BAD 100
ALCHEMYDie jüngsten Avantgardisten[12 Jun 2018] Jon Hiseman (Englischer Drummer - Colosseum, United Jazz + Rock Ensemble,
Barbara Thompson's Paraphernalia), 73[28 Jun 2018] Harlan Ellison (US-American writer of New Wave SF), 84[29 July 2018] Tomasz Stańko (polnischer Jazztrompeter), 76[16 Aug 2018] Aretha Franklin ('Respect', 'Think'...), 76[10 Sep 2018] Paul Virilio (Bunkerarchäologe, Dromologe), 86[01 Oct 2018] Charles Aznavour (frz.-armenischer Chansonnier), 94[20 Oct 2018] C.W. Vrtacek (US-American composer, guitarist, pianist - Forever Einstein, Biota), 65[30 Oct 2018] Hardy Fox [Charles Bobuck] (The Residents), 73[07 Nov 2018] Francis Lai (frz. Komponist), 86[27 Dec 2018] SPEX, 38

BA's Top Ten 2018:
Aquaserge - Déjà-Vous? (Crammed Discs)
Bob Drake - L'Isola dei Lupi (ReR Megacorp)
The End - Svårmod och vemod är värdesinnen (RareNoise)
Heather Leigh - Throne (Editions Mego)Charlie Looker - Simple Answers (Last Things)
Oona - Cohen Young Radiohead (Poise)
Ryorchestra - DMK (Rrecords)
Spinifex - Amphibian Ardour (Trytone)
Tocanne-Domancich-Läng-Gaudillat - Sea Song(e)s (Cristal)
The Young Mothers - Morose (Super Secret)... hinter mir, wo alles begann, höre ich Schreie und Reden und Geschichten und in die Luft
hüpfende Namen. Hinter mir ist es stumm, alles begann ich weiß nicht wie, alles ging weiter, ach
dachte ich und so weiter, von Beginn an und so fort, diese Gerüche Geräusche und so fort, dieseBuchstaben Silben Worte ... [Ror Wolf]
Friedrich Ani - Ermordung des Glücks
Blaise Cendrars - Ich bin der Andere (Gesammelte Gedichte)
G. K. Chesterton - Father Browns Einfalt, ...Geheimnis, ...Skandale;- Die Rückkehr des Don Quijote
Michail Dschawachischwili - Das fürstliche Leben des Kwatschi K.
Rainald Goetz - Johann Holtrop
Heinz Greul - Fünfundvierzig
Antje Herzog - Lampe und sein Meister Immanuel Kant
Danilo Kiš - Enzyklopädie der Toten
Joachim Meyerhoff - Ach, diese Lücke, diese entsetzliche Lücke
David Mitchell - Die Knochenuhren
Aka Mortschiladse - Santa Esperanza
Leonardo Padura - Die Palme und der Stern
John Cowper Powys - Die Verteidigung der Sinnlichkeit
J. B. Priestley - Das Jüngste Gericht
Kurban Said - Ali und Nino
Peter Sloterdijk - Zorn und Zeit; Die schrecklichen Kinder der Neuzeit
Antal Szerb - Die Pendragon-Legende
V/A - Testcard # 25: Kritik
Urs Widmer - Im Kongo
Ror Wolf - Fortsetzung des Berichts
Slavoj Žižek - Disparität

2Freakshow Artrock-Festival 2018

"An der letzten Front moderner Mentalitätskämpfe rücken ständig zwei Lager gegeneinander vor: Mission gegen Konsum, Protest gegen Rente, Militanz gegen Unterhaltung."
Diese von Peter Sloterdijk aufgezeigte Front zieht sich am 21.-22. Sept. auch durch den fürdieses Wochenende nochmal beflügelten Blauen Adler in der Mergentheimer Haselnussallee in Würzburg. Mit einer starken Präsenz unterhaltungsgeiler Rentner, zu denen
ich ja selber zähle, auch wenn mich angesichts von Hundescheiße auf dem Gehsteig und'Volk' auf der Straße militante Anwandlungen überkommen und ich nur die Zeitung aufschlagen muss, um nach Feuer und Schwert zu schreien.
Dagegen bietet sich um 6 PM die erste Band des herbstlich feuchten Wochenendes,
CHATO! aus Osnabrück, für den eher leichten Konsum an: Mit Dub-Intro, einem SoulHeuler, etwas Zappa, flutschigem oder mitternachtsflauschigem Jazz und saxophonbepustetem Rock, als ein eklektisches Kaleidoskop mit ostentativ kniffliger Rhythmik.
Soweit ich das bei meinem Aufmerksamkeitsdefizit als Kassenwart mitbekomme, sehen
Chato Segerer und seine Mannen ihre Mission in progtopisch gepflegter Unterhaltung am
Gegenpol zum monomanischen Heckmeck wutschäumender Diversitätsverweigerer.
ALEX'S HAND sind, glaub ich, zum dritten Mal aus Berlin angereist. Diesmal haben Kellen
Mills, der als Bassmann den durchgehenden Faden in der Hand hält, und Nic Barnes, derdynamische Wirbler an den Drums, noch Jacopo Bazzarri am Vibraphon dabei, Ruben
Bergnes an der Gitarre und halbrechts zwei Saxophonisten. So ziehen sie etwas auf, dasdem einem als 'topographic ocean' erscheint und dem andern als Triptychon aus
transparenten und verdichteten Episoden. Was beides nicht schlecht gehört ist, denn ihr
auf "KaTaTaK" eingefangenes Programm ist ein dreigliedriges Narrativ aus 'Waterfalls','Epic' und 'Ghost Peppers'. Barnes setzt den ersten Akzent, wenn er sich hinter dem
Drumset hervor windet und eine deklamatorische Einlage gibt, die pynchonesk-paranoide
Untertöne anreißt (wie die Jungs auf Bandcamp verraten). Seine martialisch angedeuteten
Beateinsätze werden von den Bläsern weich abgefedert, die Vibes klingeln wie ein
Kronleuchter als Windspiel, Bergnes fetzt und schillert dazu in verschärftestem
Noisekontrast und er brilliert mit einem epischen Solo. Dazwischen gibt es geräuschhaft
improvisierte V-Effekte, lyrische Duette (auffallend schön das von Tenorsax und Gitarre)und ein krachiges Gitarrentrio. Spannend bleibt es dadurch, dass der zeitvergessene Flownie verrät, was als nächste Wendung kommt. Die Band hat das als "Künstler Scheiße"
schon selber ironisiert, aber sowas hat mich ja noch nie geschreckt und ich bin
offensichtlich auch nicht der einzige, den dieser Handstreich beeindruckt.
3Aber ist das nicht doch bloß Prosaik im Vergleich mit
FREE SALAMANDER EXHIBIT? Wenn zu später Stunde
Nils Frykdahl, Dan Rathbun, Michael Mellender, David
Shamrock und Drew Wheeler Richtung Bühne ziehen,
mit Flöte und Horn, in Lumpen aus Kartoffelsäcken gewandet. Als mittelalterliche Gaukler, grotesk geschminkt, wie wir es ja von Sleepytime Gorilla Museum
kennen (denen alle außer Wheeler bis 2011 angehörten). Das schafft Pathos, noch bevor Frykdahl den
ersten Song anstimmt, mit einem rau grollenden
Stakkato-Spitfire der Worte. Ich weiß, ich weiß, an Metal
scheiden sich die Geister, aber dieser kakophone
Monstermash spottet doch allen Metalklischees. Die
Gorillas waren... - who am I to disagree? Die Salamander umspielen mit Theremin, Trompete, komischer
Percussion, Glockenspiel (bei 'Atheists' Potluck') und
Flöte das komplex-brachiale Riffing von Rathbuns Bass
und der dissonanten Gitarren. Frykdahl reißt gleich
beim ersten Stück eine Saite. Wie er die Breaks mit
eckiger Eleganz oder bei 'Incident at Stony Pine Brook'
mit einem Arm tanzt und jeden Satz mit grotesker Mimik
illustriert mit seinen wieder schwarzen Zähnen, damuss ich gaffen, da muss ich staunen, selbst wenn er
nur Nonsense gabbern würde - was er zuletzt ja auchtut. Zuletzt - aber wir sind ja erst bei Sachen wie 'The
Keep' und 'Speak', zelebriert mit einzigartiger Theatralik. Mensch, schaut doch hin, Frykdahl sucht als
charismatischer Performer seinesgleichen und seine
Wortgewalt ist nicht weniger extraordinär (gibt es etwa
Metal, der Derrida und Joyce verhackstückt?!?). Bei'Gift' rechnet er mit dem Zeitgeist ab: A nation of whatshould / be human beings / Walking around like victims /in a bad science-fiction / The borg is here now / The
body-snatchers have come ... Utopian cyber-hippie
this / is your world now. Er ruft Pan, Prometheus und
Luzifer an und hadert mit den vergifteten Gaben derposthumanen Futuristik. Under the light of the moon /we can dream of a world / before and after science.
Dan und Nils singen, hornbeblubbert, Time master
Time master, / Selling my life away. / Live faster Livefaster, / but I didn't live today, und Rathbun mahnt mit
der berühmten Rede von Martin Niemöller (der Dachau
und Sachsenhausen überlebte) Solidarität an: First
they came for the communists, and I didn't speak out
because I wasn't a communist. Then they came for thesocialists... Then they came for me—and there was noone left to speak for me. Der pathetische Höhepunkt ist'Undestroyed', wo Frykdahl dem American-Indian-Movement-Kämpfer Leonard Peltier, der 1977 zu gnadenloser Lebenslänglichkeit verurteilt wurde, seine Stimme
gibt. Here in the shadowed night / Walls, bars, gratings /dissolve into light ... I am undestroyed / My life is mysundance ... And if the stars have a meaning / Then mylife has a meaning. Das ist so schaurig schön, dass mir
die Augen überlaufen.
4

Am Samstag beginnt das freakische Tagwerk mit Hardcore-Jazz von
HYDROPULS aus Saarbrücken. Frontmann ist der Highspeed-Bassist Tom
Lengert, ein Veteran mit Extreme-Noise-Vergangenheit. Etwas unerwartet
pustet da neben den beiden Uhl-Männern Martial Frenzel an den Drums und
Johannes Schmitz an der Gitarre Christof Thewes seine Posaune (mit Die
Enttäuschung, Squakk und Grid Mesh ein Hochkaräter des NowJazz). Denn
Highspeed ist bei diesem dynamischen Krawall dermaßen groß geschrieben,
dass seine Lippen auf so fluchtgeschwinden Abwegen Brandblasen werfen.
Derart stürmisch Halbstarkes legt man eigentlich unter Jugendsünden ab.
Schmitz bricht mehrfach den Geschwindigkeitsrekord, mich würde es nochmehr beeindrucken, wenn er dabei Fäustlinge trüge. Frenzel, der ja mit
Thewes in The Ascension Factor, Phase IV und Quartetto Pazzo NowJazzLorbeer pflückt und in dessen "SurRealBook" bei E angelangt ist, holterdipoltert hyperkonzentriert auf der Überholspur des Highways to Hell. Zu
diesem frickeligen Geplocker Posaune zu röhren, ist nicht gerade naheliegend, aber man sollte feuerköpfige Jazzer eben nicht unterschätzen.
Zumal einen, der sich anschließend als inspiriert erklärt durch die Schönheitsvorstellung des Thomas von Aquin: claritas - debitas proportio sive
consonantia - integritas, ein stimmiges Ganzes, das ausstrahlt und die
Energie entfacht, nach dem Guten und Wahren zu streben. Aber hat derDoctor Angelicus dabei nicht Maßhalten angemahnt und gewarnt vor den
Arten von Lust, die uns mit den Tieren gemeinsam sind?

* Auch wenn das erst mein drittes Freakshow Artrock Festival ist und ich die
meisten der Bands kaum kenne, so fühle ich mich in der Freak-Familie
mittlerweile sehr heimisch. Bei Hydropuls lausche ich nur mit einem Ohr, weil
ich stattdessen die Kontakte zu den lieben Wahlverwandten pflege, egal ob
aus Schwaben, Amerika, den Niederlanden oder Würzburg. Sogar die aus
Mähren sind wieder da (Make Moravia great again). Dass der Name
"Freakshow" Programm ist und sich nicht nur auf die Musiker bezieht,
beweisen vor allem der schwarzhumorige Altenpfleger mit Two-Face-Fresse
und Gastgeber Charly himself, der nach seinem legendären neongelben
Netzshirt über Nacht seinen Adoniskörper in eine korallenrote Latzhose
gesteckt hat. [* = Marius Joa]5

* Der nächsten Band ÖZ ÜRÜGÜLÜ, wider Erwarten nicht türkisch, sondern aus der
Schweiz, wurden per Mündpropaganda "örientalische Einflüsse" attestiert. Die gibt es
zweifelsöhne auf ihrem zweiten Albüm "Fashion And Welfare" (2016 bei Unit Records),
Beim Konzert auf der Bühne des Blauen Adlers spüre ich diese allerdings weniger,
vermutlich weil die Musiker – Angi Gwerder (Gitarre), sein Bruder (?) Damian Gwerder(seven-string headless guitar), David Weber (Saxophon), Philippe Hübler (Bass) und Benny
Süess (Drums) – Saz und Sitar zuhause in Zug gelassen haben. Ebenfalls nicht mitreisenkonnte, krankheitsbedingt, Keyboarder Peter Amberg, aber dank mödernster Technik(Läptop) mischt er doch mit. Bei 'Tarkatan Rush' quakt die Gitarre zappaesk und startet
einen munter-progigen Reigen, bis gackernde Hühner Western-Ambiente ausrufen unddas Saloon-Klavier plimpelt. 'Odd Waltz' lässt Ennio Morricone mit schrammelnden
Gitarren tanzen. 'Android Moustache' wird nicht nur jazzig, sondern auch finster-rockig
gezwirbelt. Ein lässiger, aber abwechslüngsreicher Auftritt, der wegen der Eingängigkeit
vom Lockenkopf-Frontmann Angelo "Angi" Gwerder als "Pop Prog" bezeichnet wird.
Warüm auch nicht?
* Politische Äußerungen der Künstler sindunter den Besuchern nicht unumstritten unddoch sind sie in finsteren Zeiten wichtig. Die
wilden Punkjazzer von WORLDSERVICEPROJECT würden ohne entsprechende Haltung gegenüber ihren an chronischer Selbstüberschätzung leidenden Landsleuten ('GreatBritain') gar nicht existieren. Frontmann und
Keyboarder Dave Morecroft macht von Beginn an klar, welchem höheren Zweck seine
Truppe dient, nämlich dem gemeinsamen
Miteinander, und spricht sich klar gegen Abschottung und Intoleranz aus. Ein Plädoyer
für Toleranz bietet natürlich die furiose
Dark-Cabaret-Moritat 'The Tale Of Mr. Giggles' über Morecrofts finsteres Alter Ego. Und
weil sich der unartige Horrorclown nicht so
einfach bändigen lässt, komplettiert 'Mr. Giggles' das Freakdance-Doublefeature.
Unterbrochen von verbalem und instrumentalem Säbelrasseln propagiert 'Now This Means
War' positive Botschaften auf Englisch, Französisch, Deutsch und Italienisch. Die drei
Neuen in der Band – Ben Powling am Saxophon (der neben Englisch und Sax auch gut
Deutsch spricht), der zierliche Owen Dawson (Posaune) und Schlagzeuger Sam Gardner –fügen sich perfekt in das Zusammenspielein, als ob sie schon immer Teil des nimmermüden Projects wären. Interessanterweise packt mich an diesem Abend keines
der schnellen, auf Krawall gebürsteten
Stücke, sondern die elegische Anti-Populismus-Hymne 'False Prophets'. Getragen
von zartem Drums-Gestreichel und sanftem
Saxophon schaukelt sich die Schwermut solange hoch, bis sie in Wut umschlägt. Fürmich bot das dritte Konzert der brexit-unwilligen Briten in Würzburg die Gelegenheit,
eifrig mitzusingen, auch bei den Harmony
Vocals des Rausschmeißers 'Fuming Duck'.
Daher war ich auch drei Tage danach nochheiser. Es gab bei diesem Festival eben so
Einiges zu bejubeln.
6

CAMEMBERT aus Strasbourg bieten zuletzt ihre durch und durch zappaeske und mit etwas
Gong'schem 'Camembert Electrique'-Beigeschmack aufgemischte Ulk-Version vonMagmas Kobaïa-Fiction. Ein Witzbold hat ihr "Schnörgl Attahk", durchaus treffend, wie ichfinde, "Fils de Greggery Peccary, HAMTAÏ!" getauft. Da hampeln 8 Gestalten in weißen
Spusi-Überzügen auf die Bühne, und Clarissa Imperatore, die (italienische) Vibraphonistin,
entspinnt auf Deutsch das schnörglerische Outer-Space-Garn, wie man es als 'Fécondée
par un extra-terrestre', 'Once upon a time in the galax-cheese', 'Gros bouquin' und 'The
lament of Pr. Frankenschnörgl' vom AltrOck-Album "Negative Toe" kennt. Nur klingt dasheute doch sehr anders, mit zum Ruth-Underwood'schen Vibes-Riffing noch Adrien
Arnaud an der Trompete und Juliette Blum (geboren 1993 in Bensheim) an der Posaune(heute schon die dritte), Guillaume Gravelin als bärtigem Harpus, Val Sauvage (Valentin
Metz) an der Gitarre, Fabrice Toussaint als blauköpfigem Perkussionisten und Pierre 'WCheese' Wawrzyniak als Käsemeister am Bass. Ein spanisches Mädel wird von Aliens vergewaltigt und gebiert ein Monsterkind mit Tentakeln. Ein Hausmeister richtet einen
astrophysischen Blick zu den Sternen. Aus der sexuellen Energie fränkischer Karnickel
gewinnen die Schnörgls eine zerstörerische Waffe. Das Ganze dargeboten als Kindergeburtstagsbelustigung mit Armeschwenken und Handclapping. Und vor allem mit LéLa
Frite (Mélanie Gerber) als 8. Element, das im zappaesken Flow mit seinem gelegentlichen
Latin-Anhauch die Highlights setzt. Als ungenierter Temperamentsbolzen singt sie lauthals
und theatralisch, mit Anklängen an die kunstliedhafte RIO-Sophistication von Lisa Herman,
Deborah Perry oder Elaine di Falco (sie selber nennt Björk, Meredith Monk und Iva Bittova
als Influences). Als Professor Schnörgl verabreicht sie ein Elexier, das die Musiker in Tiere
verwandelt. Das hat, wenn ich meine Schwierigkeiten mit französischem Humor beiseite
schiebe, musikalische Topqualität. Die sich sogar noch steigert mit 'Spanish Testament',
einem grandiosen Tonpoem nach Arthur Koestlers gleichnamigem Kriegsbericht 1937. Mit
trotzigem No paserán-Pathos liefert Camembert unerwartete Munition gegen die bloß
konsumistische Bespaßung. Der Stefan hat ja als Two-Face an den beiden Tagen leibhaftig
vorgeführt, dass alles seine (mindestens) zwei Seiten hat. Bei mir hat sich daher dieÜberzeugung verfestigt, dass, will man normale Leute oder ähnliche Insichwidersprüche
treffen, man zur Freakshow muss, alle Jahre wieder. Heuer bemerkenswert durch: 1 Harfe,
2 Vibes, 2 starke Stimmen, 3 Posaunen, hundertsoundsoviel wieder allerliebste Freaks!
Fotos: Annemarie ten Kate (1-2), Monika Baus (3-9)

7Voulez-vous voodoo? - The Instant Voodoo Kit* Im Rahmen des Würzburger Stramu-Festivals spielt THE INSTANT VOODOO KIT am späten Freitagabend (07.09.2018) ein ganz spontanes Konzert im Standard. Der Gig ist derart
geheim, dass sich die Band eine knappe Stunde selbst verleugnet. Die wilde Combo beginnt
nämlich unter diversen Falschnamen (die ich alle vergessen habe). Das vermag fast den einoder anderen Zuschauer zu verwirren, aber Frontmann/Sänger/Sax-Player Elmar von Grünewald, den erkennen wir auch ohne die typische weiße Schminke. Als ob der "Saal" im Keller
der Würzburger Innenstadtkneipe nicht ohnehin schon klein genug wäre, sorgen die sechs
Musikanten, trotz gelegentlicher technischer Probleme, dank ihres entfesselten und nimmermüden Spiels dafür, dass die Massen strömen, bis zwischen Publikum und Künstler kein
Bierdeckel mehr passt. In der vordersten Tänzerfront tummeln sich die unterschiedlichsten
Charaktere, darunter auch eine wunderhübsche rothaarige Riesin, deren vollbärtiger Freundmich kleinen Hobbit beim Piraten-Kasatschok zum Tänzchen auffordert. Sachen gibt's.
Drei Wochen später (29.09.) sind die Platzverhältnisse etwas entspannter, im unterirdischen Gewölbe des B-Hofs. Neben den Voodoo Animals sind zwei Support Acts angekündigt, vom bayerischen Duo Zuabringa aber nur 50 Prozent gekommen. Doch da es sich dabei
mit Skinny Phil gleichzeitig um 1/8 der heutigen The Instant Voodoo Kit handelt, springt
Voodoo-Elmar alias Fat E mit ein und die beiden bilden THE BULEMIX. Dabei heizen sie mit
lediglich Gesang, Gitarre und Selbstbaukontrabass das Publikum an durch alte Gassenhauer wie 'Ich steh mit Ruth gut'. Als nächste feiern OPORTO (benannt nach dem gleichnamigen Café in Amsterdam) aus Bamberg ihr Würzburg-Debüt. Sänger und Frontmann Armano Persau würde mit seinen langen blonden Haaren und Fünftagebart optisch sicherlichauch gut in eine Metalband passen. Gemeinsam mit André Lautner (Gitarre/Bass), Markus"Ö" Erhardt (Kontrabass), Andi Höppel (Drums, Percussions) und Rebekka Wagner an derVioline zelebriert er jedoch eine lässig-gefällige und recht abwechlungsreiche Mischung aus
Jazz, Folk und Blues mit einer Prise Gypsy. Dabei schmettert das Quintett unter anderem
auch 'What's the matter with the mill' von Memphis Minnie (1897-1973), ein Song, den auchdie Voodoo Animals in ihrem Repertoire haben. Vor allem aus Sicht der zierlichen StreicherDame ist der Auftritt nach "sieben Stunden Beethoven" die reinste Entspannung. Für alle
Metal-Fans hat Armano seine silberne Gitarre mitgebracht und Drummer Andi bespielt nicht
nur sein Schlagzeug, sondern klappert auch mit tragbaren Metallplatten.
Die Hauptattraktion des (späten) Abends folgt unaufhaltsam. Mit sechs Herren (darunter
Leadsänger Elmar und Skinny Phil, den Kontrabass zupfend) sowie zwei Damen (Beddy an
der Klarinette und Harfenistin Mona) legen TIVK nach der Standardbegrüßung ( "Welcome to
the Instant Voodoo Cabaret") so richtig los. Wie eine aus der Zeit gefallene Mischung aus
New Orleans Brass Band und vogelwilden Gypsies (natürlich in voller Cabaret-Schminke)
hat das Oktett zu jeder Lebenslage den passenden Song parat, egal ob als Eigenkomposition oder aus dem unerschöpflichen Fundus altehrwürdiger Klassiker. Bei Computerproblemen etwa hilft die Reggae-Nummer 'Rebootan' ("Eieieieieiei, da musst du rebooten,
uooh!"). Doch nicht nur alltägliche Herausforderungen sind Inhalt, sondern auch ernste
Themen werden freakig frei zelebriert. 'Bomb in my Head' beschreibt vermutlich wenig
erstrebenswerte neurologische Symptome. 'Peter Pan' widersetzt sich trotzig dem Altern
und der Vergänglichkeit. Legenden um die gleichnamige Wildwest-Ikone bedient 'Buffalo
Bill' mit perfekt gezielten Background-Gegenschüssen durch die Band ("Banditen, wenn ersieht, erschießt er sie! – Erschießt er sie!" (...) "Das ist Buffalo Bill. Er zieht wann er will!").
Eine unfassbare Energieleistung, die der in allen Stimmlagen singende, krächzende, kieksende Baron Elmar und die unerschütterlichen Bandkollegen über 90 Minuten da abrufen,
inklusive Nachspielzeiten und dem Requiem für einen gefallenen Kameraden. Da bleibt
nichts anderes mehr als einfach irgendwie zu tanzen. Bei 'Gypsy' ("I'm a gypsy. It's myfreakin' life.") gehen ohnehin meine Zigeuner-Gene mit mir durch. Mitmachen ist freilich
Trumpf bei dieser immer wieder erfrischenden Narretei. Jetzt fehlt eigentlich nur noch ein
neues Album oder was wir eigentlich wirklich wollen: ein Cabaret-Gypsy-Swing-VoodooMusical mit allen Voodisten. Oh what a night!
Marius Joa
8

F r e a k s h o w : Spinifex? Soufifex!
Was für ein affengeiler Sonntagnachmittag, an diesem 14.
Oktober. Und das verdanken
wir einer Truppe, die auf dem
Heimweg von Hradec Kralove,
wo sie als Spinifex Maximus die
Nachfahren der Königgrätzer
beglückte, sich für nen Abstecher ins Immerhin nicht zu
schade ist. Dabei zeigt sich
Spinifex seit dem pyromanischen Auftritt beim ArtrockFestival 2016 zum einen vermehrt, denn zu Philipp Moser
an den Drums, Gonçalo Almeida am E-Bass und Jasper Stadhouders an der Hollow Body
schiebt sich zwischen John Dikeman am Tenor- und Tobias Klein am Altosax der flämische
Meistertrompeter Bart Maris. So dass zu den Lorbeeren durch Albatre und Cactus Trucknoch seine aus der Zeit mit X-Legged Sally, Flat Earth Society oder mit Jan Klare's 1000
hinzukommen. Und überhaupt sind sie heute nicht Spini-, sondern SOUFIFEX. Denn das,
was mir anfangs äthiopisch vorkommt, erweist sich als qawwalistisches Hopsasa, auf
Gitarre geröstet, und dazu kommt noch 'Zikr' als ein iranisches Stück mit Derwisch-Drehund sufitisch inspirierten Joujouka-Bocksprüngen. Denn die 'Amsterdamer' (aus fünf
verschiedenen Ländern) kennen nur eine Glaubensrichtung - aufwärts, dafür flattern sie
als Ikarus, dafür blasen sie Pegasus Pfeffer in den Arsch. Dafür steht kompliziertes Zeug
auf Notenblättern, meist von Klein ausgetüftelt, aber der zweite Trip ist von Almeida, undder von Stadhouders wirft die Frage auf, wo denn dieser Sufi sich besoffen hat. Davor hat
Dikeman den wilden Mann von, nein, nicht Borneo, von den Komoren gespielt, mit dem
Temperament eines 'Rattenaffen'. Neben solchen Ausrastern, denn auch bei Stadhouders,
der sowas von gut drauf ist, brennt öfters die Luft, während Maris mit tonlosen Pustern
und Dämpferfinessen ganz anders verblüfft, bestechen freilich die verflixten Arrangements(fixiert auf "Amphibian Ardour", der neuen CD). Die Bläser schmettern im Zickzack, einer
ruft, die andern kontern, der nächste schert aus, zwei halten die Spur. Fingerzeig undBlicke steuern die Drehungen und die Breaks. Mein Favorit ist das zu virtuoser
Trompetistik inszenierte amphibische Pompbegräbnis. Aber ist nicht auch Maris' furioses,
von spitzen Haltetönen angestochenes Spiel bei 'Things That Occur' denkwürdig? Oder
Mosers Gongschläge und wie er rechts noch mit Filz tupft, links aber schon die Sticks
einführt für den Übergang von weich zu hart. Er gefällt mir als stupender Dynamiker, wie erda als Dogge abspringt und als Perserkatze landet. Toll auch, wie Klein das Alto orientalisiert. Wie Stadhouders fiebrig die Kabel umsteckt, um es so richtig krachen zu lassen,
einschließlich Feedbackgeknutsche am Verstärker. Wie Almeida als scheinbar strenger
Jesuit seinen Schatten wirft, und plötzlich doch mit vollem Körpereinsatz moscht. Grundlage sind aber die vielgestaltig ausgedachten Kompositionen in ihrer Spannweite von statischem Sound über sublime Zartheit und repetitiven Nachdruck bis hin zur Ekstase alseine denkbar uncalvinistische Blaskapelle, deren Ritus in ultimativem 'Rock'n'Roll' gipfelt.
Unsere kleine Gemeinde dankt es ihnen überschwänglich und wird dafür noch mit 'Bohemians Gone Extragalactic' bekräht. Allen voran zerreißt Dikeman, von Moser beknattert, dadie Blusen der Böhmen, delirant bis zum Gehtnichtmehr. Um zuletzt doch nochmal alle MitBohemians zu sammeln als begeisterte Begeisterer nach vollbrachter Tat. In einer besseren Welt würde es jetzt Geldscheine auf die Bühne regnen (oder Manna vom Himmel?).
Foto: Geschmacksrichtung Grün

9F r e a k s h o w : Götzen und Götter, hoch3
Wieder Sonntagnachmittag, nun der 21. Okt., und im Immerhin wollen sie sein wie Gott.
Zuerst in Gestalt des Multimillionaire-Serial-Entrepreneurs Dan Lok, einer widerlichen Ausgeburt des Mammons, die per Video Seelen fischt. Doch drei Hellvetier, die als WHITEPULSE ihrem Taufpaten John Carpenter keine Schande machen, sind angetreten, den Hongkonger Popanz auszutreiben wie man falsche Götter austreibt. Florian Kolb, der mit blankem
Oberkörper zu Bassdrum-MG-Dauerfeuer die Beatz metzelt, Philipp Saner, ein Zürcher Bub
vom gleichen Jahrgang 1991, seine Gitarre schreddernd und ab und an schreit er auch ins
Mikro, und der keltische Rotschopf Pablo Lienhard als saxophonistischer Schädelspalter,die machen sich dran, nach einem exterminatorischen Blitzschlag das goldene Kalb zu
schnetzeln. Schneller und toller als Schnellertollermeier und splattriger als selbst die Flying
Luttenbachers in ihrer luziferischen Phase, kreieren sie eines der wohl kakophonsten
Schlachtfeste, das je unserer kleinen Freakgemeinde beschert wurde. Ich bin schon nachwenigen Minuten dieses Exzesses soweit, allen Göttern außer Tinnitus und Cephalaea
abzuschwören. Und bekomme, während ich meine neue Frömmigkeit noch verinnerliche,
fast nicht mit, dass Lienhard zuletzt den Fenriswolf mit einer ayleresken Hymne füttert. Kolb
schafft in Uster als rechte Hand von Lucas Niggli mit schallendem Pam! Platz für andere
Musik, Saner ist auch der liedermacherische Silent Neighbor oder jazzt lyrische Martial Art,
der Coltrane-Fan Lienhard hat bei Leimgruber, Ziegele, Labhart und Niggli die Ohren auf
gesperrt, nichts davon lässt die fundamentalkritische Ader der drei ahnen.
RON ANDERSON hat mit Mammon nichts am Hut, sein
Gott ist der Gitarrengott. Den beschwört er, mit ANTONIOZITARELLI an der Seite, dem Drummer von Neo und
Mombu, mit ganzer Hingabe. Wir kennen Anderson mit The
Molecules und von RonRuins und Pak her zwar schon
dekonstruktivistischer. Hier aber zelebriert er sein Handwerk als virtuoser Freerocker, mit allen nur denkbaren
Finessen, für die E-Gitarristen über Jahrzehnte hinweg als
gottbegnadet (oder als Teufelskerle) gefeiert wurden. Mit
vollkonzentriertem Mienenspiel triggert er seine Effektpedale und surft und kapriolt über die Saiten, als wäre
doch noch nicht das Letzte aus ihnen herausgeholt. Fastmuss man fürchten, dass er den Vibratoarm überstrapaziert. Dabei hält er konsequent Abstand zu jedem'Stil', ob Blues oder Metal, um nicht die universale Powerder Stromgitarre auf einen Dialekt zu reduzieren. Zitarelli
hinterfüttert das mit anfangs simpel erscheinenden
Formeln, die sich aber schnell als ausgekochte Bruchrechnerei erweisen.

Auch DRH sind Wiederholungstäter, mit dem leichten
Wiedererkennungswert feiner Anzugswesten und roter
Schlipse. So zelebriert das Lyoner Quartett erneut den
synkretistischen Kult eines hochdynamisierten Jazzrocks, der sich Blues-, Metal- und sogar Ethnoelemente
einverleibt. Etwa wenn der von E-Bass und Gitarre flankierte Tenor- & Baritonsaxophonist knieend in den Saxtrichter vokalisiert. Das höhere Wesen, das sie verehren,
trägt garantiert Bart und wohl auch Pferdeschwanz. Ihm
huldigen sie als röhrende Wuchtbrummer mit Stakattodrive, wobei sie nicht so wüten, wie 'Rage' es verspricht.
Gegen meine Erkältung hilft es auch nicht, so dass ich
mich vorzeitig nachhause schleiche.

Fotos: Lutz Diehl

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club w71: The Escalators

Zeichnung: SchlockmasterNa, diese ESCALATORS sind am 27. Oktober doch die Fahrt um so manche Hügel und Baustellen wert. Denn als Liftboys angesagt sind der Drummer Klaus Kugel, mit besten Referenzen durch das Ganelin Trio Priority und Steve Swell's Slammin' The Infinite, wobei er
in Weikersheim speziell auch mit Switchback oder John Edwards & Joe McPhee Eindruck
gemacht hat. An seiner Seite am Kontrabass Mark Tokar aus Lviv, 15 Jahre jünger, aber
mit seinen auch schon weißlichen Haaren und der ruhigen Art ihm scheinbar mehr als nur
ein geistesverwandter Spielgefährte in Undivided und Ultramarine. Der Ukrainer ist seit 11
Jahren Teil von The Resonance Ensemble, jenem Klangkörper für Ken Vandermarks kompositorische Ambitionen, der seine Spielbeine gern in Krakow ausstreckt. Auch dieses
Trio wurde 2016 in Polen aus der Feuertaufe gehoben. Und Feuer ist daher auch heute dasElement, aus dem sich Vandermark mit dem Tenorsax aufschwingt, presto, con brio,
trotzdem cantabile. Aufs lebhafteste befeuert durch Kugels rasanten Drive, in dem diehochfrequenten Beckenschläge den Snaregroove überwiegen, so dass es klingt wie
flüssiges Metall. Umgekehrt gerbt er bei seinen kurzen Solos eher Fell. Tokar schürt den
sanglichen Flow als Köhler und Poet dazu, kommt in den ruhigeren Passagen immer
besser zur Geltung und setzt einen markanten Akzent mit schnarrenden Tönen, indem er
ein Lineal zwischen die Saiten klemmt. Ruhiger heißt nicht automatisch Klarinette, denn
Vandermarks erste Töne darauf sind stechend und schrill. Und dann doch auch aufgekratzt swingend, oder im zarten Einvernehmen mit Kugels filzigem Touch auf Gongs, sein
Rühren an Metallscheiben, Glöckchenstränge, seine geschüttelten Schellen und Bogenstriche an Messingkanten. Unter seinen Händen wird Metall zu etwas Weichem. Vandermarks flammenzüngelnder Sangeslust, zugleich sprudelig springend und insistierend
repetitiv, entspringt das überschwängliche Kikeriki eines Feuervogels (der zwischendurch
auch mal nur Pünktchen pickt). Es gibt zwei Sets, und man kann streiten, welcher derschönere ist. Im zweiten, in dem Tokar mit dissonanten Slides und flink flirrendem Pizzicato die Ohren zupft, greift er öfters zum Bogen und streichelt damit auch den lyrischsten
Moment des Abends, den Vandermark auf - nein - auf dem Tenor zaubert, teneramente.
Aber im heißen Kern besticht er mit unverkennbarer Vandermarkistik, dynamischen, unerschöpflich variantenreichen Stakkatoläufen mit melodischer DNA-Helix und mitten im
freien Spiel plötzlich Figuren, die so schön gemeinsam getroffen werden und im Bass
widerhallen, dass sogar dem erkältungsgeschwächten Kugel ein Lächeln entschlüpft. Den
Ausklang hält Tokar sonor~brummend~in~der~Schwebe~~~~ bis zum samtigen Aufsetzen.
Keine Frage, dass zuletzt nichts als herzerwärmter Beifall und zustimmend nickende Köpfe
diese Meisterleistung quittieren.
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To Infinity and beyond - Halloween mit Hildegard* Am Abend vor Allerheiligen gruselig verkleidet um die Häuser ziehen und Schutzgeld
in Form von Süßigkeiten bei den Nachbarn erpressen? Oh wie langweilig! Das Jugendkulturhaus Cairo in Würzburg bot am 31. Oktober 2018 das perfekte Alternativprogramm für alle Elektronik-Aficionados. Denn Daniel "Danny" Gehret und Matthias"Labse" Labus alias HILDEGARD VON BINGE DRINKING gaben sich die Ehre. Ganz
"back in the habit" stellten die "bestgekleidetsten Nonnen der ganzen Sanderau" ihrneues Album vor. Bei diesem Gig hatte ich (37) nicht nur mein HvBD-T-Shirt, sondern
auch meinen Vater (63) und meinen Cousin (33) dabei. Als Support Act dieser RecordRelease-Party fungiert die israelische Ein-Mann-Band Ryskinder. Der selbsternannte
Lofi-Expressionist aus Tel Aviv verquickt mit seinen Gerätschaften Loops und unterschiedlichste Samples, singt oder rappt dazu auf Hebräisch über universelle Themen
wie Politik und Liebe. Kurios, nicht selten schmissig und durchaus zum Tanzen
anregend.
Nach einer für den Geschmack meiner Mitbesucher etwas zu langen Pause betreten
Würzburgs einzige Technonnen endlich die Bühne. Freilich liegt der Schwerpunkt der
Veranstaltung auf der Vorstellung des am gleichen Tag bei Ichi Ichi (II 007) erschienenen neuen Albums namens "Infinity". Doch lassen es sich HvBD nicht nehmen, ihren gut
einstündigen musikalischen Gottesdienst mit Stücken aus ihrer gesamten Schaffenszeit
vollzupacken. Egal ob 'Moon' mit treibenden Rhythmus und aggressivem Rap ( "Breath
down my neck, breath down my neck!") oder der flotte Alltragstrott-Kracher 'Wonderland' inklusive passendem Schlussmantra ("Fake life! Fuck life!"). Noch präsent von den
neuen Tracks ist vor allem 'Highlander', das recht harmlos mit quietschend-flötender
Synthie-Melodie beginnt, dafür umso rasanter wird als die Drums von Uhrwerk Labse
einsetzen, und in der Album-Version sogar mit mehrstimmigem Vocoder-Gesang aufwartet, als ob auch eine Cisgender-Ordensschwester mitwirken würde. Mit kryptischen
Lyrics im Agitation-Sprechgesang erschafft 'Perfect Places' ein bedrohlich-dystopischesÜberwachungsszenario ("Guard the other like the sentinel." (...) Checkmate. Always
check your mates."), dazu flirrt und blubbert es, während ein Scat-Loop abgespult wird.
Im letzten Drittel zieht das Tempo nochmal an. Zusätzlich zu den üblichen kuriosen
Cover-Versionen von 'Halo' und 'Streets of Philadelphia' überraschen uns Danny undLabse ganz am Ende des schweißtreibenden Auftritts mit Rod Stewarts 'Young Turk',
besser bekannt durch den Refrain ("Young hearts run free tonight. Time is on yourside.") wobei Schwester Daniel hier besonders den Kontakt zum Publikum sucht. Besser
hätte man meine Lage in der vordersten Tanzfront neben all den Studenten und anderen
Hipstern, unter denen ich mich gleichzeitig mehr und weniger jung fühle, auch nichtbeschreiben können. Bei Hildegards elektronischer Live-Audiovision kann man eben nur
zappeln wie ein Besessener.
Als Vinyl-Asket war ich natürlich auf den Digital-Download des neuen Albums überBandcamp angewiesen, der weitere Songs offenbarte. 'The End' serviert neben
gängigen Zutaten virtuellen gregorianischen Mönchsgesang und somit eine zusätzliche
Portion Mystik. 'Strange Device' kombiniert knarzende Bässe mit Kraftwerk-RoboterStimmen. Bei 'Discomfort Zone' tanzen Vocoder und Dada-Loop (mit langem Nachhall)einen munteren Reigen, ähnlich wie die Performer im dazugehörigen Musikvideo. 'Fake
Voices' bewegt sich mit hohem Tempo mehr in Richtung The Prodigy als Jean-Michel
Jarre und Daft Punk, die falschen Stimmen viel tiefer als gewohnt. Als finsterer Schlussakkord fungiert 'Death 2', die Fortsetzung der getragenen Trance-Hymne vom selbstbetitelten Debüt. Die brummende Basslinie erinnert an Brad Fiedels knackig-kurzes"Terminator"-Titelthema. Mit Abstand das düsterste Werk bisher. Doch auch wenn
"Infinity" insgesamt härter und dissonanter wirkt als frühere Aufnahmen des Duos,
bleibt immer noch alles recht eingängig und tanzbar. Wem die halbe Stunde Spielzeit
nicht reicht, dem wird die LP mit Endlosrille gefallen. Quasi ein Rosenkranz aus Vinyl.
Marius Joa
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F r e a k s h o w : Sexy forever
11.11., und im Immerhin grüßt das Murmeltier. Angel schwingt wieder den Kochlöffel, Mitch
schaufelt wieder sein Grünfutter, für die Bands gibts wieder Zwiebelkuchen. Als FITZKARRALDO beginnen drei Italiener aus Berlin. Nein, James Anderson korrigiert in gutem
Deutsch, er sei, ohne brex & aber, Brite. Dabei zeigt der junge Mann, der an der Gitarre, vollkommen unbewegt, die Figuren und Muster für eine Art Minimal-Hardcore spinnenfingert,
ein derart marmornes 'römisches' Profil, dass er Uderzo Modell stehen könnte. EmanueleCalì aus Palermo, der à la Jacopo Battaglia die Drums rumpelt und knattert, passt daneben
ungeschminkt in jeden Sandalenfilm, egal ob als Geknechteter oder als Schlagetot, vor
allem nachdem er zum schwarzen Bart auch noch seinen schwarzen Brustpelz enthüllt hat(unter dem freilich das Herz des Poeten Calgolla schlägt). Riccardo Scaramagli mit seinem
rotgefärbten Schopf liefert mit Bassgrollen und gelegentlichen Ausfallschritten das Hardcoreimage zum Clash von knurrigem Krach und strenger, repetitiver Form, von ambitionierten Arpeggios und trashigen Feedbackrückkopplungen.
MANUAL FOR ERRORS bringt dann ein Wiedersehen mit Gitarrenwizard Manlio Maresca,
durch Neo und Squartet in päbstlicher Erinnerung als blitzgescheiter und juckpulvriger
Zeitgenosse. Seither war er nicht müßig: mit
Andymusic als neuem Trio, im Orchestra Operaia von Massimo Nunzi, bei Tributes an Nirvana von Giovani Leoni und an Zappa mit der
Riccardo Fassio Tankio Band. Mit Snakefinger
als Taufpaten hat er sich auf "Hardcore Chamber Music" kapriziert, an seiner Seite trommelt
Ivan Liuzzo, fragil, bebrillt, auf alles gefasst im
aufmerksamen Rapport. Denn Maresca traktiert neben der Gitarre auch noch einen quietschenden und zwitschernden Sequencer (?),
manisch manuell. Die Trickkiste lässt die Gitarre mutieren, die Zeit rückwärts stürzen, siemacht sich widerspenstig selbstständig, liefert
zuletzt aber für den "Love Song" als Zugabe
auch schellackstaubigen Trompetenswing.
Fehler ist King, Spielen ist bei Maresca mit Risikolust verbunden, mit motorischer Intelligenz,
flippernder Querschlägerei, der Gewitztheit
quickster Entscheidungen. Da wird nix Fertiges
vorgeführt - obwohl, liegen da nicht Notenblätter? Da ist jedenfalls vieles in statu nascendi,
und wir geburtshelfen gespannt mit.
OCCAM'S RAZOR ist die Kopfgeburt des Berner Rauschebarts Florian Keller am Bass, mit
Florian Möbes an der Gitarre, Olivier Zurkirchen als Keyszwirbler und einem bekannten
Gesicht an den Drums, Manuel Pasquinelli von Sonar und dem Akku Quintet. Als Wunder wasangekündigt, wirken sie auch gleich mal wie viel zu schade für uns elfeinhalb Hansel &Gretel, mit genug Wucht, um 11000 zu speisen. Mit einem Mix aus Progressive Metal und
70er-Jahre-Eklektizismus. Mit langen Tracks wie 'Aufstand der Ungeraden' und den Fingerabdrücken schwarzer Engel. Mit enormer Keyboardsverlustierung, Oldschoolgitarre,
dynamischem Basspulsar und virtuoser Pasquinellistik für ausgedehnte Breitwanddramatik.
Das treibt ja fast Blüten wie bei den vom Retrovirus infizierten Norwegern, Krokofant etwa
oder Elephant9. Das ist ausgereift und ausgekocht genug, um es an die Massen zu
verfüttern, die oben an der PoHa schlangestehen. Wir müssten dann allerdings im Gegenzug
zu Olaf Schuberts Pollundersex schunkeln.
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F r e a k s h o w : To Thee I Sing
"Das war wohl mein bestes Konzert des Jahres",konstatiert der Stefan, während er zum Nachspülen sein so ca. fünftes Bierchen hätschelt.
Weder Felix, der sich mit Rudi, noch Olaf, der sichmit mir ein leckeres Pax geteilt hat, erheben
Einwände. Denn das, was ANDREW BARKER &JOHN DIKEMAN uns da - fürs Protokoll: am 29.11. im Immerhin eingeschenkt haben, das ist Free Jazz
der freiesten, Fire Music der heißesten, Hard Core
Chamber Music der kernigsten Sorte. Dass die
beiden unplugged spielen und zum Greifen nah vor
der Bühne, hat den Reiz nicht unbeträchtlich noch
erhöht. Barker, der seit den frühen 90ern in
Brooklyn Fuß gefasst hat, mit der Gold Sparkle
Band, Acid Birds (mit Jaime Fennelly) oder seinem
Trio (mit Tim Dahl), propellert, dass nicht viel fehlt
und der Teppich unter seinem Drumset hebt ab. Er
ist die Entdeckung dieses Donnerstagabends, mit einer stupenden Bandbreite vonheftigstem Geknatter bis zu schabenden und quietschenden Verstößen gegen die Feinstaubverordnung. Dikeman, sein 35-jähriger Landsmann, braucht daneben nach dem Vorschuss seines furiosen Auftritts mit Spinifex/Soufifex nur die Lorbeeren zu pflücken. Und
tut das, im Hardcoreausfallschritt und mit so vehementem Gerotze und dem hymnischen
Krähen, mit dem einst Mats Gustafsson in den 90ern die Szene in Aufruhr versetzt hat. Der
Tenorsaxer aus Rushville, der mit seinem Namen aber gut nach Amsterdam passt, röhrt als
hätte er zum Frühstück Hulk verschluckt. Gegen sein Feuerio und pushendes Stakkato zu
Barkers Bassdrumsalven und klackerndem Schlaghagel ist Widerstand zwecklos. Dochaufgemerkt, wenn Barker das Trommelfell nur mit feuchtem Daumen rubbelt und mit
spitzem Stöckchen den Staub aus den Fugen kratzt, wenn er mit Drahtbesen Muggenschisse entfernt und allen gegerbten Flächen oder blechernen Kanten auf den Zahn fühlt,von oben und von unten, wenn er mit Druck aufs Fell den Klang nuanciert und mittendrin
doch auch wieder die Bassdrum kickt, da saugt auch Dikeman nur Luft durch die Zähne
und pustet Pusteblumen. Er ist ein Meister feiner
Spaltklänge und krasser Überblaspower, und als
Stefan sein drittes Bierchen aufploppt, ploppt er
mit Pulverblättchen auf der Zunge zurück. Er lässt
Barker Luft für die Demonstration des weltmeisterlichen Könnens, das es braucht, wenn man in NYC
Spielgefährte von Größen wie William Parker,
Daniel Carter, Sonny Simmons oder Sabir Mateensein will. Aber Dikeman reißt auch alle mit in die
Auferstehung, wenn er Albert Ayler auf seiner
Zunge aufflammen lässt. Natürlich ist sein Reedblättchen danach so hinüber, dass es nicht mehrfür eine Zugabe taugt. Aber der allgemeinen
Begeisterung können die beiden dann doch nicht
widerstehen, und machen die Not zur Tugend,
indem Dikeman mit spitz gefiepten und rau gefauchten Klängen Ton in Ton mit Barkers Schabund Wischgeräuschen dem Hl. Kakophon als Nothelfer dankt. Als Souvenir und bestmögliche Gedächtnisauffrischung gibt es zwingend noch "AllThings Are Possible" (Phantom Ear Music, 2018).
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over pop under rock
The Lollipoppe Shoppe (Berlin)
Henning Küpper propagiert seit den 90ern psychedelische Musik mit Schwerpunkt Osteuropa:
Atman, Magic Carpathians Project und Asunta aus Polen, NU & Apa Neagra aus Rumänien, Ole
Lukkoye aus St. Petersburg, Volga aus Moskau, Korai Öröm aus Ungarn ebenso wie ÚZGIN
ŰVER. Nach der Wiederveröffentlichung von "99" (LSCD 013, 2015), bringt nun Patak (LSCD018 / Mana Mana Records, MANAVL-002, LP) wieder deren Imaginäre Folklore, zum Grooven
gebracht von Farkas Marcsi an der Geige, Homoki Péter an Gitarre, Bass, Loops, Synthie,Drums & Percussion und Majoros Gyula an Flöte, Klarinette & Duduk. Dazu stößt die Jazz-KlezSängerin und Kantorin Flora Polnauer aka PollyFlow in Budapest, um bei 'Shirat HaYam', dem'Lied am Schilfmeer' aus dem Buch Exodus, auf hebräisch und wie mit dem Hüftschwung derSalome den Herrn dafür zu preisen, dass er die Rösser & Reiter des Pharaos im Roten Meer
ersäuft hat. Bei der "Juden raus"-Hetze gegen George Soros, Ágnes Heller und den toten
Georg Lukács ist das von sprechender Symbolik. Eingebettet in 'Patak' (Bach), 'Gázló' (Furt),'Sodrás' (Strömung), 'Örvény' (Strudel) und 'Nádas' (Schilf) wird daraus quasi ein Narrativ.
Tribaler Beat, die Geige und archaisches Flöten suggerieren im Flow des pulsierenden Basses
und eines knarrenden Loops und mit dem sanften Druck der Gitarre eine orientalistische
Fantasy, ein imaginäres Mittelalter, karpato-mongolische Traumpfade. Farkas prägt 'Patak', mit
16 Min. der zeitvergessen und melodisch swingende, ja zwingende Opener, mit auch nochzunehmend enthusiasmiertem Zungenschlag und so jubiliert sie auch beim animierten, aus
allen Rohren bedudelten 'Sodrás' mit seinem hypnotisierenden Differenz-Wiederholungs-Sog.
Dazwischen steigern bei 'Gázló' Gitarre und Flöte im Wechselspiel das Tempo, fast wie als
ferne Verwandte der Master Mujicians of Jajouka, aber melodienseliger und mit einer psychedelischen Westcoastgitarre zum tribalen Tamtam. Homoki bestimmt mit Throatgesang undurigem Scat das knarrig bummelnde und flöten gehende 'Örvény'. Bis 'Nádas' mit klapperndem
Pferdetritt zu Maultrommel und Duduk auf den Sonnenuntergang zu reitet, lucky-luke-lässig
genug, um sich dabei eine Zigarette zu drehen. Ihr Debut hieß einst "Szegény Aratás"[Schlechte Ernte], seitdem haben Úzgin Űver das ständig Lügen gestraft.
Der Schauspieler ("Die Eisbombe", "Neue Vahr Süd") und Filmemacher ("Von komischen
Vögeln") Eike Weinreich hat in Ungarn gerade seinen neuen Film "weiter" abgedreht. Davor hat
er, zusammen mit Alexej Hermann, "Die Übriggebliebenen / Valley of the Leftovers" realisiert,
einen Anti-Heimatfilm, von dem nun der Soundtrack & more great stuff (LSCD 017 / Cosirecords, CRCD 002) einen herzensbrecherischen Eindruck verschafft. Durch fünf Versionen
des volkstümlichen Schlagers 'Köhlerliesel', 1923 geschrieben, aber erst 1957 ein Nummereins-Hit, nun dargeboten: von Nikolas Kuhl, dem Frontmann von Raindance Kid (einem Hamburger Post-Country-Quintett, gerade mit "Swayer" auf Timezone) allein mit Schrappelbanjo
und gejodelt; rührend geradebrecht von Allysen Callery (einer Ghost-Folk-, Forest-Folk-, FreakFolk-Elfe aus Rhode Island, mit "Winter Island/The Summer Place", "Mumblin' Sue" & "TheSong the Songbird Sings" dIE Stimme bei Cosirecords); von Blind Joe Black (einem BluesPsychedelik-Aficionado) ebenfalls mit Banjo, Mundharmonika und Beautiful-Loser-Tristesse;
von Kristina Jung (einer Folk-Sängerin, Gitarristin und Songwriterin mit Soundscapeambitionen) wie durch Kristall gebrochen und glamourös aufgeschäumt; und von Ryan Lee Crosby(einem „Roots/Americana"-Folk/Blues-Singer/Songwriter in Boston) mit steinerweichenden
Gitarrentönen, die auch ohne Worte So leb denn wohl, ich bleib Dir treu wenn auch mein Augebricht singen. Alle bringen dazu noch eigenen Stoff: die Hamburger schmachten kollektiv zu
Pedalsteelsound 'The Road'; Callery stimmt in nun der eigenen Haut 'Lyonesse' an; derschwarze Joe bringt mit Saint Gallus Convention Tapes, seiner Dortmunder Gang, das mirageumwaberte Desertgitarren-Instrumental 'Down the Road'; Jung zelebriert ihr für das Groninger
Museum geschaffenes und dem Maler Jan van Goyen gewidmetes Miniopus 'The North Water';und Crosby singt beim mit Bluesharp, Gitarren und klackendem Beat orchestrierten 'Tell Me' imStil der Alten: O tell me, politician...

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Psych.KG - E-Klageto (Euskirchen)
Mit Bomis Prendin & Eric
Lunde (BA 70), Closedunruh(BA 76), "Es läuten die Glocken" (BA 86), Hiroshi Hasegawa & Opening Performance
Orchestra (BA 91), Pacific231 (BA 94), Subpop Squeeze(BA 95), Karl Bösmann (BA96) und zuletzt La STPO (BA98) als Klingklang für die
Abonnenten hat Matthias Hornsich als bester Helfer für BA
gezeigt. 1000 Dank dafür.
Und toll, dass wir auch die
BA 100 zusammen feiern, mit
meiner Wiederentdeckung von DENIS FRAJERMAN und his music to listen to while reading(-> BA 96). Denn Herbes & Golems (Exklageto 17 / Douzième Lune) ist explizit der Nachfolger zu "Les Suites Volodine" (Noise Museum, 1998). Seither ist der Palo-Alto-Mann mit
etwa dem Oratorio post-exotique "Des Anges Mineurs" (2000) und den Cantopéras "Vociférations" (2004) und "Terminus radieux" (2015) so etwas wie der Hauskomponist von Antoine Volodine geworden, dem französischen Meister des Post-Exotismus. 2014 für "Terminus radieux" gewürdigt mit dem Prix Médicis, ist er leider nur kümmerlich verdeutscht mit"Dondog" und "Mevlidos Träume". Dass Frajerman sich diesmal durch Texte von Manuela
Draeger anregen ließ, ist nur eine kurze Irritation, denn das ist, wie Elli Kronauer oder Lutz
Bassmann, nur ein weiteres Heteronym von Volodine. Wenn Jean-Louis Hippolyte (in "Fuzzy Fiction") an ihm (und an Jean-Philippe Toussaint oder Éric Chevillard, dem Autor von"Krebs Nebel" ...) das Phänomen einer 'Fuzziness' und 'a general poetics of vagueness'hervorhebt, dann hat das in Volodines Maskenspiel sogar einen äußerlichen Ansatz.
Sprachlich vertieft er das zu neologistisch-kryptischer Sabotage und "spiritual gymnastics
of falsehood". Überhaupt verhält sich Volodines Bardo- & Postmortem-Exotismus zu David
Mitchells Anachoreten und Horologen wie Beckett oder Pessoa zu Rowling. In "Herbes &Golems" deklamieren und murmeln sieben gefangene Frauen in ihren Zellen einhundertelf
Namen imaginärer Kräuter und hoffen auf die Befreiung durch einen Golem, der von sich
sagt: Unter meiner Zunge bleibt die Kraft des Wortes. Alles deutet darauf hin, dass das
Wort auf meinem Körper wirkt, dass es die Angriffe der Zeit, Feuchtigkeit, Verzweiflungoder Langeweile abstößt. Das Wort verhindert meine Verwandlung in Staub. Denn Worte,
die Kraft des Benennens, sind die einzige Kraft, den stumm Gemachten und dem als Unkraut der Vernichtung Preisgegebenen (den wilden, unbekannten, freien Gräsern der immensen Steppe) eine Stimme zu geben. Es ist das Mindeste, was wir tun können. Das Mindeste, aber nicht das Einzige. Denn man kann auch das Steppengras unter den Füßen
knirschen lassen wie Frajerman. Und mit Field Recordings, Drones und simpler, naturnaher Percussion wie Wind Chimes zu einem Soundtrack überleiten, der mit Keys undGitarre zu Minimal-Glockenspiel, Rassel und Ritual-Tamtam den hörspielartigen Vortragdraeger'scher Texte musikalisiert, ja dramatisiert. (Samples von) Gesangsfetzen, Oud,
Flöte, Schamisen oder Vogelstimmen geben dem monotonen Duktus dieser klassisch und
postrockig angehauchten Folklore Imaginaire orientalische Vektoren. Eine Frauenstimme
rezitiert zu Gezwitscher und fernöstlichen Anmutungen, melancholische Kontrabassstriche werden abgelöst von tickendem, klackendem und federnd pumpendem Beat zu
orgeligen Tönen und nasalem Geflöte. Die Stimme flüstert nur noch, während die Erregung
wächst. Aber Frajerman wischt sie weg für eine bloße Spieluhr. Zuletzt - 'Avant l'aurore' Regen, Donner und Wind und die Tristesse von Bass, zittriger Gitarre, Orgel und Piano.
Eine meisterliche Dramaturgie, stimmungs- und spannungsvoll bis zur letzten Note.
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Als Augenschmaus explodiert die erste Vinylversion von
La S.T.P.O.s "Les Explosionnistes" (Exklageto 14), so dassdas modernistische Artwork von Jim B so richtig zur
Geltung kommt. Mit dem Lyricsheet wird auch nochmal
Pascal Godjikians zungebrecherische und schädelsprengende Sprachartistik mit Händen greifbar, sein FeiningerDeutsch, sein rot-blau-orange gestreiftes Armenisch, seinkiotosmoramaisches Asger-Jornisch, Über-Isländisch undSurreal-Französisch und sein Kauderwelsch after Picasso.
Das ist bad alchemistische Essenz in Scheibenform.
Umgekehrt ist es bei "A Random Set Of Sarcastic Implications" (Exklageto 18) von ONE LAST REGION. Da ging2016 die LP-Version (Psych.KG 231) voraus, als Sensationin zerknittertem Aluminiumcover. Jetzt kann man sich die
fünf Freak-Rock/Free-Form-Jams, die einen mit Gitarre
und Saxophon mitreißen in einen zwischen Hawkwind,
Alejandro Jodorowsky und dem Counter-Culture-Mystiker
Alan Watts aufgespannten Brainfuck-Quadranten, auch als
12cm-Silberling in die Tasche stecken.
Ein Kaliber für sich ist die auf 200 Stück limitierte Box
Merzbow Duo 86 + 89 (Psych.KG 219, 2 x LP), die zurückgreift auf die Dekade [1979-89], als MERZBOW meist aus
Masami Akita & Kiyoshi Mizutani bestand. Während insbesondereスローダウン[Slowdown]Records seit 2017 eine
Merzbow-(Wieder)Veröffentlichung nach der andern ausspuckt, fand Matthias Horn Stoff, der am 26.10.1986 und
am 16.8.1989 entstanden, aber nicht auf den "Duo"-Sessions 1987-89 der 10xCD-Box auf Tourette (2013) enthalten ist. Akita spielte Metal Box, Noise, Drums & Organ bzw.
Noise & Drums, Mizutani ist zum einen mit Piano & Organzu hören, zum andern mit Guitar & Noise. Dabei könnte
man freilich versucht sein, die beiden 180g-Scheiben, dieeine in Orange, die andere in einem verwegenen Grünton,
beide mit psychedelik-bunten Etiketten, von ihrer Funktion
als Tonträger losgelöst als Op-Art-Objekte per se zu
fetischisieren. Als Skulpturen aus denkbarem Klang. Weil
Merzbow sowieso immer wie Merzbow klingt, wie Spötter
ebenfalls schon immer behaupten. Doch die müssen sichauf einen Orgelschock gefasst machen, ein kakophones
Splattern und Schlurchen, als würden schwere Stahlschränke gezerrt. Und dazu klopft Akita so handisch undrituell, wie man es eher von Keiji Haino erwarten möchte.
Dann traktiert Mizutani sogar ein Piano, und Akita lässt
dazu die Orgel Schreie ausstoßen und aufschrillen oderklopft wieder gewollt 'primitiv'. Mir wird da mein MerzbowHor(r)izont schon noch erweitert. Mit Mizutanis Gitarre
kommt man auf vertrauteres und dennoch nicht harsches
Noise-Terrain. Mit wummernder, pfeifender, schrubbender
Kakopsychedelik, krachigen Detonationen, drahtigen
Kapriolen, schließlich doch auch automatischen Salven,heulendem Merz-Metal, nochmal orgeligen Dauerwellen
und schrottigem Randalieren. Aber dazwischen auchrockendem Drumming, als Art-Brut-Ahnen virtuoser PowerDuos wie Lightning Bolt oder Testadeporcu.
17Sub Rosa (Brüssel)
We must remember this? Die alten Zeiten, als wir Freaks waren, als wir jung waren? Die
Retrospektive auf KOSMOSE, eine 1973-78 aktive Band aus dem belgischen Industrierevier, wird nach "Kosmic Music from the Black Country" (SR, 2015) [BA 88] und "SomeLittle Trips to Our Fluorescent Land" (EE Tapes, 2017) fortgesetzt mit First Time Out(SR437, 2 x CD/LP). Zu hören ist Kosmoses spektakulärer, mit Light- & Slideshow undRäucherduft synästhetisierter Auftritt am 22.3.1975 in Charleroi. Wobei der Seltenheitswert schon im Konzert als solchem liegt, denn Kosmose spielte eigentlich nur unter Ausschluss der Öffentlichkeit zuhause bei den Pourcels und hat 'zu Lebzeiten' auch nichts
veröffentlicht. Hier aber versetzten Daniel Malempré an 12-strings Acoustic & E-Gitarre,
Francis Pourcel mit Bass & E-Gitarre und Alain Neffe (ja, der Alain Neffe von Bene Gesserit, Human Flesh, Insane Music) per Synthesizer, Flöte, Rhythmbox und Percussion ihr
tune-in,-drop-out!-williges, mit Poesie von André Dédié Gauditiaubois eingeweihtes
Publikum mit Freistil-Psychedelik in krautige und hawkwind'sche Sektoren kosmischer
Gefilde. Junge Wallonen, denen der Strukturwandel schon im Nacken saß, konnten sichdurch singenden Gitarren- und Synthiesound, kaskadierende Dröhn- und Zwitscherwellen,
mit Geigenbogen gestrichenem Bass, crashender Cymbal und lockender Flöte in ein
Schlaraffenland liften lassen. Schon 'The 13th Untitled Track' (42'33) fasst mit heulender,
jaulender Intensität und crescendierendem Drive marschartig Tritt für einen langen,immer wieder auch ganz luftig und tagträumerisch schwebenden Marsch in die Glückseligkeit. Auf parallelen Wellen zu Tangerine Dream, Ash Ra Tempel, Agitation Free waren
die Belgier da kosmisch wabernde, trillernde und zischende Pfadfinder für Zircon & The
Burning Brains und Alto Stratus, um Space- & Spiceheads - einige vielleicht schon bewusstseinserweitert durch "Phaedra", "Köhntarkösz", "Mysterious Traveller", "Musik vonHarmonia"... - mit schillernden Farbtönen weg vom kohlenstaubigen Grau-in-Grau zu teleportieren. 'The 14th Untitled Track' (60'16) setzt den halluzinogenen Trip fort, mit Wahwah
und Curryduft, harmonieselig schillernd, trillernd, rauschend, röhrend, flimmernd, flötend,aber dabei rauer und krachiger. Eine Wegstrecke wird als Bolero zurückgelegt, die Flöte
wirft melancholische und stehende Wellen, bis hin zu einem furios gerifften finalen Crescendo. Wenn es für Eskapismus Gründe bräuchte, so verging seither kein Jahr, ohne sie
terroristisch und das Elend vermehrend zu liefern.
Nach "Fieldtone" (2015) und "Vvolk" (2016) als Book Of Air, realisierte der Antwerpener
Drummer Stijn Cools Se (in) de bos (SR444, LP/CD) mit dem 18-köpfigen Orchester BOOK
OF AIR VVOLK. An Saxophonen, Euphonium, E-Gitarren, Rhodes, Harmonium, Kankles,
Drums, Vibraphon & Cymbals, Kontrabässen und E-Bass erkenne ich da durch GranvatProjekte wie Hoera, Mephiti, Merope, Nest, Pudding oO und Ifa Y Xango bekannte Namen.
Es war im Wald. Die Bäume alle schliefen? Caliban döst und Setebos [was schert uns
Mainfranken ein t] sitzt auf dem Nachttopf? Aber nein. Dafür sind die Flamen ein viel zu
feines Volk. Cools lässt das Orchester, as many-handed as a cuttle-fish, sämtliche Tentakeln einrollen und träumen, das Wort für Welt sei Wald. Zeitvergessen ruht es in sanft
flimmernder Strömung, das lauteste ist noch sein eigener monotoner KontrabassHerzschlag. Eingebettet in ein unwahrscheinlich fein changierendes Dröhnen, selbst in derSumme aller Stimmen ein Pianissimo. Das, zu Vibesklingklang, mit rauschenden Cymbals
und kleinen Gitarrenwellen leicht an- und wieder abschwillt. Dass nach den Saiten bei dernächsten Wölbung Harmonium und Euphonium an die Oberfläche treten und bei weiteren
Windungen wieder die Cymbals und die Gitarren oder doch auch die Saxophone, bleibt
bewusst vage. Denn so gedämpft, wie sich dieser zeitkratzerische Klangkörper hinbreitet,
bleiben alle Nuancen im Bereich des Geträumten, des nicht Greifbaren, nicht Haltbaren.
Die zeitlupigen, cymbalgetönten Protuberanzen schwinden gleich wieder dahin ins
Pianissimo. Die Dröhnwellen lösen sich in Luft auf, verschwimmen in Wasser, verrauschen
vor den Sinnen, entgleiten der Erinnerung. Bis sich der fremde Traum ganz entzieht unddie Oberfläche dieses Stillen Ozeans sich schließt.
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... over pop under rock ...
CLUB CACTUS (Beg Rose Records "5", LP / Digital): Das ist in Paris das Projekt
zweier Schlagwerker, denen rituell-minimales Tamtam das Einundfastalles ist:
Anthony Laguerre, der mit FiliaMotsa und in Praag mit Dominique Répécaud
getrommelt hat, und Jean-Michel Pirès, mit Mendelson und The Married Monk auf Ici
D'Ailleurs, aber gastmäßig auch schon mal bei Oiseaux-Tempête. Da bei denen auchschon G.W. Sok zum Mikrophon griff und ebenso bei FiliaMotsa, kann von Zufall keine
Rede sein, wenn er hier bei 'Rue de Seine' und 'Extremophile' singt. Manuel Bienvenu(mit dem Pirès schon bei Bed trommelte, wo er Gitarre spielt) ist die Stimme bei 'Kim'.
Bei 'Burn it all' singt Don Niño (mit Pirès bei NLF3 und mit Keyboards bei Françoiz
Breut). Bei 'Religion' rappt Alexei Moon Casselle (von Roma di Luna und Pirès' Partner
in Numbers Not Names). Daneben schmachtet Benoît Burello (ebenfalls von Bed) bis
in hohe Kopfstimmenregister 'Beautiful again' zu Keys, Bass und geschrappter
Gitarre. Für das Titelstück genügen die Drums und ein knarrender Synthie und bei'Lac' murmelt Laguerre selber einen Sprechgesang zu zager Mundharmonika und
Keys. Bei 'La Culture' steuert Pascal Bouaziz (zuständig für Guitar & Vocals bei
Mendelson, die ja auch schon mit zwei Drummern operieren) zu anfangs verrauschtem Synthiesound einen gesprochenen Monolog und gehauchten Singsang bei.
Zuletzt steckt sich Marie Cambois 'Une cigarette' an und spricht zu treibendem
Drumming und freejazzigem Gebläse in der typisch poetisch-realistischen Manierfranzösischer Filme und Chansons. Die Stücke scheinen zuerst monoton, doch es
zeigen sich mehr und mehr Stacheln, dramatische Untertöne und klangliche undstimmliche Wendungen. Mehr jedenfalls, als sich anfangs abzeichnet. Nur Nonsense
gibt es keinen.
DOOMINA Orenda (Noise Appeal Records, noise69, CD/2xLP): Die mit einem schönen
Wortspiel getauften Österreicher hatten sich zuerst zwischen Oben ('Aeronaut') und
Unten ('Below') für "Elsewhere" (2012) entschieden und etwaigem Stirnrunzeln mit
dem spanischen Gitarrensolo 'Mockingbird' gespottet. Daniel Gedermann & Lukas
Geyer (Gitarren), Christian Oberlechner (Bass) und Erich Kuttnig (Schlagzeug) mögen
ja zum Fototermin Blaubärte mimen, der Sinn steht ihnen aber nach "Beauty" (2013)
und - man braucht "Doomina" (2015) nur richtig zu lesen (als Kofferwort aus Animaund Mood) - nach beseelten Stimmungslagen zwischen Oben ('Kepler 10b') und einem
Unten - das sich in 'Behold... The Fjord!' und 'Prince of Whales' abzeichnet als
Unterwelt des Arctopus und von Moby Dick. Daran knüpfen sie hier an mit dem Obenvon 'Soyuz II' und der Optik schmelzender Eisberge. Beschworen sie einst mit 'Deus ex
herba' schon die Grünkraft, so nun mit "Orenda" die Lebenskraft in der animistischen
Vorstellung der Irokesen. Der ungrüne Daumen zeigt jedoch in die eigene Richtung - 'I,
Barbarian' [Asimovs "I, Robot" winkt von Weitem]. Uns Barbaren täte es gut, denökologischen Fußabdruck zu verkleinern als 'Tiny Danza'. Das Wort 'Limerence'(Amour fou), eben erst bei Doc Wör Mirran gelernt, hat gleich seinen zweiten Auftritt.
Dass die vier aber ihre Nasen nicht nur in alte Medien stecken, von denen 'The Voynich
Manuscript' das rätselhafteste ist, verraten sie, wenn sie mit 'Farnsworth Paradox' auf
die Paralleluniversenkuddelmuddel-Episode von Futurama anspielen. Der musikalische Bogen nimmt vom netten 'Sonett', das in sämiger und klingeliger GitarrenWallung stufig ansteigt, paukend und massiv riffend Kurs auf stellar flimmernde
Klangquadranten, um der Sphärenharmonie zuzustreben. Andererseits trampeln damitten durchs Gemüsebeet knurrige Orks, die es mit flauschig trillerndem Nachdruckzu zivilisieren gilt. Doomina träufelt dafür Emily Dickinsons ganz eigene Definition fürdas ärgste Übel in Pandoras Parabox in die Ohren: “Hope” is the thing with feathers /That perches in the soul / And sings the tune without the words... Und lässt dazu die
Gitarren als Hoffnungs- und Geheimnisträger singen und schwärmen.
19

BOB DRAKE L'Isola dei Lupi (ReR Megacorp, CTA-BD22): Wir sind hier wieder
in jenem drake'schen Kontinuum narrativer Konzeptalben, das einsetzt mit "TheSkull Mailbox and Other Horrors" (2001) und schon bei "The Shunned Country"(2005) mit Artwork von Ray O'Bannon auch das Auge mitfüttert. "Lawn Ornaments" (2014) und "Arx Pilosa" (2016) wurden dann bereits von Joe Mruk illustriert, als Rocky-Horror-Comics im Parco dei Mostri, auf Cryptic Mountains
und Greenish Meadows, mit Pelztierhelden wie Dret Tancat und Apocalypse
Fox. Jetzt hat Mruk die Wolfsinsel als Faltposter gezeichnet, die die Phantasie
mit 'nem Doppeldecker ansteuert. Um auf einem Spielfeld zu landen, markiert
mit 'Howling Courtyard', 'Hollowfang's Tower', 'Villa Dell'Orsata', 'Saint Marten's' und 'Bridge to Nowhere'. Die Insel scheint verlassen, von Bewohnern
zeugen zuerst Statuen, steinerne von Wölfen, ein zottiger Marder aus Holz.
Doch dann taucht Spotty auf, der Nüsse und Beeren sammelt. Und andere
Kreaturen, denen der Pelz in der Mittagshitze brennt. Im Fernsehn läuft 'Cereal
and When', aber das ist wohl eher Einbildung. Keine Einbildung ist das Wehrsekret, das den Skunks den Namen Stinktiere einbrachte. Wer glaubt an
Thoughtography? Nach Drake sollte man es ruhig mal versuchen. Er drückt uns,
die er "living Shape-Shifter" nennt, auch ein Memo in die Hand, das in nur 10
Schritten Licht ins Dunkel bringt. Und wollte Wittgenstein der Fliege den Ausweg aus dem Fliegenglas zeigen, dann lässt Drake zuletzt Graufuß den Dachs
im Turm auf der Nase der Wolfsinsel die Treppe aufwärts ins Unbekannte
besteigen. Spotty andererseits, der hält sich an seine Nüsse und Beeren undzuckt kaum mit nem Ohr, wenn wieder mal Wolfsgeheul über die Insel zieht.
Drake singt das alles als der Brust eines Singer-Songwriters entsprungenes
Alien. Das helle Timbre und die Raffinessen eines Multiinstrumentalisten,
Meisterarrangeurs und Studiowizard verraten Meme aus dem Erbgut von Brian
Wilson, Van Dyke Parks, Syd Barrett und Freddy Mercury. Schon dass er 'unsingbare', mit Fremdwörtern (wie polyhedral, quincunx, globigerinian, crotyl
marcaptans...) gespickte Prosa singt, bringt einen äußerst eigenartigen Duktus
hervor. Dann spielen zwar Gitarren Hauptrollen, aber in ultra-vertrackten Quasibandarrangements, mit allem, was dazu gehört (Bass, Drums, Orgel etc.). Und
noch einem Überschuss, den sich nur einer traut, der den Ruf eines Spinners
gelassen irgendwo zwischen Banjo und Tuba wegsteckt. Dieses durchgeknallte
Art-Rock/Over-Pop-Musical treibt Eskapismus auf der "Smile"/"Jump!"/"The
Madcap Laughs"/"Octopus"/"Foxtrott"/"Bohemian Rhapsody"-Skala über sichhinaus ins Viel-zu-Gute/Absurd-Wahre/Fast-zu-Schöne. Allein wie er einem bei'Psychic Photography' die Synapsen verknotet. Wie überkandidelt er 'Supplement to the Ritual (In 10 Easy Steps)' kew.rhone-t. Oder die Himmelfahrt auf der
Shepard-Skala bei 'The Ascension of Greyfoot Badger'! Wenn einer Verspieltheit, Phantastik, Virtuosität, Aberwitz und Einzigartigkeit als Qualitäten auf die
Wagschale bringt, dann ist es Bob Drake. Und wenn diese Qualitäten ins Gewicht fallen, dann ist "L'Isola Dei Lupi" einsame Spitze. Denn its density persquare meter of captivating features and creatures is unparalleled.
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GECKO TURNER Soniquete: The Sensational
Sound of Gecko Turner (Lovemonk, LMNK62): Fernando Gabriel Echave Pelaez, 1966
in Extremadura geboren, hat sich bemüht,
sein Leben filmreif zu gestalten. Jung angefixt durch The Kinks, David Bowie und
Talking Heads, durch Blues (Big Joe Turner
ist sein Namensgeber) und die afro-kubanische Phase von Dizzy Gillespie, durch Jack
Kerouac, Burroughs und Henry Miller, entschied er sich, früh verwitwet, den Job bei
einer Bank an den Nagel zu hängen und ganzin die Boheme einzutauchen. Als Leader,
Sänger & Gitarrist ließ er mit The Animal
Crackers zuerst noch Joy Division und Sonic
Youth aneinanderkrachen, mischte mit Perroflauta aber schon Samba und Reggae.
"Guapapasea!" (2003) war dann sein Solodebut, mit dem Afrobeatnik Orchestra im
Rücken, sogar bei einer US-Tour. Sein Stilwurde 'Afromeño' getauft, also quasi:
schwarzes Extremadurisch, als weichzungiger, eklektischer Mischmasch aus brasilianischer Easyness, funky Afrobeat, Cuba
Libre, Dr. John's Gumbo, Motownsoul und
Latin Jazz. Turner ist einer, der Dylan und
Monk zuzwinkert, aber Stevie Wonder & Co.
anhimmelt und seinen Helden als White
Negro auf die Pelle rückt. "Soniquete" ist ein
Best-of aus diesem und den folgenden Alben"Chandalismo Ilustrado" (2006), "Gone
Down South" (2010) und "That Place By The
Thing With The Cool Name" (2015) plus
einiger Singles, darunter sein erster Hit 'Un
Limón En La Cabeza', und, neu - 'Cortando
Bajito'. Akin Elegbede Onasanya (von OGUN
Afrobeat) oder Rubem Dantas (von Vega,
Paco de Lucia...) hört man da oder dort an
Percussion, Javier Massó "Caramelo" anKeys, Irapoam Freire an Trompete, Eska
singt den honigtriefenden 'Monosabio Blues',
bei 'Here Comes Friday' schwelgen Streicher, bei 'Ámame, Mímame' und 'Mbira Bira
(Guadiana En Los Ojos)' gospeln AfroCheerleader. Turner selber singt als Stimmenimitator seiner Helden, als Mac Rebennack light, mehr Chamäleon als Gecko. Ich
zurre unter den Sonnenstichen und derverkifften Psychotropie dieses regenbogenverstrahlten Tropicalismo vorsorglich mal
meinen 49. Breitengrad fester, um bei dieser
süßen Verführung, diesem schwülen Trip ins
Big Easy, nicht zu schmelzen.

INDRIDI ding ding (Figure Eight Records,
Cassette / Digital): Shazad Ismaily (exSecret Chiefs 3, Marc Ribot’s Ceramic
Dog...) hat Figure Eight initiiert als home
for interior, shy, and hidden works, celebrating musicians rare, weird, and unique.
Dazu zählen Aaron Roche in Brooklyn undallerhand Isländer, Úlfur und Jófríður
Ákadóttir mit JFDR in New York, GyðaValtýsdóttir und Indriði Ingólfsson in
Reykjavik. Der kreiert als Indridi Songs,
die er allein mit E-, Klassischer & Bassgitarre, Synthie, Wurlitzer und Farfisa
anstimmt, lieber aber verteilt er die Instrumentierung auf drei, vier, fünf Händepaare, so dass er sich zu auch noch Drums& Percussion, Piano oder Moog auf den
Gesang und die Gitarre konzentrieren
kann. So raunt er dann als in Rosenwasser
gebadetes Silence-Is-The-New-Loud-Sensibelchen, das seine Empfindsamkeit sporadisch zu Indie-Lakonie aufraut. Da könnte seine Hardcorevorgeschichte mit Muckverblüffen, wenn sich Hardcore nicht
selber längst auch schon als Camouflage
für kleine Mucks herausgestellt hätte. Nun
also knört er mit zartbitterer Zunge,
brüchig wie Herbstlaub, das Herzeleid pur,als 'Soft Rock' mit Theremin, bei 'ADHD'
mit dem Gastspiel von Magnús Trygvason
Eliassen, der auch bei 'Halloween' unddem dann fast schon rauschhaft pathetischen 'Tinder' der Feierlichkeit die Spurklopft und wischelt. Bonnie “Prince” Billy?
Dinosaur Jr.? Letzteres könnte man für'December' als grobe Richtung gelten
lassen, weckt aber doch kaum die treffenden Vorstellungen von Indiris Kuschelbedarf und wie schmollend er seine
Verletzlichkeit und auch Verletztheit ausstellt. Bei seinem sonoren, biegsamen
Bariton böten sich ganz andere Möglichkeiten. Aber er wringt lieber zu jauligem
Synthie und schummrigen Keys Jammerlappen aus, kaut mit dicker Zunge an
zähem Trübsinn und klampft zum Herzerbarmen wegen vorenthaltener Streicheleinheiten und von der Enttäuschung, die
ihm 'Amy' bereitet hat. So dass er nun
alone in his room Sachen wie 'Hvorteðer'ausbrütet und lallt, als hätte er sich an
Kierkegaards "Enten – Eller" die Zähne
ausgebissen.

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KAOS PROTOKOLL Everyone Nowhere (Prolog Records): Vom Freakshow-tauglichen
Jazzrocktrio von "quick & dirty" & "Questclamationmarks" bieten weiterhin der Hauptmächer Benedikt Wieland an E-Bass & Moog und der elektrifizierte Drummer Flo Reichle
dem "Sauhund im Innern" Paroli. Als neuer Reedmann kam hinzu Simon Spiess (miteigenem Standing durch sein Trio mit Bänz Oester) und mit Luzius Schuler (bekannt durch
Lolasister, Pamela Mendéz oder Esche) ein vierter Mann an Keys & Efx. Zudem hat sich
Wielands psychogeographischer Standort von Bern nach Berlin verlagert, seine Sicht derLage der Dinge ist dort aber eher noch skeptischer und melancholischer geworden. Die
Bassklarinette trifft dafür den perfekten Ton, eingehüllt in eine nicht zuletzt schuler'scheDröhnosphäre, die als Raumkapsel taugt, um schwerelos und dennoch nicht unbeschwert
durch Raum und Zeit zu driften. Wobei das als 'Warteraum' und 'The Cosmos in my
Backyard' sich wohl eher in einem Berliner Mietloch oder Hinterhof abspielt. Umso
notwendiger für das innere Gleichgewicht ist der Flow von Synths, Moog und E-Bass, inden sich das Tenorsax melodisch einschreibt. Zum pumpenden Puls oder laschem Beatschillert das Fender Rhodes fragil und gläsern, Reichle tickert als Knochenuhr. Aber nicht
einmal die Zeit läuft mehr rund, Repetitionen ziehen Spiralen, das Saxophon tagträumt undstöhnt und der Blaseton nimmt immer wieder auch tonlose Luft mit. Die Groovemuster
können noch so dynamisch pushen und wirbeln, der Klangteppich noch so weich federn,
der Jedermann und Nowhere Man tümpelt in debussyesken Rossbreiten zu den Updates
chopin'scher Notturnos, und hämmert im 4/4-Takt den Kopf an innere Wände. 'New
Chapter', das sagt sich so leicht. Trotzdem, aufauf, mit Flamencohandclapping wird 'Kaos'
keyboardistisch und tenorwild animiert, schon die 'TXL'-Perspektive der Clubszene ist ja
ein Muntermacher, mit dem Flughafen Tegel als Dancefloor. Der Rapper Mr. Are Dot wirbt
zuletzt aber zu bassklarinettistischem Antrieb und Klappergroove mit einem 'SunRaColtraneSolar'-Mantra als kosmischer Botschafter der MythScience sogar
für den
Aufbruch zu den Sternen.
HEATHER LEIGH Throne (Editions Mego, EMEGO257, CD/LP): Heather Leigh und Jennifer
Lucy Allan (The Wire, Resonance FM, The Guardian) als ihre spirituelle Ratgeberin fordern
einen damit heraus, dass Leigh ihre Selbstinthronisierung als 'Queen of Pedal Steel'visualisiert als Nicht-Ophelia (das Cover zeigt keine Wasserleiche, sondern Leighs
Spiegelung im Wasser). Und mehr noch damit, dass Leighs ernsthafter Blick in den
Spiegel sich auf ihren blanken Arsch richtet. Heavy femininity... smoked in sensuality? Ein
Selbstporträt der Künstlerin als nackte Tatsache? Der Nachfolger zu "I Abused Animal"(2015) hebt an mit 'Prelude to Goddess', angestimmt mit mattgoldenem Sopran auf einer
Synthie- & Pedal-Steel-Klangfolie in klimtschem Blattgold. Die Huldigung einer Blondine(an ihr Spiegelbild) - You're so interesting, You're so damned free... - ist dabei wohl weniger
narzisstisch, als man meinen könnte. Mit dem von Bass und dumpfen Beats angedunkelten'Lena' wird deutlich, dass sich Leigh ganz als Singer-Songwriterin exponieren will, dieeinfühlsam mitreden kann über ungute Beziehungen und sogar Missbrauch. 'Scorpio andAndrozani' bettet sie auf schmelzweich gekrümmten Pedal-Steel-Sound. Doch führt sie da
mit Peri und dem fünften Doktor Who zur klebrigen Droge Spectrox auf Androzai Minor?
Nein, sie singt davon, dass Träume ihren Preis haben. Für den zu Bass und tickender
Drummachine sich düster schleppenden Duktus von 'Soft Seasons' lässt sie die Gitarrebesonders intensiv jaulen. Leighs eher kleine Stimme - tender inside - ist dafür umso
gefühlsechter und eindringlicher. Bei 'Gold Teeth' (16'50) entfaltet sie ihre schmerzvolle
Innigkeit als weltverlorene Meerjungfrau, die nicht nachlässt, der See ihr Leidanzuvertrauen, und erträgt dazu den geharft wallenden Pedal-Steel-Klingklang, der ihr die
Füße zerschneidet. Dagegen begehrt die Gitarre auf, die wühlt und jault, ohne aber Leighaus ihrer geisterhaften Verlorenheit reißen zu können. Für 'Days Without You' lässt sie
noch einmal die Pedal-Steel-Töne sich krümmen wie Würmer am Haken, obwohl Leigh davon einem so schönen Tag singt, dass sie dafür die Zukunft wegschenkt. Ohne sich aus
dem Kreis ihrer Schmerzensschwestern - ich meine da in ihrem Lonely-Hearts-Club-Chor
Carla Bozulich, Jenny Hval, Oona Kastner, Eldbjørg Raknes, Jessica Sligter (und den Geist
von Tim Buckley) zu erkennen - zu lösen.
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MR VAST Touch & Go (Cack Records,
CACK009LP, picture disc): Henry Sargeant (lyrics & vocals) und Alan Boorman(music & production) versprühten ihren
britischen Humor auch schon als Wevie
De Crepon und Wevie Stonder. Sargeant
hat nicht zufällig gleich zwei Einträge auf
weirdestbandintheworld.com, a l s M r.
Vast und mit Kröter. Auch hier singt er
als Soulbrother, aber das ist nur ein
spezieller Akt eines Pop-Musicals mit
stampfendem Technobeat, Schrappelgitarre, Käuzchenruf, Rhythm&Blues,
HipHop-Scratching, Psych-Folk, Synthiegezwitscher, Chorusgirls. Denn derSpirit, der in diesem Genre-Mash-up
herrscht, geht Richtung The Tiger Lillies(unkastriert), The World/Inferno Friendship Society oder Momus. Jedenfalls
durch und durch Yellow Submarinephantastisch, monty-pythonesk undpeter-panisch, mit ähnlichem Spleen wie
a.P.A.t.T. oder Ergo Phizmiz. Sargeant
hat Chamäleonblut und das Zeug zum Mr.
Giggles. Schon bei "Grievous Bodily
Charm" (2012) brillierte er mit seltsam
gewitztem Elektro-Pop-Kabarett, mit K,
weil er sein englisches Frühstück in
Leipzig auftischt. Wie er da Spülen bei'Domestic Bliss' als perfekte Droge feiert
und, mal easy, mal ecstatic, mit reichlich
abstrusen Themen und Texten auf die'Buttercyde' des Lebens oder deep downnach Atlantis lockt, das ist ziemlich elementar. Hier erklärt er auf der 'Brekkieside' in johnny-chash'schem Countrystyle, dass es Eier braucht to 'Testify'.
Und schlägt bei 'Golden Tooth' sämtlicheGoldzähne in alle möglichen psychedelischen Klischees. Er taucht supperseits
mit Prince-Falsett ein in smoothen Bacharach mit fetten Bläsergepuste, undkontert das zu sanfter Klarinette mit'nem einschläfernden Sermon vom Bienentod nach dem Bienenstich. 'Inner
State' bringt lauthalsen Cabaretgesang
zu groteskem Bläsermarsch mit Blockgeflöte. Um zuletzt beim saukomischen'Bottlenose Bottlenose' orchestral zu
walzern. Wobei Sargeant, whimsical undschamlos überschlau, bis zu den lächelnden Brustwarzen in lyrischer Oddness
schwelgt wie I rode a mammoth at themuseum...

PILES Una Volta (Aagoo Records/Rev
Laboratories, CD + 32 p booklet): Ho, drei
Drummer, und was für welche. Bei Guigou
Chenevier genügen die Stichworte Etron
Fou Leloublan, Volapük, Rêve Général,und mit Les Batteries hatte der schon
1985 ein Drumtrio initiiert. Doch auchMichel Deltruc ist in Nancy eine Nummer,
mit Wiwili oder Rosette und mit Daniel
Koskowitz in Soixante Etages und Jagger
Naut. Und Anthony Laguerre, der ist mir
eben erst mit Club Cactus begegnet und
mit FiliaMotsa das Bindeglied zwischen
Vand'Oeuvre und Aagoo. Er bringt auchKeys und Guitar ins Spiel und damit die
Drones für das gleich opulente 'Drones
and Piles'. 'Decay' folgt als Powwow-Tamtam, mit dem klingelnden Geisterklang
von Schamanenschellen. 'Ulrik' rockt kniebrecherisch, und bei 'Mort aux Cons'
kommt auch noch der knurrige Schub derGitarre zu den Winkelzügen der Trommler
hinzu. 'Kraut and Piles' beginnt erst nur
als Drone und Wummerwelle, bis sich dazu ein debiler Eintaktstomp in Gang setzt,
als boche-dummer Dickschädel-Groove
mit scheppernden Ecken und Kanten, dersich so bis nach Paris knüppeln könnte.
'Materials in US' surrt wie eine alte Filmspule, aber es sind Becken, die da vibrieren. Ein grummelnd tremolierendes Pochen kommt zu ihrem Rauschen hinzu,
und eine antiamerikanisch gekrächzte
Deklamation: La guerre n'est-ce pas...
Martialische Snarerolls setzen ein und die
Trommeln stürzen sich über Stock und
Stein ins Gefecht. In der 'Chambre d'Echo'klopfen, pochen, dongen Gongs, das Echo
auf la guerre sind immer Trauerzüge undGräber. Doch Piles trommelt sich davonlos, um lieber kindliche Glockenspiele zu
klimpern. Bei 'Marie' dröhnt und rauscht
zuletzt eine alt- und edelmetallische
Klangwolke über Becken und Gongs, diedurch leichte Schläge, tremolierend undpaukend in feierliche Wallung versetzt
werden, bis hin zu einem finalen Crescendo. Das Booklet von Bas Mantel entfaltet
dazu aus Pop-Art-Rastern den j.g.-ballardesken Clash von Astronauten und Blondinen, von Signals und - Boom-Pang-PowBlam-Ssskkrreee-CRASH - Sounds.
CCRASHRASH!

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SNACK FAMILY Bunny (Slowfoot Records, SLOLP037): James Allsopp blies mir 2007 mit Fraud
den frischen Wind von Babel um die Ohren und blieb auch mit dem eigenen The Golden Age Of
Steam, Aquarium und Barbacana ein Raptor im Babel-Pool. Auch Kit Downes, Jamie Cullum
oder Nostalgia 77 wussten schon seinen Biss zu schätzen. Mit Andrew Plummers World
Sanguine Report machte er ganz wüstes Dark Cabaret, mit schon Tom Greenhalgh an den
Drums (nein, nicht von den Mekons, sondern von Sarandon und Laura Coles Metamorphic) und
Plummer selbst als Gitarrist und Gröhler. Ihm platzt der Freak aus allen Anzugsnähten, undneben WSR erstarrt sogar Dave Morecrofts WorldService Project zum Qigong-Kurs. Snack
Familys EPs "Belly" & "Pokie Eye" (2014, mit Comic-Coverart von Drew Millward) waren
bestaunt worden mit "If Nick Cave was the lead singer of Morphine" und als Hybrid aus
Birthday Party und Captain Beefheart oder Tom Waits und den Lounge Lizards. Auf "Covers..."coverten sie neben Graham Bond und Howlin Wolf tatsächlich Beefhearts 'Plastic Factory' undverwandelten Kelis' 'Trick Me' in eine Wixvorlage für Sauropoden. Snack Family kommt durch
den Baritonsound von Allsopps Sax und mit Plummers Gitarre und rauem Timbre rüber wie
pachyderme Rammelei in einem Schlammpfuhl, wie tonnenschwerer Blues in einer Teergrube,
wie Blurt in Slowfoot Motion, wie die Musik, zu der das Swamp Thing mosht. Dem gibt nun
Seaming To, die schon bei Homelife, The Herbaliser und Robert Wyatt umeinander geisterte(bevor es jahrelang recht still um sie wurde), erstmals auch einen Hauch von femininer
Leichtigkeit. Dabei versetzt einem gleich 'The Strange Outside' weiterhin Tiefschläge, Plummer
gibt den abgebrühten 'Automated Lover' und während der Beat puncht und puncht, werfen das
Saxophon und die Gitarre flammende Lichtbögen für einen Swamp-Rock, der Särge als
Sonderangebot anpreist. Und Allsopp illuminiert das noch mit Synth und Harmonium und röhrt
zu Ratatata-Schlägen 'Lonesome As The Burning Sun'. Aber vor allem rocken die drei die Fundamente down below. Plummer raunt im Kontrabassregister, den langsamen Duktus daversonnen zu nennen, wäre ohne den Lichtblick von Seamings Entgegenkommen purer Hohn.
'Anti-Climb' als rasante Joggingrunde mit Nick Cave findet ihr Ende in einem gepfiffenen
Marsch, und um zum knurrigen Stakkato von 'Smile' ein Lächeln zustande zu bringen, muss
man auf die schwarzen Humorreserven zurückgreifen. Vom sanften Noir von 'I Am Bunny'kommt Plummer zur struppig-ruppigen Liebeserklärung 'Love My Dog'. Um zuletzt zum Ticken
und Klacken von 'Blue Skin' mit Seaming vereint in nassen Fluten zu versinken.
V/A Bitteschön, Philophon! Vol. I (Philophon, PH33004, CD/LP): Von Philophon war bereits die
Rede bei Jimi Tenors "Order of Nothingness" und auch von Max Weissenfeldt, der seit 2013
dieses Label in Berlin betreibt. Der ist ein interessanter Typ, mit einer Münchner Vorgeschichte
als Funkrevivalist mit The Poets of Rhythm in den 90ern und mit seinem Bruder Jan als
Whitefield Brothers in den Nuller Jahren. Parallel trommelte er dazu neben Christian Burchard
in Embryo und er wurde mehr und mehr zu einem Mann von Welt, den es nach Burma zog, nach
New York (in die Soul & Funk-Kreise um Desco Records), London (wo er The Heliocentrics
verstärkte) und vor allem Ghana, von wo er eine Brücke zurück nach Berlin schlug in Gestalt
von The Polyversal Souls. So dass auf "Invisible Joy" (2015) schon Roy X, der Highlife-Prinz,
und der Kologo-Virtuose Guy One zu hören sind. Und sich Philophon-7"s wie bunte Smarties
reihen: von Guy One (im Wechselgesang mit Florence Adooni); vom 'äthiopischen Elvis'
Alemayehu Eshete, ein Veteran über 70, aber ein unverminderter Herzensbrecher, auch mit
The Polyversal Souls beim Festival Wassermusik 2017; von Weissenfeldts ghanesischer FantiReggae-Entdeckung Y-Bayani and His Band of Enlightenment; von Bajka, der Tochter desEmbryo-Bassisten Uve Müllrich mit ihrer absurd globalisierten Biografie (ich traf, kleine Welt,
gerade einen der Indienfahrer, die einst an ihrer Wiege standen); vom aus Kumasi
stammenden, aber seit 1979 schon Berliner Lee Dodou & The Polyversal Souls; von Alogte Oho& His Sounds of Joy, einem Frafra-Gospel-Star in Bolgotanga; und von Hailu Mergia, der in deräthiopischen Diaspora in Washington DC 30 Jahre Taxi fuhr, bevor er 2013 als der Orgler &Mooger der legendären Walias Band wiederentdeckt wurde. Sie alle erklingen hier als ein
polyphones Afrostew, abgeschmeckt mit Jimi Tenors 'My Mind Will Travel' als Party-Edit unddem polyversalen 'Portrait of Alemayehu (Daytime)'. Weissenfeldts Heißhunger ist nur zu gut
nachvollziehbar, weil die Musik (hier im Plural) einen humanen Nerv triff. Aber er tut so vielmehr als sie nur zu konsumieren. Darum, Dankeschön, Philophon! Und Hut ab vor Max, derguten Seele, dem Labelmacher, Producer, Drummer, Arrangeur wundersamer Blasorchester,
Freudenspender.
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nowjazz plink'n'plonk
Creative Sources (Lisboa)
Nach dem Bassisten Eberhard Kranemann bei "Luxatio" (und dem Miteinander mit Brassimilation oder 3Style) hat VOCcOLOURS nun bei Ganglia (CS 548), wie schon bei "ZvuKlang" mitAlexey Lapin, mit ANDREI RAZIN (vom The Second Approach Trio) wieder einen russischen
Pianisten an der Seite. Die rhein-ruhr-regionalen Zungenschnalzer, also Gala Hummel (die alsDrummerin mit The Absurd sich, statt über The Wire, auch über BA-Geschwurbel hätte lustig
machen können), Brigitte Küpper, Iouri Grankin & Norbert Zajac (die alle drei auch beim Kölner
Feral Choir Polyfolie, dem KlangDrangOrchester und dem Wuppertaler Improvisations Orchester mitkandideln), machen sich hier übers blaue ('Blue') und goldene Ende der Banane her('Golden fog'). Dazwischen gibt's Poltergeister, Brownschen Molekulardampf, 'A BING', 'A faintchill' und sogar ein Requiem (ohne i). Damit ist die Gefahr verbunden, über Grids und Clusterzu stolpern, die Helau-Alaaf-Grenze zu verwischen und sich die Nerven zu verknoten. Ohne
Knoten in der Zunge lutschen die Vier da zu melancholischem Geklimper mit leeren Taschen an
der blauen Stunde. Grotesk gekrächzter Singsang findet mit joyce'schem Beiklang zu scattendem Stakkato, Razin gnomt à la Mussorgski. Weiche Zungen schlabbern schlüpfrig, Razin
schuhplattlt dazu auf Holz und Draht. Und kitzelt die Mädels mit quickem Gequirle, dass sie
kichern, swinglesingen, kirre hinschmachten und synchron tänzeln. Ein glossolaler Blues wird
mit groteskem Growling verstolpert, Razin kapriolt, auch die Herren scatten genüsslich. Toll,wie sie sich einfach hinstellen, jede/r für sich Instrument genug, um Dschungelgeschnatter undkasperltheatralischen Klamauk auszuspucken. Razin plinkt und plonkt mit Draht, einer spielt
Medium für Phil Mintons quicklebendigen Geist, eine kauderwelscht Quatschchinesisch, dasPiano galoppiert. King Imagine klingelt als ukrainischer Gast mit Glöckchen, es wird auf Eis
geurmelt, tiriliert und zu wilder Pianistik lauthals gegröhlt. Um danach kleinlaut zu trauern undmodrige Pilze zu kauen und plötzlich doch stampfend und trotzig zu tanzen. Aus übersprudelnden Schlabbergoschen quellen rasant schnatternde Geschwindigkeitsexzesse.
Spitzentänzelnde Razinistik löst abruptes Gegiggel aus, knörendes Gequengel undbarbarischen In-taberna-Gesang, der in sonnenklarem Arabisch abgemahnt wird. Der
Ausklang jedoch versinkt als ein gesummter goldener Sonnenuntergang.
Radikale Kammermusik? Als gäbe es noch Stubenmädchen und Kammern. Und FRANZISKABAUMANN ist nun wirklich kein Stubenmädchen. Mit Stimme & Live-Elektronik ähnlich cyber(Betonung auf cyber) wie jedermans Darling Maja S.K. Ratkje, gehört sie eher in eine
Wunderkammer des Preziösen, ein Odditorium des Phantastischen, zwischen Heraklits Tränen,dem alemannischen Nachtkrabb, elektrischem Camembert, Dalis Gespenstern und Phantomen. UDO SCHINDLER ist ganz aus dem Häuschen über seinen wundersamen Gast im Münchner Theater hochX und umgockelt ihn da auf Blue Sonic Vibrations (CS 551) mit Bassklarinette
und Kornett. Auch balzt er - solo - als Enterich mit Sopranosax. Doch egal ob bekräht oderangeschnattert, die Schweizer Prothesengöttin mit ihrem sensorbehandschuhten rechter Arm
als klangsteuerndem Zaubertool - ein Nachfahre von Waisvisz' 'Hands'? - ist viel zu sehr Diva
mit animalischem Temperament, um dazu stillzuhalten. Sie verursacht stärkste Ausschläge auf
der Stucky-Skala, macht sich drei Zentner schwer, kollert, heult, jodelt, scattet, keckert, würgt
Gewölle, lässt dabei elektronisch ihr Paradiesvogelgefieder schillern oder dreht ein DadaRadio an. Sie brabbelt und hurzt zungenrednerisch (oder kaut auch lyrische Zeilen), Schindler
schmatzt, faucht, presst und girrt in seiner dunklen Ecke mit dem Kornett schmachtende
Poesie und kurioses Schnedderedeng. Wer pfeift da als Aufziehvogel? Sie hechelt und keucht,
blechern umschweift, wie eine Zweimann-Schrotsäge (wobei sie sich verdoppelt). Sie, nein er,oder doch sie, ja, sie protestiert mit geknebeltem Mund, er grunzt, röhrt, stöhnt, zirpt, klangpünktelt mit verbogener und verstopfter Tröte. Dann ist sie plötzlich weit weg (in durchscheinender Vokalisation) ((als trüge ein Pterodactylus ihren Handschuh im Schnabel davon)) undzugleich ganz nah als ululierende Banshee. Schindler grollt dazu 'Bassklarinetten'-Bass in rau
kirrendem Loop, zu dem ihm der Mund übergeht, wobei die Stimme als gutturaler Halteton den
Raum hochX füllt. Auch das ein Baumann'scher Cybereffekt. Dafür 1 zahlender Zuhörer? Den
Leuten ist echt ins Hirn geschissen.
25Satoko Fujii (Kobe)
Schon fünf Tage vor dem Konzert mit Kira Kira, bei
dem in Tokyo "Bright Force" mitgeschnitten wurde,
hatten sich SATOKO FUJII und ALISTER SPENCE
am 7.9.2017 über Piano und Fender Rhodes gebeugt im Intelsat Jazz Club in Nishio. Daher heißt
der 9. Schritt hin zu Fujiis 60. Geburtstag intelsat(Alister Spence Music, ASM007). Den Klang desAustraliers in seinem Trio mit Lloyd Swanton & Toby
Hall, bei seinen Duetten mit Raymond MacDonald
oder bei eben Kira Kira abzurufen, ist sicher eine
Annäherungsmöglichkeit. Aber noch schöner ist es,
sich einfach nur zu wundern über den zauberischen
Klingklang, den die beiden da erzeugen, er mit
einem John-Cage-ähnlich präparierten tönernen
Klingklang, sie durch geharftes Geflimmer undandere Machenschaften im Innenklavier, und beide
streuen noch Klangperlen dazwischen. Spence
fendert und flötet, Fujii tremoliert im Bassregister.
Der akustisch-elektrische Kontrast ist deutlich, aberes verblüfft doch, was die beiden daraus machen,
mit schwammig-orgeliger und drahtig-silbriger
Akzentuierung und jaulig pfeifenden Effekten. Dabei
bleibt so mancher Klang zwischen den beiden so
unzuordenbar liegen, wie die Teile, die übrig
bleiben, wenn man was repariert hat. Fujii raschelt
mit einer Kette und klopft mit Sticks, und öfters
frage ich mich, wie das, was ihrerseits da erklingt,
unplugged gehen soll. Das Fender Rhodes wabert
und rumort, Fujii pingt, klappert, klimpert, und wie
sich das wie aus einem Guss ineinander fügt, lässt
an die Keyboardwizards denken, die harte undweiche Keys gleichzeitig traktieren. Zu orgelig
bebender und frei in der Luft stehender Wallung
fingert Fujii kreisenden Klingklang und pickt fingerspitz. So nähern sich die beiden 'the most beautiful
sound next to silence'. Spence lässt quallende
Basstöne driften, Fujii plonkt monoton, perlt hell,federt holzig und drahtig. Erratischem Pingen
antwortet Spence mit wühlendem Riffing und
ratschenden Gesten, ein lyrisch-ostinater Pianoloop
endet in wieder drahtigem Flimmern. Ihr Klopfen
und Scharren animiert ihn zu manualwidrig gefendertem Anything-goes. Das Kettengeräusch undklackende Steine harmonieren mit quirligem Arpeggio und unkenden Repetitionen, hämmrige
Pianotönchen, Saitengeflirr und schwankende Figuren, erst tiefe, dann hohe, gehen zusammen mit
anhaltend strudeligem Rhodes. Bis zu einem zirpenden Diminuendo hin zu kleinlauten Kürzeln,
gepickten, geharften und ge-spence-ten, diepfeifend und dröhnend dem Ende zustreben unddabei nochmal plonkend gerempelt werden.
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Auf Weave (Libra Records 204-051/052, CD + DVD) verwebt Satoko Fujii dentanzenden Klang ihres Trios This Is It! mit dem klingenden Tanz von Mizuki
Wildenhahn. Daher heißt das auch 編 む = AMU - stricken, flechten, knüpfen,
weben. Wobei Wildenhahn hörbar tanzt zu Natsuki Tamuras Trompetensoundund Takashi Itanis Percussion. Sie hat ihren aus Madrid mit nach Hamburg
gebrachten Flamenco schon mit Aki Takase ornetteolisiert, sie hat mit Radio
Tarifa und in Korea getanzt, mit dem Gitarre-Percussion-Duo Yasuhiro Usui &Takaki Masuko und auch mit Fujii & Tamura schon in den Projekten Hakidame
ni Tsuru, Dos Dos, MMM und Puzzle. Dabei sind nun ihre Bewegungen undGeräusche ebenso frei improvisiert wie die Musik dazu. Wildenhahn verwebt inKurzhaarschnitt und schwarzem Hosenanzug Steptanz, Flamencotemperament und ausdrucksvoll bis in die Fingerspitzen pantomimte Gebärdensprache
und simultan-'übersetzt' so die Klangwelt, deren Teil sie ist, selbst fürGehörlose. Mit einer übergeworfenen Kutte werden die Bewegungen'asiatisch', sie tanzt mit den Ellbogen und mit Holzbein und lässt die
Kuttenfalten mittanzen. All das hallt eng verflochten wider, die eckigen Gesten
und zuckenden, stampfenden Steps im pointierten Hämmern von Fujii, die
fließenden Bewegungen und das Spiel der Falten in den weichen Schmierern,
rauen Schreien und gepresstem Fauchen und Stöhnen der Trompete. Zu Itanis
rauschendem Wirbel lässt Wildenhahn die Kutte beben und flattern und macht
das ganz phantastisch 'sichtbar'. Itani kniet sich als Intro zu 'Bittagando' alleinins Rampenlicht für ein perkussives Kabinettstück mit blechern raschelndem
Krimskrams, Gong und bloßen Händen, als wollte er Gold aus der Luft
waschen. Tamura serviert bei 'Gorondari' einen gedämpften Duckburger,
Wildenhahn fledermaust als punch- oder binge-trunkene Nonne. Itani klopft bei'Rimaketo' als Bongoäffchen und gewittert als Donnerblechtrommler zu
Wildenhahns klickklackenden Absätzen. Fujii & Co. sind immer eine Show, hierfallen Ohren- und Augenschmaus in eins.
Pianisten üben, sie müssen üben, und SATOKO FUJII ging da immer
diszipliniert zu Werke. Mit immer ausgedehnterer Gymnastik zum Aufwärmen.
Bis sie zu K.O. war für's Üben. Daher hat sie das vor ca. 20 Jahren radikalumgestellt, sie übt erst am Piano und macht ihre Fingergymnastik hinterher.
So ist sie fit und konzentriert auf die Musik und verwendet die erste
Viertelstunde ihrer höchsten Aufmerksamkeit für kleine Kompositionsentwürfe. Seit 2005 füllte sie so ein musikalisches Notizenbuch, fast eine Art
Tagebuch und dachte immer mal daran, das auch aufzunehmen. Dafür fehlte
ihr freilich dann doch die Disziplin, weil ihre Finger sich unwillkürlich diegeliebten Freiheiten nehmen, statt sich an die Noten zu halten. Da kommt nun
eine Freundin ins Spiel, die ihr als Klassikprofi mit Yuko Yamaoka plays themusic of Satoko Fujii (Libra Records 204-053/054, 2 x CD) den Wunschtraum
erfüllte. So erklingen nun 118 Impromptus für Klavier, kenntlich gemacht durch
ihr Entstehungsdatum. Gewiefte können da in '012707' oder '052013' womöglich die Keimzellen zu 'Tokyo Rush Hour' bzw. 'Ichigo Ichie' erkennen. Ich
erkenne als Simpel in diesen Miniaturen hauptsächlich eine bisweilen fastsatieske Verspieltheit und den einen oder andern kleinen Walzer oder Tango('081008'). Der Duktus ist jedenfalls vorwiegend tagträumerisch, lyrischabgeklärt und durch gewitzte rhythmische Figuren oder repetitive Muster
inspiriert. Statt nowjazziger Expressivität und klanglichen Innenklavierfinessen erklingt das klassische Skelett von Fujiis Gestaltungswillens. Struktur
schließt dabei Stimmung nicht aus, exemplarisch die Tristesse bei '050509'.
Aber für ein Candlelightfeeling sind die Stückchen zu kurz, zu abwechslungsreich und auch einfach zu gescheit. In ihrer Sophistication hätte diese Musik
perfekt in die Brüsseler Made to Measure-Reihe gepasst.

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Hubro (Oslo)
Seltsam, dass mir BUILDING INSTRUMENT in Bergen entgangen sind, obwohl ihr namensgebendes Debut (2014) und "Kem Som Kan Å Leve" (2016) ebenfalls bei Hubro erschienen
sind. Der Mensch ist nunmal ein Mangelwesen. So dass mir an Synths & Electronics auf
Mangelen Min (HUBROCD2608) mit Åsmund Weltzien ein neuer Name unterkommt. An
Drums & Percussion erkenne ich Øyvind Hegg-Lunde vom Erlend Apneseth Trio, vonStrings & Timpani und den Acid- & Krautpsychedelikern Electric Eye. Und dann ist da noch
Marie Kvien Brunvoll, die Tagtraumzwillingsschwester von Stein Urheim, die ihren Gesang
noch mit Electronics, Zither & Omnichord verziert. Bei 'Lanke' schnäbelt sie gleich maleine elektropoppige Version von Schwitters 'Ursonate'. Der Clou der Norweger liegt in
ihrem Geschick, Synthiesound und Elektrogroove heimelig klingen zu lassen. Mit derplinkende Zither bei 'Mangelen Min' etwa, und Brunvoll säuselt dazu als Heimchen am
Herd, das freilich wie ein fernöstlicher Gast zirpt. Im durchscheinenden Licht von 'Lette'verschwunden, kehrt sie rührend wieder beim auch wieder harfenbepickten 'Rygge Rygge
La La', das dann per Synthie mächtig aufschäumt. Hegg-Lunde klopft und klappert den
Groove für ein wortloses Singin'n'Dancing in the Rain, und Weltzien lässt den Synthie
gleich weitertönen für den mädchenhaften Singsang von 'Sangen Min'. Brunvoll spielt mir
etwas zu sehr die euphorisierte Naive, so dass die kleine 'Klokkespillsymfonien' als melancholischer Kontrast mir nur recht ist, bevor Klein-Mariechen, wiewohl leicht bedrückt, 'Vil
Du Dit Nok' lallt. 'Trøsten' quallt seltsam verschwommen in kirchenliedhafter Tristesse,
gefolgt von 'Grønnere Under', zerbrechlich und mit geflöteter Vokalisation. Auch der helle
Gesang bei 'Alt Forsvinn' kommt orgeltrist und mit Trauerrand daher, bevor 'Blokk Omni',
wie von Schuberts Leiermann gedreht, 'nen Kranz aufs Grab legt.
KIM MYHR hat schon - mit Sidsel Endresen 2009 bzw. Jenny Hval 2014 - für das Trondheim
Jazz Orchestra komponiert und 2018 ein neues Werk für das Australian Art Orchestra.
Dazwischen entstand für das FIMAV Festival 2016 in Victoriaville Pressing Clouds Passing
Crowds (HUBROCD2612) als ein ambitioniertes Werk mit dem Quattuor Bozzini, Ingar
Zach an Gran Cassa & Percussion, ihm selber an einer 12-saitigen Akustischen Gitarre
und der Stimme von Caroline Bergvall. Die 1962 in Hamburg von französischnorwegischen Eltern geborene Dichterin schuf zu Myhrs feldmanesker Musik einen Text,
den sie auch selber spricht. Was sich perfekt zu Myhrs Anlehnung an Robert Ashleys'Opern' für Sprechstimme fügt. Dabei wird, wenn sie von Pebbles polished by the endless
movement of the sea spricht, zu einer kongenialen Schlüsselstelle. The limitlessness oftime stretching all around me and through me. Polishing me into a small pebble. Day in,
day out, rolled by the sea. Like it's a giant tongue. Eine unermüdliche, dabei ganz weiche
Zunge, als repetitive Brandung. Bis die Züge des Streichquartetts zu einem Halteton sichverfestigen, auf den Myhr mit schnellen Hieben einpickt. Bewegter Stillstand, die Bozzinistrings als Quasiakkordeon, das lyrische Wellen wirft, in die sich Zach mit hintergründigen
Schlägen und feinem Klingklang einklinkt. Und Bergvall beginnt dazu sogar zu singen:
Things disappear, wiederholt sie, und wie sie weiterspricht erinnert fast ein wenig an Patti
Smiths eindringliche Poetry. Wolken und Krähen gehen ihr durch den Kopf. Dinge, die,changierend, sich gegenseitig durchdringen. Myhr teilt dazu mit leichter Hand die
Sekunden. Die Streicher spielen Haltetöne, er plinkt und plinkt, Bergvall jedoch ist schon
jenseits von allem, past the joy, past compromises, past the seeking... Aber noch reist sie,noch immer sucht sie Gefühle und Menschen, die durch sie hindurchgehen, noch sucht sie
Seelenfrieden zum rhythmischen Flow der Gran cassa und der Gitarre. The days are
upside down und die Kiesel rollen, die Strings summen, die Wolken driften, wir driften.
Zach eröffnet die sechste und letzte Szene mit Klingklang und dunkler Pauke, Myhr lässt
immer und immer wieder plinkende Noten absteigen, die Streicher spielen wieder wie mit
Blasebalg sanfte Brandung. Und Bergvall räsoniert kleinlaut über kleine, lokale,bescheidene Handlungsmöglichkeiten. Abgeklärt, aber nicht losgelöst im Grau in Graudes offenen Horizonts.
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Intakt Records (Zürich)
Der Klarinettist DON BYRON reiht sich im November ein in den Club der 60-jährigen. FürRandom Dances and (A)Tonalities (Intakt CD 309), Duette, drei davon auf dem Tenorsax, mit
dem kubanischen Mit-New-Yorker ARUÁN ORTIZ, dachten sich die beiden ein eklektisches
Programm aus, für das sie jeweils schon bewährtes Eisen ins Feuer schoben. Ortiz sein
bereits auf "Orbiting" im Quartett durchgezähltes 'Numbers' und 'Arabesques of aGeometrical Rose (Spring)' von der Trio-Einspielung "Hidden Voices", dazu als Auftakt'Tete's Blues' (in Gedanken an Tete Montoliu). Byron brachte 'Delphian Nuptials' mit und 'Joe
Btfsplk' (der Unglücksrabe aus Al Capps "Li'l Abner"). Alles kaum Juckpulver für die Füße.
'Dolphy's Dance' von Geri Allen ist zumindest nominell ein Tanz und etwas, auf das sich zwei
Allen-Bewunderer leicht einigten. Auch in Byrons Solo-Arrangement von Bachs 'Partita für
Violine Nr. 1 in h-Moll' ist die Courante doch sehr versteckt. Byrons Idee war es, sich an
Ellingtons 'Black and Tan Fantasy' zu versuchen. Die Musik von Federico Mompou ist
daneben ein Mitbringsel von Ortiz aus Barcelona. Da ist selbst das Dancing in Your Mind
durch Teer und Asche gedämpft. Trotz Blau und Schwarz und Regenwolken gilt es, schwarze
Zahlen zu schreiben, wobei Ortiz da durch Byrons brüchigen Ton hindurch einem kristallinen
Fluchtpunkt zustrebt. Auch 'Delphian Nuptials' (mit seinem eigentlichen Ausgangspunkt bei
der Dramatikerin Lorraine Hansberry) scheint so zwiespältig und dunkel wie Chiones 'Hochzeitsnacht' mit Hermes und Apoll: der eine Vergewaltiger zeugte den diebischen Autolykos,
und mit Philammon (for twins she bore) sprang from the Delphian fire [gemeint ist Apoll] ein
Musiker. Ein Trickster, der Weißes zu machen verstand aus Schwarzem und Schwarzes aus
Weißem (wie Ovid ausgeplaudert hat), und einer, ruhmreich durch Lieder und Laute. Der
Frühling ist nur mäßig rosig und auch nicht arabesk, was da blüht, blüht melancholisch und
oxymoron. Als elsterscheckige Quintessenz aus den dunklen und kristallinen Zügen, für die
Ortiz sich spaltet in tiefste Basstöne und spitze Splitter, während Byrons Klarinette ganz ins
Lichte strebt, doch ohne den Schatten loszuwerden. Die beiden enden, bedächtig und
sublim, mit 'Impressions on a Golden Theme', das - für Eingeweihte: mit Benny Golsons'Along Came Betty' - den Faden frei weiterspinnt im goldenen Schnitt aus dunklen Ahnungenund vogeligem Trotzdem.
Verankert im Kontrabass des Leaders, ist das MICHAEL FORMANEK ELUSION QUARTET
das, was es ist, durch Tony Malaby an Tenor- & Sopranosax, denn Kris Davis am Piano und
Ches Smith an den Drums gehörten schon zum Elusion Trio. Doch Formanek, der im Mai 60
wurde, gönnte sich für Time Like This (Intakt CD 313) halt was Neues. Den mittlerweile
weißbärtigen Malaby kennt und schätzt er seit Anfang der 90er, im Spiel mit Joey Sellers,Dave Ballou oder Angelica Sanchez. Nur sechs Jahre auseinander, gehören sie zur gleichen
Welle im New Yorker NowJazz. Davis und Smith sind dagegen Millennial-Kids. Formanekrekrutierte die kanadische Pianistin schon 2014 für sein Ensemble Kolossus und für seinparalleles Quartet mit Malaby und Drummer Dan Weiss. Mit Smith ist er durch ihr Trio mit
Hank Roberts vertraut und das Powertrio mit Anthony Pirog (mit "Palo Colorado Dream" aufCuneiform, Heimstatt auch für Thumbscrew, Formaneks anderen Jungbrunnen mit Mary
Halvorson). Formanek verschob für eine Musik, die bewusst 'elusive' (schwer fassbar) sein
will, den Akzent vom Puls auf etwas Flüssigeres und von Timing auf die Klangfarben vonVibraphon und Haitian Tanbou oder von Malabys schön 'hässlichem' Soprano. Zudem
lockerte er den Spielraum jedes Elusionisten, für ahnungsvollen Klingklang und gefühlsinnige Tenorsaxpoesie, die hinterfüttert ist mit dem Unbehagen daran, dass Kulturschwund
und Entseelung als 'The New Normal' grassieren. Dem setzt er die Empfindsamkeit seiner
Fingerkuppen und zweier Händepaare entgegen und die gläserne Fragilität der Piano- undVibesklänge. Wobei die Finger und Stöckchen nicht bloß geziert tribbeln und tickeln, ein
stramm ausgespanntes Sprungtuch muss Malabys Oktavsprünge locker aushalten. Wennder nicht wehmütig darüber brütet, in was für 'A Fine Mess' wir stecken oder in dünner Luftdem Schlamassel entschwebt. So sehnend melodiös und - bei 'The Soul Goodbye' und 'That
Was Then' - mit soviel Nachdruck wird eine Gegenwelt dazu als Machbarkeitsstudie hörbar,
dass man nach einem Auswandererschiff dorthin googeln möchte.
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INGRID LAUBROCK hat mit Serpentines ein Septett und für ihre SWR-New-Jazz-MeetingSuite 2011 ein Oktett zum Klingen gebracht. Aber ein Orchester ist schon nochmal eine
andere Sache. Inspiriert durch das Jazz Composers Orchestra Institut entwarf sie zwei
Werke für Orchester und Solisten, die nun zu hören sind auf Contemporary Chaos
Practices (Intakt CD 314). Das 24-min. Titelstück wurde in Auftrag gegeben unduraufgeführt 2017 beim Moers Festival mit dem EOS Kammerorchester Köln. Zusammen
mit 'Vogelfrei', 2011 entstanden und schon im Roulette in Brooklyn von The Tri-Centric
Orchestra dargeboten. Die nunmehrige Einspielung realisierte Laubrock mit einem 33köpfigen, mit Strings, allerhand Blech, Klarinetten, Oboe, Flöten, Fagott und Percussion
bestückten Freelanceklangkörper (ohne Drums oder Electronics) unter Leitung zweier
Dirigenten (Eric Wubbels, selber ein Komponist und Kodirektor des Wet Ink Ensembles,
und der braxtonisierte Taylor Ho Bynum). Dazu spielen Mary Halvorson mit E-Gitarre, Kris
Davis am Piano, Nate Wooley an der Trompete und Laubrock selbst (als damit einziger
Saxophonstimme) an Soprano- & Tenorsax kleine Sonderrollen. Die Chaosübungen heben
an mit trillernder Gitarre, heftig beblitzt mit konträrem Stakkato des Orchesters, das die
Gitarre in eine Pianissimo-Talsohle wegdrückt. Daraus scheinen spitze Pfiffe auf und das
irrlichternde Soprano, während das Orchestra untergründig behemotht. Des ungeachtet,
frohlockt das Soprano, verstummt aber für umheimliches Geflimmer, sanftes Geflöte und
ein klangfarbreiches Rumoren aller Glieder, das turbulente Züge annimmt. Mittendrin indiesem Sud die nur geräuschhaft gepresste Trompete. Spitze Piccolos funkeln um einen
kristallinen Kern, dunkelste Bläser bilden den Gegenpol dazu, das Piano geht inblechernem Krawall unter, der in wilden Schüben triumphiert. Ein Wechselspiel hebt an
von Bläsern vs. fragilen Streichern, bis in einem lyrischen Finale mit 'Central Park in the
Dark'-Stimmung das helle Piano den Weg der finsteren Tuba kreuzt. 'Vogelfrei' beginnt zart
mit transparentem Halteton, dazu erwachen vogelige Bläserstimmen neben noch schlaftrunken dunklen, das Piano pickt. Von Bläserstakkato sondern sich feinste Klangwellen ab,
Streicher befiedeln den immer noch rosenfingrigen, aber auch schon crescendierenden
Morgen, bei dem jetzt ein 8-stimmiger Chor mitsingt bei wachsender Unruhe und heftigen
Karambolagen. Das Piano behält hämmernd und perlend die Oberhand, auch gegenzuckende Streicher und polychromes Allerlei um Josh Sintons verstärkte Kontrabassklarinette herum. Bis es so still wird, als sei das schon das unerwartete Ende. Aberglissandierend rauschen erst Bläser, dann Cymbals auf, und das energische Piano führt
ein temporeiches Tänzchen an, das alle Stimmen, auch die vokalen, durcheinander wirbelt
für ein tremolierendes Miteinander, das in einer alleine bebenden Geige ausläuft (ähnlichder einsamen Grille zuletzt bei PNLs Extra Large Unit). Wie da Laubrock den Reiz desOrchestralen ausreizt, ohne dass ihr die Anziehungskraft des Maximalen ihre Handschrift
vergröbert, erscheinen ihre Übungen als bereits bemerkenswerten Lösungen.

Ramon Landoldt © Dragan Tasic

Draksler - Lillinger - Eldh © Žiga Koritnik

30Das TRIO HEINZ HERBERT, zu Intakt gekommen mit "The Willisau Concert", bestätigt nun
wieder im Studio seine Eigenart, die es mittlerweile aus den Schweizer Stuben aufs
europäische Parkett beförderte. Mit dem Versprechen, jazzübliche Erwartungen aufzumischen mit dem Kurzweil-K2600-Sound des Keyboarders Ramon Landolt, schräger
Gitarre von Dominic Landolt und derartigem Drive von Mario Hänni, dass man die
Schlappen verliert. Davon bringt YES (Intakt CD 317) nun neu ausgetüftelte Updates. So
gleich den eigenartigen Brummer 'J', der nach tropfenden Beats mit straighter Automatik,jaulender Gitarre und pingendem Piano Fahrt aufnimmt, aber mit klackendem und
knattrigem Beat und Noiseeinspritzungen zu psychedelisierender Erratik keinerlei
Spurtreue kennt. 'J**' verzahnt gerade mit ungrade stampfenden Beats, und dazu heult die
Gitarre wieder exorbitant. 'Kohäsion' findet sich allenfalls in der Diskrepanz von gitarristisch zuckelnder Mobilität und pianistischer Entschleunigung, die sich aber synthieharmonisch tragen lässt vom eifrigen Vorwärtsdrang, der plötzlich zerfasert und flattrig
seinen Impetus verliert wie ein Spürhund die Fährte. Der Synthie lockt durchs 'Window for
the Curious', um tagträumerisch zu schweifen in morphenden und kaskadierenden Klangwellen. Prasseliger Hänni-Hagel führt bei 'Talk' einen unwahrscheinlichen Dialog mit nachdenklicher und erratischer Pianistik, akzentuiert von verbogenen Gitarrentönen und
Basstrommelbomben. Bei 'Silo Partikel' stapft ein Langer und wuselt ein Kurzer inzuckender, pochender Percussion, zu Pianoklingklang, Gitarrenquirl, kreiselnder Snareund Synthieimpulsen. Was für ein verdrehter Dreh, der jedoch, als es dunkel wird, zu
Glockenspiel auf Schneckenschleim vom Weg abkommt. 'Gravity' bringt trompetende
Elefanten in einem zuckeligen, klingeligen Bummelzug über die Alpen. Wehmütig gezupft,
führen bei 'Loveliness' immer höher aufgerichtete Tonleitern doch alle nur abwärts. In'Darkspace' wird die melancholische Gitarre übertönt vom kakophonen Andrang knarziger,
holpriger Angreifer. Pochend, klappernd und dongend groovt Hänni zuletzt stur überdissonante Einsprüche von Gitarre und Keys hinweg. Warum das 'Tolerance' heißt, darüber
darf gegrübelt werden. Dass dieses Trio den Schweizer NowJazz markant bereichert,
darüber gibt es freilich keine zwei Meinungen.
Schaut man sich den Spielplan von PETTER ELDH an, dem schwedischen Kontrabassisten
in Berlin - Gard Nilssen Acoustic Unity, Speak Low (mit Lucia Cadotsch), Medusa Beats(mit Burgwinkel & Delbecq), Django Bates Beloved etc. - dann liegt sein Miteinander mit
dem Trommelirrwisch CHRISTIAN LILLINGER bei Amok Amor etwas abseits seiner
Wohlfühlzone. Doch Eldh sieht in ihrer unterschiedlichen Auffassung von Rhythmik gerade
den Reiz, der sie seit fast zehn Jahren verbindet. Drum wollen sie voneinander nicht lassen
und haben sich beim October Meeting 2016 im Amsterdamer Bimhuis noch die Pianistin
KAJA DRAKSLER angelacht. Bei drei der neun Clashes von für Punkt.Vrt.Plastik (Intakt
CD 318), aufgenommen im Kölner Loft am 26.2.2018, machte Eldh die Vorgaben, darunter'Body Decline', das schon Amok Amor dekliniert hat. Fünfmal machte sie Lillinger, so auch
bei 'Momentan', einem schon mit Wanja Slavin bei "Starlight" erprobten Ansatz. Bei'Evicted' lässt Draksler die Jungs auf den Punkt kommen, auf den es ihr ankommt. Zuerst
aber klimpert sie bei 'Nuremberg Amok' souverän über deren vertrackte, von Eldh satt undsonor geplockerte, von Lillinger klapprig-rasant akzentuierte Rhythmik dahin, die sich fastin einem Loop verfängt. Bei ihrem Stück hält sie an einzelnen Tönen fest und trotzt den
eifernden Zumutungen der beiden mit Noten, die sie zu düsteren Griffen ihrer Linken
entschieden meiselt, bis fatale Nackenschläge sie melancholisch stimmen. Selbst als Eldh
ein vehementes Traktat auf sie einprasseln lässt, bleibt sie bei einem scheuen Nein. Dafürmacht sie munter bei 'Punkt Torso' mit, wobei sie sich eine eigene Linie vorbehält, die das
Motorische melodisch abfedert. So hält sie auch mit ostinatem Standpunkt hellen Abstandzum dichten Pixelfeld von 'Azan'. Eldh besticht als ein knorriger Ausbund kinetischer
Impulse, Lillinger als schrottiger Vibrator und unbändiger Steptänzer auf Mille-PlateauSohlen (exemplarisch beim Intro zu 'Plastic'), Draksler als Tonsetzerin mit entschlossenen
Vorbehalten und klangvoll pointierten Kontrapunkten bei ihrem Auf und Ab in einer
kristallinen Doppelhelix (besonders klassisch bei 'Life is Transient'). Wie die drei 'Garten'
buchstabieren, klingt es wie 'vrt'.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Ein Schlaglicht auf die Schweizer Musikszene zu werfen, ist überflüssig, sie ist als
Exportartikel allgegenwärtiger noch als einst die Reisläufer. Als ÂME SÉCHE schwärmen
aus: der Bratscher Walter Fähndrich (*1944, Menzingen), dessen Name mit Musik für
Räume verbunden ist; Remo Schnyder (*1982, Bern), der mit dem Saxophon zwischen
Neuer und improvisierte Musik pendelt; ähnlich der Keyboarder & Synthiespieler SamuelWettstein (*1971, St. Gallen), der mit der Albanian-Jazz-Band Kapsamun, den Ensembles
Katarakt und Phoenix Basel und dem Trio Mo'Wings auftritt; und schließlich der Gitarrist
Christy Doran, zwar 1949 im irischen Greystones geboren, aber Helvetier seit 1960 und
ein bunter Hund dazu, mit Om, New Bag, Sound Fountain. Auf Âme Séche (LR 827), einem
Ausdruck, der herrührt von Heraklits kryptischer Ansicht, dass die trockene Seele, eine
Seele voll des lebendigen Feuers, die weiseste und beste sei, offerieren sie in 13 Facetten
elektroakustisches Chamber-Impro. Bruitistisch und mikrotonal verhuscht, scheinen sie in
ihrem intuitiven Spiel keine Trennlinien zwischen neutönenden Klanggestaltungsmöglichkeiten zu kennen. Eher bedachtsam und gedämpft als expressiv, malen sie amorphnebulöse Klänge, Faehndrich schrillt schillernde Flageoletts, presst und kratzt kakophon
und wispert auch mal was, Wettstein lässt silbrige Töne emanieren und tropfen, die abermeist matt anlaufen, Schnyder gurrt, nuckelt und munkelt gießkannig, Doran liest Braillevon den Strings, und wenn die Gitarre nicht dröhnt, dann der Synthie. So mancher
ominöse Klang bleibt nämlich schwer zuordenbar, zumal, glaub ich, nicht immer alle vierdas 'Feuer' schüren. Jedenfalls sollte man schon sehr trocken hinter den Ohren sein, um
nicht, betrunken von Gedankenlosigkeit, den Anruf des Logos zu verschlafen.
Auf Heuristics (LR 832) von EXODOS geht es gleich altgriechisch und auch helvetischweiter. Denn neben dem lange in Berlin aktiv gewesenen Trompeter Guy Bettini im Tessin,
dem mit Circadiana, Intrio und dem Hanuman Jazz Quartet bereits Leo-geschätzten
Klarinettisten Fabio Martini und dem Trommler Gerry Hemingway, der seit 2009 an der
Hochschule Luzern lehrt, spielt mit Luca Sisera ein Mann aus Chur den Kontrabass, dem
freilich mit seinem Quintett Roofer, dem Yves Theiler Trio, Michael Jaeger Kerouac undLotus Crash das weiße Kreuz auf rotem Grund keineswegs die Grenzen aufzeigt. Der
Aufbau der Musik steht genau so im Lehrbuch: In Attic tragedy, prologue, dialogue(epeisodion) and choric song occur in the following order: 'Prologos', 'Parados' or entry
song, 'Epeisodia 1', 'Stasimon A' or song sung by the choir standing at rest, 'Epeisodia 2,'Stasimon B', 'Epeisodia 3', 'Exodos' or departure song. Die da aus dem Geist der Tragödie
geborene Musik liebäugelt in der Absicht, Klischees des Euro-Impro zu hintergehen, mit
dem Spirit des Jazz. Zumindest nach dem undurchsichtigen Prolog klingt das so. So, als
wären zum flink-fragilen Drumming und dem sonoren Gesang von Siseras Bassfingern
auch die beiden Bläser von Apoll und Athene geleitet. Aber daraus entwickelt sich doch
Folgendes: Martini nuanciert mit noch Altosax, Bettini mit auch noch Kornett und Flügelhorn, schnarrend, querulierend und mit quäkig-zirpiger Dämpfung, so dass statt lauthalser
Hybris kleinlaute und nörgelige Skrupel und Zweifel anklingen. Hemingway und Sisera
lassen dazu mit metallischem Sirren und brummigem oder schäbigem Bogenstrich odermit perkussivem Hieb und Stich Zwielicht und Schatten aufkommen. Wenn das nicht dochwieder ganz 'europäisch' ist, was dann? Was immer da Bettini Blech redet, Martiniwiderspricht, ob mit tiefschürfender Bassklarinette oder gespaltener Zunge. Kommt dereine mit schlabbriger und gepresster heißer Luft oder misstönendem, ja obszönem Spott,singt der andere ein besonders sophistisches Liedchen. Drums und Bass ertragenbuckelnd und hinkend den Schmäh, doch wenn Sisera an den zehn Fingern aufzeigt, was
im Argen liegt, verbünden sich die Tröter, um eloquent von ihrer Brillanz und Unverzichtbarkeit zu schnattern. Prompt probt auch Hemingway mit Tamtam den Sklavenaufstand,usw. Eigentlich meint Heuristik die Kunst, praktikable und immer bessere Lösungen zu
finden (von altgr. εὑρίσκειν heurískein ‚finden‘). Erster Schritt: Exit tragoedia - incipit ...
Statt Tragödie die Farce, das Wursteln, das kleinere Übel?
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Gianna Montecalvo, Professorin für Gesang in Bari, kann als diskographische Highlights "Nux Erat" (1993) mit Bruno Tommasos Orchestra Utopia und "Terronia" (2005)
mit Pino Minafras Meridiana Multijazz Orchestra vorweisen und, als Headliner,"Steve's Mirror" (2006) und "While We're Young. Tribute To Alec Wilder" (2013). Ihre
junge Kollegin Antonella Chionna, die bei "Adiafora" (2013) noch die Attraktive
spielte, hat scheint's schon mit 27 mit Harold-Lloyd-Brille ins ulkige Fach gewechselt.
Als der Bostoner Pianist PAT BATTSTONE 2016 Italien besuchte und mit einem
lokalen Sextett "Elements" (LR 821) einspielte, sangen sie beide mit. Chionna folgte
ihm anschließend nach Massachusetts, wo "Rylesonable" entstand, nachdem sieschon bei "The Voice of Robert Desnos" zu elaborierter Pianistik die Poetry rezitiert
hatte. 2017 brachte sie dann Montecalvo mit und so kam The Last Taxi: In Transit (LR836) zustande, mit Battstones Weggefährten Richard Poole an Vibraphon & Drums,
Chris Rathbun am Kontrabass und Todd Brunel an der Klarinette. Die waren zu viert
zuvor schon bei "The Last Taxi - A Conversation" (2014) rumkutschiert, nun steigt
außer den beiden Signoras auch noch die lettische Flötistin Ilona Kudina ein. Für eine
Fahrt im Morgengrauen ('As the City Awakens'), mit noch dämmriger Flöte, Vibes,
dunklen Bogenstrichen und holzigen Klopflauten. Impression Sonnenaufgang, mit
zunehmend munterer Klarinette, alles ganz wunderbar. Wären da nicht die zwei
kandidelnden Fahrgäste, die dem Taxifahrer alle Illusionen über die bessere Hälfte
der Menschheit rauben können. Und Taxifahrer sind einiges gewohnt. Doch er muss
an diesem von gedämpften und kristallinen Lauten zart gestimmten Tag, wo Flötenlippen mit Pizzicato- und Pianofingern vogelig tändeln und sogar die Schnellstraßezum Hafen klarinettenlyrisch schimmert, darauf gefasst sein, dass die beiden, die dazum Swing der Neuen Welt in ihrer Fremdsprache parlieren, sich inmitten trillernder
und perlender Klänge in nicht geheure Kreaturen der Nacht verwandeln. Die, o o oh,glossolale Arien anstimmen in ihrem Immigranten-Kauderwelsch, wie zwei vonbilligem Fusel bezwitscherte, durch die Musik kindsköpfisch animierte Hexen. Lallendbiegen sie ein auf die 'Lonely Avenue', den pianistischen Perlen hinterherdelirierend,
als Vorbotinnen der Apokalypse, die Battstone mit der Linken dräuend einläutet.
Schon beginnen Dämonen zu schwärmen als Walküren des Untergangs. Doch es geht
noch einmal gut, die Drohung greift zum Porkpie Hat, winkt Adieu und überlässt
Amerika sich selbst.
Die Tenorsaxophonistin BIRGITTA FLICK, Jahrgang 1985 und seit 2002 Berlinerin, ist
im Nico Lohmann Quintett, mit dem eigenen Quartett sowie mit der Posaunistin Lisa
Stick in Flickstick am Jazzhimmel aufgeblüht. Ihre Svenskaphilie, angeregt durch ein
Semester in Stockholm, fand Ausdruck in "Dalarna" (2016), für das sie ihr Quartett
erweiterte mit Silke Eberhard und der Sängerin Lina Nyberg. Bei der "Jazz Goes
Synagogue"-Reihe, den "In Spirit"-Abenden und den "Psalmton"-JazzPopGottesdiensten in der Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis-Kirche offenbart sie spirituelle Sensibilität, mit der Sängerin Esther Kaiser oder der New Yorker Pianistin CAROL LIEBOWITZ
vermehrt sie die femininen Akzente. Mit ihr realisierte sie Malita-Malika (LR 838) als
lyrisches Bukett intuitiver Freispiele, deren träumerische Tenderness sie mit 'Moon','Visions', 'Hummingbird', 'Jasmine' oder 'Sehnsucht' andeuten. Dazwischen fügen sie
mit 'You Don't Know What Love Is' und dem mit Billy Bauers 'Marionette' verschmolzenen 'September in the Rain' zartbittere, von Liebowitz gesungene Oldies und das von
Flick komponierte Titelstück. Liebowitz, die in Brooklyn mit Adam Lane & Andrew
Drury und im Sam Ospovat/Kim Cass Quartet mitmischt und zuletzt mit dem Klarinettisten Bill Payne Spiderweb-Mandalas webte, bringt von dort die Sophistication mit,
zu Mondstrahlen unkitschig zu perlen und mit den Hummeln die Nase nicht nur inPrimeln zu stecken. Flick bläst ihr Tenorsax in der lyrisch zarten Lester-Young-Tradition und streut dabei ihre Pastelltöne recht hintersinnig. Wer dieses Poesiealbum
aufschlägt, sollte schon auch auf Gabrielle-Bell- und Alison-Bechdel-Spirit gefasst
sein. Jedenfalls kreuzen sich da die Linien ganz unnaiv, so als ob sie selbst im Frühling die herbstlichen leaves of brown nicht aus dem Sinn bekämen.
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Als DIALECTICAL IMAGINATION begegnen einem der Pianist Eli Wallace und Rob Pumpelly
an Drums. Wallace hat schon in Oakland mit Cabbages, Captain, & King feurigen Free Jazz
gespielt und in Brooklyn daran angeknüpft mit Slideshow Junky und Cataclysmic Commentary.
Two Infinitudes: The One you "see" and the One that IS you (LR 839), der Nachfolger zu "TheAngel and the Brute Sing Songs of Rapture" & "... Sing Songs of Wrath", stammt noch ausder Bay-Area-Zeit. Trotz des Wechsels zu Drums ist Pumpelly derjenige, der bei Fred Frith,
Pauline Oliveros und Alvin Curran am Mills College studiert und bei miRthkon und Tholus
Gitarre gespielt hat. Hier ist er auch noch für die Propaganda zuständig mit der Prämisse:
To compose is to improvise and to improvise is to compose. Und der Deklaration: The aim ofa Dialectical Imagination performance is to facilitate the happening of aesthetic ecstasy,
vorzustellen als an intense, participatory, messy and highly paradoxical affair und verbunden mit erhöhter Selbstwahrnehmung. Mit 'Immutable Light' und 'Rungs' - neben 'Vanished'
und 'Infusion' - kehren Motive wieder, die schon bei "... Sing Songs of Rapture" beleuchtet
wurden. Reich entfaltet in kosmischer Spannweite und durchsetzt mit rumorenden Tiefen
und rauschender Gischt. Mit den dunklen Pianoregistern und den Paukenfellen als Tummelplatz tanzender Erdgeister, während raschelnde Schamanenmuscheln und funkelndes
Beckentickling die Spirits from up above einladen. Wallace spielt das Medium für Alice
Coltrane und Cecil Taylor, trillernd, hämmernd, quirlend, klingelnd, tobend, springend, mit
immer wieder starkem Aufwärtsdrang, wie einer, der mit klarem Verstand nichts unversucht
lässt, die Verhältnisse zum Tanzen zu bringen und der Schwerkraft zu spotten.
Da bezahlt einer einem, den er nur von einer YouTube-Kostprobe her und der ihn nur dem
Namen nach kennt, den transatlantischen Hin- & Rückflug nach New York. Für den Auftakt
einer Tenorsax-Bassklarinetten-Duett-Reihe, die sich IVO PERELMAN in den Kopf gesetzt
hat. Sein Gast war RUDI MAHALL, laut Neil Tesser "the German nonpareil of the bass
clarinet". Innert 24 Std. zeitigte dieses Blind Date Kindred Spirits (LR 840/841, 2 x CD) und
Perelman überschlägt sich, wenn er von der Begegnung schwärmt: "Noch nie habe ich soeinen wie ihn getroffen! Er hat ein ausgefeiltes kompositorisches Gespür, wie die unaufhörlichen musikalischen Ereignisse verraten: Kanon, smarter Kontrapunkt, rhythmische
Verlagerung, harmonische und melodische Entwicklung und und und. Die Aufnahme übertrifft meine wildesten Erwartungen. Es ist ein Paradebeispiel, wie man Duoimprovisation
angeht, indem man was riskiert und intensiv zuhört und doch ganz man selbst bleibt. Da
steckt alles drin, bahnbrechend gebündelt." Nahezu ehrfürchtig vor dieser 'Synchronizität',kann er sie nur zum Teil erklären durch die geteilte Outsiderstellung zum amerikanischen
Jazz. Das Nichtvertrautsein und der für Perelman seltene Zusammenklang mit einem
anderen Blasinstrument bewirkten jedenfalls eine rauschhafte chemische Reaktion, deren
extraordinäres Resultat er kaum fassen kann. So ein Einklang auf nicht nur im Altissimo
höchstem Niveau ohne Überbietungsrivalität ist tatsächlich statistisch unerklärlich. Als wäre
da Gedankenlesen im Spiel gewesen, reflexhaft verkoppelt mit motorischer oder Schwarmintelligenz. Luftakrobatik und X-Men-Power, aber nicht als fauler Zauber oder computersimuliert, ja nicht einmal bloß als musikantischer Sport, sondern von musikalischer Logik
gesteuert, wie autopilotisch auch immer. Animiert tirilierende, kirrende und brummelige
Kapriolen, lyrisches Understatement, rhythmische Umschwünge, kuriose Spaltklänge,krasse Intervallsprünge und Kontraste und immer wieder auch unwahrscheinliches Unisonolassen in meinen Ohren Perelmans Tenorsax bei diesem Schlangensex und wechselseitigen
Potlatch ausnehmend losgelöst klingen. Fünf Tage danach verabredete sich IVO PERELMAN
mit JASON STEIN (in Chicago Leader von Locksmith Isidore) zum zweiten Blind Date.
Spiritual Prayers (LR 842) verweist auf Steins von wo auch immer herrührende Spiritualität
und den dadurch anders gesetzten Akzent. Denn Perelman ist für Spirituelles nur zu
empfänglich, so dass nun ein gedämpfteres, sprudelig murmelndes, auch querulierendes
oder erregt sich überstürzendes Miteinander sich entfaltet, das ihn selber an e Gediwer unGeschmuhs zweier Rabbis erinnert (beide haben sie Vorfahren in russisch-polnischen
Schtetlech). Mit nur quäkenden Mundstücken steigert sich das zu Cartoon-Geschnatter.
Aber dunkle Abschwünge und himmelhoch jauchzende Töne stürzen diese Komik in die
Löwengrube oder reißen sie mit zu hochzeitlichem Jubeltrubel. So oder so, da hat sich
Perelman was richtig Spannendes in den Kopf gesetzt.
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Der Saxophonist AKIRA SAKATA, hierzulande ein Begriff, seit er mit dem Yamashita Trio
1974 in Moers, 1975 in Heidelberg und 1976 in Montreux Furore machte, zeigt in seinem 8.
Jahrzehnt sich unverwüstlich bei einer Sechs-Städte-Tour mit SIMON NABATOV am Piano,
TAKASHI SEO am Kontrabass und DARREN MOORE (ein Australier mit Operationsbasis in
Singapur) an den Drums. Als Not Seeing Is A Flower (LR 843) eingefangen ist das
bemerkenswert vielgestaltige Konzert im "Jazzspot" Candy in Chiba. Sakata zeigt alle
Facetten vom unbändigen Wild Man bis zum verschmitzten Teetrinker, Seo erweist sich als
flinkfingriger Krabbler mit auch finessenreichem Bogenstrich, Moore als gewiefter
Reisstreuer, wuseliger Raschler und flunkernder Schrotthändler. Nabatov macht nur auf
der Waage den Dicken, handelt aber mit Perlen und Quecksilber. Allerdings trifft er in
Sakata einen ausgekochten Verhandlungspartner, der, wie nur Japaner es können undsich getrauen, theatralisch zedert, dass die vorgeschlagenen Preise ihm das letzte Hemd
kosten würden. Natürlich kuschen da alle, und erst als er auf der Klarinette zu tirilieren
anfängt, als hätte ihm der Gesalbte persönlich gratuliert, dämmert's einem, wer da wenübers Ohr gehauen hat. Aber so wie sie den Deal feiern, scheinen alle Seiten höchst
zufrieden. Als Bonus bekommt man noch eine Lektion in japanischem Temperament.
Sakata mag mit Wha-ha-ha noch bessere Tage erlebt und, von Jim O'Rourke angehimmelt,
mit den NowJazz-Größen aus Chicago, Oslo und London schon einen neuen Frühlinggenossen haben, aber der 27.11.2017 war auch ein guter Abend in guter Gesellschaft.
War "Hotel Cinema" (2016), SLAVA GANELINs Begegnung mit Lenny Sendersky an Reeds,
schon eigenartig, weil er da nur mit Korg MicroStation und Dell Computer tönte, so ist
Neuma (LR 846) sogar noch eigenartiger. Denn Ganelin konzertiert da in Tscheljabinsk mit
VLADIMIR HOMYAKOV an der 1987 eingebauten "Hermann Eule"-Orgel der in derAlexander-Newski-Kirche installierten Philharmonie. Homyakov ist seit 1987 und auchnach dem Umzug der Orgel in die Orgel- und Kammermusik-Halle "Rodina" der zugehörige
Organist. Ganelin fordert ihn heraus mit wieder Korg Microstation & Monotron, neben
Piano und Percussion. Mit Musik, für die Steve Day, Autor von "The Ganelin Trio - A
Russian Triptych", am J-Wort festhält, womit er Jazz doch ganz schön weit fasst. Dafürebnet er die sakrale Vertikale ein für das direkte Von-Mensch-zu-Mensch der beiden
kreativen, kommunikativen Köpfe bei ihren Rundtrips (35'10 + 36'30) von Romantik bis
elektronischer Futuristik. Neuma sind Notationszeichen für Gregorianischen Gesang oderauch für melismatische Melodieteile Alter Musik. Während die Alten dazu Pneuma
assoziierten, sehen Spätgeborene, auch Day, darin eher das Neue. Neuma is now. Dochwas es auch sei, alter oder neuer Geist, es schillert prächtig und promethisch, und die
beiden Musiker formen daraus ein großes gothisches Narrativ über "Liebe, Tod undTeufel", die Dreifaltigkeit der Schwarzen Romantik. Eros und Thanatos als chromatischer
Schauer und Zauber, mit melancholischem Piano und satanischem Aufbegehren der
rauschenden Pfeifen und glissandierenden Elektronik. Mit wehmütiger 'slavischer' Melodik
illustriert Ganelin mit Tschaikowskisound die Visionen der Gebrüder Strugatzki, und
Homyakov bedröhnt, von perkussiven Schlägen und pianistischem Gehämmer begleitet,
die nur scheinbare Unmöglichkeit, dass der Kater Behemoth Pontius Pilatus auf ein
Gläschen einlädt. So pathetisch wie phantastisch, treibt da der freie Geist Schabernack
und wildere Blüten, als sie auf Artemjews Mist gediehen. Ganelin harft im Innenklavier,tuckert rhythmisch, Homyakov hält minutenlang die Dinge in der Schwebe und vertändelt
lieber das Breakin'-through, statt darauf zu insistieren. Auch der zweite Ansatz bringt
Fusion der extraordinären, ja spektakulären Sorte. Mit launiger Melodik, bombastischen
Effekten, exotistischen Stilbrüchen, quirligem Leichtsinn, unbürokratischem Groove, unorthodoxen Lösungen für noch nicht gestellte Fragen. Kinderklapper? Schamananrassel?
Ein Chor aus der Retorte? Ganelin quirlt, trippelt und flötet mit stupendestem CharmsCharme. Dazu clustert Homyakov erhabene Klangwände, die er mit crescendierendem
Abendrot koloriert. Und erst einmal wieder zerfetzt. Aber nur, um sie zu vibesberiffter
Melancholie, zu schrägen Pianoläufen und schrillen Schlägen als mächtige Dröhnwellenumso gewaltiger aufzutürmen. Und um, gegen ein sich anbahnendes Diminuendo, zuletzt
mit schillerndem !!-Akkord zu enden.
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pfMENTUM (Warrensburg, MO)
Hin zu Live at Le Classique (pfMENTUMCD126) muss ich die Erinnerung nur über"DeepState", GUERINO MAZZOLAs Duett mit Alex Lubet, seinem Kollegen an der U. of
Minnesota, hinweg zu "Ma" schicken, seinem Spiel mit dem Geiger Naoki Kita und dem
Drummer HEINZ GEISSER. Sein Tête-à-tête nun mit diesem seinem Landsmann ist selbst
wieder ein größerer Rückgriff, nämlich bis zum 14.10.2004. Verbunden mit allerhand
mentalen Flugmeilen bis nach Fujisawa, gut 25 km südwestlich von Yokohama. Von dort
erschallen 'Umemoto's Delight' (28'47"), mit dem Genius loci als Taufpaten, und, zu
klackendem Groove, markanten Griffen nach den Keys. Das quirlt und klirrt, pocht undcrasht, tickelt und klimbimpert so rasant, wie man es sich als stürmische Werbung fürFreie Musik, für das Spiel der Spiele, temperamentvoller sprudelnd nicht wünschen kann.
Mazzola cecil-taylor-t wie aufdreht, wie vierhändig, wie mit nancarrow'schen Playerpianozähnchen, wie ein die Tasten überwuselnder Gliederfüßer, mit tollkühnen Intervallsprüngen und tremolierend wie einer, der bergab noch Gas gibt. Geisser hat alle Hände
voll zu tun, um dazu rauschend und dreschend seine Akzente zu setzen. Mazzola bleibt auf
der Überholspur und hämmert was das Zeug hält, mit basslastigem Riffing nicht weniger
als mit der delirierenden Rechten. Das ist Pollock-Splatter-Action in Zeitraffer, eine Orgievon Spritzern, mit aber auch fetten Mustern. Eine absolute Tour de force! Gefolgt von'Jumbo's Flight' (40'), mit wieder hyperschnellem Arpeggio, aber abgerisseneren Gesten,
hingestreuten Kürzeln, sogar fragenden Motiven, doch weiterhin dynamisch und quick die
Tonskala in voller Flügelspannweite beharkend. Geisser stößt nach 5 Min. dazu, und tut
das Menschenmögliche, auch diesen Jumbo zum Fliegen bringen. Nicht mit brachialem
Hauruck, sondern wie Myriaden von Kobolden, die der Schwerkraft spotten. Und jetzt
auch wieder fast überschallschnell, die Finger wie Windrädchen, aber querbeet undspringlebendig. Allemal ist das einer der definitivsten Demonstrationen von Maximalismus,
bei der die beiden zum rekordverdächtig gehämmerten Duktus alle Nuancen zwischen
Weiß und Schwarz aufs schillerndste aufsplittern.
Bei Live at Redcat, Los Angeles (PFMDVD123/Ninewinds, NWDVD400, DVD) wurde am
9.4.2014 als THE VINNY GOLIA NEW MUSIC ORCHESTRA ein Klangkörper aufgeboten,
massiv bestückt mit Leuten vom CalArts, Golias Wirkungsstätte. 16 Händepaare spielen
Strings, 4 Händepaare Drums, Mallets & Percussion, je 11 Münder blasen Woodwinds und
Brass (darunter Jon Armstrong, Gavin Templeton und Brian Walsh und die Trompeter Dan
Clucas und Daniel Rosenboom), dazu kommen Alex Noice an der Gitarre, Ingrid Lee am
Piano und die Stimmen von Andrea Young und Carmina Escobar. Golia, der sich mit
seinem markanten weißen Schopf und Pferdeschwanz an Reeds und Gongs einmischt, hat
in sein Programm eingearbeitet, was ihm am Herzen lag (der Tod von Freunden undGönnern), auf die Nerven geht (der brutale Verkehr in LA) und auf den Nägeln brennt (dieHypertrophie des Nationalen und Religiösen). 'Lost and Found' ist ein celloschöner Gruß
an Henry Grimes, 'Up In The Sky, Like The Sun At High Noon (The Eiga Clan Frames The
Roscoe Trip)' führt ins feudale Japan, 'Would You Like Help On Your Journey To Mottsfield'
spielt on the Road, 'Soccer Gear Dropped On Religious Leaders' mit - hm. Und 'Barnum
Brown Finds Something' findet Tyrannosaurus-Rex-Knochen. Im Golia(th)-Format entwickelt sich dennoch eine enorme Rasanz, die Golia selber mit dem Baritonsax und Stefan
Kac mit der Tuba noch pushen, bevor eine Geige in gelbste Höhen aufsteigt, wo es nur so
prickelt und die Trompeten brillieren. Strings und Brass kontrastieren, von Noice noch
forciert, prächtig. Lee trillert und setzt die Fäuste ein, auf Posaunengroove folgt
Altosaxpoesie, Piccolos beißen der Trompete in den Schwanz. Golia kostet dasorchestrale Spektrum voll aus, Brasspower vs. Streicheleinheiten, Pauken vs. Flöten, Oboe
vs. Tubax (mit Noice-Freakout). The Dorf meets City of Glass, Dynamik, Elastizität undDrive bis zum krachigen Alltogether sind Trumpf, die Vokalistinnen, Piccolotrompeten oderklapprige Percussion spielen Joker. Als Zugabe dirigiert Golia ein kollektiv rumorendes
Freispiel mit nochmal hervorstechender Noice-Gitarre. Wahre Größe zeigt sich so.
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RareNoise Records (London)
COLIN EDWIN ist als Bassist ein guter Mann. Aber Gott ist auch ein guter Mann, und sehteuch die Welt an. Wer, zum Teufel, sagt das? Ach so, ich selber, vor gut vier Jahren schon,
anlässlich von "Twinscapes", dem Debut von Edwins Bassduo mit LORENZO FELICIATI.
Dazu bringt nun Twinscapes Vol. 2: A Modern Approach To The Dancefloor (RNR098,
CD/LP) die Fortsetzung, wieder mit Fretless & Fretted Basses, Acoustic & Electric Guitars,
Sound & Rhythm Design, Programming, Ebow und Keyboards. So dass sie wieder RareNoise-Essenzen mischen, wie sie Edwin aufbereitet hat mit Metallic Taste Of Blood, Obake
und O.R.k. und Feliciati mit Mumpbeak und Naked Truth. Dazu trommelt wieder Feliciatis
Landsmann Roberto Gualdi mit dem Knowhow seiner zwanzig Jahre bei Premiata Forneria
Marconi. Mit Bässen und der prägenden Sozialisation in der 80ern als Basis, arbeiten die
Twinscaper weiter an ihrer Metafusion von New Wave (Human League, Japan, Ultravox...)und Fusion (Belew, Pastorius...). Was zum dynamisch rhythmisierten 'Tin Can' führt, aber
gleich danach bei 'Severing Suns' mit gregorianischem Pathos ganz anderen Dimensionen
zustrebt. 'Bedroom Corner' entschleunigt mit Keys und Bassmajuskeln als Dröhndreamscape, während 'Future Echo' wieder agiler, bassvirulent und rhythmisch akzentuiert die
Gitarrensaiten in cineastischem Breitwandformat aufzieht. 'In a Haze' löst sich aus
Stimmengewirr und einer monotonen Einöde und klappert verträumt mit 1 PS, überwölkt
von dunklen Bläsern. Die grollen auch dräuend weiter bei 'Precipice' zu Gualdis handfestem Groove, der das Mantra einer naiven Melodie durch psychedelische Gefahren
steuert. Bei 'Ghost of Tangier' geistert es sogar noch mehr, aber Gualdis Tritt fassende
Beats lassen einen fluchtartig der Situation entrinnen. Doch 'The (next) Level Think' alsbass-animierter, klackernder Quasi-Darbuka-Groove mit Dub-Einschlag lässt zum
singenden Fretless-Bass ahnen, dass Aisha Qandisha weiterhin in der Nähe ist. Noch vom
sanft swingenden 'In a Daze' umgaukelt und eingelullt, umspinnt einen die Gitarre zuletzt
mit Silberfaden. Doch der zielstrebige Beat von 'Heat Collision' widersteht der dröhnenden
Hitze und allen mysteriösen Bedrängnissen, auch wenn Gualdi, der durchwegs ganz
hervorragende Arbeit leistet, dafür 4/4 stampfen und Paukenschlegel schwingen muss.
Like a Fire That Consumes All Before It (RNR099, CD/LP) ist ERALDO BERNOCCHIs Musikzu "Cy Dear", einem Porträt von Cy Twombly unter Regie von Andrea Bettinetti, der auchschon Dokus gedreht hat wie "Le sorielle diabolike" (2009) [über die Erfinderinnen desComic-Helden Diabolik], "L'importanza di essere Scomodo" (2009) [über den "Mondo
Cane"- & "Africa Addio"-Filmemacher Gualtiero Jacopetti] oder "Il caso Laura D'Oriano"(2010) [über die 1943 hingerichtete antifaschistische Spionin]. Der, mit Ennio Morricone,seinem Lieblingskomponisten, als heimlichem Ratgeber im Ohr, orchestrierte Soundtrackreflektiert dabei weniger die mythopoetische Kunst des 1957 nach Rom gezogenen unddort 2011 gestorbenen Malers, als vielmehr Motive seines Lebens: als Sohn eines 'Cyclone'
genannten Chicago-White-Socks-Baseball-Pitchers, daher das Cy; als derjenige, der zusammen mit seinem Faktotum 'Tyger' zurückgezogen in Gaeta werkelte; als Nichtlebensgefährte von Nicola del Roscio, seinem Archivar, der auch Twomblys letzte Worte überliefert hat: „The strength of memory that is left behind.“ Die Überschrift nahm Bernocchi
von der blutigsten der 10 Tafeln des Zyklus „Fifty Days at Iliam“ (1978), Twomblys
trojanischer Blues von liebenden Männern und verhängter Gewalt. Wie persönlich Bernocchi die Motive Erinnerung, Abwesenheit, leere Räume, leere Leinwand, kryptische
Spuren nahm, verrät er zuletzt auch mit 'Near By Distance' als Hommage an den 2017 mit
nur 47 Jahren gestorbenen Dreamhouse-Producer Robert Miles. Zu nackschneckenhaftem
Dröhnklang der Nude Guitar, elegisch getasteten Keys und pochendem TripHop-Mahlwerk
tickelt das Hihat oder quallen Basstöne. Wehmütige Tönung überzieht alles wie mit
Abendrot und Dämmerungstristesse. Daran ändern ein rhythmisches Pulsen ebenso wenig
wie das harmonieselige Tasten oder eine Orgelwelle, wie flötende oder stöhnende Lautevon 'Chören' oder melancholisches Saitenspiel. Fifty Shades of Cy, traurigkeitsgenüsslich
hinschmelzend, Consummatum Est für Softies.
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Dunnerkeil! Anguish (RNR100) ist wahrhaftig eine №
100! Verantwortlich dafür zeichnen - als ANGUISH Hans Joachim Irmler von Faust, Will Brooks und Mike
Mare von Dälek plus Mats Gustafsson und Andreas
Werliin von Fire! Eine Supergroup, deren Keim in
Faust vs. Dälek und "Derbe Respekt, Alder" (2003)
liegt, forciert durch die Verve des Tenorsax- &Elektrokrachs von Gustafsson, den von Nickelsdorf
her eine Freundschaft mit Brooks verbindet, unddurch das dynamische Uhrwerk von Werliins Drumming. Damit wird Gustafsson nach dem williamblake'schen Feuer von Slobber Pubs "Pole Axe"
(2015), den Razor Blades und Evil Knives von "Cuts"(2013), "Cuts of Guilt, Cuts Deeper" (2015) und "Cuts
Up Cuts Out" (2018) und der Schwermut und Wehmut
mit The End (2018) endgültig zum Sprachrohr von
RareNoise. Irmler hat die Truppe eine Woche lang in
den Faust Studios in Scheer bekocht und zwischendurch seinen Synthienoise vereint mit dem Noise, denMare mit Gitarre, Electronics & Synthie und Brooks
mit Sampler & Effekten einspeisten. Dazu rappt Mr.
Dälek seine Texte und bei 'Healer's Lament' Zeilen
des kalifornischen 'Word-Musicians' Kamau Daáoodaus "The Language of Saxophones". Gleich bei'Vibrations' heizt Gustafsson das Brüten von Loops,
Gitarre, dumpfer Pauke und schleppenden Besenstrichen an mit heiser-intensiven Tenorschreien, vondenen der Schwebklang sich jedoch ungerührt zeigt.
Dann aber dreht 'Cyclical/Physical' die HipHopKurbel und Brooks deklamiert zum furiosen Noisedes Kollektivs vom Zorn und der Pein unserer Zeit.
Beim dunklen 'Anguish' untermalt Gustafsson den
prophetischen Sermon vom drohenden Verschwinden mit bluesigem Sax. 'Gut Feeling' wühlt mit tiefem
Bass zu wieder schleppend monotonem Beat in den
Eingeweiden, und Brooks liest mit seinem "Fuck yourfrail feelings" den Zimperlichen die Leviten. 'Brushes
for Leah' folgt als wortloses Intermezzo mit fragilen
Pianostreuseln und zagem Tenor auf fein abgefedertem, hinkendem Beat. Daáoods Lamento von Einsamkeit, Albträumen, Crack und Drive-by-Shootings raunt
Brooks auf melancholisch gesummtem Fond. Gustafsson stöhnt da das Finale und röhrt auch gleich wieder
bei 'DEW', so dass er den beschleunigten, aber allmählich verkümmernden 'A Love Supreme'-Loopübertönt. Surrender, schriller und funkeliger Elektronoise führt ein in 'A Maze of Decay' und Gustafsson
unterstreicht mit Tenorgemurmel Brooks' Worte,
bevor mit Werliins knackigem Groove und kollektivem
Surren und Flirren 'Wümme' an Fausts Wiege erinnert. Gustafsson psychedelisiert das mit glissandierender Saxsirene, Brooks steigert das mit Schreien
zum Inferno und rappt dann seine finale Message.
Deren Tenor erregt und mitreißt, auch ohne sie Wort
für Wort verstehen zu müssen.
38Umland Records (Essen)
Als Jan Klare mit dem Projekt 1000 zum Moers Festival 2018 eingeladen wurde, war er
gerade dabei, es neu zu erfinden. Denn mit dem Weggang des Drummers Michael Vatcher
nach New York hatte das Quartett mit noch dem flämischen Trompeter Bart Maris (vonFES, Spinifex) und Wilbert de Joode aus Amsterdam am Kontrabass eigentlich aufgehört
zu existieren. Eine Einladung nach Moers schlägt man freilich nicht aus und so entstandals einmalige Gelegenheit 2000, indem Vatcher noch den Posaunisten Steve Swell
mitbrachte und Klare mit der Cellistin Elisabeth Coudoux (von Peuker8) auch schon seine
Nachfolgerin einbinden konnte. Plant (Umland 19 / El Negocito Records, eNR088) bringt
aus Moers jedoch nur ein Foto, die Musik entstand in den RevierTon-Studios in Herne. Dass
1000 vierzehn Jahre zuvor seinen Ausgang genommen hatte von Bach, Ravel undMonteverdi, von Bacharach, Wagner und zuletzt den Nationalhymnen Afghanistans undKambodschas, mag dazu verlocken, dieses Sextett halb als kammermusikalisches
Ensemble zu hören, oder als halbes Blaskapellchen. Garantiert sind sie ein Mittelding aus
einem gefrühstückten Clown ('Clown for Breakfast') und einer neckischen Venus ('Teasy
Venus'). 'Toss', von Klare komponiert, klingt tatsächlich ganz hymnisch, während die
eingestreuten Freispiele eher Versuchen ähneln, Wölfen eine Schelle an den Schwanz zu
binden. Mit gedämpft zirpender oder spitz aufzuckender Trompete, knarrender undschmetternder Posaue, plonkenden oder gesägten Saiten. 'Rott' verrät mit Stop&Go,
koordinierten Sprints und kollektivem Krawall wieder Klares Handschrift. Aber die
Unterschiede zwischen Gesteuertem und Spontanem sind unerheblicher als die zwischen
Legato und Stakkato, Piano und Forte, dem dröhnminimalistischen 'Wobble' und derlaunigen Swing-Pastiche 'Teasy Venus'. Auch 'Wolves Bells' bläst nochmal schwungvoll
zum Hopsassa, bei dem es den Schäfchen erst spät nicht geheuer wird, wer sie da an den
Pfoten führt und zuletzt stürmisch in die Büsche zerrt.
Das Ende der Kohle (Umland 20, DVD) ist ein animierter kleiner Film von ACHIM
ZEPEZAUER, vertont von Jan Klare mit THE DORF. Er bringt nach einigen tändelnden
Minuten Schwung ins Spiel mit dem Song 'Scharlatan', zugleich kommt Farbe in den Filmund Leben in Zeitungsfetzen. Angefeuert von animiert jubilierendem, massiv aus Blech,Reeds, Strings, E-Gitarren und Electronics geknetetem Bigband-Jazzrock, öffnet sich imversifften Alltag eines jungen Ruhrgebietlers ein buntes Fenster zu DIY-Kunst. Das spart
Kohle, Arbeit, Zeit und Geld, aus Grau wird Pink, aus Streichhölzchen und Knet ein neuer
Mensch. Scheinbar ein entspannter Zeitungsleser in blumigem Kunterbunt, bläst er sichdoch das Hirn mit Ketchup weg, und eine Schlange entschwindet mit der Zeitung im
Abfluss. Ganz Gewitzte dürfen die Kohle-Ketchup-Symbolik als alchemistische NigredoRubeto-Transmutation entschlüsseln. Wir landen dabei in einer Mine und hören Marie
Daniels mit einem aufgekratzten Workin' in the coal mine / Goin' down, down, down /Workin' in a coal mine / Oops! Kohleausstieg ist machbar, Herr Nachbar. Aber, zugegeben,
1984/85 schlug das Herz - zu "The Last Nightingale" - auch noch sozialromantisch stattumweltbewusst für die britischen Bergarbeiter. Dem Film folgt die 'Live Premiere mit Band'vom 14.5.2015, die zwischen die Filmbilder Konzertbilder schneidet, sie parallel splittet
oder überblendet. Man sieht Klare mit obligatorischem Hut dirigieren, Tim Isfort am Bass,
wieder mit dem schönen Break und Tempowechsel ins Bunte. Daniels könnte gut eineneue Inga Rumpf abgeben. Ebenfalls live erklingt 'Corer', das Klare per Conduction aus
einem stagnierenden und noisigen Klangfeld mit einiger Hinhaltetaktik in Wellen und in
Wallung versetzt, wobei zwei vokalisierende Frauenstimmen das mit "Septober Energy"
und "Let's Sing For Him"-Flair vergolden. Bei 'Mill' wirft Klare dann mit Synthie-BuchlaTapescratch-Noise und Zepezauerei umeinander und lässt die Bläser trotzt feierlicher
Ansätze nicht über diesen sich schleppenden, diffus-rauen Flow aufscheinen, durch densich nur ein Baritonsax hindurch fräst. That is the end of the matter? That is not the end of
the matter? Niemand weiß.

39

... nowjazz plink'n'plonk ...
,★‘ track,★‘s (Tyche Productions): Το Τρίο ,★`, των Laura Schuler, (βιολί και µουσικά εφέ),Jonas Labhart (άλτο σαξόφωνο και µουσικά εφέ) και Berni Doesseger (ντραµς), anazitá tin
metá-Jazz, mia eperchómeni Mousikí, epexergasméni apó moriakoús epitachyntés, meanaforá stin Ichitikí tou Méllontos. Ha, für ihren Trip nach Griechenland im November
haben die Schweizer sich schon mal gerüstet. Von dem sich ,★‘ schimpfenden Trio war
schon die Rede, als ich, anlässlich ihres Solos "Elements and Songs", Laura Schuler
vorstellte und den Klang ihrer Violine bei Aberratio Ictus, Esche oder Kronikor. Mit
Labharts Altosax, Effekten und Doessegers Drums lerne ich sie nun von ihrer krätzigsten
Seite (Saite) kennen, und Labharts Anspruch ist dabei kein geringer: ein anarchistisches
Studium und die Dekonstruktion des Ereignishorizonts von Musik, Improvisation und
Freiheit. Rasch fällt jedoch auf, dass mehr noch als den kakophonen Ecken desKlanglabyrinths sie sich mit skrupelhafter Empfindsamkeit auch melancholischen Winkeln
zuwenden. Mit unromantisch angerautem und zirpigem Strich, rumpelig-knattrigen
Schlägen und, obwohl nicht unschönem, so öfters doch gespaltenem oder nachdenklichverschattetem Altoton. Einiges an Verunklarung ist dem Fx-Einsatz geschuldet, derStimmverdoppelung und gezogenes Delay zeitigt, bedröhnte Unterströmung undsummendes Gewölk, ähnlich einer stehenden Orgelwelle. Passender Schauplatz ist die
Werkstatt für Improvisierte Musik [WIM] in Zürich (die heuer ihr 40jähriges Jubiläum
feierte). Schuler beschallte sie mit auch euphon schmachtender Fiedelei, aber verschärft
das schnell mit dringlich intensiviertem Klang, rhythmisierten Kürzeln, schraffiertem
Zucken, kaskadierenden Gespinsten, die Doessegger, Labharts Partner auch in Plan B,
tickelig verfeinert und mit poltrig tanzendem Stierhuf umtockt. Labhart, WIM-Präsident
und Dharma Bum im Dharmahlahrm Trio, schlägt dazu rostige Töne an und bedachtsam
angeschrägte. Dazu pickt Schuler pizzicato, während der Beat weiterhin minotaurischgetänzelt und übers Knie gebrochen wird. Eben noch krätzige Stenografin, spielt die
Violine zuletzt die geziert Tändelnde, die den sprudeligen Andrang der Buben hinhält undins Lächerliche und Vergebliche verdreht. Zwischen kryptischer Höhlenkritzelei, PolterDonner und Ichitikí tou Méllontos - Sound der Zukunft - menschelt da das Holozän.
MARC BENHAM & QUENTIN GHOMARI Gonam City (Neuklang, NCD4196): Ghomari ist ein
P-Männchen, trompetend mit Ping Machine auf Neuklang, mit dem eigenen Quintett
Papanosh bei Yellowbird. Sein Partner hier, Absolvent der Bill Evans Academy à Parispunktet seinerseits mit Erfahrungen bei den Future-Jazzern Llorca, als Sideman und
Gesangsbegleiter, als Pianist für Stummfilme, beim Zirkus oder auf Kreuzfahrten und mit
den Soloalben "Herbst" (2013) und "Fats Food - Autour De Fats Waller" (2016) als
Demonstration seines Könnens und Selbstbewusstseins. Auch mit Ghomari spielt die
Jazzvergangenheit eine der Hauptrollen, mit Vers d’oreille von Mingus ('Pithecanthropus
Erectus'), Bud Powell ('Celia') und S. Bechet ('Petite Fleur'), Monks unverwüstlichem'Misterioso', komisch gequakt, dem aufgekratzten 'Background Music' von Warne Marshund Ann Ronells Tearjerker 'Willow Weep For Me', den sie gegen den Strich auswringen.
Eingebettet in Eigenerfindungen vom getragenen 'Wehe uns' über die holzig beklopfte
Elegie 'From Gonam City with Love' und das quirlige 'One for Francis' (Francis Wolff?) bis'Terrarium', dem scheinbar noch einmal besonders feierlichen Ausklang, der sich dabei ineine quäkige Reminiszenz an die Schellack-Ära verwandelt. "Eine der..." deshalb, weil vor
allem das "Opus 102" im Rampenlicht steht, eine Sonderanfertigung des Klavierbauers
Stephen Paulello mit 102 Tasten. Die bieten Benham ein erweitertes Klang- undQuirlspektrum von bassig angedunkelten und sonoren Tönen über eigenartig angeschrägte bis hin zu zugespitztem Klimbim. Ghomari schmiegt sich dazu mit feierlichem
Mattglanz und o-beinigem oder beboppigem Swing, mit launigen Krikelkrakeln, gepresster
Not und weichen Umlauten. Und mit seinem Schluckauf-Solo 'Mésozoïque'. Und nicht nur
damit ist er definitiv post-perm.
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FRANÇOIS CARRIER - MICHEL LAMBERT JOHN EDWARDS Elements (FMR Records,
FMRCD501): Da werben Briten wie John
Edwards ein lebenlang für Freedom Music
als Exportschlager von der Insel, und dannsprechen die Brexiteers dem sowas von
Hohn. Nun, sein Kontrabass wird, denke
ich, deswegen nicht weniger allgegenwärtig sein, ob bei New Old Luten, The
Runcible Quintet, Moholo-Moholo's Five
Blokes oder für wen immer er als Spielgefährte der Gefragteste seiner Zunft ist.
Schon 2011 und 2014 ist er im Londoner
The Vortex mit dem Quebecer Saxophonisten François Carrier und dem Drummer
Michel Lambert, dessen untrennbarem
Weggefährten, zusammengetroffen (mitnoch Steve Beresford am Piano). Im Mai
2015 war er mit dabei im slovenischen
Cerkno (wo 'Wilderness' entstand) und im
Mai 2016 war er wieder in London zur
Stelle (Ergebnis: 'Elements' und 'Roar ofJoy'). Wie er da den Bogen knurren und die
Saiten plonken lässt - elementary! Lambertscheppert und tickelt dazu mit schrottigem
Anarchospirit, Carrier löchert dazu die Luftmit akustischen Nonnenfürzen und quäkiger Sangeslust. Die animiert Edwards,
noch schillernder zu jaulen, zu hauen, zu
ploinken und tausendfingrig zu wuseln, um
Carriers Feuereifer zu schüren, den Lambert mit klappriger Erratik schleudert. Fast
wider Erwarten groovt es plötzlich doch,
mit kurzen rhythmischen Strichen, aberschon auch sich dazu überschlagenden
Tönen und wummrig knarrendem Gusto.
Sonores trifft auf rotziges Röhren undrappeliges Remmidemmi, kleinlautes Picken auf perkussives Klimbim, flirrende
Gestik und kakophone Glitches auf geharkte und geholzte Lambertistik. Unmöglich, das in Papier zu wickeln, es fängt zu
brennen an, und ich weiß eh nicht, wie ich
solchen freudentaumeligen Heidenspaß in
Worte fassen soll. Kein Ton, der nicht Fünf
grade sein lässt und stumpfes U mit krähender Kakophilie über-ixt. Was Edwardsda pizzikato zwirbelt und wummert und mit
dem Bogen schrummt, sagenhaft! Und
wenn Carrier erst mit Oboe chinesisch tönt
und dann mit dem Altosax seine Auffassung von schön und von wild expliziert, dakann mir der Rest der Welt im Mondscheinbegegnen.

THE DOGMATICS Chop Off The Tops
(self-release, LP): Splatter Splatter. Chris
Abrahams Landsmann Zev Langer hat
nach "The Sacrifice For The Music Became Our Lifestyle" (2012) auch für den
zweiten Streich zweier Death-Metaller
der ganz anderen Sorte die passende
Horroroptik geliefert. Dabei ist die Musikvon Abrahams, dessen Pianosounddurch The Necks und das Spiel mit Jon
Rose und Anthony Pateras (als 176) gerade recht gegenwärtig ist, und von Kai
Fagaschinski, dessen Klarinette bei The
International Nothing, dem Splitter Orchester und mit The Elks als Waffe derKritik swingt, vielleicht sogar nekrorealistischer als so manches in Zombieploitation erstarrte Klischee der Zunft.
Abrahams repetiert aufsteigenden Klingklang und klopft zwischendurch auf den
Sarg oder dongt im Bassregister. Ein
Fragen und Horchen, zu sanften Dröhnwellen der Klarinette. Die Unanswered
Question in ihrer Urform als Stillleben
und Mantra. Die Tonleiter bricht, die
Kette der Pianotöne reißt in helle, in helle
und in dunkle, in dunkle Tropfen, Fagaschinski dehnt den Hauch der Blasetöne
mit Sustain. Sein Summen wirft hellen
Schatten, trillernde Wellen. Das ist beklemmend sublim in seiner geisterhaften
Spaltung. Abrahams pocht am Korpus
Detonationen mit langem Nachhall undmacht wallende Geräusche, Fagaschinski presst dazu mit aller Gewalt wimmernde Spucke durch eine verstopfteÖffnung. Die ist zuletzt bei 'Death Is Now
Your Friend' wieder frei für dunkles
Klanggewölk und ululierende Wellen,
Abrahams scharrt dazu an den Saiten,klackt am Holz und pingt fragende, fasttändelnde Figuren. Als wollte er in
Schönheit sterben. Der Klarinette entschlüpfen jedoch schrille Laute, schmerzliche Kirrer, eindringlichste, nachdrücklichste Protestnoten, die sich von Abrahams' Arpeggio nicht beschwichtigen
lassen. So dass der hinter pingende
Noten nur noch einen dunklen Punkt
setzt (oder doch das Fragezeichen eines
unaufgelösten Akkords?). Sagte ich"sublim"? Sagte ich "eindringlichst"?
Dann ist es gut, denn so ist es.

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ERB - VATCHER Yellow Live (Veto-Records / Exchange 016): Christoph Erb
hat mir zwischen der Tour mit Baker &Rosaly und dem Abflug mit Frantz Loriot
nach Argentinien und Chile seine neueste, gewohnt schöne Exchange-Doku
zugeschickt. Mit mal keinem Kollegenaus Chicago, sondern dem Drummer
Michael Vatcher, der lange genug,
nämlich von 1981 bis 2017, in Amsterdam zugange war, um als Holländer zu
gelten. Jedenfalls gehört der 64-jährige
Kalifornier mit (einst) Maarten Altena,
Available Jelly, Roof, 4Walls, dem Triomit Braam & DeJoode, Jewels & Binoculars, Jan Klare's 1000 oder bröselpickend mit Sophie Agnel & Joke
'Sudden Infant' Lanz zu den wettergegerbten Rudergängern im niederrheinisch/niederländischen NowJazz.
Nach einer kleinen NL-Runde mit Erb
2015 kam es 2016 zu vier CH-Dates,
darunter dieses am 28.4. im Gelben
Haus in Luzern. Diesem Gelb und dem
royalen Orange der Hauses Oranien
wird mit carotinen und carotinoiden
Titeln Referenz erwiesen, aber Gelber
Klang (nicht zu velwechsern mit der'kulturrevolutionär' verpönten Gelben
Musik) ist ja an sich (und nicht nur durch
Kandinsky) ein fester Farbton, quasi der
Naturton dieser Musik. Erb mörsert ihn
mit dem Tenorsax und Vatcher paukt
und kickt das Rot ins Gelb, als auffallend dunkle Akzentuierung, die er mit
Snare und Beckenschlägen zwar verfeinert und verrührt, aber immer auchpolternd einhämmert. Selbst wenn Erb
mit Soprano schnarrt, bohrt und sprudelig quäkt, zieht Vatcher allenfalls das
Tempo an, an der dunklen, grolligdonnrigen Tönung seines Hand- undFußwerks ändert das wenig. Er erhöht
nur den crashigen Rauschfaktor, pocht
und dongt, holzt und schmiedet aber
wie einer, der die konkrete Lebenswelt
vor sich im Blick und im Griff behält,
statt Löcher in die Luft zu gucken. Erb
sieht das ein und wendet sich ebenfalls
mit rostiger Gießkanne den Karotten zu.
Das Esoterischste dabei ist das dunkel
betupfte, fast lautlos geschmauchte
finale Luftloch, durch das zuletzt der
Beifall einbricht.

GRIENER - RODER - THEWES Roadside
Picknick (Gligg Music): „Das Gute ... Manmuss es aus dem Schlechten machen.
Weil es nichts anderes gibt, aus dem manes machen könnte.“ Diese Einsicht vonRobert Penn Warren haben Arkadi & Boris
Strugatzki "Picknick am Wegesrand" vorangestellt, auf dem Tarkowskis "Stalker"
basiert. Wie soll ich sagen - Ein Roder
Thewes plus Griener? Oder Squakk minus
Mahall? - jedenfalls nehmen mit Michael
Griener, Jan Roder und Christof Thewes
drei unserer besten und bestens aufeinander abgestimmten NowJazzer den SciFi-Klassiker, wenn nicht als Leitfaden, so
doch als Hintergrundrauschen für den
intuitiven Zusammenklang von Drums,
Kontrabass und Posaune. Ihr Schleichpfad führt von der Vorzone in die Zone,
mit der Draisine und weiter zu Fuß, vorbei
an den Fallen und dem 'Fleischwolf' - indie 'goldene Sphäre', das Zimmer derWünsche. Dort verzichtet der Protagonist
Roderic Schuchart auf seinen eigenen(die Heilung seiner Tochter 'Monkey') undübernimmt statt dessen den Wunsch seines Begleiters, der dem Meat Grinder zum
Opfer fiel: „Glück für alle, umsonst, niemand soll erniedrigt von hier fortgehen.“
Die drei nehmen das Ganze spielerischund unpathetisch, ohne dabei die heikle
Vorsicht - speziell bei 'Fallen' ist jeder
Fußbreit tricky abzuzirkeln - und den wilden Drang ganz auszuklammern. Die Posaune spielt so auch nicht den Protagonisten, sondern eher sowas wie die züngelnde Spitze eines Wollens und - was
Griener angeht - Rollenmüssens und -könnens. In einer Schnittmenge von Élan vital(in dem es unbändig rodert) und Imp of
the Perverse, mit dem Saugrüssel in den
Humorreserven. Aber doch gebührender
Demut vor dem X-Faktor, ohne sich den
Schneid abkaufen zu lassen. Statt dessen
wird dem mit Thewes Komposition 'Komisches Stück' was gehustet. Erst rasant,dann mit dem posaunistischen Zug zur
Schmierenkomödie und zum growligen
und hummeligen Bajazzo, dem Griener die
Narrenschelle anheftet. Thewes hat einenja schon bei "Vorzeitiges Requiem" mitden Füss' voraus tanzen lassen. Abersolange er nicht bierernst das siebte
Siegel aufbläst.

42HÜBSCH MARTEL ZOUBEK Otherwise(INSUB.records, Insub.rec.cd01): Nein,das war keines dieser Husch-huschIrgendwas-geht-immer-Meetings da am
10.11.2017 im Kölner Loft. Denn Carl
Ludwig Hübsch, Pierre-Yves Martel und
Philip Zoubek haben sich schon seit 2012
aufeinander eingegroovt, angefangen
vom 'Introibo Ad Altare Dei' und dem
Bloomsday-Spaß auf "June 16th"(Schraum, 2013) über "Drought" (TourDe Bras, 2016). Mit dem Loft als offenbar
liebster Spielwiese für den sublimen Zusammenklang von Tuba, Viola da Gamba
und präpariertem Piano, plus Spurenelementen von Krimskrams, Pitch-PipeHarmonika und Synthie. Ich sage sublim
und meine damit die mit extented techniques auf bruitistische Nuancen undgezügelte Dynamik scharfe Ästhetik, wie
sie auf etwa Creative Sources und Mikroton gang und gäbe ist. Nicht dass man es
mit einer reduktionistischen Raison d'Être zu tun hätte. Aber doch mit allerhand tutendem, zirpendem und im Innenklavier klackendem oder dongendem
Hintersinn, verzahnt mit tönernen Lauten
von den Keys. Dröhnende Haltetöne
ziehen helle und dunkelste Streifen,
Zoubek läutet Glocken für fernöstliche
Mönche. Sein Plonken und Hämmern
mischt sich mit ausdauernd brummender
Tuba und fiepender Harmonika, dochwer braucht exakte Tonhöhen, wenn sichschief geklopfte und getickte Töne viel
besser anhören. Zoubek hantiert mit
steinigen, eisernen, drahtigen und xylophonen Tönen, Hübsch nimmt den
Mund voller Umbra, da bleibt für den
surrenden Missklang nur Martel. So
hacken und wummern sie sich mit aufwärts drängender Gambe hin zu 'Likemind'. Das kommt tockend, Sekunden
plonkend, zirpend, mit Sinuswelle, spuckiger Schmauchspur, zittrigem undknarrigem Tremolo und poppender Tuba
daher. Um alsbald aufs ungenierteste zu
crescendieren. Mit manisch sägender,
dröhnend tutender, perkussiv rumorender und kräftig zoubekender Vehemenz
bis hin zu geharftem Nachklang und
postkoitaler Tuba. Das Loft schreibt sichda jedenfalls minutenlang mit i.

DARRELL KATZ AND THE JCA ORCHESTRA
Rats Live On No Evil Star (JCA Recordings,
JCA1804): Katz und Rats, die sich in den
Schwanz beißen, was ne Viecherei. Katz
lehrt seit 28 Jahren in Berklee und vierJahre länger schon leitet er das Jazz Composers Alliance Orchestra, als kritischer
Zeitgenosse, der kein Blatt vor den Mund
nimmt. So diesmal bei 'The Red Dog Blues',
wo er, mit mundharmonika- und baritonsaxbluesigem Swing, auf die Kandidaten
furzt, die US-Präsident werden wollten. Kein
Albtraum hat ihn gewarnt, dass die Wähler
mit Trump den übelsten Punk aufs goldene
Klo inthronisieren würden. Davor lässt Katz
das JCA aufspielen mit dem Titelstück und'How To Clean A Sewer', zwei Konzerten für
Bigband, Marimba und Violine. Das erste
schrieb er 1987 für das Duo Marimolin undGeorge Schullers Band Orange Then Blue,das zweite, eine 35-min. Suite in 3 Teilen,
2016 für die Verabschiedung seines alten
Lehrmeisters Phil Wilson, der mal gemeint
hatte, er - Katz - sei wie ein von Musik verstopfter Abfluss. Paula Tatarunis, der 2015
verstorbenen Mrs. Katz, fiel selbst zu Abflussreinigung so Poetisches ein wie theindigestables that shamed the tongue. Das
wird zum Spezialfall für die Sängerin Rebecca Shrimpton, die seit 19 Jahren auchohne Text nicht um Ausdruck verlegene
Zunge des JCA, die mit ganz vibratofreiem
Ton besticht. Mit Simone Weil wird die
Aufmerksamkeit gelenkt auf den Duft vom
Baum gefallener Zitronen. Auch für 'To an
Angel' hat Tatarunis die richtigen Worte
gefunden, um Schutzengeln zu danken, diein schwesterlicher Nachtwache den Schlaf
hüten: Neither arch- nor seraph-, / far too
old for cherub... Das JCA wird dabei mit viel
Geflöte und dem Strings Theory Trio verfeinert. 'Prelude: Hiro Runs the Devil Down'
jagt intermezzokurz mit EWI und Teufelsgeige umeinander. Und bei 'Red Sea' greift
Shrimpton Tatarunis' Abschiedsworte füreinen verstorbenen Freund auf, um nun
ihrer selber zu gedenken. Als Lullaby, nur
mit Piano und Gitarre, mit dem Refrain And
the red, red sea parts for a moment / Then
crashes down redder yet / He was a grace
which like all graces / Was utterly undeserved. Und mit der Vision wieder eines
Schutzengels, mit Ray-Ban.

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MARTIN KÜCHEN, MARK TOKAR, ARKADIJUS GOTESMANAS Live at Vilnius Jazz Festival(NoBusiness Records, NBLP101): Nein, dieses Herz (auf dem LP-Cover) spielt nicht falsch.
Verkörpert in Gotesmanas, ist das der Muskel, der Vilnius mit dem Lebenssaft Jazz durchpulst.
Der 59-jährige trommelte, mit Petras Vyšniauskas, bei "Lithuania" (1990), und, mit Mats
Gustafsson als Headliner, bei "The Vilnius Explosion" (2008), dem Startschuss des grandiosen
Labels NoBusiness in, klar, in Vilnius. Er lieferte den Herzschlag im Trio Alliance mit Vyšniauskas und Slava Ganelin, in der Dainius Pulauskas Group und für Liudas Mockūnas, Litauens
zweitem Saxophonstar. Hier jedoch bläst mit Küchen einer Saxophon und Flöte, der es sich zur
Herzensangelegenheit macht, nicht vergessen zu lassen, dass es dem Menschen gehen kannwie dem Vieh. Der Sohn eines 1945 gerade noch nach Schweden entronnenen Deutschen
markiert seinen Weg mit Mementos: "Homo Sacer" (2008), "Hellstorm (Man erkennt langsam
das Elend, das über uns gekommen ist)" (2012), "Lieber Heiland, lass uns sterben" (2017)...
Dazu spielt mit Tokar (von The Escalators) einer Kontrabass, der in Lemberg ministrieren
könnte, wenn Anubis die Herzen wiegt. "The Passion" (2009) mit Undivided oder "Nebocry" mit
Uliana Horbachevska in Ultramarine zeugen von seiner Mitleidenschaft. Küchen hebt stöhnend
und schreiend an zu flirrendem Pizzicato, das sich mit pochenden Schlägen verbindet zu nun
geflötetem Es-wär-so-schön. Doch Gotesmanas verursacht Blechschaden, der Küchen zu eher
grotesken als wehleidigen Saxlauten anstiftet, die freilich abgewürgt und von Tokar aus
Dornenhecken gepickt werden. Er reibt mit dem Daumen und entlockt Küchen innig gepresste
Töne und brüchigen Gesang, während Gotesmanas weiterhin im Hintergrund tropft und tupft.
Aber als Tokar groovy zu fingern beginnt, ist er rappelig mit von der Partie. Doch mit Glöckchen
und Rassel mahnt er, zu schillernden Bogenstrichen und gedämpftem Blaseton, auch wieder
zur Einkehr an, zelebriert mit schrottigen, plonkigen, surrenden Lauten zu kehligem Saxsingsang. Die Fortsetzung folgt, in rappeligem Flow zu herrlich rauem Tenorsound, der jedoch
auf den Hund kommt und erstickt. Aber flötenvogelig aufersteht, und auch das Saxophon quäkt
unkaputtbar zu unverdrossenem Holterdipolter, auch wenn es nochmal eng wird. Tokar raspelt
sich mit jauligem Bogen da durch, klopfend kommt ein rostiger Swing in Gang. Küchen ist ein
Unikum. Trübe Tasse? Nie! Verbiesterter Bußprediger? Ach was. Er ist einer, der noch aus dem
letzten Loch ein Liedchen kräht und pfeift, und alle drei sind sie wahre Herzbuben.
THE ODD DOGS Beneath the Surface (Manasus Music): Steve Billman spielte 15 Jahre E-Bass
bei Continuum, Jeff Miley von 1996 bis 2006 Gitarre bei Code3, sprich, sie haben beide einiges
Renommee als Westcoast-Fusionisten. Inzwischen findet man Miley bei Bug, Inga Swearingen
und wieder im Guitar-Bass-Drums-Format bei Altered. Er und Billman kennen sich seit den
80ern und tüfteln seit Jahren an was Gemeinsamem, das jetzt, mit Billy Hulting (von Zappa
Plays Zappa und VegFest-Macher in L.A.) an Percussion, Ralph Humphrey (ein Veteran mit
Meriten bei Don Ellis und Zappa himself) an Drums und Andy Suzuki (ein halber Finne, gut
genug für Christopher Cross, mit zuletzt einer Berliner Phase) an Reeds & Keys. Ich bezweifle,
dass sie gerne im Immerhin vor 11 Freaks spielen wollten. Dabei fänden sie mit ihren 11/8 und
15/8, ihrer sublimen Funkiness mit sonorer Bassarbeit und fingerfertigen Miley-Finessen dadurchaus Anklang. Mit Stücken, die anregend die Gestalt wandeln und die Spur wechseln vondynamisch zu lyrisch, etwa wenn Suzuki die Lippen am Soprano spitzt. Die perkussiven
Akzente sind vom Allerfeinsten, die Figurationen mal pink, mal 'Monkish' und dabei ein klein
wenig zappaesk. Aber es dominieren doch der wie Honig leuchtende Gitarrensound und dieweiche Federung der Keys, mit Parametern, wie sie nicht am Mills in Oakland gelehrt werden,
sondern von Billman, Humphrey und Miley am College of Music in Pasadena. In gedämpften
Momenten könnte man eine Haarnadel fallen hören, und Miley erweist sich eines Andrés
Segovia würdig. Hulting tappt mit bloßen Händen, Billman packt die Basstöne in Watte, Suzuki
die von einer Bassklarinette. Aus Mileys tagträumerischen Fingern und Suzukis Alto fließt
Westcoast-Sophistication, mal smooth, mal temporeich und zickig, aber vor allem in derrhythmischen "Even in the Odd"-ness zeigt die Simplicity ihre biestigen Zähne. 'A Simple Word'
klingt nach einem verjazzten 70ies-Ohrwurm, 'The Beast' wühlt mit Sweat-'n'Tears-Sax undbreiter Gitarrenbrust in Bluesiness. 'Monkish' kommt von Thelonius, nicht von klösterlich, und
Suzuki bläst dazu zugleich schmusig und tricky. Zuletzt tackt 'Enigma' in 4/4 und die Gitarre, dieerst immer wieder die gleiche Frage wiederholt, stürmt plötzlich los, als hätte sie von Weitem
eine Antwort vernommen. Doch Bass und Drums kommen in die Quere. Und Antworten werdeneh überschätzt.
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PAUL ROGERS - OLAF RUPP - FRANK PAUL
SCHUBERT Three Stories About Rain Sunlight
And The Hidden Soil (Relative Pitch Records,
RPR1074): Der Grid-Mesh-Schubert verkoppelt
hier den 7-string Double Bass von Paul Rogers,
seinem Spielgefährten in Rope, mit der Gitarre
von Olaf Rupp. Der hat mit ihm 2011 schon"Phugurit" ge-gliggt und 2017 daran angeknüpft
mit noch Ulf Mengersen & Thomas Rehnert oder
John Hughes & Rudi Fischerlehner. Schubert
spitzt dabei die Lippen am Sopranosaxophon,und nicht einmal der Regen - ach, ihr wisst
schon. Rogers schwingt zum lyrischen Tirili bei'Rain' (31'36") den Bogen und Rupp triggert
Klänge, die man nur allmählich als auch gepickt
erkennen kann. Es ist nämlich nicht so einfach,Rogers als Strichmännchen und Rupp als PunktPunk klar zu trennen. Zwischen der prickeligen
und schroffen Gitarristik und dem Arcozauber
gibt es unklare Schnittmengen im rumorig
dröhnenden und im flimmernden oder glissandierenden Bereich. Schubert lässt die beiden
ihren Teppich knüpfen und klopfen und die
Saiten spannen und polieren, er schwebt inhöheren Regionen, in schwerelosem Rokoko.
Selbst dann der pure Sang, wenn Rupp ruppige
und Rogers knurrige Akzente ans kakophone
Ende des Regenbogens setzen. Das Soprano ist
darüber vogelig und schönheitstrunken erhaben.
Doch wenn die Gitarre mit irrwitzigem Tremolo
die gleiche Flughöhe erreicht, flattert es schon
auch aufgescheucht, protestiert mit heiserem
Schnabel und blubbert nur noch, über alle
Maßen verwundert. Allerdings erstarren die
Finger in der Höhe, so dass die drei neu ansetzen mit 'Curry' (17'34"). Schubert anfangs
bodennäher und temperamentvoll, Rogers und
Rupp mit verzahntem Pizzicato, dann alle mit
gezogenen Haltetönen, schummrigen und krummen, die sie wellig und krakelig, pluckernd undkeckernd aufmischen. Rogers hornisst cellistisch, lässt den Bogen sägen, springen, singen.
Und Rupp trillert wieder wie mit Zahnrädchen in
engster Korrespondenz mit Schuberts Tremolieren, das krächzend entgleist und dennoch zu
schönster Schönheit findet. 'Yeast' (19'44") entfaltet sich aus kleinen drahtigen Kürzeln und
luftig nonchalanter Sprezzatura. Unter Druck beginnt das Soprano rau zu schnarren, findet aberunter dem Flimmern, Zerren und Schwanken der
Saiten zurück in die vogelige Spur und zu einem
feinen Widerschein dessen, was Roberto Calasso mit Tiepolos Rosa vor Augen den "letzten
Atemzug des Glücks in Europa" genannt hat.

RAPHAËL SAINT-REMY Voltes ( L eChant du Moineau / Label Casta): Was
dieser Spatz da pfeift, schickt micherstmal auf Spurensuche. Der da,
recht eigenwillig, Monks 'Blue Monk'
und 'Ugly Beauty' klimpert und dazwischen seine eigenen Kreise kreiselt, hat auch schon mit Altmeister
Raymond Boni "Clameur" (2015) realisiert und zusammen mit BenjaminBondonneau in einem Quintett namens
Totem "Des espèces en voie d’apparition" (2016). Das ist, angeregt durchCharles Darwin, 'une zoologie imaginaire', gestaltet als 240-seitiges Bestiarium mit 16 Gravuren von Bondonneau und von Saint-Remy mitgestaltet
mit Klavier, Texten und 'Zungen'. 2016
präsentierten Bondonneau und SaintRemy zudem eine audiovisuelle Show
nach Darwins "The expression of theemotions in man and animals" und"Mécanisme de la physionomie humaine" des Neurologen GuillaumeDuchenne. Saint-Remys Esprit hallt
hier nun wider als dekonstruktivistischklirrendes Umspringen mit Monks
Ecken und Kanten, so dass der blaue
Ohrwurm nur peu à peu erkennbar
wird. Als würden dem Mann am Klavier
Duchennes Elektroden angelegt, um
die Hände monkisch zucken, quirlen
und springen zu lassen, mal zeitraffend die Noten bündelnd, mal löchrig
sie stöchernd. 'Voltes' (37'27) monktdann auf eigene Faust, mit mindestens
113 Arten, ihn zu deklinieren, zu variieren oder simultan ins Französischeoder Kapriolische zu übersetzen. Mit
den skurrilen Sprüngen eines bockenden Rodeopferds, eines steinernen
Herzens, das seines Steinseins überdrüssig ist, mit den Volten der Degenspitze eines Duellanten, der der
Klaue der Beleidigung ausweicht, den
Pirouetten eines sich gesund tanzenden Denkens, den Wirbeln des Winds,
der seinen eigenen Schwanz jagt. Ich
brauche da nur Saint-Remys poetischen Volten zu folgen, die durch die
Narretei Giorgio Manganellis angeregt
sind, und mich zuletzt mit der monk'schen Melancholie von 'Ugly Beauty'
von innerer Schönheit berühren lassen.

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BIRGIT ULHER / CHRISTOPH SCHILLER Tulpe Schicht Brille (Inexhaustible Editions, ie-011):
Angeblich ist Liebe nur ein Wort. Aber Trompete und Spinett sind auch nur Wörter, zumindest am
Mund von Ulher und unter den Fingern von Schiller, einer Größe im Bereich der Bruits Secret,massiert im Insub Meta Orchestra und Ensemble X, intim mit Gambe (Pierre-Yves Martel), Synthie(Thomas Lehn, Eric Ruffing) oder Trompete (Tassos Tataroglou) und nicht zuletzt solo. Es liegt
jedenfalls nicht an Electronics, Krimskrams, Radio und Lautsprecher, dass hier wenig bis nichts
nach Getröte und Geklimper klingt. Zu hören sind perkussives Gestöber, Dröhn- oder
Schmauchspuren mit metallischem und luftigem Beigeschmack und rätselhafte Punktierungen hier ein sporadischer Zupfer, da ein ominöses Schaben oder Vibrieren. Als Ausdrucksweise einerbesonders auf Creative Sources und Another Timbre verbreiteten Geräusch-Poesie aus
blubbrigen, schnarrenden oder gepressten Lauten, linden Pfiffen, zagen Tönen, twomblyesken
Klanggesten. Ob Striche, kleine Krakel, schiefe Tönungen, raue Wellenformen, alles geschieht inder sorgsamen Zurücknahme des Ichs hinter das Tönen. Das Ego wird zum 'Hohltier', dasnesselig oder quallend dem Festen spottet. Es wird 'Licht Pilot', zum Medium für Klänge, diedröhnende Fäden ziehen. Oder zum Teilchen, das andotzt und abprallt von Eisen und Holz.
Abrupte Laute, pickende oder blinkende, stehen im gezielten Kontrast zu Haltetönen in vielerlei
Gestalt. Schmurgelig bebenden, die flächig in die Breite gehen wie bei 'Teich Tisch Leib', oderknattrig-flattrigen und wie aus einer rostigen Röhre gezogenen. Ulher nötigt einem Hohlkörper
mit lecken Ventilen wieder Erstaunliches ab, Schiller, den man sich als 'Geiger' undKnöpfchendreher vorstellen muss, erzielt mit gestrichenen Kanten und rau zirpendem oder
federndem Draht nicht weniger Verblüffendes (und manchmal zum verwechseln Ähnliches).
UMLAUT BIG BAND Plays Don Redman - The King of Bungle Bar (Umlaut Records, UMFR-CD29):
Während Die Hochstapler mit "The Braxtornette Project", dem Maskenspiel "plays The Music of
Alvin P. Buckley" und dem pangrammatischen "The Quick Brown Fox Jumps Over the Lazy Dog"am fortschrittlichen Ende der Jazzgeschichte wie Vögel quaxen und Johnys Pferd Bim zwicken,
vertieft sich der Altosaxophonist Pierre-Antoine Badaroux im 14-köpfigen Umlaut-Big-Format in
frühere Epochen. Bei "Nelson's Jacket" spielt die Band Musiken von Gene Gifford, John Nesbitt& Will Hudson, Mary Lou Williams und Benny Carter, bei "Euro Swing" lässt sie europäischeTanzorchester der 30er wieder aufleben, und "Euro Swing Vol. 2" demonstriert, wie dabei Duke
Ellington, Sam Wooding, Willie Lewis oder Fud Livingston adaptiert wurden. Mit Don Redman(1900-1964), dem Onkel von Dewey Redman, gilt das Ohrenmerk nun ganz einem Arrangeur, derseinen Touch ab 1924 dem Orchestra von Fletcher Henderson aufdrückte oder McKinney's
Cotton Pickers, wobei 'T.N.T.' und 'Hot Mustard' verraten, wie heiß es dabei herging. In den 30ern
leitete Redman von seinem Erkennungshit 'Chant of the Weed' (1931) bis 'Milenberg Joys' (1938)
sein eigenes Orchestra, in den 40ern schrieb er als Freelancer Stücke für Cab Calloway ('Cupid's
Nightmare'), Jimmy Dorsey ('Flight of the Jitterbug') und Count Basie ('Just an Old Manuscript').
1946 kam er mit nochmal eigenem Orchestra und 'Frantic Atlantic' (1946) im Gepäck als erster
transatlantischer Jazz-Messenger nach dem Krieg nach Skandinavien, Belgien und in die
Schweiz, wo sie als "Amerikas berühmtes Neger-Jazz-Orchester" begeistert gefeiert wurden für"eine Kunst von ganz eigener, fast abstrakter Art, wie sie nur den Naturvölkern zu eigen ist". Sie
kamen auch nach Heidelberg, Nürnberg und München, um dort für GIs zu spielen (und nebenbei
tschechische Bopper inspirierten), und zuletzt nach Paris. Vieles, insbesondere aus den 50ern,
rekonstruierte Badaroux dann aus Redmans Nachlass, so dass hier eine gute Handvoll seiner
Erfindungen erstmalig zu hören sind, von 'Redman Rhythm' (ca. 1932) bis 'What's the Trouble'(1959). Ende der 50er war Redman Orchesterleader für the one and only, intoxicating Pearl
Bailey und während er 1957 vier Alben mit ihrem herrlich dunklen For-Adults-Only-Alt
arrangierte, konnte er selber "Don Redman's Park Avenue Patter" einspielen, woraus Badaroux'Penthouse Alley' aufgreift. Die sich da so schön anverwandeln, sind der Saxophonist Benjamin
Dousteyssier (von Théo Ceccaldi Freaks), der Pianist Bruno Ruder (der mit Magma und One Shot
gespielt hat), der Trompeter Louis Laurain, der Posaunist Fidel Fourneyron, der Bassist
Sébastien Beliah, der Drummer Antonin Gerbal etc., lauter Namen, die man von Die Hochstapler,Musæum Clausum, ONCEIM, Eve Risser White Desert Orchestra, Un Poco Loco oder Zoor her
kennt. Als virtuose Copy-Cats lassen sie Redman originalgetreu auferstehen in seinen speziellen
Hauptmerkmalen: den geschmeidigen Bläsersections im schnellen Wechselspiel und kontrastreicher Pointierung, den witzigen Rückgriffen auf abgelegte Moden und der Sophistication fürsymphonische Lushness und den neuen Pfiff des Bebop bei 'Mickey Finn' (1946). Über die
Respektbekundung hinaus, spritzt da der scharfe und der süße Senf aus jeder Note.
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HENRIK WALSDORFF / ACHIM KAUFMANN / ANTONIO BORGHINI /CHRISTIAN LILLINGER Coming Up
for Air (Trouble In The East Records
008): Der Altosaxophonist Walsdorff,
Jahrgang 1977 und 1994 aus Braunschweig nach Berlin gekommen, gehört zu den Guten, mit anfangs gleichLax, mit Soko Steidle, Ulrich Gumpert, dem CVDG Projekt oder seinem
Trio mit Westergaard & Lillinger. Bei
Schlippenbach und in Johanssons
Cool-Formationen spielte er gemeinsam mit dem Hochstabler Borghini,
der wiederum seinen Bass mit Lillinger als Schnell zupft. Und überLillingers Formationen Grünen und
Grund kommt Kaufmann ins Spiel.
Alles nur Männerwirtschaft? Nein, so
verknüpfen sich zarte Bande für sichblind vertrauende Tauchgänge. Dabei
geht's wirklich um Luft, denn Walsdorffs Ton ist einer der luftigsten in
der Szene. Lillinger macht sich dafür
mit quicksilver-rasant flimmerndem
Getickel fast durchsichtig zu Kaufmanns quecksilbrigem Piano. Der
Kontrabass mischt als grummelnder
Nöck mit, x-mal so schwer wie Lillinger, aber fast ebenso agil. Für diean Land Gekrochenen, von Kolibris
und Springmäusen vielleicht abgesehen, ist das alles viel zu viel undviel zu schnell. Walsdorff schnappt
erst nach ner Viertelstunde erstmals
Luft, sprudelt aber gleich weiter mit
lyrischen Schmierern, schillernd
aquarellierten Auf- und Abschwüngen, die der Schwerkraft spotten und
der Trägheit der Masse sowieso. Die
kollektive Quirligkeit überprickelt die
Synapsen mit schrillen Trillern undfederleichtem Wischen und Federn,
flexiblen Bogenstrichen, kristallinem,
spritzigem Gehämmer. Wobei diese50 ¾ scheinbar proteischen, zugleichcoolen und bebopquicken Minuten
die gängigen Klischees vom proteischen Typus pulverisieren mit fokusiertem Teamwork, schwarmintelligenten Parallelaktionen und unzynischer, ja sogar melancholisch verhaltener Poesie aus Rosttönen,Schablauten und feinem Gefunkel.

XENOFOX & JOKE LANZ Alarm (Oltrarno Raw,
OltRaw07): What a life! Gehörte Lanz als Sudden
Infant und mit der Schimpfluch-Gruppe einst zu
denen, vor deren Anblick sich die Säue erbrechen,so ist er doch seit über 20 Jahren mit seinen
Turntables auch schon bei Marco Käppeli Selection, im Chris Wiesendanger Nonett, bei Tommy
Meier Root Down, mit OZMO oder mit Christian
Wolfarth als Tell am Scratchen als respektabler
Improbruder. Wer hat vorhergesehen, dass er mit
Shelley Hirsch auf der Bühne stehen würde? Oder
auch nur, dass Sudden Infant als Trio mit Alexandre
Babel & Christian Weber zu derart krachigen Postpunksongs aufgelegt wäre, wie sie auf "Wölfli's
Nightmare" und "Buddhist Nihilism" zu hören sind?
Hier hält er zwar die Schnauze, macht aber Alarm
mit glühend gewetztem Plattenteller. Ganz anders
als bei den bröseligen Finessen mit Sophie Agnel &Michael Vatcher ist da zwitschernder und jaulender
Krawall angesagt zur Hals-über-Kopf-Trommlerei
von Rudi Fischerlehner, der sich nicht umsonst mit
Fiium Shaarrk und Gorilla Mask rumgeschlagen hat.
Und nicht zuletzt mit den dicken Fingern, quick &evil, von Olaf Rupp. Quick wie eine Mouse in theHouse, ruppig bis zum Trümmerbruch. Dabei geht
das diebische Vergnügen daran, den Verhältnisseneine knallende Zigarre zwischen die feisten Lippen
zu juxen und die Klangwelt in eine Möbiusschleifezu drehen, einher mit der ausgefuchsten Virtuosität, wummernde Beats und krummes Geklimper
mit knattrigen und fetzigen Wooshes und Rupps
Gitarrenmaximalismus zu verzwirbeln. Von prickeligem, tickeligem Geflimmer zu schroffen Schraffuren, rasenden Trillern und bebenden Verwerfungen. Lanz kratzt zu klirrendem Schlaghagel undtremolierendem Irrwitz Stimmfitzel und rubbelt
Mäusedreck vom Vinyl, dass es nur so quietscht.
Das ist, statt einem nur vollstoff den Schädel zu
plätten, richtig spannend dosiert, wobei Lanz mit
gescratchten Schreien und aufjaulenden Glitches
und die Drums als gepeitschter Schaukelgaul Rupp
dazu anstacheln, seinen Fingern das Äußerste
abzuverlangen. Ob 'Mr Kirks Nightmare' odergirrende Comix-on-Speed-Sounds, Rupp ergießt
sich dazu über die Saiten als ein Goldregen, in dem
Fischerlehner die Körnchen klickt. Und all das feinfingrig Tickelnde und spitzfindig Rieselnde dientzuletzt, von Lanz akkordeonistisch bezuckt, einem
glissandierenden, windschief eskalierenden unddurchdrehenden Himmelfahrtskommando, das sich
gerade noch so fängt, um mit einen HipHop-Spruchund einer Zamfir-Flöten-Drehung vor der Selbstzerstörung die Kurve zu kratzen.

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Today's Jazz is female 4
Down Beat zählte sie einst zu den „25 Trumpeters for the
Future". Doch das war 2007, und die Zukunft nimmt's
wie's kommt. LINA ALLEMANO (*1979) mischt schon mit,
seit sie 15 war. Reden wir nicht von der Tim Posgate
Hornband, dem Marianne Trudel Septet oder Tania Gill
Quartet, sondern schauen gleich, was sie da in Toronto
als Leaderin bietet. Die Aufmerksamkeit auf sich zog sie
mit Lina Allemano Four und den Alben "Concentric"(2003), "Pinkeye" (2006), "Gridjam" (2008), "Jargon"(2010), "Live at The Tranzac" (2012) & "Sometimes Y"(2017), mit Andrew Downing am Bass als zweiter Konstanten, Brodie West am Altosax & Nick Fraser an den
Drums. Der, mit "Too Many Continents" (2015) und bei "IsLife Long" (2017) auf Clean Feed ebenfalls als Leader,
blieb auch bei Lina Allemano's Titanium Riot (die aus dem
Titanium Trio hervorgingen und zuerst "N" hießen) an
ihrer Seite für "Kiss the Brain" (2014), beim Europa-Trip
Ende 2016 und bei "Squish it!" (2017). Am E-Bass agiert
Rob Clutton, mit dem sie, ebenso wie Ryan Driver am
Analog-Synthie, parallel als Cluttertones cluttert. Fraser
klopft und rappelt mit dem Charisma eines Biedermanns
herrlich krumme Beats. Von Clutton und Driver kommt
ominös dröhnender, knarziger, quäkender, jauliger undglitzernder Sound, um nicht zu sagen: seltsamer Noise.
Und sie bebrütet dazu brodelige und matt strahlende
Trompetentöne, mit Spucke auf der Zunge und Rost auf
den Lippen. Man kann bei ihr an Axel Dörner denken (beiDriver an Thomas Lehn mit ner Beruhigungspille intus),deswegen hängt Titanium Riot nicht weniger schön
scheps an der Wand. In Europa hatte Allemano schon im
Oktober 2012 und im April 2014 mit Four angeklopft. Im
März 2014 war sie mit Achim Kaufmann & Christian Weber
unterwegs. Und begann als Transatlantikpendlerin diesseits Erfahrungen zu sammeln mit der ganzen deutschholländisch-schweizerisch-dänischen Blase (Claudia Ulla
Binder, Nicola Hein, Paul Hubweber, Paul Lytton, John
Dikeman, Wilbert de Joode, Meinrad Kneer, Wolfgang
Reisinger, Rudi Fischerlehner...). Sie wurde Dauergast im
Berliner Ma Thilda, Club der Polnischen Versager, b flat,
Miss Hecker, Peppi Guggenheim, Loophole, Aufsturz, TBerlin, Ausland etc. Am 6.11.16 war sie zur Stelle bei der'Celebration of the Life and Music of Ken Aldcroft (19692016)' im Sowieso und fand Anschluss im Peter van Huffel
Octet. Mit Els Vandeweyer & Ute Wassermann umkreistesie Mary Lou Williams' "Zodiac Suite", mit Dan Peter
Sundland am E-Bass & Drummer Michael Griener bildet
sie das Lina Allemano Trio aka Ohrenschmaus. Und setzt
da den Attacken ihrer Partner schon auch ein scharfes
Schmettern entgegen. Um doch lieber den heißen Brei um
die Lippen zu schmieren, die getrillerten Amplituden
abzuflachen und dem Spiel ihren murmeligen undlyrischen Touch zu geben.
48Die Reihe "Spotlights: Female Improvisers in London" richtete 2016 die Aufmerksamkeit
auf Cath Roberts, Sarah Gail Brand, Kay Grant, Sue Lynch, Hannah Marshall, Sylvia
Hallett, Rachel Musson, Alison Blunt, Maggie Nicols und Caroline Kraabel. Ich möchte
jedoch das Schlaglicht umdrehen auf diejenige, die die Interviews führte: die dänische
Altosaxophonistin, Flötistin & Bassklarinettistin JULIE KJÆR (*1985). Sie kann sich
größerer Beachtung erfreuen, seit sie sich mit "Dobbeltgænger" (Clean Feed, 2016) im
Julie Kjær 3 (mit John Edwards & Steve Noble) in den Fokus schob. Prompt folgte der
Auftrag, zum Hudderfield Contemporary Music Festival 2017 die Komprovisation "This Is
Where You See Me" beizutragen, arrangiert für ihre Reeds, Violine, Cello, Kontrabass,
Waldhorn und Percussion. Seit über einer Dekade ist sie eine geschätzte Eine unter Vielen- bei Blood, Sweat Drum'n Bass (Dänemarks furiosester Bigband), bei PNL's Large Unit
und dem Pan-Scan Ensemble, im London Improvisers Orchestra, dem Aarhus Jazz
Orchestra oder Jeff Chambers Variable N-tet, bei Signe Bisgaard oder als eine der zehn
Favorite Animals der Sloth-Racket- und Ripsaw-Catfish-taffen Baritonsaxophonistin Cath
Roberts. Letzteres zeigt schon die für Kjær bezeichnende Sensibilität und Solidarität vonFrau zu Frau, die sie bereits im Saxophon-Oktett Saxoctopus mit Roberts und Musson
zusammenbrachte und erst recht beim Pierette Ensemble, in dem sie zusammen mit
Bisgaard in dänisch-britischer Frauenpower Hannah Marshall, Alison Blunt, Lisbeth Diers
und Pernille Bévort verband. Dazu muss man sich ihr Trio mit Musson & Marshall als Spinoff denken. Ihr Altoton ist angeraut und angedunkelt, Angeberei gehört nicht zu ihrem
Repertoire, sie bricht sich nicht Bahn, sie findet querfeldein Wege und schleicht mit
Marshalls Cello auch gern über kratzbürstig dornige Pfade.
Wer mich kennt, weiß, dass ich mich im Plinkplonk-Wald ein wenig verloren fühle. Ich
mache deshalb auf diesem Holzweg eine Kehre zu Kjærs schwedischer Kollegin im PanScan Ensemble, die seit 2012 schon im Fire! Orchestra gehärtete Altosaxophonistin ANNAHÖGBERG (*1985). Sie spielte damals in Pombo Songs mit der Sängerin Marie HanssenSjåvik, zeigte mit Doglife aber schon die Zähne (2016 auch in Moers) und salamandertesogar bei The Thing. Und schaffte dann schnell ihren Durchbruch mit "Anna Högbergs
Attack" (2016): Mit Lisa Ullén am Piano, Elsa Bergman (Ulléns Partnerin in Festen) am
Bass, Malin Wättring & Elin Larsson an Tenor- & Sopranosax und Anna Lund (von Music
From Scratch, Wättring 4 und Hurrakel), so androgyn wie phänomenal, an den Drums. So
spielten sie beim "Unlimited 29" 2015 im Schlachthof Wels groß auf. Beim Taktlos 2017 trat
der Trompeter Niklas Barnö an Larssons Stelle. Was sie spielen ist komponierte
Feuerpoesie, aber gebremst und strukturiert mit bruitistischen (per Innenklavier und
knarrendem Bassbogen), solistischen (vor allem Bergman traut sich da was), gedämpften(wie der Auftakt zu 'Attack') oder monoton repetitiven Momenten (wie der Auftakt in
Zürich). 'Familijen' ist besinnlich und getragen, 'Lisa med kniven' ähnlich, aber flockiger,'Borderline' tobt furios wie The Thing, 'Skofikargränd' stößt als Volkslied auf lärmigen
Widerstand, 'Regnet' bläst spuckig und klimprig Trübsal und erst 'Högberger' findet um ein
Lund-Solo und sägenden Bass herum nochmal zu feurigem Saxgesang, der allerdings
melancholisch verglimmt.

Högberg

NosovaVandeweyer

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Katherina Bornefeld (The Ex), Marylise Frecheville (Vialka) oder Anna Lund haben schon
großen Eindruck gemacht. Mir jedoch geht auch OLGA NOSOVA (*1986) nicht aus dem
Sinn, seit ich sie Trommeln erlebte. Das war im September 2013 mit Syncopated Silence,
mit Fyodor Fokin an der Gitarre und Anton Kolosov (vom Topot arkestra) am Bass, dieauch in ByZero als ZenCore-Aliens rumtoben, sogar mit Ilia Belorukov oder Mia Zabelka,
aber vor allem mit der Synthie-Furie Katya Rekk, die den Kreis schließt als Partnerin vonAlexei Borisov. Der ist nämlich seit 2009 Nosovas ständiger Weggefährte in ASTMA. Und
um dieses Gespann kommt man kaum herum: sie sind mit "Live in North Carolina" (2011)
auf dem bulgarischen Label Mahorka, mit "Borinosophil" (2012) auf Monotype, mit Els
Vandeweyer (2013) auf Zeromoon, mit Jelena Glazova auf Bornos ("Medea's Disco",2017), mit Sindre Bjerga auf Attenuation Circuit ("Live in Stavanger", 2017) oder mit Bob
Meanza auf Aut ("Raw Volumes", 2017). Davor hatte Nosova postpunkig mit den Motherfathers rumgedroschen, mit Borisov, der 1960 in Moskau geboren und seit 1980 unermüdlich im Untergrund zugange ist, hat sie sogar gelegentlich dessen Uraltprojekt
Notschnoi Prospekt wiederbelebt ("Polyurythane", Frozen Light, 2017). 2013 formierte
sie in Berlin mit Bob Meanza aus Verona an Keys & Electronics, dem spanischen Saxer
Vicent Doménech und dem Gitarristen Alberto Cavenati (von Ein Gschlößl Pöschl mit
Cavenati, Tilth) TOXYDOLL, für NowJazz mit Punch und Biss, wie zu hören auf "Live at
the Loophole" (2013) und "Bullsheep" (2015, beides auf Aut). Dabei lässt ihr Spiel auchkeinen Zweifel, dass sie sich nicht reduzieren lässt zum Alien, das mit allen Zähnen und
Klauen Wände pulverisiert. Fast könnte man meinen, dass sie da auch mit Silberpapierraschelt oder sowas wie Stricknadeln einsetzt, obwohl sie nun wirklich keine ist, die mansich sockenstrickend vorstellen darf, ihr ist auf Schrottplätzen und Marsfeldern wohler.
Von wegen Zoft Mascheen, sie ist eine Zoff-Maschine und ihr 'Mantis dance' kann einem
den Kopf kosten. Nur Oksana Grigorieva hat es bei Brom (2010-2012), bei Izrazets oderals GuramOks (w/ Guram Machavariani) ähnlich krachen und zischen lassen. Auch mit
Astma kann sich Nosova spalten in eine freejazzige Perkussionistin und eine kakophile
Elektronikerin. Und überhaupt lässt sie sich nicht reduzieren in ihrer Kreativität, dieauch Musiken für Dorothea Eitels Tanz-Company urbanReflects und Mitia Fedotenkos
Cie AutreMiNa umfasst, neben Eintagsfliegen wie mit Vandeweyer & Louis Rastig (exOozing Goo) als Deimantė, mit Vandeweyer & Antonio Borghini als Varan, mit Cavenati &Borghini als Oko oder mit Liz Kosack (The Liz) & Paul N Roth als Band of Spies.
Eine Berliner Spielgefährtin von Lina Allemano (mit Ute Wassermann als Zodiacs), Anna
Kaluza und Olga Nosova ist die abenteuergeile und temperamentvolle belgischeVibraphonistin [+ trashguitar / perc.] ELS VANDEWEYER (*1982). Sie hat in Portugal das
Imi Kollektief mitlanciert ("Snug as a Gun", Clean Feed, 2006) sowie während eines
Studienjahres in Oslo und bei einem Abstecher nach Chicago die lokalen Größen
kennengelernt, bevor sie in Berlin vor Anker ging. Dort spielte sie dann im Andromeda
Mega Express Orchestra ("Live at Planet Earth", 2014) und mit Almut Kühne in Tulip
Trees. Ihr halbfestes Arbeitsgerüst bilden der perkussive Overkill in Quat (mit Fred Van
Hove, Paul Lovens & Martin Blume und dem Arbeitsnachweis "Live at Hasselt", 2013),
Metal Illusion (klingende Schattenspiele mit Rieko Okuda), Big Dog, Balloon Dog (mitMike Majkowski & Johannes Schleiermacher), Kudu (mit Klaus Kürvers & Ignaz Schick),Spin Track (mit Olaf Rupp & DJ Illvibe) sowie Pascal Niggenkemper´s Vision 7 ("LuckyPrime", 2013) und Andreas Dzialochas Serenus Zeitblom Oktett ("Erster Teil - Zweiter
Teil - Dritter Teil", 2017). Im Duo mit Van Hove bespielte sie 2016 die NOWJazz-Sessionin Donaueschingen, neben dem Okkyung Lee Septet. Was mich aber fast noch mehr
kickt, ist, dass sie quasi für Alles zu haben ist: von Hans Unstern über Marco Bianciardis
The Somnambulists ("Sophia Verloren", 2012), Philippe Petit, Vagina Dentata Organ,
Alessandro Bosettis Trophies oder Art Brut mit Alexei Borisov & Olga Nosovas Astmabis zu Rob Mazureks Exploding Star International: Chicago-Berlin beim Jazzfest Berlin
2018... Nur welcher üble Streich bescherte ihr das primelige Vibraphon, wo es sie dochso sehr nach Hammer & Säge juckt (wobei ihr Streicheleinheiten durchaus leicht vonder Hand gehen).
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Wenn ich recht sehe, debutierte die Altosaxophonistin ANNA KALUZA mit Futür ("Kein
Schnee", 2007). Während sie anschließend in London ihren Master machte, spielte sie mit
Splatter ("Music for Misanthropes", 2009, "Scraffiti", 2011, "Cloudseed", 2013) und im London Improvisers Orchestra. Mittlerweile gehört sie zur Berliner Szene, im von ihr initiierten
Berlin Improvisers Orchestra, mit dem Hanam Quintet (w/ Alison Blunt /vl, Niko Meinhold /p,
Manuel Miethe /ss, Horst Nonnenmacher /b), zu hören auf "featuring Tristan Honsinger"(2013) & "Hanam at Piggots" (2015), ihrem Kaluza Quartett (w/ Christof Thewes /trb, JanRoder /b and Kay Lübke /dr), dem Heisenberg Quintett (w/ Meinhold, Hannes Buder /guit,
Stephan Bleier /b, Rui Faustino /dr) und gelegentlich in Ruth Schepers Rusira Mixtett. Mit
Artur Majewski (trp), Kuba Suchar (dr) & Rafal Mazur (b) entstand "Tone Hunting" (Clean
Feed, 2013). Und sie improvisiert vor Ort mit den üblichen Verdächtigen, neben den ihr
schon vertrauten KollegInnen etwa mit Perkussionisten wie Rudi Fischerlehner, Willi Kellers
oder Emilio Gordoa, gern auch mit Gästen aus London. Oder sie macht Abstecher RichtungFrankfurt, wo sie mit Baustelle No 5 (Julian Keßler /g & Johannes Held /dr) eine weitereBaustelle hat. Studieren lässt sich ihr Tonfall recht gut als Ingredienz im fragilen, an derVioline kalibrierten, mit Soprano verdünntem und mit Innenklaviereffekten gesprenkelten
Hanam-Sound. Sie fügt sich da ins Flimmern und Zwirbeln einer spinnerten Kaffeehausmusik, die feine Klangnuancen auskostet, aber schon mal die Milch sauer werden lässt, mit
so kleinwellig keckerndem Zungenschlag, als wäre sie, introvertiert, ab und an auch etwas
schroff oder kauzig angedunkelt, die ernste brünette Schwester zum blonden Soprano. Aberbesser noch erkennt man sie mit ihren Heisenberg'schen Unschärfen im kleinlauten Geflicker mit Buders Gitarre und wieder Meinholds flockigem Klirren.
Wie sollte ich nicht aufhorchen, wenn Hammetts Continental Op in San Francisco Big Floranachjagt und Sam Spade dem Malteser Falken oder wenn Daniel Quinn in der Stadt aus Glasauf Peter Stillman lauert? "avantNOIR" (Clean Feed, 2017) lässt ihre Geister in Schwarzweiß
aufflackern. Und anders als Charlie Hadens Quartet West klingt das bei LISA MEZZACAPPA(*1975, Staten Island) nicht nostalgisch, sondern es schillert zwischen fasziniert und sophisticated. Dafür sorgen schon William Winants Percussion und Tim Perkis mit Electronics(aber auch Stimmen aus der Albtraumfabrik). Perkis steht der Kontrabassistin auch bei
ihrem Quintett Nightshade ("Cosmic Rift", 2010) zur Seite, so wie der Tenorsaxophonist
Aaron Bennett auch bei ihrem Quartett Bait & Switch ("What is known", 2010). Noch treuer
ist der Gitarrist John Finkbeiner als ihr quecksilbrig prickelnder Sidekick da, dort und hier.
Sie selber hat in der letzten Dekade an der Westcoast zuerst in Nebenrollen gespielt bei
Bennett's Go-Go Fightmaster, Aaron Novik, dem Klarinettisten Cory Wright (der ihr im Gegenzug bei Nightshade beispringt) oder bei Vijay Andersons Touch and Go Sextet (der dafürbei Bait & Switch trommelt). Nicht folgenlos blieb ihr Spiel in Philip Greenlief's Citta di Vitti(cinema noir jazz trio inspired by Antonioni films) und Admiral Ted Brinkley (Sun Ra, Zappa,
Dolphy digested reconstituted exploded). Auf "Cosmic Rift" knöpft sie sich selber, neben
Olivier Messiaen, Zappas 'The Eric Dolphy Memorial BBQ' vor und bei "What is known" steht
Captain Beefhearts 'Lick My Decals Off, Baby' mit auf dem katalypsoklysmischen Programm. Mezzacappas Stilmittel, die sie - explizit mit Organelle - auf den neuesten wissenschaftlichen Stand bringt mit flow charts, graphs and diagrams, spielbar für any kind of
improviser (so auch schon im Kölner Loft am 20.6.2016), sind dabei so mitochondrisch wie
sprunghaft evolutionär.

MezzacappaÅse

Raknes51

TONE ÅSE (*1965 in Bergen), einst eine der Kvitretten, weiterhin eine der Trondheim Voices,z. B. bei Jon Balkes "On Anodyne" (nach Yusef Komunyakaa, w/ Batagraf, 2016), singt auchseit 10 Jahren in Marilyn Mazur's in Miles-Aura getauchtem Septett Future Song. Mit Thomas
Strønen ist sie auf "Voxpheria" (2012), nur Stimme, Drums & Electronics, zauberisch wie
Sidsel Endresen und Eldbjørg Raknes. Aber Åse kann auch prächtig rocken mit Ståle
Storløkken (der mit ihr verheiratet ist) an Keys & Tor Haugerud an den Drums als BOL. Mit
Poetry von E.E. Cummings und Rolf Jacobsen (1907-1994), von "Bol" (2001) bis "Numb,
Number" (2012) und "So? Now?" (2015) mit Hans Magnus 'Snah' Ryan (ex-Motorpsycho) an
der Gitarre und erstaunlichem Anklang an Joni Mitchell und Kate Bush.
Wie konnte ich bisher nur die erstaunliche Stimme wie ELDBJØRG RAKNES (*1970 in Midsund) überhören. In Trondheim von 1991 bis 2001 eine Kvitretten-Schwester von Tone Åse("Voices", 1996, "Everything Turns", 1999), dazu mit Christian Wallumrød & Arve Henriksen
als Nutrio, und bei "Med kjøtt og kjærlighet" (1997) gab sie der Jazz-Poetry von Søyr ihren
femininen Touch. Mit TINGeLING, einem Quartett mit Maria Kannegaard, Nils-Olav & Per
Oddvar Johansen, hat sie zu dem gefunden, was man ihre Eigenheit nennen kann - die
Verwandlung von Un-Pop-Poesie in Songs mit Norge-Flair und Noir-Flor. Bei "Tingeling"(1997) singt sie Joyce, R.D. Laing, Neruda, Kipling, Hemingway, Dickinson und Dorothy
Parker, bei "So Much Depends Upon a Red Wheel Barrow" (2002) Garcia Lorca, William
Carlos Williams, Eluard und Schwitters, bei "I Live Suddenly" (2006) Celan, Frost, Emily
Brontë und wieder Garcia Lorca und Parker. Mit Elin Rosseland & Sidsel Endresen als ACappella-Trio Ese entstand "gack !" (1999), mit Tone Åse & Ståle Storløkken das KinderliedAlbum "Det Bor En Gammel Baker..." (2002). Seitdem ist sie Big in norwegischen Kindergärten. Mit Kannegaard, Mats Eilertsen & P.O. Johansen vertonte sie auf "Många Röster
Talar" (2004) Karin Boye. "Solo" (2006) brachte als ihr erstes auf MYrecordings selbstverlegtes Album, nur mit Stimme und Eigenklangdoping, ein Volkslied und Songs nach Olav
H. Hauge (1908-1994), Doris Q und mit eigener Poesie. Mit der schruppigen Gitarre von Stian
Westerhus & Eirik Hegdal an Sax & Klarinette ist "From Frozen Feet Heat Came" (2008)
einfach zu eigenartig, zu großartig, zu radikal, um Raknes, obwohl sie da eigene Texte einsetzt, unter die Singer-Songwriterinnen einzureihen oder gar unter die nordischen Jazzmäuschen. Sie unterstrich ihre Sonderstellung mit dem außergewöhnlichen, zischendverrauschten, von brachialen Beats behämmerten oder glockenspielerisch befunkelten und
mit Gong bedongten Solo "Sense" (2010) und braucht auch da keine große Stimme, ihr sichper Loop und Delay zellteilendes Für-Sich gräbt sich gedämpft raunend, röchelnd undtraumverzerrt haspelnd wie Sidsel Endresen umso intimer und gefühlsechter in die
Synapsen. Gefolgt vom meditativ perkussiven, dunkel und wortlos vokalisierten "Open"(2013) als gothischem Zwitter aus Whens "The Black Death" und Darja Kazimira. Für "YouMake Me Feel" (2014) griff sie melancholisch zurück auf das American Songbook (und das
Kvitretten-Repertoire), mit Piano, Joni Mitchells 'River', einem herzgebrochenen 'I will wait
for you' und 'Black Coffee'. "Possibly in time" (2016) ist ein zartbitter geflauschtes, aberlyrisch illusionsarmes Poesie-Album mit ihrem Tingeling-Partner Nils-Olav Johansen an
Bassgitarre & Electronics, dem Songbook-Pianisten Oscar Grönberg an Rhodes & Synthie
und Kirsti Huke als jüngeren Schwester für wieder eigene Songs. Darunter das phantastische 'Define (Impromptu)', mit eisigem Noise, der die Zeilen Define short time / Definebright / Define bad / Define right mit sich führt. Define / me / you / Words fall short / Life isshort... Huke und Johansen, jetzt an Gitarre, sind auch Raknes' & Co bei "Again!" (2017), wo
sie selber auch wieder Wurlitzer & Percussion spielt. Für so scharfen Kontrast wie dem
zwischen dem Pathos von 'Snowman - AGAIN!' und 'How can we possibly', dem ausgerasteten 'Kaedåværlik?', dem fragilen 'Did you hitchhike with an eagle?', dem repetitivdeliranten 'I need new fingerprints/Do you have something nice to tell me?' und dem
katzenpfotigen Ausklang. Bei Åse und BOL, bei Raknes und TINGeLING finde ich Musik, diemeinem im griechischen Entekhno und im RIO gipfelnden Ideal verwandtschaftlich nahekommt. Als chymische Hochzeit von starker Poesie mit starker, engagiert-progressiver Musikund extraordinärem Gesang, als Kunst des materialfortschrittlich Menschenmöglichen, als
Wissenschaft der imaginären Lösungen (praktische Pataphysik), als norwegische Verlebendigung des Art. 1 Abs. 1 Grundgesetzes.
52

Als mir heuer beim Freakshow Artrock-Festival
immer wieder Leute entgegenkamen mit Cupido auf
dem CD-Cover, als gäb's das als Schnäppchen auf
dem Schwarzmarkt, wurde auch ich neugierig. Und
fing mir so mit DMK (Rrecords-010) einen Pfeil mitten
ins Schwarze ein. Der mich entflammt mit einem
Feuerwerk an Déjà-vus, wie nur JapanerInnen es imaberwitzigen Overkill zustande bringen. Matsuda
Daijiro beginnt als Pascal Godjikian und knurrt undbellt weiter als Nils Frykdahl, Shiraki Sayaka changiert von Dagmar Krause zu Le Silos Miyako Kanazawa, immer vorneweg im überkandidelten Slapstickcum-Pathos-Clash von Magma, Koenjihyakkei und
Sleepytime Gorilla Museum. Das Ganze mit dem
Drums & Bass-Turbo von Katagiri Nobukazu und Ishigaki Atsumoto im Kreuzfeuer der Monstergitarristen
Usui Yasuhiro und Muto Yuji (Namen, auf die man bei Next Order oder dem Satoko Fujii
Orchestra Nagoya stößt). Matsuda ist als grollender Dämon auch (neben Hisamine Kondo,
Yong Yandsen, Yan Yun oder Mick Barr...) einer der NewDuo-Partner von ONO RYOKO, in
Nagoya Mastermind und Namensgeberin des RYORCHESTRAs. Zuvor war die furiose
Saxophonistin (& Flötistin) bei Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso UFO gewesen("Have You Seen The Other Side Of The Sky?", 2006, "Crystal Rainbow Pyramid Under The
Stars", 2007), mit Tatsuya Yoshida bildet sie Sax Ruins, auf "Undine" hat sie 'Tarkus' von
ELP zerfleischwolft und auf "Alternate Flash Heads" 99 Ikons komprimiert. Sie mischt die
Saxwelt auf mit purer Zirkulartechnik, schneidenden Dudelsacktrillern und Multiphonics
mit spitzesten Ausschlägen auf der Zorn-Skala, gut hörbar in ihren Altosaxduetten mit
Eiichi Hayashi, Homei Yanagawa, Chris Pitsiokos und Nonoko Yoshida. Oder sie kann und
will durch Multitracking und Laptopwizardry maximal manisch und wie ein myriadenzungiges, beatblitzendes Cyberorchester klingen. Think Squarepusher meets King Crimson. Ob
mit Yoshida & Richard Pinhas, dem schwedischen Joxfield Project ("Red to Red", 2016)oder mit Hiroki Ono & Yuko Oshima (der Drummerin von Donkey Monkey) als Gakusei
Jikken Shitsu ("Hekizan", 2017), sie scheut keine Eskalation - ohne sich auf bloßen Krawall
reduzieren zu lassen. Wobei sie in Sax Ruins (bei "Yawiquo", 2009, & "Blimmguass", 2013)schon krass darauf gebürstet ist, vrresto und mit knatterndem und kirrendem Zwimbarrac
Khafzavrapp, dennoch nicht wirr & wüst, sondern mit hypervirtuoser Struktur in mathrockschnittigem Stop & Go und orchestraler Wallung. Wie Stan Kenton auf 78 rpm, wie John
Zorns Cobra auf Speed. Nun also "DMK". Mit 'Ëvison' als La STPO/slapphappyeskem Auftakt, feminin besänftig und mit strahlendem, dann auch kirrendem Altosax, sprachrhythmisch forciert, mit kläffendem Überschwang, auftrumpfender Gitarre und allem glückseligmachenden Nippon-Pipapo. Wenn doch Neue Musik mal sogestaltwandlerisch und neu klänge. Eine Gitarre opponiert mit
allen Mitteln dem verunklarten Chor von 'Zo vie Terezzo'. 'Laura
Palmer' hebt mit Gekreisel von Gitarre und Keys an und mutiert
zum magmaesken Metal-Fetzer. Für 'Naferisco' singt Shiraki als
Milchmädchen auf der Animal Farm und schon kommt zu kobaïanischer Swinglesingerei der schönste Aufstand zustande,
der sich überkandidelt und beflötet fortsetzt mit 'Glossolalia'.
'Night Song' als vokalisiertes, bassbekrabbeltes Lullabye wird
zur komischen Flucht vorm Bogeyman. Auch 'Dorothea' zieht die
magmaesken Register, Shiraki und Yuzumi Tanimukai drehen inhöchsten Tönen spintisierend der schroffen Rhythmik eine Nase,
Matsuda kräht infernalisch. Und raunt und tobt zuletzt bei 'DMK'
cthulhueske Beschwörungen. Onos Wackelkontakte aus hymnisch und hysterisch verraten einen Gestaltungswillen, bei dem
mir die Spucke wegbleibt. Foto: Alexey Subbotin
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Demeter und die Balkan-Walküren* Ursprünglich sollte das Konzert von MYSTERY OF THE BULGARIAN VOICES und LISAGERRARD in Hamburg bereits am 26. Oktober 2016 in der Michaelskirche stattfinden.
Doch zu diesem Zeitpunkt bewegten sich der traditionsreiche Frauenchor und die
australische Ausnahmevokalistin noch in der Findungsphase, aus welcher das gemeinsame, Ende Mai 2018 veröffentlichte Album "BooCheemish" hervorging (-> BA 99). Fast auf
den Tag genau zwei Jahre nach dem abgesagten Auftritt fand das Konzert am 15. Oktober
2018 schließlich doch noch statt, allerdings nicht im Michel, sondern in der Laeiszhalle(der kleinen Schwester der Elbphilharmonie). Der große Saal ist nicht mal annähernd
ausverkauft, obwohl neben adrett gekleideten, betagten Stammgästen und sicherlich
vielen Dead-Can-Dance-Fans in unterschiedlichster Mode auch unter anderem lokale
Prominenz in Person von Peter Heppner (ehemals Sänger der Wave-Synthie-Band Wolfsheim) die Veranstaltung mit ihrer Anwesenheit beehrt.
Als erstes findet sich die Band auf der Bühne ein. Neben dem Berliner PercussionSchamanen David Kuckhermann sind Hristina Beleva an der Gadulka, Dimitar Tenchev(Kontrabass), Peter Milanov (zehnsaitige Gitarre) und Kostadin Genchev, der die Kaval(das Nationalinstrument Bulgariens) spielt, mit von der Partie. Nach Warmup der Musiker
nimmt der Chor seine Halbkreisformation ein, die 20 Sängerinnen nach Stimmfarbesortiert und von Professorin Dora Hristova geleitet. Gekleidet sind die Bulgarinnen fast
aller Altersstufen und Figurtypen in traditionellen, detailreichen Kleidern ihrer Heimat,
irgendwo zwischen Wyschywanka und Schwarzwaldtracht inklusive Blumenkränze. So
manche der Damen wirkt durch ihren Gürtel wie eine Balkan-Walküre. Schon früh wird
man als Zuschauer/Zuhörer der einmaligen Technik und Fähigkeiten der Sängerinnen
dadurch gewahr, dass deren Abstand zu den Mikros gut und gerne ein bis zwei Meter
beträgt, die Stimmen aber dennoch kraftvoll und klar zu hören sind. Immer wieder dürfen
zwei oder drei der Chormitglieder vortreten und als Solistinnen agieren. Die unvorstellbare Bandbreite des Chores zeigt sich sowohl in langsamen aber emotionalen
Balladen wie 'Ganka' und 'Zableyalo Agne' als auch in den übermütig-flotten Stücken wie'Tropanitsa', bei welchem der bulgarische Beatboxchampion Alexander Deyanov alias
SkiLLeR (nicht zu verwechseln mit einem Hamburger Macho-Tatort-Kommissar) als
weiterer Taktgeber fungiert.
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Bei seinem pulsierenden Soloauftritt brummt und röhrt der "Fast Mouth of the East"
wie ein bassgeschwängertes Didgeridoo (quasi die Kaval Australiens). Kuckhermann und Beleva vollführen als weiteres Intermezzo ein spielerisches Duettzwischen Hang und Gadulka, wobei sich beide Instrumente gegenseitig anfeuern.
Im Anschluss, gut eine Stunde nach Anfang des Konzerts, betritt schließlich unter
großem Jubel Lisa Gerrard die Bühne, der Erntegöttin Demeter gleich inherbstdunkelgrün-goldener Gewandung mit ihrer charakteristischen Hochsteckfrisur. Weil die Jahre seit der Dead-Can-Dance-Welttournee 2012/13 es nicht so gut
mit ihr gemeint haben, wirkt die 57jährige seither gesundheitlich etwas angeschlagen. Dennoch hat Lisa wenig von ihrer Ausstrahlung und Grazie verloren.
Gleich bei 'In the Beginning', dem ersten Song des gemeinsam mit David
Kuckhermann aufgenommenen Albums "Hiraeth" (seit August als digital download
erhältlich), legt Madame Gerrard so richtig los, schwurbelt die onomatopoetischen
Arabesken derart virtuos aus ihrem Mund, als würde sie als weiblicher Muezzin zum
Gebet rufen. Fast könnte man Angst haben, dass sich ihre Stimmbänder dabei
verknoten. Zusammen mit dem Chor blüht Lisa bei 'Pora Sotunda" regelrecht auf.
'Unison' unterstreicht, dass die Bandbreite von Gerrards Gesang in allen Registern
nicht nachgelassen hat. 'Rites of Passage' klingt mit seinem Chor-Mantra wie einbisher unveröffentliches Stück der australisch-bulgarischen Zusammenarbeit,
offenbart sich allerdings als zweite, gemeinsame Gerrard/Kuckhermann-Komposition des Abends mit besonders rasantem Rhythmus und einer weiterhin
ausgelassenen Lisa, deren Bühnenpräsenz ihresgleichen sucht. Während sich die
Dead-Can-Dance-Sängerin mit der rechten Hand grazil am Mikrofonständer abstützt, vollführt sie mit der linken Hand kleine tänzerische Bewegungen. Auch wenn
die meisten Zuschauer wegen ihr gekommen sind, so liegen der Australierin
jegliche Starallüren fern. Den bulgarischen Stimmen als großen Vorbildern für ihre
Karriere zollt Lisa nach jedem gemeinsamen Song gestenreich Respekt, vor allemden Solistinnen, gleichzeitig zeigt sie sich vom Applaus äußerst gerührt. Das gerade
aufgrund des Zusammenwirkens von Chor und Vokalistin so bewegende 'Mani Yanni'
bestreitet Lisa mit der bereits auf Solopfaden erfolgreichen "Mystery"-Alumna
Gergana Dimitrova als reduziertes, aber nicht minder gelungenes Duett. Am
Abschluss dieser denkwürdigen Performance steht mit dem "Gladiator"-Titelsong'Now We Are Free' zwar einer von Gerrards größten (und langweiligsten) Hits, die
Version mit Mystery of the Bulgarian Voices als Backing Vocals vermag allerdings
zu glänzen.
Nach langem Applaus leert sich der Saal und Alexandra, eine DCD- und Lisa
Gerrard-Jüngerin, die ich just kennenlernen durfte, versichert mir, dass die Diva wie
schon beim Bochum-Konzert zwei Tage zuvor hinterher noch für Autogramme undFotos zur Verfügung stehen wird. Während sich andere Gäste mit jungen Damen
des Chores ablichten lassen, warten wir vergeblich, bis uns das Hauspersonal aus
dem Gebäude komplimentiert. Nachdem Alexandra, ich und der übrige harte Kern
(darunter ein Brite und ein Italiener) noch gut eine Stunde in der lauen Hamburger
Herbstnacht ausgeharrt haben und sich der Empfang des bulgarischen Generalkonsuls langsam auflöst, verlässt Lisa Gerrard als letzte nach allen anderen
Musikern die Laeiszhalle und läuft uns mit den Worten "You're so bloody patient" in
die Arme. Auch wenn der Flieger zum nächsten Auftritt (vermutlich zu einem derunzähligen Konzerte mit Filmmusik-Vielkomponierer Hans Zimmer) schon in
wenigen Stunden geht, so nimmt sich die wie eine modisch eigenwillige, aberschicke, liebenswerte Tante (die man schon immer haben wollte) Zeit für ein kurzes
Pläuschchen und Fotos. Während wir unser Glück kaum fassend ob der surrealen
Begegnung, gönnt sich Lady Lisa noch eine Zigarette. Bis zum nächsten Jahr inFrankfurt, wenn Dead Can Dance wieder in der Alten Oper aufspielen.
Marius Joa

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Georgia on my mind?
Die Ostgrenze Europas zieht sich durch das Russische Kaiserreich, den Ural entlang,durchschneidet das Kaspische Meer und läuft dann durch Transkaukasien. Hier hat die
Wissenschaft ihr letztes Wort noch nicht gesprochen. Während manche Gelehrte das
Gebiet südlich des kaukasischen Bergmassivs zu Asien gehörig betrachten, glauben
andere, auch dieses Land als Teil Europas ansehen zu müssen, zumal im Hinblick auf die
kulturelle Entwicklung. Es hängt also gewissermaßen von eurem Verhalten ab, liebe Kinder,
ob unsere Stadt zum fortschrittlichen Europa oder zum rückständigen Asien gehören soll.
So Kurban Said in "Ali und Nino" (1937). 'Unsere Stadt' war Baku, aber das Romeo undJulia-trifft-Dr. Zhivago-Drama des aserbaidschanisch-muslimischen Ali und der georgischchristlichen Nino bringt die transkaukasische Klemme ganz identifikatorisch auf den Punkt.
Nach Stalins ethnischen 'Säuberungen' schrieb Fasil Iskander (1929-2016), der aus dem abchasischen Sochumi stammte: ...mein Herz trauert, und mein Ohr ist verwaist. Seit meiner
Kindheit war ich an unser kleines Babylon gewöhnt. Wir waren gewöhnt in der Luft meiner
Heimat, Abchasisch, Russisch, Georgisch, Mingrelisch, Armenisch, Türkisch ... zu hören,und nun, da aus dieser süßen Vielstimmigkeit ... die vertrauten Stimmen verbannt sind,findet mein Ohr keine Freude mehr, hat die Luft der Heimat ihren Zauber verloren! Selbst
Micheil Dschawachischwili, dem die Georgier in "Das fürstliche Leben des Kwatschi K."(1924) den egomanischen Anti-Helden und Trickster Kwatschi Kwatschantiradse verdanken,
wurde 1937 exterminiert. Und 'gesäubert' wurde weiterhin: Im Massaker von Sochumi wurden 1993 Tausende Georgier abgeschlachtet, gefoltert, vergewaltigt, die noch verbliebenen
Juden und Griechen mit in die Flucht getrieben. Alles nur eine Folge dessen, dass die Heimat da ist, wo koloniale Expansionen, die iranisch-osmanischen vom Süden her, die zaristisch-sowjetischen vom Norden her, wie Kontinentalplatten aufeinanderstoßen? Tolstoi beschrieb den Effekt des hundertjährigen Kaukasuskriegs so: Es war nicht Hass, sondern das
Gefühl der Unmöglichkeit, diese russischen Hunde überhaupt als Menschen anzusehen, es
war ein solcher Abscheu und Ekel, ein so fassungsloses Erstaunen über die sinnlose Grausamkeit dieser Geschöpfe, dass der Wunsch, sie wie Ratten, Wölfe oder giftige Spinnen auszurotten, ebenso selbstverständlich erschien wie der Trieb der Selbsterhaltung ("Hadschi
Murat"). Die Zaren hatten fast eine Million Soldaten verschlissen, um sich diesen Hass zuzuziehen, notiert Navid Kermani in seinem Reisetagebuch durch den Wilden Osten, als er vonGrosny her über Wladikawkas (= Beherrsche den Kaukasus) auf der Georgischen Heerstraße über den Darielpass Tiflis [Tbilis(s)i] erreicht hat. 1795 noch von den Persern völlig
zerstört, wurde die Stadt ab den 1840ern zum russischen Herrschaftszentrum über den
Kaukasus und zum multikulturellen Schnittpunkt russischer, westeuropäischer und orientalischer Selbstverständlichkeiten. Auch deutsche Kolonisten wanderten ab 1817 zu, in Tiflis
entstand ein deutsches Viertel. 1876 bis 1885 lebte Berta von Suttner mit ihrem Mann inGeorgien, sie versuchte Shota Rustawelis Versroman "Der Recke im Tigerfell" (frühes 13.
Jhdt.) zu übersetzen, er wurde Kriegsberichterstatter im Russisch-Türkischen Krieg. Durch
Berichte wie die seinen fasziniert, kam Arthur Leist (1852-1927) nach Tiflis. Ihm gelang 1889
die erste westeuropäische Ausgabe des georgischen Nationalepos, als Chefredakteur der
Kaukasischen Post wurde er dER Georgien-Vermittler. Berlin wurde 1921 zur Zuflucht georgischer Emigranten, nachdem die Rote Armee die 1918 ausgerufene junge Republik Georgien in der Wiege erwürgt hatte. Der gescheiterte August-Aufstand 1924, die Massenerschießungen und Deportationen traumatisierten die Überlebenden. Titus von Margwelaschwili, der Vater von Giwi Margwelaschwili, der 1927 in Berlin geborenen germanophilen
Eminenz der georgischen Literatur, schrieb dort für Der Kaukasus, bis er dem NKWD in die
Hände fiel und 1946 in Tiflis erschossen wurde. Grigol Robakidse (1880-1962), der mythophile Begründer der Dichtergruppe Blaue Hörner und durch "Das Schlangenhemd" (1926)
bekannteste georgische Schriftsteller, stieß 1931 dazu. Nach "Kaukasische Novellen"(1932) und "Megi: Ein georgisches Mädchen" (1932) sah er sich ab "Die gemordete Seele"(1933) als Widerpart zu Stalin (der sich 1937 die Blauen Hörner doch noch holte) und
begann deswegen von Hitler zu schwärmen. Aber Stalins Denkmal stand in Gori noch bis
2010. Und der ' Homo Sovieticus' ist auch heute noch allgegenwärtig.
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Von 1921-1991 sowjetisch erstarrt, 1924, 1956 und 1989 nochmal mit blutigem Nachdruck,
danach durchgeschüttelt von der blutigen Sezession von Südossetien (1990/91) und Abchasien (1992/93), den damit einhergehenden Vertreibungen, vom Tbilisser Bürgerkrieg (1991/92), der Rosenrevolution (2003) und dem Augustkrieg mit Russland (2008) mit weiteren
Flüchtlingsströmen. Nur mit Mühe bekamen die Georgier die gröbste Korruption in den Griff(durch Michail Saakaschwilis grobem Besen, mit allerdings auch wieder eigenem Protz) und
brachten 2016 sogar einen tadellosen demokratischen Regierungswechsel zustande.
Medea reckt in Batumi das Goldene Vlies wie einen Skalp, Kartlis Deda, die Landesmutter
mit gastfreundlicher Weinschale und trutzigem Schwert, hat ihren Blick erhoben. Bei allem
Verfall und Kitsch besannen sich einige auf die in Café- oder Literaturhäusern dornröschenschläfrig bewahrten, in Jazzclubs auch wieder modernistisch oder von persischen Genusssuchern einfach nur kulinarisch und nostalgisch beschnupperten Möglichkeiten. Irgendwo
in der Mitte zwischen nicht mehr und noch nicht ganz, nicht Europa, nicht Asien. Eine
Möglichkeit, wie sie Tamara Kvesitadzes 8 m hohe Skulpturen 'Man and Woman' am Strand
von Batumi zeigen, Ali und Nino, die sich immerzu durchdringen und immerzu vergegnen.
Wie immer suche ich auch in diesem von Stephan Wackwitz "Die vergessene Mitte der Welt"
genannten Splitter des europäischen Mosaiks mit seinen 3,7 Millionen Splitterchen nacheinem europäisch-kosmopolitischen Wir. Und finde es:

Bei GACHA BAKRADZE, der Electronica macht mit Drum Machine und Kalimba-Beats. Bei
Andro Gogibedashvili, der als SAPHILEAUM Beats steppt als Saum seiner dark ambienten
Tracks. Bei TETE NOISE, der dröhnend durch ähnlich schattige Zonen driftet. Bei BERIKA,
der bei "Far Silence Alegory" (2015) outer space pulsiert. Bei Irakli Shonia (*1985) alias
VINCENT VOLT, der sich für "Sections from the Imaginary Future" (2017, Hanker) versteckt
im Kürzel V.C.V.S., für ein Spannungsfeld aus knattrigem 'Tremor' und 'Luxury Lifestyle
Pattern'. Mit REZO GLONTI (Aux Field, Corpus) als Datagramma steuert er eine halbe
Stunde bei zu "Compiled for Oor at Nectar, 2nd Tbilisi Triennale 2015". YouTube zeigt ihn"live@twilight" in der in einem stillgelegten Elektrizitätswerk zwischengenutzten ArtArea,
zugleich Konzert-Location, Kunstgalerie, Buch-Verlag und Internet-Fernsehsender. In dervon NATALIE 'Tusia' BERIDZE (*1979) alias TBA veranstalteten Electro-Reihe als Attraktion
für Tbilissis Hipster trat auch der als Nikakoi oder Erast (nach B. Akunins Ermittler Erast
Fandorin) und als Filmkünstler bekannte NIKA MACHAIDZE (*1972) auf. Mit Beridze gehört
er nämlich zur Künstlergruppe Goslab, er hat für sie Musikvideos wie 'What about things likebullets' gemacht, und sein 'Questionary about luck'-Video (2006) für Thomas Brinkmann ist
ebenfalls kein Zufall, denn Beridzes Leftfield-IDM - von "TBA" (2003) bis "Size and Tears"(2007) - ist bei Brinkmanns Label Max Ernst erschienen, bevor sie mit "Forget'fulness"(2011) und "Guliagava" (2016) zu Monika Enterprise wechselte. Wenn Gogi Dzodzuashvili(*1971), ein weiterer Goslab-orant und Soundscaper für Theater und Film, zu Machaidzes
Puls und mollgetöntem Sound "like tears in rain" schmachtet, ist das Tbilissi-Feeling pur. Als
POST INDUSTRIAL BOYS erschien er ebenfalls auf Max Ernst mit "Post Industrial Boys"(2004) und "Trauma" (2006) und bei Karaoke Kalk mit "Unintended" (2016).
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Treffender als mit seinem sanften Zungenschlag kann man kaum von der unerträglichen
Leichtigkeit des Seins singen. Denn wie beschreibt Beridze die Verhältnisse so schön? 'This
isn't right, this isn't even wrong'. Dennoch, "live@twilight" rückt Georgien etwas näher an
den Rest der Welt - durch Alexandre Kordzaia (KORDZ) [der 2017 auch beim Tbilisi Jazz
Festival auftrat mit GIORGI ZAGARELI (*1986), Bratscher bei New Georgian Philharmonic,
Mitbegründer des Festivals Kontrapunkt für zeitgenössische Musik und derjenige, der erstmals Werke von Berio, Feldman, Xenakis, Penderecki und Ligeti in Georgien aufführte];durch DIGITAL SADHU, MANGIPHERA (Bacho Katsadze), GABYRRE (Beka Gabritchidze);
VAZHMARR; den eiderdaun-ambienten SINOPTIK MUSIC (Zurab Chkhartishvili)... Wobei
Bärte, Schnauzer, asiatische Pferdeschwänzchen oder Samurai-Dutts das Erscheinungsbild
dominieren, auch wenn sie alle TBA aus der Hand fressen. Doch wer würde das nicht, wennsie - auch sie - zu träumerischem Bossa-Nova-Flow ganz melancholisch Zeilen anstimmt wie:
memories folded / like a parachute / in skies above, / flashing earth / and remember it / blue
overhead / blue underneath / Lavender lips. / Clasp me in / your handkerchief / like a tear.
Ein Attraktion in Tiflis ist das Bassiani, spielerisch benannt nach 'Bässe' und der Schlacht
von Basian 1203, in der die Georgier ihr Goldenes Reich unter Königin Tamar verteidigten.
Der größte Dancefloor des Landes steht nach einer martialischen Drogenrazzia im Mai 2018
im Fokus des akuten Konflikts zwischen libertären Lebensformen und Kräften, die, trotz aller
Russophobie, vor allem in der russisch-orthodoxen Kirche und der Bewegung Georgischer
Marsch, noch ganz der 'Sowjetmentalität' anhängen, wie Nino Haratischwili konstatiert, die
mit dem 1280-seitigen "Das achte Leben (Für Brilka)" das "Geisterhaus" Georgiens schrieb.
Einer der festen Bassiani-DJs und einer der Hauptaktivisten des jungen Tiflis ist NDRX, derin seinem ambienten Soundcloud-Podcast #24 schon mal Slavoj Žižek gesampelt hat. Mit
11th Floor schuf er den Platz für eine Radioshow, DJ-Schule und für nicht dancefloortaugliche Ästhetiken von Kid Jesus oder Klopfzeichen - Lifesigns - von Berika, Levan
Shanidze, Avi Musaifi, Newa (Ana Kublashvili) oder Irakli Shonia (als Severiane), wie sie auf
Bassani-12"s zu hören sind, bei Icontrax oder Hanker.
IRAKLI ABRAMISHVILI, beim zarten Geflimmer von "Position" (2012) noch allein, tat sich2014 mit DAVID DATUNASHVILI zusammen, der da gerade mit "Composure" sich somewhere between jazz, pop and instrumental music bewegte, und die beiden liefern mit"არჩევანი / არადანი [Archevani/Aradani]" (2016) so ziemlich das Verspielteste, was Bandcamp unter dem Tag Tbilisi zu bieten hat: Noise, in sanfter Liedermachermanier die'National Anthem of Sananeti', erratisches Plonking, Loops, Gemurmel, auf Fingerspitzen
die Tonleiter auf und ab improvisiertes Rhythm/Noise-Zeug, nicht unbedingt Fun... I know
why my music sounds like this, sagt Abramishvili. Because we are children of war, hunger
and underground. Very terrible, there was no electricity in the '90s. Und manchmal gab's
tatsächlich nicht mal was zu beißen. Auf "Yes please no please" (2018, Hanker) dröhnt er
wieder solo, mit Pianosound, keuchend unter starkem Druck, von Brandung berauscht.
ENNUI grollen auf "Mze Ukunisa" (2012) "Memento mori"-Poesie von Terenti Graneli (18971934) und wälzen als gigantische Dungkäfer Funeral Doom Metal von "The Last Way" (2013)bis "End of the Circle" (2018). PSYCHONAUT 4 machen theatralischen Black Metal, IM
NEBEL suchen, angeführt von Michael Lenz und getauft nach dem Gedicht von Hermann
Hesse, auf "Vitriol" (2008) den Zeitgeist zwischen pathetischem Symphonic Prog und
knatterndem Metal, zwischen Lenzens Bel Canto und heiserer Dämonik von Vasil Doiashvili.
SAKARIA PALIASCHWILI (1871-1933) wird heute noch gestreichelt, sein Porträt ziert den
Zwei-Lari-Schein. Mit seinem Andenken ist die phonographische Sammlung von 300 georgischen Volksliedern verbunden, aus Opernmotiven von ihm wurde 2004 die Nationalhymne
gestrickt. ALEKSI MATSCHAWARIANI (1913-1995) schrieb eine Ballettmusik zu "Der Recke
im Tigerfell" (1973) und kreierte mit schostakowitsch'schem Nachhall symphonische Monsterquallen bis hin zur Sinfonie Nr.7 "Gelati" (1989) mit Chor und Worten des georgischen
Königs Dawit dem Erbauer. FELIX GHLONTI (1927-2012) sprach mit der schmerzlichen Dramatik der "Marienbad Elegy" (1990) für Cello und Orchester zur georgischen Seele, und mit
seinem "Requiem für Ilia Tschawtschwadse" (2003) für Solisten, Chor und Orchester gedachte er der heilig gesprochenen, 1907 ermordeten Lichtgestalt der georgischen Nationalbewegung, nach der die Staatliche Ilia-Universität benannt ist.
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Georgien hat seinen eigenen Pärt/Sylwestrow'schen ECM-Elegiker in GIYA KANCHELI(*1935). Zwar lebt der 'Asket mit vulkanischem Temperament' seit 1991 in Belgien, aber sein
'Trauerfarbenes Land' liegt doch am Schwarzen Meer, in das auch sein 'Styx' mündet (fürViola, Chor und Orchester). Bei 'Diplipito', 'Don't Grieve', 'Little Imber' und 'Amao omi' griff
er georgische Texte auf. Mit 'quietest whispers' und 'resounding roars' oder, Gegenmeinung,'schmaltzy melodies' und 'grim cliches' lässt der Meister einen schwelgen in seinem 'Lichte
Trauer' (in der er den tragischen Dichter Galaktion Tabidse mit eingesargt hat), seinem'Silent Prayer', seinem 'Freudlose Gedanken', seinem 'Abii Ne Viderem'. Doch nebenher fiel
ihm auch der "Bumerang"-Sound zum Hammett lesenden Kommissar Trautmann ein.
MICHEIL SCHUGLIASCHWILI (1941-1996) gründete 1995 in Tiflis das erste Studio für Computermusik in Georgien. Und hinterließ ein avanciertes Erbe, das ihm Vergleiche mit Stockhausen, Xenakis oder Tenney einbrachte für etwa sein "Sextet" (1973) oder "Große chromatische Fantasie für 3 Klaviere" (1974/1976-78). Zu seinen Verehrern gehört RESO KIKNADZE(*1960), ein improvisierender Saxophonist, Elektroakustiker und Neutöner, der 1991
studienhalber nach Lübeck kam. Seit 2012 ist er Rektor des Konservatoriums Tiflis. Was
seine Neigung, als Hansdampf durch alle Gassen zu blasen, kein bisschen einschränkt.
"Live@Twilight" #11 zeigt ihn zusammen mit Nikakoi; 'Menatrebi' (2006) für Saxophon und 4Kanaltonband ist eine Meditation im Gedenken an seinen Lehrmeister Schugliaschwili, 'The
Room' (2008/2015) für Computerkeyboard eine Hommage an Alvin Lucier, 'Morphose del'Amen' für Pianoduo und Live-Elektronik eine an Messiaen; 'Graphonyme' für Akkordeon
und Kontrabass (2008) lässt sich bei Kammermusik einsortieren, ebenso die '3 Lieder nachJohn V. Hicks' (1999) für Mezzosopran, Violine & Viola, aber auch schon Elektronik: The click
click click I heard in the / bare November tree / was two skulls kissing...
Nicht zu vergessen und nicht zu verachten ist die aufblühende Jazzszene in Tiflis und
Kiknadzes Beitrag auch dazu im Reso Kiknadze Quintett mit dem Gitarristen GURAM
MACHAVARIANI oder im Sextett mit dem nach Moskau gewechselten Drummer IRAKLISANADIRADZE und mit Electronics von Alexei Borisov. Sanadiradze, Spielgefährte auchschon von Kazutoki Umezu und Machavarianis Duopartner in Critical Mass, hält mit Vladimir'Bisamråtta' Luchansky am Sax, Grigory Sandomirsky & Vladimir Kudryavtsev (von Goat's
Notes) an Keys & Kontrabass und wieder Machavariani als Critical Goats, im Proliferation
Trio (mit Alexei Nadzharov an Keys & Electronics & Yuri Yaremchuk) oder im Y.S.P.M. Quartet(mit Yaremchuk, dem Bassisten Konstantin Polyakov und, logisch, Machavariani) die Avanttür ständig weit offen. Wie zu hören im Konzertzyklus 'Trane Zen Art. Avant-Garde Jazz Lab'im Club Alexey Kozlov in Moskau. In Tiflis ist das Singer die angesagte Adresse. Dazu gab es
das Tbilisi Jazz Festival heuer zum 21. Mal, natürlich mit dem Kiknadze-Spirit derConservatoire Jazz Band.
Die Sängerin und Pianistin RUSSUDANMEIPARIANI (*1975, Tiflis), die u. a. bei
Wolfgang Rihm studiert hat, komponiertin Stuttgart für das Meipariani Duo mit
ihrer Schwester Natalie (Gesang, Geige) und für das Russudan Meipariani
Ensemble mit noch Giga Khelaia (Cello)
und David Stützel (Oberton, Singende
Säge). Solo klopft sie krumme Rhythmen auf nem präparierten Klavier. Zusammen mit Zura 'Zuricha' Dzagnidze(g, perc), Fabian Wendt (b) und Jörg
Bielfeldt (dr) machte sie als Veli Ulevi
Freak Folk ("Distances", 2013). Sie
komponierte und performte im Oktober
2017 mit dem Tbilisi Contemporary
Ballet „The Sound of Daira…“. Auf
Zurichas "Inside Out" (2018) singt sie'Matches Elegy'.
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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
Auf Abwegen (Köln)
Wenn ich etwas blättere im Werkverzeichnis von MARC BEHRENS, dann stoße ich mit"Architectural Commentaries" (2002 / 2007) und "Bauteile (w/ Atom™, 2014) auf Titel, diesich um Ähnliches zu drehen scheinen wie Mutt Att Narc Imm (aatp46): Das krachige Rumwuchten von Zeug auf Baustellen. Tatsächlich entstand das Klangkonstrukt auch in drei
Bauabschnitten: 'Imm', 'Att Imm Mut' und 'Mutt Att Narc Imm', als freilich nicht sichtbares,
sondern nur hörbares Bau-Werk. Getönst im Kleinen Wasserspeicher Berlin mit Kesseln, Me tallpercussion und einem feuchten Handtuch, mit weiteren Klängen von eisernen Piers und
Kaizungen am Hafen von Marseille. Das so ausgeformte Percussionsolo lebt von der plastischen Suggestivität des Hallraums und dem Eindruck, dass da händisch gedongt, geklirrt,
gescharrt, gefedert, geratscht und gerauscht wird. Alle Ecken und Kanten treten in 3D hervor, von raschelnder Stahlwolle und zischenden Wischern über peitschende Gesten hin zu
donnerblechernem Knattern, rumpeligen Ruckern und gongenden oder schrottigen Hieben.
Die metallischen Klänge bekommen einen elektronischen Schweif, der den kesselartigen
Raum riesig erscheinen lässt, aber doch so geschlossen, dass der Hall nicht ins Offene
entweichen kann. Die schlagende Gestik weicht dunkel dröhnendem Schweifen und dem
eisernen Vibrato einer kullernden kleinen Kugel. Dann setzen das Klopfen, Picken und
Scharren wieder ein, mit langem metalloiden Nachhall, griesigem Rauschen, rauschendem
Schleifen und paukigem Dröhnen. Und wir mittendrin statt nur dabei. Auch beim dritten,
zuerst ganz leisen Part, mit klackendem und krimskramsendem Klingklang zu kurvenden
Drones, mit wieder ratschenden Lauten und blechern krachenden, die nahtlos in rauschende Brandung übergehen. Das eiserne Vibrato rollt dazu mit dem Geduldsfaden ins
Unaufhörliche, taucht mehrfach hinter den Horizont und pocht doch auf seine Unvergänglichkeit, die sich in nochmal ganz offensiven eisernen Aktivitäten manifestiert.
Soltan Karik und Sanct Clario knüpfen mit Cract On Sail (aatp56, LP) an "Iconclastar" an,als hätte CRANIOCLAST kein Vierteljahrhundert im Dornröschenschlaf gelegen. Mit dem
obligatorisch anagrammatischen Titel und einem Outer-Space-Garn mit den Episoden'Coriolis Spectres', 'Congress of the Space Archeologists', 'The Arrival of the Space Frogs','The Return of the Space Frogs', 'By Ferry to the Event Horizon', 'Les Abeilles de Crac'h'.
Crac'h liegt zwar möglicherweise in der Bretagne und Corioli einst wohl nahe der Albaner
Berge südlich von Rom, aber wer weiß. Auf dem Cover Segelschiffe, die ersten Sekundenrauscht auch Wasser, zu halbschnellem Tamtam. Dazu greift eine E-Gitarre ein, Soone
zugeschrieben (ebenso wie der Bass). Eine verzerrte Durchsage bringt weiteres Getrommel ins Spiel, für einen krautrockigen Ritualgroove mit elektroperkussiven Akzenten. Wenndas nach Pop klingt, muss ich was verpasst haben. Der Groove setzt aus für ein keuchendes Flüstern und weitere Durchsagen, stehender Noise wird von Schlägen punktiert, diekaskadierend verhallen über träumerischem Bassspiel und jauligen Lauten. Kakophone
Verzerrungen erhöhen noch die Verunklarung, aber der groovige Drang lässt sich von derhohen Reibung nicht aufhalten. Nach erneuter Durchsage setzen wieder die Gitarre ein
und stumpf zuckender Maschinenbeat, mit weiterhin krautrockiger Patina. Froschige Lautebeknarzen das zeitvergessene Mantra, das schließlich übergeht in fuzzigen Stonerrock,low-fideles Gazing auf Nabel oder Stiefel zu einem plinkenden Cimbalom. Dann wieder
Durchsagen und im Hintergrund Sirenen, die den sich schleppenden Groove aber nicht
tangieren. Der setzt dann aber doch aus und hinterlässt monoton beklopften Klingklang,an den sich der Bass monoton schnarrend anschließt für die primitive Urform eines
Grooves, geschrummtes Tamtam mit dann doch auch noch elektronisch gewirbelten undzuckenden Verzierungen. Vielleicht sind das ja die poppigen Tüpfelchen zum in Trance
versenkenden Stomping auf dem Steinzeit-Dancefloor. Wer nach der langen Zeit Cranioclast 2.0 erwartet, bekommt einen schweren Brocken retrofuturistischer Psychedelik.
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Crónica (Porto)
Die da auf Cuspo (Crónica 142~2018, C-50) so melancholischsingt, ist Diana Combo, die sich hier aber SÍRIA nennt. Sie, dieauch bei Folclore Impressionista und im David Maranha Ensemble trommelt, reiht hier Lieder wie die Perlen eines
schmerzhaften Rosenkranzes zu einem Dreamscape, in dem
man mit versinken möchte. 'Por Riba' hat sie Catarina Chitas(1913-2003) abgelauscht, einer großen Sonntagsmalerin der
portugiesischen Folklore. 'Gloria' hat sie sich von Patti Smith zu
eigen gemacht. Mit dem cymbalbetupften, vinylbeknisterten'Senhora do Almortão' raunt sie das Mariengebet einer Witwe(in der Version von Lavoisier, einem Pärchen, das “O Povo que
Canta” kannibalisiert, jene lusitanische Folkreihe, in der auch Ti
Chitas verewigt wurde). Síria spielt dazu Haltetöne auf dem
Harmonium, hauptsächlich aber Samples von Fieldrecordings
und Sounds von Lemures, Birds of Delay, Antoine Chessex,
Svarte Greiner, Los Niños Muertos, Luciano Cilio (1950-1983)
oder Joe Colley. Sie singt davon, schwanger zu werden wie derMond, sie singt von einer unterwürfigen Hunde-Frau (Mulhercão), sie singt, als wären das Wiegenlieder für ein gestorbenes
Kind. Oder der Fado einer Verlassenen, der sich die Welt zum
Negativ verdreht hat, Licht erscheint als Halbschatten, das
Dunkel leuchtet und zeigt ihrem Hass den Weg. Von der meerumrauschten Marienkapelle rauscht es weiter zu 'Maremoto',
wo sie einen, der nicht einmal ein Seemann ist, vor dem Salz
und den Flutwellen ihres Meeres warnt, wenn er ihre Lebenslust bedroht. Und zuletzt stimmt sie Se eu soubesse / que ias /cuspir-me / na cara, / eu teria / aberto / a boca als Maso-Mantra
an. Der eigene Mund als Spucknapf für die schnöde Welt?
Saudade ist daneben der pure Leichtsinn. Vor dieser Fadista
muss man sich in Asche wälzen.
Sam Auinger, 1956 in Linz geboren, steht für 'Denken mit den Ohren', für Stadtklangkunst
und Psychoakustik, mit bleibenden Duftmarken am Bahnhofsvorplatz Bonn und auf derDeutschherrnbrücke in Frankfurt. Seit 1989 mit Bruce Odland an der Seite als O+A, hieraber bei Rheingold (Crónica 143~2018, C-60) mit Hannes 'Bassman' Strobl (von Paloma,
Denseland, P.O.P.) als TAMTAM. Mit einem hydrophonen Tauchgang zu Wagners Rheintöchtern, mit Sampler, Feldaufnahmen, E-Kontrabass und woglindem Gongklang von
Robyn Schulkowsky. Nur erklingt da der Schauplatz von Wagners 'Herr der Ringe' entzaubert zur industriell dröhnenden Wasserstraße, und was da entlangbraust, ist auchschon lange nicht mehr der luxuriöse Trans-Europ-Express "Rheingold", sondern die
prosaischen EC-Züge 6/7 und 8/9. Entzauberung der Welt? Ach was, Phantasmen und
Wahnvorstellungen überfluten die von Goldfingern, Tarnkappen, Räuberei, Bausünden,
Vertragsbruch und Brudermord beherrschte Gegenwart. Mit Tamtam im wörtlichen Sinn
und monotonen Schlägen (und auch wieder Sounds von Antoine Chessex und Birds ofDelay) hebt 'Erda' an als Remix von Eosin, eine weitere Maske, hinter der sich Diana
Combo verbirgt. Bei Maile Colbert (Schöpferin von "Come Kingdom Come", 2013) hallt
Tamtam als 'Tam Tam Tuning' mit Schwerlastverkehr unter und über Wasser wider, mit
Stimmgabel serviert. Und die beiden als @c aktiven Crónica-Macher Miguel Carvalhais &Pedro Tudela verwandeln 'Rheingold' als 'Einhundertvierundzwanzig (für TAMTAM)' in
einen technoid bepochten, knurrig sich windenden Klangstrom, den bei sinkender Sonne
ein metallisches Schimmern überzieht, bevor er in dunkler Nacht wagnerianisch zu
träumen anfängt von Floßhilde, Wellgunde und den goldenen Zeiten.
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Doc Wör Mirran - Joseph B. Raimond - MissmanagemenT (Fürth)Als Industrial (Halve Twelve, mt - 604, CDr) bringt
Joseph B. Raimond, der unermüdliche DOC WÖRMIRRAN-Gesamtkunstwerkler, 'Historical Obscurity Vol.
3', mit Widmung an Keith Emerson (+ 2016) und einem
Q-Tip zum Öhrenböhren. Egal ob auf Marginal Talent,
Mirran Threat oder hier MissmanagemenT (alles Töchter von Musical Tragedies / Empty Records), wenn DWM
draufsteht, wird immer wieder ein unerschrockener Beweis erbracht, dass phantasievollem Brainstorming nur
der Grim Reaper ein Ende setzt. Bis dahin spricht alles
dafür, ihm und der schnöden Welt mit surrealer Soundart
und humoriger Noisophilie Paroli zu bieten. Raimond
nutzt das Studio derart als Instrument, als wollte er die
spielerischen Möglichkeiten der Tonbandbastelei ewig
in Ehren halten. So dass sein mehrspurig kaskadierender und in sich kreisender Klangfluss hier ein Piano mitschwemmt, kristallinen Klingklang, träumerisch summenden Singsang, einen loopenden Dreiklang und eine
Frauenstimme, dazu dröhnenden, welligen, pfeifenden
Synthiesound, durchsetzt mit muhenden Lauten. Man
hört aufmüpfige Gören zu stampfendem Pumpen, rumorende Machenschaften mit Donnerblechschlägen, dannauch invasive Gitarrenmotive und orientalischen Gesang zu impulsivem Zwitschern und wieder ruhigen
Wiederholungen, oder auch bebende Vibration übereinem geklimperten Ohrwurm und nochmal Stimmen
aus einem Kinderfilm bis hin zu einem crescendierenden Woosh.
Das Pete 'Overend' Watts (1947-2017), dem Gitarristen
von Mott the Hoople, gewidmete Edges 8 & 9 (HaveThirteen, mt - 605, CDr) bringt DOC WÖR MIRRAN in
Gestalt von Joseph B. Raimond & Peter Schuster (Tesendalo) als Synthieduo. Konstruktivistisch-kubistischillustriert, hebt allmählich ein Ticken und Schlagen an,
glitchende Synthietropfen und primitiver Beat, vereint
zu einer rhythmisch kollernden und einer unkenden
Spur. Die groben Hiebe und komischen Tropfen kehren
zurück, als würde R2-D2 sich da eins pfeifen. Ebenso
die tickende Rhythmik, dazu platzen impulsive Wooshes
zu dunkel unkendem Beat und, richtig, auch wieder den
groben Trommelschlägen. Nur 4, 5 Klangmotive, abergekonnt verzopft. 'Edges 9' beschleunigt als silbrig
tröpfelnder, schnell trippelnder Klingklang, durchkratzt
von hell-dunkel krächzenden Schraffuren. Dem pixeligen Klingklang heftet sich ein pulsierender Schatten
an die Fersen, der ihn in zuckelige und tschilpende
Impulsketten zu spalten scheint. Doch plötzlich mischt
er sich unversehrt wieder mit ein und führt, so silbrig
und eifrig funkelnd wie zu Beginn, nun wieder allein
aufs Finish zu.
62Limerence (Have Fourteen, mt - 607, CDr) realisierte Joseph B. Raimond mit Ralf Lexis& .mario. (als Rizla23 der Partner von Stefan Lienemann in Seaweed Of Tears) als DOC
WÖR MIRRAN, featuring Paul Lemos von Controlled Bleeding (wie auch schon im Split mit
dessen "Pets For Meat", 1994, mit Sounds von ihm bei "Bloodweeds", 2001, und Backing
Tapes bei "A Portrait Of Your Death", 2009, und bei "Covfefe Live", 2018). Mit der Widmung
an Chris Moriarty (+ 2008) und Joe Papa (+ 2009), den beiden Partnern von Lemos, undknallbunt-expressionistischer PopArt von Raimond. Es geht los mit 'Love Is A Four Letter
Word' und einem melodischen Motiv inmitten einer orgelig-ozeanischen Synthieklangwolke. Das melodisch geflötete Motiv bestimmt auch 'Eat My Art Out', das, nur scheinbartransparenter, ebenfalls orgelig zu quellen und als dunkle Brandung zu rauschen beginnt
und dabei zuletzt an seinen transparenteren Beginn zurück glissandiert. 'Limerence'
schließlich bringt als ganz neues Spiel stimmliche Laute, halb hündisch knurrend, halblachendes Ho und Hohoho. Dazu setzt erst surrender Noise ein und dann sogar Psychrockriffing. Das wird allerdings noch in der Wiege erwürgt, statt dessen zwitschern Vögel
am rauschendem Bach zu gedongtem Dreiklang, dunkel bedröhnt und überwölbt voneinem feinen Synthiesoundloop. Doch auch das implodiert katastrophisch und wird beerbt
von leisem, synthieverschliertem Tamtam. Um, von Feuerwerksraketen umpfiffen, schließlich ganz in einem unaufhörlichen Schreckensschrei zu enden. Limerence übrigens [einBegriff der Psychologin Dorothy Tennov in ihrem 1979er Buch Love and Limerence: The
Experience of Being in Love] bezeichnet “an involuntary interpersonal state that involves
an acute longing for emotional reciprocation, obsessive-compulsive thoughts, feelings,
and behaviors, and emotional dependence on another person.”
Mit Chloride and The Three Rivers (Mirran Thought, Read Seventeen, MT-600, BoD, 60 p)
zeigt sich JOSEPH B. RAIMOND einmal mehr als Poet. Als einer, der die Loser [Pushing
their shopping carts / with not a second of fame] nicht übersieht, wenn auch mit
schlechtem Gewissen als ein Tourist mit noch allen Zähnen im Mund [The shopping cart I
push / Is filled with guilt]. Die Stadt ist voller zahn- und hoffnungsloser Gestrauchelter. The
endless numbers / Of the homeless / Street souls / America's dream / Turned nightmare.
Nur der hohle Reichtum in Las Vegas kommt ihm noch ärmer und erbärmlicher vor. Ganzzu schweigen von 'Trumoeba' (und denen, die ihn gewählt haben). Raimond spricht als
einer, der in Chloride, Arizona [Where time is allowed, / No, / Almost forced / To / Stand still]
Stille und Friede schätzen lernt. Dabei wird er nicht müde, sich, wie schon in "JuniorBlues" (2016), abzuarbeiten an seinem Vater, einem Vietnam-Heimkehrer und einem [guntoting / Cowboy hat wearing / Pickup truck driving / NRA card carrying / Country music
listening / Republican voting] Redneck näher, als der Sohn ertragen konnte. Die Mutter ist
allerdings eine Deutsche [Mom learned hunger / As a child / In war-torn Germany].
Labeling me / A bleeding-heart liberal... He hated my sensitivity / He hated my "tooEuropean" / Upbringing... He loved his sorrow / Nurtured his guilt / And regret more / They
were / His true children. Das schönste Gedicht braucht keinen Titel und geht so: Down by
the river / I didn't shoot / My baby // No, / I held here close / Whispered lovely / Whispers /For her ears only / And felt / That I had come home / Belonged, well / Somewhere // I felt
good / Something / I'm not very good at. Denn ihn plagen those dark shadows / Which,should they come to light / Promise the pain and horror / Their unpronounceable / Latinnames imply. Schatten [that Blackest of black Gloom], in denen er schon als Zehnjähriger[Getting lost / In my new school... Pissing in my pants] unterzugehen drohte. Der deutsche
Onkel auf Besuch [For the first time / I thought hippies cool] und Geschenke der deutschen
Oma [Who I loved / More than anything else] erscheinen da als Vorboten seiner un-amerikanischen Zukunft als 437th Beatle dort, wo ausgerechnet Henry Kissinger geboren
wurde. Wo er sich heute als old jerk wiederfindet, getroffen vom Fluch verschwundener
Dekaden. Bei seinen Besuchen in den USA [the sacred soil] auf der Suche nach derKindheit und eternal sunshine bringt er den deutschen Regen mit. Und das Gefühl, da nicht
dazu gehören zu wollen, wo sogar jemand wie Brian Ladd (Psyclones, Blackhouse)
Menschlichkeit als Gefühlsdusselei liberaler Mäuse verspottet.
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Elli Records (Paris)
There is no escape from Noise, nicht einmal in einem schalltoten Raum. Diese Erfahrung
brachte JULIEN BAYLE aus einer echofreien Kammer des Laboratoire de mécanique etd'acoustique an der Universität Aix-Marseille mit und fördert anstatt zwei Stunden Stille
die Klangwelt des eigenen Blutes und der Aufnahmegeräte - in massiver Vergrößerung zum Vorschein. Als Violent Grains of Silence (EL-07). Als beknisterte Loopschlingen,wummerndern Puls, scharrendes Mahlwerk, stottrige Impulse, inneres Meeresrauschen,
tockelnde Pixel, metalloides Rucken und Kratzen, poltriges Rumpeln und Zucken, sirrendeund rhythmische Wallung, prickelndes Gefurzel in einem dröhnenden Kesselraum. Nicht
einfach so, denn selbstverständlich hat er das Quellmaterial mit seiner durch brutalistische Architektur und derrida'sche Hauntology angeregten Sensibilität moduliert unddaraus neun Stücke komponiert. Aber eben doch als pure Musique concrète aus der anechoischen Quelle und den Gegebenheiten des Modularsynthesizers. In der Absicht, dievon bedeutungslosen Informationen übersättigte Wirklichkeit zu erfassen und ihre Komplexität mit einer Art positiv-nihilistischem Dekonstruktivismus abzubilden. Positiver Nihilismus? Das ist tatsächlich ein Begriff, mit dem etwa Hartmut Lange mit der "Willkür desSubjektiven" den "Abgrund des Endlichen" überspannt und dabei sogar den englischen
Sprachraum befruchten konnte, wo der Begriff bereits mit Virgina Woolf in Verbindung
gebracht worden ist: Als die Fähigkeit, unter den bedrückendsten Bedingungen zu bestehen, auch wenn man die scheinbare Sinnlosigkeit der vorgestellten Veränderung anerkennt. Als die Fähigkeit, die Zeugenschaft über die völlige Bedeutungslosigkeit und die
Gewalt der menschlichen Existenz an die Zukunft zu adressieren.
Eine Wiener Pizzeria? Nein Danke. Ich suche eigentlich den ANGELO BELLO, der etwas mit
Soundart zu tun hat. Der entscheidende Anregungen am CIX bezog, dem Centre Iannis
Xenakis. Denn er setzte sich seit 1995 vor allem mit UPIC und dem GENDYN Algorithmus
auseinander, der für Generative Dynamics steht. Mit einem Update dieser Erfindung von
Xenakis, dem New Gendyn Program von Peter Hoffmann, entstand die kleine vierteilige
GENDYN Suite (EL-08). Dahinter steckt ein von Bachs Rationalität ausgehendes Pingpong
von Denkansätzen bei Xenakis und bei Cage über Zufallsereignisse, stochastisch definierte Organisation, Zufallsoperationen etc. Und die Reduktion auf, sprich, der Mut zu
nichts als Geometrie und Mathematik: Gleichungen und Beziehungen, die auf abstrakte
Weise natürliche physikalische Phänomene beschreiben in Form von Wahrscheinlichkeitsverteilungen, Punkten und Linien. Für eine computerisierte Creatio ex nihilo, die, Bachlässt tatsächlich grüßen, eine 'Invention', zwei Fugen und ein 'Ricercar' zeitig. Als
melodisch erratisches Tremolieren. Als flimmernder Partikelsturm mit kratzig impulsiven
und jaulig eiernden Noiseeinschüben. Als metallisches Klirren und impulsives Sprühen auf
dröhnendem Vibrato. Die Suche findet zuletzt sich selbst, als umwummernder Bienenschwarm im Pixelregen unter jauligem Daueralarm, mit einem zwitschernden R2-D2-Extro.
Die Disziplin soll der menschlichen Selbstwahrnehmung zuträglich sein.

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Gruenrekorder (Hanau/Frankfurt)
Die Vorführkabine des Planet war so primitiv, daß Edison sie abgeschrieben hätte: zwei
Ross-Projektionsmaschinen und ein Diaprojektor nahmen den größeren Teil des vorhandenen Raumes ein... Neben der Kabine war ein klaustrophober Umspulraum, der so eng war,
daß man da drin vom Filmkleber high werden konnte. In so einer Kabine (was davon museal an der University of Warwick oder sonst noch erhalten ist), wo Jeff Torringtons Swing
Hammer Swing!-Held Tam Clay Saufkumpane trifft, stellte MICHAEL LIGHTBORNE seine
Mikrofone auf. Um für Sounds of the Projection Box (Gruen 177, LP) das ganze Drumherum
einzufangen, das dazu gehört, einen 35 mm-Film (zufällig John Carpenters "The Thing")
vorzuführen. Die B-Seite erweitert die cineastische Zeitreise mit Sounds aus dem Electric
Kino in Birmingham, dem Rio in Dalston und dem Hyde Park Picture House in Leeds,
endend mit dem Eindringen ins Innere eines Digital-Projektors, wobei ein dynamisches
Mikrofon selbst dort ein summendes und atmendes Innenleben offenbart. Als 'Tonfilm', derden Apparat und das Handwerk hinter den Kulissen des auf die Leinwand Geworfenen
würdigt und hörbar macht, fast ein wenig als Trauerarbeit für eine obsolete Technik undeinen ausgestorbenen Beruf. Da surren und sirren dann die Spulen und einmal woosht
sogar die Tonspur zu unerwartet musikalischen Drones, Beats und Vibrationen, die michvermuten lassen, dass Lightborne die auch kontaktmikrofonierten Klänge nicht nur 'unter
die Lupe' nimmt, er kann auch ihre der Rotation geschuldete klackende und tickende
Grooviness hervorkehren oder ein erstaunlich reiches digitales Innenleben.
Was habe ich als Innenleben und Getriebe eines Dampfbootes aus den 30ern vor Augen?
Nichts, außer den Lektionen des Maschinisten Jake Holman (Steve McQueen) auf dem"Kanonenboot am Yangtse-Kiang", oder den Überlebenskampf im Maschinenraum derantriebslosen SS 'Phemius' im 1932er Monsterhurrikan vor Kuba, wie ihn Richard Hughes
plastisch geschildert hat ("In Bedrängnis"). Und das ist beides ziemlich weit hergeholt.
Voll.Halb.Langsam.Halt (Gruen 181), GREGORY BÜTTNERs Beitrag zur Field Recording
Series, erweitert nun meinen Horizont mit Aufnahmen, die er 2010 bei einem SteamboatTrip von Rostock nach Rügen machte. Mit zwei Kontaktmikrofonen belauschte er Herz undHaut des noch mit Kohle geheizten Dampf-Eisbrechers "Stettin". Der Sound erklingt
unmanipuliert, aber in einer Montage oder Collage, die die Fahrt als wackelige eiserne
Angelegenheit widerhallen lässt. Als rhythmischen Groove mit pulsenden Loops undklackenden Akzenten. Ohne Motor läuft da nichts und der treibt hier mit stampfendem
Dreh quasi als 'Schlagzeug' oder klackendes Uhrwerk auch die Klangbilder voran, in
dumpfer Distanz oder zum Greifen nahe und in Stereo. Neben der großen Maschine fandBüttner auch surrende Oszillatoren oder Vibratoren, dazu ein hinkendes Kurbeln undanschwellendes Brausen mit Dampflocomotion zu mächtig tickenden Sekunden, dietauchen, tauchen, tauchen sagen. Uptempotrommeln klopfen, lässigere Beats federn und
shuffeln und rütteln. Noch kleinere Frequenzen kollern, und so verschwindet der Dampfer
und mit ihm diese 2000 PS starke Minimal Music im Nebel.
EISUKE YANIGASAWA ist in Kyoto ein Fieldrecorder, der wie mit der Wünschelrute zwar
nicht Wasser, aber doch dessen Klänge gesucht hat ("Scenery of Water"). Bei "Ultrasonic
Scapes" hat er Fledermäuse, Zikaden, automatische Türöffner und Straßenlichter belauscht oder Furin Bells. Der Wind spielt nicht nur diese feinen Glockenspiele, die Kühle
suggerieren, er harft nun bei Path of the Wind (Gruen 182) auch auf Yanigasawas Aeolian
Harps. Dabei nimmt der Japaner bei seinen Fieldtrips und Windscapes Beifang mit auf:
das Fauchen des Windes, das Brummen von Fähren vor Narugashima, das Krah-krah-kraheiner Möve am Strand von Kehi no Matsubara, die rauschende Krone einer Camellia
japonica, die vage Atmosphäre von Parks, die noch vagere Aura eines Schreins, die ferne
Klangkulisse des Kinshozan-Kalksteinbruchs bei Ogaki. Der Wind erzeugt summende
Schwellklänge, tönend changierendes Vibrato wie von einem sanften Donnerblech,
Flötentöne, die leicht an eine Shō erinnern, an ein Theremin oder an den dröhnenden
Nachhall einer Steelpan oder Hang. Im Grunde ist der Klang aber schlicht einzigartig.
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Kvitnu (Wien)
Fire walk with me? Kateryna ZAVOLOKA, die als Designerin der Kvitnu-Optik den Umzug
des Labels von Kiew nach Wien mitgemacht hat, wendet sich jedenfalls hier - nach "Viter"(2007), der Luft, "Vedana" (2011), dem Wasser, und "Syngonia" (2017) - mit Promeni (Kvitnu
59) dem feurigen Element zu, das Heraklit als den universalen Urstoff ansah. Als das
glühend Verzehrende in der Vier-Elementen-Lehre der Alten wurde es als Gold und Salamander in der Alchemie weiter verehrt und gesucht. Zavoloka visualisiert das prächtig ineiner goldenen labyrinthischen Architektur und umkreist ihr Motiv mit 'Promeni' - Strahlen,'Sontse' - Sonne, 'Gromovytsya' - Gewitter, 'Flamme von innen', 'Bagattya' - Funkenfeuer,'Zirka' - Stern und 'Iskra' - Funken. Mit dem Andrang surrender und knarrig pulsender
Synthiewellen, überstrahlt von schimmerndem Glanz. Wobei sich die rhythmische Motorik in
den Vordergrund und drängend vorwärts schiebt, was zu einer Spaltung führt in bewegten
Eifer und sublimen Vorbehalt. Komplex zuckende, klopfend galoppierende, rüttelnde
Rhythmik findet in hellem Legato, das manchmal fast wie himmlische Stimmen anmutet,
seinen ständigen Begleiter oder Widerpart. Als starke Stakkato-Legato-Spannung, die vontechnoidem House-Drive beschleunigt zu wirbeligem Drum'n'Bass unter nun auch mattangedunkeltem Glanz. Der folgt der auf ihre Vorfahrt pochenden und surrend kurvenden
Verbrennungsmotorik als melancholischer Schutzengel. Als harmonischer Schatten lässt er
sich von den knatternden Uptempo-Beats und dem surrenden Drive nicht abschütteln.
'Inhale the Light' bringt martialische Trommler und so zischende und klingelnde Dramatik,
dass es den orgeligen Klang übertönt. Mit 'Feuerweihe' geht das österliche Ringen
feierlicher Harmonie mit paukenden römischen Besatzern sirrend und dampfend weiter.
Leuchtet bei 'Zirka' der Weihnachtsstern oder der Stern Wermut über den apokalytischen
Reitern? An welchen Funken - 'Iskra' - schieden (scheiden) sich die Geister von Lenins"Säuberung der Erde von allem Ungeziefer"? Feuer reimt sich auf Prometheus ebenso wie
auf "Ich übergebe der Flamme..." oder auf Daenerys Targaryen und ihre Drachen. Zavoloka
hält diese ambige Spaltung in der Schwebe, aber nicht ohne mit der Poesie von Lesja
Ukrajinka (1871-1913) auf die Kraft des Lichts zu setzen.
César Rodrigues & David Arantes in Porto, die als STURQEN von "Piranha" (2009) bis"Cura" (2016) stetig gute Electronica auf Kvitnu liefern, stellen sich einmal mehr einer
Realität, in der zunehmend Überlebensstrategien gefordert sind. Gegen das Spinnenchaos('Aranha'), das die Nerven ('Nervos') überreizt, gegen die Riten ('Rito') der Selbstzerstörung,die die Lebensgrundlagen untergraben ('Minar') und einen verstümmeln ('Torso'), braucht eseinen Survivalismo (Kvitnu 60). Der Weltgeist, der bei 'Hegel' noch zu Pferd unterwegs war,bei Ernst Jünger aber schon als technisierter Phänotyp, 'Arbeiter' genannt, rechnet heute in
Exa-, Zetta-, Yottabytes. Längst sind Schachcomputer ('Novag') klüger als die meisten
Menschen. Es tut Not, gegen all diese Schläge von oben den Dolch ('Adaga') zu zücken, die
Waffe des kleinen Mannes. Statt sich mit dem Aggressor zu identifizieren, versucht Sturqen
ihm mit Prepper-Spirit und den eigenen Waffen zu begegnen: Ostinate Beats und sture
Loops, hartnäckig dröhnender Noise, zwar automatische, aber doch närrische Rhythmen,
hornissige Drones, glissandierendes Sausen, strammes Tempo. 'Energia' ist das Stichwort,
und die zehn Tracks strahlen eine entsprechend dynamische Kompetenz aus, die Fähigkeit
zu konkurrieren, zu wetteifern. Mit wummerndem Drive, zuckend, schwirrend, als ein Bündel
repetitiver Bewegungen, surrend, pumpend, mit verzerrten Impulsblitzen und bei aller
Automatik doch reich an Klangfarben und voller elastischer und brausender Agilität. Es
bleibt freilich offen, ob da der Freud'sche Prothesengott Überlebensvorteile spielerischausprobiert. Oder sich nur Illusionen macht als längst nur noch der Sidekick in Jüngers'organischer Konstruktion', in der die Technik jenen höchsten Grad von Selbstverständlichkeit erreicht [hat], wie er tierischen und pflanzlichen Gliedmaßen innewohnt. Deren neuestes Modell kann ihren menschlichen Untermieter sogar mit Melancholie versorgen (wie bei'Minar'). Um ihn gleich wieder mit lokomotiver Rasanz mitzureißen (wie bei 'Hegel'). Und ist
nicht der dramatische Anstrich der tückischste, weil er der 'Logik der Ameise' zu widersprechen scheint, die sich mit dieser Illusion am perfektesten tarnt?
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Mikroton Recordings (Moskau)

In JUNK & THE BEAST begegnen mir die Wiener Klanggranulatorin Veronika Mayer (anElectronics & Akkordeon) und der in BA mit "Esox Lucius" eingeführte tschechische ImproHecht Petr Vrba (an Trompete, Klarinette & Vibrating Speakers). Trailer (mikroton cd 58)
zeigt die beiden bei der Wahrnehmung absoluter Redefreiheit, allerdings im Ameisenmaßstab einer unglaublich geschrumpften Welt. So dass man sich dem Luftzug und Spuckeflussvon Vrbas Tröten ausgesetzt sieht wie mit zwei Extrembergsteigern, die ein Wetterumschwung zwingt, sich an der Wand festzuzurren, von Eis umschiefert und umknarzt und mit
Sauerstoffmangel als der falschen Droge. Vrba, der in Poisonous Frequencies weit heftigere
Seiten zeigt, beeindruckt hier mit wie maßstabsverschoben aufgeblasenen Schmauchspuren, die hautnah ans Existenzielle heranführen. Bei 'A.I.R. Pressure' reichen die beiden
Thermoskannen rum, aber da ist einem, bibbernd ausgesetzt auf den Bergen des Wahnsinns, auch schon das halbe Hirn abgefroren und die Sinne darauf fixiert, dass einfach nur
das Blut im Ohr weiter tuckert und der Lebensmotor surrt, dass meinetwegen der ganze
Berg mitzittert. Aber final zirpt es doch schon arg überirdisch.
THE ELKS sind mir mit "Bat English" als konfrontative Höhlenmenschen erschienen. Mit ThisIs Not The Ant (mikroton cd 59) verleugnen Liz Allbee als Trompeterin mit der Lizenz zur
Nullifikation, Kai Fagaschinski als Hardcoreklarinettist, Billy Roisz als schamlos noiseophile
Cilantropin zwischen Scylla und Läusen und Marta Zapparoli als wasserstoffblonde Tapemaschinistin zwar formicidale Neigungen. Aber das ist nur ein Spaß unter Späßen wie'Gremlins in Space', 'Noise for Slugs' oder 'Scuba Diving Elephants'. Sie echoloten outerspace und submarin und sogar in einer Blasenkammer, wo subatomare Partikel sirren,
blasen, anklopfen oder sonstwie auf schnurrende, pochende, rauschende und brodelige
Weise anwesend sind. Der Elch, der einen da knutscht, ist einfach die ELektroaKustik selbst
als Sonic Comic, so komprimiert, dass sie auf engstem Raum brummt, zittert, dudelig pulst
und komisch glissandiert oder feder-viehisch zwitschert, krächzt und röhrt. Zuletzt wird mit
paukenden Wasserbomben der Behemoth gejagt.
"Sky Dice / Mapping the Studio", MARCUS SCHMICKLERs Beitrag zu den Donaueschinger
Musiktagen 2018 kam mir ebenso konzept-verkopft vor wie der von Florian Hecker und Enno
Poppe. Neue Bilder (mikroton cd 60), Ausschnitte seiner Computer-Analogsynthie-Clashes
mit THOMAS LEHN aus dem KWL-Museum Münster 2016 und dem Schlachthof Wels 2013,werben da ganz anders für die Kölner Elektronik. Als wildes, pixelbefeuertes Morphen zu
pseudoposaunistischem Röhren, Jaulen und Flattern. Das mit abrupten Schnitten und glissandierenden Kurven tatsächlich kinetische Bilder vors innere Auge stellt. Von Mikro keine
Spur. Da splattern und knattern heftige Impulse gegen die gleitenden Krümmungen, furzende und hornissige Laute verschlingen sich mit metalloid perkussiven Verwerfungen. Geprassel punktiert den Hörraum, jaulende Schübe verschmieren oder beflöten ihn. Es funkelt undgluckert, ungeniert attraktiv, zum Greifen plastisch. Aber Finger weg! Im Schlachthof nimmt
die Action gefährliche Ausmaße an, rumorend, flatternd, nadelig, auch wieder glissandierend und jaulig, brausend, impulsiv, metalloid und so fast&furious als würde Vin Diesel Gas
geben. Dann wird es unerwartet flötenstill, um freilich schnell wieder kakophon zu flippern
und aggressiv zu hornissen. So dass man der einsetzenden Beinahestille lange nicht traut,
die einen dennoch unerwartet sanft entlässt.
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Mikrotöne mit dem Gesicht und dem 'Besame Mucho' von Consuelo Velázquez zu verbinden,
das kam Angélica Castelló & Burkhard Stangl für Consuelo (mikroton cd 62) in den Sinn undlädt dazu ein, über Hauntology oder ein feminines Imaginäres in der Lower-Case-ImprovÄsthetik zu spekulieren. Die beiden nennen sich CHESTERFIELD und ich weiß nicht, ob ichda an Zigaretten, einen Mantel oder Ledermöbel denken soll. Die mit Paetzold, Blockflöten,Tapes, Electronics & Strings bzw. Gitarren & Piano erzeugte Klangwelt ist weder englischnoch wienerisch, vielmehr driftet man mit Costelló nach Mexiko, in mit Patina überzogene
Erinnerungen, die von der Stimme von Consuelito durchzogen sind. Aber die Vergangenheit
ist in diesem Dröhn- und Dreamscape ein vielschichtiges Palimpsest. Stangl pickt an den
Saiten wie an Kaktusstacheln, Frösche quarren und wollen geküsst werden ('Bésame'), gernauch Tschechisch ('Polibek') oder Slovenisch ('Poljub'). Der Styx lappt ans Ufer, die Finger
gewittern am Piano, träumen aber lieber auf der Gitarre Besame, Besame mucho / Como si
fuera ésta noche / La última vez. Geharfte Griffe wechseln mit fordernden Schlägen auf den
Saiten. Immer wieder schaffen Castellós Schmauchspuren, Feldaufnahmen oder der mexikanische Schlager im Radio Atmosphäre, und wenn es nur ein störendes Zischen, Pusten
oder Knistern ist, in dem das "Bésame-Bésame-Bésame" auf der Stelle tritt. Stangl fingert
zuletzt noch einmal als Herzensdieb ('Ladrón'), aber tastet vergeblich wie in Rauch, derunter Castellós flötendem Anhauch verschwindet.
Disturbio (mikroton cd 63) ist die verstörende Umwälzung und Engführung von Tapes durch
wieder ANGÉLICA CASTELLÓ und Metamkine-Meister JÉRÔME NOETINGER. Der scratcht
mit seinen Revox-Spulen, während Castelló auch mit der Paetzold faucht, als würde sie überden Tonkopf schleifen. So dass sich stöhnende Schleifspuren mischen mit ploppenden, kaskadierenden, wummernden oder klackend vibrierenden Geräuschen, Bandaufnahmen vonRadiostimmen und Alltagsrauschen, blechernen Regentropfen, einem Sägen oder hündischen Hecheln. Beidseitige Electronics verunklaren die Klangbilder weiter mit peitschendem und zwitscherndem Zucken, turbulent aufgewirbeltem Noise, knurrigem Gebrumme. Es
loopt und prasselt wie die knackende Auslaufrille auf Vinyl um das imaginäre Epizentrum
der Lärmzone 'Stadt' in ihrem Alarm und ihrer dumpfen Low-Fidelity. Und weit und breit kein
Not- oder Fluchthelfer - There is no Escape from... Es bräuchte schon einen göttlichen Eingriff ('Divine Act') oder das Gemüt eines Hl. Franziskus ('Santo'), dem schon Vogelgezwitscher, das balsamische Summen oder Flöten der Paetzold, verhuschter Singsang oder
Abbas 'Honey, Honey' versichern, dass die Schöpfung nur scheinbar Webfehler hat ('Bicho I& II'). Zuletzt wooshen comicartige Speedlines zu pumpendem Puls.
Was bei "Disturbio" nur ein Stichwort ist, wird bei YUI ONODERA & STEPHEN VITIELLO zurÜberschrift: Quiver (mikroton cd 64). Für den Zusammenklang von Gitarren, Modularsynthie, Toy Piano, E-Violine, Feldaufnahmen. Wobei einen hier und da im Flirren und Plinken
einer Gitarre Anflüge von Melodik streifen, in dudeligem und vibrierend pochendem Tempo
Ansätze von Grooviness. Für Folktronic freilich ist dieses zittrige Fiebern zu schnell, zu verzischt und überrauscht, zu aufgedreht. Kommt Sand ins Getriebe, wird es knarriger, angeraut und angedunkelt. Zum Chillen ist da zu viel perkussiv aufgestörter Betrieb, und das
Gewese im brummigen Halbdunkel mutet trotz der Gitarrenfünkchen leicht ominös an. Ein
Baby quäkt, aber gleich quivert und wuppt es wieder mit pulsendem Schub. In einem
bebenden und zischenden Flow klimpert Piano, knarzt Draht, krachen Türen, im nächsten
gluckert Wasser zu träumerisch schimmernder Gitarre und metalloidem Gefunkel. 'Quiver#7' dreht sich funkelig und bedröhnt rückwärts, '#8' loopt mit dunklem Knoten und perkussiven Akzenten, dass es nicht nur zittert und bebt, sondern flimmert.
GÜNTER MÜLLER x KURT LIEDWART x NORBERT MÖSLANG, Swiss Noise meets Mr. Mikroton, cracked everyday-electronics mischen sich, live in Moskau, mit iPods und Electronics,
für Ground (mikroton cd 65), above & below. Als lang gezogenes Pfeifen oder Rauschen auf
körnig tickerndem oder tuckerndem, schnurrig und wummrig bedröhntem, impulsiv beklirrtem, gestanztem, überwooshtem, umsirrtem, von verzerrter Stimme zerkratztem, rhythmisch beknarrtem Grund. Linear, zirkular, ambient, mobil, motorisch, polymorph, groovy,eine Summe der Summen von Noise-Art in zwei knappen halben Stunden.
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MKM, das ist der eingespielte Elektroverbund von Norbert Möslang, Jason Kahn und Günter
Müller. Auf teplo_dom (mikroton cd 66) ist ihr unfrisierter Sound aus Yaroslavl zwischenzwei nachbearbeitete Tracks gesandwicht, deren Stoff aus dem Moskauer Dom tags zuvor
herrührt. Kahn spielt Analogsynthie & Radio, geht damit aber ebenso wie seine Partner auf
in einem Wir mit sechs Händen. Ähnlich wie auf "Ground" erklingt Rhythm'n'Noise, Sonic
Fiction als "Ijon Tichy: Raumpilot"-Spaß aus tuckerndem Groove und jaulig düsendem Glissando, mit relativistischen Effekten, analogen Halluzinationen und genialen Erfindungen wie
von Professor Tarantoga. Wobei es Zwitschermaschinen schon vorher gab, und Raumkapseln, durch die der Wind pfeift, ihre Herkunft von pfeifenden Feuerwerksraketen nicht verleugnen. Lautlos im Weltraum? Von wegen. Die Hülle aus Silberpapier rauscht, der Uhrwerkantrieb tickert, und ohne Geräusch lassen sich weder Meteoriten umsausen noch der Müll
wegkehren. 'Dom_2' bringt nochmal rhythmische Kaskaden und zischende Impulse zu einem
monotonen Pochen, das in einem Rauschfeld havariert. Ein Abenteuer, von dem zuletzt
wieder nur der Wind sein Lied erzählt.
Dass Burkhard Beins, Bertrand Denzler & Phil Durrant bei "Three Dances", 14 Jahre ist dasher, als TRIO SOWARI zum Tanz aufspielten, war das Ironie? Mystifikation? Oder die
Anstiftung zu einer Umwertung der Werte? Ilia Belorukov & Kurt Liedwart spielten bei"Vtoroi" nochmal denselben Joker aus. Das Cover von Third Issue (mikroton cd 67) führt
einen dagegen mit einer grau-grusigen Schimmelwand und Holzscheiten vor einer alten
Backsteinmauer auf jenes 'Essentielle' zu, von dem Thomas Shrubsole bei seinem "Gently
down the Volga"-Essay zu "Contour" (mikroton cd 32) in einfühlsamer Skepsis gesprochen
hat. Dazu versucht Beins, entschieden ins Leere wischend, Schrödingers Katze zu waschen,ohne sie nass zu machen. Die will davon nichts wissen und huscht und faucht in Denzlers
Tenorsax umeinander und lässt mit ihren elektrifizierten, von mir herbeigezogenen Haaren
Durrants Synthies prickeln. So bleibt viel Raum für sparsame, weil zweckdienliche und im
Alltag oft genug geübte Gesten. Weil man eine Phantomkatze auch nicht anders wäscht als
das eigene Gesicht. Mit einem Reiben, einem Rubbeln und Wobbeln, einem metallischen
Schaben, kreisenden Schürfen und Schlürfen und spuckigem Trillern, mit dem windigenPfeifen oder Surren und dem Schleifen, ja Schleifen von Messern und Gabeln an rostigen
Stellen, dem Züllen und Blasen von Krusten und dunklen Stellen, dunklen und hohlen, vonSoßen gefurchten, von Kummer gekrümmten. Mit mechanischem Klappern, dünnen Pfiffen,
dumpfem Tupfen, mit lang dröhnendem Dröhnen, tönendem Denzlern und geduldig
tickenden Sekunden unter paukendumpfen Wolken. Wolken, die dongen und nadeln, diesirren und scheppern im blechernen Anstoß in gurrender Luft. Luft, die sich zu metalloidem
Schimmern und schummrigem Brummen melancholisch wellt, während Beins die letzten
Flusen von den Backen, den Becken, den Häuten schabt.
Zu den Ahnen der Mikroton-Ästhetik zählt sicher auch AMM. L'Or (mikroton cd 68) zeigt
KURT LIEDWART zusammen mit JULIEN OTTAVI und KEITH ROWE, die durch [N:Q] und das
NG4 Quartet miteinander vertraut sind. Eine Nähe, die Ottavi in Formanex und Rowe mit
AMM auch schon bei Cornelius Cardews "Treatise" auf einen gemeinsamen Nenner brachte.
Zugleich hat sich Ottavi den Namen The Noise zugelegt und mit KK Null, Zbigniew
Karkowski, Kaspar T. Toeplitz, Shoï Extrasystole kakophoniert oder als Solar Return Ratten
ins All geschossen. Der Titel hier lässt einen alchemistischen Anspruch vermuten und es
wird auch auf kleinem, ab und an knackendem Feuer mit feinsten Zutaten geköchelt:
dröhnendem Pianissimo, brodeligem Noise, tanzenden Molekülen, granularem Rieseln,dunklem Brummen, metalloidem Abrieb. Rhythmisch verrührt, motorisch oder von bruitistischen Impulsen angeregt, so dass der Sud aufkocht und fast einmal überschießt. Meist aberbrummt und schnurrt es nur unter dem Deckel, und mir kommen Zweifel am Nährwert dieser
Goldmacherei, schon die Babylonier kratzten an Gold und fanden nur rusigen Dreck. Ein
harmonischer Loop beißt sich in den Schwanz, ein Heimchen zirpt hinterm Ofen.
Ausdauernd, sehr ausdauernd. Bis der goldene Faden reißt und sich minutenlang Stillehinzieht. Bis dröhnend, piepsend, schabend, knacksend und mit rauen Störungen vor einem
wiederkehrenden Alarmton ein zweiter, brummig crescendierender Versuch startet, Katzenkaffee zu kochen und als pures Gold zu servieren.
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Punkt (mikroton cd 69)? Weil Klang bei KURT LIEDWART & PETR VRBA undefinierbar undaxiomatisch klingt? Der Tscheche fingert da statt mit Trompete & Klarinette (wie bei Junk &The Beast oder Poisonous Frequencies) ebenfalls nur mit Synthies & Electronics, so dassoffen bleibt, wer hier was kratzt oder flattern lässt im brausenden Vordergrund oder als
Synthieklingklang weiter hinten. 'Dusted' ist insofern der sprechendste der sechs Titel.
Brodeliges und dumpf stampfendes Mahlwerk und impulsiver Partikelbeschuss, rumorendeVibra-/Vrba-tionen und mulmig lurchende Schloops, sorry, schlurchende Loops stoßen eher
postindustrial-kakophone Konnotationen an als träumerisch-ambiente und eher irdische als
außerirdische. Glissandierend und heulend, tropfend und hallend, bei 'Hot Spot' geradezu
harmonisch-sonor und auf der Tonleiter liedwärts, mit dazu floppenden Tupfen. Bei'Flowering' zu tockendem Loop und zuckenden und wieder brodeligen Impulsen sogar nocheinen Tick melodischer 'orgelnd'. Sirrend, funkelig zwitschernd, eifrig sägend oder
stampfend, dunkel wummernd, wellig ululierend - es fehlen die adäquaten Worte für diese
Xenophonie, die das 'Fabrik'-Bild längst durchkreuzt hat für phantastischere Irritationen.
'Call Me' reißt zuletzt mit in mikrofaunische Mysterien, mit dunklen und zirpigen Lauten, überdie critterndes Chaos hereinbricht und jenseits stechender und prickeliger Pixel eine
panische Stampede.
Mikrotons Kurator Vlad Kudryavtsev (*1977 in Moskau), besser bekannt unter dem wundersamen Namen KURT LIEDWART, nutzt bei seinem Alleingang Tone (mikroton cd 70) allerhand Naturwissenschaft: Radiowellen, Elektromagnetismus, Elektronik, Klangsynthese. Fürimpulsive Bruitistik, Noisewirbel, Rauschwolken, punktierte Tonketten, kontrolliertes Chaos.
Als prasselnde und dröhnende Action, mit perkussiven Schlägen und rumorendem Bodensatz, tudelig, pointillistisch tuckernd und groovy, aber auch dröhnambient mit weichen
Dunkelwellen und sirrendem Halteton hinter rauschenden Schleierwolken oder als Klingund Dröhnklang wie unter Wasser. Trotz andauernder Repetitionen scheint 'Minimal' dafürnicht passend, dennoch verbindet Liedwart Stagnationen und Variationen zu Mustern, etwa
dem kreisenden Klopfzeichen bei 'Tonene'. 'Tonenen' ist wie mit scharrendem Metallstichel
gepflügt, dazu wuppert bei jeder Drehung die Plattennadel über ein Hindernis. Wenn es
nicht pulst, so loopt es doch. Dann mischt sich zu mehrspurig kreisendem Allerlei ein 'Harmonika'-Klang, abgelöst von klackenden Rotationen zu einer bedröhnten Wummerwelle undRadiostörungen. Ist ein ständiges Kratzen Rhythmik? Das Gedudel dazu ist nicht unpoppig,
wird aber ausgelöscht durch eine brachiale Noiseattacke und den hakenden Beat einer Endlosrille in einer brummigen Störzone, die Liedwart tüpfelig und mit schiefen hellen Tönen
ausschmückt.
La Cave Des Étendards (mikroton cd 71) ist eine Höhlenmalerei, wenn ich die Herkunft aus
dem Genfer Cave12 mal so umschreiben darf. JÉRÔME NOETINGER & Mimmo Napolitano
alias SEC_ spielten dort beide mit Revox-Tonbandgeräten, wobei der Mann aus Marseillenoch elektroakustische Gerätschaften und sein neapolitanischer Partner Feedback und
Laptop einsetzten, vom nachträglichen Studioediting ganz zu schweigen. Mit 'L’Orecchio diDionigi' führen sie in die eselsohr-förmige, hellhörige Steinbruch-Grotte bei Syrakus, um diesich allerhand Legenden mit den Tyrannen Dionysios ranken, dem selbst das Geflüster derArbeitssklaven zugetragen werden konnte. Wir werden zu Aufsehern, die jeden Flüsterfitzel,
jedes noch so leise Zucken von Protest oder Widerstand lautstark aufschnappen. In Satzfetzen und abgerissenden Revox-Scratches, die sich plötzlich bandsalatartig türmen. Und
wieder zerreißen in einzelne Rumpler, umbrodelt und umnesselt. Immer wieder explodierenoder glissandieren geknebelte Laute aus einem Grundrauschen, Scharren und Rumoren,
das zu einem rauen, kratzigen Groove verdichtet wird. Der wiederum impulsiv die Wände
besplattert in der krachigen Videospielversion vom martialischen Hauen und Stechen eines
Aufstands und versuchten Tyrannensturzes. 'Le Chateau Est Une Oreille' variiert das mit
brummigen und perkussiven Verwerfungen und impulsiven Schüben. Flötende Quietscher
stehen unter bombender und paukender Belagerung, unter dem crescendierenden Bombardement eskaliert der Lärmpegel. Danach surren Schmeißfliegen um die Leichen, vor deren
Anblick der Tyrann sich einen runterholt. Aber wieder werden die Bänder für einen etwas
unrund loopenden Groove zurechtgezerrt. Die Fahne hoch!
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Music For Hard Times (San Francisco)
Der in San Antonio TX geborene Tom Nunn gehört seit
1976 zu den Bay Improviser Artists, auch wenn die
akustischen Fußabdrücke des skurrilen Instrumentenbauers erst ab den 90ern sich verdichten (aufRastacan und vor allem Rent Romus' Edgetone),
während Partnerschaften mit Tim Perkis, Tom Djill,
Miya Masaoko, Gino Robair, Chris Brown, David
Slusser, Moe! Staiano oder Karen Stackpole (in Ghost
In The House) ihn einreihten ins ABC der üblichen
Verdächtigen. Neben David Michalak im SkatchboxDuo T.D. Skatchit & Company ist seit 2011 der aus
Neuseeland stammende Paul Winstanley Nunns
fließigster Spielgefährte als MUSIC FOR HARDTIMES. Auf dem eigenen Forum Docking Station
publizieren sie eine ganze Reihe von Duetten in jeweils 80 handgemachten CDrs, wobei Winstanley mit
E-Bass improvisiert und bei Sea Metals I & II (CDr)noch mit Bow und Electronic Sound Process operiert,
Nunn aber mit so seltsamen Selbstbausachen spielt
wie - neben Skatchboxes - Crustacean, Crab, Bridge
Road Mothic und Music Boxes bzw. Lukie Tubes,
Resonance Plate und Ghost Plate. Allerdings muss
man sich auch unter 'Bass' a 5 string, fretless electric bass in non-standard tuning vorstellen, often prepared with rods, mutes, clamps and magnets, run through a series ofelectronic effects pedals and played with fingers, picks, bows, slides, screwdrivers andelectro-mechanical motors. Die bruitistisch amorphe, metalloid getönte, aber weitgehend
undurchsichtige Klangwelt wäre vor einigen Jahren sehr passend bei Eric Lanzillottas
Anomalous Records aufgehoben gewesen. In einem postindustrealen, neoprimitivistischen Zwielicht finden da verborgene Treffen statt, die in heimlichen Ritualen das vergessene Wissen beschwören, wie man Metall bearbeitet und Elektrizität noch aus Menschenhand gewinnt. Davon blieb nur das gedämpfte Spiel zweier Eingeweihter, die ihren
Relikten und Basteleien ästhetischen Mehrwert entlocken in Gestalt flötender Dröhn- undverhaltener Schwebklänge oder von wummrigem Unterwasserwind. Quecksilbrig liquide
Arpeggios wirken dabei fast zu optimistisch, die Bilder von bizarren Lebewesen unter
Wasser zu bunt und eskapistisch. Das Wasser (oder dessen Suggestion) dehnt und dämpft
jedoch die Beats und die Dröhnwellen und taucht die Imagination zumindest im übertragenen Sinn unter die Oberfläche. Doch Kalifornien wurde einst ja erfunden, um der Zukunft ein Gesicht zu geben. Hard Times (wie Dickens und E. L. Doctorow sie schilderten)
bilden einen Rahmen, den das Duo mit ihrer Sonic Fiction subvertiert. Im märchenhaften
amerikanischen Streben nach Etwas Besserem überladen sie ein Eselchen mit Schaufeln,
Töpfen, Stricken, Säge und einer Kiste Dynamit, beschriftet mit Giant Powder - Dangerous(DS101, LP). Das noble Produkt der Giant Powder Company gehörte zur Grundausrüstungdes 'Man of Tomorrow', den 'Killer Ants & Poison Flowers' nicht schrecken. Denn die Klangwelt ist nun zip-sonisch im knarzigen und verhuschten Sinn. Das liegt an Nunns Skatchplate, dem er daxophon-animalische, kratzige und elektrobratzelige Geräusche entlockt,
während sein Partner prickelt und pluckert wie ein..., frage nicht. Bass? Bass my ass! Gemeinsam mulmen sie, so als würde man mit Kontaktmikrofon der gärenden und critternden
Realität in ihrer nagenden, kichernden, brabbeligen, fauchenden, surrenden Anarchie,
ihrer obszönen Metamorphose, ihrer ameisigen Ahumanität viel zu nahe kommen. Wenn dulange in den Abgrund lauschst, kriecht der Abgrund auch in dich hinein, und je komischer
es da micky-maust und pianissimo gritzt, desto komischer wird einem zumute.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...

ARCA Forces (Ici d'ailleurs/Mind Travels, MT09): Arca ist das portugiesische
Wort für Truhe, das Möbelstück, in das Fernando Pessoa das meiste, was er
schrieb, versenkt hat. Der französische Theater- und Tanztheatermusikmacher
Joan Cambon und sein für seine diskrete Klangkunst noch etwas bekannterer
Landsmann Sylvain Chauveau haben unter diesem Namen "Cinématique"(2001), "Angles" (2003), "On Ne Distinguait Plus Les Têtes" (2007) und "By"(2010) kreiert, gespickt mit Zitaten aus Filmen von Soderbergh, Tarkovski,
Laughton, Jarmusch, Malle, Marker, Kiyoshi Kurosawa oder Peckinpah, mit
den Stimmen von Camus und Francis Bacon, mit Poesie von Félicia Atkinson
und sogar einer Anregung durch die legendäre Fußball-Nacht von Sevilla 1982,
die definitiv keinen Beitrag zur deutsch-französischen Freundschaft leistete.
Auch hier liegen Filme zugrunde, die Dokus "Le Siege" (2016) über die
Belagerung von Sarajevo und "Eau argentée, Syrie autoportrait" (2014). Die
Lehrerin Wiam Simav Bedirxan in Homs und der Filmemacher Ossama
Mohammed in Paris sind zwei der 13 Namen, die exemplarisch für den
chronischen Bürgerkrieg unserer Zeit stehen. Weitere sind die syrische
Oppositionelle Noura al-Ameer, die palästinensische Historikerin Bayan Hout,die ägyptische Bloggerin Aliaa Magda Elmahdy, die Toulouser Kurdin Ebru
Firat als politische Gefangene in der Türkei, Arieh Sandler, das 5-jährige Opfer
eines al-Qa'ida-Idioten, Dahi Al-Musalmani, der Assads Folter- & Mordgefängnisse anprangerte, der bosnische Fotograf Damir Sagolj, derisraelische Filmregisseur Ari Folman, die kurdische Politikerin Leyla Zana und
Paul Favre-Miville, einer der sieben 1996 in Algerien ermordeten TrappistenMönche von Tibhirine. Der Loop als Suggestion der ständigen Wiederkehr der
gleichen Verbrechen und Leiden wird da zu einer melancholischen Ratio, diees sich nicht nehmen lässt, an Puls und Flow als unablässiger Wiederkehr vonVitalität und Engagement festzuhalten. Mit sogar melodischen Ober- undharmonischen Untertönen wie von Piano und Glockenspiel, dem Anklang vonHarfe und Orgel, von femininer Vokalisation oder kreisenden Stimmfetzen, inostinater Repetition und grooviger Rhythmik. Als ewiges Auferstehen aus
Ruinen, aber doch auch trister Zwischenbilanz mit düsteren Bläsern und
kleinlautem Glockenspiel.
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RUDOLF EB.ER Om Kult: Ritual Practice of Conscious Dying - Vol. II (Om Kult /Schimpfluch Associates, OM-2 / SHA 04): Eb.er setzt die Rite de Passage ins Reine Land,
die Transformation ins Makellose, fort mit all den schaurigen Aspekten des Chöd-Rituals:
als 'Entwesungsritual', 'Totenlied', 'Ghost Modulation'. Der Leib bettet sich wie eine Brautin der Hochzeitsnacht als Aas auf ein Brett, als 'Bursting Corpse' in die Jauchegrube. Was
dabei freigesetzt werden soll, herausgeschält aus dem aufklaffenden Kadaver, dem Blut
und dem Schleim, ist das Ich-Bewusstsein, das sich in der 'Knetmasse' unter der Hirnhaut
verbirgt. Das alte 'Ichthyosaurier-Ego', das John Cowper Powys, in dezidierter Abkehr vonöstlichen Anschauungen, sich räkeln lässt in der lustvollen Kontemplation desLebendigseins zwischen Pflanze und Übermensch. Im Om-Kult wird seine graue
Trägersubstanz aufbereitet als autophage Rohkost, indem der Zelebrant sich zugleich als
Aas und als Aasgeier imaginiert. Der da das Messer zum 'Durchschneiden des Ich' gegensich selbst schwingt, nennt sich 'Der Psychopomp'. 'Chi was Dog' verrät dessen
altägyptische Gestalt als der hundsköpfige Anubis. Unklar bleibt, ob es sich dabei um eine
Generalprobe des Sterbens mitten im Leben handelt oder um den Vorgeschmack auf ein
Nicht-[Ich]-Sein, frei von Ängsten und Verdunklungen, entleert von Erwartung und
Enttäuschung. Jedenfalls sollen bei diesem selbstverzehrenden Festmahl die Dämonen
des Egos übertanzt und zertrampelt werden. Mir erscheint vieles an diesem PHATen
Dancefloor des Chöd als mythopoetisches Jonglieren mit Paradoxien und Hütchenspiel mit
dem Ego. Eb.er hebt an mit einem fliegenumsirrten Halteton, zu einem wie unter Wasser
aufgenommenen Wummern ratscht eine Eisenkette. Zu pochendem Beat und paranormalen Einflüsterungen werden Messer gewetzt. In wummerndes Pulsieren mischt sichfauchende und schweinische Dämonie, gegen die eifrigst eine Rassel geschwungen wird.
Spricht da ein Dämon, oder der Exorzist? Der Kampf wird heftiger, die Rassel klingelt
panisch. Zu dumpfen Beats brodelt Fäulnis, Schläge dongen, der Dämon gerät unter
stechende Energiestrahlen und windet sich röchelnd wie unter Säurepixeln. Eb.er steckt
einen bis über beide Ohren in den Horror, dass man mit dem Dämon zu leiden beginnt undversucht ist, sich gegen die Hexenjagd zu empören. Der Exorzist würgt am Kopf derSchlange, den er abgebissen hat, er rasselt wie manisch gegen die Regression in die
Egomanie und paukt im Jaucheregen die Pauke. Er mörsert in der Hirnschale Kopfbrei,doch der Dämon ist nicht kleinzukriegen und kirrt, um zu täuschen, wie Kinder am Spieß.
Er verwandelt sich in eine dicke Fliege, und fast möchte man mit Onkel Toby und mit Powys
ausrufen: Geh – geh, armes Ding... Die Welt ist ja groß genug für Galgenberge, warum
dann nicht auch für Ichthyosaurier-Egos und Fliegenschisse.
ANDREAS O. HIRSCH Early Carbophonics (makophon 005, 10"): Zuletzt war Rudernangesagt ("ROW"), nun bringt Hirsch mit dem Carbophone, einem elektroakustischen,
recht hübschen Abkömmling der Mbira, ein neues Spielzeug zum Klingen, indem er an
Lamellen, Gummibändern und Klangstäbchen zupft. Carbon Rods = Kohlestifte?
Karbonstäbchen? Kohlenstoffkathoden? Das schon bekannte Electric Palm Leaf gibt es
auch noch, aber der Witz ist schon das Selbstbau-Daumenklavier als WestentaschenGamelan für groovige Exotica. 'Full Moon Hula Hoop', 'Balfolk' oder 'Octopus Promenade'helfen der Phantasie mit auf die Sprünge. Mit der dudeligen Melodik des flirrenden'Prelude', dem eher stompigen und klackend kapriolenden als hüftschwingenden
Klingklang bei Vollmond, einem an den 'Egyptian Reggae' erinnernden Loop als
helldunklem, von einer Silbersaite beplinkten Sufi-Tamtam. Nebulös bedröhnt und
beknarrt landet man zu gläsern-tönernem Gamelan in den Armen eines 'Castle Moat
Robot' als Tanzpartner mit heiser zirpendem Stimmchen. 'Out of Office' geht die Party
pfiffig, blubbrig und surrend weiter, mit munter geschwenkten Hufen, bis Trance einsetzt
oder der Arzt kommt. Ein Tintenfisch lässt sich von Sirenengesang ans Ufer locken, um mit
klackenden Muscheln als Kastagnetten etwas schwammig zu tanzen. Keine Ahnung,warum es 'In the Mountain' so seltsam klimpert. 'Floater' lässt es zuletzt langsamer
angehen und einen zu mystisch flötender 'Vokalisation' träumerisch driften auf einem
Zauberteppich mit kleinen Fransen und kuriosen Verzierungen.

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LAURA MELLO Ringing Still Life (Corvo Records, core 14, double groove cut7"): Corvo ist ein hingebungsvolles Forum für Konzept-Klang-Kunst in Vinyl
und mit kunstvollem Design für Merkwürdigkeiten von etwa Gilles Aubry,
Beam Splitter, Ezramo, Elena Kakaliagou, Ingrid Schmoliner, Nicolas Wiese...
Dieses Scheibchen, das einen alternativ auf je zwei Spiralen kreisen lässt, ist
die Spielerei einer Brasilianerin in Berlin, von der gerade auf Creative
Sources mit "Está Verde!" auch eine Werkschau zu hören ist. Stichworte:
Abfallsymphonie, Intermediaperformance, Living Radio, Intercultural Chirps,
Schprachgelüste (nach der Parole: Language is music, image and a virus.
Image evoques movement, movement opens a space where sound can beheard, in form of words). Mello mixt Hör-Spiele und Soundclashes aus Rap &Klassik, aus Robotik und 'La Paloma'. Hier erklingen aus Gitarren- + Klavierschnipseln ein kleiner 'Aaiii Guit+Klavier Gliss Guitarbong'-Groove und - plus
Stimmfitzel und Vinylgeprassel - eine 'Schnitzel-Caixinha-up/down-Glockenleiter'-Rille. Entweder in sich zerrissenen, weil ohne, oder fließend, weil mit
Fieldrecordings von Regenrauschen, Vogelstimmen, Froschgequarre, Alltagsgeräuschen. Die Klangbausteine gibt es nochmal extra als RingtoneDownloads. "Ringing Still Life" ist freilich an und für sich schon ein Witz:
There is no escape from ringtones! Nicht beim Essen (Restaurant), nicht beim
Lesen (Lesesaal), nicht vor Stillleben (Museum), nicht auf Friedhöfen.
Höchstens noch in Kirchen, im Theater, bei Konzerten. Erst wenn das letzte
Refugium verkracht ist, klingelt's dann?
MICHELE MERCURE Beside Herself (RVNG Intl., ReRVNG12 / Freedom To
Spend, FTS011, 2 x LP): Pauline Anna Strom, einer mit ihrer "Trans-Millenia
Music" (RVNG Intl., 2017) wiederentdeckten blinden Komponistin in San
Francisco, folgt nun eine, die 1986 im gleichen Eurock-Feature als "Women
Synthesists" vorgestellt wurde (mit Lauri Paisley als dritter). Mercure hatteda, vor ihrer Scheidung noch als Michele Musser, die DIY-Kassetten "Rougeand Mint" (1983), "A Cast of Shadows" (1984), "Dreams Without Dreamers"(1985) und mit Eye Chant" ihre einzige LP quasi als Flaschenpost abgeschickt, denen noch "Dreamplay" (1990) folgte. Dazwischen fertigte sie in
Lancaster, PA die Musik zu den Indie-Theaterproduktionen "Beside Herself,
Pocahontas to Patty Hearst" (1989), "Antigone" & "Terra Nova" (1992).
Einschneidend war auch 1988 ihre Begegnung mit der Filmemacherin Mary
Haverstick, ihrer Lebensgefährtin bis heute, mit der sie "Shades of Black"(1994), "Christmas Dinner" (1998), "Home" (2008, mit der Oscar-Preisträgerin Marcia Gay Harden) und die Doku "The Last Horsemen of New York"(2018) verwirklichte. Zu hören ist ein Querschnitt aus Mercures Kassetten
und Theater-Scores, ohne die LP, die schon 2017 bei Freedom To Spendwiederaufgelegt wurde. Obwohl sie Conrad Schnitzler und Kate Bush als
wegweisend nennt, erfand Mercure gegen den Anschein eines Bilderbuchgirls der 80er ihre ganz eigene Art von verspieltem Elektropop. Mit
zeittypischen Synthies, Sampler, Atari ST und Master Tracks Pro (dazu ab
und zu noch Gitarre, Fretless Bass und Keys) gelangen ihr tüpfelhyänischanimierte Träume und Tänze. Mit keck geklopften, flott gepochten Beatmustern, durchsetzt mit munterem Gedudel, naivem Klingklang, träumerischem Synthiesound, Partygekicher, Found Voices und geratschten oderverhallenden Akzenten. Melodienselig wie ein Haushaltsroboter allein zuhaus
beim Blumengießen, konnte sie das fürs Theater durchkreuzen mit albtraumhaft dräuendem Sound zu beklemmtem Herzschlag oder zuletzt mit
synthetischer Vokalisation zu frommem Augenaufschlag. Mercures gelungener Eskapismus via Musik hin zu einem selbstbestimmten Leben als
Frau und Künstlerin, als Biopic stünde das als allzu plakativ und ideologischgeschönt unter Kitschverdacht.
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REFREE La otra mitad (Glitterbeat/tak:til, GBCD065 / LP): Vereint sind hiermit "Jai Alai Vol. 01 & 02" die zwei jüngsten 10"s des Katalanen Raül
Fernandez Refree, die eine mit Solos auf Ramirez- & Telecastergitarren, die
andere ein Soundscape aus Electronics, Feldaufnahmen, Stimmen (etwa die
der Cantaora Rocío Márquez und von Niño de Elche, dessen "Antologia Del
Cante Flamenco Heterodoxo" Refree mitproduziert hat). Beides entstand im
Hinblick auf "Entre dos aguas", einen Film von Isaki Lacuesta über die Welt
des Flamenco. Wobei Refree dabei vor allem Gavin Bryars' "Jesus' Blood
Never Failed Me Yet" durch den Kopf ging. Dass Gitarren sein Ding sind,zeigt sein Spiel mit Nacho Umbert und mit Lee Ranaldo (bei "Acousic Dust"und "Electric Trim"), zu dem hin aber ein federndes Rhodus als Sprungbrettnötig war. Für die Reihe seiner eigenen Alben, angefangen von "Quitamiedos" (2002) bis hin zu "Tots Sants" (2012) , zu dem er mit träumerischem
und schmachtendem Tenor singt. Wobei aus Seitentrieben, die schon etwas
mehr versprechen, wie Trompete, Harmonika, Banjo, Keyboards oder
Synthiestreicher, immer orchestralere Ambitionen sprossen. Dass er seine
Rose fand, um zu tanzen, verrät der mutige Zuschnitt von "La otra mitad", wosich altspanisches Gitarrenspiel in brütender Melancholie mischt mit verwischtem Sound, der exaltierte Gesänge mit sich führt. Da hat das junge
Naturtalent El Bolita neben dem sagenhaften Niño de Elche seinen eigenen
rohen Reiz und greift einem an die Gurgel wie der blinde oder traurige Blickeines spanischen Hofzwergs.
ROVAR17 Csonkolt Tündér (Unsigned, US046, C-70): Bei der ersten Bekanntschaft mit dem Budapester Unsigned-Macher Kálmán Pongrácz alias
Rovar17 war schon die Rede davon, dass bei seiner Begegnung mit Sascha
Stadlmeier in Augsburg am 19.3.2018 'Spinned Out the Thread' (35'25)
entstanden ist. Das bildet hier nun die B-Seite einer Wiederveröffentlichungvon "Faerie" (US018, 2014): mit nochmal 'Truncated Fairy', 'Violation of the
Taboo of the Forbidden Places' (live 2005), 'No Longer Metaphysical Spirit'
und 'Department Of Obstetrics & Incantation - Pent Leditgrant Memorial
Hospital' (einem Remix von Nándor Maller aka MaN) sowie 'Demoted Angels'(einem Remix von Róbert Sipos aka Noisesculptor). Egal ob die Fee gestutzt,
getrimmt oder betrunken war, Pongrácz steckt sie in einen Zementmixer
zusammen mit schaufelweise Noise, Drecksbrühe, Stimmfitzel und LowFidelity, und loopt das bis zum Schwindligwerden. Mit freizügiger Phantasie
lässt sich das als krachige Achterbahnfahrt durch eine Geisterbahn
aufdrehen, bei der einem Feenfetzen um die Ohren fliegen, wobei es heult,schwappt und schleudertraumatisch rauscht. Auch an den 'Forbidden
Places' gibt es eher Gespenster und die Feen eher geschnitten, als am
Stück. Jaulig glissandierende Drones mischen sich zischend und splattrig
impulsiv mit wummrigem Groove und wieder Geisterbahngetöns. Abereigentlich ist Pongrácz ein harscher Ghostbuster, der metaphysischem
Mumpitz mit dem Sandstrahl auf den Pelz rückt. MaN macht sich damit einen
rhythmisch gekurbelten Spaß, das Herz schlägt bis zum Hals und macht
schlapp. Der Augsburger Faden ist feiner gesponnen und führt in die
Emerge-typische Unterwelt. Loop meets Labyrinth, mit zugig umsirrten,
undurchsichtig umrauschten Winkeln in der dritten Dimension und gedämpftem Gemunkel in der vierten. Paranormale Mäuler schlürfen an
Feenknochen, ungute Grunzer lassen dünne Wellen beben, das Fegefeuer
grenzt an infernalische Kreise voller dämonischem Gelächter. Hinter dem
sich vulkanische Abgründe auftun, die wabernde Kaskaden verschlucken,
durchzuckt von glitchenden, wooshenden, krachigen und rhythmischen
Impulsen, und die dennoch als Kinderspielplatz taugen. Bis hin zum groovig
berstenden, donnerblechern gepeitschten Kladderadatsch.
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SHY LAYERS Midnight Marker (Beats In Space, BIS034): JD Walsh (nicht zu
verwechseln mit dem Pizzaboten in "Two and a Half Man") macht in Atlanta, GA, als
schüchterner Verehrer von Wally Badarou, Arthur Russell und Luther Vandrossheliotropen Synthiesoul und 'Balearic Pop' (Pitchfork). Daher wohl auch 'Tropical
Storm' und 'Draw the Shades', aber die Sonne scheint ja überall. Er türmt Beats auf
Beats zu poppig zuckenden und klopfenden Grooves mit synthetischen Flötentönen
und schmachtenden und soulig zugespitzten Vocals. Als hätte die Seele einen Drallnach oben. Keys klimpern, Congas klappern zu angenehm schlaffem Tempo, die
Melodie lässt Walsh wie von kleinsten Orgelpfeifen piepsen. 'Lover's Code' kommt mit
Vocodergesang im Quallen- und Kastratenregister zu lässiger Afrogitarre. Die Gitarreerhöht das Tempo, ein Steeldrumtouch erhöht auch die Temperatur, die Stimme bleibt
dazu stickoxydul, wobei sich etwas Feminines hinzu gesellt. Sprudelig wie ein Spot für
die Queen of Table Waters und weiterhin zuckend wird ein eskapistisches HighlifeParadies suggeriert, wobei 'No Road' dorthin führt. Der Gesang bleibt kindlich,passend zu einem afro-karibischen Wolkenkuckucksheim als ballermannfreier Zone.
Was nicht heißt, dass '15 and 4' mit seinem Gitarrenloop und wieder Steeldrumklang zu
Orgel und Hoppelbeat nicht doch mehr als nur Naivität vermittelt. Ich weiß nicht, wer
zuletzt so lauthals zu den dumpf pochenden 4/4 des klapprigen und surrenden 'Draw
the Shades' kräht, will aber gern hoffen, dass es seinem guten Zweck dient.
STREIFENJUNKO Like Driving (Sofa 566): Was bringt einen tüchtigen Trompeter wie
Eivind Lønning und einen gestandenen Saxophonisten wie Espen Reinertsen dazu, mit
ihrem Instrumentarium derart minimal dröhnenden und knarzig pixelnden Meditationenzu frönen? Schon jahrelang Kollegen beim Trondheim Jazz Orchestra und Christian
Wallumrød Ensemble, bei Eric Honoré oder Jenny Hval, haben sie als Streifenjunko inhunderten Konzerten und den Alben "No Longer Burning" (2009) und "Sval Torv"(2012) ihre Bläserästhetik ausgefeilt. Aber mit dieser radikalen Simplizität erreichen
sie doch eine neue Stufe. Mit keyboardistischen Haltetönen in helldunklen Stufungen,
bei 'Everything We Touch Is Electric' (16'10) mit gelegentlich pointillistischer Akupunktur, bei 'Like Driving' (19'09) mit holzig klackenden Tönchen. Dazu kommt gerade sonoch die dezente Anmutung einer schnarrenden oder gedämpft zirpenden Trompete
und der Anhauch eines Saxophons, in zuletzt nicht unkomisch tremolierenden Wellen.
Die Haltetöne starten und stoppen nach internen Regeln, um den Klangfluss alogischzu zerreißen, in zuletzt immer kürzeren Abständen, zu kuriosen Lauten wie knarrendem Glissando, tonlosem Pusten und von Lønning perkussiv gekürzelten Clicks'n'Cuts,
sowohl händischen wie elektronischen. 'Astronaut Peace' (7'05) spinnt dazwischen
den ruhigsten Faden, in lang gezogenem, summendem Unisono. Das in sich changiert,
bis sich dieser Kondensstreifen in tropfende Töne auflöst. Dennoch möchte ich fastmeinen, dass das verwunderliche und quasi skurrile Moment das meditative überwiegt.
BILL THOMPSON Mouthfull of Silence (Burning Harpsichord Records, BHR001, 2 xCD): Diesem Dröhnminimalisten hätte ich bei The Gates Ensemble oder an der Seite
seiner Gates-Partner Brent Fariss bzw. Josh Ronson aka Brekekekexkoaxkoax begegnen können oder auch mit Keith Rowe & Rick Reed bei "Shifting Currents". Hiernun zeigt er sich als Dröhnwellenbieger mit Moog Guitar und Electronics mit 'Stillness'(41'07) und 'Solitude' (38'26). Mit einem stehenden, pulsenden, bebenden, in sich helldunkel changierenden, sirrend schimmernden, surrenden und schwellenden Dröhnton
bohrt er die Zirbeldrüse an, um dem Bewusstsein das Fassungsvermögen zu vermitteln für das Immersoweiter der Unendlichkeit. Den einen der pure Sinus-Genuss und
ein Tauchgang in die unergründlichen Geheimnisse unmonotoner Monotonie, den
andern eine Tasse Tee, die einem die Zeit aufbläst als zeitlupig lullende Tagtraumblase,um als sanfter weißer Riese zu expandieren oder als schwarzes Loch in sich zu gehen.
Dabei löst Thompson beide Wellen zuletzt in funkeliges Saitenspiel auf, nicht als spektakuläres "I can see the light", eher als zarte Lichtreflexe auf ganz irdischen Wassern.

76THE VEGETABLE ORCHESTRA Green Album (Transacoustic Research, tres009): Nach
"Gemise" vor fast 20 Jahren, "Automate" (2003), den Remix-Variationen auf Karmarouge undzuletzt "Onionoise" (2010) servieren Jürgen B, Susanne G, Barbara K, Matthias M, Jörg P,
Richard R, Ingrid S, Ulrich T, Tamara W und Martina W ein weiteres Rohkostmenue für die
Ohren. Mit Kürbis- und Auberginen-Beats und Kalebassen-Bass, Bohnen- und OkraPercussion, Sellerie-Gitarre, Karotten-Marimba und Gelbe-Rüben-Flöten, Fisolenknackse,
Gurkeridoo, Lauchpatsche, Petersiliengeige, Radirohr, Paprikatröte, Wasserradi, Zwiebelschalen... Während dabei 'Fasern', 'Beet-L', 'Hyperroots', 'Carot Pano Drama' und 'Bumpkin'mit dem extraordinären Instrumentarium wortspielen, öffnen 'Szemenye' und 'Bamako' den
Horizont nach Ungarn und Mali, und ähnlich Gewitzte wie die Österreicher selber können 'In V'
als Wink zu Terry Riley deuten. Im Minimal-Duktus gereihte Flötentöne zu knarzig-kratziger
Percussion, pochendes und klöppeliges Röm-pöm-pöm-pöm, komisch matschendes,
animalisch erregtes Wahwah, in strammem Tempo automatenartig tockende Rhythmik mit
Subwoofer-Wumme und Quietsche, stompendes und tockeliges Powwow mit Flötenalarm undGefauche, nebulöser Trötengroove, knistriges Plonkplink in glissandierenden Harry-PartchFarben, tröt-fiep-tutende Birdcall-Komik der Entenhausen-Philharmoniker, munterer Trollstomp mit Grunz- und Klappergroove und Gurkophon, Afroshake mit Rassel und Blockflötschokolade, Tamtam mit Gelaber und wimmerndem Theremin mit hohem Vitamin-C-Gehalt,
krächendes Gefiepe und eine Steppenbrandstampede, eine marimbaphone Klickklackklockmühle, abstürzender Fauchlauch und impulsiver Flötenbeschuss zu Ploptropfrhythmik mit viel
Carotin, bis zur finalen Windmaschinen-Zwiebelreiberei mit cholerischem Wasserradi undquerulanter Fiepe. Was für ein spektakulärer Trip in die Krauthecken, Kohlwälder undRübendickichte.
ANDERS VESTERGAARD & FINN LOXBO I'm fine with the swirling colors (Gikt Records,
GIKT2): Zu wissen, dass Vestergaard mit Boujeloud oder als Laser Nun mit Lars Bech Pilgaard(von Svin) trommelt und dass Loxbo Gitarre spielt bei Dog Life und dem Fire Orchestra, bereitet
so gar nicht auf die Klänge vor, die einen hier erwarten. Denn der Däne sticht (nur) mit
Feedback und nestelt mit Sinuswellenfäden an dem herum, was sein schwedischer Freund mit
einer Akustischen erträumt. Er tupft und zupft sich hinein in den meditativen Schwebezustandeines nordischen Zen. Anfangs noch (scheinbar) aleatorisch und löchrig, pover und brut. Aberim Fortlauf von 'Harsh Furnishing' zu 'Carver' doch mehr und mehr auch mit der Anmutung
einer verborgenen... ja was? ...Harmonie? ...Schönheit? Einschließlich der Häufelung einer
Handvoll entschlossener Klänge. Vestergaard tönt, sirrt, zischt dazu bruitistischen Feinstaub
von Mikro bis Kako. Die Imagination versucht die Lücken und Brüche mit Hintersinn zu füllen.
Einschließlich des Kippeffekts, die Klänge als 'Störung', die leisen Geräusche und 'stillen Töne'
als 'Musik' zu hören oder als 'Botschaft' zu deuten. Gibt es analog zur Negativen Theologie
auch eine Negative Ästhetik? Auch ohne sich derart zu versteigen, wird man von den beiden da
in den Sog sublimer Reduktion gezogen.
JANA WINDEREN Spring Bloom in the Marginal Ice Zone (Touch # Tone 65): Frühling in derEisrandzone. Ja, auch dort kehrt er ein und lässt das Plankton aufblühen, genauer gesagt, das
Phytoplankton. Jene Unterwasserflora, die zusammen mit dem Zooplankton inklusive dem Krill
die Grundlage der ozeanischen Nahrungskette bildet, aber zugleich als eine bedeutende
Kohlenstoffsenke für die Biosphäre fungiert. Winderen lässt einen abtauchen entlang derarktischen MIZ (Marginal Ice Zone). Wo man das Eis 'atmen' und das Plankton 'blühen' hört undwie es gefressen wird von Seelachs, Kabeljau und Krustentieren. Dazu mischen sich die
Stimmen von Bartrobben, Orcas und Buckelwalen. Eingeführt in die Materie wird man vonProfessor Duarte, einer ozeanografischen Kapazität an der KAUST am Roten Meer.
Auszugehen ist davon, dass das Knistern, Klicken, Glucksen, feine Knattern undglissandierende Pfeifen in der eisigen Unterwasserwelt und an ihren anbrandenden Säumen
teils so massiv verstärkt und maßstabverschoben wurde, dass größere und ganz große
Meeresbewohner mit allerkleinsten Organismen, zusammen mit dem Eis und dem Meer selber,diese ambiente Musik machen. Zuvorderst hat Winderen da nämlich einen anziehenden
Dröhnscape geschaffen, eine Version für Kopfhörer, eine für Lautsprecher. Ein Eisbrecher
pflügt durchs Bild, Robben robben, Wale stöhnen, vor der einen Box bildet sich eine Pfütze, die
andere überzieht sich mit Eis.
77

jenseits des horizonts
empreintes DIGIALes (Montréal)
Der 1953 geborene ÅKE PARMERUD, einer
der Großen der schwedischen Elektroakustik, hat zuletzt bei "Growl" (2015) und
bei "Nécropolis" (2016) seine Faszination
für Organic Machines und Electric Birds
gezeigt. Zwischen Metal-Growlern und den
Untoten im Walhalla der Klassischen Musiktauchte er auch in proust'sche Kindheitserinnerungen oder knüpfte mit 'ReVoiced',einem Potpourri verhuschter Ethnostimmen,
an das Titelstück seiner Caprice-CD von1997 an. Dieses halbstündige 'Grains of
Voices' (1994-95), ein zentrales Stück desSchweden, erschaffen aus dem Elementarklang Stimme, aus Stimmen aus der ganzen
Welt, kehrt nun auf Grains (IMED 18150)
wieder. Let there be sound! Sprecher spielen Reiseleiter durch eine vokale Schöpfung,für ein 'Roaratorio' à la John Cage, eine
globalisierte 'Europera', collagiert aus whitman'schen und ginsberg'schen Sermone,
Straßenszenen in Caracas und New Dehli,volkstümlichen Zeremonien auf den Fidjis
und in Thailand, Stimmen australischer Aborigines, einem Ketcak-Ensemble in Bali,
singenden Bettlern und Mönchen in Dharamsala, untermischt mit improvisatorischvokalisierenden und mit Opernstimmen. Ein
wiederkehrendes "Holy Holy Holy" kontrastiert mit Anklängen an 'Writing for the
2nd time through Finnegans Wake', Artistik
gibt dem einfachen Leben feierlichen Drall,pfingstliche Sprachverwirrung reibt sich an
babylonischer. In the end sound covers theface of the earth. Der metallisch klitzernde
Kling- und Dröhnklang von 'Jeux imaginaires' (1993) ist danach angeregt durch
das Schachweltmeisterduell Karpov-Kasparov. Bei 'Les objets obscurs' (1991) spielt
Parmerud mit INA-GRM'scher Musique concrète - kleine französische Rätsel, von einer
Frau gesphinxt, werden aufgelöst in verklanglichten Alltagsgegenständen, die umeinander odradeken. Für 'Alias' (1990)
mischte er Gesualdo mit John Dowlands 'A
Shepherd in a Shade', Liebe bricht sich an
Mord, das Kunstwerk am Künstler. Und,
zuckend und flirrend, vice versa.

Åke ParmerudeRikm

Monique Jean78

Eric Matt - bekannt als ERIKM - und z.B. Michel Doneda, dieb13, Fennesz, Martin Tetreault,
Otomo Yoshihide, Jerome Noetinger, Catherine Jauniaux oder Norbert Möslang, das geht
und gehört seit 20 Jahren zusammen. Dagegen verwundert es ein bisschen, den 1970 in
Mulhouse geborenen Impro-Turntablisten mit Mistpouffers (IMED 18151) unter den
Akademisch-Etablierten eingereiht zu finden. Aber waren da nicht auch schon Luc Ferrari,
Donaueschingen oder Les Percussions De Strasbourg? In BA sind High & Low freilich
selbstverständliche Bettgenossen. Doch das sind Nebensächlichkeiten, wenn sich eRikm
von Georges Yoram Federmann zu den 'Malgré-nous' de l'histoire zählen lässt. Federmann
ist ein französischer Psychiater, der mit 'Judenhut' Position bezieht. Im Menachem-TaffelKreis bemüht er sich um die Erinnerung an die 86 für die grausige 'Straßburger Schädelsammlung' ermordeten Juden, machte zuerst aber von sich reden, dass er sich um kriegsinvalide Malgré-nous kümmerte. Das waren jene etwa 130.000 'wider Willen' zur Wehrmacht
und SS zwangsrekrutierten Elsässer und Lothringer, die nach dem Krieg als Verräter undKollaborateure in Frankreich verschrien waren und erst 2010 rehabilitiert wurden. Daserscheint mir als doch bemerkenswerte Hinführung auf 'Draugalimur'. Dazu wurde eRikm
angeregt durch den Schauplatz des Prologs von Ridley Scotts "Prometheus", dem DettifossWasserfall in Island, und durch 'Móðir mín í kví kví', ein isländisches Wiegenlied, aus dem die
Untertöne eines Kindesmordes verdrängt wurden. Er lässt, zu gesprochenen Zeilen desLiedes, im Klang von berstendem Eis und Getrommel auf aufgelassenen Lebertrantanks
Naturgeräusche und Menschennot, schmerzliche Beklemmung und musikalische Verzauberung sich im Imaginären kreuzen. 'Poudre' geht aus dem eskalierenden Böllern undPrasseln eines Silvesterfeuerwerks in Berlin hervor. Da rührt auch der flämische Ausdruck'Mistpouffers' her, der für sich selber spricht. Der Elsässer hört dabei im exaltierten Krawall
den möglichen Umschlag in zerstörerische Ausschreitungen. Und gedankenspielt mit W. S.
Burroughs' Idee, eine frustrierte Menge mit der Rückkopplung ihres eigenen Krachs zu
irritieren und zu attackieren. Bei 'L'aire de la Moure 2' schließlich hat er ein blutig verfärbtes
Felsplateau nordöstlich von Marseilles vor Augen, das als Übungsgelände dient für das
Löschen von Waldbränden aus der Luft. Daher das Rot, durch das die Felsen an den Uluru
der Aborigines erinnern. Dazu verbindet eRikm Bruce Chatwins "Traumpfade", Paul Virilios
Dromologie und, aus dem Mund von Natacha Muslera, Paul Éluards 'À la flamme des fouets'
mit seinem alten Kindheitswunsch, fliegen zu können, den er symbolisch realisiert mit
Worten, Bildern und Klängen: tickenden, schreitenden, peitschenden Lauten, Wind undWasser, rauen Vogelstimmen, rhythmischem Wummern, brausenden Flugzeugen. Métal qui
nuit, métal de jour, étoile au nid...
MONIQUE JEAN, die 'akadische Sirene', fand schon mit "L'adieu au s.o.s." (2003) und"Greffes" (2012) BAs Aufmerksamkeit. Troubles (IMED 18152) enthält mit 'Out of Joint' ein
Audiodrama, das die tausend Plateaus shakespeare'scher Charakterzeichnung und
Weltanschauung nachzittern lässt. Im ungeschiedenen Zugleich von Poesie, Schurkerei,
Thron und Nachttopf. 'T.A.G.' = Trottoir, Asphalt & Goudron [Teer] lässt daneben das Fließen
urbaner Massen als heterogenen Multitudes anklingen, in demonstrativen Schüben und als
subterrane Unterströmung. Als dröhnender Flow vermengen sich schimmernde,
schnurrende und dunkel wummernde Klänge mit solchen, die brodelig aufbrausen, wooshen
und zerren in bebender, pfeifender, zuckender, kullernder Dramatik. Darin eingeflossen sind
Polizeisirenen und Schritte, sublimiert zu den Fanfaren und Rhythmen eines abstrakten
Expressionismus in glissandierender, lokomotiver und galoppierender Bewegung. Ähnlich
gestaltet Jean die shakespeare'sche Dramatik, hechelnd und flattrig, ruppig und impulsiv,
mit dröhnenden Wooshes und stehenden Wellen neben gewittrigen und vulkanischen
Detonationen, rhythmischen Motiven, sirrender Konvulsion und surrender Stagnation. Bis
hin zu einer martialischen Kriegskulisse und protestierenden Krähen. Allerdings könnte ich,selbst wenn Leben auf dem Spiel stünden, da nicht den Rückschluss auf Shakespeare oder
was auch immer ziehen. Wer weiß, was sich - ich wiederhole mich da gern - einstellen würde
an Eindrücken, Assoziationen, Gefühlen, Stimmungen ohne die verbalen Leitplanken? Vielmehr als vielleicht 'Turbulenzen' wäre als konnotative Annäherung an Jeans "Troubles"
erstmal nicht drin.

79Firework Edition Records (Stockholm)

THAT LITTLE IDIOTDIGESTION
MYSTICISM

telling truths

COMIC BOOK

Früheste Spuren des schwedischen Elektroakustikers LARS ÅKERLUND (*1953, Solna)
findet man 1989 auf dem Gothenburger Label Radium 226.05 bei Freddie Wadlings"Something Wicked This Way Comes" und als P.I.T.T. mit The Dreamers auf "Drakron".
Auch bei Lucky People Center war Johan Söderberg sein Spielgefährte, so wie immer
wieder auch Jean-Louis Huhta, Tetsuo Furudate, Zbigniew Karkowski oder Kasper T.
Toeplitz. Mit "Ur/Volt" erschienen zwei seiner Musiken für Tanzperformances bei
Fylkingen, mit "Rivers Of Mercury/Via Styx" zwei weitere bei Firework Edition Records,
ebenso "Xenon" (2011). Und dort wird ihm nun mit Sub Liminal Transmission (FER1123, 3 xCD) zu seinem 65. gratuliert, mit einem speziellen Fächer seiner Klangwelten, die er mit
Buchla 200, Feldaufnahmen, SuperCollider, Electric Monochord und/oder E-Gitarreerzeugt. Mit der Intention, in der Reibung von repetitivem und monotonem, chaotischemund pulsierendem Sound halluzinatorischen Effekt zu erzielen, der das Bewusstsein der
Kontrolle entzieht. 'Get In Get Out' folgt dieser Agenda, indem es einen in eine leise knarrende, von Regen beflüsterte Stille stellt. Die freilich, einfach durch mehr Volume, alsbrodelndes, nesselndes, zischendes Chaos anschwillt, als Fegefeuer oder Hölle, im Jargon
der Alten. 'Hermeneutical Circle' setzt ebenfalls an der Hörschwelle an, als erst nur unstilles Mineralwasser, als Schweigen im Walde, als ominöser Druck auf die Synapsen, derallerdings als wummernder Puls und wieder prasseliger Partikelstrahl immer mächtiger
aufbraust. 'Focal Point' sirrt von Anfang an präsent und als ob man im klickenden Zusammenprall von Myriaden knisternder Moleküle scharf angebraten würde. 'Permeate' schickt
einen vor die Tür in aufrauschenden und nachlassenden Sprühregen, dazu legt sich schubweise ein Wummern aufs Trommelfell. 'Gutar' bringt davon die fünfte Variation, akzentuiert
mit sporadischen Zacken und einem erratischen Zirpen. 'Preality' übersteigt erst nach fünf
Minuten meine Hörschwelle als leises Tropfen und anschwellendes Dröhnen und bewegt
sich entlang der Schwelle als erst vages, dann zunehmend kräftigeres und sich wiederabschwächendes Pulsieren und Tuckern. Klickend setzt 'Aurum Delays' ein und verdichtet
sich zu einem Getriebe aus tickenden Dreiklängen und rasseligem Sausen und Schnurren.
Das reißt abrupt ab und kehrt nur allmählich wieder mit flattrig tickenden Klickfrequenzen,
die zuletzt in wummrigem Schleudergang andunkeln. Bei 'Labyrinth' schmatzen kleine
Tropfen, grummelt fernes Unterwassergewitter, knistern und dröhnen leise Geräusche,
Theseus bekommt nasse Füße, was leise war, wird immer lauter. 'Cone Counterpoint'
prickelt und wütet von vorneweg in berstender Destruktion, verfängt sich in einem Loop,
berstet, rieselt, kollert aber weiter als kleiner, nicht enden wollender Steinschlag. Die
endlich einsetzende Beinahestille bleibt steinig bewegt, bekommt tickende Drehungen und
beginnt knistrig aufzurauschen als von Bahnschwellen rhythmisierte Höllenfahrt. 'Sub
Liminal Oscillators' surrt in insistenter Motorik und schleudert dabei einen Splithagel umsich. Das wird gedämpft zum bloßen, flattrig durchsetzten Knistern und wieder wummrig
überdröhnt und schließlich überführt in rauschenden Regen, schwellendes Brausen, in
Wellen und Kreisen oszillierendes Surren. 'Shine' ist eine gedämpfte Variante, lange nur
eine Schmauchspur und ein Ticken, aber allmählich wummernd und brausend aufgekocht
und verdampfend. Und 'Wet Chemistry' beendet die Prozedur mit der Quintessenz derMittel: Brausen, Brodeln, Ticken, Knarren, Tröpfeln, Glucksen, Windhauch und Stille.
80Dass Lethe (FER1121), das zweite Statement des J/L DUOs nach "Lovsång och hemlighet /Cerchio", zwischen Theorie und Musik schillert, zwischen Conception und Perception,rührt daher, dass der Perkussionist Andreas Hiroui Larsson ästhetikphilosophischbewandert ist und der Saxophonist Johan Jutterström ein Forschungsprojekt überChoreographie und Musik ohne Instrumente durchgeführt hat. In partnerschaftlicher
Praxis bildeten sie die Hälfte von Boréal und von Crime Scenes und Jutterström bläst auchin Linda Oláhs Belle. Hier problematisieren sie zusammen das Vergessen. Einerseits als
Betriebsblindheit weißer Männer in der Kunst kaum weniger als in der Geschichte.
Andererseits als Möglichkeit, das eigene Fixiertsein durch Filterblasen und tote
Buchstaben auszulöschen, um wieder neu und lebendig anzusetzen. Larsson lässt
scharrend die Snare 'atmen' und klappert art-brut-primitivistisch mit Blech, Jutterström
haucht gedämpfte Töne und wuppt pulsende Luftsäulen. Bis Larsson anfängt, in schnell
und dumpf gemurmeltem Englisch seine kritische Auseinandersetzung mit Roland
Barthes' hedonistischer Präferenz von 'aktiver' über 'passiver' Musik (in "Musica
Practica") und mit R. A. Sharpes Konzept einer narrativen 'humanistic' music (in "What
Might Music Mean?") vorzulesen, eine veritable Lecture, eingebettet in die unsterile LowFidelity des Raumes. Damit stellt dieses spielverzögernde Umschalten auf Text, inkonzeptioneller Gesinnungsgenossenschaft zu Mattin, naives Musikmachen in Frage undebenso das Vorherbestimmtsein durch abstrakte Schemata. Musik gibt es dazu (nur) als
klangliche Paranthese für den Text, als demonstratives Präludium und Postludium. L mit
krachiger Erratik, die zunehmend ins Rollen kommt, J mit erst zagem, dann etwas festerem
Tuten, offenbar nun entschlossen to explore and express our existential conditions.
Den titelgebenden Text von That Little Idiot telling truths (FER No. 17, booklet), oft und oft
performt und auf "Trop Tôt" (2015) verewigt, halte ich für einen der eindringlichsten von
LEIF ELGGREN. Gleich daneben steht 'Evil Moisture', wo es aus allen Körperöffnungensickert, bis unters Bett des Königs. Die üble Brühe unterspült Throne und Altäre, lauert im
Dunkeln und sifft und sifft, Blut und Pisse, immer und überall... Gefolgt von der phantastischen Litanei 'No Queen' (is a Queen if...), die vielleicht ein feministischer Schlüsseltext
ist. Gipfelnd in 'Don't Eat Too Much!', einem Voodoopuppenspiel mit Queen Christina, Karl
12. af Sverige als Black Doll und Emanuel Swedenborg als White Doll. Carolus XII, der in
Roy Anderssons genialem "Eine Taube sitzt auf einem Zweig und denkt über das Lebennach" geschlagen aus dem Feld heimkehrt und aufs Klo muss, hat Schwedens Großmachtträume auf den Hund gebracht (es blieb jedoch genug Kriegsbeutekunst zurück). Dennoch
scheiden sich an ihm die Geister, die Hüte von den Mützen, Strindberg von Heidenstam,
KÖNIG von Mensch. Wo er thront - top of the world, Ma! - thront der absolutistische Wahn,das Sein-Wollen-wie-Gott, das aber in jedem lauert. Elggren bewundert dagegen (in Gestalt von Greta Garbo) Kristina für ihre Abkehr von Phallus und Zepter und ihre Abdankung
vom Vater-Pol (ihr Vater hat übrigens 1631 mit dem schwedischen Heer auch Würzburg zur
Kapitulation gezwungen und geplündert). Und er bewundert Swedenborg als Visionär undSänger und weil er dem Kaiser verweigerte, was des Kaisers ist. Elggrens Voodoo versucht die Pins of Pain umzupolen, so dass sie Täter wie Opfer Furcht und Schrecken entziehen. Sein Digestion Mysticism (FER No. 131) & Comic Book (FER No. 133, booklets)zeigen den Fresser und Kotzer an der Spitze der Nahrungskette einer Welt, die die beste
aller möglichen zu nennen schon Schopenhauer für absurd hielt. Im Elggren-typischen
Krakelstil seiner "Physiological Frequencies" legt er den Prozessor von Scheiße und Kotze
als organische Konstruktion aus Schlund, Magen und Gedärm offen. Als Side Effect, undElggren fängt auch das so kryptisch wie komisch ein, hat der Digestor die Möglichkeit zu
ficken, sich zu vermehren, zu tanzen, zu kämpfen, zu fliegen, den Hund spazieren zu
führen, sich eine Krone aufzusetzen, gesellig oder einsam zu sein, zu denken, zu morden,
zu träumen, zu krakeln... Oder Stimmen (EVPs) zu hören wie Elggren, Kent Tankred &Michael Esposito bei The Sons of God Hear Voices (Phantom Archives, PARCH1012, 7"
Flexi-EP). Als blechern kaskadierendes Flüstern in einem körnigen und wummernden Sud,eingefangen im Schlosstheater Drottningholm. Denn als Nebeneffekt der Raubkunst spukt
es statt nur auf Schlachtfeldern auch in schwedischen Theatern.
81

no edition (Veen)

Während Der Kosmische Penis in Schweinfurt synchron bei 100 anschlägt, sind Richter,Tod und Teufel in Veen schon mit höherer Schlagzahl zur letzten Weisheit Schluss voraus
geeilt. Auf Complex Theory of Simple Provocations (NO EDITION # 109) zeigt BRAINGRAINHOTSPOT, also Erik Mälzner (words, voice, computer, percussion, bells) & Jürgen
Richter (sampler, midi-keyboard, e-guitar, e-bass, synthesizer), einmal mehr eine Nase für
das faulige Fundament, auf dem die Church of Capitalism und die von Operndiven, Standup-Comedians, Sportkanonen, Balletteusen, Fotomodels und Klugscheißerinnen verzierte
Spaßgesellschaft scheinbar so felsenfest gründen. Versprochen wird da Vielen Vieles,
aber Platz findet doch nicht jede/r. Für die Zukurzgekommenen bleibt nur 'Fremdarbeit':arbeiten schlafen schweigen / arbeiten essen schweigen / arbeiten trinken schweigen /pralle Wurst praller Durst / Fron und Hohn . Ist das nicht ein starker Text? Aber starke Texte
sind bei Mälzner obligatorisch. Zwar werden auch die Zukurzgekommenen bespaßt, vonLeuten, die ihnen auf den Kopf/ins Hirn scheißen, doch was macht der Clown wenn keiner
lacht ('Helge Trump')? Provokateur vs. Spielleiter, das ist eine Frontstellung, denn Spielleiter gehen einem aufs Hirn, aufs Herz und auf den Sack. EM&JR spielen (?) Provokateur,sie erinnern an Goethes 'Vanitas! Vanitatum Vanitas!' oder Max Stirners Einzigen, wenn sie
ihre Sach' auf den Tisch gestellt haben und, frankfurterisch geschult, reimen: juchhe / hierruhen ein Stein und ein Schweigen auf die graue Seite des Lebens / schau / die Preise
steigen. Doch 'Feminister' und 'Popkultur' hin oder 'Doppelgänger' und Schlappschwanzchinesen her, die Welt ist kein Museum / wenn irgendwann die Menschen ausgestorbensind / werden die Kraken an Land gehen / und es besser machen / oder nur anders . Wie
das wieder verpackt ist in eine metapoppige Elektroästhetik mit Automatenbeats undkünstlich klingendem Sprechgesang, wüsste ich wieder mal keinen, der das auch nur annähernd so ähnlich fertigbringt. Zuckender Rhythmik folgen schweifende Drones und nochkomplexere Automatik zu blecherner Kinderstimme, die dazu anhält, den Spielleiter zu
ignorieren. Massiver Krach wird, konvulsisch-kakophon, der Gitarre entrissen. Ein knarrender Alter lässt Liselotte Kockelkoren / Pretty Yende / Lucie Pohl / Judith Holofernes... zu
geiler Gitarre auf der Zunge zergehen. Richter findet auf den Saiten aber auch melancholische Echos einer einst so vielversprechenden, aber zerfetzten und zerknüllten Ära. 'No
Place' stöhnt und wütet vor Trauer und Zorn und reimt low auf tomorrow und blue auf you.
Dem Fremdarbeiter klebt das zähe Einerlei an den Zähnen. Böse Clowns schert es nicht,
wenn keiner lacht, und wer sich am Mist der 'Popkultur' laben will, der wird bedient, bis die
Schwarte kracht. Die Wege von Intelligenz und Kreativität bzw. Offenheit, Instinkt & Vertrauen trennten sich schon früh, aber wo liegt das bessere Ende? Klanglich schleichen Kakophonie und Melancholie als graue Katzen in der Nacht. Ein Einarmiger orgelt auf einem
krachigen Brachfeld, floppende Beats durchzucken plunderphonischen Kladderadatsch
mit Geistergesang und Gitarrenfetzen. Zuletzt beraunt nochmal ein Ent elegisch das Verpulvern der Rhinozerosse und visioniert auch schon das Verschwinden des Homo 'sapiens'.
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Wenn Nikolaus Geyrhalters posthumane Vision [deren Vorzeichen alle schon real vorhanden sind] einen Abspann bräuchte, 'Ende' wäre dafür perfekt (Geyrhalter tat freilich
gut daran, ganz auf das O-Ton-Design von Kutin & Kindlinger zu vertrauen). Nichts als
Ruinen und Müll als Hinterlassenschaft des evolutionären Fehlgriffs nach mehr Hirn, bizarr
und beklemmend. Diesem evolutionären, auch bei Geyrhalter zuletzt in einem Grauschleierverhüllten Debakel können BRAINGRAINHOTSPOT ihrerseits Graeae (NO EDITION # 111)
abgewinnen. Gemeint sind 'Deino', 'Enyo' und 'Pemphredo', die drei grauen Schwestern
der Gorgonen (allesamt aus der Brut von Gaias Paarungen mit dem Ozeanischen), denen
da die Rolle der No-Place-, No-Future-Musen zukommt auf der konstant grauen Seite der
No Edition-Klangwelt. In drei instrumentalen Sätzen stimmen EM&JR eine mit Percussion,
Pizzikato, Midi-Keyboards und schnarrender E-Gitarre orchestrierte Trauermusik an, eineleicht japanisch angehauchte (auch das Cover ist japanisierter Burne-Jones). Als ob auchüber sie Fukushimas Botschaft hinweggegangen wäre. Zuerst über eine Adagio-LentoLargo-Skala mit Klapperschlägen, Paukenwirbeln und Kotoklängen in dark-ambient überrauschtem und orgelbedröhntem Grau-in-Grau. Der eine Zahn, den sich die Graien teilen,
wandert zu Enyo für eine Elegie mit noch gedehnteren Maschen, bebenden Strings, knarrender und grollender Orgel, klagendem Chor. Doch keckes Pizzikato und Geigenkratzer unddas anziehende Tempo widersprechen einem nur fatalistischen Duktus. Spielt da schon
Perseus den Helden? Der dritte Part dröhnt wie auf Schwanenflügeln, mit sonoren Dunkelwellen und in grauer Harmonie, wie Cellos gepaart mit Orgelsound, durchwirkt mit perkussivem, erst kaskadierendem, dann melodischem Klingklang. Tubular Bells? Der Duktus
wird rhythmischer, schreitend, vielleicht in ritueller Manier tanzend bis hin zur vollen
Stunde. Mooahhhh! Nichts weniger als ein Opus maximus.
Dazwischen promeniert ERIK MÄLZNER bei The Living Dead Quite Abstract und Einige
Worte (NO EDITION # 110, alle USB Stick / Bandcamp) allein vor Bildern einer Ausstellung,von Duchamp ('Nu Descendant Un Escalier') zu Yves Klein ('L'accord bleu') zu Correggios
oder Cezannes 'Leda und der Schwan', von Stillleben zu einem Klein'schen 'Living Brush'Painting. Und verliert dazu allerhand Worte über Artefakte mit atypischen / im Grundsatz
eher fernliegenden Auswirkungen, über assoziierte Wahrnehmungen / Meinungen / Urteile/ Wissen / Überzeugungen und Argumente als Inhalte (s)eines Werkzeugkastens , über ein
abgeschnittenes Ohr auf der Arbeitsplatte (nur inszeniert), über Roboter, Körperbemalungen, Wachsfiguren, eine Nicht-Willkommen-Fußmatte, über Prinzipien der Unordnung und den Ausschluß einzelner Akteure aus den Kreisen / die sich als die eigentliche
Gesellschaft verstehen. Es spricht der Computer. Dazwischen, promenierend, wahrnehmend, urteilend, erklingt Musik für abgeschnittene Ohren, artifizielle Sounds von Computer, Keyboard, Samples, Synthie oder Percussion. Bildbeschreibend? Das will ich nicht
ausschließen, denn immerhin ist die zersplittert Schreitende diskontinuierlich verklanglicht, Kleins blauer Akkord aber orchestriert mit dröhnend fluktuierenden Streichern. '4-661-A' hört sich allerdings klassischer an als 1961, als sanfte Elegie von Streichern undGlockenspiel mit dröhnenden und glissandierenden Übermalungen. Zur erotisch stöhnenden 'Leda' höre ich Käuzchenrufe und Wassertropfen zu schmeißfliegig surrenden undstottrigen Gravuren. Bei 'Zacken' kontrastieren feminine Vokalisation und zärtliche Orchesterstimmen mit einer Reihe eingeworfener Störungen. 'Natura Morta' ist als Dröhnscape gestaltet, mit metalloidem Hall und scharrenden Schleifspuren auf rumorender
Grundierung. Die Worte gipfeln im Mantra Nichts denken / Nichts denken / Nichts denken /Nichts denken / Nichts denken / Nichts denken / Nichts denken / Nichts denken... und den
Denksprüchen: Wiederholung ist keine Kopie. Quantität ändert Qualität. Wiederholung ist
Information. 'Livingbrush 6' wiederholt zuletzt ein elegisches Streichermotiv ~ ~ ~ ~Und das sagt uns, schlicht~ ~ ~ ~ und einfach genug
~~~~?

83

Unsounds (Amsterdam)
Das Miteinander von Unsounds und der 1945 gegründeten, vor 10 Jahren dem Muziek
Centrum Nederland angegliederten Gaudeamus Foundation, zeitigte die neue Reihe"Sounds of the Young Avant-Garde", mit zwei von Gaudeamus initiierten Kollaborationen.
Das Wort, das vielerorts einen unguten historischen Beigeschmack hat, meint hier ein
Miteinander aus holistischer Überzeugung und mit synergetischen Erwartungen. Etwas,
das sich dem asozialdarwinistischen Konkurrenzwahn des Neoliberalismus, der zur Zeit
die letzten wohlfahrtsstaatlichen Fundamente untergräbt, bewusst entgegenstellt.
Dennoch ist Harmonie ein Kann, kein Muss, und zu scheitern allenfalls ein Indiz für
Komplexität und der gute Grund, es erneut zu versuchen. Für Volume 01: Untitled #2 (TheMute) (62UG) wirkten JESSICA SLIGTER und WILBERT BULSINK als Composer-Performer
zusammen, sie mit Voice, beide mit Live-Electronics, dazu spielten Kari Rønnekleiv & OleHenrik Moe, die Sheriffs Of Nothingness, Geige und Bratsche. Bulsink, 1983 in Doetinchen
geboren, und gelernter Keyboarder, Orgler und Neutöner, der am ArtEZ Conservatorium inZwolle mittlerweile selber Komponieren lehrt, spielte einst Teenage-Rampage-Rock mit
Magic Fish und mit Dirk Bruinsma (von Blast, Brown Vs Brown...) in PumpOrgan. Unterseinen Werken finden sich "Koranfragment: for orchestra", 2009, "String Quartet", 2015,
oder "Spelingen: for harp and orchestra", 2018. Beim Ensemble Rosa kam es dann schonzum Hauch einer Begegnung mit Sligter, bekannt auch als Jæ und mit ihren Hubro-Alben"Balls and Kittens, Draught and Strangling Rain", "Fear and the Framing" & "A Sense of
Growth". Sie vokalisiert hier mit wortlos monotonem Vibrato synchron zum An und Aus der
flimmernden Strings. Die Electronics tauchen einen kurz unter Wasser, und plötzlich wirdein energischer Akkord angeschlagen und ein brummig ab- und aufsteigender Ton gestrichen. Dazu sprechsingt Sligter nun verhallende Worte und Rufe. Sie singt mit unklassisch kunstvollem Alt: I've travelled away from my home, I settled outside the lines, zu
sanftem Gedröhn und sirrenden Strings. The phantom voice only ever spoke phantom
words. Das verlebendigt das vage Wollen des glissandierenden und motorbrummigenSounds dann doch mit aufstrahlender Wunschkraft, als bellende Beschwörung vonLessness. Sligter stößt eine Reihe flammender Haltetöne aus, die in völliger Tonlosigkeit'nachbrennen'. Bis die Stille vom motorischen Gedröhn ganz ausgetrieben ist, aber damit
auch die Schreie verstummen.
Volume 2: Ob-literate (63UG) zeigt den 1982 geborenen und mit seiner Soundart bei
Betontoon und Moving Furniture zu hörenden ZENO VAN DEN BROEK alias Machinist
zusammen mit dem 4 Jahre jüngeren GAGI PETROVIC, der aus Belgrad stammt, aber in
Haarlem zuhause ist. Van den Broek hat seither mit 'Paranon', 'Shift Symm' und dem
jeweils ortsspezifischen 'Old Church of Amsterdam' bereits weitere Werke performt. "Obliterate" wurde 2016 konzipiert für Orgel, Electronics der beiden Komponisten, zwei
Sopranistinnen und drei Baritone, denen Walter Benjamins Gegensatz des destruktiven
Charakters und des Etui-Menschen in den Mund gelegt ist, und der Bezug, den Dick
Raaijmakers und Adam Staley Groves mit seinem Poem 'Étui' darauf nehmen. Darf icherinnern? Der destruktive Charakter kennt nur eine Parole: Platz schaffen; nur eine
Tätigkeit: räumen. Der destruktive Charakter ist jung und heiter. Denn Zerstören verjüngt.
Der destruktive Charakter ist der Feind des Etui-Menschen. Der Etui-Mensch sucht seine
Bequemlichkeit, und das Gehäuse ist ihr Inbegriff. Der Wunsch nach Tabula rasa wurde
nach 1931 übererfüllt. So dass seit den letzten punkigen und RAF-sympathisierenden
Zuckungen nur noch das kollektive Streben ins Etui angesagt ist. Benjamins Text ist
weitgehend fragmentiert in deklamierte oder feierlich sakral angestimmte Worte und wie
aleatorisch gesungene Vokale und Konsonanten. Und zudem übertönt durch Noiseschübe
und -kürzel und quarrendes Gedröhn oder fieses Gefiepe der Orgel, bis hin zu dramatischwirbelnder, pulsierender Verdichtung. Der kakophone Widerhall kakophoner Zumutungen,ein dekonstruktives Patt. Sich nicht in Watte packen oder panzern, vielmehr durch Chaos
in sich den Chaos-Druck ausgleichen - alte Taucherweisheit?
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... jenseits des horizonts ...
JACQUES DEMIERRE & ANOUCK GENTHON Tǝɣǝrit (Confront, ccs 88, CDr): Krasser Stoff,
sowohl der Sound-Poetry-Part von Demierre als auch die Kratzebogentraktate seiner Partnerin. Demierre ist mit seinem neutönerischen Hand- und Zungenschlag eine eingeführte
Größe, erst kürzlich habe ich ihn wieder ausgiebig gewürdigt anlässlich von seinem "Abécédaire" auf Lenka-Lente mit ›Reeling and Writhing through Demierre‹ (-> BA 98). Genthon,
neben ihrer geigerischen Präsenz beim Grand Chahut Ensemble, der Grand Fou Band, dem
Ensemble Maât, dem Insub Meta Orchestra oder dem TANTEM Trio, ist zudem eine ausgewiesene Klangforscherin und ethnomusikologische Spezialistin für Musique touarègue. Mit
Demierre hat sie bereits "The languages came first. The country after." realisiert. Für 'Voyelles', 'Umno(p)', 'Homère', 'Racines' und 'Septem', die fünf Teile, die zusammen "Tǝɣǝrit"bilden, lehnt sie, während Demierre den poetischen Ausdruck von Sprache und gesungener
Poesie in seine Bestandteile zerlegt, ihre klangliche Begleitung an den rosshaarigen Ton der
Imzad an, der einsaitigen, nur von Frauen gespielten Spießlaute der Tuareg. So dass ihr
Bogen sahelrau an den Halterungen sägt, an denen die Zelte dieser Klangwelt im Sandsturm der Zeit erzittern. Wenn ich es Art Brut nenne, archaisch oder exotisch und Demierres
lautmalerische Artikulation von quasi dem Tamascheq abgelauschten Lauten urig oder einfach bloß fremd, wird das der Mirage dieser fünf Klangbilder nicht mal annähernd gerecht.
Zumal das 'berberisch' Raue dem weicheren Lalula von "au"-, "o"- und "u"-Silben weicht,
tonlosem Anhauch, vorsprachlichem Räuspern und undefiniertem "ai", und Genthon das mit
geigerischen Kürzeln und Pfiffen akzentuiert. Demierre üt ein "ü" und noch ein "ü" und nochein "ü", würgt Laute aus wie Gewöll und zieht Luft und Spucke durch die Zähne, die Geige
zieht tonlos mit. Um zuletzt nochmal kakophon zu schillern zu nun auch temperamentvoller
Jaap-Blonkerei von rhythmisierten Lautstümmeln. Das muss man so nehmen, wie es kommt
und kann man so nehmen, wie es ist. Mir ist es nach einer Weile sogar so, als ob ich da weit
Menschlicheres und weniger Sinnloses zu hören bekäme, als bei den oralen Flatulenzen der
Schlagzeilen machenden Phrasenfurzer. Viva Dada!
V/A DEGEM CD 16: drop the beat (Edition DEGEM, ed07): MARC BEHRENS ist nicht nur
Bürger von Elgaland-Vargaland, sondern auch Mitglied der Deutschen Gesellschaft fürElektroakustische Musik e.V., kurz DEGEM. Er eröffnet deren aktuellen, von Felix Leuschner
kuratierten Tonträger mit 'Kupari Odradek Drug Party (Megamix 2018)', einer der Sorge desHausvaters spottenden House-Party in den Ruinen des in der Schlacht um Dubrovnik 1991/
92 verwüsteten Badeortes, mit quasi Jérôme Noetinger & Sec_ als Tapejockeys. JIAYI WU
spielt bei 'Salzwasser' mit den rau-weichen Kontrasten von Wooshes, Wellenklingklang,
Loops und Beats. Der notorische Musikbegriffserweiterer JOHANNES KREIDLER braucht
für das geigenzerkratzte Begleitautomatengedudel von 'Ferneyhough's 2nd String Quartet,
rendered with Band-in-a-Box' keine drei Minuten. KAI NIGGEMANN wummert, zuckt und
pingpongt bei 'The Pretty Blaze' mit dem Dröhnpuls einer Buchla 200e Electric Music Box,angeregt durch Ray Bradburys "Fahrenheit 451". Im pochenden, zuckenden, dröhnenden,
von Stimmfetzen und Singsang durchsetzten, aber sich repetitiv verhakenden Klang von
KIRSTEN REESEs 'Roaming' hallen, analog der Pressfehler von Vinylrillen, die fehlerhaften
Bewegungen von Computerspielavataren wider. 'Tight-interlocked Oscillators' von ALEXHOFMANN tuckert, stottert, surrt und klopft supercollidorisch. MATTHIAS OCKERTs 'Strombahnen - Haumea Grid' mit seinem monoton bepochten, stromgitarristisch gefütterten Delaystreift einen transneptunial. Wie STEFAN SCHULZKI das impulsgestörte Elektrotamtam von'Test Run DFAM #3' in nerdigem Kauderwelsch 'erklärt', lässt mich einigermaßen verklärt
zurück. LINA POSĖČNAITĖs '(lots of) time' beansprucht von der Zeit, die wir nicht haben, 9tickende, zirpende, vinylbeknurschte Alltagsminuten ohne einen Tropfen Beat. Exakt die
gleiche Zeit medust MICHAEL HARENBERG bei 'M-Medusa' zum schnellen Puls einer Bassklarinette aus dem Synthesizer VL-1 von Yamaha. JÖRG LINDENMAIER schließlich kam zum
Stichwort 'Beat', denn darum soll es ja durchwegs gehen, bei 'Entropia' die brummige Stereophonie der Frequenzen 100.0 Hz und 100.1 Hz genau richtig vor.
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inhalt
freakshow artrock-festival 2018: chato - alex's hand - free salamander exhibit -hydropuls - ürügülü - worldservice project - camembert 3
voulez-vous voodoo? the instant voodoo kit 8
freakshow: spinifex? soufifex! 9
freakshow: götzen und götter, hoch3 } white puls - ron anderson / antonio zitarelli - drh 10
w 71: the escalators 11
to infinitiy and beyond: halloween mit hildegard 12
freakshow: sexy forever } fitzkarraldo - manual for errors - occam's razor 13
freakshow: to thee i sing } andrew barker & john dikeman 14
over pop under rock:the lollipoppe shoppe 15 - denis frajerman 16 - sub rosa 18 - bob drake 20
nowjazz, plink & plonk:
creative sources 25 - satoko fujii 26 - hubro 28 - intakt 29 - leo 32 pfmentum 36 - rarenoise 37 - umland 39 ...
today's jazz is female: lina allemano - julie kjær - anna högberg - olga nosova - els vandeweyer anna kaluza - lisa mezzacappa - tona åse - eldbjørg raknes - ryoko ono 48
demeter und die balkan-walküren: mystery of the bulgarian voices & lisa gerrard 54
georgia on my mind 56
soundz & scapes in different shapes:
auf abwegen 60 - crónica 61 - doc wör mirran 62 - elli 64 - gruenrekorder 65 kvitnu 66 - mikroton 67 - music for hard times 71 ...
beyond the horizon:
empreintes digitales 78 - firework edition 80 - no edition 82 - unsounds 84 ...

BAD ALCHEMY # 100 (p) Dezember 2018
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dankund insbesondere auch Burkhard Beins, Gerd Siewers, Bernd Weber und Marlis Weißenberger
für ihr Interesse und ihre Treue von Anfang an
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs, was nicht
ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint ca. 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 100 erhalten Abonnenten die CD "Herbes & Golems" (E-Klageto 17) von DENIS FRAJERMAN
Mit ganz herzlichem Dank an Matthias HornCover: "Herbes & Golems"-Design von Jérémie Chinour (Rewind Ltd.)
Rückseite: Tamara Kvesitadzes 'Ali and Nino' in Batumi!!! Die Nummern BA 44 - 97 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................
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INDEX,★` 40 - 1000 39 - ÅKERLUND, LARS 80 - ALEX‘S HAND 3 - ALLEMANO, LINA 48 - ÂME SECHE 32 AMU 27 - ANDERSON, RON 10 - ANGUISH 38 - ARCA 72 - ÅSE, TONE 52 - BARKER, ANDREW 14 BATTSTONE, PAT 33 - BAUMANN, FRANZISKA 25 - BAYLE, JULIEN 64 - BEHRENS, MARC 60, 85 BEINS, BURKHARD 69 - BELLO, ANGELO 64 - BENHAM, MARC 40 - BERIDZE, NATALIE 57 BERNOCCHI, ERALDO 37 - BOOK OF AIR VVOLK 18 - BORGHINI, ANTONIO 47 - BRAINGRAINHOTSPOT 82, 83 - BUILDING INSTRUMENT 28 - BULSINK, WILBERT 84 - BÜTTNER, GREGORY 65 BYRON, DON 29 - CAMEMBERT 7 - CARRIER, FRANÇOIS 41 - CASTELLO, ANGELICA 68 - CHATO! 3 CHENEVIER, GUIGOU 23 - CHESTERFIELD 68 - CLUB CACTUS 19 - CRANIOCLAST 60 - DAVIS, KRIS
29, 30 - DEMIERRE, JACQUES 85 - DIALECTICAL IMAGINATION 34 - DIKEMAN, JOHN 8, 14 - DOC
WÖR MIRRAN 62, 63 - THE DOGMATICS 41 - DOOMINA 19 - THE DORF 39 - DRAKE, BOB 20 DRAKSLER, KAJA 31 - DRH 10 - EB.ER, RUDOLF 73 - EDWARDS, JOHN 41 - EDWIN, COLIN 37 ELDH, PETTER 31 - ELGGREN, LEIF 81 - THE ELKS 67 - ERB, CHRISTOPH 42 - ERIKM 79 - THE
ESCALATORS 11 - EXODOS 32 - FAGASCHINSKI, KAI 41, 67 - FELICIATI, LORENZO 37 FITZKARRALDO 13 - FLICK, BIRGITTA 33 - MICHAEL FORMANEK ELUSION QUARTET 29 FRAJERMAN, DENIS 16 - FREE SALAMANDER EXHIBIT 4 - FUJII, SATOKO 26, 27 - GANELIN, SLAVA
35 - GECKO TURNER 21 - GEISSER, HEINZ 36 - GERRARD, LISA 54 - GHOMARI, QUENTIN 40 - THE
VINNY GOLIA NEW MUSIC ORCHESTRA 36 - GOTESMANAS, ARKADIJUS 44 - GRIENER, MICHAEL
42 - GUSTAFSSON, MATS 38 - HILDEGARD VON BINGE DRINKING 12 - HIRSCH, ANDREAS O. 73 HÖGBERG, ANNA 49 - HOMYAKOV, VLADIMIR 35 - HÜBSCH, CARL LUDWIG 43 - HYDROPULS 5 INDRIDI 21 - THE INSTANT VOODOO KIT 8 - J/L DUO 81 - JEAN, MONIQUE 79 - JUNK & THE BEAST
67 - KALUZA, ANNA 51 - KAOS PROTOKOLL 22 - DARRELL KATZ AND THE JCA ORCHESTRA 43 KAUFMANN, ACHIM 47 - KIKNADZE, REZO 59 - KJÆR, JULIE 49 - KLARE JAN 39 - KOSMOSE 18 KÜCHEN, MARTIN 44 - KUGEL, KLAUS 11 - KURT LIEDWART 68, 69, 70 - LA S.T.P.O. 17 - LAMBERT,MICHEL 41 - LANZ, JOKE 47 - LAUBROCK, INGRID 30 - LEHN, THOMAS 67 - LEIGH, HEATHER 22 LIEBOWITZ, CAROL 33 - LIGHTBORNE, MICHAEL 65 - LILLINGER, CHRISTIAN 31, 47 - LOXBO, FINN
77 - MAHALL, RUDI 34 - MÄLZNER, ERIK 82, 83 - MANUAL FOR ERRORS 13 - MARTEL, PIERRE-YVES
43 - MAZZOLA, GUERINO 36 - MEIPARIANI, RUSSADAN 59 - MELLO, LAURA 74 - MERCURE,
MICHELE 74 - MERZBOW 17 - MEZZACAPPA, LISA 51 - MKM 69 - MOORE, DARREN 35 - MÖSLANG,NORBERT 68, 69 - MR VAST 23 - MÜLLER, GÜNTER 68, 69 - MUSIC FOR HARD TIMES 71 - MYHR, KIM
28 - MYSTERY OF THE BULGARIAN VOICES 54 - NABATOV, SIMON 35 - NOETINGER, JÉRÔME 68, 70- NOSOVA, OLGA 50 - OCCAM‘S RAZOR 13 - THE ODD DOGS 44 - ONE LAST REGION 17 - ONO,
RYOKO 53 - ONODERA, YUI 68 - ORTIZ, ARUAN 29 - OTTAVI, JULIEN 69 - PARMERUD, ÅKE 78 PERELMAN, IVO 34 - PETROVIC, GAGI 84 - PILES 23 - RAIMOND, JOSEPH B. 62, 63 - RAKNES,ELDBJØRG 52 - REFREE 75 - RODER, JAN 42 - ROGERS, PAUL 45 - ROVAR17 75 - ROWE, KEITH 69 RUPP, OLAF 45, 47 - RYORCHESTRA 53 - SAINT-REMY, RAPHAEL 45 - SAKATA, AKIRA 35 SCHILLER, CHRISTOPH 46 - SCHINDLER, UDO 25 - SCHMICKLER, MARCUS 67 - SCHUBERT, FRANKPAUL 45 - SEC_ 70 - SEO, TAKASHI 35 - SHY LAYERS 76 - SIRIA [EOSIN] 61 - SLIGTER, JESSICA 84 SNACK FAMILY 24 - SPENCE, ALISTER 26 - SPINIFEX 9 - STEIN, JASON 34 - STREIFENJUNKO 76 STURQEN 66 - TAMTAM 61 - THEWES, CHRISTOF 5, 42 - THOMPSON, BILL 76 - TOKAR, MARK 11, 44- TRIO HEINZ HERBERT 31 - TRIO SOWARI 69 - ULHER, BIRGIT 46 - UMLAUT BIG BAND 46 ÜRÜGÜLÜ 6 - UZGIN ÜVER 15 - V/A BITTESCHÖN, PHILOPHON! VOL. 1 24 - V/A DEGEM CD 16 85 V/A DIE ÜBRIGGEBLIEBENEN / VALLEY OF THE LEFTOVERS 15 - VAN DEN BROEK, ZENO 84 VANDERMARK, KEN 11 - VANDEWEYER, ELS 50 - VATCHER, MICHAEL 39, 42 - THE VEGETABLE
ORCHESTRA 77 - VESTERGAARD, ANDERS 77 - VITIELLO, STEPHEN 68 - VOCCOLOURS 25 - VRBA,
PETR 67, 70 - WALSDORFF, HENRIK 47 - WHITE PULSE 10 - WINDEREN, JANA 77 - WORLDSERVICEPROJECT 6 - XENOFOX 47 - YANIGASAWA, EISUKE 65 - ZAVOLOKA 66 - ZEPEZAUER, ACHIM 39 ZITARELLI, ANTONIO 10 - ZOUBEK, PHILIP 4387

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