BAD
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ALCHEMYUmgezogen in den Gedächtnispalast[03 Jan 2016] Paul Bley, 84[05 Jan 2016] Pierre Boulez, 90[10 Jan 2016] David Bowie, 69[10 Mar 2016] Keith Emerson, 71[02 Apr 2016] Gato Barbieri, 83[04 Apr 2016] Getatchew Mekurya, 81[09 Apr 2016] Tony Conrad, 76[19 Apr 2016] Richard Lyons (Negativland), 57[06 May 2016] Hannes Bauer, 61[17 May 2016] Marlene Marder (LiLiPUT), 61[24 May 2016] Marco Eineidi, 59[24 June 2016] Bernie Worrell (Parliament-Funkadelic), 72[16 July 2016] Alan Vega (Suicide), 78[22 Aug 2016] Gilli Smyth (Gong), 83[06 Nov 2016] Jean-Jacques Perrey, 86[07 Nov 2016] Leonard Cohen, 82[24 Nov 2016] Pauline Oliveros, 84[07 Dec 2016] Greg Lake (Emerson, Lake & Palmer), 69[08 Jan 2017] Peter Sarstedt, 75[09 Jan 2017] Zygmunt Bauman, 91[13 Jan 2017] Mark Fisher (K-Punk), 48[22 Jan 2017] Jean Karakos (BYG, Celluloid), 77[22 Jan 2017] Jaki Liebezeit (Can), 78[?? Feb 2017] Steffen Schütze (aka T.poem), ??

Aber Gemeinschaft kann für die Dauer nicht auf einem Fundus gründen, den man gemeinsam hat,sondern sie muß auf dem Ungemeinen gründen, auf dem, was jeder an Einzigartigem, Persönlichem,
Nicht-Mitteilbarem besitzt, auf dem, was ihn unersetzlich macht. Anders hat die Gemeinschaft keine
Dauer, sondern artet zur Gemeinheit aus. Wir sind auf dem Wege.
Heimito von Doderer - Die Dämonen...und ganz leise drunter und dann stetig anschwellend führen wir einen Chor von Kindern ein, den die
meisten Leute noch nie gehört haben. Engelrein. Und wenn das so richtig in Schwung ist, schieben wir
Komik nach, einen Chor musikalisches Gelächter, das die Kinderchen überwältigt und erstickt, und ab
geht die Post. Beide von einem deutschen Komponisten namens Adrian Leverkühn. Kennen Sie den?
Joseph Heller - Endzeit
GelesenJohn Berger - King
Heimito von Doderer - Die Dämonen
Katherine Dunn - Binewskis. Verfall einer radioaktiven Familie
Alan Furst - Das Reich der Schatten
Joseph Heller - Endzeit
Jerome K. Jerome - Drei Mann in einem Boot
Thomas Pletzinger - Bestattung eines Hundes
Lars Saabye Christiansen - Der Alleinunterhalter
Will Self - Shark
Hermann Ungar - Die VerstümmeltenFrank Witzel - Bluemoon Baby
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Mein Ouzo-Orakel Teil 2
Was Prog- & Artrock aus Griechenland angeht, sind das Alpha von Aphrodite’s Childund die Stimme von Irene Papas auf „666“ auch schon das Omega. Vangelis liegt
bereits jenseits der Schmerzgrenze. Demetrios Stratos, der 1945, zwölf Jahre
nachdem Konstantínos Kaváfis dort gestorben war, in Alexandria geborene wurde,
wird daneben meist nicht als Grieche erkannt, obwohl er mit seinen Manierismen,
sowohl bei Area als auch mit seinem kryptomelodischen Kometenschweif aus
mongolischen Obertönen, orientalischem Gejodel und Khoisanklicks, stark von den
Besonderheiten des griechischen Stils zehrt und zeugt. Im Éntechno Tragoudi
schufen sich die Griechen in den 1960/70er Jahren, der finsteren Zeit der Junta,
nämlich etwas ganz Eigenes. Aus Populärmusik, Pathos und Poesie entstand eine
engagierte Sorte von Kunstlied, oft als Konzeptalbum oder Song Cycle, alseigenartige Gegenstücke und Entsprechungen zu Genesis, King Crimson, Magma,
Van Dyke Parks, Laura Nyro, Leonard Cohen, Peter Hammill, John Cale, Mike
Westbrook, Art Bears oder News From Babel.

Neben Theodorakis, Manos Hadjidakis, Nikos Mamangakis und Stavros Xarhakos, die
ich nicht nochmal als Eulen nach Athen tragen brauche, empfehle ich dringend: den
grandiosen Manos Loïzos (*1937-1982) mit „Tragoudia Tou Dromoy“ (Songs of theRoad, 1974) und „Ta Negrika“ (The Negro Songs, 1975); Yannis Markopoulos (*1939)
mit „Thitia“ (Lifetime, 1974); von Thanos Mikroutsikos (*1947) „Troparia gia foniades“(Mörderhymnen, 1977), „O stavros tou notou“ (Das Kreuz des Südens, 1979) oder
„Empargko“ (1982); Dionysis Savvopoulos (*1944), ein Kentaur aus vorne Folkie,
hinten Freak, mit „Vromiko Psomi“ (Schmutziges Brot, 1971); Notis Mavroudis (*1945)mit „Pedi tis gis“ (Kinder der Erde, 1977), „Eros Anikate Mahan“ (Liebe überwindetalles, 1985) und dem nostalgischen „Carte Postale“ (2006); oder Giorgos Stavrianos
mit „I Fovi Tou Mesimeriou“ (Die Angst vorm Mittag, 1986). Dazu gehören jeweils
markante Stimmen, mit einem Tonfall, amalgamiert aus Chanson, politischem Lied,
Volkslied, Songwriting, aus Expression, Feeling und Theatralik. Wenn ich Manolis
Lidakis singen höre, den Marmorklang von Yorgos Merandzas, die schwebende
Stimme von Kostas Thomaidis, wie Giannis Koutras Seemannslieder von Nikos
Kavvadias vorträgt oder Manolis Mitsias Gedichte von Kaváfis, wird mir ganz anders.
Seit meiner Huldigung der Frauen des Éntechno in BA 82 fand ich neue gute Gründe,„Heureka!“ zu rufen:„Sabotage“
LENA PLATONOS (*1951) machte in den 80ern Furore, anfangs mit zärtlichem Bezug
auf Hadjidakis („Το '62 Του Μάνου Χατζιδάκι“, 1983), mehr aber noch mit einem neuen
Synthiepop mit lakonischem Wavebeat, den sie, zeitgleich übrigens mit David Bowie,
in Berlin aufgesaugt hatte ("Maskes Ilíou", 1984, „Galop“,1985, „Lepidoptera“, 1986).
Damit wurde sie zur Pionierin einer eigenen Klangwelt, für die sie seit den Vinyl-Reissues ihrer Klassiker auf Dark Entries 2015 endlich auch international gefeiert wird.
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Aber „Kavafis - 13 Lieder“ (2011), gesungen von Yiannis Palamidas, der auch schon ihrem
Debut „Sabotage“ (1981, zusammen mit Savina Yannatou) und „The Breaking of the Ice“
(1989) mit seinem ‚anschwellenden Bocksgesang‘ den besonderen Kick gab, zeigt, dassdas éntechnoide Herz im Wellenfluss der 80er weiter schlägt, auch wenn die Lyrics vonMarianina Kriezi jetzt an der Beziehungsfront Stellung beziehen. Daran lässt derWechselgesang und der militante Beat bei 'Tha Synantithoúme Sto Saloún' zum Auftaktvon „Sabotage“ keinen Zweifel. Da in Yannatous Lerchensopran die Manier, wie man sie
heute bei Barry Guys „Blue Shroud“ kennt, erst noch ganz mädchenhaft schlummert, steht
sie zum theatralischen Crooning von Palamidas in kurios verschärftem Kontrast, wenn derbei 'Rantevoú Stin Óasi' und mehr noch beim Titelstück wie ein Italoprogger mit
Stentorstimme auftrumpft und bei 'Páme Mia Vólta Sto Soúper Márket' wie Ruby Rhod (in"Das 5. Element") schrillt. Franco Fabbri von Stormy Six hat übrigen als Musikologe
diesem Zusammenhang mit "Italian canzone d'autore and Greek entechno tragoudi: acomparative overview" nachgespürt. 'Ta Kinoúmena Skítsa' zeigt besonders scheckig das
kapriziöse Temperament von Platonos, mit dem sie die Liebenden zuletzt in einem
Himmelbett aus dem Supermarkt vereint, nicht in Missionars-, sondern in Pinguin-Stellung.
„Lepidoptera“
Platonos selber singt dann bei „Lepidoptera“ manchmal so, dass man es für naiven
Aschenputtel-Pop halten könnte, aber zugleich sprechsingt sie abgekühlt bis auf Liaisons
Dangereuses-Temperaturen in träumerischer Entfremdung, die etwas Schwereloses hat.
Knochentrockene Drummachine- und knöcherne Xylophonbeats, Keyboard, aber bei 'Leto'auch wuchtiges TschummTschumm zu fragilem Spinett, vor allem aber melancholisches
Synthiegewölk werden zu den Flügeln eines Falters, der durch feuchte Träume flattert, indenen Amor als Trottel dasteht und Chronos alt aussieht. 'Eros Pantoriana Pandora' wirkt
als flirtender Schlager mittendrin wie ein Ausflug in die Hitparade und mit dem melodischanimierten 'Brenthis' bleibt Platonos gleich dort. Bei 'Tick Tack oder Aurorina Selene'
ertönt die glockenhelle Stimme von Yannatou und bei 'Geburtstag oder Aporia Maturna'
singen sie zusammen von der Wiedergeburt auf einer Schiffspassage, Augen leuchten,
Zigaretten glimmen wie Sterne. 'Hesperia Iris Greca' feiert uptempo die kritische
Phantasie der modernen Frau, die mit Studium, Empfängnisverhütung, Arbeitslosigkeit
und Elektronik jongliert. 'Ein Kreis oder Erynnis Eroides' schließt den Kreis von diesem,
wie ich mir sagen lasse, wenn nicht sogar besten, so doch besonders persönlichen Albumder Platonos.
„Kavafis - 13 Tragoúdia“Auf „Europäische Mythen“ (1989/91) sang Dimitra Galani Platonos' Versionen von Songsvon Kurt Weill, Nino Rota, Manos Hadjidakis und den Beatles. 2000 legte sie auf „I Tríti
Pórta“ Maria Farandouri (und George Dalaras) Gedichte von Theodoros Poalas in den
Mund. Und noch bevor Néo Kýma-Altmeister Giannis Spanos mit „Plisiazontas ton Kavafi“den grandiosen Manolis Mitsias zum 150. Geburtstag von Konstantínos Kaváfis (18631933) 14 Gedichte des großen Liebenden aus Alexandria singen ließ, stellte sie sichzusammen mit Ioannis Palamidas auf ihre eigene Weise der Herausforderung. Spanos
besticht, etwas bescheidener als das Donner & Doria des "Kaváfis" à la Gustav Mahler,den George Dalaras und Alexandros Karozas mit dem Wiener Kammerorchester und derWiener Singakademie in Wien (2011) und München (2013) auf die Bühne wuchteten, mit
der Kunstfertigkeit von mit nur kleinem Orchester grandios aufgeschäumten Chansons,passioniert beflötetem Bossa Nova ('Weit weg') oder kosendem Jazzsaxophon ('Eine halbe
Stunde'). Mitsias hebt an mit Kaváfis' Schwur, ein anderes Leben zu beginnen ('Erschwört'), aber das sehnende Ich, das Gedächtnis der Haut, der von Schönheit gebannte
Blick, können doch nicht lassen von der geliebten Empfindung durch die begehrten Lippen
und Hände ('Komm zurück'). Bei Platonos zieht zuerst die subtil homo- , ja pädoerotischeÄsthetik das Auge an, bevor Palamidas flüsternd und raunend einsetzt mit ‚Der Gottverlässt Antonius‘, jenem Gedicht, das Leonard Cohen zu ‚Alexandra leaving‘ anregte. Umdann mit Synthiedrones, wummerndem Bass, Funeral Drums, Orgelhalteton oder Harfenloop und elektronischen Irritationen den für Kaváfis so typischen Moll-Ton anzuschlagenaus Nostalgie, Tristesse und Melancholie.
4Aber Palamidas lässt schnell auch hochdramatisch spüren, wie es schmerzt, wenn man
von Begierde und Entsagung zerrissen wird, einer Begierde, die viel zu früh in einem
Mausoleum eingesargt wurde ('Epithimies'), und wie weh es tut, wenn man selbergebunden ist und doch nichts und niemanden halten kann: "Ein Fenster ist nirgendwo zu
finden..." ('Die Fenster'). "Oh, als man die Mauern baute, warum gab ich bloß nicht
Acht..." ('Mauern') Wo Spanos und Mitsias lush und grandios klingen, wechseln Platonos
und Palamidas zwischen gedämpfter Beklemmung und erregtem Thrill, wie bei 'Warten
auf die Barbaren' mit seiner Vocoder- und Geisterstimme und der hackenden
Powerelektrogitarre oder 'Die Stadt' als Düsterdröhnrock mit hastigem perkussivem
Pulsieren und aller gesanglichen Emphase. "Die vergangenen Tage bleiben zurück /eine traurige Reihe erloschener Kerzen..." ('Kerzen'). "Du findest kein neues Land,findest keine anderen Meere..." ('Die Stadt') Denn selbst die Barbaren lassen einen im
Stich, sie kommen nicht, um alles umzustürzen, um die Mauern einzureißen und der'Monotonie' ein Ende zu bereiten. Das sind eigentlich keine Songs mehr, das sind kleine
Dreamscape-Dramen, wie sie nur Claudio Milano und Scott Walker vergleichbar
inszenieren. Wann war Kaváfis je gegenwärtiger als beim Doomdrumming und dem
Gitarrenexzess von 'Mauern' oder dem klackend lakonischen Beat und dem Pianouhrwerk des Finales, und wie Palamidas da an den "Erinnerungen und erotischen
Phantasien" festhält und 'Das Meer am Morgen' visioniert, "ein wolkenloser Himmel,
Hellblau; das goldene Ufer..."? Kurz, beide Alben sind auf je eigene Art ein Triumph desÉntechno Tragoudi.
„Eros Y Muerte“Mit der Homoerotik von Kaváfis sind wir mitten im Paradigmenwechsel unserer
Generation und am anderen Ende, wenn nicht der Geschichte (obwohl vielleicht auchder), so doch der antifaschistischen, antiimperialistischen, antikolonialistischen
Aufbruchs- und Kampfzeit, mit Brecht, Lorca, Neruda, Ritsos als den poetischengagierten Wortführern des Éntechno Tragoudi. Statt dessen wurde uns die
Atomisierung der Klassen und des sozialen Empfindens beschert, die repressive
Entsublimierung in der ‚Spaßgesellschaft‘, die ‚Neue Innerlichkeit‘ und die mitverinnerlichten Zwänge der ‚Kontrollgesellschaft‘, neben allerdings auch Frauenemanzipation und Gendersensibilität. Exemplarisch dafür sind das von ANGÉLIQUE
IONATOS (*1954) mit Odysseus Elytis realisierte Frauenlob bei seiner Hymne einer
modernen Elektra „Marie Des Brumes=Maria Nepheli“ (mit Spyros Sakkas, 1988), bei„Sappho De Mytilene“ (mit Nena Venetsanou, 1991) und bei „O Erotas“ (1992). Mit
zudem „O Hélios O Héliatoras“ (1983) und „Le Monogramme“ (1988) wurde Ionatos
geradezu zur Hauskomponistin des Nobelpreis-Poeten und seiner kykladischen
Cocktails aus Hölderlin, Rimbaud und Rilke. Aber „La Forêt Des Hommes“ (1981) enthält
mit ‚Er schwört‘ ebenfalls schon Kaváfis. Ihr ganzes Werk ist von femininer Empfindsamkeit geprägt, „Canta Frida Kahlo“ (2003) ist zutiefst davon durchfärbt. Selbst bei „Eros Y
Muerte“ (2007) mit Liebessonetten von Neruda und Versen von Kostis Palamas (18591943), dem Dichter der Olympischen Hymne, reimt sich Tod eben nicht auf Freiheit oder
Vaterland, sondern er tritt als Widersacher des Lebens und der Liebe auf. Schon einekurze Trennung ist ein Vorgeschmack darauf, denn ein Rauch wird kommen, und töten
mein verlorenes Herz. Ionatos stimmt das mit wunderbar reifer Altstimme an, zu dereigenen fragilen Gitarre, zu Bandoneon, Bratsche, Cello, Piano, mal mit Pizzikato und
Flöte animiert, öfters mit zartbitter angerautem spanischen Herzschmerz: "Amor mío, si
muero y tú no mueres, no demos al dolor más territorio...", taumelnd zwischen
Wiegenlied und Charons Nachen, tanzend zwischen Küssen und Vulkanen.
„Reste La Lumière“„Reste La Lumière“ (2015), Ionatos' melancholisches Statement zum dunklen Weg, auf
dem sich Griechenland befindet, lässt mit ‚Mes Soeurs Sorcières‘, ‚Perséphone‘ und‚Anges Feminins‘ keinen Zweifel, dass man seine Hoffnung besser auf weibliche
Schutzengel, Zauberinnen und Frauen setzt, die es gewohnt sind, durch die Hölle zu
gehen, als auf alte Gewohnheiten (‚Habitudes‘) und die Kapitäne des griechischen
Narrenschiffes (‚Le Bateau Fou‘).
5In die aus Cello, Kontrabass und Ebow quellende Schattenwelt lässt sie ihre Gitarre unddie von Katherina Fonitaki funkeln, zu Worten von wieder Elytis und Palamas, dazu auch
vom tragisch zerrissenen Selbstmörder Kostas Karyotakis (1896-1928), der in sich die
Zukunftslosigkeit erschoss und von dem Theodorakis zu seiner Oper „Die Metamorphosen des Dionysos“ inspiriert wurde. Ionatos' bei allem Moll keineswegs
wehleidiger Vortrag kostet die heroischen und tragischen Möglichkeiten ihrer
Muttersprache animiert und schwelgerisch aus. Und greift mit 'Anatolie', Palamas'
Hymne auf die Lieder von Smyrna und Istanbul, mit erinnerungsschwangeren
Orientalismen tief ins Gemüt von Europas Erstgeborenen. Mit dem verbannten Dimitris
Mortoyas (1934-75), den sie schon bei „I Palami Sou“ (1979) vertont hatte, dem nicht
mundtot zu kriegenden Giannis Ritsos (1909-1990) und dem 1952 geborenen Dyonissis
Kapsalis als Stimme ihrer (meiner) Generation klingt sie dabei so schmerzlich und bitterwie selten. Weil, ihrem Empfinden nach, in Griechenland die Liebe zur Freiheit zu
gefrieren droht, wenn die Mittelschicht weiter ins Faschistoide tendiert. Allerdings war
gleich „Résurrection“, ihr Debut von 1972, ein Schrei der Empörung der damals erst 18jährigen gewesen, die dem Fado von Misia schwesterlich verbunden ist und zu
Giovanna Marini und Leo Ferré als Vorbildern aufschaut. Sie wird nicht müde, denheroischen Humanismus und die „kämpferische Unschuld“ der Poesie von Elytis und
Ritsos als Kat-echon, als Aufhalter, der wachsenden Dunkelheit entgegen zu stellen. Als„A flash between two darknesses“, wie es bei Kapsalis heißt. Selbst nackt unter Wölfen,
belagert von tödlicher Nacht, gilt es weiter, kämpferisch Courage zu zeigen. In der
Hoffnung, dass die Griechen ihre Dichter noch als „Wahrsager, als Rhapsoden,
Geschichtsschreiber, Seelenärzte, Revolutionäre oder Bewahrer“ (Katerina AnghelakiRooke) zu schätzen wissen. Jetzt brauchen sie Augen und Worte für ein Land, so tief
gesunken, dass es sich prostituiert und seine goldnen Vliese verschleudert. Dennoch:"Liebt Eure Nächsten / Mensch, Unmensch, Mann von Welt, Krimineller / Die Ungebetenen, die Betretenen, die Schausteller / Die Braunen und die Tribunen. // Liebt das
Kuddelmuddel, / Die den Tod umarmen, die arm an Glauben, die Brüder, die warmen, /Die schmuddligen Maîtres d'hôtel / Und die Evzonen gereiht parallel. // Liebt die AtridenHorde und die Völkermorde / Die menschliche Spezies auf dem Marsch / Sie bringt den
Tod und ist selbst schon im Arsch." (D. Mortoyas)„O Samanos“
THANASIS PAPAKONSTANTINOU (*1959) singt meist, aber nicht ausschließlich, eigene
Lieder, gern gemischt mit weiteren Stimmen, wie der von Sokratis Malamas, Melina
Kana oder Kanas Schwester Lizeta Kalimeri. Aber bemerkenswerter als sein olivendunkles Timbre ist die Art, wie er seine Folklore imaginaire bis zu 8- oder gar 10stimmig arrangiert und mit Spurenelementen von Chanson, Rock oder Triphop, vonOrient oder Balkan anreichert. War „Agia Nostalgia“ [Sankt Nostalgia] (1993) nochmeist etwas wehmütig beschwingte Dimotiki und Laïki Mousiki, mit Giórgos Michaíl, derzwei Gedichte von ʿOmar Chayyām anstimmt, mit Bouzouki, Laute, Oud, Baglama,
Kaval, Geige oder Akkordeon, verblüffen nämlich bei „Vrachnos Profitis“ [Heiserer
Prophet] (2000), neben Giannis Aggelakas und seiner dunklen Stimme, dann auch
Kazoo, der Wechselgesang weiterer Männerstimmen, Cello, Duduk, Dudelsack, Kontra& E-Bass, akustische &, bei 'Pechlivánis' und 'Oi Griés', eine krachige E-Gitarre. Ichvermute, dass er dafür bei Dionysis Savvopoulos gut zugehört hat, der sich bei „O
Samanos“ [Der Schamane] (2008) dann auch die Ehre gibt. Mit seiner Reibeisenstimme,
um die sich ein kleiner Chor schart, und zu Whistling, Handclapping und Bläsern prägt
er die Musik mit seiner volkstümlichen Eindringlichkeit. Gipfelnd im althergebracht
getanzten, leicht barocken 'Zeïpékiko Tis Kyriakís', dem Zusammenklang von Zurna und
Lyra bei 'Orycheía' und in 'Ramon' (alias Che Guevara), wo er den rockig rauen
Cantautore macht. Papakonstantinou kontert mit 'San Astrapí' [Wie eine Feder] zu Oud
und Tabla. Dann macht sich Savvopoulos auch noch seinen Tearjerker 'Sara' zu eigen(wie 'Orycheía' von „I vrochi apo kato“), 'Attinse' bietet er im Nonett mit Cello,
Akkordeon, Schmusebläsern und wieder lauthalsem Chor, bevor er mit 'Óla Ta Proiná'
nur zu klassischer Gitarre, Akkordeon und Lyra volksliedlyrisch schließt.
6Fortino Sámano (Foto: Augustin Victor Casasola)„I vrochi apo kato“„Agrýpnia“ [Insomnia] (2002), mit Sokratis Malamas,
und das grandiose, wie von Leonard Cohen orakelte,
stark von Kostas Theodorou (von Savina Yannatous
Primavera en Salonico) mitgeprägte „I vrochi apo kato“[Der Regen von unten] (2006) brachten zuvor schon
Trompete oder Posaune in Papakonstantinous Spiel,dazu Piano, Moog, Hammond, Rhodes, Farfisa, Loops,
Sampler und sogar DJ-Scratches. Aber 'Sara' kommt
ganz schlicht nur mit Piano, Gitarre, Kontrabass, gefolgt
allerdings von den eigenartigen Stringschraffuren und
dem Pizzikato des Titelstücks und dem ebenso seltsamen, von Stimmen umgeisterten Streicherloop von'To Óneiro Tis Skiás'. Neben 'O Skýlos Ton Ástron' als
mit Popenbass angesungener Hommage an den
raunenden Dichter Nikos Karouzos (1926-1990), dem
beklemmenden Lorca-Song 'Áÿpni Póli' und dem
vogelig geschrammelten 'Mou 'klases T' Archídia Kýrie
Moírarche' ist 'Ta Molývia' ein sensationelles Etwas mit
erst E-Gitarre, dann Sprechgesang zu Theremin undMundharmonika, der vom nächtlichen Treiben gelber
Zimmermannsbleistifte raunt. Martha Frintzila singt das
Volkslied 'O Tselnikas', Satie macht Urlaub in Himara.
Der große Klangfächer rüttelt auch bei „Diáfanos“[Transparent] (2006), „O elachistos eautos“ [Das Mindestselbst] (2011), „Manganeíes“ [Zauberei] (2012) und„Prosklisi Se Deipno Kyaniou“ [Einladung zum Zyanidabendessen] (2014) an den Schubladen mit jazzigem
Anhauch und wieder zartbitterer Singer-Songwriterintimität, aber eben auch unerwarteten Vorstößen in
Dub und Electronica und mischt das 19. Jhdt. mit dem
21. auf, wie vielleicht doch nur ein Post-ÉntechnoSelbstverständnis es kann. 'Rua Da Bella Vista' (2002)
mit seinem Sprechgesang von Fernando Pessoa als
Träumer im Nachtschatten von Lissabon ist als Drehwurm mit bizarren Einschlüssen ein Glanzstück, 'Droméas' (ebenfalls von „Agrýpnia“) könnte aus John
Zorns Book of Angels sein. 'Amor Fati', von Melina Kanagesungen, verströmt aber auch 2014 wieder die alte
Wehmut der Smyrna- und Pontos-Vertriebenen und den
Eleni-Schmerz, der unter der Ochi-Stimmung derGriechen schwelt. Für Papakonstantinous poetische
Sprache zeugen Zeilen wie „Schlaflosigkeit, ungreifbares Tier! / Ohne einen Funken Mitgefühl / reichst Du
denen, die nach Chimären dürsten / deinen immer nur
leeren Becher // Schlaflosigkeit, Ausgeburt der Hölle /dein Kuss ist ein Feuer / und schmeckt nach Eisen / wie
von abgewrackten Schiffen“ ('Agrýpnia') Glückliche
Griechen, die den Refrain von 'San pedi' mitsingenkönnen: „Mond, gib mir Deine andere Seite / Der Atem
ist wie eine Säge / er zerteilt die Zeit und zerstreut / indie makellose Stille / das Feuer und den Schnee //Antike Welle, antike Erwartung / Der Atem ist wie eine
Säge...“ (auf „O elachistos eautos“)7„O elachistos eautos“
Und wenn einer fragt, wo der Mann aus Thessalien steht, dann gibt er
mit 'Erotisi criseos' (ebenfalls auf „O elachistos eautos“) eine
Antwort: „I asked my dog Reva if he feels / Greek, native, orsomething relevant / He yawned and went back to sleep / and hisbreathing was as beautiful waves on the shore / Eo! Fuck fascism // I
turn to the wild pomegranate tree showered in light / and ask her thesame, If she feels Greek / "I've been passed the torch for life and thetorch for death" / the red bud on her twig responded to me / Eo!
rotten fascism.“ Und dreht dazu mit frech krähender Trompete eineNase. Wenn er bei 'Diáfanos' mit Zeilen wie „Leaning on the bow,
there is a transparent man / He's counting the bones, he remains
speechless, / he eats stone as if it were bread“ César Vallejo (18921938), den peruanischen Dichter und Genossen von Neruda als
Bruder feiert, schließt das nämlich nicht aus, dass er zugleich Fliegenmitsamt deren Herrn mit einem angeschickerten und gepfiffenen
Walzer einbalsamiert ('Oi Mýges Valsamónontai Me Vals'). Es ist
diese Mischung aus einem Pathos, das 'Fortino Samano', einen
Mitstreiter von Zapata, der vor dem Erschießungskommando seine
letzte Zigarette raucht, zum Taufpaten von „O Samanos“ macht, ausPoesie, die den Gedanken von Sámano als starkem Schamanen,
denen des Schützen und selbst denen der Zigarette nachspürt, diesich schon zwischen den Lippen eines nachwachsenden Rebellen
und nächsten Todeskandidaten visioniert, und aus einer Musik, die
die Beschwernis immer wieder abschüttelt und von Lateinamerika
und dem Balkan nichts als eine enorme Flügelspannweite und Beschwingtheit mitnimmt, die mich fasziniert und berührt.
Ich will nicht enden, ohne an meine Mütze zu tippen für einen Song,der Papakonstantinous Poesie in der Nussschale fasst. Er heißt 'Der
Zwieback' [Ta paximádia], ist auf „Diáfanos“ und geht so:„Fährmann des Acheron / du wurdest ausgesucht / wegen dem Blei indeinem Herzen / den Fledermäusen in deinen Augen / und weil duverneinst gegenüber jedem, der / nach Verwandten fragt, sie
gesehen zu haben // Auch ich kam eines Morgens / als das Gras
bedeckt war mit Reif / nicht um ins Boot zu steigen / nicht um zu
fragen / nur um am Ufer zu stehn / und zu dir zu singen // Die Ameise
trägt eine Brille / und Steine haben Bärte / und du armes Ding, duhast / völlig verrottete Ruder / dass, wenn du sie ins Wasser tauchst /sie zerweichen wie Zwieback.“
So cool Charon entgegenzutreten, das wär's.

8

over pop under rock
ConradSound (Oslo)
Ist Noise der Moby Dick im Ocean of Sound? NOISE,
mächtig großer Noise, vom leviathanischen Schädel bis
zum Boote zerschmetternden Schwanz? SULT, dassind Håvard Skaset, Jacob Felix Heule, Guro Skumsnes
Moe, das sind Gitarre, Percussion, Kontrabass, das ist
Krach, Krach und Krach. An sich schon. Aber hier bei
Harpoon (ConradSound / Pica Disk, PICA 040, LP)zerschrotet in LASSE MARHAUGs Moskenstraumen,
zerschreddert in einer Knochenmühle. Die Ingredienzen zwar noch erkenntlich, als dunkles Rumoren,auch einmal einem monotonen Pochen wohl der Bass,als beständiges Scharren, metallisches Schrillen,
kakophones Knattern und schrottiges Beben lässt sich
Heules Klaue deuten, seine Krallen. Aber Skaset?
Steckt er hinter dem motorischen Tuckern, dem
Feedback, dem rauen Schrubbeln, dem Tremor, dem...? Das gequälte Blech heult wie eine
Mundharmonika, die das Lied vom Tod stöhnt, kirrt wie ein abgestochenes Schwein.
Steckt die Harpune im Wal, steckt Ahab in der Harpune, steckt Marhaug in allem? Mit seinem Mehr als die Summe der Teile. Mehr Noise, mehr Meer. Reißend und zerrend,verzerrend, bebend, störend, verstörend? Aber auch ein Stechen, ein Leuchten, Eisengesang, Elektronendelirium. Seit zwanzig Jahren holt er sich alles Mögliche in seine
Jazz-/Folterkammer, und frankensteint mit rum an the Shape of Jazz to Come. Mit
Merzbowspirit bei Nash Kontroll oder Slugfield, per Du mit den Bad Boys of NowJazz, Dror
Feiler, Frode Gjerstad, Gustafsson, Vandermark, Nilssen-Love, und auch Girls wie
Okkyung Lee oder Moe. NowJazz? Jazz Brut. Jazz Brutal. No Jazz at all. Verstoßen,
gestoßen als nicht enden wollender Kladderadatsch über die Rutsche, über die die Kohlen
des Höllenfeuers geschippt werden.
Apropos Treppe und apropos Moe. Eine Treppe führte bei "Oslo Janus" (CNRD315, 2013)
in die Abgründe von MoE, ihrem anderen Trio mit zwar auch Håvard Skaset, aber Joakim
Heibe (von Ich Bin Nintendo) an den Drums. Beim zweiten Oslo Janus (CNRD313, 2014)
entging mir prompt der Witz des Ganzen. Zumal die fünf Titel die gleichen sind. Aber es ist
ein anderes Konzert und aus der Treppe ist Gestrüpp geworden, ein Monster aus Zweigen
und Tentakeln. Die Musik ist nicht weniger struppig, Hardcore mit Schrei- und Heulgesang
von Moe und krassen Exzessen von Skaset, der eine der kakophonsten, schärfsten
Gitarren weit und breit fetzt. Heibe knattert dazu gnadenlose Salven, und kämpferisches
Stakkato ist eine der starken Mittel des Trios, ihre Argumente an Mann und Frau zu
bringen. So geben sie wieder der Briefstaube die Sporen ('Ride Another Dove') und
schwingen ihre Fackel ('Fighting Light'), mit knurrigen Riffs, ostinater, monotoner,
nachdrücklicher Sturheit und brandrednerischen Parolen von Moe. Das nenne ich Furor,
zähneknirschend und konfrontativ. 'David Yow' ist eine Hommage an den Bass- undFrontmann von The Jesus Lizard, Buddy von Steve Albini und Mike Patton, der seine
Spuren auch bei Cop Shoot Cop, Shellac, The Melvins, Helmet und Pigface hinterließ.
Damit hat man auch jede Menge Stichworte für den Post-Hardcore von MoE und die Verveder Namensgeberin, die sich bei 'Where's the DJ?' heiser schreit. 'I,I,I' würde als
Abgesang auf die Generation Ich taugen, so finster wie der Bass da schnarrt und nicht
vom Fleck will. Skaset surrt dazu ebenfalls im Bassregister, und Moe geht einem an die
Gurgel, an die Nieren. Da muss man nicht jedes Wort verstehen, worauf sie hinaus will, ist
klar: Verzweifle. Oder revoltiere!
9Fading Records (Milano)

Eigentlich wollte und sollte ich die Finger lassen vom Fading-Prog. Aber
Alessandro Zara, der Crooner bei IL RUMORE BIANCO, einer vom
Tastenmann Thomas Pessina, Alessandro Danzi am Bass und Michele
Zanotti an Gitarre & Tenorsax initiierten Formation, gibt mir die passende
Gelegenheit, auf dem Unterschied zu beharren zwischen dem von mir
favorisierten griechischen Stil und dem 'römischen'. Die hier kommen genau
genommen aus Verona und sind erst mit Drummer und einem weiteren
Gitarristen komplett. Getauft nach dem Weißen Rauschen (oder dem Roman
von Don DeLillo) zeigen sie sich auf Antropocene (FAD 026) mit dem voneiner Kugel besiegelten Spruch von JF Kennedy, "that with your help man
will be what he was born to be, free and independent”, gleich bei 'Al
crepuscolo dell'anima' explizit engagiert. 'Mediocrazia', das in höchsten
Tönen den Stab bricht über die herrschenden Zustände (das Video dazu
lässt da nichts aus), die Rede vom Humankapital und wie Zara von bleichen
Tempeln, von Richtern und von Lügnern singt, vertiefen die Kerbe. Zu
wuchtigen Neoprog-Gitarren zerkaut er wie ein Stratos oder Milano im
Pappbilderbuchformat die italienischen Lyrics. Dazu nimmt sich die Band
Zeit für gedämpftes Dräuen mit fragilem Saitenklang und Keydrones. Umdann doch deklamatorisch aufzubegehren und krachig aufzuschäumen. Zara
trifft perfekt den eindringlichen, theatralischen Duktus, der für Italoprog
typisch ist. Rockröhre mit Wolfsmilch im Blut, Haaren auf den Zähnen,
wolliger Brust, während griechischer Bocksgesang Marmorkehlen zu
entspringen scheint und der Volksbühne, nicht der großen Oper, mehr
wehmutsvolles Sprachrohr als dramatisches Ego. 'Il capitale umano' wird
von jazzigem Arpeggio und ostinatem Saxophon ins Luftige geschoben, derGesang bleibt auch in hoher Lage intensiv, schwer wallende Riffs sorgen
aber für Nachdruck. 'Tempio Pallido' übergießt den Keys- und Synthiesoundmit Le Orme-Soße, 'Tephlon (Club)' prog-jazzt mit Fäden ziehendem Sax,
schillerndem Mellotron und Orgel, aber ohne Worte. Umso gefühliger lässt
Zara bei 'Il Giudice e il Bugiardo' einen zu seufzendem Saxophon undstöhnender Gitarre den Schmerz unter dem zuschlagenden Unrechtshammer spüren. Das Titelstück beginnt er elegisch nur zu Piano, bis sich dieBand nochmal crimsonesk hochschraubt, hackendes Riffing eine alfierynersche Tirade auslöst und auf dem Pathosgipfel die Fahnen flattern, vonOrgel und Synthie weiß berauscht.
10RareNoiseRecords (London)
Hummer sind rasanter als gedacht. Jedenfalls lässt einen 'Lobster Terror' vor
ihren Scheren die Beine auf den Buckel nehmen. Das Gewusel bildet den
Auftakt zu Umbrella Weather (RNR071). LED BIB besticht da wieder mit der
Rasanz von Mark Holubs Drumming und Liran Donins Bass, Pete Grogan und
Chris Williams zwicken einen mit ihren Altosaxophonen, Toby McLaren huscht
derart, dass man stellenweise eher an Scratching denkt als an Keyboards.
'Ceasefire' ist danach eine feierliche Angelegenheit, die hymnisch der Lobsterei
Einhalt gebietet, damit zu Holubs straightem Drive und summenden Keys die
Saxophone lauthals zu Jubel und Trubel anstiften können. Ein Dutzend Mal
schütten die Briten ihr Füllhorn aus, mit Wechselgesängen, die sich mit
getrillerten und gesprudelten Kapriolen überbieten, zu einem Groove, der aber
Luft lässt auch für schillernde Introspektionen von Bass und Keys und sich Zeit
nimmt, den Blick bellevuemäßig schweifen zu lassen über all das Roundaboutoder die 'Fields Of Forgetfulness'. McLaren fasziniert statt als Klimperheini als
Wind und mit orgeligen Schwaden, zu denen da eine vergessene Geisterarmeeübers Feld wallt. 'Women's Power' lässt mich Cocks fehllesen bei 'Too Many
Cooks', das mit furiosem Gebläse und Sägezahngeorgel angedickt ist, während
die Frauen selber mit afrokaribischem Schwung die Hüften kreisen lassen, zu
treibendem Bläserstakkato und Orgelei, die zuletzt träumerisch verklingt.
'Insect Invasion' bringt zwischen dem An- und Abmarsch staksender
Riesenglieder wirbelnden Mottenschmus zu pumpendem Bass. 'At The
Shopping Centre' lässt allerdings durchblicken: Die Motten, das sind wir, denen
es konsumgeil in den Fingern juckt beim Kaufrausch im schillerndenÜberangebot. 'The Boot' und 'Marching Order' kommen dann nochmal gestiefelt
daher, WorldServiceProject-militant und vital, mit vereinten Fanfaren, die Orgelin bebender Camouflage, der Bass als fünfte Kolonne. 'Goodbye' bittet zuletzt
zum Kehraustanz, um, schwofend zwischen Wehmut und Euphorie, nochmal
Alles zu geben.
Nach "Jü meets Møster" mit Kjetil Møster allein bringt REFLECTIONS INCOSMO (RNR073) NorJazz-Power in geballter Synergie zu RareNoise. Møsters
Saxophone, Hans Magnus Ryans Gitarre, Ståle Storløkkens Keyboards undThomas Stronens Drums, mehr Supergroup geht kaum als der so gekreuzte undgebündelte Brainfuck von Møster!, Ultralyd, Motorpsycho, Supersilent, Box,
Elephant9, Humcrush, Food, The Living Room und dem Mats Eilertsen Trio.
Wenn Møster Jazz-Rock lieber umdreht in Rock-Jazz hat er meine volle
Zustimmung, wenn er Last Exit als Primus inter pares im Hinterkopf eingesteht,
verrät er kein großes Geheimnis. Anstoßgebend für das Projekt waren
allerdings die Humcrusher Storløkken & Strønen für etwas, das sich mit'Cosmosis', 'Ironhorse' und 'Fuzzstew' selber schon die besten Etiketten
verpasst. Wobei Møster für markante Nuancen sorgt mit Bariton- (bei Ersteremals schwergewichtigem Auftakt), Soprano- (bei 'Ironhorse' als Psychedelic Dub
mit Drehwurmdreh) oder Tenorsax (bei 'Cosmic Hymn' als bebendem Drive mit
hochoktanem Orgelsaft im Tank). Die Verdichtung im Low-Fidelity-Bereich ist
offenbar ebenso gewollt wie ein verzerrter, gepresster Orgelsound undbestimmte Gitarreneffekte, etwa das zittrige helle Vibrato beim schnellen'Balklava' (sic!). 'Perpetuum Immobile' will erst nicht vom nebulösen Fleck, gibt
dann aber auf der Brummispur Gas mit Bariton, stürmischer Gitarre undheulender Orgel. 'Fuzzstew' fetzt sogar noch bohrender, pushender mit dem
Bariton im Zu-/The Thing-Format, und ist doch nicht die Ultima ratio. Zu dergreifen Møster mit kirrender und coltranesker Tenorhymnik und Storløkken mit
Breitbandorgelpracht, um alle Segel zu setzen für den kosmischen Endspurt.
11Bei der Kür zum größten Prog-Crooner vor dem Herrn,
könnte Lorenzo Espostito Fornasari aka Lef einenziemlich großen Hut in den Ring werfen. RareNoise ist
zwar nicht die ganz große Bühne, aber doch ganz seine mit Berserk!, in Obake zusammen mit Eraldo Bernocchi,
Balazs Pandi & Massimo Pupillo (abgelöst durch Colin
Edwin & Jacopo Pierazzuoli), bei Owl mit Bernocchi &Tony Wakeford. Und in O.R.K. mit wieder Colin Edwin(von Porcupine Tree, Metallic Taste Of Blood) an Fretted& Fretless Bass, Pat Mastelotto (King Crimson, Naked
Truth) an den Drums und Carmelo Pipitone (der, aus
Marsala stammend, in Bologna mit Marta sui Tubi zu
Indieprominenz kam) an Gitarren, wie Mastelotto elektrisch & akustisch. Nachdem sie bei "Inflamed Rides"
noch einen Rummelplatz in Brand gesteckt hatten, um die
Funny Games und den Idiot Waltz einer höllischen Amour
fou darin einzuäschern, bringt Soul of an Octopus(RNR075) weitere Schauergeschichten einer gequälten
Seele. Anders als Francesco Di Giacomo von Banco delMutuo Soccorso ist Lef nicht bloß ein Schlagersänger mit
manieristischem Vibrato, er schmachtet wie Lino Vairettivon Osanna oder Aldo Tagliapietra von Le Orme, zieht
Fäden so pathetisch wie Marco Cecioni von Il Balletto di
Bronzo und so dramatisch wie Stefano Galifi von Museo
Rosenbach. Und überträgt diese italotypischen Qualitäten mit beeindruckender Wandlungsfähigkeit ins Englische. Zudem prägt er mit Keys & Electronics die
zwischen metallhaltigen Stakkatos, fuzzigem Grunge undpostrockiger Indirektheit ebenso wandlungsfähige Musik
mit Edwins hummeligem Bass, einer auch schnurrenden
oder kreissägenscharf aufrauschenden Gitarre und insbesondere Mastelottos Cyberrhythmik. 'Collapsing
Hopes' mit seiner Spannweite von einer eigenartigen
Klampfe zu furiosem Hirnfraß ist da mein Anspieltipp. Für'Searching For The Code' macht sich Lef so geschmeidig
wie Adrian Belew, für 'Dirty Rain' anfangs zu einem
jungen Leonard Cohen. Aber die Songs legen gern einen
anderen Gang ein, und der Gesang wandelt sich dabei
chamäleonartig und tatsächlich auch ein wenig bowiesk
mit. Lef singt mehrstimmig im sauren Regen, flüstert zu
Pipitones transparenter Akustik und steigert sich zu
massiv beorgelter Exaltation. 'Heaven Proof House' hebt
streicherromantisch an, Lef erhöht raunend sein Vibrato
zu geisterhaftem Thereminsound und hadert mit dem
himmelsdichten Deckel über uns. An schlechten Tagenund Schattenseiten ist in unseren Niederungen kein
Mangel. Lef spielt zum Gitarrenturbo den Motivator, das
Gespaltene und Zerrissene steht ihm aber besser.
'Capture or Reveal' lässt einen nylonstring- und flötenzart
die Englein singen hören und versucht einen dabei
lichtwärts zu orientieren. Ein Anfang ist aber immer auchein Ende. 'Till the Sunrise Comes' gibt dem melancholisch Ausdruck mit Cello und Klampfe und dagegenforciert aufbegehrendem Gesang inklusive WölfchenUuuUuh.

O.R.K.'s voice Lef

12

... over pop under rock ...
B/B/S/ Palace (Miasmah, MIALP 033, 2 x LP): Nach “Coltre / Manto” (Midira, 2014) und“NK012” (Umor Rex, 2015) kehren B/B/S/ wieder zu Miasmah zurück, dem Label von Erik
Skodvin, wo 2013 schon das Debut „Brick Mask“ erschienen war – wie (nur zur Orientierung)auch fast alles von Kreng und mit „Commencing“ eine 5 LP-Box von Volcano The Bear.
Sowohl die Vorlieben von Skodvin, dem norwegischen S in diesem ‘Berliner’ Trio, als auch
Aidan Baker & Andrea Belfi, das kanadische und das italienische B, deuten an, dass wir es
mit einer ästhetischen Interzone zu tun haben, die einerseits mit Dark Ambient in
Verbindung steht, durch Skodvin und sein Alter Ego Svarte Greiner, zugleich mit Drone,
wofür insbesondere Baker steht, solo und mit Nadja, während Belfi gleich in gar keine
Schublade passt, wenn er mit Machinefabriek, Ignaz Schick oder David Grubbs spielt, mit
Hobocombo Moondog und in The Swifter (mit BJ Nilsen & Simon James Phillips) oder Il
Sogno Del Marinaio (mit Mike Watt & Stefano Pilia) Post-Jazz/Rock. Alle drei haben sie einefreie Ader, wenn auch nicht im üblichen Improv-Rahmen. Von Belfis Drums, Percussion,
Electronics + Bakers Guitar, Bass, Flute, Voice + Skodvins Guitar, Violin, Piano sollte man
daher weder impulsives Pollocking noch reduktives Knispel erwarten. Ihr Duktus ist
fließend, atmend, eine unaufgeregte Abfolge von Dröhnwellen, akzentuiert mit feinen
perkussiven Mustern. ‚Butcher Note‘ webt ein Zwielicht aus gestrichenem Metallklang und
gegongtem Donnerblech, aus Feedback und sprödem Geigenpizzikato. Wer sie mal live hat
spielen sehen (wie wir im W71), ist da im Vorteil, weil eingeweiht in die, ich kann es nicht
besser sagen, atmenden und webenden Striche und Loops. Skodvin tremoliert mit dem
Bogen, Baker spinnt lange Haltetöne oder lässt Gitarrenwellen quellen. Mit ‚Navel Oil‘ gibt
sich das ironisch als Nabelschau zu erkennen, ohne deswegen dem hesychastischen
Sehnen nach innerer Einkehr und nach Lichtvisionen zu spotten. Im Gegenteil.
Zeitvergessene Repetition und Seelenruhe bilden die Hauptsache, auch wenn ‚LA Mom‘ anallem bisher Gehörten und Gesagten rüttelt mit aufheulender Gitarre, knatterndem
Drumming und eisern blinkender Insistenz. Dazu kann man dann durchaus seinen
Gedankenpalast mit „Die Brüder Karamasow“ und „Franny und Zooey“ bestücken und in
einer anderen Ecke über das Schicksal von Pawel Florenski (1882-1937) kotzen.
IT'S EVERYONE ELSE Heaven Is An Empty Room (Noise Appeal, noise48, LP): Pika Golob &Lucijan Prelog würden zwar auch gut auf Vox Project passen (so wie The Canyon Observer),aber Wien liegt für sie doch etwas näher als St. Etienne. Unter dem Tag 'Slovenia' sprudelt
neben Siddhartas glattem Infra/Ultra-Rock, Noctiferia, die Laibach als toten Walfischausschlachten, oder Silence, die mit Laibach-Spirit Volk und Welt untergehen ließen, schon
auch noch Nichtkanalisiertes: die PharmaFabrikation, der hippe Lo-Fi-Wild-Style von ŽigaMurko, der gekrähte Postpunk von Ludovik Material, die deklamatorische oder zarte
Politpoesie von Natriletno kolobarjenje s praho, Salonski, die Blas- & Akkordeonmusik
jenseits von Eden spielen, Wanda & Nova deViator mit ihrer Kamizdat-IDM oder Nina
Dragičević mit ihrer feministisch-phantastischen Sound Art aus dem Salon of Progressive
Perspectives. Unser Duo gehört zur engagierten Fraktion, mit knattertem Maschinenbeat,
Synthies als Schweißbrennergitarren und von Golob geschrienen Zeilen wie: the 6th sense /the 4th wave / the 7th hour / the 5th wheel / just stay in and inseminate / the 1st world, a
good girl // the 8th day / the 3rd eye / the 2nd skin / the 1st lie / just stay in and celebrate your
9 lives. Mit Verve, Zorn, auch Selbstverachtung. Denn selbstkritisch wird das eigene Ich, daseigene Tun in Frage gestellt: deep-throat girls just want to cleanse your soul / just want toshine your bones / just want to take control / but you just... Punk? Metal? Punk Metal, vomvergeblichen Hass angefressen, schwelgend in einem exterminatorischen "12 Monkeys"Szenario. Was der Hammer nicht kann, das schaffen die Parasiten. Mit der radikalen "Pull itout'-Litanei von 'Caterpillar dream' überbieten sich Prelog und Golob mit Matthäus 18:9,
sarkastischer noch als Harry Heines "Ärgert dich dein Auge..." 'Sleep is so cruel' sehnt sichnach Entropie. Aus dem Rahmen fällt 'Lone', als trister Sprechgesang nur zu gerührtem
Trommelchen. Doch mit 'Fourth wave' wird noch einmal ein Ende der Geduld beschrien, dasden Opferstatus und die Sprachlosigkeit mit negiert, als entschlossener Schlussstrich: i've
been patient but this is the end.
13

LE TON MITÉ Passé Composé Futur Conditionnel (Crammed Discs, MTM43): Um diesen
unwahrscheinlichen Amerikaner in Brüssel anzupeilen, hilft vielleicht eine Stereoskopie aus R.
Stevie Moore und Aquaserge. McCloud Zicmuse,der, was Haare angegeht, den Kopf verkehrtrum
trägt, erfüllt alle Kriterien eines Besonderlings,
dem, seit er 2008 in Belgien angekommen ist,Anne Brugni ihren naivpoppigen Anstrich gibt
(diesmal mit großem Faltposter). Dazu kommt
die japanophile Kameradschaft mit Maher Shalal
Hash Baz und die belgische mit Arlt und
Hoquets, deren "Belgotronics" (2011) ihm den
heißen Draht zu Marc Hollander bescherten.
Nach der wolkenkuckuckigen "Kumokokudo EP"(Sweet Dreams Press) im Juli '16 gab es in
Crammed Discs' Kult-Reihe Made To Measure im
Oktober '16 dann schon die 7" EP "Mystery Trail To Space Needle" (MTM 43.2) als
Vorgeschmack auf das nun mit Hilfe von Marc Melià (Lonely Drifter Karen), Bertrand
Duchemin (Chicaloyoh), John Dieterich (Deerhoof) und Heather Trost (A Hawk and A
Hacksaw) gesponnene Garn, das Zicmuse selber mit Guitar, Bass, Alto Clarinet,
Bassoon, Alto Recorder, Tin Flute, Harpsichord, Synthesizer & Percussion sowie mit
dem selbstgebauten Iaeniaen und nicht zuletzt seinem Gesang herbstbunt färbt. Es ist
das nämlich, nicht unähnlich zu "Tickets To Real Imaginary Places" (2006), ein
gesungenes Tagebuch in 50 Notizen oder Gedankensplittern von einem Rundtrip in den
Staaten. In 'Space Needle' besingt er Seattle, in 'Mystery Trail' irrt er im Gewitter umrote Mesas. Das erinnert an Howe Gelb, wie überhaupt seit Langem wieder einmal das
Amerikanische das Französische überwiegt. Unverändert ist jedoch die postkartenhafte
Kürze der 'Songs' und auch der Instrumentals, denn Zicmuse sagt oft in weniger als 1,
selten in mehr als 2 Minuten, was zu sagen ist, da meist 1 - 2 Sätze ihm genügen. Dassoulige 'Class War' etwa geht so: "Forgot to tell you there's a war goin' on, i've seen itwith my own eyes, in the north, in the south, in the east & the west, class war." Selten ist
aber der Stil so klar zu benennen, weil sich Anklänge an weirden Folkrock mischen mit
solchen an schrägem, jedoch üppig arrangiertem Pop. Zwei Saxophone prägen den
Sound mit, ohne dass es nennenswert jazzig klänge, von den 11 freejazzigen Sekundenvon 'Gaspillage' und der Frage 'Did Pharoah Sanders ever come back?' abgesehen.
"Wave my freak flag high" nennt Zicmuse das selbstironisch und mit Pink Floyd-Umhang,
und er meint damit sicher nicht nur die komischen Keyboards oder das Fagott oder dasträumerische 'Donne moi une heure dans unlac'. Meine lyrischen Favoriten sind "Taa-lluulaah, Tallulah" ('A Dog') und "Le phare pas loin
des lions de mer, sa falaise et le désert d'eau,
les vagues en bas de la forêt dense, les vagues,les arbres, les rochers, la mer" ('Haceta Head').
Das ohne Worte dröhnende 'There was a Domeof Awesome but now it's gone' sprengt mit
seinen 4 Minuten nahezu die Dimensionen dermottenzerfressenen Bescheidenheit, bevor die
Bläser mit dicken Backen die Nostalgie-Fallen
der Vergangenheit hinter sich lassen. Ich weiß,manche denken, dass einer, der sich derart mit
Pop bekleckert, längst mitten in der Falle steckt.
Aber was wären wir für Freaks, wenn wir nicht
auch mit diesem Feuer spielen würden?

14

LA TOURETTE The Great Mickey Mouse
Swindle (Solaris Empire): Auf poppigem
Nebengeleis und in entsprechender euroberliner Gesellschaft mit Kitty Solaris,
Sofia Härdig, Bernhard Eder, Mist, MyKungFu, Pari Pari und Sorry Gilberto,melancholironischen Gefühlshaushaltshilfen mit Travestie- und Fundbürosongs
für die vage Befindlichkeit der Generation @, treffen wir Rudi Fischerlehnerals Begleiter von Tonia Reeh. Mit seinem
flexiblen Drumming gibt er dem pianistisch-pathetischen, laura-nyroesken
Preaching der einstigen MonotekktoniSängerin, wie es bei ihren One-WomenShows "Boykiller" und "Fight of the
Stupid" an der Herzensträgheit rüttelt
und den Höllenhund Gassi führte, einen
elliptischen Swing. Den PJ Harvey-Ton
und die schwerblütige Emphase offerieren sie zwar auch zu zweit gleich mit'Entblindung', aber bringen diese Southern Gothicness schon mit dem gospeligen 'Do You Wanna Go' auf Trab. Mit
Reeh als Big Mama und gehämmertem
Drive. So ganz kann man ihr die Ängstlichkeit nicht abnehmen, sich unterm
Tisch zu verkriechen, bei so viel Patti
Smith im Timbre. Zur dunklen Downtempohymnik von 'Grime' bläst Paul
Brody (von Sadawi) Trompete, das Saxophon beim borderlinehoppigen Gestaltwandler 'Cut Up' ist Peter Van Huffels(von Gorilla Mask). Für das aufgekratzte'Killer' macht Olaf Rupp den Spanier. Der
cymbalberauschten Kopfstimme von'Waterboard', die Grau raus und, mit
Synthie, Weiß rein zu zwingen versucht,
folgt mit 'Mickey' die pianobesplitterter
Frage, ob furchtlos und sexy zu sein
genügt beim Weg nach oben. Wie Reeh
'Round Scissors' krächzt, fabelhaft.
'China' schwankt zwischen quirlig animiertem, zuletzt hysterischem Hophophop und galaktischem Zweifel, und auch
'Boat People' gerät auf dem langen
Marsch, der ungewissen Überfahrt von
low nach middle, in HipHop-Turbulenzen.
Reehs Stimme ist groß (der Hall manchmal etwas zu gut gemeint), ihr Pianospiel
enorm, die rhythmische Aufmischungüberpoppig. Und vage, nein, vage ist dasabsolut nicht (wobei ich dennoch gernein Lyricsheet hätte).

MEMBRANES Inner Space / Outer
Space (Louder Than War, LTW 017): Von
der Wiederauferstehung von den Membranes, den einstigen Gesinnungsgenossen von Joy Division, The Fall und
Birthday Party, mit "Dark Matter / Dark
Energy" war schon die Rede (BA 87).
Das hier ist "Dark Matter / Dark Energy
remixed by..." Wobei ihr ins kosmische
Dunkel stoßender Sound mitsamt John
Robbs wie von Alan Moore und J. G.
Ballard beflügelter Cyberpunk-Poetry
nun widerhallen - psychedelisiert vonJames Dean Bradfield (Manic Street
Preachers), orchestral bei Mark Lanegan (Screaming Trees), als heiserer
Stomper bei Philip Boa (The Voodoo
Club), mit Cello- und Pianotristesse bei
Clint Mansell (Pop Will Eat Itself), mit
Ratatatata-Beat, verzerrtem Gesang
und Gitarrenfuror bei Godflesh, bei
Keith Levine (PiL) mit Spacegitarre undtribalem Tamtam, bass- & beatlastig
vertrillert bei Youth (Killing Joke), beiMark Stewart (Pop Group) mit galaktischer Schrotthändlerschnauze, im
Graveyard-Surfing von Carter Tutti(Chris & Cosey), den Senioren der Party,
bei Therapy? mit Hail to-Geschrei, zu
dem sie im Kreis marschieren, im
wieder heiseren Andrang bei In The
Nursery und im summend-brachialen
Gezeitenwechsel von Alexander Hacke.
Dazu erweisen als Next Generation
Barfak (Labelkollegen aus dem Iran),
Reverend And The Makers (aus Sheffield) und, auffällig mit Saxophon, Trompete und Theremin, Die Fliedermaus [?]ihre Referenz. Helden der Generation
Postpunk, fast durchwegs 1960er Jahrgänge, die zwischen 1977 und Ende der
80er ihren Frühling hatten, wieder vereint als Zausel in diversen Schattierungen von Grau. Wobei Robb & Co. bei
allen Graustufen ihrer nordwestenglischen Herbst-Winter-Melancholie ja
positiv überraschten als 21st Century
Men mit mehr Interesse an Urknall,
Dunkler Materie, Supernovas und HiggsBosonen als an Postpunk-Veteranenlatein. Zu dieser Originalität bilden die
Spin-offs und Hybriden der MembranesTrips einen Kometenschweif, nicht aus
Gas und Staub, sondern aus Zeitgeist.

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NADJA Queller (Broken Spine Productions, BSPR04, LP):
Aidan Baker & Leah Buckareff haben guten Grund, diese 2014
bei Essence Music in Brasilien erschienene Scheibe auf ihrem
eigenen Label neu aufzulegen. Unter den Fittichen desErzvaters der Dämmerung brütet das kanadische Paar vier
Eier aus, lassen das dröhnende Innere des Tones sich in ‚Dark
Circles‘ ausbreiten, lassen in ‚Mouths‘ schwarze Löcher sichauftun, aus denen stumme Schreie quellen. Mit ‚Lidérc‘ lassen
sie eine Teufelei der ungarischen Folklore erscheinen, einen
Sukkubus und Eindringling aus der Hölle, mit dem Krankheit
und Verderben ins Haus kommen. Seit 2003 predigen die
beiden ihr „Staub bist Du“, warnen vor Dämonen, Incubi,
Gestaltwandlern, dem Erlkönig. Neben dem ‚Rühr-mich-nichtan‘ („Touched“, „Skin Turns To Glass“) zeichnet sich einegnostische Sicht der Dinge ab: „Primitive World“ vs. „Perfect
World“, der Körper als hinfälliges Gefängnis („Bodycage“), dasLeben ein unheilbarer Zustand (‚No Cure For The Lonely‘,‚Time Is Our Desease‘). Tezcatlipoca, die schwarze aztekische
Allmacht, erscheint als Demiurg („Under The Jaguar Sun“),Glückseligkeit („Bliss Torn From Emptiness“) als das ganz
Andere, das einem als Wunder (thaúma) entgegenkommt, dastagträumerisch („Dagdrøm“) oder durch Zauber und Magie beschworen wird („Thaumogenesis“, „Thaumoradiance“). Nicht
ohne der Schattenseite Tür und Tor zu öffnen. Daher wohl das
oxymorone „Radiance Of Shadows“. Zu neoplatonischen undtheologischen Spekulationen („Trinitarian“, „Christ Send
Light“) kommen deleuzianische (‚Desire‘, ‚Deterritorialization‘). Die Zeit beschriftet die Haut, der Geist beschriftet alles(‚Skywriting‘). Nietzsches ‚Nur Narr! Nur Dichter!‘ mit seiner
pantherhaft über Lügen-Regenbogen schleichenden Gier nach
Seligkeit stellt Nadja sein „Fool, Redeemer“ an die Seite, seine
dröhnenden Gifte („Venom“) und Hundsgifte (Tabernanthe
iboga) für die Rite de passage jenseits von Doom, seine
strahlenden Mutagene („Sv“) für die Metamorphose zumÜbernachtfalter. Dafür krachen auch hier wieder Bakers
Dröhngitarren, dröhnt Buckareffs Dröhnbass, noch intensiviert
mit Synthie, Drum Machine und raunenden Stimmen. Mit
eiserner Faust in samtenem Handschuh, rockig drängend, dassman sich beim Shoegazing Löcher in die Schuhe brennt. SunnO)))-erhaben bei ‚Mouths‘, bleiern headbangend bei ‚Lidérc‘,trollig moshend bei ‚Quell‘. Ob die Riffs etwa bei ‚The Stone‘ auf „The Stone Is Not Hit By The Sun, Nor Carved With A Knife“(Gizeh Records, 2016) - kolossaler krachen, der Gesang
stärker dominiert, ist wohl dem subjektiven Empfindenüberlassen, wie fast alles bei Nadjas Einladungen zur Introspektion, ihren Mitfahr-, Mitträumgelegenheiten ins Zeitlose.
Ist ‚The Stone’s Schwester ‚The Sun’ in ihrem nach anfänglichem Stop & Go tremolierenden und gradualen Midtempo tatsächlich bemerkenswert
heller und schneller? Ihrem Verglimmen folgt mit ‚The Knife‘ der mit dem Messer ins
Dunkel geschlitzte Mond, wallend mit aufrauschendem Glanz. Aber ist das gefühlte Mehr
in Lux messbar? Mir bleibt der milchige Fäden ziehende Schein, sein ganz allmähliches
Verlöschen und sein zarter, ganz zeitvergessen nur noch flimmernder Nachhall in ‚UntitledIV‘ rätselhaft, Nadjas Hymnen an die Nacht sind alles andere als Huldigungen an den
Logos. Error Designs Artwork zu „Queller“ [1, 2] ist jedoch ebenso kongenial wie das von
Seldon Hunt („We Have Departed The Circle Blissfully“ [3], „Sv“) und Stefan Serneels („The
Bungled & The Botched“, „Paradox Incubate 15.09.14“ [4]).
16Salonski (Slovenia)
Wie eine Band nicht sympathisch finden, die sich zu
den Klängen von Lars Hollmers 'Portaletyde'
vorstellt: Miha Hafner (french horn), Žiga Barba(trombone, spoons), Jana Arlič & Larisa Petrič(violins), Miha Poredoš oder Jernej Brezovar(ukulele) und allen voran Domen Finžgar (composer,
Brandoni accordion, concertina, vocals). Zum
Programm der Slovenen gehört Musik, die Jim
Parker für "Inspector Barnaby" geschrieben hat,aber auch das, was Finžgar selber im Kopf hat,entspricht wohl kaum den Vorstellungen von Balkan
Brass und Turbo Polka. Ihn reizt nicht nur Midsomers mörderische Idylle, er hat auch ein Faible
für Piazzolla und Musette, und überlässt Pflaumenschnaps und Katzenpisse ganz Goran Bregović undden Underkrainern. "Fauna", im April 2013 auf
Akord Records herausgekommen, weckt mit seinem
Dank an Gravediggaz, Lojze Slak (dem Slavko
Avsenik des Knopfakkordeons), Peadar O'Riada,
The Rays, Caoimhin Ó'Raghallaigh, Kate & Anna
McGarrigle, Wu Tang Clan und Angelo Badalamenti
denkbar wilde Vorstellungen, zeigt sich jedoch vom
sloveno-keltischen HipHop-Soundtrack-Monster zum launigen Chabaduba und
Humptata mit auch feinem Piano gebändigt. Denn die Herangehensweise ist absolut
unplump und die Arrangierkunst Bratko Bibič-würdig. Wo Alec K. Redfern mit seinen
Eyesores sich staubige Schuhe in Wildnis und Weirdness holt, schunkelt und tänzelt
sein durchaus kosmopolitisch bewanderter alteuropäischer Vetter zwischen Schlagern
und Volksliedern, die er mit Singer-Songwriter-Sensibilität neu erfindet. Sein 'Na
vzhodu nič novega' [Im Osten nichts Neues] ist zwar richtig, aber... Bei 'Psalm' walzt er
im Wechselgesang mit einem der Mädels, er schmachtet mit irischer Wehmut, und vor
allem pickt er sich die Lyrics als Elster mit der Sophistication eines Hoagy Carmichael,subvertiert 'Barnaby' aber auch mit Twin Peaks-Anklang. Vergesst also unbedingt soabgedroschene Musi wie die von Roka Žlindra und marschiert lieber mit roten Stiefelchen mit in den Garten "Eden" (März 2015, Klopotec, IZK CD027). Nehmt meinetwegenein Boot, oder den Postboten, vergesst eure Unschuld nicht. Der Zusammenklang vonPustern, Streichlerinnen und Akkordeon beschert eine Orchestralität aus Country, Irish
Folk und Salonmusik, gespickt mit Déjà-vus und selbstironischen Späßchen. 'My tunes
are too simple" singt Finžgar bei 'Nedolžnost', von der Musik prompt Lügen gestraft,ohne dass sie sich sperrig verkehrt. Lieber durchkreuzt sie Steicherschleifen mit
Bläserstakkato und tanzt auf drei oder fünf Beinen, wozu passt, dass mit 'Marie Noël'nicht die Dichterin schmerzhafter Rosenkränze (1883-1967) gemeint ist, sondern eine
belgische Tänzerin. Aber ein Walzer wie 'Evici' geht immer, oder 'Four Walls' als aufschluchzender Schwenk zu Hank Williams. Mit zuletzt Pendelschlägen zwischen Knoxville und Peadar Ó Riadas Cúil Aodha, gipfelnd in einem dröhnenden Chor mit uilleannpipes. Bizarr. Nur digital gibt es seit 17.11.16 dann noch "Valéry Staples" (KUD
Salonski, CDSAL 02). Darauf sind Liveversionen von 'Poštar', jetzt als 'Mailman' unddurch Zigarettenrauch gesungen, von 'Rexxx' als uptempo pumpendem Akkordeonsolo,
und von 'Evici' als blaskapelliges 1-2-3. Gerahmt von 'BIS (Bratko Irish Slak)' alswendungsreichem Schmachtfetzen mit einer femininen Strophe und von 'Valery', woFinžgar als rauer Chansonier Zeilen des russisch-belgischen SF-Autors Valéry Votrin
spricht. Kurz, Salonski sind mit reichlich bad alchemystischem Wasser gewaschen unddaher, logisch, ein großer Spaß.
17

* History repeats itselfÄlter werden mit Musik – eine Kolumne von jk.
1968. Die Beatles waren nicht nur die erste Supergroup des Pop, sondern auch die Band, die sichwohl am längsten in Auflösung befand – mindestens drei Alben lang dauerte dieser schleichende Prozess der wechselseitigen Entfremdung
bis hin zur gegenseitigen öffentlichen Anfeindung
der Herren John Lennon und Paul McCartney. Ob
dabei die Rollenzuschreibung immer stimmig war –McCartney als der Bravere, Lennon als der Wildere, Experimentierfreudigere? Geschenkt. Letzthin stolperte ich zufällig am Plattenregal der
lokalen Filiale einer Drogeriekette über »Unfinished Music No. 1: Two Virgins« und »UnfinishedMusic No. 2: Life With The Lions« von JOHNLENNON UND YOKO ONO. Die Alben erschienen
erstmals Ende 1968 bzw. 1969 und wurden im
November 2016 auf Vinyl wiederveröffentlicht,
originalgetreu inkl. braunem, gestanzten Packpapier (»Two Virgins«), Einlegern – und Downloadcode inkl. Bonustracks. Zugegeben: In den
knapp 50 Jahren seit der Erstveröffentlichung der
beiden Alben haben sich die Maßstäbe, nachdenen Musik als »experimentell« oder »avantgardistisch« bezeichnet (und beurteilt) wird, verändert. Was dem geübten Ohr heute wie
dilettantisches Homerecording erscheint und selbst mit aktuellem Billigst-Equipmentkaum in so einer lausigen Qualität hinzubekommen ist – dafür benötigte man wieder
spezielle Plugins, die die Aufnahmequalität eines Kassettenrekorders anno 1968
imitieren müssten –, sorgte beim erstmaligen Erscheinen vermutlich umso mehr für
Erstaunen und, gelinde gesagt, Irritation. Der Pop-Superstar auf Abwegen, nachts
daheim vor dem Kassettenrekorder zusammen mit seiner neuen Freundin – konzeptionell
als eine Art akustisches Tagebuch angelegt, musikalisch am ehesten zu beschreiben, wie
es Graham Calkin auf seiner Website mit »Two Virgins« versucht, z. B. auf der ersten
Seite: »Mostly whistling, piano, and guitar strings being hit, and Yoko shrieking. 0-3:30
Whistling (like »Clangers«) and random instrumentation. 4:40 Yoko starts shrieking. 6:12
John can be heard talking. 6:50 Big piano chord, then repetitive single note… over andover. 7:53 John shouts. …« Hier stand offensichtlich mehr der Impetus der Bildenden
Künste wie Dada und – natürlich – Fluxus Pate, weniger der technische und ästhetische
Status Quo in den Studios für Elektronische Musik in Köln oder Paris. Rückblickend mag
das Cover von »Two Virgins« das radikalste Statement an dem Gesamtkunstwerk
gewesen sein: Lennon und Ono nackt, einmal von vorne, einmal von hinten fotografiert –auch über dieser Radikalität liegt jedoch der Schatten des Verschämten, Schüchternen
eher als der des Revolutionären: Lennon wollte sich nicht nackt vor einem Fotografen
zeigen und machte die Aufnahmen selbst, im Keller von Ringo Starr, mit dem Selbstauslöser der Kamera … Ästhetisch bieten beide Alben heute kaum noch Sensationelles,
aber sie versprühen als Zeugnisse vergangener, »wilderer« Zeiten doch einen eigenartigen Charme. Und manches davon taugt auch heute noch als Ausgangsmaterial fürDissidenz: »Unfinished Music No. 2: Life With The Lions« kommt mit dem bekannten
Poster »WAR IS OVER! If you want it.« – mittlerweile im Diskurs um lebenswerte Städte
umcodiert zu »CAR IS OVER. If you want it.« … (Beide Alben wurden von Secretly
Canadian wiederveröffentlicht auf LP/CD – www.secretlycanadian.com).
18

1975. BRIAN ENO liegt im Krankenhausbett. Er hat es gerade so geschafft, sich eine Platte mit Harfenmusik aus dem
18. Jhdt. aufzulegen, danach sich wieder ins Bett geschleppt, und muss dort feststellen, dass die Lautstärke viel
zu gering eingestellt, die Musik kaum hörbar ist, die Umgebungsgeräusche dafür umso mehr. Eno bleibt liegen undlauscht angestrengt und entwickelt aus dieser Erfahrung
heraus – »This presented what was for me a new way ofhearing music — as part of the ambience of the environment
just as the color of the light and the sound of the rain wereparts of that ambience.« – seine Variante der Satieschen»Musique d'ameublement« und nennt sie »Ambient«. Zwar
hat er schon im Duo mit Robert Fripp (Gitarre) mit Bandschleifen und Bandecho experimentiert, aber auf »Discreet
Music« präsentiert er 1975 zum ersten Mal die Essenz seiner
Versuche in dieser Richtung, samt »Operational Diagramm«
auf der Coverrückseite, also dem Signalverlauf analog zum
Weg, den das Magnettonband zurücklegt. Es folgen weitere
Alben, auf denen Eno sein Konzept von Ambient immer
weiter entwickelt und perfektioniert. In unregelmäßigen
Abständen, zwischen seinen eher songorientierten Arbeiten, seiner Tätigkeit als Produzent für Dritte und diversen
Kollaborationen erscheinen auch immer wieder »reine«
Ambient-Soloalben.
»Reflection« (Warp, 2017) ist das aktuellste. Es kommt daher
wie das gereifte Alterswerk – dunkles Cover mit kaum erkennbarem Portrait des Künstlers als altem Mann und derErklärung, diese Platte enthalte die Essenz von Enos
Ambient-Musik: »Commenting on Reflection, Eno spoke ofthe recording as the most realised version of his ambient
music yet, one without parameters or end.« Ein nettes
Experiment wäre vermutlich, einem bisher unbedarften
Hörer sämtliche Eno-Ambient-Alben vorzuspielen mit derBitte, diese sowohl zeitlich als auch qualitativ einzuordnen:
Würde »Reflection« tatsächlich als die neueste, am weitesten entwickelte Form erkannt werden? Brian Eno ist
immer wieder für Überraschungen gut – 2014 etwa veröffentlichte er zusammen mit dem Underworld-Mastermind
Karl Hyde zwei überraschend gelungene, durchaus abwechslungsreiche Pop-Alben (wobei böse Zungen behaupten, es zieme sich nicht für Senioren, über »Daddy'sCar« zu singen – auch wenn Hyde hier fast wie der junge
Brian Eno klingt …). Sein Ambient-Oeuvre scheint mir allerdings weitgehend ausgereift – ihm wohl auch, denn nebenden diversen Formaten (mein Tip: DoLP inkl. Downloadcode
für WAV/FLAC) wird »Reflection« auch als App veröffentlicht– ein Programm, das »without parameters or end« auf ewig
und immer anders vor sich hin läuft (so lange der Akku vom
Tablet eben mitspielt). Die 40 Euro, die das Programm
kosten soll (es gab ja schon einmal eine interessante
Software, »Scape«, die Eno zusammen mit Peter Chilvers
2012 auf das iPad brachte), scheinen mir gut angelegt fürdenjenigen, der nie wieder eine Eno-Ambient-Platte kaufen
will oder muss. (Brian Eno »Reflection« ist auf Warp
Records erschienen, siehe warp.net/artists/brian-eno)
19

1977. Fünf junge Männer aus Bristol sind unzufrieden mit der (nicht nur musikalischen)
Entwicklung von Punk, gründen die Band mit dem bis heute stringentesten Namen – THE
POP GROUP – und sorgen vor allem mit ihren Live-Auftritten für Furore. Nach einigen
personellen Umbesetzungen und drei Alben später gehen sie ab 1980 getrennte Wege,
bleiben aber weiterhin musikalisch aktiv. Kurzfristig den höheren Bekanntheitsgrad
erlangten nach der Trennung Bruce Smith und Gareth Sager (sowie Mark Springer und
Neneh Cherry, beide zuletzt ebenfalls mit der Pop Group verbandelt) mit Rip, Rig & Panic(drei Alben zwischen 1981 und 1983), längerfristig unter eigenem Namen aktiv war der
Sänger Mark Stewart (acht Alben von 1983 bis 2012). 2010 reformierte sich The Pop
Group wieder mit vier Original-Mitgliedern (Catsis, Sager, Smith und Stewart), 2014
erschienen mit »Cabinet of Curiosities« eine Sammlung Raritäten aus der ersten Pop
Group-Phase sowie mit »Citizen Zombie« ein nagelneues Studioalbum. Vor kurzem wurde
noch einmal nachgelegt: »The Boys Whose Head Exploded« versammelt bisher unveröffentlichte Live-Raritäten, wieder aus der ersten Phase, und mit »Honeymoon on
Mars« erschien fast 40 Jahre nach der ersten Bandgründung das erst vierte (!) Studioalbum der Band, produziert von Dennis Bovell (der schon das Debut »Y« produzierte) und
Hank Shocklee (u.a. Public Enemy). Es gibt sicherlich erhebliche ästhetische Unterschiede zwischen Pop Group alt und neu – nicht zuletzt dem Umstand geschuldet, dassauch der wildeste Dilettant nach 40 Jahren irgendwas dazugelernt haben dürfte (und sich
die Studiotechnik wie die Hörgewohnheiten ebenfalls verändert haben). Der scharfe,
dynamische Sound von 1977 ist 2014/2016 einem durchaus »fetten« gewichen, wobei dasneuere Album noch mehr punktet. Der Sound ist eher stimmig als fett, bietet mehr Raumfür unterschiedliche musikalische Idiome – wie schon auf »Citizen Zombie« dominieren
auf »Honeymoon on Mars« eher langsame Beats und Grooves: mehr Hiphop/R&B als
Punk jedenfalls. Am ehesten hat sich noch Mark Stewart diese gewisse Unprofessionalität in seinem Gesang bewahrt, während an den anderen Musikern mehrere
Jahrzehnte Musizierens nicht ohne eine gewisse, durchaus wohltuende Professionalisierung vorübergegangen sind. Und gerade deshalb ist die neue Pop Group sohörenswert wie die alte, denn geblieben sind die hochpolitischen Texte und die(Gesellschafts-)Kritik – ohne abgeschmackt oder altherrenmäßig daher zu kommen, undschon gar nicht pseudojuvenil. Außerdem finden sich massig Ingredienzen in den
Stücken, die den aktuellen Sound der Pop Group immer noch weit weg von jeglicher
Mainstream-Lala halten – und »grooven« wollten sie ja schon immer, das beweist dermittlerweile fast vollständig wiederveröffentlichte Backkatalog. Am schwächsten hierbei
ist »The Boys Whose Head Exploded«, eine Zusammenstellung von Liveaufnahmen – dieSoundqualität ist hier teilweise schon sehr abenteuerlich, die der CD-Version beiliegende
DVD verstärkt den »Beste Reste«-Eindruck: etwa 7 (!) Minuten Footage (»Live At
Alexandra Palace 1980«), unprofessionell gefilmt (Video) und zusammenhanglos aneinandergeschnitten. Trotzdem ein Muss für Fans – nicht zuletzt wegen »73 Shadow
Street«, einer fast 10-minütigen frühen, magisch-rohen Version von »Liberty City« (später
auf Stewarts Debut »Learning to cope with Cowardice« veröffentlicht). Der gesamte Pop
Group-Katalog (bis auf »Y«) ist bei Freaks R Us erschienen, auf CD sowie Vinyl (inkl.
Download-Code): www.freakrus.net

20

* Freakshow: Anarchy in the Immerhin
Man hätte mir kein besseres nachreichen können als Freakshow-Zeremonienmeister
Charly "Rock'n'Roll" Heidenreich mit dem Konzert von WORLDSERVICE PROJECT am
Sonntag den 22. Januar 2017 im Würzburger Immerhin. Die Show bot nicht weniger als
einen feurig-furiosen-Freak-Feierbiester-Frontalangriff gegen alle, die für den Brexit,
die AfD oder D*****Fucking T**** sind bzw. gestimmt haben. Auf der im Vergleich zum
Freakshowfestival vom September 2016 (im Blauen Adler) viel kleineren Bühne prallen
die Energien des wieder heterogen uniformierten Quintetts derart aufeinander, dasssie dabei einen musikalischen Urknall erzeugen, der sich auf das Publikum entlädt undmich zwischen Lachen und Kreischen in höchste Verzückung bringt.
Allen voran Dave Morecroft als Komponist, Frontmann, Keyboarder, Dr. Goldzahn und
das Tier in Personalunion in dieser Mixtur aus Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Bandund Electric Mayhem. Wenn der lange Lulatsch ständig gebückt auf den Tasten
rumfuhrwerkt, ist sein Instrument so schwer auf dem Ständer zu halten wie dieaufgewühlten Zuhörer in ihren Sitzen, allen voran ich.
Zu Beginn schnalzen die furiosen Fünf ordentlich mit Bohnenstengeln, inklusive
Fangesang, der sich als Leitmotiv durch ihr aktuelles Album "For King & Country" unddas Konzert zieht. Saxophonist Tim Ower, der auch gut in eine viel mainstreamigere
Boyband passen würde, darf sich gleich in den Vordergrund spielen, bevor Raphael
Clarkson, in seiner Uniform sicherlich geeigneter Nachwuchskandidat für die
Altneihauser Feierwehrkapell’n, an der Posaune zum durchdringenden Hallali bläst.
Aber auch Bassist Arthur O'Hara und Harry Potter Pope, der Quotenschotte am
Schlagzeug, der mit seinen Zauberstäben Drumsticks auch immer wieder etwas zum
Animal mutiert, spielen entfesselter auf als Django Unchained.
Den Höhepunkt ihres knapp 100minütigen Punkjazz-Infernos verfeuern WSP gleich als
drittes Stück des frühen Sonntagabends. 'Small Town Girl', angeblich eine persönliche
Abrechnung des Frontmanns mit Ex-Freundinnen, eskaliert zum völlig durchgeknallten
Brexit-Abgesang, bei dem Morecroft nicht nur sopranistisch kiekst und gewohnt wie
ein s(t)ehender Ray Charles in die Tasten haut, sondern auch politische Worthülsen als
Gesprächsfetzen quatscht und schließlich ein Keytar-Solo bis zur völligen (Br)Ekstase
hingriffelt. Blimey! Ja, WSP kann auch ohne Schweinegitarre die Sau rauslassen. "This
ain't rock'n'roll, this is genocide!" würde Diamantenhund David sagen, weilte er noch
unter uns.
Zwischenzeitlich darf es auch ein wenig gediegener zugehen. 'Requiem For A Worm'trauert leise vor sich hin, bis sich der Schmerz in punkto Rhythmus und Lautstärke
intensiviert. Der Ausflug in den französischen Skiort Chamonix besteht aus einem
Tänzchen von Bass und Drums, bis die Bläser das traute Paar tuschieren und aus derBahn werfen.
Bei 'Mr. Giggles' wird der sich völlig verausgabende Dr. Morecroft in bester StevensonTradition zur Horrorclown-Version von Mr. Hyde und springt – dieses Mal sogar oben
ohne – die Zuschauer in den vorderen Reihen an. Ein Wunder, dass die wenigen Damen
im Publikum nicht in Ohnmacht fallen. Als Folge seines waghalsigen Seitensprungs vonder Bühne landet mit dem irren Clown vor meinen Füßen auch ein zerknitterter
Bierzettel - die Setlist, aber getarnt als Aneinanderreihung von Kraftausdrücken, vonderen Wiedergabe ich aus Jugendschutzgründen absehen muss.
Als scharfe Zugaben servieren uns die furiosen Fünf ihren Signature-Song 'Fuming
Duck' und, um ihrem "Hooligan-Image" gerecht zu werden, die SchlachtenbummlerHymne 'Barmy Army', live sogar extra-"barmy". Als Schlussinferno fackelt 'Fire In A Pet
Shop' die Hütte ab, sogar die Höllenhunde heulen. Und mir bleibt vor Jauchzen undJubeln fast die Stimme weg. Es reicht gerade noch für'n Aftershowtalk über Doppelte
Staatsbürgerschaft und für den Wunsch auf ein Wiedersehen, vielleicht ja mit ein paar
neuen Gassenhauer im Gepäck.
Marius Joa
21

W71: B/B/S/ + XENOFOX = > 360°
Kurios, da kommen - ohne sich zu kennen - am 20. Jan. 2017 zwei +drei Musiker aus Berlin nach Weikersheim und locken eine Handvoll
Hirten und Schäfchen dorthin, wo tatsächlich auch Josef, Marie undWindelkind auf dem Canapé der Dinge harren. Die um Halbzehn
zuerst von B/B/S/ ihren Ausgang nehmen, Aidan Baker (Nadja), einem
kanadischen Berliner, Andrea Belfi (The Swifter, Hobocombo), einem
Berliner aus Verona, und Erik Skodvin (Svarte Greiner und Macher
des grandiosen Labels Miasmah), einem norwegischen Berliner. Sie
entführen die Imagination in dröhnminimalistische Gefilde, mit
gestrichenen Gitarrensaiten, gestrichener Cymbal. Baker moduliert
das mit Vibrato und Feedback, Belfi beginnt auf seinem finnischen
Designerdrumset schmale Segmente mit feinen, fedrig vibrierenden
Mustern zu beflirren. Skodvin kitzelt kakophones Feedback von einer
Noise Box, streicht Klangstreifen von einer auf den Schoß gelegten
Geige. Baker zerbeißt pythagoreische Harmonik mit Krokodilclip, lässt die Hand am
Bassende flattern, pickt spitze Töne. Für den Thereminklang, der umeinandergeistert,habe ich trotzdem das belfische Drittel im Verdacht. Belfi setzt mit pochendem
Schlägelbeat, der fast wie eine träumerische Rumba groovt, dann auch den seltsamsten
Akzent in diesem sublimen Notturno, für dessen Changieren zwischen heimelig undunheimlich und auch lautmalerisch für das, was durch dieses Zwielicht durchscheint, sich"eerie" aufdrängt. Mit der Anmutung eines unsichtbaren Agenten (Geister, Geheimnis, Verhängnis), von etwas, das sich nur andeutet (looming), auch wenn es so einladend
beschworen und hervorgelockt wird wie hier.
Zum zweiten Schoppen dann XENOFOX, Rudi Fischerlehner (Fiium Shaarrk, Gorilla Mask)
an den Drums, Olaf Rupp, unser immer wieder gern bestaunter Popeye an der Gitarre. Der
ebenfalls die Saiten mit Geigenbogen sägt, während Fischerlehner mit Muscheln raschelt
und mit perkussiver Füllhornfülle überhaupt schnell dafür sorgt, dass, wie zuvor Entschleunigung und Dehnung, nun Kompression und Exorbitanz angesagt sind. Eine den
Rahmen sprengende, die Sinne überfordernde Entfaltung der Mille Plis und Plateaus derKlangwelt. Meine Vermutung 'Promille Plateau' korrigiert Rupp anschließend in 'Kamille
Plateau'. Von der Weißen Blume berauscht, gelingen ihm die gummifingervirtuosesten
Arpeggios, keiner biegt so wie er die Töne rückwärts. Er kitzelt die Saiten mit Essstäbchen, zerdrückt Klänge wie Ameisen auf dem Küchentisch, killt melodische Tonfolgen,
die ihm so rausrutschen, mit Kung Fu-Handkante, traktiert die Saiten knackig und crisp.
Und landet nach mehrfachem Up und Down aus losen Maschen und absurder Verdichtung
mit einer von Fischerlehner mit Ratsche, Kette, Topfdeckel auf Schleichwege umdirigierten, und dann doch mit rasantem Klickklack
und Trommelwirbeln rauschend zuschnappenden
Dramatik auf dem höchsten Plateau. Cut!!! Das
nenn ich 'mindblowing' und eine Sensation der"weirden" Sorte. Wegen dem nicht zu fassenden
Zuviel-ist-nicht-genug und dem grotesken Anstrich durch das bizarre Vermischen und Verwischen kakophoner und lieblicher Dimensionen.
Eigentlich mehr durch Zufall zusammengeführt,offerierte der Berliner 'Fünfer' einen Abend aus
denkbar großen Kontrasten und doch auch verblüffend verwandten Zügen. So dass uns eine
Audiosphäre beschert wurde im 360°-Vollspektrum aus gitarristisch-perkussiver Intuition. Die
sollten ruhig öfters zusammen konzertieren.
Fotos: Baker < / Belfi > / Skodvin ^ /22nowjazz plink'n'plonk
Satoko Fujii (Tokyo)
Bass, Schlagzeug, kein Piano, denn SATOKO FUJII dirigiert da bei Peace (Libra Records
217-039) nur ihr ORCHESTRA TOKYO als massive Blaskapelle, mit einer vierzungigen
Reedsection, drei Posaunen und fünf Trompeten. Die fünfte bläst Christian Pruvost, Peter
Orins verdoppelt die Drums, und wie in Kaze, ihrem franko-japanischen Verbund mit Fujii
und Natsuki Tamura, bezieht Fujii daraus eine spezifische Chemie. Vier Stücke erklingen,und insbesondere das gut halbstündige '2014' und 'Peace' stehen unter dem Eindruck desTodes von Kelly Churko (1977-2014), dem kanadischen Gitarristen, der Tamuras First
Meeting und das Orchestra Tokyo bei "Zakopane" mit seinem Faible für Noise befruchtet
hatte. Doch zuerst zu 'Jasper', der mit elegischem Soprano zu schnurrendem Drone
angestimmten Erinnerung an eine Katze, deren Wesen bei Tamura und Fujii große
Verehrung genießt, denkt nur an Gato Libre. Der Klageton wird von schleppendem
Trauermarschbeat und crescendierendem Stakkato bis hin zur zarten Reprise noch
feierlich unterstrichen. 'Beguine Nummer Eins' erinnert tänzelnd an die Berliner Zeit vonFujii & Tamura, mit lyrischem Vortrag, aber auch flatterzüngelndem Nachdruck desTrompeters Yoshihito Fukumoto und Echtzeit-Response des Kollektivs. 'Peace' ist
dazwischen ein kollektiv aufschreiendes Furioso, mit surrend tobendem Bariton,
polternden Drums, over the top kirrendem Alto. Und '2014' wischt sich kleinlauten
Trübsinn vom Mund mit lange gepresstem, dann befreit aufspielendem Pruvost-Irrwitz undOrins-Rappelei auf dann doch elegischem Fond, gefolgt von einem posaunenlaunigen
Duett mit Tenorsax, feierlich-schwungvollem Tutti mit Drumssteinschlag, kapriziöser
Zwiesprache von Tamura mit Posaunengebrummel, Tuttiwellen und von Trompete,Posaune und Tenorsax angespornter kollektiver Funkiness, bevor der Kontrabass die
Bläser drängt, Stufen zu bauen als Übergang in die Stille. Diese polymorphe halbe Stunde
zeigt besonders deutlich Fujiis Geschick, ihr Orchestra der Bigbandschwerkraft zu
entziehen mit wilden Paarungen, extremen Einzelstimmen und hirnerfrischenden
Stimmungskontrasten.
Was SATOKO FUJIIs Pianospiel angeht, lässt Invisible Hand (Cortez Sound, CSJ0001/
0002, 2 x CD) keine Wünsche offen. Live im Cortez, einem Jazzclub in Mito, 140 km
nordöstlich von Tokyo, demonstriert Fujii die ihr eigentümliche Poesie. Vor ihrem Konzert
am 28.4.2016 hatte sie schon ein Auftritt mit ihrem japanisch-französischen Quartett Kaze
dort mit einer unverhofften Fangemeinde abseits der Metropolen bekannt gemacht. Sie
konnte sich daher offenen Sinnen zuneigen. Im ersten Set überließ sich Fujii ganz derIntuition und der unsichtbaren Hand, die bei solchem Freispiel die Hände führt. Im zweiten
Set gab es dann auch schon Vertrautes: 'I Know You Don't Know' von "April Shower" und"Gen Himmel", von letzterem auch das Titelstück. Dazu mit 'Spring Storm' ein Titelstück
ihres New Trio und mit 'Inori' fast schon eine Erkennungsmelodie, ob im Duo mit Natsuki
Tamura, zu viert als Four oder orchestral mit ihrem Tokyo Orchestra. So dass sie einem
das volle Spektrum offeriert vom spekulierenden Was wäre wenn von 'Thought' über die
gnomenhafte, aufbegehrende Unruhe von 'Increase', das ostinat gehämmerte und rasantstrudelnde 'Hayase' bis zum lange lyrisch-milden 'Spring Storm', das dann doch quirlig
auffrischt. Für 'Invisible Hand' entlockt sie den Strings, dem Holz und präparierten Keys
sirrende, flirrende, klopfende, klackende und funkelnde Laute, 'Floating' vereint tönerne
Anklänge an John Cage mit klar perlenden Tönen. 'Inori' und 'Green Cab' geistern beide
noch einmal im Innenklavier, gefolgt von flehenden und entsagenden Gesten bzw.
launigen Kapriolen quer über die Tasten zum strammen Walking Bass der Linken. Um
zuletzt mit einem rührenden Zweiklang als Angelusläuten vom Himmel über Berlin einenEngel zu ersehnen, ähnlich rosen- und lilienmystisch und kurz auch wieder in verzückter
Erregung wie zuvor 'Inori'.
23

Fujii, Fujii, Fujii. Eine Jahrhundertbegabung
wie Carla Bley, allerdings etwas zu sehr
Arbeitsbiene und irgendwie nie das It Girl,das sie hätte sein können. Nun wieder auf
Gegenbesuch in Lille. Dort entstand am
20.6.2016 June (Circum-Cisc HeliX, LX 009)
in einer erweiterten, TROUBLE KAZE genannten Version des Fujii-Tamura-Quartetts
mit Orins & Pruvost. Mit Peter Orins undDidier Lasserre an Drums, Satoko Fujii und
Sophie Agnel an Pianos und Christian Pruvost und Natsuki Tamura an Trompeten sindda zwei Pianotrios verzahnt oder zwei
Trompetentrios verschmolzen. Für Orins ist
es ein Heimspiel in La Malterie, wo im März
2016 auch "Air Bump" entstand, mit TOC,
seinem langjährigen Trio mit Jérémie Ternoy & Ivann Cruz, und Pruvost als 1/4 von
The Compulsive Brass. "June" ist zuerst
mal eine bruitistisch-perkussive Seltsamkeit, in der lange kein einziger 'normaler'
Ton von den Pianos und den Trompeten zu
hören ist. Und ebenso wenig ein Beat.
Sondern ein merkwürdiges Rauschen undSchleifen per Innenklavier und extented
techniques. Im dritten Fünftel rücken zwar
die beiden Bläser in den Mittelpunkt, aberauch wieder nur wie stranguliert oder verstopft. Bis ein Trommelcrash und ratschender Krawall der Klavierdrähte ein
Zeichen geben und aus lärmendem undspitz schleifendem Fond Pianotriller undaufreißerische Trompetenstöße ausscheren
und sich Cymbalgefunkel und Paukengrollen tumultarisch ballen. Der vierte Part, inden man wiederum bruchlos hinein driftet,
ist dann wieder bröselig, windspielerisch,zu einem träumerischen und einem gepickten Piano. Die Aktivitäten kommen fast zum
Erliegen, als nahezu tonloses Mikrobeben,
als Perlenkette aus Luftbläschen, mit kleinlaut tickenden, tuckernden, dongenden
Gesten und einer gedämpft maunzenden
Cheshire-Trompete. Aus der stecknadeligen Beinahestille steigen peu à peu
knarzige, krächzende, nestelnde, klackende, plonkende Laute, ein Piano beginnt zu
flimmern, hier ein Impuls, da ein Laut, kurze
Trompetenstöße, fiepender Alarm, einzelne
Schläge. Und ohne Accelerando, ohne
Crescendo ist es plötzlich vorbei. Sangund klanglos werden die Stecker gezogen.
So konsequent wird nicht oft ein BeckettEndspiel zu Ende gespielt.
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HUBRO (Oslo)
SUPER HEAVY METAL Music for Cymbals (HUBROLP3571), das ist doch maleine Ansage, die Kim Åge Furuhaug da macht. Der spielt zwar Rock mit The
Alexandria Quartet und mit Bloody Beach, aber Metal oder auch nur heavy
hat dazu noch keiner gesagt. Anders als etwa bei Jason Kahn, der mit seinen
Etüden für Cymbal dröhnminimalistische Klangaspekte in den Vordergrundstellt, spielen aber bei Furuhaug Beat und Drive durchaus Hauptrollen. Loops
münden in Crashes und kommen erneut in Gang: One, One-one, One-two.
Headbanging nach konsistenter Methode. Blech, Sticks, Shake, Rattle 'nRolls. Und dann doch auch ein dröhnender Fond, als summende, changierende und crescendierende Grundierung für Ticks und raschelndeMuscheln. Furuhaug spricht von einer Analogie zum präparierten Klavier,aber es sind da auch Electronics im Spiel und neben spontanen Gesten
Planung und Schichtung. Monoton gepochtes Powwow-Tamtam wird in
Sekunden gemessen, aber auch mit hell zischenden Zwischenschlägen
akzentuiert. Blech sirrt wider Blech, es flattert und klackt. Tockt da ein
Tischtennisbällchen, nimmt er da die Faust? Es genügen eine Synkope oderein Halbton, dass einem ein regelmäßiges oder systematisch erweitertes
Muster als eindrucksvolles Riffing erscheint. Aus gedengelten und leicht
streuenden Sekundenvierteln türmt der 1985 geborene, in Bergen aktive
Trommler zuletzt mit aufrauschendem Cymbalklang ein Treppenhaus aus
Stufen und Absätzen. Oben angelangt, fährt der Wind übers Blech.
Bingbängbing, Tsching, Schsching.
Was macht 1982 für Musik? Kirchenmusik, Flaschenpostmusik? Seit-zehnJahren-zusammen-Musik? Nils Økland, Jahrgang '61, Sigbjørn Apeland, Jahrgang '66 und Øyvind Skarbø, der Youngster, dessen Geburtsjahr den Namen
hergibt, die haben in dieser Zeit "Pintura" (2011) gemalt, sich mit BJ Cole verstärkt (2012) und sich für "A/B" (2014) von Stian Omenås ein Arrangement für
Hornquintett schreiben lassen. Aber im Kern ist es doch immer wieder der
reizvollle Zusammenklang von Hardangerfiedel (oder Geige), Harmonium und
Schlagzeug. So auch bei Chromola (HUBROCD2558) und auch wieder nicht,
denn in der Sandvikens Kyrka hatte Apeland zwei Kirchenorgeln unter den
Fingern, so dass das Harmonium diesmal nur einen Epilog spielt. Anders als
Veryan Weston, der öfters mal von einem verschreckten Küster verscheucht
wird, konnte hier die Vox humana weidlich dröhnen und schillern. (1) Mit
mystisch verzückter Fiddelei zu pelzigen Tapsern und heidnischen Hopsernund brütenden, dann aber auch tief seufzenden Pfeifen. (2) Skarbø rudert mit
Paukenschlägen zur Toteninsel, die Orgel umdämmert und überschauert dieelegisch sinnierende Geige, bis zu einem feierlichen Crescendo. (3) Doch derGrundton bleibt melancholisch, ein sich hinbreitendes Nachtwachen-Dunkel,
in das die Geige nur vages, flackerndes Licht wirft, das über die Becken
huscht. (4) In die Finsterwellen der Vigil klacken nächtliche Geräusche. Ein
Schwert? Ein Tonkrug? Glühwürmchen flimmern, und etwas Grollendes
bahnt sich an, gedämpft tremolierend, in anschwellender Dramatik, ohnedann einzutreten. (5) Schleppend führt Skarbø eine geschlagenes Heer an, zu
dünnem, schiefem Pfeifenklang singt die Geige vom Untergang eines
Reiches. (6) Der Wind stöbert in Schutt und Schrott, Ratten bespielen die
Orgel in grotesken Sprüngen und Missklängen, die Geige tanzt auf den
Ruinen. (7) Und singt zuletzt, als wären viele Jahre verstrichen, während derWind das Becken küsst und im Gras auf den Gräbern rauscht, mit dem
Harmonium zusammen eine todtraurige Ballade. Und die Musik bäumt sichauf, als hätte die Sonne doch noch ein heiles Buntglasfenster getroffen.
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Mit ihren ECM-Alben, dem eponymosen Debut "Dans Les Arbres"(2006/08) und "Canopée" (2012), quasi 'zu gut' für BA, ist es nur eine
Frage der Zeit gewesen, bis DANS LES ARBRES dennoch in meine
Audiosphäre sinkt. Schließlich hatten der Trondheimer Gitarrist Ivar
Grydeland und der Osloer Drummer Ingar Zach schon 2001 als Botschafter ihres im Jahr zuvor erst gegründeten Labels Sofa ihre Visitenkarte in Würzburg abgegeben. 2004 kamen Christian Wallumrød undXavier Charles dazu und mit ihm und seiner Klarinette ein französischer Hauch, etwas finessenreich Undurchsichtiges. Während das
norwegische Gründerduo mit Huntsville, Zach auch mit Mural und
Xavier mit The Contest Of Pleasure oder, so unwahrscheinlich wie
wahr, mit The Ex auf meinem Radar blieben, webten sie als Dans Les
Arbres mit Elbenfingern an Nebelstreifen im Silberwald. Phosphorescence (HUBROCD2581) vexiert nun wieder mit feinsten Grisailletechniken zwischen Klang und Ton, zwischen akustisch und - neuerdings - elektrifiziert (durch Verstärkung des Pianos und der Gitarre
sowie Livesampling), zwischen bukolisch / ambient und flimmrig /tröpfelig, zwischen individueller Markanz und kollektivem Einklang.
Nach dem halbschläfrigen Phlegma des Debuts und dem nur halbfest
Nebulösen, Rauchigen und Ätherischen von "Canopée" wird nun nachdem sägemehligen Auftakt 'Sciure' mit 'Fluorescent', 'Luminescent'und 'Phosphorescent' ein lichtmetaphorischer Fächer aufgefächert.
Zach streut Sand über ein leichtes Pulsieren und paukt ein paarmalseine Gran Casa, dazu stöhnen und schweifen Drones.

Gitarrendraht flirrt und plonkt, Zach windspielt, die Klarinette schimmert und zirpt, Wallumrøds präpariertes Piano und Synthiesounds
bleiben phantomhaft als ebenfalls perkussive oder drahtige Präsenz.
Es herrscht ständige Bewegtheit, aber mit einer träumerischen Erratik,
einem polyzentrischen Fürsich. Bei 'Luminescent' wieder mit windspielerischem, offenbar sechshändigem Geglöckel, sandigen Wischund tonlosen Blaselauten. Und zuletzt als zeitvergessen harfender,
tüpfelnder, huschender Klingklang, eher lassend als fordernd.
Jedenfalls ohne Druck, gewaltlos (d. h. nicht ziellos). Mit mehrfach langgezogenem Klarinettenton über krabbeligen und sanft touchierenden
Gesten in nichtlinearer, sich ständig kreuzender, schließlich auchtrillender, brodelnder, schnaubender Vielfalt. In einem erstaunlichen
In-between zwischen naturnahem Plinkplonk und wandelweiserischer
Zurückhaltung.
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Carl Ludwig Hübsch (Köln)

SAVE THE ABENDLAND 33:45 a statement to the migration debate
Die frühen Jahre dieses 1966 in Freiburg geborenen
Tubabläsers, insbesondere das European Tuba Quartet
oder das Trio mit Claus Van Bebber & Jaap Blonk, sind
mir entgangen. Doch ging das Dank Post No Bills, CSchulz & Hajsch oder Markus Eichenberger nicht ganz
spurlos, bevor er mir 2005 (BA 50) mit Longrun Development Of The Universe und "kurzweiliger Blasmusik
auf Metaebene 9" auf egofugalem Kurs frontal entgegenkam. Gefolgt von einem Trip dieses Trios mit Matthias
Schubert & Wolter Wierbos durch Hirnheime und andere
Hohlwelten, die sie mit loriotschem Humor durchquerten.
Dazwischen steuerte er 'Floating Fragments' und 'Trivial
Der tut nichts. Der will nur spielen. Tribute To L.B. ' zum James Choice Orchestra bei, fügte
in LHZ+H noch Hautzinger als zweites H zu Lehn &Zoubek, der auch bei "June 16th" mitmischt, nach "K-Horns" mit Suboko & Spieth einer
weiteren Schraumerei, die den Bloomsday mit "bruitistischer Lingua franca" undjoycescher Philisterfickerei feierte. Einen vorläufigen Höhepunkt bildet das "Metal in
Wonderland" getaufte SWR NewJazz Meeting 2012 mit Hübsch Acht und Joker Nies alselektronischem Joker, der Longrun Development Of The Universe mit Zoubek und mit
Drift verlötete, Hübschs Quartett mit Isabelle Duthoit, Joris Rühl & Christian Lillinger.
Seine Spielweise lässt sich recht hübsch beim deleuzeschen Pli selon pli von Tim
O'Dwyers "The Fold (Köln Project)" studieren, einem arabisierten Dreikönigstreffen mit
Bassem Hawar und Saad Thamir. Oder bei "Drift" (Nur/Nicht/Nur, berslton 115 10 06,
6xfile ->carlludwighuebsch.bandcamp.com), seinem Helldunkel mit zwei Klarinetten unddem metalloiden Schimmern und blechernen Stöbern von Lillinger bei heavy geklopftem
Einmaleins. Duthoit sticht aus den animalisch-bruitistischen Umtrieben dadurch hervor,
dass sie die getrillerten und gekirrten Blasgeräusche mit Mundwerk noch forciert.
Hübsch macht die Unke zur Enten- und sonstigen Federviecherei, die bei 'one, two,
three' durchdringend Alarm macht. Oder sich bei 'pinup two' dunkel flach legt, sich bei'one, two five' an die Hörschwelle drückt, tröpfelig, Luftfäden ziehend, mit wieder
blechernem Tupfen und Klackern. Zuletzt setzt Lillinger nochmal unrunde Hiebe zu
murrig blubbernder Tuba, duthoit-rühlschen Kürzeln und Krächzern und Haltetönen,repetitiv und zahlenfixiert, aber auch von marschähnlichen und ländlerischen
Phantomen gestreift, zuletzt sprudelig animiert und beschleunigt.
Zu meinen, das bilde den Hintergrund zu "33:45" (berslton 0000000, CD-R), wäre
Blödsinn. Hintergrund für "33:45" ist der Wahn von 1933-45 und die Rolle rückwärts, diedie Hosenscheißer, Brandstifter und Biedermänner zur Zeit vollführen. Hintergrund sind
Euphemismen wie 'Obergrenze Null' dafür, dass man 'die da' am besten im Mittelmeer
ersaufen und auf der Balkanroute erfrieren lassen oder erschießen sollte, wenn sie denn
unbedingt nicht in der Türkei oder in Griechenland verrotten oder einfach bleiben wollen
wo sie hingehören. Hintergrund ist der Eifer, menschliche und demokratische Mindeststandards für verzichtbar zu halten und Sichabschotten und Verteufeln als Leitkultur zu'kultivieren'. Karl Kraus hat seine "Walpurgisnacht" mit dem denkwürdigen "Mir fällt zu
Hitler nichts ein" begonnen. Hübsch schließt sich dem an mit seinem "there was nothing
to play". Die Performanz dieses Nothing, das, wenn man dem Put up the volume folgt,
nicht Nichts ist, sondern das beredte Schweigen, das entsteht, wenn man bewusst
nicht/s spielt, legt einem statt irgendwelcher Töne nahe, sich zu diesem stillen Memento
Gedanken zu machen. Etwa, dass das Tuten einer Tuba ein Schweigen über so viele
Untaten einschließt. Dazu wird einem die vertraute Perspektive umgekehrt durch einen
Text in Arabisch, in dem nur wenige Wörter in English hervorstechen: Nothing to play...
improvised... xenophobia... information overflow... unsocial media... Großer AustauschAlarm? Wer is da wohl im Oasch daham und wer dem Oasch sein Abszess?
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Intakt Records (Zürich)
Den Tenorsaxophonisten ELLERY ESKELIN, den Kontrabassisten CHRISTIAN WEBER
und den Drummer MICHAEL GRIENER verbindet eine in Zürich geknüpfte
Kollegialität ("Jazz Festival Willisau 25. August 2011"), die 2015 bei einem
Künstlerstipendium des Schweizer Kontrabassisten und des Drummers, der in Berlin
und Dresden seine Schnitzel verdient, in New York intensiviert wurde. Dort entstandim Februar 2016 auch Sensations of Tone (Intakt CD 276), als Miteinander freier
Stücke, in denen die ganz persönlichen Sinneskitzel an bestimmten New Yorker
Ecken mitschwingen, mit frühen Jazzklassikern, für die Weber und Eskelin eine
Schwäche haben, bei Griener ist es zudem Lehrstoff. Eskelin turnt ja auch in seinen
Trios mit dem Hammondorganisten Gary Versace auf Oldies wie 'Just One Of ThoseThings', 'My Melancholy Baby' und 'Blue and Sentimental' rum. Hier spielen sie 'ChinaBoy' von Phil Boutelje, 1922 entstanden und durch Paul Whiteman und Bix
Beiderbecke zum Ohrwurm gemacht, den 'Shreveport Stomp', den Jelly Roll Morton
1928 mit den Red Hot Peppers einspielte, aus dem Jahr 1929 'Ain't Misbehavin'' vonFats Waller und 'Moten Swing', das Buddy Motens 1932 für sein Kansas City
Orchestra geschreiben hat. 'Retro' bis zum Abwinken? Die drei legen mit derÜberschrift, in der Helmholtzens "Lehre von den Tonempfindungen" steckt, eine
etwas andere Spur. Nämlich in praktischer und simpler Demonstration die Feststellung, dass Dissonanzen nicht mehr die 'natürliche' Aversion implizieren, wie das
im 19. Jhdt. unterstellt wurde und dass gleiche Töne ganz unterschiedliche
Empfindungen auslösen können, ebenso wie umgekehrt. Je spontaner undunprätenziöser die bei Weber ganz handwerkliche, bei Griener ganz durchhörige
Spielweise, und je unverstellter die Empfindsamkeit, desto kleiner wird derZeitabstand zwischen etwa 1935 und 2015. So mischen sich, als Paradox aus
Erfahrungslosigkeit und Erfahrungsüberschuss, die Gerüche entlang der Orchard
und der Broom Street in Manhattan oder die Stille der verschneiten Ditmas Avenue
mit dem Feeling der Oldies, die ja zuerst auch nur jung und frisch waren, in sichEmpfindungen bündelten und zu entsprechenden Tonempfindungen einluden.
Möglicherweise war man als Jazzer in den 90er Jahren, als AKI TAKASE & DAVIDMURRAY sich bei "Blue Monk" (1991) und "Valencia" (1997) begegneten, noch etwas
gespaltener zwischen Rückvergewisserung (Monk, Jelly Roll Morton, Ellington, 'Body& Soul') und Vorausschau. Bei Cherry - Sakura (Intakt CD 278) ist der Zwiespalt
längst zur zweiten Natur abgekühlt. Monk ist immer noch ein Thema ('Let's CoolOne'), neue Abschiede kamen hinzu - mit 'Nobuko' gedenkt Takase ihrer verstorbenen
Mutter, liedhaft und in rührender Schlichtheit. Ähnlich innig singt Murray bei 'To A.P.
Kern' mit dem verliebten Puschkin von den geschwundenen Jahren, vergessenen
Engelsaugen, düstrem Sehnen, trunknem Sehnen. So sind von Anfang an fallende
Kirschblüten ein Leitmotiv, die vom Piano und aus Murrays Tenorsax rieseln. Takases
rasant sprudelndes 'A Very Long Letter' korrenspondiert, wenn auch ganz unspanisch, mit 'Like A Kiss That Never Ends' (von "Valencia"), Murrays 'A Long March
to Freedom' (von "Challange", 2010) mit seiner 'Ballad For The Blackman' (von "BlueMonk"). Black live matters mit kaum versüßter Bitterkeit, Takase erklärt sich mit dem
gefühlvoll souveränen 'Blues for David' solidarisch. Der wechselt für Monks
melodienseliges Immergrünchen zur Bassklarinette, im bestens gelaunten Kontrast
zu seinem zartbitteren Balladenton und Ben Webster-Vibrato. Mit dem vitalgeschmeidigen 'Stressology' (ebenfalls schon auf "Challenge" und auch auf "Be My
Monster Love", 2013) erinnert er inmitten der eher wehmütigen als zornigen Blicke
zurück an das jazzige Kernanliegen, für aufgekratzte Stimmung zu sorgen und eine
gute Zeit. Mit 'A Long March...' greift er den 'Blues...'-Ton auf für einen noch einmal
virtuos abgeklärten Tenorgesang bis in höchste Töne, mit dem Feeling und dem
Wildblumenduft seiner über 40 Jahre als Sänger von Power, Hope und Infinity.
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Während eine Feier nach der andern sich abzeichnet, Pierre Favres 80. im
Juni und vorher schon Barry Guys 70. im April (im Rahmen des Intakt-Festivals in London & Zürich vom 16. - 30.4.), offerieren drei weitere IntaktCelebrities in der kahlen Gestalt von Andrew Cyrille, Reggie Workman &Oliver Lake, kurz TRIO 3, das, was sie besonders ausgereift zu bieten haben,in Gestalt von Visiting Texture (Intakt CD 282). Auch Workman wird im Juni
80, Lake im September 75 und Cyrille im November 78, aber gequiekt wird,
was die mürben Knochen hergeben. Die drei haben gut lachen, denn das mit
dem swingen geht wirklich noch wie in besten Zeiten. Ohne noch etwas
beweisen zu müssen. Cyrill tickelt, flockt und tockt mit ganz leichter Hand,
Workmans Finger lassen die Saiten schnurren, als würde er eine Katze
kraulen, und Lake spickt seine Gesänge und Murmeleien mit Altissimospitzen, ohne alle Giftigkeit, aber mit ansteckendem Spaß an der Pikanteriesolcher Zacken. Zacken, auch im Muster seiner Coverkunst, sind seine
Spezialität, etwas, das herausragt aus einem zartbitteren, nämlich leichtmelancholischen Grundgeschmack. Bei 'Composite', der einzigen ganzfreien Improvisation, kommt eine schrille Chilinote zum Glöckchenklang undGestöckel von Cyrille und den Bogenstrichen und dem sonoren Walking vonWorkman. Cyrilles 'Epic Man' gibt ihm Gelegenheit für virtuoses Arcoglissando und 'sprechendes' Pizzikato im Call & Response mit Lake. Der
wiederum bestimmt 'Stick' mit großen Intervallsprüngen und sprudelndem
Tempo zu Cyrilles Blechrauschen über Holzkanten. 'A Girl Named Rainbow'
stimmen sie an in wehmütiger Erinnerung an den 2015 ans Ende desRegenbogens gelangten Ornette Coleman, und Cyrille erstattet mit dem 7/8Groove von '7 for Max' seine Dankesschuld an Max Roach. Wie man Wehmut
und Melancholie mit Händen greift, ohne trübsinnig zu klingen, zeigt Workman zuletzt beim von ihm erdachten Titelstück, das er auch eigenhändig mit
Chimes, Glockenspiel und Flexaton verzaubert.
Mit E-Bass ist es Jazzrock? Chris Tordini spielte bei Michael Dessen, Tyshawn Sorey oder in Nescier & Webers NYC Five bisher Kontrabass. Bei JIM
BLACK MALAMUTE (Intakt CD 283) verlockt sein E-Sound beim anfänglichen'Almost Awake' neben den Keys von Elias Stemeseder zu Sprüchen wie "In a
Silent Way" meets Jan Garbarek, mit Óskar Guðjónsson am Tenorsax als
Garbarek. Black selbst unterstreicht mit Sampler noch den modalen
Horizont, der Schlittenhund im Namen vertieft den nordisch verschneiten
Pelzpfotentouch. Aber dann ist doch vieles anders. Weil die vier nicht nur 13
Stücke spielen, sondern mit unvermutetem Shapeshifting diese 3-, 4-, 5Minüter in ihrem Flow, ihrer sanft konturierten Drift, brechen und raue
Kanten und dunkle Unterseiten hervorkehren. So dass man sich im Insichwiderspruch aus dem Saxophon, das tatsächlich voller 'nordischer' Melancholie und der Sehnsucht nach Wärme summt, und einer immer wieder eisig
klirrenden oder rau knurschenden und aufbrausenden E-Bass-Keys-Frontblaue Flecken und Frostbeulen holt. Black forciert mit eisigen Nadeln aus
dem Sampler, aber auch mit knackig treibendem Beat und klackenden,
pochenden, Blech dreschenden Schlägen eine klondike-fiebrige Jack
London-Poesie, die Guðjónsson mit isländischem Engelsschmerz durchwirkt. Wie man nur mit Melancholie und Monotonie doch so viel sagen kann.
Da kann jemand in Weiß- und in Ofenglut schwelgen, dass einem ganz warm
wird, aber bei 'Stray' auch ganz verloren stöhnen. Auch Stemeseder, mirbisher, auch im Jim Black Trio, nur als Edelfinger am Piano geläufig, zeigt am
Wurlitzer (etc.?), zu dem er wohl auch schon in Eyebone (mit Black & Nels
Cline) wechselte, ein wetter- und sogar unwetterfestes Hundeherz, die Verveeines knurrigen Rockers, der das atmosphärische Fürsich in Zwielicht
taucht, mit dunklen Schüben beorgelt und in heftige Wallung versetzt.
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Brooklyn-Szene ist nicht gerade das Etikett, das mir zum coolen Kalkül von INGRIDLAUBROCK in den Sinn kommt, dem Intakt-Aushängeschild der 10er Jahre. Auf
Planktonic Finales (Intakt CD 285) spielt sie ihre Tenor- & Sopranosaxophonezusammen mit dem Kontrabassisten STEPHAN CRUMP (dessen Duette mit Mary
Halvorson und Steve Lehman ebenfalls Intakt-einschlägig sind) und mit CORY
SMITHE. Cory Wer? Nun, der ist Pianist mit einer Schokoladenseite in ICE, demInternational Contemporary Ensemble, laut Alex »The Rest is Noise« Ross
“America’s foremost new-music group”, und als Partner der Violinistin Hilary Hahn,
aber gleichzeitig einer freieren Vanilleseite mit Tyshawn Sorey, Nate Wooley oderPeter Evans. Nur käme mir "introvertiert... träumerisch verklärt... manchmal fast
meditativ" zu Brooklyn oder auch jedem sonstigen Pizzastück von New York kaum
in den Sinn. Dennoch trifft Christoph Wagner damit durchaus die Ausstrahlung
dieses Miteinanders. Als Musik, um dabei über Bücher zu brüten, sich zu
versenken in Tagträumerei. Zu lauschen, wie Crump Ton für Ton von den Saiten
pflückt oder sie unter dem Bogen summen lässt, wie sparsam und leicht Smythe
Hand anlegt, wie sprunghaft, wie vogelig Laubrock die Luft punktiert, bekeckert,
zerschrillt. Denn dösig ist das alles nicht, vielmehr ganz auf dem Quivive, krabbelig
und flüchtig, wendig, spritzig sogar, winkel- und kurvenreich, freisinnig undquecksilbrig. Dennoch weisen die Vektoren nach Innen, liegt der Fokus inmitten
des Dreiecks, das damit einlädt, näher zu rücken, sich miteinbeziehen zu lassen
durch Sympathiezauber. Dazu passt die elementare Analogistik, die das Holzige,
Gewachsene und Waldhafte am Piano, das Seilstramme und Sehnig-Elastische amBass, das Luftige, Atmende, Himmlische im Blaston hervorkehrt, daher auch'Through the Forest', 'Inscribed in Trees', 'Sinew Modulations'. Das Äußere entspricht dem Innersten, das Kleine dem Großen.
Mary Halvorson hörte sie spielen und war mesmerisiert. Und steht damit nicht
allein. Denn die drei vom TRIO HEINZ HERBERT, Dominic Landolt an Gitarre, Mario'Rio' Hänni an Drums, beide auch mit Effekten, und Ramon Landolt an Synth,
Samples & Piano, die tanzen wirklich effektvoll aus der Reihe. Nicht urplötzlich,denn ihr an der Musikhochschule in Luzern erworbenes Knowhow, das zeigten sie
schon bei "Rubin" (2013) & "Die Reise des Gerbikulus Starwatchers" (2014, beide
auf Unit Records). Mit 'Rigobert Song' spielten sie mir fast persönlich in die Karten,
auch wenn ein kamerunischer Kicker gemeint ist. Heinz Herbert ist selbst fürNowJazz-Verhältnisse far out, eigenartig wie Ronin und Plaistow (doch nicht derart
minimalistisch), hypermodernistisch wie das avancierte Zeug auf Thirsty Ear,sogar mit einem squarepusherischen Drum'n'Bass-Einschlag. Hänni bringt dazu
als Electronic-Housemeister bei Pablo Nouvelle Pop- & Soulfeeling ins Unterfutter.
Das löste aber bei The Willisau Concert (Intakt CD 287) (am 2.9.2016) nur anfangs
Hustenreiz aus mit seinem kaskadierenden Kurzweilgranulat, seinen Oszillationen
und erratisch knatternden Pulsketten vom doch recht jazzfernen Ufer. Hochfrequente Beatz sorgen für enormen Drive, der jedoch ausdünnt für Harmonikaschwebklang zu ostinatem Hänni-Riff, der ausdauernd galoppierend dem Ziel
entgegen crescendiert, das nach 18 Min. erreicht wird. Die drei sind Mittelstreckler
mit je zwei weiteren 11- und 8-Minütern. Bei 'Fragment Z / Brugguda' im Wechsel
von einem kristallin tröpfelnden, funkelnden und zwitschernden Cyberambiente zu
gitarristischer Verdichtung, repetitivem Plaistow-Riffing und eingeworfenen Beatmustern, jeweils auch per Loop und Delay. Bei 'Hyper Down' lassen die drei esüber träumerischem Piano schillern und kommen dann doch wieder repetitiv inGang. Für 'Heinz Steps' mischen sie kurze Kurven mit krummen Wellen undweiterer CERN-Komik, während die Gitarre immer wieder versucht, da Linie
reinzurocken. 'Planet Cita K' hebt zuletzt schon groovefiebrig an, flattrig undflimmrig. Hänni dreht und dreht die Beatkurbel, Gesang schallt von der Höh', zu
der alles aufstrebt, aber außer Tritt und Atem kommt. So dass es gerade noch fürstürmischen Beifall (auch meinerseits) und e chanz e chlene Zuägåbe reicht.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Um mich für LOZ SPEYER'S INNER SPACE einzunehmen, genügt es eigentlich,dass Speyer seine Trompete einst bei The Happy End geblasen hat. Das war
ein typisches Kind der 80er, ein Brecht-Weill-Agit-Prop-Orchester, das wie
hierzulande das Sogenannte Linksradikale Blasorchester auf die Barrikaden
ging. Längst aber leitet er eigene Bands, ein monkisches Postbop-Quartet, diekubanische Time Zone und hier auf Life On The Edge (LR 782) ein Blasquintett
ohne Piano, dafür mit Olie Brice, einem grandiosen Kontrabassisten dernächsten Generation, Gary Willcox an den Drums und Rachel Musson, die gut
mit Brice kann, an Tenor- & Sopranosax. Versilbert mit Chris Biscoe an
Altosax & Klarinette, einem soeben am 5. Feb. 70 gewordenen Veteranen,
dessen Sound auf jede denkbare Weise mit Mike Westbrook verbunden ist.
Wer mir das 'grandios' bei Brice nicht glaubt, hört einfach mal bei 'Fr-agile' zu.
Los geht's mit Blue Note- und Ogun-Spirit, mit Spirits Rejoice-Stimmung und
Mingus-Power. Auf dem langen Weg von 'A to B to Infinity' geht es durch Dick
& Dünn, mit Abkürzungen und Strafrunden, wie jeder weiß, der mal 'Snakes
and Ladders' gespielt hat. Die 'Rocket Science' ist durchwegs retrofuturistisch, tardisblau, offen für alles, was in den 60ern noch als amazing galt.
Speyer schwelgt in der Farbenpracht der Bläserstimmen und lässt sie ebenso
gern kollektiv wie soliloquistisch züngeln. Space is the Place, bei nachtblauem
Himmel, und Now is the Time, eine temporeiche Zeit, in der die Bläser reihum
vital mitschmettern. Speyer gehört zur sanglichen Wheeler-Beckett-Riege, mit
Einfühlungsvermögen in die zerbrechliche Humpty-Dumptyness da auf derKante. Aber doch auch bereit, dem schlangenförmigen Lauf der Zeit Leitern
entgegenzustellen. Um mit 'Brewglass' zuletzt in aller Seelenruhe ein sämiges
Guinness zu schlürfen.
Bei "Pleonid" (LR 783) schlägt die Tonuhr 13, wenn STUART POPEJOYs 1stündige algorithmische Komposition sich anschickt, mir mit ihrem 10-Note
Gamut die Hirnwindungen zu flechten und zu terrassieren. Der Bassgitarrist in
Brooklyn, Dr. Jekyll im Sarah Bernstein Quartet, aber mit dieser Geigerin auchein Iron Dog und ein Stonerrocker mit Bassoon, hat sein Opus 2012 uraufführen können in einem hochkarätigen Quintett mit Bernsteins Vierteltonchromatik, Avram Fefer (von AKF Trio, Big Picture Holiday, Adam Lane's Full
Throttle Orchestra) am zartbitteren Altosax, dem groß angesagten Steve Swellan der Posaune und Kenny Wolleson (von The Gnostic Trio, The Dreamers)
gewohnt kristallin an Vibes und an Drums. Halbwegs begriffen habe ich:
'Braids' sind ausnotierte Passagen, 'Melodies' nutzen komponiertes Material
für strukturierte Improvisationen, und 'Vamps' sind, was sie immer sind,repetitive Begleitfiguren für Solokadenzen. Third Stream 2.0? Jedenfalls keinübliches Gejazze, sondern Hitech Chamber Jazz, ähnlich dem, was Steuart
Liebig, ebenfalls ein Bassgitarrist, an der Westcoast mit Stigtette oder Minim
gemacht hat. Individualität und Intuition spielen zwar ihre Rolle, abergesteuert durch einen algorithmischen Haskell Code. Die Willkür wird dadurch
etwas gemindert, dafür spielt das Klangspektrum einer auf 10 Noten
gespreizten Guidonischen Hand eine Hauptrolle. Der formelhafte Duktus wird
aufgewogen durch die finessenreiche Könnerschaft bei den Ad lib.-Strängen,denen Ariadne mit sanfter Softwarehand die Fäden liefert. Swells Minotaurus Haskell schließt nämlich harryhausensche Zyklopik nicht aus - ist im Labyrinth
zuhause, es ist seine Theater- und Tanzbühne und er darauf der barockstolzierende, lüstern schmatzende Primo Uomo, der mit trommelnden Hufen
Zittern und Zagen, Ehrfurcht und Panik, Kontroversen und wortreichen
Einspruch auslöst. So kurz kommt das Temperament dann doch nicht.
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Fünf Alben mit dem New Yorker Collective 4tet und nun das vierte mit dem
Schweizer ENSEMBLE 5, der Zürcher Drummer Heinz Geisser ist einer, derdas Profil von LR mitprägt. Live - featuring ELLIOTT LEVIN (LR 784) zeigt im
Rahmen ihrer "Mittwoch 4+1 Reihe" den Kontrabassisten Fridolin Blumer, den
Pianisten Reto Staub und den Posaunisten Robert Morgenthaler mit einem
besonderen Gast. Um mit Knowhow aus der Werkstatt für Improvisierte Musikzu schauen, ob in der europäischen Brust ein Herz steckt oder ein
Bankschließfach. Levin, Jahrgang 1953 und bekannt als 'Philadelphia
Phenomenon', hat mit Alan Silva und Cecil Taylor, mit Tyrone Hill und Odean
Pope, mit New Ghost und Weasel Walter ins Feuer geblasen. Der bärtige Pirat
ist ein Teacher/Preacher in Amiri Baraka-Manier, ein Schamane mit Flöte, ein
Feuerteufel mit Tenorsax. So dass Blumer alle Hände voll zu tun hat, um
zwischen dem zivilen Piano, Geissers rappeligem Krawall, Levins feuervogeligen Lyrismen und druckvollen Tiraden und den knörig-grotesken
Einwürfen der Posaune zu vermitteln. Geisser rattert und drischt wie ein
Drums'n'Fifes-Trommler auf dem Kriegspfad. Mit jedoch karnevalistischem
Detournement des Militanten, als mitreißendem Sturmlauf des Élan vital, indessen Glut, die Levin mit schriller Verve schürt, der Geist der Schwere dranglauben muss. Ich erinnere mich nicht, dass die Schweizer jemals derart
Feuer und Flamme gewesen sind, selbst das Eis, das Staub pickelt, splittert
heißkalt. Geisser schüttelt seine Rasseln in Trance, während Blumer dem
besessenen Patienten den Schädel aufsägt, damit entweichen kann, der unter
vielen Namen auch Mammon heißt. In zwei Sessions wird um die Eco-EuroPean-Omic Soul gerungen, in einer Travestie, in der statt Medizinmännern
Figuren der Commedia dell'arte in Weiß - Flöte, Piano - und in Scheckig - die
Slampoetry, das Tenorsax, die klappernden Drums und die Posaune - schillern
und öfters auch die Rollen tauschen.
Als SIMON NABATOV 1986 nach Köln kam, brauchte es nicht lange, ihn mit
den üblichen Verdächtigen bekannt zu machen. Im Grunde konnte man sichnicht aus dem Weg gehen. Mit FRANK GRATKOWSKI verband ihn bald die
geteilte Verehrung für Steve Lacy und erste gemeinsame Spielpraxis, imOrchester von Klaus König (1988), im Simon Nabatov Ouartet ("Nature Morte",
1999) und immer so weiter, bei Leo Records' 25th Anniversary im Kölner Loft(2004) und weiteren "Celebrations" (w/ D. Manderscheid & H. Robertson,2006), zu dritt mit Marcus Schmickler ("Deployment", 2009), bei Leo's 35th
Anniversary in Moskau mit Kruglov & Yudanov (2014). Auf Mirthful Myths (LR785) hört man sie, im Mai 2015 und wo sonst als im Loft, endlich auch mal zu
zweit allein. Nabatov mit der ihm eigenen wuchtigen Entschlossenheit, denbocksbeinigen Pan mit der Friedengöttin Eirene zu verkuppeln und das
unwahrscheinliche Paar zu nötigen, ihm zuhanden zu sein. Wer könnte besser
einen panischen Caliban mimen, der plörrend und kirrend hadert mit den
Zaubersprüchen und Diktaten, die da auf ihn einhageln, als Gratkowski mit
widerspenstigem Altosax? Ganz anders Eirene, die mit ihrem Palmenzweig im
Innenklavier harft und krimskramst und mit dem kleinen Pluto schmust, derdie Backen aufbläst, züllt und blubbert und dissonante Fürzchen absondert.
'Pan's Wanderlust' entspinnt sich aus der Aufbruchsstimmung des fliegenfängerischen, melancholischen Pianos und der sonst durchdrehenden
Bassklarinette, die Luft durch die Zähne presst und fiepend und mit Trüllerü
den Weg zum Ziel macht. Bei 'Progress of Notus" ist die Trübsal aber eher
noch drückender geworden, Nabatov scharrt mit seinen Ketten, Gratkowski
seufzt und fleht zum Südwind, dass er es donnern und aus allen Himmeln
gießen lässt. Statt dessen kommt nur ein klappriges und blubbriges Getröpfel
zustande. Gerade genug, um zuletzt elgisch alles wieder auf Anfang zu stellen('At the Beginning') und 30 Jahre abzuschütteln wie Wassertropfen.
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PNL Records (Oslo)
Zwei Drummer als Mittelpunkt einer etwas anderen Weihnachtsparty und als Motor des
PAN-SCAN ENSEMBLE, einer Blaskapelle mit entsprechend unorthodoxer Agenda. FürAir and Light and Time and Space (PNL035) scharte sich am 20.12.2016 um Paal NilssenLove & Ståle Liavik Solberg (treibende Kräfte der Blow Out!-istik in Oslo) mit Lotte Anker,
Anna Högberg & Julie Kjær an Saxophonen & Flöte, mit Thomas Johansson, GoranKajfeš & Emil Strandberg an Trompeten und Sten Sandell am Pianola ein panskandinavischer Zirkel von Gleichgesinnten, denen keiner zu sagen braucht, auf was es
ankommt und wie man es erreicht. Vierarmiges Drumming ist das im Brötzmann Chicago
Tentet, den Territory Bands und in den Circulasione Totale, Barry Guy New und Fire!
Orchestras erprobte Agens apperzeptiver Interaktion. Sei es der 'Materialfortschritt'oder gar ein Paradigmenwechsel, der diese NowJazz-Kapellen unterscheidet von derbrotherhood-of-breathschen, westbrookschen oder carla-bleyschen Afro-Weimarianistik,
es ist die individualistische und vitalistische Kunst eines 'ungemeinen' Miteinanders, diehier einen weiteren Triumph feiert. Es beginnt, rein perkussiv, mit dem Abstecken desSpielfelds, das im 'Air and Light'-Viertel nach 4 ½ Min. trompetistisch-pianistischentflammt wird. Was anarchistisch-bruitistisches Laissez-faire zur Folge hat, bis die
Bläser sich auf brodelndem Sud soweit abkühlen und dämpfen, dass sich Augen- undLippenpaare treffen und vereinen. 'Time and Space' erhitzt sich über nichtlineare 33 ½
Min hinweg aus erratisch-aleatorischen Impulsen, kirrendem, quarrendem, rumpeligem
Gestöber und auch mal nur einer schief gequetschten Trompete zum kollektiven Feuerio.
Das machine-gunnend den Geist der freien 60er beschwört, aber auch mit dem Piano
allein und einem Techtelmechtel von Flöte und Trompete sich die flattrige, pollockistische
Spritztechnik des Spontaneous Music Ensembles einverleibt. Mit einem zweiten
Turbulenzplateau ab der 18. Min. Nennt es Heidenspaß, nennt es "Rock'n'Roll!". Eine
'Sustained' Passage zerfällt in Piano-Trompete- und Perkussion-Sax-Pingpong, bis sichüber 6 Min. hinweg noch einmal hitziges Gezüngel aufschaukelt und mit crashendem
Feuerwerk dem Sol Invictus huldigt.
Habe ich PAAL NILSSEN-LOVE jemals im Duo trommeln hören? Komisch. Denn Allein-zuzweit ist eines seiner liebsten Formate, mit Lasse Marhaug, Nils Henrik Asheim, Magnus
Broo, Anders Hana, Terrie Ex, Masahiko Satoh, Sten Sandell, Arto Lindsay, Fred LonbergHolm. Seine Partner mögen spielen was sie wollen. Oder ist das Saxophon-Duo doch der
heiße Kern? Mit Gustafsson, logisch, mit Brötzmann natürlich, mit Joe McPhee, Ken
Vandermark, Håkon Kornstad, John Butcher. Nearby Faraway (PNL036) mit FRODE
GJERSTAD ist Ausdruck einer ganz besonderen Verbundenheit, die auch schon bei "Day
Before One" (2000), "Gromka" (06/2008) und "Side By Side" (08/2008) intim vertieft, wasdie beiden parallel im Gjerstad Trio (und schon seit 1992 im Circulasione Totale
Orchestra) auskochen. Gewidmet ist die Musik dem Keyboarder & Akkordeonisten Eivind
One Pedersen (1956-2012), der mit Gjerstad 1982 in Detail gespielt hat und mit beiden
dann in Calling Signals. Unschwer kann man sich seinen Tod als aporetischen Bezugspunkt vorstellen in Gjerstads gepresstem, bohrendem, monoton beklopftem Grübeln bei'Dreams' und als den Schatten im schillernden Klarinettenton von 'Close By'. PNL, einer
der benninkeskesten Drummer seiner Generation, zeigt sich dazu von seiner sensibel
klackenden, pelzigen und rauschenden Seite, erst bei 'Flying Circus' beginnt er zu
spitzem Altosax donnergrollig zu poltern und einen Sambagroove zu pochen. Gjerstad
zeigt sich dazu als Urtyp jener oktavsprunggewaltigen und diskanten Expressivität, wie
sie ähnlich auch Ivo Perelman verkörpert. PNL dengelt Blech, holzt lakonisch undumkreist auf rasenden Pfoten oder mit erratischen Tupfen Gjerstads Tiefenbohrungenmit Basssaxophon oder Kontrabassklarinette. Mit wummrigem Paukengroove umfließt er
das eskapistische 'Houdini's Float' und, klanglich aufgefächerter, 'Funny Talk', um zuletzt
bei 'The Ghost' mit Mottenflügeln und Cymbalcrashes zu flattern und zu rauschen undalles Gespenstische energisch zu verscheuchen.
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Jeff Platz (Providence R.I.)

Der Name JEFF PLATZ hat bei mir einen guten Klang, als Gitarrenchampion mit
Anbindung an das Münsteraner Skycap-Label, mit Joe Morris, Luther Gray, Scott
Getchell und Timo Shanko als Skull Session, als Modern Primitive mit Jan Klare undAuftritten beim Jazz Festival in Münster oder im Bunker Ulmenwall, Bielefeld. Auf
Modular Systems (Setola Di Maiale, SM3150) begegnet man ihm mit DAVE MILLER,
einem bewährten Drummer der NY-Szene in D’Alliteration mit Daniel Carter, mit Pet
Bottle Ningen auf Tzadik und im BLAISE SIWULA Trio schon mit dem umtriebigen
Free Music-Free Mind-Free World-Saxophonisten, der unermüdlich zwischen
deutschen (Carsten Radtke) und mexikanischen (Israel Flores), New Yorker (Eric
Plaks) und Lissaboner (Jorge Nuno) Connections flippert und bereits 2007 auchschon mal Teil eines Platz Quintets gewesen ist. Am Bass höre ich erstmals DMITRYISHENKO (We Is Shore Dedicated, John Tchicai’s Five Points, Variable Density Sound
Orchestra), der keine weiteren Empfehlungen braucht, wenn ich lese, dass er auf“Fighter Planes & Praying Mantis” (2013) mit Alex Weiss, Eyal Maoz & Ches Smith
Black Flag, Minor Threat und ‘Angel of Death’ von Hank Williams angestimmt hat.
Platzens Fingerspiel, ähnlich jazzig bewegt und wandelbar bis hin zum Struppigen wie
etwa das von Bruce Eisenbeil oder Kevin O’Neil, hält zwar konsequent an einem
rockfernen Single Note-Stil fest, jedoch nicht nur seccoperlig, vielmehr sporadischwie mit eisengrauem Crew Cut. Aber zuvorderst doch mit einer lyrischen Ader undmondsichelförmige Noten träumend, passend zu Siwulas zwanglosem Sinnieren undIshenkos pulswärmendem Pizzikato. Gibt sich Siwula nachdrücklicher und sprudeliger, hält Platz sprunghaft und leicht angeschrägt Schritt. Wie Gitarre und Bass in'Kiosk Land' hinein plänkeln, zeugt von gekonnter Guerillataktik. Pizzikato undklackelnde Metallperkussion und dann auch erste Bogenstriche machen 'Astronomy,
Etcetera' zur sternguckerischen Besonderheit, zudem ist irres Tempo angesagt undmeine Fehlanzeige, was Platz-Rock angeht, muss ich nach dem Geschrappel auch
revidieren. Siwula spitzt dann seinen Altosound auch noch sopranistisch an und quirlt
so noch einen Gang quecksilbriger. Überhaupt zeigt die Leistungskurve ständig
aufwärts, Platz zerhackt und zerraspelt seine Töne, ohne dass das Siwulas
aufgekratzt sangeslustige Laune trüben könnte. Wie Miller drauf ist, verrät sein
Dingdong-Intro zum mit Tenorgrowling angerauten Titelstück, das Platz mit
kakophonen Blitzen beschießt und mit Takayanagigriffen zerrupft. Wie Ishenko zuletzt
bei 'Raw Vision' den Flaum von den schnarrenden Basssaiten rasiert, Siwula hupt und
Gas gibt und Platz über die Stränge schlägt, macht einfach nur Lust auf mehr.
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Zum Glück gehört Ishenko auch zum aktuellen JEFF PLATZ TRIO, dassich mit Low Light Filter (Glitch Records 005) vorstellt. Dritter Mann ist
Dalius Naujokaitis, ein Drummer aus Vilnius, der, seit 1995 in New York,
dort mit seinem Landsmann, dem Filmemacher Jonas Mekas gearbeitet
hat, ohne den Kontakt zur litauischen Heimat abreißen zu lassen, wo er
das Naujo Atomic Orchestra leitete oder mit Eugenijus Kanevičius und
Liudas Mockūnas (als Traffic Trio) trommelte, auch „Rasa Rasa“ (2014),
sein Tzadik-Album mit Jonathon Haffner & Kenny Wollesen, ist durch unddurch litauisch. Das Trioformat legt das dreipolige Innenleben in seiner
flachen Hierarchie offen. Naujokaitis erweist sich als Feinmechaniker, als
tickelnder, klackender und besenschwingender Quertreiber gegen den
geraden Lauf der Sekunden. Die sonore Beredsamkeit von Ishenkos
Pizzikato und Platzens singendes Arpeggio zeigen sich im kleinen Kreis
intimer, auch traditionsbewusster, was nicht heißt, dass es nicht prickelt,
so wie Platz da die Töne übereinander flockt. 'Daisuki' tatzelt groovy mit
einem starken Bassdrehmoment. Wenn an repetitiven Mustern dann sokrumme Sounds zerren wie bei 'Semicircle', platzt der Knoten und
Freakpulver wird freigesetzt. Doch auch mit dem arco-bebrummten'Nomadic tree' füllt das Trio die Speicher noch mal randvoll mit warmer
Poesie für kühle Tage.
Eben dieses Trio erweiterte JEFF PLATZ für New Cabal (Glitch Records006) mit dem Saxophonpoeten DANIEL CARTER, einem guten Vertrautenvon „Panoramic“ (Skycap, 2010) und „Past & Present Futures“ (Glitch
Records, 2013). Der nimmermüde Levitations-Spezialist fächert hier seinganzes Sortiment auf: Saxophones, Clarinet, Flute, Trumpet und Piano.
Und bringt damit, so wie er es in jedem Kontext seit mehr als vierJahrzehnten tut, eine Zärtlichkeit ins Spiel, die bei Platz und DMITRYISHENKO Beschützerinstinkte weckt und DALIUS NAUJOKAITIS dazu
bringt, seine Schläge in rauschende Partikelwolken zu atomisieren oderzumindest zu federnden Strohwischern zu dämpfen. Zumal Carter erst
mal nur flötet oder seine Trompete zirpt. Platz spielt dazu die Vorhut, diealles, das nicht nachgibt, mit Dschinnpower in Gummi verwandelt, Raumund Zeit nicht ausgenommen. Sein Biegen und Brechen, sein Hämmern
und Sägen, sein Hornisseneifer kontrastieren ganz köstlich mit Carters ja
nur scheinbarer Zerbrechlichkeit, um die der Bass samtpfotig herumstreicht und offenbar doch auch was Raubkatzenhaftes wittert.
Spätestens Carters Saxgezüngel bei 'Springish' müsste jedem die Augenöffnen, sein Spiel hat etwas Daenerys-Targaryen-Haftes, äußerlich blonde
Kindfrau, in Wahrheit feuerfest und mit Drachenbiss. Auch die Gitarre
zeigt wieder spitze Zähne, harte Klauen, aber wetzt sie ganz spielerisch,biegt zu Carters lyrischem Ton Eisen oder hält zu seinen rasanten
Vorstößen einfach nur gleich rasant Schritt. Die Flöte traumwandelt auf
von Naujo mit Sand bestreutem Elfenweg, die Trompete steigt mit überStock und Stein und verwandelt sich, vom 'Hornet Breath' im Nacken
unberührt, in der Höhe in eine Bass?-Klarinette. Pianistisch-gitarristischperkussives Klimperklirren verdichtet sich in Hochgeschwindigkeit, Platz
gibt sich virtuos selber die Sporen. 'Actual Size' beginnt als Call &Response aus wildem Drumming und kapriolendem Soprano, die Gitarre
fährt dem freakisch kakophon in die Parade. Das Finale aber entwickelt
sich aus Bass-Sax-Poesie zu einem mit Beselchen und prickelnder
Gitarre in Schwung versetzten Groove. Mehr Pfeffer und Feuer als das
verspricht höchstens noch die Femme fatale auf dem Cover. Mit dem
Grafikdesign von Holger Drees knüpft Glitch Records übrigens direkt an
Skycap an.
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Rune Grammofon (Oslo)Der von Kim Hiortøy auffallend
rhinologisch illustrierte dritte Streichvon KROKOFANT, schlicht Krokofant III (RCD2189) getauft, hält mit
den speziellen Qualitäten von Tom
Hasslan, Axel Skalstad und Jørgen
Mathisen keine Sekunde hinterm
Berg. Dynamische Gitarre, vehementes Drumming und agiles Sopranosaxophon, dazu ein brummiger Basssynthie, ebenfalls vonMathisen bedient, presst einem, so
in den Sitz gedrückt, gleich mal ein"Uff" ab. Dabei hat Hasslan nochgar nicht seinen Joker als gitarristischer Teufelskerl gezückt. Aber er tut es und lässt
einen damit gleich bei 'Tommy Synth' (dem Vetter von Tommy Gun?) mit der Zunge
schnalzen. 'Clazz' folgt als wildes Tänzchen mit weiterer Gitarrenteufelei, einen noch
stupenderen Saitenderwisch als diesen unwahrscheinlichen Typen mit Ziegenbärtchen
und Nerdbrille kann ich mir kaum vorstellen. Mathisen zeigt sich dem ebenbürtig mit
dem sopranistischen Hammer des Jahres, so wie er da bei 'Juice' den Saft spritzen
lässt. Da nehme ich gern schon im Januar Gegenwetten an. Für 'Double Dad' stürmt
Hasslan über die halsbrecherischen Stufen runter zu seinem Crossroad-Dad undwechselt dabei ebenso wie Mathisen zu einem FX-Sound wie man ihn vom furiosen
Cowboys From Hell-Cowboy Christoph Irniger kennt. 'Wrong Turn'? Dazu müsste manzu jenen Bornierten gehören, denen die ganze rockjazzige Richtung nicht passt. Die
anderen erwartet zu guter Letzt eine weitere, deutlich hardrockig forcierte Dröhnung
mit einem Stammbaum bis runter zu Jimmy Page, Tony Iommi und Ray Russell, aberauch wieder mit Titty- und Derwisch-Twisting und eisernem Besen.
Ornette für Kinder? Das ist tatsächlich eines der Projekte von HEGRE & DRØNEN
(zusammen mit Stein Urheim und Kjetil Møster). Die beiden, der Noise-Gitarrist John
Hegre und der Trommler Nils Are Drønen, die machen seit 1996 als Public Enema Free
Form Music und Drønen taucht öfters auch in Hegres Basisstation Jazkamer auf.
Allerdings ist das ja 'Jaz(z)', bei dem man eher den Kammerjäger notruft. Drønen zog
bei The Last Hurrah!! Live dann die Strippen zum unvermuteten Dritten bei Axis
(RCD2190), dem unorthodoxen Saxophonkolossus JON IRABAGON. Der hat neben
seinen Hauptsachen mit Mostly Other People Do The Killing, mit Barry Altschul, Dave
Douglas und Mary Halvorson offenbar immer noch Zeit und Abenteuerlust genug fürseltsame Freundschaften speziell in Bergen, zu Sergeant Petter, Professor Tip Top,
Anja Kløve oder eben einem Troublemaker wie Hegre. Wobei ich dessen Faible fürFreistil-Jazz ebenso unterschätzt habe wie das von Drønen. 'Berlin' & 'Fukuoka' sindzwei furiose Sets, die keine Wünsche offen lassen hinsichtlich wildem Trommelgrollen,
Hagelschlag und Beckendreschen und feuermusikalischer Sax-Exzesse. Wobei sichIrabagon auch von einem verstimmten oder verstopfen Horn nicht bremsen lässt. Er
ploppt sich da einfach durch, beißt der Schlange den Kopf ab, setzt mit lauthalsem
Kikeriki den Hahn aufs Dach. Hegre spielt dazu den gitarristischen Widerborst, seine
Finger ein pluckernder Ventilator, seine Töne abrupt oder krumm wie gezogene Nägel
und geeignet, einen Hasslanometer in eine Sinnkrise zu stürzen. Beim grüblerischen'Fukuoka' ist er jedoch in der 13 Min. voll da, um beim plötzlich losbrechenden,
siedendheiß aufzischenden Groove in seinem hufeschwingenden, irre kirrenden
Karacho und einem um die Ohren crashenden Blitzen mitzugrooven und mitzublitzten
als sei das alles genau so auf seinem Mist gewachsen.
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Udo Schindler (Krailling) - Creative Sources Recordings (Lisboa)
Salon für Klang+Kunst, der 44.: UDO SCHINDLER traf sich am 24.4.2014 mit INGRIDSCHMOLINER, der PARA-logischen Pianistin, die mit Badenhorst & Niggenkemper
Watussi tanzte, auf ihrem Corvo-Album "Karlitsy Syuita" vor Zwergenweitwurf nicht
zurückschreckte und die sich gerne mit einer gewissen DAMN!-Attitüde an den Tasten
vergreift. Ihre Begegnung, Blaublatt (cs 387) betitelt, macht unmittelbar ihre
präpariert-perkussive Eigenart deutlich, die den Keys läutende Laute entlockt,
repetitiv und verbunden mit ostinat klackender Mechanik. Neben verfremdeten
Klängen geben die Tasten aber auch vollen Pianoklang her, mit Betonung auf 'auch'.
Dem eher kleinlaut krabbelnden Käfer-Auftakt mit Klarinette folgt sogleich ein
drehwurmig-gamelanesk gequirltes Interlude von cage'scher Couleur, jetzt mit
bassklarinettistischer Hoch-Tief-Stapelei zu zuletzt agiler linker Hand. Schmoliner
scheut sich nicht, bedächtig und feierlich zu klingen, Schindler zieht mit langen,gedämpften Haltetönen nach, für ein Nachtstück der mitternachtsblauen Sorte, bei
dem die Österreicherin mit reibendem Daumen ein Käuzchen spielt. Mit federnden
Klängen im Innenklavier und wischenden Lauten zu dunkelst murrendem Mundwerk,
mit Beinahestille, Dulcimeranklang und tönernem Dongen zu träumerischer Klarinette
sind wir bei einem der magischsten Momente, die dem Salon beschert wurden.
Schindler klarimurrt und kirrt Spaltklänge zu holzigen Hieben und drahtig scharrendem Groove, der sich in abrupten Tastengriffen vollendet. 'Wirr_flirren' spottet den
iis mit wummerndem Kontrabass-Zungenschlag zu dissonant pickenden Sekundenschlägen und verquirlten Arpeggios. Schindler nötigt dem Instrument spitzes Stöhnen
ab und dunklen Alphornton, zu dem Schmoliner zu jodeln und zu keckern anhebt,
parzengrill und watzmannblau, frage nicht.
Mit Quiet Notes and The Fascination of What's Complex (cs 399, 2 x CD) sind wireinesteils beim 55. Salon, der UDO SCHINDLER am 30.5.2015 mit dem Posaunisten
MATTHIAS MÜLLER zusammenführte, und anderteils am Tag danach bei ihrem ars
musica-Auftritt in München, zu dritt mit GUNNAR GEISSE an Laptop-Gitarre. Müller,
der zuletzt öfters CocoRosie spielte bei Robert Wilsons "Peter Pan" am Berliner
Ensemble und sich umtriebig zeigt mit Absolutely Sweet Marie, dem Foils Quartet unddiversen Dates in allen Berliner Impro-Ecken, fand gleich auch zum Ton in Ton mit
Schindlers Bassklarinette und dann auch Sopranosax. Possierliches auskostend,
Pomadiges im Keim zerstörend mit schmatzender Säure. Schnell einigen sich die
beiden auf Extented Techniques in extremer Art Brut-Virtuosität, auf schmurgelgurr
und schlabberschlürf, röchelknör und zirpelfauch, brodelkeuch und schillertrill. Manmuss manchmal genau hinhören für's Who's Schind- und Who's Müll- und die Kontraste
von tonlos bis blörrend, von zirbrichlich bis morrend, von Rost im Rohr und Groll im
Mund. Tiefschürfend ist dafür kein Ausdruck. Wobei gerade die Bassklarinette auch
auf pikkolo macht und die Posaune sich so durchscheinend dünn wie ein
fadenscheiniges Nachtgespenst. Und dann tuten sie auf einmal so konsonant, alshätten sie's geprobt. Mit dem Go Guitar-Mann Geisse und dessen Spannweite vomsolistisch-cyborgianischen "AtƎM" bis zum ICI Ensemble, nimmt das eine Wendung inein bizarres Ambiente. Dunkel und knurrig gewebt, aber auch von feinen Bläschen
durchsprudelt, zeigt Geisse darin einen erratischen Aktionsradius, teils als anderer
Hans Tammen in allen Gassen, größerenteils so mysteriös, dass er die Tröter völlig
auf- und umeinander scheucht, bis sie sich in feinen Gespinsten halbwegs inSicherheit wiegen. Prompt plonkt und plinkt er derart krumme Töne und lässt sie
elektronisch schnurren, kaskadieren und hängen oder sogar bruitistisch mutieren,dass die Bläser in Dauererregung verfallen, in Wellengekräusel, oder sich wieder
verstecken, in einer leisen Schmauchspur, zitternd und fiepend. Wenn dann noch
neutönerische Operndramatik aus dem Laptop sprudelt und eigenartigste Percussion,
kippt das endgültig über den Improhorizont. Neverland ist fad dagegen.
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Zarek/Zangi Music (Berlin)
Echtzeitmusiktage Berlin 2010, mittendrin auch PERLONEX, zu einem Zeitpunkt, als in der
Szene bereits Leistungsbilanzen angesagt waren (wie der 2011 erschienene EchtzeitCompanion beim Wolke Verlag und 2012 die CD-Box bei Mikroton), als Rückblicke mit
Selbstzweifeln und Orientierungsbedarf. Auch für das Trio aus Ignaz Schick, Jörg Maria
Zeger & Burkhard Beins kam es zu einer mehrjährigen Denkpause. Aber Perlonoid (Zarek16) zeigt sie in den Sophiensälen noch demonstrativ mit dem ganzen Eigensinn ihrer
dröhnminimalistischen Ästhetik aus Noise und Feedback per Turntable, Sinuswellen, EGitarre und Live-Electronics sowie 'flacher' Perkussion. Reibung statt Beats, Kreis- undSpiralbewegungen statt linearer und vertikaler. Die scheinbare Opposition von B/B/S/ und
Xenofox (Olaf Rupp soll ja sogar den Begriff 'Echtzeit' geprägt haben), bildhaft
gesprochen, das Nebeneinander von Rothko und Pollock, hat in Perlonex einen
Wegbereiter des langen Wegs zum Throne of Drones auf der 'Rothko'-/B/B/S/-Seite. Wobei
die drei sich mit Keith Rowe und Charlemagne Palestine bravourös der Anxienty of
Influence gestellt haben, um letztlich den Scheinwiderspruch von minimal und maximal
aufzuheben. Wummernde Dröhn- und Pulswellen werden mit Krimskrams fein akzentuiert,
sowohl von Schick auf dem Plattenteller als auch von Beins auf Fell und Blech. Rotierende
Gesten, gemischt mit Feedback und pfeifendem Sinuston, verdichten sich, schwellen an,
surrend und im Schleudergang. Die Becken rauschen zu motorischem Gebrumm und nun
doch auch dumpfem Herzschlag. Wo die Klangwolken, das Klangbeben, das schwärmende Feedback im Einzelnen herrühren, ist nebensächlich, wenn es so groovt wie ab
Minute 15. Beins tremoliert wie ein Schellenbaum im Sturm, Sandstrahl oder Eiskristalle
entfalten eine scharfe Bissigkeit. In der 22. Min. reißt das ab, in der Stille nach dem Sturmbibbern einige Moleküle nach. Und sammeln sich in schmerzlustvoller Erwartung einer
weiteren Zernichtung, die sich aber vorerst nur rumorend und brodelig ahnen lässt. Dochsie kommt, oh ja, sie kommt. Zu diskantem Kettengeräusch, klopfendem Tremolo undkörnig schnarrendem Sirren und Jaulen crescendiert da über eine gefühlte Unendlichkeit
hinweg ein zweiter, sagenhaft dosierter Partikelsturm als perlonoider Rausch, der in
blechernem Kladderadatsch und einem von Klangschale zart bedongtem und betrillertem
Vinylknurschen ausläuft.
Beim A L'Arme! Festival 2013 in Berlin konnte das IGNAZ SCHICK ELECTROACOUSTICSEXTET nach teils graphischen Instruktionen des Leaders eine Klanggestaltung
präsentieren, die sich nun als The Return of the Old School (Zarek 17) nachvollziehen
lässt. Drei Akustiker, Paul Lovens an Drums & Percussion, Matthias Müller an der Posaune
und Schick selbst ausnahmsweise wieder mal an Altosax & Flöte, verzahnen sich mit der
Elektrobruitistik von Toshi Nakamuras No-Input-Mixer, mit Werner Dafeldeckers akustischer Gitarre & Live-Electronics und den Tapes & Electronics von Noise-Diva Marta'Penelopex' Zapparoli (bekannt durch Partnerschaften mit Alessandra Eramo, Billy Roisz
und Liz Albee, aus dem Splitter Orchestra und nicht zuletzt Schicks Circuit Training).
Noise ist da weder alles (MIMEO) noch nur eines unter Vielen (Lasse Marhaug bei
Territory, Circulasione Totale...). Durch Schicks 3:3 mischt sich Bläserpoesie, in der die
Flamme der Freien Musik zu feiner Glut gedämpft scheint, mit Geräuschgespinsten undsogar Vogelstimmen, im einen Moment noch ausgedünnt zu Sinuswelle, akustischem
Zupfen und perkussivem Pünktchen, Pünktchen, Komma, im nächsten schon geballt zu
stürmischen Verwerfungen. Es bezaubert, wie Schick sich seine träumerischen Töne vonfauchenden oder knörenden Zumutungen weder stören noch gar nehmen lässt. Zwitschermaschinen begegnen Radiophantomen, Lovens klopft, pocht, pingt, rappelt, wind- undschrottspielt, Grillen hüpfen Trampolin, Plops steppen, Silizium rieselt, holzige Sekundenticken. Ein plötzlich doch großes Rauschen mit Crashbecken wird abgeschnitten für
gezüllte Laute und Flötenflaum, ballt sich jedoch erneut um Alto- und andere Zärtlichkeiten, die mir die höchste Lektion dieser Schule zu sein scheinen. Da kann der Krachnoch so wüst auf seine Vorrechte pochen. Notfalls rückt die Feuerwehr an.
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... nowjazz plink'n'plonk ...
DANIEL CARTER, GEORGE LYLE, FRITZ WELCH So Long
Farewell Repair - Live At The Glad Cafe (Iorram Records,
KY276): Beim 1945 geborenen Daniel Carter übertrifft die
Wirklichkeit selbst wilde Vorstellungen. Wer zugleich mit
William Parker (seinem Partner auch in Other Dimensions In
Music und Freedomland), mit Sabir Mateen (in Test), mit
Steve Swell (in The Transcendentalists), mit den Hipstern auf
Thirsty Ear, in Ghost Moth, aber auch mit Yo La Tengo,
Talibam!, Wooden Wand & The Vanishing Voice oder Chris
Forsyth & The Solar Motel Band umeinander bläst, spottet
jedem Bestreben, Jazz schmalspurig zu definieren. Mit
Forsyth ist man direkt bei Peeesseye, dem Brooklyner Trio, in
dem Welch einem Pestilence & Joy einbläute, bevor es ihn
nach Glasgow zog, wo er schnell Anschluss fand ans GIO
und mit With Lumps, ohne seine alten Connections zu
kappen, wenn er etwa mit Talibam!s Kevin Shea als Tripping
Landlocked Infidels in die Rappelkiste steigt. Glasgow war,abgesehen von einigen Gesellenjahren im Swinging London
der 60ies und einem Griechenlandtrip mit Amalgam, bis zu
seinem Tod im März 2016 die Spielwiese von Lyle, und sein
Kontrabass ein Fixpunkt im GIO, bei George Burt - Raymond
MacDonald und im Tight Meat Trio. Dessen Saxmann, derauch als Schreiber bekannte David Keenan, betrauerte ihn
als “the single greatest free improvising bass player in theUK.” Davon zeugt dieses Konzert am Sonntag, den 5. April
2015, im Rahmen des Glasgower Counterflows Festivals. Mit
seinen 75 Jahren servierte Lyle ein vielsagend murmelndes,
im Holzfass gereiftes Pizzikato, um das Carter seine Altosaxlyrismen flimmern und Welch das Blech beklacken undsingen lassen konnte, nicht ohne grummelig rollenden Tiefgang. Carter hat einen direkten Draht zu den Quellen derPoesie, von denen sein Ton etwas Schwebendes und Träumerisches schöpft, auch dann, wenn seine Finger fragend,
fromm oder kapriolend über Pianokeys springen. Lyle ameistüber die Saiten, Welch spielt mit Glöckchen, scharrt an
Blech, nichts scheint sie irgendwo hin zu ziehen. Für'Wordsmith' nimmt Lyle den Bogen, aber weiterhin ist nichts
dringlicher, als diese Liedchen zu summen, mit Feuereifer
dieses Süppchen zu köcheln. Selbst wenn es sprudelt,
quecksilbrig und melodiös, bleibt Carter in sich gekehrt, nur
dem kleinen Kreis zugewendet. Sein Altoton ist einer derleichtesten, Gongs und plonkendes Fingerspiel unterlaufen
mühelos selbst seine tiefsten Abschwünge in die donnerblecherne Schattenwelt von 'News Loom'. Auch da interagiert Carter zuletzt minimal-pianistisch mit sägendem undtockendem Widerhall und gemeinsam entgehen sie gerade
so der bruitistischen Schwindsucht, dank eines letztlich dochkrawalligen Temperaments. Als Encore gibt es 'Quart
Trashedy' als Trashcan Comedy aus umtriebiger Verspieltheit und ornettistischer Wehmut.
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FIIUM SHAARRK We Are Astonishingly Lifelike (Not Applicable, NOT036): It’s attention that
alchemises circumstances into narrative, schrieb Neil Bennun in "Myth, Wilderness, and the
Narrative Instinct". Das ist der Mann, der mit A Bogan Sunrise is a cocktail made from theblood of the working class in der Lage ist, einen der zahlreichen kryptischen, wenn nicht sogar
kryptonischen Ingredienzen zu erläutern des zweiten Albums des österreichisch-italienischbritischen Trios aus Rudi Fischerlehner, Maurizio Ravalico & Sam Britton aka Isambard
Khroustaliov. Seine gelehrten Anmerkungen bringen einen auf Augenhöhe mit den'Conundrums' der Musik, den Rätseln sowohl ihrer molekularen Verfasstheit als auch ihres
anspielungsreichen Drumherums: Drums, Percussion, Electronics; MythScience, Voodoo,
Waschmaschine; Architektur, Astronomie, Schach; Barbara Kruger (von der der Titel herrührt),
Shakespeare, Superman. 'Conundrums' beschleunigt von einem Marsch mit Schwungrädern
zu einem Tänzeln und immer moshigeren Grooven zu Morsebeats und Gamelannoise. Danach
Bassgrummelei und gestrichene Metallkanten, verflüssigt zu krummtaktik springenden undkleckernden, zunehmend auch bedröhnten Pingpongbeats, die, muschelig umraschelt, insingendes Metall münden. Gefolgt von vishnueskem Drumming zu knurrigem Synthienoise, dassich mit Singsang von Tujiko Noriko zu tuckernder, klackernder Uptemporhythmik verschmälert, einem klickenden, synthieumwölkten Hihatshuffle, Cymbalhagel und Holzbeintamtam, das zuletzt zu Claves einen dreibeinigen Gang geht. Viertens: Schmatzendes,
schnarrendes Stöbern mit Pianoflocken, Störimpulsen, metallischem Flimmern, stereophonem
Rieseln entlang eines zerrissenen Bassdrum- und Tomtommusters. 'Krypton Tunning' beunkt
gamelaneskes Gedengel und 'singendes' Metall mit reibendem Daumen, metronomisch klacken
Sekunden zu Mbira und einem träumerisch schweifenden Drone. Der australische Cocktail(aus Bogan-, d. h. Prollschweiß) wird serviert als wie von Bullroarer ummurrtes jazzy boom-bipon the kit (wie Bennun es treffend beschreibt), gemixt mit rasselig stampfendem Schellenstock
und einem röhrenglockigen Klingklangloop, um gegen die wooshende Zeitspur zu geistern, bis
zur Reprise des wummrig umschwirrten Bum-Klack-Bumbum-KlackKlock und Triangelgeklingel als Nachspiel. Neuntens und letztens trillert der Synthie als funkelige Lichtorgel,umdröhnt und mit Temposchwankungen beklopft und gedengelt, als flickerndes Schweifen
gläserner Arpeggios in einem bassdrumbepochten Klangrausch. Prollig ist so ziemlich das
Gegenteil dieser Futurhythmachine auf dem langen Marsch von Olduvai zur Vereinigung mit
einer Wunschmaschine.
MATTY HARRIS Double Septet (pfMENTUM, PFMCD093): Damit Musik einem einleuchtet, dazu
braucht es eigentlich keine großen Vorgeschichten. Dennoch ist auch Harris nicht vom Himmel
gefallen. Auf Bandcamp kann man den Mann aus Edina (Minnesota) bei "In the Wild Beast" mitBläserstücken für Saxophonquartett oder auch mit Trompete hören und bei "Live at the Clown
Lounge August 9, 2010" in einem aufgekratzteren Vierer mit Drums, E-Bass, Pocket Trumpet
und ihm selber an Tenor- & Sopranosax. "Live in the Midwest Aug. 2011" zeigt ihn mit Cello,
Baritongitarre und Drums, und ihr '10.000 Kimmy Gibblers' (eine Serenade für Andrea Barber)kann man sich schon mal merken. "Songs" lässt einen 2013 dann zwischen römischen Kaisern
und den sieben Zwergen, dem Straight Saxophone Ensemble und einem Fender Rhodes Triound auch schon dem Double Septet flippern. Das ist ein kollegialer Klangkörper mit zwei
Drummern, zwei Kontrabässen, drei Trompeten, fünffach Reeds, Baritongitarre und Fender
Rhodes, mit dem er sein am Cal Arts erworbenes Knowhow und sein Faible für 'avant-garde
jazz-rock fusion' und 'psychedelic chamber jazz' voll ausschöpfen kann. Mit Mitstreitern, die ihr
Können schon in Grampus, Atomic Ape oder The Sogo Takeover aufscheinen ließen, ganz zu
schweigen von Vinny Golia und Paul Novros, zwei seiner Lehrmeister. Damit ist 'Party Time'angesagt, zu der man mit Fanfaren gerufen wird, einer seltsamen Party, bei der man
psychedelisch umgarnt und bedröhnt wird, bis einen rollendes Drumming und ein heller
Bläserfächer empor heben für Rhodesgeperle, singende Reeds, flackernde Trompeten,kalifornisch-psychedelisch und afrogroovy angekurbelt. '10.000 Kimmys Gibbler' (sic!) hebt
orchestral an, entschleunigt aber für ein bassbestrichenes, dunkel umrauntes Saxophon, ein
Statement der Baritongitarre und wieder melodisch summendes Alltogether. 'Cockapoo Army'driftet auf einem schlaffen Dreiklang dahin, eine Trompete beginnt zu zirpen und das Ganze
wallt und swingt festlich und luxuriös dahin, als die friedlichste Puderquasten-Armee der Welt.
'Oh, A Little Day Trip Around The Crunch' changiert schließlich noch einmal mit allem
Bläserglanz, aufflackernd und sich entspannend, leicht schönheitstrunken, mit etwas
Schräglage, aber gut aufgehoben im kollektiven Zusammenhalt.
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LUC HOUTKAMP - HANNES BUDER The
Malta Sessions (POW CD 03): Wo ein POW
sich findet, ist meist Houtkamp nicht weit.
Seit 2011 schart der Holländer Mitspieler
wie Han Buhrs und Guy Harries um sich,denen er das Etikett POW Ensemble verpasst, auch wenn die Gesichter wechseln.
Festgehalten ist das elektroakustische
Treiben auf "The Thirteen Bar Blues" (als
Houtkamp’s pow3, 2003), "Birdsong From
Inside the Egg" (2006), "Homage To Hazard
Live, Amsterdam 2008", "Continuum" (2010,
alle auf X-OR), "Quattro Concerto" (POW
DVD01, 2013) und zuletzt "Roastbeef" (POW
DVD02, 2014) mit Text von Gertrude Stein.
Die maltesischen Sessions des inzwischen
dort lebenden einstigen Mitstreiters im KingÜbü Örchestrü, von Jon Rose und Trespassers W, der immer mehr den Abstandvom Improvisieren zum Komponieren verringert hat, sind davon jetzt nicht die
geradlinigste Fortsetzung. Dafür bieten sie
in einer interessanten Vergleichsmöglichkeit
mit dem "Pale White Shout" überschriebenen Face to Face von Urs Leimgruber undAndreas Willers Clashes von krass kakophonem Tenorsax- & Klarinettensound mit
Buders bandbreiten Saitentraktaten vonstramm und schroff ('Zejtun', 'Gzira', 'Hamrun') bis verbogen, schwebend oder pickend('Mqabba', 'Fgura'). Vorzugsweise mit derKlarinette gibt Houtkamp den Träumer undBrüter mit dämmrig tutendem Hauch. Auch
Buder sträubt als Nachtvogel das Gefieder
und umflattert mit schartigem, erratischspringendem und krabbelndem, wie voneiner Spinne auf Koffein aus losen undrostigen Drähten gesponnenem Nachhall die
Derek Bailey-Zone. Nicht dass er keine
Regelmäßigkeit erkennen ließe (besonders
schön ausgerechnet beim furiosen 'Naxxar'),auch Zärtlichkeit ist seinen Fingern ein
Bedürfnis. Aber er bevorzugt den raueren
Duktus bis hin zu rauschender Verdichtungoder impulsiven Spritzern. Bis hin zum
kläglichen Rücksturz, so wie auch Houtkamp
ins Stottern kommt und nur noch japst oderfast tonlos schmaucht. Die Anmutung ist,
teils wohl auch der maltesischen Kulisse
geschuldet, quasi neoarchaisch, urig undporös wie die Ruinen des Ġgantija Tempels
oder einfach eine Hauswand in Valletta, die
Houtkamp als informelle Kunst ins Auge fiel.

LANGFORD - GIBBS - SKERMAN - ANSTEY - KIRKBRIDE Exchange (Freetone
Records, FTR002): Mittlerweile auchbekannt als The Exchange Band. Bei
anderen Würfelwürfen mit dem Bassklarinettisten & Tenorsaxophonisten
Mark Langford, dem Gitarristen Phil
Gibbs, dem Drummer Roger Skerman
und den Kontrabassisten Paul Anstey &Hugh Kirkbride wird daraus das Trio
New Wizard oder das Ghost + Flowers
7tet. Kurz, es ist das die Bristol-Improvszene im runderneuerten Erfahrungsaustausch und in bester Spiellaune. Langford war einst Ende der 70er
zusammen mit Will Menter in der Bristol
Musicians Coop einer ihrer Geburtshelfer gewesen. Schon mit "Fringe
Music" (FTR 001, 2014) hat er in alter
Freundschaft wieder den Geschmack an
der Freiheit aufgefrischt. In Anstey
haben wir einen weiteren Veteranen vor
uns, der seit den frühen 80ern zur Next
Generation der von John Stevens & Co.
beeinflussten Britprov-Community gehört, mit Spirit Level und in Thinko Jazz
auch schon mit Langford und jeweils
Paul Dunmall. Der wiederum wäre ohne
Gibbs ein Mann ohne Schatten. Alte
Hasen also, die mit einer nicht alltäglichen Mixtur aufwarten aus freimütigem Gekrabbel und für insularen
Plinkplonk auffallend lyrischem Blaseton. Gibbs ist ein flinker Prickler, Skerman ein flockiger Tickler, das gedoppelte Bassgrummeln ist daher als Bodenhaftung mehr als sinnvoll. Der kniehohe Mulm gibt Halt für fiebriges Treiben in den höheren Regionen, wobei
Anstey & Kirkbride bei ihrem Duett'Chaser' ebenfalls melancholische Lyrismen aus den Fingern fließen. Aberschon gießt Gibbs wieder Quecksilber in'Stream', Langford bläst windschief in
den Weiden. Mit gerbsaurer Zunge inmitten rauschender Klangstrudel macht
er sich bei 'Deep End' ganz leicht, um
nicht zu versumpfen. 'Ripple' ist raue
Tenor-Pizzikato-Poesie, brodelig umrippelt, 'Trag' ein gibbsscher Ray Russell-Exzess auf Wahwah-Wellen. Beherrschend bleibt aber der zartbittere Tenorgesang in seinem dunklen Flussbett.

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GEORGE LEWIS & SPLITTER ORCHESTER Creative Construction Set™
(Mikroton CD 50): Der 24-köpfige Klangkörper in Berlin hat sich 2010
zusammengefunden, um sich abseits hierarchischer Strukturen undjenseits der musikalischen Tradition explorativen Prozessformen zu
widmen. Gegen eine nach 6 Jahren dennoch vermutete Routine kam Lewis
ins Spiel, um sie mit seinem CCS™-Baukasten und den alten AACMTugenden 'agency, process, emergence, and collectivity' aufzumöbeln.
Innerhalb einer Probewoche wurden 'discontinuity' & 'disruption' kommuniziert und drei Sets in orchestraler Echtzeit entfaltet. Elektroakustischbestückt mit etwa Cello (Anthea Caddy), Computer (Boris Baltschun),
Klarinetten (Kai Fagaschinski, Michael Thieke), Kontrabässen (Werner
Dafeldecker, Clayton Thomas), Gitarre (Julia Reidy), Piano (Simon James
Phillips), Posaunen (Matthias Müller, Lewis selber), Trompeten (Liz Allbee,
Axel Dörner), Turntables (Ignaz Schick) und Tonband (Marta Zapparoli).
Dazu Tuba (Robin Hayward) und Kontrabassklarinette (Chris Heenan) fürdas Subwoofing und Flöten (Sabine Vogel) sowie Geige (Biliana Voutchkova) für die Klangspitzen. Lewis hat ja schon mit etwa The NOW Orchestra,dem Glasgow Improvisers Orchestra oder The Monash Art Ensemble seine
Vorstellungen realisiert, ein Kollektiv zu organisieren. Beim als organloser
Körper verfassten Splitter Orchester erstaunt dennoch die Geschlossenheit
quicker Bewegungen und Verwerfungen und die Effektivität von Hell-Dunkel-, Dicht-Locker-, Forciert-Entspannt-Kontrasten, wofür allein schon das
Sammelsurium der Perkussionisten (Burkhard Beins, Steve Heather, Morten
J. Olsen) Bände spricht, von Putzwolle bis zu Abrissbirne. Ein wirksames
Mittel ist das bruitistische Auffächern eines Klangzwielichts, wobei sichauch Luftlöcher auftun, in denen Stecknadeln rieseln und Flöhe husten, unddann auch Clavinet (Magda Mayas) oder Inside Piano (Andrea Neumann)
spuken. Der noch größere Clou ist freilich, dass die molekulare, feingliedrige Bewegtheit dieser schrill keckernden, knörknurrenden, knisterbröselnden Kakophilie weder Rumms noch Bumms, weder Rausch noch
Kater scheut. Als hätte Lewis die 'Obergrenze' in den Köpfen ausradiert.
FRED LONBERG-HOLM / ADAM GOŁĘBIEWSKI Relephant (Bocian Records):
Für den Cellisten aus Chicago und den Drummer in Poznań war ihr dortiges
Meeting im Mai 2013 ein Wiedersehen. Auf den Tag genau ein Jahr zuvor
hatten sie zusammen mit dem Klarinettisten Piotr Mełech und dem Pianisten Witold Oleszak "Divided By 4" zustandegebracht. Gołębiewski, dermir bei seinem Solo "Pool North" als "ein Kettensprenger von laokoonischer
Dramatik" und "ein höllischer Schmied auf Speed" vorgekommen ist, kostet
auch mit seinem Besucher die Reize an den rauen Kanten der Impro- undNoisewelt wieder weidlich aus. Lonberg-Holm kippt zwischen akustischer
Knarzologie und elektrifizierter Ruppigkeit, aber immer gespickt mit pikantem Pizzikato oder eben noch zarten, jetzt schon rasanten Bogenstrichen. Sein Partner bleibt ihm hart auf den Fersen, als Eisenbeißer,
Blechzerreißer, hagelnder Tickler, polternder Pocher. Lonberg-Holm musssich die Finger verbrennen, um seinen Arsch zu retten. Er spottet, wie er dajault, knurrt, furzt und bratzelt, der Vorstellung, die man sich von einem
Cello macht, wie seit Tom Cora kaum ein zweiter. Gołębiewski bleibt die
Wahl, in der daisy-nilsen-love-rosaly-zerangschen Rappelkiste kopfüber
Krawall zu schachteln, oder mit Gong und Klangschalen Rettungsinseln
aufzublasen, die der Weiße Hai an seiner Seite genüsslich zerknüllt, zerschrillt und zerfetzt. Also schrillt und rauscht er doch lieber auch selber, so
dass die beiden ein grinsendes Shark-Pärchen abgeben, das einen Elefanten bis auf die Knochen abfleischt.

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MOSTLY OTHER PEOPLE DO THE KILLING Loafer's Hollow (Hot Cup
Records, HC 161): Die hipste Band des NowJazz erklimmt hier eine
Metaebene dritter Ordnung. Hatten Moppa Elliott & Co. bei "This Is Our
Moosic" (2008) sich verehrungsvoll in das Ornette Coleman Quartet
verwandelt, kopieren sie mit dieser belesenen Einspielung die glorreichen
Sieben von "Red Hot" (2012), nämlich sich selber. Nur hat sich der dritte
von links in einen Kahlkopf mit Krawatte verwandelt (Steven Bernstein an
Trumpet & Slide Trumpet), und dem Zausel daneben (Brandon Seabrock an
Banjo & Electronics) fallen fast die Augen raus. Offenbar darüber, dass derältere Herr (David Taylor an Bassposaune), der damals über Peperoncinosdozierte, nun, mit Joyce-Brille, Aufmerksamkeit fordert für die Lektüre auf
seinen Knien. Die alsbald erkennbar wird durch 'Bloomsburg (for James
Joyce)', 'Kilgore (for Kurt Vonnegut)', benannt nach dessen Alter Ego
Kilgore Trout, 'Mason and Dixon (for Thomas Pynchon)', wo die Grenzezwischen Pennsylvania und Maryland abgezirkelt wird, das blutige 'Meridian(for Cormac McCarthy)' und 'Glen Riddle (for David Foster Wallace)', wo
Cosgrove Watt in "Infinite Jest" herstammt. MOPDtKs running gag, mit der
Landkarte von Pennsylvania zu spielen, pickt sich aus diesem Staat nun die
spitze Feder, die mächtiger ist als das Schwert und die den Wald als
Blätterwald rauschen lässt. Natürlich rührt der Titel wieder von PA her, es
ist der alte Name eines Örtchens names Library (!). Elliott bringt den
Rhythmus, die Syntax und den Tonfall bestimmter Stellen seiner Lieblingsautoren zum klingen. Der literarischen Suite vorweg gehen 'Hi-Nella' und'Honey Hole', den Abschluss bildet 'Five (Corners, Points, Forks)', jeweils
mit wieder aufgekratzten Rückbezügen auf diesmal die Swingära, dasSchrappelbanjo und Bläsergrowling der späten 20er, mit samtigem
Saxschmus von Jon Irabagon, Ron Stabinsky am Klimperpiano undrappeligem Groove von Kevin Shea. Nicht bloß die Electronics 'stören' die
Retroillusion, auch die aberwitzigen Solos, Bernsteins Slidekadenz bei 'HiNella', Taylors absurde Spannweite von infrabass bis zirp und die schrill
vertrillerte Irabagonistik bei 'Kilgore', zerren den Swing und bei Pynchon
und McCarthy auch die Bluesiness mit auf die anarchistisch-anachronistische Metaebene. Weder Pynchons Moanin' über die Sklaverei noch
McCarthys Bloodyness wird dabei zynischer Witzelei geopfert, und auch bei'Infinity Jest' findet sich das Leben meist so, wie man es nicht einmal einem
Tier zumuten sollte. Komisch wird's erst wieder ganz zuletzt, mit
klapperdürrem Schellacksound, kicherndem Soprano, prickelndem Banjo,
glorreichem Poop-a-lo als sieben Zwerge auf den Schultern der Hot Five
und Red Hot Peppers.
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NAKAMA Most Intimate (Nakama Records, NKM008, LP): »Wohin gehst Du?«, fragte Titsang.
»Auf eine Pilgerreise«, antwortete Fayen. »Was ist der Grund deiner Pilgerreise«, wollte
Titsang wissen. »Ich kenne ihn nicht«, antwortete Fayen. »Ihn nicht zu kennen kommt ihm
am nächsten«, sprach Titsang. Not knowing is most intimate, heißt das im Englischen, undmanchen gilt das als Essenz des Zen. Oder auch als Triebfeder der improvisierten, ausalogischen Quellen schöpfenden Musik, die an etwas ebenso Mystisch-Intimes rührt (oderzu rühren versucht) wie der Widerhall bestimmter Erinnerungen oder der Widerschein des
Schönen in einem selbst. Das meinen Christian Meaas Svendsen, Samurai-Bun-Bassist in
der Large Unit von Paal Nilssen-Love, Andreas Wildhagen, der dort, aber mit Svendsen auchin Mopti trommelt, die Pianistin Ayumi Tanaka und Adrian Løseth Waade, der bei Skadedyr
geigt. Auf dieser Folie konzipierte Svendsen einen Reigen aus 'Dedications' (er für Andreas,
Andreas für Adrian, Adrian für Ayumi, Ayumi für Christian), gespielt in Trios ohne den
Widmungsträger. Der aber jeweils mit 'Graditude', solo, antwortet. Beides wird sodann
zusammengefasst zu 'Unifications', für die der Zueigner und der Widmungsträger die
Instrumente tauschen. Dieser Reigen von Trios, Solos und Quartetten wird umfasst voneinem Thema mit Variationen und einer Meta-Unification jeweils als Folge von Duetten, bei
denen wiederum Instrumente getauscht werden. Schon Kagel hatte den Wunsch gehabt, ein
Stück zu komponieren, dessen wesentliche Bedingung für die Mitwirkenden darin bestünde,jeweils nicht das Instrument zu spielen, auf dem sie jahrelang trainiert haben, sondern nur
eines, das sie nicht beherrschen. Das Unbekannte, Unvertraute und sogar Müdigkeit sollen
die Tür zum unsagbar Intimen öffnen. Mit Hilfe auch von ostinater, monotoner Wiederholung,von elegischen Lyrismen (wie Tanaka sie auch in ihrem Trio mit Svendsen & Per Oddvar
Johansen entfaltet), von einem abgedunkelten Drumsolo, von huschenden und windschiefen
Geigenstrichen oder einem spröde gepickten und gescharrten Solo, von zurückhaltender
Kammerspielpoesie, von Bassschlägen, die auf der Stelle wummern und klappern. Die
junge Truppe - Svendsen und Wildhagen sind Jahrgang 88, Tanaka nur zwei Jahre älter fordert mit "Before The Storm", "Grand Line" und "Most Intimate" innerhalb nur eines
Jahres zugleich die Aufmerksamkeit für ihr gleichnamiges Label und ihre halb japanisierte
NorJazz-Ästhetik, für die selbst das visuelle Design eigenhändig von Svendsen stammt.
Sein Reliefdruckminimalismus für "Most Intimate" wirbt allerfeinst für ganz was Feines.
NEW OLD LUTEN QUINTET Letzter Krawall! (Euphorium Records, EUPH 052): Nach "Letzter
Tumult!" nun, ein Jahr später, im Dezember 2014, am gleichen Ort, der naTo/Leipzig, derzweite Streich einer dreigipfligen Tumult-Krawall-Rabatzologie. Wieder das KontrabassDoppel John Edwards & Robert Landferman, wieder der hyperaktiv schlagfertige Christian
Lillinger, wieder Elan Pauer mit konzertbeflügeltem Elan und als perkussiver Irrwisch undFlötenschlumpf. Und vor allem wieder Ernst-Ludwig 'Luten' Petrowsky in Hoch-, ja
Höchstform. Wann sagt schon mal ein so erfahrener Musiker, dass er sich in dieser halben
Stunde von höheren Mächten an die Hand genommen fühlte, um sein Bestes geben zu
können? Nicht zufällig erinnern die 29:54 an ähnlich kurze Himmel- & Höllenfahrten auf ESP.
Vielleicht ist eine so vielgestaltige intensive halbe Stunde ja das Maximum, was ein
staunendes Menschenhirn verkraften kann. Wie da die Bassbögen an den Ganglien sägen,wie die Finger da pluckern wie Ventilatoren, wie Lillinger da fiebert und tausendfüßlert. Wie
Pauer da anfangs simpel mal die Tonleiter vermisst und doch lieber auf der Stelle kreiselt,
bis es ihn aus der Bahn trägt, oder er sich trotzig auf ein Minimum an Noten kapriziert. Aber
letztlich ist es Petrowskys Spitfire aus plörrenden Ausrufezeichen, spitzem Geflacker undkirrenden Haltetönen, die die ersten 6, 7 Minuten zu einem Freiheitsfest sondersgleichen
machen. Gefolgt von muschel-rassel-sirrendem Krawall an der bruitistischen Kante,
gipfelnd in aberwitzigem Altissimo und Zungenrednerei. Bis monotones Pauer-Ticktack,Klopf- und Klingklang und schummrige Bässe die Glut dämpfen, aus der Luten jedoch einen
neuen, sagenhaft langen Faden spinnt und klarinettistisch verzwirbelt. Trommel und Snarepoltergeistern, die Bass- und Pianosaiten irrlichtern zwischen Tauwerk und Harfe. Und
Luten brütet an einer Protomelodie, die er, auf grummeligem Bassfond zwar tenoristischgeerdet, aber nicht erdenschwer, so lange auf kleiner Flamme schmurgelt, bis sie, vonPauer rasend beflimmert und bequirlt, noch einmal krähenroh durch Stein und Bein ins
Offene drängt und ins Überall dringt.
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HAN-EARL PARK, DOMINIC LASH, MARKSANDERS, CAROLINE PUGH Sirene 1009
(Buster & Friends, BAF000): Aus Cork erhielt ich
Musik des Gitarristen und musikalischen Philosophen Han-earl Park, der sich durch sein
Miteinander mit etwa Charles Hayward , Nick
Didkowsky oder Richard Barrett vielseitig
empfiehlt. Er verspricht dazu "an exquisite
exploration of space, time, nightmares, anddreamscapes". Bei seinen Begegnungen mit'Hopeful Monsters' und seinen Explikationen
psychohistorischer und kliodynamischer Trends
stehen Park zur Seite der Impro-WandelweiserZwitter Dominic Lash am Kontrabass, Mark
Sanders (Stichwort: The Remote Viewers, wobei
das mehr verschweigt als verrät) an den Drums
und Caroline Pugh mit Stimme & Tonband. Die
erweist sich als Geek, deren delirante Glossolalie ganz ihrem (Künstler?)-Namen entspricht. Denn das, was Park dazu sagt - it's bassheavy... the possibility of a band-band... listenwith a Jungian-archetypal-psychology-head... und alles, was der Anstand erlaubt, wollen oderkönnen nur euphemistisch andeuten, was da derFall ist. Die Gitarre als Heringsdosenöffner, derknarzige oder plonkende Bass, das perkussive
Dingdong oder schrottige Geruckele, das alles
ist nur Ummäntelung für das... poo. Die Schottin
steigert sich nämlich von der Anstrengung, nur
ein-, nicht auszuatmen zum Hyperventilieren, sie
probiert, sich die eigene Zunge in den Hals zu
stopfen, sie radebrecht kryptovolapük, jodelt
Sirenenalarm, quirlt das LLLL, kirrt auf Iiiii,
imitiert eine Singende Säge, spickt Maggie
Nicols mit Shelley Hirsch, schlürft rohes Rattenschaschlik und zischelt Verboteneres als das
kleine Hexeneinmaleins etc. Ich kann das nur
umschreiben, damit meine älteren Leser nicht inGefahr kommen, ihre dritten Zähne zu verschlucken. Sanders paukengrollt und cymbalzischt zwar zu sonorem Pizzikato und surrenderLaubsägerei noch einigermaßen im Rahmen desGuten und Schönen, aber auch die Gitarre kratzt
und wabert so verstörend gegen den Strich wie
es nur geht. Metaverstörend wirkt es, wenn Pughzu schrottigem Krawall kurz eine kaledonische
Ballade anreißt, aber schnell auch wieder
Monsterklein kandidelt, gickst und gackst oder
auf dem Kamm bläst. Ohne Pughs Art-Brut-Poo
wird mit Beschleunigungsbebop der EntropieElch geknutscht. So dass, wenn sie zuletzt
wieder rumpelstilzt, Besen frisst und Pferde
kotzt, mir das als der sogar adäquatere Anriss
der grassierenden Madness erscheint.

P.O.P. [PSYCHOLOGY OF PERCEPTION] Ikebana (FMR Records, FMR
CD432-1116): Dieser Kurs lehrt
nicht die acht Arten, in denen
Japanerinnen Blumen arrangieren,
als solche, sondern eine Aisthesis,
der einfach eine Blumenwiese unddas Auge des Betrachters genügen. Den Kurs leiten federführend
der Raumfärber Hannes Strobl (vonDenseland) am E-Bass und der
Zeitkratzer Reinhold Friedl am [Innen-]Klavier. An Stelle von Hayden
Chisholm bei der Perserteppichknüpferei "Täbriz" (2013) entfalten
nun die Cellistin Nora Krahl, dieman schon mit The Octopus bewundern konnte, und Elena Kakaliagou, die ihr Waldhorn bei Para,
Zinc & Copper, Zeitkratzer und
dem Rank Ensemble bläst, Fingerund Lippenspitzengefühl. Das
Klangbild lässt aber von vorneweg
nicht an Blumen denken, eher aneine murrende und keuchende
Herde ominöser Viecher, Seeelefanten vielleicht, die sich aneinander reiben. Weniger blumig
gesagt, ist es Dröhnminimalistik,
die mit schleifenden Bogenstrichen
und grolligem Horn rumort. Die
sich aufhellt mit auf dunklem Fondverteilten Pianotönen und zag flötendem Cello. Die sich zeitkratzerisch und grandios verdichtet ineinem rasselnd bebenden Dröhnen, Schwärmen, Brodeln undsirenenartigen Glissandieren. Die
Ton in Ton ein Chiaroscuro aus
Schwebklängen und Haltetönen
malt. Die ihren flatternden unddrahtig sich aufreibenden Nerven
mit aufstöhnenden Hornstößen Mut
macht. Die perkussiv-pianistisch ineinem stählernen Labyrinth aus
spitzen und stumpfen Winkeln
taumelt. Die mit eisernen Krallen
und hörnernem Grollen an Friedls
Käfig kratzt, rammt und rüttelt. Die
mit metallischem Pfeifen undgepresstem Hornton zu ersticken
droht. Höchste Zeit für einen Deusex machina.

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IGNAZ SCHICK / OLIVER STEIDLE Ilog
(Boomslang Records): Vom Turntablist,
Krach- & Zangi-Macher Schick war zuletzt
die Rede bei "The Myth of Persistence ofVision Revisited" (2011, BA 69), seinem
Duett mit Andrea Belfi. Belfi erlebte ich vor
Kurzem live, nun kommt auch Schick, nacheiner kleinen Spur im Splitter Orchester,wie gerufen, mit einem weiteren Perkussionisten daher, Oli Steidle von Soko
Steidle, Philm, Killing Popes, Oliwood,
Klima Kalima, Die Dicken Finger etc. Drums
und Turntables, beides mit Live-Electronics
verkoppelt, krachen dabei sozusagen mit
der sprichwörtlichen Tür ins Haus, als
Clockwork Orang-Utans, krasser noch, wieStarship Troopers-Frontschweine mit
Bugs-Kontakt. Steidle knattert, drischt undhämmert wie es nur menschenmöglich ist
und so, als ob es auch unbedingt so nötig
wäre. By all means necessary, hieß das
einst an der HipHop-Front. Schick zwitschert, rauscht, flickert, kleinkalibriger,
aber um so giftiger. Ging es mit Belfi nochdarum, das Verhalten von Äffchen in der
Mikrowelle zu erforschen, ist das nun
Martial Art in Sonic Fiction-Version. 'Movement 2' kommt danach knurschig, jaulend
und vinylprickelnd, itchy & scratchy, mit
eingekesselten Orchesterphantomen, die
Schläge fallen erst erratisch, hageln aberdann immer dichter, rat rat rat ratatatata.
Danach schleift erstmal nur der Turntable,
von Steidle bearbeitet mit gedämpften Joe
Frazer-Punches, ungh, ungh, ungh. Sturhämmert er die Drums in Grund und
Boden, wer mag, kann das als Groove
goutieren, aus Schicks Schleusen rauscht
immerzu nichts Gutes. Noise ist King, undder nötige Sarkasmus, um auf Mülltonnendeckeln Gamelan zu klopfen, dazu sandstrahlt Schick mit exterminatorischem
Gusto. Schluss mit Quatsch & Soße,
Ornament ist Verbrechen, zurück zum
nackten Beton, zum blanken Knochen.
'Movement 5' verrät, dass Schick da durchaus Platten scratcht, man kennt das ja
auch ohne. Steidle eiert perkussiv drumrum, mit Töpfen und Deckeln, Klim undBim, noiseumrauscht, noiseumfaucht,
videospielerisch beballert erwidert er das
Feuer mit Hyperspeedgeknatter. Der Spaßdieser Horrorwittchen-Guerilla überträgt
sich unwillkürlich ins eigene Grinsen.

UNDERKARL Timetunnel 25 (rent a dog, rad2014-2): Karl(records) nimmt 10, Underkarl
25 Umrundungen der Sonne zum Anlass für
ein Think about that. Die Kölner Karlevalisten, Sebastian Gramss - Bass, Dirk Peter
Kölsch - Drums, Lömsch Lehmann - Bariton& Tenorsax und Klarinette, Rudi Mahall Bassklarinette und Frank Wingold - Gitarre,
hatten gleich mit ihrem Debut 1996 mit der
Gunst der späten Geburt Jazzklassiker
aufgemischt und bei "Jazzessence" verrückt verrockt und collagiert, bei "Second
Brain" probten sie den Aufstand auf der
Animal Farm als Anything goes und auf"Goldberg" ist Bach statt bloß variiert gleichmutiert. Mit "Homo Ludens" feierten sie zum
20. denselben in eigener, fröhlich sekundärer Gestalt. Und spielerisch kehren sie jetzt
erneut zurück zu Klassikern wie 'All of Me',
'East of the Sun', 'Caravan', 'All the Things
You Are', 'Donna Lee', 'Four Brothers', 'Line
for Lyons', 'Sandu', 'Goodbye Pork Pie Hat','Freddie Freeloader', 'Peace', 'Evidence','Two's Blues'. Aber erst recht nicht ganz so
wie man das kennt, sondern mit dem jeweils
markanten Solo als neuem Thema. So dass,nachdem mit Sun Ras 'A Call For All Demons' dunkle Mächte der Crossroad beschworen wurden, Sonny Stitt, Stan Getz,
Jimmy Hamilton, Coleman Hawkins, Charlie
Parker, Jimmy Giuffre, Chet Baker, Clifford
Brown, John Handy, Miles Davis, Ornette
Coleman, Monk & Lacy und nochmal Baker
den Ton vorgeben. Wobei Freiheit, Sophistication, Brüderlichkeit groß geschrieben
sind in einer Faltung der Zeit, die die jazzoid
elegante Modernistik vergegenwärtigt, diepostboppige und die coole, bevor das
falsche Leben sie desperat und anarchistisch werden ließ. Mit dem Under vor dem
Karl als Under vor dem Statement. Denn wie
da aus 14 Motiven ein großes Kontinuum
gezaubert wird, im Einklang und in swingenden Wechselgesängen von Mahall undLehmann, wie die Gitarre ihr goldenes
Gefieder blustert, wie Gramss das sonoroder knurrig unterfüttert und ummantelt,
wie innigste 'Caravan'- und 'Goodbye'-Lyrik
sich an 'Donna Lee'-und 'Evidence'-Irrwitz
schmiegt, verrät das die Zugehörigkeit derKölner zur Brotherhood der Besten. Aber ist
das nicht eh klar, wenn man auf den Namen
Mahall stößt?

46THE URGE TRIO Live at the Hungry Brain (veto-records /exchange 014): Luzern meets Chicago, die 14.: Christoph
Erb ist am Tag nach der Studiosession mit Jason
Adasiewicz & Jason Roebke, bei der "More dreams lesssleep" entstand, wieder vereint mit der Cellistin Tomeka
Reid und Keefe Jackson an Reeds. Ihren Set am 4.10.15'Hecha toda de agua' zu nennen, das könnte vonspanischen Nächten herrühren, wenn nicht das Toledo, indem sie 2013 für "Live in Toledo" gemeinsame Sachegemacht hatten, in Ohio läge. So bleibt nur, mit dem 'agua'
das wellige Rippeln und Flirren der Sopranino- und Tenorsaxophone zu verbinden, die beide blasen, und derBassklarinette, die Jackson vorbehalten ist. Reids Cellounterlegt den 'düstenden' Ton der dunkel röhrenden undbeklemmt und dünn klagenden Bläser mit abgeschatteter
Tönung, federndem Klopfen und Pizzikatorepetitionen,
deren blecherner oder fasriger Beigeschmack erst bei
einem Beinahesolo zu schmecken ist. Die Bläser ihrerseits beizen einem die mitschmeckende Zunge mit rau
keckernder, rostig schrillender Pfingst-Verve und jenem
treibenden, drängenden, verlangenden Impetus, der sichim Namen Urge verdichtet. Dieses Drängen verwandelt
sich jedoch auch in schlabbrige Weirdness, etwas
träumerisch Bizarres oder auch ganz Elegisches, durchwirkt von grummeligen, durchhuscht von zirpigen, vertieftvon summenden Bogenstrichen, die freilich wieder
impulsive Spaltklänge, vogeliges Trillern und rollende
Flatterzüngelei nach sich ziehen. Wehmütige Klage undhimmelschreiendes Verlangen schürt Reid mit kontrabassigem Surren zu einem De profundis, in dem sichReeds und Cello verblüffend einander anverwandeln. Eine
Illusion sonore, die diese 34 Min. ebenso prägt wie die
Kontrastmöglichkeiten kratziger Striche und pickender
oder knurpsiger Laute zu schmatzenden, ploppenden undgurrenden.

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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
Alrealon Musique (Philadelphia, PA - Brooklyn, NY)
Nach "Alrealon Musique Presents:-:::From A To U:::" zu The Wire #383 (01/2016) nun
Alrealon Musique & Bad Alchemy Present: Trace Elements (ALRN080) zu BA 93. Von dem,
was die Alrealon-Macher Philippe Gerber, Michael Durek & Robert L. Pepper einfach"inspired and inspiring music" nennen, war auf diesen Seiten immer wieder die Rede. Hiernun zeigen sich, relativ konsistent, Spurenelemente von Dysphorie. Aus guten Gründen:
1. Agah Bahari & Pas Musique - Lucky Number 7: Pas Musique in Brooklyn ist in Gestalt vonAmber Brien, Jon “Vomit” Worthley, Michael Durek und Robert Pepper so etwas wie das
Flaggschiff und mit seinem französischen Namen [= 'Un- / Nichtmusik'] richtungsweisend.
Agah Bahari daneben, als Verderber der Jugend aus dem Iran nach Toronto transferiert,gibt mit Stichwörtern wie Amnesia und Insanity seine Zeitdiagnose zu erkennen. Das
Universum dreht sich und wir sind die Roulettekugeln. 2. Fat Kneel - LSDmons: Das
Universum dieses B-Movie-Nerds aus Washington, D.C. dreht sich um Trip(Hop)s undTräume made in Gotham und Arkham. 3. Borne - Fallt: War schon mit einem Remix auf "ReFused" dabei. 4. Rachel Mason - Sand Dunes (TheUse Remix): Große Stimme, die den Lügenund Sandstürmen über Trumpland die wilden Fische und weißen Raben ihrer Fantasy entgegenstellt. 5. Black Saturn - BackGround Music: Ned Jackson ist, ebenfalls in Washington,
D.C., ein DubHopper mit Omega Dub Experience und Boompower. 6. Fairy Scouts - Dazzle
Camo: Based in New York City. Django Voris (Batfog, Fates) - Vocals, FX, Beat manipulation
and randomized electronics, Steven Vallone (Proofreaders) - Synths, gadgetry, keys of allsorts, Chris Berlin (Rev Rev) - Drums both electric and analog. 7. Chester Hawkins - The RoleOf Control Surfaces: Ex-Blue Sausage Infant. Escapism by means of burning. Levitation by
restriction. 8. The JazzFakers - Hypnagogia: David Tamura - sax, synths, Raphael Zwyer bass, electronics, samples, Robert L. Pepper - violin, electronics & Matt Luczak - drums,
synästhetisch, bikameral, hypnopomp. 9. Jeff Surak - Monitor Outside: Aka 1348 aka Violet.
Legendärer Zeromoon- & Sonic Circuits Festival-Macher in Washington, D.C. seit 1983. 10.
Kate Carr - I made this track from wind, hunting signs and music I secretly recorded: Sie
macht Flaming Pines in Belfast und war zuletzt auf Helen Scarsdale Agency. 11. Be The
Hammer - Safe: Zwei Skullcracker aus Belgien: Dominique Van Cappellen-Waldock theremin, voice + Raoul Puke - loops, programming, sound mangling. 12. Mark Harris &JOHN 3:16 - He once made us tremble_He once Inspired awe: Hinter Steven Bannon stehen
Strauss-Howe (schlecht gelesen) und Julius Evola, hinter Philippe Gerber steht Johannes
von Patmos. Gemeinsam mit Harris, den er durch dessen n5MD-Releases schätzen lernte,
aktualisierte er die futuristische Oper "Sieg über die Sonne" (Little Crackd Rabbit, 2016):„Wir sind frei. Zerschlagen ist die Sonne. Es lebe die Dunkelheit, die schwarzen Götter, ihr
Liebling – das Schwein.“ Show me the way / To the next Apocalypso bar / Oh, don't ask why...
13. [ówt krì] - The Traveller’s Memoir: [Outcry] ist Kenneth Kovasin in Helsinki, der im"Misanthropy VI"-Split mit Fecal Fetal Labelkollege von Sielwolf/Nam-Khar bei Sombre
Soniks wurde. Obwohl er von den Menschen nicht viel zu halten scheint, sind seine
Gitarrendämmerungen doch auch ein Requiem. 14. Murmurists - Soutine Thick Line: Die
Interessen von Anthony Donovan (Northampton, UK) are all either obscure or opaque, but
morally authentic. Mit "Joseph Boi" auf suRRism-Phonoethics, mit "Inri Matisse (144')" aufDadaist Audio, mit "OU_pi Golgotha.undead" und "Xenakis of Chimera" auf Bandcamp. Hier
schwingt Chaim Soutine den Pinsel. 15. Rapoon - Dersariti-tam: Ja, Robin Storey. 16. Jan
Swinburne - industrialIOPHILIA: Die kanadische Video-Künstlerin liebt Oliver Sacks, Steve
Reich, Arvo Pärt, James Joyce, Gertrude Stein, Mark Rothko, Agnes Martin und den Sounddes Ozeans. 17. Your Grace Adrianna Natalie - Living Souls: Debutierte soeben mit derNoise/Techno-EP "The Unseen Shadows" (ALRN069). 18. K0Ks - Lemon Butch: Die Ladies
Of eXperimental Music Kate Henderson [= Thermos Unigarde] (von Snaykhunt, Limax
Maximus) + Megan Moncreif (von Lazurite). 19. The Strange Walls - The Girl On Mangragora:
Jon V. Worthley, Dan Drogynos & Regina Yates mit einem Song von "...Won't Last". Ein
Gedanke, der mittlerweile seltsam tröstlich anmutet.
48attenuation circuit (Augsburg)
Abraxas (ACK 1031, CD-R), das rührt vom Abraxasin Augsburg her, am 6.7.16 Schallraum für ein
Konzert von ACRYLWAFFEN in Gestalt von Guido
Braun und Tobias Schmitt. Ihr Miteinander wird
durch die Parole 'Acrylnimbus vs. Waffensupermarkt' als Reibung deklariert, wobei Schmitt aka
Suspicion Breeds Confidence den -nimbus und
Braun den -supermarkt-Part verkörpert. Das Augewird auf ein Armesünderhemd gerichtet, in dem
man einst die Jungfrau von Orleans und all die
andern Unglücklichen auf ihren letzten Gang
schickte. Der Klang allerdings hat erst ganz zeitgenössische Züge, als ein hastiges Pulsieren und
Loopen mit flatternden und drahtig flirrenden undsirrenden Frequenzen. Dann setzt dazu aberraunender Männergesang ein, ähnlich einem summenden Mönchschor. Ein galoppierender Groove
verleiht dem allerdings auch einen mongolischtibetanischen Anklang, jedoch weiterhin mit der
dynamisch-motorischen Gebetsmühle moderner
Industrie. Das Frankfurter Duo, das heuer auchgleich noch "Null" (AnalogMusiq) realisiert hat,offeriert letztlich auf absolut gekonnte Weise einminimaltechnoides Ambiente, in dem Stichworte
wie 'Rumchecken' und 'Auftanzen' die Sophistication des Frankfurter Nachtlebens bezeugen. Die
Augsburger Szene kann davon nur profitieren.
Das Foto der Grabskulptur auf Zeit (ACK 1033, CDR) stammt von Dan Penschuck, Herrn Penschuck[feindesign.de], der damit eine weitere visuelle
Spur bei AC anbringt. Den Zahn der Zeit setzt dazu
STEINEBACH in Gang, ja, das ist Martin Steinebachin Kahl, der schon als Compest, Conscientia
Peccati oder StillStand auf Tosom einen guten
Eindruck hinterließ. Sein einstündiger Tanz nach
Chronos' Pfeife mischt dröhnende und sirrende
Spuren zu einem Helldunkel entlang einer unermüdlichen Pulswelle, die im Lauf der Zeit verschiedene Zusätze aufliest und mit sich führt: Die
Litanei einer unverständlichen Stimme... schrill zerschrotete Musik, halb Dudelsack, halb orientalisches Getriller... orchestralere Klänge, aber nur als
Schatten ihrer selbst... Letztlich ist die Dauerwelle
mit Vergänglichkeit und Unverständlichkeit imprägniert. Die Stimme kehrt wieder, weiterhin paranormal, dann geistert auch das Orchester wieder
mit, als Hintergrund einer dissonanten Schleifspur,
schneidend wie ein sich lang hinziehendes Bremsen eines Zuges, brausend wie der Wind, dröhnend
wie eine Turbine. Die Zeitwelle changiert, aufzuhalten ist sie nicht.
49Untitled (ACK 1034, CD-R) ist der mit ACP 1040 auf 54 Min. zusammengefasste Rerelease von
ACA 1011, so dass NYM (= Sascha Stadlmeier ano-nym-isiert) da erneut seinen Sturm um die
Hütte pfeifen oder einen Zug dahinbrausen lässt, dass es nur so flattert und klappert. Wennsich da einer bibbernd festklammern möchte, wäre das nur zu verständlich. Das über Schiene
und Schwellen sausende Eisenbahnmotiv ist letztlich das plastischere, die Suggestion vonRasanz sehr effektiv. Aber es ist doch ein ganz eigener Zug, der einen isoliert seinem
Schicksal entgegen schleudert und sich dabei durch zunehmend dicke Luft bohrt. Mancher
mag sich da an "Die Reise", "La Stazione" und "Travelogue" von Herbert Distel erinnert fühlen,wenn auch ohne Fenster und ohne Halt, mir jedenfalls geht es so. Track 2 bringt ein ähnliches
Brausen, aber verlangsamt, abgedunkelt, ins Unterirdische verlegt, mit dunklem Knattern undwummernden Schlägen, die den überwölbten Raum spürbar machen. Wie im Windkanal zerrt
es an den Ohren, aber das Klangbild einer Fahrt verwandelt sich in die finstere Arbeit von
Mineuren, in eine Pauke, auf der der Kriegsgott dröhnt und grollt, in Felswände, um die derWind faucht, in ein unterweltliches Trauermotiv.
AARON BACHELDER bildet in North Carolina seit 1994 das zum perkussiv-klarinettistischen
Duo geschrumpfte Spool Ensemble, seit 1997 leitet er The Enrichment Center Percussion
Ensemble (ECPE), er rhythmisiert Clare Fader als einer ihrer Vaudevillains, rührt die Trommelstöcke bei den Darnell Woodies und ist da schon halb bei Eugene Chadbournes Schrammelfolk. Von da ist es ein ziemlicher Sprung zu seiner "Semi-Automatic Music" (2006) und zu
Music for a New Dark Age (ACK 1035, CD-R), experimental, process-oriented electronic works,
die sich nach furzeligen, knarzigen, flöten gehenden Derivaten von etwa Morton Subotnik undmeist noch primitiver anhören. Nach wie mit Chadbourne-Spirit geschraubtem Intonarumoren
aus der Computersteinzeit, als die düsentriebigen Bastler noch nicht einmal wussten, wasDancefloor ist, sondern über Asimovs Robotergesetzen und Planet 9-Trips brüteten.
BRIOLINE ist einer, der mit dem Vorschlaghammer durch die alkoholisierte Ödnis vonTscherkessk streift, wenn auch nur in Gedanken. Nicht dass in Newinnomyssk mehr los wäre.
Dafür müsste man schon den Shaitan anrufen, Iblīs, oder wie immer er heißt dort in KaratschaiTscherkessien, wo man den Islam mit der Muttermilch einsaugt. Von den Stichworten auf
Mountain Desert (ACK 1036, CD-R) ist aber wohl 'Abrek' das aufschlussreichste. Es meint die
in den Kaukasusregionen verehrten, von den Russen als bloße Bergbanditen verschrienen
Widerstandskämpfer gegen die Kosaken und die Soviets, einsame Wölfe, die dem russischen
Bären ans Fell gingen. Aber heute behauptet natürlich jeder Kleinkriminelle, er sei ein
Partisan. Brioline führt einen in die Fledermaushöhlen von Uaz-Abaa in Abchasien, wieüberhaupt seine Geographie vom 'Inguri' (seit 1994 Waffenstillstandslinie zwischen Georgienund Abchasien, über die gerade noch die von deutschen Kriegsgefangenen 1944-48 gebaute
Brücke offen ist) bis zum 'Ghegam'-Gebirge (in Armenien) reicht und in die Ukraine, wo man
den 'Kolomyika' singt, flötet und tanzt. Er trommelt auf Dhol oder Snare, lässt Viecher
schnaufen, Rösser wiehern, röhrt auf einen didgeridoo-urigen Blasinstrument, schrappelt
oder pickt eine blecherne Saz, spricht in seiner Muttersprache, jault mit der Erhu, twangt
Maultrommel am rauschenden Bach, bringt aber auch einen Synthie und Automatenbeats ins
dark-ambiente, unrussisch durchschauerte Spiel, das an den Ufern des Kuban sich ein
anderes Selbst erfindet, oder das eigene findet.
Mit Karma-Shelter (ACK 1037, CD-R) erhöht Róbert Sipos noch einmal seine Jahresproduktion
als Sound-, sorry, als NOISESCULPTOR. Als ob bei einem Brainscan etwas elektroenzephalografiert worden wäre, das nur der Schatten eines Vogels, aber eben auch ein Tumor sein
könnte, überschüttet er, zitternd zwischen Traum und Albtraum, seinen persönlichen Teufel mit
rostigen Panikblüten. In der Spannweite seines Spagats zwischen dem spanischen PorNoiseSchlachthaus Craneal Fracture und Attenuation Circuit entfaltet er eine Dialektik aus
brausendem und geißelndem Noise, der mit diabolischem Raunen und dem Gesang selbst im
Feuerofen lauthals weiter träumender Seelen in Schmerzlust schwelgt. Gar nicht grob auf die'Karma'- und die 'Shelter'-Seite verteilt, vielmehr auf ganzer Linie als Reibung zwischen
kakophonem Dauerregen und der steinzeitalten Fähigkeit, ihm zu trotzen, dem Aufklaren zu
vertrauen und den brodeligen Dingen des Lebens mit eins, zwei geloopten Strichen odereinfach dem Herzschlag einen Groove aufzuzwingen.
50

IL SANTO BEVITORE, das ist Nicola Serra aus Sardinien, der allerdings in Nordlondon mit
Beats, Synth and Percussions die Dröhngitarre von Francesco Garau in D503 betickt unddurchpulst. Joseph Roths "Legende vom Heiligen Trinker" ist ihm wohl durch Ermanno Olmis
Verfilmung (1988) zu Kopf gestiegen. Auf Sorge il Buio (ACK 1038, CD-R, EP) kündigt er ein
mit knurrigem Synthiebassdrone unterspültes Drumsolo gleich mehrfach als 'Luce perenne'
an. Gefolgt von 'Oltrepassare' als Reigen aus Drumming, Dudelsackgetriller, Gerassel, einer
stehenden Vokalwelle, Klangschalenklang, pochendem Elektroherzschlag. Schließlich entfaltet noch das Titelstück zu schnarrendem Puls und tackenden Beats einen elektroperkussiven Groove, verziert mit Gong- und Beckenschlägen und feinen Klicks. Er überschreitet
damit das Dunkel, ich bin dazu noch zu nüchtern.
Tobias Schmitt (Suspicion Breeds Confidence, Acrylwaffen) und Sascha Stadlmeier (Emerge,
NYM) lassen sich ihr Eigenidyll von Go Tsushimas Gitarre aufmöbeln zu EigenGOdyll (ACK1039). Der JIKU55-Partner von Maria Jikuuu zog, live im k15 in Augsburg, in einem Gitarrendreier mit zusätzlich Drum Machine, Bass und Processing die Schrauben des Loopwerks
stramm. Er ist wirklich das Go, das das ambiente Kreisen, Wummern und Kaskadieren aufmischt mit vehement schrappelnder Marmorschafschur. In zentralperspektifischer Raffung
gibt er dem Augsburger Allerlei als geschraubtem Raum ein 'Break on through' vor, erhält
aber zuletzt nur alteuropäischen Großvateruhrenschlag als vielsagende Antwort.
Zachary Lindsay, der sich VOLCANIC QUEEN nennt, kreist auf Innocence of Those Who
Perished (ACK 1040) mit mächtigem Pathos, aber auch unvermuteter Schärfe um Untergang,
Ruin und Enttäuschung, im imperialen Großen ('Shadows of a Fallen Empire') wie im engen
Umkreis ('Every Severed Relationship'). Elegischer Chorgesang in eisig brausenden Partikelstürmen ist nicht das, was einem zu fallenden Rosenblättern und zu Trauerweiden als erstes
in den Sinn käme. Doch an Mike Fazio und Orchestramaxfieldparish darf man sich durchaus
erinnert fühlen, bis powerelektronisches Tamtam, Harsh Noise, Gabberbeats und Wasserfallrauschen das mitsamt jeder melancholischen Restriktion pulverisieren. Trauermarschpauken, Domspatzengesang und Cellos dämpfen zuletzt den rohen Schmerz, doch es gießt,
dass man dabei keinen Hund begraben möchte.
Auch Vladislav Kreymer, kurz THAT BLACK, spottet mit seinem Nostalgia (ACK 1041) der
Erwartung. Hornissenaggressiv und mit sirenenalarmiert aufbrausenden und pumpenden
Noisewooshes und schlurchenden Fetzen stellt er in einer william t. vollmannschen Europa
Central-Perspektive als eisern und böse dar, was sich die Neusprecher unserer Tage alsgute alte Zeit in die eigene Tasche lügen. Denen wird mit schwarzem Humor aus Donetsk
hier sarakastisch was gezwitschert, gesungen und sogar getrommelt, schräg und toll.
Thomas Park aka MYSTIFIED, ein Bursche von nimmersatter Freude an Gedröhn, realisierte
zusammen mit Scott Lawlor Love Is A Machine (ACK 1042). Von seinem Fließband der Lieberollt ein summendes, sehr kokontaugliches Klangband mit Turbinengewummer, Brandungsrauschen, Dieselmotorgroove (oder was man dafür halten kann). Ich fühl mich beplätschert,
mehr aber nicht.
Eine konzertierte Aktion von AC, Gold Soundz & Korm Plastics besorgte In the Sky (ACU
1007 / GS#129 / kp 3064), eine niederländisch-norwegische Beschallung durch Frans de
Ward & Sindre Bjerga als TECH RIDERS. Die beiden waren nach erstem Kontakt Ende 2015
im März 2016 um die Häuser gezogen und hatten dabei auch das Atelierhaus 23 in Hamburg,
die Baustelle Kalk in Köln beschallt. Genauer: Beprasselt, behubschraubert, umzuckt undbesirrt, auch umloopt mit launigem Gepfeife und mit Synthie bedröhnt und bewölkt,bebrodelt und mit Scratches gestreichelt. Loops knarren altersschwach, es furcht, flimmert,
mahlt und furzelt. Es überrascht ein ulkiger Drum Machine-Groove mit Stimmfitzeln
drumherum, gewollt und gekonnt komisch. Dann wird es dröhnend halbseriös, mit kritzeligen
Akzenten und auch wieder groovy. So auch bei 'And So, Just Like That' mit seinen
Alltagsloops, seiner 4/4-Simpelei. Bis zum rauschenden, tuckernden, kritzeligen, stimmfitzeligen Ausklang mit diesen kuriosen Hoppereitern.
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Lorenzo Brusci (Timet, Climnoizer, Giardino Sonoro) & Luca Canciello gestalten
als SYNCHRE mit ihrem Requiem (ACU 1009, CD-R) aus Drones, Breakbeats unddunkel grollenden Blechbläsern (oder Orgelpfeifen) einen Dreisatz aus 'Living
Energy', 'Nostalgia' und 'Transfiguration'. Als einen Übergangsritus, mit einer zart
flehenden Gesangseinlage von Tozim Madzima aka Zimbabwe Bird, zu plonkenden Lauten aus dem Innenklavier. Danach wieder rauschend sich wälzende, zittrig verzerrte und knarrende Synthie- und Gitarrensounds, mit Vogelgezwitscher
durchsetzt und erst zeitlupig gedehnten, dann wieder zuckenden Beats. Und
zuletzt auch wieder der dunklen Bläserpracht, zu der sich diese grandiose Musikder brausenden Verwandlung entgegen stürzt. Wer braucht noch eine Leitkultur,nach so einem Durchgang ins weiße Licht?
Wen weder Leitkultur noch Freund Hein schrecken, der kann sich mit Hard Gonzo
Tappers (The Real Northern Noise-Underground) at 'Sturmglocke' Hannover(ACRS 1012, CD-R) bei 'ORiFiCe' die harsche Krätze holen, sich von Ca$hperv
dröhndumpf granulieren, von Java Delle (TimTimTonTraeger, Die 7te Krawallerie)
die Schädeldecke wie einen Heringsdosendeckel aufrollen und ähnlich dröhndumpf die Synapsen eindellen oder von Winds of Change in Zeitlupe mit den
Scorpions geißeln lassen. Helge Meyer (von The 9-24V Group und wie Java Delle
aus Hamburg) ist dazu kaum das passende Antidot, sondern der prasselnd,knatternd, stechend entzündete Wurmfortsatz. Als hätte der Affe damit nochnicht genug Zucker bekommen, bringt ein großes Finale noch alle fünf als geballt
schrillende Sandstrahldusche.
Sergey Bulychev in Wsewoloschsk streicht Balsam auf verkrätzte Ohren. Er
dröhnt als KSHATRIY mit Samantabhadra (ACT 1042, C-60) & 'Samantabhadri',als säße er im Vater- & Mutterschoß des Großen und Ganzen. Ich setze michdaher auch vor mein Cheshirekatzen-Poster und lasse die Panzer des Guten,
Wahren und Schönen ihre Runden um mich drehen. Alles om mich herom wird
blau, alles om mich herom wird weiß.

Nein, Blauäugigkeit ist nicht die Sache von Djordje Miladinović im serbischenČačak. Slogans wie "At the Mercy of Imbeciles", "Inhuman Conditions", "Violence begins with a Fork" oder das Kofferwort "Demoncracy" sprechen Bände
dagegen. Zugegeben, RAVEN klingt als Kampfname viel besser als Blue Tit.
Neben "Hopeless" und "Faceless" nun also Forsaken (ACT 1047, C-66),
kreisend um den Menschen als Waisenkind und Versuchstier seiner selbst.
EMERGE stärkt ihm als Gesinnungsgenosse den Rücken, mit knisternder,
rieselnder, flatternder Arte Povera, durch deren Rippen der Wind faucht. Er
selbst eiert und trillert, sirrt und pulst und tupft dazu melodische Punkte,während Schritte über Kies führen. Oder er legt pulsierend tickernde, sirrende,jaulende und surrende Laute übereinander in einer turbinenartigen Rotation,
die mit pfeifender Drehzahl schleudert, aber subwoofdunkel ausläuft.

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domizil (Zürich)
20 Jahre und ungeahnte Up- & Downgrades später halten Bernd Schurer, Marcus
Maeder und Thomas Peter inne, um auf den Fortgang ihrer Klangkunst anzustoßen.
Neben Anniversary-Parties in Zürich und am 17.12.2016 in Berlin (wo Asmus Tietchens
mitfeierte) wurde die Gelegenheit genutzt, die eigenen Standpunkte inmitten dertausendfältigen digitalen Plateaus zu explizieren mit einer "domizil *1996"-Tetralogie.
Dass domizil eine Herberge für Schlauberger ist, muss ich das noch einmal großbetonen? Die mich konfrontieren mit ihrer, wenn vielleicht nicht bewussten, so dochfaktischen Affinität zu Reza Negarestanis Perspektive des 'Inhumanen'.
Mit Studien 21.1.-21.15 (domizil44) setzt MARTIN NEUKOMM seine brummige, flickrige,
wummrig dröhnende, knattrige Testreihe fort. Konkreter kann Tonkunst kaum werden als
hier als Soundart an sich. Fünfzehn Frequenzmuster, Maschinengesang, geboren aus
dem Geist des Labors, technophile Phänomenologie, futuristisch abgedichtet gegen alleromantizistisch menschelnde, fetischistische Konnotation. Und doch nicht sicher vor
dem Spielteufel.
MARCUS MAEDER, Sonifikations- und Bioakustikspezialist an der ZHdK, dessen
Hauptaufmerksamkeit zuletzt 'Soil Soundscapes' galt, richtet mit Non-Human (domizil45)
das innere Auge spacewärts, zur Magellanschen Wolke und dem dort sterbenden RotenHyperriesen WOH G64. Und mahnt dazu mit einem Zitat des Wissenschaftsforschers
Bruno Latour zu Bescheidenheit im unendlichen Ozean des Ungewissen. Angesichts der
so ganz anderen 'Star Reality' gilt es Abstand zu nehmen (Step Out') vom Ego als Maß derDinge. Wir sind nur Partikel in Fluktuation und Oszillation, der vergängliche Part in einem
rekursiven, zyklisch-propagativen Endlosschlaufen-Flow von Mise en Abymes. Maeder
befördert diesen philosophisch-spekulativen Raumflug und Tauchgang mit fein
dröhnenden sonischen Gespinsten. Um ein Bewusstsein zu wecken für 'Dormant
Entities', für die übersinnliche, überdimensionale Makro- und Mikrofaktizität unserer
instabilen, nur scheinbaren Behaustheit.
Der Heterophänomenologe BERND SCHURER fügt unter lautem Sirenenalarm den'Dormant Entities' sein Blind Material (domizil46) hinzu. Nicht ohne mit den Begriffen'Obfuscation' und 'Contingency' inmitten der damit diagnostizierten Vernebelung und
Unverfügbarkeit für eine 'Soliloquy Synthesis' zu plädieren, für eine Vereinbarmachungvon Monologen, und dafür, sich den Zufall zum Komplizen zu machen. Seine Klangwelt ist
turbulent, fuzzy und lässt bisweilen sogar einen pianistischen Kern vermuten. Prägnant
und heftig oszillierende Dröhn- und Rauschwellen, radioaktives Prickeln, metallisches
Ratschen, schrilles Gebrodel oder brummiges Surren in 3D lassen in schlürfenden
Wooshes und in menschlichem Maßstab etwas ahnen, das der Zunge eines Ameisenbären in einem Ameisenhaufen entspricht. Hörbare 'Widerfahrnisse', so räuberisch wie
Krebszellen, ein molekulares Reißen, Fauchen und Verzehren, das einem aufdrängt, es
animalisch oder monströs zu bebildern. So wie die 'Fuzzy Arc 2'-Detonationen
martialische Bilder provozieren.
THOMAS PETER, Live-Elektroniker im Ensemble Phoenix, im Duo mit Hans Koch und mit
dem Trompeter André Meier als +thand, führt mit Thornbill (domizil47) und dröhndunklem
Tuten und Flöten in den Lebensraum von 'little brown somethings'. Wobei die kleinen
Dornschnäbel in Australien vorkommen, ich aber schon bei der Unterscheidung
perkussiver Handgreiflichkeiten von gewittrigen und steinschlagbröckelnden Fieldrecordings die Orientierung verliere. Digitale Strahlen, perkussiv rumorendes Windspiel,
Luftlöcher und Naturblasen lassen sich als sommerliches Ambiente und faunischer
Nachmittag deuten. Ort: Irgendwo, aber doch mit Grillen und leichtem Donnergrollen um
das vom Wind geflauschte Mikrophon. Oder einfach nur Suggestionen, akustische
Irritationen, schwer zu deutende feine Vibrationen, in denen innen und außen, klein undgroß verwischen? Wald- und Kunststück überblenden sich, Wald und Horn, Vogelstimmen, Sinuswellen und wieder tutendes Flöten, wie auf einer Schautafel vereint.
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Drone Records - Substantia Innominata (Bremen)
United Colors of Drone. Ich stelle mir Drones, mehr noch als wellig, sphärisch vor,umhüllend, überwölbend, inklusiv. Drone-Mind // Mind-Drone Vol. 5 (MIND-05, LP, silver
vinyl) gibt dieser Suggestion wieder vierfältig Nahrung. Zuerst ist da GYDJA in Neuseeland. Dort aber nicht so isoliert, dass Abby Helasdottir nicht schon auch mit Aidan Baker
oder Chmafu Nocords-Macher Maru dröhnländische Kontakte gepflegt hätte. Mit'Gjallarbru' taucht sie, wie schon mit "Helchemy" (2008), in die nordische Unterwelt derHel. Denn Gjallarbrú ist, wie Snorri Sturluson erzählt, die goldene Brücke über den
Jenseitsfluss Gjöll. Gekreuzt ist das mit Aleister Crowleys Verehrung der Großen Mutter
Babalon, der Scarlet Woman und Mistress of The Beast in Gydjas "Liber Babalon" (2001).
Auch mit "Apsinthion" (2015) und der Widmung an Marjorie Cameron (1922-1995) reißt
sie mit deren Verbindung zu Jack Parsons, Curtis Harringtons "Wormwood Star" undKenneth Angers "Inauguration of the Pleasure Dome" das thelemische Sexual MagickMoonchild-Phantasma an. Dass der 'Moonchild'-Antichrist inzwischen als alan-mooresche Ausgeburt in "Century: 2009" erschienen ist, in Gestalt von Harry Potter, sagt dochnur: Absolute Musik ist sterile Musik. Jede andere und speziell diese geht mythopoetischschwanger. Angeweht vom Atem der Tiefe, einer wummernden, von Zwielicht durchschimmerten Tiefe. Unter dem ominösen Blick einer stummen Riesin. // CLADE ist eineamerikanisch-schottische Verbindung in Glasgow, die mit "Vietnamese Piano" und"Klavierstücke" Eno- & Basinski-Stimmung verbreitete und mit dem sonnenfinsteren"Holonic Sadism" Arthur Koestlers Konzepte der Offenen Hierarchischen Systeme undder Holone aufgriff. Auch sie lassen ein dunkles Schnurren in grollenden Schüben'atmen'. Ebenfalls mit einer Suggestion von Höhle, von Unterwelt bei 'Furnace' und langgezogenen, dröhnend pfeifenden Fäden bei 'Last Summer', das vorzeitig vom Herbst
ergriffen wird. // MONOCUBE präsentierte sich gleich mit "Vibramina Maeroris" (2008)
Drone-affin, bei "Blue Dusk///Red Dawn" (2014) räkelt sich eine sexy Witwe, bei "TheRituals" (2016) frisst der Große Bock die Sonne. Die Apokalypse ist jederzeit eine
Schwarze Messe wert. Lässt 'Vibramina Renatus' eine Neugeburt erhoffen? Das große
Versprechen jeder Pseudologie. Der Ukrainer vereint die ominöse Tiefe von Gydja mit
dem Herbstwind von Clade zu einem ätherisch versilberten Frauenchor, jedoch - wie
Büchners Danton es empfand - mitgerissen wie auf einer mit fast 30 km/s dahinschießenden Kanonenkugel. // In Metz zeigt sich Julien Louvet (213 Records) ebenfalls
gehörnt als The Austrasian Goat, und ob 2:13 für minderschweren Totschlag steht oderfür das Wollen und das Vollbringen (Phil 2,13), sei dahingestellt. Als YRSEL schwedischverbündet mit C-J Larsgården (Pacta, Ondo) trugen sie die drei Grazien zu Grabe("Requiem for the 3 Kharites"), bei "Sacrifice" vertieften sie sich in René Girards
Sündenbockkomplex und mit "Abraxas" in das gnostische Abrakadabra vom paradoxen
Gott, der Sonne und Satan in eins ist. 'Krstnhmnbrtncrt' lässt einen hinter einem motorisch brummenden und schwellenden Pulsieren orchestrale, leicht atonale Schwaden
halluzinieren. In wieder einer starken Anmutung von Tiefe und wie geträumter Rasanz.
La vie dans les Airs & dans les Eaux (SUB-24, 10"), das ist der Zusammenklang eines
Franzosen in Taiwan - YANNICK DAUBY - und eines Japaners in Belgien - HITOSHI KOJO.
In einem elementaren Ritual, angeblasen wie von Luren, mit einem Tropfen und Glucksenvon Wasser und metallischen Akzenten, die sich kurz auch zu Glöckchen verdichten. Die
heulenden 'Sirenen' und hell sausendes Gedröhn verorten einen quasi höhlenartigüberwölbt, zugleich windkanalhaft angeblasen oder brodelig umköchelt. Eine Tonnemacht dongenden Hall, ein Carillon klingklangt im Wind, von Wasser umschwappt, Metall
kratzt ein Graffiti. Dazu beginnt das Hafenmolenklangbild summend anzuschwellen inmetalloider, fast orchestraler Verdichtung. Als rituelles Crescendo, das mehr noch als
Wasser und Luft das Leben, das Lebendigsein feiert. Das Artwork von Andrew Chalk,
das doppeldeutig zwischen pflanzlich und mineralisch vexiert, passt dazu wie gesucht
und gefunden.
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The Helen Scarsdale Agency (California)
Saturn Returns. The River all browned with mud. Die Stirn rostig vor Blut, die
Wand blutig vom Dagegenschlagen. Die Stirnseite von Natural Incapacity(HMS039, 2 x CD) besteht aus einer rostigen Eisenplatte. So eisern und rostig
wie die schwerindustrialen Klangwände, mit denen einen RELAY FOR DEATH
umstellt. Das sind die Zwillingsschwestern Rachal & Roxann Spikula, einst in
Raleigh, North Carolina und bei den Towering Heroic Dudes und in Boyzone,
nun in Richmond, Californien. Aber verdammt abseits von allen Silicon Valley-,
HiTech- und Wonderbra-Assoziationen. Sie stellen einen mitten in ein Wasserkraftwerk, umdonnert vom Wasserfall, umwummert von einer rotierenden
Turbine, dazu Rufe, wie eben Männer bei der Schwerarbeit ab und zu lautwerden. Der Weg dahin ist gepflastert mit "Birth Of An Much Older, Much More
Ugly Christ" (2010) und "They Are Heating Up The Ovens Get The Fuck Out Of
Here" (2011), wo 'Big Satan' persönlich einen Auftritt hat. Die 'Turbine' ist ineinem beständigen Galopp, ist ein den Wind vor sich her schiebender Drive
einer Lokomotive alter Bauart. Ist es nicht Wasser, dann flüssiges Erz, jedenfalls
so etwas wie eine schwerindustrielle Quintessenz, brodelnd, grollend, bebend,zischend, ein eisernes Tamtam mit Headbangingzwang. Ernst Jüngers 'Lied derMaschinen' in zyklopischen Landschaften, wo "kein Atom mehr möglich scheint,
das nicht in Arbeit ist", als sich selbstähnliches, weil gelooptes Immersoweiter,
Teufelswerk, in dem die Seele kleingeschrotet wird. Aber war das nicht immer
schon die halbverschämte, unverschämte Vorstellung von den verrusten,verstaubten, ölverschmierten 'Morlocks'? Ist das ein Widerhall des Verdrängten,
ein widergängerisches Isengart? Zwei Stunden sind nur der Bruchteil einer
Schicht. Wie schön, dass wir inzwischen Zauberstäbe haben.
Throttle And Calibration (HMS040, C-60) entstand aus Fieldrecordings, die JIM
HAYNES und andere Teilnehmer an Simon Whethams Projekt 'Active Crossover'2015 in Estland aufnahmen. Haynes war dort Gast im Mooste Külalis Stuudio
Eesti (MoKS), 40 km südlich von Tartu, nur 20 km von der russischen Grenze. In
diesem Fall ist also das Basismaterial kein Mythos, allerdings filtert undverdichtet Haynes das Konkrete daran gleich mal in einen martialischenSoundscape, der eher an die heiße Front im Donbass denken lässt als an dasestnische Hinterland, auch wenn das schon auch den Dreck der russischen
Agrarindustrie abbekommt. Dann lässt Wind Eisengras erzittern, dazu dröhnt
es, als wäre 'Tabula Rasa' das Minimalziel dieses Brausens. Egal ob vor
wissenschaftlichem oder landwirtschaftlichem Hintergrund, es geht martialischweiter mit prasseligem Rauschen, furzender Hupe, bebender Stille nach der
Sturmattacke. Selbst sanft sonore Dröhnwellen garantieren keine Naturidylle,
auf die nur noch hintergründig murmelnde russische Allgegenwart hat sich eine
dicke Staubschicht gelegt. Bleihaltig ist die Luft aus anderen Gründen, 'With
Lead' läutet mit metalloiden Schlägen, der Finnische Meerbusen wogt, oderauch nur der Peipussee. Fromm für die Kirchenmusik 'Kirikulaul' macht einen
Väterchen Frost, der am Fließband klirrende Kälte produziert, inmitten derjedoch ein Aaah aus blonden Kehlen leuchtet. Bei 'What do you mean by that?'schleckt Wasser sich selbst, mit dunklen Detonationen in der Tiefe. Und mit'Radiesthesia' bringt Haynes zuletzt eine unestnische, eine kalifornische
Quacksalberei ins Spiel, nämlich die vom 'Radioniker' Albert Abrams (18631924) behauptete Fähigkeit, ein menschliches 'Bio-/Schwingungsfeld' diagnostizieren und Krankheiten heilen zu können. Ein Millionenschwindel, auf den
neben dem notorisch leichtgläubigen Arthur Conan Doyle auch der kritische
Upton Sinclair reinfiel. Was soll das bedeuten? Gute Frage, ich stehe Früh mit
ihr auf und gehe Abends mit ihr ins Bett.
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Karlrecords (Berlin)
Wenn man danach sucht, findet man als Spuren von Theresa Stroetges einen
schwesterlichen Split mit Jasmina Maschina und ihre Präsenz bei Soft Grid. Seit
bald zehn Jahren ist sie aber in Berlin vor allem die aus ihr allein bestehende BandGOLDEN DISKÓ SHIP, mit "Prehistoric Ghost Party" (2012) gleich auf Klangbad und
mit "Invisible Bonfire" (2014) bei Spezialmaterial. Imaginary Boys (KR032, LP) zeigt
nun die kleine Mama flammender Flamingos orientalisch angehaucht mit Pseudosaxophon und fidel vokalisiertem Lalala zu energischen Violastrichen und Synthiedröhnschweifen auf einem plinkenden Oud-Loop und massivem Oomph-Bass. Der
Mix von Schneider TM und das Mastering von Rashad Becker lassen da keine
Wünsche offen. Für 'Pacific Trash Vortex' bringt sie Gitarre und Shaker ins Spiel,schön schrappelig und mit vertrillertem Gesang wie ein überkandidelter Gebetsruf
mit mädchenhaftem Zungenschlag zu strammen 4/4 und dudeligem Synthie.
Breakbeatkrumm und seufzend hebt 'Wrong Beach' an und sie singt mit kindfrauhellem Timbre It's a beach where you can't swim, it's a language you can't speak zu
melancholischen Glasperlen-Keys, holzig tickenden Sekunden und brausenden
Klangwolken. Bei 'Abandoned Chinese Fishing Village' umspielen Cellos zu
rauschendem Pea Soup-Loop und schleppendem Beat das Game of ThronesThema. 'Sundrunk' setzt ein mit knurrigem Bass und schnellem Tuckern und wieder
Gesang, der miragehaft schleiertanzt zu lethargisch-diffusem Beat. Mit Vogelrufen
beginnt 'Swarm of Bees' zu einem Halteton der Keys und tropfendem Beat. Sie
singt: I see You shine und lässt zu einer soften Basslinie Gitarre und Glockenspiel
plinken. Dass dieses als Wolkenguckucksheimpop rührende oder als Do It YourselfExotica bezaubernde Zeug lebensnah statt bloß niedlich sein möchte, dafür kniet die
Kapitänin ihrer goldnen Nussschale sich bei 'Lifelike Showdown' nochmal richtig
schön rein, mit Synthiewolken und kreisender Oud auf knurrigem Fond und einem
energischen zweiten Anlauf mit straightem Puls, aber klappriger Percussion,
forderndem Gesang und zuletzt befreit aufspielender Oud. Aber, Leute, die ihr das'experimentell' nennt?! Das ist nicht experimenteller als wenn ich als Rechtshänder
versuche, mir den Arsch mit der Linken zu putzen.
Sein 10-jähriges Bestehen feiert Karlrecords mit Organism (KR041, download) von
AROVANE & PORYA HATAMI. Ersterer, Uwe Zahn, gilt als Hauptvertreter der IDM inden 90ern, mit seinem hauptsächlich fürs Dancing in Yr Mind tauglichen Wohnzimmer-Techno. Nach einer 9-jährigen Pause ist er seit 2013 wieder aktiv wie eh undfand in einem um 16 Jahre jüngeren Iraner einen idealen Spielgefährten, mit dem ernach "Resonance" (2015), "Kaziwa" und "Veerian" (beides 2016) nun das hierrealisierte. Wenn man Chill-out und Dark als Ambientpole ansieht, dann gehört das
brummige Wummern auf die schattigere Seite, als dunkler, von Vinylplops
punktierter Flow, als dunkles Beben mit surrenden oder wie mit Eisen geriebenen
Streifen, mit jaulenden Oszillationen. Die Tracks sind eine intermittierende Reihe,
jeweils mit einem kurzen 'Rhizome' als Intermezzo, das jedoch keinen Kontrast
schaffen will. 'SpeCreature' ist eine überrauschte Flötenmelodie, von fernen
Schlägen interpunktiert. Die Szenerien bleiben dunkel, imaginär, menschenleer.
Außer einem selber, der einem Dröhn- und Fauchwind ausgesetzt scheint undweiteren Impulsen, die von einer von Klangpartikeln beschossenen Membrane nicht
abgehalten werden. Die wiederkehrenden melancholischen 'Altflöten'-Töne geben
dem Rauschen Feeling, wenn auch das eines Notturnos. Knarzigen Klängen folgen
quecksilbrige und solche, die wie tiefste Orgelpfeifen brummen, windige Schübe
ziehen gluckernde und kristalline Verlaufsformen wie mutierter Asmus Tietchensnach sich. Nicht alles lässt sich organisch oder mikroorganisch deuten, manches
tickt mechanisch, manches tickt oder dongt surreal, vieles bleibt schlicht undeutbar,
seltsam, gar nicht mal so dark, sondern geheimnisvoll in sich versponnen.
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ZEITKRATZER performs songs from the albums "Kraftwerk" and "Kraftwerk 2"(KR035, LP) entstand am 22.5.2016 beim Festival Les Musiques in Marseille. Im
Einzelnen spielten Frank Gratkowski (flute, clarinet), Elena Kakaliagou (french horn),
Hilary Jeffrey (trombone), Reinhold Friedl (harmonium, piano), Didier Ascour(guitar), Maurice De Martin (drums), Lisa Maria Landgraf & Burkhard Schlothauer(violin), Elisabeth Coudoux (violoncello) und Ulrich Phillipp (doublebass)
Arrangements von 'Ruckzuck', 'Spule 4', 'Strom', 'Atem', 'Klingklang' und 'Megaherz'.
Und es klingt, als hätte Kraftwerk bei allem Kokettieren mit dem Roboterhaften
vielleicht genau so klingen wollen. Oder, andersrum betrachtet, ein klassisches
Ensemble suchte und fand Stoff, der, wie "Pacific 231" anno 1924 den lokomobilen
Zeitgenossen, nun denen, die ihren BMW im Parkhaus parken und ihre Smartphones
kurz mal abschalten, nichts mit einem vor Jahrhunderten abgelaufenen Verfallsdatum zumutet. Mit dem Clou, dass die größtenteils aus der Pferdekutschenzeit
stammenden Instrumente dafür über ihren Schatten und durch die Zeit springen.
Um unplugged 'Strom' zu suggerieren und mit 'Ruckzuck' etwas, das es noch gar
nicht gab. Mit 'Klingklang' als dem Flötenstück, das es ist, mit zwar repetitivem
Groove und mehrfacher Temposteigerung, aber zeitweilig auch Paul Horn-Spirit, derzum stumpf stapfenden 4/4-Duktus auf träumerischem Abstand bleibt. 'Megaherz'
wird zuletzt dröhnminimalistisch dargeboten, als Adagio mit Bassklarinette,
Waldhorn, Harmonium und auch wieder pastoraler Flöte, das einen ins Innere desTons bettet, in eine knarzende Nussschale, die zuletzt an den Strand gespült wird.
Kraftwerks prototechnoide Innovation (das repetitive Ostinato) ist ja nur ein
Teilaspekt ihrer Dichotomie aus elektrischer Radio- & Computer-Aktivität, Motorik,
Menschenwerk, Klingklang und Koffein, angeblasen von Florian Schneiders
unwahrscheinlicher „Density 21.5“-Flöte, neben der Ian Andersons ‚Locomotive
Breath‘ nur altes Bach-/Blues-Püree aufwärmte. Wobei in Kraftwerks ‚Stratovarius‘
im frischen Stratosphärenatem des Age of Aquarius ja auch noch eine Stradivari
steckt, und neben Flöte auch Geige und pianofeines Tastenspiel erklingen. Hütters
und Schneiders Minimal Music ist vor allem in der Frühphase mantrahaft seren undorganisch und teils näher bei Philip Glass und Popol Vuh als bei ‚deutschen‘
Sekundärtugenden und Strategien der Kälte. Ihre Stücke sind halb auch organische,halb auch romantische, in sich widersprüchliche Komposita: ‚Megaherz‘, ‚Wellenlänge‘, ‚Tongebirge‘, ‚Geigerzähler‘. Auch ihre Roboter blieben ‚organische
Konstruktionen‘, Mensch-Maschinen, bedürftig nach Liebe, empfänglich fürHeimatklänge. Gleich hinter der Autobahnabfahrt harrten Jean Pauls Kometenmelodien, Caspar David Friedrichs und E.T.A. Hoffmanns Nachtstücke, Franz
Schuberts Wanderer. Ein Doppelherzspiel, das mit ‚Ohm Sweet Ohm‘ Heim undGlück-allein besang, bei dem durch ‚Metropolis‘ Hagen und Dr. Mabuse mit Olimpia
oder der Maschinen-Maria zu Musik eines Flötenbläser-Automaten tanzen.
Zeitkratzers Anverwandlung kehrt sehr schön die Düsseldorfer Doppelgängerei als
genuine Doppelcodierung hervor, die außer bei Gas mit seinem „Zauberberg“ &„Königsforst“ viel zu selten als ‚romantische Ironie‘ erkannt und beerbt wurde.
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Kvitnu (Wien)
Die letzte EP von STRAY DOGS hieß"Kalkar", denn sie entstand in der mitüber 7 Milliarden verdummten € wohl
größten Investitionsruine D-lands, imnutzlosen Kühlturm des jahrelang heißumstrittenen und 1991 gestoppten
Schnellen Brüters, verscherbelt als
Vergnügungspark Wunderland Kalkar.
And The Days Began To Walk (KVITNU
48, CD-R) ist jetzt wieder eine mit dervon "Kalkar" durchaus verwandte
Musik für eine Tanzchoreographie. Das
belgische Duo hat sich nämlich seinen
Namen gemacht mit Soundtracks für Theater und für Videoperformances. Etwa mit"Wasteland" für Ina Christel Johannessen und deren gleichnamige Choreographie
für die GöteborgsOperans Danskompani. Wie die neue Musik daraus hervorging,bleibt mir unverständlich, ist aber auch egal: Frederik Meulyzer spielt Percussion,
Koenraad Ecker Cello & Gitarren, beide auch Electronics. Damit beginnen sie einenpolyrhythmischen Galopp, 'Phaeton' genannt. Darin sind Glanz und Hufschlag
vereint, ob im Gespann der Göttin der Morgenröte oder mit Phaeton als Crashpiloten
des Sonnenwagens. 'Lethe' folgt als monoton gepaukter Trauermarsch mit
Synthiefanfaren als Schwanengesang. 'Tokoroa' nimmt danach Tempo auf mit
Assoziationen an Maori und Rugby, das Tamtam und die Cymbalcrashes sind per seschon ein Tanz, noch bevor jemand den Fuß rührt. Selbst Truckern macht es Lust, damitzugrooven, ihr Horn röhren zu lassen und sich als Kriegshäuptling zu fühlen.
'Pluvier', der Regenpfeifer, balzt mit einem Schreittanz, die Belgier reduzieren das
Klangbild auf kleine perkussive Geräusche, finden dann aber doch wieder zu einem
Powwow mit pochender Pauke, Rassel, klappernden Wirbeln und dröhnenden
Bogenstrichen vom wohl elektrifizierten Cello. Zu 'Beacons' meint man, dieLeuchtfeuerberge von Gondor aufflammen zu sehen, der martialische Unterton
fordert es geradezu heraus. Und auch 'Sour Vanilla' mischt noch einmal erregte
Tomtomschläge zu tickender Cymbal, dazu knarrt und kaskadiert es ominös, als ließe
Orkgestank die Pferde scheuen und nichts Gutes ahnen. Man kann das auch ganzohne Gondor- und Mordor-Unterton zurück nach Griechenland verlegen, aber landetdennoch in einer archaischen Zeit, die wusste, dass Bernstein von Tränen herrührt.
Transmutatsia (KVITNU 50, CD-R) bringt ein neues Stück von ZAVOLOKA undzugleich dessen 'Cluster Lizard Remix'-Version. Es setzt ein als dunkel 'geflötete'
Melodie, mit metalloidem Saum und in melancholischem Downtempo, summend unddröhnend. Und dann doch abgelöst von einem animierten, immer energischer Trittfassenden Groove, mit pochendem Beatwirbel und sirrendem Stampfen, mit
zuckender Maschinenrhythmik und weiterhin stumpfem Pochen. Dazu kehrt das
dunkle 'Flöten' wieder, in stramm bepaukter Festlichkeit, die in Kaskaden abreißt,
wenn es gerade am prächtigsten ist. Der Remix entschleunigt, verzerrt, lässt
Luftlöcher aufreißen und raue Klangschwaden darin verhallen. Ein schwellender
Halteton zieht schwere Donnerblechschläge an, ein brummiger Basston setzt ein zu
nun schon recht grandiosem Taikogetrommel wie auf Ölfässern. Das vollständig
abreißt für einen angerauten zweiten Part mit schnarrendem Dingdong und schnarrig
ruckelnder, zuckelnder Rhythmik zum stumpf pochenden 'Transmutatsia'-Beat undauch wieder den zuvor schon so prachtvollen Schlägen. Der Farbton zu diesen
Power Electronics ist konsequent ein imperiales Rot.

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Editions Mego (Wien)

Dem Invisible College, einer hermetischen Fiktion von den Rosenkreuzern überBen Johnson und Robert Boyle bis zu "Das Foucaultsche Pendel" und Terry
Pratchetts Unseen University, hat CINDYTALK das paradoxe The Labyrinth Of
The Straight Line (EMEGO219) gewidmet. Und versetzt einen an die raue Küste
der sea of unknown movements far below the surface, of primitive desires, ofendless triangles, of ritualistic murders, of history, of greed, of guilt, of eight
million false faces, of lost hopes, of despair, of occasional reasion, without time
(aus Ken McMullens Film "Gost Dance", 1983). Danach schlagen gnadenlose
Sekunden im scharfen Licht von 'Shifting Mirrors' (terrorizing the claustrophobicbody). 'In Search Of New Realities' tanzt den Geistertanz zu Rasselbeat,raunendem Geisterchor und Synthieschwaden. Paranormale Stimmen bleiben
ein ständiger Begleiter zu rhythmischem Geklapper und von Störimpulsen
durchschossenen granularen Dunkelwolken. Oder, ohne Beat, zu sauer sirrendem Regen, rauzungiger Brandung, tschickendem Vogel, sublimem Synthieabglanz, überschrieben mit 'I Myself Am An Absolute Abyss', 'A Wolf At The
Door' oder 'Who Will Choose My Dress'. 'Lost Unfound' ist wie mit Hamletfingern
auf einem spinnwebumsponnenen Piano geklimpert. To be the one who sees,
and the one who is seen. To enter the place where space becomes time andtime stops still. To escape time forever. Das nicht zu können, macht melancholisch. Würde es passieren... To fall is to enter darkness, darker than all theplaces in your dreams. To fall is to be real. So finster und real wie der Kloabflussin "The Conversation", so real wie der Duscheabyss in "Psycho". Das Titelstück
lässt einem auf dem schmalen Grat zwischen dem Imaginären und Realen
marschieren und grooven, von einer unverständlichen Phrase gepeitscht.
Danach: Martialisches Ratatata auf einem Ölfass, und all das hinterfüttert mit
dem ABC des Deleuze/Derrida-Raumes und der Debord/Borges-Zeit: A wie
abyss, acid, abrasive, B wie beauty, body without organs, C wie Cindytalk, D wie
detournement, disembodied voice, hushed despair, graceful debris... 'Filthy Sun
In Diminished Light' schließt mit rauen Impulsen und Synthiedramatik, Trillern,
Grollen, Sirenenalarm. The wish to stop time is a deadly wish. Bei Cindytalk ist
die Zeit aus den Fugen, Fugen, aus denen Derridas Hauntologie zum Geistertanz lädt und nötigt, wahrzunehmen, was nicht da ist.
_________________________________________
Michael Giles/Jamie Muir/David Cunningham - Ghost Dance. Soundtrack to the film [Piano, 1995]
Line Henriksen: In the Company of Ghosts - Hauntology, Ethics, Digital Monsters
Claire M. Holdsworth: Remediated Resurrections - Ghosts, Decay and the Voice in Ken McMullen’s
Ghost Dance

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Exeunt all human actors. Übrig bleiben
HECKER, ein alphabetischer Code, in dem
der Augsburger Florian Hecker im Laufseiner zwanzig Jahre als Explorer der Noise
Culture mehr und mehr aufgegangen ist.
Übrig bleibt Text des iranischen Philosophen
Reza Negarestani, artikuliert von Computerstimmen. Übrig bleibt A Script For Machine
Synthesis (EMEGO226), dritter Teil der mit"Chimärisation" (2012) begonnenen und mit"Articulação" (2014) fortgesetzten Negarestani-Serie. Übrig bleiben ein nicht zuriechender Geruch, ein nicht zu sehenderrosa Würfel aus Eis, der Klang der gesprochenen Sätze, der Klang pochender
Beats, pumpender oder stechender Noiseimpulse, eines spitzzipfligen Keyboardswindrädchens, kristalliner Cembalistik,rhythmisch ruckender Muster. Die Sätze
suggerieren Bilder von einer auf der Spitze
stehenden Pyramide, eines Abgrunds, einer
Leiter, eines milchigen Glühens. Ein Klangspiel, ein Hörspiel, ein Bilderrätsel mit einer
asymptotischen Brücke zwischen dem
Leeren und dem Bodenlosen, da wo Negarastanis 'kognitiver Rubicon' verläuft, undauch wieder dem negarastanischen Dämon
als Weberschiffchen in dieser kristallinen
Transparenz, diesem geruchslosen Zahlenmeer, auf das hinaus (hinab? hinauf?)
nachts Flöße ablegen und nicht wiederkehren. Das Etikett für Negarastani ist'Spekulative Poetik', etwas, das Science
Fiction vom Kopf auf die Füße stellt: Fiction
Science, kubistische Fiktions-Theorie,
weniger spiritistischer Marxismus als maxwellsche, technokkulte Dämonologie auf
dem Weg zur posthumanen Intelligenz. Aus
Adornos "Treue hält [Kunst] den Menschen
allein durch Inhumanität gegen sie" wird,
fundamentaler noch und sich von Antihumanismus ebenso wie von 'kitsch Marxism' distanzierend: "Inhumanism registers
itself as a demand for construction, todefine what it means to be human bytreating human as a constructible hypothesis, a space of navigation and intervention... To be free one must be a slave toreason." Das Sprechen hier aber verdämmert wie der zum Stillstand kommende HAL
9000: immobile - imposing - daubed - white frosted - silver - mist - spots ... all - - a - milky - - glow - - in - - pin - k - un - boxing - the- world]60

Psych.KG - E-Klageto (Euskirchen)
Gehirnmessies 2.0 (Psych.KG 225, LP) ist unschwer als Sequel zu "Gehirnmessies"(Psych.KG 111) zu erkennen. Eins wie das andere bietet sich an als Einführung in die
Psych-KG-typischen Abwege, ein wahres Labyrinth aus abgedrehter Psychedelik,höherem Blödsinn, Weirdness, Erinnerungen an uneingelöste Wave- und NoiseVersprechen. Gleich MESSDIENER mit einem Wiederhören mit 'Die Unsicherheit beim
Einkaufen' (von "Würmer im Kruzifix / Klosterarbeiten", 2008) ist ein von Dr. Kernkrach
gebohrtes und durchtuckertes Wurmloch in die Vorsicht: Kunst-Fettecke, wo Bielefelder
Humor aufblitzt, der einem agitatorisch ins konsumberauschte Geweih blitzt. Ganz
anders der rheinland-pfälzische Hojotoho!-Metal der Brüder Krumm, die zu fünft mit'Antiheino' Wolfgang Burens FOREVER AUTUMN bildeten. Von denen wurde, von der EP"Soulscape" anno 1999, das hymnisch getragene 'Autumn' ausgegraben, wiederum mit
Blitzesglanz im Gewölk und rossigem Trommelschlag. Gefolgt von METAL DUNGEON
mit einem Ölfassschleudergang des time STEREO- & Princess Dragon-Mom-Machers
Davin Brainard zusammen mit Wade Kergan vom Hello Records-Laden in Detroit. Als
L:A:B:o.r steuert Patrick Schönenberg den durch eine enge Kehle gewürgten
Neofolkrock-Stampfer 'Childhood Memories' bei. THE MICKEY GUITAR BAND ist ein
Ding des Captain Trip-Machers und Marble Sheep-Guitareros Ken Matsutani mit der
Mammal Machine-Mama Rie Miyazaki am Bass. Aufgenommen hat das ein kosmisches Eibebrütende und auf ihm durch All reitende Stück Juntaro Yamanouchi, besser bekanntals die Noise-Legende Gerogerigegege. Da läuten natürlich sämtliche Psych.KGGlocken. Nicht weniger so bei ONE LAST REGION, Richard Franeckis zuletzt inAluminium aufgewogenem Derivat von F/i- & Vocokesh, das mit Gitarren, Electronics,
zischenden Cymbals, Tamtam und Art Brut-Saxophon anrückt, nicht mit Besen.
PACIFIC 231, so nannte sich 1991 zwar auch mal die Elektro-Liaison von Jörg Burger &Wolfgang Voigt, wir aber denken da weiterhin an Pierre Jolivets postindustriale
Abspaltung von Vox Populi! Seine deutschen Anspielungen schon bei "Unusual
Perversions", dem Debut im Orwelljahr, oder mit "Sachlichkeit" (1988), waren bis hin zu"Thule Apocalypse" (1999) von der unheilschwangeren Sorte. Die Nuller Jahre brachten
mit "Ethnicities" (2006), "Palestine" (eine Hommage an Bryn Jones / Muslimgauze, 2007,
w/Rapoon) und "Aramesh" dann einen anderen Fokus, bei jedoch gleicher Haltung. Das
klarzustellen braucht es nicht erst 'L'Autre
Massacre' (auf "Aunt Sally", 2013, w/
Lieutenant Caramel). Aber natürlich ist
Noise Art immer auch Crazy Art ("Just
Digging The Crazy Art", 2009), Tauchgänge in träumerisches Fluidum, auf derSuche nach Alfred Jarrys unerschöpflicher Schönheit des Monströsen. Auch
"Tesselation" (2013, w/Instinct Primal)
verdankt sich der Poetik des 'Polyedrischen' von Jarry. Ich denke, damit sindden Sinnen Tür und Tor genug geöffnet
für das mit 'Techsaw17', 'Krell 9200','Techsine17' und 'Demon Trent' bestückte Kyben (E-Klageto 09), Türen (Titel), die zu"Forbidden Planet" und zu Harlan Ellison und "The Outer Limits" führen. Oldschool-SF,
mit zuckendem und pochendem Da und dröhnend schweifendem Fort, mit pulsierendem, klopfendem Tagwerk und brodelig und brausend sich senkender Nachtseite.
Die Abonnenten der BA 94 können sich schon mal darauf einstellen, der MenschMaschine Trent und den Kyben (aus 'Run for the Stars' / 'Demon with a Glass Hand') zu
begegnen oder Dr. Morbius und dem computerisierten Id der ausgestorbenen Krell(deren Musik ja schon zu Louis & Bebe Barron gelangt war).
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Sofa (Oslo)
Mit On the Silver Globe (SOFA553), entstanden für die MetaMorf Kunstbiennale inTrondheim, debütieren KIM MYHR (von Mural und Circadia) und LASSE MARHAUG (vonJazkamer, Territory Band, Slugfield, Fire Room...) als Duo. Der Titel rührt her von "Nasrebrnym globie" (Der silberne Planet), dem 1978 von der polnischen Zensur abgebrochenen und seit 1988 als Fragment gezeigten SF-Film von Andrzej Żuławski, der übrigens
im Februar 2016 starb. Dazu gibt es mit "Moondust: In Search of the Men Who Fell to
Earth", Andrew Smiths Recherche über das Schicksal der zwölf Moonwalker und die Lichtund Schattenseiten des Apolloprogramms, einen weiteren lunaren Bezug. Hinterfüttert ist
damit ein fünfteiliger Soundscape, weniger ein Spacetrip als eine ominöse und bedrohliche Reihe von Malfunctions und Widrigkeiten: berstende Schübe, flatternde Kapselwände, granularer Partikelhagel als Mikrosteinschlag. Weder ist da das Weltall lautlos,
noch gibt es ein widerstandsloses Warpen und Teleportieren. Dazu gibt es einen mit
Synthesizer und Gitarre angestimmten Gesang metallischer Dinge, umwummert wie vonHubschrauberrotoren. Aber auch einen Befall durch fiebrig knabbernde Critters, das
berüchtigte Mondsausen, ein steiniges Knubbern oder Wellen, die sirrend vorrüberhuschen und zwitschernd vorbeipfeifen. Sehr materiell und so gar nicht psychedelisch undschwerelos. Nochmal splittert Schiefer steinschlagartig ab, zu brausendem Wind. Statt
Spaziergängen und Hops spielen sich Härte- und Reißtests ab. Wer in diesem Partikelhagel und diesem stürzenden Sausen so etwas wie Glocken läuten hört und zuletzt
monotone Schritte, halluziniert keineswegs mondstichiger als die sternenkriegerische
Phantasterei, die als Science Fiction umeinander blogbustert.
Bite of the Orange (SOFA554) ist eine brummige Angelegenheit, eine dunkel dröhnende
Folge monotoner Haltetöne, Seifenblasen aus schwarzer Materie, so schwer, dass ein
Teelöffel davon Tonnen wiegt. Die, die sich solche Weißen Zwerge klaglos auf die Schulter
packen wie ein anderer Christopherus oder Atlas, sind Robin Hayward, Peder Simonsen
und Martin Taxt, kurz MICROTUB. Man kann sie sich mit ihren mikrotonalen F- & C-Tubas
auch als negative Glasbläser vorstellen, die im größten Gegensatz zum ZerbrechlichLeichten Kugeln aus dem Schwersten und Dunkelsten formen. Alphörner klingen geradezu
wie Flöten neben dem Grollen dieser trägen Klangmassen, so abyssal, wie es allenfalls
noch aus Orgelpfeifen grollen kann. Für atmende Andacht, Exerzitien im Kontrabassregister. Auch Wiegenlieder für Nebelhornkinder könnten so klingen. Geht das runter auf
50 hz, 40 hz? Jedenfalls übersteigt es kaum den zweistelligen Hz-Bereich.
Wenn nicht programmatisch, so doch bildhaft haben MUDDERSTEN ihr Karpatklokke(SOFA555) damit hinterfüttert, dass es um Hydraulik geht, um Wasserdruck, um Gehärtetes und Fließendes, Dauerhaftes und Wachsendes. Mit dabei ist wieder der mikrotönende
Tubawizard Martin Taxt neben dem mit Moon Relay und Jenny Hval bekannten Håvard
Volden an Gitarre & Tapeloops sowie Henrik Olsson (von Skogen, Slötakvartetten) mit
Krimskrams, Friction, Piezo. Sie führen die Sinne ganz nah heran an die Grasnarbe, mit
winddurchfauchter, scharrender und grollender Bruitistik, für die man die Gitarre als
Gitarre und die Tuba als Blasebass weitgehend vergessen sollte. Statt dessen werden die
Trommelfelle gekitzelt oder auch wie mit der Wurzelbürste geschrubbt, dass es nur sozwitschert, ploppt oder drahtfunkt. Keine Ahnung, wer da jeweils den Vogel spielt, wer darubbelt, raschelt, knirscht und krabbelt, wunderlich ist es allemal. Die Gitarre treibt
Wurzeln tiefer und tiefer, in den Tracheen zischt und brodelt es. Taxt schwitzt nicht, weil er
so arg bläst, sondern weil er saugt, als Klopfkäfer pocht, weil er pumpt und schlabbert,dann auch wummert und murrt, inmitten eines Karsts voller Schleif- und Schlürfspuren,
statisch berauscht, drahtig beplonkt. Dann wieder pochende Interpunktion, furzelige,
spotzende, klackende Mundgeräusche oder Didgeridoo zu Klingklang, Tonkopfgeschlurche, sirrendem Pfeifen, pfeifendem Heulrohr, stehender Dröhnwelle. Das kommt mir nicht
immer pflanzlich vor, aber kurios allemal.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
BAND ANE Anish Music V (Clang 047,
12" EP): Vielleicht heißt V gar nicht
Fünf, sondern Vau? Nein, denn "Anish
Music Caravan" (2014) steht für 4,"Anish Music Too & Free" (2009) für 2
und 3 und "Anish Music", das Debut
2006, für die Eins. Ane Østergaard, dieauch als blonde Musterdänin Reklame
laufen könnte, lässt statt dessen Mr.
Laptop nach ihrer Pfeife tanzen undoperiert mit Machinedrum SPS-1 MKII,
Doepfer Dark energy, Nord Rack 2X, 78
rpm discs, analogue tape, voice, drills,
smeared piano strings, bats, cymbals,organ, bird wings, soil and mud. Bei "Caravan" hatte sie mit piano, guitar, zither,saxophone, bells, Nord Lead, computer, analogue tape, AM radio, record player, hearing
aid, dictaphone, clocks, tools, motorcycle, cart, birds, frogs, insects, rain, snow, ice,books, leaves, trees, fences, trains, boats, pans and pots wenigstens noch eine
Märchentraumwelt mit schmusenden Bienen und raunendem Gnom gezaubert, Einhornhörner gestreichelt und verhext im Regen oder mit Staubteufeln getanzt. Ihr dreifaltiger
Band Fünf, 'Burrowed', 'Vultimerse' (haha, mehr sitzig) und 'The Pool' betitelt, beginnt
knirschend und dunkel gewölkt, mit synthieorchestral aufrauschenden Klangschwaden,
glissandierenden Kometen und Es-werde-Welt-Chor noch weit entfernt und erhaben überjeder blonden Idylle. Aber dann zeigen urige Basstöne doch schon einen hellschimmernden Saum, den kosmische Detonationen und massive Wallung universal
streuen, wobei 45 rpm die Lichtwerdung erheblich beschleunigen (ich aber auf den
Monsterbass ungern verzichte). Der schnellere Puls und Synthiefanfaren treiben das
evolutionäre Aaaah voran über umbrodelte Schwingungskurven und sausend ausschweifende Hyperbeln. Bis Østergaard ihr Stimmchen ins Geschehen mischt: Siehst Du
mich? Und mit sanften Orgelwellen die Stürme dämpft zu sturmfreier 'Hygge' (die dänische
Gemütlichkeit bei Kerzenschein).
CHRISTIAN BOUCHARD Broken Ground (empreintes DIGITALes, IMED 17141): Ein
weiterer Vertreter der frankokanadischen Elektroakustik, Jahrgang 1968, in Québec
gebürtig. Sein 12-teiliger Soundscape aus Attacks, Frictions, Patterns, Materials,
Recyclings und Damages ist entstanden im Hinblick auf die gleichnamige, inzwischen
weltweit gezeigte Ausstellung des Photokünstlers Derek Besant. Dessen reconstructed
photographic images of building sites in Budapest, Vienna, London, Toronto, Mexico City,
Calgary and Shanghai kreisen um core redevelopment and upheaval and the temporary
state of chaos, das das im Laufe von zehn Jahre verursachte. Durchaus mit ungutem
Beigeschmack von Naturkatastrophen, Abbruch, Verfall. Besant stellte Bouchard audio
recordings he had gathered from various sites (subway stations, museum halls, traffic,etc.) zur Verfügung. Der lässt Wellenbrecher gegen die Mauern stürmen, verdichtet aberan sich die konkreten Klänge zu musikalischen Konglomeraten, aus denen nur dasPeitschen und Donnern und die Suggestion von Schreien oder Gesang hervorstechen.
Eine Frauenstimme liest die Titel: 'Linear Elasticity', 'Hysteresis', 'Atomic Bonds'...
Knackendes Pochen, hohles Dongen und tickelige Sekunden sind untergemischt in ein
Fauchen und Grollen, Surren und Rumoren, das dystopisch anmutet, weil es alles
Alltägliche überformt. Nicht so bombastisch wie in Emmerichs "2012", eher mit
tschernobylesker Poesie, wenn man das so sagen kann, mit knisternden Geigerzählern,
Klangschalenelegie, geisterhafter Vokalisation in wie photonegativ zerstrahlten Ruinen,
durch die nur noch Schatten streifen. Die Stimme ist die eines Computers.
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GARETH DICKSON Orwell Court (Discolexique, discol8): Früher nannte
man das Softie. Jedenfalls ist der
Schotte ein Hauch von einem Mann,nichts als zarte Finger, die die Gitarre
wie eine Harfe funkeln lassen und ein
schmachtender Mund mit einer
Nacktschnecke als Zunge. Dass er
sein eigenes Label Sleeping Man
Records nannte, ist bezeichnend,
ebenso dass er mit "Nicked Drake Wraiths" (2013) den Geist des melancholischen Liedermachers beschwor.
Er fand damit Anklang bei anderen
Sanften, in seinen argentinischen
Jahren bei Juana Molina ("Un Día",
2008), auch bei Max Richter, insbesondere aber Vashti Bunyan, zu
deren ständigem Begleiter er geworden ist. Tobias Fischer nannte auf
tokafi.com die Musik des Glasgowers"a lo-fi brand of minimalistic, ambientfolk", mit hörbarem, ja fast spürbarem Nachhall von Dicksons Verehrung für Bert Jansch, Brian Eno undAphex Twin. Obwohl das Elektronische bei ihm nur ein folktronischer
Hauch ist, fein dröhnende Gespinste
und ambientes Gewölk zu seinem
Nylon- und Steelstring-Fingerpicking.
Es sind das Kokons für die neue alte
Innerlichkeit, die um Schonung fleht
für ihre luftigen Paarungstänzchen
mit dem Beinahenichts. Bei 'The Solid
World' gibt sich Dickson ohne Worteeiner gefühlten kleinen Ewigkeit hin,die dabei nicht fester wirkt als zuvor.
Dass er beim abschließenden 'Atmosphere' tatsächlich Joy Divisions"Walk in silence, / Don't turn away, insilence. / Your confusion, / My illusion" singt, lässt mich so verwundert
meinen Ohren nicht trauen wie die
Vorstellung, dass er Aerospace Engineering studiert und in einem Rover75 dahin brettert (statt auf einem
Schimmel aus dem Nebel aufzutauchen). Wenn der Werbetext dazu
noch suggeriert, dass man, während
ein Ton erklingt und man die vorhergegangenen Töne noch im Ohr hat
und schon auf die folgenden in
Erwartung gespannt ist, Henri Bergsons durée erfährt und die Zeit als
Einhorn, dann...

DORNINGER Analoge Systeme (base 161122): 'Into the Circuits!' lautet einmal mehr die
Parole des altbekannten Lötwerkers in Linz.
Sein Spiel heißt nicht 'Erkenne das Muster',vielmehr 'Pack das Unbekannte am Schwanz'
und lass dich mitzerren, wo immer es hinführt. Das Cover zeigt scheinbar im Grundriss
ein labyrinthisches Ausgrabungsfeld, meint
aber das Innenleben eines ChaOsz Ostpodi.
Das ist ein Verwandter von Cacophonator,
Noise Box, Atari Punk Console, Fluchzeuch,
Noise UFO und dergleichen Klangspielsachen
aus der Bastelstube der Kulturgüter-Schuppen-Herbergseltern Jördis Drawe & Uwe
Schüler, die mit Fadi Dorninger im Juni 2016
im Rahmen des Festivals 'Zukunftsmusik' an
der Kunstuniversität Linz mit daran werkelten, dass etwas Besseres als Retroschlaufen,
Nostalgie und Trauerarbeit im Grunde womöglich überall zu finden sei. Dabei Materialien zu verwenden, die andere wegwerfen,
entspricht der utopischen Praxis des Experimentalphysikers Martin Kaltenbrunner.
Während Olaf Karnik über Hauntology referierte und Thomas Machno auf die Zukunft
der Musik zurück schaute, sammelte Fadi
Eindrücke und Stoff für die schnurrende
Antwort darauf, was ich mir unter 'Auditive
Wellness Heterotopologien' vorstellen könnte,
einem der zukunftsmusikalischen Angebote.
Das zu [H:ummmm] führt, einem Projekt derqujOchÖ-Macher Bauder, Reichl und Zogholy,
die ebenfalls an den Schnittstellen von Kunst,
Politik, Gesellschaft und Wissenschaft rumlöten, ohne dabei Zwangsbeglückung und
Selbstoptimierung im Sinn zu haben. Da sei
Michel Foucault vor, der zwischen Illusions- &Kompensationsheterotopien und Krisen- &Abweichungsheterotopien unterschied. Dorninger laviert nach dem Arte Povera-Molleines sonor quarrenden 'Intro's in drei 'Movements' zwischen einer dark ambienten Zone
mit schnurrigen, rieseligen und alarmistischen Dröhnspuren, einer knattrigen, dielaunig ins Grooven kommt, und einer ominös
rauschenden mit 'Spiel mir das Lied vom Tod'Feeling und quarrenden Aliens. Dem 'Final' in
sublim schimmernder Wind-/Glockenspielharmonik folgt als 'Extro' noch ein dunkel
strömendes Adagio mit dem Ååååååååå eines
Chores, raunendem Basston und einer Handvoll zag flötender Orgelnoten. Selbst für einen
Nichtoptimisten wie mich klingt das angenehm flausenarm und angemessen.

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COSTIS DRYGIANAKIS Wings of Winds [ Επί πτερύγων
ανέµων] (Granny Records 17): Mit "Epí pterýgon anémon"scheint unser Mann in Thessalien direkt anzuknüpfen an"Blown into Breeze" (2013), er wendet sich aber nach dem
zuletzt noch mit "The secret and hidden things" [Άδηλα ΚαίΚρύφια] (2015) vertieften Gedenken an die Toten und Begrabenen, an Vertriebene und Vergessene, an Geheimes
und Verborgenes, nun nicht mehr ganz so grabtristen
Dingen zu. Allerdings ist die Überschrift, nach Psalm 51:8,
wiederum alttestamentarisch - Psalm 18:11 - Er fuhr auf
einem Cherub und flog daher, so schwebte er auf den
Flügeln des Windes. Und Drygianakis zeigt dazu auchwieder seine Handschrift, mit einem 'demokratisch' belebten, d. h. nicht selektiven und horizontal statt vertikal
gestaffelten Soundscape. Einem weit entfernten Chorkaukasischer Kabardiner folgt ein freejazziger Ausbruch,
der abbricht für ein mutter-töchterliches Gespräch am
Küchentisch, das nur von feinen Geräuschen befunkelt und
mit Kanonakisaiten träumerisch bezupft wird. Im Hintergrund beginnt Stimmengewirr, im Vordergrund summt eine
Klarinette, weiterhin mit winzigen perkussiv-elektronischen Akzenten, die sich zu einem Knurschen verdichten.
Aber schnell wird es wieder so still, dass man Schritte hört
und eine zarte Geige. Tickliges Drumming kommt hinzu, ein
Kontrabass, eine akustische Gitarre, eine Melodie auf derKanonakizither, eingebettet in elektroakustisches Rauschen. Dann wieder Stimmengewirr, Gedröhn, nicht zu
deutende Feldaufnahmen, über denen die Flügel desWindes rauschen. Eine Hand rührt an Klangschalen und
Gongs, jemand klopft, klackt, klickert, eine dunkle Klarinette träumt, Elektronik scratcht, zwitschert und dröhnt.
Musik emaniert aus dem Ambiente, verdunstet in der Atmosphäre. Eine Altmännerstimme deklamiert, Getrommel
beginnt zu lärmen, die Klarinette keckert zu elektronischen
Fetzen und zu Deathmetalkrach von Atavism verdichtet
sich all das zum Tumult. Der abreißt für wieder vagen Gesang am fernen Ende eines Gewölbes, einer Höhle. Es gibt
dazu einen musikanthropologisch-elementarpädagogischen Überbau durch das Frauenkollektiv Mondays
Drop(s) und das Forschungsprojekt 'The scandal of (musical) democracy' an der Universität Thessalien in Volos.
Unter der Überschrift 'City and Museum Soundscapes'
steuerte Drygianakis seine Mixtur aus "Voices. Public
voices, private voices, narrations, exclamations, whispers,announcements, news, lectures, lessons, schools, shouts,
sermons, chit chat, everything, anything. Voices speaking
and voices singing, voices dictating and voices begging,
voices in proximity and voices through the loudspeaker,
voices recorded and voices alive, voices resonating andvoices reverberating, voices travelling through time,
voices mutated through the electronic media" bei, die vonden Fragen "Can all these city voices be used in musicalcomposition? How can they be reconstructed, and if reconstructed, what exactly they give to the listener?" zwei
beantwortet und die dritte in den Raum stellt.
65

ALEJANDRO FRANOV Suspendido en el Aire (SPEKK, KK 033): Ein
die Koordinaten 34° 22' 0" S, 58° 45' 0" W anpeilender Satellit würdein einem Örtchen namens Maschwitz Franov in seinem Heimstudioentdecken. Dort versuchte der für seine sensible, naturfromme
Folktronica und bossa nova-zarten Songs bekannte Argentinier, dervor allem in Japan offene Ohren findet, etwas, das über die
tagträumerische oder kerzenscheinversonnene Klimperei von "SoloPiano" hinausgeht. Allein mit Keyboards und repetitivem Drehmoment oder dröhnminimalistischer Statik saugt er einen in das
Innere des Klangs, als sei man eingetaucht in einen transhumanen
Klangfluss. Orgelige Mikrointervalle mit schneidend hellen Spitzen,aber auch grollenden Basswellen, und ein bisweilen terry-rileyesker
Duktus suggerieren ein 'galaktisches Pianola', wie er es nennt. Oderein göttliches Erscheinen, wie 'La Llegada De Dios' es andeutet. Die
Orgelpfeifen murren, dröhnen und flöten derart orchestral, dass dagleich mehrere Handvoll Akkordeons mitzuzüngeln scheinen. Mit
Anklang der Close Encounters-Kommunikation mit dem Mutterschiff,auch ein wenig der Insistenz von Charlemagne Palestine (von Pianoübertragen auf Keyboards), wählt Franov Töne, die die menschliche
Harmonik als Absolutum doch in eine etwas kosmischere Schräglage
kippen. Und die als surrender Bassfond rückbinden an einendunklen Urquell. Haupteffekt sind jedoch die schillernd orgelnden
Muster, die komplexer bewegt erscheinen als minimal-üblich, dieFranov jedoch auch reduziert auf einen Halteton mit ganz flachem
Puls oder ein monotones Midtempo, das in seiner 'Gleichgültigkeit'
Unbehagen bereitet. 'Ballenas' versetzt die singenden Säugetiere alssirrende Drifter und untergehenden Klingklang in den Ocean ofSound. 'Integracion' bringt zuletzt keine harmonische Versöhnung,sondern feiert die spektrale Schief- und kosmische Randlage mit
kurvigen Glissandos und voll dröhnendem Register.
ANDREAS O. HIRSCH Row (Makiphon 003, LP): Row out, row in. Der
Beat der Ruderblätter und die Shouts des Steuermanns als purer'Worksong'. Der das als Musik erkannte und als Fieldrecording einfing, den kennen wir durch "Summe 1" (Makiphon, 2015). Andere
kennen den Kölner als Leser von Ovids "Metamorphosen", als Untergeher bei einer Schlauchbootversion von Erik Saties "Vexations"(Pneuma), als einen, der Vogelgezwitscher als Morsecode entschlüsselt (QRVO1), der elektrifizierte Palmblätter als Zupfinstrument einsetzt und rundum als hintersinnigen Bastel-, Verschreibund Querdenk-Konzeptbildner & -töner. Hier lauschte er undlauschen nun wir dem Roeiteam Terschelling Recreatie bei einerÜbungsfahrt mit der 'Arad', einem 1920 in Dublin gebauten Rettungsboot, von West-Terschelling raus auf die Waddenzee undwieder zurück. Die 8-köpfige Mannschaft trainierte da u. a. für das
Harlingen-Terschelling-Rennen, und das sind geschlagene 30 km.
Sloeproeien ist eine holländische Spezialität. Der Bootsführer feuert
die mit strammer Schlagzahl knarrende Crew mit rhythmischem Ö
und I und A und Ö an, und die ausgestoßenen Laute erinnern fast ein
wenig an James Brown unter Volldampf. Der energische, antreibende Duktus lässt mit etwas Phantasie auch ein wenig an die
einstige Walfanghatz denken, an "Moby Dick" oder "Der Seewolf".
Die 'Arad' hieß ursprünglich sogar mal 'Walvis'. Aber aus Whalin' 'n'Workin' wird Sport und Kunst. Nicht alles wendet sich zum
Schlechteren, es sieht nur so aus.
66

ELI KESZLER Last Signs Of Speed (Empty Editions, EE001, 2 x 12"): Seit
"Oxtirn" (ESP, 2010 -> BA 68) hat Keszler mit Joe McPhee, Keith Fullerton
Whitman, David Grubbs oder Oren Ambarchi namhafte Spielgefährten
gefunden. Seinem Ruf, der manischste Rappler in New York und Umgebung
zu sein, kann das nur zuträglich sein. Dem Cover, eigenhändig illustriert mit
einer Eiform aus goldenen Nadeln, entnehme ich einen Hauch von Papier,auf dem David Grubbs das Lob dieses Polyrhythmikers, Klanginstallateurs
und Zeichners singt, der mit Drums, Percussion, Fender Rhodes, Piano,
Mellotron, Celeste, Vibraceleste, Glockenspiel, Rocks und Gravel pixelt, alswäre man einem perkussiven Nieselregen ausgesetzt. Ob der Sound desString Orchestra of Brooklyn, Glas-, Metall- und Holzklänge von Geoff Mullenoder Selbstverdopplungen durch Overdubs, nichts davon ist ein Plus, auf
das seine hyperaktiven Hände angewiesen wären. Der rasende Über-Stockund-Stein-Flow über Felle und Bleche, tönern eingefärbt oder mit Steinklang(wie bei Toma Gouband), scheint der Absicht geschuldet, überall zugleich zu
sein, the idea of layering so many hits, so many sounds, that it turns into a
mess. Ein Tumult, der sich als perkussive Architektur auftürmt. I’m inspiredby construction sites and the chaos of cities. Das rappelig Additive
suggeriert ein Übereinander, Kugelformen, Bienenstöcke, Hornissennester,einen Sack voller Flöhe, Klangschalen voller wirbelnder Kristalle.
Klackendes Gestein, dumpfer Basstrommelbass, flatternder Flügelschlag,
prickelnde Nadelklicks, dazu windspielerischer Glockenspielklingklang, etwa
bei 'The Immense Endless Belt Of Faces', das zum Dub entschleunigt ist,
unten Drones, drüber weg flickflackendes Klickklack. Kein Wunder, dass
Grubbs diese Musik als ein "ecosystem" bestaunt. In dem es kleine
Kreisläufe gibt, Loops, die den perkussiven Streueffekten Struktur geben,
Lebensadern. Das wiederkehrende Ping eines Pianos in einem Hagel feiner
Partikel, pochendes Stakkato im Ticktack eines Metronomenschwarms.
Rashad Becker sorgt für die körnige Transparenz der neopollockistischen
Action, die die Polyrhythmik von Milford Graves, Paul Lytton oder Roger
Turner mit Klapperkonzepten von Achim Wollscheid kurzschließt.
JOHANNES MALFATTI Surge (Glacial Movements, GMO27): Eiszeit,
Kontinentalverschiebungszeit, die geologische Zeit hat einen deutlichlängeren 'Atem' als die biologische. Wir merken sie allenfalls, wenn sie sicheinen bebenden Ruck gibt. Bei Malfatti, einem Berliner Sounddesigner und
Komponisten von Tanztheater- und Filmmusiken (etwa für "The Phantom
Father", 2012, "Ville-Marie", 2015), ist sie dröhnend ganz bei sich, als lange,
ultrazeitlupig gedehnte, als stehende Dröhnwelle. Als Orgelhalteton, derwindüberrauschte Gletscher suggeriert, eine brandungsberauschte Küste.
Malfatti fand den Stoff für die gefühlte Zeitlosigkeit in den winterlichenösterreichischen Alpen. Vor einem Horizont, der die enge menschliche Zeit
weitet zu steiniger, von weißem Rauschen überkrusteter Persistenz. Als
eisiges Nada Brahma in einer naturgegebenen Rothko Chapel. Malfatti nennt
Morton Feldman als Inspiration, auch hallen bei ihm die suggestiven
Klangbilder von John Luther Adams wieder: 'Dream in White on White', 'Dark
Waves', 'Become Ocean'. Vor gut zehn Jahren ist er mit Chlorgeschlecht
noch ganz anders zeitgeil gewesen. Die mit Olivier Alary in »Ensemble«
fortgesetze Zusammenarbeit zeitigte dann schon einen chillend entschleunigten und poppigen oder, bei ihrer Musik zu "The Fruit Hunters",
pulsminimalistischen und schwelgenden Vorschein auf das geochrone
Zeitgefühl von "Surge" in seinem gedehnten, erhabenen, feldman-beckettschen to and fro from impenetrable self to impenetrable unself by way ofneither [von undurchdringlichem Selbst zu undurchdringlichem Unselbst
durch weder ].
67

EMMANUEL MIEVILLE Juryo: Durée de la vie de l'ainsi-venu(Crónica 126~2017): Badet man da in Mondlicht? Strudelt man da im
Ocean of Sound? Der GRM-studierte Pariser taucht einen in eine
metalloide Liquidität, die er, angeregt durch Artauds "Héliogabale",'Tanit Astarté' nannte. Es ist das ein initiierendes Eintauchen, dem
ein fernöstlicher Triptychon folgt: 'Nyorai' (eine der Inkarnationen
Buddhas) - 'Murasaki' (japanisch für purpur) - 'Taisi Funeral' (Taisi
heißt Botschafter, Gesandter). Der geprägt wird von singenden
tibetanischen Nonnen, Klosterglöckchen und Radiostimmen aus
Hongkong, von Japansounds und Butohtänzern und zuletzt buddhistischem Trauergesang von Frauen in einem Dorf in Taiwan, der mit
klackendem Beat immer mehr beschleunigt und dem Toten wohl
Beine ins Jenseits macht. All das als Nudeln und Gemüse in einer
nach konkretem Usus gekochten Suppe, die einen mit jedem Löffel
asiatische Essenz schlürfen lässt, als Souvenirs mit Yogawikiakzent,
verweht und verwischt wie von Wind und Regen, verdünnt undverschliffen in einem Frequenzbereich der Erinnerungen und derProjektionen. Mit geisterhaften Anmutungen von Gesängen, verzittert, bebend, zuckend, wie unter Wasser gehört, brodelnde,sausende, ondulierte Feldaufnahmen, turbulent verwirbelt, verdichtet und ausgepresst als der poetische Saft einer Blutente.
'Tainsi Funeral' bekommt sogar einen dröhnenden Death MetalDrive. Zum eponymosen 'Nyorai Juryo Hon'-Kapitel der "Lotus
Sutra", das die Augen öffnet, käme das als "Effata" der Ohren hinzu.
MARTIN SCHULTE Seasons (Lantern, Lant 021): Nachdem Marat
Shibaev zuletzt auf dem eigenen Label Slow Beauty mit dem 12"Triptychon "Depth", "Quiet Street" und "Spring Aroma" denSchatten seiner Deepness auf 180g-Vinyl gepresst hat, bringt nun
wieder Lantern eine Fortsetzung der 2007 mit "Depth of Soul"begonnenen Deep Techno-Baureihe. Der Mann in Kazan durchscannt die nächtlichen Tiefen über, unter und in uns nach
Wellnessoasen, hat aber in seinem tatarischen Auenland auch ein
Gespühr entwickelt für die jahreszeitlichen Schattierungen, mit
deutlichem Akzent auf den herbstlich-winterlichen Tönungen:'September', 'September Sun', 'October Night', 'Defoliation', 'WinterCalmness'. Dabei ist nur hervorgehoben, was längst als internes
Motiv mitschwingt: als 'After Summer Storm' und der 4-Jahreszeiten-Fotokunst bei "Forest", als 'September Forest' und den
Schneebildern bei "Treasure". Die Wolgabrücke auf dem Cover, dieSaratow mit dem wolgadeutschen Engels verbindet (wo Alfred
Schnittke herstammte), liefert dazu eine ebenso gute Spur zu
Shibaevs Nom de Plume wie der Anklang an Klaus Schulze oder an
die pumpenden Grooves von Wolfgang Voigt (aka Gas). Bei Shibaev
scheinen selbst Kälte und Frost nur eine Äußerlichkeit seiner warm
pochenden, federnden, quallenden Flows. Schnee wird da zur
Kuscheldecke, so wie Herbstlaub zum Bett wird mit den Wolken als
Daunendecke drüber. Traum ist das Schlüsselwort für diesen
Traumtänzer auf dem Eis, der per Dreamliner aufbricht zur 'Emerald
City' (zum Wizard of Oz). Mit Silberschuhen, tickendem Automatenherz und gedämpft-verzerrt loopendem Automatengesang,dessen Cocooning das Bewusstsein einlullt. Kansas = Kasan? Man
braucht etwas nur oft und lange genug wiederholen, irgendwann
beginnt es Sinn zu machen, so dass man ausruft: "I'm so glad to beat home (again)!"68

SIELWOLF + NAM-KHAR Oppressfield (Sombre Soniks, SomSonCD03):
Oldschool hin, Räucherstäbchen her, ich werde nach "Atavist Craft" (BA 87)
nicht nochmal bei Adam & Eva anfangen, die faszinierende Qualität dieses
Miteinanders ist damit schon Axiom. Der Nachfolger vertieft nur die dark
ambient / ritualistische Suggestivität des Debuts. Das Leitmotiv des Gartens,das Sielleitwolf Peter Prochirs "Possible Gardens" (mit Pete Namlook anno
2000) teilt mit Nam-Khars buddhistischer Kollaboration mit Dan Serbanescu
aka Alone In The Hollow Garden anno 2015, bildet eine vielleicht nur zufällige
Korrespondenz. Aber auch den Gegenpol zum ungehegten und verwilderten
Lebensraum, den 'Oppressfield' und 'Failed states' andeuten. Die mit 'Crypttrap' eingestandene Kryptik lässt einen mit 'Exorial' spekulieren über eine
Affinität zur pansophisch-thelemischen Fraternitas Saturni, denn Exorial ist
nun mal ein Link zur 'angewandten okkulten Lebenskunst' des CrowleyAdepten Gregor A. Gregorius (1888-1964). Oder einfach der Faszination
geschuldet für das schwarzromantische Versprechen: Aber der Planet
Uranus, der Demiurg des neuen Aeon, leuchtet in kristallklarem Lichte amöstlichen Firmament und bringt der Menschheit neue ungeahnte Erkenntnisse in ihrer Evolution und lässt sie Brücken schlagen zu anderen Gestirnen.
Aber Odkraft hin, Nuit her, 'abgeschlossen lebende Sonderlinge' und vom
Karma erlöste Egos sind nicht das Problem. Vorläufig ist die Welt noch ein
dunkles Grollen, und über den Häuptern kreist die Sichel wie Poes Pendel inder Grube. 'Cron tabs' bringt eine klackende Mühle und finstere Pauken-, aberauch helle Glockenschläge zu surrendem Andrang. Ins dunkle Ambiente desTitelstücks führen knarrende Laute und röhrende Totentrompeten hinein, einmonotoner, surrend treibender Elektropuls und der wooshende Verkehr
nehmen einem die Illusion, dass es sich dabei nicht um den Isengartbetrieb
hier und heute handelt. 'Failed states' wirft einen mit einem Sack über dem
Kopf in ein brausendes Verlies, man hört eiserne Türen schlagen und vage
Schreie in den unterirdischen Gängen. 'Crypt trap' vertieft das mit Assoziationen an Krypta und Falle, ein hoffnungsloser Hinkebeat und eisernes
Scharren und Schleifen durchsetzen ein abyssales Röhren. Das Grollen einer
Raubkatze entpuppt sich als Vibrato eines Kontrabasses, der mit kuriosem
Groove eine Polonaise von Blinden anführt. 'Exorial' ist klackend oderrauschend akzentuiertes Gebrumm, zu dem trauerfeierliche Paukenschläge
eine Karfreitagsprozession begleiten, als Gegenpol zu allem Saturnalischen,das an das Goldene Zeitalter erinnert und daran, dass alle Menschen frei
geboren sind. Dass von der goldenen Herrschaft nur die Erfahrung desKinderfressers und Sensenmannes blieb, ist eigentlich Grund für Schlimmeres als Melancholie.
69

ASMUS TIETCHENS Soirée fantastique (Auf Abwegen, aatp57, 5" mini-CD):
Wieder ein kleines Zeichen des letzten Hausmusikanten, Aquaphonikers undSinuswellenbiegers in Hamburg. Echtheitsgesiegelt mit dem obligatorischen
Zitat von E.M. Cioran, der sich genötigt sah, seinen Auslöschungswunschder Alten auszudehnen auf die Extermination der Jungen. Mit dem Alterhätte man schließlich eine umfassendere Sicht der Dinge. Das Auge empfängt dazu eine 3" in gläsernem Saturnring. Ohne bei Berlioz mehr zu
entlehnen als einen vagen Anklang, umschließt die schon bei "Soirée" (Line,2011) titelgebende, nun phantastisch gewordene Abendgesellschaft ein'Sydney Mantra'. Als verschwommenes Drumherum um diesen Kern von"scharfkantiger Durchsichtigkeit", wie Tietchens selber sagt, ist das Hörbare eine Umkehrung des Sichtbaren. Wie ja überhaupt die Redensart vom
weichen Kern in rauer Schale fragwürdig wäre. Nicht oft hat man Tietchens,auch wenn er sich zu einem Faible für französische Symbolisten und zu
Phantastica der Jahrhundertwende bekannt hat, zu Joris-Karl Huysmans,
Hanns Heinz Ewers, Gustav Meyrink, Karl Hans Strobl, wohl auch Kubin, so
mondlichtgebadet gehört wie bei dieser Serenade aus fein schimmernden
Drones, die den grauen Faden und zentrale Motive seines Lebenswerkes "Nachtstücke", "In die Nacht", "Notturno", "Die Nacht aus Blei", "Dämmerattacke"... - fortspinnt. Im Kernstück tzickt und dongt es Tropfen für Tropfen.
Der dritte Flügel wellt sich als sanft changierender, wie von der untergehenden Sonne vergoldeter Sphärenklang und evoziert sublim, durchscheinend und synästhetisch die Illusion sonore, die man 'himmlische Chöre'
und dergleichen nennt. Statt einen altersmilden Ästhetizismus oder gar
altersschwachen Illusionismus zu unterstellen, sollten wir besser mit Cioran
von einer "umfassenderen Sicht der Dinge" ausgehen und hinter "verschwimmenden Konturen, verschleifenden Harmonien" mit nichtweichen
Kernen rechnen. Tietchens nennt diese Gnosis "überlebenswichtig" und er
wählt dieses bei ihm ungebräuchliche Wort wohl nicht leichtfertig.
ULRICH TROYER Songs for William 3 (4Bit Productions, 4Bit-P007): Was
bisher geschah? Same old story, Stompbox William meets... Jetzt ist William
frustriert, immer nur für andere zu arbeiten. Charlotte hat ja auch ihr Ding
und nimmt gerade wieder im Feedback Studio auf. Er braucht seine eigene
Band, Muff, Herb und HD 2nd Memory Man machen mit und bald hat das
Kind den Namen 'The Stompbox Collective'. Jetzt müssen Songs her, keinenach 'How to...' und '...for Dummies'-Rezepten. Am besten einfach doch die
jeweiligen Favoriten ausschlachten, Black Uhuru, Can, King Tubby, Maurizio,
Mulatu Astatke... Und schon geht's auf Tour als Support for a well-known
band. Wochen später Heimkehr, und Charlotte ist weg! Worst Case-Szenario,
zum Augenausheulen. In Berlin dann Bekanntschaft mit Mister Bass und derKick, sich basslastiger neu zu erfinden, nachdem Ovid-, Casanova- und 'How
to be funny'-Lektüren bisher noch kein bisschen über den 7 Year ItchTrouble hinweg geholfen hatten. Muff gibt ebenfalls Optimierungsratschläge,
aber Flaschen lassen sich leichter fassen als Girls. Und sie geben William die
Schnapsidee seiner first double-heavyweight-gatefold vinyl LP "Meets his
Soulmates", die ihn in den analogen Himmel liftet. Ein Traum (ganz ohne
Charlotte oder 72 andere Jungfrauen), aus dem er nicht erwachen möchte.
Dazu liefert Troyer wieder den Soundtrack, mit tief und schwarz
verwurzeltem, von Sir Coxsone Dodd, Jackie Mittoo, Augustus Pablo, Lee
Perry, Adrian Sherwood, Burnt Friedman durchgeistertem Thinking-Man'sDub, mit 'Horny Chiptunes' und cooler Retro-Futuristik, mit knarzigem
Maschinen- und Computergesang, schnarrenden und mahlenden Wellen,
downtempo oder lässig animiert, perfekt zum Cruisen oder Chillen.

70

ANSGAR WILKEN Thank You (Meudiamorte, mddm54, 10"): Den einstigen
Ilse Lau-Gitarristen nach den Happy Zloty-7"s "Pasolini" und "The Dark
Inches" nun auf Meudiamorte wiederzubegegnen, das hat was. Dem vom
Datashocker Pascal Hector in Saarbrücken betreuten Forum verdankt die
Welt schließlich neben "EinsZweiSchrein" von Schrein auch die Diagnose"Status Blöd - Modus Dummheit" und den trefflichen Slogan "Scheiß auf Sex,
ich will Früchte". Allerdings ist die vor langem schon gestellte Frage, wannes absurd wird, auch mit einer Sonnenblume auf dem Männerpissoir nicht
abschließend beantwortet (Foto: Jann Wilken). Ansgar Wilken legt mit'Skyscraper Situationism' und 'Situationism' eine etwas andere und mit Bas
Jan Ader, dem 1975 auf dem Atlantik ins Nichtmehrsein gesegelten
niederländischen Konzeptkünstler, eine noch einmal andere Spur. Eine
fallsüchtige? Wir wissen es nicht, ebenso wenig wie da 'Jesu mein' oder
'Johann von Außen heute' davor und dazwischen passen. Ist ein Orgeldrone
der Nachhall oder die Vorform eines Gebets? Aus welchem französischen
Film stammt der grillenumzirpte Monolog? Da kaskadieren perkussive
Elemente und Kuhglocken über einer wetzenden Schraffur, da machen
Celloschlaufen aus dem Johann einen Johann Sebastian. 'Barn Dance' tanzt
als Hufschlagbeat im eadweard-weirden Muybridge-Loop mit glockigem
Schmiedegedengel, gefolgt von freieren Schlägen zu einer jämmerlich
stöhnenden Stimme und mitfühlendem Cello. Das hinterrücks auch einen
chinesischen Mond als Trauerklos laubsägt und gleich auch noch mit
zagerem Bratschenton den Ader-Fall beweint, zu stürzenden Bauklötzen und
krimskramsend mit Klangtöpfen. 'Social Interaction of Death' wetzt überdunklen Basstupfen mit tänzerischer Gestik eine Klinge, gefolgt von StegreifDrum'n'Bass mit Kontrabass und Percussion im Badezimmer. 'Honey' istchinesische Comedy, aber 'I am cold' wird zuletzt so dissonant und wieder
mit Trauerflor gefiedelt, dass die Gänsehaut auch davon kommen kann.
Thank You!
ANGELINA YERSHOVA Resonance Night (Twin Paradox Records, TPR004):
Die kasachische Pianistin wurde anlässlich von "Piano's Abyss" schon
vorgestellt als Komponistin von Pianodröhnmusik und Kosmonautin in den
Oceans of Sound oberhalb und unterhalb des Gewölbes. Nun besteigen wir
mit ihr den 'Resonance Train', der durch 'Suspended Shadows' führt, mal mit'Sweet Glissando', mal mit 'Melancholy Modulation', und dessen Wegmarken
mit Hertz markiert sind. Das Piano ist dafür derart virtualisiert, die Hammerschläge und die resonierenden Drahtklänge derart hervorgehoben undrhythmisiert, dass sich der Flügel in ein 'Stahlross' verwandelt, eine Drummachine. Allerdings so hybrid, dass die dynamische Bewegung, das 'Vorwärts wie im Flug', zugleich eine innere Entschleunigung umschließt undtransportiert, das komfortable, träumerische Chillen einer Space Night. Mit
dem Namen ihres Labels, dem auch als Uhrenparadoxon bekannten Gedankenexperiment, macht Yershova die Relativität der Zeit ausdrücklich zum
Thema. Man sollte diesmal aber besser Pianopulsmusik sagen, um dem
beständigen Bewegungsdrang gerecht zu werden, der dann beim barbarischen Shuffle von 'Anarchic Piano' ganz unter Volldampf steht. Andererseits evoziert der Pianoklang eine andere Art von Traumwelt als das digitalisierte Morphing bei "Matrix" und "Inception". Er suggeriert, zum Zigarrenduft von Dr. Freud und mit der impertinenten Symbolik von Lokomotive
und Tunnel, die noch bei Hitchcocks "North by Northwest" Schienenverkehr
und Sex kurzschloss, ein zurückgelehntes Reisen, das der Phantasie noch
Zeit und Spielraum lässt. Wenn erst das letzte Kapitel 'Start of Journey'
heißt, dann war alles davor Vorspiel, ausgemalte Vorstellung, die hauptsächlich den Puls beschleunigt.
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ZOLOFT EVRA Murder Chamber (Frozen Light, FZL047): Sich der sadistischen Aura von Schlachthäusern und Schlächtern auszusetzen, das überlasse ich gerne denen, die sich dem gewachsen
sehen. Dass die Schwelle zwischen Grauen undFaszination niedrig ist, darauf basieren Märchen,
Wachsfigurenkabinette, das Gothic Noir von"Melmoth der Wanderer" bis "Salome", Grand
Guignols, Moritaten und Mordballaden bis hin zum
grassierenden Serienkillerthrillerboom. Auch einestarke Strömung des Industrial bezog von daher
ihre Raison d'être und vererbte sich von Whitehouse und D.F. Sadist School weiter bis zu etwa
Zoloft Evra. Adriano Vincenti, der da als ZC mit
Synthie dröhnt, ist im "Motel Industrial" abgestiegen, so wie morbide Gemüter dem Bates Motel
nicht widerstehen können. Blackfrost (die Stimme
der teufelsbeschwörenden Apolokia) liefert die(wenigen) Lyrics und Ritual Voices. Und ManuelMazzenga, genannt Cold, an Sharp Razor Guitars& FX, der scheint den schwarzen Pinsel, den er
auch bei Nocturnal Degrade, als Der Noir und als
Scent Of Silence schwingt, sogar beim Schlafen
nicht aus der Hand zu legen. Während bei ihm
Melancholie und Depression vorherrschen, einekulturpessimistische Tragik und ein Schönheitssinn, der an der Condition Humaine leidet, liegt
hier das Augenmerk beim Horror von Folterkammern, beim Würgen und Hirnwegblasen und
bei den schalen Minuten mit aufgeschnittenen
Pulsadern oder als Opfer einer Überdosis. Da liegt
ein Paradigmenwechsel zwischen Poussins "Et in
arcadia ego" und den schönen Leichen aus
Marmor als Memento Mori der Alten und dem
Weegee-brutalen Fotorealismus und dem FrancisBacon'schen Splatter dieser römischen Schlachthausästhetik. Die einen mit eisigem Rauschenüberschauert und wie mit eisernen Krallen bis aufs
Blut scharrt, durchsetzt mit abgewürgten Lauten
und Seufzern voller Mordlust oder Schmerz, voneinem bettelnden "Give me a shot" bis zum
flehenden Schreigesang der Dreariness-Sängerin
Tenebra zu den kaskadierenden Gitarrenwellenvon 'Deadline Obedience'. Auf "Negative Infliction
Pleasure" (Signora Ward Records, 2016) nehmen
die Italiener Bezug auf 'La Conjuration Sacrée',George Batailles Acéphale-Manifest von 'Derheiligen / verdammten Verschwörung', die in der
Aufforderung zur "Einübung der Todesfreude"
gipfelt. Meine Unschuldsvermutung, dass es um
den üblichen halbstarken Nervenkitzel ginge, mussich daher übertragen auf eine 'Philosophie desVerbrechens' und Batailles obszöne Souveränität
der Verschwendung.

72jenseits des horizonts
Lenka lente (Nantes)
Monster
Munch,
Miraculous
Mechanical
Monster,
Mind
Mangled

Trip Monster,

Muldjewangk,
Morgawr &otherMonsters,
Murderers,

Maniacs, Madmen, Murgatroyd the Monster (A Northern Noir), The Maleficent Monster
and Other Macabre Stories, Dreamy Gorgeous Monster, First Monster Last Monster
Always Monster... Ich gehe wohl kaum fehl, wenn ich bei ANDREW LILES neben seiner
Affinität zur Schwärze, die sich 2007 in der 12-teiligen Black-Serie auf Beta-lactam Ring
Records manifestierte, eine Faszination durch das Monströs-Bizarre vermute. Er frönt
damit seinem Faible für Sisters Of Mercy, The Exorcist, John Carpenter, Ennio Morricone,zu gaudy and schlock horror und für Serien. 'Monster' signalisiert nicht mehr und nicht
weniger als to expect something entirely unexpected auf einer Spielwiese abseits dereher humorlosen beard stroking world (vom Nurse With Faust-Trio Art Error mit Jean
Hervé Peron & Steven Stapleton mal abgesehen). Très Chère Mère / Mother Dearest (lkll21, booklet + 3" CD) ist die Geschichte einer monströsen Familie. Mit einem gruseligen
Muttermonster, einem stillen Vater im Studierzimmer, einem Affenmonster von Bruder,der aus seinem Käfig ausbricht und ... Arrgl! Und einem Goldlöckchen als Erzähler, der injedem Nachtgebet den gewaltsamen Tod der Monster-'Mutter' erfleht hat. Mit Erfolg,
allerdings auch einer gruseligen Pointe. Womöglich ging es bei "Mother & Son" (2005)
schon um die gleiche 'Glückliche Familie'? Allerdings ist Liles' Story doch arg krass. Seine
Illustrationen dazu finde ich um einiges reizvoller. Wobei Liles nach seiner surrealen
Coverkunst für Nurse With Wound ("Ød Lot", "Terms And Conditions Apply", "Lumb'sSister", "Cabbalism I., II. & III.", "Dark Fat") und sich selbst ("Monster Munch E.P", "Fast
Forward Through Time (Illusion Four)") mit einer Schwarzweiß-Ästhetik überrascht, diesich an Buchillustrationen des 19. Jhdts. anlehnt. Die Musik dazu, die ist dann so richtig
gut. Als märchenhafte, ganz und gar nicht krass-plumpe Filmmusik, dafür einem sanften
Schrecken im Unterton. Angestimmt mit Synthie und Streichern simuliert oder suggeriert
der Duktus eine Zeitgenossenschaft zu den Brüdern Grimm und kostümiert sich dabei in
Gothic-Manier sogar noch älter. So wie ja auch etwa Poes "Hop-Frog" oder "The Masqueof the Red Death" nicht in den 1840ern spielen. Eine langsame, graduale Melodie mit
Keys, Streichern, knarzendem Draht, dazu ein Protagonist mit naiv tuendem Ladida,umquirlt mit Harfenarpeggio, von Oboen oder Flöten melancholisch gesäumt, mit Cellotrauerumflort, spinettspitz bepickt. Dann auch eine Anmutung wie von himmlischem
Frauenchor und wieder der summende Singsang von einem, der die Zeichen nichtversteht oder verdrängt. Giallo-Essenzen, auf wunderbare 13 Min. komprimiert. Total
tongue in cheek. Denn zum Gruseln findet Liles allein the frailty of the human body andthe brevity of existence.
73

GUILLAUME BELHOMME, ein Gallier wie aus dem Bilderbuch, ist
ein bemerkenswerter Zeitgenosse. Wir kennen ihn als den
Macher von Lenka Lente, der da auch sein Augenmerk auf die
Aufmachung richtet. Manchmal mischt er aber auch literarischsich ein, etwa mit 'L'enveloppe' (w/ Michael Esposito) oder 'Sales
Rectangles' (w/ Daunik Lazro). Und nun mit D'Entre Les Morts(lkl-l23, 78p + 3"mCD), wo die, die Französisch lesen können,
einem Zugreisenden begegnen, den unbekannte Kräfte von einer
Endstation zur andern treiben. Welcher Drink, welche Gewohnheit, welcher Feind? Sicher kann man nur davon ausgehen, dassdie Geschichte kein gutes Ende nehmen wird. Geschichten
enden so wenig wie Kriege und schon gar nicht gut. Das weißauch Francis Mirkovic, der Erzähler in Mathias Énards "Zone" im
Zug von Mailand nach Rom. Daher passt das Memento Mori als
Leitmotiv mit der richterlichen Mahnung: Bonis Bona, Malis Mala.
Dazu passt das eisenhaltige Klangbeben, das DANIEL MENCHE
schuf. Zuletzt gehört mit "Gut" (nein, nicht gut, sondern Gedärm)und "Marriage of Metals" auf Editions Mego, kommt er da wieder
dröhnend, schleifend und wummernd wie ein anderer Z'ev daher.
Mit perkussiven Schlägen auf Gongs oder Bleche quasi auchhändisch, zu motorisch grollendem Subwoofer und auch
läutenden und schellenden, aber verwehten Schlägen wie denen
einer alten dauererschütterten Standuhr. Seine Toten, sie reiten
nicht schnell, sie fahren mit Dampfer und Panzer, und sind dochschon in uralten Totenbüchern verzeichnet. Zeit hat hier keine
Linie, sie ist ein sich selber knetendes Eisernes Zeitalter, dem
permanent die Stunde schlägt, daueralarmiert, dramatischquellend. Und doch letztlich ohne Ausweg, nur ein Zwischenspiel
zwischen Ankunft und Abfahrt der Chemin de fer.
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Yannis Kyriakides - Unsounds (Amsterdam)
Ein schwerer Brocken, dieses Subvoice (57U, 2 x CD), mit 44-seitigem Booklet. Enthaltensind nämlich neun Kompostionen des Zyprioten, der am Koninklijk Conservatorium in Den
Haag lehrt, längst als einer der namhaftesten elektroakustischen Neutöner in den Niederlanden. Ich erinnere da nur an a conSPIracy cantata (2000), Spinoza (2002), The Buffer
Zone (2004), Resorts and Ruins (2013) und die Oper An Ocean of Rain (2008). Keine
seiner Kompostionen erschließt sich ganz ohne ihren Über- oder Unterbau. Diese hierdrehen sich nahezu alle um Stimme und Sprache, um die computertechnologische
Verwandlung von Sprache in Klang, in Töne. 'Words and Song without Words' für Cello undComputer (2012) reflektiert auf Felix Mendelssohn, der anlässlich seiner 'Lieder ohne
Worte' geschrieben hatte: „Die Leute beklagen sich gewöhnlich, die Musik sei sovieldeutig; es sei so zweifelhaft, was sie sich dabei zu denken hätten, und die Worte verstände doch ein jeder. – Mir geht es aber gerade umgekehrt. Und nicht bloß mit ganzen
Reden, auch mit einzelnen Worten; auch die scheinen mir so vieldeutig, so unbestimmt, so
mißverständlich im Vergleich zu einer rechten Musik, die einem die Seele erfüllt mit
tausend besseren Dingen als Worten. Das, was mir eine Musik ausspricht, die ich liebe,sind mir nicht zu unbestimmte Gedanken, um sie in Worte zu fassen, sondern zu bestimmte...“ Francesco Dillon intoniert, elektronisch umtupft und umsponnen, dieseencodierten Sätze mit metaromantischem Cello, die Ohren des Herzens verstehen fastjedes Wort. Bei 'Paramyth' für Violine, Klarinette, Piano und Computer (2010) wird ein voneiner alten Zypriotin erzähltes Volksmärchen, das das Märchen vom Ritter Blaubart
variiert mit dem Teufel als grausigem Ehemann, mit Computerzauber vokalisiert zu
gedehntem Gesang, den die Instrumente begleiten und ausschmücken. Auch 'Toponymy'
für Streichquartett und Computer spielt in Zypern und macht, dargeboten vom Istanbuler
Hezarfen Ensemble, die griechisch-türkischen Namenswechsel im türkisch okkupierten
Nordteil hörbar, encodiert als windumfauchter Streicherklang und synchron gesprochen
von Computerstimmen. Was ein wenig an Steve Reichs 'Different Trains' gemahnt.
Elisabeth Smalt spielt und summt die 'Music for Viola' (2013), der, encodiert, das Wort
Musik in hundert verschiedenen Sprachen zugrunde liegt. 'Circadian Surveillance' fürPercussion und Computer (2010), gespielt von The Electronic Hammer, sind 24 Minuten
aus einer mitten in Nicosia aufgenommenen 24-Stunden-Feldaufnahme, glockenspielerisch beklimpert, dazu schreibt einer der Computer Text, der andere zeichnet eine
Landkarte. Überhaupt werden Zeit und Raum, frage nicht, Ersatzausdruck: Bahnhof. Bei'Der Komponist' für Orchester und Computer (2015) verklanglicht Kyriakides die Ansichtvon Helmut Lachenmann, dass der Komponist etwas zu machen hat und dass das, was er
macht, viel mehr sagt, als was er sagen könnte. Dergestalt, dass der Ausspruch gescannt
und biometrisch vermessen zum Orchesterklangmaterial wurde, das die Frage nach dem
Subjekt von Musik aufwirft. Ob für 'Testudo' für Kontrabass, Kontakttonabnehmer undComputer (2014) Schildkröten zu Schaden kamen? Der kleine Hermes soll ja mit einem
Schildkrötenpanzer als Resonanzkörper und Darmsaiten die Chelys (lat. Testudo) erfunden haben, eine Musik-'Maschine' aus den 'Stimmen' toter Tiere. Kyriakides versöhnt
kakophone Bassstriche und Dröhnfäden mit kriechenden Kröten- und anderen Loops. Bei'Politicus (Dawn in the Giardini)' für präpariertes Disklavier (2011) liegt, algorithmischencodiert nach der antiken Polybius-Chiffre, Platons Dialog zugrunde. Das Disklavierspiel
wurde bei der Biennale 2011 aufgenommen, als Dialog mit einer Amsel in einer
Morgenstunde in Venedig. 'Oneiricon' für Ensemble und Computer (2014), aufgeführt vonMaze, einem Klangkörper mit Flöte, Kontrabass, Bassklarinette, Piano, E-Gitarre, Synthie& Computern, dem der Komponist selber angehört, entsteht interaktiv beim Blättern im"Oneirocritica", einem antiken Traumdeutungsbuch, und macht tickend, tröpfelig und mit
eingeworfenen Wörtern in einem repetitiv 'atmenden' Duktus die dort fixierten Bedeutungen wieder ambig und träumerisch. Wird damit nicht auch Mendelssohn widersprochen? Wer kann das in diesem vertrackten Klang- und Gedankenlabyrinth so genau
noch sagen? Das Verraten der Webmuster macht einen da nicht schlauer. Lassen wir docheinfach die Musik 'sprechen' und die Sinne antworten.
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Erik Mälzner - No Edition (Alpen-Veen)

Struktur Sprachlos und Noch ein Stuhl (No Edition # 95) enthält drei ausführliche
Exempel von ERIK MÄLZNERs Gestaltungswillen. 19:43 mit E-Gitarre, Samples &Computer - 19:43 mit Computer allein - 18:08 mit Keyboard & Computer, alle drei
Episoden dabei aber als wortreiche Mälzneriana. Zuerst das minutiös protokollierte,
von genial-dissonantem Gitarrensound animierte Zackzackzack eines Tagesablaufs
von 5:30 Nachttischlampe an / vooorsichtig aufsetzen über Frühstück und Blutdruckmessen von den Schlappen in die Gummistiefel zur Stallarbeit, zwischendurch Emaillesen, dann Ausmisten Schaufel für Schaufel für Schaufel, selber Essen und Trinken,
Radio an, Radio aus, Jacke an, Jacke aus, Mütze auf, Mütze ab, treppauf treppab,
Haken öffnen, Haken für Haken für Haken schließen, bis 20 Uhr 15 / Feierabend /Fernsehen sehen / uninteressant aus / lesen / uninteressant Licht aus. Drum herum /fremde Menschen, im Traum erscheint Judas. Welch ein Leben. Tagaus, tagein.
Danach 'Sprachlos', weiblich, mehrstimmig, mehrsprachig, mit Wassertropfen undZupfklängen perkussiv akzentuiert, dann auch mit Keyboard und hellem Synthieton.
Dazu aber mit klarer Männerstimme ein kommunikationstheoretisches, pseudowittgensteinsches Traktat über das Sagen von Ansagen und Aussagen, über das
wahre und das leere Sagen und das, was beim Empfänger ankommt. Merke: Wortesind falsch / entsprechen nicht dem Gedachten / Worte sind Kitsch / sind pure
Oberfläche... Aber: Auch Kauderwelsch kann Sinn machen... Schließlich, dunkel
bepaukt und mit rauem, zunehmend aber verfeinertem Synthienoise, 'Noch ein
Stuhl'. Als Computerstimmen-Dialog mit dem eigenen Spiegelbild und als Reflektionüber instabile Körperbilder und außerkörperliche Erfahrung unter Hinweis auf Celia
Green (Autorin von "Out-of-the-body Experiences", 1968, "The Human Evasion",1969). Und mit Anklang an Loriot, wenn ich das so frech sagen darf. Wer ist Original,klug und schön, wer Kopie, flach und nachäffend? Und können die zwei die Rollentauschen oder sich die Hände reichen, ohne dass ein schwarzes Loch entsteht?
Was bringt Or So (No Edition # 96)? Eine tiefmelancholische, mahlersche'Introduction'. Wieder ERIK MÄLZNERs typischen an einen Computer delegierten
Sprechgesang, bestenfalls unaufgeregt, öfters schleppend angedunkelt. Zu dunklen
Phantombläsern, knurrigem Computerbass, perkussivem Klingklang, kurzen Drummachineschüben. Musik wie aus einer desillusionierten Sitzposition zwischen
Neubaugebieten ohne jegliche Atmosphäre und zerbröckelnden Ruinen. Umherlaufen / Singen und gegen die Wand rennen sind nur noch Entlastungshandlungen.
Ein Lied in Abschiedsstimmung geht, brandungsumrauscht, so: Jahrelang hab ich
damit zugebracht / das Meer zu beobachten / hab das Leuchtfeuer hell und klar
brennen lassen / von Sonnenuntergang bis Sonnenaufgang / leistete verläßlich
Navigationshilfe / war euer Wegweiser in der Dunkelheit / zwischen dem sicheren
Land / und der angsteinflößenden Unendlichkeit des Meeres / habe ich eureRückkehr in den Hafen sichergestellt / nun mache ich das Feuer aus / und machemich auf die Suche / nach eurem Strandgut ('Custos Lucerne').
76Ein stereoskopisch suchender Ruf der Sehnsucht vertieft nur das Enttäuscht- und Alleinsein: Wo bist du / wo bist du / du versteckst dich /eingebettet zwischen / zufällig verteilten Punkten / in der Differenz / zwischen
Streifen / mein Blick geht ins Unendliche / in die Ferne / zwei Kilometer /fünfzig Kilometer / und noch viel weiter weg / Lichtjahre / ich sehe dich / ichsehe dich ('Sirds'). Launig wird die mangelnde Resonanz beklagt: Wünsche
guten Morgen / gut geschlafen / erkunde das Befinden / na wie gehts /wünsche guten / Appetit / schmeckts / wünsche gute Nacht / schlaft schön /träumt was Schönes / aber ich bekomme / nie eine Antwort / morgen geh ich
in den Stall / und beschwere mich ('Leerstelle') Aber juckt's einen Ochsen,wenn man ihn ins Horn pfetzt? Und es ist doch schon schwer und vergeblich
genug. Gegenüber am anderen Ufer / sehe ich immer wieder Menschen / die
mir ähnlich sind / Kopf oben / seitlich am Rumpf zwei Arme / und darunterzwei Beine / sie sitzen in der Sonne / spielen mit ihren Kindern / oder gehen
einfach nur spazieren / nicht täglich aber immer mal wieder / habe ich
versucht / mich bemerkbar zu machen / habe hinüber gewunken / manchmal
auch gerufen / vergeblich / es hatte keinen Sinn ('In Vain'). Das zum Themamit- und zwischenmenschliche Vergegnung. Und um zu zeigen, wie gut
Mälzner sagt, was er sagt. Ist schon die Musik, gelinde gesagt, eigenartig, so
ist seine Textebene nahezu einzigartig, ohne der Ästhetik einen Inhaltismusüberzustülpen. Typisch dafür sind verstörende Bilder, wie Mälzner sie findet:
Mädchen in Kaninchenmaske posiert auf der Straße... Architektin mit einem
Fischkopf auf einem Teller... ein Gorilla bietet einem Mädchen ein Lesebuch
an... zwei Brüder beide zurückgekehrt in den Irak nach dem sie Zeit in
Deutschland verbracht hatten gehen auf einer Straße... Und nebenbei zerstört ein Erdbeben die Kumamoto-Festung (April 2016). Der entscheidende
Unterschied zwischen ver- und zer-. Und einmal mehr der eminente zwischensolch beständig karl-sczuka-preiswürdiger, aber ignorierter Artistik und dem
gehypten Hühnerklein.
Nicht im größtmöglichen, aber doch beträchtlichen Kontrast zu dieser
menschlich-allzumenschlichen, wortgewandten Computermelancholie steht
Rekusation's Reunion (No Edition # 97) von RRR&R. Was JR (e-guitar / midiguitar / electronics), YR (synthesizer / sampler / electronics), JRR (e-piano /piano / electronics) & ER (e-drums / percussion / electronics), von denen ich
nur JR als Jürgen Richter, Mälzners Buddy in Braingrainhotspot und bei NN
Und Ähnliche Elemente, sicher identifizieren kann, da, rein instrumental, an
hypermoderner Krautkraft auf die Wagschale bringen, ist mehr als bloß
Strandgut oder Retronostalgie. Zwar gab es 1988 als No Edition tape # 45
"Die absonderliche Lehre gleichbleibender Erscheinungen" von R's
Rekusation in Gestalt von Richter allein, aber nach 1988 klingt die Reunion
nicht, und auch sonst sind Anlehnungen schwer auszumachen bei dieser
freakigen Verweigerung gängiger Parameter des Rockens ebenso wie
vertrauter Elektroformeln. Die Anmutung ist die von krautiger Gitarrenpsychedelik mit Dubdehnungen und -beugungen und delirantem Sampling.
Die verwirbelte Rhythmik mit impulsiver Automatik und gläsernen Vibes ist
ein ebenso instabiler Leitfaden wie die changierende und zwischen Gitarre
und Keyboards zerfaserte Melodik, und dennoch ist diese Musik nichts
weniger als groovy und melodisch, nur eben nicht auf vordergründige Weise.
Nicht so eiapopeia wie Centrozoon oder J. Peter Schwalm, nicht so straightwie Friedman & Liebezeit, sondern eine weit freakiger und mit Thirsty EarSpirit verunklarte überoberhausener, metalüdinghausener Variante vonCrooklyn-Dubadelic. Mir dazu gewiefte alte Säcke ohne Gesicht vorstellen zu
müssen, fuchst mich ebenso wie es mich als einen, der Walter E. Richartz'"No Face - nimm was du brauchst" bewundert, grinsen lässt.
77

Frank Rothkamm - Flux Records (Los Angeles)

Wo war ich stehen geblieben? Bei Rothkamms "Metal Machine Music" (FLX49).
Seitdem hat er die Schlagzahl so mirakulös erhöht, dass seine Bandcamp-Seite
zunimmt wie ein umgekehrter Abreißkalender.
February 29, 2016
Träumt da einer, dass ihm Mozart die Hand führt? Oder wenigstens Carl Czerny?
Träumt da einer, verliebt zu sein? Und ist der Mann am Klavier überhaupt einer,oder doch nur ein Algorithmus, der verliebt tut? Lovers under the Moonlight(FLX50) wischt all diese Fragen beiseite, nur die Liebe zählt und führt durch
schwere Tage, dunkle Kreise oder Vierteltöne zu den funkelnden Sternen.
March 7, 2016
Bei Event Horizon (FLX51) lässt Rothkamm seine Musik sich wälzen auf Einsteinsgedachtem Ereignishorizont am Rande eines Wurmlochs. Auf einem metastabilen
Grenzzustand, wie Stephen Hawking es nannte, der mit der Hawking Strahlung
dem Schwarzen Loch etwas entkommen lässt, das verrät, was es mal war.
Rothkamms Utopian Science klingt mehr nach Lem als nach dem pathetischen
Trash und Kinokassenflop von Paul W. S. Anderson.
March 13, 2016
Fusion meint 2 + 2 > 4. Rothkamm kocht daraus The Fusion Fantastic (FLX52) als
great 'chicken soup for the soul'. Bedingung: 2 ≠ $. Lieber mixt er House mit
Exotica und Disco mit Soul, sein 'tricky business' nennt sich Fantasy. Richtig
gekonnt, verspricht es goldne Stunden mit einem tänzelnden Einhorn oder
Marlene, die wunderbar die Hüften schwenkt.
March 18, 2016
Make Progressive Rock Progressive Again (FLX53) entstand als spontaner
Nachruf auf Keith Emerson (+ 10.3.2016), als nachträglicher auf Lemmy Kilminster (+ 28.12.2015) und inzwischen auch auf Greg Lake (+ 7.12.2016). 'em01.
py.3333 (20:49) opus 593' schlachtet 'Tarkus' aus als Endlösungs-Kladderadatsch
des Prog Rock, mit all seinen krummtaktigen Konsequenzen aus Bartok und
Ginasteras. Rothkamm huldigt dem HJ-Dolch, den Lemmy als ELPs Roadie
Emerson in die Hand gedrückt hatte, damit der mit nietzeanischem Gusto seineÜbermensch-Traktate auf die Tasten diktierte. Um mit Kaiserschnitten aus Chaos
Sternen zur Geburt zu verhelfen.
March 25, 2016
Mit Call of the West (Symphonic Poem for the Piano-Forte) (FLX54) erinnert
Rothkamm an den Lockruf von Marlboro, der ihn bis nach Kalifornien zog. Statt
auf Pferde schwang er sich aber auf Pianos. Und lässt hier mit einer 4-teiligen
Sonate der Phantasie freien Lauf für amerikanische Bilder, die, ohne es ihm an
Komplexität gleichtun zu wollen, den transzendentalistischen Sonaten vonCharles Ives dennoch näher sind als jeder Reklame.
April 1, 2016
Durch "Die Vermessung der Welt" kennen auch Nullkommaeinsteins wie ich den
genialen Mathematiker Carl Friedrich Gauß. Five (FLX55) wendet das Gaußsche
Gesetz auf sich selber an. Zufall ist ebenso Mutter von Ordnung wie von Chaos.
Entsprechend surr-zuck-furzt es einem hier stereophon entgegen.
78April 7, 2016
Reasons for Living in the English Countryside (FLX55) [?] ist über Bande gespielt mit John
Cages "Roaratorio", "It's Gonna Rain" von Steve Reich und der 1973 von Rosemary Davis
herausgegebenen "Nr. 9" der "Sound Effects"-Serie des BBC. Um mit dem Knowhow vonHeute Einsteins Gedankenexperiment von der Relativität der Zeit für einen Zugpassagier
und einen außen stehenden Beobachter anzuwenden auf die eigenen Klangvorstellungen
und Tonbandexperimente als 16-Jähriger. Dergestalt, dass eine Tonspur im linken Kanal undihr Delay-Double im rechten eine Phantomspur zwischen sich generieren. 35 Lebensjahre
und 1110 Arbeitsstunden später zwitschert, blökt, grunzt, spieluhrklimpert und glockenläutet so 'FX.py.csd.EDIT (33:33) opus 73' als rothkammsches Roaratorio und lässt einen den
Pudding aus Animal Farm und Countryside nicht nur studieren, sondern bis auf den letzten
Krümel auskosten.
April 16, 2016
Als Hommage an Tony Conrad (+ 9.4.2016) und als neoplatonistische Reflexion über das
Wesen der Zeit und das Primat von Logik oder Eleganz angesichts etwa von "1-2-3",
optischen Täuschungen, 1970 konstruiert vom minimalistischen Konzeptkünstler Sol LeWitt,
entstand It takes a man to die for another to find his way (FLX56). 'cb (60:00) opus 595',
brummt und brummt und brummt. Doch Vorsicht: Ein Brummton ist mehr als die Summe
seines Brummens.
April 30, 2016
Bei Beat it (FLX57), einem poptronischen Rückgriff auf die 90er, geht es natürlich um Beatsund Samplemixadelic, aber auch um Standhalten oder Einknicken. Mit Rothkamms Alter Ego
Frank Genius, der David Bowie, Frank Zappa, Barbara Gogan und Nico in seiner Zentrifuge
schleudert.
May 14, 2016
Rosetta Stone (FLX58) dreht sich nicht um Napoleons Ägyptenfeldzug, eher um kluge
Schweine, Speiseverbote des Koran und Fraß, den auch Mozart besser nicht gegessen
hätte. Zu hören sind 'If (Algorithm of Zen & Masonic Meditation)' mit friedlichem Klingklang,'Paradiddle' als rasantes Wellengerippel mit UnzUnz-Beat & 'Fanfare for a Lost Planet' als
kakophones Georgel mit jaulendem Pfiff.
July 2, 2016
Rothkamms Abduction of Europa (FLX59) erzählt von der Entführung der europäischen
Urmutter von ungefähr Beirut nach Heraklion, wo Zeus mit ihr, die das phönizische Alphabet
als 'Braut'-Schatz mitbrachte, Minos, Rhadamanthus & Sarpedon zeugte. Ein Molldreiklang,nach heutigem Dafürhalten, von Streichern aufgespannt als Segel für den Wind und das
mahlersche Feeling der Bläser.
July 15, 2016
Mit The Exit (FLX60), neobarocken Roland JV-1080-Variationen und -Schlussfolgerungen füreine sehr große mikrotonale Nylongitarre, schaut Rothkamm David Cameron aufs Maul. Der
hatte bei seinem Abgang als Brexit-PM etwas für sich gesummt, akustischen Kaffeesatz, ausdem Rothkamm Englands Zukunft zu deuten versucht. Nicht allen dürften die Ohren da sozart verstimmt und dowlandesk befunkelt klingeln.
July 25, 2016
Auf Chopin Bored (FLX61) erklingen drei Impromptus für Piano und Streicher. Die Streicher
sind Rothkamms Zutat und sitzen quasi wie eine Fliege auf Chopins Nase. Nur Opus 3 und 8,
da war er noch Teenager, das 'Grand Duo' als 22-jähriger und die Sonate Opus 65 zwei
Jahre vor seinem Tod verbinden das Piano mit einem Cello. Rothkamm zitiert den 14jährigen Chopin, der launig an einen Schulfreund schreibt von Schnakenbissen und was für
ein schlechter Reiter er sei. Ihm hat er seine Polonaise b-Moll (1826) als Adieu à Guillaume
Kolberg gewidmet, gefunden in seinem Nachlass. Rothkamm entlockt chopinsche Poesie
seinem Roland JV-1080, Atari Cubase und MIDI-Sequencer tun das ihre, die Strings sind nur
ein sanfter Schein.
July 26, 2016
Dass Musik den wenigen Ameisen ähnelt, die trotz unserer exterminatorischen Godzillaistik
in die Küche gelangen, davon wird Liebe Null (FLX62) bestimmt. Als ein Gepixel
aleatorischer Klangkürzel, als eine Art Atlas Formicalis.
79September 1, 2016
Etymologisch zergliedert Rothkamm Frankenstien (FLX63) in Stein, to get stoned unddie Franken, denen er selber seinen Namen verdankt. Er lässt die These anklingen,dass Mary Shelleys Frankenstein vom Alchemisten Johann Konrad Dippel auf Burg
Frankenstein im Odenwald angeregt sei. Den entscheidenden Punkt sieht er aber im
Versuch von Mel Brooks' "Young Frankenstein", sich von der Familientradition (Golems
zu erschaffen) zu distanzieren mit der Lautverschiebung zu 'Fronkensteen'. Dazu
dekliniert er 'Home on the Range' mit Silent Movie Piano und fronkensteent mit 'For
Violin & Cello' und 'For 2 Harps, Bass & Snaredrum and Handbells' etwas Klassisches.
September 28, 2016
„Die Welt ist die Gesamtheit der Tatsachen, nicht der Dinge.“ O Wittgenstein am
postfaktischen Arsch. Jazz from HAL 9000 (FLX64) ist, da ist Rothkamm sich sicher, so
wenig zappaesk wie das Synclavier-Traktat "Jazz from Hell" des berühmteren Frank
Jazz ist. Und ebensowenig ein Code für IBM. Sondern wienerisch prozessierte, hollywoodesk synthetisierte Rothkammatik mit Michelangelo, Mitchum & Monroe, Drums &Basses, Brass & Percussion, Tabla & Orgel...
September 18, 2016
Von Burgern zu Newton zu Hollywood zu Heidegger zu Kerouac zu gebackenen
Kartoffeln zu Plato zum "Gnothi seauton" am Apollotempel von Delphi... Age of
Enlightenment (FLX65) bringt dazu ein Wiederhören mit HAL 9000: "Stop, I'm afraid",'Johnny Guitar' ohne Gitarre, Kehllaute einer Schulfreundin, '7 Organs of Psychedelic
Discipline' als satieske Karawane, und über 'Porter Ranch' faucht der Wind.
October 1 - October 24, 2016
Für Elgin Marbles (FLX66) belauschte Rothkamm, wie Leif Elggren Freuds Sofa, dieMarmortorsi im British Museum, wo es lärmt wie auf dem Bahnhof; Theatermusik(1982-85) (FLX67) zeigt den Künstler als blutjungen Post-Modernisten und AntiWagnerianer; Long Ride in a Slow Machine (FLX68) verkürzt die Zeit, die Kalifornier in
ihrem Wohnzimmer auf Rädern verbringen, mit 'For String Section, Oboes, Clarinets,
Solo Strings, Trumpets, Vibraphone & Harp (81:27) opus 618', Steve Reich grüßt imvorbeifahrenden Zug; für Mozart Little Star (FLX69) transponierte Rothkamm die '12
Variationen für Klavier KV 265' eine Oktave tiefer, verlangsamte das Tempo um den
Faktor 3, lernte das auswendig und wiederholte es 10 Mal, Dauer: 4 ½ Std.!!!
November 12 - November 16, 2016
Hillary Crossing the Delaware (For Trombones, Concerto Strings, Legato Strings, Exotic
Harp, Pizzicato Strings, Chamber Winds & Gong) (25:48) opus 653 (FLX70) kreist
elegisch um 'Vergeblichkeit'; Zeit für Ohm (FLX71) und das dröhnminimalistische 'No
Name (60:00) opus 590' als freimaurerisch-stoischem Therapeutikum: There is only one
true faith, and that is your faith. You are just a messenger: you communicate foremost
to others. Loving others is a way of life. Hating others is a way of life. The best way for
you to die is to give your life for the truth. The best way for you to live is to give yourlove to the truth.
November 25, 2016
Catherine Receiving the Stigmata (FLX72) ist herbeigezogen an den fiktiven Haaren der
Katharina von Alexandrien, die nach ihrem Tod weiterwuchsen, und denen von Grimms
Rapunzel. Ihnen stellt Rothkamm die reale Caterina da Siena (1347-80) gegenüber, diesich die Haare abschnitt, auf Essen und sonstige Rapunzelei verzichtete und gerade
daraus mystische Stigmata erzeugte (die nur für sie selber sichtbar waren). Eine
Selbstermächtigung, die nicht hoch genug geschätzt werden könne. Aus den 5 Wundmalen zieht Rothkamm ein Pentagramm und vereint 5 Instrumente auf 5 Linien für sein
erhabenes Opus 654 'For Solo Cello, Oboe, BrassStrings, MasterTron & TubularBells :in Just Intonation (30:00)'.
December 3, 2016
Zu Rothkamm, Rothkamm & Rothkamm 'For Keyboards, Bass & Drums opus 637-639'(FLX73) reflektiert Rothkamm über Diktatoren als politische Erben des Gottesgnadentums, charakterisiert durch die Brutalität, sich die Macht zu nehmen, die man dann hat.
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Der Wille zur Macht, verbunden mit Carl Schmitts Dezisionismus zum Me, myself &I, das sich selber genügt, aber nichts wäre, ohne die, die Egomanen huldigen und
dienen. Mit der Volte, dass damit die Frage der Souveränität aufgeworfen ist. Dennnicht weniger souverän wie der Diktator, der über den Ausnahmezustandentscheidet, ist der, der "Ich diene nicht" zu sagen fähig ist. Deswegen, so
Rothkamm, I always was, am, and will be a Marxist-Leninist. Und deswegen auchdiese zappaeske und feierliche Agit-Musik.
December 9, 2016
Renner Mass (2016) dedicated to victims of #Ghostshipfire (FLX74) ist ein Requiem
insbesondere für Wolfgang Renner, mit 61 das älteste der 36 Opfer desschrecklichen Oakland warehouse fire am 2.12.2016. 'For 2 Choirs & Organ (58:00)
opus 608' erinnert mit aller Macht und Pracht an einen Freund, der einst dem
spießigen Erlangen entfloh und an der West Coast versandete, bis sein Name
posthum doch noch geraunt wurde. Rothkamm betrauert ihn als einen von uns'nutzlosen Wichten', dessen Tod soviel Sinn macht wie Célines 3 Pünktchen...
December 12, 2016
Rothkamm spekuliert mit seinen Klaviersonaten Nr. 1-5 opus 568-572 über Scarlatti
in Venice as a Young Man (FLX75). Domenico Scarlatti (1685-1757), der zwar keinenHandstand mit einer Hand, aber mit zehn Fingern Cembalo spielen konnte, kam
1707 während des Spanischen Erbfolgekrieges als in Neapel geborener Spanier in
die neutrale Lagunenstadt. Als unwillkommener Flüchtling? Als Protegé? Mit derErinnerung an die beste Pizza seines Lebens, als 18-jähriger Tramp in Venedig
genossen, versenkt Rothkamm sich in die Zeit zurück und fördert Klaviersonaten
zutage, die ihm der venezianische Geist von Scarlatti eingab. Buon appetito.
January 2, 2017
Das neue Jahr beginnt der Universalmensch in L.A. mit Allegory of the Cave
(FLX76) und einem illustren Zirkel in Platons Höhle: John Berger (der an diesem Tag
die Seite gewechselt hat !), Spinoza, Kant, Heidegger, Nietzsche, Newton, Captain
Picard. Als mehr oder weniger fröhliche Wissenschaftler gehen sie Fragen nach
wie: Ist Gott töter als Schrödingers Katze, auch wenn keiner nachschaut? Sind wir
klüger als ein Fünftklässler? Was braucht es zur Wahrnis des Wesens derWahrheit? Und kommen zur Einsicht: Sollen doch die Toten die Toten begraben,worauf es ankommt, ist metafaktische Entschlossenheit. Make it so! Fetch me asword! Wieder das von König Salomo in Carl Schmitts Hand gelangte Excalibur,
Frankensteel, the sword in the stone. Dazu kratzt Rothkamm ins Dunkel von 'Das
Höhlengleichnis' von Jan Saenredam (1565-1607) kurze Laute, die in die Tiefe desRaumes hallen.
January 8, 2017
Mit Elvis (FLX78) schickt Rothkamm Geburtstagsgrüße ins Jenseits: 'Fever Traum'
als fiebrige House-Version mit Xylophon: Never know how much I care. Und den'King Creole Totentanz' opus 233 als Drehwurm mit You know he's gone, gone, gone
im Hinterkopf zum michael-jacksonesken Gezucke. Um sich mit How boring is that?
der Haupt- und eigenen Sache zuzuwenden: There you go, Hammertime (FLX77).
Fast 63 Min. für Pianos and Piano Tuners opus 616. Mit Formula-Formeln undRoland JV-1080 realisierte Klimperei, die versucherisch auf verstimmte Ivories undEbonies hämmert und genüsslich schiefe Perlen zu ungleichmäßigen Ketten fädelt.

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... jenseits des horizonts ...
GILLES AUBRY And Who Sees The Mystery(Corvo Records, core 011, LP): Nach Antoine
Chessex als Modern Composer rückt mit
Aubry ein weiteres Viertel von Monno in den
Fokus. Der Schweizer Klangforscher & -installateur in Berlin hatte bei "Urbanus Vulgaris" (2006) Vögel als bedrohte Indikatoren
für urbane Lebensqualität belauscht, für"Echoes of Light & Darkness" (2010) den
Holy Ghost Congress in Lagos besucht, für"L’Amplification des Âmes" (2011) sich den
Boomboxkicks bei Meetings neocharismatischer Pfingstler in Kinshasa ausgesetzt undsich in Indien in Bollywoodsoundtracks,
Bestattungszeremonien und frühe Tonaufzeichnungen vertieft. Hinter dem Vorhang
dieser LP erwartet einen ein klanglicher
Niederschlag von "A Morocco Anthology of
Ear Preservation" (2012-14), Aubrys gemeinsam mit Zouheir Athane durchgeführte
Forschung über Paul Bowles und dessen
Sammlung marokkanischer Musik, die 2010von Washington nach Tanger transferiert
worden ist. Feldaufnahmen von Amazigh-/
Berber-Trommeln und -gesängen bilden den
Kern einer weniger ethnologisch-musealen
als klanglich-aktuellen Annäherung. Wobei
das Ästhetische und Musikalische dem Alltäglichen und Allgemeinen untergeordnet
wird, als ob Aubry einem das von Stimmen
und Motorengeräuschen durchsetzte, vonFeedback, Gezwitscher und Gebrumm verschleierte Klirren, Kratzen, Klatschen,
Ghaitagetröte, Gedengel und dumpfe Tamtam vermitteln wollte quasi als Geäder einersozialen Skulptur und als Nektar für Ohr und
Herz. Auch der Vorhang findet seine Erklärung als "politics of invisibility by establishing correspondences between Paul
Bowles as an ‘invisible spectator’, the veil asa strategy of resistance against colonialism
by the women of the Addal music ensemble
and the Pythagorean curtain of French
acousmatic music." Kritisch, vielleicht sogar
etwas hypokritisch werden bei Bowles selektive, antinationalistische, autoritäre und reservierte Züge entschleiert, um Einspruch zu
erheben gegen sein implizites Othering(Fremd-Machen) und mit Gayatry Chakravorty Spivak einen teilnehmenden Modus
dagegen zu setzen.

VOCCOLOURS Russian Affair (ArtBeat
Music, AB-CD-09-2016-108): Hat es damit
angefangen, 1976 mit Krystyna Prońkos
'A Gdzież Są Te Drogi' als Floh im Ohr
eines Studenten in Charkow? Die Faszination dieses Gesangs hat Iouri Grankins
Leben verändert und seinen Weg - in derLuft, auf dem Land - über Tscherkassy bisnach Düsseldorf bestimmt. Im Oktober
2015 führte sie den ukrainischen Vokalakrobaten mit dem VocColours-Quartettüber die Kante nach Moskau auf das 4.
Leo Records Festival für den Zusammenklang mit dem Saxophonisten Alexey
Kruglov, dem Drummer Oleg Yudanov undRoman Stolyar an Piano und Blockflöten.
Doch nicht für Russian Folksongs in the
Key of New Jazz. Eher werden da mit
karnevalsgrotesken und popmechanischen Querstreben Krawalle geschachtelt. Spiridonows Großmutter säuft,Kruglov malt eine Dame mit einer Knutein der Hand. Scats in Vogelsprache
ohrfeigen glossolale Grashüpfer, aberzärtlich, zärtlich und klapprig, perlig umZaumt, mit allem AEIOU, von Brigitte beKüpper-t, von Gala um-Hummel-t, vonNorbert Zajac durchgekaut. Es wird
Quatsch gemacht, ein Zwerg geherzt undbis zum deliranten Happy End rhabarbert
und getanzt. Mit "Spasibo" an Goethe undLeo. Und überhaupt, was sind denn das
für Russen? 'Daheim' im Kölner Loft hatte
es freilich schon 2012 mal eine russischeÜbung gegeben mit dem im The Second
Approach Trio mit der überkandidelten
Tatiana Komova vorgeglühten Temperamentsbolzen Andrei Razin am Piano.
Genau dem Richtigen, um mit den Zungengrotesk über die Stränge zu schlagen, mit
gnomischem Mimimi und komischem
Onono, launig-labialem Lallen und clownigem Ketschak-tschak-Affenbiss in RazinsFinger, die da über die Tasten und im
Innenklavier kasatschoken. Eine babylonische Stakkatotirade bekennender Tourette-Syndromatiker, russisch behämmert. Zu Vocal Summit verhält sich VocColour wie Phil Minton oder Five Men
Singing zu meinetwegen fünf Al Jarreaus.

82

ALFRED 23 HARTH Moondada (Moloko Print 23, 218p): Keine Musik diesmal,
sondern moon-sun-surreale Einflüsterungen des Laubhuettenvogels in Seoul,
autobiographische Glückskekstexte aus fünf Jahrzehnten, die einen huckebein
nehmen. Poesie mit Lichtzwang, Sprachkunst als Reißzweck, kranichklar,
karpfengrau, rabenschwer, elsterklug. Wortwitz und Textlust, koreanisiert mit
Sprachfibeln, User Guides, Benutzeroberflächen, Hintergrundsgerüchen. Borges
und Celan grimoirisiert, by heart und per Software, Verschreibkunst im
Delearyum, springend von Aleister und Alice zu Ufos über Oulipo, von 1966 zu"Red Art" (1984) zu "Plan Eden" (1986) zu neologistischen G23-Gipfeln jenseits
von Kalkül. Als verrückter, absurder, heilig-profaner Katzengoldmacher undGinkgobeuysianer häuft Harth auf schmalem Weg ins azephalische HuxleyOrwellFutur verarnoschmidtste AH-und Moiré-Effekte, mit Yi Sang und Bataille im
Gefieder. Der pfingstliche Ant-Zen-Kentaur zündet für den listigen Hubert
Bergmann 'Nasrudin's Meisterlampe' an, gedenkdankt Friedrich Kittler (19432011), fragt "Wieviel Du verträgt dein Herz" und wechselt zwischen Scherbenund Pilzgerichten täglich das Gesicht für die Quest der Evolution. Ab Seite 82
fängt prosaisches Neuland an, Briefe, Blogeinträge "Peripathy", Träume, Tourtagebuchnotate (mit dem Shanghai Quintet in China, mit Gift Fig am Kap), fernöstliche Tripreportagen, mit Geschichtsbewusstsein und feinem Ohr für den Clashof Civilizations: "Buddha sitzt, Jesus hängt", koreanische Elster vs. japanische
Krähe. Allerdings erweist sich koreanische Schwarze Pädagogik unerwartet als
aufoktroyierte japanische und diese als Imitat preußischer 'Tugenden'. Odersüdafrikanische Armut als langes Nachbrennen 'kaukasischer Gräueltaten'. Mit
Grenzen als Dauerthema, so nah an der Grenze, dem Eisernen Dreieck, zwischen
Nord- und Südkorea als vermintestem Streifen der Erde. Harth w.s.burroughst undploogt in einem Sprachfluss ohne Ufer, Simple Deutsch kann him furchtbar leckn.
Er betreibt die Kunst, einer toten Hose all die Kunst zu erklären, die er zwischen
dem Ha und dem Ha in sich trägt. Er zieht fiktive Mixed-Media-Künstler aus dem
Hut, erfindet Ceeno Keerkenbow als Mynheer Peeperkorn der Neuen Musik,
Albern Hellmuth Boring für eine Parodie des NZfM-Jargons, betreibt selber auchFrisörkritik. Seinen Japantourreport beendet er mit "Ja, Pan, ich tanze." Für eine
Kyoto-Lecture brainstormt er über Jedi-Meister-Yoda-Grammatik, Peinlichkeit,
Massenmörder (wie Bush) und Bauernopfer (nicht nur beim Schach). Merke:"Mull-ah Nidur-san immerfremd muss bleiben!" (Mulla Nasrudin ritt bekanntlichrückwärts auf dem Esel). Harth taucht den Pinsel in "Mynonas Wohlwohnfarbkasten", dennoch entsteht nicht erst, wenn er die desasterkapitalistische Zukunftwahrsagt, ein Vanitas-Bild (mit Nipper). Er korrespondiert mit Wolfgang Müller
über die Walther von Goethe Foundation Seoul, phantastert 23 Tage lang mit an'Die Dschungel. Anderswelt', dem Blog von Alban Nikolai Herbst ("Wolpertinger
oder Das Blau") und würzt dessen 'Kybernetischen Realismus' mit dem 'Réalisme
spéculatif' von Quentin Meillassoux. Er schreckt nicht zurück vor "Dieb Burble,
verzettel dich nich", "Der Schlingel siefte" oder "Häscher im Weizen". Daneben
Herbststimmung mit Haifischknorpel & Algensuppe. Und Tigertristesse (der letzte
koreanische wurde 1923 von einem Japaner in Knickerbocker erschossen). Um
zuletzt "Moondada" zu rufen, koreanisch für "Tür zu." Nicht ohne einem Hugo
Balls "Gadji beri bimba..." (übersetzt: Elster Beerenfutter) als koreanischen Flohins Dada-Ohr zu setzen, via Briefen von Franz Eckert (1852-1916), dem Kapellmeister am koreanischen, ab 1910 japanischen Hof in Seoul, die von dort nach
Berlin gelangt waren. Dass der heutige 'Hof' der Präsidentin Park die Romanows
und Rasputin bescheiden aussehen lässt, ist Dadaismus der bösen Sorte. Das
A23H-Lesebuch, ein "Bewusstseinsexpander" aus poetisch verspielten, persönlichen, immer geistesgegenwärtigen Fragmenten, ist, illustriert mit Zeichnungen,
Radierungen und Frottagen von ihm, Avant-Mixadelic, bei der man schnell nicht
mehr weiß, wo einem, so "lachend seekrank", der Kopf steht. Was bleibt aberstiften lausbübisch stammelnde Dichter.
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KLEEFSTRA / BAKKER / KLEEFSTRA Dize (Midira Records, MD032): Die Melancholie des nordfriesischen
Poeten Jan Kleefstra hängt im Gedächtnis wie ein
Nebel, der sich nie ganz auflöst. Das rührt her von"Wurdskrieme" (2010) und "Molkedrippen" (2014),
Vertonungen seiner Poesie mit Piiptsjilling. Parallel zu
diesem Quintettverbund hat er mit seinem treuen
Bruder Romke und mit Anne Chris Bakker (ein er,
keine sie) an Gitarren und Effekten eine weitereForm, seine Worte, seine Gedanken, seine Gefühle zu
gestalten. "Dize" und "Dage" (Low Point, C-45) sind
Zwillinge, die sich die gemeinsame Geburt im Herbst
2014 teilen und die Verwandtschaft mit Bakkers Solo
"Reminiscences" (Dronarivm, 2014) und dem Improsound- & Poetryseptett Tsjinlûd. Stück für Stück lässt
der dröhnende Gitarrensound Jans Naturpoesie derLowlands als Landschafts- und Seelenmalerei von
Wastelands aufblühen. Er singt raunend vom Wind und vom Winter, vom kahlen Land undvon der Stille, von Schneeregen und blutenden Birken, von der Kälte, die sich wie eine
Schlinge um den Hals legt, von Walfischknochen und vom Meer, das in seiner Kehle
schimmert, vom ungemähten Steinkopf, der den Klang von Goldregenpfeiferpulks aufliest.
Eingetaucht in ein Nimmermehr, in dem die Poesie in ihrer auf Schiefer geritzten toten
Sprache versinkt, in dem Sturmvogelgeschichten in der Fresse von Landratten endeten.
Dazu murmelt Jan wie einer von Becketts Urnenköpfen: No en dan wurdt it ljochter / wurdt
de flecht swierder / myn hân hieltyd lytser [Ab und an wird es heller / der Flug wird
schwerer / meine Hand immer kleiner...]. Dennoch gibt es bei allem Endspielelend aucheinen Trotz, durch die Hand, die gleich zu Beginn Gitarrensaiten anschlägt und dunkel
kaskadierende Klangbeben auslöst, als gegen die einem als Käseglocke übergestülpten
Düsterwolken geschüttelte Faust. Und weil der Albatros-Traum vom Fliegen trotz allem nichtvergehen will, ewiger Gleitflug op in eker boppe de wrâld. Im Aufwind eines glockensprengenden Gedröhns, mit dem Nest auf dem Rücken, erdbefreit.
JONAS KOCHER Plays Christian Kesten & Stefan Thut (Bruit): Was einem da einen Pfeifton
ins Ohr trillert, sind die höchsten Register eines Akkordeons. Befingert von Jonas Kocher
bei der Ausführung von 'Untitled (solo for accordion)'. Das hat sich Christian Kesten 2014 fürihn ausgedacht, ein Komponist feiner Sprachklang-, Raum- und speziell auch Bahnhofsstücke, der vor allem mit dem Ensemble Maulwerker bekannt geworden ist. 1966 in Salzgitter geboren, längst aber als Vokalist, Regisseur, Kurator und Spielgefährte von Lucio
Capece oder Axel Dörner in Berlin zugange, ist er insbesondere an Zwischentönen und
Mikrointervallen interessiert. Kocher ist daher angehalten, ausschließlich höchste, feinste
Töne in stehenden Wellen erklingen und bebend erzittern zu lassen. Damit zieht er einen wie
an einem einzelnen Haar in die Ununterscheidbarkeit zwischen prosaischem Hörtestsignal
und der allerzartesten Sublimität wandelweiserischer Gefilde, in denen gedachter Schnee
auf geträumtes Weiß sich senkt. Ähnlich groß ist die Irritation bei 'eine/r. 1-6' (2007) von
Stefan Thut, das nicht vollständig isoliert von Alltagsklängen erklingt, so dass sich nicht
immer unterscheiden lässt, welche Nebengeräusche (z. B. Stimmen im Hintergrund) aus den
Lautsprechern kommen und welche mein Hörumfeld dazu addiert. Kocher drückt nun vom
Akkordeon chromatische Töne unterschiedlicher Tonhöhe, getrennt durch Atempausen. Essind hohe Haltetöne, ähnlich wie bei Kesten, aber auch brummige, beides jedoch piano oder
pianissimo. Ein bisschen lässt dieses Helldunkel an Alvin Lucier denken und eine Phänomenalität des Hörens an sich. Stärker jedoch ist die Anmutung einer Meditations- und Andachtsübung, von Zirbeldrüsen-Zen. Die Erfahrung, dass die Zeit still steht, aufgehoben ineine Schaumblase, in der die Zahnrädchen des Wollens und Müssens zur Ruhe kommen.
Oder im Gegenteil. Thuts im mcluhanschen Sinn ganz kalte Klanglichkeit zeigt sich - audiopantheistisch, homöopathisch - hautlos und offen hin zum Alltag und hin zur Lautlosigkeit.
Sie rahmt sich mit dem Finger in der Luft, schreibt ihre Namenlosigkeit in den Wind, ins
transparente Kontinuum.
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EGIDIJA MEDEKŠAITĖ Textile (Music Information Centre Lithuania,
MICLCD092): Um (sich) ein Klangbild zu machen von dieser 1979 in
Kaunas geborenen Komponistin, sollte man heran zoomen und Kette- und
Schussfäden immer feiner ziehen: serialistisch - post-minimalistisch,mikrotonal - stochastisch, westliche Instrumentierung - hindustanische
Ragas, Rytis Mažulis als Mentor - textile Webmuster als Technik undleitmotivische Metapher, indische Kosmologie - europäische Mystik. Diese
Spannweite hat schon ihr Lehrmeister Mažulis vorgemacht ('Ajapajapam' 'Sybilla', 'Puja' - 'Cum Essem Parvulus'). Medekšaitė lässt bei 'Textile 1'(2006) zwei Pianos ein Mantra weben. Bei 'Oscillum' (2008), realisiert vonAnton Lukoszevieze mit vierzehn sägenden und kurvenden Cello-/Tonbanddröhnspuren, schwingen zu Ehren des Bacchus altrömische Oscilla
im Wind. In 'Âkâsha' (2015) für Streichorchester rauscht und schillert deruranfängliche, ätherische, mystische Raum, die vibrierenden Saiten lassen
einen auf dem Höhepunkt dröhnende Glocken halluzinieren. Lukoszevieze
und Apartment House bringen als asiatisch tönendes Streichquartettzusammen mit Harmonium, Percussion & Piano und mit immer dunkler
tickendem Beat aus erst 4, dann 3 dann 2 Schlägen den immer mehreindickenden Flow von 'Pratiksha' (2016) zum Erklingen. Für 'Textile 2'(2007) mischt Medekšaitė abwechselnd dröhnende und artikulierendeFrauen- und Männerstimmen zu einem melancholisch angedunkelten
tibetanisch-orthodoxen Raunen. In Morgengrauen und Abenddämmerung
verweben sich Tag und Nacht. 'Sandhi Prakash' (2013), wieder eine Raga
für Streichorchester, lässt dröhnend und flimmernd diese Säume undGespinste erzittern. Bis hin zum transparenten Beinahenichts. Und wieder
chiaroscuro anschwellend mit 'Tanpura'-Drone. 'Scintilla' (2008) für Sinfonieorchester, aufgeführt von Ruthless Jabiru, ist so etwas wie Medekšaitės
Meisterstück, aus nur sechs Noten streicher- und glockenspielfein hingeträumt, um einen in diesem Klanggewölk sinken zu lassen bis auf den von Meister Eckhart visionierten - Seelengrund.
MICHAEL PISARO Resting in a Fold of the Fog (Potlatch, P117): Der
Gitarrist Didier Aschour und der Perkussionist Stéphane Garin sindMitglieder des Ensemble Dedalus, das auf Potlatch schon mit Musik vonAntoine Beuger, Jürg Frey und Jean-Luc Guionnet präsent war. Nun
performen die beiden zusammen mit dem Komponisten am Laptop Pisaros'Grounded Cloud' (2015-16) und das schon etwas ältere 'Hearing Metal 4(Birds in Space)' (2010-11). Letzteres ist die sinus- und dröhnwellige,
metalloid und poliert schimmernde Verlängerung der bisher mit dem
Perkussionisten Greg Stuart getönten Serie mit dem 3-teiligen Part 1:'Sleeping Muse', 'The Endless Column', 'Sculpture for the Blind' (2006-09),
dem wiederum 3-teiligen, 'La Table Du Silence' getauften Part 2 (2010/11)
und dem ebenfalls von Constantin Brâncuși angeregten 'Prometheus,
1911' (2010/11). So dass hier weiterhin La Muse endormie und Prométhée
im Schlaf und im Traum leuchten und Fische schweigen. Und L’Oiseaudans l’espace im Raum steht, ganz Flug, ohne eine Feder, eine Schwinge
rühren zu müssen. Das neuere Stück ist nicht ganz so poliert. Der Raumwird behaucht mit minimalsten Dröhn- und Sirrfäden, gewischt mit ganz
vorsichtigen Gesten, aber die Pauke auch betupft und beklackt mit
dezentester Achtsamkeit. Manchmal scheint Wind zu blasen oder Wasser
zu rauschen und harmoniert als nebliger Dunst, als feine Gischt mit einem
kurzen Flimmern der Gitarre oder einem dunklen Beben der Saiten oderdes Paukenfells. Erst gegen Ende der 20 Min. behauptet sich das
Rauschen etwas länger gegen die Stille, die hier einmal mehr die Mutter
der pisaroschen Dinge zu sein scheint.
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inhalt
mein ouzo-orakel II: lena platonos 3 - angélique ionatos 5 - thanasis papakonstantinou 6
over pop under rock:conradsound 9 - fading 10 - rarenoise 11 ...
le ton mité 14 - nadja 16 - salonski 17 ...
history repeats itself. älter werden mit musik: lennon/ono - brian eno - the pop group 18
nowjazz, plink & plonk:
freakshow: world service project 21
w71: b/b/s/ + xenofox = > 360° 22
satoko fujii 23 - hubro 25 - carl ludwig hübsch 27 - intakt 28 - leo 31 - pnl 33 jeff platz 34 - rune grammofon 36 - udo schindler 37 - zarek/zangi 38 ...
mostly other people do the killing 43 ...
soundz & scapes in different shapes:
alrealon musique 48 - attenuation circuit 49 - domizil 53 - drone 54 helen scarsdale agency 55 - karlrecords 56 - kvitnu 58 - mego 59 psych.kg / e-klageto 61 - sofa 62 ...
costis drygianakis 65 - sielwolf + nam-khar 69 - zoloft evra 72 ...
beyond the horizon:
lenka lente 73 - yannis kyriakides / unsounds 75 - erik mälzner / no-edition 76 frank rothkamm / flux 78 - alfred 23 harth 83 ...
BAD ALCHEMY # 93 (p) März 2017
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa, Jochen Kleinhenz
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint so ca. 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 93 erhalten Abonnenten die CD-Compilation"Alrealon Musique & Bad Alchemy Present: Trace Elements" (ALRN080)
Mit herzlichem Dank an Philippe Gerber, Michael Durek & Robert L. Pepper
Cover: Art by Robert L. Pepper
Rückseite: Matthias Lehmann (Cover Art for Salonski's "Eden" - Excerpt)!!! Die Nummern BA 44 - 90 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................
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index1982 25 - ACRYLWAFFEN 49 - ANSTEY, PAUL 41 - AROVANE 56 - AUBRY, GILLES 82- B/B/S/ 13, 22 - BACHELDER, AARON 50 - BAKER, AIDAN 13, 16, 22 - BAND ANE 63- BELFI, ANDREA 13, 22 - BELHOMME, GUILLAUME 74 - BOUCHARD, CHRISTIAN
63 - BRIOLINE 50 - BUDER, HANNES 41 - CARTER, DANIEL 35, 39 - CINDYTALK 59 CRUMP, STEPHAN 30 - DANS LES ARBRES 26 - DAUBY, YANNICK 54 - DICKSON,GARETH 64 - DORNINGER 64 - DRØNEN, NILS ARE 36 - DRYGIANAKIS, COSTIS 65 EIGENGODYLL 51 - EMERGE 52 - ENO, BRIAN 19 - ENSEMBLE 5 32 - ESKELIN,
ELLERY 28 - FIIUM SHAARRK 40 - FISCHERLEHNER, RUDI 15, 22, 40 - FRANOV,ALEJANDRO 66 - FRIEDL, REINHOLD 45, 57 - FUJII, SATOKO 23, 24 - GEISSE,GUNNAR 37 - GIBBS, PHIL 41 - GJERSTAD, FRODE 33 - GOLDEN DISKÓ SHIP 56 GOLEBIEWSKI, ADAM 42 - GRATKOWSKI, FRANK 32, 57 - GRIENER, MICHAEL 28 HARRIS, MATTY 40 - HARTH, ALFRED 83 - HAYNES, JIM 55 - HECKER 60 - HEGRE,
JOHN 36 - HIRSCH, ANDREAS O. 66 - HOUTKAMP, LUC 41 - HÜBSCH, CARLLUDWIG 27 - IL RUMORE BIANCO 10 - IL SANTO BEVITORE 51 - IONATOS,ANGÉLIQUE 5 - IRABAGON, JON 36, 43 - ISHENKO, DMITRY 34, 35 - IT‘S
EVERYONE ELSE 13 - JIM BLACK MALAMUTE 29 - KAKALIAGOU, ELENA 45, 57 KESZLER, ELI 67 - KIRKBRIDE, HUGH 41 - KLEEFSTRA-BAKKER-KLEEFSTRA 84 KOCHER, JONAS 84 - KOJO, HITOSHI 54 - KROKOFANT 36 - KSHATRIY 52 KYRIAKIDES, YANNIS 75 - LA TOURETTE 15 - LANGFORD, MARK 41 - LASH,DOMINIC 45 - LAUBROCK, INGRID 30 - LE TON MITÉ 14 - LED BIB 11 - LENNON,
JOHN 18 - LEVIN, ELLIOTT 32 - LEWIS, GEORGE 42 - LILES, ANDREW 73 LONBERG-HOLM, FRED 42 - LYLE, GEORGE 39 - MAEDER, MARCUS 53 - MALFATTI,JOHANNES 67 - MÄLZNER, ERIK 76, 77 - MARHAUG, LASSE 9, 62 - MEDEKSAITE,EGIDIJA 85 - MEMBRANES 15 - MENCHE, DANIEL 74 - MICROTUB 62 - MIEVILLE,
EMMANUEL 68 - MILLER, DAVE 34 - MOE 9 - MOSTLY OTHER PEOPLE DO THEKILLING 43 - MUDDERSTEN 62 - MÜLLER, MATTHIAS 37, 38, 42 - MURRAY, DAVID
28 - MYHR, KIM 62 - MYSTIFIED 51 - NABATOV, SIMON 32 - NADJA 16 - NAKAMA 44 NAUJOKAITIS, DALIUS 35 - NEUKOMM, MARTIN 53 - NEW OLD LUTEN QUINTET 44- NILSSEN-LOVE, PAAL 33 - NYM 50 - O.R.K. 12 - ONO, YOKO 18 - ORIFICE 52 P.O.P. 45 - PACIFIC 231 61 - PAN-SCAN ENSEMBLE 33 - PAPAKONSTANTINOU,
THANASIS 6 - PARK, HAN-EARL 45 - PERLONEX 38 - PETER, THOMAS 53 - PISARO,MICHAEL 85 - PLATONOS, LENA 3 - PLATZ, JEFF 34, 35 - POPEJOY, STUART 31 THE POP GROUP 20 - PORYA HATAMI 56 - PUGH, CAROLINE 45 - RAVEN 52 REFLECTIONS IN COSMO 11 - RELAY FOR DEATH 55 - ROTHKAMM, FRANK 78, 79,
80, 81 - RRR&R 77 - RUPP, OLAF 22 - SALONSKI 17 - SANDERS, MARK 45 - IGNAZSCHICK ELECTROACOUSTIC SEXTET 38 - SCHICK, IGNAZ 38, 42, 46 - SCHINDLER,
UDO 37 - SCHMOLINER, INGRID 37 - SCHULTE, MARTIN 68 - SCHURER, BERND 53- SIELWOLF + NAM-KHAR 69 - SIWULA, BLAISE 34 - SKERMAN, ROGER 41 SKODVIN, ERIK 13, 22 - SMITHE, CORY 30 - LOZ SPEYER‘S INNER SPACE 31 SPLITTER ORCHESTER 42 - STEIDLE, OLIVER 46 - STEINEBACH 49 - STEWART,MARK 15, 20 - STRAY DOGS 58 - SULT 9 - SUPER HEAVY METAL 25 - SYNCHRE 52 TAKASE, AKI 28 - TAXT, MARTIN 62 - TECH RIDERS 51 - THAT BLACK 51 TIETCHENS, ASMUS 70 - TRIO HEINZ HERBERT 30 - TRIO3 29 - TROUBLE KAZE 24- TROYER, ULRICH 70 - UNDERKARL 46 - THE URGE TRIO 47 - V/A ALREALONMUSIQUE & BAD ALCHEMY PRESENT: TRACE ELEMENTS 48 - V/A DRONE MIND //MIND-DRONE VOL. 5 54 - V/A GEHIRNMESSIES 2.0 61 - VOCCOLOURS 82 VOLCANIC QUEEN 51 - WEBER, CHRISTIAN 28 - WELCH, FRITZ 39 - WILKEN,ANSGAR 71 - WORLDSERVICE PROJECT 21 - XENOFOX 22 - YERSHOVA,
ANGELINA 71 - ZAVOLOKA 58 - ZEITKRATZER 57 - ZOLOFT EVRA 72
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