BAD 103
ALCHEMYSein Motto könnte heißen: 'In tyrannos'. / Des Menschen boshafteste Feinde sind:die Menschen und die Naturgesetze. Alfred Polgar
We'll march on ugliness and stupidity. We'll make loveliness compulsory.
And the roar of our orchestra engines will soar evermore in a glorious annihilating symphony, forthe tyranny of beauty is our God-given duty. We’ll put politics in the pillory, put the art back inartillery. We can weaponise wonder, and our voice shall be as thunder… Cometh the moment,
cometh the Mandrill. Alan Moore "Mandrillifesto"
Jehuda Amichai - Nicht von jetzt, nicht von hierAlfred Andersch - Winterspelt
Thomas Assheuer - Zur besonderen Verfügung: Carl Schmitt (in Kursbuch 166/ZEIT-online, 2007)
Blexbolex - Leute! François Bourgeon - Reisende im Wind: Die Zeit der Blutkirschen
Bertolt Brecht - Dreigroschenroman
Micha Brumlik - Carl Schmitt. Eine deutsche Karriere (in Cicero-online, 2008)
Peter Carey - Mein Leben als FälschungJ. L. Carr - Wie die Steeple Sinderby Wanderers den Pokal holten
Daniel Clowes - Wilson
Wilkie Collins - Der MonddiamantTobi Dahmen - Fahrradmod
Jean Dufaux + Griffo - Sade: Der Adler, Mademoiselle...
Terry Eagleton - Warum Marx recht hat
Ryszard Kapuściński - Ein Paradies für Ethnographen! Halldór Laxness - Am Gletscher [w/ Susan Sontag - A Report on the Journey]
Christian Linder - Der Bahnhof von Finnentrop. Eine Reise ins Carl Schmitt-Land [nochmal]
Noten an den Rand des Lebens. Portraits und Perspektiven
Andreï Makine - Das französische Testament
Sándor Márai - Die jungen Rebellen
Lorenzo Mattotti - Schimäre
Daphne du Maurier - Der Sündenbock

Alan Moore - Jerusalem

I've squeezed the bricks till they bled miracles and filled the cracks with legends...
Álvaro Ortiz - Unterwegs mit Hector
Alfred Polgar - zusammengetragen von Harry Rowohlt (auf Kein & Aber)
Doron Rabinovici - Andernorts
Scardanelli - Weltruhe. Atlas des Todes
W. G. Sebald - Schwindel. Gefühle.
Natsuo Sekikawa + Jiro Taniguchi - Tokio Killers
Joshua Sobol - Schweigen
Arkadij & Boris Strugatzkij - Stadt der Verdammten
Ilja Trojanow - Nomade auf vier Kontinenten
James Vance + Dan E. Burr - Auf dem Drahtseil
Ernst Weiß - Der Augenzeuge
Mari Yamazaki - PIL
BA zieht die Kappe vor M. A. Orthofer - www.complete-review.com,
seit 20 Jahren DER Leitfaden für Bücherwürmer

Ich seufze gern. Michael Rutschky

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KoKo-Moh!Yaté! RoKo-KouYaté!
Würde ich allein meinen kulinarischen Neigungen frönen, würde sich BA hauptsächlich um
Afrodisiaka drehen. Würzburg wäre dafür auch bestens geeignet, durch das Afrika Festival,
heuer in der 31. Ausgabe. Wir suchen uns da alljährlich einen Tag aus mit den vielversprechendsten Baobabs auf der Open Stage. Und konnten so schon phantastische Konzerte erleben mit 2009 etwa dem Chansonnier Victor Démé (1962-2015) und 2014 dem
DebaDemba-Superteam Mohamed Diaby & Abdoulaye Traoré aus Burkina Faso & Mali
oder 2018 Alsarah and the Nubatones aus New York. Diesmal lockte am Freitag, den 31.
Mai, KOKOROKO aus London. Die halbe Afromusik spielt sich ja out of Africa in der
Diaspora ab. Auch in diesem Fall als lebendiges Erbe, mit Bezug auf den nigerianischghanaischen Afrobeat von Fela Kuti, des Afro '70-Drummers Tony Allen und der GitarrenLegende Ebo Taylor. Jedoch in ungewohnt femininer Gestalt. Vor eine Männerriege mit
Keys, Drums, Congas, dem stilvoll in Schwarz und Gelb gedressten E-Bassisten Mutale
Chashi und an der Gitarre Oscar Jerome als Lookalike von Gareth Bale (von Real) treten
nach einem groovenden Intro als Bläserfrontline nämlich: links, wadenlang gekleidet in
Brauntönen, die Saxophonistin Cassie Kinoshi, rechts, in weißem, hochgeschlossenem,
futuristischem Minikleid, die Posaunistin Richie SeivWright, und in der Mitte als curryfarben gekleidete Leaderin die vollschlanke Trompeterin Sheila Maurice-Grey, halb Dizzy
Ms Maurice, halb Louisa Armstrong. Sie leitet ihre Kokos und Rokos und die faszinierte
Audience durch einen ausnehmend jazzig-lässigen Set mit den Hits ihrer Debut-EP auf
Gilles Petersons Label Brownswood, bei denen auf dem kollektiven Flow ausgiebig soliert,
aber nur ganz wenig gesungen wird. Völlig unangeberisch, aber soghaft genug, um dazu
das coolste Dancing vorzuführen: einen Fußbreit vor und zurück, der Hüftschwung träger
als eine satte Boa constrictor, die Arme mit kaum mehr als einem leichten Wink. Blackness-sensitive Frauerpower plus Londoner Nonchalance plus das selbstbewusste Understatement von YouTube-Millionären. Eben dem Selbstbewusstsein, mit dem Kokoroko mit
der Staccato-Funkiness von 'Adwa' oder der animierten Melodik von 'Uman', mit AfroWestcoast-Gitarre und einer Posaunistin, die wohl Rico Rodriguez verehrt, Fela Kutis
Macho-Militanz in karamellsmoothes Downtempo entschleunigt, mit durchaus pfeffrigen
Lippen, aber sanfter Hand. Was nicht nur mich locker einwickelt und für sie einnimmt.

Einen Basarbummel, einen Mokka und ein Stockbrot später macht mit MOH! KOUYATÉ ein
Top-Gitarrenvirtuose Furore, mit Trilby-Strohhütchen, Soukous-Roots, Highlife-Drive undHendrix-Verve. Er kommt aus Paris, stammt aber aus Conakry, wie mit Balla et ses
Balladins und Bembeya Jazz National auch zwei meiner Alltime-Lieblinge, beide mit dem
Gitarrenzauber von Sékou "Le Docteur" Diabaté. Seinen 'Diamond Fingers' eifert natürlichauch Kouyaté nach, wobei ihm ein zierlicher Rhythmusgitarrist in Thawb, ein DjembéKlopfer und eine europäische Rhythmsection zur Seite stehen. Doch der Star sind dochganz seine silberfingrigen Arpeggios und sein Gesang im Manding-Griot-Stil, wobei ihm
beim Vibrato der ganze Kopf zittert. Er, der 2015 auch schon mal im Abendzelt getrillert
hat, treibt mir mit seiner stupenden silbrigen Fingerstyle-Melodik und repetitiv klingelndem
Riffing einen Klos in den Hals, schaltet aber auch um auf Hendrix'sche Rockpower. Ein
markanter Effekt sind abrupt glitchende Slides und Shouts wie Falkenschreie, die seine
Griot-Emphase toppen. Ansonsten, Groove, Groove und noch mehr Groove, als fragiler
Flow und Alleinstellungsmerkmal dieser Spielart von Afropop. Kein Wunder, dass nach undnach drei Tänzer die Bühne als Dancefloor entern: Ein türkisbunter Domino mit meterlangen Rastalocken zum Headbangen, der wild die Glieder schlenkert, eine paramilitärische Powerfrau mit Powertremolo ihrer Arschbacken und ihrer stompenden Füße, undeiner in topmodischen Baseballstripes mit ausladenden Bewegungen. Die stürmischst
geforderte Encore macht nochmal 2/5 aus, Moh! gibt Moh!, gibt more, gibt alles und macht
auf der Bühne Selfies für die Verwandtschaft daheim. Was darin gipfelt, dass Bassist undRhythmgitarrist auf Knien und Arsch aufeinander zu rutschen und miteinander füßeln.
Affenbrot macht Wangen rot.
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Neues Kundenkonto – Moers 1.0
von Nick Heß

Es wurde nie still. Stahl, Beton und Autos. Kein Müll, dafür lärmender Verkehr.
Viele Menschen, offensive Freundlichkeit. Ebenso gezwungenes Grün, hin undwieder. Für einen unterfränkischen Eingeborenen erstmal schwer. Weinbergidylle und die kurzangebundene, dennoch liebenswerte Schroffheit erhalten
mit kurzem Prozess, aber freiwillig, das Upgrade „Ruhrpott“, um sich einem
urgewaltigen Kulturschauspiel hinzugeben. Trotz des offenen Umgangs, bekommt man vor Ort das Gefühl, dass zwar alle Bewohner das Festival kennen,
aber keiner selbst hingehen würde. Nur eine Mutmaßung. Für vier Tage [07.-10.
Juni 2019] findet sich dort eine eigene eingeschworene Gemeinde speziell
zugeschnittener Gemüter zusammen, die es versteht, einem weiteren verlorenen Kind ein neues Zuhause zu geben. Ein gutes Gefühl, mal unter Gleichgesinnten zu sein. Das ist wiederum gegenüber der kleinkarierten Heimat der
Ausnahmezustand. Mit meinem Kumpan und dessen Saxophon schlage ichmein Zelt auf und erwarte neugierig den kommenden ersten Tag des MOERSFestivals.
Astral, dunkel, fesselnd, frech, fremd, heiß, mystisch, nah, sensibel, schrecklich, schön, schattig, zart… Gänsehaut. Eine kleine Auswahl an Gefühlen, die
mit Hilfe einer fein rezeptierten Auswahl an äußerst exquisiten Künstlern undKünstlerinnen – rund 250 vorrätig aus 26 Ländern – im niederrheinischen
Kessel bei der 48. Edition des MOERS-Festival 2019 zusammengebrautwurden. Als ich den Laden betrat, war mir nicht bewusst, mit welch bittersüßer
Aussichtslosigkeit meinem Sparfuchs das Fell über die Ohren gezogen werden
würde. Ich fiel auf die stets schmeichelnden Angebote herein und konnte dergrell-bunten Produktauswahl in den scheinbar endlosen Regalen nicht widerstehen. Es fiel mir erst auf, als ich versuchte, meinen Warenkorb schon
vorzeitig am Sonntag prallgefüllt – überfüllt? – zur Kasse zu bringen, wie sehrich mich in meinem möglichen Kontingent geirrt hatte. Produktmanager Tim
Isfort und sein Marketing-Team machten diesbezüglich keine Hoffnungen auf
Engpässe und setzten die heiteren Massen dem kompromisslosen und uneingeschränkten Konsum aus. Die ambivalenten Wetterverhältnisse hatten
keine Auswirkungen auf die Zahlen: „das auf Vielfalt ausgerichtete Qualitätsversprechen“ konnte mit einem äußerst positiven Wirtschaftsplan vereinbart
werden. Spricht für eine erfolgreiche Aufstockung des Sortiments und so
weiter und so fort… was soll all dieser ganze Sprachunfug eigentlich? Eine
Frage, die sich beim Studieren des Programmheftes sicherlich nicht nur mirstellte. Pressekonferenz und die Ansagen von Herrn Isfort geben spärliche
Auskunft und laden zur Interpretation ein (ja, es darf selbst nachgedacht
werden!): Wortlaut und Kulissen weisen in Richtung Konsum, Kapitalismus,
Zukunft und Perspektive. Jeder Künstlername wird auf einem großen gelben
Ballon geschrieben unter die Decke getragen, während Kinderschaufensterpuppen hinter jeder Ecke lauern oder an der Deckenkonstruktion schaukeln.
„Soldier of Fortune“ oder „Strengt euch an!“, das sind die offensichtlichen
Leitsprüche des Unternehmens. Die Ausrichtung der Hauptbühne hat sicheiner Mehransichtigkeit unterworfen, die Sitzmöglichkeiten unterschiedlichen
Höhenniveaus und eine breite Liegelandschaft verhindern einen frontalen Beschuss; ja, laden sogar zum Perspektivwechsel ein. Wahrnehmung, Bewusstsein und Fokus, die humanistische Trias auf der roten Liste. Innovatives Konzept oder wohlwollendes Verkaufsmodell? Wird mir an dieser Stelle nicht ganzklar, wird aber trotzdem als positive Intention registriert und gibt in jedem Fall
Denkanstöße.
4Mein erstes Moers, wie ich beim Eröffnungskonzert von
SCATTER THE ATOMS THAT REMAIN auf der Bühne in das
Mikrofon gestand; es wurden bei diversen Konzerten
Gäste auf die Bühne eingeladen. Nach einer kleinen, aberherzlichen Willkommensrede seitens des Veranstalters
und Bürgermeisters, brezelt das „Star-and-Stripes“-stämmige Quartett um den Vollgas-Schlagzeuger Franklin Kiermyer los, der gegen Ende des Konzerts in einer sehr berührenden Dankesrede ob seines erfüllten Traumes
schwärmt, auf dem Moers spielen zu dürfen. Soundtechnisch waren sie „verhältnismäßig“ – was auf diesem
Festival nicht schwer ist – eingängig, fast schon klassisch,vielleicht in der Tradition des Coltrane Quartetts der 60er.
Eine Art wohltuender kosmischer Schwall.
Im Folgenden eine kleine Auswahl meiner persönlichen
Höhenlichter – oder abgründige Erleuchtung? - :Am selben Tag geht es noch mit einem hochinteressanten
Fund um die Halbfossilien GÜNTER BABY SOMMER und
MARSHALL ALLAN weiter. Der entgleitende Japaner TOSHIMARU NAKAMURA schrammt mit seinem elektronischen Unterseeboot knapp am Marianengraben vorbei,
während RODRIGO BRANDÃO aus São Paulo das Wort derStunde findet: Everything is noise, everything is silence.
Punkt. Vielen Dank, beehren sie uns bald wieder. Was die
Briten von VULA VIEL trotz des Brexit auch machen. Afrikanische Grooves um Balafonistin Bex Burch im polyrhythmischen Reigen. Mit viel Lächeln kommt auch viel an.
CLUBE DA ENCRUZA haben an diesem Tag den Katalysator für mich eingelegt. Ein Spiegel des stetigen Brodelnsin São Paulo. Wut, Trauer, Geheimnisse… Eleganz. Edelgeht die Welt zu Grunde. Die charismatische Sängerin
Juçara Marçal steht am Rande der Klippe und bringt das
nötige Pathos. Texte wurden in englischer Übersetzung an
die Wand geworfen. Schrecklich schön.
Den krönenden Abschluss vor dem ersehnten Schlaf
macht der Blasebalg-Hochleistungssportler PETER EVANS
in solo. Wo kommen die Geräusche her??? Wird irgendwo
an der Konstruktion der Halle gebaut oder ist draußen ein
Sack voller Knallfrösche umgefallen? Schleifen, Rascheln,
Klopfen, Singen. Alle drehen sich um. Evans steht auf derMischpult-Empore. Durchgehende Soundwellen. Krachen,
Rauschen. Kein Atemholen, keine Pausen. Vom ObertonSinus-Gebirge bis zum Blieb in Arpeggiatur. Wer hat den
Sequenzer angeschaltet? Evans steht einfach da. Welches
Instrument spielt er nochmal? Achja Trompete. Hat man
lediglich gesehen, nicht gehört. Gute Nacht? Nein!
Denn vor dem Schlafengehen lassen wir uns noch vom
SUN RA ARKESTRA unter der Leitung einer der letzten
verbliebenen Relikte jener Zeit, Marschall Allen!, eine
Gute-Nacht-Geschichte präsentieren. Ein wunderbar
warmer Teppich entfaltet sich in der Stadtkirche vonMoers, der mir tief ins Herz geht und mich von einem
Planeten zum nächsten trägt. Hach…damals, gell?!
Fotos: Clube da Encruza - Peter Evans - Andrea Taeggi

5Erstes Erwachen am nächsten Tag mit chuffDRONE. Ganz jung aus Österreich. Aus dertiefsten Schlucht zum höchsten Gipfel. Eine märchenhafte Wanderung durch die Harmonie. Teils ein wenig konstruiert, doch nie verkopft. Ein Gefühl, wie wenn man ein bisher
unbekanntes Fabelwesen in natura entdeckt. Dann wieder reduziert und offen bis zur
nächsten unerwarteten Lichtung, auf der ein faszinierendes kleines Unisono auf uns
wartet. Ein Brunnen der Fantasie voller Überraschung. Nach einer kurzen Umbauphase
mit Sackpfeifer Erwan Keravec und seinem Solo-Projekt URBAN PIPES, eine sprudelnde
Kaskade bis zur letzten Auslotung des Atemholens, wird das Feld für den FreeJazz eröffnet. Das Quintett MOVE um den Vibraphonisten Emilio Gordoas. Nackte Improvisation?
Zum Husten wird sich aber vom Mikrofon weggedreht! Und ich liege da, während mich die
Worte „Strawberry Fields, nothing is real…“ in den Schlaf tragen.
Aufgewacht. Nahtloser Übergang zum GLOBAL IMPROVISERS ORCHESTRA. „Gesund undglobal? […] dabei mit bestem Geschmack?“ [Programmheft Moers 2019, S. 48]. 10 Menschen aus 9 Ländern reichen sich die Hand, um gemeinsam über den Zustand vor dem
Urknall zu philosophieren. Sogar mit Pausen! Denn es wird teilweise auch nach Papiergespielt. Leader Jan Klare lässt nichts anbrennen und entfesselt einen unglaublichen
Kosmos, in dem sich doch auch einige Strukturen und Themen erkennen lassen, liebevoll
in einen Topf getunkt, der voller Farben von Weltmusik ist.
Eine kurze Ansage seitens von Isfort vor dem Auftritt von ANDREA TAEGGI: Die original
aus den 70er stammenden Synthesizermodule ARP 2500 und ARP 2600 wurden extra aus
einem nahegelegenen Studio aus den Niederlanden unter einer anrüchig hohen Versicherungssumme angeliefert. Ein einmaliges Erlebnis! Die Sequenzer laufen wie durch
Taeggis Adern. Doch kühl und elegant hält er das Werk am Laufen. VCO-TERROR! Die
bitterbösen Basslines tauchen immer wieder an die Oberfläche, aus dem Nichts empor.
Dort bläst er! Tiefseestimmung. Der Jäger ist nah, Taeggi spürt ihn auch und teilt die
Wassermoleküle, so dass mir die Filter nur so ins Gesicht klatschen. Wahnsinn!
Der rotzig freche Post-Punk, der zwischen den Stiefeln und dem nackten Pflaster von
CRACK CLOUD verhallt, gibt einen mutigen, aber gekonnten Abschluss des Tages.
Psychotisch, praktisch, gut. Punk als Therapie gegen die Sucht, so lässt The Guardian ausder Biographie der 7 blutjungen Bengel (3 Gitarren!) verlauten. Ein burlesques Schauspiel
mit viel Gefühl und Charisma, wie eine Horde betrunkener Soccer-Fans, die sich im Pub in
den Armen liegen.
Der Sonntag war für mich der letzte Tag und bedauerlicherweise gab es auch noch amMontag Nennenswertes. Wie beispielsweise ANGUISH [Dälek + Faust + Fire!], [die slowenischen "Folklorefresser" - BA 95] ŠIROM oder BLACK MIDI [blending anarchy with improvisation and trading in machismo for melody, lt. Pitchfork], großartige Projekte, die ich gerne
live gefeiert hätte. Leider muss auch eine gewisse Menge an Künstlern und Bands ungenannt bleiben, da es sowohl parallele Veranstaltungen, wie auch ein begrenztes Pensum
an Nerven und Konzentration gab. Ich möchte mich langsam steigern. A bissel Schwund isimmäh!
Das Wort zum Sonntag gab das festivaleigene Projekt "Moers Abstractions", das vonkeiner geringeren Kapelle als der WDR BIG BAND wiedergegeben wurde. Halleluja, eine
Hymne, ein Spektakel, ebenso fies imposant, wie zartfühlend. Absolute Profiarbeit mit viel
Bewegung. Der glänzende Solist in der Mitte möchte sicherlich nicht ungenannt bleiben:
Manege frei für JOSHUA REDMAN am Tenorsaxophon! Eine groteske Mutation von Licks
mit Survival-Charakter in einer mythischen Odysee der Komposition, auf der Suche nachdem goldenen Sound.
Es war dann aber auch gut, Nein, einer geht nicht mehr. Das merkte ich in der Nacht, im
Club Röhre, als die drei ACID MOTHERS TEMPLEr nur noch Fragezeichen bei mir hinterließen. Fuchs, die Gans stiehlt sich davon! So ergreife ich am nächsten Morgen die Flucht,
einen schönen Tag noch, beehren sie uns bald wieder! Ob ich das bis nächstes Jahr alles
verarbeitet habe? Wer das und noch viel mehr nachvollziehen möchte, der kann sich beim
Durchstöbern der ARTE – Mediathek den Großteil der Konzerte, die von einem fleißigen Filmteam mitgeschnitten wurden, zu Gemüte führen. Ein Funke Hoffnung für die Kulturindustrie?
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Freakshow : Raised by Coyote
SEAN NOONAN ist ein Freakshow-Wiedergänger, der immer auf offene Ohren rechnen darf.
Nach The Hub als Initialzündung, nach Brewed By Noon in diversen Besetzungen und zuletzt
Memorable Sticks kommt er heute - Pfingstsonntag, 9. Juni - wieder bairisch daher mit PICNIC IN SNOW. D. h. er als "Schorsch" und insgeheimer König Ludwig, die 'Queen of Kings',
dazu sein Brooklyn-Lager-Buddy Norbert Bürger, der wieder höllisch gitarrenrockt, und am
Bass Christian Schantz, der auch schon mal in Brooklyn war, aber 09/11 verschlief. Umso
mehr liebäugelt er nun mit alternativen Fakten und Notwendigkeiten. Bankster- und Israelkritik sind bei ihm (mit Blauer Montag oder solo als AlteDeutscheWelle) ebenso Programm
wie Maikäfernostalgie oder Freaktouristenpärchen im Sonnenuntergang. Obwohl er die
Kappe verkehrtrum aufhat, ist er ein ganz Lieber, der beim sechsten und letzten Konzert sorichtig in Schwung gekommen ist, um in Noonans verflixten Noten nicht mehr nur mit angelegten Ohren Schlangen zu erblicken. Nachdem also die Notenblätter sorgfältig ausgebreitet sind und Noonan in neckischen Thrombosekniestrümpfen und blumigem Muscleshirt ans
Drumset gesprungen ist, legen sie los mit 'Hidden Treasures', mit Noonan als noch fröhlichem
Gollum und rasant verwirbelten Hieben zu einem jazzig flockigen Ohrwurmmotiv. Bei 'Baby'
durchbricht brachiales Metalstaccato eskalierenden Gitarrensound, wobei unser trommelnder Storyteller oft martialisch ausholt, um doch ganz fragil zu klicken, mit den Chimes zu
flirren oder mit Muscheln zu rascheln. "I pick up the Hammers and they come alive", als
Silberhämmerchen zu prickelnder Gitarre. Bei 'Martian Refugee' singt er, bruchgelandet in
der Fremde, "Refugee No Home... many years, many tears", mit wieder starkem Kontrast
von brachial und ohrwurmig, nicht ohne das Pathos ganz auszukosten. Die Seele, gefangenin Dark Matter, funkt S.O.S.: "Set me free... Save my flesh, save my bones" ('Deliverance'). O
Valentin, O Falada, die du... Sind wir nicht alle 'Reluctant Astronauts', Astronauten wider
Willen? Auch bei 'Don Knotts' fleht Noonan "Let me be free". Bei 'Quick Pick' besteigt er"HüHü HaHa... ahill, not far from theHollow" und singt
Lyrics von Malcolm
Mooney. 'Girl fromthe Other World' als
Loving-the-AlienFetzer bringt Bürger dazu, wie angestochen zu gretschen. "Hold on to
your parachute!"
Dann ist Zeit für ne
Pause, um Bier undNoonan-CDs zu
tanken. Danach 'Coma' - keine Sorge, das heißt nur so. Nach 'Turn Me Over' (ebenfalls von der zweiten Pavees
Dance) als kessem, kross gegrilltem Charlston besingt Noonan seine 'Wrinkles of Time' als
850-jähriger, gestrandet im 'Geriatric Wasteland'. Allerdings ist das, mit kickendem Staccato
und einer schrottigen Engstelle, als Ratzfatz von The Hubs "Light Fuse And Get Away" - das
Poster hing bei mir, als Andenken an den Bombenanschlag im alten Immerhin, ewig im Büro
- ein garantierter Entkalker und Jungbrunnen. Dazwischen ist Noonan noch der wilde 'Pecos
Bill', "abandoned by my family, raised by coyote". Und zuletzt fragt er nach "the future of mylife", als "grown man with no plan" ('Not I'). Was uns natürlich wild nach mehr schreien unddie drei nochmal 'In the Ring' steigen lässt. Mit punk-jazzigem Gusto geschrappelt von
Bürger, der sich mit seinem sechssaitigen Scharfrichterbeilchen wieder, Wahwah hin und
Slide her, von seiner schärfsten Seite gezeigt hat. Noonan reist nach diesem Pick nick am
Wegesrand weiter nach Sardinien, um mit dem Coro Cum "Drumavox" aufzunehmen. Dochheute ist nicht alle Tage, er kommt wieder, keine Frage.
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Anywhere Out of the World - Dead Can Dancelive in der Alten Oper in Frankfurt* Zum dritten Mal nach Oktober 2012 (Alte Oper, Frankfurt am Main, BA 75) und Juni 2013
(Zitadelle Spandau in Berlin, BA 78) kam ich in den glücklichen Genuss, meine beiden
Hausgötter Lisa Gerrard und Brendan Perry alias DEAD CAN DANCE live erleben zu
dürfen, am 16. Juni 2019 (erneut) in der Alten Oper.
Der Abend im ausverkauften Großen Saal beginnt wie meine bisherigen DCD-Konzerte mit
David Kuckhermann als Support Act. Der Berliner Percussion-Spezialist spielt gut 20
Minuten auf drei Handpans sowie Daf und Riq. Ein entspannter Auftakt und Gelegenheit
für Kuckhermann, sich die Hände aufzuwärmen. Die Tour steht unter dem Motto "A
Celebration – Life & Works 1980-2019", widmet sich thematisch also der fast 40jährigen
Bandgeschichte als Ganzem. Da passt es wunderbar ins Bild, dass sich die Setlist zum
großen Teil aus der frühen Zeit des Duos (den 1980ern) zusammensetzt.
Mit Astrid Williamson (Keyboard, Backing Vocals) und Bassist Richard Yale (beide im
Februar/März diesen Jahres schon mit Brendan Perry auf dessen Solotournee unterwegs,=> BA 102) sowie Kuckhermann, Dan Gresson (Drums) und Jules Maxwell (Keyboard)bilden die "üblichen Verdächtigen" die Begleitband. Als besonderer "Stargast" fungiert
Robert Perry, Brendans jüngerer Bruder, der vor 25 Jahren mit langen blonden Haaren
noch als Kurt-Cobain-Verschnitt durchging, anno 2019 aber mit Glatze und monströs
langem Vollbart zumindest optisch gut zu ZZ Top passen würde. Robert sollte hier und da
für die "special effects" zuständig sein, aber dazu später mehr.
Dieser eigenwillige musikalische "Gottesdienst", der für mich eine größere spirituelle
Erfahrung bietet als sämtliche Kirchgänge zusammen, beginnt mit Glockenspiel, Drones
und Bass aus der Dunkelheit, bis die hell strahlende Lisa das Intro von 'Anywhere Out of
the World' wundervoll intoniert und mir fast der Atem stehen bleibt. Der Song vom 1987
veröffentlichten Album "Within the Realm of a Dying Sun" gehört zu den von Brendan
erschaffenen, düster-poetischen Hymnen, die er mit seiner würdevoll gealterten Baritonstimme anstimmt ("We scale the face of reason. To find at least one sign that could reveal
the true dimension of life, lest we forget...") und mit bitterer Aktualität ("Will this crooked
path ever cease to e-e-e-e-end?") auflädt. Als nächstes überrascht uns das auf der Bühne
nicht selten distanzierte Duo Gerrard/Perry mit 'Mesmerism' (von "Spleen and Ideal",
1985). Denn das ist eigentlich ein "Solotrack" von Lisa, doch vokalisiert und singt sie dasheute gemeinsam mit Brendan, begleitet von flotten Percussions, dem chinesischen Hackbrett Yangqin und filigran geklampfter Bouzouki. In monströs-erhabener, cremefarbener
Robe mit opulent bestickter Kragen- und Schulterpartie wirkt Madame Gerrard wie einevom Olymp herabgestiegene Muse, fächert sich ganz bodenständig in ihren schöpferischen Pausen Luft zu und bewegt sich leicht im Takt.
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Auch wenn der eine oder die andere die 58jährige Australierin schon angezählt sieht, wird
er/sie etwa bei 'Avatar' (1985) mit aller Deutlichkeit eines Besseren belehrt. Während
Robert Perry mit Paukenschlägen unnachahmlich den Takt vorgibt (und sich dabei einen
grinst), singt Lisa furios fast wie zu ihren besten Zeiten, lässt ihre rechte Hand zum Gesang tänzeln, als ob die Bewegungen dabei helfen, ihre Stimme zu beschwören. Dieses
einzigartige Timbre vermag James Cameron und seinen computeranimierten Schlumpfkatzen das Fürchten zu lehren.
Vom selbstbetitelten Debütalbum von 1984 spielen DCD zwar keinen einzigen Songs, aberdafür ist die ebenfalls vor 35 Jahren erschienene EP "Garden of the Arcane Delights"
immerhin einmal vertreten. 'In Power We Trust the Love Advocated' vereint die frühen JoyDivision-esken Gitarrenarrangements mit Brendans melancholischer Stimme und dem
lyrischen Ich in einer Krise ("I am disabled by fears concerning which course to take. For
now that wheels are turning I find my faith deserting me."). Ein weiterer meiner persönlichen Favoriten aus dem unerschöpflichen Fundus der Band folgt zugleich. Zu dritt singen
Lisa und die Perry-Brüder 'Bylar', ein in den 1990ern von Lisa und Robert gemeinsam geschriebenes Stück, vom Geist griechischer Folklore beseelt und mit zwei Bouzoukis sowie
der Yangqin stetig unterfüttert. Einfach wunderschön, wie das Lied tiefere und ruhige
Passagen bietet, um sich zwischendurch euphorisch hochzuschaukeln. 'Xavier' (1987)
entführt uns wieder in mystisch-sakrale Gefilde. Zum Einstieg dirigiert Brendan die restlichen Bandmitglieder als wortlos singenden Chor. Für die arkan-magische Bildsprache
des Requiems einer fiktionalen Märtyrerin namens Rosanna Xavier (und andere seiner
genialen Lyrics) hätte der gesegnete Mr. Perry (60) eigentlich schon den Nobelpreis fürLiteratur verdient ("...although Xavier has prayed that life giving waters may rain down on
the souls of men to cure them of their ways. These were the sins of Xavier's past, hung likejewels in the forest of veils. Deep in the heart where the mysteries emerge Eve bears the
stigma of original sin..."). Den stimmungsvoll vokalisierten Ausklang bestreiten Lisa und
Astrid Williamson, die sich nicht zum ersten Mal als starke Background-Sirene präsentiert.
Beim rhythmisch stark akzentuierten 'Indoctrination (A Design for Living)' besingt Brendan
die Auswirkungen von kollektiver Belehrung und Manipulation auf den Einzelnen ("Whowill suffer the laws that State can decide your child's education unless you pay theprice?"), bevor er uns kräftig mit seiner grünen E-Gitarre indoktriniert.
Den ältesten Song des Konzerts, 'Labour of Love' (aus der Peel-Session von 1983), durfte
ich bereits bei Brendans Konzert in Frankfurt im März erleben. Doch das Arrangement
profitiert zu meiner großen Freude sehr vom erweiterten Setup, vor allem da Lisa unermüdlich auf ihre Yangqin einschlägt, während Brendan seine großen Lyrics zum besten
gibt - "...and in anticipation of things to come with a labour of love" - und eines seiner
unnachahmlichen Gitarrensolos abliefert. Obwohl schon x-mal auf diversen Solo- und
DCD-Konzerten performt, erhält Lisa Gerrards A-capella-Version des irischen FolksongEvergreens 'The Wind that Shakes the Barley' einen neuen Twist, wenn Robert Perryvorher und nachher gefühlvoll seine Tin Whistle spielt. Auch Grande Dame Gerrard kannim weiteren Verlauf des Gigs ihre Stärken weiter ausspielen, röhrt bei 'Yulunqua' (1993),
dem Geistertanz eines indigenen Stammes Australiens, unentwegt wie ein menschliches
Digeridoo. Um sie herum ertönen Tribalflöten, die Percussionabteilung um Kuckherman
und Gresson trommelt und raschelt. Bei 'The Host of Seraphim', einem der epischsten
Werke von Dead Can Dance, verkörpert Lisa mit ihrem Gesang, erdig begleitet von den
Herren auf der Bühne und von Williamson in höheren Lagen, die Sehnsucht nach himmlischen Sphären. Solche Darbietungen veranschaulichen, was Komponist Arvo Pärt meint,
wenn er von der menschlichen Stimme als dem perfektesten Instrument spricht.
Als Überraschung des Abends liefern DCD eine unwahrscheinliche Cover-Version ab.
'Autumn sun' stammt im Original von der französischen Band Deleyaman, von deren 2016erschienenem träumerisch-melancholischen Album "The lover, The stars & The citadel".
Eine Jahreszeitenballade als Brendan/Lisa-Duett an der Schwelle zwischen multiversem
Folkrock und ätherischem Love Song ("Give me the autumn sun, the winter wind. This
world is illusion. Give me a summer breeze, just when the spring is here and again gone
too soon.") und eine Hommage an die Freunde aus der Normandie.
9

Nicht umstritten unter den Fans ist das aktuelle DCD-Album "Dionysus" (erschienen im
November 2018 bei PIAS), das sich in sieben Tracks musikalisch mit dem griechischen
Gott des Weines und der Ekstase auseinandersetzt. Immerhin einen dieser Tracks gibt es
in der Alten Oper zu hören. Und was für einen! Für 'Dance of the Bacchantes' mutieren
Lisa und Brendan zu Hohepriestern des Gottes. Während aus Keyboards bzw. Lautsprechern Arabesken erschallen, Ocarinas zwitschern und virtuelle Bacchantinnen
trillern, Robert Perry seinen Berimbau (ein angelartig geformter Musikbogen aus Brasilien)
immer wieder anschlägt, schmettert das göttliche Duo mit entfesselter Freude in die
Mikros. Yalla! Im Anschluss beginnt leider schon die Zugabenrunde. Nach Brendans
gefühlvoller Version des Tim-Buckley-Klassikers 'Song to the Siren' und Lisas vokalem
Exorzismus 'Cantara' (1987/94) folgt 'The Promised Womb' (von "Aion" aus dem Jahre
1990). Gerrard glänzt zu den traurigen Streichern mit ihrer unvergleichlichen Altstimme,
Williamson bietet mit ihrem hellen Sopran die passende Ergänzung. Passenderweise folgt
als letztes Lied des Abends 'Severance' (zu deutsch: Trennung). Eine schönere Abschiedshymne kann man sich in diesem Moment kaum vorstellen ("Severance, The birds of leaving
call to us, Yet here we stand endowed with the fear of flight...") . Richard Yale am
Minikeyboard, das sich als Drehleier verkleidet, und Robert Perry erneut an der Tin Whistle
verleihen dem Finale eine irische Note. Als letzte Worte gibt uns Brendan "Tomorrow'sChild is the only Child" mit auf den Weg.
Trotz wie üblich fehlender Interaktion mit dem Publikum von Seiten der Band sind mein
hessischer "concert buddy" Michael und ich uns einig, dass dies heute ein denkwürdiger
Abend war. Vielleicht sogar das beste der rund 2.000 von ihm besuchten Konzerte, so
Michael. Und bei einer Setlist, die sich mit Schwerpunkt auf den älteren Werken übersieben Alben erstreckte, war für jeden Fan reichlich Material dabei, wenngleich auf
meinem Wunschzettel noch 'The Trial', 'The Arcane' und 'Persephone' standen. Man kannnicht alles haben. Doch dieses einmalige Live-Erlebnis von Brendan, Lisa und Co wird so
schnell nicht vergessen. Noch Wochen später fegt mir der Tanz der Bacchantinnen durchs
Ohr. For we have been mesmerized.

Text: Marius Joa - Fotos: Torsten Reitz
102. August 2019
Was da die schwimmende Bühne entert,
ist nicht der Frosch mit der Peitsche, es ist
der Mönch mit der Maske, gleich vierfach.
Die Kuttenträger mit Zorromasken gehören zum gleichen Orden wie die surfenden Mönche von Trey Spruances Traditionalists und sind die Guys von GAYE
SU AKYOL, mit denen sie uns 'Guys' auf
den Stufen hinter dem Heizkraftwerk Love
und Peace näherbringen will. Und den
Wunsch, outer space den Duft von anderem Planeten zu schnuppern, besser abernoch, so manchen Pascha mit einem
Arschtritt hinter den Mond zu befördern.
Ob dazu aber ihre Overknee-Stilettos
taugen? Denn damit stiefelt die Istanbulerin auf die Bühne und beherrscht sie
als Batgirl vom Bosporus, in bauchfreiem
Silber, mit schwarzen Isis Wings und blonden Zöpfen! Sie könnte damit beim European Song Contest Domina spielen, türkische Klischees provokant übertürkend.
Dieser feuchte Traum des Silver Surfers
signalisiert jedenfalls schon im Outfit paradiesvogeligen Eigensinn. Dennoch ist
Türkisch aus ihrem Mund eine verführerische Sprache, selbst dann, wenn sie mit
dunklem Alt arabesk schmachtend davon
singt, dass ihr Boot kentert und dass wir
leben wie Hunde. Jeder Song wirbt dafür,dass die Phantasie ihre Muskeln spielen
lässt. Die Monks surfen dazu grungy
zwischen 'Misirlou' und 'Apache', einem
psychedelischen Flamenco, anatolischrhythmisiertem Rock'n'Roll im SecretChiefs-3-Update, mit Erkin Koray undBarış Manços 'Hemşerim Memleket Nire',mit der Botschaft, dass die Welt unser
aller Zuhause ist. Aber GSA versetzt einenauch als hookah-smoking caterpillars in'Nargile' Cafés - dreaming the reality wird
von ihr zur Lebensaufgabe erklärt. Akyols
bevorzugtes Tempo ist daher ein träumerisches Adagietto, in ihrem Zungenschlag, bei den lässigen Hüftschwüngen,ihren Tanzschritten und wie sie sich in ihre
Fledermausflügel hüllt. Dabei schwingen
die Mönche krachend die Peitsche, mit
schwallenden, quallenden Keys und einer
Surfgitarre, die mitreißend trillert. Bis sie
uns zuletzt galoppierend in den Sonnenuntergang jagen.

I!anbul Night

11

Wobei heute ganz viele da sind, die Akyols Moderationen und Lyrics unübersetzt verstehen
und die Namen Koray und Manço bejubeln. Denn an diesem Freitagabend hat Würzburgs
türkische Community ein denkwürdiges Heimspiel. Das zeigt sich erst recht bei BABAZULA, deren Popularität ich krass unterschätzt habe. Die vier sind aber auch Groover vonAllahs Gnaden, allerdings Groover with attitude: Osman Murat Ertel als alter Schnauz in
Nasreddin-Kostüm an E-Saz, Mehmet Levent Akman als Metronom und Löffelklacker, ÜmitAdakale an Darbuka und Davul und Periklis Tsoukalas, ein kraushaariger Temperamentsbolzen aus Attika, an E-Oud. Stellt euch eine krautige Psychedelikshow vor - Oriental
Faust, Embryos of Joujouka, Ash Ra ZuLa, BaBa Vuh, Yoo Doo Right-Drive bis zum
Abheben. Mit Akman als Jaki Liebezeit und einer zweispurigen Saitenstraße von Istanbul
ins Zeitlose. Mit einer Atempause erst nach geschlagenen 20 Minuten. Ertel zieht sich mit
einem Fuß einen Stuhl herbei, um sich zu setzen, nein, um drum rum, nein, um drauf rum
zu tanzen, Tsoukalas hält Adakale die Augen zu, die beiden Perkussionisten fechten zum
endlosen Tanz um den goldenen Pilz mit ihren Stöcken. Was für eine launige Truppe.
Natürlich werden dazu die Hüften, Arme, Füße geschwenkt, Groove für Groove, den die da
auf der Bühne datteln. Und dann ausschwärmend bis auf die oberen Ränge exportieren!
Schnurlose Technik macht's möglich. Tsoukalas dirigiert Chöre und animiert Tanzgruppen,
Adakale hat sich die Davul, die Mutter der großen Trommeln, umgehängt und bummt das
BaBaBumm! BaBaBumm! (und rockt später mit einem Darbuka-Bassbeat-Solo noch dieÄrsche). Akman klackt mit zwei Löffelpaaren, Tsoukalas spielt Phantom-Zurna, und Saz
und Oud elektrisieren, was das Zeug hält. Ein Girl in Hotpants führt, treppauf, treppab,eine übertürkische Polonaise an. Wann hat man ein Würzburger Publikum je so von den
Socken gesehen? Stück für Stück nichts als Tarantellas alla turca. BaBa Zula bringt das
Kraut zum Dampfen, als hätten sie die Zeitmaschine auf die Future Days vor 50 Jahre
eingestellt. Als Text genügen oft nur ein paar Kampfschreie und Melismen. Heute ist es derGroove, der Bände spricht und Taube fühlend macht, sind es die Beats, krumm wie
Türkensäbel, die alle mitreißen. Mein Verstand versucht das zwar als ordinäre, nur etwas
orientalisch gewürzte Partymusik abzutun. Aber kriegt dafür auf die Mütze, bis auch er
Halleluhwah singt.

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over pop under rockConstellation (Montréal)
MATANA ROBERTS ist ein Schatz, always. Seb Rochford wird's mir hoffentlich nicht übel nehmen, dass ich
das sage. Wir hatten in Würzburg das Glück, sie schon
mit Sticks and Stones als Abgesandte der ChicagoSzene anhimmeln zu können, bevor sie mit Burnt Sugar über den Kreis der Kenner hinaus die Aufmerksamkeit auf sich zog. Das gilt um so mehr für ihr Coin
Coin-Projekt: "Chapter One: Gens De Couleur Libres"(2011), "Chapter Two: Mississippi Moonchile" (2013)
und "Chapter Three: River Run Thee" (2015) als Multitrack-Solo für Stimme, Sax und Elektronik, ein hörspielartiger Alleingang, der ihr Vergleiche mit Laurie
Anderson eintrug (mir geht sie mit 'All is written' sogar an die Kehle wie Nicos "The Marble Index" und"Desertshore"). Nun wird mit Chapter Four: Memphis(CST145, LP/ CD) die auf 12 Kapitel angelegte Saga ihrer Vorfahrinnen weitererzählt. Es
ist das nichts weniger als African American History/Herstory unter weiblichen Vorzeichen,wie bei Toni Morrisons "Song of Solomon", "Beloved" und "A Mercy". Mit Prayer-ProtestPeace als Kunst und Leben bestimmender Dreifaltigkeit. Aber doch auch universal schillernd mit Aleister Crowleys "Moonchild" als Voodoo Child (wie bei Alan Moore und John
Zorn) und mit Riverrun, past Eve and Adam's, from swerve of shore to bend of bay, brings
us by a commodius vicus of recirculatio n..., der ersten Zeile von "Finnegans Wake". Dem
Anfang von unser aller Curriculum Vitae, unser aller Mitgerissenwerden im Vicious Circle,
den man Geschichte nennt. Die bei Roberts aber beginnt mit Marie Thérèse Metoyer genannt Coincoin (1742-1816) als Kreol-Urmutter und mit den Gens de Couleur Libres, denFree People of Color in Natchez, Louisiana. Und die nicht nach Dublin oder Paris führt,sondern nach Memphis zu Roberts' Großmutter mütterlicherseits, deren selbstbewusstes
Gesicht auf einem Polizeifoto das Cover ziert. Hauptperson ist jedoch Liddie, ein Waisenkind in Roberts' Coin Coin-Stammbaum, dessen Vater von Klan-Rassisten ermordet wurde.
Mit wieder der feierlichen Fire Music eines kleinen Ensembles mit Altosax & Klarinette,
Gitarren, Geige & Akkordeon (Hannah Marcus), Oud (Sam Shalabi), Kontrabass (Nicolas
Caloia), Drums & Vibraphon (Ryan Sawyer) und Posaune (Steve Swell) feiert Roberts
vielstimmig den Trotz ('raise yourself up') und die Furchtlosigkeit ('backbone once more')
ihrer Vorfahren, den Träumen von 'all things beautiful' zu folgen. 'As far as eyes can see'.
Und vergisst dabei die Gescheiterten und zu Unrecht Vergessenen nicht ('how bright theyshine'). Ein Chor von Stimmen summt zu Sawyers Maultrommel, zu der dann Roberts
Poetry Slam einsetzt, erzählend, sprechsingend, theatralisch vokalisierend als child of thewind, in tiefenerinnernder Identifikation. Die Musik charles-ives-t dazu als Kreuzung vonFreejazz mit wildem Fiddel-Folk. Run, Baby, run, run like the wind. Mit goldnen Schuhen.
Memory is the most unusual thing. Mit ausgelassen trötender Kakophonie zu knarzigem
Bass, aber auch kristallenen Vibes und Nylon Strings. Aber nur kurz gerubbelt, und 'Paddy
on the Turnpike', der 'St. Louis Blues' oder 'Roll the Old Chariot' liegen frei, auch wenn
drumrum die Rush-Hour tobt. Belafontes 'Day-O', das bluesige Dirge, und ro-o-ullin' mit'nem Seafarer-Spiritual, althergebracht, aber unverwüstlich. Mit krähendem Gebläse alsWind in den Segeln, Feuer unter den Sohlen. Run, Baby, run, run like the wind. DAS
Leitmotiv. Mit schnellem Zungenschlag zur unermüdlichen Maultrommel. Hin zu einem
Marsch, der aufgekratzt hupt und zu Roberts, die lauthals schwarzen Stolz ertrotzt. Das
Akkordeon spielt zuletzt Harmonium, der Chor setzt wieder summend an - und reißt ab.
Fortsetzung folgt.
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They flew toward grace. Mit "Against the Day", Sam Shalabis drogengeschwängerter
Reaktion auf den grandiosen Mindfuck von Thomas Pynchon, betrat vor 10 Jahren LANDOF KUSH die Constellation-Bühne. Pynchons Taumel zwischen der Tunguska-Katastrophe
und dem Ludlow-Massaker hin zur eskapistischen Hochzeit der Chums of Chance mit den
Bindlestiffs of the Blue A. C. im Widerhall einer Hochzeit von Godspeed You Black Emperor
und dem Sun Ra Arkestra. Mit Nikola Tesla, Bela Lugosi und Groucho Marx vereint an derBar. Um, wie Pynchon, zu zeigen what the world might be with a minor adjustment or two.
Danach verschob Shalabi mit The Egyptian Light Orchestra bei "Monogamy" (2010) und"The Big Mango" (2013), von arabischen Frühlingsgefühlen beschwingt, den Breitengrad
und kushigen Aktionsradius südwärts. Godspeed meets Cairo Madness für den ultimativen
Egypt Strut. Shalabi, der 1964 in Alexandria geboren ist, hat sich ja mit "Osama" (2004)
gegen den Wind des Wars against Terror ausdrücklich zu seinem Vornamen bekannt. Halbnach Cairo gezogen, hat er "Music for Arabs" (2014) gespielt, mit Maurice Louca im Orchestra Omar, bei Karkhana und The Dwarfs of East Agouza. Er hat sogar "Isis and Osiris"(2016) angerufen. Denn die guten Geister sind aus dem Nahen Osten davon geschwirrt
und suchen anderswo Asyl. Sand Enigma (CST146, CD/2LP) trägt dieser Desillusionierung
explizit Rechnung mit 'Broken Maqams', 'Bone Mass' oder 'Dol' (als Maßeinheit für
Schmerz). Louca ist ebenso Teil des 24-köpfigen, mit Reeds, Strings, Keys, Flöte, Harfe,
Gitarre, Lap Steel, Electronics, Kontrabass, Drums bestückten, durch Darbuka und Riq, die
Laute Setar und das Hackbrett Santur orientalisierten Kush-Orchesters wie Anthony Seck
& Alexandre St-Onge (von Shalabi Effect) und Geneviève Heistek. Besonders markante
Rollen haben jedoch Sängerinnen, die auch die Lyrics ihrer Songs beisteuern: Maya Kuroki(bei 'Safe Space'), Katie Moore (bei 'Recuerdo'), Elizabeth Anka Vajagic (bei 'Bone Mass')
und insbesondere Nadah El Shazly (bei 'Aha', 'Trema' & 'Dol'). Allerdings jagt Shalabis
Gestaltungswille gleich bei 'Aha' die orchestrierte Orientalistik und El Shazlys Melismen
durch einen Konverter, als würde er Glitch- und Cut-Techniken der Electronica anwenden
auf den dadurch verrauschten und geknickten Zusammenklang der mit Klapperbeat
gepushten Streicher und der Flöte. Nach dem ersten Sturm führen die Klarinette und das
Baritonsax zu klackender Darbuka durch ein nachdenkliches Fragen-und-Antwort-Spiel,das jedoch mit vielzungiger femininer Vokalisation sich kollektiv hineinsteigert in einenüberkandidelten Rausch, aus dem die in Montreal mit TEKE::TEKE und Tamayugé bekannte Maya Kuroki in das wieder ruhigere Fahrwasser von 'Safe Space' steuert, mit
nippon-poppiger Stimme zu kurioser Klimperei und explorativem Tenorsax. Brodeliger
Trommelwirbel führt durch einen Stromausfall zu Derwischen, die zu Setar, Santur undjauligem Erich-Zann-Gefiedel wirbeln. Knurrige Bassstriche leiten über zum jazz-swinglaunig geklimperten, saxgepusteten 'Sand Enigma', das zum träumerischen SandmanSong mutiert, der aber schnatternd und kreischend eskaliert. Sonor vereinte Saxophone,die flirrende Harfe und seltsam zirpendes Gitarrengekritze fangen den ätherischen Singsang wieder ein, der aber nochmal entfesselt durchknallt: Sand Enigma Sand Enigma
Sand Enigma! Vokales Kung Fu und erst sonores, dann kirrendes Ssssssaxophon finden in
einer spanischen Gitarre den Übergang zu 'Recuerdo' [Erinnerung, Souvenir], das Katie
Moore auf einem Orgelhalteton zu Harfe, Lap Steel und gespenstisch dünnem Geigenstrich folkballadesk tremoliert. Vajagic übernimmt mit ihrem von Nostalgie & Schmerz verschatteten Nico-Timbre für den rabenschwarzen 'Bone Mass'-Triptychon, zu einem viel zu
elegischen Piano, um Mass nicht mit Totenmesse zu übersetzen. Die freilich von DarbukaTamtam aufgemischt wird und mit dem ganzen Orchester um Baphomet zu tanzen beginnt.
In Templars-in-Sacred-Blood-Delirium, mit Synthie psychedelisiert. Bis funkelig geharftes
Arpeggio das sublime 'Ana' plinkt. Dann übernimmt wieder El Shazly für den beflöteten
und befiedelten Kamel-Groove, aber elegischen Ton von 'Trema'. Der kratzig zersägt wird,
so dass sie bei 'Dol' zu Cello und Santur in reinem Schmerz badet. Den Schlusspunkt setzt,
nachdem die Würfel gegen die Frühlingsgefühle gefallen sind, 'Tensor'. Mit wie von Gétatchèw Mèkurya äthiopisiertem Sax-Tremolo zu klopfender Darbuka auf schmeißfliegensurrendem Bordun, mit bitterem Beigeschmack, jedoch nicht erloschener Glut, multilinear.
Denn weder Relativitäts- noch Sandkorntheorie liefern auch nur den geringsten Hinweis,
was entlang von Nil, Jordan, Euphrat & Tigris demnächst blühen oder welken wird.
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Himmel nochmal, ist das wirklich schon zwanzig Jahre her, dass Constellation michan sich zu fesseln begann, zehn Jahre lang, von Godspeed You Black Emperor! überCarla Bozulich und A Silver Mt. Zion bis Land Of Kush? Doch dann wurde der Faden
dünn und nach Matana Roberts "Chapter One" riss er mir ganz. Diese Schande ist
nun beendet, und C'est ça (CST147, LP/CD) beschert jetzt auch ein Wiederhören mit
FLY PAN AM, dem frankokanadischen Quintett, das von 1999 bis "N'Écoutez Pas"
(2004) das Gütesiegel 'Constellation' mitgeprägt hat. Danach verwehte sie der Wind Roger Tellier-Craig (& Eric Gingras) zu Pas Chic Chic, Jean-Sébastien Truchy (undwieder auch Gingras) zu Avec Le Soleil Sortant De Sa Bouche, Félix Morel, denTrommler, zu Panopticon Eyelids und No Negative. Nun aber fanden sie mit Jonathan
Parant (aber ohne Gingras) wieder zueinander, Searching for any way / Out of thisShadow frame / Fakeout blaze. Denn die Diagnose lautet auf 'Bleeding Decay' und'Dizzy Delusions'. Darum kreisen sie mit wieder okkulten & halluzinatorischen Gitarren, Électroniques, Bass, Synthie & Mellotron. Dazu reimen sie bei 'Distant Dealer'auch noch waves auf faves und dead-end daze auf spooky haze. Und singen bei'Each Ether' von der Auflösung im ständigen Streaming und Screening, dankbar dafür, dass sich mit dem Fleisch auch der Schmerz in den Maschen des Webs verliert, in
den Simulationen und betrügerischen Träumen, die Millionen User synchronisieren.
Ebenso bei 'Discreet Channeling': You jack into it everyday / Channelin' the useraway / You slash into the horror decay / Channelin' the nether away. Und auch'Interface Our Shattered Dreams' lässt einen in Vain interfaces und im Data hazetaumeln. Mit einem rockigen Drive, der kakophonen Kladderadatsch hinter sichherschleppt wie ein Hochzeitsauto, das zu Flitterwochen in der Hölle losscheppert.
Der Gesang dazu gibt sich davon unberührt ganz sanft und poppig. Das Herz galoppiert durch Synthielärmpfützen, nur die Bewegung trägt noch, mit pseudoenthusiastischem Drive aus den Steckdosen. Aber keifernder Metal-Gesang verrät die
Hysterie. Das Rockzeitalter ist aus den Fugen, aufgesprengt von Pophysterie, Noiseund Electromanie, und auf der Flucht, als säße ihm der Teufel im Nacken.
SANDRO PERRI in Toronto hatte sich mit Polmo Polpo einen Namen gemacht, waraber als Singer-Songwriter auch allein immer wieder bei Constellation willkommen.
Zuletzt mit "In Another Life" (2018), oder auch, mit alien electronics played humanly
und zu siebt, mit Off World. Verirrt er sich da, mit einem in Indien transplantierten
neuen Hirn, mit Electronics, Drum Machines und Strings bis jenseits des Saturn, istSoft Landing (CST148, LP/CD) vergleichsweise wieder irdisch, allzuirdisch. Samtzungig und mit softem, nicht unüppig orchestriertem Western-Style-Folkrock, abereiner Grooviness von südlicheren Breitengraden. Zu zweit, zu dritt, zu fünft undsechst, er mit Bass, Gitarre, Piano, Percussion, Synth und mehr, angedickt mit
Claves, Congas, (Fretless) Bass, Rhodes, mehrmals mit Flöte, beim frischgrünen'Floriana' sogar mit Euphonium und der Trompete von Nicole Rampersaud zu seiner
schmachtenden Gitarre. 'Time (You Got Me)' zeigt ihn per Du mit der Zeit, also über16 Min. hinweg zeitbewusst, nicht zeitvergessen. Ging sie ihm einst zu langsam oderim Traum zu mysteriös, bittet er sie jetzt, doch etwas abzubremsen, damit die holprige Fahrt weniger blaue Flecken macht. Beim downtempo sich schleppenden, mit
souligem Falsett angestimmten 'God Blessed the Fool' beneidet er - deedly deedly
dum dum - vor allem, wenn er an jene denkt, die turn to being chilly and cruel, solche,
die es fertigbringen, silly and cool zu bleiben. Bei 'Back on Love' singt er zu fein
gepickter Nylongitarre davon, dass man vielem den Rücken kehren kann, aber nicht
der Liebe. Wobei sich herausstellt, dass telling, knowing, giving, wondering undasking ebenfalls nicht so verzichtbar sind, wie man meinte. Mich erinnert der Duktus
leicht an 'Imagine'. Bei 'Wrong About the Rain', einem zu wieder tüchtiger Gitarre fast
funky beschwingten Lied aus jenem Tal, wo they're still growing songs, sieht Perri ein,dass wir, wie schon die Eltern, nie wissen, wann's regnen wird. 'Soft Landing' ist
zuletzt, was es anstrebt, eine Ankunft auf sanften Gitarrenschwingungen, mit hymnischem Nachgeschmack.
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Glitterbeat (Hamburg)
3 Mustaphas 3, nur in echt, echter als echt. Als ich auf Osman Murat Ertel (E-Saz, Baglama,
Electronics, Gitarren, Synthie, Theremin), Mehmet Levent Akman (Electronics, Percussion)und Periklis Tsoukalas (E-Oud, Bansuri) stieß, feierte BABA ZULA mit "XX" gerade seinenschon 20 Jahre alten Oriental Dub mit noch mehr schnauzbärtiger Psychebelly Dance Music. Mit den zehn neuen Stücken auf Derin Derin (GBCD/LP 082) und nunmehr Ünit Adakale
an Darbuka & Davul zeigen die Istanbuler sich noch ungenierter abgedreht. In Erinnerungan Jaki Liebezeit und mit Dank an Mad Professor, bis zum Bauchnabel eingetaucht in Anadolu Rock, mit Oud und Saz als elektrifiziertem Odd Couple, vereint wie Don Quijote undSancho Panza, wie Adlerfeder und Plastikplektrum, der 5er-Set zu 1,99 €. Als vom kosmogonischen Eros beschwingte Falken jagen sie nach Transzendenz, mit von Tsoukalas undErtel angeführten Gesängen, die einen staubigen Weg durch das mulmige 'Haller Yollar'bahnen. Zum klackenden Löffel-Beat und den pastoralen Anmutungen von 'Sahin Iksiri'jaulen Theremin und Electronics. Dickzungige Reime, rockiges Saitenspiel, schwarzkümmliger Groove bekommen eine Patina, die älter wirkt als mir die 60er in Erinnerung sind.
Maultrommeltwangs, ululierende Zungen, und wieder klacken Claves, aber mit dem Beigeschmack von Raki, nicht von Rum. Das Tempo kaum mehr als ein Eselstrott, der Gesang
monoton und lakonisch. Männer, die auf Eselsärsche starren. Was nicht heißt, dass sie
sich innerlich nicht wie Falken fühlen. 'Port Pass' ist ganz dem Dub-Flow hingegeben, 'Kosmogoni' kaskadiert an silbernen Fäden, 'Kurt Kapma' nimmt, von Adlerschrei und Wolfsgeheul getrieben, tatsächlich Fluchtgeschwindigkeit auf. Aber nicht als osmanodelische
Partyband wie live, eher mit Blues vom Bosporus, Hüzün in Istanbul. So verfällt BaBa ZuLa,
verhallenden Klängen nachlauschend, wieder in einen versponnenen Trott. Weiß derTeufel, wie daraus auf einmal doch ein gliederlösender Schwof entsteht (wer sie live
kennt, weiß es freilich auch).

Auch wenn der Name globalen Flitter verspricht, ist Glitterbeat keineswegs ein bedenkenloser Kolonialwarenimporteur. Re-issues von Stella Chiweshe und Jon Hassell setzen
Zeichen gegen leichtfertige Geschichtsvergessenheit, und statt als multikulti-kulinarische
Souveniers begegnen einem BaBa ZuLa & Gaye Su Akyol (Istanbul), Bixiga70 (São Paulo),
Refree (Spanien) oder Širom (Slovenien) selbstbestimmt und realitätstüchtiger als wir es inder Komfortzone noch nachvollziehen können. Mit AZIZA BRAHIM rückt sogar dAS brennende Problem von jenseits des Horizonts in den blinden Fleck. Die Tochter einer Sängerin
und Enkelin einer Lyrikerin ist nämlich die musikalische Botschafterin der maurischen
Sahrauis, einem Volk, dem nach Abzug der spanischen Kolonisatoren - in ihrem Geburtsjahr 1976 - die Bildung der Demokratischen Arabischen Republik Sahara nur als militantbehaupteter Steinwüstenstreifen hinter dem verminten Marokkanischen Wall gelang, mit
einer Exilregierung im algerischen Tindūf und einer Bevölkerung, die überwiegend ebendort in fünf Flüchtlingslagern haust. Brahim singt, seit 2000 in der spanischen Diaspora,nach "Mabruk" (2011), "Soutak" (2014) und "Abbar El Hamada" (2016) auch auf Sahari(GBCD/LP 083) wieder von all den Millionen, die als entwurzelte und perspektivlose Luftmenschen in Lagern vegetieren, von ihren Hoffnungen und ihrer Hoffnungslosigkeit, ihrem
Heim- und Fernweh, vom Himmel über der Wüste und dem Sand zwischen den knirschenden Zähnen. Mit gefühlvoll getragenem Alt in arabeskem Zungenschlag und Wüsten-VogelTon zum Beat der traditionellen Tabal-Trommeln und dem Sound von E-Gitarre, Bass undElectronics. Ein Spanier spielt dazu Mali-Blues- oder Berber-Rockgitarre, der Backbeat
von 'Hada jil' und beim Hispano-Dub 'Las huellas' hat eine längere Reise hinter sich, derKameltrott von 'Lmanfa' den weiten Weg nach Timbuktu noch vor sich. Die Spuren weisen
südwärts, auch wenn der Wind sie bald verweht. Nur das wehmütige Feeling bleibt, wie
Mehltau, wie eine Staubschicht, die sich auf alles setzt, wie der Duft bitterer Kräuter. Nurzu, versteck Dein (blutend?) Herz in Eis und Hohn, duck Dich in's dumpfe deutsche StubenGlück. Marokko will das Phosphat, die Öl- und Gasfelder, die EU die Fischgründe vor derKüste, wir wollen unsere Ruh. Da kann Aziza Brahim lange ein Lied davon singen.
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RareNoise Records (London)
Der aus New Jersey stammende Drummer Mark Holub ist Dauerpendler zwischen Wienund London, mit einerseits Blueblut und andererseits LED BIB als seinen heißen Eisen. It's
Morning (RNR108, CD/LP) versammelt wieder seine britische, bei Babel und Cuneiform
bewährte Truppe, die sich ja schon mit "Umbrella Weather" bei RareNoise unterstellen
konnte. Diesmal jedoch brechen sie zu neuen Ufern auf, mit wieder den Saxophonisten
Chris Williams und Peter Grogan, Liran Donin am Bass, neuerdings Elliot Galvin an den
Keys und dazu österreichischen Geschmacksverstärkern. Für erstmals Songs, gesungenvon Sharron Fortnam (vom North Sea Radio Orchestra) with a little help from Jack Hues
(ex-Wang Chung), als Zaubertrank aus Folk, Jazz und Prog, mit Spritzern von Lucy in the
Sky with Diamonds. Wobei Fortnam bei 'Atom Story' die Kirchenbank drückt und vor derAtom Heart Mother die Hände faltet. 'Stratford East' dagegen zwittert stürmisch zwischen
Irene Kepls Folk-Geige und wildem Saxophon-Jazz, blumig verbunden durch Fortnams
Unschuld-vom-Lande-Timbre. Mit kindlichem Sopran sprechsingt sie, nur zu Susanna Gartmayers Bassklarinette, ihr Morgengebet. Und folgt doch bei 'Fold' dem weißen Kaninchen
für einen 11-min. Psychedelic-Trip in elektronisch-keyboardistischem Pink, der mit pastoralen Reeds durch Wiesen streift, aber mit dunklem Bassgewummer, crashendem Drumming und feurigem Gebläse die Erdenschwere energisch abschüttelt. Bis Fortnam etwas
von der Zeit und von haunting memory haucht, und die Musik feierlich in canterburyeskes
Grün eintaucht. Bei 'Cutting Room Floor' tändelt sie zu Ritual-Beat, lässt im Rezitativ mit
Hues den Film rückwärts laufen, und tändelt weiter durch Electric Eden. Für 'To Dry in the
Rain' ist ihr zerbrechliches Stimmchen mit I-You-Gedanken auf feierliche Keynotes und
aufwallendes All-together gelegt. Dann tastet Galvin melancholisch hin zu 'O', dessen
monotoner Trübsinn aufgehoben wird in zartem Gesang und wieder jazzrockig aufflammendem Tutti. 'Flood Warning' singt Fortnam stoisch in the rain, ohne Schirm in cold
water, unberührt von den rumpeligen Turbulenzen um sie herum. 'Set Sail' schmachtet sie
zuletzt besonders innig und fast a capella zu durchscheinenden Klanggespinsten, als Elbebeim Aufbruch nach Avalon.
Become The Discovered, Not The Discoverer (RNR111, CD/2LP) bringt, nach "An Untroublesome Defencelessness" (2016), ein Wiederhören mit KEIJI HAINO, MASAMI AKITA& BALAZS PANDI. Es ist das ein Zusammenklang mit einer Vorgeschichte im Haino-Merzbow-Projekt Kikuri und im Miteinander von Merzbow und Pandi bei der "Cuts"-Trilogie oder,zu zweit, live. Wie könnten da Power und Noise nicht die Raison d'Être dieser 4-teiligen
Suite sein, die von einem Gap zwischen zwei japanischen Senioren - Haino ist 67, Akita 62 und einem 36-jährigen Doom- & Metal-Trommler aus Budapest nichts weiß? Bemerkenswerter ist da schon Hainos seltener Griff zu einer Bassgitarre (neben Gitarre undElectronics) und dass Akita spontan auch noch mit einer Gitarre improvisiert. Pandi treibt
Hainos harschen Gitarrensound und Merzbows Kakophonie brachial noch an, wobei das
entschlossene Riffen von Saiten, von Noise-Automaten gespuckte Frequenzen und Verstärkerleistung sich monsterrockig verdichten, mit dezisionistischem Duktus und trommlerischen Sturzbächen, Erdrutschen und Treppenstürzen. Dem Fräsen und panischen Poltern folgt in unverminderter Intensität jaulig schraffierte Insistenz und ein vulkanisches
Rumoren, das sich mit steinbeißerischem, eisenreißerischem Furor Luft macht. Da greiftauch Akita in die Saiten, Pandi kommt knatternd ins Rollen und zu den rauschhaft tremolierenden und hackenden Gitarren fliegen die Fetzen. Denkt nicht an Haino, den Schamanen,
denkt an Fushitsusha, Nazoranai. Erst der dritte Abschnitt beginnt zurückgenommener,
mit stoisch wiederholten Bassgitarrenmotiven, auch der Noise irrlichtert an kürzerer Leine
hin zu einer dunklen Lichtung, auf der Haino wummert. Bis der gezügelte Druck und diejaulenden Dämonen nicht mehr an sich halten können. Soll die Schweineherde doch überdie Klippe rasen, es gibt andere Schweine. 'I want to learn how to feel everything in eachsingle breath Pt. II' behält die bohrende Daueralarmiertheit bei. Die schnurrend ins Leereläuft, dort aber in erhabener Wallung zu stahlgewittriger Läuterung findet.
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... over pop under rock ...
ABSTRACT NYMPHO Static (Static Age, SA57, 12"): Den einen Macher dieser fünf Songs,
Ghazi Barakat, kennt man als Pharoah Chromium. Oder mit "Terminal Desert" auf->Karlrecords, zusammen mit Paul La Brecque, seinem Partner schon in Crème de Hassan. Die
andere, Rahel Preisser (singend, mit Trompete & Noise Interventions), hat zu Pharoah
Chromiums engagierten, an Muslimgauze anknüpfenden Arbeiten "Eros + Massacre" & 'Jean
Genet À Chatila' mit ihrer atemlosen Stimme beigetragen. Zudem hat die Fotografin in Berlin
für einige von Barakats Releases das Artwork geliefert. Auch hier ist die surreal-erotische
Coverart von ihr. Und sie schlüpft dazu wie aus einem Schlangenei in eine Hauptrolle, wenn sie
bei Hawkwinds 'Silver Machine' als femininer Lemmy Kilmister über Dröhnwellen und
Tablatupfer in die Pedalen von Alfred Jarrys Fahrrad tritt. Keine schlechte Wahl für Täuflinge
von "Half Machine Lip Moves". Während sie sich da lasziv in die Ohren windet, mischt sie bei'Baby Alone in Babylone' ihre Babydoll-Vocals im melancholischen Dreier mit Brahms und
Gainsbourg zu Elektrogrillen und Verzerrungen. Den andern Schwerpunkt bilden mit 'Was
warst Du' & 'Delirium' zwei Gedichte des 'Hölderlinspeedniks' Scardanelli, einem Mystiker desFuturum II mit Poesien wie "Weltruhe. Atlas des Todes" oder "Nachlass des dunklen Zeitalters \Das Buch der Gottheit und des Fleisches \ Die kosmischen Feuer" (auf Cyanpress), der mit"Hautabziehn : The Alien of Hölderlin" die Herkunft seines Namens verriet. Die Zueignungseines Gedichtes 'wir wollen uns sagen' an Sergej Preisser verrät einiges mehr. Scardanellis
Poesie kaskadiert da, pneuma-planetarisch, minotaurisch-metamorph, Wort für Wort vonRahels Lippen, von denen sich zu dunklen Drones noch vokalisierte helle Wellen lösen undverwirbeln als kosmischer Vortex. 'Japanese Double Suicide' fährt dazwischen mit quäkig
trillernder Freejazzrauschpfeife zu impulsivem Nipponnoise. Bis, zu Trompete und knurrigen
Electronics, Preisser nochmal Scardanelli deliriert. Ein Abgrund starrt dich an... und tief indeine Gedärme wird eine schwarze Spinne kriechen...
ACID ARAB Jdid (Crammed Discs, CRAM292, CD/2xLP): Dass Guido Minisky und Hervé Carvalho bloß zwei Pariser auf Orienttripp sind, wie ich bei der Debut-EP von Zenobia auf Acid Arab
Records flappsig schrieb, erfährt nun dadurch eine Akzentverschiebung, dass Kenzi Bourras
mit seinen algerischen Wurzeln zum dritten Acid-Araber geworden ist. Was im exotistischenHin und postkolonialen Her den retrofuturistischen Raï-Aspekt stärker hervorkehrt, in Verbindung mit den algerischen Stimmen von Radia Menel (bei 'Staifia'), Sofiane Saidi (bei 'Rimitti
Dor' - einer Hommage an die verpönte Raï-Diva Cheika Rimitti), Amel Wahby (bei 'Nassibi') und
Cheikha Hadjila (bei 'Malek Ya Zahri'). Daneben zeigt sich Acid Arab aber mit Hasan Minawi(bei 'Électrique Yarghol'), Ammar 808 (bei 'Rajel'), Les Filles de Illighadad (bei 'Soulan') und
Rizan Said (bei 'Ras El Ain') gewohnt kaleidoskopisch mit jordanischen, tunesischen,nigrischen und syrischen Facetten, die Beirut, Berlin, Brüssel, Istanbul, Oran, Paris und Tunis
zumindest auf Sound- und Lifestyleebene ineinander schütteln, als gäbe es kein Mittelmeer.
Den club-orientierten Beats - die sich ein Flugticket leisten können - eine Regeneration nach
der wilden Überfahrt zuzuschreiben, hört sich allerdings ziemlich jetset-zynisch an. Freilich,
was wären wir ohne die Bright Sides, die Light Sides of Life? Zumal sie den problembewussten
Call to Action von Ammar 808 einschließen (wenn auch mit Brüssel als Kommandozentrale undGlitterbeat als Sprachrohr). 'Neu' (arab. Jdid) mag unter Pop-Vorzeichen ein zweifelhafter
Begriff sein und als nachholende Entwicklung ein problematischer. Als migratorisch deterritorialisierter Kick steht es aber allemal für die Neubestimmung von Da-Sein zwischen Netz undNische. Acid House ist darin das Haus, das Roland baute (auf mit Bassbeat festgestampftem
Baugrund), das Volk in Arab Folk ein gänzlich virtuelles, der Groove ein elektronischautomatischer. Ein Progress in wuchtig paukenden Riesenschritten, zu repetitiven Wellen,
schwindelerregenden Loops, zu Sofianes bärtigem und zu Autotune-Zungenschlag oder demtürkisch raunenden Bariton von Cem Yıldız (bei 'Ejma'), mit hynotisierenden Arabesken von
Ney, Qarqaba und Käseorgel. Als Update der Arabitronics von Barraka El Farnatshi, mit sturem
4/4-Stomp, wirbeligen Wechselschritten, BumBum-Cha, zuckeligem Drive, näselndem Swing.
Raʾs al-ʿAin steht, neben Deir ez-Zor, mittendrin für das allergruseligste Grauen des Genozids
an den Armeniern. Aber vielleicht will Rizan Said auch nur den IS vergessen machen? Undtanzen wir nicht immer auf künftigen Ruinen, auf Knochen und Vulkanasche?
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MALEEM MAHMOUD GHANIA with PHAROAH
SANDERS The Trance of Seven Colors (Zehra
001, 2LP): Die Master Musicians of Joujouka undihr Pan-Kult, für westliche Ohren erst nur ein
Geheimwissen von Expats wie Paul Bowles, W. S.
Burroughs & B. Gysin, wurden mit "Brian Jones
Presents the Pipes of Pan at Joujouka" 1971 ein
Faszinosum für das gegenkulturelle WeißerNeger-Sein- und Indianer-Werden-Wollen unddas exotistische Ex-oriente-lux. Doch Joujouka
ist nur ein besonderes lokales Phänomen in(oder neben) der Gnawa-Kultur in Marokko. Gemeinsam ist die von Maâlems - Meistermusikern gekonnte mystische Verschmelzung islamischer
Dschinns mit schwarzafrikanischer Kosmogonie
und Geisterglauben. Ein Erbteil der Gnawa als
Nachfahren der im 17. Jhdt. aus Hausa-KriegerSklaven rekrutierten Schwarzen Garde, ebenso
wie die subsaharische Rhythmik, die den Groove
der Derdeba-Zeremonie antreibt, der bis zur
Trance kreist um die sieben Farben der Urlichts,verkörpert in den sieben Mluk. Getrieben durch
das Klopfen der Tbel und das Klacken der Qarqib
und der bloßen Hände einer Bruderschaft, dieauch, mehrfach verstärkt durch einen krähenden
Frauenchor, die ständig wiederholten Allah-lahResponsa singt für den Vorsänger, der die Gimbri
plonkt: Maleem Mahmoud Ghania (1951-2015).
Als Bill Laswell ihn 1994 in Essaouira mit Pharoah Sanders besuchte, brachte der sein inniges,
zart umrasseltes 'Peace in Essaouira (For Sonny
Sharrock)' mit, gemeinsam entstand 'La Allah
Dayim Moulenah', ansonsten gaben Ghania unddie alte Tradition den Ton an, der mit heißen
Händen und Zungen zu wie gekurbeltem Beat die
Ekstase anstrebt. Eingebettet ist mit 'Hamdouchi'
eine Performance von Hamadcha of Essaouira,einem Quintett mit quäkenden Ghaita (der marok.
Zurna), Tbel und pochenden Harraz (großen
Darbukat), auf das sich Sanders einschwingt.
Ghania spielte 1996 mit Peter Brötzmann und
Hamid Drake beim Unlimited in Wels, selbstbewusst genug, auch dort seinen musikalischen
Akzent für Gott und die Welt zu setzen. So wie
Sanders mit seiner pfingstlichen Fire Music aus
der Church of John Coltrane in Essaouira hauchzart in die Glut haucht, oder aufschreit und dieweich geklopften Geister mit entflammt, als oballe gemeinsam erfasst wären von jenem Feuerzauber, den Nietzsche 'dionysisch' genannt hat.
Seit die Musik auf Axiom erschien, gilt sie als
Maßstab setzend. Zurecht. Denn sie ist grandios,
und das hier endlich die erste Vinylversion davon(die wir übrigens einem 'Weltmusik'-Ableger von-> Karlrecords verdanken).
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KEIJI HAINO + SUMAC
Even for just the briefest
moment / Keep charging
this "expiation" / Plug in to
making it slightly better(Trost, TR183, CD/2LP): Mit
langen Titeln in die Nachtzu reisen ist ein bekannter
Zug von Haino, dem Psychedelic-Schamanen und
From-Scratch-Blueser. Seine Mit-Nighttripper am
3.7.2017 in Tokyo sind die
gleichen wie - nur wenige
Tage zuvor - bei "American
Dollar Bill – Keep Facing
Sideways, You're Too Hideous To Look at Face On" (Thrill Jockey), ihrer ersten Begegnungüberhaupt. Nämlich der Brachialgitarrist Aaron Turner (Mamiffer, Split Cranium), dem
Haino schon ein Begriff war, als er mit Isis sich selber einen Namen machte. An den Drums
Nick Yacyshyn von den Baptists in Vancouver, Bass spielt der mit Russian Circles profilierte Brian Cook. SUMAC (nur echt in Majuskeln) sind keine Verehrer von Yma Sumac, sondern grollen im seit Gore, Swans und Melvins immer giftiger und galliger hochgezüchteten
Sludge-Matsch-Stil. Haino ist seit Jahrzehnten Father, Son & Holy Ghost of Nihilism undder 21st Century Hard-Guide-Man zwischen Artaud und Vajra, Brötzmann und Zeitkratzer.
Vor Turner sind schon Jim O'Rourke und Stephen O'Malley zu ihm gepilgert, um mit ihm
nach schwarzen Trüffeln zu rüsseln und Nuggets aus Klärschlamm zu sieben. 'Healing
music' ist dabei etwas, das er mit Weihwasser besprengt, 'Wiedergutmachung' etwas, das
attackiert werden soll, so wie er 'Wertschätzung' (esteem) zugleich mit 'Plünderung'(despoliation) in die Herzen kerbt. Bei soviel Kryptik entschlüpft mir ein schwaches "Tsk".
Das freilich einher geht mit einem anerkennenden Zungenschnalzer über Hainos fein geflöteten Einstieg, zu dem die Sumacs nur ein dunkles Raunen und dunkle Tupfen von sichgeben müssen, auch wenn Haino mit der koreanischen Taepyeongso zu fiepen beginnt.
Der Spruch dazu lautet: 'Interior Interior Interior Interior - Space - Disgusting Disgusting
Disgusting'. Während die Band sich düster dahinschleppt, greift Haino raptorisch in die
Saiten, und die beiden Gitarren beginnen sich gegenseitig zu beharken. Man kann das
genauso gut als ostinaten Clash hören wie als Konfluenz. Oder sogar als Heilung durch die
gleiche Waffe, die die Wunde schlägt. Mit gehämmertem Groove jetzt und Gesang derGitarren aus dem Feuerofen. Sie können auch beim träumerischen Dämmern der kommenden halben Stunde ihre trillernd fiebernde Intensität nicht unter der hellen Oberfläche
bändigen, unter der der Bass als dunkler Schatten klumpt, zu Blitz und Donner der Drums.
Ihre Angriffslust nicht länger zügelnd, attackieren sie mit Klauen und Zähnen in Drachenblut verspritzendem Furor, und Haino schreit zu jaulig verschmiertem Sound wer weißwelchen Fluch, welches Menetekel. Jedenfalls schleppt sich der Lauf der Welt danach nur
noch hinkend dahin, doch wie zum Untergang entschlossen. Aber Haino verbeißt sich nocheinmal in Orakelknochen, knietief in SUMAC-Schweröl, zu pfeifendem Feedback. Und er
kirrt wieder mit der Taepyeongso oder deklamiert zu doomigem Sludge-Duktus Zeilen, dieebenso herzzerreißende Poesie sein können wie Kapitulationsbedingungen an gestürzte
Götzen. Die Gitarren vertiefen nochmal die Forderung nach Skalps, bereit, den Dämonendas ganze Fell über die Ohren zu ziehen. Mit finalem Donnergroll! Hainos Haupt ziert,
cooler noch als Warhol, seit ewig das goldene Vlies. Zusammen mit Sunglasses und Stockein Markenzeichen, das nur zu gut verbirgt, dass hinter seinem ultracoolen Image, neben
einem netten Vegetarier, Katzenfreund und Bewunderer von Scott Walker, ein ganz starker
Gestaltungswille steckt. Ob er damit irgendwas 'slightly better' macht, sei dahingestellt.
Aber er macht das immerhin eine gute Stunde lang intensiv denkbar.
Foto: Cook = The Shaggs, Yacyshyn = Faith No More, Turner = Circle
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MUERAN HUMANOS Hospital Lullabies (Cinema Paradiso Recordings, CPR001, LP/CD): Tomás
Nochteff kam vor etwa zehn Jahren nach Berlin mit einer Vorgeschichte in der argentinischen
Kultband Dios und seinem Soloalbum "Le Beat Juste" (2004). In Carmen Burguess, die wie er
aus Buenos Aires stammt und bizarre Kunst und Filme macht, fand er eine Weggefährtin, dieseine Passion für EBM, Wave und Agit-Noise teilt, bei "Mueran Humanos" (2010, Old Europa
Cafe) mit Anklängen an Liaisons Dangereuses und "Miseress" (2015, ATP Recordings), wo
Jochen Arbeit von den Neubauten seine Finger im Spiel hat. "Stirb, Menschheit!", 's ist ein Ziel,aufs innigste zu wünschen. Sterben - schlafen - Schlafen! Carmen, die hier auf dem Cover eine
Bluthochzeit suggeriert, säuselt dafür das erste der Wiegenlieder, das zwar monoton einlullt
und nur von kleinen Gräueltaten spricht, allerdings in seinem proto-technoiden, postrockigen
Drive nicht wirklich an Schlaf denken lässt. Genauso wenig wie 'Los problemas del futuro' inseiner schnell getakteten Insistenz, denn Los problemas sind längst Gegenwart, eingeschrieben in Massakern und Ruinen. Tomás hat sie gestern schon visioniert und hämmert das
desillusioniert ins Bewusstsein, mit Electric Bass, MPC und Tapes, zu Carmens Moog, Keyboards, Sampler und vor allem Drum Machine. Beim fiebernden 'Alien' singen sie gemeinsam
und teilen eine von Ärzten nicht kurierbare Paranoia vor dem unwirklichen Hier und die
Sehnsucht, von Artgenossen aus dem All gerettet zu werden. Bei 'Detrás de una flor' träumt
Carmen, poppig überzuckert, sie sei ein Mann, dem seine verlorene Geliebte nicht aus dem
Kopf geht. Bei 'Guardián de piedra' steht Tomás unter einem hakenkreuzverhangenen, vonBanjos klingelndem Himmel vor in Schwarz gekleideten Torwächtern mit steinern abweisenden
Gesichtern und schreisingt als Sprecher der unterdrückten Klasse - er sagt tatsächlich miclase - um Einlass in die Stadt. Was Carmen bei 'Cuando una persona común se eleva'
murmelt, scheint sich um die Terroristen (dragged by the holy thought) und die Widerstandleistenden Passagiere (wenn ein gewöhnlicher Mensch aufsteht) von Flug 93 zu drehen. Beimwave-coolen 'La gente gris' schließlich kommt zwischen dem Schwarzweißfoto eines Zuges
und toten Fischen der Fremde aus Dylan Thomas' Gedicht 'Love in the Asylum', to share myroom in the house not right in the head. Aber mit grauen Leuten, wie sie aus Träumen,
Erinnerungen oder Gedichten auftauchen, sind die beiden Argentinier am leichtesten per Du.
OLA ONABULÉ Point Less (Rugged Ram Records, RRAMCD 15): AyAyA, OwOwO, die englischnigerianischen Gemeinsamkeiten zwischen Onabulé und Leke Awoyinka (Ekiti Sound) enden,
sobald Onabulé zu singen beginnt - als Soulman mit samtiger 'Killerstimme'. Seit seinem 30.
Lebensjahr bringt er - self-sufficiency has always been my mantra - eigene Songs auf dem
eigenen Label heraus. "More Soul Than Sense" (1995), "In Emergency Break Silence" (2004)
oder "Seven Shades Darker" (2011) verraten den Tenor seines Strebens. Seit zehn Jahren ist
er, smooth wie Al Jarreau und Nat King Cole, mit seinen songs of love, loss and the humancondition Headliner auf Jazzbühnen von Litauen bis Rumänien und mit hiesigen Rundfunkbigbands. Die 14 neuen Songs zeigen ihn im intimen Format mit Drums, Bass, Gitarre, Piano,
Per-cushion und einigen Tupfern von Hammond, Rhodes, Sax oder Harmonica. Bekannt als
sophisticated Gentleman, singt er bei 'Throwaway Notion': If the future comes calling asking
what we did / We'll just say we got rid of the things it needs / Possibility, opportunity, destiny...
Bei 'Point Less': With pyrric advantage, / And reason held hostage / By counterpoint, / The
victor seems victim / If truth lies beside him / On our worlds disjoin. Und das sind die mirverständlicheren Zeilen seiner kryptischen Poesie. Er singt von Waffengewalt, Austrittswunden, auch unter Brüdern, nicht nur von oben nach unten. The last word is their gun's. Statt
Frieden immer weitere Opfer, weitere Tränen. What the heck are we dying for / Dying for, what
is more / What's worth living for! Statt zu phantasieren von einem utopischen 'Suru Lere' (dasViertel in Lagos, wohin im 19. Jhd. befreite Sklaven und Creoles aus Brasilien und Kuba
'heimkehrten'), sollte man da, wo man steht, für bessere Verhältnisse sorgen. 'The Old Story'
serviert er, owo pupa, o wo aso dudu, als Slow Food ganz yoruba-kubanisch. Onabulé stellt
tenderness gegen unreason, fact gegen myth, You & Me gegen We & They, Menschenwürde
gegen Verrat: You know the things your kinfolk need, / But bring them barbarity... Once you sellme down the river [d. h. verraten und verkaufen - vom Sklavenmarkt in Louisville, Ky., auf diemörderischen Baumwollplantagen im Süden]. Hoffnung und Liebe kommen nur von gegebener
Hoffnung, gegebener Liebe. Er selber transformiert dafür seine kugelschädlige Männlichkeit,
um mit Honigpumpe und jazziger Flexibilität die waffenstarrend kopfstehende Welt zu
subvertieren, schroffe Spitzen kappend, harte Kanten rundend, ganz engelszungiger
Liebesbote aus Stevie-Wonderland.
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MARK WINGFIELD & GARY HUSBAND Tor & Vale (Moonjune Records,
MJR098): Wingfield, d. h. Gitarre und - mit Markus Reuter, Asaf Sirkis, Yaron
Stavi - Moonjune. Sein Landsmann Gary Husband, 1960 in Leeds geboren,
hat, vorwiegend als Drummer, seinen Namen eng verbinden können mit Allan
Holdsworth, Jack Bruce oder, an Keyboards, mit Billy Cobham oder John
McLaughlin & The 4th Dimension. Nicht allein weil Holdsworth bei Moonjune
höchste Verehrung genießt, liegt Husbands Erscheinen dort sehr nahe.
Wenn er mit "The Things I See" (2001) Holdworth auf dem Piano interpretierte und bei "A Meeting of Spirits" (2006) Stücke von McLaughlin, war
das neben einer Respektbekundung auch eine Demonstration seines pianistischen Knowhows, das auch hier gefordert ist für fünf Kompositionen
von Wingfield und bei 'Tor & Vale', 'Shape of Light' und 'Silver Sky' als frei
gespielten, ausgedehnten Feelscapes. Er erscheint dabei als bedächtiger
Lyriker, der - von Wingfield choreografiert oder eigenhändig - Ton für Ton
erwägt, bevor er Perlen streut oder seine Schritte tänzelt. Wingfield dagegenist ein Herzausreißer, der immer wieder altissimo den Mond anheult und vonden Saiten noch den letzten Saft quetscht. Statt also aus der Werbetube
Keith Jarrett zu Terje Rypdal zu pressen, läge da nicht der Vergleich mit
Matthew Shipp und einem gitarristischen Ivo Perelman näher? Wingfield
steigt in höchste Höhen, immer auf der Suche nach einem Quantum Pathos
mehr, nach 'The Golden Thread' oder wenigstens einem silbernen. Eintauchend in eine Metaphorik aus Licht, aus Mövenschreien ('Kittiwake') und
Felsgipfeln (wie bei 'Tryfan' als Tango in Snowdonia). Wobei er das Pathos
mit dem als Beifang ausgerotteten Kalifornischen Schweinswal ('Vaquita')ganz elegisch tönt. So dass mir auch das 'Tor & Vale' von einfach nur Fels &Tal verschwimmt zum Leb wohl! der alten Römer und zum Bergbaumoloch
Vale, der in Brasilien umeinander aast. Im aufgeschlagenen Buch der Naturwinden sich Serpentinen als Schlange im Paradies durch Schnee und Grün.
Wingfield überschüttet sie mit 32stel-Lawinen und klagendem, heulendem
Furor, schmerzlich im Raum stehenden Haltetönen, betropft von Tränen. Nie
würden sie Licht am Ende eines Tunnels suchen, sondern immer nur am
Horizont erwarten und sein Erscheinen höchstens wie mit Schamanenflöte
und mit Herzblut hervorkitzeln.
ZEA Agency (Makkum Records, MR 26 / Subroutine Records, SR096, 7"):
Arnold de Boer spielt hier mit einem sozialwissenschaftlichen Begriff, derdie Befähigung und die Mächtigkeit von Einzelnen oder Gruppen meint, zu
agieren, zu handeln. Es stehen da strukturzentrierte und sozialdeterminierte
Ansichten subjektzentrierten gegenüber, die Autonomie und Selbstermächtigung implizieren. Auch steht zur Debatte, ob die Akteure undAgenten als Vermittler, als Verantwortliche, als Schauspieler oder mit derLizenz zum Töten handeln (tun, was getan werden muss). Zea plädiert (wieschon bei "Moarn Gean Ik Dea" im Schulterschluss mit Freunden in
Groningen, bei denen ansonsten auch Rats On Rafts oder Bawrence Of
Aralia volles Verständnis finden), gegen die als Anthropozän manifeste
Anthropozentrik, für eine Sicht, die selbst noch den Vermittler als Vermittelten betrachtet, als Objekt und 'Ding' der Erde, nicht mehr und nicht
anders als Tiere und Pflanzen. Nicht nur Rotkehlchen schlagen Alarm, auch
Zea singt, nur zu Gitarre und knattrigem Loop, als Neofolkie einenProtestsong, der Unsereins die Steuerungsfähigkeit abspricht, sich Tiere
und Pflanzen im Parlament vorstellt und sogar fragt: Should I kill to save thisplanet? Und er greift, elektronisch komplexer, mit orientalisch gezupftem
Loop und mit verzerrt kaskadierendem Gesang, John Lennons Absage anallem This- & that-ism, an Ministers, Sinisters, Bishops and Fishops und allemöglichen -utions & -ations auf. Give birds a chance? Give us a chance!
22nowjazz plink'n'plonk
Creative Sources (Lisboa)
Ánemos - Wehen, chōreín - Wandern. Anemochoren, das sind die Pflanzen, deren Samenund Früchte sich mit dem Wind verbreiten, Ballon-, Schirm- oder Flügelflieger wie etwa
Linden oder Ahorne, deren wie ausgerissene 'Flügel' ANEMOCHORE sich für Suites andSeeds (CS 593) als Blickfang wählten. 2016 zusammengestellt von Frantz Loriot an derViola und Daniel Studer am Kontrabass, spielt Sebastian Strinning mit Tenorsax & Bassklarinette den Wind, Benjamin Brodbeck trommelt, etwas anders als sonst für den Sliwowitz-Rum-Mix von Jaro Milko & Cubalkanics oder Prekmurski Kavbojci. Hier klopft ernämlich nicht promillestark, sondern er federt und kollert naturnah und geräuschhaft zu
sonoren Strichen und diskanten Kratzern und Strinnings zunehmend alarmiertem Trillern
und bedrängtem Kirren. Dann fallen sie zusammen in ein Pianissimoloch, aus dem, lippenund fingerspitz, nur hauchzarte und raschelige Laute dringen, die sich tapsig und rollend
verdichten. Strinning wird lyrisch, die Strings fiebrig, nicht nur dem Furchtsamen zittertjedes Blatt. Sounds and seeds in a garden full of weeds, mit bebender Snare, gurrendem
Anhauch, windspielerisch perkussiven Klängen, zirpig spitzen, dumpf getupften, holzig
klackenden und wieder federnden. Bruitistische Poesie also, gewebt aus einer Fülle
leichter Gesten, kurzer Striche, leiser Puster, als Natur-Schau, als Hör-Spiel. Im Kontrast
knarriger und borkig angerauter Basstöne, flockiger Spritzer, perkussiver Kürzel, fein
geädert mit zarten Haltetönen, fein gekörnt mit Flecken und Punkten. Der menschliche
Faktor, sprich, Melodie und Rhythmik, versteckt sich spielerisch hinter scheinbar
unwillkürlichen Impulsen kontingenter Bruitistik. Ob bei den je dreiteiligen Suiten 'Vortex'
und 'Dehiscence', die diese Anemochorie rahmen, oder den sechs Miniaturen dazwischen,beflügelt davonschwingen soll sich letztlich die Phantasie, der Fliegende Robert in uns.
Aus übertragenem Sinn wird sinnliche Übertragung.
Die Mycelial Studies (CS 594, 2xCD) von ->UDO SCHINDLER mit ERNESTO & GUILHERMERODRIGUES, kurz S2R, führen zu Pilzen und deren Myzel. Eingefangen ist Schindlers Zusammenklang mit der Viola und dem Cello der beiden Portugiesen am 28. & 29.06.2018 im
arToxin München und beim 85. Salon für Klang + Kunst in Krailling, wobei er seinen Klangfächer aus Bassklarinette, Sopranosax und Kornett zuhause noch vertiefte mit Kontrabassklarinette. Vater und Sohn zeigen sich anfangs ganz introspektiv, mit schneemannlyrischem Geflimmer. Was Bocksprünge und knarrende, surrende Schraffuren nicht ausschließt. Schindler gibt sich dazu als Pilzkopf, der die Bassklarinette als Hookah schmaucht
und helle Rauchringe bläst. Was wiederum erregte Turbulenzen mit einschließt, ein psychedelisches Schillern, kurvenreiche Hummelflüge durch romantisches Zwielicht, zirpende Heimlichtuerei, disharmonische Verwerfungen. Capriccios aus Pizzicato und bizarrem
Flageolett in der Skala von Pierrots groteskem Riesenbogen bis Erich Zann, mit windschiefem Soprano über elegischen Reminiszensen. Die Machenschaften sind obskur genug, um
unheimlich zu wirken, die Striche dissonant genug, um selbst das Licht zu krümmen. Hysterisch aufschrillend wird an den Stühlen gesägt, auf denen sie sitzen. Abgründige Bassschübe begehren zu filigranem Stricknadelgefiesel und Col-legno-Hieben auf bis in kirrendes Altissimo. Schindler röhrt, stringverschleiert, wie mit Didgeridoo oder verweht ins Tonlose. Gezüllte und zirpenden Kornettismen arve-henriksen hinter zartem Weben undTüpfeln. Heftiger Sporenauswurf oder sonorer O-Ton kontrastieren mit weiteren bruitistischen Kürzeln. Warum das extented nennen, wenn es phantastisch ist, katzenjämmerlich,fingerbeerentänzerisch, psilocybin? Dem unfassbar toxinen Brainstorm folgt im Salon sogar noch ein Surplus. Mit quäkigem und knarzigem, insgesamt noch aufgekratzter irrlichterndem Gusto. Die Streicher sind, warm geworden, am zweiten Tag zu ausgelasseneren
Streichen aufgelegt, während Schindler als schriller Triller oder verholzter Zunderschwamm, als Satans-Röhrling und des Teufels Schnupftabak das myzeliale Spektrum weitüber das bloß Kulinarische hinaus ausreizkert.
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Dark Tree (Paris)
Bei Dark Tree ist Jazz etwas Organisches, denn unter einem französischen NowJazzBlätterdach - Benjamin Duboc, Daunik Lazro, Didier Lasserre, Joëlle Léandre, Edward
Perraud, Eve Risser - führen Adern zu Roots im US-Westcoast-Jazz - Bobby Bradford, John
Carter, Vinny Golia. Und nun auch zu HORACE TAPSCOTT (1934-1999), den Bertrand
Gastaut ja als Paten für Dark Tree erwählt hat. Er wird hier präsentiert mit dem PAN AFRIKAN PEOPLES ARKESTRA and the GREAT VOICE OF UGMAA und Why Don't You Listen?
(DT(RS)11), live at LACMA, 1998. Fünf Stücke (von 9) eines Konzertes, das Tapscott im
Jahr vor seinem Tod noch einmal in ganz großem Format zeigt. Mit dem 'Spiritual Jazz' desArk war er von 1963 über die Watts-Riots weit hinaus (wie auf Nimbus West Records
schließlich auch dokumentiert) ein engagierter Teil der Black Community in Leimert Parkund South Central gewesen, wo in den 80ern aber eine neue Generation und härtere Töne
den Ton angaben - N.W.A., Ice-T mit Body Count... Erst der Rodney-King-Skandal blies
auch dem Ark frischen Wind in die Segel und brachte es zurück auf die große Bühne desL.A. Festivals 1993. Das Konzert am 24.7.1998 bot eine Langversion des TapscottKlassikers 'aiee! The Phantom' (eine Anspielung auf seine interessierte Allgegenwart) und
eine tropische Vokalversion von 'Caravan'. Mit 'Fela Fela' erklang, jetzt mit lauthalsem I am
not afraid to go-Chor, eine Hommage an den im Jahr zuvor verstorbenen Fela Kuti, mit dem
Motiv von 'Why Black Man Dey Suffer', das der Ark-Conguero Najite Agindotan Tapscott ins
Ohr setzte, mit eigenen Erinnerungen an in Lagos gerauchte Joints. Gefolgt von der jazzspirituellen Litanei: 'Why Don't You Listen' to sounds of truth... to Bird and Trane... to Lady
Day... to Cecil's sound... to Bessie's thing... Listen Listen Listen... Zur 12-stimmigen Union
of God's Musicians and Artists Ascension breitet das 9-köpfige Arkestra mit drei
Kontrabässen, Drums, Congas und Percussion einen Sun-Ra'esken Rhythmusteppich, auf
dem die sprudelnden und hymnischen Reeds von Michael Session tanzen, Tapscotts Piano,
die große Stimme von Dwight Trible und die Posaune von Phil Ranelin (der mit Tribe und in
Build An Ark mit Trible Tapscotts Erbe bewahrte). Das mitreißende Konzert gipfelt mit
Trible, der in Linda Hills 'Little Africa' den Prince of Africa beschwört, mit Soprano- undPosaunensolos und dem Little Africa-närrischen Chor, lifting every voice to sing. Bei
Kamasi Washington hallt genau das wider, wieder wie neu.
Der krausköpfige Coax-Gitarrist JULIEN DESPREZ (mit Abacaxi gerade groß in Moers) und
die Altosaxophonistin METTE RASMUSSEN konnten nach ihrer Begegnung im Fire!
Orchestra nicht mehr voneinander lassen, zu viert mit Ingebrigt Håker Flaten & Mads
Forsby als BIC, zuvor schon tête-à-tête. So entstand im September 2016, live in Montreuil,
The Hatch (DT 10). Aus gitarristischen Effektkapriolen und rasant gefingerten Loopings zu
heftiger Feuerspuckerei der zuletzt mit MoE über die Toleranzschwelle rotzenden Dänin.
Die beiden wälzen sich als 'Roadkill Junkies' und 'Offenders' in Schlamm ('Clay On Your
Skin'). Womit immer Rasmussen den Mund voll nimmt, sie spuckt damit um sich, spotzend
und rotzend, fauchend und fiepend, und behält nur spezielle, mal spitze, mal tutende Töne
so lange bei, dass sich ein Nachgeschmack auf Lippen und Zunge brennt. Der selten bis
nie ein melodiöser ist. Was Desprez dazu mit der Gitarre treibt, fragt mich nicht. Er
bratzelkracht über weite Strecken eher elektronoisig als gitarristisch. Was einen fein
singenden und schwingend dröhnenden Draht mit einschließt zu Mette-seits einem
monotonen Halteton, der mir als bloß mundgeblasen unwahrscheinlich vorkommt. Bei'Matters Of The Soul' bläst sie jedoch vergleichsweise sonor und elegisch, zu stumpf
angeschlagenen und dröhnenden Saiten, wobei Desprez immer heftiger hämmert und rifft
und Rasmussen zu immer intensiverer Klage anstachelt. Bei 'Twin Eye' blinzeln sie sichkomische Kürzel zu, bei 'Black Sand' ist Rasmussens Rohr mit Grus verstopft, Desprez
tickert dazu Morsecode, so dass sich ein Dialog aus spotzigen und drahtigen Kürzeln
entspinnt, hin zu zittrigem Getriller und kreiselndem Twang. Für 'Orange Plateau' bleibendann nur ein Fauchen und schabendes Rauschen, quasi tonlos in tonlos. Sie mit
luftlöchrigen Flops und kleinlauter Vibration, er mit knistrigem Tickern, dunkler Repetition
und zuletzt statischem Rauschen. Wie kommt man dazu auf Orange?
24Christoph Gallio - Percaso Production (Baden, CH)
Um sich selber Gehör zu verschaffen, muss ROAD WORKS erstmal einen Bulk Spatzen beschwichtigen. Um dann mit fragiler Percussion überzuleiten zum schwungvollen Sopranogesang von Christoph Gallio. Getragen von der dynamischen Rhythmsection aus Dominique Girod, Gallios Partner in Day & Taxi, am Kontrabass und - neu - Nicolas Stocker an den
Drums, umsponnen von den Electronics des ebenfalls neuen Pianisten Raphael Loher unddem Synthesizer von Ernst Thoma (an den Nostalgiker sich gern bei UnknownmiX erinnern
werden). Der Zürcher Drummer hat sich profiliert als Sideman bei Nik Bärtsch's Mobile, bei
Areni Agbabian und im ronin-rhythmischen Trio Kali mit Loher, der seinerseits im Gilbert
Paeffgen Trio oder mit Troller & Sartorius gut unterwegs ist und eine weitere Masche
knüpft, wenn er mit Girod und Grünes Blatt dessen Komposition "Die Nacht der blauen
Büffel" intoniert. Für Gallios 5-teiliges Glassware (percaso 35) schwelgen sie in dessen
lacyesk angejazzter Sophistication, die ihn seit Jahrzehnten als Apolliniker unter den
Schweizer NowJazzern auszeichnet, den die leichten Musen, die einst schon Les Six geküsst hatten, zu animieren scheinen. Seit Jahren versuche ich vergeblich, seine mit Soprano- und Altosax angestimmte Artistik auf den Punkt zu bringen: als dynamische Melodik,
als repetitives und transparentes Spintisieren mit elektronisch oder perkussiv kristallisierten Finessen, perlender oder präpariert geharfter Pianistik, gezielt angebrachtem Bassgeknurr oder schillerndem Flageolett. Durchwirkt mit nochmal vogeligem oder mit femininem Anhauch, gesprochenen Sentenzen wie "Love is a great thing", plötzlich wütendem
Hundegebell. Kalkulierte Tonsetzung und schnittig zuckende Altoistik harmonieren so mit
spielerisch geräuschhaften (V)-Effekten, die die Musik mit der Freundlichkeit des Laotse
brechtianisieren. Wie "Road Works" (2013) mit der Foto-/Video-Kunst von Beat Streuli interagierte, so reflektiert "Glassware" »Glass Interior«, eine Epson-ultrachrome-K3-inkjetprint-Serie und eine Videoarbeit der Zürcher Künstlerin Caro Niederer. Ähnlich wie wenn
Niederer mit »Good Life Ceramics« (im Kunstmuseum St. Gallen) ein Mobile aus privat undöffentlich, eigen und fremd, freundschaftlich und alltäglich in eine durch Salon und Café
optimierte Lebenswelt konzipiert, korrespondiert das, am Gegenpol zu Pflastersteinen undWasserwerfern in Glashäusern und zu politischen Elefanten in Porzellanläden, aufs
Feinste mit Gallios so selbstverständlich generösem »Minimalprogramm der Humanität«.
Auf As You Were Here (percaso 36, 1½LP) entfaltet ROAD WORKS über 49 ½ Min. die"Glassware"-Ästhetik weiter in einer Montage improvisierter Passagen mit den komponierten. Dabei nehmen sich alle fünf spielteuflisch expressive und bruitophile Freiheiten, Gallio
forciert mit entsprechendem Rückenwind seine lacyeske Laune zu Ornette-Coleman'scher
Dynamik. Zu Synthiegespinsten und bedächtigem Pizzicato scharrt Stocker an Blech,
Loher im Innenklavier, für ein Noise-Ambiente, das 'behind the Looking-Glass' gesucht
wird, statt sich mit eitler Selbstbespiegelung zu begnügen. Oder Girod schraffiert mit dem
Bassbogen zu kristallinen Pianoanschlägen und opaker Elektronik. Aber Thoma ruft auchfurzelige Sounds ab, Gallio rostige und refraktiv kakophone in einem nun kaleidoskopischen Klangbild aus ständig wechselnden Splittern, die das Imaginäre als fragil, gebrochen, dispersiv oder zerrbildhaft vermitteln. In kleinteilig und kurzweilig Klang gewordener
Reflexion, die ganz offen mit ihrer Doppelbedeutung spielt. Wobei den Gedanken hierkeine Blässe nachgesagt werden kann, Gallio führt mit ostinat gekrähtem Sopranogroovige Schachzüge aus. Die werden jedoch von elektroakustisch gewieften Winkelzügen
flankiert, in denen jazzige Poesie, kirrender Altofuror und skurrile Bruitismen - einerasselnde Kette, ein maunzender Synthie oder schimmerndes Flageolett etwa - miteinander Ping-Pong spielen. "Road Works" bestand aus 72 Splittern, das hier aus nicht vielweniger. Nicht weil Gedankenblitze und Aufmerksamkeitsspannen, kürzer als das kürzeste
Nachthemd, jede Konsistenz zerbröseln. Die Musik hat in ihrer neomodernistischen
Heldenhaftigkeit genuin tausend Gesichter, aber doch nur sich selber als Message. Nur?
Empfiehlt sie sich nicht doch auch als polymorph facettierte, molekulare, flexible Alternative zur Zerbrechlichkeit von Glück und Glas?
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Hubro (Oslo)Was in Oslo eine Herde ist, davon will auch BA keine Böcke zum NowJazz pferchen oder
Schafe jenseits des Horizonts scheuchen. Natürlich ist Niblock/Lamb (HUBROCD 2601)
Neue Musik der reinsten, in diesem Fall dröhnminimalistischen Sorte. Denn das Osloer
ENSEMBLE NEON performt 'To Two Tea Roses' von Dröhnaltmeister PHIL NIBLOCK und'Parallaxis Forma' von der fast 50 Jahre jüngeren, 1982 in Olympia, Wa, geborenen
CATHERINE LAMB. Von James Tenney und Michael Pisaro dazu ermutigt, mit etwas, dassie Sacred Realism nennt, einzudringen in das, was bei ihr Harmonic Space heißt, bewegt
die sich im Another-Timbre-Zirkel. Mit Konzert Minimal spielt sie auch selber wandelweiserische Musiken und deutet, wenn sie Stücke 'In/gradient' oder 'Overlays Transparent/Opaque' tauft, sprechend ihre ästhetische Tendenz an. Ihr Klangspektrum besteht hier aus
zwei vokalisierenden Frauenstimmen und einem Kondensat aus Flöte & Bassflöte, Altosaxophon, Bassklarinette, Weingläsern, E-Gitarre, Violine und Violoncello. Das von Niblock
aus Flöte & Bassflöte, Bassklarinette, Alto- & Baritonsaxophon, Violine, Violoncello, gestrichenem Vibraphon und Piano. Niblock hat seine Teerosen dem italienischen Komponisten& Rosenzüchter Walter Branchi gewidmet und sucht dabei, mit kleinsten Klangdifferenzen,
die zwischen dem Ensemble und seinem Playbackdouble gesplittet sind, den Farbnuancen
von Rosenblättern zu entsprechen. In Gestalt eines regenbogenspektralen Dauertons,
dessen eines Ende von den Bogenstrichen der Violine und des Vibraphons hell schimmert,
während am dunklen Ende tibetanische Hörner oder Tubas zu tuten scheinen, und dasGanze schnurrt und schwirrt mit der om-aktiven, trance-induktiven Dröhnkraft mehrerer
Tamburas. Lamb operiert mit einer für mich ununterscheidbaren, bei ihr aber maßgebenden Differenz der Timbres von Stine Janvin Motland und Silje Aker Johnsen und einer stereophonen Analogie zum Daumensprung. Frage nicht, wie schwer das Ensemble schuftenmuss, damit der Instrumentalklang zu den ätherischen, immer wieder aufsteigenden A-E-IOs so träumerisch atmet, so meditativ zirpt und schwerelos schwebt.
Der gefragte Trondheimer Bassist MATS EILERTSEN, mit "Rubicon" und "And Then Comes
the Night" bei ECM, kehrt mit Reveries and Revelations (HUBROCD2606/LP3606) bei Hubro wieder, wo er ja bereits mit seinem Trio, mit SkyDive, der Nils Økland Band und Geir
Sundstøl willkommen war. Nun mit einem 'Nightride' über die 'Tundra', über Sibirien bis
nach Polynesien und ins Südpolarmeer. Klar ist alles nur phantasiert. Er selber orchestriert diesen Trip, diesen Dreamscape, mit Bässen, Gitarre, Harmonium und Keyboard. Und
holte sich für bestimmte Stellen weitere Klangfarben von alten Freunden: Geir Sundstøls
Gitarre & Banjo, Eivind Aarsets Gitarre, Per Oddvar Johansens Snare Drum und nicht zuletzt von Arve Henriksen und Thomas Strønen, seinen Kumpeln einst schon bei Food, Trompete bzw. Drums, Percussion & Electronics. Entstanden sind so als Cinema pour l'oreille
Szenen, bei denen die einen Tarkovsky und die andern August Weltumsegler oder Peer
Gynt imaginieren mögen, denn des einen 'Venus' ist genau so gut des andern 'Hardanger'.
Die Spacenight beginnt mit gezupftem Banjo, knarrig gestrichenem Bass, Desertgitarre.
Ist das noch Kansas, oder schon Finnland? Die Stimmung ist da fast noch trister als bei
Kaurismäkis Cowboys ohne Pferd. Die Wehmut ist mit Händen zu greifen, die Trübsal ein
knietiefer Morast, durch den man sich knarrend schleppt. Wenn 'Endless', für keine vier
Minuten, einen strammen Trab anschlägt, verzieht selbst der Mond skeptisch seine Miene.
Für die Wayfarer der traurigen Gestalt zupft Eilertsen den Blues und lässt die Saiten
schmachten, bis der Arsch auf Polareis geht ('Bouvet Blues'). Strønen wirft mit Blechstücken zum schwer schnaufenden Harmonium, und zur sehnsuchtsvollen Bassgeige von'Venus' paukt er dunkle Tupfen. Eilertsen zupft und harft wie einer, der nach Neukaledonien deportiert wurde ('Polynesia Pluck'), und wer bei 'Sibirean Sorrow' nicht leidet wie ein
Hund, dem ist wohl schon die Seele erfroren. Sundstøl twangt und weitere Saiten
schluchzen, als hätte 'Hardanger' seinen Namen von den harten Zeiten, auf die man nur im
Zorn zurück blickt. Zuletzt seufzt die Trompete zum tristen Harmonium so herzzerreißend
und tragikomisch, dass sich schon wieder gute Laune aufzwingt.
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Nils Økland ist Steinbock - wie ich. Ob daher
seine Neigung herrührt zu Sachen wie 'Gå Nu
Hen Og Grav Min Grav', melancholischen
Reminiszenzen wie die an den von Wahnsinn
und Armut erdrückten Maler Lars Hertervig(1830-1902) bei "Bris" (nach Jan Fosses"Melankolika") oder die Hommage an Ole Bull
(1810-1880), den Visionär einer aus norwegischen Wurzeln geschöpften Universalmusik.
Aber womöglich liegt das träumerische undschummrige Monographieren von Monstern
und Nachtschwärmern auch einfach in derNatur der Hardanger-Fiddel, die durch›1982‹, Øklands langjährigem Trio mit Øyvind
Skarbø & Sigbjørn Apeland, und mit dem
Allstar-Team der Nils Økland Band als eine
Schlagader und ein Leitmotiv Hubro durchzieht. In LUMEN DRONE hat Økland Per
Steinar Lie und den Drummer Ørjan Haalandan der Seite, zu zweit The Gin And Tonic
Youth, dazu 2/3 von Action & Tension &Space und von Undergrünnen und auch die
Rhythm Section für die orgelige Retro-Psychedelik und den Stereolab-ilen Neo-KrautPop von The Low Frequency In Stereo. FürUmbra (HUBROCD2607/LP3607) wechselt
Lie jedoch wieder zur Gitarre, und so findet
sich nach 'Inngang' das anfängliche Fernwehvon Øklands Wald-und-Wiesen-Fiddel zunehmend berauscht von einer leisen Glut('Glør') und wird bei 'Droneslag' fiebernd mitgezogen von einem metronomischen KlausDinger-Groove und der dazu melodisch mitpulsenden und trillernden Gitarre. 'Gottlausslått' entschleunigt aber wieder folkloresk zu
Tamtam und als althergebrachter Tanz, wie
ihn schon Ole Bull und Grieg im Ohr hatten.
'Umbra' folgt mit weichem Beat und repetitivem, fragilem Gitarrenmotiv, um das die
Fiddel als Nachtfalter schwärmt. Danachgeht 'Avalanche in A minor' ab, mit dröhnend
schraffierter Gitarre, polterndem Drumming,aber davon unbeeindruckt singender Geige,
die ihren Gegenstandpunkt nachdrücklichbehauptet. Erst bei 'Speil' [Spiegel] gibt sie
ihre Stimme ganz der Melancholie. Für 'Etnir'
geht Haaland einen dunkel getupften Gang,den er mit aufrauschenden Becken beleuchtet, Lie mit plinkenden Kaskaden, Økland
geht ihn mit träumerisch schweifendem
Duktus. 'Under djupet' setzt das eindrücklich
fort, als feierliches Wallen, mit einem Und ob
ich schon wanderte im finsteren Tal-Feeling,melancholischem Gitarrenklingklang undzartbitterer Geige.
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Skandinavische Akkordeonisten - ein weites Feld, von Lars Hollmer und Stian Carstensen
bis Maria Kalaniemi oder Kimmo Pohjonen. FRODE HALTLI ist da mit Hollmer einig im
Stichwort Global Home, mit Kalaniemi im nordisch zarten Feeling. Er entlockt aber, speziell
auch im Trio Poing, mit avantgardistischen Tönen von etwa Hans Abrahamsen, Eivind
Buene, Arne Nordheim, Helmut Oehring oder Bent Sørensen dem Instrument eine extra
Spannweite, für die mit "Avant Folk" ein treffendes Etikett gefunden wurde. Für Border
Woods (HUBROCD2613/LP3613) verstärkt er den Akzent in beiden Richtungen durch die
Besetzung mit folkseits der schwedischen Nyckelharpa-Meisterin Emilia Amper und avantseits den neuton-gewieften Perkussionisten Håkon Stene (von Asamisimasa) und Eirik
Raude. Für sechs mit Vibraphon und Marimba erweiterte Klangbilder, bis hin zu singenden
Gläsern und vierteltöniger Stimmung des Akkordeons ebenso wie der Schlüsselfidel bei
zuletzt 'Quietly the Language Dies'. Aber beginnend mit unter Bogenstrichen dröhnenden
Becken und mundharmonikafeinem Zirpen als 'Wind Through Aspen Leaves' und naturmystischem Einstieg in eine Folklore mit finnischem Beigeschmack. Zumindest deuten'Tanelis Lament (Sorrow Comes To All...)' und 'Valkola Schottis' in eine finnische Richtung,oder zumindest nach Finnskogen, den Finnwald. Mit 'Mostamägg Polska' als Tanz, der inseinem Dreh weniger Polka sein mag als vielmehr eine mit xylophonem Dingdong
afrikanisch angehauchte oder mit Salzwasser getaufte Musette, mit zwitscherndem,
pulsendem Akkordeon und quasi Hardangerfiddlerei. Bis es plötzlich ganz leise wird, um
feine Dröhnfäden zwischen Kiefern oder Birken zu spinnen. Bei 'Wood and Stone' trabt
tockender Klingklang über Stein und Stock. Tanelis Klage scheint in ihrem Weh verwandt
mit 'Åses Tod' und 'Solvejgs Lied'. 'Valkola Schottis' knüpft daran an mit glasharmonikazartem Strich und Akkordeonzungenschlag, wird dann aber zu einem marimba-groovigen
Jig, bei dem sich Akkordeon und Fiddel mit geschmeidiger Akrobatik umschlingen und mit
prickelndem Pizzicato umtändeln. Das letzte Kapitel treibt als gedämpftes Saitenspiel in
Moll auf gläsernem Bordun wie auf dünnem Eis dahin und schließt den Kreis vom
anfänglichen Beben der Espen zu nunmehr der Resonanz aller Fasern des Gemüts.
Lanzarote (HUBROCD2619/LP3619), das ist für JO BERGER MYHRE, dem Bassisten vonSplashgirl, bei Nils Petter Molvær und auch der Mann für zartfingrige Stunden bei Ingrid
Olava, Jessica Sligter, Jenny Hval, Susanna Wallumrød oder Frida Ånnevik, & für ÓLAFURBJÖRN ÓLAFSSON ein mehrfachcodierter Bezugspunkt. Nein, Alexa, Code, nicht Kot. Der
Isländer hat dort vor dessen unerwartetem Tod das letzte mal Jóhann Jóhannsson getroffen, seinen Freund und Arbeitgeber etwa bei den Soundtracks für "Sicario" und "Arrival".
Und er ist, ebenso wie sein norwegischer Partner, Fan von Michel Houellebecq, der die
Kanareninsel bei "Lanzarote" und "Die Möglichkeit einer Insel" mit seinen Klonen, Clowns
und abendländischen Untergehern ansteuerte. So wird das Ganze gerahmt mit 'Grains of
Sand' als hauchzart orgelnder, schmerzlich getasteter und gestrichener Threnodie im Andenken an Jóhannsson. Und 'Atomised / All We've Got' verstreut mit fiebrigem Getrommel,
Synthienoise und jauligen Wellen Elementarteilchen über die Insel, deren Sandwüsten,
Felsküsten, schwarze Vulkankegel und Albinokrebse Houellebecqs groteske Insichwidersprüchlichkeiten spiegeln. Gepresstes Blech und knarrige Bogenstriche säumen dazu
kleinlautes Geklimper. Die beiden orchestrieren das nämlich mit Kontrabass, Electronics,
Electronic Drums & Analog-Synthie bzw. Pianino, Farfisa, Moog, Drums & Percussion undtönen drei Szenen noch mit melancholischem Schmelz von Trompete, Posaune und Tuba.
'Both Worlds' lässt die Bläser am offene Grab stehen, und Myhres 'Cello'-Pathos trägt
weiter Trauerflor. Dunkles Getrommel, geisterhaftes Orgelgedröhn und plonkendes Pizzicato geben 'Mimophant' ein düsteres Gepräge. Mimophant, innerlich Mimose, äußerlich
Elefant und hier wohl auf Houellebecq gemünzt, so hatte Arthur Koestler Bobby Fischer
genannt als er Spassky schachmatt setzte, 1972 in Reykjavík. 'Current' bringt wieder
gefühlvolle Bogenstriche zu Finger- und Steeldrum-Percussion. Und 'Conjure up the Past'
badet mit sonorem Bassgedröhn, Paukentupfern, monotonem Klacken, klirrendem Becken
und nochmal Funeral-Brass auf wieder orgeligem Grund in einer Tristesse, die sich bei'Grain of Sand (Reprise)' durch das 'von Staub zu Staub' hindurch als nur noch ein Hauchvon Klang in Erinnerung auflöst.
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Als das langjährige Trio ›1982‹ letztes Jahr
auseinanderging, blieben dem Drummer Øyvind Skarbø erstmal nur Psst!, sein Øyvind/Øyvind-Kinderprogramm mit Hegg-Lunde,oder Inland Empire, mit Kris Davis am Piano.
Was also tun? Send you back to schoolin'? Mit
SKARBØ SKULEKORPS und dessen gleichnamigem Debut (HUBROCD2625/2LP3625) fander, way down inside, eine Lust zu komponieren
für noch etwas besseres als die sieben Zwerge. Nämlich die dänische Altosaxophonistin
Signe Emmeluth und die Synth-&-Orglerin
Anja Lauvdal (beide frisch vom Spacemusic
Ensemble), den Trondheimer Reedplayer Eirik
Hegdal (Zanussi 5, Angles 9), den Trompeter
Stian Omenås (mit dem Skarbø in StianAround A Hill trommelte), den phantastischen
Pedal-Steel-Gitarristen Johan Lindström (vonTonbruket) und, an Bass & Synth, Chris Holm
(Orions Belte). Für '1-555-3327' - 3327 war die
Nummer des Hotelzimmers, in dem Nikola
Tesla starb - brachte Skarbø die populären
Real Ones dazu, für Tesla eine poppige Hommage zu singen, und mitten durchs Stück tut&-blåst der Møhlenpris foreldrekorps. Zuletzt
bei '50 MB RAM' griff er selber zum Gesangsmikrofon und einem Banjo. Dazwischen:'Turnamat' als Afrobeat, bläserumschmuste,
bedröhnte Tropen und Sonnenuntergänge derSteelguitar, jaulig prominent schon beim erst
schmachtenden, dann fetzig zerblasenen
Auftakt, als Protagonistin bei 'Pilabue' und bei'Lysets Hastighet' als trompetenlyrischem,
backbeatlässigem Gruß an den Gitarristen
Ruben Machtelinckx. Daneben der saxbekrähte, wirbellustige Heu-Stroh-Trott von'Four Foxes'. Gefolgt vom Bläserzickzack von'Farrier and the Hoof', das zwischendurch mit
Sax zu gläsernen Vibes oder gitarrenbluesig
mit sich zu Rate geht. Den Musikerinnen bleibt
nichts geschenkt, auch nicht bei 'Kadó' als
Backbeat-Afrogroove mit Saxgesang, Keysklingklang und Synthiegetriller. Dass dabei
schon mal der Lippenstift verschmiert, zeigen
die falschen, mit Flüchen quittierten Ansätze
zu 'Gliploss' als gitarrenflockigem, orgeligem,
mehr und mehr galoppierendem C-MelodyTrip in Soukous-Gefilde. Bei '50 MB RAM' jault
nach dunklem, tastendem Intro schließlich
nochmal die Steelguitar zu Skarbøs Singsang
und monotonem Banjostrumming, bis knarrender Bass und Drums einen schleppenden
Beat anschlagen, aber alles Weitere derbestens angefütterten Phantasie überlassen.
Fotos: Nils Økland - Frode Haltli ... Ólafur Björn Ólafsson & Jo Berger Myhre - Bushman's Revenge29

Et Hån Mot Overklassen (HUBROCD2628/2xLP3628) bringt ein Wiederhören mit BUSHMAN'S REVENGE. Gard Nilssen an Drums, Vibraphon & Wurlitzer, Rune Nergaard an Bass,
Orgel & Toy Piano, Even Helte Hermansen an Gitarren und alle drei mit noch Percussion &Electronics schlugen ja von "Cowboy Music" (2007) bis "Jazz, Fritt Etter Hukommelsen"(2016) schon recht eigenwillige Haken von sattelfestem Rock zu nicht ganz hasenreinem
Jazz. Und waren dabei nie um eine witzige Anspielung verlegen: "You Lost Me at Hello"...
"Never Mind the Botox"... Diesmal gibt es mit 'Greetings to Gisle' und 'Hei Hei Martin Skei'
wohl Anspielungungen auf den Saxer Gisle Johansen und jemand, den nur Insider kennen.
Und aufs Humorkonto zahlen sie 'Sly Love With a Midnight Creeper' ein und 'A Bottle a Day
Keeps the Wolves at Bay'. Wie sie da auf Dachhasenpfoten dahinschnüren und schnurrig
tagträumen, versetzen sie den Erwartungen an ein rockiges Gitarrentrio arge Dämpfer.
Was nicht heißt, dass Hermansen nicht mit schmeichlerischsten Klängen aufwartet. Mit
zartem Soprano oder moosigem Bariton, bei 'Greetings to Gisle' mit psychedelischintensiver Gratefulness. Wie ewig rauschen da die Becken, singen da die Saiten dieser
Country & Northern-Musik. Ihr Duktus und das Feeling sind, nicht unähnlich den
wundersamen Musiken von Mats Eilertsen oder Geir Sundstøl, auf NorJazz-rockig eigene
Weise eher sanft als steinig und dazu exotistisch bis hin zu nach Curry duftenden
Tamburawellen beim irreführend betitelten 'Ladies Night At The Jazz Fusion Disco'. Bei'Toten' träumt und 'singt' Hermansen, dessen Haare nur noch am unteren Ende seines
Schädels sprießen, zu repetitiv rollenden Trommelwellen nochmal mit wahrem DeadheadFingerspitzengefühl. Und bei 'Hei Hei...' heben seine Töne händeringend fast zu reden an,
auf erst wieder 'indischem', dann dunkel grummelndem und fein tickelndem Flow. Mehr
Wehmut kann ein Gitarrist in seinen 'Gesang' kaum hineinlegen. Doch dann nimmt Nilssen
jazzig flickernd Tempo auf, und Hermansen arpeggiert dazu wie ein zweiter Terje Rypdal
und dreht den Zweiflern an seiner Extraklasse sowas von einer Nase.
Simple Pieces & Paper Cut-Outs (HUBROLP3623), akustische Gitarre solo, hm. Aber derda spielt, auf dem Nachbau einer Selmer, wie sie Django Reinhardt gespielt hat, und mit
einer Vorliebe für offene Stimmung, heißt STEIN URHEIM. In Bergen ansässig, hat er,
schon mit Erfahrungen bei The Last Hurrah und mit Mari Kvien Brunvoll, auf Hubro eine
bemerkenswerte Spur gezogen. Mit "Stein Urheim" (2014) und "Strandebarn" (2016), wo
er, bildlich gesprochen, seinen Handschuh in den Ring warf als veritables Einmannorchester mit eben nicht nur Gitarre, sondern einem globalen Instrumentarium und kompositorischen Ambitionen, die ihn aus Lou Harrison, Steve Reich, chinesischem Guqin,
heimischer Folklore und Ornette Coleman ureigene Konsequenzen filtern ließen. Die erdann voll entfaltete mit dem 7-köpfigen Cosmolodic Orchestra bei "Utopian Tales" (2017).
Hier aber gibt er sich unerwartet puristisch und entschlackt, so dass von John Fahey zu
reden wäre und sogar von Joaquín Rodrigo und Villa-Lobos. Von einem zauberhaft vollen
Selmerklang, bei Melodien, so gediegen und scheinbar althergebracht wie der Name ihres
Schöpfers. Fingerstyle-meisterlich trägt er die American-Primitive-Ästhetik über Ozeane
und den Panama-Kanal, mit schön gebogenen Noten, großen Intervallsprüngen, effektvoller Binnenrhythmik, pfeifendem Slide. Ganz auf der Schiene Duck Baker - Leo Kottke Robbie Basho, gekreuzt mit dem britischen 'Folk-Baroque' von Bert Jansch und John
Renbourn. Mit anfangs bedächtig geharften Riffs, längeren Denkpausen und spinnenfingrig gepickten Saiten. Da von schlicht oder simpel zu reden, ist bloßes Understatement.
Von Brasilien springt man über 'Bells' mit dem Glockengeläut von Westminster Abbey,
spitzen Fingern und eigenartigen Deklinationen zu den merkwürdigen Wellen und Verrenkungen der royalen Schwermut von 'Kongens Sorger'. Bei 'Blåvals' zupft Urheim mit
gleich mehrfachem Déjà-entendu die Ohren, 'Tinnhølen' rippelt die Seeoberfläche infunkelndem Silber, bevor riffend ein Sturm aufzieht, 'Weissenborn Dream' lässt einen kurz
mal von Hawaii träumen. 'Sirkel' dreht gradual seine Runden und nimmt einige Höhenmeter in sublimer Melodik. Von welcher Sezession spricht 'Løsrivelser' so beredt, wenn es
ebenfalls Kreise zieht? Mit 'Slow Reader 2' als Reprise stellt Urheim alles wieder auf
Anfang, noch einmal klangvoll harfend, während schon die Dämmerung einsetzt.

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Intakt Records (Zürich)
Dass Reid Anderson, Dave King und Craig Taborn sich als 12-jährige bei einer Kellerparty
in Golden Valley kennengelernt haben sollen, nehme ich etwas stirnrunzelnd zur Kenntnis.
12-jährige bei einer Kellerparty? Was soll aus solchen Kindern werden? Nun, zwei wurden
weltberühmt, als Bassist und Drummer von The Bad Plus. Und auch der dritte tastete sichins Rampenlicht mit Chris Potters Underground, David Torns Prezens, Tim Bernes Science
Friction, Dave Hollands Prism und Karriere-Highlights auf Thirsty Ear, ECM und Tzadik. Bei"Junk Magic" (2004) und "Daylight Ghosts" (2016) schon betrommelt von King, der dazwischen, beim "King for two days"-Event 2010 in Minneapolis, neben Bad Plus, Buffalo
Collision und Happy Apple zwei neue Eisen ins Feuer gelegt hat: Trucking Company und,
Bad Plus variierend, GOLDEN VALLEY IS NOW, mit Anderson an E-Bass und, statt Ethan
Iverson akustisch, Taborn an Synthie & Keys. 9 Jahre später ist nun ihr eponymoses Debut
ausgebrütet (Intakt CD 325). Zehn elektrifizierte Stücke, bei denen Taborns Rhodes geschmeidig-melodiös hervorscheint, auch wenn King und Anderson, der seine Beats mit
unter Strom setzt, die Richtung vorgeben. Keine überambitionierte, eher eine versonnen
swingende und funkelnde, die postrockigen Flow mit elektrojazzigem verbindet. Schwelgend in einem lässigen, ohr- und drehwurmigen Duktus. Die einen mag das verlocken, mit
Delphinen zu surfen, andere dazu, auf dem Rücken liegend Schäfchenwolken zu streicheln. Wird der Turbo gezündet, wie beim Uptempo-Staccato von 'High Waist Drifter', dannflattern halt in der Drift zwischen polar und solar die Haare im Wind. Wobei warme
Temperaturen vorherrschen, und Töne wie geschliffener Bernstein, als wären das goldene
Tropfen aus Golden Valley mit darin eingeschlossenen Kindheitserinnerungen. Einen
einwickelnde Repetitionen, die Keys sogar mit mal kreisendem Steeldrum-Klingklang, undleicht einleuchtende Melodien paaren sich mit rhythmisch wirbelnder Sophistication. On
the road bei 'Hwy 1000', mit freilich 'The End of the World' als melancholischem Horizont.
Evan Parker und Matthew Wright, ein 1977 in Norwich geborener Modern Composer, deraber mit Turntables und Livesampling auch gern freihändig spielt, bilden seit 2011
TRANCE MAP+. Wobei das 'plus' die Neigung verrät, sich zu erweitern. Für Crepuscule in
Nickelsdorf (Intakt CD 329) bei den Konfrontationen 2017 etwa mit dem aus Los Angeles
stammenden Kontrabassisten Adam Linson, der schon im Evan Parker Electro-Acoustic
Ensemble zu hören war und mit seinem Systems Quartet auf Parkers Label psi. Und mit
Ashley Wales und John Coxon an Turntables & Electronics, die einst im noch jungenMillennium als Spring Heel Jack mit Parker umeinander gesprungen sind und Labsal für
durstige Ohren spendeten. Hier wird man über beide Ohren umschwirrt vom vogeligen
Spirit von Basil Kirchin (1927-2005), "the father of ambient music", und dessen "Worlds
within Worlds", wo Parker 1971 (!) mitgezwitschert hat. Auch in Nickelsdorf mischt er sein
tirilierendes Soprano zu vogeligen Loops und elektronischem Gezwitscher, das auflebt zu
einem Gestrüpp turbulenter Naturklänge. Als ein zauber-dschungeliges Ambiente, wie essich freilich eher in J. G. Ballards "Kristallwelt" findet, als entlang der Themse oder im
Burgenland. Doch während die einen fliehen, suchen andere das Delirium, als Brainstorm
und Rausch aus nichts als Klang. In dem die Natur bis in die Molekülstruktur zu zittern, zu
klopfen und zu picken anfängt. Als Kokon aus spiralenden Wicklungen. Als Delay sprudeliger, kristallin durchsetzter Sopranowellen, die ausdünnen zum pfeifenen, elektronischbezwitschertem Halteton. Während Parker immer wieder als ganzer Chor aufrauscht, oderalles gedämpft wird zu einem grilligen, von kristallinen Schnäbelchen akzentuierten
Grundrauschen, versuche ich lange vergeblich hinter das Geheimnis des Kontrabasses zu
kommen. Linsons dunkle Striche sind gut versteckt unter wummrigen Lauten und stabspielerisch fragilen und dem Hauch einer Sphärenmusik, die einen plötzlich mit "You & I"
anspricht und umkreist. Gefolgt von tatzigen Basstupfen und wieder tirilierenden Sopranos. Moleküle knattern als Step- und Flamencotänzer, der Sopranopulk eskaliert zu
dunklem Gewummer, silbrig umzuckt. Bis rhythmische Pixel und wieder gefiedertes Flöten
den Schwindel dieser Worlds within Worlds within Worlds abklingen lassen.
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STEFAN AEBY ist seit 2014 zu einer tragenden
Stütze der Intakt-Ästhetik geworden, dreimal mit
Sarah Buechi, dreimal mit Christoph Irniger Pilgrim, zweimal mit dem eigenen Trio. Und nun, mit
40, mit Piano solo (Intakt CD 332). Einem reiflichüberlegten Narrativ, mit auch präpariertem
Sound und Live Electronics. Als ein Traumspiel,das mit 'Yume' anhebt, mit holzigen und tönernen
Tropfen, traumverformten Perlen in gedämpfter
Monotonie und gleich auch edelfingriger Melancholie beim 'Song for A.'. Da flackert dann schon
etwas das Kerzenlicht, und mit Erroll Garners'Misty' verrät Aeby ja, wes Geistes Kind er - auch
- ist. Wobei die Finger ja doch auch launige Wechselschritte und auf elektronisch gewölkten Wolken tänzeln, hier an Knet und da an Magnete
rühren oder mit Dings, mit Hölzchen und Papierkugeln schnippen. Aeby schlägt über Schnüre
und Kettchen, knattert mit 'nem Pingpongball an
Drähten, die er mit Pinsel und Schlägel abstaubt,
damit sie unter E-Bogenstrichen umso schöner
oder schräger singen. Ostinat repetitive Motive
wechseln mit rhythmisch gestuften Mustern undquirligen Figuren, 'Flingga' strotzt da vor simplen,aber effektvollen Einfällen, mit einem imaginären
Stammbaum bis runter ans Kap. Aeby verhext
einen mit jauligen Dröhnwellen, versetzt einen
quallig loopend auf U-Bahnschienen, klimpert
bei 'Tempus Fugit' auf Mondstrahlen rauf undrunter, er stakst, knattert und glitcht auf Tonbandschlaufen. Und schließt den Bogen mit'Yoru' als japanischem Notturno, mit geisterhaftausgedünntem Bluesfeeling und elektronischen
Tentakeln, aber unvermindert sehnendem Traumauge, das in der Nacht findet, was sich bei Tageslicht verbirgt.
Fotos: Anderson - Taborn - King (Monica Jane Frisell),Parker - Wright (Caroline Forbes), Aeby (Kohei Yamaguchi)

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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Zwei alte Leo-Bekannte, die Pianistin CAROLYN HUME und der Drummer und Messingschleifer PAUL MAY, setzen ihren Weg, der sie an einsame Seen ("By Lakes Abandoned") und nahe
ans Nichts führte ("Come to Nothing"), fort mit Kill the Lights (LR 847). Erst streben sie nochhoffnungsvoll einem 'Horizontal Blue' zu und umgehen dabei sogar die Wachen ('Sentry').
Aber dann müssen sie sich doch wieder Schatten und Staub ergeben ('Surrender'). Und vonder anfänglichen Illusion und immerhin triphoppigen Bewegtheit bleibt wieder nur Tristesse
und wermutbetropfte Stagnation in einem Ambiente, so duster, dass es noir wirkt. Humetaucht ihre Finger in Moll, May pocht und paukt monoton, er rüttelt an Schrott und scharrt an
Eisen, das Piano perlt dazu nur Geisterperlen, die bei Tageslicht vergehen würden. Doch
Tageslicht ist hier nur eine vage Erinnerung, die längst selber Staub angesetzt hat. Und
wenn 'The Blacksmith and The Butcher's Wife' einmal eine Liebesgeschichte war oder eine
Tragödie, so ist davon gerade noch das Feeling von Verlust und Verhängnis geblieben. Keine
Körper, keine Namen, keine Leichen. Nur eine Ton-Spur, die vielleicht noch den Rest eines
Phantomschmerzes bewahrt. Gemeinsam waten sie durch Dröhnwellen, die sie mit Keys anstößt (und einmal Bernd Rest mit wabernder Gitarre), und der triste Beat macht das nur
noch düsterer. Ein Trip für Traurigkeitsgenießer? Die ultimative Hauntology!
In ›Art Studio‹ taten sich Mitte der 70er vier junge italienische Studenten zusammen, die alleden Italo-Jazz mitprägten und sich über Jahrzehnte verbunden blieben: in Claudio Lodati
Dac'corda, dem Carlo Actis Dato Quartet, dem Ellen Christi Fiorenzo Sordini Quintet, dem
Enrico Fazio Quintet & Septet. Der 1956 in Turin geborene Bassist fand auch mit ENRICOFAZIO CRITICAL MASS offene Ohren bei Leo, wo nun Wabi Sabi (LR 862) die Fäden von "Shibui" (2013) weiterspinnt. Als Lob auf die Schönheit des Unvollkommenen, das freilich fürLaienohren nicht erkenntlich wird. Mit wieder dem Max Roach verehrenden Fiorenzo Sordini
an den Drums, dem vierten der Art-Studiosi. Und neben dieser bewährten Rhythm Section
zwei Violinen, zwei Saxophone, Klarinetten, Trompete und Posaune plus afrikanische Klangfarben durch Kora & Percussion. Für eine transalpine, cineastisch beschwingte Orchestralität, die für immer wieder ganz individualistische Soli den flotten Transporter spielt oder gar
den Atem anhält: Tenorsax - Flügelhorn - Altosax (bei 'E=MC²), Geigen - Bassklarinette - Altosax (bei 'Lilo Variations'), Baritonsax - Geige - Theremin & Altosax - Geige & E-Geige (bei 'Overshoot Day' als Tango für Lemminge), Klarinette - Posaune - Trompete (bei 'Lectio Magistralis'). Mittendrin stechen neben Flöte und Posaune, Geige und Tenorsax und nochmal Geige
die Kora und eine türkische Klarinette hervor, denn 'West to East' holt Mali und Indien nachEuropa, zumindest klangkulinarisch. Dem 'waltzy Raga' folgt 'Sliding Times' mit dunklen
Bläsern, brillanter Trompete und 9-fach wiederholtem Thema, dem jeweils ein Ton durch die
Maschen geht. Valeria Sturba (Theremin), Luca Campioni (Geige) und Alberto Mandarini(Trompete) verdienen sich da allemal einen Extrabeifall.
Die Session am 18.3.2018 in den Powerplay Studios Murr war so ergiebig, dass "The Collective Mind" (LR 858) nicht fassen konnte, was dem Drummer HEINZ GEISSER mit dem schwarm begeisterten ENSEMBLE 5 da gelang. Daher The Collective Mind Vol. 2 (LR 864) mit weiterem Pfauentänzchen und abstrakter Expressionistik mit Fridolin Blumers Kontrabass, Reto
Staubs Piano und Robert Morgenthalers Posaune. Neben Wirbeln in der dynamischen Flexibilität von Vogelschwärmen steht das introspektive 'Trompe-l'oeil' und das stöbernde 'Whatif?', das der verstopften Posaune wie einem erschöpften Vogel Krümel streut. Dann werden
wieder Tontrauben gehäufelt und Klangmoleküle geschüttet zu molekularen Stürmen knöriger Impulsivität und vielfingriger Motorik, angeschoben von Geissers Trashing 'n' Smashing.
Bei aller Hyperaktivität und selbst wenn Blumer sein Gemurmel zum Wummern verdichtet,
scheut Morgenthaler das lauthalse Schmettern, er summt wie mit geschlossenen Lippen
oder maunzt durch einen blechernen Dämpfer wie bei 'Coco', das nur aus Luftmaschen besteht. Doch bei 'Blue-shifted' spielt die Posaune dann doch den Lokomotivführer, alle Handbremsen sind gelöst für einen aufgedreht betickelten, bestens gelaunten Betriebsausflug in
den Sonnenuntergang.
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Mit Cinématique 2.0 (LR 863) feiert Leo das 30-jährige Bestehen von PAGO LIBRE. Dafürwurde "Cinématique" (TCB Records, 2001) mit seinen 'Soundtracks for an Imaginary
Cinema' minimal gekürzt und neu geschnitten, und als Bonusmaterial drei Stücke vom
Feldkirch Festival 2004 hinzu gefügt. Wo dann schon Georg Breinschmid Daniele Patumi
am Bass nachgefolgt ist, neben dem auch vokalisierenden Geiger Tscho Theissing, Arkady
Shilkloper an Wald-, Flügel- und Alphorn und John Wolf Brennan am Piano. So dass sie
noch einmal mit ihren Anspielungen auf Godard, Hitchcock und Fellini in 7/4 oder 33/8 umeinander springen. Oder bei einem falschen Walzer. Mit Shilkloper mal als Hirsch, mal als
Steinbock, mal als 'Little Big Horn'. Oder sonor und feierlich. Da schmusen Oliver Nelson
und Bill Evans miteinander, und von Schweizer Almen schallt zu rituellem Tamtam ein Alperidoo. 'Tikkettitakkitakk' ist weder kaurismäkisch noch ein Affentanz, sondern ein lombardischer Zungenbrecher, Tarkowski drehte 'Nostalghia' tatsächlich in der hier mit Arcopiano, Alphorn und Melodica melancholisierten Toskana. Pago tanzt Tango mit Satie undnotfalls mit dem Teufel, und den 'Folk Song' als rasanten irisch-moldawischen Jig. Form,Verlauf und Logik spielen Schere, Stein, Papier, und überhaupt verkehren sich Form undInhalt wie bei Escher. Lieben wir Karl May ('Dance of Kara Ben Nemsi') mehr als Françoise
Sagan ('Aimez-vous Brahms?')? Theissing spielt ein Betthupferl, und wir träumen, vonEnglein bewacht, von Rih oder Syrr statt von Ingrid Bergman? 'Tupti-Kulai' perlt, kratzt undstriegelt als Zugabe die Melodie gegen den Staccatoduktus. 'RMX' teilt 12 hartnäckig in 7
und 5, aber hieß Strawinski wirklich Max und zündete Vögel an? Die 'Rasenden Gnome'
schließlich flitzen zum Straußenrennen nach Wien, trainiert von Monty Python, nicht vonModest Mussorgski. Paneuropäischer Witz, sophisticated und virtuos, gegen europanische
Simpelei und Barbarei? Das Quartett, von The Guardian als a borderline "cafe orchestra"diagnostiziert, von Ragazzi über den grünsten Klee abgefeiert, fiedelt, klimpert und tutet
jedenfalls, mit plonkenden und singenden Bassfingern, Zuckerbrot und Kreiselpeitsche,derart geschmeidige und pfiffige Exempel von Kammerjazz, dass sich, mehr noch als eine
Kammerzofenkammertür oder die zu Blaubarts verbotener Kammer, ganz viele Wunderkammertürchen auftun.
Auch JOHN WOLF BRENNAN, der im Februar 65 gewordene Pianist von Pago Libre, wirft
mit Nevergreen (LR 865) einen Blick 30 Jahre zurück auf seinen künstlerischen Lebensweg. Der irisch-helvetische Púca, Pfadfinder & Storyteller in Weggis offeriert das als einen
Schichtkuchen aus Streifen seiner Blauen Trilogie, zu der "The Beauty of Fractals" (1989),"Iritations" (1991) & "Text, Context, Co-Text & Co-Co-Text" (1994) zählen, und seiner Gelben,
die aus "The Well-Prepared Clavier" (1998), "Flügel" (2002) & "The Speed of Dark" (2009)
besteht. Mit der Ausnahme von 'Homing' als Anverwandlung an Jon Fosse. Gestaltet ist
das als narrative Meta-Suite, 'Strollin' down the Memory Lane', wo einem das finnische'Kerava' spanisch vorkommen kann, sich im surrenden 'Isle of View' ein "I love You"
versteckt, 'Para.Ph[r]ase' Steve Reich paraph[r]asiert, 'Fake Five' Dave Brubeck zuzwinkert, Robert Walser 'Auf Valser Pfaden' wandert und Goofy versponnen Walzer tanzt. Mit
auch Melodica, Arcopiano, Pizzicatopiano und einem präparierten, das eine Rumba rumpelt. Geprägt von Joyce'scher Sophistication, die wortspielerisch durch Labyrinthe aus
Klängen und Worten führt, aber sich auch in irisch-katholischem Gänsegrau wiedererkennt.
Wo ein kleiner Pfaffe im Ohr flüstert, dass der Weg auf grüne Au durch finstere Täler führt,dass man erst spielen darf, wenn man seine Hausaufgaben gemacht hat, dass vor Milchund Honig eine Wüste zu durchqueren ist. Mit Adorno als Moses, und Melodie und Rhythmus als Vergehen, als kulinarisches, affirmatives, ja kindisches No-Go. Um groovy und
goofy zu sein, musste Brennans Melomanie den moralischen Wachhund immer erst mit'schwierigen' Stücken austricksen. Inzwischen sieht er sich selbstbewusst und gelassen
als Nachzügler in der Schweinehatz durchs globale Dorf, als Archivar von Dingen, diedabei verloren gehen oder zertrampelt werden, als Archäologe von Nicht-Gängigem und
Schatzsucher von Nicht-Wertgeschätztem. Dafür lässt er 'Belles 'n' Decibels' läuten,
krumme Takte ins Knie gehen, die Pianodrähte singen. Und überhaupt klimper-singt ergern wie schon die Alten sungen, der Mundart-Liedermacher Mani Matter etwa, bei
Mondschein oder im Zen-Garten, Hauptsache mit Gefühl und frei fliegenden Gedanken.
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Nakama Records (Oslo)
Der Gitarrist KASPER SKULLERUD VÆRNES und der Drummer ANDREAS WILDHAGEN
kennen sich aus PNLs Large Unit (wo Wildhagen fest involviert ist, ebenso wie im Jon Rune
Strøm Quintet, bei Nakama, Sanskriti Shrestha Avatar oder Guillotine) und spielen
zusammen mit dem Nakama-Gründer Christian Meaas Svendsen als Knyst! Aber seit gut
10 Jahren sind sie sich auch zu zweit schon genug. Das zeigt sich auf Troposgrafien(NKM015, LP/CD) als improvisatorische Rhetorik, die bis unter die Haarspitzen mit jazzigen Wendungen tätowiert ist. Værnes ist mit Alto, Tenor und Soprano ein temperamentvoller Sprudler und Kräher, der bergab noch Gas gibt. Wie einer, der beim Vulkanausbruch
die Beine auf den Buckel nimmt, weil ihm das 'Magma' schon die Hemdzipfel versengt.
Wildhagen spielt dazu den kollernden, polternden Steinschlag, die galoppierende
Stampede. Definitiv Fire!-Music mit Fieberschüben und vitalem Phönix-Tirili. Was ein
Depro-Wellental wie 'Ødet' nicht ausschließt, wo Værnes zu nur raschelndem Blech undmatten Besen- und Beckenschlägen melancholisch tutet. Ebensowenig wie feine Klickund Sirrlaute zu quecksilbriger, schlüpfriger Sopranistik bei 'Skysoveren', wobei Værnes,
von Wildhagen gekickt, angerumpelt und becrasht, gerne wieder einige Füllhornschippen
drauf und aufschrillend ein paar Zacken zulegt. 'Grus gjennom luft' röhrt er dann gleich
von vorneweg mit dem Tenor wie auf glühenden Kohlen, bis die Triller heiser und kleinlauter werden, und auch Wildhagen seine Schläge zunehmend monoton auf einen Punkt
konzentriert. Aber das vermeintliche Ende ist nur ein Zwischenrastpunkt, dem über ein
Drumsolo und tenoristische Wellenschübe hinweg rauzungiger Saxgesang im sportlichen
Stil der alten Meister folgt, der aber in wieder melancholischen Wellen aushallt.
Die 3 x 40 Min. von New Rituals (NKM016, 3 x LP/CD) kommen als Vinyl in einem als Würfel
faltbaren Klappcover mit Porträt-Innenhüllen. Aber auch die Triple-CD ist Teil eines dunkelgrünen 17 x 24 cm-Booklets, das darüber aufklärt, wie CHRISTIAN MEAAS SVENDSEN
1. mit Nakama und dem Chor des Rinzai Zen Center Oslo, 2. nur mit Agnes Hvizdalek - voice,
Adrian Løseth Waade - violin, Ayumi Tanaka - piano & Andreas Wildhagen - drums, und 3.
mit dem Kontrabass allein den Rinzai-Ritus vollzieht. Dessen Sutras einen Kreis formen
aus der Lotus- & Herz-Sutra, drei Ekos des Chorleiters, drei Dharanis, den Anweisungendes Meisters und den finalen vier großen Gelübten. Hergeleitet vom Ritus im Myōshin-ji,
dem Haupttempel der Rinzai-Linie in Kyoto. Gesungen werden - ... mu ro shi jin mu ku shu...
- Silben, die vom indischen Dhyana über das chinesische Chan zum japanischen Zen als
bloßes 'gobbledygook', wie Svendsen es ungeniert nennt, als 'Fachchinesisch' sich vonallem Logos befreit haben. Er sortierte die Silben nach Häufigkeit und verteilte sie als
Klang auf die fünf Nakama-Stimmen, darauf bedacht, dass Unteilbarkeit, Unbeständigkeit
und selbstlose Offenheit - wie sie der Kreis symbolisiert - als für die Zen-Anschauung wesentlich in der Musik widerhallen. In der 20-köpfigen Kollektivversion wird der (gemischte)
Chor mit Holzfisch (Mokugyo) in sturen 4/4 monoton und stramm durchgeklopft, Wildhagenrockt und Tanaka perlt launige Verzierungen drumrum, Hvizdalek kirrt und die Geige fiedelt
in den spitzen und höheren Regionen. So groovy geht es im Zenzentrum wohl nicht immer
zu. Oder so schillernd wie wenn zum tockenden Tempelblock Glockenschläge erklingen
und Saiten gewetzt werden. Das Tempo des Silbenstaccatos bleibt hoch, unterbrochen
nur für den Gesang des Ino, den Hvizdalek ummaunzt oder die Geige ganz romantisch umschmeichelt. Mit nur Nakama klingt das Ganze viel fragiler, die Sekunden tick-tocken pianistisch oder perkussiv, von den Sutras bleiben nicht einmal der Puls und gelegentlich ein
Girren oder Reihen von Vokalen. Das kaum noch mantraartige Plinkplonk wirkt spiele rischund zunehmend unbestimmt. Bis doch die Instruktionen energisch im Chor angestimmt
werden. Die Vows jedoch erklingen als umso sublimeres Rauschen von Becken, und die
Violine erzittert vor dem Zahl-, Maß- und Endlosen. Die Kontrabassmeditation hebt an inmelancholischem Legato mit ostinaten Fragen und koan-lakonischen Antworten. Dochdann stimmt Svendsen Sutras & Ekos zu Pizzicato als leichten und zu schnarrendem Bassals gutturalen Sang an und verschlägt, rasant klappernd, vehement twangend, sonor
sägend, rhythmisch surrend, zittrig reibend, so den hungrigsten Geistern den Appetit.
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The Big Yes! (NKM017, LP/CD), ist das nicht
Nietzsches' großes Ja zu allen hohen,
schönen, verwegenen Dingen!? Dann wären
THE BIG YES! - das Ausrufezeichen haben sie
von Fire! - Heiden, denn Heiden sind alle, die
zum Leben ja sagen, denen »Gott« das Wort
für das große Ja zu allen Dingen ist. Die vier
Heiden und Jasager sind die schwedische
Altosaxophonistin Anna Högberg (von Attack), die dänische Extrem-Posaunistin Maria
Bertel (von Selvhenter, G.E.K) und, aus Norwegen, Christian Meaas Svendsen (von Nakama) am Bass sowie Ole Mofjell (von New
Roots Trio) an den Drums. Wenn sie ihren 31min. Long Track 'Kalmar' nennen, dann wohl
weniger als historische Reminiszenz an die
eher ungute Zeit der Kalmarer Union von1397 bis 1523 denn als panskandinavisches
Gütesiegel. Mit durchaus wildem Werbespruch nennen sie ihre Musik zwar demokratisch wie Skandinavien, aber zugleich
gefährlich wie Nordkorea und kompromisslos
wie die alte UdSSR. Daher, YES! Alle Wilhelms und Bismarcks von Heute und alle
Antisemiten abschaffen. Geisterkrieg: Ich,
der siegreiche Dionysos gegen den Gekreuzigten. Gez. Der Gekreuzigte. Zuerst mit
furioser Verve und feuerspuckendem Sax,dann lange bruitistisch dämmernd mit bassistisch fiebernden Sägezähnen und perkussiv
angehauchtem Blech. Bis zu Högbergs
keckernder Wiederkehr, mit tremolierenden
Wellen zu bassistischem Flageolett, zarten
Beckenschlägen und tatzigen, wuseligen
Katzensprüngen. Die Posaune mischt sichleise brodelnd zu hitzig verhuschten Saxschlieren. Mofjell stößt mit schnellem Kicken
ein allgemeines Crescendieren an, aus heiserem, ostinatem Krähen, federndem Pizzicato, rasendem Schlaghagel von eifrigst
flirrendem Gestöckel. Bertel mischt sich mit
unartikulierter Vokalisation dazu, wird aberübertobt von röhrendem, wie am Spieß inhysterisiertem Altissimo schreiendem Saxophon, sägenden Bogenstrichen und crashendem, dreschendem Drumming, das jetzt
bergab noch Gas gibt und mit dem Schmiedehammer philosophiert. Bertel, länger schonvermisst (oder verkannt), mischt zu Mofjells
Gepolter elektronische, rau schlurchende
Noise-Impulse. Bis unvermittelt Schluss ist.
Die Stille aber schreit nach mehr. Aber was
nützt mehr Krach. Taten müssten folgen - das
große Abschaffen wäre ein Anfang.
Foto: Christian Meaas Svendsen (© Torv On The Fly)36

Udo Schindler (München - Krailling) - FMR Records (Essex)
Sich Musikanten als Globetrotter und 'Luftmenschen' vorzustellen, überall und nirgends
zuhause, wäre eine Sicht der Dinge, der viel zu viel Boheme- und Live-fast-Die-youngRomantik den Blick verstellt. Wo bleibt zum Spiel- das Standbein, das Sitzfleisch? Wie
kommt das Brot in die Hand, das Huhn in den Topf, das Dach übern Kopf? Im Prinzip Doppelleben, mit Brotjobs oder - feine Sache - einer Professur? In UDO SCHINDLER findet die
Spielen-um-zu-leben/Leben-um-zu-spielen-Frage eine Antwort in der konkreten Gestalt
eines Architekten. Und etwa in seinem Mitwirken bei wagnisART, dem Projekt der wagnisGenossenschaft an der Fritz-Winter-Straße in Schwabing-Nord. Fünf polygone Häuser mit
138 Wohnungen, verbunden durch Brücken und Gemeinschaft stiftende architektonische
Lösungen, die Wohnen, Arbeiten und 'Spielen' vereinen: mit den Domagkateliers und Das
Lihotzky als Veranstaltungsraum. Bereits 2010 hat die Genossenschaft KunstWohnWerke
München eG in der Münchner Streitfeldstr. 33 Kunstschaffenden ein gemeinsames Dach
für Projekte und Veranstaltungen gebaut. In seiner Eigenschaft als tönender Mitgestalterder Lebenswelt hat Schindler (unter Einsatz von Analogsynthie, Reeds & Brass) zusammen
mit GUNNAR GEISSE (an Laptopguitar & Virtual Instruments) und ANTON KAUN (anElectronics, Zeug, Distortion...) als münchenNEUS am 9.6.2017 das Streitfeld beschallt mit
GAU (FMR CD536-0419) und am 20.10.2017 Das Lihotzky mit superGAU (FMRCD5410419). Geisse, ein weißhaariger Dr. Caligari redivivus, hat mit Schindler schon NoiseNEWS
fabriziert als Alternative Facts und zu dritt mit Ove Volquartz oder Matthias Müller. Kaun,ein Nerd mit Brille und Metalmähne, ist als Rumpeln, mit Trashcantrasher, bei Console undüberhaupt im Kollaps- und Morr-Umfeld ein typischer Fall von 'Aus den Ohren, aus dem
Sinn' (obwohl er hier im Club L rumpelte). Auch er ist allemal für Krach zu haben, mit fingerfertigem Knöpfchendreh und Bogenstrichen, während Schindler dicke Luft durch enge
Blechwindungen presst. Freilich muss ich gleich passen bei der Frage, wo Kaun anfängt
oder Geisse aufhört. Denn dessen Apple-Gitarre produziert ebenfalls vor allem NEUS. Zu
quäkendem Kornett schlurcht es wie Tonbandschlaufen, tuckern Beats, zu trillernd
gilfendem Soprano rauscht und zischt es aus gleich zwei Ecken. Es gelingt so ein
erstaunlich bruitophiler Clash von instrumentaler Extension und kratzigem, pritzelndem,
störimpulsiv surrendem Noise. Wohl den Schindlerianern, denen Dank Korhan Erel oder
Jaap Blonk Noise nix Neus ist. Zu schnarrendem Euphonium jaulen und girren Electronics
wie ein Luftballonventil. Rauschwogen peitschen und schlagen über dem Schädeldach
zusammen, Ufos heben ab (oder sind es die Mietpreise?). Schnaubende Laute vermengensich mit brodeligen und wieder erbärmlich heulenden, Geisse fingert die Saiten gegen den
Strich, lässt den Sound zuckend zerschroten. Schindler röhrt und kirrt zu pumpenden,
dröhnenden Klangschwaden, drahtigen Schlägen, virtuellem Arpeggio, zwitschernden
Spitzen wie angestochen auf dem Tenorsax. Über fragile Loops hinaus bis zum gepressten
Zurück-auf-Anfang, mit einem von Klopfen, Schnarren, Rauschen, Stöhnen gestopften
Luftloch und einer großen Gitarrenflatter. Im Oktober gingen die drei dann schon supereingespielt quasi fliegend an den Start, mit plörrendem, kirrendem Tenorsax zu xylophon
tickelnder, rasant ratternder Percussion und wummernd tobendem oder lauerndem Noise.
Geisse prickelnd auf Draht und pseudopianistisch. Schindler tremoliert jetzt per Kornett.
Kaun taucht dumpf und ursuppig ein in Geisses Apple-Juice. Grobkörnige Interpunktionen
begegnen videospielerisch jauligen Phantomen und synthieorchestral irrwischenden, die,kurz pumpernd umwummert, minutenlang wie zu knurschigem Vinyl umeinanderschlieren.
Rostig keckernde, durchdringend schrillende Saxerei sorgt für wieder erhöhte, durch
drahtiges Schillern, plonkenden Rumor und Stimmgehaspel forcierte Unruhe. In dunkel
punktierten Wummerwellen tümpelt, gedämpft schnarrend, wieder das Kornett. Doch zu
einem stehenden Orgelton fängt Schindler dann nochmal mit dem Sax zu krähen an,
spotzende, rauschende, holpernde Turbulenzen halten tobend und tuckernd dagegen.
Schindler heult auf der Intensivstation vergeblich. Der Maschinen-NEUS zermahlt und
über-rauscht den alten Adam und groovt in aufgekratzter Kakophonie sein eigenes
Oktoberfest. Ein Münchner Fest fürs Leben? Definitiv für ein anderes Leben.
37Hoppla, beim 80. Salon für Klang+Kunst - am 19.1.
2018 - mischte sich UDO SCHINDLERs Getröte - zumersten Mal! - mit dem Gerumpel und Geklapper eines
Trommlers. Denn aus Augsburg war ERIK ZWANGERIKSSON angereist, ein multimedial/multisensual
aufgestellter Tausendsassa, der dort schon mal den
jungen Brecht übers Knie bricht und bei Cineconcerts
die schiefen Winkel von "Caligari" oder "Menschen am
Sonntag" hörbar macht. Natürlich ist EaZy, wie er sichsalopp nennt, da auch schon in die Lab30/AttenuationCircuit-Machenschaften involviert gewesen - die AvantSpinner im Fuggerstädtchen können sich ja kaum aus
dem Weg gehen: als RX°N, mit Sascha Stadlmeier als
ESZSE, im Duo mit Jan Kiesewetter, seinem Partnerauch im AJE Kollektiv. Der Auftritt in Krailling wurde
Poetry??? Ein Würfelwurf (FMRCD550-0719) getauft,
mit Zwischenüberschriften von Stéphane Mallarmé,
weniger wegen dessen "L’après-midi d’un faune" alswegen "Ein Würfelwurf" und "Igitur" als 'Partituren'
einer 'Wort-Musik'. Über die Seiten verteilte Sätze wie
Es fällt / die Feder / rhythmische Schwebe des Unheils / begraben zu werden / im Wogenschaum derUrzeit / aus dem noch eben ihr Wahnwitz sichaufschwang in schwindelnde Höhe / gebrochen / imstumpfen Gleichmut der Tiefe. Doch wie hingerotzt mit
wie nikotinverschleimtem Kornett, gegurgelt mit Bassklarinette, hinausgeschrien mit Altosax, mit fieberhaftem Mund, begierig nach Bläue. Aber zuallererst
doch quakend, polternd, rappelnd, plärrend, tapsend,
gepresst fiepend. Mit seinem Drall ins Groteske näher
bei König, Kaiser, Kartoffelscheißer Übü und dem
Urmel aus dem Eis der Puppenkiste. Mit Katzensprüngen über Fell und Blech und schrottigem Geschepper, zu schmatzenden Mätzchen, ploppenden
Lauten und kakophon gedehnten. Scharrende Ketten,
verbeulter Blechklang, stöhnendes Euphonium undwieder raue, halb abgewürgte Altoschreie führen zum
Klingklang von Glöckchen, dem Knochengeklapper
der Stöckchen und Bum-Bom der Tomtom in einer Finde-Siècle-Geisterbahn vorbei an den Gerippen von
Baudelaire und Verlaine. Schindler spielt im Verlies
Waldhorn, EaZy dazu den sich in die Büsche schlagenden Hasen, das Euphonium versinkt im Moor - kein
Kasperltheater ohne die Phantasie derer, die 'alle da!'sind. Ein Kabinettstück spaltet das Euphonium in abgründige Bassfrequenzen und heulendes Altissimo,
das nächste zieht Bassklarinettentöne wie Kaugummi
und vertrillert sie, zu tickeligem, blechdeckeligem,
muscheligem Klingklang, der in poltrigem Steinschlag
abgeht. Dafür an die Intelligenz zu appellieren, ist nur
die Leute gefoppt. Allerdings auch keine schlechte
Tarnung dafür, dass einen diese Klang+Kunst bis überbeide Ohren in verspielten Krawall stürzt und die Synapsen Bungeespringen lässt zwischen HochseilarFoto: Nila Thieltistik und kindsköpfischem Spaß.
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Trouble In The East (Berlin)
Unsere sympathischen Trouble-Shooter melden sich zurück mit Matsch und Schnee (TiteRec 009), eine hitzewidrige Vision, die Maike Hilbig & Silke Eberhard aber extra unterstreichen: MATSCH UND SCHNEE. Seit Jahren lassen die beiden Kontrabass und Saxophon umeinanderflocken, denn auch die aus Nürnberg stammende Vorwärts-RückwärtsBassistin mischt seit 2005 in Berlin mit, während ihre Partnerin schon zehn Jahre zuvor
von der Brenz Richtung Prenzlberg aufgebrochen war und mit Potsa Lotsa und I Am Three
groß raus kam. Fit durch 3ell, Peter Schärlis “Peace Now”, Lüdemanns TransEuropeExpress und immer wieder Uwe Oberg oder Nikolaus Neuser, scheut sie selbst nicht den
Clash mit Talibam! Hier aber lockt ein Spaziergang durch verschneite, windgesträubte
Stoppeldünen, einem schnürenden Vogelschwarm mit den Augen folgend. Eberhards
vogelig beschwingter Duktus stiftet auch gleich zu mehr an, als nur als ungefiederter
Zweibeiner durch den Schnee zu stapfen. Egal ob die eine oder die andere den Ton angibt,'Matt' klingt nicht matt und 'Ohne' nicht ganz ohne. Dank beredtem und immer wieder
springendem Pizzicato und jazzigen Kapriolen, die zum Mitpfeifen verführen. Nichts ist
hier nicht melodiös, ja geradezu melodienselig, kein Basston nicht sonor geflockt. Was
melancholisches Feeling und nachdenkliche, bluesige Stimmungen nicht ausschließt. Aber
gerade deswegen: 'Reinkommen' und sich als Mensch fühlen, der chaplinesk das Stöckchen wirbelt, auch wenn der Schuh den Schnabel aufsperrt. Die Jazziness ist dabei ebenso nostalgisch wie modernistisch, als Überzeugung, dass avant bedeutet, Schritt vor
Schritt zu setzen. Selbst das ascherne 'Cremant' ist dazu kein unüberwindbarer Gegensatz. Ein paar schluckauf-ähnliche Sprünge oder da etwas kratzen und krabbeln, dort
etwas schnüffeln, und schon findet sich ein Hintertürchen und Ausweg ('Miniatür'). Der
obere Totpunkt ist immer nur ein Zwischenschritt zum Finden einer offenen Tür, einer
offenen Theorie ('OT3'), für jedes Gramm der Seele findet sich ein Gleis ('21 Gleise'). 'Ichhöre Stimmen' stapft zuletzt dennoch knietief und traurigkeitsgenüsslich im Blues. Wohldem, der solche warmen Stiefel hat.
Man schätzt sich. Maike Hilbig und Johannes Fink spielten bei Chiffchaff zusammen, Fink
und Gerhard Gschlößl in Vierergruppe Gschlößl, Gulf of Berlin, Der Moment, Reich durch
Jazz... Für VORWÄRTS RÜCKWÄRTS suchten sie den seltenen Zusammenklang vonKontrabass, Cello und Posaune und demonstrieren, nach "Vorwärts", nun mit Rewarding
Environment (Tite-Rec 010), dass man sich aufeinander lehnen kann, wenn wenigstens
eine den Kopf hoch hält. Denn Gschlößl schwirrt der Kopf von 'Edward K' Ellington und'Paul H' Brown, Fink ist mit 'Marcel Pagnol' schon halb in der Provence. Daher alle Augen
auf den Bass. Doch Hilbig träumt auch nur, auf einen 'Rest Radi' starrend, vom einstigen
Grand Hotel Terminus in Paris. 'Loslassen', sag ich, abstrahiert euch mal von solch kurzsichtigen Vorstellungen und kümmert euch lieber um die Umwelt. Es lohnt sich. Nein, dochlieber Schubidu? Um die Uhr auf bessere Zeiten zu drehen? Als Fingerschnippen nochgeholfen hat? Etwas scheint da dran zu sein, denn wie Gschlößl da ins Horn stößt und wasdie andern von den Saiten pflücken, macht gute Laune. Also lasst die Bögen flirren undfedern, die Posaune quaken und schmusen. Auch an Blech reißen und Trübsal blasen,
gehört irgendwie dazu. Oder ein Posaunenblues wie in New Orleans und Harlem. Gschlößl
bläst die Backen auf wie einer der großen Alten, der Adenauers Homburg entstaubt, die
Finger purzeln über Saiten, aber es geht doch nichts über die Evidenz einer Melodie mit
Dauerwelle. Auch Hilbigs Finger folgen dieser Logik, obwohl der graduale Duktus nichtganz ohne Wehmut zu haben ist, was ja schon in der Natur der Instrumente liegt. Gute
Bossa Nova geht irgendwann ins Zeitlose über, RIP João Gilberto. Werden da 11/12 oder
7/8 zu Ehren von Django Reinhardt gesägt? Es hinkt, aber swingt und groovt, gespickt mit
so manchem Déjà entendu. Der Rasanz von 'Hilton Paris' folgt ein Stillleben mit wie weggeblasener Tristesse und gepickten Rosinen. Dem Schlabbern und Wahwah der Posaune
und Prickeln der Saiten fügt 'Paul H' eine flotte Linienführung hinzu, der dann leichte Bedenken kommen, die sich aber zerstreuen lassen. Und wie bei 'Loslassen' zuletzt nochmal
die Wellen mit Bossa-Feeling swingen, ach, ist das nicht fast zu schön?
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Umland Records (Essen)

Dass die Umland-ler nicht bloß Kirchturmspolitik im Umfeld von The Dorf betreiben, zeigt
Lisboa & Moiré Studies (umland 22, 7"). Mit einerseits SIMON CAMATTA, der in Lissabon
trommelnd den bekannten Chicago-Mann FRED LONBERG-HOLM mit seinem Cello beackert. Und andererseits FLORIAN WALTER, der mit dem von Weasel Walter gebissenen
CHRIS PITSIOKOS aus New York - wir erinnern uns an die CP Unit mit Tim Dahl - ein
Altosax-Doppel bildet. Quiek, schlürf, gurr, plop, züll, kirr, triller - doch wer ist da wer?
Nach zwei hyperstenografierten Rivalenkampfminuten scheinen sie zum lyrischen Miteinander zu finden. Aber krawallen doch in einem zweiten Anfall von konkurrierender
Spiegelfechtwut nochmal Horn gegen Horn. Um sich plötzlich als zwei Köpfe einer Hydrazu erkennen und dass, wie bei der Jagd nach dem eigenen Schwanz, die ganze Aufregung
umsonst war. FL-H pflügt zuvor eine raue, krumme Furche, in die Camatta mit polterndem,
eisern klapperndem Schlaghagel Drachenzähne sät. Das Cello entzieht sich mit hellem,
melodisch angehauchtem Düsenschweif, Camatta wuselt wie ein Tausendfüßer, der, bildlich gesprochen - aber wann spreche ich denn nicht bildlich? - , die Beine auf den Buckel
nimmt, raketenwurmig hinterher.
Heiner Rennebaum ist Dipl.-Ing. für Ton- und Bildtechnik im R+S Studio in Düsseldorf undlehrt seit 1990 an der dortigen Robert Schumann HfM Gitarrenwizardry. Soviel zum Standbein. Sein Spielbeinradius umfasst das Crossover-Oktett rimaak in den 80ern - er ist Jg.
1956 - , das Nu-Jazz-Projekt bonobo club und "Pianavia" (2015) als Ausdruck wiederentdeckter Langsamkeit und als Einladung auf die stillen Seitenwege von Joe Zawinul undArvo Pärt. 'Pianavia' (ein Dorf in Ligurien und quasi Silent Way auf Italienisch) kehrt nun
ebenso wie 'Mäandertaler' wieder auf Live (umland 23) in einer Version für das HEINERRENNEBAUM DOPPELQUARTETT. Darin hat er ein Streichquartett verschmolzen mit den
Drums von Max Hilpert (Johan Leenders Trio, Cast Glass), Jan Klares Alto- & Sopranosax
und dem Kontrabass von Alex Morsey (The Yellow Snow Crystals und, wie Klare, The Dorf).
Eingestimmt wird man mit 'RFC': feinen Schwebklängen und geduldigen Wiederholungen,soprano- und stöckchenspitzem Funkeln, bassdunklem Grummeln und sanftem Strich.
Noch sanfter und fragiler wird, Kreis um Kreis, 'Mäandertaler' arpeggiert, getatzt undgestreichelt. Erst 'Ifas' flauscht auf mit orientalischem Wind, zeitvergessenem Celloswing.
Das Altosax bringt das Blut zum Tänzeln und hochvirtuoser Fingerstyle lässt die Sinne
singen in einem von klackenden Stöckchen animierten Reigen, mit euphorisiertem Sax und
bitonalem Bassswing. 'Ja Klar' führt träumerisch weiter in Desert-Gefilde, mit entschleunigter Gitarre und saxofonistisch vexierender Lockung vor flimmernden Luftspiegelungender Strings. Rennebaum toppt das mit bluesiger Hexerei zu sonor schnarrendem Bass.
Was steckt in 'Solatitut'? Die Sonne? Solitude? Attitude? Tutanchamun? Saitenklangrosenfingert, einsame Gitarrentöne krümmen sich, zu kreisenden Sekunden singen Morseys Finger pizzicato. Dann hebt Klare, ostinat und angeraut, zu hyperventilieren an undreißt mit zu kollektiv tremolierender Erregung, die über eine Seufzerbrücke groovend ans
Ziel gelangt. Zu guter Letzt setzt Rennebaum über surrendem Halteton und lichtwärts
gekurvtem Glissando die sublimen i-Tüpfelchen auf 'Pıanavıa'.
40

Als SUPER JAZZ SANDWICH weniger gesandwicht als vielmehr verzopft haben sich dernachtaktive Trompeter Flavio Zanuttini, der Drummer Simon Camatta und der Saxer
Florian Walter, der mit Zanuttini Bruits im Quadrat, mit Camatta in Knu! und mit beiden in
Camatta Monk getrötet hat. Plays the Enneagram Vol. 1 (umland 24) zeigt sie im spieleri-konzeptionelle Vorgaben aus freien und gebundenen Stimmen, aleatorischen Zügen, spontaner Wahlmöglichkeit, antithetischen Motiven, dialektischen Dreischritten, mit teils offenem Ausgang. Laissez-faire bei 'The Lazy', mit Kartenspielzügen bei 'The Enthusiast' odermal so, mal so beim indeterministischen 'The Reformer'. Aber los geht's rockig und mit
ostinatem Staccato der Bläser, die sich in ein frei gekrähtes Wechselspiel verstricken.
Gefolgt von einem exzentrischen Monolog mit zweiseitigen Einwürfen, von panischer
Trompete und kollektiv aufgescheuchter Hektik mit durchdrehendem Getrommel. Die
Charakterzüge werden dabei kasperltheatralisch zugespitzt, mit hochgezogenen Knienund plärrendem Muffensausen. Mit zackigem Zickzack, hupender oder trübsinnig kleinlauter Clownerie, hölzern geschwungenem Marionettentanzbein, individuellem Rappel,
synchronem Rapport, abruptem Stop. Nichts könnte lazier klingen als dieses quarrende
Baritonsax, diese Kaugummi kauende Trompete, kaum etwas zerrupfter als das kartenspielerische Stop'n' Go. Ein klezmereskes Tänzchen mit spendabler Melodie ist immer
hilfreich. Der 'Reformer' tastet sich mit zartem Glockenspiel und feurig geflammtem, zu
crashenden Cymbals aber auch gefühlsinnigem Gebläse hin zu Gelassenheit. 'The Vain'
verfängt sich zuletzt in seinem hoppigen R'n'B-Drive in einem Teufelskreis nach dem
andern. Da hilft nur irrwitzig Gas geben, oder die Escape-Taste. Hee-haw!

Wenn ich mir was wünschen dürfte... LUISE VOLKMANN & DIDIER MATRY haben 7 Wünsche(umland 25). Die Saxophonistin, nach drei Pariser Jahren ab und zu wieder in Köln, hatsich profiliert mit dem Pariser Quartett Lavanda, ihrem Ensemble Été Large und dem daraus ausgekoppelten Trio Autochrom. Auch ihr ungewöhnliches Spiel mit Matry ist ein Pariser Ding, denn Matry ist dort Organist an der Église Saint-Augustin, als eklektizistisches
Produkt der Jahre 1860-71 neben La Madeleine die andere Kirche im 8. Arrondissement(dem mit dem Arc de Triomphe, und wo Nestor Burmas "Corrida auf den Champs-Élysées"spielt). Wir erfahren zwar nicht so ganz, was Volkmann als Erstes ihrem Vater wünscht,
aber annähernd, was sie sich selber ersehnt: die 'Materielle Existenz' sichern, 'An Blumen
riechen', 'Stehen bleiben und schauen', das 'Lächeln von Fremden auf der Straße', 'Égalité'
und 'Mehr Tanzen'. Keine unfrommen Wünsche, speziell die Gleichheit hatte ja mal
christliche Wurzeln. Matry und Volkmann, die, neben zwei Improvisationen, die klanglichen
Vorstellungen entwarf, meditieren darüber in einem Messiaen'esken Chiaroscuro der wie
träumenden Orgel. Das Altosaxophon stößt dazu lange Haltetöne durch das Kirchenschiff
bis an den Wunschhorizont. Volkmann brütet helle Töne aus, die sie zuschleift bis zur
Transparenz. Die Orgel schwallt dazu mit dunklem Bassschub und quallend gezogenen
Registern. Mit einer Spannweite bis zu Glasklängen mit den kleinen Fingern, in denen sich
die Zerbrechlichkeit des Wünschens ausdrückt, bedrängt von wuchtig aufbegehrenden
pompösen Clustern. Volkmann bläst Matrys quarrendem Wühlen ploppende und flatternde
Laute entgegen, von de profundis bis zu höchsten Tönen kirrend. Als wollte sie die Orgelwogen festnageln, deren Eigenmächtigkeit zu ihren Gunsten lenken. Doch immer wieder
entziehen die sich ins Vage und Dunkle, in luziferischen Eigensinn oder ein Heimweh nachdem Traurigsein.
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WhyPlayJazz (Berlin/Schönefeld)

PHILIPP GROPPER'S PHILM ist so was wie das Flaggschiff von WhyPlayJazz. Nach "Licht"(2012), "The Madman of Naranam" (2015), "Sun Ship" (2017) und "Live at Bimhuis" (2018)
nun mit Consequences (WPJ046, CD/LP). Gropper (Saxofon/Komposition), Elias Stemeseder (Piano/Synthesizer), Robert Landfermann (Bass) und Oliver Steidle (Schlagzeug)
drohen, nein, sie kündigen nur die Konsequenzen an, die sich von alleine einstellen, wenn
wir Nutznießer der Globalisierung nicht zu Besinnung kommen. '32 Cents' ist gepflastert
mit Stolpersteinen, Schlaglöchern, heulendem Elend, spitzen Tönen, krummen Takten.
Wer bei 'Are You Privileged?' den Kopf schüttelt, obwohl er Klamotten und Sneakers trägt,
für die die Stundenlöhne im Cent-Bereich liegen, obwohl er billig in Urlaub fliegt und seine
Mülltonnen überquellen, der ist bei 'Consequences' taub für Groppers alarmierte Stöße,
Steidles ostinates Pochen und Knattern, das beharrliche Rufen, dumpfe Plonken, betrübte
Tremolieren, monotone Klopfen, die gestreuten Perlen. Kein Wunder, dass 'Saturn' überunsern Häuptern die Sichel wetzt. Stemeseder orgelt dazu schiefe Töne, Landfermann
murmelt pizzicato, Gropper beben die Lippen. Steidle klickt einen Leere-Flaschen-Groove
und klappert wie ein galaktischer Schrotthaufen, Gropper pfeift und trillert, Stemesederklimpert sternhagelvoll mit der Rechten, dröhnt mit der Linken. Doch auch wenn Gropper
noch so zickzackt, der Tenor bleibt melancholisch. Das zeigt 'Forgiving': Zwar flockig undsanglich bewegt, temporeich und beredt bis in die Bass- und Keysfinger und flirrenden
Stöckchen. Doch auch mit angegriffener Saxstimme, die im euphorischen Hoch schon
wieder panisch und beklemmt klingt. Kein Wunder, dass der anfangs betrübte Duktus sichauch zum Ende hin nur noch schleppt. Dabei brennt es auf den Nägeln. 'Thinking of the
Future' brandet daher auch nochmal stürmisch fiebernd gegen die Bollwerke des Immerso-weiter. Nicht ohne Zweifel an simplen oder gordischen Lösungen, aber alarmiert undmotiviert genug, um dem engagierten, unermüdlich gegen Hindernisse stoßenden Impetus
seine sägende, aufschrillende Dringlichkeit zu verleihen.
ZWITSCHERMASCHINE - nicht zu verwechseln mit den einstigen Art-Punks zu DDR-Zeiten- ist eine mit Vincent Bababoutilabo, Paul Berberich, Adrian Kleinlosen, Florian Lauer,
Andris Meinig, Joachim Wespel und Mark Weschenfelder bemannte, mit zwei Flöten, Altosax & Klarinette, Posaune, Gitarre, Kontrabass und Schlagzeug bestückte Formation in
Dresden, die Letzterer, durch Peuker8 oder als Glotze (mit Philipp Scholz) kein Unbekannter, mit dem Spirit von Paul Klee die Schnäbel wetzen lässt. Systems for Us (WPJ047) zeigt
als ihr Debut, dessen Titel mit Earle Brown jongliert und auf dem sie mit 'Hocket' was vonMonk anstimmen, der Meredith, wohlgemerkt, eine Sophistication, die Töne nach dem
Morsealphabet strukturiert und der Steve Lehman näher liegt als alle Lehman Brothers.
Selbst bei 'The Dax'. Ob sie kollektiv dahinkra-wallen, dröhnend den Ball flach halten, ob
die Posaune wie ein Alphorn von der Höh erschallt, die Flöten zwitschernd den Drive anstacheln oder ob Monks Schluckauf neutönerisch auch noch um Louis Andriessen rumzuckt, die Antwort auf "Why play Jazz?" lautet unisono: That's why!
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Verantwortlich für die 20 Miniaturen von Cadenza (WPJ048) zeichnet PLOT, in der bairischen
Gestalt von Sebastian Wehle (Saxophon) und der sächsischen von Robert Lucaciu (Kontrabass) und Philipp Scholz (Drums). Die sind miteinander vertraut durch ihr Studium an der
HfM Leipzig, durch Castravez und als 3/4 von Das Blaue Pony. Gegen eine Romantik aus
deutschen Dunkelkammern oder ein Waldhorn aus dunklem Tann sprechen die französischen Titel 'la fille', 'planifie passé', 'île perdue' und 'mémoires' und der Esprit, mit dem
Scholz mit Xylophon und Glockenspiel feine Nuancen anbringt. Gegen eine Zeitgenossenschaft mit Ravel, Fauré oder Proust sprechen ein tonloses Pusten oder das kontrabassistische Knarzen und Schillern. Gegen das Eine wie das Andere spricht eine in energischem
Kontrast intervenierende jazzige Verve, die alles Passé und Perdue, alle mit dem Bogen gestrichene Basstristesse und Wehles versunkenes Brüten über den Haufen bläst, aber dabeiöfters mal kreiselnd den eigenen Schwanz jagt.
Eine Ausgeburt von Zettels Traum? Das BOTTOM ORCHESTRA verwebt mit Baseler und
Berliner Kräften jedenfalls Songs of Work (WPJ050). Kaspar von Grünigen, der mit Marco
von Orelli und im Augur Ensemble bewährte Kontrabassist, hatte die Idee dazu, womöglichermutigt durch Uli Kempendorffs Kampfliederquartett. Der Berliner Saxophonist ist nämlich
einer der Bottoms, neben Lukas Briggen (tb), Miguel Ángel García Martín (perc), Gregor
Hilbe (dr), Almut Kühne (voc), Silvan Schmid (tp), Manuel Troller (g), Benjamin Weidekamp(reeds) und Philip Zoubek (p, synth). KvG erinnert in einer Zeit, in der eine verwöhnte Clique
beim 'Businesslunch' das 'Mantra des Neoliberalismus' vertieft, während anderen 'Die
Kündigung' droht, in der es scheinbar Arbeiter ebenso wenig mehr gibt wie Maikäfer, an ein
Selbstbewusstsein und einen Kampfgeist, der bei den Wutbürgern gar nicht gut aufgehoben
ist und auch bei den Gelbwesten Wünsche offen lässt. Vom 'Prolog mit Tiger', den Kühne
reitet, bis zum 'Epilog mit Bass' und 'Die Lärmalternative' als neuer Empfehlung entspinnt
sich ein Konzeptalbum. Im Spirit - nicht im Klang - verwandt mit "Rags", mit ›Arbeit‹ und ›Das
Kapital‹, gereiht aus 'prekärer Jazzmusik' und neutönerischen Kunstliedern von modernistisch-theatralischem Zuschnitt. Mit bruitistischem Galgenhumor, Kühnes spitzer Zunge,
antibürokratischem Spott, hochprozentigem Engagement (als Mix aus Gebhard Ullmann undMoritz Eggert), knarrigem Rezitativ, Parolen aus der Flüstertüte, ostinat tutender Hymnik.
Das 'Mantra' lautet: Reiß dich zusammen, um das Wachstum weiter zu düngen und denen,
die früher Ausbeuter hießen, heute Arbeitgeber & Wohltäter genannt werden und die hierals Aasgeier krächzen, selbst im Schlaf noch zu dienen. Wenn das nicht ätzt, was dann?
Wieso vergötzt man in kapitalistischer Monomanie Milliardäre und huldigt Landplagen wie
Amazon, Google, Bayer, Nestlé, Audi...? Höchste Zeit, dass KvG's 'Lärmalternative' wieder
ein Lied davon singt, dass es anderes zu würdigen gilt als die 'Arbeit' des Kapitals, dashinter allem schönen neuen Schein ein Menschenfresser geblieben ist.
Wie Max Andrzejewski da mit Abacaxi rumholperte, war das eines der Highlights heuer inMoers. Doch hat er mit Polypore, Pranke und Light Tied ja noch einiges mehr am Köcheln.
Mittendrin ist ANDRZEJEWSKI'S HÜTTE Play the Music of Robert Wyatt (WPJ052) aber dochein besonderes Gebräu. Neben Tobias Hoffmann (g), seinem Buddy auch bei Expressway
Sketches, Andreas Lang (b) und Johannes Schleiermacher (sax, fl, synth) macht Jörg Hochapfel (org, g) die Hütte noch etwas voller. Doch ist der Witz bei Wyatt, weit mehr noch als die
kapriziöse Musik, nicht sein Gesang? Der Max hat sich dafür Cansu Tanrıkulu angelacht. Fürdas Oh My wife is sour and sweet von 'The Duchess' (von "Shleep"), das schmachtende Du
von 'You You' (von "Comicopera"), das Reifen fetzende Yes me and the hedgehog We bursting
the tyres all day von 'Little Red Riding Hood Hits the Road' (von "Rock Bottom"), das cuckoobaby-bluesige 'Cuckoo Madame' (von "Cuckooland"), das I’ll hit your head with a nail beim
synthiebezwitscherten Wechselgesang von 'Grass' (von der Split-7" mit Disharni), dasgitarrenbekifft verdrehorgelte 'N.I.O' (von "Dondestan"), das ohne Worte enthusiasmierte'Instant Kitten' (von "Matching Mole") und im Gegenzug das melancholische 'Starting in the
Middle of the Day We Can Drink Our Politics Away' (von "Little Red Record"). Brexit auf ex!
Katzenjammer inklusive. Wobei 'Roberta' Tanrıkulu Robert Wyatts Chorknabentimbre auf
ihrer Mezzozunge so launig karamelisiert, dass es zum synthie-vertrillerten, canterburyesk
verorgelt- und beflöteten, gitarrenstruppigen und saxberauschten Bitchin' 'n' Brewin' derMusik genug eigenen Reiz entfaltet.
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Wide Ear Records (Zug)Als der pikante Part einer Schweizer Dyade mit MICHAEL WINTSCH begegnet mir bei
Hipparchus (WER038) BENOÎT PICCAND, der an der HfK Bern Audiotechnik lehrt, erstmals im Vordergrund. Bei seiner nahezu 30-jährigen Berufserfahrung als Tontechniker ist
sein Name aber oft genug im Kleingedruckten zu finden gewesen. Daneben zog es ihn
schon auch auf die Bühne, als Gitarrist bei Giancarlo Nicolai und in seinem langjährigenBenoît Piccand Project. Wie sich das beim Zapperlot-Festival 2014 darbot mit Morgan
Agren (Drums), Maurice Könz (Voice & Electronics), Wintsch an Keys und Piccand an
Warr-Guitar & Fx, gehört es zur Freakshow-Champions-League. Hier spielen sie zu zweit
ein Cyberklavier aus Piano und Live Electronics, mit Edgard Vareses Vorstellung einer'Music of Tomorrow' als Ansporn. Ein altgriechischer Sterngucker und Trigonometer des2. Jhds. BC als Namensgeber, das spricht für eine Wertschätzung von Köpfen, die Himmel
und Erde wissenschaftlich vermaßen und vernetzten und damit Europa eine andere Grundlage schufen als Aberglaube, Hysterie, Dogmatik und Phobie. Wintsch, das W in WHO (mit
Hemingway & Oester) und in WWW (mit Weber & Wolfarth), hat schon allein die Vorstellung
von einem "Metapiano" (2011) verklanglicht. Nach seiner alpinen Fotokunst dafür und ähnlich auch für "Innlaandds", lässt er einen auf "Hipparchus" so etwas wie das Auge eines
schlafenden Drachen erblicken. Um gleich mal, mit einem Pulsschlag bis zum Hals, dessen
Schuppen zu zählen. In einer drangvoll erregten Vision, nichts als monotone Repetitionen
und raptorische Krallen. Gefolgt von 'Zoindeu deu', hintergründiger rumorend, perkussiv,
mit verzerrtem Klingklang, helldunkler Gestik, wühlenden Schüben, ratschender,
pingender und auch wieder monoton-repetitiver Metapianistik. 'Klounes' tastet undmurmelt bassdunkel und in melancholisch gedämpfter Melodik, fasst aber, dröhnend umschweift und mit pumpendem Beat, Tritt und stürmt treppauf. 'Vounepou' steht unter brausendem Elektronikbeschuss, der Löcher reißt, Wintsch ratscht im Innenklavier und strebt
auf Tonleitern von Pianissimo zu schrillem Funkeln. 'Védonkpa' schüttelt vor orchestralverschwommenem Hintergrund kaleidoskopische Kapriolen aus kristallinen Splittern.
'Ferla' galoppiert und ratscht, dunkel quellend, durchkreuzt von quecksilbrigen Diagonalen. Und 'Fer' hakt und hinkt zuletzt nochmal repetitiv, dumpf und abrupt, mit dröhnendem
Nachhall. Was für ein Ausbund meta- und cyberlogischer Sonic F(r)iction.
"Stranger Than Friction" von Straccia Mutande wäre jetzt eine perfekte Brücke zu LOUISSCHILD, der da E-Bass spielt. Aber auch bei Leon, anfangs im Bass-Doppel mit Raphaël
Ortis, bei "KTT" im Bass-Triple mit Kasper T. Toeplitz, bei "Raptus" dann komplett undhardcore mit Antoine Läng & David Meier und, aktuell, mit dem ensemBle baBel und"Babelon". Daneben gibt es Schild auch solo, im Bass-Duo mit Maxime Petit oder im Trio
mit Demierre und Lovens (mit dem er auch schon bei Spin spielte). La Louve (WER041)
zeigt ihn im reizvollen Tête-à-Tête mit der Pariser Saxophonistin CHRISTINE ABDELNOUR,
bekannt auch als Sehnaoui und als bruitophile Spielgefährtin von etwa Andy Moor, Magda
Mayas, Chris Corsano, Tony Buck, Agnes Hvizdalek... Auch mit Schild stehen beiderseits
die noisigen Möglichkeiten ihrer Instrumente im Fokus, auch wenn sie sie dafür gegen den
Strich blasen und betatschen müssen. Aber was heißt müssen, sie lieben es so. Sie liebt es
zu fauchen, von tonlos über schäbig fiepend bis zu windschief und giftig flötend. Und
Schild rührt und krabbelt dazu tüchtig an den Saiten. Lyrisch verhalten oder zu luftigen
Stupsern dunkel und wolkig. Aber schon bin ich am schwimmen - wer klopft, wer knispelt
da? Sie kippelt zwischen schrillen Trillern, rauem Unken, bläst kleinlaute Töne wie vonSilberpapier. Er ist in dunkler, weiterhin gedämpft tätschelnder Wallung. Zu monotonen
Tupfern und mundgeblasener Dauertönung öffnet sie krähend den Schnabel. Aber, alte Indianerweisheit, möglichst leise umschleicht man Bisonscheiße. Pianissimo also, höchstens
ein bisschen pfeifen durch den hohlen Zahn, zu reibendem und klopfendem Gemunkel ein
rostiges Gurren oder impulsives Girren. Konsequent skurril, methodisch kakophon. Sie bis
zuletzt Josefine, mit mausigem Gemurmel am abgekauten Mundstück, er in unermüdlichem Fingerbeerengalopp über spannende Brailleschriftzeilen.
44... nowjazz plink'n'plonk ...
SATOKO FUJII - RAMON LOPEZ Confluence (Libra Records 202-057): Die hochgeschätzte
Pianistin in Kobe hat mittlerweile eine Sendefrequenz wie Ivo Perelman, mit freilich noch vielmehr Facetten, von Orchestern bis zuletzt mit "Stone" wieder einem Solo. Die Bekanntschaft
mit dem spanischen Drummer machte sie in Berlin, wo sie López mit Agusti Fernandez &Barry Guy spielen hörte. Nachdem ihr erstes Miteinander unveröffentlicht blieb, machten sie
am 12.12.2018 im Brooklyner Samurai Hotel Recording Studio einen neuen Versuch, bei
dem neben zwei Entwürfen von Fujii sechs freie Duette entstanden, die nun mit "Toh-Kichi"(2002) und "Erans" (2003) kontrastieren, Fujiis letztem Zusammenklang nur mit einem Drummer, nämlich Tatsuya Yoshida (denn ihr Konzert mit Tom Rainey 2013 im 'Stone' ist nichtüberliefert). Man muss Fujii weder mit dieser Vergangenheit konfrontieren noch mit Paul
Bleys Spiel mit Paul Motian vergleichen. Denn was hier so sublim erklingt, ist wohl weniger
eine Frage der Reife, als der ganz spezifischen Chemie mit López, den ich als Aurorafalter
unter den Drummern nicht anders als mit Butterfingern kenne. Er ummalt die tagträumerischen Noten von 'Asatsuyu' mit Besenstrichen und fragil klappernden und tickelnden
Schlägen, während Fujii die Spannweite des Flügels auskostet. Mit Brushes und rascheliger
Finesse kehrt er, bevor Fujii über 'Road Salt' tänzelt, jedes Salzkörnchen, um sie über die
Cymbals zu streuen und sein dunkles Tamtam zu würzen zu einem rasanten BamBamBam.
Noch rasanter kapriolen und wooshen die Finger bei 'Run!' und Fujii hämmert massenweise
Ausrufezeichen in ihre Arpeggiosturzflut. Ob holziges Tocken, drahtiges Ratschen und
kristalline Tropfen (bei 'Winter Sky') oder sinnende Töne zu tockelnden Rolls undblechernem Scheppern (bei 'Three Days Later'), ob zögerliche und sanfte Noten zu feinüberstreuten Becken (bei 'Tick Down') oder dröhnende und wummrige Klänge zu zirpenden
und scharrenden (bei 'Quiet Shadow'), für die Konfluenz, mit der die beiden da ins Blaue
hinein tagträumen, zeigt sich Fujii von ihrer empfindsamsten und lyrischsten Seite.
HYPERTIDE OVER KIRIBATI (Not Applicable, NOT04): Foetus over Frisco? Nein, es sind die
steigenden Wasser der globalen Erwärmung, die in nicht so ferner Zukunft die Republik
Kiribati zu überfluten drohen. Die sich darum sorgen, sind Lothar Ohlmeier - Bassklarinette,
Rudi Fischerlehner (von Xenofox, Gorilla Mask, La Tourette...) - Drums und Isambard
Khroustaliov - Modularsynthie & Computer, uns geläufig mit Fischerlehner in Fiium Shaarrk,
weniger mit Icarus oder mit Ohlmeier. Wie der sich vor mir versteckt halten konnte, obwohl
er in Dalgoo mit Tobias Klein (von Spinifex) gespielt hat, mit Sophie Tassignon oder im Julie
Sassoon Quartet mit Fischerlehner, ein Rätsel. So also kommt er mir zu Ohren gleich mit 'A
simulation of god as a hypermassive security construct at the end of the world' (was ja 'Time
Considered as a Helix of Semi-Precious Stones' noch übertrifft), 'Speed-rush cut-up shamanicmeatdelirium', 'Omni-lobster robotics' und 'F-wake'. Dabei taugt der Virtual-Reality-Pionier Jaron Lanier dem Trio als - umstrittener - Kritiker der Open-Source-Bewegung, der Umsonst-Mentalität und eines digitalen Konformismus, der zu digitaler Barbarei auszuarten
droht. Ihr 'wilder Optimismus' hinsichtlich neuer Technologien der Klangkreation bis hin zur
Ko-Evolution und Symbiose von Mensch und Maschine korrespondiert zudem implizit mit
Laniers 'post-symbolischer Kommunikation'. Klang nicht der Sprache oder Mathematik verwandt, sondern dem Farbenspiel der Oktopoden. Als mundgeblasenes Quallen, Quarren,
Trillern, als rhythmische Tentakelei, zischendes Beben, metallisches Staksen, Flirren undFedern, als R2-D2-eskes Glasperlenspiel, quecksilbrig, in wummernden Schüben oder fluoreszenten Mustern. Durchaus noch mit der Trübsal des alten Adam, doch auch dessen
Aberglauben an Regenbogen. Postlogische und pochende Taktilität hyperagiert mit dunklem
Tuten und Gurren zu morphender Isambardistik bis zu tonlosem Pusten und Flimmern.
Nuckelige und krähende Kürzel werden durchstoßen von rappelig geklopften, muscheligen
und elektroimpulsiv flötenden oder brummenden. Zuletzt fallen federnde Schläge zu bitonaler Automatik und letzten Klarinettenrufen. Weckrufe für oder gegen den extropianistischen
Sog in die Technotranszendenz? Oder Wake, Totenwache und Unkenrufe der prometheischVerschämten? Dietmar Dath, übernehmen sie.
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ALFRED HARTH'S REVOLVER 23 Kirschblüten mit
verstecktem Sprengstoff (Moloko+, PLUS 106):
Moloko-isiert zwischen "Muspilli Rökrökr Mashup"(dem Rückgriff der Papenfuß-Jestram-Joswig-Lippok-Blase auf "Muspilli Spezial - 9 Versionen desWeltuntergangs") und "Gezieferreigen" (wo »Blauholz« von Ditterich von Euler-Donnersperg auf»Triebstruktur und Gesellschaft« von 'Henry' Marcuse trifft), müssen sich A23H & Co. mit ihren explosiven Kirschblüten auf die Hinterfüße stellen.
Und tun das auch. Als Klangereignis beim Jazz inAutum Festival im Oktober 2018 im Moskauer 'Dom'.
Mit Alfred Harth an Reeds, Stimme & Posaune (conarco?), an der Gitarre Nicola L. Hein (als Honigpumper unter 7000 Eichen wie gesucht und gefunden per 7k Oaks-Detektor), Marcel Daemgen (Harths
Partner schon bei Imperial Hoot) als Arbeiter mit
künstlicher Intelligenz und Jörg Fischer (der sichbei Daemgen & Harth bereits bei "Confucius Tarif
Reduit" eingehenkelt hatte) an den Drums. Dazu
mit einem Überbau aus Hegels "Vorlesungen überdie Ästhetik" (Das Kunstwerk... als für den Sinn
des Menschen... dem Sinnlichen entnommen) sowie Harths Covergrafik - mit einem (Sternzeichen)Schützen im periodischen Suizidance, der mit der 23 als im Herzen verstecktem Sprengstoff den Revolver in einen Lover umdreht, zudem nicht wehrlos dank Amors Pfeilen. Als
ein Ritter der Revolte und des Lustprinzips, eigentlich ganz in Marcuses Sinn, der ästhetische Erfahrung verficht und die 'Vollkommenheit nachhaltig nährender Erlebnisse' als
Modell einer von repressiven Strukturen befreiten Welterfahrung. Frankfurter Schule? Burroughs'sche Shotgun Art? Mit der Verve von Kamikazefliegern losbrausend, als selbstmordattentäterischer Schauer von Kirschblüten, ergießt sich wilder Free Electric Jazz, undHarth schreisingt dazu koreanische Parolen. Doch dann wird dieser furiose Abwehrzaubergegen die wieder über Korea kreisenden japanischen Vampire abgefangen und elegischumgekehrt in gedämpfte, fast stumme Klage. Mit Schweb- und Dröhnklängen nun, die tatsächlich nur noch blühen und fallen. Harth singt dazu Freedom, zieht aber mit quäkiger
Taepyeongso und rauem Tenorsax das Tempo wieder an. Aufgelöst in Luft, folgt dem ein
stupendes Bassklarinettenkunststück - da kann nicht mal Rudi Mahall dem Harth was vormachen - zu pochenden Pixeln und unkendem Quarren, das die 'Ōka', die KirschblütenBomber (die von den Amis 'Baka' = Idiot genannt wurden), entmaterialisiert zum 'SuiziDance'. Als fröhliche Wissenschaft, die, tanzend, dem Todestrieb spottet und dem Realitätsprinzip eine Nase dreht. Hein wie verrückt tremolierend und fetzend, Harth an Posaune
und wieder krähenden, röhrenden Reeds spielen stürmische Lover, zeigen sich aber auch,plörrend, rossig schnaubend, bruitistisch und mit allerhand Klimbim, als rasante Geisterfahrer, vertraut mit 'Halbapolitische(n) Strategien alter Provokationsschule'. Harth grillt als
Elementargeist Frösche auf Eis - Hahaha. Hein steckt Daemgen mit einer Lyrik ohne
Bodenhaftung an, ist selber aber schon wieder kakophon zugange, wäre jetzt nicht ein unerwarteter Groove angesagt, mit posaunistischen Narrenkappenzipfeln. Weißt Du, ich bin
gleicher als Du. Mit nochmal vor den göttlichen Winden die Nase zukneifendem Reedgequäke und noisigen Schlieren. Windschief, aber von sublimer altmeisterlicher Schönheit,
altissimo und guttural in nur einem Atemzug, auf weichen Dunkelwolken, und selbst
Freund Hein zeigt sich dem blühenden Leben zugeneigt, das als Marcuses 'Skandal derqualitativen Differenz' aus den Lücken im Unfreien sprießt. Voilà: Negation der Negation(Hegel) + der Mensch ist nur da ganz Mensch, wo er spielt (Schiller) + travail attractif(Fourier) + die negierende Kraft der Kunst (Marcuse). Letztere schließt ein, auf sich selberzu schießen, als die gute dialektische Praxis, aus Revolvern Kirschblüten abzufeuern.
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JAZ, DREVO Cycles and Lullabies (Palomar Records 56): Auch wenn mich Post aus
Ljubljana überrascht, macht es doch schnell Klick: Maier - Kontrabass - Triest. Wobei
Giovanni Maier auf einem Trip nach Kranj (wo Maja Osojnik und Kaja Draksler herstammen) Cello spielt. Den Kontrabass spielt nämlich mit Boris Janje ein Kroate, der inder slowenischen Hauptstadt agiert. Von dort kommt auch der Tenorsaxer Cene
Resnik, ein feuersalamandrischer Poet, der mit Maier bei "Joyful Spontaneity" (2012) &"From the Sky" (2014) und auch im Trio Watch For Dogs verbunden ist, der mit Giorgio
Pacorig, Gabriele Cancelli und Stefano Giust im maifeiertäglich aufgekratzten
Mahakaruna Quartet ganz italienisch verbandelt flöten und steinerweichend tröten
geht und dessen Free Stellar Trio sich schon Rob Mazurek anschloss. Geraten bei
Mahakaruna Arbeiterlieder anarchistisch ins Schwanken, bringt das drummerlose
Kammer-Trio hier eine 'Microtonal Serenade' und strebt sehnsüchtig einem fernen
Horizont zu ('Driving far away'). Sonore Striche mischen sich mit solchen, die rau undknurrig, scharf und spitz an Fesseln sägen. Auch Resniks Lyrismen mühen sich mit
Rost und Trägheit ab, um freier zu schwärmen, frei zu sprudeln. Doch nicht jeder ist ein
Taubenschwänzchen [sfinge del galio], das über die Alpen schwirrt, es gibt auch
Hummeln, mit kleinerem Radius, und auch darin blaue Blumen. Die Streicher brummeln, Resnik kostet Höhenluft mit zartbitterem Beigeschmack. Auch mit bohrendem
Nachdruck. 'Medium Euphoria' entsteht mit abrupt gekratzten, schrillen und sprunghaften Kürzeln, mit singenden Wellen und rotzigen Stößen, mit surrenden und zirpigen
Lauten. Euphorie? In Slowenien geben sie sich europaüberdrüssig, in Italien begeistern sie sich für faschistoide Maulhelden. Kein Wunder, dass die drei melancholisch Däumchen drehen und darauf vertrauen, dass wir ohne schwache Wechselwirkung nicht auskommen. Wobei sie vor Ungeduld schon mal heiß laufen über die
schwache Resonanz ('Weak Response') auf all das Schöne, von dem Resnik der Mundso zärtlich übergeht im Auskosten eines Vorgeschmacks. Bei 'Strange Lullaby' ist dannjeder Kleinmut bohrend und sägend überwunden für ein Lied, das behutsam Lebensgeist in die Wiegen legt.
JASON KAHN Lining Out (Hiddenbell Records 011, LP): Kahn? Ein dröhnminimalistischer, perkussiver, aber auch elektronischer Mikrotöner in Zürich, meist solo, oder ingleichgesinnter Gesellschaft wie zuletzt mit Belorukov, García & Loriot bei "Ivanskrue".
Wären da nicht "Songline" & "For Voice" (2015) oder "Voices" (2016) & "None Of Us"(2018), Ersteres für (seine!) Stimme allein, Letzteres für Männer- & Frauenstimme acapella. Dazu "Percussion / Voice" mit Christian Wolfarth an Cymbals & Snare Drum,"Im Berner Münster" mit Stimme und Axel Dörners Trompete oder "Circle" für Voice &Guitar. Und damit ein Jason Kahn, der, singend (heulend, jammernd, anrufend), in eineunvermutete Nähe zu Keiji Haino rückt. Unter Berufung auf die nicht sehr himmlische
Manier, wie man in gälischen Freikirchen vor der schottischen Küste Psalmen singt. An
intricate lacework of melismatic prayer, in homöopathischer Verdünnung durchwirkt
mit Mönchsgesängen aus buddhistischen Tempeln und mit Muezzinrufen. Im knienden
Flug auf einem Jürgen-Ploog'schen Wortteppich, der mit jedem Blinzeln über tausende
Flugmeilen teleportiert, von Appenzell nach Kyoto, von Kairo über Sibirien an den
Coca-Cola-Strand von Zuma Beach. Von Cut (von 1997 bis 2008 Kahns eigenes Forum)zu Cut-up? Mit Kahn als Autor von "In Place" (2015), "Space Text Sound" (2017) und
hier auch merkwürdiger Linernote-Poesie. Und als stöhnend vokalisierender, prälogischer 'Schamane' inmitten eines vollen Drumsets, in dessen rumpeligem, pumperndem Rumor er metallisch blitzende oder kollernde Akzente setzt, scheppernd, mit
blechernem Graffiti, glockigem Klingklang. Zu röchelnden Kehllauten, knörend monotonem Oo und Aa, mit lang gezogenem Aufschrei zu rollendem Wummern undtremolierendem Becken. Dann auch gedämpft, halb erstickt, zu rascheligem Klirren.
Und wieder aufflackernd und polternd. Ebenso mutig und urtümlich adaptiert er auf
der B-Seite archaisch-rituelle und magische Techniken. Um durch die Wahl der Mittel
seinen inneren Drang nach Expression und Katharsis aufzuladen mit..., ja was?
Auratischem Überschuss, heilsamem Schrecken?
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HANS KOCH / JACQUES DEMIERRE incunabulum (Herbal Concrete Disc 1901): Mich laust derAffe. Da legen einen die beiden Schweizer im Bieler 'Le Singe' in Windeln (so Incunabulawörtlich) in die Wiege des Buchdrucks. Und zugleich mit Zitaten von David Antin (1932-2016)
ins Seniorenheim der Avantgarde. Antin hat sich seinen Namen gemacht mit 'Readymade'Poems und mit improvisierten 'Talk-Pieces', wo er, ähnlich den Vorlesungen von Wittgensteinund entsprechend Kleists "allmähliger Verfertigung der Gedanken beim Reden", bei "Tuning"über ein anderes Verständnis von Verstehen nachdachte oder über die Frage "What It Means to
Be Avant-Garde". Koch & Demierre pickten aus "i never knew what time it was" lauter Sätze,die mit 'but' beginnen. Und verfertigen dazu, der eine mit plörrenden und gegen den Strich
geblasenen Reeds, der andere die Keys von Spinett & Piano traktierend, Streams of Sound.
Antin gibt dazu passende Stichworte: no words... this game of... i didnt know if i could do this...
racing madly... all kind of new. Oder, schon im Rückblick: things were going pretty smoothly.
Dem 'madly' des Einstiegs folgen einzelne Pianotöne, die Demierre ganz bedächtig zu zögerlichund seufzend geköchelten Klängen setzt. Doch wie findet er zu nadelspitzen Lauten undKäuzchenrufen so seltsam klirrende Hackbrettklänge? Er flirrt und rauscht wie ein durchgedrehtes Playerpiano zu schniefenden und pustigen Geräuschen oder scharrt, prickelt undharft zu gezüllten und gezischten Lauten. Dem Hexenwerk widersprechen jedoch ganzmelancholische, dunkel angehauchte Tropfen, die sich eine Tonleiter erträumen. Gefolgt vonsägenden, grollenden, schnaubenden Lauten, mit mir kaum erklärlichem Keysklang (Keyslang).
Zuletzt blitzt und ratscht Demierre perkussive, metalloid-dissonante Schläge ins Innenklavier,zu denen Koch abrupte Kürzel ploppt, saugt oder flatterzüngelt. Was für bizarre Wunderkammermusik! Toto, ich hab das Gefühl, das ist keine Avantgarde mehr.
HANS LÜDEMANN TRANSEUROPEEXPRESS Polyjazz (Budapest Music Center Records, BMC
CD 246): Mit Nana Mitte der 80er, mit RISM und Blaufrontal in die 90er hinein, seit 20 Jahren
mit Aly Keita im Trio Ivoire, mit Dirk Raulf hat er Brotwalzer getanzt, mit Rooms Blaue Kreisegedreht und dazu auch noch mit Chiffre, Eisler's Exil und Nu Rism die Kunst des Triosdurchdekliniert - wie konnte ich dem Hamburger Pianisten in Köln eigentlich aus dem Weg
gehen? In seinen dt.-frz. T.E.E. zugestiegen sind Théo Ceccaldi mit seiner Freaks- und Velvet
Revolution-Geige, die Rohrblattsängerinnen Silke Eberhard & Alexandra Grimal, Kalle Kalima
mit seiner zuletzt bei Z-Country Paradise und The Killing Popes gehörten Gitarre, mit Yves
Robert der frz. Posaunist und dazu die Rhythmsection von Rooms, der kahle Kontrabassist
Sébastien Boisseau und der Drummer Dejan Terzić, der mir mit dem aus Melancholie undParanoia gebildeten Portmanteau Melanoia mein unschlagbares Kennwort gestohlen hat.
Gezogen von einer goldenen Lok, bummeln sie flott dahin, swingend und plingend, wie eine deralten Bigbands, doch viel verzupfter. Prompt folgt ein elegischer Kontrast, mit von Mund zu
Mund, von Hand zu Hand springender Wehmut, von Terzić mit Besen bescharrt, der Bass in derungarischen Tiefebene versumpft. Ein Klimper-Fiedel-Drehwürmchen zieht mit Wiederholungsund Kreiselzwang in seinen Bann, in einen Traum und tiefer noch in einen 'Traum im Traum'.
Vom Tirili einer Schilfrohrsängerin gelockt, von Violine und Piano tremolierend gedrängt undsinnverwirrend ge- und verschaukelt. 'Crum' fängt pathetisch mit Bassklarinette an, dochbricht das gleich um für ein wieder quirlig verswingtes, arpeggioseliges und vergeigtes
Dancing in Your Mind, mit markantem Pizzicato und klapprigen Stöckchen. Ist das überhaupt
noch Europa? Das fragt sich nicht nur die Posaune, und ahnt noch nicht, dass es überStoppelfelder weitergeht, in rasantem kollektivem Taumel. Bei 'Des Abres Sous Les Pieds'
rascheln Muscheln, die Violine und die Gitarre ziehen durch Wüstensand, brütend unter dem
glühenden Goldmund der Posaune. Bis offenbar Oasenduft den Kamelen Beine macht.
'Disturbed' als manischem Bläserswing mit furiosen Kalima- und Ceccaldi-Kapriolen widerfährt 'Trois Fois Rien' mit trister Posaune, tristem Piano. Doch die werden rhythmisch aufgemischt und auf Zack gebracht, auf Zickzack sogar. Mit aufgekratzter Gitarre, munterem
Gefiedel, kollektivem Drive, sprudeligem Sax. Doch alles nützt nix, die Köpfe hängen zuletzt so
depro wie zuvor. 'Lu-an Gua Pian' pusht, immer noch leicht schizo, sich mit Grüntee,
Bläsergegacker und Klimperkapriolen, und macht doch schlapp. Bei 'Enge Bewegung' verfängt
sich T.E.E. zuletzt reihum in einem träumerischen Leitmotiv, einem 'Leidmotiv', gegen das erst
die Bassklarinette aufbegehrt und dann ein zügiges Gegenmotiv, das auch dem letzten
Posaunengesang mit Schwung beispringen kann. Voilà, selbst ich, der ich mein Glück nur
selten Pianisten verdanke, tippe da vor Lüdemanns Lokführerkunst an meine Kappe.
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THE KUTIMANGOES Afrotropism (Tramp Records, TRCD/LP-9083): Seit sie mit "Afro-Fire"(2014) und "Made in Africa" (2016) Kopenhagen an den Golf von Guinea verschoben, istüberall, wo The KutiMangoes aufspielen, Party angesagt. Und wie Dänen die Sau rauslassen können, wissen wir seit Magnus Fra Gaarden. Der Gitarrist Gustav Rasmussen (derauch Posaune bläst und Ngoni zupft) und der mit Astro Buddha Agogo und Blicher
Hemmer Gadd soul-jazz-gewiefte Saxer Michael Blicher, die schon mit Ben9Boss die PartyWutz geritten hatten, lassen einen nun erneut taumeln zwischen Sonne und Sand,
Früchten und Dornen, Fela Kuti und dem Go South! von Pierre Dørge & New Jungle
Orchestra. Fiebrig uptempo, mit Kokoroko-verwandtem Faible, von vierhändiger Percussion getrieben, heliotrop gezogen, von psychedelischen Strings und schmusigen Reeds
in schlangentänzerische Schwingung versetzt. Mit melodienseligem AfroBeat tanzen sie
mit dem Äquator Hula-Hoop, oder geben sich bei 'Keep You Safe', rhodes- & moog-bassbedröhnt und summend, ganz den Wonnen einer himmelbetthaften Geborgenheit hin. Man
möchte dazu Feuerzeuge (und Art. 14 der AEMR) schwenken. Der eigenartige Klang bei'Thorns to Fruit' ist die Ngoni, die Bläsermelodie dazu so verführerisch wie eine von Eva
gereichte Mango. Aber in jedem Paradies gibt es eine Schlange - 'Money is the Curse'.
Dafür dunkeln Posaune und Baritonsax den Klang an und die Fender hämmert im Groove
mit, der da zittert und bebt wie das Fieberthermometer der Börsen. 'Sand to Soil' beginnt
mit Mbira, hypnotische Repetition ist ein letztes Mal Trumpf, die Melodie hat Wurzeln bis
runter ans Kap, aber die Stimmung ist nicht hitzig, sondern versonnen, mit einem lyrischschwärmendem Saxophon. Das ist bei Weitem spannender als KutiMangoes live gern allzu
bedenkenlos den Partyäffchen hingestreuter Zucker.
PEPPLES & PEARLS (Setola Di Maiale, SM3800, CDr): Im 14-täglich sich erweiternden
Setola Di Maiale-Garten von Stefano Giust könnte man zur pollenbeladenen Biene werden,
die etwas von "The Land of Blue Lichens" jenseits von "Wasteland" und "Dystopia"
vortanzt. Die dazu nun Murmeln und Perlen streuen, sind: 1. der Gießener Kontrabassist
Georg Wolf, den eine Überwachungskamera beim Ensemble Sondarc, neben Uwe Oberg,
Lou Grassi, Hans Tammen und in Gramss Bassmasse hätte erfassen können. 2. der
Saxophonist (& Bildhauer) Dirk Marwedel, in Wiesbaden einer der guten HumaNoiseGeister, der mit Wolf im Ensemble 2 INCQ schon "Rhön"-Rad gefahren ist und in Chaîne
Déraillée oder Mars demonstriert, dass freie Improvisation nicht bloß ein MetropolenSpleen ist. 3. der Trommler Jörg Fischer, der, ebenfalls der Kooperative New Jazz e.V. /ARTist Wiesbaden zugehörig, die Fäden bei Sporeprint zieht. Mit Wolf ist er vertraut im
Spiel mit Oberg, Tom Heurich oder Marc Charig, mit Alfred Harth's Revolver 23 ist er,
anders als die Wehrmacht, bis nach Moskau gekommen. Und 4. als Clou der Gitarrist Jeff
Platz aus Providence, Rhode Island, der nach Modern Primitive (mit Jan Klare) hier ein
zweites Eisen in Germany schmiedet. Man hört, was sie am 11.3.2018 im Kunsthaus Wiesbaden aus dem Stand fetzten und rappelten: Fischer als bockendes Streuselkuchenpferd,
Marwedel mit sopranistischer ARTistik, Wolf mit Murmelfingern, Platz mit flockig
plinkendem Saitenspiel. Damit stiftet er zu saxophonistischer Poesie an, die dentachistischen Eifer abdämpft zu sublimer Beinahestille, spinnwebzarter Träumerei,
perkussivem Mikado, spintisierendem Arpeggio. Zu Wolfs Bass-Braille beginnt das
Soprano zirkular zu tirilieren, Fischer blechern zu crashen. Hin zu erneutem Pianissimo
und stoßweisen Klangkürzeln, jetzt auch mit dem Bogen, zu Sax-Schmus in krabbeligem
Platz-Regen. Flockige Action weicht verschwommenen Schwingungen, eine Hälfte kollert
und rumort, die andere flackert helle Krakel und Wirbel, die Fischer metallisch deckelt.
Dann wird erneut an der Hörschwelle gepickt und gemunkelt, mit einer Behutsamkeit, alswollten sie winzige Homunkuli ins Leben päppeln. Die erweisen sich jedoch als krähende,
unaufhaltsam wachsende, wuselige Plagen, die schwer zu bändigen sind. Platz versucht
es zartfingrig apollinisch, aber die Kobolde sind nun mal aus der Flasche und rasenkirrend umeinander. Ich weiß nicht, was ich mehr hervorheben soll: Den Spieltrieb der,außer Fischer, großväterlichen Jahrgänge? Das spritzige Feingefühl eines Drummers, derein mordsdrum Lackel ist? Die Courage, Leuten die Ohren für etwas Undefiniertes zu
spitzen, die danach wieder den laufenden Schwachsinn ertragen müssen?
49REMOTE VIEWERS TRIODie Londoner sind mir seit gut 20 Jahren und durch B-Shops For The Poor sogar noch viellänger ans Herz gewachsen, in allen Verzweigungen: David Petts, der gepflegte Anzugträger mit den very britishen Zügen eines Edward Fox, mit The Poison Cabinet oder
Chrome Yellow. Adrian Northover, dunkel und hager wie Gabriel Byrne, mit den Sonicphonics, The Runcible Quintet oder The Custodians Of The Realm. Der unfassbare John
Edwards von God und The Honkies über Spring Heel Jack, N.E.W. oder Phall Fatale bis
New Old Luten als der Umtriebigste. Aber es ist Petts, der bei Notes Lost in a Field (TheRemote Viewers, RV16) darauf achtet, dass die Noten nicht nur übers weite Feld verstreut
werden. Nur bei fünf der fünfzehn Episoden nehmen die drei sich Freiheiten. Ansonsten
fixiert Petts auf dem Reißbrett die Bahnen seines Tenorsaxsounds, von Northovers Altound Edwards' Kontrabass. Als Flugbahnen von Kugeln ('You Won't Hear the Bullets', ein
zynischer Spruch in "The Big Combo", 1955), als Kunstflug-Figuren ('Air Show'). Denkt an
Faulkners Barnstormer in "Pylon", nicht an Ramstein 1988. Nächster Verwandter von 'The
Aspirin Kid' könnte Hammetts 'Whosis Kid' sein. Wie schon bei "City Of Nets" (2012),"Crimeways" (2013) und "Pitfall" (2014) suggerieren die 'Hellseher', mit Titeln wie 'Border
Incident', 'Moscow Twitch', 'Strange Triangle', 'Foreign Intrigue' (ersteres tatsächlich ein
Filmtitel 1949, letztere von 1946 und 1956), den Schwarzweiß-Thrill des Film Noir und die
Maulwürfe im Secret Service. Atmosphären wie in Graham Greenes "Ministry of Fear"oder "The Third Man", wie bei Hitchcock, reflektieren die Schwarz-Weiß-Malerei, die Paranoia, die fatalen Verführungen und Manipulationen, die Schein-und-Sein-Diskrepanzen vonHeute. Wie die 'Bruised Years' im Titel, trägt auch die Musik selber gleich anfangs blaue
Flecken und Abschürfungen, von rauen Zungen geraspelt, von Bogenstrichen geschürft.
Dagegen setzt kerniges und flirrendes Pizzicato und brütendes Unisono der Reeds nicht
wirklich andere Zeichen, denn die ausgesendeten, oft wiederholten Signale sind kryptischund beunruhigend. Die Bläser schlagen caligarische Winkel, Edwards Finger ein strammes
Tempo an, aber auch die schnittigen Pläne stoßen auf rauen Gegenwind. Edwards tremoliert und plonkt, die Saxophone zucken synchrone Winkelzüge. Eh nur vorsichtig optimistischen Repetitionen wird surrend ein Strich durch die Rechnung gemacht. Kreise drehen
sich mit vortizistischen Zacken und Kanten, schwungvolle Wellen werfen weitere Wellen.
Zwei rostige Kehlen krähen, quäkende Hupen zerstückeln Melodien, an denen auch Edwards sägt und rumzupft. So zerläuft ein Morse-Beat semi-lyrisch oder in gedämpften
Bedenken, ein eben noch glattes Motiv bekommt Schluckauf und macht sich schleichend
dünn. Petts genügen wenige Minuten für vielgestaltige Verwicklungen, denn seine Strategien werden meist von einem intriganten Gegenspieler sabotiert, der wiederum er selberist. Das bei "Last Man in Europe" Begonnene konsequent fortsetzend, stellen sie 'AntiSeed' (in "Mad Max: Fury Road" ein Wort für Kugeln, Bullets, die nur Tod säen) das Saatgut
ihrer Noten entgegen. Fast auf verlorenem Posten. Aber doch nicht ganz.
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OLAF RUPP KASPER TOM RUDI MAHALL (Barefoot Records, BFREC059LP): Ach, ichfreu mich doch immer wieder, wenn ich Rupps dicke Finger pointillistisch tap-tanzen
höre auf seiner spinatgrünen Popeye-Gitarre, mit dem ganzen Pipapo seines ceciltayloresken Sounds in Motion. Xenofox und eeevil. Wieder mit Mahall, wie zuletzt beim
"Happy Jazz" im JR3 mit Jan Roder, wie bei "Oljonek" mit Uli Jenneßen an den Drums.
Wobei sie sich schon kennen, seit beide 1993 nach Berlin zogen. Den aktuellen Kuppler spielte der dänische Drummer, mit dem Mahall in Fusk und Kasper Tom 5 und auchsonst ganz gern spielt. Der trommelt da - live am 30.11.2018 im Berliner Sowieso - ein
Drum Kit ohne jeden Schnick oder Schnack, als stünde nichts als Old-School-Jazz auf
dem Programm. Alas, dem ist nicht so, natürlich nicht. Denn zu seinen Taps, Rolls undKlappercrashes kapriolt Mahall schon beim 'Opener' derart heckenschmatzend mit der
Bassklarinette, als hätte er eine ganze Vogelschar gefrühstück. Fehlt bloß noch, dass
ihm Federn wachsen. Flattern tut er jedenfalls schon mal. Auf Tonleitern scheißend,springt er umeinander wie ein närrischer Flummi. Dazu fingert Rupp die Saiten, dangerous und dirty, dass sie ihr Bestes geben, dass die Töne schwallend sich überschlagen, trillernd und wie ein Ölfilm schillernd. Ein Melodiechen gefällig? 3, 4, der Rudi
macht das schon, dass es nur so quarrt und quiekt. Mit spitzem Schnäbelchen saugt er
Nektar und kriegt sich, in höchsten Klarinettengefilden schwirrend, vor Seligkeit kaum
ein. Ein seltener Vogel, Ornithology hoch X. Rupp flauscht dazu mit den Fingern ganze
Schaum- und Baumkronen, er quirlt und prickelt Klangpixel in kuriosen Wirbeln, wilden
Strudeln. Darin mit Mahall einig, dass es zu viele Noten nicht gibt, eher sind es nie genug. Im 'Wald' liegen selbst die höchsten Wipfel unter der Bassklarinette. Oder gilft sieüber eine Prozession von Spinnern? Tom schlägt sich durchs Unterholz, die Gitarre
flimmert myriadenblättrig und krabbelt wie ein Ameisenhaufen. Mitten in 'Dirt' pickt
Mahall wieder eine Melodie wie einen fetten Wurm. Nicht Chaos oder Noise, vielmehr
kunterbunte Rasanz und kribbliger Witz bilden das Wesen dieses futuristischen Bebops, der wie Giacomo Ballas Dackel wackeldackelt oder wie Duchamps chronokubistischer Akt Treppen steigt. Es braucht einen 'Turm', um einen Schatten auf die Gitarre
zu werfen. Die 'Zugabe' ist jedoch nochmal das Tirili dreier elementarer Parallelen.
SENSAROUND Heart/Noise (hellosQuare recordings, cube083): Seit "Travelogue" hatShoeb Ahmad in Canberra den hellosQuare-Pfauenschwanz weiter befiedert mit etwa
Feet Teeth aus Brisbane, dem Postrockgitarrentrio Original Past Life aus Perth oderdem Jazzpianotrio Moving Path aus Sydney. Hier aber steht er selber wieder im Fokus,
zusammen mit dem Glasgower Alto- & Sopranosax-Meister Raymond MacDonald undAlister Spence, nicht am Piano wie bei "Sound Hotel" mit MacDonald, sondern mit
Fender Rhodes wie zuletzt bei "Intelsat" mit Satoko Fujii. Mit Ahmads Samplern (Boss
SP 303, Akai MPX) und Analogsynthie taugt das wieder bestens für Sonic Fiction. EvanParkereske Reedsounds, von Spence perkussiv akzentuiert, führen gleich bei 'Varispeed' mit glitchigen Quantensprüngen ins Relative. Das Titelstück schwelgt in der
cyb/organischen Konfluenz von herzhaft sprudelndem Mund- und Atemwerk undkaskadierendem und loopendem Noiseflow. Ebenso 'Immolate Dub' mit wohl auchhändischer, aber dubbig und wieder als Echo verhallender Perkussion zu brummiger
Automatik und einem Saxofon, das heulend ululiert. 'Winter Sleepers' stimmt
MacDonald in melodischer Alto-Elegik an, zu gläsern absinkendem Rhodes-Klingklang
und dröhnend quallenden Basstönen. Auch für 'The River Wound' entlockt Spence dem
Rhodes gebrauchswidrig gesuchte Klänge, dezente, Vögeln oder Insekten abgelauschte Triller, zu denen MacDonald nur ganz gedämpfte und verhuschte Lauteüber die Lippen kommen. 'Birds Flutter in Crisp Air'? Mag sein, aber entweder nicht auf
diesem Planeten, oder als post-passeriforme Simulation. Für 'Fours and Sevens'tiriliert und sopraniert MacDonald dann noch einmal wie mit Engelszunge zu gläsern
überrieselten Wellen, das Rhodes tupft dazu glockenspielerisch. Menschliche Hymnik,
windspielerischer Tintinnabulum-Klingklang und kybernetisierte Wallung, als wollte
das ein Sursum corda stimulieren, ein xenotropes Levitieren.

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LOZ SPEYER'S TIME ZONE Clave Sin Embargo (Spherical Records, SPR005): Eigentlichschreien die Zeiten danach, dass Leute wie Speyer die britischen Dinge vom Hirnlosen
aufs Gangbare drehen. Wie einst mit The Happy End oder Mehead. Aber das war lange
bevor die Lunatics ganz den Laden übernommen haben. Da helfen keine Pillen undschon gar kein Trompeter, und wenn der noch so schön bläst wie mit Inner Space bei"Life on the Edge" (LR, 2017). Mit Time Zone stellt Speyer die Uhr 5 Stunden zurück.
Zusammen mit Martin Hathaway an Altosax & Bassklarinette, Stuart Hall (ein Hansdampf
mit Lol Coxhill und Django Bates, mit Billy Jenkins und Hungry Ants) an der Gitarre, Dave
Manington (von Riff Raff, Yazz Ahmed Quartet, Tori Freestone Trio) am Kontrabass,
Maurizio Ravalico (Fiium Shaarrk) an Congas und Andy Ball (von Nicola Emmanuelles
Band) an Drums. Durch eigene Familienbande ist Speyer, dessen Britishness Vorfahren
mit gepackten Koffern einschließt, für kubanische und luftmenschliche Erfahrungenhochsensibilisiert. Gleich 'Stratosphere' lässt mit genug Hüftschwung und Lufthunger
kubanischen Boden unter sich, zuletzt in kesser 5/8-Clave. 'Mood Swings' ist sowas wie
die Wiege, aus der Time Zone 2003 krabbelte, die ungerade 11-Beat-Clave verrät den
Eigensinn, die Bassklarinette die swingbereite Stimmung, die Gitarre Wurzeln in Son undSpleen. 'Lost at Sea' schaukelt zwischen unruhigen, schnellen 6/8 und 4/4 und fleht
zugleich zu Yemayá, die Orisha des Meeres, und die Virgen de Regla, die schwarze
Schutzpatronin der Wasser vor Havanna. Trockenen Fußes gelandet, wirft 'Full Circle'
melancholische Blicke zurück, und die Gitarre zeigt allerhand blaue Flecken. 'Checkpoint
Charlie' verknüpft die Prager Botschaftsflüchtlinge 1989 und den Fall der Mauer mit der
Besetzung der peruanischen Botschaft in Havanna 1980 und der erzwungenen Flucht
von ca. 125.000 Kubanern nach Florida. 'Guarapachanguero' schüttelt und pustet einenin Clave-Rhythmik durch und durch, bevor 'Crossing the Line' über meist eh unsichtbare
Grenzen den Kopf schüttelt und britisch verklemmten Regenblues und karibisches
Feeling glock-glock-glock-lässig als Cocktail mixt wie bei "Death in Paradise". Gipfelnd in'Dalston Carnival' (der alljährlich im September in Hackney steigt), das aufgekratzt in
mitreißenden 2/4 alles feiert, was der britische Geist an extra-insularen Farben, Afrogitarrenzauber, Bläserlust und klappernder Grooviness hinzu gewonnen hat.
THRAZZ fliegende Tasse (digital, thrazz.bandcamp.com): Kaum habe ich meine Ohren
nicht immer nur in die weite Welt schweifen, sondern von 'Local Heroes' (BA 102) zupfen
lassen, erscheinen mir in Würzburg, Germany, auch the first visions of Thrazz.
Verantwortlich zeichnen (mit inzwischen noch C. Simon) 4 musicians doing their thing:
Leon Bund - Sax & Stimme, Felix Schormüller (der, brrr, für Panzerballett schwärmt und
mit Slamister in Bad Mergentheim mega gscheiden Death-Meddl = growligen Beatdown
thrasht) und mit Nick Heß nicht zufällig ein junger/alter Bekannter von Cubus Maximus
auf nichtgitarristischem Sonderweg, mit Synth/Drone/Orgel/Trompete, was auch immer.
Ihr Koffer ist an die 70 Min. prall gefüllt mit 'Frische Luft' und allerhand mehr. Im freien
Fluss von Tenorsax, Orgel/Synthie und Schlagzeug halten sie die 'Oberflächenspannung'hoch. Bei 'Der Rabe, der den Zaun grün strich' scheint Heß über dem Orgeldrone unddem marschtrommeligen Rollen mit der Trompete eine alte Weise aus dem Auenlandanzustimmen. Zwischen Jazz und Nichtjazz besteht da eine gesuchte und gefundene
Con-Fusion, und die drei bebrüten das bei 'Der Schwarze Mann I-IV' über epische 25 ½
Min. Mit wieder dem röhrenden Saxophon und polterndem Drumming, verschattet voneiner gewaltigen Dröhnwolke. Thrash Metal ist dazu eher ein Gegenpol als ein Verwandter. Auch Doom erscheint mir nicht treffend, denn der Horizont ist keineswegs
finster gesäumt, eher in einem Bronzeton, in dem noch so manche blaue Blume gedeiht.
Zu dröhnenden Dauerwellen mischen sich vokalisiertes AaA, kreischendes Geschrei,
wieder die Trompete und plörrende Saxerei. Als V-Effekt oder Kinderbelustigung gibt es- womöglich durch Velvet Undergrounds 'The Gift' dazu ermutigt - 'ne nur von Trompete
bezirpte, nicht ganz g'scheite G'schichte von den Liebeswirren eines Nachttischlampendiebs. Nach 'Alice' als geröhrtem, bedröhntem Trip kommt zuletzt auch 'Bob'
nochmal mit o wie obskur daher und stellt sich mit "Hä? Ich kann das nicht
nachvollziehen! AaA" selber in Frage.
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DAVID TORN - TIM BERNE - CHES SMITH Sun of Goldfinger (ECM 773 1919, CD/LP):
Berne und Smith können es gut miteinander, denn Smith trommelt in Berne's Snakeoil(wenn ihm Michael Formanek, Okkyung Lee und John Zorn Zeit dazu lassen), und Bernerevanchiert sich bei These Arches. Torn seinerseits, zuletzt Gast bei Sonar und bei
Stephan Thelen, hat schon Snakeoil für ECM produziert. Und nun auch die beiden
Trioimprovisationen 'Eye Meddle' und 'Soften the Blow' als Flügel eines Triptychons,dessen Mitteltafel 'Spartan, before it hit' bildet, mit zwei Gitarren extra, Craig Taborn anElectronics & Piano und den Strings des Scorchio Quartets. Dabei gibt Torn, wie er da
mit Loops & Electronics und Gitarrenklang von raumgreifender Schwerelosigkeit ein
tagträumerisches Ambiente entstehen lässt, einen maßgebenden ästhetischen Anstoß.
Smith klappert wie mit Balafon und Shaker einen Puls, der die Atmosphäre nicht zerhacktoder taktet. So dass Berne für seinen Flow aus Feuer und Wasser freie Bahn hat. Dabei
hat sein Alto-Gesang durchaus einen Kontrapunkt in dunkel dröhnender Tiefe, aus derdann auch die Gitarre aufscheint und sich schwesterlich mischt in eine Brandung
goldener Wellen. Als ein olympisches Stürmen, zu Drums wie der unaufhörliche Hufschlag der Pferde des Neptun. Dem folgt das feine Schimmern des mit Bowie, Lou Reed,
Blur und Trey Anastasio bekannt gewordenen femininen Streichquartetts und bringt mit
dem Piano einen klassischen Touch zu Smiths groovendem Beat. Doch wird das vonaufbegehrenden Gitarren und Bernes rauem Stöhnen prächtig, ja dramatisch und mit
gewittriger Urgewalt aufgemischt. Um sich jedoch mit Bernes langem Atem undelektronischen Konvulsionen und Gespinsten ungewisse Minuten lang in elegisch getönter Traumzeitlupe zu wälzen. Sopranohell windet und bohrt sich Berne in den dritten
Teil, auf wummrig dunklem Fond zur dröhnend den Ton anhaltenden Gitarre unddumpfen Schlägen. Dann wird sein Ton zu jaulenden Electronics zunehmend werbend
und flehend, und auch Torn lässt seine Saiten züngeln, für einen Gesang aus dem
Feuerofen. Der ungehört zu verwehen droht, aber mit ostinater Repetition und beharrlichem Feuereifer kickt und fetzt und fräst und nicht nachlässt in seinem Begehren.
Wobei Berne zuletzt fast spöttisch kräht, als wüsste er nur zu gut, dass nicht alles, wasglänzt, Gold ist.
THE TOUCHABLES The Noise Is Rest (Conradsound, CNRD328): 'Nothing in Between'?
Kann nicht sein. Zwischen den 16 hz von Guro Skumsnes Moes fast 4 m großem Octobass
und den 20.000 hz der Piccoletto Violine von Ole-Henrik Moe spielt sich jede Menge ab.
Und betonte die mit Sult und MoE so eindrücklich tobende Norwegerin nicht sogar: I havealways been drawn towards this in-between everything, when something is neither thisnor that? Nannte sie nicht Ambiguität eine feminine Qualität und die Kraft, die sie
antreibt? Hier muss sie auf eine Plattform steigen, um die drei Saiten eines monströsen
Resonanzkörpers zu erreichen, dessen Prototyp 1855 für Gounods "Cäcilienmesse"
ertönte. Mit einem schlaksigen Partner, der eine Liliputgeige fiedelt, könnte man das für'ne Clownsnummer halten. Aber den Musikern geht es ernsthaft darum, in Infra- &Ultraklangzonen vorzustoßen. Um Klänge zu finden, die sie schleifend, pfeifend, wummernd in den Raum 'atmen' lassen. Oder bei 'Barking Beetle Boogie' spitz trillernde undzirpig schabende Laute zu reiben an klapprig schrappenden und knarrigen. Aber ist, um
bei Shakespeare zu bleiben, das Finden seltener Klänge nicht 'Much adoe about
Nothing'? Um nur ein paar diskante Wellen fast wie von einer melancholischen Mundharmonika, einem Saxophon? Überhaupt macht selbst der Dünnpfiff des kleinen Schornsteinfegers immer noch mehr her als der an der Hörschwelle bebende Brontobass, derbei 'Blackout Lighthouse' den Blackout und bei 'Peace Ghost' den Geist spielt. Der Windführt bei diesen Lullabies für Asthmatiker, die flageolettierend durch Ritzen pfeifen, ein
dunkel 'blasendes' Bassklarinettengespenst mit sich. Das an den Fesseln seines Nichtmehrseins zerrt, abgeführt von einem der Sheriffs of Nothingness. Nicht ohne Rauferei inschrillsten Registern, mit glissandierendem Altissimo zu knurrigem und federndem
Gerumpel, bei dem sich ein Einhorn einen Strumpf zerreißt. 'Deserted Desert' stellt alles
wieder auf Anfang, die Erde wüst und leer, der Leuchtturm ohne Licht. Doch das letzte
Loch will auch das erste sein, aus dem der universale Schlamassel pfeift.
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TRRMÀ and CHARLEMAGNE PALESTINE Sssseegmmeentss frrooom Baaari(BeCoq, BECOQ 41, LP): Klingelnde Pianowallungen der Brooklyner MinimalLegende, diesmal mit Giovanni Todisco als tribal rockendem Trommler und Giuseppe Candiano an ploppendem, knarzigem, surrendem Modularsynthesizer. Die
beiden haben als Trrmà nach ihrem Debut 2016 noch "TRRMÀ" und, auf Cassette,"Herkus 7.5" (beides 2018) vorgelegt. Bei Palestine fand ihr Auftritt beim Time
Zones-Festival in Bari offenbar derart Gefallen, dass er sich anschließend ins
Studio locken ließ. Er dekliniert das Piano in seiner bekannt ostinaten Manier in
Myriaden Einzeltöne, unter die Candiano Dröhngespinste schiebt, während
Todisco monotone Muster pocht oder dabei jeden vierten Schlag betont. So
entfalten sie, in zwei ganz pianissimo aufblühenden Sssssseeggggggmmmeenten,
hypnotisch-meditative Shoegaze-Mantras aus Drones, Tamtam und anfangs
glockenspielzartem Klingklang, allmählich aber immer handfesterem Riffing. Eine
helle Stimme vokalisiert auf äää und eee und intoniert magischen Kopfstimmensingsang, akzentuiert von Paukenschlägen, Trommelwirbeln und einzelnen Klackoder Dong-Tönen. Jetzt singen schon zwei kindliche Stimmen zu grummelndem
Gong, aber so gut wie noch keinem Pianoton. Dafür schwillt ein Dröhnen an, unklar
aus welcher Quelle, denn auch Palestine setzt Electronics ein. Das helldunkle
Dröhnwummern crescendiert ganz allmählich hin zu einem gongberauschten
Peak. Die Pauke rumort, die Sänger sind schon lange nicht mehr an die Erdenschwere gebunden. Crashende Cymbal und alle gezogenen Register überquellen
die Stimmen und tragen sie auf Wolke 9. Palestine gibt nun mit hämmernder Linker
und bitonalem Nachdruck Auftrieb, Todisco peitscht die Becken zu Fliegenden
Untertassen, der Synthie schnurrt als Brummkreisel. Adieu, du schnöde Welt.
MICHAEL VLATKOVICH 5 WINDS Five Of Us (pfMENTUM, PFMCD130): Einveritables Brass Quintett: David Mott an Baritonsax, Lina Allemano an der
Trompete, Vlatkovich selbst an Posaune, Nicole Rampersaud, ebenfalls Trompete,und Peter Lutek, Tenorsax & Frankenpipe (ein fortgeschrittener Bagpipe MIDI
Controller). Lauter lokale Größen also, die da im Juni 2015 den nach Toronto
angereisten Vlatkovich flankieren. Wobei Mott und Lutek zusammen schon beim 40
Fingers Saxophone Quartet und im David Mott Quintet die Backen aufbliesen.
Rampersaud hat sich bei Braxton und als 1/8 von Brodie Wests Eucalyptus
profiliert, während Allemano sich mit Four, Titanium Riot und The Cluttertones
schon in BA's »Today's Jazz is female«-Reihe hinein trompetet hat. Der mit seinem
Trio, Tritet, Tryyo, Quartet, Septet oder Ensemblio pfMentumentale Posaunenengelin L. A., bekannt für seine Sophistication, hat ihnen die höhere Mathematik der '5
Winds Suite' auf die Notenständer gelegt, nachdem er sie zuvor als Spielkameraden gelockt hat mit 'Please Help Me I'm Blowing Bubbles'. Wobei schon
Seifenblasenblasen da als hohe Kunst gilt. Selbst Witze wie 'What Question Did
The Man With Seven Ears And Three Eyes Ask The Plastic Surgeon?' und die
Warnung 'For The Protection Of Yourself And Others You'll Need To Wear Your
Space Suit' werden nicht auf die leichte Schulter genommen. Jedenfalls rundet
das einen Trip ab, der, was gepustete Rhythmik und welligen Wohlklang angeht, somanches in die Tasche steckt. Wer von Tuten und Blasen und den fünf Windrichtungen von etwa Elliott Carters "Brass Quintett" oder dem von Peter Maxwell
Davies bisher wenig Ahnung hatte, dem blüht die Initiation in sonores Unisono ininständigem Auf und Ab, die zwingende Logik irregulärer Brüche und komplizierter Zopfmuster, der Charme kakophoner Einsprengsel, das Ausscheren vonGegenstimmen, die Deklaration gepresster und plörrender Schmetterarien. Das
Bariton wiederholt 1-2-3-4, 1-2-3-4, doch die andern kniffeln, dass die Köpfe
rauchen. Manchmal swingt es gershwinesk, weit öfter tönt es auf unpompöse
Weise feierlich, naturfromm oder pfingstlich. Nur nie abgedroschen, dafür gibt es
ja schon Canadian Brass. Was nicht heißt, dass beim Finish nicht launig die Luftrausgelassen wird.
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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
Crónica (Porto)
Für eine Klang-Licht-Installation im Sommer 2018 im Pavillon der Fakultät für bildende Künste
der Universität Porto kreierte @C anlässlich des 15-jährigen Bestehens von Crónica eine
Plunderphonie aus Klangspuren der Crónica-Gemeinschaft. Gintas K, Vitor Joaquim, Marc
Behrens, Ran Slavin, Freiband, Lawrence English, Stephan Mathieu, Janek Schaefer, Stephen
Vitiello, Arturas Bumšteinas, Jörg Piringer, Jos Smolders, Alexander Rishaug, Simon Whetham,Jim Haynes, Carlos Zíngaro, Monty Adkins, Maile Colbert, Sturqen, David Lee Myers, Artificial
Memory Trace... - schon die Namen sind Musik in sound-affinen Ohren. Pedro Tudela & Miguel
Carvalhais, die zusammen ja Crónica machen und auch beide an der genannten Fakultät
lehren, verwirbelten für Espaço, Pausa, Repetição (151~2019, C-54) tausend Klangspuren aus
mehr als 300 Klangquellen. Als bewegte Fülle an einzelnen Impulsen, Kürzeln, Schwingungen,
Pixeln, Flatterwellen, Gefitzel und Gefurzel. Als luftig im Raum verstreuter Klingklang, inflüchtigen Bruchteilen, aber auch mit Motiven von mehreren Sekunden. Als digitale Clicks oderauch perkussives Tamtam, mit launig verdrehten Stimmen, quecksilbrigem und wässrigem
Getröpfel, kaskadierendem Hall, metalloiden Spritzern, orgeligen Haltetönen, surrendem
Schwall, stoßweiser Schüttung. Viel Espaço, kaum Pausa. Bei 'Repetição' auf der B-Seite
kommt noch Text dazu, angeregt durch Pierre Schaeffers "Traite des Objets Musicaux" undPierre Henrys "House of Sounds", gesprochen in Portugiesisch und Englisch. Eingebettet nun
nicht mehr in stripsodischer Abenteuerlichkeit, sondern hörspielähnlich pointiert undakzentuiert und mit lauschenden Pausen. So dass sich eine Art Call und Response ergibt, ein
Wechselspiel aus kurzen Sätzen und aus Klängen, die als Nachhall hinterherschweifen oderwie eine Reaktion folgen. Klängen, die sich dann aber auch unter oder auf den Text legen insymbiotischer oder kontrapunktischer Korrespondenz oder klickernder Resonanz. Die zuletzt
fast überhand nehmen und das Klangfeld, den Klangraum, als ihr Klangrevier beherrschen.
Und doch behält das Wort das letzte Wort.
Vom katalonischen Spaltpilz unberührt, zeigen der Kastilier FRANCISCO LÓPEZ und MIGUEL
A. GARCÍA aus dem Baskenland mit Ekkert Nafn (151~2019 / Tronicdisease, TD-3) einmal mehr
die Sound Culture als Bindemittel. Aus gemeinsam erarbeitetem Grundstoff, gefundenen
Klängen ebenso wie künstlich erzeugten, schuf López 'Untitled #351'. Das bei ihm obligatorische 'Ohne Titel' korrespondiert dabei mit der Gesamtüberschrift, denn Ekkert Nafn
bedeutet auf Isländisch 'namenlos'. García hat seine knappe halbe Stunde aus dem gleichen
Ausgangsmaterial 'Applainessads' überschrieben, was seiner Neigung zu bedeutungslosen,
rätselhaften Titeln entspricht, ein Usus, den man auch von der informellen Malerei her kennt.
Ich neige nämlich unwillkürlich dazu, die beiden zwar nicht auf Leinwand, aber doch wie auf
Tonband aufgetragenen Soundscapes als akustisches Informel zu empfinden, als wie aus dem
Unterbewussten aufgestiegene nichtgeometrische Abstraktionen im 'Spannungsfeld vonFormauflösung und Formwerdung', wie es die Fachwelt nannte. Gegen alles Verfestigte undGeschlossene allergisch. Gegenstandslos, aber nicht stofflos, wie man bei López hört, derGlas splitternd verströmen lässt und auf Vinylloops helles Schleifen und dunkles Schlurchen
schichtet, was dem tachistischen Moment des Informel entspricht. Er durchsetzt statisches
Rauschen mit gestischem Graffiti, taucht das Ohr bis unter die Hörschwelle, lässt Metall
vibrieren, lässt grobe Klumpen schwammig rotieren und das Ganze in verrauschter Alarmiertheit gipfeln. García knüpft nahtlos an mit rauschenden Schüben auf sirrend changierendem
Halteton wie von einem Akkordeon, sporadisch durchsetzt von einer dumpfen Implosion. Eine
Klangspur beginnt sprudelig oder windig zu beben, die Implosion gewinnt wummernde Dauer
für ein monochromes Vibrato. Nach 20 Min. setzt García neu an mit hellen Tönungen. Nicht
weltbewegend, aber die Weltbewegerei wird eh überschätzt. Wie gegen die Informellen nachdem Krieg ließe sich der Vorwurf apolitischer Feigheit und eines Ausweichens ins nichtssagend Formale oder Kryptische wiederholen. Keine Namen, keine Titel, nur Klang. Es hat fast
was von einer Entziehungskur, oder nicht?
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Karlrecords (Berlin)
Wer hat da an der Uhr gedreht? Unfassbar, was Thomas
Herbst alles aufgetischt hat, während ich tausend anderen
Sachen nachhechelte. Komisch auch, wie mir bisher AUDREY
CHEN aus dem Weg gehen konnte. Wo die amerikanische
Cellistin/Vokalistin in Berlin doch seit Jahren mit Phil Mintonoder in Mopcut mit Julien Desprez zugange ist. Erst undeinzig mit Beam Splitter kam sie mir zu Ohren. Runt Vigor(KR046, LP) gibt aber jedem Gelegenheit, sich 100%-ig chenifizieren zu lassen. Wie sie da als Demosthenes vom Planet
der Affen mit Kieselsteinen gurgelt und ihr Atem pfeifend ihre
Stimmbänder streift. 'Heavy' und 'Mouth' sind ihre treffenden
Schlagworte, als extreme Maulwerkerin, die an die Ursprünge
menschlicher Artikulation zurückgeht. In die Steinzeit, mit
dem Wind und den Tieren als Lehrmeister, Affen, Hyänen undGeiern, denen sie, als kümmerlicher, aber vigoröser Rivale,
mit ihrem Girren und Krächzen aasige Leckerbissen streitig
macht. Wobei ihr auch ein knattriges Elektromotörchen in die
Kehle gerät. Mahlzeit und Amen. Zu dröhnendem undplonkendem Cello singt sie - viele Generationen später - den
Göttern erste Vokabeln eines Zweistromtalslangs. Doch zu
monotonem Bogenstrich faucht und flötet Chen auch weiterhin als Tochter des Winds, girrt wie ein Aufziehvogel und entringt ihrer Kehle so fiese Laute, dass sie zwitschernden
Alarm auslösen. Bevor man Polizei oder Notarzt ruft, fängt sie
mit Cello und Electronics zu tremolieren und zu tuckern an
und singt dazu mit angedickter Schamanenzunge. Vieles
andere 'Heavy' ist daneben Pipifax.
HANNO LEICHTMANN, der Dank Denseland nicht ganz aus
meinem Hörfeld entschwand, konnte für Nouvelle Aventure(KR049, 2LP) das Archiv des Internationalen Musikinstituts
Darmstadt plündern. Der Stoff der „Darmstädter Ferienkurse
für Neue Musik“, was für eine Wundertüte voller merkwürdiger Klänge und gestelzter Prätentionen: 'Kristallische Bindung', 'Schwebung und Strenge', 'Schwingungsknoten', 'Satzlehre (rückwärts)', ei verdammt. "Hurz" und wie er in die Welt
kam, um sich Auschwitz aus dem System zu schwitzen. Es ist
nicht ganz leicht... ha, es ist freiweg unmöglich, in Worten
zusammenzufassen, was wir da hören an Klangfiguren undOberlippentänzen. Leichtmann plunderphont, von auchleichten Musen gut beraten, Potpourries aus Words undSounds, aus Boulehough, Cageti, Lachhausen, Nossiaen... Er
vergisst auch nicht das Dozieren über politische Implikationen, die die Hörgewohnheiten revolutionieren und die
Verhältnisse zum Tanzen bringen wollten, wenn auch mit
noch stramm sitzenden Krawatten. Ich finde es toll, wie er daan den Ohren zupft mit Myriaden von Déjà-entendus ausserieller Komplexität und chromatischen Finessen, die er zu
neuen rhythmischen Kapriolen und Aventuren verwirbelt,rückwärts und mit Giallo-Thrill, als ironisch knarrende, lachhaft praktizierte Theorie oder als Kauderwelsch, an dem man
sich dennoch dankbar weiter emporranken kann.
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AROVANE, das ist Uwe Zahn, & PORYA HATAMI, sein iranischer Partner, die greifen bei Organism_evolution (KR041_51, CD + CD) das bei "Organism" (2017)
Erreichte auf und entwickeln es weiter. Indem sie dem Kreatürlichen und Kreativen
nachspüren bis in die zytoplasmatische und nukleotide Bausubstanz des Organischen. Mit einer molekular rhythmisierten, elektronisch stimulierenden Click+Cut-,
Glitch+Dröhn-, Klingel+Zuck-Ästhetik, die die 'Trennung von Materie und Geist'
hinterfragt. Mit C.H.R.O.N.O.S. (KR067, LP) rücken sie Stück für Stück weitervoran, auf ellipsoiden, zykloiden, katenoiden, helikoiden und zissoiden Roll- undEfeukurven, Kettenlinien, Wendelflächen, auf denen dröhnende Langwellen entschleunigte Akzente empfangen. Die Zeit tropft, kullert, funkelt nur noch, wie vonSaiten und Tasten schmelzend, auf ein weich gekrümmtes Ambiente. Dem
organlosen Körper entspricht eine Zeit, die nicht sichelt, die nicht beißt.
R.A.N. steht für Roads At Night und für HÜMA UTKU, eine Berlinerin aus Istanbul.
Die finsteren Gemütsaufwallungen auf Şeb-i Yelda (KR054, 12") rühren her vonbosnisch-ottomanischer Poesie, die ihre Feder in Blut getaucht hat. Zwischenmartialischem Getrommel erbleicht ein melancholisches Klavier, erst nach dem
klagenden, grollend überdröhnten Jammer einer Tanbur erscheint ein Silberstreif
am Horizont. Auf Gnosis (KR068, LP) pilgert HÜMA UTKU dann zwischen
Schwarzem und Rotem Meer. Sie durchstreift Griechenland, Ägypten und die
Türkei auf der Suche nach einem Heilmittel ('Vulnerary'), nach Wahrheiten, nachdem All-Einen ('All-one'). Teils Travelogue, teils Ritual, sind Enlightenment und
Dark Ages bei ihr keine Gegensätze. Sirrende Drones schweifen über grummelndem Grund, der Wind scheint darin helle und dunkle Gesänge mit sich zu
führen, vielleicht nur als akustische Täuschung. Ein erst nur leichtes Pulsieren wird
zum rituellen Beat, mit jetzt kaum noch verschleiertem Frauenchor. Klangstaubwolken rauschen vorüber, zu Kastagnetten wird getanzt, der Beat klopft undklackert zu grollendem Bassloop einfache Muster. In der Luft schweift wieder
Mädchengesang, zu mühsamem Duktus, Rasseln und einem knatternden Beat. Einvages Klirren, massive Dröhnwellen, doch weit und breit kein Stein der Weisen.
Statt dessen dröhnt der Wind gegen Beton, bratzelige Frequenzen versetzen
Stromschläge. Das große Ganze ist nichts als ein großer Mulm.
Auch GIULIO ALDINUCCI ist einer, dem das Verborgene und sich Entziehende
keine Ruhe lässt. Nach "Hidden" (mit The Star Pillow) kreist nun Disappering in a
Mirror (KR055, LP/CD) als 'Notturno Toscano' - er stammt ja aus Siena - um
'Jammed Symbols', 'Aphasic Semiotics', 'The Tree of Cryptography' und 'The
Burning Alphabet'. Die Texte nur Asche, die Zeichen ein Rätsel, der Schlüssel
klemmt, der Spiegel zeigt einen als immer anderen oder keinen. Dazu fluktuiert ein
orchestraler Flux aus strömenden, bebenden Klangspuren und sogar Stimmphantomen, 'The Eternal Transition' als melancholisches Panta rhei. Statt vom Ocean ofSound getragen zu werden, stößt man sich den Kopf an einer rauschenden Wand,vor der gewaltige Chöre von besiegeltem Schicksal raunen. So könnte sich Adrian
Leverkühns "Dr. Fausti Weheklag" anhören. Matte Beats, Loop an Loop, Drone an
Drone, Aldinuccis Reise ans Ende der Nacht will kein Ende nehmen. Es wird, obwohl die Chöre das Ende ersehnen und feierlich herbeisingen, nur mulmiger undverrauschter. Aber noch tut sich kein Siegel auf, das brausend Unbekannte setzt
nur als dunklen Puls Jahresringe an die Weltenesche. Der Chor verzehrt sich mit
kleinen, stottrigen Flammenzungen, die auch die 'Mute Serenade' durchzüngeln
und dem X, dem Omega, entgegen kreisen.
SHE SHE POP stimmt 3-stimmig 'Claudio' an, im alten Madrigalstil. Ich erkenne das
als Monteverdis Hit 'Si ch'io vorrei morire'. ZEITKRATZER versucht, deutlich ungeschliffener, das bei 'Grüneberg' [Monteverdi auf Berlinerisch] nachzumachen.
Kurzum: The Ocean is Closed (KR056, 7").
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Als [-Hyph-] einst BA-verlinkt, ist NICOLAS WIESE nur noch sporadisch vom
Radar erfasst worden. Mit Unrelated (KR057, LP) tritt er mal wieder ganz in den
Fokus. Und steuert von 'Cuck Rock' als fetzigem Cut-up-'Song' über'Blossoming Dub Mould (Bluhm Remix)' auf 'Uzbek Fairy Tale' zu, das sich,wenngleich ohne Worte, allein fast 15 Min. von der Scheibe abschneidet.
Sampling-Kladderadatsch, an Feedbackfäden aufgefädelt. Dröhnfetzen, abrupte Impulse und Breaks, sirrende und surrende Spuren, klirrende Verwerfungen, kakophone Ohrenzupfer, metallischer Klingklang, verflüssigt als
Stream of Consciousness einer Eva der Zukunft?
Obwohl er nicht der Namensgeber von Karlrecords ist, wurde bei Karl Marx's
200th ! (KR058, 2CD) sein Andenken doch gehörig gefeiert. Ich zähle 28 Andenker, darunter so bekannte wie AGF, Alexandre Babel, Aidan Baker, Natalie
Beridze, Casper Brötzmann, Reinhold Friedl, Kammerflimmer Kollektief, Guido
Möbius, Philippe Petit oder Nicolas Wiese, der mit 'The Revolution will havebeen YouTubed #2' ein medien-ironisches Stichwort liefert. Daneben gibt esnaheliegende wie 'Kapital' und 'Mehrwert', zielgerichtete wie 'Antikapitalist','Capitalism Crashed' oder 'Wir bauen die Maschine um' und bemerkenswerte
wie 'Juif' oder 'Kali' (von Rachel Margetts mit Yr Lovely Dead Moon). Nickolas
Mohanna erinnert an das Massaker an den Pariser Kommunarden im Mai 1871
mit 'La Semaine Sanglante' (wie François Bourgeons "Die Zeit der Blutkirschen" benannt nach einem Chanson von Jean-Baptiste Clément). ME
Raabenstein vermischt bei 'Language is a Spy' Marx mit Burroughs. Aber
logofugale Paranoia ist keine Lösung, und eine nur elektronische oder krachigekeine Revolution. Die Erlöse der (bereits ausverkauften) CDs gingen übrigens
an die Berliner Obdachlosenhilfe und ProAsyl. Allen Karl-Sound, selbst denvergriffenen, gibt es natürlich digital auf karlrecords.bandcamp.com.
JASMINE GUFFOND, Teil der australischen Community in Berlin und mit Minit,
Organ Eye und als Jasmina Maschina schon auf Staubgold, hat mit 'Niche
Service' in Marxens Namen die eigenen Möglichkeiten realistisch eingeschätzt
und benannt (wie auch schon mit 'Romantic Rebellion' auf "Audible Approaches for a Better Place"). Degradation Loops (KR059, LP) verdankt seine
Existenz und Form auch nicht Marx, sondern Max MSP, dem Guffond ihr 2015er
Album "Yellow Bell" zum Fraß vorwarf. Für eine De-Konstruktion und Auseinandersetzung mit der industriegenormten High Definition. In Gestalt melancholischer Loops, zitternder Dröhnwellen und zermalener Stimmfetzen.
Wie Porya Hatami stammt auch SABA ALIZÂDEH aus dem Iran. Scattered
Memories (KR060, LP) evoziert mit Stachelgeige (Kamantsche) & Electronics und mit der Schalenhalslaute Rubab von Nima Alizâdeh - Erinnerungen an
Teheran, wo er 1983 geboren ist. Nostalgische Erinnerungen ('Colors Wove Me
in Tehran') und andere ('Blood City'), schwankend zwischen 'Dream' und'Fever', zwischen Tradition und Hitech, auf der Suche nach dem Elementaren(mit dem brodeligen, dröhnenden 'Elegy for Water' und dem dunkel 'geflöteten''Greetings to Earthfire'). Mit phantastisch 'singenden' und flirrenden Strings,
dem Klingklang einer Kalimba, Vogelgezwitscher. Althergebrachter Gesangmischt sich dumpf in schnelles Zuckeln und eine rauschende Klangflut, eine
Frauenstimme flüstert und vokalisiert zu orchestralem Traumstoff und elegischem Glockenspiel, eine pluckernde Laute loopt zu strebender Fiedel,
Sehnsucht kreist mit mulmiger Verzerrung. Die Tristesse von 'Fluid' redet
verständlicher als irgendeine Sprache davon, dass Erinnerung, Hoffnung und
Melancholie Geschwister sind. Und dass Thomas Herbst ein Händchen fürAußergewöhnliches hat.

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Dem Kopf von BENJAMIN FINGER entsprangen in Oslo soseltsame Sachen wie "Woods of Broccoli", "For You, Sleepsleeper" oder "Ghost Figures". Pleasure-Voltage (KR061,
LP) zeigt ihn mit JAMES PLOTKIN (von O.L.D., Khanate...)und der honigpumpenden, blurbenden Wiener Geigerin
MIA ZABELKA. Im dröhnambienten, psychoaktiven Zusammenklang ihrer E-Violine mit E-Gitarre, Synthies & Piano,
von Electronic Devices und Field Recordings mit Alien
Objects. 'Hostile Structures' stoßen an 'Kaleidoscopic
Nerves', in langen Wellen, pulsenden Frequenzen, in Loops
und perkussiven Kaskaden ununterscheidbarer Ingredienzen. Singt da Zabelka? Warum 'hostile', wenn es doch so
harmonisch und feierlich fluktuiert? Weil es nun drangvoll
brodelt und dröhnt, als würden da noch mehr Stimmen und
ein Tambourkorps mitgerissen? Meine Nerven jedenfalls
empfangen 'Pleasure' beim Strudeln in einer morphenden,
pulsierenden Klangflut, umschweift von Gesangsfetzen, dieseliges Wohlbehagen ausstrahlen. So driftet man mit
Klimpern und Klingklang auf Streicher- und Dröhnwellen
dahin - paradieswärts düül.
Zu seinem 85. Geburtstag erweist Karlrecords dem Dröhnmeister ERNSTALBRECHT STIEBLER Hochachtung mit
Reworks (KR062, LP). Ihre Referenz bezeugen da: Frank
Bretschneider mit 'Re-Mitteltoene' als Remix, der das
Orgelstück 'Mitteltöne' dehnt, dämpft und leicht bepulst;
Bérangére Maximin mit 'Innocence' und ebenfalls dröhnenden Orgelpfeifen, minimal akzentuiert mit metallischem
Ping und monotonem Piano, hin zu einem hell gewellten,
dunkel murrenden Finish. Jasmine Guffond bürstet Stiebler
bei 'Remix Algorithm' mit schnell staksender Rhythmik
gegen den Strich. Jens Strüver (der Stiebler bereits auf
M=minimal hochhielt) & Werner Durand gratulieren als
Phonosphere mit 'Mit der Zeit im Atem schwebend', das die
Electronics von 'Im Atem' und das Cello von 'Schwebend'
verwebt mit dem Kontrabass und Synthesizer von 'Mit der
Zeit'. Und das Kammerflimmer Kollektief bringt mit 'Morendo' ein so krawalliges wie launiges Konzentrat desStreichquartetts 'Sehr langsam'. Es gibt keinen Stiebler
außer Stiebler und diese fünf sind seine Propheten.
HANS CASTRUP, bereits perakusisiert mit "Lizenzfreie
Restwärme oder: Die Klaviatur des Quadrats", spielt auf
Heterogeneous Cell Information (KR063, LP) mit Spiegelachsen, Schnittkanten, Schmierläusen, nein, Quatsch, mit
Piano, Synthies, Tapes, Field Recordings, Digital Processing. Dazu gibt er vier seiner acht dröhnenden, dramatischbewegten Abstraktionen durch Vokalisation und flötenden
Obertongesang von Carla Worgull einen sinnlich-exotistischen Touch. Heftige, windumfauchte oder fragile Pianound Orgeltraktate mischen sich mit glossolaler Hexerei,
kakophonem Quallen, wässrigen und metallischen Anmutungen, opaken Phantasmagorien, begeisterter Verzweiflung in den Randgebieten... Und die Worgull kaut einem ein
Ohr extra ab.
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PAUL LABRECQUE (alias Head Of Wantastiquet und bekannt mit Sunburned Hand Of The
Man) & GHAZI BARAKAT (alias Pharoah Chromium), die sich auch schon als Crème deHassan präsentiert haben, locken auf Terminal Desert (KR064, LP) mit 'Jajouka Pipe
Dream', was für sich spricht und für Trance, für näselnd angeblasene, rasselnde, blecherngroovende Hypnose. Und sie nehmen einen mit auf einen Trip mit Captain Brion Gysin
nach 'Planet R-101', mit Berlin als altem Weltraumbahnhof ins Kosmische. Barakat spielt
Gimbri (die Kastenhalslaute des Maghreb), Moog, Beats & Rauschpfeife, LaBrecque
Gitarre & Synthie. Der zweite Trip mixt technoiden Moogpuls mit melancholischen, repetitiven, permutativen, immer mehr durchgerüttelten Klängen von Gimbri und Gitarre unddann auch wieder der Rauschpfeife. Bowles, Burroughs und Ballard begegnen sich ineiner Traummaschine. Bellydancing in your mind bis zur Trance. Mind-blowing!
Kozmik Bazaar (KR065, LP), das ist der tönende Brückenschlag zwischen Istanbul und
Chicago, zwischen KONSTRUKT und KEN VANDERMARK. Die heißeste türkische NowJazz-Formation, mit dem furiosen Korhan Futacı (alto saxophone, instant loops, vocal) &dem auch mit Dead Country bekannten Umut Çağlar (electric guitar, synthesizer, gralla,
guimbri) als hartem Kern sowie Apostolos Sideris (double bass) und Berkan Tilavel (drums,
electronic percussion) als famoser Rhythm Section, hatte nach den Abenteuern mit etwa
Alexander Hawkins und den bereits auf Karlrecords gefeierten Hochzeiten mit Keiji Haino(KR043 & KR052) gleich wieder Lust auf mehr. Und Vandermark mit seiner nachdrücklich
ostinaten Dynamik ist ja nun wirklich eine Perle für ihre Tespih. Wobei sie sich mit dem
treibenden, aufgekratzt gekrähten 'Diggin’ That Harmolody' erst einmal gemeinsam vor
Ornette Coleman verbeugen, bevor sie sich mit Pizzicato und schief geblasenen Haltetönen in 'Semazen' hinein tasten. Um sich ganz allmählich in Derwische zu verwandeln, diesich gelassen schwindlig drehen und als unbewegte Mühlsteine am Urbild des Wirbelns
berauschen. Erst das hypnotisch gekurbelte 'East of West, West of East' fragt: Wo ist da
Abend-, wo Morgenland? Aber wen juckt's? Seid umschlungen, Myriaden! Vandermark
predigt in variantenreichen Tropen, Futacı spuckt dazu Feuer. Alles kreist. Wie oben, so
unten. Die Welt ist gyromantisch, nicht nekromantisch, Sonne, nicht Fledermaus. Vergesst
die Grabsteine im Kopf, schleudert die Egomanie von auch als wär sie ein Leichentuch. Mit
Alto- und Tenorsax-Spitfire zu krassen Gitarrenriffs als glaubensbrüderlichem 'Ex-cess'.
Mit wieder Pizzicato und gesprochenen Zeilen dann 'Bammm!' 'Bammm!' 'Bammm!', abergedämpft und wie geträumt. Zuletzt mit Bogenstrichen, rauschenden Becken, getrillerten
Klarinettenspitzen raus aus dem 'Cocoon', weg mit dem, was uns blind hält, weg mit dem
Schaum vorm Maul eines Kamels. Harmolodisch, Rumi-mystisch [aber so narratorisch wie
bei Ulrich Holbein], umwimmelt von Ameisen, Elefanten, Engeln und Eseln. Lasst es Rosen
regnen. Als Vorschuss aufs Nirwana. Bis die Seele zum Stachelschwein wird.
"American Winter", "Silent City" (gesungen von Bonnie "Prince" Billy), "The Star-Faced
One" (eine Hommage an Sun Ra) und "Rawhead & Bloodybones" heißen die Stationen von
BRIAN HARNETTY hin zu Shawnee, Ohio (KR066, CD), einem weiteren Abstecher dieses'Sonic Ethnographers' in die Appalachen. Zu Jim, Amanda, Lucy, Judd und wie sie alle
heißen, die noch etwa 665 Bewohner eines Ortes, in dem die Zeit hinter sich herhinkt. Seit
der Kohleboom vorbei ist, grassieren Schwund, Drogensucht, Gewalt. Harnetty nutzt
wieder alte Archive, alte und junge Stimmen aus Shawnee, die erzählen (und singen): Von
ihrer Herkunft, meist aus Wales, von guten und bösen Tagen, über und unter Tage - Sigmund Kozma etwa, der letzte Zeitzeuge, schildert den Schock der 82 Toten beim Millfield
Mine Disaster 1930. Und während das 1884 von streikenden Bergleuten entzündete New
Straitsville Mine Fire immer noch brennt, gibt es neuen Protest gegen das neumodische
Fracking. Harnetty windet dazu mit einem mit Banjo, Bassklarinette, Cello, Flöte, Saxophon, Vibraphon, Violine, Viola und seinem Piano bestückten Ensemble melancholischen
Chamber-Folk. Weitere Informationen bringt etwa "The Odd Case of Shawnee, OH" aufYouTube (mit sprechenden Kommentaren von Republikanern, die streikende Arbeiterebenso zu Idioten erklären wie mehrfach überfallene Ladenbesitzer, die keine Revolverhelden wurden). File under Hörspiel, etwa neben Gerald Fiebigs "Gasworks".
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Mit Performs Songs from the Albums »Kraftwerk 2« and »Kraftwerk« (KR069, LP / zkr0026,
CD) bringt ZEITKRATZER die Fortsetzung zu "Performs Songs from »Kraftwerk« and»Kraftwerk 2«" (KR035). Zu elft spielen Reinhold Friedl & Co. wieder mit Flöten, Klarinette,
Saxophon, Flügelhorn, Posaune, Harmonium & Klavier, Gitarre, Drums, Violinen, Cello undKontrabass, live beim Roskilde Festival, die weiteren Klassiker: 'Harmonika' (als ob Mahler
es komponiert hätte), 'Stratovarius' (in dröhnenden Schüben und, nach abruptem
Totalcrash und einer Trillerattacke, als schleppender Rock-Dirge, der mit accelerierenden
Hieben zum legendären, hier pianobehämmerten Kraftwerkgroove findet und zu einer
schillernden Geige, die vom Wind verweht wird, mit nochmal dynamisch zuckendem
Finish), 'Vom Himmel hoch' (bassknurrig gestrichen, glissandierend durchschweift, mit
Pauke bedonnert und Hieb für Hieb Tritt fassend, bis es kratzend entgleist, aber sichnochmal rockend sammelt und haarscharf ins Ziel rumpelt) und 'Wellenlänge' (in Zeitlupe
mit müder Bluesgitarre und trübsinnigem Pizzicato, beharkt wie mit Banjo, und dann dochetwas leichthändiger und mit leichtem Zug nach vorne, mit Klimperpiano, doch insgesamt
mit ausgedünnter Mannschaft). Karlismus vom Feinsten!
Andi Stecher? Ich sag's euch: Ein Österreicher, Drums &Percussion, mit dem Malfinia Ensemble auf Kvitnu, mit"Austreiben / Antreiben" auf Heart Of Noise, on Tour
trommelte er mit Carla Bozulich oder Don the Tiger. Mit
Guido Möbius bildet er in Berlin G.A.M.S. Guido sag ich der Dieter = Cluster-Moebius ist längst perdu - , dem
man begegnen konnte bei F.S. Blumm, Harald Sack Ziegler, blinker_inc, Black To Comm, zwischen "Gebirge"(2009) und "Spirituals" (2012), auf Staubgold, Sonig, Dekorder, Karaoke Kalk. Feedback (von einem Gitarrenverstärker) ist hier bei G.A.M.S. (KR071, LP + KR072, 7")sein Ding, Frequenzen, die er durch Cut-up zurichtet undin hupenden, dröhnenden, quarrenden Loops bändigt.
Gleich bei 'Tremslo' lässt er zu Meeresrauschen, knurschendem Scratching und pochender, klappernder Gestik vokale Spuren von Yuko Matsuyama mitkreisen, dieeinen Zauberspruch stammelt. Über das Geflatter und
die Noise-Impulse von 'Flatter' legt Stecher biomechanisch klackende und stur gepochte Rhythmik. Auch
'Economics' profitiert zuvorderst von einer Ökonomie
mit Hand und Fuß, aber acceleriert zu aggressiv surrenden Drones und rotierenden Mustern doch als Lemming-Stampede. 'Rumba' ist ein neckisch bezuckter 4/4Spaß mit xylophonem Beiwerk, den Stecher gehörig in
Marsch setzt. In das schnelle Pulsieren und die bebenden Möbiusschleifen von 'Yanari' mischt sich der als
FRET karlifizierte einstige Painkiller Mick Harris mit ein,
Stecher rockt, wuchtig und zuerst schlammig verlangsamt, aber dann auch mit raumgreifendem Hufschlag.
'Fraktat' schließlich, ebenfalls mit Harris, schafft ausverzerrten Drones und dräuendem Getrommel eineominöse, verrauschte Atmosphäre, ein Foucault'sches
Meeresufer, an dem erst die Gesichter im Sand verschwinden werden und dann der ganze Rest. Zuvor abergrimassieren G.A.M.S. zusammen mit Felix Kubin mit
umgedrehten Mundwinkeln noch 'Laland Symbiose', als
Dada-Popsong mitten aus dem schwarzen Loch. Es ist
noch lange nicht das Ende von Lalaland, und noch versprechen Tunnel ein Anderswo.
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Midira Records (Essen)
DANIEL W J MACKENZIE, auch bekannt als Ekca Liena, aber so oder so ein melancholischer Eskapist in Brighton, hat sich schon als Passagier bei Dead Pilot in
die pfadlose Pianosphäre davongemacht. Was ihm vorschwebt, ist bei 'Unser
Blauer Morgen' etwas offensichtlicher als bei 'Blut und Boden'. RICHARD A
INGRAM hat lange Gitarre bei Oceansize in Manchester gespielt oder Keyboards
auf Tour mit Biffy Clyro. Als Blackdeathcross setzte er eigene Zeichen, katharische ("Consolamentum") und christo-pneumatische ("Hymns"). Einerseits also
Piano und Field Recordings, andererseits Gitarre und Keyboards, ergibt auf Half
Death (MD 056) zusammen 'Half Breath', 'Half Death', 'Two Futures'. Eine windumbrauste, in Blau getaucht. Und eine spirituell angehauchte, die schillerndorgelt, funkelnd aufrauscht und zuletzt pulsend und dröhnend Tempo aufnimmt.
Zwei Quellen, wie der Nil, eine blaue, und eine weiße, durch den Victoriasee hindurch - 'Victoria I (Rain)' & 'Victoria II (Distance)'. Durchpulst, im Regen und wie
von Geisterstimmen verrauscht. Zu melancholischem Pianoklingklang fluktuieren
helle Kaskaden, quallen dunkle, wie Flugzeugmotoren surrende Wellen, die zittrig
verzerren. Doch zu undurchsichtigem Geknarze taucht auch das Piano wieder auf,
weil die Melancholie bei diesem Halb und Halb nie fern ist. Auch bei 'Half Death',
anfangs von nur leisem Gedröhn gesäumt, tasten die Finger in Moll, während
Gitarre und Orgel tremolierend eine erhabene Wall of Sound gen Himmel wachsen
lassen. Wir jedoch sinken wie mit kleinlautem Cellotremolo in Resignation zurück.
Zu 'Ending' läuft, pianotrist, dann schon der Abspann, während dessen ich mir zu'Half Death' ein neidisches "erst?" kaum verkneifen kann.
Dass ihm Bernhard Lang "Loops for Davis" auf die Zunge legt, ist für GARETHDAVIS nichts Besonderes. Auch Magnus Lindberg, Rebecca Saunders und Jo
Kondo standen bei diesem Bassklarinettenvirtuosen schon Schlange. Erstaunlicher ist eher, dass er neben seinen Musica-Nova-Terminen sich immer wieder die
Zeit nimmt, um mit Rutger Zuydervelt/Machinefabriek, den Kleefstras, Elliott
Sharp, dem Mere-Trio, Oiseaux-Tempête, Merzbow oder Aidan Baker seinen
Horizont zu erweitern. So auch bei Nótt (MD 076), einem Dröhnscape, für den er,ähnlich wie bei "STATES" mit Tapage (Tijs Ham), sein dunkles Röhren, Gurgeln und
Schreien in die elektronischen Drones von DUANE PITRE mischt. Der hat um die
Jahrtausendwende noch Post-Hardcore mit Camera Obscura und Mathrock mit
The Dropscience gespielt. Doch mit dem Pilotram Ensemble fielen dann auchschon die Stichworte Drone und Just Intonation. Pitre tauchte bei Rhys Chathamauf, komponierte für Bowed Harmonic Guitars und beschallte bei Important Records eine kammermusikalische Nische (mit Jesse Sparhawk von Fern Knight ander Harfe, James Blackshaw aus dem Umfeld von Current 93 an Dulcimer oder
Bhob Rainey an Sopranosax). Das Notturno mit Davis spannt sich über 34 Min., als
neoarchaische, neosakrale Suggestion, die, obwohl sie mit ähnlichen Gedanken zu
spielen scheint wie Neil Gaimans "Sandman" und sein Fantasy Drama "American
Gods", dessen knallbunte, drastische und sarkastische Allegorik hintergeht mit
düster surrender Monotonie unter einem hinter Wolken verborgenen Blutmond.
Odin hat seinen Krieg gegen die neuen Götter, gegen Media, Technical Boy und Mr.
World, verloren, die Götterdämmerung ist ins Futurum II fortgeschritten. Aber
Davis bewahrt in seinem tremolierenden, flackernden Bassklarinettengesang,wenn auch nur als vage Ahnung und eine Art Phantomschmerz, einen ähnlichen
dionysischen Schauder und ein Mysterium Tremendum wie vielleicht noch einige
wenige Flöten von der Rückseite des Balkangebirges und des Kaukasus, die aberwohl auch nur noch auf alten Melodya-Scheiben auf Flohmärkten umeinander
geistern. Was nicht heißt, dass es unsrer postsakralen, nur noch den neuen
Medien hörige Zeit an Leichtgläubigkeit oder goldnen Kälbern fehlt.
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Mikroton Recordings (Moskau)
Man braucht eine Lupe, um es zu entziffern: FUCK SYSTEM! FREE ELECTRONICS! DO WHAT YOU LIKE! Ob nun mit
oder ohne seinem coolen, schwarzen T-Shirt (mikroton mp 75), Mikroton-Macher KURT
LIEDWART badet bei Mare (mikroton cs 72, Cassette) im eigenen Ocean of Sound. In derangestauten Klangflut von Modularsynthie und Feldaufnahmen, die er in seinem Partisanstudio in Moskau ausgestaltet hat zu sechs imaginären Reisen: an die Ost- und die Nordsee, ans Ligurische und Tyrrhenische Meer, die Adria und das gesamte Mittelmeer. Mit
salziger Granulation, prickelnder UV-Strahlung, dröhnender Tiefe, Phantomen tutender
Nebelhörner, fauchendem Wind als Klangbild, das mittendrin plötzlich den Maßstab ins
Molekulare vergrößert. Mit körnigen Kollisionen, pritzelnden Impulsen. Um wieder aus demÜberkonkreten, das gern als abstrakt verstanden wird, aufzutauchen in welliger Dünung.
Der Ozean, geschrumpft zu einem Glas Brause, zum Rauschen in einer Muschelschale.
Oder durchsägt von surrenden Motoren und Schiffsschrauben als industrieller Tümpel, alsFahrrinne aus Eisen und Öl, als noisig überquellende Mülltonne, die man mit dem Hubschrauber absucht, dass auch ja keine Unbefugten darin wühlen. Als Narrativ ungewiss,aber als Projektionsfläche facettenreich und dynamisch.
Something Wrong There (mikroton cd 73) ist wohl nicht erst ein Eindruck, den man bei der
Ankunft in Utopia gewinnt. Nein, es kann einem auch hier und jetzt in der Klemme zwischen
dem Seriösen und Banalen, Wissenschaft und Mystizismus, Experiment und Pop, Anarchie
und Diktatur vorkommen, als könnte man nur wählen zwischen 'unbearable' und 'nauseating'. Da mag es KURT LIEDWART, PETR VRBA, seinem tschechischen Spielgefährten zuletzt bei "Punkt", und KEN GANFIELD, einem belesenen US-Amerikaner in Prag und Vrbas
Spielgefährte bei The Mond, als das kleinere Übel erscheinen, sich im 'und' dazwischen
breitzumachen. Mit Synthies und Electronics, cracked und unverkracht, bekommt Liedwarts Meerklang dabei rhythmische Akzente und harmonische Tönungen, tuckernde
Punktierungen und sirrende oder brausend impulsive Akzente. In abenteuerlustiger
Häufelung, videospielerisch verzwitschert, knarzig traktiert, erscheint das Unerträgliche
als Whirlpool.
Nein, nicht Wabi Sabi, sondern Wabi Daněk (1947-2017) ist der Taufpate von WABI EXPERIENCEs Wabi Experience (mikroton cd 74). Der beliebte Barde der 'trampská hudba',
jener in den 1920/30er Jahren an der Moldau entstandenen und in den 1950/60ern mit
westlichem Folk- und Countryflair erneuerten Wandervogel-/Lagerfeuermusik, saß schon
lange als Floh im Ohr von Tomáš Procházka, besser bekannt als Federsel (mit etwa RadioRoyal, B4 oder Poisonous Frequencies). Procházka hat schon 2010 mit Hilfe von Jára Tarnovski, seinem Partner in Gurun Gurun, den Wabi in seinem Kopf schließlich so dekonstruiert, wie er jetzt via Moskau offene Ohren erreicht. Als Zeitreise mit einem Daněk an Bord,
der, aus dem Tiefschlaf geweckt, aller Lagerfeuerromantik entkleidet, seiner Zunge beraubt und futuristisch techni- und rhythmifiziert, klagen könnte: And I Awoke and Found Me
Here on the Cold Hill's Side (um es mit James Tiptree Jr. und mit Keats - zu sagen). Als einer, dessen Welt verbrannt ist, dessen Daumen gebrochen sind. Nicht mal
mehr Tau auf den Gleisen. 'Rosa na kolejích' war Daněks
Eintrittskarte in die Hall of Fame, das nostalgische Coverspielt darauf an. Auf der Asche tanzt man zu einem ganz
anderen Beat, schleppenden Schlägen, tuckernden
Pixeln, metallischem Flimmern und Dröhnen, vielen
Breaks, wenig, und wenn, dann dunklem Flow. Die WabiErfahrung, umgezogen auf 'The Fourth Floor of Sadness'. Denn Lagerfeuer sind bloß noch Legende, Daněk
nur noch ein Klangsteinbruch ('Brouk' für 'Brouk Bingo
Bloud', 'Morgan' für 'Morgan Break', 'Outsider Waltz' für'Outsider Tango'...).
63

Sofa

(Oslo)

Als PROPAN vereint sind seit 2011 Ina Sagstuen, bekannt mit Skadedyr und Girl (einem
Duo mit Christian Skår Winther, mit dem sie auch bei Karokh und Torg mitmischt), undNatali Abrahamsen Garner, zwei Stimmen - wörtlich -, die auch bei Susanna & The Brotherhood Of Our Lady erklingen, Susanna Wallumrøds Bruderschaft, die nur aus Schwestern
besteht. Schwestern, wie sie das Femme Brutal Festival und Ladyfest in Oslo bestimmen,
Stimmen, die sich mit Electronics verbünden. Für Trending (SOFA 574), 13 effektvolle,
keineswegs rhythmusscheue Text-Sound-Komprovisationen in einer Spannweite von Åke
Hodell bis zu 'Berlin Clubbing'. Mit keuchendem Worksong-Puls, mit schweifenden odergirrenden Kehllauten wie bei Agnes Hvizdalek, Natalis Schwester in Juxtaposition. Mitüberhaupt vielsagender Vokalisation, sei es durch ostinate Wiederholungen zu pochendem
Tamtam oder dudelig sprudelndem Synthie, sei es als verzerrtes Flüstertüten-'Saxophon'oder immer wieder als nymphischer Naturhauch. Zu rollendem Marschtrommelchen undrituell-repetitiv gestöhnten, wie von Peitschenhieben rhythmisierten Lauten schweifen
groß tönende Klangbögen ('Smack on the Back'). Auf harmonische Drones und ululierende
Klarinettenwellen werden die Lippen gepresst. 'Laurie' entsteht aus angestrengten Atemzügen, ätherisch vokalisiertem Uuu und 'flötender' Synthiemelodik. Beschleunigter Lippenbeat treibt, a-a-a-a, o-o-o-o, t-t-t-t, zusammen mit dumpf paukenden Schlägen jaulendes
Autotuning zu gospelndem Überschwang, 'Heismusikk' variiert das mit lascherem Ou : Ou :Ou : Ou und nicht mehr ganz so voller Überzeugung. Trillernd, jaulig und in verzerrten Rucks
gibt sich 'She Sings Like a Fairy' dennoch hartnäckig, bevor 'Meditation Tape: The New
Beat', wummrig pumpend, bi- und tritonal ächzend, flüchtige Stimmkaskaden in einen paradoxen Widerspruch stellt zur autogenen Suggestion: Your head is heavy... your pelvis isheavy... your thighs are heavy... Aber es bleibt doch ein 'Ariel'-Bewusstsein wach und leicht
genug (wie die losen Glieder von Sylvia Plaths Reiterin, die sich in die aufgehende Sonne
schnellt), um Prospero oder - mit Kaurismäki - Helsinki hinter sich lassen zu wollen.
64Wie schon bei "Six Moving Guitars" angemerkt, ist der norwegische Gitarrist Fredrik
Rasten zugleich als wandelweiserischer Dröhnminimalist und feinsinniger Improviser
unterwegs, mit Volumes und Oker zu viert. Aber auch nur mit dem Trompeter Torstein
Lavik Larsen als PIP. Was offenbar nicht von Dickens herrührt. Das Debut zeigt die
beiden zwischen Braun- und Rotalgen, zwischen Klima und Religion, der Zweitling auf
Creative Sources mit kargen Stichwörtern wie 'Habitat' und 'Land'. Aber auch mit 'Fly',das als visuelles Motiv wiederkehrt auf Possible Worlds (SOFA575), mit Rastens Vater
als Pilot eines Trike. Für einen 66-min. Trip dort oben, wo angeblich die Freiheit und die
Stille grenzenlos sind. Um mit den sanften Klängen von Trompete, Sampler & Synthesizer (Larsen) sowie bundloser E-Gitarre, akustischer Gitarre, Electronics & Chimes(Rasten) in Just Intonation in Himmelblau zu schwelgen. Anhaltende Blasetöne, geharfte Dreiklänge und Drones, flauschiger als Schäfchenwolken, viel ruhiger als alles,
was Jean Claude Petit, Moonchild oder Jeff Mills als mögliche Welten suggerierten.
Auch Brian Eno & Jon Hassell mit "Fourth World Vol. 1: Possible Musics" als geträumtem Flug über Burundi, ja selbst Markus Stockhausen mit seiner sensitiven Trompete
gehen in ihrem exotisch-ambienten oder sublimen Dreamscaping nicht so konsequent
jenseits von Raum und Zeit wie Pip mit ihren stehenden Wellen, feinen elektronischen
Gespinsten, selbstvergessenem Harfen und Plinken. Die Trompete nur ein gesummtes
Liebkosen durch Licht und Luft, in Haltetönen, milder als mild, in Wellen, linder als lind.
Die Chimes ein funkeliges Funkeln, die Gitarre ein meditativ arpeggierendes Streicheln,
gebettet auf die Daunen elektronisch dröhnender, indisch angehauchter Tönung. Luftig
gepresste Töne der wie verstopften Trompete bringen da leicht Dramatik ins Spiel, eindrohendes Ersticken in dünner Luft. Dissonante Striche wie erschwerte Atemzüge
unterstreichen den beklemmenden Höhepunkt dieser pneumatischen Verstiegenheit
jenseits von Sauerstoff. In tropfenbeklicktem Sinkflug füllt sich die Lunge wieder, undauch die sonore Dröhnung setzt mitsamt der Trompete und dem beständig harfenden
Riffen wieder ein. O tönet fort...
DANS LES ARBRES, der Zusammenklang der Klarinette von Xavier Charles, der EGitarre von Ivar Grydeland, des Pianos von Christian Wallumrød und der Percussion
von Ingar Zach, ist von ECM über Hubro nun zu Sofa gewandert. Mit Volatil (SOFA576),
live eingefangen im Teatro San Leonardo in Bologna, am 73. Jahrestag der Bombardierung von Würzburg. Mit 'Ramure, Brindille, Surgeon, Flèche', also Astwerk, Zweig,
Chirurg, Pfeil als näherer Bestimmung einer delikaten Klangwelt, die David Toop zu
einem Waldspaziergang einlädt und zu poetischen Formulierungen verführt wie
thought beams of sound matter... the delicate placement of anisodactyl toes into wet
mud as if writing secret spells and formulae for decipherment in a distant future... thehours are held as if time is visible, a sponge to be squeezed and stretched in thehands... like monstrous crickets, the trees stridulate, their music ancestral andmysterious... Wer wollte damit konkurrieren oder gar seine Imagination mit einer ganz
anderen überschreiben, zumal sie in dem geradezu mystischen Gedanken gipfelt:
There is no magic without the question of an ending with no end? Wer mag, kann das
selber rückkoppeln an ululierende Klarinettenwellen, zirkulierenden Klingklang vonDraht und Piano, wuppende und holzig geschlagene Akzente. An schlürfende undpflückende Laute, schleifende und harfende Gesten, gedämpftes Pusten und Flöten, an
aufschrillende oder quakende Rufe, ostinates Klopfen, metalloides Dingdong, synästhetische Anmutungen in Tropfen- und Wellenform. An klimpriges Pling, das tönern
abgeschattet wird, an gurrende Klangfäden, die in girrende aufhellen, an metallischgenestelte Turbulenzen und pochendes, klirrendes oder federndes Hantieren. An
Sirenenalarm und polternde Flucht, als stünde selbst dieser Zauberwald in Flammen.
Hier beruhigt es sich schnell wieder zu monotonen Repetitionen, ostinat klopfenden
und geschnäbelten, bepingt und bedongt als Regengamelan von erst nur vereinzelten
Tropfen. Und tatsächlich schläft der Regen wieder ein, so dass man, nachdem man
sich noch von der Ameisenautobahn weggerollt hat, ganz ungestört von Zeit und hoffentlich - Zeck', diesen faunischen Nachmittag verdösen kann.
65

Arbeit macht das Leben süß - Faulheit stärkt die Glieder (alte Volksweisheit).

CARSTEN VOLLMER

arbeitet, wenn nicht in den Weinbergen des Herrn, so doch in den Berg- und Klangwerken
der Noise Culture. Seit Mitte der 90er. Mit zuletzt "Arbeit Nummer 19 - Die Moebius
Frequenzen" (BA 83) und 'CSCP', seinem Beitrag zur Audiophob-Split-12" mit Spherical
Disrupted, als 'Arbeit Nummer 20' (BA 96). Jetzt lässt er mich seine 'Arbeit Nummer 21' auf
den Thorens-Teller wuchten, als Split-Part des Prachtstücks Antarctica/Antarktika (Ehekrach D.I.Y 007 / Cat Killer, Picture LP), der die wilde, weiße Schönheit des Südpols feiert.
Als wäre dort Schneewittchen eingesargt in einem Schleier aus Kristall. Seine MitPinguine, Anne & Florian Wolf, kurz BUNKER CITY, singen auf der meergrünen Seite vonApsley 'Cherry-Garrard' (1886-1959), der 1912 Scotts fatale Terra-Nova-Expedition überlebte; vom 'Air New Zealand Flight 901', der 1979 am Mount Erebus zerschellte und 257
Leben kostete; vom 'Lake Vostok' 4 km unter dem antarktischen Eis. Wobei sie lieber allemöglichen Schurken am Pol einfrieren würden, eingekerkert von Erebus, dem Gott der
Finsternis, der 1847/48 am andern Ende der Welt schon mit der Franklin-Expedition sein
Taufkind, die HMS Erebos, verschlungen hat. Mit 'Map Ref 53 S 57 W' spötteln sie zuletztüber die vermeintliche 'Ufo/Riesenkraken'-Sichtung auf Googlemap unter den Koordinaten
des Sail Rock. Wobei vielen, denen das Zerbrechen des 'Larsen C'-Schelfs am global
erwärmten Arsch vorbei geht, das Grinsen wohl noch vergehen wird. Das Oldenburger
Paar schrappt zu gnadenlos ödem Cyborgbeat melancholische Bass+Gitarren-Instrumentals und zu bockig animierter Drummachine aufgekratze und vertrillerte 80er-NewWave-Rocksongs. Dabei bestechen sie mit maskulin-femininem Wechselgesang in einer
sympathischen, nahezu perfekten Postpunk-Pastiche. Vollmer faltet seine Karte danach
wortlos auf und so eiskalt, dass selbst John Cales 'Antarctica starts here' mit all der verkoksten Vanity und Insanity des Abendlandes als abgehalfterter Movie Queen wie lodernderhitzt klingt. Während Thomas Köner die dark ambient dröhnenden Gebiete dernördlichen Polarkreise kartografiert hat, pflügt der Essener durch das harsche Weiß in
Weiß jenseits von Tsalal und setzt einen auf den Schollen des Wahnsinns dem heulenden
Furor und den Faustschlägen eines Eissturms aus.
Als 'Arbeit Nummer 22' bewältigte unser Herkules Die Lehmann Akten (Cat Killer / Bad Alchemy, BACD103) - extra für Bad Alchemy! Untertitel: Die Löschung der digitalen Archive.
Mit einem terminatorischen Sandstrahl und vehementerem Bar Überdruck oder atü, wie es
früher lautmalerisch treffender hieß, als der Humanosphäre gut tut. Der Partikelsturm reißt
sogar Radiowellen mit, wie Stimmfetzen verraten, und gerät dabei in rhythmische Wallung.
Nur um sich sogleich umso wilder zu verwirbeln und aus undichten Poren zu pfeifen wie
stinksaure Dschinns aus entstöpselten Flaschen. Hinter grün-braun-schwarzer Plastikcamouflage wird eine, teils in Schaufenstern gespiegelte Menschenmenge sichtbar, was
mir freilich nicht verrät, ob CARSTEN VOLLMER auf die Ingolstädter Lehmann-Affäre anspielt. Aber ist Ingolstadt jenseits von Dr. Frankenstein der Rede wert? Führt nicht Sven
Regener die Akten von Herrn Lehmann? Wir haben es hier jedenfalls mit einem Bannstrahl
der analogen Welt gegen die digitale Hybris zu tun, die zu hören bekommt, wie gottserbärmlich gefallene Englein singen. Das Wort dafür ist Kakophonie, und Vollmers Haltbarkeitstest der Protokolle des Digitalen macht diesem Wort infernalisch schillernd, luziferisch trillernd alle Ehre. Als würde er kilometerlange notbremsende Güterzüge, verrostete
Eisenwerke und desolate Kohlengrubengeister in seinem Krachwolf zerschreddern, dermit der Fressgier eines Schwarzen Lochs den ganzen aus den letzten Löchern pfeifenden
Planeten mitsamt dem Geheul der verdammten Seelen mitzuverschlingen droht. Meine
eingefrorene Grimasse ähnelt dabei wahrscheinlich mehr den G-force-verzerrten TestpilotGesichtern als solchen olympischen Wesen, die Vollmers Sound als Musik in ihren Ohrenzähnefletschend Beifall nicken. Wobei ich einsehe, dass diese Arbeit getan werden muss,so wie jeder einzelne Hals der Hydra ausgebrannt, der ganze Müll und Scheiß ausgemistet
werden muss und die menschenfressenden Rosse nur gebändigt werden können, indem
man ihnen ihre Herrn zum Fraß vorwirft.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
DAVID CHALMIN La terre invisible (Ici d'ailleurs, IDA100, LP/CD): Eine schillernde
Gestalt, dieser als Komponist, Arrangeur & Produzent profilierte Franzose, der mit etwa
Angélique Ionatos und vor allem den Schwestern Labèque gearbeitet hat. Dazu war er
mit B For Bang und - mit Massimo Pupillo & Raphael Séguinier - als Triple Sun auchselber mit Gitarre & Electronics und sogar als Sänger zu hören, im "Minimalist Dream
House" und auf den Spuren von Moondog, den Beatles oder Coil. Nachdem er auf Icid'ailleurs bei Matt Elliott & The Third Eye Foundation und bei Orchard (einem Projekt mit
Aidan Baker) mitgemischt hatte, animierte ihn das Label in Nancy nun zu seinem Solodebut. Darauf lässt er einen im Morgengrauen erwachen als Seelen, die noch nicht
wissen, dass sie verloren sind. Denn noch funkeln sie, pulsierend, loopend, vongrundlosem Drang, vom dunklen Élan vital getrieben. Knarzend, stampfend, mit wuchtig
sturem Tritt, in je stumpfsinniger, desto trotzigerem Trott. Als Ausformung einer 'Matière
Noire', die in knarrigen Schüben dem sekündlichen Diktat der Zeit folgt und mit
abfallendem Klingklang repetitive Muster bildet. Helle Synthiesounds streifen als'Images Nocturnes' den pulsenden Spacenight-Himmel, kreisender Pianoklingklang
betüpfelt ihn. 'Vertige' bringt zu schnellem, knarzig pumpendem Puls tröpfelig getüpfelte Repetitionen und zuckende Impulse, die den schwindelerregenden Impetus
nochmal massiv forcieren, wobei der trappelige Veitstanz der Moleküle fast ins
Schleudern gerät und zuletzt abrupt abreißt. Als Postludium spielt Chalmin nur mit Pianoeine Handvoll elegischer Noten für die ins 'Lumière Blanche' getaumelten Motten.
MARC CODSI A New World (Annihaya Records, END 15): Sun City Girls, Chalabi Effect,
Praed, Seamus Cater, The Dwarfs of East Agouza... so wird ein Label allein schon zur
Empfehlung. Diesmal für einen Musiker, der mit der Postpunk-Band Scrambled Eggs undzusammen mit der Sängerin Mayaline Hage elektrorockend als Lumi die Beiruter Szene
aufmischte. Mit Alben wie "Peace is Overrated and War Misunderstood" oder Songs wie'Not Our War' - engagiert und vorwärts blickend. Durch die Soundtracks zu "A PerfectDay" (2005), "Je Veux Voir" (2008) und "Beirut Hotel" (2011) und sein Solodebut, den
melancholischen Soundscape "Faded Postcards" (2010), wo er einmal klingt wie einunter Ascheregen verschütteter Robert Wyatt, setzte er dann Introspektion und das
Hörbarmachen eigener Bedrängnis gegen die Neigung, die Nachwehen der blutigen
Interventionen und wiederkehrenden Querelen, des Julikriegs 2006 und der erneuten
Eskalation im Mai 2008 zu verdrängen. In die 'Invocations' & 'Encounters' von "A New
World" floss die Distanz ein, auf die er als Émigré in Montreal oder Paris zum 'neurotischen' Beirut gegangen ist und zu den 'Sekten' (so im Interview mit ReOrient), die dort
herum aufeinander schießen. Aber wo auch immer, er traut, gegen Romain Rollands
Ansicht, dass Kunst allenfalls einzelne trösten, aber nichts gegen die Wirklichkeit ausrichten könne, mit Sarah Kofman der Kunst einen Überschuss an exzessiver Vitalität zu,
die das Universum berauscht. Für ihn macht gute Kunst Unvorstellbares möglich undVerrücktes begehrenswert. Ohne Nietzsche zu nennen, geht Codsi vom Tragischen als
Movens nicht nur einer künstlerischen Existenz aus. Wohl durch Kofmans "Nietzsche
und die Metapher" bestärkt, tanzt er über 'tausend Rücken', 'tausend Pfade', 'neuen
Meeren' entgegen. Seine "New World"-Tracks sind dementsprechend nicht mehr melancholisch-introspektiv, sondern auf elektroorchestral beschwingte Weise tänzerisch.
In der ständig pulsierenden Wallung temporeich drängender, harmonisch wirbelnder
Synthieorgelwellen. Dazu in starkem Kontrast zeigt sich im dröhnenden Vorschein, ja
Andrang, eine wie neue Welt, sichtbar den 'tausend Augen' einer polyphonen Existenz.
Mit 'The Departure' bringt Codsi - wie mit Nietzsches "Dorthin - will ich" im Sinn - zuletzt
Bewegung und Beruhigung zusammen, in noch melancholischen Orgeldröhnwellen unddoch einer stark erhöhten Pulsfrequenz.
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THE CRAY TWINS In the Company of Architects (Fang Bomb, FB029): Ob
sich Gordon Kennedy und der mit "Panoptic" und "The Other" bereits FangBomb-einschlägige Paul Baran in Glasgow mit den mörderischen, sensationslüstern verkulteten Londoner Gangstern Reggie & Ronnie Kray
gemein machen, oder doch eher mit den Supercomputern von Cray Inc. liebäugeln? Im Zweifelsfall, weder noch. Die Coverkunst - vorher Herbstwald,
nachher Hochhausbrutalismus - wird schließlich auch durch den Titeldreisatz von 'In the Company...' über 'The Absence of Architects' zu 'Anarchitects' konterkariert. Der Klangfächer aus einerseits Chapel Organ & Buchla,andererseits Organ, Mellotron & Keys und beiderseits Electronics &Samples ist virtuell orchestriert mit auch noch Modularsynthie (Ryoko
Akama), Gitarre (Werner Dafeldecker), Chimes (Bruno Duplant), Mikrotonsax (Sergio Merce), Flöte (Antoine Beuger), Bassklarinette (Kai Fagaschinski) sowie Sopran (Lavinia Blackwall) und Sprechstimme (Jessica
Evelyn). Als spurenelementare Ingredienzen und verschleierte Klangspuren
eines morphenden Dröhnscapes, der mit Dehnungen und Tönungenoperiert, mit perkussiven, keineswegs aber rhythmischen Akzenten undweichen Kurven mundgeblasener oder elektronischer Langwellen. Verzerrter Singsang spielt kurz eine Hauptrolle und federt mit melancholischem
Anhauch ebenso brutalistische Härten ab wie die generell unscharfen
Verlaufsformen dieser wandelweiserischen Strömungen. Die jetzt durch
vokalisierenden Gesang gefühlsbetonte Protuberanzen auswerfen. Um
prompt pianissimo auszudünnen, empfänglich für einen Chimesakzent oderdas Schwallen der Orgel, die den 38-min. Hauptsatz prächtig überclustert.
Der nur 5-min. Mittelpart ist ein von dunkler Flöte und Orgel umdröhntes
Rezitativ, dessen Tonfall mir genügen muss, um mir darauf einen melancholischen Reim zu machen. Auch zum dröhnenden Schlusspart spricht
Evelyn elegische Zeilen, gefolgt von Chimesklingklang, vokalisierten
Schwaden und jetzt doch auch gedämpfter, rudimentärer Rhythmik. Aber
statt als Architektur zu tanzen, zermorpht die Crayation amorph.
BANA HAFFAR Genera (Touch, Tone 71): The Wire stellte sie als Los
Angeles based modular synthesist vor, Soundcloud verortet sie in Asheville,
North Carolina. Zu Buche steht die blonde Knöpfchendreherin und Kabelsteckerin mit den 12"s "Alif" (2017) und "Matiere" (2018) und, zusammen mit
Eric Cheslak, als die treibende Kraft hinter der Modular-SynthesizerPicknick-Reihe "Modular On The Spot". Ihre Klangerzeuger hier sind diverse
Eurorack-Modular-Module von Make Noise plus Shades, Clouds und Field
Recordings. Damit steuerte Haffar, live at AB Salon, Brussels, durch '5
zones'. Angefangen von Hackstücken einer Frauenstimme in einer orientalischen Szenerie, dominiert von einer Flöte, deren Klang sie ebenso verzerrt
wie Muezzingesang und Phantompianofitzel. Darüber und auf sanfte, aus
dem Orientalischen abziehende Orgelwellen spritzt sie knattrig perkussive
Geräuschmolekülketten. Die Synthieklangmoleküle springen rhythmischüber Dröhnwellen dahin, als tremolierend hoppelnder, zugleich melodischer
Keysklingklang, über den nun klickender Kies hagelt, loopt und kaskadiert.
Oh Morphagene, oh WoggleBug, oh QMMG in 50 Shades of Noise. Der
klackende Molekülring öffnet sich in turbulender, polyrhythmischer Verwirbelung, mehrfach getroffen von dröhnenden, knarrigen Schüben und vonorgeligen Anmutungen, die die steinigen hinter sich lassen. Zittrig tremolierend wie schon einmal zuvor. Keys mit Parkinson. Gestreift nun von wieder
knarrigen, semirhythmischen Impulsen und von sirrenden. Mit Tempo geht
das ins hoppelige Finish, über letzte Noiseschickanenloops, nochmal steinig
und wenn auch nicht knie-, so doch fingerbrecherisch.

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MIRCO MAGNANI & ŁUKASZ TRZCIŃSKI Lumiraum (Undogmatisch, UNDOGMA4,
EP/CD): Magnani, der aus Pistoia etwas abseits von Florenz stammt, mischtschon seit den 80ern mit. Anfangs als Minox (mit "Lazare", 1986 mit Steven
Brown realisiert, als zeittypischem Ruhmesblatt) und als 4Dkiller, von 1996 bis
2006 dann mit dem Label Suite Inc. und als Technophonic Chamber Orchestra /TCO. "Aus Verzweiflung" 2009 nach Berlin "geflüchtet", macht er zusammen mit
Valentina Bardazzi dort Undogmatisch und beeindruckte 2017 mit "Madame E." Darkwave-Chansons nach Georges Batailles “Madame Edwarda”, ganz phantastisch in Falsetto gesungen von Ernesto Tomasini. Und 2018 mit "Italienische
Chronovision" von Carlo Domenico Valyum als parawissenschaftlicher Fiktion
und weiterem Prachtstück. Mit seinem [wenn ich mich nicht irre] als MDFB (undmit Mstake) aktiven Partner aus Katowice kreist er bei "Lumiraum", worin
zugleich ein Lichtraum steckt und der heilige Schneckenhornlaut Aum, mit
analogen & digitalen Electronic Devices, Vocals und seinerseits noch Klarinette,
Sopranosax, Alto- & Bassblockflöten um: 'Hiranyagarbha', den goldenen Schoßder hinduistischen Kosmogonie, 'Bereshit', das alttestamentarische "Im Anfang..." der Genesis, die sumerische 'Nammu' als uranfängliches Urmeer,'Buriash', den nördlichen Windgott der Kassiten, und 'Tezcatlipoca', die nächtliche, schwarze Gottheit der Azteken. Sonor dröhnend und mit paradiesischpastoralem Flötenklang, der den dumpf pochenden Kosmos aus seiner goldenen
Eierschale lockt. Über dem schon unruhig sich wellenden Leeren und Tiefen
beschwören dunkle Flötentöne die Weltenschlange. Das Meer, eine harmonische
Fluktuation, der Wind nur ein Hauch, der metalloiden Klang anstößt und, mit
dunkelstem Grundbass, ein harmonisches Flimmern und wolkiges Quallen, durch
das das Soprano, zu rhythmisch geklopften Beats, mit hellen Strahlen dringt.
'Tezcatlipoca', der 'Rauchende Spiegel', wirft zuletzt sich sein Jaguar-Gewandüber und stößt einen grollenden Groove an, mit feierlich rituellem Beat undnochmal erhabenem Flöten.
GABRIELE MITELLI The World Behind the Skin (We Insist! Records, CD/LP
WEIN07): Dieser Multiinstrumentalist aus Brescia, der u. a. bei Markus Stockhausen studierte, hat sich profiliert mit dem Drummer Cristiano Calcagnile, als
Duopartner von Pasquale Mirra (als Grove& Move) oder Rob Mazurek und mit
seinem European 4tet (mit Alexander Hawkins, John Edwards & Mark Sanders).
"Hymnus ad Nocturnum" (2014) zeigt ihn solo mit Hommagen an Antonio
Gramsci und Jeanne Hébuterne (1898-1920), Malerin, Modell und Braut vonModigliani, die ihm in den Tod nachsprang. Bei "O.N.G. Crash" (2017) reicherte
er drei 3-teilige Suiten an mit Reminiszenzen an Sun Ra und Consorzio Suonatori
Indipendenti. Zu seinen neuen Stücken, kreiert mit Kornett, Sopranosax, Altoflügelhorn und Electronics, lädt Nicola Di Croce das menschliche Begehren zu
einem Bad in einer Klangwelt, deren primitives und chaotisches Magma auf
einmal verborgene und komplexe Schönheit offenbart. Und Mazurek schwärmt
enthusiastisch-kollegial von SOUND als seventh heaven und cloud nine. Wohl
nicht zuletzt, weil die Schmauchspur von Mitellis 'Trip to the abysses' inAbgründe taucht, wie sie auch er [Mazurek], Peter Evans oder Arve Henriksen
ausloten. Wobei Mitelli noch galoppierende und surrende Elektrospuren mit
einmischt und wechselt zwischen dunklem Halteton und turbulent gefetzten
Sopranospaltklängen. Bei 'Just take another' betickelt er einen dunklen Drone
mit Metallicpercussion, er stimmt zu rascheligen Muscheln ein Mantra an, stößt
feierlich ins Horn und crasht mit Gongs umeinander. So geht es über in 'The
fisherman's prayer', als rappelnde Beschwörung des Gottes, der Thunfischewachsen lässt. Das feierlich klagende Kornett und monoton tickendes 5-vor-12
passen zum Meer als Schlachthaus. Ebenso die dunkle Schmauchspur von 'The
red sunrise and the octopus' als dräuende Menschheitsdämmerung übersurrenden, sirrenden Wellen, ein Abgesang in Blut und Sepia.
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NICKOLAS MOHANNA Smoke (Aagoo, AGO113 / Rev. Lab, REV008, LP): Der
New Yorker Synästhetiker und Dreamscaper rief mir bei "Chroma" (Karlrecords, 2017) Untergänge ins Vineta oder Heraklion des Bewusstseins (BA94) in den Sinn. Hier knüpfen die paranormalen oder eher aus Radiowellen
gefischten Stimmen daran an. Auch die nervöse Rhythmik bei 'Tower', anfangs ein scheinbares Hindernis, weicht noch auf für eine wieder sonambientdröhnende Drift an den Wachtürmen des Bewusstseins vorbei. Als 'Circuit
Rider' zuckelt man an gedehnten, pianistisch bekrabbelten Horizontalen
entlang. Die Hände beklimpern schließlich, im nahtlos erreichten 'Plague', dieganze helldunkle Tastenbreite, akzentuiert mit einigen holzigen Schlägen undanhaltend flimmernder Cymbal. Gefolgt, ebenso nahtlos, vom Kraftwerkähnlichen Synthiepuls von 'Spectra', weiterhin mit tremolierendem Becken,
wobei der Drive morphend zerläuft. Unkender Beat lässt einen in 'Fugitive'
driften, auf dröhnendem Moll-Flow mit bitonalen Drum-Akzenten und der fast
glaubwürdigen Suggestion, Mohanna würde da Schlagzeug spielen. Als
sanftes Röhren hat mittlerweile 'Plague II' eingesetzt, zu brasilianischen
Claves und geharfter Drahtzither, und mit der Strömung durchquert man'Axis', weiterhin 'flötend' bedröhnt und von tremolierendem Becken beflimmert. Das Beckenflimmern gibt 'Visage' sein Gesicht, aber 'HWY' setzt
dem als donnerblechern gesäumter Marschtrommelloop noch eins obendrauf. Ob in Anspielung auf "HWY: An American Pastoral" (1969) und Jim
Morrison als Hitchhiker und Highwaykiller, bleibt offen.
FRANK NIEHUSMANN - HAINER WÖRMANN Kabel (NurNichtNur 118 22 09,
LP): Hat sich Wörmann kürzlich bei "Rock'n'Roll Animal" auf Arte gedacht:
Mensch, der Eric Burdon, was für'n Viech? Hat Niehusmann bei "Little GirlBlue" auf BR über Janis Joplin geweint? Sind ihre Sensationen des Ungewöhnlichen die Alternative zur Gewöhnlichkeit des Sensationellen? Sechs
Stücke improvisierter elektroakustischer Musik mit Computer und E-Gitarre,
die Wörmann, ein verschmitzter, mit allen Wassern der Plinkplonk-PremierLeague gewaschener Typ mit schneeweißer Kuppe, mit allen möglichem
Zeug traktiert, während sein Partner mit digitalen Kürzeln flippert, schneller
als man mit den Ohren folgen kann. Niehusmann, ganz intellektuelle Bowlingkugel, hat zuletzt abgeräumt mit 'Blast!', einer audiovisuellen Kompositionüber das Ruhrgebiet als Abbruchunternehmen. Hau weg den Industrieruinenscheiß! Auch da kann man nicht schnell genug blinzeln zur gurrenden, untergründig flüsternden Bassklarinette von Angelika Sheridan und dem Geknatter des Esseners, der mit Jg. 1960 das Vorher-Nachher im Pott wohl aus
eigener Anschauung kennt: die Brieftauben der alten Kumpel und die slapstickkomisch gesprengten Fördertürme und umsackenden Beton-Saurier.
Den einen Hartz 4 oder Umschulung, den andern Spielmaterial und Gegenstand philosophischer Betrachtung. Als Spiel mit Wooshes wie mit Tonband,ähnlich Jérôme Noetinger, mit abruptem Push & Pull. Einerseits. Und dazu
metalloide Äktschn, gewischt und geplinkt. Oder geknurpst und gebratzelt
wie mit Styropor oder Luftpolsterfolie, zu sausendem oder abrupt gezerrtem
Sound und in perkussiver Rasanz, die verwischt, ob das noch die Gitarreoder schon der Computer ist. Das Händische ist abstrahiert in geräuschiger
Verwerfung, das Elektronische dafür geradezu tachistisch bewegt, als Kontrast aus drahtiger Härte und quasi-liquider Schlüpfrigkeit. In seiner madmoviesken Quickness zu schnell für das Auge, aber als quick und komisch,schnell und hell, durchgeknallt und kitzlig, itchy 'n' scratchy doppelt komisch.
Wird da ein Frosch rasiert, bevor er elektrogeschockt wird? Wird da die Zeit
gerafft, damit auch die, die nicht so auf Draht und hell auf der Platte sind,noch den Witz raffen? Dass die beiden Pixler, Knarzer, Scratcher da lächeln,
hat jedenfalls seinen guten Grund.
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PHILIPPE PETIT A Descent into the Maelstrom (Opa Loka,
OL1903): Nicht in einer Nussschale schleudert Petit einenin Poes Vortex. Sein Fahrzeug, sein Esel, Quatsch, seine
Malerstaffelei ist der Buchla Easel, der 1972 vom Stapel
lief. Mit der Rede von den tumultuous waves of a 'Synthesized Whirlwind' eines Oceans of rhythmic Sound-in-Fusion
und von der 'science-frictional' Madness einer 'sinesthésikosmische' Journey lässt er die Imagination vexieren zwischen ozeanischen, kosmischen und komischen Abgründen. Ob man nun aber mitgerissen wird in den Moskenstraumen vor der norwegischen Küste oder in die Tiefen
des Alls, es knüpft eins wie das andere an Petits Faible an
für cineastische Suggestionen wie seinem "Scores Henry:
The Iron Man" oder den giallo-gelben "Extraordinary Talesof a Lemon Girl" und so narrative wie mit Lydia Lunch oder
Eugene S. Robinson. Die knarrigen Buchla-Wooshes 'Electronic abstractions' zu nennen, käme der Neigung entgegen, selbst den Strich des Poe-Illustrators Harry Clarke unter die Lupe zu nehmen undtatsächlich nur als granulare Kurven zu hören. Wobei freilich das durchwegs tumultarische
Drehen und Schleudern von hellen, sausenden und trillernden Impulsen über wummrigen
Wellen sich jaulend und zwitschernd und mit mitgerissenen Stimmfetzen gegen jede undramatische und abenteuerunlustige Lesart sträubt. In meinen Ohren liegt der Akzent
jedenfalls auf 'lustig', als Comic Strip mit Kater Sylvester oder Wile E. Coyote als schwindlig gedrehten, arg zerzausten Protagonisten im Maelström-Karussell. Zwei 21-min. Wirbel
sind durch ein launig getüpfeltes, perkussiv getropftes 4-Min.-Intermezzo verzahnt, wobei
der zweite Trip knattrig ploppend, zuckend impulsiv, knarrig und zwitschrig kaskadierend
die Trichterform des ersten Parts öffnet und weitet. Als pulsender, schweifender 'Ritt' im
brodeligen, SpongeBob-komisch belebten Buchla-Space, der quintessentiell phantastischklingt in seinem 'Psychedelico'-Gedudel auf schnurrendem Kurs durch einen miróesken,
zuletzt nochmal knattrig gestanzten Raumquadranten.
REIZEN Different Speeds (edition zeroso, ZRS-001, CD): Atsushi Reizen ruft sich aus Tokyo
in Erinnerung als derjenige, dessen zwischen Malewitsch und Mondrian gesandwichte
monochrome Fylkingen-LP (2013) als reduktionistisches Angebot von Leere, von Lassen
mir den Eindruck vermittelte: Kein Wollen, kein Müssen, kein Gedanke, kein Schmerz, nur
ein zyklisches Atmen oder Tropfen, dazu ein eher windspielerisches als manuelles Rühren
an Saiten (BA 80). Als würde er seine minimalistischen Klanggebilde als "Nocturnal
Abstracts" mit Namen wie 'Im Nebel', 'Makelloses Weiß' oder 'Siebenfach schwarz' mit vielzu viel romantischem Ballast befrachten, ist ihm "Untitled" die liebste Überschrift.
'Different Speeds No 4' und ihre ältere Schwester 'Different Speeds No 2' auf der genannten Fylkingen-LP (die übrigen blieben der Öffentlichkeit bisher vorenthalten) sinddagegen sachlich und wahr genug. Ihr Hauptmerkmal ist ein Phasing, das Reizen in Unkenntnis von Steve Reichs Phasenverschiebungstechnik neu erfunden hat. Er setzt dafürauf leise rauschendem Fond mit Gitarre eine monotone Tonreihe in Gang, wobei der zuerst
nur eine Ton nachhallend schwingt. Nach fünf Minuten kommt ein zweiter, etwas dunklerer
dazu. Für ein bitonales dong-deng in gleichbleibendem Nichttempo. Fast als müsste dajeweils ein Widerstand oder eine Schwelle überwunden werden. Allerdings verkürzt sichder Abstand zwischen den beiden Tönen mehr und mehr zu einem Akkord, einem do-eng.
Um bald aber wieder den alten Abstand herzustellen, ja sogar zu vergrößern, als freilich
nunmehriges deng-dong auf mittlerweile etwas impulsiver loopendem Grundrauschen. Bis
der Abstand sich wieder verkürzt und nach einer zweiten Durchgangsphase zum alten
dong-deng findet. Und immer so hin und her. Bis noch ein dritter Ton ins Spiel kommt. Aber
zuletzt bleibt wieder nur der erste und eine. Sprächen die Töne statt 'Japanisch' Deutsch,
hieße die Botschaft vielleicht: dochnicht, doch-nicht, doch--nicht... und nicht--doch, nichtdoch, nichtdoch... Ultrasimpel, aber effektvoll.
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RRILL BELL Vagabond Laws (Gertrude Tapes, GT032, C-34): Es ist nicht ganz leicht,
den richtigen Jim Campbell herauszuschälen, den, der an Cassette-Deck mit Simon
Camatta als Blinkling fast gejazzt oder zuvor schon mit Hellmut 'n' Neidhardt als Tape
Measure Kid sowas wie "Ours is a Stubborn Monster" getönst hat. Allein dreht Campbell die Knöpfe, Loopers, Tapes'n'Tables als The Preterite. Aber klarer wird mir alles
erst, wenn ich in ihm einen derjenigen erkenne, die The Dorf mit Electronics beschallen.
Doch nicht das Revier ist sein Revier, sondern Berlin. Als unermüdlicher Botschafter
des Tape Age mit Kick-it-like-Basinski-Spirit spielen bei ihm der Fostex Multitracker undSpiralen die Hauptrollen. Die Spirale als Metapher, fast wie in der Pataphysik, so dasssich Rrill Bells Sound in einem sein Alpha ständig knapp verfehlenden Zirkulieren ins
Unendliche schraubt und dabei den kosmischen Gesetzen des Vagabundierens gehorcht. In knurrig-knattrigen Schüben, impulsiv bebratzelt, wummrig und kollernd, mit
tickernden Verwerfungen, sprudeligen Konvulsionen. Schwer zu sagen, ob in den
molekularen Turbulenzen harmonische Reste mitschwirren, ja hauntologisch mitjaulen.
Obwohl auch metalloide Anmutungen in kataklymischen Verwerfungen das Ohr streifen,
scheinen doch einige der flüchtigen Schwingungen musikalische Eltern zu haben. Der
Duktus ist hektisch, jedoch nicht ausschließlich, er ist definitiv nicht harsch, und bei
jaulig und heulend bleibe ich nur, weil mir die wahren Worte dafür fehlen. Die zweiten 17
Min. wummern dumpfer, mit auch steinigen Ingredienzen und erregt huschender,
pfeifender, furzeliger Action. Die Klangpartikelkollisionen, Kaskaden und schnurrigen
Triller oder schnüffeligen, zischenden und prickelnden Stupser perkussiv zu nennen,
käme mir gewagt vor. Aber es gibt einen Tremor, wie ich ihn Automaten nicht zutrauen
möchte. Als hätte der Klingklang doch nicht nur anorganische Züge und zuletzt sogar
melancholische Anwandlungen. Dass Campbell allemal eine auffallend eigene Handschrift hat, das kann ich schriftlich geben.
PAOLO SPACCAMONTI Volume Quattro (Escape From Today / Dunque, LP): Man braucht
nicht weit zu scrollen, um in diesem Turiner einen beachtlichen Klanggestalter zu erkennen: Durch die Filmmusiken zu "I Cormorani" und "Lo Spietato", durch die Kollaboration mit Mombu, die LPs "Frammenti" (im Split mit Stefano Pilia, 2013), "Torturatori(w/ Paul Beauchamp, 2017) und "CLN" (w/ Jochen Arbeit, 2018), durch die Vertonung
von Carl Theodor Dreyers "Vampyr" (w/ Ramon Moro, Jim White, Julia Kent), als Begleiter bei Lesungen von Emidio Clementi. Auf dem Cover 'Maybe I am Billie Holiday' imneoprimitivistischen Stil von Laura Fortin als Augenfänger. Dazu kocht er seine Gemüsebrühe dann im alten Stil mit Suppenknochen, mit Gitarrensound, orgelndem
Dröhnwellenpathos, Desertgitarrenmelancholie. Nur kurz mit dem pochenden Schub
von TripHop-Beat bei 'Ablazioni', durchwegs mit der Suggestion eines Filmes für die
Ohren. Mit Protagonisten, die Nina und Paul heißen. Mit Zwischenüberschriften wie'Nessun codardo tranne voi' [Kein Feigling außer dir], 'Un gelido inverno' [Ein kalter
Winter], 'Rimettiamoci le maschere' [Lass uns die Masken zurückholen]... Wenn ich mir
nun Paul als Paolo vorstelle, würde die Kamera sich diesmal auf Spaccamonti selberrichten. Zu reumütig kaskadierendem, wehmütig driftendem Gitarrenklingklang, zu
nochmal dumpf pochendem Beat und rau gekralltem Saitendraht. Zum Nun stehst dubleich, / Zur Winter-Wanderschaft verflucht, / Dem Rauche gleich, / Der stets nachkältern Himmeln sucht-Feeling jenes Dichters, den in Torino sein Schicksal ereilte. Der
auch Alles, was tief ist, liebt die Maske geschrieben hat und Jetzt bin ich leicht, jetzt
fliege ich... jetzt tanzt ein Gott durch mich. Ich würde nur an einen Gott glauben, der zutanzen verstünde. 'Paul dance'. Die Gitarre macht sich, zu einem tänzerischen Beat, hell
und leicht für melodische Achtel. Schmetterlinge, Seifenblasen? Von wegen. 'Fumo
negli occhi' [Rauch in den Augen] bringt einen düsteren Stoner-Drone. Erst 'Tutto benequel che finisce' tastet zu knurschenden Kaskaden und mit beißenden Dröhnwogen
noch nach einem Vorschein von 'Luce'. Doch es hellt nur wenig auf und voller Wehmut.
Eher schwillt der Klos im Hals. 'Diagonal' hält dennoch mit hellem, melodischem Plinken, sanftem Beat, die Hoffnung aufrecht. Aber die ist ja womöglich, auch Nietzschesah das so, das übelste der Übel.
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ASMUS TIETCHENS + FRANS DE WAARD Oordeel(Auf Abwegen, aatp64): Wenn mir da Flyer der Festivals "Geräuschwelten" (Münster) oder "Meakusma" (Eupen) ins Haus schneien, scheint die Sound
Culture als letzte Avantgarde mir von der Kuppel
eines Gasometers "Top of the World, Ma!" zuzurufen. Blättere ich jedoch durch de Waards Rückblicke
auf die letzten Jahre, wird der Eindruck weit gemisch ter. Sinkende Verkäufe bei Korm Plastics / Plinkity
Plonk, Hungerspiele zwischen digitalem Heu undStrohfeuer aus (kaum finanzierbarem) Vinyl. Mau
besuchte und zu wenige Konzerte, obwohl er dochmit Beequeen, Ezdanitoff, Freiband, Kapotte Muziek, Modelbau, Quest, Tech Riders, The Tobacconists, WaSm oder Wieman denkbar breit aufgestellt
ist. Dazu die menschliche Verlustliste: seine Mutter,
die MH-17, Zbigniew Karkowski, Mika Vainio, Dmitry
Vasilyev, Z'ev... Dazwischen der Stolz über "This Is
Supposed To Be A Record Label" (2016), der Insiderbericht seiner Staalplaat-Jahre (der ihm freilich den Unmut von Geert-Jan Hobijn zuzog). Dagegen hätte er mit "Vital Weekly" fast schon kapituliert, würde ihm Asmus Tietchens nicht Jahr für Jahr
unter die Arme greifen. Da mutet es fast unglaublichan, dass die beiden nach all den parallelen Jahrzehnten erst jetzt für "Urteil" den Zusammenklang
suchten. Und 11-fach fanden. In einer Fortschreibung Tietchens'scher Stenogramme, als Unterwasserballett aus Wellen und Loops, als metalloid blitzende Impulse und Blechtrommelwirbelchen. Übereiner schweifenden Wummerwelle und flimmerndem
Gedröhn flötet ein monotoner Aufziehvogel. Und
wieder submarin versucht ein hypnotisches iiiii die
schlürfende, saugende Tiefe einzulullen. Zu silbrig
geharften Chimes mümmelt und stöhnt ein frösteliger, pfeifender Whirly-Wind. Über quallig stampfendem Beat tremolieren kleine Tonpfeifen. U-BootSensoren echoloten mahlende, durch sirrende Sinuswellen verunklarte Motorik. Auf dröhnendem
Fond kumuliert schlurchendes, scharrendes Graffiti,
als würde Minotaurus fiebrige Notizen an die Wände
kratzen. Tuckernde Motorik wird aufgemischt mit
schweifenden Graphen, knisterndem Feuer unddunkel schwellender Tönung. Eisern wackelnde
Percussion wechselt mit erratischen Kürzeln, dieetwas artikulieren würden, wenn sie nur könnten.
Und zuletzt nochmal Reeling & Writhing, Distraction& Derision at the bottom of the sea, und unter einer
Traufe, als Tropf unter Tropfen. Nicht selten habe
ich mir am hohen Abstraktions- und Korrosionsniveau der beiden meine Rezeptoren verbeult. Diesmal trübt die hohe und bisweilen fast humoresk belichtete Einbildungsempfänglichkeit der Klangkonstrukte meine Urteilskraft zu kritikunfähigem Asmusement.
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V/A Killing the 90s (Bellerpark Records 007, 7" single sided +CD w/ 24-p A5-Booklet): Die Zerstörung der CDU, Quatsch, nein,bloß die Schlachtung des Jahrzehnts, das für BA hätte
schlimmer kommen können als mit B-Shops For The Poor,
Hausmusik, Soviet Jazz & Zoviet*France, Staalplaat, Taktlos,
Telepherique, Tietchens, Zorn... - durch eine Handvoll Bekloppter, die aus den Untiefen der Dekade über Bord Gegangenes und Treibgut aus besseren Zeiten auffischen. Los
geht's mit dem Vinyldreh 'Nahda90' und Getrommel der Herren
Beigang (M. Walking on the Water, Gold-Junge mit Dick Brave &the Backbeats), Hülsen (ex-Ranola), Pech (ex-Pechsaftha,
Klotzs) & Nußbaum (Bellerpark, STÖHRung). Und weiter auf CD
mit 'CrapCrap91' von Killer. Das ist der EA80-Sänger Junge, an
dem Frank Apunkt Schneider in "Als die Welt noch unterging"die Bemerkung aufhängte: Für einen kurzen Moment war es
nicht mehr wichtig, wie es klang, sondern dass es überhaupt
klang, dass es den Burgfrieden zwischen Pop und Staat,
zwischen Klang und Macht, zwischen Jugendkultur undÖkonomie (zer-)störte bzw. überschrie. [Sotto voce: Du, wir, es,diese drei: es aber ist das größte unter ihnen.] EA80 in Mönchengladbach also (wo auch weiterhin die Fäden hier zusammenlaufen), die als Lieblingsband aller »Frustköppe« - laut FAS recht einfach am charakteristischen Gesang von Martin Kircher(alias Der Junge) identifizierbar sind, bis heute. Denn Kircher
blieb mit dem Es per Du, bei Ranola 1984, in den 90s auch mit
The Devil in Miss Jones, Die Böse Hand, in den Nullern mit
Sascha Pech (und Martin Büsser) als Pechsaftha oder auch als
Vorsicht Vor Dem Hund. Und konstant solo als Killer oder Killerlady mit Artshit und dick gebohrten Bücherbrettern do-it-yourselfish auf Musikzimmer oder mit "two 2 minute symphonies"
auf La Bois Records. So auch hier, mit geschrienem "Hello Hello
Hello How Low The 90s were CRAP!" Gefolgt von -> Carsten
Vollmers 'Sammelmotiv92' und stottrig verzittertem Funkstimmengehäcksel. Und von 'Asi93', mit Stimmen von wieder Philip
Nußbaum und Safi aus Leipzig, die, perkussiv interpunktiert, bis
93 zählen und zu einem Gitarrenloop finden. 'Tür94' ist eine
Gehirn.Implosion des Bremers Dirk Dietzel, der dabei eine 94er
US-Emo-Hardcore-7" von Cornelius als bad shit chronoportiertund zerrauscht. 'Babyborn95' ist von Underworlds 'Born slippy'
inspirierte Musik von R. W. Tedrow (von Infamis, die in Berlin die
Kühe von Nick Cave hüten) im pianodurchwellten, metallisch
touchierten Remix von Das Kraulen Brauchen. Bei 'Orcas96'
zeigt wieder Nußbaum Haifischzähne, und wir kommen ein
bisschen um in Gebrumm, motorischem Gerüttel und Geschrille.
Dennoch steigen die vier von Me & The Freaks mit 'Diver97' inTaucheranzüge - um, indierockmotiviert, endlich mal die versiffte Küche zu putzen. Die Midischlampen, nä, ebenfalls zu
viert, nä, die veräppeln beim verdudelten 'Bongo98' GenerationY-Klischees, bevor der Bariton-Barde Markus Maria Jansen,
bekannt seit 86/87 durch den Psych-Folk von M. Walking On The
Water und die von manchen als angeschrägt empfundenen
Lieder von Jansen, mit 'EinsNeun99' das Millennium ausläutet.
Wobei da der Krefelder Trompeter Markus Türk (der auch bei
The Dorf bläst) eigene, durch Family 5 gewonnene Ansichtenüber die 80s einspeisen kann.
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jenseits des horizonts
empreintes DIGITALes (Montreal)
Mit SOPHIE DELAFONTAINE (*1988, Lausanne) wird mir durch Accord ouvert (IMED 19156)
eine junge Akusmatikerin nahegebracht, die es im belgischen Mons unter der Obhut von Annette Vande Gorne und Ingrid Drese zur Meisterschaft gebracht hat. Entscheidende Anstöße
verdankt sie zudem den Stichworten 'Dehumanizing' und 'Decentralization' aus dem 'total
theater concept' des Choreographen & Multimediapioniers Alwin Nikolais (1910-1993), dasden Menschen von der Krone der Schöpfung zurückstuft zum Fellow Traveller within the total
universal mechanism. Trotz ihrer tänzerischen Präferenzen setzt sie hier die bestimmenden
Akzente durch Texte: Bei 'Ondiésop' mit der Anrufung der singenden Musen aus Hesiods"Theogonie", die sie einbettet in Vogelschreie, sprudelndes Wasser und singende Mädchenstimmen und einspinnt mit feinen Dröhnfäden. Für 'Respire marche pars va-t-en' und eine
Spannung aus aufatmender, dröhnend schweifender Befreiung und beklemmendem Heimweh,
die ebenfalls Vögeln und Musengeistern anvertraut ist, nahm sie als Motto aus Blaise Cendrars"Reiseblätter" die Strophe: Wenn du liebst, musst du abhauen / Hör auf, zu flennen und zu
lächeln / Mach's dir nicht zwischen zwei Brüsten bequem / Hol Atem, marsch, verreise, geh.
Bei 'Dormir, aujourd’hui' wird, zu entschleunigungsaffinen Elektrowellen und ebenso taub füreinen krähendem Hahn wie für donnernde Düsenjäger, der belgische Theaterautor Laurent
Plumhans (re)zitiert: Schlafen ist heutzutage ein Projekt, eine Form von Widerstand, eine
Fahnenflucht. Die Autobahn der Existenz abstreiten durch Schlaf. 'Ressort spiral' dreht sich,
mit Spieluhrklingklang, tickend, wummernd und murmelnd um den in den Sprungfedern derUhrwerke aufgezogenen Drang. 'Creux-du-Van' führt mit Stein- und Windgeräuschen in das
spektakuläre geologische 'Amphitheater' im Schweizer Jura. Doch bei 'Tout ça à cause deJunon' bringt Delafontaine zuletzt wieder Text, nämlich, in maskulinem Französisch, Ovids
Geschichte von Juno und Echo, eingebettet in steiniges Kollern, krächzende Vogelschreie,
den Klang einer Düsenmaschine, das Ticken einer Uhr. Lauter bewusste Echos und Déjà
entendus ihrer Leitmotive.
Etwas gestaucht, und JAMES ANDEAN (*1972, Ottawa) ist, oben so kahl und am Kinn so zauselig, George Underwoods "Gentle Giant" wie aus dem Gesicht geschnitten. Mit seinem Engagement in Helsinki und als Lecturer an der De Montfort University in Leicester, gehört er
zum neueren Typus der Composer-Performer und war, improvisierend mit Piano & Electronics, mit dem Rank Ensemble schon auf Leo Records und mit VCA auf Creative Sources zu
hören. Das finnische Moment hallt auf Assemblance(s) (IMED 19157) wider in 'Hyvät matkustajat', was 'Die guten Reisenden' bedeutet, als Klangpostkarte mit Glockenschlägen, Vogelstimmen, Dröhn- und Zitterwellen. Und bei 'Medusan Torso', dessen Klangmaterial von einer
audiovisuellen Installation von Merja Nieminen herrührt. Zu den da knarrenden Türen undschaurigen Klängen passt als Cover Blaubarts Burg aus der Serie 'Forbidden Rooms' vonFrançois Xavier Saint-Pierre, einem zeitgenössischen Retromodernen. Zu Beginn dreht sich
'Déchirure' um ein Auseinanderreißen: als dräuendes Dröhnen und helles Klirren, alssirrendes Insekt, mit Lokomotiv- und Atemgeräuschen in abrupten Schüben und Kontrasten.
'Valdrada' heißt eine der Unsichtbaren Städte von Italo Calvino, und Andean bespiegelt daErinnerung und Widerhall, mit klagenden, quietschig wimmernden Lauten und bewegten
Geräuschen, metallischen, mechanischen, tickenden, knirschenden, flatternden. Aus dem
Geräusch des Kühlschranks in einem Kloster auf der Kykladeninsel Syros und dem dort
wehenden Wind entstand 'Psygeio', dröhnend, vibrierend, glissandierend, mit abrupten, impulsiven Akzenten und An-Aus-Effekten. Die dumpfen, accelerierenden Pulsschläge von'Spores' wurden im Innenklavier geboren, zusammen mit Geräuschimpulsketten, die ihre Herkunft ebensogut verbergen. Der Gesang der Callas als Medea ist, zwischen Kirchenglocken,
Mövenschreien und heftigen Wooshes, die Quelle der Stimmungsschwankungen von 'Maledetta'. Und in 'Between the Leaves' steckt, allerdings durch Zufall zerstört, der sprechendeJohn Cage. In akusmatischen Fitzeln hinter tickernden Perlvorhangschnüren.
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ANNIE MAHTANI (*1981, Coventry) hat an der University of Birmingham bei Jonty Harrison promoviert, arbeitet an ihrer Alma Mater nun als Lecturer, ist Co-Director von
SOUNDkitchen und Hauskomponistin für die Rosie Day Dance Company. Für 'Past
Links', den Einstieg in Racines (IMED 19158), fand sie das Basismaterial im BlackCountry Living Museum in Dudley, einem Freilichtmuseum, das Fabrik- und Verkehrsgeräusche bewahrt, die längst verschwunden sind. Leider brachte sie nur eine Handvoll Klangstaub mit, etwas klirrenden Klingklang und einen Hauch von Melancholie.
'Round Midnight' stammt dagegen von einem Trip mit Francisco López in den
Amazonasregenwald, zu einem dröhnumwölkten Chor aus Fröschen und Vögeln. Die
Klangwelt von 'Inversions' rührt her von und ging einher mit Néle Azevedos KunstProjekt "Minimum Monument" 2014 in Birmingham. Tausende kleiner Skulpturen aus
Eis, und entsprechend vergänglich, plädierten für Bescheidenheit und Anonymität, fürVergänglichkeit und Flüssigkeit, gegen die Verehrung großer Helden und jegliche
Monumentalität. Der Soundscape entspricht dieser Umkehr als 'Fanfare for the
Common Man', indem, allerdings ganz ohne Fanfaren und ohne Feierlichkeit, die
Multitude hörbar wird, als dröhnendes Fluidum und kollernde Eisschollen, aber mit
pickenden Meiseln. 'Aeolian' basiert auf Feldaufnahmen aus dem College Valley, einem
Einschnitt in den Cheviot Hills in North Northumberland und feiert eine vom Windüberdröhnte, aber fidel bezwitscherte Landschaft. 'Racines tordues' meint nicht 'The
Twisted Roots of Rock'n'Roll', sondern stammt aus jenem Gedicht von Rumi, dashierzulande meist 'Das Gasthaus' heißt. Rumi rät dazu, dunkle Gedanken willkommen
zu heißen. Denn sie fegen durch einen und, wie es auf Englisch nachgedichtet wurde,"scatter the withered leaves, and pull out the twisted roots". So dass Platz wird für eineneue Freude. Mahtani dachte, als sie da Drone über Drone breitete, an ihre Schwester,die jenseits trauriger Tage wieder aufblühte.
Mit Micro-lieux (IMED 19159) debutiert NIKOS STAVROPOULOS (*1975, Athen), der in
Bangor studiert und an der University of Sheffield seinen Doktor gemacht hat und nun
auch schon seit 2006 an der Leeds Beckett University lehrt. Mit 'Topophilia' entfaltet er
eine bis ins Molekulare plastische Audiosphäre, ganz nach seinem abenteuerlustigen
Geschmack. In den mikrostrukturellen, zwitschrig huschenden Fluktuationen und
berstenden Implosionen von 'Karst Grotto' soll etwas von der porösen Dynamik einer
Karstlandschaft widerhallen. 'Granicos' führt nach Kleinasien, richtet aber die Ohrenan der Alexanderschlacht am Granikos 334 BC vorbei auf Tanzrhythmen jenseits unddiesseits des Bosporus, die er noch komplexer verwirbelt und, auf Tonband fixiert,
einem Perkussionisten zuspielt, dessen klapperndes Tamtam nicht nur Tänzern Beine
macht. 'Ballistichory', auf Wissenschaftsdeutsch 'Ballochorie', spielt an auf die Selbstausbreitungsmechanismen bestimmter Pflanzen wie Ginster, Springkraut, Spritzgurken und deren Schleuder-, Spritz-, Katapult-, Torsions- und Explosionsfrüchte. Und
Stavropoulos spielt da mit knarziger, ballender, pulsierender Akkumulation und furzelig
schüttender, sich kollernd und erdrutschartig entleerender Entspannung. 'Nyctinasty'
würde ich gern auf Zappas "Only thirteen and she knows how to nasty" zurückführen,aber Nastien sind, Googleseidank, bloß Krümmungsbewegungen von pflanzlichen
Organen und die Nyktinastie speziell die mit dem Tag-Nacht-Rhythmus zusammenfallenden. Munkeln im Dunkeln also, träumerische Bewegtheit, mit durchaus ebenfalls
spritzigen Erg..., äh, Momenten. 'Atropos' ist eine Tochter der Nyx, der Nacht, und vonden drei Moiren die mit der Schere. Die hier jedoch recht selten zum Einsatz kommt, sodass metalloide, sprudelige, dröhnende, knurrige, poltrig bröselnde Klangfäden sichrelativ lang entspinnen können. Bei 'Granatum' pflückt Stavropoulos mit dem Granatapfel dessen reiche Symbolik und gewinnt, schwer zu glauben, aus den Kernen den
brodeligen Saft und die körnige Bewegtheit dieses Soundscapes. Bleibt die Frage, wassonst noch so rumsteht in seiner Studioküche. Mit 'Polychoron' [viel-Raum] gibt er
schließlich dem einen Namen, was immer sein Spielfeld, der Welt-Raum seiner Sonic
Fiction ist, die vier Dimensionen, vier Elemente, die hier wie von Panoramix-Getafix im
Cauldron aller Cauldrons brodelnd aufgekocht werden.
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Univers parallèles (IMED 19160) verschafft mir die Bekanntschaft mit Professor TODORTODOROFF (*1963, Bruxelles). Bei einer 25-jährigen Erfahrung als Klangraum-Installateurund Beschaller choreografischer Dancefloors sind sechs Arbeiten natürlich kaum mehr als
eine Riechprobe. 'Dédales' (2008) mit seinem schweifenden Rauschen, ominös klapperndem
Tür-auf-Tür-zu und geisterhaftem Anhauch entstand für "Les familiers du labyrinthe" unddas sich brennend verzehrende 'Solo feu' (2001) für "In Between", Tanztheaterstücke vonMichèle Noiret. 'Matières' (2003) ging in seinem Tonbandschlaufen-Wooshen und Baustellenlärm einher mit dem Buch "Le Corps de l'espace, les nouveaux matériaux dans l'architecture depuis 1850". Bei 'Obsession' (1991) spielt Todoroff mit Text von Charles Baudelaire
aus Frauenmündern, um zu gläsernem Windspiel quecksilbrig einzutauchen in Schmerzlust. 'Rupture d'equilibre' (1993-97) pendelt knarzig und klopfend zwischen Erscheinung
und Verschwinden, Ruf und Antwort, Zufall und Bestimmung. Und für sein 'Requiem for aCity' (2015, 16, 17) mischte Todoroff Pergolesis 'Stabat Mater' und das "Ora pro nobis" desAllegrettos von Beethovens 2. Sinfonie mit Stimmen von Überlebenden und Angehörigen
von Opfern der Terroranschläge auf das Jüdische Museum in Brüssel 2014, auf die Redaktion von Charlie Hebdo und das Bataclan in Paris 2015 und auf Flughafen und Metro wieder
in Brüssel 2016. Sich dazu das paradiesselige Hackfleisch vorzustellen, das mit vollgeschissener Hose ewig durch die Geisterwelt von Alan Moores "Jerusalem" geistert, ist
nur ein schwacher Trost, wenn angesichts von Opfern wie der Geigerin Mélanie Defize
Trauer und Ohnmacht vorherrschen.
Prof. Dr. ELSA JUSTEL (*1944) ist eine mit allen wissenschaftlichen und ästhetischen
Wassern der Soundart getaufte Argentinierin. Davon zeugen die sieben Arbeiten hier:'Cercles et surfaces' (2012) kreist mit mikrogewittrigen Verwerfungen um den vitruvianischen Menschen, wie ihn Leonardo da Vinci in Kreis und Quadrat eingefügt hat. 'L' (2003)
lässt, auf Lukrezens "De rerum natura" als Bühne, aus dem Mund von Élise Caron Zitate
von Michel Serres und Umberto Eco purzeln. Zu musikalischen Fitzeln, Natur- und Tierlauten interagieren 'Zahl und Zeit' (der Schweizer Tiefenpsychologin Marie-Louise vonFranz) mit der 'Logik der Elemente' (des französischen Philosophen Francis Wolff). Nach
'La radio, ça détend' als radiophon collagiertem Cut-up springt die wieder abstrakte
Bruitistik von 'Marelle ou Les instants de la vie' (2017) ähnlich in der 'Himmel und Hölle'Hüpfspiel-Logik wie ihr Landsmann Julio Cortázar bei "Rayuela". 'Purzelbäume' (2003-03)
knüpft als 'Klango' mit Bandoneon, Klavier, Bassklarinette und Tangotanzbeinen recht
launig an das Cut-up-Divertimento an. Gefolgt von 'Tapage nocturne' (2015) für fitzelige
Blockflöten und Tonband, das wie 'Marelle' eher der bruitistisch verhuschten Logik eines
Traumes gehorcht. Bei 'Yegl' (2006-07) schließlich tollen solche Teufelchen umeinander,
wie sie in Druckern, Keyboards, Handies oder Staubsaugern ihr Unwesen treiben. Dochwie sie einen da umknarzen, beprickeln, umflirren und ins Ohr blasen, könnte man sie mit
Engelchen verwechseln, denen angeblich sogar Nadelspitzen als Dancefloor taugen. Von
mir aus könnte das alles gern um Einiges gröber gestaltet sein, wenn dafür die Realität
entsprechend subtiler daher käme.

Annie Mahtani [© Greg Milner] - François Xavier Saint-Pierre: Château rouge - Sophie Delafontaine [© Diana Vos]

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Erik Mälzner - No Edition (Alpen-Veen)

Bei NOW AND THEN BEYOND THE ACRES MIT DEM KOPF GEGEN DIE WAND (NO EDITION# 118, USB-Stick) sehe ich mich von ERIK MÄLZNER vor Wege, eine Kreuzung, eine Brücke
gestellt, vor Wege in die Fremde, über Grenzen. Mit Worten aus Automatenmündern, einer
männlich dunklen Stimme und einer femininen, mal Deutsch, mal Amerikanisch. Mit Musikvon Synthesizer / Samples / Computer / E-Guitar, kreisend klackende und schweifende
Klänge, die, metallisch perkussiv oder als Pulsschlag, kaskadierend verhallen. Blinde
führen Taube (und schimpfen sich auf der schiefen Bahn wohl gegenseitig "Krüppel").
Fools follow fools. Form follows function. Doch statt dass die Wege wegführen, sind es
Labyrinthe und ausgetretene Pfade, die man grundsätzlich nur mit Pfadfinderregeln betreten sollte. Endet der Weg in einer Sackgasse / an deren Anfang zurück. Nimm Deinen
Kopf von der Wand, hör auf, an der Klagemauer zu wippen und mach Dich vom Acker.
Merke: Am Ende wird alles gut. Und wenn es nicht gut ist, ist es noch nicht das Ende.
Denken ist überall Glücksache, freilich nicht überall erwünscht. Daher muss man ab und zu
beiseite treten und Abwege suchen vom Schwarz-Weißen ins Graue oder Pinke. Ich binkeineswegs sicher, ob Mälzner das sagt (er sagt nur etwas in der Richtung) und schon gar
nicht, was er genau meint (er meint meistens was Anderes). Aber was immer er da macht,
wie nur er es macht, es lässt meinen Kopf unterm Arm brummen von solchen Assoziationen und Resonanzen. Als taube, nun von Fanfaren gestreifte oder von wallenden Keyboards umwellte Schelle, von Beckentickling umkreist und zu Gedankensprüngen und Verbiegungen, Verbeugungen genötigt, with the upper body with the upper body up and down
up and down. Schiffstaue knarren, ein Doom-Bass schummert, eine Rockgitarre düstert.
Tagein tagaus, niemand entkommt der vorbestimmten, jetzt elektrozuckelig groovenden
Rhythmik. Trotzdem lassen sich noch Orte finden / um aus gewohntem Bezugsrahmen undÜberzeugungen auszubrechen / und intensiv Assoziationen zu erleben...

Für BILDERBUCH ZUM AUSMALEN (NO EDITION # 119) bringt ERIK MÄLZNER nochandere Klänge ins Spiel, mit indian harmonium / a-guitar / bengalian tug drum / steel drum /psaltery / midi-keyboard / percussion / portable radio. Für nun auch längere und lange, mit
Märchenonkelstimme vorgetragene Hörspielstories wie 'Hör mal', 'Brüderlein Klein' und'Das Kofferradioorchester'. Erstere, zwischen 'Privatleben' als gravitätisch schreitendem,
unwohl temperiertem Intro und den stramm angeschlagenen und perkussiv läutenden Dissonanzen von 'Duly Informed', erzählt vom nur zu gut gelingenden Versuch einer Mutter,ihren 5-jährigen Sohn mit 'Der kleine HNO-Arzt' von seiner Farbkleckserei weg für eineeher medizinische Karriere fit zu machen. Frühreif übt der an Frosch, Ratz und Katz, damit
er mal Erwachsenen zum Hören verhelfen kann. Und ich höre, von hinter den Kulissen, ein"Hört mich denn keiner?" Die zweite, mit Krimskrams-O-Ton illustrierte Geschichte zeigt
einen Vater, der andererseits sein Karlchen zum Pinselschwingen anhält. Leichen und
Erotika als Lieblingsmotive bringen dem Sohn tatsächlich Aufmerksamkeit und sogar
Preise ein. Die Lektüren von Stirner und Rühmkorf, Beckett und Bernhardt führen dannaber zu Karls Abnabelung und einer Karriere als - Sänger.
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Die dritte Story führt, nach einem bruitoklassisch satiesken Zwischenspiel und einemsonic-fictional bizarren, drahtig schwirrenden, in ein Dorf, das jahrzehntelang von Katastrophen wie Dummheit und Freßsucht heimgesucht worden war. Das aber einen geradezu
utopischen Aufschwung nimmt, weil dabei Intelligenz und Kultur Motor der Entwicklungsind. Neben einem Kino ist da besonders ein 58-köpfiges Kofferradioorchester bemerkenswert, dessen Repertoire eine Reihe perlusorischer Avantgardestücke und -gesänge(also Stücke, die eher scherz-, um nicht zu sagen "hurz"-haft Avanciertheit vorspiegeln),aber doch auch funktionale Lieder umfasst. Als Beispiele folgen ein volkstümlicher und ein
eher ernster Gesang, über einen, der gemütlich durch eine Stadt bummelt, die durch
Hochwasser, Lawinen und durchziehende Truppen katastrophisch untergeht. Äußerst
merkwürdig.
ERIK MÄLZNER kehrt mit SELEKTIVE ASSOZIATIONEN IM VERHALTENSREPERTOIRE(NO EDITION # 120), neben drei wortlosen Tracks, zurück zu kürzeren Texten, ähnlich"Now and Then". Mit der Rede von Fanpost und verstaubten Liebesbriefen. Mit der Meldung eines Auffahrunfalls, den ein Herr E. M. aus Berlin und sein Sohn leicht verletzt überstanden. Mit der frühen Prägung künftiger Risikosucher, die als Kind mit zu zahmen Löwen
spielten. Mit einem Kind, das erhöht auf den Schultern des Onkels reitend doch dessen
Tod nicht voraussehen konnte, und das nun auf dem Boden der Tatsachen schauen muss,
wo es selber bleibt. Oder mit der nicht alltäglichen Poesie: Feiertag / letzte Vorstellung / im
Osten / wo die Maikäfer flogen / schwarze Slipper / weiße Kniestrümpfe / Umhang aus
Gardine / Krone aus Goldpapier / Mandriola schwingend / wie ein Musikant / so als ob /plus Tanzeinlage / mit der Verehrten / so als ob / die Nachbarn schauen / aus den Fenstern /was das soll / was das wird / so als ob . Und schließlich dem Genickbruch eines beim Luftsprung fatal bruchlandenden Lottogewinners als 'Gutes Ende' und Schlusspointe. Dochtrotz, von einer Mandoline abgesehen, gleicher Instrumentierung, erklingt etwas ganz
Anderes. Nämlich eingangs eine Art Stonerrock und dann sowas wie schleppende DoomKlassik, mit Keyboards und summender Vokalisation, mit hohen und tiefen Tastentönen
und mit Akkordeonzügen, als Quasi-Ländler zu tuckerndem Traktor. Dazu raunt und knarrt
Sprechgesang wie von einem Baumhirten als ein markantes Stilmittel von Mälzner, dereinen, tierisch jaulend und vogelig flötend, mitnimmt hin zu einer Kirmesorgel und weiterauch zu einem zögerlichen Keysklingklang, der mit orchestralem Staccato etwas fester
Tritt fast. Immer noch auf dem Rummelplatz, zupft eine dissonante Mandoline hin zum
stapfenden, von Gitarrensounds verdüsterten Duktus des vorzeitig der Schultern desRiesenonkels beraubten Neffen. Die Mandoline tut dann auch so als ob sie eine Mandriola
wäre, bei der letzten Vorstellung eines seltsam verkleideten Musikanten - siehe oben nicht zu vergessen die Krone aus Goldpapier. Bis die Gitarre überleitet zum kurzen Glückeines Glückspilzes als, wie gesagt, 'Gutes Ende', mit nochmal midi-beorgeltem Ent-Gesang,den schadenfroh beschwingt zu nennen die Pietät verbietet. Nicht verbieten lasse ich mirmein ceterum censeo, diesen Erik Mälzner endlich und dauerhaft als einen der eigenartigsten Tonsetzer weit und breit zu bestaunen.

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Sub Rosa (Brüssel)
Als Pierre-Jean Vranken, kurz PJV, Jg. 1962 und aufgewachsen im postindustriellen Jemeppe-sur-Sambre, bei Brian Ferneyhough und Franco Donatoni studierte, hatte er schon
die Pop Group, This Heat und Gavin Bryars in den Adern. Wenn er, der in den 90ern das
Festival Les Nuits Botanique organisierte und seit 2014 die abenteuerlustigeren Nuits duBeau Tas, dabei mit der Musik von Cage und Feldman per Du ist, dann immer noch mit dem
Spirit als bunter Hund. So macht er auch, an Gitarre, No Wave mit dem deleuzianisch organlosen Projekt Anal + (mit Jean-Jacques Duerinckx an saxophones + machines) - Motto:
Wo es nach Scheiße riecht, riecht es nach Leben. Für Quasi Una Fantasia (SR468) mit
QUASI UNA FANTASIA wechselt er von Artaud zu Adorno und von Gitarre zu Orgeltasten.
Dazu kandidelt Christina Van Peteghem als La Diva, die als DIY-Berberian heult, kirrt undkläfft, wie Sopranistinnen es mit ihrer Lizenz zum Freaken (mehr oder weniger freiwillig) sotun. Sie freilich bewusst krass. Als herrenloses Hündchen ('Apatride'), als Schneewittchens Hexe ('Look into the Mirror'), die mit dem giftigen Kikeriki ihres Ultra-YmaSumachs nicht bloß Äpfel vergiftet. Statt bei 'Balthazar' wie ihre gleichnamigen Landsleutezu zwittern zwischen Cohen und Nabokov, keift sie als Nabonids Sohn, Belšazar, König vonBabylon, dem nach dem Menetekel so hysterisch die Flatter geht, dass er sich ärger als
Ligetis Gepopo anhört. 'Falling Deep' (and even deeper) hat eine luziferische Fallhöhe vomhohen C und der incredible Strangeness des Keys of Z in die Kanalisation. Wohl niemandvor La Diva hat den 'Leiermann' so wunderlich dem Andenken von Florence Foster Jenkins
gewidmet und den Hunden zum Fraß vorgeworfen. Für 'No No' schillert PJV besonders
infernalisch und treibt seine Partnerin damit auf die höchste Palme, ihr gegilftes No meint
definitiv No! Zu dröhnender Orgel und dumpf stampfender Drummachine singt sie zuletzt:
O 'Roses', where are thy stings (oder was ähnlich pathetisches). Das Was ist da nur die
kleine Schwester des Wie, selbst ein Kapitel Kant klänge aus ihrem Mund wie "Die Gesänge des Maldoror". Molto bizarro!
Schnitt. Und Sprung. Nur Courage. Auch die Preludes, Variations, Studies and Incidental
Music (SR480, 2CD) von CHRISTIAN WOLFF sind Musik. Piano solo. Performed by PhilipThomas, in Sheffield ein Spezialist für Cage, Crane, Finnissy, Fox, Frey, Skempton und natürlich Wolff, in BA mit Apartment House kein Unbekannter. Unter seinen Fingern erklingen
die Variationen 'En plus... Another... Yet another (Satie)' (1995), '(Extracts) on the Carmans
Whistle Variations of Byrd' (1972), 'Eight Days a Week' (1990), dazu 'Tilbury 1-3' (1969), die
Preludes 1-11' (1980-81), die 'Studies 1-3' (1974-76) und die fast 71-min. 'Incidental Music'(2003-04) als Begleitmusik für ein Cunningham-Event. Das Rhizom aus John Cage, Earle
Brown, Morton Feldman, David Tudor und Merce Cunningham - geschenkt. Die einschlägigen Stichworte minimal, sketchy, patches, choices - geschenkt. Denn wenn Wolffs Eigenreklame für seine Musik als "an odd sort of mix of Ives and Satie" mehr ist als ein Bonmot,
wäre sie auch noch eingespannt zwischen multiplicity und simplicity, transcendentalism
and piety. Ziel? Liberation & Peace, to improve the World. Was ich gerne glauben will. Aberhört man das? Ich höre zart und bedächtig geklimperte Tonfolgen, die aber in Endlosrillen
festhaken oder bitonal auf der Stelle hinken, hartnäckig, oder todmüde. Oder die Töne lösen sich, um zu springen, zu schreiten, ein bisschen zu hämmern, bei Byrd karg und elegisch, zunehmend vertrauensvoll, bei den Beatles gnomig trippelnd und wuselig. 'Tilbury'dann 'wie blind' getastet, löchrig, erst im dritten Anlauf etwas vitaler. Perlen für Vogelschnäbel. Die 'Preludes' dann deutlich stringenter, emsiger, klangvoller, mit Melodiefetzen
im Hinterkopf, wie von Ameisen dahin und dorthin getrippelt, oder auch energisch diktiert,
zuletzt aber archaisch und monoton und plötzlich wie losgelassen. Den kleinen, irregulär
rhythmisierten 'Studies', die dritte mit Ives'schem Anklang, folgt eine 'Tanz'-Musik, die wie
ihr namhafter Nachfolger, 'Long Piano (Peace March 11)', aus hundert Flicken gestückelt
ist. So dass viele typische Wolffismen zusammenkommen: das Schlichte, Erratische undLöchrige, das Punktuelle, Ostinate, Alogische und manchmal zitathaft Gewöhnliche, dazu
eine überraschende Präparation... In unvorhersehbarer, kontrastreicher Folge.
80... jenseits des horizonts ...
AMMANN GIGER (A Tree In A Field Records, TREE070, CD/2xLP): Dieter Ammann hat in den
80er/90er Jahren mit Donkey Kong's Multi Scream oder der Marco Käppeli Connection gejazzt.
Zum Ehrenbürger der Stadt Zofingen und Professor an der HfM Luzern machten ihn jedochseinen Leistungen als Modern Composer. Auf hat[now]ART ist mit "Freedom of Speech" (2005)
eine kammermusikalische Leistungsschau fixiert. Hier folgen nun 'Aprés Le Silence', fürVioline, Violoncello und Klavier (2004/05), 'CUTE', für Flöte und Klarinette (2011) und 'Piece For
Cello, Imagination against numbers', für Cello (1994, rev. 1998). Verzahnt mit 'Verstimmung'(2015) und 'Caprice' (2013) für kleines Ensemble, 'Karolina' (2013) für Violoncello und'Accelerated' (2017) für Piano, Werken von Jannik Giger, einem 23 Jahre jüngeren Komponisten und Videokünstler, der ein Meisterschüler von Ammann gewesen ist. Dargeboten vom
5-köpfigen Ensemble Nuance oder dem 6-händigen Mondrian Ensemble im Ganzen oder inEinzelteilen. Wie Dali lassen die beiden da 'ne Katze fliegen, und Ammann spitze Flöten- undKlarinettentöne, krumm wie Dalis Schnauzer. Pierrot säuft Piccolo, befiedelt und behämmert,
sorgt das für teils launige, teils kleinlaute (Ver)-stimmung. So wie nach Auschwitz weiter
gedichtet wird, wird auch nach Hamlets O, O, O, O nicht geschwiegen. Auch bei Ammanns'Apres...' herrscht weiter Betrieb, der klimpernd, fiedelnd, kratzend keine Ruh gibt. Wenn auchvon Skrupeln und Zweifeln angefressen wie von Mäusen, deren Gewusel Ammann ganz looneytunesk choreografiert. Als 'kapriziös' und 'niedlich' gespiegelt, erklingt, flatterhaft, aber
empfindsam, der Zeitgeist, gegen den Giger die Uhr rückwärts dreht bis zum Pastiche, und denauch Ammanns Bläserduett mit einer Vogeligkeit evoziert, die die schwindende Natur imüberkandidelten Simulakrum abschreibt. Katastrophentouristen buchen heute schon le déluge,
Kapitalistennationen garantieren sie. Ob Imagination allein gegen die Zahlen- und Profitphantasmen hilft? Ammanns Cello-Flamenco übt jedenfalls schon mal rasend den Abschwung,
und auch Giger überschreibt mit robustem Strich und elegisch ausgepuffter Kaltschnäuzigkeit
Dur und Moll mit Hausse und Baisse. Runter gehts immer acceleranter als ein fieberhaft
ertastetes und impulsiv gepushtes Aufwärts. Die kompositorischen Absichten sind garantiertganz andere, dass ihre Musiken jedoch derart meine Willkür anstacheln, ist dennoch das
Verdienst der beiden Katzen-Schmeißer.
BERTRAND DENZLER / CoÔ Arc (Potlatch, P119): Der Schweizer Saxophonist in Paris ist durch
49° Nord, Chamæleo Vulgaris, Hubbub, Trio Sowari, Zoor... definitiv ein alter Bekannter. Als,
seit ca. 2000, 'reduktionistischer' Mikrotöner mit zuletzt guter Anbindung an die Confront- und
Umlaut-Zirkel, zunehmend als Composer-Performer - mit etwa The Horns, ONCEIM... - oderganz als Modern Composer. Auch mit Félicie Bazelaire, Kontrabassistin & Cellistin beim
Ensemble Hodos und bei ONCEIM, hat er schon als The Lair oder zu dritt mit Léo Dupleix die
Grenzen zwischen Komposition und Improvisation, Konzept und Intuition verwischt, und sie hat
seine ein-tönigen Etüden für Bass zum Pochen, Dröhnen und Schnarren gebracht. Hier bringt
Bezelaire mit dem Streicherensemble CoÔ (es sind das die puren Strings von ONCEIM) den
von Denzler entworfenen Doppelbogen 'Arc' zum Klingen. Als dröhnminimalistisches
Brummen, Flimmern, 'Flöten' mit diskantem Anschliff. In aus der Luft geschabten Bögen, inlang gezogenen, nicht ganz mühelosen Schüben. Reibung erzeugt im Taktschiebeverfahren'schräge' Klangfarben. In meditativem Duktus fügt sich ein Bogen an den nächsten, lang undlänger geschoben und gebogen, eisern glissandierend, schillernd wie Schmeißfliegen. Mit
schrillen Frequenzen wie bei einem bremsenden Zug, aber nicht so, dass einem die Zähne wehtun. Eben doch nicht als industrielle Kakophonie, eher als synästhetische Regenbogenstreifen.
Sonor abgedunkelt ins Rote und Blaue durch die drei Kontrabässe und das Cello, oderaufleuchtend durch die gelben, grünen, violetten Spitzen der Violine und der beiden
Bratschen. In polychromer Monotonie, um es mit einem Insichwiderspruch, wie Denzler ihn
schätzt, zu sagen - feste Instabilität, bewegte Stasis. Anders als Scelsis Streichquartette ganz
undramatisch, anders als bei Georg Friedrich Haas als Brücke, als mobile Konstruktion, nicht
als Wolke. Rothko-esk entschleunigt und doch atmend, gleitend, nicht ephemer wie Jürg Freys'Unhörbare Zeit', eher vorrückend wie Paul Klees 'Revolution des Viadukts', mit Dumitrescudunklem Ausklang.
81THE DEONTIC MIRACLE Selections from 100
Models of Hegikan Roku (Empty Editions, EE
006 / Blank Forms Editions, BF-007, 2LP): In
Catherine Christer Hennix streuen sich soviele Splitter einer obskuren Fiktion, dass ihre
leibhaftige Existenz fast unglaubwürdig erscheint. 1948 geboren, tauchte sie 1968/69,
bereits durch die im Golden Circle gehörte FireMusic zum Jazzdrummen animiert, aber zu
elektronischen Trips entschlossen, gleichzeitig
im EMS in Stockholm und Köln auf (wo 'Still
Like, Q' entstand für Fylkingens "Text-Sound
Compositions 5"), um alsbald in New York in
Fluxus zu baden und sich von Henry Flynt, La
Monte Young und Pandit Pran Nath auf den
weiteren Weg bringen zu lassen. Einem interdisziplinären. Mit einer Professur für Mathematik und Computerwissenschaft, per Du mit
Parmenides und Gödel. Und zugleich einem poetisch-philosophischen, künstlerischmusikalischen Doppelleben, das sie mit Flynt für dessen 'lluminatory Sound Environments'
zusammenbrachte oder, in Lacans Namen, 2018 zur Ausstellung „Traversée du Fantasme“
im Amsterdamer Stedelijk Museum. Insbesondere jedoch konnte sie mit ihrer intuitivalgebraischen Ästhetik in Berlin Chora(s)san Time-Court Mirage um sich scharen, ein JustIntonation-Ensemble mit u. a. Robin Hayward, Hilary Jeffery, Amelia Cuni oder Amirtha
Kidambi, das mit ihr 'Blues Dhikr Al-Salam (Blues Al Maqam)' aufführte und einem mit demüberindischen 'Blues Alif Lam Mim In The Modes Of Rag Infinity / Rag Cosmosis' das
Bewusstsein zum Roten Riesen aufbläst. Doch eigentlich war schon 1976 ihr ganz großes
Jahr gewesen: Mit ihren Exponaten bei der Ausstellung „Toposes and Adjoints“ imModerna Museet. Und eben dort bei der Konzertreihe „Brouwer’s Lattice“ mit sowohl 'The
Electric Harpsichord' als dem schillernden Drone, der ihre (Wieder)-Entdeckung einläutete(2010, Die Schachtel), als auch, zu dritt als The Deontic Miracle, 'Central Palace Music'(2016, Important Records) sowie 'Music of Auspicious Clouds' & 'Waves of the Blue Sea',
alle drei 'From 100 Model Subjects for Hegikan Roku'. Letztere füllen nun je eine Scheibeeines prächtigen Klappalbums. Mit C. C. Hennix an Oboe, Sinuswellengeneratoren und Live
Electronics, ihrem Bruder Peter ebenfalls an verstärkter Renaissance-Oboe und, wie auchHans Isgren, an verstärkter Sarangi. Für ein Brainstorming, das in Trillerwellen anbrandet,
zu denen, auf statisch dunklem Fond, ein Sarangidauerton tritt, der das Oboenvibrato
glättet, während zugleich der elektronische Grundton aufraut. So ergibt sich ein surrender
Dauerton, weitgehend stabil, aber doch auch in grollenden Schüben, mit sarangisiertem
Schillern und in das Generatorengebrumm gemischten Dudelsackphantomen. Statt curryduftender Dröhnung für Indienfahrer paart sich da surrende Zahnradmotorik mit quäkigem
Blasesound, so dass meditative Neigungen diskant und panisch und zugleich verzerrt undindustrial gegen den Strich gestriegelt werden. Eher werden Dharma Warriors im EternalDream House da in Alarmbereitschaft versetzt. Auch am blauen Meer mischen sich Triller
und Haltetöne mit dudelsackschaudrigen und walkürischen Suggestionen. Klangstrahlen
ringen, elektroakustisch changierend, um Stabilität und Dauer und erinnern wiederum andas „Urban Pipes“-Einmann-Orchester Erwan Keravec. Da bleibt wenig Raum für Turtle
Dreams, weil Hennix die scharf gewürzte, schon lange nicht mehr psychische, sondern
ontisch-existenzielle Grundtönung mit den Tränen der Euryale salzt und dadurch realitätshaltig macht. Im Kurzschluss von archaischen und posthumanen, von blauen undultramarinen Frequenzen, wie sie aus Nadaswaram, Shehnai, Mizmar, Zurna schalmeien.
Aus uraltem Volksvermögen schöpfend, überzeugt, sich nur derart schrill und eindringlich
Gehör zu verschaffen, bei Freund und Feind, bei Göttern und Dämonen. Als deontischer
Zauber, als deontische Macht eines Klangs, dessen "Du sollst...!" und "Vade Retro!" Not
wendet. Was so ist, soll anders werden. Logisch.
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ORIENTAL WINDS OF THE BAROQUE Oriental Winds of the Baroque (Simax Classics,
PSC1349): Aus Norwegen ein Saxophonist, ein Hardangerfiddler und ein Perkussionist &Vokalist, der, von der Elfenbeinküste stammend, auch Kalimba und die steinzeitliche Maultrommel Dôdô spielt, dazu eine schwedische Sopranistin und mit Jesus Fernández Baena
ein Spanier, der mit Theorbe Barockmusik zupft. Dass Nils Økland in Norwegens Folklore
gräbt, aber schon in den 80ern auch Welt- und Balkanmusiken fiedelte, dass Rolf Erik Nystrøm, neben Poing und der Nils Økland Band, seit einem Vierteljahrhundert mit Kouame
Sereba 'afrikanisch' bläst, das gibt den Ton an für ihr Durchkreuzen von Zeit und Raum.
Ähnlich hat Elisabeth Holmertz schon im Ensemble Odd Size bei "It's all baroque!" Merulaund Händel mit Dolly Parton und Billie Holiday verkuppelt. Nicht nur wird hier Musik vonBiber, Couperin, Andrea Falconieri, Ennemond Gaultier, Tarquinio Merula, Monteverdi, Luisde Narváez und Diego Ortiz gemischt mit althergebrachter Volksmusik. Auch die Folklore
ist zugleich bodenständig und weithergebracht aus dem persischen Lorestan, aus dem
Nordosten Brasiliens, von der Westküste Afrikas, aus Marokko oder Schweden. Und hat
auf den alten Routen nach al-Andalus und auf den Gypsy-Roads so manche Tonart aufgenommen und abgegeben. Wenn 'To Lembrado Nao!' statt dem erfragten Titel bloß "Ichkann mich nicht erinnern" bedeutet, heißt das nicht, dass Musiker nicht alle möglichen
Tunes in ihren Köpfen umeinander tragen und globalisieren. Das hier ist eine besonders
entgrenzte Mixtur, die der Wind durch viele Jahrhunderte trug und über drei Kontinente. Im
Tausch unter Kollegen, als Floh im Ohr. Als Volkstänze, die bei denen da Oben als Bourée,
Gigue oder Chaconne getrippelt wurden. Oder als Rückgriff ins Nicht-Wohltemperierte(wie bei Bibers 'Mysteriensonaten', deren Skordatur der Hardangerspielweise ähnelt). Und
umgekehrt als Brösel, die von Oben wieder unter die Spatzen fallen. Um daran zu erinnern,dass Musik dem Wind und den Zugvögeln verwandt ist. Dass der Orient einst vor den
Toren von Barcelona lag oder gleich hinter Wien anfing. Dass der zivilisatorische Wind im
barbarischen Mittelalter lange vom Orient her blies. Dass das Europa, das sich gegen die'Orientalen' abschottet, selber Millionen Flüchtlinge und Auswanderer, Hungernde undVerfolgte in alle Welt ausspie. Nystrøm & Kollegaer machen all das hörbar, von 'La Vent/
Sarabande' bis 'Les Canaries/ Lamento della Ninfa'. Indem sie die Entmischung und Spaltung aufheben. Indem Soprano und Sereba Canzonetten gemeinsam anstimmen. Indem sie
Nymphenreigen und Rosenkränze, Maqamat und Madrigale wieder vereinen und unter
feinen Stoffen nackte Füße tanzen lassen. Wenn Nystrøm diesen wundersamen Zauberdann noch mit der Erinnerung an Misha Alperin (ex-Moscow Art Trio) verbindet, der im Mai
2018 in Oslo gestorben ist, und mit besonderem Dank an Juliana Venter (W/V -> BA 101),
seiner Gesangspartnerin bei "Human", dann könnte er die Maschen enger und bad alcheFoto: Geir Dokken
mystischer nicht knüpfen.
83Mad Boy of Music - Malcolm Arnold (1921-2006)
There was a story from back in the very early 1980s which insisted that the great Sir Malcolm Arnold,
trumpeter and orchestral arranger of such hits as "Colonel Bogey", had been living in the room above Crown& Cushion's bar, mentally ill and alcoholic... This was the man who's written Tam O' Shanter, that delirious
accompaniment to Burns' (...) carousing highland hero chased by a Wild Hunt of fairies through the brass andwoodwind dark... Old and tormented, ambisextrous, in his early sixties then, who knew what imps and demons,djinns and tonics, might have been stampeding through his fevered skull...
1921 in Northampton geboren und 1979 dorthin zurückgekehrt, wenn man die Einweisung
ins St Andrews so nennen mag, die Psychiatrie, in der Lucia Joyce (1907-1982), seit 1951
dort interniert, ihrem Ende entgegendämmerte, war the illusious Sir Maycome Arsold nur
zu willkommen, um durch Alan Moores "Jerusalem" zu geistern. Northamptons Barde hat
auf den 1266 Seiten, auf denen er den Ort, wo ihrer beider Wiegen standen, psychogeografisch, hauntologisch, eternalistisch einfing wie Fliegen im Bernstein von Einsteins Blockzeit, außer seinem Blick für die Spectres haunting Hampton auch das Ohr für Lunacy wie
sie von Thursa Vernalls Akkordeon schallt. Auch in Arnolds Familie gab es, wie bei den Vernalls in "Jerusalem", ererbte Geisteskrankheit, und, ähnlich Alma Warren, eine Schwester,Ruth, als a rebel against the prevailing norms, a feminist and poet who was expelled fromschool and had her own mental health problems (Simon Brackenborough). Sein Weg zum"Rogue Genius" - so der Titel einer Biografie - schneidet, mit Grabsteinen gepflastert, mitten durch Schall und Wahn: Arnolds Bruder fiel in der Battle of Britain als Pilot (er selberschoss sich nur in den eigenen Fuß), sein guter Freund, der Karikaturist und Festivalmacher Gerard Hoffnung, starb 1959 mit gerade mal 34, ein weiterer Bruder und die Schwägerin begingen 1961 Selbstmord, die Schwester Ruth, die fraß der Krebs. Schon 1950 bekam er, nachdem er durchgedreht hatte, eine (heute nur noch berüchtigte) ‘Insulin Shock’Therapie verpasst, 1959, nachdem er beim Soundtrack zu "Suddenly, Last Summer" ausgeflippt war, wurde er mit Elektroschocks 'kuriert'. Dazu zwei - scheiternde - Ehen, aberdennoch eine - schwer in Alkohol getränkte - Karriere, 1958 gipfelnd im Oscar für "DieBrücke am Kwai". Mit dem "Colonel Bogey"-Marsch - eine meiner ältesten eigenen Erinnerungen. Neben Arnolds über siebzig Filmmusiken ließ er mit seinen Konzerten, Promsfetzigen Overtures und Dances britische Herzen höher schlagen. So wie man sich bespaßen ließ mit "A Grand, Grand Overture", Op. 57 (1956) featuring three vacuum cleaners
and a floor polisher, polished off by a firing squad oder dem "Carnival of Animals", Op. 72(1960) mit Giraffe, Schafen, Kühen, Mäusen, Jumbo und Chiroptera. Auch hat Arnold Deep
Purples "Concerto for Group and Orchestra" 1969 uraufführt, nur äußerlich als bürgerlicher Gegenpol zu Lord, Gillian, Sex 'n' Drugs. Doch - against all odds - sind da seine Sinfonien, von No. 1 (1948) bis No. 8 (1978). Musiken freilich, über die Snobs, deren ABC mit
Adorno, Boulez, Cage anfängt, nur die Nasen rümpften. Die romantische Spülbrühe vonBerlioz, Sibelius, Mahler und Schostakowitsch panschen mit Filmmusikpathos und kitschiger Soße? Für einen wie mich hat das jedoch, graugansbepfiffen, seinen durchaus postmodernen Reiz: Die Vierte (1960), angeregt durch die Notting Hill race-riots, closing the
gap zwischen "West Side Story", Pop, karibischer Exotica und bekifftem Andantino mit
kataklysmischem Con fuoco. Die Fünfte (1961), schwankend zwischen tragisch und banal,
quixotischem Scherzo und Mahlerschem Adagio, Hollywood und Funeral, denn manchem
schlägt, mit tolling tubular bells, da die Stunde. Die Siebte (1973), dramatisch um die eigenen Kinder kreisend, voller Brass, zugleich savage, bleak und brooding, mit Posaunenadagio, irischem The-Chieftains-Jig, Hörnern und Cowbell. Arnold kam, so psychotischund alkoholkrank wie zuvor aus St Andrews und dem Crown & Cushion Pub herausgetaumelt, 1984 in die Obhut von Anthony Day als full-time carer, der ihn zu einer 9. Symphony(1986) päppelte: seiner längsten, mit einem überlangen Lento-Satz, der alles Easygoing
und jubelnd Giubilose negiert, umstritten genug, um erst nach fünf Jahren aufgeführt zu
werden. Bereits totgesagt, erlebte Arnold 1993 noch seinen Ritterschlag und Abende mit
Goldrand, bis er 2006 "upstairs" ging, als einer der großen Individualisten, die 20th-century British music so gloriously untidy machten (The Guardian).
84

Lenka Lente (Nantes)
1992 hielt EVAN PARKER, eingeladen zum Symposium 'Man & Machine' nach Rotterdam,
im Zaal de Unie einen Vortrag, der zusammen mit dem 'sketch score' und den Tonbandmitschnitten sowohl der Entwürfe wie des schließlichen Solokonzertes "De Motu pour Buschi
Niebergall" ausmacht. Bisher schon online zu finden auf http:// www.efi.group.shef.ac.uk/
fulltext/demotu.html, nun aber auch auf Lenka Lente (kl, 54-page Booklet, frz./engl.), wird
von ihm dabei die Antithese von Komposition und 'Free / non-idiomatic Improvisation' aufgehoben in 'Instant Composing'. Was zwar auch nach Instantkaffee klingt, aber egal.
Parker zeigte dabei Linien auf, die ihn zu "De Motu" hinführten:
Misha Mengelberg - Han Bennink - Willem Breuker - Instant Composers' Pool - BvHaast ->Max Eastley - LaMonte Young: "Sunday Morning Blues" - Terry Riley: "Dorian Reeds" ->Steve Reich: "Come Out", "It's Gonna Rain" - John Coltrane: "My Favourite Things" ->Sigurd Rascher: "Top Tones for Saxophone" - Bruno Bartolozzi "New Sounds for Woodwind" ->active / bicameral mind - repetition / mutation - fractal patterns - multiphonics ->double tonguing - circular breathing - cross-fingering - micro-tonal tunings ->Seine 'Introduction' zu "Soundweaving: Writings on Improvisation" (2014) greift die Fäden
auf und spinnt sie bis nahe an die death-ambiente und künstlich-intelligente Gegenwart.
La Chanson Des Vieux Epoux (lkl-l40, 32-page Booklet + 3" mCD) kommt mit einer krassen
Illustration von Henry Somm (1844-1907), einem Aquarellisten und Grafiker des Fin deSiecle aus dem Zirkel des Le Chat Noir in Montmartre, bekannt für seine Damen mit Hutund sein japanisches Faible. Seine Aquarelle machten 1899 auch den kleinen Band von
PIERRE LOTI (1850-1923) zu einem Schmuckstück, der wie Madame Chrysanthème,
Japoneries de l'automne und La troisième jeunesse de Mme Prune in Japan spielt. Japan
war neben Istanbul und Tahiti einer der exotischen Schauplätze dieses vielgereisten, vom
Duft der Fleurs d'ennui umgetriebenen, von den Phantomen des Orients verlocktenBestsellerautors von 'erlebten Geschichten'. Als Marineoffizier hat Loti 1883 französische
Kriegsverbrechen am Beginn der Tonkin-Kampagne kritisiert (mit der die Kolonie Indochine française im Norden gegen China durchgesetzt wurde), 1900 war er beim Niederschlagen des Boxeraufstands dabei. 1885, in Nagasaki stationiert, kaufte er sich aus einem
Teehaus “une petite femme à peau jaune, à cheveux noirs, à yeux de chat”, die er Kiku
(Chrysanthème) nannte. Es ist das der 'Wurm', der durch amerikanische Ohren und phantasievolle Metamorphosen sich in Madame Butterfly verwandelte (Siebolds Sonogi O-Takiwurde nur eine Hortensie). Alle anderen Japaner blieben die 'menschlichen Igel', 'dressierten Hündchen' und 'alten Kröten', als die Loti sie gesehen hatte. Kiku sitzt auf einem
Foto vor Loti und einem weiteren Schnauzbart in Kolonialherrenweiß. Ihr Blick spricht
Bände über die Herrenrasse (von der das kaiserliche Japan vieles nur allzu gut lernte).
Beim 'Lied des alten Ehemanns' lässt Loti die Geister den alten blinden Bettler Toto-San
damit trösten, dass seine gestorbene Frau, die lahme alte Kaka-San, nun Dünger ist fürKamelien und Bambus. Noch unserm Würzburger Max Dauthendey (1867-1918) erschien,als auch er, zwischen "Raubmenschen" in Mexiko und seinem Gauguin'schen Ende auf
Java, 1906 daran schnupperte, Japan als 'Idealland zum Leben'. Die exotischen Märchen
von Die acht Gesichter am Biwasee (1911) sind sein Souvenir davon.
QUENTIN ROLLET musste ich erst mal unterscheiden von Olivier Rolin, der sich als Autorvon Meroe und Ein Löwenjäger für 2, 3 Wimpernschläge ins mentale Bild stahl. Rollet, Sohn
des ARFI-Trommlers Christian, spielt Saxophon, zuletzt bei "Wastelands / Lawrence Of
Arabia" von Denis Frajerman, mit einem Spektrum von Noël Akchoté, der Akosh S. Unitoder Jean-Marc Foussat bis Colin Potter und Nurse With Wound. Zusammen mit Romain
Perrot, bekannt als der harsh-noiseomane VOMIR und für eine Mur de Bruit, länger als die
Chinesische Mauer, entstand 'Vengance', als weiterer gemeinsamer Backstein nach 'Vilence' [sic!] & 'Anrchie' [sic!] (Mind Records). Knurschige Granulation und, darüber modulierend, melancholisch tutende Altosaxlangwellen, als Dudelsack voller Schmerzen, die
immer wilder und sopraninospitzer nach Vergeltung schrillen. Als Rache für was?
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inhalt
3 Afrika Festival: KoKo-Moh!Yaté! RoKo-KouYaté
4 Neues Kundenkonto - Moers 1.0
7 Freakshow: Sean Noonan Picnic In Snow
8 Dead Can Dance in Frankfurt
11 Istanbul Night mit Gaye Su Akyol & BaBa ZuLa
over pop under rock:13 Matana Roberts - 14 Land Of Kush - 16 Glitterbeat 17 RareNoise - 20 Keiji Haino + Sumac ...
nowjazz, plink & plonk:
23 Creative Sources - 24 Dark Tree - 25 Christoph Gallio 26 Hubro - 31 Intakt - 33 Leo - 35 Nakama - 37 Udo Schindler 39 Trouble in The East - 40 Umland - 42 WhyPlayJazz - 44 Wide Ear 46 Alfred Harth's Revolver 23 - 50 Remote Viewers Trio ...
soundz & scapes in different shapes:
55 Crónica - 56 Karlrecords - 62 Midira 63 Mikroton - 64 Sofa - 66 Carsten Vollmer ...
beyond the horizon:
75 empreintes Digitales - 78 Erik Mälzner 80 Sub Rosa - 82 The Deontic Miracle 84 Mad Boy of Music: Malcolm Arnold - 85 Lenka Lente ...

BAD ALCHEMY # 103 (p) September 2019herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Nick Heß, Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 103 erhalten Abonnenten die CD "Die Lehmann Akten" (Cat Killer) von CARSTEN VOLLMER
Mit herzlichem Dank an den Krachmeister in Essen-Kray
Cover: "Die Lehmann Akten" (Ausschnitt)
Rückseite: Alan Moore [Shepard Fairey-Détournement by Dominic Mandrell]!!! Die Nummern BA 44 - 97 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de...............................................................................................................................................

86index@C 55 - ABDELNOUR, CHRISTINE 44 - ABSTRACT NYMPHO 18 - ACID ARAB 18 - ACID MOTHERSTEMPLE 6 - AEBY, STEFAN 32 - AKITA, MASAMI 17 - AKYOL, GAYE SU 11 - ALDINUCCI, GIULIO 57- ALIZADEH, SABA 58 - ALLAN, MARSHALL 5 - AMMAN, DIETER 81 - ANDEAN, JAMES 75 - MAX
ANDRZEJEWSKI‘S HÜTTE 43 - ANEMOCHORE 23 - ANGUISH 6 - ARNOLD, MALCOLM 84 AROVANE 57 - BABA ZULA 12, 16 - BAENA, JESUS FERNANDEZ 83 - BANA HAFFAR 68 BARAKAT, GHAZI 18, 60 - BERNE, TIM 53 - THE BIG YES! 36 - BLACK MIDI 6 - BOTTOM
ORCHESTRA 43 - BRAHIM, AZIZA 16 - BRANDÃ O, RODRIGO 5 - BRENNAN, JOHN WOLF 34 BUSHMAN‘S REVENGE 30 - CAMATTA, SIMON 40, 41 - CASTRUP, HANS 59 - CHALMIN, DAVID 67 CHEN, AUDREY 56 - CHUFFDRONE 6 - CLUBE DA ENCRUZA 5 - CODSI, MARC 67 - CRACK
CLOUD 6 - THE CRAY TWINS 68 - DANS LES ARBRES 65 - DAVIS, GARETH 62 - DE WAARD,
FRANS 73 - DEAD CAN DANCE 8 - DELAFONTAINE, SOPHIE 75 - DEMIERRE, JACQUES 48 DENZLER, BERTRAND 81 - THE DEONTIC MIRACLE 82 - DESPREZ, JULIEN 24 - EBERHARD,
SILKE 39, 48 - EILERTSEN, MATS 26 - ENSEMBLE NEON 26 - EVANS, PETER 5 - ENRICO FAZIOCRITICAL MASS 33 - FINGER, BENJAMIN 59 - FISCHER, JÖRG 46, 49 - FISCHERLEHNER, RUDI 45- FLY PAN AM 15 - FUJII, SATOKO 45 - G.A.M.S. 61 - GALLIO, CHRISTOPH 25 - GANFIELD, KEN 63 GARCIA, MIGUEL A. 55 - HEINZ GEISSER ENSEMBLE 5 33 - GHANIA, MAHMOUD 19 - GIGER,JANNIK 81 - GLOBAL IMPROVISERS ORCHESTRA 6 - GOLDEN VALLEY IS NOW 31 - PHILIPP
GROPPER‘S PHILM 42 - GRÜNINGEN, KASPAR VON 43 - GSCHLÖßL, GERHARD 39 - GUFFOND,
JASMINE 58, 59 - HAINO, KEIJI 17, 20 - HALTLI, FRODE 28 - HARNETTY, BRIAN 60 - HARTH,
ALFRED 46 - HILBIG, MAIKE 39 - HÖGBERG, ANNA 36 - HOLMERTZ, ELISABETH 83 - HÜMA UTKU
57 - HUME, CAROLYN 33 - HUSBAND, GARY 22 - HYPERTIDE OVER KIRIBATI 45 - INGRAM,
RICHARD A 62 - JAZ, DREVO 47 - JUSTEL, ELSA 77 - KAHN, JASON 47 - KAMMERFLIMMERKOLLEKTIEF 58, 59 - KLARE, JAN 6, 40 - KOCH, HANS 48 - KOKOROKO 3 - KONSTRUKT 60 MOH! KOUYATÉ 3 - THE KUTIMANGOES 49 - LABRECQUE, PAUL 60 - LAMB, CATHERINE 26 LAND OF KUSH 14 - LED BIB 17 - LEICHTMANN, HANNO 56 - LIEDWART, KURT 63 - LONBERGHOLM, FRED 40 - LÓPEZ, FRANCISCO 55 - LÓPEZ, RAMON 45 - LOTI, PIERRE 85 - HANSLÜDEMANN TRANSEUROPEEXPRESS 48 - LUMEN DRONE 27 - MACKENZIE, DANIEL W J 62 MAGNANI, MIRCO 69 - MAHALL, RUDI 51 - MAHTANI, ANNIE 76 - MÄLZNER, ERIK 78, 79 - MATRY,DIDIER 41 - MATSCH UND SCHNEE 39 - MAY, PAUL 33 - MITELLI, GABRIELE 69 - MÖBIUS, GUIDO
58, 61 - MOHANNA, NICKOLAS 58, 70 - MOVE 6 - MUERAN HUMANOS 21 - MÜNCHENNEUS 37 MYHRE, JO BERGER 28 - NAKAMURA, SHIMARU 5 - NIBLOCK, PHIL 26 - NIEHUSMANN, FRANK
70 - NOONAN, SEAN 7 - NYSTRØM, ROLF 83 - ØKLAND, NILS 27, 83 - ÓLAFSSON, ÓLAFURBJÖRN 28 - ONABULÉ, OLA 21 - PAGO LIBRE 34 - PALESTINE, CHARLEMAGNE 54 - PAN
AFRIKAN PEOPLES ARKESTRA 24 - PANDI, BALAZS 17 - PARKER, EVAN 31, 85 - PEPPLES &PEARLS 49 - PERRI, SANDRO 15 - PETIT, PHILIPPE 58, 71 - PICCAND, BENOIT 44 - PIP 65 - PITRE,DUANE 62 - PITSIOKOS, CHRIS 40 - PLOT 43 - PLOTKIN, JAMES 59 - PORYA HATAMI 57 - PROPAN
64 - QUASI UNA FANTASIA 80 - RASMUSSEN, METTE 24 - REDMAN, JOSHUA 6 - HEINERRENNEBAUM DOPPELQUARTETT 40 - REIZEN 71 - REMOTE VIEWERS TRIO 50 - ROAD WORKS 25- ROBERTS, MATANA 13 - RODRIGUES, ERNESTO 23 - RODRIGUES, GUILHERME 23 - ROLLET,QUENTIN 85 - RRILL BELL 72 - RUPP, OLAF 51 - SANDERS, PHAROAH 19 - SCATTER THE ATOMSTHAT REMAIN 5 - SCHILD, LOUIS 44 - SCHINDLER, UDO 23, 37, 38 - SENSAROUND 51 - SEREBA,
KOUAME 83 - SHALABI, SAM 13, 14 - SHE SHE SHOP 57 - SIROM 6 - SKARBØ SKULEKORPS 29 SMITH, CHES 53 - SOMMER, GÜNTER BABY 5 - SPACCAMONTI, PAOLO 72 - LOZ SPEYER‘S TIMEZONE 52 - STAVROPOULOS, NIKOS 76 - STIEBLER, ERNSTALBRECHT 59 - SUMAC 20 - SUN RA
ARKESTRA 5 - SUPER JAZZ SANDWICH 41 - SVENDSEN, CHRISTIAN MEAAS 35, 36 - TABORN,CRAIG 31, 53 - TAEGGI, ANDREA 6 - TAPSCOTT, HORACE 24 - THRAZZ 52 - TIETCHENS, ASMUS
73 - TODOROFF, TODOR 77 - TOM, KASPER 51 - TORN, DAVID 53 - THE TOUCHABLES 53 TRANCE MAP+ 31 - TRRMÀ 54 - TRZCINSKI, LUKASZ 69 - URBAN PIPES 6 - URHEIM, STEIN 30 V/A KARL MARX‘S 200th ! 58 - V/A KILLING THE 90s 74 - VÆRNES, KASPER SKULLERUD 35 VANDERMARK, KEN 60 - MICHAEL VLATKOVICH 5 WINDS 54 - VOLKMANN, LUISE 41 - VOLLMER,
CARSTEN 64, 74 - VOMIR 85 - VORWÄRTS RÜCKWÄRTS 39 - VRBA, PETR 63 - VULA VIEL 5 WABI EXPERIENCE 63 - WALTER, FLORIAN 40, 41 - WIESE, NICOLAS 58 - WILDHAGEN,
ANDREAS 35 - WINGFILED, MARK 22 - WINTSCH, MICHAEL 44 - WOLFF, CHRISTIAN 80 WÖRMANN, HAINER 70 - ZABELKA, MIA 59 - ZEA 22 - ZEITKRATZER 57, 61 - ZWANG-ERIKSSON,ERIK 38 - ZWITSCHERMASCHINE 4287

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