読む美術館
リアス・アーク美術館収蔵作品による美術資料集

リアス・アーク美術館
目次：
読む美術館説明………………………………..……………………………….2
美術館について…………………………………………...………………..3～9①「美術館について」...........................................................................4②「美術館利用の心得」………………………………………............…..6③「知って得する美術館を楽しむ方法」……………………………..….8
美術作品との出会い………………………………………………………….10
時代や社会の中へ…………………………………………………………….12
美術の必要性………………………………………………………………….13
読む美術館 作品鑑賞…………………………...………………………15～51
平面作品＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿
千葉和男………………………..17
菅原 清………………………..18
佐藤健吾エリオ………………..19
齋藤 隆………………………..20
本田鼎雪………………………..21
浅沼信子………………………..22
相澤一夫………………………..23
森 彬…………………………..24
青野文昭………………………..25
鈴木修一郎……………………..26
澤口俊輔………………………..27
常山俊明………………………..28
加地保夫………………………..29
佐々木健治……………………..30
ササキツトム…………………..31
高山 登（平面）……………..32
杉本みゆき……………………..33
宮井里夏………………………..34
武田秀雄………………………..35
写真作品＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿
佐々木徳朗……………………..36
桜井孝一………………………..37
名倉康晴………………………..38
リンダ・バトラー……………..39
立体作品＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿
亀井陽逸………………………..40
安藤栄作………………………..41
ヴィクトル・ナガヌマ………..42
荒井俊也………………………..43
首藤 晃………………………..44
佐藤一枝………………………..45
福田憲史………………………..46
皆川嘉博………………………..47
岡田卓也………………………..48
高橋和真………………………..49
作間敏宏………………………..50
高山 登（立体）……………..51
付録……………………………………….………………………………53～62
１番の悩みどころ・具象作品と抽象作品について…….…...………….55
形而下と形而上…………………………………………………………….56「ものを見るということ」……………………………………………….57「作品を作る・表現するということ・美術の大切さと可能性」…….59
まとめ……………………………………………………………………….62
あとがき……………………………………………………………………….64

読む美術館
リアス・アーク美術館収蔵作品による美術資料集
この資料集の目的は有意義な美術館利用、美術に対するより深い理解と楽しみを得られるよう必要な知識や概念を分かりやすく提供することにあります。美術作品が無ければ美術館は存在しません。美術に対する深い理解
が美術館を理解することにつながります。
本資料集にはリアス・アーク美術館が開館以来収蔵（作家からの寄託寄贈）してきた美術作品が掲載されています。どの作品も過去にリアス・アーク美術館で展覧会を行った際に展示されていたもので、それゆえに美術館では作品（作家）に対してより深い理解と多様な情報を持っています。また美術館を訪れればその作品を実際に鑑賞することができます。
一方で美術館に対する理解を深めてもらえるように美術館全般に関する解説も資料として掲載しています。美
術館の根本的な理念は世界中どこに行っても共通のものです。例えば将来、海外旅行などをして外国の美術館を訪ねることがあった場合にも、知っておけば必ず役に立つ「美術館知識」をぜひ身につけて下さい。さらに美術に関する基本的な解説を付録として掲載しましたので資料としてご利用下さい。

①「美術館について」「美術館ってなんだろう」
美術館って実はなんなんだろう？「美術館ってなんですか？」というストレートな質問をされると「美術館とは○○です！」と自信を持って明確に答えられるものではないのでは。そうなんです。ですからまず美術館ってなんなのかをはっきりさせましょう。

まずは博物館について
博物館には色々な種類があります。歴史博物館、科学博物館、民俗博物館など。実は動物園も博物館なのです。そして美術館も厳密には「美術博物館」で、略して「美術館」なのです。
博物館が「博物館」であるためには色々な定義を満たしていなければなりません。その定義は国際的な基準を基に国によって定められています。

博物館の定義国際的な基準（イコム：国際博物館協会による定義）

日本の基準（博物館法による定義）

日本の定義は細かく、難しい感じがしますが内容的には国際的な基準と同じことを語っています。美術館も美術博物館として、これらの定義に則って運営されています。

博物館や美術館は楽しみのためだけにあるのではなく学習の場であり、人類共通の財産を収集し、保存研究をする場所なのです。そして大切なことはその時の思いつきで作る施設ではなく恒久的（いつまでもその状態を続けること）な施設で、非営利（収入を得るためではない）な施設であるということです。
美術館は美術博物館ですから美術品や美術に関する色々な資料を収集し保存、研究します。そしてそれらを定期的に展覧会として利用者に伝達します。
美術作品には様々な時代や文化を背景として、その時々に人間が考えた事柄が表現されています。そこに表現されていることは時代や文化を越え、人類共通の財産となりうる力を持っています。また共通でないとしても人類という多様な生物が持つ複雑な文化的差異（違い）や時代による社会通念（常識）の変化などを学び、未来を考える助けになる可能性も持っています。そういうものを「知的財産」といいます。美術
作品は「物」ではなくそのような人間にとって大切な知的財産なのです。ですから美術館は単に物を収集、保存、研究しているのではなく、過去・現在・未来という大きな時間をつないでいる場所なのです。
昨今の美術館事情
現在全国には何百館という美術館が存在しています。大規模な国立美術館、
県立美術館から私立美術館、法人が運営する美術館、市町村立美術館など、一口に美術館といっても規模も運営母体も資料内容も多種多様です。リア
ス・アーク美術館は気仙沼・本吉地域の広域組合が管理運営を行っています
ので、分類すると市町村立と同様の美術館になります。
全国的に見て美術館の運営は簡単ではなく、ここ数年でも閉館された美術館は少なくありません。
「非営利」を定義している美術館では収入にも限界があり、収入だけで館を維持してゆくことは非常に難しいことなのです。
多くの美術館は知的財産を支えようとする人間の良心や使命感、歴史や文化に対する畏敬の念、未来に対する責任感と愛情によって維持されています。
美術館や博物館が町にあるということはそういった意識が強いということのあらわれであり、それが維持できなくなるということはその逆を意味してしまいます。
美術館や博物館に対しては一般的な希望として「もっと分かりやすいもの、
楽しいもの、アミューズメント的な要素と観光施設としての魅力が欲しい」というような意識が強くなっています。しかし、はたして本当にそれでよいのでしょうか？私たちは美術館や博物館がなんのために作られたものなのか、しっかりと考えなければならない時期にきているのかもしれません。

②「美術館利用の心得」～世界共通のルールとマナーについて～
せっかく美術館に行っても楽しめなかったらつまらないです。 しかし楽しむことと自分勝手なわ
がままをすることは違いますね。やはり美術館を利用する時には守らなければならない独特のルールがありますから、そのルールを守って楽しまなければなりません。ここでは世界中どこに行っても共通する（守っていれば間違いない）基本的な心得を解説してみます。
まず、美術館とは最初に確認したように、人類共通の財産を管理しているところです。ですから当然それを壊してしまったりすることは間違いでも避けなければなりません。作品を守り、未来の人たちに伝えてゆくことは、実は全ての人に課せられている義務なのです。そのために次のような点に気を付けなければなりません。

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動物園と同じ最初に確認したように美術館も動物園も基本的には同じ博物館です。美術館の資料は美術作品ですが動物園では動物が資料になります。動物園には危険な猛獣から小動物まで様々な生き物がいます。例えばライオンの檻ならば普通檻
の周りにさらに柵がついていたりします。なぜなら危険だからです。また危険の無い小さな動物でも普通触ることなどはできないようにしてあります。小動物にとってはむしろ人間が脅威になるのです。動物園ではそれぞれの動物の習性を専門家が良く理解し適切な観覧の方法を提供しています。仮にそのルールを無視し、ライオンの檻に手を入れたなら、もしかすると腕ごともっていかれるかもしれません。かわいいからといって毎日何百人もの人が抱きかかえ、撫でていたら小さな動物は弱って死んでしまうかもしれません。動物園ではその動物が自然の状態でどのような生活をしているのかを伝えようとしています。
見る側もそれをじっくり観察し、人間との違いや共通点、その動物が暮らしていた環境のことなどなどを考えます。
美術作品の場合も同じように考えてみてください。
「触らないで下さい」という理由は動物の場合と同じで触ることによって触った側に危険がある場合と作品が壊れてしまう場合があります。
注意を無視し、ライオンの檻に手を入れて、仮に事故があった場合、ライオンを責めることができるでしょうか。興味本意で手を触れた動物がもしも死んでしまったら、もう生きかえらせることはできません。どれだけの後悔をすることでしょう。専門家は資料と、それを見る人の両方を事故から守るためにルールを決めています。そのルールにはやはり専門的な理由があるのです。

ライオンを見に動物園に行ったとします。
「アッ！ライオンだ！」で終わっていませんか？
もしもライオンに興味をもったなら、その習性や生態などを知りたくならないでしょうか？あの大きさの根拠はなんなのか、あの形はどんな進化の結果なのか、ライオンが暮らすアフリカのサバンナ
はどんな世界なのか、地球のどんな環境や歴史があの生物を育んできたのか…などなど。

美術作品も同じです。作品は例えるならライオンです。作家はアフリカのサバンナです。作家を育てたのが人類の歴史やその人類を育んできた地球環境ということになります。作品だけをただ見るのではなくそこから繋がる様々な関係を見てゆくと、一つの作品
からどんどん世界が広がってゆきます。

③「知って得する美術館を楽しむ方法」
展覧会を楽しむ方法：
基本編
展覧会を見に行ったとき、一番初めに何を見ますか？
作品でしょうか？
それともキャプション（作品タイトルなどが書かれたプレート）？
それとも解説の文章パネル？
人によっていろいろだと思いますが、まずやはり作品を純粋に見ることが大切でしょう。色々なことを感じて、自分なりに考えてみて、それからキャプションでタイトルなどを確認してみる。
ひと通り作品を見たら解説文などを読んでみて作家の人物像などを想像しながら、作家が何を表現しようとしているのか、見る人に何を考えて欲しいのか自分の考えと照らし合わせながら心の中で会話してみましょう。
そしてさらに、そのような作品や作家をなぜ美術館が見せようとしているのかを考えてみましょう。
展覧会は必ず目的を持って企画されています。最も大切なのは、作品や作家が語ろうとしていることを、展覧会を通して見る人に伝えること。そしてその内容が「人類に共通する命題を考えるうえで示唆に富んだ資料であり、それぞれの観覧者が抱える課題が展覧会を見ることによって具体化され、整理されることなど。つまり展覧会を見る場合、作品ひとつひとつが好きか嫌いか、きれいかそうでないかということをバラバラに見るのではなく、展示している全ての作品を通して考えられていることを読み取ることが大切です。時間をかけて作品を読み解き、展覧会全体が語ろうとしていることを理解すれば、これまで以上の発見があるはずです。

応用編
自分なりに展覧会や作品が理解できたら、その展覧会を企画した学芸員に話を聞いてみることもよい勉強になります。その場合ただ単に「教えて下さい」という姿勢にならず、「私はこんな風に考えたのですが」という自分の考えを自分から表現することが大切です。そうすれば次々はなしが広がってゆくことでしょう。また誰かと一緒に展覧会を見たならその人とお互いの考えを語り合うこともよいでしょう。
いずれにしても大切なことは自分が作品や展覧会を見てどう考えたのか表現することです。

鑑賞と表現は表裏一体なのです。

展示室以外の魅力：
美術館には展示室以外にもいろいろな楽しみがあります。例えばミュージアムショップ。そこでしか手に入らないような面白いものが売っていたりします。レストランを利用するというのも良いかもしれません。またどこの美術館でもそうとは限りませんが、ワークショップ（創作工房）を利用して自分で作品を作ったり、美術関係の本がたくさんある図書室を利用するなど、色々な楽しみがあります。またスペースを借りて自分自身が展覧会をすることも可能です。
美術館について、思いこみだけで実は知らなかったこと、たくさんありませんか？美術館という場所はいろんなことができ、いろんなことが考えられ、そしていろんなヒントがもらえる場所なのです。様々な先輩たちが残してきた知的財産を利用しないのは本当にもったいないことです。

さあ、美術館に出かけてみましょう！

美術作品との出会い：
人間は狩猟採集の生活をしていた時代から美術的（今日的な見方をすれば）な表現を行ってきました。それらの表現は主に人間の素朴な「願望」を目に見える形に表したものだったと考えられています。例えば、フランス・ラスコーの洞窟壁画。大きな牛や鹿など大物を捕獲したいという狩猟生活の願望や、不猟が続いたときの祈りとして描かれたものと解釈されています。
また精神的な思想を表現したものとして、様々な宗教的、呪術的な表現があります。例えば、オーストラリアの先住民アボリジニの壁画・ネイティブアメリ
カンの壁画・日本の土偶などがそのように考えられます。
また民族の歴史を記録するための様々な表現があります。例えば、エジプト・インカ・アステカなどの遺跡に見られる絵文字や絵画、彫刻表現など。
人間ははるか昔から様々な造形表現を行ってきていますが、それらを「作品」と呼ぶようになったのは実はずいぶん最近のことなのです。

美術表現は３00 年ほど前から少しずつ姿を変え、現在に至っています。
それ以前の美術は完全に職人の仕事で、いわゆる「技術」だったのです。
かつての美術家は時の権力者と深く関わっていました。写真もない時代には
例えば肖像画や彫刻として自分の姿を残そうとする権力者が、お気に入りの美術家を召抱えていたのです。また様々な宗教においてその宗教観を絵画や彫刻とし、広く一般に普及する役割を担っていたのも美術家です。かつて宗教は国政を左右する非常に重要な位置づけがされており、それを表現する美術家もまた特別な存在だったのです。ですから美術家の社会的地位は非常に高いものだったのです。ミケランジェロなどはそのよい例でしょう。

しかしそのような権力との関係は様々な革命などによって時代の変化とともに失われてゆきます。絶対君主制の廃止や民主化、政教分離の考えが美術家の社会的位置と役割を変化させました。それまで権力者によって擁護（パトロン制）されていた美術家は、実質的に職、社会的地位、社会的役割を失うことになったのです。

一方で、それまで一部の上流階級のステータスシンボルだった美術が、広く一般化されることにもなりました。
「自分の家にも絵がほしい」「自分の肖像画を残したい」といった庶民からの需要が生まれ、美術は少しずつ庶民の生活の中に浸透していったのです。美術家たちはそういった需要を頼りに生活するようになります。それまで雇い主の好みに答えることが義務付けられていた美術家は、束縛から解放されたことで、自由な表現ができるようになりました。また生活の安定よりも自分の表現を追及したいと願う多くの美術家たちがやがて「作家」となり、初めて今日的な意味における「美術作品」が誕生するのです。

日本の場合：さてあらためて、「美術作品との出会い」ということについて考えてみましょう。

現在、かつてのように誰かに注文されて「作品」を作っている「作家」
はまれです。もしかするとそういう人を現在では「作家」とは呼ばないのかもしれません。
「作家」、つまりアーティストは誰かに注文されるのではなく、社会にとって必要だと自分が考えるテーマを表現する人のことを意味します。また人類全体に向けて表現されたものを「作品」と呼んでいるのです。
目に見えにくいものや、気づきにくい事柄を一般化するための表現方法が美術であることは、はるか昔から変わっていません。ただ非常に個人的に狭い世界で表現されていた事柄が、全世界に向けられた表現へと広がったということなのです。
では「美術作品と出会う」とはどういうことなのでしょう？
美術作品を「物」だと思ってはいけません。美術作品は表現された「物」を媒体にして「意味」を伝えようとしているのです。それは文字表現と同じです。本を読むときに、文字の形や並び方などを見るだけで内容を無視するということはありえません。美術作品も同じように作品によって何が語られようとしているのか、内容を読むことが大切です。内容に触れることが「出会い」であって、それは「表面を見る」事とはだいぶ違うのです。「出会い」とはその先の深い関係を意味する言葉です。美術作品「アート」と出会うということは、その先の人生が変わってゆくことを意味するのです。

時代や社会の中へ：
長い歴史を経てたどり着いた「美術表現」。かつての職人的役割から開放され、表現の自由を獲得した
美術家は、様々な時代や社会の中で多くの芸術活動を展開してきました。

みなさんは普段、美術作品をどんなものだと思って、どんな風に見ているでしょうか？
どのような作品にも深い意味があるのだということを意識し、それを知るための努力や会話をしているでしょうか？

表現者は常に何かを伝えようと時代や社会に向かって問いかけてきました。しかし発信しても受信してもらえなければ世界は変わりません。
鑑賞する者が「芸術作品」とはそういうものなのだということを踏まえ、受け止めなければならないのです。人類が未来のために残してきた多くの知的財産が眠ったままになっています。なんと空しいことでしょう。
私たちは未来のために、意識を変え、もっと努力しなければならないのです。

美術の必要性：
かつて美術には明確な社会的役割が備わっていました。宗教や権力が美術を利用していた時代にあってはそれらと常に同等の社会的役割を美術は果たしていたのです。しかし時代の変化とともにそれらから分離した美術は、同時に社会的役割においても大きく変化することになったのです。

表現の自由を得た美術は作家を生み出してゆきました。
作家たちは自分自身が生きていることで感じる様々な人間的課題をそれぞれに見出し、独自の方法を探しながら美術表現してきました。
特に 19 世紀から２０世紀にかけて美術はそれまでの定義を大きく変えていったのです。
それまでの「いかにしてありのままの現実、自然、を表現するか」という姿勢が方向性を変え、「いかにして人間にとっての現実、感じる世界を表現するか」ということが表現の主役になっていったのです。そしてその表現はどんどん抽象化されてゆきました。
例えば、目の前に花があるとして、その花をどのように感じ、どのように認識するかということは文化的背景によっても、個人的感覚によっても大きく異なってきます。1000 人が見て 1000 通りの解釈があるとは言いませんが、１０通り程度の幅は生じるものでしょう。
そしてその内訳を見れば、9 割くらいの人は同じ解釈をし、残り 1 割くらいの人々が様々な解釈をするものです。つまり一般的、常識的解釈と個性的な解釈があるのです。
多くの場合、美術家は少数派の 1 割の中に属しています。一般の人が発見しないような切り口で物事を捉え、独特の価値観を表現してみせるのです。そしてその独特の解釈がそれまでの一般常識を覆してきた歴史がたくさんあります。現在の美術が担っている社会的役割は、そのように「定着してしまっている人間の価値観」をあらためて見つめ、新しい価値、より発展した価値観を築き上げてゆくために必要な「思考」を提供することにあります。そしてそのような役割は、これから先も変わることなく担われてゆくことでしょう。

美術は私たちにとってこれからも大切にしてゆかなければならない「社会的役割」なのです。

付録：

１番の悩みどころ……具象作品と抽象作品について※特に「抽象」ということについての解説

現在、美術館で目にする美術作品の半分が抽象作品といっても過言ではないでしょう。抽象表現は１９世
紀後半には美術の表現方法として定着し始めていますから、特に最近の傾向というわけではありません。
しかし、日本で西洋の抽象表現が一般化したのは戦後のことであり、やはりまだ理解が浸透していないのが現実です。さらに理解しがたい作品に対して「芸術」という言葉を当てはめ、イコール「意味不明な存在」と当たり前に考えてしまう傾向が続いてきたため、正直見方がわからないし、説明の方法も知らないという状態になってしまっています。現代の美術館、美術作品を理解し、楽しむためにはやはり抽象表現を理解し、受け入れることが大切です。

ということで、ここでは「具象」「抽象」、特に抽象について考えてみることにします。

具象と抽象具象とは「目に見えるかたち・見たままのかたち」といったような意味を持っています。また抽象とは「広く共通性を持った要素を抜き出すこと」といった意味があります。
例えばニワトリ、すずめ、ペンギンをその特徴がわかるように見たまま表現することを「具象表現」と言います。また鳥という共通性、例えば２本足、翼がある、クチバシ、飛ぶ…等の要素だけを抜き出して表現すれば「抽象表現」された個別性のない「鳥」の姿、つまり「鳥とは！」というかたちが生まれます。それぞれ個別に抽象化することもできるでしょう。ペンギ
ンならば色や形など特徴的な要素だけを抜き出して表現する
ことも抽象表現です。

「形而下 keijika と形而上 keijijyo」「具象・抽象」と似た言葉で「形而下・形而上」という言葉があります。ケイジカ・ケイジジョウと読みます。形而下とは「かたちのあるもの」という意味で、形而上とは「かたちを知覚できないもの・かた
ちをこえたもの・無形」という意味です。美術表現の中にはこの形而
上的な事柄をなんとか目に見える形で表現しようとする歴史、試みが数多く存在します。
私たちは普段、目にするものを自分が知っている形に当てはめ、確認することでものを認識しています。そうすることで安心して暮らすことができているのです。しかし生きていれば自分の知らない形や、
そもそも形を持たないものが突然、漠然と目の前に現れることもあるのです。例えば「自分の死」ということを具体的に経験することはできても、自らその経験を表現することはできません。そのためこれだ
け長い人類の歴史があっても、死ということには具体的な形が与えられずにいるのです。それから同じように「命」を具体的な形で明確に表現することもとても難しいことです。また「時間」を形で表すことも同じように困難です。
実は私たちの人生には形の無い、しかし生きてゆく上で避けることのできない様々な出来事がたくさんあるものです。美術家はそのような目に見えない重要な問題を、作品を通して「抽象表現」しています。

具象表現は具体的なものを表現していますが、それが何であるかを説明するために形をそのまま表現しているわけではありません。例えば戦場で泣き叫ぶ子供の姿を写した写真があるとします。その写真がうったえようとしていることはなんでしょう？「子供が泣いている」という目に見えることだけでしょうか？
具体的なものが描かれていたりしても、そこで語ろうとしていることは形のない思想や概念であるということは、実は普通のことです。私たちが感じることや考えることには形が無い、形では表されていないこと、
つまり形而上的なことのほうが多いのです。ですから抽象表現も具象表
現も実は表現しようとする内容の上で大きな違いは無いのです。
見た瞬間になんだか分からないということは普通のことなのです。相手を深く知ろうとすることで、だんだんに理解してゆくものです。

美術の話「ものを見るということ」
石はなぜ石か。ネコはなぜネコか。
普段当たり前に思っていることがなぜそうなのかを考えることが絵をかくこと、ものを作ることの基本です。
私たちは特別な能力がなくても「ジャガイモ」と「石のジャガイモ」と「粘土のジャガイモ」を見分けることができます。それなのになぜ描き分けることは難しいのでしょう？
目の前を走り抜けるネコを一瞬でネコと判断できるのに、ネコを正確に描けないのはなぜなのでしょう？

地名や県名を言われ、次の瞬間頭の中に詳細な住宅地図を思い浮かべる人は普通いません。簡単に日本地図を思い浮かべ、あとは漠然と認識します。普段私たちはそのようにものを見ています。

３種類のジャガイモの例についても同じ説明を当てはめることができます。形の上ではジャガイモですから、まず「食べ物地方、
野菜県ジャガイモ市」を確認するための地図が用意されます。この段階で認識された３種類に大きな違いはありません。普通ジャガイ
モは粘土や石ではありませんから、ジャガイモの形をしていれば「仙台も気仙沼も同じ宮城県でしょ」という程度の漠然とした定義の中で認識されてしまいます。
しかし見た瞬間に粘土は粘土、石は石、それぞれ作り物のジャガイモであることは判断できていることも事実です。これは、頭の中でいったん「食べ物地方、野菜県ジャガイモ市偽物町」のような別の地図が開かれるためです。ところがはじめの段階で「食べ物地方」という定義を優先してしまっていますから、本物、偽物の区別さえつけば「偽物の要素」である石や粘土の情報は必要とされなくなるのです。普段の暮らしで重要なことは、食べられるイモか食べられないイモかということですから。

言葉では「石のジャガイモ」「粘土のジャガイモ」と表現していても、「偽物町」と定義してしまった地図では石にたどり着くことはできません。このような日常的なものの見方では、石の情報、粘土の情報は手に入らないのです。石らしさや粘土らしさを描くことができないのは当然のことです。
たとえジャガイモの形をしていても石でできているなら「偽物町」ではなく「石町」と定義しなければなりません。そして「石町」に入った
ら、番地、番号を確認し、まっすぐに家までたどり着いてさらにドアをノックし、「久しぶりです！石さん、最近どうですか？」という会話をし、さらに初めて出会った頃の思い出話などしながら、石さんのことを良く思い出さなければ石を見たことにはならないのです。
「石さん、あなた食べ物じゃないでしょう？」なんて変な質問をしてはいけません。きちんと石と向き合って石がなぜ石なのか本質を見極めること。そこまでして
やっと石のジャガイモを表現することができるようになるのです。表面
だけで間違った地図を使ってしまえば絵を描くことはできません。

「作品を作る・表現するということ・美術の大切さと可能性」①「つくる」
なにかを作るという事にはどんな場合でもまず動機が必要です。それを作りたいという欲求がなければ人はものを作りません。また仮に作りたいという動機がはっきりしていても、それを実現するための技術がなければ思った通りにものを作り上げることは難しいでしょう。

◎自己実現欲＝なにかをしたいと思うこと◎自己実現力＝なにかを成し遂げるための力作りたいと思った瞬間は、まだ「無」の状態です。つまり動機と技術があればすぐにものが形になって目の前に現れるわけではありません。材料を考え、方法を考え、いきなりでは難しいとすれば試しにやってみたり、作りはじめる前に考えなければならないことがたくさんあります。
実際にその材料は手に入るものなのか、値段はどうなのか。その方法が適切だとして、はたして実際に自分自身でそれができるのかなど。
それでも作りたいとすればどうするでしょう。材料は必死になって探すことで手に入れられるかもしれません。もしどうしても手に入らなければ代用できるものを考えることも必要でしょう。
技術がないとすればまずその技術を身につけなければなりません。できる人に習うとか。自分で研究するとか。

何かを作るためには次のような準備が必要になります。
◎自分がイメージするものを目に見える形で認識すること（設計図、下絵、メモなど）◎自分がイメージするものをきちんと言葉で説明できるようにすること（文章など）◎最初に思い描いたイメージに少しでも近づけることができるよう最大限の努力をすること◎はじめからうまくいくとは限りません。何日も、何年もかかるかもしれません。心の準備を。

ここまでは「もの」、作品などを作ることの基本にある考え方を示してきました。しかしこの考え方は物作りだけではなく、さまざまな行為に共通し応用できるものなのです。

例えばスポーツでも同じことが言えます。勉強にも、人間関係にも、社会に出てからの仕事においても、恋愛においても…。
必ずしも求めた通りの結果が出るとは限りません。ですが、やりたいと思ったことのために最大限の努力をし、結果なにも残らないということはまずありません。そうしなければ得られなかった何かを手に入れることができるでしょう。それはその先の人生の糧になるはずです。
スポーツに打ちこむとき、誰もが結果を求め精一杯の努力をしています。しかし努力をすれば誰でも世界一になれるわけではありません。それでもそれ以外の喜びがたくさんあるからこそ多くの人々がスポーツに打ちこむのです。トップアスリートが「最後は楽しめるかどうかです！」という言葉をよく口にします。自分の中で得られる喜びは外部の評価とはまた違うもの。その喜びは本当に努力したものだけが平等に得られる喜びなのです。

「つくる」という考え方は、自分がしたい、なりたい、こうありたい、という望みをかなえる方法です。美術を通して学ぶこととはそういう「考え方」なのです。目の前に現れた課題に対して、何をどのようにすれば納得のできる結果が得られるのか。その色々なシミュレーショ
ンをしているのだと考えてください。そのような思考回路を持つこと
で人生は楽しく豊かになるはずです。

②「表現するということ・美術の可能性」
美術の授業というものは今のところ中学生までは義務教育、つまり必修科目になっています。なぜ美術は必要なのでしょう。
これまでお話ししてきたことがその答えです。しかしこれまでのはなしからすると、美術から得られることは同じようにスポーツを通しても得ることができることになります。実は音楽でも可能です。逆に言えばだからこそ体育と音楽も必修科目なのです。大きく言えばこれらは同じ思考回路を育むために行われている授業で、つまり色々な角度から同じ目的のために授業を行いながらどこかでその「こつ」をつかんでほしいということなのです。
「こつ」がつかめれば他のことにも応用がきくのです。
この三つの科目に共通する大きなテーマ、それは「表現」です。

スポーツも音楽も美術も一言で言えば「表現」なのです。
「表現」とは簡単に言えば「自分自身の存在を自分自身で確認、定義するための行為」です。私はいったい何者で、どこから来てどこに行くのか、
どんな意味があってここに存在しているのか！（自己確認）。さらに「私はどうありたい」のか！（自己実現）。

しかし人間は 自分自身を自分だけの力では確認できません。色々な時代、色々な国、地域、色々な文化をもった他人と比較することで自分が少しずつ見えてきます。だからスポーツは競争します。音楽はたくさんの人に聞いてもらい、美術はたくさんの人に見てもらいます。そしてコミュニケーションを図ることで自分がどのようなものなのか知ろうとします。つまり自己確認です。
自己確認を進める一方で、自己実現のためにスポーツ選手なら、より優秀な選手と自分を比較し、優れた選手の真似をしてみます。つまり学習するのです。
音楽ならたくさんの音楽を聴いて、やはり同時に真似ながら学習します。
美術ならたくさんの作品やさまざまな物、風景などを見て、そのでき方や在り方を真似しながら学習します。
それぞれに真似をすることで技術や方法を少しずつ身につけ、それらを利用して自分の表現を確立してゆく、つまり「こうありたい」自分へと定義してゆくための学習と努力が、自己実現を可能にするのです。
自分を知り、成長するためには他人が必要ですが、特に自分よりも優れた他人の存在が必要です。人類の歴史は長く、その長い歴史の中で人類が残してきた知的財産が世界にはたくさんあります。そういう優れたものに触れることで自分自身をより広い世界で定義することができます。
「この長い歴史、広い世界で、なにがしたいのか、どうすればできるのか、
私はなにものなのか！」
美術にはそのような「表現」を助けてくれる可能性がたくさん詰まっている
のです。

まとめ：
美術作品とは美術家によって表現された何かです。先にお話ししたように「表現」とは「自分自身の存在を自分自身で確認、定義するための行為」なのですが、面白いことに自分自身の存在を突き詰めて考えてゆくと、人類の歴史に興味を抱くことになります。また「そもそも人間とはなんなのか？」というもっと大きな課題にぶつかることにもなります。そういった課題にぶつかると、どうしてもより多くの人類史について勉強しなければならないという気持になります。

「人間とは何か？」実は人類が物心のついたときから考えつづけてきた大きな命題なのです。多くの芸術家がこの命題に向かい多くの解釈を作品として残してきました。美術館にはそういった様々な解釈の例が作品として展示されているのです。美術館に行って何を見、考えれば良いのか。つまり目の前にある作品が何を語っているのか考えるために見れば良いのです。私たちが生きてゆく上で必要な何かが誰かの表現から発見できるかもしれないのです。ぱっと見て解らなそうだからどうでもよい。もっとわかり易いものを！という意見もあるでしょう。しかしなんの努力も必要としない相手と付き合っているだけでは人は成長しませんね。わからない相手だからこそ自分自身に発見をもたらすものなのです。それができないとすれ
ば、本当にちっちゃな人間になってしまいますね。
自問自答だけでは人は前に進めないもの。だからこそ良い友人や家族、恋人、先生が必要なのです。そしてそういうものを人は「財産」と呼びます。いろんな時代の、いろんな国の、いろんな文化を持った人たちが作り出した作品を見るということは、いろんな価値観と自分自身の価値観を照らし合わせてみること。「今自分がここにいる」ということは「長い歴史と無限の未来が向き合っている点に立っている」ということにほかなりません。未来を作り出すのは今の自分。その手助けをしてくれる場所の１つが美術館なのです。そんな場所を利用しなかったら、とってももったいないですね。

まずはいろんな人のいろんな考えが面白いかもしれないという期待感を持つことが大切です。自分を開いてゆかなければ世の中は自分を受け入れてはくれません。
作品を開くことができるかどうかは見る人次第なのです。作品と見る人を繋ぐ場
所、つまり時空間を超えて人類の英知を繋ぐ場所が美術館。そして、仲介をしているのが学芸員。美術館には学芸員がいます。解らないことはなんでも質問して、いろんな話をしてみれば良いでしょう。

あとがき
一人の人間が生まれてから死ぬまでに出会う人間の数はどのくらいなのだろう。例えばごく一般的な人の一生を例に考えてみる。
ある家庭に生まれ、家族と出会う。親戚と出会う。親戚は１０年に一度顔を合わせるくらいかもしれない。家の外で遊ぶようになり同世代の近所の友達ができる。幼稚園に入り数十人の新しい友達ができる。小学校、中学校、高校と進む中で掛け算式に出会いが広がる。高校を卒業するころには沢山の地元の友人ができていることだろう。しかしそれでも、冷静に考えてみればわずか数十人としか関係を作れていないかもしれない。しかも同世代で同じ地域に暮らす人間が大半であろう。
まだまだ世界は広がりを持っていない。
高校を卒業し、縁のなかった土地の大学に進学したとする。そこには全国から集まってきたいろ
いろな人がいるかもしれない。また就職したとすると、全く世代の違う人たちの中で生活しなければならなくなる。そこまでいってもやはり「出会い」と呼べるほどの関係を築ける人間の数はそれほど増えない。結果的に、死ぬまでに出会える人間の数は百人にも満たないかもしれない。しかもその百人が気の合う人ばかりで、世代も近いとすれば、一生かけて得られる価値観は非常に狭く広がりのないものになってしまうことだろう。
この世界には様々な文化があり、また膨大な歴史がある。そしてそれを拠り所とする沢山の民族が暮らしている。日本という国一つの中でも様々な地域文化があり、言葉も少しずつ違っている。
人類はそのような多様な価値観の中でお互いを尊重し、助け合いながら生きてゆかなければならない。そのためには自分を理解し、相手を理解し、お互いにわかりあいたいという意識を持つ必要がある。
普通に暮らしていればごく限られた価値観の中だけで一生を送ることになる我々が、世界の様々な価値観を持つ人々とお互いを理解しあうことは簡単なことではない。自分自身のことを考えてみれば分かること。たった１０年生まれた年が違うだけでも私たちの価値観は微妙にずれ、お互いを理解しあうことは難しいのだから。
しかし人間はそのような中でも、長い時間をかけ、互いの価値観を共有する術を見出し、これまで生きてきた。その術の一つが美術なのである。他の生物とちがい、人は言葉によって互いの考えを理解しあうことができる。また言葉が通じなくても理解しあえる方法もある。例えば「音楽は国境を越える」と言われる。人類には少ないながらも共通の価値観というものがあり、その点に関しては言葉も文化の違いも障害にはならないが、逆に特定の文化における価値観が他の文化において理解しがたい場合もあり、そのような価値観のずれが人々を争いへと誘う。人間はそのように争いながら少しずつ価値観のずれを埋めてきたのだが、その記録ともいうべき人類の歴史、時の記憶を目に見える形にし、次の世代に伝えてきたものの一つが芸術であり美術なのである。
美術作品には様々な時代の多様な価値観が表現されている。我々は物理的に経験できない過去の出来事も美術作品を通して疑似体験することができる。また、実在しない事柄、例えば、人間の内面、精神世界を見ることも可能である。美術作品は、一生かけても実体験すること、出会うことができない価値観を我々に提供してくれるのである。そういうものを知的財産と呼ぶ。
「人間はどのようにできているのか？」

我々人類が追求してきた命題である。医学、科学、心理学、哲学、宗教学、芸術、etc…。様々な場でこの命題を解くために人類は絶え間なく自問自答を繰り返し、その成果を蓄積してきた。その蓄積は、手を伸ばせば誰にでも届く場所に書物や芸術作品として凝縮されているのである。
初めの問題に戻るが、人間が生まれてから死ぬまでに出会える価値観は非常に限られている。しかし書物や芸術作品として蓄積された人類の知的財産、価値観の集積を紐解いてゆけば、「時空間を越えた出会い」が得られるのである。人間は肉体でもあり、心でもある。肉体は肉であり骨であり血液である。エネルギーを補給し、代謝を繰り返し維持される体。心も同じようにエネルギーの補給が必要であり、代謝が必要なのである。この一冊の冊子には複数の作家と、作品を紹介している。
非常に限られたものでしかないが、それでも多種多様な価値観を我々に提示してくれるものになったのではないかと思う。一つの作品から人類の歴史や文化が連鎖的に見え、広がってゆく喜びをより多くの人に知ってもらえれば幸いである。
著者