BAD
88
ALCHEMYMerke:Der Misophoniker könnte der Meinung sein,
dass es einer richtige und eine falsche Art gebe,den Kartoffelbrei zu essen.

rbd's Favoriten 2015
Phall Fatale - Moonlit Bang Bang (Qilin Records / Slowfoot)Jenny Hval - Apocalypse, girl (Sacred Bones Records)
Konstruktivists - Anarchic Arcadia (E-Klageto)
Loomings - Everyday Mythology (AltrOck)
Malerai + Uchihashi + Maya R - Utsuroi (For Tune)
Mary Ocher + Your Government (Klangbad)
Oiseaux-Tempête - ÜTOPIYA? (Sub Rosa)
Post Office - The Marylebone Greenwave (Minority Records)
Dominik Strycharski Core 6 - Czôczkò (For Tune)
The Very Big Experimental Toubifri Orchestra - Waiting in the Toaster (Label Bleu)
alternativ auch
BDC La Belle - Merci Professeur (La main mouche)
Julia Holter - Have You In My Wilderness (Domino Records)
The Necks - Vertigo (ReR Megacorp)

Rejoice with the Book-Spider(Iain Sinclair)

Martin Amis - Die Anderen. Eine mysteriöse Geschichte
John Banville - Sonnenfinsternis
Edmond Baudoin + Fred Vargas - Die Tote im Pelzmantel
Anthony Burgess - Clockwork Orange (neu übersetzt vom U. Blumenbach)
Yves Chaland - Freddy Lombard (complete)Didier Comès - Die Wildkatze; Eva
Corbeyran + Horne - Die Verwandlung von Franz Kafka
Samuel R. Delany - Babel-17; Treibglas (beides nicht zum ersten Mal)
E. L. Doctorow - City of God
Aris Fioretos - Der letzte Grieche
John Fowles - Der Magus
Matthias Gnehm - Der Maler der Ewigen Portrait Galerie
Mark Haddon - Supergute Tage oder die sonderbare Welt des Christopher Boone
Cesare Pavese - Die einsamen Frauen
Padgett Powell - Edisto; Rückkehr nach Edisto
Martin Rowson - Leben und Ansichten von Tristram Shandy, Gentleman
Stendhal - Rot und Schwarz
David Foster Wallace - Unendlicher Spaß (übersetzt von U. Blumenbach)Warn's + Raives - Lou Cale. Snapping The Big Apple's Bad Seeds
Tommy Wieringa - Joe Speedboat

2

Life is a liquid drop by drop

HOPE beim Jazz Festival Frankfurt 31.10.2015
Stellen wir uns den hr-Sendesaal in Frankfurt als
Pandoras Büchse vor und das 46. Deutsche
Jazzfestival, das dort am 29.-31.10.2015 überdie Bühne ging, als Gelegenheit für allerhand"good noodling" und "bad noodling" (O-Ton
Zappa). Uns zwei Würzburger Freakmäuseinteressierte da hauptsächlich das, was übrig
blieb, als alle Übel aus der Büchse waren HOPE, die Hoffnung. Vor diesem Update vonCassiber, als das Alfred 23 Harth und Chris
Cutler zusammen mit Kazuhisa Uchihashi und
Mitsuru Nasuno angekündigt waren, gab es mit"Jazz from Hell" den Versuch des amerikanischen Keyboarders und Arrangeurs Mike
Holober, ausgerechnet mit Frank Zappa als
Duftbäumchen gegen den Mief anzustinken, dernun mal Jazzerei wie die der HR-Bigband
umgibt. Unter Verweis auf das 'Hot Rats/Grand
Wazoo'-Orchestra wird quasi insinuiert, dass
Zappas Ambitionen sich, seinem Lästermaul zum
Trotz, sogar besonders gut mit einer Jazzband
realisieren lassen. Aber warum sich mit seinem
anarchischen Witz und wilden Stil-Mix rühmen,
um einige seiner Ohrwürmer und schmissigen
Inventionen dann doch bloß, von einigen
keyboardistischen Finessen, die das Zappatypische Vibraphon anklingen lassen, und einem
Klarinettensolo mit Delaywizardry abgesehen,als schlappe Nudeln zu servieren? Wir lassen's
uns gefallen mit dem Hintergedanken, dassselbst schlapper Zappa eine Klientel von KulturPosern, die nur von dem naschen, was sie
kennen, ein wenig zappafizieren könnte. Andere
nennen dieses "genormte Wohlfühlpaket für
unsere Bildungsbürger" freiweg eine "schwülstige, weichgekochte Zumutung" (O-Ton Gropi).
Zwei Tage zuvor hatten Michael Mantler und
Christoph Cech ebenfalls für die HR-Bigband
jenes "Jazz Composer's Orchestra Update"adaptiert, das die beiden 2013 mit der Nouvelle
Cuisine Big Band in Wien bewerkstelligt hatten,
wieder mit dem radio.string.quartet.vienna,
David Helbock am Piano und Bjarne Roupé an
der Gitarre, sowie nun auch dem HR-HausSaxophonisten Tony Lakatos und Peter Brötzmann als Solisten, um ähnlich frei zu fantasieren,
wie es 1968 bei Mantlers wegweisender Hochzeit
von Third Stream und Free Jazz Cecil Taylor,
Roswell Rudd und Larry Coryell (um wenigstensdrei zu nennen) so denkwürdig getan hatten.
Fotos: © hr/Sascha Rheker, Wolfgang Becker
3Ich bin, in diesem Fall ja noch daheim und nur hr-beschallt, da zwischendurch, wie
ich zu meiner Schande gestehen muss, auf meinem Kanapee etwas nachSchlummerland abgedriftet, bevor Brötzmann, lyrisch intensiv, wie man ihn kennt,
meine Lebensgeister wieder fokusierte. Ich erwähne das vor allem wegen desStichworts 'Update' im Hinblick auf HOPE, die Cassibers Konzept eines "instantcomposing" (A23H) "unter den Bedingungen der Gegenwart noch einmal auf den
Prüfstand stellen" (Programmheft). Während der gute Mantler nämlich den improvisatorischen Spielraum zugunsten des Kompositorischen einschränkte, muten
und trauen Harth & Co. sich und den Zuhörern gleich schon in diesem Punkt
Cassiber-getreu die Unwägbarkeiten einer 'gewagten Musik' zu. Was sich als
Feldversuch erweist für den Slogan: Sind sie zu stark, bist Du zu schwach. So
manche von denen, die gerade noch beim Mark Turner Quartet mit seinem
haarigen Trompetenschmus und gepflegten Reminiszensen an den coolen
Tenorsaxophonisten Warne Marsh die Warnung Langeweile kann tödlich sein
bedenkenlos überklatschten, suchen peu à peu das Weite. Da sind sie in Frankfurt
nicht weniger konventionell und provinziell als in Würzburg. Denn HOPE offeriert
nichts weniger als ein "magisches" Konzert (O-Ton meines Stuhlnachbarn), womit
ein magisch gemeint ist wie in "Magischer Realismus" (sagt Gropi). Nasuno
stoisch mit subtilen Basseffekten und überraschenden Klangschüben; Uchihashi
als verschmitzter Irrwisch mit einer Überfülle erstaunlicher Daxophon- &Gitarrentricks; dazu Cutler einzigartig mit seinen typischen luftigen Schlägen mit
rotgebänderten Stöcken oder mit Schlägeln, aber auch vielen feinen perkussiven
Finessen; und A23H im fliegenden Wechsel zwischen Tenorsax, Bassklarinette,
Pocket-Trumpet, Trillerpfeife, Posaune und Taepyeongso sowie mit einem Füllhorn
an Samples per Laptop, Kaoss Pad, CD Scratcher und Effektgeräten. Ihre Musik,
die sie nicht als Folge von Stücken gestalten, sondern als beständigen Flow, tastet
sich so voran wie Wasser sich den Weg bahnt. Immer unberechenbar, mit
wechselnden Strudeln, momentanen Verlangsamungen und dann doch wieder
Durchbrüchen an unvermuteter Stelle. Wenn A23H 'O Cure Me' anstimmt in derdeutschen und der englischen Version, wenn das pulsierendes Intro dazu
leitmotivisch wiederkehrt oder wenn kurz 'I tried to reach You' anklingt, knüpft das
direkt an Cassiber an. Der Duktus ist aber durchwegs dem des eponymosen 'Manor Monkey' recht nahe und all den wenig bis gar nicht vorgeformten Passagen, die
Cassibers beachtlichstes Erbteil sind, auch wenn sie sich vielleicht nicht so ins
Gedächtnis geprägt haben wie die Deklamationen von Christoph Anders.
Zwischen damals (1982) und heute scheinen weniger Jahrzehnte zu liegen als derKalender und alle Spiegel behaupten. Die beiden batschkapp-bemützten Japaner
sind eine geglückte Konsequenz aus Harths biografischer Verrückung nachFernost und der Tatsache, dass Cassiber 1992 in Tokyo ihr Testament
hinterlegten, wo sie auch in Otomo Yoshihide (in dessen Ground-Zero Uchihashi
und Nasuno mitgemischt haben) einen fanden, der optimal ihren Nachlassverwaltete. Hier und heute sind Marschtrommel und Pauke erweitert mit nochmehr Feinheiten, noch mehr Schichtungen und noch mehr Zwischentönen. Der
kleine Abstecher ins Märchenland, wo A23H mit Koboldstimme singt, ist nur ein
Beispiel für Süffisanz. Aber sogar Uchihashi als der große Unruhestifter, der daseine Daxzungen streicht und klopft und eifrigst an Knöpfchen dreht und rüttelt,
streut zugleich die zarteste Gitarrenpoesie ein. Und A23H, der eine Blechbüchse
(!) mit dem Geigenbogen streicht, der seine kleine koreanische Oboe in der
Bühnenmitte bläst, auf dem Tenor kurz 'At last I'm free' anstimmt oder Poetry vonCutler liest, die im Satz "Life is a liquid, drop by drop" gipfelt, kann man als Lyriker
eh nichts vormachen. Solange es eine derart "verstörende" (FAZ, FR...) "moderneInterpretation des Unsäglichen" (Gropi) gibt, hat gediegenes Mittelmaß nicht dasletzte Wort. Bleibt zu hoffen, dass es auch nach Peter Kempers Abgang so bleibt
und sich im luxuriösen Rahmen des HR weiterhin das Allgemeine mit derart
Besonderem paart.
4

Freakshow:

BDC
La Belle
am 30.11.2015
im IMMERHIN
Würzburg

Nein, BDC steht nicht für Bund Deutscher Champignon- u. Kulturpilzanbauer und kannauch nichts Kleingeschriebenes bedeuten à la Bas-de-casse. Eher steht es für Bébé,
Darling, Cherie. Uns sechs bescherte es jedenfalls heiße Liebe am Nachmittag, wobei,
wenn sechs Franzosen extra nach Würzburg kommen, um für sechs Freaks zu spielen, istsowieso absurde Leidenschaft im Spiel. Somit sitzen wir alle in der ersten Reihe, wenn
William Laudinat als Space-Echo-Trompeter, Florian Nastorg im Minnie-Maus-T-Shirt an
Baritonsax und als Storch am Altosax, Léonard Bossavy am Schlagzeug, Bastien Andrieu
als Tastenzwirbler und Mooger, Juan Favarel an der Bassgitarre und Adrien Vaquié an der
Gitarre ein rekordverdächtig schönes Konzert vor kleinstem Publikum hinlegen. Der Clousind lange, delikate Vorspiele (Honi soit...) aus puren Noiseeffekten, die in Wechselspiele
aus hart rockendem Drive und schneidigen Blood, Sweat & Smears-Bläserriffs eskalieren,
die allgemeines Headbangen, Gliederzucken, Beifall und Lustgeschrei einheimsen, als
wären wir 6 x 6. Das Programm der Toulouser, die damit in einer weniger verkehrten Welt
auf Festivals Furore machen würden, folgt im Großen und Ganzen ihrem bei La Main
Mouche publizierten Debut. Allerdings kosten sie den Stoff derart mit gruppendynamischen Freiheiten aus, dass es reihum den Vogel raus haut. Mal zieht einem der
Saxer, der auf einem Bein (à la John Zorn) den angezogenen Oberschenkel als Dämpfer
benutzt, die Augenbrauen hoch, mal der FX-schraubende Trompeter, mal der Bassist mit
diskanten Kratzern oder indem er sein Instrument auszuwringen scheint oder der bebrillte
Gitarrero, gerade noch mit extremen Verzerrungen, jetzt mit jazzig virtuosem Gefinger.
Aber der absolute Killer ist der Tastenfalstaff, der frei Schnauze wie der Teufel quirlt undschreddert und aus seinen Moog Hubschrauber oder sogar das Raumschiff Orionabheben lässt. Doch immer wieder nimmt sich die Band verblüffend wirksam zurück, um
nur geräuschhaft zu frickeln, allerdings nicht sprödes Plinkplonk, sondern Sonic Fiction
mit feinem Thrill oder dubbige Jungle-Exotica mit psychedelischen Kaskaden. Das schafft
tolle Spannungbögen mit gekonntem Lustaufschub, der belohnt wird mit akrobatischem
Unisonobebop, schrillem Feuerio oder wuchtbrummigem Oomph vom andern Ende der
FreeJazzRockéskala, mit Repetitionen, die einen einwickeln, oder mit Gebläse, das wie
Zahnrädchen ineinander greift. Da besticht der Kontrast zwischen erregter Turbulenz undden davon unberührten Bläsern, da nötigt die Courage Respekt ab, mit der der fette Flowvon '2011=1940' raffiniert abgebaut und zerlegt wird. Die Sophistication steht der vonDoctor Nerve nicht nach, verbindet sich jedoch, als wär's das normalste auf der Welt (wases ja auch ist, eigentlich) mit Dreckspatzigkeit, die großen Spaß macht. 'Interlude' erweist
sich als elegisches Intermezzo, als 'Bonjour, Tristesse' mit 'Round Midnight'-Trompete.
Aber drumrum spritzen die 'Knäckebröd'-Krümel, fliegen die Fetzen von 'Deuxième
Fonction'. 'Oh mon Dieu, il fonce droit sur n...' setzt mit röhrendem Bariton, weit geöffneter
Trickkiste von Andrieu und getragener Trompete den traumhaft entschleunigten
Schlusspunkt, natürlich mit finalem CanCan-Galopp. Ihr sagt es: Oh mon Dieu! Wir grüßen
und danken beim Abschied mit "fantastique!" und fügen ins frz. Freaklexikon zwischen
Alfie Ryner, Anthurus d'Archer, Camembert und Chromb ! fett: BDC La Belle.
5OVER POP UNDER ROCKrune grammofon (Oslo)
Wir erinnern uns - beim rockofantischen Debut hatte KROKOFANT mit Olifanten
gekegelt und ein Tänzchen mit einem wilden Bullen gewagt, mit Tom Hasslan als einem
Gitarristen, der mit pyromanischen oder eisigen Fingern die Geister von Ray Russell
und von Terje Rypdal beschwor. Krokofant II (RCD2177) ist nun die zweite große Fahrt
des Trios, erneut mit dem Engfelt & Forsberg Studio in Oslo als Ausgangshafen. Jørgen
Mathisen geht gleich mal mit vollmundigem Bariton auf Volldampf, Hasslan und derjunge Trommelknecht Axel Skalstad schaufeln mit strotzenden Muskeln Kohlen, wasdas Zeug hält. Das stürmisch geblasene abenteuerlustige Hurrah stößt auf raue See,
die Hasslan aber mit feuriger Entschlossenheit durchschneidet, wobei er das Knowhow
eines alten Fahrensmannes bei hardrockigem Wellengang an den Tag legt. 'Sail ahead'zeigt ungetrübte Aufbruchsstimmung, mit temporeicher Melodik von Mathisen, der die
Wellenkämme nachschnörkelt, die der aufheulende Wind mehr und mehr auftürmt. Mit
hellem Soprano kringelt er noch die Schaumkronen dazu, während die Motoren
stampfen und stampfen. Bei 'Nieu' heulen sich Bariton und Gitarre an wie zwei
brünstige Meeresriesen. Bis Mathisen die Szene herausfordert mit aufgekratzem
Sopranogetriller als Alter Ego, das das Bariton auf ganz neue Gedanken bringt. Rasantgeht die Fahrt weiter mit 'The Ship', Mathisen schwärmt wie einst die Alten von El
Dorado und vom Jungbrunnen, bis ihm die Stimme heiser wird. Hasslan steigt in diese
Phantasie ein und malt in schillernden Farben noch unbeschreibliche Köstlichkeiten
dazu. 'Snakedog' spinnt das Garn weiter und malt sich Chimären aus, wie sie Baudolino
begegnet sind. Mir geht das alles etwas zu schnell und zu einförmig. Tempo und Powersind aber auch bei 'Watchtower' wieder Trumpf, und Hasslan brilliert mit stupenden
Kapriolen, bis das Bariton nochmal mit fettem Schraubendruck die Krokofant // (um im
nautischen Bild zu bleiben) ins Ziel treibt.
Was hat FIRE! mit Roland Schimmelpfennigs "Das fliegende Kind" zu tun, das im
Blätterwald als Feierabend-Katharsis und krude Banalitäten-Mixtur zwischen
Betroffenheitskitsch und Märchenwahrheit gebeutelt wurde? Mats Gustafsson, Johan
Berthling und Andreas Werliin spielten dazu im Stockholmer Orionteatern live die
Musik. Im Orionteatern entstand im März 2015 auch She Sleeps, She Sleeps (RCD2178)
im Versuch, wieder direkt jenem Schönen nahe zu kommen, das, wie der Dichter sagt,
nur des Schrecklichen Anfang ist. Verhallende Schläge führen ein in 'She Owned His
Voice', das der pluckernde Kontrabass, flickerndes und knatterndes Drumming und ein
reibeisernes Baritonsax mit glühender Emphase anstimmen. Gustafsson findet zu
einem seiner großen zartbitteren Gesänge, durchhallt wie von Glockenschlägen.
Rühren die von Werliins Lap Steel Guitar her? Bei der langsamen Einführung ins
Titelstück rührt Werliin unstrittig an Röhrenglocken, Gustafsson bläst lang gezogene
herzzerreißende Töne. Wieder sind, dröhnend und wabernd, Klänge mit im Spiel, deren
Quelle diesmal auch die Gitarre von Oren Ambarchi ist, mit dem die Norweger auchschon "In The Mouth A Hand" (2012) eingespielt haben. Gustafsson findet mit dem
Tenorsax einen Ton, der sich mit dem Schlimmsten abgefunden zu haben scheint.
Werliin klopft ein auffallend nichtzielstrebiges Intro zu 'She Bid A Meaningless Farewell',das schließlich aber doch, wieder mit Bariton durchröhrt, zum Stampftänzchen wird,
mit Beats auch von einem Cello, das Leo Svensson mit dem Bogen schlägt. Bei 'She
Penetrates The Distant Silence. Slowly', dem tragischen Höhepunkt, pickt Berthling
Granatapfelkerne, Werliin lässt Metallstäbchen klingeln und pocht, synchron mit dem
Bass, als Hadesuhr. Gustafsson bläst Trübsal dazu und zählt dann die schwarzen
Sekunden mit, während das Cello am Lebensfaden sägt. Der matte Gang fasst aber
Tritt und taucht ein in die Nacht, an die Hand genommen von Calliope und Sandman.
6

Sub Rosa (Brüssel)
Kosmic Music from the Black Country (SR394, 2 x CD) versetzt einen ins
belgische Hennegau nach Charleroi, genauer: ins damals noch nicht
eingemeindete Marchienne-au-Pont. Schwarzes Land meint das umliegende Industriegebiet, obwohl die Kohlegruben und die Stahl- undGlasverarbeitung in den 1970ern schon im Niedergang begriffen waren.
Mit Francis Pourcel und Daniel Malempré fanden sich zwei Freaks, dieschon seit 1969 mit Sic eigene Musik machten, 1971 stieß Alain Neffe dazu
als dritter eines Bundes, der sich 1973-78 KOSMOSE nannte. An die Stellevon Malempré traten Paul Kutzner, der 1977 wieder ausstieg und GM
Hinant, der bis zuletzt blieb. Zur anfänglichen Pinkness früher Pink Floyd
und dem fliegenden Camembert von Gong kamen in der Quartettphasekrautige und psychedelische Anregungen durch Can und Hawkwind,wobei Pourcel, wenn er da die Bassgitarre mit dem Bogen traktierte, wohlauch John Cales Arrangements für Nico im Hinterkopf hatte. In derSpätphase reagierte der kosmische Zweig alarmiert und mit Warpsprüngen auf die Zeichen der Zeit, vor allem wenn Neffe zu Geheul
hingerissen wurde und schwarze Löcher an den Gehirnen saugten. Das
Ganze fand immer wieder Sonntags auf dem Dachboden bei den Pourcels
statt, frei improvisierte Jams, auf Tonband mitgeschnitten und jetzt von
Neffe aufbereitet als Legat einer, von einigen lokalen Auftritten abgesehen, nichtöffentlichen Band. Wie in einer Geheimkammer verwirklichten sie ihre Form von intensivem Leben. Als 'Alchemisten desAugenblicks', wie Hinant es im Rückblick nennt, jener Guy Marc Hinant,der Mitte der 80er dann Sub Rosa mitbegründete, während Neffe ab 1981
Insane Music for Insane People auf Kassetten herausbrachte. In Pseudo
Code hatten die beiden 1979-82 zuerst noch zusammen dysfunktionalen
Wave gespielt, während Pourcel sich mit Sic ebenfalls zu Synth-Waveabkühlte, nachzuhören auf "Thought Noises" (Dark Entries, 2012). Der
Marker für das Davor und Danach ist der danach dominante Geist aus derDrummaschine, mit einem neuen Selbstverständnis als organische
Maschine, wobei das Etikett 'Potlatch Music' verrät, dass der organische
Part bereit blieb, sich verschwenderisch zu verausgaben. Neffe machtesich auch explizit als Human Flesh einen Namen in der Post-Industrialszene und als Bene Gesserit, wo er mit seiner Frau Nadine Bal den
Wüstenplaneten durchstreifte. Nach Spice, wonach sonst? Bei Kosmose
spielte er den Roland sh1000-Synthie, eine String Elka Rhapsody-Orgel,Radio, Tapeloops und Querflöte, Pourcel Bass und Gitarre, Malempré und
Kutzner jeweils Gitarre, Hinant trommelte. Schlagender kann man die
Legende nicht widerlegen, dass Punk und Industrial mit spacewärts
orientierter Hippiepsychedelik und mit zeitvergessenen und realitätsflüchtigen Trips revolutionär gebrochen hätten. Aber schon Nurse With
Wound hat ja immer auf diesen Unsinn geschissen. Kosmose wäre wohl
auf deren Liste notiert, wenn sie zu Lebzeiten etwas veröffentlicht hätten.
Radio Massacre International, Alto Stratus, Endgame oder Zircon & The
Burning Brains, aber auch The Orb müssten solchen Vorgängern jetzt
eigentlich Weihrauch streuen. Verschwörungstheoretisch betrachtet,
diente Punk 'nur' dem Zuschnitt radiotauglicher Quickies vs. Musik fürlange Aufmerksamkeitsspannen und bewusstseinserweiterte Raum-ZeitErfassung. Aber hüten wir uns doch einfach vor falschen Gegensätzen.
7

Der auch als Pianist, solo und im Ensemble Ictus, bekannte JEAN-LUC
FAFCHAMPS bleibt hier bei Gentle Electronics (SR397, CD + DVD) als
Komponist hinter den Kulissen. Stephane Ginsburgh spielt sein 'Beth/Veth',for piano, metal percussion & electronics installation (2012). Als eine Art
Meditation aus kleinen funkelnden Wellen über 'bereschit', das "Im Anfang..."der Genesis, und wiederum über dessen Anfang, den hebräischen Buchstaben 'beth'. Neben Arpeggios klimpert Ginsburgh auch mit Gongs undanderem Metall, aber so fein wie Sekunden schlagen, auch wenn die Zeit ja
quasi mit auf Anfang gestellt wird. Um etwa ein altes Piano wie neu klingen zu
lassen. Nicht durch Virtuosität, vielmehr in einer selbstgenügsamen Andacht
mit repetitivem Duktus und subtiler Melodiösität. New Simplicity, wenn es
denn unbedingt ein Name sein soll. Aber Namen sind bekanntlich Schall und
Rauch. Also lauscht man doch lieber auf den Gesang der kleinen Dinge(elektronischen Phantomen und dem Knarzen des Instrumentes) und auf den
Klingklang der feinen Dissonanzen unter den tippenden Fingerkuppen. Nach
21 Min. inszeniert Fafchamps einen hastigen Abstieg ins Bassregister undeinen pathetischen Schub, dem jedoch wieder beruhigte und monotone
Einkehr folgt. Chinesische und sonore Gongschläge oder nadelfeines
Glockenspiel interpunktieren die brütende Befragung einzelner und einiger
weniger Töne. Dann setzt wieder schnelleres Funkeln ein zu stöhnenden
Lauten from nowhere, ausgedünntes Pingen zu wechselnden Metallictönen,feines Hämmern und Quirlen hin zu heftigen Faust- und Gongschlägen. Der
Ausklang jedoch ist kleinlaut und melancholisch. Aller Anfang sei schwer,
sagt man. Als ob das Ende leicht fiele. 'Street Music', for Plugged Viola (2009)gibt es als gefilmte Performance von Vincent Royer am 30.6.2013 auf einer
Treppe des Mont-Des-Arts in Brüssel. Looping, Pedaleffekte und Gitarrenverstärker ermöglichen einen druckvollen Groove mit Geschrammel, kraftvollem Minimalbeat und darauf aufgesetztem melodischem Zackenkamm, derimmer wiederkehrt. Die offenbar 4'33-gewohnten Passanten schert es kaum.
Royer wechselt vom Bogen zu einem Stöckchen, um auf die Saiten zu klopfen,
und wieder zurück zu schroffen Strichen, temperamentvoller Gypsyness,abhebenden Glissandos. Keine Ahnung, was mit den Brüsslern los ist, wir
hätten den Mann noch mit "Rock'n'Roll!" angefeuert. In einem zweiten Part
wird mit feinem Geflimmer, wehmütiger Lyrik und tristem Pizzikato auf einem
schimmernden Dröhnfond neu angesetzt. Die Kamera findet dazu eine blaue
Wand. Scharfe Striche bringen wieder Biss ins Spiel und die zunehmende
Schichtung auch wieder Fülle und 'rockigen' Nachdruck.
Die Brüder Stijn & Bert Cools in Antwerpen spielen auch schon in Hoera und
Pudding oO zusammen, der eine Drums, der andere Gitarre. Mit Indre
Jurgeleviciuté (Berts Partnerin auch in Merope) an Kanklės (einer
lithauischen Zither), Benjamin Sauzereau an weiteren Gitarren und Nathan
Wouters, der mit den beiden Brüdern auch in Matsenoto Kontrabass spielt,
bilden sie FIELDTONE (analog Raumton). Bei ihrem Book of Air (SRV412),
wahrhaftig Musik to read books by, blättern sie so versenkt im Kapitel 'Silenceis the new loud', dass man mit ihnen fast Sandfloh und Wolkengrau vergisst.
Eigentlich sind es sogar vier Kapitel, jedes zwischen 16 und fast 20 Minuten
lang. Für Folktronic ist das freilich zu wenig Volk, zu weltabgekehrt und dazu
quasi auch noch unplugged, denn die Gitarren werden gerade so ein wenig
gestreichelt. Für Postrock fehlt es am Rock. Stijn lässt die Becken sirren und
rauschen oder stupst mit den Besen. Und dazu werden träumerisch nur
Saiten gepickt, geharft, geplonkt, silberfadenfeine und von Wouters solche,die dick zu sein scheinen wie Taue. Mehr Siesta oder Chillen geht kaum. Fehlt
nur, dass ein Einhorn sich blicken lässt, wenn sich einem das Auge da so
jungfräulich verschleiert.
8

Dass Moondog (1916-1999) in den 90ern von mir
unbemerkt in Würzburg aufgetreten ist (zusammen
mit dem kürzlich verstorbenen Wiener Künstler
Ernst Fuchs, der Moondogs Grabmal in Münster
gestaltet hat), das zu erfahren, hat mich schwer
gewurmt. So bleibt doch weiter seine Musik, auf
Moondog (SR404) z. B. in einer ungenierten Verlebendigung durch das französische Ensemble
CABARET CONTEMPORAIN. Besetzt mit Piano, EGitarre, zwei Kontrabässen und Schlagzeug, sinddie fünf auch schon auf ähnlich legere Weise an
Werke von John Cage ("Cheap Imitation"), Terry
Riley ("Terry Riley Cover EP"), Steve Reich ("Different Trains") und Kraftwerk ("The Man Machine")
herangegangen. Der Clou bei diesem Projekt sindneben der selbstbestimmten Instrumentierung, diees auch schon bei der Moondog-Hommage von
Hobocombo gab, mit Linda Olah und Isabel Sörling
zwei schwedische Sängerinnen, die von "My Tiny
Butterfly" bis "High On A Rocky Ledge" die elf
Songs anstimmen. Leider nehmen sie, zumindest
nach meinem Dafürhalten, dabei sein "I love you foryour lovely still small voice" arg wörtlich undpiepsen, auch zu Lasten der Textverständlichkeit,
meist wie Kafkas Josefine, die Primadonna aus dem
Volk der Mäuse. Andererseits klingt so alles zart,
verletzlich und unschuldig. Und was wiegt dasüberhaupt gegen Zeilen wie "Make amends! / All
enemies I call potential friends. / Make your mark! /if need be, even make it in the dark. / Mum's theword! My sage advice, pretend you haven't heard"?
Sollte das nicht aus allen Lautsprechern schallen?
Nicht dass bei Moondog alles nur Sonnenschein und
fields of plenty wäre. Sein 'I'm Just A Hop-Head'endet mit "I'm so unhappy, I wish I'd never begun",und "All is loneliness here for me" sprüht, entgegenallem Drive der Musik, auch nicht gerade vor
Euphorie über das zugeteilte Los. Aber gerade inseinen Ansprüchen blieb Moondog sympathischgroßherzig: "Enough about human rights / Whatabout wal rights? / What about snail rights etc.?" Die
Musiker können insbesondere bei Moondogs
Kanons den ihrerseits geschätzten Duktus ständiger Repetitionen, drehwurmig kreisender Wiederholungen und ostinat geklopfter Stakkatos auskosten und speziell Giani Caserotto dazu seine
Gitarreneffekte ausreizen. Was bei 'Do Your Thing'schön schroff knackt und beim überkandidelten 'I'm
Just A Hop-Head' schön hoppt und albert. Dazu gibt
es das Je suis Paris-taugliche 'Paris' und den
Liebestod mit dem "Schnee-Mädel-Edelweiß" oben
auf seiner Felskante als ultracoolen Latin-Tanz.
Egal, Hauptsache Moondog.
9

Jozef Dumoulin und sein Fender Rhodes sind 2012 (mit Trevor
Dunn & Eric Thielemans) schon beim Moers Festival und mit dem
Trio Othin Spake bei Sub Rosa zu hören gewesen. Meist aberpubliziert er auf Rat Records, dem Label von Teun Verbruggen,der neben der Flat Earth Society auch mit Dumoulin bei Othin
Spake und The Bureau Of Atomic Tourism trommelt. Mit Lynn
Cassiers, seiner zierlichen Partnerin schon in Lidlboj, offeriert er
nun als LILLY JOEL etwas Besonderes. Was nicht allein daranliegt, wie sie da bei What Lies In The Sea (SR416) zu vokalisieren
anhebt. Die düstere Klangmalerei 'Blue Algae' ist sogar nocheindrücklicher, obwohl ihr Gesang da zwischen ominösen
submarinen Geräuschen kaum auszumachen ist. Zu singen mit
ihrer hellen Elfenstimme, die sie auch schon in Riccardo Luppis
freejazzigem Mura Mura hat aufflammen lassen und in den
krautigen Lo-Fi-Groove von Tape Cuts Tape eingemischt hat, ist
bei der 31-jährigen Antwerpenerin, die am Lemmens Institute in
Leuven Jazzgesang lehrt, nämlich immer verbunden mit Klängen
von Krimskrams und Effektgeräten. Das pulsierende 'A Wheel In
The Palm Of Your Hand' kommt einem Tape Cuts Tape-Trackziemlich nahe, der Singsang ist dabei niedlich wie ein Vögelchen,das man ins Nest zurück setzen möchte. Tatsächlich gibt es daeinen gelben Vogel und ein Vögelchen, das an Traurigkeit
verschied. Das eisig fröstelnde 'Thaw' könnte Teil ihrer audiovisuellen Winterreise "Er Staat Een Vrouw In De Kou" sein. Statt
Jazz mit Keyboards gibt es dunkle Klangpoesie. Cassiers lässt
ihr Stimmchen träumerisch schweben, Dumoulin seine Sounds'wij de wolken' und manchmal wie rückwärts quellen. An'Ruben's Tree' klirren Eiszapfen, die Wolken träumen sich selber.
Das Rhodes klingt bei 'The Cage Of The Yellow Bird' wie
dampfbetrieben, aber ziemlich orchestral, wenn auch wenig
vorschriftsmäßig. 'Zondag' bildet dazu einen bruitistischen
Kontrast, bevor der Gesang bei 'I Can See You From Afar'sehnsuchtsvoll wiederkehrt, obwohl das alles etwas spiritistischwirkt. Verzerrtes Daumenklavier und Fender-Flöte spielen
zusammen die Vogeltotenklage, bis Cassiers zuletzt bei 'Dew'
wie eine noch halbwüchsige Wiedergängerin von Nico an derfrozen borderline auftaucht. Traurig, aber seltsam schön.
10... over pop under rock ...

.

THOMAS BEL This Is Funeral Folk (thomasbel.virb.com, CD-R): Seit
"The Birds Are Still The Monarchs" (2009) ist der Mann in Toulouseseinen Weg durch dunkle Schatten und die finstre Nacht immer
weitergegangen. Und hat auf seine inneren Stimmen gehört, als
Seelenbruder von C. Th. Dreyers Vampyr, als Verehrer des Malers
Piet Moget, bei dem die Horizontlinie zu einer nebulösen erogenen
Zone wird. Bel ist ein Liebhaber bleicher Wangen und grauer
Stunden. Mit einer Sonnenaversion und einem morbiden Auge, aberauch einem hellwachen für das, was ist. "Sad Folk ist Krieg" lässt
daran keinen Zweifel. Hier raunt er wieder, zu pochender
Drummachine, düsterem Synthiesound, fatalistischen Cymbalschlägen oder trister Gitarre, als Troubadour der Finsternis von der
Schwärze in seinen Adern, von leeren und kalten Tagen,verschütteten Gefühlen, enttäuschter Liebe. Mit 'Lo-Fi Love' taucht
Bel in die Joy Division-Zone. Mit trotzigem "I remain fearless, I
remain hopeless, I remain sleepless, I remain heartless" bekennt
sein Alter ego sich zu seinen Narben und zu Hexen und Wölfen als
Weggefährten. Ihm ist bewusst, dass einen, der nur Trauer undDüsternis, Schweigen und Gewalt sein eigen nennt, eine einzige
Träne zu Fall bringen könnte. Seine Zerrissenheit geht schließlich so
weit, dass er um Aufschub fleht: "Let me be your sickness, let me be
your darkness." Lass mich wenigstens... Aber wen fleht er da an?
Eine Sie? Den dunklen Master unter einer schwarzen Sonne?
CLIMAT Iccopoc Papillon (Climat / Syncope Management): Wenneine Rockband auf Gesang verzichtet und auf das Songformat
pfeift, spricht das für einen gewissen Ehrgeiz. Dieses, ich nenne es
einfach mal Gitarrenquartett, da zwei Gitarren den Kurs bestimmen,
versucht statt dessen mit dichten, temporeichen Konstrukten zu
punkten. Dazu kommen V-Effekte wie der verstolperte Übergang von'Surpiqûre orange' zu 'Cactus 173' oder das Trompetenintermezzo'clmt seg. 7'. Und dem trögen Einstieg in 'Correspondence anonyme'
könnte man ebenfalls eine verstörende Absicht unterstellen, bevor
das Tempo anzieht, die Gitarristen sich aber neben strammem
Gebolze auch merkwürdig luftige Freiheiten nehmen. Manchmal wird
der Duktus geradezu fripperisch, und die vier verschieben da wie
eine wie geschmiert aufeinander eingespielte Viererkette (um das
mal fußballerisch anzudeuten). Ich vermisse bei so viel Tüchtigkeit
da etwas die Haken und Ösen, bekomme aber bei 'Barracuda'
erstmal leichthändigen Gitarrenschwebklang, der sich jedoch rasch
wieder verdichtet und bei den harmonischen Exerzitien rasant seine
Zahnrädchen schnurren lässt. Sanftes Rasseln führt ein in die
Repetitionen von 'Promis, demain j'arrête', und man freut sich jaüber die kleinste Infragestellung der rockistischen Hermetik. 'Clmt
seg. 5' ist erneut nur eine Miniatur mit Vögeln, Brandung undsilberfingriger Gitarre, bis 'Bird color inside' nochmal mit derTrompete, Strings und verhaltenen Gitarren Sonnenuntergangsfeeling evoziert, bevor sie prächtig untergeht. Bei allem Denksportkein hoffnungsloser Fall.
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L Lisa Gerrard* Aus dem Nichts veröffentlichte LISA GERRARD im August 2014 ihr Album
Twilight Kingdom - Featuring Daniel Johns, Patrick Cassidy, Astrid
Williamson and words by Russell Crowe zuerst als Digital Download und im
Oktober auch als physisches Medium auf CD bei ihrem eigenen Label
Gerrard Records. Die Überraschung war besonders groß, weil die
weibliche Hälfte von Dead Can Dance doch eigentlich mit ihren vielen
anderen Projekten (diverse Filmmusiken und Videospiel-Soundtracks) nachdem Ende der DCD-Reunion-Tour Ende 2013 gut beschäftigt war. Aber
wenn die Kreativität ihren Tribut verlangt, muss frau ihr nachgeben.
Wie der Untertitel verrät, sind bei "Twilight Kingdom" außer Madame
Gerrard auch diverse weitere Künstler mit am Werk gewesen. Drei der zehn
Songs nahm sie mit dem irischen Komponisten Patrick Cassidy ("Famine
Remembrance") auf: 'Adrift', 'Our Kingdome Came' und 'Become', die mit
episch-sanften Arrangements und Lisas häufig rezitierten, zärtlichen
Vokalisationen alle in den gleichen mystisch-ambienten Gewässern treiben
wie das gemeinsame Album "Immortal Memory" (2004), aber nie so tief indiesen traumwandlerischen See einzutauchen vermögen.
Was "Twilight Kingdom" von anderen Solo-Werken oder Kollaborationsprojekten Gerrards unterscheidet: sie hat sich nicht nur für den Instrumentalteil, sondern auch für den Gesang (außer bei Dead Can Dance bisher
immer ihre alleinige Domäne) Partner ins Boot geholt. Als kurioses
männliches Gegenstück fungiert der Australier Daniel Johns mit seiner
kratzig-ätherischen Eunuchenstimme. Er wirkt als Lerche zu Nachtigall
Lisa. Beim "luftgeisterlichen" Opener 'Blinded' steht Johns' wortloser
Gesang im Vordergrund, während Gerrard sich mit dem kontinuierlich
wiederholtem und nachhallenden Background-Gesang zufrieden gibt.
Gemeinsam mit dem Schlusstrack 'The Veil' bildet 'Blinded' musikalisch den
Rahmen des Albums, mit Klangebenen, die zum großen Teil nur aus verhallenden Stimmen bestehen. So könnte in Ansätzen eine Zusammenarbeit
zwischen Lisa Gerrard und dem Vokalisationsguru Mike Patton klingen. Bei'Estelia', dem vielleicht eindringlichsten Stück, erinnert Johns' Stimme (nurbegleitet von minimalistischen Gitarren) an die des indisch-amerikanischen
Sängers/Violinisten Lakshminarayana Shankar, der zum Soundtrack der USSerie "Heroes" den unverkennbaren Gesang beisteuerte.
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'Neptune' bildet die Hauptstadt des titelgebenden Königreichs im Zwielicht. Im
Unterwasserpalast ist Astrid Williamson die glasklar singende Meerjungfrau-Sirene,während Lisa als Göttin des Meeres das vollbringt, was sie eben besonders kann: auf
eigentümliche Art ihre Stimme in allen Lagen einzusetzen. Zusammen mit deneindringlichen Streicher-Passagen bringt dieses ungleiche Divendoppel einen der
Höhepunkte dieses so transzendenten Albums.
Ein weiterer Special Guest tummelt sich in 'Too Far Gone'. Die Lyrics zum einzig
englischsprachigen Song wurden von niemand anderem als Australiens StarSchauspieler Russell Crowe geschrieben, der sich wahrscheinlich dafür revanchiert,
dass Gerrard ihn bei den Filmen "The Insider" und "Gladiator" musikalisch so stark
begleitet hat. Immer wenn Lisa in ihrer Muttersprache singt ('The Sea Whisperer','Sleep'), strahlt sie eine eigenwillige Sanftheit aus, die hier allerdings nicht unbedingt
zum Thema der ertrinkenden Liebenden passt ("I am drowning..." "We're too far gone
to be saved"). Aber was könnte man als angehende Wasserleiche besseres
vernehmen als die Melodie des Meeres, den Gesang von Sirenengöttin Lisa Gerrard?

Bereits auf „The Black Opal“ (2009) war der Australier CYE WOOD als doppelter
Streicher vertreten. Gemeinsam mit seiner Mäzenin und Landsfrau LISA GERRARD
nahm Wood The Trail Of Genghis Khan – Music Inspired By The ABC Series (2011,
Vitamin, CY002) auf, ein Album, das von der gleichnamigen Doku-Reihe desAbenteurers Tim Cope inspiriert wurde, welche im Februar 2010 unter dem Titel “Aufden Spuren der Nomaden” auch auf dem deutsch-französischen Kultursender ARTE
ausgestrahlt wurde. Die Rollen sind klar verteilt. Während Lisa Gerrard in bewährter
Weise singt und Zymbal spielt, streichelt Cye Wood Violine, Viola, Gitarre,
Glockenspiel, Laute und betätigt sich auch an Percussions. Unterstützt wird diemusikalische Spurensuche nach dem Mongolenfürsten auch von einem mongolischen
Dorfältesten sowie Musikstudenten der Atrau Akademie für Traditionelle Musik aus
Kasachstan.
Obwohl sich Cope sicherlich nicht durch Asien gehetzt hat, die musical journey zu
seiner realen Reise bietet bei weitem kein gemächliches Karawanengedudel, sondern
vielmehr einen Vogelflug über die weiten Landschaftsbilder des mannigfaltigsten
Kontinents der Erde. Leider kann Gerrard mit ihrem genialen Partner nicht ganz
mithalten, was Vielfalt und Abwechslung betrifft, scheint Wood doch fast jedes
erdenkliche Instrument mit Saiten zu spielen, egal ob gezupft oder gestrichen. Esgelingt der Dead Can Dance-Sirene jedoch stimmlich die passende Modulation zu
finden. Der Instrumentalteil steht hier eigentlich im Vordergrund. Bei 'Tigon' ist derGesang nur ein gelegentliches leises Echo. Beinahe zum Tanz angeregt fühlt man sichbei 'Asena'. Ansonsten schrappelt Wood wie ein Wilder oder lässt seine Streicher mit
Lisa um die Wette wehklagen.
Marius Joa
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DA ArtcoreActionHeroes (da-rec 015, LP): Das ist
der Original-Sounddreck, den DA im März 2015
bei der Weltuntergangsaufführung von "AAH"von der Bühne des plastischen Theaters Hobbit
in Würzburg schleuderte (BA 85 hat davon
berichtet). Sepp Löbert, John Tiger, Schlockmistress Manüla & der Schlockmaster selbst als
Vollblutfrontschwein opferten sich da als
Katechon, als Aufhalter des Endgegners. Wer
Ernst Jünger kennt wie Felix Weber, der kennt
auch Carl Schmitt und Jacob Taubes. Wer zudem
als 'Paul Cezanne' mit dem Pinsel philosophiert,
der kennt sicher auch den einen oder anderen
Paulus-Brief. Und weiß daher was im Endkampf
die größte Waffe ist - Luv Luv Luv. In diesem
Geist rappt er 'Luv U Luv U 2', als einer der lastmen standing in der OrwellHuxleyWelt, knietief inSynthiestückwerk und enigmatischem Soundmorast, der die Zunge schwer macht und die
Bewegungen gummiartig. Eh man sich's versieht,
senkt sich die Nacht, und der Master beginnt zu
träumerischen Synthie- & Akkordeondrones,
klackend aneinander geschlagenen Zapfhähnen
und geisterhafter Vokalisation "Der Mond der Mond der Mond scheint nachts" zuraunen (im Original als akusmatische Pausenbeschallung). Um, wenn die Nacht amtiefsten, in die Klage auszubrechen: "Lost again, lost together, lost again, lost forever."Was einen mit dem Gefühl überschauert, als sei man nichts als Roadkill entlang derFeld- & Holzwege hinter Riedenheim. Bei 'Ultimate Hiphop' setzen sich jedoch die
Lebensgeister zur Wehr, mit ächzendem Kampf-Hip und Kampf-Hop geraten die
ActionHero-Puppen mit dem Endgegner aneinander. Und weiter werden bei 'Dicksaw'
Schwerter gegen Zapfhähne geschlagen zu orchestral flimmerndem Synthieloop: "I Kill
U! I Suck U! I Fuck U!" Bekanntlich triumphiert der Endgegner. Aber, mag der große
Architekt des Ganzen auch schweigen, wahre ActionHeroes sterben nie. There isalways tomorrow. DA orgelt und der Schlockmaster singt: "These are the Sounds ofTomorrow / Nobody listens today..."Der Kampf geht also weiter, allem zum Trotz.
Der Schlockmaster entsteigt einmal mehr
seinen Schlockweltall-Werkstätten als "Gilda
aus dem Dschungel" [Schlockcomics No. 14].
Denn während er sich abarbeitet am Auf- undZustand der Kunst, am Grab eines Weggefährten steht oder in der Sauna schwitzt,
teleportiert ein Wimpernschlag seinen GildaAvatar (und uns mit ihm) nach Sils Maria, wo
Genozid droht, oder an den Dreckspfuhl dergrausam-dummen Swengos. Drohkulissen, die
uns mit der Herrschaft der Ziffer, des Geldes
und des Warenkorbs versöhnen. Lost together bleiben der Schlockmaster und Manüla
unbeugsam. Abseits des Betriebs setzt er seine Schraffuren und sein Rat Drawing à laGary Panter und S. Clay Wilson gegen die Saubermänner der Ligne Claire (von Hergébis Chris Ware). Nicht als Outsider, sondern mittendrin und nah dran am Wesentlichen,aber eben nicht als Betriebsnudel, sondern als 'Privatiers des L'arts'. Mit jener Wildnis
im Herzen, wie sie nach Hölderlin, Nietzsche, Van Gogh, Jünger, Borchard oder Charlie
Hebdo nicht mehr aus der Welt zu schaffen ist.
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MARINA FAGES Dibujo de Rayo (Panai, pana 021): Die Liedermacherin
und Malerin aus Buenos Aires, die, beginnend beim Karneval derKulturen in Berlin und endend im Madame Claude ebenda, von Mai bis
November 2015 durch Europa tourte (zuletzt als Galgo & Kiki mit Ignacio
CZ), hat mich bei "Madera Metal" (2012) als Rotkäppchen, das zwischen
Idylle und Unschuld vexiert, gelinde gesagt, irritiert. Womöglich einfach
nur als viel zu jung. Auch in ihren neuen Liedern ist sie manchmal nochim Stimmbruch zwischen einem knospenden Schulmädchen und einer,
die taff genug ist, zu fetzig klingelnden Rockgitarren zu krähen, sichblankem Weiß und der universalen Strahlung zu stellen (und Murals mit
phantastischen und grünen Visionen zu malen). Zweimal spielt dieseGitarre mit Fernando Kabusacki von Los Gauchos Alemanes einer, derauch schon mit Fripps League of Crafty Guitarists oder mit Otomo
Yoshihide geglänzt hat. Daneben greift Fages selber zur kleinen
Charrango, zu Klarinette und Gitarre, um zu Synthesizer 'Barrio Infinito'
anzustimmen und zu Cello und Geige von 'Casas del Viento' und 'La
Realidad' zu singen. Die ins Englische übersetzten Texte verraten einenÜberdruss vor der Hitze in der Stadt, eine Sehnsucht, mit dem Bus,
besser noch mit einem gelben 1500 Dodge oder einfach mit dem Wind
raus zu kommen aufs offene Land und darüber hinaus. Bewegung,
Ermutigung, aufgerüttelt werden. Nun, die Energie dafür mag da sein,aber die Rockerei ist doch zu abgedroschen, die Songs ohne Drums undGitarre sind ansprechender. Eine akustische Version von 'Casas delViento' bietet den direkten Vergleich. Dass Fages nur bei 'Cuarto deMadero' die verliebte Ich-Du-Brille aufsetzt, ansonsten aber einen Blickhat für Häuser, die wie Grabsteine aufragen, und eine Empfindsamkeit
für unsichere Verhältnisse, hebt diese argentinische Erfahrung aberinsgesamt über bloßes Allerlei hinaus.
KILL YOUR BOYFRIEND The King is Dead (Shyrec, shy 021, 12"): Die
Band aus Treviso bringt hier zwei weitere Todeslisten, nach Alexander,
Jacques, Hansel und Xavier auf der Debut-EP (2011) und Chester,
Dexter, Egon, Henry, Tetsuo und William auf der Fortschreibung (2013)
nun 'Alan', 'Charles', 'Frank' und 'Jesse' als List n.1 und 'Lewis', 'Neil','Martin' und 'Rudolph' auf List n.2. Matteo Scarpa ist der hauptsächliche
Buchführer mit Antonio Angeli als rechter Hand. Dazu kommen gezielt
Piano, Synths, Keyboards, Viola und für 'Jesse' sogar ein Saxophon.
Wozu? Zu Angelis Drumming und zu der Gitarre und dem Gesang vonScarpi, der mit Punk-Emphase schreit, dass jemand schreit ('Charles').
Der Krach ist allgemein stark, die Verständlichkeit gering. Die Gitarre
klingelt und sägt, ein Synthie brummt, und ist nicht nur als Gastspiel imSpiel, sondern als Grundrauschen. Die allgemeine Stoßrichtung zählt,nicht das einzelne Wort. Um bestimmte Personen scheint es nicht zu
gehen, so à la Hommage oder Nachruf. Speziell 'Jesse' und 'Martin'
haben jedoch allemal das Pathos von Postpunktrauermärschen oder
Niederauffahrten in den Hades und prompt den elegischen Beigeschmack von Joy Division, zumal Scarpa sein Timbre da abdunkelt.
Dass wir uns, wie ihr Landsmann Giorgio Manganelli festgestellt hat,„umkreisen (...), eins ums andere, schlaue, geduldige, wilde Tiere, undunterhalten (...) mit Jaulen, Asthma, Schnauben", dem würde Kill Your
Boyfriend wohl kaum widersprechen. Aber Angelis und zudem
maschinelles Gehämmer, die Gitarrenfräße und Scarpas punkige
Deklamationen haben das Zeug, Zombiearmeen auf Trab zu bringen, im
manganellischen Bewusstsein, „daß es keine Form der Rettung gibt
außerhalb des Monströsen.“15

*Julia Holter: Have You In My Wilderness

Es stimmt zweifelsohne, dass ich mich in die Musik von Julia Holter verliebt
habe. Dass sich jedoch dieses Gefühl so lange halten und darüber hinaus dasvierte Album der amerikanischen Sängerin und Komponistin meinen Nerv so
empfindlich treffen würde, war so nicht zu erwarten. Have You In My
Wilderness, Ende September 2015 bei Domino Records (WIGCD341)
erschienen, ist pure Magie, die mich völlig in ihren Bann gezogen hat.
Alternativ könnte man das Album auch mit "Julia Holters mystische
Meisterballaden" überschreiben.
Gleich der recht flotte Opener 'Feel You' stellt eine existenzielle Frage, dieeigentlich die Zuhörer an die Künstlerin richten müssten: "Can I feel you? Are
you mythological?". Andererseits ist der Song auch einfach ein Musterbeispiel
für Holters Brillanz. Kontrabass und Drums geben den Rhythmus vor, nacheinem kurzen Cembalo-Intro beginnt der liebliche, eigenwillig akzentuierte
Gesang mit ein paar süßen Hauchern, die im Hintergrund leise verbleiben,
wenn Violine, Cello und natürlich Keyboards einsetzen.
Das lyrische Ich wechselt zwischen weiblicher und männlicher Perspektive,
jedoch ohne den objektivierenden "Male-Gaze" oder gar einen entsprechenden Gegenentwurf. Eroberung, Verliebtheit, Ablehnung, Verlassenwerden, das scheinen Themen zu sein, die hier in komplexen musikalischen
Miniaturen filigran verarbeitet wurden. 'Silhouette' beginnt vergnügt, verliebt.
In heller Vorfreude wird die Ankunft des Geliebten herbei gesehnt. Doch er
kommt nicht und die Sehnsucht schlägt in Verzweiflung um ("I cede all mylight and play abandoned fool"), das Schattenbild führt zur Schwelle desWahnsinns, in einem alles zusammenflirrenden, hämmernden Schlussdrittel,
das seinesgleichen sucht. Was für ein Finish!
Einen weiteren "traurigen", wenn nicht DEN Höhepunkt des Albums bildet'Lucette Stranded On The Island'. Eine überirdische Göttin (inklusive ihren
himmlischen Heerscharen mit Engelsglöckchen!) besingt Lucettes Schicksal,
die ausgenutzt, ausgeraubt und ausgesetzt auf einer einsamen Insel auf ihrEnde wartet.
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Doch ich erkenne neben der fatalen Robinsonade noch eine Odyssee. Der Zuhörer ist als
Zeus genährter Laërtes-Sohn auf einer Gratwasserung, aber keineswegs zwischen Skylla
und Charybdis, sondern zwischen den Sirenen ('the birds can sing a song') undCirce/Kalypso auf ihrer Insel der unsterblichen Freuden, beide vielstimmig verkörpert vonJulia. Welcher Versuchung soll man denn da nachkommen? Nach dieser sechsminütigen
Wucht von einem Stück bin ich endgültig "holterised"!
'How Long' gehört thematisch eigentlich ins letzte Album "Loud City Song", wurde
vermutlich dort weggelassen, um die positive Grundstimmung nicht anzutasten. Mit tiefer
Nico-Stimme beschwört Julia anfangs die Figur Sally Bowles aus Christopher Isherwoods"Berlin Stories", bevor sie zaghaft-lethargisch die richtige Art und Weise erfragt, wie manum eine Zigarette bittet. Voller Schwermut jammern die Streicher. Das Leben in derGroßstadt ist bleiern und mühselig geworden. Den Wahl-Berlinern erscheint ihre
Metropole fremd.
Im Dunkeln des 'Night Song' mit romantischen, aber auch bedrohlich schreitenden
Streichern äußert die Verliebte ihrem männlichen Widerpart den Wunsch, dass er sich ihr
mehr öffnen, ihr seinen zweiten Ausdruck endlich enthüllen möge („Show me your second
face“), als Gegenleistung für Einsatz und Aufopferung ihrerseits. Doch auch hier gibt eskein Happy End („What did I do that you would make me feel so bad?“). In der herzerweichenden Ballade 'Betsy On the Roof' wird verzweifelt versucht, die Titelfigur vom
Sprung in den Tod abzubringen („I'm standing here on the ground, Betsy, my arms
stretched out...“). Ein Fall für Ms. Holter als virtuose Piano-Solistin.
Bei all den eher traurigen (Liebes-)Geschichten mussnatürlich ein wenig positive Zerstreuung her. Bei 'Sea
Calls Me Home', relaxtem Herumtollen am Strand mit
Cembalo, Sgt Pepper-Beat, vergnügtem Pfeifen undeinem von der Leine gelassenen Saxophon-Solo,erscheint es auch völlig unerheblich, dass die Fähigkeit
zu schwimmen fehlt („I can't swim. It's lucidity. So
clear!“). Schließlich ist das richtige Schuhwerk mit den
von Nancy Sinatra inspirierten 'Everytime Boots'
vorhanden, um über Sand und Stein zu schlappen.
Doch was wirklich hinter den zehn poetisch-musikalischen "Short Stories" der CD steckt, bleibt verborgen.
Die 31jährige nimmt uns mit in ihre eigene Wildnis, aber
wir verlaufen uns darin und sehen den mystischen Waldvor lauter Bäumen nicht. Ähnlich ergeht es vielleichtauch der im Titeltrack angesungenen „Lady of Gold“(„Lady of gold, you would fit beautiful in my wilderness“), die sich trotz wunderschönstem Gesang unddem verlockend gezupften Kontrabass nicht so ganz
fesseln lässt („Ooooooh shut up!“). „Tell me, why do I
feel you running away?“, fragt die „männliche“ Stimme
wiederholt und immer flehender. Vermutlich ist derSong aber auch ein Sinnbild für bezaubernde Rätselhaftigkeit und Unnahbarkeit, die in Julia Holters Werken
so kunstvoll zelebriert werden. "Have you In My
Wilderness", für mich deren Höhepunkt, ist ein
museninduzierter Gefühlsstrom aus dem Holter'schen
Zauberwald, direkt ohne Umwege ins Gehirn, ins
Bewusstsein. Mit Synästhesie-Effekten nicht nur fürGottesohren. I can hear you and my mind is now
allowed to cry. Man möchte der jungen Dame eine(freilich nicht objektivierende!) Ode singen, die etwa so
beginnen könnte: Thank you for having me in yourwilderness.
17Die große Frage am 29. Oktober 2015 in der Brotfabrik zu Frankfurt am Main:(wie) lässt sich Julia Holters Mischung aus komplexen Arrangements unddiesem anderweltlichen Gesang live umsetzen? Doch bevor wir eine Antwort
erhalten, stimmt uns die Französin Delphine Dora mit minimalem Solo-Pianoein. Etwa 20 Minuten, scheinbar ein Stück, mit vielen Wechseln und dazu nochdie zaghaft-leise Stimme der 35jährigen mit wortlosem Gesang, gelegentlicheingehaucht.
Ganz unglamourös erklimmen Julia und ihr "three man orchestra" - Devin Hoff
(E-Bass), Corey Fogel (Drums, Vocals) sowie Deanna Maccabe (Viola, Vocals) wenig später die Bühne vom Zuschauerraum aus, wobei Ms. Holter ihre Noten(oder war es die Setlist?) vergessen hat und daher kurz nochmal
verschwindet. Schon beim ersten Stück 'In the Green Wild', unterfüttert vom
zupfenden Devin Hoff (dessen Instrument wie der kunstvoll restaurierte Rest
einer zersägten Harfe aussieht), wird klar: Julias eigenwillige Singstimme ist
echt und anstelle technischer Effekte übernehmen Drummer und Violistin den
Background-Gesang. Vor allem Maccabe vollführt diesen Part neben ihrem
virtuosen Viola-Spiel mit besonderer Brillanz, lässt beim vielstimmigen'Lucette Stranded On an Island' fast vergessen, dass nur eine Julia Holter auf
der Bühne steht und singt. Aber auch die komplex arrangierten Kompositionen, die zwischenzeitlich eine klassische Songstruktur unterbrechen,um sich an den mannigfaltigen Klängen zu berauschen, werden ohne
nennenswerte Abstriche auf die Bühne gezaubert. Dafür sorgt vor allem Julia
herself mit ihrem knallroten Keyboard, in dessen Tasten sie z.B. beim furiosen
Finale von 'Silhouette' kräftig hämmert. Gerade keine Brass-Band für den
Blechbläser-Belästigungs-Marsch 'Horns Surrounding Me' zur Verfügung?
Macht nichts, auch das vollbringt der rote Zauberkasten im Zentrum.
Ihrer unnahbaren Aura wird Ms. Holter auf der Bühne nicht ganz gerecht.
Lässig wippt sie hin und her, streicht sich immer wieder die ungebändigten,
mehr als schulterlangen braunen Haare aus dem Gesicht und formuliert fast
flapsig ihre sporadischen Ansagen. Bei 'Sea Calls Me Home', dessen
Ankündigung von einigen im Publikum besonders bejubelt, wird mit Fogel um
die Wette gepfiffen und die Viola muss sich als Saxophon für das
entsprechende Solo verkleiden. Trocken kommentiert Julia schließlich den
Beginn der Zugaben mit: „You didn’t stop clapping so we came back!"
Leider ist nach einer guten Stunde der Holtersche Bühnenzauber schon
wieder vorbei und nichts hätte der Stimmung hinterher besseren Ausdruckverleihen können als die Musik, die nach dem Konzert aus den Lautsprechern
dröhnt: „The Marble Index“ von Nico.
Einige Wochen, viele Holter-Hörstunden und Youtube-Videosichtungen später
bin ich immer noch in der „Wilderness“ gefangen.
Marius Joa

Fotos: Rick Bahto

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MARY OCHER + YOUR GOVERNMENT (Klangbad 69): In Moskau geboren, in
Israel aufgewachsen, seit 2007 in Berlin, wird Ocher in den Hipster-Kreisenals "Höllen-Maid" geschätzt, die auch Ariel Pink, Cocorosie und Hans Unsterngoutieren. Mit Sibylle Berg war sie 2012 auf Lesetour, "War Songs" (2011) und"Eden" (2013) machten sie zu einem Darling der "queer and underground art
communities worldwide". Womit sie sich eine postfeministisch ziemlichschiefe "Durch die Nacht mit..."-Tour mit Sasha Grey einbrockte. Die macht,
wie ich mir ergoogeln muss, Punst, was, analog Flisch, Porno+Kunst bedeutensoll, mit angeblich feministischem Überbau zum fickfrechen Mundwerk. Dem
entspricht bei Ocher ein etwas anderes Selbstbewusstsein und Selbstverständnis. Ihre Attitude zeigt sich darin, wie sich die ulkige Olga selber als
madenweißes Oomph-Grrrl nudelt. Und in Musik, die als eine Variante desNeo-No-Wave auf ESP zugeschnitten ist auf die pussy-rioteske In-YerFaceness der blondierten Krawallschachtel und ungenierten Bikini-Killerin
mit großer Brille auf der kessen Nase. Angeschoben vom vierhändigen Tribal
Drumming von Oliver Rivera-Drew + Stefan Widdess, 80er Retro-Synthiesounds oder einer Gitarre, so simpel wie ein Knasttattoo, erklingen Songs, dieOcher mit prächtiger Strahlkraft kräht und deklamiert. Was stimmlich naiv als
Maria Carey-Kopie anfing, umfasst längst auch PJ Harvey und Yoko Ono undbeim 7"-Track 'Thunderbird' eine Über-Nico. Die antinationalistische Thematik
bei "War Songs" und das Religionskritische, das bei "Eden" mitschwang,
kehrt wieder in 'The sound of war' und 'Calvary'. Dazu propagiert Ocher die
Furchtlosigkeit, zu träumen von einer neuen Sprache und einem anderen
Leben. Ein Textverständnis muss ich denen überlassen, die ihr live von den
Lippen lesen können. 'Man vs. Air' hebt up tempo ab mit pulsierendem Synthie
und kirrenden Vocals, 'In drag' hält das Tempo hoch mit klackender Kuhglocke
und Holzbeinbeat. Das dunkle 'Now (fear)' krönt Ocher mit Yma SumacSchnörkeln, 'The howl' kommt mit Handclapping als Surf-Rock. Zu dudeligem
Synthie und feierlichem Getrommel verkündet sie mit großer Geste 'I am atree', noch besser gefällt jedoch der finale Idiot-Break-Shuffle ohne Namen.

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MAJA OSOJNIK Let Them Grow (Unrecords, unrec11/Rock Is Hell, RIP66):
Wenn Osojnik den Vorhang aufzieht, um sich und uns zu konfrontieren mit
Wünschen und Ängsten, erscheint sie zuerst als naturhafte Projektionsfläche,als gefrorener See, um darauf Schlittschuh zu laufen, als Wasser, um darin
einzutauchen. Man muss es ihr nur sagen, und sie wird's, in einem mit E-Basssuggerierten Dunkel, über dem Möwen schreien. Das Ambiente, das sie mit
Paetzold Bassblockflöte, Electronics, Kassettenschlaufen etc. erzeugt,klangmalt die Frau, die mir mit Broken.Heart.Collector ans Herz gewachsen
ist, mit düsteren Farben, mit denen sie pustend, blubbernd, gurrend, rau
schleifend und kratzend das Wrack ihrer Conditio humana umkreist (explizit
als 'Condition I. - IV.'). Sie deklamiert und räsonniert, lässt das aber in wüstem
Industrialnoise untergehen oder von klappernden Gebissen fressen. Sie fragt
warum, warum, warum, und weiß kaum, wo ihr der Kopf steht ('Hello, i can notfind my head'). Was sie da erschafft, sind weniger Songs als ein Seelenstriptease in einer Reihe desillusionierter Introspektionen. Zu tropfendem
Piano wird 'Nothing is finished until you see it' aber doch zu einem von weißen
Wellen überspülten Lied vom Ver-lieben, Verfehlen, Nicht-Erinnern. "So comeout, you rotten cocksucker, here is your fucking POP SONG." Osojniks Ich
zergliedert sich selbst, dröhnend, mahlend, mit dumpf einschlagenden
Detonationen, zitterndem Gestänge. Zum bepaukten Titelsong wünscht sie
sich, in Nico-Tonlage, dass ihr die Arme und Hände wachsen, um sich selberganz zu umarmen. Gefolgt von weiteren Lärmstürmen, verhackstückter
Sprache, hinkendem Puls. "My body hurts when You march thru me." Osojnik
erstarrt zu Eis und wandelt über Glassplitter in Erwartung, dass die Sonne
und der Himmel stürzen. Automaten zerstanzen die Sekunden metronomisch,zerblasen sie zu einem Rauschen, das abreißt für 'A lullaby to an unborn child,a love song'. Glockenspielerisch umfunkelt singt sie da mit sich selber in einer
Stimm- und Dröhnwolke "Snow falls..." Und stellt sich vor, mit atemlosen
Küssen in den Schlaf geküsst zu werden. Aber leider ist alles zu schwach, zu
stumm, zu spät, zu tot, und das Schicksal zieht die Schrauben so fest, dass es
knarrt. Osojnik hält mit einem Kanon dagegen und hartnäckigem Ostinato.
'Condition IV.' setzt in brummigen Kontrabasswellen den Schlusspunkt. Das
ist der Stoff, den sie mit All.The.Terms.We.Are in Saalfelden auf die Bühne
brachte, Musik, wie man sie unter einem umgedrehten Stein findet.

20

* MARC RIBOT THE YOUNG PHILADELPHIANS Live In Tokyo (Yellow Bird, 2015):
Da hätte ich Ende der 60er, Anfang der 70er nicht im Traum daran gedacht, dassich mir Titel wie 'Fly Robin Fly' von Silver Convention freiwillig immer wieder
anhöre. Straften wir doch damals die geschniegelten Würzburger Schickimickis,
die in die Nobeldisco Odeon strömten, mit Verachtung. Wir ließen die Haare lang
und wild wachsen und hielten's mit Zappa: „Disco Boy / Run to the toilet Boy / 'n
comb your hair“, und hörten Van der Graaf oder King Crimson. Aber mit 'Love
Epidemic' (von The Trammps), dem Opener von "Live In Tokyo", schlagen Marc
Ribot und Mary Halvorson an den Gitarren und die Coleman-Prime-Time-Alumni
Jamaaladeen Tacuma am Bass und G. Calvin Weston am Schlagzeug mich sofort
in den Bann. Zu drei säuselnden japanischen Streichern heulen hendrixartig Ribot hat aber auch alles drauf - Gitarren. Beim Text beschränken sich die
Philadelphians weitgehend auf die ständige Wiederholung des Refrains: „Spreadthe Love Epidemic all around the world / Every boy, every girl“, verzichten auf die
einfachen Botschaften des Originals, wie: „It's gonna make you love yourneighbour / Treat all your enemies kind. / People show the world that you're able /get along with all mankind...“ Mit 'Love TKO' folgt eine ruhigere R&B-Nummer, diemeist mit Teddy Pendergrass in Verbindung gebracht wird und sich langsam an
den Hörer anschleicht. Und dann 'Fly Robin Fly' – deutsche Disco Musik im
Bähbäh Munich Sound, aber auf Platz 1 in den USA – damals abscheulich,unerträglich, beginnt mit pfrazzendem Bass, Streicherschmalz und Shaft-Gitarre.
Der Text ist nach wie vor sinnentleert: „Fly robin fly, fly up to the sky.“ Die rotzig
noisy-punky Gitarrensoli, zu der die Steicher Nadelstiche setzen, machen die
Sache erträglich, die Füße beginnen zu wippen, der Groove infiziert. Es folgt dernächte Billboard 1 Hit im Phili-Soul/Disco-Style: 'The Sound Of Philadelphia' von
MFSB (Mother Father Sister Brother - genialer Bandname) ist zunächst
stimmungsvoll sentimental wie eine Winnetou -Filmmusik, bis die Gitarren eisern
gegen den Strich bürsten. 'Love Rollercoaster' der Ohio Players ist R&B-Funk.
Tacuma zieht alle Register, bis sein Basssolo verblubbert und in einen
Discostampfer übergeht. 'Do It Any Way You Wanna' (von People's Choice) ist
R&B. Wahwah-Gitarren, Bass und Streicher grooven einen infektiösen Rhythmus
mit Ansteckungspotential, zu dem die Gitarren sich austoben können. Das
sphärisch startende 'The Hustle' von Van McCoy gibt den begeisterten Japanernund mir zum Abschluss noch einmal richtig Zunder. Und mich beschleicht
seltsamerweise ein Gefühl, mich schon immer in Discos ausgetobt zu haben. The
Young Philadelphians haben es also geschafft, mich mit einer einst unsäglichen
Musik zu versöhnen. Die tanzbare, unterhaltsame Scheibe macht sogar richtig
Spaß, und gute Laune. MBeck
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SLALOM Wunderkamera (Lado ABC A/15): Wunderkammern, immer wieder Wunderkammern voller Kuriositäten und Raritäten. Marcus Schmickler führte in den"Palace Of Marvels [Queered Pitch]" (2010), mit Iain
Sinclair streifte ich auf dem Weg nach Oxford die(weitgehend verlorene) Tradescant/Ashmole-Sammlung.
Unser polnisches Trio hier lenkt die Phantasie hin zum
Museum Wormianum, das Kabinett des dänischen Altertumskundlers und Arztes Ole Worm (1588-1654). Und
frischt zugleich die good vibrations auf, die mein kleines
Lado ABC in BA 78 motiviert hatten. Seitdem waren die
Warschauer nicht müßig, "12 Catchy Tunes (We Wish We
Had Composed)" von Mitch & Mitch, "Post-Mortem
Lovers" von Ed Wood, "La Isla Bonita" von Deerhoof,"Ceratitis Capitata" von Paweł Szamburski, "Ask The
Dust" von Lotto, "Puro Osso" von M. Takara (Percussionist und Elektroniker im Exploding Star Orchestra) und"Ostatnie Sonaty Fortepianowe", Marcin Maseckis Versionen der Beethoven-Sonaten Op. 109 - 111, bezeugen
ihre kuriose, mir ausnehmend sympathische Vielfalt. In
Slalom gibt es ein Wiederhören mit Hubert Zemler,
Drummer bei Dominik Strycharski Core 6 (oder auch dem
Wacław Zimpel To Tu Orchestra), dazu an Synthies,
Bassgitarre und Sampler Bartosz Weber (mit Baaba und
Mitch & Mitch ein maßgebender ABC-Schütze) und an E-&
Lapsteelgitarren sowie Synthies Bartłomiej Tyciński (vonAlte Zachen). Zemler treibt die krachende Gitarre undden launig schnarrenden und dudelnden Synthie zu einem
türkischen Tänzchen, der kein bisschen türkisch klingt,
und zu seltsamen Begegnungen mit einem Nilpferd, Delphinen, einem Murmansker Drachen und einem Wasserspecht. Genauer betrachtet ist das Rock mit poppigen
Fransen und Schnörkeln, der sich kein bisschen Ernst
nimmt und gerade deshalb Spaß macht. Tyciński ist ein
ausnehmender Könner, der bei 'Hippo's Early Comeback'steinerweichend bluest, während Weber Sputniks
schwirren und kreisen lässt. Da wird selbst Elephant9
aufs zweite Treppchen verwiesen. Bei 'Delphinne' beginnt
zu Kuhglockenbeat und Moog Joanna Halszka Sokołowska zu singen, eines der Chorusgirls bei "1976: A
Space Odyssey" von Zbigniew Wodecki w/ Mitch & Mitch
Orchestra and Choir, dem ambitioniertesten Lado ABCRelease 2015. Hier folgt dem delfinischen gleich mal
wieder ein feuerspuckender Track und 'Psy Core Key' alszuckende, tockende Jagd mit Moog-Antrieb. Auch bei'Waterpecker' hat Slalom es noch eilig, mit pumpendem
Puls und ausschweifend furzelndem und funkelndem
Synthie, wobei so lange Hawaiiluft geschnappt wird, bis
die Sache rund läuft. 'Sad SAD sad' mit einem tickenden
Loop, zart schimmernder und die Sekunden schlagender
Gitarre und gedämpft pochender und tickelnder Handarbeit von Zemler schafft einen ätherischen Ausklang,dem ein Synthiestaubsauger alles Ätherische absaugt.
Aber nicht deshalb sage ich "Schade", sondern weil es
nach 39 Min. schon zuende ist.
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NOWJAZZ PLINK'N'PLONKCreative Sources Recordings (Lisboa)
Was piepst denn da? Was quarrt und faucht denn da? Einmal mehr ist es
kaum zu fassen, was für eine faunische Parlamentssitzung UTE WASSERMANN und BIRGIT ULHER da bei ihrem Radio Tweet (cs 335) inszenieren,ausschließlich mit Mundwerk, Vogelpfeifen, präparierter Trompete und ein
bisschen Radiorauschen. Verhandelt wird die Freiheit der Rede und desAusdrucks, als ein kirrendes, flötendes, zirpig bibberndes, pfeifendes,
trappelndes Mit- und Durcheinander. Das Verfassungsgericht hat, mit
Hörproben, über zwei Sekunden verhandelt. Hier herrscht über eine
dreiviertel Stunde ein Auftrieb von Pfingstochsenfröschen und Maulwurfsgrillen, ein glossolales Keckern, Blubbern, Klopfen, Girren und Sirren
der Abgeordneten gefiederter, bepelzter und sechsbeiniger Dschungel- undWattbewohner, Luftraumverdränger und Erdreichbohrer, von kecken
Spuckegurglern, Schleifsteinläusen, Schmauchspurfauchern, Spitzmaulspotzern, Lippen- und Zungentänzern und Hohlzahnschmurglern. Eine
Zoophonie, bei der Phantastik zugleich Programm und ein Kinderspiel ist. Bis
hin zu 'Radio for Birds' als rauschend überkochender, schrill durchpfiffener
Summa summarum.
Sieben entrückte Lieder (cs 339) ist einschöner Titel für das, was FRANK GRATKOWSKI mit Altosax und einem Sortiment
an Klarinetten, RICHARD SCOTT, der mit
seinem Modularsynthesizer zwischen Manchester und Berlin pendelt, wo auch der
Perkussionist MICHAEL VORFELD als derdritte im Bunde zuhause ist, zusammenmachen. Scott, ein alter Hase, der mit
Clive Bell, Rex Caswell, Evan Parker, in
Grutronics, seinem Lightning Ensemble undimmer wieder auch mit DJs gespielt hat,
entlockt als ein britischer, d. h. ein ganz vonUnderstatement geleiteter Thomas Lehn,seinem Klangkoffer pointillistisches Ge
blubber, wooshende und ploppende Laute, sirrende Impulse, die gut mit der
Bassklarinette zusammengehen als Sonic Fiction, die öfters mal wie das
Logbuch von R2-D2 anmutet. Wie es in Space Operas nicht unvertraut ist,mischt sich da extraterrestrische Strahlung mit Regen auf der Montur, dem
Geruch nasser Ewoks und anderen Skurrilitäten, dem All ist ja vieles
zuzutrauen. Vorfeld zeigt sich all dem lakonisch gewachsen, egal ob's auf
Kartons oder auf Büchsen tröpfelt, er lässt's gongen, windharfen, ratscht mit
Federn, handwerkt wie einer, der allem Zuhandenen etwas Brauchbares
abzugewinnen versteht - tatooinesche Banthasglocken zu Trink- undKlangschalen, Schrottteile zu Spielzeug. In dieser Geräuschwelt kommt
Gratkowski die Rolle des entrückten Poeten zu, der in sich versunken und vonfernen Monden beschienen flötet, während Xenoschlingpflanzen als
Klangbänder seine Station umwuchern. Oder er imitiert, was da draußen so
fremdartig murrt und gurrt. Die großen Fragen bleiben 'ungelöst', der Gesang
der kleinen Dinge muss uns vorläufig genügen.
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EMANEM (Granada)
Alle 20 Jahre wieder. Das First Duo Concert (EMANEM 5038) von ANTHONYBRAXTON & DEREK BAILEY, das am 30.6.1974 stattgefunden hat, wurde vonMartin Davidson im gleichen Jahr als Doppelalbum herausgebracht. 1995
erschien ein CD-Reissue als EMANEM 4006. Und nun haben wir eine
Neuauflage davon vor uns, mit so minimalen Modifikationen, dass sie nicht derRede wert sind. Umso mehr könnte man über den Zusammenklang der beiden
sagen, wobei da schon böse und ablehnende Zungen mit Gift oder
Borniertheit nicht gespart haben, um von einem "Dialog zweier Tauber" zu
lästern oder Bailey als billige Kopie von Son House kleinzureden. Der Witz ist,
dass selbst bei einem bloßen Nebeneinander - ich denke da exemplarisch an
mein einziges Bailey-Liveerlebnis, sein Meeting mit The Ruins - mit Bailey auf
der Bühne doch immer etwas Besonderes sich ereignet, das seinem Eigensinn
zu verdanken ist. Er zupft und biegt hier die Saiten einer verstärkten und einer
19-string-Gitarre, Braxton steigt von Flöte und Sopranino- über Soprano- &Altosax bis in Kontrabassklarinettenabgründe umeinander. Wobei sie so
rücksichtsvoll nebeneinander monologisieren, dass der eliptische Charakter
des Treffens, also seine Zweipoligkeit, ganz von Zwanglosigkeit undTransparenz beherrscht wird. Verabredet waren lediglich bestimmte Motive,
Stakkatos bei 'Area 2', Haltetöne bei 'Area 6', Repetitionen bei 'Area 10', ein
Gitarrensolo im ersten, ein Braxtonbrainfuck im zweiten Set. Wer den
struppigen Zusammenprall zweier Egos erwartet, wird enttäuscht, wer
prickelnd feines Actionpainting zu schätzen weiß, bei dem jeder bruitistische
Moment von anderthalb lyrischen oder vogeligen aufgewogen wird, der wird
reichlich bedient.
Auf Last Tour (EMANEM 5039) hört man STEVE LACY bei seinem vorletzten
Konzert, am 12.3.2004 in Boston (eine Woche danach spielte er ein letztes Mal
im New Yorker Iridium). Im QUINTET mit Irene Aebi, dem Posaunisten George
Lewis, dem treuen Jean-Jacques Avenel am Kontrabass und John Betsch an
den Drums hatte Lacy 2001 schon "The Beat Suite" kreiert. 'Naked Lunch', ein
Tango mit Drumsolo, nach William Burroughs und 'In The Pocket' nach einem
Poem von Anne Waldman rühren davon her. 'Morning Joy' & 'As Usual' nachTexten von Bob Kaufman und 'Train Going By' nach Robert Creeley
vervollständigen mit Lacy-Touch den Poetry-Part. 'The Bath' und 'Blinks' sinddazwischen x-fach bewährte Lacy-Tunes. Und mit 'Baghdad' zeigt er, bis
zuletzt engagiert, mit dem Finger auf den unseligen Krieg seiner Regierung im
Irak. Wenn Lacy "oh America / your music we could love you" vorträgt und
Aebi diese Poetry dann in ihrer einzigartigen Manier singt, scheint das ebenso
die Erinnerung an ein anderes, ein vergangenes Amerika zu beschwören wie"Streets paved with opal sadness, / lead me counterclockwise, to pockets ofjoy". Sopranosax und Posaune bilden ein helldunkles Traumpaar in LacysÄsthetik, ob mit Roswell Rudd oder mit Lewis und seinen Jumboloopings,
seinem launigen Growling und Wahwah. Es tanzen zwei Tönungen von luftigem
und unverdrießlichem Frohsinn miteinander, die jeder Bitterkeit den Sieg
streitig machen, obwohl die von Lacy noch 1984 an den Horizont gemalten"Futurities" enttäuschend ausfielen. Ein Mirakel für sich ist aber Aebis AltoGesang, der, ähnlich eigen wie der von Dagmar Krause, einen eigenen Fanclub
verdiente. Wie sie wieder schwere Klippen meistert und allem, was sie da
flötet, die modernistische Härte und Klarheit von Glas und Stahl gibt. Selbst
bei Burroughs' finsterem "after a short game of genocide / The planet drifts toa random doom / insect doom" lässt sie den Spaß daran mitschwingen, einenderart schwarzen Pinsel oder eisernen Besen zu führen.
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Tuning out (EMANEM 5207) entstand bei einer Tour im Mai 2014, die
VERYAN WESTON, JON ROSE & HANNAH MARSHALL wie bei einer
Pilgerfahrt von Kirche zu Kirche führte. Genauer, von Orgel zu Orgel: dervon der Blue Coat Chapel in Liverpool, der All Saints Church in York, dervon Saint Silas in Newcastle, von St Matthew's in Sheffield und der der All
Hallows-on-the-Wall Church in London. Darauf kostete Weston jeweils die
Möglichkeiten der mechanischen Traktur aus für mikrotonale Reize, Reize,
mit denen dann Marshall mit umgestimmtem Cello und Rose mitumgestimmter Geige interagierten. Ich verstehe von Traktur soviel wie vonTuning, nämlich nichts. Lasse mich aber nicht ungern entführen in ein(noch) nicht wohltemperiertes Zeitalter zu Katzenmusik mit maunzender
Orgel und Tönen, die, ob gefiedelt oder gepickt, so wie 'Katzenkaffee' sein
Aroma dem Verdauungstrakt von Fleckenmusangs, ihre haarsträubende
Qualität schief gewickeltem Katzendarm zu verdanken scheinen. Ich weiß
nicht, ob sich die Hl. Cäcilie, deren Attribute ja Orgel und Geige sind,dabei ins Hemd gemacht oder trotz allem darin Gottes Singsang erkannt
hätte. Die Hörgewohnheiten der Alten waren andere als unsere. Aber
Westons Register und Pfeifen, die knarren und stöhnen, hauchen undflöten, klicken und trillern doch einigermaßen unfromm. Der häufigste dervon den dreien erzeugte Farbton ist 'schillernd'. Genau damit stellen sie
auf den Prüfstand, was als sauber - unsauber, harmonisch - hässlich,richtig - falsch fein säuberlich getrennt Basis jener Leitkultur sein soll, vonder jeder Arsch behauptet, er säße drauf. Dieses teufelstrillerische
Schillern und kapriziöse Schrammeln und Zirpen verwischt die Grenzen,
lässt das Gehör ins Schwimmen geraten, kitzelt die Lust an Ungewohntem
und Komischem. Davon, dass Komik, die anstößt und die nicht jeder gern
hört, um Kirchenasyl flehen muss, sind wir eh nicht mehr weit entfernt.

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EUPHORIUM Records (Leipzig)
In Leipzig war ich noch nie. Dabei gibt es da sehr wohl einenAnziehungspunkt, nämlich die Bühne des naTo und die jazzophonen Tumulte,
die dort regelmäßig stattfinden. So etwa am 17./18.12.2013 ein
Internationales Mini-Festival, bei dem zugleich das Andenken desKomposaunisten Friedrich Schenker (1942 - 2013) und der 80. Geburtstag vonErnst-Ludwig Petrowsky gefeiert wurden. Organisiert von Dr. Oliver Schwerdt
und überschrieben mit ONDO.g r a m ö d l°. Diese synapsenbrecherische
Buchstabenkombination darf man wohl ebenso als Indiz dafür nehmen, wie es
in seinem Kopf aussieht, wie seine grünen Schuhe. Ein Kopf übrigens, derden von Schenker in die Kunst, von Wolfgang Thierse in die Politik getragenen
Kraus- und Zausel-Look zu beerben sich anschickt. Aber halt, die Schuhe
trägt ja Elan Pauer, der Mann am Klavier im NEW OLD LUTEN QUINTET mit
dem gefeierten 'Luten' Petrowsky am Altosax, Christian Lillinger an den
Drums, Robert Landfermann am linken und dem aus London angereisten John
Edwards am rechten Kontrabass, ein Quintett, das TUMULT! (EUPH 044) großschrieb und dahinter ein Ausrufezeichen setzte. Während die Fetenbeiträge
von u. a. Günter Sommer, Axel Dörner, Roger Turner, Friedrich Kettlitz,
Dietmar Diesner, Günter Heinz (ein ebenfalls angeschenkerter wunderbarer
Posaunenzausel) nur in den Erinnerungen und im sächsischen Luftraum
rumschwirren, ist Lutens TUMULT! bestens phonographiert. Als freigeistig
organisierter Krawall mit dem Vivacissimo con fuoco eines 80-jährigen,dessen zwischen Uschi Brüning und dem Zentralquartett, zwischen Manfred
Krug und Alexander von Schlippenbach ausgekochte, souverän überpreußische Spielkunst und forellenfrische Spiellust einmal mehr nicht nur sein
engstes Umfeld hier inspiriert. Tempo und Feuer sind zwar nicht die einzige
Agenda der fünf, aber die begeisterte Furiosität trägt sie weit und immer
weiter. Selbst wenn Petrowsky die Töne sich etwas setzen lässt, stürmen die
Finger ringsum weiter über die Tasten und die Saiten. Pauer trempoliert...
fehltippen meine Finger, weil sie sagen wollen, dass er da temporeiche
Splitter und Triller bockspringen lässt wie auf nem Trampolin. Lillinger
dauerfeuert perkussives Geflicker und Geflocker, lässt seine Stöcke die
Bleche gerben und die Felle pferdeküssen, wenn er da kameradschaftlich mit
den zu kuriosen Streichen aufgelegten Bassisten queruliert. Auf halber
Strecke der 43 Minuten mundmalt Petrowsky lyrisch zart ein träumerisches
Fluidum, das sein Umfeld dafür nutzt, im Zwielicht umeinander zu geistern.
Pauer fingert einen gradualen Lauf, Edwards extraordinärer Spielwitz öffnet
eine Kammertür. Dahinter - Wunderland. In dem es prickelnd auf Tassen undTeekanne hagelt, in dem eine unsichtbare Hand im Innenklavier unkt undzwei, drei andere Pfoten was weiß ich wie rumoren. Petrowsky spitfiret jetzt
wieder derart spitze und spitz ausgezogene Töne, dass der kollektive Tumult
kaum nachkommt, die !!! zu setzen. Kniebrecherisch wird ein nächster
Haltepunkt erreicht. Aber was heißt Haltepunkt - Lillinger randaliert
grobmotorisch, die Bassisten sägen am Ast, auf dem wir sitzen, gebannt wie
Dreijährige vor der Glotze. Denn Petrowsky, der lutscht nun ein bluesiges
Bonbon und steckt einen mit süßem Fernweh nach Zuhause an. Den Weg
dorthin gibt es aber nicht. Nur ein Feld von perkussiven Flocken, knurpsigen
Bassstrichen, fiebrigem Gefinger, fingrigem Gefieber. Das sich jedochsammelt für ein finales Presto, ja Prestissimo, bei dem Lillinger rattert wie
aufgedreht. Um da Uff! zu rufen, muss man kein sächsischer Winnetou sein.
PS: Dieser Text fand genug Anklang, um zusammen mit schönen Ausführungen von Bert Noglik und Ken Waxman die Linernotes für diese Musikbilden.
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Untitled (London Leipzig Berlin) (EUPH 047) ist nach den
Lebensmittelpunkten von ROGER TURNER, RA RA DA BOFF
und AXEL DÖRNER benannt. Der erste spielt Percussion, derman kaum zu nahe tritt, wenn man sie erratisch, alogisch odernarrenfrei nennt. Dazu verteilt Dörner gepressten Pustekuchen, tonarm fauchend, quarrend, puffend, schnarrend,
aufschrillend oder trillernd, wie auch immer, Hauptsache
eigentrötlerisch und querab der Spur, die in den Trompeterhimmel führt. Und darunter lässt Ra Ra da Boff elektrische
Orgeln wummern oder fiepen, weit davon entfernt, wie es derHersteller im Sinn hatte. Wer da nur einen weiteren Decknamen jenes auch schon als Birg Borgenthal, Edithrakneff
Weinermond oder Elan Pauer maskierten naTo-Legionärs
vermutet, wird dahingehend belehrt, dass der Gemeinte da in
Personalunion mit Friedrich Kettlitz kinderkramt und mit
Spielzeugflöte, etwas Zitherdrahtigem, sonstigem Krims- undKleinkram und sogar mit der Stimme als finaler Intensitätseinspritzung agiert. So dass dieser Bizephalus mit dem
Londoner Gefährten eine verspielt perkussive und mit dem
Berliner eine tönende Schnittmenge teilt. Turner tockt undtapst, drischt und ratscht, klirrt und rappelt, stöchert undnadelt auf den Stoppelfeldern der Art Brut so polymorphpervers, wie man es von Phil Minton und Konk Pack her von
ihm kennt. Ra Ra da Boff lässt Sounds gelegentlich pulsieren
und sirrend oder murrend anschwellen, so dass auch Dörner
mehr Wind beutelt und mehr Dampf ablässt, ohne dadurch an
der Schäbigkeit seines Dampfnudelblues groß was zu ändern.
Es gibt sogar einen krawalligen Temperamentsausbruch, abereigentlich ist das Kleinklein schon verblüffend genug inseinem ungenierten Anything-goes.

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fortune (Warszawa)
Im FRANCISZEK RACZKOWSKI TRIO haben sich blutjunge
Jazzcats zusammengefunden, die bei ihrem Apprentice(fortune 0066/042) getauften Debut auf verschiedene Arten
den Regen besingen. Und einiges andere. Aber 'white rain','deszcz' (Regen) und 'beggin' for rain' bestimmen docheinen nieseligen Grundton. Paweł Wszołek an kontrabas undPiotr Budniak an perkusja heben Tröpfchen für Tröpfchenoder mit rippeligem Eifer hervor, über was ihr in Katowiceausgebildeter Leader da reflektiert. Der schwarzbärtige
Brillenträger lässt sich mit Keith Jarrett und Michael
Wintsch assoziieren, als ein nachdenklicher und tagträumerischer Lyriker, dem Wszołek süße Trauben pflückt,während Budniak das erste Herbstlaub von den Wegen fegt
oder Nüsse knackt. Wszołek, Abgänger der Musikakademie
in Kraków, der mit einem eigenen Quartet ebenfalls gerade
bei Fresh Sound Records in Barcelona debutierte, ist ein
Typ wie Charlie Haden und mit seinen singenden Fingern
auf gutem Weg, sich einen Namen zu machen. Raczkowskis
Zauber besteht hauptsächlich darin, dass er quecksilbrige
Figuren mit der beschwingten Rechten klimpert unddennoch dabei zärtliches Gefühl und sogar Melancholieverströmt. Dass die drei sich in edlen Grautönen inszenieren, führt Bild und Klangbild ganz nah zusammen.
Der Kontrabassist Wojtek Traczyk macht es einem nicht
leicht, ihn da aus Multikulti, Mystic und Muzykoterapia
herauszuschälen. Zuletzt bei „Dziękuję, Dobrze” (Open Fly
Records, 2014) noch ein Singer-Songwriter mit schwerem
Herzweh, zeigt er in PURUSHA zusammen mit Paweł
Postaremczak an Tenorsaxophon und Paweł Szpura an den
Drums bei Cosmic Friction (fortune 0067/043) ein ganz
anders gestaltetes Pathos. Beim 'blues in g' stöhnt Postaremczak den Schmerzhaften Rosenkranz als polnischer
Charles Gayle. Um bei 'sea sheep' erst ganz gedämpft, dannaber immer verzweifelter Trübsal zu blasen, während Bassund Drums knarren und klacken wie ein maroder Seelenverkäufer. Ähnlich so bei 'the ballad of j. and the mountain',wo Postaremczak Ivo Perelmans Intensität mit Innigkeit
vereint. Für's Titelstück sägt Traczyk knorriges Brennholz,
um das Tenorfeuer zu schüren. Postaremczak gehört, wieauch Szpura, zum Multikulti-Project Hera und hat mir mit"Qui Pro Quo" (2015) schon die Ohren gespitzt, während
Szpura mit Cukunft "Wilde Blumen" pflückte und mit Mikołaj
Trzaska Rosen. 'Big steps lead to broken bones' dämpft sichdann noch ne Stufe weiter, der eine köchelt Spucke, derandere nagt und summt, der dritte zischelt und dröhnt mit
den Becken. Zuletzt wird es nochmal katholisch mit 'jesus
save my soul from me' und Postaremczaks Reprise derHimmelfahrtshymnik à la Ayler und Gayle. Wobei Jesus zur
Zeit in Polen, wenn er es auf der Balkanroute bis auf denheiligen Boden dort schaffen würde, sich wie im falschen
Film vorkommen dürfte.
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Manchmal bietet die Provinz etwas, wovon die in der Großstadt nicht einmal
träumen. Im niederbayrischen Reut, genauer, in Taubenbach gestalten die
Macher des Zoglau3 ein Programm wie sonst nur der W71 in Weikersheim. Im
November 2010 konnte man sogar das GANELIN TRIO PRIORITY dorthinlocken. Was dann geschah, erklingt hier als Solution (fortune 0068/044).
Priority meint nicht Kruglov & Yudanov, sondern das schon seit 1999
bestehende Trio mit Petras Vysniauskas am Sopranosax und Klaus Kugel anDrums & Percussion. Die drei sind Meister einer Spiritualität, die hier dazu
einlädt, darüber nachzudenken, ob man Probleme vergrößern oder Lösungenerleichtern möchte. Ganelin klimpert und perlt die Tonleiter aufwärts,Vysniauskas bläst introvertierte Lyrismen, Kugel flirrt und funkelt leichtmetallisch. Bis das Ganze entschlossener wird, wozu Ganelin mit orchestralen Synthiestößen maßgeblich beiträgt. Dann beginnt das Soprano keck
Schäfchenwolken zu pusten, zu tribbelnden Pianoläufen und Synthiegeflöte,
während Kugels flickernde Metallicpercussion sich donnergrollend verdunkelt und losgewittert. Aber gleich herrscht wieder Ruhe nach dem Sturm,
mit Blechtupfern, verhaltenem Sopranogesang und Ganelinscher Drahtharfe
plus Synthiegewölk und Perlengefunkel. Die Solution-Suite ist ein durchgehender Bewusstseinsstrom, die 8-fache Gliederung gibt lediglich eine
Orientierungshilfe in einem inzwischen gedämpften Chiaroscuro, mit
Lichtstreifen durch gestrichenes Metall, schimmerndes Messing und höchste
Sopranistik. Bis zu erneutem Donnergrollen und aufrauschenden Blechen zu
Synthiegedröhn und rumorendem Bassregister. So wie dieses Trio seine
dramatischen Höhen und Tiefen ausreizt, sucht es seinesgleichen. Den
Auftakt der zweiten Hälfte bestreitet Kugel mit getrommelten Breitseiten zu
Synthiebass und lakonischem Gehämmer. Das Soprano mischt sich vogelig
dazu und animiert zu rasenden Arpeggios, die es seinerseits lustvoll
aufdrehen lassen. Bis hin zu wieder kollektivem Krawall, der sich flink undfeingliedrig auflöst, was soeben noch ein Ganelinsolo schien, ist plötzlicheins von Vysniauskas. Synthiestöße drehen das Dreieck aber gleich weiter,alles spielt sich kaleidoskopisch auf Augenhöhe ab. Ganelin klimpert einemelancholische kleine Melodie und grundiert sie mit Synthiesound, den
Kugel überfunkelt. Vysniauskas schließt sich sprudelnd an und ist auchschnell selber mit ostinatem Nachdruck derjenige, der das Ziel anpeilt,
krawallig flankiert von beiden Seiten. Umso verblüffender der komisch gemaunzte Ausklang. Aus dem eine lyrisch versponnene und zugleich ironische
Zugabe sich entspinnt, mit komischen Synthieklängen, die, wenn Piano und
Soprano als Weißclowns den Mond anschmachten, sich zwar ne Weile das
Kichern verkneift. Aber dann kommen sie doch angewetzt, von pickender
Pianistik und kugelschem Tumult animiert. Und das Soprano muss schmollend ertragen, dass russische Parties grundsätzlich mit Glasbruch enden.
Ronnie Cuber ist mit Jahrgang 1941 ein Veteran, der mit seinem
Baritonsaxophon in den 1960s bei den Altmeistern des Swing getrötet hat
und sich danach mit Eddie Palmieri, Lee Konitz und der Saturday Night Live
Band durchbrachte sowie bei unzähligen Sessions von allem möglichen
Scheiß, von George Benson bis "Zappa in New York". 6 hours with ronnie(fortune 0070/045) zeigt ihn mit KAZIMIERZ JONKISZ ENERGY und Stücken
von Elvin Jones und Wojciech Pulcyn (dem Bassisten der Formation), dem
eigenen 'Waltz for Geraldus', das mit 'Take 5'-Einschlag anfängt und aufhört,'Lush Life' von Strayhorn und 'Bernie's Tune', das zum Standard wurde,
nachdem es 1952 das Gerry Mulligan Quartet gespielt hat. Wer was fürBaritonsound und Jazzstandards übrig hat, bitte.
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Aber eigentlich ist Opas Jazz tot, und THE INTUITION ORCHESTRA tanztüber sein Grab hinweg ganz anderen Abenteuern entgegen. Das kleine
Orchester aus Ryszard Wojciul an Saxophonen & Klarinetten, dem vonder Grupa MoCarta bekannten Musikologen Bolesław Błaszczyk an
Piano, Synthesizer & Cello und Jacek Alka an Drums & Electronic
Percussion, drei Mann, die schon seit 30 Jahren von Legendarne Ząbki
her miteinander vertraut sind, zeigt sich, wie schon bei "Fromm" (2012)
und "To The Inside" (2014), auch bei Case of Surprise (fortune 0071/046)
wieder gastfreundlich. Neben Dominik Strycharski an Blockflöte waren
noch Marta Grzywacz und Basia Błaszczyk als Vokalistinnen eingeladen
für eine Snarkjagd durch dschungelig verzaubertes Dick & Dünn.
Leitfaden ist eine Art Gedicht von Grzywacz, das davon spricht, dem
Nirgendwo und dem blauen Dunkel Namen zu geben, um seine traurige
Schönheit zu beschreiben, die einen immer von neuem überrascht. Statteinzelner Stücke herrscht dabei die relative Formlosigkeit eines
psychedelischen Slaloms durch bekiffte Hirnwindungen. Der Synthie
spielt eine Hauptrolle, zugleich als imaginäre Bassspur und als
epidemische Präsenz, entlang der sich trillerndes oder schmachtendes
Getröte und Geflöte ausbreiten, mal von Celloschmelz glasiert, mal vonPianogeperle überfunkelt. Es gibt da jazzrockige und krautige Anmutungen, vor allem wenn Alka ein geradlinig dahin dampfendes Tamtam
klopft. Aber welche Andeutung, welcher Vergleich würde dem Giggeln
und Kandideln der beiden sopranistischen Irrwische gerecht, die den
Raum falten und merkwürdige Sachen mit Sinn und Verstand anstellen?
Der da im Intuition Orchestra mit Blockflöte gastiert, ist der Hauptmächer
von DOMINIK STRYCHARSKI CORE 6. Mit diesem namhaft mit Wacław
Zimpel an Klarinetten, Zbigniew Kozera & Ksawery Wójciński an Bässen
sowie Hubert Zemler & Krzysztof Szmańda auch an Drums & Percussion
vierhändig besetzten Sextett stimmt er kaschubische Hymnen an. Die
Kaschubei, die sich westlich von Danzig nach Süden zieht, ist ja von
Günter Grass in die Weltliteratur getrommelt worden. Strycharski
versucht auf Czôczkò (fortune 0072/010) in der dortigen Folklore dieverdeckten universalen Facetten hervorzukehren. Das fängt mit 'Rubin'ganz faszinierend an, mit dunkler Bassklarinette und dunkler Flöte zu
Glocken, Gongs und Vibes und rieselnder Percussion, hingebreitet auf
brummig schnurrende Bässe. Ganz anders das hymnische 'Szafir', mit
quäkiger Klarinette und wie gesungen, zugleich feierlich und gehörig
inspiriert mit poltrigem Getrommel. Wie reichlich bebecherte Drums 'n'
Fifes oder ein kaschubifizierter Albert Ayler, nur die Flöte hält mit klarem
Kopf die Melodie aufrecht. Bei 'Topaz' umtändeln sich nur die Bläser bei
einem Volksliedkanon, 'Akwamarina' ist ebenfalls nur geschnäbelte
Folklore, ebenso wie 'Spinel' mit seinem "Panie Janie"-Motiv. 'Diament'
brummelt mit hinkendem Takt und der Suggestion von Balafon und Mbira
voran, den Beat schlägt ein Besenwisch. Das schräge 'Ametyst' hat dann
das Temperament eines Jazz Funerals auf der letzten Meile, mit aufgekratzter Flöte auf Bassgeblubber und immer wieder ansetzendem
Accelerando. 'Szmaragd' marschiert mit Schnedderedeng und kaschubischem Drachenblut als glorreiche, aber nicht sehr taktfeste
Marionettenarmee aus dem Reich der Mitte. 'Antracyt' beschließt den
Reigen mit rollender und klackender Drummotorik, Bässen, die stur am
Motiv und am Groove festhalten, und zwei Bläsern, die sich das Hirn
rausblasen. Definitiv nich richtich polnisch und erst recht nich richtich
deitsch jenug, wie Oskars Oma gesagt hätte. Dafür ein menschenfängerischer Lockruf in die weite Welt.
30

Nicht ohne Luto. Das HIGH DEFINITION QUARTET spielt auf
Bukoliki (fortune 0074/047) Lutoslawski, im Arrangement desPianojungstars Piotr Orzechowski, das die 5 Min. desOriginals verzehnfacht. Mit Dawid Fortuna an den Drums,
Alan Wykpisz am Kontrabass und Mateusz Sliwa am
Tenorsax hört sich das an wie rasanter Jazz und ist es auch.
Der gerade mal 24-jährige Krakauer hat die 'Montreux Jazz
Piano Competition', den 'Jazz Hoeilaart', den 'Krokus Jazz'
und was es da für Blumentöpfe gibt, abgeräumt, und mit"Experiment: Penderecki" (2012) und "Bach Rewrite" (2013)- er an Rhodes, Marcin Masecki an Wurlitzer - seine Chuzpe
virtuos unter Beweis gestellt. Mit durchaus antimuseologischem Anspruch. Aber ist er deswegen gleich ein 'Pianohooligan'? Dann war Debussy wohl auch ein Hooligan, denneiner von Orzechowskis Einfällen ist es, die AllegrettoWellen ganz debussyesk zu rippeln. Davor gibt es ein
spritzig prickelndes Allegro vivace mit keckem Fanfarenmotiv, danach lässt er, selber mit wie beiläufig hingekritzelter Genialität, Lutos Allegro molto zerpflücken, mit
spotzendem Saxophon und Clashes, die ein Basspizzikato
zerblitzen. Gefolgt von zartestem Traumfinger-Andantino. In
das Orzechowski zwar auch Ausrufezeichen pingt. Doch nur
damit keiner wegdöst, bevor als virtuoses Gesprudel undGeperle die fünfte von Lutos 1952 für Bratsche und Cellogeschriebenen, aber gerne aufs Klavier transkripierten
Miniaturen mit allem Allegro marciale hingefetzt wird.
Noch mit Kimmo Pohjonen (in "Soundbreaker") und Dino
Saluzzi (in "Sounds and Silence") im Ohr, tendiert ZBIGNIEWCHOJNACKI mit seinem Solo Elektrotropizm (fortune
0076/048) eher in die Richtung des Finnen. Mit vielen
Effekten, auch elektronischen. Aber dann doch auch mit
einem Feeling, das dem von Saluzzis "Lebenserzählungen"nahe scheint. 'Tropizm' verweist dabei weniger in südliche
Breiten als auf Melismata (wie in der Gregorianik oder dem
jüdischen Teamim). Bei Chojnackis 4-teiliger 'Suita', die im
Mittelpunkt steht, sind es starke Klangmodulationen und-verfremdungen, die in Delaykaskaden und Echowellen den
Klangraum mit polyphonen Vektoren spannen und dehnen.
Zartes Flöten ist aufgemischt mit tropengelehrten Tonfolgen
und angedunkelt quellenden Klangblasen. Repetitive Figuren
wechseln mit scheinbar aleatorischen, sonores Pumpen mit
hitzigen Wischern und quirligen Trillern. Ohne Pohjonens
Mad Max-Gehabe und vielleicht etwas zu gelehrt undformalistisch für Saluzzis Idealvorstellung, findet der Pole,der gut bei Richard Galliano zugehört hat und mit Backspaceauch ein Elektrojazztrio anführt, immer wieder Texturen mit
tagträumerischem Sog. Er klopft perkussive Akzente, fängt
sogar kurz zu vokalisieren an. Kaum droht das pompöse
Pulsieren der Basshand zu monoton zu geraten, führt er
schon neue Motive ein oder eine zuckende Beschleunigung.
Oder er frischt prächtig die Farben auf. Bis zu einem letzten
Klacken, einem letzten Balgzug. 'Tuwim' schließt als
virtuoses Tirili, nicht ohne zum Seufzen schöne Schlingen.
31

Für Euphony (fortune 0077/049) hat SEBASTIAN ZAWADZKI, ein gerade mal
24-jähriger Pianist aus Toruń, der in Kopenhagen lebt, sein Trio mit dem
schwedischen Bassisten Johannes Vaht und dem dänischen Perkussionisten
Morten Lund mit einer Handvoll internationaler Saitenstreichlerinnen
erweitert. Von Fall zu Fall. Denn das schönheitstrunkene Motto klimpert er
allein, ebenso wie später 'Letters from the North', um es dann zu variieren mit
nur dem Streichquartett, ganz klassisch, sprich, aufs Innigste romantisiert.
Oder nur mit dem Trio, immer noch romantisch, doch trotz des nur
besenfedernden Drummings jazzig dynamisiert. Mit beredsamem Pizzikato
wird im Kalender bis in die 1950/60er vorwärts geblättert. 'Chodnik' lässt die
Drei im polnischen Frühling mit den Strings quasi eingehenkelt den Gehsteig
entlang swingen, mit allerdings noch schüchternen, katholischen Mädels, dieden Jazzcats das Flirten und Schmeicheln überlassen. Gerade Zawadzki selber ist ein schlimmer Finger, was das Süßholzraspeln angeht. Was
er meint und was er will, das deutet er nur mit neckischen Finessen an, wobei
ihm die nordischen Buben im Empfindsamtun nicht nachstehen. Die 'Ballada'vereint wieder die männlichen Elemente mit den dahinschmachtenden
weiblichen. Die Jungs geben sich durchwegs feinsinnig, mit gepflegten
Fingernägeln, auch 'Śledztwo' fordert ihnen keine Schweißtropfen ab.
Nachdem sie bei der 'Wariacja #3' nochmal ihre Locken und Fransen zurecht
gezupft haben, sind die Mädels fit für den Minimal-Swing 'Zwłoka', bei dem
ihre Verehrer eine unerwartet grüblerische Seite hervorkehren. Davon, sichmit den Mädels auf Moos und Laub zu wälzen, können sie bei 'Ściółka' nur
träumen. Dass Zawadzki sein letztes melancholisches Solo '1932' nennt,
irritiert. Plötzlich so konkret, so historisch?
Nach Regulice kommt man, wenn man auf der A4 zwischen Katowice und
Kraków rechts runterfährt. Aber wozu? Dass jeder gern in dem kleinen Kaffleben möchte, ist ein Scherz, den sich das VEHEMENCE QUARTET macht. Dassind Wojciech Lichtański am Altosax, Mateusz Śliwa an Tenorsax, wieder Alan
Wykpisz am Kontrabass und Szymon Madej, der auch in Lichtański Sound Lab
trommelt, wo sich Lichtański, ein Youngster von Mitte 20, elegant inFahrwassern etwa des Bobo Stenson und Brad Mehltau Trios tummelt.
Anomalia (fortune 0078/050) zeigt, was am Jazz-Institut der Hochschule fürMusik in Katowice als hohe Schule gilt, und was einem Fan von Maria
Schneider und Bob Mintzer (was das Kompositorische) und von Chris Potter
und Dexter Gordon (was das Spielerische angeht) in den Sinn kommt. Um eine
Version von Wayne Shorters 'Witch Hunt' sind zwei entsprechende Stücke vonLichtański gruppiert, aber auch zwei von Śliwa, mit einem ähnlichen
Bigbandansatz im Kontrast massiv - fragil. Was beim Auftakt bedeutet, dassBass und zierliche Percussion die Details austüfteln und die Bläser dazu die
fetten Schlagzeilen setzen. Aber schon 'Gabryś' kostet das melodische undherzhafte Wechselspiel von Alto und Tenor vollmundig aus, mit nun auchdynamischem Groove, für den Madej die Bleche drischt. Was für Löwenmäulchen! Soeben noch brüllend, schwelgen sie bei 'I'll remember the Smileand the Bicycle' in Erinnerungen an eine schmusige Sommertändelei, einersamtzungiger als der andere, beide übersprudelnd mit dem, von dem das Herzvoll ist. Shorters getigerter Fetzer für Tenor und Trompete besticht hier im
euphorisierten Gezüngel der Reeds. Śliwas 'Desolation' lässt, mit gedämpften
Besenstrichen und bekümmertem Pizzikato, das Pendel dann zur melancholischen Seite ausschlagen, nicht ohne den Schatten abzuschütteln. Zuletzt
kommt dann Lichtańskis (womöglich sarkastische) Werbung für Regulice, mit
dem Kontrast mitreißender Vitalität zum alltäglichen Bebrüten der wuseligen
Sorgen. Das kommt definitiv aus jener Hälfte des polnischen Gemüts, die allen
miefigen Kleinmut von den Misttretern schüttelt.
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Mit Rudi Mahall und seiner Bassklarinette, dem Kontrabassisten Andreas Langund dem Drummer Kasper Tom Christiansen mischen in MAREK KĄDZIELAADHD ¾ von Fusk mit. Christiansen, ein Weggefährte von seiner Zeit an derCarl Nielsen Musikakademie Odense, trommelt zudem mit Kądziela in Hunger
Pangs und K.r.a.n. Der Gitarrist hat In Bloom (fortune 0079/051) gespickt mit
dem, was ihm wichtig ist: seine Frau Edith ('Edithtiude') und 'Łódź' (wo er lebt),
Monk (dessen 'Ask me now' als Finale erklingt) und Kurt Cobain (der das
Titelstück anregte), in der Spannweite von Bebop bis Walzer, vonatmosphärisch bis rocky. Gleich 'Be-Bop Maker' zeigt in seiner von Mahall
wieder schön zickig gequäkten Reminiszenz an die 40er auch schon Kądzielas
virtuose Fingerfertigkeit. Weder Cobain noch rocky will allzu wörtlich
genommen werden, auch wenn es da ziemlich schrillt und dröhnt, es geht um
eine Sophistication, der nur das Prickelige am Modern Jazz gut genug ist. Die
Gitarre kippt von jazzig-pikantem Picking auch zu verzerrten Sounds, immer
mit technisch fordernden und unvorhersehbaren Tonfolgen. Bei 'Rocky, Rolig!'mischen Maciej Obara am Altosax und Piotr Damasiewicz an der Trompetemit, wie der junge Miles bei Charlie Parker, wie Booker Little bei Dolphy. Dem
feierlichen kleinen Gruß an Łódź folgt mit 'Impro I' etwas Elegisches mit
zirpender Trompete, schnarrender Klarinette, schimmerndem Saitenklang. Bis
die Trompete krähend zum Muntermacher für kollektive Bewegung wird,
inklusive FX-Turbulenzen. 'May for MP' hat was von einem Bossa Nova, mitgeschmeidigem Picking und eloquentem Pizzikato, 'Giti Monk' ist ein Pastiche
aus Bebop und Cool, das Ständchen für Edith ein zärtliches und kitzliges Solo.
'Impro II' beginnt adhd als furioses Kick out the jams!, um sich ganz lieblich zu
sammeln, und gleich weiter zu säuseln im ¾-Takt, aber mit absolut kribbeligen
Fingern und ausgeschlafener Mahallistik. 'Ask me now' schließt schmusigbluesig, ohne das prickelnde Naturell zu verleugnen, und mit Radiosurfing als
V-Effekt. Romantische Ironie in postmoderner Version.
OBARA INTERNATIONAL zeigt, dass Polski Jazz keine Sonderform ist, die nur
im eigenen Saft schmort. Neben seinem dänischen Quartett mit Artur Tuznik
ist das Maciej Obaras norwegisches Abenteuer, das nach "Komeda" (2012) als
Bekenntnis zu den Wurzeln und "Live at Manggha" (2013) nun mit Live in Mińsk
Mazowiecki (fortune 0080/052) seine internationale Klasse bestätigt. Neben
dem Kern mit Dominik Wania am Piano, Ole Morten Vågan (der mit Thomas
Strønen bei ECM in die Liga der Champions aufgestiegen ist) am Kontrabassund Gard Nilssen (seinem Kollegen in Team Hegdal, der mit der eigenen
Acoustic Unity bei Clean Feed Anklang fand) an den Drums spielt als special
guest Tom Arthurs seine von Julia Hülsmann ebenso wie von Ingrid Laubrockgeschätzte Trompete. Was Obara an diesem Novemberabend 2014 in dermasowischen Kleinstadt mit seinem Altosax allerhand lyrische Reminiszenzen
an sein Spiel im Tomasz Stańko Special Project ermöglichte. Nicht ohne beim
träumerischen 'Sleepwalker' auch schon in mondstichige Gefilde auszuschweifen. Als Highlights folgen: Nilssens rrrollendes Intro zu Vågans
'Pinnacle of accura, see?' und das rasant geschmetterte Trompetensolo dazu;
wie Obara ne Birke umarmt wie Nietzsche den Turiner Droschkengaul, nur um
das Klischee vom slawischen Schmachten mit aufgekratzten Tänzchen zu
durchkreuzen; wie man melancholisch auf dem Bassbogen und auf dünnen
Trompetenstrahl durch Arthurs geisterhaftes 'Magret' driftet; wie Tristesse
Raum greift, aber dann doch ein lachendes Auge strahlt. Weniger überzeugend finde ich, wenn ein jubel-trubelnder Massensprint zwar Tempo undEuphorie allein irgendwie zweifelhaft erscheinen lässt, Wanias Gequirle aberkeine Konsequenzen daraus ziehen will. Das Piano ist halt doch die Schwarze
Madonna im Polski Jazz. 'Joli bord' ist dafür zuletzt nochmal ganzmelancholyrisch, mit tapsigen Drums und schmusigem Gebläse.
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Travelling East West (fortune 0081/053) entstand in der Rue deStalingrad, dort in Le Pré-Saint-Gervais ist nämlich das Studio
Bopcity. Drei Polen haben im JANCZARSKI & MCCRAVENQUINTET Teil am Erfahrungsschatz des Trompeters, Flötisten &Perkussionisten Rasul Siddik, eines Veteranen, der mit den BowieBrüdern, Threadgill, Hemphill und, auch noch in Frankreich, wo er
seit über 30 Jahren lebt, mit David Murray gepielt hat. Wir kennen
ihn mit Nuts. Er steuert hier mit 'Travelling East' eine Reise auf der
Seidenstraße ostwärts bei, im bedächtigen Gang von Kamelen und
mit dem schamanistischen Beschwören eines guten Gelingens.
Beschwingter war zuvor 'Intertwining Spirits', mit lässigem Swingdes Drummers Stephen McCraven, der, als transatlantischerPendler, sich seinen Namen mit Archie Shepp und ebenfalls mit
Murray gemacht hat. Borys Janczarski schmust dazu auf dem
Tenorsax mit Cape Jazz-Feeling. Zu den Meriten des Bassisten
Adam Kowalewski zählt sein Spiel mit Nigel Kennedy, hier könnte
man ihm unbeschadet Fäustlinge verpassen. Die Pianistin Joanna
Gajda erklärt, was Liebe ist ('Love is'), und komponierte zudem
das ähnlich versonnene 'Daddy's Bounce', das Janczarski schon
von ihrer Quartett-Einspielung "Heaven Earth Earth Heaven"geläufig ist, aber nicht so eindringlich wie hier mit Siddiks Solo.
Janczarskis Horizont reicht zurück bis zu den 'Roaring Forties',
das die Pantoffeln wippen lässt, ebenso wie sein soul-jazziges'Travelling West'. Sogar Woody Shaw ist den Fünfen noch fünf
Minuten wert. NowJazz-Fans sollten dennoch ihr "O sancta
simplicitas" unterdrücken. Weil es jenseits der Neiße zur Zeitgravierendere Anlässe gibt, sich ans Hirn zu langen, oder?
MIROSLAV VITOUŠ hat das Bassspiel seiner Generation geprägt
wie nur wenige, mit Weather Report, Corea, Coryell, Zawinul. Als
die Fusion-Welle abflaute, surfte er, seit 1988 zurück in Europa,
weiter mit Garbarek und Rypdal. Späte Ausritte des Prager
Altmeisters auf Pegasus, dem Gummipferd, wie bei "Universal
Syncopations II" (2007) für Ensemble, Orchester & Chor, fanden
nur gemischten Beifall. Wings (fortune 0084/054) ähnelt daneben
eher dem Spatz in der Hand, als intimes Tête-à-Tête mit ADAMPIEROŃCZYK an Soprano- & Tenorsax, dessen Gesänge ganzvorzüglich mit dem bereden Pizzikato von Vitouš harmonieren.
Besonders schön, zumindest ausnehmend, ist 'Halny', wo Vitoušden Bogen singen lässt, während der Kahlkopf aus dem (einst)
ostpreußischen Elbląg auf der Zoukra näselt. Selbst 'Pheidippides'
ist kein sportlicher Marathon, sondern ein weiterer Anflug vonMelodienseligkeit. Bei 'Tulipan' mit kaum zu überbietender
Innigkeit, und Fingern, die wahr machen, dass man singen muss,
was man nicht sagen kann. Das Soprano schwelgt in höchsten
Tönen, in hypnotisierender Vogeligkeit, als Quintessenz dessen,
was sich mit mehr oder weniger Selbstironie 'slawische Seele'
schimpft. Bei 'Hypnotic Minuet' spitzentänzelt Pierończyk inluftiger Höhe, Vitouš macht, wieder mit dem Bogen, dazu den
Schattenwurf. Die Stichworte Bach ('Bach at Night'), Menuett und
Mandala ('Mandala of Melodies') deuten dabei auf einen Formwillen hin, der aus alteuropäischen und östlicheren Quellen
schöpft. Aber zuvorderst doch aus jener Augenblicklichkeit, die im
eigenen Puls die Ostsee branden hört und hinter geschlossenen
Lidern den Flügelschwung der Dohlen sieht.
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Während Adam Pierończyk als künstlerischer
Leiter des Sopot Jazz Festivals noch günstige
Bedingungen vorfindet, beklagt er (injazzarium.pl), dass im Schatten solcher
Eventkultur selbst in der Jazzhochburg
Krakow inzwischen die Spielmöglichkeiten
und Gagen den Bach runter gehen. Umso
notwendiger scheint es ihm, das Publikum
dafür zu sensibilisieren, nicht nur auf große
amerikanische Namen zu schielen. In der
Sopot Jazz Festival Big Band 2014 und in
Piotr Wróbels Republika Puzon noch versteckt, zeigt der Leader des PAWEŁ NIEWIADOMSKI QUARTET bei ihrem Debut
Introduction (fortune 0085/055) jene Frische,durch die sich neue Talente auszeichnen.
Neben Niewiadomski an der Posaune bläst
Jakub Skowroński Tenorsax, Wojciech Romanowski trommelt (wie auch in Flesh
Machine oder dem Michał Wróblewski Trio)und Ksawery Wójciński, Jahrgang 1983 undein Schwergewicht mit Haaren ausschließlich
südlich des Äquators, der mit Mozart gesäugt
und mit Bill Evans und Coltrane groß undstark geworden ist, spielt den, ach was, er ist
der Kontrabass. Wie schon bei Hera undinternational mit Nicole Mitchell, Uri Caine,
Marco Eneidi und Charles Gayle. Bei seinem
fünften For Tune-Album 2015 umhummelt er
die Wechselgesänge von Posaune und Tenor,
bei denen sich Niewiadomski als unermüdlicher Melodiker outet, der mit 'For Raphe
Malik' einem seiner Helden dankt. Ein dunkler
Wohlklang, oft auch unisono angestimmt oderrespondierend, ist die Kaaba, um die hieralles kreist, wenn man das in Polen so sagen
darf. Der Bass summt, Romanowski raschelt
und funkelt, und schon entstehen 'Old
Dreams' oder eine brütende 'Aura', in der die
Posaune fließt wie geschmolzenes Gold. DasFeierliche dabei ist nie staatstragend,sondern intim und privat, versenkt in eine
Passion wie es besonders intensiv das
gewaltige Arco ausstrahlt. Wenn man die
Gesänge mitsummt, was man fast unwillkürlich tut, merkt man, dass es vielleicht an
Kanten, aber nicht an feinen Dornen fehlt, an
einem Feeling, das nicht fern von Wehmut
scheint. Nur 'Impro' gibt sich unbedenklicher
dem Sprudeln mit bitzelnder Zunge hin.
'Diclac' vereint noch ein letztes Mal den
sonoren Bogenstrich mit einem Gesang,dessen Hymnik keine prahlerischen Triumphe
feiert, sondern eine Schönheit, der Mollbesser steht als aller C-Dur-Flitter.

Ksawery Wójciński

Adam Pierończyk

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Hubro (Oslo)
Nein, Lars Myrvoll kommt nicht auf der Brotsuppe daher geschwommen, er hat,bevor er 2008 mit "The Island" debutierte, auch schon mit Hide Unasrumgemacht oder dem Dekonstruksjonsrocktrio Brötthaest/Päny in Bodø, derKante, wo er eigenlich herstammt. Fast alle Mitinsulaner kehren nun in THE
ISLAND BAND wieder für die Fortsetzung Like Swimming (HUBROCD2553), an
Theorbo Solmund Nystabakk (RANK Ensemble), an der Tuba Martin Taxt (MusicFor A While), Kari Rønnekleiv & Ole Henrik Moe, die Sheriffs Of Nothingness, anVioline & Viola. Dazu trommelt Morten Olsen (MoHa!, Ultralyd), Kjetil Møster
(Ultrylyd) bläst Saxophon, Kristine Tjøgersen Klarinette, Håvard Volden spielt
Zither, Andreas Stensland Løwe (Splashgirl) Piano, seine Mit-Splashnixe Jo
Berger Myhre Bass und der schon bei Phaedra seetüchtige Ole Øvstedal (Spirits
Of The Dead) ebenso Gitarre wie Myrvoll selbst. 'In All We Are Connected' ist in
Oslo noch etwas wahrer als anderswo. Myrvolls Musik ist ein Sirenenlockruf,
ozeanisch zu träumen von einem neuen Morgen. Maria Due winkt mit
silberhellem Sopran, und Myrvoll antwortet, fast ebenso mädchenhaft wie sie.
Dazu rauschen die Geigen und strudeln die Bläser, dass es eine Pracht ist unddas Meer sich die Lippen leckt. Feine Streichergespinste und kleine
Klarinettenwellen besänftigen bei 'The Shore/Waves In The Morning' dengewittrig grollenden Okeanos, ein Sopranosaxophon feiert emphatisch trillernd
das Miteinander in einer orgeligen Dröhnwolke. Alles fließt und geht ineinanderüber. Ein von Brandung umrauschter noisiger Gedankenstrich markiert die
Mitte. Gedröhn, Gebrodel und Synthieklänge schüren die Erwartung auf dasNeue, das sich mit flirrenden und funkelnden Gitarren einstellt, aber auch
Gischt und der Wind überschauern die Mikrophone. Minutenlang wird man Teildes Schalls, den das Meer an und für sich macht. Bis zu zarter Gitarre undlyrischem Piano Due und Myrvoll einander noch einmal ihre Tagträume zusingen
und Due gar nicht mehr mit dem Schmachten aufhört, bis sie sich glitzernd ineinen Eisvogel verwandelt, und die Bläser mit den Streichern von halkyonischen
Tagen träumen. Der Synthie schnarrt zu diesen Liebeswellen komische
Geräusche, der Bass streicht sich genüsslich den Bauch. Bis zuletzt mit
Bongobeat und Piano der alte Spruch anklingt, dass nur der sich treu ist, der in
Bewegung bleibt.
Stop Freeze Wait Eat (HUBROLP3538) ist nach "Bathymetric Modes" (2012) das
zweite Solo von IVAR GRYDELAND. Der mit Huntsville, Dans Les Arbres,
Ballrogg und Finland bekannte Gitarrist, der sich hier mit Banjo, Electronics.
Drum Scope, Pocket Piano und der Roland Rhythm 77 Drum Machine etwas
vergrößert, aber nicht vergröbert, wechselt zwischen der dröhnminimalistischen Variations-Reihe 'Stop Freeze Wait Sing', 'Stop Freeze Wait Bleed', 'Stop
Freeze Wait Run' und 'Stop Freeze Wait Sleep', einer Wortfolge, die einen
unwillkürlich an King Crimsons 'Sex Sleep Eat Drink Dream' denken lässt, unddem pulsminimalistischen Pluckern von 'Lag. Accumulated B' & 'A'. Die ruhige,sparsame, von Basswellen unterlegte Klangfolge aus Sekundenschlägen,geratschten Querstrichen und klackendem Pingpong, die sich in Minimal-Manierprozesshaft abspult und in ein monotones Pulsieren mündet, geht über in einebeschleunigt klackende Rotation, die kurz innehält und dann weiterhinkt oder
mit Zahnradlücken kreist. So steigen wir durchs schwarze Loch zur B-Seite undbluten mit weiterem, impulsdurchpufftem Sekundengetröpfel. Bei 'Eat After Me'
fingert Grydeland ein melodisches Netz mit verzogenen Maschen, bevor er bei'... Run' auf Bassgewummer wie mit Steinchen klackt. '... Sleep' ist kurioserweise die munterste Variation, wobei Grydeland und das Sandmännchenkeinesfalls auf Kriegsfuß miteinander stehen.
36Intakt Records (Zürich)
Egal wie man sich die Entwicklung des Leaders des ARUÁN ORTIZ TRIOs von seinem
Solodebut "Impresión Tropical" (1996) bis zu Hidden Voices (Intakt CD 258) vorstellt,spiralig oder dialektisch, die Musik des Pianisten aus Santiago de Cuba pendelt
beständig zwischen kubanischen Reminiszenzen und jazziger Modernistik. Seit er inseiner spanischen Phase (1996 - 2002) Ornette Coleman und Monk gehört und sichdanach an der Berklee School und als Protegee von Muhal Richard Abrams mit allen
eklektizistischen Wassern gewaschen hat, ist 'kubanischer Kubismus' bei ihm mehr als
nur ein Wortspiel. Titel wie 'Fractal Sketches', 'Analytical Symmetry' und 'Arabesques ofa Geometrical Rose' verraten den Eindruck, den Xenakis' musikalische Architektur,
Mandelbrots fraktale Rauheit und die Kubismen und Surrealismen von Picasso, Braqueund Wifredo Lam auf ihn machten und sich niederschlugen in etwa "EARchitecture" (w/Jure Pukl, 2010) oder "Textures and Pulsations" (w/Bob Gluck, 2012). Mit intellektueller
Brille, Krawatte und Kräuselbart gibt Ortiz den Tastenbrainiac wie aus dem Bilderbuch.
Seine Verehrung für Coleman zeigt er mit 'Open & Close/The Sphinx', die für Monk mit'Skippy'. Für die Klasse von Eric Revis spricht sein Kontrabassintro zu 'Open & Close',
Cleavers Drumming zeichnet sich durch pianistische Sensibilität aus, wie so oft schon an
der Seite von Matthew Shipp und mit Ortiz im Orbiting Quartet. Die Spannung zwischen
Ortiz' Affinitäten zeigt sich plastisch zwischen Ornettes quickem 'The Sphinx' und den
klackenden Claves von 'Caribbean Vortex'. Wobei da längst auch deutlich geworden ist,
dass seine Neigung zu perkussiver und dezisionistischer Gestik die Schwäche fürdelikate Arpeggiogirlanden überwiegt. Selbst 'Analytical Symmetry' eskaliert als Reverie
zu einem gehämmerten Endspurt, Ortiz' Anschlag besticht besonders dann, wenn er die
Tasten mit kühler Lakonie traktiert. Das kurze '17 Moments of Liam's Moments (or 18)'
wechselt zwischen 17 und 18 Schlägen, 'Joyful Noises' spielt frei mit Innenklaviereffekten, gerupftem und prickelndem Pizzikato und Geknister mit Silberfolie. Und es
endet nach der monkschen Skipperei mit einer abstrakten Soloversion des kubanischen
Gassenhauers 'Uno, dos y tres, que paso más chévere'.
Shadow Garden (Intakt CD 259) ist nach "Flying Letters" meine zweite Bekanntschaft mit
SARAH BUECHI. Die Musik, die sich die Luzernerin hat einfallen lassen, wird wieder vonStefan Aeby am Piano, André Pousaz am Kontrabass und Lionel Friedli an den Drums inplastischer Empfindsamkeit ausgeformt. Und Buechi schrieb dazu wieder Lyrics wie"What our greedyy hearts try to find / is all covered up by the mystery of our blindness"('Lost And Found'), "In my ears I hear Pluto turn, / along with cars stuck in traffic. / Myskin senses ships drowning, / pounding noises, so barbaric" ('The Apple'), "Love is alie... God is a lie... Freedom's a lie..." ('Comfort Of Illusions'), "Acting good nor bad, /Neither cursed nor free, / Don't be scared to be." ('Right Nor Wrong'), "...and let me besomeone never too tired, oh, to overcome, / and find ways to feel alive, alive, alive..."('Alive') oder "...like children dancing just before they adapt to human kind; just before
they go blind!" ('Reconnect') und so weiter. Ganz so, als ob sie dafür mit ihrer
Persönlichkeit und Lebenserfahrung einstünde. Mag das manchen wie etwas schaumig
Geschlagenes aus dem Philosophiekochkurs oder wie Hildegard von Bingen mit viel
Curry schmecken, und zudem allzu eingeweiht und lebensberatend vorkommen, stattpoetisch pointiert, egal. Buechi steht voll für ihr Denken und Fühlen ein. Außerdem hilfteine faszinierende Stimme über vieles hinweg. Nicht umsonst hat sie sich bei Lauren
Newton, Susanne Abbuehl, Sheila Jordan und Jay Clayton schulen lassen. So dass sie
mit allerhand Kunstlied-Zicken virtuos Abstand nehmen kann von bloßem Naturtalent mit
Popappeal. Mit sportlichen Intervallsprüngen und eindringlicher Sopranistik, auchwortlos vollmundig, intim hechelnd und maunzend und überhaupt mit Vollweib-Verve. Als
Bonus gibt es eine Buechi-Version vom 'Guggisberglied', als ob sie die Einsicht und die
Lebenslust, die sie doch längst mit Feeling komplettierte und beseelte, noch mit
Schweizer Herzblut unterstreichen wollte.
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Aruán Ortiz

Aly Keïta

Der Drummer LUCAS NIGGLI und der (Kontra)-Bassklarinettist & Sopranosaxophonist JAN GALEGABRÖNNIMANN sind schon als Babies zusammen
gekrabbelt, und das auf afrikanischem Boden, denn
beide sind sie Ende der 60er in Kamerun geboren.
Auch als Halbstarke spielten sie noch zusammen
Miles Davis oder Makossagrooves, bis sich die Wege
Mitte der 80er trennten. Brönnimann blieb mit Brink
Man Ship inkl. MC Nya zugange, dem Trio Prêt-àPorter und a.spell (hRRympf, sorry), Niggli klöppelte
24 Alben allein für Intakt. Jetzt begegneten sie sichim Mondschein wieder - das bedeutet Kalo-Yele(Intakt CD 261) nämlich in Bambara, einer Sprache,
die in Mali und der Elfenbeinküste gesprochen wird.
Dort stammt der Balafonvirtuose ALY KEÏTA her, ein
Neuberliner, der sich in Aufnahmen mit Lukas Ligeti,
dem Trio Ivoire und Marula jazzverliebt gezeigt hat.
Sein chromatisches Balafon ist der wilde Verwandteeines Jazzpianos, so wie Brönnimann Bass wie auf
einem Mammutzahn spielt. Bleibt Niggli als der feine
Knabe in diesem Maskenspiel mit jazziger Sophistication, die in ihrem verspielten Afrolook deraktuellen Multikultiverachtung eine Nase dreht.
Lieber mit Gazelle unverzagt im Regen als vor lauter
Angst vorm fremden Mann ins eigene Nest scheißen
und auch noch stolz drauf sein wollen. Keïta übt mit
uns, im kleinen Einmaleins der Menschlichkeit überdie Eins hinaus zu zählen und hat nach wenigen
Takten schon die schönsten Muster an Komplexität
beieinander. Brönnimann macht den Sänger, der den
Mond anschmachtet und in Erinnerungen an'Nyanga', 'Bamako' und 'Bafut' schwelgt. Niggli
braucht da nur noch zu grooven, mit flinken Stäbchen, Blechgeklapper, Besenwischern, 'singendem'
Metall. Oder er gongt wie von Geisterhand und
klopft, während Brönnimann bei 'Bean Bag' deprofundis brummt und Keïta Klingklang glöckelt.
Wer seine Bohnen beisammenhalten will, musszählen können. Und wer beim dahin trottenden'Mamabamako' oder dem zungenmilden Walzerchen'Abidjan Serenade' so schön aus dem Bassregister
aufsteigen kann, braucht eigentlich kein Soprano.
Bei 'Makuku' spielt Keïta den Ohrwurm, Brönnimann'Tuba', Niggli rockt. Noch berauschender ist Keïtas
polyphones Gequirle, halb Kora, halb Hang, bei'Dreams of Mikael', zu dem Brönnimann als
Sopranolerche jubiliert. So funky und dennoch auchmelancholisch angeblasen wie es mit 'AdjaméStreet' endet, scheinen zwischen Afrika und der
bleichen Diaspora kein Meer, keine Alpenfestungund kein Fitzel Papier zu passen.
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jazzwerkstatt (Berlin)
Zuletzt konnten wir CHARLES GAYLE spielen hören, als er mit Klaus Kugel &Ksawery Wójciński am 3.4.2014 in Poznan Gospels according to Albert, Sonny,
Thelonious und John anstimmte ("Christ Everlasting", For Tune). Sieben Wochen
später begegnet man ihm wieder, Live at Jazzwerkstatt Peitz (jw 155), in derStüler Kirche mit WILLIAM PARKER & HAMID DRAKE an der Seite, selber zwei
großen Verkündern froher Botschaften. Die erste und grösste ist das weihnachtliche "Fürchtet euch nicht!" ('Fearless'). Wenn Gayle da das Tenorsaxophon
in erzenglischem Feuer aufglühen lässt, schwingen für die Leser alter Bücher
auch die Sätze mit, die Jesus im Matthäus-Evangelium spricht. Zwischen dem
bekannten Bild von den Haaren, die alle gezählt seien, und den Spatzen, vondenen keiner vom Himmel fiele ohne den Willen des 'Vaters', heißt es da, dassniemand diejenigen fürchten müsse, die nur den Leib töten können, aber nicht die
Seele. Eine Seele oder etwas, das empfänglich ist für Götterfunken, ist die
implizite Voraussetzung dieser 28-min. Predigt. Dass es um frohe Botschaft geht,
bestätigt das Trio mit 'Gospel', für das Gayle ans Piano wechselt und über die
Tasten kapriolt und traumeltaumelt. So faltet er auch, ganz unfanatisch, 'Texturen'
aus. Aber ohne Pfingstfeuer keine Fire Music. Und beide, Religion und Musik(dieser Art), zehren vom "alogischen Rest" im Sein. Das weiß auch Parker, derpizzikato feuereifert und zum Bogen wechselt, um die Glut anzufachen oder um
bei 'Angels' wie mit Leimrute Engel zu fangen. Er hat Ende der 80er mit zu den
ersten gehört, die Gayle ministrierten, wenn der sich, so wie Paulus im Brief an
die Korinther geschwärmt hatte, zum "Narren um Christi willen" machte, mit roter
Clownsnase bis heute. Die einen reden in Zungen, Drake redet mit Händen undFüßen und besonders eloquent bei seinem furchtlosen Talking-Drum-Solo contra
Beelzebub, ohne ein einziges F_ck oder Hallelujah. Für die 'Encore' bringt Gaylenochmal das Tenorsax und Parker die Saiten zur Rotglut, und Drake poltert, alswürde er mit Eselsknochen um sich schlagen. Aber statt die Zähne zu fletschen,
läuft das auf einen lockeren Groove mit Lachgrübchen hinaus. So wie es nun mal
im Rudolph-Evangelium geschrieben steht.
Trompete, Altosax und Posaune, bei Pink Elephant (jw 163) ist XL angesagt. Die
Gelegenheiten, bei denen der Leader des NIKOLAUS NEUSER 5TETs seine
Trompete im Berlin Jazz Orchestra, im Hannes Zerbe Jazz Orchestra und im
Satoko Fujii Orchestra Berlin erschallen ließ, haben ihn wohl darauf gebracht,
selber groß zu denken. Mit nur wenig mehr Personalaufwand als Potsa Lotsa, wo
er, Silke Eberhard und Gerhard Gschlößl ebenfalls die Backen aufblasen, so
dolphyesk wie elefantös. Dazu trommelt hier Bernd Oezsevim, der vom Zodiak
Trio her gut mit Trompete kann. Und Mike Majkowski, ein über Lotto! gut polnischund über Illogical Harmonies und Konzert Minimal wandelweiserisch verlinkter
Australier in Berlin, bringt am Bass das 'nur wenig mehr'. Gleich 'Happy Vamping'und 'Hypertonus' stehen für ein architektonisches Big mit breiten Pinselstrichen
oder einen Jumboswing mit stürmischem Getröte, 'Pink Elephant' steht fürPostbopsophistication mit dolphyesken Altosprüngen und viel Posaunenpink.
'Eigene Tat' besticht in federndem Tempo mit rasant schwärmendem Alto undeiner Pizzikatodemonstration. 'Tiergarten' lautmalt sich als die erste von zwei
kleinen Kollektivimprovisationen, bei 'Dekonstrukt' rahmt Neuser Eberhards Verveund ein eigenes hornissiges Attacco mit suprematistischer Kulisse. 'Einweinfrei'
bringt wieder großformatiertes Pink mit feingliedrigem Drive, der aussetzt fürsprudelndes Gebläse. Nach 'Pfrümmff' als Drehwurm-Shuffle der Rhythmsection
wird es bei 'Immer leiser' immer zarter. Bei 'Kropsky...' setzen Trompete undPosaune die Schaumkronen auf Wellen, die mit leichtem Knick grooven. Und 'Jalla
Jalla' wird allein von Trompete und Drums als finales Ausrufezeichen gesetzt.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Rodion Schtschedrin hat 1988 eine "Alte russische Zirkusmusik"
geschrieben, Cosmic Circus (LR 736) von GOAT'S NOTES ist neue
russische Zirkusmusik, Musik für einen 'Circus In Heliosphere'. Mit - schon
zum dritten Mal auf Leo - Gregory Sandomirsky am Piano, Vladimir
Kudryavtsev am Kontrabass, Maria Logofet an der Geige, Piotr Talalay am
Schlagzeug, Andrey Bessonov an der Klarinette und Ilya Vilkov an derPosaune als 'Local Clowns' und Hugues Vincent am Cello, Sabine
Bouthinon mit der Bratsche und Pierre Lambla am Altosax als
französischen Gesinnungsgenossen bei turbulenten Nummern wie dem
klassischen 'Cosmic Villages Rondo' zu Beginn, dem launigen Geigenkitzel'Last Show On Praxis', das russisches Edelvieh an den Meistbietenden
versteigert, und Sachen wie 'No Place Like Home' mit seinen die Violine
umbalzenden Bläsern oder 'Moonshiner's Take Off' in seiner mondstichigen
Pikanterie, die sich zum Groove verdichtet. Das Nonett verbindet quirlig
swingende Cirque-du-Soleil-Poesie mit sun-ra'schem Ringelpiez, alshochprozentiger Klassik-Jazz-Verschnitt, der ständig die Frage aufwirft, ob
man da selber tanzt oder der Boden unter den Füßen. War da was im
Frühstück mit seltsamen Nebenwirkungen auf die Schwerkraft? Wie
passen das bläulich elegische 'Zero Gravity Breakfast', das noisig
verzitterte 'Black Market' und das kapriziöse String-Ding 'Circus In
Heliosphere' in Reih und Glied? Im Zirkus sind solche Bocksprünge freilich
Programm. Auch dass Micky Maus mit ihrem nicht zu stoppenden
Zauberbesen die '"Forever" Bar & Grill' ausfegt. 'Gypsie' geigt und tanzt
sich mit einer Träne im Knopfloch den Blues von der Seele. Und 'Aurora'
pickt mit spitzen Fingerchen am Saum eines ganz anderen Morgens, einen,
der vielleicht ein Signal für das Ende der neuen Winterpalais bringt.
Passages (LR 741), das achte Album von THE AARDVARK JAZZORCHESTRA, das Leo Feigin herausgibt, hat ganz verschiedene Vektoren.
Mit 'Spaceways', als sanfter Feier von Sun Ras 100., einen zentrifugalen,solange wir Erdlinge uns für den Mittelpunkt des Alls halten: mit Phil Scarff
am Soprano und Dan Zupan am Baritonsax als nachdrücklichsten
Argonauten und rockigem Ruderschlag des Kollektivs. Mit 'Saxophrenia',
hervorgegangen aus einem Saxophonsextett von 2002, einen saxophil
orchestrierten, bei dem das Erdferkel in euphonem Regenbogenglanz
wonnig mit dem Bariton schmust, zu einem Latingroove die Hüften
schwingt und sich mit dem nun fast schüchternen Soprano und einem
schneidigen Kornettsolo von Taylor Ho Bynum Glanzlichter aufsteckt. Mit'Twilight' einen nach einer grafischen Partitur kollektiv improvisierten, derdem "last gleaming" zu folgen versucht mit flinkem Pizzikato, spitzfingrigem
Piano, stöbernd zwielichtschlürfendem Gebläse. Mit 'Commemoration(Boston 2013)' und den Sätzen 'Maelstrom', 'Aftermath' und 'Elegy', dem
Herzstück des Ganzen, lenkt Mark Harvey die Erinnerung hin auf das
Trauma des Anschlags auf den Boston-Marathon, die vier Toten und vielen
Verwundeten des 15.4.2013. Der Psalm 130 mit seinem "Aus der Tiefe rufeich" gibt den Ton an eines vielzungigen Wehgeschreis und protestierender
Brandreden, Bariton-, Tenor- und Altosax lösen sich ab, Richard Nelson tut
sich mit der Gitarre hervor. Er und Harvey ertasten besonders elegische
Lyrismen, die Bläser blasen wie an offenen Gräbern, offenen Wunden. Das
Altosax, feiner Schellenklang und Peter Blooms Bassflöte mahnen, dassdas Leben weitergeht, der gestrichene Bass hüllt sich jedoch noch ganz inTrauer. Erst eine strahlende Trompete führt feierlich ins Helle.
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SIMON NABATOV und MARK DRESSER, das geht gut zusammen, wie"Projections" (Clean Feet, 2015) zeigt. Was die beiden am 31.5.2014 im Kölner
LOFT miteinander spielten, war aber nur der halbe Abend. Die andere Hälfte
bestritten der LOFT-Hauspianist und der kalifornische Bassist, der nach einer
18-jährigen Downtown-Phase seit 2004 in San Diego lebt und lehrt, zusammen
mit dem jungen Drummer DOMINIK MAHNIG. Der stammt aus Willisau, kamnach Köln, um dort seinen Master zu machen, und mischt da in der Szene gut
mit. Mit dem Zooom Trio war er auch schon auf Leo zu hören. Die 25-30 Jahre
Vorsprung an Spielpraxis und Erfahrung, die seinen Partnern bei Equal Poise(LR 745) die Hände führt, sind ein Bonus, aber keine hörbare Differenz in derBeherrschung der gemeinsamen Sprache. Wenn Nabatov und Dresser sich bei
einigen Kölsch darüber austauschen wollten, was sie so getrieben haben seit
ihrer Begegnung bei Klaus Königs "The Song Of Songs" (1993), hätten sie
Stoff für einen "Lindenstraße"-langen Rattenschwanz an NowJazz-Episoden.
Was an der Theke nur eine Reihe von Anekdoten wäre, wird auf der Bühne zum
intensiven Austausch und einer Demonstration in Sachen Dynamik und
Klangfarbe, fließendem Geben und Empfangen, überraschendem Druck undstrudelndem Gegendruck, Finden ohne zu suchen. Poise verweist auf die
dynamische Viskosität, die Zähflüssigkeit eines Fluids, auf Fließfähigkeit,
Kohäsion und innere Reibung - wie Momente stagnierender Repetitionen oder
Dressers knarzender Bogen plastisch zeigen. Und gleichzeitig auf ein
Equilibrium und eine Gelassenheit, die die Dinge am Schweben hält, selbst
wenn es turbulent wird wie auf Wildwasser. Kakophone Wischer, hornissiges
Surren und lapidares Klopfen verwandeln sich im Handumdrehen in tagträumerisches Spintisieren oder lässigen Swing, pendeln zwischen Feinsinn
und grobmotorischen Schüben oder führen die Kontraste parallel. Nur die
Zuhörer müssen um ihr Gleichgewicht fürchten. Aber deswegen sind sie ja da.
Die geigende Leaderin des SARAH BERNSTEIN QUARTETs stammt - wie Mark
Dresser - aus Kalifornien und macht sich gerade über ihr Mitwirken in
Orchestern von Anthony Braxton und Adam Rudolph hinaus einen Namen als
Rising Star der aktuellen Brooklyner Szene, mit Satoshi Takeishi als
Unearthish, mit Mat Maneri im Frikativ Quartet, mit dem E-Bassisten Stuart
Popejoy in ihrem Impro+Poetry-Projekt Iron Dog. Popejoy ist mit seinem
Melvins-beeinflussten Powertrio Bassoon eine Marke für sich und hier bei
Still/Free (LR 746) der Maverick neben der Pianistin Kris Davis, die aus dem
Windschatten von Ingrid Laubrock heraus schon Großprojekte wie Infrasoundstemmte, und Ches Smith, der mit Ceramic Dog, Secret Chiefs 3, Tim Berne's
Snakeoil und (inklusive Berne und Mary Halvorson) seinem These Arches sichlängst etabliert hat. Es beginnt, ganz Katzenpfote, kein Köter weit und breit, mit
einer Reverie von Piano und Geige. 'Paper Eyes' knüpft, weiterhin träumerisch,daran an, in einem Melvins-freien Paralleluniversum voller Zärtlichkeit und
Melancholie. Smith mit Besenstrichen, Popejoy mit Samthandschuhen. E =ecm²? 'Cede' schaltet einen Gang hoch, mit gypsyesker Bebopistik, prickelnd
wie Apollinaris, mit Davis als Oscar Peterson. 'Nightmorning' bringt wieder
mondschwärmerische Romantik mit einer Bassgitarrenträumerei undfunkelnden Becken, '4=' aber auch derart kapriziöses und zugleichentschiedenes Gefiedel, dass Bernstein eine heimliche Neigung zu dengeigerischen Wagnissen einer India Cooke oder Carla Kihlstedt nicht ganzabzusprechen ist. 'Jazz Camp' besteht aus ostinater Repetition, wirkt abergerade in dieser Simplizität pfiffig, zumal Bernstein da eines ihrer Gedichte
spricht - Action - reaction, organized - or not so, moving - not moving ... - und
auf Teufel komm raus fiedelt. 'Wind Chime' schließt mit luftig gezupften Tönen,rauschenden Becken, beiläufigen Arpeggios, tagträumerisch und faunisch.
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"Our 'harmony' and 'melody' are as much, and often more, aboutsonic qualities than about pitches and chords." So beschreibt MIKE
NORD, Professor of Music, Music Technology, Improvisation & Jazz
Studies an der Willamette University in Salem, Oregon, und elektrogitarristischer Partner des Zürcher Drummers GEORG HOFMANN
zutreffend das Hauptkennzeichen ihrer Klangkunst. Seit 30 Jahren
bilden die beiden eine Raumstation, an der dann der Geiger Richard
Carr, der Pianist Art Maddox, die Videokünstlerin Ann Kresge oderdie Tänzer Mao Arata und Makoto Matsushima andocken konnten.
Nun auf Tree, Wind & Flowers (LR 747) gibt ANDREAS STAHEL, ein'Klang-Atmer' aus Winterthur, ihren Trips einen fernöstlichen Touch
durch pfeifenden Obertongesang. Mehr noch aber spottet er derErdenschwere durch den Klangfächer seiner Flöten, wobei er daauch Tieftöner in Bass- und Kontrabasslagen pustet. Mit einem
seelenbrüderlichen Anflug von Franziska Baumanns "Voices &Tides"-Schwingungen. Nord verbreitet lediglich bei 'Talk to yourteens' gitarristischen Teen-Spirit, ansonsten mischt er sich ein als
eine feine, oft mysteriöse Präsenz, die die Soundscapes durchschimmert und durchweht als ein anderer, ein elektronischer Wind.
Hofmann wirkt daneben garadezu handfest, wenn er die Becken
aufrauschen lässt, die Bleche drischt, seine metalloiden Striche undTupfer setzt. Er mit schamanistischen Gesten und Stahel mit Steinund Knochengeflöte einerseits, zugleich aber auch einer Density
21.5- und Amplification-Futuristik, schließen wie Zeitreisende
Archaisches mit Sonic Fiction kurz. 'Marylin ascending' erklingt
zuletzt als eine dunkle Orgel-Flöten-Elegie, die sich aus metalloidem
Klingklang herausschält.
Dem Zaal 100 in Amsterdam, einem der namhaftesten Klanglabore
des europäischen Instant Composing, wie Misha Mengelberg es mal
getauft hat, entstammt auch das Miteinander von ACHIM KAUFMANN, FRANK GRATKOWSKI und WILBERT DE JOODE. 2002
wusste freilich keiner von ihnen, dass sich da eine der seltenen
Konstanten im Plinkplonkpluriversum gefunden hatte. Kevin Whitehead bescheinigt ihnen in seinen lückenlosen Linernotes zu
Oblength (LR 748) eine "plasticity of timbre" als besonders bezeichnend, eine Feststellung, die man schon nach den ersten Pianospritzern, Bassklarinettenbocksprüngen und Kontrabassknarzern in
Stein meiseln könnte. 'Trash Kites' beginnt allerdings auch quasi als
der Pollock dieses am 30.1.2014 im Kölner LOFT mitgeschnittenen
Sets Abstrakter Expressionismen. Wobei dem 'Pollocking' bald auchschon heftige Striche à la Kline, wilde Cluster à la Joan Mitchell und
luftige Lyrismen à la Helen Frankenthaler beigemischt werden. In
schrillen Farbstichen der Klarinette, aber auch ganz zarten
Tönungen des Altos, mit sägezahnrauen Kratzern oder col legno
geklopften Hieben seitens de Joodes. Aber auch kollektivem
Ausbluten, das die farbmystische Stille von Rothko evoziert. Immer
wieder nimmt quecksilbrig quicke Kakophonie Wendungen ins
Lyrische, gekontert von de Joodes tachistischem Pizzikato,
Kaufmanns Spachtelhieben und Kettengeklirr, Gratkowskis Intervallschlenkern, gezüllten, gekollerten und geploppten Lauten im
bruitistischen Anything-goes. Die improvisatorische Totalität derdrei mag Routinen enthalten, schwingt die Pinsel aber so einfallsund kontrastreich und dann bei 'Of Time In Pieces' auch so zärtlichkeitstrunken, dass man sie für Menschenfischer halten möchte.
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Quilin Records (Zürich)
Moonlit Bang Bang (QILIN009/Slowfoot, SLOCD028) ist der erhoffte zweite Streich von
PHALL FATALE, dem wilden Kind der Liebe von Joana Aderi, John Edwards, Joy Frempong, Daniel Sailer und Fredy Studer. Aderis 'The Girl, The Beat' ist wieder Programm beim
Clash zweiter mit Keys & Electronics frisierter Frauenstimmen mit zwei Kontrabässen,
gehegt und gescheucht von Studers Allrounddrumming. Um die feminine Power dessen,
was hier der phatale Fall ist, zu verorten, könnte man sich, auch wenn Studer nicht als
Composer auftritt, entlang des Koch-Schütz-Studer-Projekts mit Shelley Hirsch und seiner
Hendrix-Projekte mit Erika Stucky orientieren. Aber das würde den Charme von Aderi und
Frempong doch weit verfehlen, ihren rhythmischen A-Capella-Kecak bei 'Ring the Bell',
Aderis Nico-depressives "I wish I could die" bei 'Fish Tank', die karibische Poesie von
Slade Hopkinsons "Electric eel / Is the eel in the river / No blood, just a thrill / No blood, justa thrill / Lightning bold / Is the eel in the river." Richtig bissig und fetzig wird es mit '(Youcan be my) Crocodile', mit krassen Keys und 'singendem' Bass. Ganz träumerisch dagegen
Aderis schutzbedürftige Erinnerung bei 'Tree House', mit getragenen Pianonoten, Tupfern
von Bass und Percussion. Ein Paukenloop bringt danach das spöttische 'Funny Money'
voran, gesungen mit afro-karibischem Einschlag (jedenfalls kommt mir 'Money is King' vonGrowling Tiger in den Sinn). Im grössten Kontrast dazu folgt das erhabene 'Un grandsommeil noir' von Paul Verlaine, 1906 vertont von Edgard Varèse, hier arrangiert vonStuder mit dunkel pochendem Bass und Gepauke, und mit ganz ernsthaftem Gesang (stattgrotesker Sopranisterei). 'Sleeping Beauty' mit seinem Gamelanduktus ist Aderis
energischer Weckruf an verschlafene Dornröschen, ein Whistleblowing nicht nur füreingelullte Mädchen. Mit 'Manic Depression' bringt Studer den Hendrix-Joker und lässt es
zu manischem Keys- & Elektronoise krachen. Zuletzt singt Frempong mit "I love the silent
hour of night" ein Poem von Anne Brontë als balladenhaftes Notturno. "And then a voice
may meet my ear / That death has silenced long ago; / And hope and rapture may appear /Instead of solitude and woe." Der Abstand zu Aderis aufgekratztem und forderndem'Sugar Drops' könnte größer nicht sein. Aber wer auf 'rapture' setzt, auf Begeisterung,
Verzückung, Rausch und Taumel, ist das Gegenteil eines hoffnungslosen Phalls.
Der Wind? Eine Flöte? Nein, Geigenstriche von TOBIAS PREISIG und das Atmen einer
Kirchenorgel gespielt von STEFAN RUSCONI. Die beiden Zürcher trafen sich für Levitation(QILIN011) in der neugotischen Kirche Saint-Etienne in Cully am Genfersee. Mit ruhig
gesummten Tönen, aber auch diskant gestöhnten, vertieften sie sich in derHerzensangelegenheit und eigentlichen Raison d'Être der Musik, nämlich: Der Schwerkraft
zu spotten und auch Nichtengeln Flügel zu verleihen. Preisig, der abseits seines Quartettsoder des Duos Egopusher für sowas Seltsames zu haben ist, hebt beim allmählichen
Erwachen und sonoren Erblühen von 'Béatrice', das er mit spitzen und zartbitteren
Strichen begleitet, zuletzt mit schwirrenden Flügelchen ab. Rusconi seinerseits,
Namensgeber eines Pianotrios mit Fabian Gisler & Claudio Strüby, zeigt sich bei 'Gilliane'
auch geübt in unablässigen Minimal-Wellen, oder bei 'Marie' als dunkle und knarrendeDampfpfeife für einen Botero, der üppige Matronen auf Trab bringt. Preisig streicht darum
herum, aber wer bringt die elektronischen Schlieren ins Spiel? 'Angie' erhöht das Tempo
als pulsierendes Stakkato, Preisigs Gestrichel hat dabei einen metallischen
Beigeschmack. 'Mme Tempête' ist die brummig anschwellende Ruhe vor dem Sturm,
Klangschwaden durchsirren den Raum, die tiefsten Register grollen. Bei 'Chantal' wird die
Orgel zu einer flötenden Pumpe, die Geige irrlichtert dazu. 'Fiona' überrascht als schneller
Afroschuhplattler mit 'Percussion' und gelooptem Getute. Ich weiß nicht ob 'Mme Chapuis'
ein Flintenweib ist oder lieber Organisten umsorgt, Rusconi geht jedenfalls ein wehmütiges
Lied nicht aus dem Sinn, die Geige sirrt als Schmeißfliege umeinander. 'Pour L'Orgue'
beginnt im Halbdunkel mit meditativen Orgelhaltetönen, die allmählich an Farbe undPracht zunehmen, als würde die Sonne durch Buntglas immer voller auf sie strahlen. Wie
kommen zwei absolut nichtgothisch wirkende Typen nur auf sowas?
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Tzadik (New York)JOHN ZORN auf den Fersen zu bleiben, ist ein hoffnungsloses Unterfangen. Zu getreu
erfüllt er den Auftrag der Tora: Wachset und mehret euch. In monatlicher Frequenz
spiralt seine Diskographie gen X. Allein 2014 erweiterte und vertiefte er seine mythopoetische Hagiographik und inspirierende Bibliothek
um Hieronymus Bosch (again), Jacques de Molay,
Merlin, Ramon Llull, William Law, das VoynichManuskript, David Chaim Smith, Walt Whitmans"Leaves of Grass", Gustav Klimt, Paul Celans 'Zeitgehöft', Frank Wedekinds "Die Büchse der Pandora",
Comte de Lautréamont, Gertrude Stein, Hölderlins'In lieblicher Bläue', Rimbauds "Illuminations", Djuna
Barnes "Nightwood", Artauds "Suppôts et Suppliciations" und die "Contes De Fées". 2015 fortgesetzt mit
Dante, Strindberg, Edgar Rice Burroughs, Mervyn
Peake, Alan Moores "Snakes and Ladders", Steven
Millhauser, John Fowles. Bei "The Hermetic Organ
Vol. 2: St. Paul's Chapel, NYC" verblüfft er nicht nur erneut mit einem Passionsspiel fürKirchenorgel, er stellt mit 'Ascent Into The Maelstrom' auch Poes Horror auf den Kopf.
Eigenhändig zeichnete Zorn die Ursymbole Dreieck im Quadrat im Kreis fürPsychomagia (TZ 8313) und schrieb weitere Musik für das ABRAXAS-Quartett, das2012 "Book Of Angels Volume 19" aufgeblättert hatte: Shanir Ezra Blumenkranz amBass, Kenny Grohowski an den Drums, zusammen mit Aram Bajakian & Eyal Maoz an
Gitarren und damit die vereinte Tzadik-Power von Edom, Kef, Pitom, Rashanim undSatlah. 'Squaring The Circle' greift die Coversymbolik auf, 'Four Rivers' fließt ins
Paradies, beißt sich aber an einer Hexenverbrennung, 'Circe' und der 'Evocation Of The
Triumphant Beast'. Welche 'Metapsychomagia', welcher 'Celestial Mechanism' findet
den heißen Draht zur 'Anima Mundi' und 'The Nameless God'? Abraxas schiebt einenesselnde Wall of Sound beiseite und die beiden
Gitarren führen ins Golden Age of Instrumental Rock.
Mit zornscher Verve, aber in seiner Leuchtkraft so
fern von black-metalistischem Nihilismus wie Gerhard
Richters Fenster des Kölner Doms. Eher splittern hier
Splitter vom Diamantberg, und die Gitarren singen im
Wechselspiel selbst dann noch, wenn sie in Weißglut
erstrahlen. Bajakian & Maoz klingeln und singen
Musik, wie sie von der Insel des vorigen Tages
herüber schallt. Exil und Diaspora bekommen bei
Zorn fast immer etwas von Pulp Fiction-Schmäh und
B-Movie-Camp. Ich halte das für ein großes Kunststück, das ans Oxymorone grenzt. Als ein feierlicher,bejahender Furor, der mit Hulahüftschwung Fetische umtanzt, Ikonen aus Imateria undgnostische Evangelien, und dem Totenschädel aus Zucker lieber sind als menschenfressende Dogmen. Klingt die Gitarre bei 'Celestrial Mechanism' schon so, dass es
himmlischer nicht möglich scheint, übertrifft sie sich bei 'Evocation Of...' noch an
Hyperirrwitz. Und immer so weiter, in einer Zweistimmigkeit, die man sich stimmiger
und wirksamer schlecht vorstellen kann. Der Drummer braucht da schon den Turbo,
um da substanziell noch Druck zu machen. Aber schon wehen wieder leichte Schleierzum pulsierenden Bass, wenn die Gitarren nur hell umeinander funkeln, um die
namenlose Weltenseele zu feiern. Bajakians Freakshows mit Sean Noonan undBlumenkranz (im Immerhin) bzw. mit Tacuma (im Omnibus) hinterfüttern den schaurig
schönen Höreindruck mit denkwürdigen Erinnerungen.
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Alastor: Book Of Angels Volume 21 (TZ 8316) entstand in Seattle als ein erweitertes
Soloalbum von EYVIND KANG mit orchestralen Zügen, wie es die vielen Mitstreitererwarten lassen. Was erklingt, ist die synkretistische Interpretation von Zorns
Masada-Melodien als ein orientalisches Sandwich mit zugleich koreanischen undwestlichen Gewürzen. Eine arabeske Weltmusik, mit Oud, Tar und Sitar, Kacapi,
Geomungo und Gayageum, verziert mit west-östlicher Bongo-Conga-JangguPercussion, west-östlichen Strings, Synthesizer, E-Bass und Gitarre. Bei 'Samchia'
ist ein schmusiges Tenorsax eingemischt zum melodischen Pizzikato auf derHimmelsleiter, 'Hakha' verführt durch Blechpercussion, dunkles Tamtam undkatzenjämmerlichen Stringsingsang. »Masada« wird zum universalen Code. 'Jetrel'
hat Kang zu romantisch angedunkelter Filmmusik verdichtet mit elegischer Fiedelchinoiserie, von Cellos auf Samt gebettet. Bei 'Variel' springt er zu Movie-Exotica mit
laszivem Cha-Cha-Cha, verführerischem Stringswing und verstimmtem Piano zu
Flöte, Fagott und zirpender Trompete. Auch bei 'Loquel' ist was verstimmt, aber
Strings und Klarinette kämpfen sich durch Widerstände voran, und feminines AaAahgibt, nur von Wind umpfiffen, einen Morricone-Touch. 'Rachiel' kommt wellig daher,
allen voran eine heldenhaft gestimmte Trompete (wieder Cuong Vu), hinter der sich
die Strings eingrooven. Verzerrte Trompete und blecherne Blitze deuten Action an.
'Barael' verfällt wieder in einen Kameltrott, und Kang lässt dazu die Saiten der Oud
flirren. Waldhornstöße und Geigenstriche bringen 'Sakriel' voran, mit nun
strahlender Trompete und wieder weiblichem Blablablablabla und sogar
volksliedhaftem Gesang in fremder Zunge, dessen Hymnik das Tenorsax noch
befeuert. 'Uriron' endet wie im blauen Nil getauft mit allen Orientalismen undgemischter Vokalisation. Jedes Stück ein Ohrwurm aus Zorns Füllhorn, aberausnehmend üppig und exotistisch arrangiert.
Der Gitarrist Jon Madof ist Teil der Tzadik-Familie mit dem 'Jewish power trio'
Rashanim und dem Downtown-Funk von Blivet. Mit ZION80 führt er eine 12-köpfige
Allstar-Crew an mit Yoshie Fruchter (Pitom) an der zweiten Gitarre, Matt Darriau(Paradox Trio, The Klezmatics), Greg Wall (Later Prophets, Hasidic New Wave) und
Jessica Lurie (Billy Tipton Memorial Sax Quartet) in der Reed Section, Frank London(The Klezmatics, Hasidic New Wave) an der Trompete, dem Blivet-Orgler Brian
Marsella, Yuval Lion (Edom) an den Drums und natürlich Blumenkranz am Bass, diesich bei Adramelech: Book of Angels Volume 22 (TZ 8319) allen englischen und
teuflischen Herausforderungen gewachsen zeigt. Als Einstieg gibt es No-NonsenseAfrofunk à la Fela Kuti, mit einheizendem Call & Response von Orgel und Bläsern,auch schon erstem Gitarrenfuror und überkochender Trompete, bis 'Araziel' inalarmierendem Kikeriki gipfelt. Bei 'Sheviel' quirlt die Orgel zu klackendem LatinBeat die typische Masada-Creme aus mittelöstlicher Melodik, mit einer Gitarre, diesich Marc Ribot als Maßstab genommen hat und schwofenden Bläsern auf einem
Baritonpuls. 'Metatron' hat auf seinem Afrogroove das Zeug zu einer Erkennungsmelodie, Trompete und Sax führen ein Schlangentänzchen auf, ein Chor fängt
feierlich zu vokalisieren an, und die Gitarre surft, dass die Schläfenlocken fliegen.
'Shamdan' steigert die Illusion von Dattelcreme und Kamelmist mit Odaliskenhüftschwung, röhrendem Bariton, delikater Percussion und sternsingender Gitarre
zu klapperndem Groove und zuletzt der gaukelnden Orgel. 'Kenunit' lässt einen alsorientalisierte Salsa auf Marsellas Zauberteppich lockende Inseln ansteuern, ein
Saxophon nach dem andern kommt ins Schwärmen, die ganze Crew gerät ins
Swingen. 'Caila' folgt als Fetzer aus der Hell's Kitchen mit aufgekratztem GitarrenBläser-Rabatz. 'Lelahiah' entschleunigt als Schwerlastkarawane, die Gitarren
bestimmen Weg und Ziel nach den Sternkarten alter Magi. Zauberisch fingert sichMarsella zuletzt dann in 'Nehinah' hinein, bis London plötzlich einen chassidischen
Schwof anstimmt, erwidert von Lockrufen von Luries Flöte und einem heißen
Saxsolo. Rambambambam Ram Bam! Zorns "Masada Book Two" ist definitiv ein
Zauberbuch, und Tzadikmusik weit oben auf meiner immateriellen Kulturerbeliste.
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... nowjazz plink'n'plonk ...

Foto: © Pierre Chinellato

DIE HOCHSTAPLER Plays The Music Of Alvin P. Buckley (Umlaut Records,
ub007): Nach ihrem "The Braxtornette Project" (2013), wo sie Musiken von
Anthony Braxton und Ornette Coleman dekonstruierten, potenzieren Die
Hochstapler hier ihre Hochstapelei unter Bezug auf einen gewissen Alvin P.
Buckley. Trotz der Lebensdaten 1929-1964, des Abstracts "Graphs of Musical
Functions", Skizzen aus seinem Journal, einer behaupteten Begegnung mit
Stockhausen und eines Briefs an eine Madame Borel halte ich diesen Buckley
für einen Landsmann von Luther Blissett und Wu Ming. Madame Borels Sohn
Pierre bläst, womit ich zu den gesicherten Tatsachen übergehe, Altosax, Louis
Laurain, der auf Soundcloud '5 pieces for quartet (based on Kerouac's sanfrancisco blues) by Alvin P. Buckley' hochlud, spielt Trompete, Antonio Borghini
immer noch Kontrabass und Hannes Lingens die Drums. Der Typ auf dem Coverist auch nicht Tatort-Kommissar Leitmayr in jüngeren Jahren, er sieht nur so
aus. Egal, zwischen 'Alphabets and Alfa Romeos' und 'Playing Cards'
konzipierten die Vier birdologischen Hyperjazz, dessen Sophistication
glaubwürdig Züge der beboperhitzten und wieder cool abgeschreckten 50er
Jahre evoziert. Gespickt mit repetitiven und kakophonen V-Effekten, vermeiden
sie insbesondere jede Head-Solo-Solo-Head-Routine. Die Vierstimmigkeit ist
vielmehr so ausgefuchst wie bei ausgetüftelter Neutönerei. Deren Hurzlastigkeit wird allerdings mit jazzig keckem Schmiss ausgetanzt. KomplexeÜberbietung gehört ebenso zur Strategie wie simplizistisch tuendes Understatement mit pseudoprimitivem Beat oder Loops, die die Musik auf der Stelletreten lassen. 'Every Bird Must Be Catalogued' kommt als löchrige Folge
quicker Kürzel, quirliger Geräusche und dünn ausgezogener Töne daher, auchwieder mit simplen, jedoch mit Gong pointierten 4/4teln, und sogar als flotter
Pastiche von einstigem Jazz to come. Als solcher erscheint dann auch '... Ce
Que Le Ver Est A La Pomme', wobei sich ein glissandierender Sirenenton ins
Ohr hängt, der Tabula rasa macht für eine weitere Folge pikanter und frech
stupider Kürzel. Zuletzt sind noch einmal Bebop-Tempo und Bläserkomik
Trumpf, bis das mit einem swingenden Capejazzmotiv ausklingt. Klasse Zeug,absolut isohyps, also auf gleicher Höhe, mit Mostly Other People Do The Killing.
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ERIK FRIEDLANDER Oscalypso (Skiptone Records, SSR22):
Friedlander hat schon immer für Oscar Pettiford (1922-1960)
geschwärmt, als das Maß der Dinge für das Cello-Ding. Aus Liebe zur
Sache hatte Pettiford ja sogar seine Tochter Cello getauft. Nachdem erzuletzt sich allein in heilige Bücher vertieft hat für "Illuminations", hat
Friedlander nun wieder mit Trevor Dunn am Bass und Michael Sarin an
den Drums seine treuen Weggefährten von "Bonebridge" (2011) und"Nighthawks" (2014) an der Seite, um ausschließlich Stücke vonPettiford anzustimmen: Allem voran 'Bohemia After Dark', 'Tricotism'
und 'Oscalypso' als Hits, die durch Cannonball Adderly, LuckyThompson bzw. Art Blakey & The Jazz Messengers groß heraus kamen.
Aber auch das wonnevolle 'Two Little Pearls', bei dem Pettiford sein
Töchterchen, "My Little Cello", im Arm wiegt. Dazu 'Cello Again', einst
auf einer Schellack-Single in einem Quartett mit Mingus, 'Cable Car' voneiner 1954er 10" sowie 'The Pendulum At Falcon's Lair' und 'Tamalpais
Love Song', die er im Jahr zuvor schon mit seinem Sextet, ebenfalls mit
Mingus, aufgenommen hatte. Und zuletzt 'Sunrise Sunset' mit seinem
Tango-Swing, mit dem das Oscar Pettiford Orchestra 1956 "In Hi-Fi"
zum Tanz aufforderte. Die Musik ist also älter als Friedlander und, bei
aller angebebopten und pizzikatoprickelnden Sophistication, zugleich
süß und elegant, süßer allemal als das Leben des Mannes, der sie
erfand. Friedlander bringt für Pettifords Melodienreichtum zu seinem
djangoflinken Picking oder samtigen Bogenstrich den Saxophonisten
Michael Blake mit ins Spiel. Der Kanadier, dem wir die wunderbaren
Intuition-Alben "Kingdom Of Champa" & "Drift" verdanken, hat letztes
Jahr ja gerade erst mit "Tiddy Boom" ein Tribute vorgelegt an Lester
Young und Coleman Hawkins, mit dem Pettiford schon 1943 gespielt hat
und noch sechs Monate vor seinem Tod als Essen Jazz Festival All Star.
Blakes Melodik ist das Sahnehäubchen für diesen von Hochachtung und
Zuneigung geprägte Pastiche.
VINCENT GLANZMANN ho tape (Goudmaker, C-30): Zu sagen, dass derZürcher bei Khasho'gi und Sekhmet trommelt, erschiene mir plump. Er
sorgt da vielmehr für perkussive Akzente und Nuancen. Vielleicht
trommelt er ja bei Skorpionfish oder Doomenfels? 'Perkussive Akzente'klingt wiederum so vage, dass es vielleicht hilft, ihn einfach mal solo zu
hören oder, besser noch, zu sehen. Youtube bietet seine Performances
beim Mullbau Festival 2013 in Luzern und beim unerhört! Festival 2014
in der Roten Fabrik. Ersteres erinnert als bodendeckendes Pollocking
an die einstigen 'Koffersuiten' von Peter Holliger, mit Becken undBlechen und motorisiertem Vibrato. In Zürich bespielte er zwar ein
kleines Drumset, aber ebenfalls mit einem Vibrator (oder elektrischen
Klangsauger) in der Rechten. Metallicklangfarben, das Rauschen und
Schillern oder reiskörnige Tickeln von Becken, sind eine Spezialität vonihm. Tokyo als Geburtsort und ein Haarknoten geben seinem Einhandoder Stäbchendrumming und seiner Fingerfarbmalerei einen fernöstlichen Touch, auch wenn seine Lehrmeister Pierre Favre undNorbert Pfammatter heißen. Witzigerweise beginnt das kleine Tapeausnehmend rockig, bevor es sich elektronisch durch Nadelöhre fädelt.
Oder das charakteristische Schimmern und Rumoren eines Beckens
einsetzt. Dazu kommen stottrige Rumpler und dröhnende Reibungenoder grummelige und sirrende Verunklarungen zu klackenden oderschnarrenden Schlägen. Kurz, ich höre elektroakustische Percussion
mit sympathisch eigenem Charme.
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BARRY GUY Time Passing... (Maya Recordings, MCD 1501): Guy hat (in einem Interview
mit Ben Dwyer) sein Flippern zwischen Barock und Plinkplonk, zwischen Bach und
Xenakis, "an almost Jekyll-and-Hyde scenario" genannt. Dieser scheinbare Insichwiderspruch bestimmt immer noch die Selbstverständlichkeit, mit der er zugleich als
Komponist Stücke kreiert wie "Mr Babbage is Coming to Dinner" (zu hören vom Aurora
Orchestra auf "Objects at an Exhibition", 2015) und als Virtuose der freien Form sichmit seinem Kontrabass reibt an etwa Ken Vandermarks Klarinetten- & Saxsound, wie
beim Krakow Jazz Autumn 2014 (als "Occasional Poems" erschienen auf Not Two
Records). Der Höhepunkt dieses quasi um Guy kreisenden Festivals war die
Uraufführung von "The Blue Shroud", einem durch Picassos "Guernica" angeregten
Statement über die Friedensgeier der Lüfte. Mit Savina Yannatou, Guys Partnerin schon
bei "Attikos" (2010), der Zeilen von Kerry Hardie in den Mund gelegt waren. Die irische
Dichterin und die griechische Sängerin hatten auch ein Jahr zuvor schon, im November
2013 beim Huddersfield Contemporary Music Festival, Hauptrollen gespielt bei der
Aufführung von "Time Passing...". Guy schlägt da einen Bogen wieder von Bach,allerdings Johann Christoph, dessen sympathisch unverklemmte "Hochzeitskantate" inder Besetzung mit Sopran, Bassbariton und Streichern ihn reizte (und die widerhallt in
Anja Pöche, Matthew Brook und Camerata Zürich), bis zu Beckett, dessen "Ping" hierdie sublime Klimax ausmacht. Weitere Hauptrollen kommen der Poesie des Schotten
Edwin Morgan (1920-2010) und der New Yorker Malerin Elana Gutmann zu, auf deren
wie geträumte Abstraktionen schon "Tales of Enchantment" (2011) und "Amphi" (2013)
das Auge hinlenkten. Das visionäre Moment bekommt so die magnetische Gestalt einer
Meditation über den Lauf der Zeit im menschlichen Leben, eines weltlichen Oratoriums
oder einer Passion in sechs Stufen. Pöche spricht und gilft Hardies "All the shoving andpushing, the sound and the fury, have stilled...", verzahnt mit Brooks dunkel geraunten
Zeilen aus Morgans 'Epilogue: Seven Decades', einem biographischen Countdown von
Hoffnung und Enttäuschung: "At 20 I got marching orders... At 30 I thought life had
passed me by... At 40 I woke up, saw it was day, heard a new beat... At 50 I began tohave bad dreams... At 60 I was standing by a grave..." Stürmische Strings undaufgewühlt schnarrendes Bassspiel mischt sich mit Zungenrednerei, gepickte undgeschlagene Saiten und sirrendes Glissando oder dramatisch dräuendes Gedröhn sinddurchsetzt mit Gewisper, Gemurmel, gehaspelten Silben, wieder gesungenen
Satzfetzen. "The red dog shudders and rises and listens..." Die Streicher beben, die
Celli knurren wie Posaunen, die Geigen flirren wie Eissplitter. "These are our days.
Walk them. Fear nothing." Und wieder steigen und fallen glissandierende Wooshes zu
Yannatous Glossolalie. Auch so können Wahnsinnsarien klingen. Die hier mündet inseniles Gezitter und elegischen Herbstton, Staub auf den Lippen und hadernde
Erinnerungsfetzen. "In the stone-dark through the Northern night ... The winds ofLanarkshire were loud and high" fallen sich Hardie und Morgan Ton in Ton ins Wort, undPöche und Brook singen nun auch Zeilen gemeinsam, während Yannatou an allen
Worten vorbei girrt. Bis einen die Sänger eintauchen lassen in Becketts hell
durchschimmertes, dunkel begrolltes Mysterium in blankem, nacktem Weiß, mit
lichtblauen Augen und rosigen Dornen, in dem Innen und Außen, Ende und Anfang
verschwimmen. "... kaum fast nie eine Sekunde Sternzeit blau und weiß im Wind..."Beckett mischt sich, auch in 'Bing's originalem Französisch, mit dem Arnstädter Bach,irrlichternde Geigen mit surrendem Dunkel, Violinengespinste mit schrammeligen Celli,durchscheinender Sopran mit dem Blöken und Raunen des Bach-Passionen-erprobtem
Baritons, Geflüster mit Gewisper. 'Part VII' verzahnt zuletzt noch Morgans Endspiel "At
70 I thought I had come through..." mit Hardies 'Summer's End'. Anfangs, bei "taking
garment of fire and of shadow" und "When I go in I want it bright, I want to catch
whatever is there in full sight" dramatisch erregt, mit letzten Worten - Worten? - wie voneiner der Hüterinnen der Zeit. Die nicht vergeht, nur wir tun's. Umwirbelt vonmerkurialen Streichern und der Bizarrerie des Kunstgesangs, der im Ton der Alten ins
21. Jhdt. mahnt, "to remember, in a time of forgetting." Gesang, so absurd, dass er dem
gestelzten Ernst in den Rücken fällt. Was für ein Stolperstein!
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ALFRED 23 HARTH - JOHN BELL Camellia (Kendra Steiner Editions #318,
CD-R): Zwei Kamelienherren im Miteinander von Dumas & Tagore, von 'Tea
& Oil', von 'Gugak Fake & Love'. Vor allem aber ist es Sopransax (pluskoreanische Tröter, Posaune und Percussion) seitens Harth, & Vibraphon(plus Tenorhorn und Buktrommel) seitens seines neuseeländischen
Partners, den er nach einer gemeinsamen Tour an Koreas Südküste in sein
Laubhüttenstudio gebeten hat. Bell, der aus Auckland kommt, ist
keineswegs ein Nobody. Er hat mit Klunk 'Metallic', seinem Trio Spirals,
Spoilers Of Utopia, Circling Sun oder dem Modern Jazz Q4tet seine
Originalität gezeigt, auch wenn das, weil antipodisch, hinter dem Horizont
blieb. Vielleicht mit einem Hobbit als Attraktion? Aber nun hat er ja Mr. 23 an
der Seite, und teilt mit ihm eine Vorliebe für Peace & Entschleunigung. Fast
nicht zu glauben, dass Bell kein Künstlername ist, so glockig wie er daklöppelt. Ältere Harth-Stücke von "eShip Sum" und mit dem Trio Viriditas
und richtig alte von "This Earth" und mit dem Saxophonorchester Frankfurt
geben Gelegenheit, sich enorm lyrisch zu zeigen. Mit glasperlenspielerischumtüpfelten Sopranostrichen oder -klecksen, die Harth ins Blau
kalligrafiert. Wobei die Innigkeit des Ausdrucks quasi verlangt, dass derStrich nicht glatt und sauber ausgeführt wird. 'Transitoriness' ist
dazwischen ein Ohrenzupfer als von Entenquak verunklarte Blasmusik.
Atem und Spucke sind immer mit im Spiel. Dem nostalgischen 'La Place Où
se Cachent Le Mot Oublié' folgt rasantes Geklimper wie 'Colors &Ornaments' und 'Rust & Petals'. Harth wird, keckernd und tutend, indem erhornissig durchs Taepyeongso surrt oder mit dem Piri den Mond aufbläst,
immer wieder zur westöstlichen Hydra. Auch das gedehnte Lullaby 'Ending
Peace Cloud' wird umgehend mit dem superquicken 'Brüche & Scherben'
aufgekratzt konterkariert. Worauf wieder ein Stück mit geschliffenem
Schwebklang wie von Glasharmonika folgt, während draußen Regen
plätschert. Bei 'Starbucks' kommt beides, Harmonie und Dissonanz,
zusammen, wenn schrottig geratschte Percussion die getragene Poesie
durchzuckt. Auf den letzten zwei Minuten hüllt sich zartbittere Hymnik sosehr in Hall, dass die Laubhütte zum Kristallpalast wird.

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[GUNNAR FORS' QUINTET / BOBO STENSSON + SVENÅKE JOHANSSON + IVAR LINDELL] Gone With The Wind
(Olof Bright, OBCD37-38, 2 x CD): Geschichte besteht
offenbar darin, beim Versuch vorwärts zu kommen auf dieeigenen Fußstapfen zu stoßen und darüber in robinsonsche
Erregung zu geraten. Ein solcher Zirkelschlag von glatt 50
Jahren trifft auf das Kvintett des Trompeters Gunnar Fors,
1965 in der Bibliothek von Västerås, bei seinem Versuch,
weltgewandt die Lingua franca Jazz vorzuführen. 1999
würde man es gleich um die Ecke zum ersten Jazzmuseum
Europas bringen. Wenn Fors, Bengt Lindquist am Tenorsax,
Bobo Stenson am Piano, Ivar Lindell am Kontrabass undSven-Åke Johansson an den Drums mit Anzug und
Krawatte Stücke von Freddie Hubbard, Booker Little, Monk,
Dolphy sowie von Charles und Miles Davis bopten, dann
waren sie so up-to-date, wie man es als eingeweihtes
Mitglied der Modern-Jazz-Bruderschaft nur sein konnte(bevor Rock und Fusion sowas alt aussehen ließen). Fors
besticht, mit Bart noch etwas cooler als die andern,besonders mit seinem zerbrechlich feinen Dämpferton undstimmt mit 'Vår Idag' etwas Eigenes im Geiste der Vorbilderan, hat jedoch, ebenso wie Lindquist, danach nur wenige
Spuren hinterlassen. Lindell blieb sein Leben lang dem
Bebop treu. Stenson, der mit 21 schon Pariser Luftgeschnuppert und mit internationalen Stars gespielt hatte,
blieb mit Garbarek, Stanko, Rena Rama oder Oriental Wind,
auf Kurs Richtung ECM, während SÅJ einen ganz anderen
Weg zu gehen schien, grobe Richtung FMP und
Slingerland. Was die beiden nicht an einem Wiedersehen
mit Lindell hinderte, 2004 in Västerås. Um dort Oldies vonArlen und Porter zu spielen und, wie schon 1965, Dolphys'Hat and Beard'. Denn SÅJ hatte nie abgelassen vom guten
alten Scheiß und bot 'No Moon At All', 'Old Devil Moon' und'Gone With The Wind' ja auch mit Hudson Riv und 'Easy To
Love' und 'Old Black Magic' auch mit Night And Day. Was
die 65er Version von Dolphy erst noch versprach an neuer
Freiheit und Eigenwilligkeit, ist 2004 dann schon wieder
Geschichte, mit "Schau heimwärts, Engel" als sibyllinische
Antwort auf das vom Festival "Nya Perspektiv" gestellte
Thema. Das Trio beginnt mit dem lakonischen 4/4-5/4Wechsel von 'Count your Change' (von Paul Horns "Profile
Of A Jazz Musician", 1962) und fährt fort mit 'Iqbal' (vonYusef Lateefs "The Centaur And The Phoenix", 1960),
Sophistication auf Katzenpfoten. Nach 'Sweet' als vonStenson diktiertem Pastiche singt SÅJ von der Romanze,
die der Wind verweht hat, "just like a leaf that has flown
away." Brubeck und Bill Evans hatten das einst geklimpert.
Und mit "No moon at all, what a night / Even lightning bugs
have dimmed their light" reiht er sich ein hinter Nat King
Cole und Mel Tormé als einer, der die Gunst der dunklen
Stunde nutzen möchte. 'Hat and Beard' ist erneut die
zeitliche Obergrenze - 1964. Als ob danach das gelebte
Leben eingesetzt und sich vom gewünschten immer weiter
entfernt hätte.
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U R S L E I M G RU B E R / A L E X H U B E R
Lightnings (Wide Ear Records, WER018):
Live im Kunsthaus Zug entstanden am
7.3.2014 diese Duette mit Tenor- &Sopranosax (seitens Urs-L) und Drums &Percussion (seitens Alex-H). Das Luzerner
Drittel von Leimgruber-Demierre-Phillips,
Viertel von S4 und Sechstel von 6ix nimmt
sich den uns mit Chimaira und Lauren
Kinsella bekannten Perkussionisten, trotz
des Altersabstandes, auf Augenhöhe zur
Brust. Der kunsthaltige Rahmen verstärkt
ihre Neigung zu zugleich abstrakter undkonkreter Bruitistik. Huber reagiert auf
die sopranistischen Klangspaltungen undden schillernden Feinschlif f seines
Partners mit Spieluhrklang und feinmechanischer Perkussivität. In sprudelnder Diskanz expliziert Leimgruber die
Unendlichkeit des Fraktalen, dessen
rauen Ränder und spitzen Winkel. Jede
Kakophonie ein muybridgesches Daumenkino, ein zirkularbeatmetes Flickern undKeckern. Aus einer Mundvoll Spucke wird
Entensuppe, aus Beinahenichts etwas
schrill Gespießtes, Huber zirpt dazu an
Metallkanten, tockelt am Unterbau.
Gequetschte und gekrümmte Töne undhalbsonore mit allerdings strengem
Ziegenduft harmoniert mit Tomtomgemurmel und Beckenschauer. Huber
schlägt Rührei, klackt, rührt und rollt, bis
es groovt, und Leimgruber groovt mit,
Hals über Kopf in einer Gießkanne. Seine
Zunge gespalten, gepfeffert oder galvanisiert, Hubers Hände umgetrieben vonnervösen Tics. Der eine pustet Verstopftes, schrillt windschief durch engste
Spalten, der andere krümpelt und nestelt
mit Krimskrams, wuselt auf Pfoten,
rumpumpelt an der Trommel. Leimgruber
kennt weder hässlich noch falsch, jeschiefer und quäkiger, desto kurioser undköstlicher. Jederzeit könnte er wie Steve
Lacy oder braxtonifiziert klingen, aber
warum sollte er? 'Resistant' fetzt minutenlang wie Sau und löst den "Rock'n'Roll"-Alarm aus. 'Struck' zeigt Leimgruber am Tenor nochmal gießkannophonund Huber als Eisenzieher und Rumoristen, den das große Zittern befällt,als Leimi - moonstruck - plötzlich die halbe
Zitrone da oben anzuhimmeln beginnt, so
träumerisch wie himmelschreiend. Dakann ich nur "En Guetä" auf der Ohrenweide wünschen.

LUCÍA MARTÍNEZ - AGUSTÍ FERNÁNDEZDesalambrado (Pasancho Productions, i_001):
Fernández verschönt seit seinen frühen Jahren
beim katalanischen Rumba-Meister Gato Pérez
den europäischen NowJazz mit pianistischer
Sensibilität. 2014 feierte er beim Ad Libitum
Festival in Warschau seinen 60. mit einem Ad
Libitum Ensemble, den Aurora und Thunder Trios
und seinem Soloprogramm "El Laberint de laMemòria" ("River, Tiger, Fire", Fundacja Słuchaj!,
4 x CD). Er steht auf dem Hochplateau eines
Künstlerlebens, das ihm allein im letzten Viertel
2015 eine Konzertroute von Valencia überWarschau, Krakau, Barcelona und Amsterdam
bis Zürich und Kopenhagen bescherte. Mit Barry
Guys The Blue Shroud Band, mit dem SAI Triooder solo. Und mit Martínez in der jüngsten
Ausformung seines zuvor mit Ramón López undIngar Zach ausgekosteten Piano-SchlagzeugFaibles. Ihr Studium an der Uni der Künste in
Berlin und der Filmuni Babelsberg erklären den
Berliner Lebensmittelpunkt der 33-jährigen
Galizierin, die mit dem Lucía Martínez Cuartetokeinen Horizont für ihr lindes Fado- und TangoFeeling kennt und mit ihrem Berliner Projekt
Azulcielo das Blaue vom Himmel holt. Wenn sie in
Tal Balshais Groove-Orgeltrio oder mit Leon
Gurvitch "Sounds of Jerusalem" spielt, sind das
nur weitere Indizien, dass Martínez es unpuristisch mag und kann. Das individuell
farbbespritzte Cover verspricht nicht zuviel. Zum
Geklimper ihres Partners, lyrisch wie bei 'venga
la esperanza' oder dynamisch wie bei 'aguatrémula', spielt sie finessenreich mit Muscheln,
Bogenstrichen, Flexaton und tockendem Kartonköcher, aufs Schlagen besinnt sie sich nur
sporadisch. Fernández stöbert, schabt, rupft undflirrt im Innenklavier ähnlich perkussiv wie dieSeñorita aus Vigo, die dazu tockelt und sirrt, die
Nägel an Messing wetzt, Vogelpfeife bläst, Rührei
schlägt, Schrott beben lässt, glöckelt oder die
Becken abstaubt. Dazu zirpt er an Saiten,
knurpst im Korpus oder rumpelstilzt über die
Tasten. 'A desalambrar' hieß auch schon ein Liedvon Victor Jara, frei sein ist alles. Auch mit einem
Koffer in Berlin darf man von einem Leben ohne
Koffer ('la vida sin maletas') und von anderen
Ufern ('la otra orilla') träumen. Allerzarteste
Windspielerei wie ohne Hände oder Wildkatzensprünge gehen einher mit dann auch hektischem
Kratzen und Wetzen, Spielzeugmotörchen undPapiergeraschel mit quicken Tonspritzern undsprudelndem Vorwärts. Aber eigentlich will die
Musik nirgendwo hin, sie ist schon da, wo es amschönsten ist, in sich vertieft wie ein Dackel inseinen Knochen, eine Malerin in ihre Farbpalette.
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NAKED TRUTH Avian Thug (Rare Noise, RNR057): Man darf bei Rare
Noise an New York denken, aber eigentlich ist das Standbein in London
und ein Spielbein oft genug italienisch. Der Bassist Lorenzo Feliciati ist
da eine fixe Größe, mit "Koi" (2015), bei "Twinscapes" (2014) mit Colin
Edwards, in Berserk! mit seinem Landsmann Lorenzo Esposito
Fornasari, in Naked Truth mit dem Keyboarder Roy Powell (InterStatic,
Mumpbeak), dem Brooklyner Kornettisten Graham Haynes (Steve
Coleman, Bill Laswell, Bill Dixon, Butch Morris) und dem kalifornischen
Drummer Pat Mastelotto, der seit 20 Jahren bei King Crimson unddiversen Kingsize ProjeKcts für Vrooom sorgt und auch mit Stick Men
Crimson Spirit durch die Boxen jagt. 'Rapid Fire' bombadiert die
Synapsen mit faustdicken Bassschlägen, Powells Hammond taucht
zurück bis zu Larry Young und Lifetime und das Kornett strahlt, als ob
Haynes noch Blue Note-Luft geschnuppert hätte. 'Lazy Elephant' lässt
zu elefantösem Bass nu-jazzig die Gedanken schweifen, Powell
klimpert durch einen hohen Rauschpegel hindurch, Haynes zieht Yo
Miles!sche Fäden. 'Trap Door' lebt in der Spannung eines Dub-Pols, derdem stürmischen Andrang widerstrebender Kräfte Stand hält,
strammem Tamtam, forderndem Kornett, rauschendem Synthie,zischenden Becken. 'Tense Shaman' entschleunigt mit knurrig
schnarrendem Bass, Synthiegewölk und Ölfassbeat, während Haynes
lyrisch schwelgt und damit Powell infiziert, das Kornett klingt wie hintereinem Perlenvorhang. Komische Vogelgeräusche und Getrommel
führen ins Titelstück, dann setzt die Orgel ein und sorgt für Drive, mit
nur halbhohem Tempo bei breit gefächertem Tastenspiel undknarrigem Bassnoise, über dem nun Haynes wieder poetische Flausen
pustet, die in Orgelsound baden. 'Day Two At Bedlam' entfaltet sichversponnen, mysteriös, geräuschhaft, mit Phantomstrings, alle
Stimmen gedämpft, die Spuren verwischt, zuletzt träumen Powells
Finger. Und schaffen so einen zarten Übergang zu 'Moon At Noon', den
Haynes mit elektrifizierten Stößen hassellesk anbläst, während
Mastelotto minutenlang keine Hand rührt, bevor er mit feinen
Beckenklicks einfällt. Und ab der sechsten Minute auch wieder Beatsbeisteuert zur träumerischen, von Synthie umschnurrten Brailleschrift
von Kornett und Piano. Der Bass wiederholt immerzu seinen weichen
Slogan, Haynes wird nicht müde, in Mondstrahlen zu baden. Bill Laswell
hat das mitproduziert und abgemischt, was will man mehr?
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NANAYA far. home. east (Quadratisch
Rekords, QUAR 008): Thea Soti und ihre
Jungs lassen ihre imaginäre Folklore soschön schweben, dass sich dieses mit
jazziger Sensibilität inszenierte Überallganz heimelig anfühlt. Die in der
Vojvodina im für seine ethnische Toleranz
gerühmten Subotica geborene Sängerin,die über Budapest, Hannover und Luzern
in Köln angekommen ist, traumtanzt mit
RYMM auf Englisch in surrealen Gefilden
oder mundmalt, auch da mit Salim Javaid
am Saxophon, dreistimmig als Monsters
For Breakfast. Dazu offeriert sie mit SungSound Gesang und Musik von Frauen für
Big Bands und sorgt mit für die Reihe'Stimmungen' im Kölner Loft. Ihre nun inihrer Muttersprache Ungarisch gesungenen Lieder hier, bezupft von Daniel
S. Scholz (Dasch2, DDSSBB) an der Oud
und dem rosenfingrigen Johannes Keller(Kasimir Effekt) am Kontrabass, delikat
rhythmisiert von Jonas Pirzer (Dasch2)
und von Fall zu Fall angeblasen vonPosaune und Klarinetten, verdanken sichkeiner Bodenständigkeit, sondern deren
Gegenteil. Neben einem von Bartok
notierten Volkslied, dem von Kodály für
Chor arrangierten Wiegenlied 'Esti dal',dem getürkten 'Yavaş, yavaş' und 'Uazzim'
von Scholzens Orientprojekt Al a Malaka
erfindet Soti selbst ein Meta-Heimatgefühl konträr zu den Phobien derVolkstümler. Dabei kandidelt sie öfters
auch ohne Worte und 'Olyan Jó Volna'
jubelt sie a capella. Ihr Duktus nimmt
ungeniert Rhythmen und leidenschaftliche Melismen, die schon vor langer Zeit
die Hunnen-, Balkan- und Romarouten
entlang kamen, auf die leichte Schulter
und mischt das, mit silbrigem Zungenschlag, mit junger 'westlicher Denkweise'. So gleich zu Beginn beim verliebten Lippentanz von 'Èdes szeretöm'
mit seinem Anklang an Iva Bittova. Aber
NaNaya lässt auch den Schatten anklingen, der auf die Seele fällt. Im
melancholischen Schaukeln von 'Csöndhinta', im Kirschgartenfeeling von'Cseresznyéskert' oder im Nebel des mit
Mbira bezupften 'Dança de Nevoeiro'.
Und 'Esti dal' ist in seinem Posaunen- und
Bassklarinettendunkel ja zuletzt nichts
anderes als die Bitte, einen Platz für das
müde Haupt zu finden.

RICHARD NELSON - AARDVARK JAZZORCHESTRA Deep River (Heliotrope
Records 1012): Was Amerikas Wurzeln
sind, darüber gibt es bis aufs Blut
konträre Ansichten. Die keineswegs so
miteinander liebäugeln und tändeln wie
hier die Tuba mit der Piccoloflöte bei'Transit'. Nelson, langjähriger Gitarrist
in Mark Harveys Aardvark Jazz Orchestra, hat mit seinem Sohn, als der so
alt war wie der Protagonist in Padgett
Powells "Edisto", dessen Entdeckungvon Harry Smiths "Anthology of American Folk Music" noch einmal selbermitgemacht und sich dadurch anstiftenlassen zu orchestralen Rückgriffen auf
den von Elstern und Amseln umflatterten Schatz aus Blues, Stomps, Bluegrass und Ballads. Auf den 'Deep River
Blues', wie ihn die Delmore Brothers
und Doc Watson überlieferten und wie
ihn hier Marcia Gallagher mit tiefblauem
Vibrato in einem Schlammbad derBläser singt. Auf den animierten 'Old
Country Stomp' von Henry Thomas, mit
Timothy Johnsons Ankündigung "I'm
goin' back to Baltimore" und der Aufforderung, es ihm gleichzutun. Schon
die Vorstellung, den rassistischen Süden hinter sich zu lassen, macht ihn
ganz überkandidelt. 'Wake Up Jacob',
einst von Prince Albert Hunt's Texas
Ramblers angestimmt, stößt beschwingt
ins gleiche Horn. Wie schon mit "Pursuit" (2011) mit dem Richard Nelson
Large Ensemble zeigt sich Nelson
kompositorisch unterströmt von Ellington und Copland, und was seine MitAardvarks können, das weiß er ja ganz
genau. 'Rite of Passage' bringt noch mal
Tändelei, diesmal der beiden Vokalisten.
'Make Me a Pallet On Your Floor', das
man von Mississippi John Hurt kennt,
wird zuletzt in Nelsons Arrangement
eine getragene Impression, überfunkelt
von Soprano- und Altosax und zarter
Gitarre. Wenn die beiden Sänger einander die bluesigen Strophen zusingen,stimmt das Publikum klatschend zu.
Einen Platz bieten, darauf die müden
Knochen zu betten, ist die Gelegenheit
zum Freundlichsein, in der sich neuenglisch und ein bisschen kalifornischverdichtet, was dem hässlichen undharten Amerika widerspricht.
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NO NOISE NO REDUCTION (Freddy Morezon PROD' / nnnr.free.fr):
Den Spaß verdanke ich der Begegnung mit Florian Nastorg, dem
Saxophonisten von BDC La Belle. Sein Bariton im Verbund mit den
Basssaxophonen von Marc Démereau und Marc Maffiolo reicht zwar
nicht ganz an die vier Basssaxophone von Deep Schrott heran undwie die Black Sabbath, Dylan, Eisler, King Crimson und Led Zeppelin
aufblasen. Aber das Programm der Toulouser, das hat schon auch
was Atemberaubendes. Wie kommt man bloß auf sowas? Nun,
Démereau, Duopartner von Catherine Jauniaux, war schon immer
ein wilder Eklektiker, der mit Le Tigre Des Platanes Dog Faced
Hermans, Fela Kuti, Marc Ribot und Lou Reed coverte und mit La
Friture Moderne Hendrix, Janis Joplin, Pink Floyd, Serge Gainsbourg
und Brigitte Fontaine verbrutzelte. Mit Maffiolo (von Stabat Akishübrigens) und Nastorg spielt er nun Standards aus dem Unreal
Book, nämlich 'Horizontal Hold' von This Heat mit seinem Stop and
Go und vielschichtigen Innenleben, 'Gift' von Henry Threadgill (derseinen Very Very Circus allerdings auch schon mit Posaune und zwei
Tubas bestückt hat) und, erst feierlich schleppend, dann knackig
lakonisch, 'Paco' von Shellac. Dazu erklingen drei Stücke aus einer
Liveperformance von "The Void", dem gnadenlos guten Kracher von
Flying Luttenbachers, die damit ein weiteres NN diktiert haben: No
Nonsense! Sowas auf dicken Saxophonen kommt einer Neudefinition
von Blasmusik gleich, zumindest einem Détournement, ebenso wie
bei Deep Schrott, die ähnlich in schweres Fahrwasser steuerten.
Klar, letztlich fällt das fachmännische Filetieren der Beute, das
krasse Grollen mitsamt den heftigen Stakkatos unter Sport & Spaßund Tour de force. Aber ein irritierender Brainfuck ist es dennoch,
mit hohen Ausschlägen ad absurdum.
RANT margo flux (schraum 20): Das ist die vierte gemeinsame
Publikation der Drummerin, Musikpädagogin und GrinbergPraktikerin Merle Bennett und ihres niedersächsischen Mitberliners,
dem Gitarristen Torsten Papenheim. Dabei gingen sie aus von dem
Material, das sie 2013 bei "uthlande" entwickelt hatten, einer
szenischen Kammermusik zur Dialektik von Veränderung und
Beharrlichkeit. Ihr Instrumentarium, das sie schon durch ungewöhnliche Spielweisen in Frage stellen und dadurch, dass Bennett
auch Gitarre spielt und Papenheim auch mal trommelt, ist zudem
erweitert mit Glocken und Flaschen, Piano, Innenklavier und Zither,
Minidisc und Kontaktmikrophone, vom Mixmastering durch Nicolas
Wiese und Alexandr Vatagin ganz zu schweigen. Das Infragestellengeht so weit, dass unklar bleibt, welche Strömung die favorisierte ist.
Dem groovigen Rocking von 'apercu' mit seinem Gitarrendrone folgt
das pianistisch getragene 'tympanon' mit perkussiven Verzierungen.
Bei 'kassiber' plonken und krabbeln das Piano und die Gitarre
plinkplonkig umeinander, 'impasto' ist geschruppter Noise, dermehrfach innehält, aber dann doch weiter tobt. Dem getüpfelten
Tamtam von 'folio' sind Cymbal, Klimbim und gleichmäßige
Rockgitarrenriffs beigemischt. 'Epitaph' ist dann wieder krabbeldrahtig, und Bennett lässt dazu Schrott vibrieren. Bei 'samisdat'
ticktackt gitarristischer Klingklang als schneller Minimal-Puls. Bei'vestibül' wird zuletzt im Innenklavier gepickt und geharft, dazu
kommt wieder gitarristischer und perkussiv bebender Noise auf, derzum Ausklang hin verhallt. Nicht aufregend, aber auch nicht
unspannend, eher so wie meistens das Leben spielt.
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THE REMOTE VIEWERS November Sky(RV13): Es würde ja nicht verwundern,wenn bei der herbstlichen Überschrift
die Kälte und Düsternis der vorausgegangenen Film Noir-Trilogy "City Of
Nets" (2012) - "Crimeways" (2013) "Pitfall" (2014) sich noch verschärfen
würde. Versprochen wird jedoch "amore lush vision" und "a chance to lookupwards". Damit sind David Petts undseine bewährten Mitstreiter Adrian
Northover, Caroline Kraabel, Sue Lynch,
John Edwards und Mark Sanders allerdings entweder Verfechter feinster
Stimmungsnuancen oder Meister desUnderstatements und der Lakonie.
Petts' Konstrukte für kalte Electronics,
schnittige Saxophone, ein Piano, das Eis
pickelt oder grade und ungrade Sekunden zählt, einen knorrigen Kontrabass, filigrane Percussion sowie nervöses Drumming sind jedenfalls wieder
bis in die Finger- und Zungenspitzen auf
Zack. Mögen das Geld still, der Krieg
getarnt, das Papier tot, die Zukunft fiktiv
sein, die Londoner halten all dem, wennauch auf Trab gehalten, lachend stand('Still We Laugh, Still We Run'). Edwards
lässt die Finger sprinten, Sanders
rumort mit Ketten und scharfen Kanten
und brilliert bei 'Crowd Figure', das voneiner saxophonistischen Steppnaht
durchzackt wird. Für das gedämpfte'Fictioned Future' greift Edwards zum
Bogen und Lynch klopft das Piano, bevor
Northover zu geregelten Repetitionen
trillernd zu bohren beginnt. Auch 'DeadPaper' breitet sich gedämpft mit
dröhnendem Halteton und Wummerwelle hin, empfängt aber eine Reihe vonEinschlägen und perkussiven Kratzern.
Der Clou sind zweifellos weiterhin Petts'strenge Konstruktionspläne, deren
Kernstück kein Panikraum ist, sondern
eine raffinierte Installation von Energiezufuhr und Gefühlsableitung. Was dannals heißkaltes organisches Konstrukt erscheint, als Orangenuhrwerk, als Kaleidoskop zwitterhafter Doppelcodierungen, etwas Geflammtes, mit Saxophonen in kühlen Mustern, aus denen
sie aufflackernd ausscheren, Mustern,
die Impulsives und Entborgenes zugleich begrenzen und schützen.

UDO SCHINDLER & FRANK PAUL
SCHUBERT Parnassia Palustris (FMR
CD403-0915): Mir Schindlers Klang +Kunst-Salons - dieses war der 51. als gradualen Aufstieg zu musischem
Gipfel vorzustellen, käme mir gymnasial und verschroben vor. Zumal
der Titel sich als Sumpf-Herzblatt
entpuppt, ein weißes Blümelein mit
sumpfigem Habitat. Das einzige, wasbei diesem Reigen zuverlässig auf
die Spitze getrieben wird, ist das
spielteuflische Element, das ja schon
das Cover mit zwei bizarren Nasenflötisten verspricht. Mit seinem diesmal aus Berlin angereisten Dateeinigte sich der Krailinger zuerst mal
auf Sopranosaxophone als einzigem
Spielzeug. Primeligen Gemütern mag
da vorschnell der Arsch auf Grundeis gehen, aber unsre beiden
Sängerknaben verblüffen erstmal
nur durch Konsonanz. Diese ersten
20 Min. ein Lichtfest zu nennen (wiees mit 'Celebrate the Light' geschieht), leuchtet leicht ein. Wobei
Schubert sprudelnd den sangesfrohen Melodiker macht, während
sein Gastgeber die eine oder andere
diskant schillernde Facette anbringt.
Eher nicht mit Schillers Mahnung im
Sinn, dass mäßige Ruhe das Grab
des Muts sei. Das wissen die beiden
auch so, und schmücken ihre kapriolenden Triller daher mit kleinen
Schmierern und vogeligen Kieksern.
Wobei mir das unwahrscheinliche
Ton in Ton der beiden am meisten
Verwunderung abnötigt. Den zweiten
Versuch bestimmen geräuschhafte
Einfälle in Nanostrukturtechnik,
züllende, ploppende oder tonarm
gehauchte Laute, die zu Lamettafäden ausgezogen werden, glatt
schimmernden und gekräuselten.
'Pointed Green' bringt dann den
reizvollen Kontrast von schindlerschem Schnauben, Fiepen undGrollen zu Schuberts mondstichigen
Lyrismen, der aber schnell zu
vereintem Düdelü zusammenfließt.
Als Dreingabe spendieren die zwei
Herzblattler noch zwei Glaskugeln,
synchron mundgeblasen.

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SCHROEDER / CAMPELLO / GODOY
Barely Cool (pfMENTUM, PFMCD090):
Das Forschungsinteresse von Dr.
Franziska Schroeder am Sonic Arts
Research Centre der Queen's University in Belfast gilt "the intersectionof critical theory and digital performance, the role of the body in theage of technological change, as well
as free improvisation practices." Eine
Zwischenbilanz ihrer in eigener Praxis
gewonnenen Erkenntnisse liegt als"Soundweaving: Writings on Improvisation" (2014) vor. Im gleichen Jahr
führte sie eine Stipendium nach
Brasilien. Dass sie neben Deutsch als
Muttersprache und Französisch auchPortugiesisch spricht, wäre wohl nicht
wirklich nötig gewesen, um im “NoiseRock, Nu-Funk, Free-Prov, No-Wave,
Out-Choro, Free-Jazz, Latin-Punk,
Proto-Samba...”-Reservoir von Rio deJaneiro mit Marcos Campello undRenato Godoy passende Spielgefährten aufzutun. Der eine fingert wie
nicht gescheit an der Gitarre, derandere trommelt hier noch um einiges
freihändiger als mit Bossal, Baby
Hitler oder, zusammen mit Campello,
bei den Chinese Cookie Poets. Sein
solistisches Intro beim Titelstück unddas von Campello bei 'Throw' machen
ihre Handschrift deutlich. 'Soundweavin' kehrt hier wieder als Terminus technicus für ein Action Painting, das freilich mit 'Rubber Tongue'oder 'Chinelas Ferventes' (glühende
Sohlen) nicht weniger treffend angedeutet wird. Campello ist ein
arachnoider Krabbler, ein unermüdlicher Schrappler, Schroeder muss
auf ihrem Soprano schon ganz cooltun, um seinen Myriaden von Kürzeln
auf den heißen Fersen zu bleiben.
Auch Godoy agiert so fickrig, alswollte er die tausend Plateaus unterdem roten Mond möglichst gleichzeitig anklicken und die blechernen
darunter aufzischen lassen. Vor coolund cooler steht jeweils ein 'barely'(kaum oder gerade so) und unterstreicht nur den heißkalten Eindruckvon dieser quirligen und sangesfrohen Webkunst.

ALISTER SPENCE TRIO Live
(Alister Spence Music, ASM004):
Ich nenne einfach mal Punkte, diedieses Pianotrio in Sydney vomüblichen Silberfingergequirle unterscheiden: Mit Toby Hall ein Drummer, der immer wieder auch ein
Glockenspiel funkeln lässt. Mit
Lloyd Swanton ein Kontrabassist,
der seinen magischen Flow von The
Necks einbringt, ohne den direkten
Vergleich zu provozieren. Mit
Spence ein Pianist, der die fröhliche
Wissenschaft beherrscht, mit minimalistischem Riffing die morgenrote Wiederkehr des Immergleichen
zu feiern. Der repetitive, bloße Monotonie aber finessenreich umspielende Duktus, hat etwas freiweg Hypnotisierendes, das einen
wie Wackelpudding headbangen
lässt. Wenn Spence bei 'Felt' danni n bl u e si ge s Fa h r wa s s e r e i nschwenkt, wirkt das wie ein Zugeständnis an Konventionelleres.
Bei 'Brave Ghost' schwenkt die
Kompassnadel hin zu einem eingebetteten Soloswing von Swanton,
gefolgt von kristallin gefingerter
Virtuosität seitens Spence undabgefedertem Holterdipolter vonHall. Je konsequenter ein tapferer
Geist solch schwachem Fleischaber ostinate Muster auflegt, desto
effektvoller. Etwa wenn Spenceeine Spieluhr dreht, und Hall dazu
funkelndes Geglöckel repetiert und
die Spendenbüchse für notleidende
Drummer schüttelt. Wenn Spence
bei 'Mullet Run' seine Lyrismen
eintauscht gegen gepochte Figuren
und Sprünge der linken Hand, und
Swanton dazu mit dem Bogenstreicht. 'Seventh Song' hebt zuletzt
zu leichten Besenstrichen
träumerisch an. Spence brütet überwiederholte Töne und wendet
Figuren hin und her. Bis plötzlich
helles Geflimmer eines zweiten
Pianos vom siebten Himmel fällt unddas Klangbild verschleiert. Dashörbar beglückte Publikum spendet
verdienten Beifall.

56

NORBERT STEIN PATA MESSENGERS Play
Rainer Maria Rilke (Pata Music, Pata 22): Rilke
geht um. Bei Le Pot schlägt die Uhr der
Burgkirche von Raron in seinem Totenschädel
Neun, bei Monomono überschreibt er das
Geistergespräch von Friedrich Jürgenson und
Hannah Arendt mit Zeilen aus den Sonetten an
Orpheus. Ach, er war ein Bursche vonunendlicher Musikalität, der den Abend singenhörte und wie die ewige Strömung die
Lebenden und Toten übertönt. Bis hin zur
Vorstellung einer 'Musik', die eine Phonographennadel von der Kranznaht des Schädels
abspielen könnte. Gleich zu Beginn fragt Ingrid
Naomi Stein, der Rilkes Zeilen in den TheaterMund gelegt sind: Auf welches Instrument sind
wir gespannt? Und welcher Geiger hat uns inder Hand? Die Erkenntnis, dass der 'dunkle
Fürst' ein DJ ist, noch romantisch eingekleidet.
Acht Gedichte werden vorgetragen: 'Wie sollich meine Seele halten'; 'Fragst du mich: Was
war in deinen Träumen'; das bizarre 'Graue
Liebesschlangen'; aus den "Duineser Elegien"'Freilich ist es seltsam, die Erde nicht mehr zu
bewohnen'; aus dem "Stunden-Buch" derultimative Lovesong 'Lösch mir die Augen aus:
ich kann dich sehen'; 'Einmal, am Rande desHains'; 'Ich fürchte mich so vor der Menschen
Wort' mit den Zeilen: Die Dinge singen hör ich
so gern. / Ihr rührt sie an: sie sind starr undstumm. / Ihr bringt mir alle Dinge um. Und
zuletzt 'Das Karussel' mit dem berühmten
Loop: ...und dann und wann ein weißer Elefant.
Jedes dieser Exempel von Rilkes Lou- & ClaraPhilie, seiner Ding-Mystik und seiner pantheistischen dunklen Epiphanie pataphrasiert
Norbert Stein am Tenorsaxophon mit Nicola
Hein an der E-Gitarre, Joscha Oetz am
Kontrabass und Etienne Nillesen an SnareDrum & Cymbal als jazzige Meta-Poesie. Mit
der Agenda, "mehr oder weniger verborgene
Antworten auf die Frage nach dem WAS IST
spüren" zu lassen, mit einer Dynamik, die manvielleicht an Rilke verkennt. Aber auch mit
träumerischer Süße, die selbst der reine
Widerspruch nicht trüben kann, dass Rilke
Mussolini Rosen gestreut hat. Die Pata
Messengers kombinieren in der melodischdurchflammten Tonsprache des Modern Jazz
Komponiertes mit spontaner Formgebung, diein einer mit Metallstift schraffierten Gitarrenkakophonie gipfelt. Auch ohne das bis zum
turbulenten Kladderadatsch des hypermodernistischen Pata Poetry Orchestra zu
treiben, wird deutlich, dass einigendes Feuer
keiner Grobschmiede und Cäsarenfressen
bedarf.

PHILIP ZOUBEK SOLO Air (WhyPlayJazz,
RS024): Weil er sich im Kontext avancierter Spielweisen damit als Fremdkörper vorkam, machte Zoubek aus dem
Piano ein anderes Instrument. Mit
P rä p a rat i o n e n s ch u f e r s i ch e i nspezielles Orchestrion oder Carillon, mit
dem er als Gamelan oder Klangskulptur
rumzaubern kann. Sophie Agnel undReinhold Friedl machen das ähnlich,
Zoubek verbindet damit aber eigene
hohe Ansprüche, insbesondere den,"eine selbst entdeckte emotionale
Klarheit auf die Hörer zu übertragen,
Kommunikation und Transzendenz."
Besonders gilt das, auch wenn derNiederösterreicher in Köln sich gernauch als Teamspieler einbringt, mit
Hubweber, Lehn, Muche, Tang und wie
sie alle heißen, und auch in Ensembles,
kleineren wie Emißatett und Nanoschlafoder großen wie Hübsch Acht und The
Multiple Joyce Orchestra, für sein
Solospiel. Gestaltet er dabei in der Regelnur zwei oder gar nur ein langes Stück,
so sind es hier acht, von denen aber vierdoch auch an die 10 Min. oder gar drüber
dauern. Mit perkussivem Geklöppel à laJohn Cage, wobei mir Zoubek weit mehr
als Cage ein Faible für Klang als Klang zu
haben scheint. Zumindest kostet er das
Faszinosum der verschiedenen Schattierungen von tönernen und drahtigen
Anschlägen bis hin zu rubbeligem oder
gar silbrigem Geflirr und glissandierenden Klangbögen wiedlich aus, vonb e d a ch t s a m b rü t e n d b i s ge n e rö sschüttend. Kullernde Streuung wechselt
mit träumerischem Lauschen auf das,
was die Finger da ertasten, der Klingklang der Rechten greift in das Dingdong
der Linken, regnerisches Tröpfeln fällt
auf krabbeliges Gewusel. Er lässt den
D ra h t ko rp u s fe d e r n u n d ra s s e l n ,erklimmt ameisig höchste Höhen, dongt
gongig, zieht das Standuhrwerk auf wie
Vater Shandy. Zoubek lässt kleine
Dröhnwolken morphen, lässt es kristalligoder wie mit Schalldämpfer läuten, reiht
fragende Wiederholungen oder ungrade
Beats wie ein aleatorischer Automat. Ich
fühle mich eingeladen in einen Klanggarten zur akustischen Läuterung, zu
einem atmenden Klarwerden, nicht
durch spirituelle Symbolik, sondern
durch die tönende Eigenart der Klangkonstrukte selbst.
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SOUNDS AND SCAPES I N D I F F E R E N T S H A P E S
attenuation circuit (Augsburg)
Kaum hat mich ACE FARREN FORD, dieser smegmafizierte Haudegen der Los
Angeles Free Music Society, auf einem von der Psych.KG geworfenen Frisbee
der Collectors Club-Baureihe umschwirrt, begegne ich ihm schon wieder bei
Split (ACW 1003, LP), auf diesmal rauchgrau-weißem Vinyl, mit dem die
Augsburger ebenfalls in eine höhere Dimension des Splittens aufsteigen. Dabei
wird gleich mal die Vorstellung umgebogen, dass zusammen mit GX JUPITTERLARSEN, dem Typen, der in Hollywood ja auch schon seit Ende der 70er als The
Haters synonym für Noise steht, nur wieder was Krachiges zustande kommen
kann. Nein, 'Vertigone' hebt an als Drone aus einem dunklen Orgelcluster undhellen Dauertönen wie von Dudelsack, Drehleier, Akkordeon oder einfach nur
kleineren Orgelpfeifen. Die Klangbänder sind dabei nicht ganz stabil, das dunkle
wummert virulent, die helleren changieren in leichten Nuancen. Das erinnert an
If, Bwana oder Phill Niblock und ist gerade deshalb durch und durch dröhnschön.
B-seits beginnt LE SCRAMBLED DEBUTANTE, Allan Zanes Debutantenbande
diesmal featuring EMERGE, zwar blumenkohlfraktal, aber ebenfalls ungewöhnlich beruhigt. Plinkender Gitarrendraht scheint umloopt von nun wohl
tatsächlichem Akkordeon und von blubbrigen Geräuschen. Was rührt von den
North-Carolinern her, was von Emerge? Traumhaft Surreales und träumerischAmbientes fließt in sirrenden, sanft verhallenden Kaskaden ineinander, wobei
Emerges subaquatisch gedämpfte Suggestionen dominieren. Die Kaskaden
werden mal voller, bewegter und metallhaltiger. Pfauen- und Hahnenschreielösen hektisch-nervöses Gepixel aus, das accelerierend dem schwarzen Lochzustrebt. Ein Womb-Sound-Mix, eine Traumflussfahrt, eines wie das andere ein
Ohrschwindel, schon als Spirale geboren.
Nude Sky (ACLE 1020, CD-R) bringt gleich eine weitere Dosis LE SCRAMBLED
DEBUTANTE. Wieder kokettiert Allan Zane zwar mit dem Akronym, das der Namenahelegt, ohne freilich mehr als eine nur metaphorische Herangehensweise andiese Musik zu empfehlen. Sagen wir daher lieber, dass L für liquid steht, S fürsurreal und D für delirant. Flirrende Gitarre mischt sich mit klirrenden undjaulenden Bandschlaufen zu delikater Schwurbelei. Dass einige Spuren verzerrte
Stimmen oder Gesänge enthalten, lässt an Moby denken, ohne so ausdrücklichwie der und Seinesgleichen darauf zu spekulieren, für wagemutig gehalten zu
werden. Das ist L.S.D. quasi von sich aus. Zane kann gar nicht anders, als ein
ganz träumerisch verhuschtes Ambiente mit feinen Stabspielschlägen zu
betüpfeln. Die Klänge kriechen wie auf Schneckenspucke dahin, scheinen die
Welt und sich selber vergessen zu haben, versponnen in ein Ichweißnichtwas ineinem Ichweißnichtwo. Ein klebriges Kaskadieren lässt selbst das vorwärts oderrückwärts kaum erkennen. Cello- oder Bassstriche mischen sich ein, lassen sichtreiben. Bis eine verdrehte Stimmspur im Trüben fischt, als wären wir in Lynchs
Red Room. Die Anmutung ist turntablistisch und eher komisch als unheimlich.
Man steckt bis über beide Ohren in einem Dschungel voller Aufziehvögel odereiner Brutstätte von Critters. Zane scheint sich da am Ziel seiner Wünsche zu
fühlen und schwelgt zeitvergessen in dieser Critteritis, bis sich daraus zwei
kauderwelschende Comicstimmen lösen, eine rückwärts, eine vorwärts. Die einedavon hört sich ziemlich aufgebracht an und findet in ihrer Tirade ebenso keinEnde wie die andere. Seltsame Schwadronaden aus Mausburg oder Entenhausen, mit einem dramatischen Finale und einem Humor, der wohl eher die
Jüngeren und ganz Jungen unter uns ansprechen dürfte.
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DOC WÖR MIRRAN hatte wohl nie das, was man bei Schriftstellern
Schreibhemmung nennt. Im Gegenteil, die Unmasse der Einfälle und die
entsprechende Materialfülle überstieg das Maß des Publizierbaren. So gehen
auch die Aufnahmen zu Symphony In A(nnoy) (ACR 1018, CD-R) zurück auf
die Jahre 1987 - 93 und das Kollektiv der üblichen Verdächtigen, die sich,leiblich oder als Tonspurlieferanten, um Joe Raimond geschart hatten. So
hört man also auch auf der 135. Version DWMscher Kreativität wieder
Worrick, Lexis, Gormley, Abendroth, Wurzer, Schuster, de Waard und sogar
Eric Hysteric, der in den 80ern als Der Durstige Mann sich zurück in die
Steinzeit saufen wollte. Die Stücke hier sind elektronisch, mal psychedelisch,mal noisig, immer so mixadelisch, dass alles Individuelle verdichtet ist zu wie soll ich's nennen? - zu Zeitgeist? Gesungen wird allenfalls indirekt, wenn
bei 'The Marriage' z. B. eine japanische Frauenstimme aus dem Rahmen fällt.
'I Dreamt I Caught Jeannette Eating A Big Mac At McDonald's' mischt eine
pulsierende Welle mit Besenwischern und Gitarre als rockiger Gegenspur.
Vogelwilde Gitarre und ein Elektropuls prägen auch 'Bernard Vs. The Slash
Club', anfangs zusammen mit Stimme rückwärts. 'Ipso Fatso' kommt mitÖlfassgetrommel, das hieß damals 'rituell' und signalisierte eine gewisse
Mad Max-Fitness, falls es wirklich zu einer neuen Steinzeit kommen sollte.
Aber noch waren Monster ein Kinderspiel, noch gab es Zwitschermaschinen
und feine Mundharmonika und das Tamtam lud zur Oben-ohne-Party in den
Jurassic Park zu sonor röhrenden und zu Pflanzenkost neigenden
Dickhäutern. Nach einer letzten Dosis Synthiegedudel überrascht 'MoreSlow' als improvisierte Klimperei für Daumenklavier, die sich, durchsetzt mit
Wooshes und allmählich sanft überdröhnt, zu einer Serenade in Afrolook vonmehr als einer Viertelstunde auswächst.
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Clang (Denmark)"The mystery of an infinite sonic micro-cosmos, the beauty in minimalism andthe power of stripped-down audio design" verspricht dieses junge Label undversucht, mich mit ANDERS HOLST / MADS EMIL NIELSEN (clang 016, LP) in"unknown waters that favor abstractions" zu locken. Es erklingen da Exzerpte
von Liveimprovisationen, ohne nachträgliche 'Verbesserung'. Holst spielt
Gitarre, Nielsen setzt Verstärker, Synthesizermodule, Effekt-Boxes und-Prozessoren ein. Abstrakt ist das nur dann, wenn man Gewebe aus
transparent flimmerndem, fluktuierendem Gitarrenklingklang als ebenso
abstrakt empfindet wie Nielsens motorisches Pulsieren bei 'Fluxuator'.
'Rhapsode/Ghosts' bringt danach gläsern tönendes Gamelan mit auchrückwärts wooshenden Manipulationen der Geschwindigkeit. Bei 'Star Riser'
tickert Nielsen zu halbschnell gefingerten, nahezu groovigen Gitarrenrepetitionen, während 'Radiant/Quadrantid' knurrig surrt und liquid gluckst unddann anfängt zu schweifen, mit hellem Holst-Drone und orgeligem Getriller zu
fauchendem 'Wind' und kristallinen Glitches. Die B-Seite bringt sublimes undzuletzt kaskadierendes Gitarrenpathos zu kreisenden Rauschbändern, bevor es
bei 'Jitter/Bug' zuerst insektoid sirrt, und nach einem Steinrutsch etwas
Größeres quallig glitchend dahin schreitet. Bei 'Luminescence' geht Glockengeläut in sonorem, von hellen und dunklen Geräuschen besprenkeltem
Feedback unter. 'Sonar<>sonar' hebt zuletzt als grummelndes, pulsierendes
Klangbeben an und hellt sich dann auf als hauchdünne Dröhngespinste aus
Feedback. Mit allen Feinheiten mustergültig gepresst!
Lars Graugaard ist Schöpfer von Orchesterstücken wie sie auf "Untitled"(Classico, 1997) versammelt sind und so Ambitioniertem wie "Tears of
Dionysius" (basierend auf Nietzsches "Geburt der Tragödie"). Wenn er zum
Laptop greift, verwandelt er sich in Lars from Mars, mit interaktiven Duetten als
einer Spezialität. Mit Hans Tammen an der 'endangered guitar' bildet er sogar
ein Duo: Infernal Machines. Ich erwähne das aber nur, weil er mit "We shouldhave turned left earlier", "Downstream", "The Yurodny Files", bei "Americanino"
als Lars from Mars, zweimal mit Infernal Machines, bei "NVMBR" mit Keisuke
Matsuno, bei "Fact Machine" mit Jean-Michel Pilc und bei "Ngelo" mit Mikkel
Ploug so etwas wie die graue Eminzenz bei Clang ist. Lange nur ein Netlabel,wird da inzwischen Vinyl aufgelegt. Ich halte in Händen die Scheibenform von
The Revelation (clang 015) according to FRANK BENKHO. Der, auch bekannt
als Mika Martini, betreibt in Santiago de Chile das Netlabel Pueblo Nuevo undofferiert hier seine Version einer Rückkehr zu einer simplen und fundamentalen
Weise, Musik zu machen. Mit einer Phalanx an Analogsynthesizern wie Serge
Modular, Korg MS-10, Moog Minitaur, Doepfer Dark Time plus Cacophonetor
und diverse Delay-, Reverb- und Flanger-Maschinchen kreiert in den Kapiteln'Las trompetas del Puma', 'El Testigo', 'Bajo las arenas de Pisagua' und'Retirando Televisores' einen pulsierenden Reigen mit Schraffuren undsirrenden Drones, die bis in höchste Höhen aufsteigen. Loops drehen sichspiralförmig durchs Helldunkel, darüber wabert wie geblasener Synthieklang.
Harmonie mit abendrötlich zu Bronze verschattetem Goldrand. Der melancholische Gang der Dinge kommt nicht los von der Tristesse des wüstengesäumten,verlassenen Pisagua im letzten Winkel Chiles, wo die Geister der einstigen
Salpeterkrieger und der gefolterten Regimegegner wie Fledermäuse sirren. Der
pulsierende Reigen mag beschleunigen, dafür beginnt es umso dunkler zu
surren und zu wummern. Die finalen Wellen verströmen dennoch Energie undZuversicht, vielleicht auch nur Gelassenheit, eine Wellenlänge jedenfalls, diemindestens, wenn nicht noch mehr ist als ein Vorschlag zu Güte.
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Flux Records / Frank Rothkamm (Los Angeles)

Eigentlich will ich mich nicht auch noch um Download-Offerten kümmern müssen. Bei
Rothkamm mache ich aber gern eine Ausnahme. Decline of the West (FLX39) besteht
ganz aus dem einstündigen 'mdeA20b.py.cD' opus 538, 2014 kreiert mit Python und
Csound. Rothkamm ruft dazu Goethes Zeilen in Erinnerung, die Oswald Spengler
seinem "Untergang des Abendlandes" voran stellte: "Wenn im Unendlichen dasselbe /Sich wiederholend ewig fließt..." Thomas Coles "The Course of Empire: Destruction"
als Cover tut ein Übriges, um die an sich sanften Dröhnwellen mit einem Schattenwurf
und die Dröhnwolken mit einem Trauerrand zu versehen. Melancholie zieht den
Umhang in Moll enger um die Schultern. Was sich am Horizont abzeichnet, egal ob
katastrophal oder entropisch schleichend, gibt guten Grund, elegisch zu sein. Zumal
wenn die Wolkenwand dröhnend anschwillt. Rothkamm malt hier mit bei ihm eher
seltenem dröhnminimalistischen Pinsel ein dunkles Ambiente, im Angesicht von jenem,
das, wie Rilke raunte, gelassen verschmäht, uns zu zerstören, weil einige von uns das
schon selber tun. Noch bleibt uns, um den pathetischen Ton noch etwas beizubehalten,
die Nacht, die ersehnte, sanft enttäuschende, von keinerlei Kulturoptimismus ganzoder auch nur lange zu zerstreuende.
Nine Chains to the Moon (FLX40) bietet die herrliche Unwahrscheinlichkeit, Elliott
Sharp und Henry Mancini in einem Atemzug zu nennen und Alfred Harth Seite an Seite
mit Joseph Haydn anzutreffen. Rothkamm hat diese neun Tracks schon 1996-97 inseiner New Yorker Zeit generiert mit einem Maschinenpark der Marken Roland,
Kurzweil, Arp, Moog, Casio und Yamaha, langte aber ausnahmsweise auch mit einer
Ibanez Gitarre zu. So entstanden, durchwegs auf Kommission, sowas wie 'Raymond
Chen's >Nightfall<' als gondelnde Serenade, die in dramatisches Fahrwasser gerät, alsPlunderphonie wie aus Soundtrackschnipseln, mit holder Geige und splitterndem Glas.
Ganz anders 'Elliott Sharp's >Kr'd<' als rappeliger Drum'n'Bass. Dagegen kommt'Henry Mancini's >Happiness Cocktail<' cremig entschleunigt als TripHop daher mit
Erik Mälzner-Stimme, Bigband-Growling und Strings, "just for You". 'Max Lässer's>HardCore<' und '>Downtown<' machen mich als technoides Tamtam und als
dröhnender Meltingpot auf einen schillernden Schweizer aufmerksam, der zwischen
Andreas Vollenweider, The Jellyfish Kiss, Irmin Schmidt, Back To Earth und
Johannesburg bisher an BA vorbei geflippert ist. Für A23H fiel nur 'Backbones' als
Miniatur mit Micky Maus-Vocals ab, umso länger dafür 'DJ Glove's >Grind Core<' als
unrund klappernder, pochender Loop mit durchgeklopftem Hi-Hat und Sinn für Komik.
'Hermann Lodge's >Boaz<' bringt, anspielend auf Rothkamms Bruderschaft beim
Orden der Hermann Söhne, mysteriöse, zunehmend virulente Ibanezschwingungen.
Und 'Haydn's >Presto Chango<' schließt als kapriolendes Gehämmer mit Prestissimodrall und Beethoven-Rip-Off. Taufpate des Ganzen ist übrigens R. Buckminster Fullers
Erstling und sein Bild, dass seinerzeit eine Kette aus sämtlichen Erdlingen neun mal
die Distanz Erde - Mond überbrücken würde.
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The album has 3 distinct compositional approaches: Firstly, it isplayed on a keyboard via spirit communication (intuitive);secondly, it is exclusively computed through a single algorithm(analytic); and thirdly, it is twiddled on an analog synthesizer(synthetic). Trinity provides the much sought-after answers to
the question: How are transubstantiation, spiritism & psychostochastics possible? File under: Quantum Baroque. So
Rothkamm selbst über Trinity (FLX41), angefertigt 2012-2014 in
L. A. Und warum auch bescheiden tun, wenn man zuletzt mit"Wiener Prozess" (Baskaru, 24 x CD) den vollen Tages- undNachtkreis durchwandert hat. Mit David Humes Skeptizismus
und Ludwig Boltzmanns Philosophie als Stock und Stab und
Forth, Coldfusion und Python als den Mitteln, quantenmechanische und psychoakustische Probleme zur Sprache zu
bringen. 'Strict.Canon(N+1)' opus 547, 'Rnd9copper3s.py.2'
opus 514 und 'Alpha.Juno(N+1)' opus 92 erscheinen, davon
nicht unberührt, als keyboardistische Meditationen, bei denen
Rothkamm den Einflüsterungen des Geists in der Maschine
vertraut. Im ersten Track scheint das intuitive Moment zu
dominieren, in den künstlicher klingenden Pixeln und furzelnd
quarrenden Kürzeln des zweiten das algorithmische. Der dritte
mäandert surrend im Stereoraum umher, brummig sonor, inchangierenden Helldunkelgraden als universale Python.
Rothkamms panikblütenopulenter Output hat nichts mit Archivausmisten zu tun. Sternkriege: The Random Order (FLX42) lässt
an Uptodateness nichts zu wünschen übrig. Er war für dieseweitere Stunde, 'sw.b1.py.5' opus 574 betitelt, in Lakewood(Colorado) zugange, interessiert an einer Komplexität, die bei
J.J. Abrams Gift fürs Geschäft wäre (so dass er sie gerade noch
für sowas wie "S. Das Schiff des Theseus" reserviert). Rothkamm scheint bei seinen Star Wars ausschließlich plunderphonisch mit Filmtonsamples zu operieren. Sounds wie ausgegraben aus dem Dung von Blockbuster-Dinos oder den
Müllhalden abgedroschener Teenagerfantasy. Außer dem
Bombast von John Williams auch mit Stimm- und Actionfitzeln,
halbverdaut oder als unverdaulich abgeprotzt. Es wimmelt von
Déjà-entendus, jedoch als verhuschtes Konzentrat, das durch
die Finger des Gedächtnisses rinnt, als zermulmtes Konglomerat mit tönsenden Fanfaren und permanentem Kampflärm.
Aufgenommen wie paranormale Tonbandstimmen von derhalbdunklen Seite, wie rekonstruierte Reste aus verrotteten
Random-Access-Memory-Speichern von R2-D2 oder verschrotteten Read-only-Memory-Chips von C-3PO. Ein träumerisches
Delirium aus dem Hojotoho dunkler Klonclowns, WookieeBoogie-Woogie und dem Sausen und Brausen der Sturmtruppler
und Jedi-Ritter der Kokusnuss. Einiges klingt wie im Jurassic
Park, und zumindest der Geist aus der von George Lucas und
J. J. Abrams konstruierten Cash Machine stammt wohl dort her.
Rothkamm kennt den Betrieb, er schuf 1995 sogar zwei
Soundtracks für "Star Wars 3D"-Trailer und machte jahrelang
Webdesign und Serveradministration für z. B. Vampire Cosmetics oder Warner Bros., konnte der dunklen Seite aberletztlich nichts abgewinnen.
62Karlrecords (Berlin)

ZEITKRATZER zu hören, löst auch beim ixten Mal noch staunendes, verwundertes
Kopfschütteln aus. Das sollen Piano, Klarinette, Waldhorn, Posaune, Drums,
Geige, Cello und Kontrabass sein? Was Reinhold Friedl da auf Entropium (KR 020,
LP) zusammen mit Frank Gratkowski, Hild Sofie Tafjord, Hilary Jeffery, Maurice deMartin, Burkhard Schlothauer, Anton Lukoszievieze und Ulrich Phillipp wieder
bewerkstelligt, ist so abgedreht, dass es einfach gemacht werden muss. Diesmal
stammt das Material von den Mitberlinern COLUMN ONE, die ja auf ihrem Sektor
schon selber an Raum und Zeit, Sinn und Verstand kratzen. Robert Schalinski hat
fünf Scores für akustische Instrumente aufbereitet und Friedl hat sie speziell fürsein Ensemble transkribiert und zusammen mit seinen Mitjägern nach einer
Kammermusik der besonderen Art so eingeübt, dass es bei der MaerzMusik 2012
aufgeführt werden konnte. Gerade weil Column One mit den höheren Weihen
eines Konzertrahmens und einer virtuosen Aufführungspraxis so wenig am Huthaben, hat das Projekt damit automatisch schon den aberwitzigen Anstrich eines
zum weißen Schimmel veredelten Dadapferdchens. Das als 'Panthera' schrill
wiehernd ins Hörfeld einbricht wie Füsslis "Nachtmahr"-Ross, als "einschreckliches Kreischen, wie Glas, das ein Auge schrammt". Gefolgt von 'Sol' und'Vilde Navarseke' als selbstreferentieller Anknüpfung an "Präsident der Sonne"(2010), Column Ones Hommage an den Dadasophen Raoul Hausmann, den, nacheigenem Dafürhalten, "Präsidenten der Sonne, des Mondes und der kleinen Erde
(Innenfläche)". Dort findet sich nämlich ein 'Berta Navarseke 1919'. Ausgeformt
ist das als spektralistisch rumorende, fein geschliffene Kakophonie eines sich
einspielenden Orchesters, das sirrend und grollend ein metalloides Pfauenrad
auffächert, sein Phönixgefieder sträubt und als Bläserfächer einen sonnenanbetenden Gesang anstimmt. Danach setzt Geplätscher ein und das monotone
Geklapper mit einer Büchse. Auch Marc Weiser wird da erkennbar mit
klackernden Geräuschen und gestöhnten Lauten inmitten der brummig brütenden
Truppe. Schrottig stöbernde Klänge zu zart dröhnender Grundierung
kennzeichnen dann 'Handhilse', dazu Noise wie von Wölflis Papiertrompete, wie
von schlecht geölten Scharnieren und Donnerblechen, als hektisches Graffiti, dasabgelöst wird von einem sonor schnurrenden Drone und grummelnder Pauke(Bôłt-Kurator Michal Libera ist da als perkussiver Gast dabei). Der Klang dünnt
drahtig, rieselnd und windig wischelnd aus und führt als fein umschrillter,
crescendierender Halteton hin zu 'Lade', das als Reprise von 'Panthera' erscheint.
Durch diskante, nervenspaltende Kratzer und Laute, bei denen ich Weisers
Gurgelstock als Quelle vermute. Im übrigen vermute ich im Entropium einen
Verwandten von Cortázars Cronopien, jenen "grünen, borstigen feuchten
Dingerchen", die viel Lärm produzieren und Unvorhergesehenes mit sich bringen.

63

AIDAN BAKER kennen wir, aber IDKLANG? Nun, das ist Markus
Steinkellner aus Graz, der als Gitarrist bei Jakuzi's Attempt und
Arktis/Air auch schon Würzburg in Brand gesteckt hat (while noone was listening). Außerdem war er 2015 mit seinen Theatermusiken zu "Faust" und "pest" am Theater Regensburg und mit"Du sollst den Wald nicht vor dem Hasen loben" am Badischen
Staatstheater Karlsruhe zu hören. Mit In The Red Room (KR 021,
LP) driften die beiden, wie das Fußbodenzickzackmuster auf dem
Cover verrät, in die "Twin Peaks"-Zone. Wenn man so will, sogar
ganz programmatisch, denn das minimalistische Plucking derSaiten evoziert in etwa so ein Muster. Und Rückwärtseffekteerinnern an die Sprechweise von The Man from Another Place.
Beides, Repetition, Mantras, Wiederkehr des Gleichen (wennauch mit kleinen Unregelmäßigkeiten und Störungen), undManipulationen der Zeit (die dabei auch Dröhnfäden zieht oder zu
schnurren beginnt) sind wesentliche Mittel der Psychedelik. Und
der perfekte Stoff für eine kreisende Vinylspirale. 'Where We're
From, The Birds Sing' ist dazu nur faktisch die Kehrseite,klanglich sind die Mittel ähnlich, repetitiv verzahntes Pluckern
und nicht ganz geheure Verschleifungen, die ab der 6. Min. ohne
Geplucker daher kommen. ID mag für Infektionsdosis stehenoder für Intelligent Design. Ich tippe auf das Es, das Freudsche
Unbewusste und dessen Tänzchen von Libido und Destrudo, dienicht immer unter dem Teppich sich halten lassen. Die
Repetitionen setzen, von Störimpulsen durchschossen, wieder
ein, nagend und zugleich sich selber strukturierend. Was letztlich
dominiert, das bleibt, auch wenn sich zuletzt hellere Töne nachvorne schieben, in der Schwebe.
GUY REIBEL, Jahrgang 1936, der bei Messiaen studiert und dann
Pierre Schaeffer assistiert hat, war eine prägende Kraft der GRM.
Nach internen Querelen kehrte er jedoch dieser Clique den
Rücken, ging zu Radio France und kam zu Ehren mit der Groupe
Vocale De France, mit der er vor allem das gesamte Vokalwerk
Ligetis aufnahm. Aber es blieben auch mit "GranulationsSillages / Franges Du Signe" (1978), "Variations En Étoile / Deux
Études Aux Modulations / Suite Pour Edgar Poe" (1979) und"Langages Imaginaires" (1983) drei Klassiker auf INA-GRM. Mit
Douze Inventions En Six Modes De Jeu (KR 028, LP) kann Thomas
Herbst also nach Morton Subotnik und Steve Reich mit einem
weiteren großen Namen aufwarten. Und mit Elektronik, deren
granulare Prägnanz, hoher Knister-, Knarz- und Zwitscherfaktor
und kapriziöse Liquidität oder quecksilbrige Vogeligkeit
bestechen. Händische Wischer wie mit quietschendem Styropor
und bei 'Fluide' ein Keuchen und Fauchen intensivieren diese
Prägnanz. So dass einem statt automatischen oder natürlichen
Prozessen tatsächlich, wenn nicht das Spielzeug, so doch das
spielerische Element und öfters auch der Spieler vor Augen
treten, der da rumschraubt oder es tröpfeln lässt. Wobei gerade
das erst recht eine Illusion sein mag. Aber auch und gerade das
Molekulare ist, wenn es so zur Hand geht oder beim Flohzirkus
mitspielt, erträglicher als wenn es ganz für sich rumaast undrumzuckt.
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HANNO LEICHTMANNs Unfinished Portrait Of Youth Today,2013 der 59. Beitrag (TTW#59) zur trotzigen Kassettenserie auf
The Tapeworm, drehwurmt nun, um sechs Tracks vermehrt,
auch auf Vinyl (KR 030, LP). Ähnlich wie bei seinen "MinimalStudies" (Mikroton Recordings), wo er kürzeste Schnipsel
loopte, pickte er hier aus dem, was von seiner Kassettensammlung noch übrig ist, kleine Ausschnitte und bastelte auf
einem Modularsynthie daraus anderthalbminütige Stückchen,die man gern als Hommage an John Oswalds "Plunderphonics"
und die "Music for Commercials" von Yasuaki Shimizu
betrachten darf. So wie man, wenn man seine jungen Jahre unddas vergangene Jahrtausend mal vorbei sein lässt, Leichtmann,
ob als Static oder mit Denseland oder Superconnection, lange
schon dem Berliner Leftfield der Electronic zurechnen muss.
Hier zeigt er sich mit pulsierenden Miniaturen, die inSpurenelementen Gesang mitschwingen lassen, wenn auchreduziert bis auf ein bloßes a-a-a-a-a und o-o-o-o-o, ein HellDunkel, eine Sie, ein Er. Aber egal ob Stimmen, Gitarren,
Keyboards oder Bläser, Leichtmann macht daraus pulsierend
und wallend gewellte, pumpend und zuckend mahlende Kreisel,die trotz des immer gleichen Rezeptes einen ziemlichen
Variantenreichtum zeigen und zudem in ihrer Kürze auch kaum
das Zeug haben, einem auf den Keks zu gehen. Bei 'Mountain'
und 'Snow' vermute ich fast ein Orchester, 'Flutes' überrascht
als rappeliger Klingklang, 'Light' als eiliges Dongdongdong.
Aber es geht ja nicht um ein Erkennen-Sie-die-Melodie. Sondern
um jene Samplebänder, wie sie auch schon von Microstoria,
Ekkehard Ehlers oder Curd Duca gebändert worden sind. Den
einen als Kokon, den andern als phantastische Flugscheiben.
Was sie unter 'hardware post-pop' versteht, das expliziert Fee
Kürten, die sich dafür TELLAVISION nennt, nach ihrer "Music On
Canvas" (2011) und "Funnel Walk" (2013, beide auf Bloody
Hands Ltd.) nun auch auf ihrem dritten Longplayer The Third
Eye (KR 031, LP). Hardware meint Analogsynthie, keyboardistisch, orgelig und brummig, und dazu geloopte Beats. 'Post'
meint, dass man spät geboren ist und von den Beständen zehrt.
'Pop' sagt, dass einem (einer) das keine schlechte Laune
machen muss. Kürten hat, was sie sich in den Kopf gesetzt hat,noch durch Tips von etwa Jutta Koether und Felix Kubin an der
HFBK Hamburg befruchtet. Ihr Ansatz ist entsprechendinterdisziplinär, was sich an ihren Videoclips ablesen lässt. Hiertransportiert ein immerhin auffallend kunstvolles Cover acht
Songs, zwei Nichtsongs und zwei Torsi, vom tribal treibenden'Unimperative' über das angeschmuddelte 'Libido Da Ooze' unddas düstere, monoton beklopfte Instrumental 'Cryptic SnashMan' bis 'J-Walk International'. Dabei singt meist ein kleiner
Chor von Fee-Sisters soulig, gospelig, rhythm'n'bluesig, hiphoppig, taff oder inbrünstig, im entschlossenen DIY und mit
jenem 'Hoppla, New York, here I come', das sich letztlich aberdoch, off-broadway, auch kleine Brötchen schmecken lässt.
Kürten fehlt es weder an 'Attitude' noch an einem Geschichtsbewusstsein als 'His-Story', das sie als schleppenden ChainGang-Worksong inszeniert. Ohne Worte optiert sie zuletzt füretwas Verkehrs- und Ordnungswidriges.
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90% Wasser (Berlin)
Zu Anfang war BA da gut dabei, und COLUMN ONEs "Electric Pleasure"(WCD 001, 2001) hat sich mir ohrwurmartig unter die Schädeldecke gekrallt.
Nach ihrem "Dream Time" (WCD 006, 2005) blieb ich bis zu "War Has ComeHome" (WCD 009) und "'The' 1978 - 1983" (wvinyl 012, 2006) von Chen Yi auf
dem Laufenden. Danach hatte eine Produktionspause eingesetzt. Als derWiedereinsteig 2011 auf Vinyl only erfolgte, ging das an mir vorbei, wobei
René Lamp, Robert Schalinski, Jürgen Eckloff und Andrew Loadman durch
die "Feldaufnahmen I" (Auf Abwegen 2007), "Präsident der Sonne" (Moloko+,2010) und "Antiphona" (Substantia Innominata, 2013) sowie durch ihre
Collagen im "Zonic" nicht nachließen, mir das Hirn zu fluten. Cindy, Loraine &Hank (WVVINYL 020, Zoharum Rec., ZOHAR 107-2, 2 x CD) lässt mich nun,
etwas näher an Cindy Sherman als an Hank Williams, als Organismus
zwischen Realismus und Exorzismus, zwischen Prismen und Automatismen
flippern. Mit perkussiver Erratik und Zwitschermaschine und allerhand
Querverweisen und Rückgriffen: 'Antiphona # 2' spricht für sich, 'Die Truhe
im Fluss # 5' schließt an die Reihe für den Split (wvinyl 006, 2002) mit
Ditterich Von Euler-Donnersperg an, Antoine Chessex geistert mit dem
Saxophon von 'Antiphona' auch durch die 'Idiotenmusik'. Fieldrecordings und
Synthesizer tragen Hauptlasten, '4' lässt einen Mäuschen spielen als
Zeitkratzer für "Entropium" probte, durchsetzt mit Eselsschreien und wieder
perkussivem Rappel. Fast-forward-Schübe mischen sich mit perkussiven
Irritationen, plantschenden Lauten und Einfingerschlägen aufs Piano zu
löchriger Gegenwart. 'Cherokee' loopt juckpulvrigen Jazz, der aber in seinetrötenden, knarrenden und pingenden Bestandteile zerlegt wird. Bei 'Not'
zerrt und kaut Wind an einer Plane, so dass man sich in einen Hohlraum
verkriecht, wo es aber ungut dröhnt. Nach einer kurzen Szene aus dem"Dschungelbuch" mit Mowgli, der als Outcast vom Man-Pack ein Messer
empfängt für die Rückkehr zum Wolf Pack, folgt 'Warsaw part 1', das, wieder
mit Noise und perkussivem Eifer, den Geist von Joy Division und von Bowie
beschwört und dabei zumindest einen eisernen Nachgeschmack auf die
Zunge hext. Metalloide Gespinste umspinnen auch die röhrende Bassklarinette bei 'Reverend Black', eingebettet in scharrende Laute,
Dröhnwolken und eine funkelnde Spieluhr. Aus der Truhe quillt ein ComicStrip aus quirligen Synthiesounds und komischen Stimmchen, der Fluss, auf
dem die Truhe schwimmt, bleibt aber die Ruhe selbst. 'Der Fluss in der Truhe'lappt an Vogelgezwitscher und einen Kinderspielplatz, Steine plumpsen
hinein und spielen zusammen mit Blechklang und schrillen Pfiffen ebenso
Percussion, wie die trappelnden Füße danach. Gefolgt von mahnenden
Worten von Häuptling Ernste Zunge. Auch in der letzten Szene, dem wieder
grundumrauschten 'Stufe', spielen Kinder und perkussiver Krimskrams die
Hauptrollen, ein Kirrer, ein Kammbläser und ein Blechtrommler als Vorhut
einer Blaskapelle. Anders gesagt: Spielen und Rasselbanditentum ziehen
sich als bunter Faden durch bis zu einem theatralischen Epilog mit
klackenden Steinen, Hui und raunender Stimme - Vater und Kinder
produzieren ein Hörspiel. Denn auch wenn Warsaw nada mit Joy Division,
Cherokee nix mit Indianern und die Idiotenmusik natürlich null mit
Dostojewski am Hut hat, so sind allemal Kinder und Kindsein die großen
Helden und Säulen dieses Welttheaters. Gleichzeitig ist das freilich eine
weitere Einladung, sich Erfahrung als radikal konstruktivistisch bewusst zu
machen. Und, via Robert Schalinskis Coverkunst, die auf den Konzeptkünstler und Fotographen John Hilliard hinweist, der Vorschlag, wie Hilliard
Realität als rätselhaft zu realisieren.
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Ploog in einer Bildmontage von Walter Hartmann, 19752015 war als JÜRGEN PLOOG-Jahr auch für michder Wink, mir zu seinem 80sten endlich einen Text
dieses, wie ich dabei erfahren konnte, faszinierenden Fictionfuckers und Raumzeitagenten reinzuziehen: "Nächte in Amnesien", zuerst 1980 erschienen, aber 2013 sehr schön wiederveröffentlicht auf
Moloko Plus. Dort gibt es nun auch, in Gemeinschaftsproduktion mit 90% Wasser, "Radar Orient +Tapes von unterwegs 1971-1976" (PLUS 079 /WVINYL 018, LP). Ploog ist 33 Jahre lang als
Lufthansapilot unterwegs gewesen und hat, angefixt
von W.S. Burroughs und Chandler, Kerouac und
Bukowski, in den 1970ern begonnen, bei seinen
Zwischenstops im Cola-Hinterland und in den Treibhäusern des westlichen Virus seine Sinne mit
Mikrophon und Tonband zu verschalten. Um dem,
was sich in den urbanen Venen und Därmen
abspielt, akustisch nahe zu kommen. Ploog infiltriert
einem seinen zwischen B-Movies und Alter Egos,
zwischen Fahrradrikschas und Ameisenkolonnen im
Neondschungel aufgekochten Sound als Körpersaft.
Wie einer von Delanys Raumern springt er durch ein
Alphabet von Städten, von Bombay nach Casablanca,
von New York nach Paris, umkurvt von Mopeds,
umrauscht von Meeresbrandung und exotischen
Gesängen. Und wir springen mit von Tonbandschnipsel zu Tonbandschnipsel. Mit Ploogs Versuchen der Selbstvergewisserung in seinem Münchner Tonfall als Leitfaden zwischen Hundegebell,tibetanischen Trompeten, Jazzfetzen, Funk- undStraßenverkehr, Gamelan, Partysmalltalk und Ausschnitten aus "Casablanca". Wie er diesen Rohstoff
destilliert mit dem Vorsatz, das Unverständliche
genau und das Verständliche vage darzustellen undzu erkennen, dass nur man selber das Experimentund die Botschaft ist, das ist bemerkenswert.
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Psych.KG / Domestic Violence Recordings (Euskirchen)
Wer mit Komisar Jvler in die Kiste steigt, darf sich nicht wundern,anschließend vor Flöhen zu wimmeln. Das promiskuitive Gerammel mit großen
Namen hat sich mittlerweile mit Milan Knížák, The Art Ensemble Of Chicago,
Ned Rorem, Salvatore Sciarrino, Otto Muehl, Luigi Dallapiccola, Lukas Foss,
Mauricio Kagel, Anthony Braxton, Aribert Reimann, Peter Maxwell Davies,
Hans Werner Henze, Klaus Huber, Un Drame Musical Instantane, John Cage,
Tom Waits, Charlemagne Palestine und Hartmut Geerken verpinschert zu sokuriosen Sachen wie etwa "RIDEAU! Barbarella", "A cheap imitation ofBarbarella" und "Swordfishtrombones for Barbarella" oder "L'Homme À La
Anrufbeantworter" in den puglue-Reihen mit verfluxten Sandwiches aus zwei
verleimten LPs (Psych.KG 173..., 181..., 255..., 271...). Mit dem guten alten"Broken Music"-Kompendium als Bastelbuch für pfiffige Objektkunst in Kleinund Kleinstauflagen.
Evolution (DVR-HGA12, LP) gehört in die Dating-Reihe von KOMMISSARHJULER UND FRAU, mit CODY BRANT als Swinger-Partner bei 'Anticipation pt.
1 & 2' und im Split mit PACIFIC 231, der die A-Seite mit 'Cryptic 74' bestückte.
Pierre Jolivet lässt in einem industrialen Ambiente Glissandos umeinandersausen. Was mindestens so sinnfrei ist wie jede weitere Dosis Mozart, nur
etwas zeitgemäßer. Doch wer glaubt heute noch an Linearität oder gar
Teleologie? Das Cover mit 'versteinerten' Parisern und einem dionysischen
Fetisch deutet jedenfalls an, dass sich der menschliche Drang längst in einer
bestimmten Richtung erschöpfte. Das Hjuler-Brant-Triple kontert mitverzerrten sozialwissenschaftlichen Lektionen, die auf mildes Gedröhn undeinen stupsenden Loop mit zierlich hingestreuten Pianotönen gebettet sind
und im zweiten Teil auf ein metalloides Vibrato und pingende Schläge.
Lernstoff ist einmal mehr George Herbert Meads Konzept des 'generalized
other' (verallgemeinerten Anderen). Im Namen des Vaters, was sagt man dazu?
Ist doch das ganze Œuvre der Hjulers eine Performanz von Heteroglossie, vonAußenseitertum (Bachtins vnenakhodimost') und karnevalesken Verstößen
gegen das 'Man'. Nicht ohne die Gefahr, das naive Spielen (Meads PLAY) der
fließbandmäßig optimierten Kooperationsroutine ihrer Split-Spiele (Meads
GAME) preiszugeben. Aber wer ist heute noch naiv?
WATERU KASAHARA, Partner von Kommissar Hjuler Und Frau bei "The Nihilist
Anticipation Rock Of Generalized Other" (2006) und bei "A Brain Ticket Into
Fluxus" (2015), bekam für seine Piano Solo Works 2009 (Psych.KG 217, einseitige LP in grüngeflammtem Vinyl + CD-R) von Frau Unbekannt einen Kuchen
mit 72 Verhüterli gebacken. Die ursprünglich bei Erinyes Record erschienenenzwölf Stücke versuchen den Eindruck zu vermitteln, er könnte nicht wirklich
Piano spielen, zumindest nicht besser als solche etwas grob und etwas schiefgeklimperten, gehämmerten, keck hingeschissenen oder wüst gekrabbelten
Etüden. Zum Unterton von Art Brut kommt ein gehöriges Maß an Ungeniertheit
und das hurzige Knowhow, dass auch das Innenklavier traktiert gehört. So
kratzt und scharrt er auch an den Drähten und rumort mit der Mechanik, oderspritzt und grummelt über die Tasten, lässt sie klirren wie Glas. Wie verstimmt
die sind, merkt man an den lyrischen Momenten, die verraten, dass derJapaner eine Elisen-Phase intus hat. Nur virtuost er aber lieber so, als ob ihm
tastengöttliche Großspurigkeit zwar möglich, aber letztlich zu doof undabgedroschen wäre. Als ob man naiv das Klavier nochmal from scratch als
Spielzeug entdecken könnte, als ob man Bacharach in Seehundtechnik tapsen
könnte. Nr. 11 ist ein Monster, so monoton gehämmert, dass es 19. Min. langdröhnt. Und Nr. 12 lässt dann doch die virtuose Katze ganz aus dem Sack.
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ReR MEGACORP (Thornton Heath, Surrey)

ReR hat noch nie in eine Schublade gepasst und so braucht es nicht
verwundern, unter Sounds'n'Scapes The Pharoah' Bee (ReR AR1) zu
finden, das Solodebut von ALLEN RAVENSTINE. Ihn einen Piloten zu
nennen, der 2015 mit 65 als Kapitän in den Ruhestand ging, ist nur die
Wahrheit. Aber wir wissen auch, dass dem ein anderes Leben
vorausging, in dem er Musikgeschichte mitschrieb als der Synthiewizard von Pere Ubu, von der 7" "30 Seconds Over Tokyo" (1975) bis"Cloudlands" (1988). Erst im Zusammenhang mit der Doku "I Dream ofWires: The Modular Synthesizer Documentary" reiste er nochmal in die
Vergangenheit, und es kam in Toronto zu einer Session mit alten EMLs
(ähnlich seinen vor Jahrzehnten ausgelagerten und verstaubten)
zusammen mit Robert Wheeler, seinem gegenwärtigen Nachfolger bei
Pere Ubu, veröffentlicht als "City Desk" und "Farm Report" (2013).
2015 hatte sich genug Lust angesammelt, mit Moog Theremini,
Doepfer Dark Energy und Grendel Grenadier RA-9 rumzuspielen,
Ergebnis (in meinen Ohren): Sonic Fiction in Gestalt eines imaginären
Soundtracks zu "Vermilion Sands", J. G. Ballards fiktivem Künstlerresort in der Wüste Südkaliforniens. Ravenstine teleportiert die
Imagination zu den singenden Plastiken und den 1001. Träumen unterdem Augustmond, zu grillenbezirpten Nächten in der 'Painted Desert'
um eine längst wieder verlassene Geisterstadt. Was da jault, zirpt,
glissandiert, tockt und knarrt, sirrt und gluckert, weckt Nostalgie,
nicht nach Vergangenem, vielmehr nach einer Zukunft according toMorton Subotnick. Bei Ravenstine ist Zukunft eine ausgedörrte Wüste
voller 'Dry Bones', doch mit Fauna, seltsamer als bug-eyed Monster,
inmitten der man nun selber die Ohren spitzt, fremdem Pulsschlag
lauscht und den Gesängen von Silicium und dem Wind. All das als
Simulakren, die nahelegen, sich, klaglos, Zukunft als Wüste
vorzustellen, als Reservoir all dessen, was in der Vergangenheit nichtgelebt wurde und nicht erklungen ist.

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Field Days (The Amanda Loops) (ReR/FRA8) ist die Musik, die FRED FRITH
2011 für eine Inszenierung der Choreographin Amanda K. Miller kreierte, mit
der er seit Mitte der 90er und Millers Frankfurter Tagen, anschließend mit
ihrem Ballett Freiburg Pretty Ugly und auch in ihrer Kölner Zeit ja oft undgern gearbeitet hat. Wenn ich das recht verstehe, hat er sich für "Field Days"
selber 'kannibalisiert' (wie Raymond Chandler das mal nannte), indem erälteres Material de- und rekonstruierte, also Plunderphonien seiner selbst
herstellte, wobei auch Studiowizard Myles Boisen seine Finger im Spiel hatte.
2014 wurde das Ganze dann noch einmal rekomponiert, so dass mir der Kopf
steht, wie Boisens Klangküche in Oakland heißt, nämlich Headless Buddha.
Spuren etwa des Pianos von Daan Vandewalle (der 'Seven Circles' für "Backto Life" eingespielt hat), des Arte Sax Quartets (mit dem Frith für "The Big
Picture" & "Still Urban" kollaboriert hat) und des Arditti Quartets (das'Lelekovice', 'Allegory' und 'Fell' aufgeführt hat, Friths Streichquartette auf"Eleventh Hour") sind ebenso hörbar wie der perkussive Touch von William
Winant und Strings von Carla Kihlstedt. Dazu natürlich Frith selbst, wobei
man sich neben Gitarre mehr noch das Studio als sein Hauptinstrument
vorstellen sollte bei dieser 'Tanzmusik', deren wesentliche Machart das
Stichwort Loops verrät. Frith hat auf ziemlich eindrucksvolle Weise da
improvisatorischen Duktus und Samples verbunden mit mixadelischplunderphonischem Design, das die genannten Klangspuren bottleneckbluesig amalgamiert. Meist nicht so transparent wie bei 'Desert Sundown' mit
seiner Geigenwehmut und Tropfen von Percussion, Piano und Gitarre.
Jedoch ist das nicht der einzige Track mit Spätwestern-Feeling, ganz
wunderbar ist auch 'Hills Have Eyes' mit noch mehr elegischen Sounds,
rieselndem Sand und totzendem Paukenroll. Es gibt dazwischen zwar einige
sportliche Sprints, aber der 'Epilogue' entlässt einen doch ganz in SundownWehmut getaucht.
Noch mehr als "Field Days" ist Propaganda (ReR/FRO13) ein Soundtrack aus
collagierten Klängen, nämlich aus Tierstimmen, die FRED FRITH schon 1976
dem BBC Archiv entnommen hatte, und von Schauspielmusiken, die er bei
Muzak Corporation, Seattle, fand. 1987 machte er daraus die Musik zu einem
Stück, das Matthew Maguire am La Mama Experimental Theater Club in New
York inszenierte und das die US-Einmischung zu Gunsten der Militärdiktatur
im el-salvatorianischen Bürgerkrieg (mit seinem unterm Strich 1991 rund
70000 Toten) aufs Korn nahm. Hurray der School of Americans. So entstandeine Mixtur aus Lauten von Säugetieren und Seevögeln, leichten Brisen
Muzak und vor allem Musiken für Schauspiele mit dem vagen Anklang ferner
Länder, dazu lakonischer Percussion und gelegentlich Friths verzerrter
Stimme. Aber all das so eingedickt, dass auf leicht surreale, jedenfalls
irritierende Weise etwas komplett Neues entstand. Bei 'The Wolf Demon'mischt sich eine Gitarre zu Wolfsgeheul, und 'Meditation Upon Propaganda'
bringt sogar einen ganz fripperisch-frithschen Gitarrenlauf. Wenn jemanden
die Musik bekannt vorkommt, kein Wunder. Sie war schon, in aus
Platzgründen gekürzter Version, Teil von "Technology of Tears" (1988). Jetzt
sind erstmals die vollen 36 Min. zu hören, die nicht ohne einen gewissen
Sarkasmus andeuten, dass das Leben ein Dschungel ist und der Mensch desMenschen Wolf. 'Rashomon' schließt als ein Dirge, mit trister Pauke,
seltsamem Chor. Wobei Frith offenbar Wert darauf gelegt hat, die
Verschleierungen der Propaganda nicht mit plumpem Schwarz-Weiß zu
konterkarieren. Die Musik ist ihrerseits verunklart und gemischt. El Salvador
ist immerhin inzwischen Top, allerdings nur hinsichtlich der weltweit
höchsten Mord- und Totschlagrate. Ein Land zum Davonlaufen.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
THE BALUSTRADE ENSEMBLE Renewed Brilliance (Serein,
SERE009): Acht Jahre sind verstrichen seit "Capsules", dem
Debut von Grant Miller und seinem Ensemble. Ich probiere
abwechselnd Etiketten wie 'dröhnminimalistisch', 'folktronisch'oder 'naturapostolisch' aus, um den Höreindruck wiederzugeben, den 'Bathyak Reel' und 'The Lowing Herd Wind' da zu
Beginn erwecken. Miller selbst mit Gitarre zu Scott Solters
recording, mixing & tinted vapors, dazu Piano & Orgel (LiamSinger), Orchestrion, Mellotron & Dulcitone (Matt Henry
Cunitz) und, wenn man offenen Ohres eintaucht in dieses
Dröhnbad, Spurenelemente von Harfe (Zeena Parkins) und
Cello (Erik Friedlander). String- und Orgelsound laden ein, sichdarauf zu betten und ins Blaue zu träumen ('Show Us To TheSky'), in nur zart bewegter wald- & wieseneinsamer Ruhe. Es
dürfte klar sein, dass Miller eine New-Age-Gitarre spielt,
Harmonie ist hier auf dem 'Summerhill' alles. Wobei man nicht
an den Ableger der 'Neuen Deutschen Schule' mit ihren
wandervogeligen Freiheitsidealen in Suffolk denken muss,aber denken darf. Feminine Vokalisation (Wendy Allen) weht dadrüber weg, die deutsche Zucht ist offenen Krägen gewichen
und Träumen von Schwerelosigkeit. 'Goodbye Leona Dare'taucht nostalgisch sehr tief, bis in die 1880er, als die
Trapezakrobatin Leona Dare (1855-1922) unter einem Ballonüber dem Crystal Palace schwebte, und Vincent d'Indy den'Song of the Bells' für Dulcitone schrieb. Alles an dieser Musik
dreht sich darum, zu entlasten und zu entschleunigen und anseinen Tagträumen festzuhalten, und wenn es - à la Dare - mit
den Zähnen ist.
BIT-TUNER A Bit Of Light (-ous, OUS.002): Marcel Gschwend
macht in Zürich Electronica im generösen Breitwandformat.
Neumodische Etiketten wie Bassline und Leftfield meinen auchnichts anderes als Downbeat oder lush. Trotz des gern
eingesetzten klackenden Handclapping-Beats ist hier allenfalls
eine Party für Electronics-Grufties angesagt. Mit derSophistication, dafür eigentlich 20 Jahre zu alt zu sein (oder zujung). Üppige Melodik paart sich mit Pathos, einem Hauch von
Pathos. Das Stomping durch den 'Reality Tunnel' ist einfach nur
cool in seiner gummierten Lässigkeit, der mehrspurige Zierat
ist luxuriös, die Bit-Speicher quellen vom Überschuss sieben
fetter Jahre über. Der gebremsten Euphorie steht eine
Immunität gegen Trübsinn gegenüber, das Pochen und Tackern
geht seinen breitbrüstigen Gang, Backbeats verzahnen sichmit jarre'scher Opulenz. Orgeliger Schub ist mit einer
Steppnaht vernäht, schnarrender Sound mit TechnoAutomatik. Sand im Getriebe wird weggeknurscht, der Betrieb
ist surreal, nicht produktiv, nicht einmal sportlich und mager
schon gar nicht. Die stampfende Technomonotonie nimmt zwar
zu, aber mit dem barockem Protz kalorienstarker Ölgemälde.
"Tanz der Stunden" à la Rubens, hippopotamidaeische Aerobic
mit megalithischem Oomph. Forever and ever.
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ARTURAS BUMŠTEINAS Gamelan Descending A Staircase(Crónica 100~2015): Der 33-jährige litauische Klanginstallateur und Composer-Performer nimmt hier Marcel
Duchamps 'Nu descendant un escalier' von 1912 als
Inspiration für eine klangliche Analogie. Zerlegt inMyriaden tröpfelnder Partikel lässt er eine Klanggestalt
endlos eine Treppe herunter kommen. Als eine Kaskade
von perkussiven Schritten, die das nackte Steigen, die
Bewegung als immerwährenden Zustand suggeriert. Als
Spielfeld nutzte Bumšteinas (zusammen mit Raminta
Atnimar) Gamelans im Ethnologischen Museum Dahlem in
Berlin. Mit diesem Quellmaterial formte er eine SurroundSound-Komposition von 50 Minuten, die erstmals im April
2015 beim Jauna Muzika Festival in Vilnius erklang. Wie bei
Zenons Paradox, um's Eck gedacht, wird die Bewegtheitvon allem, des Körpers in der Zeit und der Zeit im
Rauschen des Blutes und im Zerfall der Zellen, als Zustandwahrnehmbar. Als muybridgesches Daumenkino. Als "dasNicht-Fließende, das fließt." Als kontinuierliches Diskontinuum. Als permanenter Abstieg, der einen wie bei M.
C. Escher oder der Shepard-Skala nicht ans Ziel kommen
lässt. Vielmehr taucht man ein in einen Klingklang, der das
klöppelnde und glockenspielerische Werk der vier Hände
regnerisch und windspielerisch erweitert und entgrenzt.
"Alles formt sich durch Zahlenverbindungen zwischen
diesen Klangmolekülen", um noch einmal Roberto Calasso
murmeln zu lassen.
MARTIJN COMES Tradition Noise (The Silent Howl,
HOWL010): Nach den nervenaufreibenden Feldversuchen
seines "Infinite Spaces And Beyond" (2014) treffen mich dieplunderphonischen Attacken des kahlen Niederländers nicht
gänzlich unvorbereitet. Noise ist sein Stolperstein für
Althergebrachtes und Vorgefasstes, das darüber stürzt undzersplitternd neue Möglichkeiten bietet. Knatternd undröhrend tobt er als Hund in einem Koordinatennetz, das er
vom Nil über den Sinai, Marokko und dem Palmenstrand auf
Kreta bis nach Dubai spannt. Um Klänge zu fischen und zu
mischen, in der sich Antike, Folklore und Posthistoire
elektronisch verzittert, verrauscht und verwirbelt ineinander
stauchen. Trocken perkussive wechseln mit quecksilbrig
liquiden und minimal technoiden. Auf tröpfelnde Sekunden
folgt 'Old Morocco' als von Kontrabass beplonkte, ratterndeReminiszenz an die Ziegenopfer von Joujouka. Als 'Forgotten
Purpose' wird das rituelle Tiefengedächtnis mit pixelnden
Impulsen beschossen, von verzerrten Tönen überquollen.
Abwegiger Exotismus kreuzt die Flugrouten schmutziger
Gelder und perverser Anachronismen. Nicht nur die Zeit ist
aus den Fugen und lässt sich von keiner Steppnaht mehr
fixieren. Automaten, mit Öl geschmiert, aber auf Sandgebaut, von Sandstürmen umfaucht. Geldscheißer, vonSchmeißfliegen umsurrt. Und Comes potenziert das noch,
indem er durch zwei Remixe die Metaebene noch eins höher
stapeln lässt. Was Daniel Ruane bei seinem knarzigen'Desert Of The Nile'-Groove ganz pharaonisch gelingt.
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TAYLOR DEUPREE & MARCUS FISCHER Twine (12K 1084):
Die beiden sind öfters zwischen East- und Westcoast
zueinander gependelt. Wobei im Februar 2011 in New York"A Place Of Such Graceful Shapes" entstand und im Juli
2015 bei einem Besuch von Deupree in Portland diesesieben Tonbandloops. Da Fischer sich Ende November die
Schulter brach, wodurch ihre geplante Japantour platzte,muss er sich mit der Heilsamkeit und Tröstlichkeit ihrer
Klangschlaufen zufrieden geben. Doch ich befürchte, dasskein noch so sanftes Getupfe von Bassgitarre und
Keybords, kreisend auf einem entschleunigt rauschenden
Förderband, einen davon abhalten kann, sich vor Schmerz
und Ärger in den Arsch beißen zu wollen. Aber legen dieseKlangwellen nicht sowieso eher eine nicht enden wollende
Folge in Moll getauchter Sonntagnachmittage voller
Trübsinn und Langeweile nahe? Ein schlaffes Auf und Ab,
so dauerregenberauscht, dass man sich zu nichts
aufraffen kann. Bestenfalls kann man in Erinnerungenblättern, wenn z. B. 'Buoy' mit Lowfigitarre und knarzender
Stahltrosse an einen verlassenen öden Strand in Islanddenken lässt. Bei 'Telegraph' spielt der Wind ein tönernes,
gläsernes Immersoweiter voller Melancholie. William
Basinski kommt einem in den Sinn, wenn die Patina derBandgeräusche immer dicker wird und die kreisenden
Tönungen einem Stöhnen oder todmüden Bogenstrichen
immer ähnlicher werden. 'Wake' ist als dunkel gesummtes
Nocturne mit trist geharfter Zither und dem Hauch odervielleicht bloß der Illusion einer Klarinette zuletzt nur nochpure Elegie.
ALEJANDRO FRANOV Rio (Nature Bliss, NBCD052): Diese
Wiederauflage eines Albums von 2003 zeigt den Argentinier skurril eingesponnen in sein multiinstrumentales
Knowhow, das bei 'Dormida' elektronisch verspielt daher
kommt. 'Danza al sol' verlegt er dann in die subtropische
Kulisse eines Palmenhauses und beginnt zu dieser Kulisse
mit dünnem Stimmchen zu Latin-Shaker und Sitar (!) zu
singen. So reiht er Liedchen an Liedchen, mit fragiler
Gitarre als bossa-nova-zarte Psychedelik, dann mit
klackender Percussion, auch wieder Sitar und sirrend
verglühenden Electrofäden. Für 'Almas del corral' zitiert er
Bacherachs 'Trains and Boats and Planes' und stupft die
Snare mit einem Säckchen Bohnen. Alles verhuscht,
träumerisch, eher wie für sich als an einen Adressaten,
manchmal erinnert's fast an Robert Wyatt, nie ohne kleine
Finessen, verteilt auf vier, fünf Spuren. Nie kommt er der
Erwartung an Latin-Temperament und feuriger Salsa auch
nur ansatzweise nahe. Statt dessen der Schlafzimmercharme des 'Silent is the new loud', lässig mit Shaker,
Basslinie, säuselndem Gesang, der sich auch bei 'En un
laberinto' nicht nervös machen lässt. Er zupft die Saiten
wie von der Spinnenfrau geküsst, seufzt von 'De tu labios',
die Symptome sind die eines leichten Sonnenstichs.
Sonnenaufgänge ('Amaneceres') sind nun mal die Mütter
langer Schatten.
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KEDA Hwal (Paranthèses Records,
PREC06): Das Label hat eine belgische Adresse, eine Menge Spuren
verweisen aber nach Australien.
Auch die Coverkunst, die ich zuerst
für eine Bienenwabe oder einenkomischen Pilz hielt, entpuppt sich
als 'Sponge of Consciousness' betiteltes Werk von Tom Müller, einem
Konzeptkünstler in Perth, der in
Basel geboren ist. So wie Mathias
Delplanque in Ouagadougou undE'Joung-Ju, in Nantes sein Partner
in Keda, in Korea. Dort bedeutet'hwal' Bogen, wobei E'Joung-Ju
seine Geomungo (Komungo) nicht
damit, sondern mit einem Bambusstöckchen traktiert. Bogen meint
vielleicht Delplanques elektronischen Überbau für die Zither, dieschon gespielt wurde, als hiergerade mal sich meuchelnde Merowinger der letzte Schrei waren. Aus
dem koreanische Kern blühen
phantastische Klangbilder mit meditativen, psychedelischen, surrealen,
hypermodernistischen Zügen. Und
das nicht nur, weil auf ein 'Dali'benanntes Stück als zweites gleicheine 'Encore' erklingt. Stramm
plonkende, zirpige und prickelndeSounds mischen sich mit pochendem Puls, düsteres Gedröhn wird
von noch ominöseren Schlieren undparanormalen Tonbandstimmen wie
aus fernöstlichen Klöstern verunklart. Delplanque hat ein ganzes
Jahr daran gefeilt, mit Dubtechniken
und mit Loops. Er schaltet einen
Rasensprenger ein, und während
am Himmel ein Flugzeug nicht vonder Stelle kommt, erklingt auchwieder koreanischer Geistergesang. Bei 'Eobu Nolae' und demvolksliedhaften 'La Lune de Corée'
stoßen die Zither und ein Shaker
oder gummiartige Maschinenbeatseiernde Grooves mit kaskadierenden und schweifenden Klangspuren
an. Auch 'Swordfish' groovt ganz
famos als blecherner Klingklang,
bevor E'Joung-Ju nochmal 'La Lunede Corée' allein von den Saiten
pflückt, während gerührte Geistersich die Nasen wischen.

LÄRMHEIM Cent Soleils (Lärmheim):
Es liegt nahe, in Henri de Saussure
einen Sprössling jener Genfer Großfamilie zu vermuten, aus der einige
Naturforscher, ein namhafter Sprachwissenschaftler und ein Psychoanalytiker hervorgingen. Das Debut desjungen Henri macht uns zum Heiminsassen, den schlimme Licht- undLärmattacken umtreiben. Zwar gibt es
zwischendurch magische Momente mit
nur metallischem Schimmer oder
pianistischem Anhauch, aber immer
wieder gerät man in Breakcore- undGabberkreuzfeuer aus 'Trommelgraben' und 'Streichgraben'. Zu 'Rumori Danza' als futuristischer Koordinate gibt es neben 'Werkstatt Fulx' mit'Werkstatt Cysp' eine spatio- und luminodynamische, die sich von Nicolas
Schöffer (1912-1992) herleiten lässt,dem Pionier der kybernetischen Kunst.
Plunderphonische Martialik nimmt
fetzend und hämmernd die Synapsen
als Geiseln. Oder zumindest bohrend
und flackernd, mit stottrig knatternden
Attacken zu hymnischem Ansporn odermit prasseligen Detonationen undstumpfem Dumdum. Der Krieg im Kopf
wird zum Memento einer Generation,
die mit Robur, Nemo und terminatorischen Marsianern einschlief und
mit Giftgas und Trommelfeuer aufwachte. Kleine Orgelmotive evozieren
den Zeitsprung zurück, die Schwarzweißfotos deuten an, dass Nosferatu
damals bestenfalls Zwangsjacke undAnstaltsmauern erwarten durfte. Auf
die Erfinder der Massenvernichtung
warteten Nobelpreise. Es kam nur darauf an, gegen den Herrn der Fliegenden Geist des Fortschritts zu behaupten. 'Alctrines' bringt noch einmal
eine Atempause mit einem Hauch vonBassklarinette und Streichern, bevor
Lärmheim aus allen J.-M. Jarre-Registern orgelt, das Fulx-Pedal für graduale und für dröhnende und brausende Dauertöne drückt und schließlich die Intonarumori wieder zwitschernd, sandstrahlig, hochtourig
röhrend und mit vollem Rockgetrommel
auf 'Angriff' stellt. Doch Lärmheim
erspart einem auch nicht eine kriegsversehrte Pianoelegie als Epilog.
74

Nil ad mirari
So überschrieb, in etwas holprigem Latein, Masami Akita die A-Seite von"Material Action 2 NAM" (1983), meiner ersten Bekanntschaft mit MERZBOW(was ich Anfangs noch auf crow reimte, statt auf Henry Cow und Kurt
Schwitters). Dem Staunen, das Platon an den Anfang des Philosophierens
gesetzt hat, stellte Akita, als wären Zenon und Cicero Zen-Meister gewesen,eine Athaumasie entgegen, wie die Gelehrten das nennen, wenn sie
Unerschütterlichkeit meinen: Einen Japaner kann nach Godzilla, Operation
Meetinghouse, Little Boy und Fat Man nichts mehr aus der Fassung bringen.
Jeder Schädel auf der Insel ist bis in die Substantia nigra durchstrahlt mit
Destruktion und Zernichtung. Hinter den angreifenden japanischen Soldaten
auf "Batztoutai With Material Gadgets" (1986) wüten schwarze Pinselstriche
als der fernöstliche Furor kalligrafierter Stahlgewitter. Mit Merzbow, der im
stillem Auge des Hurrikans 'Verhaltenslehren der Kälte' (H. Lethen) übte.
P16.D4 brachten mir diese ultimative Ästhetik so nahe, dass auf BA 7
Merzbows 'Truk for Microphysic' enthalten ist. In "Flesh Metal Orgasm" (1989)
hallte J. G. Ballard wider, "Music for Bondage Performance" (1991) war ein
Höhepunkt seiner Pornoise-Phase, Harshness blieb sein Markenzeichen. Vonseinen zahllosen Kollaborationen die wohl liebste ist mir "Sleeper awakes on
the edge of the abyss" (1993, mit sehr schönem Artwork von Jim O'Rourke),
weil Christoph Heemann da Akitas Rohmaterial in ein unerhört sublimes
Ambiente entführt mit Vogelstimmen und Orgelmandalas. Als die Noise Culture
mir insgesamt als Blues der Spätmoderne längst alle Anzeichen eines
erstarrten Pro forma aufzuweisen schien, reklamierten Megaloproduktionen
wie die "Merzbox" (Extreme, 50 x CD, 2000), "Merzbient" (Soleilmoon, 12 x CD,2010), "Merzphysics" & "Merzmorphosis" (Youth Inc., je 10 x CD, 2012) für
Merzbow den überfälligen Klassikerstatus und leiteten seine als Kunst
abgesegnete Musealisierung ein. Derweil fand Akita Anschluss an eine junge
Noise-Welle via Jazzkammer, Boris, Pan Sonic, Alec Empire, Wolf Eyes etc.
Titel wie "Merzbird" (2004) oder "Merzbuddha" (2005) verrieten sein
abgeklärtes Selbstbewusstsein. Für KZ-Huhnfresser wohl etwas unerwartet,bekannte er sich mit "13 Japanese Birds" (Important, 13 x CD, 2009) als
engagierter Vogelfreund, der 'Destroy the Cages' forderte und ein 'Requiem forthe 259,000 Quails culled at a Farm in Toyohashi' erklingen ließ. In
Partnerschaften mit Elliott Sharp ("Tranz", 2005) oder Jamie Saft ("Merzdub",
2007), als Synthietrio mit Carlos Giffoni & Jim O'Rourke ("Electric Dress",2007), mit Richard Pinhas oder Palászs Pándi öffnete der 2006 50 Gewordene
sich derweil für immer flexiblere Interaktionen. Die Einladung nach Moers undzum Victoriaville Festival 2007 mit Keiji Haino als Kikuri ("Pulverized Purple",2008) war ein deutliches Indiz für den erweiterten Horizont und die neue
Hipness von Noise. All das gipfelt in der totalen Musik, die Merzbow inzwischen
mit immer wieder Pándi, Mats Gustafsson oder Thurston Moore macht: "Cuts"(2013), "Cuts of Guilt, Cuts Deeper" (2015) etc. Man kann diese mit Noise
amalgamierte Totalität schlicht "Music for Urbanism" nennen oder "razor
blades in the dark" (nach Leif Elggren). Oder, besser noch, wie ein BA-Leser,von dem ich das so nicht erwartet hätte, konstatieren:

Wer Noise nicht versteht - versteht die gesamte Musik nicht!!!!!!

Dabei wollten wir doch cool bleiben - nihil admirari. Bei "Dead Leaves" (Lichtung, 2008) mit seiner Ikonografie aus Herbstlaub und romanischen Bögen
verrät Akita mit einem Hahn als Leitbild, wie ihm der Schnabel gewachsen ist.
Aber when this music - You don't have to call it music - is over, ist die abrupte
Stille eine ganz besondere. Die BA-Abonnenten können das gleich mal
ausprobieren. Und nicht vergessen: Je Rumpelsturz, desto Burzelblock.
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KAZUYA MATSUMOTO Mizu no katachi (SPEKK,
KK030): In Japan ist das Meer nie allzu weit, im
regnerischen Kanazawa liegt es doppelt nahe,sich Gedanken über die Form von Wasser zu
machen (wie der Titel schon sagt). Rauschen wie
von Regen oder Wind und das Tröpfeln von
Suikinkutsus, den Klangtöpfen japanischer
Gärten, sind zwei wesentliche Stimmen hier,dazu Vögel, Frösche, Zikaden, die Matsumoto alseine Art Naturorchester einfängt. Dazu spielt er
auf dem Hamon, einer Stahlschlitztrommel, die
ein wenig wie eine Hang klingt. Immer nur als ein
dezenter Gast und Teilhaber, der sich umzwitschern und umstrudeln lässt und dabei nur
mit vorsichtigen, gedämpften Gesten seinen
Klingklang hinzu fügt. Ein Kuckuck ruft, Frösche
oder Krähen quarren, Bienen surren, als gäb's
noch keine Menschen. Der Japaner ist am
glücklichsten, wenn man seine Handschrift kaumerkennt, wenn er kaum mehr ist als ein Geist in
einer Höhle oder im Regen. Er rasselt mit
feinsten Glöckchen, lässt den Dora-Gongdröhnen, ein Lagerfeuer knistert, eine Zibetkatze
beäugt ihn. Am vollkommensten wäre es für ihn,
wenn das Mondlicht seine Klangschale zum
Klingen brächte, wenn der Fluss die Klänge
verschlänge und all seine flüchtigen Spuren im
Ozean aufgingen.
MULLLR Workers (Comfor tzone, CZ027 /PROGRESSIVE FOrM, PFCD52): Ryuta Mizkami
ist ein wahrer Nick Knatterton. Aber wieübersetzt, wie erklärt man das einem Japaner,
der einst auch schon mit Motoro Faam eine Reihe
von '... And's reihte, oder auch mit Yui Onodera
als Reshaft zugange ist? Sein koffeingepushter
Breakcore illustriert (mehr oder weniger)
typische Tag- und Nachtabläufe, ebenfalls als '...
And ...', '... And ...', '... And ...': Zu spät aufstehen,überfüllte Bahn, Emails checken, Brunch, unproduktives Debattieren, Überstunden, Einsamkeit, zuviel Kaffee, Alkohol bis zum Filmriss,schlaflos an die schwarze Decke starren. Das
alles verdichtet zu knatternd knackenden,
pochenden, zuckenden Beats mit postindustrialen Rippenstößen und benebelnden Dröhnwolken. Was für ein presslufthämmernd belämmertes Dilemma aus Input-Overkill und einer
Gegenwehr, die blechtrommelig prasselnd undballernd Dampf ablässt, noch aggressiver als
zuletzt beim Getriller und Gedröhn seines Digital
Albums "for Minus Four Nine", das aber schon inähnliche Richtung ballerte.
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NOETINGER, MARCHETTI, CHION Filarium (Vand'ouvre, VDO 1544, 2 x CD):
Aus dem gleichen Miteinander zweier Generationen der französischen Musiqueconcrète - Michel Chion ist 1947 geboren, Jérôme Noetinger und Lionel
Marchetti sind Jahrgang 1966 bzw. 1967 - ging 1998 bereits "Les 120 jours"(Fringe, 2004) hervor. Die Wiederbegegnung wurde 2013 am Centre deFormation de Musiciens Intervenants (CFMI) in Lyon realisiert und zeitigte das
Triptychon 'Filarium Archæoptéryx'. Dem vorgelagert sind drei Einzelgänge derBeteiligten. Noetinger hinterfüttert dabei sein 'L'Épaisseur De La Nuit' mit
Lautréamonts "Gesängen des Maldoror" und der Katastrophe von Tschernobyl.
Chion ließ sich für 'Les Vers luisants' anregen durch Hans Christian Andersens
Märchen von Prinzessin Elisa und ihren in Schwäne verzauberten Brüdern.
Marchetti evoziert für 'Nostalgie Du Cyclope' eine Klage des geblendeten
Polyphem. Gemeinsam ist ein Bild von Dunkelheit, in einer sternenlosen Nacht,
im Wald, in einer Höhle, durchdrungen von unheimlichen Klängen und vonstöhnenden, klagenden Schreien. Noetinger steigt gleich so ein, gemischt mit
perkussiven Schlägen auf Metall und einem knisternden Niederschlag. Wobei
er kein Geheimnis daraus macht, dass sich da Tonbänder drehen und die
Dramatik von Verdichtung und Beschleunigung und von Webfehlern desMediums herrührt. Pianoschläge 'läuten', Verlangsamung wirkt verdunkelnd
und leicht unheimlich, Bandschliff über den Tonkopf als ein Stöhnen oder das
Wiehern eines Albtraumpferds. Chions Traumrhetorik führt mit Atemzügen undeinem Wortfetzen ebenfalls in einen Tumult aus schleifend und kratzend aufschrillenden, pressenden und berstenden Geräuschen. Aber ein Pfeifen im
Wald zeigt sich davon unbeeindruckt.
Prompt klingt die
Geräuschwelt nicht
mehr ganz so pand ä m o n i s c h . M a rch e t t i s t e i g t , gedämpft, besonders
tief ins Traumfluidum, der Rachen desverdämmernden Riesen wird zur Höhle inder Höhle. Zu träumerischem Piano ist
er dabei, zu Seinesgleichen einzugehen,den Sirenen, der Medusa. Wobei das mythopoetische Gewebe mitzuverdämmern scheint, aber dann doch aufbegehrt gegen das Verschwinden mit
radebrechendem Altgriechisch, mit dem Chion den Polyphem spielt, bizarrem
Gelächter, blökenden Schafen, während Grillengezirp und leichter Regen
darüber Zeitschicht über Zeitschicht breiten. Ihr Vivarium, wie die drei dasnennen, ist also weniger zoo-gnostisch belebt als mythopoetisch. 'Archæoptéryx 1' ist eine Mixtur aus drei mal dreißig, 'Archæoptéryx 2' aus drei mal
fünfzehn Klangbausteinen der Beteiligten, darunter allerhand Déjà-entendus,
weitgehend nach Zufallsprinzip sequenziert. 'Archæoptéryx 2' integriert schonden Beifall bei der deutschen Erstaufführung am 7.11.2014 in der Villa
Elisabeth in Berlin in Vogelstimmen, sausendem Motorrad, Wiehern, Meeresrauschen, Unterwasseranmutungen, bruitistischen Gesten. Der Zuschnitt ist
insgesamt spaßiger, verspielter, mit perkussiven Kapriolen, Klavier, grotesken
Mundlauten, Wort- Zahlen- und Bandsalat, plunderphonischer Komik, sogar
Bahßetup-Gesängen. Vigoleis Thelen hätte es womöglich 'märzkälberisch'genannt, Franzosen geben sich wohl auch mit 'sürreal' zufrieden.
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PHAROAH CHROMIUM Gaza (self-released, LP): Ein engagiertes Statement
des Deutsch-Palästinensers Ghazi Barakat, dessen Projekt Pharoah Chromium
schon mit der Grautag-LP "Oxtlr" mit
Günter Schickert vorgestellt wurde (BA83). Dem Frankfurter, dessen Vater einst
PLO-Vertreter bei der UNO gewesen ist,brennt sein Thema tiefer als nur auf derHaut. Nichts könnte bezeichnender seinfür das palästinensisch-israelische Elend
als die Endlosrillen, mit denen er beide
Seiten des verschlierten Klarsicht-Vinyls
auslaufen lässt. Barakat konfrontiert mit
dem ewigen Konflikt in Form einer Montage von O-Tönen auf pulsierendem, dröhnendem, aber auch ganz unkriegerischdudelndem Synthiesound, mit Reporterstimmen, denen von Einheizern und vonKämpfern, von Schüssen und Geschrei im
Sommer 2014, der zur Operation 'Protective Edge' ausartete. Wieder einmal mit
2/3 zivilen Opfern, 493 Kindern, 253
Frauen. Geschuldet der Todesverachtungsstrategie der einen und der groben
Keile der anderen Seite. Barakat nennt den
Gazastreifen eine Mischung aus dem Warschauer Ghetto und dem Manhattan vonJohn Carpenters "Escape From New
York". Die Zivilbevölkerung ist in den Trümmerhaufen nur noch Meerschweinchen füreine Wissenschaft des Hasses. Klaus
Theweleits 'Hufeisen'-Diagnose zweier
Fundamentalismen, die jedes 'leben undleben lassen' zerquetschen, ist zum
Schreien zutreffend. Indische und marokkanische Flöten stehen für eine andere
Hoffnung, eine andere Erregung, ebenso
wie der Blaswandler EWI 4000s als
melodische Komponente. Barakat studierte Gillo Pontecorvos "Schlacht um
Algier" und Jean Genets "Vier Stunden in
Chatila", um seine Einbildungskraft zu
forcieren, der der tragische Fall desunbewaffnet erschossenen Salem Khaleel
Shamaly besonderen Zündstoff liefert.
Nun setzt er gegen den Schwund vonMenschlichkeit dieses Zeichen. Ohne
Schaum vor dem Mund, aber doch mitbetroffen. Heiner Goebbels' 'Berlin Kudamm 12/4/81' ist ein Urtyp für diesen
Griff zu den Waffen einer Kritik, die voneiner völlig anderen Kategorie ist als das"Tod den Juden"-Geschrei.

JOCELYN ROBERT The Maze (Fragment
Factory, [FRAG35]): Michael Münnich, derin Hamburg die Fragment Factory betreibt, verdanke ich schon meine Begegnung mit dem Geist von Mary Miles Minter("The Wraith Of Flying A", 2012). Nunschickt er mich in das Labyrinth eines
Klangkartographen aus Quebec, der um
1990 rum sogar bei ReR Megacorp
publiziert hatte. Hier lassen das verwunschene Manderley des Coverfotos
etwas Romantisches aus Hollywoods
Schwarzweiß-Ära erwarten, während die
milchstraßenbespritzte Coverinnenseite
und die Titel 'Le fil d'Ariane' und 'La chuted'Icare' einen auf eine mythopoetische
Flugkurve schicken [schon auf "Le Piano
Flou" (1995) gab es ein 'La Chute' und auf"La Théorie Des Nerfs Creux" (1996) ein'Le fils d'Oedipe']. Klanglich entpuppen
sich aber alle vier Szenen als etwas, das
mit 'La ville, la nuit' oder 'San Francisco#1' tituliert werden könnte. Als "Canned
Gods" (1999) hatte Robert "a typicalafternoon in the backyard in Phoenix,
Arizona" geschildert, ohne je den Fußdorthin zu setzen [während "Monsonics"(2010) tatsächlich Soundwalks in Mons
zugrunde liegen]. Es beginnt motorischwummernd, mit feinen elektronischen
Spritzern und anfangs auch rhythmischen
Tupfern, die aber störendem Schlurchen
weichen (wie Wind, der am Mikrophon
zerrt). Dem folgen städtische Straßenszenen, überspielt mit einer zarten
Gitarre und Piano, es herrscht noch viel
Verkehr und auch die Kinder und die
Vögel sind noch auf. Robert, der sichdabei als psychogeographischer 'storyteller' sieht, lässt all das jedoch in
Fluglärm oder auch wieder zerrendem
Wind untergehen und wieder auftauchen
wie in einem träumerischen, von Piano,
einem keuchenden Hecheln und einem
brausenden Zug durchhallten Fluidum.
Dem folgt das pointillistisch abstrahierte,knatternde Trappeln beschuhter Franziskaner. Zuletzt bedenkt Robert den Ikarus
als gescheiterten Flieger und Alchemisten, dessen Untergang weder Bauer,
Hirt noch Zapfhahn oder Rebhuhn schert,
mit elegischer Pianistik und Glockenschlägen. Und wer braucht heute noch
Ariadnes Faden, wir haben doch Le GPS.

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SILK SAW Imaginary Landscapes (Kotä12): Ach, schau an. Gabriel Séverin &Marc Mœdea, die hatten mich doch mal,bevor sie mir aus dem Blickfeld verschwanden, schwer beeindruckt: auf
Sub Rosa als Jardin D'usure mit "Musique Du Garrot Et De La Ferraille"(1994) und als Silk Saw mit "ComeFreely, Go Safely" (1996) und noch auf
Ant-Zen mit "Preparing Wars" (1998).
Das ist hier, 9 Jahre nach "Prestation"
auf Waystyx und wieder auf einem
Moskauer Label, ihr 11. Album. Die
Diagnose, die die Belgier unserem
einsamen Planeten stellen, ist so düster
wie eh und je. Beats knattern, Drones
zeigen ihre Reißzähnchen, Strings
hüllen sich in Dunkelheit, Impulse
zucken zischend. Offenbar fanden sie
kaum einen Grund, ihre postindustriale
und dark ambiente Sicht der Dinge an
den Nagel zu hängen. Stumpfe Beatsund hektisch stanzende Automatikmischen sich mit sirrendem Noise undwühlenden und klimprig klirrenden
Griffen in Pianotasten zu Stress undPanik. Beats und Drones, glissandierende Drones und eifernde Beats,
bei 'The Decision to Exist' als MahlwerkDrumming mit treibendem Bass, klappriger Percussion und kläglicher Oboe
und nochmal verzerrt brausend, mit
Aussetzern beim Antrieb und ein paar
zagen Flötentönen. 'Knockers' kommt
mulmig surrend und mit tribalem Tamtam, bis an die Kiemen in Lo-Fi. 'Same
Area' steckt in Funklärmschlamassel,
eine 808 lässt Becken zischen, dasPiano rumort windschief mit, die Beatsgehen zu Furiengeheul auf Fluchtgeschwindigkeit. Da erscheint 'EnoughSlaps' fast als Lichtblick, mit kaskadierender Gitarre zu harmonischem
Dröhngewölk. Aber die fragilen Beatsgehen panisch Hals über Kopf und ein
Baby plärrt. 'Pricks' zittert und grummelt, Saiten werden gerüttelt, aber der
Lärmpegel lässt einem letztlich nur die
pochende Beatspur, der man blind folgt,
egal ob im Kreis oder in den nächsten
Schlamassel.

SEBASTIAN ZANGAR Children Of M
(Lantern, LANT018): In Bukarest geboren, in Freiburg aufgewachsen, hat
Zangar mit Databoy78 einen zweiten
Namen und mit Berlin und der schwedischen Insel Ingarö Fagerholm gleichzwei neue Wahlheimaten. Hier bedankt
er sich bei Moritz von Oswald, auf
dessen Künstlername Maurizio das M
anspielt. In dessen in den 90ern mit
Basic Channel entfaltetes Dub-TechnoUniversum lädt Zangar ein mit kryptisch krächzenden Krähen, dem obligatorischen 4/4-Gepoche und schwammig kaskadierendem Delay ('The
Raven'). 'Sportif' behält den Schritt unddie joggertaugliche Pace bei, mit
zuckendem Gewaber, wolkiger Melodik. Damit kann ich besser leben als
mit dem kuscheligen Pianogeplimpel
seines "Songs 4 Sector 4" (2013). Hier
ist nun auch Sand mit im Getriebe,
wobei die psychedelische Hypnotik despochenden Pulses und der klackenden
und tickenden Repetitionen den Titel'Krautsand' rechtfertigt. Überhaupt
sind Repetitionen der Generalschlüssel
in diesem Klangkosmos aus weichen
Schwingungen, die in ihrem verhallenden Geschwänzel Kummer und Stillstand mitschwemmen. 'Tata' ist dannbesonders dubbig, mit Beats, zugleichholzig und metallisch, bevor bei 'To
Stardub With Love' zu Vogelgezwitscher die Gleichgültigkeit gegenüber dem Diktat des Beats lässig
zunimmt. Ein DeeJay raunt bei 'Silent
Saxophone', 'When Monkeys Cry' istdschungelig angehaucht, die Beatsdazu sind ein gedämpftes Fingerspiel.
Aber mehr Dschungel als ein Intercityabteil oder den Bus zum Kreuzberger 'Waldeckpark' braucht Zangar
nicht, um die Phantasie frei zu setzen.
Das Pochen ist dem fragilen Zuckenleichter metalloider Schläge gewichen,
und der Referenz an Maurizio schließt
Zangar noch einen Gruß an seinen
mazedonischen Freund Dimitar Dodovski an.

79

JENSEITS DES HORIZONTSERIK MÄLZNER / NO EDITION (Alpen-Veen)

ERIK MÄLZNER ist mit seinen erikalen Elaboraten einer unserer Unverzichtbaren. Aber sagte ich das nicht schon? Egal. Auch mit Dark Age (NOEDITION # 89) findet er meine volle Zustimmung. Denn gleich mit 'Ach das
könnte schön sein' listet er zu dumpfem Pumpen süffisant die Weihnachtswünsche von so manchem Ich, das sich zum Wir aufmopst und meint, dann tun
und lassen zu können, was es will: Wenn ich mir was wünschen dürfte / ich möchte
ein Rowdy sein / ich möchte ein Soldat sein / ich möchte ein Nazi sein / ichmöchte ein Gläubiger sein / ach das könnte schön sein / ohne selber denken zu
müssen. Und dazu zwitschern die Vögelein. 'Pride and Ignorance' wohin man
schaut, und immer mehr würden offenbar gern den Dicken machen, "bis zwei
Meter hoch und tief", oh Putin, oh Orbán, oh Erdoğan, oh Ruhm und Ehre dem
grössten Scheißhaufen. Weiterhin mit Vögelein und nun auch klimperndem
Cembalo, elegischem Synthie und grottentiefem Bass. Und der Text erst gelallt
wie von einem britischen Ameisenforscher mit stoutschwerer Zunge, dann mit
kindlicher Vocoderstimme. Nichts zu wünschen übrig lässt dagegen die
vortreffliche, nur mit Peter Androschs "Hymnos - Eine Fluchkaskade"vergleichbare Tirade 'Stressabbau'. Zu animiert pulsendem Groove, E-Gitarre
und Bläserphantomen dekretieren der Deus ex machina und seine Assistentin:
Hört meinen Fluch / ihr Laberköppe / meine schreckliche Verdammung / ihr
Arschlöcher / ich verfluche euch / ich verfluche euer Leben und vernichte euer
Wesen / ihr Sackgesichter / bei der Macht meines Geistes verfluche ich euer
Dasein und verbanne euch / fallt in fürchterliche Qualen / ihr miesen Wanzen ...
die Kraft meines Fluches soll für immer auf euch sein / ihr Arschgesichter / leckt
mich am Arsch / ihr Halsabschneider / weder soll euch jemand hören / nocheuch jemals helfen / der Schlag soll euch treffen / ihr Raffzähne / ihr könnt michmal / der Fluch soll euch verfolgen auf immer und ewig. Wie ist's nun damit, wie
scheiden wir die Geister? a oder b? Ja ja, ich weiß, hier bist Du Arsch, hierdarfst Du's sein. Denn nur so ist das Leben und nur so bleibt die Welt oh sowunderbar. Und wenn es noch so knarzt im Gebälk und die Glocken läuten, derBeat pumpt und pumpt: Oh Götzenanbetung / oh massive Indoktrination / ohErosion von Werten / oh Intoleranz Radikalismus und Gewaltbereitschaft / oh
Verführung und Manipulation / oh Kaufen für die Müllhalde ... ('Oh What A
Wonderful World / Dark Age / Extended Disco Version'). Was bleibt neben
Fluchen und Schattenboxen? Stoische Lakonie? Aufgeklärt tuender Zynismus?
Sind heroische Gelassenheit bis hin zu mürrischer Indifferenz (H. Münkler) nicht
sogar das Gebot der Stunde? Mann fährt gegen Baum und stirbt / ja und / Kindkommt auf die Welt und lebt / ja und ('+/-')? Oder wie in einer ganz frühen BA
noch gesteigert: ja under? ja am understen?
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Wo rührt das her, die, wie Benn es nannte, "Fresse von Cäsaren und das Gehirn
von Troglodyten, die Moral des Protoplasmas und das Ehrgefühl vonHotelratten"? Beginnt es schon im Kinderzimmer (NO EDITION # 90)? Schon bei'Pride and Ignorance' hieß es: Children trample the pile for glory. Die Kindheit
kommender Chefs, besteht sie in Trampelnkönnen und im Spaß daran? Look
what I allow myself / look how strong I am. Andererseits: Verhalten wird vonGeneration zu Generation weitergegeben. Mälzners Protagonist hat noch die
Schwarze Pädagogik der 50er Jahre mitbekommen. Stottern durfte nicht sein.
Und zu lachen gab's auch wenig. Statt dessen gab es noch Dressur undZüchtigungsrecht. Und innerlich stapelten sich die Doublebinds rund um
Essensteller, Elternteile, Denktechniken, Käseglocke und Gänsehaut, Mitleid
und Unerschütterlichkeit, weg und da. 55:20 am Stück taucht man zurück ins
Riesenzwergenland und zur von Gisela Elsner protokollierten Nachwuchspflege,in die Zeit vor Erfindung der Roten Armee Fraktion, wie Frank Witzel sie soakribisch erinnert hat. Wo es doch eigentlich fast immer paradiesisch anfängt...
mit den Vögeln und den Hummeln auf dem Felde. Mälzners Hänschen stottert
hin- und hergerissen. Aber niemand hört ihm zu. Eine feminine Computerstimmereferiert gnadenlos sexy aus scheinbarer Fachliteratur, der Synthie simuliert ein
Mittelding aus Melodica und gestopfter Trompete zu orgeligem Bassgemurr und
Piano. Wieso beginnt das Leben nicht? Ein Synthieblaston setzt ein zu
monotoner Pseudopipa und ratschender Percussion, aber Hänschen bleibt
mutlos und daheim. Als wäre der dort so prächtig an- und abschwellende
Dröhnsound Watte gegen die Kälte da draußen. Oder dröhnt da das Schweigen
der Neunmalklugen zum Wettbewerb als Lebensform?
Bei Oder Peking (NO EDITION # 91) kauft sich einer eine Fahrkarte nach
Moskau. Im sentimentalen Alter empfänglich für das orientalische Sprichwort
Stehendes Wasser wird faul und sich eine Sonderform der senilen Bettflucht
bescheinigend sucht er Ortsveränderung und das Glück des Fahrens mit derBahn. Aber woher dann die stöhnenden Stimmen und die erratische undheulende E-Gitarre? Zielbahnhof Inferno statt Moskau? Hauptsache die Züge
fahren pünktlich. Manchmal geht es nicht gut aus: 7.1.2005 nahe Bologna, 15Tote, 80 Verletzte, 6.11.2004 bei Ufton Nervet, 6 Tote, 150 Verletzte. Das Tempo
erhöht, das Klimbim vermehrt sich. Die Stimme des Icherzählers bleibt aber
träumerisch verlangsamt und sonor vertieft. Staub / Kleidungsfasern /Menschenhaare / Hautschuppen / Straßenabrieb / Tierhaare / Gesteinskörnchen / Viren / Milben / Schimmelpilze. Wo bleibt mein Serotonin? Ahh, schon
umgaukeln einen Klarinetten oder eine Orgel. Und ist nicht schon ein Apfel
köstlich, und lässt nicht auch eine Spielzeugeisenbahn den Puls höher
schlagen? Fahren, dahin fließen, dahin schweben, Erfahrungen sammeln. Aberschöner Schein tut's auch. Oder sich über Nacht ganz verwandeln, Götze
werden oder Kind. Gut, Götze hatte es einst sein sollen, von Kirchenmusik
feierlich beschallt, von den eigenen Kindern und von Nonnen gefüttert, gepflegt,
verehrt. Um ihnen schließlich doch auf die Nerven zu gehen. Lebe seit dem
quasi auf der Straße / ehemaliges Zimmer dient jetzt als Wallfahrtsstätte.
Allenfalls Nonnenfürzchen gehen da über den seltsamen Gesang und die
bizarre Duftnote bei dieser Phantasie vom Fortgehn und vom Sekundenglück.
Einen weiteren, ganz besonderen Reiz bietet www.noedition.de -> video mit den
eigenartig bebilderten Tracks von Braingrainhotspot, Erik Mälzner, Erika
Jürgens, N.N. Und Ähnliche Elemente usw. Vergesst, was ihr über Videos zu
wissen meint. Bauhaus meets Popart wäre ein möglicher Slogan. Aber seht
selbst und bestaunt mit mir eine verstörende und zugleich lächeln machende
Bildersprache, die sich aller Redundanz verweigert.
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Intonema (St. Petersburg)
Ah so - SONGS ist der Name, den sich Lucio Capece, Catherine Lamb, Rishin Singh &Stine Sterne in Berlin gegeben haben, und 1 & 2 (int018) die Überschrift für zwei
Kompositionen von Singh, die sie mit Bassklarinette, Viola, Posaune und den Stimmen
der Frauen zu Gehör bringen. Singh und Lamb, in deren Kreis die Personalunion vonKomponist und Interpret das Normale ist, spielen auch in Konzert Minimal zusammen,
einem Kollektiv, das sich der Wandelweiserästhetik verschrieben hat. So verwundert es
nicht, dass das mit trotzigem Unterton so getaufte 'Six Scenes Of Boredom' Sternes
zagen Gesang auf dröhnminimalistischen Fond bettet, wo das streichholzdünne Stimmchen Lyrismen wie von Mimi Dickinson haucht. Auch die Musik besteht nur aus mageren
Bleistiftstrichen in der Landschaft, so weit weg von allem Pathos, dass es schon wieder
pathetisch wirkt. 'Three Lives' stellt in ähnlicher Manier mit dem spook-dunklen Tönen
der beiden Bläser Schattenexistenzen vor. Lamb und Sterne vereinen dabei ihre Stimmen in vibratofreiem Unisono für den hellen Part in einem Helldunkel, in dem sie
ausgeträumt zu träumen scheinen und die Musik nur noch als Gewölk darüber schmaucht(um den Grad der Entfleischung mit Beckett anzudeuten). In einer fremden Sprache(der von Cockayne?) singen sie, cremig und gummiartig und gerade dadurch soghaft.
Rotonda (int016) variiert "Koch / Kocher / Badrutt" (Bruit, 2015) insofern, dass GAUDENZ BADRUTTs Livesampling und JONAS KOCHERs Akkordeonsound, statt mit der
Bassklarinette ihres Landsmannes wie im Mai 2014 in Rom, sich fünf Monate danach inder Mayakovskiy-Bibliothek in St. Petersburg mit dem Altosaxophon von ILIA BELORUKOV mischten, Mr. Intonema himself. Für ein Miteinander aus stiller Andacht, leisen
Tönen, gemeinsamen Atemzügen, geteilter Sublimität. In den Raum, in dem das
Publikum die Luft anzuhalten scheint, lassen die drei in einem bedächtigen On/Off
flache Haltetöne quellen. Belorukov zwar auch mit diskantem Anschliff oder zirpendem
Beben, aber trotzdem so wie auch seine Partner mit einer wandelweiserischen
Delikatesse, die jeden Klang zu einem Ereignis macht, zu einem Stich oder Schattenboxhieb wie bei den tänzerisch meditativen Übungen asiatischer Kampfkünste, zumal
da durchaus Schub und Dynamik dahinter stecken. Eine Dynamik, die genau auf halber
Strecke einen Bogen aufwölbt, bevor die Klangballung wieder in Luftlöcher diffundiert.
Aber sich fortschreibt als jeweils mit Spannung erwartete Glieder einer kakophonen
Folge, die weder barsche Zacken noch schroffe Brüche scheut, ohne deswegen zart
und scheu gehauchte oder akkordeonistisch geknarrte und gefiepte Töne zu verscheuchen und solche von windspielerischer Fragilität. Auch ohne ein besonderes
Gespür für Schnee sinkt hier zuletzt aber nur noch so manche weiße Flocke auf somanchen weißen Grund.
MICHAEL PISARO ist ein Komponist, der inmitten des Wandelweiserkreises steht undeinen mit der wunderbaren Vorstellung von 'White Metal' und der dunklen Poesie von"Schwarze Riesenfalter" beglückt. Würde man nach einer Verbindung zwischen Marcel
Duchamp, Oswald Egger, Julia Holter und Cy Twombly suchen, wäre er unser Mann.
Wie "Melody, Silence" (Potlatch, 2015) ist Mind Is Moving IX (int017) ein Stück fürGitarre solo, allerdings einer E-Gitarre, wobei Denis Sorokin, ein der Wandelweiserästhetik zugeneigter St. Petersburger Künstler, als der Performer dazu noch mit Radiound Steinen spielt und pfeift. Mit dem Radiorauschen als bewusster Referenz an Keith
Rowe. Obwohl Pisaro mit dem Titel an eine Reihe von acht Kompositionen von Mitte der
90er anknüpft, ist das 42 Min. lange Stück näher mit "Melody, Silence" verwandt. D. h.
vereinzeltes, klangfarbbewusst nuanciertes Plink und Plonk der Saiten wechselt mit
zischendem Radionoise oder einem stehenden Feedback, mit aneinander geriebenen
Steinen und gelegentlichem Pfeifen. Der Himmel gehört zur Hälfte der Stille und lädt
ein, die Gedanken so selbst- wie raum- und zeitvergessen durch Wolkengrau hindurch
schweifen zu lassen. Wobei jeder Klang, jedes Geräusch als Blindenstock taugt, um
sich weiter, immer weiter zu tasten.
82

... jenseits des horizonts ...
LEIF ELGGREN and KEVIN DRUMM Like The
Dust Under A Mother's Knife (JMY09): Elggren
schrieb "Something Like Seeing in the Dark"
2005 und führte es erstmals am 25.1.2007
zusammen mit John Duncan in Bologna auf.
Das hier ist, auf Brent Gutzeits phantastischem Label, nichts anderes als die Performance vier Wochen später mit Drumm in
Chicago. Selten war der Schwede näher bei
Beckett, näher am A und O von allem Helldunkel und dennoch so höchstselbst er selbst,
wenn er auf einem bloßen Dröhnfilm vonDrumm zu sprechen beginnt: Like white on
white. Like seeing in the dark. Like trying. Like
being... Gestures. Like in a fading memory...
Like now. Like always... Like crowns. Like
knives. Like razor blades in the dark. Like me.
Like you... Voices. All over. Can't resist. Can't
hear what they are saying. But. Fragments.
Just like the dust under a mother's knife...
Saying: I am the chosen one! And you too. You
too... Das ist schaurig eindrücklich, ohne
pathetisch zu werden. White. Everything.
White. And the dead too. Saying: See you later.
No hurry. Will wait forever. Yours truly... Trying
to find a new world order. Yes. It is urgent. The
North is ready. El Dorado or Utopia? Who toblame?... Moving. Started moving. Screaming.
Started screaming. Breathing. Started breathing. And a new way of thinking started. A
new way of seeing. Light and darkness.
Flickering... With a certain sound too... Like
voices... Like soldiers shooting children. And
bodies beside a small road to heaven...
Movements in the dust... A certain movement.
Vague. But still: Moving... Steps in the hallway.
The stairs. Closer. Unlocking the door. Waiting.
Saying: I am the lonely one. Please let me in ...
Dazu auf dem Cover die Elggren-typischen
Bleistiftstrichgestalten mit Heiligenschein (wiesein Artwork zu BA 61). Dem Textvortrag folgt
eine halbe Stunde, in der Elggren den Klang
surrend vibrierender Blechkronen mit Drumms
Elektronoise mischt zu einem Flickern, jenem
existenziellen Grundrauschen aus Dasein und
Staub, Schnitt - Kontinuum, Ich - Nichtich. Und
sogar Kuchen und Pflasterstein oder König
und Anckarström, wenn der Groll wächst, derUntergrund bebt, die Zauberteppiche Verspätung haben oder Brotkorb und Menschenrecht außer Reichweite geraten.

SLOBODAN KAJKUT Terrible
Fake (GODrec, GOD 33, LP): BA
ist nur ein Einzelner mit einer
Taschenlampe. Seit ich damit
Richtung GODrec rumstocherte,versanken schon wieder Klaus
Langs "Organ Works Vol.2 (GOD26), Bernhard Langs "DW16 /Songbook I" (GOD 28), "Dark
Matter" (GOD 30) von Alvin Lucier und Polwechsels "Untitled"(GOD 31) in jenem Schwarz, dasdie bevorzugte Coverfarbe desGrazer Vinyllabels ist. Auch
diese mit einerseits 'Terrible
Fake' und andererseits 'Terrible
Dub' berillte Scheibe gehört indiese Noir-Reihe. GODrec-Macher Kajkut hat ersteres komponiert als unrunden TripHop
für Piano und Drums, ausgeführt
von Anton Polk und Istok Klemen. Die Dub-Version in gleicher Besetzung entschleunigt
das noch einmal, in kleinlauter
Slow Motion, aber offenbar
händisch. Wie Paul Wittgensteinauf Valium, und dazu nun ein
Drumcomputer mit etwa 10-15
BPM, die klingen, als würde danur ein Karton geknufft. Sehrmitternächtlich und winterschläfrig und nicht mehr weit
entfernt von Herzstillstand.
'Terrible Fake' befließigt sichdagegen einer zwar unebenmäßigen, aber etwas animierteren 2-3-Finger-Pianistik, akzentuiert mit tockender Snareund klickendem Becken. Aber
Polk fingert und rumort auch dameist mit der Linken und so, als
ob er die Töne intuitiv und
okkasional setzen dürfte. Aberes ist letztlich, und auch durchaus erkennbar, die irritierende
Handschrift dessen, der sichauch "Sick Nature/City Of Bore"(2013) und "The Art Of Living
Dies..." (2014) ausgedacht hat.

83

CHARLES PLYMELL / BILL NACE
Apocalypse Rose (Lenka Lente, lkll13, 44 p. booklet + 3" mCD):
Guillaume Belhommes Agenda, Texteoder Bilder mit Klängen zu assoziieren, zu collagieren oder wie auchimmer zu verbinden, bescherteschon die schönen visuellen Gedankenverbindungen von "Time. Au
Grisli Clandestin" oder brachte das
Porträt eines Anarchisten mit Nurse
With Wounds "Close To You" (lkl-l13)
zusammen. Fortgesetzt wird die
Reihe mit einem Beat-Poeten, 'vertont' von einem Gitarristen aus Massachusetts, der mit Thurston Moore,
Kim Gordon, Steve Baczkowski oder
Paul Flaherty musiziert hat und mit
Chris Corsano in Body/Gate/Headsowie als Vampire Belt, zu hören auf dem eigenen Label Open Mouth und auf Ecstatic
Peace! Mit Gitarre und Trommel spielt er einen hypnotisierenden Loop, so monoton unddumpf und zunehmend verlöschend, dass er einen Schamanen in Trance versenken sollte.
Für Plymell könnte Nace sich qualifiziert haben durch etwa "Irrational Body Poem In RealTime" (w/ Sunburned Hand Of The Man, 2008) oder "Buck Dharma" (w/ Wooden Wand &The Vanishing Voice, 2005). Plymell, der 2015 80 geworden ist, hat "Apocalypse Rose"
1963 in San Francisco geschrieben, als er in einer Wohngemeinschaft lebte mit Allen
Ginsberg und Neal Cassady (Kerouacs Dean Moriarty in "On the Road" und als Cody
Pomeray in "The Dharma Bums" und "Desolation Angels"), erschienen ist es als sein
Debut 1966. Plymell konnte traumhafte Rosenkränze beten aus Benzedrine, Peyote,Mescaline und LSD (genommen als es noch legal war, zu Schuberts Streichquintett in CDur!) und einen ruhmreichen mit R. Crumb und S. Clay Wilson (Plymell druckte die ersten
Zap Comix), mit W. S. Burroughs und Herbert Huncke (die er auf seinen Cherry Valley
Editions veröffentlichte) als Perlen des Lebens, das Pamela Beach mit ihm geteilt hat (dieTochter von Mary Beach, die "The Electric Banana" geschrieben hat). Wilson erinnert er
als a lamb of a person, und Cassady gedachte er mit That worried orphaned-look / I'll notforget. / He lived fast, his beds, death rows / to blow genius away, like The Doors, / A raceover rails from time's windowpane / sun hot on the Mexican landscape--the / Railroad
tracks chromed with cocaine. Ginsberg hat er nachgerufen: Du hast mich an die Grenze
geführt / damals vor 29 Jahren / vermutlich von Whitman und Tod gesprochen / Nun weißt
du, was dahinter steckt. Nüchtern lautete sein eigenes Fazit: My life's work was theunemployment line, unskilled labor, or part-time teaching und Kuhscheiße an den Stiefeln
ist nicht unbedingt was Besseres als ein Harvard-Studium. Dabei hatte Burroughs "TheLast of the Moccasins" als A very readable manifesto of ashes gelobt. Mike Watt hat - viele
Tänzchen um die Sonne später - Plymells Poetry auf dem Bass begleitet. Seine 10 Seiten
hier sind getränkt mit Musik, von der ersten Zeile an: The Juke-box begins its song:
futuristic mirage blossoms. Er selber taucht auf mit I've traveled around these states / likea migrant bird, singing / an old refrain here and there, und wenn er - rhetorisch - fragt:
Does the nightingale trade its song for fame? Und die Musik setzt sich fort mit the lovesongs of / warm-bosomed singers, als jazz in Kansas City und wenn er träumt von Chuck
Berry und Bill Haley, wenn er Elvis und Chet Baker singen hört, und selber a sweet
mournful tune / on a hollow flute made from / the bones of dead junkies bläst undverkündet: I sing like a traitor / From radio Apocalypse Rose. Im Autoradio spielt 'Moon
Over Alabama'. Carl Weissner, Walter Hartmann und Gregor Pott haben Plymell
verdeutscht, Peter Engstler propagiert ihn seit Jahren, Franz Dobler hat sich zu seinem
Einfluss bekannt. Your voice in the fog / lights on the street.
84

MANFRED WERDER 2015³, actualized byRegler (Nueni Recs., Nueni #006): Wenn ich
von hinten anfangen darf: Regler, das sind
Mattin & Anders Bryngelsson, die sich nach"Regel #3", ihrem Experiment mit Free Jazzund Noise Core, und "Regel #4 (HNW)", ihrer
Testreihe mit Harsh Noise, nun bei "Regel #5"
classical music vorknöpfen. Von vorne genommen, haben wir einen Schweizer Pianisten und
Komponisten vor uns, der Richtung Wandelweiser und so weiter tendiert und merkwürdige Werkreihen vorlegt. Neben Stücken wie"Ein(e) Ausführende(r) Seiten 218 - 226" oder
"2 Ausführende Seiten 392-406" und "Stück
1998 Seiten 624-626" & "... Seiten 676-683"
gibt es als weitere Reihe "2006¹", "2009⁵", das
31 x 18-min. "2005¹"etc. Schaue ich in die Mitte, finde ich eine Notiz aus Walter Benjamins"Einbahnstraße": "Vor übergroßer Ermüdung
hatte ich im erhellten Zimmer mich in Kleidernaufs Bett geworfen und war sogleich, füreinige Sekunden, eingeschlafen." Und dazu
sieht man Bryngelsson & Mattin wie schlafend.
Drücke ich auf Start, höre ich einen Schlagzeuger mit Geräuschen oder eher noch Nebengeräuschen, während er auf seinen Einsatz
wartet. Ähnlich hört man von Mattin minimalste, eher wie unbeabsichtigte, als beabsichtigte Laute. Meist sind die Atemzüge und das
Grundrauschen des Raums das einzig Hörbare. Da kein Einsatz irgendeiner 'Musik' ingewohnter Weise erfolgt, muss man in dem, waszu hören ist, kleinsten Stupsern, den Atemzügen,im Grunde der Performanz eines Schlafs von
exakt 40 Min. mit seinen sporadisch registrierbaren Bewegungen an den Nahtstellen vonStille und Beinahestille, das zu Erwartende
vermuten. Im Sinne 'Gedachter Musik' ist also
'Geschlafene Musik' zu 'hören'. Konzeptionell
erscheint mir das auf Augenhöhe mit Diego
Chamys "The Fluxus Pieces", selbst wenn
Motivation und Intention eine ganz andere seinsollten und die von Regler wieder eine andere
als die von Werder. Bei dem ich allenfalls denSatz finde: In der Abwesenheit artikulierter
Klänge werde ich dann immer stärker in das
Klingende aller Begegnung aufgelöst, erfahremich als Welt. Er hat den Hang zu klingenden
Gedankenspielen, die er an Zitaten aufhängt,und ist völlig einverstanden, dass Musiker nicht
spielen, dass überhaupt jeder sein Recht auf
Schweigen wahrnimmt. Denn ihn reizt das
Mögliche mehr als alles Realisierte und derKlang einer vorhandenen Situation mehr, alsdas, was er hinzufügen könnte.

V/A Ten Years Institute for Computer
Music and Sound Technology (domizil42): Die Zürcher feiern hier ein kleines
Jubiläum ihres Miteinanders mit dem
ICST an der Zürcher Hochschule derKünste. Marcus Maeder forscht undlehrt dort und demonstriert die Qualität
der Personalunion mit 'Harman's Object'. Philippe Kocher, der 'Partikel, vernetzt' beisteuert, Germán Toro-Pérez,mit 'Rothko IV' vertreten, Martin Neukom, mit 'Studie 21.2' zu hören, und Jan
C. Schacher aka Jasch, der mit 'Nothing exists... (Chance Cove Mix)' mitfeiert, sind ebenfalls alles ICSTler,
Professor Toro-Pérez sogar als Direktor. Bojan Milosevic, der mit 'Procep'
vorgestellt wird, forscht im dortigen Immersive Lab, der griechische Komponist Dimitris Maronidis war 2015 dort
Artist in Residence und zeigt sich hiermit 'Transient Beauty' von seiner elektronischen Seite. Und Jeroen Visser mit
seinem kopfhörerpflichtigen 'Antipodean Rim' ist mit Milosevic einer derfünf MA-Studenten an der ZHdK, die
das Digtal/Analog-Quintett Die Neukoms bilden. Dass er sich mit Jahrgang
1961 längst als Musiker und mehr noch
als Toningenieur mit seinem Klangstudio F.ishing B.akery L.aboratories
etabliert hat, steht auf einem anderen
Blatt. Das akademische Niveau zeigt
sich in Anspielungen auf den Abstrakten Expressionismus (bei Toro-Pérez)oder De Stijl (bei Vissers) ebenso wie
auf die objekt-orientierte Ontologie desspekulativen Realisten Graham Harman(bei Maeder) und das Begehren bei
Roland Barthes (bei Jasch). Wobei man
nicht erleben wird, dass ich übersolches Bemühen die Nase rümpfe.
Nicht eine gewisse ICST-Ästhetik zu
konstatieren, gekennzeichnet durch
sublime Nüchternheit und eine transparente Intransparenz, wäre unredlich.
Wobei die feminine Mundraumintimität
bei Jasch ebenso aus dem mikrogranularen, algorithmisch-oszillatorischen Rahmen menschelt wie die
Fitzel weiblichen Gelächters, die bei
Maronidis der Grexit-Hektik entgegenstehen. But if science is the food oflove, delve deeper.
85inhalt
OVER POP UNDER ROCK:
LIFE IS A LIQUID DROP BY DROP: HOPE 3
FREAKSHOW: BDC LA BELLE 5
RUNE GRAMMOFON 6 - SUB ROSA 7 ...
LISA GERRARD 12 - DA 14 - JULIA HOLTER 16 - MARY OCHER 19 MAJA OSOJNIK 20 - MARK RIBOT 21 - SLALOM 22NOWJAZZ, PLINK & PLONK:CREATIVE SOURCES 23 - EMANEM 24 - EUPHORIUM 26 - FOR TUNE 28 HUBRO 36 - INTAKT 37 - JAZZWERKSTATT 39 - LEO 40 - QUILIN 43 - TZADIK 44 ...
BARRY GUY 48 - HARTH+BELL 49 - SVEN-ÅKE JOHANSSON 50 ...
SOUNDZ & SCAPES IN DIFFERENT SHAPES:ATTENUATION CIRCUIT 58 - CLANG 60 FLUX / FRANK ROTHKAMM 61 - KARLRECORDS 63 - 90 % WASSER 66 PSYCH.KG/DOMESTIC VIOLENCE 68 - ReR MEGACORP 69 ...
NIL AD MIRARI: MERZBOW 75
BEYOND THE HORIZON:NO EDITION 80 - INTONEMA 82 LEIF ELGGREN/KEVIN DRUMM 83 - CHARLES PLYMELL/BILL NACE 84 ...

BAD ALCHEMY # 88 (p) Januar 2016
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Michael Beck, Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint ca. 3 - 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 88 erhalten Abonnenten die CD "Dead Leaves" (Licht-ung/Punk Kein Rock, 2008)von MERZBOW
Mit herzlichem Dank an Dschim K. Sandbleistift
Cover: Kurt Schwitters (der Namensgeber für Merzbow)
Rückseite: Julia Holter (© Alicia Canter)
Die Nummern BA 44 - 79 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................
Preise inklusive Porto
Inland: 1 BA Mag. only = 4,- EUR
Abo: 4 x BA OHNE CD-r = 15,- EUR °; Abo: 4 x BA w/CD-r = 27,80 EUR *International: 1 BA Mag only = 6,-20 EUR
Subscription: 4 x BA WITHOUT CD-r = 23,80 EUR °°; Abo: 4 x BA w/CD-r = 36,80 EUR **[° incl. 4,00 EUR / * incl. 5,80 EUR / °° incl. 12,80 EUR / ** incl. 14,80 EUR postage]
Payable in cash or i.m.o. oder Überweisung
Konto und lieferbare Back-Issues bitte erfragen unter bad.alchemy@gmx.de86

indexTHE AARDVARK JAZZ ORCHESTRA 40, 53 - BADRUTT, GAUDENZ 82 BAILEY, DEREK 24 - BAKER, AIDAN 64 - THE BALUSTRADE ENSEMBLE 71 BDC LA BELLE 5 - BEL, THOMAS 11 - BELL, JOHN 49 - BELORUKOV, ILIA 82- BENKHO, FRANK 60 - SARAH BERNSTEIN QUARTET 41 - BIT-TUNER 71 BLUMENKRANZ, SHANIR EZRA 44, 45 - BRANT, CODY 68 - BRAXTON,ANTHONY 24 - BRÖNNIMANN, JAN GALEGA 38 - BUECHI, SARAH 37 BUMSTEINAS, ARTURAS 72 - CABARET CONTEMPORAIN 9 - CAMPELLO,MARCOS 56 - CHION, MICHEL 77 - CHOJNACKI, ZBIGNIEW 31 - CLIMAT 11 COLUMN ONE 63, 66 - COMES, MARTIJN 72 - CUTLER, CHRIS 3, 4 - DA 14 DE JOODE, WILBERT 42 - DEUPREE, TAYLOR 73 - DIE HOCHSTABLER 46 DOC WÖR MIRRAN 59 - DÖRNER, AXEL 27 - DRAKE, HAMID 39 - DRESSER,
MARK 41 - DRUMM, KEVIN 83 - EDWARDS, JOHN 26, 43, 55 - ELGGREN,
LEIF 83 - EMERGE 58 - FAFCHAMPS, JEAN-LUC 8 - FAGES, MARINA 15 FERNANDEZ, AGUSTI 51 - FIELDTONE 8 - FIRE! 6 - FISCHER, MARCUS 73 FORD, ACE FARREN 58 - GUNNAR FORS‘ QUINTET 50 - FRANOV,ALEJANDRO 73 - FRIEDLANDER, ERIK 47 - FRITH, FRED 70 - GANELIN TRIOPRIORITY 29 - GAYLE, CHARLES 39 - GERRARD, LISA 12 - GLANZMANN,
VINCENT 47 - GOAT‘S NOTES 40 - GODOY, RENATO 56 - GRATKOWSKI,FRANK 23, 42 - GRYDELAND, IVAR 36 - GUY, BARRY 48 - GX JUPITTERLARSEN 58 - HARTH, ALFRED 3, 4, 49 - HIGH DEFINITION QUARTET 31 HOFMANN, GEORG 42 - HOLST, ANDERS 60 - HOLTER, JULIA 16 - HOPE 3 HUBER, ALEX 51 - IDKLANG 64 - THE INTUITION ORCHESTRA 30 - THE
ISLAND BAND 36 - JANCZARSKI & MCCRAVEN QUINTET 34 - JOHANSSON,
SVEN-ÅKE 50 - KAZIMIERZ JONKISZ ENERGY 29 - KADZIELA, MAREK 33 KAJKUT, SLOBODAN 83 - KANG, EYVIND 45 - KASAHARA, WATERU 68 KAUFMANN, ACHIM 42 - KAZUYA MATSUMOTO 76 - KEDA 74 - KEITA, ALY
38 - KILL YOUR BOYFRIEND 15 - KOCHER, JONAS 82 - KOMMISSARHJULER UND FRAU 68 - KOSMOSE 7 - KROKOFANT 6 - LACY, STEVE 24 LÄRMHEIM 74 - LE SCRAMBLED DEBUTANTE 58 - LEICHTMANN, HANNO 65- LEIMGRUBER, URS 51 - LILLY JOEL 10 - LINDELL, IVAR 50 - MÄLZNER,ERIK 80 - MAHNIG, DOMINIK 41 - MARCHETTI, LIONEL 77 - MARSHALL,
HANNAH 25 - MARTINEZ, LUCIA 51 - MERZBOW 75 - MULLLR 76 - NABATOV,SIMON 41 - NACE, BILL 84 - NAKED TRUTH 52 - NANAYA 53 - NASTORG,FLORIAN 5, 54 - NELSON, RICHARD 53 - NIKOLAUS NEUSER 5TET 39 NIELSEN, MADS EMIL 60 - PAWEL NIEWIADOMSKI QUARTET 35 - NIGGLI,LUCAS 31 - NOETINGER, JEROME 77 - NO NOISE NO REDUCTION 54 NORD, MIKE 42 - OBARA INTERNATIONAL 33 - OCHER, MARY 19 - ARUAN
ORTIZ TRIO 37 - OSOJNIK, MAJA 20 - PACIFIC 231 68 - PARKER, WILLIAM 39- PHALL FATALE 43 - PHAROAH CHROMIUM 78 - PIERONCZYK, ADAM 34 PISARO, MICHAEL 82 - PLOOG, JÜRGEN 67 - PLYMELL, CHARLES 84 PREISIG, TOBIAS 43 - PURUSHA 28 - FRANCISZEK RACZKOWSKI TRIO 28 RA RA DA BOFF 27 - RANT 54 - RAVENSTINE, ALLEN 69 - REGLER 85 REIBEL, GUY 64 - THE REMOTE VIEWERS 55 - RIBOT, MARC 21 - ROBERT,JOCELYN 78 - ROSE, JON 25 - ROTHKAMM, FRANK 61 - RUSCONI, STEFAN
43 - SCHINDLER, UDO 55 - SCHROEDER, FRANZISKA 56 - SCHUBERT,FRANK PAUL 55 - SCOTT, RICHARD 23 - SILK SAW 79 - SLALOM 22 - SLIWA,
MATEUSZ 31, 32 - SONGS 82 - ALISTER SPENCE TRIO 56 - STAHEL,
ANDREAS 42 - NORBERT STEIN PATA MESSENGERS 57 - STENSSON, BOBO
50 - DOMINIK STRYCHARSKI CORE 6 30 - TELLAVISION 65 - TUMULT! 26 TURNER, ROGER 27 - ULHER, BIRGIT 23 - V/A TEN YEARS INSTITUTE FORCOMPUTER MUSIC AND SOUND TECHNOLOGY 85 - VEHEMENCE QUARTET
32 - VITOUS, MIROSLAV 34 - VORFELD, MICHAEL 23 - WASSERMANN, UTE
23 - WERDER, MANFRED 85 - WESTON, VERYAN 25 - WOJCINSKI,
KSAWERY 30, 35 - WOOD, CYE 13 - WYKPISZ, ALAN 31, 32 - ZANGAR,SEBASTIAN 79 - ZAWADZKI, SEBASTIAN 32 - ZEITKRATZER 63 - ZEMLER,
HUBERT 22, 30 - ZION80 45 - ZORN, JOHN 44, 45 - ZOUBEK, PHILIP 5787

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