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ALCHEMYIn memoriam...
[02 Aug 2021] Joey Stack = Jo Benjafield (Sängerin bei Lo Yo Yo, Officer!)[29 Aug 2021] Lee "Scratch" Perry (jamaikan. Dubwizard), 85[29 Aug 2021] Ron Bushy (US-Drummer bei Iron Butterfly's 'In-A-Gadda-Da-Vida'), 79[02 Sep 2021] Mikis Theodorakis (griech. Komponist), 96[21 Sep 2021] Richard H. Kirk (Cabaret Voltaire, Sandoz), 65[29 Sep 2021] Bronius Kutavičius (litau. Komponist), 89[13 Oct 2021] Andrea Haugen (Neofolk- & Dark-Ambient-Sängerin - Hagalaz' Runedance, Nebel
hexë, Aghast Manor), 52 [als eines der Opfer des Bogenschützen in Kongsberg][21 Okt 2021] Hartmut Geerken (dt. Allrounder, von Achternbusch bis Stirner und Sun Ra), 82

BA's finest disc-overies 2021
Aquaserge – The Possibility of a New Work for Aquaserge (Crammed Discs)
Julius Eastman [Ensemble 0] - Femenine (Sub Rosa)
Frode Haltli – Avant Folk II (Hubro)
Alexander Manotskov – Requiem, or Children's Games (Fancymusic)
Mzylkypop – Kiedy Wilki Zawyja? (Discus Records)
Palo Alto – Difference and Repetition (Sub Rosa)
Red Kite – Apophenian Bliss (RareNoise Records)
Laurent Saïet – After the Wave (trAce Label)
Shibalba – Nekrologie Sinistrae (Orchestra Noise Opus I) (Agonia Records, 2020)
Luise Volkmann LeoneSauvage – Dreams to Come (Umland Records)

Das unglückliche Bewusstsein ist aber die einzige Bewusstseinsform überhaupt,denn das Glück ist bewusstlos. Die Leute wollen sich zerstreuen, um bewusstlos glücklich zu
werden... Es ist ein Glück, das sowohl intellektuell als auch moralisch und ästhetisch auf dem
Niveau der Kinderstube steht.
V. Flusser

Die Realität ist der sichtbare Mangel an Widerspruch.
L. Aragon

Louis Aragon - Libertinage; Pariser Landleben
Isabelle Autissier - Herz auf Eis
Bov Bjerg - Serpentinen
Daniel Bosshart - Geteilter Traum
Christophe Dabitch & Jean-Denis Pendanx - Jeronimus [über Jeronimus Cornelisz (1598-1629)]
Peter Englund – Schönheit und Schrecken. Eine Geschichte des Ersten Weltkriegs
Tomas Espedal - Gehen oder die Kunst, ein wildes und poetisches Leben zu führen
Vilém Flusser – absolute
Theodor Fontane - Vor dem Sturm
Oskar Maria Graf - Gelächter von außen
Katharina Hagena - Was die wilden Wellen sagen. Der Seeweg durch den Ulysses
Hermann - Die Türme von Bos-Maury: Babette - Der Schäfer - Das Kloster
Morten Hesseldahl & Henrik Rehr - Kubanischer Herbst [über Jan Stage, Monika Ertl, Che Guevara]
Reinhard Kleist - Johnny Cash. I See a Darkness
Nastassja Martin – An das Wilde glauben
Poe/Kubin - Die denkwürdigen Erlebnisse des Arthur Gordon Pym
Osamu Tezuka - Adolf
Jules Verne - Fünf Wochen im Ballon
Warnauts & Raives - Zeitenwende
Carl-Henning Wijkmark – Nahende Nacht

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Back to Live:
Widersacher aller Liedermacher, Sara Teamusician
und The Instant Voodoo Kit
Die Krux mit dem Corona-Virus ist noch nicht ganz vorbei, doch kehrt mehr und mehr
Normalität ein. Was auch bedeutet, dass endlich wieder Konzerte stattfinden. Mit
Betonung auf Endlich! So richtig in live. Mit Publikum direkt vor der Bühne. Ohne die
Notwendigkeit eines Zwischenmediums wie PC oder Tablet. Wenn man zwei Gigs von
Straßenmusikern außenvorlässt, bedeutete 2020 für mich die totale Nullnummer, wasKonzertbesuche angeht. Ein besonders kalter Entzug, wenn in der gleichen Statistik
für 2019 die Zahl 21 steht. Doch diese entbehrungsreichen Zeiten sind seit dem 5.
September 2021 vorbei. Am letzten Tag des verspäteten "Umsonst & Draußen 2021"(nicht wie üblich auf der Talavera, sondern etwas weiter draußen auf den Zellerauer
Mainwiesen) in Würzburg spielen am Sonntagabend die Widersacher Aller Liedermacher auf. Eigentlich eine Würzburger Band, aber Frontmann, Sänger und Gitarrist
Matthias "Matze" Wolf hat die übrigen Musiker – Julian Hdrina (Schlagzeug), Marcel
Doudieh (Gitarre, Saxophon), Joris Conrad (Keyboard) und Cornelius Grömminger(Kontrabass) – mit dem Spirit seiner oberpfälzischen Heimat gespeist. Gemeinsam
zelebriert das Quintett eine eigenwillige Mischung aus Folk/Volksmusik, Jazz undRock mit einer klitzekleinen Prise Reggae. Besungen werden etwa die Sehnsucht
nach der Kindheit ('Wieda zruck'), eine arrogante Dorfschönheit ('Anamirl') und derWind als Metapher für die Vergänglichkeit des Lebens ('De Bris', so auch der Titel des2020 veröffentlichen Debütalbums). Während sich die 'Bergpredigt' gegen Gentrifizierung und die Zerstörung der Natur wendet, gibt es mit 'Hans' ein Lied, welches
sich als Lockdown-Song anbietet ("Ah geh Hans, geh, bleib dahåm..."). Beim Liedüber ein Gruselcafé im tschechischen Eger kommt fast Dark-Cabaret-Atmosphäreauf. Die Texte sind in oberpfälzischem Dialekt und Englisch, wobei hier die Übergänge fließend gestaltet werden, Mundart-Scat inklusive. Bis auf den gemächlicheren
Ausklang hat mir diese Mischung aus Hubert von Goisern und die Alpinkatzen,
Konstantin Wecker und Kuhn Fu gut gefallen, dem Publikum sicher auch. Und Matze
ist selig, dass die Band wieder vor Zuschauern spielen darf. Basst scho, basst scho...
Fünf Tage später eröffnet Sara Teamusician (bürgerlich Sarul Dubriel) im Rathaushofd i e STRAMU Pflastertöne, die Corona-bedingt bestuhlte Ersatzveranstaltung desWürzburger STRAMU. Die Singer-Songwriterin stammt aus der Mongolei und kam als
Kind nach Berlin. Das Studium der Zahnmedizin brachte sie 2014 nach Würzburg.
Ihre entspannt-verträumten Songminiaturen in Deutsch oder Englisch sorgen für eine
wundervoll entschleunigte Stimmung im meist hektischen (und baustellenlärmverseuchten) Alltag. 'Stadtkind' besingt die unterschiedlichen Vorlieben bezüglichdes Lebensmittelpunktes oder möglicher Sehnsuchtsorte ("Ich bin lieber Stadtkind.

Du liebst die prächtigen Berge. Ich komm mal wieder nach New York, du Richtung
Alpen."). 'Mister Moustache' handelt von einer Frau aus Amsterdam, die in Kopen-

hagen einen Mann mit besonderem Schnurrbart trifft und sich in diesen verliebt. Die
Beziehung endet allerdings, als sich der Geliebte seine Gesichtsbehaarung entfernt.
Diese kleinen poetischen Geschichten, die leicht verspielte Gitarre und Saruls
angenehm tiefe, sanfte Stimme eignen sich perfekt zum Noise-Detox. Üblicherweise
wird Sara Teamusician vom studierten Jazz-Kontrabassisten Janosch Korrell
begleitet. Doch bei den Pflastertönen bildet Johannes Liepold mit seiner Bassklarinette die Begleitband, was der Musik eine smoothjazzige Note verleiht. Für'Tagträumer', dem Titelsong ihres Ende des Jahres erscheinenden Debütalbums,
setzt sich Sarul ans Keyboard und entlockt diesem niedlich-vertrackte Töne. Ein
Konzert als perfekter Start ins Wochenende.
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Am darauffolgenden Tag kann ich mich gerade noch rechtzeitig von einer kleinen Familienfeier loseisen, um zum Bechtolsheimer Hof zu sprinten. Das Würzburger Jugendkulturhaus feiert an jenem Wochenende seinen 30. Geburtstag mit acht Konzerten im
Schulhof. Jugend und 30. Wiegenfest sind bei mir schon etwas her, aber der Auftritt von
The Instant Voodoo Kit trotzdem Pflicht. Außerdem stellen die Voodoos mit vier von mir
besuchten Konzerten einen neuen persönlichen Rekord auf. Blackmore's Night, Dead Can
Dance, Worldservice Project und die Sanderauer Elektro-Nonnen von Hildegard von Binge
Drinking (je drei) haben das Nachsehen. Leider finden statt der üblichen zehn bis dreizehn
Musiker nur sieben auf der kleinen Bühne Platz, doch tut diese numerische Reduzierung
der Voodoo-Power keinen Abbruch. Die Gassenhauer um See(len)räuber ('Soul Eating
Pirates'), ewige Jugend ('Peter Pan'), das Los siamesischer Zwillinge ('Duet for a Lifetime')und das Kabinett eines Magiers ('Dr. Parnassus') haben nichts von ihrer freakigen Energie
verloren. Dazu gibt es den knalligen Mode-Mokier-Song 'Leggings sind keine Hosen' und
aus aktuellem Anlass einen kleinen Pandemie-Tango, für welchen sich die an jenem Abendrein männlichen Voodos um Sänger/Frontmann Elmar von Grünewald eine junge, Rasseln
schwingende Frau auf die Bühne holen. Fast alle Songs kenne ich mittlerweile beinahe
auswendig, aber dennoch möchte ich diese mitreißende Performance, die auch das
Hauptklientel des B-Hofs zum ausgelassenen Tanzen bringt, nicht missen. Erst recht nicht
nach so langer Konzert-Abstinenz.

Return to Freakshow:
7For4 um vier und Schockwellentherapie mit Albatre
Auch die Freakshow-Konzertreihe von Altmeister Charly "Rock'n'Roll!" Heidenreich ist
auferstanden aus Ruinen. Bereits am 30. September 2021 gab es mit dem 14. Konzert vonPanzerballett den Restart, welches ich leider wie alle anderen 13 verpasst habe. Am 3.
Oktober dann die Rückkehr der traditionellen Late Matinee im Würzburger Gruselkeller
namens Immerhin. Um kurz nach vier beginnen 7For4, eine Münchner Formation mit
Wolfgang Zenk an der Gitarre (Leiter des Münchner Gitarreninstituts), Markus Grützner
am Bass und Bebo Herrmann an den Drums. Extra für Charly und seine Freaks sind die
Instrumentalrocker nach ein paar Jahren Pause wieder zusammengekommen. Auf der
Bühne feiert das Trio (früher ein Quartett) vor allem das 20jährige Jubiläum des 2001
veröffentlichten Debüts "Contact". Wolfgang Zenk eröffnet die meisten Tracks mit ruhigem Solo, bevor dann seine Kollegen mit hohem Tempo einstimmen. Bei 'Russian' mutiertdas Schlagzeug zu Militärtrommeln. 'Tokamak' wurde sehr zur Verblüffung des Trios vonder japanischen Schülerband Waseda Chanson Society gecovert. Am Ende werden'Burned Chicken Wings' mit Americana- und Country-Anleihen serviert. Das haut michehrlich gesagt nicht wirklich aus den Latschen, aber als Wiedereinstimmung auf die
Freakshow wirkt der Auftritt ganz passabel.
Gekommen sind die meisten ohnehin wegen Albatre. Zuletzt hatte uns arme kleine Freaks
das in Rotterdam wohnhafte portugiesisch-deutsche Trio vor ziemlich genau zwei Jahrenin einen Vortex der Verdammnis gezogen und als neue Menschen wieder ausgespuckt.
Heute haben Gonçalo "Gonzo" Almeida (Bass), Hugo Costa (Altosax) und Philipp Ernsting(Drums) keine hypnotischen Projektionen dabei. Die braucht es aber auch nicht!
Angeführt von Bass-Berserker Gonzo entfesseln die drei Alabastoren eine massive,
sinnflutartige Jazzcore-/Noise-Schockwelle auf das Publikum, um uns von den eigenen
Dämonen zu reinigen. Sax-Buddha Hugo droht bei dieser brachialen Wucht fast ein wenig
unterzugehen, changiert zwischen sirenenartigen und tiefen Tönen, während Philipp seine
Hände und Sticks auf Dauerfeuer gestellt hat. Vielleicht bin ich noch zu sehr "Jungfreak",aber einzelne Stücke sind für mich bei dieser puren und doch überaus abwechslungsreichen Urgewalt kaum zu erkennen. 'The Fall of the Damned'? 'A Descent into the Maelstrom', das sind alles mehr als passende Titel. Jedenfalls dürften die (hinterher etwas
rauschenden) Ohren jetzt wieder klar auf Freakshow-Frequenz kalibriert sein.
Marius Joa
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The Return of the real FREAKSHOW ARTROCK FESTIVAL

Am 8. und 9. Oktober folgte dann das Megaevent des Jahres: das Freakshow Artrock
Festival 2021 im Felix-Fechenbach-Haus, im Würzburger Stadtteil Grombühl. Nachdem
das Festival 2020 leider kurzfristigst abgesagt werden musste, ist die Wiedersehensfreude in der Freakshow-Familie nach zwei Jahren riesig und äußert sich teils in langen,innigen Umarmungen. Mit Maske und festen Sitzplätzen kommt nicht ganz das übliche
Feeling auf (auch die charakteristischen in die Menge gebrüllten Nummern der Essensbestellungen fehlen irgendwie), aber egal. Den Freitag eröffnen PoiL. Leider nicht Le
Grand Sbam, nur Poil. Aber Antoine Armera (Keyboards), Boris Cassone (Gitarre) und
Guilhem Meier (Drums) bilden gemeinsam mit Benoit Lecomte von Schwesterband Ni! undder Japanerin Junko Ueda diesmal immerhin PoiL Ueda. Statt üblichem Dur-et-DouxGedaddel, gibt es die Adaption des Versepos "Heike-Monogatari", das vom Kampf zweier
verfeindeter Clans im Japan des späten 12. Jahrhunderts erzählt. Traditionell wurdensolche moralisch gefärbten Erzählungen früher von umherreisenden blinden Mönchen mit
Gesang und Biwa, einer Kurzhalslaute, aufgeführt. Junko Ueda setzt diese Kunstform fort,
schlägt mit einem (in meinen schlechten Augen aus der Ferne wie ein Fächer aussehendes) Plektrum auf ihre Biwa ein und besingt den großen Zwist zwischen den Taira,einem Samurai-Clan, und den vom Kaiser unterstützten Minamoto. Ein großes Drama um
Verrat, Bruderkampf, Liebe und eine große Seeschlacht, unterstützend vertont vom PoiL,
die dem spätmittelalterlichen Stoff eine moderne, avantgardistische und gleichzeitig leicht
psychedelische Note verleihen. So erwacht die mündlich überlieferte und im 14. Jahrhundert erstmals schriftlich festgehaltene Geschichte vor dem inneren Auge zum Leben.
Junko Ueda darf zwischenzeitlich auch ein eindrucksvolles Solo absolvieren. Mit diesem
Projekt ordnen sich PoiL auf ihre Weise einer anderen Erzählform unter und beweisen,
dass sie sich weiterentwickelt haben. Selbst der Ni!mmermüde Bassist Benoit Lecomteschafft es die ganze Zeit stillzusitzen. Mit 'Dan no ura' gibt es bisher nur ein Stück dieses
Sets auf PoiLs Bandcamp-Seite.
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Leider kein positives Urteil kann ich über Colonel Petrov's Good Judgement fällen. Die
Performance des Kölner Quartetts – Sebastian Müller (Gitarre), Leonard Huhn (Saxophon,
Gesang), Reza Askari (Bass) und Rafael Calman (Schlagzeug) – langweilt mich. Interessante musikalische Ansätze werden in Dissonanzen scheinbar zum Selbstzweck erstickt
oder niedergebrettert. Natürlich kann man den Musikern ihre Fähigkeiten überhaupt nicht
absprechen und sie bieten durchaus mehr als totales Geschrubbe, aber im Vergleich zu
anderen Bands auf diesem Festival fallen CPGJ leider ziemlich ab.
5Ein anderer Kölner, Bandleader Christian
Achim Kühn, hat sein internationales Ensemb l e Kuhn Fu nicht nur von Amsterdam nach
Berlin übergesiedelt, sondern auch um hochkarätige Neuzugänge erweitert. "Alpha Male"John Dikeman (u.a. Spinifex) am Tenorsaxophon und die grünhaarige, superhippe, argentinische Baritonsaxophonistin Sofia Salvo (siekönnte einem Comic von Alan Moore entstiegen sein!) ergänzen Kühn (Gesang, Komposition, Gitarre), Ziv Taubenfeld (Bassklarinette) aus Israel, Esat Ekincioglu (Kontrabass) aus der Türkei und den britischen
Drummer George Hadow zum Sextett. Das
bedeutet mit den drei Brassketieren Dikeman,
Taubenfeld und Salvo vor allem viel mehrPower an der Blechbläserfront, mit überaus
abwechslungsreicher Dynamik. Eine weiteregute Nachricht: der marode Kontrabass
wurde repariert und zeigt sich nun völlig DuctTape-frei! Neben einem kleinen Besuch bei'Nosferatu' (wer dessen Bräute sind, kannman sich sicherlich denken) und dem 'EigerNordwand'-Bergsteiger-Drama mit unerwartetem Twist gehört der Großteil des Konzerts
der Jazzrockoper von Marcel dem Champignon, als postmoderne Version des bereits
von Kuhn Fu besungenen, norddeutschen
Märchens vom Fischer und seiner Frau ("Butt-je, Buttje in der See. Meine Frau, die Ilsebill,
will nicht so, wie ich wohl will."). Doch anstatt

der Parabel um Gier und Macht dreht sich alles um die Abenteuer des begabten Musikers
Marcel, der von einer künstlichen Intelligenz
namens Ilsebill.com mit Ideen beauftragt wird
und sich daher auf die Suche nach Inspiration
begibt. Eine Musiker-Heldenreise im Spannungsfeld zwischen Kreativität und Kommerz,
als Kritik an den Mechanismen des Musikbusiness und der sozialen Netzwerke, vom
todschicken Zampano Christian in teurem
italienischen Designerhemd als Moritat ins
Mikro geschmettert. Vor lauter musikalischem
Magic-Mushroom-Effekt sehe ich bald schon
den Kontrabass mit Esat tanzen. Die Begeisterung über einen solch famosen Gig ist
auch deswegen groß, weil das schräge Musical mit zusätzlichem Live-Material schon bald
auf dem neuen Doppelalbum der Kuhn-FuFighters erscheinen wird. Und für etwa 90
Minuten habe ich vergessen, dass ich Champignons nicht mehr sehen kann.

Text [Friday] Marius Joa – Pictures Monika Baus:
Gilles Le Rest (p 5, 8) - Junko Ueda – Dikeman, Taubenfeld, Salvo, Ekincioglu - Sigrid Aftret (p 6)6

Samstag. My Man Friday ruft an, man würde mich vermissen, und da die Sonne imhöchsten Grad scheint, lasse ich mich gern nach Grombühl locken, wo nach den „Da isser
ja“-Präliminarien Hydropuls den Dampfnudelnachmittag eröffnen. Als Saarländer Brandstifter und 'Highspeed Underground'-Feuerwehr. 'Pump Up the Jazz' heißt die Parole vonThomas Lengert & Christof Thewes als Ko-Kommandanten an E-Bass und Posaune, die sie
mit Hartmut Osswald an Baritonsax und den beiden Uhls, Bluesguitarspeedy Johannes
Schmitz und Trommelwirbler Martial Frenzel, in die Tat umsetzen. Die Hitzewallung im
signalroten Bereich, der Wasserdruck der Spritze ebenso enorm. Einzig 'Dead Eyes under
Water' lässt in Gedanken an das Mittelmeer als Migrantengrab anderes zu als Partystimmung und Hitzewallung.
'Wasted Time'? Der den Freaks als Bassmann von Alex's Hand bekannte Kellen Mills ist zu
selbstbewusst, um da böse Zungen auch nur in Erwägung zu ziehen. Mit Toms Rudzinskis(as), Omri Abramov (ts, ewi-elect.), Ruben Bernges (e-g), Dante Uccello (p, synths, electr.)
und Henry Hahnfeldt (dr), kurz Tryon, stimmt er als nächstes 'Wooden Chair' an, wörtlichzu verstehen, denn mit Ganna Grynvia spielt eine Sängerin die Hauptrolle, an der man
versucht ist, Namen wie Elaine di Falco auszuprobieren, Caveman Shoestore, Thinking
Plague... nicht wirklich, aber grobe Richtung. Artrock halt, soweit das im Bassbrei zu
erkennen ist, Uccello immerhin bezaubert mit einem barfüßigen Keys-Calypso. Danngeht’s ums Internet, mit entsprechend kakophonem Sarkasmus, erst downtempo, dannostinat blockernd, mit einem hervorstechenden Duett von Bergnes und Mills und jazzigem
Altosax. Um die Frotzelei zur folgenden Ballade zu goutieren, weiß ich zuwenig von„Hasselhoff“, die Spannung schwankt zwischen wuchtig und ätherisch. Zum Thema 'Fate'(oder Fake?) geht der Beat tamtamtam, die Keys wiederholen tüt-tüt-tüt, Highlight ist ein
lettisch-israelisch tirilierendes Saxduett, auf das der Bass furzt, auch der Humptatabeat
gehört zur Kategorie 'sarkastisch'. Am besten gefallen hat mir, wie nun zartem Klavierintro kapriziöser Gesang folgt, fast wie bei After Dinner, von lyrischem Sax begleitet,
Grynvia lässt Stichworte wie promisses, history, culture... mit Delay verhallen, tell me tellme tell me... Dann führt eine gitarrenbemurkste Brücke zu einem weiteren Guitar-BassDuett in pickendem Staccato, das akzelerierend crescendiert und in abgehacktem
Sprechgesang endet. Usw., ich finde diese Artrocksong-Ambition ansprechend, aber das
gehört transparenter abgemischt, und daher zieht's mich zur Futtergrippe.
Anstelle von Oiapok kommen mit Sex Magick Wizards doch tatsächlich mal Norweger,
gitarrenheroisch angeführt von Victor Bomstad und links Sigrid Aftret als Tenorsaxmelodikerin in langem Gewand und mit 'ner Art Fez, mit Henrik Sandstad Dalen (von Rowland's Evil Jazz Trio) am Bass und an den Drums Ingvald André Vassbø (der in Kanaan und
mit Signe Emmeluth in Barrage trommelt). Gräbt man im Überbau der Wizards, findet man
sie thelematisiert in einem Drudenfuß aus Aleister Crowley, Qliphoth-Götzendienst unddem Ziegengott höchstselbst. Uptempo und jazzrockdynamisch wie ihre Rune-Grammofon-Vorbilder Shining, Elephant9, Ultralyd, Bushman's Revenge, Panzerpappa, gleichauch mit einem Drumsolo. Doch zu gradualem Bass und Gitarrenmelancholie fährt
orientalisierte Rhythmik der verzerrten Wehmut in die Parade, Aftret ululiert, Bom stadtremoliert, der Drummer hackt und knüppelt Beatgewitter übers kakophone Partychaos,das kontrastiert zum schmerzlichen Feeling der Gitarrendistortion und tenorhymnischeskaliert. 'Love is the law / Love Under Will'. Doch trommlerischer Treppensturz droht die
Gitarre mitzureißen und sie kann sich nur virtuos wirbelnd dem entziehen. Ein unkender
Bassriff dreht einen Drehwurm, Bomstad eifert in bluesiger Rhetorik, Aftret vertieft die
Tristesse mit äthiopischem Tenor. Die wilde Jagd fällt in donnernden Galopp, das Sax
oriflammt vorweg, Paukenschläge grollen, Eisen tickt, zu zeitlupigem Bassloop heult
schwallendes Gitarrenfeedback auf in höchsten Tönen, in die das Saxofon mit einfällt. Mit'Spiritual Community' stimmt Bomstad zuletzt sogar das Magickbekenntnis an und wirbt
für diese Magick Wizardry. Doch hat man die nicht bereits ohne Worte verstanden? Sooder so, da scheiden sich Freaks und Partyanimals in Böcke und Lämmer.

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Voilà, Free Human Zoo aus Paris: Mit Keys, Posaune, Klassikbass, E-Gitarre, Altosax &Klarinette und ihm selber an den Drums offeriert Gilles Le Rest ambitionierte Ensemblemusik vom Blatt – vielen Blättern – , und ich denk mir anfangs: 'n bisschen wie
Aranis, gradual-repetitiv, angejazzter, angerockter Third Stream 2.0, Ravels „Bolero“ alsmarschierendes Leitmotiv. Die Gitarre von Alexis Delva (aus dem Hause Anaïd) jault zu
wuchtigem Staccato, die Klarinette von Matthieu Metzger (Killing Spree, Théo Ceccaldi
Freaks) tiriliert zur kollektiven Wallung, der 'Bolero' akzeleriert, Pianozweiklänge vonCamille Petit (von den grandiosen Ghost Rhythms und Kopf von Lady With) stecken die
Klarinette an, Welle für Welle, das Piano kreist, der Beat hinkt und tremoliert zu jetzt dem
E-Bass- und Posaunenpuls von Béla Bluche (Anoesis Trio) und Laurent Skoczek, die
Gitarre krächzt zu Kapriolen des Pianos. Und das quirlt weiter, Welle für Welle, als
hypnotischer Flow, Le Rest klappert, die Posaune groovt, Delva klimpert mit Latinflair, die
Klarinette wirft immer schnellere Wellen, und das erhöhte Tempo wird, vogelig übersprudelt, neuer Konsens. Die Gitarre treibt und fräst, das Tempo überschlägt sich,Posaunen-Wahwah feuert den Wiederholungszwang an, die Gitarre kriegt sich nicht mehrein – Steve Reich à la française, mit Present-Pathos, die Posaune, die Klarinette – was fürein Sturm, Prestissimo, bis zur Ekstase, zur Erlösung? Nur langsam kommen sie runterund der letzte Trommeldonner verhallt. Doch ich sollte im Boden versinken, denn dieses'Bab'Y' ist Babyn Yar, was da marschiert, waren die Einsatzgruppen, was da erinnert wird,
sind die Opfer der deutschen Raubtiere im Menschenzoo, den 'fröhlichen Kameraden'
unserer Väter. Besiegt durch die 'Forces vitales' und 'Musiques de l'Ivresse'. Schluck. Und
auf uns so naiv Euphorisierte wartet ein zweiter Brainstorm – als Dröhnscape, der anhebt
mit rieselnder Rahmentrommel und Pianopoesie, rauschender Cymbal, surrendem Bassstrich. Posaune, Altosax und Gitarre stimmen ohne Worte eine Ballade an, zu kreisendem
Piano streicht Bluche Spaltklänge, die Posaune schmust, die Gitarre schmachtet, derBeat pocht, alles kreist, nichts bleibt wie es ist, Blatt für Blatt selige Monotonie. Bis dochmit einem Ruck und Beckencrash ein neues Plateau erreicht wird, wo schnelle Repetitionen dominieren. Flickerbeat setzt sich mit auf einmal schwerem Tritt in Marsch,ostinat und unternehmungslustig, die Klarinette tiriliert. Groovt das vorwärts oder spiralt
das aufwärts, kreiseln da beschwingte Derwische?
Ist das plötzlich ein Wiegenlied, oder drehen wir
noch eine Runde? Das Piano schwankt. Und findet
als Kompromiss einen halb seligen, halb melancholischen Groove. Noch sind wir nicht müd',
ach wie schön das klingt. Die Klarinette jubiliert inhöchsten Tönen. Und weiter rauf mit der Drehzahl,
der Gitarrenglut. Macht das Tor auf, macht das Tor
auf. Dumpfe Schläge hämmern, Fanfaren blasen.
Jerichoo. Was Gewalt nicht schafft, schaffen vielleicht wirbelnde Tänzer. Nochmal Luft holen, derBass kennt die Formel, alle kennen den Dreh. Doch– Überraschung: Easy does it. Eine zärtliche Melodie, Moonlightpiano, zittriger Beat und ein getragenes Alltogether in Gitarreneuphorie, Piano, Getrommel und Geklingel, Cymbalrausch. Doch statt
Ergebung ist die finale Lösung ein 4/4-Takt, martialisch und jerichoposaunisch. Held für Held geht
von der Bühne ab, bis nur noch Bass und Drums...
Mir bleibt die Spucke weg, da bleiben nur Standing
Ovations. Und der obligatorische Konsens: Vivat
Charly! So kann's gehen. Möge die Gnade derspäten Geburt mit uns und uns mehr Musiquefantastique beschieden sein wie 'Bab'Y', wie „The
Lodge“ von Lady With, wie „Madeleine“ und „Imaginary Mountains“ von Ghost Rhythms.
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over pop under rock(Montréal)

Seit Radwan Ghazi Moumneh auf „Daqa'iq Tudaiq“ (2018) Mohamed Abdel Wahabs ägyptischen Klassiker 'Ya jarat el wadi' orchestriert hat, sind seine Sorgen nicht kleiner geworden, über den Nahen Osten im Allgemeinen und den Libanon, das Land, wo er 1975
geboren ist, im Besonderen. Qalag (CST158, LP/CD) bedeutet Sorge, tiefe Sorge, und die
Gefahr, dass der Libanon als Failed State endet, ist seit der Explosion im Hafen von Beirut
wieder einmal besonders groß. In der relativen Sorglosigkeit in Kanada, wohin seine Familie 1993 nach 16 Jahren in Oman einwandern, aber nicht Fuß fassen konnte, verausgabte sich Moumneh, der in Montréal blieb, mit dem Hardcore-Act The Black Hand als furioser
Antizionist. Nach einem Jahr der Besinnung in Beirut nannte er sich, immer noch explizit,
JERUSALEM IN MY HEART, stellt sich aber den Troubles in Beirut und Gaza und dem„Arabischen Unglück“ (Samir Kassir) nun mit ganz arabesk akzentuiertem Pathos. Wie ineiner Kette von Nothelfern, die Wassereimer oder Sandsäcke durchreichen, bildet er einemusikalische Kette mit nacheinander Greg Fox (Zs, Ex Eye), Alexei Perry Cox (Autor von„Revolution / Re: Evolution“), Zach Condon's Beirut, Lucretia Dalt, Farida Amadou &Pierre-Guy Blanchard, Alanis Obomsawin & Diana Combo, Roger Tellier Craig (Fly Pan
Am, Set Fire To Flames), Moor Mother, Rabih Beaini (der in Berlin Morphine Records
betreibt und für Verständnis und Solidarität mit Beirut wirbt), Oiseau-Tempête, Réka
Csiszer=Víz und Tim Hecker. Moumneh stückt das Glied für Glied aneinander: mit Brooklyner Trommelfuror verwirbelten, zartbitteren orientalischen Gesang - elektronisch umschweifte arabische Worte – arabotronisch schweifenden Oudsound – elektronischdurchwellten Levante-Blues – eine krachig verzerrte Marchingband in der Geräuschkulisse einer Demonstration – das handbetrommelte Pathos einer Altstimme – zerfetztes
Oudspiel – geraunte Poetry – waberndes Geschrammel mit dunklen Bassstrichen undschmerzlichem Ooooh – verunklarten Tempête-Sound, der in gedehntem Moll kaskadiert –ungarischen Dark Folk in schwarzem Wind – nochmal schmerzlich geschlagene und verzerrte Oud. Endend mit einer verhaspelten Frauenstimme und keuchend durchsetztem
Improvnoise bei den Beirutern Mazen Kerbaj, Sharif Sehnaoui & Raed Yassin. Dazu
springen Fotos von Demonstrantinnen und vom zerstörten Hafen 2020 ins Auge und vor
allem ein Videobildgewitter von Moumnehs Partnerin Erin Weisberger. Rabih Beaini sagte
im Interview mit der TAZ: Unsere Kultur ist ein seltsamer Hybrid aus Geschichte, die mannicht loswird, und optimistischem Zukunftsglauben. KünstlerInnen sind in der ganzen Welt
unterwegs und repräsentieren das Land mehr als die Politiker.
9LIGHT CONDUCTOR, das dröhnambiente Duo von Jace Lasek, Betreiber desBreakglass Studios in Montreal, und Stephen Ramsay, beide bekannt durch
Husband-Wife-Projekte (Lasek mit Olga Goreas als The Besnard Lakes) (Ramsay mit Catherine McCandless in Young Galaxy), bleibt mit Sequence Two (CST
159, LP/CD) der 2019 eingeschlagenen Linie treu. Schließlich steht Science
Fiction durch Denis Villeneuves „Arrival“, „Blade Runner 2049“ und „Dune“
unter kanadischen Vorzeichen. Unsre beiden sind als kosmische Synthikuriere
der alten Schule unterwegs in einem Raumschiff, das sich mit klappernder
Rotation auf langwelligem Kurs dahinschraubt wie ein Raddampfer outerspace, sogar mit universalem, schnell pochendem Tamtam zu sonoren Drones,
als lichtorgelndes Spacecraft mit Spiceantrieb und psychedelischem Drehmoment. Mit hoppendem Puls und hymnischem Gesang ist schon bei 'Splitting
Light' das Delirium groß, weil die beiden sämtliche Register ihrer Synthiorgeln
ziehen und hohe Dosen ihres Beatpulvers verpulvern. 'The Rooms Are Turning
Inside Out' und 'Pyramids In Slow Rotation', solche Halluzinationen bleiben
nicht aus, wenn man sich halbe Lichtstraßen durch die Nase zieht. Sequencer
wellen den Raum, lassen die Sekunden taumeln – vor Tangerine Dream undAlexander Nikopol als fernen Vorgängern darf man sich gerne verneigen. Wie
die nächste oder übernächste Generation da in puls- und dröhnminimalistischer Fusion Mandarinen schält und, bis in die Zellen circadian rhythmisiert,
Zeit und Raum faltet, da kann man schon mal Englein singen hören und die
Sonne doppelt sehen – 'Life Under A Double Sun'. Die Pyramiden tanzen wie
pneumatische Ballerinas von Botero, wie aufgeblasene Harkonnen, doch inharmonischen, ganz friedlichen Sphären, in der ein hoher Psych-Faktor die Zeit
dehnt und die Schwerkraft mindert. Welle für Welle und Loop für Loop bandagieren die Sinne wie einen toten Pharao.
Im Lockdown hat JESSICA MOSS Phosphenes (CST161, LP/CD) ausgebrütet
und als Flaschenpost losgeschickt. Erleuchtet von einem Licht ohne Lichtquelle. Bekannt geworden ist sie als Geigerin in Thee Silver Mt. Zion Memorial
Orchestra, dem Black Ox Orkestar und in Carla Bozulich’s Evangelista und mit
ihren eigenen Constellation-Alben „Pools of Light“ (2017) und „Entanglement“(2018). Nun hat sie die A-Seite mit dem feierlichen Triptychon 'Contemplation'
gestaltet, mit orgeligen Schwellklängen, Synthi-'Posaunen', Bass-Drones undschmerzlicher Violine über flimmernden Strings. Die sämig gestrichene 'Cello'Wehmut und das Requiem-Feeling sind durch die Trauer um Joni Sadler (19862021) angestoßen, die bei Constellation Director of Communications undDrummerin bei Lungbutter gewesen ist. Langgezogene Bogenstriche wellen
und vereinen sich, als meditatives Natura morta, Moll in Moll. Und die dicken
Saiten summen wieder wie Posaunen. Auf der B-Seite spielt Thierry Amar Bass
beim Vivaldi-gewittrigen, pizzicato-betupften 'Let Down', durch das sich vokalisierende Phantomstimmen mit femininem Uuh und maskulinem Aah winden
und gezupfte Akkorde einhergehen mit Tristesse in schwellendem Legato, daszuletzt einem Lichtsog und himmlischen Klängen zu folgen scheint. Bei'Distortion Harbour' geraten die Bogenstriche und eine orientalisch-gitarristische (?) Anmutung in eine elektronische Schraube, ein Orgelhalteton undauch wieder der Phantomgesang werden flattrig verunklart und versinken im
gedehnten Soundstrudel. Bebend hebt zuletzt 'Memorizing & Forgetting' an,
Moss tastet schwachbrüstige Pianotöne und stimmt zusammen mit Julius Levy,
von bittersüßen Strings umschmiegt, ein wehmütiges Duett an, dessen Wortemir unklar bleiben, dessen Feeling jedoch unmissverständlich ankommt. Das I
love You einer Babystimme, das diese Musik besiegelt, könnte allerdings eine
Schraubendrehung zuviel sein und den Geist von W. C. Fields wecken.

10Crammed Discs (Brüssel)

Richard Horowitz & Sussan Deyhim

Wie "16 Visions of Ex-Futur" sich in das "Ex-Futur-Album" vertiefte, so nimmt sich
Redrawn Figures 1 & 2 (Cram 307/308, 2xLP) "Figures" als Fundus für Variationen.
Cathy Lucas mit Vanishing Twin in London, Shungu in Brüssel, Spooky-J von
Nihiloxica, Kate NV in Moskau, Tom Skinner (von Sons of Kemet) aka Hello Skinny,
Ohh_luu in Brooklyn, Felix Kubin in Hamburg, Detlef Weinrich (von Kreidler) aka
Tolouse Low Trax und Stubbleman fertigten als Verehrer von AKSAK MABOUL
Remixe, The Notwist überrascht mit einer Version von 'Tout A Une Fin', Altmeister
Carl Stone klangwolfte 'Silhouettes', die walisische Sängerin Cate Le Bon interpretierte 'Sophie La Bévue', der chilenisch-deutsche Producer & Cómeme-Macher
Matias Aguayo autopsierte 'Dramascule'. Marc Hollander & Véronique Vincent
ergänzen das mit der Full Version von 'Uccellini' sowie Rekonstruktionen und
Editionen von 'C'Est Charles' und 'Un Caïd'. Dazu gibt es - 'redrawn' wörtlich
genommen - illustrative Variationen des von Vincent auf "Figures" gezeichneten
Kopfs durch die Genannten und durch Hervé Di Rosa, Kopf der comic-affinen"Figuration Libre"-Bewegung, dessen “L’histoire en Peinture de l’Assemblée
Nationale” in Paris ähnlich zum Dorn im Auge wurde wie Ralf Königs LGBT-Mural in
Brüssel. Di Rosas Pop Art und Aksak Mabouls Popmusik verbinden in amüsierter
Aversion gegen das Reiten hoher Rösser Sophistication mit froschperspektivischer
Pointiertheit. Das schließt knollennasige Übertreibungen und roten Lippen mit ein,das präferiert Ohrwurmmelodien und pfiffige Lyrics. Wo käme Hollander hin, wenn
er sich dran stören wollte, dass nichts so bleibt wie er's gedacht, dass aus dem
speziellen Witz seiner Songs ein ganz anderer wird, dass Proportionen im Remake
verschoben, Poesie ausgebeint, Surreales rhythmisch zerklopft werden? Wenn eraber - mit Roland Barthes gesagt - als 'Autor'/Composer zurücktritt vor dem Wildwuchs von Lesarten/Interpretationen, was wird dann aus den 'guten Absichten', auf
die sich Di Rosa beruft? Intention ist das eine, Wirkung das andere. Aber wenn theviewer's guts ausreichen, um Zensur zu erpressen, Gute Nacht. Jedes Re- hier ist
dagegen als selektive Neukombination und Rekonstitution, als ‚interessiertes‘
Simulacrum, Ausfluss einer Barthes' 'Lust am Text' analogen Anverwandlung und
Einverleibung. Der starke 'Pop'-Akzent rührt dabei nicht allein von einer 'False
Balance' durch allzu groove-verliebte Remixer* her, Aksak Maboul selber verfolgt da
Ambitionen, die 40 Jahre zurückreichen bis zu The Honeymoon Killers, The
Homosexuals, R. Stevie Moore, Hector Zazou...
11

Mit The Possibility of a New Work for Aquaserge (MTM 46) spielt AQUASERGE auf Morton
Feldmans 1966 für Christian Wolff gemünztes kleines Mysterium 'The Possibility of a New
Work for Guitar' an. 20 Jahre zuvor entstand 'Only' als Feldmans Vertonung von Rilkes
XXIII. Sonett an Orpheus und erstes Stück überhaupt: Only when flight shall soar / not for

it's own sake only / up into the heaven's lonely / silence, and be no more / merely the lightly
profiling, / proudly successful tool, / playmate of winds, beguiling / time there, carelessand cool... Eigentlich a capella, stimmen Julien Gasc und Audrey Ginestet, er an Synthi,

sie an E-Bass, es in seinen pulsenden Wellen gleich zweimal zu voller, dennoch zarter
Bandbesetzung an, mit Benjamin und Manon Glibert, Camille Emaille und Julien Chamla im
mit noch Flöte und Saxophonen erweiterten Chamberrock-Klangfächer von E-Gitarre, Organ, Percussion, Vibraphon, Tubular Bells und Drums. So erklingt auch als rockiger Auftakt mit dem mit Emailles Röhrenglocken und mit Reeds beschallten, von Organ bedröhnten und von Synthi bezwitscherten Verlaine-Chanson 'Un grand sommeil noir' (1906) das
allererste Stück von Edgard Varèse. Neben dem faunisch mit Reeds und Flöte beblasenen,
von geharften Sekunden, einem Orgelhalteton, Clapping oder Vibes akzentuierten, univers-zeroesk rockenden '1768° (À Edgard Varèse)' und, als graphisch notiertes, krawalliges Roll over Morton, uptempo und krachverzückt, storr und widerhaarig wie Stappenbecks Spitz, 'Comme des carrés de Feldman' als eigenkreativen Verbeugungen vor den
beiden. Dazu huldigen die Franzosen noch zwei weiteren Helden: Mit der düster grollenden und paukenden, pathetisch in sämtliche Hörner stoßenden 'Hommage à Giacinto
Scelsi', ebenfalls graphisch notiert, dem legendären Conte in Rom. Bzw. mit der über 10
Min. beatlos in sich bebenden mikrotonalen Dröhnwelle 'Nuit Terrestre' & 'Nuit Altérée (ÀGyörgy Ligeti)' als deren zu Drums und zu Glockenschlägen tanzenden kleinen Schwester
dem Kubrick-Scorer aus Siebenbürgen. Sofonisba Anguissola elektrisiert mit einem gepinselten Glühfaden diese Neuschöpfung moderner Musiken mit maximal zeitgenössischen Mitteln, als quintessenzieller Fortsetzung der prächtigen Made To Measure-Reihe.
Apropos - mit Desert Equations: Azax Attra (MTM 8, LP/CD) von SUSSAN DEYHIM & RICHARD HOROWITZ liegt ein Glanzstück der MTM-Reihe neu auf, das auch 35 Jahre danach nichts von seiner Erstaunlichkeit eingebüßt hat. Als ja auch wirklich besonderes
Amalgam: Das einer Tänzerin & Sängerin, die, 1958 in Teheran geboren, mit 17 zu Maurice
Béjarts Ballet du XXme Siècle nach Brüssel kam und dort durch Winston Tong Mark Hollander kennenlernte. 1979 gelangte sie mit Mühe nach New York, sich nicht recht bewusst,
dass die Islamische Revolution sie zur Exil-Iranerin gemacht hatte. Im Studio Noise wurdesie in die New Yorker Avantszene involviert und traf dabei auf Horowitz. Der, knapp 10
Jahre älter als sie, hatte da schon eine wilde Dekade als Free Jazzer mit Alan Silva’s Celestrial Communications Orchestra in Paris und im Dunstkreis von Brion Gysin und Paul
Bowles in Marokko hinter sich und seine Solo-Nai-Improvisations "Oblique Sequences"vorzuweisen. Als er, als Drahcir Ztiqoroh, "Eros in Arabia" einspielte, wurde Deyhim im
Noise seine 'Queen of Saba'. Fünf Jahre lang verzahnten sie dann ihre Ideen zur Musik für
die Tanz-Performance "Azax Attra", das Resultat machte, flötenschön emuliert, mit Prophet-, DX7- & Fairlight-Sounds und lockender, rauer, bei 'Got Away' wüstendämonischer,
bei 'I'm a Man' ziegengöttlich meckernder, bei 'Tear' a-capella-bizarrer, bei 'Jum Jum' bitter klagender Vokalisation zwischen Dünenwellen pochend, heulend, wirbelnd, Geschichte
wie aus 1001 Nacht. Mit "Majoun" (1996) und "Logic of the Birds" (2008) als Fortsetzungen, und hier mit 'Broken Vows' als angedunkelter und 'Midnight Visitation' als temporeicher Arabeske sowie dem neybeflöteten Schleiertanz 'Intergalactic' als Boni aus den Gefilden der Possible Worlds. Die Geschichte von Horowitz fädelt durch Jon Hassell, J. A.
Deane, Steven Halpern und Steve Shehan und gipfelt im Soundtrack von Bertoluccis Verfilmung des Bowles-Romans "The Sheltering Sky", die von Deyhim umfasst Kollaborationen mit Christian Marclay & Tower Of Babel (→BA 3, 1985), Elliott Sharp, Jah Wobble, Seigen Ono, Heiner Goebbels, Bobby McFerrin, Bill Laswell..., mit Peaks wie "Madman of God"
(2000) sowie "Turbulent" (2000) & "Possessed" (2008) mit der engagierten Filmemacherin& Fotografin Shirin Neshat. Beim Nobel Prize Summit '21 traf sie im Lineup von Gingger
Shankars 'Promises of Our Grandmothers' auch wieder mal mit Horowitz zusammen.
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Doc Wör Mirran - Joseph B. Raimond - Marginal Talent (Fürth)Nun, DOC WÖR MIRRANs 7" Cassette (mt-631, Lathe Cut) kommt durchaus mit Kassettenlabels daher, und warum sollte eine Kassette keine Scheibe sein, die Welt ist es doch auch?
Dedicated to Bill Withers (1938-2020) und playable at any spead, hört man Joe Raimond &His Mooching John Does mit 'Dosey Doe' & 'Moofanchu', zwei plunderphonischen Auswüchsen ihrer "Historical Obscurity"-Retroreihe. Ein Troll spielt mit steinschwerer Zunge
Gargoyle für eine mulmig monotone Obskurität - was denn sonst? -, die zu pochendem
Groove Lärmstaub aufwirbelt wie Linus von den Peanuts. Die ähnlich bepochte B-Seite ist,
mit dudeligem Barndance-Intro und pianistischem Extro, sogar noch mulmiger bedröhnt.
Anhängsel wie Post- oder Postpost- wären zu nichtssagend, Konzeptkunst oder Aboutness
zu hochgestochen für dieses Zehren von den Rock-Beständen, many years & many beers
later. Raimond ist nicht an höheren Weihen interessiert, ihm geht es um die Direktheit der'Primitiven' in der Kunst, der Bukowskis in der Poesie, mit Outsider-Trotz und Mutterwitz.
Mischen Impossible (mt-633, 2xCass.) sind dann tatsächlich Kassetten, eine orange undeine grüne. Als knallbuntes Liebhaberdingsbums im Andenken an die Beatles-Fotografin
Astrid Kirchherr (1938-2020). Nun mit Remixen und Überbleibseln der 'Progressive Punk'Sessions und klaren Messages wie 'No Tolerance for intolerance', 'Make Racism Wrong
Again', 'Black Lives Do Matter'. Und, DWM wäre sonst nicht DWM, mit wieder augenzwinkerndem Gewitzel wie 'Obscured by Krauts', 'Mörtel Mächine Music', 'The Dark Side of theDampfnudel' oder auch 'The Balmedie Scourge', 'Eureka und das Rote Meer', 'We're From
Shithole' oder 'Van the Covidiot'. Das dröhnende 'Progressive Punk Intro' dazu ist dabei so'progressive' wie programmatisch - Raimond und DWM waren für ordinären Punk immer
schon zu sophisticated und sind es mehr denn je. Mit Anything-goes-Spirit, der ungeniert
den Wave-Beat einer Drum Machine mit Krautrock-Flow und kosmischen Wellen fusioniert.
Ohne je auf den ja selber ganz undummen Punk von Black Flag, Dead Kennedys oder der
Darker Skratcher der LAFMSociety herabzuschauen, haben da früh schon The Residents
mit in die Suppe gespuckt. In Joes Soundtrack of his Life schmachten aus tieferen Schichten psychedelische Gitarren, greatful und pink, und wenn ein Dudelsack vergossene Milchoder ein Saxofon monotones Tamtam bedudeln, wenn eine Messiaen-Orgel rumvögelt oder
Loops und Noise soundart-ig umeinanderkringeln, umeinanderkurven, und ein unaufhörliches China China China sich blöde babbelt, macht das das Kraut nur fetter.
In God We Trusted (mt-632, 60p book) ist als Read Twentyfive in JOSEPH B. RAIMONDs

Mirran Thought-Serie 2016 entstanden und erinnert an Meredith Hunter (1951-1969), denbeim berüchtigten Altamont-Konzert der Stones erstochenen Teenager. Selbst nicht unschuldig, aber doch exemplarisches Opfer von Rassismus, Drogen, Waffen, Suff und Gewalt. Trumps Wahl hat diesen Pakt mit den Engeln der Hölle gekrönt als Triumph desVerkehrten, der legions of racists und armies of fascists in ihrem Wahn in Red, White andBlue. Raimond stellt sich dem entgegen als 'American Fool', der dieses wahnhafte Narrentum noch überbietet als old man sitting / Writing poetry. Doch werden A poet's few words,
music, paintings allein schon dadurch emporgehoben, dass auf der andern Wagschale
Dummheit, Arroganz, Hass, Protz, blind patriotism & phony Democracy so runter ziehen.
Er setzt sich davon ab durch seine lyrische Wutrede, seine Tiraden gegen die einfältige
Dreifaltigkeit aus Racists, bigots, sexists, gegen den Fast-Food- & Sitcom-Konsumismus.
Er sieht Cultural wasteland / Like a deadly cancer sich ausbreiten, Backwater fucks in
Gloom and Hopelessness schmoren, Suit and tie-Träger ihren Reibach machen, sieht, wie
Amerika an Drumpf's Nasenring und der eigenen Aufgeblasenheit vor die Hunde geht undknurrt dem sein Include me out! entgegen. Abseits von allem -ismus, als einer, der als
Sohn eines Offiziers der US Air Force radikal aus der Art schlug, quasi aus der Totschlägerreihe hinaussprang, in San Francisco Kunst studierte und heute mit seiner künstlerischen Seite auch seine 'abnormale' europäische Seite auslebt. Immer noch erzamerikanisch, aber mit beständigem Detournement der holy prayers, phony morals unddes ganzen Make America ... again-Bullshits.
→https://docwoermirran.bandcamp.com/
13

Interstellar Records (Graz)
Geschlagene 20 Jahre fädelt das österreichische Label, getragen von Strömen

kalten interstellaren Winds, sich windend, sich schlängelnd, glatt vom Schwindel
gepackt (wie es schon im "Ulysses" geschrieben steht), Perle an Perle in seinenschmerzhaften und glorreichen Rosenkranz: Metalycée, Tumido, Reflector, Regolith, Broken.Heart.Collector, Äffchen & Craigs, Bug, Burkhard Stangl & Joanna
John, Didi Kern... Arnulf Rödler steuerte als STIRB - das 'und werde' darf man sichselber hinzu denken - seinen 'Vaterland'-Dreiklang aus Land, Volk & Staat bei (imSplit mit Road To Wineville auf INT045) dazu bei. Dem Filmemacher Manes Duerrlieferte er den Sound zum Kurzfilm "Ghost of a chance". Daraus hervor ging
Segregation (INT051, 10") in den Seiten 'Reproach' [Vorwurf, Schande] & Disdain[Verachtung], indem er verstärkten Zitherklang intensivierte mit E-Bass, Orgelpfeifen, Heartbeats, dem Geräusch schlagender Türen und seiner verzerrten
Stimme als Stirb-Charakteristikum. Elektronenmikroskopierter Insekten- oder
Alien-Horror grau auf schwarz bildet ein ungutes Vorzeichen. Pulsende Noisewellen und die fauchend raunende Stimme fluten den Grey Room mit stampfendem
Andrang. 'Nothing now' und 'bitter now' leuchten da ein, vor '...better now' bleiben
Zweifel, auch wenn sich der Lärmpegel nach 6 Min. immer mehr reduziert, vonetwas melancholisch Weichem harfig beklampft, aber vom Bass doch noch dunkel
bedröhnt. B-seits dingdongt es stereophon, von dröhnender Tinktur grundiert,
orgeliger Schwellklang greift Raum, in Schüben und dongenden Wellen. Um in der
10. Min. zu bersten in wiederholten Detonationen und crescendierendem Pathos.
Das jedoch implodiert und ans Dingdong des Anfangs zurückkehrt.
Der gute Gigi Gratt ist schon mit Bulbultumido, Tumido und Ni ein Schweifstern inder interstellaren Zone gewesen. Und explodierte mit "Das Ganze Doppelalbum"(2017) zur Supernova GIGALDI. Oder war das nur ein vivaldiesker Riesenmond fürjede Jahreszeit? Aire (INT052, LP) jedenfalls hat eine Vorder- und eine davon ganzverschiedene Rückseite. Die Dark Side of the Moon ist 'Afrotopia' benannt (wie das
bei Matthes & Seitz erschienene afrozentrisch-essentialistische Manifest vonFelwine Sarr). Da sind dann Vocals von Magdalenka, Baritonsax von Georg
Schwandtner, Noise von Richie Herbst (Regolith) und Drums von Bernhard Breuer(Tumido) zugemischt zu Gratts mit Gitarre, Bass, Trompete, Flügelhorn, Piano undElectronics bestückter One-Man-Band. Für einen in sich kreisenden, mit lauthalsem Krähen angeschwärzten Afrogroove, wie ihn Gratt und Magdalenka ja
auch mit der Brass-Dance-Hip-Hop-House-Jazz-Marchingband Vabrassmas
halbwegs drauf haben. Halbwegs, weil selten so over-the-top wie hier. Schunkelnd
werden da dumpfe und verdruckste Aversionen vorm Schwarzen Mann verschaukelt und ganze Bierzeltmeuten mit hypnotisierendem Lalalala bis zum
delirantem Überkochen animiert. Voraus gehen dem eine Handvoll Gigi-Tracks mit
Spoken Words. Zu Elektro-Beats eine 'Freedom'-Litanei, free free free fri-sör frisch fri-st free trade, free fall, free-lancer free spoken fri-ss etc. und last not least:
frea-k. Ein Trompeten-Staccato kreist, allmählich zum Legato zermatschend, um
Gratts gehaspelte Erklärung, dass es es in Zeiten der Quarantäne durchaus zu zu
Wiederholungen komm-komm-kommen kann kann und zum Verlust des desVerstandes und der Beherrschung. Ja Servus. Doch dass MannFrauKind auch
Neues erfahren wie etwa sich auf das Wesentliche zu kon-konzentrieren. 'Ihom'
hebt ätherisch und mit saitenflirrendem Klingklang an, und entgleist doch inbierdumpf blökenden Dialekt. Zu feierlichen Fanfaren ringt Gratt bei 'A-ire' mit den
Wörtern Gleichberechtigung Gleichbereichung Gleichung Gleichberichtigung
Affäre We(h)r macht Gier Rrreich dumm. Und verbeißt sich zuletzt zu läutenden
Glocken stammtischlerisch in ein 'Beding', ein grundloses Bedingsbums, ein bedingloses Grundkommen... Lalalalaa Lalalalaa...
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Moonjune Records (New York)

Percy Jones, Alex Skolnick, Kenny Grohowski, Tim Motzer = PAKT, Jones, mit Jg. 1947
der Senior, an fretless bass, Skolnick an electric, Tim Motzer an acoustic-electric guitar,
Grohowski an drums. Als 'Brothers of Energy' verdichteten sie Mitte August 2020 in
Brooklyn ihr Knowhow mit Brand X und Brian Eno, mit Testament, mit Simulacrum, mit
Friedman & Liebezeit, Bernhard Wöstheinrich oder Markus Reuter (→"Shapeshifters",
MJR103) zu den mit 'The Unsilence' & 'The Sacred Ladder' überschriebenen Sets von
PAKT (MJR116, 2xCD), beides in einem Zug, auf der Suche nach 'The Mystery' oder 'The
Great Spirit'. Anfangs fragil, aber schon auch mit fiebernder Dringlichkeit, die, flickernd
und pulsend, der gleitenden Gitarrendrift tausendfüßlerisch Beine macht. Skolnick undMotzer beschwingen sich gegenseitig, Overdrive und Harmonizer kommen zum Einsatz,
von Funkstimmen gestreift, insistent heulend, schmachtend, der eine als virtuoser
Arpeggiowizard, der andere mit Scraping, Bowing, Whammy Effects. Bei 'Over Strange
Lands' wird das Gelände rauer, der Duktus kniebrecherisch, aber die Gitarre wird
weiterhin in süßem Weh wie vom Stern von Bethlehem gezogen. Von Jones als knurriger
Bodentruppe gedeckt, verstrickt sich die kosmisch schweifende Vorhut, tickelnd undschrappelig getrieben, in schwindelerregende Klangstrudel, psychedelische Ekstasen.
Krachigen Durchbrüchen tun sich neue Horizonte auf, wenn auch verschleiert vonätherischen Gespinsten, die kaskadierend verhallen. Sekunden zerflickern, der Bass
murmelt, die Gitarre windet sich in Schmerzlust und saugt neue Energie aus dunklem
Gewitter. 'Perseverance' ist eines der Zauberworte, man muss nur lange und zärtlich
genug den Olympischen ein Ohr abkauen, damit sie die Himmelsleiter freigeben, einzuckendes, funkeliges Spinnweb aus Glanz und Klang und nur was für tüchtige Krabbler
und solche, die auf feinem Draht tanzen können, die auch mit geschlossenen Lidern ihr
Ziel im Auge behalten. Motzer schraffiert den Nachthimmel, der Große Geist groovt, funky
und arpeggioselig, Jones quarrt als Ochsenfrosch, eine Gitarre spielt Akkordeon, spielt inhöchsten Tönen, findet Zuflucht in einem funkelnden Sanktuarium. Und huldigt daher, von'Cosmic Fire' entflammt, dem kosmogonischen Eros, der fusioniert, was zusammengehört.
Zusammengehörig fühlen sich seitdem auch die Vier als Free-Rock-Supergroup, die am
22. & 23.7.2021 Live in Pawling & Live In Kennett Square (digital) damit begonnen hat, on
the road und vor Publikum ihre Himmelfahrtsmusik zu erden. Wobei sie sich hellwach
zeigen mit ihrem 'Blues for Haiti', aber mit dem Sog ihrer 'Paisley Sphere' erst mal humanitäre Hilfe im eigenen Land leisten: 'Restore Order... for Humanity'.
→https://pakt-moonjune.bandcamp.com/album/pakt
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Gibt es eine Tiefe über uns? Zu der man sich hinaufliften lässt, durch Elevator Music der sublimen Art? Musikwie Seriously Deep (MJR118). Musik, deren Keim 1978
gesät wurde, als der damals 22-jährige José Pedro
BELEDO in Montevideo von seinem Freund Jorge Camiruaga mit „Silent Feet“ von Eberhard Webers Colours
infiziert wurde. Was Weber, Brüninghaus, Charlie Mariano und John Marshall da auf der A-Seite boten, war
der Traumstoff, dem Beledos seinen gitarristischen„Escape“-Plan verdankt, mit Maytreya und Siddhartha
noch in Uruguay. Der ihn jedoch schließlich nach NYC
führte und über Yagull, SimakDialog und Circuline mit„Dreamland Mechanism“ (2016) zum Moonjune-Headliner machte. Dabei mit Lincoln Goines und Gary Husband, nun mit Tony Levin an Bässen, Kontra und E, und
an Drums Kenny Grohowski mit seiner von John Zorns'Chaos Magick' und dem Douleur Exquisite von Imperial
Triumphant durchwirkten Simulacrum- und PAKTPower. Die Kostprobe einer imperial kaleidoskopiertenBlack-Metal-Orgie lässt den mit Piano eingeleiteten undbeharften Weberianischen Trip erst recht als Gitarrengesang erscheinen, der im September 2020 der Covid-19-induzierten Verwirrung und Erregung mit hoffnungsvollster Intensität begegnet und dem Balsam vonAltmeister Levins berührendem Pizzicato und gefühlsinnigen Bogenstrichen. Grohowski kehrt dazu seine
flickrigsten und knackigsten Potenzen hervor, und Beledo versucht gar nicht erst, seine Bewunderung fürAlan Holdsworth zu verbergen. 'Mama D' folgt, angestimmt von Kearoma Rantao aus Botswana, als
Hommage an Dorothy Masuka (1935-2019) und deren
einst die Apartheid am Kap übertrumpfenden Spirit,
dessen Feuer und Dynamik in der Gitarre widerhallt.
Die zeichnet auch die Windungen bei 'Coasting Zone'
nach, Grohowski evoziert den heftigen Zusammenprall
von Wellen und Fels. 'Maggie's Sunrise' bleibt in der
gleichen Szenerie und vereint vor offenem Horizont zu
allerfeinsten Sonnenfunken über zischenden Crashesdas versonnene Miteinander von Pianoarpeggio undschwärmender Gitarre mit dem Vibraphonklingklang
von Beledos altem Freund Camiruaga und zuletzt
markantem Staccato. 'Knocking Waves' spinnt das fortin elektroambientem, vom Bass mit inniger Blindenschriftpoesie diktiertem, von Beledo rosenfingrig verzaubertem, aber auch mövenrau bekrächztem Freispiel, mit dem zuletzt auch 'Into the Spirals' nochmal in
die Tiefen der Wasser über und unter dem Himmel
strudelt. Davor jedoch bringt 'A Temple in the Valley'
mit lauthals expressivem oder leicht wehmütigem
Scatgesang von Boris Savoldelli noch ein Highlight mit
Matching-Mole'schem Touch und canterburyeskem
Spleen, der angesichts von Beledos auf der Brust getragenem Bekenntnis zu Soft Machine (und Stick Men)nicht verwundert.
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RareNoise Records (London)
Mit III (RNR130, LP/CD) legen JÜ nach "JÜ meets Møster" (2014) & "Summa" (2017) auf ihre
Weise dar, dass aller guten Dinge 3 sind. Mészáros Ádám an der Gitarre, Hock Ernö am Bassund Halmos András an den Drums greifen dafür auf aserbaidschanische ('Bayati Shiraz'),sunda- ('Kedah Kasaha') und indonesische ('Palaran Durma...', 'Barambun Malam') Weisen
zurück und bringen neben Electronics von Bolcsó Bálint diesmal die Sängerin Györfi Dóra
ins Spiel. Halmos selber stimmt zuletzt mit dem Bhajan 'Sumirana karo sadaa dina raati'
den devotionalen Gesang eines indischen Gurus an. JÜ steht mit diesem Bekenntnis zum
Bhakti-Erlösungsweg dem um Budapest rum inszenierten Hunnenkult und der dumpfen
Verbiesterung gegen die Moderne ebenso fern wie mit den mythologischen Anspielungenauf 'Minerva', Göttin der Weisheit und Hüterin des Wissens, und 'Cerberus', den 3-köpfigen
Wachhund der Unterwelt. So oder so, es ist ein Weg auf Asche und voller Dornen, den die
Ungarn einschlagen mit knurrendem Stonerbass, Györfis krähendem Ethnogesang undblecherner Ethnopercussion, mit orientalisch stoßendem Duktus, Gimbri & Tambura,
krummem Beat und wirbelndem Tempo, das Cerberus verwirren soll. Das erinnert schon
ein wenig an Baba Zula, mitsamt der dunklen Surf- oder schrappelnden Anadolu-RockGuitar, auch an Secret Chiefs 3 und The Dwarfs of East Agouza, mit freakischem Furor bis
hin zu Konstrukt. 'Oak', 'Ash' & 'Thorn' bilden mit flimmerndem Einstieg und MészárosÁdáms paradiesischer Gitarre, gefühlvoll plinkend und entschleunigt einen kleinen Triptychon. Mit pochender Schwere fasst das Tritt, die Gitarre trillert beklemmt auf schmalem
Grat und gockelt nach gelungenem Durchschlupf als stolzer Tänzer, mit Clapping angespornt zum kreiselnden Derwisch. Györfi kehrt wieder für das launige Puppenspiel 'Bebek',
mit kapriziösen Lauten beim stachligen, knattrigen 'Cornucopia' (ostinat gerockt wie von
The Ex). Dem treibenden Säbeltanzstaccato von 'Shashka' folgt 'Minerva' in spiraligem Galopp, mit wirbeliger Afrogitarre und von Györfi kirrend und keckernd angefeuert. Halmos
bringt das zuletzt runter mit dem windschief und nur von melancholischem Bass beschallten Mantra, dessen indische Herkunft mit ebenso unkenntlich wäre wie die übrigen unmag yarischen Motive. Unverkennbar ist dagegen JÜs Anspruch als überungarische Rarität.

Der norwegische Bassist JO BERGER MYHRE, im Orwelljahr geboren, hat mit Splashgirl,Jæ=Jessica Sligter, Susanna Wallumrød, The Island Band oder Geir Sundstøl auf Grappa& Hubro gegroovt und zuletzt auch wieder maßgeblich an Nils Petter Molværs "Stitches"
mitgewirkt. Mit Unheimlich Manoeuvre (RNR131, LP/CD) frönt er seiner Neigung zu Stimmungsmalerei in Chiaroscuro und zum nicht ganz Geheuren, wobei Reiseeindrücke aus
dem Iran ebenso mit eingeflossen sind wie sein Faible für "Twin Peaks". Er orchestriert
das i und u der Stimmungen dreimal allein mit Kontrabass, Bassgitarre, Drummachine,
Moog Minitaur, Grendel Drone Commander, Electronics und Overdubbing, baut danebenaber gezielt auch weitere Sounds mit ein: Für iranische Tönungen viermal die Tombak vonKaveh Mahmudiyan, sporadisch Jo David Meyer Lysne an akustischer Gitarre, Jana Anisimova an Pianino, sein isländischer Duopartner Ólafur Björn Ólafsson an Organ, Morten
Qvenild (mit dem er in Finland spielt) an Synthi. Die beiden prägen vor allem 'Smallest
things, part 2', wo Vivian Wang Raymond Carvers Short Story "I Could See the Smallest
Things" flüstert, mit Mondschein und dumpfem Drang. Myhre streicht zu hallenden Kaskaden und dumpfem Oomph die Saiten mit schmerzlichem Anstrich, bevor die Hände zu
düsterem Halteton über die Tombak flattern, Anisimova nach melancholischen Tönen tastet und das Herz bis zum Hals schlägt, weil von metallischen und flickernden Sounds was
Ungutes ausgeht. Die Melancholie ist die des Trotts in Volieren, in denen Poesie ihr Feeling, aber nicht ihre Flügel entfalten kann. Maschinenbeat klopft, Steine klicken und schleifen aneinander, Wellen kommen kaum vom Fleck, der Tombakgroove bleibt Option. Carvers I was in bed when I heard the gate... führt zu vergifteten Schnecken und einem Klotz
von Ehemann im Bett. Wäre ein Einbrecher da nicht... eine Hoffnung? Eine Gefahr, die riskiert sein will ('Perils')? Myhre mischt Erregung mit Verlockung, Pizzicato mit Trübsal,
dumpfe Beats mit sehnendem, diskantem, gedehntem Bogenstrich, und kratzt zuletzt bei'Inner Relations' an purer Basspoesie mit einem schniefenden Geräusch.
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An sich hat ja Jamie Saft mit „Plays Bob Dylan“, „The New Standard“, „Solo A Genova“,„Blue Dream“, „You Don't Know The Life“ und dem Jerry Granelli Trio sich nostalgischretrospektiv auf eine Art Traditionspflege verlegt. Als hätte sich der Mr. Saft von „Merzdub“ und Metallic Taste Of Blood verwandelt in einen biederen Dr. Saft. Dass dem so ist,
zeigt sich sogar mit I Hate Work (RNR132), wenn er zusammen mit dem durch Granelli und
New Zion vertrauten Kontrabassisten Brad Jones und MIKE PRIDE dessen Zeit mit MDC (!)
aufleben lässt. Vier Jahre hat Pride nach seiner Ankunft in New York mit Ex Con Ron
Posner & D. Dictor die Trommelstöcke gewirbelt bis hin zu „Magnus Dominus Corpus“(2004), als Baby Mongo und Nesthäkchen der Punkveteranen. Und war danach selberhardcore und wild genug für From Bacteria To Boys, Kalashnikov, Pulverize The Sound,für Safts „Black Shabbis“ und das Miteinander als Angel Ov Death. Nun schien ihm die Zeit
reif, „Millions Of Dead Cops“, MDCs Urschrei von 1982, wiederaufleben zu lassen, aber
wie Jazzstandards und entschleunigt dazu, was bei dem gabbergeilen Stoff einiges bedeuten will. So wird der schon mal auf 24 Sekunden komprimierte Titelsong gestreckt auf
acht Minuten, und Dictor höchstselbst croont das wie ein aufgekratzter Zombie zuletzt mit
allerhand Tamtam als Rausschmeißer. Zuvor griff Sam Mickens (The Dead Science, Ecstatic Showband & Revue) für das hoppelige 'Greedy and Pathetic' zum Gesangs-Mike und
Mick Barr schrappelt dazu rasant Banjo, nachdem schon JG Thirlwell 'America's So
Straight' mit Dark-Cabaret-Timbre geknarrt hat, ein Auftritt wie der von Iggy Pop bei Safts„Loneliness Road“. Pride bekennt sich zudem mit dem mellotron-bepfiffenen 'Annie Olivia'
und dem mit Mellotron und Bassbogen gesurrten Dirge 'She Wants A Partner With A Lust
For Life' als Familienmensch mit Tochter und Frau, aber auch einer melancholischen,
poltrigen und düsteren Seite, die er 'draußen' auslebt. Zum jazzpianoklimprig, pizzicatoselig abgeklärten 'Corporate Deathburger' klickt er mit den Stöckchen, bevor Barrs
Gitarre 'Business on Parade' zerschreddert und zum Moshen anstiftet, Bass und Pianoaber die Moshpit ganz anders abgreifen. Pride wischt 'And So You Know' mit den Besen,'singen' tun da Jones' Finger. Saft mischt 'Dick for Brains' mit launigem Mellotron auf, und'Dead Cops' ist verwandelt in einen arpeggiovergnügten Gute-Laune-Track, gerahmt mit
markantem Trommelstaccato, mit breitem Grinsen gesponsort von der Jazzpolizei.
Ohne Pareidolie und illusorische Korrelation wäre ich aufgeschmissen. Daher kann ich
nur beifällig nicken zu RED KITEs Apophenian Bliss (RNR133, LP/CD), der Glückseligkeit
durch falsche Wahrnehmungen, irrige Deutungen, Projektionen. Man muss ja nicht jedem
Schimmelfleck eine Botschaft andichten wie Strindberg und die subjektive Einbildung als
WAHRHEIT mitsamt dem Löffel fressen. Der Drummer Torstein Lofthus, Trond Frønes am
Bass, Bernt A Moen an Rhodes und Even Helte Hermansen, der an der Gitarre den Tonangibt, personell eine Quintessenz aus Shining, Grand General & Elephant9, Goat The
Head & Blood On Wheels, Dualistic und Bushman's Revenge, geben mit 'Astrology (TheOne True Science)' gleich mal ein ironisches Beispiel dafür. 'This Immortal Coil' verkalauert Hamlets "... what dreams may come, when we have shuffled off this mortal coil...". Auferstehung des Fleisches? Wer's glaubt. Auf 'Red Kite Flight' folgt 'Morrasol', eine Leihgabe
von Gisle Johansen, dem Saxofonisten von Element und Jazzmob. Endend in 'Sleep Tight',
Schlaflied, oder abwinkendes 'Schaf bleibt Schaf'? Doch wie Lofthus da losdonnert, Moen
ostinat die Keys harkt und Hermansen die Gitarre aufsteigen und fliegen lässt, das klingt
eher nach 'Verbrenn dein Bett und tanz'! Rock'nRoll!! 'This Immortal Coil' klingt danach
wie Trollstoff, hörbar heavier, die Gitarre ein knurriger Bariton in sonorer Lakonie, Moenquirlt und blinkt links und überholt, Hermansen tremoliert und wiederholt hartnäckig sein
Motiv. 'Apophenia' entschleunigt mit Rasselbeat und melancholisch versonnen, Gitarre
und Rhodes synchron, die Strings herzzerreißend mit bluesigem Fuzz. Flug oder Flucht?
Lofthus macht rasanten Betrieb, aber Rhodes und Gitarre schwingen sich selig vereinthoch und immer höher der Sonn' entgegen. Johansens 'Morgensonne' ist mit 11 Min. dasPrachtstück, bei dem sowohl Rhodes als auch die Gitarre als Gottesgaben glänzen. Bis
plötzlich der Fenriswolf die Zähne fletscht, Moen stellt sich der Schattenwelt zum Kampf
und die Gitarre steigert sich in feurigste Intensität und Ekstase. Woher dann das dunkle
Lullaby? Wonnig und melodieselig, doch selbst der Mond hat sich da dünn gemacht.
18

... over pop under rock ...
GASPAR CLAUS Tancade (InFiné, iF1065,
CD/LP): Dieser Cellist zeigt in Paris einen
recht interessanten Aktionsradius, mit Frédéric D. Oberland (Oiseaux-Tempête), mit
seinem Vater, dem Flamencogitarristen Pedro Soler, Rone oder Arandel schon auf
InFiné, mit Aidan Baker in Orchard und Matt
Elliott/The Third Eye Foundation auf Ici
D'Ailleurs, mit der Sängerin Marion Cousin
oder dem Streichtrio Vacarme auf dem
eigenen Label Les Disques du Festival Permanent. Anfangs auf dem dörflichen Familienanwesen in der Provence, zuletzt inCoronaklausur, träumte er sich hinweg ans‘Mer des mystères amoureux’, auf ‘Une île’,nach - der Titel sagt es - "Tancade", einem
schwer zugänglichen Strand ('Un rivage'),wo sich - das Cover zeigt sie - eine kleine
hedonistische Zielgruppe des Internetportals
männer* trifft und sonnt. Selbst den Blicken
entzogen, aber am Rand der ordinären Welt
extraordinären Horizont vor Augen. Zwar
lappt das Meer nur ans Ohr eines Traumtänzers, der zu diskantem und wehmütigem
Bogenstrich und zu hüpfendem Pizzicato vonden Freunden getrennt tanzt. 'Une foule'meidet in seiner sonoren Wallung das Bad ineiner Menge, die unter provencalischer Sonne besonders vom Rassemblement National
gestochen wird, und schmachtet bei 'À
l'infini' nach etwas, das bei '2359' endlich
launig rhythmisiert und klassisch animiert
angetanzt kommt. 'E.T. (Extra Terre Version)'jedoch lässt einen zu dünnem Vogelpfiff
wieder nur stranden in Cellotristesse, verlassen und wimmernd. Schnelle Rhythmik
versucht den Wellen multipler Cellos zu
begegnen, doch die Betrübnis richtet sichmelodieselig wallend ein. 'Astragale' mischt
zupfend und mit stöhnendem Bogen das Flaireines französischen Romans mit gymnopädischer Verzierung, auch 'Ô Sélénites'
evoziert mit erhöhtem Puls Mondmänner mit
Alabasterkörpern, aber das Cello hält die
Vision in melancholisch sehnender, bebend
anschwellender Schwebe. Diesem Crescendo folgen zu Pizzicatokaskaden feines
Flautando und süß sich räkelndes Moll undeine arabisch flüsternde Frauenstimme verspricht... orientalische Wonnen?
19ÈLG Dans le salon du Nous (Vlek, VLEK35,
LP): Hinter Èlg und El-G steckt, wie aus 'Le
retour de Gérard Lambert', dem Chanson
von Renaud, entsprungen: Gérard Lambert. Der hat in Brüssel schon Spiralen
gedreht mit Jo Tanz & Ghédalia Tazartèsals Reines D'Angleterre, zu zweit als
Opéra Mort oder mit Orgue Agnès. Er erscheint dabei als Argonaut ins Surreale,
wo er träumenden Fischen und Skiliften
begegnet, einem Rattenkönig oder Gottesteilchen, wobei ihm das Tag 'weird angles'
an der Sohle haften blieb. Mocke Depret,
Claire Vaillier, Radio Hito, Catherine Hershey und Johann Mazé steuern etwas
Gitarre, Gesang und Getrommel bei, wobei
Mazé auch zu La Chimie gehört, ÈlgsLiveband, in der mit Marie Nachury (vonGrand Sbam) ein bekanntes Gesicht überrascht. Èlg selber spricht und sprechsingt
zu dunkel pulsender und sirrender Elektronik zum Einstieg 'Fontanelles'. Aber zu
launig quakender Rhythmik, geklopften
Beats, quarrendem Synthi und schräger
Gitarre schreisingt er auch theatralischgrotesk: 'Karl est en dedans'. Albert Marcœur? Un D.M.I.?Zu troppeligem Beat undsurrendem Drone singen die Mädels unisono 'Sous la chambre (la nuit)', zu verzerrtem Gummisaitenloop und kuriosen
Gitarrentönen kräht wieder Èlg mit einem
Echo auf Helium. Auf 'Midi Pin Parasol'
tropft's, Èlg spricht, aber kaspert gleich
wieder beim monoton rockenden 'La mortroulée en nem' als poppiger Harlekin.
'Convoi d'annonciatrices' rockt weiter mit
Bassgebrumm und ein Girl- und Boychorus
werfen sich andauernd Silben an die Köpfe, bis sich die Katzen miauend zufrieden
geben. 'La nappe d'urne' bringt mädchenhaften und brummigen Wechselgesang,'De la crypte' wieder den krächzenden undschluchzenden Harlekin mit einer pathetischen Grabrede. Und 'Nouvelles du Bardo'
synthitänzelt dann schon in der Anderwelt,
zu Tamburin, twangender Gitarre, und –ach, wenn ich doch bloß Französisch verstünde. War's Karl, der da durch die Windschutzscheibe sauste, sich die Fontanellenquetschte und den Löffel abgab?

ELIZABETH S. Gather Love (Klanggalerie,GG38): Was ist das denn? Wer ist das
denn? Letzteres lässt sich leichter sagen:Elizabeth S. gehört seit Mitte der 80er in
Nuneaton, Warwickshire zu Eyeless inGaza, als die Frau an der Seite von Martyn
Bates, dessen Stimme bei 'The Hill' und'Wanderlove' zu hören ist. Letzteres, ein
Oldie, das Esther & Abi Ofarim schon 1967
angestimmt haben, ist die einzige Coverversion, und nur bei 'Will Your Love' ist die
Musik von Orfeas Peridis, alles Übrige ist
ihre ureigene lyrische und musikalische
Herzensangelegenheit. Und das bringt
mich zum 'Was?'. Zu mit bebendem Vibrato
pathetisch angestimmten, mit stacheldrahtigen, mulmigen oder akustisch fragilen
Gitarren, Orgeldrones, wehmütiger Melodika, Piano, vokalisiertem iiiiiiii, zager Mandoline, Bläsermoll und Synthisound orchestrierten Songs. Zu einem Timbre halbwegs
zwischen Baby Dee, David Tibet, Steve
Day, zu Musik zwischen Bill Orcutt bei 'Misborn' gleich als donnerndem Einstieg, melancholischem Neo Folk und der Emphasevon Current 93. Mit 'The Carter Girl' ist sie
ganz nah beim alten Johnny Cash. Der in'Misborn', dem zweistimmig gesungenen'Weathered Life' und 'The Long Farewell'sich abzeichnenden herben, bitteren,dunklen Seite: …loss, all is sorrow / all isbroken, ash to dust over journeys end, allpervasive measured greed, the fear andthe sadness... steht entgegen, dass S. sich

als 'The Carer' und Fürsprecherin anbietet,als eine Art Wicca oder Priesterin der Demeter, eine, die Veränderung mit Hoffnung,
Trost, Liebe und Erneuerung verbindet und
die Augen des Herzens weitet: I will belight / I will be joy / I will be life ('No Rain').
Allem to lose und to grieve stellt sie ihr tosing u n d to dance entgegen, das Yin undYang von he und she.

CATHERINE GRAINDORGE Eldorado (Glitterbeat/tak:til, GB113, LP/CD): Die Spuren
der beim Jeffrey Lee Pierce Project (2014),
mit Chris Eckman (Dirtmusic) oder Andrea
Schroeder in Nebenrollen zu hörenden belgischen Geigerin & Bratscherin lassen sichzurückverfolgen bis zu Monsoon, wo sie mit
Peter Vandenberghe (dem Keyboarder von
X-Legged Sally und Flat Earth Society) zugange war. Mehr Herzblut investierte sie
jedoch in das wie Monsoon bei dEPOT214 in
Brüssel verankerte, von Pierre Vervloesem
abgemischte Trio Nox / Nile On waX, in Filmmusiken wie "Le Chant des Hommes" (2017),
das Theaterstück "Avant la fin" (2018) und
insbesondere in ihre Soloscheiben "The secret of us all" (2012) und "Long DistanceOperators" (mit Hugo Race, 2017 auf Sub
Rosa). An ihrem dritten Album hat nun John
Parish mitgewirkt und darin eingegangen ist
neben dem 'Locktown'-Trouble das Erbe
ihres 2015 verstorbenen Vaters, der sich als
Anwalt gekümmert hat um Flüchtlinge wie'Rosalie', die vor den Gräueln in Ruanda
nach Belgien entronnen war. Graindorge
nahm selber zwei Asylanten aus Eritrea inihre Familie auf und half bei deren Integration. Neben diesem engagierten Eckpfeiler
ist eine von Parishs Gitarre durchzitterte
Verbeugung vor 'Eno' ein weiterer Pol, verbunden durch 'Sailing in the Air' und durch'Ghost Train', wo sie Lyrik von Stéphane
Manzone anstimmt, von dem sie auch 'Eldorado' rezitiert. Im Zug fährt allerdings nur
die Erinnerung und was da geistert, sind derVernunft entwischte Outlaws, die zu Parishs
Vibraphon tanzen. Zuckt nicht der 'Butterfly
in a Frame' mit den Flügeln? War Dalis brennende Giraffe noch surreal, 'Kangaroos inFire' war bei den Buschbränden in Australien 2019/2020, einem Armageddon für, geschätzt, eine Milliarde (höherer) Tiere, ein
Faktum, vor dem man hilflos die Augen verschließt und es dann achselzuckend vergisst. Zugleich herrscht 'Before the Flood'ein neues 'Apres nous...', und Graindorge
visioniert mit Manzone, an die Erde gekreuzigt, schon mal eine Himmelsbarke unter
Segeln. Überhaupt intensiviert sie mit ihrer
Stimme und auch noch dröhnendem undstoßweise atmendem Harmonium dasschmerzliche Pathos ihres in Moll und Düsternis bebenden, bei 'Eldorado' von Parishs
Drumming aufgewühlten Stringsounds. Karfreitag for Future.
20

HATTLER Sundae (36music 36107, CD/
LP): Was soll ich über den Ulmer EBassisten erzählen, der mit Kraan seit
50 Jahren – er ist Jg. 1952 - für Fusionrock made in Germany steht? Ab den
90ern hat er sich mit dem Gitarristen
Torsten de Winkel und dem Trompeter
Joo Kraus als Tab Two mit Acid und Nu
Jazz verjüngt, seit 2000 hat er als Hattler seine Jazz-Cats-Pfoten weiter zu
Bass Cuts dynamisiert, mit den alten
Weggefährten, noch mehr Elektrobeats und vor allem den Vocals derStuttgarterin Fola Dada. Wie sehr Hattler auf Gesang steht, zeigt er ja im souligen Verbund Siyou'N'Hell. Hier gibt
sechsmal wieder Folas Stimme das
gewisse Etwas. Zum Rickenbacker,
den Drums und den E-Beats & Sounds
von Peter Musebrink (Deep Dive Corp.)
kommen fallweise noch Keys und auchde Winkels Gitarre oder Sitar undKraus mit dem Horn, und Hattler
mischt sich auch selber gern mal mit
weich entkalkter Stimme ein, wenn sie
von zu zweit bis zu sechst von 'TheTimes We Never Had' oder 'Faking
News' hattlern, bluesy und bedauernd
oder smooth und groovy, wobei nicht
jeden lazy Sunday die Sonne scheint.
Fola lässt dennoch ihre Zunge wie
Schokolade schmelzen, die Buben allein baggern 'Die Blaue Frau' an, auf
die sanfte Indienfahrertour. Sie souljazzen mit Hammondorgel, aber hören
sie richtig zu, wenn Fola auf ihren'Stolz' beharrt? Sie kann einem ganz
sanft den Marsch blasen oder sich ins
Herz schleichen. Bei 'Call' schmust
Musebrink mit seiner KI, Fola mischt
sich als Analoge Halluzinelle zu den
kaskadierenden Wellen von 'Random
Conversation'. 'Rotten Rolls' rockt uptempo, bassvirtuos und mit funkyHorns und 'Anaheim Jive' wirbelt mit
Gitarre und Keys gleich so weiter, bevor für's 'Lieblingslied' ganz andere
Saiten aufgezogen werden, süße
Strings für flügelhornbetrübte Melancholie. Bei 'Can We Run' schmachtet
Sebastian Lilja, der in Malmö dafür inseine Hush Puppies schlüpft. Die Reprise von 'The Times We Never Had'
schließt mit Fola den Kreis. Hattler,
was für ein Hell-Boy in Pink.

ZEA Witst noch dat d'r neat wie (Makkum Records / Subroutine Records, MR33 / SR119, LP/
CD + 52 p Songbook): Arnold de Boers Fortsetzung von „Moarn gean ik dea“ (2017) ist ein
Prachtstück, schön illustriert, grauweiß kariert,gedruckt in Schwarz, Rot und Röter auf Weiß,und umgekehrt. Mehr denn je wird Makkum zum
Nabel der Welt, wie er da seine friesländische
Poesie polyglott globalisiert, in Englisch, Holländisch, Polnisch, Italienisch, Französisch, Dänisch, Gälisch, ins chinesische Wǔhànhuà, dassurinamische Kreol Sranantongo, in Twents,
einem Dialekt in Overijssel, in Gullah, einem Dialekt in South Carolina, ins ghanaische Farefari.
Nicht zufällig, denn er singt da neben eigenen
Texten bei 'Sucht' und 'Desimber' auch surinamische Zeilen von Hein Eersel, bei 'Roeiers' vonHans Faverey, der ebenfalls aus Surinam stammte, bei 'Inkeld ien minút' von Benjamin E. Mays,
dem aus Greenwood stammenden Mentor vonMartin Luther King, bei 'De doar' vom aus Overijssel stammenden Bert Schierbeek und bei'Gean net by my wei' eignet er sich Jacques
Brels 'Ne me quitte pas' an. Das friesische 'tút'
für Kuss hat seine einzige Entsprechung in
Vietnam, 'Ast/of' rührt von Kierkegaards EntenEller her, für Wuhan-Covid 19 braucht es nur
eine kurze Leitung, mit dem 'Banda Genozid' in'Boarne' und der Absage an Jan Pieterszoon
Coen (1587-1629), der lange nur als Begründer
des niederländischen Imperiums gefeiert wurde,
statt seine Schlächtereien anzuprangern, ist deBoer auf der Höhe der postkolonialen Geschichtsrevision. Er beginnt bei Zero – 'Remember there was nothing' (Nothing at all, zero,nada) – und füllt das dann als universaler SingerSongwriter mit ruppiger Gitarre (und gelegentlich Drums im The Ex-Groove, 'ner Trompete,
Hardangerfiddel, Cuica), mit taffem Postpunkspirit, mit eigenen Erlebnissen in Breslau und in
Bongo. Mit der Erfahrung, verlassen zu werden,
lakonisch bei Schierbeek, pathetisch bei Brel, er
selber fleht Komm zurück / bleib bei mir, oderschimpft frustriert ('Doch noch'). Er sympathisiert mit Denkmalschändern, rät zur Fluchtbereitschaft ('Fuort'), gerät in Zwiespalt ('Ast/of'),auch der Liebe halber ('Sucht'), stellt sich (mit
Dina Popma) vor 'What will we do when we haveno money'. Alles ist ungerade, frjemd, odd,
nichts passt außer XXL ('Paskeamer'), die dagerudert kommen, bringen mit düsterem Schlag
Unheil ins ganze Land ('Roeiers'). Und wie trotzig
er auch 'Ik gean nea dea' wiederholt, der 'Desimber' bringt Kälte, Verdruss, Dunkelheit, Stille.

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Kiedy Wilki Zawyja : When Will The Wolves Howl ?
Die da so polnisch das Zeitalter des Wolfs kommen sehen, sind aus Sheffield, wo auf Do It Thissen Records alles erschien, was es von MZYLKYPOP zu hören gibt. Und weil Mick Somerset Ward
immer schon dort zugange ist, 1980 mit Clock
DVA, mit Floy Joy und 'Weak in the Presence ofBeauty' als Hit für Alison Moyet. Er blieb dabei,
Songs zu schreiben, zuletzt für Crooked Man, das
Bleep Dance Project von Richard 'Parrot' Barratt(Richard H Kirks Partner in Sweet Exorcist), undwarf mit Dean Honer (ex-Add N To (X)) und dem
Hörspiel/Pop-Musical "Kafka Chic" einen desillusionierten Blick zurück auf die eigene, um Cabaret Voltaire als Salzkorn geperlte Szene. Wedersie, noch Warp Records, Autechre, Moloko oder
Pulp in den 90ern oder Arctic Monkeys in den
Nullern konnten mit ihrem Made in Sheffield das
allgemeine Downgrading, die Brexit-Zentrifuge oder gar den Tanz ums Goldene Kalb
bremsen. Auf "Mzylkypop Presents Xzyles" (2019) sieht Stephen Mallinder bei 'Doomerati'
die Zukunft rabenschwarz, Adi Newton raunt ebenfalls Menetekel, Peter Hope (The Box)swamprockt 'Far from God', Depeche Mode meets Captain Beefheart. Und, bei aller in
Detroit und in New York geübten Meta-Pop- & Soul-Versiertheit von Somerset, darauf bin
ich nicht gefasst, auch nicht auf "Music from SoLa" (2021) als Dark Folk, wo er mit Peter
Rophone (Regal Worm, Rophonic) und Sylwia Drwal zwischen Wölfen und Krähen Ragnarök dämmern sieht. Und kein bisschen auf Kiedy Wilki Zawyja? (DISCUS 118, LP/ CD). Den
Beat schlagen Peter Fairclough (Keith Tippett, Mike Westbrook, →Martin Archer) & Jarrod
Gosling (Regal Worm, Cobalt Chapel), Percussion spielt Charlie Collins (Clock DVA, The
Box, mit Karl Blake in Left Hand Right Hand, mit Archer in Ask & Combat Astronomy, mit
John Jasnoch von Bass Tone Trap in The Bone Orchestra & The Navigators oder zu zweit),Jg. 1952, Sheffields kultigster Bart und als Nenner für Sonny Simmons und The Hunter
Gracchus ein absolutes Unikum. Somerset selber, ein engagierter Dachs-Schützer übrigens mit offenen Ohren für den Politaktivisten & Umweltschützer George Monbiot ("Heat","Bring on the Apocalypse", "Feral"), bringt zu Bass, Keys und Mellotron noch Organ, Electronics, E-Piano & vor allem Woodwinds ins Spiel und führt Klangregie. Martin Archer zieht
das 2018er Album nochmal auf Discus hoch, einer der kreativsten Drehscheiben in
Sheffield. Weil mehr Ohren Sylwia Anna Drwal singen und flüstern hören sollen, wie sie bei'Witch Drones / The State' scheinbar in einen Giallo lockt - ah, Mallinder hat die gleiche
Assoziation - , bevor verblüffender Freakrock Tritt fasst, mit fluchendem "Kurwa!" undkirrendem Sax. 'She Turns to Dust' singt sie polnisch, die folkrockig stampfende Musikbiegt hinter Dukla Richtung Karpaten, 'Slumber Pin' stimmt sie als irische Ballade an, zu
althergebrachten Flöten und Trommelschlägen mit zeitloser Rührung. 'Sylwia's List' setzt
sich bläserforsch in Marsch, doch mehr tanzlustig und prahlerisch als kriegerisch. 'The
Gods of Claws' röhrt mit Baritonsax zu tremolierender Orgel wie Steroid Maximus, undSylwia wiegt die Hüften als Venus im Pelz. 'Last Exit to Lublin' gerät auf der Hubert-SelbyJr.-Spur mit seinen klopfenden 4/4 mehrmals ins Schleudern, weil Sylwia koboldig am Ohr
zupft, der da EWI quäkt, dem wird der Kragen eng. 'Elphame' führt mit Maultrommel, Tamburin, Flöte und Nico-Feeling ins schottische Elfenreich zum Maientanz im Morgentau.
Über was Sylwia zu helldunklen Keys und wieder quäkendem EWI bei 'Red White and Blue'
phantasiert, de Nederlandse vlag ist es nicht. Ihr Lalala, der Groove und die 60s-Orgel bei'Narky Monkey' ziehen alle Register unverdrossener Widerspenstigkeit, und wie zuletzt'TV Lives' noiseverzerrt und keyboardselig die GTOs und den Spirit of '69 evoziert und
Sylwia den Sputnik, den sie als Kind gesehen hat, das lässt die Zukunft alt aussehen.
22nowjazz plink'n'plonk
Another Fantastic Individual : Martin Archer...
Mzylkypop... Sheffield... Discus.... MARTIN ARCHER... ah, ich könnte mir in den Arschbeißen! Wegen meiner Vergesslich- & Treulosigkeit. Doch Dank für den Tritt, denn, absolut!, You must remember this: "The Dematerialised Passenger (2005) mit COMBAT ASTRONOMY, "Heritage and Ringtones" (2004), "Winter Pilgrim Arriving" (1999). Und weiter, vielweiter zurück, zu "Trapping" (1983), Archers ornettologischer, bloody ulmerischer Punkjazz-Sensation mit BASS TONE TRAP. Als dem Felsen, auf dem St. Martin seine Kirche errichtete. Mit Derek Saw (& Charlie Collins) zehn Jahre lang als HORNWEB, mit Saw, Collins, Pete Infanti und John Jasnoch als THE BONE ORCHESTRA, mit Collins und Jasnoch
als THE NAVIGATORS oder als ASK. Seit 1989 mit Discus als adventurous label mit Huckleberry-Spirit, seit den 90ern mit, neben Baritone, Tenor, Alto & Sopranino Saxophones, Saxello, Bass Clarinet, Flute, Recorder, Melodica, Percussion & Keyboards, verstärkt Synthe sizern, Sequenzern & Processing, so auch mit Chris Bywater als TRANSIENT V RESIDENT
und in RANDOMWORLD und mit Hervé Perez als INCLUSION PRINCIPLE. Archer konnte,
mit Violelectronics oder Software Instruments, im kanadischen Outward Sound Ensemble
mit ätherischen Bruits Secret ebenso überraschen wie mit den Folksongs mit Julie & Tim
Cole als ARMY OF BRIARS. Mit JULIE TIPPETTS entspann sich eine ganze poetische Serie:"Ghosts Of Gold" (2009), den extraordinären "Tales of FiNiN" (2011), "Serpentine" (2012),"Vestigium" (2015). Mit "Blue Meat, Black Diesel & ENGINE ROOM FAVOURITES" (2013)
knüpft er um 4-fach Percussion an AACM-Avantness made in Chicago an. JUXTAVOICES
als 30-zungigen Antichoir from Sheffield ließ er Poetry von Beckett, Bob Cobbing, Geraldine Monk und Gertrude Stein anstimmen - a capella - oder von Winnie the Pooh zu Cabaret Voltaire taumeln. Und er mischte den Chor auf den Spuren von Terry Riley und Alice
Coltrane auch zum mit String Quartet und Divine Winds zum Big Listen quintessenzialisierten ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE. Dazwischen kehrte er mit "Story Tellers"(Discus57CD, 2016) als ambitioniertem Narrativ wieder ein bei Wadada Leo Smith, Roscoe
Mitchell & Muhal Richard Abrams: Er als The Casuist, Mick Somerset (Mzylkypop) als The
Wounded Healer an Flöten & Percussion, Kim Macari als The Barbarian an Trompete,
Corey Mwamba als The River Follower an Vibraphon, Anton Hunter (mit Cath Roberts in
Ripsaw Catfish, Sloth Racket, Article XI) als The Rain Maker an Guitar & Electronics, Peter
Fairclough als The Wayfarer’s Bastard an Drums & Percussion. Mit der Keyboarderin
Laura Cole (Metamorphic), die bereits in Engine Room Favourites und Juxtavoices mitmischte, formierte er (mit Walt Shaw und erneut Macari) das DEEP TIDE QUARTET und mit dem Reed-Altmeister von East Of Eden (!) - RON CAINES / MARTIN ARCHER AXIS, um
die Traumfedern Matisse'scher Vögel zu flauschen. Mit Synth & Percussion von Steve
Dinsdale (Radio Massacre International), mit dem er schon im Engine Room und in Upper
Atmosphere zugange war, erfand er, mit noch Nick Robinson (Lost Garden) an Guitars &Loops, →DAS RAD neu, zumindest hört man Archer da besonders moonjune-psychedelisch & kosmisch. Zugleich knüpft er mit CHARLOTTE KEEFFE (LIO, Alex Ward) an gequetscht quäkender Trompete, Flügelhorn & Electronics und MARTIN PYNE (Busnoys,
Maguire-Pyne-Hewins) an Drums, Vibraphon & Toy Piano bei "Hi Res Heart" (Discus108
CD, 2021) mit vollmundigem Klangfächer von Sopranino über Bariton bis Bassharmonika
erneut an AACM und speziell Leo Smith an. Mit dem Orchestra Of The Upper Atmosphere
ist er derweil bei "Theta Five" (Discus101CD, 2020) angekommen, in psychedelischer Drift
mit Shaw & Dinsdale, Yvonne Magda an Violine, Andy Peake (The Comsat Angels, Lost
Garden) an Rhodes & Synths sowie Terry Todd (The Box, The Bone Orchestra, Army Of
Briars) an E-Bass & 12-string und an Harps, Electronics & Vocals Jan Todd, die zusammen
als →frostlake mit "Ice & Bone" (Discus79CD, 2019) zart-melancholische Wiegenlieder für
Wölfe anstimmen.
23

... & Discus Music (Sheffield)
Martin Archers proteische Vielseitigkeit bis hin zum YellowFacing als Masayo Asahara bei "Saint Agnes Fountain"(2003) zeigt sich auch in der ausgesuchten Polyphonie derDiscus-Scheiben, an denen er nicht selber beteiligt ist:
Im ambidelischen Infotainment von Bo Meson; in der Sonic
Fiction und Theremin-Wizardry von Beatrix Ward-Fernandez; dem Black-Moon-Folk von frostlake; den getragenen
Rophonic-Songs von Peter Rophone; dem Soundscape dernorwegischen Cellistin Maja Bugge im Standedge Canal
Tunnel; dem rhizomatischen Chamberjazz des Saxofonisten James Mainwaring mit Strings und Electronics vonChris Sharkey, der selber mit Gitarre in The Geordie Approach zu 2/3 norwegischen Darkjazz dröhnt...
Mit Metamorphic, dem Prog-Jazz-Oktett von Laura Cole,das mit Gesang von Kerry Andrew bezaubert; Guy Segers'
Eclectic Maybe Band mit Catherine Smet, Michel Devilleund Dirk Wachtelaer, die Zeuhl mit Electric Miles aufmischt;
den von Matt London mit dem Orchestra Entropy zelebrierten "Rituals" for ten improvisers; oder Article XI, der11-köpfigen Blaskapelle des Gitarristen Anton Hunter...
Im Improv- & Skronk-Jazz des Reedplayers Mick Beck im Trio des Pianisten Stephen
Grew, mit dem Drummer Paul Hession & Dave Tucker an Gitarre als Shkrang!, mit Alex
Ward & Chris Cundy als Weavels, mit Beck Hunters; den Sketches des Perkussionisten
Walt Shaw; dem NTH Quartet des Vibraphonisten Corey Mwamba; dem palästinensischen
Pianisten Dirar Kalash und dem Pianotrio Treppenwitz als Entdeckungen; Pat Thomas, dermit The Locals Braxton spielt; Alex Ward, all gates open als One-Man-Band...
Discus fußt dabei auf Säulen wie Derek Bailey, Tony Oxley und vor allem KEITH TIPPETT(1947-2020), mit dessen Oktetteinspielung "The Nine Dances of Patrick O'Gonogon" (2016),
dem Solo "The Unlonely Raindancer" (1980, RE 2019) und "The Monk Watches the Eagle"(Discus102CD, 2020) als feierlichem Prachtstück in 7 Teilen, komponiert und eingespielt
2004 mit The BBC Singers, Saxofondoppelquartett und Julie Tippetts. Aeolian (Discus120,2xCD) zeigt ihn im Pianoduo mit MATTHEW BOURNE, der seinerseits bereits mit Keith
Jafrates Orfeo 5 und Mzylkypop auf der Scheibenwelt Hand anlegte. Das Pianodoppel
entstand teils im Juli 2019 im Studio in Leeds und teils live am 12.10.2019 in der Union
Chapel in London, wie sich zeigen sollte, als Tippetts letzter öffentlicher Autritt. Acht
Winde harfen die Tasten, mit flimmerndem Pianissimohauch und kristallinem Prickeln oderzahnrädrigem Schnurren und Klirren, in schattiger Schwere, lyrischer Schwebe, bedächtig
und verhalten, durchströmt von Wehmut und Sehnsucht, von gläserner Härte, luftiger
Milde, in funkelndem Flow, quirliger Eile, drahtig wabernd, grummelnd, kreiselnd, spieluhr zart rührend, selbst hinkend noch ein Tänzchen drehend. Schönheit und Melancholie alseineiiger Zwilling. Das konzertante 'Sympatico / Trade Winds' geht ganz aus diesem Feeling hervor, aus kristallin funkelnder Wehmut, spitzentänzelnd in feingliedrig klimpernden
Arpeggiogirlanden, trippelnd und in 3/4-Takt, rhapsody-in-bluesig, Arm in Arm, mit pathetischen Schlägen, grummelig und quirlig wühlend, stramm gradual, in an Drähte streifenden Repetitionen und launigen Tempowechseln, mit klirrenden Streuseln, harfenden Griffen
ins Innenklavier, dunklen Loops und Drones, rasselndem Shaker. Aus unheimlicher Diskanz lösen sich zartbittere Tristesse und koboldquick prickelnde Verwirbelung. Die Spieluhr spielt wieder ihr Ohrwürmchen, doch es wird ostinat überkurbelt, arpeggiovirtuosübertönt, frühlingsopferrituell übertanzt. Aber Melancholie legt sich weich und sanft auf
die Hände und diktiert zuletzt ein aufwärts ins Lichte strebendes Usw... Dafür kann man
sich vor Tippett einfach nur verneigen.
24

Archer dreht aber weiterhin selber am Rad und offeriert mit Laik Tors (Discus 119) die
dritte Scheibe mit DAS RAD, dem Improg-Trio mit Nick Robinson an Guitars, der nacheiner jungwilden Phase mit They Must Be Russians in den 80ern seit den 10er Jahren ein
Frühlingserwachen auskostet als Nick Robinson Loops und in Lost Garden mit Andy
Peake. Vitaler als dieses Ambient-Duo ist der Zusammenklang mit Steve Dinsdale anDrums und Archer an Woodwind & Synth Bass, wobei alle drei noch mit Keyboards &Electronics operieren. Ihre Ikonographie ist zweideutig, weil sie offen lässt, ob sie mit dem
Hexagramm einen teuflischen Knecht Ruprecht rufen oder bannen, ob sie struwwelpetrig
den Kindern Angst machen oder im Gegenteil zum Spielen mit Rasierklingen anstiften und
mit dem Smoke of Hell verführen. Mit 'Kapow!' und 'Kaprise!' stoßen sie jedenfalls ein'Kopfkino' an, in dem 'Satanic Particles' 'Lebensmude' wieder munter machen. Dabei
gehen sie ziemlich feierlich an ihr 'Offtwerk', als hymnischer Triskel mit Synthbasspuls undArcher als halbem Blasorchester, mit Jazzcorekakophonie, Bockshufen, krummen Tönen
und Takten. Zartbesaitetes kreiselt zu stürmischen Fanfaren, Synthi- und Gitarrensoundwird von den Keys bezwitschert. In diesem Hexeneinmaleins meint 3 dreimal 3, Menschenwerk und diabolischen Beitrag, der schillernd und klirrend jede Müdigkeit vertreibt, derDinge ins Rollen bringt. Mit unverdrossenem Beat, melodieseligem Sog, von der Gitarreüberflackerter Lava, fragilen Reminiszensen an Folklore, mit Flöte und Baritonsax, akustischer und Trillergitarre, Glockenspiel und psychedelisierender Intensität. 'Mauger Hay'
groovt eine rockige Furche, melodicamelodisch und in brummiger Wallung, mit gitarristischem Vortex und kindlichem Geistergesang. Das Titelstück bringt dünnen Sopranosound und findet durch perkussive und elektronische Turbulenzen und verzerrtes Gitarren- und mächtiges Orgelpathos zu einem Trommelmarsch. 'Starvation Hound' als finaler
Long-Track zieht dann nochmal alle üppigen Register, mit Fuzzgitarre, Knurrbass, höchsten und hymnischen Multi-Saxtönen und auch wieder Georgel in prächtiger Spannweite
und krassem Finish von Robinson. Kapow!
Mit The Weight of Clouds (Discus 121) bringen frostlake nach „White Moon, Black Moon“
und „Ice & Bone“ ihr neues Songalbum. Terry Todd ist an Bass- & 12-String-Gitarre wieder
der treue Schatten von Jan Todd, die bei der folkloresken Intonation ihrer Poetry selberschon mit Gitarren, seltsamen Harfen, Lyra, Jouhikko, Talharpa, Bratsche, E-Bow, E-Violin, Klarinette, Melodica, Hulusi, Stahlzungentrommel, Drums, Percussion, Midi-Keys undKorgs Althergebrachtes mit Hitech zeit- und hautnah erscheinen lässt. Britisch-pastorale
Psychedelia also in der 'Electric Eden'-Tradition, und Jan Todds heller Gesang schwebt daätherisch zum heartbeat of the Earth am Gegenpol zu Loot, Loathing and Lunacy. Dabei
nennt sie neben Raubbeuterei, Hass und Wahnsinn Liebe als erstes, das Menschen zu
Killern macht. Sie sehnt sich nach another strange land als wahrem Zuhause. Geleitet voneiner Licht-Gnosis mit umgekehrten Vorzeichen, eine, die sich Schritt für Schritt ins Dunkle
wagt, weg von den Seelenlosen, hin zu den verborgenen saviours of light. Einem Licht, das
im Dunkeln scheint, anders als der falsche Schein, der die Guten wie Motten anzieht, diesich in Lügengespinsten verfangen, statt ins Blau und Gold einer Blumenwiese zu finden.
Gefangen im eigenen Kopf, während draußen eine andere Welt wartet. Das Leben zerrinnt
wie Regentropfen an Fensterscheiben, die vom wahren Leben trennen. Vergehen die
Sorgen, die Träume, die Missverständnisse mit der Zeit, wenn man sich die Bettdeckeüber den Kopf zieht? Der Traum, sich als Albatros frei ins Unbekannte zu schwingen? Dasaber ist so fern wie ferne Sonnen. Während wir, statt Vater und Mutter zu verlassen und
dem Traum zu folgen, vor Anker liegen. Aber wer will die Treue und ein Herz brechen, um
einer Verlockung, einer neuen Liebe zu folgen? I'm not free, don't want to be. The weightof responsibilities wiegt schwerer als Wolken. 'What Remains' ist die verrinnende Zeit, thecaesium ticks on and on. We'll all melt away in photons. Einsteins Formeln, Einbahnstraße,
freier Fall towards the sun. Wir alle: Keepers of the hours here on Earth. Sie, die Erde, unddie Sprache sind unsere Behausung auf Zeit. Und ist Todd nicht eine jener Denkenden
und Dichtenden, die Heidegger Hirten und die Wächter dieser Behausung genannt hat unddass ihr Wachen das Vollbringen der Offenbarkeit des Seins sei?
25

JOHN JASNOCH, Jg. 1953, war wie MARTIN ARCHER ein Bass Tone Trap-per und sie blieben
einander seit 1982 verbunden in The Bone Orchestra und in Ask, und wenn nicht mit Archer,dann frönte er mit Charlie Collins dem SheffieldSound, in The Jonathan S. Podmore Method oder
The Navigators. Auf Provenance (Discus 122) improvisiert er im Juli 2021 mit Archers Gebläse an
Alto-, Tenor- & Baritonsax, Sopranino, Saxello,
Quietsch-, Zirp- und Flötflöte und zupft, scharrt,
pickt dabei neben E-, 12-string- & Lap-Steel-Guitar
noch Mandoline, Banjo, Oud etc. Plinkplonk madein Sheffield? Logo. Schließlich sind Derek Bailey
und Tony Oxley dort geboren und haben mit Gavin
Bryars, der dort Philosophie studierte, als Joseph
Holbrooke so um 1965 rum das freie Gekrabbel
und Gerappel ausgebrütet. Provenance – Herkunft– meint also: Von hier, direkt von der Quelle, mit
genuinem Zugriff ('Mynediad') als, wenn nicht
Manier, so doch als Spirit so alt wie der 'Rudstone
Monolith' und ungebrochen übers Mittelalter – 'To
the Tiltyard' (Turnierplatz) – in die jüngere Vergangenheit bewahrt – 'Railroad Blues'. Jasnoch &Archer spielen wie Bailey & Evan Parker, wie G. F.
Fitzgerald & Lol Coxhill mit eigenem Stil und Gustoin jenem Frei- und Eigensinn, in dem paradiesisch'primitiv' und Hohe Schule ein und dasselbe sind.
Die Insel ist dafür eine gute Brutstätte gewesen,
das Copyright liegt jedoch beim Homo ludens.
Mein Lieblingsduett hier in diesem drahtharfig
beprickelten, beklampften, betwangten Fächer
von schnaubendem Bariton bis kirrendem Soprano
kommt zuletzt, wenn Archer in Replik auf 'I Know
There's A Question' als Wechselspiel von versponnenem Tenorsax und spröder Mandoline 'Groundhog's Answer' mit Bassharmonika murrt und Jasnoch Ukulele klimpert. Das Ganze ist visuell eingebettet in – von ein paar modernistisch-brutalistischen Hausecken und einer Düsenjägerstaffelabgesehen - kunterbunten Blüten- und Formenreichtum. Kurz: Martin Archers Scheibenwelt ist
einfach göttlich.

→https://discusmusic.bandcamp.com

26Grappa Musikkforlag: Hubro... Odin... heilo (Oslo)

Das TRONDHEIM JAZZ ORCHESTRA steht, mit dem Reedwizard Eirik Hegdal als treibender Kraft und anfangs Chick Corea als Zugpferd, mit seiner Folge von Projekten und Kollaborationen - mit etwa Motorpsycho, Albatrosh, Atomic, Christian Wallumrød, Kim Myhr &Jenny Hval, Hedvig Mollestad, Gurls, The MaXx... - über nun 20 Jahre hinweg exemplarischfür 1A NorJazz. Als 2017 der Bassist OLE MORTEN VÅGAN, Jg. 1979 und seit 1998 Leader
von Motif, die musikalische Direktion übernahm, hatte er schon mit "Happy Endlings"(Odin, 2018) gezeigt, wie gut er mit dem TJO harmoniert, das er nun, 14-köpfig, bei Plastic
Wave (ODIN9578, 2LP/2CD) erneut mit seinen Ideen füttert: Neben Vågan & Hegdal Sofia
Jernberg (voc), Ola Kvernberg (v), Eivind Lønning (tp), Øyvind Brække (tb), Signe Emmeluth (as), Kjetil Møster (ts, cl), Espen Reinertsen (ts, bcl), Marianne Baudouin Lie (c), Oscar
Grønberg (p), Ståle Storløkken (org, synth) sowie Gard Nilssen & Håkan M. Johansen (d).
Mit wieder Coverkunst des Cartoonisten Flu Hartberg, dem Illustrator schon der rotzgrüncthulhuesken "Happy Endlings"-Katastrophe, lässt Vågan einen von 'Fanfare' bis 'AfterMath Rock', von 'Food Chain Reaction' bis 'Eldhinger' mit schnabeligen Homunkuli übereinen pinken Schleimfall kippen. Die Plastikmüllflut bildet nicht nur Abfallkontinente auf
den Weltmeeren, sie versifft auch noch den hintersten norwegischen Fjord, von der Mikroplastikpest ganz zu schweigen. Jernbergs überkandidelte Swinglesingerei und aufgekratztes Gebläse evozieren da zuerst die rosarote Brille, hektische Turbulenzen und melancholische oder krawallige Einwürfe mischen das feurig oder verzagt auf mit nicht weniger
Verve und Feeling als PNL's Large Unit, als, historisch betrachtet, das Gil Evans Orchestra
oder La Marmite Infernale. Auf der reißenden oder zäh schmatzenden Klangflut driftend,
entfalten sich saxraue oder geigenzarte Stimmen, trotzig, keck, gespannt-gebannt, fatalistisch fromm oder for-future-befeuert, in drängendem Staccato, jubilierender Verwirbelung
und wolkentürmender Power. Doch geht der Arsch auch auf Grundeis ('Dismay on Ice')oder er wird hammondorgelfetzig mitgerissen über Stock und Rock. Wie Jernberg als
schwedisches Zünglein an der Waage da in pinken Wellen mitschwingt, wie kurios die datropfen, wie der hierzulande mit seiner Prosa bekannte Frode Grytten sein Gedicht 'Food
Chain Reaction' rezitiert, wie 'Pickaboogaloo' da mit gellendem Klarinettengalopp undPosaunen-Boo als Express dahindampft, um hüftschwingende Tänzer* pünktlich ans Zielzu bringen. Vågan schiebt sich mit Basstatzen auf den Tanzboden, eine Klarinette tiriliert
und springt in Oktaven auf und ab ('Dismay Redux'). Aber die Euphorie wird unterminiert,
von Schmauchspuren unterhöhlt, 'Soil Survivors' erhoffen sich von erhöhtem Gelände
Sicherheit. 'Eldhinger' schlägt dennoch kataklysmisch klirrend zu, Bass und Piano ertasten Fluchtwege, erklimmen trockenen Boden, die kakophone Springflut auf den Fersen.
Mit schauderndem Thrill schwankt man vor dröhnendem Gewoge zurück, einen Valsetriste als Danse macabre tanzend. Und Grytten flüstert nochmal sein Menetekel.
27

Der Hardangerfiedler & Viola d'Amore-Spieler NILS ØKLAND, als Steinbock heuer 60
geworden, ist mit 1982 und Lumen Drones längst geläufig als einer der richtig Guten aus
dem hohen Norden, zuletzt wieder mit "Oriental Winds of the Baroque" (2019). FürGlødetrådar (HUBRO2632, LP/CD) hat er nun die Nils Økland Band - Rolf Erik Nystrøm an
Saxofon, Sigbjørn Apeland an Harmonium & Keys, Mats Eilertsen am Kontrabass undHåkon Stene an Percussion & Vibrafon - fusioniert mit Lumen Drones - Per Steinar Lie an
E-Gitarre und Ørjan Haaland an Drums - und noch seinen Bruder Torbjørn Økland an
Trompete & Mandoline mit einbezogen. Um endlich die Komposition einzuspielen, die als
Auftragswerk beim Vossajazz Festival 2016 Premiere hatte und einen tiefen Eindruckmachte. Økland hat einst in Voss Jahre an der Ole Bull Akademiet zugebracht. Die Musik
ist in ihrer zärtlichen Süße eine Liebeserklärung an die Kleinstadt 'ne Ecke nordlich vonBergen (aber nicht abseits genug für die deutsche Luftwaffe, die sie 1940 verwüstet hat).
Es schlägt da das norwegische Herz mit allen Fasern zum Hin und Her des glänzenden
Wassers ('Blankt Vatn'). Kein Schnee kann die Glut ('Glør') im Mattglanz der Trompete
dämpfen, oder die Lust, von einem Tanz mitgerissen zu werden, wenn die Trommel und inCall und Response die Trompete rufen ('Rull'). Weiß der Teufel, wie sich acht Mann sozierlich machen können, dass sie auf einen Geigenbogen passen, leicht und kuschelig wie
eine Handvoll Vögelchen. Bei 'Glødetråd' lockt die Geige so unwiderstehlich wie Glühdraht
die Motten, sich sträuben ist zwecklos, Drums, Gitarre und Tröte treiben einen mit
beschwingtestem Groove. Doch wen schert bei 'Vals' der 3/4-Takt, wenn man sich vor
lauter Wehmut und von der Mandoline betrillert nur in den Armen halten will? 'Shanti' ist
ein Shanty für an Land gespültete Seebären und wird ohne Worte als Trauermarschgesummt. Aber 'Tråd' findet zuletzt nochmal den Faden einer Melodie, mit Pizzicato,
Saxtristesse und bebend zirpender Fiedel. Vielleicht fehlt da einigen der Fun, doch dafür
gibt es umso mehr rührendes Feeling.
(Exit) Knarr (ODIN9578, CD/LP) war – wie „Glødetrådar“ von Nils Økland – als das alljährliche Tingingsverket 2020 von Vossajazz in Auftrag gegeben, nur dass die Einspielung dercoronabedingt auf den 26.9.2021 aufgeschobenen Uraufführung fast zuvorkommt. Drei
Tage zuvor hat INGEBRIGT HÅKER FLATEN seinen 50. Geburtstag gefeiert, und dermusikalische Wikinger steuert sein Knorr da auf einer Route, die sich als Audiobiographie
lesen lässt: 'Miles Ave – For Austin' (er lebte lebensabschnittsweise dort in Texas)... 'Brinken – For Trondheim' (dort hat er in den 90ern studiert – Niels Henning Ørsted Pedersen
und Palle Danielsson als nordisches Maß aller Jazzbassdinge - , dorthin ist er zurückgekehrt)... 'Håkkåran – For Oppdal' (da ist er geboren)... 'À La Lala Love You – For Chicago'(er ist einer der Monteure der NowJazz-Brücke Oslo-Chicago)... 'Chaos Pad – For Mexico
City' (dort hat er im Jazzatlán tolle Freunde gefunden)... 'Museumplein – For Amsterdam'(wo er mit Frank Rosaly's Ruidoscuro groovt). Sein transatlantisches Pendeln mit Atomic,
Krokofant, Dave Rempis Percussion Quartet, David Murray & PNL, Rob Mazurek Desert
Encrypt Quartet, Young Mothers und B.O.A.T., post-corona fortgesetzt mit Gard Nilssen's
Supersonic Orchestra und BEAST, ist weiterhin enorm. In seiner Crew ist ihm die Altsaxerin Mette Rasmussen vertraut durch BIC, der Tenorsaxer & Klarinettist Atle Nymo durch
I.P.A., der Trompeter Eivind Lønning hat sich im Trondheim Jazz Orchestra profiliert, derKeyboarder Oscar Grönberg ebenda und in Hanna Paulsberg Concept, die Gitarristin
Oddrun Lilja Jonsdottir mit Frode Haltli Avant Folk, die Drummerin Veslemøy Narvesen mit
Kalle, der Drummer Olaf Olsen etwa mit Needlepoint. Uptempo und staccato stürmt der
Gutstring-Champion durch Texas, doch die Trompete hat diesmal Indianerblut. 'Brinken'
mischt Gitarren- und Reed-Wehmut mit melodieseliger Aufbruchsstimmung in wieder
schnellem Puls. 'Håkkåran' vereint mit inniger Trompete, zärtlichem Pizzicato und quirligem Arpeggio ein Norge-Volkslied mit 6/8-Afrobeat. In Chicago überrascht zwischen temporeichem Postbop-Bläserdrive ein schräges Synthisolo von Grönberg. Im Gekreisel von'Chaos Pad' schwillt Trompete und Saxofon der Hahnenkamm, Rasmussen kirrt und röhrt,dass der Popocatépetl ins Schwitzen kommt. Das Finale gerät nach gitarrenpsychedelischem Vorlauf in hymnisch überschießendem Alltogether in einen schwelgerischen
Liebestaumel und findet nur mit Mühe diminuierend zur Erde zurück.
28Mit Speaksome (HUBRO2650, LP/CD) richtet CHRISTIAN WALLUMRØD den Blick nicht zum
Horizont wie bei „Pianokammer“ (2014), sondern zur vergossenen Milch im universalen
Schwarz. Aber dabei doch, anders als bei seinem Ensemble-Trip zu fünft über die
Serpentinen von „Kurzsam and Fulger“ oder beim Tanz über den Abgründen von „Many“,
wieder für sich allein schon Volk genug. Umwölkt von Synthesizersound, schwankend
zwischen 'Speakless' und 'Speaksome', vor Augen eine 'Zitternpappel'-'Treeline'. Unter
den Fingern die Klaviatur von Piano und Autoharp, um bei 'Self Volk' an folkloreske Erinnerungen zu rühren, mit dunkel getupfter Wehmut zu einer wie von Mehltau überzogenen
Melodie auf verstimmten Klimperkastentasten. Die Wehmut bleibt und wirft zu dumpf geschlagenem Zweiklang, monotonem Pulsen und stumpfen Pianotönen melancholische
Wellen. 'Nölen und Laden' bewegt sich in schattiger, melancholischer Melodik wieder auf
Volksliedpfaden, und je weniger sauber Wallumrød die Noten trifft, desto bitterer schmeckt
der Schnaps, über dem man da wie mit Hamsuns und Munks Untergehern brütet. Dem
Furchtsamen zittert jedes Blatt ist ein Satz, den Wallumrød mit grotesker Bluesinessüberharft, ohne das bleierne Tropfen im Magen zu übertönen. Bei 'Treeline' fallen fatale
Schläge einer Drum-Machine zu basstiefen und beklemmt pingenden Tönen und halbschiefen Clustern, die weder sich selbst noch den Lauf der Dinge begreifen können. 'Gitar'überrascht daher in seiner unverdrossenen Bewegtheit, simpel, lakonisch und dochgroovy wird die Melancholie melodieselig verzaubert. Und die Musik bleibt auch bei'Speaksome' bei aller zartbitteren, von sanftem Dröhnen verschatteten Bluesiness bis indie Herzfasern und Fingerspitzen durchwirkt von einer Spiritualität, die denen eine Stimme gibt, die im Dunkeln sind.

Norwegen. Zoom: Østlandet→Innlandet→Østerdalen→Folldal – durchflossen und getauft
von der schwermetallverdreckten Folla. Der Dreck rührt her vom Folldal Verk, das von
1748 bis 1993 Kupfer, Zink und Schwefel ausgrub, der Gemeinde einen goldenen Pickel
ins Wappen haute und bis heute tonnenweise Gift ausspuckt. SYNNØVE BRØNDBOPLASSEN ist Folldølerin und Volksmusikantin, spezialisiert für Slåttetralling fra Folldal,
Gstanzl und dem irischen Lilting verwandtes Geträller zur Heuernte und zum Erntetanz.
Getanzt wird vor allem Springleik und Vals, aber auch mal ein Reinlender, und auf Hjemve(HCD7373) versammelt sind gleich 21 Weisen, wie sie einst blank 'gejodelt' oder vonSpellemenn wie Synnøves eigenem Opa gefiddelt wurden. Ihr Bum-bam, bum-bom diddelille-lei, a capella nur zu gestampftem 4/4- oder da-tap-Beat, macht schnell klar, um was es
geht. 'Lars Linkerifot' fügt den virtuosen Purzelbäumen der Zunge spöttische Zeilen hinzu,
und 'Ha du sett nokor gåmmål kjærring' scheinbar Alltägliches, das aber auch hexen-märchenhaft sein könnte. 'Skottenes Hjemve' singt von einem heimwehkranken schottischen
Söldner, die in der legendären Slaget ved Kringen 1612 (einer grausigen Episode im Kalmarkrieg) von einer norwegischen Heimwehr massakriert wurde. Es gibt also durchaus
Themen, es gibt Lyrics wie Ingen Synnafjelle læt som Furulykkjen, / Ingen Nordafjelle lætsom e / Ingen Synnafjelle læt som Purkelykkjen / Ingen Nordafjelle læt som e, aber der Witz
und der Zauber sind allemal das glossolale Düdldarüdldidü.

Christian Wallumrød

Synnøve Brøndbo Plassen29www. huebsch. me (Köln)
100 % Breath, darauf gibt CARL LUDWIG HÜBSCH eine lebenslange Garantie, ob mit Tuba
solo oder im größeren Stil mit Artblau, Drift, Ensemble X, Primordial Soup. Oder kollaborativ mit Phil Minton, Martel & Zoubek, you name it. Dahinter steht die leise Hoffnung des inFreiburg geborenen Pusters, der Zappa, King Sunny Ade & Dead Kennedys als seine musikalischen Grundnahrungsmittel listet, der langfristigen Entwicklung des Universums mit
einigen dem Schmetterlingseffekt analogen Atemzügen dienlich sein zu können. Seit 20
Jahren als THE LONGRUN DEVELOPMENT OF THE UNIVERSE zusammen mit Matthias,
dem Andreas-Willers-7-of-8- und Lurk-Lab-Schubert, am Tenorsax und Wolter Wierbos mit
all seiner Erfahrung bei Maarten Altena, Available Jelly, Sean Bergin, Bik Bent Braam und
ICP an Posaune. Der Amsterdamer Instant Composers Pool um Breuker & Bennink ist das
Stichwort für For Misha (Jazzwerkstatt, jw 206), und speziell der Rückenwind, den Hübsch
einst durch Misha Mengelberg (1935-2017) verspürt hat. Dessen 'De Sprong, O Romantiek
Der Hazen', 'BrozziRolloKachel' und 'WaarBleefJeTetterettetKneef' verzahnt er hübschhässlich hier mit eigenen Ideen wie 'Piani01-03', 'RaufRunterCells' und 'TwoIdeas'. Ersteres ist ein Lobgesang auf den Hasensprung, den Hübsch lauthals und in höchsten Tönen
anstimmt und den das Bläsertrio mit allem Gusto als niederrheinischen Dirge mississippisst. Mengelbergs flämischer Narrenschiffhumor swingt gleich launig weiter, trötologischvereint mit deutscher Karnevalistik der rauen und besten Sorte durch Hübschs Intervallsprünge, ploppenden Hakenschläge und gurrenden Schnurren. Der pfiffig-absurde
Unterhaltungswert bleibt, selbst wenn sich die Spur auf Küttel im Frost und bloßen
Schmauch reduziert, denn die drei glissandieren, schnauben, murren und schmatzen
gleich wieder auf der Humorskala aufwärts, als Oranje-Kavallerie mit gekrähtem Kneef
und Bleef und Zapfenstreichen, munterem Brass-Yo-Yo, zündender Rudelbildung, Krähenwitz, Windspiel und animalischer Lautmalerei. Bis hin zu Zitterblech im Zwiespalt aus
Verstopfung und gedämpftem Aufwärtstrend.
Klassisch ausgerichtet ist seit 2003 THE MULTIPLE JOY[CE] ORCHESTRA mit etwa Cage,
Cardew, Stockhausen... Hier versammelt sind nun works by Carl Ludwig Hübsch (impakt022), zwischen 2009 und 2019 performt von Hübsch, Schubert und Frank Gratkowski als
Leadern, Udo Moll (tp), Axel Lindner (v) und Angelika Sheridan (fl) als weiteren Konstanten, plus X. Ein Kreis von Könner*n, die bei 'Kopfland' den Saum der Marin Headlands an
der San Francisco Bay nachzuziehen versuchen – das Piano hämmert und tupft Eckpunkte, das Kollektiv folgt teils legato, teils ruckweise und tremoliert oder stürmt ozeanisch.
Bei 'Schwarm' wird die militärische Grundregel „Lead, follow or get out of the way“ anarcholaunig und defätistisch interpretiert. 'Ungleich' ist (im Andenken an die Vokalistin Isis
Krüger) unrund holpernde Art Brut mit in menschlicher Unzulänglichkeit dumpf geschlagener, zuckend geblasener Rhythmik, erst insistent und krawallig, dann regentropfig metronom, geräuschhaft verhuscht und in antriebsloser Monotonie stagnierend. Bei 'Übertritte' sollen die 2015 geschlossene serbisch-ungarische Grenze als musikalisierte Linie
zum Stolperstein und Schlagbäume zu Brücken werden – ein dünner Stringfaden, feine
Sinuswellenschwingung, kollektives Dröhnen und zirpendes Blech lassen jede trennende
Schärfe verwischen, pulsend tremolierende, schmerzliche Bläserklänge und rollende
Pauke überrollen die Grenze in breiter Front. 'Kleinbasel' zeichnet in glissandierenden
Mikrotönen Basels rechtsrheinische Skyline und Hügelzüge nach, aber wie im Hochrhein
gespiegelt und zerfließend – mit weichen Klangtupfen, Klangspritzern des Pianos und zunehmend kräftigen, von der brummenden Tuba grundierten Pinselschwüngen von Reeds,
Strings, Molls Trompete und Florian Zwisslers dampfbetriebenem Analogsynthi. Zuletzt
mehren sich schniefende und ploppende Laute und wecken den Eindruck, dass das'Klein-' hier auch etwas Kindliches impliziert. Hübschs Konzepte rücken das Orchestra
aufs hohe Niveau des Insub Meta Orchestra, Splitter Orchester oder LIO oder auch desEnsemble Hiatus, mit dem er z. B. Anthony Pateras oder Jürg Frey aufgeführt hat. Aberwie könnte er Gewohntes schöner ad absurdum führen, als durch ein 'Kindwerden'?
30

Intakt Records (Zürich)
Mise en Scène meint die Inszenierung einer Theater- oder Filmszene, Mise en Place die
Bereitstellung von allem, was zum Kochen benötigt wird, aber auch das Gefühl für perfektes Timing im Jazz. Mit Mise en Place (Intakt CD 366) verrät der 1970 in Lyon geborene, inGenf aufgewachsene Leader des OHAD TALMOR TRIOs seine frankophone Prägung, bevor er seinen Platz in Brooklyn fand, wo er sein Tenorsaxophon im Nonet seines Mentors
Lee Konitz, dessen Andenken das Album gewidmet ist, und beim Leadbelly Project vonAdam Nussbaum bläst, mit seinem Mass Transformation Nonet Bruckner intoniert und das
Sextett Newsreel anführt. Mit Christoph Irniger und Intakt pflegte er aber weiterhin Schweizer Kontakte und nutzt sie hier wieder für den Newsreel-Spin-off mit dem Gitarristen Miles
Okazaki und Drummer Dan Weiss, in einem Format, das dem Motian/Lovano/Frisell-Trionacheifert. Allerdings mit ganz eigenen Akzenten: Bei 'Wise One' und 'After the Rain' im
Rückgriff auf Coltrane, bei 'Kamali', 'Shymal Bose Chakradar' und 'Rupak Tukra' mit indischen Rhythmen als mit Weiss geteilter Faszination, bei 'Pairs' mit einer Verbeugung vor
dem dänischen Komponisten Per Nørgård, bei 'Mixo Mode 19', 'Theme and Variations' und'Back of the Plane' mit New York on his mind, als windungsreichem Schauplatz, den auchdas Artwork in leuchtenden Farben kartografiert. Rhythmik ist das eine, aber Talmors
Spiel mit einem 1922er Conn-Oldtimer mit Holzmundstück ist zugleich mehr als nur ein
Lippenbekenntnis zu Sound in seinen warmen und dunklen Nuancen. Die Engführung von
Sax und Gitarre in labyrinthischen Paralleln oder als Wanderer und Schatten in synchrone n
Kapriolen macht die Momente umso markanter, wo Okazaki als Monk-gewiefter Trickster
mehr als nur kontrapunktische Sperenzchen macht. So wie 'Pairs' und Coltranes Bossa
und Apres die tempo- und staccatoreich verwinkelte Erregtheit ringsum umso bewusster
ausbremsen und gedämpft unterlaufen. Die kosmopolitischen Friktionen und das wendig
Vertrackte, das Feeling macht daraus so viel mehr als bloß Labormaus-Avantness.
Mehr Grau geht kaum als bei dieser Graubündener Grablegung eines ganzen Dorfes. Die
Prozession auf dem Cover von Herd (Intakt CD 367) zeigt den Abschied der Bewohner von
Zervreila von Häärd & Hof - das Dörfchen wurde 1957 unter dem Zervreilastausee ob Vals
begraben. Vera KAPPELER & Peter Conradin ZUMTHOR nennen's 'Diluvi' - Sintflut. Die Baseler Pianistin, bekannt mit eigenem Trio auf Veto, mit Schule Der Unruhe auf Traumton,
mit Grünes Blatt auf Unit oder Bergerausch auf Narrenschiff, und der 1979 geborene, mit
Lucas Niggli im Duo und im Drum Quartet oder auch mit Azeotrop profilierten Graubündener Drummer haben sich in Haldenstein zusammengetan. Gemeinsam haben sie die "Babylon-Suite" (2014, ECM) realisiert und 2017 die Glocken des Berner Münsters mit Fell
gedämpft. Ein Leitmotiv, das wie der 'Calanda' auch hier einen langen Schatten wirft. Reto
Hänny, der für Klänge & Echos sensible und auch schon in "Blooms Schatten" joycende
Erzähler, fühlt sich darin in Graubündener Empathie wie zuhause, wenn er da Bergsturzund Untergeher-Ängste widerhallen hört, doch neben Verlust auch Trotz und Bloch'sche
Hoffnung. In Folklore, die sich ins Imaginäre wegsprengt, weg von läutender Tristesse undvon Trollen, die durch Albträume tappen. Da kann man sich nur beiseite drücken zu Klimpertrübsinn, spieluhrartigem Röhrenglockendingdong und singendem Metall. 'Orthopedia
Avantgarde' ergreift im Erlkönig-Galopp mit hämmerndem Hufschlag die Flucht vor solchem
Kindertotenlied. Doch landet man als Fliege in der 'Stube', um die tickende Uhr zu umkreisen. Kappeler lässt einen zu fieberndem Beat das alte Lied nicht vergessen, dräuend
schwillt es an, bis die Klangflut über dem Kopf zusammenschlägt. Bei 'Trabant' setzt sichwas Untotes schlurchend in Bewegung, im fahlsten Nichtlicht einer Mondmetapher, 'Bontempi No.2' schnarrt und groovt danach mit umso größerem Sarkasmus. Im Gegenzug erhöht 'Örf' nochmal die Moll-Dosis in klimperblauer Trübsal, die wiederum von toypianistischem Jux zerklirrt und zerklopft wird. 'Umland' versucht aus diesem Teufelskreis rabiat
auszubrechen, marschierend und sprengmeisterlich - die Tuilerien, die Beresina, Hauptsache keine Berge. Doch wenn die Beine im Schlamm der Tiefenerinnerungen müde werden, kehrt das nur Gedämpfte nagend wieder. Die verlassene 'Anna'? Allemal ein monotones, hartnäckiges Ja-Aber, grandios inszeniert.
31New York Marathon? Das BORDERLANDS TRIO hat für Wandersphere (Intakt CD 370,
2xCD) die Uhren eingeschmolzen: 'Super-Organism' (30:28), 'An Invitation to Disappear'(19:43), 'Old-Growth' (41:22), 'Possible Futures' (24:33)! Der Drummer Eric McPherson
feierte am 11.12.2020 @ The Sumurai Hotel, Queens, seinen 50., die Pianistin Kris Davisund der Kontrabassist Stephan Crump erwiesen sich als Co-Feierbiester in musici.
McPherson, Enkel der Basslegende Richard Davis, hat schon seit längerem aufgehört,
seine Haare zu zählen oder die Bands, in denen er trommelt - ich erwähne deshalb auchneben dem Fred Hersch Trio nur das Rez Abbasi Acoustic Quartet, weil er da Crump
schätzen lernte. Und was soll ich zu Kris Davis sagen, die als zweifache JJA-'Pianistinof the Year' zum Mainstream-Darling erklärt wurde? Wie zuletzt mit Ingrid Laubrock auf
Intakt und mit Eric Revis auf ihrem eigenen Label Pyroclastic, zeigt sie sich einmal mehrals souveräne Poetin geistesgegenwärtiger Musik, die durch ihre hellwache Tagträumerei besticht, einem mit markanter Figuration und gelegentlich sogar präparierter Tönung die Ohren spitzt oder stutzen lässt mit einer ostinat kreisenden oder gestuft repetierten Figur. Ihre Partner animiert das zu launig pulsendem, rollendem, tickelndem,
klackendem Groove, der es jedoch mit der Linearität nicht allzu genau nimmt. Nein, es
wimmelt da nur so vor kleinen Schikanen, Wirbeln, Sidesteps, und wenn Davis links zu
grummeln anfängt und sich in einen klimpernden Rausch spielt, flickert McPherson zu
zitterndem Bogenstrich wie ein Falter unter Glas. Er wackelt mit tockelnden oderklickernden Stöckchen wie ein aufgeregter Retriever mit dem Schwanz, hetzt hinterden von Davis verspritzten Perlen her oder hinter Crumps Pizzicato-Gehummel undverhakt sich dabei in einer Endlosrille. Keine zertickte oder mit Cymbal oder Tamburinverrauschte Minute, die nicht erfüllt wäre mit klingendem Lebenswert, auf den Davis beharrlich pocht, für den sie alle ständig auf Zack sind. Um nur innezuhalten für einebassgestrichene Threnodie im Gedenken an New Yorks Coronatote.
Die Integration des Aruán Ortiz Trios mit Brad Jones' grummelndem, sprintendem
surrendem Bass und Chad Taylors Holterdipolter und Tamtam ins JAMES BRANDON
LEWIS QUARTET vereint mit dem Tenoristen Lewis und dem Pianisten Ortiz zwei, dieversuchen, Wissenschaft mit Kunst und Ästhetik mit Ethik zu amalgamieren und hier als
Band of Brothers den Code of Being (Intakt CD 371) zu enträtseln. Wie Anthony Braxton
mit seinen Language, Ghost Trance und Falling River Musics, entwickelte Lewis seine
Molecular Systematic Music als ein von der circadianen Rhythmik biologischer Zellen
inspiriertes und hier bei 'Per 4' & '...5' angewandtes Tool, um ein intellektuelles undprogressives Erbe unter afroamerikanischen Vorzeichen weiter voranzubringen. War
das mit Taylor im Red Lily Quintet realisierte "Jesup Wagon" zuletzt eine Hommage an
den Botaniker, Chemiker und Erfinder George Washington Carver (1864-1943), verweisen 'Archimedean' und das elegische 'Every Atom Glows' auf den Abstract PainterNorman Lewis (1909-1979), Initiator der Künstlergruppe »Spiral«. 'Where is Hella'nimmt feierlich und hymnisch Bezug auf Henrietta Lacks (1920-1951) und deren auchschon von Jello Biafra and the Guantanamo School of Medicine in 'The Cells That Will
Not Die' besungenen HeLa-Zellen als Immortal Legacy in der medizinischen Forschung.
Mit 'Tessera' verbeugt sich Lewis vor Jack Whitten (1939-2018), einem weiteren Abstrakten Expressionisten, der seinerseits mit der "Black Monolith Series" schwarzen
Vorbildern ein Denkmal gesetzt hat und dessen 'Destillation' von every emotion zur
Gewinnung von an essence Lewis aufgreift. Ich denke nicht, dass diese Essenz schon inden mitreißenden melodischen Formeln kondensiert - die Kondensation von Spiralnebeln zu Sonnen. Denn auch Melodie ist noch ein Mittel, kein Zweck. Aber definitiv
dessen Vorschein und dessen 'Resonance', gleich in den ersten Takten, in denen Lewis
mit seinem Sax-'Gesang' Coltrane, Rollins und Dolphy evoziert und dabei mit nur einem
Zungenschlang, einer Spiraldrehung, Zartes und Wildes ineinanderschlingt. Das Sanfteund Zartbittere kommen durch einen inneren Drang ins Rollen, ins Kreisen, ins Glühen,und wenn Lewis in die schwarzgebrannten Tropfen bittere und zornige Tränen mischt,
wird Dark Matter zu schwarzem Leben, das zählt.

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Dass mich das Gitarren-Duett von Fred Frith & Ava Mendoza heuer beim Moers Festival,gelinde gesagt, nicht vom Hocker riss, lag an den enttäuschten Erwartungen, die, neben
der göttlichen Ava, Frith selber diesseits bloßer Nostalgie mit Massacre - OK, dass fällt
auch schon unter Es-war-einmal - mit also Cosa Brava und dem FRED FRITH TRIO hochgesteckt hat. Road (Intakt CD 372, 2xCD) zeigt ihn, Jason Hoopes am E-Bass und Jordan
Glenn an den Drums im Oktober 2019 mit noch der Trompeterin Susana Santos Silva (undLive Drawings von Heike Liss) in Charlottesville, VA, zu dritt in der Stadthalle Köln. Und mit
noch Lotte Anker am 31.10. im Alten Kino in Ebersberg, im Rahmen einer Frith-Woche desKunstvereins Ebersberg, in der auch “Step Across the Border” gezeigt und das vom Regisseur Nicolas Humbert daraus gesponnene Hörspiel “Cut up the Border” im Live Remix
von Max Bauer performt wurde. Dass Humbert heuer in Würzburg war, weil eine Straße
nach seinem Großvater benannt wurde, dem Arzt & Schriftsteller Max Mohr (1891-1937),
dessen Leben er in "Wolfsgrub - Portrait of My Mother" (1985) und "Shanghai - Wolfsgrub
via Sibiria" (1997) nachgezeichnet hat, ist eine bemerkenswerte, aber eigene Geschichte.
Das nackte Trio verknüpft bei 'Lost Weekend' Billy Wilders Säuferdrama durch ein visuelles
Road-Motiv mit "Lost Highway". Wobei Lowway besser träfe, was Frith mit bewundernswert krasser Gitarre zum Buckelpistendrive von Hoopes' knurrigem Schrubben oder wupperndem Staccato und zu Glenns crashig geklopftem Schlaglochflickwerk in die Klanglandschaft fräst und, teils im Rückwärtsgang, mit effektvollen Effekten und sogar melodischem Hintersinn jault, sirrt, 'flötet', kratzt. Das 'On the Road'-Feeling schließt träumerisches Driften zu schamanischer Percussion mit ein, und dass Frith zum lyrischen Saitenspiel glossolalisch vokalisiert. Der Trip als Trip, die Zeit stagniert, wirft Wellen, Keyboards(?) schimmern, Frith lässt Sounds kaskadieren und psychedelisiert in widerhakiger Verzahnung und bürstenden Gesten zu bassigem Quallen. Durch Repetitionen kommt das fast
widerwillig wieder in die Spur, wenn auch nur als Treten auf der Stelle. Der stürmisch zustimmende Beifall wird mit einer heftig anhebenden, aber erneut abdriftenden Reprise bedacht. Das Spiel zählt, nicht das Ziel. Die verstopft tremolierende, keck krähende, dunkel
schnarrende, wehmütig zirpende Trompete verklammert dann 'Color of Heat' mit 'Color ofHeart', in geräuschverliebten Koloraturen, als hinkender Tachismus, der farbenfroh aufblüht, gitarristisch vertrillert und verschrappelt, rasselig, die Saiten funkelnd, wummernd
und auf einmal als rockiger Turbo, der die Trompete mitreißt. Und mich dazu. Anker stößt
zu einem gleich jazzrockigen Groove, mit hymnischem Vibrato, sie hält den Atem an für allerzärtlichste Frithologie, mischt sich aber schnaubend, schrill und guttural wieder zu perkussiver Schamanistik, die zur weiter frithenden Gitarre und zu girrendem, rotzendem Sax
sich allmählich zum forschen Groove aufschwingt. Dem Mehrwert durch die von Anker zu
blechernem Tamtam und zu Friths Gitarrenwizardry ululierten Spaltklänge steht der vonSantos gekrähte Spaß beim finalen Sprint nicht nach, auch wenn Frith den Eifer dämpft zu
einem vierstimmigen Klangbeben. Gezogene Trompeten- und Gitarrentöne und Frith'sche
Stimmlaute ziehen über ein Rumoren und Geklapper hinweg, Glenn schlägt polternd
Krach, Santos schnaubt, pustet, girrt, Frith 'singt', Saiten pluckern. Das Herz, das da nicht
Farbe annimmt, ist keinen Schuss Waschpulver wert.

Kappeler-Zumthor

Kris DavisJames Brandon Lewis

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JazzHausMusik (Köln)
Der an der HfM Saar dozierende Gitarrist Martin Schulte war mit Oktoposse undseinem NY Quartet schon auf JazzHaus und mit Stefan Schultze Large Ensemble
auf WhyPlayJazz zu hören, hm. Seit 2006 spielt er im Kölner DUO DOYNA
klezmereske Musik mit der Klarinettistin Annette Maye, und da spitze ich die
Ohren, denn sie hat mich mit ihrem von John Zorn inspirierten Vinograd Express
bereits mit auratischer Jewishness beschallt. Zu zweit stimmen sie auf Driftin'(JHM 282) Sachen an wie 'A Nakht In Gan Eydn', 'Nakhes Fun Kinder', 'Cuando El
Rey Nimrod', das bisweilen Abe Schwartz zugeschriebene 'At the Rabbi's Feast'
und '(Mein Shtetele) Belz' von Alexander Olshanetsky, der damit in der 2nd
Avenue Seufzer über das verlassene Bessarabien auslöste. Es sind das KlezmerKlassiker, wie sie schon die Budapest Klezmer Band, Naftule's Dream oder
Yehoram Gaon dargeboten haben, ostjüdisches Repertoire mit einem sephardischen Ladino-Cuando dazwischen. Dazu 'Balcano' als Mayes bereits mit
Ensemble FisFüz und dem Pyroman Duo intonierte und 'Driftin'' als von Schulteschon auf "Walking Distance" gejazzte Eigenkreationen. Darf man eigentlich 'On
Sabbath Day' überhaupt Musik machen? Und ohne jüdische Mutter überhaupt
jüdische Musik? Das Duo Doyna setzt sich mit 'spanischer' Gitarre und in Schwarz meerzuflüsse eingetauchter Bassklarinette, mit jazziger Sophistication, pulsender
Rhythmik, singenden Singlenotes und kecker, über den Dächern tirilierender,über den Wolken tänzelnder Klarinette drüber weg. Köln gilt als 'älteste jüdische
Gemeinde nördlich der Alpen' - bis zum Pogrom 1349 und der Vertreibung 1424.
Driftin', so bewegen sich Luftmenschen, mit leichtem Gepäck, das schwere Herzfliegt mit der Bassklarinette dahin, die Unverdrossenheit und Vorfreude in aufgehelltem Alto und Altissimo, und dazu jucken die Sohlen bei einer springlebendigen 'Kolomeyka' - next stop Eydn.
Der Posaunenbuffo Detlef LANDECK und der Tenorsaxer Sven GRAU in Kasselsind mit dem aus Connecticut stammenden Drummer Joe BONICA in Gießen 3/5
von Graulandecke. Aber auch schon zu dritt Manns genug für Guerilla Jazz (JHM
283), für den sie entsprechend taff als Kleine Krieger den Dicken machen. Landeck und Bonica haben mit Ekkehard Jost "Weimarer Balladen" (1992) ebenso wie"Cantos De Libertad" (2006) gespielt und im Trio Out-Point "Acid Country". Das
Grachan Moncur III entwendete 'Frankenstein' feiert solche Evolutionsbeschleunigung als Methode, die drei spielen es mit Affenzahn. 'Neck-Bite' zickzackt in vampirischer Bissigkeit, Grau gilft, Landeck röhrt. Grau, der mich mit Mars Attacks an
Orson Welles denken lässt, bringt von daher 'Fetter Engel' als Leckerbissen ins
Spiel. Wobei das, die Titel und die Pose, nur die papierene Oberfläche darstellt.
Wenn es bei diesen frontalen Blechcrashes zur Sache geht, fetzt der vollmundige
Bläsergroove, von Bonica wie ein Sandsack durchgewalkt, wie Sau. Pumpend,ruckzuck, ostinat und krakeelend, der Punch knüppelig, mit Tempo und Fanfarenhupe auf Vorfahrt pochend. Ausnahme - 'Finally Back Again': Graf Dracula quält
sich keuchend und gruftig stöhnend aus dem Sarg, zu einem blutdurstigen Comeback, das mit einer Party gefeiert wird, melodieselig schwofend. Graus 'Falscher
Tango' tanzen Vampire, die wieder voll im Saft stehen und gockeln wie Blaublütler
nun mal gockeln. Bis auf den einen, der in Alberto Brecchias 'Poe? ... Puaf!', vonpromillestarkem Poetenblut gefällt, groggy zu Boden geht. Der verpennt 'Scotti
Pippin' mit seinem Hinkepuls, rostkehligen Krähen und Wiehern und kommt erst
wieder bei 'Trafalgar Night Talk' zu sich, mit brummendem Schädel mitten in Verkehrskrach und Gehupe. Beam me up, Scotti! Seit dem Brexit brauchen Transsylvanier 'n Visum und Blutsauger 'ne Arbeitserlaubnis. Unser Urban-Sax-&-Trombone-Überfallkommando gibt auf sowas 'nen Furz. Und anders als bei Gerhard
Gschlößl mit Vorwärts Rückwärts gibt es hier nur vorwärts.
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© Foto: Ingrid Hoberg

Was bei den einen augenzwinkernde Revoluzzer-Pose, ist bei HANNES ZERBE doch grundlegend und durchgehend etwas anderes. Mit 80 Jahren bekam er heuer den Jazzpreis Berlin und den Kulturpreis der Loscon-Stiftung, als derjenige, der z. B. 2019 zur Rosa-Luxemburg-Konferenz der dem Verfassungsschutz anrüchigen Links-Postille junge Welt die Wiederaufführung von H. W. Henzes "Das Floß der Medusa - Requiem für Che Guevara" besorgte. Als einer, der in Amiga-Zeiten Piano mit Conny Bauer in FEZ und mit Joe Sachse in
Osiris gespielt hat. Mitte der 80er wuchs er mir mit der Blech Band [1979-1996] ans Herz,
als Seelenbruder von Willem Breuker und mit Hanns Eisler als Schallfolie für einen Linksrutsch, der einen von der Unerträglichkeit der fetten Kohl-Ära befreit hätte. Zerbe warb
mit Eisler, Brecht und Heiner Müller für diese Wandlung und mit Liedern für Gesang und
Klavier nach Texten von Volker Braun ('Große Fuge'), Peter Hacks ("Was träumt der Teufel"), Erich Fried oder Robert Gernhardt, mit Musik zu Lesungen von Erwin Strittmatteroder Erich Mühsam, mit Kurt Schwitters (Merz-Jazz) und sogar Benn ("Nachtcafé") gegendas Absinken in die kulturelle Bodenlosigkeit. Neben dem Jazzorchester Prokopätz [1996-]
und einem Repertoire von Breuker und Eisler bis Weill und Zerbe mobilisierte er ab 2011
Berliner Szenegrößen im Hannes Zerbe Jazz Orchester für "Erlkönig" (2013), "Eisleriana"(2013) und "Kalkutta" (2017, alle bei JHM). Es bläst da auch der 1960 in Vogtland geborene JÜRGEN KUPKE seine Klarinette, wie zu Wendezeit im Günter Heinz Quartett (→BA 40,7"), mit Bert Wrede in Frigg, als Theatermusiker an Berliner Bühnen und vor allem mit
Gebhard Ullmann. Doch nicht zuletzt seit 1995 im Duo mit Zerbe, von dem nach "Alles hat
seine Zeit" (2019, JHM) nun Monalisa (JHM 284) vorliegt. Trotz des Anklangs an Kupkes
Zeit mit Stereo Lisa, stammen die durch spontane Intermezzi verbundenen Kompositionen
von Zerbe. Als modernistisch-postmoderne Konstrukte, denn Zerbe sucht, wie einst Milhaud und Poulenc, wie der junge Hindemith, die Verlebendigung von Kammermusik durch
Varieté-, Caféhaus- und Jazz-Musik. Als intimer Dritter Weg, mit File-under-popular-Touch,jedoch mit Weißclown-Poesie. Statt spöttisch oder gar derb, ganz lyrisch und schönheitstrunken wie die wiegenliedzarte und jubelnde 'Passacaglia für David'. Nein, kein Schnurrbart für Mona Lisa, sondern geradezu klezmereske und ländlerische 'Mahlerei', swingend
und sophisticated. Sogar 'Chronos' wird da, ticktack ticktack, wieder zum jungblütigen
Tänzer. Bleibt Melancholie nicht aus, nimmt das 'Intermezzo 3' sie wieder auf die leichte
Schulter und Kupke dreht dem Diktat der Sekunden trillernd eine Nase. Bei 'Strange
Ballad' schieben sich die beiden die Wehmut als Sauren Drops in die linke Backe, es gibt
nichts Saures, das Kupkes Klarinette nicht versüßen könnte.

35Jeff Kaiser - pfMENTUM (Warrensburg, MO)
Ah, pfMENTUM, anfangs, ab der Jahrtausendwende, mit Brad Dutz, Emily Hay, Anna Homler, Steuart Liebig, Wayne Peet, Michael Vlatkovich, Rich West und nicht zuletzt Jeff Kaiser
und seinem Ockodektet in San Diego eine der maßgebenden Adressen für Westcoastkreativität. Mittlerweile operiert Kaiser als Trumpet Player, Composer, Conductor und
Associate Professor of Music Technology and Composition an der University of Central
Missouri. Und demonstriert nun, bei Zeitnot V (PFMCD064) und Sitzfleisch I (PFMCD138)
solo, bei IntraAction (PFMCD137) mit David Borgo als KAIBORG + KJELL NORDESON, dem
durch Aaly Trio, School Days, Swedish Azz und Angles bekannten schwedischen Drummer& Vibraphonisten, was für ein versierter und avancierter Meister seines Fachs er ist. Auch
Nordeson ist einer, der 2017 bei seinem Solo "Walking With Mirabeau" in einem Labyrinth
und der Mathematics Alley spazieren ging, aber KaiBorg überbietet das locker mit noumenaler (kein Phänomen, aber laut Kant denkmöglich, wenn auch unerkennbar), ontotelischer (living systems can be named ontotelic systems, as maintaining their onticity seems
to be their ultimate purpose and utility) und quinquagenarischer Sophistication. Kaiser
scheint seinerseits auf deutsche Wurzeln hinzudeuten und mit metaphorischen Volten auf
den insektoziden Ökonotstand 5 vor 12 und das breitärschige Beharren auf Steakfresserei. Was er dazu allein mit Flügelhorn, Trompete, Spielzeug, Stimme und Live Electronics
erschallen lässt, ist stupend, frappant, verrückt. Als Sonic Fiction, die in irrwitzige Klangdimensionen entführt: Mit Fressgeräuschen von Ameisen, lautstark vergrößert... tektonischem Zerren und Wuppern an einem Katastrophenhorizont... Mikroweltraumschlachten
unter dem Stethoskop... stripsodistischem Klamauk mit Speedlines, Bremsspuren... verzerrter Krähenkommunikation... schlürfendem, furchendem, furchterregendem Scratching... bestialischem Lärm mit komischem Beigeschmack... Klirrologie in Ultraspeed...
verblüffender Stille... kryptischem Alien-Gewisper... splatternder Audiodiarrhö. Kaiser
züllt, presst, faucht und jagt das durch den digitalen Fleischwolf in klangliche Anderwelten, darunter auch eine ganz ätherische voller hassellesker Möglichkeiten. Obwohl auchdarauf ein dunkler Schatten fällt. "Sitzfleisch" setzt in so einer analogeren, blechernen
Welt ein, zeigt aber bald wieder Züge eines Audio-Comic-Strips, mit Furries und Morphs.
Alles ist beruhigter, gedämpfter, die Töne langgezogen und mitunter fast harmonisch. Umdoch wieder 'komisch' zu entgleisen, teils unheimlich, teils grotesk eskalierend in deathmetallistisch horrender Übertreibung. Aus harschem Noise emaniert ein rudimentär vokaler Loop und mündet in einem Trompetentremolo. Kaiser klappert und scharrt mit Topfdeckeln, zirpt und bläst wie Molvær, melancholisch und melodisch. Und verstummt, wennes am schönsten ist. Die Begegnung mit Nordeson hat ihre Vorgeschichte in den KaiBorgDuetten "Harvesting Metadata" (2010) und "Vibrant Matters (PFMCD100, 2017), Kaisers
quartertone-trumpetistischem Zusammenklang mit Borgos Sopranosax, Dudukphone undexotischem Geflöte. 'Heiranarchy' haben sie ihr elektroakustisches Update einer wilden
Denktradition genannt. Auch im Trio greift der Ethnomusikologe an der UC San Diegowieder zur Hybridschnabelflöte Futajara, zu Piccolo, Bambussax, der burmesischen
Kegeloboe Hne, dem Büffelhorn Sneng, dem EWI Sylphyo, für eine Klangvielfalt, die er
ebenso instropomorph prozessiert wie Kaiser. Als zwei Silicon-Valley-Hirten entführen sie
einen mit Nordeson in - 'Abductive' bringt mich drauf - von Charles Sanders Peirce's 'logic
of discovery' philosophisch angehauchter klanglicher Analogie zu Hypothesen, die überraschenden Erfahrungen mit einem may be begegnen. Mein 'Abductive' → Peirce ist dabei
freilich, wie viele meiner interpretativen Spurensuchen, selber abduktiv. Nordeson klopft
und klöppelt jedenfalls zu Borgos sopranistisch nasalen und flötenden Trillern und zu
Kaisers ventilsprengenden Schmauchspuren oder mit Dämpfer gezirpter Melodik einentänzelnden Groove, er erzeugt ein sirrendes Schimmern, ein nur schattiges Wummern
oder Pochen oder rührt rührend an die zerbrechlichen Vibes. Ethno-Folklore und geräuschverliebtes Hand- & Mundwerk vermengen sich mit bizarrer Sonic Fiction zu einem
alternativen Kontinuum, das sich abenteuerlustig lärmend, aber auch herzzerreißend
melancholisch abkehrt von den republikanischen Verunstaltungen.
→https://music.jeffkaiser.com/
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)

Loves (LR 918), das ist ein plurales Spektrum, von 'Amour Fou' bis 'Platotudes'. SIMON NABATOV zeigt das an einem Reigen von Liebespaaren:'Georgia' O'Keefe & Alfred Stieglitz, 'Anaïs' Nin & Henry Miller, 'Sylvia'
Plath & Ted Hughes, Lilja 'Lili' Brik & Vladimir Majakowski, Gabriela 'Ella'
Münter & Wassily Kandinsky, 'Clara' Schumann & Johannes Brahms,'Frida' Kahlo & Diego Rivera. Wobei der Pianist in Köln da in diesen PlatoEtüden dessen Kugelmenschenhälften taumeln lässt, wohl wissend, dasssich Plattitüden so wenig vermeiden lassen wie Verstörungen, Treue- undNervenzusammenbrüche, Selbstmord, Skandal, wilde Drohungen. Nabatov bringt das zum Klingen als Third Stream 2.0 mit postromantischer
Sophistication in aristophanischer und kapriziös-turbulenter oder pathetischer Verwirbelung, eben noch harmonisch, gleich darauf schillerndoder stachelig, erregt, hysterisch, hund-und-katzig. I love you laughingly,
your letters are like kisses. Doch kisses alone don't work. Zu 11. in ungerader Symmetrie mit einem Ensemble ähnlich dem Septett bei „Time
Labyrinth“: Seinem Trio mit Stefan Schönegg & Dominik Mahnig, erweitert
mit Cello und Viola, Posaune und Trompete, Saxofonen und Klarinetten(wobei Leonhard Huhn da eine ganz andere Seite zeigt als mit Colonel
Petrov's Good Judgement), hinterfüttert mit Knowhow durch etwa Big
Enso, Été Large, Vinograd Express. Mit den Stimmen von Rebekka Ziegler
und Tobias Christl als i-Tupfen. Zeilen aus Briefen, flehend, fordernd,
zärtlich, zweifelnd, oder swinglesangselig und überkandidelt jenseits vonWorten. Zwei Paare verwebt Nabatov mit computer-based conductor, die
andern mit Mahnigs human Touch, und er kostet dabei, bei Brik und Kahlo
auch allein schon mit markanter Pianistik, aus, dass Liebe und Musik
gemeinsame Nenner haben in Chemie, Mathematik, explosiver Psychophysik – je näher sich Töne kommen, desto größer die Dissonanz. Bei
Florian Illies zieht es dis- & konsonante Paare - Ernst Ludwig Kirchner &Erna Schilling, Ninon Dolbin & Hermann Hesse, Zelda & Scott Fitzgerald,
Margarete Steffin & Bertolt Brecht, der Reigen um Annemarie Schwarzenbach und die Geschwister Mann - in heißkaltem Taumel vom Krieg derTräume mit in die Zeiten des Hasses und in den sich in Kaltschnäuzigkeit
und Fieberwahn paarenden Untergang. Nur wenige fanden Zuflucht oder
Atempause in den Zauberbergen bei Davos, im Tessin, an der Côte d'Azur
oder in Beverly Hills. Und die wenigsten fanden wie Vladimir & Véra
Nabokov einen Hauch von Glück als Schmetterlingspaar. Bei Nabatov
endet es in der platonischen Liebesbotschaft: Love is... Hunger nachGanzheit. Und schon beginnt der Trouble von vorn.
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Ach wie schön, John Wolf Brennan lässt Fay Lovsky sein Ship of Fools auf FriendShip (LR919) taufen und PAGO LIBRE & SOOON mit ihrem 'Curious & Curiouser' in See stechen.
Illustriert von Diego Balli in Hommage an Joost Swarte, Captain Haddock, Popeye und
Moby-Dick. Während Lewis Carrolls Crew einst nach dem Snark jagte, jagen Brennan, dergehörnte Arkady Shilkloper, Rätus Flisch am Bass, Tony Majdalani an Percussion, Florian
Mayer an Geige & Sonja Morgenegg als poppige Fay und jodelndes Vreneli nach Simplexity. Und fischen als Hersteller von Gegenwart aus Brennans Bewusstseinsstrom unverlorene Erinnerungen: Jon Lords 'Sarabande', das an seinen persisch-arabischen Ursprung
zurückgeführt wird. Das getragene 'Soon' (oh soon the light, pass within and soothe thisendless night) vom Yes-Album „Relayer“. Mit 'ArabesGuggisbärg' die urig majdalanisierte,
von Morgenegg mit geflötetem hohen C verzauberte Arabeske des alten Schweizer Liedsvon der Liebesmühle. Das von Morgenegg fast so pink wie von Clare Torry vokalisierte,
elegische 'The Great Gig in the Sky' von „Dark Side of the Moon“. 'For No One', das Paul
McCartney beim Skifahren in der Schweiz zur Trennung von Jane Asher einfiel, wie das
Original mit Waldhorn. John Lennons yellow-submariner Sheepdog-Bullfrog-Spaß, verzwittert mit dem John-Barry-Arrangement aus „Dr. No“ zu 'Hey Bulldog – where's James?'.
All das verbandelt mit Pfiff und Gejodel, mit Zungenrede, die im 3/4-Takt walzt, Shilkloper,
der, von Muscheln beraschelt, Colorado-Horn bläst, Morgeneggs mit Yahoo-uhu-a-u-uhuuGejodel und Westerngitarre angesporntem 'Mongolischen Reiter', der sich auf einen lauthalsen Wechselgesang einlässt, Brennans von Saiten gepflücktem und geschlagenem,
koboldig vorgekautem und zu Brummbass feierlich angestimmtem Alpsegen 'Höhefüür'und schließlich Majdalanis 'Oasi of Hope' in mit Hand-Pan gepatschtem und geklopftem
5/4-Groove, mit arabischem Gesang, keckem Horn, Melodica, schmachtenden Bassstrichen und Piano. Und ganz zuletzt Stings 'Wrapped around your Finger', unplugged undwie Odysseus caught between the Scylla and Charibdes. Als Zauberlehrling, der glaubt,
seinem Magus, seiner Bestimmung, ein Schnippchen schlagen und selber Dominatorspielen zu können. Ahoi!
STEVE PICCOLO kam in den 90ern nach Mailand und lehrt seit 2005 Klangkunst an derdortigen Nuova Accademia di Belle Arti. Das erklärt doch halbwegs das Miteinander mit
dem Vibraphonisten SERGIO ARMAROLI auf Blue in Mind (LR 920). Dass dazu ELLIOTTSHARP als zweiter Eierkopf ins Bild kommt, hat jedoch die tieferen Gründe. Denn Piccolo
und Sharp haben eine gemeinsame Vergangenheit im New York der 70er Jahre, als Piccolo dort studiert, sich als Performancekünstler versucht und bei Lounge Lizards Bass gespielt hat. Seither hat er sich mit Videokunst, Performance etc. einen Namen gemacht,
nicht zuletzt mit Gak Sok, dem japanischen Sound Artist in Mailand, und insbesondere mit
vokalen Statements. Dabei kam es bei seinem eigenen „Hilarity Workshop“ (1996) und
Simone Massarons „Breaking News“ (2005) bereits zu Wiederbegegnungen mit Sharp underneut bei dessen „Em/Pyre“ (2008) und „Syzygy“ (2018). Auch hier singt er nun wieder
mit rauem Timbre zu dessen Spiel mit Gitarre, Sopranosax, giftigen Soundloops, Computerkaskaden und Jazzzitaten und Armarolis gläsernem Klingklang. Er gibt Statements ab
wie Do not be dismayed / you are just a face / in the crowd und don't worry / truth will find away / in spite of you. Er zitiert aus Reports über die Erwartungen an, die unklare Wirkung
von und die fehlende Zeit für Kunst. Er beklagt mit dem Fortune Magazine das drohendeEnde der Kritik durch KI-generierte Reviews. Ich halte die menschliche Korruptheit undVerlogenheit im 'falschen Spiel mit dem Glücksversprechen' (Roger Behrens) für vorläufig
noch unschlagbar. Piccolo lässt mit Maurice Blanchots The disaster ruins everything, all
the while leaving everything intact ja auch schon die Klage über den 'Triumph der Reklame' (Adorno-Horkheimer) hinter sich. Es geht nicht um die Abschaffung der Fassade, derPropaganda, sondern um die Abschaffung des faktisch Falschen als solches, um etwas,that money can't buy. Doch solange Tiere einen vernunftbegabter anschauen als – Polizisten..., solange die Wüste wächst und es kein Pardon für unsere Sünden gibt. Piccolo visioniert verlassene Wohnstätten, und Sharp lässt als Epilog blaue Wellen und Kaskaden surren, wallen, vibrieren und als heulendes Feedback Raum greifen.
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Libra Records: Fujii, Tamura ... (Kobe)
Unsere japanische Kreativ-Dyade ist unter Corona-Bedingungen zu neuer Höchstform
aufgelaufen. Ständig münzen sie die Not in Tugend um. Eine weitere Lösung für die Kontaktbeschränktheit erklingt auf Mosaic (Libra 203-068), Satoko Fujii und Natsuki Tamura
per Livestream vereint mit dem Drummer Takashi Itani, 400 km entfernt in S ōka. Der, bekannt für sein Händchen in jedem Stil – New Wave, Postpunk, Cooljazz und als versierter
Taktgeber für Singer-Songwriter, Popstars oder Poeten, gehört schon länger auch zur
musikalischen Familie des Paars in Kobe, in Fujiis New Trio, in Tobira und AMU, und hiernach dem Debut „1538“ auch wieder als THIS IS IT! Die Verbindung per Screen bringt
zwar kleine Reibungsverluste im Timing und verlangt erhöhte Aufmerksamkeit beim
einander Hören, aber auch den Reiz, dass Tamura mit seiner Trompete mit seiner Frau inderen Pianoraum eng zusammen hockt und Itani, in seiner Schlaf- & Übungskammer eingeklemmt in all seinem Schlagwerk, am liebsten durch den Bildschirm kriechen würde.
Die Spiellust überwindet die Distanz gleich bei den kubanischen Anklängen von 'Habana's
Dream', wo Fujiis Lektüre einer Che-Guevara-Biographie nachhallt, mitsamt dem Konflikt
revolutionärer Ideale und brutaler Mittel, die da zu schnarrender und gepresster Trompete und Congabeat tänzerisch und kämpferisch ineinandercrashen. In 'Dieser Zug' hängt
Fujii von ihrer Berliner Zeit her DB-Reminiszensen nach, Itanis fragil hallende, klimpernde,
flirrende Vibes und leise Trompeten-Wehmut nehmen aber erst Fahrt auf, wenn Tamuras
romantische Tirade ein Ventil zum Beschwingten hin öffnet. 'Kumazemi' nimmt eine Zikade
als Metapher für Unerhörtes, das ergriffen werden will, mit schmetternder Trompete, muscheligen, blechernen, federnden Itanismen, hämmernd, scharrend, sprunghaft, grillenhitzig crescendierend und mit zuckender Staccato-Reprise. Bei 'Sleepless Night' schmiedet Fujii, was da durch einen schlaflosen Kopf schmiert, spukt und schrottet, mit insistenten 4/4 um in eine Trompetenmelodie. '76 RH' spielt zuletzt an auf die Luftfeuchtigkeit,
die in Japan oft höher ist und einen lähmt, statt aufzuwühlen wie das hier, mit Tastenkaskaden, trommlerischen Turbulenzen ohne Hagelversicherung und einer Trompete, dietrotz kurioser Verstopfung mit dynamisch abgezirkeltem Drive besticht.
Taiko Saito ist aus Sapporo, aber seit mehr als 20 Jahren Berlinerin und hierzulande mit
Koko, Kokotob und der Berlin Mallets Group eine feste Größe in marimba- & vibraphonaffinen Kreisen, wobei sie mit Silke Eberhard in Potsa Lotsa XL und auch schon in Moersoder mit Cymin Samawatie und Ketan Bhatti im Trickster Orchestra ihren Aktionsradius
deutlich erweitern konnte. Nicht weniger mindblowing ist aber FUTARI, seit 2019 ihr Duo
mit Satoko Fujii, das, gerade so gut in Schwung gekommen, pandemiebedingt ein zurosten
drohte. Zumal Saito auch noch durch das Homeschooling ihrer Kids ausgebremst wurde
und statt ihrer Mallets Kochlöffel schwingen musste. Als daher Fujii ihr vorschlug, im alten
Stil Mailordermusik zu machen, war sie auf der Stelle angetan. Sie schickte 'Underground','Break in the Clouds', 'Memory Illusion', 'Frost Stirring' und 'Asayake' – ping - nach Kobe,
wo Fujii sie mit pianistischen Overdubs und Soundscaping vervollständigte. Umgekehrt
bekam Saito Tracks nach Berlin gepongt, aus denen sie durch Schichtung, Splicing und
Cutting 'Air', 'Meeresspiegel', 'Finite or Infinite', 'Street Ramp' und 'One Note Techno
Punks' fabrizierte, die Fujii im August 2021 im Endmix nochmal überzauberte. Das Ganze
fügte sich zu Underground (Libra 202-069) und sprengt die Vorstellungen von Piano und
Stabspiel durch seine dröhnende, schrillende, raunende Klanglichkeit. Extented techniques, das Studio als Instrument? Mysteriöser Wellenhall ist durchsetzt von perkussivem
Klicken und streuenden Pianotönen, gläsernes Quellen opponiert helldunkler Tastendramatik. Metallisches Schillern und lupenreines Dingdong kontrastieren mit dezidiertem
Pianomoll und rumorenden Drähten, grollender Donner mit kristallinen Wirbeln undglockigen Lauten. Aus pulsenden Sinuswellen emanieren feines Dröhnen und stechende
Pfiffe, pickende Tropfen tropfen auf summend umhüllte Minimal-Muster, über dunklem
Tasten- und rauschendem oder angeschlagenem Drahtklang flattert klingelndes Tremolo,
schweben Saito-Drones. Das Finale überrascht zu schnellem Beat mit zischendem, bellendem, gilfendem, kreischenden Hexenmundwerk. Wehe wenn sie losgelassen!
39Motvind Records (Lillehammer)
Als 'Perspektiv På Norsk Folkemusikk No. 3' – voraus gingen Musiken der Hardanger
Fiddlerin Helga Myhr und des Maultrommlers Thov Wetterhus – erschien Naaljos Ljom
(MOT13LP) von Anders S Hana & Morten Joh [Morten J. Olsen], Letzterer mit AnalogSynthesizer, Hana mit Jew's Harp, Langeleik und Micro-Frets Guitar. Er, der von Noxagt
bis The End bei mir als guter Mann in Stavanger notiert ist, und Olsen, bekannt durch
Office-R(6) oder The Pitch, kennen sich von Ultralyd her und sind eigentlich MoHa! Hier
allerdings greifen sie als NAALJOS LJOM ganz auf den Fundus einheimischer Folklore
zurück. 'Gorrlaus', 'Langeleikslått', 'Homslien', 'Galne-Visten', 'Uppstaden' und 'En vennjeg havde meg en tid' sind Volksweisen, die sie intonieren im Naturton-Tuning, für das derKomponist Eivind Groven (1901-1977) mit seiner reinstimmigen Orgel Pionierdienste geleistet hat. In seinem Sinne verwandeln Naaljos Ljom Traditionals in mikrotonale Electronic Dance Music, und sag niemand, das wäre ihnen nicht so kurios wie seriös gelungen.
Knarrend, pochend, mit rasselndem Shakerbeat und dem Drive der twangenden Maultrommel richtig schön technoid, mit monoton pulsendem Takt und verwirbelter Tanzerei.
Generationenaltes Stomping, um feiertäglich über Trott und Elend hinwegzuschwofen,
kehrt im Update wieder als Trancepuls und Hypnodreh. Die Langeleik zithert Exotik in den
kühlen Norden, der Synthi bohrt Wurmlöcher in die frömmlerischen Bretter vorm Kopf. Mo& Ha spielen auf als Spielleute, die den neuesten Schrei mitbringen, die einem die Scheuklappen und Sorgen wegblasen, bei 'Uppstaden' mit schnurrendem Drive und einer wunderbar labyrinthischen Melodik. Zuletzt reimt Kenneth Lien bei 'En venn jeg havde meg entid' Liebe auf Kummer, und dagegen gibt es immer noch kein Update.
Im ANDREAS RØYSUM ENSEMBLE versammelt ein junger Klarinettist alle guten MotvindGeister um sich: an Flöte Henriette Eilertsen, an Altosax Signe Emmeluth, an Tenorsax
Martha Lea, mit deren Band Røysum „Azura“ (MOT12LP) eingespielt hat, mit noch dem
Geiger Hans P. Kjorstad, seinem Partner auch im Trio Miman, Joel Ring (von Slow Is The
New Fast) spielt Cello, Ivar Myrset Asheim trommelt (wie auch bei Trond Kallevåg Hansen)
zur Kontrabassgrundierung durch John Andrew Wilhite-Hannisdal (mit seiner Bandbreite
von Adorno bis Boris Groys, von Cop Tears bis Kat Hernandez) und Christian Meaas
Svendsen (bekannt durch Nakama und PNL). Das Ensemble stürzt sich nach dem 'Novas
Dans'-lustigen Debut (MOT7, 2020) erneut in einen coltranesk beschwingten, afroskandinavischen Phlegethon. So wie Røysum dort 'Til Ayler'-Hymnik und folkloresken KundaliniSwing mit dem fragil-versponnenen und vertrillerten 'Kvartett fra tidens begynnelse'
intellektualisiert hat, so mischt er nun auf Fredsfanatisme (MOT16, 2xLP/CD) zu wieder
ayleresk enthusiasmierten - 'Til Tell Teigen' - oder feuerzungig, flötenvogelig und mit galoppierendem Beat äthiopisierten – 'Lalibela' - Seligmachern herb abgekühlten AACMSpirit: mit dem strings-only gekrabbelten Pizzicato, klapprigen Schnarren und diskanten
Strichen von 'Kvintett (for Leroy Jenkins)' und, nur die Bläser, dem gackernden, krähenden, surrenden, von Røysum selber schädelbohrend zugespitzten 'Kvartett (for Joseph
Jarman)'. Dazwischen folgt dem groovy pulsenden, von Flöte bis Bassklarinette vollmundig besprudelten 'Hina Hina' mit 'Flipp ut' (17:25) ein aus Minimal-Wellen aufsteigender Drehwurm, dem zeitvergessen die tickelnden Sekunden verdampfen in gedehnt gesponnenen Windungen, bis der Swing sich mit reanimiertem Gewirbel erst recht nochmal
schwindlig dreht und in delirantem Geflöte und Gefiedel erschöpft. 'Sawakuro' bringt nachsublim gegongtem Intro zu dunkler Kontrabassklarinette fein intonierte, zen-inspirierte
Sammlung, die mit summenden Repetitionen in schunkelnde Wallung gerät, aus derStimme für Stimme, doch insbesondere Lea herzzerreißend hervorbricht. 'Keine LSD
Blues' scheint wie das psychedelische Artwork an Hippiezeiten erinnern zu wollen, Kjorstad fiedelt gypsyfeurig hoch zu Lucy in the Sky, die saxy zurückfeuert. Zuletzt bei 'Jakterpå Røyskatten' täuscht die Flöte etwas Lyrisch-Besinnliches an, doch das Ensemble jagt
einen doch lieber frischfröhlich freudetrunken und friedensfanatisch mit kollektivem
Sursum corda à la Røysum in die Auferstehung.
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Neither/Nor Records (New York)Der in Rom geborene Perkussionist Carlo Costa bildet, seit 2005 in New York, dort einevirulente kleine Carlosphäre. Mit, nach "Estuary" (n/n 014) im Improv-Trio mit Jonathan
Moritz an Tenor- & Sopranosax und dem Kontrabassisten & Poeten Sean Ali, zuletzt einem
Fächer von Solos: Seinem eigenen "Silos" (n/n 015), das er in Italien in einem alten Kornsilo mit nur found objects aus den Handgelenken schüttelte; Sean Alis "A Blink in the Sun"(n/n 016); sowie "Stress Positions" (n/n 017) von Joe Moffett, Costas Partner in Earth
Tongues mit noch Dan Peck, allein an Trompete. In DIAPHANE spielen der Bratscher
Frantz Loriot und Costa, die sich schon (mit noch Ali) als Natura Morta vertraut sind, mit
noch Raphael Loher (vom Kali Trio und mit Christoph Gallio in Road Works) an Piano und
Carl Ludwig Hübsch an der Tuba. Und erschaffen da auf Paris (n/n 018) eine ganz merkwürdige Klangwelt aus steinigem Klopfen, tockenden Töpfen, schlierigen Wischern undflötenden Pfiffen. Die wuppernd ploppende Tuba mischt sich, selber dann nur nochfauchend, mit Basstrommeltupfern, während das Piano, präpariert, dazu einen Gamelanklingklang flockt. Die Bratsche wie gepresstes Blasen, in federnden kleinen Sprüngen, die
Tuba in tiefster Tiefe murrend oder mit sonorem Du da, Costa mit klickender Triangel,
schrottigem Nesteln, mysteriös sirrendem Bowing. Wobei sich das öfters mal ununterscheidbar überlappt. Costa harft ein Gitter und paukt hinkenden Zweiklang, Loriot summt
einen Dauerton, Hübsch grollt, pulsiert, schnaubt, Loher pingt und arpeggiert auf einem
kaum handbreiten Fleck. Klangarme Kratzer, diskantes Flautando und zittrige Bratschenstriche verschmelzen mit rappeliger und ratschender Krimskrams-Percussion und diesetrifft in erregt hagelnder, schrillender Eskalation auf trappelige Pianomonotonie. Arte
Povera entfesselt sich zu einem aus der Leinwand quellenden Pollock. Und diminuiert zurück ins Zarte und Stille.
FLIN VAN HEMMEN stammt aus Nijmegen und mischt seit 2008 in der n/n-Sphäre mit. Mit
Guillermo Celano in Big Grin und in dessen Quartet hat er schon auf TryTone getrommelt,
er ist mit Tony Malaby’s Paloma Recio und Eivind Opsvik’s Overseas getourt, mit Jozef
Dumoulin hat er sich zu Too Tall To Sing zusammengetan, mit Sean Ali für "Forest Music".
Mit Todd Neufeld & Eivind Opsvik als Casting Spells ist er mit "Drums of Day" (n/n 005,
2016) und den beiden Suiten "Casting Spells & The Coves" (n/n 012, 2019) bei Neither/Nor
zu hören, neben der Percussion auch mit Piano & Farfisa, als Seiltanz über ein Stillleben,
als magisches Theater mit Baal. "While We Still Have Bodies" (n/n 009, 2017) zeigt ihn im
Quartett mit Ali und er setzt da auch noch Sampler ein. You Can Know Where the Bombs
Fell (n/n 019) entstand dagegen in intimer Heimarbeit, als Soundscape durch Sampling,
Processing und Post-Production, mit Fieldrecordings und Soundsegmenten von Casting
Spells als Knetstoff. 'Dagegen' bezieht sich dabei nur auf das Alleinsein, das Processing,die Feldaufnahmen. Das Überblenden, das Atmosphärische, das gab es auch schon bei
Casting Spells. Als Verschmelzungsprozess, der sich allen Quellen öffnet, aber sie zugleich dem Klangfluss unterordnet. Gesteuert - wie er im Gespräch mit Dumoulin ausführt- von einer unterbewusst und durch Zufälliges und Überraschendes gespeisten Empfindsam- & Empfänglichkeit für Schönheit. Mehr interessiert an ambient shifts und Stetigkeit,
an Repetition und Stille, denn an peaks. Was mit 'Heels Rise' anhebt, ist ein bewegtes
Kontinuum aus Wellen und Impulsen, zu kurz, um sie zu identifizieren. So mischen sich
Chorgesangsschübe mit klickenden Steinchen, Schritte kreuzen, ein Klacken loopt, zu
Pianotönen stoßen Stimmlärmfitzel, ein Flattergeräusch. Schritte knurschen outdoor, es'riecht' nach Wind und Wasser, ein Loop quiekt, das Piano dröhnt und klimpert, Glockenspiel pingt zu Stimmen und Straßenlärm, Klangwellen 'stehen' und ein Knacken kreist.
Brandung rauscht, ein Nebelhorn muht, aber vieles lässt sich nicht benennen. Menschen
am Strand? Ein Seevogel quäkt, das Piano träumt knietief im Schlick. 'The Blood of All
Nature'? Innenklaviermelancholie wälzt sich um den einsilbigen Vogel, der Vordergrund
bebt, im Hintergrund dongt ein düsterer Ton. Doch vor der ungut drohenden Kulisse
spielen Kinder. Absurde Nahost-Realität, sichtbar gemacht.
→https://neithernorrecords.bandcamp.com/
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Ivo Perelman: "Brass and Ivo-ry tales"
Man ist von dem Tenorsaxriesen in New York bereits Vieles und Großes gewohnt, als wollte
er mit all seiner kreativen Gewalt den Gegensatz von Qualität und Quantität aufheben. In
Spielserien und Tiefbohrungen mit Bass und mit Drums, mit Strings, mit Bassklarinetten,
und vor allem mit Piano Piano Piano. Dabei scheinen ihn der Klangfarbreichtum der Instrumente, das Blättern im "Book of Sound", ebenso zu reizen wie bestimmte Formate - "TheArt of the Duet", "The Art of the Improv Trio Vol. 1-6". Oder sind es die individuellen Handschriften seiner Spielgefährten, 'Kindred Spirits', mit denen er sich offenbar am liebsten
täglich treffen würde: Rashied Ali, Michael Bisio, Gerald Cleaver, Walt Dickey, Dominic Duval, Mat Maneri, Joe Morris, William Parker, Nate Wooley..., aber x-fach übertroffen durch"The Art of Perelman-Shipp", seine 'Oneness' mit Matthew Shipp. Nun aber erreicht IVO
PERELMANs work- & playologische Megalomanie einen weiteren Gipfel, als wieder Art of
the Duet und wieder mit Piano, doch ohne Shipp: Brass and Ivory tales (Fundacja Słuchaj!,
FSR 11/2021, 9xCD). Mit einer Introduktion von Neil Tesser, Perelmans Pigafetta, sind da in
60 angeschlagenen und geblasenen Kapiteln Perelmans Fremdgänge mit weiteren Pianist*en als die bereits bekannten mit Karl Berger aufgetürmt, gut 500 (!) Minuten, als
Lebenszeitfresser so herausfordernd wie ein 8-Tausender, der vor Gipfelstürmern als zugleich Pflicht und Verlockung aufragt. Selbst wenn sich Perelman-Überdruss breit macht,
bleiben ja der illustre Reiz und das pianistische Renommee derer, die da die Tasten zwirbeln: Als Senior DAVE BURRELL, der auf zwei ausgedehnten Spaziergängen ausnehmend
launig tapst und torkelt (Jan. 2020). MARILYN CRISPELL beim 9-maligen Daran-Festhalten,
dass Diamonds are a Girl's best Friends, ob auf einer Barcerole gondelnd oder nah am
Wasserfall (März 2014). ARUÁN ORTIZ, der alchemistisch mit Kohle und Quecksilber hantiert und ein Silberhämmerchen schwingt (Dez. 2017). Der mit Terence Blanchard und Joshua Redman erprobte und von Blue Note über ECM zu Ropeadope gelangte AARONPARKS, mit Jg. 1983 der Jüngste, gibt drei Impressionen seiner sich so riskant wie elegant
vorantastenden Seiltanzakrobatik (März 2020). SYLVIE COURVOISIER kaleidoskopiert ihre
Kunst in 11 zauber- und geisterhaften Facetten (März 2018). AGUSTÍ FERNÁNDEZ zeigt
sich mit liquiden und mit Krabbenfingern und hat was gegen Käfige (Juli 2017). CRAIG TABORN changiert zwischen stillem Wasser und kabbeliger See (Juni 2021). ANGELICA SAN CHEZ mit ihrer Bandbreite von Wadada Leo Smith bis Markus Reuter chamäleont quirlig,
eckig, betrübt, voller Groll (Juni 2021). VIJAY IYER rumort als tausendfüßerische Schattenexistenz mit vulcanisch hämmernder Power und lyrischem Gegenzug den wohl dynamischsten Set (Mai 2021). Perelman interagiert mit all dem, maximal animiert, mit fünf Dutzend
Shades of Soul & Virtuosity, von Umbra bis zum altissimo gilfenden Yellow, von bebendem
Vibrato bis zu ostinat kläffender, kirrender Insistenz. Wer es fassen kann, der fasse es.
→https://sluchaj.bandcamp.com/album/brass-ivory-tales

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Relative Pitch Records (New York)
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Mit Spring Road 16 (RPR1121) erinnert MICHEL DONEDA an seinen langjährigen Spielgefährten, den Kontrabassisten & Kopf des Labels Travessia TETSU SAITOH (1955-2019).
Dritter Mann bei dem am 16.4.2016 mitgeschnittenen Freispiel war, wie auch schon bei"Carré Bleu: In Memory of Bernard Prouteau" (2007), der mit Hubbub und ONCEIM
bekannte Pianist FRÉDÉRIC BLONDY. Als Doneda und Saitoh 1994 in Fifth Season
erstmals zueinander fanden, brachte der Japaner eine unwahrscheinliche Bandbreite mit
ein, von Masayuki Takayanagi und Kazutoki Umezu bis Tango und koreanischer Musiksowie als musikalischer Leiter der Theatergruppe TAO (mit der er "White-Whiskered Lear"nach Shakespeare und H. Müllers "Hamletmaschine" aufgeführt hatte). Die Wege rochen
damals nach Frühling. Die von Doneda mit Soprano und Sopranino fauchend und trillernd
aufgeraute und geschrillte Musik verlängert sie als 'No End Road' ins Offene, Blondy zirpt,
jault, plonkt im Innenklavier und Saitoh unterlegt seine Schraffuren und federnd geschlagenen Akzente mit sonorem oder schillerndem Unterstrich. J-M Van Schouwburg hat
recht, das 'Soundpainting' zu nennen wäre zu flach und zu statisch für derart kakophile
Action, die einen selbst an leisen Stellen so rabiat packt, dass man blaue Flecken davonträgt. Und das genießt, noch bevor Blondy es mit einer Handvoll Perlen verschönt!
BARRE PHILLIPS ist, kleine Welt, bei Fifth Season dabeigewesen. We met - and then
(RPR1122) zeigt ihn, ein Vierteljahrhundert später, 2018 in München & 2019 in Oslo mit
JOHN BUTCHER und dem norwegischen Drummer STÅLE LIAVIK SOLBERG, zwei, diesich durch "So Beautiful, It Starts To Rain" (2015) und "Fictional Souvenirs" (2017 mit Pat
Thomas) vertraut sind. Der zweifache Generationgap 1934 // 1954 // 1979 - Butcher zerbläst, zerschnarrt, übergurrt ihn, Phillips entzieht ihm mit dem immergrünen Laubsägewerk seines Bassbogens die Grundlage. 'Chaudron Profond' miraculixt womöglich den
Grund seiner Unverwüstlichkeit. Solberg ist es als Spätling gewohnt, aus dem Schrott derSilent Generation und der Baby Boomer das Beste zu machen und turnt entsprechend
einfallsreich im perkussiven Junk Yard. Die von Butcher gesuchte Kakophonie, die ihn vonPhillips' sonor surrender oder fragil prickelnder und bei 'Traveling' mit den Fingern'singender' Altersmilde rotzend, spotzend, Spucke köchelnd, aber zuletzt auch fast rührselig absetzt, für Solberg ist es schlicht das neue Normal und ein tockendes, knatterndes
Vergnügen. Jedes Stück Blech taugt ihm als Gong oder rattenakrobatisches Sprungbrett,und unterschwellige Lyrismen gibt es umsonst noch dazu.
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Der Bassist Brandon López, Millennial des Jgs. 1988, macht mit aufsteigender Kurve vonsich reden und spielt dabei einfach mit den Richtigen: Peter Evans, Weasel Walter, Nate
Wooley, John Dikeman, Dave Rempis... und im LÓPEZ TRIO Live at Roulette (RPR1123) mit
dem Saxofonisten Steve Baczkowski (wie schon bei "Old Smoke", mit noch Chris Corsano)und an Drums Gerald Cleaver (mit dem er durch Ivo Perelman und "The Industry of Entropy" vertraut ist). Der macht hier zu eintönigen Bassstrichen den monotonen Stoiker,
während gepresster, kaputter Saxsound insistiert: 'March Motherfucker'! 'Dance Motherfucker' als kurios klopfendes, gackerndes, federndes Pow-Wow lässt mich weiterhinmeinen Ohren kaum trauen - von welchem Stern kommt das denn? Baczkowski zirpt herzzerreißend und wie auf 'nem Kamm 'My Hearts in the US Fall Apart', und seltsamer könnte
diese Art Brut keine Herzen brechen lassen, die auf den Hund gekommenen Zeiten auf
kleiner Flamme rösten und dazu humpelnd ums Feuerchen tanzen. Bei 'Time is Up or Lite
Jazz Patina' kratzen sie weiter am Lack, Baczkowski reibt sich am rostigen Mundstück die
Lippen blutig, von Bass und Drums fallen dunkle Tropfen. So 'primitiv' und reduktiv klingt
Fire Music wie neu gephönixt. 'Born Slumming It' gießt auch noch Synthinoise von Cecilia
Lopez ins altissimo, aber mit Bass-Lava geschürte Dark-Jazz-Feuer - Baczkowski spielt
dazu wie die Unschuld im Feuerofen. Und bei 'Motherfucker I Said Dance' kollert Cleaver
zum monotonen bombombom des Basses, Baczkowski bringt die Flammen zum Tanzen bis
er Blasen bekommt und Pizzicato den Rest dieses Pow-Wows übernimmt.
Nein, Geschwister sind sie nicht, Brandon López und CECILIA LOPEZ, denn er stammt aus
New Jersey, sie aus Buenos Aires, wo sie mit Vigilante Margarita ein Geheimtipp gewesen
ist. Doch schon 2020 präsentierten sie sich als Kater & Katze mit 'Lopezlopez' und 'Dos'.
Und mit noch Gerald Cleaver knüpft Cecilia L. bei RED (db) (RPR1133) an ihre gleichnamige Installation an, bei der sie den Sound von in einem Netz aufgeknüpfen Kontrabässen
oder Drums per Feedback moduliert, so dass er als akustische Architektur Raum greift.
Davon gab schon "Red / Machinic Fantasies" (XI Records, 2018) ein Beispiel, 'RED (db)'bringt live im Roulette Intermedium in elektroakustischer Interaktion den Zusammenklang
der aufgehängten Instrumente als Resonanzkörper mit ihren Liveelectronics und dem
kratzigen Basswerk von Brandon L. So entspinnt sich ein Knäuel aus Glissandos und motorischem Geblubber, aus surrenden und jaulig schwankenden Strichen, pfeifendem Feedback, rau genug, um schließlich auch Cleavers Bleche zu erschüttern. Er verstärkt die Vibration mit der Snare, mit holzigen Schlägen und metallischen Akzenten, Brandon lässt
die Finger über die Saitern flirren oder sägt ostinat und daxophon zum Schrillen des Blechs.
Als 'Organische Konstruktion', die handgreiflich und mit femininem Spirit, widerständigem
Tamtam und gezähntem Begehren Duchamps 'Junggesellenmaschine' demontiert.
ERIN ROGERS, aus Alberta nach New York gekommen, spielt neue, wirklich neue Musiken
im - sax-only - New Thread Quartet ("Plastic Facts", 2019, Emily Koh: [word]plays", 2021),
new music for guitar, saxophone, piano, & percussion mit Hypercube ("Brain on Fire",2020) und new sounds for the people im Duo Popebama ("Nation Building", 2020). 2000
Miles (RPRSS005) ist schon ihr zweites Solo, nach "Dawntreader" (RPRSS001, 2019) als
saxofonistischer Tour de force aus Spaltklängen und Multiphonics. Stand sie da quasi als
Mönch am Ocean of Sound und zugleich flammend heulendes Leuchtfeuer vor nebulöser
Kimm, leuchtet sie nun als 'North Star' und 'Angelface', zumal wenn man bei 'New Moon'
die Hand nicht vor den Augen sieht. 'Township Road 494' deutet auf ihr weit über 2000
Meilen entferntes altes Zuhause in Alberta und 'Waxing (Home I)' & 'Home II' dann wohl ihr
zunehmendes Heimweh an. Ihre flatternden Finger klappern, eine zirkular beatmete Luftsäule summt, surrt, ululiert, Klangblasen platzen. Dann reicht die Luft gerade noch für ein
zirpendes, stöhnendes, trillerndes Klagen. Als Engel presst sie mit dicken Backen Wind in
die Segel, Dampf in die Turbinen der Sehnsucht, ohne Scheu vor furiosen und ordinären
Nebengeräuschen. Die alte Heimat lockt dagegen zart flötend und fiepend, doch zunehmend auch drängend, mit Herzflattern, dunklem Beben, heulendem Elend. Kann man den
Mond anheulen, antrillern, wenn er nicht scheint? Rogers kann.
→https:// relativepitchrecords.bandcamp.com/music44

Udo Schindler - Arch-Musik (Krailling)

Wer den Output von UDO SCHINDLER auf Creative Sources und FMR mitverfolgt hat, isteinigermaßen im Bilde, was die Vernetzung des Multibläsers in Krailling angeht rund um
den Salon für Klang + Kunst und die letzten Münchner Nischen: Galerie arToxin, Halle6,
dasvinzenz, Pöllatpavillon. Weil ihn das alles nur grobmaschig dokumentiert, füllt er nun
auf →udoschindler.bandcamp.com einige der Lücken digital, wobei da der Architekt in
ihm als Taufpate für Arch-Musik fungiert und die Titel für seine poetische Ader sprechen:
WINDundWOLKEN (am_DL004) & Rosenblattgewitter (am_DL005) - mit XU FENGXIA an
Guzheng & Sanxian beim 77. Salon am 22.9.2017 und am Tag danach im Stadtmuseum, sie
mit fein geplonkter, geharfter, gewellter, geklopfter Yin-Yang-Poesie und erregter Vokalisation, er gespalten zwischen Urgrund und Altissimo, spuckig, tierisch und sonor.
Pulsrasen (am_DL006) - mit OVE VOLQUARTZ im knarrigen, sich durchs Schädeldachbohrenden Bass- & Kontrabassklarinettendoppel plus GUNNAR GEISSE mit seinem läusekrummen, spotzenden Laptop-Gitarrensound, am 11.10.2018.
Illusionsflug (am_DL007) - mit sublim aufgehobenen, sonor abgefederten Diskanzen, alselektroakustisches Schwärmen mit der Wiener Musikwissenschaftlerin und Bergwanderführerin NINA POLASCHEGG am Kontrabass und dem Klagenfurter Neue-Musik-Macher
BRUNO STROBL an Computer, am 24.2.2019 in der Nazarethkirche.
Halle Sechs (am_DL008) & Dasvinzenz (am_DL009) - als münchenNEUS mit wieder
GEISSEs Aliengitarre und Zeugs von ANTON KAUN, am 20.9.2019 bzw. 1.2.2020.
Schichten (am_DL010) und Stapeln (am_DL011) - mit dem Drummer ERIK ZWANG-ERIKSSON ebenfalls am 20.9.2019 in Halle6 und am 16.10.2019 im Abraxas in Augsburg.
tiefBLAUgesättigt (am_DL012) & BLAUzeit (am_DL013) - mit der Akkordeonistin UTE VÖLKER, beim 93. Salon bzw. im arToxin Ende Mai 2019.
Wind. Saiten [Gestalt] (am_DL014) - am 31.10.2015 mit tiefen Klarinetten und Soprano dunkelspitz verzahnt mit ERHART HIRT (ex-Xpact, ex-King Übü Orchestrü) an überzwerch
traktierter E-Gitarre und CHRISTOFER VARNER (ICI Ensemble, Ammü Quartett) an
Maunz-, Graunz-, Schnief-, Schlabber-Posaune.
TRAUMballade (am_DL015) - als Salonlöwe mit MAJA OSOINIK an Paetzoldflöte & Elektronik im November 2015 und für TRAUMwechsel (am_DL016) zu dritt mit noch GEISSE.
SHOe! (am_DL017) - am 23.9.2016 mit der Theatermusikerin und Pianistin im Ensemble
Zeitsprung SACHIKO HARA hier an Analogsynthesizer und dem 'Waldmusik'- und 'Brieflieder'-Macher und Gitarren-Gardisten von Alois Prinz JOHANNES ÖLLINGER.
Einwebebilder (am_DL018) - mit Klarinetten gurrend, girrend, mit Kornett schnarrend,
blökend, knörend, quäkend, während MASAKO OHTA als weitere Blüte in Münchensjapanischem Garten da am 19.7.2017 ein sirrendes, surrendes Harmonium pumpt und als
Zauberklangteppich zum Schweben bringt oder I Ging würfelt.
KLANGschnitte (am_DL019) - mit HARALD KIMMIG (von Kimmig-Studer-Zimmerlin) an
Violine und GUNTER PRETZEL an Viola, am 27.7.2017 im HochX.
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zweiKLANG (am_DL020) - mit nun KIMMIG allein beim 76. Salon 2017.
li.HOT.sky (am_DL021) - mit GEISSE + VARNER beim LIHOTZKY_wagnisART 2017.
RAUMspiel (am_DL022) - mit MEINRAD KNEER (von Baars / Kneer / Elgart) am Kontrabassund KARINA ERHARD an Flöten & Sopranosax, am 29.6.2019.
arToxin_08062018 (am_DL023) - mit ELLIOTT SHARP an E-Gitarre und JAAP BLONK als
Jaap Blonk – erinnert euch an „Hillside Talks“ auf Relative Pitch.
Bagatelles de Montagne (am_DL024) - mit dem Genfer Pianisten MICHEL WINTSCH (WWW,
Who Trio) beim 67. Salon 2016.
Nocturnal Winds (am_DL025) - Ende November 2018 mit ELENA KAKALIAGOU (Rank
Ensemble, Zeitkratzer, Zinc & Copper) an Waldhorn beim 89. Salon plus PHILIPP KOLB
(Munich Rat Pack) an Trompete & Tuba als Zinc & Copper-Alternative im arToxin.
Floating in Green (am_DL026) - beim 67. Salon 2015 im erneut querulant animierten Flowmit ERHARD HIRTs Elektro-Gitarristik, extended und in Echtzeit kakophon, launig undclownig züllend und quäkend, pointillistisch prickelnd, seltsam irisierend.
Klingende Pigmente (am_DL027) - im April 2016 mit PAUL HUBWEBER und seiner Posaune beim 63. Salon und tags zuvor zu dritt mit wieder GUNNAR GEISSE.
Colored Shadows (am_DL028) - beim 86. Salon 2016 mit der Flötistin SABINE VOGEL undwieder tags zuvor erweitert mit JOHANNES ÖLLINGERs Gitarren.
Context-Framing-Narrative (am_DL029) - am 28./29.9.2019 mit dem explorativen Kontrabassisten JONAS GERIGK aus der Kölner Impakt-Szene.
Die 7 Todsünden (am_DL030) - Ende Mai 2021 mit RAINALD SCHWARZ, mit dem Schindler
schon seit 10 Jahren komprovisiert, als theatralischem Mundwerker, Lautmaler und Zungen redner, während Schindler das Sündenregister aus Hochmut, Wollust, Faulheit (schnarch...),
Völlerei (schmatz, hmm, mehrmehrmehr...), Neid, Geiz, Zorn und Freiheit mit jeweils Klarinette, Sopranosax, Tuba, Bassklarinette, Trompete, Tubax oder Tenorsax auskostet.
Ich versündige mich garantiert, wenn ich Udo Schindlers kreativen Output mit dem von Ivo
Perelman in einem Satz zusammenbringe. Denn bei allen Parallelen - der insistenten Unermüdlichkeit, den Werkreihen mit Pianist*en, mit Kontrabassist*en, der Neigung zu
enormen Intervallen und zu Altissimo – der New Yorker ist durch und durch Tenorsaxofonist der alten Schule, der Kraillinger bläst so gut wie alles, was sich Töne abnötigen
lässt, und grast dabei über die Ränder hinaus, exotisch, elektronisch, neutönerisch undsogar kakophil. Wo Perelman die Callas anhimmelt und sich mit Clarice Lispector kurzschloss, hat Schindler die Nase in Vilém Flusser gesteckt, mit einem Horizont von Büchner
bis Dada, von Kenzaburō Ōe bis Friederike Mayröcker und Ekkeland Götze. Mir erscheint
er durch und durch als Universal-Avantgardist.

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Subcontinental Records (India)'Unguitar', das Schlagwort, das LUCA FORMENTINI auf sich münzt, steht für unconscious
guitarism to subconscious music. 1968 in Brescia geboren, hat er zu einer Weltanschau-

ung gefunden, die westliche Philosophie und Psychologie mit I-Ching, Schamanismus undTaoismus verbindet. Für seine gitarristischen Ambitionen waren Derek Bailey, Henry
Kaiser, Elliott Sharp und Franck Vigroux maßgebend, allerdings hinterfüttert mit Elektronik und der ambienten Magie von Jon Hassell und Robert Rich. Dass er mit Holger Czukay
spielen und mit Markus Stockhausen intuitive Musik machen konnte, gehört zu seinen
wertvollsten Erfahrungen. Spontaneität und Awareness gehen ihm über alles. Intra(SCR09, LP/MC/CD) ist nun nach „Subterraneans“, „Tacet“, „Scintilla“ und „Art Spaces“
sein Versuch, sich - nach dem Unbekannten (The unknown is your ally), dem Intimen, dem
Lebensfunken oder zuletzt der Kunst von Gülsün Karamustafa und dem abstrakten Minimalismus von Agnes Martin - nun der Innenseite der Dinge und des eigenen Selbst anzunähern. Der Einsatz seines selbstgebauten Soundboards, von Synthesizern, Küchenpercussion und Drums reduziert die Dominanz der Gitarre, die eigene flüsternde Stimme
bringt eine ungewohnte Intimität. Bei 'Molecules' hört man die Stimme einer Probandin von
Dr. Sidney Cohen (1910-1987), einst eine Autorität in Sachen LSD und Mood-Altering
Drugs. Als Teil eines Dreamscapes, der Bewusstseinserweiterung sucht und transportiert. Mit verlangsamtem Herz- oder Ruderschlag und ätherischen Langwellen. Mit zirpender, schweifender Elektronik, akustischem Saitenspiel, federleichtem Beat. Indem er zu
surrenden Spuren, Mikropercussion und Mikropuls von trace, change und density wispert.
Mit den von Synthisound durchströmten Drogenvisionen anno 1956. Wieder lyrisch gezupften Saiten und zu gedämpter Rhythmik geraunter Poesie: The secret day / inside my
day / will find me awake / in a solid sleep. .. Mit plinkendem Saitenklang auf dunkel bebendem und hell zuckendem, sausendem Synthisound. Und zuletzt mit dunkel wabernden undpulsenden Gitarrenwellen und ganz feinen perkussiven Akzenten, die zu hell glissandierenden Drones leise pochen und sirren.
TINCTURES, das sind Nishad Pandey – guitar und Aman Mahajan - piano, der eine (nachStationen in London, Melbourne, Delhi, Tokyo und Kalkutta, wo er bei Debashish Bhattacharya studierte) seit 2017 in Berlin, der andere in Bangalore. Für Heads and Tales(SCR052) bildet allerdings das von Raben bekrächzte, verkehrslärmige Kalkutta die Kulisse. Wobei ihre Musik jazzig ist und sonst noch allerhand, auf indisch käme ich am wenigsten. Panday spielt(e) mit Sukanya Bhattacharya in der indo-australischen Formation
Hatchlings und strebte mit noch Matthias Müller als weiterem Gitarristen 'From Bengali to
Bavaria', mit Gidi Frahi, einem Kontrabassisten aus Israel, & dem Saxofonisten Steve
Schofield bildet er Genes, mit Danielle Friedman sein anderes Gitarre-Piano-Duo Invisible
Architects. Mit Mahajan ist alles fragiles Singlenotespiel zu cool perlendem Arpeggio,
globalisierte Abgeklärtheit und modernistische Eleganz, quick auf dem Quivive, aber fürdrohende Brüche und exzentrischen Spleen nicht unempfindlich, wie 'Simple Machines'
und 'Send in the Clowns' zeigen. Denn wie sagt Urmila Mahajan so schön: The radio's
prickly static / Jarringly distorted / Makes tranquility complete. Lyrisch hinterfüttert ist dasnämlich mit 'Oranges in Winter', 'Dewdrop' und 'Boundless', drei ihrer Poems, die vonawareness und simple clarity sprechen. Hindustanische Melodik vereint sich mit flimmerndem Impressionismus, sprudelndes Kaskadieren mit beharrlichem Minimal, tagträumerische Besinnlichkeit mit kapriziöser Laune, Alice in Tincturesland meets Kapitän Nemo('20,000 Leagues Under'). Neben der plastisch accelerierenden taoistischen Fabel vom
Mann, der vor seinem Schatten fliehen wollte, schwingt da in 'Grasshoppers' und dem
klimpernd kreisenden Kundalini-Lullaby 'Serpentine' auch ein anderer Schatten-Dialog
von Meister Zhuang (einem Zeitgenossen von Aléxandros ho Mégas) mit: Ich bin wie dieleere Schale der Zikade, wie die abgestreifte Haut der Schlange. Ich sehe aus wie etwas,
aber ich bin es nicht.
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We Insist! Records (Cernusco sul Naviglio / Milano)
ALBERTO BRAIDA am Piano again, nach zuletzt "From here, from there" mit Nino
Locatelli nun mit dem Mailänder Drummer CRISTIANO CALCAGNILE, Leader desMultikulti Ensembles, Locatellis Partner in Pipeline, der von Massimo Pupillo in
Pleiadees, mit den Giannis Lenoci & Mimmo einer der Reciprocal Uncles. Die dritte
der Cats in the Kitchen (CDWEIN15) ist die Kontrabassistin SILVIA BOLOGNESI,
die Leaderin der Open Combo und von Almond Tree und nicht zufällig mit Tomeka
Reid in Hear In Now, denn Chicago ist Bolognesis Mekka, doch war sie auch zur
Stelle bei "Solar Winds", Raoul Björkenheims Mailänder Hommage an Coltrane. Zu
dritt spielen sie Jazz-Cat-Musik, zu der Braida inspiriert wurde durch eine Zeichnung seiner Tochter Maddalena in deren kleinkindlicher Informel-Phase. Monk, die
Familienkatze, hat dazu ihren Segen geschnurrt. Und ab geht's wie Hund & Katz('cane e gatto'), auf'm Karussell ('la giostra') und im Kreis ('cerchio'), durchs Labyrinth des 'Dedalus', rauf auf den Glockenturm ('campanile'), mit 'Proust' auf derSuche nach der verschwendeten Zeit. Auf Katzen- und Hundepfoten, Keksduft inden Nasen, das Geklimper jedoch mit Gänsefüßchen, als swingendes Verweiledoch, mit, wenn nicht einem Kindchen-Schema, dann doch im Retro-Spiel mit dervorgeblichen Unschuld der 50er Jahre, einem Fellini-Rota-Feeling, einer Sophistication und Dolce-Vita-Easyness, in der die Anni di plompo, die bleiernen Jahre,
noch nicht einmal zu ahnen sind. Mit virtuoser Lakonie tigert und hämmert Braida
wie Erroll Garner oder Monks Taufpate. In der Delle zwischen der ersten undzweiten Coronawelle 2020 bildete das Shape Shoppe Paradiso Studio in Monteriggionis Zinnen-Rund ein decameroneskes Refugium, in dem man der erneut
aufmarschierenden Viren-Armee ('marcia') mit einem launigen Tänzchen trotzte.
PAOLO GÀIBA RIVA oder kurz P.G.R. ist einer, der Globalisierung als Chance
ergriffen und ausgekostet hat. Der Klarinettist und Elektroniker hat in Norwegenund in Holland gelebt und Ostasien abgegrast, wo er Zhu Wenbo in Beijing oder
Torturing Nurse in Shanghai als Gesinnungsgenossen fand oder den japanischen
Voiz-Performer Kazehito Seki als Partner in Pkgsrrr, bevor er sich in die Veltliner
Berge zurückzog. Expeditions (CDWEIN16) zeugt nun von seiner Umtriebig- undAnschlussfähigkeit im dreimal taiwanesischen Zusammenklang mit nacheinander
Deng-Yao Chang an Erhu, Pedro Lopes an Drumtables, Fangyi Liu an Microphoned
objects, Gianmaria Aprile oder Matias Guerra Herreros an E-Gitarren sowie ChiaChun Xu & Bomi Kim an Feedback und Contact-Mic-Faxen. Um, nach seinenWorten, wachzurütteln, was zu riskieren, zu protestieren, Fragen aufzuwerfen, zu
feiern, zu informieren, zu stören, zu beten... Jazz ist da kein Wort, das einem
weiterhilft. P.G.R. ist vernetzt in einer universalen Affinität zu Stegreif-Sound am
geräuschig-kakophonen Ende des Klangspektrums, in der Selbstverständlichkeit
von extented techniques, einer You-don't-have-to-call-it-music-Roaratorik. Polyglotte Tonbandstimmen sind durchsetzt mit knurschendem Vinyl, Elektrogepixel,
Samplingfitzeln, schnaubenen Lauten, diskant gekratzten, spitz bohrenden,
perkussiv flickernden, metallisch schabenden und tonlos fauchenden. John Cage
winkt als Gorilla im Raum, Duchamp bespritzt einem an der Pissrinne die Schuhe.
Apriles Gitarre bildet einen ausnehmend sonor dröhnenden ruhigen Moment, deraber gleich wieder dunkelwellig verunklart, so dass man sich beunruhigt undkakophon gescheucht davonmacht, nur um sich taiwanesisches Noise- & Nesselfieber einzufangen, so dass selbst P.G.R. als neuer Marco Polo kläglich fiept undkeckert. Auch Guerra, der chilenische Allroundkünstler und Gitarrist, folgt ohne
größeren Widerwillen dem kakophonen Sog von Rivas Gießkanne in Turbulenzen,
denen man das Zeug, wachzurütteln, wahrlich nicht absprechen kann. Es ist schon
erstaunlich, dass die We Insist!-Macher auf eine derartige Bandbreite bestehen.
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... nowjazz plink'n'plonk ...
AB BAARS / MEINRAD KNEER / BILL ELGART thrīe thrēo drī (Jazzwerkstatt, JW215): BillElgart hat jahrzehntelang an der HfM Würzburg gelehrt, und was kam dabei heraus? Hm,außer Daniel Prätzlich (Undertone Project, Pegelia Gold & Art Zentral...) nur Main-Stream?
Belehrt mich eines anderen. Der 1942 geborene Trommelmeister selber ist von anderem
Schlag und daher in dem Alter, in dem man bevorzugt tut, was man gern tut, nicht nur mit
Peter Fulda zugange, sondern, anders als der Schmalspurnachwuchs, mit einem Biss wie
Nosferatu öfters auch auf Evil Rabbit mit dem Bassisten Meinrad Kneer. Bei "Modern
Primitive" (2011) mit noch Jan Klare & Jeff Platz und seit 2010 im kakophilen Trio mit
Baars, der Tenorsax, Klarinette & Shakuhachi bläst, mit allen holländischen Wassern
gewaschen, einem Temperament wie Jaap Blonk und topfit durch Clashes mit Joost Buis,
Ig Henneman und Kaja Draksler. Kneer macht kratzend, knurrend und quietschfiedelnd
nur zu gern mit, Elgart rumpelt, pocht und knattert dazu wie von Miraculix gedopt. Dasseinem gerade dieses Wind- & Boxbeuteln, Flötenspalten, Saitensägen, Himmelschreien als
schräge Sorte von Wohlklang die Nackenhärchen flauscht, das hat was mit Sinnen zu tun,die das, was musikalische Kniggerlinge als garstig verpönen, als hirnerfrischend undlustvoll goutieren. Wobei sich der Spaß noch erhöht, wenn Kneer zu Baars schrill
tremolierendem Gequäke und Elgarts Tapsen, Klappern, Klirren, Hageln ein tadellos
sonores Pizzicato rupft und zupft ('A Day Like Any Other'). Baars macht sich den Spaß, mit
7% 'sauberen' Tönen durchblicken zu lassen, das die 93% anderen genau so gewollt sind.
Seine angedunkelten Lyrismen zu in diskanten Schlieren kurvendem, aber auch mit Gusto
surrendem Bogen machen bei 'All Other Forms of Matter and Energy' Gänsehaut, nicht
haarsträubend, sondern mit Feeling, und wie!
SYLVIE COURVOISIER & MARY HALVORSON Searching For The Disappeared Hour
(Pyroclastic Records): Die Gitarristin und die Pianistin in Brooklyn haben sich nach „Crop
Circles“ (Relative Pitch, 2017) erneut zusammengetan, nach goldnem Schnitt, bereit, die
Zeit zu vergessen ('The Disappearing Hour'), um den kühlen Kopf nicht zu verlieren ('Mind
Out Of Time'), wenn ihnen die Cheshire Katze oder ein schmieriger Jurist erscheinen('Faceless Smears'). Was auch geschieht, an 'Lulu's Second Theorem' ist nicht zu rütteln,
und wenn es noch so 'Torrential' schüttet. Gleich bei 'Golden Proportion' verzahnen sichdie Tasten- und String-Arpeggien nach entschlossenem Beginn mit wachsender Zartheit.
Dann durchwirkt Halvorson Courvoisiers schaukelnden Gestus mit ihren schrägen
Manierismus und jagt die Pianotöne die Tonleiter hoch. Erst dann zeigt Lulu sich als
Mondkind, Saiten schwingen, Courvoisier klickt kristallin und Lulu-Luna schwingt die
Hüften. Die Gitarrentöne haben den kapriziösen Charme von verschmiertem Lippenstift,von felinem Eigensinn, Halvorson tänzelt, Courvousier klirrt mit spitzen Fingern inschwindliger Höhe. Bei 'Four-Point Play' kommen Holz und geharfter Draht ins quirlige undmysteriös quallende Saitenspiel. 'Moonbow' funkelt kristallin, die Spuren kreuzen sich auf
und abwärts, drehen sich lyrisch im Kreis, tribbeln und entgleisen überdreht, denn Mary
ist wieder mal wunderbar contrary. Courvoisier hackt für 'Torrential' dumpfe und klirrt
wieder silbrige Töne, der gemessene Gitarrenflow bekommt Blasen und einen Drehwurm,um dumpf zu entschleunigen in melancholischer Introspektion, mit klirrender Reprise,aber bleibender Tristesse. Courvoisier tastet schwermütig und klimpert sich im Coronadiktierten Zeitgefühl erst noch zurecht, doch die Gitarre amüsiert sich köstlich überspinnerte Mad Tin Foil Hatters. Parties gibt es nur in bei gleicher Wellenlänge geteiltem
Leid. Für 'Bent Yellow' hinkt das Piano Zweiklänge zu den gelb flirrenden Eskapaden der
Gitarre, steckt sich aber bei ihr an. Egal ob abwechselnd ausgetüftelt oder frei improvisiert wie 'Party Dress' oder 'Blizzard Rings', die beiden verblüffen mit so komplexen
Stimmungs- und Richtungswechseln, dass einem in 5, 6 Minuten 4, 5 mal der Kopf
verdreht wird, mit Tatzenhieben, Katzensprüngen, zärtlicher Wehmut und immer wieder
schrägen Sounds von Halvorsons verboten verbogenen Saiten.
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ERB / MAYAS / HEMINGWAY Dinner Music(veto-records/exchange 018, Cassette):
Der Titel erinnert an Carla Bley, die Faltkarton-Verpackung an eine luxuriöse, popart-bunte Wiederkehr der Cut & PasteHüllen der einstigen BA-Cassetten. Die
stupende Optik, die veto seit Jahren auszeichnet, stammt wieder vom Graphic-ArtCouple Sonnenzimmer in Chicago. Transportiert wird der Auftritt von veto-Macher
Christoph Erb an Tenor- & Sopransax,
Magda Mayas am Piano und Gerry Hemingway an Drums & Objects am 13.10.
2020 im Misterioso Jazzclub in Zürich. Das
Gelb der Cassette betont das Grellgelbe
des Klangs, die Titel 'A feast of decision','An agreement of palates' [Gaumen] & 'A
reason for Grappa' unterstreichen die
Atmosphäre der Begegnung. Yellow ist
Erbs Farbe, der Norwegian Blue sein Totemvogel, den hier ominöser Pianosoundund dongende, crashende Percussion in
Wallung versetzen. Denn Hemingway, derseinen Fans "Composition O" mit Vincent
Glanzmann und "Spill", die nagelneue
WHO Trio-Scheibe, am Merchendise-Standanbot, rührt, drischt und kickt dafür die
Werbetrommel, dass es nur so scheppert,
poltert, dröhnt. Mayas, die nach der Corona-Lähmung mit dem Splitterorchester
wieder in Schwung gekommen war, interagiert mit Erbs Ululieren mit präpariertem
Tremolieren und xylophoner Klimperei undratscht dazwischen schrille Akzente. Hemingway dengelt Töpfe und Schädel oder
rumst und rumpelt Stein- & Beinschlag. Er
reißt und tatscht an Blech, lässt es donnern und beben, Erb beißt und kirrt drauf
rum. Art Brut ist eben nicht nur in Lausanne musealisiert, sie zeigt sich hierquicklebendig, roh genug, sie an Tiger zu
verfüttern, 'verrückt' genug, Alteisen, Knochen und Papier zum Tanzen zu bringen.
Was lakonische Beats, Paukenschläge,
diskantes 'Flöten' und Gießkannen- oder
Käuzchenlaute ebensowenig ausschließt
wie ein drahtgeharft träumendes oder
'Steelpan'-Piano. Mayas nahm die in der
Schweiz getankte Energie mit in ihr Spiel
mit Jane In Ether (w/ Miako Klein & Biliana
Voutchkova). Nun kann man sich diese
Stärkung ins Haus liefern lassen.

ULI KEMPENDORFF'S FIELD Someone
Talked (enja 9794, CD/LP): Der Berliner
Tenorsaxofonist war in jungen Jahren bei
Seeed zu hören, zuletzt auch bei Die Ärzte
und dazwischen mit Julia Hülsmann auf ECM,
doch auch mit Ronny Graupe im eigenen
Quartet und bei Yellow Bird mit Lucia Cadotsch. Mit Benjamin Weidekamp und dem
Bottom Orchestra schlug er via WhyPlayJazzdann bei mir ein, und mit Field in die gleiche
Kerbe. Beim nun dritten Streich allerdings
runderneuert: Nur Jonas Westergaard blieb
am Bass, an Stelle von Graupe und Oli Steidle rückten Vibes-Meister Christopher Dellund Peter Bruun an den Drums. Personell
bleibt das im engen Rahmen, denn Westergaard ist mit Dell schon durch Lillinger verzahnt und mit seinem Landsmann Bruun
durch Spring und Eggs Laid By Tigers vertraut. Doch klanglich? Nach "Heal the Rich"(2016) als Versuch, Entfremdung durch Sophistication zu therapieren und mit Zärtlichkeit das Bambi in uns allen hervorzukitzeln,
hält einem hier erstmal die Illustratorin Sophia Martineck ("Die Fliege", "The Adventures of Sherlock Holmes", "Hansel e Gretel", "Die Geschichte der Welt"...) den Spiegel als Ameisen vor. Das Spiel dazu heißta b e r Tweety & Sylvester oder Puzzle, gespielt in luftig ausgetüftelter Verschränkung
bei zugleich agiler Lakonie und großer
Transparenz. Beides ist bei Dell in besten
Händen, sein Glasperlenspiel lässt 'Everything' in durchscheinendem Glanz erscheinen, egal ob Kempendorffs Tenorsound es
mit hellem Schimmer überzieht oder forciertüberflammt. 'Pm&Cc' sägt, tupft und klingklangklopft mit kollerndem Herzschlag, K.
spinnt dazu sopranfeine String figures.
Ebenso verschachtelt klingt 'Dresden', als
Kabinettstück mit gespiegelten Bogenstrichen, cool gebrochenem Swing, quicken
Drehungen, quirligen Wendungen. Im 'Kopfkino' laufen eine stürmisch tänzelnde undeine steif schreitende Spur parallel, bis auch
Dell als Meißner Musical-Traumtänzer lebendig wird. 'Argh' spottet in versponnener Saxlyrik seinem Namen, Bruun schleicht auf
Pfoten, K. warnt die Gefiederten vor dem
Pelzigen. Und auch als Schlussakzent setzt'Pm&Cc Reprise' ein "Vorsicht" in den Porzellanladen. Nicht nur Glas ist fragil, auchjedes Gleichgewicht.

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JACQUELINE KERROD 17 Days in December (Orenda Records, ORENDA
0093): Acoustic & electric harp? Nun,
Kerrod, vor gut 20 Jahren von Johannesburg nach New York gekommen, hatsich damit Optionen verschafft - klassisch, dabei bevorzugt avant (...Tristan
Murail, Robert Paterson, Greg Spears...),
poppig-kapriziös mit der Sängerin Addi
McDaniel als Addi & Jacq (Schwalbe &Elefant, nur anders), doch vor allem,
hört & staunt, Braxtonisch, bei "Trillium
J", den Compositions No. 418, 419, 420(ZIM) und sogar im "Duo (Bologna)
2018". Nun aber: 17 Solo improvisations! Entstanden Tag für Tag in Corona-Klausur in Princeton, von gentle undzuckrig bis glassy und rostig, vonstrummed bis screwed. Ohne Overdubs
oder Loops, nur hier und da mal mit gezielten Ableton-, Delay-, Whammy- oder
Distortion-Effekten, mit Bowing odereiner Glasschale, um die Saiten zu
streiche(l)n. Sie verblüfft gleich mal mit
dem Kontrast einer flimmernden Hand
und einer raptorisch plonkenden und
der jaulig twangenden Verneinung einer
himmlischen Herkunft der Harfe bei'Chatterbox'. Harfende Griffe in zwielichtige und bassbetonte Register oderflirrende Impressionen kehren dasschillernde, nicht auf gezierte Fragilität
reduzierbare Alter Ego des Instruments
hervor. So verzerrt Jacqueline Kerrod
Süßes in Saures, so zaubert sie Sounds
wie von Labsteel oder elektrifiziert flötende Töne, so schrammelt sie 'Gitarren'-Wellen über 'Gitarren'-Wellen und
plinkende, scharrende, dröhnend wallende Kaskaden. Sie verzahnt kristalline
Tönchen mit 'Blips 'n Blops' und ordinärem Missklang, Harpo Marx'sche Schelmerei mit kratzbürstigem Gusto, undüberhaupt hat sie a bone to pick, a crowto pluck mit dem Klischee der Harfe als
bloß ätherisch und meerjungfräulich.
Sie ist anders gestrickt, gestiefelt undsich nicht zu schade, selber zum
Schraubenzieher zu greifen.

URS LEIMGRUBER - JACQUES DEMIERRE it
forgets about the snow (Creative Works Records, CW 1067/68, 2xCD): Obwohl mich vonDemierre als Steinbock des Wunder-von-BernJahrs nur 4 Tage trennen, ist mir der Genfer
Pianist so unbegreiflich wie den blinden Männern ein Elefant. Trotz Konstanten wie mit Dörner & Kocher, langer Bögen wie mit Sylvie
Courvoisier oder der beharrlichen Jazzwerkstatt-Reihe mit Leimgruber & Phillips bleibt er
ein Insichwiderspruch: Als Wordsound-Extremist (mit "Voicing through Saussure", "Ritournelle" &"Tǝɣǝrit"), als Brainiac, der in den"Brainforest" entführt oder einem Hirn & Eiergrillt, als Maximalist mit "The Thirty and One
Pianos", als Granulararchitekt oder als Reduktionist, der einem den Klang von Schnee begreiflich macht. Hier tête-à-tête mit Leimgruber,
as soprano as can be, teils im Studio, teils live,nun durchwegs mit (verstärktem) Spinett wie
teilweise schon bei "Incunabulum" mit Hans
Koch. Klirrend, scharrend, drahtig tremolierend, ratschig harfend oder funkelig plinkend
der eine, schmatzend, züllend, zwilchend, nach
Flötentönen suchend und spitzes Schrillen findend der andre. Beide horchen sie aufs Ungesagte, Unerhörte, und lassen so Luftlöcher entstehen. Einer, ich weiß nicht wer, versucht sie
mit was Zerknülltem zu stopfen, L. bläst schillernde Klangblasen, (kr)ächzt, pfeift, girrt, reiht
Schiefklänge, klopft Metall, stöhnt kleinlaut, D.
tatzt ostinat, wischt Angstschweiß von den
Saiten, loopt rau klirrenden Miss- und KotoKlang. Durch die Basho-Sentenz (While swee-ping the yard) it forgets about the snow (- abroom) spielt Zhuangzis 'Natürliche Leichtig-

keit', 'Selbstvergessenheit' & 'Leere' da mit
hinein, doch taoistische Hartgesottenheit wird
ernsthaft auf die Probe gestellt. Zumal live die
Zumutung zirkularbeatmeter Dauerschriller,röchelnder Agonie, storrer Flimmerei, sublimer
Pfählung und D.s Freddy-Kruger-Krallen sich Extreme berühren sich - ubuesker Enthirnung
mit Schoißhaken und Schweinezange annähert,
in rotzgrüner Ungeniertheit, vollmundig undspaltklangversessen, plopfidél und einen mit
Zahnrad rädernd. Wobei gedämpfte Lyrismen
und vogeliges Jubilieren wohl doch noch einenkategorischen Unterschied markieren.

51Northover
Petts&
Edwards
THE REMOTE VIEWERS The Remote Code (RV 18/19/20, 3xCD): 'The Confession', 'Returning Ghosts', 'The Secret in the Tree', 'The Blood of Others', 'The Teaching Floor', 'The
Stomach of Reason'..., das könnte die Werkreihe eines Regisseurs oder einer britischen
Crime-Queen sein. Es ist aber das neueste musikalische Kaleidoskop, komponiert vonDavid Petts, drei der 'Files' auch kollektiv improvisiert, aufgenommen im September undDezember 2020 im Iklectik, arrangiert und abgemischt von Adrian Northover oder John
Edwards. Im Old Paradise Yard in Lambeth, im Herzen Londons, spielte sich dieses durch
und durch bad alchemystische Trio mit Alto- & Sopranosax, Wasp Synth, Autoharp, Stylophone, Marimba & Cymbal (Northover), Kontrabass, Electronics & Metallophon (Edwards)
sowie Tenorsax, Noise Generator, Glockenspiel und weiteren Synthis (Petts), alle drei mit
noch Mbira in einen jener nüchternen Räusche, mit denen es mich von „To the North“ biszuletzt „Notes Lost in a Field“ immer immer wieder in Erstaunen versetzte. Im normannisch-angelsächsischen Kontrast von Northover und Petts, die Sophistication, Eigensinn
und Fair Play auf höchstem Niveau verkörpern, angespornt von Edwards als dynamischem
Maulwurf. Der coole Konstruktivismus der Petts'schen Reißbrettarchitektur als quasi ihr
Alleinstellungsmerkmal transportiert wieder in prä- und kontra-thatcherischer Hartnäckigkeit ein hauntologisches Noir, elektronisch verschattet und durchgeistert und mit perkussiven Akzenten, die wie Sekunden ticken oder Vogelschnäbel picken. Sonic Fiction wie
aus der Tiefe der Zeit, geheimnisvoll und dabei zögerlicher, versponnener, klanglich ziselierter als man es bisher kannte, und allemal mit mehr britischem Geschichtsbewusstsein
als die Tories. Titel wie 'Chained', 'Thoughts Under Lock' und 'Broken Column' setzen da
die Zeichen, monotone Repetitionen und knurrige Bogenstriche nicht weniger. 'Two Tickets to Heaven' zeigt aber, per aspera ad astra, auch andere Optionen auf und nimmt
dabei 'rau' wörtlich. So melancholisch wie mathematisch werden die Gründe für die Panikder anderen und den eigenen Groll aufgezeigt und sonor vs. kakophon konfliktreich ausgeformt. Northover ist als Bläser eine schönheitstrunkene, vogelwilde Ausnahmeerscheinung, und was Edwards da rummsen, surren oder prickeln lässt, scheint mehr zu sein als
bloß das Doppelte eines Basses. Doch eigentlich sind es die getragenen Minuten, die micham nachdenklichsten stimmen. Die iklectikonische Suite 'A Clearing' entstand im November
mit anfangs noch Saxspuren von Caroline Kraabel und Sue Lynch sowie Rosa Theodora an
Piano, die in drei weitere der dezidiert elektroakustischen Parts eingemischt bleibt. Northover ist dabei der Mixmaster, der Pett'sens Gestaltungswillen klarmacht als 8-teiligen,maximal neutönerischen Soundscape, nun als Sonic Fiction, die in polymorpher Verdichtung Raum und Zeit lichtet, um sie wiederzuverzaubern. Die Imagination ist eingeladen, sich beim Walking eins zu pfeifen und beim urbanen Driften in den PegasusPapers zu blättern, wie sich Schwarz- und Blutgeld in die Sahnestücke Londons einnistet.
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FRED LONBERG-HOLM / ABDUL MOIMÊME /CARLOS SANTOS Transition Zone (Creative
Sources, CS 712): More than the absence ofhope, it was the dreamclang – hirsute, bloody,
vituperative – that made the sounds of thediner so refreshing. Haarig, blutig und schmä-

hend... Hat sich Stuart Broomer da eine Scheibe von Burroughs oder von Toop abgesäbelt,oder ist er einfach selber durchgeknallt? Und
musste er dazu erst die Musik hören, die dasch-'Whirr'-t und turbulent Ringe und Blasen
wirft ('Ring' & 'Blister')? Mit Cello & Electronics, Objects & zwei E-Gitarren simultan undComputer + Synthesizer, wie sie Santos als
CS-Hausdesigner und klingende CS-Konstante schon 70, 80 mal angeworfen hat. Zu Lonberg-Holms kratz-knarz-manischer Bogenaction und Moimêmes drahtigen Tönungenund metalloid-perkussiven Wooshes spielt er
wie eine R2-D2-Fehlkonstruktion mit Tourettesyndrom, mit zwitschriger, blubbriger, ja offenbar blutiger Elektro-Diarrhö. Von schwebenden Atempausen in Dröhnwellen ohne
kakophonen Drall mal abgesehen. Aber schon
sägt, schlurcht und flageolettisiert der Mann
aus Chicago wieder derart an den Saiten,dass man um ihre Reißfestigkeit fürchtet. Werda nicht bereit ist, den Lords of Noise einen
Hahn zu opfern, dem wird es wohl mulmig
werden. Diskant sirrendes Kurven, stehende
und wellige Drones, flattriger Hall sind durchsetzt mit dunkler Molekülerregung und peitschend zuckenden Impulsen, Delay und Loops
kommen gegen die Schärfe und Rauheit desCellos nicht an. Tumult ist kein leeres Versprechen, sondern eine Raison d'être desbruitistischen Trips in die Interzone, auchwenn sie bei 'Tumultuous' kleiner daherkommt
als bei 'Hushed'. Eisern, ungut surrend, submarin rumorend und pfeifend setzt sich das
fort, und das Cello leidet Schmerzen, die sanft
dongend gedämpft werden. Aber 'Blister'
bringt eine knarzig und zugespitzt daxophone,prickelnde, zwitschrige, klangskulptural perkussive Reprise der anfänglichen Wirrnis inihrer erfrischenden Hoffnungslosigkeit. Dem
Cello ist zum Heulen, Santos findet es groovy.
Was bleibt, das verweht zuletzt der Wind.
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SAMO SALAMON – HASSE POULSEN
String Dancers (Sazas): Neben „Dream a
World“ mit dem Trompeter Thomas Fryland auf Das Kapital und nach „Beyond
Dreams“ mit Eric Plandé & Claude Tchamitchian auf Leo Records lässt Poulsen
hier die Saiten seiner akustischen Gitarre
flirren in komponierten oder freien Duetten mit den 6 and 12 string acoustic guitars eines ihm zuvor noch unbekannten
Slowenen, der per Email angefragt hatte.
Der umtriebige Bandleader in Maribor
konnte sich empfehlen durch seine Connections zu New Yorker Größen wie Gerald Cleaver, Tom Rainey, Tony Malaby
etc. und cisatlantische zu Julian Argüelles, Michel Godard oder Szilárd Mezel.
Also, warum nicht? Ultraseriös ('Ultra
Serieux'), aber gern auch als schräge
Vögel ('Sometimes a Bird'), die Nasen frei
im Wind ('Free Noses'), die Synapsen und
die Finger gut geölt ('Mind Fuel'), den
Regen als Tropfen-Rastelli als Vorbild
und Ansporn – neben John Scofield und
Tim Brady, denen Salamon genau auf die
Finger geschaut hat. Wobei die Finger,
wie spitz und flink auch immer, es nicht
allein ausmachen, auch wenn die beiden
da bei 'The Scent of Rain' schon sehr
beeindrucken mit prickelnden Kapriolen,
tempramentvollen Intervallsprüngen undverblüffendem Zickzack. Neben dervirtuos frickelnden Frische muss schon
auch das Feeling eine Hauptrolle spielen.
Und das tut es auch bei den zarten undinnigen Tönen von 'Soft Grass'. Und nicht
nur da. Leider tut es das nicht in ganz
Slowenien, vom stinkenden Kopf eines
Rechtspopulisten bis zu rabiaten Impfgegnern. Salamon dagegen hat im Lockdown seine Kontaktfreudigkeit ausgelebt
in der „Almost Alone“-Trilogie in einem
Netz mit 36 europäischen Gitarrenspinnen – Christy Doran, Ronny Graupe, Dušan Jevtović, Kalle Kalima, Mark Wingfield... von Island bis zur Ukraine, vonPortugal bis zur Türkei. Noch ist Europa
nicht ganz verloren.

JOSH SINTON b. (FiP Recordings, fpcd2): Form is Possibility – guter Labelname, der herrührt von Sintons Faszination durch den Dichter Charles Olson und dessen Vorstellung einer 'composition by field'. Entscheidender als
Reim, Metrum oder Inhalt sei der Atem:the HEART, by the way of BREATH, to
the LINE. Statt des künstlerischen

Egos gälte es, Offenheit und Objektivierung zu vermitteln. Um Sinton einzuordnen, schlicht Folgendes: Er ist am
Baritonsaxofon einer der Markantesten. Er verdankt ausgerechnet dem Sopransaxofonisten Steve Lacy fundamentale Anregungen. Er war mit Ideal
Bread auf Cuneiform, eine starke Stimme bei Anthony Braxton und Nate Wooley, und überführt als Leader von Predicate 4 freedoms die Befreiung-von in
ein Freisein-für. Nach seinem Kontrabassklarinettensolo „Krasa“ (2017)
markiert er sein 50. Lebensjahr mit
neun Baritonstatements, die seine intellektuelle und emotionale Spannweite
von lakonisch bis zornig zeigen. Um
virtuos zu singen und zu sagen, was er
auf dem Herzen hat und was der Fallist. Er kommt zu anderen Lösungen als
der geistesverwandte Jason Sharp mit
seiner Music for amplified heartbeat
and bariton breath auf „The Turning
Centre of a Still World“. Statt es auf
sein gravitätisches (Wotan), russisches(Godunow, Onegin), schurkisches (Don
Giovanni, Scarpia, Javert, Dracula) undüberhaupt dramatisches Spektrum, auf
dunkle Tönungen oder düstere Farbenpracht (Sharp) zu reduzieren, wird derBariton-'Gesang' erweitert: Nach Außen hin mit einem Ohr für Lücken und
Stille, nach Innen mit beklemmter Verstopfung und Sprachlosigkeit. Ins Existentielle und expressiv Panische mit
dem tierischen Schrei des geschundenen Marsyas oder dem Schmerz undGroll eines verteufelten Engels, ins Objektive mit gepressten, nahezu tonlosen Drones wie beim dark ambienten'b2iv'. Mit sprunghaften, abgerissenen
Kürzeln, Raspel-, Flatter- und gespaltener Zunge, bluesiger Deepness, wallenden Verwerfungen und konvulsischen Verwirbelungen als A und O.

Johan Lindvall

TARANCZESKI When I was (Hey!blau Records,
HBL-21041/42, CD/LP): Wir irren durch die Zeiten und verlieren uns in Deutungen, den Satz unterschreibe ich, auch wenn mir die Abgeklärtheit abgeht, die närrischen Selbsttäuschungend e r Kohlenwasserstoff-Mutante Mensch so distanziert zu benennen. Olaf Taranczewski, derWahl-Berliner Jazzpianist, Filmmusikmacher
und Jazz/Pop-Professor an der Trossingen Musikhochschule ist dafür cool genug und auch fürein Pianotrio, das sich nicht wegduckt, wenn derName Bill Evans fällt. Jean-Philippe Wadle am
Kontrabass und Benedikt Stehle an Drums, dereine mit Erfahrungen im Bassface Swing Triound mit Emil Mangelsdorf, der andere mit
Fanfare Ciocărlia und Alexander Knappe... wie
gesagt, wir irren alle durch die Zeiten. Dass sich
Mainstream und Menschenwürde schlecht reimen, wird nicht dadurch besser, zur Primetime
und vor größerem Publikum erst gar nicht zu
versuchen, zwischen Sentimentalität und Feeling, Sensibilität und Kitsch zu unterscheiden.
Das Trio und vor allem sein Komponist suchen
nach Ruhe ('And Everything Was Calm'), nachSeelennahrung ('Things of Soul'), nach einem
Zuhause ('Take Me Home'), in 'Grønland', in 'Mysore', in einem mit sonorem Pizzicato gestreiftenÜberall und klackend und tickend mit federleichtem Anschlag auf Felle und Tasten berührten
Nirgendwo. 'Ligature' ist dabei ein kleines, mit
dem Bogen fein unterstrichenes und dann ostinat wiederholtes Zauberwort, das musikalischden Haltebogen benennt und Bindung meint.
Aus zwei mach eins, mach aus Mondschein und
Melancholie, schön langsam, schön feierlich,etwas, das es wert ist, sich danach zu sehnen.
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TRONDHEIM JAZZ ORCHESTRA & JOHAN LINDVALL Om Du Reser Mycket (Midnorsk Jazzsenter,
MNJCD024): Eben erst von ihrem „Plastic Wave“überspült, erschallt hier schon wieder das TJO mit
dem vom Molde Internationale Jazz Festival 2020
bei Johan Lindvall bestellten Reisebericht in seiner
Studioversion. An sich ein Dialog von Film undMusik, empfehlen sich ohne Bild – nur drei Fotos
von Jenny Berger Myhre deuten diese Verbindungan - eine Reihe weiterer Dialoge der Aufmerksamkeit: Das Miteinander von Repetition und Reduktion, von Rhythmik und Statik, von Electronics &Stimmen (Ina Sagstuen & Natali Abrahamsen Garner) mit Instrumenten, von Cello (Marianne Baudouin Lie) & Geige (Eira Bjørnstad Foss) mit Klarinetten (Klaus Ellerhusen Holm) & Altosax (Mette
Rasmussen), von zwei Gitarren (Lars Ove Fossheim& Christian Skår Winther) mit Drums, Vibes &Percussion (Kyrre Laastad & Matilda Rolfsson).
Halthalthalt, das heißt ja, dass der schwedische,
mit Torg und Mette Henriette und nicht zuletzt auchals Composer von Piano-, Gitarren- und dezenter
Kammermusik auf Edition Wandelweiser profilierte
Pianist mit einem komplett anderen TJO spielt wie
Ole Morten Vågan! Es hebt an mit dem simplen
Antiphon von Pianopunkten und Geigenstrichen,eingebettet in diskantes Dröhnen und dem Pixelregen flickernder Percussion und kollektiver Erregung. Schlichte Pianistik wird zum Leitmotiv fürHerbststimmung ('Fall'), für träumerische Wallung
mit zauberisch heller Vokalisation und maskuliner
Bassklarinette ('Dröm'). Sie wird über den Haufen
geblasen von zunehmend rauschhaften Erinnerungen an jazzig beschwingte Nouvelle-VagueSoundtracks von etwa Georges Delerue und Francis Lai ('Att säga nej'). Kehrt jedoch wieder fürwieder antíphone Monotonie an trüben, geräuschhaft verwischten Regentagen, mit zagem Alto undmahnendem Klopfen ('Regn') und in zartbitteren
Punkt-Strich-Mustern vor berstendem Katastrophenhorizont ('Varit här förut'). Lakonischer Zweiklang
von Piano und Cello gibt sich schnippisch gelassen,trotz fiepender Einwürfe und dem Anprall von Cymbalscratches und Vibes ('Röd'). Vage Striche markieren den melancholischen Wasserstand ('Två'),ein paukiger Beat schaufelt auf sein Mühlrad geflammtes Alltogether, das einen feuerzungig euphorisiert ('Inte nu'). Und 'Slut' gitarrenrockt munter
aufs Ende zu mit poppigem Dadada, zerfließt fast
auf halber Strecke, aber bleibt doch groovy auf
Kurs, mit schönen kakophonen Klangstaubwolken
und heißen Speedlines. Ein toller Trip!
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MIKEL VEGA Powndak Improv(Crystal Mine, C-45): Die Spur führt
hier wieder nach Bilbao, wo Mikel
Vega seine Gitarre mit Black Earthund Wolkokrots gefetzt hat und weiterhin mit Orbain Unit und Killerkume traktiert, bis hin zu weißem
Rauschen und industrialem Sonnenbrand. Nun bei seinem Solodebut
schneidet er elektrifiziert und effektvoll durch gitarristische Wellenberge und -täler, als Soundsurfer
mit knurrigem Gusto. Seine Klangbeben, Walls of Sound, Flatterwellen
und angedunkelten oder psychedelisch schwingenden Loops sindsperrig genug, um das Etikett 'Jazzcore' bis an die äußersten Ränder
zu strapazieren. Bei 'High Lilith' wird
die Aura, die der Name der Dämoninevoziert, durch Dronedoom-Andrang und fatalistische Deprowellen
entfaltet. Fast meint man, dass Vega
da Baritongitarre oder Bass spielt,
bevor er sich in düster fräsendes
Sunn O)))-Pathos hineinsteigert. Bei'Methagaarborg' mischen sich sein
Orbain-Unit-Partner Fernando Ulzión mit rotzige verzerrtem Saxsound und gedämpftem Halteton
und Miguel A. Garcia, Bilbaos
avanter Lokalmatador, mit sirrenden Electronics zum pointillistischen und knattrigen Spiel, das inleiser Stagnation in ein mysteriöses
Ambiente eintaucht, dem sich Ulzión
nur durch Zirkularatmung, die andern durch Maschinenkraft entziehen können. Für 'Anai' bekennt
sich Vega mit 'spanischer' Gitarre in
virtuoser Spannweite zu iberischem
Feeling, zur Bitternis ebenso wie
zum stolzen Trotzdem. Für 'Bosgarren Geruza' zieht er zuletzt nochmal unter Strom alle Effektregisterin durch Generalpausen getrennten
Anläufen, mit verhallenden Kaskaden und wechselnden Stimmungen,bis zuletzt sich ein Zweiklang energisch schwankend in Gang setzt.

MAREIKE WIENING Future Memories(Greenleaf Music, GRE-CD-1088): Nachdem Glenn Zaleski bei Wienings Werbung
für Softness und Sophistication, als die mir„Metropolis Paradise“ erschienen ist, noch
den Arm in der Schlinge trug, sitzt er diesmal wieder am Piano im New Yorker Quintet der Drummerin aus Herzogenaurach.
Mit Rich Perry am Tenorsax, Alex Goodman an der Gitarre und Johannes Felscher
als fränkischem Weggefährten am Kontrabass, die freilich alle in Köln zusammenkamen, Wienings aktuellem Arbeitsplatz.
So entstanden 'Northern Sail' mit seinem
funkelnden Schein auf windstillen Wellen
aus ihren Erinnerungen die Sommerurlaube in Norwegen, als Kind und bis heute,das spanisch bewegte 'El Escorial' in Referenz an ein denkwürdiges Konzert bei
Madrid, die melancholischen Ja-NeinZweiklänge von 'An Idea is Unpredictable'in Gedanken an die Unwägbarkeiten ihrer
Wiedereingewöhnung an deutsche Verhältnisse, das balladeske Titelstück im
zartbitteren Versuch, die Corona-Malaise
ins Futur II zu setzen. Perry ist dabei der
harmonieselige Melodiker und bei 'RiChanges', wo er das spitze Zucken bepopig verflüssigt, sogar Taufpate, Goodman der fragil-flinke Saitenzwirbler, Felscher der sonor beredte Pizzi-Cato, dessen Ceterum censeo freilich nichts als
unablässig Fried- & Freundlichkeit fordert.
Alle sind sie gute, nicht nur bei 'Dance into
July' zum Dancing in your mind aufgelegte
Seelen mit auch bei Zaleski exemplarischquirligem Fingerspitzengefühl. Wiening
selber rührt dazu die Felle, als würde sie
ihr Lieblingspferd striegeln und auf den
Blechen Tauben füttern. Ich sollte bei
diesem Dschäss einfach mit den Slippern
wippen, den Fingern schnippen und sotun, als würde ich dazugehören, statt michzu fragen, warum mein Leben sich nicht
rosarot und himmelblau anfühlt. Statthinter gepressten Lidern Seesaw 'm Arschzu seufzen. Ach, einen Morlock-Muffel wie
mich haben das zauberhafte 'Seesaw
March' und Wienings Eloi-Memories wirklich nicht verdient.

INGAR ZACH / MICHELE RABBIA Musiquepour deux corps (SOFA589): Zach ist heuer
50 geworden und mit Tri-Dim, Huntsville,
Dans Les Arbres, Mural, O3 und überhaupt
mit Sofa ein Synonym für Percussion Musicder nonfigurativen und dennoch sprechenden Sorte. Rabbia, Jg. 1965, sein Turiner
Partner, nach „[so-nò-ro]“ (2019) ein weiteres mal, ist mir trotz seiner seit einem Vierteljahrhundert gezogenen perkussiven Spurvon Aires Tango und Stefano Battaglia überAarset, Fresu oder Huby bis Schiaffini erst
durch „Antikythera“ (2019) mit Lorenzo Feliciati halbwegs ein Begriff. Wie Zach mit
noch Transducers, arbeitet er mit noch Electronics für eine 'Morphology', 'Typology' und'Permeability', eine Durchlässigkeit vonSound und Beat. Erinnerung und Erfahrung,
Klangfarbe und Klangpoesie spielen dabei
eine ebenso große Rolle wie 'Proprioception', also die Wahrnehmung des eigenen
Körpers im Raum, das Empfinden für Schwere, Spannung, Kraft und Geschwindigkeit.
Die elf Facetten des elektroakustischenSoundscapings suggerieren mit Drones undeinem Groove aus Getickel und Besenstrichen, mit Pauken- und Hagelschlägen, gedongtem Hall und rascheligem Vibrato, mit
tüpfelndem Loop, schweifenden Klangschwaden, huschenden Gesten, mit klirrendem
Klimbim und 'Akkordeon'-Wellen ein in der
Raum-Zeit driftendes Berührtwerden. Impulsiv und verzerrt und zugleich schrammelnd und kreiselnd bis hin zu einer Detonation, in Stereo gongdongend, aber mit dersanften Dröhnharmonik und dem feinen Rauschen und Pingen von 'Joy' doch klar auf Seiten der sinnlichen Lust, statt irgendwelcher
Kopfnüsse. Gestrichenes und quietschendes
Metall, Pauken- und Gongtupfen in Trauermarschmonotonie fordern die Membranen
heraus, berstende Pixel, Geklingel und sublimer Klangschalenklang gehen vertieft ins
Detail, allerdings überbrummt und mit sprödem Beat. Unrund zuckende Akzente touchieren und rappeln, und zuletzt wooshen
heftige Einschläge in flirrende und hektische
Erregung mit melancholischer Tönung. Das
ist Tachismus der allerfeinsten Art.

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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s!!
auf abwegen (Köln)
Noch ist THORSTEN SOLTAU nicht namhaft genug, um mit Schorten in Friesland verbunden zu werden, andererseits könnte sein Leben auch ganz in Sande verlaufen sein, undüberhaupt, wer ist schon Gerhard Henschel? In BA hat Soltau sich gleich in jungen Jahren
bemerkbar gemacht mit Weiss auf Electroton und mit Preslav Literary School auf Corvo. In
der Dekade dazwischen blieb er mit Karl Bösmann, Herr Penschuk oder Pharmakustik(Siegmar Fricke) öfters nur knapp unter dem Radar. Dan Penschuk feindesignte nun auchdas Artwork für Acker und Seche (aatp67): Eine Schnitterin, der der Sinn nach anderem
als Halmen zu stehen scheint. Mit melancholischem Klavier und subwoofdumpfen Drones
führt Soltau in einen elektroakustischen Dreamscape, in den er Feldaufnahmen und Elektronik von EMERGE integrierte, bevor der wiederum den finalen Mix besorgte. Für ein Narrativ, das mit metalloid-perkussiven Verwerfungen durch 'Kalk und Schiefer' '[z]u den
Häfen' strebt, wo die Luft imprägniert scheint vom Gesang der Sirenen, aber auch ihrem
hühnerbeinigen Gackern. Vom Flügelschlag der 'Motte des Theta-Schlafes' bewegte
Wellen glucksen zu einem Orgelhalteton nebulöse Gerüchte von 'Ilios / Heimstatt'. Steinchen klicken, das Meer murrt, das Piano trauert. Vor dem nur ganz leise dröhnenden undtropfenden 'Postskriptum' zu diesem Traum erklingt mit 'Vor dem Hitzschlag' eine von
RLW gefertigte Transformation und Rekomposition des Gehörten, das, nach meinem
Dafürhalten, in düsterem Grollen, diskanter Verschleifung, submarinen Anmutungen, morphendem Gedröhn, untergegangenen Schrecknissen, elegischen Pianofragmenten, fluktuierenden Schüben Welle für Welle ('Gesang' für 'Gesang') den Untergang Trojas als
Katastrophenmotiv aktualisiert. Die Schnitterin unterstreicht den Ernst der Lage.
Nachtstücke, Notturno, ...Grauzone, ...Schatten, Dämmerattacke, Daseinsverfehlung,
Marches Funèbres, Abraum, Leere und Zerfall, dazwischen zwar auch nüchterne Mengenlehre und neusachliche Flächen mit Figuren, Humoresken und Vektoren, Strophen und
Stenogrammen, doch ringsum: Seuchengebiete. ASMUS TIETCHENS sieht mit cioranschem Blick seit 40 Jahren, was so viele bis heute, durch 'Benignatoren' benebelt, nicht
wahrhaben möchten. Mit Seuchengebiete 4 (aatp83) setzt er der Hirnwäsche und dem
zügellosen Optimismus, den Cioran ein krampfhaftes Verkennen der menschlichen Naturgenannt hat, einmal mehr eine Serie von 6 Hydrophonien entgegen. Glucksend, wischelnd,murmelnd, dumpf pumpend, als aquatischer Sermon, der zischelnd und lappend darauf
pocht: Aus Wasser bist du und zu Wasser wirst zu zurückkehren. Unendlich beredter alsparanormale Tonbandstimmen, mit dongender Überzeugungskraft, monotoner Beharrlichkeit. Schwellend und brausend, mit zuckendem Krikelkrakel-Code eine Botschaft
schreibend, zugleich mit Steinchen klickernd und scharrend, ein Griffel zieht eine lange
Furche und macht dabei quecksilbrige Wirbelchen. Was singt denn da? Phantome in turbulenten Strudeln, magischen Kanälen, bleichen Brunnen? Läuten nun doch auch die
Glocken von Vineta, von Ys? Tietchens ist eher abseits von Natur und Nostalgie ein nüchterner Installateur, Beuys in der Speise- und Kabakov in der Wasserleitung, Diogenes inder Tonne. Das Pathos der cioranschen Diagnose erscheint geschrumpft, ähnlich wie etwa Anselm Kiefers "Unternehmen Seelöwe" zum Kriegsspiel in der Blechwanne, zum Albtraum in der Küchenspüle. Hat Tietchens mit "Eisgang" nicht ebenfalls schon Caspar
David Friedrich evoziert? Quillt nach "Die Nacht aus Blei" und "...Totentanz" seiner Aquaphonie nicht Hans Henny Jahnns "Fluss ohne Ufer" aus den metaphorischen Poren? Teilt
der Hamburger mit Jahnn, doch konsequenter als dieser, nicht die pathos-averse Überzeugung, dass Musik ihrem innersten Wesen nach eine abstrakte Kunst ist, in der sich der
schmutzige Ernst der Natur verhärtet? Mit einem Lebenswerk, das Jahnns Es ist wie es
ist, und es ist fürchterlich mit Ciorans Lehre vom Zerfall und der Nutzlosigkeit der Geburt
verbindet und auf kristalline, spröde, lakonische, demütige Weise zum Klingen bringt?
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Crónica (Porto)
Der chilenische Klangkünstler LUCAS ALVARADO, der auch schon Beachtung bei Attenuation Circuit fand, hatte bereits in Valparaíso sein zentrales Thema gefunden: 'Die Erinnerung an das Vergängliche', das Vergessen, das Verlassen. Er umkreiste das weiter
mit 'Anatomía De La Vacuidad' und 'Epitafio De Los Desaparecidos' und vertiefte es mit'Rupam Sunyata (Form Is Empty)' & 'Sunyataiva Rupam (Emptiness Is Form)', dem HerzStück buddhistischer Weisheitslehre. 'Nullpunktsenergie' als deutscher Terminus rührt
von seinem Studium an der Hochschule für Musik in Leipzig her. La Ausencia Como Lenguaje (Crónica 172~2021, digital) entstand Anfang 2021 in Lyon, wieder im Hinblick auf
leere, verlassene Räume, die eine eigene Sprache sprechen, von Krisen und Katastrophen. Alvarado jedoch legt ein aus Pandemie und Überflutungen klüger gewordenes Lassen und Verlassen nahe, das überspannte Bögen entspannt. Massentouristische Herdenbildung erhöht die Ansteckungsgefahr, das Bauen in Niederungen und Auen die Überschwemmungsgefahr. Weniger ist besser, Abkühlung molekularbewegter Komplexität undeine neue Schlichtheit tun not. Der digitale Schein totaler Verfügbarkeit (B. Han) und alles
Evidente desillusionieren, das Nichtmehr oder Nochnicht laden dagegen zu Verklärung
und Hoffnung ein. Aufklärung als Vermeidung von Grausamkeit hoch² und hoch³, allemal.
Aber als Abkehr von Illusionen (M. Hampe)? Das verkennt deren Zwiespältigkeit und sichselbst. Ich folge Alan Moore jederzeit nach 'Imateria' und in den 'Idea Space'. Alvaradoversetzt einen als sublimer Minimalist in einen Dröhn-Space aus metalloiden Strömungenund Langwellen, aus Orgelclustern, Phantombläserschall, Walls of Guitar- oder SynthiSound. Wobei die Klangbänder durch einen ständig wiederholten Eingriff gesiebt und mit
einem rappeligen Loop akzentuiert werden. Die undurchsichtige Mechanik mischt sich mit
Getrappel von Füßen und wird rauschig weiter erschüttert und verunklart. Dann zerfällt
das Bild, es weicht ritueller Percussion und einem dongenden Mahlwerk in einer verlassenen U-Bahnstation oder Werkhalle, wo es weiter surrt, wo Wind braust und die Leeredröhnt, elektroperkussiv durchzuckt, von verzerrter Phantomstimme umloopt, dumpf bepulst. Wesentlich bleibt aber ein raues Kreisen mit stimmlichem 'Beigeschmack'. Metallischer Krach mutet wie Abriss und rabiate Demontage an, als würde der Chilene Ton
Steine Scherben beim Wort nehmen. Oder als hätte Alvarado bei Moores Freund Iain Sinclair sich das Feeling für Disappearances eingefangen. Melancholie dringt bis in die Knochen und führt zu einem leise kollernden, dröhnend verhallenden Rückzug.

Monty Adkins
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MONTY ADKINS ist ein englischer Elektroakustiker aus der Schule von Jonty
Harrison, mit kontinuierlicher Präsenz auf empreintes DIGITALes, Audiobulb
und immer wieder Crónica: „Residual Forms“ (2014), „Unfurling Streams“(2015), „Shadows and Reflections“ (2017), „Moeror“ (2018). Dabei Electronics
mit Instrumentalklängen zu mischen, ist häufig Bestandteil seiner Ästhetik:„Beyond Pythagoras“ (2014-17, co-composed with Paulina Sundin and Jonny
Axelsson) vereint das Stockholm Saxophone Quartet und Percussion mit Electronics, 'Still Juniper Snow' (2015) das Quatuor Bozzini mit Sarah-Jane Summers an Fiddle. With Love. From an Invader. (175~2021, digital) bringt monatliche Feldaufnahmen am Shedden Clough bei Burnley in Lancashire zusammen
mit Fotos eines Rhododendron, die Yan Wang Preston vom März 2020 an ein
Jahr lang in der Abenddämmerung aufgenommen hat. Sie, die mit 'MotherRiver' den Jangtsekiang vermessen und mit ihrem Langzeitprojekt 'Forest' denSony World Photography Award 2019 gewonnen hat, teilt mit der invasiven
Neophyte die Herkunft aus China und gelegentlich die Erfahrung, als unwillkommenes Unkraut angesehen zu werden, umso mehr in Zeiten des'chinesischen Virus'. Der expansive Gartenflüchtling, der von den einen als Bienenkiller und Würger der Konkurrenz bekämpft wird, während der ökosensible
Wissenschaftsjournalist Fred Pearce 'Die neuen Wilden' willkommen heißt,
liefert jedenfalls Zündstoff an den Querfronten von Ökologie, Identität und
Migration. Konstruiert der gegen die post-koloniale 'Überfremdung' gerichtete
Natur- und Heimatschutz für die zerstörten Moore und die Wunden der Industrialisierung und der Schafzucht da eine botanische Analogie zum 'Großen
Austausch'? Noch zwitschern und rufen in Adkins' summendem Ambiente
Vögel, die andernorts bereits von eingeschleppten Ratten und Schlangen ausgerottet wurden. Wasser gluckst und sprudelt, ein Lagerfeuer knistert, Kies
knurscht, der Wind rauscht, Regen tröpfelt wie in den alten Tagen, es könnte
kaum vorindustrieller, idyllischer, paradiesischer klingen. Da soll nun ein Rhododendron Schlange im Paradies spielen? Adkins vermeidet den Kitschverdacht durch eine melancholische Tönung der Dröhnung, Frösche verhandeln
mit Skorpionen und ein Kuckuck zählt die Lebensjahre, die noch bleiben.
Unter MAD DISC verbirgt sich der elektroakustische Perkussionist Takamichi
Murata in Nagoya und Kitakyushu, den Crónica zu Gehör bringt mit Material
Compositions (Crónica 177~2021, C-40), plus einem Remix von Toru Kasai, sowie zwei weiteren – digital – von Koutaro Fukui und Ryoko Ono (Ryorchestra).
Mit Rin Bell (Klangschale) hebt es ganz japanisch an und daran ändern auch dieeinsetzende Folge von auf und ab springenden Kaskadenwellen und fein geschliffenes Pfeifen in seinem repetitiv-rituellen Duktus mit Affinität zu Noise
wenig. Händisch verwirbelt Murata scharfen Klingklang auf diskant, knurrig
und tremolierend durchmischtem Hintergrund. Zupft er jetzt Mbira, nein, es ist
eine Steel Drum, von bebenden Obertönen überloopt, in beständigen Schüben
und in anschwellender Aufwallung überbrandet. Hin zu sanftem dingdangdong
dingdangdong dangdong. Bei 'Material Composition 2' werden Pauke und'Koto' übertönt mit knarrigem Synthi und schnellen Hihat-Snare-Wirbeln inlaunigem Groove. Die Erregung wird verdichtet und mehrspurig verzopft in fastschon Talibam!'scher Verve, rappelig und in schwellendem Andrang und zuletzt zielstrebigem Überschwang, der mit Händen und Füßen Speedlines umsich wirft. Toru Kasai bringt die Rin Bells zurück zu sanft pfeifenden und summenden Drones, auf einer Folie aus womöglich Alltagsgeräuschen und bruitistischer Granulation. Metalloide Beats unterstreichen die Fragilität der feierlichen Anmutung, die zunehmend den Klangraum mit auch noch melancholischem Phantom-Cello in elektronischem Rücken- oder Gegenwind erfasst.

59Drone Records – Substantia Innominata (Bremen)
Zoharum (Gdansk)

Stefan Knappes Dröhnosphäre und die von Maciej Mehring & Michał Porwet, die in Gdansk
Zoharum betreiben, relativieren die Zeit mit der Suggestion, dass sich der freie Fall entschleunigen lässt durch die Immersion in einem vertrauten Medium, einem vertrauten
Raum. In einem Kontinuum vertrauter Klänge und vertrauter Namen: Jarl, Machinefabrik,
Pacific 231, Phurpa, Rapoon, Tehôm, Vidna Obmana... Zu denen natürlich auch Maeror Tri
zählen, die mit „Archaic States“, „Ultimate Time“, „Hypnobasia“ und „Sensuum Mandacia /Somnia“ zoharisiert sind, und ebenso TROUM, die mit Wiederveröffentlichungen von„Dreaming Muzak“, „Seeing-Ear God“ und „Autopoiesis / Nahtscato“ (Small Voices, 2004 /Paranoise Records, 2005 / ZOHAR 012-2, 2010, 2021) in konstanter Vergegenwärtigung
Dröhnklassikerstatus annehmen. Zurecht. Und nicht zuletzt wegen der bewussten Autofiktionalisierung, mit der Glit(S)ch & Baraka(H) durch von sich selber zehrender Wiederholung und Variation – daher die Spirale als Archetyp - den Kurzschluss von Leben und
Musik und des Egos mit allem anderen anstreben. Mit sehnsuchtsvoll fräsender, flimmernder Gitarre, pulsendem Andrang, ostinatem Sägen, loopendem Schlagwerk, sonorem
Schweifen und Raunen. Subjekt und Objekt, aktiv und passiv werden als Gegensätze obsolet. Es stillt da, wenn sich im Schatten der Nacht zu rituellem Tamtam Eros enthüllt unddie Zeit mit Macht entflieht, 'O Choros Ton Epithymion' das Verlangen, nicht (so sehr) anders als bei Jacques Offenbachs 'Barcarole'. Ist 'Tsal' mit wildem Getrommel des eigenen
Barbarenherzens die Annäherung an Poes Tsalal? Ist Schneeweiß der mit vokalen Kaskaden bestaunte, vom Tekeli-li weißer Vögel beschriene mystische Eis- oder eiserne Weißglutkern von Schwarz wie die Nacht? Die Singles-Compilation „DA-PU-RI-TO-JO (TheSingles 2004-2016)“ (Black Mara, 2017 / ZOHAR 218-2), ebenfalls mit Artwork von Radosław Kaminski, steht im Zeichen des Archtyps 'Labyrinth', ausgedrückt in den mykenischen Linear-B-Silben Da-Pu-Ri-To-Jo. Das Dutzend Tracks ist alphabetisch neu geordnet
von 'Aerugo' [Grünspan], 'Aetas Vetus' [die alte Welt, die Menschen der Vorzeit] und'Agnus Dei' [Lamm Gottes] über 'Betonwolke', 'Gruoen' [ahdt. grün] und 'Narghis' [Narzisse] bis 'Saiws' [got. See], 'Un/Mahts' [Ohn/macht] und 'Victoria'. Und Troum taucht dawieder in den Klangozean mit aller erhaben dröhnenden Macht und Pracht und einer nochbronzezeitlichen Aura im eisenzeitlichen Übergang von der bikameralen Psyche zum
Selbst(bewusstsein), vom Mythischen zur technē, von Minotaurus zu Dädalus. In einem
archaischen Simulakrum, in dem sich grollende Brutalitäten ebenso spiegeln wie die entfesselten Schwingen des Geistes, der sich an Spiralen, Serpentinen und Figura serpentinata übt. Und es verschmelzen dabei, so harsch wie elegisch, rituelle Bindung und neue
Schärfe in postmoderner Sehnsucht. Der Sehnsucht nach Erklärung, nach Verständnis,
wie mythisch, mystisch, kabbalistisch, phantastisch auch immer.
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Kristjana Helgadóttir, Ingólfur Vilhjálmsson, Gunnhildur Einarsdóttir & Matthias Engler
bilden in Berlin Adapter, das mit Percussion, Klarinette, Flöte, Harfe, FX's, Tape undStimmen operierende deutsch-isländische Ensemble für Neue Musik, das u. a. Einspielungen von Davíð Brynjar Franzson, Sarah Nemtsov, Walter Zimmermann, Franco Donatoni, Ketan Bhatti oder Naomi Pinnock realisiert hat. Der im Winter 2016 bei gemeinsamen
Sessions mit dem TAUMEL-Duo Jakob Diehl (keys, voice, guitars, typewriter, tape) & Sven
Pollkötter (percussions, sampler, keys, guitar, FX's) im Rahmen von deren 'Off the Record'-Begegnungen gewonnene Stoff wurde von den beiden zu den acht In Pieces Vol.
One (SUB-29, 10“) geremixt und dabei mit weiterem Taumel-Sound angereichert. Per
Spritze verabreicht, reicht das für acht Impfungen wider den tierischen Ernst. Mit elektroakustischen Tönungen durch extented techniques, verhuschten und raunenden Stimmen,
gehämmerten Tasten, Tourette-Syndrom, gackernder Elektronik, elegischem Piano, Cutup-Streuseln. Als hurziger Spaß mit klingenden Krakeln und Kaskaden, Donnerblech, beklemmter Klarinette, stereophonem Impulspingpong, pochender Verve, unrund detonierendem Beat, twangenden Strings. Wer träumt so? Halluziniert man so? Nicht ungroovy,aber schon ziemlich absurd in seiner mixadelischen Theatralik. B-seits rockt's wie Free
Salamander Exhibit, grotesk und frykdahlesk, es zischt, es kratzt und plötzlich trübt sichdas ein, mit wehmütig gezupften Saiten. Ein perkussiver Klopfspecht hämmert, und mit
mühsamem Gesang schleppt sich durchs letzte Achtel eine Chaingang mit Trauerklößen
an den Knöcheln, zu Arme-Sünder-Piano die eigenen Verfehlungen glossolalierend und zu
Banjo lallend. What the f--- ? Für Drone sind das substantiell ganz neue, unerhörte Töne.
Drone-Mind // Mind-Drone Vol. 8 (MIND-08, LP in Purpur)
vereint als 8. Ausgabe dieser dröhnophilen Reihe a-seits'Clean 2020' von Kazuya Ishigami in Kobe mit 'Between
Mirage and History' von Aume in Portland. Der Neus-318Macher loopt zum Zirpen von Grillen und leiser Harmonika,zu spitzen Feinheiten und dunkler Tönung wie von fernem
Düsendonner einen quietschenden Zweiklang, eine dezente Welle, vinyliges Knuspern, wischelnde Geräusche.
Sehr mysteriös. Die Kalifornier, es sind Scot Jenerik(23five) & Aleph Kali/Omega (Altar De Fey, Chrome), dieschon mit F-Space Walls of Sound gerockt haben, lassen
Gongsound dröhnen, zu blökenden Schafen, sorry, zu
Ethnogesang. Bebende Saiten stoßen als perkussives
Mahlwerk einen dröhnenden Ritual-Groove an, Getrommel, nasales Gebläse, Verkehrsgeräusche und Stimmengewirr suggerieren Orientatmosphäre und daraus zapfen
die beiden einen zischend rhythmisierten Loop. B-seits orgelt puppy38 alias Hiroshimabend, der 2013 von Texas nach Wien gekommen ist und unermüdlich auf opiumdenpluto publiziert, 'Syllabarimau'. Die im Raum kurvende Dröhnspur geht einher mit
kleinen surrenden und knisternden Akzenten, Morsezeichen und vor allem wiederkehrenden Detonationen, die schließlich als kreisendes Tatamtamtam Tatamtamtam
tataTamtatam weiterpauken, während die Orgelspur immer sehnender schweift. Und
Baldruin in Wiesbaden, dem ich auf „Portal“ (2015) bei 'Night Visions' '[i]m Verlies' begegnet bin, steigt in 'Die Katakomben von Tesco-Libra'. Mit elegischem 'Bläser'-Klang und
Flötenpfiffen, die er mit rhythmischen und metallischen Schlägen aufmischt und verdichtet
zu einem orchestral gewellten Flow. Bei 'Verstecken' lässt Johannes Schebler zu dunklem
Herzschlag und Hammondorgeltupfen Fitzel einer Frauen- und einer Kinderstimme
kreisen, jedoch nicht ungestört. Zuletzt erklingen bei 'Klima + Psyche' ein mittelalterlicher
Klapperbeat und zu monotonem Zupfen Dudelsack- und Flötenwellen. Vier feine
Synapsenputzer machen einem mal wieder so manches klar.
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E-Klageto / La Bois / Psych.KG (Euskirchen)
Während andere spalten, führt Matthias Horn zusammen, was zusammen passt. Zwar nur
in der kleinen Welt, die Verbesserungen weniger nötig hätte als die große. Aber immerhin.
Für Totmannschalter (Exklageto 32) fanden NON TOXIQUE LOST und OCCUPIED HEAD
zueinander. Beide mit Elektronik und Gitarre, Sea Wanton singt seine Texte, Dieter Mauson(→Nostalgie Éternelle) spielt noch Bass und steuert Fotos von Ruinen und geschlossenen
Türen bei. Das Ganze vor dem Hintergrund der Flutkatastrophe an der Ahr, Erft und Swist,
die auch Euskirchen schwer getroffen hat, als Verbeugung vor den freiwilligen Helfern.
Mein Respekt vor der Lebensleistung von NTL ist kein Geheimnis, Mauson hat mich mit
Sauerstofff, 7697 Miles (mit Raw-C in Chile), Pulse (mit Low Rhahn in Brasilien) und, nicht
nur mit Bu.d.d.A., auf - kleine Welt - Attenuation Circuit für sich eingenommen. Die 'Kommunikation' der beiden entfremdungssensiblen, resonanzaffinen Köpfe zeitigte Musik,
deren postindustrial engagierter Impetus nichts zu wünschen übrig lässt, wenn einem Sea
Wanton da gleich mal zu paukenden und zuckenden Beats mit dem geraunten 'Relai Dai'einen kryptischen Brocken an den Kopf wirft. Der 'Firmamentenblick' fällt so gar nicht auf
Vorzeichen einer neuen Welt, nein, ringsum nur Risikogebiete und deren 'Mühselige Überquerung' zu daueralarmiertem Tamtam und elektronischen Gespinsten. Krieg der Frösche,
Vögel zwitschern sich den Schädel weg, der brüchige Klanghorizont wird von melancholischen Dröhn- und Basswellen auf Distanz gehalten. Wo bleibt das Wunderbare, wie einst
das imaginäre Afrika mit Geparden? Doch: Selbst wenn sie in die Vergangenheit eintau-

chen könnten, gibt es keine Garantie dafür, dass Sie nur das Wunderbare sehen werden.

Statt dessen: Baustellen, Abbruch, soziale, mentale Klüfte, hier wir, die was verändern
wollen, dort sie, die sich ans Alte klammern. Friedhofsruhe. Totentanz in Zeitlupe. Da: 'Die
Todesinsel' - viele sind vergraben / ausgerichtet hin zum Meer / viele sind versteinert /weinen hin zum Meer... Warum? Mensch ist kalt / Land ist unter / Gier vorbei / überflutet
auch / der letzte Turm. Was für ein Darkwave-Blues, aber mit Breakbeats, glissandierender Schärfe, bös furzenden Störimpulsen. Wanton sagt zum Abschied nicht mal 'Servus' /
weil alles / ist wie Lüge, zu knochenkahlem Klingklang und surrendem Red Queen Effect,ohne Griff nach der Notbremse, ohne Totmannschalter...

Das belgische Paar BeNe GeSSeRiT hat 2020 doch recht kreativ den pandemischen Widrigkeiten getrotzt und auf Insane Music mit High, Happy, Perverse and Experimental Cries
of Joy wieder seinen ubuesken Désirs-Délires-Spirit hervorgekehrt, der sie befähigt, Hennegau als bizarre Pop-Provinz und schräges Pseudo-Japan erscheinen zu lassen. Mit den
Digital Tracks for Yuri Gagarin (La Bois 38, 10" in handmade sleeve) werfen Alain Neffe &Nadine Bal einen Firmamentenblick 60 Jahre zurück auf Gagarins 108 Minuten Kosmonautenruhm. Kaum aus meinem Staunen über die stupende Verpackung von DDAAs "Ah La
Faim ! Bigre Mens Tu?" (La Bois 35) heraus, drehe ich die aus einem weißen, minimal-gemusterten Plastikgewebe gezogene Lathe-Cut-Scheibe hin und her, deren Infos auf einetaubengraue 25 x 25 cm PVC-Platte angebracht wurden. Nachdem Sub Rosa und E-Klageto auf Neffes Anfänge mit Kosmose und Pseudo Code zurückgegriffen haben, schlüpfen
sie hier in reifer Aktualität wieder in ihre bene-gesserit'schen Alter Egos: Er macht als B.
Ghola die Musik, sie singt als Benedict G. ihre Texte, vereint fabrizierten sie 'Jusqu' à
L'Heure Du Premier Tram' nach Cadavre-Exquis-Methode. Es beginnt mit dem 'FrenchSpeaking Alien Blues', Ghola-Vocals und Gitarre, downtempo pocht 'HeeeZy-iZZ' mit ihrer
schleppenden Stimme und ätherischer Vokalisation, zu Zweifingerkeys, geplinkten undgestrichenen Saiten singt sie mit bebendem Timbre auf der Kippe von kosmisch und komisch. Was verstehe ich, wenn ich 'La La oH ya' höre? Unendlichen Spaß? Dazu passt
gleich weitere exquisite und extraordinäre Frankophonie zu pathetischer Orgel. Und zuletzt mit pickendem Beat das lach- und görenhafte 'Maman, tu m'entends?' Breton? Magritte? Les Schtroumpfs? Le Marsupilami? Welcher surreale Floh hat die beiden in jungenJahren gebissen?
PS: Abonnent*en der BA 112 werden verwöhnt, denn sie erhalten "Totmannschalter" vonNON TOXIQUE LOST und OCCUPIED HEAD.
62

Karlrecords (Berlin)

Eve Babitz

AIDAN BAKER und Karl, das geht, das passt gut zusammen: Seeing Past
What Things Seem (KR075, C-46) ist nach der „Twin Peaks“-Hommage "In
the Red Room" (2015) und dem von Italo Calvino inspirierten Zweiteiler"Invisible Cities" (2018/2020) das nächste Miteinander, verschönt durch
ein Coverfoto von Labelmacher Thomas Herbst himself und mit Titeln, dievon Eve Babitz herrühren und als zusammenhängender Satz gelesen
werden können: Seeing past what things seem into what things are in theheat of the day, when things stop in a frozen look. Mit wieder E-Gitarre,
Bass & Flöte kreiert der Kanadier in Berlin das, was er sehr gut kann einen suggestiven Dröhnscape, in dem, wenn man so will, the world, theflesh, & L.A. mitschwingen, gesehen durch die Augen von Eve Babitz. 1943
geboren, Patenkind von Igor Strawinsky, hat sie in ihrer Blüte mit Duchamp am Schachbrett posiert - nackt, hat Covers gestaltet für The Byrds
und Buffalo Springfield, für Magazine geschrieben und ihr Leben als 'L.A.
Woman' der Doors und Sammlerin namhafter Lover literarisch fixiert,ironisch-lässig, mokant-poetisch, breezy & cool (wie ihr bescheinigt wird),
von "Eve's Hollywood" (1974, dt. 2018) bis "I Used to Be Charming" (2019).
Babitz “doesn’t give a fuck”, kriegt sich die Biografin dieser Holly Golightly
und 'F. Scott Fitzbabitz' vor Bewunderung nicht ein. Dass Babitz 1997 nachschweren Brandverletzungen, ohne Krankenversicherung, ganz auf die
Unterstützung der einstigen Lover angewiesen war, gehört jedoch mit zu
ihrer, mit kaltem Blick gesagt, parasitären Prominenz. In Bakers Sound ist
heat so ambig wie frozen, Schein (what things seem) & Sein (what thingsare) halten sich, so scheint's, die Waage. Doch was stünde Hollywood als
Hype aus Sex & Rage, Drogen & Affären entgegen, was dem American
Dream (vom Partygirl zur Schriftstellerin, vom badass, ex-drug addict
groupie zum millennial hero) gegenüber? Klasse & Kampf? Ist Schreiben
die Fortsetzung des Fickens mit anderen Mitteln? Sind Bakers summender,
von Flöte durchstoßener 'Posaunen'-Schall und sein auf breiter Front
dröhnendes Bombergeschwader bewusstseinserweiternd, seine leicht
tremolierenden, orgelig schwellenden, helldunkel brausenden, hornissig
schwärmenden Haltetoncluster aus gitarristischem Üüüü und gestrichenem Bass kampfbetont? Gewollt, oder ungewollt?

63Mille Plateaux (Frankfurt)
Achim Szepanskis nach der goldenen Dekade 1993 2003 und der MPM-Phase 2004 - 2008 seit 2018 laufender Reset von Mille Plateaux brachte mit "Ultrablack of Music" (MP10) eine aktualisierte Selbstvergewisserung auf den Plateaus des Spekulativen Realismus (Brasseur), des Capitalist Realism (M. Fisher)und der Hauntology (Derrida), der Non-philosophy (Laruelle) und des Kosmischen Pessimismus (Thacker).
Und bringt nach "Motus" (MP6) und "Nuuk" (MP27) ein
weiteres Wiederhören mit THOMAS KÖNER. Nun mit
der erweiterten Version seines 1995 bei Barooni erschienen Albums Aubrite (MP34), das mit 'Nuuk'
wieder an der Landspitze, der 'Nase' Grönlands ansetzt. Als Eiland, das von Menschen noch ganz unberührt schläft und atmet. Köner bleibt auch mit 'Grohuk (day) & (night)' im hohen Norden,
auf Spitzbergen, und konterkariert das nur scheinbar mit 'Takla-Makan', der berüchtigten
Sandwüste in Xinjiang. Denn das Unwirtliche und Menschenleere bleibt der gemeinsame
Nenner für dröhnminimalistische Meditationen. Das ohn-, ja un-menschliche Ambiente
wird zum erhabenen Sehnsuchtsort, in sonor stehenden und feierlich im Raum driftenden
Wellen. Mir diffundieren in diesem Raum Fontanes Es gibt eine Treue, die, während sie nicht
gehorcht, erst ganz sie selber ist und Adornos Treue hält sie [die Kunst] den Menschen
allein durch Inhumanität gegen sie ineinander. Als Menschsein, das erst durch seine
Verneinung sich seiner selbst bewusst wird. Das, in existenzielles Moll getaucht, in
Schuberts 'Der Wanderer' widerhallt als Es bringt die Luft den Hauch zurück: Da, wo dunicht bist, ist das Glück. Wäre das non-philosophisch genug? Köner lichtet sein Ambiente
auch nicht mit dem meteoritischen 'Aubrite', denn Meteoriten zeigen nur, dass die Erdemitsamt den Menschen dem Außerirdischen und Nichtmenschlichen schnuppe ist. Die
Dröhn- & Gaiasphäre wird so in ihrem weichen Largo zum Ein und Alles, als sanfter Kokon,
der von jedem gierigen Übergriff als Störung und Selbstzerstörung abrät. Hat Köner, derals psychogeographischer Globetrotter auch gemäßigte Zonen abklapperte und dabei
zwischen Proust und Pärt hindurchglitt wie durch die Säulen von Gibraltar, mit "The Futurist Manifesto" (2015) nicht deswegen auch Marinettis Futurismus maximal entschleunigt?
Thomas Köner ist auch Teil von PORTER RICKS, dem Projekt mit Andy Mellwig, das mit der"Shadow Boat EP" (2016) und "Anguilla Electrica" (2017) den zur Y2K-Wende abgerissenen
Faden wieder aufgriff. Porter Ricks (MP35) ist die Wiederauflage der 1997er MP CD 42 undspielt auch visuell nochmal mit der ursprünglichen nautischen Metaphorik von "Biokinetics"
bis zur "Trident E.P.". Abgetaucht in die 'Scuba Lounge', lauten die Stichwörter jedoch'Spoiled', 'Decay Chart' und vor allem Redundanz, Redundanz, Redundanz. Wie soll man
das anders lesen, denn als Plädoyer gegen Überfluss und Übermaß? Ästhetisch wechselt
Köner mit Mellwig von Drone zu Pulse, mit fünf Variationen eines sirrend und mit Shaker
oder Bass umspielten dschikabumdschikabum oder dubčekdubček vom Fließband. Ein
Beatboxer hat den Mund voller Wasser, jedenfalls steht es auf diesem Dancefloor bis Unterkante Oberlippe. Stur pochende 4/4 stanzen schaumschlägerischen Groove, weichen
aber schließlich glucksiger Liquidität, eisernem Klopfen, unkendem Zweiklang, muscheligem Rasseln. Das Pochen kehrt wieder, umwellt und von seltsamem Unterwassergesang
umloopt, von Gitarre beschrappelt. Age of Aquarius? Moby als Moby-Dick? Beatstomper
und Traumtänzer als spoiled brats? Delphin in Scheiben, schleppnetzgefischt? Dumpfer
Walfischherzschlag wird überquert von Containerschiffslärm, 'Explore' wird, wieder zu
Gitarre, erstmals von unrundem Beat aufgewirbelt. 'Exposed' verrockt und verunklart
zuletzt eine Wummerwelle mit noch verschärfter Gitarristik und knattrig wirbelndem
Drumming wie von Hand. Zwei Scheiben, zwei von Tausenden Plateaus.
64Prostir (Berlin)
Ganz Auge, Pupille, Black Hole mit Event Horizon, schon dass Dmytro Fedorenkos Aquarell-Artwork von I Can See Everything From Here (Prostir + 3, LP) beim Anblick zurückblickt, als gigantischer kosmischer Abgrund, ist von enormer Suggestivität. Auf der Rückseite ein Ring, wie eine von Patina überzogene Ausgrabung aus der Bronzezeit - Uroboros. Dazu verspricht der schon als Kotra geschätzte Ukrainer in Berlin als nun VARIÁT: A

new wave... A new sound... A new beginning... An infinite becoming... A movement awayfrom the stillness, to search self within self: 'See, It's You, Always' und I already am what I
am seeking. Rumis “Why am I seeking? I am the same as he. His essence speaks throughme. I have been looking for myself” ist davon eine Variante, Pindars “Werde, der du bist”,
das Nietzsche 7-fach variiert hat als Wahlspruch der Neuen, der fröhlich-Wissenden, Sichselber-Schaffenden, eine andere. Fedorenko umkreist und variiert es in mit Gitarre, Bass,
Synthesizer & Drums intoniertem Black Wave, der zähen Sludge und teerigen Post-Metal
zu Doomgaze zermulmt und zerstampft. Steintrolls keltern die Zeit, raue Frequenzen
zerren, feilen, nagen am Selbstverständnis von Raum und Zeit, von Licht und Nicht-Licht.
Zu okkult-rituellen Beats setzt sich eine Armee der Finsternis in Marsch. Greifen sie uns
an, oder sind nicht wir selber die Orks, wie ich nicht müde werde, ins Bewusstsein zu
hämmern? Nietzsche riet, der Schlange den Kopf abzubeißen, Bataille visionierte einesouveräne Kopflosigkeit unter einer schwarzen Sonne, ein portugiesisches Sprichwort
weiß aber: Wie man sich auch dreht und wendet, der Arsch bleibt immer hinten. Fedorenko sagt: 'There's Lots of Light Leaking All Over'. Morgenröte? Silberstreif? Den Schatten,
den werfen wir selber, Melancholie und Wissen sind siamesische Zwillinge, eine platonische Einheit: 'The Halves Are Once Again Together'. Beats stampfen und pauken, derBass surrt und knurrt, die Gitarre wühlt, Synthisound schimmert, Cymbals zischen, Doomund Anti-Doom, das Drohende und eine sich schleppende Drangsal verwischen. So wie in„Nazis töten“ Objekt und Subjekt, wie in 'Wake Up, Fire' Feueralarm und "Fire Walk with
Me". Zavoloka überschrieb "Promeni", ihre Feier des feurigen Elements, mit Burn the pastand ignite the future now. Ich denke, dass Fedorenko da nah bei ihr ist.
Wieder gemeinsam als CLUSTER LIZARD verbinden Dmytro Fedorenko & Kateryna Zavoloka auf Star Corsair (Prostir + 4, LP/CD) ihre von ihr prägnant visualisierte Sonic Fiction mit"Sorjani Korsar" (1971), einem mit "Camerton Dazhboga" (1996) fortgesetzten, in der
Ukraine Kultruf genießenden SF-Roman von Oles Berdnyk (1926-2003), der wegen seiner
manichäisch-idealistischen Heresie gulagisiert wurde. Auf Deutsch ist er leider beschämend inexistent. Den beiden jedoch erweitert er den Horizont von Outer Space auch inden Weltinnenraum, die Spielräume des Denkens, Fühlens, Lebens. Sie zu finden und auszudehnen, auszuleben, als allen mitgegebenes 'Privilege of Eternal Search' und Chance,nach dem Möglichen und Unmöglichen zu streben, ist es nicht ein Menschenrecht? Nicht
von Parteidogmen diktiert oder verboten, vielmehr bereits angelegt in der menschlichen
DNA als 'Spirals of Evolution', als 'Eternity Code', hervorgekitzelt von 'Rays of Blue Luminacy' als Update der Blauen Blume. Berdnyk ließ sich im Gulag nicht die Überzeugung
nehmen, dass es für die Imagination keine Gefängnis gibt, dass Ignoranz und Aberglaube
die eigentlichen Wärter sind. Cluster Lizard und ihre Music to read Berdnyk by unterstreichen das mit pochender Insistenz, pulsendem Drive, rhythmisch wirbelnden Vortices,
sublim orgelndem, pfeifenden, sirrendem Schimmer, der sich über knurrige und eiserne
Hindernisse und Sirenenalarm hinwegsetzt. Das geht bis zu quirligem Dancing in Your
Mind und geducktem Galopp auf dem Schaukelpferd. Der Wunsch, Indianer zu sein, ruft
sogar einen Powwow-Groove hervor. Feierlich quarrende und kristallin trillernde Synthis
evozieren Berdnyks entmündigungskritische Gnosis, die Wladimir Wernadski und Teilhard
de Chardin esoterisch verzwittert, in einem Plot, der sich wie Perry Rhodan hoch Lem
liest. Mit gewaltigem Herz- und Ruderschlag werden die Probleme der Existenz durch
Raum, Zeit und die Noosphäre auf die Erde zurückgetrieben und dort versenkt ins innere
Stimmgabel-Universum.
65... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
CHEER-ACCIDENT Hong Kong (Shameless
Records, SH14): Aus im August 2015 vor
Ort mikrofonierten Aufnahmen entstanden
Scores, die die urbane und soziale Architektur Hong Kongs nachzeichnen. Um sie umzusetzen in Cheer-Accident-Musik, mit
Thymme Jones ohne Drums an nur Piano
und Jeff Libersher an E-Gitarre, Cory Bengtsen und Ross Feller an Reeds, Mike Hagedorn an Posaune, und D. Bayne, Organistbei „No Ifs, Ands Or Dogs“, spielt hier ebenfalls Piano. Nach zuletzt „Fades“ (2018) und„Chicago XX“ (2019) überraschen die unverwüstlichen Chicagoans mit einem Soundscape, in dem sich Verkehrsgeräusche,
Stimmen und Atmosphärenklang aus Hong
Kong und der eher neutönerische und kammerjazzig-ambiente als art-rockige Einsatz
der Instrumente gegenseitig durchdringen.
Fahrgeräusche, Durchsagen in U-BahnStationen, Meeresbrandung bilden den
musikalischen 'Fahrplan', entgegen jede
Songform oder musikalische Dramatik.
Verrauschte Loops und minimales Piano,
Gekrabbel der Gitarre, brütender Bläserklang ordnen sich den Verlaufsformen desAlltags unter, lassen sie widerhallen, versuchen sich, ihnen zu integrieren. Stimmengewirr, Gelächter, Straßenmusik einerseits,
Repetitionen, Bläser in gackernder, kreisender, aufgewühlter Erregung werden zu
den zwei Seiten der gleichen Straße, aberimmersiv und labyrinthisch verunklart, stattin einer linearen Zielstrebigkeit. Die Musikscheint der psychogeografischen Logik desFlanierens zu folgen, dem situationistischen
Derive. Schritte werden elektro-perkussivüberschüttet von tschickenden Vögeln, manischen Grillen, Motorgeräusche surren und
crescendieren, die Bläser geraten in erhitzte Turbulenzen, kurz auch das Piano
unter elektronischen Impulsen. Bewusst ist
das ausgebreitet als urbanes Klangmosaik
und Stückwerk, um in absentia einzutauchen in ein imaginäres Hong Kong. Daher
sollte man die Erwartungen eher etwa an
den koreanischen Klangcollagen von Alfred
Harth schüren, als an dem, was man vonCheer-Accident kennt.

66

D. D. K. Something For The Weekend(Klappstuhl Records, Trism 13, digital): Ein
Zeitsturz retour nach 1986, zum Kassettenlabelchen Dead Happy in Essex, wo Dave
Arnold sich als The Starkman präsentierteund mit Turn Blue. Und die zwei Lebenszeichen von D. D. K.: "Last Resort" (D.H.C.
20) und das hier (als D.H.C. 21). Er an
Voice, Percussion, Drum Machines & Effects, Dave Kent an Synthesizers & Organ,
Keith Rodway an Synth, Percussion, Voiceund natürlich Bass, wie 1979, 80, 81 mit
Dave George & Mark Perry in The Good
Missionaries (zu hören auf "Pylon" und der
7" "Deranged in Hastings"). Arnold, Jg.
1958, hat sich, crowleyanisch inspiriert, als

an eclectic multi media artist, musician,poet, performance artist, actor, filmmaker,
photographer and writer in Hastings etabliert. Als The Vibeman machte er ambient
dance for mind & body und raunte zuletzt,

im Timbre und im Geist mit Dorninger verwandt, auf "World Climate": Rules, rules &schools / their rules are made for fools /they just can’t see that nature rules / they
just can’t see / that nature really rules. Rod-way seinerseits sah in Necessary Animals
mit Fritz Catlin (23 Skidoo, Last Few Days)
und Amanda Thompson (The Big Believe)
Düsternis über die Hügel ziehen. Der Blueprint und die Saat dazu sind wie mit Händen
zu greifen im Synthiwave und melancholisch versumpften Gesang anno Challenger
und Tschernobyl. Einige Screwballs riefen
da zwar leise "Wake up" oder "I still loveyou", aber der 'Escalator' fährt nur abwärts. Aufwärts zu den pearly gates geht's
nur zu Fuß, sich zu verlieben, gehörteschon zu den komischen Ideen und low
fidelity zum neuen Normal. Frustriert wurden Plastiktüten voller Billigjunk in den'Multi Storey Car Park' geschleppt und
Konsumtempel hochgezogen. Eisern. Zweifeln war 'Blasphemy'. Nein, lasst uns alledas Hohelied des ungezügelten Materialismus singen, singen und orgeln. Doch die
Orgel giftet, und Arnold keuchte dämonisch: Set My Alarm. 35 Jahre später hat es
bei vielen immer noch nicht geklingelt.

DISTANT FIRES BURNING Inperspectycon Vol.1 (Audiobulb, AB114): Gert De Meester hat
in Battel bei Mechelen als The Mental Attack, als Bassist von The Hindu Needle Trick undseit 2007 als Distant Fires Burning Musik gemacht, die auf Doorchaser Records zu hören
ist. Während seine Freunde weiter auf Alt-Country-Terrain rocken, zog er es vor, zu lauschen und in der kleinen 'Mon Battelle'-Reihe seine De-Meester-Sphäre zu vermitteln. Mit"Die geschwächten Kinder von Empain" erinnert er an die Zeit, als die Nazis Mechelen
besetzten und von dort aus Juden und Roma nach Auschwitz deportierten. Und speziell an
die kranken und verwaisten Kinder, die Zuflucht im 'Kasteel' von Baron Empain fanden,
dem Sohn jenes Citizen Kane-ähnlichen Erbauers des Palais Hindou in Kairo, in dem die
Gespenster seiner verunglückten Tante und zu Tode gequälten Schwester umgingen. Sein
eigener Sohn wiederum, Chef des franko-belgischen Konglomerates Schneider-Empain,
wurde 1978 Opfer einer filmreifen Entführung. Hier nun blättert De Meester, grübelnd wie
bei "Metaphysicon", nämlich corona-erschüttert und ohne Durchblick, in den 'Books of
Closure ...Fragmentation ...Hope & ...Rebellion'. Lockdown, Social Distancing, fehlende
Perspektiven, Flucht in Uneinsichtigkeit, wachsende
Antagonismen, als Sozialarbeiter ist De Meester danah dran. Er mischt Elektrodrones mehrspurig mit
melancholischen, pathetischen E-Basswellen, in
deren aufgewühltem Kaskadieren Phantomstimmen
mitzuschwingen scheinen. Als Bass-Scapes mit
Synthischichten, in denen die Zeit sich dehnt, lähmt
und an den Nerven zerrt, in sonorem, feierlich bebendem Moll. 'DFB131' fokusiert sich ganz auf den
Saitenklang. An hoffnungsvollerem und in erhöhter
Tonlage schwebendem Klingklang knabbert und zieht
der Geist der Schwere. 'Rebellion' meint hier einenbeschleunigten Puls und klickernden Groove, derbassgestoßen vorwärts drängt und dabei zittriges
Zagen mitreißt.
DULLMEA + RICARDO PINTO Orduak (Selbstverlag):Stimme und Electronics, zuletzt bei "[dʊl'mjə̯]" imWechselspiel von ätherisch-sublimer Vokalisation,
bedröhnten altertümlichen Bogenstrichen und dreckigem Elektrokrach bei Dullmeas Lektüren von Eco,
Jules Verne und "La Divina Commedia" [https://dullmea.bandcamp.com]. Auch mit Pinto, ihrem LiveSound Engineer und Partner im Prog-Trio Rei Bruxo[https://reibruxo.bandcamp.com], summt die Portugiesin 'songs without words' in dröhnminimalistischer
Harmonik, umquallt von Dunkelwolken, umlappt vonBrandung. Dass Sofia Faria Fernandes ursprünglich
als Violinistin anfing, kann man sich dazu gut vorstellen. Kleine Wellen und sanfter Bariton mischen sichzu einem feminin-maskulinen Chiaroscuro, feierlich,eher natur- als kirchenfromm. Wuppriges Vibrato tanzt koboldig Flamenco, die Elektronik
spínnt feine Netze, webt feines Gewölk, Synthisound changiert, und wieder emanieren die
Zungen süße Diesseitigkeit über den Abgründen, mystisch und meditativ. Sublime Höhen
kontrastieren mit sonor surrendem Kurven, irdisch und horizontal. 'Nem fogo, nem vento,nem sopro'? Nein, auch wenn das Feuer erlischt und der Wind still hält, Atem durchzieht
diese Wummerwelt, derselbe Ruach vom Urbakterium ('Archaea') bis zum besoffenen
Mönch. Pinto, ein vielseitiger Typ, als mummer in shades of madness und Metalist mit Pinturas Negras und Sullen oder Fusionjazzer mit Pãodemónio, singt mit schneckenweicher
Zunge Sempre este sono, esta sombra de giz [immer dieser Schlaf, dieser Kreideschatten], als poetisches Mantra, als Rätsel, das sich die beiden Hirnhälften zusummen.
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HIDDEN RIVERS Golden Age Of Dereliction (Serein, SERE028): Was haben wird versäumt,was haben wir vernachlässigt und leichtsinnig verdummt? Huw Roberts, der Macher von
Serein in Wales, stellt hier dem Sound, den die digitale Infantilisierung und der
dromologische Furor diktieren, dem Zeitgeist, der stets bejaht, wenn es um 'mehr mehr
mehr' geht, eine Alternative entgegen, die retrofuturistisch und nostalgisch oderzumindest weniger erregt daherkommt. Bei 'Night Hammer' gibt das Herz den Takt vor,
Synthi-Gongschläge greifen das Tempo auf, eine Joshua-Trinidad-Trompete durchzirpt
die Nacht. Knackiger Downtempo-Beat, tschickende und wabernde Spuren, liquid
wellende Kaskaden, metalloide Schläge und Phantomgesang verbreiten in ihrem Flow das
sphärische Ambiente von Space Night-Radio. Die Zeit soll nicht hysterisch peitschen,sondern sich entfalten wie eine Rose. Durchaus für 'Steppers', durchaus in einer
Bandbreite von 'Blackwater' bis 'Luminous Net', aber doch 'in your mind', mit pochenden
Breakbeats, die hypnotisieren, ohne den Schweiß raus zu treiben, mit Klingklang,schwammigen Wellen, tickender Verwirbelung, aber wie schwerelos in einem harmonischen Fluidum. Wen es wie Roberts dorthin zieht, „Where Moss Grows“ (2015), wem
Coils „Musick to play in the dark“ nahegeht, deren 'Lost Rivers of London' Schwestern derHidden Rivers sein könnten, der kann sich vermutlich auch der Zustimmung derer sicher
sein, die vor dem allzu Schnellen, allzu Hellen mit der Schulter zucken. Roberts' mit'Yellow-lit' und 'Laundrette' vervollständigte Musik ist zweifellos abgeklärter, serener, IDalistischer, die Klangmoleküle mattglänzend, aber staubfrei. Die Patina ist eher imaginär
und festzumachen an knisterndem Vinyl, fehlender Zielstrebigkeit, wie zuletzt auchnochmal im lakonisch entschleunigten Beat und den pulsend wiederkehrenden Synthiquellwolken. Nicht zum Tanzen, nicht zum Joggen, ganz allein das Herz ist hier der
einsame Jäger nach einem anderen als dem schnellen Glück.
INSECT ARK Future Fossils (ConsoulingSounds, SOUL0172, LP/CD): Dana Schechterhatte, ermutigt durch ihre Zeit mit Michael Giraund Angels Of Light, schon 12 Jahre lang mit
Bee And Flower musiziert, bevor sie 2012 Insect Ark startete. Als Sound- & Dröhnscaperin
im Dunstkreis von Wrekmeister Harmonies,
Gnaw, Årabrot, Aidan Baker und mit entsprechenden Resonanzsaiten, entsprechendem
Doom- und Post-Feeling. Hier zeigt sie mit Buchla 200 Synthi, bei 'Oral Thrush' und 'Gypsum
Blade' im Elektronmusikstudion in Stockholm,
bei 'Anopsian Volta' daheim in Brooklyn, ihre
Ambitionen, mit anderen Mitteln als Bass und
Lap Steel Guitar das gleiche Ziel zu erreichen.
Nämlich ihre eher dünstere Sicht der Dinge zu
vermitteln. Bei 'Gravitrons', live improvisiert im
November 2016 in Brooklyn, hatte sie Ashley
Spungin an Synth & Percussion als Partner, derja dann auch für „Marrow Hymns“ (2018) an
ihrer Seite blieb. Die Seelenverwandtschaft mit
etwa Nadja und all den anderen Pilgern zum
Throne of Drones ist unüberhörbar, ebenso wie
eine Wehmut, eine Melancholie, die sich da in
Dröhnwellen entfaltet und kaskadierend verhallt. Als Klang gewordenes Futurum II, ein kosmisch-pessimistischer Bodensatz aus Schopenhauer und dem Buch Kohelet, Schwerkraft
und Schwermut als Zwillinge, aber doch auch
mit traurigkeitsgenüsslichem Flair.
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NOSTALGIE ÉTERNELLE Face á l'incertitude EP(Raw Culture, RWCLTR018, 12"): Stefan Heinze in
Wiesbaden, OK, Inox Kapell hört sich für einen
Fluxus- und Performance-Künstler echt cooler an
und passt besser zum Beuys-Hut, & Dieter Mauson
in Hamburg, so lang hat Jesus nicht gelebt, wie die
zwei schon Wellen in 4 Sprachen werfen. 1986 bis'90 auf Cass., dreht sich seit der Reunion 2011 mit"Sans Fin" (2012) & "Magie Fragile" (2015) schon
auch Vinyl auf den Tellern, das bei Hafenschlamm
Rekords erschienen ist, ebenso wie "Braucht Jeder" (2018) von Sauerstofff, dem Trio der beiden
mit noch 'Wosto' Festtau. Wie der sein letztes Nasenhaar, hat Sauerstofff die "Für Alle EP" (2020)
dann bei Raw Culture in Rom untergebracht, wo
sie allerdings vom halbstarken 3-Loch-BalaklavaFetischismus ausnehmend erwachsen abstechen.
Den Dicken mögen andere machen, ihr bassstarker Minimal Synthwave zeigt in melancholischer Atmosphäre Sympathie 'For ghosts anddjins', mit 'nem Ohr für die Stille nach der Explosion und der Neigung für 'Unbekannte Wege'. Kapells nachdenklicher Gesang und Mausons dunkles Baritontimbre lassen sich von Maschinenbeatgezucke und -gewirbel nur widerwillig antreiben,
auf Liebesentzug reagieren sie so unerschrocken
wie auf die Diagnose (von La Mettrie, Ernst
Jünger, Kraftwerk), Mensch-Maschine zu sein.
Allerdings ist Apathie ebenso wie der 'Virus' Stadt
eine Krankheit. Der 'Indifferenz' begegnen sie mit
Liebesliedern und dem Ansporn, 'Jeden verdammten Tag' alles zu geben. Dem Virus gyromantisch
mit 'Magie fragile' und der Abkehr von den
Fleischtöpfen, selbst wenn sie durch Wüsten führt,hin ins 'Valley of harmony'. Der Mensch ist auch
Wunsch-Maschine, den es aus der sozialen Kälte
rauszieht, allerdings oft zu wirr und unentschlossen, so dass es nur zum Wut-Bürger reicht ('Die
ganze Wut'). Man muss die 'Raumseelen' schmieden, den Hitzegrad erhöhen, das bloße VielleichtVielleicht-auch-nicht weichklopfen. Weiß der Kuckuck 'Wo es weitergeht', mit der Stirn an derWand. Daher, Kopf hoch, um zu sehen, wo es
langgeht und wie. Durch das launig hopsende undvideospielerisch dudelnde 'Human Biodiversity'scheint Inox Kapells Bio-Studium durch: Artenvielfalt nutzt der Menschlichkeit. Träumt sich's
besser unter Wasser ('Under Water Dream')? DieÖlsardinen quietschen, und der melancholischeBass weckt Zweifel. Über Wasser zwitschert's wie
geschmiert, aber das 'Thank you!' für's doch recht
zähe Leben und Lieben bleibt eher sarkastischund verhalten. Mensch, selbst das Leben derInsekten ist nicht mehr das, was es mal war.
→https://rawculture.bandcamp.com/album/face-lincertitude-ep
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GERARD LEBIK / BURKHARD BEINS An Alphabet Of Fluctuation (inexhaustible Editions,
ie-042): drüüüüü dongngngng... Gerard Lebik
bringt als Sound-Installateur Klangobjekte
zum Klingen und operiert improvisatorisch mit
seinem Zopan Generator. Er war mit Piotr Damasiewicz oder David Maranha auf Bocian Records zu hören, betreibt in Wrocław Zopan Records und organisiert zusammen mit Zuzanna
Fogtt das Sanatorium of Sound Festival imeinstigen Kurort Göbersdorf, heute Sokolowsko. Statt wie einst Dr. Brehmer TBC-Kranken
hydrotherapeutisch zu behandeln, wird dort inden kulturell verwandelten Räumlichkeiten seit2015 mit EA, Improv und Sound Art rumgedoktort. Dort entstand 2018 mit "Gliss" auchschon ein Zusammenklang mit Beins. 2020
fand sich unser mit Perlonex, Polwechsel, Trio
Sowari und The Sealed Knot aktiver SublimPerkussionist dort erneut ein, mit amplified
ride cymbal und teils noch sine wave & synth,während bei Lebik pd, ppooll & zopan generator notiert sind und er von surgical instruments
and a victorian synthesizer method spricht. Es
wurden vier Räume des Dr. Brehmer-Komplexes beschallt, und die beiden waren da umstellt von anthropoiden Skulpturen von Bożenna Biskupska, archaischen 'Bischöfen' ('Misterium czasu') und insbesondere 49 hieroglyphischen Drahtskulpturen ('Od materii do mater i i ' ) . Deren drahtige Materialität schlägt
schneebesig ans Cymbal, ratscht übers Messing, zu raumgreifenden Dröhn- und Wummerwellen und selber raumgreifend verstärkt.
Motor und Pulsar, surrend verhaftet und glissandierend ausgreifend, im zweiten Trackdurch einen Schlaghagel aufgemischt, dochvom harten Metall emaniert weicher Sound,immaterielles Mysterium, pulsend, schwellend,bebend, ein Uuuu, spektral zerlegt, metalloid
getönt. Scharfe Akzente schlitzen den dritten
Zusammenklang, Gongsound verdunkelt, Glissando erhellt ihn, Generator und Synth surren
und sirren, Noise erscheint als Okkupant, diePhantasie sucht Nahrung - Gombrowicz, Kafka. Zuletzt mischte Beins ins raumhaltige Endergebnis monochrome und metalloide Tönungen, pfeifendes Sinusgeflacker, das deneinen die Synapsen von Unrat spült, den
andern die' Gedankenverbrechen' weglasert.

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TUNNELS OF ĀH Iron Speaks (Hypershape Records, HPS013, in Metallbox):
Stephen R. Burroughs war in den 80ern
Sänger beim Blast First-Act Head Of
David. 2013 ist er wieder aufgetaucht,
nennt sich Frag, dehnt sein Reuben-R zu
Ā und zu Tunnels Of Āh. Er taumelte auf
Cold Spring durch "Lost Corridors" oder
"Surgical Fires". Jetzt legt er den Nachfolger zu "Deathless Mind" vor, neu geschmiedet, eisern wie die Sure 57: alHadid. Denn der Quran hat doch recht das Eisen wurde vom Himmel gesandt.
Hallelujah. Doch hält Burroughs es bei'Seize Arhats' auch mit dem Buddhismus- Arhats sind die Erleuchteten, die ins
Nirwana einziehen - , wobei 'Abattoir
Sutra', die Schlauchthaus-Sutra, bereits
eingefärbt scheint von 'Terminus est',dem Schlusspunkt, den Severians Henkersschwert in Gene Wolfes "The Bookof the New Sun" und der Tod als alter
Lateiner setzen. Innerhalb dieses ehernen Gesetzes der Finalität spricht das
Eisen zudem als 'Iron law' of oligarchy,
als 'Ehernes Gesetz der Oligarchie' (Robert Michels), wonach insbesondere gesinnungsethisch verfasste Soziale Bewegungen, Parteien, Glaubensgemeinschaften etc. so sicher wie das Amen inder Kirche Machteliten herausbilden, diesich von der Basis absetzen und die ursprünglichen Ziele dem Machterhalt undder Organisationsreproduktion unterordnen. Eisen, Schlachtvieh und dunkle Materie scheinen der Klangstoff zu sein, ausdenen Burroughs seine Schwerter und
Pflugscharen schmiedet. Er nimmt sie als
Ingredienzen eines wummernden Andrangs von Noisepartikeln, dunkler Stürme und Unterströmungen. Dynamisch in
Wallung versetzt durch klagende Wellen,
dumpfes Rumoren, scharfes Brausen, als
unguter Druck auf Trommel- und Zwerchfell. Eisen schleift und schreit, wirft
Funken und hagelt Noisepartikel. Das
Dunkel dumpft, mulmt, pulst, brodelt,jede Sekunde nagt, 'Every Hour Wounds'.
Zuletzt keckert ein Aasvogel über Āhsästhetischen Tunnelblick. Bene sapiat.

jenseits des horizonts
Fancymusic (Moskau)
Um meinem Groll über libanesische, polnische, russische, ungarische, slowenische,türkische, weißrussische... ach, die Liste wird länger statt kürzer... Verhältnisse etwas
entgegenzustellen, halte ich den 'Anderen', den von schafköpfigen Mehrheiten Überstimmten, umso mehr Tür & Ohr offen:
Indem der Kiewer Komponist SERGEY AKHUNOV seine Sketches XIII-XVI (FANCY174) von
Varvara Myagkova im Piano Museum von Alexey Stavitsky in Rybinsk der Reihe nach auf
einem Blüthner 1908, Diederichs Frères 1895 und Carl Goetze 1895 spielen lässt, spielt er
mit Patina, mit Nuancen und mit einem nostalgischen Zeitsprung ins zaristische Fin deSciècle. Nicht als gute alte Zeit, eher als noch nicht vollzogene Leidensgeschichte, alsnoch romantisch, symbolistisch, impressionistisch träumende Möglichkeit vor der Bestimmung der Ukraine zum Korridor des Horrors.
Der Zeitsprung, den ROUST POZIUMSKI bei Eliot Songs (FANCY175) riskiert, versucht
sogar den Sound zweier Viola da Gambas - VLADIMIR GAVRIUSHOV spielt die zweite –aus dem Barock zu entführen und mit einem Fingerschnippen zu vereinen mit Poesie vonT. S. Eliot und dem jazzigen Spiel des Kontrabassisten VLADIMIR VOLKOV (Leningrad
Duo, Anatoly Vapirov, Treskatresk...). Mit Alisa Ten als Zünglein an der Waage, mit Blackwing, brown wing, hover over; / Twenty years and the 'spring is over' ['New Hampshire'],natürlich mit dem 'Portrait of a Lady', das mit Chopin und This music is successful with a"dying fall" schon darauf wartet, ebenso wie die 'Landscapes' 'Red River' ['Virginia'], 'Usk'(Where the grey light meets the green air), 'Glencoe' (Clamour of confused wrong, apt / Insilence) und das vogelige 'Cape Ann' als Words for Music. Gipfelnd in 'Marina' und dem Ruf
der Walddrossel, einmal sogar, pizzicatobepulst, aus Eliots Mund, und ausklingend in'Young Thomas' als instrumentaler Hommage.
Arkady Pikunov (sax, live electronics), Sergey Poltavsky (viola d’amore, live electronics)
und der Drummer Petr Ivshin (Masala Quartet, Live People Ensemble) performen mit dem
75-jährigen VLADIMIR MARTYNOV selber am Piano das Hexagram 31 (FANCY177) – Die
Einwirkung - aus dessen „Hexagramme für Piano“ (1971). Die 01:05:20 erweisen sich im
Lauf ihrer phantasievollen Wandlungen im motorischen Staccato zu keckem Soprano als
ausnehmend vital, in Melnyk'schem Tremolo, der bittersüßen Viola und dem sehnendem
Tenorsax als bebend gefühlvoll, im Wechselspiel von Piano, Electronics und improvisatorischer Pointillistik als reizvoll kontrastreich. PS: Wie bemerkenswert Pikunov ist undwie wenig sich die Moskowiter Verhältnisse über einen Kamm scheren lassen, zeigte er
am 28.09.2021 live im Art Circle Club mit dem Pianisten Grigory Sandomirsky (Goat's
Notes), Katya Rekk (ByZero, Alexei Borisov) an Live Electronics & Voice und an Drums
Oxana Grigorieva (Drumazhur und mit Rekk allein schon ein wildes Noise-Duo).

71

Und die Cholera kam über euch, Brüder, weil ihr den Leibzins nicht zahlt, sondern euchdem Trunk ergeben habt. Und wenn ihr so weitermacht, werdet ihr ausgepeitscht. Amen!

Puschkin selber genoss den Quarantäne-Lockdown 1830 als seinen 'Herbst in Boldino':

Ich lasse meinen Bart wachsen – ist das nicht fulminant? Auf der Straße werde ich als
Onkelchen angesprochen. Ich wache um sieben Uhr auf, trinke Kaffee und liege dann bis
drei Uhr. Bis vor kurzem habe ich mir die Seele vom Leib geschrieben. Um drei Uhr setze
ich mich aufs Pferd, um fünf Uhr bin ich in der Badewanne und esse danach Kartoffeln undBuchgrütze. Bis 9 Uhr lese ich. Anders als seine schnoddrige Ansprache vermuten lässt,schrieb er mit spitzer Feder und freier Stimme gegen die unterdrückerische und parasitäre Herrenschicht. ANTON BATAGOV nutzte 190 Jahre später die Covid-Isolation fürОптический обман [Opticheskiy obman=Optische Täuschung] (FANCY178), elf Lieder nachTexten von und über Puschkin und Daniil Charms, gesprochen und mit theatralisch-pathetischem Bariton gesungen von Alexander Korenkov. Puschkins 'Sendschreiben nach Sibirien', 'Dämonen', 'Ein Winterabend' und 'Elegie', von Charms 'Der Mathematiker und Andrej
Semjonowitsch', 'Millionen', 'Am Himmel fliegen kleine Kugeln' etc., durchatmet vom Geist
der Freiheit wider die zaristische Geheimpolizei, wider Stalins Terror, der keinen sinnlosen Quatsch außer dem eigenen duldete und selbst den Kinderbuchverlag Detizdat mitsamt Charms zerschlug, einem Geist, wie ihn in jüngerer Zeit Boris Grebenschtschikow
mit Aquarium und Sergey Kuryokhin mit Pop-Mekhanika ausstrahlten. Intoniert, wie „I Fear
No More“, Batagovs Songs and Meditations of John Donne, mit Asya Sorshneva an Geige& E-Violine, Sergey Kalachev 'Grebstel' an Bassgitarre, Vladimir Zharko an Schlagzeug
und Batagov selber am Klavier als düsterer oder sarkastischer Art Rock oder, mit akustisch geharfter Gitarre und fatalem Trommelschlag, als Dark-Folk-Winterreise.
Der Pianist IGOR YAKOVENKO, dessen „False Sonatas“ zuletzt noch nach Schubert undBrahms rochen, überrascht mit The Music Machine (FANCY181, digital) als jazziger Gefühlsmalerei nach Codes wie 'b3drvce', 'g12vtu5j' oder dem staccatozackigen 'abn89'...
Mit Schmusetrompete, Saxofon, Kontrabass und Drums klimpergroovt und softbopt er zur
Hälfte instrumental, was er ursprünglich als Pianosongs ersonnen hatte mit Kristina Kovaleva bzw. Alisa Ten, die allerdings ebensowenig Worte brauchen, um einem Honig ins
Ohr zu träufeln.
Requiem, or Children’s Games (FANCY182, digital), die Missa Pro Defunctis und Kinderspiele, Latein als Abracadabra und Abzähltext, bei ALEXANDER MANOTSKOV und dem
singenden und spielenden Aurora Children’s Choir geht das auch ohne Edward Gorey gut
zusammen. Als wären Kindertotenlieder himmlische Musik, als wäre Sterben ein Kinderspiel und in Schönheit sterben erst recht. Nach 'Opern' wie 'Passion according to Nicodemus' (nach Nietzsche), 'Boye' (nach Wiktor Astafjew), 'Gvidon' (nach Charms), 'The Four
Quartets' (nach T.S. Eliot) und „52“ (nach Lev Rubinstein), seinem 'Stabat Mater' oder dem
oberiutischen Liederzyklus „PELI“ (nach Charms und Wwedenski) lässt er einem hier besonders absurd Flügelchen wachsen.

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Licking Ears, fucking Brains - Mattin (Berlin)
Mattin Artiach, kurz MATTIN, hat, zuletzt mit "Songbook #6" (Munster Records, 2017), alskonzeptioneller Kaputt- & Wachmacher eine konstante Präsenz in BA. Entgangen ist mir
demnach mit "Songbook #7" (Munster Records, 2019) als a disintegrated manifesto exploring the truth of disagreement in Rückbesinnung auf etwa Red Crayola and Art and Language sein nächster Hammer- & Sichelwurf, mit dem er die Petrograder Revolution 1917
und Germaine Bertons Attentat auf einen Wortführer der Action Française 1923 in Erinnerung ruft als kollektiv-kommunistische und anarchistisch-individuelle Notwehr gegen die
kapitalistische Ausbeutung und die faschistische Bedrohung. Mit Verschwörungserzählungen sind das Crack für das Zeitalter der Hoffnungslosigkeit als Diagnose der »Freundinnen und Freunde der klassenlosen Gesellschaft«, dem Berliner Zweig des »Kosmoprolet«-Netzwerks, positionieren sich Mattin & Genoss*en mit Slavoj Zizeks 'Mut der Hoffnungslosigkeit' und Anthony Iles, Mirene Arsanios, Federica Bueti, Ray Brassier, Samo
Tomšič als Denkanstoßgeber*n gegen Verblendung ebenso wie gegen den 'aufgeklärten
Zynismus 4.0', gegen die Propagandisten falscher Paradiese und die Darth Vaders der
Apokalypse, gegen Konditionierung, Selbstgefälligkeit und Identitätsbesessenheit. Mit
Lenins Aprilthesen als Bettlektüre wird im Roten Salon Kerenskis Menschewiki-Regentschaft im Juli '17 zum sozialdemokratisch-parlamentarischen Verrat an der Revolution.
Als Erben dieser falschen Option bliebe einem in einem Staat, der die Herrschaft der Finanzbarone garantiert, weshalb der junge Bucharin ihn noch vollständig zerstören wollte,
nur die Wahl des Verarschers und der Lieblingsmarken. 0,0 % wählten die MLPD, 0,0 % die
DKP, 4,9 % Die Linke. Wobei die groteske Theatralik der "Songbook #7"-Show die Einstellung zur Demokratie, zu Wahlen, zu revolutionären Zielen und Mitteln sowie dem Ichoder Wir, das sie verfolgen könnte, letztlich in der Schwebe lässt und vorläufig die Sympathie für zivilen Ungehorsam noch jede Sympathy for Satan überwiegt.
Einen roten oder meinetwegen schwarzen Faden bildet währenddessen auch Mattins Kollaboration mit dem Drummer Anders Bryngelsson als REGLER. Ihre Reihe von Dekonstruktionen von Free Jazz & Noise Core ("Regel #3"), Harsh Noise ("Regel #4"), Manfred Werder("Regel #5"), Techno & Drone ("Regel #6"), Metal ("Regel #8") oder Blues ("Regel #9") konfrontiert sich nun bei Regel #11 (No Wave) (At War With False Noise, ATWAR207) mit derErschwernis, dass No Wave selber bereits die totale Verneinung als Raison d'Être reklamiert. Wie müsste, wie könnte ein Nein zweiter Ordnung klingen? Wie lässt sich, wasnach Lydia Lunch dissident um jeden Preis sein und klingen wollte, als würde man sich die
Seele auskotzen, festmachen, um es zu potenzieren, zu maximalisieren? Antwort: Indemman es nicht festmacht. Als Art Brut, die von allem zehrt, das nach Kotze riecht oder klingt- als Wechselspiel aus Jazzcore-, Noise- und Black-Metal-Brocken, gefetzt von Mattins
Gitarre und dem blökenden, röhrenden, kirrenden Saxofon von Dario Fariello, und stillen
Löchern, die Bryngelssons primitive und monotone Schläge nur notdürftig überbrücken.
Ab und zu bekommt man auch nur was gehustet oder ein No No No an den Kopf geworfen.
Und zuletzt groovt Bryngelsson minutenlang ein kakophones und stumpfsinniges Immersoweiter. Ja, Ihr da, Regel #1: Glotzt nicht so konsumistisch.
Allerdings ist das noch halbwegs einsichtig im Vergleich zu Licking Ears (Edition Erich
Schmid, CDr), einer Performance von MATTIN in kompletter Finsternis, mit dem Publikum
als 'Instrument'. Er 'bespielte' es, indem er Leuten was ins Ohr flüsterte, was den übrigen
freilich unverständlich blieb. Es war die Frage, ob er ihnen das Ohr lecken dürfte. Bei denen, die sich das gefallen ließen, tat er es offenbar, bevor er, von niemanden im Dunkeln jegesehen, den Raum verließ. Ich glaub, mein Hipster bohnert. OK, Lucys "Iiiiih, ein Hund hat
mich geküsst!" bleibt einem erspart, oder vorenthalten, je nachdem. Der Tonträger liefert
das Gewisper nun nah genug, um fast die Lippen zu spüren. Ob freilich so ein irritierender
Kitzel ausreicht, um gegen die apokalyptischen Reiter Beherrschen, Verwerten, Erschöpfen & Zerstören, wie Eva von Redecker sie nennt (in "Revolution für das Leben.
Philosophie der neuen Protestformen"), neue Fußsoldaten in Stellung zu bringen?
→https://mattin.bandcamp.com/releases
73Schweizer Fonogramm (Wohlen bei Bern)
Das Label bei Bern hat bisher mit der Wiederentdeckung der Schweizer Sinfoniker Joseph
Lauber (1864-1952) und August Walter (1821-1896) geglänzt, mit Mahlers Vierter undKlavierkonzerten für die linke Hand. Sound)))lit heißt nun treffend eine neue Reihe, in derdie Dirigentin Graziella Contratto, der Literaturwissenschaftler Thomas Strässle und derKonzertgeiger und Aufnahmeleiter Fréderic Angleraux im Zusammenklang von Literatur
und Musik synergetischen Mehrwert schaffen wollen. An drei Hör-Spielen lässt sich das
bereits mitverfolgen:
Z u Die Wasserfallfinsternis von Badgastein von HERRMANN BURGER (1942-1989), gelesen von Thomas Sarbacher (einem markanten TV-Gesicht, durch „Der Elefant – Mord verjährt nie“ oder „Die Diplomatin“), spielt der durch BraffOesterRohrer und Shijin bekannte
MALCOLM BRAFF Piano. Burger hat sich mit Zu Asche sollt ihr werden, denn nirgendwo
steht verbrieft, der Mensch habe ein Anrecht auf ein Quentchen Glück (aus „Brenner“)
meinen Respekt verdient, mit seinem hier performten Hydrotestament in fünf Sätzen gewann er 1985 den Ingeborg-Bachmann-Preis, was ihn vorübergehend manisch, aber nicht
glücklich machte. Braff tastet sich bedächtig heran an und bis in die Nerven des Innenklaviers hinein in Burgers 'Andante un poco non troppo – Notturno grave – Allegro assai
tumultoso – Allegro apocalittico – Vivace poco a poco accelerando'. In die stupende, wie
Thomas Bernhard mit Fritz von Herzmanovsky-Orlando kreuzende und mit Jens Bjørneboe
verfinsternde Wortgewalt seines Nachtportiers Carlo Schusterfleck, die das Phantom
einer „Gmunden-Gasteiner Sinfonie“ von Franz Schubert grillparzert und den Selbstmord
des Gasteiner Achefalls menetekelt: Jeder Schmerz ist sich selbst der Nächste... Heilung
ausgeschlossen, denn Schusterfleck ist die Quelle verboten, und dies, dass ich wie ein

Schiffbrüchiger auf offener See verdursten sollte, raubte mir vollends den Schlaf, den
man jeder Ratte am Tag gönnt. Sarbacher deklamiert das eindringlich, und Braff rumort
und quirlt dazu post-schubertianisch das Ach der Ache so, dass man den blanken Christuskopf als schwarzgoldbleckenden Pyritschädel grinsen sieht und in der Selbstmordschrunde dieses apokalytischen Capriccios das Uranpechherz schlagen hört.
Eine knarrende Kontrabassklarinette macht neugierig auf Ein unbändiges Lachen undandere Erzählungen (wie 'Der Hut', 'Eine Reise ans Meer', von Peter von Matt versammelt
in „Beim Hute meiner Mutter“). Es bringt mit ADELHEID DUVANEL (1936-1996) eine ebenfalls weltverlorene Autorin nahe, die auch herzzerreißend naive Bilder malte und sichähnlich wie Burger mit Medikamenten aus dem Leben schläferte. Davor trotzte sie derGlücksarmut einer bereits in Selbstmord geendeten Ehe und dem absurden Labyrinth desSoseins Texte ab, die an die sonderbaren Geschichten Gustav Meyrinks oder fast an
Charms erinnern, aber ihre eigene skurrile Fledermausigkeit entfalten. Sie werden in ihrer
närrischen Phantastik adäquat albern und märchenkraus vorgetragen von Delia Mayer(der als Luzerner Tatort-Kommissarin und durch „Unorthodox“ bekannten Schwester von
Jojo Mayer). Und klarinettistisch umgrollt, umheult, beschrillt, grotesk umtönt von ERNESTO MOLINARI, Mitglied im Klangforum Wien. Eugen, der Hahn, der sich für Gott hält,
Niklaus, der schwarze Wolken säuft und als Regenbogen und Segelschiff von ihnen loskommt. Rote Vögel hüpfen umher, Bären kollern, Schachtelmännchen vermissen
Eidechsenküsse, von der Klarinette umkälbert, molinarisch umkrächzt. Doch 'Eine Reiseans Meer', nach Saintes-Maries-de-la-Mer, schildert Duvanel ganz sophisticated. Der Konflikt der beiden Kettenraucher und Kunstmaler Grolo und Max und ihrer Frauen eskaliert
klarinettistisch und in blitzendem Boheme-Gelächter. Sie hasst ihren Nachbarn Gerhard,den trägen, die Steine um ihre Ruhe beneidenden Geiger in einer Friedhofskapelle, weil
er, trotz seiner eigenen zu großen Nasenlöcher, die kleinen Ohren ihres Babys bemängelt.
In 'Der letzte Frühlingstag' guckt sie spazieren, grübelt über ein Graffiti, über aschgraue
Schatten, sie raucht Zigarillo, um die Mücken zu vertreiben, um nicht an ihren Tinnitus zu
denken, und hört dennoch Schumann und Schubert, wartend auf Franz, den Dichter, derTag und Nacht kleine unleserliche Zeilen schreibt und auf sich warten lässt.
74

B e i Frühlingsopfer umspielt LUCASNIGGLI mit seinem Schlagzeug Gedichte
und Prosa von GERTRUD LEUTENEGGER. Aus dem Band „Wie in Salomons
Garten“ und aus „Das Klavier auf dem
Schillerstein“ und aus dem Mund von Désirée Meiser, der schauspielerfahrenen
künstlerischen Leiterin des Bahnhofs fürNeue Musik in Basel Gare du Nord. Sie
trifft auch, im Interview mit dem Tagblatt,mit Dass mich Musik mehr elektrisiert als

die gesprochene Sprache. Die Musik als
Kommunikator, als Inhaltstransporteur,gibt einen ganz anderen Raum die Raisond'Etre von Sound)))lit. Leutenegger, derRhythmus alles bedeutet, geht mit Nigglis
metallo-tachistischem, holzig klackenden
oder knarrenden, dynamisch schellenden,
klickenden, singenden, klingelnden, dröhnenden, polternden Surplus vollkommend'accord. Und unterstreicht ihrerseits,
dass Musik die durch die Sprache evozierte Welt, die bei ihr bestimmt ist durch
wildromantische Beherztheit und unbedingten Lebenshunger, ausweiten kannins Unerschöpfliche. Lucas Niggli funkelt
die Sterne über dem Novalis-dunklen'Nachtstück' und dessen fahl flackernden, finster donnernden Resonanzen im
Inneren, über den 'Ruinen' der schwindenden Gletscher. Das zwischen dem Tod
des Vaters und eigener Lebenslust
schwankende 'Frühlingsopfer' beklopft er
strawinskiesk. Wie Novalis hat Gertrud
Leutenegger ein Ohr für Sphärenklänge
und Akkorde aus des Weltalls Symphonie,
für verstümmelte, verstummende Zungen,wie der von Rimbaud, der 1878 den Gotthardpass überquert hat – Ziel: Ägypten,
um die Poesie und das tunnelwühlende
Europa hinter sich zu lassen. Leutenegger hält an der Poesie fest, sie verzögert mit prosaischen Lyrismen das
Verschwinden, durch Erinnerungen an
Treppenhäuser, Zitronenfalter, Verstorbene, die eigene Lächerlichkeit, das
Gesicht der Mutter... mit dem leisen
Schuldgefühl der noch Anwesenden vor
der Abwesenheit. Dass Nigglis Percussion den Texten nicht querschlägt, sondern ihnen Tür und Ohr öffnet, ist ein
Kompliment, das freilich Braff und Molinari gleichermaßen zusteht.

75

Sub Rosa (Brüssel)
MICHEL REDOLFI hat INA-GRM-gesiegelten Klassikerstatus. Edition Mego hat 2015 sein
Debut "Immersion / Pacific Tubular Waves" (1980) neu herausgebracht, Sub Rosa 2016
"Desert Tracks" (1988). Nun folgt dem Wüstentrip mit Sonic Waters, Underwater Music
1979-1987 (SR493) Redolfis feuchte Seite, die ihn zum Wassermann abstempelte, zum
Taucher in Musique Subaquatique, in den 80ern auf hat ART, immer so weiter mit"Nausicaā", 'Crysallis' & 'Liquid City' und Sounddesign für Luc Bessons "Le Grand Bleu".
'Music for Fresh Water', 'Music for Salt Water', 'Effractions' in seinem Bezug auf Francis
Bacons "The New Atlantis" und 'Sunny Afternoon at Bird Rock Beach' bringen das
Wiederhören mit Redolfis bereits durch die Alben auf hat ART bekanntem, in seinem
fluiden Tönen hydrophoniertem H2O aus einmal einem Swimming Pool in La Rochelle und
aus Jolla Cove bzw. aus dem pazifisch Halbtiefen vor La Jolla. Geprägt von seinem Synclavier, digital prozessiertem Sound von Flöte und Harfe, halluziniertem Sirenengesang,
Arabesken der Tangwälder und deren glitschigen und geschmeidigen Bewohner.
Harfenarpeggien animieren zum Schleiertanz, quecksilbrig Quickes quirlt um prickelnde
Luftbläsen. Diese in Redolfis Händen quallende, schwallende, flötende und elegant
dröhnende, einzig bei 'Wind and Sea' mit O-Ton naturbelassene kalifornische Wave- undMärchen-Welt, von Ölpest, Algengift, Fischarmut, Robbenschwund, Seeotterelend gänzlich unberührt, war ihm exotisch genug, um danach auch bei seinen "Sci-Fi Memories",
seinen sonischen Trips zum Mars oder zu Exoplaneten, unserem Blauen Planeten als
Blueprint die Treue zu halten. Mit Debussy-Spirit und Van-Gogh-Augen imaginierte er dadraußen einfach nur eine Zukunft in Azur.
Das Œuvre des Minimal-Music-Mavericks JULIUS EASTMAN (1940-1990) erfährt zur Zeiterstaunliche Wertschätzung, die Einspielungen überschlagen sich. Mir zupfte er erstmals
dank dem Kukuruz Quartet auf Intakt am Ohr, mit deren "Piano Interpretations" von auchschon 'Evil Nigger' und 'Gay Guerrilla'. "Live at Moers Festival 2020" performte Versionen
davon erschienen bei Neue Meister. Das Ensemble 0 und Aum Grand Ensemble eignetensich das orchestrale "Femenine" an, Sub Rosa brachte es heraus und und live war es ein
Highlight beim Moers Festival 2021. New Amsterdam Records bietet alternativ dazu eine
Version von Wild Up in L.A. Nun schlägt Sub Rosa wieder zu mit Eastmans Complete Work
for Four Pianos (SR503, 2xCD), performt von Melaine Dalibert, der schon bei "Femenine"
die Tasten drückte, Stephane Ginsburgh, seit über 20 Jahren Guy Marc Hinants Mann am
Klavier auch schon für Marcel Duchamp, Morton Feldman und Erik Saties "42 Vexations",
dazu Nicolas Horvath als Steinway-Spezialist für Philip Glass, den kompletten Satie oder
Alvin Lucier und derjenige, der mit Lustmord ins dunkle Ambiente von "The Fall (Dennis
Johnson's November Deconstructed)" eintauchte, sowie Wilhem Latchoumia aus Lyon, als
Könner von Cage oder ganz up to date mit neuen Tönen von Clara Iannotta. Aber hier nun,
einmal mehr: 'Evil Nigger', 'Gay Guerilla', 'Crazy Nigger', 1979/1980 komponiert und schlagender Beweis, dass Eastmans Auferstehung kein bloßer Versuch der Wiedergutmachungist, weil er schwarz, schwul und nach seinem Absturz und einsamen Tod lang vergessen
war. Wenn das drauflos tremoliert wie Pärts Tintinnabuli auf Speed, als Kopf-an-KopfRennen klimpernder Tausenfüßer, die auf 3, 4 geschlossen eine Biegung nehmen, dannrauscht das wie das Schuppenkleid eines Magischen Drachen, das berauschte und betrübte Stimmungen reflektiert. Not even the rain has such small hands, möchte man mit E. E.
Cummings seufzen, und kein Nancarrow'sches Playerpiano hat so weiche und zärtliche
Finger, um derart zu klingeln und zu pingen. Hinter den provokativ schreckenden Gargoyles 'Nigger' und 'Guerilla' verbirgt Eastman ein verblüffend zartes Wesen, das in hartnäckigen Repetitionsritualen nicht nachlässt im Begehren, geliebt zu werden, und im
Drang, über endlos gewundene Stufen ins Lichte zu streben. Während 40 Vogelschnäbelchen am Diamantberg picken, lässt Eastman den Choral Ein feste Burg ist unser Gottanklingen. 'Crazy Nigger' verdoppelt das Bemühen auf 55 Min. und zugleich das Tempo so,dass um die in hastiger Eile trommelnden Pilgerfüßchen Speedlines dröhnen.
76Die da in türkisem Flitter Liberace Konkurrenz
macht, ist Cathy Berberian (1925-1983), in den
50er/60er/70er Jahren in ihrer Oberweite vonMonteverdi bis zu den Beatles die Hipster-Alternative zur Callas. Umberto Eco hat sie als magnificathy gefeiert, für Anthony Burgess war sie
größer als die Beatles. Schon Salome Kammerer
hat ihr „salomix-max“ (2008) ihrem Andenken gewidmet. Nun zollt ihr SARAH DEFRISE Tribut, eine
belgische Sopranistin mit Meriten als kapriziöse
Offenbachianerin, Calamity Jane (Ben Johnston)oder Le Fou (Denis Bosse), die zuletzt bei 'Sleepless' und 'Der Goldene Drache' von Péter Eötvös
glänzte, die Lieder von Joseph Jongen (18731953) singt und mit Jean-Luc Fafchamps das Ticket zu Sub Rosa löste. Mit dem A-Capella-Album
sings For Cathy (SR525) konzentriert sie sich auf
Stücke, die Berberian in den Mund gelegt wordensind: Luciano Berios präzise vorgegebenes 'Sequenza III' (1966) mit phonetischem Material vonMarkus Kuttner, überkandidelt eingebettet in
Atemgeräusche, Gelächter, Schnalzlaute unddurchgeknallte Glossolalie. Henri Pousseurs 'Phonèmes pour Cathy' (1966) mit Zeilen von PaulClaudel, als einziges herkömmlich notiert, damals
für beide Seiten eine Enttäuschung, hier in seinen
virtuos exaltierten Manierismen die altdunkle, expressive Besonderheit. John Cages knalltütige,
jeden Hurz noch nasedrehend überhurzende,tape-verschlurchte 'Aria for mezzo-soprano andFontana Mix' (1958), die mit farbigen Krakeln polyglotte Wörter und Phrasen steuert, während
schwarze Flecken mit nichtmusikalischen Geräuschen zu füllen sind. Und Sylvano Bussottis graphischer Sketch 'O' aus 'Passion selon Sade'(1966), mit Textcollage eines Sonetts von Louise
Labé. Während sie da pathetisch singend undleise wispernd Juliette, Justine und das O von Ôtristes plaints, ô désirs obstinés / Ô temps perdu,
ô peines dépendues. . . verkörpert, sind es bei

Pousseur fünf Charaktere, bei Cage neun Klangfarben und bei Berio vierzig verschiedene Stimmungen. Defrise ergänzt das mit dem eigenen'Entretien' als mit klassischen Versatzstücken
'Europera'-isiertem Cut-up, wobei sie ein Interview mit Berberian 1969 bei Radio France bis inden Tonfall nachspricht und mitverwurstelt. Berberians O-Text daraus verbindet zudem die
Stücke untereinander. Gipfelnd in einer smashgrunz-ratatata-it's Superman!-maximalen Version
von 'Stripsody' (1966), Berberians onomatopoetischem Audiocartoon-Hit. Selbst eine, die Ligetis
Gepopo drauf hat, muss da die Zöpfe lösen undihrem inneren Riot Grrrl Carte blanche geben.
77Unsounds (Amsterdam)
Nach "Untitled #2 (The Mute)" von Jessica Sligter & Wilbert
Bulsink und "Ob-Literate" von Zeno Van Den Broek & Gagi
Petrovic bringt Sounds Of The Young Avant-Garde Vol. 3 mit
GENEVIEVE MURPHY eine Schottin, die seit ihrem Den Haager
Master in Composition in Amsterdam den Klischeevorstellungen von zeitgenössischem Hurz Grimassen schneidet. Sie hat
den Konzeptkünstler Martin Creed begleitet, und aus ihrem
beim Hin und Herlaufen getropften Score ‘Walk and Drip for 12
Hours’ (2016) spricht ein ähnlicher Geist. Bei ‘Your Blue andMy Purple’ (2016) thematisiert sie in gezierter Retroästhetik,
die harmlos tut, strittige Wahrnehmungen, bei der fidel undroaratorisch aus dem Ruder laufenden 'Squeeze Music' (2017)
Autismus, bei 'Calm In An Agitated World' (2019) mit Dudelsack, Brass, Woodwind und Percussion Arachnophobie. Wobei
einem das jeweils gesagt werden muss und Murphy entsprechend gern auch Spoken Words einsetzt. Das mit John Dikeman: saxophone - Andy Moor: guitar - Marta Warelis & ihr
selbst: synthesizers - Henning Luther: drums und Le Schnigg:
electronic beats realisierte I Don't Want To Be An Individual All
On My Own (Gaudeamus & Unsounds, 70UG, CD+Book) gipfelt,
nach dem Rollen der whiskeyrauschkugligen Großmutter in die'holly bushes of the unknown' und der Dance Competition - 4x travolta move / slow
pointing right finger... - und von Trancosie, der als nackter Performance Artist die Kinder
scheucht, den Avocaaa-doooos und dem Schienbeintritt mal abgesehen, ebenfalls in
Spinnenalarm. Als Höhepunkt der Geburtstags-Gartenparty von Genevieve - I was about
to turn 8 - als romantisch-verdüstertem Kind und ihrer aufgedrehten Mutter, mit Opa TJ
und Oma Evelyne. Songs wie 'Your Feeling', 'Like Smoke', 'Living Emotions' und 'For Them
to Fear Us' als Spinnen-Dirge garnieren das Sing- & Hörspiel, für das Murphy auch selberdas Babbeln übernimmt und das nach einem stompenden Techno-Intro mit komischer
Geräuschemacherei und drastischer Schilderung britischem Spleen alle Ehre macht. Not
understanding our rootless existence / The forest avoids us. Auch die Eltern, die
anderntags ihre Sprösslinge abholen: They just hold on to their children, stepping
backwards, one foot at a time, not saying a word... Und überhaupt - was ist die Angst vor
Spinnen im Vergleich zu deren Furcht, pulverisiert zu werden?
Von KATE MOORE, einer Australierin, die bei Louis Andriessen den letzten Schliff und
2017 als erste Komponistin den Matthijs Vermeulenprijs zugesprochen bekam, haben das
Ensemble Klang „Debris & Alchemy“ und die Pianistin Saskia Lankhoorn auf ECM „Dances
and Canons“ eingespielt. „Herz“, eingespielt von The Stolz Quartet, war bereits Musik für
Tanztheater, und Revolver (72U) ist das quasi auch, für „Restraint(s)“, eine Tanzinstallation um den legendären, mittlerweile 90-jährigen australischen Künstler Ken Unsworth.
Claire Edwardes (percussion), Genevieve Lang (harp), Rowena Macneish (cello), Kristy
McCahon (double bass) und Anna McMichael (violin) intonieren 'Revolver', 'The Boxer','Stroming' und 'Way of the Dead' zu fünft. Fragile Tropfen mischen sich unisono mit wehmütig zirpendem und surrendem Strich, pulsminimalistisch und wie en pointe tanzendes
Meißner Porzellan, wie in Glockenspiel-, Pauken- und Stringtrauer über die im Feuerinferno vergangene australische Natur, in zuckenden Vivaldi-Wellen, als nochmal Trauermarschmit bittersüßer Geige, gläsernen Vibes, der in seinem repetitiven Duktus mit schnellerem
Puls sich ins Vertikale erhebt. Dazwischen spielen allein die Strings die tristen Repetitionen des 'Trio'-Vorspiels zu 'Song of Ropes', Endlosschlaufen und Dadatütü Düdütata nur
des Cellos. Und 'Gatekeeper' wird zuletzt nur von der Harfe geplinkt, als Spieluhrreigen
aus Tupfen und Dornenspitzen. Ganz zerbrechlich und doch so hypnotisch.
78

... jenseits des horizonts ...
CHRISTY DORAN • STEFAN BANZ Aerosols (Between The Lines,
BTLCHR71251): Eine Kollaboration, die 'audiovisuell' wörtlich
nimmt. Der Schweizer (Konzept)-Künstler Stefan Banz (19612021), der Duchamps heißen Arsch verehrt, der mit Derrida- undIonesco-Spirit Galerien unter Wasser gesetzt, begrünt oder mit
Kakao gefüllt hat, der Bilder von Francis Bacon gecovert oder
Duchamp und Manet auf Fußballtrikots angebracht hat, war für
so etwas immer zu haben. Schließlich hatten schon seine Projekte «Give me a Leonard Cohen Afterworld», «Helter Skelter –Painting with The Beatles» und das Led-Zeppelin'sche «Presence» einen musikalischen Bezug. Malerisch spielte er mit Pop
Art und Fotorealismus und bei allem verband er Sinnlichkeit mit
Hintersinn, um Kunst von "für Bonzen und Schwuchteln" (Bov
Bjerg: Serpentinen) auf Augenhöhe mit Sport & Spiel zu bringen.
Das Spiel hier besteht im Malen nicht nach Fotos oder Zahlen,sondern nach Dorans Stücken 'Cat Care', 'Venice', 'Kaleidoscopein a Blizzard', 'White Fields Full of Diamonds' und 'Defense of
Defeat'. Wobei ich mich frage, wieweit da die Klänge oder alleinschon die Titel die Imagination beförderten, wenn eine schwarze
Katze nach dem pinken Mond tatzt oder Diamanten als Ufos am
Himmel schweben? Im Gegenzug vertonte Doran, wiederum mit
el. & akust. Gitarren und Electronics und seinem Knowhow vonOm über New Bag bis Sound Fountain, 'Lactus' (ein Phantomgesicht aus grünen und gelben Flecken auf schwarz grundiertem
Nachtblau), 'From the Ballad of Affection' (drei Tänzerinnen inantikem Freskenstil, ein singuläres weißes Bein tritt einem Exhibitionisten in die Eier), 'Alexander' (ein Porträt im Warhol-Stildes jung verunglückten Bruders von Banz), 'Upgrading Equality'(abstrakte Expression mit 50s Touch) und 'Aerosols': Duchamps
Apothekerphiole mit 50 cc Air de Paris, Gelb auf Pink. Als Bekenntnis zu Kunst als nichts als Air & Flair, doch zugleich - Hintersinn - als Heilmittel in Zeiten der Spanischen Grippe 1919 oder
von Covid-19. Worte, auch die, die Banz zu seinen Paintings
setzte, können das enigmatisch Imaginäre und den Klangzauber
nur vage wellen und als Dreamscapes in der Schwebe halten.
Der auf Auge und Ohr gerichtete Keil spricht - schweigt? - fürsich, imaginativ und mit hypersinnlichen Schwingungen vonvirtuos geharften Saiten, von denen Doran Mondschein (in Pinkoder Grün) und Schneegestöber (in Rot) emanieren lässt, dröhnende und schillernde Schlieren, glissandierende und scharf
geschliffene Facetten, Saiten wetzend, den Korpus klopfend.
Sozusagen. Als Luft von anderem Planeten, elektrifiziert aufgewühlt und 'flötend', staccato rhythmisiert für Tänzer*, diekeinen Boden unter den Füßen brauchen. Die Bilder als Fokus füranaloge Interpretations- & Assoziationsturbulenzen, die sichdarin aufsplittern und - too carefree, too rich, too abstract, too
colorful - den Rahmen sprengen. In Spiegelbild und Widerhall
wird aus Narziss Echo. Aus dem einen entsteht das andere, undohne das eine kann kein anderes entstehen (Banz). Aboutness ist
alles.
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Under the bed, in the dark... Leif Elggren
Was da auf Tin Can Crowns (Firework Edition Records, FER1134) aussieht wie der Verhau eines
Messie-Heimwerkers, ist die Audiowerkbank desvon mir als Künstler-Philosoph hochgeschätzten
Schweden. Mit seinem Fokus auf dem Selbst textlich inmitten seiner Tiraden und Litaneien vor
allem bei "Genealogy" (2005) - scheint er dem
Kierkegaard'schen Narzissmus der ich-bezogenen, sich selbstentblößenden Norweger Karl Ove
Knausgård und Tomas Espedal nahezustehen. My

work is very much a re-creating of my story, likeconstructing a building, or a Homunculus. That isme. Leif Elggrens Lebens-Werk unterscheidet sichaber gewaltig als skatologisch geerdete Angelogie
und Hauntologie, in der Swedenborg, Poe, Marx'
Gespenster und Freuds Oedipus und Analtheorie resonieren. Alles dreht sich um Mutter "The Most Powerful Woman in the World", Vater - "As if I was my father", Kind - "That little
idiot telling truths". Alles dreht sich um die 'Krone der Schöpfung', aber aus einer Interfaces-et-urinam-Perspektive, mit der Latrine als Thron. Als Nicht-Mutter und Nicht-Vater
thronen die überlebensgroßen royalen Archetypen Queen Christina und Karl XII. DochShit, Dust, Filth & Evil Moisture entziehen Allmachts- und Unsterblichkeitsambitionen die
Grundlage. Dem Wahn gekrönter Häupter setzt Elggren die Wahrheit des kleinen Idioten
entgegen - die des schwarzen Rossknechts (im "Conde Lucanor") oder 'unschuldigen
Kindes' (bei Hans Christian Andersen), die auf des Kaisers nackten Arsch zeigen.
Zugleich gibt es da die spielerische und doch irgendwie auch obsessive Anhäufung vonaus Blechdosen geschnittenen 'Kronen' unter Elggrens Bett. ... I think there are more than2000 cans there under the bed in the dark. Auf "Cutting Crowns" (7", 2001) hört man, wie
er sie werkelt. Da kreuzen sich Warhols triviale Tomatensuppendosen metaphorisch mit
Oskar Matzeraths popanzspottender Blechtrommelei, aber doch auch mit Vorstellungenvon heimlichem, wahrem Königtum. Elggren steigert Beuys' Diktum "Jeder Mensch ist ein
Künstler" zu "Jeder Mensch ist ein König, eine Königin". Ja mehr noch: ...we are all born

equal in this world, we are all born as Jesus Christ. Jesus is not the Other One or the idol;
he is you, he is me. Wir alle sind Sons of God und Königs-Kinder. Jedoch nicht mit dem
falschen Ehrgeiz falscher Dimitris oder als madman with a papercrown, an dem

Machtwahn als kranker Wahn lächerlich wird. Nicht mit dem furchtsamen Gehorsam derandern, aus dem das faschistoide Ego von Sartres Lucien Fleurier erigiert. Only fools andsmall children dwell in their castles, autocratic and alone. Nicht mit dem trivialen
Downgrading, dass im blechernen Zeitalter jeder Kunde König genannt wird und Egomanie Millionen Schwachköpfe anschwellen lässt. Elggren rüttelt am Prinzip von Herrschaft, Hierarchie und einer 'gottgewollten' Souveränität, die sich doch nur den, bildhaft
gesprochen, Säbeln der einen und der Angst der andern verdankt. Er erschüttert all das spielerisch - mit dem kontaktmikrophonierten Schall bebender Blech-'Kronen'. Vibrating
tin can crowns ziehen sich von "Pluralis majestatis" bis "Like the Dust Under a Mother's
Knife" und "Trop Tôt" durch Elggrens Œuvre und fördern seinen Ruf als schwedischer
Widerborst in der Tradition des bei Greifswald begrabenen antiautoritären Stürmers &Drängers Thomas Thorild (1759-1808). Auf dem Tisch liegt ein großes Messer - Symbol
seiner gedachten Rache am biologischen Vater, der seinen Schatten auf ihn als
adoptiertes Kind warf. Aber es signalisiert, wie in Juan Donoso Cortes' 'Diktatur desDolches', auch allgemein was Rebellisches, Anarchisches. Und passt dazu nicht das
schubweise Surren, Bohren, Rütteln, Mahlen, Brodeln, körnige Tremolieren - als sollten
Fundamente unterminiert und gelockert, Scheiße gequirlt, Goldstaub gesiebt werden?

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BRENDAN FAEGRE Broken Mirrors (ArtekSounds, ART007): Faegre, 1985
in Portland, OR, geboren, übt als Schlagwerker & Modern Composer, derin Tacoma, Oslo und Pune studierte, sein Metier nun in Den Haag aus. Mit
dem Edge Ensemble, dem Trio Blow Hammer Connection, mit dem erDavid Lang, Sonic Youth und Eigenes intoniert, oder als switched mit der
Barockgeigerin Lucia Giraudo. Beim multidisziplinären Musiktheaterstück"A Manual Towards the Truth" rüttelte er mit an den Fakekäfigen, er lässt
Slagwerk Den Haag bei "Gods of Bird" auf einer Klangskulptur von Joep
van Lieshout seine Kritik an spätkapitalistischen Schwellköpfen dongen
und mischte Maxwell Davies' "Eight Songs for a Mad King" auf mit Händel
und eigener Musique concrète. Hier performt er mit Drums & Synths
eigenhändig seine 4-teilige Percussion-Suite: Zuerst wie Talibam! auf
Valium, mit dennoch metronomisch und schnell tickendem Elektropuls,
der zunehmend hoch hinaus will über surrendes Knarren und Drumming,das sich von schwerfällig zu leichthändig lockert. In den uptempo
klopfenden Fortgang mit dampfenden Ventilen fallen dumpfes Pochen undeinzelne blecherne, paukende, tickelnde, im dritten Teil allmählich verwirbelte Schläge auf Snare, Basstrommel und Becken, dazu erträumt sich
Faegre keyboardistisch eine kleine Melodie. Beim vierte Part kontrastiert
er die nun gradual eilende Melodik mit wummerndem Subwoofing undbeckencrashenden, ostinat repetierten Schlagfolgen. Bis hin zum
brummig crescendierenden Extro. Neutönerei, unbound.
ULRICH KRIEGER 236 Strings (L'ST Records): Der Freiburger, der bis zu
seiner Übersiedlung nach Südkalifornien 2007 ein Zeitkratzer gewesen
ist, ist dort weiterhin auf der richtigen Spur geblieben – mit Text Of Light,
Lou Reed's Metal Machine Trio, in überklassischen Brückenschlägen vonCage, Berio, Scelsi oder Partch zu Art Zoyd und Faust. Kein Ocean ofSound ist ihm tief genug, keine Wall of Sound high enough. Darum
integriert er als Komponist die Essenzen von Dark Ambient und DoomMetal zusammen mit Microsounds in seinen 14-teiligen 'Pelagic'-Zyklus,
seine 'Nordic'-Serie, seinen 'Desert'-Triptychon. Hier im Hinblick auf die
236-fasrige Klaviatur eines Pianos, befingert von Vicky Ray (von derCalifornia EAR Unit) in ihrer Spannweite von Cage, Feldman, Partch undReich bis David Rosenboom und Leo Wadada Smith und von Danny Holt,der sich auf pfMENTUM und Innova Recordings profiliert hat. 'Euphotic'
intonieren sie an Inside- & Ebow-Piano zu dritt, als Dröhnscape mit
scharrenden und flirrenden Bewegungen, schrillenden, klirrenden undsonoren Spuren, hell-dunkeln Kontrasten, aber im weiten Abstand zu den
abyssopelagialen Tiefen im Lichten schwebend und harfend. Nachdem
Holt und Krieger für tropfende und perlende Pianolyrik und sanften
Widerhall des Altosaxofons die Fingerspitzen und die Lippen mit'Hvergelmir' benetzt haben, der Mutter aller Quellen, die unter dem
Weltenbaum Yggdrasil entspringt, spielt Ray allein 'Rote Erde' als
Wüstentrip im Innenklavier. Krieger hat die Mojave-Wüste vor der Haustür,die einem wochenlang mit über 40 °C durchs Blut glissandiert und den
Schädel brummen, Draht knarzen, Holz knacken, die Luft flimmern lässt.
'Oberfläche (Open Ocean, Marine Desert)', die zweite pelagiale Drift,
unternimmt Holt allein mit Piano, Glockenspiel, Gong und pochenden
Clustern der linken Hand, entlang der Kimmung, wo Oben und Unten inchymischer Hochzeit verschwimmen. Und mit 'Nach dem Ende, vor dem
Anfang' schöpft Ray zuletzt aus der Ragnarök-Vision der Edda in ostinat
und immer insistenter wiederholten Akkorden mit Aufwärtsdrall Kriegers
Stirb-und-werde-Hoffnung.

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MAGDA MAYAS + TINA DOUGLAS Objects of Interest (Room40, RM4164, CD+ book): Es ist das eine symbiotische
Konversation, im wörtlichen und mehrnoch übertragenen Sinn, von Mayas mit
einer australischen Multimedia-Künstlerin und Assemblagistin, die auch schon
selber zur Darbietung ihrer Artworks
sowie mit RCKTSRGRY oder Sacred
Order of the Magnitude mit Sound performt hat. Douglas hat der Pianistin in
Berlin nun viererlei, jeweils mehrseitige
graphische Partituren vorgelegt: 'No.
Thing' als papierernes Relief, Kreise,
Balken, Quadrate und 'Pickel', minimal
weiß auf weiß. 'Sediment' als wie mit
Tusche aquarellierte Formen, geometrische und fleckenhaft amorphe, beides unscharf und vielgestaltiger undfülliger als 'No. Thing'. Das 8-teilige'Point' als mit Bleistift ausgeführte runde Grundrisse und gebogene oder verzweigte 'Wege' sowie eckige 'architektonische' Entwürfe, mit Schattierungenüberzogen. 'Intersect' als eckige oderleicht gebogene bronzefarbene Streifen
und Dreiecke, in Winkeln und Pfeilen
raumgreifend aufgetragen auf Rasterpapier. Mayas spielt (präpariertes) Piano, Clavinet und Rhodes, erweitert mit
Zither und Krimskrams: Teebesen,
Bürste, Spachteln, Kratzer, Schalen,
Kugeln, Metallstücke, Holzstäbchen,
Fäden, eine Gabel... Damit nähert sie
sich den visuellen Spuren an, versenktsich in ihre Indeterminacy, träumerischund mit klang- und geräuschverliebter,
hm, Perkussivität ist dafür ein zu großesWort. Es sind fragile, pointillistische,tachistische Gesten und entsprechend
zarte Töne und Tönungen. Drahtig zirpende oder scharrende und wohl durch
Bowing schwebende, mehr Saiten- als
Tastenspiel, klickende und pickende,
federnde, glockenspielerisch funkelndeoder auch dongende und tockende Akzente, als kryptisches Plinkplonk voller
feiner Nuancen und Schattierungen.
Zengärten und Teezeremonien kommen
mir in den Sinn, und John Cages Geist
grinst dazu wie die Cheshire Katze.
Sinnlich, phantastisch, elegisch undeinmal sogar komisch genug, um Douglas' abstrakten Krutsch in eine andere
Dimension zu liften.

MATTHIAS MUCHE BONECRUSHER (Col Legno, CL3 1CD 15011): 10 Posaunen (Matthias
Muche, Matthias Müller, Daniel Riegler, Anke
Lucks, Moritz Anthes, Adrian Prost, Maximilian
Wehner, Matthias Schuller, Till Künkler & Moritz
Wesp), doppelt Schlagwerk (Rie Watanabe &Etienne Nillesen), Muches Essenzen aufgeblasen und doch nicht bloß heiße Luft, sondern
Geist vom großen Geist. Der Bielefelder, dem
heuer der WDR-Jazzpreis verliehen wurde, hat
Könner* um sich geschart, die ihre Erfahrungeneinbringen mit Absolutely Sweet Marie & SuperImpose, Michael Mantler & Elisabeth Harnik,
Insomnia Brass Band, The Dorf, Multitude oder
Ensemble Garage, Watanabe mit Ensemble
Musikfabrik und Nillesen mit öfters auch schon
mit Muche geteilten, in Carl Ludwig Hübsch
Artblau und Emißatett. Zu zweit als T.ON haben
sie auf „Plays Matthias Muche“ sogar schon'Glocken' und 'Gleiter' intoniert, die nun in XL
wiederkehren. Wobei ersteres mit einem perkussiven Schleif- und Pfeifklang anhebt, auf
dem summende Posaunentöne aufquellen wie
surrende Motorflugzeuge, unterlegt von Paukengrummeln, über dem sie sich waldhornartig
verzweigen, bis Gongschläge und allerfeinster
Klingklang zur Heimkehr mahnen. 'Gleiter'bringt zu metronomem Taktschlag glissandierende und kurvende Drones, knackende Schläge schüren die hummelige Erregung zum aggressiven Schwärmen in spielerischen, tremolierend angespornten Ausfällen. Als die sichzurückziehen, ticken holzige Sekunden, zu
denen nun 'Alphörner' blasen, und energisches
Klopfen versetzt das ganze Blech in tänzelnde
Wallung. Für 'Lufft' wird dieselbe durch Ventile
gepresst, windig pfeifend, tonlos blasend, bis
die Luftsäulen bersten und bröseln und tremolierende, zuckende, paukende Gesten anstoßen. Bei 'Beller' hört man Anthony Moore, umblubbert und umschnarrt, von der journey inyour own future sprechen. Das Versprechen
you will survive vitalisiert die ganze Knochencrew, die jedoch, als die Wahrheit ans Licht
kommt, in panisches Altissimo ausbricht. Mit
heftigem Crash setzt zuletzt 'Fanfare' ein, insonoren Wellen, langgezogenen und kurz gerippelten, zu federndem Besenbeat. Verstopftes Knören bekommt brassige Resonanzen, diesich aber vor martialischen Schlägen kleinlaut
wegducken, in verhuschter Furcht, in der lange
kontrovers gestritten wird, bevor ein Konsens
entsteht, der Kriegstrommel und den Fanfarenstößen vereint zu folgen. Dem bones, dembones gonna walk around...
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THE POND Turchesi Miracolosi (Syrphe, S029): Auf dem Label des belgisch-griechischzairischen Hyperaktivisten C-drik Fermont erschien im Zeichen der Schwebfliege undverpackt in wundersames Türkis wundersame Musik, mit der Elisabetta Lanfredini &Nicolas Wiese in C-driks Anspruchsliste gleich alle Tags ankreuzen können: ...avantgarde, contemporary classical, electro-acoustic, industrial, experimental, sound art. Die
toskanische Sängerin kam, den Kopf voller indischer und türkischer Singweisen undbesonderem Interesse für improvisierte Poesie, via Bologna nach Berlin. Und traf dort
Wiese als audiovisuellen Hipster, der sich für junge Geflüchtete und Migrant*Innen
engagiert und für den - ich zitiere - Sprache und Schrift, gebrochene Nostalgie undkomplexe Abstraktion zentrale Rollen spielen (etwa bei seinen aktuellen Storytelling-inMusic-Kollaborationen mit FrauVonDa). Nichts davon macht mich gefasst auf die
Liebesarie 'Delizie, contenti' aus Francesco Cavallis "Giasone" (1949), auf 'Vieni Imeneo,
deh vieni', die Anrufung des Hochzeitsgottes aus Monteverdis "L'Orfeo" (1607), auf
Ludovico Ariostos Oh gran bontà de' cavallieri antiqui! aus "Orlando Furioso" und den
Auftritt des Herodes in Oscar Wildes "Salome": I have opals that burn always, with a flamethat is cold as ice, opals that make sad men’s minds, and are afraid of the shadows. I have
onyxes like the eyeballs of a dead woman. Und zwischen diesem barocken und

dekadenten Pathos rund um dem mediterranen Teich der anzügliche Ohrwurm 'Pane
Caldo' und die ihre afroamerikanischen Schwestern und Brüder adressierenden
Widmungszeilen aus "For My People" von Margaret Walker. Lanfredini becirct unmittelbar
mit Belcanto der ganz anderen Art, mit schmachtendem oder kapriziösem, zweimalalogisch improvisiertem Zungenschlag, den Wiese mit Processing und Layering auf
Dröhnwellen bettet, den er mit voice-triggered feedback spektralisiert widerhallen lässt
oder impulsiv umspielt, den er elektroperkussiv pointiert oder konterkariert, süß, heiß, inserener Abwehr von orrori e l'ombre. Doch mit dem Mauren Agramante, dem Orlando den
Kopf abschlägt, und der Leidensspur über den Black Atlantic wird genau das evoziert the horrors and shadows of anguish and grief. Mit dem Kopf des Jochanaan, um den da
flüsternd verhandelt wird, serviert The Pond einen weiteren. Und wurde nicht auchOrpheus letztlich mänadisch zerstückt, so dass sein Kopf singend auf den Wellen trieb?
Köpfe fallen, das Klangmeer und die Stimmen bleiben.
FERNAND SCHIRREN Dimanche / Masques / Cartoon Circus (Futura Resistenza,
RESLP003, LP): Fernand Schirren (1920-2001), Sohn des Brabanter Fauvisten Ferdinand
Schirren, war offenbar ein Musiker und Komponist von einigen Meriten, etwa als Begleitervon Stummfilmen in Brüssels Musee du cinema in den 60er/70er Jahren oder als
derjenige, der den Ballettratten von Maurice Béjart Taktgefühl einbleute. Einigermaßen
idiosynkratisch ging ihm sein Vorname ebenso zuwider wie Mozart. Ausgegraben sindhier seine Musiken für die Kurzfilme 'Dimanche' (1963) von Edmond Bernhard, 'Masques'(1959) von Jean-Marie Buchet & Marc Lobet sowie 'Cartoon Circus' (1972) von Benoit
Lamy & Picha. Ersteres überrascht gleich einmal als
Dröhnscape mit grollendem Gongsound – oder ist das
alles elektronisch? Metall sirrt, man hört Schritte und,ja, das ist händisches Schlagwerk, mieses Gegonge
der unmiesen Art. Eine Krähe lacht, Schläge dongen
und crashen, die Turmuhr schlägt, ein Glockenspiel
tickelt, Becken zischen, Spatzen tschilpen, das Radio
fiept einen Ohrwurm, als Höhepunkt crescendiertein... Staubsauger? Für 'Masques' spielte Schirren
Blechtrommel à la Oskar Matzerath, allerdings als
schon ziemlich fortgeschrittener, ja virtuoser Wirbler.
Für 'Cartoon Circus' spielte er mit Maultrommel
kurios schnarrend und äußerst gekonnt zu ländlerischem Hopsassa auf. Und das tolle Coverporträt
habe ich dabei noch gar nicht auf die Wagschalegelegt.
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Es war gegen elf Uhr Morgens, Mitte Oktober, ein Tag ohne Sonne...
Bourgeon, Cosey, Crepax, Gibrat, Pratt, Sfar, Toppi... sie gehören nicht bloß zu meinen
Favoriten, es sind auch, in der Tradition von Crumb, Charles Burns, Daniel Clowes unddem Schlockmaster (nicht immer, aber meistens) 'Autorenfilmer' oder 'Singer/Songwriter'
auf dem ernsthaften Comic-Sektor - Narrativ und Visualisierung in einer Hand.
Charyn, Christin, Jodorowsky, Paringaux, Peeters, Sampayo, Warnauts... - das sind dagegen lauter Erzähler von Geschichten, die durch andere Hand Gestalt annehmen:● JEROME CHARYN, übrigens auch Biograf von Isaak Babel und Quentin Tarantino, hat mit
seinen Isaac Sidel-Krimis New York in eine Comic-Book-City verwandelt, Marilyn the Wild
ist, von Frédéric Rébéna gezeichnet, ein Paradebeispiel für diesen Pulp-Noir-Sarkasmus.
Madame Lambert, vom Schweizer Andreas Gefe kongenial umgesetzt, ein weiteres. Nur
konsequent, dass Jacques de Loustal Die Brüder Adamov und White Sonya illustrierte,aber vor allem hat François Boucq bei Die Frau des Magiers, Teufelsmaul und Little Tulip
Charyns schwarzen, von Ostwind surrealisierten jüdischen Blick herausgestrichen, derpoetische Wahrheiten over the top treibt.
● PIERRE CHRISTIN, was wäre Bilal ohne die Szenarien von Christin? Der Politik- & Literaturwissenschaftler, der mit Jean-Claude Mézières das SF-Garn von Valerian und Veronique gesponnen und das Geheimnis der Lady Polaris recherchiert hat, lieferte Enki Bilal
den Stoff zu Die Kreuzfahrt der Vergessenen, Das steinerne Schiff, Die Stadt, die es nicht
gab, Der Schlaf der Vernunft, Treibjagd und Los Angeles: Der vergessene Stern der Laurie
Bloom. Auch mit Die Diva und Das Fräulein von der Ehrenlegion, ebenso wie noch Detektei
Hardy realisiert mit Annie Goetzinger, zeigt sich Christin als Meisterporträtist geheimnisvoller Frauen, denen er sich mit bei Citizen Kane, Gilda und Fedora erprobten Szenarien
annähert. Aber zugleich subvertiert er die herrschenden Verhältnisse mit eingefleischtem
68er-Herzschlag, erst mit hippiesker Phantasie und druidischer Magie, antikapitalistischer
Utopistik und sagenhaften Fluchten. Doch zunehmend mit heroischem Pessimismus angesichts der faschistoiden oder stalinistischen Strukturen und Konstanten. Jean-Pierre
Gibrats Mattéo liefert dazu mit Rückblenden auf den 1. Weltkrieg, die Oktoberrevolution
und den spanischen Bürgerkrieg das Prequel.
● Fuck, der chilenische Übermensch ALEJANDRO JODOROWSKY ist schon mit den Kultfilmen El Topo & Montana Sacra und seinem legendären Dune-Projekt ein Kapitel für sich.
Die Serien John Difool - Der Incal, wesentlich von Moebius umgesetzt, Alef-Thau, von Arno,
Die Meta-Barone, von Juan Giménez, und Mondgesicht, von Boucq gezeichnet, entfalten
seine psychomagisch-esoterische Fiction mit allem kosmischen Irrsinn seither im Comicbuch-Format. Der Brutalo-Western Bouncer, wieder von Boucq, und Borgia, von Milo
Manara visualisiert, schwelgen allerdings derart splattrig und bösartig in Porno- & Gewaltorgien, als wollte er unbedingt Aleister Crowleys 'Law'-(lessness) als ungeschminkte
Wahrheit propagieren.
● Der französische Rockjournalist & Übersetzer PHILIPPE PARINGAUX fand in Loustal den
perfekten 'Verfilmer' seiner lakonischen Prosa über Untergeher - Verwüstete Herzen, Besame Mucho, Ein romantischer Kerl - und für die Blutspur des nihilistischenTod eines
Mörders. Für Ted Benoit schrieb er die Ray Banana-Story The Man who didn't sweat.
● BENOÎT PEETERS, ein Pariser, der ebenfalls Biografien schrieb, von Hergé und von
Jaques Derrida (!), der hat für François Schuiten Die geheimnisvollen Städte und Nach
Paris erdacht. Er wiederverzaubert mit pataphysischen Kapriolen Schuitens futurophile
Belle Époque und modernistische Nostalgie. Zusammen 'singen' sie "It aint necessarily so"
und paaren Verwunderung mit Abenteuerlust.
● CARLOS SAMPAYO erzählt dialogisch, taff und noir, José Muñoz dramatisiert das,schwarzweiß und genial: Alack Sinner, Carlos Gardel..., Igort visualisierte Fats Waller.
● ÉRIC WARNAUTS bildet eine kaum zu trennende, dabei ungewöhnliche belgische Dyade
mit Raives, denn Warn's textet, die Zeichnungen entstehen gemeinsam und werden dannvon Raives koloriert: Lou Cale, Congo 40, Die zerbrochene Zeit, Zeitenwende. Zwei Köpfe,eine Frage: Was stellen Rassismus und Nazitum mit uns an? Und exemplarisch eine zweite:
Wie sehr und überhaupt wie bestimmen Plot+Sprachstil die Übersetzung ins Imaginale?
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● ALAN MOORE ist als so dominanter Narrator, dass er allein schon für das Ganze steht,
ein Phänomen. Ob von Eddie Campbell (From Hell), Dave Gibbons (Watchmen), David
Lloyd (V wie Vendetta), Kevin O'Neill (The League of Extraordinary Gentlemen) oder J. H.
Williams III (Promethea) gezeichnet, es ist immer ein Moore. Durch seine außerordentliche
postmodernistische Aboutness, die das Imaginäre in Mythen, Kunst und Pop, bei E. R. Burroughs, Conan Doyle, H. Rider Haggard, Sax Rohmer, Stevenson, Stoker, Jules Verne, H.
G. Wells... als erweiterte Realität behauptet, als phantastische 'Befreiungsreligion' synkretisiert und - in Sophie Bangs/Promethea, Mina Murray, Janni Dakkar, Mary Poppins und
den Lost Girls - auch noch feministisch betont. Von Jerusalem ganz zu schweigen.

Jacques Tardi schuf zwar Adeles ungewöhnliche Abenteuer im Alleingang, aber bei Nestor Burma bebilderte er mit seiner wie mit Grabenkriegsdreck und rauchigem Chansonnier-Timbre verunklarten Ligne claire Léo Malets Pariser Schnüffler-Serie. Neben weiteren
Hardboiled-Reißern von J.-P. Manchette und Didier Daeninckx gestaltete er mit Die Macht
des Volkes zudem Jean Vautrins erschütternden Roman über die Pariser Commune.
Jenem Vautrin, der - als Jean Herman - 1968 Adieu l'ami mit Bronson & Delon gedreht hat,der so umwerfende Sachen schrieb wie Groom, Haarscharf am Leben und Der Mann, dersein Leben ermordete, das einem der ebenfalls Malet-taffe E. Moynot aufs Auge rotzte.
Ja, ich bin da wieder bei meiner alten Leier über 'kluge Rausch'mittel im Populären.
D'accord mit Ernst Bloch, Umberto Eco und dem von den "erotischen Potentialen derPhantasie" ebenso überzeugten Georg Seeßlen, der, von Kasperltheater und Kolportage etwa Robert Kraft - angefangen, den populären Mythen, (Männer)-Märchen und Nervenkitzeln in allen Film-Genres - Science Fiction, Krimi, Western, Horror, Abenteuer, Melodrama- auf den Zahn fühlt. Was Comics und Cinema visualisieren, dazu muss jedoch erstmal
jemand Sätze tippen wie Die automatische Weckvorrichtung der Stimmungsorgel neben
seinem Bett weckte Rick Deckard mit einem fröhlichen kleinen Stromstoß. Ballard, Dick,
Lem... Chandler, Hammett, R. McDonald, Sjöwall/Wahlöö, Freeling... Borden Chase, Ben
Hecht, Frank S. Nugent... Dumas, C. S. Forester, Peter O’Donnell... Remarque, Simenon...
Wie gut aus Texten Bildergeschichten werden können, das zeigen Hannes Binder, derKnarrende Schuhe von Friedrich Glauser illustrierte, und Jasons Adaption von SteinRivertons [Sven Elvestad] Der eiserne Wagen. Oder Dieter Jüdt mit Viriconium nach M.
John Harrison, von dem Ian Miller sehr schön auch die Kurzgeschichte The Luck in the
Head umgesetzt hat. Guido Crepax schuf eine stupende Version von Dr. Jekyll und Mr.
Hyde, und was Alberto Breccia (Mort Cinder, Perramus) oder Hippolyte [Frank Meynet] zu
Dracula oder Philippe Druillet (Lone Sloane, Yragael Urm) in seinem Métal Hurlant-Wahn
zu Nosferatu einfiel, das hätte sich Bram Stoker nicht träumen lassen.
All das ein Surplus, zweifellos. Aber es bleiben doch die Lust am Text und der Peter PanEffekt früher Schmökerprägungen. Schaut doch nur, wie Arno Schmitt sein Leben langschwamm auf einem Textfluss aus Poe, Cooper, Gutzkow, Collins, Verne, Karl May,
Haggard, Lovecraft, Laßwitz... Heigh Ho, Heigh Ho, zuerst da keimt es 'low': Falk, Nick,
Tibor, Schwarze Fledermaus, Jerry Cotton, Wildwestromane von G. F. Unger, Im Labyrinth
des Ganges, Winnetou... the dregs have not dissolved. Am I bad alchemy? It seems 85

inhalt
ba's finest disc-overies 2021 2
back to live:
widersacher aller liedermacher – sara teamusician 3 – the instant voodoo kit 4
freakshow: 7for4 – albatre 4
freakshow artrock festival 2021:
poil ueda – colonel petrov's good judgment 5 – kuhn fu 6 –hydropuls – tryon – sex magick wizards 7 – free human zoo 8over pop under rock:constellation 9 – crammed discs 11 – doc wör mirran' / joseph b. raimond 13
interstellar 14 – moonjune 15 – rarenoise 17 – mzylkypop 22 ...
nowjazz plink'n'plonk:
another fantastic individual: martin archer & discus music 23 –hubro / odin / heilo 27 – carl ludwig hübsch 30 – intakt 31 – jazzhausmusik 34 –jeff kaiser 36 – leo 37 – libra 39 – motvind 40 – neither/nor 41 – ivo perelman 42 –relative pitch 43 – udo schindler 45 – subcontinental 47 – we insist! 48 ...
sounds and scapes in different shapes:
auf abwegen 57 – crónica 58 – drone / substantia innominata / zoharum 60 –e-klageto / la bois 62 – karlrecords 63 – mille plateaux 64 –prostir 65 – nostalgie eternelle 69 ...
jenseits des horizonts:
fancymusic 71 – mattin 73 – schweizer fonogramm 74 –sub rosa 76 – unsounds 78 – leif elggren 80 ...
es war gegen elf uhr morgens, mitte oktober, ein tag ohne sonne 84

BAD ALCHEMY # 112 (p) November 2021
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sindCDs, was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl gibt und als Digital Download sowieso
BAD ALCHEMY erscheint 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 112 erhalten Abonnent*en die E-Klageto-CD "Totmannschalter"
von NON TOXIQUE LOST und OCCUPIED HEAD
Mit einmal mehr herzlichem Dank an Matthias HornCover: Sofonisba Anguissola
Aquaserge meets Bad Alchemy
Rückseite: Beirut burning (© Myriam Boulos),doch es brennt überall!!! Die Nummern BA 44 - 108 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................
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7FOR4 4 - ADKINS, MONTY 59 - AKHUNOV, SERGEY 71 - AKSAK MABOUL 11 - ALBATRE 4 ALVARADO, LUCAS 58 - AQUASERGE 2, 12 - ARCHER, MARTIN 23, 25, 26 - ARMAROLI, SERGIO 38- BAARS, AB 49 - BAKER, AIDAN 63 - BANZ, STEFAN 79 - BATAGOV, ANTON 72 - BEINS,BURKHARD 70 - BELEDO 16 - BENE GESSERIT 62 - BLONDY, FREDERIC 43 - BLONK, JAAP 46 BOLOGNESI, SILVIA 48 - BONICA, JOE 34 - BORDERLANDS TRIO 32 - BORGO, DAVID 36 BOURNE, MATTHEW 24 - BRAFF, MALCOLM 74 - BRAIDA, ALBERTO 48 - BURGER, HERRMANN 74- BURRELL, DAVE 42 - BUTCHER, JOHN 43 - CALCAGNILE, CRISTIANO 48 - CHEER-ACCIDENT 66 CLAUS, GASPAR 19 - CLEAVER, GERALD 44 - CLUSTER LIZARD 65 - COLONEL PETROV'S GOOD
JUDGEMENT 5 - COURVOISIER, SYLVIE 42, 49 - CRISPELL, MARILYN 42 - D.D.K. 66 - DAS RAD 25 DAVIS, KRIS 32 - DEFRISE, SARAH 77 - DEMIERRE, JACQUES 51 - DEYHIM, SUSSAN 12 DIAPHANE 41 - DISTANT FIRES BURNING 67 - DOC WÖR MIRRAN 13 - DONEDA, MICHEL 43 DORAN, CHRISTY 79 - DOUGLAS, TINA 82 - DULLMEA 67 - DUVANEL, ADELHEID 74 - EASTMAN,JULIUS 76 - ÈLG 19 - ELGART, BILL 49 - ELGGREN, LEIF 80 - ELIZABETH S. 20 - EMMELUTH,
SIGNE 27, 40 - ERB, CHRISTOPH 50 - ERHARD, KARINA 46 - FAEGRE, BRENDAN 81 - FENGXIA, XU
45 - FERNANDEZ, AGUSTI 42 - FLATEN, INGEBRIGT HÅKER 28 - FORMENTINI, LUCA 47 - FREE
HUMAN ZOO 8 - FRED FRITH TRIO 33 - FROSTLAKE 25 - FUJII, SATOKO 39 - FUTARI 39 GAVRIUSHOV, VLADIMIR 71 - GEISSE, GUNNAR 45, 46 - GERIGK, JONAS 46 - GIGALDI 14 GRAINDORGE, CATHERINE 20 - GRAU, SVEN 34 - GROHOWSKI, KENNY 15, 16 - GRØNBERG,
OSCAR 27, 28 - HALVORSON, MARY 49 - HARA, SACHIKO 45 - HATTLER 21 - HEMINGWAY, GERRY
50 - HIDDEN RIVERS 68 - HIRT, ERHART 45, 46 - HOROWITZ, RICHARD 12 - HÜBSCH, CARLLUDWIG 30 - HUBWEBER, PAUL 46 - HUHN, LEONARD 5, 37 - HYDROPULS 7 - INSECT ARK 68 THE INSTANT VOODOO KID 3 - IYER, VIJAY 42 - JASNOCH, JOHN 26 - JERUSALEM IN MY HEART 9- JÜ 17 - KAISER, JEFF 36 - KAKALIAGOU, ELENA 46 - KAPPELER, VERA 31 - KAUN, ANTON 45 ULI KEMPENDORF'S FIELD 50 - KERROD, JACQUELINE 51 - KIMMIG, HARALD 45, 46 - KNEER,
MEINRAD 46, 49 - KOLB, PHILIPP 46 - KÖNER, THOMAS 64 - KRIEGER, ULRICH 81 - KUHN FU 6 KUPKE, JÜRGEN 35 - LANDECK, DETLEF 34 - LEBIK, GERARD 70 - LEIMGRUBER, URS 51 LEUTENEGGER, GERTRUD 75 - JAMES BRANDON LEWIS QUARTET 32 - LIGHT CONDUCTOR 10 LINDVALL, JOHAN 55 - LONBERG-HOLM, FRED 53 - THE LONGRUN DEVELOPMENT OF THE
UNIVERSE 30 - LØNNING, EIVIND 27, 28 - LOPEZ, BRANDON 44 - LOPEZ, CECILIA 44 - MAD DISC
59 - MANOTSKOV, ALEXANDER 2, 72 - MARTYNOV, VLADIMIR 71 - MATTIN 73 - MAUSON, DIETER
62, 69 - MAYAS, MAGDA 50, 82 - MOIMÊME, ABDUL 53 - MOLINARI, ERNESTO 74 - MOORE, KATE
78 - MOSS, JESSICA 10 - MØSTER, KJETIL 17, 27 - MATTHIAS MUCHE BONECRUSHER 82 - THE
MULTIPLE JOY[CE] ORCHESTRA 30 - MURPHY, GENEVIEVE 78 - MYHRE, JO BERGER 17 - MZYLKY
POP 2, 22 - NAALJOS LJOM 40 - NABATOV, SIMON 37 - NIGGLI, LUCAS 75 - NON TOXIQUE LOST
62 - NORDESON, KJELL 36 - NOSTALGIE ETERNELLE 69 - OCCUPIED HEAD 62 – OHTA, MASAKO
45 - ØKLAND, NILS 28 - ÖLLINGER, JOHANNES 45, 46 - ORTIZ, ARUAN 32, 42 - OSOINIK, MAJA 45- PAGO LIBRE 38 - PAKT 15 - PARKS, AARON 42 - PERELMAN, IVO 42 - PHILLIPS, BARRE 43 PICCOLO, STEVE 38 - PINTO, RICARDO 67 - PLASSEN, SYNNØVE BRØNDBO 29 - POIL.UEDA 5 POLASCHEGG, NINA 45 - THE POND 83 - PORTER RICKS 64 - POULSEN, HASSE 53 - POZIUMSKI,
ROUST 71 - PRETZEL, GUNTER 45 - PRIDE, MIKE 18 - RABBIA, MICHELE 56 - RAIMOND, JOSEPH
B. 13 - RASMUSSEN, METTE 28, 55 - RED KITE 2, 18 - REDOLFI, MICHEL 76 - REGLER 73 - THE
REMOTE VIEWERS 52 - RIVA, PAOLO GAIBA 48 - ANDREAS RØYSUM ENSEMBLE 40 - SAITO,TAIKO 39 - SAITOH, TETSU 43 - SALAMON, SAMO 53 - SANCHEZ, ANGELICA 42 - SANTOS,CARLOS 53 - SCHINDLER, UDO 45, 46 - SCHIRREN, FERNAND 83 - SCHULTE, MARTIN 34 SCHWARZ, RAINALD 46 - SEX MAGICK WIZARDS 7 - SHARP, ELLIOTT 38, 46 - SINTON, JOSH 54 SOLBERG, STÅLE LIAVIK 43 - SOLTAU, THORSTEN 57 - SOOON 38 - STIRB 14 - STROBL, BRUNO
45 - TABORN, CRAIG 42 - OHAD TALMOR TRIO 31 - TARANCZESKI 54 - TAUMEL 61 - TEAMUSICIAN, SARA 3 - THIS IS IT! 39 - TIETCHENS, ASMUS 57 - TINCTURES 47 - TIPPETT, KEITH 24 TRONDHEIM JAZZ ORCHESTRA 27, 55 - TROUM 60 - TRYON 7 - TUNNELS OF ĀH 70 - V/A DRONEMIND // MIND-DRONE VOL. 8 61 - VÅGAN, OLE MORTEN 27 - VAN HEMMEN, FLIN 41 - VARIAT 65 VARNER, CHRISTOFER 45, 46 - VEGA, MIKEL 55 - VOGEL, SABINE 46 - VÖLKER, UTE 45 VOLKOV, VLADIMIR 71 - VOLQUARTZ, OVE 45 - WALLUMRØD, CHRISTIAN 29 - WIDERSACHER
ALLER LIEDERMACHER 3 - WIENING, MAREIKE 56 - WIESE, NICOLAS 83 - WINTSCH, MICHEL 46 YAKOVENKO, IGOR 72 - ZACH, INGAR 56 - ZEA 21 - ZERBE, HANNES 35 - ZUMTHOR, PETERCONRADIN 31 – ZWANG-ERIKSSON, ERIK 45
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