BAD
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ALCHEMY»Also viel Gewese um Hokutisi.«»Um was?«»Hokutisi. Hochkultur und Tiefsinn. Kennst du gar nicht?«
Per Leo...ward es ihm zur Gewohnheit, abends in der Bibliothek
zu stöbern und wie ein Besessener zu lesen. Schon die
Vorstellung der unzähligen Bücher genügte, ihn in Wut zu
versetzen. Je mehr Bücher er las, desto weniger Bücher
schien er zu kennen, denn mit der Zahl der gelesenenschien ihm die Zahl derer, die er zu lesen außerstandewäre, ins Unermeßliche zu steigen.
Thomas Wolfe
Ernst Augustin - Schönes Abendland
Harry Crews - Scar Lover
E. L. Doctorow - City of God
Mark Fisher - Ghosts Of My Life. Writings On Depression, Hauntology And Lost Futures
Otto Flake - Die Sanduhr
Catalin Dorian Florescu - Der blinde Masseur
Wolf Haas - Wie die Tiere; Brennerova
Daniel Kehlmann - Die Vermessung der Welt
Per Leo - Flut und Boden
Petros Markaris - NachtfalterDavid Mitchell - Die tausend Herbste des Jacob De Zoet
Olga Tokarczuk - Ur und andere Zeiten
Jakob Wassermann - Etzel Andergast
Thomas Wolfe - Von Zeit und Strom

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Freakshow: Wild and windy

Donnerstag, der 28.01.2016 beschert denen, die etwas zahlreicher als üblich im
Würzburger Immerhin erschienen, LE REX. Ein Schlagzeug, ein Stuhl. Dann kommen vier
Burschen und blasen die Backen auf, Rico Baumann (von Anton And The Headcleaner)
trommelt. Keine Verstärker, alles unplugged. Marc Unternährer darf sich setzen, er bläst
die Tuba. Als Lackel von feinem Humor, laid back und dennoch virtuos, mit seinem
federnden Um-pah der Bass und doch mehr als ein Rhythmusknecht. Ein starker Tröter
vor dem Herrn ist auch Andreas Tschopp an der Posaune, ein gefragter Mann für jazzige
XL-Formate, kein Wunder, bei seinem Temperament. Dazu kommen Benedikt Reising am
Alto und Marc Stucki (von KAOS Protokoll) am Tenorsax. Obwohl die Stücke, die da, eins
so ansprechend und pfiffig wie das andere, angestimmt werden, überwiegend von Stucki
ersonnen wurden, der seine Synapsen mit Strickmütze schützt, liefern Unternährers
Machenschaften die beste Einführung in das, was sich da abspielt. Von seinen Pipelines
mit Hans Kennel und John Wulf Brennan könnten der alphörnerne Unterbau herrühren,auch Bergrausch taugt als Stichwort. Wenn man weiß, dass er dabei Adolf Wölfli vertonen
half, gibt das der scheinbaren Volkstümlichkeit auch den hintersinnigen Dreh, der bei Le
Rex King ist. Dazu hat der Luzerner Tubist mit Chicago Luzern Exchange und The LuzernChicago Connection die Spur nach Chicago gelegt, wo 2014 "Wild Man" (Cuneiform)
entstanden ist, mit 'The Dwarf', 'Mr. Richard Kiel' (als Hommage an den Beißer bei James
Bond) und 'Le Clic', also dem Zeug, das uns da so Freude macht. Als unangestrengter Mix
aus ganz unbiederer, ein-zweimal sogar getragen-hymnischer Blasmusik, und aus
jazzigem Drive und Swing, mal im Chicago-, mal im New Orleans-Style. Bei dem schönen
Wetter, das die fünf machen, reicht der Blick von den heimischen Gipfeln sogar bis in die
Karibik. Baumann tut nie mehr als nötig und hält doch den Takt wie ein schwanzwedelnder
Dackel. Mit flockig oder knackig gerührtem Trommelchen oder fragilem Stöckchenschwung. Der Stil bildet sich im Insichwiderspruch der launig und slickaphonischgroovenden, dabei aber ausgebufften Polyphonie, im planvollen Arrangement der mit- undgegenläufigen Stimmführung dieser Rexotik, die ganz natürlich auf Zimmerlautstärke
dosiert ist. Unternährer brilliert mit stupenden Tubatricks, dass das auch als komischankommt, ist gewollt. So wie er es auch gelassen nimmt, dass ich ihn mit seinem
Namensvetter Beat verwechsle (der doch bloß Posaune spielt). Früher gaben sie schon
mal Prince als Zugabe oder zwischendurch was von Ray Charles, Michael Jackson oder
Beyoncé. Wir bekommen 'Paradise Distopia' mit viel "Hey!" und "Ho!" und Handclapping
und dem schönsten Überkreuz der beiden Saxer an diesem Abend. Und als Nachschlag
ein Posaunensolo, bei dem sich Tschopp gegen heftigen Ventilatorwind stemmen muss,der ihm das Instrument von den Lippen zu reißen droht. Seit wann ist ausgerechnet Berndie Hauptstadt des Schweizer Humors? Einer umschreibt die Güteklasse des Gebotenen
mit: Als würde auf einem Kartoffelacker vor 17 Zuschauern Real (die Königlichen) kicken.
Du sagst es, Uwe.
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Freakshow: "Lent et Sexuel"OK, das mit dem langsam ist nicht immer so, aber sexy, sexysind die Freakshows doch immer, oder nicht? Die am 28.02.2016
im Immerhin mit dem COAX ORCHESTRA war außerdem noch
funky, halluzinell und coccibelle, was nicht blattlausig, viemehr'schön wie ein Marienkäfer' heißen soll. Auf dem Heimflug vonBremen nach Paris schwirrte ein Kollektiv, das dem Drummer
Yann Joussein (SNaP) zu Diensten ist, nämlich Antoine Viard(Hippie Diktat) am Saxophon, Aymeric Avice (Jean Louis) an der
Trompete, Simon Henocq (Helved Rüm) und Julien Desprez(SNaP) an Gitarren, Romain Clerc-Renaud an Keys, Xuan
Lindenmeyer an der Bassgitarre und Rafaëlle Rinaudo an derHarfe mal kurz bei uns vorbei. Um an diesem Sonntagnachmittag vor sogar mal ein paar Fans mehr als üblich Funken
zu schlagen aus dem Drunter und Drüber von Ornette Colemans
Prime Time-Harmolodics und John Zorns Naked City-Fetzerei.
Im verblüffenden Kontrast mal sanfter, mal strenger Bläserstatements mit verflixter Rhythmik und krasser Kakophonie.
Denkwürdige Highlights sind, nachdem als Intro gleich mal ne
Katze elektrogechockt wurde, das Bläserstakatto, das als
Morsealarm etwas einrahmt, das total funky abgeht. Überhaupt
wird, dem gescheiten Eindruck, den Joussein mit seiner Brille
macht, zum Trotz, gegroovt wie nicht gescheit, wobei der
Trompeter dazu heftig mittrommelt. Wenn es abgeht wie 'n New
Orleans-Funeral oder 'n Hochzeitsmarsch für ne kesse Leiche,
ist natürlich ein "Rock'n'Roll!" fällig. Herzstück ist die 'Fahrstuhl'Musik, wie Joussein radebrechend erklärt. Dabei schlagen er
und Avice alle paar Takte komplett verschiedene Beats, als ob
auf jedem Stockwerk, wenn die Fahrstuhltür aufgeht, ganz
unterschiedliches Zeugs musiziert würde. Ha! Denkwürdig ist
auch das Solo von Rinaudo, die ihre Harfe mit Harpyienkrallen,
Teigschaber und Schlägel traktiert und neben rauschenden
Arpeggios schärfsten Noise ratzfatzt, den sie mit Pedaleffekten
moduliert wie eine Metalgitarristin. Überhaupt zerlegt sich das
Orchestra gerne in verschiedene Splittergruppen, nur Saxophon
und Gitarre, nur die Strings etc. Desprez als der wuschelköpfige
Gitarrist zur Rechten hat seine großen Momente mit abrupten
Spasmen, bei denen er den Gitarrenhals würgt und schüttelt.
Am heißesten ist vielleicht das Jazzcoretrio mit rasend
gepickten und mit Seehundpfotenclustern malträtierten Keys,
Bassfuror und Getrommel, bei dem der bis dahin intellektuellreservierte Komponist ganz seine Contenance preisgibt.
Höhepunkt ist 'Lent et sexuel', das sich zu einer mit glühenden
Fingern kollektiv gerifften Schallmauer verdichtet, so massiv,
dass die Bläser davor wie Pantomimen wirken. Wie einst bei
God! Dennoch ist nicht Power die Raison d'Être, sondern die
tolle Mixtur aus Groove und Krach, aus schnittigem Konstrukt
und Faust aufs Auge, in einem Wechselbad süffiger Anklänge Funk, Bossa Nova, Avantrock, Jazzerei. Nicht nur bei 'Musiqued'ascenseur' hat man den Eindruck dass dieser gescheckte
Harlekin gleichzeitig verschiedene Stücke spielt, wenn es klingt
wie zeitgeraffter Charles Ives und damit genau so, wie wir
Freaks das lieben.

Gonçalo Almeida

Ava Mendoza

Yann Joussein

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Freakshow: Nagual, Shapeshifters and Dogsbodies
Die Sonntagsmatinee am 3.4.2016 bietet gleich zwei gute Gründe für sternfahrende Freaks, sich trotz der ersten frühlingshaften Temperaturen des Jahres
familiär ins dustere Betonambiente des Immerhin zu kuscheln. ALBATRE, ein Trio
aus Rotterdam, das uns schon mal hinab in seinen Maelström gezogen hat, bietet
den Zu-ähnlichen Jazzcore-Furor ihres "Nagual"-Albums. Die unbändige Gewalt
des Sounds wird allerdings gebändigt durch repetitive Muster. Mir kommt zu
diesem intensiven Oxymoron in den Sinn, dass Otto Flake das Intensive als die
Quintessenz des Barock aufgefasst hat. Zu den ‚barocken‘ Formeln passend, hält
Gonçalo Almeida an E-Bass und Keys seinen kahlen Schädel hin, mit seinem
schwarzen Bart hätte er Modell stehen können für einen Märtyrer bei Zurbaránoder Ribera. Fürs Bassspiel würden ihm zwei Finger genügen, oft reibt er auchper Slide Glissandos von den Saiten. Dazu fingert er Krach von einem winzigen
Keyboard, sein A und O sind Schläge und Schraffuren mit hohem Fuzz-Faktor, mit
denen er unerbittliche Muster exerziert, die er noch durch Effekte forciert. Zu
den brausenden Dunkelwolken drischt Philipp Ernsting Fell und Blech. Der tolle
Kerl aus Lünen rattert so vehement, dass ihm dreimal ein Stock davon fliegt.
Hugo Costa (eine Mischung als Pep Guardiola und Commissario Montalbano)behauptet sich, indem er mit seinem Altosax tierisch röhrt und grollt, öfters
jedoch wie am Spieß kirrt. Mit durchdringenden Haltetönen, die er mit Loops
derart stabilisiert, dass sein Horn sogar tönt, ohne dass er pustet. Der Eindruck
der langen Musterbögen und doommetalistischen Traktate ist massiv, rau,
intensiv, physisch im Bereich der Gürtellinie und zerebral in Höhe der Decke, andie einem das Hirn spritzt.
Der zweite Grund dürfte freilich der lockendere gewesen sein: AVA MENDOZA's
UNNATURAL WAYS aus Brooklyn, mit der Gitarristin, die nicht nur Bubenherzen
höher schlagen lässt. Am rechten Flügel E-Bassmeister Tim Dahl, dazwischen
Sam Ospovat als neuer Drummer, der tapfer Schweiß vergießt, um die Klippen zu
meistern. Aber nicht nur für ihn gibt es Notenblätter, auch Dahl hat einen Packen
vor sich, denn Mendoza macht zwar Musik, die direkt ins Herz zielt, aber einfach,einfach ist daran nichts. Selbst wenn sie bei ‚Dogsbody‘ so energisch wie
illusionslos ihr „we're so hungry, we're so hungry“ ins Mikrophon diktiert unddabei die Energiequellen anzapft, der ihre Musik die rebellische Härte verdankt,
ist das nicht schlicht gestrickt. Sinn und Form sind bei Mendoza eins und beide
sind gewaltig, sie spielt meisterlich, hard und heavy, aber selbst bei vertrackten
Passagen ohne Grimassen, ohne Pose. Während Dahls Finger konstant am
Speedlimit arpeggieren und glissandieren, schütteln und würgen, so dass die
Bassspur als gefiederte Schlange bebt und quetzalcoatlt, beschert einem
Mendoza mit Tremolo, Tapping, Tänzchen über die Effektpedale, zumeist abersouveräner Handarbeit die Erleuchtung, dass der Gitarrengott ein Gestaltwandler ist. Nichts scheint mir auch diesmal für Mendozas Spiel bezeichnender,
als die vitalisierende Pracht des Tones und der gestaltwandlerische Duktus, derdie Songform aufbricht und spielerische Möglichkeiten ausreizt. Und nichts zeigt
das trefflicher als der letzte Sturm und Drang, der sich aus kakophonem Flirt vonGitarre und Bass entspinnt, bis Ospovat mit einfällt, der reaktionsschnell
begreift, wo die Wirbel punktgenau hingehören. Die Helden gehn nach furiosem
Wechselspiel von der Bühne, Bass- und Gitarrensounds loopen aber noch eineganze Weile weiter. Solche ‚unnatürliche Art und Weise‘ ist exakt die, die dem
Freaknaturell entspricht. Dahl bekommt sein Bier und er wünscht damit einigen
der US-Präsidentschaftkandidaten die Pest an den Hals (ihr wisst schon
welchen), Ava kriegt ihren Wein und Ospovat dreht Schlaufen mit nem
Kinderfahrrad. Quit our unnatural ways? Nichts da.
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... over pop under rock ...
AltrOck (Milano)
Schändlicherweise wurden diese treuen Sachwalter der RIO-, Canterbury- und Prog-Traditionen in den letzten Jahren nicht so gewürdigt, wie es notwendig gewesen wäre. Schließlich belieferte AltrOck unsre Freakshows mit
Yugen, Rational Diet, Poil, October Equus, Not
A Good Sign, Humble Grumble, Camembert,
Aranis und Accordo dei Contrari. Immerhin
war mit „In Between“ (ALT 037, 2013) von
Spaltklang und „Brossaclitt“ (ALT 042, 2014)von Poil der Faden nie ganz gerissen. Es ist
dennoch mehr als geboten, den Stand der
AltrOck-Dinge an die Gegenwart heran zu
führen, um im zehnten Jahr zum 50. Album zu
gratulieren.
ACCORDO DEI CONTRARI ist in Bologna das
Brainchild von Giovanni Parmeggiani, der, wieschon bei „Kinesis“ (ALT 003, 2007), mit
Fender Rhodes, Hammondorgel, Minimoog und
Piano auch bei AdC (ALT 043) wieder den Tonangibt, den Marco Marzo als Gitarrenwizard,
Daniele Piccinini an der Bassgitarre und
Cristian Franchi an den Drums als VirtuosenProg in den Fahrwassern von Mahavishnu
Orchestra, ELP und späten Soft Machine voran
treiben. Das kapriolt in 7/8, drehwurmt auf derStelle und erlöst sich aus repetitiven Teufelskreisen mit schnittigen Schwenks ins Arpeggioinferno oder in keyboardistisches Zwielicht.
Keys und Gitarre überbieten sich in brüderlichem Wetteifer bei sausendem Berg-und-Taloder bei tänzerischer Akrobatik. Mir persönlich dominiert da etwas zu viel Turbotechnik und auf Hochglanz geschmiertes
Könnertum. Die Strings bei ‚Seth Zeugma‘bieten klangliche Abwechslung, wobei Parmeggiani auch da eine dynamische Strichführung diktiert, bevor er wieder zu emersonen beginnt. Mir gefällt die kapriziöse undihren eigenen Schwanz jagende Pianistik bei‚Dua‘, weniger die fette Gitarre und die
Hammond. ‚Tiglath‘ bewegt sich vom glasperlenspielerischen Beginn mit zischenden
Becken in flockig arabeske MahavishnuGefilde. ‚Più limpida e chiara di ogni impressione visuta, part II’ ist zum Ausklang mit
funkelnder Akustikgitarre und sämiger Violaausnehmend schwerelos gestaltet.
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Ho, was ist das denn? Mit The Executioner’s Lover (ALT 044, 2 x CD) führt THE BLUESHIP als fliegender Highlander zu theatralischer Kolportage. Kapitän des Projekts aus
Glasgow ist Paul Napier an Gitarre, Piano und Mellotron. Als Titelstück offeriert er ein
veritables Streichquartett im spätromantischen Stil, mit vier tänzerischen Sätzen. So ist‚The Winds that drug the farm‘ nach dem zuvor feierlich gegeigten ‚What boiling arms ofwhales and babes‘ und dem dramatischeren ‚The victim‘ ein Bilderbuchwalzer, leicht
angeschrägt à la Shostakovich. Napier ist da nie moderner als Peter Maxwell Davies,
selbst wenn einen bei ‚The Moon stops speaking‘ nochmal die Violinen in die Zange
nehmen und die Rhythmik derart auf Zack ist, dass Avantrocker sie sich zum Vorbild
nehmen könnten. Sein Ehrgeiz ist aber in der Hauptsache ein anderer. Seine Heldenscheinen Kurt Weill oder The Tiger Lilies zu sein und eher Queen’sche Exaltiertheit als
ernsthafter Prog. Nicht dass er unernst daher käme, er schwimmt auf höchsten
Pathoswogen, aber halt mitten durchs Twisted Cabaret. Mit Drums, Percussion &Glockenspiel, Bass, Akkordeon, Cello, Bratsche, Geige und zwei Saxophonen rudert ihn
seine Crew als ähnlich wilder Haufen wie Gabby Youngs Other Animals durch desMeeres und der Liebe Schaumschlägereien. Mit Marschbeats und Walzertakt geht’s los,und Napier heult den Mond an mit einem Gesangsstil, theatralisch wie kaum ein
anderer. Zu ‚Love everlasting‘ schwelgt er im Tangoschritt in den höchsten Tönen. Das
Musical ist insgesamt eklektischer, einfallsreicher und grandioser als das Streichquartett, und Napier macht dazu den Freddie Mercury, den Jack Terricloth (von The
World/Inferno Friendship Society). Sensationell! Bei ‚The Breathing World‘ schnappe
ich längst schon nach Luft, aber Napier schmust und kandidelt immer so weiter, gerade
noch mit Hollywoodschmalz der 1930er, jetzt mit Porgy-Westside-Cabaret-Verve. Die
Säge singt, es pfeift, das Stündlein schlägt, das Akkordeon zuckt barock, die Geige
quiekt, die Songs ziehen schon mittendrin die Register crescendierender Finale, mit
Humtata, Fanfaren und Geigenfegefeuer. Ein schmählich gebrochenes Herz ist ‚The
Horror‘, das erst kakophon entgleist und dann kleinlaut verwimmert. Die Lüge stelzt imTriumphmarsch dahin und zieht ‚Blood and guts’ hinter sich her, mit Bläserprotz undStreicherschleim und urplötzlich Present’scher Düsternis. Zu den Stakkatos von ‚Aging
Madonna‘ schwenkt Napier wieder over the top die Fackel, stoppt für eine geisterhafte
Kirmesorgel, um dann zwischen zu später Reue und lauthalser Deklamation einen
weiteren Venushügel zu stürmen. Denn sie wissen ja alle doch, was sie tun (‚They knowwhat they do‘). Zur elegischen Hymnik von ‚An impossible task‘ streut Napier weitere
Sätze von James Joyce und klingt mitsamt dem kecken Akkordeon nicht halb so
gebrochen, wie er eigentlich sein müsste (zumal ihm eine der Affären ein plärrendes
Baby eingebracht hat).
Mit Fictions (ALT 045) von THE NERVE INSTITUTE hat man es nicht mit dem Nachfolger
zu „Architects Of Flesh-Density“ (ALT 020, 2011) zu tun, vielmehr mit einem Prequel,
nämlich der CD-Version der schon 2010 als Download bei ReR USA erschienenen„Ficciones“ von Sinthome. Damit hatte sich Michael S. Judge als Onemanband
Beachtung verschafft. Und sich als einer gezeigt, dem lateinamerikanische Lektüre(„Ficciones“ von Borges plus „Rayuela“ von Cortazar) ebenso geläufig ist wie dervirtuose Umgang mit Bass, Keyboards, Schlagzeug und vor allem Gitarre. Er gehört
allemal zur League of Extraordinary Guitarists, mit Anklängen an King Crimson und
Porcupine Tree. Zu Letzterem trägt auch sein etwas dünner, ätherischer Gesang bei.
Dazu passt, dass Judge die Gitarre immer wieder hell klingeln und auf Keysounds
schwerelos ins Pinke schweben lässt. Dem steht allerdings hochvirtuoses Saitengezwirbel an der Seite und, insbesondere bei ‚City of narrows‘, gekonnte Effekte. Dazu
kommt, dass er energisch auch unangenehmere Wahrheiten deklamiert wie „You can
get used to anything“, wozu der Gitarre das große Heulen ankommt. Ein weiteres
Highlight ist ‚Knives of Winter Coronation Day‘ als crimsonesker Gestaltwandler mit
markanter Percussion und Geisterorgel im ¾-Takt. Sein Latinfaible rundet der Gringo
ab, wenn er zuletzt mit flirrender Mandoline bei ‚Abrazo y Caminando‘ zum Tango bittet.
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SIMON STEENSLAND gibt, selbst wenn er nicht darauf abzielte, mit A Farewell toBrains (ALT 046) eine treffende Beschreibung des europäischen Porzellanladens.
Dem heiklen Zustand von ‚Schrödinger’s Cat‘ ist jedenfalls nicht dadurch
abzuhelfen, dass man sich als ‚Elephant‘ oder als ‚The Idiot‘ aufführt. Meister
Steensland führt, ähnlich wie bei „Fat Again“ (ALT 007, 2009), mit Strings, Keys,
Pipes und Mallets ein mit Gitarre, Synthesizer, Keyboards, Klarinetten, Piano,
Bagpipe und Posaune bestücktes Ensemble an, Morgen Ågren (von Mats &Morgan) trommelt, ein Frauenchor vokalisiert. Einar Baldursson (von Gösta
Berlings Saga) mit einem Gitarrensolo und die Klarinette setzen die ersten
Akzente in der Drift orchestralen Dröhngewölks, Görgen Antonssons V8-Sounds
und xylophones Geklöppel zupfen als nächstes am Ohr. Der Duktus ist, wenn
nicht fließend, dann schreitend. Als Gesang tut es auch schon ein „Aaah“ beimfeierlichen, stark repetitiven Mittelsatz ‚One‘. Mallets und Keyboardriffs diktieren
den Beat, ein Cello verstreicht Moll, ein Synthiesolo insistiert, die Klarinette
trillert zu gehämmerten Synkopen. Univers Zero, Present und Art Zoyd scheinenden Stoff zu liefern, aus dem auch Steenslands Träume sind. Ein verstimmtes
Klavier begleitet das Gebet einer Schar Jungfrauen bei ‚Fader Var‘, dem
Vorspann zu ‚The Idiot‘. Chor, dunkles Gebläse und ostinates Stakkato bestimmen
dessen dräuendes Auf und Ab mit seinem zwischendurch schunkelnden Swing.
Guy Segers drückt mit Bass und Effekten sein belgisches Gütesiegel dazu.
Der BREZNEV FUN CLUB, dessen Anfänge zurückgehen auf ein Progtrio um
Rocco Lomanoco Mitte der 80er in Montescaglioso, einem Kleinstädtchen in dersüditalienischen Region Basilicata, ehrt, wie mir scheint, mit Il Misantropo Felice(ALT 047) Frank Zappa. Jedenfalls erklingt ein Orchesterstück, wie es ihm intagträumerisch faunischer Laune vorgeschwebt haben könnte. In Bari versammelte sich dafür ein 17-köpfiges Ensemble, mit Brass, Reeds und Strings
ebenso bestückt wie mit Keyboards und Gitarren, um die selbstgewählte
Hypothek auf gekonnte Weise abzutragen. Hatte Zappa immer auch Edgard
Varese im Sinn, so geistern hier mit Francis Picabia und ‚Tzig Tzag Tzara‘ nicht
weniger gewitzte Anreger mit bei einer Tanzstunde für fortgeschrittene
Schrägdenker. Wenn auch etwas ‚klassischer‘ als das Ensemble Modern,unterscheidet die Italiener von bloß angejazzter Zwischenkriegs-Modernistik
doch eine artrockig dynamisierte Rhythmik, von den zappaesken Manierismen
mal ganz abgesehen. Als da wären das zickige Gesprudel quirliger Bläser,markantes Vibraphon- & Marimbageklöppel und prominente Gitarren. Die Musik
entstand auf dem Papier übrigens schon 1999/2000 in Frankfurt, womöglich hat
Lomanoco dort noch einige gelbe Greggery Peccary-Keime eingeatmet. Ein
Sahnekleckschen ist die Vokalisation einer Mezzosopranistin in Arrangements,
die mit jazzrockigem Drall ebenso ungeniert an Debussy streifen wie an
pittoreske Russen. Der Duktus ist immer wieder beweglich und schwebend,
selbst wenn dem, wie bei ‚Petit Déjeuner Chez Picabia‘, ohrwurmig kapriolende
Takte vorausgehen. Funkelnde und kapriziöse Momente überwiegen letztlich die
massiven und druckvollen, selten kommen die Flöte oder ähnlich zierliche
Finessen der Geigen und akustischen Gitarren in die Gefahr, sich nicht
behaupten zu können. Selbst ‚Le Furieux Hypothétique‘ tobt allenfalls wie ein
Schmetterling, Tzaras pikkolospitzes Zickzack ist das höchste an bläserischem
Ausbruch. Das nahezu 12-min. ‚After the last silence‘ lässt, zuerst lento, piano
und mit Harfenillusionen, dann doch nochmal zappaeskes Temperament mit
irritierenden Luftlöchern kollidieren, um zuletzt serenadenhaft und auf
Zehenspitzen zu entschweben. Nun, seit der Zeit, als man sich witzelnd auf einen
vierfachen Helden der Sowjetunion beziehen konnte, hat sich ja auch so mancher
Staub gelegt.
8Das nächste Projekt hat sich, darauf wette ich, nach dem ersten Kapitel von"Moby-Dick", LOOMINGS getauft, was so viel wie Kimmung, Schemen oder Luftspiegelungen heißt. Den Kern bilden, im Spagat zwischen Milano und Straßburg,der von Yugen, Empty Days und Not A Good Sign bekannte Jacopo Costa & Maria
Denami, die zusammen auch als The Dynamic Duo - sie als Mezzosopran, er am
Cymbalum! - Kunstlieder von Barbara Strozzi, György Kurtàg, Cathy Berberianoder King Crimson offerieren. Aber ich gebe mal das Wort an MBeck:* Lasst Frauen singen! Mit “No matter what, no matter what you think“ platzen die
LOOMINGS überfallartig aus den Lautsprechern. In bester RIO-Manier – nachwenigen Takten ihres Debuts Everyday Mythology (ALT 048) ähnelt eine der beiden
Frauenstimmen stark Dagmar Krause – wird 'Keywords' zum Parforceritt durch
rockige, klassische und ruhige Passagen mit ständigen Tempowechseln. “The best
way is always to lie. Truth is so boring... Repeat your lie, remember what Goebbels
said: You just have to repeat your lie a thousand times.... Use the right keywords.“
Jacopo Costa, der alle Songs komponierte und arrangierte und außerdem
verantwortlich ist für Vibes, Drums, Drum Programming, Synth, Fender Rhodes,
Piano, Glockenspiel, Cymbalum, Percussions and Vocals, lässt neben Benoît
Rameau sogar zwei Frauen singen: Ludmila Schwartzwalder und Maria Denami.
Sie haben, wie alle Musiker hier, eine klassische Ausbildung und sind in vielen
Musikrichtungen zu Hause. Mal Rockröhre, mal Swing-Singers, mal folkloristisch,mal „ernst modern“ bringen sie ihren enormen Stimmumfang, teilweise in wildem
Auf und Ab, voll zur Geltung. 'BLACK (and Green and Red)' ist ein Tribut an
Zeppelins 'Black Dog' mit Zappa-Anspielungen (“Some friends told me that womenwith big legs can make guys like me crazy... Big Leg Emma... used to knock meout. No money, with my car she flew away... My green eyes are burning red dreamsof youth through my head. You don't need a car, my big legs are enough"). Die
Musik ändert ständig den Rhythmus und ist stark perkussiv ausgerichtet, nicht
zuletzt da Costa Verstärkung durch Enrico Pedicone (Vibes, Acoustic Drums,
Glockenspiel, Tubular Bells, Percussions) erhält. 'Sweet Sixteen' (das auch vonZappa stammen könnte) ist ein schmalziger Walzer mit Musical- oder JapangirlTouch und besitzt Weitblick: “In some ten years, you will worry about … yourretirement plan … now your mum's a whore, now your dad's a fascist, but in ten
years or may be sooner you'll follow their good example... you will happily give in...
nothing will compare to a wedding in church.“ So mixen die LOOMINGS einen
MagmUUsthinkplappa-Cocktail. Um die Dominanz der Vibraphone abzuschwächen, haben sie noch Paolo 'Ske' Botta (keyboards), Isabella Fabbri (alto,
tenor), Bertrand Eber (trumpet), Valentin Metz (samples) und Nicola Pappalettera(cosi!?) angeworben. In 'Car, Suburbs, Downtown, Despair' klagen sie überdreckige, vermüllte Vorstädte. Danach folgt 'A Waiting Game of Nonsense':...White mysterious fogaNoise poise toys Joyce Melville
Proust Prost cheers
well
Now talk fruits: pear cherrycomplete nonsense
Steak haché croque monsieurça fait chier quoi!
Don't speak French, hear the vibes!
Ah Ah
What was that? A choir?
Genau - und was für einer. Nach einer Gewöhnungszeit, die selbst derArtrockgeeichte benötigte, wächst bei jedem weiteren Hören die Überzeugung:Gut gemacht, Costa!
9

* AltrOck sei Dank, dass das Geheul, das die
auf dem Cover abgebildeten Wölfe von RÊVEGÉNÉRAL in Annecy im November 2014 live
(wovon der Aufnahme allerdings nichts anzumerken ist) von sich gaben, nun als Konserve
Howl (ALT 049) uns allen zugänglich ist. ExEtron Fou Leloublan-Drummer Guigou Chenevier hat nach dem bedauerlichen Aus dieser
genialen Avantrockband vor nunmehr sage undschreibe 30! Jahren zwischenzeitlich mit
Volapük vereinzelte musikalische Lebenszeichen von sich gegeben. Von diesen Kunstsprachlern brachte er nun Guillaume Saurel(electric Cello) und Takumi Fukushima (violin,
vocals) zusammen mit den tschechisch /österreichischen Metamorphosis, die da sindMartin Alaçam (electric guitar), Richard
Deutsch (electric guitar), Christoph Pajer(violin, vocals) und Jan Kavan (cello), und das
nicht nur um zu quatschen und zu trinken('Vodka Express'), sondern vor allen Dingen um
mit diesen „rock of chamber or contaminatedchamber music“ zu spielen. Bei 'Nějak'plimpfelt eine Violine, Celli mischen sich dazu,
Chenevier steigt ein in ein rockiges Stück, dassich jedoch verliert, während eine Frauenstimme erst haucht, dann Töne quetscht,
schreit und singt. 'War' ist eher kraftvoller
Rock, aber streicherverstärkt. 'Si Tu Veux'
klingt filmmusikartig, nach Herzschmerz, wenn
Pajer melancholisch verspricht "Wenn du willst,
tu ich was du willst", oder fast wie die
Chansons von John Greaves. Dann folgen ein
rockiges Stück und 'Une Breve Histoire Du
Temps' mit hetzenden, kratzenden Celli undverzwackter Rhythmik. Die Bottleneckguitar
von 'Winesoup Cowboys' erzeugt wehmütiges
Wildwestfeeling. Der Cellohardcore bei ''Dunaj'
erinnert weniger an Donauwellen, sondern
eher an die legendären magischen Auftritte
gleichnamiger Band aus Brno in diversen
Würzburger Avantgarde-Spielstätten. Plimpelnde Streicher sind das Intro zu ''HashiruRêve (Rêve Qui Court)', einem süßen japanischen Traum, gesungen von Fukushima. "Redred all lights are red" singen Rêve Général'Paralyse'iert, zu bestem Artrock in Aranisoder fast schon Present-Manier. '11' ist Titel Nr.
10 - Haha. Die Stücke sind sehr abwechslungsreich, da alle Musiker ihre unterschiedlichen
Ideen einbringen. Nach viel infiziertem Rockoder verseuchter Kammermusik verführt Fukushima beim abschließenden 'Death Of Illusions'
mit wehmütiger Stimme den Zeigefinger zum
kurzen Druck auf die Repeat-Taste.
10Aus Palermo kommen HOMUNCULUS RES, die auf AltrOck schon mit "Limiti
All'Egualianza Della Parte Con Il Tutto" (ALT 035, 2013) zu hören waren. Sie sind eine
gute Wahl, um mit Come Si Diventa Ciò Che Si Era (ALT 050) das halbe Hundert voll zu
machen. Allen voran gibt wieder Dario D'Alessandra den Ton an, mit Gitarre, Synthesizer
und Bass, den alternativ auch der Keyboarder Daniele Crisci spielt, neben Daniele Di
Giovanni an den Drums und Mauro Turdo an der linken Gitarre sowie handverlesenen
Gästen wie David Newhouse (The Muffins) und Paolo Botta (Yugen, Not A Good Sign) an
Saxophonen, Flöten und Synthesizern. Die Operation beginnt mit leichtem Bossa-NovaEinschlag und gar nicht gitarren-, sondern casiotone-, mellotron- und überhaupt
synthiebetont, sowie immer wieder auch mit Gesang von Aldo de Scalzi. Seinstellenweise - etwa bei 'Dogface (reprise)' - ein wenig an Robert Wyatt erinnernder
Zungenschlag ist mitverantwortlich dafür, dass Vergleiche mit dem Canterbury-Stil undinsbesondere Hatfield and the North gezogen werden dürfen, aber natürlich auch mit
Picchio dal Pozzo, de Scalzis Stammband. Wesentlich ist die knickebeinige Kontrarhythmik, mit der dieser Eiertanz aufgeführt wird. Bei 'La felicità' flötenwonnig, rundum
melodienselig, gern mit unerwarteten Tempowechseln und sogar umspringendem Zeitpfeil. Nimmt neben 'Egg soup' auch 'Ospedale civico', um dessen nun auchgitarrenzarten 18 Min. alles andere kreist, Bezug auf Egg und deren 'A Visit to Newport
Hospital' und "The Civil Surface"? Oder auf National Health? Das zungenmilde
Spintisieren und das Fingerspitzengefühl treiben da allerdings um einiges luftiger nochals die durch die Blume Geehrten die schönsten Blüten. Ich bin zwar kein Verfechternostalgischer Neigungen, aber wenn die Vergangenheit derart ohrwurmig zu Ehren
kommt, hat sie sich allemal ein Lächeln verdient.
Das alberne Cover darf einen nicht abschrecken, Mamma non Piangere N. 3 (ALT-051) ist
eine Herz und Hirn erfrischende Köstlichkeit, die einem den Glauben an italienischen
Humor wie Zucker in den Arsch bläst. MAMMA NON PIANGERE war eigentlich nur nocheine Karteileiche gewesen, eine Frischzellenkur hat bei Maestro Lorenzo Leddi (electricand acoustic guitar, mandolin, banjo, keyboards, accordeon, mandocello, sounds, voice)offenbar Wunder gewirkt. Die Archive verzeichnen als Denkwürdigkeiten der Mailänder
die beiden L'Orchestra-LPs "N.1 (Musica Bestiame E Benessere)" (1979) und "N.2
(Sempre Avanti A Testa Bassa)" (1980). Von "N.2" haben Roberto Meroni (clarinet, bass
clarinet, alto and baritone sax, voice) und Luca Perreca (cello, bass, voice) die
Auffrischung mitgemacht, neu sind Maurizio Del Monaco (alto and tenor sax, voice),
Walter Prati am Bass und Ferdinando Faraò an den Drums. Doch mag da auch noch so oft'voice' stehen (und die alten Sachen waren ja von Leddis rauem Zungenschlag
mitbestimmt gewesen), die einzige, die das hier verdient, ist die - ähnlich wie einst Sonia
Milan bei N.1 und Giorgia Marzano bei N.2 - wunderbar krähende und kandidelnde Laura
Agostinelli, deren Stimme einen wie Spaghetti um die Gabel wickelt und auf den ganzen
Spaß ihren Parmesan streut. Es ist das ein Spaß von hochvirtuoser Pfiffigkeit, mit mehr
Kontrapunkten als eine Hyäne Tüpfel hat. Leddis Spielwitz zaubert besser noch als je
zuvor mit Synkopen und Mamma-typischen V-Effekten (wie Motorrad, Videospielsounds,
Straßensänger und dergl.). Die alten Herren singen erst mit, wenn sie Laura bei 'Ten Joy
Men' auf eine Reise nach Kathmandu einladen. Stormy Six, Picchio dal Pozzo oder Gentle
Giant fallen als Anhaltspunkte schneller flach als Zielscheiben in einer Schießbude. Aber
Samla Mammas Manna und bei 'A Torino' mit seinem großen Gitarrenherz die
einwandfreie Zappaistik taugen schon mal als Haltegriffe in dieser die Kurven kratzenden
Straßenbahn. Leddis Mash-Up hüpft querbeet in den Gefilden der Musica leggera
umeinander, verblüfft mit 3/4-Takt bei 'Domani', der Orgel beim schmusigen 'Sotto di noi'und, eben noch Schlager, jetzt schon Kunstlied, mit Kapriolen wie bei Carl Stalling.
Mamma Non Piangere bedudelt einen mit poppiger, operettenhafter, kabarettistischer
Ohrenzupferei wie eine Banda, wie die Actis Band in Feststimmung. 'Siamo la banda'
mischt zuletzt im dickbackigen Banda-Stil mit Basstuba und Posaune den Marktplatz auf,sogar Hunde bellen verdutzt, und schnappen sich den Zucker, der da den Affen
zugeworfen wird. Leddi, was für ein Zampano, Agostinelli, was für eine Pierette.
11Mit Pestrottedans (ALT-052) gehört nun auch PANZERPAPPA zur AltrOckGroßfamilie. Die Norweger, die seit der Jahrtausendwende grobe Richtung
Univers Zero, Henry Cow und Samla Mammas Manna unterwegs sind und zuletzt
mit "Astromalist" (2012) bei Rune Grammofon zu hören waren, habe ich alssolide, aber nicht herausragend gespeichert. Steinar Børve (saxophones, Akaielectric wind instrument, programming, keyboards), Trond Gjellum (drums,
percussion, Korg Kaossilator, synth effects and programming), Anders K.
Krabberød (bass guitars), Jarle Storløkken (guitars) und neuerdings HansPetter Alfredsen (keyboards) kommen bei 'Spådom' mit einer crimsonesken
Flockigkeit daher, als könnten sie die schlechten Zukunftsprognosen auf dieganz leichte Schulter nehmen. Und tatsächlich legen sie für das 'Pestrattentänzchen' noch einen Fusionzahn zu, leichtfüßig und mit Glockenspiel. Auch
wenn es kurz in den Wänden knarrt, bleibt die Musik schwebend undtagträumerisch, nicht willens, den Dorfklatsch ('Landsbysladder') über ungute
Vorzeichen ernst zu nehmen. Auch bei 'Barkus / Vinterland' klingen Gebläse undKeys ganz keimfrei. Ratten? Welche Ratten? Akkordeon? Welches Akkordeon?
Die Rhythmisierung ist jedoch univers-zeroesk, der Sopransaxton und derGesang der Gitarre von einem feinen Mollhauch überzogen. 'Fundal' punktet
ebenfalls durch die synkopierte Rhythmik, das druckvolle Vorwärts, das
Stakkato auf halber Strecke und als Finish, bei allerdings sehr synthetischer
Armierung inklusive Moog guitar. 'Tredje Malist' swingt adagietto mit markantem
Stabspiel und dunklen Bassbeats, bevor mit 'Landsbysladder 3' das Tempo
wieder anzieht, die Keys cantabile, der von wieder frippscher Gitarre getriebene
Duktus tuckernd und bustrophedon. 'Goda' Gomorrah' hebt mit feierlicher
Gitarre an, gerät aber, trotz einiger quirliger Intermezzi und energischer
Fanfaren, über elegisches Vibesgeklöppel in eine gedämpfte Stimmung und
endet mit entsagendem Tenor.
YUGEN kommen dem Ideal eines Avantrock-Ensembles so nahe wie es nur geht.
Nach einem großen Wurf, wie ihn Death by Water (ALT-053) darstellt, kann mandas, denke ich, so sagen. Francesco Zago (electric & acoustic guitars, 12strings guitar, mellotron) dreht, windwärts lugend, am Rad, mit wieder Stefano
Ferrian (8-strings guitar, tenor & alto sax, Chapman stick), mit Paolo "Ske" Botta
und Maurizio Fasoli gibt es Keys, mit Alessandro Cassani und Matteo Lorito
Bässe jeweils elektrisch und akustisch, mit Michele Salgarello und Carmelo
Miceli doppelt Drums, mit Jacopo Costa und Giuseppe A. Olivini verdoppelte
Percussion, mit Valerio Cipollone, Peter A. Schmid und Fedele Stucchi Gebläse
von Kontrabass bis Piccolo. Am fasslichsten scheint es noch, wenn Elaine Di
Falco das elegisch-sanfte 'As it was' anstimmt, mit kunstliedhaften Intervallsprüngen, aber ohne Krampf in der gefühlsechten Stimme. Bei 'Der Schnee'(nach Durs Grünbein) zickt und radebrecht sie dagegen ganz à la "Pierrot
Lunaire" zu dunklen Bläsern und Piano. Und bei 'A House' verbreitet sie mit
verschattetem Alt zu akustischer Gitarre, gestrichenem Bass und Sopranchorus
zuletzt pure Melancholie. Dazwischen? Vieles: Perkussiver Kladderadatsch,
krachig zuckende Gitarren, kecke Einwürfe der Bläser oder zungenrednerische
von Di Falco & Dalila Kayros, in abrupten, fast naked-city-quicken Sprüngen vonheavy zu quirlig-zappaesk (mit Stabspielirrwitz), von pikantem Piano zu
süffisanten Bläsern, von flirrenden Strings zu glöckelnden Vibes, von opheliasüßem Gitarrenweh, zartem Ticktack und schweren Schicksalsschlägen ('Deathby water') zu krawalligem Moshen ('Ten years after'). Bei 'Studio 9' spielt Zago
Stereopingpong mit Conlon Nancarrow, mit Hauptrollen für Klarinette, Marimba
und Zymbal. Bei 'As a matter of breath' wird zu perkussiv-pianistischem
Getribbel Baritongesang mitgeschleift, ostinates Stakkato findet erratischen
Wider- und geisterhaften Nachhall. Die Beats scheinen bei Zago durch Einfälle
per Minute ersetzt, 'Drum'n'stick' groovt dennoch, trotz Gegenwind. Faszinierend.
12

Julien Desprez - Coax Records (Paris)
Wie sehr dieser Pariser Gitarrist mit seinem HendrixWuschelkopf einer der Protagonisten des Collectif Coax
ist, merkte ich daran, dass er
den gemeinsamen Nenner
bildet aller vier CDs, die ichbei der Freak Show mit dem
COAX ORCHESTRA erstand.
Auf deren Lent et sexuel(coax026co1), das mir wie
eine Röntgenaufnahme oderein zartes Aquarell der Potenz
vorkommt, die sie live entfalten, drängt sich das Besondere seines Spiel nicht auf
Anhieb auf. Auf der Bühne ist
mir aber Desprez mit seinem
spastischen Insistieren auf
abrupte und krasse Noisekürzel sehr wohl augenfällig geworden. So geschult, erkennt man seine Handschrift
beim painkillerischen 'Intro', in den krätzigeren Funken und nesselnden Spritzern
von 'Funky', dem Gekrabbel bei 'Rituel', dem Reißen und Splittern bei 'Coccibelle'.
Der sich da punktuell dem Oktettklang dienstbar macht, ist bei SNAP und ihrer EP
Bras (coax 023snal) um ein Vielfaches bestimmender. Mit Yann Joussein, dem
trommelnden Leader des Coax Orchestra, und Clément Édouard, Desprez' Partnerauch in Irène, dort an Altosax (mit dem er auch den Sound von Polymorphie
mitbestimmt) & Electronics, hier an Keyboards & Electronics, schüttelt er einen
Cocktail aus krachigen Kürzeln und Impulsen. Kakophone Kniebrecherei undimpulsive Rempeleien lassen die Fetzen fliegen. Mal im Sekundentakt geknittert,
mal mit sturen Repetitionen, Édouard mit penetrantem Hupen, Desprez mit
prickelnden Trillern und schrappeligem Pluckern, Joussein mit diktatorischem
Mahlwerk und alogischem Gepolter. Als fände Brooklyns Klanganarchie, wie bei
Child Abuse, Peeesseye, Quok und dergleichen, ausgerechnet in Paris einverständig brachialen Widerhall.
Desprez' Spielweise fand nicht zufällig schon Anklang bei Noël Akchoté und JeanSébastien Mariage (von Chamæleo Vulgaris, Hubbub, Wiwili, Zoor), zwei seiner
namhaftesten Zunftgenossen in Frankreich. Auch schon im Miteinander mit der Un
Drame Musical Instantané-Legende Jean-Jacques Birgé und dem vom Spielteufel
gebissenen Médéric Collignon wusste er sich zu behaupten. Mit der Acapulco-EP(COAX021ACA1) gab Desprez seine solistische Klangprobe ab, wiederum auf dem
Label, wo auch schon Jean Louis mit "Uranus" und Hippie Diktat mit "Black
Peplum" am Coax-Sound mitgewerkelt haben. Gleich 'Bow' zeigt knatternd einen
für ihn typischen Effekt und das in der ebenfalls kennzeichnenden kakophilen
Ungeniertheit. Spotzend und schrillend, schnarrend und zuckend scheut Desprez
weder diskante Schärfe noch pixelnde Insistenz. Blindfold würden viele wohl gar
nicht auf eine Gitarre als Noisequelle tippen, und '9Q' tut quallend und rumorend
nichts, um das Klangbild gitarristisch zurecht zu rücken. Erst 'AFR' bringt
typischeres Saitenspiel, wenn auch drahtbürstig, spotzend, mechano-ventilatorisch, krass verzwirbelt, zischend und brausend. Dem Mann ist im Gitarrenhimmel nichts heilig. Wer glaubt, auf Gitarre schon alles gehört zu haben, dürfte
sich hier einige Schrammen holen.
13

Nicht bei Coax, sondern bei Quark Records (in Rezé
Trentemoult) ist mit Earthly Bird (QR021419/1) dannnoch die Scheibe erschienen, die inmitten des vonDesprez bisher Erzieltem den Vogel abschießt. Mit
dem Sopransaxophonisten Sébastien Coste als Leader
der EARTHLY BIRDS findet sich unser Gitarrist da
Seite an Seite mit dem Drummer Edward Perraud(Shub Niggurath, Hubbub, Das Kapital) und Beñat
Achiary, einem der schrägsten Schnabeltiere der Folklore imaginaire oder wie immer man die Musik nennen
mag, die sich in keinen Käfig sperren lässt. Gleich
wenn der so harmlos wirkende Rentner 'Dead And
Lovely' von Tom Waits anstimmt, öffnet sich weit derVorhang eines Cabarets, in das all die einmarschieren,
die sich von der wilden Katzenmusik mitreißen lassen,wenn auch mit einem etwas belämmerten Grinsen.
Achiarys jubelnd-delirante Vokalisation bei 'Poule 1',
die zu krachender und rasant geschrappter Gitarre
und coxhillesk animiertem Soprano nicht nachlässt in
ihrem enthusiasmierten Insistieren, erinnert danndermaßen an die gesanglichen Exaltationen vonChristian Vander, dass es einem den Vogel raushaut.
'Kiwi' folgt als nicht weniger durchgeknallter Stomp,
fragt mich nicht, in welcher Sprache Achiary dafabuliert und zungenredet. Costes erweist sich alsphantastischer Bläser, keine Ahnung, wieso sich das
noch nicht rumgesprochen hat. So wie nun 'Django'
erklingt, würde es John Lewis wohl nur mit Müheerkennen. Nicht weil es unchained daher kommt,
sondern als träumerisches Ladida, zu der sich eine
Schöne aus ihren Straußenfedern entblättern könnte,während Desprez mit kapriziös sprödem Plonking
Costes Growling punktiert. 'Dodo' wird, alles andere
als gerupft oder ausgestopft, immer lebendiger undmündet in einem aufgekratzen Derwischtanz, dereinen, gespickt mit einem polternden Drum-Solo undkrasser Gitarristik, der Seligwerdung entgegen schraubt.
'Saint Dog' stammt von Tom Cora und wurde auchschon von Curlew gespielt, Costes stimmt es als
heiseres Solo an. 'Nuits Sans Sommeil' ist Achiarys
irrwitzige Version eines Gedichts von Garcia Lorca,
Perrauds monotone Tupfer sind das einzig Nüchterne
dabei, Desprez fetzt an Costes melodischem Tirili wie
ein blutgieriger Geier. Mit Kopfstimme macht sich
Achiary ganz zart für das folgende Notturno, das nur
mit viel gutem Willen als Monks 'Round Midnight' zu
erkennen ist. Für das frei improvisierte 'Perdrix' öffnet
Desprez wieder knatternd seine Trickkiste, Costes
knarrt mit einem Luftballon, Achiary deklamiert Zeilen
des okzitanischen Poeten Bernat Manciet. Und hatnoch Luft für das theatralische Finale mit Phantomblaskapelle und, auch wenn von Desprez noch so
kakophon beharkt, feuervogeligem Pfauenrad, bei dem
alle schwelgerischen Register gezogen werden. Wie
vogelwild und wunderbar ist das denn?
14RareNoiseRecords (London)
Die Droge, von der J. PETER SCHWALM nicht lassen kann, heißt Musikain. Der
Frankfurter hat sich einen Namen gemacht mit Brian Eno ("Drawn From Life", 2001, &"Another Day On Earth", 2005), für das Ensemble Icebreaker hat er Kraftwerk
aufgekocht und seit "Wagner Transformed" (2013) ist er mit Parsifal, Siegfried, Tristan& Isolde per Du. Sein Gral ist der Liebestod und den sucht er auch auf The Beauty Of
Desaster (RNR059), einer 'Himmelfahrt' mit 'Stille, Blitz und Donner', für die er selberdie 'Wunschklangregister' zieht. Eigenhändig mit Gitarren, Pianos, Drums, Synths,
Electronics und ausgekochten Mix-Tricks. "Bitches Brew" ist eine nachhaltige
Anregung für seine Multitrack Composing-Technik, dazu kommen seine reichhaltigen
Erfahrungen als Live-Remixer. Mit dem erhaben dröhnenden Orchestersound von 'The
Anxt Code', in den er den Klang von Bratschen eingemischt hat, wird er ganz prächtig
allen Erwartungen gerecht. Verbreitet sich doch ein Glanz, als ob da Waldweben undMorgendämmerung rheingold schimmern würden. 'Himmelfahrt' erhöht die Schlagzahl
mit Hilfe zweier guter Bekannter, nämlich Eivind Aarset und Tim Harries an Gitarre undBass, und dazu trommelt Martin France, der mit Billy Jenkins, Iain Bellamy und Kenny
Wheeler bekannte Haudegen. Aarset und Schwalm lassen dann weiterhin die Gitarren
flirren und nesseln, legen den Beat aber auf Eis. Er kehrt mit klackender Drummachine
zurück bei 'Numbers Become Stories', dazu klimpert ein Pianoloop, nicht frei von
Wehmut. Im Gewitter beginnt Michael Wollny auf dem Harmonium zu spielen, derRegen galoppiert wie winzige Geisterpferdchen darüber hinweg. 'Zirkeltrilogie' folgt mit
ominösen Piano- und Röhrenglockenschlägen und ringt schnaufend mit Dröhnfetzen.
Wenn Schwalm auf dem Piano seinen Wunschklang sucht, pfeifen die Spatzen aus den
Hecken: Der Melancholie entkommst Du nie. Alles bisher Gefundene summiert sichorchestral in 'The End and the Beginning' und folgt dem Trauermarschbeat von France,
Zwerge schmieden Lebensläufe zu Ringen. Bei der 'Angstphantasie' ertasten die Finger
auf dem Piano Nevermore-Tristesse. 'Endknall' nähert sich zuletzt als ein unheimlicher
Wind und ein wehendes Dröhnen, das die Sekunden mit verweht. This is the way theworld ends / Not with a bang...
JAMIE SAFT und BALAZS PANDI, die schon mit Wadada Leo Smith in den RareNoiseBergen "Red Hill" (2014) bestiegen haben, treffen bei Strength And Power (RNR060)
mit ROSWELL RUDD eine weitere Jazzlegende. Der letztes Jahr 80 gewordene
Posaunist, der sich in den 60ern mit Steve Lacy, Archie Shepp, The New York Art
Quartet und über allem mit 'Communications # 10' auf "The Jazz Composer's
Orchestra" in den Jazzannalen verewigt hat, lebt nicht allzu weit von Safts Studio
entfernt und ließ sich nicht lange bitten zu dieser informellen Session. Saft konnte sichan seinem geliebten 1966er Steinway verankern, den Kontrabass spielt ihr Slobber
Pup-Kumpel TREVOR DUNN, alles Weitere blieb der Intuition und dem gegenseitigen
Respekt überlassen. Vergesst also Slobber Pup und The Spanish Donkey, aber auch
Safts "The New Standard" wäre ne falsche Vorstellung, das hier ist Freistil wie ihn die
Alten sungen. Rudd trüffelt als Flexible Flyer, wie er sich mal genannt hat, mit seinem
Suh Blah Blah Buh nach den abstrakten Wahrheiten, die sich nur kommunikativ finden
lassen. Seine blecherne 'Rosmosis' ist dabei nicht die einzige Stärke, aber in ihrem
gießkannenblauen und bei 'Cobalt is a Divine' noch etwas blaueren und raueren
Growling die maßgebende. Pandis Dynamik, Safts Griffe auch ins Innenklavier undDunns Brummton machen ihm Laune zu schönstem Schnedderedeng. Zur Halbwertzeit
dieser Musik notieren wir nach nur 50 Jahren: Vorläufig unbefristet. Saft pfeffert 'The
Bedroom' mit präpariertem Gehämmer, aber schmusig und klimperfunkelfein geht
auch, wie 'Luminescent' zeigt. 'Dunn's Falls' mixt zu kollerndem Drumming gepickte undgeharfte Pianopikanterie mit strammer und sägender Bassarbeit, und wie Rudd dazu
schmettert und knört, ist outrageously zum Piepen. Und 'Struttin' for Jah Jah' führt
zuletzt ganz honky-tonkig nach New Orleans.
15

Zu Humor, wie er einem als 'Fuming Duck', 'Son Of Haugesund' oder 'Go Down
Ho'Ses' entgegen springt, gehört konsequenterweise Musik, wie sie einem dasWORLDSERVICE PROJECT bei For King & Country (RNR062) um die Ohren fetzt.
Angeführt vom Keyboarder Dave Morecroft, Organisator auch der Tour- und Festivalorganisation Match&Fuse, tummelt sich diese Band in einem Londoner Melting Pot
aus Chaos, Salsa, Funk und Township, dem auch die Ska-Reggae-Legende The
Dualers angehört, wo Tim Ower Saxophon spielte und auch der Posaunist Raphael
Clarkson die Backen aufblies. Mit Arthur O'Hara am Bass und Harry Pope an den
Drums lassen sie gleich bei 'Flick The Beanstalk' mit Flashman-Spirit den Union Jack
als Piratenflagge wehen, zu stürmischer Blasmusik und lauthalsen Gesängen, groben
Rippenstößen und entgleisendem Gebläse, das Jazzrock mit Skronkverve aufmischt.
'Fuming Duck' schwankt zwischen nachdenklichen Momenten und wild entschlossenen, bei denen mit Bassturbo gezickzackt wird, elektronische Posaune heult mit den
Keys um die Wette, und Pope gibt noch mal extra Zunder bis zum finalen, wieder
vollmundigen Chorus. 'Murano Faro' bleibt erst träumerisch auf Distanz, mit
flirrendem Keysound und wolkigem Schmus, schwillt dann aber mit getragener
Posaune feierlich an. 'Son Of Haugesund' kung-fu-rockt gleich mit knackigen Synkopen, mit kaskadierendem Posaunenschall, Bläserintermezzo und einem 'Gitarren'Solo der Keys, ohrwurmigem Refrain und wieder knackig gepunchter Reprise. 'Go
Down Ho'Ses' in seinem melodischen Go mit abrupten Stops und tollen Solos vonBass und Sax gibt sogar bergab nochmal Zwischengas. Feierlich schwillt 'Chamonix'
an, um dann das Peter Gunn-Bassmotiv mit heftigen Einwürfen zu zerhacken, gefolgt
von einem weiteren Ower-Solo, voluminös beorgelter Sammlung, einem Glissandieren
himmelwärts und zuletzt krachigem Stakkato. Mit dem Hin und Her zwischen Quatschund Hopsasa, gepitcher Comic-Stimme und gequetschter Posaune, das sichaccelerierend fast überschlägt, lässt Morecroft als 'Mr. Giggles' seinem koboldischen
Naturell die Zügel schießen. Das Ganze endet kleinlaut mit dem elegisch geblasenen'Requiem For A Worm', Morecroft fingert an den Trauerschleifen, bis mit New-OrleansSwing prächtige Feierstimmung aufkommt bis hin zum finalem A capella-Abschied.
Jamie Saft ist längst der Keyboarder vom Haus bei RareNoise, kein Wunder also, dassnun auch sein NEW ZION Trio mit Sunshine Seas (RNR065) da herauskommt. w. Cyroverrät, dass neben Brad Jones am Kontrabass und Craig Santiago an den Drums auch
Cyro Baptista an Percussion mitmischt, Safts langjähriger Weggefährte in Electric
Masada und The Dreamers. Saft ist mehr als nur vielseitig, er ist universal. Aber ertaucht nicht zufällig bis zu den Ellbogen und mit allen Zauseln seines langen
Rauschebarts von 'BrazilJah' bis 'Samba Jahmekya' in Latin Sound. Er sucht undfindet da eine Mystik, die auf dem uralten, zionstheologischen Zusammenhang beruht
zwischen Jah und Jahwe, Rastafari und Beta Israel, den einstigen Juden in Äthiopien.
Die Musik ist vollgesaugt mit Safts Obsession für den Sound von King Tubby und The
Scientist und den eigenen Dubexperimenten als Key Command mit Ohm Boy Chris
Castagno, der als Koproduzent nun das alte Miteinander wieder auffrischt. Während
beim ersten butterweichen Groove wohl noch Stimmsamples mitkaskadieren zu
klackendem Beat und kristallin funkelnden Keys, singt Safts Frau Vanessa densonnigen Bossa Nova 'Sunshine Seas' und bei 'Onda' hört man Baptista mit
portugiesischer Poetry zu Keramik-Beats und kurios trillernden Keys. Der Brasilianer
setzt auch weitere markante Zeichen, bei 'Chalice Pipe' mit Cuíca und vokalem TschikTschik-Tschik, bei 'Ranking' mit zirpig schwirrender Maultrommel. 'Mystics' wird vonSafts akustischer Gitarre bestimmt, 'Growing Grow' von einem E-Gitarrenloop,
kristalliner Klimperei und vokalem Call & Response durch Baptista, 'Lamb's Bread'durch das funkelnde und wühlende Piano. Saft & Co. ziehen Stück für Stück die
bezaubernden Register hypnotisierender Dub- und entschleunigter Groovetechniken,
die Löwe und Lamm gemeinsam das Brot brechen lassen. Und 'Samba Jahmeyka' mit
seinem drahtigen Pluckern bringt davon die sich in Trance tanzende Quintessenz.
16Staubgold (Perpignan)
Markus Detmer hat schon länger ein Faible für eine spezielle Facette des britischen
Postpunkt - 2010 mit The Flying Lizards, 2013 mit The 49 Americans, 2014/15 mit Family
Fodder. Dass nun mit Resolutionary (Songs 1979-1982) (Staubgold 141) VIVIEN GOLDMAN gewürdigt wird, war da fast unvermeidlich. Denn diese 1954 geborene Reggae- &Postpunk-Spezialistin aus Passion, die schreibend, filmend, als Radio-DJ und dann als'Punk Professor' in New York auch lehrend sich Bob Marley, den Connections zwischen
Afro-Beats, Rhythm & Blues und Hip Hop sowie der 1977 - 1983 im Vereinigten Königreich
entstandenen 'music of attitude' verschrieben hat, hatte sowohl bei The 49 Americans als
auch bei The Flying Lizards aktiv mitgemischt. 'Her Story' und 'The Window' stammen von"The Flying Lizards" (Virgin, 1979), 'Private Armies' war auf "The New Age Steppers" (OnU Sound, 1981) und, zusammen mit ihrer 'Hit'-Single 'Launderette' und 'P.A. Dub',
nochmal auf "Dirty Washing" (99 Records, 1981) zu hören gewesen. Dazu kommen die
drei Songs von "It's Only Money" (Celluloid, 1982), der 12", die Goldman in Paris
zusammen mit Eve Blouin als Chantage machte. Mit Viv Albertine, Vicky Aspinall, Steve
Beresford, Keith Levene, John Lydon, George Oban, Carlton "Bubbles" Ogilvie, Adrian
Sherwood, Bruce Smith, Style Scott, David Toop, Annie Whitehead und Robert Wyatt als
musikalischen Mitgenossen war dabei jener Free Spirit am Werke, der, neben den Lizards
und den Steppers, mit Alterations, African Head Charge, Dub Syndicate, Playgroup, The
Pop Group, PIL, The Raincoats, Rip, Rig & Panic, Singers & Players und The Slits für eineder faszinierendsten Episoden der Popgeschichte verantwortlich zeichnet. Der silberne
Faden ist freilich Goldmans Stimme, hell, aber ganz natürlich, wenn sie da von einer
Bekanntschaft am Waschautomaten singt, oder girlyhaft, aber doch mit spitzem Unterton
als Anti-Kriegsgesang, von kleinen Heavy Metal-Jungs, die in Uniform gesteckt und mit
der Lizenz zu töten losgeschickt werden. Die Musik ist crazy Dub, eine bummelige
Grooviness mit Drums & Basses, perkussivem Geflicker und Geigenstrichen, ein AfroMash-up oder ein Jamaican-Riddim mit Steel Pan und Soukous-Gitarre, mit Horns odermit Piano, Euphonium und Zigeunergeige, und vermittelt mit feministischer Lakonie
Lebensnähe und unverdrossene Lebensfreude. Knights in shiny armour / Always takes
the key / History, history, hypocricy / But you can still make money / By singing sweet
songs of love / This is a love song, singt sie mit Toop ('Her story'). Und trotz des I don't
want to let him in / Sometimes I think he's a vampire ist auch 'The Window' ein Liebeslied,gewissermaßen. Und wenn's nicht um Liebe geht, dann geht's halt um Geld: Oh, it's only
money / Until you haven't any. Als Bonus gibt es ein 6-min. Interview mit Goldman, diedanach ja auch noch Stücke für Ryuichi Sakamoto und Massive Attack geschrieben hat
und auf Chicks On Speed Records unter die "Girl Monster" eingereiht wurde. Thema desGesprächs: Anger und Violence, in weiblicher Perspektive.
Garagem Aurora (Staubgold 143) bringt ein Wiederhören mit TELEBOSSA, das sindNicholas Bussmann & Chico Mello, ein brasilianischer Komponist, aber halber Berliner.
Hauptrollen spielen: Der Automat, ein Robot Piano Player, der nicht nur vier kleine Etüden
von Bussmann klopft, plonkt und pingt; das hell-dunkel flackernde Woodwind Ensemble
Aventure; Fernando Pessoa, von dem fünf Gedichte vertont wurden, die Mello weich undhell intoniert; mit dem zu Elektrobeats und Harmonium angestimmten 'Funeral De Um
Lavrador' ein Klassiker des Bossa Nova-Heroen Chico Buarque (nach einem Poem vonJoão Cabral de Melo Neto); mit 'Quireras' ein Gedicht von Josely Vianna Baptista; in alldem die Spannung zwischen Mensch und Maschine; und nicht zuletzt Van Dyke Parks.
Denn der hat nicht nur 'Não só' arrangiert, sein "Discover America" diente als Blueprint,
nur dass wir hier in einem anderen Amerika unterwegs sind, im Mondschein oder bei
Neonlicht vorbei an froschhüpfenden Gebäuden am Steuer eines Chevrolet. Pessoa, das
heißt Tristesse: Viver é não consequir - Leben heißt scheitern. Frei ist nur der
Wunschlose. Zuletzt breiten sich eh nur Nesseln, die Rosen verwelken, ob gepflückt odernicht. De nada nada se tira, / A nada nada se dá. Also tue deine Pflicht.
17

... over pop under rock ...
AMUTE Bending Time In Waves(Humpty Dumpty Records, HMPTY030): Bei Jérôme Deuson gehen Sound
Design und Graphic Art Hand in Hand.
Hatte bei "Savage Bliss" (2014) ein
Gemälde von Mokke Kohen für das
Aufsehen gesorgt, war hier wieder
David Borsu mit am Werk, wie schon
bei "The Sea Horse Limbo" (2006) und"Infernal Heights For A Drama" (2009).
Der Belgier hat schon einmal mit Ardenunseren Weg gekreuzt, wo er sich mit
Mitchell Akiyama, Christophe Bailleau,
Jürgen Heckel und Sébastien Roux
zusammengetan hatte. Aus dem
Schatten von Fennesz und Anklängen
an das sublime Pathos der kanadischen Constellation-Szene hat er zu
einer eigenen Postrock-Poesie gefunden, mit dem angerauten Feeling,
das leicht verzerrte Gitarrenwellen
evozieren, gläserner Klingklang, einheller Phantomgesang, der Schmelz
eines Cellos, funkelndes Glockenspiel
und immer wieder perkussiv und mit
Ableton Live-Effekten erregte Gischt,
die, um im maritimen Bild zu bleiben,
den acht Episoden jeweils ihre
Schaumkronen aufsetzen. Ich zögere,von Songs zu reden, denn Deusons
Gesang wird, wenn vorhanden, vomWind verweht, von den eigenen Emotionen überwältigt oder er geht inGedröhn und krachendem Drumming
unter. Krakelige Handschrift unterstreicht das Persönliche dabei, gipfelnd in dem Mantra: I was done / I waslost / I am here / I am safe / I willfight / I will help / Serenity Courage
Wisdom. Vögel zwitschern im Regen,eine Art Maultrommel schnarrt, aberhauptsächlich bestimmen die Gitarren
den Wellenfluss, zu fickrig erregtem,
rasselnd stampfendem oder brachialmahlendem Drumming, das mit martialischer Power den Nachhall dunkler
Tritonshörner durchpflügt. Traurige
Glockenschläge rahmen zuletzt ein
Finale von joy-divisionscher Düsternis.

DOC WÖR MIRRAN Gosia (MissmanagemenT, Have Seven / mt-568,
CD-R): Ein psychedelischer DWM-Jam
von 2011, mit Drums, Synth, Bass undGitarren, gleich mehreren Gitarren,
gespielt von Stefan Schweiger, Alex
Kammerer, Ralf Lexis und natürlich
Joseph B. Raimond. Mit einer gewissen Nibelungentreue erklingt RetroKraut-Gedaddel (oder sowas wie einjapanisches Derivat davon), wobei mir
dann gleich Mark Fisher dazwischenfunkt mit seinem "Retro - compared towhat?". Gemeint ist: Wie sollten DWM
denn klingen, damit sie nach den
2010er Jahren klingen? Wenn man
derart den 70ern huldigt, stellt sichfreilich die Frage: Nostalgie, oder
Melancholie? 'Adriana Paintress' mit
seiner Mollmonotonie und wie eine
Sitar sirrender Gitarre lässt genau so
eine Wehmut oder Schwermut mitschwingen. Dazu kommt wieder die
trauervolle Erinnerung an Frank
Abendroth, aber auch eine Widmung
an Davy Jones (dem 2013 verstorbenen Sänger von The Monkees?). Und
zuletzt, wenn auch 'Mail Ankolja' geschrieben, das explizite Eingeständnis
trüber Gedanken, die jedoch nicht anrosig gesäumtem Tambourinklingklang
und Mandolinengezupfe hindern, dassich des Sands im Getriebe zu erwehren weiß und mit einem "Juhu!" einnicht wirklich trübes Gesamtfazit zieht.
Wobei schon auch das kreisende
Einerlei bei 'Resi Dental' mit seinen
Keyboards-Jamben durchaus launig
k n a r z t u n d kl i m p e r t . A u ch d a sschlappe Geschrammel von 'Gosia'
wird durch ein zart flirrendes undsingendes Gitarrensolo aufgehübscht.
Und 'Pet Roll' bluesrockt temporeichund mit fetter Gitarrenverve überStock und Stein. Das diesmal 12händige Artwork erinnert fast schon
an Biota. Und ein No-$ und No-© auf
dem Cover signalisieren endgültig den
unverwüstlich guten Geist, der da in
Fürth herrscht.
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SEAMUS CATER The Three Things You Can Hear (Annihaya
Records, END 013): Eigentlich sind Rock und 'Pop' viel zu
plumpe Schlingen, um diesen seltsamen Hasen zu fangen.
Schon bei "When We Get to Meeting" (2010), seinen Duetten
mit Uncle Woody Sullender, war mein Eindruck, dass das
keiner Schublade zuordenbar ist als dem der Poesie. Zu
einem gewissen Teil scheint das seinem Vater Colin Catergeschuldet, einem Folk-Musiker, auch Autor von "A Penny for
the Ploughboys: Songs, Tunes and Choruses and Settings of
Traditional Songs" und Herausgeber von etwa "Spirit of theHare: in Folklore, Mythology & the Artist's Landscape", derstark der Natur und der Volkskunst von Essex verbunden ist.
Der Sohn lebt seit langem in Amsterdam und fand dort überKoen Nutters (N-Collective, Konzert Minimal, The Pitch etc.)
Zugang zu sublimen und reduktiven Formen des Minimalismus. Darin Nestflucht und einen anti-folkloristischen
Protest zu vermuten, steht Caters Bezug auf Ivor Cutler,
Henry Flynt und Robert Wyatt entgegen. Und jeder Tonseiner sieben Songs hier, die er durchwegs zu einer
Concertina anstimmt, einst als 'People's Concertina' "soverbreitet wie Brombeeren" in der englischen Volksmusik
und von G. B. Shaw am liebsten mit vier Bannmeilen belegt.
Die Heilsarmee und Charlie Rivel spielten sie und im alten
Südafrika heizte sie jede 'Rave'-Party an. Cater singt in'Crabb 9807', wie er seine in einem Amsterdamer Trödelladen fand und beschreibt genau das etwas lädierte Ding
von 1939 oder 40: It just had to be / tuned. Mit einem
Erzählton, der keine Reime braucht. Für 'Fluorescent' hat er
das Klarinettenduo The International Nothing an der Seite,
das dröhnend grundiert und betrillert, wenn er sich beeindruckt erklärt von 'ideas' und der 'power of language':"Keep up your estrangement ... Use your imagination."'Lunora' rührt her von J. G. Ballards "The Singing Statues",
zur hechelnden Concertina spielt Nutters Kontrabass undMorton J. Olson pocht eine Basstrommel. Wenn Cater 'Pretty
girls all in a row' anstimmt, unterstreicht mit Johnny Chang
am Cello ein weiterer Konzert Minimal-Mann so seltsame
Rede wie: our intelligence we share / without our brains
there's nothing / and no-one to protect us from the old / welive in a magical array. Der letzte Vers vorgebracht mit
schriller und zuckender Eindringlichkeit. Bei 'The Foreshift',das anfangs Zeilen eines alten Bergarbeitersongs aufgreift,
nimmt Cater, wenn er da durch die Wand schlüpft, Bezug auf
Edward Janssens Videoperformance "Deer Man", die 2008
in der Amsterdamer Galerie De Veemvloer lief. Doch fragt er
dazu, ob wir nicht blutige Narren sind, die sich einbilden,
dass ihnen auf der anderen Seite dunkle Diamanten um die
Füße fallen. Zu 'Like These Very Walls' - wieder Wände spielt Han Jacob eine Säge, keine singende, eine sägende.
Ob zuletzt 'Smoking and Smiling' von Straßenkehrern
handelt? Es steckt wohl mehr dahinter, denn Cater kann"smoking and smiling" singen, dass einem ganz düselig wird.
Den Anspruch des libanesischen Labels, dem es um thedisplacement, deconstruction and 'recycling' of popular or
folkloric musical cultures geht, erfüllt er nur zu gut.
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TATUM RUSH Guru Child (Pulver und Asche, P&A013): Um es
bei mir zu verscheißen, gibt es ein einfaches Rezept: Man nennt
sein Album "Guru Child", weil es gezeugt wurde im Recordingstudio von Great Black Waters-Macher Björn Magnusson im
Schweizerischen Brunnen, unweit der Maharishi European
Research University in Seelisberg, einem Resort der Anhänger
des Transzendentalen-Meditations-Gurus Maharishi Mahesh
Yogi. Was ja an sich nichts sagt und noch ginge. Dann aberbeschreibt man das Studio mit "filled with old clunky machines
and an Auschwitz-coldness rising from the echo chambers."
Dazu schwadroniert man von minderjährigen Exhibitionistinnen, die live unsren ach so sexy, campy und kosmopolitischgewieften Superstar umhimmeln. Den es, auf dem Papiert, vonder Farm eines Milliardärs in Brasilien in die Lobby eines 6Sterne-Hotels in Dubai zieht, offenbar als Lohn dafür, dass ermoney auf funny reimt oder eine 'Black Magic Queen' in derLimousine vorfahren lässt. Zuviele Werbespots geguckt,
Junge? Dabei knört Rush seinen Möchtergern-Soul aus der
R'n'B-Retorte mit einer in Kastratenlage gepitchen Stimme, dieallenfalls zum Eierabschrecken taugt, und die lasziven ChorusBienen erweisen sich als Schwindel. Dazu dumpfe 4/4 undGitarre, abgerufen aus den Bossa- und den Funk-Speichern,
lassen den Zeiger meiner Marvin Gaye-Skala nicht mal
ansatzweise zucken. Erst 'Making it look easy' deutet in seiner
Countryweirdness ganz andere Potenzen an, und auch 'Tenerife' punktet mit abendrotem Desertfeeling. Auch die linke
Gitarre bei 'Brother Wood' ist schön hysterisch, die rechte
klampft bloß die Brotkrumen in diesem Märchenwald. Auch
'Supercollider' ist ziemlich weird, mit Paukenschlägen undhechelndem Chorus. 'Distractions' hangelt sich an einem
monotonen John Lee Hooker-Riff entlang, links ist Sand im
Getriebe. 'Burn some gas' behält die Bluesiness bei, sogar mit
maunzender 'Harmonika'. 'Space perineum' bringt leider einen
Rückfall in die Soulfalle. Dieser unnötigen Schwäche stehensechs Songs für eine vielversprechende EP entgegen, die auchohne hochstapelnde Eigenwerbung ihren paradiesvogeligen
Reiz hätte.
THE SCRAP DEALERS After a Thousand Blows (JauneOrange,
LP): Big all along the Ligne Maginot? Hugues Daro, Régis
Germain, Justin Mathieu, Cédric Georges und Bruno Lecocq
machen in Liège psychedelischen Garagenrock. Einer vonihnen singt mit mädchenheller Stimme vom Alleinsein, vom Verliebtsein, von einer, die einem nicht aus dem Kopf geht, vonLiebe und wie man den Glauben daran zu verlieren droht. Die
andern stimmen als Tragödienchor zu, wer hätte mit kaum
Dreißig nicht ebenfalls schon genug ähnliche Schicksalsschläge eingesteckt. Zwei Gitarren riffen ostinate Repetitionen,Drums und eine anakondadicke Basslinie trotzen stoisch allen
Widrigkeiten. Die Keys sorgen für vernebelungstaktische
Unschärfen. Aber wozu noch viele Worte? Man beugt sich im
Groove den Wahrheiten, die vor den eigenen Schuhspitzen
geschriebenen stehen, und hält sich halbwegs abgebrüht am
Bierfläschchen fest.
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UNITED SOUNDS OF JOY United Soundsof Joy (Bronze Rat Records, BR46):
Michael J. Sheehy hat den Größenwahn,
die Egomanie, die Drogen und den Suffseiner Beggars Banquet-Jahre mit Mühe
hinter sich gelassen. Der Frontmann desDream City Film Club, der danach auf
Glitterhouse noch mit Laurence Ash in The
Hired Mourners staubige Spätwesternund Loser-Songs anstimmte, mit dem
Garage-Blues von Miraculous Mule aberauch nochmal rauere Saiten aufzog, hatsich Schritt für Schritt von einem überspannten Jacques Brel-Verschnitt im Dark
Cabaret zu einem Troubadour des Gothic
Blues entwickelt. Jetzt hat er mit Alex Valdwieder denjenigen an der Seite, der 1997
als der, laut Sheehy, "einzig Anständige"beim Club das Handtuch geschmissen
hatte. Ihre neuen Songs haben immer
noch Glitterhouse-Feeling, mit singenden
und wabernden Gitarren, Drums und
Percussion, da mit einem wimmernden
Keyboard, einer tristen Orgel, dort derGeige von Fiona Brice, einer alten Bekannten aus Dream Club-Tagen. Kleine
Kniffe, ein mit Fingern geschnippter Beat,eine rückwärts gesaugte Gitarre, einbebendes Akkordeon, eine lakonischtockende Drummachine, ein melodisches
Glockenspielstakkato und wieder ein
rhythmisches Clapping zu trillernder Voodoo-Orgel setzen raffinierte Akzente. Das
gefundene Fressen ist aber wie eh und je
der gefühls- und unheilschwangere, vonTrauer und Bedauern gesäumte Gesang
des Kahlkopfs mit Buffalo Bill-Bart undsein düsteres Rezitativ bei 'Dust Veil'. Er
besingt 'The Sun That Hides A Darker Star'
und den 'Wounded Moon', bevor er vor
dem Ewig-Weiblichen auf die Knie sinkt 'She Set The Stars In Motion' - sie, der erjederzeit zu folgen bereit ist: 'I Hear Her
Call My Name'. Sie, das ist die undisputed'Queen of Seven Dials', die ihm in süßen
Träumen erscheint und mit ihrem Lächeln
in Bann schlägt. Aber zu schwach undverdorben für den aufrechten Gang und zu
trotzig, um zu kriechen, bleibt zuletzt nur
der freie Fall als Lebensweisheit, die
Sheehy zu zag blinkender Gitarre und dem
Pochen eines Trauermarschs raunt: Flesh
and blood and free to fall.

VONNEUMANN Sitcom Koan
(Ammiratore Omonimo Records,
aor04): Dass diese römische Formation diesen Livejam nicht lange
nach dem Release von "il Dè
Metallo" (aor02, 2009) spielte,
zeigt sich darin, dass ,t (guitars,
effects, drums, synths), bof (guitars, effects, percussions) und fr(bass, effects, trumpet, drums)
mit 'Requiem for Poroppo' und'8vvv8v' zwei der dort zu hörenden Stücke aufgriffen. Ihre Spezialität ist es an sich, frei zu
improvisieren. Zu ihrem Verismo
gehört auch, die kleinen Verhandlungen zwischen den Stücken mitzuliefern. Andererseits
genierten sie sich nicht, dünne
Passagen mit massenweise Schlagzeug aufzupimpen und das nochmehrfach zu falten. Egal, dieTypen verstehen ihr Handwerk,
wenn sie da dicht verzahnte Gewebe fabrizieren abseits simpler
Rockklischees. Es gibt weder
straighte Beats noch den üblichen
Gitarrenmachismo. Vielmehr wird
da rhythmusgitarristisch komplex
gefrickelt und Klangstaub en
masse aufgewirbelt. Die maunzende oder schnarrende Trompete macht das stellenweise noch
schräger, aber den Gesamteindruck bestimmen doch der tiefgelegte Klangschwerpunkt undder hohe Rauschfaktor. 'Lo rullantaro' bringt 'primitives' RitualTamtam, '8uuu8u' prasselnden
Drahtfunk mit Zementmixdrumming. Dann gibt auch noch Marco
Carcasi (Kar, Rumore Austero) ein
Gastspiel, was erst den Krabbelund Noisefaktor und dann den
Knatter- und Schnedderfaktor
erhöht. Die vorletzten Minuten
vertröpfeln wie Regen auf Bretterund Schüsseln und wechseln
dann summend ins Trockne. Als
Zugabe gibt es zu Flamencoclapping schwere Gitarren undbleischweres Drumming, Mannomann.

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NOWJAZZ PLINK'N'PLONK
Intakt Records (Zürich)Daniel Humair hat angeblich mal gesagt, dass das
Schlagzeugsolo keine Berechtigung hätte - außer
bei PIERRE FAVRE. Denn der sei ein Sänger. So
taufte der ja auch 1984 sein Drumensemble Singing
Drums. Nach fünf Jahren Vorarbeit stellt er nun mit
NOW (Intakt CD 260) sein neuestes Drumprojekt
DRUM SIGHTS vor. Mit an der Hochschule Luzern
geschultem jungem Volk wie Valeria Zangger (diemit Rahel Kraft als 2 henning träumt und mit dem
Pianisten Yves Theiler TheZan bildet), dem aus
Bern stammenden, ebenfalls luzernisierten Markus
Lauterburg (der selber Mumur leitet und mit
Klangcombi Volksmusik neu erfindet) und Chris
Jaeger (der das brüderliche Duo Karamasow und
Luca Sisera's Convoi rhythmisiert). Favre stimmt
Baby Sommer allemal zu, dass zum Storytelling und
Bruchrechnen mit Händen und Füßen das Kleine
Einmaleins von Baby Dodds und Philly Joe Jones
immer noch unverzichtbar ist und Lektionen direkt
vom Schwarzen Kontinent nicht minder. So fliegenhier die Stöcke entsprechend, flockig synchron, mit
Tamtam abgefedert, mit Kuhglocken akzentuiert.
Mal als accelerierender Groove mit paukend gewölbtem Keller ('Again'), mal als Besen schwingender Shuffle ('Brushes Flock'), bei dem man
Raubkatzen sprinten 'sieht', aber auch Figuren im
Ameisenmodus hingeklackt bekommt. Man lernt
Synkopen von Sykamoren unterscheiden, während
pulsierende Beats mit solchen wechseln, die bockig
wie Esel sein dürfen. 'Dance of the Feline' ist derStomp gestiefelter Katerchen, ein Knockin' on woodabseits heißer Blechdächer. Dafür ist bei 'Along'alles Blech, betickeltes und betockeltes Blech. Für'Pow Wow' muss man nicht Indianer sein, dieses
Tamtam ließe rund um die Welt die Glieder zucken.
Bei 'Painted Face' ist nicht unbedingt eine Kriegsbemalung zu vermuten, die krumme Trommelei
macht jedenfalls keine kriegerische Laune. 'Tramping' ist zugleich sprechend und groovy, einedunkel gepaukte Botschaft in Majuskeln, dieplötzlich als Ponyexpress zu galoppieren beginnt,
so dass sich die Buchstaben überschlagen, aberdann auch wieder wie am Schnürchen reihen.
Lauterburgs krawalligem 'Whooly Jumber' lässt
Zangger mit 'Nuevel' eine komplexe VollspektrumDemo folgen. Und 'Games' überträgt solche
Vertracktheit als ursprüngliches Djembé-Übungsstück auf acht flinke Hände und den einen oderanderen Bassdrum pochenden Fuß.
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Verhält sich RAY ANDERSON zu Roswell Rudd wie Picard zu Kirk? Reinposaunistisch wirkt er kaum wie ein Mann der Next Generation, auch wenn die
beiden 18 Jahre trennen. Wenn man das Miteinander von Saft, Pandi & Dunn mit
Rudd bei "Strength And Power" direkt vergleicht mit Wrong Is Right (Intakt CD262), Andersons Gastspiel bei OMRI ZIEGELE NOISY MINORITY, dann schmelzen
auch noch diese Jahre dahin. Und das, obwohl Rudd in einem ganz freien Jam
bläst, Anderson aber hilft, Ziegeles Ideen auszuformulieren. Sein Ton ist jedochdabei 'rosmosisch' rau und aufgekratzt. Die modernistische Slickness der 1970er
hallt eher in Ziegeles Alto wider und im E-Bass von Jan Schlegel, wenn der nicht
sogar die kakophonen Kanten von Jazzcore anreißt. Dieter Ulrichs superflexibles
Drumming hält sowohl die, die über die Schulter blicken, als auch die vorwärts
Drängelnden beieinander. Wenn Ziegele bei 'Where I'm Going To' trotzige Poetry
rezitiert, findet sich der Blueprint dazu nicht in Andersons Gesang und derFunkiness der Slickaphonics, sondern in LeRoi Jones' 'Black Dada Nihilism', den
Rudd 1965 im New York Art Quartet versüßt hatte. In der Schweizer Perspektive,
der sich Anderson auch schon mit Christy Doran, Fredy Studer oder Erika Stucky
angenähert hat, rücken selbst Chicago, Andersons sweet Home, und New York,wohin es ihn Ende 1972 gezogen hatte, und wo er mit Braxton und Altschul oder
Helias und Hemingway (als BassDrumBone) die Next Generation mit definierte,nahe zusammen. 'Finally Your Own Voice' findet die eigene Stimme nachdekonstruktivistischem Einstieg in der reflektierten Süße und den kapriziösen
Intervallsprüngen des Altos und in Andersons summendem Beinahestillstand,aus dem er sich mit launigen Stupsern einen Ausgang pustet. 'Decimal System'
verrät, dass Jazzer gern auch mit Impulsivität, komischen Einfällen und linken
Winkeln rechnen. Beim Titelstück werden elegische Vorbehalte mit groovigem
Puls überspielt, Anderson posaunenwurmt ein Luftloch ums andre. Bei 'Tolck'
witzelt er mit Ulrichs Bugle und mit Altogegacker um die Wette, Schlegel spielt
den Poltergeist, die Bläser sprudeldudeln, doch das groovige Miteinander
mündet kleinlaut in Trübsal. Das letzte Wort gehört freilich einem melodiösen
Insistieren von Alto und Posaune.
Die Linernotes zu NYC Five (Intakt CD 263) bescheinigen ANGELIKA NIESCIER,
dass sie bietet, woran so viele scheitern würden, nämlich Originalität. Das
Erfolgsrezept der Kölner Altsaxophonistin besteht offenbar darin, sich an
Standards zu halten und sich mit FLORIAN WEBER, einem Pianisten mit eigenen
Kopf, dem Bill Evans und John Taylor aus dem Jenseits die Hände führen, fiftyfifty die Komponiererei zu teilen. Christopher Tordini spielt Bass, Tyshawn Sorey
trommelt (wie schon bei Niesciers Enja-CD "Quite Simply"). Um einiges leichterals die behauptete Originalität leuchtet mir als Clou dieser Einspielung in
Brooklyn das glänzende, zuletzt auch schon bei Laubrock, Rainey und Kris Davisbeeindruckende Trompetenspiel von Ralph Alessi ein. Denn gleich bei 'The BarnThing' mit seinem Stakkato-Schnittmuster wird einem Standard nachgeeifert, derseit 50 Jahren gilt. Komplett mit Piano, fast immer ein Mühlstein, um Jazz dort zu
versenken, wo nach ECHOs gefischt wird. Die Manier ist unbestritten rasantvirtuos und pipaboppig gekonnt, aber originell? Auch Webers 'And Over' schickt
die Bläser auf eine quecksilbrige Bahn, in zuckendem Einvernehmen, von dem
sich lyrische Wachträumerei erst des Altos, dann der Trompete abstößt, der sich,zierlich perlend und mit nun doch gemindertem Tempo, das Piano anschließt.
'Invaded' folgt als elegischer Schneespaziergang, nur Niesciers bei kleiner Hitze
geschmortes Herz bei 'Parsifal' kommt dem nochmal nahe. Dazwischen zeigt 'The
Liquid Stones' mit Sax- und Pianogesprudel und nachdrücklich quirlender
Trompete die Macht des steten Tropfens. Webers 'Für Krefeld' ist zuletzt einereich beklimperte Gelegenheit für Alessi, bis in höchste Töne zu brillieren,
nachdem auch Niescier nochmal hochvirtuosen Lerchengesang angestimmt hat.
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Das Bekannte im Unbekannten, das Unbekannte im Bekannten, eine ewige Suche. GARYPEACOCK, ein ruhmreicher Veteran der ersten Expeditionen der Enterprise - auch mit
Roswell Rudd auf "New York Eye And Ear Control" (1966) - pflückt es auch 50 Jahre
nach den frühen Abenteuern und First Encounters noch von den Saiten seines Kontrabasses. Sein Ton auf etwa "December Poems" (1978), "Guamba" (1987) oder "Nothing
ever was, anyway" (1997) gehört zum Kronschatz von ECM, maßgebend undunübertrefflich. Bei der 97er Einspielung von Musik von Peacocks Ex Annette saß
MARILYN CRISPELL am Piano, Paul Motion an den Drums. In Motion (Intakt CD 264)
könnte heißen: In Bewegung bleiben (à la Paul und mit E-Motion). Wieder mit Crispell
und mit RICHARD POOLE, einem Perkussionisten von nahezu mystischer Sensibilität,
der 1988 noch mit der ESP-Legende Lowell Davidson gespielt hat, der wiederum inseiner Blütezeit Mitte der 60er ein Trio mit Peacock gebildet hatte. Ganz zart betupft er
bei 'Ahzân' das feine Rühren an den Schleier der Maya und die flehende Intensität, die
Peacock evoziert. Der 'Backseat of the Galaxy' ist Pooles Lieblingsplatz, von wo ersilbrig flirren, flockig klicken, knattrig rattern oder ein hintergründiges Donnergrollen
pochen kann. Crispell tappst katzenpfotige Zwölftonaleatorik und sprudelt quecksilbrige
Läufe zu Peacocks alchemistischen Formeln und lyrischen Lais, in die urplötzliche
Attacken hageln. Zu Crispells Intakt-Odysseen und Klagliedern mit Barry Guy & Paul
Lytton bilden die tagträumerischen Trips ins westafrikanische 'Serakunda' und zur 'Isleof Nowhere' und insbesondere die gedankenversunkene 'And Yet'-Bluesiness einefaszinierende Parallele. Wenn Motion das Motto ist, dann meint das hier neben derrösselsprunggeübten Intelligenz allemal auch die Konzentrik der Empathie.
Früher zogen sie als Schweizergardisten aus, heute sind sie als Jazzer allgegenwärtig.
So verwundert es nicht, auch in FLORIAN EGLI WEIRD BEARD ein bekanntes Gesicht zu
entdecken, denn Rico Baumann hat kürzlich erst mit Le Rex hier getrommelt und zuvor
auch schon mit Anton And The Headcleaners. Überraschend dagegen ist die
Churer/Luzerner Bassistin Martina Berther, die zwar mit Fischermanns Orchestra
ebenfalls schon ausgezogen ist, sich aber mit Ursina, Me, Valentin & You, Ester Polyoder [aul] ganz folkig-poppig-indierockig, d. h. jazzfern profiliert hat. Dafür spielt auf
Everything Moves (Intakt CD 265) mit Dave Gisler einer Gitarre, dessen Band-Breite mit
Markus Lauterburg Mumur, Gregor Frei ASMIN, Raffaele Bossard's Junction Box und
Christoph Irniger Pilgrim prototypisch für die Swiss School of Jazz steht. Nicht anders
ist es mit dem Zürcher Saxophonisten Florian Egli, der sich hier mit dem neben der EgliSantana Group anderen Eisen im auch internationalen Feuer präsentiert, denn das
Quartett hat sein Können auch schon in Japan und in Russland zeigen können. Es hebt
an, als hätten diese vier alles Grobe und Widrige ausgeschafft, um dadurch zarten
Lippenbekenntnissen und dem Feeling und der Hymnik einer singenden Gitarre Geltung
zu verschaffen. 'P's Mood' ist feinfühliger Schmus mit feinem Echo, das die Luft lässt,auf Berthers Fingerspiel zu achten. Wenn sich bei 'Maja' der Schleier wellt, ist Eglis Ton
so hell und durchscheinend, dass sich das Soprano in eine Flöte verwandelt. Erst bei'No Man On' wird es deutlich schroffer, aber doch mit einigem Abstand zu Baumanns
Machismo mit den Headcleaners. Das Titelstück bringt auch gleich wieder Entschleunigung, ein besinnliches Soprano und eine noch träumerische Gitarre. Laid-backwie einst das Easy Living bei Paul Desmond und Jim Hall. Geisterhafte Dröhngespinste
umwehen 'Old Places', der Bass raunt, Egli vergeht vor Wehmut. Bis sich das
dramatisch verdichtet mit freakisch-krasser und fräsender Gitarristik zu einem
knackigen Groove. Auch 'Waiting' schält sich aus seltsamen Geräuschen, aber vonAnfang an vorwärts stürmend mit vollmundigem Alto. Doch der Faden reißt, Gisler zupft
an den losen Enden, Egil zittert, bis Gitarre und Drums wieder einen Weg finden, dersich ihrem improvisatorischen Geschick verdankt. 'Fly' ist zuerst nur der niedergeschlagene Gang einer Fliege ohne Flügel. Aber war nicht schon Robert Walser trotz
allem ein großer Spaziergänger? Egli verdichtet alle Poesie im Kopf und in einem
Gesang, der die Schritte, wenn nicht leicht, so doch leichter macht. Die Gitarre webt
dazu Witwesömmerlisfäden. Motions und Movements, das ist nicht alles, aber doch viel.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Gehen wir zurück zum 1.7.2013. Da traf der Aachener Pianist ACHIM KAUFMANN,
inzwischen Preisträger des Albert-Mangelsdorff-Preises 2015, doch tatsächlichzum ersten Mal mit GEBHARD ULLMANN zusammen. Aus dem First Date in den
RBB Studios, Berlin, resultiert Geode (LR 726), was mit Wilbert de Joode,
Kaufmanns Partner im Trio mit Frank Gratkowski, außer dem Reim nichts zu tun
hat. Geoden sind versteinerte Gasblasen und musikalisch bisher eher unauffällig
geblieben. Außer mit der Vorstellung, dass die beiden da auch 'eulenblind' inwelchen Unterwelten auch immer miteinander ihren Weg finden, möchte ich dasauch nicht weiter strapazieren. Kaufmann ist ein Pianist, der sich nicht auf die
motorische Intelligenz seiner Hände verlässt. Er setzt seine Töne reflektiert undscheint mehr als andere Pianisten daran interessiert, sie klanglich zu nuancieren.
'Lightly Enticed' nimmt durch seine präparierte Abschattung für sich ein. Ullmann
wechselt zwischen Tenorsax und Bassklarinette, sucht aber auf beidem liquide
Strömungen und den Aufwind luftiger Verwirbelungen in den oberen Tonlagen.
Auch er neigt, im Unterschied zu etwa Ivo Perelman, zu einer besonnenen,
bedächtigen Spielweise, ohne deswegen skrupelhaft oder grüblerisch zu wirken,
wobei von 'Of Linnets and Ivory' schon auch ein melancholisches Schillern
ausgeht, das Kaufmann selbst mit ostinatem Diktat nicht so recht vom Fleck rücken
kann (oder mag). Wobei er seiner Rechte schon auch quirlige Sperenzchen
erlaubt, zumal Ullmann mit spritziger Intensität den Bluthänfling macht. 'FaultLines' versinkt bis zum Schnabel in Bluesiness, Ullmanns Tenor nimmt einerostfarbene Tönung an. Bei seinem 'Eulen'-Solo lässt Kaufmann der Spielhand
freien Lauf, die Linke humpelt nur und kommt dennoch gleichzeitig an. Ullmann
geistert durchscheinend und trübsinnig als 'Fleckgeist' und erklimmt bei 'Zircon
Shuffle' aus urmeliger Basstiefe die höchsten Kämme. Er bläst einen eisigen
Hauch über Knochen und Knorpel, Kaufmann pickt dazu an Drähten und klöppelt
ein tönernes Gamelan, gefolgt von einem lyrischen Tenorsolo mit markanten
Intervallsprüngen. Kaufmann deutet mit vertrackten Anschlägen ein komplexes
Innenleben an, Ullmann extrovertiert das mit stürmischer Melodik. Mit 'Cobweb
Interiors' steigen die beiden zuletzt aber ganz noch Unten, nach Innen, ins Dunkle,
Ullmann leuchtet mit spitzem Klarinettenklang, Kaufmann lässt es kristallinfunkeln. Zwei erstaunliche Prospektoren.
Am Tag danach trafen ACHIM KAUFMANN und GEBHARD ULLMANN sich erneut
und brachten zusammen mit ALMUT KÜHNE Marbrakeys (LR 726) zustande. Die
Dresdner Vokalistin, die mit dem Phosphoros Ensemble Christian Morgensterns
Hecht und Mondschaf sich begegnen lässt oder in Ticho mit Tom Arthurs & Marc
Schmolling traumwandelt, ist schon als Spielgefährtin von Ullmann vertraut durch"Silver White Archives" (das zum Teil wiederum einen Tag später an gleicher Stelle
entstand). Erneut kaut sie einem mit kühnem Zungenschlag ein Ohr ab, mit
mädchenhafter Sopranistik, sürrealen Kunstliedlyrismen, grotesken Urlauten,
während ihre beiden Männer um sie herum staksen, trippeln, pieksen, leichtumnebelt Süßholz raspeln oder Blech reden. Lilien sinken in Ohnmacht, vonKaufmann drahtig angepickt, umharft und mit Eiszapfen beklimpert, von Ullmann
träumerisch umschmachtet. Immer wieder lässt Kühne weich gekochte Poesie
anklingen, bei 'Hazy Maze' haspelt und kiekst sie Wortsalat, dazwischen krächzt
und hechelt sie bloße Kehllaute. An der spitzen Zunge können sich Herzen
aufspießen, aber die furchtlose Almut kann auch ganz wattig-zart ein Wiegenlied
lallen. Ullmann tutet laue Luft, gurrt guttural, unkt dunkeldumpf, Kaufmann schleift
an den Drähten, pingt um überflüssige Töne herum, trillert auch wieder metalloid
präparierte Keys. "Geode" und "Marbrakeys" stehen sich nicht nur zeitlich nahe,eigentlich ist es ein Doppelalbum, das einen weit mitnimmt ins Wunderliche.
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Mit Bones (LR 743) stellt Leo Records ein junges Jazztrio aus Israel vor, angeführt
vom Bassklarinettisten ZIV TAUBENFELD, mit SHAY HAZAN am Kontrabass und
NIR SABAG an den Drums. Taubenfeld hat einen prallen Terminkalender mit der in
Gronigen stationierten Formation Kuhn Fu des Gitarristen Christian Kuhn, bei
deren deutsch-türkisch-serbisch-israelischen Verfasstheit es nicht verwundern
braucht, dass da Mephisto und Nosferatu, Moondog und James Last sich ein
Stelldichein geben. Nach seinem dort wie da hervorstechenden Ton klingt
Taubenfeld wie ein Spitzname, er sollte besser vielleicht Drachengrund heißen.
Mit Gurren allein ist es jedenfalls bei ihm nicht getan. Er ist ein vollmundiger
Moses, der dahin führt, wo blue notes fließen und Jaffas blühn und der sich mit'Buses Chasing Pigeons' selber auf die Schippe nimmt. Der Delikate der drei ist
eher der Drummer, der dezent pocht und agil-fragil tickelt und mal hier, mal da ein
paar Körnchen von Fell oder Blech pickt. Der aber bei 'Blue Key' auch sehr
bestimmt den Takt schlägt oder rumorend für Antrieb sorgt. Hazan zirpt undflickert dazu, als hätte er seinen Bass mit Cellosaiten bespannt, federt aber dannebenfalls mit plonkigem Nachdruck. Sein erstes, dynamisch gesägtes Solo ist
gleich ein blaues Wunder. Taubenfeld bewegt sich daher immer in einer
Klangwolke, Staubteufel ziehn vor ihm her, Sandstürme bleiben ihm auf den
Fersen. Sein kernig reibender Ton flackert zwischen Tenor und Bariton, als
knorriger Anhalt für blechernes Gedengel, raschelnde Muscheln, beredtes
Pizzikato, das sich zu versonnenem Swing summiert. Zu seinem massiven Klang,dick wie ein hundertjähriger Olivenbaum, passt perfekt Sabags grummelig
donnerndes Solo bei 'Gold Wood' und sein rasant klapperndes bei 'Egge'.
Taubenfeld mimt zugleich den dicken Bus und die aufgescheuchte Taube, er eggt
und pflügt raue Furchen, als hätte es das im Kibbuz zusammen mit dem Philisterverdreschen gelernt. Enden tut es mit einem Trauermarsch, langsam und mürbe.
Der Pianist UWE OBERG und die Altsaxophonistin & Klarinettistin SILKE
EBERHARD zeichnen sich beide durch ihre postmoderne Reflektiertheit aus.
Eberhard hat intensiv über Ornette Coleman und Eric Dolphy nachgedacht,
praktisch nachgedacht. Oberg hat sich über Coltrane gebeugt, über Braxton,
Lacy, Feldman, Monk, Mingus oder Paul Bley. Zusammen spielen sie auf Turns (LR749) neben Eigenem nun auch schöne Sachen von Carla Bley ('King Korn','Syndrome', 'Batterie'), Annette Peacock ('Both', 'Mr. Joy') und Jimmy Giuffre('Emphasis', 'Scootin' About'). Oberg knüpft mit dem am 14.4.2015 im Kölner Loft
präsentierten Programm direkt an sein Solo "Twice, At Least" (LR 733) an, dasschon eine Version von 'King Korn' enthält und neben Peacocks 'Touching' mit
seinem 'Enzym & Eros' die Grundlage für eine Eberg-Oberhard-Variation.
Eberhards sprunghaftes 'Ping Pong Pogo' macht den quirligen Auftakt, inabgeklärter Reminiszenz an die blitzgescheite Raffinesse des Modern Jazz im
Allgemeinen und die Sophistication von Giuffre und der beiden Bleys im Besonderen. Allein "rare Wörta" wie Emphasis und Syndrom zu benutzen, kam damals
unamerikanischen Umtrieben gleich. Selbst wenn "Turns" die gegenwärtige
Kehrtwendenstimmung zurück auf etwas, das der Paranoia der McCarthy-Zeit
und dem persil-gewaschenen Beige hierzulande ähnelt, gar nicht meint, so
impliziert es sie unwillkürlich. Als freudiger Intellektuellen-Pogo, als unbeabsichtigte Demonstration, wie sexy das Komplexe und wie zärtlich das Flexible sichabheben von verbiestertem Pack ebenso wie von kleinmütigem Spießertum.
Eberhards Klarinettenton ist nur zu zerbrechlich, aber dennoch nicht weniger
dezisionistisch wie ihr quickes und aufgeweckt quiekendes Alto beim Bleyschen
Zickzack oder beim eigenen 'Sketch No. 5'. Oberg ist ebenso auf Zack wie auf
Draht, etwa beim brillant schillernden 'Roomer's Loot' oder den Ratschern bei der
spitz befunkelten Innigkeit von 'Mr Joy'. Oder ist das schon Wehmut? Wer weiß,was beim nächsten Leitkulturkrampf auf die Streichliste kommt.
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Neuklang Future (Ludwigsburg)
Neuklang, ein Kind der Bauer Studios, lässt mich wie einen Anfänger dastehen, ca. 140
Produktionen und die einzigen Namen, die mir was sagen, sind Barbara Dennerlein undAdriana Hölszky, Johannes Enders und Arkady Shilkloper. Die erfreulich hohe
Frauenquote - die Pianistin Olivia Trummer, die Saxophonistinnen Alexandra Lehmler und
Katharina Maschmeyer (neben einer Reihe von Sängerinnen) - beruhigt mich in diesem
Falle nicht wirklich, ich befürchte statt wegweisendem Verzücken PopesiealbumsTraumstoff, so hifitest-tauglich wie mainstreamfreundlich. Sogar die schon mit MédéricCollignon verbandelte Initiative H schmiert mir bei einer Kostprobe zweifelhaften FusionCamember aufs Knäcke. PING MACHINE kommen, 15 Mann hoch (soviel zur Frauenquoteà la française) und angeführt vom Gitarristen Frédéric Maurin, aus Paris und Easy
Listen__ing ... (NCD4130) ist ihr 4., U-bi_ K (NCD4140) ihre 5. Album bei Neuklang. Easy
Listening ist nichts, was mich schreckt, aber mit "Pelucidar A Dreamers Fantabula"liegen die Erwartungen da schwindelerregend hoch. Vibes führen aber durchaus vielversprechend in 'Kodama' ein und aus ihrem minimalistischen Riffing und 9-zungig
schmusendem, mit Bassposaune angedunkeltem Bläserklang entspinnt sich ein
träumerisches Altosaxsolo, das den einen oder anderen kleinen japanischen Baumgeist
anlocken mag, um mit offenem Mund zu lauschen. 'Février' bringt zu faunischem Flötenund Glockenspiel ganz versonnene Lyrismen von Posaune und Alto zu einem bewusst
transparent und lind gehaltenen Bigbandsound, mit sehnender Klarinette und verhaltenem Piano. Die Bläser ballen sich zu dunklen Wolken und überschatten mit
geblähten Posaunenbacken ein melancholisches Ambiente, in dem das Tenorsax das
sehnende Feeling aufgreift. 'Pong' nennt, trompetenbezackt und mit seltsamer Gitarre,
immer wieder seinen Namen, das Balafon beginnt über diesem Pong-Pong zu
improvisieren, die Band klangmalt mit weichem, breitem Pinsel den Hintergrund, dasTenorsax fühlt sich animiert, das Ganze ist ja auch ganz schön groovy. Zum Ausklingkitzelt eine Piccoloflöte die Dicke-Backen-Fraktion. 'Alors, Chut...' entfaltet sich - live aus einem Kontrabassintro und Klapper-Drumming als kecker Latin-Import mit repetitiven Bläserstakkatos und schweifendem Schmus. Auf einmal steht das Piano auf einer
Lichtung und fragt, wie's weiter geht. Groovy natürlich mit Schmettertrompete, aberdann auch wieder lyrischem Piano, gipfelnd im flotten Wechselspiel der ganzen Truppe.
Maurin beherrscht den französischen Hang zum Großen mit ziemlicher Finesse.
"U-bi__K", PING MACHINEs Auftragswerk für das französische Kulturministerium, lässt
sich nur schwer von Ph. K. Dicks Zweifeln an der Realität losgelöst denken. Maurinverschachtelt 14 Szenen, beginnt mit vagen Drones und elektronisch getönten,
pianistisch bepingten Geräuschen, erschreckt mit einer Reihe unvermittelter Tuttischübe
und mit dissonanten Schlägen, isoliert dann die Bläser vom Rest für erst schnittige, dannkleinlaut sich wiederholende Interaktionen. Schon diese ersten 11 Min. lassen keinen
Zweifel, dass Maurins Ambitionen da erstaunliche Früchte zeitigten. Elegisch düsteres
Brüten der Bläser wird blitzend durchzuckt und schräg angeschnörkelt, sucht dagegenden Einklang und bassposaunensonore Beruhigung. Aber es sirrt und quäkt im System,
die Harmonie ist zu schön, um wahr zu sein, der Gesang der Posaune wird in Fragegestellt, überflutet und abgelöst von zirpender und strahlender Trompete. Vibraphon,
Flöten und Piano gaukeln Easyness, als wäre Jazz kein kalter Kaffee. Die Posaune
blubbert Ubik-Spray, musikalisch lassen sich Feines und Groteskes leichter vereinbaren
als in Dicks Wirklichkeitsblase. Ein elektronischer Faden zieht 15 Mann empor, die mit
allen Rohren und Blechen schmettern, dennoch zuckt die Zeit kurz rückwärts. Zarte
Spannungsbögen wölben sich, das Piano klirrt über eisige Stufen, Flöte und Saxophon
tragen Trauerflor, die Realität klingt hohl, das Piano eschert treppauf-treppab. Die Bläser
suchen Lücken, um sie zu stopfen, die Drums tickeln und tockeln auf dünner Synthiefolie,
die Ubik-Welt bleibt schleierhaft und wird zuletzt lückenhaft, nur Bläser und Vibes halten
die Maschen zusammen und pochen zuletzt energisch darauf, dass das Ganze alle Teileumfasst und kein Grund zur Panik besteht.
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Tzadik (New York)Denk ich an LARRY OCHS, denk ich an Berkeley, an die Westcoast, an
ROVA und Metalanguage, an Room, Kihnoua, What We Live, Maybe
Monday. Wobei Ochs seine Ohren noch weiter nach Westen hin
aufspannt, unseren Fernen Osten, für den Klang von Miya Masaoka und
Xu Fengxia, aber auch ausgreift nach Osten, wie im asiatischfranzösischen East-West-Collective. The Fictive Five (TZ 4012) entstandim legendären East Side Sound-Studio in der Lower East Side, wenn
man so will als 'Heimspiel' für Ochs, er ist ja 1949 in New York geboren.
Mit einer New Yorker Crew aus Harris Eisenstadt an den Drums, Ken
Filiano und Pascal Niggenkemper an Bässen und Nate Wooley an der
Trompete, Cracks, die sich untereinander alle gut kennen. Ins Auge fällt
gleich auch, dass Ochs, ähnlich wie Steve Lacy und auch schon Ken
Vandermark das getan haben, drei der vier Stücke mit Widmungenversehen hat - 'Similitude (for Wim Wenders)' [24:48], 'By Any Other
Name (for William Kentridge)' [22:36], 'Translucent (for Kelly
Reichardt)' [16:13] - und dass es sich dabei um Filmemacher handelt:
Reichardt drehte "Old Joy", "Wendy and Lucy" und "Night Moves", die
Animationsfilmkunst des Südafrikaners Kentridge wurde zur Biennale
Venedig und zur Documenta eingeladen. Ochs trägt damit, wie auchschon als er mit "The Mirror World" (2005) auf Stan Brakhage Bezugnahm, der Tatsache Rechnung, dass das auf Radio und Schallplatten
fixierte Primat des Hörens (wieder) vom Visuellen verdrängt wurde. So
dass er seine Musik als 'musical landscapes' anlegt und dazu einlädt,
die Augen zu schließen für ein Cimena pour l'oreille, ein Cinema
imaginaire. Wobei jeder sehen kann, was er mag, es kommt Ochs nicht
auf ein Verstehen an und schon gar nicht, dass einem Sehen und Hören
vergeht, sondern dass man aktiv teilnimmt bei der Hochzeit von Freiheit
und Form. Ochs' Regie involviert 'coded charts', 'some notation' und'some visual clues developed with Rova', das kurze 'A Marked
Refraction' wurde dazu ganz freihändig hingetüpfelt, hingeflockt. Das
mit dem Augenschließen muss man mir nicht zweimal sagen und alles
Brimborium fällt sowieso flach, wenn einfach Trompete und Tenorsax
feurig zu züngeln beginnen, wenn die Schläge über Blech und Fellhageln und die Kontrabässe rumoren und sägen wie einst bei Bill Dixon,
Niggenkemper auch präpariert, Filiano mit Effekten. Wooley brilliert als
strahlend klarer Hymniker und als schnarrender, fauchender, wie
strangulierter Bruitist, wobei der schnell mal dissonante Zuschliff die
Panoramen nur dahingehend aufraut, dass sie die Lebenswelt realer,
die Gefühlswelt sinnlicher vermitteln. Mit Feinheiten wie dünnstem
Bläserhauch, auch mit windschiefem Sopranino, mit den Fingern
getupften und gezupften Lauten, sämigen Bogenstrichen, gischtig
rauschenden Becken. Ochs und Wooley finden beklemmend schöne
und berauschende Farb- und Fanfarentöne neben flackernd zuckenden
Linien, die intensive Arcotechnik hält den Hitzegrad hoch. 'Translucent'wartet zuletzt noch mit besonders großen Freiheiten und starken
Kontrasten auf, als Good, Bad & Ugly-Duell von Tenor, Drums undTrompete, die Bassisten verblüffen mit Plinkplonk, als wären sie ein
Herz und eine Seele, Wooley erstaunt mit einem schnarrenden Halteton
und schlapprigem Gebrodel. Wie man es auch nennt, rosenfingrig oder
feuerzungig, der Ton macht die Musik und diese Musik zu einem prachtvollen Beitrag in Ochsens Diskographie, zu einem gefundenen Fressen
für Liebhaber irrwitziger Bassologie.
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Auch Pellucidar A Dreamers Fantabula (TZ 8333) ist zuerst einfach eine Augenweide.
Mit einem rotgoldnen Cover und einem Booklet, bei dem Chippy Heung-Heung Chin,
Tzadiks Künstlerin vom Dienst, mit einem Karneval kurioser Tiere ganz ihrer
mütterlichen Fantasy frönte. Die dazu fantabulierenden Dreamers sind guteBekannte durch "John Zorn's Dreamers" (2008), "Ipos (Book Of Angels Volume 14)"(2010), die Compilation "The Gentle Side" (2010) und "A Dreamers Christmas"(2011), es sind Cyro Baptista (percussion), Joey Baron (drums), Trevor Dunn (Bass),
Marc Ribot (guitar), Jamie Saft (keyboards) und Kenny Wollesen (vibraphone). Die
Musik, die JOHN ZORN sie spielen lässt, kommt nicht von ungefähr. Sie geht zurück,zwar nicht unbedingt auf "Music for Children" (1998), obwohl da ein 'Dreamer ofDreams' zu hören ist und es den Auftakt der Music Romance-Trilogie bildet,
allerdings verdammt unkindlich mit Cioran-Text und Bellmer-Puppe. Aber doch auf
deren Vol. 2 "Taboo and Exile" (1999) und vor allem Vol. 3 "The Gift" (2001). Denn dafehlen den Quasi-Schon-Dreamers nur Wollesens Vibes zum Easy Listening-Glück.
Dort 'The Quiet Surf' und 'Bridge to the Beyond', auch wenn da am exotischen Strand
schon mal die halbe Hölle los sein konnte. Hier nun mit einem Assoziationsreichtum
von Tausendundeine Nacht und den Beatles ('Magic Carpet Ride'), Mervin Peake('Gormenghast'), Homer und Dan Simmons ('Queen Of Ilium'), den Brüdern Grimm('Once Upon A Time'), Jerusalem, konterkariert von den Hexenprozessen von Salem('Flight From Salem'), Edgar Rice Burroughs' Kontinent in der Hohlwelt ('Pellucidar'),dem Urtyp jeden Utopias von Platon bis Bacon und Thomas More ('Atlantis'), derHauptstadt des Fairylands in Spensers "The Faerie Queene" ('A Perfume From
Cleopolis') und der Dschungelstadt Opar, einer verschwundenen Kolonie von Atlantis
in Burroughs' Tarzan-Welt ('Jewels Of Opar'). Mit den Vibes und der federleicht
federnden Percussion knüpft Zorn direkt an die Arthur Lyman Group und Cal Tjaderan, das Gefunkel von Vibes und Keys wird
zum fliegenden Teppich nach Utopia, Fantasia, Immateria, "a realm of dreams,
fantasy, fiction and the unconscious", wie
es zu Alan Moores "Promethea" heißt.
Ribots wieder phantastische Gitarre,
insbesondere bei 'Gormenghast', 'Atlantis'
und 'Cleopolis', gibt den Surf-Touch aus
dem 'Golden Age of Instrumental Rock',nicht sportlich, sondern als Zunge derSehnsucht nach dem Anderssein. Wie
könnte ein Elevator, in dem solche Musikerklingt, nur zu neureichen Penthouse- undLounge-Trivialitäten führen? Das wäre ja
wie ein Biss in den vergifteten Apfel, dereinen zu einer lebenden Leiche macht. Hierwird bossa-nova-groovy und samba-soft auf
andere Horizonte zu geträumt, der märchenhaft moderate, melodienselige Swing
legt sich so queer gegen das Müssen undSollen wie einst Lymans, Martin Dennys und
Les Baxters Exotica-Lockrufe gegen dieparanoid verbiesterte Xenophobie zur Zeit
des Kalten Kriegs. Ich kann dazu nur,während Ribot beim rasanten "Opar" sichnochmal übertrifft, das "Was denn sonst"
rufen aus Enzensbergers eskapistischem'Der Fliegende Robert', "was denn sonst,
was denn sonst".
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Umlaut Records (Berlin/Paris)
Seit meinem leicht süffisanten Grasgeflüster "Psssst... Ich höre nichts..."(BA 46 / 2005) sind weitere 10 Jahre
vergangen, in denen sich die dem
Mikrotonalen und Reduktiven zugeneigten subtilen Spielweisen robuster
als gedacht gezeigt haben. Als seiensie gar nicht nur eine Kritik an Redundantem oder Lektionen in Feinsinn,nicht bloß die Subversion von Gewohntem oder der Pendelausschlag
vom kulinarischen ans frugale Ende.
Sondern selber ebenso fundamental
wie die Schwache Wechselwirkung
und stark gerade in der Schwäche (wie es bei Paulus steht). So nehme ichdenn als Pfahl im Fleisch auch bei FLORIAN BERGMANN‘s Cobalt Cluster(#UB008) die fließenden Übergänge von teils spektralanalytisch hinterfüttertem Material, das er komponiert und teils graphisch vorgegeben hat,zusammen mit dem, was er, Antonio Borghini (Die Hochstapler,
Schlippenbach) am Kontrabass, Hannes Lingens (Die Hochstapler, Konzert
Minimal) am Schlagzeug und Matthias Müller (der "Tingtingk"- &Superlmpose-Müller) an der Posaune spontan hinzuerfinden. Bergmann hat
im Trio Transmitter und mit Sonic Essence sich als elektroakustisch gewieft
und kompositorisch der Neuen Musik verbunden gezeigt. Insbesondere, so
will es mir scheinen, ist er dabei dem Schönheits- und Wahrheitsbegriff vonHelmut Lachenmann verpflichtet. Beim Improvisieren mit Fo[u]r Altos zeigt
er sich zudem vertraut mit den Spieltechniken der Musique concrete
instrumentale. Hier sorgt der sensibel differenzierende und falschen
Lorbeeren abgeneigte Berliner dafür, dass durchwegs der Ball flach
gehalten wird. Zwanglose Dynamiken, feine Pointillistik und flächige
Klangverläufe haben den Vorzug vor vertikalen, rhythmischen odersonstigen großen Sprüngen. Was Binnenfluktuationen und Reibungenzwischen der Posaune, dem Bass und Bergmanns Bassklarinette (oderAltosaxophon) nicht ausschließt. Hört nur, wie sich da munter Bewegtes inskurrile Klangfarbspiele ausweitet, in gesägte, gezirpte, geklickte, geknörte
und geblubberte Nuancen. Um unvermutet in ein Unisonostakkato derBläser zu münden, auf das Lingens schrottig eindrischt. Arno Schmidt hat
mal von 'löchriger Gegenwart' gesprochen, 'Mosaique' deutet an, was das
sein könnte. Mit Kürzeln, aber auch lang gezogenen Haltetönen, scheinbar
aleatorisch, dann auch wie Ruf und Antwort, wie das Leben so spielt.
Immer wieder brodelig und schnurrig, fiepend, reibend und rumorend,
reihum mit klangfarbigen Korrespondenzen. Das zwischen 'lvory' gesandwichte 'Vermiglio' dämpft nochmal die verhaltene Klanglichkeit, Lingens
klingelt mit Klangschale, rauscht mit Gong; die Posaune tutet elegisch zu
raunendem und knarrendem Bass. Die Klänge - Herkunft: dal niente, Ziel:
simple beauty - spielen verhuscht, geräuschhaft, pianissimo mit Luft undlösen sich in ihr auf. Und ich zucke, verwundert lauschend, lauschend,lauschend, jedes Mal zusammen, wenn auf den Gesang der Josefine derSchatten einer Schrödinger oder das Lächeln der Cheshire fällt.
PS: Die Abonnenten der BA sind eingeladen, mitzulauschen und sich mit mir
zu wundern über derart wundernswerte Musik.
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ANTONIN GERBAL trommelt laut und leise, doch auf 'ne bestimmte Weiserund um Umlaut herum. Er trommelte mit Peeping Tom, mit r.mutt und mit
Zoor, er trommelte braxtornettistisch mit Die Hochstabler und mit ism
trommelt er ebenfalls. Ob nur zu dritt und frei oder mit postmodernen
Jazzkonzepten, oder orchestral wie in ONCEIM (wo er mit "Gruidés" einDröhnmonster von Stephen O'Malley aufführen half) oder im Ensemble
Hodos (das sich indeterministische Stücke von Philip Corner vornimmt),
der 30-jährige Drummer in Paris ist kein gewöhnlicher Schlagwerker. Wenner sein Solo Sound of Drums (UMFR-CD17) nennt, dann bedeutet Soundda etwas ganz anderes als bei etwa -> Adam Gołębiewski und den
Klangräuschen seines "Pool North". Gerbals 5-teilige Drum-Suite ist zwar
mit 21:07, 3:03, 0:38, 12:39 und 4:52 merkwürdig proportioniert, aber das
Klangbild lässt am Zusammenhang des Ganzen keinen Zweifel. Zudem
sind die Proportionen bei Weitem nicht das Merkwürdigste daran. Das
Auffälligste ist nämlich die sture Monotonie geklopfter Achtel. Keine
Ahnung, ob das was mit dem Rätsel der Qualia zu tun hat oder wie es sich
anfühlt, eine Fledermaus zu sein? Gerbal beginnt mit dunklem, grummeligem Getröpfel, mit trolligen Trillern, aber schnell schon ist er bei einem
monotonen Muster, das alteriert mit zischendem Becken und bebender
Snare. Als würde das ganze Drumset Teil für Teil durchgecheckt. Es gibt
auch ein Miteinander von Snare und Tom, es gibt Temposchwankungen,aber dabei keine Änderung der Tonhöhe, keine Akkorde, sondern einehorizontale Zweidimensionalität. Das, was der Laie monoton nennt,
Verlaufsmuster, Testreihen. Als Sirren von Metall fast ein dröhnminimalistischer Sound wie bei Jason Kahn. Aber meist dann doch ein stoisches
Pochen und Klopfen minimalistischer 8tel-Reihen mit leichten Temposchwankungen. Bei 'Antéfixe' auch mit Wischern, im Übrigen aberbesonders trocken, bei 'Fixe' nur mit Besenwischern, bei 'Qualia' holzig
und mit Snare vs. Pauke-Kontrast, ansonsten besonders straight und mit
finaler Beschleunigung, bei 'Repetition' mit diversen Schattierungen undfast so etwas wie einer Erregung. Nicht wenige werden das als
Geduldsprobe oder Ausdauertest allenfalls provokant finden, andere es
als Konzeptkunst von beachtlicher Konsequenz zu schätzen wissen.

Cobalt Cluster

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... nowjazz plink'n'plonk ...
BLUEBLUT Butt Butt (Plag Dich Nicht, PDN030): So
richtig passt das zwar nicht daher, aber in welchem
Bassin würde dieses Trio denn kein Blutbad anrichten? 'Rohaut' beginnt mit Auction chant oder
Cattle Rattle, wie es auch heißt, bevor eine Sopranistin einsetzt, die sich aber als das Theremin
von Pamela Stickney entpuppt. Pamela Wer? Dasseine renommierte Künstlerin wie Pamela Kurstin
ihren Namen für einen Mr. Stickney aufgegeben hat,
ist schon etwas komisch. Wenn auch nicht sokomisch wie die Titel 'Sausverkauf' und 'Schmutzenbart'. Ob solcher Wortwitz auf dem Mist desGitarristen Chris Janka gewachsen ist? Er ist
jedenfalls der einzige Muttersprachler unter diesen
Mehr-oder-weniger-Wienern, Stickney stammt aus
Südkalifornien, Mark Holub aus New Jersey. Janka
lernte die Thereminvirtuosin kennen, als er mit
Missing Dog Head zugange war, zu Holub kam sieüber dessen Led Bib-Partner Seb Rochfort, als sie
mit dem 2011 "Ouch Evil Slow Hop" realisierte.
"Hinter Dir Inka Bier, ich liebe so das Inka Bier", derWerbespot für 'Inka Bier' kam Jankas Sprössling
Morris offenbar spontan in den Sinn, hier ist er ein
schräges Intermezzo zwischen dem melancholischen Seufzen von 'Something Has To Happen
Somewhere', das sich allerdings davon hin zur
Leichtigkeit des Seins zu kurieren versucht, und derschleppenden, knurrigen, schmachtenden Heaviness von 'Sausverkauf'. Man darf sich dabei das
Theremin als eine andere Gitarre vorstellen, die sichmit gezogenem und glissandierendem Sound vonJankas eisenhaltigem Picken, Hacken und prasselndem Fuzzboxing abhebt. Nach 'Butt Shop' als
flockigem Sprint und Volkstänzchen, das an alten
Knochen pickt, taucht einen 'Schmutzenbart' inabgewürgtes Elend, in dem Willi Land mit MC Rhine
was von putzigen und schmutzigen Bärten reimt undrappt. Bei 'Twien Town' spielt das Theremin eineSingende Säge, bevor ein schrappelrockiger Groove
mit dem Flattergezüngel einer Trompete einsetzt,
aber bald Geistererscheinungen bekommt und sichnicht so recht weitertraut. Stickney 'bläst' ihrerseits
hasselleske Sounds und lässt sich von der Schrappelgitarre und dem flockigem Drumming mitreißen,
um zuletzt wunderschön den Mond anzuheulen. Den
Abschluss macht ein launiges Liedfragment, dessen
Abbruch für ein puntzmunteres Undsoweiter steht.

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CARATE URIO ORCHESTRA Lover (Klein 06): Auch die sechste Veröffentlichung auf Joachim Badenhorsts Label ist wieder eine Augenweide undeine Schönheit, die erst entschnürt sein will. Der Antwerpener Reedplayer, dersich zuletzt mit Kris Davis Infrasound und insbesondere dem Trio Baloni auf
einer Reihe von Clean Feed-Scheiben in die vordere Reihe gespielt hat,
entfaltet sein Können weiterhin in der Ruben Machtelinckx Group und Pascal
Niggenkempers 7‘eme Continent . Hier zeigt er sich im 7-köpfigen Verbund mit
Sam Kulik, einem haarigen, Talibam!-gestählten Zausel aus Massachusetts, ander Posaune, mit seinen Baloni-Partnern, dem französischen Bratschisten
Frantz Loriot (kein Künstlername!) und dem Kontrabassisten Pascal Niggenkemper, der in Brooklyn Fuß gefasst hat, dem in Dänemark lebenden Brice
Soniano, einem weiteren Franzosen, ebenfalls am Kontrabass, dem GitarristenNico Roig aus Barcelona und Seán Carpio aus Dublin an den Drums. Dem
bunten Völkchen entspringt und entspricht so eigenartige Musik wie das dunkle'Preacher', ein klösterliches Responsorium, das von den Kontrabässen
bestimmt wird. Bei 'År Antiphon' verblüfft Carpio, wenn er da als SingerSongwriter mit hoch gepitchter Stimme "The grip of inadequacy brings us
down" anstimmt, und das Orchestra grundiert dazu nur ein Rauschen, dasmehr und mehr anschwillt zu einem tobenden Zeitkratzer-Furor, in dem der
Sänger untergeht. Ein bedächtiges Gitarren-Intermezzo führt zu 'Iron Bird' mit
gezupftem Kaktus, plinkender und tickender Spieluhr, rumorendem Pochen undirrlichternden Violaspritzern. Bei 'Lover' singt Badenhorst talkboxverquäkt
Poetry von Erik Heestermans, Drummer bei Sheldon Siegel. Die Posaune bläst
dazu die etwas trübsinnige Stimmung. Und blubbert und stöhnt auch, wenn
'Crazy Wind Laid Down' schleifend, sanft dröhnend, rappelnd, fauchend undquietschend ein gespenstisches Ambiente andeutet, mit von Wind umschrillter
Geisterorgel, gurrendem Saxophon, knarrenden Bässen und einem bluesigen
Tenorsax, das, ganz abgekehrt vom bruitistischen, zuletzt Alarm schlagenden
Andrang, wie für sich singt. 'Feet History' bettet melancholisch gefingerte
Gitarre und harmonisches Posaunenmoll zu einem E-Bass-Puls auf die
Postrockseite des Lebens. Und den Abschluss macht 'Fremdenzimmer', dasauch schon Thema bei Balonis Debut gewesen ist. Zu schnellen Sekundenschlägen der Gitarre und matt pochendem Drumming blasen die Bläser
Trübsal, und ein Sänger beklagt zusammen mit einem Katzenjammerchor, dassdie Party nur noch in den letzten Zügen liegt, im Kleinen wie im Großen.

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ROBERT DICK - URSEL SCHLICHT The Galilean Moons(Nemu Records, NEMU 017): Good science fiction is notabout rockets and robots, but about people in very
different circumstances from what we know. Diese
Definition von SF ist zu treffend, um sie nicht zu zitieren,auch wenn es nicht Philip K ist, der da spricht, sondern
der New Yorker Flötist Robert Dick. Um "Worlds of If" geht
es, wie 1994 sein Leo-Album mit Ned Rothenberg hieß,seinem Partner auch in New Winds. Vor der kleinen
Jupiter-Suite mit den Galileischen Monden 'Io', 'Europa','Callisto' & 'Ganymede' läuft Dick aber erst mal bei'Tendrils' mit Glissando Schlittschuh, rasant umwuselt vonseiner langjährigen Partnerin am Piano. Nach "Photosphere" (2005) ist das die zweite Scheibenwelt des nacheinem Jahrzehnt in der Schweiz nach NY Heimgekehrten
mit der Pendlerin zwischen NY und Kassel, die sich imStatements Quintet (mit Hans Tammen) einst selber schon'Angry Aliens' gestellt hat und mit The Implicate Order auf"Sound Quest" ausgezogen ist. Wie schön glitcht sie da im
Innenklavier umeinander, während Dick seine Kurven
zieht und wie mit Kastagnetten klappert. 'Sic Bisquitus
Disintegrat' mit seiner zwischen ostinatem Stakkato
schnörkelig tutenden Bassflöte ist eine Reminiszenz an
Dicks Schweizer Jahre, in denen er nicht nur mit Oscura
Luminosa gut gerüstete Kammermusik fabrizierte,sondern mit dem A. D. D. Trio (mit Steve Argüelles &Christy Doran) schon 2000 vorgemacht hat, wie der Kekskrümelt. Schlicht spielt bei 'A Lingering Scent of Eden' mit
der Vorstellung, die Alan Wiseman in "Die Welt ohne uns"
entwickelt halt, einem Vogelparadies, das kein Sturm soerschüttern kann wie 'wir'. 'Io' wird zu perkussiven und
Bassregisterschlägen oder federndem Innenklavier mit
schmauchender Bassflöte als impulsiv und vulkanischgeschildert, 'Europa' mit fauchender Pikkoloflöte und schleifendem
Glissando als eisige Zwergin. Mit
heftigen Punches und spitzem
Picken deutet Schlicht an, woher'Callisto's und 'Ganymede's Einschlagkrater herrühren, Dick suggeriert mit langen Altotönen die
Milliarden Jahre alte Erstarrung
der Mondin und mit kauenden, murmelnden und klapprigen Lauten die
Vergreisung ihres dunklen Vetters.
Zu Kontrabassgeflöte zitiert Dickbei 'Dark Matter' genüsslich aus
Nonsensetexten, wie sie Spammails anhängen. Bleibt noch 'Life
Concert', das einesteils quirlig schillert und andernteils
dunkles Plonking einer indischen Quasi-Raga unterjubelt,
die dabei von Bluesiness zu rhythmischem Zischen
entgleist. Als Sonic Fiction getarnt, kann man sogar mir
Flötentöne beibringen.
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MARK DRESSER / NICOLE MITCHELL / MYRA MELFORD / MICHAEL DESSEN
Virtual Tour: A Reduced Carbon Footprint Concert Series (pfMENTUM,PFMDVD094, DVD): Ist das eine mögliche Zukunft von konzertantem Miteinander? Ein telematischer Rapport via Internet2? Hier haben wir erstmal dentranskontinentalen und transatlantischen Zusammenklang eines Chamber JazzQuartetts an der University of California in San Diego, nämlich desKontrabassisten Mark Dresser, der Flötistin Nicole Mitchell, der Pianistin Myra
Melford und des Posaunisten Michael Dessen, am 5.4.2013 mit Marty Ehrlich(Altosaxophon & Bassklarinette), Jason Robinson (Tenorsaxophon & Altflöte)
und Bob Weiner (Drums) am Amherst College, MA und am 6.4., weniger jazzigmelodiös und bläser-dynamisch, dafür neutönerisch gewagter, mit dem Flötisten
Matthias Ziegler und dem Drummer Gerry Hemingway am Institut fürComputermusik und Technologie in Zürich. Am 7.4. folgte das virtuelle 'Stony
Brook Concert' mit Jane Ira Bloom am Sopransaxophon, Ray Anderson an derPosaune, Min Xiao-Fen an der Pipa und Matt Wilson an den Drums, die am
Simons Center for Geometry and Physics unter Sarah Weavers Conduction
zuerst mit Doug Van Nort am Laptop deren halbstündige 'Universal Synchrony
Music: Volume 1' aufführten, gefolgt von Dressers 'SubTeleToning' und 'Telepathology' von Mitchell. Nun sind die - vom X-WiN mit seiner TerrabitGeschwindigkeit zwar schon wieder weit übertroffenen - 10 Gigabit/s des G-WiN
bislang noch für Jedermann Science Fiction. Aber sich so lichtgeschwind via
heißem Draht und Bildschirm nahezukommen, um derart komplexe und vitale
Musik zu spielen, das ist schon ein Clou, auch wenn unsere Vier im 'ZurichConcert' nur auf geisterhafte Mitspieler außerhalb des Bildrahmens starren.
Unabhängig davon schürt dieses kommunikationstechnische Faszinosum bei
mir aber nur wieder die nach wie vor simple Vorstellung, dass Musik, in der diebeschleunigte Avantness der kommunikativ-medialen Wissenschaften und derphysikalisch-technologischen Ingenieurskünste widerhallt, die allgemeinste undselbstverständlichste wäre. Statt der Flucht aus der Zeit als chronischem
Symptom für das Unbehagen an der Gegenwart gerade bei denen, die den
Turbo am rasen halten. Was wir hören in dieser knappen Stunde der AmherstVerbindung und den beiden guten Stunden der Zürich- und Stony BrookConnections ist mit erstklassiger Jazz Composer's Third Stream nur schmählichgrob angedeutet. Hemingways '3 Stories' sticht hervor durch das Storytellingvon Melford, Mitchell und Hemingway selbst. 'SubTeleToning' von Dresser ist
das einzige Stück, das in einer Zürcher und Stony Brooker Version zweimal
angegangen wird. Mein Favorit ist Weavers phantastisch grummelnde Ghost
Trance Music als dröhnender Space-Trip unter chinesischer Flagge. Meinhöchstes Lob gilt aber Dresser als über all die Jahre hinweg im Spiel mit
Braxton, Berne, Douglas, Eisenstadt, Fujii, Ostertag oder Zorn geschätztem
Spezialisten für Strange Mathematics und Starmelodics, der hier sein ganzes
Netzwerk mobilisiert: Mitchell als jüngste Bekanntschaft (von Eisenstadts"Golden State", 2012); mit Dessen spielte er "Lineal" ein (2006); mit Melford &Matt Wilson bildet er das Trio M; mit Ziegler stimmte er "Marsyas' Song" (1992)
an; mit Hemingway gehörte er zum berühmten Braxton Quartet der Mitt-80er, zu
Hemingways europäischem Quintet Anfang der 90er und zu seinem New Yorker
Quartet mit auch Ray Anderson, den Dresser seit 1975 kennt; mit Bloom hat er
Silber geschürft und gepollockt und bildet er die Ensembles Atlantic PacificWaves und SLM, denen auch Min Xiao-Fen angehört. Ihr Gesang und ihre
delikate Chinoiserie machen zuletzt 'Telepathology' zu einem ganz besonderen
Blues, der unter den klangwebenden Fingern von Weaver über Turbulenzen
hinweg ständig die Gestalt wechselt, himmelhoch aufsteigt und schließlich
maunzend Ruhe findet. Mit und über alle technische Innovation hinaus ist das,mit Dressers Worten, "a labour of love", die, durch den Aufwand durchausgesteigert, darin gipfelt, ganz in der Musik aufzugehen.
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WERNER HASLER the outer string - OUT (Everest Records,
er_cd074): Ich hoffe, nicht ganz falsch zu liegen, wenn ich indiesem Berner Trompeter & Elektroniker einen Geistesverwandten
von Jon Hassell und N. P. Molvær zu erkennen meine, der sein
eigenes Lied von möglichen Welten anstimmt. Er ist bekannt fürden Elektro-Jazz mit Manufactur und für ein Trio mit Karl Berger &Gilbert Paeffgen. Mit der palästinensischen Sängerin & OudSpielerin Kamilya Jubran bringt er einem zudem in Wanabni und
WASL moderne Poesie aus dem Irak, Syrien, Jordanien, Marokko
und Israel nahe. Aber diese Weltoffenheit ist nur die Spitze einer
genuinen Offenheit, die ihn mit OUT dazu verlockt, aus der
Schutzhülle der Kammermusik herauszutreten. Im Trio mit dem
Cellisten Carlo Niederhauser und den Drummern Julian Sartorius,
Christoph Steiner oder Franck Vaillant lädt er ein, sich vonspatialer Klangpoesie einfangen zu lassen, gestreift von Verkehrsgeräuschen, von Vögeln umzwitschert, bei 'Moostier' umsummt
von Hummeln und von rhythmischem Stakkato nach Spanien
teleportiert. Dazu ist 'Sepoutobahn' ein Trio mit zwei Cellos, eines
davon col legno, beide rhythmisch schrammelnd und dadurch
streckenweise nicht ohne Beat. 'Voie Mazas' geht am Seineufer
nahe der Pont d'Austerlitz einen schleppenden Gang nur mit
Vaillant, einem tollen Typen, der einst bei Chamæleo Vulgaris
trommelte, der mit Pearls Of Swines Songs von E. A. Poe progrockt
und hier bei jedem Holzbeinschritt klingelt und raschelt und auch
bei 'Blumenstein' einen hinkenden Beat klackt. 'PaulBert' ist ein
Tête-à-tête mit dem Cellisten Vincent Courtois, der sich peu à peu
grandios eingroovt und Hasler dabei mitnimmt. Hasler bläst einensamtigen Ton, der sehr innig mit dem Cello harmoniert. Die Drums
bleiben zu diesen tagträumerischen Lyrismen jedoch temporeich
und animiert klopfend am Puls der Zeit, bei 'HAC' federt Steiner
sogar gegen den elegischen Cellostrich und Haslers wehmütiges
Zirpen. Bei 'Engländerbau' kommt zu ähnlicher Wehmut und gegenden Strich der Zeit ein
Steintroll knarrend daher, dieDrums klackern ausgeleiert,jeder Schritt macht einen
Tubaton. Das Sketches of
Spain-Finale ist dann fast ein
Requiem für einen Torero (odereinen Stier), ganz Moos undMoll, mit Falkenschrei in der
Luft und Fliegen, die den
Kadaver umschwärmen.

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LARGE UNIT Ana (PNL Records, PN033): Oh ja, das ist large, extra large sogar.
Doppelt Schlagzeug, doppelte Brasil-Percussion, zwei Bässe, dazu mit zwei
Tubas, Posaune und Trompete volle Kanne Blech, Reeds gesplittet in Alto und
Bariton, plus Gitarre und Electronics. Ein Urtyp dafür ist sicher Frode
Gjerstads Circulasione Totale Orchestra, wo PNL selber seit 1992 mittrommelt,
ebenso wie bei Mats Gustafsson & Nu-Ensemblen und bei Ken Vandermarks
Territory Band ab der Version 3. Ich entdecke mit Per Åke Holmlander an der
Tuba nur ein bekanntes Gesicht, Andreas Wildhagen und Christian Meaas
Svendsen bilden die Rhythmsection von Nakama, Jon Rune Strøm spielt neben
PLN auch Bass im Frode Gjerstad Trio und beim Nu Ensemble, Børre Mølstad,der andere Tubist, ist ebenfalls gjerstadifiziert, sowohl total wie auch in The
Cabinet Trio, Tommi Keränen macht mit Lasse Marhaug Krach als Testicle
Hazard, Mats Äleklint bläst die Posaune bei Angle, dem Fire! Orchestra, bei"The Cherry Thing" und All Included, da mit Strøm und dem Trompeter Thomas
Johansson, der wiederum mit Strøm in Friends & Neighbors jazzt, während
Julie Kjær, ja, es gibt tatsächlich eine Frau, in Saxoctopus saxt; Célio deCarvalho ist in seiner zweiten Heimat die erste und beste Adresse für BrasilBeats. Paal Nilssen-Love ging mit dieser Truppe 2013 an den Start, wie "First
Blow" (PNL021, EP) bezeugt. Die "Erta Ale"-Box (PNL025) brachte Livemitschnitte von einer Norwegen-Tour Ende Januar / Anfang Februar 2014 undvom Moers Festival im gleichen Jahr. Und "2015" (PNL030) dann das Konzert
am 28.6. in Seattle. Da gehörten schon 'Ana' und 'Circle in the Round' zum
Programm, während 'Riofun' vom 7.5.2015 im Bimhuis in Amsterdam her
bekannt ist (PNL027, EP). Diese drei Stücke wurden am 14.8.15 im Rainbow
Studio in Oslo in optimale Regenbogenform gebracht. Wildes, mit Zuckerhutgroove versüßtes Getrommel ist das Alpha dieser Blasmusik, das O bescheren
die feurig züngelnden Bläser, die PNL zu grandiosem Swing anstiftet, in einer
stachelschweinischen Balance aus zügiger Form und narrenfreien Eskapaden.
Bei 'Ana' schrappelt so die Gitarre vor scharfen Zacken der Bläser, oder es
quäkt ein von einer Tuba umhummeltes Altosax vor geschüttelten Rasseln undder von Paulinho Bicolor quietschend geriebenen Cuíca, die aber von Keränen
zu rollender Snare und zischenden Becken kinderspielerisch angegiftet wird.
Der Noise mündet in bummelndes Gebläse, das sich jedoch fürs Finale
zusammennimmt. 'Riofun' beginnt mit dem hackbrettähnlichen Groove eines
Berimbau, das Kollektiv fällt trötend und rappelnd ein, dämpft sich aber zu
einem mikrosomen Bläserloop und Tubagegrummel, dessen Strahlenwerte
Keränen misst. Die Trompete neckt und macht die Tubabüffel närrisch,
Glissandos kurven zu dumpfen Schlägen und sirrendem Noise. Die prickelnde
Gitarre trifft dann aber schon auf einen aufgekratzten Beat, treibendes
Bläserstakkato und Cuíca-Gerubbel. Abgelöst von gequetschtem Alto undträgem Pizzikato, von Tuba-Electro- und Cuíca-Posaune-Mätzchen, vonBläsergrowling und einem Bitter Funeral Beerband-Swing. Knüppelnd
geschürt und von Noise attackiert, bleiben die Bläser doch locker, wenn auchzunehmend feuereifrig auf Kurs. Lassen aber zuletzt Luft für ein zartes,
brummeliges Diminuendo. 'Circle in the Round' feiert die norwegischbrasilianische Hochzeit mit äffischen Cuíca-Lauten und Tubagebrumm. Die
Trompete kommt keckernd hinzu und Samples vom Kinderkanal, eine Flöte
beginnt mitzuschubsen, die Posaune schwelgt versonnen. Mit E-Bass, Tuba
und Besenshuffle kommt das Ganze in Schwung, die cuíca-bequiekte Trommelund Bläserphalanx schwillt groovy an, mit beklappertem, beschrappeltem undumsirrtem Baritonsax geht's hoch über den Pass. Die fröhliche Flöte und ein
klackendes Trommelchen leiten über in eine versonnen-entspannende
Bläserbrise, mit der die Musik quasi verdunstet. Prächtige Musik, wie von einer
etwas dunkleren Doppelsonne zum Exploding Star Orchestra, mit noch etwas
mehr Rio und nicht weniger Fun.
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TOBIAS MEIER Interesting (Wide Ear Records, WER019, 10"): Von
experimentellen Ereignissen ist da die Rede, von organischer
Matrix, mikrophonierten Innenwelten, mikroskopischen Gedanken.
Einerseits ist das von dem Zürcher Saxophonisten ausgestaltet zur
9-teiligen A-Seite, mit Multitracking, atemhaltigen Drones, mit
Zwischenschüben aus dem Picking und den Strichen der Viola, desCellos und des Kontrabasses der Kollegen Frantz Loriot, Silvan
Jeger und Dominique Girod. Beginnend als flotter Chor, dannpizzikato, anschwellend als massiver Drone, sanft dröhnend aus
mehreren Hörnern, mit klackenden Schlägen eines eigenartigen
Webstuhls, der sogar gegen den Strich webt, mit dunklem Trillern,einem hell überwölkten Dröhnen wie von rumorendem Innenklavier,ein- uns ausatmenden Bogenstrichen, luftigem Fauchen undPfeifen. Und andererseits als eine solistische, wie zirkularbeatmet
tuckernde Dauerwelle, ein fingerbetrommeltes Tamtam, das wieüber eine Wendeltreppe trappelt, sich klickernd dreht wie eine
DNA-Doppelhelix aus perkussivem Puls und pulsierender Mund-zuMundstückbeatmung. Da hat einer sehr schön versucht, demLabelnamen Ehre zu machen.
NULLSTELLENSATZ (Gazul Records, GA 8863): Neu ist relativ.
Diese Musik (von 2013) ist mir neu genug und enthält sogar ein
Stück, das so heißt. Doch was kennt und weiß man schon, wenn
man jemand zu kennen oder etwas zu wissen meint. Ich weiß z. B.,
dass Bernold Delgoda mit Silencio ambientes Schlafpulver verstreut. Hier jedoch trommelt er geradezu Mr. Hyde-mäßig verwandelt, von Silencio bleibt nur das bisschen Deutsch (allerdings
sind Sehnsucht, Grünezeit und Egoistischer Traum dabei ebenfalls
verwandelt in Hilberts Rätsel der Mathematik). Wie Julien Abraham
an der Gitarre spielt er zudem Synth & Electronics, was aber nicht
gleich hörbar wird. Da schruppen und knattern sie schroffen Jazzcore im Freistil von Lean Left (also wie die Ex-Äxte + Paal NilssenLove). Ganz anders der zweite Teil von '+/- ∞', dessen getragener
Ton ganz von der feierlichen Ruhe von Jean-Pierre Soarez undseiner Trompete bestimmt wird. Dem Klang, der Art Zoyd von "Art
Zoyd 3" (1975) bis "Le Mariage Du Ciel Et De L'Enfer" (1985) entscheidend mitgeprägt hat. Hier zeigt Soarez sich als ein Freispieler,
der nach dem feierlichen Moment gleich wieder, als ein anderer
Bernard Vitet, impulsive und noisebespotzte Ruppigkeit befeuert
und erneut zu leicht elektrifizierten Strichen wechselt ('Lines'), nur
um dann umso flackernder zu krakeln, während Abraham und Delgoda einen mit Fäusten malträtieren ('Iso'). 'Quanta' bringt rauschende Percussion, gequetschtes Trompetenkirren und eine insistierend flatternde Elektrowelle. Bei 'Zéro' lässt Abraham knurrigen
Gitarrennoise anbranden, Delgoda klopft und drischt brachial, die
Trompete aber übertrillert diese Infernalik noch und kontert
Abrahams Hiebe und Schnitte mit stechender und bohrender
Giftigkeit, bevor purer Noise alle Aktivitäten lahmlegt. Während
man sich noch Minuten danach nur mühsam wieder sortiert, setzt
unerwartet nochmal sanft betupftes Gedröhn ein für etwas
Ambientes der dunklen Art. Soarez bläst dazu gedämpfte undgezogene Töne ins Halbdunkel, klagend und quäkend übersteigt er
das Gonggewummer und das drahtig klopfende und schleifende
Rumoren, bis er zuletzt wie erstickt mit untergeht in die Stille.
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OREN AMBARCHI / STEFANO PILIA /MASSIMO PUPILLO Athein ( K a r lrecords, KR023, LP): Wo Glanz ist, da
ist auch Feuer. So darf man sich, somuss man sich vorstellen, was sichzwischen 'Burn' und 'Shine' abspielt,
wenn diese drei da je seitenfüllend 180
g Vinyl durchschmoren. Zwei Gitarren,
Pupillo mit der Bassgitarre nicht im
gewohnten Zu- oder Hairy Bones-Furor,
sondern ebenfalls gedämpft zu dröhnminimalistischem Schweb- und Schwelklang. Der dann freilich nach 8 Min. sosein Feuerzungen-R rrrollen lässt, dassda ähnlich finstere Schauerwolken sichzu ballen beginnen wie bei Pupillos
infernalischen Trips mit Original Silence oder Black Engine. Gipfelnd inkakophonen Verzerrungen, die sichallerdings nicht gewittrig entladen,
sondern sublim entspannen. Für 'Shine'
wechselt Ambarchi zu klackenden
Becken, der Groll-Faktor ist von Anfang
an hoch, der Duktus zerrend undbrausend. Als wären die ersten 12 Min.
nur das Vorspiel gewesen, um sich fürdiese epischen 20 Min. vorzuglühen.
Die Basstrommel pocht, die Saiten
knarren, die kakophone Intensität zehrt
ebenso von fiebrigem Geheul wie vonrauem Rumoren und dem dreschenden
Drumming, das Ambarchi jetzt noch mit
kantig klappernden Ölfassschlägen
interpunktiert. In der 13. Min. scheinenaber auch hier die Gitarren über dem
Berg, die Luft wird wieder transparent,
das Drumming flockig, treibend, Pilia
biegt die Saiten und erzeugt schwankende Wellen. Aber Pupillo schnarrt
schon wieder und zerrt mit Bassturbo
die Gitarre auf einen zweiten Top-ofthe-World-Gipfel, auf dem Pilia, stramm
betrommelt, sein Licht leuchten lässt.
Bis zum Übergang von der Luv- zur
Leeseite. Starker Tobak, kann ich danur sagen. Und soll auch keiner
denken, Pilia hätte dafür nicht die
rechte Standfestigkeit. Er hat als Holy
Sailor schon auf Last Visible Dog denWinden getrotzt und bei seinem "Blind
Sun New Century Christology" im nächtlichen Garten Getsemanhi den Grillen
gelauscht, den wirft nichts mehr um.

PETER A. SCHMID Chicago Conversations (Creative Works Records, CW1061): Schmid ist ein alter Bekannter
durch September Winds und schöne
Einspielungen auf Creative Worksund Leo Records. Dieses Wiederhören verdankt sich seinem Gastspiel mit Keefe Jackson's Likely So,
einer transatlantischen Blaskapelle,beim Jazzfestival Chicago 2014.
Schon mal vor Ort, entstanden auchdiese Duette mit den Drummern
Michael Zerang und Frank Rosaly,
mit Jackson, dem Kornettisten Josh
Berman, dem Posaunisten Nick
Broste, dem Klarinettisten Wacław
Zimpel und dem Bassisten Albert
Wildeman sowie einige Trios. Schmid
knarrt dabei mit Bass- & Kontrabassklarinette und bläst Baritonoder Sopraninosax. Zerang interagiert mit urigen Schab- und Kratzgeräuschen, die bisweilen ebenfalls
als wie geblasen verblüffen. Die
webern-kurzen 'Clarinetrios' mit
Jackson an der Bass- und Zimpel an
der Altoklarinette kommen ähnlich
wie das klarinette Helldunkel mit
Zimpel dagegen euphon daher undstellen den geräuschhaften Tricks
Feeling und frische, vollmundige
Klangfarben an die Seite, ohne sichlaunig-komische Töne zu verkneifen.
Die Percussiontrios bestechen erst
durch vierhändigen Klingklang zu
Schmids tiefgründigem Gründeln undkontrastieren das dann mit Sopranogepixel und spitzen Kratzern. Wildeman fügt zu Zerangs Rumoren undKontrabass geknarrt Kontrabass
gestrichen. Den windigen Brassclashes und Tiefenbohrungen mit
Kornett bzw. Posaune folgen drei
Saxologien mit Jackson, die mit
gutturalem Bariton bzw. trillerndem
Sopranino den Zusammenklang ausreizen mit dessen Tenorsax. Mit
Wildeman kostet Schmid dann nochdas abyssale Allerleirau zweier Kontrabasslagen aus, bevor Rosaly beim
finalen 'Drum 'n' Bass' nochmal
stupende Bassklarinettistik begongt,
betickelt und betockt.

39Torben Snekkestad (Copenhagen)Fast möchte man den aus Norwegen stammenden Saxophonisten, der seinen
Lebensmittelpunkt in Copenhagen hat, für ein Chamäleon, einen Polystilisten
halten. Wahrscheinlicher jedoch mag er seinem Spiel einfach keine
künstlichen Grenzen ziehen. Warum sich einschränken, wenn man doch mit
Oslo Sinfonietta und mit dem Danish oder dem Copenhagen Saxophone
Quartet Bach, Scarlatti und Neue Musik machen kann, mit Tri Ó Trang oder
Hasse Poulsen NowJazz und mit Søren Kjærgaard & Thomas Strønen (als The
Living Room) oder im Freispiel mit Barry Guy (auf "Slip, Slide & Collide",2014) Sachen, für die einem schon mal die Worte fehlen können? Snekkestad
ist jedoch nie mit seinem Latein am Ende, und mit Winds Of Mouth(ILK250CD), Plateau (ILK251CD) & The Reed Trumpet (ILK252, LP) entfaltet
er "The Poetics of a Multiphonic Landscape" in einer Fülle und Tiefe, die Arve
Henriksens "Solidification"-Sphäre nicht nachsteht. Die Trilogie setzt jeweils
eigene Akzente, zuerst im Multitracking von Snekkestads vollem Klangfächer
aus Tenor- & Sopranosax, Reed- & Slide Trumpet, Clarinet und Water bowl,dann im Freispiel nur mit Soprano- & Tenorsax. Und schließlich im
besonderen Faszinosum einer Trompete, die (nach einer Idee von Eddie
Harris aus den 70ern) mit einem Reedmundstück angeblasen wird. Dieser
Hybridklang zusammen mit der trompetistischen Slidemikrotönung und dem
Spektrum der Spaltklangfarben, die den Vergleich mit Henriksen nahelegen,lassen jedoch schnell alles um sie herum vergessen. Snekkestads Schemen,seine Luftspiegelungen, üben ihren eigenen Reiz aus, der rein lautmalerische
Fassungsversuche so übersteigt, dass sich unwillkürlich synästhetische
Vorstellungen einstellen. Snekkestads eigene Metaphorik bringt mit 'April
Flourish' den wetterwendischsten Monat ins Spiel, mit 'Winds of Mouth' das
Klagen und Schmusen von Wind und Windsbraut, die auch schon bei 'South
Abyss' gefaucht und gehaucht haben. Statt etwas Südlichem tauchen
Nordwind und Polarlicht ineinander, eisiges Feuer, glühendes Eis. 'Harbor
Cry' besticht als Tumult im Wasserglas mit zischenden und ploppenden
Lauten, mit der schnarrenden und girrenden blauen Farbenspiel eines CarlHenning Pedersen, mit einer maritimen Phantastik, die Snekkestad zuletzt
nochmal wie mit Schneckentrompete anfacht. "Plateau" bringt mit dem evanparkeresken Spaltklangmanifest 'Periechon' - griech. für: das Umgebende,
Umschließende, der Raum, die Atmosphäre, die Luft - einen gelehrt
schillernden Hinweis. Fehlt nur noch das Diaphane in seiner schwer zu
fassenden farblosen Farbigkeit, die das Soprano bei 'Stellar Droplets' ausden Flammenschalen des heraklitschen Firmaments schlürft und flammenzüngelt. Andere knabbern am gelben Klang, Snekkestad leckt an durchsichtigen Klängen und schleift sie wie mit Flötenhauch noch diaphaner. Wie
mir das tenoristisch mundgebrütete 'Sulphur Harmonics' anzudeuten scheint,
handelt es sich dabei insgesamt um eine sanfte Form von Alchemie. Aber das
Beste kommt noch mit der lyrischen Folklore imaginaire der SchilfrohrTrompete, im Wechsel mit rauen Rufen und gepresstem Sirren, derenwindschiefe Frequenzen in ihrem faunischen Freimut stiller Einfalt undapollinischer Norm spotten. Kentaurisches Schnauben wälzt sich mit
schrillem Kirren in verzerrter Kakophonie. Snekkestads Tröte scheint Risse
zu haben, aus denen Missklänge platzen oder ein dünner Klangfaden quillt,
das Blech flattert mit dem Rohrblatt und gibt unwahrscheinliche Töne vonsich, feucht-dunkle und hell aufflammende. Zirkularatmung presst dissonantes Vibrato hervor und wellt seltsam kleinlaute oder auch hoch gepitchte
Vexationen. Snekkestad in seine Klangsphäre zu folgen, wird reich belohnt
mit einer Fülle zugleich bizarrer und archaisch naturbelassener Reize.
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YVES THEILER TRIO Dance In A Triangle (Musiques Suisses, MGB Jazz18): Zuletzt sahen wir den Schweizer Pianisten, wie er sich vom
Ställeausmisten und Chimärenjagen ausruhte und tagträumerisch aneinem Grashalm kaute. Als letzte Tat hatte er da mit Things To Sounds"Organism" (2013) vollbracht. Er verrät, wenn man ihn fragt, auch was
ihm da so vorschwebt: Manchmal träume ich von einer perfekten Welt,
in der jeder den anderen respektiert und die Musik dabei eine zentrale
Rolle spielt... Ich glaube fest an die spirituelle Kraft der Musik. Theiler,
Sohn eines Uhrendesigners, scheut selbst den Begriff 'Klarheit' nicht,
das apollinische Ideal am Gegenpol der Alchemisterei. An seiner Seite
spielt Luca Sisera (von Michael Jaeger Kerouac) Bass, Lukas Mantel(vom Ghost Town Trio) Drums. Und verdrehen meine Skepsis vor jedem
Klarheits-Wunsch mit 'For Bass' gleich mal in ihr Gegenteil. Durcheinen beschwingten, dabei keineswegs hermetischen Groove, in dem
sich Bass und Piano die goldne Melodie zuwerfen und Theiler mit einer
monoton gepingten Paranthese deutlich macht, wem er entscheidende
Denkanstöße verdankt: Glass, Reich, Skempton und dem Baseler'Jarrett' Hans Feigenwinter. Es folgt 'Day By Day' als elegischangehauchte Reverie, wieder mit singenden Fingern auch von Sisera.
Und auch wieder mit einer ostinaten Repetition von Theiler. Im 'Book Of
Peace' scheint das zentrale Kapitel zu lauten: Frieden stiftet man ambesten durch Grooviness und Simplizität. Wobei eine gläserne kleine
Figur der poetischen Melodik einen Schnurrbart anmalt, einen ganz
kleinen. Einmal mehr fühle ich mich in meinem Eindruck bestätigt, dass
Schweizer - wie etwa Gallios Day & Taxi oder Bärtsch's Ronin - übereine spezielle Gelassenheit und Sophistication verfügen. Was durch
kerniges Drumming und wieder kreisendes Riffing nur unterstrichen
wird. Das Titelstück ist, wen wundert's, ein Tanz, ausnahmsweise überWurlitzertasten, ein kreisendes Wirbeln, dessen afro-brasilianischen
Meme Sisera kurz mit
Cuíca-Lauten per Bogen
unterstreicht. Danach
entschleunigt das Triofür 'In A Way It's Nothing'mit Besenwischern, feingetupftem Klingklang
und stagnierenden Pianonoten. Gefolgt von'Caravan Change' mit
geklappertem MantelIntro und gut aufgelegtem, dabei cool konstruier tem Geklimper
mit diesmal einem Dreiklangkreisel und auffällig flinkem Pizzikato
zum Ende hin. 'Over
There Is Another One' schließt mit dem Wechselspiel von Noten, die
auf der Stelle treten oder linker Hand zickzacken, und rollender
Vorwärtsbewegung mit Arpeggioergüssen. In der 9. Min. weicht das
Drängerische einer flimmernden Klangwolke und nachdenklicher
Sammlung, die mit ostinatem Ceterum censeo und Trommelwirbeln
hartnäckig auf Wunscherfüllung pocht.
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SOUNDS AND SCAPES I N D I F F E R E N T S H A P E S
1000füssler (Hamburg)
In Kuala Lumpur ist Regen nichts besonderes, die Stadt schüttelt sich und weitergeht's. Hanns Eisler fand 14 Arten, den Regen zu beschreiben, GOH LEE KWANG
lässt bei seiner Musique concrète Radio Station EXP (1000füssler 028, 3" mCDR) den Regen nicht ganz so vieltönig rauschen und zischeln. Schon noch als
Regen, aber auch als Farbstoff eines Grau in Grau, das erst ins Stottern gerät,
und dann verstärkt zu schiffen beginnt als ein in ein Metallfass gelenkter
Sprühstrahl. Einem druckvollen Aufbrausen folgt wieder das flauere Rauschen
und Zischeln des Anfangs, als gedämpfte Folge kleiner Impulse, die in
hintergründiger Präsenz changieren, zunehmend unbemerkt, wenn man im
Trocknen sitzt. Erst wenn nach 20'26" Stille einkehrt, hebt man den Kopf. Regen
kommt, Regen geht. Der obligatorische Aufdruck "Rauschen kann tödlich sein"
verspricht auch diesmal mehr als er halten kann.
SIMON WHETHAM ist als einer bekannt, der die drei Parameter der Soundart
Space, Time und Sound als die Welt um uns herum begreiflich zu machen
versucht. Mit Contrivance (1000füssler 029, 3" mCD-R) präsentiert er eine
Versuchsanordnung oder Erfindung, bei der man als Time 22'40" eintragen kann,aber auch "wenn unheimliche Geräusche einem keine Ruhe lassen". Ort ist
nämlich 'unten', 'am Ende der Treppe'. Von dort dringt, und das wäre der Sound,ein ominöses Rumoren herauf. Ein bohrendes Dröhnen und leises Klappern, eineisenhaltiges Hantieren und hohles Vibrieren. Erst vorsichtig oder sich
entfernend. Aber dann rollen sogar Rollwägen, mit lautem metallischen Zerrenund Scheppern, das zuletzt wieder in die Tiefe und Stille absinkt. Wie der Spukeiner alten Mine als kleine Geistergeschichte für die Ohren.
YAN JUN machte in Peking Musik On 3 Pipes (1000füssler 030, 3" mCD-R). Nicht
mit Pfeifen, sondern mit Wasserhähnen. Die tropfen und ticken wie Sekundenzeiger, geraten ins Stottern, wuseln wie Tausendfüßler, glucksen und wispern,fangen sich wieder als Uhr oder für einen kleinen Beat, ständig changierend im
Tempo. Dazu dröhnt ein feines Surren. Im zweiten Track sind wir dann in derWasserleitung und deren vibrierendem Stop & Go. In einem Moment druckvoll
präsent, im nächsten beinahestill als fernes Funkeln an der Hörschwelle. So
mehrfach an und aus. An: Ein mahlendes, pulsierendes Metallic-Vibrato. Aus: Ein
ferner Nachhall. An. Aus. Plötzlich klingelt ein Telefon. Will uns das Wasser eine
Botschaft schicken?
Um in Santiago ihre Komposition Roshambo (trio) (1000füssler 031, 3" mCD-R)
aufzuführen, bat das Genfer Duo DIATRIBE den Chilenen CRISTIÁN ALVEAR
dazu, dessen Wandelweiser-Gitarre durch seine Performances von Beuger,
Duplant, Lucier und Pisaro ein Begriff ist. D'incise spielt Laptop, Cyril Bondi
Percussions & Objects, um einiges insubordinärer als mit Plaistow. Nämlich mit
monotonem Tamtam, leisen Klangschalentupfern, Schabklängen und längeren
Pausen zu einer Reihe von Dröhnwolken und schwerelosen Wummerklumpen.
Die in eine leichte Unschärfe getauchte Klangfolge wechselt lediglich in der
Schattierung, Tempo und Lautstärke bleiben lange gleich schwach, gleich sanft
und gelassen, bevor Bondi fein pochend die Schlagzahl doch auch mal erhöht.
D'incise blendet Alltagsgeräusche mit ein, die Gitarre bleibt immer nur
Dröhnquelle, der Duktus atmend, beruhigend, besänftigend. Ich finde sowas
immer eher beunruhigend.
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Aagoo Records (New Jersey)
Dass ich auf D.ego Martínez bei "Incognita" (AGO 066) stieß, einer Kollaboration mit
seinem Bruder Israel und mit KK Null, ist bezeichnend, ich habe von der Lebenswelt,
die einen Teenager im mexikanischen Zapopan dazu bewegt hat, mit "Comiendo
Algodón En La Pista De Baile" (2004) und "Shhh!!" (2009) an die Öffentlichkeit zu
gehen, Null Ahnung. Wenn er als LUMEN LAB auf They are killing us (AGO 087) nun
einen Zustand ohne Erziehung ('No education'), ohne Regierung ('Sin gobierno') und
ohne Mittel ('Sin medios') diagnostiziert, wenn er explizit vom täglichen Kampf
spricht, von Gewalt ('Force') und von Kugeln ('Balas como autos'), wenn er dazu
aufruft, aufzuwachen ('Wake up') und sich zu radikalisieren ('Radical'), dann bleibt
wenig Zweifel, dass der Alltag, wenn nicht für Martínez selbst, so doch für viele seiner
Compadres kein Knuspermüsli ist. Um den Erregungszustand zu suggerieren, lässt
Lumen Lab heftiges Drumming mit brausenden Synthiewellen und wummernden
Turbinen zusammenkrachen, eine Stimme heult wie eine Alarmsirene und wie ein
Grindcorewolf. Von zischender Elektronik und Breakbeats gezerrt und gestoßen
taumeltanzt man auf einem Dancefloor aus Glasscherben und rostigem Donnerblech.
Die Stimme ist die des taffen Chano, nur bei 'No education' rappt eine Frauenstimme.
Aber die kakophonen Turbulenzen sind selber schon sprechend genug, ein eisernes
Rempeln, Pochen, Hämmern, Zucken im Mensch-Maschinen-Verbund. Da gibt es bei'Sin gobierno' gabberndes Hopsasa, zu dem Chano tobsüchtig Lungenhack auskotzt.
Überdrehte Programme schreddern den Status quo, ein entfesselter Dämon zeigt,
wie Bellen und Beißen gleichzeitig geht, verschluckt dabei aber fasst die Zunge. Weraber wacht schon gern in einer Geisterbahn auf, die mit knatterndem Karacho zur
Hölle fährt? 'Force' ist nur noch sausender Flug, bis der Hochgeschwindigkeitstrip
wieder halbwegs Schienenkontakt aufnimmt, zu bocksfüßigem Tamtam undpeitschender Trompete. Eine Orgel spritzt in galoppierendem Breakcoredelirium
voran und gelangt so in den rumorenden Wartesaal von 'Paraíso', mit einem Halteton,
der dann doch wieder unter brachialen Schlägen keine Ruhe findet, unter Beifall abereinen animiert flickernden und knarzenden Groove.
Eigentlich sind INUTILI gestandene Männer um die 40, keine Teenager, die nach
Arsch&Titten gieren und in Fenstern nach nackten Tatsachen Ausschau halten. Pietro
Calvarese (guitar/synth), Danilo di Francesco (guitar/keys) und Alessandro “Abarth”
Antinori (drums) vermuten hinter dieser 'Schwäche', so deuten sie jedenfalls mit
Elves, Red Sprites, Blue Jets (AGO 090) an, ein 'Red Spider Fever', schlicht 'The
Screaming Nature' oder eine Programmierung als 'Robots' und 'Automa'. Nun, wenn
das in Teramo für ein wissendes Grinsen reicht, soll's mir recht sein. Halten wir uns
lieber an ihre krachende Psychedelik, die Screaming Meemies auf die Palme zu jagen
imstande ist. Sie können es auch ohne Bass, denn für Giancarlo di Marco gibt es
keinen Nachfolger, schlammzäh, mit Orgel und mit Gesang, trist wie bei Joy Division.
Nur um dann doch brachial zu rocken und die Gitarre wüten zu lassen. Das kreisende
Einerlei von 'On Acid Days' suggeriert einen noch träumerisch unfokusierten
Eskapismus, ein Möchtegern ohne greifbares Objekt der Begierde. Der Gesang klingt
so improvisiert wie alles andere, das sich als wuchernde, nicht auf Logik erpichte
Mantras für Shoegazer anbietet. 'Turn off the Television' zieht das Tempo scharf an
mit "Things have got to change. But first, you've gotta get mad!"-Beigeschmack.
Gefolgt von bluesig-ostinatem "I live my own life"-Trotz und einem Ausflug ans Meer.
Die Italiener unterstreichen ihre Liebe zum ozeanisch-amorphen Immersoweiter
durch ein halbes Dutzend Bonustracks, darunter das ebenfalls liquid entgrenzte'Surfing Automa' und, grandios, 'Sea Eyes'. Mehr Meer? Jedenfalls mehr schillerndes
Georgel, mehr reibeisern surrendes Synthiegebrumm oder quecksilbriges Getüpfel,
mehr Deprogesang vor einem unklaren Horizont, mehr rumpelndes Tamtam und mehr
Gitarre, geklampft oder gesägt.
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Attenuation Circuit (Augsburg)
Mir sind schon größere Ambitionen untergekommen, als die "to discover
the vast field of random noises through electronic devices." Aber daunterschätze ich womöglich den experimentellen Eros bei einem
elektrophilen Geist. Jens Rosenfeld, der sich in Darmstadt CIRCUITNOISE nennt, stellt seinen Corrupted Cloud Transmissions (ACLE 1022,
CD-R) ein Zitat von Nikola Tesla voran, dem ein neues Nachlebenbeschieden scheint, seit David Bowie ihn in "The Prestige" (2005)
verkörperte. Circuitnoise erzeugt mit Loopern und Mixern und was er
sonst noch braucht, um Elektronen zu bändigen, knatternd mäandernde
Rauschbänder mit körnig zischendem und brausend pratzelndem
Scheinleben. Wie mitten in einem Wind- oder Eiskanal ist man dem
Ansturm harscher Pixel ausgesetzt, die sich rau surrend Bahn brechen.
Es gibt leichte Fluktuationen und eine Art Pulsieren, aber keine
Atempause und nur kurz die Hoffnung, dass das Ziel des fräsenden
Monsterwurms woanders liegt, als wo wir gerade stehen. Die Titel
deuten mit 'streaming', 'data', 'memory access' und 'memory leak'süffisant an, dass solcher Noise Information transportiert und dassDaten alles andere als schmerzfrei und reibungslos zu haben sind. Alsomuss es wohl brodeln, flackern und motorisch wummern. Und nacheiner gewissen Gewöhnung befindet man sich tatsächlich in einem
Ambiente, in der eine Arbeit vonstatten geht, die nun mal sein muss.
Zeit, über die Schönheit des Dröhnens und Rauschens zu philosophieren, über die Logik von Oszillationen und die Körnung von Mustern,die sich, nicht ohne stechende Sprühkraft, in helldunkler Schattierung
voran schieben, über schweifendes Sirren und Rütteln und ein Strömen,als bestünde der Datenfluss aus Quarz. Man möchte ja fast lächeln,
dass die digitalen Rechenleistungen in ihrer lautlosen Hermetik, so
schön vergröbert und versinnlicht, sich dem Motorischen, ja sogar dem
Naturhaften anverwandeln lassen.
Hinter den Kurmaßnahmen (ACLE 1024, CD-R), die einem EIGENIDYLL
verordnet, stecken mit Tobias Schmitt (aka Suspicion Breeds Confidence) und Sascha Stadlmeier (alias Emerge) zwei altbekannte
Verfechter einer Heilwirkung des Dröhnens. Ihre Kurpackung enthält inhomöopathischer Sublimation den Sound zweier Gitarren, bei Emerge
auch etwas Bass, allerdings unter dem Neumond an David Bowies
letztem Geburtstag aufbereitet durch Processing und Sampler-Processing. Auf einer fein schimmernden Dröhnfolie wird da im Institut fürNeue Medien in Frankfurt an eine drahtige Saite gerührt, reibend oder
mit leichten Schlägen, so dass sie silbern aufleuchtet und Laute wie ein
Theremin von sich gibt. Flockige Klänge lösen sich ab und schauern
brodelig. Eine dunkle Welle beginnt zu brummen, löst sich aber auf inorchestralen Akkorden und pritzelnden Störungen. Zur sanften Erregung der Synapsen kommt also ein elektrisches Prickeln, fein genug,
um weiterhin eine träumerische Absenz zu fördern. Dann allerdings
kreuzt wie geträumte Glockenschläge kurz auch ein Funkensturm, das
Dingdong loopt aber unbeirrt weiter. Metalloide Verwerfungen, dasPritzeln, ganz verhaltene Streicheleinheiten, dezente Puls- und dunkle
Sekundenschläge als ein Beitrag zur "Phonophon"-Reihe, der inmächtigem Glockenbimbam zum Höhepunkt kommt. Mit der schnurrenden Tonfolge einer frisch entpuppten Raupe als Epilog. Kokons
werden viele gesponnen, überhaupt wird viel gesponnen.
44

2014 war nicht allein das Gedenkjahr des Großen Krieges, es jährte
sich auch das 'Futuristische Manifest' zum 100. Mal. Zu einer
futuristischen Gedenkfeier in Tilburg trugen am 16.4.2014 auch Roel
Meelkop & Frans de Waard ihren Teil bei. Früher hießen sie Goem,dann Zèbra und nun WIEMAN, wobei sie sich bei dieser Gelegenheit
noch mit Jos Smolders verstärkten, ihrem alten Kumpel aus THU20Tagen. Ihr Alive Futarist Minifesta (ACU 1005 / Korm Plastics, KP
3062) entfalten sie vor einem Panorama aus Méliès' "Reise zum
Mond", Fritz Langs "Metropolis" und Umberto Boccionis "Formeuniche della continuità nello spazio", aus Courrèges-Kleidern,
Designerstühlen, Henry Moores 'Large Interior Form', Fassbinders"Welt am Draht", Sun Ra mit seiner Sonnen-Monstranz und George
Clinton als 'Star Child'. Dem entspricht auf der Klangebene eine
Zeitreise von Russolo über Industrial bis zu Afro Futurism. Eine Sonic
Fiction, die intonarumorisch und mechano-motorisch pocht, schnurrt
und sirrt, als Klangmaschine, die tinguelyesk federt und klappert.
Einem drahtigen Loop folgt um Jahrzehnte jüngeres Electro-Tamtam
mit Scratchingeffekt und der Computerstimme von HAL 9000: My
mind is confused. I know I've made some poor decisions recently.
Loops, Repetitionen, Beats, alarmiert, zwitschernd, technostumpf,
hochfrequent forciert bis zum weiß rauschenden Düsenbrausen. Dasabreißt für ein wieder primitives Klopfen mit Morlock-Aura und einem
Herzen, das bis zum Hals schlägt. Aber auch das bleibt Beat, wird
Groove, klappernder und schnurrender Maschinengroove. Zu dem
sich Phantomgesang wie von den Sirenen einstellt, jetzt zu
rauschenden Verschleifungen. Ein Stürmen, das Beat und Gesang
verweht, dann aber selber sich rhythmisch zu wellen beginnt. Ein
Kreisen und Brausen, das den Gesang in seinem Mahlstrom mit in die
Höhe reißt und in seinem dramatischen Vorwärtsstürzen die
Hitzeschilder aufglühen lässt. Bleibt, mit fast so etwas wie einem
benjaminschen Schauder, die Frage, ob Zukunft doch noch einmal
etwas anderes sein kann als der Nachhall des Vergangenen? Am 22.3.
war übrigens Frans de Waard als Modelbau in der Frankfurter"Phonophon"-Reihe zu hören. Ich möchte wetten, so zukunftsgelassen
und heringsschnauzencool, wie man in der Soundwelt den
unverwüstlichen Niederländer kennt.

De Italiaanse componist Russolo, de schrijver Marinetti en de schilders Carra, Boccioni en Severini

45Die halbe Stunde von Compound (ACK 1001, CD-R) entstand, als EMERGE &GERALD FIEBIG am 17.11.11 als Support von Nocturnal Emissions in Augsburg
Die Ganze Bäckerei beschallten. Ihr nächster Verwandter ist nicht "Condensed
Endeavour", obwohl da ebenfalls Emerge & Fiebig drinstecken. Dazu gleich. Der
nächste Verwandte ist Kagome (ACK 1006, CD-R), Sascha Stadlmeiers
Rendezvous mit SINTARI MIMITHE am 03.05.14 im AC-Hauptquartier in Augsburg.
Denn beides sind Ausfluss liveelektronischen Stegreifbrainstormings. Im ersten
Fall mit anfangs vagen Anmutungen von Chören, die sich verflüchtigen in einer
düster rauschenden, pulsierenden, pumpenden Low-Fidelity-Kulisse, in der sichaber dann doch wieder unterirdischer Produktionsstättenlärm mit katakombischen
Zeremonien vermengt. Metalloide und subaquatische Reize spotten der Logik,
perkussive und motorische Sounds und Stimmfetzen entfalten ihre eigene. In die
Geräuschwelt in ihrer YouDon'tHaveToCallItMusic-Ästhetik diffundiert eine
harmonischere mit kultischen Suggestionen von Orgel und Chor. Und bisweilen
gibt es Anwandlungen rhythmischer Musterbildungen. Die grösste Schnittmenge
ist bruitistisch. Und so hebt auch, rau und knurschig, "Kagome" an. Umso größer
ist der Kontrast mit einer raunenden, wispernden Frauenstimme und deren Singsang. Als wäre sie völlig unberührt vom schrillen Tosen um sie herum. Oder als
wollte sie die lärmenden Gewalten mit japanischen (?) Zaubersprüchen besänftigen.
Es gelingt ihr die Verwandlung des Tosens in ein kaskadierendes Pochen, diejedoch nicht lange vorhält. Die 'Götter', die Eisen wachsen lassen, bleiben raue
und stürmische Gesellen mit erzern dröhnenden und brausenden Zungen undpeitschenden, klackenden Tentakeln.
Condensed Endeavour (ACK 1003, CD-R) gehört zusammen mit Vile (ACK 1004,
CD-R) nicht zu den Konzerten, sie bilden als Recycling eine andere Kategorie.
Einmal formt NYM die Emerge + Fiebig-Performance vom 22.11.13 in der Taubenschlag-Reihe des Würzburger Cairo um in ein ungut dröhnendes Endspiel. Klangfarben und Licht werden entzogen, es dominiert ein brodeliges Wummern. Der
Eindruck ist chronisch ungemütlich, die vulkanische Zone eine üble No-Go-Area.
Von Menschen finden sich allenfalls akustische Täuschungen - eine rasselnde
Ankerkette, verwehte Radiomusik. Oder ist es nur der Wind? EXEDO seinerseits
macht aus dem Emerge-Auftritt am 21.12.13 in Münchens Our Kitchen etwas so
Scheußliches, aus käme es aus Seth Brundles Telepods. Nicht nur ist das Brodeln
körniger, harscher, im gestörten Dauerkrach tun sich urplötzlich abrupte Risse auf,
nur um umso brutaler und ätzend impulsiver fortzufahren. Beworben wird das mit"Heavy listening indeed, but not boring." Das ist so euphemistisch, wie ein blaues
Auge Veilchen zu nennen. Diese Kakophonie ist ein infernalischer Brainfuck mit
Kollateralschäden für Ohr und Nerv. Aber schon auch eines breiten Grinsens
würdig, wenn da etwa eine mörderisch brausende Sandstrahlattacke mit
pochendem Tamtam einher geht. Der Witz verschärft sich noch, wenn man in NYM
und Exedo alter Egos von Emerge erkennt. Er kannibalisiert sich selber bis auf die
Knochen, schmilzt sich ein (to merge) und taucht wieder auf (to emerge), höllischverändert, naturgewaltig vulkanisiert. Dem mit Schamanenrassel zu begegnen, ist
als ob man Godzilla einen Lutscher anbieten wollte.
Der Split Re-DrUm/EMERGE (ACT 1037, C-90) bringt dann wieder Performances,
erst Pavel Aleshin in Augsburg und Sascha Stadlmeier in Warszawa jeweils solo,
und bei Persecutory Delusion (ACK 1005, CD-R) dann gemeinsam am 02.04.14 inBerlin. Letzteres als zugleich stürmisch durchfauchtes und sonor schnurrendes,ganz unparanoides Nada Brahma mit klapprigen, schleifenden, heulenden,
pochenden Akzenten, die die Spannung hoch halten, und sogar einem melancholischen Phantomchor. Solo zeigt der Soundscaper aus Orjol sein Händchen fürbrodelndes Mahlwerk mit melodischen oder flatternden Delaykaskaden undsausendem oder eisern flirrendem Gedröhn. Ein Kirchenchor setzt das finale
Zwiebelhäubchen. Sogar Emerges Wühlarbeit in Stein und Erz klingt danach russisch.
46CRÓNICA (Porto)
Sehr schön umraunt Jim Haynes, der ja auf Helen Scarsdale Agency
SIMON WHETHAMs "From The Mouths Of Clay" (2014) herausgebracht
hat, mit "loom... unease... carcinogenic... confusion" die unheimliche
Suggestivität, mit der der Brite sich dem Unbekannten annähert.
Ausgerechnet in Kristiansand fand Whetham im Herbst 2013 die Sounds,
aus denen er Against Nature (Crónica 103~2016) konstruierte. Er bezieht
sich damit auf "À rebours" (1884, zu dt. "Gegen den Strich") von JorisKarl Huysmans, dessen Protagonist Des Esseintes selbst bei Houellebecqs "Unterwerfung" noch die Quintessenz der Dekadenz verkörpert.
Bei Whetham ist Natur ein nebulöses Beinahenichts, anfangs noch von
Grillen bezirpt. Aber je abgenutzter und abgeschliffener und aus zweiterHand, desto mehr wird sie zum rauschenden Schleifstein, an dem sich die
Gedanken und Gefühle wund reiben. Brausende und nesselnde Impulse
könnten von Regen herrühren, werden jedoch zu einer abstrakteren Wallof Sound und in ihrem wummernden Grau in Grau zu einem Nessushemd
für jeden Des Esseintes. Stöhnende Laute sausen umeinander wie
poetisch auf Fliegengröße verkleinerte Rennwagen, reibeiserne Verzerrungen zerren am Trommelfell. Nadelige Beats säumen ein abbruchunternehmerisches Rumoren, das abbricht für windspielerisches
Geglöckel. Hatte nicht Léon Bloy, einer von Huysmans großen Bewunderern, sich als 'Entrepreneur de démolitions' vorgestellt? Whetham
setzt Verzerrungen als Bohrer an, lässt es links bersten, rechts prickeln,
in der Mitte brodeln und brummen. Er scharrt und scheppert mit
Eisenteilen und endet mit einem durchflatterten Aufbrausen und einer
stottrigen Blechdeppenversion von R2-D2. Ihr schwachen Sträflinge desLebens, seht es doch ein, die Welt gehört robusteren Naturen.
ANDREAS TROBOLLOWITSCH konnte einem schon zu Ohren kommen
zusammen mit Johannes Tröndle als Nörz und deren "(Also Known As)
Acker Velvet" (Schraum, 2009) und als Acker Velvet mit "Carbon &Chairs" (Monotype, 2012). In erstem Fall wurde als sein Instrumentarium
Tape, Electric Guitar, Electric Bass, Melodica [Prepared] und Electronics[Inside Radio, Feedback] genannt. Das ist auch bei ROHA (Crónica
105~2016) gut vorstellbar, auch wenn da nur Drum- und Basssamples als
weitere Zutaten gelistet werden. Bei '1'11"' wellt sich zitternd undsurrend das Feedback von einem E-Bass. 'Ratt' dreht sich klapprig
quietschend und zwitschernd als mit einem Vokalsample und Melodica
tätowiertes, drahtig-blechern mahlendes Etwas. Bei 'tapco' loopt
schwerfälliges und knattriges Schlagwerk zu einer surrenden unddröhnenden Klangwand mit Kontrabassingredienzen. Auch 'tuul' mischt
Bass mit Gedröhn und Schlagzeug in einer Reihe von Schüben. 'i.ii.'
besteht aus elektroperkussiven Drehungen, gesäumt von klickenden undsurrenden Klängen und einer spitzen Frequenz. Bei 'ssbeat' sind ins
elektroperkussiv knarrende und läutende, mühsam angeblasene und mit
Sinuswelle angestochene Dingdong Pianosplitter gestreut. Ein weiteres,von Becken leise beticktes, spitz bedröhntes Spiel mit Kontrabass ist mit
seinen Schlagfolgen 'zain' getauft. Zuletzt beginnt 'klavierzinho' als
Innenklaviercymbalum, das sich mehr und mehr in sein Geklöppel
einspinnt, plötzlich abdunkelt und allmählich als gedämpft pochender
Trauermarsch verhallt. So manches wird 'organisch' genannt und ich
weiß nicht so recht warum, hier aber, wenn man sich das einigermaßen
hybrid und chimärenhaft vorstellt, schon.
47

empreintes DIGITALes (Montréal)* Nicht alle Schüler des antiken griechischen Philosophen Pythagoras
hatten das Privileg, ihren Meister beim Unterricht sehen zu dürfen. Weilsie nur auf den akustischen Aspekt angewiesen waren, nannte man sie
Akusmatiker. Diesem auditiven Konzept in musikalischer Hinsicht hat sichder kanadische Komponist DOMINIQUE BASSAL (geboren 1955 in Kairo)
verschrieben. Daher gibt es sein Album Poupées Mathématiques (IMED14130) auch nur als BluRay-Audio. Und weil das Format des Vorgängers"Ubiquité" (2009), die DVD, den technischen Ansprüchen Bassals nicht
genügte. Neben dem Titeltrack vereint "Poupées Mathématiques" fünf
weitere elektroakusmatische Kompositionen aus den Jahren 2012 bis 2014.
"Vater, lass die Augen dein über meinem Bette sein", heißt es in einem
Gutenachtgebet, das ich als kleiner Bub von meiner Oma gelernt habe.
Die in 'Poupée Mathématiques' thematisierte, nicht allzu ferne Zukunft,
geht da noch ein Stück weiter. Wo Satelliten, Kameras, Computer undDronen nicht hinkommen, da sollen Barbies neugierige Schwestern in
Kinderzimmern ständig nach dem Rechten sehen. Zu unheimlichen
Glockenspielsequenzen, die in ihrer Intensität schleichend ab- undzunehmen, sowie zu unheilschwangeren Gongschlägen versammeln sichdie Big-Brother-Dolls zum strategischen Training, bevor sie scheinbar
harmlos wieder in der Ecke sitzen, lauern, alles aufzeichnen. Bassal
stimmt hier eine geheime Unterwassermusik an, als würden Korallen,Muscheln und Seesterne eine leise, düstere Jamsession veranstalten.
Treffen sich die berechnenden Puppen etwa heimlich im Aquarium? Auf
jeden Fall könnte das Cover kaum gruseliger sein. Da fehlt eigentlich nur
noch ein Daten sammelndes Mobile für die ganz Kleinen. "Es ist düster. Es
ist deprimierend. Es ist trostlos. Es ist ein Traum!", würde Morticia von derAddams Family dazu wohl sagen. 'Choraal: frontière Nord' nimmt uns mit
auf eine musikalische Reise ins 2. Jahrhundert, dem römischen Limes vonAnfang bis zum Ende entlang. Glockenhelle Jungfrauenstimmen singen
mit Engelszungen, gefolgt von aus der Zeit gerissenen Streichern. Beide
verhallen unterwegs auf der Strecke. Bei 'Le main visible' betreten
Schatten die Bühne eines verruchten Viertels, um gemächlich "Rebel
Jazz" zu spielen, der sich mit der Zeit in einen Neo-Noir-Soundtrackverwandelt. Als ob hier sich unter anderem die ausgedienten "MathePuppen" treffen, wenn sie vom Sondermüll auferstanden sind. 'Babylone,les regrets' vereint zwei Geschichten, die im Abstand von 2.500 Jahren
fast gleich verlaufen. Eltern suchen nach ihrem verschwundenen Kind, ob
im Babylon unter Nebukadnezzar II oder im zerbombten Baghdad unter
amerikanischer Flagge. Hier lässt sich Bassal kurzzeitig zu einem
euphorischen, fast intensiven Melodie-Intermezzo hinreißen. Doch dieses
Hochgefühl und damit auch die Chancen, das verschwundene Kindwieder zu finden, gehen in den Maschinerien der Macht unter. Aliens
beobachten die Menschen aus der Nähe in 'Broto et sa z'complice'. Ihre
elektrisch-verzerrten Stimmen erwecken den Eindruck als würden sichu.a. ET und R2D2 treffen, um den hoffentlich erfolgreichen Plan Nr. 10 aus
dem Weltall auszuhecken. Doch wer sagt, dass die Außerirdischen
intelligenter als die Menschen sind? Das Ende der Welt, das Ende derUnbekümmertheit als großer Saal voll mit Gongs, Glocken undWindspielen, den wir als Blinde durchqueren im verzweifelten Versuch,
nicht mit jedem Schritt eine akustische Kettenreaktion auszulösen. Die
Apokalypse kommt bei Bassal mit leisen Glitches.
Marius Joa48

In enger Zusammenarbeit mit der kanadischen Blockflötistin TERRI HRON realisierte
MONTY ADKINS an der University of Huddersfield das fünfteilige Lépidoptères (IMED
16136). Was den britischen Elektroakustiker an Schmetterlingen und Libellenbesonders fasziniert, ist ihre Metamorphose. Dazu gestalteten die beiden
elektroakustische Analogien mit Hilfe eines Flötenfächers von C-bass bis G-alto, wobei
ich vom technischen Aufwand des angestrebten 3D-Audio- und Surroundsounds,
mangels Verständnis, erst gar nicht anfangen will. Es besticht auf jeden Fall einmehrstimmiges Tuten und Schillern, Pfeifen und Flattern auf den Spuren von Tag- undNachtfaltern, des prächtigen Pfauenspinners und der flüchtigen Eintagsfliegen.
Negative Konnotationen hinsichtlich eines 'Flöten-Gehens' sind nicht angebracht, vor
allem die dunklen Schattierung von Hrons Luftströmen und -wirbeln schaffen ein
brütendes Ambiente, Phasen des Cocoonings auf dem Weg zum Zuendegeborenwerden. Vieles ist da noch verpuppt und harrt in einem melancholischen Zwischenstadium der Entfaltung. Adkins nähert sich an wie mit einem Vergrößerungsglas, dasdas, was sich da verwandelt, in Mothra-Format visioniert. Eingebettet in einelektronisches Fluidum, das die Luftigkeit der Flöten mit sprudelnder Liquiditätumkleidet. Eine algorithmische Mobilmachung lässt ganze Zellverbände morphen,
wobei ich diese Action nur mit Mühe an die Thematik rückbinden kann. Ich möchte es
daher einfach ein Flötenfest nennen und die Verwandlung eines alten und simplen
Instruments in Sonic Fiction.
Gibt es einen gemeinsamen Nenner für die vierauf Nécropolis (IMED 16137) versammelten
Stücke, außer der Einbildungskraft von ÅKE
PARMERUD? Bei 'Dreaming in Darkness' spielt er,
in einem Miteinander mit Natasha Barrett, mit derIdee, dass Blinde nicht visuell träumen, sondern'akustisch'. Das Resultat trägt anfangs narrative
Züge, die um Türen kreisen, mischt dazu ein
kiesiges Rieseln und rhythmisiert das mit
groovigen, tickenden und wooshenden Partikeln,
dazu kommt fernes Glockenläuten und ein
läutendes Telefon. 'Crystal Counterpoint' exzerpiert den Klingklang von Gläsern aus Partygeräuschen - kurz hört man Sinatra singen. Der
Schwede verbindet mit seinem Kristallorchesterklang Erinnerungen daran, als Kind vom Spaß derfeiernden Erwachsenen ausgeschlossenen zu
sein. Gab es bei Proust nicht schon ein ähnliches
Lauschen? Für "Grains of Voices" (1997) hatteParmerud Stimmen aus der ganzen Welt gesammelt. 'ReVoiced' bringt als Nachschlag dasvervielfältigte, gedehnte und gepitchte Rhabarbern eines Aborigines von der australischen
Nordküste, ein bebend verhuschendes russisches
Volkslied, einen in sein eigenes Echo gebetteten
Kathakali-Sänger aus New Delhi und das zum
Chor multiplizierte und mit schweren Schlägen
ritualisierte Joiken eines samischen Schamanen.
Und zuletzt führt 'Necropolis' in die Walhall der
Klassischen Musik, in der Wagners Walküren mit
einem unaufhörlichen Potpourri derjenigen leben
müssen, die einfach keine Ruhe geben können.
49Der 89-jährige Elektro-Wotan FRANCIS DHOMONT legt mit Le cri duChoucas (IMED 16138) den dritten, einen auf Franz Kafka bezogenen Part seines "Cycle des profondeurs" überschriebenen
Triptychons 'elektroakustischer Melodramen' vor. Dazu angeregt
wurde er durch die Kafka-Exegetin und -Übersetzerin Marthe
Robert (1914-1996), die, freudianisch, in seinem Bruch mit der
Vaterwelt zugleich eine Verdrängung der jüdischen Tradition um
den Preis der Vereinsamung diagnostiziert hat („Einsam wie Franz
Kafka“, 1969). Während diese Ansicht umstritten ist, hat Roland
Barthes in „La réponse de Kafka“ Robert darin zugestimmt, Kafkas
Schreibweise als ein ‚système allusif‘, ein „ja, aber“, ein Als ob zu
deuten, als ein System der ‚Diskordanz‘, das die Realität nicht als‚wahr‘ bestätigt, vielmehr gegen sie anspielt, sie um-schreibt, vondem Ort aus, der – mit Nietzsche gesagt – fest genug ist, „die übrige
Welt aus den Angeln zu heben“. Dieser Ort sei die Sprache, die die
Identität der Dinge spaltet und verdoppelt. Martin Engler liest aus
dem „Brief an den Vater“, Hans Tutschkus Stimme wird zum Klang,Annette Vande Gorne und weitere Kafkafizierte lesen auf
Französisch aus 'Der Prozess', 'Die Strafkolonie', 'Das Urteil', 'Eine
kaiserliche Botschaft', 'Der Bau', 'Die Verwandlung' und, von Robertübersetzt, aus den Tagebüchern und den Briefen an Felice.
Überhaupt ist das aus den "Études pour Kafka" hervorgegangene
Werk eine tiefenpsychologisch orientierte, textlastige Umkreisung
der Wortwelten des, wie Susan Sontag seufzte, von „drei Armeen
von Interpreten“ Massenvergewaltigten, den Paul Theroux, angesichts tatsächlicher Aussätziger in Afrika, als bloß hypochondrischen Junggesellen dort mit dumpfem Plopp zu beerdigenversuchte. Georges Bataille hob dagegen (maßgebend für meine
Kafka-Lektüre) seine kindliche Eigentümlichkeit und feuerfeste
Souveränität hervor, mir der er, um den Preis der Verfehlung und
Auslöschung, festhielt am Lesen und Schreiben. Neben leichten
Verzerrungen der Sprachspuren inmitten eines metalloid undstimmhaft dröhnenden und brodelnden Klangflusses huschen
Odradeks, „außerordentlich beweglich und nicht zu fangen“, durch
Dhomonts Szenerie, ein Hund bellt „wie ein Hund!“, man hört sogarden „Wunsch, Indianer zu werden“ vorbei galoppieren. Dhomont
hört Kafka - mit Robert - nicht länger als 'kafkaeske', nämlich
absurde und phantastische Sphinx, sondern als den, dessen
einsamer Ruf das Geschrei der Dohlen bestimmt.
50

Fang Bomb (Gothenburg)
Zehn Jahre veröffentlicht dieses Label nun schon z. B. Musik von I Am A Vowel,
Jasper TX, Machinefabriek, Wolfgang Müller oder Paul Baran. The Pier (FB025) von
THE CRAY TWINS setzt diese Reihe fort als eine weitere Kreation von Paul Baran, im
schottischen Verbund mit Gordon Kennedy. Wohin die beiden einen da teleportieren,daran lässt die Brandung zuletzt bei 'A Boy' keinen Zweifel, ans Meer, mit 'Torshavn'
auf die Färöer-Inseln, auf die Hebriden, denn 'Fianuis' ist ein exponierter Zipfel vonRona, und mit 'Duao' an die chilenische Küste. 'Harbour', 'Seafar' und 'The Pier'selbst, sie alle stellen einen an das "spermatische Meeresspülicht" (Oh Wolfe), das
von Fall zu Fall eigenartige Beimischungen mit sich trägt: Phonographien von Jos
Smolders und Gerry Kelly, verfremdetes Gebläse von Lucio Capece, Tuomas
Ollikainen und Ken Vandermark, dazu Stimmen wie bei 'Duao 2', wo eine
Frauenstimme Durchsagen macht wie in einem SF-Supermarkt, gefolgt von der
Dramatik eines mexikanischen Filmfetzens. Oder wie das Geflüster bei 'A Boy'. Bei'Fianuis' ist hinter Sirren und metalloidem Gedröhn sogar ein Geisterchor zu hören,bei 'Harbour' klingt mehrfach das Phantom eines Countertenors an, bei 'Seafar' gibt
es wieder poetische, allerdings auch verzerrte Durchsagen, und eine Drahtharfe wird
geharft. 'Song From A Black House' ist dann schlicht ein nicht gerade fröhliches
Fischerlied, von Vandermark umnöckt und umklappert. Eine Klarinette verbreitet
Wehmut, eisige Kristalle prickeln, ein Nebelhorn knarrt in der unter Dröhnwellenchangierenden Topographie. Ein Boot rauscht durchs Bild, die Luft singt wie eine
Glasharmonika. Selbst wenn es brodelt und verzerrt schrillt und braust, bleibt einemelancholische, harmonische Grundtönung. Drones schillern, pfeifen und flickern,
sie bekommen eine stechende oder schneidende Schärfe, ohne ihr Philip JeckFeeling je ganz aufzugeben. BJ Nilsen steuert einen Remix bei, der einem
metallischen Geschmack auf die Zunge hext, der mit Vinylgeknister einen körnigen
Groove andeutet, aber dann doch ganz in dröhnende Melancholie eintaucht. Denn
das Meer, es war - ich zitiere - düster und schwül wie der darüberhängende Himmel,
das Meer war trübgrün und milchig-dick, wo es sich anwogend am Ufer erbrach...
IMAGINARY FORCES, das ist in London der aus Hastings stammende Anthoney J
Hart, der schon mit "Begotten" (2013) auf Fang Bomb zu hören war, sich aberansonsten auch gern selber auf Sleep Codes verlegt und der als Basic Rhythm "Raw
Trax" (Type Recordings, 2016) offeriert. In Visitation (FB026, 12") steige ich zuerst
falsch ein, nämlich mit 33 RPM, bis mir der Downtempo-Puls selbst für meine
Verhältnisse doch etwas zu schleppend vorkommt. Beschleunigt erscheint der Beatvon 'Preternatural' als pochende Wechselschrittfolge, mit huschenden Wooshes,
rasselndem Shaker und verzerrter, wie vom Wind verrissener Durchsagestimme.
'Enlightenment' folgt mit verdoppelter Frequenz in strammem Joggingtempo, im
Beiwerk surrt's, der Beat wird zum tapdappaduppatap, der Atem keuchend.
'Visitation' kommt nur schleifend in Gang, mit langsamem Pochbeat und dessen
dumpfem Echo und einem Geräusch, das im Stereoraum wandert. Der Beat springt
wie über einen Vinylknubbel und loopt mit einem Scratchen und wieder als trocknes
Pochen. Wenn Closed Circuits allerdings bei '(A Drift)' zum holzigen Ticktack mit "I let
my heart climb into my mouth..." zu sprechen beginnt, dann klingt das automatenhaft, auf 33 RPM jedoch als ein vom Leben gegerbtes Raunen, das Chris Pages
Deprobariton bei seinem eigenen Album "Breaker" (Humane Pyramid, 2016) weit
mehr entspricht. Jedenfalls so wie er dort bei 'The Ships' mit seiner Embarkation for
Cythera-Stimmung singt und 'Asylum Harbour' oder 'Janitor of the Arcades' raunt.
Überhaupt wirkt "Breaker", indem Page Beats, die denen von Imaginary Forces
durchaus ähneln, vereint mit Cellodüsternis, glockigen Drones und eindringlicher
Poetry, wie die Vollendung, die Harts "Visitation" als bloße Vorarbeit und als
Musterentwurf erscheinen lässt.
51

Flux Records / Frank Rothkamm (Los Angeles)
Eben noch Sternenkrieger (FLX42), im Handumdrehnen trauernd an den Gräbern vonPierre Boulez (+ 5.1.2016) und von David Bowie (+ 10.1.2016), FRANK ROTHKAMM
offeriert Download-Musiken in der Geschwindigkeit eines Bloggers.
Sein "Formants I-XVI" opus 576 auf Boulez Piano Sonata(FLX43) hat zwei Väter: zwei spielende Kinder, diewährend einer Party bei Rothkamm kinderkatzenpfotig
auf dessen 1949 von der Firma Baldwin hergestelltem
Acrosonic Spinet Piano umeinander tapsten. Und denGeist von Boulez, dem sich Rothkamm als Mediumöffnete, um sich bei einem spiritistischen Stelldicheinserialistisch die Hände führen zu lassen. So entstandeine 50-minütige zwölftönern-aleatorisch klingende
Spontanversion der Essenzen der "12 Notations" des20-jährigen Boulez und seiner ersten beiden "Klaviersonaten", mit denen der Franzose als Bad Boy die
Nachkriegs-Avantgarde aufmischte, cool wie Wittgenstein, sexy wie Camus. Die Aufregung jener Jahre ist
heute zwar kaum noch nachvollziehbar, allerdings gibt
es auch 70 Jahre später immer noch genug Klassik-'Fans', die sich schaudernd die Ohren zuhalten bei
diesem Rumgestöcher, als ob ein Affe spielen würde(wenn er nicht gerade abstrakte Bilder malt). Rothkamm
vergisst nicht zu erwähnen, dass Liberace ausschließlich auf einem Baldwin brillierte. Was ich als dezenten
Hinweis deute, dass, was einst die konsequente Austreibung sentimentaler Verlogenheit und irrationaler
Scheiße aus der Musik gewesen ist, sich heute wieder
mit dem menschlichen Faktor und ebenso mit spielerischem wie auch mit genüsslichem Gestus vereinbaren
lässt.
David Bowie Hero (FLX44) ist mit 5:54 eine Hommage im
Single-Format, veröffentlicht nur zwei Tage nach Bowies
Tod. Rothkamm feiert mit Kurzweil K2500 und Yamaha
SY99 nochmal dessen ironisch-heroische Cold WavePhase im Schatten der Berliner Mauer, sein vom kalten
Krieg mit dem Heroin durchschauertes heißkaltes
Weimar-Pathos, das mit Hilfe von Eno und Fripp auskristallisierte in der Hymne von den Eintagsfliegen, die
ihr Eintagskönigsein mit einem Kuss an der Mauer
besiegeln. Rothkamm erklärt, dass seine Version durch
das Prisma von Freuds "Totem und Tabu" gebrochensei. Seine Coverkunst vereint das im Davidstern verborgene Geheimnis der schaffenden und geschaffenen
Natur mit männlicher und weiblicher Fruchbarkeitssymbolik. Versinnbildlicht das Bowiemesser - als Dolch warnend den Hass? Auf dem großen 'Kölner Wandbild'der Loge Zum Ewigen Dom, worauf das Pentagramm
Stärke und Schönheit ins Licht hebt, ist das so. Bowie
hinterließ bei seinem Verlöschen im Auge des Universums 'Blackstar', als letztes Rätsel aus einem blinden
Gesicht, einer Kerzenflamme und einem Lächeln. Das
muss am Ende, das mag als Anfang genügen.
52

The Strip (FLX45), genauer 'Bally's Las Vegas' (60:02) opus 541,
entstand im Juli 2014 als Lauschangriff durch ein geschlossenes
Fenster im 10. Stock von Bally's Las Vegas Hotel auf - nun auf Las
Vegas eben. In seinem Lodge of Utopian Science-Studio in View
Park, Calif., wählte Rothkamm später daraus 360 zufällige Samples
von einer zufälligen Dauer unter einer Minute. Mit einiger Csoundund Python-Wizardry ist der gedämpfte Straßenverkehrs- undMuzaklärm und das Spatzengezwitscher mitten in der Vergnügungsoase zu einem Soundscape geworden, imprägniert mit
dem unermüdlich rauschenden Rausch von Glitzer, Alkohol,
Spieltrieb und den Lustgewinnillusionen, wie sie Neonlicht undüberlebensgroß projeziertes Frauenfleisch versprechen. Rothkamm hat die Zeit in Las Vegas unschuldig verschlafen oder mit
seiner Frau verbracht, ich bebildere sie mir mit einem vagen
Mischmasch aus "Bugsy", dem Rat Pack, Hugo Clausens Michel
und Jaak, "Fear and Loathing...", "Ocean's Eleven". Aber letztlich
stimmt es wohl, was täten wir ohne Versprechungen, egal wie
haltlos oder belastbar.

To the uninitiated into hipster trends, the Arp Solus album hereamounts to nothing more than aimless noodling that moves forthand back between the speakers without any direction. Progressive
Baroque without any roque, rhyme or reverb. Only when you put on
headphones everything falls into place because "it`s in your brain
now", as they say in the trade. Far out, dude. Das ist als Einführungin Arp Solus (FLX46) einfach zu gut, um es nicht voranzustellen.
Rothkamm produzierte diese acht phatten Tracks schon 2008 auf
jenem Spätling von 1980, als die ARPomanie, verbunden mit den
Namen Pink Floyd, Hancock, Emerson, Banks, Jarre, Vangelis und
Schulze, verklungen war und die runtergewirtschaftete Firma bald
danach an CBS verkauft wurde. Was damals den Zeitgeist
verfehlte, danach lecken sich inzwischen wieder Analog- undRetro-Nerds die Finger. Rothkamm erfingert delirant verdudelte,schwammige Melodiefetzen, wobei er das Barocke von seiner
manieristischsten Seite angeht. In einem surrealen Update, alsquallend pulsierende Sonic Fiction, in scharrend schweifender
oder trillernd schillernder Weirdness, mal mit gelbstichigem Pfiff,zuletzt mit in poppiger Laune gezopfter Polyphonie.
Alsenstrasse (FLX47) ist eine Kindheitserinnerung an Gütersloh,
die erst gelang, als Rothkamm seine Augenhöhe auf Kellerfensterniveau senkte. Oder wenn er hinter geschlossenen Augenganz verschwindet. Mit Hilfe eines Roland Alpha Juno 1, der mit
seiner analogen Polyphonie Zeitreisen immerhin bis Mitte der 80er
ermöglicht, und der Progamme Forth/Formula/Iformm erzeugt
Rothkamm für sein einstündiges Opus 500 nur ein grummeliges
Beben mit gelegentlichen körnigen Plops. Das wummrig schummrige Erzittern scheint ein momentanes Seinsgefühl zu fixieren, demsich Gegenwart und Zukunft nicht anders darbieten als einer
dieser Linoleum- oder Stragula-Fußböden der 60er. Es gibt weder
Kunst noch Entwicklung, sondern nur diesen Bann, diese Lähmung
durch eine granulare, körnige Anästhesie. Diese auf der Stellebebende Stasis ambient zu nennen, käme mir schon wie ein kaumzu rechtfertigender Ästhetisierungsversuch vor.
53

Nun hat es Frank Rothkamm doch weit gebracht,
wie auch schon Percival Lowell (1855-1916), obwohl
fast alle Vorstellungen dieses amerikanischen
Patriziers und Hobbyastronomen sich als Irrtümer
herausstellten. Weder gibt es Kanäle noch Leben
auf dem Mars, wie Lowell es in "Mars as the Abodeof Life" (1908) für erwiesen hielt, mit phantastischen Konsequenzen bei H. G. Wells und Edgar
Rice Burroughs. Noch erwies sich der 1930 im
Lowell Observatory entdeckte Zwergplanet Pluto, in
dessen P-L-Monogramm Lowells Name mit drin
steckt, als der von ihm gesuchte Planet X. Aberauch Wege, die mit Irrtümern gepflastert sind,bleiben doch Wege. Lowell liefert Rothkamm den
Titel zu Mars as the Abode of Life (FLX48), wobei
der dabei auch noch mit "Venus, supported by Iris,
complaining to Mars" ein Gemälde des viktorianischen Porträtisten George Hayter (1792-1871)
im Sinn hatte. So dass nun sein wiederum einstündiges "rnde12.py.2WA" opus 519 (2014) mythopoetisch zu schillern beginnt zwischen Mars undMars, Venus und Mars, als eine in Regenbogenfarben irisierende, orgelnd mäandernde ElectroPython. Im Fokus von Rothkamms Seher auf dem
Cover stehen nämlich nicht die gegensätzlichen
Pole, sondern die schlichtende und versöhnende,von den Rolling Stones mit 'She's A Rainbow'
besungene Botin. Die er Welle für Welle, weich inweich, ihren Tanz aufführen lässt, für wen auchimmer. Es muss ja nicht, wie bei Messiaen, für den
Engel sein, der das Ende der Zeit ankündigt.

54Mit Metal Machine Music (FLX49) erinnert Frank
Rothkamm daran, dass vor 50 Jahren der damals 22jährige Lewis 'Lou' Reed nach New York kam, um als
Rock & Roll-Fuzzi sein Glück zu suchen. Was mit The
Primitives, The Beachnuts oder The Roughnecks nur
in eine Sackgasse in Soundsville führte. Rothkamm
feiert daher gleich Reeds Doppelalbum "Metal
Machine Music", 1975 der verstörende Nachfolger
zu "Rock N Roll Animal" und "Lou Reed Live", als
Herausforderung der ökonomischen Machtverhältnisse durch, wenn nicht die fröhliche, so doch diealgorithmisch-utopische Wissenschaft dieses Feedback-Monsters. Sein mit Python und Csoundkreiertes "rf2.py.1 (60:02) opus 540" ist ein später
Nachfahre von Reeds kakophonem Stinkefinger,
zumindest, was das Algorithmische angeht. Über die
Verwüstungen des 'kapitalistischen Realismus' (M.
Fisher) oder 'Kaputtalismus' (wie R. Misik es nennt)
im Allgemeinen und das Elend der Musikindustrie im
Besonderen liegen mir vorläufig keine nennenswerten Neuigkeiten vor. Lassen wir also Rothkamms
steigende und fallende Oszillationen auf und abbrausen, und seine Noisedreschmaschinen inständig ihr "Nichts Niemand Nirgends Nie !" rütteln. Derschreiend bunten Selbstinzenzierung des Mainstreams und seiner seichten Nebenströmungen zum
Trotz nichts als nimmermüde Brandung, nichts als
grau in grau rauschende Gischt, nichts als eine irre,
nämlich motorisch gewordene Natur. Mänsch iss dos
lankweilich. Ja wenn doch nur Langeweile unsre
größte Sorge wäre.
55

The Helen Scarsdale Agency (San Francisco)
KATE CARR hat auf ihrem in Sydney initiierten und letztes Jahr nach Belfast
verlagerten Label Flaming Pine mit etwa "Return To New Caledonia" (2012),"Songs From A Cold Place" (2013') und "I Had Myself A Nuclear Spring" (2015)
Musiken präsentiert, die als "rural psychedelia" und für ihre "liquid sadness"gerühmt wurden. Auch in It Is A Time Of Laboured Metaphors (HMS 035, C-46)
finden sich wieder die Spuren ihrer psychogeographischen Befindlichkeit. In
ihrem Ansatz bestärkt durch die Lektüre von Salomé Voegelins "Listening toNoise and Silence: Towards a philosophy of sound art", fragt sie sich: How do
we come to know ourselves through sound and place? Carr gehört zu jenem
nomadisch-mobilen Menschentyp, dessen Lebensform Zygmunt Bauman als
flanierend, spielerisch und touristisch beschrieben hat. Nun gibt es kein
'Vorwärts' und kein 'Rückwärts' mehr; es zählt die Fähigkeit, nicht stillzustehen... sich rasch an einen Ort des Geschehens zu bewegen undbereitwillig Erfahrungen hinzunehmen. Fieldrecordings aus Belfast, Sydney,
Berlin, Paris, Südafrika und Spanien markieren da nicht ein langes Leben,
sondern nur einige Monate eines noch jungen. Entsprechend ist Carr sichbewusst, that most of the soundscapes I recorded and experienced were
things I overheard rather than participated in. So erklingen, tagträumerischregistriert, 'Bells From My Bedroom In Berlin' neben 'Many Goats With Many
Bells In Velez Rubio' und 'Skateboarders Outside The Palais De Tokyo'. Nicht
plastisch und klar, vielmehr verwischt und nur vage erinnert, hinter sichgelassen, nicht ohne melancholische Fäden zu ziehen. Düster pulsierendeDrones, elegische Klangwolken, ein kreisender Gesangsfetzen und schließlich
die Glocken, die in ihrer althergebrachten Routine längst daran gewöhnt sind,dass kaum noch jemand ihrem Ruf folgt und die einen dennoch 'In Corridors A
Thousand Years Old' dirigieren (wie sie ihren Glocken-Track auf "Fabulations"nannte). Autos wechseln mit klappernden Skateboards, piepsenden Vögeln,
rutschendem Geröll, in Szenerien wie gemalt von de Chirico oder Edward
Hopper, wie fotographiert von Bill Henson (in deren träumerischen Blicken sichCarr wiedererkennt). Erzählt wird aber, so kommt es mir jedenfalls vor, immer
nur das eine: Das Weitergehen selbst, das Nicht-Bleiben-Können, ein
dauerndes wehmütiges Abschiednehmen. Um das zu fühlen, muss ich abernicht einmal aus dem Bett steigen.
Das, was als Conditions For Acrimony (HMS 036, C-50) folgt, könnte sich kaum
schärfer von Kate Carrs melancholischem Globetrotting abheben. Und dochverbirgt sich auch hinter HIMUKALT mit Ester Kärkkäinen ein weibliches
Wesen. Scharf und schärfer schon deswegen, weil Acrimony etwas Scharfes
und Bitteres meint. Vermittelt durch Oszillationen, so hochfrequent, dass siemehr schnarren als flattern, durchsetzt mit einer verzerrten Stimme, dieeinzelne Wörter skandiert. Akut aggressive Frequenzen wechseln mit etwas gedämpfterer Vibration, wie dem panischen Flattern von Motten über einem
indifferenten Drone. Da einen Grund zum Lachen zu finden, fällt nicht ganzleicht. Mit 'Tuberculosis' kehrt der powerelektronische Bohrer wieder,
keuchende Laute lassen nichts Gutes erhoffen. Peitschende Impulse durchschießen das dunkle UuUuU einer Sirenenwelle und sausendes Surren.
Höchste Drehzahlen verschärfen den Biss, auch die Stimme klingt durchgedreht. Brodelnde Düsternis evoziert die dystopischen Menetekel der Noise
Culture vor 30 Jahren, insbesondere die von Maurizio Bianchi. Monoman und
monochrom beweist Himukalt schwarz auf schwarz, dass die Bedingungen, um
verbittert auszurasten, unvermindert gegeben sind. Dagegen helfen auch keine
Pillen, daher 'Please Don't Call For An Ambulance'.
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Interstellar Records (Graz) /Rock Is Hell Records (Judenburg)
Am 22.1. stellten im Viaduktbogen 20 in Innsbruck mit OWL RAVE und Regolithzwei Bands ihre neuen Scheiben vor, bei denen dieses Miteinander nur logischist. Ersteres ist ein neues Projekt von Gregor Huber (Ex-Todesstern), der sich daganz der Faszination durch "Twin Peaks" verschrieben hat. Ich vermutete alsorichtig, als ich da die Eule trapsen hörte, und Owl Rave (INT 038, LP) führt auchgleich ins One Eyed Jacks, Spielhölle, Schweinestall und Hurenhaus jenseits der
kanadischen Grenze, wo mit mehr als nur dem Feuer gespielt wurde. Huber hat
dieses Cinema imaginaire phantastisch orchestriert, mit schleppendem
Maschinenbeat, düsteren Synthiewolken als gruftigen Bläsern und matter
Gitarre. Bei 'Searching' pocht der Beat bei diesem TripHop fatale nur wenig
schneller, Markus Dolp, der Darth Vader auf Hubers Todesstern und derRasierklingenschlucker bei Bug, beginnt "I break hearts. I wreck lives" alsSprechgesang zu knarren, Antonia Steiner fällt mit ein, und die Gitarre, die mussnoch Meilen gehn bevor sie schlafen kann. 'A Knife For Every Heart' bohrt einem
den vergifteten Dolch ins Fleisch, und Dolp gurgelt so tief er kann. Düstere
Klangschwaden nehmen einen mit in die Alpträume von Laura Palmers Mutter
Sarah, bevor bei 'Fright Car' der Dämon selbst in einer doommetallistischen
Todesspirale sein "Erif klaw thiw em" zu krächzen anfängt. Bei 'Amy' scheinender Gang leichter zu fallen, die Gitarre heller zu klingen und sogar Strings zu
flirren, aber Dolp raunt stimmbandzerstörerisch weiter in den Klauen von
Hoffnungslosig- und Vergeblichkeit. Dennoch bringt 'Find me' zuletzt einenSilberstreif, mit pochenden und zuckenden Beats, sanft dröhnendem Orgelsoundund mit lockendem Singsang von Steiner. Aber wem käme bei "Twin Peaks"
Happiness und Unschuld in den Sinn?
REGOLITH ist seit 10 Jahren das Ding von Interstellar-Macher Richie Herbst undChristian Zollner, die mit "I" (RIP67, 2 x LP) ein Dark Space-Epos gleich als
Doppel-Vinyl offerieren. In jüngeren Jahren harscher und kaum weiter als auf
den Mond ausgerichtet, deuteten sie schon mit 'Black Hole Sunn O)))' denvertieften Horizont an. Nämlich für die Kopulation zweier Schwarzer Löcher, dersich der Nachweis von Einsteins Gravitationswellen verdankt, eine kosmopoetische Entsprechung zu finden im Kreisen um dunkle Gravitationszentren.
Die vier Spiralbahnen, 'Platinum', 'Comet Tails', 'Star Trails' und 'Gescom'
genannt, lassen Raum und Zeit dabei als relativ widerständig spürbar werden.
Statt rasantem Warping lautlos im Weltall, tuckert und wummert man hier gegeneine zähe Konsistenz 'da draußen' an. Nirgends steht, dass man den analogen
Modularsynthiesound auf 45 rpm beschleunigen soll. Also bleiben Bass und
Subwoofing King, von dem dunkel kaskadierendes Getüpfel und grollende undschnurrende Drones in Frequenzen ausgehn, die die Boxen beben lassen undden Brustkorb gleich mit. Und das mit crescendierender Power, als müsste man
die Raumzeit aufsägen, um in ihre brodelnden Eingeweide einzutauchen, um
knarzend in sie hinein zu flattern. Im Allinnern pulsieren Sonnen und pumpen
und blasen ihre Energie in surrenden Dauerwellen um sich, bis sie zu Spuren
uralter Zeitverschwendung verglühen. Bei 'Gescom' ist in die wummernde
Spirale der Beat berstender Impulse mit zischendem Erguss gemischt. Die
Dunkelwelle braust, tickert und knarrt und bricht sich mit knatternden
Detonationen in immer raueren Loops Bahn. Und zieht doch vorrüber wie ein
Komet, dem die Erde völlig schnuppe ist. Kozmic Blues in großem, interstellarem
Stil. Das Ligo-Team twitterte, schwer beeindruckt: "Black is the color of our true
loves hair. Awesome!"
57

Kendra Steiner Editions (San Antonio, TX)
Die sich da für Casual Luddites (#320, CD-R) zusammengetan haben, sindbeides Wiederholungstäter auf KSE: der Gitarrist & Banjospieler TOM
CREAN hat zuletzt "Wired Love" (#260) gezupft, MIKE BARRETT, einschlägig
unter dem Namen Belltone Suicide, steuerte nach den "Non-Conformist
Sessions" (#314) gerade erst "Wave Table Erotica" (#327) bei. Er ist ein
großer Brodler, Prassler und Sprüher, während sein Partner pinke
Dröhnwölkchen ans Firmament setzt, die er aus ganz gitarristischen
Statements hervorgehen lässt. Im Wechsel dazu klampft er fröhlich Banjo,
was im Zusammenklang mit einem R2-D2 mit Nervenzusammenbruch ziemlich
schräg klingt. Überhaupt wird Kontrast groß geschrieben, wenn da der einegeschraubt röhrt, während der andre stur auf psychedelischem Parallelkurs
bleibt. Andrerseits ist das Miteinander explizit Thema, neben Saigon, Hanoi
und Cambodia, hindert aber nicht an getrennten Wegen oder Alleingängen.
Barretts Spielzeug zuckt und quiekt, knarzt und fiept, pumpt und gluckst,
flattert und zwitschert wie unter den Fingern eines Flippercracks. Crean gibt
sich sanft und cool oder, wieder mit dem Banjo, fernöstlich verzupft. Zu
solcher Anarchie Art brut zu sagen, wäre freilich fartsy.
2015 war ein fleißiges Jahr für Marcus M. Rubio, der in Austin, TX, als MORE
EAZE tolle Musiken macht. Mit "fine." für Drums & Pedal Steel Guitar und"(frail)" (mit Samples von Jim O'Rourke und Johannes Brahms!), jeweils als
Kassette auf Full Spectrum Records bzw. Already Dead. Und mit einer ganzen
Trilogie auf KSE, bestehend aus "Stylistic Deautomatization" (#293) und"Accidental Prizes" (#310), wobei ich jetzt erst Abandoning Finitude (#326,
CD-R) mitbekomme. Aber damit endlich doch diesen außergewöhnlichen
Komponisten, dessen Imagination ein Lotterbett für seltsame Bettgenossen
ist und den KSE nicht umsonst als "the Van Dyke Parks of the noiseexperimental music world" feiert. Man muss sich nur mal auf Bandcamp"(frail)" anhören: Musique concrète morpht von knistrig-granular zu ambient
zu stürmisch brausend und liest unterweg eine American Primitive Guitar auf
und Talkboxgesang eines Crooners wie Zapps Roger Troutman. Zu
rubbeligem Vinyl gesellen sich elegische Strings und wieder souliger Schmus,
zu Minimaltechnobeats und launigen Streichern beginnt ein intimer Popsongmit Hanna Campbells wunderbarer Altstimme usw. usw. Kurz, More Eaze
erschafft "a music of infinite possibility". #326 hebt mit Loops einer
besinnlichen Gitarre an, die sich kaskadierend und flirrend auflöst in einen
Wirbel von Klangpartikeln. Plötzlich: Phantomchöre zu laschem Einhandticken. Und: Schnitt zu Ritualtamtam mit Handclapping und Telstar-Theremin.
Über klopfendem Techno- und Tickelbeat wölken sich vage Vocoderstimmen,
und: ein verklumpendes Streichquartett, und: der Lerchengesang einer
Violine, gegen den die Katze die Krallen ausfährt (in Gestalt kratzenderGeigen). Jetzt: eine Gitarre für einen Songwritersong wie von David Grubbs,
gefolgt von huschenden Irritationen im Stereoraum, die in exzessivem
Gitarrenfuror eskalieren. Quakende Noisepartikel wuseln erratisch umeinander, Synthiesound brodelt, doch schon kehrt die faheyeske Gitarre
wieder, gegen die jedoch Streicher anschrummeln, bis aus ostinatem
Stakkato ein albern-simpler Orgelgroove entsteht, von Noisefraß gesprenkelt.
Zu klackenden Sekunden schweifen Synthieklangwolken und himmlische
Chöre. Den Schlusspunkt setzen Streicher und ein leicht verunklarter,
dennoch süßer Song in Jim O'Rourke-Manier, über den sich aber saurer
Regen wie aus Kübeln ergießt. Nicht ohne ein unverdrossenes allerletztes
Gegenmotiv der Gitarre. More Eaze! More Eaze please!
58Liquid Sunshine (#328, CD-R) bringt vierhändige Percussion von LISACAMERON & NATHAN BOWLES, beide mit einschlägigem Werkzeug inklusive
Cymbals, dazu Kontaktmikrophonen seitens Cameron und Gongs und Bells bei
Bowles. Es hebt an mit furiosem Schlaghagel über die Bleche, einem
hochfrequent flackernden, flickernden, sirrenden Klangteppich, der die Ohren
mitklingeln läst. Erst als das Thrashing transparenter wird, kommen auchholzige Schläge und dunkleres Rolling zur Geltung, bis zuletzt jeder einzelne
Schlag zählt und die Gestik sich auf Schaben und Klacken fokusiert. Die beiden
entfalten da emsig den üppigen Reichtum metalloider Nuancen, die Rhythmik
ist dagegen am besten wohl mit 'wild' zu beschreiben. 'Rusty' ist ebenso ein
zutreffendes Stichwort wie 'liquid'. Neben dem rappeligen Eifer vermittelt sichder große Spaß an klanglichen Finessen, die schrottige Möglichkeiten mit
einschließen. '40 Days of Shrouded Demons' und 'Liquid Sunshine Redux' sindLivemitschnitte aus The Cellar in Blacksburg, VA. Die massive Dröhn- undSchlagkraft der beiden weist dem unverschämt geschwätzigen Publikum nur
eine Nebenrolle zu. Cameron aka Dave Cameron oder Venison Whirled, genießt
als das Unikum, das sie ist, ja schon einen gewissen Ruf, ihre Aktivitäten in
Austins Undergroud, ob mit ST 37, The Rudy Schwartz Project oder Jandek,
sind legendär. Ihr Partner in diesem manchmal Undercurriage genannten Duo
hat mit der Steve Gunn Band, Pelt, den Black Twig Pickers oder der Spiral Joy
Band gespielt und könnte einem Cymbal selbst mit hinter dem Rücken
gefesselten Armen Töne entlocken. Hier hört man die beiden unchained. Voilá!
Wichtiger noch als das Zeichen, das KSE 10th Anniversary Album (#331, CD-R)
setzt, ist das, wofür es steht: Die 330 seit dem 1.3.2006 von Bill Shutepublizierten Gedichtbändchen und Tonträger, die eine mehrhundertköpfige
KSE-Familie entstehen ließen, die wiederum die Aufmerksamkeit von
Tausenden in der ganzen Welt auf sich zog. Shute hat diese Zwischenbilanz
quasi schon auf den Punkt gebracht mit seinem Chapbook "Good To Do, GoodTo Have Done" (#329), das in einem billigen Hotel in Galveston County
entstand, mit Madame Blavatskys "Die Stimme der Stille" im Ohr. Wobei"Inventing One's Own Land (#317) ebenso gut als Überschrift passen würde.
Zumal "You build your own unique audience if you are doing unique work" diewohl wichtigste Erfahrung ist, die ihm diese Dekade einbrachte. Wie also einen
Mann nicht beglückwünschen, der von sich sagen kann: "When I was ateenager in high school back in the mid-70’s, I was carrying around LP’s byAlfred 23 Harth, Captain Beefheart, Anthony Braxton, Faust, John Cage, Kim
Fowley, The Spontaneous Music Ensemble, and the like, and I still am today! My
core has not changed, but my scope has enlarged and grown exponentially."
Einen Mann, der Hotelzimmer, statt mit Bibeln, lieber mit Gedichtbänden von
Pablo Neruda ausstatten würde. Einen Mann, der dringend rät: "If you competewith anyone, compete with the greats in your own pantheon of greatness, NOTwith your contemporaries, and create create create." Die dazu die Zeichen
setzen, sind ERNESTO DIAZ-INFANTE mit seiner Gitarre; BRENT FARISS, ein
offenbar mit If, Bwana geistesverwandter Dröhnminimalist aus Austin; die vondort nach Ithaca, NY wie vom Regen in die Traufe umgezogene Perkussionistin
SARAH HENNIES; MATT KREFTING aus Easthampton, der mit Scott Foust in
Dead Girl's Party und Idea Fire Company gespielt hat; der umtriebige Eric
Hardiman aka RAMBUTAN in Albany; der sopraninoschrille MASSIMO MAGEE;
die postraffaelitische VANESSA ROSSETTO, die einen auf elysische Felder
entführt; Ex-The Shadow Ring-Gitarrist und Kye-Labelmacher GRAHAMLAMBKIN mit unheimlichem Geflüster; der ebenfalls texanische Soundscaper
DEREK ROGERS, der sich auf sonore Wellen einschwingt; und nicht zuletzt
ALFRED 23 HARTH, der mit 'Kepler 452-B' gleich mal einen eventuell habitablen
Kandidaten für Terra-Migranten begrüßt.
59Alex hat ein neues zuhause* Die KONSTRUKTIVISTS haben vor kurzen zwei neueveröffentlichungen herausgebracht, "Destiny Drive" auf
Bleak und "Anarchic Arcadia" auf E-Klageto, und sind so
wieder ins breitere licht der öffentlichkeit getreten.
Dabei gibt es sie schon seit den 80er jahren, und wenn
man die alten aufnahmen von ihnen hört, so klingen sie
auch heute noch reichlich obskur: zuviele einflüsse sindvermischt zu einem ganz eigenen industrialsound. Diessoll ein kleiner einblick und eine tiefe verbeugung vor
einer band sein, die es geschafft hat, noch immer
reichlich merkwürdig zu klingen, ohne dass es nachahmer gegeben hätte oder sie von der musikindustrie,
der alternativen wie der offizellen, aufgesogen wordenwäre.
Der macher hinter den KONSTRUKTIVISTS ist Glenn
Michael Wallis, der in verschiedenen duoformationen mit
der gruppe aktiv war. soviel als einführung ist das kleineinterview, das ich mit ihm über e-mail geführt habe:? Let's start with your own music in the early 80ies,
right? What a time was this in England, could you
remember? And the changes today.
When i started music in this time, Britain seemed to be inan era of George Orwell 1984 climate, and not much haschanged today, but on the bright side of this, it is greatfor song writing...
? Your sound is very different to other industrial acts ofthat time, like e. g. TG, or SPK. What were your musicalinfluences?
My influences were at the time of my first album Heldon,
Cluster, Chrome, and Krautrock, and not an Industrial
act. In record shops we were filed in the Odd Bin
section. The Gothic feel to our sound now is due to therealization, what Konstruktivists should sound like, i. e. a
Clockwork Orange style group, imagine Pet Shop Boys
played by the Tiger Lillies, my songs are quite surreal,
and based on true stories, or based on Real Life reality...
? It seems to be a little gothic, but also political if I lookto the titles of the early releases. Was that the reason tosing on later? What equipment did you use on this early
releases?
I was lucky to have a good job, with money, so i had a
Korg MS20, Roland 100 mod, Boss 606 and 303, Korg
space echo, Korg Delta, and a mass of other effects.
Today i still have MS20, Roland XV5080, Korg Kronos, as
my main work station...
60

? What happened to your partner on the early releases?
Joe Ahmed started his own group The Chekists. After the "Forbidden" CD (1992), i did not do much music in the late 80's to2000.
? Was it a kind of DIY spirit to release tapes? Because later you
also released CDRs. How important is that for you? Do you play
live? What's your live concept? Your new partner makes most of
the music. Where did you meet him?
The CDRs i did were part of what other forms of Electronic Musici could do, i. e. Ambient, Techno, World and Soundtrack style. I
have another group, called Dark Union, mainly based in USA, towhich i do 90% of the music, where now in KONSTRUKTIVISTSMark Crumby makes the tunes. I send sound samples and vocals
for the songs, and i think now we have created the Right Vision
for how we see KONSTRUKTIVISTS since "Psykho Genetika" LP(1983). When we play live, Mark handles the music with Analogue
and effects, and i dress as a Steampunk Clockworker, do vocals
and freak out the Audience. I met Mark in the early 90's for aninterview, at my home, and he wanted to do music, so we worked
together. I think it was our love for John Carpenter's music andfilms. I like early Soviet films, and of course "A Clockwork
Orange", and i class myself now as a Soviet Surrealist.
? Should the old tapes be re-released? What books, films andrecords do you read and listen today?
I look within myself for inspiration, so i don't have time to readabout other things, i think the last book i read was "The
Librarian" (Larry Beinhart). As to film or TV i like "Ripper Street","Whitechapel", "Sherlock", "V for Vendetta" and the like. Most of
the old tapes have been re-released, via Bandcamp.
Wenn man die alten tapes, die man auch alle empfehlen kann, vonden KONSTRUKTIVISTS hört, so ist der einfluss von Kluster (mit
K, und nicht wie später mit C – also noch mit Conrad Schnitzler)
augenscheinlich. Nicht nur mit den zwei lps von Cluster, diezwischen 1969 – 1971 regulär rausgekommen sind, sondern
Glenn hat auch sehr im geist von Kluster musiziert, wie die
Kluster-Box auf Qbico zeigt. In den 1990er jahren traten sie ineine phase ein, die ich eher langweilig finde: hier merkt man
deutlich den bezug zu techno, aber das ganze wirkt doch sehr
steif. Erst die beiden letzten veröffentlichungen des vorigen
jahres können überzeugen: hier klingen sie wie eine moderne
form von industrial – nicht mehr die alten sounds und themen,sondern sie haben von der technobewegung sehr viel gelernt,
ohne sie zu kopieren. Das setzt die KONSTRUKTIVISTS wieder
an die spitze der bewegung, ohne retro zu wirken, wie so viele
leute, die heute den sound der 1970er jahre kopieren. Hierscheint vergangenheit vergangenheit zu sein, und man macht
endlich das, was man immer schon machen wollte.
Thomas Beck
61

Editions MEGO (Wien)
Alan Licht, der ist uns bekannt nicht zuletzt an der Seite von Loren MazzaCane
Connors oder von Lee Ranaldo, etwa in Text Of Light. Tetuzi Akiyama kennen
wir als Mann für gitarristische Randbezirke, im vielfachen und vielfältigen
Miteinander mit Taku Sugimoto, Toshimaru Nakamura, Jason Kahn oder Jozef
Van Wissem. Die LICHT-AKIYAMA TRIOS von Tomorrow Outside Tomorrow(eMEGO 217) entstanden zum einen, indem sie ihr Gitarrenduo bei 'Blues
Deceiver' durch Oren Ambarchi noch mit einer dritten Gitarre erweitert haben,
fast hätte ich gesagt: mit einem dritten Pinsel. Die drei malen nämlich, wobei
Licht auch noch Electronics einsetzt, mit Dröhneffekten und dickflüssiger
Klangmasse eine abstrakte Expression in Blau. In träumerischer Zeitlupebahnt und bohrt sich eine surrende Spur durch metalloiden Klingklang und
gedämpft röhrendes, dunkles Changieren. Pinsel weckt allerdings ebenso
falsche Vorstellungen wie Gitarre. Wie Gerhard Richter bei seinen großen
Abstraktionen mit einem Brett die Farben verstrich, werden hier die Tönungengestaucht und gezerrt, angeraut, gewellt und gekratzt. Morphend entsteht soeine Verlaufsform, und beim Titelstück ist es anschließend nicht anders. Nur
kommt hier Rob Mazurek mit seinem Kornett als dritter Mann dazu, um
ebenfalls an einem Soundscape mitzugestalten. Der wiederum träumerischaus Drones und Verzerrung quillt, drahtig und metalloid eingefärbt, so dasssich die kornettistischen Lyrismen strahlend abheben. Allerdings zeigt aucheiner der Gitarristen, ich denke, es ist Akiyama, sich als zartbesaitet, während
der andere krätzige Akzente und drahtig bebende im Klangfluss setzt, so wie
Mazurek mit klaren Haltetönen oder kleinen Trillern für besondere Momente
sorgt. Zuletzt klingt es, als ginge den Batterien der Saft aus. Mazurek überspielt das mit einem mundgeblasenen finalen Strahl. Ich habe den Eindruck,dass das dem Schönheitsideal aller vier Beteiligter sehr nahe kommt.
Das Reizvolle an den Soundscapes des Dark Ambient ist, dass sie sich im
Wesentlichen nur dem dritten oder inneren Auge auftun, als Mindscape oderDreamscape. Oder, als inwendige Audiosphäre, für den Hör- und den
Spürsinn. Für diese unheimliche Dimension ist der als COH bekannte Ivan
Pavlov ein erfahrener Raumausstatter und Traumtanzchoreograph. Den
Eingang zu Music Vol. (eMEGO 222) bildet eine psychedelisierte Pupille. Aufder 'anderen Seite' weitet sich unendlicher Äther über nächtlichem Gipfel,
20000 Meilen tiefe Wasser für so manche Nautilus, so manchen Kraken und
mit 'eemian' die Tiefe der Zeit, als Warmzeit vor dem Holozän. Statt uns als
imaginäre Neandertaler imaginäre Waldelefanten jagen zu lassen, entleert
CoH seine Klängräume aller menschlichen Spuren. Statt dessen wummern
brodelige Dunkelwolken, glissandieren pfeifende Laute, pulsieren fein
knarzende und surrende Loops, kaskadieren helle, dabei aber gedämpfte
Synthiefunken. Nicht nur scheint das Natürliche abstrahiert, die Materie selbst
scheint sublimiert zu - Musik. Musik nicht der konkreten Sorte, vielmehr reinelektronische, kurz: reine Musik. Und auch entschleunigte, unscharf
aquarellierte Musik. Selbst granulare Pixel klingen nicht sandig, nicht dreckig,
sondern nur als die feine Körnung harmonisch getupfter und träumerischgewellter Akkorde. Sie sich als transparente Quallen in einem ätherischblauen Meer vorzustellen, wäre naive, Bilder haschende Poesie. Auch bei'Night Over Peak' pfeift kein Wind, was immer da schweift, schwirrt,
silberfunkelt und brodelt. An der Schwelle, über die CoH einen hier führt,müssen das Primat des Sehens und das Begreifen abdanken. Alles ist
Klingklang, funkelnd verhallender, auch knarrig kaskadierender und zuletzt
besonders fein ziselierter Warmzeit-Klingklang, der sich orgelig eingroovt.
62

Monotype Records (Warszawa)Aufwachen und noch schlaftrunken nicht
gleich wissen, ob da schon die Wachwelt
dröhnt oder noch die Traumwelt nachhallt,
das bereitet ein Unbehagen, das im Dark
Ambient häufig anzutreffen ist, das dort
sogar gesucht wird. Vielleicht weil sich damit
der leise Verdacht verbindet, dass man der
Wachwelt gar nicht ungern jede anderevorziehen möchte. Karol Kosniec, Dominik
Kowalczyk & Jakub Mikołajczyk, die zusammen das polnische Trio KOMORA A
bilden, führen einen, kaum haben sie bei
ihrem Crystal Dwarf (mono088) 'Waking Up'
gesagt, als würden sie einen aus einer
Hypnose freigeben, erst recht in ein dröhnendes Zwielicht, in dem Reality und Unreality
verschwimmen. Mit Sampler, Computer &Modularsynthesizer suggerieren sie ein granulares Dunkel, das zugleich tektonischdurchbebt und von harmonischen Strähnen
durchzogen scheint. Beats klopfen, als ob
festgestellt werden soll, ob man da festen
Boden unter den Füßen hat. Pocht da derPuls in den Ohren, erklingen da verzerrte
Stimmen? Ist man da, kryonisch gelähmt,aber im Bewusstsein nicht 100 % abgeschaltet, in einem Ph. K. Dickschen UbikZustand verfangen und verwechselt das
psychophysische Gedröhn im Innern mit
etwas von draußen? Es surrt, pfeift undschillert in mäandrierenden Wellen, es klappert (wie eine Druckmaschine) und weitere
Phantomstimmfetzen feilen an den Synapsen. Zumindest ist das der Reim, den sichdas Restbewusstsein auf etwas macht, aufeinen Reiz, eine Fehlfunktion. Beats steppen
eine Naht, als ließen sich damit Erinnerungenfixieren, die sich schweifend und in rauschenden Zuckungen zu verflüchtigen drohen. Wie in Fiktionen von Column One. Zu
knacksigen Loops zirpen und schnarren
Vibrationen, knattern Störungen, keuchen
Atemzüge, die keine sind, hasten wieder
Beats. Führt 'Inscape Module' in eine Landschaft der Seele, wie sie Roberto Matta zu
malen versucht hat? Die Impulse und Verwerfungen häufen sich, peitschend, tickernd,
flatternd. Bis 'Escape' einen in einen dschungeligen Soundscape teleportiert, indem sich mit
zwitschernden Lauten und schimmernden
Dröhnwellen das Illusionslevel erhöht.
63Droga (MONO097) entstand im Miteinander von
ZALASKI, d. i. Andrzej Załęski (drums & voice), und
ASPEC(T), was sich entschlüsseln lässt als Mario
Gabola & SEC_ (d. i. Mimmo Napolitano), Namen, die
bei noise-below schon aufgetaucht sind. Die Italiener
operieren mit No-Input Mixing Boards, Samples und
Tonband und beackern, sprich bekrachen einem die
Nerven, dass man sich dafür ein Kostüm so robust wie
ein Bisonfell wünscht. Załęski haut und sticht undschreit wie ein vom Affen gebissener Japaner, undseine Partner scheinen bereit, 'The Anal Stage ofDictatorship' mit gleicher Münze heimzuzahlen undganz Italien für einen popeligen Dollar zu verscherbeln.
Hörbar wird ihre Gesinnung als sprudelnder, nesselnder, brodelnder, furzelnder und spotzender Noise,
teils mit neuropathologisch auffälliger Impulsivität, teils
heimlichtuerisch verzwitschert und schlurchend. Das
reiht sich zu neunzehn meist kurzen Clashes, wobei
insbesondere das Gezappel des Polen Anfällen gleicht,
oder auch ausgedehnten Exzessen. Bei 'Seafood
Addiction' (7:04) klopft Załęski, bis ihm nach drei Min.
ein Arm abfällt, woraufhin er wie geknebelt mit
Schellen rumrotiert. Und 'Maledetta Droga' (4:32)
bratzelt, dröhnt und rappelt as un-fi as can be. Genau,
scheiß verflixte Pillen.
MARTIN TAXT war kürzlich mit seiner Tuba bei The
Island Band zu hören, nicht seine erste Tonspur auf
Hubro, in Music For A While betutet er Tore Augestad
bei Songs von Dowland, Purcell, Satie, Schubert und
Weill. Daneben, meist auf dem Label Sofa, spitzt er
aber auch die Lippen für mikrotonale Improvisationen,gern mit Japanern wie TOSHIMARU NAKAMURA. Mit
dessen No-Input Mixing Board ist nun Pan On Fire(MONO098) entstanden. Damit ist kein griechischer
Bocksfuß gemeint, sondern das feuerfeste Gerät, indem man Hunde schmort und andere mehr oderweniger genießbare oder verrückte Sachen. Das Dunklere hier, obwohl kaum als Blaston erkennbar, ist
offenbar Taxts Werk. Nakamura, den ich eher pianissimo und unscheinbar kenne, überrascht (mich) als
krasser Harsh Noiser, der auf Teufel komm raus sandstrahlig und impulsiv braust und saust und intensiv
bohrt und surrt. Taxts Geräuschwelt, sein Zischen,
Grollen, Brodeln etc., ist derart verstärkt, dass sich die
Tuba anhört wie ein motorisiertes Didgeridoo - Quatsch,
wie ein rostig-heiseres Nebelhorn - ach was, wie die
erbärmliche Raubkopie eines Tonbandmitschnitts vonEchsenbrunft im Jurasic Park - schon wärmer. Hochdramatisch wie ein Wackelfilmchen, mitten in einem
Erdbeben auf dem Handy einfangen. Vielleicht nichts
für zarte Primeln, dafür eine konsequente Kur, die alles
musikalische Eiapopeia im Hirn wegfegt und einen bis
ins Knochenmark durchmassiert.
64

Aube
AuroreLumièreChaleur
Entends la sirène qui tremble dans la vapeur
Entends le feu qui se bat dans l'acierDass mir bei Sang (MONO101) Étant Donnés in den Sinn kommt, ist kein Wunder,
mit MARC HURTADO haucht und raunt und faucht da einer der beiden Étant
Donnés-Brüder rituelle Poesie wie in alten Zeiten. Dazu trommelt Z'EV, der vonKlangritualen nun wirklich was versteht. Hurtado hat in den letzten Jahren
immer wieder mal Lebenszeichen gegeben, mit Gabi Delgado als Neue
Weltumfassende Resistance, mit Michel Amato als Hurtacker, auf "Sniper"(2010) mit Alan Vega. Auf "2011", der Kollaboration mit seinem Landsmann
Romain Perrot aka Vomir, besang er in typisch sublimer Manier die Elemente,das Licht, die Rose, das Herz und das Blut. 'Sang', Blut, ist eines derSchlüsselwörter seiner Mythopoesie, wie auch schon bei Étant Donnés: 'Son
Sang Juge Cent Morts' (1984), "Le Sang Est Le Mur De L'Étoile" (1998). Seine in
Rot getauchten Sätze lassen nur den Mond gelten und die Sonne, Hände und
Pferde. Diese Hand ist ein Garten / Dieser Garten ist eine Rose / Diese Rose ist
die Nacht / Diese Nacht ist der Mond / Dieser Mond ist der Tag / Dieser Tag ist
unsere Liebe / Diese Liebe ist ein Meer / Dieses Meer ist ein Gesang / Dieser
Gesang ist ein Hammer / Dieser Hammer ist eine Hand / Unser Leben ist dieseHand, lautet Hurtados Rosen- und Perlenkranz, sein Kreis- und Lebenslauf, sein
Ritual der Hin- und Opfergabe, sein Traum von Rosen und Feuer.

Un chemin
Une voix
Un silence
Un criDonne... donne - donne... Schenk mir Dein Herz, schenk mir Deinen Körper.
Verbrenne mich, verbrenne Dich. Der Wind, der Himmel, das Meer, das Feuer,
der Gesang, die Macht, die Liebe, das Schweigen, der Mund, das Herz, dasLeben. Alles dreht sich. Eine einzige große Feier. Pour la vie / Pour l'amour. MehrLiebe. Mehr Leben. Mehr Freude. Z'ev (der übrigens in dem am 14.3. bei Dodge
City entgleisten Zug saß und verletzt wurde) trommelt dazu wie auf Ölfässern,
Hurtado lässt Dröhnwolken quellen und elektronischen Wind durch seineBeschwörung fegen. Manchmal sind es keine Schläge, nur ein metalloides
Beben und Rumoren von Gongs oder Becken, vielleicht auch Gitarrensounds.
Aber dann reiht Z'ev doch wieder Schlag an Schlag, monoton, wie mit
geschlossenen Augen selber schon halber in Trance. Im Auge eines perkussiven
Hurrikans. Bei 'Donne-Moi' erklingt eine Orgel, Z'ev trommelt mit Rasseln, 'Je
suis' stemmt sich mit erregtem Basspuls gegen schneidenden Eiswind,'L'aurore' bringt Rassel und Kesselpauke, 'Pour la vie' wieder die Orgel und
Altarschellen, das fauchende 'Être' galoppierendes Tamtam.
Être
Être
Immobile
Sang
TOUT TOURNE. TOUT TOURNE. Bis man fast das Blut sieht, das den Zauber bewirken soll, und die Wände anfangen zu flackern und durchscheinend zu werden.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
AMMANN // HORN INTIMATE VIBRA
Instant Auditives 2.0 (Schräg Und Schön
Musikproduktion, susMP 1502): Das
Kürzel UKO lässt bei mir den Groschen
fallen und mich an Michael Ammann unddessen "exorbitantes Maulwerk" erinnern, dem wieder Unbekannte KlangObjekte entströmen, "phonetische Steinschläge, schmatzende Eruptionen, zischende Wasserfälle, Vokalabgänge undKonsonantlawinen" (BA 82). Hier kehrt
der Weidener wieder zusammen mit dem
Schweinfurter Günter Horn, der außerordentliche Gitarrengeräusche beisteuert. Horn ist ein schon auf "Concerto
Bavarese" vorgestellter Macher vonproperen Musiken und neutönenden
Werken wie "dorthin und wieder zurück"- 5 Stücke für Gitarre solo nach Motiven
von J.R.R. Tolkien, "4 Dütts für 2 Gitarren", "Collage" für Akkordeon und EGitarre oder "Konferenz der Fettläuse"für Klarinette, Akkordeon, Gitarre und EGitarre. Ausgerechnet "horchdarlingtheyplayourliedintheradio" für E-Gitarre,
live elctronics und Zuspiel-CD lässt
ahnen, zu welch krassen Griffen und-kniffen Horn sich hinreißen lässt (odergenötigt sieht), um Ammanns Phonetics
angemessen zu bekrabbeln und zu beglitchen, die, indem sie sich über Minton,
Patton und Ratkje hinaus würgen undsaubaggern, den Exzessen von Rudolf
Eb.er und Martin Lau nicht nachstehen.
Achtmal zerren und feilen die beiden an
Saiten und Stimmbändern, an Zungenbein, Steg und Hirn. Horn haut undglissandiert, kratzt, knarzt und schabt,
manisch wie ein Bombenentschärfer,
dem der Kragen platzt, bis man ganz
vergisst, dass er da eine Gitarre traktiert. So wie auch Ammanns Artikulationen und Kaumuskelspiele prasselbrodelnd, schnurrend, zischberstend, gollumwürgend und Entensaft schlürfend
alles Logozentrische ins AnimalischUrsuppige regredieren lassen. Ich konstatiere wieder Bizarrerie en masse unden detail, an der die Vorstellungskraft
reichlich zu kauen hat.

BRUNO DUPLANT fictions (aussenraum records, AR-LP-004): Auch das
könnte "Quiet Place Recomposed"
heißen, wie zuletzt Duplants Miteinander mit Ilia Belorukov, Kurt
Liedwart und Pedro Chambel, seinem
ständigen Weggefährten. Nun nutzt er
die gleiche Einbildungskraft, mit dersie in Poes House of Usher umeinander geisterten, um durch Prypiat
zu streunen und durch Futaba,menschenleere Geisterstädte in den
Todeszonen um Tschernobyl und
Fukushima. Anders als Peter Cusack
bei seinen Soundwalks throughdangerous places sucht Duplant nicht
den O-Ton, er umkreist die Orteseiner Utopien und Dystopien mit
entweder der Erinnerung oder - wiehier - als Fiktion. Als das Werkzeug
des Wandelweiser-affinen Franzosen,der schon auf Radu Malfattis B-BoimLabel, Eva-Maria Houbens Diafani undauf Another Timbre veröffentlichen
konnte, werden Kontrabass, Perkussion, Orgel, Electronics und Feldaufnahmen genannt. Hörbar wird, wieauch immer generiert, ein Gespinst
aus kleinen Gesten und Geräuschen,wie der Wind sie wohl in diesenverlassenen Orten erzeugt, wenn er
Kies rieseln lässt, mit Scharnieren
quietscht oder Echos einst dort gespielter Musik verweht. In Futaba hallt
noch der Sirenenalarm nach und das
Gegacker panischer Hühner, Flüchtende keuchen durch hohes Gras.
Oder sind es die Geister 'verheizter'
Katastrophenbekämpfer? Es knistert
wie Geigerzähler, die Geräusche klingen gedämpft und wie durch Atemmasken, teils perkussiv getappt oderwie klackende Steinchen, teils elektronisch verschliffen, dann auch wie
unter Wasser. Was die Nacht verschweigt, ist Duplants Spezialität, und,mit beckettschem Beigeschmack,
Felder nahe dem Nichts. Andere nannten sowas auch schon: Trauerarbeit.

66

FEDERICO DURAND A Través Del Espejo (12k 1085): Was hier kreist und plinkt,scheint pure Nostalgie zu sein, mit einer Patina fast wie bei Philip Jeck. Wir
kennen den Argentinier schon als eine zarte Seele in Melodía mit "Saudades"(Kaico, 2013) und allein mit "El Estanque Esmeralda" (Spekk, 2014). Mit Music
Boxes und Tapeloops, Piano, Synthesizer, Roland Space Echo und einer zart
gehämmerten Auris Lyre versetzt er sich (und uns) in eine auf Super 8
gebannte Kindheit. Die Aufzeichnungen schleifen und knirschen, als hätte die
Erinnerung Schadstellen oder Staub angesetzt. Die Wehmut ist umso größer, jemehr man die Zeit im Kinderbettchen, an dem einem die Mutter Wiegenliedchensang, als Goldenes Zeitalter gespeichert hat. Durand inszeniert kleine
Schattenspiele, streift durch einen verzauberten Garten, tastet nach dem
Spiegel, durch den man ins Wunderland gelangt. Er illuminiert die
Kindheitsvision mit Lampions und Glühwürmchen, über einem die Milchstraße,
vor einem eine Zukunft wie geträumt. Der Wind mag auffrischen wie bei 'El
grillo de nácar', wird aber nicht so widrig, dass er die Nostalgie trübt oder gar
dem Blick zurück Zorn beimischt. Das Glücksrad dreht sich wie Gottes Mühlen
langsam, aber die Milchstraße ist ja schon voll genug mit vergossener Milch. An
jedem Anfang muss die Mutter die Unternehmungslust eines kleinen Matzes
noch zu Bettschwere dämpfen ('Hora de dormir'). Heute schleppt man sichtiefmelancholisch dahin, denn die Uhr in der Spieluhr lässt sich nur bremsen,
nicht anhalten und schon gar nicht rückwärts drehen. Bleibt nur Alicens
Spiegel, ein Spiegeltunnel, ein Sternentor, Mamatschi, schenk mit ein
Sternentor.
GHOST FLUTE & DICE Melody Is God (Mastermind Records, MRLP2, 2 x LP):
Ghost Flute & Dice ist weiterhin das Projekt von Mikkel Almholt, einem
Pianisten und Elektroakustiker in Århus, und seine zweite Scheibe ist, wiezuvor schon "Music for Amplified Piano" (2011), wiederum in einer dänischtexanischen Koproduktion mit Obsolete Media Objects herausgekommen. Der
schöne Name des Zweitlings geht zurück auf das Credo von Ohad Benchetritt,
dem Gitarristen von Do May Say Think. Gemeint ist, dass alles Bemühen, so wie
hier die Zutaten von Danielle Dahl (saxophone), Maria Diekmann (violin), Trine
Odsgard Nielsen (vocals), Ole Grøndahl Jørgensen & Kristian Hverring(electronics), im Dienst der Melodie stehen. Statt dem Piano allein erklingt eine
Sonate für Piano und Violine ('Sharp Minor'), aber bei pulverisierten Wänden,ins Freie verlegt an den Straßenrand durch das Soundscaping der beiden
Elektroniker. Almholt rifft dann zwischen lyrischer Klimperei auch so energisch,dass die durchs Klangbild flitzenden Autos glatt übertönt werden. Ob da das
Saxophon schon mitkirrt oder ein Zug vorüber pfeift, bleibt offen. Dahl bläst auf
jeden Fall bei 'Chroma', wo Almholt, wiederum von Verkehr umbraust, auch im
Innenklavier zupft und mit metalloidem Klingklang besticht, selbst als das
Verkehrsgebraus zum furiosen Sandstrahl anschwillt, dem Saxophon und Pianoaber unbeirrt trotzen. Bei 'Audrey at the Mammoth' hört man Vögel zwischernund ein Zugsignal stiftet Almholt zu tagträumerischem Fernweh an, das den
Zug quietschend zum Halten bringt. Oder tippt er da mit zwei Fingern eine
Lärmbeschwerde? Die Spielfreude überwiegt aber offenbar die Reiselust. Bei'Phrygian' clustert immer wieder die ganze Flosse auf die Tasten, die Elektronik
schnurrt erregt ums Epizentrum. Nach diesem Prachtstück - 'White', noch
prächtiger, als stehende Dröhnwelle, mit nancarrowscher Erregung aller Tasten
zugleich. Zuletzt dann 'Flat Minor', erst nur elektronisch als Puls und kleine
dunkle Welle, wozu die Frauenstimme ein "Nananana" zu vokalisieren und
Almholt spitz und windschief zu picken beginnt, während die Elektronik nun
auch kleine Orgelpfeifen imitiert und brummig dröhnend verhallt. Und nichts
davon ist Zufall, denn Gott würfelt bekanntlich nicht.
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ADAM GOŁĘBIEWSKI Pool North(Latarnia, LA005): Dass dieser Mannin Poznan mit 'Drummer' nicht ausreichend bezeichnet ist, das zeigte er
zuletzt mit "In Front Of Their Eyes"(Arsenał Municipal Gallery). DieseSound-Art-Publikation präsentierteine Installation von ihm, die den
Hörer in einen abgedunkelten Raum
quasi bis über beide Ohren mitten in
die Trommel versetzt. "Pool North"offeriert daneben 'nur' sieben Improvisationen für Schlagzeug und Objects. Wobei gleich 'Straight, mute'eigentlich ein treffenderes Wort für
Schlagzeug verlangt. Denn es ist ein
einziger metalloider Klangrausch,
geschabt, gekratzt, gestrichen, abernicht geschlagen. Nicht rituell wie
Z'ev, nicht mikrotonal wie Jason Kahn,
nicht entrückt wie Michael Vorfeld,
nein, Gołębiewski ringt mit Sound undzerrt daran wie ein Kettensprenger
von laokoonscher Dramatik. Erst bei'Decay' wird die Action schlagkräftig,
der Fuß bolzt an der Basstrommel, die
Arme dreschflegeln auf Schrott, die
Hände rütteln und kneten und traktieren das Eisen wie ein höllischer
Schmied auf Speed. Bei 'Left Hand
Shake' spaltet der Pole den Hagel der
Schläge in dunkel rumorende und hellklingelnde, gedeckelt durch erzerne
Hiebe aufs Becken. Er ratscht undkrümpelt das Blech, mit manischem
Feuereifer, seine Stöcke und Schlägel
sind überall zugleich, um in reibeiserner Kakophonie zu schwelgen.
Das Cover zeigt Werkzeuge von Stahlwerkern, die allerdings auch schon
zum Foltern von Hexen und Ketzern
eingesetzt wurden. 'Half Blame' zerrt
jedenfalls wieder schrillend an den
Ohren, mit dennoch der schaurigen
Schönheit infernalischer Frequenzen.
Gołębiewski schürft das Trommelfell
wie mit Schürhaken und Kratzern, er
lässt es knarzig beben, bis selbst das
Blech ganz außer Atem kommt. Weißder Teufel, wie er zuletzt dieses
schrille Reißen und Pfeifen zustande
bringt, das er mit einzelnen Tupfern
begongt und krawallig bescheppert.
Noise muss nicht, kann aber verdammt schön sein.

MARSEN JULES Shadows in Time (Oktaf,
OKTAF 012): Zeit, Zeitlosigkeit und Musik,
drei seltsame Geschwister. Wagner wollte
den Zeitpfeil durch seine Musik in eine
Sphäre umschmieden, einen Raum, in dem
die Zeit mythisch aufgehoben ist. Frank
Rothkamm macht mit diesem Phantasma
kurzen Prozess, spricht bei seinem "Wiener
Prozess" (2015) von totaler Entropie, Randomness und sequenzieller Stimulanz nachden Formeln: m = s(n1, n2, n3, …) und:Weltbild - Kausalität = Planckzeit. Und spanndaraus einen 24-stündigen Ablauf diskreter
Entitäten, der sich als unerschöpfliches
Einerlei ebenso wie als unerschöpfliches
Vielerlei wahrnehmen lässt. Auch Marsen
Jules hat schon 2015 mit dem ebenfalls 24stündigen Memory Stick "The Endless
Change Of Colour: Limited 24 Hour UsbFlash Drive" seine tönende Konsequenz aus
Johannes Franzens computergenerierter
Pixel-Installation "Series 1024x768" gezogen, einer 'Bildmaschine', die aus derunendlichen Variation von Pixeln potenziell
alle möglichen Weltbilder generiert, einschließlich sämtlicher bereits realisierten.
Einschließlich des Spiegel-Bildes von Marsen
Jules, der das mit Zigarre und Brandy im
Lehnstuhl genießt. Doch wie heißt es soschön: Das Problem liegt nun weniger bei
der Maschine als beim Betrachter. Im
anthropologischen Nadelöhr, in der befristeten Lebenszeit. Die Stichworte Maschine und generativ verweisen auf Brian
Eno und seine Reihe ambienter Musiken von"Discreet Music" (1975) über "Generative
Music I" (1996) bis "Another Day On Earth"(2005). Martin Juhls offeriert (neben der auf
CD fixierten Version) 300 weitere Versionen
des Schattenspiels auf USB-Stick und limitiertem Vinyl. Ein ironisches (?) Spiel mit
Einmaligkeit und Beliebigkeit, das Zeit als
Immersoweiter transportiert, das nur durch
die individuelle Wahrnehmung konkretisiert
und dabei zwar nicht stillgestellt, aber dochausgeschnitten, erlebt, 'gefühlt' werden
kann. Die CD-Version ist ein ständiges Anbranden halbschneller, leuchtender Synthiewellen, ein ständiges Anschwellen undVergehen harmonischer Orgeldrones. Als ein
Mantra, das, so automaten- wie naturhaft, so
tröstlich wie ahuman, statt eines Stillstands
die Konstanz der Bewegung suggeriert unddie Vergänglichkeit - bis auf Weiteres aufhebt in einem steten Fluss.
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RAFAŁ KOŁACKI Istanbul. Aux oreilles d'un etranger (saamleng 02): Saamleng
ist offenbar ein Reisebüro. Zuerst kam Tomek Mirt so zu seinen "Khmer & Siam
Recordings" (2014), nun gelangte Kołacki in die türkische Metropole. Der mit
Hati und dem Orient Potockiego Project bekannte Perkussionist hat immer
schon eine Reiselust verspüren lassen und Neigungen zu orientalischem
Ambiente und noch östlicheren Mantras. Hier taucht er ein in Klänge, diepolnische und katholische Ohren mit Schauder erfüllen - angeblich. Als Music toread Orhan Pamuk by umfängt einen der urbane Alltag am Bosporus mit immer
noch zugleich befremdlichen Irritationen und faszinierenden Genüssen.
Verkehrsgeräusche und Straßenszenen, Schiffe, das ans Ufer lappende Meer,
plaudernde und rufende Stimmen, Musik und Gesang, die einen sounverständlich wie das andere verlockend und anheimelnd: Da wo man singt...
Sogar die Gebetsrufer überbieten sich wie krähende Hähne. Als könnte das
manierierteste Melisma die größte Frömmigkeit bezeugen. Und gibt es datatsächlich noch solche Straßenmusik? Oder ist einfach das Radio nichtkolonialisiert? Oder malt Kołacki sich und uns ein nostalgisches undaltertümelnd arabeskes Istanbul? So wie es vor vielleicht 50 Jahren undstellenweise von alters her geklungen hat? Manche Motoren klingen jedenfalls
nach unserer Adenauerzeit. Aber dann gibt es auch Pop wie von einem
türkischen Heino. Die Klasse eines Müslüm Gürses ist halt doch nicht derStandard. Es gibt einen Umzug mit Trommeln und Trillerpfeifen - Folklore?
Fußballfans? Der Pole bewegt sich wie ein verkleideter Kalif unerkannt durcheine Stadt, die ihn nicht als Fremden erkennt und daher ganz bei sich scheint.
LARY 7 The end of an era (Fylkingen Records, FYLP 1036, LP): Ich nehme an, es
gibt nur einen Lary Seven, nämlich das als "multimedia alchemist" umraunte
Phantom aus Buffalo, New York, Spielgefährte von Jarboe, den Swans, Foetus,
Tony Conrad, Alexander Hacke, Jimi Tenor oder Dorit Chrysler, Protagonist vonDanielle de Picciotto & Hackes Porträt "Not Junk Yet: The Art of Lary 7". Leif
Elggren peilt ihn an im Fadenkreuz der Lektüren von "Moby Dick", Charles
Olsons delirantem Essay "Call Me Ishmael", Nathaniel Philbricks "In the Heart of
the Sea: The Tragedy of the Whaleship Essex", das die Vorgeschichte
recherchiert, und Russel Shortos "The Island At The Center Of The World" überdas holländische Manhattan. Als wäre er ein anderer Ishmael, ein Überlebender
und Zeuge. Den Elggren jedoch dreiteilt in eine Achse, einen Grund und einekreisende Bewegung, wie Schallplatte, Nadel und Klang. Elggren spricht voneiner Form des Umkreisens, die ihr Herzstück vernebelt und ausspart, die ihre
Fixierung gerade im Vermeiden verrät (wobei er diese Strategie dabei gleichselber anwendet). So dass heimliche Glut die Welt in Brand setzt (oder auchnicht). Eigentlich nicht die Glut, sondern ihre Ausstrahlung, das verborgeneoder Unterbewusstsein davon. Like a dream without a dreamer. Like a whale
without a sea... Aber doch mit einer Vision von fröhlichen Seeleuten, die es
begeistert, dass der Stichel einer unsichtbaren Hand etwas mit Eigenleben
erzeugt, etwas Unerwartetes ... something not expected. Not explained... Wie
immer bei Elggren ein wundersamer Text, der seine Gnosis zugleich suggeriert
und umtanzt. Ganz d'accord mit de Picciottos Auffassung, dass Lary 7's
Künstlertum etwas davon bewahrt, what art really is – a magic moment which
only happens every so often, and usually unexpectedly... Zumal es sich im
Unscheinbaren, im Unspektakulären verbirgt. Wie hier in hell-dunkel pfeifenden,brummenden, wummrig bebenden Noisewellen mit einem wie mechanischklackenden Rotationsakzent und splattrig bohrenden Impulsen, die Lary 7 zum
knarrigen Loop dämpft, der unerwartet in ein pulsierendes, klackendes
Mahlwerk mündet. Die B-Seite beginnt ähnlich, kommt aber schneller zu den
splattrigen Impulsen, dem gedämpften Kreisen, dem wummrigen, klackenden
Pumpwerk. Quasi als die Hitversion zu der Extented Version zuvor.
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NIAGARA Hyperocean (Monotreme Records, MONO-105):David Tomat & Gabriele Ottino huldigen da wieder dem
Element, zu dem sich das aus N.A.M.B. hervorgegangene
Turiner Projekt schon im Namen bekennt, dem Wasser. Es hebt
an mit einem liquiden Schwall aus Gitarrenwellen, Electronics
und Comic-Gesang, gefolgt von knackendem Mahlwerk mit
gepitchten Sprechgesängen und wuppernden Gitarrenschüben. 'Escher Surfers' bettet poppig kesse Phrasen auf
zuckende Keyboardinseln, die durch psychedelische Nebelbänke mit nasalem Singsang verbunden sind. Bei 'Blackpool'
wird durch einen ominösen Sud gerudert, Gereimtes sucht sichseinen Weg durch eine ungereimte, quecksilbrige Geräuschwelt und tuckernde Beats. Orgelige Synthieschwaden undglucksende Laute, weiche Basstupfer oder bollernder Bassbeat wie bei der Hommage 'Roger Waters', dazu auch ostinates
Synthiestakkato und immer wieder der etwas verzerrte, bewusst künstliche und verunklarter Gesang, all das scheint mit
Unschärfen, elektronischen Schauern, klingelndem Gedengel,groovigem Pulsieren, kreisender Rhythmik der Evokation eines
künstlichen Paradieses zu dienen. Als würden da Replikanten
in Telenovela-Illusionen schmachten, in Gefühlen, die ihre
Rechenkapazitäten vergiften, die sie langsam machen, alswäre jeder 'Denk'-Vorgang, jede Bewegung auf 'Alfa 11' ein
Schleifen und Zerren im Zwang einer Obsession, das die letzte
Energie aussaugt.
OPCION Monos/Und (GOD Records, GOD32, LP): Nikos
Zachariadis macht es mir nicht leicht, den Einstieg zu finden,
die LP ist so geschnitten, dass die Nadel von Innen nach Außen
driftet. Wir kennen den Grazer als den widerständigen Ab-Hinc
und, seit 2011 als Opcion, mit dem 'Krst Dub' (auf "God"), vonder "Schiizo Box" her und mit seinem Track auf der Chmafu
Nocords-"Compilation #1" zu BA 80. Also lassen wir ihn auchhier gern seine sirrend flickernde, dumpf bepochte Spirale inimmer weiteren Kreisen ziehn. Schläge fallen dazu unregelmäßig, aber gnadenlos. Gibt es schon Lethargo-Techno?
Auch 'Monos 2' sirrt als Schillerwelle, die Schläge klingen noch
dumpfer und verschleppter und detonieren wie Wasserbomben mit Sprüheffekt. Die dritte Variante kommt in surrendem
Lo-Fi daher, der Beat stapft mit Hinkebein und stoischem
Beckenschlag immer wieder von Fern nach Nah. Die B-Seite
kommt dann richtig rum in die Gänge und das Und verrät die
Anwesenheit weiterer Personen für eine nun weniger monomane Gestaltung. Maja Osojnik tönt mit Fieldrecordings einen
zuerst ambienten Dröhnverlauf, der jedoch zu detonieren, zu
mahlen und zu vibrieren anfängt, wozu sie auch ihre Pätzold
Bassblockflöte blubbern lässt. Bernhard Loibner bearbeitet
mit E-Bass & Electronics einen Doomrocktorso, mit knurrigen
und metallisch scharfen Sounds und wieder bösen Schlägen.
Kurt Bauer schließlich mischt sich, abseits seiner gewohntenbukovinischen, sephardischen, leninistischen Pfade, ein mit
kratzigem Violinsound, der schleift und glissandiert zu impulsiver Erregung, Subwooverbass, berstenden Wooshes undhornissigem Gesumm. Das nenne ich eine ausnehmend
düstere Absage an den schönen Schein.
70

TBC - CZEPOKS Fiasco (Wachsender Prozess, CD-R): Was denkt man
in Hamburg beim Stichwort 'Fiasco'? An die 'Operation Gomorrha'?
Die Sturmflut 1962. Die Elbharmonie? Die Olympiabewerbung?
Thomas Beck (mix & synth) und die
auf Rana Miss Tone (keyboards)
und Kai Seemann (autoharp & nachbearbeitung) reduzierten Czepoks
suggerieren mit ihrem dark ambienten, wie von stöhnender Klage
durchzogenen Soundscape jedenfalls nichts allzu Erfreuliches.
Ameisen marschieren durchs Bildund besetzen die leeren Reihenhäuschen. Das dominante Element,
das den dystopischen Anstrich
besonders gut transportiert, istdieses 'stöhnende' Glissandieren,
das mit Dopplereffekt vorüber
woosht. Es gibt dem dröhnenden
Wellenfluss den Gefühlswert eines
Lamentos, einer Threnodie. Düstere
Subwoofer schieben sich unter die
elegischen Mollwogen. Selbst wenn
die auch nur wie abfahrende UBahnen klingen, will sich dazu keinmenschlicher Betrieb einstellen.
Sondern nur die Vorstellung einer
Automatik, die so lange weiter läuft,wie es Strom gibt, auch wenn daniemand mehr ein- oder aussteigt.
Der Klang hat insgesamt etwas
Unterirdisches, wörtlich gemeint,eine Suggestion von U-Bahnhöfen
und Tunneln, von in die Tiefe verlegten Fabriken, mit einer Anmutung von Morlocks oder vonPeenemünde, mit pynchonschem"V"-Effekt. Der sirrende Betrieb
moderner Isengards, mit sausenden Schwungrädern, stöhnendem
Metall, und drüber allenfalls die
Hyperbeln pfeifender V2s. Oder derNachhall davon in den winzigen
Memen der Ameisen. Am wirkungsvollsten könnte ich mir "Fiasco"
aber in einer Chapel oder einem
Mausoleum vorstellen, aber nicht
mit Rothko oder Vigeland vor
Augen, sondern mit 'Seascapes'
von Thierry De Cordier: 'Mer
Grosse' - 'Mer Haute' - 'Zeeberg'.
Devant nous, le déluge.

THE THIRD EYE FOUNDATION Semtex / Extra(Ici, d'ailleurs..., IDA111, 2 x CD): Lang ist's
her, ganze 20 Jahre, seit Matt Elliott als Teilder damals so virulenten Bristol-Szene neben
Movietone und Flying Saucer Attack als The
Third Eye Foundation die Aufmerksamkeit auf
sich zog. Ich erinnere mich da an Statements
von extraordinärer Sophistication wie 'Cotard's Syndrome' und 'The Sinking Ship Song'(als Matt Elliott auf "The Mess We Made") undan seine Remix-CD "I Poo Poo On Your Juju"
von 2001. Lange bei Domino, wechselte Elliottzu Ici d'ailleurs, dem Label des Coil- und
OuLiPo-Fans Stéphane Grégoire in Nancy.
Stilistisch schloss Elliott sich mit seinen"Drinking...", "Failing...", "Howling..." &"Failed Songs" und ironisch-explizit mit "Only
Myocardial Infarction Can Break Your Heart"als "Broken Man" an The Broken Heart
Procession an. Nicht dass die Illbient-Welt von"Ghost" (1997), wo schon der Geist vonDonald Crowhurst umging, eine hellere gewesen wäre. Diese Wiederveröffentlichunggeht nun ganz auf Anfang zurück, mit den
sechs zu Tierkadavern gebetteten Tracks desDebuts plus acht Extra-Tracks aus den frühen
Jahren. Und ruft damit nervös rhythmisierten
Noise in Erinnerung mit einer Gitarre an derBruchkante zur Hysterie. 'Sleep', 'Dreams...','Leaving' und 'Die!' werden als Optionen aufgefächert, mit 'Hymn to Pan' bekommt das
existentialistische Dilemma eine mythopoetische Aura. Bei 'Still-Life' stehen, melancholisch überrauscht, rituell betrommelt undwieder mit einer Klagemauer klingelnder
Gitarren, die noch älteren Einsichten von Joy
Division vor Augen. Ab 'Dreams on his fingers'
wellt sich der Singsang von Debbie Parsons
im Hintergrund, der Duktus wird ambienter,transparenter, bei 'Once when I was an Indian'
mit Curryduft und mystischem Andrang. 'Rain'
hängt einen an den Tropf einer kristallinen
Liquidität, nicht jeder kann Honig pumpen.
Beim 'Alarm Song' fordert Elliott zu TripHopBeat zum Marschtritt auf, gegen Scherben
und Tretminen im Rasen muss sich jeder
selber versichern. Die Gitarre kaschiert sichals unscharfer Klingklang, hebt sich jedoch
als fragiles Saitenspiel oder von Cello umsummter Loop daraus wieder hervor. Die
Bandschlaufen schleifen und pfeifen undzerreiben einen Gesang zur Unkenntlichkeit.
Als Abgesang auf das 20. Jhdt., egal ob mitoder ohne Flöten und Tamtam oder quäkender Schalmei, bleibt es dennoch verständlich.
71

NORMAN WESTBERG MRI (Room40,
RM474): Das ist nach "13" (RM472, 2014)
ein weiterer Reissue von Musiken, die derunverwüstliche Gitarrist der Swans im
Selbstverlag herausgebracht hat. 'MRI'
und '410 Stairs' sind 2012 als jeweils auf
75 Exemplare limitierte CD-Rs erschienen
und auch nochmal kompiliert als "Music
from: MRI, 410stairs, Plough". Jedes'MRI'-Exemplar enthielt einen magnetresonanztomographischen Scan vonWestbergs Gehirn. Denn so unverwüstlich wie es scheint, ist er gar nicht.
Hörprobleme hatten zu dieser Untersuchung veranlasst, und ihn grundsätzlich bewegt, in einen inneren Dialog mit
sich selber zu treten. Zu 'MRI' schreibt er:
The track is a 15+ minute atmosphericguitar piece. I played my Telecaster into
two amps with an array of delays andeffects. Tracked onto a Porta 1 taperecorder, then manipulated in Sound
Forge, 16bit, 44.1 Stereo Wave for thefinish... done as one pass. Es erklingt ein
dröhnminimalistisches Wallen, gebündelt
aus sonoren Dauertönen und aus pulsierenden Wellen, die manchmal einen Holzschuhtanz aufführen, wenn sie sichgünstig treffen. Und über '410stairs' heißt
es: This twenty minute plus track wasrecorded in Mina's Room Studio with a
Tascam Porta 02 using a stereo set ofhome-made microphones. I used a modified Kapa Continental 12-string into avariety of delays and such, then split into
an Orange Crush and a Brian May Vox
with an extension speaker. I transfer into
Sound Forge for some minor soundmastering. Zu hören ist ein wie der Zeit
enthobener kaskadierender Mehrspurklingklang, ein metalloid läutendes, unaufhörlich schwingendes Schallwellengekräusel. 'Lost Mine' schließlich bringtüber nochmal 18 ½ Min. eine dritte Variation des Puls- oder Loopprinzips, etwas
dumpf und unscharf, als würden nur die
größten Glocken dröhnen. Allerdings mischen sich dann doch auch heller läutende ein, mit einem Klingklang, zu der man
in Trance fallen könnte. Und dann auchnoch tiefere, dunklere Brummtöne, diesich unter das anhaltende Echo schieben.
Denen wiederum noch hellere, kurzwelligere Schwingungen folgen. Nada Brahma.
Die Welt ist Klang-anggg-anggg-anggg.
72

JENSEITS DES HORIZONTS
Bôłt (Polen)
TEKLA MROZOWICKA führt ein Doppelleben und in der künstlerischen Hälfte
verdreifacht sie sich sogar in Técieu, um ihre rauere Experimental/Noise/DroneSeite zu zeigen, in die femininere Cétieu für Ambient/Drone/Electronic-Stimmungen
und in Éctieu für Dub/Techno-Zeug, zu hören auf Barudă Records. Nun sindverschiedene Aspekte eher eine Eigenschaft des Mondes, Prominences (BR K007)
spielt jedoch auf Sonnenprotuberanzen an. Als hätte sie bei Olga Tokarczuk
gelesen: "Wenn man nicht weiß, 'wo' Gott ist ... muss man all das betrachten, wassich wandelt...: die Oberfläche des Meeres, den Tanz der Sonnenkorona..." Wirliegen 8 Minuten und 19 Lichtsekunden entfernt in sommernachmittäglichem
Halbschlaf. Das darf nicht verwundern, bekennt sich Mrozowicka doch zu einer
Vorliebe für Celer, Stars of the Lid, Biosphere, Fennesz, Pan American, Harold
Budd, not to mention fabulous Machinefabriek, Philip Jeck, Leyland Kirby, Murcof
bis hin zu Bohren und Der Club of Gore (Soundofatiredcity.com). Der weitaus
Prominentere in dieser sonnenanbetenden Partnerschaft ist der Breslauer MARCIN
CICHY, bekannt als Meeting By Chance und mehr noch als Hälfte des Ninja TuneActs Skalpel und damit Träger des polnischen Kulturpreises Paszport POLITYKI. Er
schmälert hier seinen Cinematic-Downtempo-Nu-Jazz-Trip-Hop-Klangfächer auf
chillig und ambient. In sanftem Gedröhn, das wie Sirup durchs All quillt, erklingenhier und da kleine Akzente, wenn es in der Hitze fein rasselt, zeitlupig klackt,windspielerisch klingelt oder motorisch surrt. Zu solch lascher Mikroperkussion
kommt ein tagträumerisches, wie von Sonnenwind verwehtes Klavier, kreisender
Klingklang von Piano und Vibes, minimales Schlagzeugspiel. Vorherrschend bleibt
jedoch der warme Bronzeton harmonischer Dröhnwellen, die zuletzt bei 'Bell'hellere und sogar leicht erruptive Züge annehmen.
Der Motion Picture Sound Essay 15 Corners Of The World (BR ES19) führt einmal
mehr ins POLISH RADIO EXPERIMENTAL STUDIO, um einmal mehr die Verdienste
von EUGENIUSZ RUDNIK zu würdigen und das Medium Radio zu feiern. Statt den
mit "Let your eyes follow your ears " beworbenen, 2014 auf diversen Filmfestivals
präsentierten Dokumentarfilm von Zuzanna Solakiewicz zu zeigen, der versucht, in
die Gedanken- und Klangwelt des 1933 geborenen Elektroakustikpioniers einzutauchen, gilt: Let your imagination follow your ears. Fragmentarisch, assoziativ
und experimentell wird Rudniks eigene Vorgehensweise zum Leitfaden einer
Klangcollage, eines Hörspiels, wenn man so will, aus Klangbausteinen undGesprächsausschnitten. Solakiewicz greift dabei Rudniks Montageprinzip auf undwendet seine Erfindung der 'dokumentarischen Radioballade' auf ihn selber an.
Plastisch wird dabei sein Werkstoff und seine Methode hörbar, sausend gespulte
Tonbänder und Scherenschnitte. Rudnik arbeitete nämlich sein Leben lang in der
Cut & Paste-Technik der frühen Jahre, als ab 1957 im neuen Experimentalstudio vonPolskie Radio quasi die Töne Laufen und Tanzen lernten. Rudnik hat sich im Studioeingenistet und viele Hunderte von funktionalen Musiken gebastelt sowie fast
hundert eigene Kompositionen, zu hören auf "Eugeniusz Rudnik" (Polskie Radio, 4 x
CD, 2009) und "Miniatury" (Requiem Records, 4 x CD, 2015). In der Fluchtlinie vonWalter Ruttmanns "Wochenende" (1931) zur Metamkine-Reihe "Cinéma pourl'oreille" und darüber hinaus nimmt Rudnik eine besondere Stellung ein, als ein
Laokoon des Tonbands, als Klangbildhauer, mit Geschwindigkeit als Meisel. Wobei
erst die Einbildungskraft der Hörer die letzte Transformation seiner Klanglandschaften vornimmt, die er von der Kuhwärme, Intimität und Dramatik dermenschlichen Stimme bis zu kristalliner Reinheit wie nicht von dieser Welt spannte,
um letztlich noch das Unscheinbarste und Fremdeste zu humanisieren.
73

Keine Ahnung, was das Polnische Ministerium fürKultur und Nationalerbe heutzutage so fördert, 2009
trug es noch dazu bei, dass KASIA GŁOWICKA ihre
drei 1999 als 'Summer's Day' entstandenen Shakespeare-Songs erweitern konnte zu den Seven Sonnets(BR 1028 / ARTEksound, ART003) um die vier weiterenvon 'Spring's Day', nämlich 'When my love swears'(CXXXVIII), 'Love is too young' (CLI), 'Sweet Love' (LVI)
und 'All naked' (XXVI). Der Countertenor Arnon Zlotnik
singt Shakespeares Poetry, die die in niederschlesischen Oleśnica (Oels) geborene Komponistin, die in
den Niederlanden mit dem Komponisten Henry Vega
verheiratetet ist, auf Streicherklang gebettet undelektronisch verziert und kontrapunktiert hat. Sie lehrt
ja schließlich am Conservatoire royal de Bruxelles
Computermusik. Es klingt ein wenig, als wären
Dowland oder Purcell mit einem Sonic Screwdriver
per TARDIS unterwegs gewesen und hätten sichzeitgenössisch eingefärbt. Wenn Zlotnik mit seiner
artifiziellen, vibratolosen Stimme 'Mine eye hathplayed the painter' singt und "wie gut dein Auge dientdem andern! / Meins malt dein Bild; dafür in meiner
Brust / Wird deins zum Fenster, wo die Sonnenstrahlen wandern / Durchblickend dich belauschen
drin mit Lust" (XXIV), wenn er "O nimmer sprich zu
mir: »treuloses Seele!« (CIX) klagt (im O-Ton freilich,nicht wie hier verdeutscht), dann wird die über 400
Jahre wie in Bernstein eingefasste bisexuelle Doppelbödigkeit durchscheinend und liquide. Gerade weilheute keiner mehr "Wenn Liebchen spricht, daß nie
ihr Herz erkalte, / So glaub ich ihr, wenn sie es schon
erfand" sagen könnte, rühren Glowickas Neomanieristik und der androgyn flötende Minnesang mit seinengezierten Intervallsprüngen an ähnliche Fibern der
Imagination wie Virginia Woolfs & Sally Potters"Orlando" oder "Prospero's Books" von Peter Greenaway. Oder Klaus Nomi. Das Rubens Quartet aus Den
Haag webt dazu ein Gespinst in neuzeitlichem Retrostil, mit kapriziösem Pizzikato bei 'O, never say', mit
melancholischem Schimmer und Schatten bei 'My loveis strengthened' und, dabei elektronisch umsirrt, bei'When my love swears'. Dem akkordeonähnlichdröhnenden Glitzern bei 'Love is too young' entsteigen
zuckende Strichfolgen, die Stimme folgt imitativ, auchdem depressiven, wie von Chimes konterkarierten
Abschwung bis hin zum szymanowskiesken i-Tüpfelchen. 'Sweet love' wird von den Strings mit rhythmischem Drive angestimmt, die "sad int'rim[s]", die
die Liebenden trennen, überspringen sie mit Pizzikato.
'All naked' schließt mit elektronisch zugleich verfeinertem und verdichtetem Schimmer, der im Raumflimmert, fluktuiert, tüpfelt und rauscht. Die Stimme,
der die Worte fehlen, hallt luftig losgelöst nur noch ein
bloßes "...in thy soul's thought, all naked, all naked..."74

chmafu nocords (Graz)
UNBEHAGEN, so nennen sich Arden Day & Wysozky, wobei Soundcloud ersteren,der eigentlich Adrian O. Smith heißt, in Paris verortet und seinen Partner in Wien.
Dem einen werden "extended piano, E-Bows, Sticks, rhombus, hurgytron & boîtes àbourdons" zugeschrieben, letzteres zwei Erfindungen des Elsässers Léo Maurel,
dem andern "granular synthesis, tape machine, pi synth, am radio & processing".
Das Artwork ihrer eponymosen Doppel-CD zeigt neben zwei schattenspielenden
Händen und einem Rebhuhn eine seltsame Klangbox, offenbar ein Hurgy Toy.
Nichts davon macht einen gefasst auf die aufschrillende Klarinette und das
ratternd angeschlagene Piano bei 'Stratageme #1', das angeregt wurde durch "Le
Son Comme Arme. Les usages policiers et militaires du son" von Juliette Vocler, wo
es um Klang als Waffe geht. Auch 'Under A Wave Off Fukushima #1' steht im
Kontrast zwischen friedfertigen Klängen und katastrophischen Einschlägen, dieschnatternde und schleifende Erregung hervorrufen, während '...Fukushima #2'
melodische Percussion mit geharften Klängen und groovigem Riffing verbindet,aber auch Klängen, die nichts Gutes verheißen. 'Stratageme #2' steht gleich unter
Daueralarm, als sausendes Dröhnen und trillerpfeifende Diebstahlsicherung, eine
grollende Dunkelwelle schiebt sich dazwischen und zuletzt fallen auch wieder
Hiebe. 'Musical Banks' verbindet ein Sample von Luc Ferrari mit Samuel Butlers
Vorstellung einer besonderen kultischen Währung, die er in seinem "Erewhon"
entworfen hat, während eiserne (sic!) Partikel ins Innenklavier hageln und zuletzt
wieder repetitive Pianistik Moneten in Musik ummünzt. 'Stratageme #3' bringt dannnochmal einen dröhnenden Auftritt der Boîtes à Bourdons, kurz BABs,
französischen Vettern der Shruti Box, die sirenenhaft alarmierend glissandieren,
bevor sie sich in einem sonoren Dauerton stabilisieren. Auf 'Intermission' alskurzem E-bow-Intermezzo folgt Unbehagen 'Live in Paris'. Nicht gleich als
Pandämonium, bei dem man sich wie bei "Pinocchio" Baumwolle in die Ohrenstopfen muss. Aber doch mit ohrenzupfenden Wellen, die einen weichkochen, mit
schepperndem Innenklavier, mit plonkig präparierten Tasten, mahlender undsausender Motorik, was dem bisher Gehörten nicht widerspricht, aber doch auf
längere, wohl improvisierte Verlaufsformen baut.
Offshore Zone (LP, meergrünblaues Vinyl) von DEEPSEAFISH-K bringt durch
Katharina Klement & Manu Liu Winter an Piano & Clavichord (bei Klement auchnoch Zither & Synthesizer) und Juun, das ist Judith Unterpertinger, an pianoguts,
hammered dulcimer & toy piano ebenfalls nicht gerade normkonforme
Pianotraktate. Was nicht ganz unerwartet kommt, kennen wir doch Winter durch ihr
Klang + Kunst-Tête-à-Tête mit Udo Schindler und Juun durch No Business For
Dogs und von Klement immerhin ihre eigenwillige Ensemblemusik "Jalousie". Hierzu dritt lassen sie eine submarine Scheibenwelt dröhnen und wummern, mit
schabender Rotation und einer Pianoerschütterung, mit Balafonkling- und Schwirrklang, mit knarrenden Lauten und dumpfen Schlägen, mit gepickten, geharften und
geflirrten Saiten, klapprigen Arpeggios und weiterer Klangskulpturpercussion, diewie mit Dreizack neptunische Turbulenzen aufwühlt. Während sich bei 'Teal' das
dunkle Blaugrün kurz zu entspannen scheint, ist 'Killing Poseidon' ein brutales
Hauen und Stechen. Alles geht kaputt, nur nicht der Steinbutt. Ketten knarren unddie mit 'Turbot' und 'Nunataks' bestückte B-Seite wird energisch mit metalloider
Unterwasser- und Gletscherpercussion bekratzt. Bis zu den Ellbogen in den
Pianoguts wühlend und donnernd, mit aber auch wieder feinem Klingklang,drahtigem Pizzikato, helldunklem Tremolieren, ratschenden Lauten und tuckerndem Synthie. Und nach einem stürmischen Ausbruch zuletzt mit eisig funkelndem
Geprickel. Ob als Programmmusik oder einfach so, das Klangbad der dreiÖsterreicherinnen taugt als Äquatortaufe über so manchen Breitengrad hinaus.
75Carrion, My Wayward Son ... (RSPT046, LP) wird gemeinsam von Chmafu
Nocords und Rescipiscent Records offeriert, in San Francisco eine Plattform
für so Obskures wie Bran(...)Pos, Fat Worm Of Error und Ritualistic School Of
Errors, aber auch für Ava Mendoza und insbesondere für Liz Allbee, mit deren"Quarry Tones" (RSPT001) das Label 2005 anfing, dem ich mit "Theseus Vs."
(RSPT035) auch die erste Bekanntschaft mit der Trompeterin aus Berlin,
Vermont, verdanke. Da sie inzwischen in Berlin an der Spree lebt, wo sie mit
Burkhard Beins als Mensch Mensch Mensch, mit Chris Heenan als Pivot, mit
Michael Vorfeld als The Zoo und überhaupt in der Improszene aktiv ist,erscheint ihre zweite Scheibe mit LE FLANGE DU MAL als ein wilder Rückgriffüber 15 Jahre auf die paranoid und apokalyptisch verzerrte Zeit anno George
W. Ihre Partner, Chris Cones an Drums, Chris Rolls an Vocals & Synthesizers
und Jason Stamberger an Organs & Synthesizers, waren als Earwicker
ebenfalls schon RSPTistisch verbandelt, der Anschluss an das Grazer Labelerfolgte mit 'The Indigenious Evaporator' auf der "DAMN! - Freistil Samplerin#3", mit Allbee als femininem Link. Dieser Rumpelpunk-Song mit Trompete undChor macht auch hier den Auftakt und lässt die Anarchie der Los Angeles Free
Music Society und die lustvolle Giftigkeit der Postpunk-Gören von Slits und
Kleenex anklingen. Das finale 'Shaved Women' ist dazu die direkte Referenz an
Crass und Annie Anxiety. Allbee singt selber frisch von der Leber weg, mal mit
Rrriot-Girl-Sopran, mal mit Comic-Verzerrungen, mal als 'Threnody for S.A.',mal über einen 'Weather War'. Im Wechsel mit Rolls besingt sie mit einer K-CarLitanei den einstigen Crysler-CEO 'Iacocca', der ja nicht zuletzt ein hohes C derFührungsqualitäten in Zeiten der Krise hinterlassen hat: Curiosity, Creative,
Communicate, Character, Courage, Charisma, Competent, Common Sense(alles Qualitäten, die er bei Bush nicht erkennen konnte). Hymnisch pusht undrumpelt 'Caravan To Montauk' dahin, Max Frisch kommt in diesem wohl zum»Montauk Project« gesponnenen Garn nicht vor. '...Landmines' besticht mit
hoppeligem Beat, Keyboardsound und Glockenspiel, wenn man doch nur den
Text verstehen könnte. Beim gekrähten Crass-Song ist das nicht schwer:
Shaved women collaborators / Shaved women are they traitors? / Dead bodies
all around / In all your decadence people die! Angestimmt als Powwow mit
Screaming babies, Screaming babies, Screaming babies-Mantra, mit dem
sarkastischen Spirit, für den Politics und Pop, Agitation und militantes Dancing
bestens vereinbar waren. Schon gut. Wenn Musik auch nur an der Oberfläche
der Verhältnisse jucken könnte, wäre es schon viel. Aber es muss wohl
genügen, wenn sie derart erfrischend und mitreißend mit Defiziten an
Menschenwert und Menschenwürde umspringt, dass das Wünschenswerte
dem Machbaren eine Nase dreht.
76

Lenka Lente (Nantes)
Etwas Unerwartetes und Unbekanntes, nichts anderes erwarten wir von Lenka
Lente. Bei Faits Divers / A Piece Of The Sky Is Missing (lkl-l14, booklet + 3" mCD-R)
sind es acht kleine Texte von CHARLES-LOUIS PHILIPPE (1874-1909), diemühelos wieder für Fragezeichen sorgen. Der früh verstorbene Autor war
durchaus mal jemand gewesen, der Manesse-Verlag hat 2001 mit „Bubu vom
Montparnasse“ (1901) & „Croquignole“ (1906) sogar zwei seiner bekanntesten
Romane neu eingedeutscht. Mirbeau, Gide und Giraudoux hatten ihn geschätzt,George Lukács nahm 1910 in "Die Seele und die Formen“ auf ihn Bezug, T. S. Eliot
hat ihm 1932 als Türöffner ins Englische zu dienen versucht, René Barjavel (dermich mit „Elea" zum Weinen gebracht hat) schrieb 1966 über seinen Satz „La faimdu tigre est comme la faim de l'agneau“ einen großen metaphysischen Essay.
Philippe hatte den 'vérités françaises' des bourgeoisen Nationalisten und AntiDreyfusards Maurice Barrès trocken sein Klassenbewusstsein entgegen gestellt.
Seine 1901/02 in der Revue blanche abgedruckten Texte verraten seinen
lakonischen Faktizismus. Als Augenfang dient eine Einladung zur Beerdigung, ein
Holzschnitt von Félix Vallotton (1865-1925), Mitglied der vorwärtsgewandten
Schnauzbartbande Nabis, Autor (sein Roman „Corbehaut“ ist ebenfalls bei
Manesse erschienen) und Illustrator bei der engagierten Revue blanche und beim
Berliner Jugendstilblatt PAN. Drittens steuert NURSE WITH WOUND, wie auchschon zu den Büchelchen mit Adolf Wölfli und André Salmon, diesmal in Gestalt
von Stapleton und dem Dubliner Brian Conniffe eine kleine Nachtmusik bei.
Conniffe beschreibt sie jedenfalls als „tranquil, narcotic and nocturnal“, ich höre
dunkle ‚Flöten‘ und einen Geister-‚Chor‘. Auch wenn Julien Benda die Diagnosevom „Verrat der Intellektuellen“ (1927) erst nachträglich formulierte, hatte schon
die Dreyfus-Affäre in den 1890ern die Geister geschieden. In blutberauschte
Antisemiten, Chauvinisten, Volksverhetzer und Sündenbockfinder (Drumont,
Maurras, Barrès, Léon Daudet …). Und auf der anderen Seite die da erstmals sobeschimpften ‚Intellektuellen‘ (vulgo Vaterlandsverräter und Nestbeschmutzer)
mit ihrem Rationalismus, Individualismus, Liberalismus, Leute wie Philippe,
Vallotton (Zola, France, Proust, Fénéon, Durkheim, Sorel …), die die Hetze gegensie in ein rebellisch-außenseiterisches Anti ummünzten, jederzeit bereit, dem Clanderjenigen beizutreten, die den Orden der Ehrenlegion verweigern. Aber wie
passt da Wölfli dazu? In der provokativen Präferenz: Besser ‚nur‘ ein Kinderschänder, Lustmörder, Bombenwerfer, als seinen Sadismus ‚systematisch‘ in den
Kolonien, auf der Regierungsbank, am Richtertisch und im Generalstab
auszutoben. Was ist ein Joseph Vacher (der 'französische Ripper', den Michel
Galabru in Taverniers „Der Richter und der Mörder“ verkörperte), ein Ravachol
oder ein Moravagine (Blaise Cendrars‘ Moloch) neben Generälen wie Réveilhac(dessen Weg zum Ruhm bei Kubrick zu besichtigen ist)?

77

Hauptsache MOONDOG, konnte ich schon
anlässlich der Moondog-Hommage von Cabaret
Contemporain auf Sub Rosa ausrufen (BA 87),
die damit früh ins Moondog-Jahr 2016 einstiegen. Ein zauberhafter Beitrag dazu sind nun
auch die 50 Couplets (kl, booklet), die die Poetry
von Louis Thomas Hardin (1916-1999) feiern.
“Poetry and his music share a same interest forrhythm,” erklärt der Herausgeber Guillaume
Belhomme, von The Wire befragt. “That said, his
couplets – a poem of two lines, of the same
meter, that rhyme – can remind of the canons he
has been inspired by for his music.” Auf Deutsch
sind solche frivolen, intellektuellen, politischpointierten und durch Sprachwitz zündenden
Zweizeiler durch Karl Kraus, Brecht, Ringelnatz,
Karl Valentin, Georg Kreisler oder Helmut Qualtinger geläufig. Belhomme findet bei ''Moondog“small fairy tales, love stories or even insultsthat tell about philosophy, history, environment,
politics, economy… We could think of Ralph
Waldo Emerson and Henry David Thoreau, as
Moondog often refers to nature – reminiscencesof his childhood maybe, fishing, hunting, riding
horses in Wyoming. But, indeed, it’s possible toothat Moondog had one and only one influence:
himself.” So weit ich weiß, gibt es noch keine
deutsche Version von Moondogs jambischen
Heptametern, durch Marie-Hélène Estève (w/Benoît Gréan) jedoch eine französische, dieerstmals 2009-2010 in der Winter-# 6 & 7 derRevue La barque erschienen ist. Im O-Ton
brachte Moondog mit diesem klapprig simplen
Formalismus so Verblüffendes zustandewie
An armored knight fell off a ship and sank into the blue.
He looked a lobster in the eye and said, "you're armored, to?"Wie
You're climbing up the ladder of success; he's climbing down.
And you can't help but smile, i guess; and he can't help but frown.
Oder wie
A snowflake settled on my hand and said, as if in fear,"I must be on my way before i turn into a tear."
Und was sagt man zu
One day a mounted hunter heeled a wounded boar, who wheeled,and gutted horse and rider, leaving death upon the field.
?
Oder, Teufel noch eins, zu"It's beautiful," i said as i beheld a marble bust.
"Just who are you to tell me so?" it muttered in disgust.
?
Was für coups! Aber wie denn auch anders bei
einem Mann, bei dem silly nicht albern bedeutet,
sondern sich auf Chile reimt.
78Music Information Centre
Lithuania (Vilnius)
Der litauische Komponist ANTANAS REKAŠIUS(1928-2003) ist hier so bekannt wie der Romancier
Bronius Radzevičius, nämlich so gut wie gar nicht.
Dabei hat er von seinem 1. Streichquartett 1954,
dem fünf weitere folgten, neben neun Sinfonien bis
hin zu den Balletten "Medea" (1996) und "SNO"(1999) ein umfangreiches postmodernes Œuvre
aufgefächert. Das altbackener Kammermusik spottende Ensemble Apartment House hat sich nun für
Fonogramatika (MICL CD 089) einiges davon heraus
gepickt, Dank des Engagements des Leaders, demauch von Zeitkratzer her bekannten Cellisten Anton
Lukoszevieze, der mit Apartment House auch schon
mit Werken von Jurgis Mačiūnas (aka George
Maciunas) und mit Arbeiten von Arturas Bumšteinas
die litauische Flagge gezeigt hat. Ausgewählt
wurden mit 'Atonika' (1970) 12 Pianopreludes,
gespielt von Philip Thomas, Miniaturen mit teils
jazzigem Anklang, teils nostalgischem (wie läutende
Glocken) und einem Feeling, das, zugleich unschuldig und paradox, schwankt zwischen dem, wasdie Engländer bleak nennen und einem Nur-soweiter, das schon mal fast groteske und koboldhafte
Züge trägt. Dazu spielen Lukoszevieze und Kerry
Young 'Fluorescencijos' (1981) für Cello und Orgel,
mit ebenfalls grotesken, nämlich ölig schillernden
oder bärtig knarrenden und sägenden Zügen desCellos, während die Orgel brummig vor sich hin
brütet. Gefolgt von kuriosem Trillern und Haltetönen, die das Cello zu Pizzikatogepicke undnervösen Gesten anstacheln. Und zuletzt wallendem
Stakkato, das das Cello auf die Palme bringt, wo sie
gleich wieder am Ast, auf dem sie sitzt, zu sägen
beginnt. Selbst Lukoszevieze vermutet, dass hinterRekašius' bieder bebrillter Fassade einiger Humor
abging. In der Hauptsache aber erklingen mit'Epitafija', 'Fonograma' und 'Musica Dolente E Con
Brio' drei 1980 entstandene Stücke für Cello,
Percussion und Saxophon (resp. Klarinette oder
Flöte), mit Simon Limbrick - Percussion, und Frank
Gratkowski - Tröt & Flöt. Ich weiß nicht, was der
Litauer da vorgeschrieben hat, es ermöglicht den
Spielern jedenfalls allerhand Plinkplonking, pikante
Gesten, kuriose Kontraste, schneidiges Kikeriki,
dünne Wellen und maues Weh, spitzes Pizzikato,
lakonische und fein federnde Schläge, pathetisches
Vibrato, flinkes Getrippel, schrille Pfiffe. Da kobolzt
es wie auf Bildern von Miro, und ein Part heißt ja
explizit 'Groteska'. Keine staubige Angelegenheit,
sondern Musik, wie für uns gemacht.
79

Schaue ich mich bei diesem Informationszentrum um,
stoße ich auf weitere Klassiker wie Bronius Kutavičius(*1932), dessen "Last Pagan Rites" (1978) Grashüpfer,
Eiche und die sich häutende Schlange feiern, mit Texten
von Sigitas Geda (1943-2008), dem Vilnius als ein Athen
des Nordens vorschwebte. Während Kutavičius vorgestellt wird mit "Muzika Filmams = Music For Films"(LMIPCCD074, 2013), wird Algirdas Martinaitis (*1950)
mit der kammermusikalischen Sammlung "Gyvosios
Gamtos Knyga = The Book Of Living Nature" (LMIPC CD
080, 2014) gewürdigt. Aber ich finde da auch den
Pianisten Petras Geniušas und den 1976 geborenen
Saxophonisten & Klarinettisten Liudas Mockūnas, die
auf ihrem "Jūra Miške = The Sea In The Forest" (LMIPC
CD 076, 2013) über zwei sinfonische Dichtungen vonMikalojus Konstantinas Čiurlionis (1875-1911) fantasieren, dem, auch als phantastischem Maler, faszinierendsten Wegbereiter der litauischen Moderne. Dassdie allerdings eine größere Rolle spielt als in anderen,marktgerecht durchliberalisierten Gesellschaften, kannich mir kaum vorstellen. Definitiv zeitgenössisch, egal
ob dort oder hier, ist Message in a Bottle (MICL CD 087),
das Kostproben von Gintaras Kraptavičius enthält ineinem Querschnitt von 2004 bis 2015. Die Tracks warenschon enthalten auf Releases bei Crónica, Baskaru,
Creative Sources, Attenuation Circuit etc., ca. 15 Min.
sind hier erstmals zu hören. Dabei zeigt GINTAS K eine
Bandbreite von schärferen und technoid oder furzelig
rhythmisierten respektive metalloid oder kristallinkaskadierenden oder erratisch sirrenden Klängen bis
zu kapriziös kapriolenden, großspurig harschen oder
pixelig granularen. Ohne den Eindruck erwecken zu
wollen, er könnte einem Blinden etwas vormachen, wasder nicht schon weiß, oder jemandem Beine machen,die ihn ins Schlaraffenland tragen. Die Botschaft
besteht eher in 'Lovely Banalities' und 'Grinny 'Memories' oder einem tautologischen 'Love is Love'. Dafürgibt es Anstöße zur Verwunderung: Über die bei'Reloaded Beauty' im Raum umeinander schwirrende
Klapper zu einer von verzerrendem Widerstand abgewürgten Harmonie. Über das schlabbrige undvideospielerisch überdrehte '5m'. Über die regnerischund zittrig verhuschten melodischen Tupfer bei 'Track#72'. Über das rasante Getriller, die flüsternden
Phantome und die anbrandenden, xylophon akzentuierten Verwerfungen bei 'Blind Man Tale 2'. Über die
impulsive Klimax und das quecksilbrige Dimunuendo
bei 'pOpXEnA 9' oder die klimprige Mikro-Pointillistik bei'pOpXEnA 3'. Über die brodelige, sprudelige Attacke bei'Love is Love 8'. Das Titelstück wendet zuletzt trickreichallerhand Dubtechniken an, sirrend und glissandierend,
pulsierend und glitchend, auch wieder brabbelig
sprudelnd und oszillierend, allemal hochprozentig.
80Rhizome.s (Portugal/France)
Meiner ersten Bekanntschaft mit Bruno Duplant anlässlich seiner LP "fictions",
wo auch schon der Name Pedro Chambel fiel, folgte prompt Post aus Lisboa, die
mir Musik des Labels beschert, das die beiden zusammen betreiben. Ein Blickauf das Programm bestätigt meine Vermutung, dass sich hinter dem deleuze/
guattarischen Begriff wandelweiserische Schneefelder auftun, in denen etwa
Cristián Alvear, Eva-Maria Houben oder Stefan Thut lieber wenig als viel zu
Gehör bringen. Attraction (Rhizome.s # 9, CD-R) ist eine Arbeit des in Berlin
lebenden Kanadiers JAMIE DROUIN. Der hat schon bei "Field By Memory
Inhabited 1 & 2" (Rhizome.s # 2, 2012) zusammen mit Duplant & Chambel
geodradekt, dass die Hauskatze dran irre wurde. Hier macht er sichphänomenologisch subtil an den Reizen der Reduktion zu schaffen, mit einer
Sinuswelle als Leuchtstoff, der den Raum auf indirekte Weise mit weißem Licht
tönt. Sanft und leise auf- und abschwellend, mit stillen Tälern. Erst geht es glatt
durch die geschlossenen Lider und die Schädeldecke, dann auch mit leichtem
Vibrato. Mal mehr an dem einen, dann an dem andern Ohr, reine Physik, reine
gräußel-wüterich-freie Otopoesie. Verbunden mit der Warnung: Nicht überKopfhörer. Gemeint ist: Zu rein und zu stark für die 'wandelnde Mittelmäßigkeit'
Mensch, diesen, weiterhin laut Lem, 'Käse, der sich eine Zeitlang bewegt'.
Jedenfalls penetrant genug, um nebenan im Ohr meiner Frau anzukommen als
Floh, der durch Wände geht.
Performance (Rhizome.s # 10, CD-R) nennt als Headline die Performer: Dominic
Lash with Patrick Farmer and Tim Feeney. Erst das Kleingedruckte verrät, dass
Lash & Farmer "2 Ausführende Seiten 419-424 (1999-)" von MANFRED WERDER
zu Gehör bringen, mit Mobile Phone und Sinus Tones. Werder? Da war doch was?
Das Duo Regler hat in seiner "Regel"-Reihe mit "2015³" eine Arbeit desSchweizers im Schlaf 'gespielt'. Ich drücke auf Start und höre... nichts (sprich:
Das Ticken der Uhr, das Grundrauschen der Geräte, des Zimmers, der FranzLudwig-Str. 11...). Werder erneut als Meister 'gedachter Musik', der die 'amorphe
Geologie' der Stille erfahrbar macht und das 'Recht auf Schweigen' feiert? Der
einfach nur den kontingenten Klang der Welt als unmittelbare Erfahrung
nahelegt? Dessen 'Partituren' aus nur den drei Wörtern bestehen können, dieseinen Kosmos ausmachen: "place, time, (sounds)" ("2005¹"). Nada Brahmahoch Cage? Nach zwanzig Minuten wird mir das zu doof esoterisch und... arrrgl,
der Button steht auf PAUSE. Aber im Kontext schien mir dieser Schneehase
glaubhaft. In Wirklichkeit erklingt eine Wall of Sound, ein 44-min. Wasserfall aus
weißem Rauschen, hinter dem man eine intensivstationäre Sinuswelle teils ahnt,
teils hört. Ein Schweizer Merzbow, mit statisch-monotoner Harshness, wenn man
denn die Myriaden brausender Partikel monoton nennen kann. Vielleicht ist
Werder aber ganz unschuldig, und Performanz und Performer sind hier nicht
zufällig groß geschrieben. Denn höchstwahrscheinlich ist die Version, wie Lash &Farmer die Seiten 419-424 'lesen', nur eine extreme von vielen Möglichkeiten.
Wobei ich mich frage, was da geschrieben steht. Mit sonorem Grummeln und
Surren von Basstrommel (Tim Feeney) und Kontrabass (Lash) sind wir bei "Overlay (1) / Overlay (2) (2012)" von JAMES SAUNDERS. Der (in BA 55) mit "# [unassigned]" vorgestellte Brite, der mir da in wandelweiserischer Reduktion seine
Konsequenzen aus der Indeterminacy von Cage und von On Kawaras "Date
Paintings" sowie der Aleatorik von Stockhausens "Klavierstück XI" und Cardews"Treatise" zu ziehen schien, erscheint hier als monochromer Minimalist mit
dunklem Pinsel. Das tiefdunkle Umbra, nahezu schwarze Anthrazit evoziert
Rothkos "Black-Form Paintings". Dass Schwarz eine Farbe ist und ein lebendiger
Klang, merkt man spätestens, wenn es nach 33 Min. verlischt, wenn es verstummt.
81

... jenseits des horizonts ...
MAJA S. K. RATKJE Crepuscular Hour (Rune Grammofon, RCD2181,
CD+DVD): Wo soll man bei der Trondheimerin mit dem Staunen anfangen?
Bei Fe-mail, ihrem radikalen Duo mit Hild Sofie Tafjord? Beim Miteinander mit
Lasse Marhaug oder Phantom Orchard? Ihren Brecht-Songs mit Poing? Bei
Spunk, gipfelnd im 12-jährigen Zyklus "Das Wohltemperierte Spunk"? Bei
ihrer Kollaboration mit Elfriede Jelinek und Sophie Rois beim Hörspiel "Neid",oder der mit Stephen O'Malley bei "Engebøfjellet; Where were you when they
cut me down from the gallows?" für deep brass orchestra and electricguitar? Bei ihrem haarsträubenden "Concerto for Voice (moods IIIb)" mit dem
Ensemble Intercontemporain? Mit "Crepuscular Hour" überwölbt die für Unerschrockenheit werbende Norwegerin ihr Œuvre mit einer grandiosen
Kuppel: drei Chöre, drei Paar Noisemusiker und Kirchenorgel! Uraufgeführt
2010 beim Ultima Festival in der Uranienborgkirche in Oslo, ist hier die
Aufführung beim Huddersfield Contemporary Music Festival am 20.11.2012
zu bewundern. Mit Nils Henrik Asheim an der Orgel und dem Sound einer
gestrichenen Gitarre und weiterer Gitarreneffekte von Stian Westerhus, desWaldhorns von Hild Sofie Tafjord und des Saxophons von Antoine Chessex
sowie elektronischem Zwielicht von Phil 'Cheapmachines' Julian, Mark
'Putrefier' Durgan und Lasse Marhaug. Aus einem schwach beleuchteten
Halbdunkel heben die erhoben postierten Chöre mit Zeilen aus dem"Apokryphon des Johannes" und "Bronte (The Thunder, Perfect Mind)" an,gnostischen Nag Hammadi-Schriftrollen, in die Ratkje sich auch schon bei
ihrer Kurzoper "No Title Performance and Sparkling Waters" (2002) vertiefthatte. Der intensiv anschwellende Gesang und die dröhnende und schillernde
Geräuschwelt suggerieren ein Chaos aus Schall und Rauch, das vonMondlicht und milchigen Scheinwerfern durchstoßen wird. Das Publikum
steht in der Mitte, von allen Seiten beschallt von Sound und gebändigtem
Furor, von sublimer, von den Frauenstimmen zart gewebter, von männlichem
Ruach oder Pneuma durchatmeter Schönheit ... she surrounded it with aluminous cloud / and its eyes were like lightning fires / and she let fall a
droplet of light / behold! ... Kathy Hinde verbindet das Konzert mit Bildfolien
aus Gold, Blau und Rötel, auf denen, mit Zweigen verhängt, die Wörter
tanzen, die von Barbelo und Sophia singen und von ihren androgynen, aus
Licht geschöpften Geschöpfen. Eine Kantorenstimme hebt sich solistischhervor. Dem vielzungigen Flehen Come forward to me erwidert die Göttin
Why? Call & Response. Und dazu beginnt nun die Orgel mit Feuerzungengewaltig zu dröhnen. Be on your guard! Zu Horn und bowed guitar und allen
geöffneten Stimmschleusen. I AM WAR! / And I am peace / I am the silence
that is incomprehensible / HEEEEEEAAAAAR! Bis zuletzt die Mondin die
Hand hebt und Stille einkehrt. Wer sagt, dass 'solche' Musik in unseren
entheiligten letzten Tagen nicht mit Bayreuth oder Wacken konkurrieren kannoder soll? Dass anschwellende Bocksgesänge nicht auch noch Hymnen an
Isis neben sich brauchen? Mein bereits von Schnittkes Requiem geflauschtes
Gefieder sagt etwas anderes. Wieso sollte die erschütternde Kraft desTones, die Nietzsche als enthusiasmierend beschworen hat ("en-theos"
meint: von der Göttin durchdrungen), in Ratkjes quasi-rituellem Update nicht
zur "thymischen Kommunikation" (Hubertus Tellenbach) taugen? Mir scheint
hier jedenfalls der weibliche Anspruch, als gleich anerkannt zu werden(Isothymia), Hand in Hand zu gehen mit dem musikalischen Vermögen,Gegensätzliches orchestrierend zu koinzidieren.
82

REIDEMEISTER MOVE plays Borromean Rings (Corvo Records, core 010,
LP): Wo träfe das "Jenseits des..." besser zu, als bei den auf Corvos
Sublabel Global Pop First Wave von Holger Lund kompilierten Reihen "SazBeat" (mit westlich angepinschertem Pop von Soft Folk über Hard Rock und
von Müezzin-Psychedelik bis Disko-Funk in der Türkei der 60er & 70er) und"The Trip (Psychedelic Music from the Hippie Trail)", auf dessen Routen
von Italien in die Türkei und weiter nach Nepal mehr Bizarrerienaufschnappt werden als einst von Marco Polo? Aber wie steht es mit dem
Horizont daheim? Reidemeister-Bewegungen ist ein nach dem Mathematiker Kurt Reidemeister benannter Begriff aus der Knotentheorie, undBorromäische Ringe nennt man die spezielle Verschlingung dreier Ringe,
mit der dann Jacques Lacan, als ein Modell für die Struktur desmenschlichen Begehrens, seine Sinthom-Theorie schlang aus dem Realen,
Imaginären, Symbolischen und eben dem Sinthom, als dem Element, dasden (oder die) Knoten überhaupt erst zusammenhält. Haupt-Reidemeister
ist Robin Hayward an der mikrotonalen Tuba, so dass auch eine weitere
Bedeutung von Reidemeister mitschwingt, als eine veraltete Bezeichnung
für im Metallgewerbe Tätige. Mit Christopher Williams am Kontrabass,
selber ein Spieleerfinder (etwa "Arcanum 17" für Reidemeister Move) undüberhaupt Wayfarer on the Body-Mind Continuum, der in Berlin die NeueMusik-Reihen Kontraklang und Certain Sundays mitorganisiert, spielt erhier ein Spiel nach von ihm entworfenen Regeln. Es ist ein Spiel, das inseinem harmonischen Rahmen keinen Gewinner sucht, sondern nach
Möglichkeiten und Alternativen. Mich erinnert es stark an "Travel Stain",
Haywards Tanz (zusammen mit dem Gitarristen Seth Josel) um einegraphische Partitur aus hexagonalen Bienenwaben. Auch klanglich ist es
wieder eine Folge dröhnminimalistischer Umbra-Klänge. Bogenstriche am
dunkelsten Ende des Kontrabassregisters und brummig getutete Haltetöne
steigen in Halb- und Ganztonschritten treppauf, treppab. Aus dersteigenden und sinkenden Tonhöhe und der unterschiedlichen Länge
monotoner, in sich ruhender Klänge entsteht eine "Litany for the Whale",eine 'Melancholie des Widerstands', ein Nebelhornkonzert, deren Agenten,
wenn nicht am Begehren, so doch am Kurs Richtung Undsoweiterfesthalten. Never mind the icebergs, never mind the Sonnenfinsternis.
83

Third Reich’n’Roll?
Was als „Kölner Cembalo-Skandal“ und „Sprich gefälligst Deutsch“-Peinlichkeit durch den
Blätterwald rauschte, macht einmal mehr Positionen deutlich, die uns ganz offensichtlichüberleben werden. Obwohl eine ganze Reihe von Illusionswellen da mal etwas anderes zu
versprechen schienen: Jazz, Rock’n’Roll, Beatles & Stones und Prog bei den jetzigen
Senioren-Jahrgängen, Punk, Rave/Techno oder HipHop bei den etwas jüngeren. Doch was
blieb davon? Nur Retromanie (Simon Reynolds) und jüngst das Eingeständnis, dass gegenalle ‚Revolutionen‘ „die Symbolfiguren von Konformismus und Backlash… singende
Soldaten, Muttersöhnchen und all die anderen notorisch ausgeblendeten oder verdrängten Stars der "Mums & Dads Records"… in Sachen Breitenwirkung… immer die
tonangebende, so gar nicht schweigende Mehrheit repräsentieren“ (Klaus Walter in SZ
anlässlich „1966“ von Jon Savage). Seit es die ‚querelle(s) des anciens et des modernes’
gibt, werden sie nämlich auf ungleichen Positionen ausgefochten: Hier die Weltmeister,
dort die Herausforderer, hier die Gipfel, die Kathedralen, dort die Unruhestifter, hier Lothlórien und Auenland, dort Gollum und die Orks, hier die Konsonanz, das ewig Lebendige
und Gegenwärtige, das zur Selbstverständlichkeit Kodifizierte (egal ob Kapitalismus,
Schnitzel oder Mozart), dort die Dissonanz, das Ressentiment, die Nachkriegsideologie,
das Neue-Musik-Getto, die Selbstverstümmelung, die Barbarei, die perversen Perser.

„Ich habe mir den motorischen Mist angehört, der da ausgerechnet im Namen Bachs auf
dem Cembalo geklimpert wurde. Das ist eine Zumutung und Unverschämtheit so etwas
aufzuführen… Muss das Publikum sich wirklich jeden experimentellen Mist gefallen
lassen?“ Das als O-Ton von einem Leser des Freitag. 2016. Was nicht ausschließt, dass essich um einen Troll der „Cembalo-Mafia“ handelt, die den am 28.2. in der Kölner
Philharmonie niedergezischten iranischen Cembalisten Mahan Esfahani mobbt. Niedergezischt von erregten Biedermännern wurde er nicht, als er, da schau her, von Fred Frithdie „Episodes for Barock Ensemble“ (2007) spielte. Er wurde gerüpelt beim Versuch, mit„Piano Phase“ (1967) von STEVE REICH eine Kamelle der Minimal Music aufzuführen. Also
Musik, deren nur allzu zeitgemäße und alltagsnahe Motorik dem kitzeligen Pop von PhilipGlass und Michael Nyman näher steht als ‚mistiger‘ Neutönerei. 'Mistig‘ steht eh für‚entartet‘. Aber jetzt auch das? Welche in Ehren ergrauten Lebenswerke sollen es nochsein, gegen die da auf chronische Allergie gepocht wird? Die 3 % Anderes neben demüblichen Popcorn? Boulez? Sciarrino? Der bejubelte Lachenmann? Den nicht ertragen zu
können, gibt dem „Weltsicht aus der Nische“-Blogger Stefan Hetzel, der seinerseits
enthusiastisch auf Minimal Music steht, die Gelegenheit, für Schwangerschaftsverhütung
als Minimalprogramm zivilisierten Miteinanders zu plädieren. Nun, ob mögen oder ertragenoder zischen, mich lässt Lachenmann kalt, Bach ertrage ich nur mit Mühe, und mit
Belcanto-Gejodel kann man mich ebenso schrecken wie mit Mainstream-Einerlei. Wir
Menschlein stammen weiß Gott von verschiedenen Affen ab. So what?
Ich war dabei, als Cecil Taylor, Nik Bärtsch‘s Ronin oder Harth & Cutler mit Hope ihr
Jazzfestivalpublikum merklich ausdünnten. Ronin übrigens mit mustergültiger Minimal
Music. Über die Borniertheit von Jazzfans lässt sich ein eigenes Lied singen. Aber habe ichnicht doch auch einige Freaks gequält aus der Wäsche gucken sehen, als Cheer Accident
sich in einem gefühlt 10-minütigen, stur repetitiven Loop verhakten? Einem also durchaus
provokanten V-Effekt selbst im erlesenen Kontext einer Freakshow. Beim Logarithmentafelkonfekt von Sajjanu gab es einen ähnlichen Drehwurm mit Zermürbungspotenz. Aber
gerade da versteht sich: Her mit dem Mist! Rose, wo ist dein Stachel? Gelobt sei, was uns
cooler und stärker macht, flink wie Kruppstahl, zäh wie nicht jeder. Was könnte
selbstkastrierter sein als sich vor Musik zu fürchten und gar vor ihrem Modernsein, ihrer
Spiel- und Abenteuerlust? Computerupdates im Wochentakt, Hightech vom Töpfchen bis
zur Urne und am liebsten Formel 1-Motoren unter der Haube, aber dazu Musik mit Perückeoder Vokuhila? Wenn das nicht schizophren – nein, ich will nicht pathologisieren - wenndas nicht zum Kopfschütteln lachhafter ist als jeder Märzhase.
84

Libera me!
Mit diesen Worten setzt der MONTEVERDICHOR ein, der am 16. März in der
Neubaukirche zum Gedenken an die Zerstörung Würzburgs 1945 "Antiphon" vonMARTIN STURM uraufführt. "Li be ra me", ganz leise, gefolgt von Stille (oder was davon
übrig bleibt, wenn die zu spät Gekommenen mit Türen klappen und mit ihren Holzbeinenknarzen). Der mit Jahrgang 1992 blutjunge Komponist arbeitet gezielt mit Stille, dem
schreienden Weiß des leeren Notenblatts, der Stille nach dem Sturm. Und mit der
Spannung zwischen Anspannung und Auflösung, zwischen da und weg. Zwischen dem
schwer erträglichen Schweigen des Chores bei der 'Fuga' ohne Worte und der stillen
Gedenkminute nach dem letzten "Libera me!" des 'Epilogs' einerseits. Und dem
gigantisch donnernden Orgelcluster, in dem das 'Lamento' gipfelt. Ein Nachhall der
Bombenwellen? Jedenfalls ein Widerhall des dröhnenden Mahnläutens aller Glocken(wie jedes Jahr an diesem Abend). Und dazwischen leise Geräusche und Gesang, wieleicht verzerrt schillernd oder flötend, von Orgelgeflöte umspielt. Alles sehr eigen,verhalten, fast wandelweiserisch in seiner Reduktion. Qualifiziert hat sich Sturm dafür
durch die ebenfalls schon philosophisch-theologisch geprägte Ästhetik seines "Psalm 8"
für gemischten Chor und Posaune (2011) und "Wir glauben alle an einen Gott" für Orgel,
Chor und Gemeinde, eine Auftragskomposition des John-Cage-Projekts Halberstadt
2012. Damit deutet sich auch an, dass da nichts Frömmlerisches im Raum schwebt,
sondern eine Spiritualität, die der von Cage nicht fern steht, und eine Ahnung vom
faszinierend "stummen Jenseits der Musik" und dem "scheiternden Zurücksinken in den
Ton".
Davon hat ALFRED SCHNITTKE (1934-1998) nämlich gesprochen, zu dem der Chor mit
an- und abschwellenden Repetitionen und das Ensemble mit perkussiven Akzenten
nahtlos übergehen. Als Hauptwerk des Abends erklingt das "Requiem", das er imGedenken an seine verstorbene Mutter Mitte der 70er komponiert hat, als Zwilling desals "In Memoriam" orchestrierten elegischen "Pianoquintetts". Da Sakrales in derSowjetunion non grata war, fand die Uraufführung 1977 in Budapest statt. Es ist eine
erstaunliche, Schnittkes Polystilistik facettenreich entfaltende Totenmesse in 14 Sätzen
(ohne das 'Libera me' - das ja wunderbar passend schon bei Sturm erklang). Das 'Kyrie'
mit schillernder Orgel, Gongschlägen und funkelnder Celesta und das 'Dies irae' mit
seinem "Quantus tremor est futurus, / quando judex est venturus, / cuncta stricte
discussurus!" sind prächtig und schaudernswürdig, gefolgt von einem noch markanteren'Tuba mirum' im mahnenden Sprechton der Frauen, während die Männerstimmen das
allgemeine Erstarren besingen und das Prozedere des Jüngsten Gerichts beschwören.
Man schleppt sich dem Unvermeidlichen entgegen zu unheimlichem Orgelsound, fatalen
Paukenschlägen und dem Schwirren eines Flexatons (das wie auch die Celesta und die
Glocken so typisch für Schnittke ist). Ganz wie von Orff ist in seinem rhythmischen
Duktus das 'Rex Tremendae'. Blatt für Blatt lässt Schnittke bedrückte und kleinlaute
Töne anstimmen, beim wieder von Celesta zart befunkelten 'Lacrimosa' und dem 'Agnus
Dei' sogar solistisch. Alles, auch das 'Sanctus', ist in Moll gehalten, das 'Domine Jesu
Christe' und 'Hostias' heben resolut und majestätisch an, gehen aber kleinlaut in die
Knie. So dass sich alles Hoffen auf das eingeschobene, mit Posaune, Trompete undmassivem Schlagwerk als kraftvolles Largo gestaltete 'Credo' stützt, bei dem die Pauke
das grandiose Bassvolumen des Klangraums ausreizt. Zum Abschluss erklingen als
Reprise und auch wieder mit leisen Totenglockenschlägen noch einmal die Zeilen, dieschon beim 'Agnus Dei (Adagio)' den ganzen Friedhofsblues evozieren: "Dona eis
requiem / dona eis requiem sempiternam", jetzt mit der Wendung: "Requiem aeternam
dona eis / et lux perpetua luceat eis." Bis zum leisen Verlöschen.
Danach rüber zum Dom, wo schon die Glocken mit aller Macht einsetzen, und die
Innenstadt von 21:25 bis 21:42 beorgeln, als ob sích mit solchem Charivari-Schall derWahn, der einfach nicht aus dem System zu gehen scheint, wenn nicht austreiben, so
doch auf Abstand halten ließe.
85inhalt
freakshows: wild and windy = le rex 3 - lent et sexuel = coax orchestra 4
nagual, shapeshifters and dogsbodies = albatre + ava mendoza's unnatural ways 5over pop under rock:10 years altrock 6 - coax records + julien desprez 13
rarenoise 15 - staubgold 17 - seamus cater 19
nowjazz, plink & plonk:
intakt 22 - leo 25 - neuklang + ping machine 27 - tzadik 28 - umlaut 30 ...
blueblut 32 - carate urio orchestra 33 - robert dick + ursel schlicht 34
mark dresser virtual tour 35 - werner hasler 36 - pnl large unit 37
torben snekkestad 40 - yves theiler trio 41 ...
soundz & scapes in different shapes:
1000füssler 42 - aagoo 43 - attenuation circuit 44 - cronica 47
empreintes digitales 48 - fang bomb 51 - flux + frank rothkamm 61
the helen scarsdale agency 56 - interstellar + rock is hell 57
kendra steiner editions 58 - konstruktivists 60 - mego 62 - monotype 63
beyond the horizon:
bôłt 73 - chmafu nocords 75 - lenka lente 77 - music information centre lithunia 79
rhizome.s 81 - maja s. k. ratkje 82 - reidemeister move 83
third reich'n'roll: steve reich in köln 84 - libera me: monteverdichor 16.03.2016 85
BAD ALCHEMY # 89 (p) April 2016
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
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mitarbeiter dieser ausgabe: Michael Beck, Thomas Beck, Marius Jos
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint ca. 3 - 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 89 erhalten Abonnenten die CD "Cobalt Cluster" (Umlaut Records #UB008, 2016)von FLORIAN BERGMANN'S COBALT CLUSTER
Mit herzlichem Dank an Florian Bergmann und Hannes Lingens
Cover: Cobalt Cluster
Rückseite: Ava Mendoza's Unnatural Ways (Lutz Diehl - progrockfoto.de)Fotos: S. 4 (1+2) Lutz Diehl, (3) Yves Dorison; S. 34 Ross Willows; S. 74 Co Broerse
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indexACCORDO DEI CONTRARI 6 - ACHIARY, BENAT 14 - ADKINS, MONTY 49 AKIYAMA, TETUZI 62 - ALBATRE 5 - ALVEAR, CRISTIAN 42 - AMBARCHI, OREN
39, 62 - AMMANN, MICHAEL 66 - AMUTE 18 - ANDERSON, RAY 23, 35 - ASPEC(T)64 - BAPTISTA, CYRO 16, 29 - BARRETT, MIKE 58 - BASSAL, DOMINIQUE 48 BAUMANN, RICO 3, 24 - BERGMANN, FLORIAN 30 - BLUEBLUT 32 - THE BLUESHIP 7 - BOWLES, NATHAN 59 - BREZNEV FUN CLUB 8 - CAMERON, LISA 59 CARATE URIO ORCHESTRA 33 - CARR, KATE 56 - CATER, SEAMUS 19 - CICHY,MARCIN 73 - CIRCUITNOISE 44 - COAX ORCHESTRA 4 - COH 62 - COSTA,JACOPO 9, 12 - THE CRAY TWINS 51 - CREAN, TOM 58 - CRISPELL, MARILYN 24- CZEPOKS 71 - DEEPSEAFISH-K 75 - DESPREZ, JULIEN 4, 13 - DESSEN,
MICHAEL 35 - DHOMONT, FRANCIS 50 - DIATRIBE 42 - DICK, ROBERT 34 - DOC
WÖR MIRRAN 18 - DRESSER, MARK 35 - DROUIN, JAMIE 81 - DUNN, TREVOR
15, 29 - DUPLANT, BRUNO 66 - DURAND, FEDERICO 67 - EARTHLY BIRDS 14 EBERHARD, SILKE 26 - FLORIAN EGLI WEIRD BEARD 24 - EIGENIDYLL 44 EMERGE 46 - EXEDO 46 - PIERRE FAVRE DRUM SIGHTS 22 - FIEBIG, GERALD 46- GERBAL, ANTONIN 31 - GHOST FLUTE & DICE 67 - GINTAS K 80 - GLOWICKA,KASIA 74 - GOH, LEE KWANG 42 - GOLDMAN, VIVIEN 17 - GOLEBIEWSKI, ADAM
68 - HASLER, WERNER 36 - HAYWARD, ROBIN 83 - HAZAN, SHAY 26 - HIMUKALT
56 - HOMUNCULUS RES 11 - HORN, GÜNTER 66 - HRON, TERRI 49 - HURTADO,
MARC 65 - IMAGINARY FORCES 51 - INUTILI 43 - JOUSSEIN, YANN 4, 13 - JUN,YAN 42 - KAUFMANN, ACHIM 25 - KOLACKI, RAFAL 69 - KOMORA A 63 KONSTRUKTIVISTS 60 - KÜHNE, ALMUT 25 - LARGE UNIT 37 - LARY 7 69 - LE
FLANGE DU MAL 76 - LE REX 3 - LICHT, ALAN 62 - LOOMINGS 9 - LUMEN LAB 43- MAMMA NON PIANGERE 11 - MARSEN JULES 68 - MAZUREK, ROB 62 - MEIER,TOBIAS 38 - MELFORD, MYRA 35 - MENDOZA, AVA 5 - MITCHELL, NICOLE 35 MONTEVERDICHOR 85 - MOONDOG 78 - MORE EAZE 58 - MROZOWICKA,TEKLA 73 - NAKAMURA, TOSHIMARU 64 - THE NERVE INSTITUTE 7 - NEW ZION
16 - NIAGARA 60 - NIESCIER, ANGELIKA 23 - NIGGENKEMPER, PASCAL 28, 33 NILSSEN-LOVE, PAAL 37 - NULLSTELLENSATZ 38 - NURSE WITH WOUND 77 NYM 46 - OBERG, UWE 26 - OCHS, LARRY 28 - OPCION 70 - OWL RAVE 57 PANDI, BALAZS 15 - PANZERPAPPA 12 - PARMERUD, AKE 49 - PEACOCK, GARY
24 - PHILIPPE, CHARLES-LOUIS 77 - PILIA, STEFANO 39 - PING MACHINE 27 POLISH RADIO EXPERIMENTAL STUDIO 73 - POOLE, RICHARD 24 - PUPILLO,MASSIMO 39 - RATKJE, MAJA S. K. 82 - RE-DRUM 46 - REGOLITH 57 - REICH,STEVE 84 - REIDEMEISTER MOVE 83 - REKASIUS, ANTANAS 79 - REVE
GENERAL 10 - ROTHKAMM, FRANK 52ff, 68 - RUDD, ROSWELL 15 - RUSH,
TATUM 20 - SABAG, NIR 26 - SAFT, JAMIE 15, 16, 29 - SAUNDERS, JAMES 81 SCHLICHT, URSEL 34 - SCHMID, PETER A. 12, 39 - SCHNITTKE, ALFRED 85 SCHWALM, J. PETER 15 - THE SCRAP DEALERS 20 - SINTARI MIMITHE 46 SNEKKESTAD, TORBEN 40 - STEENSLAND, SIMON 8 - STURM, MARTIN 85 TAUBENFELD, ZIV 26 - TAXT, MARTIN 64 - TBC 71 - TELEBOSSA 17 - YVESTHEILER TRIO 41 - THE THIRD EYE FOUNDATION 71 - TROBOLLOWITSCH,
ANDREAS 47 - ULLMANN, GEBHARD 25 - UNBEHAGEN 75 - UNITED SOUNDSOF JOY 21 - V/A KSE 10TH ANNIVERSARY ALBUM 59 - VONNEUMANN 21 WAARD, FRANS DE 45 - WEBER, FLORIAN 23 - WERDER, MANFRED 81 WESTBERG, NORMAN 72 - WESTERHUS, STIAN 82 - WHETHAM, SIMON 42, 47 WIEMAN 45 - WORLDSERVICE PROJECT 16 - YUGEN 12 - Z‘EV 65 - ZALASKI 64 OMRI ZIEGELE NOISY MINORITY 23 - ZORN, JOHN 29
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