BAD
63
ALCHEMY1...
Levitation, Levitation! Aufheben den Erdenklumpatschabsolut für einen Augenblick und zwei Personen:die Altersschranken,
den Ladenschluß,
den Satz vom Widerspruch und alles was da dranhängt,Sie da - ich hier also alkohologisch gesehen schon sone Art von Utopie,
wo der Geist mal für zehn Prozent Chance mehr hat
und die Schönheit der Weisheit entgegenfiebert...
Peter Rühmkorf: Schnellimbiß2

INHALT:
4 FREAKSHOW: CHEER-ACCIDENT
6 FRREEEAKSHOW: WALTER - EVANS - HALVORSON
8 w 71: RUPP - PLIAKAS - WERTMÜLLER: ZEN ODER ZENON?
9 MOERS 2009 (von Klaus Grope)
12 w 71: REMPIS PERCUSSION QUARTET
13 SURFING MONKS: SECRET CHIEFS 3 IM NACHTLEBEN
14 NOWJAZZ, PLINK & PLONK: CREATIVE SOURCES 14 - EMANEM 18 ENGINE STUDIOS 19 - ESP-DISK‘ 20 - FIREHOUSE 12 22 ALFRED HARTHS LAUBHUETTE 23 - INTAKT 25 - IORRAM 25 - LEO 26 POTLATCH 27 - RUNE GRAMMOFON 28 - UGEXPLODE 31 - VICTO 32
30 THE THING
45 OVER POP UNDER ROCK OUTER LIMITS: INTERSTELLAR 46 - LAST VISIBLE DOG 47 MOONJUNE 49 - ReR MEGACORP 51 - TZADIK 57
45 LAND OF KUSH: AGAINST THE DAY
50 NIOBE: AVA GARDNER AT THE SWIMMING POOL
52 HENRY COW - THE ROAD
55 THE REMOTE VIEWERS
56 GHÉDALIA TAZARTÈS
59 VOLCANO THE BEAR / LA STPO
66 DAPHNE ORAM - KOMPONIEREN WIE EINE MALERIN [Teil 2] (von Ingo Techmeier)66 BEATS, BRUITS, SOUNDS & SCAPES: 12 K 70 - AUF ABWEGEN 71 CRÓNICA ELECTRONICA 72 - DEKORDER 73 - DOMIZIL74 - HANDS 75 INTRANSITIVE 76 - LICHT-UNG 77 - MONOTYPE 78 - NV° 79 - TOUCH 80
BAD ALCHEMY # 63 (p) Juli 2009HERAUSGEBER UND REDAKTION
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)REDAKTIONS- UND VERTRIEBSANSCHRIFT
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de – www.badalchemy.de
MITARBEITER DIESER AUSGABE:
Michael Beck, Klaus Grope, Ingo Techmeier
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht näher gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sindCDs, was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint ca. 3 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 63 erhalten Abonnenten Laubhuetten-Musik von ALFRED 23 HARTH
Als back-issues noch lieferbar - Magazin mit 7" EP: BA 33, 35 bis 42
nur Magazin: BA 43, 46, 55, 57 - 62
Leseproben: http://stefanhetzel.de/esszumus.html; www.zunderderblog.de
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Freakshow: C H E E R - A C C I D E N T
3. Mai 2009, CHEER-ACCIDENT legt beim Sprung von Frankreich nach
Polen zum zweiten Mal in ‚Freakburg‘ einen Zwischenstop ein – diesmal im
B-Hof. Wer erwartete, dass die Gang aus Chicago irgendwie die Songs
ihrer neuen Cuneiform-CD auf dem Programm hätte, sieht sich getäuscht,
doch nicht enttäuscht. Oh nein. Verstärkt mit einem Laptopper (der auch
Gitarrensounds beisteuert), stellen Thymme Jones, der zauselige Drummer und Cheerleader, Jeff Libersher an der Gitarre und Alex Perkolup als
zartbesaiteter Rübezahl am Bass, nach einem ausgiebigen Soundcheck
und entsprechend einstündiger Verzögerung, die Zeichen abrupt auf
Sturm. Mit dynamisch vertracktem Mathrock, gefolgt von einer minimal-repetitiven Passage, zeigen sich die Accidents von ihrer - vermeintlich typischen Seite. Doch dann verdunstet dieses Gerocke zu dreistimmigem
Melodicagebläse, nur unterlegt von Laptopbeats, ambienten Dröhnklangwolken und stechenden Noisestrahlen. Zwei Trompeten mischen sich ein,schaffen eine irrlichternde Atmosphäre. Mit einer MONSTERATTACKE
setzt aber wieder kantiges Kniebrechriffing ein, wie Grand Funk Railroad
auf Hardcore getrimmt. Was wiederum nach einigen Minuten ausfasert inzarten Laptopnoise und Beinahestillstand. Jones jammert kopfüber in sein
Drumset, verschwindet ganz und beginnt hinter dem Vorhang Pianonoten
zu plinken. Die Gelegenheit, Klavier, statt Keyboard zu spielen, ist für ihn
ein unverhofftes und für’s Publikum ein poetisches Surplus. Zum Pianoriffing verfällt er in Beach-Boys-Gesang, von Libershers Trompete lyrischbegleitet. Der Song fasst Tritt, zuerst mit wortlosen Silben, dann entfaltet
sich ein zartes Lied im Brian-Wilson/Robert-Wyatt-Ton. Ein magischer Moment, aus dem dunkle Basstupfer und Laptopsampling sich wie mit Blindenstock heraustasten. Nur um mit heftig klackendem Getrommel
Schwung zu nehmen für einen neuen Steilflug in den Donnergötterhimmel, erst langsam, dann mit verdoppelter und verdreifachter Schlagzahl.
Und wieder flaut die Musik ab bis zu Beinahestillstand und Beinahestille,
nur um urplötzlich erneut zu einer HIMMELFAHRT sich aufzuschwingen
und in einen pulsierenden Schamanentanz mit Trompete zu verfallen. Mit
einer weiteren Modulation geht es weiter und weiter. Jones bläst gestopfte Trompete und erschafft eine melodische Spannung, die im Laptop
zerschrotet wird, sich aber rechtzeitig frei spielt mit wieder einsetzendem
Drumgedonner. Ein Luftloch reißt auf, in das erneut Blitz und Donner einschlagen, zuckendes Riffing im halsbrecherischen Stop & Go, Chaos &Stillstand. Aus dem einen ‚Your Weak Heart‘, eine jetzt und so nicht mehr
vermutete Robert-Wyatt-Elegie, erlöst mit süßem Gift. Mehr Kontrast und
Spannung gehn nicht. Nach einer Stunde – einer Stunde?! - , in der unser
kleiner Kreis wie gebannt gelauscht hat, brechen endlich alle Beifallsdämme. WAAAAHNSINNN!!! Einigen qualmt der Frack dermaßen, dass sie
Weizenbier am liebsten beidhändig in sich schütten möchten.
Doch die Cheers haben ihr Füllhorn noch nicht geleert. ‚The Birth of
Scratch Rock’ wird angesagt und als kniebrechgetakteter Kaputtrock,gleichzeitig Hyperperfektrock, zur Welt gebracht. Dann aber wieder ausgedünnt zu Grummel- und Trötnoise, zu Schab- und Kratzanarchie, zu
Search & Destroyklingklang mit spontaner Publikumsbeteiligung!!! Jones
macht sich erneut unsichtbar, Libersher legt sich faunisch auf den Rücken mit der Gitarre auf dem Bauch, Perkolup lehnt sein feedbackbrummendes Instrument an die Box und taucht selbst in die Basstrommel, die
Zeit kaut selbstvergessen einen Grashalm. Bis nach langem Spintisieren
Sleipnir, der wackere Mustang, letztmalig die Sporen bekommt für den finalen Sprung. UNGLAUBLICH! Eine so gewagte Inszenierung hat man lange nicht erlebt. Die Band strahlt mit uns um die Wette und der unbekannte
Vierte verrät mir seinem Namen – Dan Burke. Ha! Illusion Of Safety! Das
nenne ich eine Überraschung. Dass Cheer-Accident sich mit diesem untergründigen Vertreter der Noise Culture verstärkt hat (dabei freilich nur
uralte Bande aus den 80ern neu knüpfte), ist die perfekte Krönung dieses
so abenteuerlustig ausgeuferten Spätnachmittags.
4Fotos (clockwise): Burke = heartmath, Perkolup -Jones = opt-art, Jones = zero.eu

5Frreeeakshow: WALTER – EVANS - HALVORSON
Ach, ich weiß gar nicht, wen ich mehr bestaunen soll von den Dreien, die da am 08.
Mai 2 0 0 9 im I m m e r h i n die Würzburger Provinz wieder mal mit Weltniveau verschreckten. Peter Evans, mit Jahrgang ’81 der Jüngste, ein Oberlin-geschulter
Virtuose in Biedermannbraun, dem man allenfalls zutraut, dass er sich als BachTrompeter von Spießern feiern lässt? Doch nicht nur, dass er mit dem International
Contempory Ensemble Neue Töne spuckt, er sucht offenbar jede Herausforderung
durch Querköpfe der JetztMusik, egal ob schräge Plinkplonker oder Höllenlärmer,
obwohl er tatsächlich so jung und brav aussieht wie auf den Fotos, die ich für veraltet hielt. Kaum zu glauben, dass er mit Mostly Other People Do The Killing!, Carnival Skin, Sparks, Beresford & Lee und sogar dem Wertmüller-Projekt die Szene aufmischt als Trompeter T-2000, der übrigens auch so schnell spricht, wie er die Finger flattern lässt. Oder die 29-jährige Mary Halvorson, ein Wesleyan-studiertes
bebrilltes Vogelwesen, das den ersten Set im grünen Trenchcoat spielt, als müsste
der ihr Leib und Seele zusammenhalten? Sie macht, seit sie von Brookline, MA,
nach Brooklyn gekommen ist, Furore mit Anthony Braxton, im Trio Convulsant, im
Duo mit Jessica Pavone und und und. Allein wenn ich ihre Frühjahrsaktivitäten
2009 überfliege, klingeln mir die Ohren, denn da wimmelt es von genau den Namen,
die Freakherzen höher schlagen lassen - Shahzad Ismailly, Marc Ribot, Matana Roberts, Ches Smith, Chad Taylor. Sie alle reißen sich um das Unerhörteste, was derJazzgitarre seit langem zugestoßen ist. So zählt auch Weasel Walter zu ihren Bewunderern. Der Freakshow-, Lowlife- und ROCK’N’ROLL-erfahrene Flying Luttenbacher zielt mit seiner kreativen Wut auf den Kladderadatsch mit abenteuerlustigen freien Geistern. Bei ihm gibt es kein Etepetete, nur Dynamik, Schnelligkeit,
krasse Attacken, er ist ein Pierrot le Fou, der statt mit Dynamitstangen mit seinen
Schlagstöcken um sich wirft und sein Cymbal als Kardinalshut auf dem Scheitel balanciert. Aber Evans und Halvorson, auch wenn sie es schüchterner und ziemlich
ernsthaft angehen, scheint es nicht heiß genug hergehen zu können. Weasel, derzu seinem Deathmetal-T-Shirt eine kurze Hose trägt, in der er steckt wie ein zu großgewordener Bub, ist trotz der rasant bollernden Bassdrum als seinem Markenzeichen flexibel geworden und findet neben dem direkten Weg zu Kinnspitze und Magengrube auch ungebahnte Pfade und verwinkelte Treppen ins Hardcoreglück.
Halvorson ist dafür eine so unwahrscheinliche wie ideale Partnerin. Ihre atonale
Ruppigkeit, die paradoxen Stolperer und verzögerten Sprünge ihrer struppigen
Singlenotes sind wirklich eigenwillig. Das steht in keinem Lehrbuch. Lakonisch pickt
sie mit langen Knochenfingern ihre ‚verkehrten’ Akkorde, die aber ebenso effektvoll und zielgenau sind wie ihre Pedaleffekte. Das ist die ‚Brundlefly’-Version einer
Jazzgitarre, mit schweren Webfehlern im genetischen Code. Ein Faszinosum, überdas man genauso staunt wie Weasel, der mehrmals den Kopf schütteln und grinsen
muss über das, was Evans treibt. Während Halvorson dem rasenden Drummer Paroli bietet mit sparsamen, aber genau den richtigen Griffen ihres ‚Drunken Fist’Stils, wird Walter von Evans tatsächlich noch über-Weaselt. Er schmettert Zickzackblitze, flatterzüngelt und schnattert 32stel-Tiraden, ZIRKULARBEATMET. Als
hätte er eine Luftpumpe im Arsch, wie einer meinte. Da kann die Oberlippe noch soblutrot brennen und der Schweiß in den Augen kneifen, Evans gibt Zunder, dassman vor lauter Baffheit vergisst, die Kinnlade wieder einzuhängen. Die Tuttiraserei
der Drei ist zum Schreien. Aber das wahre Aber bei diesem kurzweiligen Aberwitz
sind doch die spontan wechselnden Duette, die launigen Kontraste, die schrägen
Kurven. Weasel zwirbelt und schabt das Cymbal, patscht und beselt, ‚flötet’ mit einem Schlauch, haut zu, als würde er lästige Fliegen erschlagen und ‚ersticht‘ einzelne Schaben, bevor er wieder Gas gibt und mit Karacho über Schlaglöcher
scheppert. Evans dämpft den Trichter mit der Hand, er faucht und ploppt undbraucht auch kein Mikrophon für diese delikaten Momente, denn die 18 Freaks, die
ihm zu Füßen sitzen, halten den Atem an, um mitzufiebern bis zum nächsten Rösselsprung in die Nesseln. Natürlich kann man Denkanstöße allenfalls von Ziegenböcken erwarten (wie Peter Rühmkorf mal witzelte). Aber wenn einem SO in die Rippen gestoßen, wenn SO schön mit dem Herzen nach dem Hirn gekegelt wird, dannAdieu, schnöde Welt und Hallo, Ihr Ziegenböcke einer schöneren.
PS: Dank an Elke Sommer und Schlockmaster für die Fotos und die Gedächtnisstützen auf YouTube
6

7

w 71: RUPP - PLIAKAS – WERTMÜLLER: ZEN ODER ZENON?
Phänomenal. Auf den Höhepunkten übersteigt Michael Wertmüllers Raserei im W e i kersheimer w 7 1 das Auflösungsvermögen des Auges, die Arme verwischen zu einem
wie von Giacomo Balla futuristisch gemalten ‚Dinamismo di un batterista’, er wird ganz zum
entfesselten ‚Schlachtzeuger’. Aber alle Finger, auch die von Olaf Rupp, Turbogitarrist in
Gestalt Meister Propers, sitzend zur Rechten, und die des Overdrivebassisten Marino Pliakas am linken Flügel, flirren an diesem Dienstagabend - es ist der 26. Mai 2 0 0 9 - soschnell wie die Beine von Zenons denksportlichem Achill – denn zwischen den schnellsten
Schritt passt immer noch ein kleiner Schildkrötenschritt, zwischen jeden Sekundenbruchteil
passt noch eine kleinere Bruchteilsekunde. Wertmüller kickt das Rennen und die Zwischenspurts mit Startschüssen an, die schockhaft die Luft zerreißen. Die lossprintende Zang!
Tumb!Tumb!-Musik besteht fast durchwegs aus 16tel, wenn nicht 32stel-Noten, arpeggiando, staccatissimo. Pliakas rifft den E-Bass wie eine Gitarre. Zwar triggert er mit seinen
Sonntagsschuhen auch Pedaleffekte, aber das hohe Tempo ist Handarbeit, nur gelegentlich
lässt er zudem noch einen Loop tickern. Oder er bratzelt über den geschmeidigen Notenfluss elektrische Entladungen als Störfeuer. Statt Fluss sollte ich besser Gewebe sagenoder Kunststoff, so mikrofaserdicht und engmaschig ist das gewirkt. Wertmüller webt daranzuerst mit filzig dunklem Getrommel, donnernd zwar, aber ohne martialischen Grimm, seinmodernistischer Furor trägt Zivil. Im zweiten Abschnitt konzentriert er sich auf metalloides
Geschmetter und massiven Hagelschlag – prompt wurde für ganz Deutschland Sturmwarnung gegeben. In der dritten, einer gedämpften Passage schleift und schabt er mit Besen
und Holz. Das Klangkontinuum wird durch zwei ausgedehnte
Rupp-Solos gegliedert, bei denen Pliakas erst noch mitfiebert,dann Wache steht und Wertmüller einmal sogar seinen Arbeitsplatz verlässt. Mich irritiert sowas bei einem Trio sehr. Andererseits sind Verdichten, Ausdünnen und Gewichtsverlagerung bewusst eingesetzte Steuerungselemente, um das Gebrodel desTrios noch weiter zu verlebendigen, dem ansonsten nur die
Flucht nach vorne bleibt, das Accelerando von Speed zu Hyperspeed. Rupps Klangpartikelstürme, ganz sein Element, verdeutlichen das Webmuster und stehen als Teil schon für das Ganze.
Seine Finger krabbeln und pluckern so schnell wie ein Zahnrädchen, sie zerpflücken, zerhacken, zermörsern das Notenspektrum, bis die Raserei
der Ruhe selbst zu ähneln beginnt. Ein Illusionstrick, derdurch Rupps statisch-aufrechtes Sitzen unterstrichen wird.

Als sei das eine Art
Zenübung. Nur die Grimassen verraten den Luftwiderstand. Aber man grinst
jaunwillkürlichselbst,wenn Drums und Bass, Full
Blast-notorisch miteinander verkoppelt wie Black & Decker oder Lombardo & Dunn,
mit einem Ruck wieder einsteigen. Futuristisch, neusachlich, ein Dynamo, der kinetische Energie umwandelt in Antigravitation. In einem Zug wird durchgespielt. Und auf den
endlich losbrechenden Beifall gleich eine Zugabe draufgepackt – motorisch kantiger, aber ungebremst rasant. Der
Rausch der Geschwindigkeit und Überfülle als Mindfuck. Wir
müssen uns Achilles im Fotofinnish mit dem Phantom der
Schildkröte als glücklichen Menschen vorstellen.
Fotos: Bernd Scholkemper
8DAS MOERS FESTIVAL 2009

vom 29.05.2009 - 01.06.2009 pointiert belauscht von Klaus Grope

Und das Brausen vom Himmel erfüllte alle Jünger und siehe da: das Pfingstfest in Moers
jubilierte in mannigfaltigen Sprachen und Tönen. Und wie in jedem Jahr waren höchst erhellende wie auch recht ernüchternde Konzerte zu begutachten.
Was hatte das Festival heuer zu bieten? Einen Genremix voller Überraschungen und Neuentdeckungen, der in seiner Art wohl einmalig ist. Wo Burkhart Hennen es mit seiner
Weltmusik und den Traditionalisten zu weit trieb, wagt Kai Michalke jetzt schon zum 4. Mal
den Brückenschlag hin zu neuen Ufern. Viel Jungvolk mit enormem Potenzial stellte sichkackfrech auf die Bühne und sorgte für herunterklappende Kinnladen. Das Motto "Expect
the unexspected" traf genau ins Schwarze, selbst bei den 'alten Herren' von The Trio, diesich dem direkten Vergleich mit den ‚jungen Wilden‘ von MOPDTK stellten. Über die Headliner wird andernorts genug gesagt, hier gilt das Ohrenmerk gezielt den frischen Acts:
Moers, der erste Tag:
Simon R u m m e l wurde leider aus verkehrsbehinderten Gründen verpasst. Somit konnte
das "Begrüßungsbier" mit den üblichen Verdächtigen (langjährige Vertraute aus Kiel undLuxemburg), erst in der Pause zum nächsten Gig genossen werden.
Mit Zs (zi:s ausgesprochen, wie Ze(bras)) erklangen dann Töne, die uns magisch ins Festivalzelt zogen. Der lautstarke, mächtige Rhythmus deutete auf ein vielköpfiges Vollsortiment an Musikanten hin - aber weit gefehlt: drei Burschen hatten es sich auf Stühlen bequem gemacht und spielten artig ihre Weisen von Notenblättern herunter; wie es sich halt
für ein Chambertrio gehört. Doch wie der Saxophonist bei einer derartigen Powereinlage
noch auf seinem Stuhl hat kleben können - nicht nachvollziehbar. Ein derart vielschichtiges, voluminöses und ungemein dichtes Minimal-Stück ist mir noch nie untergekommen.
Man war wie von einer imaginären Schutzhülle umgeben. Vier, fünf ostinate Motive gingen ineinander über und schufen ein wirkliches "Minimal-Chamber-Punk-Rock-Jazz"-Erlebnis. Saublöd an der ganzen Geschichte war nur, dass sie es bei diesem einen Stückbeließen. Ca. 25 Minuten. Zeitnot von Seiten der Festivalmacher konnte nicht als Ausrede
herhalten. Vielleicht wollten sie mit dem kürzesten Gig ever played in 38 Jahren Moersfestival in die Annalen eingehen. Diese Truppe sollte man unbedingt im Auge behalten.
Nach diesem Hochgenuss war es an der Zeit, die immer wieder beliebte Meckerecke aufzumachen. Es nahte Eivor Palsdottir; ihres Zeichens Farörerin mit dem Hang, alten
Volksliedern eine mehr poppig-folkige als jazzige Note zu unterlegen. Wir sind erst gar
nicht zurück ins Zelt und sicherten uns die besten Plätze am Bierstand. Die Beschallung
bestärkte unser Vorurteil ob der Langeweile dieser nordischen Oden. Der Applaus war
mehr als ordentlich; die Zugabe folgte auf dem Fuß; das Volk war zufrieden - wir aberüberhaupt nicht: Warum darf die Tante 3-mal so lang spielen wie Zs? Einige Umstehende
zeigten sogar Verständnis für unseren Ärger und man einigte sich darauf: Gut ausgesehen hat sie doch aber nun mal wirklich. Da wir ihr Porträt ja nur aus dem Programmheft
her kannten, konnten wir nicht einmal hier zustimmen (das Photo konnte ja schon 10 Jahre alt sein).
Bei der nächsten Truppe, Elephant9, kamen wir mit unseren Frotzeleien nicht so einfach davon: Es war Meckern auf höchstem Niveau angesagt, denn es war "die zurzeit aufregendste und Aufsehen erregendste Formation Norwegens" angekündigt. Armes Norwegen, kann ich dazu nur bemerken. Was uns an Neuem und Aufregendem aufgetragenwurde, war schlicht und einfach der Stoff, mit dem uns Barbara Dennerlein seit gefühlten
30 Jahren beglückt. OK - einige Vertracktheiten verirrten sich dann schon in den Set undhandwerklich war‘s sicherlich nicht übel, dennoch konnte dieses Konzept ganz und gar
nicht überzeugen. ‚Die adäquate Antwort des 21. Jahrhunderts auf ELP‘ ist dann schon
bewusst negativ eingesetzt worden. Zumindest von mir. Und die tollen Improvisationen
sind mir gänzlich entgangen, war ich wohl auf dem Klo. Ich mußte ob meiner Frotzeleienreichlich Prügel einstecken; macht nichts, bin ich schon gewohnt. Solange man Kiel undLuxemburg hinter sich weiß.
9"Ten Beers After" schauten wir noch bei der Karnevalstruppe SpockFrevo.
O r q u e s t r a vorbei. Da der Funke einfach nicht überspringen wollte (so behäbig kann der Frevo in Nordbrasilien doch wohl nicht daherkommen), nutzte ich die letzte Mitfahrgelegenheit und sollte am nächsten Tag erfahren,nichts versäumt zu haben.
Moers, der 2. Tag:
Nachdem der erste Tag mit nur einem Highlight eher Würzburger Format zu
bieten hatte, sollte der 2. Tag mehrere Leckerbisse im Angebot haben: Angefangen mit dem für mich formidablen Wanja Slavin Sextett. Ich fandmich ziemlich allein auf meiner Spur. "Zu kopflastige Frickelei" war der allgemeine Tenor. Aber gegen Frickeln mit Köpfchen ist doch wohl nichts einzuwenden. Hie und da ein wenig vergaloppiert - what shall‘s. Was der Slavin soalles in sein Horn rotzte, war eine einzige Wohltat für die Ohren. Da dürfte inder Zukunft noch einiges zu Erwarten sein; ich schätze ihn mal auf Mitte 20.
Den Valgeir Sigurdsson hörten wir uns dann an unserem Lieblingsplatz außerhalb des Zeltes an - man mußte sich schließlich für den nächsten Akt
stärken, der da hieß: MOPDTK = Mostly Other People Do The Killing. Ein
Powerritt durch die letzten sechs Jahrzehnte der Jazzgeschichte. "Alles nur
geklaut", würden nicht einmal böse Zungen behaupten. "Sie spielen mit der
Wucht und Hingabe eines Husarenregiments, das in die letzte Schlacht
reitet". Dabei wurden die einzelnen Stilarten zunächst auf den Kopf gestellt,
um sie später wieder geradezurücken. Dass es dafür einer großen Virtuosität bedarf, versteht sich von selbst. Herauszuheben, ohne seine Mitstreiterzu vergessen, der Trompeter Peter Evans, der mit ungeheurem Druck seine
Salven herausfeuerte. Wie diese jungen Burschen den Hard- und Bebop verdrehten, dem Jazzrock dank des Drummers Kevin Shea mit äußerst schrägen Takten ein neues Leben einhauchten, wie das Althorn, Jon Irabagon,sich im Freejazz trefflich in Szene setzte und der Mastermind vom Ganzen,
Bassist Moppa Elliott, die einzelnen, z. T. sehr verqueren Übergänge meisterlich verzupfte - dieser grandiose Streifzug durch die Jazzgeschichte wird in
Moers, sicherlich nicht nur des etwas ausgefallenen Bandnamens wegen, in
Erinnerung bleiben.
Moers, der 3. Tag:Am Sonntag reichte es bei mir nur zu einer Stipvisite. Aber was ich mir von
The Black Napkins anhören durfte, war eine Anreise per Bus und Bahn
mehr als wert. Dass sie sich nach einem Instrumental von F. Zappa benannt
haben (wie ich der Programmzeitschrift entnehmen konnte), war so nicht zu
erkennen. Sie spielten zwei eigene Stücke ("mehr haben wir noch nicht
komponiert"), eine Komposition eines mir nicht bekannten niederländischen
Komponisten, und - wie wollen wir die Zeit füllen? - freie Interpretation ist angesagt. In dem jugendlichen Alter natürlich eine absolute Wackelnummer
und von den Altvorderen kritisch beäugt. Da sie mir vorab derart großartig
gefielen, möchte ich mit der rosaroten Brille konstatieren: wacker geschlagen, aber: Lasst sie komponieren, auf dass sie ihr "Improvisieren" einstellen
können. Wie sie den Bogen schlugen von poppig melodiös hin zu brachialsoundigen Noiseeruptionen, wie Sanne van Hek (ein derart junges Ding hab ich
an der Trompete auch noch nicht gesehen) es verstand, aus lieblichen Melodeien höchst aggressive stakkatohafte Rhythmen hinauszuposaunen, wie
der Drummer (Gerri Jäger), wie weiland Fred Frith an der Gitarre, sein Instrumentarium mit Dingen des täglichen Gebrauchs, von den eigenen Fingernägeln bis hin zum Kettenschlagen, liebkoste oder auch mißbrauchte,
wie der Gitarrist (Jasper Stadhouders), mal akustisch, mal elektrisch, die beiden Mitstreiter bei ihren Gefrickelpassagen kongenial begleitete, um selbst
bei den Noisegeheulen in den Vordergrund zu treten - ein mehrfaches Halleluja meinerseits verstand sich von selbst. Für mich die Neuentdeckung desJahres. Die Entwicklung wird zeigen, wo die Reise hingeht - Rockavant oder
Impro.
10

Moers, 4. Tag:Im Zelt ging es mit Nisennenmondai weiter. Drei hübsch aussehende Japanerinnen legten derart los, dass man ihre Gesichter alsbald nicht mehr zu sehen bekam. Headbanging
war angesagt. Und das bei PsychKrautrock. Geht das überhaupt?? Ich muß gestehen - anfangs war ich doch angetan ob ihrer Wildheit und ihrem unbekümmerten Schlagmichtot.
Unsere bekifften Landsleute seinerzeit wären sicherlich nicht in der Lage gewesen, ihren
Kraut in ein derartiges Tempo zu verwirbeln. Doch dummerweise konnte die anfängliche
Faszination nicht gehalten werden. Nach ca. 30 Min. machte sich so was wie Langeweile
breit, und als man dann dazu überging Kraftwerk zu beweihräuchern, wurde der Wunschnach einem ersten Bierchen laut. Ich ließ mich auch nicht lange bitten - am Bierstand waren die üblichen Verdächtigen schon versammelt. "Hast aber lange ausgehalten", war dereinhellige Tenor der Meckertruppe.
Das Tim Isfort T e n t e t t sollte alsdann zu einem wirklichen Highlight werden. Ich hattebisher nur Unsägliches von ihm gehört. Aber mit seinem Moerser Auftragsstück "Deich"
hat er mich voll in den Bann gezogen. Eine Jazzsymphonie wie ich sie seit ewigen Zeiten
nicht mehr gehört habe. Eine Stunde voller Spannungsbögen, getragen von minimal-stakkato Ostinati, die leitmotivartig den Sockel auch für Improvisationen bildeten. Für‘s Augewurde manch Neues geboten; ich meine nicht den unsäglichen Film, der störenderweise
im Hintergrund lief; das Xala war mir nicht bekannt: Ein Bodenxylofon riesigen Ausmaßes,4 x 4 m - irgendwer behauptete hinterher, es wären nur 2 x 2 m gewesen. Es wird mit Füßen
oder ellenlangen Holzstöcken zum Klingen gebracht. Da traf es sich gut, dass die Musikerin gleichzeitig auch Tänzerin ist. Ein einmaliger Ohren- wie Augenschmaus. Das Theremin wurde vom Tenorhorn trefflich in Szene gesetzt. Selbst der DJ konnte mit Tonbändern
und Musikkassetten gefallen. Darüberhinaus waren im Publikum ca. 15 Bläser eines hiesigen Heimatvereins verstreut, die durch ihr amateurhaftes Auftreten - der Einsatz passte
nicht immer so 100%ig, neben mir bekam ein ca. 75jähriger auch schon mal einen Trittvors Schienbein - dem Ganzen eine heitere Note gaben.
Die kann man der folgenden Truppe nicht bescheinigen. Extra L i v e verloren sich in einem depressiv-getragenen GothicMetalScheißdreckSingerSongwriter-Getue, dass es mir
schlecht wurde; was aber auch am Neo-Nazi-Outfit des Frontmanns gelegen haben mag.
sOo's c O l l a g e mit der koreanischen Pianistin Soo-Jung Kae und M a r c Ribot's C e r a mic Dog waren dagegen ein mehr als würdiger Abschluss des Ganzen.
Fazit:Die Highlights aus der Fraktion "Rockiges": 1. Marc Ribot 2. The Black Napkins 3. Zs;"Jazziges": 1. Mostly Other People Do The Killing 2. sOo's cOllage 3. Wanja Slavin Sextett;"Outstandings": The Trio - Tim Isfort Tentett

The Black Napkins

Fotos: Cees Van De Ven
11w 71: REMPIS PERCUSSION QUARTET
Nicht die ganz geläufigen Namen lockten uns mitten
unter der Woche am 3. Juni 2 0 0 9 nach W e i k e r s heim, aber mit Ingebrigt Håker F l a t e n war eigentlich ein Garant dabei, dass es gut zur Sache gehen würde in diesem Chicago-Projekt des Tenor- &Altsaxophonisten Dave Rempis. Der hatte in Ken
Vandermarks Territory Band schon in Niederstetten
gut mitgepustet und nun mit zwei Drummern an der
Seite und dem Bassisten von The Thing und dem
Scorch Trio - das wäre doch gelacht. Und so war es
auch. Der baseballbemützte Tim Daisy, mir dochschon bekannt mit Fred Anderson und Scott Rosenberg‘s Red, erweist sich als der straightere der beiden Drummer, der aus den Handgelenken heraus dynamisch pusht. Frank Rosaly am rechten Flügel, ist
der exaltiertere Typ, der aus den Ellbogen heraus
schafft und sich, nur auf Strümpfen, ganzkörperlich
einsetzt. Es verblüfft daher, dass die beiden sich weniger über den Kontrast definieren, als über eng verzahnte, intuitiv kommunizierte Varianten. Als müsste
man Gott Plinkplonk gnädig stimmen, beginnen beide
jeweils mit frickeligen, geräuschverliebten Mätzchen, wuseligem Klimbim, bei dem vor allem Rosaly
jeden cm2 seiner Gerätschaften abklopft, dessenÜbereifer aber rechtzeitig einschwenkt auf gemeinsam gepochten temporeichen Notenhagel, der einenbebenden, in sich schwingenden Groove ständig
netzartig verdichtet und ausdünnt - gut zu hören bei
einem Duett. Flaten, der auf dieser Tour Anton Hatwich vertrat, der noch auf The Disappointment of
Parsley (Not Two Records) spielt, der aktuellen, andiesem Abend stark gefragten RPQ-CD, macht dazu
den Joker. Er hat 3 Jahre in Chicago gelebt und dort
Rosaly und Rempis für sein eigenes Quintett rekrutiert. Mit schweißtriefend gerupftem Pizzikato undmanisch gescharrten Tontrauben, die die Basstrommeln überflüssig machen, bringt er seine hitzige Inbrunst ins Spiel. Tatsächlich gerben die Drummer
vorwiegend die Felle von Snares und Tomtoms, lassen Cymbals zischen oder Blechdeckel scheppern.
Mit der Arcosäge sorgt der Norweger für ein
Highlight. Und mit elektronischen Dröhnwellen fürein weiteres, nicht umsonst trägt er ein Warp-T-Shirt.
Aber erst recht rockte er das Haus mit einem unglaublichen, automatenhaft repetierten Lauf, mit der
Linken gerupft, mit der Rechten geklopft, jeweils mit
einem fast spastischen leeren Zwischenschlag. Er
Foto: Ulrich Rüdenauer
ist der Dynamo auf der Bühne, der jeden seiner Töne
kaut und singt. Der tonangebende Sänger freilich ist Rempis, ein Prachtexemplar des Chicagostils, der, nie lasch, aber auch nie forciert, eine melodische Passage auf die nächste
folgen lässt. Ständig facht er eine heißkalte Glut an, wechselt gezielt von Alto zu Tenor undwieder zurück. Ohne viel Getue stimmt der 34-jährige nach einer Reihe feuriger auch eine
besinnliche, fast romantische Weise an. Keiner legt ihm das als Schwäche aus, im Gegenteil. Die Vandermark-geschulten Ohren im w 71 genossen sichtlich Töne, so zungenmild
wie der lokale Dornfelder. Aber noch mehr prosteten wir den Vieren zu, wenn sie aufs
Ganze gingen, mit fiebrig pulsierendem Karacho, rauschend und vollmundig. Zum Abschied hieß es daher nicht Goodbye, sondern Auf Wiedersehn!
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SURFING MONKS
Nach Frankfurt? Wozu? Wegen Shazad Ismaily & Ches Smith, seit ihren Gastspielen
mit 2 Foot Yard bzw. Ceramic Dog persönliche Schätzchen von uns Würzburger
Freaks. Am Sonntag, 5. Juli 2 0 0 9 , gastierten sie im Nachtleben mit einer besonderen Attraktion, den mysterösen SECRET CHIEFS 3. Die Formation des Gitarristen
Trey Spruance steht in direktem Bezug zu Mr. Bungle, die Spruance 1985 mitbegründete und bis 2000 mitbestimmte, und zu John Zorn, dessen Xaphan – Book of Angels
sie 2008 einspielte, mit dem das eigene Book M (2001) und Book of Horizons (2004)
insofern korrespondieren, als sie Texten der Weisheit und der Hermetik Referenz erweisen. Spruance, optisch zwischen Pope und Musketier, verehrt, neben Devo, Laibach und Sun City Girls, explizit auch den persischen Sufi Shahab al-Din Suhrawardi,
den Illuminationsphilosophen Henry Corbin, den antimodernen Julius Evola, den Traditionalisten René Guénon und den poetischen Terroristen und T.A.Z.-Utopisten Hakim Bey und überbaut damit Secret Chiefs 3 aufklärerisch-okkult, um das mal oxymoron zu benennen. Was immer man jedoch erwartete, als es, nach einigen Präliminarien und Äppelwois, um 22:40 endlich losging in einem auf 37° aufgeheizten Schwitzkasten, darauf, dass eine Surfband in Anzug, weißen Hemden und Krawatten die Bühne stürmen würde, waren die Wenigsten gefasst. Dick Dale auf Speed, Link Wray,dass es nur so rumpelte (nur Eingeweihte erkannten das als UR, einen der 6 verschiedenen Aspekte von Secret Chiefs 3). Uff! Als man sich am Bühnenrand neu sortiert hatte – das Nachtleben war proppenvoll mit Indievolk – kehrten die Fünf als
Schwarzkutten wieder und stimmten vertrackte orientalische Rhythmen à la‚Medieval’ an – das war jetzt ihr Ishraqiyun-Aspekt, unter Kapuzen verborgen. Timb
Harris (von Estradasphere), der neben der Surfguitar auch Trompete gespielt hatte,
die bei der Temperatur an den Tucson-Sound von Calexico erinnerte, begann nun zu
geigen, dass ich öfters mal den Kopf einziehen musste, damit er mir kein Auge ausstach. Kamele schaukelten, Bauchtänzerinnen gaukelten, Derwische wirbelten, bis
die Saz-Gitarre von Spruance mitten in seinem virtuosen Spiel auseinanderbrach.
Dann halt Plan B – SC3-Favourites. Er tunete seine normale Gitarre eben exotischund zauberte weiter. Selbst Jai Young Kim, der am linken Flügel orgelte, standen bei
einigen der seltsamen Riffs von Spruance Fragezeichen ins Gesicht geschrieben. Ein
Möchtegernstagediver wurde hochkant von der Bühne gekickt. Smith trommelte, als
ob er den Teufel an die Wand nageln wollte und verausgabte sich so, dass er zwischen den Stücken nach Luft japsen musste. Volle Power wechselte immer wieder
mit Passagen, bei denen die Fünf ihre ‚neo-pythagoreisch-kosmologische’ Raffinesse
zeigen konnten. Die Verbindung von eckigen Knicken und hypnotischem Flow, vonarabesker Beschwingtheit und Brachialität, liftete das Nachtleben auf Dampfwolke 9.
‚Mein’ Höhepunkt begann im 3/4-Takt at the Rivers of Babylon und eskalierte zum Bigfoot-Trolltanz, bei dem der hoppsende Ismaily mit seinem großartig pulsierenden undpochenden Bass Highhat und Mikrophonständer umschmiss, ohne dass das jemanden groß störte. Die tosende Zustimmung bescherte uns Schweißgebadeten eine Reprise von UR. Ohne Kutten rauschten die generösen Mindfucker noch einmal durch
die Brandung, getoppt von Timb Harris, der auf der Monitorbox balancierend seine
Gitarre an die Decke schruppte. Wipe Out!!!

Foto: T. Spruance = Pwsteal.Ldpinch.D*; T. Harris = HeavyMetalAdam
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NOWJAZZ, PLINK & PLONK:CREATIVE SOURCES RECORDINGS (Lisboa)

Seltsam, ich habe das GLASGOW IMPROVISERS ORCHESTRA, immerhin
ein 20-köpfiges Kollektiv, nicht als derart verhuschte Bruitisten in Erinnerung,wie es auf GIO poetics (cs 114) anmutet. Allerdings haben bisher auch nicht
die CS-Macher Ernesto & Guilherme Rodrigues mitgespielt. Waren sie für das
mikrotonale Tripping so ausschlaggebend? Schließlich geben neben der portugiesisch verstärkten Stringsektion weiterhin auch 2 Kontrabässe, 2 Drummer, 2 Flöten, 2 Saxophone, Posaune, Bassklarinette, Trompete, Shakuhachi,
Bouzouki (Krzysztof Hladowski von Nalle), akustische (George Burt) und E-Gitarre (Neil Davidson) sowie Aileen Campbell mit ihrer Stimme Laut. Neben drei
freien Improvisationen gibt es ‚Distributed Talk‘, mit Raymond MacDonalds Instruktion, drei improvisierte Passagen durch Stille voneinander abzusetzen.
Das plinkplonkige Bröselkacken ist demnach, wenn nicht einem neuen Pestvirus, ganz dem Gestaltungswillen der Schotten geschuldet, die darauf ausgerichtet scheinen, quicke Klangspritzer und -krakel zusammen mit langgezogenen Strichen transparent und weiträumig, bei ‚I‘m Sorry But I‘ve Fallen‘ zusätzlich auch noch möglichst lebhaft, zu streuen. Im amorph-diffusen Undsoweiter besteht der Reiz in Klangfarbnuancen und Binnenkontrasten, wie denen von Haltetönen mit flirrend zuckenden, gekritzelten, locker hingetüpfelten. Ich gehöre zu denen, die das nicht ganz so spannend finden können wie
die Akteure selbst.
Mit dem ‚No Man‘s Land soundtrack‘ und den Coverfotos knüpft ROBERTVAN HEUMEN direkt an Fury (cs 111) an. Wieder geht es um den Auszug aus
dem Dust Bowl, eine ökologische und soziale Katastrophe Mitte der 1930er,
die Timothy Egan in The Worst Hard Time (2005) sinnfällig gemacht hat anÜberlebenden, die versucht hatten, dem Wind zu trotzen, dem schwarzen
Pharao im Niemandsland. Umklammert wird ‚No Man‘s Land‘ von dem zweigeteilten Titelstück Stranger (cs 116), zu dem Van Heumen angeregt wurde
durch Camus, Ph.K. Dick, Bladerunner und den holländischen Mathematiker
und Schopenhauer-Adepten L.E.J. Brouwer. Verklammert ist das staubige
Triptychon durch den gemeinsamen dystopischen Nenner, der widerhallt im
kargen Elend und der Kälte der synthetischen Laborklänge und einem Wind,für den alles Spreu ist.
Ohne Titel (cs 126) präsentieren DANIEL MEYER G R Ø N V O L D & HÅVARD
VOLDEN zwei dröhnminimalistische Improvisationen. Mit akustischen Tabletop-Gitarren & Lo-fi-Elektronik sowie Diktaphon bzw. Discman spannen sie
eine ‚Leinwand‘ auf, die sie mit feinen Zeichen bekritzeln. Der zweite, deutlichlängere Track versetzt die Saiten mit Stahl- und Plastikstäben in Schwingung,dazu dreht sich ein stumpfer Loop. Eine Welle schnarrt hin und her, Drähte
werden geschabt, Nylonsaiten auch mal richtig schön gezupft. Zu dieser
Schönheit gehören aber eine Handvoll hässlicher Geschwister, die rotznasig
und x-beinig durch ihre Zahnlücken grinsen und dröhnend in Wallung geraten.
Die Familie klingt zusammen und stinkt zusammen, soll das wohl heißen.
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MATT MILTON, Geigenzirper, Bluegrassfiddler und eifriger Eddie-Prevost-Workshop-Teilnehmer in London, DAVID THOMAS an Viola, RYANJEWELL aus Columbus, OH, offenbar ein Goodbye Columbus-Typ an einer Snaredrum, und PATRICK FARMER aus London, ebenfalls mit Trommel und Krimskrams, schaben, kratzen, keuchen und rumoren bei Bear
Ground (cs 143), als würden sie an der Middelsex University ‚Die Wiederkehr von Honig und Asche im Neoschamanismus des 21. Jhdts. am praktischen Beispiel‘ abhandeln. Die Finger werden zu Fingern des Windes, zu
Grillen, zu Regentropfen, zu raschelnden Käfern, huschenden Pfötchen indürren Blättern, damit einen die Damagomis nicht als Fremdkörper meiden. Aber bin ich denn ein Damagomi?
‚Adamant Distances‘, Adam=ant, unüberwindbare Distanz? So hart würde
ich meinen Abstand als alter Adam zur Creative-Sources-typischen Ameisen-Ästhetik gar nicht ausdrücken wollen. Die CS-Macher ERNESTO &GUILHERME RODRIGUES an Viola bzw. Cello zusammen mit ihrem
Hausdesigner CARLOS SANTOS an Electronics und ANDREW DRURY,
einem in der NYer Szene vernetzten Drummer mit bruitistischen Neigungen, frönen mit Eterno Retorno (cs 144) diesen Neigungen so emsig, alshätte Adam das Krachmachen eben erst erfunden. Nietzsches Dämonenfrage „willst du dies noch einmal und noch unzählige Male, du Stäubchen
vom Staube?“ würden sie lauthals mit „nie hörte ich Göttlicheres!“ bejahen. Abstrakter als das instrumental verwandte Bear Ground-Quartett
flattern, klappern, schleifen, flirren, zischen, rappeln, knarzen die ‚Ewigen
Wiederkehrer‘ in der Sanduhr des Daseins. Jeder Seufzer und alles unsäglich Große und Kleine..., diese Spinne und dieses Mondlicht ein Gespinst von Klängen, und es wird nichts Neues daran sein...
Zwei Schweizer Duos, vier Köpfe, seit 2004 ein Quartett - QUATRETÊTES. Gabriele Friedli & Priska Walss als das Duo Frappant + Claudia
Ulla Binder & Susann Wehrli, d. h. Piano & Posaune / Alphorn + Piano &Flöten / Melodica, passen zusammen wie ‚Läufer und Turm‘, ‚Knopf und
Knopfloch‘, Arsen und Spitzenhäubchen, aber in den bruitistisch-minimalistischen CS-Rahmen passen ihre Figuren (cs 146) wie ein Alphorn in ein
Piccoloflötenfuttural. Nun, vielleicht wird umgekehrt daraus ein Schuh füreine Tausendfüßlerin. 440 Klaviersaiten und der richtige Wind entführen
abenteuerlustige Mit-‚Voyageurs‘ in Erewhon-Landschaften. Besonders
schön ‚alien‘ ist ‚Penelope‘, mit dem Alphorn als Didgeridoo, Melodica undInnenklavierharfe, bei ‚Waiting for Gary Grant‘ seufzt eine Tür, die Klaviere flimmern und tocken, ein seltsamer Nachtvogel flötet. Vierhändig mit
schwarzweißen Perlen zu spielen (‚Knopf und Knopfloch‘), dürfte immerhin eine CS-Novität sein. ‚Anaphora‘ als helldunkle Träumerei mit vogeligem Piccolo, schnaubend blubbernder Posaune, Pianogetüpfel und plinkendem, schnarrendem Innenklavier plädiert nachdrücklich nochmal füreine Poesie des Xenophilen, für ein Heimweh nach dem Anderswo.
In den Backchats (cs 149) von SPEAK EASY klingen drei Evolutionsetappen zusammen - Ute Wassermann und Phil Minton, nur Stimmen und Pfeifen, Martin Blume klopft schon mit Holzstöcken auf Felle und Zinn-KupferScheiben, Thomas Lehn dreht die Knöpfe eines modernen Zauberkastens. Gemeinsam regredieren sie in eine vorsprachliche Glossolalie, ineine prälogische, polymorph-perverse Artikulation durch Geräusche und
Laute, eine natürliche Musik vor jeder Musik. Als ob es noch keine Wörter,
keine Namen gäbe, nur Gesten, Grimassen, Reflexe. Blärren, Kollern, Gilfen, Krächzen, Schlürfen, Keuchen, Wimmern, Stöhnen, Rappeln, Zwitschern, Sirren, Natur- und Tierlaut imitierender faunischer Aufruhr. DurchÜbertreibung, Überbietung wird es Spiel - ich spiele, also bin ich und pfeife auf die Natur. Ich kann etwas, was du nicht kannst, ich erfinde, ich dreh
dir eine Nase. Nicht vogelfrei, Vögel können nur fliegen und wissen‘s nicht
besser, die hier sind narrenfrei, unbändiger Widerspruch, und wissen das.
Das macht das Quartett so euphorisch, so übermütig.
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Dass SYLVAIN CHAVEAU, dessen Pianoträumerei Un autre Decembre(BA 42) auf FatCat erschien, mit Touching Down Lightly (cs 152) nun
Labelkollege von Phil Minton wurde, zeigt, wie nichtexistent die Zäune
innerhalb des Außerhalb längst sind. Deutlich wird wieder Chaveaus
Leitbild, die sparsame Bilderwelt von Robert Bresson und minimalistischer Malerei. Gewidmet hat er seine flüchtigen, nachdenklichen, vagen Noten Félicia Atkinson, die sich mit La La La (BA 61) als seelenverwandte Melancholikerin gezeigt hat. Wie seine extrem reduzierten Gedichte - nur einzelne Buchstaben und Zeichen, weiträumig auf dem weißen Blatt verstreut - , sind Chaveaus Noten nur der gelegentlich hörbare Aspekt einer ansonsten nicht artikulierbaren Gefühlswelt. Non voce
sed corde canere.

Silence Openness Fearlessness Peacefulness then Nada. So führt einen
der Saxophonist & Flötist FRANÇOIS CARRIER ins Nirwana von Nada
(cs 154), einem weiteren Duo mit dem Schlagzeuger MICHEL L A M BERT. BA kennt die beiden Kanadier schon als Nepalreisende und als
Partner von J.-J. Avenel. Lambert erdet die flüssigen, luftigen ‚Aperçus‘,‚Sparkles‘ und ‚Circles on the Water‘ seines Partners mit ganz unesoterischen Beats, einem ‚Earth Beat‘. Er lässt es regnen und füllt ‚Blanks‘und ‚Tabula Rasa‘ mit vitaler Unruhe, er schüttelt Kuhglocken zu Flötenklang, rappelt mit Krimskrams, sucht und findet in den musikalischen‚Multiverses‘ handfeste Grundlagen, die er mit Stöcken und Besen abklopft und fegt, während Carrier gleichzeitig die ‚Transformation‘ desBanalen in Schönheit zu seiner Herzensangelegenheit macht.
Twrf Neus Ciglau (cs 156) entstand in der Begegnung des CS-Triumvirats aus ERNESTO & GUILHERME RODRIGUES und CARLOS S A N TOS mit dem walisischen Harfner RHODRI DAVIES und STÉPHANE
RIVES am Sopranosaxophon auf dem Música Portuguesa Hoje-Festival
2008. Wie sollte es anders sein, wurde da Rodrigues-typisch an der Geräuschseite der Klangwelt entlang geschliffen. Saitige und kratzbürstige Mikrotonalität ist elektronisch durchbebt und verdichtet zu einem
dröhnminimalistischen, manchmal fadenscheinigen, häufiger jedochverfilzten, sirrenden, fast schrillenden Klangpartikelgewebe. In das
Schaben, Klopfen, Knarren und Zwitschern bläst Rives so, dass sein
schäbiges Schmauchen und Krächzen sich camouflagehaft den Violaund Cellogeräuschen und den hohen elektronischen Frequenzen angleicht. Es wäre nicht die erste Reformbewegung, die Sack und Asche
als etwas besonders Feinstoffliches betrachtet.
Das SWISS IMPROVISERS ORCHESTRA feiert heuer mit der ‚Revue
Macabre‘ sein 10-jähriges Bestehen. Zwitzerland (cs 157) entstandschon 2007 in der Besetzung mit Ursula Maehr - Blockflöte, Carles Peris- Saxophon, Flöte, Francis Petter - Saxophon, Klarinette, Valentin Vecello - Bassetthorn, Klarinette, Marco von Orelli - Trompete, Sabine von
Werra - Cello, Christoph Baumann - Piano, Markus Fischer - Kontrabass
und Jaques Widmer - Schlagzeug. Mit Baumann als Coach, nicht als
Leader, wurden, teils improvisiert, teils durch Conduction gesteuert, 7Grooves, Tunes, Tales, Powerloops und Märsche oder welche Namen
das jeweilige ‚Kind‘ auch bekam, realisiert. Einfallsreiche Ensemblemusik, mal Marsala, mal Nova, mit jazzigen Solos und launigem Achterbahn- und Zickzackkurs des Hauptfeldes, das rummsend die Ausreißer
sich wieder einverleibt. Die Ideendichte und die Wendungen, die das
Orchester allein bei den 12 1/2 Min. von ‚Sax conduction and free‘ aufbietet, ist allemal so (s)witzig wie versprochen. Lyrische Ansätze werden prompt durch spöttisches Getröte und hinkenden Beat durchkreuzt(‚Tales‘). Dafür gerät ein temporeicher Wirbel anschließend in Untiefen(‚Powerloops and ballad‘), dem er als überkandidelter Tambourmarschentkommt. Auch wenn sie durch Sitcomgekicher die Schlusspointe vermasseln, gehn doch die Big Points an die Schweizer.
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JOHN FERGUSON, E-Gitarrist im Improduo Tron Lennon und Doktorant an der Newcastle University, lässt zusammen mit dem STEIMund N Collective-Elektroniker ROBERT VAN HEUMEN im Whistle Pig
Saloon (cs 160) das Schwein pfeifen. Der Holländer ist im Vergleich zu
seinen beiden anderen CS-Beiträgen kaum wiederzuerkennen. Woher
plötzlich dieser Noise, dieses wild zuckende Temperament? Ferguson
lässt die Fetzen fliegen, als hätte er den falschen Tee intus, und van
Heumen teilt Stromschläge aus, die jeden Nager vom Grundstück schocken und selbst Hippos auf Trab bringen. Struppiges kreuzt sich mit
Kratzigem, Jauler mit Swooshes, Zerknittertes mit Gekrümpeltem, wie
es auch kommt, es wird gegen den Strich gebürstet, verbeult und verzerrt, und zwar deftig.
Millefleurs (cs 163), so nennt man das Streublumendekor hinter der‚Dame mit dem Einhorn‘ und eine gesprenkelte belgische Hühnersorte.
MILLEFLEUR heißt entsprechend auch ein von Christoph Schiller
1999 initiiertes Vokalensemble. Der Stuttgarter Pianist, bereits mit zwei
Einspielungen per Spintett (!) CS-einschlägig, botanisiert in diesem 12zungigen Verbund a capella den Wildwuchs von Dornigem Hauhechel,
Kleinem Klappertopf, Wiesenschaumkraut, Passionsblume, Weißer
Taubnessel, Zweiblättiger Schattenblume oder Geflecktem Aronstab.
Dass nicht alle gleichzeitig singen, ist kein rechter Trost, denn es wird
nicht gesungen, von den ‚Kuhschellen‘-Sirenen mal abgesehen. Es wird
gehechelt, gestammelt, gefaucht, geschlürft, gepfiffen, gezischelt, gegirrt, geuuuht und gehaucht à la Ligetis Aventures & Nouvelle Aventures. Durch die Blume artikulieren sich alveolar, dental, labial, glottal
etc. theatralische Mätzchen, die sich für unsagbare Phantasien halten
mögen, auf mich aber wie das pure Nervengift wirken.
Abstract Mechanics (cs 165) nannte JOÃO LUCAS die Musik, die er
für ‚Era uma coisa mesmo muito abstracta‘, eine Choreographie vonAndresa Soares, komponiert und, zusammen mit Miguel Mira am Cello,selbst an Piano, Akkordeon und Electronics eingespielt hat. Da die Eiertanzerei, vor der ich angesichts des Covers selbst in Gedanken die Augen verschließe, einem ja erspart bleibt, dringen die insektoiden Assoziationen nur über den elektroakustischen Soundtrack in die Phantasieein. Der ist poetisch, mitunter repetitiv, teils rein akustisch bis hin zum
simplen Pfeifen, dann wieder elektronisch oder vielstimmig aufrauschend, mit klaren, getragenen Momenten, dann plötzlich geräuschhaftzuckenden, wenn Mira sein Cello bekrabbelt, schlägt, den Bogen federn lässt. Das Akkordeon spielt selten, aber schön, einmal erklingt
kurz ein Lied. Dramatische Wucht, wie Blitz und Donner, wechselt mit
der zarten Lyrik feiner Bogenstriche in höchster, im nächsten Atemzug
ganz tiefer Tonlage, mit Pizzikatoplonks zu Akkordeongesumm. Diese
Musik steht und geht mühelos auf eigenen Füßen.

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(London)
Die Freiheit, die sich die (wenn man die
Anfänge als Continous Music Ensemble
mitrechnet) von 1966-1972 aktive
PEOPLE BAND nahm, überstieg das,
was sich selbst Anarchisten darunter
vorstellten. Beim Anarchists Annual
Ball wurde sie recht grob - als ‚zu anarchisch‘ - rausgeschmissen. Wie sich ‚zu
69/70
anarchisch‘
anhört,zeigt(EMANEM 5201, 2 x CD) mit Studioaufnahmen (1 Std.), dem Mitschnitt einer
der regelmäßigen Sessions daheim bei
Mel Davis (8 Min.), einem Konzertmitschnitt in Quintettbesetzungvom
11.3.1970 im Amsterdamer Paradiso(23 Min.) und Aufnahmen vom Freiluftspiel der Truppe ‚In the woods‘ im Trent
Park, nördlich von London (39 Min.). Die
Besetzungen wechselten, wer Zeit hatte quetschte sich dazu, die Instrumente
wurden reihum gereicht. Im Park flötete und trötete die Band zu 16-t um die
klopfende und plonkende Nabe aus
Terry Day, Tony Edwards und Charlie
Hart und ließ sich nur von Düsenmaschinen über den Köpfen auf Linie
bringen. Drumrum rotierten mit Flöten,Klarinetten, Saxophonen, Trompete,
Gitarre und haufenweise Perkussionskram Mike Figgis, Paul Jolly, George
Khan, Davey Payne etc., mit Davis als
Anchorman des polyzephalen Projektes an Klavier, Orgel oder Posaune. Der
Plan war, möglichst keinen zu haben,
das Spiel unbestimmt seinen Lauf nehmen zu lassen, ein Laissez-faire vonArt-Brut-Plinkplonk bis Fire Music. Do
what thou wilt shall be the whole of theLaw, ohne Ego und Selbstzensur kollektiv Ernst machen mit Liberté, Egalité,
Fraternité. Musik als Analogiezauber?
Fröhliches Durcheinander als Blueprint
und allgemeine Maxime für eine Neuordnung der Verhältnisse? Im Paradiso(in Holland überhaupt) war der, im Vergleich zum Gedaddel im Grünen allerdings auch stärker fokusierte Freiheitsdrang der People Band willkommener als bei den Anarchisten. Day,
Hart, Jolly, Payne und Albert Kovitz fanden da für das oft nur im eigenen Saft
Gesottene immer wieder die ersehnteÖffentlichkeit, offene Ohren und sogar
Gesinnungsgenossen wie Han Bennink
und Burton Greene. Inzwischen ist die
permanente Revolution mitten in derGesellschaft angekommen - mit Fidel,
Che, Karl und Dacia.

Capsizing Moments (EMANEM 5004) enthält ungeschnitten und ohne Overdubs SOPHIE A G NELs Konzert vom 14.11.2008 beim Les Instants
Chavirés in Montreuil. Die betonte Verneinung irgendwelcher Tricks rührt daher, dass das, wasman da hört, einfach nicht wie ein Pianosolo
klingt. Agnel ist eine Virtuosin des Innenklavierspiels. Der Flügel als Ikone einer vom Alltag abgehobenen, wohltemperierten Sphäre wird unter
ihren Händen zum Schlachtfeld ständiger wechselseitiger Invasionen des Banalen und Sublimen.
Sie präpariert die Saiten mit Plastiktrinkbechern,Angelschnur, Bällchen, Aschenbecher und rumort, scheppert, dongt und federt damit. Der Flügel wird zu einer perkussiven Maschine - Agnel
nennt sie ‚preppiano extensif‘. In mechanisches
Pulsieren oder Tackern der Linken interveniert
die Rechte mit einzelnen Tönen oder kleinen, beweglichen Figuren. Der ganze Klangkörper
kommt ins Dröhnen oder Flirren, bei dem tatsächlich der ‚No electronics‘-Hinweis angebracht
ist. Drahtige, wie geschraubte und lang nachhallende Geräusche oder schrill gesägte und so geschlagene, dass der ganze Kasten vibriert, verwirren den Hörsinn. ‚Normal‘ perlende Noten
werden da zu etwas Besonderem. Agnel lässt es
quietschen, klingeln, rasseln, knarzen, mit großem Staunfaktor und fesselndem Spannungsverlauf, bei dem sich Zartes und Raunziges aneinander reiben. Klavier ist nicht Klavier.
ARC, das sind Sylvia Hallett, Danny Kingshill und
Gus Garside, bestückt mit Violine, Cello und Kontrabass sowie Electronics, strebt im 21. Lebensjahr immer noch nach dem Glück in der Berührung von Bögen, Fingern und Saiten. The Pursuitof Happiness (EMANEM 5005) gewinnt dem
Stringtrio, ohne dass die Electronics dabei die
maßgebliche Rolle spielen, neue Reize ab. Nicht
so sehr der eine oder andere Loop oder die
Freude an mikrotonaler Diskanz lassen dabei
alte Moden hinter sich, die freie Form und die Mischung machen‘s: 5 Teile Wohlklang, 1 Teil Geräuscheffekte und Mut zum Hässlichen - exemplarisch ‚Phantom Caravan‘ mit seinen Glissandi und vokalem Gicks und Gacks und‚Grandpa‘s Box‘ mit zirpig und knarzig kratzenden Schabgeräuschen, die sonor umsäumt werden. ‚Sand Maps‘ - eine kleine Anspielung auf
Garsides Elektrostringquintett In Sand? - bläst mit
gestrichenen Haltetönen Flugsand vor sich her,
‚Where Rivers Meet‘ ist ein elegisches Adagio mit
ganz feinem Anklang an Walgesang und Folklore.
Schwebende und fließende Bewegungen, oft
träumerisch unbestimmt, tasten nach dem Glück.
Das Titelstück getraut sich nur, pickend danachzu klopfen, gerade mal 22 Sekunden lang.
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ENGINE STUDIOS (Brooklyn, NY)
Mit vorbildlichem Umweltbewusstsein betreibt Steven Walcott seit 2002 Engine Studios.
Das erste der schönen Faltkartonprodukte, das mir unter die Finger kommt, heißt Old
News Borrowed Blues (e027), eingespielt von WARREN SMITH and the COMPOSER‘S
WORKSHOP ENSEMBLE. Smith konnte ich als verschmitzten, 75 Jahre jungen Drummer mit dem In Memoriam Albert Ayler-Quartett im November 2008 im w 71 in ObamaObama-Euphorie bestaunen. Hier leitet er, zusammen mit Lloyd Haber, Elusegun Sangofemi und José Abreu an Drums, Vibraphon und Afrikanischer Percussion, eine 9-köpfige
Bläserphalanx, in der mir die Namen Andrew Lamb und Claire Daly bekannt vorkommen.
Mit ‚Lock the Toilet Door‘ erklingt zuerst die Bigbandversion eines Smith-Solos, gefolgt
von zwei Tone Poems. Die ‚Rivers State Suite‘ ist voller Reminiszensen an seine Reisenach Port Harcourt in Nigeria, wobei vor allem Gitarre, Vibraphon und Shaker den hüftschwingenden, perlenden, butterweichen Klangfluss verschönern. ‚The Hungarian Gypsy
Song‘ erinnert an einen Spaziergang über einen alten Friedhof in Budapest. Postboppig
geht es weiter mit ‚One More Lick For Harold Vick‘, ein Tribute an den 1987 mit nur 51
Jahren gestorbenen Saxophonisten, mit dem Smith bei Grant Green gespielt hat. ‚Free
Forms 1-4‘ schließlich resultiert aus der Freude an Freier Improvisation und sprudeltüber von tollen Bläserstatements. Smith selbst beschließt diese lyrische, vitale, manchmal fast schönheitstrunkene, durchwegs finessenreich groovende Musik mit einem Gedicht über eine unverhoffte Begegnung mit der Liebe inmitten einer Welt im Aufruhr.
Staying in the Game (e029) bringt eine Begegnung mit dem damals noch 79-jährigen
FRED ANDERSON, aufgenommen im November 2008 im heimischen Chicago, zusammen mit dem Bassisten Harrison Bankhead (8 Bold Souls, Frequency) und Tim Daisy (TheRempis Percussion 4tet, New Fracture 4tet) an den Drums. Der Tenorsound des AACMMitbegründers ist ein lebendes Denkmal in der Windy City, sein Club Velvet Lounge eine
Heimstatt heißkalter Poesie, die bei Wilkerson und Matana Roberts ebenso widerhallt wie
bei Vandermark und Rempis. Bei ‚Sunday Afternoon‘ entfaltet Anderson seine ganze
bluesverwurzelte Souveränität, ohne groß zu forcieren, schürt er ständig eine sanfte
Glut, jederzeit bereit, für eine Kette melodischer Einfälle Gott als guten Mann kollegial
zuzuwinken. Nach 11 Min. ist die perfekte Geschmeidigkeit erreicht für ein Rennen übersämtliche Hindernisse des Lebens. Mit ‚The Elephant and the Bee‘ folgt ein lautmalerisches Duett von Tenor und Bass, wobei offen bleibt, wer die Biene ist. Bei ‚60 degrees in
November‘ wird wieder zu dritt eingeheizt, gefolgt von ‚Wandering‘, bei dem Bankheadnach einem Mbira-Intro und einem Basspizzikato zum Cello wechselt und Mutter Africa
persönlich einem an der Hand führt. Nach dem Tenor-Drums-Dialog ‚Springing Winter‘
macht ‚Changes and Bodies and Tones‘ einem noch einmal ganz warm ums Herz, bevor
man sich wieder der Schafskälte da draußen stellen muss.
Seit dem Debut Conscription (2003) gab es bei TOM ABBS & FREQUENCY RESPONSE
einen Besetzungswechsel, denn statt der Cellistin Okkyung Lee spielt bei Lost & Found(e031) neben dem Bandleader an Bass, Cello & Tuba, Brian Settles an Saxophon & Flöte
und Chad Taylor an den Drums Jean Cook, deren Geigenstriche ansonsten das Gesäusel
von Ida und der Gena Rowlands Band versüßen. Hier spielt sie nach visuellen, auditiven
und narrativen Score Structures und melodischen Fragmenten von Abbs, ziemlich abseits dieser primeligen Indiewelt und ihrer Wehwehchen, abstrakte und dennoch ungemein sinnliche Musik, die formell und erst recht klanglich großen Reiz entfaltet. Taylor
legt so elegant und geschmeidig, wie man ihn von Chicago Underground oder Sticks &Stones her kennt, Grundierungen, die Abbs abwechselnd pizzikato pulsierend oder arco
schraffierend akzentuiert. Da der Boden, auf dem diese Musik tänzelt und pirscht, nichts
anderes als unsere löchrige Gegenwart ist, bewegt sie sich einigermaßen akrobatischund öfters auch ameisenlogisch. Keines der 18 Stücke ist länger als 5 Min., jedes wartet
mit anderen abenteuerlustigen Wendungen auf. Geistesgegenwart und Einfallsreichtum
sind Trumpf, doch auch Gefühlsdussel wie ich werden bei ‚Lost‘ und ‚Consolation‘ zum
seufzen schön begeigt, auch wenn das Schlagzeug dazu eifernd stichelt. Dem folgen direkt aufeinander drei Abstiege in den Tuba-Keller, dort kann lachen, wer mag. Nicht lange überlegen, denn Taylor hat es eilig, selbst wenn seine Partner nichts als Trübsinn blasen. Solche inneren Widersprüche - schnell-langsam, zwei drehen Loops, einer träumt machen Abbs Musik ungemein lebendig.
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ESP-DISK‘ (Brooklyn, NY)
Turn On, Tune In, Drop Out (ESP 1027), TIMOTHY LEARYs ‚Message to Young
People‘ von 1966, hat es verdient, als historisches Dokument nun erstmals auf CD
wiederveröffentlicht zu werden. Den Inhalt will ich allerdings nicht kkkommentieren, als einer der people over 40 und daher DER FEIND der Jungen und der freiheitssüchtigen Gegenkultur - zumindest nach der damaligen Ansicht des LSD-Gurus. Die ‚Psychochemical Revolution‘ und damit die Möglichkeit einer ‚Elevation of
Human Consciousness‘, von der Leary murmelte, ist ein Hirngespinst, ‚Our Present Adult Culture‘ ist Our Present Adult Culture geblieben. Der Jugendwahn ist
selbst zur Droge unter vielen Drogen geworden, von denen freilich keine elevatorisch wirkt. Als Leary 1972 mit Ash Ra Tempel im Schweizer Exil Seven Up aufnahm, hatte ihm der englische Psychedelik-Poet Brian Barritt - wie passend - diekosmische Formel ‚Time & Space = Tim-ESP-ace‘ geliefert, während der in ‚Nights
in White Satin‘ und ‚Give Peace a Chance‘ und mit 7g seiner Asche sogar im Weltall Verewigte mit seinem ‚Psy-Phi‘-Virus nun R.-U. Kaiser und die Cosmic Jokers
infizierte. Worauf große Teile der krautigen Gegenkultur ihr letztes bisschen Verstand verpulverten und ins New Age davon schwebten. Die 70er-Jahre wurden
zum Joke, über den ich bis heute nicht lachen mag und eine Zeit, an die ich mich,ob nun sinnlich oder außersinnlich, ungern erinnere.
Als der argentinische Saxophonist GATO BARBERI am 15.3.1967 In Search of
the Mystery (ESP 1049) einspielte, hatte er sich einen Namen gemacht durch die
denkwürdigen Blue-Note-Sessions Complete Communion & Symphony for Improvisers und die (als ESP 4032, 4043 & 4051 veröffentlichten) Café Montmartre-Gigs
mit Don Cherry. Sein Leaderdebut mit Calo Scott am Cello, Norris ‚Sirone‘ Jonesam Bass und dem Drummer Bobby Kapp ist ein Klassiker der Fire Music, der bei
jedem Wiederhören erneut für heiße Ohren sorgt. Kapp, zusammen mit Sirone
auch auf Marion Browns Three for Shepp und Noah Howards ESP-Release Live at
Judson Hall, trommelt & singt (!) heute mit dem Fine Wine Trio, Scott hat noch seine Spur auf Shepps Attica Blues hinterlassen, Sirone lebt mit seinen bei Sanders,
Sharrock, Taylor und dem Revolutionary Ensemble verdienten Lorbeeren seit vielen Jahren in Berlin. Barberi machte 1972 die Musik für Last Tango in Paris - immerhin enthält schon die Mystery-B-Seite ‚Obsession No. 2‘ & ‚Cinemateque‘ - undpflegte seine Latin-Roots. Sein voller, feuriger Ton, der, für junge Ohren gesprochen, die Mats Gustafsson-Skala bis zum Letzten ausreizt, und das Cello sind ein
Grill, auf dem man immer wieder gern sein Herz röstet.
‚Obscuro‘ trift besser als ‚psychedelische Soundcollage‘ das, was CROMAGNON
1969 als Orgasm einspielte und was seither, unnötig Verwirrung stiftend, als CaveRock (ESP 2001) wieder aufgelegt wird. Austin Grasmere zeichnet zusammen mit
Brian Elliot und The Connecticut Tribe verantwortlich für Überschriften wie ‚Ritual
Fest of the Libido‘ und ‚Genitalia‘, aber auch das dunkle ‚Crow of the Black Tree‘
und das altägyptisch durchgeknallte ‚Toth, Scribe I‘. Das Cover zeigt nur drei
Langhaartypen, was auf einen 1-Mann-Tribe schließen lässt, aber was dann mit
den Kriegsgesängen und dem Marschtritt von ‚Caledonia‘ sich in Bewegung setzt,
mit Orchestersamples, Trommel und martialischem Dudelsackgequieke, das ist
eine Armee von Freaks. Zum ‚Ritual Fest‘ gibt es gehackten Missionar, roh undfrisch, der Rest des Opfers schreit wie am Spieß. ‚Organic Sundown‘ ist ein Vorgriff auf den scheppernden Topfdeckelprotest stinksaurer Isländer. Ein BababaChor, knörende Stimmen und gackerndes Gelächter, Kuckucksuhr, Sirenenalarm,
furzende Radioschnipsel und Freedom!-Gebrüll lassen bei ‚Fantasy‘ dann die
Klappsmühle klappern. Der ‚Crow‘-Song führt mit Gitarrengeschrappe, Kesselpauke und, naja, ‚Gesang‘ ins letzte Gefecht um....? Nein, nicht das, was ihr denkt.
Nach der zappaesken, ekstatisch durchschrillten Freak-Out-Hymne auf Geschlechtsteile lässt der falsch geschriebene Sekretär der Götter und Protokollant
des Totengerichts seinen Pavianarsch leuchten wie den Mond über dem vonknurschigen Beats und röhrenden Bläsern beschallten Jüngsten Tag. Bleibt noch
der von wildem E-Gitarrengeschruppe begleitete Messgesang ‚First World ofBronze‘ von diesem Missing Link der Evolution hin zu Red Krayola und Nurse With
Wound, auf deren Obskuritäten-Liste Cromagnon natürlich nicht fehlt .
20

Heute, 40 Jahre später, schlagen die ESP‘-Freakwellen höher denn je, mit
Brooklyn als besonders fruchtbarer Brutstätte für Mutanten. TALIBAM! kannman sich besonders gut als direkte Abkömmlinge von Godz, Holy Modal Rounders, Cromagnon UND des Sun Ra Arkestras vorstellen. Ein durchgeknallter
Drummer namens Kevin Shea und ein ausgerasteter Keyboarder namens Matthew Mottel machen auf Boogie in the Breeze Blocks (ESP 4055) Tanz- und
Mindfuckmusik, in der Widerspruch sich lauthals artikuliert als krasser Kladderadatsch von fröhlichen Brüchen und stilistischem Mundraub. Kein allumfassendes Eiapopeia, sondern Karambolagen aus delirantem Pop, Schlinger-Jazz,
Salsa- und Reggaefetzen, Telefon-Jokes und Running Gags. Shea trommelt soderb und ausgelassen wie jemand, der die Gelegenheit nutzt, dass ihm kurz
mal die Handschellen abgenommen wurden. Dabei mischen als Gesinnungsgenossen neben Sheas Mostly Other People Do The Killing-Partnern Peter Evans,
Moppa Elliott und Jon Irabagon auch noch Tim Dahl (The Hub), Chris Forsyth(Peeesseye), Sam Kulik (Capillary Action) und eine Reihe anderer mit, nicht zuletzt Danielle Kuhlmann mit ihrer Stimme. Sie ist eigentlich Julliard-geschulte
Hornistin, lässt hier aber ungeniert ihr Höschen fallen und singt so schön sie
kann. Wo sonst wird ein maoistisches Schlaglicht auf Jim O‘Rourke geworfen,
wo sonst spielt Schroeder von den Peanuts mal nicht Beethoven, wo sonst wird
Soul durch den Noisewolf gedreht? Von der World/Inferno Friendship Society
das Inferno, von allem, was hierzulande so borniert wie biedermeierlich nur alsÜberfall bestaunt werden kann, das Explosivste. Talibam! ist die permanente
Zumutung, Indie-Allüren und Karrierepläne hinzuschmeißen und schluchzendeine Mülltonne zu umarmen. Oder sich der ‚Movement of Ta! People‘ anzuschließen.
Foto: Hrovje Go
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(New Haven, CT)
Das erste, was THE PETER EVANS QUARTET (FH12-04-01004) auf seinem Debut bietet, heißt einfach ‚!!!!!‘, nach dem
zweiten Vornamen von Evans. An der Seite hat der neue Trompetenstar hier seinen Sparks-Partner Tom Blancarte am Bass
und an den Drums Kevin Shea, seinen Gefährten von Mostly
Other People Do The Killing. Shea, der mit Talibam! selbst Ausrufezeichen setzt, ist ein zweiter Weasel Walter und dass aucher, wie Evans und Walter, mit Mary Halvorson - als People spielt, zeigt, wie eng hier gemeinsame Interessen sich vernetzen. Vierter Mann ist nicht, wie beim Ulrichsberger Kaleidophon, der Pianist Ricardo Gallo, sondern Brandon Seabrook an
der Gitarre, die er auch bei Paul Brody und Beat Circus kratzt.
Sein Stil ähnelt tatsächlich etwas dem von Halvorson oder
Bruce Eisenbeil und ist offenbar genau das, was Evans üblichem Jazzgezupfe vorzieht. Dabei geht es hier um Tradition,
um die Harmonik von Standards wie ‚Body and Soul‘, das hier in einer 17-Min.-Version auf
Leib und Seele abgeklopft wird. Jazz wird schwer unter Druck gesetzt, ganz unironisch, wie
Evans betont, die Improvisationen des Quartetts prüfen einfach nur die Substanz, mit den
Fragmenten ‚How Long‘ und ‚Iris‘ als kleinen Stolpersteinen. Evans setzt auf eine Überbietungsstrategie, die mit hypervirtuosen Zackenkämmen und Kapriolen den Jazzessenzen
Referenz erweist, ähnlich wie MOPDTK. Alles an seinem blond-braunem Wesen spricht gegen umstürzlerische Absichten. Sein maximalistischer Einsatz, die verschwenderisch übersprudelnde Fülle seiner brandeiligen Noten ist eher Belastungsprobe und Materialtest. Seabrook verspritzt bei ‚Tag‘ elektronisches Gift, die Trompete schrumpft zur bloßen
Schmauchspur, bei ‚Frank Sinatra‘ schwingt die Gitarre auf dem eigenen Echo, bei ‚The 3/4
Tune‘ sprintet sie mit der Trompete um die Wette. Allein schon durch diese Rasanz wird die
Grenze pulverisiert, mit dem Jazzer gern ‚inside‘ von ‚outside‘ scheiden.
Firehouse 12 Records, das Gemeinschaftsprojekt des Toningenieurs Nick Lloyd mit dem
Trompeter Taylor Ho Bynum, präsentiert prompt auch Dragon‘s Head (FH12-04-01-007)
vom MARY HALVORSON TRIO. Halvorson, Bynums Partnerin bei Anthony Braxton undneuer Fixstern am Gitarrenhimmel, wählte für ihr Debut als Leaderin das klassische
Gitarre/Bass/Schlagzeug-Format und hatte bei ihren Kompositionsentwürfen bereits John
Hebert, bekannt etwa mit Andrew Hill und Gebhard Ullmanns Basement Research, und Ches
Smith im Sinn, zu dessen Referenzen Marc Ribot‘s Ceramic Dog, Good For Cows und Secret
Chiefs 3 zählen, aber auch, bereits mit Halvorson, Trevor Dunn‘s Trio Convulsant. Die 10
Stücke verraten durch ihre Nummerierung die Reihenfolge ihres Entstehens, erklingen abernicht chronologisch, so dass der evolutionäre Aspekt überlagert wird durch den der Variation. Halvorson probiert verschiedene Kompositionsformen und harmonische, melodischeund rhythmische Akzente aus, richtig seriös und hohe Schule ohne Faxen. Transparenter
Kammerjazz also für die Connaisseurs, die einer Gitarristin besonders kritisch auf die Finger schauen? Dass Halvorson nicht nur denen mit ihrem abgeklärt flinken Picking eine Lektion erteilt, deutet sich zuerst in Details an - einzelnen verbogenen Gitarrennoten bei‚Momentary Lapse‘ und ein unvermuteter Kippeffekt inFuzz, Drive und Halvorson-typische Lämmchensprünge.
Meist sind es Kleinigkeiten ‚against the rules‘, aber Halvorson setzt rhythmische Irritationen, Temposchwankungen, unerwartete Repetitionen, Understatement - besonders schön ist da ‚Sweeter Than You‘ - so bewusst ein,dass durchwegs Spannung entsteht. Die krummen, hohen, sprunghaften Töne, die sie zusammen mit Hebertbei ‚Too Many Ties‘ anschlägt, rücken den lyrischen Ansatz in ein schräges Licht, gefolgt von einem ungetrübten Mittelteil und einem introspektiven Basssolo. Schön
seltsam, seltsam schön. Das Titelstück und das abschließende ‚April April May‘ schütteln ebenfalls das Kaleidoskop aus Sophistication und Dynamik, lakonischer Repetition und Zärtlichkeit. Wer es wilder mag, schickt Weasel
in den Hühnerstall.
Fotos: Elke Sommer
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ALFRED HARTHs LAUBHUETTE PRODUCTIONS (Seoul)

Mit LAUB (LP M16, CD-R) setzt ALFRED 23 HARTH seine elektroakustischen, radiophonen
Collagen über das Audiotop Korea fort. Ich nenne das einfach mal ‚Verdichtungen‘, Zwitter
aus Poesie und Schichtung, Pressung. Tatsächlich ist ein Liebesgedicht eingemischt in das
Roaratorio aus Straßenlärm, Gesängen, Gekläff einer Hundefarm. Melancholisches Gezupfe, das sich gegen den Zeitlauf sträubt, und ein schwindelerregend hoher Strington illustrieren einen Zustand der ‚Nonunhappiness‘, das ich mir als wunschloses Unglück besser
vorstellen kann denn als stoisches Gleichgewicht. Jazzsaxophon mischt sich mit Bahnhofsatmosphäre, ein Basslauf wird überrauscht, überquäkt, und aus einem ‚Domestic Stories
Remix‘ sticht die Stimme von Dagmar Krause heraus. Die hohen Strings mischen sich mit
brodeligem Gewummer, Spielautomatengeballer und ein schleifender Loop mit Yun Isangs
zerkrümpelter ‚Piri‘-Klarinette, Wind, Stimmengewirr, elektronischem Gejaule, geisterhaft
fernem Gesang, Kampfgeschrei aus einem Eastern. Nichts ist exklusiv in diesem urban-medialen Mix, der in einem Dreamscape ausläuft, den, inmitten aller Unklarheit mit ihrem unruhigen Eigenleben, Klarinettentristesse umflort, wie mit schwarzen Lippen geblasen. Harthhat weit offene Tagtraumaugen und Ohren für absurde und ästhetizistische Züge des Trivialen. Der Alltag selbst ist ein Wildstyle-DJ. LAUB macht das nur deutlich.
Summer, a time (LP M22, CD-R), recorded at Voice Of Asia Festival, Jeonju, Southkorea,
2004, zeigt das Miteinander und die Reibungsflächen west-östlicher Stegreifmusik in drei
Konstellationen. Den Auftakt machen Mukai C h i e (Kogun) & Kang Eun-Il (Haegum = kr.
Fiedel) in der Begegnung mit den alten Uludag-Kämpen Helmut B i e l e r - W e n d t (Piano) &Peter Hollinger (Drums), mit Alfred 23 Ha r th am Altosax als Go-Between. In einer längeren ‚Suite‘ zeigt er sich dann als Lyriker und als Joker in einem fernöstlichen Kreis mit
Park Chang Soo (Piano), Choi Sun B a e (electric trumpet) & Xu F e n g x i a (Guzheng &Gesang), mit Xu als Prima Donna inter pares, was das Temperament angeht. Da fliegen die
gehämmerten, geharkten, gekirrten Töne einem entgegen wie Kamikaze-Ufos, völlig außer
Rand und Band. Gershwins ‚Summertime‘ klingt danach - von Choi durchfaucht und durchfurzelt, als hätte er Kondo & Peter Evans als einen Bissen verschluckt - wie vom Hitzschlag
getroffen und ziemlich... koreanisch? Den ‚Epilogue‘ bestreiten Choi, Kang, Xu, Bieler-Wendt
mit Mike T u r n b u l l an Percussion, gefolgt von einem kurzen, kontrastreichen Choi-Solo.
Die Stimme Asiens? Mir klingeln die Ohren.
Ein weiteres Festival-Highlight hält Raub / Yaktal (LP M23, CD-R) fest, das Quartett von A l fred 23 Har th (DJing, synth, reeds, voice, misc., Dochirak con arco) mit Choi Sun B a e(electric trumpet, mouthharp), Helmut B i e l e r - W e n d t (violin, piano) & Kojima T a k a s h i(laptop). Die Musik hallt - wie auch T_error & kr ./. jp (2005) - wider von Harths Empörung
über den brutalen Raubbau Japans an Korea. Anders als die Improvisationen auf Summer,a time ist sie ein wildes Klangchiaroscuro aus gestopft schmauchender Trompete, geschabten Geigenstrichen, insbesondere aber aus Harths Turntable-Samples & - Loops und
den Laptopgranulationen. Wasser umbrodelt einen schleifenden Loop, Geflüster ist perkussiv umklappert, die Trompete schwebt über einem Groove-Drehwurm. Ich beginne zu begreifen, was Harth an Taste Tribes fasziniert. Ferner Operngesang, Getrommel, Geigengeraspel, raues Schnauben, Krimskrams, Scherbengeklirr. Jetzt wieder Electrobeatz, ein
knurschiger Groove, dunkles Gebläse dazu, prasselnde Vinylknackser als Knochenmühle,die Trompete ganz verweht, ein Saxophon, gepresst und zerhackt. Dann plötzlich peitschende Beats, zerschrillte Trompete, Alarmimpulse, Scratches, Geigengewimmer, Aufstand! Das ist Improlectro, der als Mindfuck seinesgleichen sucht.
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INTAKT RECORDS(Zürich)Mit dem TRIO 3, dem blankschädligen Verbund des Altosaxophonisten
Oliver Lake (*1942), des Kontrabassisten Reggie Workman (*1937) unddesDrummers
Andrew
Cyrille(*1939), ist man so nah am Herzen
der Great Black Music wie es nur
geht. Der Auftakt von At This Time
(Intakt CD 162), ‚Swamini (for Alice
Coltrane/Turiyanasangitananda)‘,eine Komposition ihrer Partnerin, derPianistin GERI ALLEN (*1957), undauch der zweite Song, Eric Dolphys‚Gazzeloni‘, führen in das halbmythische Heroenzeitalter dieser Musik.
Als Workman mit Coltrane spielte undCyrille mit Cecil Taylor, gehörte ein
Klavier so selbstverständlich dazu
wie Whisky und Zigaretten. Allen, diein Altmans Kansas City Mary Lou Williams verkörperte, war nur ein junger
Trieb an dem alten Baum, an dem
man bei ‚Lake‘s Jump‘ schwingt, das
Curtis Clark für Lake geschrieben
hat. Wer mehr oder etwas anderes
wollte, der sägte an Ästen und besonders gern am Klavier. Auch das
Trio 3 begann 1986 ohne. Das Spiel
mit Irene Schweizer (Berne Concert)und nun Allen ist daher wie eine neugierige Rückkehr in ältere, d.h. jüngere Tage, als Allen in New York zuerst mit Lake‘s Jump Up spielte undCyrille 1984 auf ihrem Leaderdebut
The Printmakers. Statt junger Löwen
schätzt man heute die ewige Jugend,in der die Vier mit souveräner Finesse Akzente setzen: dunkle Arcostriche, Almglocken und Innenklaviergehopse bei ‚For Patrik L.‘, einer Dankadresse an den Intaktmacher; Basketballtempo und rasante Tripplings
bei ‚All Net‘ und ‚Current‘; Schmus
und Innenklaviergezirpe bei Lakes‚Long Melody‘ und sein vogeliges Geflöte bei Cyrilles träumerischem‚Tey‘; Congatamtam bei ‚Barbara‘s
Rainbow‘. Den Abschluss macht wieder Allen mit ‚In the Realm... of theChild...‘, ein Wiegenlied und Nachtgebet, das Cyrille in einen luftigen
Marsch verwandelt und das mit einer
Ausblende verklingt.

Black Lotos (Intakt CD 164) irritiert mit Coverkunst(von Gerda Steiner/Jörg Lenzlinger) wie aus aufgespießten Knochen zwischen aliengrünen und pinken organischen Wucherungen von Gedärm, Geäst
und Geäder. Ein derart perverser Geschmack goutiert dann auch ‚Fish-Lips & Duck-Feet‘ - Guten Appetit. XU FENGXIA und LUCAS NIGGLI sind die
Künstler-Köche einer exotischen Klangwelt aus
Guzheng, Sanxian und Getrommel. Die Zither und
die Laute sind alte chinesische Instrumente, die die
1963 in Shanghai geborene, seit 1991 in Deutschland ansässige Virtuosin teils traditionell, öfters jedoch unüblich spielt. Wenn sie dann noch zu singen
beginnt, lockt und zieht sie einen mit dem Langnasenring gen Osten, aus dem Schlamm ins Om Mani
Padme Hum-Nirvana oder auf Pferderücken im Galopp über die mongolische Steppe (‚Ride Over Blue
Sky‘). Ihr furioses Temperament macht daraus einen Höllenritt, bei dem einem der Arsch vom bloßen
Zuhören weh tut. ‚Bow Blow‘ mischt schillernde, gestrichene Schwingungen mit der erhabener Vokalisation einer pathetischen, vermutlich ganz imaginären Folklore, einem wie schamanischen AaEeiiOoUu. Bei ‚Old Tree‘ geht‘s im Samxian-Galopp
in Duelling Banjos-Raserei und mit chinesischemCowgirl-Yippieyeah durch den Wilden Osten, um
rechtzeitig noch die Opernbühne zu erreichen, auf
der mit Twang und Tschengtscheng der Vorhang
zum ersten Akt aufgeht. Für ‚Choose Goose‘ rührt
Frau Xu dann nochmal den Guzheng-Quirl, von Niggli umzoomt und umflirrt, Auftrieb für einen letzten
exaltierten Gesang mit kehligen Trillern und allen
theatralischen Schikanen, so superlativ wie das
Reich des Himmels selbst.

Foto: Klaus Muempfer
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IORRAM RECORDS(Glasgow)

Foto: Guy Van de PoelDie GIO poetics auf Creative Sources fand ich
nicht so zwingend. Metamorphic Rock (ML83),
ein Zusammenspiel von GLASGOW I M P R O V I SERS ORCHESTRA and GEORGE LEWIS,
wechselt nach tastendem Beginn hin und her
zwischen dichten und bewusst fadenscheinigen
Passagen. Die Improvisation entstand am
7.12.2007 im Zusammenhang mit Artificial Life,
einer Komposition, die das GIO bei Lewis in Auftrag gegeben hatte. Der alte AACM-Kämpe (ups,er ist keine zwei Jahre älter als ich) dupliziert
bei dem Freispiel neben den drei Kontrabässen
und den verdoppelten Drums noch die Posaune.
Aber beherrscht wird der 1. Teil von der Feinarbeit von akustischer Gitarre, Cello und Flöte.
Überhaupt vergisst man immer wieder, dasshier 18 Köpfe am Werk sind, so transparent
wird gewebt. Der 2. Teil bringt, angeführt vonder Posaune, den Klangkörper gehörig in Wallung. Nach der Bassklarinette und der anderen
Posaune interagieren E-Gitarre und geklopfter
Kontrabass miteinander - Break - Raymond
MacDonald bläst ein Altosolo, heftig betrommelt
und von George Burts Akustischer bekrabbelt.
Allgemeiner Eifer setzt ein, von Lewis brummelig und brustend angefeuert. Aileen Campells
Stimme geht im allgemeinen Hämmern und Sägen gleich wieder unter, das Cello geigt zuletzt
allein. Den 3. Part durchziehen anfangs lange
Fiep- und Posaunenfäden, ein Saxophon träumt
in Blue. Lewis‘ Posaune bleibt der rote Faden,
der das kollektive Netz punktuell in Unruhe versetzt. Im letzten Teil ist zuerst allgemeines Kritzen und Kratzen angesagt, pointillistisch verteilt, hier ein Flirren, da ein Plinken, dort ein Zirpen oder Tüpfeln. Wenn dann die Posaune unktund bratzt, werden die Meisten munter, abervon einem unvermuteten Schwarzen Loch verschluckt, dem nur ein kurzer Saxophonstoß undein knarrendes Geräusch entgehen. Das GIO ist
ein seltsames Orchester, das den Werbespruch‚Expect the Unexpected‘ wahr macht.
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Im APORIAS TRIO mischen sich die
GIO-Gitarre von Neil Davidson und
das Alto- & Sopranosaxophon vonRaymond MacDonald mit der Percussion von Tatsuya Nakatani. Entre
Nous (GN54) hält fest, was sie 2007
auf einer UK-Tour an Reibungen undKonsonanzen ‚unter sich‘ entwickelt
hatten. Nakatani habe ich zuletzt, anlässlich seines Solos Primal Communication (BA 56), eine „intime Offenheit“ abgelauscht. Etwas ähnlich Paradoxes trifft hier für das ganze Triozu, das sich in dem Weder-Noch, derAporie, von Unter sich und Für andere positioniert. Sich einander zuneigen, sich einhüllen in aufrauschende
Gongwellen, oder vorsichtig fingernd
dröhnen und zart züngelnd summen,
während Nakatani krimskramst undklingklangt. Und so neugierig machen: Was treiben die denn da? Diese Frage wirft allein schon Davidson
auf, der seinem Instrument alle möglichen Geräusche entlockt, schäbige,
knurrige, trillernde, flatternde, kaum
an sich ‚gitarristische‘. Der geräuschhafte, klangmalerische, klangbildhauerische Impetus ist stark ausgeprägt. Dazu spritzen die Drei aberdann doch auch explosiv und expressiv um sich. Gleich zu Beginn
und auch beim finalen ‚Mythical Format of the Elements‘ lassen sie einem ihre Klangsplitter um die Ohren
fliegen, schrilles, knöriges und keckerndes Gebläse, schartig und verdreht gerupfte Plinks, Kratzer undKnarzer. Nakatani schrappt, sägt,
scheppert, sirrt, schabt, klirrt, tockt,
dröhnt, alles ist Klang, nur Beats sindeine exotische Seltenheit.

LEO RECORDS (Kinskerswell, Newton Abbot)
Living Water (LR 533) bringt eine Wiederbegegnung mit der Akkordeonistin EVELYN P E TROVA, die mit ihrem Solodebut Year‘s cycle
als neuer Stern am Leo-Himmel aufging. Obwohl als Musik für die Performance Taming ofa Butterfly mit der Tänzerin Tanya Khabarova
entstanden, ist auch dieses neue Taufbad
pure Petrova. Nicht ihr temperamentvolles
Spiel allein macht sie zu einem markanten Mitglied des Stamms der Akkordeonisten, sondern ihre exaltierten Gesänge und Vokalisationen. Dazu schöpft sie wieder aus dem Fundus
der russischen Folklore und Mythologie undlässt einem Baba Jaga und Koschtschei den
Unsterblichen um die Ohren fliegen. Es hext,
klagt, feuervogelt und petruschkat hier, als ob
der Montag am Samstag anfinge und Seelensich als Enteneier in Hasen versteckten. Petrova mimt mit Inbrunst Hexe, Kind, Engel, Braut.
Nichts an ihrem Spiel ist dabei naiv, sondern
eine Mixtur aus akkordeonistisch-neutönerischen Finessen, theatralischer Märchentantenperformance und fetzigem Gebalge mit all
dem Temperamentsgebolze, das den Lumpen
am Stecken tanzen lässt und ihn auswringt bis
auf den letzten Gemütstropfen. Große Zähne,starke Kontraste, mir zittern die Hühnerbeine.
Der Trompeter VYACHESLAVGUYVORONSKY gibt sich mit Interventions into Bachand Mozart (LR 534), mehr noch als mit seiner
Goya-Hommage Caprichos, klassisch. ‚Intervention I‘ paraphrasiert und erweitert Bachs
Französische Ouvertüre, die Partita h-Moll
BWV831, geschrieben als Übung für Soloklavier, zu einer, in meinen Ohren erfreulich unBachianischen Kammermusik für Akkordeon,
Flöte, Kontrabass, Trompete und Sopran. Ariadna Koryagina singt französisch, sehr schön,
nämlich fast mit Naturstimme, und mit ganz
unfrommem Esprit. Das Akkordeon spielt Evelyn Petrova, damals auch Guyvoronskys Duopartnerin bei Chonyi Together (1999). ‚Damals‘
deshalb, weil die Einspielung bereits 1996-98
entstand, überschattet vom Tod des Flötisten
Eric Ovelyan, der von Einbrechern ermordet
wurde. Die ‚Intervention II - Advance to the
Past‘ für Trompete und Violine (gespielt vonVladislav Pesin) nimmt ein Thema aus der
Kunst der Fuge als Ausgangspunkt einer zuerst temperamentvollen, dann melodischen
Adaption, bei der Bach wahrscheinlich einen
Herzkasper bekommen hätte. ‚Intervention III‘,2008 aufgenommen, modelt Mozarts KlavierSonate Nr. 10 C-Dur KV 330 um in ein Trio fürPiano, Violine und Cello. Fragt mich nicht, wasda jetzt Mozarts Teil und was Guyvoronskys
Beitrag ist. Überhaupt, wenn ich Mozartwitze
höre, könnte ich zur Sense greifen.
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11 Jahre nach Contrabasses (LR 261) bietet LEO mit Live at Dunois (LR 535) erneut
die Dialogkunst zwei der markantesten
Kontrabassspieler ihrer Generation JOËLLE LÉANDRE & WILLIAM P A R KER. Am 26.1.2009 demonstrierten die
beiden auf dem Sons D‘Hiver Festival einmal mehr, wie sprachgewaltig und vielfältig so ein Kontrabass in den richtigen
Händen sein kann. Obwohl die temperamentvolle Französin, erprobt von Les Diaboliques bis Quartet Noir und in unzähligen Duetten, ebenso wie Parker, mit dem
Collective 4tet eine feste Größe bei LEO,
vor allem für ihr imposantes Arcospiel gerühmt werden, bestreiten sie den Auftakt
pizzikato und lassen dicke Regentropfen
aufs Holz plonken. Parker begleitet mit sonorem Zupfen auch Léandres erste gestrichene und mit ihrem typischen‚Gesang‘ unterstrichene Passage, bevor
sie mit zirpenden, hüpfenden, brummenden Bogenstrichen den Ameisen etwas
vorgrillen, so sonnenbebrütet und hitzig,
als wär‘s mitten im August. Parker mag es
warm, sogar sein Bass steckt in einem Pudelmäntelchen. Die richtige Betriebstemperatur macht den beiden Lust auf schräge, knorzige, rasante, wonnig summende
Sägetöne. ‚Schamanen‘-Gesang und vogelartige ‚Pfiffe‘ sorgen dann, statt eines
Rausschmeißers, für einen ganz besonderen, nämlich poetischen Schluss.
Mit Painting on Wood (Pittura su Legno)(LR 536) nehmen der Sänger STEFANOLUIGIMANGIA
featuring
GIANNILENOCI am Piano, Pasquale Gadaleta am
Bass und Marcello Magliocchi an den
Drums Bezug auf ein Theaterstück vonIngmar Bergman und den Pianisten Mal
Waldron. Dazu erklingen ‚Bone‘ von Steve
Lacy und ‚My one and only love‘. Mangia
beherrscht perfekt alle Grausligkeiten desJazzgesangs und reichert sie noch mit eigenen Manierismen an, fette Schnörkel
und Flötentöne, Scat und zungenrednerisches Gelalle und Gekrächze, gegurrte
Inbrunst, Vibrato, Latin-Lover-Schmus. Alles was der Mensch nicht braucht, garniert mit so un-Lacyeskem CandellightGeklimper wie Lenocis Solo ‚Cielo e
Terra‘. ‚Bone‘ dann mit Mbira und stattschnittiger Sophistication atemlos gequiekten Gimmicks, Knochenbalafon und
Bassgeschnarre? Ich finde weder dazu einen Zugang noch zu dem gehauchten
Tiefsinn von ‚Prayer to Time‘ oder ‚Dis-orientated Thoughts‘.

POTLATCH (Paris)
PHOSPHORs II (P109) ist ein, um mit der Tür ins Haus zu fallen,starker Auftritt dieser Berlin Allstars, auch wenn bei ihrem elektroakustischen Improbruitismus die Brösel manchmal etwas diffus
streuen. Das ist dieser Ästhetik inherent, mit ihren tönenden Welle-Teilchen-Geheimnissen. Da knurschen und reiben Klangblöcke
aneinander wie C. D. Friedrichs Eisschollen, und sind doch nur
elektronenmikroskopierte Kristallschuppen. Dass dabei ununterscheidbar wird, was von Percussion, Objects, Zither (Burkhard
Beins) herrührt oder von Turntable, Objects, Bows (sein PerlonexPartner Ignaz Schick), was die elektrifizierte Trompete (Axel Dörner) oder die Tuba (Robin Hayward) dazwischen fauchen undploppen, gehört absolut zum Reiz dieses selbstbewusst schäbigen
Klimbim. Dazu greift Andrea Neumann noch ins Inside Piano und
Annette Krebs und Michael Renkel picken unorthodox an Gitarrensaiten. Was zählt und was den spezifischen Phosphor-Zauberausmacht, ist jedoch der Zusammenklang, die wechselnde Dichte,
Bewegtheit und Konsistenz der Klänge. Dafür wären gewaltige
Wortfelder nötig, um das Wechselspiel von stechend, glatt, stumpf,
rau, spitz, gedämpft, schimmernd, körnig, verwischt, transparent,
metalloid, luftig, gepunktet, zuckend, löchrig, statisch etc. auch
nur anzudeuten. Vieles tritt plastisch als Styropor, Zahnrad, alsholzig, drahtig, blechern, als Hand- oder Mundwerk oder elektrophon hervor, ebenso vieles bleibt anonym. Beides vertraut nichtganz zu Unrecht auf seine synästhetische Potenz, eine Empfänglichkeit für den spröden Charme der Bruits Secrets vorausgesetzt.
Bei entsprechender Andacht bekommt man sogar zu Gesicht, wie
die Englein auf der Nadelspitze tanzen.
Die Zeiten, als ein Improvisierer grössten Wert darauf legte, eineunverwechselbare Speichelprobe abzugeben, sind vorbei. Manche sind nun stolz darauf, als Welle im Ocean of Sound aufzugehen oder sich incognito unter die Sounds of Silence zu mischen.
Marc Baron (Altosax) & Loïc Blairon (Kontrabass), die sich als Duo
NARTHEX nennen, gingen für Formnction (P209) diesen Weg in 5
Schritten: Sie spielten 6 improvisierte Duette von je 30 Min. an 6
verschiedenen Orten - sie hörten sich das an - sie zerlegten die 30
Min. in 6 x 5 Min. - sie schnitten Min. 0-5 von Ort 1 + Min. 6-10 von
Ort 2 + Min. 11-15 von Ort 3 etc. zu einer neuen halben Stunde sie ersetzten den Instrumentalklang durch 1000 Hz- und 500 HzFrequenzen. Zuerst hört man als ‚-1‘ diese elektronische halbe
Stunde, bzw. man hört nicht, denn sie besteht zum großen Teil aus
Luftlöchern; als ‚2‘ erklingt dann die noch instrumentale Version,
die aber ebenfalls nicht so ganz reell ist. Freunde von Konzeptkunst dürfen sich hier angesprochen fühlen - Mythos Basismaterial lässt grinsend grüßen. Oder wer lethargischen Hz-Tönen als minimalsten Lebenszeichen einen Reiz abgewinnen kann. ‚2‘ macht
dann deutlich, warum das so öd ist: Der Bass steht ungespielt im
Regen, oder sollte dieses leise Kritzen..., dieses Knacken...? Das
Saxophon fiept kaum einen Hauch. Autsch! Ein Schrillen. Autsch!
Ein Rappeln. Dazwischen weißes Nieselrauschen. Wenn ihr michfragt... - bitte fragt mich nicht.
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rune grammofon (Oslo)Zu meiner eigenen Verwunderung ist Kantarell (RCD 2085) mein First
Date mit SPUNK. Zwar kannte ich Maja Ratkje und ihre elektrifizierte
Vokalisation von den Ballads mit John Hegre und die Cellistin Lene
Grenager zusammen mit Hild Sofie Tafjord und ihrem Waldhorn von ihrem JetztMusik-Quartett Lemur. Aber hinsichtlich Kristin Andersens
Trompetenspiel und der Experimentierlust dieses Frauenvierers als
solchem waren meine Ohren bisher jungfräulich, obwohl das schon ihr
viertes Studioalbum ist seit ihren Anfängen vor 12 Jahren. Ihre Kammermusik klingt mehr nach Labor als nach guter Stube, die Instrumente werden mit Extended Techniques bis in letzte Klangnuancen ausgereizt, zudem ist da allerhand Etcetera im Spiel. Die Stimme ist lediglich
ein geräuschhaftes Ingredienz, ein meist ungreifbares viertes, ja fünftes Element inmitten starker Verstromung und Verstrahlung. Wenn‚quadralogue‘ unvermutet unplugged plinkplonkt, fällt das prompt aus
dem Rahmen. Alle Vier haben die horizontsprengenden Innovationen
Neuer Musik aufgesaugt, Ratkje studierte bei Gubaidulina, Andriessen,
K. Huber und Saariaho, Grenager bei Xenakis und Ferneyhough. Das
fand seinen Niederschlag in der Courage zu bruitistischer Klangmalerei, die mit Tonalität, gepflegter Spielweise und klassischen Formen
aufräumt zugunsten einer unberechenbaren, überkomplexen Sinnlichkeit, die bei allen flächigen Parametern, aller Arhythmik, doch maximalistisch ansetzt bis hin zu ohrenbetäubendem Getriller bei ‚antisolar
point‘. Als würden unhörbare Strahlenformen hörbar, wird der Wahrnehmungsapparat beschossen mit Schauern von Wellen und Teilchen,so sehr, dass man am Ende, ‚eaten‘ genannt, die Englein singen hört.
Dass man zwischendurch einige Nebelbänke ertragen muss im Vertrauen auf die Anziehungskraft des Ewig-Weiblichen und in lustvoller
Erwartung von Rutenschlägen, die mit dem Cellobogen verabreicht
werden, sei nicht verschwiegen. Die Treue wird jedoch mit ‚mosegrodd‘ belohnt und ‚eaten‘ klingt ja auch fast wie Eden.
Morten Qvenild, nie gehört? Aber wenn ich sage, dass er bei Jaga Jazzist und Shining mitgemischt hat, dass er als The Magical Orchestra
Susanna Wallumrød auf Klangwolken schweben lässt – er spielt neben
Piano auch Synthesizer und Rhodes – und dass er im Slow Motion
Quintet auch Solveig Slettahjell auf Rosen bettet, dann fällt vielleicht
der Groschen. Whiteout (RCD 2086) ist bereits seine dritte Veröffentlichung mit IN THE COUNTRY, einem Trio mit Roger Arntzen am Kontrabass und Pål Hausken an den Drums, und je länger ich lausche, desto länger wird mein Gesicht. Wenn überhaupt, dann bedient Rune
Grammofon das Klischee der ‚nordischen’ Empfindsamkeit doch kaumso direkt. Von einigem AhAhAh-Singsang bei ‚w.a.r.m.’ und dem Gemurmel von ‚mother’ abgesehen, erklingen Pianotrioinstrumentals,
sanft und bemoost. Ein melodisches Lüftchen weht dazu, so mild, dassman es zu Muttertag verschenken könnte. Andreas Mjøs wirkt mit Gitarre, Vibraphon und Programming als weiterer Weichspüler daran mit,
die Atmosphäre zu schaffen, um verträumt auf stille Seen (‚deadwater’), windstille Küsten (from the shore’) oder den Großen Bären(‚ursa major’) zu starren, der als trolliger Lichtblick die Milchstraße
entlang trottet, um sich, der Seichtigkeit des Seins überdrüssig, ausgerechnet dort ersäufen zu wollen, wo sie am seichtesten ist. Das guteschöne Leben kommt auf Filzpantoffeln geschlichen oder trippelt auf
Taubenfüßen (‚dove dance’). Vermutlich ist auch der geblümte Totenschädel auf dem Cover, das ganz gut für einen Mitsommernachts-Krimi
passen würde, aus Zucker. Rein musikalisch will sich aber keine Doppelbödig- oder gar Abgründigkeit einstellen, eher schon jene als‚Whiteout’ bezeichnete Desorientierung durch ein Übermaß an
Schneeweiß und Sonnenlicht, so dass man wie blind in einen Wattebausch hinein taumelt.
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Einfach 3 (RCD2090) nannten SUSANNA AND THE MAGICAL ORCHESTRA die Rückkehr zum eigenen Songwriting des Debuts von 2004, während
Melody Mountain (2006) ja aus Coverversionen bestanden hatte. Der Plural
steht für Susanna Wallumrød als das Muster eines nordischen Goldkehlchens und Morten Qvenild, der per Keyboards die Songs teils dezent, öfters
opulent orchestriert. Sowohl Musik als auch Lyrics stammen bei 4 Liedern
von ihr und bei 5 von ihm. Mit ‚Another Day‘ von Roy Harper, dessen Melancholie perfekt in Susannas Kette aus schwarzen Perlen passt, und‚Subdivisions‘ von Rush, das mit Drummachinetickling, Synthiekaskaden und
dunklem 4/4-Puls ganz technoir daher kommt, gibt es wieder zwei Coverversionen. Zusätzliche Akzente kommen nur ganz gelegentlich von Helge
Sten an Gitarre oder Keyboards, zweimal von Drums, von Vibraphon, Bassklarinette und den zusätzlichen Stimmen von Mariam Wallentin (Wildbirds &Peacedrums) und Fredrik Wallumrød. Susannas leicht umflortes helles Timbre, an sich klar wie Quellwasser, schwebt, letztendlich recht gleichförmig
und meist auf Wolken aus synthetischem Schwulst, zwischen Folklore und
Fantasy, die bei ‚Palpatine‘s Dream‘ statt in der dunklen Aura des Star WarsFinsterlings in der eigenen Blondheit schlafwandelt. Neben Harpers Helldunkelmalerei zu simplem Pianoarrangement weicht auch ‚Lost‘ mit düsteren
Pianoschlägen etwas von der blumig-romantischen Norm ab, die selbst die
kritischen Töne über das eitle, hohle Wesen einer ‚Deer Eyed Lady‘ verwässert. Aber alles in allem ist das doch etwas blond.
LUIGI ARCHETTI & BO WIGET setzen ihre 1998 begonnene Partnerschaft
fort mit Low Tide Digitalis III (RCD2087). Archetti, Gitarrist & Mandolinenspieler, aber auch bildender Künstler, ist also nicht nur profiliert durch Tiere derNacht mit dem Guru Guru-Drummer Mani Neumeier und Guru Guru selbst,
mit denen er Wischiwaschi wie Wah Wah (1995) & Moshi Moshi (1997), aberauch das respektable In the Guru Lounge (2005) eingespielt hat. Sein 16
Jahre jüngerer Partner an Cello und - wie auch Archetti - Electronics hat
sich neben Projekten wie Beide Messies oder dem Cello-Duo mit Simon
Lenski auch schon Lorbeeren auf der Theaterbühne erworben. Die Ebbe
hier ist erneut elektroakustisch durchdröhnt, manchmal so sonor und dröhnminimalistisch wie melancholische Kammermusik von Gavin Bryars (‚Stück
25‘, teils ‚Stück 34‘) oder tristesseüberschattet wie das cellistische Memento
Mori mit Desertgitarre (‚Stück 35), meist voller dreamskapistischer Merkwürdigkeiten, die nicht immer leicht einem Instrument zuzuordnen sind. Stehende Wellen, mehr georgelt oder akkordeonistisch als gitarristisch, vermöbeln
eher die Imagination, als dass sie sie ambient möblieren. Raues Feedback
durchknurrt feine Stringgespinste, elektronisches Gebitzel und Gezwitscherüberfunkelt Klangfarbkörper, die langsam im Raum zu schweben scheinen.
Sanfte Cellostriche, flattrig gepinselte Gitarrensaiten, Pizzikatoklingklang,verschliffene Loops, stechender oder pulsierender Noise öffnen den Blick,wie es sonst nur Modern Art kann, abstrakt, minimal, konkret, op, informel...
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!!!!

Foto: Sigi_Kay

Oh Mann, was für ein saftiges Seelenfutter haben die drei Norweger da – mit Steve Albini an den Reglern – im Januar ‘08 in den Electric Audio Studios in Chicago gegrillt? Als
Aufreißer bringt Bag It! (Smalltown Superjazz, STS/155, 2 x CD) gleich ‚Hidegen Fujnak a
Szelek’, den herzausreißerischen Ohrwurm von The Ex (von Scrabbling at the Lock mit
Tom Cora), der von kaltem Wind singt und von Vogelfreiheit, während man in Ketten
schmachtet: Járnék én is, ha járhatnék, ha magammal szabad lennék. Den freiheitstrunkenen Anarcho-Touch, den die Niederländer dem ungarischen Volkslied angedeihen ließen, dem geben Mats Gustafsson, Ingebrigt Håker Flaten und Paal Nilssen-Loveeine Wendung ins Kämpferische mit heiserem Baritongeröhre und wilden Schreien, zu
dem der Bass ein dumpf-dunkles Jetzt-oder-nie plonkt und PNL wie ein Aufständischer
um sich feuert und hämmert. Danach aber gleich ‚Drop the Gun’, ein Tempofetzer derscharfen Japandominas 54 Nude Honeys, mit Refrains auf dem Bariton, aber vor allem
elektronischen Sandstrahlattacken, die als Weißes Rauschen ins Nirwana verwehen.
Das Titelstück kommt dann wie aus mystischem Nebel, mit asiatischen Tschings derCymbals, bis der Bass überleitet in einen großen, in Schreie überschießenden Gesang
des Altosaxophons, Gustafsson wie er leibt und lebt, von stirnaderschwellendem Furor
bis zu samtiger Zärtlichkeit. ‚Snusvisan’, nach einem Stück von Åke Hodell, mischt, mit
mehr Bassgetrommel als gewohnt, PNLs Unbändigkeit mit Elektronik und wieder spotzendem, tobendem Godzilla-Bariton. Die Kollektivimprovisation ‚Hot Doug’ bettet Altomelancholie auf elektronisches Rauschen und perkussives Rumoren, wobei wie gesummtes Pizzikato den wehmütigen Ton unterstreicht, der als Dunkelwolke sich auftürmt – auch Trauer ist ein Energiereservoir. Ellingtons ‚Mystery Song’ von 1931 spielt
Gustafsson in einem fast beboppigen Update auf dem Alto, das erst wenn das Tempo
nachlässt einem sein Geheimnis ins Ohr flüstert. Von Geheimnissen raunt auch‚Angels’, ein Albert Ayler-Vermächtnis. Während PNL noch nach ner Nadel kramt, um
sie auf deren Spitze tanzen zu lassen, wechselt Gustafssons cherubimischer, nur zitternd gehauchter Gesang mit elektronischem Noise. Kein Go Marchin’ In, sondern eine
bei The Thing unvermutete, fast heilige Scheu. – Vielleicht ist es ihr Hauptsponsor, jedenfalls scheinen die drei NorJazzer Ruby’s BBQ in Austin, TX, sehr zu verehren - diehalbe Bonus-Stunde Beef Brisket ist ‚for Ruby’s’ und seine Ochsenbrustspezialitäten.
Als improvisierte Suite entfaltet sich da die übersprudelnde Energie des Nordland-Dynamos in einem brüllenden Baritonsolo – wie am Spieß. Gustafsson überbläst, schreit,
stöhnt, kirrt, als würde er im Fegfeuer auf mittlerer Flamme kross geröstet. Elektronik
flattert, der Bass grollt, PNL scheppert wie eine nicht endende Massenkarambolage. In
der 15. Min. dann der Umschwung – wie implodiert wird das Gebläse ganz einsilbig undverstummt dann ganz, wie auch schon der Bass, nur noch ein paar Schweißtropfen fallen auf die Drums – Stille... Ein elektronischer Suchstrahl durchbohrt den Raum –––– erneut Stille… Cymbalsirren – und so sanft und getragen wie er mit seiner Lindwurmzunge nur kann, beginnt Gustafsson eine elegische Melodie, die hymnisch und immer intensiver aufflammt in den hellsten und höchsten Tönen und endet in zart umtickeltem
Summen. Erzengel säuseln nicht, Erzengel sich selbst feuerspuckende Drachen.
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ugEXPLODE Records (Oakland, CA)
WEASEL WALTER posiert auf Apocalyptik Paranoia (ug31/Gaffer
Records, GR0022) als fit für die nahe Mad Max-Zukunft, aber zu
seinem Überlebenstraining scheinen vor allem Flexibilität, Schnelligkeit und das Üben von extremen Kontrasten zu gehören. Von einem Plinkplonkduett mit Henry Kaiser an der akustischen Gitarre
springt er zur Raserei im Quartett mit dem Trompeter Forbes Graham, Fred Lonberg-Holm am Sägezahncello und Kaiser nun an einer aufgedrehten Kreissäge. Der Irrwitz solcher Wechselbäder
hat Methode. Auf ein akustisches Trio mit Kaiser und dem Trompeter Greg Kelley folgt ein Quintett mit Kaiser, Lonberg-Holm, Kelley und zusätzlich Peter Evans, darauf ein elektrifiziertes Trio mit
Kaiser & L-H und ein ‚Creaking Bones Break‘ wieder mit Kaiser unplugged und dem Trompeterdoppelzack aus Kelley & Evans. Forbes kehrt wieder für ein Trio mit L-H und zum Finale stirbt Weasel
mit Evans & Kaiser einen ‚Slowest Death‘. So eine Mixtur ist typischfür die Eskapaden des Flying Luttenbacher-Trommlers, der seinen
Schlaghagel inzwischen so zu dosieren versteht, dass es Blessuren, aber kein Hackfleisch gibt. Die Stöcke flirren über die Blecheund tocken so trockene und dunkle Wirbel, als würde er auf Karton trommeln oder die Felle mit einer Pferdedecke abdecken. Angepeilt wird in den akustischen Versionen ein Maximum an Beweglichkeit, während die verstromten den letzten Spielraum austesten, der Exzess und Rausch von der finalen Auslöschung nochscheidet. Weasel klingt wie ein chinesisches Feuerwerk auf
Speed, Graham bohrt an der Schallmauer, Evans stellt seine
Trompete auf Durchzug, da wackeln die Ohren und die Wände.
Henry Kaiser pickt und lässt die Fetzen fliegen, als sei er hier ganzin seinem Element. Es ist das Element, in dem der Freie Geist seinen Muskeln stärkt, um den Geist der Trägheit Einhalt zu gebieten.
Wie Firestorm (ug22) präsentiert Mysteries Beneath the Planet(ug33, CDR) als MARC EDWARDS WEASEL WALTER GROUP
gleich zwei Sturmtruppen, die für den Freien Geist durchs Feuer
gehen. In der einen Variante stürzen sich die beiden Drummer zusammen mit Tom Blancarte am Bass und einem Bläsertriple aus
Peter Evans, Paul Flaherty & Darius Jones (Little Women) an Trompete & Melodica, Tenor- und Altosax als Jünglinge in den Feuerofen. In der anderen Variante tritt mit Andrew Barker sogar nochein dritter Trommler an Stelle des Basses und Ras Moshe an Tenorsax & Flöte zusammen mit Mario Rechtern an Sopranino-, Alto& Baritonsax schneidbrennen Notausgänge aus der Hölle. Vor allem das Sextett steigert die geballte Euphorie bis zum kollektiven
Lustgeschrei. Als ob eine ganze Horde von Godzillas, moshend ,flammenrotzend und völlig aus dem Häuschen, den Tanzplatz meilentief in Grund und Boden stampft und Himmel und Erde mit ineinander zuckenden Energieblitzen spaltet. Jeder Glutstrahl, jeder
Blitz, jeder Donner ist eigen, aber die Summe ist ein einziges gewittriger Gebrodel aus Enthusiasmus und grollender, keckernder,
schrillender, rumpelnder, bollernder, scheppernder Lebensfreude. Dass dabei selbst zerbrechliche Tänzer wie Melodica, Flöte
und Sopranino ihre Show abziehen können, ist bezeichnend fürden hier herrschenden Geist, der trotz seiner Muskeln und Bärte
und seines afro-europäischen Maximalismus - Weasel als Quintessenz aus Brötzmann und Metal, Edwards als Taylor-, Gayle- und
D.S. Ware-erhitzter Motor - ein, wie soll ich sagen, ein zärtlicher
ist. Nur gegenüber Trübsinn und Schwachsinn werden Weasel, Edwards & Co. rabiat und schleudern auch schon mal das ‚Book of
the Dead‘ gegen diese Widersacher, wie Luther sein Tintenfass.
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LES DISQUES VICTO(Montréal)

Im Großformat präsentierten JEAN
DEROMEETLES
DANGEREUXZHOMS + 7 auf dem 25. FIMAV 2008
die Suiten Plates-Formes et Traquenards (VICTO cd 114). Das ZhomsQuintett, bestückt mit Flöte & Saxophon, Posaune, Piano, E-Bass und
Schlagzeug, war erweitert mit dem
Klangfächer aus Klarinetten, Geige,
Bratsche, der E-Gitarre von Bernard
Falaise, Martin Tétreault an Turntables
und Vokalisation von Joane Hétu. Eine
brisante Mischung, mit der man nur‚gewagte‘ Musik machen kann. Pars pro
toto wechselt bei ‚Le Rift‘ selig wiederholter Tuttiswing mit Posaunenträumerei, Flötentrillern und absurden Geräuschen. Der gerade Klangfluss kommt
ins Stocken, sickert auf Abwege, mäandert als Nebenfluss, dünnt aus zum
Rinnsal aus nur 2, 3 Stimmen, gescratcht, von Strings geschabt und gezirpt, von Blasinstrumenten gefaucht
und gegurrt oder von Hétu gekeucht.
Sie hackt mit Kung-Fu-Schreien einen
Ausweg aus dem Palaver von ‚PlateForme Èlectorale‘, um den nächsten
Katarakt anpaddeln, im nächsten Wirbel mittanzen zu können. Die letzte
Plattform ist eine Tanzfläche (‚Plancher
de Danse‘) für einen furiosen Auftritt
von Falaise. ‚Traquenards‘ stellt danach Fallen, gaukelt mit Tricks und
Täuschungen. Klänge werden zu Mausefallen, Zerrspiegeln und Schattenspielen für die Phantasie. Wer versonnen prickelnden Luftbläschen oder einem
Trompetensolo lauscht,denschnappen plötzlich eine bissige Gitarre und ein giftiges Saxophon am Hosenbein. Immer wieder kippt Konsonanz aus den Latschen, macht sichaber eifrig wieder ans Werk. Mit Inbrunst bei ‚Ta Ferveur‘, von dem aber
wieder nur Geknister und gestammelte
Kehllaute bleiben, die wiederum Nährboden für lyrisch intimen Schönklang
und trompetengetoppten Bigbandswing
werden (‚Dream-Catch 22‘). Natürlich
erneut mit dem Haken, dass jetzt Pierre
Tanguay mit einem Drumsolo den
Showstopper macht. Lori Freedman
springt ihm mit der Bassklarinette bei,einer nach der anderen schließt sichan, der Beat ist ja simpel genug, um gemeinsam nach Wolkenkuckucksheim zu
marschieren.

Boum .. Bam .. Bim .. Bom .. Badaboum .. Bang.. Baoum .. Glou Glou .. Das sind, ohne Scherz,
die 8 Etappen von Èlektrik Tobaggan (VICTO
cd 115), dem Auftritt von RENÉ LUSSIER,MARTIN TÉTREAULT & OTOMO YOSHIHIDE beim FIMAV 2008. 3 Plattenspieler, 2 Gitarren. Ob Schlitten oder Wurstelpraterturmrutschbahn, ob Bier oder Bahre, Hoffmanns
Erzählungen (mit seinem „Glou, glou, glou! Jesuis la bière") oder Pere Ubus ‚Chanson Polonaise‘, Pi pi, Ka ka, Bu bu, glou, glou glou, derGeist der hier herrscht, der weht wie er will.
Ganz zart und unscheinbar bei ‚Bim‘ - das i,das einer Küchenschabe kaum bis ans Knie
geht, das war von Anfang an verdächtig. Aberdaneben doch auch mit o und a und einigermaßen süffig an unzensierteren, ungenierteren Stellen. Mit Gitarrengekrabbel und Turntablemulm bleiben Lussier und Otomo im
Schatten von Tétreault oft nur Schatten ihrer
selbst.
Verhaltene
Gitarrenpoesie,viel
Schnee, wenig Gaudi(um). Bis sich bei‚Badaboum‘ dann doch eine Gitarren-Jig (derfrz. gigue zuliebe feminin) aus den Bruits de la
Neige herausschält, und auch bei ‚Baoum‘ riffen sich die Gitarren ins Kopfüberglück. Dazwischen aber viel Zischeln und Bitzeln, Plink
und Twang. Da brauche ich ja Streichhölzer,
um meine Tagtraumaugen offen zu halten bis
zu ‚Glou Glou‘, der launigen Zugabe.
The Necessary and the Possible (VICTO cd116), das, was die Not wendet, und das, was
wir können. So, genauer gesagt, nach einer
Szene aus Harold Pinters The Birthday Party,
tauften JOE MORRIS, SIMON H F E L L &ALEX WARD ihren Beitrag zum FIMAV 2008.
5 Improvisationen für akustische Gitarre, Kontrabass und Klarinette, flinkfingrig, quirlig,
kleinteilig, abstrakt. Abstrakter als das illustrierende Relief von René Derouin, das nochan Landkarten erinnert, an Blutkörperchenoder den Querschnitt von etwas unter dem
Mikroskop. Das quicke Gewusel des Trios erinnert allenfalls an ähnlich impulsives Gewusel jener Szene, in der Fell über sein Label
Bruce‘s Fingers und Projekte von Badland bis
ZFP Quartet ebenso integriert ist wie Warddurch sein Spiel mit Derek Bailey, Steve Noble,
Roger Turner etc. Zum Gähnen bleibt hier keine Zeit, ständig muss man sich kratzen, so
juckpulvrig und neckisch streuen die Drei einem Klang über Klang unter den Hemdkragen.
Ich staune, was da alles möglich, frage michaber, wieviel davon notwenig ist, sprich, waseinem die Qual der Wahl zwischen Tyrannei
und Redundanz erspart.
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NOWJAZZ, PLINK & PLONK continued:
AP‘STROPHE Objects Sense Objectes (Etude Records, Etude019): Eine Begegnung von Ferran Fages und Dimitra Lazaridou Chatzigoga mit tönenden
Reibungen von akustischer Gitarre und Zither. Die Stichwörter dazu liefert
Michel Serres‘ Die fünf Sinne. Darin spricht er davon, wie die ‚Stabilität desObjekts‘ mit der ‚Labilität der Beziehungen‘ vexiert, die Panoptik des Mißtrauens und Überwachens mit der Panik und dem Zauber des Klangs. Der
Blick distanziert, Musik berührt, Lärm schließt ein... allgegenwärtig hüllt der
Lärm den Körper ein. Und mit einer Volte kippt Serres auch dies, denn seit
langem schon schlafen wir nun, betäubt von Geräuschen und Musik, ohne
etwas zu sehen und ohne etwas zu denken. Hermes hat die Weltherrschaft
an sich gerissen, unsere technische Welt existiert nur durch das Integral
des Tohuwabohus. Wie also eine psycho-physio-akustische Stimulation bewerkstelligen mit der vollen Ambiguität von Belauschen und Lauschen, derganzen Paradoxie einer bestimmten Unbestimmtheit? Ähnlich wie Fages bei
seinem Solo Al voltant d‘un paral.lel ist Ap‘strophe träumerisch auf Draht,
spinnt fragile Fäden um Luftlöcher, zieht sich aus dem Tohuwabohu zurück
ins Vage, schafft Luft für Poesie und gibt einem die Zeit, auch noch dem
Nachhall krumm gezogener Klänge zu lauschen.
JOHN R. CARLSON Foresight ([ Parvoart ], parvo 006, 3“ mCD): Der dritte[ Parvoart ]-Beitrag des amerikanischen Pianisten in Wismar ist, mehr noch
als beim Vorgänger Recollections, ein Duo mit dem Drummer Oliver Sonntag. Obwohl das Einstiegsmotiv an Ravels Bolero erinnert, entwickelt sichstatt eines Marschs der Dinos eine leichthändige Improvisation flockiger Pianorepetitionen. Insofern gibt es schon eine Motorik, eine Bewegung - das
Covermotiv eines verschneiten Eisenbahnschienenstrangs spielt ja ebenfalls mit dem Gedanken ans Verreisen. Anders als der fatale Beigeschmack
dieses Motivs, zumindest in deutschen Augen, bleibt die Musik unverdächtig,
wird immer munterer und fordert regelrecht zum Mitklatschen auf. Fast
nahtlos geht es hell und heiter auf die zweite Etappe. Ein träumerischer
Zweiklang mutet leicht melancholisch an, das Allegro-Tempo bleibt jedoch
leichtfüßig und richtet den Blick nach vorn. Der Beat fasst sogar noch nachdrücklicher Tritt, marschähnlich, aber fröhlich mit Wechselschritten undmunteren Sprüngen, und verschwindet mit hellen Trillern am Horizont.
ELECTRIC COWBOY CACOPHONY Sharkpiano (Sumtone.com, CD/DVDAudio): Mit Michael Edwards (Sopran- & Tenorsaxophon, Laptop, MIDI wind
controller) und Karin Schistek (Klavier, Synthesizer) begegnen einem hierzwei schon mit Lapslap bekannte Elektoakustiker, nun im Verbund mit JeanMarc Montera an 12-string- & E-Gitarre und dem Banjospieler Paul Elwood,
auf den man in The Chadbourne Baptist Church oder The Hank Williams Project von Andrew Bishop stoßen konnte. Montera ist mit seinen Releases auf
FMP, Victo und GROB wohl der Bekannteste in diesem Quartett eines Engländers, eines US-Amerikaners, einer Tirolerin und eines Korsen. Die Besetzung wechselt von Stück zu Stück ebenso wie die Instrumentierung, es gibt
Duos des Pianos mit Laptop bzw. 12-string-Gitarre, Trios von Piano, Banjo
und Soprano- bzw. Tenorsaxophon. Neben Improvisationen mit gibt es auchwelche ganz ohne Strom. Kurzum, wer sich hier langweilt, der ist grundsätzlich auf der falschen Hochzeit. Die Musik bewegt sich im Niemandsland zwischen definierten Stilen, mit Spurenelementen von Bluegrass (‚Quaker‘,‚Beard and Pipe‘) und Anlehnungen an post-Webern‘sche und Lachenmanneske ‚Jetzt-Musik‘ (‚Instant Helmut‘), mit Plinkplonk-Action und introspektiver (‚Sus‘) oder ambienter Intimität und lyrischer oder sogar nicht mehr ganzgeheurer Poesie, wenn etwa Montera Schwebklänge mit Ebow (‚Karibo‘)
oder Feedbackdrones erzeugt und damit blutrünstig aus der Tiefe aufkreuzt(‚Shark Guitar‘). Mich fasziniert besonders auch, wie klischeefern Schistek
Klavier spielt, wie sie im Innenklavier exotische Blumen pflückt, sich unnötige Füllsel schenkt und dafür ein großes Ohr hat für Klänge, die man dem Piano kaum zutraut.
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Foto: C. Neil Scott

PETER EVANS Nature / Culture (psi 09.05/06, 2 x CD): Der Mann, der als‚spannendste Bereicherung der Improszene der letzten Jahre‘ und als‚Dizzy on speed‘ gefeiert wird, schüttelt hier ganz allein sein Füllhorn,‚erzählt‘ von seiner Entwicklung und wie er sich zwischen ‚Natur‘ und‚Kultur‘ positioniert durch seine ‚Technik‘. Bei Disc 1 wird Studiotechnik,
insbesondere Mikrophonierung, genutzt, allerdings ohne Effekte undProcessing, Disc 2 entstand live im Studio, setzt aber beim finalen‚Technology‘ einen 15 W-Verstärker mit Volume-Pedal ein. Wer Evansschon live erlebt hat, weiß, dass er ‚einfach so‘ die pure Sensation ist
und trompetentechnisch Maßstäbe setzt, die andere Trompeter zur Verzweiflung bringen können. Mit ‚micro‘ und ‚macro‘ zeigt er gleich zwei
seiner Spezialitäten, mikrotonale Rauchkringel und Zirkularatmung, etwas, das angeblich nur Spinner oder Angeber oder Showtrompeter
brauchen, das aber in Evans maximalistischem Spielverständnis soselbstverständlich ist wie für einen guten Glasbläser. Dazu flatterzüngelt er in einem Tempo, dass es nicht zu glauben ist, er klingt manchmal
zweistimmig, er überbläst bis zum Zungenreden und und und. Mich erinnert das an die Sensation, als ich das erste mal Conny Bauer als EinMann-Posaunenchor hörte. Bei ‚The chamber‘ lässt er einen HarmonDämpfer vibrieren - es klingt wie ein Stöhnen unter Wasser. Dreimal
wechselt Evans zur Piccolotrompete, mit tollem Schwebeffekt bei ‚Wa‘.
‚Five‘ overdubt dröhnende Hältetöne zu einem summenden Dom, deneine der Stimmen durchzuckt. Wer nur harmonischen, klaren oder geschmetterten Trompetenklang schätzt, der wird abwinken, wer nicht nur
kulinarisch hört, sondern abenteuerlustig mitfiebert, was dem Mann soalles einfällt, der legt jetzt CD 2 ein. Die fetzt prompt mit Geschmetter
und Gekecker los, dass das Blech wie überlastet bebt, worauf Evansgleich mehrere Oktaven abtaucht in hohles Kellergeblubber, wieder
hochblitzt mit überschnellen Kapriolen bis es quietscht. ROCK‘N‘ROLL!
Voilà, die ganze Trompete und nichts als Trompete, jetzt wie klappernd
gerührt, jetzt als dunkel beunkter Strich in der Luft, dann ein pulsierender Schrei, der sich harmonisch fängt, nur um Tempo aufzunehmen füreine sprudelnde Kaskade, bergauf geblasen. Evans verstößt gegen Naturgesetze! Eine Show? Allemal. Ein Spinner? Irgendwie schon. Ein Angeber? Erwischt - daran muss er unbedingt noch arbeiten.
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SATOKO FUJII - MYRA MELFORD Under The Water (Libra Records 202-024): Wer
Bedenken hat, dass das biedere Piano zu sehr einen abenteuerunlustigen und wohltemperierten Illusionismus symboliert, dem sei diese Lektion ans Ohr gelegt. Nicht weil hierlive im Maybeck Studio in Berkeley, wo Melford als Professorin an der örtlichen Universität Musik lehrt, von Frau zu Frau gespielt oder irgend etwas Nichtwestliches als gemeinsamer Nenner gesucht würde. Das ist beides kein Thema. Auffällig für zwei pianistischso ausgeprägte Persönlichkeiten ist beim ersten Duett ‚Yadokari‘‘ (Einsiedlerkrebs),dem ‚The Migration of Fish‘ und ‚Utsubo‘ (‚Muräne‘) folgen, die Schwierigkeit zu sagen,wer wer ist (Fujii sitzt rechts). Die Solos machen die Handschriften deutlicher, aber erneut auch die Gemeinsamkeiten. Von Melford wurde wohl angeregt, Musik dem Element
Wasser zuzuordnen, flüssig, transparent, extrem polymorph und gleichzeitig scheinbar
immer gleich. Eine ihrer Downtown-Formationen hieß einst The Same River Twice, inReminiszenz an den Zenmeister Heraklit. Beiden Pianistinnen gemeinsam ist die Zauberkraft, Wasser in seine verschiedenen Aggregatzustände zu modulieren, es zu verdampfen zu feinem Dunst, zu verfestigen zu Eis, das sich zersplittern lässt, es in Katarakten sprudeln und spritzen zu lassen. Beide lassen schnelle und harte Skalenläufe
und das Innenklavier aufrauschen, feine Tröpfchen sprenkeln das Feld, ein Rieseln und
Plinken, Glöckchen und Ketten kommen ins Spiel, die Drahtsaiten, der holzige Pianokörper selbst. Die Brandung lässt Muschelschalen klirren und Strandgut aneinander tocken. Beide Spielerinnen sind ganz in ihrem Element, dem Reich schaumgeborener undschwindelerregend tanzender Schönheit, das aber zuweilen so hart wird, dass man
blaue Flecken bekommt. Hier wird nicht im Seichten geplätschert.
MARC HANNAFORD Polar (Extreme, XCD-069): Hannaford als Matthew Henson des Pianos? Mit Fotos von Henson (1866-1955), dem ‚dark companion‘ des Polarforschers R.
E. Peary bei den Annäherungen an 90° N, erweist der australische Pianist dem aus purem Rassismus ignorierten Arktispionier (und womöglich ersten Mann am Pol) Referenz.
Und bringt dabei die Frage ins Spiel, welche Farbe das Klavier hat - weiß und wohltemperiert, oder voller verdrängter und auf Eis gelegter Schatten? Nach dem Auftakt mit‚Canon Cancrizan‘, einer Miniatur des Geigers John Rodgers, Hannafords Partner im
Antripodean Collective, folgt er mit ‚Genius and Emptiness‘ (15‘36“) Hensons Spuren,
bevor er sich nach dem Zwischenspiel dreier kleiner Variationen mit ‚The Book of Sand‘(20‘14“) einem zweiten ‚Anreger‘ zuwendet - J. L. Borges und dem Treibsand der Wörter
im unendlichen Buch aller Bücher. Den Abschluss bilden ein eigener ‚Canon‘ und das
kurze ‚No Further Correspondence‘. Klanglich sind das aber alles Etappen des gleichen
Weges, den Hannaford unbeirrt zwischen Unzugänglichkeit und Unendlichkeit einschlägt. Jeder Ton kalt und klar wie ein Eiskristall, hart wie ein Quarzkorn oder einePrimzahl. Hannaford dekonstruiert das Weiß durch Erfindungen, in denen spätbarocke
Mathematik in manieristische Zahlenmagie übergeht und nach Schönbergscher Zwölftönerei klingt. Und berauscht dabei durch Beschleunigung und Verschachtelung ebenso wie durch dünne Luft, in der man nach Atem ringt und im weißesten Weiß schwarze
Punkte sieht. Eine zerebrale Expedition.
THOMAS HELTON Saga (FreeBass Productions): Houston ist für Einiges, aber nicht
gerade als Jazzhochburg bekannt. Helton spielt dort in Tim Hagans Subversive Jazz undim The Core Trio und schreibt Musik für das Torture Chamber Ensemble. Eine seiner
Spezialitäten ist jedoch das Solospiel, das er nach seinem Debut Doublebass (2001) hiererneut exerziert in 4 Studio- und einem langen Livetrack. Der Titel ‚Oh No! (Godzilla /Mothra Duet)‘ klingt dabei nur solange kokett, bis die ersten Töne einsetzen und einem
Heltons Texas Chainsaw genüsslich die Schädeldecke aufsägt. Helton hat seine ganz
eigene Art, dem Kontrabass Töne abzunötigen. Er geigt gern in schrillem oder knarzigem Sägezahndiskant, jaulend, krätzig, voluminös, monströs. Die Nackenhaare sträuben
sich, aber innerlich teilt etwas in der Blutbahn die Freude an solchen, doch, Freunde,genau solchen infernalischen Götterfunken. Dazu plonkt er gleichzeitig sonore, monotone Noten vom langen Ende der Saiten. Das Ganze hat etwas Uriges, Heroisches, und
der Titel ‚Saga‘ unterstreicht diesen Anspruch. Durch‘s offene Fenster piepsen Wald- &Wiesenvögel, aber auch weiße Raben haben ihre Lieder. Als Bonus spielt Helton mit
Seth Paynter am Saxophon und Richard Cholakian an den Drums als The Core Trio ‚Free
Jazz‘, live. Keine Feuermusik aus dem Stand, vielmehr nach kühlem Beginn ein
Schmelzprozess, der Eis in spritzige Poesie verwandelt, wobei Helton ausschließlich
pizzikato mitspritzt.
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JUNKO URABE HENRITZI Ecstasy of the Angels (Opposite
Records, ORCD4): Bei Junko ist ‚schreien wie am Spieß‘ keine
Metapher, in ihr ist DER SCHREI sozusagen Fleisch geworden.
Michel Henritzi ihren Spießgesellen zu nennen, wäre frivol,
aber er ist meist zur Stelle, um bei Junko Hiroshiges Schreiorgien zu ministrieren, bei Mommy Close The Door (2002) als
einer der Dustbreeders, bei Live at Pinguin House 2007, bei JeT‘aime (2008) zusammen mit Mattin, und auch schon, wie hierjetzt zu hören, am 9.5.2004 in Osaka zusammen mit Masayoshi
Urabe. Der ist selbst einer, der mit dem Altosaxophon Artaud
und Yoko Ono nacheifert, zusammen mit Chie Mukai (ChéSHIZU), Hiroshi Hasegawa (C.C.C.C.) oder Kan Mikami. Neben
dem Saxophon bläst er Hamonika, rasselt mit Ketten, schrammt
eine Gitarre, während der A Bruit Secret- & Howlin‘ Ghost Proletarians-notorische Henritzi schamanisch trommelt, mit Holzund Eisenschrott rumort oder Turntable und Feedback Amp
krackeln und rauschen lässt. Junko schrillt und heult, was die
Stimmbänder aushalten. Die Galas ist die Primadonna des ‚anschwellenden Bocksgesangs‘, Junko ist die ‚Grand Dame of Japanese shriek‘, Furie und Banshee. Die Stoßrichtung ist - ähnlich wie bei Keiji Haino und ähnlichen Noise-‚Therapeuten‘ und
Neo-Schamanen - eine rituelle und kathartische: Höre mit
Schmerzen! Zittert und bebt, ihr grauen Männchen, ihr Porzellanpüppchen! Läutert euch unter der Peitsche, im Feuerstrahl
dieses Schreis!! Wäre ich Slavoj Zizek, würde ich in ihrem
Munch‘schen Schlund den Abfluss der Psycho-Badewanne, dieblutig überquellende Kloschüssel aus The Conversation erkennen. Einbruchstellen und Ausflüsse des ‚Realen‘, des Dionysischen, wie es bei Nietzsche noch hieß. Nur, wer würde von uns
so oft Erschreckten und nie Geheilten noch auf die Heilsamkeit
des Schreckens vertrauen?
KEUNE-SCHNEIDER-KRÄMER No Comment (FMP-Publishing,
FMP 133): Felix Klopotek schlägt in seinen Linernotes vor, sichdas Improtrio des Multisaxophonisten Stefan Keune (*1965,
Oberhausen) mit dem Kontrabassisten Hans Schneider (*1951,
Leverkusen) und dem Schlagzeuger Achim Krämer (*1955,
Herne) nicht als Pyramide zu denken, bei der die Rhythm Section den Bläser zu Höhenflügen stemmt. Sondern als gleichschenkliges Dreieck, quasi horizontal gekippt, so dass sich die
Spieler mit ihrem impulsiven Palaver auf Augenhöhe begegnen. Das ist zwar kein neuer Geistesblitz, aber seit anno Plinkplonk ist noch keinem was Besseres eingefallen als Augenhöhe, Geistesgegenwart, Gleichberechtigung. Würde man noch
Adornos ‚Gerechtigkeit gegenüber dem Heterogenen‘ hinzu fügen - sie wird hier unausgesprochen geübt -, hätte man durchaus ein annehmbares Minimalprogramm eines Sozialismus inaestheticis, in dem es sich gut leben lässt. The Long And The
Short Of It, das Debut des Trios, ist 2007 bei Creative Sources
erschienen (BA 55). Man tritt Keune nicht zu nahe, wenn man
ihn mit seinen Connections zur Freedom Of The City-Szene Affinitäten zum britischen Improstil nachsagt. Er ‚pollockt‘ Klangfarbspritzer, spuckt allerquickste Kürzel, vor allem wenn er mit
dem Sopranino kiekst und gilft oder mit dem Alto keckert. Entsprechend stenographisch, pointillistisch und bruitistisch ticken, knurpsen, kritzen, plinken und plonken seine King Übü
Orchestrü- & Quatuohr-, Gräwe- & Koltermann-erfahrenen
Partner, der eine cellistisch und grillig, der andere wie mit Nähkästchen oder Besteckkasten. Das spricht so eloquent für sichselbst, dass ich mir jeden Kommentar schenken kann.
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KRK Acouasm (Acheulian Handaxe, aha 0802): Hans Tammen
präsentiert hier zwei Kollegen aus New York, die seit 2005 ein
elektroakustisches Gespann bilden. Der Digital-Elektroniker Matthew Ostrowski war vor 15, 20 Jahren präsenter gewesen, mit
Gallio & Zimmerlin und mit Krackhouse. Auf George Cremaschi,
Bassist & Analog-Elektroniker, konnte man im Electro-Magnetic
Trans-Personal Orchestra, auf den Labeln The Beak Doctor und
Rastascan oder in Lambs Gamble stoßen, einem Duo mit Fritz
Welch von Peeesseye. Zur Zeit fungiert der kahle Schwarzbart in
Tábor, Tschechien, als Kurator und Administrator des internationalen Arts-Residency-Center CESTA. Sein Bass als solcher ist
nicht immer zu hören, dafür ein Ge-‘Croosle‘ kristalliner Splitter,ein zirpendes, stechendes, flatterndes, surrendes ‚Drintling‘ von
Lauten, wie sie kein irdischer Dschungel hervorbringt. Ostrowski
zitiert W. Gombrowitz, der von einem „Exzess der Realität“ gesprochen hat. Wenn bei ‚Humpenscrump‘ die Zeit rückwärts spult
und die Wirklichkeit aus allen Poren spotzt und spritzt, dass es
nur so rauscht und brodelt, beginnt man das zu verstehen.
‚Mateotechny‘ lässt dann doch den Bass für sich selber sprechen, der dabei unter dem Beschuss von kullerndem, trillerndem
Geflicker steht. Pfiffige, zwitschernde Klangmoleküle, ihrem Speicher entschlüpft, führen ein fürwitziges Eigenleben, sie jaulen,
kritzeln und zwirbeln umeinander wie angestochen. Um Cremaschis Pizzikato bei ‚Snirtle‘ fliegen Glassplitter, bei ‚Tubicination‘
sogar noch exzessiver, nur dass der Bass jetzt wohl gestrichen
wird, so dass er Geräusche von sich gibt wie ein Wookie, dem
man das Fell krault.
KURAI Kurai (AltrOck, ALT 008): Natürlich kein ‚Altrock‘, sondern
JetztMusik. Francesco Zago sprengt den Yugen-Kern und treibt,
mehr noch als in Zauss, seinem Duo mit Markus Stauss, Metastasen weit über den Art/Avant-Rock-Horizont hinaus. Welche Welt
man hier betritt, deutet der Auftakt an, ‚Herbert Quain‘. Das ist
der Protagonist in ‚Examen de la obra de Herbert Quain‘ von J. L.
Borges, und in dessen Fiktionen und Garten der Pfade, die sichverzweigen, lockt einen diese Musik. Zagos Kompositionen bilden
den Ariadnefaden durch ein Labyrinth aus mehrköpfigen und kollektiven Erfindungen. Zagos Partner dabei sind Maurizio Fasoli(pianoforte), Giuseppe Olivini (percussioni, clavicembalo, shrutibox), Peter Schmid (clarinetto basso e contrabasso, tubax), Markus Stauss (sassofono basso, tenore e soprano), allesamt Yugenerprobt, dazu der abenteuerlustige Christian Weber (contrabasso) sowie der Harfenengel Enrica Di Bastiano (auf völligen
Abwegen von ihrem üblichen Popschmus), mit Zago selbst an
Chitarra electrica & Mellotron. Um die Fremdheit und den Zauber
der von ‚Flüsterkadenz(en)‘ beschallten, von einer ‚Straßenleuchte‘ zwielichtig beschienenen ‚natürlichen Unklarheit desSachverhaltes‘ zu benennen, fällt mir nur Dreamscape ein. Das
träumerisch-zauberische Element ist jedenfalls groß in dieser
elektrifizierten Kammermusik, die in 17 Passagen dahin fließt und
die Einbildungskraft kitzelt. Zago setzt 8 kleine, sprich kurze‚Treffpunkte‘, um die sich längere, nämlich 2- bis 8-min., sehrklangfarbenreiche Improvisationen ranken, gedämpft driftende
Momente, selten rhythmische, aber dafür fahl und feurig aufflammende Gesten und schwarze Blitze. Das Spannende daran ist,
dass auch das Improvisierte, statt nichtideomatisch zu verkrampfen, ähnlich wie einiges Cineastische von John Zorn, auf sinnlicheund emotionale Wirkung abzielt, je mysteriöser, desto spannender. Diese Musik entfaltet ihre Reize entsprechend hintergründig,
wird aber von Mal zu Mal spendabler, je weniger man sich an eingeübte Schlüsselreize klammert.
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LEIMGRUBER
LEHN
Lausanne (FOR 4 EARS CD 2072):
Wenn man ihre Wege Revue
passieren lässt - Urs Leimgrubers Jahre mit John Wolf
Brennan, Joe McPhee, Fritz
Hauser, Joëlle Léandre, mit
dem Quartet Noir, immer wieder
von Solostatements akzentuiert,
Thomas Lehns Abenteuer mit
Konk Pack, MIMEO, Toot, Futch,
Gerry
Hemingway,
MarcusSchmickler etc. - , dann bleiben
nicht viele Facetten der Neuen
Improvisationsmusik unberührt.
Die Kollisionen vom Sopran- &Tenorsaxophongespotzedeseinen mit dem Analogsynthesizergefurzel des andern, live
mitgeschnitten am 7.12.2006 im
Theatre du Lapin Vert in Lausanne, sind exemplarisch füreine Ästhetik, die Abstraktes
und Sinnliches, Atem und Automatik bis zur Ununterscheidbarkeit vexieren lässt. Nadelstiche begegnen zugespitzten
Luftsäulen,
programmiertes
Grummeln durchkreuzt kehliges
Kollern, verdrehte, verzerrte,
gestaucht-verkrümmte und abgerissene Wellen kollidierenoder verbünden sich mit Ihresgleichen, nur aus völlig verschiedenen Quellen. Es gibt
mitten in dieser xenophonen
Alienwelt gelegentlich sogar einen Puls (‚Trois‘), aber dannauch Luftlöcher, die einen in
der Schwebe zwischen Spannung
und Andacht
halten(‚Quatre‘). Nun, das Pfeifen im
Walde wird zunehmend zur
Zeitgenössischen Musik. Leimgrubers melodische Fetzen bei‚Cinque‘
sind
schon
ein
‚Nachspiel‘.

MARTEAU ROUGE & EVAN PARKER Live (In Situ,
IS242): Mit dem Hammer musizieren, bis zur Rotglut, das
ist die Philosophie von Jean-François Pauvros an der Gitarre und Jean-Marc Foussat am VCS3-Synthesizer, zwei
bebrillten Wuschelköpfen, und des kahlen Makoto Satoan den Drums. Wie man Glut anfacht, das versteht altschmiedemeisterlich auch Evan Parker, hier ausschließlich am Tenorsax, ein ziemlich verlässliches Indiz für einen erdig-feurigen Ansatz bei ihm. Mehr als seine Solosund Bäumchen-wechsel-dich-Duos, das Schlippenbach
Trio und seine elektroakustischen Fusionen schätze ich
bei ihm die Lust, statt am Fliegenpapier des Parkerianismus zu brummen an unerwartbarer Stelle aufzutauchen- mit Jah Wobble, School Of Velocity, Spring Heel Jack,John Wiese. Ohne groß von seinem Spitfirestil abzuweichen, ergibt der andere Kontext neue Reize. Hier ist es
die Gitarre, die Parker durch Bailey zwar geläufig, aber
so wie Pauvros sie spielt, doch wie vom anderen Uferschallt. Sato ist ein Pocher und Rumpler, mehr NilssenLove als Lovens oder Lytton, dann aber tatzt auch er
pelzig über Fell und Blech. Foussat, der oft genug als
Toningenieur, vor allem beim Les Instants Chavirés, seine Finger im Spiel hat, bringt als jemand, der oft genug
von Außen zuhört, unabgedroschene Ideen ins Spiel, mit
EMS-Sound und wenn‘s raucht, muss er husten undwenn‘s brennt, muss er einfach schreien. Und Pauvros?
Seit den Tagen mit Catalogue ist er ein Unikum. Konträr
zum Markenzeichenstil von Parker bleibt er ein polymorph-perverses Phantom, das in den 33 Jahren seit
seinem Debut No Man‘s Land nur sporadisch konserviert
wurde, aber wenn, dann mit so starken Partnern wie Kawabata Makoto oder Keiji Haino. Er bleibt sich treu mit
einfallsreichen Licks abseits von Gitarrenklischees. Obwohl schnell auf Betriebstemperatur, schmieden die Vier
das Eisen nicht primär brachial. Inmitten impulsiver, brodelnder, grollender Erruptionen bläst Parker Zirkularatmungsschnörkel, spotzt betont lässig seine souveränen
Knattertöne oder schwingt als bloßer Hauch im Einklang
mit zartem Gitarrengekitzel, ungeachtet brutaler Stöße
oder schleifender Störungen. Dazwischen geht‘s wieder
hardcore zur Sache, rauschhaft und insistierend, noisig,
mit Radiostimmen. Pauvros kratzt die Glut in der Esseund schruppt mit der Drahtbürste, sogar das Tenorsax
wird im elektronischen Sog verzerrt. Letztlich bestichtaber die leichte Hand, mit der hier die Dinge gedreht, gewendet und gehämmert werden. Das allerletzte Wort
aber haben dann Vögel.
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NEW FRACTURE QUARTET 1,000 Lights (Multikulti Project, MPI 004): Menschen, die gleichzeitig Minor Threat und Boubacar Traore im Kopf haben, die
gleichermaßen für Coltrane und Morton Feldman, Jimmy Giuffre und Willie
Nelson schwärmen, sind mir grundsätzlich sympathisch. Der Drummer Tim
Daisy ist so ein Mann. Im Rempis Percussion Quartet hat er mich zudem genug beeindruckt, dass ich mir beim Konzert im w 71 diese Scheibe zulegte.
Nate McBride am Kontrabass, bekannt mit weiteren Chicagoprojekten wie
Space Inc. und FME, bürgt zusätzlich für Qualität. Noch interessanter finde
ich aber Jaimie Branch und Dave Miller, mir unbekannte Namen zwar, aberauf die Kombination Trompete – E-Gitarre bin ich seit Peter Evans - Mary Halvorson richtig scharf. Branch ist eine 25-jährige Newcomerin, die parallelauch in Princess, Princess, einem Quartett mit dem andern Rempis-Percussionisten Frank Rosaly für frischen Wind in Chi-town sorgt. Miller andererseits ist ein derart umtriebiger Typ, dass es mich wundert, nicht schon früher
auf was aus seinem ABC von Algernon über blink. bis Zing! gestoßen zu sein.
Der wilde Gitarrenlauf gleich zu Beginn – ‚Falling Rocks’ betitelt – bestätigt
meine schönsten Hoffnungen, der zart-lyrische Kontrast, den die Trompete,von Miller elektronisch oder mit kleinen Stupsern umsponnen, dagegen setzt,
erst recht. Der zweite Gitarrenlauf ist dann so kühl und überlegt, wie es Jeff
Parker zum guten Ton in Chicago gemacht hat. Wenn Miller nach 10 Min. zur
Reprise ansetzt, schließt das New Fracture Quartet einen Kreis von Powerhouse Sound bis Tortoise. ‚Streetband’ beginnt danach mit arhythmischem
Gitarrengestotter, das sich in verkappte Salsa hineingroovt, aber mit kühlem
Vorbehalt, in den Branch mit halbgefroren schnarrender Trompete mit einstimmt. Beim Titelstück picken dann Gitarre und Bass fragil-träumerische Lyrismen. Die Trompete kehrt erst für ‚No fires’ wieder, das erst mit Bogenstrichen und Trompetenschmauchen nur glimmt und kriecht, doch dann zu Gitarrenpicking zu tänzeln beginnt und mit spuckigem Trompetenton ausgelassen swingt. Daisy klackerklickert ein Solo, von dem der Bass swingend überleitet zu ‚Slingshot’. Da gibt die Gitarre wieder Zunder, bis, nach einem Zwischenspurt mit Postbop-Déjà-vu, der Bass nochmal zart-verhaltene Saiten
aufzieht. Gitarregespotze und Gießkannengetröte halten dagegen, bis der
Anfall von Anarchie in einen gitarrengetriebenen, heißglühend schrillenden
Groove kulminiert, aus dem das boppige Thema noch einmal auszuscheren
versucht, aber sich dabei nur die Finger verbrennt. Ein Chi-Cocktail, heißkalt
serviert.
BRUCE NOVACK Multiplicity (Crevice Records, Crevice 17): Trotz fachkundiger Bewunderer ist Novack weiterhin ein Geheimtip. Fehlende Internetpräsenz bedeutet heute fast schon Nichtexistenz. Novack improvisiert solo am
Piano. Nicht meine Welt, aber die ersten, wie hingespritzten Notenfolgen lassen mich aufhorchen. Da spielt jemand abseits des Betriebs nach eigenen
Regeln und schwer zu vergleichen. Schnelle und scharfe Splitter und kantige
Kaskaden kollidieren mit Bebrütetem wie ‚Impulse‘ und Introspektivem wie‚Interior‘. Die Titel ‚Quarry‘ und ‚Stone‘ deuten an, dass hier jemand mit Hammer und Meisel Formen herauspräpariert. Weniger mit dem Freiheitsdrangund Übermut von Mauerspechten, vielmehr mit feinem Gespür für die Lebensadern im Marmor. ‚Monts Mandara‘ - das innere Auge peilt einen vulkanischen Gebirgszug im Norden Kameruns an - lauscht wieder ganz nach Innen,‚In Between Edges‘ wechselt zwischen kristallin spritzigen und erneut geradezu melancholisch nachhallenden Einzeltönen und Luftlöchern. Zentrales
Stück ist freilich das 21-min. ‚Quantum Wall‘, ein Multitrackingmonster, bei
dem Novack Pianos übereinander türmt zu einem Denkmal für Conlon Nancarrow. Wie aus einem riesigen Springbrunnen kaskadieren Notencluster,
Myriaden von dumpfdunklen bis quecksilbrig hellen Spaltklängen. Das Finale
ist wie ein Echo davon, ein molekular Erguss des ganz verflüssigten Pianos.
Dass Novack kein ganz neues Phantom ist, zeigt Finger Paintings (Crevice
13). Schon 1988 rasten seine Finger tausendfüßlerisch über den Zebrastreifen des Klaviers, schon damals kontrastierte Novack Cecil-Tayloreske Ereignisdichte und Materialfülle, ja nahezu groteske Überfülle, mit transparenten
Momenten unter saturnischen Vorzeichen. Ein Kalb mit zwei Köpfen und mindestens vier Händen, belächelt von nur einem Mond. Und von mir.
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TORSTEN PAPENHEIM Some Of The Things We Could Be (Schraum,
schraum 9): Musik wie ein Film, der erst durch den Schnitt Form annimmt. Papenheim, der selbst an Gitarre, Tapes, Banjo und Klavier zu
hören ist, hat 12 Szenen ‚gedreht‘, bei denen die Mitwirkenden, u. a. Roland Spieth (Trompete), Clayton Thomas (Bass), Ute Völker (Akkordeon),allesamt Freunde und Kollegen aus dem Schraum-Umfeld, nicht wussten, wie sich die einzelnen Episoden zu einem Ganzen fügen würden.
Die Imagination wird gereizt mit unterschiedlichen ästhetischen Ansätzen, allesamt mit der Vorsilbe ‚post-‘, in ständig wechselnden Besetzungen. Es dominieren intime Szenen, teils solistische von Papenheim oder
Michael Thieke (Altsaxophon) und ein Dialog von Trompete und Klavier,teils kollektiv inszenierte, zu dritt mit Merle Bennett (Schlagzeug) &Matthias Müller (Posaunen), dreimal zu viert, bei ‚Mitscherlichs Zoo‘ zu
fünft, beim Vorspann sogar zu siebt, ohne dick aufzutragen. Statt bloßer
Plinkplonkfinessen gibt es die Suggestion vager Gefühlsmomente, fürdie Papenheim unterschiedliche Stilmittel wählte, filmmusikalische,leicht angerockte, Nocturnes mit anderen Mitteln, Reveries mit Tonbandeffekten, Berliner Weiße mit Coke, durchwegs in- und übereinander geblendet. Die Film-Metapher meint letztlich nur, dass hierTagträumerisches über die innere Schädeldecke flimmert in einer nichtübersetzbaren ‚Sprache‘, die ganz wort- und bildlos immer neue Möglichkeiten erspielt (fußballerisch gesagt).

QWAT NEUM SIXX Live at Festival NPAI 2007 (Amor Fati, FATUM 017):
Die Aufnahme aus Parthenay zeigt Daunik Lazro (saxophone baryton),
Sophie Agnel (piano préparé), Michael Nick (violon) & Jerome Noetinger(dispositif électro acoustique) in der Frühform, in der sie sich auch auf
dem MAI in Nancy vorstellten. Heuer präsentierte das Quartett seine
bruitistische Elektroakustik beim Ulrichsberger Kaleidophon. Mit Noetinger (Metamkine, MIMEO, L. Marchetti) und der als Partnerin von P. Minton, C. Wodrascka und auch Noetinger (Rouge Gris Bruit, 2003) bekannten Agnel hat Lazro, Jahrgang 1945 und immer schon ein ‚Outlaw in
Jazz‘, zwei besonders geräuschverliebte Vertreter der ‚89er‘-Generation an der Seite. Nick ist, trotz einiger Einspielungen mit Quatuor Aérolithes und NOHC, dabei Monsieur X. Die ‚Musica impura‘ dieser Vier ist
eine Reibung aus Musique concrète instrumentale und Noetingers
feinstofflichem Noise. Geschabter, gesägter Saitenklang schleift an
rauen, gedämpften Luftsäulen, die urplötzlich in heftige Schwingungen
und Zuckungen versetzt werden. Agnel plinkt und plonkt im Innenklavier, tupft dunkle Dongs, lässt die Saiten schnarren. Das Bariton schrill
diskant, schnaubt heiser und gepresst. All das und noch viel mehr solcher Geräuschkollisionen werden verdichtet und durchgeistert vonelektronischen Dröhnschwaden und informellen Wischern und Kratzern. Flinkes Gefiedel wird durchbohrt von pulsierenden und zwitschernden Impulsen, gestöhntem Fauchen, ostinatem Pingpingping.
Nicht wirklich meine Welt, aber konsequent und reizvol allemal.
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SIGNAL TO NOISE Tag (Quark/1hr Music, CD-010): Bei Signal toNoise denke ich eigentlich an Schweizer Elektroniker. Aber hierist es ein NowJazz-Quartett des aus Boston stammenden Sopranosaxophonisten & Bassklarinettisten Joe Rosenberg mit derPianistin Masako Hamamura aus Kobe, dem in Hong Kong lebenden Bassisten Peter Scherr und Edward Perraud an den Drums.
Um den Pariser Trommler (& Fotografen) bad alchemystisch einzuordnen, nenne ich nur Hubbub und Das Kapital, sein Trio mit
Daniel Erdmann und Hasse Poulssen, an der Seite von Rosenberg
taucht er seit 2000 regelmäßig auf. Peter Scherr ist tatsächlichder Bruder des Sex Mob-Bassisten Tony Scherr und unterstützt
immer wieder dessen eigenen Projekte. Rosenberg macht kein
Geheimnis aus seiner Verehrung für Ornette Coleman und Eric
Dolphy, von Mitte der 90er an entwickelte er eigenes Profil. Mit
Hamamuras - anders als Takase und Fujii - feminin gepflegtem,
entschlacktem Pianoklang und Scherrs weich gepolsterten, summenden Basstönen gelingen Rosenberg sehr träumerische undswingende Exkursionen ins Schwerelose. Selbst Perraud, der ja
auch ganz andere Neigungen hat, zeigt hier, knackig und federnd, nur beim finalen ‚7 from 11‘ auch mit stechenden Frequenzen von gestrichener Cymbal, seine apollinische Seite. Rosenbergs asiatisch weise abgeklärten Kompositionen sind alles
andere als unterkomplex, aber sie meiden in ihrem Schönheitssinn die Schatten, die von Müllbergen geworfen werden.
SPALTKLANG en suite (Fazzul Music, fm 0826): Das Schweizer
Quartett lässt sich als ein ‚Broken Consort‘, ein gemischtes Ensemble des Jazz-Rock beschreiben. Anders als in Trank Zappa
Grappa In Varese? oder Zauss, den avant-rockigen und metastilistischen Projekten des Saxophonisten Markus Stauss, ist der
Akzent hier kammermusikalisch, ähnlich wie bei Pago Libre oder
Volapük. Das bewirkt die Viola von Olivier Voigt, während der EBass von Stephan Brunner und das Drumming von Rémy Sträuli
eine andere Sprache sprechen. Dazu noch der Tenor- und Sopranosax-Ton und schon verlieren die Sinne im In-sich-Widersprüchlichem, einem Sowohl-als-auch und doch auch WederNoch, den Boden unter den Füßen. Sie müssen seiltanzen, vonHalt zu Halt springen, hin und her flattern, von Pseudo-Renaissance zu polyrhythmischer Imaginärer Folklore, von kontrapunktreichem Third-Stream-Jazz zu schnittiger Fusion, die mehrals nur Jazz und Rock ununterscheidbar macht. Was auf dem Papier eklektisch ‚riecht‘, klingt tatsächlich aber wie aus einem
Guss, jede Wendung ein ‚Genau so wollte ich es‘. So kommt es,
dass Spaltklang packt, bewegt, überzeugt gerade mit der Ununterscheidbarkeit von Dynamik, Lyrismus, Euphorie, Melancholie,
Innigkeit und Schwung. Stauss allein schon zieht einen in den
Bann mit seinem herrlich ‚gefühlsechten‘ Tenorton, der an den
legendären Gary Windo erinnert, und einem Soprano, das singt,
wie ihm der Fazzul-Schnabel gewachsen ist. Aber ebenso evokativ sind die ‚Ideen‘ und die ‚Open Directions‘ der Kompositionen,
der bassbeblubberte ‚Heartbeat‘ tänzerischer Reigen, der Duktus der ‚einleuchtenden‘ Melodien vom zartbitteren, dann optimistischen, den Überschwang aber wieder dämpfenden ‚Amusebouche‘ bis zum getragenen ‚Molto Lento‘, in dem die süße Wehmut des Themas von ‚Von Anbeginn‘ abgedunkelt nachhallt. Dassdessen zarter Saxophon- und Geigenschmelz dann in einen 5/4Mahlstrom gerät, ist Spaltklang-typisch, ebenso wie der Flirt vonViola und Sträulis Keyboards mitten im Titelstück, der in einem
sublimen Unisono der Strings mit dem Saxophon mündet. Nie
bleibt es durchgehend bei einer Gefühlslage, aber Sehnsucht ist
ein ebenso unstillbares Leitmotiv wie Tänze und Lobgesänge, die
die Schönheit feiern.
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MARKUS STOCKHAUSEN Symphonic Colours (Aktivraum, AR 10311, 2 xCD): Ist Markus Stockhausen die sublime Alternative zu Till Brönner? Wo jener nach Popularität hascht, weist er mit großer Geste ins Erhabene?
‚MINIATUR einer Seelenreise‘ (2007) ist der feuchte Traum von... - was lesen die feinen Seelen heute? - Coelho- und Kerkeling-Lesern? Der hoheTon der Trompete ist gebettet auf die weichen Strings der Deutschen Radio
Philharmonie, die anschließend auch ganzorchestral ‚SONNENAUFGANG
for Jazz Trio‘ (2003) beschallt. Großartig und jetzt schwungvoll jazzelnd,
angetrieben von Arild Andersens Kontrabasspizzikato und Patrice Hérals
Drumming. Third Stream? Dafür sind Stockhausens Kompositionen zu romantisch, mehr Korngold als Gershwin, 19. Jhdt. harfend und swingend in
Frack und Abendkleid. Das ‚und‘ zwischen dem Trio und dem Orchester
summiert, ohne den Orchesterklang auch nur einen Millimeter außerhalb
seiner Zuständigkeit zu ziehen. Stockhausen ist an Schönklang interessiert
und bläst auch schön, aber sonst? ‚CHORAL for Jazz Trio, Brass and String
Orchestra‘ und ‚SEHNSUCHT for Jazz Trio and Orchestra‘ (beide von 2002
und beide weiterhin mit den Radiophilharmonikern) schwelgen in denselben Gefilden, noch vollmundiger als Fanfaren von jenseits der Wolken, mit
irdischer Rhythmsection und etwas Anklang an Miles Davis‘ Schwanengesang AURA zuerst und nach gleitendem Übergang dann sehnend, von Bassund Strings ‚nordisch‘ geschmelzt und tatsächlich doch noch mit einigen
schneidigen Bigbandriffs und einer Trommelgaloppade. Mit der ‚MAP Encore‘ beschließt das Trio allein den ersten Block, wobei Héral zuerst nur Bodypercussion spielt. Dem folgt mit ‚PORTRAIT FOR TARA for Basset Horn
and Chamber Orchestra‘ (2003) mit dem Swiss Jazz Orchestra und Tara
Bouman als Solistin ein Stück mit etwas ausgeprägter modernistischem
Charakter. Das Bassetthorn, eine Tenorklarinette mit gedämpft schnarrendem oder auch jubilierendem Klang, stellt sich wechselnden Herausforderungen aus dem nur locker verwebten Kollektiv, nicht konfrontativ, sondern
werbend und verführerisch. ‚TANZENDES LICHT for Solo Trumpet, Big Bandand String Orchestra‘ (2007) schließlich, mit dem Komponisten als Lichtträger vor der geballten Klangfülle des Swiss Jazz Orchestra und der Camerata Bern, ist konzertant angelegt mit einer klaren Solostimme, der vielzungig
wogende Harmonik konsonant nacheifert und in einem Saxophon ein wennauch nur flüchtiger Gefährte zuwächst. Nach einer Passage mit spanischen Zügen tut sich das Piano hervor, das jedoch von Strings überpudert
wird. Die Gitarre bedient danach einen fad-süßlichen Geschmack, so dasserst ein Posaunensolo wieder für einen Lichtschimmer sorgt, permanentvon den Cameratastrings ummufft, bis endlich die Trompete, von heftigen
Tuttis und Pianorepetitionen umpulst, im Licht aufgeht. Caffè-latte-Typengibt sowas die Kraft für 10-minütige Ovationen, ich bevorzuge Kaffee,
schwarz und ohne Zucker.
FREDY STUDER Voices (Unit Records, UTR 4208): Weib und Gesang gehören zu Studer, als ob er der Gott des Weines wäre. Nachdem er mit rauschenden Cymbals das Bett bereitet hat, widmet er sich abwechselnd seinen Gespielinnen. Lauren Newton umpocht er mit dunklen Tupfen, während
die kühl ‚Die Dinge‘ aufzählt. Saadet Türköz umgaukelt er mit gestrichenen
Wellen, als Regentropfen auf Blech und Fell und mit täppischen Hieben, bis
sie von Gesang zu Stöhnen und Zungenreden übergeht. Zu Ami Yoshidas
hellen Kehllauten schabt er an Blechkanten. Es folgt ein zweiter Reigen,wobei er Newtons GiGiGo-NguNgä-Scat mit Brailleschrift bepunktet, sichder summenden und für sich singenden Türköz als plätschernder Nöck nähert und über Yoshidas Gekrächze ein Netz aus immer dichterem Klopfen
wirft. Beim dritten Bäumchen Wechsel Dich hüllt er Türköz‘ Türkblues inwummernde Gongwellen, er rappelt aufgeregt, wenn sich Newton die Narrenkappe aufsetzt und lauthals Unaussprechliches buchstabiert, und Yoshidas erstickte und raubvogelig schrille Missklänge umwölkt er mit metalloidem Rumoren. Danach hat Newton zitternd und bebend noch einen
Wunsch frei (‚Wishful Thinking‘), bevor Türköz bei ihrem ‚Love Song‘ überirdischen Telefonsex stöhnt. Fredy der Überirdische liebt nur ganz besondere Frauen? Honi soit qui mal y pense.
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THE.KØP Köln-Oslo-Protokoll(Künstlersache, Ks 03): Zeichen
und Wunder. Nur dauern Wunderbekanntlich etwas länger und die
Zeichen hier sind ziemlich kryptisch, Graffitis von Troglodyten des21. Jhdts., halbbewusst gekrakelte
Runen, nebulöse Graphen. Die Finger im Spiel haben Matthias Mainz
von Realtime Research an Trompete & Processing, der durchausauch Weather Report und Jeff
Beck verehrende Alex Gunia an einer erweiterten Gitarre, die Norweger Anders Tveit (6-Saiten-Bass,Electronix) und Terje Evensen(Schlagzeug), die auch in einem
Trio mit Gunia und in pd conception miteinander harmonieren, Hannes Hoelzl am Laptop und derschon mit Die Schrauber BA-einschlägige Joker Nies (bent circuits- schwule Schaltkreise?). Die Sechs
stecken jeweils mehrere, gelegentlich auch alle Köpfe zusammen fürein Brainstorming mit unbestimmtem Ausgang. Die Formvorstellungen sind überwiegend träumerischund vogelfrei, die Klangverläufe
entsprechend zwanglos. Track 5
ist eine zunehmend rasante Talfahrt mit lockeren Schrauben, so
dass sich das Gefährt in seine
Bestandteile auflöst.
Track 6schweift mit weichem Hüftschwungin Exoticagefilde. Track 7 ist dannein so fragil schwebender und tickelnder Klingklang, dass man den
Holzwurm knarren hört. Die Trompete kann sich durch schmale
Schlitze pressen, aber auch sotagträumerisch schwingen wie derromantische Markus Stockhausen.
Das Stimmungsprotokoll verzeichnet sanfte Hinter- und Abgründigkeiten.

TRINITY Breaking the Mold (Clean Feed, CF139): Die
Gussform sprengte, im Mutterboden pflügte dieses
NorJazz-Quartett im Juli 2006 auf dem Molde Int. Jazz
Festival – so trifft man mit einem Schlag gleich drei
Nägel auf den Kopf. Auch die vier Tracks folgen dem
Wortspiel – ‚Mold’ (norw. für Mutterboden) – ‚MoLded’ –‚MolDer’ – ‚Breaking Them Old’. Die 4 ‚Molder’ könnte
man, ohne zu übertreiben, als NorJazz-Allstars ankündigen: Am Bass Ingebrigt Håker Flaten (Atomic, Free
Fall, Scorch Trio, The Thing), an Saxophon & Klarinette
Kjetil Møster (Ultralyd, Zanussi Five), Morten Qvenild(In The Country, Susanna and the Magical Orchestra,
Slow Motion Quintet) an Keyboards – er ist das Surplus
zur ursprünglich namensgebenden Dreifaltigkeit - undan den Drums Thomas Strønen (Food, Humcrush).
Kein Wunder also, dass keine Faser der Nor-Land-Gefühlswelt unberührt bleibt. Von Mitternachtssonnenmystik über Flechtenpoesie bis Berserkerfuror, dieVier sitzen jeweils an der Quelle und Energie zum
Verbrennen gibt es mehr als genug. Der Anfang ist
mystisch, mit hellem Gebläse, quellenden Nebelschwaden der Keyboards, hinter denen Bass und Percussion wattig pochen und tickeln. Møster wechselt zu
stotterndem Bariton, die Keyboards irrlichtern, erst in
der 10. Min. hat sich das Quartett ins Freie getastet
und begrüßt die Sonne lauthals mit Morgengesang.
Doch der Nebel kehrt wieder, kriechend und voller Geheimnisse. Ganz langsam und leise nur rührt sich was,flirrend, dunkel summend. Bei ‚MolDer’ ist dann alles
voll in Betrieb, mit rasendem Gebrodel. Das Saxophon
röhrt, vital und übermütig, Strønen rollt und kollert wie
minutenlanger Steinschlag. Nach einem Break und
Zwischenbeifall knört jetzt die Klarinette, leise undmonoton umpulst. Strønen flattert über Blech und Fell,
während Møster weiterhin keckernd stöbert, wie ein
auf Evan-Parker-Stoff abgerichteter Drogenhund. Er
verliert die Spur, kratzt sich hinterm Ohr, die Zeit steht
still. Das Keyboard beginnt zu träumen, nur der Winddröhnt sachte mit den Becken. Dann endlich doch, ja
was? Eine kleine, mysteriöse Melodie, (per Keyboards?) wie aus dem Innenklavier getupft. Ein melancholischer Hauch, gedämpft, wie gequetscht, ganzzartes Pizzikato dazu… lang geht das so. Bis Møster
endlich wieder zu blasen beginnt, aber verhalten, so
dass sich lange nur Spannung anstaut, die er melodiös
tönt und dann mit ostinaten Anstößen endlich zur
hymnischen Entladung treibt – noch Gesang, aberhalb schon Schrei. Der Zeiger ist auf eine halbe Stunde vorgerückt, aber wer schaut da auf die Uhr. Møster
verstummt, rasendes Getrommel setzt ein, vom Bass
beplonkt, vereinzelt fällt Barintonhonking mit ein…
Und Abblende. Selten wird man derart … in der Lufthängen gelassen. Fortsetzung folgt?
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Foto © audiosemantics.de

MICHAEL WERTMÜLLER OLAF RUPP The Specter Of Genius(Jazzwerkstatt, jw 052): Kürzlich mit dem Trio Rupp-Pliakas-Wertmüller
konfrontiert, wurde mir erst allmählich bewusst, dass neben der
Schweizer Full Blast-Connection längst auch eine Tête-à-Tête-Vertrautheit des Alboth!- und Sprawl-gestählten Drummers mit dem, wie erauch, Wahl-Berliner Gitarristen besteht. Den Clash mit einem Ausnahmegitarristen hatte Wertmüller schon in den Werther/Wittwer-Duetten
mit Stephan Wittwer erprobt. Aber Rupps Singlenotenraserei ist ein
Kapitel für sich. Dabei macht es nur einen unwesentlichen Unterschied, ob er eine A- oder E-Gitarre traktiert. Enthalten sind hier 10 Aund 6 E-Traktate, weitgehend in gleichem Affenzahntempo, das den
Eindruck ständiger Überfülle vermittelt, etwas schwindelerregend Unbedingtes. Nur ‚E_4‘, mit 8:34 der längste Track, enthält als partielle
Variante auch einige langsamere Takte. Das Musica-Nova-Training bei
Dieter Schnebel scheint Wertmüller in seinem Willen zum Maximum,
was ein Schlagzeuger bewerkstelligen kann, nur bestärkt zu haben.
Eine unbändige Dynamik, nicht zuletzt das auch im NowJazz noch ungewohnt schwerkalibrige Basstrommelfeuer, paart sich in atlethischer
Disziplin mit zuckender Flexibilität und einem Furor der Geschwindigkeit. Der Ausstoß an Noten, oft wie Körner, die zentnerweise in labyrinthische Auffang- und Verteilervorrichtungen schießen, kaskadierenund ricochetieren, übersteigt oft das Auflösungs- und Fassungsvermögen des Hörsinns. Dennoch, das, was digitale und pragmatische Anästhesie oft kaschiert, wird hier überdeutlich sinnfällig gemacht - Musik
ist Klang und Klang ist, je stärker er unter Druck gerät, ein Gebrodel
rasender Partikel und Lebensgeister. Wie in extremer Vergrößerung
wird in den anbrandenden Schallwellen ihre Konsistenz aus Molekülen
hör- und eigentlich spürbar, wenn man mit dem Ganzkörper-‚Ohr‘ auf
die Schienen gerät, auf denen dieser Geister-Express durch einen
durch braust.
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OVER POP UNDER ROCK OUTER LIMITS:!!!! A G A I N S T

THE

DAY

It‘s always night, or we wouldn‘t need light. (Thelonious Monk)
Against The Day (Constellation, CST058-2) ist eine Resonanz auf Thomas
Pynchons großen Wurf mit seinen 5 Kapiteln ‚The Light Over The Ranges‘,‚Iceland Spar‘, ‚Bilocations‘, Against The Day‘ und ‚Rue du Départ‘. Sam Shalabi hat dafür mit LAND OF KUSH ein Großorchester aufgeboten, um vor
dem inneren Auge Kieselguhr Kid und den anarchistischen Kampf gegen
Ausbeutung, die Traverse-Brüder, die einem Comicstrip entsprungenen
Chums of Chance in ihrem Luftschiff Inconvenience, mit dem sie unsere
Hohlwelt von Pol zu Pol durchqueren, den ‚Psychical Detective‘ Lew Basnight, die schöne Mathematikerin Yashmeen Halfcourt, den Foto- und Filmpionier Merle Rideou, den schwulen Agenten Cyprian Latewood, Nikola Tesla, die Vormance Expedition, die ein Ding aus dem Eis freisetzt, ein U-Boot
unter der Wüste Gobi, die Weltausstellung in Chicago 1893, die Mexikanische Revolution, den Ersten Balkankrieg und schließlich das Ludlow Massacre während des Colorado Coal Field War 1913-14 aufscheinen zu lassen.
Pynchon lässt in seiner wortgewaltig orchestrierten Symphonie die Gegensätze von Schwarz-Weiß, Ausbeuter-Ausgebeutete, Mann-Frau, FreundFeind wie doppelbelichtet oder lichtgebrochen vexieren. Die gelungene
Selbstverwirklichung einer herrschaftsfreien, nichtausbeuterischen Gesellschaft nennt er - ‚Jazz‘ (the most amazing social coherence, as if you allshared the same brain). Im Buch selbst ist das nur ironisch realisiert - als
Happyend einer Anarchistenkommune und den zarten Banden der Inconvenience-Crew mit den emanzipierten Bindlestiffs of the Blue (als ob Tim undStruppi ein Sexualleben entwickelten). Wenn sie am Ende vor dem kommenden Grauen des Ersten Weltkriegs auf gut Glück einer unsichtbaren Alternativwelt entgegensteuern, ist die Melancholie von Pynchons Utopie mit
Händen zu greifen. They flew toward grace, lautet sein atemberaubender
Schlusssatz.
Shalabi inszeniert, weitgehend improvisiert, eine Klangwelt, in der tatsächlich Godspeed You Black Emperor und Sun Ra als die wesentlichen Ingredienzen deutlich widerhallen. Was Shalabi da verwirklichte, zu loben, es sei
dann doch kein irrer Klangwust, der nur für hartgesottene pseudointellektuelle Freejazzer goutierbar sei (www.plattentests.de), zeigt, wie borniert
heute gerade in Indiekreisen Musik gehört wird. Der 1964 in Tripolis geborene Kanadier, mit Shalabi Effect fester Bestandteil derMontrealer Avantszene, nennt Pynchons Against The Day
eine invocation, like an ancient Egyptian hymn to Ra... one
giant, multi-coloured, layered tremolo note und deren Effekt einen Mindfuck. Mit einem massiven Aufgebot an Getrommel, Streichern, Bläsern und Stimmen, wobei derGroove und die Klänge von Darbouka und Oud nilaufwärts
tragen, scheut Shalabi sich nicht, seine persönliche Mythopoesie mit der von Pynchon zu verschmelzen. Wenn
Molly Sweeney ‚Bilocations‘ singt, beginnt ein ganzer Reigen von Bauchtänzerinnen die Hüften zu schwingen, mit
Yashmeen als Bezugspunkt und der Suche nach dem mythischen Shambhala, auf der Kit Traverse aber nur auf die
Tunguska-Katastrophe stößt. Das Titelstück greift mit galoppierendem Beat und ziemlich morriconesk das Westernmotiv um Frank Traverse auf, die Rache für den von
Auftragskillern ermordeten Vater und seine explosiven Abenteuer als Companero in den Revolutionswirren von Mexiko. ‚Rue du Départ‘, ganz klar deremotionale Höhepunkt, windet sich schreiend unter den Kugeln und den
Flammen von Ludlow, mit elegischer Geige und Bläsertristesse, eine Klage,
die nur mit der Erinnerung selbst verlischt. Nur Kleinmütige scheuen die
Gefühlsstürme und das Pathos solcher Überwältigungsmusik.
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INTERSTELLAR RECORDS (Linz)

A Girl & A Gun (INT018, 7“) von PULIDO FENNESZ SIEWERT STANGL
enthält mit ‚Canto de zafra‘ & ‚Canto de velorio‘ zwei kolumbianische
Volkslieder, gesungen von Lucia Pulido. Arrangiert und gespielt vonChristian Fennesz, Martin Siewert & Burkhard Stangl für ‚film ist: a girl & agun‘, die neueste Arbeit des Wiener Kunstradio- & Filmemachers, Aktionisten & Installateurs Gustav Deutsch. In 5 Akten visualisiert und dramatisiert Deutsch, wie so oft zusammen mit Hanna Schimek, mit Samples aus
den Archiven der Kinematographie das Thema No. 1 zwischen Paradies
und Pornographie, Eros und Gewalt. Die Quintessenz davon scheint in Lucia Pulidos pathetischem Gesang zu kulminieren, der bei ‚de zafra‘ inelektronisches Rauschen gehüllt ist, von dunklen Pianonoten umraunt.
‚De velorio‘ bettet fast wortlose Vokalisation, ein bloßes Lallen und Summen, auf bebende Gitarrenschwingungen, Wehmut und Tristesse Arm inArm. Dazu schnarrt und funkelt dann Elektronik, perkussiv getüpfelt. Große Gefühle haben bei diesem Label in Linz schon den Namen Metalycee,
Seite an Seite mit testosteronreichem Trance-, Doom- & Mathcore-Riffing
von Peach Pit, Reflector und Flu.ID oder gitarroholischer Impropsychedelik von Bulbultumido. Die alle machen einem halbstarke Gefühle, die mannoch mit ein Paar Bierchen auffrischen kann. Das, was Lucia Pulido und
Melita Jurisic einen fühlen lassen, ist von anderer Qualität und weder mit
Bier noch mit Absinth zu heilen.

Supernova 1 war 2001 noch eine 4-Tape (!)-Compilation, mit DIY-Artwork
und unbekannten Namen. Auf SUPERNOVA 2 (INT008, 2 x 10“) improvisieren B u l b u l (w/ Heimo Wallner), als ob das für Noiserocker das Selbstverständlichste der Welt wäre. ‚Grand Kratzscha‘ findet erst auf den letzten 3 seiner 13 Min. zu zarter Gitarrenpoesie, mit Schepperbeat. Davor
ließen sich Manfred ‚Fredl‘ Engelmayr, Der Hunt & Dieter ‚DD‘ Kern Zeit für
das längste Intro ever. Dem folgt nun M e r z b o w mit ‚1339‘, einem ebenfalls 13-min. Uptempo-Pulsar und Noisesandstrahl. Das kroatische Trio
Peach Pit, samtig wie Pfirsichflaum, bissig wie ein Pitbull, spielt drei
herzhaft raue Instrumentals, die aber keinen Zweifel daran lassen, dassdie Zeiten definitv vorbei sind, als für jungwilde Rocker Bruchrechnenüberflüssig war und ‚Mehr Bier‘ schon als Höhere Mathematik ausreichte.
Das Überraschungsei legt dann Wolfgang Fuchs, nein, nicht der KingÜbü Örchestrü-Tröter, sondern ein Wiener DJ. Der entschlackt alles bisher Gehörte zu bloßem Vinylknistern, zuerst eine Symphonie wie aus platzenden Schaumbläschen, dann als brummender Dynamo, knacksig umloopt, bis die Nadel zischend in der Auslaufrille hängt. Das klingt dann wie
pulsierender Starkregen.
Zeichnung: Hanna Schimek
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Last Visible Dog Records (Valley Village, CA)
LVD hat eine neue Adresse in Californien, die Vorlieben blieben aber dieselben,
allem voran das NZ-Faible. ARMPIT ist nur eine der Masken des neuseeländischen Lo-Fi-Gitarren-Noisers Clayton Noone (aka CJA), der in Dunedin auch mit
The Futurians und Wolfskull knietief in Feedback watet. Tron (LVD 119) enthält
den ‚Tron‘-Stoff von 1999, den CJA im Verbund mit Sugar Jon, bei zwei Liveauftritten noch mit Verstärkung, schrammelte und rumpelte. Mit allen Warzen und
Kratern am Arsch des ‚Rock‘-Mondes. ‚Rock‘ ist hier eigentlich ein Unwort, es
sei denn, man räuspert es aus verrosteten Bronchien und rotzt es hin als gelbgrünen Schleimbatzen. Noch noisiger sind die 8 Fragmente der angehängten‚Anaru EP‘, Homerecordings von 1996-2001. Geschrappel, Gedröhn und Geschepper, teils sogar auch ‚Gesang‘, aber zermulmt wie eine total abgenudelte
No-Fi-Kassette. Klänge wie von der Unterseite eines ewig nicht mehr umgedrehten oder gar gerollten Steins.
Die LVD-Wiederveröffentlichung von Little Things (LVD 123), dem dritten Albumvon THE TERMINALS, 1995 bei Raffmond in Landsberg erschienen (ebenso
wie das bereits neu aufgelegte Touch von 1992), ruft die Flying Nun-Rezeption
durch die ‚Hausmusik‘-Szene in Erinnerung und was speziell Notwist an Cakekitchen oder The Terminals faszinerte - Pathos und Power sublimiert in Poesie undSophistication, die nicht nach Poesiealbum roch oder als halbstarker Krampf
daher kam. The Terminals hatten sich 1995 neu aufgestellt mit nun Brian Crookan der Gitarre und John Chrisstoffels am Bass, neben dem Drummer Peter
Stapleton, Mick Elborado - Neuseelands Antwort auf Allen Ravenstine - an derOrgel und natürlich Stephen Cogle an Guitar & Vocals. Insbesondere dessen
leichtes Brian Ferry-Vibrato ist das gewisse Etwas, das die Band vom Vielerlei
ab- und in eine idiosynkratische Sonderklasse hebt ähnlich meinetwegen wie
Pete Ubu oder The Smith. Die Roxy Music-Connection bestätigen sie mit deren‚Both Ends Burning‘, in einer Liveversion ebenso ein Bonus wie ‚Do the Void‘von der Xpressway-7“ von 1990. Letztlich geben ja immer kleine Dinge den Ausschlag, ein Timbre, das einem die Härchen aufstellt, etwas mehr Insistenz, oderdie Getragenheit mancher Songs, die etwas Existentielles an sich hat.
Gefilmt von der Cinema Variete-Group, mit der es gern zusammenarbeitet, zeigt
live at the LUCREZIA (LVD 126, DVD) das Trio UP-TIGHT in Aktion. Tomoyuki
Aoki an Vocals & Guitar, Takashi Ogata am Bass und Takashi Shirahata an den
Drums, drei Schwarzhemden aus Shizuoka, schöpfen seit 1992 aus Quellen wie
Velvet Underground, Spacemen 3 und den einheimischen Psych-Pionieren Les
Rallizes Denudes ihre eigene Version von Brainstorming. Shirahata schaufelt,
bassumpumpt, stoisch Kohlen und Aoki irrlichtert dazu mit verzerrter NipponPsych-Gitarre. 52 Min. füllen sie mit nur vier Stücken aus pulsierenden, schlierigen Dröhnrockwellen und totmüdem Pochen. Sonnenbrillencool und im Bassistenmundwinkel eine Zigarette wuchten sie einem die Black Sabbath-schweren
Riffs von ‚Day Dream Believer‘ vor die Füße. Aoki schreit lauthals japanische Lyrics, aber Up-Tight lässt alle Klischees von japanischem Ästhetizismus zerschellen. ‚Cool Eyes‘ rollt dann mit Mitsumm-Melos als bleischwerer Trauerklos
dahin. Ogata spielt mit übereinandergeschlagenen Beinen auf einem Barhocker. Cinema Variete arbeitet viel mit Überblendungen und einem rauchigen
Chiaroscuro. Im funzeligen Halbdunkel köchelt der schwarze Sud von ‚NeverCome Morning‘ auf kleiner Flamme, bis mit Fushitsusha-Furor das Urteil gesprochen wird. In fahlgrünem Licht folgt dann noch das monotone Tamtam von‚Sweet Sister‘, eine Anrufung der Gitarrengöttin. Voodoo, bei dem Aoki die Saiten mit Blut eines schwarzen Hahns tränkt. Wen davon Spritzer treffen, dem öffnen sich die Ohren für den Deathrow-Blues von LSD March, der besteigt das
Kristallschiff von Suishou No Fune und fragt nicht, wohin es die Segeln setzt.
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Mit Conference Of The Aquarians (LVD 127) erweisen der tüchtige Drummer ENZOFRANCHINI und der Altosaxophonist VALERIO COSI Dave Hollands Conference
Of The Birds (ECM, 1973) Referenz. 2006 schon mal als CD-R bei Palustre erschienen (einem verpackungsfetischistischen Liebhaberlabel), zeigt es Cosi noch am
Beginn seiner Umtriebe mit Amber Lions, Bastion oder Fabio Orsi, mit dem er Wildflowers Under The Sofa schon bei LVD unterbrachte. Er reichert sein Saxspiel an
mit Piano, Kontrabass, Sitar, Synthesizer, E-Gitarre und Electronics und verschiebt
damit den Akzent vom nur Jazzigen ins Ambiente und Weltmusikalische. Wenn das
Saxophon mit Hall in den Hintergrund gemischt ist, wirkt das zudem leicht schwiemelig. Cosi gibt sich angeregt durch „quiet drugs“ und „gentle and blossoming
minds“. Curryduft mischt sich mit süßem Rauch, das dritte Auge schlägt auf undsieht Mantras und swingende Vibrations in vielfarbigen Mustern, denn Cloud 9 hat
hier auch 9 Ecken, darunter eine wüst poltrige und eine countryeske mit elektronischen Staubwirbeln. ‚Part 7‘ schnurzelt immer wieder nur eine eine jazzige Phrase
zu Walking Bass, ‚Part 8‘ mischt einen Radiodialog mit verrauscht quellenden, wilden Saxverzerrungen. ‚Conclusion‘ sorgt dagegen für einen verträumten, wieder
leicht orientalischen Ausklang. Jeder Schritt kommt hier etwas anders als man
denkt, gesteuert von einer recht eigenwilligen poetischen Vorstellungskraft.
AAN MEETS EYES LIKE SAUCERS, die Begegnung von Jani Hrvn & Jari K. mit
dem Ex-Urdog-Orgler Jeff Knoch Ende Januar 2008 in Helsinki, zeitigte Kristallivirta(LVD 130). Die beiden Gastgeber mit E-Gitarre bzw. Keyboard & Percussion sowie
jeweils Effects & Stimme und ihr Besucher aus Providence, RI, an Harmonium, Oszillator, Bells & Effekten pilgern auf dem Siddhartha-Pfad gen Shambala. Monotone
Tablabeats, Drones, Gezwitscher, der Singsang des Harmoniums und mitgesummtes Ommm schaukeln dahin wie auf dem Rücken eines Yaks. Ohne Störungendurch durchgeknallte finnische Eingeborene, wie am Abend zuvor beim Konzert in
Tampere, bestimmen Intuition und Geschehenlassen den Klangverlauf - ‚Wu wei‘,
gefolgt vom Klingeling von ‚The Space Between‘. Hirvonen aka Uton und Koho sindDröhnköpfe, der eine mit Oral Phase, der andere mit Vapaa. Aber seelenverwandt
genug, um sich mit Knoch gemeinsam in Turtle Dreams zu versenken. Mit dem Harmonium als ‚Akkordeon‘ schlägt das Titelstück die Brücke zwischen orientalischemHypnotamtam und sanft beschwingter, dunkel angeblasener nordischer Folklore.
Sirrend, jaulend und heulend kommt ‚Therein the Margins‘ ziemlich weird daher,
bevor ‚The Revealing Science of the Amygdalae‘ dann die Mandelkerne im Gehirn
umloopt und das Harmonium zu Glöckchengeklingel und finnischem Zungenredeneine schöne Melodie pumpt. Da kann man nur große Augen machen.
!!!! THE RENDERERS führen mit Monsters and Miasmas (LVD 136) wieder in Flying Nun-Gefilde. Brian & Maryrose Crook sind ein Singer-Songwriterpaar, das mit
Gitarren, Keyboards, weird Noises und abwechselndem Gesang mit jedem ihrer
melancholischen Songs im Herzen letzte Härten bricht. Akustisch zarte Lieder
wechseln mit solchen, die massiv unter Strom stehen. Michael Daly trommelt, und
mit John Billows ist wieder der Bassist der frühen Jahre 1989-93 dabei. Balladen
ohne Happyend und Geschichten von Schurken wie ‚Fu Man Chu‘ sind in schwarzen Samt oder härene Gewänder gehüllt oderkommen als rauer Desertrock daher mit ‚Riders
on the Storm‘-Feeling wie bei ‚Sargasso Sea‘ oder
uptempo und in zartbitterer, gitarrenberauschter
Euphorie bei ‚Deep Deep Sea‘ und ‚Feels Like
Fun‘. ‚Harvesting the Sea‘ taucht einen in ein düsteres, gnadenlos schleppnetzbefischtes Häusermeer. Manchmal Dylanesk und oft wie seelenverwandt mit Glitterhouse-Bands wie 16 Horsepower,
Woven Hand, Howe Gelb, haben Renderers-Zeilenwie „perpetually angry, pertually lonely, bitter inthe evening... breeding in a vacuum“ (aus ‚Five
Good Hours‘) ihren ganz eigenen Schauer, vor allem wenn sie aus Maryroses Mund kommen, undbei ‚Supernova‘ fast schon mit Marianne FaithfulTristesse eine Lebenslüge implodieren lassen.
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MOONJUNE RECORDS (New York, NY)

Auf der Weltkarte progressiver Musik war bei Indonesien bisher nur Discus
verzeichnet. Aber auch SIMAKDIALOG spielen, bereits seit 1993, eine westöstliche Mischung aus Jazzrock und Gamelan, nur sind sie erst seit ihrer vierten CD, Patahan (2007), international wahrnehmbar. Dafür sorgte Leonardo
Pavkovic von Moonjune, wo nun auch Demi Masa (MJR024) erschien. Kopf derBand ist der Keyboarder Riza Arshad, der im Verbund mit dem Gitarristen
Tohpati, Adhithya Pratama am Bass sowie Endang Ramdan & Erlan Suwardana an sudanesischer Kendang-Percussion meist glasperlenspielerische undtransparent pulsierende Fusion im Fahrwasser von Chick Corea und Dergleichen anstimmt. Sein Fender Rhodes-Gefinger zu den an den hölzernen Fasstrommeln handgewebten Perkussionsteppichen suggeriert Lässigkeit undtagträumerische Trancestimmung. Dazwischen funkt allerdings die Gitarre
mit hochgepitchten Terje Rypdal-Läufen, während das Kendanggepatsche,
mit Handclapping und Rufen akzentuiert, ganz sundafolkloristisch klingt. Das
innere Gleichgewicht der Musik ist perfekt, die hypnotische Verlaufsform, die
ständig variiert, aber nichts dramatisiert, passt zu den hohen Temperaturen
vor Ort. Etwas prickelnder, weil teils pointierter, teils elektronisch verweht
und mit einer Frauenstimme versüßt, ist zwischendurch die kleine ‚Trah Lor‘Suite. Der allgemein aber entspannte Duktus, die Take-It-Easyness, der monoton tickelnde Beat, zuweilen auch Oberheim OBX-Synthiegespinste oder akustische Gitarre, allem voran aber Arshads perlendes Notengetüpfel, sind, wassie sind - leichthändig virtuoser Sommerswing in 70s- ECM-Güte.
Der Sänger BORIS SAVOLDELLI ist, dank Insanology (2008), kein unbeschriebenes Blatt. Protoplasmic (MJR025) bringt nun ein Wiederhören in einer
Session mit dem Datacide-Eierkopf und Ultra-Yahoo-Blueser ELLIOTTSHARP an Gitarren, beide griffen in dessen zOaR Studio zudem in die elektronische Trickkiste. Alle mit Stimmbändern, Gitarrenstrings und Electronics
erzeugten Klänge und Muster entstanden spontan. Die liveelektronischen Effekte, Delays und Loops, Kompressionen, Dehnungen und Schichtungen, dieeinem da jaulend und zwitschernd um die Ohren zwirbeln oder stotternd dahin kaskadieren, sind verblüffend. Savoldelli spuckt und scattet nur einzelne
Geräusch- oder Gesangsfetzen, Letzteres ausgeprägt bei ‚Prelude to Biocosmo Pt. One‘, wo er zu einer dreiköpfigen Sirene mutiert. Abseits von Phil Minton oder Mike Patton gurgelt, knört und trillert er eigene Töne, manchmalscheint der Geist von Demetrios Stratos in ihn zu fahren. Meist sind seine Laute durch den elektronischen Fleischwolf gejagt und klingen wie verzaubert animalisch, grotesk, theatralisch. Prototypisch dafür ist die vielzungige Klangorgie ‚Khaotic Life‘. Sharp wechselt zwischen akustisch zirpenden und funkelnden oder elektrifiziert fetzenden, splitternden und röhrenden Sounds, unverkennbar tupft er auch, oft rasend schnell, seine perkussiven Stakkatos. Fürdas wie turntablistisch gescratchte ‚Dig It‘ fiept und schrillt er mit einem Sopranosaxophon und Savoldelli flippert dazu als vervielfältigter Pierrot durcheine Echokammer. Ziemlich abgefahren, das Ganze.
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!!!! AVA GARDNER AT THE SWIMMING POOL
Kim Novak hat nie im See von Genezareth gebadet, Rita Hayworth hat uns verraten,
aber wenn einem NIOBE Ava Gardner vor das Sonnenauge bettet, dann vergisst
man sogar die Haie im Swimming Pool. Seit Radioersatz (Tomlab, 2001) und Tse Tse(Sonig, 2003) braucht Yvonne Cornelius nur den Mund aufzumachen und mit dem
Finger zu winken, um bei mir etwas auszulösen, das ich inzwischen gern GustavGefühle nenne. Blackbird‘s Echo (Tomlab, TOM125) ist nun der Sprung der Wahlkölnerin mit ihren avancierten Neigungen nach New York, ohne von alten Freundschaften zu lassen wie der zu Janeta Schude (lyrics) und Steffen Lindemer (music &guitar). Doch diesmal stand Tony Maimone (Book of Knots, Ex-Pere Ubu) an den
Reglern, Aki Ondo hat koproduziert und Shazad Ismaily & Ches Smith, auch schon
Frauenversteher mit Carla Bozulich, 2 Foot Yard bzw. Mary Halvorson, Clifton Hyde(Blue Man Group), Trevor Dunn (Mr. Bungle, Trio Convulsant) und Eyvind Kang steuern Klangfinessen per Gitarre, Moog, Percussion, Bass und Viola bei. ‚Time Is Kindling‘ entstand in Partnerschaft mit David Grubbs, mit dem zusammen sie von stürmischer, vor Ungeduld brennender Liebe singt. Den pulsierenden Soul-Dub mit Rapeinlage ‚Cadillac Night‘ schrieb und spielt sie zusammen mit DJ Olive. Dass die 12
Songs zusammenhängen, dafür sorgt allein der Niobe-Touch, eine rollenspielerische, nicht ganz leicht und schon gar nicht durch falsche Vergleiche zu fassende
Sophistication - Niobe ist keine Billie Holiday, keine Björk. Sie suggeriert dafür überzeugend das gewisse Etwas der modernistischen und offenen Perspektiven der
50er/60er-Jahre. Es gibt da einen spielerischen Zugriff auf die imaginativen Möglichkeiten von Musik - sie selbst ließ schon den Namen Mancini fallen - und vor allem das Vorbild selbstbewusster Sängerinnen - da bewundert sie die Chanteuse
Barbara, die Exotica-Prinzessin Yma Sumac, die Mezzosopranistin Janet Baker.
‚Silicon Soul‘ verpackt uralten Herzschmerz lounge-cool in Plastik, ‚You Have A Gift‘
schwärmt kinderliedsimpel von einem, der das Leben leicht zu nehmen versteht.
‚Blackbird‘s Echo‘ könnte ein Oldie sein, ist aber ein Simulakrum, das den rauchigen
Schmelz der assoziierbaren Originale sich aneignet. ‚Fever‘ ist statt des schwülen
Peggy Lee-Hits zartbitteres 50s-Dingdong, das auf Bass- und Moogwellen Lichtjahre
zwischen sich und die Erdenschwere bringt. Die Arrangements sind ein Cocktail,ein Patchwork aus Sophistication, Pop, Schwarzweiß-Nostalgie und meist ziemlichskurrilen Electronics, speziell bei ‚Lovely Day‘ mit seinem lässigen Pfeifen inmitten
von Vögeln und Fröschen, oder das Geschnatter und die explosiven Splashes bei‚Time Is Kindling‘. ‚A Shark‘ ist ein Gag, ein Comicstrip mit Bassklarinette von Doug
Wieselman und Bikini-Screams, wenn der Hai mit der Flosse winkt. ‚Gnomes & Pixies‘ dreht sich Carol-King-süß und märchenhaft um Alpträume und trügerischen
Schein. ‚My Conversation‘ umzüngelt perfekt imitierten 60s Soul mit gespaltenen
Trompetenklängen, Ava Gardner sonnt sich zu gemütlichem Tubaswing, Mandolinen- und Harfengeplinke. Und schließlich besingt ‚Blue Wolf‘ mit mystischer Vocoderzunge und Harfenzauber einen wilden Wolfsjungen im elektronischen Dschungel. Ich bleibe bei meiner Gustav-Assoziation, denn Niobe teilt mit Eva Jantschitsch- am Gegenpol der Einfalt - etwas Seltenes: Nonchalance und Humor.
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ReR MEGACORP(Thornton Heath, Surrey)

In Sift (blast02) verzahnen sich Kompositionen und Improvisationen von Dirk Bruinsma(baritone & soprano sax), Frank Crijns (el.
guitar), Paed Conca (el. bass, clarinet) &Fabrizio Spera (drums) wie ein Reißverschluss. Dazu braucht es eine Vertrautheit,
die Bruinsma & Conca in Otolithen, Crijns &Bruinsma in The Positive Nuns und alle zusammen seit 20 Jahren im BLAST 4tet
entwickelten. Speras ‚Pole‘ bekommt durchseinen Landsmann Elio Martusciello eine
zusätzlich elektronische Note, was dem
träumerisch geräuschhaften Duktus mit
Haltetönen, Gegonge und Cymbalgesirr entspricht, auch wenn heftig zuckende Soundclashes sich erst noch gegen diese Erschlaffung sträuben. Concas ‚Cklack‘ fällt
durch seine stakkatohafte Rahmung auf unddurch von Klarinette und Bass verdoppeltes
Sopranozickzack. Crijns liefert das muntere‚Fluke‘ mit einem schnell stoßenden Hin und
Her von Bariton und Gitarre bzw. Bass.
Bruinsmas ‚Swerves‘ ist noch schneller undheller mit ganz entschiedenen eckigen Sopranofiguren im Wechsel mit Passagen, die
auf der Stelle treten. Sein ‚Sift‘ wird bestimmt vom Kontrast hell spotzender und
rau gezogener Baritontöne, einer blubbernden Passage, und vollmundigem Swing, derum sich spritzt, mit einem Loop wieder auf
Kurs geht, sich vom Bass bekrabbeln lässt
und schließlich mit Stakkatos die letzte Holterdipolterrunde einläutet. Je mehr ich michin diese Musik vertiefe, desto komplexer,
aber auch dezidierter erscheint sie mir.

Dirk Bruinsma

Foto: Claudio Casanova

Chris Cutler: Ein Prosit auf Horst Gack!

Foto: spoot1

Die Glücklichen, die noch die kultigen
Soundtracks von Klassikern wie Tra La La,
The Poisoned Swan oder Bittern Storm
Over Ulm im Hinterkopf haben, werden wieder gut bedient mit VRILs Musik zu The Fatal Duckpond (VRIL2). Natürlich ist dieses
Remake des Hollywoodwesterns The Bloodsoaked Revenge Of Escobar Beppo (1956)
von Horst Gack und seiner Muse Primrose
Dent, 7-stündig, schwarzweiß und weitgehend stumm, Kunstkino, aber Kunstkino im
besten Sinn eines von Stroheim, Wood,Tarr, atemberaubend in seiner anti-tarrantinoesken Unbekümmertheit. Chris Cutler,
Bob Drake & Lukas Simonis haben einen
weiteren Gitarristen hinzugezogen, Pierre
Omer (Ex-The Dead Brothers, The Tango
Club), der sich durch seine Filmmusik fürCasual Day (Regie: Max Lemcke) empfahl.
VRIL fügen dem ‚Golden Age of Rock Instrumentals‘ weitere goldene Seiten an.
Gacks Stilmittel entsprechend, Dialoge nur
rudimentär einzusetzen, spielen sie ‚ohne
Worte‘. Umso eloquenter sind das federnde
Shuffling, die elastischen Basslinien, die
singenden, twangenden Koloraturen der
Gitarren. VRIL knüpft da nicht bloß an die
Ventures und The Shadows an, was reizvoll
genug wäre in seiner unprätentiösen Sophistication, seiner schlanken Modernität.
Szenen wie ‚Fateful speech impediment‘
mit seinem furiosen Accelerando zeigen,dass sie Teddy Adornos & Hanns Eislers
Komposition für den Film vollkommen verinnerlicht haben. Nur so erklärt sich ein
Humor, der die Sprache des Imaginären
nicht an die Schenkelklopfer verrät.
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Für Lindsay Cooper
The world we lost we found - spoiled
No sun No birds No stars No form
Evened we are fallen all before time
Lief lorn we unlearn all crime
Lives - levelled as lies
A star mourns souls ungraved - ignored
Slow wheels: Mira, Algol, Maia
Rose Dawn Daemon
Rise Up and seize the morning - your due
Love solves worlds - with words...
Als mich 1984 der Recommended-Virus packte, war HENRY COW längst Legende, beerbt von Skeleton Crew, News From Babel, Cassiber, The Work,
Lindsay Cooper‘s Music For Films. Jedes Projekt mit einem Seelenfunken der‚Mutter‘ - Fred Frith, Chris Cutler, Tim Hodgkinson, Lindsay Cooper (dem Bassisten John Greaves begegnete ich erst später im Trio mit Peter Blegvad &Cutler) - war ‚recommended‘. Die HC-Nachfolger fanden jetzt auch hierzulande statt, HC-Konzerte waren dagegen - trotz Dagmar Krause und der FaustConnection - an einer Hand abzuzählen gewesen. Eine der schönsten Erbschaften der ‚Mutter‘ bestand für mich in Desperate Straights (1975), der Zusammenarbeit mit Slapp Happy. Der Greaves-Blegvad-Song ‚Bad Alchemy‘wurde mein Taufpate. Im übrigen HC-Legat - Leg End (1973), Unrest (1974), In
Praise of Learning (1975), Concerts (1976) und dem Schwanengesang Western Culture (1979) - hallt, vielleicht gerade weil die Lebensspanne von HC,
1968-78, den Zeitgeist dieser Jahre auf der Höhe seiner Möglichkeiten einfing und reflektierte, bis heute exzeptionelle Inspiriertheit nach, als Hochzeit
von Intellekt und Begeisterung. In meinen pathetischen Vorstellungen hat das
sehr viel mit der Überzeugung zu tun, dass eine Gesellschaft nichts Dringlicheres auf ihre Fahnen schreiben kann, als Marxens Jeder nach seinen Fähigkeiten (Homo sapiens), jedem nach seinen Bedürfnissen (Homo ludens).
Besser als das ‚bürgerliche‘ ‚Art Rock‘ oder das illusionäre ‚Avant-Progressive Rock‘ trifft für mich immer noch ‚Rock in Opposition‘ HCs Impetus. Freilich
als ein Opponieren, das Hand in Hand ging und immer noch gehen sollte mit
dem, nur als Trial & Error machbaren, Vorgriff auf eine höhere Phase der Gesellschaft, nachdem die knechtende Unterordnung der Individuen unter die
Teilung der Arbeit, damit auch der Gegensatz geistiger und körperlicher Arbeit, verschwunden ist; ... nachdem mit der allseitigen Entwicklung der Individuen auch ihre Produktivkräfte gewachsen und alle Springquellen des genossenschaftlichen Reichtums voller fließen.
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At least 40% of any Henry Cow concert was improvised (CC). Eine Erfahrung, dienun endlich wieder vermittelt werden kann durch die 40th Anniversary Box The
Road: Volume 1-9 (ReR Megacorp, ReR HC 40, 9 x CD + DVD). Sie enthält Volume
1: Beginnings, Volume 2: 1974-5, Volume 3: Hamburg (26.3.1976), Volume 4-5:
Trondheim (26.5.1976), Volume 6: Stockholm & Göteborg (9.5.1977 & 28.5.1976),
Volume 7: Later and Post-Virgin (1976, 1977), Volume 8: Bremen (22.3.1978),
Volume 9: Late (1978), Volume 10: Vevey (25.8.1976 - DVD). Darauf erklingt
noch einmal ausgiebig das, was zwei Cambridge-Absolventen und ein autodidaktischer Wirbelwind am Schlagzeug - ab 1974 als Troika aufgemischt durcheine eigensinnige lesbische Fagottspielerin - auf einzigartige Weise aus Anregungen von Adorno & Brecht, von Soft Machine, Lifetime, Miles, Mingus, Sun Ra,
AMM, MEV, Syd Barretts Pink Floyd, Lol Coxhill, Faust, Velvet Underground, Bartok, Messiaen, Ives, Varese, Cage, Weill, Janacek etc. als modernistische Rockmusik entwickelten, bestimmt durch ein hohes Maß atonaler, polytonaler, polyrhythmischer, irregulär pulsierender, lärmiger, frei fließender Zutaten. Nick
Hobbs, HCs Wegbegleiter der letzten Jahre, erlebte diese Klangwelt als possessed by a collective genius that was more than the sum of its parts. Georgie Born
(ab 1976 Bass & Cello) sah HC als - nicht ohne Krampf - egalitäres Kollektiv vexieren zwischen humorlos linken und mythopoetischen, bedeutungsschwangeren und kryptischen Zügen (und zählt sich im Rückblick zur humorlos ideologischen Fraktion, hatte aber als Spätgekommene und Jüngste die gruppeninternen Autismen und Zwänge besonders gespürt). Das jazzige Element, das Geoff
Leigh (Saxophon, Flöte) 1972/73 ins Spiel gebracht hatte, wurde ab 1974 durch
die klassisch geschulte Lindsay Cooper (Fagott, Oboe) ein kammermusikalisches. Hodgkinsons Altospiel ist nur die Ausnahme neben der Orgel, ein Bläserduo wie ‚Chaumont 2‘, gar ein Trötquartett mit Leigh & Anne-Marie Roelofs im
Amsterdamer Melkweg (beide auf Vol. 7), sind Raritäten. Die Mischung aus Improvisationen (ganz abseits von Jazz-Schemata und mit wenig solistischer
Selbstdarstellerei), Theatermusik (für Die Bakchen und Der Sturm), wenigen
Fremdkompositionen (‚No More Songs‘ von Phil Ochs, ‚On Suicide‘ von Eisler),suitenähnlichen, kollektiv zubereiteten Brainiacs-at-Work-in-Progress-Kompositionen von Frith (‚With the Yellow half Moon and Blue Star‘, ‚Ruins‘) und Hodgkinson (‚Amygdala‘, ‚Halsteren‘) mit pierrot-lunairen Liederzyklen (Hodgkinsons‚Living in the Heart of the Beast‘ & ‚Erk Gah‘) und engagierten Songs (‚CitizenKing‘, ‚March‘, ‚Fair as the Moon‘, ‚Ottawa Song‘, ‚Joan‘), für die mit Dagmar
Krause und gelegentlich Robert Wyatt mehr als nur reizvolle Stimmen sich fanden, sucht Ihresgleichen. Dem merkurialen Charakter der Stücke entsprechend
wechseln sogar die Titel: ‚Bittern Storm over Ulm‘, ‚‘Heron Shower over
Hamburg‘, ‚Brain Storm over Barnsley‘, ‚Nirvana for Mice‘, ‚... for Rabbits‘, ‚... for
Moles‘.
Hodgkinsons ‚Viva Pa Ubu‘ und der Maulwurf (der auch schon bei Wyatt wühlte)
bei Frith und in Cutlers Lehrstück ‚Lovers of Gold‘ - give all you own to bats andspiders and to moles - schüren bei mir die an Gewissheit reichende Vermutung,dass die Lippenstiftspuren der Avantgarden nicht erst die Hemdkrägen der Sex
Pistols befleckten (wie Greil Marcus es zu sehr zuspitzte). Alfred Jarry (dessen
100. Geburtstag HC 1973 mitfeierte), Dada (eine Konzertreihe 1972 hieß Cabaret Voltaire), Surrealistik (Klee, Finnegan‘s Wake, Jodorowsky) und Situationismus (Hodgkinson las Vaneigem und Debord) waren als ‚mole in the ground‘
längst am Werk, als narratives of origins, evolution, history and ritual; narratives
not stated but held in mind, hörbar jedoch als sound, swirling around in thedarkness... Then a melody; a march. So beschreibt Cutler die ‚Trondheim‘-Phase,als Ritual, mehr AMM als Magma, aber doch ein Ritual, das ans Numinose rühren
wollte, multiinstrumental und mit Tonbandzuspielungen wie Fetzen aus dem Unterbewusstsein. Greaves hatte in Frühjahr 1976, direkt nach dem ‚Hamburg‘Konzert, kapituliert vor roten Fahnen und unguter Dogmatik. Die anderen verstärkten ihr Engagement für eine Music for Socialism und wurden immerhin in
Italien, Dank der - unter Berlinguer eurokommunistisch ausgerichteten - Partito
Comunista Italiano, willkommene Volksfestbeschaller - willkommen bei den Studenten, nicht beim ‚Volk‘ - und die einzigen, die vom Boykott zwischen den Led
Zeppelin- und Santana-Krawallen 1971 & ‘77 ausgenommen waren, während sie
als Propheten im eigenen Lande auf besonders taube Ohren stießen.
531977 entkamen HC dem Vertrag mit Virgin, der sie ignorant und kleinkariert gegängelt
hatte, ohne dem Leben von der Hand in den Mund aufzuhelfen (Cutler legt da ernüchternde Bilanzen offen). Aber was dem Schritt zu erneuter Eigenständigkeit folgte, war
gleichzeitig weiterhin großartig - wie exemplarisch der ‚RIO‘-Mitschnitt (auf Vol. 9) und‚Bremen‘ im Quintett mit Georgie Born zeigen - und chaotisch - in Spanien trat eine HCSchrumpftruppe mit Phil Minton als The Lions Of Desire auf, in Chalon-sur-Saone kamkein einziger Zuhörer. Spielräume wurden zunehmend fundamentalistisch blockiert. Die
inneren Spannungen überstanden die Zerreißproben nicht. Nach einer letzten Italientour
im Juli 1978 - wo nach Aldo Moros Tod sich Ungutes anbahnte - war das Ende der Fahnenstange erreicht. Für die ‚nicht HC-würdigen‘ Songs von Hopes and Fears, mit denen
Frith seinen neuen Neigungen zu Imaginärer Folklore und Punk folgte und sich wegorientierte von Hodgkinsons komplexen und Coopers geschliffenen Kompositionen, musste ersich mit Cutler & Krause als ART BEARS neu aufstellen. Mit den instrumentalen Suiten‚History and Prospects‘ (Hodgkinson) und ‚Day by Day‘ (Cooper), im August im Schweizer
Kirchberg eingespielt, wurde Western Culture als letztes Statement von HC bestückt(Hodgkinsons ‚Erk Gah‘ wurde wegen umstrittener Lyrics abgelehnt). HCs letztes Wort,‚1/2 the Sky‘, entstammt zwar einem Mao-Zitat, war aber zugleich auch jener feministische Akzent, jenes ‚sophisticated Ladytum‘, das - in Gestalt von Lindsay Cooper, Dagmar
Krause, Zeena Parkins, Patricia Dallio, Jo Thirion, Danielle Dax, Catherine Jauniaux ... den Rock = Cock-Reim brach und Avantness attraktiv machte.
Noch etwas Bleibendes war da jedoch auch schon in die Welt gesetzt: Am 12.3.1978 organisierte HC in London ein Rock In Opposition Festival, mit Univers Zero, Stormy Six,
Samla Mammas Manna & Etron Fou LeLoublan. Eine RIO-Unabhängigkeitserklärung
postulierte dazu eine europäische, sich von der herrschenden Kulturhegemonie in den
Köpfen und Medien absetzende Perspektive und die Kriterien: I. musical excellence, II.
outside the music business (im gleichen Jahr noch begann Cutler Recommended Records) & III. social commitment, denen sich dann die Art Bears, Art Zoyd & Aksak Maboul
anschlossen. 2007 auferstanden, zeigt RIO am 18.-20.9.2009 seine erfrischte Vitalität in
Le Garric (Carmaux) in Gestalt von Magma, UZ, Present, Koenji Hyakkei, Aranis, Yolk...
Zu HCs Hinterlassenschaft gehört aber nun auch ‚Vevey 1976‘, ihr einziges verfilmtes
Konzert, bei dem Dagmar Krause, Lindsay Cooper und Georgie Born tatsächlich der halbe Himmel gehört. Mir stehen schon nach ‚Beautiful as...‘ die Augen unter Wasser und bei‚No More Songs‘ fließen sie über. Dagmar in ihrer Mao-Jacke singt auch noch alle Strophen von ‚Living in the Heart of the Beast‘ & ‚Erk Gah‘, Hodgkinson funkelt durch seine
John Lennon-Brille, Frith wechselt zwischen Gitarre, Geige, Klavier und Xylophon undCutler windmühlt und traumtänzelt mich 25 Jahre zurück in die Zukunft. Ach...
...Rose Dawn Day Moon,
Take Care! Banners of Crimson are raisedTime solves words - by deeds
Arise work men and seize the future
Let Ends Begin(Beautiful as the Moon - Terrible as an Army with Banners, words: C. Cutler)

54

!!!! THE REMOTE VIEWERSDie Musik von David Petts katapultiert sich einfach selber outer limits. Überall sonstwürde sie anecken. ‚Time Flats‘ & ‚Mirror Meanings‘ lauten die Zwischenüberschriften für die 18 neuen Kaleidoskopsplitter von Sinister Heights (The Remote Viewers,
RV 6-7, 2 x CD), die da weitermachen, wo Control Room (2007) endete. Das Kernteam von Petts (ts, electronics), Adrian Northover (ss, as, electronics) und Susan
Lynch (ts, flute) führt dabei durch dynamisch-schnittige, poetische, oft etwas paradoxe Konstrukte für Saxophone, Beats und Sounds, ganz eigen und ganz eigenartig
wild. Von Track zu Track anders werden die Drei unterstützt von John Edwards, demtreuen Weggefährten aus B Shops For The Poor-Tagen, am Kontrabass, abwechselnd Steve Noble, Phil Marks, Dave Tucker bzw. dem Eardrum Percussion Ensemble
mit manuellen oder programmierten Beats, von einer Reihe weiterer Bläser und vonAdam Bohman bzw. Darren Tate mit Noises. Die Imagination wird dabei zu einigem
Zickzack genötigt: Von Bassgroove mit hell-dünnem Saxgefiepe (‚Souls and Cities‘)
und Gitarren-Funk mit Bläserfeuer (‚Sinister Heights‘) - als ob bei Geoff Serles Sonicphonics Schrauben angezogen und zusätzliche Düsen eingebaut wären - zu einem Zwitter aus Drumsolo und Saxtrio (‚Fire Rhythm‘), von kristallinem Piano- und
Xylophon-Gamelan (‚Villages Drowned By the Sea‘) oder einsilbig bassbeplonkten
Fluchtgedanken eines Sopranosaxophons (‚An Absence of Windows‘) zu drei-, einmal sogar fünfspuriger Saxophonstrenge, mit furiosen Ausbrüchen zu Afrotamtam(‚Terminal City‘) oder ganz stoisch, obwohl kontrapunktisch bzw. freistil umtrommelt(‚Joe Narcissus and The Girl‘, ‚Vixenville‘) oder von einem garstigen Störenfried unermüdlich durchkratzt (‚Black Thoughts in a Black Mood‘). Im Spiegelkabinett wird
man danach nicht weniger hin und her geworfen. Edwards markante Basstöne umspringen konstruktivistische Haltetöne von Flöte und Saxophonen (‚Spring Flood‘),
elektronische Dunkelwolken mit Stringgeistern werden bruitistisch bezirpt und beharkt und mit feinem Dingdong betüpfelt (‚Personal Hour‘). Wenn die drei Bläser
ganz unter sich bleiben, ist eben das das Besondere (‚No More Adventures, No More
Perfect Movements‘). Edwards fechtet mit dem Bogen gegen Saxophonstakkatos(‚The Crowd Accuses‘), dann vervierfacht er sich zu einem Bassquartett, knurrig
brummend und an Kanten sägend (‚Headstone in Love‘). Sopranogeschrille durchbohrt, Perkussion umlärmt vervielfachtes Mbiraplinkplonk in Northovers ‚The Land
Of The Blind‘, ominöses Hintergrundgegrummel trübt die Reinheit einer Saxophonserenade (‚And Then The Moors Came‘). Für ‚The Faint Green of Ice‘ umschlingensich 6 Sopranosaxophone zu einem dröhnenden Wellenbündel, aus dem eines davon heraus singt. Schöner noch geschieht das abschließend bei ‚Between Certainties‘ im Wechselspiel von Bläserchor und Einzelstimme, das in mehrfarbiger Konsonanz endet. Derart bewusst konstruierte, gleichzeitig kontrastreiche, fast disparate,
ganz idiosynkratische Musik, die heißkalte Gefühlsturbulenzen etwas abgeklärter inForm bringt als der Dammbruch von Control Room, ist mit Adjektiven wie ‚uneasy‘und ‚unfathomable‘ (The Wire, 2008) nicht zu schmähen oder zu schmälern. Würdesie sich sonst als ‚Aural claustrophobia for serious late night listening‘ empfehlen?
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!!!! GHÉDALIA TAZARTÈS
Schwarzes Digibag, keine Informationen, pure Kryptik, Tazartès versteht es, seine
Rätselhaftigkeit zu bewahren und sich am Markt vorbei zu schleichen. Was er dem
Tanzproceszmacher Jo Tanz für Repas Froid (Tanzprocesz [tzpTAZ]) zum Veröffentlichen gab, sind Schnippsel aus den 70er/80er Jahren, essentieller Stoff, collagiert zu
einem ‚Best of‘ der Tazartès‘schen Besonderheiten. Kompakter und intensiver kannman als Novize gar nicht in den Tazartès-Kosmos eingeführt werden, schöner nicht
als alter Verehrer mit Déjà-vus von Diasporas- & Une Éclipse Totale Du Soleil beschallt werden. 17 kurze Fragmente, 2 mittellange Passagen und ein 9-Minüter verwirbeln orchestrale und Akkordeon-Loops, Drummachinegetacker, zirkulierenden
Krach, theatralische Wortwechsel, russische Lyrikdeklamation, Grußbotschaften und
Stegreifsingsang eines mecken französischen Bübchens auf dem Anrufbeantworter,
Vogelpfeifen und vor allem natürlich Tazartès‘ eigenes Croonen zu einem Ausbund
an Weirdness. Der Pariser, teils arabischer Sufi, teils meckernder Ziegenhirtentenor,
teils gutturaler jiddischer Blueser und Kantor, ruft sich damit nachdrücklich als wahrer Vater der Weirdness in Erinnerung. Er macht Art Brut mit der Originalität, wie
man sie sonst nur von Außenseiter-Künstlern kennt, doch zugleich mit einem Gestaltungswillen, der mit allen Avantwassern gewaschen ist. Musique concrète, Surrealismus, Fake Ethno, No-Theater, Tazartès eignet sich an, was ihm für sein Brainstorming taugt. Höhepunkt ist ein 9-min. Ritual von Schamanen oder Feueranbetern, tonbandzerschnipselt mit Gewitter, verschiedenen Blasinstrumenten von Kamm bis
Knochentrompete, knurschigem und explosivem Industrielärm, durchgeknalltem Gesang, der sich zu Geheul steigert - Beñat Achiary kommt einem da in den Sinn. Danach spielt ein einsamer Melancholiker Zweifingerklavier, bis ein BLiTzZz!!! einschlägt und Donner hinterher grollt. Dann singt Tazartès wieder wie man nur in den
Bergen singt, mitten im Gewitter und seltsam umzirpt von Elektronik. Jetzt noch ein
maultrommelähnlich twangender Beat, weiterhin das sirrende Zirpen und mysteriöses Raunen und Knurren, bis einen eine verzerrte Melodie verwirrt und doch auchselig grinsend zurücklässt. Ich kann nur nochmal unterstreichen, was ich 2007 (BA54) anlässlich von Jeanne (Vand‘Ouvre) schon stammelte: e-i-n-z-i-g-a-r-t-i-g!
Die Diskografie des 62-jährigen ist seitdem gewachsen um 5 Rimbaud 1 Verlaine(mCD, 2006) und Hystérie Off Music (2007, beide auf Jardin Au Fou); dazu enthält Les
Danseurs De La Pluie (mCD, Alga Marghen, 2006) neben zwei 1977er Versionen von‚Assasins‘ zwei weitere von 2005. Und YouTube zeigt den Hutträger bei zwei Performances 2008 als Bruitisten, der lärmunerschrocken mit Concertina, Whirly und Luftballon den Geist von D-ubu-ffet beschwört.
Foto: Jaume Santaeularia/Disco-Babel
56

TZADIK (New York)

Der Saxophonist und Klarinettist GREG WALL führt einen auch mit seinen L A TER PROPHETS, einem Quartett mit Shai Bachar am Piano, Dave Richards am
Bass und Aaron Alexander an den Drums, in die kabbalogischen und psycho-semitischen Gefilde, in die er schon mit Hasadic New Wave die spirituellen Restfunken von Jews und Gojim zum Tanzen einlud. Die besondere Note, ja, auch Würze,denn ungewürzte Gedanken sind schale Gedanken, bringt bei Ha‘Orot (TZA-8137)
Rabbi Itzchak Marmorstein ins Spiel, indem er Texte von Abraham Isaak Kook
(1865-1935) spricht. Rav Kook, Gelehrter, Zionist und erster offizieller aschkenasischer Großrabbiner Palästinas, war bekannt als jemand, der Brücken schlug
selbst zu anti-religiösen Juden (immerhin). Die Prophets und Marmorstein aktualisieren seine mystische, menschenfreundliche Poesie für eine lässige Jazz & Poetry-Predigt, die kalten Fischen und federlosen Vögeln von Milch und Honig der
frommen Denkungsart kündet. Die Ultraorthodoxen, denen schon Rav Kook selbst
nicht koscher und gottesfürchtig genug war, hören eh nicht zu. Das Piano und die
Rhythmsection perlen, summen und klacken einen Flow von Jarrett-HadenMotion‘scher Geschmeidigkeit und übersprenkeln die hebräischen, teils auch ins
Englische übersetzten Worte mit zarten Lyrismen. Wall nimmt sich ganz zurück,um dann Marmorsteins Vortrag noch einmal zu verstärken und auf hymnische
Spitzen zu treiben.
Tsuker-zis (TZA-8141) ist nach Nigunim (1998, w/ Uri Caine) und The Zmiros Projekt (2002, w/ Rob Schwimmer) das Schlussglied einer Trilogie, mit der FRANKLONDON & LORIN SKLAMBERG den Lebensgeist der Jewish Culture feiern.
Der eine mit Trompete & Keyboards, der andere mit Gesang & Akkordeon, beide
in The Klezmatics, sind Hauptvertreter des erneuerten jüdischen Selbstverständnisses. Nach den gesummten Nigunim-Melodien und den Shabbes-Tisch-Liedernvon Zmiros erklingen hier Lieder zum Laubhüttenfest (Sukkot), zu Chanukka, Purim und Pessach, allesamt von Sklamberg auf Jiddisch gesungen, so dass einemöfters die deutschen Ohren klingeln. Das Ganze mit einem Timbre, das einem
durch und durch geht, und so animierend, dass man Hummeln im Arsch bekommt.
Ob ein chassidisches Akrostikon oder mit ‚Shikt der har‘ das bekannte ‚Der Herr,der schickt den Jockel aus‘, der Zungenschlag ist launig und mitreißend, ohne
dass die leiseren und besinnlichen Töne zu kurz kommen. Sie bilden mit dem Kinderlied ‚A suke a kleyne‘, mit - wenn es nicht obszön wäre, würde ich sagen: dem‚Marien‘-Lied - ‚Ovinu malkeynu‘, und dem abschließenden Niggun ‚Eyns, tsvey,
dray‘ sogar den feierlichen Rahmen, in dem sich die Hoffnung einen Vorschuss
auf Utopie nimmt. Angetrieben von Balkan- oder New Orleans-Trompete, der Percussion von Deep Singh, Ara Dinkjian (von Night Ark) an der Oud und, wenn‘srichtig heißt werden soll, von der Gitarre von Knox Chandler, schießt immer wieder Lebensfreude über. Die Musiker tragen Bärte, die Musik nicht. Die ist seltsam
zeit- und grenzenlos, bei allem jüdischen Beisichsein gleichzeitig universale‚Volksmusik‘, unterwegs auf orientalischen Routen von Nordafrika bis nach Indien
als Urform von Jazz. Und mehr als einmal sticht sie auf ganz unheimliche Weiseins, von Heinrich Heine in Zucker eingelegte, deutsche Gemüt.
57* 2008 häuften sich bei JOHN ZORN die Anfragen nach Filmmusiken. Filmworks XXI (TZ
7370) vereint die Musik zweier Filme. Die 7 Tracks von Belle de Nature ließ Zorn vonMarc Ribot (guitar), Carol Emanuel (harp) und Shanir Ezra Blumenkranz (bass) einspielen. Wie die Bilder des Faltblattes lässt auch die Musik eher sanfte Erotik (schöne bloße
Frauenkörper in urwüchsiger Waldlandschaft) als SM (Fesseln, Blutspuren) vermuten.
Ribot spielt im Zwiegespräch mit Emanuel wunderschöne, sanfte, entspannte Melodien,
die teilweise an mittelalterliche Liedformen erinnern, manchmal auch an Westernmusik.
Der Bass stellt das rhythmische Grundgerüst. Ein Kulminationspunkt ist das krächzende
Solo Ribots bei ‚Orties Cuisantes’. Ob das tzadiksche Eigenlob „being one of Zorn’s greatest scores to date“ zutrifft, ist bei der Verschiedenheit seines Outputs gar nicht abwägbar. Aber schön und wohltuend ist die Musik in jedem Fall. Der zweite Teil (10 Titel)
entstammt einem Dokumentarfilm über die Renovierung des New Rijksmuseum. Zum
ersten mal ist Uri Caine (harpsichord, piano) bei Filmworks involviert. Mit ihm agieren
Kenny Wollesen (vibraphone, chimes, percussion), Cyro Baptista (percussion) und bei 3
Stücken Zorn selbst (harpsichord, glass percussion). Mit dem Film sollen sowohl die Einzigartigkeit der Meisterwerke Rembrandts und Vermeers als auch die moderne Architektur eingefangen werden. Der erste Titel ist ein bizarres polyrhythmisches Gebilde.
‚Conservation’ beginnt klassisch, verflüchtigt sich dann in Folklore. Eine eigenartige
Stimmung vermittelt ‚Rendering’, bei dem das Cembalo in Endlosschleifen und galoppierende Percussion den rockigen Background liefern für Wollesens improvisatorischeVibraphon-Vibes. ‚Meeting’ ist ein minimalistisch barockes Caine-Solo. ‚Construction‘ erklingt als moderne Variante barocker Musik. Während das Harpsichord fasst das gesamte Set prägt, setzt sich Caine zum Abspann (‚Completion’) ans Piano und swingt solo wasdas Zeug hält (was mich phasenweise an Jarrett in seiner Hoch-Zeit erinnert).
* Filmworks XXII – The Last Supper (TZ 7371) komponierte JOHN ZORN zu einem Sciencefiction-Kunstfilm von Arno Buchard, der so beschrieben wird: „The film combines primal
ritual with futuristic fantasy images reminiscent of David Lynch or Alejandro Jodorowsky
at their most bizarre“. Dank des Booklets bekommt man eine ungefähre Vorstellung: In
einem verfallenden Gebäude liegen, sitzen, tanzen (fast) nackte Frauen. Dazu maskierte
Männer. Kerzen brennen, es fließt Blut. Die wegretuschierten Brustwarzen unterstreichen den fiktionalen Aspekt. Titel lauten: ‚Somnambulisme‘, ‚Virgins Sacrifice‘, ‚The Colours Of Blood‘, ‚Le Diable‘, ‚Blood Ritual‘, ‚Time Travel‘. Das zuerst vorgesehene Streichquartett wurde verworfen, ebenso eine Industrial/Noise-Version, da Zorn eine ritualistische Ruhe zu den cineastischen Bildern angebrachter erschien. So bediente er neben
Cyro Baptista selbst die Percussions. Obwohl Zorn sich nicht als Minimalist bezeichnen
würde, aber doch von Riley, Glass, Young und Reich beeinflusst, komponierte er unter
Einsparung weiterer Instrumente nur für fünf bewährte Stimmen (Martha Cluver, Lisa
Bielawa, Abby Fischer, Kirsten Sollek und Chaleb Burhans). Sie schaffen lautmalendsakrale, madrigale, feierliche, manchmal fast choralartige, mehrstimmige außergewöhnliche Vokalskulpturen, teilweise a capella, dann wieder getrieben von der perkussiven Begleitung. Faszinierend, wie Zorn alljährlich mit seinen Kompositionen den Musikmarkt überschwemmt und wie er mit unterschiedlichsten hochkarätigen Besetzungen in allen Genres immer wieder Neues und Überraschendes schafft.
* Wem Zorn allerdings im Vergleich zu seinen frühen Jahren inzwischen zu soft geworden ist, der findet bei Tzadik auch härteren Stoff, wie Black Shabbis (TZ 8133) von J A MIE SAFT. Während ‚Black Shabbis – The Trail Of Libels’ zuerst eher wie ein Cowboysong klingt, scheint mit ‚Blood’ der Gehörnte selbst - auf dem Cover abgebildet mit Ziegenkopf und glühenden Augen - die Regie zu übernehmen bei dieser jüdischen Heavy
Metal-Orgie, an der neben dem wie Rasputin erscheinenden Saft (guitar, bass, vocals,organs, mellotron, optigan, synthesizer) Trevor Dunn (bass), Mike Pride, Dimitri Shnaydman und Bobby Previte (alle Schlagzeug) sich austoben dürfen. Düster klagt die Musik
antisemitische Schmähschriften und Märchen an: Angebliche rituelle Knabenopfer,
Evas sexuelle Vereinigung mit Satan, Judensteinopfer. Sie erinnert an Kindersoldaten in
Israel, an die Ermordung von Holocaustüberlebenden in Kielce, an antisemitische Parolen und Übergriffe in der Nachbarschaft oder den Lynchmord an Leo Frank. Mit kraftvollem und treibendem Darkcore - die geröchelten Textfetzen versteht man nicht - spielt
Saft an gegen das Vergessen: Don’t be fooled. Don’t be lulled into thinking that’s over‘cause it’s not over. Don’t be fooled. Don’t slip into complacency cause the spray painton the door down the street tells you it’s not over… The Rabbi wrings his hands andtwists his face because he has no answers… except to ‘Remember’.
MBeck
58

!!!
The Shy Volcanic Society At The Bear And Bird Parade (Beta-lactam Ring
Records, mt222) ist ein Gipfeltreffen der Seltsamkeit, wenn auch nur im
Neben-, nicht im Miteinander. Auf fünf Merkwürdigkeiten des Bären, in dessen Fell Clarence Manuelo, Aaron Moore, Nick Mott & Daniel Padden stecken, folgen vier Songs der Schüchternen (JimB, Patrice Babin, Benoit Delaune, Christophe Gautheur, Pascal Godjikian). Knarzende Weirdness am
Rande zur Art Brut, zuerst noch durch einen Kontrabass halbwegs in der
Spur gehalten, lustwandelt dann ins Gestrüpp einer ‚Folklore Imaginaire‘,
mit wortlos gerauntem, jämmerlichem Schamanengesang, Klangskulpturenperkussion, Ethnogeflöte und -getrommel, elektronischem Geflacker
oder Mulm, verstopftem Gebläse, diskanten Bogenstrichen, verstimmtem
Geklampfe. Erst ‚The First Circle Is The Eye‘ sammelt sich wieder mit Bumbumbumgroove, Sitar- und Maultrommeltwang und Trompete zu einem mittelalterlichen Kiffertrip auf Kamelflügeln. Mit dem furiosen Lautgedicht‚Guayaki‘ steigert La Société des Timides à la Parade des Oiseaux den
Groove direkt danach zum Dada-Rock, bevor sie einem mit ‚Les Oreilles Internationales‘ die Ohren scheibchenweise abschlitzen. Godjikian gurgelt,
lallt und stammelt wie ein zweiter Caliban, er zerkaut die Silben, ach was,die Sprache selbst mit pantagruelischem Appetit. Im Englisch von ‚Invalid Island‘ schwimmen Babelfische, ‚Colonies‘ ist wieder eine Ursonate, rau gekeucht, im Countertenor geflötet, im Hardcoreschreigesang. Das Arrangement dazu ist eines der treibendsten von La Stpo überhaupt. Aber alle vierSongs sind absurde, bizarre, nashornig ubueske Miniopern, die einen in ihrer abenteuerlustigen Musikalität mit Tupfern von Bala- & Xylophon, knurrigen Bassfiguren, mit Schwebklängen von Geige, Cello, Singender Säge,
Synthiesounds und immer wieder JimBs Gitarrengefetze das Staunen lehren. Keine kleine Leistung in diesen von Spektakeln abgedroschenen undsinnbetäubten Zeiten.
59

OVER AND OVER UNDER AND UNDER OUTER AND OUTER:ACID MOTHERS TEMPLE AND THE MELTING
PARAISO U.F.O. Lord Of The Underground:
Vishnu And The Magic Elixir (Alien8 Recordings,ALÌEN84): Drei neue studiogenerierte Acid-Trips
von Tsuyama Atsushi (monster bass, voice,acoustic guitar, flutes), Higashi Hiroshi (synthesizer), Shimura Koji (drums) & Kawabata Makoto (electric guitar, bouzouki, saz, sitar, organ,
percussion). Dancin King, Cosmic Joker, Latino
Cool & Speed Guru wirbeln zuerst als Spiraltwister durch den Kosmos, mit einem einzigen kreiselnden Kawabata-Riff, der immer schneller das
kosmische Orgon zum Tanzen bringt. ‚Sorcerer‘s
Stone of the Magi‘ bildet dann als vogelbezwitscherter Akustik-Freakfolk die Brücke zum
Vishnuesken Titelstück. Dieser 25-Minüter beginnt mit elektronischen Piepsern und Jaulern,transparent und vorderorientalisch, mit stimmlichen Mätzchen und knarrendem, gurgelndem,
durch den Kamm geblasenem Singsang. Der dattelmürbe Kamelswing kommt nach 8 Minuten allmählich auf Trab als freakisches Gedaddel, immer noch überirdisch betrillert. Nach 12 Min. haben die vier Acidmütter ihre gewohnte Betriebstemperatur erreicht, der Kosmos beginnt sichauf den Kopf zu stellen und die Himmelfahrt fällt
jetzt so leicht, als ginge es nur noch bergab. Der
Monsterbass pumpt, die Gitarre zerwarpt Lichtjahre, das Getriebe frisst dunkle Materie. Wervergessen haben sollte, warum man in diesem
Tempel opfert, der sinkt jetzt wieder auf die Knieund küsst den kosmischen Staub. Längst klingeln
einem die Ohren von den allerunglaublichsten
Verzwirbelungen, die der Speed King an den Saiten vornimmt, denen er, längst über den Anschlag hinaus, mit außerirdischer Fingerfertigkeit, immer mehr und immer schnellere Splitterklänge entreißt. Oh Lord - Oooh Loooord!
BELLINI The Precious Prize of Gravity (Temporary Residence ltf., TRR155): Mit Tigermilch
gesäugter Indierock des sizilianischen Ehepaares Giovanna Cacciola und Agostino Tilotta,
im Verbund mit Matthew Taylor am Bass und Alexis Fleisig, der auch bei Girls Against Boys trommelt. Cacciolas mit PJ Harveyeskem Timbre gesungene Lyrics werden von Tilottas sperrigem
Gitarrenriffing wie mit Dornenhecken gesäumt.
Bass und Drums rumpeln über Stock und Stein.
Steve Albini hat, wie auch schon den Ätna-Rockvon Uzeda - dem rein italienischen Touch and
Go -Quartett von Cacciola & Tilotta - furztrocken
abgemischt. Ohne das Wort ‚Cowpunk‘ zu bemühen, steigt einem entlang der Trails dieser Asphaltcowboys von Catania über New York bis
New Mexico, auch wenn die Rösser längst von
Trucks und Greyhounds abgelöst sind, ein würziger Duft in die Nase, der im Dickicht der Städte
verloren ging. Und Herzblut ist hier auch im Spiel.
60

COPERNICUS
Disappearance(Nevermore,Inc.,
NCD2091):
Copernicus? Genau, Nothing Exists(1984) und Victim Of The Sky(1986), die ersten Tiraden von Joseph Smalkowski, sind Fossilien
aus den frühen Jahren von BA. Der
New Yorker Poet zwischen Nothingness und Eternity hat nicht
nachgelassen, sein großes Themazu beackern, die Evolution From
Bacteria (1986) & Null (1990) zu La
Eternidad Immediata (2001) & Die
Sofortige Ewigkeit II (2005), überalle Grenzen (No Borderline, 1993)
und Sprachbarrieren hinweg. Disappearance, 2008 eingespielt mit
einer mit Gitarren, Bläsern, Drummern bestückten Crew unter Leitung des Keyboarders Pierce Turner, dem langjährigen musikalischen Direktor von Copernicus, isteine pathetische Predigt, die dem
Menschenwurm, ‚The Blind Zombies‘ & ‚Poor Homo Sapiens‘, dasFactum brutum zuraunt, zuruft,
dass wir alle nur aus Quarks, Neutrinos, Elektronen, Myonen, Tauonen, Eichbosonen und Higgs-Teilchen bestehen. Wir sind Kinder
des Quark Gluon Plasmas, blind für
96% des Universums. Das Selbst ist
nur eine Illusion, unterwegs vom
Nichts ins Nichts. There's only art
and lies. (J. Winterson) Nur Quarks
sind real, alles andere ein ignoranter Wahn. Dagegen lehrt Copernicus die Revolution der Nichtexistenz. Beugt euch vor den Elementarteilchen! Never impose existence upon anything. It‘s a lie. It‘s
all a matter of mud made mind.
Copernicus ist als Zwitter aus
weißhaarig abgeklärtem Edgar
Broughton und Erweckungsprediger mit seinem ‚progressive rant‘(PerfectSoundForever) gleichzeitig Anwärter auf den Song of YAward (für Z ist die Musik mit ihrem
immer wieder großartigen Brimborium einfach zu gut), auf eine Narrenkappe und auf einen Fuhrpark
von Guru-Limousinen. Den heiligen
Un-Ernst dabei macht spätestens
die Musik deutlich. Wenn Raimundo Penaforte und Rob Thomas (ja,der vom Mahavishnu Project) à la
Mozart zum Zombietanz fiedeln.
Quark, aber herrlicher Quark.

CULTURAL
AMNESIA Enormous Savages Enlarged (Klanggalerie, gg124): Eine Zeitreise ingute Rip It Up And Start AgainTage. Bald werden es 30 Jahre,
seit Gerard Greenway (voice,keys, pipes), Ben Norland (keys,
voice, guitar) & John Peacock(guitar, keys, voice) in einem
Kaff 40 km westlich von London,
andere sagen in Oxford, ihren
Beitrag zu dem leisteten, wasman heute Postpunk nennt. Die
billigen Rhythmen aus der Box,
die Sounds von Korg MS10, Casio CT und einer Bontempi-Orgelsind zeittypische Indizien, Tausende von Cassetten wurden damit bespielt. CA bespielten 198083 ihre drei und lieferten 12 weitere Songs für diverse Compilationen. Mit Geff Rushton, später
bekanntalsJohn
Balance(Psychic TV, Coil), als ihrem Spiritus Rector, der auch mehrere
der Songtexte lieferte, fielen
dem Trio trockene, sarkastische,überdurchschnittlich
wortgewandte Kommentare ein zum
Stand der Dinge als Vorortbürschchen - Balance war gerade 18, Greenway erst 15 - im vonden Konservativen unter Maggies Führung bekriegten Britannien. Wie der ‚Materialistic man‘so lebt in ‚The wildlife of thetranquil vale‘ - sacrebleu, Lord
help me, Life falls through mytrouser legs. Balance lenkt dazu
noch finstere Blicke auf befleckte Nächte und befleckte Körper.
Dieser gute Stoff, dem ein eigener Dreh aus Anstößen etwa vonCabaret Voltaire und Portion
Control gelang, gleichzeitig angekickt von Industrial und DiscoChic und mit einem Ohr für ambitionierte
Progrock(!)-Lyrics,
wurde 2006 schon als LP auf
Anna Logue Records wiederaufgelegt, hier ist er noch erweitert
mit 5 neueren Tracks der Jahre
2004-06. John Balance ist 2004
‚gegangen‘, aber CA lebt und
das nicht nur von vergossener
Milch. Greenway etwa arbeitet
für
einen
Fachbuchverlag,
schreibt aber auch noch minimalistisch-philosophische
Gedichte. We are that we we are,that we happen.

FANG DEN BERG Fang Den Berg (Zach Records,
ZACH 008): Die Wahrheit ist ein Trümmerwesen deutschrapt Stephan Roiss, um im nächsten Satz umzuschalten zum hitzig intensiv geschrienen Wir tanzen
auf Eis, auf schmalen Grat, auf nichts als einer Melodie,
auf einem Vulkan. Mit zur Seilschaft des Beatpoeten
und Kulturjournalisten in Linz über eisige Abgründe auf
Gipfel 6000 Fuß jenseits des Letzten Menschen und derbleiernen Zeit gehören Manuel Mitterhuber an der Gitarre und die Stadler-Brüder Fizl und Mario an Schlagzeug und Bass. Ihre Spannweite zwischen hingetupftem Postrock, elektronisch irrlichternden Gespinsten
und Gitarrenglut bereitet Roiss das Feld, auf dem er‚Antarktisorchideen‘ und ‚Früchte des Zorns‘ pflückt
und im Zirkuszelt über dem Friedhof die großen Fragenstellt, als Münchhausen auf Tuchfühlung mit der Wahrheit. Er streichelt den ‚Minotaurus‘ mitten in Nietzsches‚Grusel- und Lachkabinett‘ und plädiert wortgewaltig
für ein ‚Ja‘ zum ‚Gegen-leben‘, für Leidenschaft,
Leuchtfeuer und Leichtsinn als Gegenkraft zu Zombietum, Paralyse und Schwerkraft. ‚Dingo‘ listet all den
Scheiß, ohne den heute nichts geht. Löwenherzig undlauthals, hitz- und trotzköpfig wütet er gegen DASARSCHLOCH, mit dem alles anfing, der ‚Hardcorehiob‘
nimmt nicht hin, dass es ist, wie es ist. Wörter sind
Sprengsätze gegen Götzen, Eselsbrücken, Luftschlösser und trojanische Geschenke, mit weggesprengten
Oberflächen fliegt auch der tote Kern davon. Tja, ein
Königreich für ein paar Flügel, für ein paar Stangen Dynamit. Alles nur Nietzsche light und albern dazu? Nein,
nicht lite und wenn albern, dann nicht ohne Gift.
STEUART LIEBIG / THE MENTONES Angel City Dust
(pfMENTUM CD057): Liebig, mit Kammerstig, Stigtetteund Minim Schöpfer seltsam neutönerischer Kammermusik, ist hier wieder der Puls- und der Ideengeber vongroovigem R&B. Die Schnittmuster, die er an seiner
Kontrabassgitarre zusammen mit Joseph Berardi an
den Drums, Tony Atherton am Altosax und Bill Barrett
an der chromatischen Mundharmonika entwirft, ignorieren, wie schon bei Locustland (2004) & Nowhere
Calling (2006), wieder simple Bluesschemata, halten
aber an den Essenzen fest, Rhythm und Bluenotes. Gesang ist überflüssig. Der Drive, meist im energiegeladenen Unisonozickzack, ist dabei meist so enorm, dassmit dem Staub auch manche Engelsfeder, schrillbunt
wie Schmetterlingsflügel, davon wirbelt. LA, Stadt derTräume, gefallener Engel und anderer Falter, ist der
Schauplatz für diesen Blues. Das Cover zeigt die‚Vertical City‘ unausgeschlafen im Morgengrauen.
‚Lonelyheart‘, neben ‚Wool‘, ‚Slow Burn Fever‘ und ‚Out,
Down and Over‘ eines der Stücke, die langsam, aberunverdrossen und unbeugsam die Verliererstraße entlang schlurfen, und ‚Locustland‘ erinnern an NathanaelWest, der in Miss Lonelyhearts und The Day of the
Locust die Kehrseiten der Traumfabrik gezeigt hat. Lieber als nur Trübsal zu blasen, nehmen The Mentones
das Schicksal jedoch in den Schwitzkasten. Die Harmonika schillert bis zum überblasenen Diskant. Dynamisiert, zur Weißglut erhitzt und gleich wieder schockgefroren, ist dieser Blues zum Überblues geläutert.
61

THE LONELY RAT The Lonely
Rat (Ghost Records, GHST 031):
Matteo Griziotti, wie man mir sagt
Stimme und Gitarre der Mailänder
Band Merci Miss Monroe, lässt seine italienische Herkunft völlig vergessen, wenn er Let‘s make loveon lover‘s lane auf Let‘s pretend it
does not rain reimt oder Zeilen
singt wie: I must have been a fool,but i regret that i let you go. So
every strike and strum on thisguitar stands for a kiss i nevergave you my dear. Als der prototypische College Boy der WesternWorld hat er genau die richtigen
Signale auf Lager, um sich als sensitiven Loser, als liebenswerten,
selbstironischen Slacker zu präsentieren (oder rollenprosaischauf die Schippe zu nehmen). Das
Titelstück ist auffallend keck, wie
Wurfpfeilwürfe nach dem Lächeln
der Mona Lisa. ‚Gave Up GrowingUp‘ steigert noch die Sophistication und paart sie mit einem gewissen Déjà-vu und sanften Cymbalschlägen. Noch ein Urlaubsflirt mit
Zahnspange und ewig 21 sein(‚Kiss the Summer‘), aber im Spiegel blickt einen ein Opportunist anoder ein Chamäleon, das mit dem
Hemd das Image wechselt (‚Doing
Good Doing Good‘). Mit allen Gedanken und Gefühlen und jedem
Touch der Fingerspitzen auf den
Saiten ist ‚Matthew‘, ob in Parisoder am spanischen Strand, derProtagonist einer US-Produktion,
die einem mit Indiecharme das eigene Leben verkauft.

* DIANA ROGERSON & ANDREW LILES No
Birds Do Sing (United Dirter DPROM CD70): Ob die
Dronte gemeint ist, die auf die schwarze CDScheibe geprägt ist, weiß ich nicht, denn es entzieht sich meiner Kenntnis, ob der plumpe, gänsegroße, flugunfähige Vogel, der vor ca 280 Jahrenauf Mauritius ausgerottet wurde, irgendwelche
wohligen Kehllaute von sich gab. Dass Diana Rogerson singt, werden Menschen mit eingeschränktem Musikverständnis bestimmt verneinen. Zu der Musik ihres Partners Andrew Liles
nutzt sie jedoch alle Möglichkeiten, die eine
menschliche Stimme hergibt. Bereits beim düster
scheppernden ‚Should The Prayer Wheel Turn‘
flüstert, schluchzt, jauchzt, röchelt und stöhnt sie,
quetscht einzelne Wortfetzen wie „I saw“ oder „I
told you“ heraus, dann scheint die Stimme rückwärts abgespielt zu werden, bis schließlich das
zwölfminütige Stück langsam ausdröhnt. Gebetsmühlenartig werden anschließend die Hörer becirct: ‚Can I Tempt You With All This?‘ und ihnen
gleichzeitig Heavy Drums ’n Drones um die Ohren
gehauen, etwas besänftigt dann von einer bluesigen Orgel. Bedenkzeit! Wimmernd folgt ‚To Spin‘mit einem rhythmischen, südamerikanischer Folklore ähnlichen, elektronischen Percussionsteppich. Rogerson schreit und weint verzweifelt: „I
can’t sing...“. Ein musikalisch Unbedarfter könnte
meinen, es würde eine sich Sträubende gezwungen, eine Platte zu besingen. Bei positiveren Pianoklängen unterzieht sich die Vokalistin einer
Lachyogatherapie (‚Laughing All The Way‘): „I got
a sunny day ... I like it ...“. Der nächste Song verbindet orientalische Klänge (Oud?, Geige, Talkingdrum) mit Stöhnen, Jaulen, Juchzen. Beim treibenden Rhythmus von ‚Ki Denga Pepo‘ mischt
Liles zu Rogersons Stimme Kindergeschrei undStörfrequenzen. Dann stellt sie noch einmal die
entscheidende Frage (‚Tempting You – Two‘) unter all ihrer (erotischen) Verführungskunst: „Hey
sweetheart, ho honey, can I tempt you with all
this?“ Dazu scheint Liles Metall zu bearbeiten, bis
schließlich fast ein Rocksong daraus wird: „My
hips swing with my beautiful body moving.... It’s all
so easy when you told me what you want.“(Textlich gibt das Stück am meisten her.) Rogersons Frage ist spätestens dann endgültig beantwortet, wenn nach dem abschließenden ‚My Secret Ways‘, mit elektronischem, fast vogelartigem
Zwitschern, Stimmen und orientalischer Weise And lead us not in... Forget it! -, die Repeattaste
MBeckgedrückt wird.
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O G O G O Lunar Surphase (III Records 003192): igOr, der kalifornische Russe, bittet zur Mondfahrt mit Kosmonaut Grigori Rasputin.
Mit an Bord der lunaren Sojus-Kapsel sind Rod Oakes mit seiner
MIDI-Posaune und Andrew Solovyov an Trompete & Flöte. igOr
packte wieder Gitarren in den Tank und warpt zudem mit Drummachines von bedenklich älterer Bauart. Das bringt zwar Schub,geht aber verdammt auf die Nerven. Jede Sinnesfaser wird permanent vielfingrig bekrabbelt und betuckert, das Hirn wie von Myriaden Schnäbeln bepickt. Igor Grigoriev gibt sich kokett als Marquis De Sade dieses mondsüchtigen Trips, fragt genüsslich: ‚Can
You Feel It‘ und ‚Too Much‘? Sein surrealer Kurs scheint Gödel-,Escher-, Bach-barock wie nach Fibonacci-Reihen ausgerichtet. Elliott Sharp‘sche Stakkatos klingen immer wieder an. Die Trompetemischt Toshinori-Kondoeske Phrasen ein, passend zur Gitarre, die
igOr möglichst synthetisch und ungitarristisch einsetzt. Der vollfett angepeilte Himmelskäse wird schnell zur Sichel, die einem
blutige Ohren schnitzt, und schließlich zum aufgeblasenen Neumond-Nichts.
NICOLA RATTI Ode (Preservation, PRE023): Ratti, Ex-Gitarristvon Pin Pin Sugar, analogisiert seine musikalische Ode mit der lyrischen: Strophe, Antistrophe, Epode. Man muss aber nichts von Archilochus oder Horaz wissen, um einzutauchen in eine Stimmung,in der Tag und Nacht wie im Traum aufgehoben sind. Ratti suggeriert mit ‚White Morning‘ - ‚Afternoon‘ - ‚...and Firework‘ - ‚Dream#1‘ & ‚...#2‘ einen Tageslauf, abgeschlossen mit ‚Resume‘. Dem
folgt jedoch noch ‚Tropical Malady‘, als ob der tagträumerische
Schwebezustand, den er mit Gitarre und Klavier sowie zwei
Freunde an Kontrabass und Schlagzeug herstellen, sich als Tropenfieber erklären ließe. Elektronisch versponnen, entsteht etwas,
das man folktronisches oder impressionistisches ‚Silence is the
new loud‘ nennen kann. Nur geflüsterter oder wortlos vokalisierter
Gesang unterstreicht die Intimität, direkter noch, als die Fotos im
ungewöhnlichen Faltcover, die - schwarzweiß - Brücken in einer
Parklandschaft zeigen. ‚Dream #1‘ ist angereichert mit Harmonikaklang, Bassstrichen und zarten Presswirbeln, während bei ‚Dream#2‘ die Gitarre dominiert, klackendes Drumming und Glöckchengebimmel. Das Finale wird ‚tropisch‘ durch einen monotonen Beat,dazu dröhnen akustische Gitarren inmitten von Vogelstimmen undeinem fiebrigen Zirpen. Mir wird dabei nicht wirklich warm.
RICE CORPSE Mrs Rice (dualpLOVER/Subjam, -/kwanyin029): Es
ist fast nicht zu glauben, aber angeblich wahr. Der Australier
Lucas Abela (Justice Yeldham), bekannt dafür, dass er mit verstärkten Glasgeräuschen das musikalische Spektrum um eine blutige Facette erweitert, tat sich mit zwei Pekinesen zusammen, undging nach wenigen Probejams auf eine 10-Städte-Tour ab durchs
Reich der Mitte. Mit Yang Yang von Mafesian schlug das verrückteste Huhn in der eher braven Pekinger Szene die Trommel. Und,da sich kein anderer fand, setzte sich der Saxophonist Li Zenghui
ans Klavier, das er traktierte, als wollte er seinen Landsleuten einen Crashkurs über Langnasen wie Jerry Lee Lewis und Cecil
Taylor einhämmern. Abela spielt ein Glasstück wie eine ‚Mundharmonika‘, was meist als harsches Knurschen zu hören ist,
durchsetzt mit jaulenden Effekten, wie sie auch Turntablisten erzeugen. Als solcher hatte er auch begonnen und dabei Otomo
Yoshihide auf die Spitze getrieben. Die grobe Richtung könnte
man als No Wave bezeichnen. Bei ‚Resurrection Men‘ kommt derDrang zum Groove bestens ins Rollen. Bei den launigen Stakkatos
von ‚Peking Duck‘ muss man aufpassen, dass man sich die Essstäbchen nicht in falsche Körperöffnungen spiest.
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SAFI Kalt (ZickZack, ZZ 2025): Der neueste, der letzte Schrei kommt aus Leipzig und heißt PUNK. Halt, falsch. Frontfrau, Sprachrohr und Pinup-Gitarristin
Safi, Frank Semmer am Schlagzeug und Matthias Becker an Bass oder Gitarresind jung und smart genug, keinen toten Affen in tote Hosen stecken zu wollen. Aber ist das mehr als Krachrock mit einem blonden Augenfang, der kesse
Töne ins Mikrophon spuckt? Sie hat jedenfalls mehr als nur Phrasen auf Lagerund dass ihr exaltierter Gesang sehr an die freche Schnauze von Nina Hagen
erinnert, verstärkt nur den Kick. Safi kräht auf Deutsch - Wortspiele, ambivalente Bilder, nie widerspruchsfrei. Mit ‘ner Meinungsprothese auf einem Querdenkerstummel kann man keine alternativen Sprünge machen. Nehmt euch in
Acht vor dem Gehirnzellentod und vor ‚Helden‘-Karrieren. Goldesel, die gibt‘snicht und gedeckte Tische räumen sich von selber leer - ist das hier die verkehrte Welt? Die Märchenwelt ist fadenscheinig. Wolkenoberflottenadmiral ist
man nur in Wolkenkuckucksheim. Wir segeln in Spiralen betrunken fernerliefen... Woher soll ich wissen was ich denke? Als Menschenköpfe treibt unser
Gedankengut auf kleinen Wellen. Und billiges Leben, das gibt‘s immer noch bei
Pfenningstern, der aufgeht am Horizont der Bescheidenheit. Wie das geht, dieBeine zu entknoten, ohne Hinundher und Wichtigtun, und der Kälte und Novembermelancholie zum Trotz weiterzumachen, das wird nicht auf dem Silbertablett serviert, nicht als Caipirinha am Stadtstrand. Dazu schrummen undkrachen die Gitarren, dass das Blut dünner und die Zeit ganz taub wird. Einerseits also Energie, für die Poesie und Selbstzweifel keine Fremdwörter ist. Andererseits trägt Safi so schick ihre Haut auf den Popmarkt, dass selbst das,
was daran keine Masche ist, zur Masche zu werden droht.
SCARCITY OF TANKS No Endowments (Textile Records, TCD21): In Cleveland, OH, hat der schwarzbärtige Poet Matthew Wascovich ein Projekt auf die
Beine gestellt, das ihm das, was er zu sagen hat, verstärken hilft. Das Personal
wechselt ständig, die Botschaft nicht, wobei durchaus das Medium als die Botschaft aufzufassen ist. Sprich, die Worte sagen, wenn man sie überhaupt versteht, was mal sehr gut und manchmal gar nicht der Fall ist, nichts anderes als
das glühende Gitarrengeschrappel von Dave Cintron und Ted Flynn, das Geheul von Dan Wenningers Saxophon, das Geboller von Andrew Klimek am
Bass. Nicht zufällig gibt Jack Brewer eine Empfehlung für Wascovich ab, sein
Sprechgesang mit dem SST-Schlachtross Saccharine Trust ist ein Urtyp und
Blueprint für SOT. Das Artwork stammt von Devendra Banhart (!), das Mastering tätigte Weasel Walter (!), der neben Nate Scheible und Scott Pickering
Wascovichs Sätze auch betrommelt. Wascovich schätzt die Energie von Borbetomagus, Paul Flaherty, Jack Wright oder Mike Watt, Hauptsache es sind
Feuerspucker. Hier sind die ätzend angeschrägten Schweißbrennergitarren
Garanten des Irrwitzes. Der Schauplatz und die Besetzung der 11 Attacken
wechseln zwischen Cleveland und Oakland, die fräsende Eindringlichkeit
bleibt gleich. Wascovich muss dabei nicht einmal die Stimme erheben, er
spricht einfach, der Griff ans Schlafittchen kommt von seiner Band, die dafürsorgt, dass man ihm zuhört.
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TEHO TEARDO Voyage au bout de lanuit (Japanapart, JAP003, 7“): Teardo
ist ein Mann mit Vergangenheit. Bevor
er Preise gewann für Soundtracks den David di Donatello für Denti (R:Gabriele Salvatores) und erneut 2009
für Il Divo (R: Paolo Sorrrentino) - oderFilm- und Electronic Chambermusic
machte mit Modern Institute (einem
Duo mit der Cellistin Martina Bertoni),
mit Erik Friedlander oder Alexander
Balanescu, spielte er Industrial als
M.T.T., mit Meathead, als Matera mit
Mick Harris etc. Mit Reise ans Ende derNacht, L.-F. Célines Fundamentalkritik
an der Welt, wie sie ist, nämlich zum
Kotzen, ein Alptraum und einziges
Krepieren, verbindet Teardo Musik fürein Streich-Septett, die er selbst mit
den Sounds von Gitarre, Rhodes undElectronics noch anreichert. Dröhnminimalistisches Schnurren wechselt zu
pulsierenden Repetitionen, nur um
brummig wiederzukehren (‚Plan‘). Wie
gesägte, monotone Streicherstriche
werden durchmurrt von einem dunklen, dickdarmdicken Basston, in den
oberen Regionen wimmert zu Beginn
noch das Gespenst einer Geige (‚Prixde Rome‘). Von alleine käme ich nicht
auf Céline und seinen Ferdinand Bardamu, ein Einspruch gegen die von einem Label in La Spezia luxuriös verpackte Musik ist das aber nicht.
TUSK Tusk (White Whale Records,
epCD): Samir Khan, Ex-Kepler, führt
nun als Singer-Songwriter und Bassistin Toronto ein neues Quartett mit Gitarre, Keyboards und Drums durchsechs Songs. Die hohe Stimme will
suggerieren, dass da was ernst gemeint ist, hohes Tempo signalisiert,
wie jung man ist. Julien Beillard(Wooden Stars, Julie Doiron) zeigt,
dass er gut Gitarre spielen kann. Dazu
ein paar HuuuuHuuuu-Chöre, fertig ist
die absolut perfekte Rock-Pop-Hochglanzmischung. Mehr nicht.

ZU Carboniferous (Ipecac Recordings, IPC110): Als ich vor Carlo Conti von Neo seine
Landsleute Zu erwähnte, machte seine Miene
deutlich: Nichts gegen Zu, aber Jazz ist das
nicht. Schon mit den ersten metrischen Riffsvon ‚Ostia‘ nehmen Luca T. Mai, Massimo Pupillo & Jacopo Battaglia Contis Einschränkung
als Kompliment. Die knurrigen Baritonsaxophonschübe, der urige und dennoch raptorenflinke Bass und vor allem Battaglias spastisch-automatenhaftes Getrommel, das er mit
elektronischen und Mellotronsounds so verziert, wie sich Hephaistos mit einem Fußkettchen schmückte, das zusammen gibt wieder
das infernalische Zu-Feeling. Den schwefligen Geruch verstärkt bei ‚Chtonian‘ die Melvins-Gitarre von King Buzzo, aber an sich beackert schon Pupillo sein Bassterrain quasi
gitarristisch, nur eben unter der Gürtellinie.
Dass Zu keine panzersturen Kraftprotze sind,zeigt das flinke ‚Beata Viscera‘ mit einem
knackig rollenden Drumloop und abrupten
Breaks. Die Verve, mit der ‚Erinys‘ dahin
stürmt, dass alles bebt, erinnert an die Clashes mit The Thing. Bei ‚Soulympics‘ gurgelt
und jubelt Mike Patton schaurigschöne Vocals und Electronicsounds unter die krummtaktigen Stakkatohiebe. ‚Axion‘ schnetzelt den
an sich bärigen Duktus in kleine Scheibchen,
der Bass wirkt noch etwas pelziger als sonst,
der Ausklang ist eine bloße Schmauchspur.
‚Mimosa Hostilis‘ ist durch seine gnadenlosen
ZackZackZackZack-Viertel ein Headbanger,
bei dem man um die Köpfe bangen muss. Regelmäßige Baritonfürze bestimmen zuerst‚Obsidian‘, das dann in einen Trollstomp verfällt mit prächtig rockenden Ausbrüchen und
Il Teatro Degli Orrori-Gitarre. Bei ‚Orc‘
schließlich wirft Patton seine Obertonsirene
an inmitten eines Chaos, das in pure Sinusimpulse und Wassergeplätscher ausdünnt undallmählich verdunstet. Alles Zu, kein Jazz.
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BEATS, BRUITS, SOUNDS & SCAPES:DAPHNE ORAM –Komponieren wie eine Malerin, die ihr Bild mit Farben malt (Teil 2)
Text: Ingo Techmeier

Das eigene Studio: Folly Tower
Mit einem eigenen Studio, aber ohne Job bei der BBC, brauchte Daphne natürlich neue
Einnahmequellen. In den ersten drei Jahren produzierte sie in Folly Tower fast ausschließlich Werbung, mit deren Einnahmen sie den weiteren Studioausbau finanzierte.
Doch ging sie nicht einfach im Fachhandel shoppen, sondern ließ sich einen Großteil
ihres Equipment von einem befreundeten Ingenieur, F. W. Wood, nach ihren Wünschen
anfertigen: „Sie lebte Musik. Sie war arm wie eine Kirchenmaus, denn alles Geld, dassie bekam, gab sie für ihre musikalischen Geräte aus“, erinnerte sich Chris Oram.
Auf der Paradigm-CD sind einige ihrer Soundtracks und Jingles für Kino- und TV-Werbefilme dokumentiert, die deutlich machen, dass in den 1960er Jahren überraschende
Klänge und ungewöhnliche Musik in der Werbung ihren Platz hatten. Besonders Power
Tools von 1965 bietet ein eingängiges Beispiel mit dem Kontrast zwischen einer kleinen
fröhlichen Melodie und dem Klang verschiedener elektronischer Werkzeuge – neben
einem beinahe weinerlichen Schwingschleifer erklingt brachial ein Presslufthammer.
Neben der Arbeit an Werbejingles und Soundtracks zu Werbefilmen ist die erste Hälfte
der 1960er Jahre auch ihre künstlerisch produktivste Phase. Die heute bekanntesten
Werke aus dieser Zeit sind das bereits genannte Stück Four Aspects, das 1960 fertig
gestellt und wenige Jahre später in der Elizabeth Hall über ein Tonbandgerät „live“ präsentiert wurde. Ebenfalls Anfang der 1960er Jahre entstand ihr Beitrag zu dem Film
The Innocent (deutscher Titel: Schloss der Schreckens). Während der konventionelle
Soundtrack überwiegend von Georges Auric stammte, war sie für die geisterhaften
Szenen und Stimmmanipulationen des Horrorfilms zuständig.
[Teil 1 erschien in BA 62]
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Sie komponierte 1962 die Bühnenmusik für das gefeierte Theaterstück Rockets in Ursa Major, das im ausverkauftem Mermaid Theatre lief. Die Ausstellung einer Skulptur von Bobrowski im Mullard House (1965) wurde mit ihrer Komposition Episode Metallic untermalt.
Ihre bekannteste Komposition Pulse Persephone stammt aus demselben Jahr. Hier schuf
sie anlässlich der Ausstellung Treasures from the Commonwealth an der Royal Academy ofArts in London ein Werk aus einzelnen Klängen aus verschiedenen Ländern des Commonwealths: Unter anderem wurden Steel Drums, afrikanische Trommeln und Flöten über einentiefen pulsierenden Bass geschichtet. Damit kam sie Stockhausen um ein Jahr zuvor, dessen Komposition Telemusik oft irrtümlich als erstes Beispiel für eine Komposition angeführt
wird, die Elemente von „ethnischer Musik“ enthält. Ihr Soundtrack für den preisgekrönten
Dokumentarfilm Snow (1964) von Geoffrey Jones über den Schienenverkehr im englischen
Winter basiert auf Teen Beat, einem Hit des Drummers Sandy Nelson, und ist aufgrund derInstrumentierung mit Schlagzeug, Bass und Gitarre vermutlich die konventionellste Arbeit
von Daphne. Nichtsdestotrotz fasziniert sie durch die extreme Tempozunahme, die musikalisch und technisch bruchlos realisiert wurde. Hier zeigt sich Daphne weniger als Komponistin experimenteller Musik, sondern als solide ausgebildete Technikerin, die bereits bei
der BBC technische Herausforderungen schätzte: Während des Krieges gab es ein Konzert
in der Royal Albert Hall, das über den Rundfunk übertragen wurde. Ihre Aufgabe dabei war
es, ohne dass es die Zuhörer merken würden, vom Konzert auf eine parallel laufende
Schallplatte umzuschalten, sollte ein deutscher Bombenangriff die Übertragung stören.
Auch wenn die 1960er Jahre ihre produktivste Phase waren, hat Daphne offenbar bis zu ihrem schweren Schlaganfall im Jahre 1994 weiter Musik gemacht. Allerdings scheint die
letzte abgeschlossene Komposition aus dem Jahr 1977 zu stammen, während es sich bei
ihren jüngeren Aufnahmen lediglich um „primitive Experimente“ handeln soll. Ihr Schlaganfall machte den Umzug in ein Pflegeheim erforderlich und in ihr leer stehendes Haus undStudio wurde mehrmals eingebrochen. Offenbar, ohne dass außer einem teuren Aufnahmegerät etwas gestohlen worden ist, so der inzwischen verstorbene Komponist Hugh Davies. Dieser hatte selber im Jahre 1962 im Studio von Daphne gearbeitet und bemühte sich
gemeinsam mit Martin Cook, dem Erben und Nachlassverwalter von Daphne, nach ihrem
Tod um den Erhalt und die Auswertung ihres Archivs. Inzwischen hat die Goldsmith Stiftungdiese Aufgabe übernommen, in Zusammenarbeit mit dem Sonic Arts Networks und der University of London.
Das Oramics System
Daphne nahm die neuen technischen Möglichkeiten, die sich ihr durch die revolutionäre
Entwicklung des Heimcomputers boten, begeistert auf. An einem Apple II, den sie sich 1981
kaufte, versuchte sie, ihre bisherige Arbeit mit dem Oramics nachzubilden. Später benutzte
sie dafür einen Acorn Archimedes. Inwieweit sie das von ihr entwickelte Instrument, Oramics, durch moderne Heimcomputer ersetzen konnte, ist ebenso unklar, wie die Anzahl derStücke, die den Klang und die Möglichkeiten dieses Instruments präsentieren. Doch kannman davon ausgehen, dass es lediglich auf den Kompositionen aus den späten 1960er Jahren überhaupt zu hören ist. Das Oramics System ist sicherlich eines der ehrgeizigsten Projekte, das bei der Entwicklung von Musikinstrumenten bislang verfolgt wurde und typische
Kinderkrankheiten verhinderten schnelle Entwicklungsfortschritte. Mit diesem Instrument
hat Daphne tatsächlich versucht, ihren Traum wahr werden zu lassen, den sie seit der Lektüre des genannten Buches Music for All of Us von Stokowski hatte: Ein Instrument zu
schaffen, das dem Komponisten alle Klangfarben zur Verfügung stellt, um damit zu malen
wie ein Maler mit Farben malt.
Die von Daphne entwickelte Oramics Maschine setzte diese Überlegung quasi wörtlich um,
denn sie wandelte gemalte Symbole tatsächlich in Tonhöhe, Tonlänge, Klangfarbe, Dynamik
und weitere musikalische Parameter um. Sogar ein Effektweg mit Reverb konnte graphischangesteuert werden. Hierfür hatte Daphne eigens ein System aus Neumen (Striche undPunkten zur Notation) und Symbolen, die musikalische Werte repräsentierten, entwickelt.
Gemalt wurde direkt auf insgesamt zehn 35mm Filmstreifen, die von Fotozellen gelesen undin Klänge umgesetzt wurden. Bis dahin war es jedoch ein langer Weg und alle ihre Arbeiten,
die sie mit den Techniken schuf, die auch in den Studios in Köln und Paris verwendet wurden, waren für sie immer nur ein Kompromiss. In jeder freien Minute arbeitete sie an einem
Instrument, das gemalte Eingaben in Musik umsetzen konnte. Kollegen und befreundete
Musiker begannen sie für verrückt zu halten.
67Immerhin fand sie bei einem Wissenschaftler, Prof. A.M. Low, Unterstützung. Als dieser ihr
von einem seiner Projekte erzählte, bei dem Stimmen graphisch aufgezeichnet wurden, um
sie miteinander vergleichen zu können, war Daphnes spontane Reaktion, dass man das
doch umkehren können müsste, um mittels einer bildlichen Darstellung Musik zu machen.
Damit hatte Daphne für sich das Prinzip der Steuerspannung erfunden. So neu war die Idee
allerdings nicht, da unabhängig voneinander Oskar Fischinger und Rudolf Pfenninger
schon 1932 mit gezeichneten Wellenformen und Klang bildenden Parametern experimentiert hatten. In der Sowjetunion hatte Yevgeny Sholpo sogar bereits ab 1929 ähnliche Wegebeschritten und 1932 sein Variophone vorgestellt, das mittels graphischer Informationen
Klänge erzeugte. Schließlich präsentierten die beiden Amerikaner John & James Whitney1947 ebenfalls ein ähnliches Instrument. Auch der legendäre sowjetische A.N.S. Synthesizer aus den 1950er Jahren bediente sich eines photoelektrischen Verfahrens.
Offenbar kannte Daphne diese Experimente jedoch nicht und für ihre eigenen Versuche,
optische Zeichen in Musik umzusetzen, stieß sie vorerst auf eine unüberwindliche technische Grenze. Bereits der erste Schritt, der Eigenbau eines damals unerschwinglich teuren
Tonbandgerätes, scheiterte kläglich: Die selbstgebaute Maschine taugte wohl zur Erzeugung von donnerndem Krachen und knallenden Geräuschen, nicht jedoch als Aufnahmegerät. Das Projekt wurde verschoben, um sowohl der technischen Entwicklung, als auchder eigenen finanziellen Entwicklung Zeit zu geben.
1961 konnte ein neuer Anlauf versucht werden. Die Gulbenkian Stiftung hatte £ 3.500 bereitgestellt, um ein Instrument zu entwickeln, das es der Musikerin erlauben sollte, wie eine
Malerin zu arbeiten. Eine erste Version des Oramics arbeitete bereits 1962 und damit gelang es Daphne, das Konzept, aus visuellen Zeichen Musik zu machen, ausgereifter umzusetzen, als es die ihr wohl unbekannten Vorgänger vermochten. Neun 35mm Filmstreifen
trugen die verschiedensten musikalischen Parameter wie Tonhöhe und Rhythmus, während ein zehnter Streifen die verschiedenen Ereignisse synchronisierte. Die Klangfarben
selber wurden als Glasdias gezeichnet und über Bildröhren eingelesen. Die ganzen 1960er
Jahre arbeitete sie an einer Verbesserung des Instruments und ging davon aus, dass sie
dieser Aufgabe ihr künftiges Leben widmen würde. Mitte der 1960er Jahre konnte Daphne
der Stiftung vorerst nur schreiben, dass ihre eigene Technik, mit der sie Musik auf dem
Oramics komponierte, noch wie die eines Kindes ist, das gerade Schreiben lernt. Dochwollte sie, wenn sie die Sprache ihres Instrumentes beherrschte, eine Anleitung verfassen,
die auch anderen Komponisten die Arbeit mit dem Oramics erlauben würde.

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Tatsächlich haben auch einige Komponisten mit dem Oramic System gearbeitet; unter
anderem wurde es von Thea Musgrave, Tristram Cary und Hugh Davies benutzt. Allerdings gab es auch prinzipielle Einwände gegen das Oramics. Delia Derbyshire, die von1962 bis 1973 selber für den BBC Radiophonic Workshop arbeitete, war davon überzeugt, dass das rein visuelle Komponieren einen entscheidenden Nachteil hatte: Das
Ohr kann einen Klang besser beurteilen, als das Auge ihn konstruieren. Eine höfliche
Umschreibung dafür, dass ihr das Verfahren zu wenig intuitiv war.
Tragischer Weise konnte das Oramics zwar fertig gestellt werden, jedoch fehlten vonda an die Mittel, das Instrument zu unterhalten. Eine zweite und letzte Förderung in
Höhe von £ 1.000 wurde 1965 von der Gulbenkian Foundation bewilligt, doch dann war
Schluss und das Instrument verfiel. Die Kosten für eine Restaurierung werden heuteauf bis zu $ 50.000 geschätzt. Da jedoch inzwischen die zunehmenden Möglichkeiten
der spannungsgesteuerten und digitalen Klangsynthese die Funktionen des Oramics
weitgehend ersetzt haben, ist eine Instandsetzung vor allem von musikhistorischem Interesse. Dabei hat das Oramic Systems als Controller für Klangereignisse einen entscheidenden Vorteil: Die Symbolsprache ist in den „heiklen“ Bereichen der Frequenzhöhe und der Synchronisation kaum fehleranfällig; aufgrund des hier großen Toleranzbereichs des Instruments fallen unsaubere Zeichnungen kaum ins Gewicht. Dagegen reagieren die Filmspuren, die die Informationen für Hüllkurven und Vibrato transportieren, auch auf sehr feine Nuancen, was dem Oramics eine sehr natürliche Ausdrucksweise gibt.
Das musikalische Werk Daphne Orams ist heute weitgehend unbekannt, das von ihr
entwickelte Instrument zerfällt, während sie gleichzeitig als eine der „größten musikalischen Pioniere“ bezeichnet wird. Sie war ihrer Zeit voraus und hat es dabei geschafft, ihren Traum über zwei Jahrzehnte zu verfolgen und Wirklichkeit werden zu
lassen: Ein Instrument zu schaffen, mit dem der Komponist „ebenso wie der Maler“ seine Komposition malen kann.
Weitere Arbeiten von Daphne Oram:Radio:All That Fall. 1957. Autor: Samuel Beckett. In Zusammenarbeit mit Desmond Briscoe.
The Disagreeable Oyster. 1957. Autor: Giles Cooper. In Zusammenarbeit mit Desmond
Briscoe.
Public Dreams and Private Nightmares: a Radiophonic Poem. Autor: Frederick Bradnum.
1957. Instrument: Tonband – in Zusammenarbeit mit Desmond Briscoe. 20 min.
Filmmusik (Fernsehen):Amphitryon 38. 1957. Instrument: Tonband. 75 min.
Filmmusik (Dokumentarfilm):
Cooking a Million. 1960 Regie: Gerald Cookson. 22 min.
Trinidad and Tobago. 1964. Regie: Geoffrey Jones. 19 min.
Rotolok. 1967. Regie: Sarah Eruklar. 10 min.
Kompositionen
Still Point. 1948-50. Instrumente: Großes Orchester und Live Electronics.
Blieb unaufgeführt. 33 min.
Contrasts Essconic. 1967. Instrument: Oramics, Tonband und Klavier. 7.30 min.
In Zusammenarbeit mit Ivor Walsworth. Gilt als die erste Komposition mit dem Oramics als
Hauptinstrument.
Broceliande. 1969-70. Instrument: Tonband. Zwei Versionen: 10.17 min. und 14.00 min.
Basiert auf einem Gedicht von Charles Williams. Brocéliande ist in der Artussage derWald, in dem Merlin in einem Baum gesperrt wurde.
Bird of Parallax. 1972. Instrument: Tonband. 14.00 min. Umfasst auch 'Hell Ride' (1960?)
und 'Donkey Ride to Venus‘ (1962). Wurde auch für das Ballett 'Xallaraparallax' benutzt.
Sardonica. 1972. Instrumente: Piano und Tonband – in Zusammenarbeit mit Ivor Walsworth. 11.40 min.
Fotos: Oramics © Peter Forrest - Daphne Oram © Paradigm Disc
69

(Pound Ridge, NY)
René Margraff ist in Berlin Mitbetreiber des Netlabels Starving But Happy!
und schreibt für De:Bug und Skug. Als PILLOWDIVER verabreicht er
Sleeping Pills (12k1054). Er macht einem da mit sanfter Gitarre und stehenden Dröhnwellen Übungen im Schäfchenzählen vor, denen er die Wirkung von Schlaftabletten zuschreibt. Seine Hasenheiden-Folktronic hat
garantiert etwas Beruhigendes und Schläfriges. Das Tempo verdient diesen Namen nicht. Ein lauer Wind lässt Sandkörner rieseln und flauscht
Neuköllner Häschen das Fell. Dazu kann man sich, wenn man vor lauter
harten Drogen nicht zu blöd dazu geworden ist, in Ganeshas Schoß kuscheln und seine Egoshootergelüste auf Superzeitlupe zurückschrauben.
Die Fender Jazzmaster klampft, die Parkluft haucht ein AAAAAAHH undwer bis ‚27‘ nicht wonnig abgerüstet hat, dem ist auf diesem Wege nicht zu
helfen.
Warum gehen eigentlich nicht die Sanftmütigen in die Politik, und die Leuteschikanierer und Raffzähne werden umgeschult auf Dröhnminimalist?
TOMASZ BEDNARCYZK scheint einen ähnlichen Vorschlag zu machen:Let‘s Make Better Mistakes (12k 1055). In Wroclaw ließ er Gitarren- undKlaviertöne langwellig dahin schweben. Fast scheinen sie in der Luft zu
stehen, bebende Dauertöne, die den Alltag einhüllen und fast verdecken.
Kaum, dass man das Getrappel und Gemurmel im Treppenhaus noch hört.
‚Drawing‘ wird regelmäßig bepingt mit einem einzigen hellen Pianoton. Bei‚The Sketch‘ knackst Vinyl zu einer verschwenderischen Handvoll Pianonoten. In ‚Kyoto‘ knistert Feuer, wispert Wind, der bei ‚So‘ stärker aufkommt, fast möchte man fröstelnd den Kragen hochschlagen. Das wieder
vinylknistrige ‚Night‘ schaukelt zeitlupig auf einer mitternachtsblauen
Bassschaukel. Insgesamt liegt der Nachdruck aber darauf, dass sich nichtviel tut, dass die Dinge des Lebens statisch in sich ruhen, das die Mädchennach Himbeeren schmecken und das Jahr nach Herbst. Eine Wurst nach
der andern quillt aus dem Klangwolf. Geräuchert geben sie einem das beruhigende Gefühl, auch für noch schlechtere Zeiten Vorsorge zu tragen.

Foto: Joanna ‘Frota‘ Kurkowska
70

AUF ABWEGEN (Köln)
Verflucht, wie kann man mir denn so ein Sammlerstück durch ein fettes
Promo verderben!? So eine Schändung nimmt mir jede Lust, das zum
Wegwerfen verdammte Stück überhaupt anzuhören. Bevor ich die
Neunundvierzig Entgleisungen (aatp23, 2 x 10“) von DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE in den Müll werfe, registriere ich frustriert
nochmal die Coverart von Françoise Vigot und die Zeilen von Jean René
Lassalle, die sich wie surreales Cut-up lesen, wie ein Weird-Fiction-Prosagedicht. Die Tempo-Angaben für Guido Huebners zwischen 1998 und2003 in Caen kreierten Klänge sind widersprüchlich, ich würde 33rpm
vorziehen. Aber bevor ich mich auch noch von den Sounds faszinieren
lasse - zack, Müll. Lieber Fetischist als Masochist.
Autsch! Mondo Paradoxa (aatp26) jagt einem als Erstes eine Ohrenschraube durch und durch und fegt den Wundkanal mit Sandstrahl
nach. Auf pulsierende, rauschende und nadelfein stechende Nachsorge
folgen spotzende Impulse und schonende Tupfer. Doch das ist nur dererste Streich von Kazuyuki Kishino aka KKNULL & JOHN WIESE, einschlägig bekannt, neben den Duo-Projekten LHD und Sissy Spacek, als
Kollaborateur notorischer Noiser wie Merzbow, Wolf Eyes oder - Evan
Parker. Der zweite folgt sogleich mit wiederum beißend harscher Attacke, motorischem Gewummer, krachigem Loop und wässrigem Geblubber, das in spitzes, ätzendes Gezische und trillerndes Geklacker mündet. Auch der dritte Track beginnt mit einem blitzenden Einschlag, dem
schrille Aggressionen folgen, Angriffe von allen Seiten, nichts als Krallen, Sicheln, Sägeblätter und Nadeln, die auf breiter Front die Synapsen
attackieren. So - extrem verstärkt - kann man Lärm, Strahlen und Smog,überhaupt alles Ungute, das alltäglich auf die Sinne prasselt, sich plastisch vorstellen. Feedbackloops und offensive Lo-Fidelity mit allen‚industrialen‘, insbesondere harschen Kennzeichen der Noise Culturescheinen hier die Strategie aufzugreifen, dass man Gift mit Gift undFeuer mit Feuer bekämpft. Der Spiegel als beste Waffe gegen die medusenhaften Züge der Moderne, das Gorgonenschild als Apotropaion und
Gorgoyle. Die Coverart von Government Alpha unterstützt meine mythologische Spekulation mit griechischen Tempelruinen und der Entführung des Ganymed durch Zeus in Gestalt eines Adlers. Gegen die dämonischen Zumutungen, auch in ihrer aktuellen Gestalt, helfen älteste
Rezepte - Lärm, so überspitzt und verdichtet, dass der Aggressor (vorsich selbst in vergrößerter Gestalt) erschrickt. Wobei immer etwas abfärbt. Je schriller und ‚dämonischer‘ der Krach, je höher das alarmierte
Herz bis zum Hals schlägt, desto mehr Spaß macht das Ganze.
ASMUS TIETCHENS, unser zweifacher Karl Sczuka-Preisträger, verbindet Eine Menge Papier (aatp27, mCD) wieder mit einem starken Diktum von E.M. Cioran: Aufrührerisch ist nur der Geist, der die Pflicht desExistierens in Frage stellt: Alle anderen, zuvorderst der Anarchist,schließen den Pakt mit der herrschenden Ordnung. Oha. Aber Papier
ist bekanntlich geduldig, und so - P.I.G. - heißen die 5 kleinen Stücke.
Zwei sind 1996 erschienen als 7“ (Syntactic), ein weiteres 1998 auf der
Syntactic-Compilation Six Quarters. Nun vollständig vereint, zeugen sie zwischen Rattenheu und Dämmerattacke - ausschließlich aus Papiererzeugt, von Tietchens noch konkreter Schaffensphase vor der kühlen,sinuswellensurfenden Mengen-Reihe. Natürlich klingt das nicht papierern, sondern auf sirrendem oder metalloid ‚gepfiffenem‘ Fond tönt es
krümpelig, rumpelig, prasselnd, eher ‚eisern‘, ‚hölzern‘ oder sogar animalisch, nämlich fauchend und heckenschmatzerisch vogelig, als zelluloid. Bei allem ‚Es klingt wie‘ muss man aber irritiert eingestehen, dasshier, obwohl so plastisch, dass man meint, es jeden Moment sehen und
greifen zu können, etwas völlig Fremdes sich gleichzeitig annähert undentzieht.
71CRÓNICA ELECTRONICA (Lisboa)

Via Berlin und Lissabon erreichten mich Klänge aus Litauen. GINTAS K hat daheim in Marijampolé aus Klängen, die er an einem windigen Sonntagnachmittag
beim Spazierengehen einfing, und Alltagsgeräuschen im Haus - ein Besetztzeichen des Telefons z. B. - 14 Lovely Banalities (Crónica 040) für ein Audiopoesiealbum gesammelt. Seine beiläufigen Funde, der Wind, Vögel, der Klang seiner
Schritte, ein plätschernder Bach etc., sind eingebettet, eingearbeitet in laptoptypisch rauschendes Gedröhn, gelegentlich rhythmisiert, meist nur flatternd zermulcht, kraus gewellt, aufgeregt tüpfelig, gesprüht, kullerig. Melodisches Summenmischt sich mit einer brachialen Kaskade, Glitches brodeln, es furzelt, bitzelt, funkelt, stottert. Die immer wieder hörbaren Schritte erinnern, wohl gewollt, an Mussorgskys Bilder einer Ausstellung, nur gilt der Kunstsinn und die Aufmerksamkeit
dem Alltäglichen und an sich Unbemerkenswerten. Die Ästhetisierung des Alltags
durch den Alltag? Warum fällt mir jetzt der Politiker ein, der vorkaute, dass man
mit 5 € am Tag fürstlich leben kann?
Einen 10-jährigen Querschnitt durch das Schaffen des Darmstädter Klang & MehrKünstlers MARC BEHRENS bietet Compilation Works 1996-2005 (Crónica 041,
Digital release). Behrens ist Citoyen des Königreichs Elgaland-Vargaland (KREV),
mit guten Connections nach Lissabon, wo er 2003-07 das Label Sirr mitleitete. Die
Zusammenstellung umfasst seine Reinterpretationen von Disinformation, John Hudak, Ilios, TV Pow und Ralf Wehowsky, seine Reaktionen auf Fotos, gefunden an
Straßenlampenpfosten in Afghanistan, und auf den Ausbruch des Irakkrieges, wie
er ihm aus Taxis und Bars in Lissabon zu Ohren kam. Bei diesen Publikationen auf
Alluvial Recordings, Antifrost, Ash International, Atavistic/EMK, ATAK, Banned Production, Beta-Lactam Ring Records, Bottrop-Boy, Digital Narcis, Intransitive Recordings, Meme, Mille Plateaux, Raster-Noton, Selektion, Sirr findet man direkte
Widmungen an Coca Cola, Dimitris Kariofillis (Ilios & Antifrost) und die griechische
Performancekünstlerin Lida Patta und indirekte an Chris Marker und Stockhausens Gesang der Jünglinge. Der zerebrale und mehr noch der physische Mehrwert von Behrens unspektakulärer Soundart erschließt sich meist erst mit Gebrauchsanweisung. Vieles riecht nach Documenta X, Interpretation ist gefragt.
Ohne den Kontext einer Installation oder Performance bleibt Vieles grau in grau.
Athanasius Kircher, Raymond Queneau, UBERMORGEN.COM && NUSSBAUMER, sie alle erfanden Wunderautomaten, Wort- oder Tonmaschinen, für Hunderttausend Milliarden Gedichte oder 1001 Songs of eBay (Crónica 043, Digital release). Lizvlx & Hans Bernhard, ein Wien- & St. Moritz-basiertes Gespann von Net-Artisten, Pixel-Boxern und Media-Hackern, lassen zusammen mit Stefan Nussbaumer, ‚Kultur-Techniker‘ aus der osttiroler Sonnenstadt Lienz - Wahlspruch: Die
Technik ist (m)ein Hund - eine SC3 Supercollider sound-generation engine für jeden Benutzernamen, den man bei www.sound-of-ebay.com eingibt, einen spezifischen ‚Song‘ generieren. Wozu? Um sich nie mehr zu langweilen mit über 51 Stunden, 4 GB, potenziell aber unerschöpflichem, superbilligem Elektrogeplimpel? Mit
Unterhaltung, fast wie geschenkt? Die Kehrseite - dieses Esel-streck-dich an heiter schnurrender, eifrig klopfender, unermüdlicher und nie um ‚Einfälle‘, sprich
Variationsmöglichkeit verlegener Funkyness ist ein Zeitfresser. Gegenrechnung:Zeit = Geld, Lebenszeit = Blut -> Plimpelscheißer = Zeitfresser = Dieb = Vampir.
Basta. > 51 Stunden, um den eBay-Konsumismus zu veräppeln? Wer sich heute mit
Pixeln und Gigabytes zuscheißen lässt, wird übermorgen nicht nach Rosen duften.
72

DEKORDER (Hamburg)

Mit Astra & Knyst (Dekorder 033, 12“) knüpft
VOKS an seine Dekorder-3“s Vaks Vanskab ak
Leise sein beim Hilfeschreien, bittet H E - (2003) & Darkvaks (2005) an. Mikkel Moir Pihl
MATIC SUNSETS und zugleich, Klop- bringt wieder seltsam heitere Klänge auf Trab:
stocks Brevier für Niederwildjäger zitie- Geklimper wie von Dulcimer, pumpendes Gerend, um Geduld, Geduld, Geduld! Wenn orgel (vielleicht auch Akkordeongeschnaufe),
man dann noch bei Aroma Club Paradox Blockgeflöte, ‚chinesisch‘ verstimmte oder
(Dekorder 032, LP, himmelblaues Vinyl) ägyptische Reggae-Gitarre, simple Automatenauf Titel wie ‚Schuldige Scheitel‘, ‚Tris- beats. Alles klingt wie nicht ganz echt, eher sotesse aromatique‘, ‚Eskapaden am Tisch- wie eine Orchestrionparade. Titel wie ‚klap dingtelefon‘ oder ‚Bei der Notdurft zu hören‘ dot‘ und ‚tonkmaskine‘ deuten das fast lautmalestößt und unter den Verantwortlichen risch an. Der Duktus aber ist Pop, auf die Essenauf Asmus Tietchens, bei genauerem zen entschlackt. Ohne Worte, weil selbstHinsehen in vielerlei Gestalt, da fährt ei- verständlich wie pfiffige Comic Strips. Naiv ist
nem unwillkürlich die Hand an die Stirn. der Kopenhagener sicher nicht, aber er gibt
Tietchens, unterstützt von Tussi Sche- sich den Anstrich, mit der reizvollen Skurrilität,
mante, Assistent Meuch etc. - oh sancta die ‚Naiv-Pop‘-Nerds - exemplarisch nenne ich
Anagrammatica, Nachtigall, ich hör dir nur Jad & Nao - so ausstrahlen können. 33 rpm
trapsen. Er setzt hier seine Aroma Club- ist mir übrigens schnell genug, außerdem hat
Reihe von bisher Musik aus dem... (1998) man dann mehr davon.
bis Weihnachten im... (2004 & ‘07) mit
Yamaha PSR 36-Spielereien fort. Zumin- RICHARD YOUNGS hat sich im Lauf der Jahre
dest die Pop-farbige Aufmachung erin- - seit 1990 erklingt sein Dröhnminimalismus auf
nert an seine Sky-Phase Anfang der VHF, Jagjaguwar etc. oder dem eigenen No
80er. Der PSR 36 ist ein Kind des Jahres Fans Records - mancherlei Anstrich gegeben:‘88, der so ‚billig‘ und ‚künstlich‘ klingt, naturverbunden (Garden Of Stones, Summer
dass der Anklang an Retorte allein Wanderer), urig (The Naive Shaman), seriös
schon Nostalgie, ja Rührung auszulösen (Metallic Sonatas), antipoppig (Kretinmuzak,
imstande ist. Tietchens‘ Muzak-ähnli- Beyond The Valley Of Ultrahits), surreal
chen Melodiechen zwischen heiter, läs- (LÄmmERGEIER, 171 Used Train Tickets). Like A
sig und müde mitsamt den Farbtupfern Neuron (Dekorder 034, LP) ist House Music, aberauf dem Hemd der im Geiste des Para- wie per Stille Post (Chinese whispers, Le
doxen Getauften, versteht es, die Ironie Téléphone arabe) geliefert. Zudem ist House,
und den Kitsch so sublim in den Hinter- nicht erst seit M. Z. Danielewskis House of Leagrund zu mischen, dass vordergründig ves, ein weiter Begriff. Youngs orgelt und zwitso etwas wie..., ja wie ein Aroma der schert mit Keyboards, lässt Synthiewellen walZärtlichkeit auf der Zunge aufblüht. Kein len. Seine Beats sind schwammig, sie tragen
Cioran-Zitat verunziert dieses Lob des Plateaugummisohlen. Eher wird man seekrank,
Vordergrunds, dessen Euloge niemand als dass sich damit tanzen ließe. Unter Wasser
anderer als Nietzsche ist, der dringend vielleicht. 33 rpm ist hier die offizielle Geschwinriet: „...tapfer bei der Oberfläche, der digkeit, aber permanent hat man das Gefühl,
Falte, Haut stehenbleiben, den Schein dass was nicht stimmt. Der Klangfluss ist wie
anbeten, an Formen, an Töne, an Worte, verzogen, als ob manche Sounds, die Bassklarian den ganzen Olymp des Scheins nette von ‚Call of the full Ultra‘ etwa, nur in Slowglauben". Nur „Oberflächlichkeit aus Motion-Dehnung so abgedunkelt wären. Alles ist
Tiefe“ hat wahren Popcharakter, der bei in mahlender Bewegung, geziert wie eine SpielTietchens einhergeht mit Distanz zu den dosenballerina, wie ein Tornado im Wasserglas,
Launen des Zeitgeistes.
dumpf und stoßweise als ‚Alpha Blues‘.

73

(Zürich)
Nein, THOMAS PETER ist nicht der von der Raumpatrouille, das ist Peter Thomas. Medir (domizil 28) ist das erste Soloalbum eines Züricher Audiodesigners
und Elektrokomponisten. Der Titel darf einem ruhig spanisch vorkommen, er bedeutet ‚messen‘. 11mal füllt Peter die Raumzeit mit verstotterten, verpixelten
Klangkonstrukten, die mich mehr als nur einmal anmuten wie gesamplete Orchestermusik. Klang wölkt sich wie aufrauschende Bläsersätze, aber verzerrt, zerhackt, zerkratzt, von Störgefurzel ganz wurmstichig. Wenn eine Welle einmal harmonisch ausschwingt, fällt das fast aus dem Rahmen. Kann sein, dass bei genauem Studium jeder Raumquadrant ganz spezifisch tönt, manche enthalten mehr
Moleküle als andere und entsprechend einen höheren Kollissionsquotienten oder
Dröhnfaktor. Ingesamt haben diese sirrenden, wabernden, bitzelnden, von anund abschwellenden Drones durchkreuzten Abstraktionen - abseits von SpaceKlischees - durchaus das Zeug zur Sonic Fiction, die wie ein Dschinn aus dem
Reagenzglas ausfährt Richtung Milchstraße. Man kann sie in Lichtjahren messen
und mit Radioteleskopohren hören.
Gaudenz Badrutt hört sich urig genug an, um in Ulrich Bechers Exilanten-Tragikomödie Murmeljagd durchs Engadin zu pirschen, zumindest dem Namen nach. Tatsächlich geht er aber mit Christian Müller als STRØM, wenn sie nicht ‚Schwarze
Schafe‘ hüten, auf ‚Tigerduck‘-Jagd. Shunt (domizil 29) enthält 7 Messungen niederohmiger Widerstände in digitaler Unwegsamkeit. Harte, kantige Synthesizerund Computerklänge suggerieren ein schroffes Gelände, in dem die Imagination
mit Zähnen und Klauen Halt sucht, am Felsen klebt, ins Leere tastet (‚Void‘). Auf
Dröhnfelder bröckeln, klacken und kollern Steinsplitter, losgepickelt beim Aufstieg
durchs Metapherngebirge. ‚Rocker‘ schlägt besonders plastisch scharfkantige
Spaltklänge, bevor ‚Black Sheep‘ - mit alphorniger Bassklarinette - den Blick auf
Pastorales lenkt. Bei ‚Doldrums‘ tümpelt man dann in imaginären Rossbreiten, umgaukelt von hell-dunklem Sirren und brummigem Gedröhn. Zuletzt dampft man mit
der ‚Tigerente‘ - da lässt doch wohl Janosch grüßen? - doch noch nach Panama,
wo es knarzt und furzt. Elektronik kann ganz schön verspielt sein. Oder habe ich
mich jetzt völlig verstiegen und verwechsle Schweizer Ernst mit Humor?
Ich schwanke, was mich mehr irritiert an Die Wunschmaschinen (domizil 30, zhdk
records, DVA audio), einem Hörspiel des Kurators am Institute for Computer Music and Sound Technology Zürich, Multimediadesigners und (zusammen mit Bernd
Schurer) Domizil-Machers MARCUS MÄDER. Ist es die Theatralik der körperlosen Stimmen, die mich an fast allen Hörspielen als lachhaft befremdet, oder der
mit Artauds und Batailles Schizo- und Mythopoesie angereicherte Jargon von Deleuze & Guattaris Anti-Oedipus selbst, an dem ich mich womöglich überfressen
habe? Maeder lässt ‚Den Schizo‘, Artaud, Ivan Chtcheglov, Debord, Schreber, Sacher-Masoch und Wanda und die Doctores Hélène Barat, Freud und Guido Weber(die Artaud und Schreber zuhörten) deklamieren oder in kleinen Szenen auftreten. Das Spiel der Worte ist vertont mit geräuschmusikalischen Effekten - Schritten, Meeresbrandung - und mit Musik, die Kraftwerk, Velvet Underground, Nick
Cave und Richard Wagner zitiert oder nachmacht. Maeders Streunerei durch den
Wunschmaschinenpark ist ambig, letztendlich melancholisch. Die realen Schizobiografien Artauds, Chtcheglovs, Sacher-Masochs, Schrebers sind pathetisch,tauglich nur als Faszinosum und ‚Märtyrer‘, nicht als Rolemodell. Die 5 Minuten
Ruhm des antiödipalen Chors als Stichwortgeber einer kollektiven Situation im Mai
68 endete in der Restauration der ‚Despotenmaschinen‘ und einer ‚kindlichen
Weinerlichkeit‘. Willkommen daheim im kapitalistischen Realismus. Der Traum vonentfesselten, enthierarchisierten Körpern und anarchischer, nicht automatischer
Produktion, wurde rückgekoppelt in Produktion und die Produktion von Produktion. Keine Götterdämmerung kann den Deus ex machina demon=tieren. Künstler
erscheinen in dieser Dämmerung wie alt und grau gewordene Wünsche, als atavistische Relikte einer Kunst des Wünschens, die, je (sich selbst) bewusster, desto
weniger ein Wahn ist, sondern - Deleuze hat darauf in Kritik und Klinik hingewiesen - ‘Pataphysik.
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(Dortmund)Da nützen die schönste Glatze und
ein Le Vey-Bärtchen nichts, bei X A BEC wird - womöglich gerade deswegen - Noise zu Pop. Just A Grain
Of Sand (D128, DVD) zeigt ihn undseine Drones und Beats, zu denen
Mike Erkau Visuals projezierte, im
Oktober 2008 beim Maschinenfest
in Krefeld. Ehrlich gesagt war mir
nicht bewusst, dass seit den xhponozon -Tagen in Erlangen - gut 10
Jahre ist das her - beatgetüpfelte
Untiefen und romantische Höhenflüge dermaßen zum bejubelten Szenestandard geworden sind. Für erhabene Momente kommt ein Ahh- &Ohh-Chor aus der Retorte und Xabec streicht zu teufelsbeschwörerischem Gemurmel per Geigenbogen
Noiseschlieren. ‚No Disko‘ lautet die
Botschaft, Andacht ist angesagt.
Wenn dann noch Raphael Vanoli mit
Gitarrengejaule in den Löwenzahn
pustet, öffnen sich die Schleusen
für J.-M. Jarre-Pathos und sanften
Hüftschwung. Andere pilgern nach
Bayreuth,Schwarzhemden
lauschen Xabec, der für‘s finale Sursum Corda selbst ins Mikro aaahhht.
Nach dem Konzert gibt es noch zwei
Erkau-Clips: ‚Narwaak‘ lässt Xabec
zu düsterem Tamtam nachdenkliche
Blicke auf versiffte Winterlandschaften und Industriegebiete werfen, zum Titeltrack tanzen Gräser.
Die Labelkollegen Incite/ steuern‚Burning‘ bei, erfreulich abstrakt,krümelig und knarzig. ‚Der innere
Kreis‘ (Regie: Daniel Fischer) porträtiert dann Manuel G. Richters
Werdegang zum Klangbildhauer undStimmungsmaler von Schneegarten(2000), Seelenschiff (2001) oder
Transformed (2008, alle bei Hands).
Aus einer niedersächsischen Idylle
nach Leipzig gekommen und gelernter Musiktherapeut, erzählt Xabec, wie er durch Anregungen vonden Neubauten und in der Hamburger Hörbar von Songstrukturen zu
Klangcollagen und experimenteller
Ambient-Elektronik fand. Andererseits lieferte er aber auch einenSong für Anne Clark. Was er auf Industrial-Festivals spielt, sei nur eine
Facette. Leider kommen die anderen kaum vor.

So Winter & Winter-luxuriös verpackt kommt
Works II (D129) von SAVERINO EVANGELISTAAND FEDERICO SPINI, dass ich die elektronischen Klänge, zuerst nur motorisches Brummen
und ein zeitlupiger Aqua-Planing-Loop, der Musica Academica zuordnen möchte. Aber Evangelista ist ein Mann der Noise Culture, im Duo Most
Significant Beat und, seit 1990, als Partner vonArturo Lanz in Esplendor Geométrico. ‚Skull‘ ‚Forehead‘ - ‚Eye‘ - ‚Nose‘ - ‚Mouth‘ - ‚Chin‘ - ‚Neck‘
werden abgetastet mit einem Echolot aus nun
auch melodiösen Schallwellen und zunehmend
rhythmischen Impulsen. Die leiten meine Imagination aus der minimalistischen Dunkelkammer in
die pulsierenden Neuromancer- und neonflackernden Virtual Light-Territorien von William
Gibson. Um dieses noch unkartographierte Futurum zu erfassen, braucht es mehr als nur Augen. Eine Nase, eine Zunge für den Geschmack
von brennendem Chrom, und Ohren für die Mustererkennung in einem wummernden Kontinuum,
in das Unsichtbares schnarrende Zeichen kratzt.
Sirrende Wellen und dunkles Pumpen durchpulsen die Sinne, umkurven sie mit Dopplereffekt undauch verdoppeltem Eifer. ‚Neck (Long FormicaRufa)‘ tastet in die Xenozonen mit Ameisenfühlern(Formica Rufa ist die Rote Waldameise). Stampfende, zuckende Impulse und schneidende Triller
suggerieren eine maßstabsvergrößerte Realität.
Die Sinne taumeln in einem Klangpartikelschauer,überschüttet mit Daten, die die Wahrnehmungskapazität sprengen würden, wenn man sie nicht
in pure Motorik transformieren könnte.
Während die knarzigen Impulse von Mindpiercing(D132 + Videoclips) meinen Schutzschild bepixeln
und perforieren, überlege ich, ob ich INCITE/,
das sind André Aspelmeier & Kera Nagel, nochvon woanders her kenne als von der Hörbar e.V.LP Verfassung. Tatsächlich, Minimal Listening(Fragmented Media), ihr 7“-Debut, hat sich wohlschon 2005 auf meinem Plattenteller gedreht. Typisch Incite/ ist ihre angeraute Low Fidelity,
schnarrende, stumpfe Einschläge, eifrig, abernicht ungemütlich boxend und stompend, dunkel
schnarrend und... knarzend (ich kenne kein besseres Wort dafür). Fuck digital!, scheint diese Lust
an der Unschärfe zu rufen und einem gleichzeitig
schon per Tätowiermaschine ins Fell zu gerben.
Die federnden, ‚stimmhaft‘ bebenden Beatz tanzen und punchen zwar auf Drum‘n‘Bass-Terrain,aber wie mit Wollhandschuhen und Filzpantoffeln.
Der ‚Mindpiercing‘-Clip zerstampft mit den Letternm i n d p i e r c i n g die Umwelt in schwarzweiß
flackernde Fragmente, das ‚Quantiverse‘-Video
lässt zu seinem Computerspielgeballer den Meteoritenfresser von der Leine.
75Musique concrète composée en 1993 - 1995 sous
forme de citation-collage. Der da auf Knud Un
Nom De Serpent (INT014) die Klangwelt plündert,
ist LIONEL MARCHETTI, solo, als Partner von
Jérôme Noetinger und mit dem Kollektiv Archipelein ‚fleißiges Lieschen‘ der Sound Culture. Seine
zuerst 2001 erschienene Collage, inspiriert von
Pierre Bettencourt und Mixturen, wie sie Lautréamont und Raymond Roussel visionierten und die
Dadaisten, Burroughs, Luc Ferrari, Ghédalia Tazartès und er selbst - als Roger De La Frayssenet- bei Kitnabudja Town (1997) aus der Schlangenhaut des Imaginären schneiderten, ist das ‚wilde
Denken‘ als Klang. Aus unzähligen Fragmenten
und Stimmen entstand etwas Bizarres, neben dem
Frankensteins Produkt wie ein Unterwäche-Modelerstrahlt, der bunteste Paradiesvogel aber verblasst. Marchettis allesfressender Jabberwocky
flackert wie Höhlenmalerzauber im Kerzenlicht.
Die Hydra wechselt ihre Masken, die Sirene ihren
Song, aber nicht die Grimasse und den Basiliskenblick. Le Chants du Monde, die seltsamen, exotischen, surrealen Schreie, die tropischen, närrischen, absurden Gesänge einer weltumspannenden Plattensammlung erklingen im Chants de Maldoror-Remix. Schamanenflüge durch Afrika, Indien, Ostasien, durch Gurgelstöcke, Vogelvolieren,
Radiowellen, 6 Arten von Stille, das Charivari vondurchgeknallten Muezzins, mongolischen Operndiven und biestigen Circen, Bach unter Pygmäen,
Obertöne über Mauerseglern, Hamlet bei den Affen, Caliban über Setebos... - grotesk und haarsträubend!
Sever (INT032) von JIM HAYNES, in San Francisco Herausgeber bei 23five und mit einigen Helen
Scarsdale-Releases bekannt geworden, enthält
vier namenlose Tracks, die er speziell für Howard
Stelzers Intransitive Recordings generierte. Fürdie dröhnminimalistische Mikroästhetik erweist er
Small Cruel Party seine Referenz. Vogelgepiepse
und Glöckchenklingklang sind eingebettet in körnige Fonds, in eine Poesie des Unscheinbaren.
Landschaft dröhnt und bebt in realer Gegenwart,
durchstöbert von raschelnden Chitingliedern und
Schnäbeln. Menschen kommen nur indirekt vor,
als vorrüber rauschendes Flugzeug, als klingender Draht. ‚:::‘ schnurrt und pulsiert, eine dicke
Fliege schwirrt ums Mikrophon. Aber Haynes findet weniger, als dass er macht. Er hantiert, er
schichtet, er belebt seine Welt mit feinen Spuren,
ist Mikroklimatiker, Landschaftsgärtner, ist selbst‚Fliege‘ und Vogelkralle. Bei ‚::::‘ schabt und rollt
er mit Metallstücken, nicht ‚draußen‘, sondern‚drinnen‘, man hört nämlich eine Tür. Es entsteht
ein Dröhnen und Sirren und eine rostraue Unruhe,
als ob der Raum selber atmen und zittern würde.
Wenn ich ganz genau lausche, höre ich sogar,
wie mir die Pickel am Arsch wachsen.
76

INTRANSITIVE
RECORDINGS(Cambridge, MA)

War Marchettis Welt im Narrenkleid
die Steigerung von Frankensteins
Geschöpf in der Unterhose, so bieten KOMMISSAR HJULER und
MAMA BÄR mit Asylum Lunaticum(INT033) den Superlativ. Von was?
Von allem. Kompiliert sind 7 Kostproben
desart-brutistischen
Wahnwitzes, mit dem das Ehepaar
seinen Polizisten- und Elternalltag
nach dem Beuys-Motto ‚Jedermensch ist ein Künstler‘ ausrichtet.
Nachdem Hjuler Zeilen aus dem
Simplizissimus
gehaspelt
hat(‚HJCV Grimmelshausen‘), singt
Mama Bär zu einer Diebstahlsicherung und gurgelt dazu mit Wookiestimme (‚Lichtblicke‘). Auf dem
Fahrrad unterwegs mit Söhnchen
Cy singt sie dann mitten im Verkehrslärm und von Einkaufstüten
umklappert eine Hymne an den
Schutzheiligen der Fahrradfahrer(‚Ehrfurcht‘), gefolgt von einer jaulenden Coda. Hjuler erklärt, plantschend im Keller seines Polizeireviers, wie er als Zeitreisender die
Welt so veränderte, wie sie heuteist (‚Meine erste Zeitmaschine‘) kein Grund, stolz zu sein, wie er zugibt. Dazu erfährt man, auf dänischgeradebrecht, mit Kasperl-Einwürfen und beschallt mit ‚Alle Vögel
sind schon da‘, wie der dänische
Polizeiapparat zu reformieren ist(‚de nye Rigspolitichefen‘), sowie,
im Selbstversuch getestet, wie wirkungslos ein rotes T-Shirt auf nur
dumm aus dem Kuhauge starrendes Rindvieh ist (‚Lauf in eine
Herde‘). Zuletzt beschallt Mama
Bär noch mit ihrem Herzschlag und
Mikrophongekratzerohe, kalte,
steinerne, halbe und in die Hose
gerutschte Herzen (‚Asylum Lunaticum‘). Mammamia und - [schluck].

L

I

C

H

T

-

U

N

G

(Leverkusen)

Auch wenn der Anblick von Herbstlaub und romanischen Bögen etwas anderes
vermuten lassen könnte, Masami Akita bleibt auch bei Dead Leaves (Digi-cd)
MERZBOW. Sein Harsh Noise ist längst zum Urban Blues für Noisophile geworden, die sich ohne zu zucken die Federn bei lebendigem Leib rupfen lassen. Im
auf~und~ab~kurvenden Weißen Rauschen nicht nur Rosarot, sondern alle Farben des Regenbogens oder eines Kathedralenfensters aufleuchten zu sehen
im dritten Auge, zu hören mit der ganzen Haut und gesträubten Haaren, das ist
immer wieder guter Grund, in den donnernden Wasserfall des Japaners als
Jungbrunnen einzutauchen. Wie unter einem Sandstrahl vom Durchmesser eines Tunnelbohrgerätes verschwinden unter Akitas zischender, brausender,
schrillender, jaulender, pulsierend stoßender, gründlicher Dusche die Mückenschisse des Trivialen. Wie runderneuert und neugeboren, wie ein in Drachenblut verhornter Siegfried, kann man sich danach wieder der Dreckschleuderei
des Alltags stellen. Nur weiß Akita offenbar ganz gut, dass es mehr Lindenbäume als Lindwürmer gibt. Seine ‚toten Blätter‘ sind ein verkapptes Memento Mori.
Muziek - Mix - Memory (Digi CDr), auch „The Lonely Kind“ genannt, ist eine Kollaboration von KAPOTTE MUZIEK & RICHARD RAMIREZ. Frans de Waard,
Roel Meelkop & Peter Duimelinks zermixten und vermuziekten 2004, live in
Stralsund, Ausgangsmaterial von Ramirez. Duimelinks hat 2005 das Ganze rekonstruiert. Anders als der maximalistische Merzbow operieren die Niederländer am minimalistischen Ende der Noiseskala. Eine brummende und sirrende
Klangfläche wird von kleinen Wischern markiert und von Schleifgeräuschen
durchloopt. Es prickelt, und helle Triller flickert umeinander. Wasser gluckert,
ein Naturalismus, der übertönt wird durch eine brrrrrrrrummige Spur unddurch verschiedene, erst zunehmend industriell motorisch, dann spielerischklingende Loops. Dem folgen feines Knarzen, leise Blasimpulse und wieder ein
leiernder Loop, der Pt. 1, ‚Seems Fine‘, launig beschließt. ‚Wise Deception‘, Kapotte Muziek im Ramirezwolf, schlägt einen ganz anderen Ton an. Grollend
wummert Geprassel, das zwischendurch ausdünnt und aufhellt, um nach knarrig bohrenden und zittrig bebenden Modulationen noch einmal abgründig abzudunkeln und schließlich harsch bratzend in aufeinanderfolgenden Hell-DunkelPhasen zu eskalieren. Ich verstehe, was ‚frommer Betrug‘ meint. Aber was ist
eine ‚weise Täuschung‘? Das Auge wird übrigens gereizt durch eine verschneite, einsame Parkbank, eine wie von Abendrot fast vergoldete Szenerie.
"Saite an Saite" ist ‚a String based Compilation‘ mit MILAN SANDBLEISTIFT +AIDAN BAKER + RELAPXYCH.0. Es muss ja nicht gleich Gefiedel sein. Der
Licht-ung-Macher traktiert Gitarrensaiten, vermute ich mal. Ein hohes Grundbrummen, fast schon Wummern, dient als Fond, auf den Plinks und Plonks gedingdongt werden und verzogene Twangs sich mit gerippelten und geknarrten
Klängen und Feedback mischen. Am gitarristischen Knowhow des Nadja-Mannes besteht im Anschluss daran kein Zweifel. Dunkle Repetitionen scheinen immer wieder die gleichen Signale ins anbrandende Meer hinaus zu funken. Wobist Du? Wann kommst Du? Ich bin hier und warte. Nur zuckende Störungenwellen zurück. Aber Baker lässt nicht nach, seine Riffs werden zu einem rituellen Klingklang, der so auf Dauer gestellt scheint, wie das Meer selbst. Atmen Rufen - Warten - Leben - Dröhnen werden eins. Auch Anders soundscaPeterson aus Schweden durchmischt seine Ambientelektronik gitarristisch. Sein
Klangfluss changiert, mit einer Grundströmung aus dröhnender Harmonik. Der
Stringsound ist darin eingebettet und gibt ihm, als geloopte Samples, wechselnde Muster und Schattierungen. Der Anonymus, der mit Wozencroft-Auge dietollen Fotos gemacht hat, sollte eigentlich einen Namen bekommen.
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MonotypeRec. (Warszawa)
In Nahaufnahme zeigt Close Up (mono 024) das elektroakustische
Feingewebe von BERTRAND GAUGUETs Alto- & Sopranosaxophon, FRANZ HAUTZINGERs Vierteltontrompete & Electronic Devices sowie des Analogsynthesizers von THOMAS LEHN im heftigen
und dichten Zusammenklang. Die Blasinstrumente schmauchen, fauchen und spotzen (134340) Pluto-weit entfernt von herkömmlichem
Saxophon- und Trompetenklang. Nicht zwergplanetenhaft den Abgründen ausgesetzt, vielmehr ganz und gar dem Getöns einer Anderwelt zugeneigt, dem sich diese wie egolose Bruitistik simulationszauberisch anverwandelt, schnarrend und zirpend, blubbernd undfurzelnd, spuckig gezüllt, knarzig und schnurrig. Für Sonic Fiction,
die xenophil weit über alles touristisch Erschlossene in Hic sunt Leones-Zonen vorstößt, sind irdische Metaphern wie ‚Pollocken‘ oder
‚Informel‘ und dergl. so obsolet wie der unterirdische, pardon, anachronistische ‚Non-Futurismus‘ von John Williams Star Wars-Bombast. Hier sind Voyager-Ohren und Deep Space-Sensoren gefragt.
Speziell der dritten, mit gut 26 Min. längsten Passage, fehlt es nicht
an Großartigkeit. Nur klingt das nicht nach projezierter WagnerDämmerung, sondern wie rezipierte Pulsare und auf Audiofrequenzen verschobene Sonnenwinde, wie Kometengezwitscher, wie Jupitergewitter.
Buenos Aires Tapes (mono 025, 2 x CD) bringt zu Gehör, was G Ü N TER MÜLLER 2006 im Fundación Cultural Surdespierto in Buenos
Aires gespielt hat. Nicht allein. Am 9.2. mischte er seinen Ipod- &Electronics-Sound mit Klängen, die ALAN COURTIS mit Unstringed
Guitar & Tapes und PABLO RECHE mit Sampler, Minidiscs & Electronics kreierten. Und am Tag darauf waren SERGIO MERCE undGABRIEL PAIUK seine Partner an einem 4-tracks Portastudio without Tape & WX7 bzw. Piano & Tapes. Merce ist mir im Kontext mit Lucio Capece, Paiuk mit Jason Kahn schon untergekommen, Alan aka
Anla Courtis mit Reynols oder Lasse Marhaug. Nur Reche hat bisher
das BA-Radar unterflogen. Die erste Begegnung hält Tuchfühlung
mit der Grasnarbe. Inmitten eines schmurgeligen Dröhnminimalismus braucht es feine Öhrchen, um kristallines Gras wachsen undameisenkleine Miniroboter emsig gärtnern zu hören. Erst nach einer
halben Stunde ist das Rumoren so angeschwollen, dass nur ganz ignorante Eloys noch überhören können, dass unter ihren grünen
Auen Turbinen brummen und Morlockmägen knurren. Bald dämpfen
die aber ihren industrialen Fleiß zu Leerlaufloops, Getucker, harmlos
wirkendes Pfeifen und Brummen. ‚Droben‘ setzt langsam die Dämmerung ein, Zeit, sich was zu Essen zu holen inmitten des blühenden
Blödsinns, zu dem mich die Langeweile gebracht hat. Paiuks Zweifingerpiano bringt anderntags eine neue Materialität ins sirrende Spiel,etwas Manuelles, Elfenbeinernes und Drahtiges. Dazu kommt, vonTonband, nehm ich mal an, wässriges Gefurzel, etwas Konkretes im
diffusen Strom der Elektronen und dem brummig wummernden, windig blasenden, spotzigen oder stechenden Grundton. Nicht genug,
um meine Lebensgeister dauerhaft zu fokusieren. Überhaupt ist daseine seltsam fade Diät.
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Untitled (Angle. 1) (NVO 018) bietet die Stereoversion des Soundtracks, mit dem RICHARD
CHARTIER in der Art Gallery der University of
Maryland ein Kunstwerk von Linn Meyers beschallte, genauer, ‚hörbar‘ machte, zumindest
mit akustischem Mehrwert anreicherte. Meyers
Exponat besteht aus zwei v-förmig gestellten
Wänden von je 15 x 8 Fuß, die sie mit feinen
braunen Linien wie mit parallelen Höhenlinienüberzog. Diese sublimen Isohypsen formen eine
imaginäre Wüstenlandschaft, fluss- und ortlos,
einen fein gerippelten Ozean aus Sand. In diesem
anachoretischen Winkel, nur fein flirrende Mantras als Meditationsfokus vor Augen, unterstützt
Chartiers Mikroelektronik eventuelle Anwandlungen von Askese und Entschlackung mit feinen
Dröhnspuren und mit feinem Zirpen, das sporadisch inmitten langer stiller Passagen verhallt.
Manchen vermittelt er vielleicht sogar einen Beigeschmack von Honig und Heuschrecken auf die
sandigen Lippen. Nächste Stufe - Samadhi-Tank.
Ohne expliziten Über- oder Unterbau kommen die
Flächen mit Figuren (NVO 019) von ASMUS
TIETCHENS in der nv°-typischen Falthülle. Deren Ziegelrot ziert einzig der bei Tietchens obligatorische E. M. Cioran-Spruch, der Hybris undEitelkeit einen Dämpfer versetzt. Diesmal: Wenn
man keine Lust mehr verspürt, sich zu äußern,nimmt man seine Zuflucht zur Musik, dem Schutzengel der Willenlosen. Ein Satz, der nur dannnicht bekenntnishaft selbstkritisch wirkt, wenndas, was hörbar wird, keine Musik wäre. Ich hörebei ‚FmF 1‘ und ‚FmF 5‘ Geknispel und feines Klicken und Klacken im Vordergrund - Assoziationen: kullernde, zwitschernde Moleküle, eineschmelzend tropfende Vocoderstimme bei 1,knisterndes Feuer, Hantieren mit Spreiseln und
Steinchen bei 5. Dazu webt und wallt im Hintergrund vages Gedröhn, das bei ‚FmF 5‘ wie ein gerade noch zu ahnender Mönchschor raunt. Ich
sträube mich etwas dagegen, diesen hintergründigen ‚Gesang‘ als Fläche, das Knacken als Figurzu hören. ‚FmF 6‘ und ‚FmF 7‘ bieten sich mit ihrem bloßen Sirren leichter als ‚flächig‘ an, etwa
als Spiegel, auf denen Gewölk mit Licht-Schattenspielen vorüberzieht, aber dann auch ein stechender Eisregen aufbraust. Danach tanzen einem wieder huschende ‚Figuren‘ auf der Nase.
Bei ‚FmF 5A‘, wie mit Beinahenichts ins Beinahenichts gemalt, streift einen nochmal ein
Spinnwebhauch von Geisterchor. Dem folgt dannnoch mit ‚FmF 2‘ fast so etwas wie eine verstümmelte Melodie, verzerrt und wie von einem asthmatischen Spielautomaten. Wer dazu wohl Zuflucht nimmt - und auch noch findet?
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nv° I
NONVISUALOBJECTS(Wien)

Wie bei Trac[k]_t ein Hackbrett, so unterzieht HERIBERT FRIEDL nun bei
Recherche_00 (NVO 020) einen Yamaha CS-40M-Synthesizer einer akribischen Untersuchung. Er extrahierte
aus allen spezifischen und representativen einen unkonventionellen ClickKlang und setzte beides in neue Bezüge, die wiederum von Fieldrecordingsüberlappt und durchsetzt werden. Das
Klicken erinnert je nach Stimmungslage an Tropffolter oder an melancholische Versuche, einem kaputten mechanischen Vogel doch noch Töne zu
entlocken. Gegen die deprivativen Anmutungen des Sounds, der, je länger
man sich ihm aussetzt, durchaus auchskurrile Züge und surreale Finesse
entfaltet, unterstreicht die Coverart
von Alexandra Berlinger eine heitere
Deutung. Da mag eine Tür noch so
seufzen, ein Gebläse noch so fauchen.
Friedl türmt aus fächerartig abstrahierten roten Bäumchen eine Bienenkorbarchitektur oder formt aus ihnen
zwei tausendfüßlerische, raupenartige
Wesen, die, Yamaha hin, Jammertal
her, keck den Vorderleib heben.

TOUCH (London)
Wireless (Touch, tone 38) ist ein Mitschnitt von Geir Jenssens Auftritt
im Arnolfini in Bristol am 27.10.2007, den sein Labelkollege Chris
Watson anfertigte. Die merkwürdigen Blas- und Atemgeräusche bei‚Pneuma‘ gleich zu Beginn stammen von Posaunen, die Anders
Karlskås blies. Nach dem pneumatischen Auftakt loopt BIOSPHERE
mit feinem Flötenton chinesisch weiter, als wäre ‚Shenzou‘ keine Rakete, sondern eine geruderte Himmelsbarke, die so mühelos dahin gleitet
wie Vögel. Deren Flügelschlag - ‚Birds Fly By Flapping Their Wings‘ sieht auch nicht nach Arbeit aus. Mit ‚Kobresia‘, benannt nach dem
Schuppenriedgras, zeigt Jenssen sein Können als ambienter Atmosphärenillusionist. Sanftes Hi-Hattickling und repetitive Monotonie klingen bei ihm nie langweilig, nur nachmittäglich, faunisch und souverän,trotz einer nahen Autobahn, auch wenn sich das Wetter eintrübt, sogar
wenn plötzlich ein älterer Mann Russisch zu murmeln beginnt. Eine Gitarre plinkt zu dunklem Grummeln, der Beat nimmt knackig etwas Fahrt
auf, setzt jedoch wieder aus für das elegische ‚Warmed By The Drift‘,das dafür mit einem jazzigen Besenswing unterlegt ist. Wireless ist
ständig in Bewegung, immerzu so oder so durchpulst, wenn man nass
wird, wird man schnell auch wieder trocken. Wie am Schnürchen eines
Motors gelangt man nach ‚Sherbrooke‘ und zum ‚Calais Ferryport‘, dort
auch mit einem Hauch von Lokalkolorit. Zum Finale knurrt wieder einePosaune in tiefer Basslage, urig.
ROBERT HAMPSON hat Vectors (TO:71) Hector Zazou (+ 8.9.2008)
gewidmet. Darauf sind drei Auftragsarbeiten in Wohnzimmerversionen
zu hören. ‚Umbra‘ war 2006 von Le Groupe de Recherches Musicales(GRM) für das Présences Électoniques Festival bestellt worden, ‚Dans
Le Lointain‘ 2008, ebenfalls von GRM, für Akousma, beides für Aufführungen mit dem 1974 von François Bayle initiierten Acousmonium, einem ‚Orchester‘ nur aus Lautsprechern. ‚Umbra‘ spielt mit dem Bilddes Kernschattens und der Sonnenfinsternis insofern, als knarzig undbrummig, knurschig und schimmrig bewegte Klänge in den Schatten
anderer, ähnlicher Klänge eintreten und wieder auftauchen. Einige derGeräusche klingen so plastisch, als würde per Hand hantiert, andere
nach Glocken-Dingdong, verzerrtem Froschgequake und Grillengezirpe, metalloid, als ob Hampson die Möglichkeiten des ‚Orchesters‘ hätte
ausreizen wollen. ‚Dans le Lointain‘, zum 50. Geburtstag eine Liebeserklärung an die analoge Geräuschästhetik der Musique Concrète-Forschergruppe, basiert auf einer alten Kassette, die Hampson Anfang
der 80er mit Radiokurzwellen bespielt hatte. Die Jahre seither, die er
hauptsächlich damit zubrachte, mit Loop, Main und Comae Electronica
mit einem gewissen Pop-Appeal zu kreieren, und die 5 Dekaden GRM
sind wie Krabbelversuche und Kindergetrippel im Vergleich zu den
Distanzen, die Radiosignale im Weltraum überbrücken. ‚Ahead - Only
The Stars‘, 2007 für das Planetarium de Poitiers geschaffen, hebt dannauch ab in den Weltraum. Gewidmet ist es dem Schallmauerbrecher
Chuck Jeager und den Piloten des NASA Mercury-Programms (195863), von Rhesusaffe Sam bis Glenn und Cooper. Der Stoff, aus dem die
Helden waren in der Steinzeit des Raumflugs, ist Klang geworden, erst
als Düsenjäger-Wooshes, dann zischend und dröhnend im Orbit, vonSignalen durchpiepst.
80UND NOCH MEHR BEATS, BRUITS, SOUNDS & SCAPES:

Foto: Hans Jörg Michel

ALVA NOTO + RYUICHI SAKAMOTO W/ ENSEMBLE MODERN utp_
(raster-noton, r-n 96, CD + DVD): Mannheim, die Quadratestadt im RheinNeckar-Dreieck, die 1607 ihre Stadtprivilegien erhielt, leistete sich zum
400. Jubiläum u. a. diese Auftragskomposition. Der Titel ist eine
Schrumpfform von ‚Utopie‘, der neben der rechtwinkligen Modernität
auch Mannheims musikalischer Fortschrittlichkeit Respekt erweist - von
Stamitz und der Mannheimer Schule im 18. Jhdt. bis zum Milk!-Club. Unsereins denkt mit Wohlwohn an die Alte Feuerwache. Sakamoto legt ein
Grundgerüst aus einzelnen Pianonoten, teils nur ganz dunklen, teils
ganz vom Laptop abgesaugten, die von Carsten Nicolai moduliert odermit feinen bis allerfeinsten Pixeln umstäubt und mit Dröhnwellen durchzogen werden, während das Ensemble Modern in der Manier von Zeitkratzer mit Strings, Bläsern und Perkussion lippen- und fingerspitz eine
Musique concrète instrumentale zaubert, bei der erst die DVD bestätigt,
was man den Ohren nicht traut. ‚Grains‘ und ‚Particle‘ benennen den
molekularen Charakter der Klänge, ‚Broken Line‘, ‚Plateaux‘ und‚Silence‘ Verlaufsformen der Musik, die horizontal und auf der Zeitachse
einen gleichzeitig städteplanerischen und auf Tradition und deren Instabilität bezogenen Anspielungsreichtum bietet. Tradition und Klarheit
sind dabei immer in ‚Transition‘. An Hochplateaus, wie sie diese Musik
mit erhabenen Haltetönen über das Grundrauschen und Mannheims
97 m ü. NN hinaus stemmt, nagt ständige Erosion. Was für ein starkes
und hypermodernes Stück hier gelungen ist, zeigt noch einmal der Konzertmitschnitt. Den Aspekt, dass Utopie ‚Arbeit‘ macht, verdeutlicht ‚tryout‘, ein Blick in den Produktionsprozess, das Sich-Zusammentasten desEnsembles und der Komponisten, das ganz verschiedene Codes kompatibel macht. So wird nicht nach Takten, sondern Minuten und Sekunden
gezählt, akustische Bausteine, vor allem dunkle Bläserstimmen, werden
elektronisch ‚gerastert‘, komponiert und zurück verwandelt in Instrumentalakustik in Kombination mit Laptop und Piano. Dieses Prozesshafte
wurde einst von Heiner Goebbels angeregt und vom Ensemble Modern
bereits ähnlich mit Fred Frith, Frank Zappa oder Ornette Coleman umgesetzt. Dazu wird nun auch der audiovisuelle Charakter von ‚utp_‘ offenbar, denn die Musik korrespondiert jetzt mit von Simon Mayer realisierten visuellen Analogien auf einer 12 x 2,5 m-Projektionsfläche, die als
einzige Lichtquelle im abgedunkelten Saal synästhetisch besticht, mit einem Finale, erst in Whiteoutweiß, dann in Schwarz. Ich sage es gernnochmal, ein starkes Stück und gut angelegtes Geld.
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NICOLAS BERNIER + JACQUES POULIN-DENIS Sur fond blanc(Ekumen, Ek009): Die beiden Kanadier arbeiten bevorzugt für Choreographen. Auch das hier ist eine Tanztheatermusik, nämlich die Neuinszenierung von La Chambre Blanche von Ginette Laurin und der Kompanie O
Vertigo, die im März 2009 auch auf einer Gastspielreise in Frankfurt undMünchen zu sehen war. Als „intim wie ein Schlafzimmer, mysteriös wie ein
Hotelzimmer, kalt wie eine psychiatrische Anstalt und isoliert wie eine
Festung“ wurde das Stück beworben und dass vom weißen Raum dunkle
Emotionen hervorgerufen würden. Die ‚Hörspielfassung‘ dieses Bewegungstheaters evoziert aus Stimmen und elektronischen Klängen immer
noch eine starke dramatische Wirkung, gespeist durch stressige Attacken (‚Len‘) oder mysteriös stapfende Schritte (‚Loa‘) und die verhuschte
Hintergründigkeit eines metalloiden Dröhnens. Eine schwere Eisentür
donnert, hastige Schritte und Kampfgeräusche suggerieren Action (‚Air),heimliches Sie & Er-Geflüster (‚Sau‘) hat etwas Verschwörerisches, einschreiartiger Sirenenton gibt Alarm, gefolgt von schnellen Beats (‚Emm‘).
Für Spannung ist also gesorgt, ohne dass man die Geschichte zu kennen
braucht. Das muss allerdings auch so sein, wenn ein Soundtrack auf eigenen Füßen tanzen gehen will.
PATRICK FARMER Apis mellifera, moved to and fro (Organized Music
From Thessaloniki, t05, CDR): Die Westliche Honigbiene, belauscht in einem Bienenhaus im englischen Harpenden. ‚And‘ lässt 5 Min. lang die Bienen direkt in ein Stereomikrophon brummen, ‚fro‘ fängt eine knappe Viertelstunde ihr Gesummse über ein Kontaktmikrophon an der Unterseite
der Stöcke ein, ‚moved to‘ reflektiert das Summen durch Basstrommel,
Cymbals, Flaschen, Steine. So entstanden drei Facetten eines feinen
Dröhnminimalismus, der auf die Attraktivität des Vagen vertraut. Die puren Bienen schnurren dabei wie aufgedrehte Motörchen, der Bieneneifer
wirkt unwillkürlich drängend und aggressiv, als wollten einige immer wieder stur mit dem Kopf mitten durchs Mikrophon. Durch die Decke klingensie dunkel wummernd und als feines Geflirre und vielbeiniges Knispeln das Ohr lässt sich täuschen und hört es ‚regnen‘ und ‚Schaumbläschen‘
bitzeln. Die ‚moved to‘-Version schöpft das restlos Bienenartige ab undbehält nur feines Gedröhn mit metallischem oder steinigem Beigeschmack.
FENN O‘BERG The Magic Sound & Return Of... (Editions Mego, eMEGO
3154, 2 x CD): Zwei junge Klassiker der Liveelektronik von 1999 und 2002
wiederveröffentlicht. Als Bonustracks mit aufgenommen wurden der Beitrag zur Sonar‘99-Compilation und ‚Adidas Sun Tanned Avant Man‘, dernur auf der japanischen Edition von Return Of enthalten war. ChristianFennesz, Jim O‘Rourke & Peter Rehberg hatten bei ihren Konzerten
1998/99 und 2001 - alles Material entstand damals als Livemitschnitt - alsIndieallstartrio den Versuch unternommen, Avant-Electronica, d. h. komplexe, beatarme, polymorph-pervers improvisierte und untanzbare‚Konzertmusik‘, als Attraktion auf der Höhe des Zeitgeistes etwas breiterzu streuen als üblich. Mit falschen Erwartungen von einseitigen O‘RourkeFans, die von ihm akustische Gitarre (wie mit Mazzacane Connors) odergar Sonic Youth-ähnliches erhofften, musste man zurecht kommen. Gegen Borniertheit und Schmalspurigkeit kann man letztlich nicht mehr tun,als auf die verführerische ‚Magie‘ der eigenen Qualitäten zu setzen. Die
Soundcollagen bis hin zum orchestral-opulenten ‚Fenn O‘Berg Theme‘ mit
der Lizenz zu Betören sind geschichtet und verzopft eben nicht aus allem, was die Laptopspeicher hergeben. So beliebig und als bloße Summe
ist Klangzauber nicht machbar. Ständiges Morphing und wuchernde Vielspurigkeit, Loops, Verzerrungen und Kompressionen, molekulare Diffusität, Einbrüche von Noise ebenso wie ungeniert melodiöse Einschübe vonorchestralen Samples kitzeln die Empfänglichkeit und spotten - mit
Schreibmaschinengetippe - dem Versuch, etwas derartig Logofugales in
Worte zu fassen.
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[-HYPH-] Ultrapeer (Walter Ulbricht Schallfolien, WULP 055, LP): Mit Klopstocks Mahnung„Wenn man versucht in einem Elfenbeinturm zu
leben, schwappt viel Kot an seine Mauern“, imHinterkopf, versucht Nicolas Wiese bei seinem
die ganze [--]-Seite füllenden ‚Unpiece‘ erst gar
nicht, mit Brunnenfröschen über das Meer zu
reden oder das ICH zu entzwiebeln. Oder tut er
das gerade doch? ‚Die Risse im bildungsbürgerlichen Selbstverständnis‘ sind keine Einbahnstraßen und wie der Mensch, dem Mondegleich, sich auch dreht und bläht - „wie ein fauliger Kartoffelsack“, höre ich Ditterich von Euler-Donnersperg murmeln - , der Arsch bleibt
immer hinten. Auf der ]--[-Seite findet man‚Ultrapeer‘ & ‚Vertikalzeit‘, wie schon das‚Unpiece‘ gespielt von einem Quatuor Pli, allerdings in komplett anderer Besetzung. Das ist
aber nicht so wesentlich, weil der Instrumentalklang eh nur seine Unkenntlichkeit - allenfalls
sind da Schatten von Strings - in den Dienst der
Schönheit stellt. Wesentlich ist dagegen, „den
Jammer entjammern, die Eitelkeit enteiteln, den
Zwang entzwingen, die Kunst entkunsten“ sichanzuschicken. Gern rede ich da Euler-Donnersperg nach dem Mund und gegen den Strom,den Kloake zu nennen er sich nicht scheut. Abseits davon treffen wir Wiese „auf schlecht beleuchteten
und mit spitzen Stolpersteinen überHARUKI To Humble A Nest (The Land, die widerhallen von seinen subsäten
Pfaden“
Of, LND008): Haruki ist Boris Snaulimen,
bisweilen
einsiedlerisch kargen, diskontiwaert in Gent, dessen Elektroakustik
nuierlichen
Konkretionen,die sich so präzise
bisher bei Labels wie Corps-Morts oderwie
flatterhaftmit
dem
Relativenvernetzen.
Kaspar Hauser Records publiziert ist.
Hier lädt er ein in polymorphe Klanglandschaften, in denen Instrumental- IRR. APP. (EXT.) Kreiselwelle (Helen Scarssamples, elektronische und konkrete dale Agency, HMS016): Das ist nun - nach OzeaSounds zusammenklingen, geheimnis- nische Gefühle und Cosmic Superimposition voll und überwirklich. ‚Bilder einer Aus- der abschließende Teil von M. S. Waldrons Tristellung‘, aber diesmal sind die Bilder logie über den Freudo-Marxisten, FaschismusEinstiege in seltsame Szenerien, wie und Orgontheoretiker und Parawissenschaftler
von Jeff Wall gestellt und fotografiert. Wilhelm Reich (1897-1957). Reich war der AufGleichzeitig ist das Musik to read Mura- fassung, dass der von ihm postulierte ‚Orgonkami by, Harukis Taufpaten. Japani- energie-Ozean‘ ‚Lebensenergie‘ in Form vonsche Stimmen bei ‚Sometimes I Send ‚Kreiselwellen‘ ausstrahlt, die sich visuell, therDoves And Hope They Understand‘ il- misch, elektroskopisch und mit Hilfe des Geilustrieren den Link zu Kafka am Strand ger-Müller-Zählers nachweisen lassen. Waldron
oder After Dark. Man kann sich ganz an spielt entsprechend mit ‚Spiral-Klängen‘, Spiralden Versuch verlieren, Harukis Poesie federn, dem Geräusch anbrandender, ‚lapzu enträtseln, die Schritte, das Schnau- pender‘ Wellen, Luftwirbeln, aufziehbaremfen, indischen Singsang, Geknister, Spielzeug etc. Rasselnde, pulsierende, blubbrig
Pulsieren, Drones. Aber dazwischen unkende, wie Whirlies sirrende und automasetzt Snauwaert immer wieder auch tisch klappernde Geräusche mischen sich mit
klangvolle Akzente, Klänge von - oder elementaren zu einem unruhigen Gedröhn. Die
wie von - Klavier, Tuba, Akkordeon, an- und abflauenden Erregungszustände sindBassklarinette, kurz, aber prägnant, Teil eines Kontinuums von gut einer Dreivierdas Strumming einer akustischen Gi- telstunde. Schritte zu Beginn und zwischentarre, gestrichene Strings. Dann wieder durch vage Stimmfetzen im Hintergrund deuten
vages Hantieren, durch Rauschen ver- an, dass der Mensch in diesem Energiefluss,
diesem Kontinuum von Wirbeln mitschwingt.
schleiert. Seltsam, seltsam.
BILLY GOMBERG Days (The Land Of,
LND007): Pianoreveries in the Land of
Glitch. Träumerisch in sich versenkt,manchmal fast alptraumhaft verlangsamt, als ob jede Bewegung, jeder Ton,zähklebrig nicht von der Stelle käme.
So spielt der 1979 in Chicago geborene, seit 2005 in Brooklyn aktive Gomberg somnambul Klavier und schickt
die Töne dann durch Filter und Verstärker und Modulatoren. Morphing à laMorpheus. Gombergs kürzliches Debutalbum auf mOAR ist mit dem vagen
Wörtchen ‚comme‘ betitelt - wie, wie
zum Beispiel, wie auch immer... Die Pianoklänge verwehen als rauschende,summende, hell schwebende, flackernde Drones, als Slow-Motion-Loops, betupfen sich selbst wieder mit dunklen,
unscharfen Flecken, stumpfen Klacklauten. Beim Auftakt summt Gomberg
zu seinen After-Midnight-Improvisationen. Beim abschließenden ‚Glass Negatives‘ erklingt die Stimme von Anne
Guthrie mit einem Volkslied, allerdings
nur für paranormal empfängliche Ohren hörbar.

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JASON KAHN Vanishing Point (23five, Incorporated 015): Vordergründig ein mikrotonales Brausen, eine dröhnminimalistische
Dreiviertelstunde am Stück, eine Klangverwirbelung aus Myriaden von Partikeln. Untergründig jedoch werden die noch hörbaren
Pitches einer Cymbal abgedunkelt durch
basslastiges Grollen und Rotorengewummer.
Und hintergründig läuft ein noch dunklerer
Film. Kahn schreibt, dass er bei der Arbeit andiesem Stück ganz in Gedanken an seine
verstorbene Tochter Louise war. Das Verschwinden, der Punkt Omega, dem dieser
Klang sich entgegenschraubt, ist also ein
denkbar persönlicher und schmerzlicher.
Nicht so direkt wie bei Ohne Titel 1916 , den
Kindertotenliedern ohne Worte, die Enrico
Wuttke aka Flim seiner verstorbenen Tochter
Fanny widmete. Aber das Grübeln über das
Wohin und Danach liegt noch zwei Jahre
später als Schatten auf diesem Schleier aus
feinen Geräuschen, die im Volumen immer
mehr abnehmen, jetzt nur noch bitzeln wie
elektrische Störfünkelchen und ganz, ganz
allmählich unter die Hörschwelle versinken.
STEPHAN MATHIEU + TAYLOR DEUPREE
Transcriptions (Spekk, KK019): Zwei Zeitschichten, zwei Schichten von Fingerabdrücken. Mathieu spielt mit Relikten eines vergangenen Medienzeitalters, 78rpm-Schallplatten und Wachszylindern, gelegentlichauch Piano, Deupree addiert Gitarren- und
Synthesizersounds, beide verdichten den
Sud so, dass die Zutaten und Gewürze zwar
zu schmecken, aber kaum zu identifizierensind. Im dröhnminimalistischen Rauschen,
Schillern, Dröhnen, Pfeifen, Orgeln, im Knistern von ‚Remain‘, im langsamen Mahlen und
dunklen oderklickenden Zupfen von‚Andante‘, schwingen Stimmungen mit undeine gewisse Aura, der Genius von Edison
und Berliner, eine Patina, die Laptops erst in
hundert Jahren anhaften wird. Nur durch
Spuren von Differenzen, Spuren von Spuren,
Spuren und Narben von etwas Abwesenden,
auf das verwiesen wird, gibt es laut Derridaüberhaupt erst ‚Text‘, Sinngewebe, Geschichten, Geschichte. Schellack ist ein Narbengewebe. So altmodische wie poetische
Titel wie ‚Nocturne‘, ‚Largo‘, ‚Solitude‘, ‚White
Heaven‘ verführen einen dazu, mehr zu hören als man hört. Warum wirken bestimmte
Klänge wehmütiger als andere? Warum tönt
Manches grau und Manches weiß? ‚Solitude
of Spheres‘ rauscht mit Fragen und möglichen Antworten ins Nebulöse und hinterlässt
dafür eine Handvoll Gitarrentöne als Spur.
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ANDREA NEUMANN Pappelallee 5(Absinth Records 016): Die Stille, die es
nicht gibt. Schon gar nicht in einer Berliner Wohnung. Und auch nicht hier inFranz-Ludwig 11. Neumann plinkt undplonkt und tremoliert im Innenklavier
und modifiziert die Töne per Mischpult.
Man lauscht dem Nachhall über statischem Grundrauschen und bitzelndem
Geprassel, schrillem Sirren, knurrigem
Brummeln, das im Stereoraum umher
kurvt und sich lange festsetzt. Ungewollt
wurden die Aufnahmegeräte auch zu
Lauschern an der Wand, hinter der, fast
nur zu ahnen, Angela Ballhorn Klavier
übt, Tony Buck Gitarre und Axel Dörner
Trompete. Fehlen nur noch paranormale
Geisterstimmen. Wie der Wunsch nachdem Sohn einst die Zahl der Töchtervermehrte, so verstärkt die Suche nachdigitaler Stille und High Fidelity Nebengeräusche. Ebensowenig wie Töne gibt
es Stille ohne diesen Schatten. Nur konsequent, werden sie hier willkommen
geheißen und in den Vordergrund gerückt. Wie sehr ich aber meine Ohren
mit Weihwasser spüle und wieviel Kerzen ich auch anzünde, die Erleuchtung,was daran witzig ist, will sich nicht einstellen.
STEPHEN SPERA 4 {H2O} ([ Parvoart ],parvo 005, 3“ mCD): Spera ist ein New
Yorker Künstler, der auch als Two Day
Dream Pass aktiv ist, nicht alltägliche
Lektüre schätzt (Raymond Roussel, Blaise Cendrars, Bruno Schulz, Robert Walser sind da noch die bekannteren Namen) und sich auf MySpace als 101-jähriger Steinbock präsentiert. Der Einbildungskraft bietet er kleine ambiente
Szenerien mit Bezug zum Wasser ‚Chalkwhite Sea‘, ‚Ocean, Boy, Sky‘. Vielleicht sind das Kindheitserinnerungen,oder einfach Tagträumerei. Stimmengewirr, Klingklang wie von einem Windspiel, langsame Dröhnwellen, ein Sprudeln oder Rinnseln. Von Wind und Regen
verwehter, ganz vager Singsang, mit Geknister, als würde Philip Jeck das als alte
Platte abspielen. ‚Even As We Spin‘ fügt
dem nostalgischen Dreh Stringsamples
hinzu, tüpfelige Muster, Schellenklang
und noch mehr Knackser. Ein Traum von
Schönheit, aber nicht ungetrübt. In dasvierte und letzte Stück mischen sich einleichtes Zittern, verhallende Pianonoten
und erneut Wassergeplätscher.

STASIS DUO 3 (Organized Music From Thessaloniki, t06, CDR): Dereine, Adam Sussmann (*1978, Sydney), führt Spinoza, Joseph Beuys,
John Cage und Hermes (!) als Einflüsse an, der andere schwört auf
God, Wife, Music - halt, das ist wohl der falsche Matt Earle. Der richtige spielt mit Sussmann im Trio Xwave auch noch ‚dekonstruierten No
Wave‘, was immer das sein mag. Hier aber treiben sie zusammen den
Minimalismus auf die Spitze, so wie man Engel auf die Nadelspitze
treibt, um sie besser zählen zu können. Mit leeren (!) Samplern lassen
sie eine Sinuswelle piepsen oder einfach die Statik leise rauschen.
Ein Knispeln und molekülfeines Hastenichtgehört machen da schon
Schlagzeilen, wenn auch nur Weiß auf Weiß gedruckte. Aber im dritten Teil wird die Hörschwelle so richtig geschockt, mit Knipsen, alswürde sich ein Elfchen die Fußnägel schneiden und spotzenden Verpuffungen, über die wir inmitten dieser Feinstofflichkeit nichts Unfeines denken wollen.
TARAB Take All Of the Ships From the Harbour, and Sail Them
Straight To Hell (23fice, Incorporated 014): Während sein Landsmann
Cameron Webb aka Seaworthy mit 1897 ein aufgelassenes Munitionsdepot belauschte, vermaß Eamon Sprod aka Tarab aus Melbourne die Psychogeographie der Angel Island in der San Francisco
Bay. Die war 1910-40 das große Durchgangslager für chinesische
Immigranten gewesen und 1952-62 Basis für Nike-Luftabwehrraketen. Doch nicht davon raunt der Text, der hinter dem grau bespritzten Schuber als Cover auftaucht, sondern von einer brennenden UBahn und von Schiffen, die zur Hölle fahren. Dazu generierte derAustralier ein dunkel grummelndes Bassbeben, Rieseln, Prasseln undRasseln, zu denen man Sand assoziiert, eine Klapperschlange, einen
Regenguss. Dann wird man in eine leere Halle versetzt, in Organums
Vacant Light-Zone, in der der Wind mit Metallkrimskrams spielt. Vages Gemurmel im Hintergrund mischt sich mit der Stille und Verlassenheit. Auf gläsernes Flirren folgt ein weiterer Regenguss, dann erneut Beinahestille, nur ungutes Windgefauch und das Dröhnen eines
leeren Wasserfasses, das mich auf Stig Dagermans Insel der Verdammten versetzt, dieses salzig beleckte Alptraumeiland, über das
jetzt ein Sturzregen hinwegfegt und nach einer Weile, in der Möven
und Seelöwen zu hören sind, noch einmal, fauchend und prasselnd.
Ein metallischer Kreisel dreht sich pfeifend, Schaum knistert - oder
Feuer? - dann dröhnt es noch eine Weile vor sich hin bis sich derVorhang senkt.
ANDREW WEATHERALL A Pox On The Pioneers (Rotters Golf Club,RGCCD017): Was hat BA mit einem Dancefloor-DJ, VW-Werbespotter,
Björkremixer am Hut? Weatherall hat mit The Sabres of Paradise und
Two Lone Swordsmen Club-Geschichte(n) mitgeschrieben, die inzwischen auch schon wieder platt getreten wurde(n). Wem er da wohl
bei seinem Solodebut die Syph an den Schwanz wünscht? Titel wie‚Fail We May, Sail We Must‘, ‚Walk Of Shame‘ und ‚All The Little Things(That Make Life Worth Leaving)‘ spiegeln seinen Humor etwas subtiler. Man muss keine Eliteschule besuchen, um ihm rhythm-, rhyme- &reason-mäßig folgen zu können. Sein Midtempo ist grundsympathisch, die auf simple Weise opulenten, manchmal auch unnötig aufgeblasenen Arrangements haben meist einen Mitschunkelswing,‚Let‘s Do The 7 Again‘ hat das Zeug zum Pub-Hit. Sagte ich schon,dass Weatherall ungeniert singt? Seine lakonischen Zeilen bringt er
mit knackigen Maschinenbeats, Synthiegezuckel und strammem Bassin Schwung, aber Gitarren sind genauso selbstverständlich. Der
Sound ist fett, die Melodieführung POP, ohne die Sophistication im
Mainstream zu ersäufen. Wenn das Songhafte dominiert - etwa bei‚Privately Electrified‘ und ‚Built Back Higher‘ - , und wenn er - er ist
schließlich 46 - , seinen 80s-Neigungen nachgibt, dann hat das was.
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NATE YOUNG Regression (iDEAL Recordings, iDEAL076): Young, derLeitwolf von Wolf Eyes, ist hier als einsamer Wolf unterwegs. Sein regressives Geknurr, in Detroit entstanden, hat er eigenhändig verziert
mit einem Janustotenschädel und im Booklet mit abstrakter Grau-inGrau-Malerei, die speziell auch die Covers einer lim. Kunstauflage von
17 Laserdiscs schmückt. Mit Analogsynthies, Tapedelay und Loops
entführt er die Imagination in eine finstere Zone, in der nicht der
Schlaf der Vernunft, sondern, ebenso schlimm, gerade die schweißkalte Angst vor Alpträumen ihre eigenen Monster gebiert (‚Sweating
Sickness‘). Mit starrem Blick lauscht man, wie die monotonen Sekunden wie Poes Pendel unausweichlich immer näher sicheln mit der
Drohung des Schlafs (‚Sleep Anxiety‘). Das Herz schlägt schneller als
die Sekunden, ein Tamtam der Erregung, die Synapsen knirschen undschrillen. Denn die Bedrohung, noch gesichts- und namenlos (‚Untitled‘), lauert Innen (‚Under the Skin‘) und wartet darauf, dass man die
Augen schließt. Young lässt einen zittern in einem schwarzen Doublebind. Man möchte sich mit uraltem Troglodyteninstinkt in einer Höhle
verkriechen und weiß doch schon, dass man sich das Nicht-Geheure
in der eigenen Schädelhöhle nirgendwo vom Leibe halten kann.
V/A [parvo] art ([ Parvoart ], parvo 007, 3“ mCD): Ein kleine [ Parvoart ]-Visitenkarte, die immerhin 7 Facetten der Labelvorlieben zeigt,
allesamt 3 - 3 1/2 Min. lang. P o r z e l l a n beginnt dröhnminimalistisch.
Tomas Phillips + Marihiko H a r a verfädeln sparsame Piano- und
Kotoklänge mit einem silbernen Faden. Rim schürft - mit einer Gitarre- wieder Gold in einer Dröhnmine. Fast noch subtiler tastet sichKrzysztof Orluk mit dem Blindenstock durch nieselregnerisches
Dröhnland. Labelmacher Duncan Ó C e a l l a i g h remixt S t e i n b r ü c h e l zu fein schmatzenden Glitches und Atemzügen auf sanftem
Dröhnfond. Der toskanische ‚Japaner‘ Shinkei reduziert bis auf winzige Zwitscher- und Zirpfitzelchen. The B o a t s sind zu zweit, ihr‚George Herbert Leigh Mallory‘ sogar nur einer, nämlich ein Mt. Everest-Besteiger, dessen gefrorene Leiche 1999 auf 8179 m gefunden
wurde, 75 Jahre nach seinem Tod. Hier erklingt noch einmal ein kleines Requiem für ihn, aus heiteren Beats und Cello. Eine feine Internationale: D - USA + J - F - PL - SCO + CH - I - UK.
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A-Z
AAN 48 - TOM ABBS & FREQUENCY RESPONSE 19 - ACID MOTHERS TEMPLE AND THE
MELTING PARAISO U.F.O. 60 - AGNEL, SOPHIE 18, 40 - ALLEN, GERI 24 - ALVA NOTO 81 ANDERSON, FRED 19 - AP‘STROPHE 33 - APORIAS TRIO 25 - ARC 18 - ARCHETTI, LUIGI
29 - ARMPIT 47 - BAKER, AIDAN 77 - BARBERI, GATO 20 - BEDNARCYZK, TOMASZ 70 BEHRENS, MARC 72 - BELLINI 60 - BERNIER, NICOLAS 82 - BIELER-WENDT, HELMUT 23 BIOSPHERE 80 - THE BLACK NAPKINS 10 - BLAST 4 TET 51 - CARLSON, JOHN R. 33 CARRIER, FRANÇOIS 16 - CHARTIER, RICHARD 79 - CHAVEAU, SYLVAIN 16 - CHEERACCIDENT 4 - CHOI SUN BAE 23 - COPERNICUS 60 - COSI, VALERIO 48 - COURTIS, ALAN
78 - CROMAGNON 20 - CULTURAL AMNESIA 61 - CUTLER, CHRIS, 51, 52 f - DAISY, TIM 12,
19, 39 - DAVIES, RHODRI 16 - JEAN DEROME ET LES DANGEREUX ZHOMS 32 - DEUPREE,TAYLOR 84 - DRURY, ANDREW 15 - EDWARDS, MARC 31 - ELECTRIC COWBOY CACOPHONY 33 - ELEPHANT9 9 - ENSEMBLE MODERN 81 - EVANGELISTA, SAVERINO 75 - EVANS,PETER 6, 10, 22, 31, 34 - EXTRA LIFE 11 - EYES LIKE SAUCERS 48 - FANG DEN BERG 61 FARMER, PATRICK 15, 82 - FELL, SIMON H 32 - FENN O‘BERG 82 - FENNESZ, CHRISTIAN
46, 82 - FERGUSON, JOHN 17 - FLATEN, INGEBRIGT HÅKER 12, 26, 43 - FRANCHINI,ENZO 48 - FRIEDL, HERIBERT 79 - FUJII, SATOKO, 35 - GAUGUET, BERTRAND 78 - GINTAS K 72 - GLASGOW IMPROVISERS ORCHESTRA 14, 24 - GOMBERG, BILLY 83 - GRØNVOLD, DANIEL MEYER 14 - GUYVORONSKY, VYACHESLAV 26 - HALVORSON, MARY 6, 22 HAMPSON, ROBERT 80 - HANNAFORD, MARC 35 - HARTH, ALFRED 23 - HARUKI 83 HAUTZINGER, FRANZ 78 - HAYNES, JIM 76 - HELTON, THOMAS 35 - HEMATIC SUNSETS
73 - HENRITZI, MICHEL 36 - HENRY COW 52 - HOLLINGER, PETER 23 - [-HYPH-] 83 - IN
THE COUNTRY 28 - INCITE/ 75 - IRR. APP. (EXT.) 83 - ISFORT, TIM 11 - JEWELL, RYAN 15- JUNKO 36 - KAHN, JASON 84 - KANG EUN-IL 23 - KAPOTTE MUZIEK 77 - KEUNE, STEFAN 36 - KKNULL 71 - KOJIMA TAKASHI 23 - KOMMISSAR HJULER & MAMA BÄR 76 - KRÄMER, ACHIM 36 - KRK 37 - KURAI 37 - LAMBERT, MICHEL 16 - LAND OF KUSH 45 - LA
STPO 59 - LÉANDRE, JOËLLE 26 - LEARY, TIMOTHY 20 - LEHN, THOMAS 15, 38, 78 - LEIMGRUBER, URS 38 - LENOCI, GIANNI 26 - LEWIS, GEORGE 25 - STEUART LIEBIG & THE
MENTONES 61 - LILES, ANDREW 62 - LONDON, FRANK 57 - THE LONELY RAT 62 - LUCAS,
JOÃO 17 - LUSSIER, RENÉ 32 - MÄDER, MARCUS 74 - MANGIA, STEFANO LUIGI 26 - MARCHETTI, LIONEL 76 - MARTEAU ROUGE 38 - MATHIEU, STEPHAN 84 - MELFORD, MYRA 35- MERCE, SERGIO 78 - MERZBOW 46, 77 - MILLEFLEUR 17 - MILTON, MATT 15 - MORRIS,JOE 32 - MOSTLY OTHER PEOPLE DO THE KILLING 10 - MUKEI CHIE 23 - MÜLLER, GÜNTER 78 - NARTHEX 27 - NEUMANN, ANDREA 27, 84 - NEW FRACTURE QUARTET 39 - NIGGLI, LUCAS 24 - NIOBE 50 - NISENNENMONDAI 11 - NOVACK, BRUCE 39 - OGOGO 63 ORAM, DAPHNE 66 - PAIUK, GABRIEL 78 - PALSDOTTIR, EIVOR 9 - PAPENHEIM, TORSTEN
40 - PARK CHANG SOO 23 - PARKER, EVAN 38 - PARKER, WILLIAM 26 - PEOPLE BAND 18 PETER, THOMAS 74 - PETROVA, EVELYN 26 - PHOSPHOR 27 - PILLOWDIVER 70 - PLIAKAS, MARINO 8 - POULIN-DENIS, JACQUES 82 - PULIDO, LUCIA 46 - QUATRE TETES 15 QVENILD, MORTEN 28, 29, 43 - QWAT NEUM SIXX 40 - RAMIREZ, RICHARD 77 - RATTI, NICOLA 63 - RECHE, PABLO 78 - RELAPXYCH.0 77 - THE REMOTE VIEWERS 55 - REMPISPERCUSSION QUARTET 12 - THE RENDERERS 48 - RICE CORPSE 63 - RIVES, STÉPHANE
16 - RODRIGUES, ERNESTO 14, 15, 16 - RODRIGUES, GUILHERME 14, 15, 16 - ROGERSON, DIANA 62 - RUPP, OLAF 8, 44 - SAFI 64 - SAFT, JAMIE 58 - SAKAMOTO, RYUICHI 81 SANDBLEISTIFT, MILAN 77 - SANTOS, CARLOS 15, 16 - SAVOLDELLI, BORIS 49 - SCARCITY OF TANKS 64 - SCHNEIDER, HANS 36 - SECRET CHIEFS 3 13 - SHARP, ELLIOTT 49 SHEA, KEVIN 10, 21, 22 - SIEWERT, MARTIN 46 - SIGNAL TO NOISE 41 - SIMAKDIALOG 49- SKLAMBERG, LORIN 57 - SLAVIN, WANJA 10 - SMITH , CHES 13, 22, 50 - SMITH, WARREN 19 - SOO‘S COLLAGE 11 - SPALTKLANG 41 - SPEAK EASY 15 - SPERA, STEPHEN 84 SPINI, FEDERICO 75 - SPOCKFREVO.ORCHESTRA 10 - SPUNK 28 - STANGL, BURKHARD
46 - STASIS DUO 85 - STAUSS, MARKUS 37, 41 - STOCKHAUSEN, MARKUS 42 - STRØM 74- STUDER, FREDY 42 - SUSANNA AND THE MAGICAL ORCHESTRA 29 - SWISS IMPROVISERS ORCHESTRA 16 - DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE 71 - TALIBAM! 21 - TARAB 85- TAZARTÈS, GHÉDALIA 56 - TEHARDO, TEHO 65 - THE TERMINALS 47 - TÉTREAULT,MARTIN 32 - THE.KØP 43 - THE THING 30 - THOMAS, DAVID 15 - TIETCHENS, ASMUS 71,
73, 79 - TRINITY 43 - TRIO 3 24 - TURNBULL, MIKE 23 - TUSK 65 - ÜBERMORGEN.COM &&NUSSBAUMER 72 - UP-TIGHT 47 - URABE, MASAYOSHI 36 - V/A SUPERNOVA 2 - V/A[PARVO] ART 86 - VAN HEUMEN, ROBERT 14, 17 - VOKS 73 - VOLCANO THE BEAR 59 VOLDEN, HÅVARD 14 - VRIL 51 - GREG WALL & LATER PROPHETS 57 - WARD, ALEX 32 WEASEL WALTER 6, 31, 64 - WEATHERALL, ANDREW 85 - WERTMÜLLER, MICHAEL 8, 44 WIESE, JOHN 71 - WIGET, BO 29 - XABEC 75 - XU FENGXIA 23, 24 - YOSHIHIDE, OTOMO 32- YOUNG, NATE 86 - YOUNGS, RICHARD 73 - ZORN, JOHN 58 - ZS 9 - ZU 65
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