, HANAOKA Mio, UNO Ayumi, UCHIYAMA Fumiko,
UEDA Kaoru, SHIMIZU Misaki, HORIE Yuji
Art Mediation and Arts Promotion / TCAA: FUNABASHI Makiko, ISHIKAWA Tatsuhiro, ICHIKAWA Akiko,
SEKI Asako, TAKECHI Asagi, UEDA Rie, MIZUNOYA Karin,
MIZUSHINA Mami, SUZUKI Yumi, YAMADA Eri

Tokyo Arts and Space Office
4-1-1 Miyoshi, Koto-ku, Tokyo 135-0022(Located in MOT)
TEL: +81-(0)3-5245-1142
FAX: +81-(0)3-5245-1154

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GENERAL INFORMATION

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トーキョーアーツアンドスペース
アニュアル 2022
編集

杉本勝彦、トーキョーアーツアンドスペース（市川亜木子、関 朝子、武智あさぎ）

インタビュー

内田伸一

翻訳ロバート・リード（プロフィールを除く）、トーキョーアーツアンドスペース

インタビュー撮影

トヤマタクロウ

撮影

大野隆介、加藤 健、佐藤 基、髙橋健治、トヤマタクロウ、中川 周、丸尾隆一、
トーキョーアーツアンドスペース

デザイン

加瀬 透、本田千尋

印刷株式会社シナノパブリッシングプレス

発行

公益財団法人東京都歴史文化財団東京都現代美術館
トーキョーアーツアンドスペース事業課
東京都江東区三好4-1-1

発行日

2023年6 月16日

非売品・転売禁止

Tokyo Arts and Space
Annual Report 2022
Editors
Interviewer
Translation
Interview Photos
PhotosSUGIMOTO Katsuhiko, Tokyo Arts and Space (ICHIKAWA Akiko, SEKI Asako, TAKECHI Asagi)
UCHIDA Shinichi
Robert REED (except artist profiles), Tokyo Arts and SpaceTOYAMA Takuroh
KATO Ken, MARUO Ryuichi, OHNO Ryusuke, SATO Motoi,
TAKAHASHI Kenji, TOYAMA Takuroh, NAKAGAWA Shu, Tokyo Arts and Space

DesignPrinting

KASE Toru, HONDA Chihiro
SHINANO PUBLISHING PRESS CO., LTD

Published by Tokyo Arts and Space, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
4-1-1 Miyoshi, Koto-ku, Tokyo
Publication Date: June 16, 2023
The sale or resale of this publication is strictly prohibited.
©2023 Tokyo Arts and Space, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

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