BAD AL
CHE
MY
101

›Mißverständnis‹ heißt die Rhythmik, mit welcher die allein wahre Wirklichkeit
sich ins Gespräch drängt. Walter Benjamin
Nur die Phantasielosn flüchtn in die Realität. Arno Schmidt
Nicholas Baker - Der Anthologist
Julian Barnes - Arthur & George
Pío Baroja - Shanti Andía, der Ruhelose
Miquel De Palol - Im Garten der sieben DämmerungenAgnès Desarthe - Ein Geheimnis ohne Belang
Tibor Fischer - Ich raube, also bin ich [= The Thought Gang]
Dashiell Hammett - Der schwarze Hut
Maarten t' Hart - Das Wüten der ganzen Welt
James Joyce - Ein Porträt des Künstlers als junger Mann [again]
Fritz Senn - Nicht nur Nichts gegen Joyce
Volker Kutscher - Märzgefallene
Jörn Leonhard - Die Büchse der Pandora: Geschichte des Ersten Weltkriegs
Marc-Antoine Mathieu - 3 Sekunden
Robert B. Parker - Tote träumen nicht
Ernst Penzoldt - Süße Bitternis
Josep Pla - Der Untergang der Cala Galiota
Richard Powers - Der Klang der Zeit
Gabriele Tergit - Käsebier erobert den Kurfürstendamm
Johann Karl Wezel - Kakerlak
Don Winslow - Kings of Cool
P. G. Wodehouse - Sein und Schwein
Arno Schmidt - Stürenburg-Geschichten; Nebenmond und rosa Augen; Kühe in Halbtrauer; Aus julia
nischen Tagen; Das Leptothe=Herz; Julia, oder die Gemälde [again & again];
Der Briefwechsel mit Hans Wollschläger

Ernst Bloch - Urfarbe des Traums (1926). Reprint in: Jahrbuch der Karl-May-Gesellschaft 1971
Roland Burmeister - Die MusikStellen bei Arno Schmidt
Jürgen Hahn - »Da klebte ich zwischen Himmel und Erde« Betrachtungen zu Karl Mays Alterswerk.
In: Jb-KMG 1992; Old Shatterhands Berceuse oder die Ballade vom dozierenden Säugling in
Rondoform. Ein Versuch über die Tücken der Banalität. In: Jb-KMG 1995; ›Verschroben und
privat‹ - Panoptikum und Schamanenspiel. Karl Mays Roman ›Ardistan und Dschinnistan‹ als
groteskes Modell kaleidoskopischer Permutation des Zeitgeistes oder eines ›Dinosauriersin schwieriger Zeit‹. In: Jb-KMG 1998; Last Exit to ›Dschinnistan‹. Ein Beitrag zur Konstruktion des ›Neuen Menschen‹ um 1900. In: Jb-KMG 2004
Martin Lowsky - Angst vor der »scharfen Nachtluft«? Modernes Erzählen in Karl Mays Roman ›Im
Reiche des silbernen Löwen‹. In: Jb-KMG 2000; Von Hobble-Frank zu Pappermann oder DerIntellektuelle Karl May. In: Jb-KMG 2007
Gunter Scholdt - Sitara und die Marmorklippen. Zur Wirkungsgeschichte Karl Mays. In: Jb-KMG
1982; Hitler, Karl May und die Emigranten. In: Jb-KMG 1984
Hans-Rüdiger Schwab - Der Sieg über den Panther. Karl Mays Auseinandersetzung mit Friedrich
Nietzsche. In: Jb-KMG 2002
Philip Schwenke - Das Flimmern der Wahrheit über der Wüste
Heinz Stolte - Narren, Clowns und Harlekine. Komik und Humor bei Karl May. In: Jb-KMG 1982;»Stirb und werde!« Existentielle Grenzsituation als episches Motiv bei Karl May. In: Jb-KMG 1990

Ludwig Tieck - Die sieben Weiber des Blaubart
Gerd Ueding - Der Traum des Gefangenen. Geschichte und Geschichten im Werk Karl Mays. In: JbKMG 1978; Die langandauernde Krankheit des Lebens. In: Jb-KMG 1986; Bloch liest Karl
May. In: Jb-KMG 1991
Gabriele Wolff* - »wie wenn ich einem Magnetberg nahe sei – « Arno Schmidts erste Begegnungen
mit Karl May. In: Jb-KMG 2007[* = Gabriele Gordon, Oberstaatsanwältin a. D., Krimiautorin und durch Monika Wollschläger
Rechteinhaberin des Wollschläger-Vermächtnisses inkl. der "Ulysses"-Übersetzung]Hans Wollschläger - Das »eigentliche Werk« ·Vorläufige Bemerkungen zu »Ardistan undDschinnistan«. In: Jb-KMG 1977; Arno Schmidt und Karl May. In: Jb-KMG 1990;
Herzgewächse oder Der Fall Adams
2

club w 71: Mars Williams presents: An Ayler Xmas
O Weikersheim, obgleich du nur klein bist in der
Reihe der Gaustädte Europas... Am 8.12.2018 ist das
Tauberstädtchen grandios eingefädelt zwischen
Berlin und Krakow, bevor Mars Williams mit seinerMusic of Albert Ayler & Songs of Christmas weiterzieht nach Tours, Paris, Lissabon, Wien und Amsterdam, wo ihn (mit etwa Jean-Luc Cappozzo... Antoine
Viard und Richard Comte von Hippie Diktat... Etienne
Ziemniak von Théo Ceccaldi Freaks... Didi Kern...
Wolter Wierbos, Wilbert de Joode...) jeweils neue
Mitspieler erwarten. Der Saxophonist, der in den
80ern mit The Psychedelic Furs gerockt hat, fandüber Hal Russells NRG Ensemble zu The Vandermark 5, Peter Brötzmanns Chicago Tentet undBoneshaker, mit Witches & Devils kam er auf Ayler,
mit Xmarsx zu einem fast schon weihnachtlichen
Kampfnamen und mit Switchback zum Drummer
Klaus Kugel (der sich schon mit John Dikeman auf
Ayler eingegroovt hat). Der Neu-Mecklenburger ist
mitsamt dem ukrainischen Bassisten Mark Tokarnach ihrem eskalatorischen w 71-Gastspiel mit Ken
Vandermark im Oktober ein weiterer Magnet in den
heute tatsächlich wieder mal gestopft vollen KultClub, neben Knox Chandler (mit seinem kunterbunten Aktionsradius von Gary Windo über The
Golden Palominos bis Siouxsie & The Banshees)
rechts im Eck an der Gitarre, die er ebenfalls bei The
Psychedelic Furs gespielt hat. Und obendrein bläst
da Jaimie Branch die Backen auf, vor zehn Jahren
noch ein ranker Twen beim New Fracture Quartet,
spätestens seit ihrem "Fly or Die"-Quartett mit Chad
Taylor der neue Trompeten-Darling. Statt sich von
No Offence-Star Joanna Scanlan Modetipps geben
zu lassen, gefällt sie sich in Adidas-XL-Tracksuit und
mit einem Spatzenbulk unter ihrer keck verdrehten
Baseballkappe. Es geht ganz wonnig los mit der
Chanukka-Melodie 'Ma'oz Tzur', bis sich mit AylerSpirit abrupt die Wahrheit in Marsch setzt! In accelerierendem Schweinsgalopp und mit fröhlichstem
Gequieke wird man auf die Tannen gejagt. Ihr wollt
die Englein singen, die Jingles bellen hören? Bitteschön! Der Krawall treibt mit fetzig geknoxter Gitarre
grünste Nadeln und stellt die verkehrte Welt auf dieFüß. Rip it up, and start again, das große PostpunkMotto, erklingt hier wiedergetauft mit den freudenfeurigen Gospels von Albert Ayler. Sogar 'O Tannenbaum' wird da wieder zum rührenden Spiritual,
bevor Williams als ledergegerbter Zwockel, aber mit
einem Temperament für zwei, mit spitzem Altissimo
die Schweinchen auf die Trüffelpralinen hetzt und
Branch dazu Kerzen anzündet.
Fotos: Schorle Scholkemper

3Wie sie messerscharf einsetzt, lauthals
schmettert, wagemutig die Motive variiert
und Williams konterpunktiert, wie sie nebenbei mit Electronics hantiert, ein Rasselchen und sogar die Hüften swingt,überhaupt ihre ganze Mimik und Körpersprache, das ist schon ziemlich speziell.
Aber auch Chandler, ein weißhaariger
Zausel Jahrgang 54, hat es echt drauf, wie
er da mit Lametta fummelt, Wunderkerzen
zündet und im zweiten Set nochmal was
Extrakakophones triggert. Kugel geigt an
Metallkanten und klirrt mit Klingklang und
will doch (wie er hinterher betont) keinesfalls als zartbesaitet gelten. Tokar brilliert
mit schrägen Bogenstrichen, einem Flirt
mit Feedback und einem Tremolo mit dem
Bogengriff. Aylers Love Cries und Prayers
sind ebenso wahre Xmas-Musik wie '12
Days of Christmas' und 'O Come Emmanuel', Frohe Botschaft und Schlaraffenland
fallen im ohrwurmigen 'Island Harvest' in
eins. Gehet hin und lehret alle Völker:
Music is the Healing Force of the Universal
Indians! Pa rum pum pum pum. Branch
spielt den Little Trumpet Boy, Williams
spielt Santa Claus, krimskramst auf dem
Gabentisch nach dem Rentier und lässt
zwischen jedem Vers die Band donnern
und blitzen. Er und seine Mitgospler gehen
die Sache an wie ich es sonst nur von The
Thing her kannte, mit gießkannenrauer
Verve, Ayler'schem Vibrato, hymnischem
Himmelfahrtsdrive oder wieder Affenzahn.
Und ist es nicht ein gefundenes Fressen,wenn 'Little Drummer Boy' und 'Bells' zu
eINEM Marsch werden, wenn da gekirrt
wird, dass es einem am Skalp ziept? Das
Ganze funktioniert aber vor allem deshalb
so gut, weil Williams den abgedroschenen
Stoff so radikal dehnt und staucht unddafür seinen 'Boys' ihr ganzes improvisatorisches Geschick abverlangt. Nicht nur, um
Xmas zu ver-aylern, sondern um die Übergänge fließend zu gestalten mit vielen
auch leisen und feinen Passagen, für die
er zu Flöten greift, zu Spielührchen undQuietschtierchen. Selbst ungeniert zarte
Lyrismen lässt er sich auf der Zunge
zergehen. Und so endet der Abend auchnach einer prächtigen Zugabe mit einem
Diminuendo, bei der alle den Atem anhalten, bis die letzte Tannennadel gefallen
ist. Mensch, was willst du mehr (außer
mehr davon)?
4

Freakshow: !GeRald!

Den Einstieg in die neue Freakshow-Saison am 17. Feb. gestaltet im
Immerhin, na was schon, ne Band aus dem Mutterland von "Je suis
Charlie" - !GeRald! aus Niort (wo auch Ted Benoît und Mathias Énard
herstammen): Teddie, ein aufgedrehter Wuschelkopf an der Batterie,
Marvin, effektvoll an seiner rosenflittrigen Gitarre, Thomas als hintergründiger Bassturbo, und der blutjunge Marin, der mit Spinnenfingern,
Seehundflossen und Fausthieben die Keys traktiert. Nach einem
dröhnenden Intro, mit dem Drummer noch am Saxophon, gibt es Zunder,
mit allerhand improvisierten Freiheiten, fetzigen Spritzern, abrupten
Blitzen, dreschenden Hieben, kakophilen Griffen. Als amüsanter Freerock, den der Drummer bei aller Exaltation doch immer wieder auch inrockige Stereotypen kanalisiert, mit Bassdrumgeboller und Riffs, die sichhard und heavy die absurde Welt zurecht knuffen. Als ob sie mit The
Melvins und Primus-Power King Crimson, Gentle Giant, Weather Report,
Zappa, Coltrane und sogar Naked City (das sind namentlich die, die sie
gut finden) halbstark noch eins draufsetzen wollten. Das Namedropping
von Wittgenstein, Henri Michaux und Yves Tanguy und das surreal collagierte Artwork ihres Demos "Church of the Sublime Parade" verraten
die Sophistication, der sich auch die locker geflockten, jazzigen Freiheiten verdanken. Mir gefällt an sich das Wechselspiel von einerseits
psychedelisch morphendem Legato, für das der Gitarrist mit Ebow und
Slide die Zeit dehnt und Teddie mit Gong dröhnt oder das Becken kritzt.
Und andrerseits Anklängen an die Hieb-, Stich- und Schnitttechnik vonNaked City. Dafür flippern sie sich nur mit Blicken gesteuert über Knie &Brech, der Drummer rabatzt und randaliert, dass ihm fast die Snareumkippt, Marin ratscht als das Goldschätzchen dieser Matinee die Keys
mit Haifischgusto, er quastenflosst und klimperklirrt und argumentiert
mit den Fäusten wie einst Chruschtschow mit dem Schuh. So entfaltet
sich dann auch 'The Attack of the Giant Falafel' als wechselhaftes undplünderlustiges Paradestück der Franzosen. Eigentlich aber haben sie
mich mit ihrem 'ERG'-Gedröhn, ihrem ozeanischen Schwebklang, demleichthändigen Pfiff am bestem am Wickel. Aber immer wenn's amschönsten ist, wird ihr Pegasus flügellahm und sie knüppeln ihn mit
Peitsche und Sporn zum eisenhufigen, wenn auch funkensprühenden
Galopp. !GeRald!s nachdrückliche Insistenz gipfelt nach weiteren
launigen Sperenzchen, aber eben auch rammdösiger, stakkatoreicher
Rumrockerei, zuletzt in "This is neccesary!". Da meint man ja fast gelbe
Westen aufleuchten zu sehen zum cato-gorischen "Ceterum censeo".
Nun, lieber so, als sich von alten Gockeln wie Houellebecq oder Onfrayins Hirn scheißen zu lassen.
5over pop under rock
Crammed Discs - Made To Measure (Brüssel)
Ja, Made To Measure ist nach wie vor ein Brüsseler Gütesiegel und nach Le Ton Mité wird nun
STUBBLEMAN damit ausgezeichnet. Das ist
Pascal Gabriel, Jg. 1956, in London als Producer
und (Co)-Writer involviert in den unverschämt
erfolgreichen Scheiß von S'Express, Dido, Kylie
Minogue, Miss Kittin, Goldfrapp, Ladyhawk undfragt mich nicht. Allerdings war Gabriel 1983 mit'Machu Pichu' auf der Touch-Cassette-Compilation "Meridians 1" (neben Current 93, Test Department, Andrew McKenzie, Ludus...) vertreten.
Dieses ganz andere Leben blieb in der Möglichkeitsform stecken. Oder nagte es doch so sehr in
ihm, dass er aus der Pop-Ödnis zu einem Selbstfindungstrip in die Staaten aufbrach? Mountains
and Plains (MTM 44, CD/LP) ist das musikalische
Souvenir davon. Mit Nitt Witt Ridge, dem Traumhaus des Müllsammlers Arthur Harold Beal undGegenentwurf zum Hearst Castle, als erster
Station outet sich Gabriel als Sympathisant desUnglamourösen und Flüchtling aus der Traumfabrik. Er nimmt den 'Highway Sixty Something'zum 'Griffith Park' in Los Angeles, macht Stationin Georgia O'Keeffes 'Abiquiú' (New Mexico) und
durchquert im 'Badlands Train' Texas. Mit RobertJohnson und Bob Dylan steht er an der Kreuzung'South 61 West 14' bei Nowheresville, Miss., oder
vor 'Longwood', dem Palast eines Baumwollbarons und Sklavenhalters in Natchez. 'Taos Twilight' führt wieder nach New Mexico zu den 1000jährigen Pueblos, bei denen sich der Geist derFirst Americans mit dem der Künstlerkolonie vonMabel Dodge Luhan und der gefiederten Schlange
von D. H. Lawrence mischt. Mit 'Mesa Snow' erreicht man Colorado, kehrt aber mit 'Great River
Road' in den tiefen Süden zurück, mit 'Piety Wharf'
als Endstation in New Orleans. Wo nach aller
Kargheit, Armut und Verwüstung wenigsten ein
paar Blüten optimistisch stimmen. Gabriel verdichtet (in der doppelten Bedeutung des Wortes)
seine Reiseeindrücke mit Pianino, Synthesizern,
Musser Ampli-Celesta, Stingray-Bass, Glockenspiel, dem einen oder anderen Gitarrenton oderFound Sounds. Melancholisch, minimal, moody,von der Weite des Landes und der Tiefe der Zeitempfänglich gemacht für unbewegte Dauer undfür unaufhörliche Bewegung zugleich.

Leke Awoyinka aka CHiF

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Als Leke Awoyinka aka CHiF, der Sound Designer, Composer & Soundsystemcrack,
der hinter EKITI SOUND steckt, 2012 nach Nigeria zurückkehrte, konnte er mit
seiner Ausbildung in London und Berufserfahrung in den Pinewood Studios und bei
Jamblock Records in Paris allerhand Eigenes anfangen, nicht zuletzt im Hinblick auf
den Nollywood-Boom. Inzwischen wirbt er sogar für die Rückkehr in die Heimat mit
Abeg No Vex (cram 281, CD/2xLP) als einem 'Soundtrack zur neuen Diaspora'.
Afrikanische Erfahrung - globale Perspektive. Mit James Brown und Fela Kuti als
Teachern und HipHop, Chicago House, Drum'n'Bass und Dubstep als Durchgangsstationen hin zu 'Land of the Talking Drum', 'Rap Kings', dem bitter klagenden 'Lagos Lullabye', dem noch alarmierteren, engagierten 'Testify' und 11 weiteren Songs.
CHiF selber, der reibeiserne Prince G und eine Vielzahl anderer Stimmen singen
und rappen, agitieren und nuscheln in Yoruba, Englisch und Pidgin wie dem Titel,
der soviel wie Nimm's bitte nicht krumm meint. Zu Keysklingklang, noisehaltigem
Elektrodrive, wilden Wirbeln und Schnitten, klapperndem und dumpf pochendem
Afrodrumbeat, Balafonkaskaden, stur stampfenden Automatenloops, Hi-Life-Gitarre
wie bei 'Oba Oluwa', Ohrwurmmotiven wie bei 'Ife', Chorusstimmen, Shouts, Repetitionen, Zungenflicflacs, bei 'Miss Dynamite' mit einer derart yamsbreiverklebten
Zunge, dass man kaum noch das Motherfucker we don't care erkennt. Anders als
die raue Fra-Fra-Powerszene in Ghana ist die Ekiti-Soundsystematik superslick,polystilistisch, üppig, mit Biss oder 'Maybe there's a Rainbow'-Schmus, mit aufgekratzten und verschleppten Grooves, 'ADHD'-Hop und bei allem Lokalkolorit sogewieft, dass Lagos als Stadtteil von London erscheint (oder umgekehrt). Gipfelndin 'A Song for Lara' als großer Afro-Arie (mit Rezitativ) und 'Timeless' als mitreißendem Stomper, mit Sax-Funk und einer souligen Croonerin, die atemlos Afrikas
langen Atem preist. Dass dennoch so viele Nigerianer ihre Pässe wegwerfen und in
der Diaspora stranden, liegt an der Boko Haram, der Korruption um die Ölmilliarden
des NNPC-Konzerns und der Absurdität, dass der grösste Erdölförderer desKontinents 90% seines Eigenbedarfs importieren muss und dass Nestlé WasserVampirismus betreiben kann in einem Land mit bereits großen Wasserproblemen.
Wer erinnert sich noch an die Lounge- & Exotica-Welle in den 90ern - Curd Duca,
Money Mark, Stereolabs "Space Age Batchelor Pad Music" und David Toops "PinkNoir", distinguiert belauscht zu Joseph Lanzas "Elevator Music" und Toops"Exotica"-Fiction? Heute muss man statt Les Baxter, Martin Denny, Michel Legrandoder Arthur Lyman schon Jean-Jacques Perrey, Giampiero Boneschi oder gleich
Piero Umilianis "Psichedelica" oder "To-Day's Sound" auflegen, um statt eines
müden ein respektvolles Lächeln zu ernten. Ich weiß nicht, wer SCOTT GILMORE,
einem offenbar jüngeren Jahrgang im San Fernando Valley, den Floh ins Ohr gesetzt
hat, aber mit "Volume 01" (2016), "Subtle Vertigo" (2017) und nun Two Roomed
Motel (cram 286, CD/LP) spielt er mit Drum Machines, Gerätschaften der Marken
Arp, Yamaha, Korg, Hohner und Roland, Gitarren, E-Bass und Prozessoren den
Alleinunterhalter, der sich abseits des L.A.-Trubels erstmal nur allein unterhält. Als
Träumer mit altmodischen Vorlieben, der in einsamen Motels 'Memories of a Long
Day' nachhängt. Hinter seinem Schleier ('A Veil Between') ist er auch ohne Elevatorganz woanders, an Orten, von denen er nur gelesen hat ('Of Places Read'), auf
Parties, bei denen er sich bestens amüsiert, gerade weil sie nur in seinem Kopf
steigen. Spielte sich das Meiste bisher instrumental ab, so reichert er gleich den
dudeligen und quarrenden Swing von 'Empty Aisles' mit der geflüsterten Poesie
einer sensiblen Seele an. Die sich die leeren Tapeten mit fidelem Geklöppel schön
tüpfelt. Doch selbst zum schnellen 'All Our Stuff' und 'Blue Rhumba' vocodert er
melancholisch wie ein verschnupfter Roboter und zum nervösen Downtempo von'Cascade Occurance' wispert er wie einer, dem die Sicherung durchbrannte.
Nasaler Sound vereint sich mit staksiger Rhythmik und weiterem Silicongesang inseltsam platzgreifender Y-ness. Selbst zuckend und verzerrt taugen diese Souvenirs
der Zukunft dazu, dem bloßen Heute ein Mäntelchen umzulegen.
7Doc Wör Mirran / Marginal Talent / Mirran Threat (Fürth)Dass sich noisige und freerockige Psychedelik durchaus als
engagierte Musik fabrizieren lässt, zeigte DOC WÖR MIRRAN
am 13.10.2017 im 84 GHz in München. Denn neben Adrian
Gormley am Saxophon, Joseph B. Raimond am DoppelhalsGitarrenbass, Stefan Schweiger an Percussion, Samples &Theremin und Michael Wurzer an Synthie & Theremin gab es
noch einen stummen Demonstranten, der gegen die AfD
protestierte. Und Wurzer reißt mitten in 'Covfefe' seinen Mitspielern Trump-Masken vom Gesicht, um sie zu zerfetzen.
Das sieht man zwar nur auf Youtube, aber alles was es davon zu hören gibt, hört man auf Un-Art-Ed (MT-615 / Talent
Twentynine, CDr + 3 " CDr in Videobox mit Artwork vonGormley & Raimond). Der obligatorische Widmungsträger ist
diesmal der durch die TV-Serien "M*A*S*H" und "DeadZone" populäre Schauspieler David Odgen Stiers (1942-2018).
Den Auftakt machen freejazzige, aber eher lyrische als
expressive Saxophonimprovisationen von Gormley im Duettmit quallenden, rumorenden Schüben von SASCHA STADLMEIER. Mehr als bei dessen Soundscaping als Emerge mutet
das nach einer flexibleren und gestisch interaktiven Gestaltung an, wie mit Gitarre oder Bass. Gormley variiert mit Zweiklängen und Haltetönen, dieihren elektronischen Schatten begegnen, während Stadlmeier dumpfe Tupfen auf den
Saiten anschlägt. Danach stellen sich beide in den Dienst des DWM-Gruppenklangs, eines
dröhnenden, bebenden, wabernden, mit Gitarrensound und lyrischer Saxophontagträumerei verwobenen Modulationsflusses.
DWM hat dabei ein konsistentes Programm, das bereits am 27.7.2017 beim Braille Satellite
Festival bei Vilnius Beachtung fand (nachzuhören auf "Covfefe Live") und das am 14.10.2017
im Augsburger Provino Club den Stoff lieferte für Alternative Facts (MT-614 / Talent Twentyeight, LP): Intro - Jedwabne - Alternative Facts - Don't Wörry - That Infinite Space Between
Your Ears - Covfefe - Wish You Were Here - Unexplored Body Parts - The Namibian National
Anthem - Unarted - Modulated - Pogrom - Extro. Alternative Fakten sind das Gegenteil vonpostfaktischen Phantasmen, Verdrängungen und Verleugnungen. Denn mit 'Pogrom' sollkeineswegs der eigene Krach superlativiert, sondern - so wie Gary Lucas & Gods andMonsters es bereits im 70. Gedenkjahr mit "The Ordeal of Civility" taten - konkret erinnert
werden an das Massaker von Jedwabne am 10. Juli 1941. An die 400 Juden sind da unterden Augen deutscher Schupomänner massakriert worden von Polen (wo die nationalen undkatholischen Kräfte bis heute nichts von Schuld und Reue wissen wollen). Mit Namibia lenkt
DWM die Aufmerksamkeit auf die schätzungsweise 60,000 Opfer des Völkermords an den
Herero und Nama in der reichsdeutschen Kolonie Deutsch-Südwestafrika. Dazu kommt
durch 'unarted' und mit der Verpackung in abstrakt-expressionistische Marginal Art ein
Tänzchen mit dem Nazi-Schlagwort 'entartet'. Die dem Motörhead-Gitarristen Fast Eddie
Clarke (1950-2018) gewidmete LP jubelt einem dazu mit der Unterzeile "Live at Madison
Square Garden" als alternativen Fakt den imaginären Mitschnitt eines Konzerts vom
30.2.1972 unter. Mit einer 'Love'-Seite und einer 'Journey of the Sorcerer/Freebird'-Seite,
durchgeistert von Bad Company, Barry White, Ray Charles und Dolly Parton bzw. von den
Eagles, Peter Grudzien und Lynyrd Skynyrd. Während das ein bloßes Hintergrundrauschen
bleibt, sind Conrad Schnitzler, Jello Biafra oder Paul Lemos durch Backingtracks durchausvergegenwärtigt, in München wie in Augsburg. Aber wie sehr es auch schlurcht und lärmt,braust und schleift, dröhnt und groovt, immer wieder auch mit verquollenen Stimmen,
Trump-Schmarrn, einem femininen Popsong, schlafwandlerischen Loops, jauligen Wellen,
metalloider Perkussion, Drummachine und bei 'Covfefe' mit dem Sprung zu einem Trumpspöttischen Tanz, Gormley bläst unaufgeregt sein Saxophon. Wie gekonnt DWM dabei aus
nominell Gleichem ganz Verschiedenes macht, ist erstaunlich.
8Mit Dishwasher (Read Eleven / MT-567, 60 p) selbstporträtiert sich JOSEPH B. RAIMOND
im Scherbenhaufen eines poetischen Spiegels als einen, dem die Nächte immer länger
erscheinen, die Realität immer kälter, das Ticken der Uhr immer schneller und lauter / als'Some Dude', der an Paranoia und Depressionen leidet, der sich kaum zu helfen weiß unddem auch nicht zu helfen ist / als Verächter des hochnäsigen Kunstbetriebs und vonnichtssagendem 'Fluff' / als lieber eine Schneeflocke, denn ein republikanisches Schwein,zurückgebliebener Redneck, Scheißnazi / als ein Kind, dem man sein Spielzeug wegreißt,
wenn es danach greift / einer, der sich in Nacht und Dunkel unsichtbar und frei fühlt / derdie kurzen Momente des Glücks festhalten möchte (aber auch weiß, dass im gleichen
Moment Leute erschosen werden, Unfälle erleiden, Selbstmord begehen...) / der sichseiner Tränen nicht schämt / der alten Freunden nachtrauert / den eine Nemesis verfolgt,
die hinter seinen finstersten Gedichten und hässlichsten Gemälden steckt / der keine
Furcht zeigt vor der fetten Witch of the suburbs / der sich wundert, dass die Menschheit es
trotz verseuchter Meere, Hundesteuer, Vermessung und Gängelei so weit gebracht hat /der die Qual der Wahl hat zwischen islamistischen Irren wie dem Attentäter von Barcelona
und deren ebenso bescheuerten Widersachern / einer, der in der Nase popelt, Pils trinkt,
Bukowski liest, sich aufregt über seine doofen Enlischschüler, die eigenen Fehler aberübersieht, der den Anblick des Arschlochs scheut, das ihn ihm Spiegel anstarrt und lieber
Händchen hält mit seiner Conny, die ihm die Kraft gibt im meaningless theatre of humanity
With its comic cruelty And in the infinity That is my gloom / der es müde ist, zu streiten undsich zu rechtfertigen / der froh wäre, wenn er so dichten könnte wie er kotzen muss / der,tired of everything, everywhere, everyone, everywhen, es müde ist, wach zu sein / der fastein wenig neidisch ist, dass man Trost ziehen kann aus simplen Geschichten / der den
Anblick eines Schamdreiecks locker erträgt / der es schon vor sich sieht, wie er zahnlos
Hamburger mümmelt und sich auf die Schuhe pinkelt / der sich nicht einmal mehrwundert, wie wenig sich der konservative Sumpf an seinen Insichwidersprüchen stört /einer, dem Mutter Natur einst als Jungfrau erschien, heute aber mehr und mehr als alte
Schlampe / der nicht glaubt, dass ein Land wert ist, dafür zu sterben / der sieht, dass aus
Hippies Trump-Wähler wurden / der Burroughs die Hand geschüttelt hat und dabei erschrak / so wie er erschrickt vor Gloomi- & Loneliness, dem alternden Körper als Gefängnis, wohl wissend, dass die Lebensgier einen Verhungernden zwingt, bis aufs Blut um
Brösel zu kämpfen. All diese Splitter geben zusammen das Porträt eines... eines Tellerwäschers. Alles andere - poet, musician, painter - ist möchtegern, doch Geschirrwaschen
beherrscht er meisterlich. Gewidmet ist das Martin Landau (1928-2017), unvergessen
durch "Kobra, übernehmen sie" und als Bela Lugosi in "Ed Wood", und dem Andenken von
Tom Murphy (+2017).
Der Selbstmord seines Jugendfreundes und die beschissenen Verhältnisse, die ihm als
Obdachlosen medizinische Behandlung verwehrten, erbosen Raimond auch bei Orgastic
Jams (Have Fifteen, MT-608, CDr), dem 160. Release von DOC WÖR MIRRAN. Tom was myfriend, his own elected officials suckered, and the fucked up American health systemkilled him. Dem entgegengesetzt ist eine keineswegs antiamerikanische Westcoast-Gitarrenpsychedelik, lässig, greatful und quicksilverish - Murphy selber stand hauptsächlich
auf Neil Young. Mit 'Sachsenhausen Change' ändert sich das Klangbild schattig und
finster, mit schlurchendem und pumpendem Beat, brausenden Wooshes, dunklem Gedröhn, peitschenden Kaskaden. 'Adrian B. Luscoco's Nuts' geht in wieder entspannterem
Immer-so-weiter-Trott, mit fragil geharften Strings, Klimperei, windumfaucht. 'Taunus Hash
Blues' behält die Fragilität bei, zu verzerrtem Beat und eigensinnigem Bass. Der 'Song forTom' ist tatsächlich ein Lagerfeuersong, zerbrechlich und wehmütig, '7.6.17 Improv.' dagegen wuchert als seltsame Unaufhörlichkeit: gepfiffen, elektronisch sausend und wummernd, mit orgeligen und knarrig geschraubten Klangschüben, schweifenden Wooshes,sogar ein paar Textbrocken, perkussivem Klingklang, stampfendem Industrialbeat, einer
langen Durststrecke, monotonen Schlägen und dem Ausruf "Das Meer! Das Meer!", aberknarrig geht es weiter, knietief in morastigem, salzigem Noise, volle 26 Min. 'A Fish Dies'
bringt jedoch zuletzt wieder zarte Gitarrenpoesie, nicht un-, aber metaamerikanisch.
9

Moonjune Records (New York)Den Drummer XAVI REIJA (*1972, Barcelona) könnte man mit "Resolution" (2014) und"Random Abstract" (2015), beides mit dem serbischen Gitarristen Dušan Jevtovič undbeides auf Moonjune, für einen Erben der katalanischen Progrock-Ära halten. The Sound of
the Earth (MJR094) geht noch um einiges heftiger, aber dann auch wieder spacewärts ab,
mit noch Tony Levin an Bässen & Chapmanstick und Markus Reuters Touch Guitar. Jevtovič,
mit dem der Katalane als XaDu per Du ist, hat seine eigenen Moonjune-Meriten mit "Am I
Walking Wrong?" (2013) und, mit Asaf Sirkis an den Drums, "No Answer" (2017). Und auch
Reuter, der crimsonifizierte Touch-Guitarist, hat schon allerhand mit Moonjune-Mastermind
Leonardo Pavkovic ausgeheckt, mit Mark Wingfield und ebenfalls Sirkis ("TheStoneHouse","Light House"), mit Stephan Thelen von Sonar ("Fractal Guitar", 2018) und natürlich mit
Altmeister Levin und den Stick Men ("Roppongi", 2017). 'Deep Ocean', das von "Random
Abstract" herrührt, gibt die Stoß- oder besser Tauchrichtung des Quartetts vor: deep undozeanisch. Das und die weiteren Stationen 'From Darkness', 'Serenity', 'Lovely Place' und'Take A Walk' gliedern den seinerseits vierteiligen, kollektiv kreierten Soundscape 'The
Sound of the Earth I-IV'. Reijas Crashes und Levins Bass steuern auf Anhieb dynamisch undzugleich dröhnselig in einer Strömung, die mit Jevtovičs virtuosem Zug zentripedal kernwärts
führt. Oder, mit sublimen Dröhnwellen und Schwebklängen, mondwärts, um den Blauen Planeten als Teil eines universalen Mobiles ganz ins Auge zu fassen. Gehalten von sphärischen
Fäden, die Levin zupft und Reuter summen lässt, zeitvergessen und spacenightfriedlich,wenn nicht doch wieder die Gitarre sehnsuchtsvoll zu schwärmen begänne. Zu 5/8-Puls
doppelhelixen sich Jevtovič und Reuter mit evolutionärem Drive aus dem Dunkeln auf die
zweite Soundebene, Reija trappelt kontrabassbepulst und die Gitarren schnurren undzucken in lang gezogenen, in sich tremolierenden Schwingungen. Gut 12 Min. lang hin zu'Serenity', wo der paxifizierte Planet Miranda nicht das letzte Wort über die Zukunft zu seinscheint. Bassgroovy hebt 'III' an, downtempo, aber gestärkt durch sämig verdichtete Soulfulness und mit bluesig wetterleuchtender Gitarre. 'Lovely Place' wirkt wie eine gitarristischverschleierte Mahnung vor naiven Eloi-, Pax- und 'Hotel California'-Illusionen, bevor 'IV' ganz
abtaucht, um über 16 ½ Min. den Raum mit Bassfingern neu zu kneten und aus feinen Gespinsten eine neue Zeitachse zu verdichten, die statt nur linear vorwärts zu kriechen sichenthusiastisch und rockend aufbäumt. Ein toller Versuch, dessen Scheitern nicht davon
abhält, für den erdenschweren Tritt von 'Take A Walk' nochmal stur die Saiten zu picken, bis
auch das 'irdisch' zerfasert. Aber deswegen und dagegen gibt es ja solche grandiose Musik.
Der Gitarrist DEWA BUDJANA, 1963 in Indonesion geboren und dort mit Gigi eine große
Nummer, gehört seit 2013 zur Moonjune-Familie. Mahandini (MJR097) zeigt ihn mit Jordan
Rudess (von Dream Theater), der an den Keys sein kahles Haupt mit kessem Kinnbartpinsel
kompensiert, an den Drums dem Hannoveraner Prog-As Marco Minnemann (The Aristocrats,
The Sea Within) und an der Bassgitarre der blutjungen, aus Mumbai stammenden Mohini
Dey. Gleich für 'Crowded' greift John Frusciante zum Mikrofon und singt - mit leichtem Anklang an Jack Bruce - Walked where I feared to go... Ooh I let the cancer spread / Lord, it
keeps me holy. Er kehrt zuletzt auch wieder für 'Zone' (ebenfalls von seinem Album "Enclosure")für kryptische Zeilen wie I''m in the zone, nigga / I washed my face... Dazwischen perlt Rudess beim balinesischen 'Queen Kanya' geradezu jazzig, bevor Budjana mir mit absurder
Wichsgriffelei oder arg entgegenkommender Melodik die Augenbrauen hochzieht. KonnakolGeschnatter von Dey und bei 'Hyang Giri' die hymnische Silberzunge von Soimah Pancawati,
einem Pop- und Filmstar aus Yogyakarta, liefern dagegen exotische Highlights, bevor Dey
fingerflinkst ihr Können demonstriert, auch Rudess wieder quirlt und Chorgesang die
Strangeness abrundet. Glasklares Piano leitet hin zum über kitschige Untiefen getragenen'Jung Oman', für das Budjana silberne Saiten aufzieht. Mike Sterns hell getöntes Gitarrensolo zu 'ILW' spornt ihn zu einer doublebassdrum-bepumperten Gegendemonstration an,
die seinem Lehrmeister Indra Lesmana Ehre machen soll. Mit dem Titelstück kann er
nochmal die beglücken, die mit Fusiongitarrenvirtuosität und eingängiger Progmelodik selig
werden. Bei mir punkten - trotz alledem - eher das dem Hype gekonnt spottende Arpeggio
von Dey, das lichte Geklimper von Rudess und das solide Handwerk von Minnemann.
10David Torn, kürzlich Producer des Tom Rainey Triosbei "Combobulated", greift, wie auch schon bei "Vortex" von Sonar, mit E-Gitarre & Live-Looping direkt
ins Geschehen ein bei 'Briefing For A Descent IntoHell' und 'Urban Nightscape' auf STEPHAN THELENs
Fractal Guitar (MJR096). Ersteres, mit seinem Titel
von Doris Lessing, ist eines von drei Sextetten, Letzteres eines von zwei Quintetten, die Thelen, abwechselnd mit Benno Kaiser (seinem Partner schon
bei Radio Osaka) oder Manuel Pasquinelli (vom Akku
Quintet und Thelens Partner in Sonar) an den Drums,
anführt mit Fractal, Tritone & Blue Sky Guitar,
Granular Loops, Organ und Samples. In der Phalanx
spielen jeweils Markus Reuter mit seiner U8 Touch
Guitar & Soundscapes und Matt Tate mit U8 Touch
Bass Hauptrollen, zweimal mischt Barry Cleveland
mit Guitar Atmospheres & Bowhammer mit, undaußerdem noch Jon Durant (Alchemy Records), Bill
Walker und Henry Kaiser sowie, halt, einmal auchAndi Pupato (ex-Nick Bärtsch's Ronin) an Percussion.
Obwohl die Aufführung seines Streichquartett "Circular Lines" durch das Kronos Quartet und von"Parallel Motion" für 2 Vibraphone, 2 Marimbas und 2
Perkussionisten durch Schlagwerk Mannheim Thelen
als veritablen Modern Composer ausweisen, vertieft
er sich hier doch ganz in die Reize ambienter Gitarrensounds und insbesondere der krummtaktig
kaskadierenden Delaymuster des Fractal-GuitarEffekts. Über klickendem und rockendem Drumming
und pumpendem Bass wellt er immer gleich mehrere
Wellenlängen und repetitive sowie auch aufheulende
Spuren zu komplex rhythmisierten Mustern, in denen
sich ostinate Konstanz als hypnotisierender Faktor
vereint mit dem Zauber klanglicher Schattierungen.
Gleich 'Briefing...' übt in seinen 18 ½ Min. mit orientalisiertem Flow einen mächtigen Sog aus. Je mehr
die Gitarren ineinandergreifen, desto deutlicher
sieht man unzählige Zauberteppiche dahin ziehen,auf denen Sufis rhythmisch die Mähnen und Fäuste
schütteln. Next Stop Mekka? Mars? Die Hölle? 'Road
Movie' greift direkt das Drift- und Flowmotiv auf, mit
stoischen Loops und einer intensiv gleißenden Gitarre, die aus dem mehrstimmig rollenden, zeitvergessen wallenden, in zuckelnden Zacken und Wellenkaskadierenden Verbund aufflammt. Loop überLoop, Delaywelle an Delaywelle, Spur über Spur, 3/8,
5/8, 7/8, Apfelmännchen mit Rattenschweif und die
Wonnen der beständig wiederkehrenden Selbstähnlichkeit. Und dazwischen immer wieder dergitarristische Sägezahnbiss und Flammenzungengesang. Ob das funkelig quirlende 'Radiant Day' mit
seiner ins Blaue stoßenden Heliotropie oder 'Urban
Nightscape' mit seiner mahlenden und wild durchzuckten Erregung, Thelen entfaltet minimalistischmaximalen Effekt.

Xavi Reija

Mohini Dey

Stephan Thelen

11

Dirk Raulf - Poise (Köln)
Was Bonnie Prince Billy & Johnny Cash bei 'I can see a Darkness' kommen sahen, klingt bei
den Songs from a Darkness (poise 27) von Oona Kastner & Dirk Raulf, kurz d.o.o.r, als wären
sie mittendrin. Als hätten sie die Darkness bis in die Knochen aufgesaugt. Aber so, als wäre
das die Dunkelheit vor der unseren. Ausläufer jenes althergebrachten, fast noch romantischen Dunkels vor der Finsternis, die im 20. Jhdt. einsetzte. Denn die Songs sind morbide,symbolistisch, retro und nostalgisch illustriert mit 'Le Foret lepreuse' von William Degouve
de Nuncques, Jan Toorops 'Het dal der rozen' & 'De Sphinx' oder 'Der Tod von Basel' desWürzburgers Rudolf Schiestl. Aus Raulfs Poesie spricht ein Seher, der in 'Last Forecast'
Schnee, Eis und Finsternis visioniert und bei 'And All' Gräberfelder: And all the loved ones
lost / And all the loved ones dead / and all the things we said / And all the fun we had. Derüberhaupt alles sieht: I see the future / I see the past / I see the hole / I see the blast / I see
heaven / I see the ground / I see the taste / I see the sound (' I see nothing'). Bei 'Collateral'sind die Teufel los und haben einen am Arsch. Hilft da noch Beten? The enemy from without /The enemy within / Absolve me from love / Absolve me from sin ('Feed me'). Ist nicht vielmehr
alles eitel und vergeblich? Izt was und morgen nichts? Den barocken Ton von 'Tränen' fand
Raulf bei Gryphius (und Oona dafür den von Till Lindemann!). Nur im Halbschlaf von 'Halfawake' gibt es noch ein Sehnen. Doch der 'Funeral Blues' (nach W. H. Auden) ist endgültig
das allertraurigste Goodbye. Glück und Trost, nein, nicht in dieser Welt, das wusste schon
Van Morrison. Höchstens In another world, darling / In another time ('Astral Weeks'). Oonasingt diesen modernen Totentanz mit allem Dead & Gone-Flair als dunkle Sibylle, so als
könnte Michelangelos Notte steinerweicht singen. Einmal teuflisch rau, ansonsten darkwavetrist, zu den Dunkelwellen und dem Trauerflor von Bassklarinette & Tenorsax, Piano &Keyboards. Black & blue, low & slow, aber doch auch genüsslich drohend und traurigkeitsgenießerisch, selbst wenn sie every word in vain raunt. Mir ist, ich weiß nicht wie...
DIRK RAULF? Einst ein Kölner Saxophon Mafioso, dann mit Frank Schulte die Sonargemeinschaft, seit 1996 Poise, Label und Festival, mit Gerd Köster NOX ("Lieder zur Nacht"), mit
Kaiser, Kaling & Klare die Basssaxophonbande Deep Schrott ("The Dark Side of Deep"), mit
Oona Kastner d.o.o.r. Was einige Neigung zur dunklen Seite verrät. Mit Martin Schulze bildet
Raulf das Theater-Team RAUSCH (zuletzt "Margarethe oder Der blutende Wald"). Dazwischen bestach das Dirk Raulf Orchestra feat. Dagmar Krause mit "Friedrich Hollaender or
The Laughter of Loneliness" (1996)" und feat. Meret Becker mit "60 Minuten. Flussabwärts"(2013). Die Berliner Tatort-Kommissarin ist auch die prominente Stimme für sein Hörspiel"Fremde Schönheit oder Der andere Ort" (poise 25). Für ein Driften mit musikalisiertem, vor
allem basssaxophonisiertem Unterbewusstsein durch einen hochliterarischen Textfluss aus
desillusionierter Kindheitsutopie und kulturpessimistischen Gedanken von Raulf selbst, dieder weibliche Mund dupliziert und zugleich mit "schrieb er" distanziert. Als Klage überLiebesenttäuschungen und den Heimatverlust angesichts der verhunzten Kindheitskulisse,
mit Anfällen ohnmächtiger Wut und R. D. Brinkmannscher Rage als zunehmend entfremdeter
und verstummender Archivar des Schwunds. Dem folgte nun Apollo geht (Poise 28), 'Aufzeichnungen vom Planeten der Ausflüchte', eine komponierte Entschuldigungslitanei (DLF
Kultur). Als ein Stimmenchor von faulen Ausreden und zerknirschten oder indignierten
Rechtfertigungen in allen möglichen Lebensbereichen. Entschuldigung, sorry, war nicht sogemeint, meine Schuld. Ein Chor von Floskeln, von Canossa bis zum ersten Stein, von Selbstvorwürfen bis zum aggressiven Entschuldigung! Missverständnisse, fehlendes Fingerspitzengefühl, das Wetter, Müdigkeit, Phobien, Befehlen gehorcht, ich konnte nicht..., ichmusste noch... Tut mir leid, ich dachte Du... Hinterher ist man... sorry, mea culpa, könnte
mich ohrfeigen. Ausflüchte, Beichten, Beschönigungen, Notlügen, mitten aus dem Leben
gegriffen, etwas theatralisiert, collagiert aus von Bühne, Film und Fernsehen bekannten
Stimmen und dem ChorXtrem Bielefeld, musikalisch verziert mit sogar einem schönen SorrySong und einem gröhlenden Entschuldigungs-Chor. Nach der Vanitas-Tristesse von "Fremde
Schönheit" und der "Songs from a Darkness" steht Raulf hier mit der leichten Muse auf unerwartet gutem Fuß. Dass ich das nicht früher erkannt hab', sorry, ich bin ein Schwachkopf,eine taube Schelle, MannMannMann.
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Rune Grammofon (Oslo)
Weiß der Teufel, wer den Norwegern einflüsterte, zurückzugehen, um vorwärts zu kommen. War es der halbe Finne Raoul Björkenheim, der mit Krakatau-Power das Scorch Triound all die andern mit dem Gitarrenfeuer von Hendrix und McLaughlin, von Page, Allman,
Iommi, Beck und Gallagher neu entzündete -> Shining, MoHa!, Ultralyd, Elephant9, Bushman's Revenge, Puma, Panzerpappa, Grand General, Krokofant, Møster!? HEDVIG MOLLESTAD ist inmitten der Gitarrendschungelkönige - Tom Hasslan, Hans Magnus Ryan oder
Stian Westerhus... - alles andere als bloß die Jane. Im TRIO mit Ellen Brekken, handfest
und resolut wie DI Vivenne Deering, am E-Bass und Ivar Loe Bjørnstad als Trommelturbo
ist die Spur, die She-who-must-be-obeyed von "Shoot!" über "All Of Them Witches", "Enfant Terrible", "Black Stabat Mater" und "Evil in Oslo" zu Smells Funny (RCD2203 / RLP3203) zieht, absolut beasty. Es sind nicht die Pumps, sondern ihr Punch, der einem Stielaugen verpasst - 'The First Thing to Pop is the Eye'. Wer sich von ihrem 'Sugar Rush Mountain' Süßes verspricht, endet 'Bewitched, Dwarfed and Defeathered' im Hähnchengrill. Der'komische Geruch' lässt auch nicht vergessen, dass in dieser Gitarrenalchemie die stärksten Reaktionen und Fusionen mit jazzigem Schwefel abgehen. Damit bereitet die grandiose Rhythmsection einen trickreichen Shuffle und enorme Pace, während die Gitarresich souverän und mit langen Spannungsbögen entfaltet, um einem immer wieder himmelschreiend intensiv an die Nieren zu gehen. Dass sie beim bluesig-wonnig an Nusscremeschleckenden 'Jurášek' das Ross von, nein, nicht Pippi Langstrumpf, sondern von Popelku,
dem tschechischen Aschenbrödel, satteln, ist ein seltenes Indiz für eine mädchenhafte
Vorvergangenheit. Längst ist die blonde Riffmeisterin mit ihrem bis zur Heißglut züngelnden Saitenzauber die heulendste der Furien, der man nicht ungerupft entgehen kann und
so klein, mit Hut. Der anders als bei der burschikosen Ava Mendoza provokant feminine
Griff an die Kronjuwelen der Gitarrenhalbgötter ist verzückend subversiv, gerade weil
Mollestad, die Mähne gebändigt mit Stirnband, bestechend virtuos hinlangt, im vollen
Vertrauen darauf, dass die Gitarre in den richtigen Händen sehr wohl als Himmelsleiterund Laserschwert taugt. 'Bewitched...' ist ein selten heißer Burner und 'Lucidness' setzt,
so vorgeglüht, in klingelnder Ekstase noch eins drauf. Was für eine Tour de force!
Sult (RCD2204 / RLP3204), das ist die Musik, die MAJA S. K. RATKJE für eine Performance
des Norwegian National Ballet geschrieben und auch live gespielt hat. Nach "Hunger",dem Roman, der Knut Hamsun auf den Weg brachte, King Nut zu werden. Mit "Mysterien","Pan", der "Landstreicher-Trilogie" und "Auf überwachsenen Pfaden" gelang ihm, denke
ich, genug, um den Höllenhunden das Maul zu stopfen. Ratkje spielt ein verstimmtes Harmonium, an das noch Metall- und PVC-Pfeifen und eine Windmaschine angebaut wurden.
Und sie erzeugt weitere Sounds mit Gitarren- und Basssaiten, mit Metall- und Glaspercussion und durch Bowing. Um mit dieser Steampunk-Bontempi-Akkordeon-Zither-Orgel
Kristiana-Stimmung mit 1890er-Flair zu erzeugen, und mit zartem und wenn nicht
frommem, so doch kunstfrommem Gesang das Weh dieser Welt fühlbar zu machen. Raue,
scharrende Laute, aber auch klirrig funkelnde mischen sich bei 'Den spraettende' zu
dudelig orgelndem Minimal-Drang und Purzelbäumen der Zunge. Hamsun war zweimal als
Auswanderer in der Neuen Welt gescheitert und hatte einen Beißreflex entwickelt, aberhatte nichts zu beißen, außer seinem Ehrgeiz und Eigensinn. Ratkje besänftigt ihn mit 'Sayago' als Wiegenlied, sie evoziert bei 'En træflis å tygge på' pfeifend Spätwesterntristesseund vokalisiert mit folkloresker Sanftmut, nicht ohne Hamsun pathisch die HungerleiderKrone aufzusetzen. Aber noch faucht der Wind durchs dünne Hemd, was freilich kein
Grund ist, zu windspielerischem Klingklang nicht mit der Pump Organ und mit Donnerblech komisch zu quallen und dazu launigen Singsang anzustimmen. Untergeher- undGrößenwahn-Akkorde kreuzen sich mit paukendem Trotz, heulendem Alarm und Sirenengesang zur dramatischen Klimax. Aber das Extro pumpt Ratkje nochmal mit den Kirchenmaus-Registern, denen Hamsun freilich das gegenstrebige Flüstern seines Bluts undseinen tragikomisch stolzen Wider-Geist als Imp of the Perverse entgegen gesetzt hätte.
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... over pop under rock ...
ALTIN GÜN Gece (Glitterbeat, GBCD/LP 072): Jasper Verhulst hat seinen Bass bei Mossgespielt und tut es noch mit der kroatischen Singer-Songwriterin Marina Tadic in Eerie
Wanda. In Istanbul setzte ihm jedoch guter alter Anadolu Rock den Floh ins Ohr: das ist ganz
mein Ding. So kam, zusammen mit Ben Rider an der Gitarre, Gino Groenevold an Percussion,
Nic Mauskovic an den Drums, Erdinç Ecevit an Käseorgel, Saz und Gesang und Merve Daşdemir als rotblonder Anadolu-Sirene tatsächlich Fake-Folk-Türk-Rock zustande, in dem derKurtulan Ekspres von Barış Manço (1942-1999) herumdampft, und alte Helden umeinandergeistern wie Erkin Koray oder der bei seinen Landsleuten in Berlin und Köln verehrte Neşet Ertaş (1938-2012). Gaye Su Akyol, die auf ähnlichen Wellen surft, beglückt die Glitterbeat-Szene ja auch schon mit türkischem Honig in alternativer Aufmachung. Altın Gün[goldener Tag] klang bei "On" (2018) traditioneller oder jedenfalls rockiger als Akyol, wobei
in den gezupften Orientalismen und im Drive genau das durchschlägt, was auch Trey
Spruance bei Secret Chiefs 3 inspiriert. Allerdings muss man nur mal 'Vay Vay Dünya' als
Herzausreißer vom alten Ertaş vergleichen mit dem, was die Holländer da türken, um zu
merken, dass Gouda kein Ziegenkäse ist. Oder wie einst der blinde Aşık Veysel zur Bağlama
'Anlatamam Derdimi (Dertsiz İnsana)' und 'Derdimi Dökersem (Derin Dereye)' gebluest hat,oder wie Gülden Karaböcek das 1971 zu Flowergirl-Folk feminisiert hat. 'Kolbastı' haben sie
alle getanzt, Manço, Hülya Süer, das legendäre Esin Engin Ve Orkestrası natürlich als
Bauchtanz. 'Ervah-ı Ezelde' ist ein Tristan & Isolde / Romeo & Julia-Tearjerker von Müslüm
Gürses höchstselbst, 'Gesi Bağları' war 1973 ein traurigkeitsgenießerischer Hit von SeldaBağcan, Akyols Mut machender Heldin. Und 'Süpürgesi Yoncadan' drehte sich schon Mitteder 60er auf den Plattentellern, als volkstümlich-poppiger Soundtrack zur Krise undRepression, bevor unter der Militärjunta so mancher Spaß ganz aufhörte. 'Şoför bey' ist ein
poppiger Ausreißer ohne Vorfahren, mit Wahwah und launigem Sprechgesang. "Gece"[Nacht] und 'Leyla' [die Dunkle] sind hier das einzig Dunkle und das auch nur nominell. Dennnichts ist hier nicht groovy und psychedelisch 'verwestlicht' = verrockt. In einer leichtraspeligen und angeschrägten Neigung zwar nicht zu den knorrigen, aber doch den
krausen, blechernen, käseorgeligen Originalen, in einer bewussten Rückwendung von den
geleckten Routinen von Heute zum Qualm und Charme der rockigen 70er.
C'MON TIGRE Racines (BDC38 / ¡K7, CD/2 x LP): Die beiden weiterhin Namenlosen, die in
Bologna C'mon Tigre bilden, setzen hier mit Vocals, Talk Box, Guitar, Bass, Moogs,
Clavioline, TR-808 und Farfisa Soundmaker fort, was mir bei ihrem Debut (2014 ->BA 83) wie
Exotica mit mal mehr, mal weniger Beigeschmack von Postrock oder Electronica vorkam.
Mal mit, mal ohne Drums (Danny Ray Barragan), fast immer beblasen mit Blech (Mirko
Cisilino, einem mit Parco Lambro auch freakshow-fetzigen Kracher) und mit Reeds (mitwieder auch Jessica Lurie und bei 'Underground Lovers sogar dem Tipton Sax Quartet).
Dazu kommt in luxuriösen Versionen 32p oder gar 84p Artwork, mit dem collagierten
Frauenfleisch zu 'Guide to Poison' und morphenden Tänzern beim 'Behold the Man'-Video
von Domenico Tedones (aka Sic Est) als surrealem Vorgeschmack. Das korrespondiertziemlich gut mit dem soulig schmachtenden, aber verkünstelten Gesang und der Melange
aus angejazztem TripHop, technoidem Afrogroove mit aber auch Vibraphon, dem SlowMotion-Funk-Schmus von 'Paloma', bei 'Underground Lovers' auch HipHop (mit dem
rappenden Mick Jenkins). Als Ästhetik, die die Grenzen zwischen Fleischeslust und deren
virtueller Steigerung in computer-generierten Derivaten und Suggestionen verwischt. Der
Fake von Feeling durch (oder wie durch) einen Maschinenmund geht weit über 3D hinaus,
als Simulation einer Relatität, die in Replikanten und Hubots quasi schon 'Fleisch' geworden
zu sein scheint, sprich, das Beste am Menschen simuliert: Melancholie, Einsamkeit,
Traurigkeit, Selbstzweifel, die Empfindsamkeit für das 'Herzzerreißende der Dinge' ('Mono
no aware'). Die Stimme, immer wieder in Anthonys Höhe gepusht, bleibt verwurzelt im
Ausdruck von Verletzlich- & Zerbrechlichkeit, auf den zuletzt nochmal der WeltschmerzMattglanz feierlicher Bläser fällt.
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FLUCT All the World is Green (UR Records 18): She's outta this world. I don't know what tosay. I'm a lucky man. She has a remarkable imagination. And that's the nation where I live.
She's bold, inventive and fearless. That's who you wanna go in the woods with, right? So
schwärmt Tom Waits über Kathleen Brennan, seit 1980 Mrs. Waits. Sie war es, die ihn zu
seinen gewagteren Songs ermutigte und bei vielen hat sie mitgemischt. Wo Waits drauf
steht, steckt Brennan mit drin, bei 'Kiss me', 'Flowers grave', 'Take it with me', 'Trampledrose' und 'All the world is green' nur etwas mehr noch als bei 'Rain dogs', 'Anywhere I lay
my head' und 'Little trip to heaven'. Das haben sich Giacomo Papetti & Elena Tavernini
herausgepickt, damit Tavernini, die ansonsten mit Ånde ihr eigenes Ding macht, es mit
feinem Zungenschlag anstimmt. Sie illustriert das mit Synthie, dem Däumlingsklavier
Sansula und Melodica, Papetti spielt mit seinem Knowhow als Jazzer und in Projekten wie
Small Choices, Ant Mill oder Three Branches Bassgitarre und Kalimba. "Kiss me like astranger once again" kommt tagträumerisch sehnend, die Hunde regnet es dagegen twisted-cabaret-mäßig, bassig, klackend und verraucht. Der Bass pflückt die Blümchen, dieTavernini im Schein des Silbermonds ins Grab welken sieht. Sie schwelgt in Erinnerungenmit der ganzen Tristesse einer Einsamen und im orgeligen Blues einer Landstreicherin:
anywhere i lay my head, boys / well i gonna call my home. So geht es weiter, als Zaunkönig
of the road: Sky's the autumn grey of a lonely wren. What happened to the trampled rose?
In the muddy street... Eine Winterreise in Hoboland, im Hinterland der Boulevards ofBroken Dreams. Im Kopf die Windmills of Your Mind, die sich mit ihrem Es-war-einmal undEs-könnte-doch drehen: Pretend that you owe me nothing / And all the world is green / We
can bring back the old days again / And all the world is green. Bananensüß scheint derMond über dem Lazy trip to heaven on the wings of your love . Nur dass der Beat zu diesem
verschnulzten Shoo-be-doo klappert wie ein müder Gaul. Und zuletzt zupft und munkelt'Just the right bullets' so nachteulig, als hätte Kurt Weill "The Marksman" geschrieben undin die Wälder hinter Mahagonny verlegt: Why be a fool when you can chase away / Your
blind and your gloom / I have blessed each one of these bullets / And they shine just like a
spoon... Nicht viele haben einen guten Geist, der ihnen das Pulver trocken hält.
HELIUM HORSE FLY Hollowed (Dipole Experiment Records, DER-002, CD/LP): Stéphane
Dupont (guitar/vocals/keyboards) und Dimitri Iannello (bass) machen im belgischen Liege
seit 2009 eine Art Doom-Prog-Rock, seit 2014 drischt Gil Chevigné dazu die Felle undzischenden Becken. Der Clou ist freilich Marie Billy, die zum Mikro greift, um mit zartbitterem Züngelchen Ungutes zu verkünden. Gleich bei 'Happiness' kehren sie und die
Mecs zu ohrenbetäubendem Schmeißfliegenbrausen und brachialen Wendungen das
Innerste nach außen, dass ersoffene Könige und gebannte Puppen sichtbar werden. Taff
genug, um bei 'In A Deathless Spell', einem Opus von 14'20'', das anfangs träumerisch und
auf leichten Füßen daherkommt, durch die Luft schwirrenden Rasierklingen und allem
Murk and dust zu trotzen. Die drängend sich stellende, aber gedämpft und luftig lange inder Schwebe gehaltene Frage ist: Brennen als Glotzauge in der Sonnenpfanne? Odereinfach so? 'Algeny', ein Portmanteau aus Alchemy + Gene, seifenblasenleicht der Luftanvertraut, doch mit Basstupfen in der Spur gehalten, lässt die ganze Evolution in Schönheit scheitern, etwas bitter, aber auch erleichtert und im Endspurt sogar entschlossen.
'Monochrome' führt einem, nach dem fast wie ein Walzer swingenden Instrumental'Progeny', zuerst im Duktus eines verhaltenen Songs der Art Bears, dann mit ostinater
Verve, eine Vision wie von William Blake vor Augen: Sitting in silence / Across the grey
god / A wise man / Rising his crown / Smiling at dead waves. Und wir, verurteilt zur ewigen
Wiederkehr der Langeweile, grübeln über straflos bleibende Schurkerei bis selbst das
weiße Rauschen vergeht. Und da niemand sicher sein kann, solange da draußen nochetwas ist, stimmt Billy zuletzt die kleinlaute Hymne der phobischen Internationale an:
Drain harder / There's still something out there / Drain harder / Drain harder ('Shelter').
'Progessive Baroque Hardcore' scheint mir recht passend für diese Kassandrarufe, diesich in sublimer Camouflage ins Ohr schleichen, aber mit Brachialität ihre Dringlichkeit
unterstreichen. Doch wie man es auch nennt, von Marie Billy, so wie sie da mit hellem
Timbre sibyllinisch murmelt, lasse ich mir auch ungute Kunde gefallen.
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ALINA KALANCEA The 13th Apple (Störung, STR013): Wer denkt bei Apfel noch ans Paradies?
Die dunkle Spur dieses 'Poison Girls' aus Rumänien führt über die "Tor Vergata"-Uni in Rom
und Londons Queen Mary University nach Barcelona, wo Kalancea in Störung-Macher Alex
Gámez alias Asférico einen kollegialen Schmarzmaler fand. Ich bin auf ihn und sein Labelschon bei Mia Zabelkas "The Broken Glass" gestoßen. Er geht Kalancea bei allem zur Hand
und widmet eine Fieldrecordingpassage dem Andenken von Dmitry Vasilyev (1975 - 2018),
dem beim Baden tödlich verunglückten Macher von Monochrome Vision. Dass die
Apfelplückerin sich unglamourös als Kabelbändigerin und Knöpfchendreherin präsentiert,
spricht für sie. Andererseits neigt sie zu doch recht großen Worten, spoken words, heiser
geflüstert, teils mit gespaltener Zunge: Tragedies... monsters... darkness... infernal screams...
cruel fate... gory passion... desire... a revolution that increases lives to offer them to death
while this life tends to extend blindly in wastefullness ('Imbalance'). Sie phantasiert von einem
Ende als Insekt in einem Spinnennetz, von einer Träne, die von der Wimper ins Unbekannte
stürzt. Statt Hamlet zu spielen, rät sie zu schweigen und das Begehren auf free rules zu
richten. Without free rules you lose the moment ('Insider'). Sie lässt - und überrascht dabei,
dass sie nun auch flehend singt - ihr 'Poisonous Girl' schwarzromantisch damit liebäugeln,
ihre Lippen mit denen des Todes zu vereinen, in einem vergifteten Kuss, und reimt doch:
distrust / what does it all come to? / she's in her way to dust. Das Cellopathos von Julia Kent
hierzu und die schleierhaften Strings von Raven Bush (Syd Arthur, The Heliocentrics) beimwortlosen 'Behind the Curtains' vertiefen den Nigredo-Prozess, den Kalancea selber auch bei'The 5th Apple' und 'Fears' nochmal ohne Worte anstößt mit monoton quallendem Abyssbass,zwielichtigen und flimmernden Wellen und Synthieklängen, die rhythmisch, geräuschhaft oder
melodisch den Raum betüpfeln und durchschlieren. Bei 'Limbo' sogar ganz glockenspielzart
und mit tropfenden Madonnentränen, die sie zu verwischen und zu überdröhnen sucht. Und
zuletzt erscheint - im Raunen einer Altmännerstimme - doch der Teufel als Schlange, sichwindend und flüsternd, um uns in Düsternis und Fear in den Schlaf zu wiegen ('Devil's
Lullaby').
THE LIE DETECTORS Part III Secret Unit (Chant Records, CR1808TH): Die fixen Finger desGitarristen Eyal Maoz sind in Tzadik-Aura getaucht, mit Edom, Hypercolor oder 9Volt undeiner Spannweite von slawisch-aschkenasisch (mit Wild Type) bis marokkanisch-sephardisch(mit Abraxas). So wie er Israel für New York verlassen hat, so hat der Drummer Asaf Sirkis
sich 1999 in London heimisch gemacht und einen Namen mit dem Kirchenorgeltrio The Inner
Noise, Gilad Atzmon, dem Asaf Sirkis Trio, Sirkis/Bialas IQ (mit der mit Würzburg luftverwurzelten Sängerin Sylwia Bialas) und zuletzt gehäuft auf Moonjune, aber gern tickelt er auch mit
Tim Garland, Celine Bonacina oder Natacha Atlas. "Elementary Dialogues" (Ayler Records,
2006) zeigte schon die Verbundenheit der beiden, die, gleich alt, sich schon als Kinder in
Rehovot kannten, wo sie die Geheimgesellschaft 'Die Lügendetektoren' ausheckten undgemeinsam in Avantgefilde strebten. Obwohl sie in ihrer Entwicklung und Neigung mittlerweile geschieden scheinen, hat Sirkis hörbar Spaß daran, nach Maoz' Vorgaben (er steuert
selber nur 'Tree' bei) kräftig zuzulangen. Dabei verlangt nicht allein der Duktus ein hardrockiges Knattern, den krassen Ton von 'Rice' würde auch Maoz nur mit Fischbesteck nicht
hinbekommen. Die Gitarre bleibt kakophil und verzerrt und auch beim mit virtuosem Arpeggio
gesungenen 'Go' ätzend, auch wenn Intro und Extro das träumerisch kaschieren. Erst beim
fragilen 'Closer' darf Sirkis zu Besen greifen, muss sich aber zugleich auch sputen, und sogeht es knurrig und spitzkantig gleich weiter. 'Follow' verrät dann, wie tief Maoz die Nase in
Zorns Books gesteckt hat. Mit Stakkato und Schiefklängen stachelt er Pegasus und Sirkis zu
einem bockigen Solo an, groovy wird das irgendwie dennoch. 'Sting' erhöht flickrig undwuselig noch die Schlagfrequenz und den Schillerfaktor, und bei 'Circles' jagt die Gitarre ihren
eigenen Schwanz. Maoz liebt Distorsionen (Pigtronix Disnortion) und schlierige Klangverfärbungen (Korg AX1G) und nimmt dabei Ornette Coleman und Zappa als Sprungbrett. Sirkis
genießt lieber Lindenblütentee und kollernde Drumrolls, aber zweifelsfrei auch den Kontrast
von fummeligen Finessen und dynamischem Gerocke. Mit den Freakereien von AndersonZitarelli und Maresca-Liuzzo (Manual For Errors) spannt sich das zu einem Dreieck mit drei
eigensinnigen Ecken, wobei Maoz zuletzt nochmal für die lügendetektorische mit dem Insichwiderspruch von eifriger Sirkistik und fluoreszentem Schleiertanz wirbt.

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* OFFICER! Earlier Music (Klanggalerie,
gg265): Seit 30 Jahren, seit dem Erscheinen von "Yes Yes No NO Yes No
Yes", warte ich auf ein Nachfolgealbum
von OFFICER!. Zwar gibt es in regelmäßigen Zeitabständen musikalische Lebenszeichen von Mick Hobbs als Dauermitglied von Half Japanese. Ansonsten
beschränkt sich der Hobbssche Output
weitgehend auf altes Material, 2015
zumindest auf "Never Mind The Bucket"
live dargeboten und 2016 auf Blackest
Ever Black veröffentlicht. Das österreichische Reissue-Label Klanggalerie
hat nun ebenfalls altes Material veröffentlicht, das schon 1983 als "8 New
Songs by Mick Hobbs" und 1985 als"Cough" auf Cassetten in Frankreich erschienen und beispielhaft auch auf BA #2 zu
hören war. 5 der 20 Stücke prägten schon weitgehend Oficers Meisterwerk "Ossification" und sind hier in ihren rauheren Rohfassungen eingespielt: 'Anagram' – einer
meiner Favourites auf "Ossification" und dort deutlich glatter – versprüht hier den
Charme 30 Jahre alter Low-Fidelity Technik und einfacher Produktionsmittel. “If you
crash in the kitchen you'll meet the poltergeist / his behaviours bewitching, and heacts like he knows Jesus Christ...“. Mick Hobbs ist bei den meisten Titeln der Poltergeist am Schlagzeug mit seinem ureigenen unverwechselbaren Holterdipolter, bei 'Du
Boxe' mit sprödem Drumsolo. Das auf "Ossification" durch Bläser und Streicher eher
kammermusikalisch wirkende 'Tunnels' wird hier auch von Rick Wilson zugetrommelt.
“It seems quite incredible, that although a tunnel may be dark at the beginning is
darker in the middle and, once enveloped the light at the end is not always there...“Auch das zweimal vorhandene 'Dogface' (ein Highlight mit Mittelaltertouch auf "Ossification") wird in seiner Urfassung von den Percussions getrieben: “Call my cat dogface and see how the time flies (30 Jahre!) watch the time fly when you call my cat
dogface, watch the stupid television, watch it in the launderama, orbiting in innerspace, dirty, dusty atmospheric inert...“ Ebenso 'Boxers versus Wrestlers', das später
ganz ohne drums auskam. 'Telepathy', fast ein französiches Chanson, gewann auf"Ossification" durch die Sängerin Catherine Jauniaux, während Marie-Jeanne
Fethieres Stimme hier deutlich brüchiger ist. Mit Felix Fiedorowicz, Bill Gilonis, Tim
Hodgkinson, Alig Fodder, Judy Carter, und Rick Wilson spielte Hobbs die 8 Songs in
wechselnder Besetzung ein. Darunter das melodiöse 'Live at the Watersedge', das die
Violine Terri Robsons prägt. 'Way' ist ein Zwiegesang mit Chris Cutler an den drums
und 'You' sind Tonegenerator-Experimente mit Recordereinspielungen und Melodicaklängen. Das abschließende 'All Reality Is Symbolic' bekommt durch den Park Hill
Choir (u.a. Andy Bole, Charles Bullen, Mary Currie, Trefor Goronwy), der zu Keyboards
oder Harmonium(?) ständig den Titel wiederholt, einen Touch von "Hair". 'Cough'wurde live in der Besetzung Hobbs, Fiedorowicz, Fethiere und Patrick Q Wrighteingespielt. 'Kalenda Maya' ist von irischen Songs beeinflusst, 'Instructions not Included' klingt wie ein Popsong. 'I love You Very Much' erscheint als instrumentale
Schnulze. Bei 'Bone Connections' (mit Jerome Bourdellon - flute, Raoul - sax, Antoine
Gindt - Electric guitar), das einem Countrysong nahe kommt, nuschelt Mick Hobbs inseiner unnachahmlichen Art Knochenverbindungen herunter, während er bei 'We All
Sat Watching The Same Film' nochmal seinem Drumset Saures gibt. Freunden perfekt
produzierter Musik, wird diese Scheibe wohl kaum zusagen. Für die Officer!-Fans ist
es aber ein liebenswertes Kleinod. Mach's noch mal Mick! Eine neue Officer!-Scheibe!
Ich gebe die Hoffnung nicht auf.
MB

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STEPHANIE PAN Have Robot Dog, Will Travel(Arteksounds, ART004): Ihr Name fiel schon als
Interpretin bei "Ob-Literate" von Zeno Van Den
Broek & Gagi Petrovic. Doch der Aktionsradius vonMiss Pan umfasst in Den Haag ein wildes Spektrum
von Theater/Performance mit dem Rosa Ensembleüber Kollaborationen mit Luc Houtkamp ("STEIN"
mit Text von Gertrude Stein) bis zu Computer
Aided Breathing als Improtrio für Stimme, Orgelund Live-Electronics. Als eigenes Projekt verabreichte sie, wobei sie ihr Knowhow mittelalterlicher Sangeskunst von Ars Choralis Coeln
her in ganz andere Richtung lenkte, "Pills To Purge
Melancholy", sie trat auf mit "Little Drummer Girl,or, My First Taiko", verkündete, ohne Worte, ihr"Implied Manifesto #1" oder involvierte bei ihrem
interaktiven "Raffle Radio Game" das Publikum mit
30 Radios und Instrumenten. Ihren neuen 'Songzyklus für das technologische Zeitalter' nennt sie
eine 'Ode an Abstraktion, Ambiguität und ungesagte Worte'. Verklanglicht mit Lo-Fi Electronics, Baby Synthesizers, Toys & Toy Instruments,
Found Objects, Autoharp und Vintage Keyboards
singt sie von - was ist der Plural von Handstand?,vom Alleinsein, bitterem Staub und (dem Basketballcoach?) 'Ron Adams'. Der 'Song For Being
Alone #1' ist eine ihrer melancholischen Abführpillen gegen Melancholie. Für "Have Gun - Will
Travel"-Seriennostalgie ist sie zwar amerikanisch,aber nicht alt genug, für Pop sind ihre Songs nicht
poppig genug. Aber Pans Gesang bleibt ganz
wunderbar kunstliedfern, wohl mit einigem Pathos,aber nicht dem von Musicals, Soul und Jazz.
Insofern macht sie doch eine Art Meta-Pop oder
Folklore Artificielle. Den kuriosen 'Song For Words
Unsaid' lalalallt und st-st-stottert si-si-sie z-z-zu
Glockenklingklang, und überhaupt ist die Vertonung hintersinnig. Nicht neckisch, allenfalls
pumpt und zwitschert der TripHop-Groove von'Artificial Failures' komisch, aber Pans Tonfall
neigt selbst da ins Melancholische. Für 'Beast'
genügen ihr ein surrender Halteton und pochender
Herzschlag, um dazu in exaltierter Manier ein
Seelendrama zu entfalten. Für das Titelstück, dasin phantastischen Hochtönen mit verdoppelter
Stimme gipfelt, genügt ihr ein wuseliges Synthietremolo, für 'Residue' ein Knurren und schnelles
Pulsieren, um mit erneut exaltierten Oktavsprüngen im Bodensatz der Seele zu stöchern. Zum
zartbitteren Vortrag von 'Bitter Dust' harft, rumort
und bassbumt es ominös, und 'Ron Adams' spaltet
sich in eine automatenrhythmische Lärmwand unddistanzierten Gesang. Seit Darja Kazimira undOona Kastner hat mich wohl niemand so stimmstark und stimmig beeindruckt!
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PUBLIC MEMORY Demolition (Felte, FLT055): Meine erste Begegnung mit
Felte, einem von Brooklyn nach Los Angeles gewechselten Label, das
Robert Toher solo als Public Memory und mit Austin Stawiarz (seinem
Partner auch bei Apse) als ERAAS publiziert, beschert mir pathetischen
Gesang, der auf einen zwischen TripHop und galoppierender Nervosität
schwankenden Flow gebettet ist. Eine in BA eher seltene ästhetische
Ambition. Aus Automatenrhythmik, knarrigen Korgsounds, Delay und Reverb setzt Toher ein klackendes, flickerndes, dröhendes, pochendes
Mahlwerk in Gang für acht Songs, in denen er sich zu schwulstig aufquellenden, pompös orchestralen Klangwolken zu androgynem, schaumigem Gesang aufschwingt. Er gibt sich als Außenseiter ("I don't belong to theirworld") und als Loser ("I'm coming in last place"), als "son of Judas, son ofman", als vor die Tür gesetzter armer Hund ("I'm locked outside yourdoors"). "It's in the blood... something keeps you lonely". Er fühlt sichherbst- und winterlich ("...summer into fall, the great silence... beating thatwinter sun... through the snowy wood") in einer Kulisse aus preziösen
Bildern ("tulips and gold in the summer house / two envelopes by the marble
archway... the flowers in your hand turn me to stone"). Fast rührt mich da
Kavafis-Feeling an in dieser mit hellem, molluskenzungigem Tenor (nicht'Falsetto') schmachtend und doch schon verloren angestimmten Love'sLabour's-Lostness, in Zeilen wie "sussing out a suitor", im Titel 'Aegis' (indem womöglich das Medusenhaupt versteckt ist).
JARMO SAARI REPUBLIC Soldiers of Light (Membran, JSR 02): Puolustusvoimien Varusmiessoittokunta? Nein, sagt mir nichts gegen die Finnen, vondenen wir einen Meister der Gitarre und Maverick der Jazzmusik vor uns
haben, gütegesiegelt mit dem Suomi-palkinto 2012. Für seine Leistungenmit XL, ZetaBoo, als Jarmo Saari Solu und für die Fähigkeit, sich mit Vocals,
Tauruspedal, Theremin, Keyboards, Posaune, Percussion, Viola da Gamba,
Bass, Samples, Kantele, Glasharfe und Omnichord weit über bloße Gitarrenpracht hinaus zu orchestrieren. Republic ist sein 2014 erstmals als Scheibenwelt präsenter Zusammenschluss mit gleich drei Schlagwerkern: Abdissa 'Mamba' Assefa, Sami Kuoppamäki und Olavi Louhivuori, Tausendsassas, die für ihre zungenbrecherischen Landsleute jeden gewünschten
Beat x-fach über Knie gebrochen haben, wobei Louhivuori als der mit Jg.
1981 jüngste zugleich der jazzig profilierteste ist (mit Tomasz Stanko, Mats
Eilertsen/SkyDive, Odderrang oder seinem Olavi Trio). Was die Sache unschlagbar groovy macht, gleich bei 'The Wunderers' zappelig uptempo,
aufgekratzt mit afrofinnischer Vokalisation von Saima Saari. 'Compassion'
ist euphorisiert durch Chaplins mitreißenden Aufruf zum Kampf gegen die
Hynkels (aus "The Great Dictator"). Das animierte und wieder von femininen
Vocals versüßte 'Organism' ist eingewickelt in einen Orgelloop aus Jarmo
Saaris Soundtrack für Kaurismäkis Scheidungskomödie "Haarautuvan
rakkauden talo". 'My Kind of Woman', ein von ihm selber angestimmter
Love-&-Peace-Rocksong mit sämiger Gitarre, hat er der Tänzerin Ninni
Perko gewidmet. Dagegen reiht er mit der Gitarre bei 'Radio Mammalia',
meerumschäumt, funkelige Kora-Arpeggios zu pathetischer Kopfstimme,
bevor sie (die Gitarre), elektrifiziert, selber aufschäumt und ein Theremin
winselt. 'Saffron Tears' schleppt sich mit dunkler, aber rotzfahnenwringend
und himmelschreiend aufstöhnender Bluesgitarre durchs Tal der Tränen.
Zuletzt nimmt Saari mit 'Aura' als Trauermarsch, aber auch großem Lalala
als letztem Geleit, Abschied vom Drummer Zarkus Poussa (1975 - 2016), mit
dem er im Anna-Mari Kähärän Orkesteri oder bei Marzi Nyman gespielt hat.
Und kontert so, wie Zarkus bei "Positiivinen Krapula", existenzielle Katerstimmung mit finnischer Unverwüstlichkeit.
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SCARABEUSDREAM Crescendo (Noise Appeal Records, NOISE72/73, LP /CD): We are stardust, we are golden? Wie sich Hannes Moser und Bernd
Supper da in Goldstaub räkeln, könnte man sie für zwei Pillendreher halten,
die das große Los gezogen haben. Mit wieder Schlagzeug (Moser), Gesang
und Klavier (Supper) vergolden sie nach "Sample Your Heartbeat to Stay
Alive" (2007) und dem grandiosen "Tacet Tacet Tacet" (2016) eine neue
Reinkaration ihrer pharaonischen Selbsteuphorisierung in den Echokammern von Rockpathos und Wiener Laisser Faire. Supper hält zwar durch
Marilies Jagsch auch Fühlung zur von Vienna Rest In Peace besungenen
Stimmungsgicht im 'Staat der Affen'. Aber statt sich austria-typisch im
Oasch einzurichten, reißen sie sich an den eigenen Haaren aus dem Mumienstadium, reimplantieren sich glühende Herzen und träumen mit 'Elvis'
als mythischem King ihres Tals der Könige den amerikanischen Traum inzweiter Ordnung. Hin und hergerissen zwischen schmachtender undscreamend hysterisierter Manie in Suppers hoch gepitchter Stimme. Dastransatlantische Heartcorefeeling klärt er durch das Piano ab und führt es
zurück auf seine Ursprünge in der Romantik der Alten Welt. Aber er kann zu
Mosers vehementer, rhythmisch vertrackter Schlagwerkerei seinen Anschlag auch artrockistisch forcieren, hämmernd und mit närrischen Tonsprüngen. Und gesanglich lässt er sich selbst von den größten Manieristen
unter den Rockcroonern nicht den Schneid abkaufen, wobei ihm besser als
das Raunen bei 'Laisser Faire' die Screams liegen, in die er sich da wieder
hineinsteigert. Die Songs sind durch orgelnde und studiotechnische Orchestrierungen opulenter als es die Instrumentierung hergibt. Doch wie soll
der zuletzt so dringlich angerufene 'Elvis' den Skarabäustraum zurückbringen, wo dort drüben gerade nur noch eigene Scheißhaufen gewälzt
werden?
V/A This is Frafra Power (Makkum Records, MR24, LP/CD): Mit Hilfe vonFrancis Ayamga, Drummer bei King Ayisoba, konnte Arnold de Boer aus gut
200 Tracks, die der im Lauf der Jahre in seinem Studio in Bongo aufgenommen hat, die auffälligsten auswählen. So kommt man in den Genuss vonacht weiteren Perlen der inzwischen weltbekannten Pop= Volksmusik aus
der Upper-East-Region Ghanas, die dort auf Facebook, WhatsApp und im
Lokalradio zirkuliert, aber nur bei Hochzeiten und Beerdigungen gibt es
auch Geld dafür. Fausty Amoa Mabila, die in Soe im katholischen Kirchenchor singt, dankt ihrem Gott für die etwas besser gewordenen Zeiten.
Awudu Messenger singt von 'Honigsuchen', eine bekannte Ausrede dafür,
mit den Mädeln in den Büschen zu fummeln. Linda Ayupuka hält es wieder
mit Jesus. Die Frauen afrogospeln, die Männer rappen und deklamieren,
beide vertrauen auf Ayamgas DJ-Groove mit Midi-Keyboard und Cubase.
Auch Atiah Mba hat es mit Gott, wobei sich der besser nicht als Weichei
zeigt. Ragizeer weiß, dass Geld die Welt regiert und Freunde macht, also
lasst euch nicht lumpen. Bonboriga N Lobema nennt sich nach einem Aufziehvögelchen, das er als Kind auf dem Markt zwitschern ließ, I Remember
Yesterday und lässt durchblicken, dass auch in Winzigem spirituelle Kraft
stecken kann. Big Gad, wie Mba Kologospieler, philosophiert über die alte
Frage 'Unde malum?' und predigt Friede und Einheit. Sugri Hajia Zenabu
singen seit 30 Jahren im Chor den Männern ins Gewissen, nicht das ganze
Geld zu versaufen und zu verrauchen, denn Alkohol und Armut stiften nur
Unfrieden. In Ghana gelten 28 % selbst nach lokalem Maßstab als bettelarm.
Andererseits gibt es Fußball und Korruption, und wer da die Nase reinsteckt
wie Ahmed Husein, zahlt's mit dem Leben. Aber das ist halt drunten in
Accra so. Im Norden hat man andere Sorgen und andere Helden.

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La STPO - La Société des Timides à la Parade des Oiseaux - meine närrischen Pierrots aus
Rennes, haben in ihrer Werkstatt des Potentiellen mit L'Empreinte (The Legacy) (AzafranMedia, AP 1834) ein weiteres Ei ausgebrütet. Und zwar schon 2008-11, zwischen ihrem
Split mit Volcano The Bear und "L'imparfait Multiple de Dieu", nur ist das bei Beta-Iactam
Ring Records hinten runtergefallen. Erst mit mexikanischem Support kommt man daher
mit 'Offre Spéciale de Lancement de la Chute' (13'55") und '30000 Fois' (9'26") in den Genuss zweier weiterer Kreationen der Société des Timides neben dem in der "In Concert"Version bekannten 'La Vallée des Empreintes' (8'05") und dem dramatischen TschernobylMemorial 'Les Liquidateurs' (28'), das bereits als In-Poly-Sons-Vinyl vorliegt. Dabei hört
man noch Johann Mazé an Trompete & Flöte und Benoit Delaune an Bass & Cello, abermehrheitlich dessen Nachfolger Guillaume Dubreu, der den atomaren GAU auch noch mit
Posaune beschallt (neben der Trompete von Eric Roger). Freilich sind das nur Veränderliche neben Christophe Gautheur an Synthie & Klarinette und denen, die die Parade konstant anführen: JimB, der Gitarrenwizard & stupende Artworker, der unglaubliche Patrice
Babin an Drums & Percussion, und natürlich Pascal Godjikian als der extraordinäre Performer seiner phantastischen, wie geträumten Poesie. Für mich als Kraut sind das leider
kryptische Rüben, und so erwische ich zwischen Pygmäen und Victor Hugo nur Mad mudfrom different fears / Mad mud from different tears. Intoniert mit Kopfstimme zu Xylophon
und webender Gitarre. Bis es ne Oktave runter geht mit Kontrabass und Tomtom, wieder inkreisender Bewegung, PG jetzt mit rauer Artikulation zu holziger Klapper und schepperndem Drumming, mit cellistischer Brücke zur Reprise des kopfstimmigen Beginns. Pierrot
Lunaire? Jedenfalls als Brainfuck bizarr und umwerfend wie Catherine Jauniaux' "Fluvial".
'La Vallée des Empreintes': Tal der Fußspuren... ein blutiger Gendarm... negative Mörder...
Tyrannei des Nestes? Grotesk angestimmt zu schrammeliger Gitarre und Dröhnwellen, mit
plötzlich bockig-rockigen Je mis / Je pris / Je fis-Sprüngen im Wechsel mit sonoren Haltetönen, geharftem Klingklang, geschrienem Se crache / Se cesse, das für Krawall sorgt. Und'30000 Fois'? Quillt da die Träne, läuft da die Galle über wegen einer Ölpest? Während das
Meer noch verschmäht, den Affen nachzuäffen, der es schlägt, schärft der Dichter seine
fentes-à-mots, seine Schlitz-Wörter, und überzieht die Mauern mit seinem Protest? PG
zieht theatralisch seine stimmlichen Register, zu wieder Trompete, Klarinette, Gequäke
und den wundersamen Finessen von Babin und JimB. Bis hin zu einer donnernden, vonMazé beblitzten Trommelstampede und PGs cellobekratztem Mantra environ trente millefois jusqu' a nous. Wer hat ihm diesen Pfad gebahnt: Jarry? Raymond Roussel? Genet? La
STPO ist bei aller Artistik immer auch engagiert, und die Erinnerung an den Horror vonTschernobyl und das Speed-Dating der Liquidatoren mit dem Tod ist dafür ein besonders
plakatives Schauerstück. Als ein programmatisches Capriccio: vom ersten Sirenenalarm,dem angesprungenen Fleischwolf, Noiseimpulsen und dem beklingelten Aufruf Boys,
listen to me über das Durcheinander der Eilmeldungen zum postpunkig-bassknurrigen
Toast One for the Liquidators - April 26, 1986, Reactor 4, Chernobyl. Sich steigernd zur
gewürgten und keuchenden Anverwandlung an das Himmelfahrtskommando (PG singt dasarmenisch), während Gorbatschow schaudert und zaudert unter dem Entscheidungsdruck
und dem Daueralarm aufgekratzter Jagdhörner, der brisanten Gitarre und des rockigen
Drives. Bis hin zum 'Horror' des Weitermachenmüssens um jeden Preis. Wieder armenisch,mit verzerrtem Noise, dumpfem Grollen, pingenden Tropfen, flackernder Gitarre, perkussivem Gefunkel und feierlichen Bläsern über der kakophon brodelnden Ursuppe. Es
wird nicht reichen, wenn nur RIO-Avantprog-Freaks sie auslöffeln.
21nowjazz plink'n'plonk
Creative Sources (Lisboa)
Dass manche [exemplarisch Nutzer-27241 auf www.laut.de] sogar Kendrick Lamars als
epochal gefeiertes und zugleich millionenfach verkauftes Album "To Pimp a Butterfly" alskrudes Kopfchaos und als in Ödnis abgedriftete ... Musik für Bettelphilosophen, käsige
Polkappenforscher, in Fachwerkhäusern rumlungernde Raumdesigner oder alle, denen
mehr Schein als Sein wichtig ist, abschmettern, was macht das dann auch den Geräuschwelten, die in BA der Rede für Wert erachtet werden? Erstmal nichts, denn die Welt ist
groß genug, dass wir alle darin unrecht haben können. Darum muss ich auch, ohne die
Jazz-Aversionen von Arno Schmidt und Nutzer-27241 zu teilen, noch lange nicht Andrian
Kreye zustimmen, der in Thundercat, Kamasi Washington und Miles Mosleys West-CoastGet-Down-ness die Zukunft des Jazz zu erkennen meint. Was nicht heißt, dass ich dieseMusik nicht als höchst respektabel und schätzenswert goutiere. Dennoch werde ich weiterhin meine Lebenszeit an Musiken 'verschwenden', die unterhalb der 'Diskurswürdigkeitsschwelle' ihren Beitrag leisten zu was auch immer.
Wenn selbst Blockbuster, Millionenseller und Volkshelden
wie Bruce Springsteen kaum noch etwas ausrichten
können gegen den Drang der Mehrheit zur "Fresse vonCäsaren" und dem "Gehirn von Troglodyten", braucht es
keiner weiteren Rechtfertigung, dass z. B. KERN in Berlinnach dem Wesen der Dinge, der Musik, der Kunst und vonuns Menschen auf die Weise sucht, wie sie auf mittendrin(cs 469) erklingt. Verantwortlich dafür zeichnet mit Edith
Steyer an Altsaxophon & Klarinette ein mir bisher nochunvertrautes Mitglied der Berliner Szene. Als Komponistin
der Kammeroper "Schöpfungen", Leiterin des Musiktheaterensembles Das Wilde Klingen und Mitglied derInitiative Neue Musik bringt sie ihre langjährigen Erfahrungen ein: einst im Posterity Quintet noch in München,
mit der Damen-Marching-Band "venusbrass", im Rosen
Quintett und zu sechst als Chiffchaff mit jeweils dem
Trompeter Nikolaus Neuser, mit The Bertch Quartet oder
mit Korhan Erel in VollMund. Aber bleiben wir erstmal mit'Zing Zong' oder dem 'Wiegenlied für die Eltern schräger
Kinder' bei "mittendrin", in dessen Mitte Steyer mit einer paradoxen Sentenz von Charles
Ives führt: Vagueness is at times an indication of nearness to a perfect truth . Flankiert
wird sie dabei von Matthias Müller (dem "Tingtingk"- und SuperImpose-Müller) an derPosaune und vom Drummer Yorgos Dimitriadis (der seinerseits schon mit Glue und dem
griechischen Trio Grix bei Creative Sources zu hören ist). Zuerst erklingt zu rollendem
Drumming eine dirge-ähnliche Klage der Bläser, die sich oszillierend und wie blechern undknöchern bebende arme Sünder mitten hinein wagt. Ängstlich zitternd versteckt man sichmit schlotternden Kiemen im 'Korallenriff', umkreist von mopsigen Fressfeinden. Müller
wuppert, Dimitriadis rauscht und klickt, Steyer tönt windschief und kleinlaut. Aber alledrei warten nur auf Gelegenheiten, fürwitziger zu blubbern, zu tönsen, zu tänzeln, den
Eltern auf der Nase oder groovy auf schiefer Ebene. Kinder, 'Hörts' die Signale (diegurrenden, röhrenden, die zirpenden, rasseligen und grummeligen), auch wenn ihr dafürdas Ohr an die Grasnarbe pressen müsst, wo im 'Grasleben' die Grünkraft fiept. Oder auchröhrend prangt wie die Posaune beim vital gepolterten und gekrähten 'Kirsch'. Müller
sprudelt zirkular, Dimitriadis flickert und rieselt, und wenn sie zu dritt 'polar' lautmalen,faucht, stöhnt, schleift und klirrt es so eisig, dass es einem bis ins Mark fröstelt. Den'Kreistanz' tanzt danach ein Schneemann in sich, bis zuletzt '323' im umklapperten
Unisono der Bläser in Wellen und munteren Kapriolen umeinander kurvt.
22

Der Aktionsradius von EDITH STEYER lässt sich nur skizzieren, kaum aber erschöpfend
erfassen. 2015/16 hat sie Stummfilm-CineConcerts gespielt und, neben Andreas Willers,bei Cactus, dem Joni-Mitchell-Projekt von Berit Jung. Dazu kann man sie hören mit dem
Projekt Schwedt, gelegentlich mit der kanadischen Trompeterin Lisa Allemano, beim
Quintet Montok (in dem einem Monk & Bartok zublinzeln) sitzt Griener an den Drums, wieauch schon bei Herzwerg oder einst Femmes Futürres (dem Projekt der 2016 verstorbenen Kathrin Lemke). Hoox and add-ons (cs 574) zeigt Steyer allein und pastoral zwischen'Ebony and rasperry' und überhaupt 'In between'. Oder in einem 'Clarinet biotope', in dem
der Wolpertinger ruft und ein Radfahrer kreuzt, diese Pest der Wälder und Felder. Mit
Präparationen und extented techniques evoziert Steyer mit wieder Altsaxophon oder Klarinette in kakophonem Queerfeldein bruitistisch durchsetzte Klangfelder mit archaischem
Anstrich. Durchaus ins Harmonische strebende 'Gesänge' verzweigen sich und verkorksen
wie windschiefe Krüppelkiefern. Der waldeslustige Wandel in freier Natur stolpert überdrecksäuisch entsorgten Schrott und Plastikmüll oder verbiegt sich die Haxen in 'Airyholes'. Aber unermüdlich setzt Steyer zu neuem Tirili an, mit klarinettistischem Lerchenzungenschlag, den freilich auch Dieselabgase beizen. Verzerrt angeraute und flatterzüngelnde Spaltklänge verraten ihre stupende Könnerschaft, die auf jeden gekieksten
Missklang das Schlaglicht des Gewollten wirft. Zu 'Staggering times' klopft der Buntspecht
so hartnäckig, dass er ein Stakkatoduett erzwingt. Melodienselige Schnörkel und Triller
kontrastieren mit dumpfen und verhuschten Nachtvogellauten. Weiß der Geier, wieso mir
Edith Steyer bisher entgangen ist.
Edith Steyer war auch schon Teil der gestaltwandlerischen WELF DORR UNIT, einem Projekt des Saxophonisten Welf Dorr, der wie sie aus München stammt, aber seit 1995 in New
York mitmischt: Zuerst mit Funk Monk und als Sideman bei Jeffrey Hayden Shurdut oder
Kenny Wollesen’s Himalayas. Heutzutage bei Gigs mit z. B. Kevin Shea, Hans Tammenoder Chris Pitsiokos, als Leader der Underground Horns und seit 2012 der WDU, die auf
dem Debut Blood (cs 508) bemannt ist mit Joe Hertenstein an den Drums (der sich ebenfalls in NY durchschlägt, mit Spacepilot oder HNH), mit Dmitry Ishenko am Bass und seiner
Erfahrung durch We Is Shore Dedicated oder den Trios von Jeff Platz und Dan Blake,sowie dem bei Ras Moshe und William Hooker bewährten Dave Ross an der Gitarre. Mit
dem Etikett 'Free Funk - Urban Blues' und unter dem Motto “Jazz is the Teacher, Funk is
the Preacher” greifen sie zurück auf Mal Waldrons 'Left Alone' (1960) und 'Big Tree' vonJames Blood Ulmers "No Wave" (1980). Was da mit Dorrs eigenem 'Sympathicus' anhebt,
ist, ohne auch nur ein einziges Funk-Klischee aufzutischen, dennoch in seiner ornettecolemanesken Melodik und Brooklyner Dynamik ein ganz anderes Spiel, als die skrupelhaften, dekonstruktiven, bruitophilen und intimen europäischen Ästhetiken, die ansonsten
die Creative Sources in Lisboa speisen. Dorrs sämige Geschmeidigkeit, vereint mit dem
knurrig raspelnden und kantig zuckenden Gitarrensound von Ross und Hertensteins
rumpeligem Schub, erzeugen einen singenden, prickelnden, bassbrummigen und rockig
forcierten Blut- und Glutstrom, der auch bei 'Blood' den New-Thing-Sound im Prime-Timeund Black-Rock-Update der 80er ungebrochen zeitgemäß erscheinen lässt. 'Dixie' ist als
Kreation von Ross ein auf der Bassklarinette angestimmtes bittersüßes Adagio, bei dem
sich sein Erfinder an den Saiten die Fingernägel poliert. Dann zeigt sich wieder Dorr als
melodischer Born und lässt auch auf dem Alto das Feeling auf der Zunge zergehen, während Ross mit erst sanftem, dann glutvoll intensivem Nachdruck Sonny Sharrock huldigt.
'Outcry' entpuppt sich, weder Funk noch Munch, als flott kapriolender Neobebop mit stupend flirrendem Saitengezwirbel und groovigem Basssolo, bevor die Unit zum Beat eines
Redskin-Powwows um Ulmers Baum tanzt. Dorr und Ross wechseln sich ab mit hymnischen und glühenden Gesängen, als wären sie blutsverwandt mit den alten Heroen. Endentut es downtempo und voller Wehmut, doch die Gitarre, ah, was für eine Gitarre!, und Dorrs
Alto verwandeln Waldrons Aschermittwochsstimmung so, dass sich mir Billie Holidays
First they hurt me, then desert me / I'm left alone, all alone wundersam vermischt mit Joni
Mitchells ...the music midnight makes / to Charlie's bass and Lester's saxophone.
[weitere CS-Releases -> Udo Schindler]23

Ach, die unerschöpfliche Schweiz. Der zauselige Pianist ROBERTO DOMENICONI (*1961,
Schaffhausen) ist 1/4 von Vierklang und eine Pfote von Der Grosse Bär, oder auch derSpielgefährte von Markus Eichenberger. JAN SCHLEGEL (*1964, Zürich) ist mit seinem EBass bei Unit und Intakt Records allgegenwärtig mit Noisy Minority, Tresbass, Billiger
Bauer, Objets Trouvés, Root Down oder Luigi Archetti. Und der Drummer SHELDONSUTER (*1971, Locarno) kam mir schon mit Big Bold Back Bone in die Quere, mit Marco
von Orelli, seinem Partner auch in Lost Socks, Lotus Crash oder Blow, Strike & Touch. Er
erweiterte 2012 das seit 2005 laufende Zusammenspiel der beiden andern zum Trio, das
nun mit Quince Dreams (CS 495) aus dem Schatten tretend Süßsaures verspricht. Abererstmal heimlichtuerisch anhebt mit 'Scacciapensieri', das den Nachtgesängen der Fischeähnlicher ist als jeder Maultrommelei. Allenfalls trommelt Suter mit bloßen Fingern undfragilem Klimbim zu einem halbdrahtigen Pianodrehwurm und obskurer Lautgebung eines
Basses, der merkwürdig knurrt und leise stöhnt und doch auch noch mit seinen tiefsten
Tönen 'Quittology' mit zum Grooven bringt. Domeniconi rührt mit seinem schon bei Eichenberger aufgefallenen Nachteulengefieder an 'Notte Bianci', als wollte er die Poesie eines
Notturnos in Blindenschrift ertasten, und seine Freunde spielen dazu, pianissimo, Sandmännchen. Es bleibt auch bei 'Dark' dunkel und sacht, mit zirpendem und kristallinem
Piano, ganz linder Percussion, gedämpften Tupfen, als würden Zwerge in Socken auf der
Pauke tanzen. Wie rauschende Becken, schräge Töne aus dem Innenklavier und bassdumpfe Wollmäuse groovy erscheinen können, das ist schon sehr eigenartig. Das Dunkel
verdichtet sich so opak, dass darin die zitternden Konturen dreier tremolierender Dröhnquellen verschwimmen. Murrende Reibung, bebendes Messing, vibrierender Draht bilden
zusammen eine Wolke, die erst bei 'Die Pauke und das Silber' wieder als Klingklang ausflockt. In träumerisch gepaukter Monotonie zu edelmetallischen Pixeln. Auch das finale'Americana 47°' huldigt in fingerspitzer und mikroperkussiver Enigmatik dem denkbar
größten Gegensatz zu allen Großkotzambitionen. Ob freilich die Sanftmütigen das Erdreich
besitzen werden, ist vorerst noch Zukunftsmusik.
Be prepared! For se wörst? For adventure of a new and different kind? Was rufen einem
CAJLAN-WISSEL-NILLESEN da mit fourtyfour fiftythree (CS 582) zu? Nun, 1. ist Dušica
Cajlan-Wissel mit ihrem präparierten Piano doch etwas anderes als ein Girl Scout. Und 2.
ist Georg Wissel mit seinem (mit Plastikbechern & -flaschen) präparierten Altosax weit
mehr als die Antwort auf "You know how to whistle, don't you?". Hört euch ad 1. nur mal"Sonata Erronea" an, ihre Duette mit Gunda Gottschalk. Das spricht, geradezu zungenbrecherisch, für sich. So wie Wissel in etwa WisselTangCamatta, der MirrorUnit, VENT04
oder dem Broken Ghost Consort zwar die Lippen spitzt und bläst, aber... doch auch die
Töne dämpft und abwürgt oder mit einer Zahnbürste am Mundstück fummelt. Wenn einem
dazu noch Etienne Nillesen das Fell seiner (mit Becken und Bögen) erweiterten Snaredrumüber die Ohren zieht, wie er das mit Norbert Stein, Tobias Hoffmann, C. L. Hübsch oder
Sebastian Gramss schnarrhallesisch praktiziert, tja. Anders als bei Wissels ‘Lingua Franca’,
wo C-W-N am 6.12.2017 entlang eines Zuspielbands mit polyglott rhabarbernden Zungenbrechern improvisierten, agierten sie am 17.2.2018 im Berliner Exploratorium lediglich mit
ihrer Bruitophilie und Intuition als Leitfaden. Cajlan harft, pickt und krimskramst derart im
Innenklavier, dass sie nur selten einen Hand für die Tasten frei hat. Nillesen spielt nur
ausnahmsweise mit kleinen Klöppelchen Schlagzeug, mehr aber Reib-, Geig-, Schab- undBlechzeug, teils mit bloßen Händen und jedenfalls reduktionistischer als ich das je bei
einem andern gesehen habe. So inszenieren sie mit Wissels abrupt gekürzelten Lauten ein
Action Painting aus multiplen Gesten, ein tachistisches Tüpfeln und Scharren, ein turbulentes Plinken und Rumoren, ein federndes, klopfendes, flimmerndes Krabbeln, Klirren,
Trabbeln und Wuseln, ein fauchendes, krächzendes, trillerndes Schnauben, Röhren undPusten. Wissels Selbstbeschreibung als 'Sculptor of compressed Air' trifft für alle drei zu,
wie sie da Klang kneten, pressen, dehnen, ballen, drehen und wenden. Immer wieder
scheinen die drei zu lauschen, was ihre Finger und Lippen da zeitigen an poetischen
Formen und paradoxen Effekten. Als ein Stenografieren in Zeitlupe, in undurchschaubarer
Transparenz, mit träumerischer Akribie, in schäbiger Schönheit.
24Euphorium Records (Leipzig)
Durch die Untertitel 'a landscape becoming factory', 'happening railways', '...' und 'theepiscopy of a rocket flare / light speedy astro cab' erhält The Largo and the Lame (EUPH046) durch seinen als TIBOR PRETTSCHNÖDER pseudonymisierten Organisator einenquasi programmmusikalischen Anstrich. Das von Axel Dörner an Trompete & Electronics,
Matthias Lorenz an Cello sowie Robert Landfermann & John Edwards an Kontrabässen als
NEUES LEIPZIGER STREICHQUARTETT verklanglichte Kontrukt, das sich ja schon derNorm eines Streichquartetts nicht so ganz fügt, verwandelt dabei gleich auch noch den
programmatischen 'Fortschritt' in eine psychoambiente Herausforderung. Weil dem
inneren Auge der Blick auf die in Zeitraffer emporschießende futuristische Erfolgskurve
von den ersten satanischen Mühlen über das Eiserne Pferd (denkt auch an Robert Crumbs"A Short History of America") bis zu den Marschflugkörpern und Spacetaxis nur bei Nacht,
also quasi umnachtet dargeboten wird. Als dröhnminimalistisch-entropisches Schnurren
und accelerierendes Nervensägen. Als mikrotonales Surrogat der zerrenden, quietschenden, knarrenden Schleif- und Schmauchspur von La Mettries L'Homme Machine über Ernst
Jüngers 'organische Konstruktion', die Helden der Arbeit und Nichteroberer des Weltalls
zu Rifkins End of Work. Als Quartett für das Ende der Arbeit, des Bullshits, nicht mit einem
Knall: mit Gewimmer, dem Gewimmer des Cellos. Da kratzen nicht nur die Fingernägel
derjenigen am Lack, die ins Prekariat und tiefer abrutschen. Zugleich deutet die Überschrift zwei fabelhafte Lösungen des Mensch-Maschinen-Dilemmas an: Die, bei der das
Lamm so oder so vom Wolf gefressen wird. Und die, in der the Blind Man and the Lame nur
gemeinsam stark sind. Kosmoproleten aller Länder, vereinigt euch!
Günter Baby Sommer wurde letztes Jahr 75, und quasi zur Nachfeier erschien mit GrandeCasino (EUPH 064, 3 x CD), den Machenschaften des EUPHORIUM_freakestra am 16.12.2016
in der Leipziger naTo, die Dokumentation von etwas, das sich unwahrscheinlich anhört.
Klar, das gilt gewissermaßen schon für die Musik, die Sommer, Pierre-Antoine Badaroux(as), Bertrand Denzler (ts), Patrick Schanze (tp), Oliver Schwerdt (gp, perc), Daniel
Beilschmidt (e-org), Friedrich Kettlitz (e-git, perc), John Eckhardt (b) und Burkhard Beins(perc) fabrizierten, deren Enormität euphuistische Titulierungen andeuten. Aber dassSommer dabei das allererste Mal mit Barry Guy gemeinsam musizierte, ist das zu fassen?
Um dem historischen Moment allerlei Grandezza zu verleihen, gab die in der Spielvereinigung Sued & den Cakewalkin' Babies (Schanze), der Umlaut Big Band, ONCEIM,
dem Trio Sowari, Perlonex, als Forresta & Basswald (Eckhardt) oder als Orgler der Neuen
Universitätskirche vorgeglühte Mannschaft dem freakischen Spieltrieb Carte blanche, undBeilschmidt vergriff sich dafür sogar an einer Korg CX-3. Allerdings muss man dabei die
durch das Grande noch verstärkte Erwartung einer Big Band umwandeln in ein perec'sches Puzzle in der Rue Simon-Crubellier 11, in sublime Freispiele jeweils nur weniger
EUPHorbien, teils unverkennbar, teils anonym. Bei 'Sieben' vermute ich glorreiche Sieben,
als 'Syrdillischer Oct(op)us' tentakelt aber Guy allein und bei 'Elion am lidurnesischen
Schrein' tändelt und wummert Beilschmidt allein mit dem 'Hammond-Klon'. Gefolgt vonpostkoital geschwächt orgelnder Echtzeit-Sowaristik mit Denzler und Beins. Einsilbig
quäkt ein hässliches Entchen aus Paris, ein Kontrabass wird fraktal verprügelt, Schwerdt
schwalbt mit dem Flügel und Baby radebeult die Felle, dass es nur so sommert. Er pfeiftsich/uns eins, gefolgt von sechsfältigem Wellenwurf und von Guy beplonktem Trompetengeschmetter, das Sommer euphorisiert, woraufhin auch Orgel und Tröte sowarieske
Bedenken zerstreuen. Dennoch scheint eine innere Stimme anzumahnen, den Ball flach zu
halten, auf Bim mit Bom, Fft oder Brr zu reagieren und feine Fäden zu spinnen. Ein Groove
mag als unverhofftes Geschenk die Suppe salzen, aber Jazz ist eher was für Marsmännchen. Oder doch die unvermeidliche Wiederkehr von Verdrängtem, das sich krawallig
Bahn bricht? Mon Dieu, zwei Gelbjacken! Doch Maultrommelgezirpe, Streichel einheiten undberuhigende Tropfen lassen die Trillerpfeifen sich anders besinnen. Und zuletzt taucht
man kollektiv ein in ein Klangfarbfeld wie von Mark Rothko.
25

Satoko Fujii - Alister Spence (Kobe)von links: Kelly Churko (+), Sachi Hayasaka, Kunihiro Izumi, Kenichi Matsumoto, Masaya Kimura (+), Ryuichi Yoshida,zweite Reihe: Toshiki Nagata, Satoko Fujii, Natsuki Tamura, Yusaku Shirotani, Takao Watanabe, Yoshihito Fukumoto,
Akira Horikoshi, Haguregumo Nagamatsu, Toshihiro Koike, Yasuyuki Takahashi (photo by Miho Watanabe)

Nachdem im 'Fujii turns 60!'-Marathon am 9. Oktober auf das Geburtstagskind angestoßen wurde, gehen das Erde-Hund-Jahr und ihre Kanreki-Feier in die letzte Rundemit dem SATOKO FUJII ORCHESTRA TOKYO und Kikoeru (Tribute to Masaya Kimura)(Libra Records 215-055). Mit wieder auch einem trauernden Andenken, denn nach
Kelly Churko (1977-2014) bei "Peace" (2016) gilt das 'Farewell' nun dem Saxophonisten Masaya Kimura (+2017). Breit angelegt als elegisches Largo, wird daraus mit
bebendem Vibrato ein Dirge, das sich als Trauermarsch in Bewegung setzt und in
einer emphatischen, zunehmend detaillierten, immer wilderen Grabrede des Tenorsaxophonisten Kenichi Matsumoto gipfelt, dem alle vorbehaltlos und feierlich zustimmen, und der Kontrabass plückt sogar noch extra Lorbeer. Davor erklingt mit 'Amadare'ein 12-zungiges Stakkato als Impression platschender Regentropfen. Hinter fünf Saxophonen, vier Trompeten und drei Posaunen boxt Toshiki Nagata den Bass, Akira
Horikoshi schlägt mit dem 14. Händepaar die Trommel, während Natsuki Tamura den
Fausthieben des Regens und den Stößen des melodienseligen Windes mit schmetternder und schnarrender Trompete spottet. Bei 'Kikoeru' emanieren aus der Stille zarte
Metallgeräusche, ein sanftes Glissandieren streift die Ohren und gepresster Sound
von Posaune und Trompete. Bis hin zur kakophonen Eskalation, die sich jedoch vonDaisuke Fujiwara tenorsaxlyrisch dämpfen lässt. Evoziert ist das durch Fujiis Erinnerung an einen vagen Klang, den sie auf einem Provinzbahnsteig als zugleich unheimlich und faszinierend wahrgenommen hat. Dazu bildet 'Neppa' (Hitzewelle) den sportlichen Gegenpol, wenn die Blaskapelle so richtig die Backen aufbläst und Dampf ablässt, insbesondere Altosax, Trompete und Posaune tun sich bei dieser Kickboxchoreografie hervor. Zuletzt aber lässt Fujii sich von ihrem Lebenspartner Natsuki
Tamura mit 'Stop and Go' beschenken, einem krawalligen Rumble in the Jungle vonTrompeten vs. Posaunen, der sich in ein krähend swingendes Tänzchen auflöst, dasauch die Reeds tirilierend aus dem Häuschen und den Bassisten aus der Ruhe bringt.
Damit nicht genug, schickt Tamura mit 'Ah Dadada' jeden noch verbliebenen tierischen Ernst ins Bett, so dass die Party so richtig mad und goofy aus dem Ruder laufen
kann. Mit Ah und Oh und Kontrabassrabatz, dem beschwipsten Baritonsax von Ryuichi
Yoshida, Haguregumo Nagamatsu als Posaunist ohne Posaune und einem TrompeteSchlabbergosche-Sketch von Yusaku Shirotani mit dem wie vom Affen gebissenen,
Shibusashirazu-gestählten Feierbiest Kunihiro Izumi.
26

Imagine Meeting You Here (Alister Spence Music, ASM008) ist die Einspielung einer Suite,
die ALISTER SPENCE für improvisierendes Orchester konzipiert und etwa im November
2016 mit dem Glasgow Improvisers Orchestra realisiert hat. Für die Aufnahme fand sichjedoch am 10.9.2017 im Big Apple Jazz Club noch einmal das SATOKO FUJII ORCHESTRA
KOBE ein, das bereits im Februar 2016 die Uraufführung besorgt hatte, gefolgt von Performances mit ihren Orchestern in Nagoya und Tokyo. Zu verdanken ist das dem kollegialen Verhältnis des australischen Keyboarders mit der Pianistin und Bandleaderin in Kobe,
auf der auch das Quartett Kira Kira und ihr Tête-à-tête "Intelsat" basieren. Spence, derdamit übrigens den Doktorhut in Music Composition anstrebte, fungierte erneut als Conductor, um den mit fünffach Reeds, vier Trompeten, zwei Posaunen (eine davon bläst Kaneko Yasuko von Gato Libre), Gitarre, Bass und Drums bestückten Klangkörper mitsamt
Fujii am Piano zum Phantasieren anzustiften. Das Stelldichein zeitigte mit seinem Stellteuch-vor die Sätze 'Imagine', 'Meeting', 'You' & 'Here' plus ein 'Postscript'. Für den flötenden Auftakt zu pochendem Herzschlag bläst Eiichiro Arasaki Shakuhachi, bevor zum
klopfenden Puls ein zugleich sanftes und massives, kollektives, harmonisches Summen
einsetzt. Darauf tastet Fujii eine melodische Figur, über die jedoch die Bläser und im Besonderen Natsuki Tamura und Arasaki nun mit Tenorsax hinweg schmettern, wobei das
zunehmend gedämpfte BamBam Bambam ganz aussetzt. Ein rhythmisch bellender Chorliefert das 5/4-Stakkato von 'Meeting', als ein Tatata-Tatata der Hörner zu weiteren
schneidigen Zuckungen, die aber zu nur noch klackenden Stöckchen chaotisch zerlaufen
und verstopft prusten. Bis wieder der zuckende Umtata-Groove und die blechernen Stöße
einsetzen, eine bestechende Passage, die aber nur zu einer weiteren Verhandlungsrunde
aus Trillern und Haltetönen führt. Daraus entfaltet sich nahtlos im dafür extra 4-geteilten
Orchestra ein kollektives Brüten in langen Wellen, durchsetzt mit Tier- und Anarcholauten.
Dunkles, kontrabassbesägtes Brodeln und Tuten malt triste Zeiten an die Wand, docheiner pfeift auf das allgemeine Haareraufen mit süffisantem Spott und schrillem Pfui Folge: Chaotische Kakophonie und kollektive Weheklag, die sich erst unter Trillerpfeifengetriller wieder einkriegt und sammelt, ohne die froschherzige und schafsköpfige Bangigkeit ganz abzuschütteln. Der Bassmann Hiroshi Funatos führt tremolo- und pizzicatovirtuos zu 'Here', das mit Tutti-Stakkato, Uhrwerkbeat und schwungvollem, vollmundigem
Gebläse ein Heureka zu feiern scheint. Das Orchestra tanzt wie Mothra und sticht mit Lust
und Laune in Hals-über-Kopf-Wallung. Ein Pianodrehwurm versetzt den ganzen Verein mit
pumpendem Puls in Drehung, was wiederum weiteren Bläserschwung auslöst, bis sichalles zu Yoshikazu Isakis Drummerdrive rockend um einen dreht. Das lyrisch geblasene'Postscript' bringt allerdings melancholische Nachwehen mit diskanten Untertönen, diesich als wieder animalisch entpuppen. Das Oberstübchen, das kollektive Über-Ich, reagiert darauf zu pünktlich tickenden Sekunden mit harmonieselig und feierlich aufgeblasenen Backen. Dr. Spence, I presume?

27

HUBRO (Oslo)Rob Young (The Wire, "Electric Eden: Unearthing Britain's Visionary Music") hat von J. G.
Ballard und David Toop her das richtige Gespür für den Sehnsuchtshorizont von The
Exotica Album (HUBROCD2580/LP) von ØYVIND TORVUND. I no longer remember what
our objectives were when our voyage began. Only that we wanted and needed somethingunheard. New sounds and sensations for our new age, after the war, after the rain. Die
Erfahrung der Nackten und der Toten auf den Inseln der Verdammten, ins Paradiesischeverzaubert, Traumata in Etappenhengstlatein verklärt zu Urlaubsexotik und Erotikträumen
mit einem Cocktail in der Hand und in Stereo. Torvunds kammerflüchtigen Stücke 'Wolf
Studies', 'Plastic Waves' und 'Neon Forest Space' wurden von Asamisimasa eingespielt,
und auch die orchestralen 'Idyllic Scenes' & 'Archaic Jam' deuten schon in die Richtung
der Exotica-Sinfonietta, die hier dargeboten wird vom BIT20 Ensemble, mit Jørgen Træen
an Modular Synthesizer und Kjetil Møster an Saxophon & Electronics. Aufgespannt ineinem Bermudadreieck aus der Exotica von Les Baxter, Martin Denny und Arthur Lyman,
der zeitgleichen Kölner Elektronik und der postmodernen Ästhetik von John Zorns Tabu &Exile-Träumereien. Mit soviel pfiffigem Gusto an den üppigen Sounds von Streichern undBläsern, von Harfe, Tamtam und Vibraphon, dass es für den prächtigsten CinemascopKitsch in den besten Tagen der kalifornischen Traumfabrik getaugt hätte. Gerade auchdurch elektronische Noveltyeffekte oder den Trillerdialog des Pianos mit 'Wind Up Paradise Birds', als Impression: Sonnenaufgang im Disneydschungel, schwellend vor Lebenslust aus allen Rohren, brandungsberauscht. Doch ein tosender Sturm bricht herein, unddie unsanft Aufgescheuchten müssen zerzaust Fell und Gefieder wieder in Form bringen.
Pizzicato-Getröpfel gehört freilich zum Regenwaldalltag. Olivier Messiaen ist Torvunds
Mann für die 'Rainbow Crystal'-Vogelrhythmik und schillernde Turangalîla-Harmonik.
Kaum quäken hupende Jagdhörner in die Idylle, schon klimpern die Vibes den geschmeidigen Notfallplan und Timpani bringen, bombombombom, die schnatternde Flucht ins Rollen. Pfiffe und das dunkle Echo einer Flöte setzen kratzige Streicher in Bewegung. Ein
Höhle bietet Zuflucht, eine sanfte Trompete beruhigt die Gemüter, ayleresk gesaxte FireMusic feiert den Zusammenhalt. Natürlich steigt da nochmal eine Jungle-Party, bei der es
zum Bongo-Tamtam zwitschert und die Glieder zucken zu selig schwelgenden MessiaenStreichern und dem ganzen Blech. Auch das Piano und tänzelnde Vibes treffen nochmal
perfekt den Enchanted-Ton. Wer sich hin zu diesem Sound verirrt, will nicht mehr gefunden und gerettet werden.
Auch bei STÅLE STORLØKKEN strandet man, mitten in The Haze of Sleeplessness(HUBROCD2616 / LP) in der Red Ice Desert, mutterlos. Seine allein mit Minimoog, Prophet-,
Arp- & Oberheim-Synthies, Mellotron, Hammond- & Eminent 310-Orgel, Fender Rhodes,
Cymbal, indonesischem Saron und sogar etwas Singsang generierten sieben Klangszenen
suggerieren einen mit offenen Augen geträumten Trip von Steam-Age-Nebelhörnern zu
einer spitz angeschrägten Sci-Fi-B-Movie-Futuristik, die so freilich kaum je gewagt wurde.
Ähnlich wie Philippe Petit mit seinen fiktiven Giallo-Soundtracks der "Extraordinary Talesof a Lemon Girl"-Trilogie holt Storløkken das Versäumte nach. Aus der 'Reality Box', dieweder 'Orange Drops' noch andere Turbulenzen abhält, lässt er die Imagination bis hin
zum 'Skyrocket Hotel' und ins 'Nitro Valley' schweifen. Mit halb sehnend, halb beklemmend
jaulenden und eindringlich flötenden Synthie- und Orgelklängen, knackenden Kaskaden,
dunkelstem Bassmorast, ominösen Geräuschen, die am Lack der Realität kratzen. An derbrausende Harmonik zerrt und der Sog in die Tiefen, die nie ein Mensch gesehen hat. Aberman ist dorthin programmiert, zu murmeligem Mantra, fragilem Gockenspiel, perkussivem
und geisterhaft vokalisiertem Klingklang. Mit dem Thrill des Unermesslichen pfeifen
surreal verformte Sinuswellen in höchsten Tönen zu dumpfem, melancholischem Groove.
Befunkelte Verzerrungen, halluzinierte Fehlfunktionen und verzweifeltes Rütteln nagen,während andere den Skyrocket-Dancefloor füllen, danach an der Hotelbar noch weiter an
den raumkollernden Synapsen. Aber lasst die Naiven ruhig tanzen.
28

Intakt Records (Zürich)
Individualität, Vertrauen, Spontaneität, Dynamik, Intensität, Dichte. Das sind die Ecktaten,
in denen Christoph Wagner in seiner klugen Introduktion die Chemie und das Wesen derMusik des TOM RAINEY TRIOs fixiert, wie sie auf Combobulated (Intakt CD 316) zu hören
ist. Wobei Rainey und seine saxophonistische Gefährtin Ingrid Laubrock ein kreatives Paar
bilden wie einst sein Drummerkollege Jon Hiseman mit Barbara Thompson und das
Vertrautsein mit Mary Halvorsons kapriziösem Gitarrenstil seit "Pool School" (2010) x-facherprobt und zudem in Laubrocks Anti-House vertieft ist. Andererseits, auch konfrontative
und rivalisierende Formationen - The Kinks, Cream - haben phantastische Musik erzeugt.
Wagner lässt sich sogar zum Superlativ eines "Riesenschritt(s) in die Zukunft" hinreißen,
doch ob Coltrane oder Armstrong, die Zukunft kommt als Glücksschwein und geht als alte
Sau. Bemerkenswert ist die Post-Production durch keinen Geringeren als David Torn,etwas, das zwar bei Miles & Macero schon Triumphe feierte, aber zugunsten desSpontanen und Authentischen wieder verpönt wurde. Torn bearbeitete auch die fünf
weiteren Combobulationen, und dieses Wort ist gut gewählt, meint es doch zugleich eine
ungeordnete oder sinnlose (besser unwahrscheinliche) Kombination von Dingen und dasGeschick, etwas auf mysteriöse, ungewöhnliche und neue Weise zu entwirren und zu
vereinen. Bei 'Point Reyes' auf tastende, pochende, pressende Weise, bei 'Fact' nachturbulentem Einstieg teils spitzfindig, meistenteils heavy, bei 'Isn't Mine' funkelig
irrlichternd, sopranistisch tirilierend, raschelnd und traumversponnen, bei 'Splays Itself'
nach heiser krähendem Tenorsaxsolo krawallig vereint und unablässig in yer face, bei'Torn Road' von klackenden Stöckchen zu zarter Gitarrenmystik und Raineydonner. All das
und noch mehr ist, combobulated, gleich schon im Titelstück zusammengezogen zu 18 ¾
ausgekochten NowJazz-Minuten voller glänzender Halversonistik.
STEPHAN CRUMPs Bassspiel auf Channels (Intakt CD 319) ist längst respektvoll einsortiert, vom Borderlands Trio her, mit Steve Lehman oder mit Mary Halvorson als Secret
Keepers. Und erst recht vertraut ist der geistvolle Tonfall, in dem sich INGRID LAUBROCK
entfaltet, mit dem Saxophon und als Instantkomponistin. Mit "Planctonic Finales" (2017)
wurde auch als ihr Partner der Pianist CORY SMYTHE ins Bild gerückt. Dabei ist der, mit
Jg. 1977, ja schon länger und sogar mit der größten Spannweite am Werk: im International
Contemporary Ensemble und überhaupt neuklassisch, von Braxtons "Composition 30" fürPiano solo oder "Trillium E" für Orchester bis Hilary Hahn. Aber auch mit Tyshawn Sorey,
Nate Wooley oder Peter Evans und schließlich selber den skurrilen Ton angebend bei"Circulate Susanna" (2018, zusammen mit Daniel Lippel & Sofia Jernberg). Hier ist nun
sein Konzert mit Crump & Laubrock am 1.12.2017 beim Zürcher unerhört!-Festival zu
hören. Alle drei gestalteten sie diese mit 'Fluvium', 'Benthos', 'Medium' & 'Presence'
fixierten 53 Min. so selbstverständlich auf zwiefache Weise - Laubrock mit Tenor &Soprano, Crump Arco und Pizzicato, Smythe mit Keys und Innenklavier - , dass ich es gar
nicht erwähnen sollte. Kein Drummer - das erhöht wie von selbst die Intimität und
Ausgeglichenheit der Stimmen. Dass dennoch keine kammermusikalischen Konventionen
zum Zug kommen, dafür sorgt ein hochfraktales und dezentrales Pulsieren, wenn die
Stimmen gegenläufig sich kreuzen und verstricken, was Laubrock mit dem Sopranoausnehmend quecksilbrig bewerkstelligt, und auch Smythes Arpeggio ist ein einziges
Quirlen und Hämmern. Dem freilich Crumps Bogen einen zarten Strich durch die
Rechnung macht. Oder wenn eine Stimme wie für sich und ganz unformelhaft räsonniert,
wenn sich Laubrock mit reserviertem Legato träumerisch gibt. Was sie freilich nicht vonwuppenden und gepressten Lauten abhält, die das vagile Benthos vom sessilen abheben.
Per Tenorsax ist ihr Zungenschlag sofort rauer und scharfkantiger oder zumindest
zartbitterer, aber nicht weniger flüssig. Wie alles hier, von einer stagnierenden Repetition
abgesehen. Besonders gelungen ist das schleifende und flimmernde Intro ins letzte Viertel
und Laubrocks kecke Spitzen zu erst brummigen, dann hauchzarten, perlig bequirlten
Bassstrichen. Und nicht weniger schön der zarte Ausklang.
29All is always now (Intakt CD 320, 3 x CD) zeigt, in Exzerpten von 3 bis 19 ½ Min., FRED FRITH
live at The Stone. Obwohl fast zwei Dutzend ausgewählt wurden, sind das nur Kostproben
von seinen 80 Auftritten dort zwischen 2006 und 2016. Frith, d. h. E-Gitarre, extended undeffektvoll, auch mal Innenklavier (zusammen mit Nava Dunkelman & Amma Ateria), akustische Gitarre & Stimme (im Spiel mit Pauline Oliveros & Else Olsen Storesund), und bei Normal, seinem Duo mit Sudhu Tewari (an recuperated junk), setzt er home-made instruments &small objects ein. Neben Normal erklingen weitere Duette: mit Sylvie Courvoisier (p), Shelley
Hirsch (voice), Evan Parker (sax), Laurie Anderson (violin, keys, el.), Gyan Riley (e-g) und
Miya Masaoka (koto, el.). Und weitere Trios: mit Theresa Wong (cello, voice, el.) & Annie Lewandowski (p), mit Ikue Mori (el.) & Nate Wooley (tp) resp. Clara Weil (voice) sowie das FF
Trio mit Jason Hoopes & Jordan Glenn (plus Jessica Lurie am Altosax). Als ob Kater Murr
die Stücke zerfleddert hätte, sind gleiche Personenkonstellation aufgefächert, und statteiner Chronologie scheint es erstmal nur Frith als den Protagonisten einer klingenden Fortsetzungsserie zu geben. Sein verspielter Sound als die abenteuerlustige Konstante, in diesich vertraute, aber auch seltene und neue Spielgefährten einspeisen. Als Klangquellen füreinen durchgehenden musikalischen Flow, wie sehr auch der Zufluss oder der Charakter
zwischen splattrig, träumerisch, junky und groovy changieren. So dass jede CD, statt als
kompiliertes Kunterbunt, als ein 'komponiertes' Kontinuum erlebbar wird, als komisch krachender, komisch morphender Comicstrip. Als Dreamscape, als Frithscape, mit all seinen
Ingredienzen und in sich so 'logisch', dass es einem erst dämmern muss, dass Wong längst
Mori oder das Drama mit Olsen S. auf einmal eins mit Courvoisier ist, dass die Trompete
nicht schon immer da war, dafür aber, ebenso wie Wong, wiederkehrt, wenn auch nahezu
unkenntlich. Ich halte die kompositorische Leistung, das Ohr für die mögliche Großform, fürfast noch erstaunlicher als Hirsch, Weil (als jodelndes Schaf im Wolfspelz), den Sonnenuntergang mit Parkers Tenorsax, Andersons Fiddling (und Auto-Tuning) und Friths Spektrum
von Spinnweb und Gefunkel bis zu polterndem und krass aufschrillendem Krawall per se.
Gut elf Jahre nach "Galore" münzen der Drummer Jim Black, der Altosaxophonist & Bassklarinettist Andrew D'Angelo und der Tenorsaxer & Klarinettist Chris Speed ihre, seit Kurt
Rosenwinkel 1990 an der Gitarre einstieg, konstante Männerfreundschaft als HUMAN FEEL
wieder einmal in einen Silberling um, den sie Gold (Intakt CD 322) tauften. Lässt sich mehr
Knowhow bündeln als ein in Alasnoaxis, Bloodcount, Pachora, Tiny Bell Trio, Endangered
Blood, Tyft, The Bureau Of Atomic Tourism, Agogic, Bandit 65, mit Satoko Fujii und x weiteren Größen kumuliertes? Dass es auch ohne Bass geht, war auf dem Weg von Seattle überBoston nach New York, wo sie in der virulenten Downtownszene der 90er auftrumpften, eine
befreiende Erkenntnis. Als Brüder im Geiste schlagen sie unverwüstliche Funken aus dem
Clash von Gitarre und Reeds und deren Binnenkontrast, in den D'Angelo seit seinem überwundenen Hirntumor ein vertieftes und gestärktes Bewusstsein investiert. Nicht zufällig
stammen fünf der zehn Stücke von ihm. Dass Speed in Los Angeles lebt und Rosenwinkel inBerlin, verhindert zwar ein kontinuierlicheres Miteinander, aber sobald sie zusammenkommen, kann von nur imaginärer Freundschaft nicht die Rede sein, das kollektiv kreierte'Lights Out' bestätigt das aufs feinste. Aber gleich bei 'Alar Vome' fehlt nicht viel und es
kommt süß geblasene Ayler-Xmas-Stimmung auf wie bei Mars Williams. Speeds 'Imaginary
Friend' stapft mit dunkler Gitarre zu schweren Schlägen dahin, die Bläser machen dräuend
und trillernd Dampf. D'Angelo stimmt 'G_D' als feierliche Hymne mit zartbitterem Vibrato an
und Rosenwinkel schlägt eine fragile Brücke zum Sursum corda der Klarinette, das in enttäuschten Schlägen verhallt. Blacks nicht ohne Selbstzweifel, aber doch mit genug Bläserverve bluesrockendem 'Stina Blues' folgt Rosenwinkels gedämpft schwebendes und von der
Bassklarinette gesummtes 'Bass Place', dessen sublime Gitarrenmystik in Knurren und
Schreien gipfelt. Das ostinate 'Eon Hit' kurvt danach trotz Endlosrillenaufenthalt in derhalben Zeit, aber mit dem allerletzten Saft ins Schwarze. Statt dass nach dem rosenwinkelund bläserzarten, von der Gitarre seltsam beorgelten 'Martens' die Lichter ausgehen, beginnen die Bläser zu Blacks flötendem Synthie kirrend und guttural zu irrlichtern und lösen
damit einen Tumult aus. D'Angelos Dyade 'Numer' & 'Ology' betreibt zuletzt eine erst merkwürdig sprunghafte Mathematik und macht sich abschließend auf pfeifenden Dröhn- und
Synthiewellen ohne Beat davon. Zu solcher Alchemie kann ich nur beifällig nicken.
30

Da ich mich an den Cowboys From Hell etwas satt gehört habe, bringt mir Crosswinds(Intakt CD 323) von CHRISTOPH IRNIGER PILGRIM willkommene Abwechslung. Der
sympathische Tenorsaxer liefert da ohne Elektroturbo mit 'Big Wheel' das Motiv fürden 2016er Albumtitel "Big Wheel Live" nach und vertraut dabei seinen Zusammenklang mit der Gitarre von Dave Gisler wieder den beruhigenden Händen desPianisten Stefan Aeby (der auch die begeigten Tropfen von 'Miniature' beisteuert) an
und des Bassisten Raffaele Bossard (von dem 'Aeon' stammt). Michi Stulz liefert wie
gewohnt den Beat und einiges mehr. Aber alles Vertraute und Gewohnte ist wieder
nur eine Rückversicherung, um mit Ambiguitäten und Risiken, mit Unbestimmtem und
Unvollkommenem spielen zu können. Wenn 'Luce Oscura' von 'Casa Oscura' (aufMark Turners "Dharma Days") ausgeht, geistert als unzufälliges Nebenbei z. B. Kurt
Rosenwinkel ins Spiel. Bei allerlyrischstem Chamber Jazz, dessen selbstbestimmte
Fünfstimmigkeit sich so stimmig wie lyrisch vermittelt. Selbst unter 'Big...' entfaltet
sich eine pointillistische und dezente Intimität, tagträumerisch luzide, aber in
weitgefasster Skalenbreite hinsichtlich der melodischen und dynamischen Parameter. Gisler rührt die Saiten als himmlisches Kind unter den Gitarristen, alles
Cowboyhafte kommt auf diesem musikalischen Jakobsweg versonnen zur Ruhe.
Seinen 'Point of View' zu behaupten, heißt Bruchlandungen zu umkurven, als Pilger
vertraut man sich besser dem Windspielerischen an. Irnigers Gesänge klingen in sichgekehrt und vermitteln seine Skrupel als etwas Zartes. Was nicht ausschließt,
entschlossen auch gegen den Wind zu kreuzen. Mit all dem Sehnen einer Gitarre.
Wehmut in C-Dur ist nicht widersprüchlicher als 'dunkles Licht'. Es gilt Tritt zu fassen
in der Umkehr, mit einem Lied auf den Lippen, Hayfoot! Strawfoot! Das Ziel heißt'Inside', aber kein Fuß, nur ein Driften, ein Geschehenlassen, bringt dorthin.
Ob das Auge über die Diskografie des britischen Pianisten ALEXANDER HAWKINS
streift oder über seinen Terminkalender, gefüllt mit Dates mit Mulatu Astatke, Gabriele Mitelli 'Urto', Evan Parker, Nicole Mitchell & Tomeka Reid, Decoy with Joe
McPhee, Elaine Mitcheners Jeanne Lee Project..., es registriert außer dem Homoludens in full effect auch die Notwendigkeiten, wenn man sich selbstbestimmt mit
seiner Hände Arbeit erhalten will. Solo geht auch, wenn sonst nichts geht, und dafür
ist Iron Into Wind - Piano Solo (Intakt CD 330) als aktuelle Demonstration garantierthilfreich. Schließlich stammt Hawkins' Solodebut "Song Singular" noch aus dem 'Jahr
der Fledermaus'. Auch macht sich ein rätselhafter Untertitel wie 'Pears from an Elm'
immer gut. Hawkins fand ihn (als span. Sprichwort für: was Unmögliches verlangen)bei Eduardo Galeano, ebenso wie dessen Lob des Bildhauers Eduardo Chillida als»Der Mann der Eisen in Wind verwandelte«. Es lässt Hawkins mit dem Gedanken
spielen, auch er könnte sich an Unmöglichem versuchen und Starres in etwas Bewegtes, Durchlässiges und Weiches verwandeln. Jedenfalls sieht er sich in der guten
Gesellschaft von Eve Risser, Kaja Draksler, Kris Davis oder Craig Taborn als derjenige, der sich bestärken lässt von Leoš Janáček in seiner akribischen Motivbearbeitung und von Mal Waldron hinsichtlich einer konzentrierten Selbstbeschränkung. Von'Song All the Way' über das tastende und plötzlich losspritzende Treppauf-Treppabvon 'It Should Be a Song' bis zur auflaufenden Rasanz von 'Hard as Threads' und dem
kreiselnden 'Etude' hat Hawkins, umgeben von Max-Bill'scher Aura, am prächtigen
Steinway des Radio Studios Zürich aus Ulmenzweigen insgesamt zwölf Birnen gepflückt. Keine überzüchtete Sorte, sondern perlig entschlackte Poesie. Mit verstolpertem Gospelanklang und monkisch wie Ran Blake bei 'Congregational', erst quirlig
versponnen, dann zunehmend entschlossen: 'Tough like Imagination', durchwegs
perlig und kristallin: 'Gossamer like a Ghost Tree', erst perlig, dann drehwurmnärrisch: 'Tumble Mono'. Bei 'Pleasant Constellation' durchwühlt und zersplittert
Hawkins Sun Ras 'Fate in a Pleasant Mood', bei 'Strange Courage' tollt er launig undbockig. 'Wander/Wonder' ist weder J.J. Niles, noch Britten oder Berio, ja nicht einmal
Folk (oder doch?). Aber man erwartet ja auch kein Blut bei 'We All Bleed'.

31Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Kinder, wie die Zeit vergeht. 2019 lädt dazu ein, die Kappe zu schwenken zum 40th
Anniversary von Leo Feigins Lebenswerk Leo Records. Zugleich zollen Peter K Frey &Daniel Studer im 20. Jahr als KONTRABASSDUO STUDER-FREY Chronos Tribut mit Zeit
(LR 837). Mit Stücken, die sich durch die Titulierungen Praeludium - Interludium - Initium Excursio - Continuatio - Tardum betont klassisch und traditionell gewanden. Wenn dannnoch der Klarinettist und Komponist JÜRG FREY, ein Protagonist der wandelweiserischenÄsthetik, und am Cello der gute ALFRED ZIMMERLIN dazustoßen für drei Parts und ein
Postludium, wird das noch was anderes als einfach nur ein Quartett. Nämlich eines, das schon 2004 in der Roten Fabrik - nur die Zeit, aber nicht den Raum teilte. Weil die vierdabei räumlich getrennt für sich musizierten und nur über Lautsprecher in einem fünften
Raum vereint erklangen. Sich so in die unsichtbare Hand des Zufalls und der Aleatorik zu
geben, verrät eine ganze Menge über den Raum, der dem Unbestimmten, Offenen undFreien in dieser Musik eingeräumt wird, in der somit zwei Zeitebenen verkettet sind. Hinzu
kommt, dass sich sonor getupfte Kontrabassklänge und geräuschvolle Wischer auf
Augen-, genauer: Ohrenhöhe begegnen und aneinander reiben. Das gilt umso mehr fürden bruitistischen Tumult mit viererseits Extented Techniques: Bogen- und Faustschläge,
Kratzer, Luftstöße, Schnarr- und Plonklaute, durchsetzt mit perkussiven und, seitens desKontrabassduos, auch noch elektronischen Merkwürdigkeiten. Monoton tropfende Töne
und unforsch glissandierende Bogenstriche oder spitze Kirrer zu dieser leitmotivischen
Punktierung durch einen der Kontrabässe entzerren das Klangbild, und die sonore
Bassklarinette besänftigt es, während es gegenstrebig geräuschkulissenhaft gestört undverunklart wird. Bassbögen federn, picken und ratschen an den Saiten, die stramm gezerrt
oder kreisend gewischt werden. Klänge spreißeln, flippern und poltern, sie peitschen,sägen, knarren, fauchen, knören, trillern, huschen als unbändige Splittergruppe derKakophonen Befreiungsfront, die sich hoffentlich noch lange nicht zur Ruhe setzt.
Ornette Coleman (mit Aki Takase), Eric Dolphy (mit Potsa Lotsa) und "Mingus Mingus
Mingus" (mit dem Trompeter Nikolaus Neuser und dem Drummer Christian Marien als I am
Three), Silke Eberhard macht kein Hehl daraus, wer ihre Helden sind. Für Mingus' Soundsof Love (LR 844) hat sie ihr Projekt erweitert mit Maggie Nicols zu I AM THREE & ME. FürMingus-Songs mit dessen Poetry, die Nicols anstimmt als überraschend streichelzahme
Jazzchanteuse, die jedoch ein 'imp of the perverse' auf Abwege reißt: 'Weird Nightmare'als Albtraum und mit gebrochenem Herzen; 'Eclipse' mit der Traumhochzeit von klapprigem Mond und euphoner Sonne; 'Duke Ellington's Sound of Love' als zartbittere, brüchige
Hommage erst nur mit dem Altosax, dann im Trauerschritt noch Dirge und doch schon
auch stiller Jubel. Das katzennärrische 'Mingus Cat-alog / Pussy Cat Dues' zerreißt einen'Ethnic-Folk-Dance' für Mingus' Ratschläge, wie man Katzen toilettenfit trainiert. Im auf
Krawall gebürsteten, trompetengrowligen 'Haitian Fight Song' sagt Nicols, die diabolische
Canaille, den reaktionären Mächten jodelnd und kandidelnd und mit einem eigenen Befreiungskampftext den ständigen Kampf an. La Lotta continua. Der dritte Weg? So wie
Mingus sich als mehr als nur 'ein anderer' verdreifacht sah: I am three - einer who watches& waits, einer who attacks, because he is afraid, und einer, der als gebranntes Kind
schwankt zwischen Vertrauen & Misstrauen. Sein 'Portrait' von Mutter Erde mundmalt undsingt Nicols lange nur mit der gedämpften Trompete, bis die ganze Palette an Farbtupfern
dazukommt. Das schubiduisierte 'Nostalgia in Times Square' bleibt auch bei Silke & ihren
Pork Pie Boys einer der ohrwurmigsten Zwirbler von Mingus. Und 'The Clown' gibt als
Sketch von einem, der sich im Versuch zerreißt, die Leute zum Lachen zu bringen, Nicols
die Gelegenheit für einen ihrer rasanten Monologe, aufgepeppt als grotesker Walzer, dochmit einem tragischen Finale. Damit die Allegorie der Schadenfreude als Lachgarantie nicht
das letzte Wort behält, schließt der dreifaltige Vierer mit etwas Süßstoff bei einer vokalisierten Reprise von 'Sound of Love'. Wenn sich Mingus nicht längst schon auf Wonderland
gereimt hätte, wäre jetzt der Reim fällig. Ah Um. Oh Yeah!
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Cwm Gwilym, Radnorshire, Powys - wie sollten mir da nicht die Synapsen
klingeln. Und erst recht vor der Diskrepanz zwischen dem walisischenHinterland, dem Titel The Forest From Above (LR 848) und dem versteinerten
Wolkenkratzerwald, den Charlie Beresford auf dieses neue Album von
FOURTH PAGE gepflanzt hat. Nach dem Zauber mit Sonia Hammond undCarolyn Hume erklingen hier seine Gitarre und seine Stimme ein weiteres Mal
mit Humes Keyboards, Peter Marsh am Bass und Paul May an den Drums. Umfern der Metropolen tagträumerisch zu raunen von der Kühle der Nacht, vonSonnenuhr und Schatten, Linien und Linsen, dem Wechsel der Gezeiten. Er ist
ein ebenso eigenartiger, aber weit wortkargerer Songwriter als Steve Day. So
dass dieses Quartett wieder mit merkwürdigen, nämlich auch mit Bogengegeigtem und geschabtem Gitarrensound zu gedämpfter Percussion undweichen Hume-Drones ein dämmriges oder halbschattiges Ambiente ausbreitet, zeitvergessen, shoegaze-groovy und empfänglich für Szenerien, diesich nur dem dritten Auge auftun. Zu Haltetönen der Keys schimmert Metall,
die Gitarre ist diesmal auch elektrifiziert und effektvoll nuanciert, zu stehendsummenden und pfeifenden Wellen. So lockt Beresford als Orpheus of theUndergrowth auf England's Hidden Reverse, und ich meine damit nicht Folk
und Hinterwälder, ich meine die Sensibilität für das schwer Sagbare und den
Versuch, durch kakophone Schleier an Geheimnisvolles zu rühren. Mit
geduldigen Repetitionen, flockigen Schlägen, dunklen Tupfern, zerbrechlicher
Stimme, gedämpft, ganz ohne Hast, nicht direkt fordernd, aber empfangsbereit. Beresfords Singsang ist kaum mehr als ein Flüstern, zu mitfühlendem
Piano, filzigem Pochen, moosigem, moorigem Bass. 'Turn the Tide' macht das
zuletzt nicht ungesagt, geht aber energiegeladener und tänzerisch beschwingt daraus hervor.

Desire & loss / in realms of dream & real worlds, together, / in a dance above
the grave. Mit diesen Zeilen von Robert Gibbons hat die Pianistin MARILYNCRISPELL zwei als Dream Libretto (LR 849) zusammengefasste Musiken
poetisch hinterfüttert: 'Memoria / For Pessa Malka' und 'The River'. Ersteres ist
eine 5-teilige Komposition, die sie zusammen mit der kanadischen Geigerin
TANYA KALMANOVITCH und dem 79-jährigen Elektroveteranen RICHARDTEITELBAUM vertont. Gewidmet ist das dem Andenken ihrer Eltern und einer
Reihe von Verstorbenen. Letzteres improvisierte sie mit nur Kalmanovich, diein Brooklyn als Spielgefährtin von Mat Maneri und vom KCR Trio mit Anthony
Coleman & Ted Reichman zu Crispell gefunden hat. Das elegische 'Memoria'
schreitet pianistisch zwischen helldunklen Tönungen von Erinnerung zu
Erinnerung, von Grab zu Grab. Dissonant aus dem Lot, zickzacken die Töne inweiten Intervallen. Gefolgt von einem elektronischen Tableau, das mit perkussiven und wummernden Verwerfungen anschwillt. Das Piano kehrt zurück
für eine fragende Zwiesprache mit der Violine. Die daraufhin zu flehen anhebt,
sich rechtfertigt und in bittersüßen alteuropäischen Erinnerung versinkt. Das
Piano fasst den inneren Zwiespalt in ostinate Repetitionen. Und fährt elegischfort, mit der Geige schwesterlich zu wispern von unguter Schweigsamkeit,
dunklen Reflektionen, stillen Wassern, einem Schlafwandeln unter bekannten
und unbekannten Sternen. Das Miteinander wird energisch und turbulent, mit
auch kratzigen Strichen und Tönen, die ins Strudeln geraten. Kammermusikalische Sensibilität lenkt das zurück in romantische Gefilde, die dem
Wildwassertemperament jedoch nicht genügen. Rasselnd und knarzend,
scharrend, klopfend, pickend und dröhnend probt pure Bruitistik den Aufstandgegen den himmlischen Geigen- und temperierten Pianoklang. Doch entsagend kehrt man zurück in die heile Welt, auch wenn nun Schmuddelfinger
die Töne etwas unsauber anschlagen und auch von der Geige eine Medusenträne rinnt und den Fluss der Erinnerungen würzt.
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Nach den Bassklarinetten von Rudi Mahall und Jason Stein sind nun wieder
Streicher das angesagte Ding bei IVO PERELMAN. Bei Strings 1 (LR 850) mit
einem Quasistreichquartett mit MARK FELDMAN und JASON HWANG an Violinen,
MAT MANERI an der Bratsche und seinem Tenorsaxophon in der Rolle des Cellos.
Was nicht ganz so an den Rosshaaren herbeigezogen ist wie es klingt, denn bei"Strings" hat er im Duo mit Joe Morris vor gut 20 Jahren tatsächlich selber Cellogespielt. Und nur wenig später hat er für die "Alexander Suite" & "The Navigator"
seinen Tenorsound mit einem ganzen, nämlich dem C.T. String Quartet verschmolzen und diese Erfahrung aufgefrischt mit dem Sirius Quartet für "ThePassion According to G.H." (2012). Es ist auch gar nicht zuviel gesagt, dass derKlang des Cellos, das er in jungen Jahren gespielt hat, die Mutter seines
Tenorgesangs ist, vom sonoren Bauchkitzel bis zum schädelspaltenden Altissimo.
So wie er bläst, streicht er ein Hypercello und bündelt darin quasi den ganzen
Stringfächer. Am liebsten mit Maneri als einem Seelenbruder, der die Violastreicht, dass sie wie ein Blasinstrument atmet. Dazu fügt sich Feldman mit
seinem virtuosen, von Abercrombie über Courvoisier bis Zorn tausendfach
praktizierten Jewish-Culture-Jazz-Freispiel. Und Hwang mit seinem braxtonisierten Far-East-Side- & Over-the-Edge-Gefiedel, das Perelman noch vom C.T.
String Quartet im Ohr hat. Für ein Tirili in höchsten Tönen, wobei bei diesem
deliranten Karneval der Tiere auch die Unken nicht fehlen. Aber die Musik spielt
doch, brillant schillernd, quiekend, flimmernd, flötend, wie dem einen der
Schnabel gewachsen ist und bei den andern die zuckenden Bögen ihr Eigenleben
austoben. Zugleich zitronengelb und irisch rückwärts auf Soft Shoes, mitabschmierendem Dopplereffekt und stacheligem Kontra oder süß-krätzigem
Kontrast. Es fehlen atemberaubende Euphonie im tiefen Tenorregister undtremolierendes Pathos ebenso wenig wie kratzbürstige Entgleisungen, pikantes
Picken, kurios ohrwurmende Komik, stures Sägen, hornissige Attacken, dumpfes
Versumpfen, zwitschernder Irrwitz. Dass ich mich meiner String- und PerelmanAversionen zum Trotz in der ersten Reihe einer wunderlichen Freakshow
festgebannt finde, wundert mich ja selber.
Strings 2 (LR 851) verbandelt IVO PERELMANs Tenorsax mit MAT MANERIs Viola.
Doch nie allein, denn mit HANK ROBERTS kommt bei 7 der 9 Improvisationen sein
vom Spiel mit Tim Berne und Bill Frisell bekanntes Cello ins Spiel und viermal auchnoch die von den Semantics und Sainkho Namtchylak her unvergessliche Bassklarinette von NED ROTHENBERG. Und die ist gleich bei den ersten Sekunden,
sonor und knarrend, ein gepolsterter Gebetsschemel, auf den sich die andern
knien, um händerringend zu heulen und mit Dämonen zu hadern. Die vierteltönerne Bratsche hat dabei Haare auf den Zähnen, das Cello die Engelszunge.
Aber erst wenn die Bassklarinette wiederkehrt, bekommt die Hoffnung einen
Swing, der mehr ist als Schall und Spreu. Gläubige Generationen hätten sie als
Reliquie vergoldet, als Splitter vom Kreuz, als mordsdrum Knochen, derSeelenheil garantiert. Den andern ist es nur gegeben, zu kratzen und zu wimmern,manisch zu murmeln, panisch zu wimmeln, veitstänzerisch zu fiebern. Zartbittere
Töne entgleisen, was Gesang zu sein meint, klingt nach dem Quäken aus wie vonBosch gemalten Schnäbeln und Mäulern. Die zitternd und trillernd schrillenden
Töne flippern wie geköchelt, das Tenorssax versucht zu beschwichtigen wie ein
falscher Prophet. Doch es ist wieder Rothenberg, dem es in der letzten Viertelstunde zufällt, den dreimal schwarzen Kater so zu streicheln, dass er wohlig
schnurrt. So gelingt dann doch noch ein vierstimmiger Chor, der aus der Not derNoten eine Tugend macht, einen himmelschreienden Singsang aus zirpenden
Flammenzungen, maunzenden Lauten, spitzentänzelndem Pizzicato, spritziger
Exaltation, flimmernder Euphorie. Und mittendrin singt die Bassklarinette soschön, dass Unten wie Oben klingt und auch das engelsbeflügelte Cello wieder
Aufwind bekommt.
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TANJA FEICHTMAIR ist kein unvertrauter Name, Dank Leo Records, wo die österreichische Saxophonistin ausgiebig vorgestellt ist mit Lull und dem Trio Now! Omnixus +Solo (LR 852) zeigt sie live, einmal allein im Wiener Miles Smiles am 2.11.2011, undzuvor im Jazzatelier Ulrichsberg am 1.5.2009 mit Omnixus. Das sind 32'48" am Stück
mit Hugh Livingston am Cello, Scott Looney am Piano und Damon Smith am Bass.
Letztere sind ein eingespieltes Gespann und waren immer wieder auf ugEXPLODE mit
Weasel Walter zu hören, bevor Smith sich mit Balance Point Acoustics ein eigenes
Forum einrichtete, ohne den heißen Draht zu Weasel zu kappen. Livingston muss man
ebenso wie Looney in Kalifornien verorten, wo er die Fühler in den Fernen Osten
ausstreckt, Klanggärten installiert und sich Modern Composern wie Jonathan Harvey,
Morton Subotnik und Roger Reynolds zur Verfügung stellte oder in den Dienst derFilmindustrie (etwa bei Marcos Beltramis Soundtracks zu "I, Robot" & "Hellboy"). In
Ulrichsberg kratzt er mit Smith um die Wette, mit plinkplonkiger Verve fliegen da die
Brocken, abrupte Kürzel, rau gekrähte, sprunghaft gezackte, spaltzungig gespuckte,
wobei sich Looney mit merkwürdigen Splittern und metalloid-perkussiven Innenklaviercrashes wörtlich nimmt. Lyrische Cellostriche und sonore Basstöne neben
samtigen Andeutungen des Altos und perligem Klimpern sind derweil nicht verboten,
weil Kontraste ja den gesuchten und, zugegeben, gefundenen Reiz ausmachen. Ein
eskalierendes Crescendo stoppt sich selbst mit dem Hackebeil, aber dem interuptus
folgt Tristesse, aus der Looney zitherspielerisch und mit einer ostinaten Motivwiederholung herausführt. Überhaupt ist er nah dran, die Schau zu stehlen, die cellistischsublim sich weiterspinnt in lyrischer Melancholie. Bis Omnixus prickelig und zunehmend turbulent dem Ende zu kapriolt, mit einem erstaunlichen Unisonofinish. Feichtmairs ¾-std. Altomonolog verrät dann, kontrastreich, komplex und skrupelhaft, wie
sehr ihr Gestaltungswille auch schon das Quartett prägte. Und wie sehr sie an Schönheit festhält, als 'Floating Substance' und Desiderat. Auf der Bühne gab es einst Die
Naive. Sie ist das Gegenteil davon. Sie scheut des Gedankens Blässe ebenso wenig
wie einen footstompenden Groove, Oktavsprünge mit belegter Zunge, eine lyrische
Zerreißprobe oder rostiges Stakkato, wobei ihr Vertikales, Spannung und Offenheit
wichtiger zu sein scheinen als Lineares oder zu Sauberes.

Der Trompeter CHRISTOF MAHNIG (Bruder des Zooom-Trio-Drummers Dominik) hat
sich zwischen Willisau, Luzern und Bern erstmals mit Mahnig-Agnas-Mahnig in BAs
Hörfeld geschoben. Red Carpet (LR 854) rollt er jedoch mit DIE ABMAHNUNG aus, undverschafft da seinen Ideen Gehör mit Laurent Méteau (von Aerie, Dynamo, Service
Fun...) an der Gitarre, Rafael Jerjen (von MaxMantis, Maurus Twerenbold-Non Harmonic Quartet, Lukas Gernet's Reconception...) am Bass und Emanuel Künzi (Kimm
Trio) an den Drums. 'Eric's Breakfast' klingt, als wäre man eher mit Jelly Roll Morton
als mit Eric Dolphy out to lunch, trotz jungle-growligem Unterton zugleich so cool undsubtropisch, als wären Po-Boys und Gumbo statt Rösti und Raclette Schweizer Leckereien. Wer steht mit mir bei 'Zu neuen Ufern' mit einer tiefen Sehnsucht im Regen Jerjen als halber Australier? Der Hüftschwung dabei ist allerdings lässig-karibisch,die Gitarrenträumerei allerfeinst und die Trompete westcoastcool. 'Erst die Arbeit,
dann das Vergnügen' kiekst und klappert gut gelaunt altmodisch und als wäre die
Arbeit schon das reinste Vergnügen, auch wenn sie einem die Luft nimmt oder sich im
Kreis dreht. In 'Twilight' dringt man mit monotonen und rappeligen Tupfern und mit
Dämpfer durch Gitarrengespinste ein. Dem folgt 'Three Pictures' als Triptychon von 16
Minuten, erst auf geschmeidig animierte, unaufgeregte Weise modern, dann als ostinater, agitativer Uptempo-Shuffle und schließlich als elegisches 'Portrait of N. in
Green' mit klagend aufscheinender Trompete. 'Paulina's Waltz' schließt sich an als
beschwingtes Chim Chim Cher-ee, treppauf und repetitiv. Zuletzt gibt es 'A Piece ofCake' als flott boppenden Flirt von Trompete und Pizzicato, mit rauschendem Beckentickling und klapperlaunigem Drumsbreak, zu dem sich Künzi hinzupickt, bis sie alle
zusammen den Kuchen wegputzen. Ganz schön sahnig, Herr Mahnig, Chapeau,
Monsieur Méteau.
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RareNoise Records (London)
JAMIE SAFT, STEVE SWALLOW & BOBBY PREVITE sind einander vertraut durch "The New
Standard" (2014) und durch "Loneliness Road" (denkt an die beiden Songs von Iggy Pop).
Für You Don't Know the Life (RNR101, CD/LP) klammert Saft das Piano nun ganz aus
zugunsten von Hammond- & Whitehall-Orgeln und einem Baldwin Electric Harpsichord.
Das Programm ähnelt im Miteinander von Eigenem und Covers dem von "Blue Dream", das
Comic-Artwork von wieder Steven Erdman unterstreicht die Querverbindung auch nochhin zu "Solo a Genova". Hier sind nur das temperamentvoll und rasant von den Keys
rauschende, basstrommelgekickte 'The Cloak' und das aufgekratzt swingdudelnde 'Stable
Manifold' Safts Erfindungen, drei Stücke entstanden spontan. Los geht es mit 'Re: Person I
Know' von Bill Evans, dessen Vaterschaft Saft freilich total harpsichord-verzwirbelt. Dannorgelt er aus flötenden und knurrigen Haltetönen und Luftlöchern das merkwürdig getragene, von Previte betickte und bedongte 'Dark Squares'. Er pocht auch den Groove für
das nostalgisch ertastete 'Water From Breath'. Das mit zärtlichem Fingerspitzengefühl
gedämpft dargebotene Titelstück stammt dann von Tom Moore, dem Orgler der Moving
Sidewalks, Bill Gibbons' Prä-ZZ-Top-Band, vom 1968er Album "Flash". Womit Safts Bart
sich einmal mehr als Bekenntnis offenbart. 'Ode to a Green Frisbee' wurde von Roswell
Rudd komponiert, und Previte paukt es ganz markant, während Saft dazu Orgeltöne wie
Eukalyptusbonbons lutscht. 'The Break of the Flat Land' sammelt Morgentau, der vom
Bass tropft, von Previte rührt kaum mehr als ein Funkeln. Nach dem schön altmodischen'Moonlight in Vermont', einem Oldie von 1944, as Hammond und as schmusig as can be,bringt Burt Bacharachs 'Alfie' zuletzt einen zweiten Rückgriff auf die 60ies. Safts Finger
singen I know there's something much more / Something even non-believers can believein / I believe in love, Alfie. Und Swallow? Der tupft mit der Behutsamkeit seiner 78 Jahre die
Tupfen dahin, wo sie hingehören.
Der Saxophonveteran DAVE LIEBMAN und ADAM RUDOLPH harmonierten schon bei "TheUnknowable" (2018), mit Tatsuya Nakatani an den Drums. CHI (RNR102, CD/LP) variiert
diese Konstellation mit HAMID DRAKE, den Rudolph schon aus der Teenagerzeit kennt(beide sind Jg. 1955). Seit den 70ern trommelten sie zusammen in der Mandingo Griot Society, mit Fred Anderson, mit Pharoah Sanders, in Adam Rudolph's Moving Pictures oderals Hu Vibrational. Vereint als Sender und Empfänger spiritueller Vibrationen, hingegeben
der Balance von Yin und Yang. Rudolph bezieht sich seit Langem auf den Sufiordensgründer und Musikmystiker Hazrat Inayat Khan (1882-1927), dessen "The Music of Life" einer
seiner Leitfäden wurde. Seine Oper "The Dreamer", nach Nietzsches "Geburt der Tragödie", verweist auf einen weiteren, auf den auch 'Becoming' anspielt. Ebenso wie 'Flux' das
Werden feiert und den heraklitschen Nietzsche durch 'Continuim' in Einklang bringt mit
taoistischen Ansichten. Noch vor Tenor- & Sopranosaxophon bringt Liebman mit Blockflöte, noch vor Kongos, Djembe & Tarija bringt Rudolph mit Piano das fließende Wesen desWerdens nahe. Drakes Drumming (wobei er auch noch zu Framedrum greifen wird) und
Rudolphs klapperndes Tamtam liefern den afro-black und morgenländisch groovenden
Flow für Liebmans Gesang, der sich zu sopranistischen, durch Electronic Processing in
Kaskaden verhallenden Höhen aufschwingt. Weitere elektronische und perkussive Akzente und rappelige Schübe mit Turbokurbel animieren ihn zu launigstem Tirili. Das alles
im freien Spiel freier Geister, die die Zeit auf der Stelle treten lassen können oder mit dem
Daumen dran rubbeln. Liebman kirrt und quäkt als infinite Jester, Drake stöckelt, crasht
und rasselt dazu wie das pure Leben. Für 'Formless Form' gibt Liebman'sche Pianopoesie
den Ton an, bevor Drake wieder einen Groove quirlt. Aus dem hitzigen Getrommel von'Emergence' schwingt sich, quicklebendig, erst das Soprano, dann die Blockflöte auf,
Rudolph vokalisiert Obertöne und klappert stabspielerisch, und auch das Tenorsax
spottet, zu Santirschwingungen, der Schwerkraft. 'Whirl' lässt zuletzt mit einem mbiraähnlichen Framedrum-Groove, den Liebman mit vogeligstem Soprano verzwirbelt, die
Derwischröcke wirbeln, und Rudolph grüßt die Spirits up above. Hypnotisch!
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Wie bei Alan Rudolph das Chi, so strömt bei MARILYN MAZUR die Urkraft, und im Wechselspiel von Yin und Yang kehrt sie die dunkle und weiche Seite hervor. Die sie nicht auf passive Empfänglichkeit beschränkt. Die Kraftlinien, die sie mit ihrer Group (aus lauter Männern) vitalisiert, mit Celestial Circle, Spirit Cave, Future Song, im Trio mit Josefine Cronholm & Krister Jonsson, im Makiko Hirabayashi Trio oder mit Rita Marcotulli European
Leaders, bündelt sie seit 2015 in Marilyn Mazur's SHAMANIA als exklusiv weiblichem Verbund. Mit Josefine Cronholm - voice & perc (SE), Makiko Hirabayashi - keys (Japan/DK),
Sissel Vera Petterson - sax & vocal (NO), Lotte Anker - sax (DK), Hildegunn Øiseth - tp
(NO), Lis Wessberg - trb (DK), Ellen Andrea Wang - bass (N), Lisbeth Diers - perc (DK) &Anna Lund - dr (SE) ist das ein Klangfächer aus guten Vertrauten und singenden, klingenden Essenzen von Equilibrium, Trondheim Voices, dem Konvoj und dem Shakara Ensemble, Sisters of Jazz & Steen Rasmussen Quinteto, Pixel & Gurls, J. Cronholm "Ember"oder Anna Högberg Attack. Die Debuteinspielung (RNR103, CD/LP) in Jan Erik Kongshaugs Rainbow Studio deutet mit 'Rytmeritual', 'Time Ritual', 'Heartshaped Moon' und'Space Entry Dance' zurück auf die schamanischen Riten und Tänze einer Zeit im Zeichen
der Mondin, der Mutter Erde, der Weisen Frauen. Daneben erinnern das flockig-klimprige'Kalimbaprimis' und der rappelige Soprano-Dialog 'Talk for 2', aber auch 'CHAAS', an Mazurs und Ankers Zeit mit der Primi Band als selbstbestimmter Weiberhorde und an derenin Percussion
Paradise fortgesetzte Out-ofAfrica-Archaik.
Øiseths Bukkehorn verrät, dassauch Hyperboreerinnen sichauf Bocksgesänge verstehen. Dazu gehören ostinate MinimalFo r m e l n , w i e
gleich bei 'New
Secret', dem Einstieg mit feinen
Glöckchen, Pianoloop, wortlosem Sing- undAnkers Sopranosang. Klingklang
und vokalisiertes Cronholmisch verbinden sich mit Afrotamtam und aufgeblasenen
Backen, ohne die Verschämtheit der Athene, nein, Øiseth quäkt ungeniert die höchsten
Töne und bringt gerade so die Mädels auf Touren, mit wieder auch ostinaten Hornstößen.
Dagegen ist 'Old Melody' eine getragene Melodei, mit Arcobass und melodischem Summen, Rauschen, Rasseln. 'Crawl Out & Shine' groovt mit launigen Lyrics und Posaunenschmus, für 'Behind Clouds' gongt, paukt und rasselt Mazur allein, 'Time Ritual' mischt
Gamelanklingklang mit rhythmischem Atem. In 'Shabalasa' steckt ein Balafon als tänzelnder Antreiber für bassbepulsten, swinglesingerischen und posaunistischen Frohsinn,'Heartshaped Moon' schwingt latin-soft die Hüften zu Veras Saxolyrik, mit rasantem Finish.
Von Diers begroovt, zaubert Vera mit bloßem Mundwerk 'Surrealistic Adventures'. Das
finale Tänzchen schließt, mit beorgelter Trompeten- und Tenorsaxverve, als SingalongBlasmusik und flotter Footstomper den Kreis, dessen Ende zugleich Anfang ist: „War das
das Leben? Wohlan! Noch einmal!“37

Udo Schindler (Krailling)

Der GEORGES-EMMANUEL SCHNEIDER [rechts im Bild], den UDO SCHINDLER am
1.3.2018 in der Münchner Galerie arToxin zusammen mit GUNTER PRETZEL an der Viola
als Spielgefährten willkommen hieß, erweist sich als versierter Geiger in und um Ulm herum. Geboren in Zürich, und klassisch gewieft von Bartok über Birtwistle, Furrer, Globokar
und Haas bis Pärt oder Scelsi, ist er 2015 mit Schindler beim 54. "Salon für Klang+Kunst"
zusammengetroffen. Seither hat er zur "Posterbox-of-Antikunst"-Exhibition von TOMAK die'Freeman Etudes' von Cage gekratzt und wurde für die Performanz von Jürgen Grözingers
Ballettmusik zu Roberto Scafatis "Acqua" am Theater Ulm gefeiert. Wer wollte mit derWimper zucken, wenn er Lieder der Sopranistin Esther Kretzinger nicht 100 % klassischbeschallt oder wenn er einem den Schlaf raubt mit "Assassinous Act", dem Soundtrack zu
einem fiktiven Krimi von [Wolfgang Röttger alias] Morgen Wurde. Pretzel seinerseits, schon
2009 Schindlers Gast beim 3. "Salon für Klang+Kunst" (und 2017 wieder beim 78.), ist
Solobratscher der Münchner Kammerjäger, hat aber mit Klaus Treuheit an Tasten & Orgel
auch freihändigere Erfahrungen, wie man hören kann bei "Molden Blue", "Stunning byDegree", "Silencio Cristalle" & "Cielo Catanese" (alle auf Treuheits Label KTMP). 2010 &2012 kam es zu weiteren Begegnungen mit Schindler und auch mit Treuheit als pst!. Nicht
nur Ivo Perelman, auch Schindler hat ein Faible für Strings (Gunda Gottschalk, Harald
Kimmig...). Denn Streicher taugen besonders gut zu einer Feineinstellung, um an die xtausend cerebralen Plateaus zu rühren. Rhizome (Creative Sources, cs 571) deutet als der
Mitschnitt vom 1.3. mit den Stichwörtern Rhizom (Wurzelgeflecht), Analepsis (Rückblende)
und Pneuma (Atem, Geist) auf eine deleuzianische, erzähltechnisch-cineastische undspirituell angehauchte Schwingungsebene. Auf der dann eine Orgie an Gegensätzen stattfindet. Ein Schwelgen in kakophilen Zärtlichkeiten, bei denen Schneider Max/MSP-Electronics ins Spiel bringt, für die er sich am IRCAM in Paris fit gemacht hat.
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Für polymorphe Unisexintimitäten mit extented techniques. Musik ohne Fischbeinkorsett,befreit von den Zwängen und Routinen von Melodie und Rhythmus. So dass sich diskant
schillernd andere Faszinosa offenbaren. Solche mit Krallen, mit Reptilienschuppen, dochohne den Fin-de-Siècle-Schwulst von Knopff, Stuck oder Strauss, der den Schrumpfbürger
so anmacht wie sein verruchtes Kreuzchen bei der AfD. Im arToxin ist krätzige und glissandierende Informalität Trumpf, schrille Schmeißfliegenfarben, verwegen gekratzte undgemaunzte Dissonanz. Drillbohrend oder gedämpft gurrend, flötend, mit Lippenwahwah
und ganz dem Molekularen ergeben, aber schon auch teufelsgeigerisch, doch gleich
wieder hautnah bei den kleinsten Klängen. Bis hin zu Schindlers euphonem Dachhasenständchen, schräger, aber ebenso gekonnt wie eine Zugabe von Michel Godard.
Gleich am nächsten Abend im "Salon für Klang+Kunst" in Krailling zollt GEORGESEMMANUEL SCHNEIDERs Kontergesang (cs 569) mit UDO SCHINDLERs Bassklarinette,
Sopranosax und Euphonium dem 'Pfeifen', 'Schnackern', 'Tixen', 'Quirlen', 'Flöten' etc. von
Vögeln Respekt. Wobei wohl so mancher seine Antipathie gegen Katzen zügeln würde,wenn es derart aus den Hecken und von den Dächern schallen würde. Die Bassklarinette
schrillt und gurgelt, die Geige jault und plustert sich zum Akkordeon auf. Sie schillert,
sticht, plonkt, stöchert und überschlägt sich zwischendurch zum schnirpenden undtrötenden Soprano. Als schwallende Harmonika lässt sie sich betuten und beraspeln vonder in Subwoofer und Altissimo gespaltenen Bassklarinette. Dann brummt's didgeridoourig zu getürktem Gefiedel, und Schneider klopft zu gepresstem Blech. Ach, ich kann nicht
alle Töne nachpiepen, nachmuhen oder pferdegeigen, und wäre schon froh, Musiker, dieüber ihren Schatten springen, um als durchgeknallt glissandierende Nachtigall sich einen
Ochsenfrosch anzulachen, wenigstens annähernd so zu würdigen, wie sie's verdienen.
Obwohl sie sich so erhitzen, dass die Feuerwehrsirene losheult, hat auch das noch ein,
nein, zwei Nachspiele, wobei die Geige zuletzt erst ganz flöten geht, aber zu sopranistischem Tirili umso wilder wieder zu sich kommt.
Pneuma, sogar Pneuma_Extreme (Confront, ccs
94, CDr), nennt UDO SCHINDLER auch den Geist,
der durch seine »14 statements for contra bass
clarinet« weht. 2016 live im Salon für Klang+Kunst.
Für gruftige Tänzchen im Tiefparterre. Für sonore
Eskapaden im Kohlenkeller (wo gibt es noch Kohlenkeller?). Für solitäre Gurre-Lieder. Für dreimalschwarzer-Kater-tiefes Schnurren und Murren, dasdie Fundamente beben lässt. Das aber wie mit gespaltener und zirpender Zunge auch ans Licht, in
unvorgesehen lichte Tonhöhen strebt, flötend, fast
fiepend sogar. Im Gegenzug mutet uriges Gurren
an wie ein Didgeridoo. Gefolgt von Züllen-SchlürfenBlasen und Subwoofing, von ploppenden Lauten
und metalloid perkussiven, von knorrig knörenden
und stöhnenden, von zart behauchten und rhythmisch tropf-klopfenden. Denn es bleibt zuvorderstdoch Schindlers Lob der Vokale U und O: des kultigen Urlauts der Wurzel, der Ursprungs und derDunkelheit, der Grube, der Muschel und der Uhr(von der bei Arno Schmidt erfundenen vollkommen
neuen Wischelsprache mit vielen <u> und Kopfstößen ganz zu schweigen); des klangvollen, goldenen,
vokativen O, in dem Ernst Jünger den Gegensatz
von Höhe und Tiefe mitsamt Apoll und Glocken
schwingen hörte. Und ich eine luftige Architektur,
eine Hochzeit von Tiefgang und Wohlklang.
39Unit Records (Basel)
Seit dem US-Trip mit Ige*timer 2009 (BA 66) hat Simon Berz 2012 die US-Connection in New
Orleans mit Liquid Land vertieft und als sein Meisterstück das transdisziplinäre Soloprojekt"Cut Out" (Hula Honeys, 2015) realisiert. Mit dem selbstentwickelten elektroakustischen
Rocking Desk, einem mit Kontaktmikrofonen, Lautsprechern und Effekten erweiterten Drum
Set: 2 x 25 Loops, erschienen als Doppel-7" in Covern, die er mit den Drumsticks bemalte.
Doch hier geht es um FELL, sein CH-NL-Duo mit TokTek (Tom Verbruggen), und um Peiden(UTR 4771, CD/LP). Das Drums & E-Bass-Instrumentarium muss man sich dabei durch
Electronics frisiert vorstellen, dergestalt, dass der Holländer, vor allem live, fast mehr mit
seinem Tomstick rumtobt und öfters Knöpfe als die Saiten traktiert. Umso mehr überrascht
der weihnachtlich alphörnerne Auftakt. Was jedoch, obwohl weiterhin mit dem sonoren Soundvon Hans Kennels Alphorn, umbricht in düster knackenden Grime-Groove, schleppend downtempo. Drum'n'Bass in Zeitlupe, knorriger Breakbeat, der glissandierend ins Rutschen kommt.
Der bei 'The future isn't what it used to be' aber Tempo aufnimmt und knarzig voran stapft,
mit allerdings Desertgitarrenriffs, schwermütigen Orgeldrones und alarmierendem Glissando
als Selbstzweifel und Widerstand. Melancholie ist da mehr als nur Sand im rhythmischen Getriebe, das rieselnd und kollernd außer Tritt gerät. Oder köchelt da einfach ein Espressokännchen? Puls, Beat und Widerstand sind ständige Weggenossen, mit morriconeskem Unterton
und bruitistischer Reibung. Aber doch mit nicht zu stoppendem Vorwärtsdrang, beim launig
gezupften Drahtklingklang von 'Flying tops' als Breakbeatshuffle, an dem metalloide Kratzer
schleifen. Berz hat sowas bestens drauf, schließlich hat er einst den 'Arcadia'-Groove derShitkatapult-Electronica von Apparat geklopft. 'Diagonal Jesus' trägt sein Kreuz, mit schrottrasselndem, schwerem Tritt, als massiver Rocker mit Gitarrenpathos. Spricht das alttestamentarische Mää und Bää von 'Horat' dem Hohn? Nein, da kickt eher, statt einer anagrammatischen Thora, ein ganz anderer Schuh, nämlich der "Alpsummer"-ische des Schwyzer
Mythenfilmers Thomas Horat. Und verpasst einem etwas vom Lugnezer Flair des namensgebenden Dörfchens Peiden, das unaufhaltsam in die Unbewohnbarkeit rutscht.
Als an alchemist of music and movement stellt sich JUDI SILVANO vor, denn sie hat sich, seitsie 1976 mit 25 Jahren nach New York kam, ihren Namen gemacht als Sängerin und Tänzerin,
Songschreiberin und Choreografin. Apropos Name, Silvano ist ein Portmanteau aus
Silverman + Lovano, denn seit 1984 ist sie mit Joe Lovano verheiratet. Sie fädelte nach ihrem
Debut "Dancing Voices" (1992) Perle an Perle, mit New Yorker Größen an der Seite wie ErikFriedlander, Dave Ballou, Drew Gress, James Emery oder Gerry Hemingway. Meditativ mit"Spirit Music" (2003) & "Celestial Voices" (2005), mit Allison Miller an den Drums ganz unter
Frauen bei "Women's Work" (2007), traditionsbewusst bei "Indigo Moods" (2012). Nun also
Lessons Learned (UTR 4868) mit THE ZEPHYR BAND, produziert von Lovano, der bei zwei
Songs auch Tenorsax bläst. An sich ist aber Adam Kolker an Reeds zu hören (auf dessen"Reflections" (2011) Silvano gesungen hat), neben den Gitarren von Kenny Wessel und Bruce
Arnold, der eine mit seiner CIMPositiven Klangspur von William Gagliardi zu Adam Rudolph,
Arnold mit Spooky Actions und dem hervorragenden Statement "Heavy Mental" auf dem
eigenen Label Muse Eek. Silvanos 'Round and Round' ist positiv, aber das Gegenteil vonheavy. Sie singt in unaufgeregt erwachsenem Alt und stellt angeberische Songbird-Manierismen zurück hinter die lässig swingende, hoffnungsfrohe Feier von Erfahrung und vonGlück, gipfelnd im aufgekratzten, tamburinberasselten Spiritual 'Shuffle and Sway'. Das
bassklarinettendunkle 'Dark Things' knöpft sie sich vor mit sprachrhythmischem Stakkato,
gitarristischer Fackel und sprudelndem Sopranosax. 'Castle Song' ist ein klassischer
Lovesong aus Bellevueperspektive, mit spirits open to forgiveness. 'Dust' wird mit Latinflair
aufgewirbelt und feiert mit Scatjuchhe die Erde: dirt is where we grow our food. Das kann,
Hand aufs Herz, schon mal zum engelsfiedrigen Eiapopeia aufflauschen, findet mit 'After
Love' aber wieder hochzeitlich in die Latinspur: my heart is all open, in your arms theuniverse rests in me. Für die zeitvergessene Barcarole 'Riding a Zephyr' spielen Lovano unddie Gitarren den linden Frühlingswind, Silvano die Flora: bring the gentle breeze to me. Und
mit 'The Music's in My Body' führt sie zuletzt, mit sich umschlängelnden Gitarren und dancing
voice, nochmal ein richtig flottes Tänzchen an.
40Wide Ear Records (Zug)
Der Zürcher Pianist Philipp Eden, Jg. 1985 und mit Meisterbrief von der dortigen Hochschule der Künste, zeigt, dass Nachwuchs die geringste Sorge im Schweizer NowJazz ist.
Mit Jennys "Sound For The Moon" hat er den ersten Moon-Hop mitgefeiert, im Gamut
Kollektiv kullert er, Seit an Seit mit etwa dem Trompeter Silvan Schmid und Xaver Rüegg
am Bass, "Molecules" (eine Komposition von Tobias Meier). Rüegg, auch bekannt mit
District Five, bildet nun zusammen mit Vincent Glanzmann (vom Silvan Schmid Quintett) an
den Drums das PHILIPP EDEN TRIO. Für dessen Klang von 'Undercurrent' bis 'Ruhepol',dargeboten auf Placid (WER 039, LP mit Faltposter), muss Glanzmann seine rhythmischen
Finessen, wie sie die feinfingrige Schwalbe & Elefant-Harfinistin Linda Vogel verlangt für
das Pathos und die Dramatik ihrer "Maps to Others"-Songs, nochmal verfeinern, filigran,pointillisch und geschmeidig elegant. So dass, selbst wenn ein knatternder Drive an die
Oberfläche drängt und 'Effervescence' dadurch überschäumt, das als spritziges Flickern
und gischtiges Rauschen erscheint. Während Eden zum dröhnenden 'Placid' nochskrupelhaft die Fingernägel in Augenschein nimmt, pflückt Rüegg schon die verbotenen
Früchte. Doch Eden ist nunmal kein Steppenwolf, sondern ein 'Origami'-Künstler undglasperlenspielerischer Arpeggiomeister, einer, der das Denken nicht den Fingernüberlässt. Seine Handfächer sind Wünschelruten, nur dass das, was sie ertasten, nicht von
Nestlé abgefüllt werden kann und mit Wasser auch nur die Klarheit gemeinsam hat. 'Kliing'hebt an mit rauschenden Becken und crashenden Schlägen und reißt das Trio doch nicht
zu etwas anderem hin als zu bedächtig gesetzten Tönen. So wie Eden beim etwas
temperamentvoller betrommelten und beflickerten 'Tuain of Thought' um Rüeggs virtuoses
Pizzicato herum coole und klare Noten perlt. Der Pol, der hier alles erfasst, den Herzschlag, das Rauschen im Kopf, das zarte, aufwallende und doch wieder melancholische
Tasten, ist so heißkalt wie glühendes Eis.
Linda Vogel rührt an die Saiten ihrer Harfe für den 2. Akt (WER 040, LP) als SCHWALBE &ELEFANT, um mit Dalia Donadio fünfzehn neue Lieder anzustimmen und zu beplinken. Und
zwar so, wie ihnen die züritüütschen Schnäbel gewachsen sind, fallweise und je zweimaldabei flankiert von Tobias Meiers Things-to-Sounds-Saxophon, Silvan Jegers Day & TaxiKontrabass oder dem Schlagzeug von Lukas Mantel (Yves Theiler Trio, Christy Dorans
Sound Fountain). Harfe & Dialekt, wie kann das gutgehen? Wenn's dann auch noch um's
schpüre geht, um 'Gfühlssach' und womöglich Frauesach. Allerdings auch um Sex: Es ischen fakt / er het mi packt / de nackt akt / mit dir . Doch zunächst sind alle sich selbst der/die
Nächste, aber auch erste Fremde, in Gestalt von dem anderen ich / dem mich. Dem michvon 'ich weigre mich', das nicht die Löcher stopfen mag in den Socken der Konformität
oder die Empathielecks, mit denen der Glaube an die Menschen abzusaufen droht. Und 's
Kunschtnaturell' geht auch leicht zugrund. Apropos geht: es gächti, dass es giengt / wenns vellicht göngti, dass es gängi. Logisch. S'geht um Gärten und Uchruut, um 'Chruut im
Chopf' und ums Weggehnwollen, weil man genug hat oder d'Seel verschmürzeled ist. Weileinen es Fägnäscht umtreibt, eine koboldhafte innere Unruh, die nur wartet bis s mugs
müüsli schtill wird, um zu kribbeln. So dass man fast den Blick aufs große Ganze verliert,
wo sich 'de Panamakanal' reimt auf fatal und scheißegal, denn alles ist total global. Aberabgesehen davon flimmert aus Vogels Fingern ein silbriges Funkeln, nicht ohne Schattenwurf, aber doch allerfeinst für den aus diesen Mündern so underben Zungenschlag einer
Mund-Art, die da in zarter Melancholie schwelgt und selbst im Trotz nicht mit Steinenknirscht. 'Ois zeichne' und das bassbeknurrte 'Schtürchle' verbreiten in freiem Versmaßund kunstliedbluesig Winterreisen-Feeling. Vogel zeigt der Harfe auch die Krallen und lässt
sie Zicken machen zum schillernden Arpeggio. Wie da ein simples Lied paradiesvogelig
aufflattern kann, der schlichte 'Akt' saxrau taumelt, die 'Gummiseel' pfeift, Krimskrams
klirrt, die Harfe als spanische Gitarre brütet, 'Chruut im Chopf' orgelt, da bekommt die
Schwyz von Innen heraus ein transalpines Federkleid und eine blumig krause Gestalt wie
von Arcimboldo gemalt.
41

... nowjazz plink'n'plonk ...
ANNIE CHEN OCTET Secret Treetop (Shanghai
Audio & Video Company): Annie Chen ist eine
Sängerin und Songwriterin aus Beijing. Im dortigen Blue Note hat sie ihr neues Album als
Leaderin des Annie Chen Octets zuerst vorgestellt, die US-Premiere folgte im Dezember
2018 im ShapeShifter Lab in Brooklyn. Nach
Beijing, Hangzhou oder Shanghai kommt sie
nämlich nur noch mit dem Reisekoffer, ihre
Wirkungsstätte ist seit 2013 in New York, in
Trios oder im Quartett mit dem Pianisten Fred
Liu, dem Drummer Deric Dickens, den Gitarristen Rafał Sarnecki oder Marius Duboule, den
Bassisten Michael Bates oder Mat Muntz. Die
mir sämtlich unbekannten Namen verraten,
dass sie sich parallel zum mir Vertrauten bewegt, auch mit ihrem Octet mit wieder Sarnecki und Muntz, Tomoko Omura an der Violine,
David Smith an der Trompete, Alex LoRe an
Altosax & Flöte, Glenn Zaleski am Piano und
Jerad Lippi an den Drums, Letztere auch Teilvon Sarneckis Sextet. Ihnen hat Chen ein vonSarnecki geschmeidig arrangiertes Programm
maßgeschneidert, das anhebt mit 'Ozledim
Seni' - Ich vermisse dich, ein türkischen Ohren
vertrautes Motiv, arabesk geschluchzt bei
Ibrahim Tatlises, als wehmütiges Sehnen beiİlkay Akkaya. Chens osmanisch rhythmisiere
Fantasy lässt die Tränen fließen und Liebesversprechen durch Jahrhunderte geistern. Mit'Majo Kiki in 12 Days' feiert sie die do-it-yourself-tüchtige kleine Hexe in "Kikis kleiner Lieferservice", die keine Angst vorm Fliegen und
den eigenen Träumen hat. Mit 'Ao Bao Xiang
Hui' wird, mit tröpfeligem Pizzicato, ein mongolisches Lied adaptiert, mit 'Gan Lan Shu' ein
taiwanesisches, beides singt Chen chinesisch.
Um bei 'Secret Treetop' gleich wieder zu fliegen und nach Träumen zu jagen. Mit 'Orange
Tears Lullaby' singt sie ein "Heile, heile, Gänschen" für ihren Boyfriend, dem Schmerzmittel
die Tränen verfärbten. 'Mr. Wind-Up Bird,
Strange Yearning' reflektiert, ohne Worte,
Chens Lektüre von Haruki Murakami. Sie, diebei 'Leaving Sonnet' erneut mit unterdrückten
Tränen träumt und sich sehnt, taucht zuletzt
ganz ein in den Blauton, der ihr in Liebesdingen das glücksversprechende Hochzeitsweiß
trübt. Große Gefühle, aber warum so lauthals
angerissen mit allen jazz-vokalen Manierismen,
vollmundigen Phrasierungen, Scat und Vibrato? Als wäre Coca Cola immer noch die Mutter
der Getränke.

RUDI FISCHERLEHNER 15 8 SLUM (Not Applicable, NOT042): Der 15/8-Takt verschreckt
mich nicht halb so sehr wie das Hinterteil desPortmanteaus, das der durch Xenofox, La
Tourette, Lake Felix und Gorilla Mask geschätzte Drummer in Berlin als Überschrift
für sein Drumkitsolo genommen hat. Denndas verweist auf seine Lektüre von René
Polleschs "www-slums" und so auf dessen"Splatterboulevard"- und "Snuff-Comedy"Welttextverdichtungstheater, das die Bühnen
überschwemmt mit naseweisen Parolen wie"Soylent Green ist Menschenfleisch, sagt es
allen weiter", "Schändet eure neoliberalen
Biographien!", "Liebe ist kälter als das Kapital", "Du hast mir die Pfanne versaut, duSpiegelei des Terrors", "Ich schau dir in die
Augen, gesellschaftlicher Verblendungszusammenhang!", "Je t'adorno", "Calvinismus
Klein", "Hello, Mister MacGuffin!" und undund. Hört sich an wie Johnny Meese für Intellektuelle. 'Nur spielen', Fischerlehners dritter
Track (vor 'Kleßheim', 'Prozess' und 'Ghost'),gehört dann so direkt zu Meese wie dessen
Adidas-Dress zur 'Diktatur der Kunst'. Davor
verrät Fischerlehner mit 'Semta', dass er
auch Dietmar Daths "Feldevaye" und mit'Stasia', dass er Joseph Roths "Hotel Savoy"
geschmökert hat. Aber das ist ja nur so eine
Andeutung von Lebensraum, in dem Hand
und Fuß agieren, Stock und Blech, schabend,
klopfend, pochend, tropfend. Nicht bücherwurmig, sondern eher so 'wirklich' wie deranästhetische Waldbruch auf der Innen- unddie gekrakelte Katastrophe auf der Rückseite. Als Dreh ungerader Brüche, hinkender
Formeln, tappsender, krabbelnder Bewegungen, rasseliger Erschütterungen und Flockenschauer über die Bleche. Als rasanteKomplexität krumm gepickter und gestampfter Takte, akzentuiert von quietschenden
Scharnieren. Eine wischende Geste mischt
sich zu hastig tickenden Sekunden mit grolligem Tremolo, aufrauschendem Crescendo,
schrottigem Windspiel. Doch selbst das klingt
kalkuliert und mechanisch wie eine 'schnaufende' Dampfmaschine. "Irgendjemand lebtmein Leben. Und das bin nicht ich", sagte
Polleschs Heidi Hoh. Abseits von Expression
generieren die Glieder repetitive Prozesse,bis hin zum finalen 'Ghost'-Dance, zu dem ein
Golem davon träumt, Indianer zu werdenoder ein großer Breaktänzer.
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EMILY HAY STEUART LIEBIG DUO Nomads (pfMENTUM CD118): 5UU's, Motor
Totemist Guild, U Totem, I.A.M. Umbrella... seufz, denn lang ist's her, dassdamit immer auch der Name, die Flöte, die Stimme von Emily Hay die Ohren
kitzelte. Seit den 90ern tauchte sie dann bei Nine Winds auf, mit Brad Dutz,
Vinny Golia, und, dann schon auf pfMENTUM, mit Jeff Kaiser, Wayne Peet,
Rich West. Liebig stieß von Cryptogramophone zu pfMENTUM und kehrt nun,
nachdem er jahrelang sich zurückgezogen hatte in sein Atelier, um Tagebuch
zu führen und Musik zu machen for Driving, for Headphones & Dark Roomsoder Desert Nights, wieder, um mit Bassgitarren, Präparationen und elektronischen Effekten zu improvisieren mit Hays Flötenfächer aus Alto, Bass, C &Piccolo, ihrer glossolalen Exaltation und ebenfalls elektronischen Tricks. Nichtzu überhören bei ihren konzertanten Freispielen ist, dass für Liebig Legato
und Puls nebensächlich sind. Er bevorzugt ein trockenes Stakkato, binnenrhythmische Unruhe und eine Schichtung von dunklen Tupfern und darüber
gelegten Schraffuren, aus knattrigem Fond oder wummrigem Loop undtändelndem, tremolierendem Gefinger. Als sollten die Töne gebunden bleiben
an seine krabbelige Gestik, eine bebende Automatik, an eine rhythmische undharmonische Steuerung am kurzen Zügel. Hay mischt das zungenrednerischoder scattend auf, theatralisch krähend und deklamierend oder auch mit
elektronischem Cyberklang. Vor allem aber lässt sie ihrer flötistischen Phantasie freien Lauf, als trillernder, schrillender, röhrender, tutender Flibbertigibbet, als Shapeshifter von Banshee zu Paradiesvogel mit hallendem
Schweif. Erst zuletzt malt Liebig zu ihren verzerrten Schreien, ihrem verwehten Blaseton, doch auch noch wolkigere Pinselstriche.
DIE HOCHSTAPLER The Quick Brown Fox Jumps Over the Lazy Dog (Umlaut
Records, UB010, LP/CD): Da hätten wir ihn dann selbst, den pangrammatischen Spaß, von dem bei "The King of Bungle Bar" schon die Rede war, mit
Pierre Borel, Louis Laurain, Antonio Borghini und Hannes Lingens, die am
fortschrittlichen Ende der Jazzgeschichte wie Vögel quaxen und Johnys Pferd
Bim zwicken. Um möglichst komprimiert sämtliche Buchstaben des Alphabets
zu verbinden, wäre zwar das Üben von Xylophon und Querflöte zweckmäßig,aber Saxophon, Trompete, Kontrabass und Schlagzeug tun es auch, wenn dievier bei 'Prima' / 'Di Prima' über Ursache und Wirkung polyfon zwitschern undzyklisch jodeln, mal fix, mal lax, nie öd. Zuerst verständigt man sich jedoch auf'Dear Margherita', mit schmachtendem Hintersinn, der hinführt zu 'The Musicof Alvin P. Buckley', deren Bläserstakkato trotz Sand im Getriebe zum Galopp
ansetzt. Gut lachen haben bei 'Prima' dann die, die den verwischten undzittrigen, leicht verbohrten, immer wieder verzögerten, aber schließlich dochvon der Leine gelassenen Humor zu schätzen wissen. Momente amüsanter
Theatralik verwandeln sich mit einem Fingerschnippen in stagnierende Rossbreiten, bis Laurain zu pusten beginnt und das auffrischende Pizzicato mit
Soprantremolo zu zuckender Trompete Schwung nimmt, um über Bassgebrumm ein Bebopfinish hinzulegen. 'The Fox' verblüfft mit erstaunlicher Trickserei von Lingens, der da nicht nur auf Draht ist und auf Holz, sondern auch
mit einer Mbira per Du. 'Di Prima' jazzt erst wie To be, or not to bop, zerlegt
das aber auf der Metaebene in glissandierende Haltetöne und Cymbalcrashes, in Trompetengeschnatter und abrupte Beats. Bezuckeltes Marschgetockel und Schnedderedeng treten auf der Stelle und spiralen dann doch zu
quick betickeltem Gequäke, aus dem Borel auf- und abwärts ausschert, bevor
man mit spitzen Lippen und auf Zehenspitzen ans Ziel stakst. Mit einer löchrigen Tonfolge von nur 34 Sekunden wird zuletzt Alvin P. Buckley auf eine andere Astralebene verabschiedet. Die Hochstapler entlarven sich und zeigen
ihr eigenes Gesicht.

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IDIOMA Horizonte (Quadratisch Rekords, QUAR 009): Nachdem ich im Wartezimmer beim Zahnarzt meinen kulturellen Horizont durch Hochglanzempfehlungen von Haar-Kultur, Genuss-Kultur und Gesundheits-Kultur wieder Mal an die
Realität anpassen musste, fällt es mir leichter, mich 'auf dem Balkon' dieses
Mainzer Pianotrios an den 'September' und andere 'Yesterdays' zu verlieren.
Indem ich mich den Edelfingern von Lukas Moriz anvertraue, der auch mit Fräulein
Pugh Bonbons für die Ohren offeriert, der mit Marijke Jährling ladylike monkt oderin Johannes Lüttgens Quintett J'used jazzt. Da zupfte Eduardo Sabella schon den
Bass, ein Neapolitaner aus Ulm, der mit Lüttgen auch die Rhythm-Section im
Maria Kaulbarsch Quartett bildet. Hier aber trommelt der schon mit Stör und Ego
Super quadratisch einschlägige Pit Marquardt. Für das tagträumerische Feelingspätsommerlicher Entspannung auf dem Balkon. Von den winterlichen Motiven'Weiße Windbuche', 'Schwarzwald' und 'Rodelblitz' ist man noch weit entfernt und
mit 'Heimreise' wird die Bewegungsrichtung der "Winterreise" völlig umgedreht.
Dem Romantischen, das da dennoch mitschwingt, wird die von Müller, Schubertoder Caspar David Friedrich hineingetragene Schwermut durch die jazzig beschwingte Klimperei ausgetrieben. Statt dessen empfiehlt Idioma mit gesundheits-kulturellem Verstand den Halbschatten, als Sport-Kultur bei aller kindlichen
Rodel-Nostalgie doch lieber eine Runde Golf, und genießerisch einen gerbsäurearmen Roten vom Weinhändler des Vertrauens. Doch glaubt jetzt bloß nicht, dassich die Idioma-Kultur nicht zu schätzen wüsste angesichts der längst auch zu Golf
und Rotwein grassierenden Hass-'Kultur'.
JENTSCH GROUP NO NET Topics in American History (Blue Schist CD004): Mit
einem B.A. in American History und als Doctor of Musical Arts ist Chris Jentsch
bestens qualifiziert für das, was er da als Komponist, E-Gitarrist & Bandleader
thematisiert. Als er, aufgewachsen in einem Vorort von Philadelphia, 1999 nach
NYC kam, hatte er mit "Media Event" (1998) eine Einspielung mit dem Triokern
seiner Jentsch Group im Gepäck. In der Windsor-Terrace-Ecke von Brooklyn
zuhause, machte er sich einen Namen mit seiner "Miami Suite" (1999), "Brooklyn
Suite" (2007) und "Cycles Suite" (2009) für großes Jazzensemble, realisierte
zuletzt aber "Fractured Pop" (2017) mit einem Jazzquartett. Davon ist der Bassist
Jim Whitney auch zur Stelle, um im mit Flöte, Klarinette, Saxophon, Trompete,Posaune, Piano, Drums und Jentschs E-Gitarre bestückten No Net ins Jahr '1491'
zeitzureisen, die letzte flötenfriedliche und bläserschmusige karibische Saison vor
der Invasion der 'Amerikaner'. Deren 'Manifest Destiny' fand erst als sie ochsenstur den Stillen Ozean erreicht hatten ein vorläufiges Limit. Die als Tanz von Trompete und Posaune beschwingte 'Lincoln-Douglas Debates' über die Sklaverei
brachten 1858 dem unterlegenen Republikaner Lincoln den Ruf als ehrliche Haut
ein. 'Tempest-tost' erinnert bassklarinettenmelancholisch und mit aufgewühlter
Gitarre an die ferne Zeit (1903), als man an die Freiheitsstatue die Einladung
hängte: „Give me your tired, your poor, / Your huddled masses yearning to breathe
free, / The wretched refuse of your teeming shore. / Send these, the homeless,tempest-tossed to me: / I lift my lamp beside the golden door.“ Mit der fragwürdigen Burbs-Idylle von 'Suburban Diaspora' und dem sophisticated Swing von'Domino' hinterfragt Jentsch die Mentalität der Baby-Boomer, deren Jugend vom
Kalten Krieg und McCarthys Hatz auf die Rote Gefahr geprägt war. Und bringt
zuletzt die Hinrichtung der Rosenbergs (1953) und die von Mary Surratt (1865) als
Mitverschwörerin zur Ermordung Lincolns mit dem ehrenrettenden Trauermarsch'Meeting at Surratt's' auf den gemeinsamen Nenner Hysterie. Mit Jentschs FlötenBrass-Gitarren-Jazz fühlt man sich in der guten Gesellschaft von Mark Harvey unddem Aardvark Jazz Orchestra, von Darrell Katz und Carla Bleys "Looking forAmerica". Wobei ich mich immer schwerer tue, Jazz und Amerika noch auf einem
Nenner zu sehen (ähnlich wie Brasilien und Bossa Nova).

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LENTZ / VORFELD / HAMMERSCHMIDT Three_O (NURNICHTNUR 118 10 06): Eine Querflötistin
in Kassel, ein Perkussionist in Berlin, ein Kontrabassist in Bremen, vereint auf neutönerischen
Flatterfeldern. Bei 'X+X+X' und 'Für grüne und andere Ohren' kompositorisch gelenkt vonMichael Vorfeld, bei 'Spuren' von Ulrike Lentz, bei 'Raen' von Reinhart Hammerschmidt,
ansonsten von intuitiven Schwarmregeln. Lentz, das ist, einzelgängerisch oder mit Anja
Kreysing, Robert Dick und anderen Quertreibern, der Anhauch von Deepness und Tomorrow.
Vorfeld klirrt als Klirrfaktor mit B. Beins und in Sawt Out mit Beins & Mazen Kerbaj oder verrät
allerhand MUT-Willen mit Thomas Rohrer & Ute Wassermann. Hammerschmidt verfolgt im
MusikAktionsEnsemble KLANK sowie im HCL Ensemble und bei MACH mit dem Perkussionisten Hannes Claus bereits im (Kontrabass)-Ensemble Sondarc verfolgte Spuren weiter. Sein
'Raen' stand schon bei "Klank" (Auf Abwegen, 2013) im Repertoire. Das aktuelle MACH"WƎRK" (Itchy Dog, 2018) macht Ernst mit 'Erkenntnis & Irrtum' und Platz für 'Das unrettbare
Ich'. Hammerschmidt ist ein Streicher, der surrt und grollt, aber relativ wenig zupft, eher lässt
er col legno den Bogen flattern oder er tatzt die Saiten, passend zum bärigen Brummen. Bei
Vorfeld ist Klang King, nicht Beat oder Puls, so dass gestrichendes Metall sogar mit der Flöte
Fäden spinnen kann, um bei 'X+X+X' ins dreifach Unbekannte zu tasten und sich mit Ariadnefaden an den Minotaurus anzuschleichen. Mikrogeräusche, huschende Gesten, diskante
Kritzer, fiepende Kakophonie, schabende, schillernde, flimmernde und knarrende Laute gestalten den Luftraum informell, aber nicht ohne vogelige Waldeslust. 'Raen' ist eine stehende,
kratzig raue Welle, ein schief angeblasener, mit Gongs umrauschter, dröhnender Schwellklang.
Die Flöte dünnt aus zu einer bloßen Trübung oder schlabbrigen Wallung der Luft, die
Percussion zu kaum mehr als schrottiger Unruhe mit leise dongenden Tupfen, der Bassstrich
zu schlierigem Chiaroscuro. Mit fauchendem und fickrigem Crescendo. Aber gleich wieder im
Feinschliff, mit bruitistischen Graffiti, ameisigen 'Spuren', metalloiden Tönungen, fiesen
Pfiffen, zerrendem Flageolett, crashendem 'Wurren'. Hektisch wuselnd nehmen 'Blaue Nachzügler' die Beinchen auf den Buckel, die schwerer Beladenen nutzen das Zwie- und Dämmerlicht bis auf den letzten Flimmer. Zwischen Krimskrams und zager Flöte rollt der Kontrabass
mit rauem Rrrr und rundem Oooo 'Oro', gefolgt von schrill gezüngelter, flockiger Tröpfelei undder finalen bärigen Dröhnung, mit knorrigstem Bass und Lentzscher Deepness.
JON LUNDBOM & BIG FIVE CHORD Harder on the Outside (Hot Cup Records, HOT CUP 181):
Hot Cup ist sowas wie Moppa Elliotts Silbertablett für den heißen Scheiß von Mostly Other
People Do The Killing. Sein Kontrabass ist dort ebenso ein gemeinsamer Nenner für Bryan and
The Haggards und Big Five Chord wie deren Leader, der Saxophonist Bryan Murray einer- undder Gitarrist Jon Lundbom andererseits, der in Austin in einer Fernbeziehung mit dem Rest
seiner Band lebt. Seit 2003 knöpfen sie sich Hardbop, Led Zeppelin und, grobe Richtung,
Schönberg vor, seit "No New Tunes" (2012) betrommelt von Dan Monaghan und seit "Jeremiah"(2015) mit Justin Wood an, wenn nicht Alto-, dann Sopranosax. Live im Studio entstanden
Stücke, die überwiegend zurückgehen auf Kollaborationen mit Balto Exclamationpoint Murray,die als solche demnächst als "Beats by Balto! Vol. 1" zu hören sein werden. Stücke von teils
booberonischer Ausprägung, nicht umsonst zählen Humpty Dumpty und MacGuffin zu
Lundboms Maskottchen. 'People Be Talking' kommt zuerst aber in flockigen 6/4 daher mit leicht
afrokubanischem Touch, den Murray allerdings mit gießkannenrauem Röhren zerraspelt,
woraufhin Lundbom mit taumeligem Arpeggio auf einer Fender Jazzmaster mit Pickups vonDuneland Labs ins Blaue kapriolt. Die Melodie von 'Basic Bitches' wird erst dreimal von den
Reeds ins Ohr gesäuselt, bevor Murray ein schädelspaltendes Balto!-Solo spotzt und krächzt
und Lundbom fingerfertig an etwa John Scofield anknüpft. So wie er bei 'Prednisone' mit
fuzzigem Biss Holdsworth & Co. alt aussehen lässt, nachdem Wood ein Altotirili angestimmt
hat, das dem Trauermarschduktus alles Schwere nimmt. 'Booberonic' entfaltet sich im flotten
Wechselgesang der Reeds, aus dem Wood zungenfertig ausreißt, bassbeflirrt und von
Lundbom angestachelt, der dann selber abzieht als ob er bergab purzeln würde. 'Cereal' folgt
entspannt und versonnen, mit sprudeligem Soprano und 'jazzigem' Fingerspitzengefühl. Nach
dem 'Fussing Blues', den Frank Littig 1924 für Tenorbanjo erfunden hat, im freejazzigkrawalligem Update, darf Murray sich zum anfangs noch harmlosen Tamtam von 'Three Plus'
verdoppeln und mit Wood umeinander schmusen, bis Lundbom wieder eine ganze
Terriertraube Gassi führt. Als Zugabe gibt es ein lässig geklacktes 'Basic Bitches (alt.)' mit
nochmal Murrays faszinierend ostinater, kirrender Baltoistik.
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LARRY OCHS, MARS WILLIAMS, JULIEN DESPREZ, MATHIEU SOURISSEAU, SAMUEL SILVANTStroboscope (The Bridge Sessions, TBW09): The Bridge ist eine Luftbrücke, die französische
Reisegrüppchen nach Chicago befördert, um dort mit NowJazz-Kollegen zu improvisieren. Im
Gegenzug konnte Rob Mazurek so mit Shore To Shore 2016 beim Match & Fuse in Toulouse
aufspielen. Hier sind wir aber noch 2014 jenseits des Atlantiks, wo Julien Desprez (Coax & Fire!
Orchestra, Acapulco Redux, Snap, Tournesol, Parquet...) & Mathieu Sourisseau (La Friture
Moderne, Le Tigre Des Platanes, Facteur Sauvage) von Shore To Shore ausscherten, um mit
ihrem Landsmann, dem Drummer Samuel Silvant, die beiden Ultra-Saxophonisten Larry Ochs
(Rova) & Mars Williams (Boneshaker, Switchback) mit E- und Bassgitarre zu kitzeln. Erratische
Schubser rufen krähende, kirrende Resonanzen hervor, Silvant pocht und nestelt, Ochs keckert
ein Liedchen für sich, Desprez schrappelt sich die Finger glühend. So dass die Betriebstemperatur bald schon Abkühlung von ihrer Infernalik sucht und in brütendem Gedröhn finden
würde. Wäre da nicht Williams mit seinen hymnischen, von Ochs geteilten Vorstößen und
Desprez mit seinen schroffen Schraffuren. Bass und Drums halten den Lärm im Fluss und den
Pegel hoch, ja Silvant erhöht stampfend noch das Tempo für den noch mit wolkenkratzerischem
Altissimo forcierten Krawall. Der plötzlich so tut, als wäre da nie was gewesen. Auch im
zweiten, mit 26 Min. doppelt so langen Anlauf werden gleich wieder die Leitplanken zerbeult
von kirrenden, trillernden, spotzenden Saxturbulenzen, die selbst, wenn sie luftlöchrig
aufreißen, Sourisseaus drahtiges, von Desprez ruppig traktiertes Rumoren obskur erscheinenlassen. Tatsächlich habe ich die Scheibe am "An Ayler Xmas"-Abend von Williams erstanden
wegen der raptorischen Gitarre. Die aber kuscht und lauscht, wenn Ochs mit dem Sopranino
vor sich hin träumt, bis wieder kakophone Wolken aufziehen, denen die Saxophone genüsslich
die Bäuche aufschlitzen. Desprez schließt sich ihrem Furor, ihrem vereint keckernden Stakkato
und eskalierenden Schrillen an mit eigener ripperischer Lust, die erst unter der finalen
Zärtlichkeit die Krallen einzieht. Einen derart paradieswärts zu jagen und mit Tirili in die
Auferstehung, davon können Terroristen nicht einmal träumen. Silvant hat den Rabatz mit
Williams übrigens 2018 aufgefrischt bei einer France-Tour von Bridge #8 (bei der auch
Sourisseau mit eingesprungen ist).
SCOTT ROBINSON Tenormore (Arbors Records, ARCD 19462): Braff, Fedchock, Grosz,
Ingham, Mantooth, Pizzarelli, Sandke... Gerade die häufigsten Namen in Robinsons Arbeitsbuch sind mir so unbekannt, dass ich sie nicht einmal der Jazzwelt zuordnen würde. Dabei ist
Robinson einer der geschichtsbewusstesten Jazzmessenger überhaupt: "Remembers Louis
Armstrong" ... "Homage to Count Basie" ... "The Bix Beiderbecke Era" ... "A Tribute to Duke
Ellington" ... "Monk's Dreams" ... Für sowas ist er immer der Richtige. Aber er ist auch derRichtige für die Amazing Worlds of Doc Savage (mit Doctette) und für Sun Ra (mit The Heliosonic Tone-tette), für Sonic Fiction (mit Spacetette) und für "Worlds of Tomorrow ThroughSound" (mit seinem Avant-Label ScienSonic). Zu seinem 60. Geburtstag rückt er sein silbernes
1924er Conn Tenorsax in den Fokus, das er 1975 in einem Antiquitätenladen für 77.50 $ erstanden hat und hätschelt wie Sam Hawkins seine Liddy. Für ein Programm mit fünf eigenen
Kreationen im Verbund mit Helen Sung am Piano, Dennis Mackrel an den Drums und Martin
Wind am Bass (ein hummeliger, mit Robinson eng verbundener Flensburger, der in Teaneck,
New Jersey, Wurzeln schlug, den es aber mit Philip Catherine gerade bis nach Benin trug).
'Morning Star' ist Robinsons schmusig beschwingte Liebeserklärung an seine Frau Sharon. Die
dann zum Latin-Touch von (Love is) 'The Weaver' flötet, das Robinsons Vater mit dem Spruch
einleitet, den er einst auf ihrer Hochzeit vorgetragen hat. Das intime After-Midnight-BeatlesSolo 'And I Love Her' gleich zu Beginn gilt aber dem Conn-Sax. 'Rainy River', ein kirchlichangehauchtes, von Tim O'Briens Erinnerungen an den Vietnamkrieg motiviertes Stück vonWind, orgelt Sung mit 'ner Hammond B3 und ebenso Hoagy Carmichaels Klassiker 'The Nearness of You'. Mit 'Put On a Happy Face' (aus dem 1960er Musical "Bye Bye Birdie") als verschleppter Ballade und Sascha Distels 'The Good Life' (1963 ein Hit für Tony Bennett) als
weiteren Oldies verbeugt sich Robinson ebenso wie mit seinen eigenen Erfindungen in alleskönnender Eloquenz vor der Bluesiness, dem Feeling, dem Schwung und der Melodik, wie sie
vor dem New Thing good enough gewesen waren. Good enough für ein weltweites Versprechen, wenn auch ohnmächtig, es einzulösen. Daher vielleicht das schmerzliche Altissimo unddas zartbitter gesungene Bright are the stars that shine / Dark is the sky und wiederholt
flehende Will never die. Daher vielleicht die bittersüße Melancholie hinter dem Happy Face.
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DAVID STACKENÄS & KLAUS ELLERHUSEN HOLM Dayton's Bluff (Particula Recordings,
P!20, LP/CD): Der Stockholmer Gitarrist, Jahrgang 1974, und sein fünf Jahre jüngerer
norwegischer Duopartner, gehören zum Blaukorn, das die skandinavische NowJazz-Blüte
düngt: Stackenäs schon in den 90ern in Tri-Dim und wieder in Labfield mit Ingar Zach, bei
DJustable und auch sonst gern mit Mats Gustafsson bis hin zum Fire! Orchestra, mit Martin
Küchen als Agape, bei The New Songs und Circadia mit Kim Myhr, als The Ägg zu neunt.
Holms Klarinette & Altosax erklingen bei Paal Nilssen-Loves Large Unit, im Trio Ballrogg
und dem Quintett Honest John. Hier aber, im Mit- und Ineinander seines Klarinettengesangs mit dem spröden und ostinaten Zupfen der akustischen Gitarre, zeigen sich beide
von ihrer intimsten Seite. Denn anders als bei Solos oder Trios gibt es zu zweit weder ein
Fürsichsein noch einen Vermittler oder Buffer. Bei 'Rust Belt' wird das Spiel bruitistisch,
mit Spalt- und Zitterklängen zu drahtig geschabten oder flimmernden Saiten. Dann öffnet
Stackenäs den Klang wieder mit euphon geharften Repetitionen und fingerspitzem
Arpeggio zu verschlungenen, leicht heiseren Klarinettenfiguren. Holm spitzt die Lippen,
um sich durch den 'Phalen Creek'-Tunnel zu zwängen. Da, ebenso wie mit 'Daytons' Bluff',
ist man in Saint Paul (Minnesota), wie ja gleich bei 'Swede Hollow', dem einstigen, vomdamals noch nicht kanalisierten Phalen Creek durchschnittenen Slum, den Ola Larsmos
gleichnamiger Roman 2016 mit grimmigsten Auswandererschicksalen verlebendigt. Ich
weiß nicht, wie die Musiker der Migrantenrealität nachspürten und dabei noch den 'RustBelt' östlich von Minnesota streiften oder wie sie ins "Mothman"-Städtchen 'Point Pleasant'(West Virginia) gelangten. Gut hörbar ist jedenfalls etwas, das ich in seiner herben
Sensibilität skandinavisch oder appalachisch nennen möchte, aber wohl einfach nur
realistisch nennen sollte. Nämlich eine quasi noch abstrakte Folklore, die in der Verschmelzung klarinettistischer Empfindsamkeit mit drahtigem Widerstand und rostiger
Durchlässigkeit noch nicht zu singbaren Floskeln konventionalisiert ist.
SUBSYSTEM Schneekönig (Tiger Moon Records, TMR 006): Die kesse Almut Schlichting
und ihr Baritonsaxophon stachen mir schon für »Today's Jazz is female 3« (BA 99) ins,
naja, doch wohl Ohr. Mit vor allem ihrer langjährigen Band Shoot The Moon als Ohrenschmaus. Kurz ist da auch schon die Rede von Subsystem, seit 2010 ihr Duo mit Sven
Hinse, mit dessen Kontrabass sie auch den Mond löchert und 2016 ins "Unterholz" (TMR004) streifte und sich ein Stipendium des Berliner Senats verdiente. Damit hat sich nun
Hinse einen 'Zirkuswalzer', 'Rote Linsen', 'Tom & Jerry' sowie 'The Flea' ausgedacht, und
als Dessert wählte er Kontrabasstrauerklos mit Graumohn: das 'Chanson Triste' aus dem
op. 2 von Sergei Kussewizki (1874-1951). Aber was lässt einen Schlichting dazwischen
nicht alles kosten: den würzigen 'Aniseed Bop', 'Nutmeg Tango', 'Cinnamon Blues', 'Vanilla
Waltz' und 'nen 'Ginger Calypso'. Zuerst jedoch brüten die beiden in sonorem, fastdüsterem Unisono 'Schneekönig' aus. Der macht sich zwar mit einem Pizzicatotänzchen,für das Hinse den Schrummbogen beiseite legt, warme Gedanken vom Balkan, aberbereut letztlich doch, keinen Flug nach Süden gebucht zu haben. Zumindest klingt das in'Ach, bitterer Winter' an, einem Volklied, so alt wie Gustav Adolf, der Namensvetter desZaunkönigs. Rauzungig und 3/4-komisch lassen die zwei auch den Weißclown mit dem
Dummen August ein Tänzchen wagen, bevor sie pizziboppig Tempo aufnehmen. Schlichting spottet da mit ihrem voluminösen Bariton ebenso der Schwerkraft wie Boteros 'Bird'
in Singapur und - FARC-zerbombt - in Medellin. Nach dem schräg zersägten Tango zählt ihr
Stakkato statt Erben Linsen, und Hinses Finger spielen zu ihren 'A Love Supreme'Schleifen Springinsfeld. Für den Zimt & Blues-Schmus legt auch er einige Kilo zu, so dasses nicht wundern braucht, wenn die Komik ihres Katz-und-Maus-Gehopses etwas dickaufgetragen ist. Umso zartbitterer schwingt, trotz Vanillegeschmack, der nächste Walzer.
Der fette Floh ist naturgemäß wieder ein Hopser, allerdings mit trotziger Funkiness gegenknarrige Anfälle von Melancholie. Die auch, wenn Ingwer die Zunge beizt, und die Füße
fern der Gedanken tanzen, als Beigeschmack bleibt. Den das Chanson noch vertieft. Aberwas könnten Bariton und Kontrabass auch anderes sagen als der Skorpion zum Frosch:So bin ich eben, das ist nun mal meine Natur.

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GEBHARD ULLMANN BASEMENT RESEARCH Impromptus and Other Short Works (WhyPlayJazz, WPJ045): Statt Konstantem oder Veränderlichem die konstante Veränderung? Die
Besetzung mit Ullmann an Tenorsax & Bassklarinette, Steve Swell an der Posaune, Julian
Argüelles am Baritonsax, Gerald Cleaver an den Drums und Pascal Niggenkemper am Kontrabass ist, seitdem dieser bei "Hat and Shoes" (2013) John Herbert nachfolgte, erstmal
konstant. Und ebenso der Pendelschlag zwischen den Anklängen an New Yorker Fire Musicund Bostoner Vierteltöne und einer berlinerisch akzentuierten EU-Tönerei. Nur scheinbar
konstant sind Ullmanns Erfindungen 'Gospel', 'Almost Twenty-Eight', '29 Shoes' und 'Kleine
Figuren', auf denen er seit über 30 Jahren in diversen Konstellationen einschließlich Conference Call und The Clarinet Trio surft. Hier sind Ullmanns persönliche Standards als Themen für weitere Variationen aufgefächert zwischen 'Impromptu #1-6'. Aber eigentlich ist auf
alles Drumherum gepfiffen, wenn Swell die ersten schrägen Töne quäkt und blubbert unddann alle mitgospeln bei einem saukomisch-todtraurigen Dirge. Dem ein holprig ansetzender, aber schnell launiger Flirt der Bläserhydra mit Zwölftonschlangen folgt. Mit 'launig' gibt
es eine weitere Konstante, selbst wenn da die Tieftöner mit Shepp- und Ayler-Spirit Reklamemachen für Balsam aus Gilead, den Niggenkemper mit dem Bogen verstreicht. Beim wirbeligen Swing-Tempo von '29 Shoes' glühen die Sohlen, aber erst recht die Lippen, so dass zu'Kleine Figuren' als wehmütigem Schleicher wenigstens der Schweiß trocknen kann. 'Lines'überschreibt mollige Linien mit Kniebrechkrakeln und einem gepressten, blechreißerischen
Swellolog. Niggenkemper sägt ähnlich brisant an den Saiten, während die andern zart den
Hintergrund kolorieren, mit Messingklang und Baritontönen in Blues-Blue. Danach ist 'Air'
frei Schnauze zum Pusten da, und 'Sticks' für rasante Trommelwirbelei zu sonorem Hornstoß-Unisono. Bei 'For Jim' (gemeint ist Jim Pepper) schwelgen die Kellerforscher nochmalfeierlich in Dirge-Feeling, mit erinnerungsseligem Posaunensang. Doch 'Almost TwentyEight' verbreitet zuletzt mit erst recht trötlustigem Gebläse vor allem der überkandidelten
Bassklarinette gute Laune, mit allerdings feinherbem Nachgeschmack, aber trotziger Reprise.
W/V W/V (Silken Tofu, stx.60, LP): W steht für James Welburn, ein Brite in Lillehammer, dem
als Werkzeug electric bass, objects & effects taugen. Mit "Hold" (und Drummachine) ist er
2015 auf Miasmah aufgetaucht, als Barchan (mit Tomas Järmyr an den Drums) auf Silken
Tofu, als schwarzsehender Shoegazer zwischen Black Metal, Doom und den späten Swans.
Er dröhnte mit Aidan Baker in Berlin und in Transit (mit Tony Buck) auf Monotype. V steht für
Juliana Venter, eine taffe Braut, die in Jo'burgs Hillbrow-Viertel ihre burische Herkunft abschüttelte, indem sie (sie ist Jg. 1970) Schauspiel und Operngesang studierte und Musiktheater machte mit dem grandiosen Mud Ensemble (-> "1993-1999"). Das ließ sie hinter sichfür London, wo sie nach einer Durststrecke zu Ramsay MacKay fand (mit Freedom's Children'the tortured genius of South African rock'). Mit einem neuen Lover kam sie nach Germany
und brachte da, außer einer Tochter, "Sunflower Sutra" (2011) zustande als Spooky Attraction From A Distance mit Joseph Suchy, der schon zu "Blind Questions" (2008) die Musik
gemacht hatte, zu der sie mit der Kompanie MOUVOIR agiert hatte. Als Actress mit Credits
wie der TV-Serie "Innocent Times" oder "Die Stropers" (2018), wo sie im Kino wieder Afrikaans redet. Inzwischen hat es sie nach Oslo gezogen, wo sie 2015 mit Krakk Noir Øyvind
Bergs "Congress of Dreams" auf die Bühne brachte und mit Alessandro Boratti oder RolfErik Nystrøm performte, stimmgewaltig und schmerzfrei, barock und brutal. Auch wenn ihr
Oslo im Vergleich zu Berlin zu geleckt ist, sie hat sich dort die Haare nicht von der Zunge
rasiert. Tatsächlich ist 'Concave', die Berliner LP-Seite, eine exorzistische Kranialfräse inrauen Wellen, mit ihr als glossolaler Banshee und manisch-depressiver Blutschwester vonJunko. Dagegen züngelt sie sich bei der Oslo-Session 'Moonunit' zu surrendem Gedröhn undebenfalls eisernen, aber weniger massiven Kaskaden tastender ans Licht. Sie poliert sich
die Schuppen, und im Mondlicht schimmern Paradiesäpfel als strange fruits. Venter
schwärmt, neben Scott Walker, Carla Bozulich und Wagners "Tristan und Isolde", nämlich
vor allem für Billie Holiday. Sie rumort mit Krimskrams, und Welburn dreht den Sound desauf seinen Operationstisch gelegten oder umgehängten Basses gnadenlos durch den
Soundwolf. Obwohl nach solchen Traktaten nichts anders (sprich: besser) ist als vorher,
fühlt es sich doch ein wenig so an.

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Three Birdies, black'n'blue
In Anlehnung an "The Newest Sound
Around", ihr gemeinsames Debut
1962, beschert The Newest Sound
You Never Heard (A-Side Records, a
0005, 2 x CD) den Fans von RAN
BLAKE & JEANNE LEE, die am 29.
Januar 2019 80 geworden wäre, 33
unerhörte Songs. Der Fund ist einemvon Blakes Studenten zu verdanken,
der in Brüssel über diese vergessenen Aufnahmen stolperte, die einst
der Macher des Jazz Middelheim
Festivals und der flämische Sender
VRT realisiert hatten. Einst heißt
21.10.1966 und [??] 1967. Für Lees
'vocal whoops' bei "Marion Brown inSommerhausen" (recorded live at
Staatskonservatorium für Musik,
Wurzburg, May 17, 1969, aber, wie'Malipieros Midnight Theatre' und das Cover bestätigen, tatsächlich im Sommerhausener"Torturmtheater" 11 km südlich von Würzburg entstanden) war ich zu jung und zu feldmausdumm. Diese Zeit erlauschte ich mit Gunter Hampels "The 8th of July 1969" undBrowns ECM-LP "Afternoon of a Georgia Faun" (1970) erst Jahre später, aber dann schon
mit Lees Version von Archie Shepps 'Blasé' im Radioohr, einem Song, der mir bis in die
ewigen Jagdgründe nachgeht. Auch hier becirct Lee nicht frei vokalisierend, sondern mit
Songs wie Monks 'Misterioso' und 'Blue Monk' (mit Lyrics von Gertrude Stein bzw. Abbey
Lincoln), Fats Wallers 'Honeysuckle Rose', von Ellington 'Just Squeeze Me' & 'Caravan' und- als Hauch von einem Hauch - 'Something to Live For' von Strayhorn, dazu 'Parker's Mood'und Dizzy Gillespies 'Night in Tunesia' neben - fast hätte ich gesagt: John Coltranes - 'My
Favourite Things' oder 'The Man I Love' von den Gershwins. Den Geist der Zeit verraten
neben Popsongs wie einem kuriosen 'A Hard Day's Night', 'Hallelujah, I Love Him So' von
Ray Charles und Dylans völlig verwandeltem 'Mister Tambourine Man' auf ganz andere
Weise das engagierte 'Retribution' von Julian Priester & Abbey Lincoln und 'Birmingham
U.S.A.', das mit grollenden Fingern auf den Rassismusbrennpunkt 'Bombingham' zeigt.
Fünf Solos zeigen nämlich ohne Worte Blakes pure Handschrift (wobei ja schon die ersten'Misterioso'-Noten total blake-isch klingen), Lee singt a capella 'He's Got the Whole World
in His Hands' & 'Billie's Blues'. Ist es ein Zufall, dass sie neben Lyrics von Stein, Lincoln
und Holiday auch noch Poetry anstimmt von Joya Sherrill ('Take the A-Trane'), Dorothy
Fields ('I Can't Give You Anything but Love'), Margo Guryan ('Lonely Women') und Fran
Landesman ('On Green Dolphin Street' & 'Spring Can Really Hang You Up the Most')? Aber
für Zufälle ist, scheint mir, da wenig Platz bei diesen durchwegs eigenartigen Performances, bei denen Blakes unkonventioneller Duktus eins wird mit Lees eigenwilligem Zungenschlag, mit dem sie jeden Song auf eigenartige, mal launig scattende, mal tagträumerischverschleppte, mal seltsam flötende Weise zelebriert. So dass sie bei etwa 'Night and Day','Something's Coming', 'Out of This World' oder 'Moonlight in Vermont' eigentlich banale
Verse und selbst Bob Carletons dadaeskes 'Ja-Da' Tsching Tsching Tsching ins Bedeutende wendet. Das Nebeneinander von Slapstick, Spiritual, Bebop, Blues und Schmus verdient jedenfalls rundum das Gütesiegel 'bizarr' und setzt den letzten Akzent doch denkbar
zartbitter mit Landesmans an T. S. Eliots "Waste Land" angelehnten Zeilen All alone, theparty's over, / Old man winter was a gracious host, / But when you keep praying for snow tohide the clover / Spring can really hang you up the most!
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Von ihrer Selbstdarstellung mit halbgeöffneten Purpurlippen abgesehen, hat
LAUREN HENDERSON, eine afro-karibische Pendlerin zwischen New York und
Miami, bei Riptide (Brontosaurus Records) schon auch Punkte, die ganz anders für
sie sprechen: Eigene Songs (neben Songs, die man aus dem Mund von Anita
O'Day, Blossom Dearie, Nancy Wilson, Amy Winehouse oder Shirley Horn kennt),
eine vor allem in eigener Sache angenehm dunkle, eher gedämpfte, als auftrumpfende Stimme, und ihr eigenes Label. Dazu gute Helfer wie Chris Pattishall an
Keys, Sideman beim aufstrebenden Drummer Jamison Ross oder bei Rafiq Bhatia
von Son Lux und mit "Fictions" Komponist einer Suite über J. L. Borges. Am Bass
Eric England, in Miami ein gefragter Wuschelkopf. Den Groove liefert Joe Saylor,stoischer Drummer in Jon Batiste & Stay Human bei "The Late Show with Stephen
Colbert". In sechs Schritten kreist Henderson um Liebe und ihr Scheitern: Zweisprachig verliebt bei 'Ámame' mit samtigem Zungenschlag und schmusigem
Latintouch, das Piano entschlossen und aufgekratzt; on top in der Springflut derGefühle und mit bebender Kehle bei 'Riptide' mit seinen bassweichen Hüftstößen;doch die Illusion verfliegt und die Wege trennen sich bei 'Seperate', das Pianowelkt in Trübsal dahin, die Realität überrauscht die geklimperten Illusionen; sie
fühlt sich klein und fragt sich bei 'Bajito', was schief lief, zu Cowbellbeat, Basspizzicato und schwärmerischem Piano schwirrt der Kopf; es bleibt nichts als
teerzäh bluesige Tristesse und 'Ennui' zu Synthiesound und einer klagenden
Gitarre (?); bis sie ihr Leben wieder in die Hand nimmt bei 'Slow Control', das mit
launig gerifften Keys und lakonisch klackendem Beat neue Horizonte auftut undschwungvoll darauf zustrebt. Natürlich trägt Henderson mit Glamour und Dekolleté ihre Haut auf den Markt. Aber dort gehört zwischen Kultur, Barbarei und
Kulturbarbarei ein gekonnter Jazzsong auch schon zu den Dingen, die es aus den
Trümmern zu retten gilt.
ADA BIRD WOLFE verwirklichte mit Birdie (Selbstverlag) einen alten Herzenswunsch. Aus der Nähe von Boston stammend und mit einem Abschluss in Philosophical Psychology, kam sie erstmal lange nicht ums prosaische Brötchenverdienenmüssen rum. Sie schrieb ein wenig für die Lokalpresse und versuchte sichan Poesie und Prosa. Erst 2010 fing sie schließlich doch an, in L.A. auch als JazzBird, als weißblonde Nightclubamsel zu performen, seit 2015 mit einem 'Giant
Shoulders' genannten Programm, weil sie sich da von den ganz Großen tragen
lässt: Von Monk bei 'Ask Me Now', 'Monk's Dream' und 'Round Midnight', von Miles
bei 'All Blues' und 'Four', von Mingus bei 'Goodbye Pork Pie Hat'. Wobei ihr da
Lyrics von Jon Hendricks und Joni Mitchell von den Lippen gehen, hinterfüttert mit
einer abseits des Musicbusiness ihren Fältchen eingeschriebenen Lebenserfahrung. Dazu stimmt sie, begleitet von gewieften Könnern an Keys, Bass und Drums,'Lover Man' an, sie singt 'Doralice' von João Gilberto portugiesisch und den Tango'Mon Fantôme' von Trotignon & Miossec französisch und spannt die Flügel vom
orgelfrommen 'Valerie', das Amy Winehouse in den Mund gelegt war, zum bluesgitarrenlakonischen 'Every Time I Sing the Blues' von Buddy Guy. Statt mit großer
Schnauze nimmt Wolfe mit luftiger, halbschattiger, flockig beklimperter, federndaufgeschüttelter, lässig beklackter, samtig betupfter Leichtigkeit für sich ein. Billie
Holidays Liebesschmerz nimmt sie die Tragik, die Melancholie des Bossa Nova auf
die leichte Schulter, das Bluesige wird bei ihr Spreu, die sich der Wind holen mag.
Alles soll ein wenig leichter werden, ohne deswegen schönzufärben, schon gar
nicht die Stunden um Mitternacht. Tenorsax, Gitarre oder die Trompete beim
atemlosen 'Four' geben hier und da noch eine eigene Tönung, elegant, sophisticated und cool, und Monks Traum ist bis in die Fingerkuppen sophisticated, so wie
Dan Lutz das zupft. Der Tonfall ist perfekt für alle, denen der Geschmack vonBitterschokolade süß genug ist und Ehrlichkeit (neben Honor, Happiness & Love,oder waren es Humor, Passion & Romanticism?) einer der vier Eckpfeiler, die den
Laden wenigstens halbwegs zusammenhalten.
50Today's Jazz is female 5
Ihr winkt ab? Die französische Saxerin Céline Bonacina ist euch zu kulinarisch, zu
burschwa? Die engagierte saarländische Saxerin Nicole Johänntgen, die tüchtige
Drummerin Eva Klesse, beide exemplarisch für Women in Jazz, zu freakfern, zu jazzthetisch? Sehe ich auch so. Aber ich hab noch die eine oder andere Dame im Ärmel:
Etwa PRUNE BÉCHEAU (*1988) aus der Dordogne. Die macht Hörstücke aus Regentropfen
und spielt Barockvioline, aber wie! Sie kratzt wie der Teufel, klingt wie ein Dudelsack, eine
Drehleier, die Maschine eines ausgestorbenen Handwerks, sie prickelt und knarzt, sie lässt
die Geige kirren wie ein Schwein. "Tripes et poils" richtet sich daher auch an Schweineohren. Für "Guide des ramages humanoïdes" hat sie Vogelstimmen transkribiert für eine
vogelig sprechende, gurrende und zwitschernde Menschenstimme, Geige und Synthesizer.
Was so kapriziös und witzig klingt, dass es mir den Vogel raus haut. Mit Adrien Bardi Bienenstock & Gwladys Le Cuff als URS GRAF CONSORT hat sie "La loi de poisson" (2013),
die "Barolo Ep" und "Vivéré" (2016) verbrochen, genial dilettantische Art Brut, ungeniert
primitivistisch, pataphysisch, inklusive klavierbehämmerter oder wüst verrauschter Songsund merkwürdiger Geistesblitze, wobei Bécheau zu violon, synthétiseur, grosse caisse &orgue greift und auch singt, das dann aber lieber ihrem in der Commedia dell'arte bewanderten Partner überlässt. In PANCRACE, getauft nach der Église Saint-Pancrace im elsässischen Dangolsheim, hat sie mit Barockvioline & Orgel im Verbund mit Arden Day (landscape piano, organ, boîte à bourdons, hurgy toys), Julien Desailly (uillean pipes, hulusi,
flutes), Léo Maurel (organ, boîtes à bourdons, hurgy toys) und Jan Vysocky (pi synth, AM
radio, microphones) "Pancrace" (Penultimate Press, 2017) kreiert. Damit wurden sie
labelverwandt mit Étant Donnes und Henning Christiansen, sie gelangten ins Cafe Oto und
auf das Counterflows Festival in Glasgow und ernteten Hymen im WIRE Magazin.
Der Fokus Europa bei den Berliner Festspielen 2018 rückte (neben 'unserem' WorldService
Project und Théo Ceccaldi "Freaks", die, leider freaktypisch, die gute Frauenquote verdarben) auch die griechische Komponistin und Pianistin TANIA GIANNOULI (*1977, Athen)in diesen Fokus. Um quasi einen alteuropäischen Akzent zu setzen. Denn anders als bei
den NowJazz-Konzepten in den Echtzeit-Metropolen Berlin, London oder Lissabon vertritt
sie die traditionelleren Klangfarben einer mediterranen Vitalität. In Berlin mit dem UdSpieler Kyriakos Tapakis (*1977) und dem Trompeter Andreas Polyzogopoulos (*1981),
quasi geleitet von Mathias Énards orientophil zitternder Kompass-Nadel. Aber dieseTendenz beherrschte schon "Live at Sfendoni" (2010), ihr Debut mit dem Ensemble 4+1.
Bei "Feeling of Movement" (2012) spielte sie in einem 11-köpfigen 'Orchester' mit Nikos
Veliotis am Cello und Floros Floridis an Klarinetten neben Electronics von Spyweirdos, bei"Forest Stories" (2012) ganz intim mit dem portugiesischen Bläser Paulo Chagas. 2014
formierte sie ihr eigenes kleines Ensemble und realisierte mit Sopranosax, Cello (stattBass) und lieber Percussion als Drums "Transcendence" (2015) über die inneren Widersprüche im heutigen Griechenland und die Notwendigkeit, sie zu übersteigen. Im direkten
Vergleich mit ihrer ECM-veredelten Landsfrau Eleni Karaindrou, von der man ja auch sagt,
dass so Europa klänge, hört sich das ähnlich feinfühlig an, aber etwas urbaner und nicht
so ungeniert wehmütig. Wobei das an Giannoulis Konzertmusik noch zu prüfen wäre, ihre
Kurzfilmmusiken sind mal so minimal-romantisch wie bei Marcantonio Lunardis "The Worldof Caspar" & "370 New World", mal so pfiffig wie bei "Left-Right". 2016 musizierte sie mit
beim einzigartigen "634 minutes inside the volcano" im Vulkankrater Stefanos von Nisyros,
bevor sie für "Rewa" (2018) ihr Piano auch präparierte für den Zusammenklang mit dem
Neuseeländer Rob Thome an Taonga pūoro, einem Sammelsurium von Instrumenten der
Maori. Das ist allemal Softcore Chambermusic, mit offenem Fenster und dem Meerblickdurch das Kameraauge von Lunardi bei 'The Sea'. Aber auch der Schwarzweiß-Tristesse,
mit der Lunardi bei 'Obsession' (ebenfalls von "Transcendence") die Tränen rinnen lässt.

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Nun kann man entweder Jamie Branch am Trompetenhimmel anhimmeln, oder die aus
Hampshire stammende LAURA JURD (*1990). Oder geht beides gleichzeitig? Die Britin,
Teil des Chaos Collectives, debutierte mit "Landing Ground" (2012) und hatte da neben
dem Ligeti Quartet noch den Cellisten Ben Davis an der Seite und mit Elliot Galvin am
Piano, Conor Chaplin am Kontrabass und dem schottisch karierten Corrie Dick an Percussion ihre Genossen von DINOSAUR. Aber erstmal dirigierte sie das große Chaos Orchestra bei "Island Mentality" (2014) undführte für "Human Spirit" (2015) das
gleichnamige Septett mit Vocals vonLaura Kinsella, wie auch schon beim
Orchestra und bei Blue-Eyed Hawk,
Laura Jurds gitarrenkrachigem Seitensprung auf Freakshow-Niveau mit
Dick und Alex Roth. Hörte man sie
bei "Slowly Rolling Camera" (2014)
in einem Projekt des Keyboarders
Dave Stapleton mit der Sängerin Dionne Bennett und bei Jasper Høibys "Fellow Creature"(2016) neben Mark Lockheart (Loose Tubes, Polar Bear) als Sidekick, so beförderte siesich mit den Dinosaur-Alben "Together As One" (2016) und "Wonder Trail" (2018) mit nun
Chaplin am E-Bass und Galvin an Fender Rhodes, Wurlitzer oder (wie Jurd auch selber) an
Synthesizer in eine obere Preisklasse. Mit unaufgeregtem Zahnrädchengroove, der mit
zawinuleskem Touch sich einschwingt auf trockene, coole Wetterlagen. Jurd lässt da vierJahrzehnte verdampfen, um den einmal supermodern gewesenen Elektrojazz mit Indiecharme zugleich aufzupolieren und abzuspecken. 'Renewal' und 'Old Times' Sake' (auf"Wonder Trail") machen aus dieser 'Aboutness' kein Geheimnis. Wie man mit der Anxietyof Influence umgeht, das vermittelt Jurd am Trinity Laban Conservatoire of Music andDance, wo sie Komposition, und an der Goldsmiths University, wo sie Trompete lehrt. Wer
von Trompete gar nicht genug kriegen kann, der hört sie sich mit Total Vibration an, wo sie,
wie schon bei Human Spirit, mit Chris Batchelor (von Loose Tubes) stereo erklingt. IhrSound ist nicht eben zitronig, eher so wie Schokolade mit Chili, ein Mattglanz in Bronze,
und ihr genügt dafür oft nur eine Hand, während sie mit der Linken Keys drückt. Dinosaur
ist als Band virtuoser als seine Einzelteile.
Selbst wenn ich ignoriere, dass ELLEN ANDREA WANG (*1986 in Gjøvik) mit ihrem Bass
schon Sting und Manu Katché bezupft hat, bleibt die Norwegerin eine Herausforderung fürmeine popskeptischen Ohren. Allerdings setzt sie sich mit Marilyn Mazur's Shamania(RareNoise, 2019) auch ausnehmend sympathisch in Szene. Und sie hat ja bereits ein
Pluspunktekonto mit ihrem Sax-Trumpet-Quartett Pixel und drei Alben auf Cuneiform("Reminder", 2012; "We Are All Small Pixels", 2013; "Golden Years", 2015). Jazzrock klingt
nicht oft so kess, bunt und jung wie bei ihrem Ohrenzupfer 'Call Me'. Ob bei ihrem Aufstieg
vom Pastor Wang Quintet ihres Vaters Øystein Wang zu SynKoke, Amherst, Jacop HolmLupos The Opium Cartel ("Night Blooms", 2009; "Ardor", 2013) und White Willow("Terminal Twilight", 2011; "Future Hopes", 2017) oder als Sister of Jazz, mit Lena Nymark("Beautiful Silence", 2014), ihrer Cousine Marthe Wang oder, wörtlich, mit Nicole Johänntgen, es zeichnete sich immer klarer ab: Sie sieht gut aus, hat knackige Ideen undsingen kann sie auch (in brünettem Naturton). So rückte sie mit "Diving" (2014) und "Blank
Out" (2017) vor ins Rampenlicht, mit Keyswizard Andreas Ulvo & Erland Dahlen an den
Drums. Und stieg auf in die Festival-Liga, als Darling von Zeitgenossen, die gut gelaunten,
jazzig gewieften Pop und slicke Grooves für das Optimum halten. Was es, so unblöd und
gut gemacht, womöglich sogar ist. Wenn ich mir Wang mit der farbigen Osloer Jazz-SoulSängerin Rohey Taalah in GURLS anhöre ("Run boy, run", 2018), dem Projekt der Saxophonistin Hanna Paulsberg, ist Pop jedenfalls ein von Gurls-Feeling und Gurls-Sophistication ausstrahlender Samtglanz, der Billie Holidays und Ella Fitzgeralds Lady-in-Satinness so gut wie alles verdankt. Wie die drei das mit Snappiness und sogar etwas HipHopiness aufpeppen, ist schon Klasse.
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Auf JOANA SÁ (*1979, Lisboa) stieß ich, angelockt durch das Coverpainting desAmerikanischen Realisten Bo Bartlett, bei "Turbamulta" (2018, Clean Feed). In diesem
Sextett mit Nuno Aroso an Percussion & Sampler, Eduardo Raon an Harfe, Luís André
Ferreira an Cello und Luís José Martins an Klassischer Gitarre und diese vier jeweils
noch mit Electronics entdecke ich eine ungewöhnliche Pianistin, die sich auch noch
Idiophone zum Markenzeichen gemacht hat. Martins ist zudem ihr Partner bei "Almost aSong" (2013, Shhpuma) und im POWERTRIO mit auch noch Raon bei "What We Think
When We Walk And What We Walk While Thinking" (2009) & "Di Lontan" (2015). Da
lassen sie neben eigenen Erfindungen auch 'Hart auf Hart' von Gerhard Stäbler
erklingen und das dröhnminimalistische 'Di Lontan Fa Specchio il Mare' von Constança
Capdeville (1937-1992). Dazwischen realisierte Sá im Alleingang mit auch noch Toy
Piano und Electronics das wunderländische "Through This Looking Glass" (2010) und
zusammen mit Rosina Costa "Elogio Da Desordem (In Praise Of Disorder)" (2013),
wobei Costa Texte von Gonçalo M. Tavares dramatisiert [die wieder mal nicht übersetzt
sind, auf Deutsch gibt es nur seine Romane "Joseph Walsers Maschine" und "Die
Versehrten"], und Sá das quasi hörspielartig akzentuiert mit Türklingeln und Störimpulsen oder mit Whirly Tube statt Piano. Mit "a escuta : o aberto" (2016) als drittem,
besonders edelstählern klirrenden donnerblechernen und mit chorischem Geschrei
dramatisierten Part bildet diese Trilogie die Basis auch ihrer am Orpheus Institute in
Ghent vorangetriebenen Doktorarbeit, die aufbaut auf "Membres fantômes: des corps
musiciens" (2002) des französischen Dekonstruktivisten Peter Szendy und Paul
Craenens Konzept der 'intercorporeality' (in "Composing under the Skin", 2014). So
bringt, ja zwingt sie komponierte und freie Neutönerei unter einen Hut, mit Extented
Techniques und indem sie 'unmusikalische' Klänge einbezieht bis hin zu Alarm- undStörgeräuschen. Während so viele leisetreten, greift sie mit harten Manschetten zu
brachialen Tönen, mit gehämmertem Stakkato, aufgewühltem Arpeggio, aber auchkristallinen, gläsernen Splittern oder tönernem Klingklang à la John Cage. Licht undDunkel, Realidade & Imaginação zu verbinden, ist ihr lebensphilosophischer Weg,
nicht verrückt zu werden. Das Powertrio
kitzelt die Nerven mit den Blumen desBösen im erregten Zusammenklang prickelnder Saiten und rauschend arpeggierter Tasten. Mit knarrenden und federnden Drähten und durch perkussive,
idiophone Finessen mit Glocke, Mbira und
Daxophon wird dramatische Kulmulationaber auch ganz träumerisch angebahnt, sodass das Crescendo von 'O Nervo e a
Outra Dança' umso heftiger donnert.
TURBAMULTA erfüllt mit fragilem und pointillistischem Klimpern, Tröpfeln, Zucken
und Flimmern zu Gestrichel und Gespinsten von Cello, Daxophon und Electronics zuerst so gar nicht die Erwartung
von Turbulenz, Lärm und Tumult. Bis Sádann doch auch plonkt und im Innenklavier
kratzt, und das kammermusikalische Gehabe mit anschwellendem Lärmpegel undverdichteter Gestik oder klopfend übers
Knie gebrochen wird. Weit weniger jedochals bei Sás anderen Projekten, von ihrer
Filmmusik zu "Tabu" (2012) von Miguel
Gomes abgesehen.
Joana Sá © Nuno Carvalho

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The Rain in Spain...
Im Sommer 2018 gab es kurz mal so positive Meldungen aus Spanien, dass ich mich verwundert am Kopf kratzte. Spanien? No pasarán. Goyas Greuel, Spanische Grippe, Stierkampf, das Bürgerkriegsgemetzel, Flamenco, hypertropher Fußball, nichts als Grusel. F.
Garcia Lorca kenne ich nur durch den griechischen Entekhno, komisch, die Engländer
sagen „that's Greek to Me“ für „das kommt mir spanisch vor“. Manuel Vázquez Montalbán
und Carlos Ruiz Zafón scheute ich als zu populär, um Dali, Buñuel, Eduardo Chillida,
Antoni Tàpies und Pedro Almodóvar kommt man wohl nicht rum. Dazu Juan Goytisolo,
Juan Marsé, Javier Marías, Antonio Muñoz Molina, Daniel Torres..., schon auch als genuin'europäisch'. Und "Abre los ojos", "Pans Labyrinth" und "La isla mínima", aus purer
Bewunderung. Doch es bleibt da immer ein wenig das auch von Ava Gardners
Kollaborations-Glamour nicht geschönte schwarze Loch der Franco-Zeit mit seinen nur
verscharrten, nicht begrabenen Knochen. Immerhin sollen jetzt die Knochen des Diktators
aus dem Mausoleum im 'Tal der Gefallenen' verschwinden. Aber schon wählen die
Andalusier rechtsextreme Stinker, und die Katalonen köcheln Spaltpilzsuppe.
Auf "The Recommended Sampler" vertrat der Gitarrist Feliu Gasull die Rojigualda, michhat eher Narciso Yepes berührt mit Albeniz, Falla, Tárrega, Turina und einer Tristesse undMelancholie, die schon vor dem Bürgerkrieg so 'spanisch' war wie die Wermutstropfen der
Pianomusik von Federico Mompou (1893-1987). Während die Portugiesen umeinander
wirbeln von Gonçalo Almeida und Carlos Bechegas bis Susana Santos Silva, Telectu undZingaro und mit Creative Sources, Crónica, Clean Feed oder Thisco, muss ich nach Spaniern im Gedächtnis kramen. Und finde den Drummer RAMÓN LÓPEZ (*1961 in Alicante),
der mit vielen spielt, aber nur selten mit Landsleuten außer dem Pianisten AGUSTÍ FERNÁNDEZ (*1954, Barcelona). Erst der erweitert mir das spanische Spektrum im The Liquid
Trio mit dem Saxophonisten Albert Cirera und dem Drummer Ramon Prats (die zu zweit als
Duot spielen oder zu sechst in Kamarilla). Fernández hat schon Mitte der 70er angefangen
als Keyboarder bei Joan Bibiloni und den progpoppigen Zebra ("Zebra", 1976). Der Gitarrist ALBERT GIMÉNEZ (*1956, Barcelona), der einzige Spanier auf einer BA-Kassette, hat
dagegen, auch schon Ende der 70er, mit Neuronium outer Space von Mandarinen geträumt ("Quasar 2c361", 1977, "Vuelo Químico", 1978), und ist bei MACROMASSA mit
eingestiegen, dem radikalen Projekt von Juan Crek und Victor Nubla, wo er aus der rosaroten Zukunft in der krachigen Gegenwart aufschlug ("Darlia Microtónica", 1978, "Puerto
Heliogàbal", 1997). Crek und Nubla tauchten dann bei Pascal Comelade auf und neben
Markus Breuss und Pelayo F. Arrizabalaga bei CLONICOS ("Figuras Españolas", 1988), diean sich angeschrägten Punk/Wave-Jazz machten, eine originelle Spezialität der 80er. Im
Agustí Fernández 4uartet und in dessen Trio Local neben Joan Saura (1954-2012), einst
Keyboarder bei Blay Tritono und Koniec, oder auch bei Sin Anestesia neben Cirera und bei
Setsfree findet man den Saxophonisten LIBA VILLAVECCHIA mit seiner ebenfalls freakjazzrockigen Vergangenheit bei Tribu ("Barriu Chinu", 1978) und einer rock'n'rolligen mit
Loquillo Y Los Trogloditas, was schon in recht heftigem Kontrast steht zum Miteinander mit
Alfredo Costa Monteiro und dem FMOL Trio oder als Cactus. ESPLENDOR GEOMÉTRICO
hissten Anfang der 80er die Industrial-Fahne, und Arturo Lanz lässt es immer noch krachen als würden noch die schwerindustriellen Knochenmühlen das Mehl mahlen. Die
Jungen hören eher auf COÀGUL. Wozu Krach in Pink, in Weiß oder jeder anderen Formgut ist, darüber hat MATTIN (*1977, Getxo) besonders gründlich nachgedacht, als baskischer Proletarian of Noise. „No More Music at the Service of Capital“ ist die oberste Maxime. Er zeichnete mit Feedback Goyas 'Los Desastres De Las Guerras' nach, er erklärte
Zurückhaltung zur untauglichen Waffe der Kritik ("Reductionism is dead", 2006), er behauptete mit Michel Henritzi "Keith Rowe Serves Imperialism" (2007), übte sich mit BILLY
BAO in "Dialectics of Shit" (2008) und redete beim "Songbook #6" (2017) sogar deutsch
davon, dass die 'Einbahnstraße des Selbst' geradewegs in 'Die Kloake der Gesellschaft'führt. Die Soundart als solche ist in den guten Händen des ebenfalls euskadischen, aber in
Madrid aktiven MIGUEL A. GARCIA und von FRANCISCO LÓPEZ (*1964, Madrid).
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Aber ich halte doch VICTOR NUBLA (*1956, Barcelona) in seiner Hrönir Factory für das
größere Faszinosum und einen Maulwurf erster Güte, wie er sich da solo unter den unterhaltungsindustriellen Parametern hindurch seinen Weg geklopft, gemulmt, gebohrt und geloopt hat und das ganz methodisch nach seiner Método de Composición Objetiva: mit "Dance
Music" (1986), zu der keiner tanzen kann, mit "Filmmusik" (1987), bei der einem schwarz vor
Augen wird, mit "Piedra Nombre" (1989) und der Música degenerada des Klänge und Stimmen zerschrotenden Triptychons "La vía iluminada", "Elogio de la misantropía" & "El blando
recibo de las especies" (1994), mit hysterischem Tempo und Film-Cut-ups bei "Universonormal - Oigo Voces" (1998) und monomanischem Sequenzer bei "Universonormal - Bar du Nil"(1999), am Gegenpol dazu dröhnambient bei "Seven Harbour Scenes" (2000), mit Tibetan
Red bei "Tao Point" (2000), mit Robin Storey bei "About Breathing" (2002), mit Io Casino,
Pascal Comelade, Francisco López, Kasper T. Toeplitz, Storey und anderen konzertant bei"Antichton" (2001), mit orchestraler Streicherdramatik, Raubtiergrollen und wieder Loops
beim eindrucksvollen "Neige" und mit Loops, Stimmen und Gesängen nicht weniger stark bei"Impúries" (2002). Oder zuletzt mit Klarinetten, elektrifizierter Bassklarinette, Sequenzer,
Farfisaorgel & Stimme bei "Polar" (2013) als Hommage an den Roman noir. Wenn auf das,was Nubla produziert, der borgesianische Begriff Hrönir zutrifft, dann sind es Artefakte, dieauf parallele Universen oder die Faktizität imaginärer Welten hindeuten. Parallel läuft auf
jeden Fall das Projekt MACROMASSA, mit Juan Crek als zweiter Konstanten, von "El Concierto para ir en gGlobo" (1978) und "El Regreso a las Botellas de Papá Nódulus" (1984)über "Música de sala para convertidores" 1990) und "Gran Consecuente Autoproliferación"(1990) im Zusammenschluss mit Clonicos bis "Armas Mosca" (2010) und "presenta la ligereza de las montañas" (2012) mit heiser artikulierter Poesie und Theatralik. Ob Naif (1981/82 )oder Pascal Comelade / Bel Canto Orchestra ("En directe a la plaça del Sol 22-08-1985"),
Nubla war dabei. Bei DEDO (Departamento Empático de Objetivos) standen jedoch plötzlich
Canciones auf seinem Spielplan bei "Momento Cero" (2003), "Avatar" (mit Pau Torres, 2004)
und "Resumen de movimientos" (mit Ignacio Lois, 2006), gesungen von Io Casino oder Angèlica Sánchez. Als improvisierender und elektrifizierter Bassklarinettist formierte Nubla mit
Albert Guitart an E-Bass & Sampler und dem Koniec-Drummer Quicu Samsó das bruitistische Trio AIXÒNOÉSPÀNIC, dokumentiert bei einer Reihe von krätzig-noisigen Konzerten(alle 2008) auf etwa "En directe al Bar Elèctric", "L'àngel blau" und bei "Bajo la clepsidra"
mit Poetry von Sebastià Jovani danndoch ziemlich hardcore. Faszinosum
ist für so ein Pluriversum wirklich nichtübertrieben. Und da war jetzt noch gar
nicht die Rede davon, dass er das LEM
Festival für experimentelle Musik leitet, dass er Illustrator ist und seit 1984
haufenweise kleine Bücher schreibt,
die z. B. "Fünf Rezepte mit Seeteufelleber" (1999) und "Musik als Schraubenzieher" (2003) hießen, wenn sie
denn übersetzt wären, und zuletzt
etwa das phantastische "El viaje secreto de Elidan Marau a través del Mar
de Leche" (2016).
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Wie könnte ich M.A.F.H. übergehen mit "More Acid for Hegel" (2018), 'Fungi for Foucault','Ketamine for Kant', 'M&Ms for Marx'...? Für diese Jazzcore-Medikation verantwortlichzeichnen Avelino Saavedra (*1967, Santiago de Compostela) an Drums und Antonio Luis,kurz A. L. GUILLÉN (*1975, Granada) an der Gitarre. Das ist ein Ausbund an Gewitztheit:
als SEFRONIA machte er mit Angelina Oleas Gesang [und Programming von Julián Manglano, Strings, Keyboards, Theremin, Kalimba...] als schräger Gitarrenwizard und Familienvater mit Mittelklassenblues die querköpfigen Songalben "Sefronia" (1999), "Música contra
Osopetos" (2001) - nach Henri Michaux' "Reise nach Groß-Garabannien", "Ars Teopática"(2006), "Tres" (2010) und "Pléroma" (2011), vexierend zwischen Kontemplation und Aktion,
Melodie und Dissonanz, Engagement und Introspektion, Polis und Poesie. Mit dem Saxophonisten Justo Bagüeste und dem Drummer Jesús Alonso formierte er das experimentelle Rocktrio LES RAUCHEN VERBOTEN. Mit den beiden improvisierte er auch im Quintett
ALONDRA SATORI, oder in ALMAYATE mit Markus Breuss, Pelayo Arrizabalaga & Víctor
Polanski von Clonicos ("Freegiliana", 2012). Bei JUN Y GOR sprengt er mit dem Drummer
Javier Carmona (Alexander Hawkins Ensemble, Vole, Dominic Lash Quartet...) so gut wie
alle Schubladen. Er spielt solo den kasperltheatralisch-patagnostischen Cantautor bei"¿Dónde?" (2001), elektrisch verschärft bei "Ectomorphi" (2004), mit der Akustischen und
Theremin die "Música para el Funeral de John Fahey" (2004), mit Zappa im Sinn und Band
"Der Cucamongol Cannibalizes Your Idol" (2013), mit neoliberalen Heuschrecken im Sinn
und Synthesizer "Le terrorisme d´affaires" (2014), mit wieder E-Gitarre bei "6 Virtudes
Teológicas y el Pecado (del) Capital" (2014). Und lässt dabei Cioran, Bartok, Messiaen,
Neil Young, Fred Neil und den befreundetet Arzt & Poeten Fernando Jaén umeinander
geistern und zugleich Sufi-Mystik und Pataphysik durchschimmern. Sprechen ist Dialektik,
Handeln ist Dialektik, Leben ist Dialektik. Zu leben, heißt zu improvisieren . "La Noche"(2016) entstand angesichts der sterbenden Mutter als psychopomper Thereminklang,stechend, knarrend, surrend und sehnsuchtsvoll schwebend. "En Recuerdo del Amado"(2018) feiert im liebevollen Gesang der Sufi-Poeten die Quelle der Erinnerung und derLiebe. Dafür surft Guillén singend, klampfend und orgelnd zusammen mit Arrizabalaga an
Bassklarinette, Sancho Campos am Schlagzeug und Juan José Simón an Percussion als
andalusischer Brian Wilson im Mar de Oriente y Occidente und verwandelt Zeilen von Hāfez, Rūmī, 'A'isha al-Ba'uniyya, Maymum Ad-Dukkali, Al-Sustari, Mohammed al-Harraq alAlami und Muhyī d-Dīn Ibn ʿArabī in Popsongs. So generiert er in Almería ein ebenso reichhaltiges Œuvre wie Nubla, mit sogar noch krasseren Kontrasten. Womit das hinterfüttert
ist, verrät Guillén mit seinen Stichworten zu jedem Song auf "Ars Teopática": 'Ata Bien Ese
A(R)Taud Con Esa Cuerda' - Konstruktivismus, Chaostheorie, das Defizit im Gesundheitswesen und Patty Waters. 'Maria' - Peter Sloterdijks negative Gynäkologie, Martin Bubers"Ich und Du", Porno Alemán und Jonny Greenwood. 'El Valor De Jordi Hurtado' - die
Tradición Coprofágica Mística Occidental [wo wiederum die von Sloterdijk diagnostizierte'Merdokratie', der 'latrinozentrische Daseinsstil', konkurriert mit - haha! - mit einer 'fäkofugalen' Atmopolitik], die Hl. Katharina von Siena & der Sabbatianer und Zaddik Jakob
Frank, der TV-Quizmaster Jordi Hurtado und der Coro de Laringectomizados de León.
'Negar La Guerra' - die Tradición Teoanacoreta Occidental, Proudhon et al., Eremitismo
Etíope Tebaidita und Harry Partchs "Delusion of the Fury". 'Mónada Et Urbe' - die Democracia Economicista Especulativa, der brasilianisch-portugiesische Musiker, Architekt undIntermedia-Künstler Emanuel Dimas de Melo Pimenta, Eskapismus und Spektakel im
Cyberspace und Raymond Scott. 'Transverbación' - die Tradición Neuroticista Mística
Occidental, das Centro Internacional de Estudios Místicos in Ávila, William James und Yma
Sumac. 'Agradecido A Padre Pierre' - Pierre Teilhard de Chardin und die Apophthegmata
Patrum [Sprüche und Kōans der Wüstenväter] - Der Stein wird in Sand verflüssigt, den wir
sammeln werden für das Ritual jedes Menschen: etwas reiner zu werden. Der letzte Betreff
lautet: 'Abba Éxodo', und Guillén lässt die Gitarre gegen den hysterisch frickelnden Stromder Zeit anträumen [ausführlich -> http:// sefronia.net/ars-teopatica/ars%20def.html]. La
realización de la poesía en la vida (el viejo leitmotiv situacionista o vanguardista en
general)... Willkommen im Guilléniversum!

56Wie wenig ein europäisches Binnengespräch selbst auf
der kulturellen Ebene stattfindet, zeigt mir Francisco
Contreras (*1985, Elche) alias NIÑO DE ELCHE. Wennnämlich dieser Dissident des Flamenco und schwule
Feminist auf Fernando Sánchez Dragó (*1936), Antonio
Escohotado (*1941) und Juan Manuel de Prada (*1970)
verweist als mal mit, mal gegen den Strich gelesene Anreger seines Que(e)rdenkens, zeigt sich, dass diese namhaften Stichwortgeber der spanischen Intelligenzia auf
Deutsch nicht existieren. Sánchez Dragó, Autor von "Gárgoris y Habidis. Una historia mágica de España" (1978)
und "El Sendero de la Mano Izquierda" (2002), ist so etwas wie ein anarchoindividualistisch gepfefferter Gazpacho aus Evola, Guenon und Spengler, der gegen alles
wettert, was vom Goldenen Zeitalter im 6. Jhdt. BC (Konfuzius, Buddha, Lao Tsé, Zarathustra, die Orphiker undVorsokratiker) ins Kali Yuga führte und in unsere dekadente Huxley-Welt: den aufgeklärten Judeo-Protestantismus, den ikonoklastischen Liberalismus und den postmodernen, von politischer Korrektheit, Feminismus undeinem Kult des Sekundären und Hässlichen verblödeten
Multikulturalismus. De Prada ist an sich ein postmoderner
Literat ("Trügerisches Licht der Nacht", 1997) und Fan
von "Blade Runner" ("Lágrimas en la lluvia", 2010), teilt
aber mit Sánchez Dragó den verbiesterten Antiliberalismus. Escohotado, der von Thomas Szasz und Ernst Jünger inspirierte Autor von "Rameras y esposas: cuatro
mitos sobre el sexo y deber" (1993) und "Caos y orden"(1999), ist daneben auf untraditionelle Weise antiautoritär
und antiprohibitionistisch. Er machte von sich reden mit
einer Elementargeschichte der Drogen (über die Akzentverschiebung von phármakos = 'Droge' zu pharmakós ='Sündenbock') und einer Moralgeschichte des Eigentums(über den 'gewundenen Übergang von der servilen zur
kommerziellen Gesellschaft' und den 'Triumph der Mobilität über die Unbeweglichkeit') ("Los enemigos del comercio I-III", 2008-17) und fordert 'chemische Euphorie'
durch Drugs & Sex und einen selbstbestimmten Tod als
Menschenrechte ein. Francisco Contreras verbindet soziales Gewissen und Genderbewusstsein mit einer Aversion gegen jeden Herdentrieb und die zahme Korrektheit
und sozialdemokratische Schwammigkeit, zu der er auch
Podemos zählt. So wie er eine Präsentation als halbglatziger Spießbürger verbindet mit der ausdrucksstarken,
mit deliranter Vokalisation und Effekten gepushten Performanz aussagekräftiger Texte, ob in einer Show überFrancis Bacon (“Vaconbacon, Cantar las fuerzas”, 2011),
ob mit “Voces del Extremo” (2015) oder der "Antología
del cante flamenco heterodoxo" (2018), bei der schon
Titel wie 'Pasodoble Con Rumba Original de Guy Debord','Petenera de Shostakóvich (De Profundis)' oder 'DeepSong de Tim Buckley (Lorca)' Bände sprechen. Mit EXQUIRLA verband er zuletzt bei "Para quienes aún viven"(2017) grandiosen Postrock mit dramatischer Poesía de laconciencia nach Enrique Falcón.
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ZA! klingen von "Eki Eki Eki Kazam!" (2006) über "Loloismo" (2016) bis "Pachinko
Plex" (2018) wie ein Kreuzungsversuch aus Talibam!, Knu!, Spaceheads und Poil.
Spazzfrica Ehd (drums/keyboards/vocals) und Papadupau (guitar/trumpet/samples/
vocals) konnten 2018 sogar beim Moers Festival zappeln.
PYLAR in Sevilla fallen mir ins Auge durch die alchemystische Besetzung: LenguaDeCarpa – Sprache der Vögel und der Bäume, unbekannte Alphabete, Orakel,
Prisca Sapientia; Gamaheo – Percussion, Schlagzeug, Aludel, Säulen, Pfeiler &Telurismus; Trarames – Horn, Keys, Gnosis, Beryllium, Leviathan, Waldgeist, Sphärenklang; Bar-Gal – Keys, Gitarre, Matriarchat, Regressus ad uterum, Anfänge &Schwellen. Damit verrichten sie "La Gran Obra" (2017) und spiegeln mit 'Speculum(ArboNargAl)' mit genau nochmal 26'16" den Dreisprung Nigredo, Albedo und Rubedo mit düster-merkurialem Doomsound. Die hermetischen Pfade in den Ruinen
der Zeit beschritten sie zuerst bei "Poderoso se alza en my" (2013). Bei "He venydo
a reclamar my trono" (2015) knieten sie, mit feierlichem Gesang von Ahk Phypro(Voz del Herrero, liturgia, invocación de los 4 elementos, sintetizador, fuerzas
elementales), vor dem Throne of Drones, den sie als Diener der Großen Mutter bei"Pyedra" (2016) als heiligen Schwarzen Stein verehren. Ihr noch von Lingua Alaudae (violin, mandolin, keyboard) verstärkter Drang durchs Dunkle gipfelt in "A ellate conduce la sagrada espyral" (2017) und im Phönix, der das Kosmische Ei ('El
huevo cósmico') bebrütet.
Wem jetzt schwarz vor Augen ist, der hört MARA ARANDA (*1968, València), die bei
L' Ham de Foc ("U", 1999) und beim Münchner Al Andaluz Project ("Deus et Diabolus", 2007) moorish gesungen hat und weiter das sephardische Erbe auf der Silberzunge trägt bei "Mare Nostrum" (2015) und "Sefarad en el corazón de Marruesco"(2017).
DAME AREA klopft und kaskadiert bei "Estás en un sueño" (2017), "Immagina il
passato, ricorda il futuro" & "Centro di Gravitá" (2018) zwischen DrummachineTribalismus und surrealem Synthie-Wave, mich erinnern Viktor L. Crux und der
Sprechgesang von Silvia Konstance Costan an die Zeiten von Liaisons Dangereuses. Viktor L. Crux ist eigentlich Víctor Hurtado und eine treibende Kraft bei Màgia
Roja in Barcelona, deren Wahlspruch „End the Tyranny of Irony“ ich beipflichte. Da
singt er dann selber als der Rhythm'n'Noiser FUTURO DE HIERRO ("Canciones por
el fin de la Historia", 2015, "Paso en el Vacío", 2017), als Huan, und mit Chris Haslam(von Gnod) in Ordre Etern ("Revolució Soterrada", 2015).
Von LEM führt ein direkter Weg zu Gràcia Territori Sonor & Gliptoteka Magdalae,
ein Label, das mit "Música Mitopoètica Discreta" (2006) und der 7-teiligen Reihe"Microtopies - miniatures de música i geografia" (2012-2018) katalanische Experimentalmusik in 1-min. Kostproben propagiert, ohne sich auf das Lokale zu
beschränken. IO CASINO ist zu hören mit "Mundo Das Ferramentas" (2001),
TIBETAN RED [Salvador Francesch, *1945, Barcelona], Nublas Partner bei Tao
Point" (2002), mit "Fouta Djalon" (2006). Auf "Insomnio" erklingt (zusammen mit
Floy Krouchi aka drfloy) der Elektroniker RAYO-60 ("Los mares de sonora", 2018).
"Manual del bon cosmonauta" (2018) vereint die beiden Gitarristen Ramón Solé &RAFAEL ZARAGOZA (*1951, Orba), die beide auch in Setsfree bei "The Secret ofLight" (2017) die Saiten zupfen und bei "Zubian" (2009) zusammen mit Albert
Giménez. Zaragoza, einst als Leader in der 3-stimmigen Gitarrensection von SectaSònica schon eine Progrockgröße (bei "Fred Pedralbes", 1976, und "Astroferia",
1977), und Giménez spielten auch schon in Naif mit Victor Nubla ("Atlas", 1982).
Bei Setsfree und im Kórnik Trio hat Zaragoza den Bassisten EDUARD ALTABA(*1953, Barcelona) an der Seite, ebenfalls ein Veteran mit jazzrockiger Vorvergangenheit bei Blay Tritono ("Clot 20", 1976) und Stationen bei Naif und im Albert
Giménez Quartet ("Discours - Live Europa Jazz Festival, Le Mans 85"), aber mit
Avantprofil als 1/3 von Cactus oder mit Agustí Martinez und Quicu Samsó (vonAixònoéspànic) bei "Phantom Wall Syndrom" (2014) & "On the Nature of Will"(2016, beide auf dem Net-Label Discordian).
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Auf DISCORDIAN RECORDS ist auch der Saxophonist
ALBERT CIRERA (*1980, Igualada), zuletzt gehört mit
Florian Stoffner oder Abdul Moimême auf Creative Sources,
mit Sin Anestesia, dem Free Art Ensemble, Olle Vikström,
Alvaro Rosso, Ulrich Mitzlaff und Carlos Zingaro. Oder auchals Psicodramaticafolklorica mit "Zoanthropic Delirium"(2013) und einer Annäherung an Manuel Blanco Romasanta(1809-1863), den 'Werwolf von Allariz', Spaniens erstem
Asesino en serie. Discordian verbreitet mit dem Spruch „A
discordian is anyone willing to look at windmills and concede that they might be giants“ Don-Quixote-Spirit undliefert letzlich den besten Einstieg in die Avant-Garde-MusikSzene in Barcelona: Mit Fernández, der Pianistin Clara Lai,
der Perkussionistin Núria Andorrà, mit Setsfree und den
Freenetics. Beim Conduction-Projekt Memoria Uno und bei
Chaosophy mischt El Pricto selber mit, der venezuelanischeLabelmacher und Altosaxophonist, der auch Lovecraft's
Aunt leitete bei "The Case of Charles Dexter Ward" (2012),
das Filthy Habits Ensemble bei "Plays Stravinsky" (2013)
und Reptilian Mambo bei "Mamboree" (2016). NURIA ANDORRÀ, die mit der italienischen Flötistin Alessandra Rombolà das ARà Dúo bildet, ist da zu hören mit Tom Chant,
Ferran Fages, Fernández und Reptilian Mambo. Nach "Inner
Core (2018, Relative Pitch) mit der Pianistin IRENE ARANDA(*1980, Jaén) & dem Bassisten Johannes Nästesjö hat sie
mit "Kokoro" (2018, Sirulita) ihr erstes Solo eingespielt.
Der Trommler VASCO TRILLA ist mit seinem Solo "The Suspended Step" (2016) bei Discordian geblieben, wo er schon mit Sin Anestesia, Lovecraft's Aunt, Reptilian Mambo, dem Filthy Habits Ensemble und bei "The Paradox of Hedonism" (2015) mit Tom Chant & der portugiesischen Trompeterin Susana Santos Silva getrommelt hat. Dazu tobte 'The Thriller' mit
dem Flötisten Pablo Selnik bei Outerzone und den cthulhuesken TriplezerO ("000", 2016).
Parallel hat sich 'The Catalan citizen of the world' mit Yedo Gibson, Michał Dymny, Rafał Mazur, Mikołaj Trzaska, ebenfalls Nästebö oder den Brüdern Rodrigues europaweit im Improzirkel eingeschrieben. Und dazwischen liegt noch eine bemerkenswerte AvantRock-Phase
mit PLANETA IMAGINARIO ("Biomasa", 2008, "Optical Delusions", 2011, beide Cuneiform)
und mit OCTOBER EQUUS, der univers-zeroesken Formation des Gitarristen Ángel Ontalva,
bei "Saturnal" (2011, AltrOck), "Permafrost" & "Isla Purgatorio" (beide 2013, OctoberXart).
Er war mit dabei beim Freakshow Artrock Festival 2011 in Würzburg, und wieder mit Ontalva
als OBO mit Alexey Kruglov & Anastasiya Masloboeva auf "Palace of Waiting" (2016).
Als hispanolische Wegzehrung hier noch einige Tapas nach meinem Geschmack ...
PEDRO ITURRALDE ¡Jazz Flamenco! (1967+68) ... PAU RIBA & OM Dioptria (1969+70) ...
CARLOS CANO A Duras Penas (1976), El Diván Del Tamarit. Gacelas (1998) ... BLAYTRITONO Clot 20 (1976) ... MÚSICA URBANA Música Urbana (1976) ... COMPANYIAELÈCTRICA DHARMA Tramuntana (1977) ... PEPE SUERO Andalucía la que divierte(1978) ... VEGA Andaluza (1978) ... [Spanish Memories are made of this]CRISTÓBAL HALFFTER - Don Quijote (2004) [schädelspaltende Belcantomachie]
AMAROK Quentadharkën (2004) [Prog-Folk mit Klassik-Touch]
CAFÉ TEATRO Burga (2004) [baskische Rossbreiten, mit Xabier Erkizia von Billy Bao]EMILIO JOSÉ [González Pérez] Chorando Apréndese (2009), Agricultura Livre (2015),
Ilhas Virgens (2016) [¡Pop!pourris aus Quins]
AKRON Voyage of exploration (2011) [Pau Loewe mit exotic space junk music]IÑIGO UGARTEBURU For the Unknown (2013) [klass. Gitarre, melancholischer Gesang,
Bassklarinette oder Posaune, mit Josh Abrams, Brent Gutzeit und wieder Erkizia]
SEWARD Second Two: Chapter Home (2015) [free Songs mit extraordinärer Stimme]
CARLOS SUÁREZ SÁNCHEZ Post Tenebras Lux (2018) [Nulla esthetica sine ethica]
59sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
Attenuation Circuit (Augsburg)

Enchanted Garden (Attenuation Effect 1017, C-32) entstand live am 6.1.18 @ Alte Bäckerei
in Augsburg, mit einerseits 'Soundscaped', gestaltet von GUIGUISUISUI aus Beijing. Dassind Guigui aka King Necro & Nan Guazi alias 术 数 (‘Shu Shu’), die Pumpkin Queen. Die
beiden haben schon früh den dreimal schwarzen Kater beschworen ('Black Cat'), die Nasen
in "Black Books" gesteckt, sind mit dem Mond über Zombie-Land per Du und reimen Last
Bloom auf Doom. Von ihrem frühen Faible für Psychobilly ist nicht nur das Instrumentarium
geblieben - Guitar, Bass, Vocals, der Schattenwurf dunkler Synthiewellen. Damit tauchen sie
ein in 'Darker Shade of Black' und 'Electric Ocean', Susu wechselt zwischen Kundalini Chantund Dark-Space-Whispering und lädt ein zu einem Sonnenbad unter der Schwarzen Sonne,
die mit Phantomtrompeten um sich strahlt. Aber es zieht ein Gewitter auf zu dräuenden
Doomfrequenzen, und sie wispert und hexenzüngelt dazu Zaubersprüche vor dem dunkel
grollenden Horizont. Dann beizt sich einer (Trevor Gaymer?) die Zunge mit Nero die Seppia,
um damit das nobelpreiswürdige 'It's All Over Now, Baby Blue' zu raunen, zu zirpendem
Sound wie von einer Shō, rhythmisch tropfendem Beat und blutergussblauer Gitarre. Das
Extro ist ein minutenlanges katastrophisches Dröhnen. EMERGE, der den beiden schon
einen 'The Tower'-Remix auf "Nekroma" (2017) fertigte, gestaltet andererseits das lavabröckelige 'Lapillus'. Er greift dafür grollig raue und rubbelige Sounds auf und lässt sie wie
submarin changieren und kaskadieren zu einem hinkenden Tropfen oder Klopfen. Obwohl so
gut wie alles daran unklar bleibt, ist die Anmutung doch speläologisch und lässt den Boden
unter den Füßen ungut arbeiten. Für empfindliche Gemüter wird da womöglich - denn somanche Einbildungskraft erzittert ja mit jedem rauschenden Blatt - gar eine Unterwelt
suggeriert, wo Cthulhus Brut überdauert oder ein Balrog haust. Wobei mich an Emerge
gerade das reizt, dass er die Katze nicht aus dem Sack lässt, ob er da Schauermärchen
munkelt, oder einfach bloß höhlen- oder tiefseeforscherische Lauschangriffe offeriert.
60

Modulus of Resilience (ACU 1010), das verspricht etwas Elastisches, eine unverwüstlichfedernde Spannkraft, meint konkret aber, wie weit ein Material unter Belastung Energie
absorbieren kann, bevor es biegt oder bricht. Die damit spielen, sind: Die auf Neue Musik
spezialisierte Pianistin und Komponistin CAO THANH LAN, 1987 in Hanoi geboren, an
präpariertem Marxophon & Electronics. Aus Wien GREGOR SIEDL, ihr Partner in Zicla und
Parallel Asteroid und (w/ B. Beins & Nicola Hein) in Junk Orbit, an Klarinette & Electronics.
Zusammen ein elektroakustisches Duo mit bestem Draht in den fernen Osten, wobei Siedlaber auch in Benjamin Sauzereaus Les Chroniques de l’Inutile Tenorsax bläst. Dritter
Mann ist BEAT KELLER in Winterthur an Feedbacker Electric Guitar, der ansonsten mit
Oliver Roth als Rough Cave Soundtracks für dystopische Comic Strips improvisiert, oderauch mit Joke Lanz, mit Jason Kahn, und der Sound für Micha Stuhlmanns Tanz-Ton-TextPerformance "Ich esse deinen Schatten" stammt ebenfalls von ihm. Er streichelt die Gitarre mit Slide oder traktiert sie wie der manische Manlio Maresca und gibt mit den Effektpedalen noch Stoff. Siedl bebrütet die bloße Luft und köchelt Spucke, auch bei ihm sind
Effekte groß geschrieben, die seinen unklaren und selten netten Lauten ein zombieskes
Weiterleben ermöglichen. Cao legt ihrer Zither die Hände auf wie ein Heilerin, touchiertsie mit Metall, sie lässt die Saiten mit Ebow schwingen, bepinselt sie mit kleinem Ventilator, umfädelt sie mit nem Band. Ohne Bild bleibt unklar, ob sie oder Keller da pickt, ob eroder Siedl da jault, ob da eine Luftsäule oder eine Saite schwingt. Die schillernden,
scharfen, stechenden Sounds sind im Zweifelsfall schweizerisch, die spröderen und
akribischeren von Cao, das tremolierende Wahwah wienerisch. Beschwören möchte ich
das freilich nicht, denn kakophil sind sie allesamt, und die Klarinette kirrt nicht weniger
spitz über den impulsiv spotzenden Krach oder eine glissandierende Bruchlandung hinweg. Doch Rauschen und Feedbacknoise verwandeln sich im Handumdrehen in fingerspitzes Mikado, wenn auch mit Dornen. Aus allen Richtungen schwirren, trillern, rumoren
Klangpartikel, alles was schief klingen kann, klingt auch schief. Prasselnd, jaulig, drahtharfig, zuckend, schleifend, wie eine von Dämonen besessene Shamisen, ein schief
laufendes Feuerwerk, eine Rockgitarre jenseits ihrer Resilienztoleranz. Gitarre kaputt,
Klarinette kaputt, Musik kaputt, aber was für ein Spaß für Liebhaber krasser Frequenzen
und für alle, die zweifeln, dass das Himmlische und Quadratische das einzig Wahre sind.
ADAM MAŃKOWSKI in Lódz ist in den Kreisen, in denen er sich seit 2006 bewegt, besser
bekannt als Limited Liability Sounds oder auch mit Scindite. Als LLS hat er zwischen ReDrum und Emerge auch schon bei Attenuation Circuit angedockt, mit genug Anspruch und
Courage, sich an "An Hommage to Luciano Berio" (2017) und gar an "Music for Philosophers" (2018) zu wagen. Dźwięki z Offu [Klänge aus dem Off] (ACU 1013) dreht sich nun
lokalpatriotisch um Grzegorz Królikiewicz (1939-2017), den durch etwa "Wieczne pretensje"[Ewige Nörgelei] (1974), "Zabicie ciotki" [Die Tante erschlagen] (1984), "Der Fall Pekosiński"(1993) oder "Sasiady – Neighborhooders" (2014) bekannten Altmeister der polnischen Filmkunst in Lódz. Und insbesondere um dessen preisgekröntes und kontroverses Debut "Nawylot" (dt. Durch und durch, 1972) und die Filmmusik dazu von Henryk Kuźniak & Janusz
Hajdun. Mańkowski nähert sich dem an durch nicht unharmonische Drones und perkussive
Geräusche und Ansätze von Rhythmik, durchsetzt mit Samples. Als Metasoundscape, durch
den Alltagsgeräusche und Instrumentalklänge geistern, Fetzen eines Kinderchors, eine
Handvoll Pianonoten, angerührte Strings, von allem nur Tupfer, Schlieren, ein Anhauch, wie
ein melancholisch eingetrübter Schleier, gewebt aus Erinnerungen und durchhuscht vonMäusen, die im Oberstübchen daran nagen, betropft von Tropfen und müden Schlägen, mit
vagen oder klimpernden Griffen in die Tasten, von Glocken bebimmelt, von Vögeln bezwitschert. Dumpf verzerrte Klänge kehren wieder, Geräusche kreisen und mahlen unrund
und schleifend, das knarzende Gefüge scheint zu träumen. So vieles ist wie im Traum unddurch den Lauf der Dinge unscharf geworden: die Festung Przemysl von "Fort 13" (1984)
nicht weniger als der Totschlag und die "Na wylot"-Liebe von Jan & Maria oder "DieKostbarkeit des freien Gewissens", wie Królikiewicz 1981 seine Mahnung vor dem religiösen(ideologischen) Bürgerkrieg überschrieb, und wie es in Polen weitergeht, nachdem wieder
das Messer gezückt wurde.
61Eighth Nerve Audio (Nesodden)
Post aus Nesodden? Ich muss googeln und finde ein Städtchen, das die Vorteile der Peripherie mit einer Fährverbindung ins 7 km entfernte Oslo verbindet. Der finnische Musiker
JUHANI SILVOLA und seine schottische Liebste, die Bratscherin & Fiddlerin Sarah-JaneSummers, haben da ihr Nest. Er hatte schon die Finger im Spiel bei Jæ, Splashgirl, Jessica
Sligter, als Mitglied von The Island Band und bei Frode Hatlis "Avant Folk" jeweils auf
Hubro, oder auch bei Highasakite. Und natürlich mit Summers, etwa bei "Widdershins" undals er "Strange Flowers" (2016) pflückte. Mit "Imaginary Archives Vol.1: Ritual Music From
Nameless Civilisations" (8nerve001, 2017) zeigt Silvola sich als - avancierter - Vertreter
einer Folklore Imaginaire, allerdings keiner rückwärtsgewandten, vielmehr einer Sonic
Fiction im Futurum II, wie sie erklingt auf Post-Biological Wildlife (8nerve003). Gleich nachdem Einstieg mit dem regentropfengroovigen, langwellig dröhnenden und quellfrischsprudelnden 'Ritualrytmikk' mischt der Finne, der übrigens bei der Elektroakustikerin
Natasha Barrett studiert hat, mit 'Machines of Loving Grace' gleich mehrere Zeitebenen
auf: Denn Richard Brautigans titelgebende Vision von 1967, where mammals and computers / live together in mutually / programming harmony, in der die hippieske Counterculture & die kalifornische Cyberculture vereint ein grünes Schlaraffenland versprachen,
ist da, wie gebrochen durch den BBC-Doku-Dreiteiler "All Watched Over by Machines of
Loving Grace" (2011), in post-utopische, kakophon pfeifende und furzende Tristesse verkehrt, in der Synthiegeknarre windspielerisch pixelnden und molekular funkelnden Klingklang freisetzt und einen bewummerten, monotonen Zweiklang. Bis hin zu einem knurrigkrachigen Crescendo. 'Vaster Than Empires' führt mit Our vegetable love should grow /Vaster than empires, and more slow, einer Zeile des Dichters Andrew Marvell (1621 - 1678),
auf Ursula LeGuins, ihrem eigenen "Das Wort für Welt ist Wald" und Lems "Solaris" nicht
unähnliche World 4470. Dort kann nur über gegenseitige Furcht hinweg kommuniziert
werden mit etwas Empfindsamem und Angsteinflößendem, das sich als die sich bedroht
fühlende Flora entpuppt, der Bioorganismus des Planeten (als quasi planetarem Alien).
Gestaltet ist das von Silvola mit einer von Scelsi und G. F. Haas angeregten, aus knarrig
rauer, windschief diskanter Reibung, die er, brummig und glissandierend, aus dem Sound
von Summers Strings gefrankensteint hat. Mit 'Speculative Phonography', einer Musiqueconcrète mit mikrovulkanischer Dramatik und monströsem Fußabdruck, bringt er seine
cyberambiente Klangkunst auf einen Begriff und mit dem perligen Klingklang und Tamtam
von '20th Century Meditation' eines ihrer Wesensmerkmale.
Außer mit Silvola, zu zweit oder im Siskin Quartet, lässt SARAH-JANE SUMMERS die Saiten auch noch flirren mit Solfried Molland, der Sängerin Ingebjørg Lognvik Reinholdt, dem
Quatuor Bozzini, bei Susannas "Go Dig My Grave" live. Und sie erstaunt mit Alleingängen
wie dem bejubelten "Virr" (8nerve002) oder den schottischen Weisen auf "Solo" und nun
erneut mit Kalopsia (8nerve 005). Dieser Überschrift, die meint, dass einem etwas schöner
erscheint als es ist, folgt eine Reihe seltener Fremdwörter aus dem Griech. ('Lypophrenia','Oneirataxia', 'Kenopsia', 'Lethophobia'...) und Lat. ('Scintilla', 'Susurrus', 'Tacenda'), aberauch das schott. 'Widdendream', 'Meraki' als neugriech. Lehnwort aus dem Türk., das walisische 'Hiraeth', das frz. 'Reveille'. Summers' rascheligen, kakophon schabenden undscharrenden oder alarmierend dröhnenden Klangbilder und zirpend hüpfenden Saitensprünge, mit denen sie taumelt zwischen Traum und Wachsein, zuckt zwischen Trauer,
Wahn, Heimweh und Hingabe oder schattenboxt mit Erinnern, Vergessen und Schweigen,vermeiden meist die von Laura Cannell gestreifte Aura des Althergebrachten. Und tauchen
doch bei 'Petrichor' ganz wehmutsvoll darin ein. Mehrfach wird die Bratsche als TableViola traktiert, bei hautnaher Mikrophonierung. Das melodisch 'geflötete' 'Reveille' weckt
zur Schlacht gegen unsichtbare Gegner, denen aber selbst mit wildem Hauen und Stechen
nicht beizukommen ist. Summers knarrt wie mit Gummi über eine Kartonkante und irrlichtert diabolisch. So fegt sie den Platz menschenleer, und wenn sich knarrend und seufzend
das Tor zum Hades auftut, steht man allein vor Zerberus und bringt keinen Ton heraus.
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E-Klageto / Psch.KG (Euskirchen)
AG DAVIS, 1984 in Lubbock, Texas, geboren, hat sich durchseinen Abschluss in Englischer Literatur an der University
of Florida nicht hindern lassen, sich bei Boy+Girl mit exzessivstem Grindcore zu verausgaben. Inzwischen hat er inJacksonville sein "id-driven", zeitweise wohl drogeninduziertes Ausrasten soweit im Griff, dass man in seinen Klangspuren auf Skrot Up, Surrism Phonetics und Classwar Karaoke eine Mixtur von Soundpoetry, Wiener Aktionskunst
und Schimpflucherei erkennen kann. So wie sich in seinem
John-Zorn- & Yamataka-Eye-verwandten Clash mit dem Saxberserker Jamison Williams bei "A Private History of
Comfort Women" ein engagierter Geist abzeichnet und ebenfalls auf Vantage Bulletin - in "American Grotesque" einer, der seine Stimme erhebt
für "a small, broken child hidden within the crawlspace; he is silent, or nearly silent, but
still speaking in odd tongues, endlessly repeating the dimensions of a life not possible tobe lived." Mit "Báthory" (2016) als ''metempsychotic journal'' versuchte er sich als Hebamme des puren Wortes, "Glass" (2018) stammelte er als 'Primordial Transhumanist'. All das
steckt im Noise, der Low-Fidelity, der Glossolalie seiner acht Vortices auf AG Davis versus
Cody Brant (Exklageto 19). Der Auftakt zermulmt Alte Musik, ohne die Streichermelodieganz zu zerstören. Dem überdreht wooshenden und klimper-prickelnden 'Jazz God Fuck'd'
folgt 'Quantum Sodomy' in heulender und säureblutspritzender Harshness. 'Rekni MI'
mischt dann zu funkeliger Klimperei die verzerrte Stimme. 'Selfportrait as God' loopt
weiteren Mulm, verschleppt stampfende Distorsionen und bebende Vibrationen. Für'Someone Told Me' steigert sich ein flötenbetrillerter Davisdoppelkopf in ein glossolales
Gurgelstockdelirium und ähnlich auch zur behämmerten Pianistik von 'to wind, as burnt
yellow, forgotten', bis er nur noch hirnverbrannt bellt. 'Untitled Etude (for organ & delay)'orgelt er zuletzt aber so klassisch und befriedet, als wäre nichts gewesen. CODY BRANT,ein Spaßvogel aus Philadelphia, ist seinerseits bei Psych.KG schon eingeführt mit "CyTime Coda" (2015) und, mit Kommissar Hjuler und Frau, in der Reihe Fluxus +/- oder auch
Malmlund-pornografisch. Qualifiziert durch outsider-affines DIY, mit The Viking Moses!
oder Dead Channel, mit surreal illustrierten Klangcollagen und Plunderphonien, Synthiemeditationen, Anrufbeantworterhörspielerei. Unter Tim Alexander (ex-Points Of Friction),seinem Partner bei Psychonic Imaging, tun sich Abgründe bis zur Los Angeles Free Music
Society auf. Brant nimmt bei 'Am Birds' Spaßvogel gleich mal wörtlich und spinnt neun lowfidele Soundscapes aus Fieldrecordings, unbestimmtem Klingklang, mit Schreibmaschine
betipptem Tamtam, beschnattertem Hee-Haw-Puls. Scharniere quietschen, Kiesel scharren, Frösche quarren zu windschiefer Klimperei. Zu primitivem Klopfen und undefinierbar
gackernden, sirrenden, tickernden Lauten dongt es klangschalig. Asynchrone Beats umkreisen eine Dröhnwelle. Zu viel Speed lässt Heliumstimmchen zwitschern und wirbeln, zu
Klimperei und Sprudelei. Dafür schleppt sich 'Nothing Forever' nur zäh zu femininem
Singsang und launigen Elektroschnörkeln. Holz- und Metallbrocken fliegen zu verzerrtem Gesang, dumpfem Beat,
tockender Kuhglocke. Bis zu 'Yuk Blomp' mit ebenfalls einem
schleppenden Ticktockbeat und Ethno-Singsang zu Blockflöterei. Zwei ungenierte Beispiele von bruitophilem, neoprimitivem DIY, Davis als Wortführer seines 'Primitive Transhumanism' mit krassen Akzenten, Brant mit eher skurrilen,
beide als Schrottsammler und Wiederverwerter auf derSchattenseite des Guten, Braven, Schönen und als Sprachrohr des auf die Kehrseite Gekehrten.
!!! "AG Davis versus Cody Brant" gibt es als Kostprobe zu
BA 101.
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Kommissar Hjuler und Frau (Malmlund Records / Psych.KG)
Die Pornografierung des verallgemeinerten Anderen? Der Fundus des Pornodiadealers
Christian Malmlund und die zweifelhafte Ansicht, seit Duchamps R. Mutt-Fountain wäre
Kunst entblättert zu bloßem Business mit Pisse, versorgt eine neue Produktreihe derFlensburger Antikunst-Manufaktur mit Ansichten der sterblichen Hülle des Weibes. Mit
Schamlippenbekenntnissen, die als Augenlust und Schwanzweide weder Wünsche noch
Illusionen offen lassen. Denn wie sagt der Dichter? Die einst als Blumen mir erschienen...
Auf Tina Pool Table (SC1, LP - jedes Produkt gibt es in diversen Sammlervarianten undbuntem Vinyl) bietet einem Tina den Anblick ihrer Ausscheidungsöffnungen. Auch noch derletzte auratische Rest von 'L'Origine du monde' ist überexponiert zur sterilen Fleischeslust
einer Kühltheke. Dazu erschallen: 'Three Explicit Sexistences" von KOMMISSAR HJULERUND FRAU & CODY BRANT, hufklapptrabend, als Tamtam oder Loop mit Singsang; 'nachhALL' als unendlicher Raumschiff Enterprise-Drehwurm von MAMA BÄR; und der Dauerbrenner von KHuF, die zungenbrecherische Soziologie-Übung 'Die Antizipation des Generalized Other', heiser verzerrt, dickzungig gewellt und lärmig verschliffen von LIEUTENANTCARAMEL. Mead heißt der Mann übrigens, nicht Meat.
Für Steve Colby (SC2, LP) räkelt sich eine Brünette und tut selbst beim urologischen
Check noch verrucht. Die mehr oder weniger errötenden Ohren bleiben aber auf dem Bodender nichtsnutzigsten Tatsachen. Wie schon auf "Kontaminierung Entekelung" - "Europorno /2" (Psych.KG 395, 2017) mit dem durch die Wand belauschten leichenspielerischen 'Children Playing with Corpses' von HATE POEM, einem Projekt des schwedischen Neo-Nihilisten
Kenny Johansson von The New Movement, Philosophers of Darkness und Obskyr Records.
Die KOMMISSAR-HJULER ALLSTAR-BAND verübt als marschierender "Lach dich tot"-Chor'Landfriedensbruch'. CODY BRANT kehrt wieder, mit den Flensburgern im komischknackenden Loop, ohne sie abrisslustig. Und Amaury Perez alias AMOR FATI verweist mit
Gitarre, Drummachine und tristem oder poppigem Piano auf Crowleys Law und Nietzsches
Ubermensch, mit 'Artitude'-Attitüde oder organlos und rockmonoton.
Der Titel The Solo Girl, Girl & Boy, Threesome Sets (SC3/still, LP in Rauchglasvinyl) deutet
die Fleischverschlingungen auf vier Cover-Dias an. Klanglich ist das identisch mit "Ankunft
auf Kepler-452b" (Psych.KG 453, 2017). KHuF gluckern und dröhnen 'Neuanfang', die Mamabei der Hausarbeit und ein Baby bespaßen sich gegenseitig, JONATHAN MEESE deklamiert'We are the last German Cowboys', 'Wir brauchen die Neue Deutsche Ordnung (Die MutterzMeese-Ordnung)' und mehr solch blauer Bohnen.
Die blonde Monica (SC6, LP) zeigt sich vorne naughty und hinten mit einer arschprallen
Rumpfbeuge. Dazu gibt es - auch als Psych.KG 445 - 'Zerschlagen Musik' als kakophonindustriale Infernalik von THE NEW BLOCKADERS und die 'Puppetmusiken'-Loops von
KOMMISSAR HJULER, mit einem Kind als Lachsack und klopfender Heimwerkerei.
Monica + Sylvi (VivTh6, LP, single sided, rotgeflammt), mit dem Shooting der beiden beim
Arschlecken, ist eine weitere Auflage von "Die Amligabatum vom Gedalia Autres" (SHMF019+85) bzw. von "Fluxus" / "Charlotta Larsson entzieht sich Bruno Praticò" (Psych.KG 145,
2014). Mit 'Barette des General Blade' von PVA IN HAIR + KHuF, Generalized-Other-Aberwitz
in Smörrebrödarabisch und lallendem Trumpisch, leider mit nicht ganz durchgehaltenem
kreativen Stehvermögen. Oder ist das, als ein Grundzug der Hjulers, Zermürbungstaktik?
Sandy & Silvia (VivTh7, LP) illustriert mit lesbischen Posen JONATHAN MEESEs 'Stosstruppi Moominwolf' und seine Parole Kunst ist das Geilste, KHuFs sich müd spielendes'Sponge-Bob Duell' und 'Al-Qaida' als politische Bildung über die Hydra der Gegenwart.
Auch Ashley (VivTh8) liefert den Schauwert der intimen Falten ihrer blonden Gelecktheit
und eines gequälten Gesichtsausdrucks beim Urinieren. Als neue Enthüllung von KHuFs
exzessiv performter und bereits auf "Amerikanische Poesie und Alkoholismus #2" (dicker
barnes, 2017) gepresster Zappa-Tortur de force 'You can't do that on stage anymore'.
Überflüssig zu sagen, dass ich das sexploitative (Un)-Dressing für ein fragwürdiges Relikt
der 'Sexuellen Revolution' und deren trashiger Kehrseite in den 80ern halte. Zumal keines
der Models von der selbstbestimmten, aggressiven Carnalität von Cosey Fanni Tutti, Lydia
Lunch oder Master/Slave Relationship etwas ahnen lässt.
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Gruenrekorder (Hanau / Frankfurt)
Nicht mit "Mekong Morning Glory" & "52º46' North 13º29' East - Music For WaxCylinders" auf Gruenrekorder, aber doch mit "Live at Fluc" auf Attenuation Circuit sindmir Eva Pöpplein & Janko Hanushevsky als MERZOUGA schon begegnet, bevor mich derLinzer 2016 in Annette Maye's Vinograd Express persönlich bespaßt hat. Aber ob alleinoder mit Merzouga, seine Spezialität sind Radioproduktionen für DLF und DKultur wie"Milomaki" (2010), "Karpaten Blues" (2011) oder "In darkness let me dwell – Lieder aus
der Finsternis" (2016, w/ Christian Brückner, Lucas Niggli...). Dazwischen entstand 2015
für Yleisradio Finnland De Rerum Natura / Dance of the Elements (Gruen185) nach
Lukrez. Dessen religionskritisch-freigeistiges Lehrgedicht aus dem 1. Jh. BC, 1417 voneinem italienischen Humanisten und Bücherjäger wahrscheinlich in der Benediktinerabtei Fulda wiederentdeckt, hat sich trotz seines ketzerischen Tenors wie ein Lauffeuer
verbreitet, die Renaissance und die besten Köpfe der Neuzeit befruchtet und seine
epikureischen Sporen bis zu Monty Python vererbt. Lukrez vertraute sich Venus an undlässt jeden phobokratischen Determinismus von Fortuna durchkreuzen. Das Artwork isthier entsprechend ein windspielerisches Krakeln tintenfingriger und pinselnder Zweige.
Und der Sound ein Flow von konkreten Partikeln, die die von Lukrez vorgestellte atomare
Durchlässigkeit suggerieren, transformativ morphend wird Festes verflüssigt und luftig
gemacht. Eingebettet in einen feinen Klingklang aus Naturgeräuschen und Instrumentalklängen spricht Hanushevskys Schauspieler-Bruder Stefko Zeilen von Lukrez, lateinischund englisch. Wasser, Windgebraus, rauschende Meeresbrandung und Hände voller
steiniger oder metallischer Klangkörner spielen, gestreut, in abrupten Schüben oderdünnen Schleiern, mit E-Basssaiten und Electronics. Bis hin zu Streicherklang und
pastoralen Kuhglocken, metalloiden Glitches, Gezwitscher, Gegluckse, Gegacker, Gekläffe, Kinderstimmen. Es gibt nicht nichts, sondern immer nur Verwandlung als unaufhörlicher Tanz von Partikeln. So auch der Mensch, diese Wolke aus Atomen: Erkennt
er denn nicht, daß die Natur nichts andres erheischt, als daß sich der Körper frei vonSchmerzen erhält und der Geist sich beständig heiteren Sinnes erfreut und Sorgen undÄngsten entrückt ist? Nö, Pfeifendeckel. Hölle muss sein.
Der zweifelhafte und dazu noch vom Spielteufel gezwickte Futurist, der da als
KUHZUNFT mit Slotmachine (Gruen186, 10") dem Glück im Spiel frönt, ist der gemeinsame Nenner von Das Behälter, Hampelstern-Terzett, Knu!, The Dorf, Die Verspäteten Vorboten, Meta Quarck-Hammerschlag, Nach Ihnen Wurde Eine Krankheit
Benannt, Das Schnarchende Alpaka, Schlimmi Gendrix Hexperience, Känguruöl,
Schlechter Lesen e.V., Wurstmikado, Bert & Die Blutigen Zähne, Oh Scheiße Ich Muss
Noch Kunst Machen, Bruder Jakob & Die Nonstop Neinsager, Vater Abraham & Die
Asperger Allstars, Fezzo Morte... Er heißt Achim Zepezauer, macht elektronische Klänge
und Filmchen, trommelt per Hand oder maschinell, bastelt oder kuratiert die Reihe 'Mex'
im Künstlerhaus Dortmund. In die Rille dieser 10" sind 30 Möglichkeiten fixiert, die sichergeben haben aus den (Stand 1.2.2019) 11.390.625 möglichen Dreier-Kombinationen
bei seinem Work-in-Progress-Website-Projekt "Slotmachine". Aus 158 (mittlerweile 225),
jeweils 45-sek. Klangbausätzen von Jaap Blonk, John Chantler, Serge Corteyn, Rhodri
Davies, Gailė Griciūtė, Seán Mac Erlaine, Jérôme Noetinger, Richard Lerman, Pablo
Paredes, Michael Vatcher, Simon Whetham, Marta Zapparoli und natürlich Zepezauer
selber (sowie inzwischen vier weiteren). Neben reinen Elektro-Sound-Dreiern ergabensich elektro-akustische, neben welchen mit Drum Machine + X solche oder solche mit
Blonks Stimme, oder auch mal einfach Drums+Harp+Piano. Der Zufall spielt Glücksfee
und die Ohren gewinnen immer beim klangverliebten Jux des Zufallsprinzips eines
Spielautomaten, der mixt und mixt. So dass es hämmert, jault und rüttelt, klopft, splittert
und gluckert, trillert, tutet, plinkt und blonkt, drumst, rauscht, fiept, harft und sirrt, dassdie Löcher aus dem Käse und blaue Kühe mit Pep zappend umeinander fliegen. Probiert
es selber -> slotmachine.kuhzunft.com. Aber Achtung: Spielsuchtgefahr !!!
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Kvitnu - Prostir (Wien)
Cyberdelic rhythms... psychedelic solar oscillations... alchemical time drift... so lauten
Vektoren, um sich an "Edge Of The Universe" (Le Cabanon, 2017) anzunähern, das Debutvon Dmytro Fedorenko & Kateryna Zavoloka als CLUSTER LIZARD. Nun folgt mit Prophecy(Prostir + 1) der Zweitling als bestechende Schönheit in Silber und mit poetischen Titeln,die entnommen sind von: William Blakes 'The Gates of Paradise' (The Sun's light when heunfolds it, depends on the Organ which beholds it), Lesya Ukrajinkas 'Contra spem spero'(And those burning tears shall melt, dissolving... Maybe blossoms will come up, unfolding),
aus Lex Gigeroffs SciFi-Serie "Lexx" (Fighters of the Fight, For their home and their heart),
Arthur Rimbauds "Illuminations"-Poem 'Beweg-Grund' (Ankommend seit je, gehst du fortins Überall), Lord Byrons "Bride of Abydos" (The evening beam that smiles the clouds
away, and tints tomorrow with prophetic ray) und der SciFi-Serie "Battlestar Galactica" /J.M. Barries "Peter Pan" (All of this has happened before, and it will all happen again).
Voilà, ein Schlag deines Fingers auf die Trommel setzt alle Töne frei und beginnt die neue
Harmonie. Nein, hier beginnen erstmal elegischer Orgelklang und surrender Sound, diesich nur scheu mit einem fragilen Beat einlassen. Bis doch massives Pochen entschlossener ins Überall ausschreitet. SciFi mag dabei als Leitfaden taugen für die pochende unddröhnende Erhebung neuer, wenn auch kummerbeladener Menschen, die schwanken
zwischen schleppendem und hastendem Vorwärts. Doch nur wenn man statt bloßer Phantasterei diesem Eskapismus die Wunschkraft einer Utopie der Hoffnung unterstellt, die
Hoffnung der Utopie. Auch hoffnungslos hoff ich... Mit trotzigem Stomp-Tanz und Sisyphos' Replica. Trotz düster wummernder Stagnation und verzerrter Perspektive finden die
beiden Ukrainer in Wien im Rückgriff auf die hauntologischen Reserven des Postindustrial
und der EBM in wuchtigem Herzschlag-Beat und dessen ritueller Verwirbelung das mobilisierende Element, das den Verblendungszusammenhang des Status quo zu durchschneiden sucht. Siebe die Übel aus, fort mit euch, Ächzen und Stöhnen!
Mit Fedorenkos & Zavolokas Landsmann Dmitriy Avksentiev alias Koloah und dessen
Etudes From A Starship (Kvitnu 63) als VOIN ORUWU sind wir wieder auf Kvitnu-Kurs. Der
bei Voin Oruwu, wie schon bei "Big Space Adventure" (2018), weit entfernt von den
irdischen ukrainischen Verhältnissen lieber den 'Titan' anpeilt. Wohl eher nicht mit
Vonnegut, Ph. K. Dick oder der Enterprise, aber egal, jeder Trash wäre doch besser als
das Elend hienieden. Gleich der erste verzerrte Keyboardsklingklang zieht, zu ostinatem
Schub, spacewärts. Die Imagination steigt auf, mit noch melancholisch gemischten
Gefühlen, aber auch schon einem paradiesvogeligen Versprechen im Ohr, durch Exotica
mit Woodblockschlägen ('Rising'). 'Blur Planet' bleibt dschungelig, dröhnend, schwellend,vogelig und mit leicht 'chinesischem' Einschlag. Vögel und Frösche sind lockende undberuhigende Metaphern gegen die wahre Fremde da draußen, die einem mit eiernder
Drehung schwindlig macht und mit dunklen, weiterhin aber unwahrscheinlich harmonischen Wellen umquallt. 'Acid Clavi 2110' steigert das noch mit munter repetiertem
Klavierklimbim zu dampfig pushendem Beat. 'Decay Instability' ruckelt und brodelt danachschon etwas technoider, uptempo tuckernd und nervös zuckelnd. 'Even Mind' bilden dazu,
dumpf quallend und schwerfällig verlangsamt, einen Gegenpol, der aber, leicht knarrig,
aufhellt und harmonischen Beifang mit sich führt. Das orgelige 'Limulus' steigert sich zu
dräuenden Paukenschlägen in ein Brainstorming mit Pfeilschwanzkrebswellen, einer
telepathischen Kampfkunst mit wohl imperialer Überwältigungsabsicht. Da zieht man
besser selber den Schwanz ein, in einer 'Escape Mission', der monotone Paukenschläge
die Reviergrenzen aufzeigen. 'Ceremony' kreist mit monotonen Loops um schwellend
aufscheinenden, glissandierend wooshenden Synthiesound. Bis zuletzt ein klappernder
Beatkreisel sich ohne Dénouement oder Happy End festfrisst. Aufwachen! Das ist zwar
amazing, aber alles nur geträumt, nur eines der Abenteuer en gros à la Rekal Inc. Als SciFi-Suggestion und imaginäres Narrativ eines Typen mit Regie- und Schreib-Ambitionen,
der durchaus mit beiden Beinen in Kiew verwurzelt ist.
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Midira Records (Essen)
Hellmut Neidhardt - als N(46) - & [BOLT] (Andreas Brinke, Maik Parker & Thomas Rosen)
treffen sich, nach "der Hase" (2011) & "das Hörnchen" (2015), ein weiteres Mal, um mit"die Krähe" (MD 044, LP) ein Requiem für ein totes Tier anzustimmen. Wobei die Coverkadaver Ersatztitel liefern für eigentlich namenlose Soundclashes mit rabiater Gitarre,düsteren Bässen & Drums. Wobei vielleicht auch nur auf die Instrumente abfärbt, dass sie
sich durch eine teerzähe, zum schneiden dicke Finsterwelt fräsen. Als Black Drone mit
Sägezähnen, als Doom Metal mit schrillen Kanten, als Dark Ambient mit armlosem Drummer. Denn der Trauermarsch-Groove rührt eher von einer ständig wiederholten Reihe von
Schlägen auf die Saiten her, und große Passagen sind knochenlos dröhnende Akkorde aus
langwellig surrenden und krachig brausenden Hausse-Baisse-Tonfolgen. Der vierte Satz
krönt als der finsterste und fatalste den konsistenten, konsequenten Duktus.
Hidden (MD 057) ist das Miteinander von GIULIO ALDINUCCI und THE STAR PILLOW,
beides keine unbekannten Pilger zum Throne of Drones: Aldinucci durch das korrosiv
erhabene "Borders and Ruins" (Karlrecords, 2017), sein Landsmann Paolo Monti durch"Invisible Summer" (MD 041, 2017). Hier locken sie, der eine mit Synthesizer & Feldaufnahmen, der andere mit E-Gitarre & Liveelectronics, in einen düsteren Zauberwald, wo
sich einem Farnzungen entgegenrecken wie die Rachen fleischfressender Pflanzen. Zugleich wird man da empfangen von sublimem Chorgesang, einem erhabenden Aaah durch
rauschende Wipfel hindurch, das der wummernden Spinnwebdüsternis ganz widerspricht.
Als hätte man den verborgenen Zugang gefunden zum Elfenreich. Als Mitglied jener
Bruderschaft, der etwa auch Aidan Baker, N und Dirk Serries angehören. 'Hypothesis for
an End' setzt den Weg fort wie in einem unterirdischen Höhlen- oder Kanallauf, in dem man
sich rudernd fortbewegt. Stumm, weil jedes Wort den Zauber brechen und das Ganze sichals Irrweg herausstellen könnte. Weil das traumverschleierte Auge in dem, der da rudert,
Charon erkennen würde. So aber bleibt das offene Ende der 27 ½-min. sanft gewellten,
sanft anschwellenden, durch den sakralen Anklang von Orgelwellen und auch wieder'himmlischen' Chören euphorisierten Dreamscape-Drift vielversprechend. 'Third Space'verweist dann, grolliger brausend, auf den Third Place, den Weder-Noch-Raum als "ahome away from home" (Ray Oldenburg) und auf den Thirdspace, den 'gelebten Raum' als
Synthese des wahrgenommenen (ersten) und des gedachten (zweiten) Raums (EdwardSoja). Schritte führen zuletzt bei 'Getting Cold' - in meiner Phantasie - in die Louis-XVISuite, in der man mit dem 2001-Astronauten Bowman nach seiner psychedelischen Drift
ankommt. Ankunft, Heimkehr in "a home away from home" im numinosesten Sinn als derheimliche Schlussakt der menschlichen Lost-in-Space-ness.
SARRAM, das ist Valerio Marras, der in Sardinien Doom-Gitarre spielt bei Thank U For
Smoking (mit Eric Quach alias Thisquietarmy) und bei Charun. Er lädt nun allein, mit Gitarre& Synthie und der Aufforderung "Turn it up", zum Trip seiner Four Movements of a Shade(MD 062). Grollig dröhnend wird da der ganze Bedeutungsfächer von 'shady' zur sinnlichen
Erfahrung, von zwielichtig bis dunkel und finster. Der knurrige, düstere Ton lässt an einedark-ambiente Zeitlupenversion von Black Metal denken, an SunnO)))-Finsternis, eine Neumondnacht am Schwarzen Meer. Mit dem schwarzsamtigen Moll fatalistisch geharfter Adagios. Wobei jedoch ein wehmütiger Silberklingklang nicht ganz ohne Hoffnung ist, allerdings eine Hoffnung, die sich, statt sich an eine vergebliche Aussicht auf Besserung zu
verschwenden, in der Entschlossenheit manifestiert, komme, was da wolle mit Haltung zu
tragen. Sarrams Synthiesound flimmert als Drehleier und mit nesselndem Tremolo oderdröhnt wie ein Harmonium über einem bassdunklen Gitarrenloop. Doch blinkt die Gitarreauch in silbriger Tristesse zu stehendem Vibrato und knurrig gerifftem Downtempo. Als
wäre sie, die Gitarre, der Heros with a Thousand Faces, aber doch nur einem Grundzug ein stoisch-melancholisch-heroisch-nihilistischer Trotz, der sich mit luziferischen Frequenzen prachtvoll entfalten und bis zur schmerzlustvollen Euphorie steigern kann.
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Wolfgang Seidel (Berlin)
Ton Steine Scherben, Zodiak Free Arts Lab, Eruption, Kluster, Elefanten, Conrad
Schnitzler, Alfred Harth, Bernhard Wöstheinrich, POPULÄRE MECHANIK - neun
Projekte suchen einen gemeinsamen Nenner und finden ihn in Wolfgang Seidel alias
Wolf Sequenza: Schlagzeuger, Sequenzer, Grafiker, Autor von "Scherbenmusik"(2005) und "Wir müssen hier raus! Krautrock, Free Beat, Reeducation" (2016). Nochbevor Sergey Kuryokhin 1984 sein Projekt Популярная механика nach dem populärwissenschaftlichen US-Magazin benannte, hatte Seidel schon 1981 die gleiche Idee.
Da er 1956-62 aus den deutschen Ausgaben den Bubenglauben gesogen hatte, Sciene
Fiction sei kaum noch eine Frage der Zeit, sondern in der schönen Neuen Welt bereits
in der Mache, setzten er (und eine Handvoll Gleichgesinnter) dem dystopischen Spirit
der 80er seine ungrimmige New-Wave-Modernistik entgegen, als kubofuturistischen
Keil mit spitzer Zunge, poppiger Süffisanz, Fluxus-Chuzpe, Dub-Swing und dem Flair
von Straßenkreuzern, die einen zu Forbidden Planets tragen können. Dass Bureau B2015 den Originalstoff von 1981-83 kompilierte [die "Muster / Scharfer Schnitt (No.
1)"-7" und die beiden Stechapfel-Kassetten "Populäre Mechanik" & "Nr. 2"], war wohlein Nebeneffekt der schon seit 2005 laufenden Wiederbelebung von Populäre
Mechanik durch Seidel, der nun auf Hi-Fi Is Sweeping the Country! (Edition Telemark
846.02, 2 x LP) auch noch Alex Bulgrin (voc, synth), Sven Hanke (g, synth), Marcus
Jaeger (g), Lars Jeschke (p, key), Matthias Sareika (b, synth) und Kolja Nixdorf (tp)involvierte. Wobei wohl nur Bulgrin schon musikalisch in Erscheinung getreten ist mit
der Berliner Partyband BeatORGANization. Das alte Motto 'Basteln und Bauen' gilt
ebenso noch wie "Anything goes" bei Seidels Nachlassverwaltung des 'Genialen
Dilletantismus' (von Merve bis Der Plan). Für Nicht-Pop, der 30, 35 Jahre im
Verborgenen keimte und sich weder die pfiffige Laune nehmen ließ, noch den Spaß annoisigen Wooshes oder Helium-Humor und schon gar nicht die Überzeugung, dassIntelligenz sexy ist. Bulgrin sprechsingt, von Speedlines umzwitschert, von 'Strategies
of Sustainability', und bei 'Pfeiler der Wirklichkeit' fehlt nicht viel, dass er als Johnny
Meese rüberkommt. Eine 'Heftklammer im Gesicht' (statt eines Knotens imTaschentuch) schützt freilich auch nicht vor nem 'Blackout' in einem psychedelischumschlierten Hinkebeat-Mahlwerk. Die Musik ist, wenn nicht total frei, so dochherrschafts- und klischeefreier als üblich. Bulgrin nagt inmitten von freejazzig/freerockiger Sonic Fiction an zugeflogenen Gedanken, 'Bürgersteig' taugt ihm da so gut
als Knochen wie 'Das traute Heim' und bei 'Abstract Days' traut er sich auch Englischzu. Den kulturindustriellen Dos & Don'ts erteilt das selbstermächtigte Basteln und
Schrauben eine Abfuhr, der eigene Teppich treibt so bekiffte Blüten wie 'Blooming
Carpet', das eher an die Suzuki-Phase von Can anknüpft als an die 80er. Noch weit
bedröhnter, und das nicht nur von Gongschlägen, ist 'Psychedelic Mechanics' als ganz
ins Kosmische rückschweifender surrealer Trip. Von einem derart beorgelten Tamtam
stand im Popular Mechanics doch wohl wenig bis nichts.
68Der Spirit, den WOLFGANG SEIDEL mit Populäre Mechanik einst dem 'No Future' blärrenden Zeitgeist entgegengesetzt hatte, lässt sich auf einen so schönen Begriff bringen wie
Optimistic Modernism (MOLOKO+, PLUS 102). Gemeint ist das SciFi-Design von Raumschiff Enterprise in den Tiefen des Alls, aber mehr noch das elegante Lebensweltdesign an
der Alltagsoberfläche: Clubsessel, futuristische Küchengeräte, Kofferplattenspieler, La
Déesse, die göttliche Citroën DS 1955, der Philips-Pavillion 1958, all der Schick für die
moderne Frau von anno 1960, Saint-Laurents «Ligne Trapèze», «Courrèges-Stil» & SpaceLook, Perry Rhodan, Elektronische Musik, aber auch der British Brutalism ('Robin Hood
Gardens', 'Barbican Estate') als sozialer Wohnungsbau. Ganz konkret und beispielhaft sinddabei die Werkbauten des Architektenteams Kirsten & Nather, die Wohnhäuser Ziethen(1960) und Nather (1965), insbesondere die noch von Kirsten allein entworfene RotaprintFabrik in Wedding gemeint, die sich einem sozialutopischen Optimismus verdankten. Ohne
die Kleinoffsetdrucksachen per Rotaprint sind übrigens die Studentenbewegung und derPariser Mai schwer vorstellbar. Seidels retrofuturistische Musik entstand nicht nur indiesem Geschichtsbewusstsein, sondern tatsächlich im Keller der (als Architekturdenkmal
erhaltenen) ExRotaprint-Türme. Nicht allein, vielmehr verschränkt er seine Percussion,
Table Top Guitar & Synthesizer mit dem Marxophone-, Sampler- & Synthiesound von CAO
LAN aus Hanoi und dem elektronisierten Klarinetten-, Sax- & Game-Call-Gebläse von
GREGOR SIEDL aus Wien. Die beiden sind selber in Sonic Fiction geübte Spielgefährten in
Zicla, Parallel Asteroid, Junk Orbit und ganz aktuell bei "Modulus of Resilience" mit noch
Beat Keller auf ->Attenuation Circuit. Mit Seidel drehen sie die Vorstellung von Future um
wie einen Stein, unter dem es ganz anders wurmt und asselt, als es einem die Propagandisten schöner neuer Welten weismachen wollten. Die Realität zerfällt, vielleicht immer,
aber definitiv in ihrer alt gewordenen und postmodernen Gestalt, in kullernde Moleküle
und zwitschernde Partikel und offenbart bei 'Tarantism' eine bruitistische Kehrseite, mit
nun doch auch rauem Saxophon, das jede animalische Metaphorik subvertiert. Ganz
anders 'Robin Hood Gardens', mit rauschenden Gongs, Vibesklingklang, metallisch geratschten und getupften Klangfarben und zen-gedehntem Blaseton. Als hätte man einenhinter Betonmauern verborgenen Garten betreten, in dem die Zeit langsamer vergeht,
bevor sie wieder in 'Zugzwang' kommt durch drängenderes Tamtam, marxophones Prickeln und die tremolierende Klarinette. Bei 'The Sixth Sense' mischt sich Lan Caos plonkende Zither mit xylophoner und metalloider Unruhe, schillernd waberem Georgel und verzerrten (Radio)-Stimmen. Auch bei 'Barbican Estate' zeigt sich hinter der brutalistischen
Fassade ein brutistisch molekularisiertes Innenleben aus kullernden und brodeligen Klangkaskaden und schlingernden Impulsen. 'Ghibli Garden' evoziert mit flimmernder Harfe,
dunklem Plonken, gepicktem Plinken, abirrendem Sirren, schrillen Pfiffen und auch nochmal verrauschten Stimmen aus
dem Äther zuletzt doch noch den
hauntologischen Widerhaken. Da
Draußen eine einsame Lautlos im
Weltraum-Mission, hier unten eine
Futurum-II-Melancholie, beides
wie angehaucht von der Ghibli-typischen ökologischen Sensibilität
und dem doppeldeutigen Slogan"Let's get lost together". Wolfgang
Seidel mag da ja kollektiven undeigenen Illusionen nachtrauern,aber seine 'Zurück in die Zukunft'Volte lässt sich doch auch als
Nietzsches "Wohlan! Noch einmal!" optimistisch lesen. Wie
schrieb mir Annie Gosfield mit
jüdischem 'Witz' einst zum 20.
Juli: "Better Luck next Time!"69

... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
CARLO BARBAGALLO iAmInTiLt,BoB! (Noja Recordings): Der Sizilianer, 1985 in
Siracusa geboren, bildete jahrelang mit Lucia Urgese das von Antonin Artaud
inspirierte, elektroakustische Impro-Duo Les Dix-Huit Secondes, das mit Laptop, Gitarre, Keys & Trompete minimalistisch-ostinaten Drehwurmschwindel
hervorruft. Er indierockt mit Suzanne'Silver und bringt einen mit bizarr-poppigen Psychedelic- & Blues-Verschnitten auf barbagallo.bandcamp.com dazu,
stundenlang einen Italiener zu bestaunen, der sich Erik Satie, Shakespeare und
Schafe dienstbar macht. Ein Wunder. Wobei mir zuletzt bei "9" (2017) sein
Möchtegern-King- und doch nur Clownsein in den Fängen einer Scarlett Queen
etwas arg dick aufgetragen vorkam (BA 94). Hier offeriert er ganz was Anderes,nämlich mit quasi akademischer Ambition 'Four Studies for Electric Guitar andLive Electronics': Die aufgeschäumte 'Study #3: Wie ein Naturlaut'; die klapprig
und verzerrt flatternde, abgewürgt nesselnde und sich wieder fangende 'Study#4: Untitled'; die tastend und pickend gefitzelte 'Study #2: Isolation Absence
Denial', aus der einzelne Klänge aufscheinen; und die krabbelig gekratzte,
rubbelig geriffte, britzelige, stacheldrahtkakophone, giftig sirrende und dunkel
verzerrte 'Study #1: My Richness is...', die, statt zu zerbröseln, mit tüpfeligem
Groove die 15 Min. überschreitet und mit berstenden, zagen, dunkel dröhnenden Klängen weitergeistert in kakoambienter Unaufhörlichkeit, die erst bei
25:26 rumpelig verendet. Woraufhin die 'Study #2' dreimal für je drei Gitarristen
aufgesplittet wird, wobei ich die ersten drei als seine Kollegen von Suzanne'Silver erkenne, darunter Francesco Accardi an einer Akustischen und Mauro
Felice mit stacheligem Furor. Zwischen diese dreimal drei Varia- oder Interpretationen geschoben sind mit '...Your Failure 1-3' drei garstige Fortsetzungenoder Seitentriebe der 'Study #1', die sich mit den #2-Stachelschweinereien von
Mau Maus Luca Morino oder Virgile Abela (von HoaxHoax) um die Krone vonKakonien raufen.
BELP Crocodile (Jahmoni, JMM214 / SVS Records, SVS016, LP): Belp, das ist
ein Zoom nach München und, Naheinstellung, auf Sebastian Schnitzenbaumer,
seit 20 Jahren ein Münchner Macher mit Schamoni Film & Musik. Nicht zufällig:Peter Schamoni war sein Vater. Eigenhändig sät er Belp-Soundz und klopft er
Belp-Beatz in Synth-Pop-, Broken-Beat-, Minimal- oder Dub-Techno-Furchen.
Nach "Loda" (2014), "Elephants" (2015) und dem Space-Dub von "Hippopotamus" (2018) trägt er die Dancefloor-Intelligenzija erneut möglichst weit fort
von der CSU-versifften Heimat. Gegen krachledernen Elefantenfriedhofsmief
mobilisiert er speckfreie New-Frontier-Formeln und schlägt Alarm gegen das
Grillensterben. Mit krummen Takten stört er den Heu-Stroh-Gang der Dinge.
Bohrend und wummernd lauert er der Selbstgefälligkeit auf ('Lurk). Ungrade
Brüche tanzen gegen Orgeltristesse und Föhngedröhn an ('Hang On'). Nervöse
Beats und knarrender Synthie versuchen die richtige Kurve zu kriegen ('Bending'). Trillerpfeife, Cuica, schnarrende Laute und Kniebrechtamtam bereiten
eine brasilianische Subversion vor ('Endless Preparations For A Ceremony').
Jeder Track hat seine eigene Loopologik, bis hin zum melancholischen 'Hyperreal Love' als beatlosem Déjà entendu. Mit 'Crocodile', mit dunklem Glissando
und femininem Floh im Ohr, als knackig pochendem, blechern klackerndem
Kontrast. 'Tehnoto' verliert seinen dumpfen Hinkebeat, nicht aber ein holziges
Klappern an wabernde Verzerrungen. 'Strand' strandet in einem repetitiv
wuppernden Endlosrillen-Tremolo und verdunstet. Bis zuletzt 'Catch' als aufgekratzte St.-Patrick-Samba das Tic Toc Croc beim Schwanz packt. Tscha,Moni, in Bayern gehn die Uhren anders.
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BEWIDER Full Panorama (Folk Wisdom, FW008): 1976 in Rom geboren, hatsich Piernicola Di Muro einen Namen gemacht mit Filmmusiken für Stefano
Chiantinis "Isole" (2011, mit Asia Argento), das Vater-Sohn-Roadmovie"Talien" (2017) von Elia Mouatamid, "Silk Trees" (2017) von Jedidiah Burdick und für TV-Serien wie zuletzt "È arrivata la felicità" (2015-2018). BeWider fällt da unter 'Other Stuff', mit LadyGodiva's Operation als Vorläufer
vor 16-18 Jahren und den EPs "A Place to be safe" & "Dissolve" (2015/16)
als Vorgriff auf seinen nun ganz persönlichen Soundtrack. Schon die EPs
grooven von Dub über TripHop bis Desertrock und Kraftwerk-House, mit
dem raunenden Jester at Work oder Cold-Wave-Gesang von Francesca
Amati zu Brandenburgischen Fanfaren. BeWider geht darüber hinaus, wobei er, unentschieden zwischen cineastischer Kontemplation und groovigem Dancing in Your Mind, so tut, als sei das mehr oder weniger das
Gleiche. Drum lässt er zum BomBomBomBom sturer 4/4 die Synthies
drauflos flöten und staksen in mehr oder weniger aufgeregten, repetitiven,
bei 'Sartorius' rasant zuckelnden Wellen, Hand in Hand mit synthetischen
Strings und einer cembalistischen Fragilität, als hätte Di Muro sich neobarock wiedertaufen lassen. Aber einem träumerischen Sinn ist ja vieles
möglich, zum Raum wird die Zeit und lässt dabei Vergangenheit und Zukunft sich kreuzen. So wie sich auf dem computerdesignten Cover römische Kolonnaden wie in einem gekachelten Schwimmbecken spiegeln oderan der Glasfassade eines Bankenturms. Für mich kulminieren Di Muros
Ambitionen in 'No One Ever Became Wicked Suddenly' mit seinen obsessiven Repetitionen und kristallinen Flötenspitzen auf wummerndem Grundund in 'Degree Of Unpredictability' mit seiner schleppenden Giallo-Gothik.
'La Nascita' scheint dann sogar auf das Spieluhrmotiv von "Suspiria" anspielen zu wollen, begnügt sich aber mit orgeligem Pathos und einem fragwürdig dudeligen Epilog.
MARK BOKOWIEC Visitations (MPS Music and Video, MPSCD027): Mark
Bokowiec arbeitet als Studiomanager an der University of Huddersfield an
den Nahtstellen von Elektro & Akustik, Body & Sound, Sense & Sensation.
Und setzt dabei das über zwanzig Jahre hinweg mit Julie Wilson-Bokowiec
entwickelte kybernetische Bodycoder System ein. Wie schon bei den
Performances "Zeitgeist & Lifting Bodies", "Cyborg Dreaming" oder
"V’Oct(Ritual)", so nun für Soundscapes im Spagat zwischen Island('Hveragerði', 'Kirkjufell', 'Snæfellsnes') und Griechenland (Delphi). Dabei
ist das Örtliche und Konkrete nur Mittel, um es zu hintergehen, zu
hinterfragen. Denn 'Consulting Oracles', das um die Korykische Höhle am
Parnass, das Nekromanteion (Totenorakel) von Ephyra, die Eiche vonDodona und um die Pythia in Delphi kreist, durchtönt und übertönt quasidas Stoffliche auch der Geysire oder der isländischen Gletscher mit einer
medialen und rituellen Tönung. Mit dröhnenden und dongenden Klängen
wie von Klangschalen, Gongs oder Eiszapfen, an die Wasser und Wind auf
quasi über-natürliche Weise rühren. Bokowiec umraunt den traumhaften
Anhauch seiner perkussiv angerührten oder sanft gewellten Dröhnscapes
mit den Silben diff-, dis- und trans-, die zwischen Subjekt und Objekt einen
Spalt für das Andere öffnen. 'A Barrow Full of Watt' führt einem mit fastschon einer gewissen Dramatik zugleich eine Schubkarre und Hügelgräber
vors innere Auge, und 'Kirkjufell' türmt diese Dramatik psychogeografischund vulkanisch auf 463 m. Aber die eigentliche Dramatik ist eine innere,
nämlich der hoffnungsvolle Selbstbetrug, Orakeln nichts anderes als ein
unbestimmtes Raunen abzuverlangen. Wer Orakel befragt, bettelt um die
unbefristete Verlängerung seines Engagements als Interpret.

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CUTS A Gradual Decline (Village Green Recordings, VG048, CD/LP): Das
gerade erst aus der Taufe gehobene Anthropozän ist schon wieder auf
dem absteigenden Ast? Anthony Tombling Jr. ist nicht der einzige, der das
so sieht. Seit Mitte der 90er aktiv als Transambient Communications, benutzt er hier als Cuts Feldaufnahmen von abschmelzenden Gletschern fürdie Verklanglichung seiner Melancholie. Mit der Sensibilität eines Betrachters, der sich gut in Hirokazu Koreedas Film "Maboroshi - Das Licht derIllusion" einfühlen kann. Und mit dem Flair von einem, dessen Track 'Bunsen Burner' in Alex Garlands transhumaner SciFi-Fabel "Ex Machina" erklingt. Die methodische Anregung zu "...Decline" fand Tombling in William
Basinskis hinschwindenden "Disintegration Loops". So dass nun seine
Futur-II-Scapes sich als zittrig bebende Drones hinziehen, imprägniert mit
zuckendem und verzerrtem Gitarrensound und vagen Vocals oder bei'From Here to Nowhere' sogar zartbitteren Mädchenzungen. Insbesondere
aber ist das aufgemischt mit heftig pochenden, dumpfdunklen oder splashenden Beats, so dass sich, etwas tattrig zwar, auch Pessimisten darauf
eingrooven können. Im Gefühl, dabei die unguten Zeitläufte ('Time Is Not
Your Friend'), das Bienensterben ('Pollen') und den Schwund der Polarkappen ('Polar') und von so vielem Schönen ('Beauty Collapsing') zu beseufzen. Melancholie allein kann freilich nicht das Gewissen beruhigen auf
dem Nach-uns-die-Sintflut-Dancefloor, solange das Aufblähen der Egos,
der Kahlfraß der Resourcen, die Vergiftung von Luft und Wasser und das
Vermüllen der Meere ungemindert anhalten.
ANTONELLA EYE PORCELLUZZI & DEAF SOCIETY The Velocity of Velo cities (Opa Loka Records, OL1805): Bandcamp liefert mir zu Porcelluzzi,
einer Italienerin in Marseille, Les Oiseaux: Ein Projekt (mit Chloé Giraud),
das ihren Sprech-'Gesang' von eigener Poesie mit Synthiesounds oderauch Gitarren vertont als "Chansons d'Amour Tristes". Mit Ewald Woestefeld aus Duisburg, der sich VadersOrchestra nennt, hat sie "Brume etFeuilles d'Or" und "Perfect World" realisiert. Hier steht ihr nun in Berlin
der aus Transnistrien stammende Ivan Murlika als Deaf Society zur Seite:
Für ihre Überschreibungen von Zeilen aus "Wohnungen der Inneren Burg"
der Mystikerin Teresa von Ávila (1515-1582) ['Part 3'] und aus dem 'Feminist Manifesto' der modernistisch-avantgardistischen Allroundkünstlerin
Mina Loy (1882-1966) ['Part 1 & 5']. Die war befreundet mit Gertrude Steinund Djuna Barnes, Marinetti war die Muse für ihre 'Songs to Joannes'(1917), der 'Boxer-Poet' Arthur Craven (+1918) ihr zweiter Mann. Nach
Bowery Bums gestaltete sie Müllskulpturen, zwei Bände von 'The Lunar
Baedeker' bezeugen ihre Dichtkunst, in der sie, wie Nicholson Baker weiß,Amor mit einem in »erotischem Müll« wühlenden Eber verglich. Zwischen
Eyes eindringlich geflüsterte, jeweils dröhnminimalistisch umsurrte Paraphrasen Loy'scher Parolen wie "As conditions are at present constituted—
you have the choice between Parasitism, & Prostitution—or Negation" undTeresas innerer Agonie über den seelischen Tumult unter ihrer Schädeldeckel, aus der es Funken zum Göttlichen drängt, so hochgeschwind wie
eine Kugel die Büchse verläßt, wenn man Feuer gibt, schiebt Murlika als
Intermezzi ein keyboardistisches Kabinettstück ['Part 2'] und ein knurriges['Part 4'], zu dem Eye stöhnend vokalisiert. Sie, die sich in kleinen Kunstfilmen in Dante vertiefte, sucht dabei auf dialektische oder alchemistische
Weise, wie sie es lieber nennt, und mit Anregungen durch Pasolini Funken
zu erzeugen zwischen dem göttlichen und dem menschlichen Pol. Was ein
Gedicht wie 'Trump yourself' nicht ausschließt, ihr Nachruf-zu-Lebzeiten
auf die breite Klasse internationaler, anonymer, nobler Delinquenten.

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KALLABRIS The Ping of Pongs (Jazztone 100 / Ping Pong Gallery 01, 7"): Dr. Michael
Anacker vertritt am Institut für Philosophie der Ruhr-Universität Bochum (unter
anderem) gegen eine axiomatisch-certistische Sicht der Dinge eine hypothetischfallible. Wir dürfen uns daher nicht wundern, wenn er in seiner musikalischen
Identität als Kallabris ebenfalls von philosophischen Erwägungen nicht frei ist. So
geht es hier bei dieser 4-Kanal-Klanginstallation für 2 Bandmaschinen, 2 Körperwandler, 1 Magnetbandschlaufe und 4 Schallwandler um Ping Pong als Metapher,anhand der sich im philosophischen Diskurs um die Gabe die von Derrida, Levinas,
Ricoeur und anderen vertretene Ansicht widerlegen lässt, die einzige wirkliche Gabesei eine Gabe ohne Erwiderung. Warum? Weil Gegenseitigkeit im Do ut des-Prinzip
des ökonomischen Tauschs aus der Gabe ein Geschäft macht, weil eine Gabe, dieerwidert werden muß, [...] kein Geschenk [ist], sondern eine Erpressung ("WinnetouIV"). Demnach könnte man den in "Die Büchse der Pandora" am 1. Weltkrieg aufgezeigten Einsatz von Loyalität und Opferbereitschaft seitens der Arbeiterschaft, derJuden und ethno-nationalen Minderheiten bloß als Kapital zum Erwerb von Freiheitsund Teilhaberechten und Anerkennung ansehen. Marcel Hénaff unterschied vonsolchen als solidarisch-einseitige geforderten Gaben jedoch zeremoniell-gegenseitige (und dabei sozial bindende) - vom agonalen Potlatch und Batailles Aufhebungder Ökonomie in der Verausgabung mal ganz abgesehen. Dabei ist die Erwiderungsogar erforderlich, denn sie gehört - Zug um Zug, Schlag um Schlag - zur ('spielerischen') Zeremonie als solcher. Wer, wie beim Ping Pong, den Aufschlag retourniert,
akzeptiert das Spiel, sprich, er lässt sich an einem Tisch zu einem 'Diskurs' herausfordern und, den 'Gegner' als Gegen-Spieler anerkennend, einbinden. Was da in 45
rpm zu launig rhythmisierten und stöhnenden Tonbandgeräuschen ebenfalls launig
rhythmisiert tockt und reichlich verspielt groovt, ist also der von Wittgensteins Ideedes „Sprachspiels“ und der Aufhebung von Spruch und Widerspruch in einem unendlichen Murmeln nicht unbeleckte Vorschlag, die Gegebenheit des Lebens und Denkens spielerisch zu nehmen. Ping-pong, ping-pong, machte das weiße Bällchen... mit
jenem leeren, scheppernden Pappschachtelton, dieser Quintessenz des Nichtigen(E. Penzoldt).
KORAY KANTARCIOĞLU Loopworks (Discrepant, CREP59, LP): Jahrgang 1982 und in
Ankara geboren, haben wir es mit dem elektronischen Viertel des Teyp Quartets zu
tun, einem audio-visuellen Künstler mit einem Abschluss in Politischer Wissenschaft
und einem Master in European Integration and Development. Wounded Wolf Press
publizierte 2015 "Bitmap Landscapes" als Buch + CD und 2016 auch schon "Loopsworks" als Kassette. Die per Data-Bending erzeugten Loopcollagen von türkischen
Tonträgern der 60er & 70er Jahre lassen Kantarcıoğlu wie einen Geist im 'Haunted
Ballroom' von The Caretaker erscheinen. Mit dem flimmernden und wabernden
Nachhall einer verflogenen Orchestermusik, von der nur noch verschmierte Reste inWellen und Kreisen die Luft trüben. Manches klingt fast elektronisch, anderes nach
unter prasselndem Vinylgrus verschütteter Arabistik oder gedehnten Schlagerfetzen.
Mit etwa einem geschmachteten "Angel Baby", das, von Tambura beflirrt, in einer
Endlosrille gefangen ist. Ständig branden Klangwellen an, aber verunklart, angedickt, ölverpestet und darüber vokalisieren die Sirenen, melancholisch und vom Wind
verweht. Funkeln da Streicher, glitzern da Orgelwellen? Jetzt klickert eindeutigeres
Beckentickling eher untürkisch, gefolgt von wieder orchestraleren Katarakten und,nun schon B-seits, wieder vinylbeprickelten Orgelwellen. Eine irgendwie christliche
Anmutung ist durch staubige Vorhänge gedämpft, Low-Fidelity bebt, rauscht undgrollt wie - ich übertreibe jetzt natürlich - wie Geister der in Smyrna abgeschlachteten Griechen und Armenier. So gut wie sicher verbindet Kantarcıoğlu mit seinem
elegischen Pathos, mit einem zeitlupig wiederkehrenden Stringakkord, zuletzt bei'Atlas' mit Schellackpatina wie noch aus osmanischer Zeit, ganz andere Vorstellungen. Aber dass er über seine Loops in eher hauntologische als nostalgieverklärte
Tiefen hinab spiralt, scheint mir unstrittig.
73

GINTAS K M (Gk Rec. #02): Gintas Kraptavičius (*1969) in Marijampolė war mit seinen"Lovely Banalities" (Crónica), beschämend spät, meine erste Bekanntschaft mit der
Litauer Sound Art. Mit "Čiurlionis" oder Jan Bulhaks Foto des alten Vilnius auf "Blind
Man Tales" (Bôłt) zeigte er deutlicher, wo er herkam, als mit seinem harten Digitalsound und abstrakt-ambienten oder minimal-technoiden Klanggranulat. Das MIC
Lithuania würdigte das mit der Retrospektive "Message in a Bottle" (2015). Nun fügt
er auf seinem eigenen Label 40 als 'M' collagierte Minuten zusammen mit 'Mimicry',
30 Min. purer Livemusik von 2017. '1m' beginnt als knattriges In-yer-face, zerrend
und stoßend, mit spitzen Sinustönen, furzigen Impulsen, blechernem Surren, dasausdünnt zu 'nem holprigen Steptänzchen. Aber sich halsüberkopf wieder verdichtet
zu rasantem Tohuwabohu aus rauen Stößen, splittrigen Fluktuationen, zirpig morsendem Alarm, pickelig umhackt, absurd beschleunigt. Als ein katastrophisches
Brechen und Bersten, bei dennoch funkelig guter Laune über die Wonnen des Zerfalls, der würgend und stottrig seinen Lauf nimmt, von einem beschwipsten R2-D2
bezwitschert. Ein funkeliges Arpeggiointerieur kontrastiert mit brodelig, tröpfelig,
splittrig und plunderphonisch komprimierter Wildnis, die crescendierend und mit
halluziniertem Computersprechgesang durchzudrehen droht. Verzerrte Stimmen
bleiben eine Anmutung bei diesem wummrigen Gebrodel, das jetzt wie gegen Glas
hummelt, bevor es vom Pseudoinsektoiden wieder zu steinig-schlabbriger und R2D2-hysterischer Erregung durchdreht und sich erst bei '6m' einkriegt, tröpfelig und
fragil. 'Mimicry1-11' kaleidoskopiert abrupten Krach, wie wenn die Nadel auf die Rilleaufgesetzt oder der Telefonhörer aufgelegt wird, mit sausenden Wooshes und quecksilbrigem Gerinsel zu Kakoturntablistik auf Speed. Quallig kullernde und flippernde
Turbulenzen verlieren ihren Impetus, neue Impulse stoßen ruppig in die Lücken, abgerissen perkussiv, ostinat und stur, kristallin befunkelt. Und plötzlich dröhnschönüberwölbt - Elementarteilchenirrwitz in einer Kathedrale, surreal wie Dalis 'Galateaof the Spheres', beschleunigt mit der 'Maximum Speed of Raphael's Madonna'. Alles
Monotone steht unter fraktalisierendem Maximalbeschuss, bis ein Loch aufreißt, indas erst allmählich wieder Partikel einschießen und halsbrecherisch kulminieren.
Gintas K randaliert wie händisch, hypernervös und hart, doch schon lässt er es, so
quecksilbrig wie knarzig, wieder überkochen. Und so, knarzig-flattrig, schießt diesepackende ADHS-Stripsody auch ins Ziel. Jedes weitere Wort als HaHa käme dem
Versuch gleich, die Oberfläche Gottes zu berechnen.
W. W. LOWMAN This Form (self released, LP/CD): Egal, ob er nun Bill oder Warren
heißt, Lowman hat in Chicago mit Bosco & Jorge Gitarre, Bass & Piano gespielt undauf Drag City Spuren hinterlassen bei Edith Frost, Appendix Out und Smog. Nach
"Plain Songs" (2006) und "Kumquat May" (Atavistic, 2011), Postrock, bei dem eins,zwei, viele Saxophone die Kohlen aus dem Feuer holen, während Geige, Trompete
oder sogar Computergesang sich auf kleiner Flamme selber rösten, schlägt er hierganz andere Töne an. Mit Staubschleiern und nostalgischer Patina fast wie The Caretaker oder Philip Jeck, während dahinter Synthiemelodik und gezupfte Bassgitarre
vor sich hinwandeln. 'Beauregardless' spielt in dieser Gemengelage aus verstaubtem, griesig überschauertem Georgel und dunkelstem Basspuls mit dem eher wehmütigen als unheimlichen Flair einer Ruine, der der Wind durch die Rippen fegt.
'Spirit' bringt sogar Kirchenorgelpathos, wobei Vögel umeinander zwitschern, die
unterm undichten Dach flattern. Allerdings brütet das Gespenst des Organisten, dasdazu auch vokalisiert und sich in Repetitionen verfängt, nicht über frommen Melodien. Für 'Atonement' bettet Lowman den hohl und verbogen klingenden SynthieOrgel-Sound in surrende, rhythmisch berasselte Dröhnwellen. Und lässt bei 'Back'über tiefen, zähen Basstönen hellen und männlich dunklen Gesang wortlos einander
respondieren. 'A Visiting' bringt zuletzt rituellen Schellenklang zu sirrenden und aufbrausenden Dröhnwellen, in die weiterhin geisterhafte Vokalisation gemischt ist. Was,
wenn nicht einen direkt spiritistischen, so doch beschwörenden Eindruck macht.

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ISRAEL MARTINEZ Pausa (Aagoo Records, AGO117): Der Mexikaner
ist uns kein Unbekannter, durch etwa das cinephile, mir jedoch zu
grauschleierhafte "Two Espressos in Seperate Cups" (2011) oderdas etwas dramatischer lockende "Terra Incognita" (2013, w/ KK Null
& Lumen Lab). Nach einer hyperaktiven Phase ließ er es in Zapopan
ruhiger angehen, aber nun sind doch wieder einige Tracks soweit
gediehen, um von seinem Pausieren zu erzählen. Fünf Soundscapes,
mit Feldaufnahmen der rumpelig wummernden Seilbahn in Taxco('Anda'), von Zügen in Europa ('Pasajero'), geformt mit Synthesis und
Digital Processes, 'Exorcizios Meditatio Sonus I & II' als Livemitschnitt aus dem Museo de Arte Contemoráneo de Oaxaca. Eine
Freude am Klingen der Dinge des Lebens ist dabei fast mit Händen zu
greifen, und wenn da ein ganzer Zug flatternd abhebt, zerplätschert,
schrillend die Luft durchschneidet, mit Metallzunge etwas zu sagen
versucht oder tuckernd dahin braust, verpasst Martinez einem
verzauberte Ohren oder dem Alltag einen unerhörten Touch. 'Delava'
ist ein knarziges, brodeliges, quasi vulkanisches Etwas. Oder ein
quietschend federndes, pseudo-vogeliges? Definitiv ein ratschendgeschliffenes und zerschmettertes, das zu einem Feuerwerk mutiert.
'Pausa' hubschraubert und trudelt, bis Vögel endlich wieder unter
sich zwitschern können und sogar völlige Stille einsetzt. Die tönende
Meditationsübung versenkt in Dröhnwellen, aus denen ein monotones, dunkles Zirpen, Reiben und bebendes 'Atmen' hervorgehen, einsurrend wiederholtes Asche-zu-Asche-zu-Asche und weitere Kryptophonie. Spricht da die Wasserleitung, sendet die Heizung Botschaften? Thálatta! Thálatta! Von Martinez ans donnernde Meer teleportiert, tuten Dampfer, zwitschern Vögel, kirren Kinder, plantscht
die Brandung. Oder brodelt auch das nur im Kopf? Im Kopf eines
Strandurlaubers, der sich als Robinson, als Odysseus, wer weißwohin gespült träumt? Ist der Geist, von rauschendem Verkehr
berauscht, auch weg, so wärmt den grillenbezirpten Körper doch ein
knisterndes Feuerchen.
PYLÔNE A Jamais / Ping (Sound On Probation, SOP019, LP): Pylône,
das ist Laurent Perrier (ex-Nox, Cape Fear, Zonk't, Heal), auchbekannt als der Macher von Odd Size (1987-97) und von Sound On
Probation, wo er seit 1999 allerdings nur noch seine eigenen Sachen
herausgibt. Wobei wir ihm zuletzt auf Baskaru begegnet sind. Nun
warf er seine Modularsynthesizer an und fütterte sie für die A-Seite
mit Worten der Artiste plasticienne & Dessinatrice contemporaine
Lyne Vermes, die selbst auch um narcissisme, amour & désirs
kreisende Klanggedichte performt. Allerdings ist ihre Artikulation
granularsynthetisch bearbeitet und in Kaskaden verflüssigt inrauschende Wellen und dröhnende Klangwolken, durch die sich das
Sprachliche und Körperliche nur noch stellenweise knatternd undraunend hindurchfressen. 'Ping' ist andererseits ein Ausfluss vonTwinpeak-Filtertechniken per Epoch Modular. Wie ich mir sagen
lasse, taugt der (das?) Filter ganz fantastisch als Generator zum"Pingen" glockig-perkussiver Klänge. Tatsächlich ertönt ein xylofones Kullern oder tönernes Dongen, mit zwitschernden undzuckenden Akzenten in wieder auch dröhnenden Klangwolken, in
impulsiven Schüben, repetitiven Wellen oder prickelnden Bändern.
Fesselnd, dramatisch oder faszinierend sind allerdings keine Ausdrücke, die sich mir dabei von selber aufgedrängt hätten.

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TRONDHEIM EMP Poke It With a Stick / Joining the Bots (Crónica 146~2019, 2 x CD): EMP
steht für Electroacoustic Music Performance als Gegenstand eines internationalen
Forschungsprojektes unter Leitung von Øyvind Brandtsegg, das um Cross-Adaptive
Processing kreist. Brandtsegg, ein Drummer mit Background bei Krøyt und dem Trondheim Jazz Orchestra, hat zur Exploration enteignender Spielweisen mit interaktiven
Performancetools als Probanten gewonnen: die Vokalistinnen Ingrid Lode, Heidi Skjerve,
Sissel Vera Pettersen, Tone Åse und Maja S.K. Ratkje, David Moss, den alten Gurgelstock,den schrillwilden Saxophonisten Steven Leffue, den Flötisten Bjørnar Habbestad, dievokalisierende Kontrabassistin Jordan Sand, Kyle Motl und Michael Duch, ebenfalls Bass,
die Gitarristen Miller Puckette und Trond Engum, Rune Hoemsnes (Engums Partner in The
3rd And The Mortal) und Carl Haakon Waadeland an Drums, Kim Henry Ortveit an Electronic Percussion und einige andere mehr. Wobei in 2er, 3er und 4er-Konstellationen meist
Brandtsegg selber (neben auch Vocals & dem MIDI-Controller Marimba Lumina) mit Delay& Reverb-Effekten und Granular Processing per Liveconvolver oder Crossadaptive Processing operiert. CD 1 zeigt Beispiele der Lernprozesse, CD 2 den erzielten Fortschritt im
Zusammenklang von Brandtsegg mit Ratkje & Ortveit bzw. mit Waadeland, Åse & Engum.
Um den Sonic-Fiction-Anspruch zu unterstreichen, sind einige der Titel von Iain Banks
inspiriert. Ich bezweifle, dass ich an den Klangbildern deren cross-adaptiven Charakter
erkennen würde, den Teilnehmer als herausfordernd erlebten durch Kontrollverlust und
Quasifernsteuerung oder so als ob zwei Musiker ein Instrument spielen würden. Ich lehne
mich sogar soweit aus dem Fenster, dass mich als Hörer der Witz des Ganzen kalt lässt.
Weil es nicht merklich anders klingt und mich die spezielle Machart den Teufel schert. Was
juckt, ist das gekonnte Basswerk, die Bab(b)ellogik von Moss, der Kontrast von Kladderadatsch und Entropie, von Ortveits Elektrobreaks und Waadelands Slagverk, von Ratkjes
narrenfreiem und Åses eher getragenem Zungenschlag in elektroakustischer Modulation,auch wenn daraus Ähnliches resultiert wie beim Hay-Liebig-Duo, bei Moss in Denseland,bei Ratkjes & Jaap Blonks "Post-Human Identities", Ratkjes Spunkerei, Åses "Voxpheria"
mit Thomas Strønen. Für die Fans dieser Stimmen und von transhumanem 'Robopop' ist
das allemal eine spannende Lehrstunde und ein gefundenes Fressen dazu.
ANGELINA YERSHOVA Cosmo Tengri (Twin Paradox Records, TPR005): Ihr nach zuletzt"Piano's Abyss" (2016) und "Resonance Night" (2017) nun fünftes Album zeigt die kasachische Metapianistin und Elektroakustikerin von einer ganz naturverbundenen Seite.
Denn sie begegnet mit naturschützerischem Engagement der drohenden Abholzung im IleAlatau Nationalpark, wo die Regierung vorhat, mit Abfahrtspisten chinesische, japanische
und indische Ski-Touristen ins Land zu locken. Yershova beschwört dagegen schamanische und mythische Kräfte mit den Mitteln der elektronischen Moderne. Denn 'Korgau' Schutz - tut not, und dafür mobilisiert sie die tengristische Kosmologie, wie sie seit der
Unabhängigkeit auch unter kasachischen Intellektuellen wieder en vogue ist. Mit 'CosmoTengri' & 'Khan Tengri' evoziert sie den vom Weltenbaum getragenen Einklang von 'Mutter
Erde' und dem 'Sohn des Himmels' unter dem 'ewig blauen Himmel'. 'Kamlanie' deutet mit
Herzschlag- & Klackerbeat, Gewisper und Singsang eine schamanische Séance undSeelenreise an, 'Ecstatic Dance' den Trancetanz, der in Extase versetzt. Die ersten Töne
setzt der Kratzebogen einer Kyl Kobyz zu rauschendem Wasser in unberührter Natur.
Darüber beginnt Yershova selber schwebend zu vokalisieren und zu flüstern, mit schon
elegischem Feeling zu kakophon einschneidenden Klängen der Laute unter einem vonDröhnwolken verhangenen Horizont. 'Tumbleweed' bringt zu wehmütigem Streicherklang
und der Klage bedrängter Naturgeister Loops wie von einem Daumenklavier in einem uptempo klackenden Breakbeatgroove. 'Jelsiz Jel' schleppt sich triphophinkend zu Didgeridoo, Harmonika, Strings und Elektrowellen. Kreuzt man da Klangspuren von László Hortobágyi? Dunkle Flöten und Drones trüben den kasachischen Himmel grau und drückend,
und 'Khan Tengri' scheint zu zürnen mit raunendem Throatgesang über Düsterwellen undelektronischem Bauchgrimmen. Umso dringlicher pumpt der finale Tanz als trommeliger
Shuffle zu spitz fieselnder und dunkel tremolierender Geige und orgeligem Ostinato.

76jenseits des horizonts
empreintes DIGIALes (Montréal)
Dr. ADAM STANOVIĆ, 1981 in Leeds geboren, hat bei Denis Smalley promoviert und lehrt
mittlerweile selber Music and Music Technology an der University of Sheffield, wobei erspeziell als Performer im Muscle-T-Shirt so gar nicht dem Typus eines in Watte gepackten
Akademikers entspricht. Ténébrisme (IMED 18153) zeigt ihn mit Arbeiten von 2015-2017.
Wie etwa 'Ctrl c', das, obwohl es der Absicht entsprungen ist, Ben Gaunts Trio '16th Century Horror' zu remixen, in glissandierenden Schüben, Drones und dynamischen Wooshes
als echter Stanović landet. Ähnlich machte 'Metallurgic' eine Wandlung durch vom Ansinnen, die abgedroschene Vorliebe in der EA-Szene für metalloide Klänge und simple
Kontrastierungen zu veräppeln, zur Feststellung, dass ihm diese Trope, dieses Klischee
starrer Klänge und gegenläufiger Strudel, selber nur zu gut von der Hand geht. Für 'Inam'griff Stanović ein gitarrenähnlich verzerrtes Motiv aus 'Metallurgic' heraus, um es noisig
durchzudeklinieren und eruptiv zu entfalten. Bei 'Inja' vertieft er sich von linder Glasharmonik bis zu dröhnendem Schwellklang in die Kunst von Thema und Variationen.
'Foundry Flux' dreht sich um die Verwandlung einer Industriebrache in Sheffield in einen
gemeinschaftlichen Raum für Kunst und Kultur, und Stanović überträgt dafür Vorgänge ineiner Gießerei metaphorisch auf rauschenden Verkehr und auf Bewegung und Wandelüberhaupt in Gestalt von Brandung und Wind. 'Would be to Seek' ist zuletzt sein aus
Wooshes und orchestralen Dröhnungen ausgekochter 80. Geburtstagsgruß an die argentinische Komponistin Beatriz Ferreyra, die mit Schaeffer und Reibel gearbeitet hat.
Der Cycle nautique (IMED 18154) von DAVID BEREZAN (*1967, Edmonton) ist eine Reihevon 2011 - 2017 entstandenen konkreten Seestücken: 'Lightvessel', 'Moorings', 'Offshore','Buoy', 'Starboard'. Und versetzt einen an Bord eines Feuerschiffs, inmitten dongender,
tickernder, klackernder, knarzender, tutender und glucksender Laute. Oder in die Klangwelt aus Festmacher, Vertäupfahl und Eisenring, an dem das Schiffstau zerrt, von Wasser
umquallt und umgurgelt, von Möven umkreist. Nur 'Offshore' ist da mittendrin kein freilichtgemaltes Klangbild, sondern ein assoziatives und dunkles, ausgelöst durch elektronische
und halluzinatorische Tauchgänge in eine Bassklarinette. Doch die Boje klingt wieder
draußen, als hydrophone Percussion und umschwallter, kettenzerrender Glockenklingklang. Zuletzt orchestriert Berezan daraus 'Steuerbord' und kitzelt die Imagination mit
Morsezeichen und Wasserbläschen, träumerischen Dröhnwellen, quecksilbrigem H2O undklingelndem Windspiel.
ALISTAIR MACDONALD (*1962, Doncaster) darf einem durchaus schottisch vorkommen,
er ist neuerdings Professor am Royal Conservatoire of Scotland in Glasgow. Mir ist er als
einer der Free Radicals und Partner von Anne-Liis Poll zu Ohren gekommen, hier lädt er
ein in seine Cabinets de curiosité (IMED 18155), seine Wunderkammer. Als Alchemist, derbei 'The Tincture of Physical Things' sich in den Elementen suhlt, in Wasser rüsselt, inFeuer knistert, mit Steinen kullert und die Luft anhält. Der bei 'Scintilla' mit Carrie Fertigs
fragiler Glass Percussion dröhnt. 'Final Times' ist ein Soundwalk durch Glasgow, 'Boundfor Glory (Postcard from Poland)' reflektiert eine mit Blasmusik auf dem Bahnhof vonBiecz angetretene Zugfahrt durch Südpolen, die mitten durch eine katholische Messe
führt. 'Psychedelian Stream' erinnert mit seinen Pixeln und Wooshes, mit federndem Holzund Carillon an die phantastische Delia Derbyshire, 'Equivalence', mit Steinen als rauer
Klangquelle, an 'Equivalent VIII', Carl Andres Minimal-Arrangement von 120 weißen Backsteinen. Und 'Wunderkammer' entstand in Gedanken an den Naturforscher Alfred Russel
Wallace (1823-1913), dessen "The Malay Archipelago" Joseph Conrad als wunderliche
Bettlektüre taugte. 150 Jahre später belauschte MacDonald im malaysischen Metalldschungel selber einige der Spezies, von denen Wallace 125,660 eingesammelt hatte.
77Firework Edition Records (Stockholm)"Buchla Gtr" (FER 1122, 2 x LP) von ALAN COURTIS ist eine vierköpfige Chimäre aus dem Elektronmusikstudion EMS in Stockholm, gezeugt im computerisierten Zusammenklang eines Buchla 200 Modularsynthesizers mit einer Spirit
E-Gitarre, ihrerseits moduliert mit Digitech RP100-Multieffekt- und Boss-Volume-Pedalen. Der vor 25 Jahren mit Reynolds und als Anla Courtis bekannt
gewordene Argentinier ist ein vielfältig verwobener Kämpe der bruitistischen
Internationalen, mit - willkürlich herausgegriffen - Francisco López, Thomas
Dimuzio, Lasse Marhaug oder Gert-Jan Prins oder als L'Autopsie A Révélé Que
La Mort Était Due A L'Autopsie mit drei Franzosen. Fasziniert von Paläo-Kreativität, den Pythagoreern, John Cage, Fluxus und Art Brut, bemüht er sich totreat sounds as living beings, feed them gently and let them grow slowly until
they turn into a big garden of... Er kann sich, spaßeshalber, ein überzeitliches
Festival vorstellen, auf dem Musik von Bach, Yatsuhashi Kengyo, G.I. Gurdjieff,
Gesualdo, Schostakowitsch, Palestrina, Varèse, Bartók, Juan Carlos Paz,
Schwitters und Dubuffet erklingt und Jimmy Hendrix, Ustad Abdul Karim Khan,
Jerry Garcia, Älgarnas Trädgård, Musiker aus der Tang-Dynastie, Lead Belly,
Pandit Pran Nath, La Pesada, altägyptische Ensembles, Miguel Abuelo, John
Fahey, Sperm, Sun Ra, Åke Hodell, Albert Ayler and many more spielen. Beim
Heiligen Steven & Umberto, es gibt Namen und Listen, mit denen man sich besaufen kann! Doch statt durchs wilde Courtistan zu taumeln, harft Courtis hierzu einer dunklen Dröhnwelle metalloid und drahtig und lässt diesen Drahtstrang
schneidend anschwellen und surrend, changierend, oszillierend im Raum
stehen. Bei 'Part II' schichtet er unter Dröhnwellen und verzerrt plinkende Gitarre ein dunkel stöberndes Summen. Ein Surren fährt dazwischen, aber die metalloid sirrende Oberfläche schließt sich wieder, in jaulig changierenden und zirpenden Distorsionen. Bei 'Part III' vereint Courtis eine surrende Spur und Wummerwelle mit zirpigem Loop, zwitschrigen Impulsen, knattrigen Plops und gitarristischer Kakophonie in einem allmählichen, aber andauernden Crescendo.
'Part IV' beschließt diese "Metal Machine Music"-verwandten Man-vs-MachineDialoge mit buchlaistisch fluktuierenden und trillernden Wellen in dröhnendem
und sirrendem, stöhnend aufbrausendem Chiaroscuro mit Play-Loud!-Wasserzeichen. Crazy Listening auf der von 10.000 Chickens bedröhnten ComputerHühner-Farm, aber wer ist da Huhn, wer Ei, wer Eierdieb?
LEIF ELGGREN hat derweil weiter gezeichnet: Drawings for Fashion (Firework
Edition No. 134) diesmal. Mode, um die Blöße zu bedecken, nicht isabellenfarben, nein, in royalem Rot. Die Rote Königin? Die garstige Off-with-theirheads!-Queen of Hearts? Bei Elggren erscheint sie phänotypisiert in Gestalt
falunrot gebänderter und zugeknöpfter Homines mit blutigem 'Heiligenschein'.
Oder wie mumifiziert. Oft auch wie siamesische Wickelkinder und Windelscheißer, die rote Klumpen ausscheiden. Blutige Spiegeleier und Kleckse, diesich in rote Hämorrhoiden-Kissen aufblähen. Anfangs kotende Larven undPuppen wie in Bienenstöcken, zwischendurch Pierrots mit Halskrause und roten
Bommeln, mit Flügeln gar, innerlich aber immer nur Verdauungstrakte, die sichoben vollstopfen und unten ausscheiden. Bis der Arsch ausfranst. Oben gekrönte Totenschädel, unten undichte Darmausgänge. Jedes Blatt ein kryptisches Drama. Herr und Knecht? Mann und Weib, Haus und Eimer. Vatermörder, Mutterfresser, Leichenspieler, Ekelgeiler mit Vermehrungsdrang? Cretininae und Horrorissimae wie sie in Lems "Sterntagebücher" stehen?
Wandelndes Gedärm in purpurnen Mäntelchen, Elggren lässt es Blut saufen,
denken, ausdünsten, scheißen. Swedenborg und Beckett als Grand Guignol vonGespenstern, wie von einem Medium mit Röntgenblick gekrakelt.
78

Was für ein Umtriebler, dieser YAN JUN. 1973 in der Provinz
Gansu geboren, ist er in Beijing zum Kulturkraftwerker geworden, der gern auch Berlin als Brückenkopf nutzt: Als
Musikkritiker, als Kurator, als Poet und als Klangkünstler.
Anfangs im Freispiel mit Tie Guan Yin und Pisces Iscariots,
rein experimentell mit dem Ad Hoc Improv Committee undteezeremoniell mit The Tea Rockers Quintet. Dabei ist er
auch von deutschen Spezialitäten angetan - dem Kommunistischen Manifest, Einstürzende Neubauten, Stockhausen,
Bier, Döner, Kontaktmännern wie Klaus Janek, Olaf Hochherz, Nicolas Bussmann. Auch die Idee einer schlichten,
realistischen Musik mit weniger Verzierungen, dafür mehr
'Materie', importierte er als etwas 'Deutsches', und spürte
dem nach zusammen mit etwa Petr Vrba, Lionel Marchetti
oder Francisco Meirino und in Far East Network mit Otomo
Yoshihide. Wenn Jun seine FER 1124-CD, die während seines
letzten Berlinaufenthalts als DAAD-Stipendiat 2016/17 entstanden ist, nicht als 'untitled' vorlegt, sondern als a workwith no title, versucht er der Musik auch noch den letzten
Schleier zu entziehen. Wobei er über Duchamp, der Titel eine
weitere, wenn auch unsichtbare Farbe nannte, noch hinausgeht und dem KlangFarbSpiel quasi selbst die Leinwand
entzieht. So dass nur ein Körper bleibt und eine Art Sprache,
die sich selber spricht. Ich werde meine eigene überschrift /am meer versinke ich in meinem eigenen ufer // einem
jazzclub // das meer im radio sein toter körper / wirft wellen
nacht für nacht. Eine Sprache aus Körperbewegungen, Alltags-Geräuschen, in Fieldrecordings als Klang-Tagebuch, mit
Low-Tech-Klängen und mit Stille. What if a black crow has noeyes to be aware of his blackness? What if a crow receives
his blackness from the dark, the essential void? What if themusic comes from the void we call ‘silence’? Während bei
seinem als schlicht, langsam, reduziert, dumm und geradezu
langweilig gelobten Musiktheaterstück "one of us" das Geräusch geknabberter Nüsse und von Uhren kleine Akzente
setzt, sind es hier bei seinem mit abrasierten Barthaaren (?)übersäten Firework Atemzüge. Schnaufendes Ein und Aus
nahe am Mikrophon, Nasenebbe, Atemflut. Das rechte Nasenloch groß genug, dass darin ein Hündchen winselt. Jun
schläft, ich halte Wacht. Und während der Schläfer nicht
sündigt, gehn mir meine Sünden durch den Kopf. Nächster
Verwandter: "Zzz..." von Leif Elggren & Thomas Liljenberg.
Auf Bandcamp kann man weiterlauschen: Seiner "Music For
Listening On The Moon", feinster Dröhnklang und kryptische
Botschaften aus der Wasserleitung; seinem "Lamma Island..."& "Mars Tour Diary" (wo es schon einen Schnarcher gibt,
neben einer Anspielung auf Jorge Luis Borges, dem Jun
auch das erste der "7 Poems and Some Tinnitus" widmet, dieer Hsia Yu in den sinnlichen Mund legt, während er den Tinnitus besorgt). Seine eigene Poesie geht, übersetzt, u. a. so:
wir verlieben uns, werden teil des anderen / werden politik
und chemie, wir kümmern uns nicht // vermutlich werden wir
sterben, zeitkörper sein / ein reiskorn, zwei reiskörner, in dermitte des dampfes vergessen wir. Oder, kurz und bündig:
meine bettdecke ist ein monster.
79

no edition (Alpen)

Wenn Erik Mälzner (words / voice / samples / computer) & Jürgen Richter (sampler / midikeyboard / e-guitar) ihre neueste Anstrengung als BRAINGRAINHOTSPOT Art KolumbusEffekt (NO EDITION # 112) nennen, ist das vermutlich mehr als nur ein Verweis auf den
1492 einsetzenden, in einer Doku auf arte dargelegten Tausch von Pferden, Rindern,
Schweinen, Bienen gegen Truthahn und Meerschweinchen, von Orangen, Bananen undZuckerrohr gegen Kartoffeln, Mais, Tabak, Tomaten und Kakao, von Pocken und Gelbfieber
gegen Syphilis, von Indianern gegen 'Amerikanern'. Was uns im No-No-No-editionalen
Kindergarten immerhin Bananen beschert. Und Kunst als Ei des Kolumbus? Ein Hörspiel,das am Strand einsetzt mit Wellenschlag, Schritten, Glocken, Akkordeon, einem denglischraunenden Ent, einer deutsch wispernden Zunge, einer holländischen Hubot-Nanny. Doches ist noch viel komplizierter. Denn als weitere Knoten sind in den klangkomplexen Dreamscape eine Handvoll Artikel aus der ZEIT eingeflochten: mit 'Es ist kompliziert' ein Appellan alle Weltvereinfacher, dazu Archäologisches wie '"Stonehenge" im Bodensee' und'Verrückte Flieger' (über die Nazca-Kultur) neben 'Unterwegs in perfektoiden Räumen'(über den Mathematik-Star & Fields-Medaillen-Preisträger Peter Scholze), 'Pink als Willeund Vorstellung' (über Paläopoesie und die unterschiedliche Farbwahrnehmung vonFrauen und Männern) und 'Wenn ich allein bin, spreche ich mit dem Bild von David Bowie'(ein Traum von Tony Visconti). ...ich bin nicht orange / ich bin grau / und Grau ist unbunt
und von Hause aus ungeeignet / die Aufmerksamkeit des Publikums zu wecken. So raunt
die Textebene von Erkenntnis und Eigengesetzlichkeiten, von Wechselwirkungen undOrientierungspunkten, von Mehrdeutigkeit und Widersprüchlichkeit in einem Netzwerk aus
Leerstellen. Oder auch von ignoranten Tanten und von Clowns, die die Arbeit verweigern.
...verloren im Raum / verloren in der Welt / verloren im Zuhause / lost in Hyper Space /Serendipität... Darüber scheint der Mond, fremd und vertraut, subtil und doppeldeutig.
Dazwischen geschnitten sind Sätze aus so unterschiedlichen Filmen wie "Der lüsterne
Türke" (mit Ingrid Steeger als Sexsklavin), "Die Zweite Heimat / Chronik einer Jugend", "Jenseits der Stille" und "Schussangst". Und Ratschläge an sich selbst wie: end the noise...
nicht die Leute verschrecken... keine Poesie... Ich bin dennoch verschreckt, von eher zu
krausem Tobak als zu wenig Farbe oder fehlender Poesie. Denn die Klangpalette aus
elektronischen Geräuschen und Rhythmen, aus Feldaufnahmen (von Wasser, Vogelpfiffen,
Hundegebell, grollenden Bestien, Gelächter, Bahnhofsdurchsage...), aus Stimmen, Gesängen, Samples und dazu Spritzern, Tupfern, Pinselstrichen von Gitarre, Keys, Glockenspiel, Drummachine, Gongs, die ist jenseits von Stille und jenseits von Worten. Wobei die
Merkwürdigkeit der ZEIT-Text-Cut-ups auch noch zweistimmig, stotternd oder vocodergepitcht hoch 2 gesetzt ist. Ein Witz? Nein Nein Nein. Einfach ein Spaß (?) für Primaten,
von Primzahlen ins Dreidimensionale geknotet, aber ohne Furcht vor Informationsverarbeitungsstörung. Das muß man aushalten. Mit allem Moll und Fegefeuer. Bis zum Finale
im Kindergarten, belohnt mit Bananen. Da kann man noch jahrelang von zehren.
80Apropos Farbe. ERIK MÄLZNER lässt einen als freiberuflicher Geräuschemacher undgelegentlich seltsamster Singer-Songwriter mit words / voice / midi-keyboard / samples /computer auf Free Foley Artist (NO EDITION # 113) taumeln zwischen Farben und Filmen.
Mit Gesang eines fast schon launig aufgekratzten Ents, der einen das Nichtfürchten vor
Rothko, Mondrian und Newman lehrt. In nostalgisch begeigten, von zeitlupigen Beats
beklopften Kopfkinoszenen: viele Menschen liegen am Strand / Schlafende oder Leichen /Wellen plätschern / Möwen tanzen / nur Stille / pure Idylle ('Nach Angaben des Szenebildners'). Oder ist das kein Kino, sondern einer der Albträume, wie sie die Nachrichten
eingeflößen? Dann doch lieber Jennifer Garner ("Alias – Die Agentin") als geschiedene
Mrs. Foley, Jennifer Grey als dirty Dancer oder die ins schleppend geknarrte Nachtgebet
eingeschlossene Isabelle Huppert. Mit, nach gefühlten hundert Jahren Zweisamkeit, unverwelktem Respekt für Cherilyn Sarkisian [Cher] und Barbra Streisand ('Mischpoche').
Daneben bereut bei 'Rumor' ein autistischer Idiot / nach fünf Jahrzehnten, dass er eine Ex
abgewiesen hat und nicht wiedererkennen wollte. Beim klimper-poppigen Drehwurm
immer wieder / immer wieder / denke ich / das wird schon / immer wieder / immer wieder /denke ich / das wird nichts ('Dialektik') wird scheint's aus dem Nähkästchen geplaudert.
Ähnlich mit Geschriebenes durchstreichen / oder zerreißen wegwerfen / oder verbrennen
schreddern / oder erst gar nicht schreiben / so wird das nie etwas / immer wieder anfangen / und dann zweifeln / Jahr für Jahr / stapeln sich / leere Notizbücher / ohne Bedeutung(beim abrupt-impulsiven, löchrig verkrachten 'Vita ante acta'). Immerhin: Kräuterblut &Eisensaft geben dem morschen Dichter Kraft, machen ihn wohlgemut ('E wie'). Dennoch:'Auf weiter Flur' findet sich zwar Vieles. Aber ins Auge des Betrachters fällt dabei so wenig
Tröstliches wie tote Häuser / Licht brennt hinter halb heruntergelassenen Rollläden /staubige Straßen / überfahrene Tiere / und ab und zu / ein einzelner Schuh. So dass eskaum verwundert, wenn sich dazu altersweise (oder von einer Dämonin ins Ohr geträufelte) Vanitas-Gedanken einstellen, die Mälzner zu tristen Streichern mit rasselnder Kehle
und Baumhirten-Stimme raunt: früher oder später / spielt keine Rolle / früher oder später /endlich Albernheit / früher oder später / kein Interesse / früher oder später / letztes Versagen / früher oder später / düngender Kompost ('Moribund'). Ich bin für 'oder später'.
Und für Albernheit sowieso.
Bei DILALATATALAND (NO EDITION # 114) kommt ERIK MÄLZNER dann ganz ohne Worte
aus. Sein Krokofant aus "La La Land" und Dilatation spricht auch so. Dr. No-Ed. nimmt,
wenn ich richtig vermute, Dilatation (ausdehnen, vergrößern, erweitern) wohl weniger inseiner physikalischen oder botanischen Bedeutung, sondern als Begriff in der Bildverarbeitung. Wobei Grauwertgebirge abzutasten etwas unverfänglicher ist als Milchdrüsen zu begrabschen, um zu reflektieren auf einerseits 'DILATATION ELEMENTS ARE
INSERTED INTO THE SYSTEM AS A SPECIAL CONSTRUCTION SO THAT THEY CANNOT
BE PERCEIVED' und andererseits 'REACT TO DEVELOPMENTS BUT NEVER LOSE SIGHT
OF THE FACT THAT THE GROWTH OF THE GLANDULA MAMMARIA IS CONSISTENT WITH
THE PHENOTYPIC VARIATION OVER A SUFFICIENTLY LONG PERIOD OF TIME', zwei dervier Titel von ähnlichem Kaliber hinsichtlich der opaken Aussagebereitschaft und derDauer von gut 13 Minuten. Sie transportieren eine elektronisch-keyboardistische Orchestralität von wieder derartiger Besonderheit, dass Mälzner längst am KlangkunstNachthimmel als Sternbild leuchten sollte. In nichts als der Leuchtkraft vergleichbar mit
Conrad Schnitzlers "Rot"-"Blau"-"Grün"-"Gold" oder Vladimir Hirschs "Graue Passion".
Wobei Mälzner im adagio-düsteren Pathos aus glitzernden Turbulenzen, perkussiven Kaskaden, knurrender Orgeldauerwelle, Keyboardbassdrone und quarrenden Stößen eine
dramatische Eruption genügt, um den getragenen Duktus nachdenklicher Anschläge
aufzuladen mit nervenzerrendem Thrill, der tatsächlich auch neue Nahrung bekommt
durch einen weiteren Blitzschlag (egal ob mit oder ohne Hirsch). Lang gezogene Fanfarenstöße und Nebelhörner vergrößern (pneumatisieren?) noch den Dilalatata-Faktor, vor
allem, wenn dazu ein Chor sein Ah und Ach einwirft und ein 'Cello' melancholisch tremoliert, bis hin zu einem Ende mit Sirenenalarm. Warum Mälzner nicht längst schon 'Kult'
ist, bleibt mir ein Rätsel. Aber darf ich eigentlich preisen, was ich nicht verstehe?
81

... jenseits des horizonts ...
ROBIN HAYWARD Word of Paradise (Edition Telemark 864.03, Picture LP): Im Meinungsstreit, ob Adam, Eva, Gott und die Schlange Hebräisch oder Arabisch geredet hätten,'bewies' Johannes Goropius Becanus (1519-1572): Nein, es war Brabantisch! Denn Duyts =D'outs = das Älteste. Adam = Haat-dam = ein Damm gegen den Hass (der Schlange). Eva =Eeuw-vat = ein Gefäß für das Ewige. Der göttliche Ursprung würde offenbar durch dieeinsilbige Simplizität und durch Positiv-Negativ-Bedeutungen bei simpler Umkehr: alb - bla= weiß - schwarz, barg - grab = Berg - Grube, bel - leb = Krieg/Tod - Leben... Hayward ist
bekannt durch das Tubatrio Microtub, durch die Tonaliens, Reidemeister Move und Zinc &Copper mit Elena Kakaliagou am Horn & Hilary Jeffery an der Posaune. Mit diesen beiden
stimmt er hier unter Einsatz einer mikrotonalen Tuba und seines rein gestimmten TuningVine-Interfaces lauter auf die Blasinstrumente übertragene Goropismen an, vokalbetont
und durch Hocketing (Hoquetus-artiges Wechselspiel) auch mehrsilbig. Und zwar so, dassmit wachsender Entfernung vom paradiesischen Ursprung sich der anfängliche Einklang
allmählich auffächert in komplexere und subharmonische Beziehungen. Auf einem sanftschwellenden Dröhnton beginnen einzelne Laute, die allerdings vermuten lassen, dass
Adam & Eva mühsam von den Fröschen quaken und von friedlichen Grasfressern muhen
und blöken lernten. Es klingt alphörnern, jedoch wie in dünner Luft, mit zunehmend verlängerten Tönen, mehr Intervallen, wachsendem Miteinander, größerer Eloquenz. Die
Stimmen folgen dabei einer kreisförmigen Partitur, mit langwellig röhrenden und tutenden
Artikulationen in dunklem, grollendem, stöhnendem Legato. Sta - hast = stehen - hasten,stoer - roest = stören - rasten, tar - rat = sich trauen - rätseln / grübeln...
ÅKE HODELL Verbal Brainwash and other works (Fylkingen, FYCD 1018-1-2-3-R): Diese
Triple-CD-Neuauflage zum 100. Geburtstag versammelt nochmal sämtliche Text-SoundKompositionen von Åke Hodell (1919-2000), als Paradebeispiele engagierter und avancierter Kunst: 'General Bussig' (1963), 'igevär (Presentarms)' (1963), 'Structurer III' (1967)'USS Pacific Ocean' (1968), 'Where is Eldridge Cleaver?' (1969), 'Law & Order Inc' (1970),
das böse 'Mr Smith in Rhodesia' (1970), das fünfteilige 'Electronic Purgatory' ('220 Volt
Buddha', 1971, 'The Road to Nepal', 1971, 'Djurgårdsfärjan över Styx' 1972, 'Kerberos,
helveteshunden', 1972, 'Orfiska uppenbarelser', 1973), 'Numro Ba Besch' (1972), 'General
Bonhomme' (1972), 'Présentezarmes' (1972), 'The Voyage to Labrador' (1976) und 'Spirit of
Ecstasy, Racing Car Opera' (1977). Lauter Text-Sound-Art, die Wort und Ton zu schlagkräftigen Statements verbindet. Hodells bissige Attacken gegen das Militär, gegen Rassismus und Apartheid, zusammengestückelt aus Lautpoesie und O-Ton - Kasernenhofgebrüll,
Kriegslärm, 1-2-3-4, blökende Schafe ... -, gehören zu den Skandalerfolgen der schwedischen 68er-Bewegung, die er mit vorbereiten half und für die er in vorderster Linie einstand. Hierzulande korrespondiert das etwa mit B. A. Zimmermanns "Die Soldaten" (1965)
und Henzes "Das Floß der Medusa" (1968) oder "Versuch über Schweine" (1968/69), wobei
das nicht so radikal auf der ästhetischen Ebene ansetzt wie Hodells naturalistische Explizität. Später dann, vor allem mit der 'Electronic Purgatory'-Reihe, wurden HodellsArbeiten autobiographischer, im Versuch, seine Nahtoderfahrung - er war 1941 als Luftwaffenpilot abgestürzt und jahrelang im Krankenhaus - durch Klangexkursionen in die
Unterwelt zu verarbeiten. In diesen zwischen burleskem Humor und dunkler Melancholie
vexierenden Werken entwickelte er eine 'Landscape Music', neben der vieles aus derheutigen Soundscape- und Ambient-Ecke epigonal und belanglos erscheint. [Was ich in BA
37 schrieb über Fylkingens Denkmal für den gerade Verstorbenen, gilt unvermindert. Nicht
gewürdig habe ich dabei Hodells Collagenkunst, seine Hörspiele, Romane und seine vonGunnar Ekelöf angestoßene oder Konkrete Poesie. Darum lasse ich doch wenigstens mal
seine Raben krähen: Himlen förmörkas / kra, kra / av avgasblå kråkor / kra, kra / dödakråkor / kra, kra / Karons kråkor / kra, kra / glömskans kråkor / sömnens kråkor / dödens
kråkor / helvetets kråkor.]82

KATHARINA KLEMENT Drift (chmafu nocords,cn63): Das erstaunliche Sortiment von Chmafu Nocords in Graz sollte durch die "Compilations #1 (zu BA 80) & #2" (zu BA 81) ebenso
ein Begriff sein wie durch die verdienstvolle"DAMN!"-Reihe. Klement ist auf beidem zu
finden und zudem durch "Jalousie" (2012),"Offshore Zone" (2015) mit deepseafishk und"Hoverload" (2016, mit Martin Siewert) eine
eingeführte Größe. "Peripheries" (2017), ihre
Klangbilder aus Belgrad auf Gruenrekorder,und "Orbital" (2017), ihr triradikales Freispiel
mit Kaja Farszky & Annette Giesriegl auf
Creative Sources, habe ich zwar versäumt.
Aber hier darf ich nun wieder mitreden überdrei elektroakustische Kompositionen von ihr.
"wie Tag und Nacht" für Diskant-, Alto-, Basszither & Electronics, dargeboten vom Trio
Greifer, führt durch Abenddämmerung undMorgengrauen zur sinnlichen Erfahrung, ob
der Wechsel von Tag und Nacht allmählichoder letztlich abrupt vonstatten geht. Drahtig
plonkendes Stakkato verunklart dabei in
Nachhall und sich hinziehenden, bebenden,
stehenden Dröhnwellen und Schraffuren. Bei"in dem HIMMEL benannten Darüber", performt vom mit Blockflöten, Piano & Electronics bestückten Quartett subshrubs aus Angélica Castelló, Maja Osojnik, Tamara Wilhelm & der Komponistin gemeinsam mit dem
6-köpfigen Kammerensemble PHACE (in dem
ich die Geigerin Barbara Lüneburg erkenne),geht es Klement um die gegenstrebige Fügung von 'konkret' und 'abstrakt'. Ersteres inGestalt von Textfragmenten aus "Forellenschlachten, 33 Briefe aus dem vergessenen
Krieg" von Veronika Seyr, die Osojnik in den
Mund gelegt sind. Letzeres als die klopfende,
pustende, paukende, mit Vibes, Streichern,
Klarinetten und Saxophonen helldunkel rumorende Verklanglichung von Heiner Müllers'Bildbeschreibung' aus "Shakespeare Factory1", die selbst schon als intertextuelle 'Übermalung' aus der "Alkestis" und "Odyssee",aus Hitchcocks "Die Vögel", Shakespeares"Sturm", No-Theater und Magritte gestaltet
ist. Der tatsächliche Gegenstand und gemeinsame Nenner ist Gewalt. 'Drift' schließlich, fürOrgel (Wolfgang Kogert) & Electronics (Klement selbst), strömt und sinuswellt sich mit
schillernden Spitzen, wummrigem Grollen,changierendem Brausen, dröhnendem Forte.
Die Klänge quallen, liquid, liminoid [betwixt
and between], sie berühren sich, stoßen sichab, beeinflussen sich gegenseitig in einem
kollektiven Schwärmen, das seinen Partikeln
keine scharfen Abgrenzungen erlaubt.

NIDAROSDOMENS JENTEKOR & TRONDHEIMSOLISTENE Lux (2L-150-SABD): Der
Trondheimer Nidaros Cathedral Girl's' Choir(geleitet von Anita Brevik) ist das Nächstbestenach Engelszungen. STÅLE KLEIBERG hat
ihnen für seine 'Hymn to Love' den 1. Brief desPaulus an die Korinther in die sopranen undaltklugen Münder gelegt. Die wahrhaft hymnisch (und englisch) anheben mit If I speak in
the tongues of men or of angels, but do nothave love, so wäre ich ein tönendes Erz odereine klingende Schelle. Um nach dem enigmatischen Wir sehen jetzt durch einen Spiegel
ein dunkles Bild; dann aber von Angesicht zu
Angesicht zu enden mit: Nun aber bleiben
Glaube, Hoffnung, Liebe, diese drei; aber die
Liebe ist die größte unter ihnen. Doch ist das,wie abschließend 'The Light' nach Helge Torvunds Gedicht 'The Light you need exists', lediglich der Rahmen, den die Streicher der
TrondheimSolistene allerdings in allen lichten
Farben des Regenbogens aufscheinen lassen.
Ein Rahmen für das - streicherlose - 'Requiem'von ANDREW SMITH, der, als Teenager vonLiverpool nach Oslo gekommen, dort als Organist und Chorleiter Chöre mundgerecht zu
bedienen versteht. Wobei in weiteren Hauptrollen Trygve Seim an weit gereistem Saxophon schon beim 'Introitus' die Augen überGrab und Kreuz hinaus lenkt zur Seligkeit jenseits der Fensterrose, und Ståle Storløkkens'Precatio'-Solo an der Nidaros-Orgel überleitet
zum 'Kyrie', das diese Seligkeit erfleht. Dem
tränenschweren 'Plorans ploravit' folgen ein
Hymnus für die Unschuldigen und die 'Vox inRama'-Jeremiade des Matthäusevangeliumsüber den Kindermord des Herodes, mit zartbitterem Saxophon und sprachloser Vokalisation. So durchquert die Mädchenschar, zagend, aber im Vertrauen auf den guten Hirten,
die von Saxophon und Orgel angedunkelten
Todesschatten des finsteren Tals hin zum'Sanctus'. Für ihr, wieder von der Orgel überschattetes, Gotteslob winkt ihnen das Paradies, wenn auch nur im Konjunktiv: Mögen
Engel dich geleiten... Indikativ sind dagegen
Seims abschwellender Bocksgesang und die
Paradieswärts-Sehnsucht seines rührend zerbrechlichen Tons. Dem Amen folgt die Wiederkehr der heliotropen Streicher und schließlich
der Chor, orgelbefunkelt und lichtberauscht.
83 Lerchenzungen in Aspik, Hosanna in excelsis. Als ein ätherisches Echo auf das jazzig
sublime "Requiem" von Jakob Buchanan, mit
Jakob Broo, Marilyn Mazur, dem Aarhus Jazz
Orchestra & Aarhus Domkirkes Kantori.

83

MARTIN PTAK River Tales (Col Legno,
WWE 1 CD 20441): Ptak, 1972 in Krems
geboren, ist von den am Konservatorium Wien und der Bruckner Universität
Linz vorgegebenen Gleisen längst inalle Richtungen abgebogen, mit Ostbahn 11 oder dem von ihm mitbegründeten Takon Orchester, mit Puppentheatermusik für Christoph Bochdanskyoder dem Retro-Filmmusik-Orchester
Velvet Elevator, mit Darkstone Brass,
Elektro Guzzi oder Die Strottern &Blech. Seine Soloalben "Twilight Street"(2012) und "Christmas" (2015) finden
nun eine Fortsetzung in einer programmatischen Minimal Music. Klavier, Fender Rhodes und Harmonium plus Geigen, Bratsche und Cello plus Trompete,
Tuba und Posaunen bis runter ins Bassund Kontrabassregister versetzen die
Imagination, nach einem anfänglichen
Adagio, in einen State of Flux. In Riverof No Return wird das No gestrichen,alles fließt und alles kehrt unaufhörlich
wieder. Mit repetitivem Klingklang, deran Philip Glass denken lässt, aber zuerst doch, und das geradezu cineastisch, an eine Donau-Flussfahrt, ein
fluktuierendes Strömen, Verschmelzen,
Fluten, Sinken, Strudeln. Ein Sturm
zieht auf und flaut wieder ab, und man
driftet stromabwärts, mit wehmütigem
Streicherklang und gepresstem Trompetenton. Wie sollte da auch alles blau
und schön sein. Gerade wenn die Posaune melodienselig schwelgt, schüttelt
sie, mit ganz andern Wassern getauft,
die braune Brühe von sich. Aber esbraucht auch alle Wasser, um die Kremser Schandtaten im April 1945 wenigstens bis Wien zu spülen. Claudio Magris
spürte dort in Krems eine tödliche
Unbeweglichkeit und die Lust, sich indiesem lethargischen Schlummer zu
verlieren, doch auch die Sehnsucht
nach Flucht, den ungeduldigen Wunschnach einer Metamorphose. Nichts Besseres daher als die Flucht des Wassers,
die ihm großartiger vorkommt als die
megalomanische Neigung zum Festen
und Fixierbaren. Ptak stimmt ihm emphatisch zu, mit Mahler'scher Darkness,ganz ohne Donauwellenkitsch, mit einem getragenen 'Kanon' bis hin zum'Panta Rhei' ins Schwarze Meer.

GUY VAN NUETEN Contact (Bolli Records /Sony Classical, Benelux 19075872372, CD /LP): Der belgische Pianist & Keyboarder,
1965 geboren, hat eine rock-poppige Vorgeschichte mit The Sands, dEUS, Daan
Stuyven oder Chitlin' Fooks und zwei Einträge unter den "Top 100 Belgian Songs of
All Time". Doch seit Längerem zieht er auf
dem eigenen Label Bolli auch anders
ambitionierte Konsequenzen aus Bach, Darius Milhaud oder Frederic Mompou. So
entstanden - neben seinen Musiken fürFilme ("Pulsar", 2011), Theater und Tanztheater - "Merg" (2009) & "Pacman" (2013)
für Piano solo, jedoch mit "Music For A
Small Orchestra" (2015) auch kitschiger
Scheiß, mit dem nur zu gern Filme mit
falschen Gefühlen aufgeschäumt werden.
Wobei ein Titel wie 'Cream Routine' fast
wieder vermuten lässt, dass er nicht hinterallem steht, was von ihm erwartet wird undihm die Brötchen verdient. Mit Widmungenan Bach, an die belgische Cinema-Legende
Henri Storck (1907-1999), den Regisseur &Autor Peter Van Goethem, den Tänzer
Bouba Landrille Tchouda, die Performerin& Dramaturgin Sarah Eisa, die bildende
Künstlerin Céline Felga, Kris Dockx, der im
historischen Kruitmagazijn von Lillo (Antwerpen) ein Theater betreibt, und Helen AlJanabi, die in Stockholm das Arabiska
Teatern macht, knüpft Van Nueten ein
kulturelles Netz deutlich über dem Niveau
des Amsterdamer Pegels. Er klimpert neoklassisch in einem quasi überzeitlichen
Sinn, am ehesten könnte man ihm Rückbezüge auf Les Six nachsagen. Der Duktus
ist feinsinnig und undramatisch, in einem
Schwebezustand zwischen abgeklärt undleicht melancholisch. Obwohl Kerzenscheindazu vorstellbar ist, vermeidet Van Nueten
hier die kitschigen Untiefen, selbst da, wo
es sich aufzudrängen scheint, nämlich bei'The Night' (das 'Finis Mundi' & 'Weeping
Song' einschließt) und bei 'Dolor y Pasión'.
Wenn er bei 'Isomorfie Nº3' ein 'Afrikaans
Allegro' zwischen ein mittelalterliches Vorund Nachspiel sandwicht, verrät das eine
ziemliche Sophistication. Sein 'Wals Met
Briljanten' schwankt im ¾-Takt zwischen
Bonjour und Adieu Tristesse, doch selbst
nach dem 'Largo' von 'Contact' gelingt Van
Nueten beim finalen 'Lento Pacifico' nocheine Steigerung der Melancholie.

84

INGAR ZACH Floating Layer Cake (SOFA 571): Zwei Kompositionen des Composer-Performers aus Oslo, der mit Dans les arbres und O3 zwei feste Spielfelder hat, neben Begegnungen mit etwa Michele Rabbia oder Mark Solborg & Susana Santos Silva. Mit 'Let The Snare
Speak' (für 3 Snares, vibrating speakers & pre-recorded electronics) performt Zach alleinein Stück, das er, wie auch "Before Nightfall One" (SOFA567), für das australische Trio
Speak Percussion geschrieben hat. Snare und Speaker 'sprechen' mit surrendem, schnarrendem Vibrato zu dröhnend und flatternd changierenden Sinuswellen. Als Minimal-typischer Prozess und so mikrorhythmisch als gäbe es keinen Beat, sondern gerade mal einuhrwerkartiges Hämmerchen, das zuletzt zum Stillstand kommt. Zuvor erklingt aber 'The
Lost Ones' mit dem Quatuor Bozzini, Kim Myhr an akustischer Gitarre & Zither, Zach selberan Gran Casa, Percussion & Snare und Caroline Bergvall, die wieder eigene Gedanken
spricht. Wie bei Myhrs am gleichen Tag in identischer Konstellation realisierten "Pressing
Clouds Passing Crowds". Sie spricht vom Sichtrennen und Abschiednehmen der leaving
ones von den left ones. Beide, Leute wie wir, werden dabei zu lost ones, Verlorene, denen
schon im Gehen alles, was sie kannten, untergeht, von Schatten verzehrt. 'Thngs Dispr' hießes auch schon bei "...Passing Crowds". Während gegen ihre Ankunft gleichzeitig die Grenzen dicht gemacht werden. Zach intoniert dieses Verlorengehen dröhnminimalistisch, punktiert es mit dunklen Paukenschlägen, gepingtem Metall, schrillem Zucken zu bebenden Wellen und zitternden Strings. Mit schabenden Wischern und Klängen wie von Bassklarinetteund Harmonika, die ich den Bozzinis zuschreibe. Nach Bergvalls Rezitativ verdichtet sichdas Klangbild mit schwellendem Drone im monotonen Hin und Her der Streicherbögen, in
perkussiven Gesten und von Myhr geharften. Der schließlich einen strammen Riff zu riffen
beginnt, von der Pauke umwummert, schrottig überschauert. Doch was schert das die,denen das Mittelmeer nicht breit und tief genug ist.
V/A Far Away but Ever Closer: Young Lithuanian Composers Abroad (MIC Lithuania, MICL
CD102): Da kann man noch so nah an die Neue-Musikszene in und um Vilnius heran gezoomt
sein und sich an Žibuoklė Martinaitytė, Rytis Mažulis oder Egidija Medekšaitė die Zunge
verbogen haben, die litauische Musik bietet immer neue Zungenbrecher. Von EdvardasŠumila kuratiert, gilt das Ohrenmerk diesmal neun ElektroakustikerInnen mit Auslandserfahrung. Denn, litauisches Dilemma, je unternehmungslustiger, desto abwanderungswilliger. Šumila plädiert daher für einen selbstkritischen Umgang mit den Tatsachen derGlobalisierung und der Deterritorialisierung, für kosmopolitische Mobilität und Durchlässigkeit statt lokalpatriotischem Dünkel oder xenophober Verbiesterung. So verständlich wie
das Weggehen, so willkommen ist das Heimkehren. ANDRIUS ARUTIUNIAN (*1991), der in
Den Haag lebt, bekennt sich mit dem Getriller, klagenden Verzerrungen und gesprochenen
Worten von 'Armen' zu seinen armenischen Wurzeln. GEDIMINAS ŽYGUS (*1991), besser
bekannt als Jacques Gaspard Biberkopf, schickt den Kirchengesang von 'Delirium' alswehmütige Botschaft in die postkoloniale Zukunft. JŪRA ELENA ŠEDYTĖ studiert in Kopenhagen und lässt bei 'Nice to Meet You' Viola, Kontrabass und Live-Electronics sich improvisatorisch kreuzen mit den fixierten Klängen eines verstimmten Pianos. DONATAS TUBUTIS,
Duopartner von Katrina Burch in d-n-e, hat 2018 sein Studium in Den Haag abgeschlossen
und konzentriert sich bei 'Tracer' auf das klopfende und surrende Morphen einer aufsteigenden Klangspur. Bei 'intus' von JUTA PRANULYTĖ, die in Melbourne und Glasgow studiert hat,werden Kontrabass und Teddybär miteinander intim. JUSTINA ŠIKŠNELYTĖ (*1988) zog esüber Den Haag nach Quito. 'Going In' kontrastiert in Marimba und Vibraphon ihre Gefühle
vor mit Einsichten nach ihren Reisen. AURIMAS BAVARSKIS (*1983), ebenfalls in NL ausgebildet und dort Partner von Yannis Tsirikiglou (von Eventless Plot) und Softwareentwickler
bei Skopei, verzwittert bei 'v.a.l. brodeligen Noise und schnellen Technopuls mit Synthieund Flötenklang. AISTĖ NOREIKAITĖ hat in London ein starkes Interesse an Sonic Fiction
und Neuroscience. Bei 'Digital Empathy' sind durch Myo-Armbänder und ihren Experience
Helmet Muskelimpulse und EEG-Wellen im Spiel, für die Außen-Innen-Verschachtelung vonKörper und Raum durch Hirnwellen und Gesten. Und VITALIJA GLOVACKYTĖ (*1990)
schließlich, die in das Ensemble Almost Credible Music in Manchester involviert ist, offeriert
mit 'Tender Volts' Dröhnwellen, die sie kreiert hat mit Bauchweg-Gürtel-Motörchen und
Electronics.
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inhalt
club w 71: mars williams presents 'an ayler xmas' 3
freakshow: ¡GeRald! 5
over pop under rock:crammed discs 6 - doc wör mirran 8 - moonjune 10 dirk raulf / poise 12 - rune grammofon 13 ...
officer! 17 - stephanie pan 18 - la stpo 21 ...
nowjazz, plink & plonk:
creative sources 22 - euphorium 25 - satoko fujii 26 - hubro 28 - intakt 29 leo 32 - rarenoise 36 - udo schindler 38 - unit 40 - wide ear 41 ...
three birdies black'n'blue 49 today's jazz is female: prune bécheau - tania giannouli 51 laura jurd - ellen andrea wang 52 - joana sá 55 ...
the rain in spain: ... victor nubla 55 - a. l. guillén 56 - niño de elche 57...
soundz & scapes in different shapes:
attenuation circuit 60 - eighth nerve 62 - e-klageto 63 - malmlund 64 gruenrekorder 65 - kvitnu / prostir 66 - midira 67 - wolfgang seidel 68 ...
beyond the horizon:
empreintes digitales 77 - firework edition 78 - no edition 80 ...

BAD ALCHEMY # 101 (p) März 2019herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.debei dieser ausgabe half: Michael BeckBA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Helfern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint vier mal jährlich
Zu BA 101 erhalten Mitglieder die CD "AG Davis versus Cody Brant" (Exklageto 19)
Mit herzlichem Dank einmal mehr an Matthias HornCover: Jeanne Lee [© Daniel Maffia]
Rückseite: Niño de Elche [© Óscar Romero]!!! Die Nummern BA 44 - 97 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de.........................................................................................................................................................
86indexALDINUCCI, GIULIO 67 - ALTIN GÜN 14 - AMOR FATI 64 - BARBAGALLO, CARLO 70 BÉCHEAU, PRUNE 51 - BELP 70 - BEREZAN, DAVID 77 - BEWIDER 71 - BLAKE, RAN 49 BOKOWIEC, MARK 71 - [BOLT] 67 - BRAINGRAINHOTSPOT 80 - BRANDTSEGG, ØYVIND
76 - BRANT, CODY 63, 64 - BUDJANA, DEWA 10 - C‘MON TIGRE 14 - CAJLAN-WISSEL,
DUSICA 24 - CAO, LAN 61, 69 - ANNIE CHEN OCTET 42 - CLUSTER LIZARD 66 - COURTIS,
ALAN 78 - CRISPELL, MARILYN 33 - CRUMP, STEPHAN 29 - CUTS 72 - AG DAVIS 63 - DEAF
SOCIETY 72 - DESPREZ, JULIEN 46 - DOC WÖR MIRRAN 8, 9 - DOMENICONI, ROBERTO 24- WELF DORR UNIT 23 - DRAKE, HAMID 36 - EBERHARD, SILKE 32 - PHILIPP EDEN TRIO
41 - EKITI SOUND 7 - ELGGREN, LEIF 78 - ELLERHUSEN HOLM, KLAUS 47 - EMERGE 60 EUPHORIUM_FREAKESTRA 25 - FEICHTMAIR, TANJA 35 - FELDMAN, MARK 34 - FELL 40 FISCHERLEHNER, RUDI 42 - FLUCT 15 - FOURTH PAGE 33 - FREY, JÜRG 32 - FRITH, FRED
30 - SATOKO FUJII ORCHESTRA KOBE 27 - SATOKO FUJII ORCHESTRA TOKYO 26 ¡GERALD! 5 - GIANNOULI, TANIA 51 - GILMORE, SCOTT 7 - GINTAS K 74 - GUIGUISUISUI
60 - GUILLÉN, A. L. 56 - HAMMERSCHMIDT, REINHART 45 - HATE POEM 64 - HAWKINS,ALEXANDER 31 - HAY, EMILY 43 - HAYWARD, ROBIN 82 - HELIUM HORSE 15 - HENDERSON, LAUREN 50 - HINSE, SVEN 47 - DIE HOCHSTAPLER 43 - HODELL, ÅKE 82 - HUMAN
FEEL 30 - HWANG, JASON 34 - I AM THREE & ME 32 - IDIOMA 44 - CHRISTOPH IRNIGERPILGRIM 31 - JENTSCH GROUP NO NET 44 - JUN, YAN 79 - JURD, LAURA 52 - KALANCEA,
ALINA 16 - KALLABRIS 73 - KALMANOVITCH, TANYA 33 - KANTARCIOGLU, KORAY 73 KASTNER, OONA 12 - KELLER, BEAT 61 - KERN 22 - KLEIBERG, STÅLE 83 - KLEMENT,KATHARINA 83 - KOMMISSAR HJULER UND FRAU 64 - KONTRABASSDUO STUDER-FREY
32 - KUHZUNFT 65 - LA STPO 21 - LAUBROCK, INGRID 29 - LEE, JEANNE 49 - LENTZ,ULRIKE 45 - LIEBIG, STEUART 43 - THE LIE DETECTORS 16 - LIEBMAN, DAVE 36 - LIEUTENANT CARAMEL 64 - LOWMAN, W. W. 74 - JON LUNDBOM & BIG FIVE CHORD 45 - MACDONALD, ALISTAIR 77 - CHRISTOF MAHNIG UND DIE ABMAHNUNG 35 - MÄLZNER, ERIK
80, 81 - MAMA BÄR 64 - MANERI, MAT 34 - MANKOWSKI, ADAM 61 - MAOZ, EYAL 16 MARTINEZ, ISRAEL 75 - MARILYN MAZUR SHAMANIA 37 - MEESE, JONATHAN 64 - MERZOUGA 65 - HEDVIG MOLLESTAD TRIO 13 - MOSS, DAVID 76 - N(46) 67 - NEUES LEIPZIGER STREICHQUARTETT 25 - THE NEW BLOCKADERS 64 - NICOLS, MAGGIE 32 NIDAROSDOMEN JENTEKOR & TRONDHEIMSOLISTENE 83 - NILLESEN, ETIENNE 24 NIÑO DE ELCHE 57 - NUBLA, VICTOR 55 - OCHS, LARRY 46 - OFFICER! 17 - OMNIXUS 35 PAN, STEPHANIE 18 - PERELMAN, IVO 34 - POPULÄRE MECHANIK 68 - PORCELLUZZI,ANTONELLA EYE 72 - PRETZEL, GUNTER 38 - PREVITE, BOBBY 36 - PTAK, MARTIN 84 PUBLIC MEMORY 19 - PYLONE 75 - RAIMOND, JOSEPH B. 8, 9 - TOM RAINEY TRIO 29 RATKJE, MAJA S. K. 13, 76 - RAULF, DIRK 12 - REIJA, XAVI 10 - REUTER, MARKUS 10, 11 ROBERTS, HANK 34 - ROBINSON, SCOTT 46 - ROTHENBERG, NED 34 - RUDOLPH, ADAM
36 - SÁ, JOANA 53 - JARMO SAARI REPUBLIC 19 - SAFT, JAMIE 36 - SARRAM 67 - SCARABEUSDREAM 20 - SCHINDLER, UDO 38, 39 - SCHLEGEL, JAN 24 - SCHLICHTING, ALMUT
47 - SCHNEIDER, GEORGES-EMMANUEL 38, 39 - SCHWALBE & ELEFANT 41 - SEIDEL,WOLFGANG 68, 69 - SIEDL, GREGOR 61, 69 - JUDY SILVANO & THE ZEPHYR BAND 40 SILVANT, SAMUEL 46 - SILVOLA, JUHANI 62 - SIRKIS, ASAF 16 - SMITH, ANDREW 83 SMYTHE, CORY 29 - SOMMER, GÜNTER BABY 25 - SOURISSEAU, MATHIEU 46 - SPENCE,
ALISTER 27 - STACKENÄS, DAVID 47 - STADLMEIER, SASCHA 8, 60 - STANOVIC, ADAM 77- THE STAR PILLOW 67 - STEYER, EDITH 22, 23 - STORLØKKEN, STÅLE 28, 83 - STUBBLEMAN 6 - SUBSYSTEM 47 - SUMMERS, SARAH-JANE 62 - SUTER, SHELDON 24 - SWALLOW,STEVE 36 - TEITELBAUM, RICHARD 33 - THELEN, STEPHAN 11 - TORN, DAVID 11, 29 TORVUND, ØYVIND 28 - TRILLA, VASCO 59 - TRONDHEIM EMP 76 - GEBHARD ULLMANNBASEMENT RESEARCH 48 - V/A FAR AWAY BUT EVER CLOSER 85 - V/A THIS IS FRAFRAPOWER 20 - VAN NUETEN, GUY 84 - VENTER, JULIANA 48 - VERA PETTERSON, SISSEL37, 76 - VOIN ORUWU 66 - VORFELD, MICHAEL 45 - W/V 48 - WANG, ELLEN ANDREA 37,
52 - WELBURN, JAMES 48 - WILLIAMS, MARS 3, 46 - WISSEL, GEORG 24 - WOLFE, ADA
BIRD 50 - YERSHOVA, ANGELINA 76 - ZACH, INGAR 85 - ZIMMERLIN, ALFRED 32
87

88