BAD
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ALCHEMYDie jüngsten Avantgardisten[07 Dez 2017] Sunny Murray (American free-jazz drummer), 81[16 Dez 2017] Z'EV (American percussionist), 66[21 Dec 2017] Roswell Rudd (American jazz trombonist), 82[17 Jan 2018] Christian Burchardt (bayrischer Percussionist - Embryo), 71[24 Jan 2018] Mark E. Smith (The Fall), 60[09 Feb 2018] Jóhann Jóhannsson (Icelandic film composer), 48[11 Feb 2018] Tom Rapp (American singer-songwriter - Pearls Before Swine), 70[12 Feb 2018] László Melis (Hungarian composer and violinist - Group 180), 64[15 Feb 2018] Milan Křížek (Czech composer), 91[18 Feb 2018] Didier Lockwood (French violinist - Magma, Clearlight, Rahman), 62[05 Apr 2018] Cecil Taylor (American jazz pianist), 89[11 May 2018] Mikhail Alperin (Ukrainian-born Norwegian jazz pianist), 61[13 May 2018] Glenn Branca (American avant-garde composer and guitarist), 69[14 May 2018] Tom Wolfe (New Journalist & Dandy), 88[20 May 2018] Dieter Schnebel (deutscher Komponist), 88[22 May 2018] Philip Roth ("Portnoys Beschwerden", "Amerikanisches Idyll"), 85

I want to write books and pieces in a way that serves as a memorial for
magical people and that in its own way becomes a magical person. It’s like
Adam Kadmon, the original Adam, or even like the Jewish idea of the Golem
that can be brought alive using language, if you know what I mean. Small
events are great events, like blood into milk, like the miracle of the mass...
I am allergic to ordinariness and I can’t understand people who don’t let art
and music affect them to the point that their very existence is permanently reformated. Otherwise what’s the point?
David Keenan

Er schlug das Buch auf... Er ließ die Finger darin blättern und fühlte ein
Kribbeln, als wären die Seiten lebendig. Das Kribbeln breitete sich von den
Fingern aus und durchdrang Fleisch und Knochen; bis in alle Details war ersich dessen bewusst, während er darauf wartete, dass es ihn ganz umschloss,
dass die alte Erregung, der Angst so ähnlich, ihn ebendort hielt, wo er lag.
Das Sonnenlicht wanderte übers Fenster und fiel auf die Seiten, aber er konnte
nicht lesen, was da geschrieben stand.
John Williams - StonerGelesen
Pierre Christin + Enki Bilal - Das steinerne Schiff; Die Stadt, die es nicht gab
Jakub Deml - Unheilige Visionen aus Tasov
Jonathan Safran Foer - Alles ist erleuchtet

Peter Härtling - Der Wanderer
Hermann Hesse - Das Glasperlenspiel
Ryszard Kapuściński - Die Welt im Notizbuch

Jaan Kross - Das Leben des Balthasar Rüssow
Harper Lee - Gehe hin, stelle einen Wächter

Clarice Lispector - Nahe dem wilden Herzen
Karl May - Ardistan und Dschinnistan
Inge Merkel - Das große Spektakel

Saša Stanišić - Vor dem Fest; Der Fallensteller
Stendhal - Die Kartause von Parma

Dragan Velikić - Lichter der Berührung

Varujan Vosganian - Das Buch des Flüsterns
John Williams - Stoner
Serhij Zhadan - Internat
2

Freakshow: Bent Knee
"Du hier?", werde ich verwundert empfangen, als wir am
4.3.2018 zur 17 Uhr-Matinee im Immerhin eintrudeln. Erst
dadurch erfahre ich, dass die angesagte Band aus Boston
als viel zu poppig und populär für meinen miesepetrigen
Geschmack eingeschätzt, aber gerade deshalb von Freaks
und Sonntagsfreaks in ungewohnter Anzahl geschätzt wird.
Die Babyblauen beschlumpfen Bent Knee seit Jahren, ich
stolpere unbeleckt in die noch freie erste Reihe, angelockt
von endlich mal zwei Frauen und dem Gütesiegel Cuneiform
bei ihrem 2016er Album "Say So". "Land Animal" ist letztes
Jahr dann bei InsideOut Music herausgekommen, undoffenbar ist man dann schon wer. 20 € Eintritt tragen dem
Rechnung. Kenner des vom Gitarren-Hipster Ben Levin undder Sängerin & Keyboarderin Courtney Swain mit Berklee
College-Knowhow initiierten Sextetts bemerken freilich daerste Anzeichen von Routine, gemessen an "Shiny Eyed
Babies" (2014) als frühem Zenit und Maßstab. In mir habensie eine Jungfrau vor sich, die, obwohl nicht unbeeindruckt
durch das Pizzicato und Gefiedel eines hingebungsvollen Geigers, der Dynamik eines
Drummers in der Gewichtsklasse von Tyshawn Sorey, dem Temperament der Bassistin
Jessica Kion und der Soundwizardry eines Laptoppers, der sich auf Hall, Drones undLivesampling konzentriert wie Schroeder auf Beethoven, doch ganz vom sechsten
Sechstel gefesselt ist. Als grandiose Ausnahmesängerin, einzigartiges Stimmwunder und"vermutlich die großartigste Sängerin, die..." bejubelt, führt Swain mich arg in
Versuchung, Gabby Young eine zweite Göttin an die Seite zu stellen. Dabei hat die
proppere Brunette so gar nichts von einem Paradiesvogel oder einer Pop-Diva, aber wassie so scheinbar mühelos aus sich herausholt, ganz ohne Anmache oder Überwältigungsattitüde, ist als Macht einer Stimme atemberaubend, umwerfend, superlativistisch. Doch auch musikalisch bringt Bent Knee meine selektive Aufmerksamkeit
allmählich aufs Laufende ihres Artrocks mit Pop-Appeal und geschickten Kontrasten aus
zart einseifenden Passagen und wuchtigen Momenten, die einen bodychecken und an die
Gurgel gehen. Feine Geige, dezente Keys, fragile Gitarre, nebulöse Elektroorchestrierungen, vierstimmige Chorusse der Frontreihe, aber dazu auch pumpender Bass,brachiale Drums, ein hopsender Gitarrist und Kion fast noch euphorisierter als Levin.
They had me, genau genommen, at 'Counselor', einem Ohrenspitzer mit Cabaret-Twist
beim Refrain Kiss me counselor you’re so sweet / When we talk I think you love me / I
could tell you anything / It’s nice that someone’s thinking of me, gefolgt von derbem Lalalaund dem stakkatohaften Silbenfeld Street boy, flashlight, window, crowbar / Xbox, dogbarks, gloves off, rip hard / Fake card, back home, tiptoe, good kid. .. Ebenso wie neue,
stehen nämlich Songs von "Say So" auf dem Programm, 'Black Tar Water', daskaskadierende und hochtönig gefingerte Gitarren-Interlude hin zum chinesischen Hojoto
und plötzlich ganz intimen Because the things you love have no pulses, give no hugs /They sit inside of boxes / Getting buried and stepped on, das erst kätzchenhafte, dannhitverdächtig animierende 'Hands Up', das doch mit kleinlautem Please don't go, la la laendet. Dazwischen 'Land Animal' mit dem flehenden Sending out my message to You... als
mein zweites Highlight. Gipfelnd in 'Way Too Long', ihrem finalen Ausrufezeichen undkrachenden Schlussfeuerwerk, das mit seiner Ölpestdramatik den Bogen schlägt zum
Black tar water / Seeping out my pores / Filling up my lungs des Auftakts. Natürlich werden
Courtney & Co. rock'n'roll!!!-ekstatisch noch zu einer echten Encore geknechtet. Und
anschließend dazu, im Kaufrausch geraffte Tonträger zu signieren. Wozu sie sich,
sympathisch allürefrei, nicht lange bitten lassen. Kein Wunder, sind doch alle ein Herz undeine Seele und heute noch kaum ein Wunsch offen gebleiben.
3over pop under rock
AltrOck - Fading Records (Milano)
Dass alles beim Alten geblieben ist, klingt bei AltrOck-Acts wie den sizilianischen
HOMUNCULUS RES weniger nach Vorwurf als nach Lob. Denn Dario d'Alessandro(Gesang, Gitarre, Korg, Casio, Glockenspiel, Bass), Mauro Turdo (Gitarre), Daniele
Crisci (Bass), Davide di Giovanni (Nord Electro 2, Korg MS 10) und sein Bruder Daniele(Schlagzeug), dazu wieder Paolo Botta (Hammond, Mellotron, Wurlitzer) und Dave
Newhouse (Sassofoni, Clarinetti, Flauti) reihen auch auf Della stessa sostanza dei
sogni (ALT-059) unvermindert reizvoll Song an Song. In augenzwinkernder Anlehnungan Italoschlager, aber zuvorderst mit überkandidelten Konsequenzen aus Hatfield andthe North, National Health, Egg, Picchio dal Pozzo und dergleichen. Mit knickebeiniger
Rhythmik, dem wechselvollen Miteinander von Keys, Gitarren und Bläsern, drehwurmig quirlender oder auch träumerischer Melodienseligkeit, ohrenzupferischen Anklängen wie dem magmaesken bei 'Faccio una pazzia' und einer skurrilen Blütenpracht
in den Klangfarben von auch noch Mandoline, Posaune, Oboe, Englisch-, Wald- &Gemshorn treiben sie den englischen Spleen auf süditalienische Temperaturen. Das
Lalala von Alessandra Oria Bollino bei 'Se la mente mentisse' mit seinem Spritzer Burt
Bacharach und Lorenzo Leddis Afrogitarre und der Zungenschlag von Sara Zerilli bei'La casa dei sogni' geben diesmal noch einen femininen Touch. So werden im To sleep,
maybe to dream von 'Non sogno più' und 'Mentre dormi' uralte Heilmittel ('Rimedi
Ancestrali') empfohlen, nämlich 'Distrazioni', der Stoff aus dem die Träume sind undlieber eine Prise Irrsinn (...una pazzia) als 'Dopamine'.
Dagegen scheint Arrivederci sogni (FAD026) Träumen abzuschwören. Denn dort, wo
Gott die Wolken malt ('Dove Dio dipinge le Nuvole'), scheinen Dunkelheit und Grautöne
vorzuherrschen ('Nero, grigio e tu'). Andrea Lotti, der in Genua La Coscienza di Zeno
mitbegründet hat, aber schon nach dem Debut verließ, greift daher als LA DOTTRINA
DEGLI OPPOSTI zur rosaroten Brille. Und eigenhändig zu Piano, Keyboards, Gitarre,
Mandoline & Akkordeon, um zusammen mit Gabriele Guidi Colombi (La Coscienza diZeno, Not A Good Sign) am Bass sowie Paolo Tixi und Francesco Ciapica, Drummer
und Sänger von Il Tempio delle Clessidre, sein Gleichgewicht wiederzufinden in RetroProg-Pathos und im Symphonic-Sound des 18-köpfigen Kammerorchesters des Conservatorio di Musica G.F. Ghedini in Cuneo. Dass man das Gleichgewicht ('Equilibrio')
und die Senkrechte ('La Riconquista della Posizione Eretta') finden kann in Streicherschwulst und elegischer Klimperei, ist anderen eher gegeben als mir. Wobei Lottis
Ringen doch so ehrlich ist, dass ihm die Seelenruhe letzlich zwischen den Fingern
zerrinnt. 'Fra le dita' ist als episches Finale daher in seinen ruhigen Momenten und mit
illusionslos gedämpftem Rezitativ zu freilich doch arg wonnigen Strings schon aucheine respektable Bilanz. Die Lotti natürlich nicht ruhen lässt, so dass er nochmal den
orchestralen und bassknurrigen Pulsschlag erhöht - als 'Dio dipinge'-Puls des instrumentalen Auftakts - und den Streichern, der Flöte und dunkel getönten Bläsern zu
melancholischen Röhrenglockenschlägen eindrückliche Hell-Dunkel-Malerei abverlangt. Der melodramatische Filmmusik-Tenor oder selbst der Schweb-, Slide- undKlimperklang bei 'Quiete' bereiten mir auch kleinere Magenschmerzen als Ciapicas
Stimme, wenn er von kuschelrockigem Ohrenkitzel sich aufschwingt in eine Theatralik,
in der ihm der Pelz von der Brust auf die Zunge rutscht und Gitarrenklischees undjaulende Keys zum guten Ton gehören. Dann lieber doch die pure Melodramatik derStreicher bei 'Equilibrio' und der wallende Drive bei 'Sulla Via del Ritorno' mit Horn und
Flöten im Trauermarschmodus, aber kontrastreich rockiger Reprise.
4DA (Schlockweltall)
Gilda visioniert "Die Welt nach Kersey" (im wieder
ultrakrassen Schlockcomics No. 16). Und er visioniert sich selber als Old Gilda, 2048 nach Schlaganfall stumm und gelähmt im Rollstuhl, von dergeliebten Maddalena betätschelt und mit Pfeife undBier versorgt. LUV U 2, krakelt er mühsam aufs
Papier. Aber das ist Zukunftsmusik, noch ist er als
der Schlockmaster ganz DA. Und macht mit Joytrap(DA-REC 016, CD-R) einmal mehr Musik, die alle
unterhaltungsindustriellen Parameter zur Hölle
schickt. Wie es sich gehört mit Manüla an Akkordeon & Vokal, Sepp Löbert an Elektronik und er als
das Frontschwein mit Beat, Vokal & Gitarre. Das
Akkordeon wimmert, der Beat betickt Noiseschlieren wie eine Schreibmaschine, und der
Schlockmaster überschmiert den schalen Lustgewinn im Amüsierbetrieb mit dem Teerpinsel seiner Zunge. In seinem Ceterum censeoähnelt er einem störrischen Rufer in der Wüste, die da in der Schlumpfwelt wächst undwächst. Zirpend zieht DA an der Knochenmühle des 'Purgatorio' vorbei, mit Manüla als
Dante. Als heroisch-nihilistischer 'Ritter' der traurigen Gestalt führt DA seine Lanze gegen
die Strahlkraft der Illusionen und Spektakel, die im Vorschein einer HuxleyOrwellWelt die
Schwanzlutscher des Mammons bei Laune halten. Manüla vokalisiert, statt fetter Bässe
klopft ein einsamer Klopfkäfer. Und Felix Weber stimmt Do not forsake me oh my darlingan, 'The Ballad of High Noon'. Was den Ritter zum einsamen Sheriff macht. I'm not a afraidof death, but oh... wait along, wait along. Arbeit + Muse = Freude, Liebe + Geist = Freude
und 'U & I' (just You & I in love) = Freude, wenn auch eine götterdümmrig überschauerte.
Zittriges Akkordeon und plinkende Gitarre lokalisieren 'Grass Green, Sky Blue' lenzenbrunn-folktronisch, aber was Felix dort hält und es ertragen hilft, is you, only you. Dennoch
ist das letzte Wort: "kaputt". Was wohl die Hoffnung meint, den Leuten etwas Besseres
vermitteln zu können. Dennoch, Schlock will nicht in den Schmollwinkel, sondern aus der
Schundecke und vom Abseitigen her die Pop-Fassade der Schlumpfwelt überschlocken.
Mit Schund und Gore, zugleich lyrisch und philosophisch, vor allem aber realistisch. Eine
Filosofie der Möglichkeiten. Eine Politik des Anderen. Gary Panter über alles! Gegen
Abstraktion, zugleich sich sträubend gegen Vereinnahmung und Enteignung. Aber auchgegen den Weg, den Paul Kersey (Charles Bronson) einschlug, als Mann, der rot sah. Der
Todeswunsch ist keine Option.
Mit Requiem for Wm. Berger (DA-REC 017, CD-R), live im Club W71, würdigt DA als einen
Bruder im Geiste den Radio-DJ William M. Berger (1964-2017), der bei WFMU "My Castle ofQuiet" kuratierte (archiviert beim FMA), das Label Prison Tatt Records betrieb und mit
Uncle Wiggly auch selber Musik gemacht hat, alles nach dem Motto: No matter how we
may appear, behave, or relate outwardly, it is the monster inside that ultimately dictates
our choices. These are a few of mine. Sein inneres Monster liebte Creepy prog rock, eerie
electronics, soundtracks, horrorscapes™, and a deluge of black metal and noise. Der
Schlockmaster bedauert, dass sie nicht zu Lebzeiten ein Team bilden konnten, und zu dritt
winden sie einen Kranz aus zirpendem, wummerndem, pochendem, brodelndem Noiseund eerie electronics als Farewell. We are damned to live some time, und viel zu früh wird
es Nacht. Ruhe sanft, William. Schlockmasters Singsang kommt wie in Trance. Zuletzt
spricht aber DJ Berger selber und gibt mit 'Aufwärts' aus Stockhausens "Aus den sieben
Tagen" einen Hinweis auf das, um das die Gedanken zu DAs Nachtmusik die ganze Zeit
kreisen: Abwärts, Ankunft, Verbindung, Intensität, Kommunikation, Oben und Unten,
Unbegrenzt... Setz die Segel zur Sonne, William. Ahh, gut geworden. Alles. Ad infinitum.
5

PinioL (Lyon) ≠ Yolk (Dunkerque)
Keine Frage, wenn 'Pilon Bran Coucou' losknattert, der gekläffte und geknüppelte Opener
von Bran Coucou (Dur et Doux), der wie Raumschiff Orion abhebt, dann ist PINIOL durchaus das 14-armige Math-Metal-Prog-Monster, das beim Elefantenfick von PoiL und Ni zu
erwarten ist. PoiLs Oberzappa Antoine Arnera an den Keys, dazu die Gitarren (Anthony
Béard + François Mignot), Bässe (Boris Cassone + Benoit Lecomte) und Drums (Guilhem
Meier + Jean Joly) verdoppelt in präziser Brachialität. Auch der seltsame Gesang wirkt dadoppelt seltsam zu den ausgetüftelten Kniebrechfrickelbrüchen, manisch exekutiert vonBrainiacs, die ihren Witz in absurd gabberndem Speedmetal-Tempo und als Stakkatodauerfeuer verpulvern. Das rammdösige Dampfgehämmer ungerader Beats setzt sich fort
im knurrigen 'Pogne', als juckpulvrige Wuchtbrummerei, die zickzackendes Zickzackzack
ad absurdum treibt und dazu psychedelisch trillernd eine Nase dreht. Die Babyblauen
mögen das obergeil finden, ich finde es zwar famos, aber vorhersehbar und auf die Dauer
ermüdend. Denn derart exekutiert, klingt PinioLs Komplexität ingenieurmethodisch undwie ein wie geschmiert abgespultes diktatorischen Programm. Wie sich das repetitiv undknackig in reißverschlussartiger Antiphonie verkrallt, ist als durchchoreographiertes
Hauen und Stechen bestechend. Dass die Lyoner ihre Freak-Robotik nicht als sterile
Matrix-Puppen exerzieren, sondern als gewollt lachhafter Verschnitt aus Jackie Chan, Luisde Funès und Rumpelstilzchen, macht es jedoch nicht besser. Mir kommen sie nur bei'François 1er' und 'Orbite' in postrockiger Gedämpftheit und Geduld entgegen, wo sie sichin Stoner-Düsternis hineinsteigern, statt aufkommende Gefühle gleich wieder zu
schleudertraumatisieren. Aber ich bin ja auch ein unsportliches Weichei, das eher bei Bent
Knee zärtliche Reflexe verspürt als bei rumhopsenden Frogs, die mir die Synapsen
rüttelsieben. Ich kann und will PinioL nicht als virtuos rumbolzende Testosteronspritzer
abtun (die PoiLs haben ja als Le Grand Sbam das Gegenteil bewiesen). Doch ihr Pseudobrutalismus lässt mich relativ kalt neben Musik, die mir lieber und herzbewegender ist, weil
vielgestaltiger, oxymoroner, spannender... Französisch gesagt: Alfie Ryner, Aquaserge,
BCD Labelle, Camembert, Coax Orchestra, Médéric Collignon, Earthly Birds, Denis Frajerman, La Friture Moderne, Grugrü, Jack Dupon, La STPO, Les Comptes De Korsakoff, JeanPhilippe Morel & Philippe Gleizes (Band of Dogs, Call the Mexicans !!!, Kolkhöze Printanium, United Colors of Sodom), Neom, Oiseaux-Tempête, Philippe Petit, Rêve Général...
Oder nehmen wir einfach YOLK mit Solar (Nuun Records). Valentin & Antonin Carette an
Gitarre & Bass, Adrien Michel an Sax & Keys und Fabrice Brzoskiewicz an den Drums
setzen zwar ebenfalls auf repetitives Riffing und zuckendes Stakkato zu ostinat
stampfendem und knatterndem Beat, aber aufgeweicht durch psychedelische Kaskaden
und die feminine Vokalisation von Delphine Delegorgue. Anklänge an Neom kommen so
stahlbadgehärtet rüber, aber dazwischen irrlichtert die Gitarre auch ganz transparent,
bevor sie brachial und mit großem Hojotoho! zum Gipfelsturm ansetzen. Auch bei 'Vanitas'
operiert Yolk mit rasanten Call & Response- und Zweiklang-Mustern, macht sich aberzugleich auch wieder ätherisch und durchlässig, füreinen Dur-Douce-Kontrast mit wieder schönen DelphineSprüngen, Flimmereffekten von Gitarre und Keys undeinem Tamtam-Groove, bis spannungsgelöster Schwebklang hinführt in morriconeske Gefilde. Auch 'Sepulchre'
ist zugleich kämpferisch und elegisch, mit sogar direkt
PinioL'schen Knattermustern, gepauktem Looping undkeckernden, hin und her gebeutelten Vocals. Dochwieder wird man auf eine Lichtung geführt für ein Et in
Arcadia-Feeling mit Delphines Aaah und perlenden Keyszu rockendem Mahlwerk. Nicht dass ich das in den
Himmel heben möchte, es zeigt nur, auf was ich hinaus
will. Auf mehr ("etwas Besseres") als (nur) Kampfsport,
Männerschweiß, Bodychecks.
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"Bran Coucou" vs. "Solar", das war am Donnerstag, also Vorher. Jetzt ist Nachher
und ich bin um die Freakshow-in-Concert Late Matinee im Immerhin (So., 29.04.)
schlauer. Denn wir waren - was für ne Party! - mit

Yolk auf dem Planeten der Affen!
Aber der Reihe nach. Die Dünkirchener steigen ein mit dem düster getragenen'Solar', links Valentin Carette im The Residents-T-Shirt mit einem ganzen Beet voller
Pedale für seine Gitarreneffekte, wie rechts auch sein bemützter Bass-Bruder
Antonin. Zusammen mit dem wuchtigen Drumming von Fabrice Brzoskiewicz sorgt
der für einen quirlig-massiven Zeuhl-Flow und fallweise auch Vertrackteres,während Adrien Michel an Keys & Laptop eher feingliedrig und hintergründig agiert.
Zentral im Blickfeld aber, in Bluejeans und rotem Yolk-Shirt als milchig-keltische
Renée Zellweger - Delphine Delegorgue mit ihrer A-e-i-o-um-Sprache fast ohne
Konsonanten. Beim ersten Beifall nach ner Viertelstunde flüstert mir ein Dämon ins
Ohr: 3 Stufen unter Godspeed You Black Emperor! (auf der Himmelfahrtskala). Dochbei der nächsten Pause höre ich schon: Aber solche RIO-Elemente haben die (dieKanadier) nicht. Und ab dem nächsten Klatschen & Jubeln mischt 'mein Dämon' nur
noch sein yolkifiziertes heiseres ÖÖÖÖiii!! in den
enthusiasmierten Chor. Denn Captain Dun-Kirk
und seine Crew spielen mit uns (zumindest
unsern Köpfen) Space-Age-Squash und pitschen
einen von einem Dschungelpartykracher zum
andern. Mit von mir so nicht erwartetem Geflipper von Freakpop zu Folklore Imaginaire unddem mitreißenden Wechselspiel dynamischtransparent, hell-dunkel, kapriziös-delirant. Valentin Carette irrwitzt mit Gitarre rückwärts, er
lässt UFOs zwitschern, lässt die eben nochtappenden Finger die höchstmöglichen Sounds
kritzen, tauscht ätherische Töne gegen furioses
Arpeggio und und und. Die 'Vanitas'-Melancholie
mit Fausthieben aus shub-niggurath'schem Dunkel
löst sich da in gekickte und getrillerte Euphorie auf. Dazu kaut Delphine (in einem
anderen Leben Bibliothekarin, Graphikdesignerin und Fotografin) einem das Ohr ab,dass Gong-Mutter Gilli Smyth stolz auf sie herab blickt. Sie hilft ihren swinglesingerverswingten Tönen und zickigen Intervallen mit den Händen auf die Sprünge,sie grinst, maunzt Silbensalat, ihre Mimik spricht Bände. Sie zwirbelt an ihren
Effektknöpfen, schleckt kosmisches Eigelb und kapriolt gleich wieder auf dem
Trampolin Oktaven zwischen Sopran und Alt, kräht mit osteuropäischem Anklangoder leicht eskatonistisch. Ich tue mir jedenfalls schwer, die Quellen für das
spezifisch Delegorgueske zu benennen. Bevor 'Sepulchre' mit seinem gepaukten
Bom-Bam-Bum und berberischem Gekecker den Kreis schließt, wobei zweimal ein
untotes Feedback die Band aus dem Konzept bringt und ehe Pappa Zappa aus den
Pantinen kippt, fällt sogar Samla Mammas Manna vom Himmel - Mahlzeit! Ein Motiv
springt im Dreieck vom Mund zur Gitarre zum Saxophon, das Michel pustet. Bei'Scathodick Surfers' vexiert die Gitarre zwischen Morricone und Trey Spruance.
Delphine kirrt und trillert zur Saint-Crazy-Idiotie von 'Snaky Eye Ball', neben dem
turbofolkigen 'Metaliban' einem weiteren der Rückgriffe auf ihr Le Cluricaun-Albumvon 2006, mit denen sie auch die vehement verlangte Encore bestreiten. Da ist das
Stadium, ihr aus der Hand zu fressen, schon soweit gesteigert, vor ihr hingebungsvoll die Hirnschalen aufzuklappen, um als 4-Minuten-Eier geschlürft zu werden. Wiesie da als Bluejeansbabe einen Sugardaddy hypnotisiert, kann man nur mitleidig die
Augen rollen. Bei Delphine würde selbst Mr. Giggles zum Lämmchen. So prompt wie
mit den RIO-femininen Trümpfen dieses Quintetts wurde mir noch selten in die
Karten gespielt.
7

Lukas Simonis (Rotterdam)
Fast könnte einem zu The Squat (Z6Records 00073487) die Banalität von den sichanziehenden Gegensätzen in den Sinn kommen. Einerseits MISHA FEIGIN, Gitarrist
zwischen Folk und Free Impro in Louisville, Kentucky, dazu Autor von “The Last Word in
Astronomy”, "Abraham’s Bagel" und "Tribal Diaries". Einst mit hippiesker Sozialisation in
Moskau, seit 1990 in den USA und Spielgefährte von LaDonna Smith, Eugene Chadbourne,
Dave Liebman, Susan Alcorn. Andererseits LUKAS SIMONIS, eher von punkigem und überdie Stränge schlagendem Gemüt, in Dull Schicksal, Trespassers W, Coolhaven, Liana Flu
Wink, Stepmother oder Mensimonis. Nun also zusammen in Rotterdam, als Noise Lover
und Chance Surfer, Feigin rein akustisch, Simonis mit Pedals und Arp Odyssey.
Gemeinsamer Nenner ist nicht zuletzt ein trockener Humor, der aus Feigins Poesie
aufsteigt und die Saitentraktate durchwirkt. Melodie und Harmonie haben ihren eigenen
Kodex bei, eingedenk der Unterschiede, dann doch erstaunlich brüderlichem Gezupfe.
Feigin spricht seine nicht gerade natur- oder liebeslyrischen Zeilen und akzentuiert das
mit maunzenden Lauten oder Singsang. 'Spiritual' listet, sarkastisch, wer alles wen getötet
hat, klassen- und rassenweise, hauptsächlich massenweise. Es wird gepickt, gestrubbelt,
gewischelt und geprickelt, drahtig, struppig, pikant. Outlaw Poetry trifft Leftfield Guitars,
aus Ritzen kriechen Ameisen und Spinnen, Liebe macht Lärm, Sterne blinken Codes, eine
Nonne perlt den Rosenkranz, obskure Verse werfen Schlaglichter zu arpistischen
Odyseen. Bis zuletzt sind die beiden um keinen Trick verlegen, um mit den Gitarren abartig
zu flirren, zu scharren, kurios zu zwitschern und andere animalische Laute von sich zu
geben. Den Schlusspunkt setzen jedoch nylonfeines Arpeggieren und ein melodischer
Schwebklang, der mit rhythmischem Puls und klampfigem Riffing über schleifende Kratzer
hinweg zieht. Feigin wiederholt nochmal die schon bei 'Like a Nun' gesprochenen Zeilen.
Nun denk dir deinen Teil.
Knock'em Dead Records hat sich verdient gemacht mit Neuauflagen von Officer!s"Ossification", "Miniatures", "Slow Crimes" von The Work und Video-Aventures' "Camera(In Focus) Camera (Al Riparo)". Dazwischen, neu, "Calvary Greetings" von Stepmother, als
Spaß unserer alten Helden Bill Gilonis, David Kerman, Luc Simonis und Jeroen Visser.
Auch auf Sometimes Puns are a Sign of a Damaged Brain (KDR011/Megaphone 034)
mischt Simonis mit als der Lu in IG WITZELSUCHT, neben einem Dom, der sich als Dominic
Robertson (aka Ergo Phizmiz aus Bridport) herausstellt. In der Crew entdecke ich zudem
Cor Hoogerdijk (Trommler bei Trespassers W), Philipp Ernsting (Trommler bei Albatre),
Nina Hitz (Cellistin bei The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble und mit Lu bei AA Kismet, Liana
Flu Winks, Perfect Vacuum, Peter Stampfel & The Worm All-Stars und Zoikle), Frans
Friederich (Blechmann bei Dull Schicksal und Trespassers W) und mit Querflöte Henk
Bakker (Lus Partner in The Static Tics). Dom hat schon mit People Like Us witzelsüchtig
gepunktet. Jetzt singt er von nem Dodekaeder, von Schafen im Wolfspelz, wie ein
Schlafloser sie zählt, on my bedsheets is a winter landscape / so many snowballs to throw.
Er kauft am Kiosk des Teufels nen Mars-Riegel und ne Dose Coke und erfährt, dass es im
Himmel fürs Personal (the servants) nicht sehr himmlisch bestellt ist. Er singt von Apps fürjeden Scheiß, von der skandalösen Imogen, vom Älterwerden, von Pechvögeln und Losern
und reimt musicians are weird and ought to be feared. Aber er weiß, i will never be abrand, er weiß, Sorrows can swim. Er singt: I'm a womb twin survivor / I miss me a lot.
Dazu schrappt und fetzt, industriegewerkschaftlich und interessengemeinschaftlich, asuperpop Rock'n'Roll electric band mit Gitarren, Keys und Bass, aber facettiert mit
flötistisch-cellistischen Weichspülern und dicken Tubabacken. Dem Gesang hört man an,
dass Dom weiß, wie man mit Puppentheater was hermacht. Aber sein 12-eckiger Kopf
reflektiert ja so vieles: Rabelais und Dr. Faustus, Mozart und Raymond Scott, Bruno
Schulz, Flann O'Brien, Jan Svankmajer, Karel Zeman, Gala Dali und Robert Ashley.
Britischer Witz meets, ohne wenn und aber, niederländische Sophistication für eine
wortgewandte Pop-Revue, die into sexy darkness lockt.
8

La Société des Timides à la Parade des Oiseaux
Wer hat Angst vor 'Rot, Blau, Orange'? Dreiundzwanzig Jahre ist es her, seit La STPO diese Frage stellte. Auf Les Explositionnistes (1995), ihrer
ersten CD. Denn Pascal Godjikian, der Poet &Vokalist der Band in Rennes, Jim B an der Gitarre
und Patrice Babin, der Drummer, Bala-, Xylo- &Metallophoniker, waren da schon gut zehn Jahre
am Werk gewesen, mit ihrem 7"-Pop-up-Debut
auf dem Kultlabel Illusion Productions, derersten LP 1990 und den Kassetten "Le Femme:
Portraits" (1992) & "Objet De Plaine" (1994) als
Beginn ihrer Prikosnovénie-Phase. Aber sie
waren ein Geheimtipp, nur von Kennern in einem
Atemzug mit Etron Fou, DDAA, Debile Menthol,
Look de Bouk und Albert Marcœur beraunt,
Godjikian von mir als Blutsbruder von Han Buhrs
oder David Thomas gefeiert.
Wobei da mehr in ihm rumort. Nämlich die Farben Armeniens (1991 unabhängig geworden
und gleich in den Krieg um Bergkarabach verstrickt): Das Orange der Aprikose (Prunus
armeniaca), das Rot des Granatapfelblutes und der blaue Luftraum der Vogelmenschen.
Denn auch in Godjikians Vorvergangenheit flüstern - wie im "Buch des Flüsterns" - die Hunderttausende massakrierten und Millionen in alle Welt zerstreuten Armenier, mit Frankreich als der drittgrößten armenischen Diaspora (die in Charles Aznavour ihr bekanntestes
Gesicht bekam). 'Arménie' (auf "Le combat occulté") ist ein extraordinäres Memento.
Dabei ist Godjikians Engagement nie 'politisch' im einseitigen oder engherzigen Sinn. Mit'Sarajevo-Stepanakert' oder 'Markale' & 'Stupnido - Sumgaït' (auf "Expériences De Survie",
1999) erinnert und beklagt er die Pogrome in Sumgait in Bergkarabach (27.2.1988) und im
bosnischen Stupni Do (23.10.1993) und die Blutbäder auf dem Markale-Platz in Sarajevo(5.2.1994 & 28.8.1995). Dagegen setzt La STPO die Explosionen der Kunst, Asger Jorns'vergleichenden Vandalismus' der Farben und Formen: Max Ernst ('DadaMax stellt Loplopvor'), Picasso ('Le Portrait de Dora Maar'), Barnett Newman ('Who's Afraid of Red, Yellow
and Blue?'), Jorn ('Kiotosmorama') und Lyonel Feininger ('Barfüßerkirche in Erfurt'). Maler
als Les Explositionnistes, als Sprengmeister der Sinne. Dem entspricht das "Avant, Avant!"
einer explosiven und vulkanischen Musik, das Zerreißen der Songform und der Linearität
in bizarr collagierten Capriccios, die chymische Hochzeit von Artrock und Art Brut, vonKakophonie und Finesse, in einem pataphysischen Reagenzglas. Dazu tragen Christophe
Gauthier mit Sopranosax, Tubaga & Synthesizer, François Morel mit Bass und Jean-Marcel
Garo mit Kontrabass & Viola da Gamba ihren Teil bei, über allem aber Jim Bs Gitarrenmagie. Das Gehirn funktioniert nicht kontinuierlich, wir träumen nicht linear, wir empfinden
nicht systematisch. Daher ist auch Godjikians Artikulation 'barbarisch', sauvage, oulipoesk
und polypotent, mit Kopfstimme gewollt grotesk. Er (sprech)singt surrealfranzösisch undarmenisch, mischt polyglotte Brocken ein, denn wenn die Musik klikkaklakkaklaskaklopatzklatschabattst, will auch die Zunge brekekekex, ko-ax, ko-ax!n. Um dem Who’s afraidof the big bad wolf? zu spotten. Er dem schwarzen Wolf des Genozids (in 'Arménie'), mit
dem historischen Abstand, der die Wölfe ins Reich des Flüsterns verbannt. Wobei es hilft,
ihnen einen Schnurrbart anzumalen. Daneben, nicht analog, nicht mal vergleichbar, unddennoch: Newmans Malerei, in Berlin 1982 und Amsterdam 1986 mit Messern attackiert.
Jedes mit Herzblut gemalte Portrait of the artist as a young dog (Dylan Thomas), en jeune
singe (Michel Butor), als junger Grenzhund (Durs Grünbein), als trinkende Uhr (Ernst
Jandl) ein Sprengsatz gegen die idées reçues und den Stumpfsinn.
"Les Explositionnistes" wurde nun von Psych.KG/E-Klageto [Exklageto 14] neu aufgelegt
und ich lege dieses Meisterwerk allen Bad Alchemysten dringend ans Herz.
9Freakshow: "... but when I'm baaad, I'm better."
2016 spielten sie für uns "Infanticide". Auf den Tag genau zwei Jahre danach kehrt
CATERINA PALAZZI SUDOKU KILLER am 6.5.2018 wieder ins Kellerloch des Immerhin,um dem sonnigen Sonntagnachmittag mit ihrer Sympathie für Disney-Bösewichter zu
spotten. Das Programm der Römer ist diesmal nämlich eine Folge von fünf Suiten, dieeiner Handvoll Schurken huldigen: 'Grimilde', the Evil Queen (aus "Schneewittchen"),'Jasper & Horace' (die schussligen Dognapper aus "101 Dalmatiner"), 'Maleficent' (diedunkle Fee aus "Dornröschen"), 'Edgar the butler' (aus "Aristocats") und 'Medusa' (derrothaarige Gierfinger aus "Bernard und Bianca – Die Mäusepolizei" mit ihren Alligatoren
Brutus & Nero). Wobei das, je länger ich es mir aus der ersten Reihe anhöre, jetzt
weniger direktes Programm zu sein scheint, als ein
Bekenntnis zum 'verfemten Teil',zum Salz in der Suppe, zu den
Abspaltungen und angeschwärzten Verkörperungen der eigenen
dunklen Seite. Mit Disney als
Märchenonkel und Chefideologen der zwiespältigen
Traumfabrikation. Auf dem Weg ins
Märchenglück, das allein den Blonden
und Goldhaarigen, den Niedlichen und
Auserwählten vorbehalten ist, sinddie Schurken und Hexen die hässliche
Restspur der Realität. Umberto Eco hat
in seiner "Geschichte der Häßlichkeit"
Queen Grimilde nicht vergessen, auf derKehrseite des Geschönten hat auch sie eine der Arschkarten gezogen. Nach einer schonnach wenigen Sekunden abreißenden Introattacke hebt Palazzi, in passendem Künstler- und
Bad-Girl-Schwarz, mit Flossenschlägen auf den Bass zu einer Ehrenrettung des Unschönen an. Die Sudoku Killer reihen sich mit einem zagen Trauermarsch, den Maurizio
Chiavaro mit tristen Schlägen klopft, unter die ein, die dazu verdammt sind, den Kürzeren
zu ziehen. Giacomo Ancillotto, der ungeschminkt bei "Nuovomondo" hätte mitauswandern
können, klingt als hätte er vergessen, die Gitarre einzustöpseln. Und von Sergio Pomantes
Tenorsax kommen nur gestöhnte Laute. Er war beim letzten Mal noch nicht dabei, sein
Abracadabra-Shirt von Ulan Bator verrät stolz, dass er für "Stereolith" auch bei Amaury
Cambuzats Kultprojekt mitgemischt hat. Hier kippt er von geröhrten Groovewellen zu
röchelnder und kirrender Insistenz, zwischen die Ancillotto lakonische Westernriffs streut,
bevor der Trauermarsch sich weiterschleppt durch die Wüste des Realen. Als eines vonPalazzis Leitmotiven, das sie zerhackt, aber zwischen melancholischen oder entschlossenen Exkursionen als schwarzen Faden durchzieht. Pomante benagt den Faden mit kakophonen Geräuschen, aber ist auch Fackelschwinger beim groovigen Vorwärts, das Ancillotto mit aufschrillendem Noise beendet. Er ist auch diesmal ein Ausbund an Kontrasten,spielt wieder ganz reduziert, denkbar unangeberisch und immer überraschend. Mit
schlierigem Rückwärts- oder Wabereffekt, Duane-Eddy-Sound, lichtem Plinken, einem
Solo aus zermulmtem Vibrato. Bei "Aristocats" wird nicht auf Katzenpfoten stolziert,
sondern die vier brüten in gebeugtem Trott finstere Gedanken. Palazzi, die neben ihrem
pantherdunklen Catwalking jetzt immer öfter zum Bogen greift und auf die Pedale stiefelt,
sägt und knarzt damit "Die im Dunkeln sieht man nicht"-Poesie. Pomante röhrt wie Mats
Gustafsson, zirpt gleich wieder wie eine halbverhungerte Grille, gibt gelooptes Stakkato
von sich oder elegischen Gesang. Um sich bei der Zugabe im freejazzigen Duett mit dem
mit Blechdeckeln randalierenden Drummer nochmal richtig auszurotzen. Das nenne ich
Pfeffer und Salz für wahre Freaks. Wer sie zwischen Triest, Maribor, Rotter- oder Amsterdam verpasst hat, besorgt sich wenigstens "Asperger" (Clean Feed, 2018).
10

... over pop under rock ...
AQUASERGE Déjà-vous? (Crammed Discs, CRAM 282): Die Franzosen, mittlerweile dem
Freddy Morezon Collectif in Toulouse verbunden, wurden gleich mit "Un & deux" (2009) und"Ce très cher Serge" (2010) in Freakburg willkommen geheißen und frischten mir die
Erinnerungen zuletzt mit der "Guerre EP" (2016) auf. Das hier ist ein Idealkonzert ihrer
letztjährigen Tourneen. Ein Programm mit dem flöten-schtroumpfigen, gitarrenvertrillerten'Virage Sud'. Dem flotten No-Blood-No-Sweat-Some-Tears-Song 'L'ire est au rendez-vous'.
Mit pushendem Baritonsax, parlierendem Chansonnier und rückwärts taumelnd bei 'C'est
pas tout mais' und - Deep Purple meets The Honeymoon Killers - 'Tintin on est bien monloulou' [von "Laisse Ça Être" (2017)]. Mit Zickzackstakkato bei 'La ligue anti jazz-rock'. Im
Superschnellzug mit melancholischen Zweifeln und Freak-out-Gedröhn bei 'Travelling'. Und
zuletzt mit zirpenden Trompetenstößen und wieder Bariton der Bonjour tristesse-Song 'Je
viens' [von "A L'Amitié" (2014)]. Dazwischen, noch in der ersten Hälfte, 'My Funny Valentine'
als Chanson mit Süßholz raspelnden Jazzern: Ma drôle Valentine / Tu fais sourire moncoeur. Denn Audrey Ginestet am Bass, Julien Chamla an den Drums, Julien Gasc an Keysund Benjamin & Manon Glibert an Gitarre & Synthesizer bzw. Klarinetten hatten mit Olivier
Kelchtermans an Saxophonen, Sebastien Cirotteau (mit Benjamin G. in Sweetest Choice) an
Trompete und Robin Fincker (Whahay, Bedmakers) am Tenorsax bzw. Sylvaine Helary (vonSpring Roll, dem Eve Risser White Dessert Orchestra und mit Benjamin G. in Glowing Life)an der Flöte eine Bläsersection dabei, und zudem erklingen auch alle Stücke in neuen
Arrangements. Wobei diese Verjazzung schon bei "Laisse Ça Être" vorgekocht wurde. Weitälter ist freilich das Schöne und Besondere und der wahre Clou bei Aquaserge, ihr Faible für
Popsongs, meinetwegen Artpopsongs, angestimmt von Benjamin Glibert und Gasc, aberimmer wieder auch unisono mit den beiden Frauen. Bossa-Nova-süß, sophisticated wie
Stereolab, à la Exotica aufgemischt, im Wesentlichen jedoch mit dem Spirit, der seit AlbertMarcœur Frog- und Freakprog zu Synonymen macht, der aber schon bei Serge Gainsbourg
zu spüren ist. Sperrig? Sperrig doch nicht. Höchstens kreist und wellt sich dieser Jazz-Rockin Psychkaskaden und krautverfranst, er klingt struppig und fix wie Milou, Tintins Struppi,
aber auch dreampoppig und im 'Atomstil' retrochic. Kurz: Schwer, fast unbeschreiblich,aber formidabel, fesselnd, fabelhaft.
AMUTE Some Rest (Humpty Dumpty Records, HMPTY034, LP): Ein Wiederhören mit Jérôme
Deuson, dessen "Bending Time in Waves" (2016) seinerseits eine Rückerinnerung an Arden
bewirkt hatte. Der Belgier nutzt mit Christophe Bailleau, der 'The Obsedian' beisteuert, undJürgen Heckel, dessen Fotokunst ein karges Chiaroscuro vorgibt, auch weiterhin alte ArdenFreundschaften. Wichtiger ist jedoch Thècle Joussaud, die mit ihrem Cello das ganze
Klangbild mitbestimmt. Das mit dunklen Pianotönen anhebt zu frostigem Streicherklang undzu fragil gehämmertem Piano anschwillt mit Gitarrengedröhn und Drummachinemühlrad.
Deuson hat die Musik seiner Großmutter gewidmet, Heckels Interieurs führen in eine wie
stillgestellte und schummrige Zeit. Von Dröhnwellen übertönt, wiederholt eine Männerstimme immer wieder etwas, das ich trotzdem nicht verstehe. Dazu rauscht das Meer oderauch nicht, ein Kinderchor driftet vorbei, und Amute setzt dazu einen wieder automatenhaftgeklopften Postrockgroove mit Sägezahngitarrenwelle in Gang, der erst nach 17 Min. zur
Ruhe kommt. Gefolgt von gedämpften melodischen Tupfen zu Cellotristesse und, schon auf
der B-Seite, von bebendem Geflirre und kurz auch gedehntem Sang, zu klopfendem Beat,elegischem Cello und waberndem Gedröhn. Mit Carillon setzt 'Dead Cold' ein, und zu zarter
Gitarre, aber auch Kirchenorgel, kaut Deuson wieder an einem Beinahesong. 'The Obsedian'kommt mit Dampfhammerbeat, doch ganz überrauscht und in die Ferne gerückt, mit wieder
Trauerflor des Cellos und der Gitarre. Nach einem gesprochenen Intro singt Deuson zuletzt'Maria', zu geklampfter Tristesse meint man eine mädchenhafte Phantomstimme zu hören.
Aber was auch immer und wie sehr verunklart, die Anmutung, dass da etwas, das sich nicht
greifen und nicht halten lässt, entschwindet, ist deutlich genug.

11

THÉO CECCALDI FREAKS Amanda Dakota (Tricollectif, Tricot 15): Der schon als 'Dada-Paganini' und 'Offenbarung' gefeierte Geiger & Keyboarder Théo Ceccaldi, der mit Daniel Erdmann's Velvet Revolution und in Qöölp mit Lillinger & Graupe deutsch-französische Freundschaften pflegt, ist mir mit Chamber 4 (auf FMR Records) und im Duo mit Joëlle Léandre (aufCipsela) untergekommen. Meist ist er jedoch nicht zu trennen von seinem Bruder Valentin, derauch hier wieder am Cello zu hören ist neben Benjamin Dousteyssier & Quentin Biardeau an
Saxophonen, Giani Caserotto (von Cabaret Contemporain) an der E-Gitarre und Etienne
Ziemniak (Electric Vocuhila) an den Drums. Das Etikett 'Freaks' mag da im ersten Momentkokett erscheinen, hat aber gute Gründe in Durio Zibethinus, Théos Be-Coq-Duo mit Biardeau,
und in Valentins Tricollectif-Quintett Toons und deren Zwergenaufstand "7 nains". Bei Théos"Petite Moutarde" garantiert schon die Femme à barbe auf dem Cover Freakspirit. So wie man
bei den gefrankensteinten Gesichtern hier "Oh mon Dieu" schreien möchte. In Vorahnungeines Zappings zwischen Zappa und Zorn, Strawinsky und Meshuggah, Amanda Lear und Mad
Max. Mit, wie schon bei Valentins "Atomik Spoutnik" mit dem Grand Orchestra Du Tricot,
wieder Wortwitz von Robin Mercier. Um als subversiver Cyberpunk-Virus und Hyper-Drehwurm
den globalen Kladderadatsch aus Grande Vitesse, Neon, Chrom, Botox, Designerdrogen,
Glyphosatglück und Smartphonewischern zu überdrehen und implodieren zu lassen. Viva
Zabrieski! Kitzeliges Gefiedel, ostinat knatterndes Drumming, prickelndes Pizzikato, zickzackendes Saxfieber, Metal-Drive - und dazwischen plötzlich kleine, eskapistische Pop-Träume
als Quertreiber. Doch gleich sind die Freaks wieder schneller und heller als selbst manische
Gasgeber, oder sie tauchen zu fräsendem, bohrendem Saxophon und pumpendem, mahlendem Beat in melodisches Keyboards-Zwielicht, das auch zu wildem Gefiedel eine monotone
Baritonwelle umschweift. Tribbeliges Tempo, zickzackende Geige und jetzt ein furioses Gitarrensolo entschweben sanft hin zu 'Bingo Mazout' mit dem dunklen Gesang von Dom Farkas.
Gefolgt von kleinlauter Tristesse mit ziemniak'schen Akzenten, die sich in pathetischem
Crescendo aufbäumt, und von dem halsbrecherischen 'Henry m'a Tuer' mit Ceccaldis Beschwörung des Mahavishnu-Spirits von Jerry Goodman und Jean Luc Ponty. 'Bon Nuit Madame' schließt als Mitternachtstango in elegischem Noir.
LUCRETIA DALT Anticlines (RVNG Intl., RVNGNL47): Geboren 1980 in Pereira, 8 Jahre inMedellin, wo auch ihr Abschluss in Bauingenieurwesen herrührt, dann Barcelona, wo zuletzt
noch "Syzygy" entstand. Nun schon seit 2013 in Berlin, geschätzt als eine, mit der man sich
"Une femme mariée" oder "Deserto Rosso" anschauen, anschließend über Calvino undDuchamp diskutieren und dabei Wörter wie 'Escopolamina', 'Levedad' [wie in "La insoportable
levedad del ser"] und den Pfefferminzgeschmack von 'Inframince' von den Lippen lesen
möchte. Den Spex-Autor jagte ihr 2015er Album "Ou" los, um ihr schwanzwedelnd Eno undWittgenstein vor die Füße zu legen. Zuletzt hörte ich ihr Brainstorming mit Gudrun Gut und
Monika Werkstatt in der Uckermark. Mit dem Goethe Institut feierte sie in Ljubliana Kurt
Schwitters. Zuletzt präsentierte sie im Haus der Kulturen der Welt "V.I.T.R.I.O.L.", a performance that invokes the enunciation of new alchemical formulas of affective resistance. Hierbesingt sie, hintergrundberauscht durch Dylan Triggs "The Thing: A Phenomenology of
Horror", Alice Fultons Gedicht 'Cascade Experiment' und Essays von Hito Steyerl, an
organless freedom, an airy ego und fragt: What am I but an edge? Aneinander rühren wie zwei
Atmosphären, statt zu ersticken in Honig oder Teer. Die Haut, ist sie Vorhang oder Kruste?
Sind wir künftige Versteinerungen, antiklinale Falten, von Adern durchzogen? Wir, just a
random memorable world ensemble... and everything around us is an illusion. Wir, nichts als
Ausgangspunke konzentrischer Leere, geruchlos bewegter Luft. Solche Gedanken, von Henry
Andersen, einem australischen Text-Sound-Composer in Brüssel, in Worte gefasst, denkt sie
laut und akzentuiert sie mit elektronischen Tropfen und dröhnenden Streifen, quallendem Puls
und schimmerndem Harmonikaklang. 'Tar' kommt mit tockendem Beat, der Sprechgesang
kaum mehr als ein Flüstern, vage und matt. Dalt vokalisiert in ätherischen Wellen, der Beatdazu klingt tropfsteinern und zeitvergessen, um dann doch auch Sekunden zu ticken, wenn sieüber Bewusstsein und Materie grübelt. Die Stimme immer kleinlauter oder bei 'Eclipsed
Subject' vocodergedehnt. Kristalline Klänge und dunkle Materie kreisen um Marsstaub undzerebrale Siliciumatome, verspielt, gewollt altmodisch und halbfest, bei 'Glass Brain' aquaphon
wie Asmus Tietchens. Endend in einem dunklen, matten Beat. Nothing will unfold for us unless
we move toward what looks to us like nothing: faith is a cascade (Alice Fulton).
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OONA Cohen YoungRadiohead (Poise edition 26): Hinter diesem"Live Solo Vol. 1"-Mitschnitt steckt nicht niemand, denn schließlich hat Oona Kastner
bei d.o.o.r Dirk Raulf
zum Partner und als
Pavoon Pavel Fajt. Zu
dessen Drums & Marimba hat sie auf "Levantis" (2014) Keyboards & Elektrobeatsgespielt, von E. E. Cummings, Blake und Pessoa angeregte Lyrics
gemaunzt und dabei
erfolgreich versucht,
polyglott und verboten
minderjährig zu klingen, mit einem Zünglein, als würde sie eine überreife Feige lutschen. Dem stehen bei
Duplex Mesh, ihrem Duo mit dem Pianisten Markus Schwartze, weitere Songs an der Seite,
mit Poesie von Paul Auster, Hugo Ball, Beckett und Mayröcker. Ihr erstes Soloalbum basiert
auf der Konzertreihe "Die Songpoesie meiner Helden" in ihrem kleinen Musikatelier im Artcenter Bielefeld, bei der sie drei Songs von Leonard Cohen anstimmte, vier von Neil Youngund wieder drei von Radiohead. Gleich bei ihrem pathetisch gedehnten 'Avalanche'verkehrt sie meinen pädophoben Vorbehalt mit dunklem Timbre bei nur noch gezielten Aufschwüngen in schwindelerregende Höhen in fasziniertes Staunen. Denn ganz erstaunlich
ist auch ihre rein elektronische und denkbar sparsame Einkleidung in Drones und ganz
wenige Beats. Die wie fast schon nicht mehr von dieser Welt gehauchte, zartbitter geklagte
13-Min.-Version von Cohens 'Love Calls You by Your Name' begleitet sie nicht weniger
eigenwillig mit nur ganz wenigen monotonen Pianonoten. Und was soll ich erst über ihr inMondlicht getauchtes 'Hallelujah' sagen? Nur zu wummerndem Pianodraht und einigen
verschleierten Klängen träumt sie diese Amour fou und schmachtet ihre Hingabe an den
Lord of Song mit nothing on my tonge but... bis zu einer Selbstauflösung, die ihr auch nochdas Hallelujah verbietet. 'Walk with Me' zeigt sie zu raunenden Keys und mulmigem Beat
gespalten in eine fordernd Aufschreiende und eine dämonisch Flüsternde. Gefolgt vom
diabolischen Lobgesang auf the pesticide und the poison tide und die patented seeds undpoisoned crops des Agrarmolochs in 'Monsanto Years'. Wird da schon Mother Nature
verhöhnt und enteignet, verstärkt das nur gewisperte 'Mother Earth' noch die Düsternis.
Denn Mutter Erde wird durch die Gier verfinstert, mit der das Heute verramscht und auf
die Zukunft geschissen wird. Oona setzt die bittere Prophetie fort, indem sie das Freedom
Land in Youngs 'Angry World' plangerecht zur Hölle fahren lässt. Der unbändige Geist ausder Flasche in Radioheads 'The Gloaming' fügt sich daran an, als käme das aus der
gleichen Hand, dem gleichen Mund. 'I Will' zeigt sie atomverbunkert unter der Erde, ausder wohl bald Atompilze schießen. Alles andere wäre ein Kindertraum. Zu dissonantem
Piano sieht sich Oona zuletzt als 'Creep' und Weirdo einem engelgleichen Anderen gegenüber, in einer unerträglichen Kluft zwischen Ideal und Wirklichkeit. What the hell am I doing
here? I don't belong here... Ein gnostisches Stoßgebet, auf die kürzeste Formel gebracht.
Oona, die auf E. M. Cioran verweist als denjenigen, der sie zu ihrer Verausgabung
ermutigt, widmet die Musik ihren Musen. Unter denen ich Patty Waters und Karen Dalton zu
erkennen meine, Nico, Fovea Hex und Niobe, Sidsel Endresen, Eldbjørg Raknes, Jæ,Jessica Sligter... wenn nicht als Musen, dann als Schwestern im Geiste.
Foto © Martin Liebermann

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JACKIE-O-MOTHERFUCKER Bloom (Textile Records, TLP27): Ach, es gibt sie noch!
Seit Mitte der 90er und dem programmatischen "Alchemy... Shit to Gold" vertiefen
sich Tom Greenwood & Co., anfangs in
Portland, Oregon, nunmehr in Oakland, in
Magick Fire Music, kreisend um ein mystisches Amerika, um "Liberation", "Change"und "The Blood of Life". Ein besonderes
Spielzeug waren diesmal Röhren für die
Fundamente der neuen Bay Bridge. 15 m
lang, knapp 2 ½ m im Durchmesser = 'The
Pipe'. Was an "Freaker Pipe" erinnert,
wörtlich genommen. Greenwood setzt
Gitarre, Field Recordings und seine Stimme ein, Michael Whitacker als sein Hauptspielgefährte Altosax, Bassklarinette, Posaune, Rhodes, Synthie, Piano, akustische
Gitarre. Dazu kommen noch zwei vondessen Freunden von Dire Wolves mit
Gitarre, Analogsynthie, Chalumeau undGeige und weitere Helfer mit Bass oder Eva Restad - mit Singender Säge. Man hört
gleich den Hall im übermannsgroßen Röhreninneren, als Audiosphäre für melancholische Töne des Saxophons und derträumerischen Gitarre. Bis mit einem Ruck
'Radiating' einsetzt als US-typischer, Kautabak kauender Song mit flehendem,
flötenbetrillertem Balladentenor: I am notmean. Adressiert an Gott, eine Jury, diemisshandelte Geliebte. Right und wrong,darüber kann man nicht genug gospeln.
Bei 'The Wreck' beklagt Greenwood zu
Geigenweh und herzausreißerischer Gitarre wasted hours und eine Schuld, die es
mit Fire Music auszubrennen gilt. I build
my love a house of rain, singt er bei 'The
Strike', und dazu quarren Posaune und
Bassklarinette und schüren dann dochnoch einen hopsenden Groove. All theworld is dancing, it's not the end. Was fürein Apocalypso. 'Wild Geese' schreien zur
wimmernd singenden Säge und einem
kaputtem Klavier, ein Hund hechelt, aber
die Musik machen doch 'bellende' Gänse.
Mit 'Golden Bees' greift Greenwood nochmal den knörenden Tenor von 'The Wreck'
auf, für ein Schuld- und Glaubensbekenntnis, eingetaucht in zitternde Gitarren- undGeigenwellen und berauschte Turbulenzen, in denen Traum und Albtraum, Schuld
und Unschuld verwackeln.

PHILIPPE PETIT & FRIENDS On Top ...
(Aagoo Records, AGO#101): Petit hat ein
illustres Reservoir an Freunden für ein
kaleidoskopisches Potential an Kreativität.
Viele gehörten auch schon zu den Strings
Of Consciousness: Hervé Vincenti - guitar,
Nicolas Dick - e-bowed guitar, Karim Tobbi- acoustic guitar, Rafaelle Rinaudo - harp,
Lydwine Vanderhulst - strings, Andy Diagram - trumpet, auch mit der Cellistin Bela
Emerson ist er seit Langem vertraut. Er
kann über sie verfügen für gezielte Akzente zu seiner eigenen Klangfarbpaletteaus Synths, Fuzzed Strings, Percussion,
Electronics, Turntables, Cymbalom, Distortions, Organ, Guitar, Chains und Electric
Psalterion. Nur das getrommelte 'Interlude
II' gestaltet er allein, bei allen acht anderen zu zweit, zu dritt, zu viert oder zu fünft
bewerkstelligten Stücken - Songs? - ist
jeweils eine Stimme der Clou: Eugene S.
Robinson (von Oxbow) rezitiert dramatischzum Stakkatodrive von 'The Hammer + The
Compliant Man'. Loesha ist beim harfenmystischen winzigen 'Interlude' nur ein
vager Hauch. Beim ätherisch-mysteriös
dröhnenden, von der Trompete sublim
bestrahlten 'BaKalTag' (9:26) hext die
Ghenter Stimmkünstlerin Maja Jantar mit
versponnener Vokalisation, zu der mir derGeist von Marina La Palma erscheint. Jad
Fair spricht beim dröhnend verrauschten'U & I' verzerrte Zeilen und ähnelt dabei
eher einem Phantom als sich selbst. 'Black
Dog' kommt mit dem postpunkigem Timbre
von Charlie Finke (von The Cesarians) und
Vincentis krachenden Gitarrenriffs einem
bissigen Rocksong denkbar nahe. Ganz
anders Seth Herbert-Faergolzia (von Dufus) beim halb mit Kopfstimme zu wieder
Harfe und Trompete geschmachteten'Charleton Sight'. Lydia Lunch knarrt bei 'F.
T. C.' wieder wie gebeizt und geräuchert
regierungskritische Prosa zu gespenstischem Cymbalom. Ganz hell dagegen derschwebende und gebethafte Singsang von
Heike Aumüller (Kammerflimmer Kollektief) beim mit E-Bow, Gitarre und Cellodunkel gesummten und rauschend gewölkten 'On Top of the Pyramid of the Sun in
Teotihuacàn' (13:18), bis hin zu zuletzt
rituellen Repetitionen.

14

AYUUNE SULE We Have One Destiny(Makkum Records, MR23 / Rebel Up
Records, RUP001): Makkum beschert ein
Wiederhören mit dem Hit 'What a man cando, a woman can do more better' undüberhaupt die volle Dröhnung des ghanaischen Kologo-Löwen in Kumasi. Nur
Gott und King Ayisoba sind noch größer.
Sule singt 'Two wrongs don't make aright', Sule singt, dreimal auf GhanaEnglisch, ansonsten in seiner Muttersprache (mit eingemischten englischen
Zeilen), von wahrer Liebe, von Gott, vondem, was notwendig ist, von gefährlichen
Frauen, von Lügen und von Respekt. Sein
Respekt vor Frauen rührt her von derErfahrung mit der NGO Send Ghana(fokusiert auf budget advocacy and promotion of gender equity sowie educationand healthcare services in the poorest
parts of the country). Anders als das
agitative Timbre von King Ayisoba ist
seine Stimme etwas pelziger, auch ist er
offen für soulige Töne von der Westküste,für Rap und für so lässige Sachen aus
Ghanas Süden wie den Azonto. Mit der
Kalebassenrassel Sinyaka, die er bei King
Ayisoba schüttelt, rasselt er 'Senyaane'
und fordert gegenseitigen Respekt. Aberan sich ist freilich die Kologo King, dasGeschrappel der 2-saitigen Kürbislaute,
auf dem die Kologo Power beruht. Dazu
gibt es aber auch Trommeln, Flöte, respondierende Chorusstimmen, Stabspielerei, beim üppigen Studioarrangement
von 'What a man can do...' sogar Synthie,
Elektrobeats und Auto-Tuning (mit dem
auch schon Atamina gespielt hat). Besonders urig und emphatisch klingt das vongutturalen Lauten punktierte 'Say yinema'. Dagegen ist 'Asibi' wieder üppig inseinen Kontrasten aus pochenden 4/4,
hellen Vibes, Rap und femininem Dressing. Ähnlich 'How to Get There' mit
dunklem Takamba-Beat und wieder femininen Zungen. Auch das Griot-Preachingvon 'Keleke' hat diesen Bandsound, zum
schrappeligen 'Pongse' erwidert auf jeden Call 'gefährlicher' Response. Zum
lauthalsen Gesang von 'Parimame' zwittert die Laute zwischen Mbira und Koto.
Und 'Beele yere' ist zuletzt eine Zwiesprache aus hellem Geplucker und dunklem Singsang.

JIMI TENOR Order of Nothingness (Philophon,
PH33003): Highlife meets Kraut ist insofern
etwas doppeldeutig, dass neben den psychedelischen Erweiterungen, die sich mit dem
auch in Finnland beliebten Kohlgemüse verbinden, da auch Stimmungen ins Spiel kommen, die von rauchbarem Kraut befördert
werden. An sich ist groovy das Hauptstichwort, mit Ekow Alabi Savage von Kabu Kabu,
mit denen Tenor öfters in der 4. Dimension
picknickte, oder Philophon-Macher Max Weissenfeldt als Groovemakern mit Drums, Percussion von Shaker bis Steelpan und Background-Vocals. Tenor spielt dazu Keys, Orgel,
Wurlitzer und pumpenden Orgelbass, er bläst
Flöte und Tenorsax und singt. Bei 'Mysteria'(ich verstand zuerst "Hysteria") und bei'Chupa Chups', einem idiotisch effektvollem
Groove auf quarrendem Monsterbassriff, als
Soulkastrat, gottseidank auch anders. Beim
Flötenshuffle 'Naomi Min Sumo Bo' singt Ekow
Alabi mit rauem Afrobariton. 'Quantum Connection' groovt als Highlife-Jazz mit Saxdrive
und Flötentirili. Mit dem mit Hammond Extravoice betrillerten 'Tropical Eel'Hüftschwung
und mit 'My Mind Will Travel' (unwillkürlich
ergänzt man: spaceways, aber es heißt: where
nobody can go) verrät Tenor sich als den'Kopfwanderern' zugehörig (wie Peter Härtling
sie genannt hat). Er teleportiert sich musikalisch an die erträumten Breiten, mit Exotica,
Afrobeat und Pseudojazz, mit kosmischem
Sog saturnwärts oder einfach nur easy. The
space will swallow you up like an atom infinity and way beyond. Die Leute wollen
entführt und beschwindelt werden und Tenor
liefert, ob als Impostor Orchestra, mit Kalle
Kalima in Tenors of Kalma oder einfach so,jede gefällige Illusion, afrotropikale, soulige
mit garantiert soulidentischen Aromastoffen,
latin-smoothe oder jazzige der kulinarischen
Sorte. 'Max out' ist als bläserzickiges, temporeiches Call & Response einfach maximal. Das
schon 2016 auf einer 7" die Ohren zupfende
Titelstück schließlich verrät rein gar nichts
davon, dass da gerade nach 17 Jahren seine
Ehe mit Nicole Williams endete. Nein, es
swingt vollmundig mit Tenorsax und Slide
Fanfare von Hilary Jeffery tatsächlich als
krautig-schleierhaftes Etwas und kann als
canterburyeske Jazzrockchimäre mit funkeligen Chimes und mit Flöte pures 70s-Feelingevozieren.

15Vom Nachteil, in Rumänien geboren zu sein
Rumänien? Blinder Fleck. Naja, Nosferatu (Blutsauger), Ion Antonescu (Diktator, Juden- &Romavernichter, 1946 hingerichtet, dennoch als Held glorifiziert und von Maria Gheorghiu,
Rumäniens 'Joan Baez', und von Voltaj, 2015 Rumäniens Abgesandte zum EurovisionSong Contest, als Märtyrer besungen), Codreanu (Führer der faschistischen 'Legion
Erzengel Michael' und der Eisernen Garde, 1938 ermordet, in Neofolk-Kreisen - Blood
Axis, Ain Soph - verehrt als rumänischer Röhm), Ceaușescu (neostalinistischer Diktator
von 1965-89, hingerichtet, bisher kaum besungen)... Andererseits: Constantin Brâncuși
(1876-1957), Emil Cioran (1911-1995), Mircea Eliade (1907-1986), Eugène Ionesco (19091994), Valeriu Marcu (1899-1942), Tristan Tzara (1896-1963), Elie Wiesel (1928-2016)...
Allerdings hielten die es alle zuhause nicht aus, Brâncuși kam 1904 zu Fuß (!) nach Paris,
Tzara kam 1916 nach Zürich, 1919 nach Paris, Marcu lebte ab 1920 in Berlin, floh 1933 vor
den Nazis nach Nizza, 1941 in die USA, Cioran ging 1937 nach Frankreich, Ionesco 1943,
Eliade 1945, Wiesel überlebte Auschwitz und Buchenwald, kam 1945 nach Frankreich,wurde 1963 Amerikaner. Selbst unter den Jüngeren lebt der Komponist Corneliu Dan
Georgescu seit 1987 in Deutschland, Horațiu Rădulescu (1942-2008), der 1969 nach Parisgekommen ist, gilt als französischer Komponist, und aus Catalin Dorian Florescu (*1967 inTimișoara) wurde ab 1982 ein Schweizer Schriftsteller... Die Rumäniendeutschen - Herta
Müller, Oskar Pastior, Peter Maffay, Hanno Leichtmann, Miss Platnum - sind ein eigenes
Kapitel... So dass es einzig Mircea Cărtărescu (*1956 in Bukarest) zufällt, mir mit"Nostalgia" und "Die Wissenden" etwas vom heutigen Rumänien zu vermitteln. Meine
späte Bekanntschaft mit CORNELIU DAN GEORGESCU (*1938 in Craiova) verdanke ich
dem polnischen Label Bôłt. "Et Vidi Caelum Novum" zeigt mit seiner Symphony No 2
'Horizontals', dem Streichquartett No 10 'In Perpetuum' mit dem Arditti String Quartet unddem Titelstück als Skizze für ein Fresko einen faszinierenden Minimalisten eigener
Couleur. Ihm ging IANCU DUMITRESCU (*1944 in Sibiu) voraus, auf Empfehlung vonRecommended Records. Ein guter Tip, weil mit Kontrabass oder Orchester einer derknurrigsten Dröhner weit und breit. Aber das war's auch schon.

Direkte Post aus RO (Einwohner knapp 20 Millionen) habe ich noch nie bekommen, nicht
aus Bukarest, nicht aus Cluj-Napoca (Klausenburg), Timișoara oder Iași (Jassy). Als musikalische Botin Rumäniens beschallte ADA MILEA (*1975 in Târgu Mureș) die Leipziger Buchmesse, mit Herta Müller, die ihre Texte übersetzte. Seit den "Aberații Sonore" (1997) hält
Milea der "Republica Mioritică România" (1999) als "No Mom's Land" (2002) und "Absurdistan" (2003) den Spiegel vor. Sie kandidelt dabei spitzzungig und aufgekratzt Eigenes,
Surreales von Gellu Naum (1915-2001), wenig Rosiges vom Neo-Urmuz Pavel Șușară, dazu
Marin Sorescu (1936-1996), Aglaja Veteranyi (1962-2002) oder Ion Mureşan, mit ansteckendem Spaß an Theatralik und Drastik. Selbst Gogol drehte sie eine Nase (2007), sie spielte
mit Alexander Balanescu und singt unermüdlich Winterlieder und Gedichte, die nicht verFotos: Ada Milea ... Daniel Dorobantu ... Maria Balabaș von Avant'n'Gardstanden werden. Oder nur zu gut.
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DANIEL DOROBANTU (*1975 in Timișoara) hätte mit seiner ambienten Sensibilität und derMelancholie des grillenumzirpten Pianos etwa auf "Knock on the Sky and Listen to the"Sound" (2008) 12k-oder Spekk-Format. Mit Vokalisation von Manuela Marchis, live in "ThePiarist Church", wölbt er über den Häuptern einen erhaben dröhnenden und wie vonGlockenspiel tönenden Ocean of Sound. Wenn sein "As Far As We Remember" live @Simultan Festival 2011 in der Synagoge von Timișoara erklingt, lenkt der Spiritus loci die
Erinnerung doch unwillkürlich auf die Judenmassaker in Iași und Odessa 1941. "Linistea
Cuprinsurilor" vermittelt einen Eindruck von der 8-std. Beschallung der Elisabethenkirche
am 18.10.2015, zusammen mit Cristian Popescu (von Dordeduh) an der Gitarre. Das Eintauchen in die Unterwasserwelt des Geistes lässt einen am hellblauen Tag Sterne sehen undsingende Nereiden halluzinieren. Eigentlicher Seelenführer ist jedoch Vasile Lovinescu(1905-1984) mit seinem Lob des Erstaunens und der Verwunderung, dem wiederum Gustav
Meyrink, die Weißen Bücher von Joseph Anton Schneiderfranken, genannt Bô Yin Râ, undvor allem René Guenon als Wegweiser dienten zum "Hortus Conclusus", wo noch derPriesterkönig herrscht. Mit "Prin făr' de loc în făr' de vreme" (2014) kann man sich dort fastschon zuhause fühlen. Dorobantus Hauptprojekt ist an sich seit 1995 THY VEILS mit dermelancholisch getränkten Klangwelt von 'Voice to My Ruins' und 'Catching a Glimpse of
Torturing Clouds' (auf "Prologue", 1998), von "Everbeginning Night' und 'Hommage à mes
Nuages' (auf "Immemorable", 1999), von 'Leviathan (The Beloved One)' und 'Seche Tes
Pleurs, Charon' (auf "Against an Oblivion of the Forgotten Abyss", 1999). 2008 wurde Thy
Veils zum Ensemble mit Dorobantu an Keyboards & Didgeridoo, Ciprian Costache (von Arc
Gotic) an Gitarre, Petrică Ionuțescu (von Blazzaj) an Trompete und Vokalisation von Manuela
Marchis für "Mountain and Cloud" (2010), das meditativ jenseits blauer Berge und weißer
Wolken dem 'Deep Space' zustrebt. Mit Dorobantus Spiritualität und 'Trancing' als Konstante
bis hin zu "Neoradiant - Live at Gărâna Jazz Festival" (8.7.2017), jenem unglaublichen Sommerevent im Banater Wolfsberg im Semenic-Gebirge, mit wieder Ionuțescus Trompete,
Dorobatu an Electronics, Radu Pieloiu an Drums, der Stimme von Dora Gaitanovici undphantastischer Videokunst.
Bei Thy Veils entdecke ich mit Alexandru Hegyesi an Dulcimer und Vlad Sturdza an Gitarre
zwei Namen, die ich irgendwoher kenne. Richtig. Hegyesi war in Timișoara von Anfang an bei
NU und Sturdza stieß bald dazu, um mit dem Multiinstrumentalisten Sașa-Liviu Stoianovici
und Călin Torsan an Klarinette & Kaval als NU & APA NEAGRĂ auf "Omag" (2008) und"Descântecul Apei Negre / Black Water Incantation" (2011, beide auf Lollipop Shop) die
Imagination zu transsilvanischen Schwarzwassern zu führen. Hegyesi hatte nebenher nochsein eigenes Projekt SHANYIO. Mit akustischer Gitarre, Bass, Dulcimer, Cimbalom, gestrichener Kantele, Glockenspiel, Zither, Piano, Cymbals, Bells, atmosphärischen Fieldrecordings oder brausendem Elektronoise entstanden ab 2001 "Uscăciune", "I - X", "Windsof Change", "Văzduh", "Pribegie" (2014 bei Thirsty Leaves in Thessaloniki) und zuletzt "C"(2016). CĂLIN TORSAN (*1970) hatte vor Nu schon Neofolk mit Domnișoara Pogany gespielt
und, als Kranke, mit Grodek auf "Grund" (2000) Trakl, Tzara und eigene Poesie gesungen.
Mit dem Sänger George Turliu an Baglama flötete er als Einuiea auf "Povestiri Bizantine(Tales from Byzantium)" (2004) byzantinisch-mittelalterlich, spielte bei "Muzica Spectacolului 'Zadarnicele Chinuri Ale Dragostei'" (2006) Shakespeare und brach bei "Noa" (2008)
mit nach Japan auf. Seit 2015 macht er mit MULTUMULT Stummfilm- oder Beerdigungsmusik, frei oder ottomanisch, mit "Zigzag" (2014, Thirsty Leaves) als freejazzigem Taumel im
Klanglabyrinth. In AVANT'N'GARD spielt er den Pan für den Weird Folk der Sängerin, Keyboarderin, Radiomoderatorin und mit "Whole Lotta Love" (2017) Romanautorin Maria
Balabaș: bei "Soare Staniol" (2012), bei "Fuchsiada" (2013, mit Monsieur Delagare), einem
heroisch-erotischen und musikalischen Prosapoem nach Urmuz (1883-1923), an den gerade
erst auch John Zorn erinnert hat, und bei "Colinde Netemperate" (2017 ebenfalls bei Thirsty
Leaves), das selbst harte Hunde zum Heulen bringt. Als BALKAN TAKSIM lassen Torsans
Flöte & Klarinette und Stoianovici mit Turbo-Baglama die Fetzen fliegen, dass es auf derBalkanroute nur so staubt. Quasi als getürkte Rock'n'Roll!!-Version des Balkan-Brass-Furors
von Fanfare Ciocărlia. Mit "Recycle BUN" (2007), "Plasterca" (2011) und "Ospăţul" (2016)
ebenfalls Literat, gab Torsan im März 2018 mit Holzpfeifen und Mixer eine Multumult-Lesung
in Leipzig.
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Die Lebendigkeit der Timi-Szene brachte Felix Petrescu &Valentin Toma als das örtliche Spielbein des rumänischamerikanischen Jebel Chamber Orchestra dazu, Avant'n'Gardsurreal-dadaistisch zu covern, nachdem sie mit "Like a Monkey
Without the Cuckoo Clock" (2008) schon freak-crazy dem Affen
Zucker gegeben hatten. An sich aber sind die beiden seit 2001
bekannt als das Elektroakustik-Duo MAKUNOUCHI BENTO.
"Himette" (2001), "Trcutu" (2005), haufenweise EPs und vor
allem "Swimé" (2010) zeigen ihre Entfaltung hin zu postmodernen Wild-Style-Collagen, die sie mit plunderphonischem
Gusto aufmischen mit Mundharmonika, Glockenspiel, Kontrabass, Bläsern, Tierlauten, Piano, Orgel, Fetzen von Gesang undGeschrei, Loops, Theremin oder Trompete zum Fliegenfänger
für die Phantasie, zum absurden Comicstrip mit Tim & Struppi
auf LSD und 'Afrikaanse agtergrond'. "The Lost Flatliners of
Avebell" (2017) vollendet im Split mit Somnoroase Păsărele die
mit "Avebell" (2007) begonnene und mit "Return to Avebell"(2009) fortgesetzte Trilogie. Titel wie 'Devil's Monocle', 'Moonboots Bathing in Golden Sawdust' oder 'Khalif's Favourite
Flamingo' deuten in die Richtung, in der die beiden ticken.
Bei Baba Vanga erschien "ABECD" (2013) von SOMNOROASEPĂSĂRELE [Schläfrig Vögelchen], beim Leipziger Tape-Label
Tortellini Records kam "GAMA" (2018) heraus. Gili Mocanu undElena Albu haben sich 2007 nach einem Gedicht von Mihai
Eminescu (1850-1889) benannt, dem Erzvater der rumänischen
Poesie. Allerdings wird der auch hochverehrt von der "Rezistenţa naţionalistă" als Stichwortgeber ("Blutsauger") fürJudenfresserei und als Hymniker von Blut und Boden und derharten Hand: "Ach, Pfähler! Herrscher! kämest du doch. Mit
harter Hand zu richten!". Monacu, ein angesehener bildender
Avantkünstler, hat ganz anderes im Sinn, das Klangbild knarrt,
mahlt und zuckt entsprechend 'entartet'.
Für GLARER war bei "Cold Droughts of Light" (2015) noch
Blau eine Chiffre für eine Welt 'hinter' der schwarzweißen.
Klingelnd kaskadierendes Piano gibt, wenn auch verrauscht,
eine Ahnung davon. Wie die Motte das Licht, sucht das Ohr die
Quelle, wie fern auch immer ("The Distant", 2016). Der Duktus
ist flattriger und noisiger als bei Dorobantu, statt eines Gartenstun sich surrende, heulende, knarzige, krachig verwirbelte
Industrielandschaften auf. Harmonie ist ein Desiderat, verschüttet unter Powerelectronics. 2017 folgte mit "The Throne
for the Third", "Serpent Reciever" und "A Star Transpierced"
ein alchemistisches Industrial-Triptychon und das zwischendurch von 'Snowfall' beruhigte, dann aber sogar gitarrenknurrige "Recover/Return". 2018 offerierte Glarer dann
"Whence Came the Upper Thunders?" mit einem erwachten'Storm god/Sleep god' und "Endurance Exercises Vol. 1: Ivory
Drones" als raues Dauerrauschen.
Als GHOST OF 3.13 tagträumt in Călărași Mihai Costea (*1985) zwischen Ambient,
Breakcore, Glitch und Melancholie. Bei "Abandoned Songs" (2011), "And So I Watched the
Seasons Change" (2013), "Old, Lost, Unfinished, Broken" (2013), "The Saturn Return" (2014)oder "There Once Was Beauty" (2016) mischt er Harfe, Strings, Glockenspiel, Gesänge undandre feine, um Entschleunigung bemühte Klänge ins rhythmische Gezappel in Arsch-überKopf-Tempo. Und dabei hat der nyktophile Anhedonist nur ein Thema: Entfremdung,
Einsamkeit, Verlust.
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IRINEL ANGHEL (*1969) begründete als Bukarests buntester Paradiesvogel, Vocal Performerin, Composer von Hommagen an Bosch (1997), Escher (1998), Dali (1999) und Magritte(2000), Pianistin, Improviserin, Soundactress, Kostümdesignerin & Stage Director den New
Surrealism. In Form von dadaistischen, retrofuturistischen und suprarealistischen Performances oder “Science Fiction Electro-Operas”. Beispielhaft: Talking to my fears (2009) &E.T Royal Court (2012, jeweils w/ Sorin Romanescu), There is Life on Venus (2012), All
Inclusive (2014), POSTUMANISM (2016), Intre-Vederi (2016, w/Multumult), Zoopera (2017,
mit Death Metal von Rotheads)...
Das ARCUȘ TRIO mit Alexandru Arcuș (Sax, Efx), Adi Stoenescu (Hammond) und Marcel
Moldovan (Drums) schwebt auf "Allotropy" (2016) zwischen 'Haiku' und 'Pulse', mit dynamisch zackigen Ausbrüchen und knackigen Breakbeats, nu & urban, funky und freakisch,nicht ganz Steamboat Bukarest, fast aber Cowboys from Hell-ähnlich.
BAB, das sind Alexandru Bogdan Borca (chitară, keys, compozitor), George Melencu(chitară) und Florin Crancu (drums), wobei der ganz jaki-liebezeitgeberisch ticktackt. Oderes ist zuerst noch ein Beatautomat da auf "Seeing" (2015)? Jedenfalls werden 'Clouds' und'Moments' auf ganz weichem Puls so groovy in Bewegung versetzt, dass die hellen Keys unddie noch helleren Gitarren ganz schwärmerisch umeinanderfunkeln. Ein Konzept, das auchauf "Ahead" und "In Between" (2016) weit tragen will mit 'Dreams' und 'Magic'. Allerdings
mit auch so manchem Ungesagten im Gepäck und anfangs melancholischem Singsang vonBorca und Emanuela Alexa, die jedoch auch angedunkelt und voller coolem Pathos klingenkann wie einst Anna Domino.
Der Beethoven..., Bizet... & Mozart rocks-Gitarrist HOREA CRIŞOVAN (*1973 in Timișoara)
hat überall seine Finger im Spiel - thrashend einst bei Neurotica, mit Edi Jak NeumannsBlazzaj funky-free, mit Mario Florescu, dem Orient Express-Drummer bei "Axis Mundi", inLocatarii und mit dem Baritoncrooner Gabi Szorad heavy und BIOcracy im Quartett BIO.
Für den Ambient Darkjazz von EXIT OZ zeichnet in Timis (wie Timișoara gerne abgekürztwird) hauptsächlich Alexandru Iovan an Tenorsax & Vocals verantwortlich, dazu spielt
Ovidiu Zimcea auf "Împământenit" (2014) Synthie, Keys, Drum Machine, Bowed Bass und ein
bisschen Gitarre, denn das besorgt in erster Linie Lucian Naste, Zimceas Partner inPaperjam. Das Ergebnis ist eine eigenartige Mixtur aus röhrendem, flackerndem Saxgesang
und umsurrten Drones. Aber Iovan gibt dem gleich bei 'Colț de Rai' auch eine getragenmelancholische Wendung, sein Gesang wird dazu mit Gitarre bepickt. Bei 'Limbile de Ceas:Între Ciocan și Nicovală' kommt sakrales Pathos dazu, mit Orgel, Kirchengesang undtockendem Beat, bei 'Zurobara spre Orient' treibendes Tamtam und schillernde Gitarre, die
Naste bei 'Marele Magician' sogar noch intensiver trillern lässt.
NEGURÃ BUNGET [Schwarzer Nebel] aus Timișoara brachten mit "Zîrnindu-să" (1997)
Black Metal nach Hause nach Transsilvanien, "OM" (2006) genießt als ihr episches Meisterwerk Kultruf. Nach einem Split behielt der Drummer Gabriel 'Negru' Mafa den Namen bei bis
zuletzt "ZI" (2016), mit Gesang von Ex-Grimegod Tibor Kati und Trumpet, Horns, Pipe &Panpipes von Petrică Ionuțescu. Negru starb 2017 mit nur 42. Edmond Karban, genannt
Hupogrammos, der ursprüngliche Sänger, Gitarrist & Keyboarder, ging, zusammen mit
Cristian Popescu alias Sol Faur Spurcatu und Drummer Sergio Ponti, seinen eigenen Weg.
So entstanden mit DORDEDUH das grandiose "Dar De Duh" (2012) und mit SUNSET IN THE
12TH HOUSE "Mozaic" (2015). Mit Folkloreunterströmungen, auch orientalischen, und zunehmend psychedelisch, "Mozaic" mit Titeln wie 'Paraphernalia of Sublimation' und'Desert's Eschaton' sogar rein instrumental!
Das Artwork für "Dar De Duh" schuf der Bukarester COSTIN CHIOREANU (*1982), wieauch schon für Arch Enemy, Arcturus, Bucovina, Darkthrone, Mayhem, Primordial und eineganze Reihe von Releases auf Svart Records. Und natürlich auch für das eigene Trio
BLOODWAY, das aber nur selten auf Augenhöhe mit seiner für Metal außerordentlichen
Surrealität aufspielt. Dagegen überzeugen seine Alleingänge "Outside The Great Circle /Where Purgatory Ends" (2013) und "The Quest For A Morning Star" (2015) als pathetische
Notturnos mit Geige und den Stimmen von Attila Csihar und David Tibet. Schön stimmig ist
auch "There Is a Place Called Home" (2017) in ihrem stimmungsvollen 'The Day'-, 'The
Night'-, 'The Dream'-Ambiente als Gate-Fold Vinyl-Edition mit 8-seitigem Farbbooklet.
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MIRCEA FLORIAN (*1949 in Satu Mare) war 1982-86 Mastermind, Sänger und Gitarrist
bei den legendär avancierten und subversiven Florian Din Transilvania, zwitternd
zwischen Rock'n'Roll, Synth Pop und New Wave. "Tainicul Vîrtej" [Das Vortex-Mysterium](1986) ist ihr Vermächtnis. Mircea war schon als Teenager 'outsiderisch' infiziert gewesen,
Dylan, Cohen, die Beatles, Stockhausen, Reich und Nono, bevor er Kybernetik studierteund mit Lotus und als Singer-Songwriter in einer hippiesken Folk-Psych-Bewegung mitmischte. Mit Florian în Labirint und Ceata Melopoică entfaltete er sich im Lauf der 70er
abseits von Folklorekitsch und Maoismus nonkoformistisch, wobei er sich Anregungen von
Laurie Anderson, Brian Eno, Tangerine Dream und durch Dan Andrei Aldea (von Sfinx)
einverleibte, aber auch mit Elektronik experimentierte. Zwei 7", "Pădure De Voie Bună"(1975) und "Fîntîna" (1977), zeugen davon. Frustriert durch die Verhältnisse und Beschränkungen emigrierte er 1986 und ist seit Jahrzehnten Berliner. Zum 25-Jährigen kam
es 2011 zu einer Reunion und Wiederaufführung. Er selber blieb kreativ, zuletzt mit Filmmusiken für "Ana" (2014) von Alexa Visarion und "03.ByPass" (2016) von Nap Toader.
Zu denen, die es anderswo besser finden als zuhause, gehören auch der Geiger
Alexander Bălănescu (*1954 in Bukarest) in London und der Pianist Lucian Ban (*1969 in
Cluj-Napoca) in New York. Eugen Gondi (*1947 in Timișoara), der mit dem Bossa- und Third
Stream-Pionier Richard Oschanitzky, dem Kontrabassisten Johnny Răducanu oder dem
Pianisten Marius Popp, wenn auch eskapistisch, am Duft der andern Welt schnuppern half,aber auch bei Ceata Melopoică getrommelt hatte, ging, spitzelbeschädigt, 1989 und wurde
Restaurator am Amsterdamer Rijksmuseum, ohne dem Karpatenjazz untreu zu werden.
Der Saxophonist MIHAI IORDACHE (*1967 in Bukarest) fing Mitte der 90er bei den jazzrockigen Sarmalele Reci an, dampfte 1999 mit Harry Tavitian & Orient Express 'To Mircea
Eliade', musizierte mit Ada Milea bei "No Mom's Land" und "Absurdistan" und vexiert seit
2003 bei den vom Sänger & Gitarristen Eugen Nuțescu angeführten Clujer Lokalmadatoren
Kumm zwischen Alternative Rock und BritPop. Parallel dazu leitete er aber mit Iordachesein eigenes, wieder jazzrockiges Ding. Für etwa "Dissipatin'" (2005), mit Raul Kușak an
Hammondorgel, Nuțescu und Sorin Romanescu an Gitarren und Gesang von Marta
Hristea, bei "One Life Left" (2012) mit Petrică Ionuțescu (von Blazzaj, Negurã Bunget, Thy
Veils) an der Trompete und auch bei "Garden Beast" (2013) dreistimmig bläserverstärkt.
MIHAI MOLDOVEANU ist ein erstaunlicher Rundkopf. Spielt er doch seit 2011 als Basistul
bei Sunset in the 12th House, seit 2012 zusammen mit Teodor Pop an Piano & Keys und
Szabó Csongor-Zsolt an Drums bei JazzyBIT und dazu noch bei der Sängerin Amalia Gaiță
für deren Debut "Melting Sun" (2017). JazzyBIT sind Preisträger bei den Timișoara JazzAwards 2016 und den Banat Jazz Awards 2017. "Touch the Sky" (2014) und "Horizon"(2016) bieten den Stoff, der diese Würdigungen nach sich zog, öfters kuba-groovy, immer
virtuos verplimpelt. Ebenfalls seit 2012 spielt Moldoveanu mit Naste und Zimcea (von Exit
OZ) an Gitarren, Synthie und Klarinette und Sergiu Cătană an den Drums als PAPERJAM
dagegen ansprechenden, weil nicht eindimensionalen Postrock.
Der Drummer RADU PIELOIU hat in Timișoara ein ähnlich weites Spektrum wie Moldoveanu, nämlich mit Thy Veils, im Jazztrio von Sebastian Spanache und elektro-groovy bei
BRUM mit Cătălin Vaștagu an Electronics & Guitar und Anghel Mailat am E-Bass. Vaștagus
Gitarre kann da auf "Today" (2015) auch fast orientalische Tönungen einmischen, aber deraufgedrehte und jaulige Duktus ist doch zappelig, jumpy und ganz urban. Bei "The Spot"(2017) singt Emanuela Alexa das deklamatorische und dubbige Titelstück und Gabi Szorad
zum Kraftwerk-mit-ADHS-Tenor von 'Reasons' und bei 'Glad'. Das SEBASTIAN SPANACHE
TRIO mit Csaba Sánta am Bass und dem Leader an Piano & Rhodes debutierte 2013 mit"Humanized", mit abgeklärten Mustern, flockigen Repetitionen, kniffligen Synkopen,
klackigem Drive. Ähnlich sophisticated wie JazzyBIT, bringt "A Pasha's Abstinence" (2014)noch Würze ins Spiel mit einem Streichquartett, der Klarinette von Alex Simu (bekannt mit
dem Münchner Pianisten Franz von Chossy in Arifa und dessen Quintett), Gesang vonJoanna Kucharczyk bei 'Sixty Five' und immer wieder der prägnanten Rhythmik vonPieloiu. "The Furnace" (2017) lässt als 5-teilige Suite wieder die Finger und Geistesblitze
fliegen und bestätigt so den starken Eindruck.
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Dass das kosmopolitische Timișoara immer schon an Virulenz die Hauptstadt übertraf,
zeigt auch PHOENIX, die dort ab 1962 (zuerst noch als Sfinții), angeführt von Nicu Covaci(*1947 in Timi) und Kamocsa Béla, mit Rückenwind der British Invasion, den rumänischen
Ethno-Rock erfanden und trotz staatlicher Schikanen bekannte bunte Hunde wurden. 1970
emigrierte der Sänger Moni Bordeianu in die USA, 1971 erfand die Band sich neu, mit
Mircea Baniciu als Leadsänger, Iosif Kappl am Bass und vor allem indem sie pagane,mystische und folkloristische Wurzeln verrockte, zu hören auf "Cei ce ne-au dat nume"(1972), "Mugur de fluier" (1974) und "Cantofabule" (1975). 1976 entzog sich Covaci der
Zensur, heiratete nach Holland und verhalf 1977 seinen Bandkollegen zur Flucht nach
Deutschland. Kappl fand Anschluss bei Lake, Heinz Rudolf Kunze und Herman Van Veen,
der Gitarrist Erlend Krauser wurde zum 'Hamburger Eric Clapton'. Nach der 89er
Revolution, in der ja Timișoara eine entscheidende Rolle spielte, zeigte SymPhoenix
wieder Flagge mit "Timișoara" (1992). Die Lyrics des Titelsongs schrieb Mircea Florian.
Der Rest gehört den Comebacks, der Nostalgie und dem Immersoweiter.
MARIA RĂDUCANU (*1967 in Huși) ist mit ihrer Stimme und ihrem Chanson-Repertoire
aus heimischer, gern von Maria Tănase (1913-1963), 'The Magic Bird', 'Rumäniens Piaf',
übernommener sowie levantinischer, iberischer, russischer Folklore eine Seelenschwestervon Iva Bitova, Angélique Ionatos, Mariana Sadovska... Gleich anfangs schon jazzig mit
Bass und der Gitarre von Sorin Romanescu, mit Mark Ribot bei "Ziori" (2010) auf Tzadik.
Kein Wunder also, dass in ihren Quartetten Krister Jonsson Gitarre oder Niko Meinhold
Piano spielten, Derek Shirley bzw. Chris Dahlgren Kontrabass, Michael Griener die Drums.
Ein treuer Begleiter war ihr immer auch der Pianist MIRCEA TIBERIAN (*1955 in Sibiu),
schon bei "Viața Lumii" & "Lumini" (2003) und wieder bei "Rosa Das Rosas" (2011) und"Corindeni" (2014). Tiberian hat selber den Übergang von der Ceaușescu-Zeit in die Zeit
danach künstlerisch eindrucksvoll bewältigt, ist mit Interzone und im Contemporary
Quartet mit Rudi Mahall und den Oleś-Brüdern auf Not Two erscheinen und hat sich mit
Maurice De Martin und Chris Dahlgren internationalen Respekt verschafft. Und auchandere Sängerinnen wie die 'rumänische Yma Fitzgerald' Anca Parghel (1957-2008), Nadia
Trohin und Marta Hristea schätzen seinen Touch.
Der Saxophonist NICOLAS SIMION (*1959 in Dumbrăvița) wirbt, ab 1989 in Wien, seit
1997 in Köln, für Balkan Jazz und Romanologie. Nach dem Gesellenstück mit Johnny'Mister Jazz' Răducanu (1931-2011), war er bald selber ein Gruppenführer mit internationalem Gefolge. Er spielte in Christian Muthspiels Octet Ost, mit Tomasz Stańko, Ed
Schuller, Mal Waldron, auch mit Tiberian oder Fanfare Shavale und noch in dessen alten
Tagen mit dem Pianisten Jancy Körössy (1926-2013), als der nach 30 Jahren aus den USA
zurückkehrte. Seit 2004 publiziert er seinen Transsylvanian Groove independent auf dem
eigenen 7Dreams Records, darunter die Tributes "... to Jancy" (2015) und "...to Johnny"(2017), oder auch das retrospektive "Memorial Richard Oschanitzky". Ein Lieblingsprogramm mit Sorin Romanescu (kahl wie Graf Orlok) und den Sängerinnen Luiza Zanoder Nadia Trohin sind seit Jahren die - logisch - "Romanian Impressions".

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Das Moers Festival 2018 in der ENNI Eventhalle bei arte concert

MOERSY MOERSY MOERSY

Zum Auftakt am Pfingst-Freitagnachmittag demonstriert die Brooklyner CP UNIT mit den
Freakshow-fixen Chris Pitsiokos am Altosaxophon und Jason Nazary an Drums &Electronics, mit Sam Lisabeth an der Gitarre und Henry Fraser an der Bassgitarre ihr
Jazzgeschichtsbewusstsein. Mit Ultra-Bebop, ornettesk harmolodisiert, mit John-Zorn'scher
Verve in fraktal-furioser Virtuosität. Fetzend mit Zirkularatmungsturbo und abrupten Breaks,
mit einem elektrosphärischen Fx-Thriller und einem Afro-Prime-Time-Ohrwurm.
Mit feuilletonistischer Diabolik wird das unmittelbar gekontert von der von Jacques
Palminger mit roten Leuchtsohlen vollmundig angesagten Wellnesspackung des dänischen
Synthie-Trios EFTERKLANG im Verbund mit B.O.X. aus Antwerpen, einem kleinen Ensemble
mit Cornettos, Viola da gamba, Theorbe, Barockharfe, Cembalo & Orgelpositiv. Und als
Krönung des “Altid Sammen”-Eierkuchens auch noch mit Eiapopeia-Chor. Casper Clausens
Schmusesongs schwelgen wohl an sich schon in ECM-Balsam. Hier erklingen sie vereint ineinem Wellgunde-Woglinde-Wagalaweia mit Anklängen an Sigur Rós und Michael Nyman.
Als wollten die Moerser par tout alle von Pitsiokos & Co. aufgeweckten Geister wieder
restlos aus der Erinnerung tilgen. In einem Kontraststoß, der einem schockgefrorenen
Terminator T-1000 das Nanomorph-Gestell zerbröseln würde. Das Moerser Publikum freilich
goutiert das eine mit starkem und das andere sogar mit enthusiastischem Applaus. Wenn
Hunderte in einem solchen Wechselbad sich gut aufgehoben fühlen, dann ist a) das Zeitalterdes Letzten Menschen angebrochen, mit einer derart dekadenten Bagage, dass Szenarien
wie Jean Raspails "Heerlager der Heiligen" oder Houellebecqs "Unterwerfung" nur nocheine Frage der Zeit sind. Oder es ist b) ein anthropozäher und robuster neuer Typus längst
fit für kulturelles Multitasking, denn was er nicht mit Links schafft, schafft er halt mit Rechts.
Jedenfalls ist mein Menschenbild wieder mal am Rotieren.
Danach ist auch der Bad-Plus-Pianist ETHAN IVERSON mit DODO KIS und der Composerin
in Residence JOSEPHINE BODE an Blockflöten ein gefundenes Fressen. Das weihnachtspfingstliche Blockflöten-Sprezzatura geht als Seufzen von Elfen und Husten des Mondes(Palminger again), als dudelblaue Schlumpfonie und meta-barockes Plaisierchen runter wie
Öl. Der kahle Klimperer klappert pfiffig auch mal mit dem Klavierdeckel, und derart
verschiedenen Rohren und Vogelkästen lassen sich tatsächlich erstaunliche Flötentöne
entlocken für einen vogelwilden Trip ins Brooklyn-Ferne.
Wie wird es da 2000 ergehen mit seiner so ganz anders karierten Abruptheit, seinem
stürmischen Stakkato, seiner bruitistisch verhuschten, polymorphen, kribbeligen Widerborstigkeit? Doch auch JAN KLARE - Saxophon, MICHAEL VATCHER - Drums, BART MARIS Trompete & WILBERT DE JOODE - Kontrabass, erweitert mit ELISABETH COUDOUX an
Cello und STEVE SWELL an der Posaune ernten starken Applaus. Als ob man auch solches
Kikeriki zu schätzen wüsste, das mit vertrackten Schikanen und verdeckten Finessen
quertreiberisch groovt und zuletzt selbstironisch swingt. Offenbar ist nichts nicht im grünen
Bereich? Statt Hirnriss herrscht aufmerksames Alltogether? 'Cheesy Venus' heißt das letzte
Stück von 2000. Ich nehm das jetzt schon mal als Zwischenfazit.
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Als Höhepunkt dann NATE WOOLEY'S SEVEN STOREY MOUNTAIN, ein Gipfelsturm mit
spezieller Moers-Seilschaft für die Wiederaufführung von 'Seven Storey Mountain V': C.
Spencer Yeh & Samara Lubelski an verstärkten Geigen, Julien Desprez an der E-Gitarre,
Ryan Sawyer & Ben Hall an Drums, Emilio Gordoa & Steve Heather an Vibraphonen, Marc
Unternährer an der Tuba, Chris Heenan & Per Johansson an Bassklarinetten, Matthias
Müller, Hilary Jeffery & Matthias Muche an Posaunen, Damir Bacikin, Nils Ostendorf,
Nikolaus Neuser & Wooley selbst an Trompeten. Wooleys Werkreihe 'Seven Storey
Mountain', zuerst im Trio mit David Grubbs & Paul Lytton (September 29th 2007) bzw. C.
Spencer Yeh & Chris Corsano (December 8th, 2009), 'III' dann zu siebt (March 11th 2011),'IV' zu zwölft (June 6th 2013), 'V' schließlich 18-köpfig (May 9th 2015), wird im Untertitel
ein 'Ecstatic Song Cycle' genannt. Was da singt, sind allerdings die Posaunen &Trompeten einer feierlichen Large Unit, eines Behemoth, der mit Fanfaren dunkles Feuer
spuckt, aber sogleich auch auf Pelzpfoten an Land schleicht, allerdings mit einem kleinen
Glöckchen um den Hals. So dass sich minutenlang eine ominöse Präsenz ganz piano
entfaltet, mit leise grollender Tuba und ersten zart glockenden Tupfen der Vibes auf einem
dröhnenden Schwebklang der Gitarre. Wooley bläst tonlose Luft, der Großteil desOrchesters steht in der gespannten Erwartung, Teil eines allmählichen Schwellklangs zu
werden. Schon mischt sich eine Geige ein, aber noch ist alles leise Dämmerung,
Morgenröte im blauen abendlichen Bühnenlicht. Tremolierend öffnet sich ein Feld, auf
dem eine Frauenstimme aus dem Off zu sprechen beginnt. Das kollektive Sägen undKlöppeln, Beben und Fluktuieren der Strings und Vibes nimmt zu in fiebriger Verdichtung,Desprez arbeitet vehement mit an diesem surrenden Rumoren, diesem schillernd schrillen
Schwärmen der verstärkten Saiten, das Vorfahren in den mikrotonalen Hammerattacken
von Penderecki und Xenakis hat. Wooley mischt sich fauchend dazu und endlich kommen
auch die Bassklarinetten und die Tuba aus der Lauerstellung. Um ein trillerndes Heulen in
schwankenden Wellen zu verstärken. Ist das die Gitarre? Oder doch Wooleys Trompete?
Egal. Dieser Behemoth ist mit all seinen Schuppen in fiebriger Wallung und er singt, ja er
singt ekstatisch in ultramarinem Glanz. Die Klarinetten schnarren, Ketten rasseln. Und
jetzt sind auch die Fanfaren, die sich gleich nach dem Auftakt zurückgezogen hatten,
wieder volles Rohr dabei. Mehr Gipfelsturm ! mehr Himmelfahrt !! geht !!! nicht !!!! Der
Schweiß tropft, aber alle Härchen, alle Fasern sind aufwärts gerichtet, Jericho & Feuerio!
Die Bühne glüht rot jetzt, während der Sturm allmählich abschwillt und Behemoth
grummelnd und schnarrend wieder einkehrt in seinen brütenden Schlaf, mit feinstem
Glöckchenklang und zuletzt nur noch den glockenden Vibes. Die lange Pst! machen, bevor
sich das "Bravo" Luft machen kann. Dass es sich kaum von der Blockflöten-Begeisterung
unterscheidet, gibt mir aber dann doch wieder zu denken. Doch alles bloß ein
halbherziges Anything-goes mit deutlicher Vorliebe fürs Softe?
Arte Concert bringt zuerst den Efterklang-Schmus als Pausenfüller und Feigenblatt, beim
dritten Mal muss sogar ich darüber grinsen. Das MELT TRIO - ein späteres 'Pausenschmankerl' - ist da Freitagnacht mit seinem traumtönerischen Bill-Frissell-2.0-Goldregendoch von etwas anderem Kaliber.
Während ich nicht so recht weiß, ob ich dieses Alles-gut / Oh-wie-süß gut oder zweifelhaft
finde, dämmert mir am Samstag wenigstens das Prinzip so eines Festivals, als gutes altes
Varieté der Attraktionen. So ist das junge österreichische Trio DSILTON ein Novelty-Act,
der mit der mikrotonalen Stimmung von David Dornigs 31-Ton-Gitarre und der ClavinetRhodes-Synthie-Klaviatur von Georg Vogel aufhorchen lässt. Was immerhin und besonders schön mit einer Reminiszenz an Anton Karas eine Sophistication zweiter Ordnung
auf die Wagschale bringt im Vergleich mit der mit Saxophongedudel verstärkten Klimperei
des serbischen SCHIME TRIOs zuvor. Dazwischen zieht mit DOMi Degalle eine 18-jährigeFranzösin mit selbstbewusst-virtuoser Dual-Keyboards-Wizardry die Funk- und zuletzt
auch Gospel-Register von Klavier und Hammond, was zusammen mit der stupenden
Rhythmik des gleichjungen New Yorkers Bobby Hall wohl die Fans von Jojo Mayer und den
Battles hin zur Hipness von Snarky Puppy und von Knower verführen soll, hin zu einer
Funkiness, in der Larnell Lewis und Cory Henry King sind.
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Aber nur in einer ganz perversen Sideshow findet sich jetzt hinter dem nächsten Vorhang
RICHARD DAWSON. Denn dieses untersetzte Energiebündel aus Newcastle, Selbstbeschreibung: I'm not a master of molecules. I'm more of an ideas man, das stampft undplärrt da - Welcome, welcome, little Stranger - einen derart archaischen Weird Folk, dasssich die Haare sträuben. Über die Mad-Capness eines rauen Syd Barrett in Northumbria,
der mit Levellers-Enthusiasmus und kleinen Dosen Huun-Huur-Tu, Qawwali oder Chris
Newman krümmste Bill-Orcutt-Gitarre mischt mit äthiopischer Davids-Harfe. Der mit einem
Bardengedächtnis, das zurückreicht bis zum Hadrianswall und das Kingdom of Bryneich,und der impertinenten Wortgewalt eines Beatpoeten sich, teils a capella, in Stimmungenwindet, so grim, bleak und zornig, dass die Nerven blank liegen. Dazu hämmert ein tribaler
Beat seine Sätze wie Grabkreuze in die Erde, Rhodri Davies harft und Angharad Davies
geigt, zwei holde Maiden singen Chorus. Dawson versetzt sich in einen Soldaten vor der
Schlacht, der an seine Liebste denkt: I am tired / And I am afraid / My heart is filled withdread. Dazu entgleist sein Gesang, panisch und wild, aber er kann auch von Krähe auf
Falsett schalten. Gipfelnd in 'Ogre' mit
Versen wie When the sun is climbing / We'll
weather a storm of living needles / When thesun is climbing / We'll tarry by the Pool ofPlenty und When the sun is dying / We'll
cross the Causeway of No Memory / Whenthe sun is dying / Our trees will billow into
dunes. Und in 'The Vile Stuff', einem entgleisenden Schulausflug: on a school trip to
Featherstone Castle / And some wee scallywag's brung / A Coca-Cola bottle containinga spirit... I only drank a few little droplets / I
only took a tiny draught of the vile stuff,
aber frage nicht.
Nachdem damit das Festival-Kalkül schon gerechtfertigt ist und ich durchaus einige
verschreckte Gesichter ausmachen konnte, testen, ähnlich wie letztes Jahr The Liz, RDEČA
RAKETA (Maja Osojnik und Matija Schellander) & Natascha Gangl mit Stimmen, Synthie &Electronics die Dehnbarkeit einer Sideschow mit "Wendy Pferd Tod Mexiko". Es ist das ein
Live-Hörspiel, ein makabrer Klang-Comic nach Gangls Roman "Wendy fährt nach Mexiko".
Gangl spricht, Osojnik singt There is a chicken in my heart, zu elektronischem Schneckentreiben, Beats, Saxophonwellen, Gitarrenloopgroove, Tierstimmen, Schüssen. Da lachen die
Hühner, da singt das Pferd. Denn die Toten haben ein Recht auf Spiel. Das ist schon arg
naseweis. Doch es gab auch schon langweiligere Stunden.
Danach geben noch ZA! dem Affen Zucker, zwei Knallfrösche aus Barcelona, die mit Drums,
Orgel und Elektrobeats PoiL und Talibam! kreuzen und rumfreaken, dass ich mit dem
Fremdschämen nicht nachkomme.
Wen es da nicht zerreißt (aber die 'Moerser' sind verdammt hart im Nehmen), der wird am
Sonntag belohnt: Mit dem kauzigen Duisburger Tom Liwa, der zu Didier Malherbes Doudouk
und zwei AIRA TB3 Basssynthesizern in MIKROSAIVO auf Halverstekisch singt. Mit Sebastian Gramss' reich koloriertem Kölner Weltklasse-Ensemble STATES OF PLAY. Mit Quatuor
BRAC als intensivem Freihand-Streichquartett. Mit dem Rockquartett HORSE LORDS aus Baltimore und ihrem eigenen mathematisch-repetitiven Dreh aus Nik Bärtsch's Ronin, verzahnten Doppeldrums, zirkularem Saxophon, dissonanten Haltetönen und stoischen Mantras.
Und - gewagter Höhepunkt - OXBOW meets PETER BRÖTZMANN. Eugene Robinson schwitzt
seinen roten Smoking durch, und ich habe einen Brocken mehr, an dem ich zu kauen habe.
Nur Festivalmacher und komische Köche kommen auf solche Ideen: Wolf Eyes & Braxton,
Pizza mit Ananas... Am Montag geht es hart auf hart weiter. Wer möchte in ein Sandwich
zwischen ROB MAZUREK CHICAGO / LONDON UNDERGROUND und das wunderbare
Pärchen PETER BRÖTZMANN & HEATHER LEIGH gequetscht werden? Die BASS
BROTHERS Henning Sieverts & Francois Thuillier nehmen es mit Kontrabass und Tuba
gelassen.
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Nachdem Rob Mazurek mit Sonnenbrille, Trompete und Schamanenrassel, Drummer Chad
Taylor mit auch wieder Mbira, Alexander Hawkins am und im Piano und der Basstotalist John
Edwards mit ihrem Impro-Voodoo locker die Erwartungen erfüllten, führt das melodische
Bass/Cello-Tuba-Duo mit Garcia-Fons / Michel-Godard'schem Raffinement in lyrische
Jazzlauben. In der Sideshow entsprächen sie der Bearded Lady oder hübschen
siamesischen Zwillingen. Was im "netten Lineup" (arte) folgt, wäre dann Die Schöne und das
Biest? Brötzmann legt zu Heather Leighs Pedal-Steel-Singsang mal wieder das Jackett ab
und zeigt schicke Hosenträger bei seinen unermüdlich hymnischen, aber auch melancholisch angedunkelten existenziellen Stoßgebeten und Beschwörungen auf Tenorsax undTarogato, von in Mitternachtsblau getauchter Wiegenliedzärtlichkeit bis zu intensivst gefrästem Tremolo. Den Applaus sparen sich die Moerser diesmal für 'Netteres'.
Wer nach der 16. Moers-Beschallung von Papa Brötzmann noch nicht genug hat, den erwartet als 'Moor Mother' die engagierte Afrofuturistin Camae Ayewa mit der Feuermusik von
IRREVERSIBLE ENTANGLEMENTS - Keir Neuringer an zirkular gezüngeltem Altosax neben
Trompete, Bass und Schlagzeug. Ayewa deklamiert energisch und mit viel Halleffekt von derwieder heiß gewordenen Black-Lives-Matter-Front. We are post World War 3! Doch findet sie
in einem Varieté-Publikum, das da wieder beidseitig platziert ist, offene Ohren für Black
Identity, Feminismus, Polizeigewalt? Vor unverbindlich sympathisierenden Kaltblütern zu
predigen, vor unbetroffen Distanzierten oder Indolenten, die 'nur wegen der Musik' da sind,aber sich auch mit ein bisschen Radical Chic kitzeln lassen - es kann nur verfehlen, wasnotwendig wäre. Aber tut Musik das nicht per definitionem?
Danach gleich wieder andere Richtung: SIDDI TRACES. Mit Achim Zepezauer (Das Dorf,Knu!) an Electronics plus Geige und Cello in Verbindung mit Gesang, Tablas und Piano vonSoumyojit, Biswajit & Sourendro aus Bhuj. Allerdings ist das nur die Notlösung fürVisaprobleme, die eine rein indische Formation sprengten. Die rhythmisierte und melismatische Vokalisation und die virtuos gewebten, von höfischer Musik oder Rabindranath Tagore
her bezogenen Muster stehen für eine heitere Gelassenheit, die die Inder auch das
modernistische Intermezzo der andern geduldig hinnehmen lässt.
Mit diesem Streben nach Happiness nicht genug, klatscht zuletzt TALIBAM! BIG IMPAKT
nochmal einen großen Batzen Senf auf die Wurst und zündet das als Rakete. Matt Mottel tobt
mit Keytar und schreit "Big Impakt!", Kevin Shea peitscht einen Trommel-Achter, der mit
wahnwitziger Schlagzahl den Saturn anpeilt. Chad Taylor, Bobby Hall, Dsiltons Valentin Duit,
Tcheser Holmes von Irreversible Entanglements, Christian Lillinger, Achim Zepezauer undund und machen unterschiedliche Mienen zu diesem sich zu Tode reitenden Bubenspaß.
Musikalische Erleuchtung ging bei Napalm Death schneller. Die erste Nachlese äußert sichzu Tim Isforts 'Moersifying' zurückhaltender als ich, der WR-Mann vermisst die übliche
Prominenz, liebäugelt am ehesten noch mit den Mädels. Die NRZ-Frau zeigt sich aufgeschlossener für die Wundertütelei, lobt DOMi und Brötz-Bow, schluckt aber über die nicht
unzimperlichen Kontraste zwischen "Krach und Gesäusel", nur die Taz gibt sich prächtig
moersifiziert von all dem, was da so herausfordernd und verschwenderisch gewagt wurde.
Liwa und Brötzmann, Wooley und Dawson - ich merk ja selber, dass ich noch lächle.

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nowjazz plink'n'plonk
Satoko Fujii (Kobe)

Foto: Bryan MurrayIm 12-teiligen Fächer hin zum 60. Geburtstag von Satoko Fujii darf natürlich das japanischfranzösische Miteinander der Pianistin und ihres Lebenspartners Natsuki Tamura an der
Trompete mit dessen Trompetenbuddy Christian Pruvost und dem Drummer Peter Orins
nicht fehlen. Im Mai werden sie als KAZE wieder durch die Lande ziehen mit auch wieder
Heimspielen in La Malterie, Lille. Hier auf Atody Man (Circum-Libra Records 204) sind sie
zu hören am 24.6.2017 @ Firehouse 12 in New Haven. Pruvost auf dem rechten Kanal,
Tamura auf dem linken, der eine mit langen Haltetönen, der andere mit stöhnend
gepressten in 'Hypnotic Sympathie'. Bis dunkel und feierlich das Piano mit einfällt undauch Orins zu pochen und zu kleckern beginnt. Es genügt fast nicht mehr, da Peter Evans
und Nate Wooley zusammenzuspannen als Trompetergipfeltreffen, das konkurrieren kannmit Tamuras geräuschextremem Witz und Pruvosts All-inclusive-Sound. Orins tastet sichallein in 'Moving' hinein, um dann ein vereintes trompetistisches Krähen zu beklappern zu
Fujiis dunkeln Schlägen aufs Piano. Wie sich Tamura und Pruvost dann ummaunzen,beschnattern und beprusten, das ist so ansteckend belustigend, dass auch die zwar nicht
humorscheue und überreich phantasievolle, selber aber ganz unexaltierte Pianistin
gnomisch zu wuseln und zu rumoren beginnt, wobei die Trompeter inzwischen zwei
seriöse Weißclowns mimen, ein Luftloch, einen Teddybär. Fujii klimpert allersimpelst, die
Trompeten vereinen sich in Ach und Weh und crescendieren doch unverhofft insynchroner Wallung und krähendem Unisono. 'Méta-Blizzard' beginnt als Comic-Stripsody
mit raschelnden Keys, geharften Drähten, verstopftem Horn, aber lyrischer Pruvosterei,
die erst eine elegische, dann eine Blue-Note-virtuose Wendung bringt, mit strahlendem
Gezüngel zu dröhnendem Piano. Für 'Morning Glow' zeigt Fujii ihre rosenfingrige Ader, diedennoch die Bläser in Bewegung und Orins rasant tockend ins Rollen bringt. Die Trompeten zeigen sich swingend davon angetan, wellig und mit jungle-growl. Tamura beginnt'Inspiration 2' mit virtuoser Sprudelei, die ansteckend wirkt, jedoch abreißt für perkussives
Getockel, das wiederum kollektive Unruhe und eine nun zwitschernde und brabbelige
Trompetensensation hervorruft, aber eine Gipfelbesteigung bricht ab für romantische
Pianopoesie, um erst zuletzt die Spitze zu erklimmen. Das madagassisch angeregte
Titelstück bringt zuletzt Klänge, dünn wie Eierschalen, perkussiv verhuschte, drahtig
dröhnende, blechern zirpende. Der leise, fast mystisch anmutende Trompetengesangübersteigt nie ein Pianissimo und verschwindet schließlich ganz in der Stille. Kein Wind-Ei,
sondern großer Sympathiezauber.
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Das Team, das Gebhard Ullmann ihr als SATOKO FUJII ORCHESTRA BERLIN zusammengestellt hatte, um 2014 ihre beim Chicago Jazz Festival uraufgeführte Auftragskomposition"Ichigo Ichie" im Studio einzuspielen, machte auf sie derart Eindruck, dass sich Fujii ein
Da capo wünschte. Das nun vorliegt in Gestalt von Ninety-Nine Years (Libra Records 211047), mit kleinen Veränderungen der Besetzung: Keine Gitarre, unter den Trompeten mit
der Kanadierin Lina Allemano ein neues Gesicht, und Fujii selber ließ die Finger vom
Piano, um sich ganz aufs Dirigieren zu konzentrieren. Unverändert liefern Michael Griener& Peter Orins den Doppeldrumschub, Jan Roder die Bassgenauigkeit, Matthias Müller
bläst seine Posaune, Paulina Owczarek, Matthias Schubert & Ullmann bilden die
Saxphalanx, Allemano, Richard Koch & Natsuki Tamura den Trompetendreizack. Die
Drummer geben klingelnd und polternd den Anstoß zu 'Unexpected Incident' und dessen
melodische Tuttiwellen, durch die Ullmanns Tenorsax sich bohrt und Müllers Posaune
surft, bevor Allemano mit rauer Flatterzunge den Silbermond anbläst. Dann setzt wieder
der groovige Flow mit einer Anmutung von Latin-Hüftschwung ein und Ullmann setzt allein
den letzten Akzent. Spielt Fujii da auf das euphemistische Kleinreden von Fukushima an,denkt sie beim Titelstück an ihre Schwiegermutter. Roder fingert den Einstieg, zu fragiler
Percussion setzt Owczareks Baritonsax ein, zu nun gedämpftem Arcobass und tröpfeliger,
schimmriger Beinahestille, aus der sich Ullmann abhebt, zart und besinnlich, zunehmend
sprudelig und anstachelnd, doch kontrastiert mit einer getragenen Bläsermelodie. Dannbringt Griener einen kullernd und klickernd 'On the Way', die Bläser stimmen das helle
Thema an, Orins klopft die blechernen Eckdaten fest. Dann Vorhang auf für einen vonTamuras irrwitzigen Kasperl-Sketchen, der zu klickerndem Groove unterschiedlichste
Kommentare hervorruft, bis hin zur Reprise, die mitten in der Luft abreißt. Bei 'Oops!' lässt
Schubert ein Weltklassesolo vom Stapel, dem alle feierlich gestimmt folgen, nun angeführt
mit dem Stakkato einer pfadfinderischen Trompete hin zu einem stürmischen Kollektivspurt, der Wiederkehr des feierlichen 5-Noten-Motivs und dem Finish. 'Follow the Idea'
entfaltet sich zuletzt als wie von Taikotrommeln angestoßenes Flippern und Verwirbeln vonlärmigen, theatralisch launigen und launig stillen Stimmen, die kirrend crescendieren zu
nochmal treibendem Tamtam. Tolle Musik eines bärenstarken Teams.
Ganz wildes Zeug ist auch Bright Force (Libra Records 204-048) von KIRA KIRA. Das ist inAustralien das Quartett von Satoko Fujii & Natsuki Tamura mit dem Rhodes-Wizard Alister
Spence & Tony Buck an den Drums. An seiner Stelle trommelte in Tokyo jedoch Ittetsu
Takemura, ein 32-jähriger, der sich bei Jap-Jazz-Senioren wie Fumio Itabashi und Sadao
Watanabe profiliert hat. Die Fujii-Spence-Connection ist als Duo weit fundierter als es
durch Raymond MacDonalds "Buddy"-Bigband belegt ist. Hier steuert Spence 'Because
Of The Sun' bei, mit flammenden Trompetenstößen über rippeligen Keys und heliotropen
Pianorepetitionen, um sich mit Spence'schen Bassklängen und getragenen Trompetenwellen in sonnenanbeterische Andacht zu versenken. Bis wieder präzise Motive aufblitzen
und die flammende, rippelige Reprise bringen, die mit perkussivem Pianissimo verhallt.
'Nat 4' dachte sich Tamura aus, mit noch furioseren Hornstößen und rasantem Gepolter als
Rocker, der Fujii alle quirligen und bockig gehämmerten und Spence seine schillernd
quallenden Freiheiten lässt, aber mit Trompetenfeuer unterm Arsch. Von Fujii steht das 35min. 'Luna Lionfish' auf dem Programm, ein All-inclusive-Dreiteiler mit geräuschhaft ambientem, zeitvergessen lautmalerischem ersten Drittel mit auch geharft flirrendem Innenklavier und Schmauchspuren. Fujiis erst spät einsetzende Klimperei und nun auchschwerere Schläge tragen im zweiten Drittel ein gedämpft stöhnendes, aber aufbegehrendes und mit Rhodes forciertes Trompetensolo. Repetitive Figuren führen zu
einem turbulenten Keys-Drums-Dreier, bevor Fujii allein hin zu Part 3 gnomt und quirlt.
Ihrer wiederholten Aufforderung folgt Takemura mit einer meisterlichen Demonstration
rasend strukturierter Finessen. Bis wieder die Trompete feierlich mit einsteigt, vom
Rhodes ummalt hin zu erneut bruitistischen Untiefen - die Trompete verstopft, die
Percussion pfeifend und klingelig, das Piano drahtig flimmernd und dröhnend zu
Spence'schem Klingklang. So schließt sich ein Kreis, ein wieder ganz ein feiner.

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HUBRO (Oslo)
Was Sixth Sense (HUBROCD2587) besonders macht, ist nicht die erweiterte
Klangpalette, denn das war auch schon bei "Hibernation" (2015) so. Diesmal
greift Andreas Stensland Løwe neben dem Flügel noch zu Arp Solina, Korg
Delta, Prophet 5, Wurlitzer 200A, Clavinet & Electronics, Jo Berger Myhre spielt
außer den Kontrabass auch Bassgitarre, E-Gitarre & Grendel drone commander und Andreas Lønmo Knudsrød ist wieder auch trommelmaschinell zugange.
Nur folgt SPLASHGIRL diesmal noch entschlossener den Anregungen desSeattler Klangspezialisten Randall Dunn und dringt über das bloße Pianotrioformat hinaus noch tiefer in elektroakustische und klangfarbliche und geradezu
cineastische Dimensionen vor. Ob man dazu gleich Blade Runner'sche Retrofuturistik, einen zawinulesken Nachhall von Weather Report oder TangerineDream-verträumte Psychedelik assoziieren soll, sei dahin gestellt. Ganz
abwegig wäre es nicht, das gebe ich zu, auch wenn der pumpende Technominimalismus von 'Broken' auf ihre eigene Rechnung geht. Und bestens durch
die Kernmittel funktioniert, einfach durch die straighte, aber klangvolle Spielweise. Das Titelstück schöpft die Palette da wieder weidlich aus, orgelquallig,
dröhnwolkig, mit trommlerisch rollendem Tremolo und mit sonor gestrichener
Bassmelancholie. 'Monsoon' setzt ein mit fernöstlichen Gongs und tremolierenden Wellen und schwankt dann opulent, feierlich und prachtvoll. 'Half Self'
hat danach was Durchscheinendes, doch wird der Synthiesound mit enorm
knurrigen Bassstrichen und einem pochendem Muster hinterfüttert. Paukend
und dröhnend knüpft 'Taal Caldera' daran an, verschattet und entschleunigt mit
langem Halteton, der jedoch perkussiv beklickt und träumerisch beklimpert
wird. Und dazu wummern immer mal wieder Paukenschläge. 'Sedna' ist bei den
Eskimos die Herrin der Tiere, von der der Traumzeit-Duerr in "Sedna oder Die
Liebe zum Leben" raunte. Hier sind wir am melancholischen Ende derNahrungskette, mit zögernden Pianotönen, Cymbalschlägen, zuckender Welle,
stöhnenden Bassstrichen, funkeliger Gitarre und Synthieklang, der sanft undallmählich verhallt. Sich zurückzieht in jene andere Welt, in der einst das
Wünschen manchmal noch geholfen hat und das Getreide Ohren hatte, damit
man es besingen konnte.
Sun Sparkle (HUBROCD2596) vereint nach "Sun Moee" (2015) den Gitarristen
Thomas T Dahl, Mats Eilertsen am Bass und Olavi Louhivuori an den Drums
erneut zum SKYDIVE TRIO. Der vielgefragte Bassist, mit dem Tord Gustavsen
Quartet, Matthias Eick, der Nils Økland Band und auch schon als Leader auf
ECM ebenso wie als Wiedergänger auf Hubro, teilt sich dabei das Komponieren
mit dem finnischen Drummer, der nach den formativen Jahren mit Joona
Toivanen, Alex Tuomarila und Tomasz Stanko längst bei Oddarrang selber
Regie führt. Dahl, der die Finger im Michael Wallace Quartet, bei BMX und mit
Court fliegen lässt, steuerte nur 'Surface Stride' bei, spielt dafür aber die
Hauptrolle in einem Auf und Ab der Gefühle, überraschend rough bei 'Launch',öfters aber nachdenklich und zartfingrig als ein nordischer Bill Frisell. Der
wundersam melancholische Sound bei 'Spruce' rührt jedoch von Eilertsens
Bowing her. Bei 'Ascending' mit seinem ausgreifenden Wechselschritt zieht
Dahl dann wieder die anderen Saiten auf, um Desertstaub aufzuwirbeln als
unaufhaltsamer Ghostrider mit wie von Aasfliegen umschillertem Crossroadflair. Bei Louhivuoris Titelstück herrscht dann wieder funkelig versonnene
Stimmung, in der die Gitarre die Süße auf die Spitze treibt. Und Eilertsen
schließt mit 'Wish I was Who? (Camera Off)' als Frisell'schem Tanz, ganz inAbschiedswehmut getaucht. Wer da nicht wenigstens ein bisschen seufzt, demmuss wohl das Seufzen durch und durch fremd sein.
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Wenn HILDE MARIE HOLSENs Trompete elegisch und erhaben dahin zieht, als wäre es inGedanken bei einem Postflugzeug auf wummerndem Nachtflug, scheint sie so nahe bei
Joshua Trinidads Mementos und so seelenverwandt mit Arve Henriksen, dass an Birgit
Ulher oder Flavio Zanutti mit seinem Solo "La Notte" kaum zu denken ist. Lazuli(HUBROCD2572) hat sich ziemlich verspätet, die niedrige Nummer verrät es. Aber jetzt
fügt die aus Jølster stammende Norwegerin doch auf dem Nachfolger zu ihrem mit
Mineralien spielenden Debut "Ask" (2015) 'Eskolaite' an das gerade verklungene'Orpiment'. Weiterhin mit getragener Trompetenlyrik, mehrstimmig nun, und ebenfalls
gebettet auf elektronisches Subwoofing und Geräusche wie von einem blubbernden
Sumpf, kleinen lappenden Wellen oder etwas Lebendigem, das die Lippen am Mundstück
erzeugen und das sich huschend davonstiehlt. 'Lapis' hebt mit fast noch sonorerem
Mattglanz an, mit verhallendem Echo auf einem rumorenden, unkenden und dunkel
summenden Fond. Metalloide Akzente geistern im Hintergrund herum, Holsten gibt sich in
ihrem fast waldhorndunklen Schönklang davon ganz ungestört. Presst aber dann doch in
größerer Bedrängnis auch unsaubere Töne, auch das Wummern schwillt an. Kritzende
Störimpulse zeigen dann 'Lazuli' an, mit seinen 16 ¾ Min. nicht umsonst der Headliner. Der
Rauschpegel ist dazu nun enorm, als elektronisches Gespinst von eigener schimmernder
Strahlkraft, in zirpiger, leicht dissonanter Harmonik, hinter der das motorische Brummenseinen eigenen Raum einnimmt. Die Trompete muss sich erst einmal sammeln, bevor sie
unvermindert melancholisch wieder einsetzt. Mit einem die Nacht begrüßenden Gesang
auf nun zittrigem Fond und zu klackenden Lauten. Diese unruhige Geräuschwelt beherrscht sogar lange allein das Feld und lässt auch nicht nach, wenn Holsen ihr brütendes,
summendes Tönen weiterspinnt und sich zu kräftigen Akkorden aufschwingt. Der Preis
dafür scheint ihr Verstummen zu sein, so dass zuletzt nur noch die Geräusche, allesamt
Nebeneffekte und Abfallprodukte der Trompete, am Saum der Nacht nagen und schaben.
Zuletzt hatte SKADEDYR bei "Culturen" (2016) Viren und Schnaken schwärmen lassen und
Kultur auf Dressur gereimt. Ihr dritter Streich, einfach Musikk ! (HUBROCD2597) betitelt,
konterkariert jeden pudeligen Verschnitt mit ungezogener, koboldhafter Nasedreherei.
Dazu steuern wieder zwölf Kobolde aus dem reihum mit Atomic, Beam Splitter, Broen,
Kvedarkvintetten, Moskus, Nakama, Oker oder dem Trondheim Jazzorkester angereizten
Ideenfundus ihr Scherflein bei, hier ein wenig Pinocchio, da ein wenig Cyrano, dort ein
wenig Eulenspiegel. Allen voran der Drummer & Perkussionist Hans Hulbækmo, der bei
vier der sechs Stücke 12-stimmig ausformt, woran er und seine Ehebundesgenossin, die
Tubaspielerin Heiða Mobeck, schon bei Therese Aune, Your Headlights Are On und
Snøskred/Avalanche geschnuppert hatten. Mögen andere ins Kosmische tendieren oderdas Gütesiegel 'NorJazz' polieren, hier vergeht keine Minute, wo nicht etwas Komisches
passiert, etwas Seltsames, Irritierendes. So steigert sich ein schmachtendes Gitarre/
Orgel-Motiv mit pathetischem Drumming in schwärmerische Vokalisation (Ina Sagstuen),
um plötzlich zu zerfasern in perkussives Stöbern, kleinlaute Laute von Posaune und Geige,
abbrechende Kinderbelustigung. Bis endlich ein gitarrenbeflimmertes Akkordeon (Ida
Løvli Hidle & Lars Fossheim) doch ein Tänzchen zustande bringt und ein kollektives
Besäufnis. Tierlaute, gepresstes und stöhnendes Getröte (Torstein Lavik Larsen & Henrik
Munkeby Nørstebø), klackendes Pingpong, fiebernde Fiddel (Adrian Waade) und Elektronoise zerren das stramme Drumming von 'Frampek' mit in die Rappelkiste. 'Kallet' mischt
Bruitistik mit Automatik, schiefe Trompete mit blauer Posaune, hinkende und wuselige
Gitarre mit brummiger Tuba und mit debiler Percussion. Bis plötzlich doch ein komischer
Volkstanz anhebt. 'Festen' dagegen versucht gleich mit Tempo den Sand im Getriebe
abzuschütteln für einen Groove mit Grappelli-Geige, Bläserdrive, aufgekratztes Sagstuenzünglein und ein Charles-Ives-mäßiges Sich-Kreuzen von Funk und Swing. Das kleine'Portrett' ist ein geräuschhaft skizziertes Selbstporträt, bevor bei 'Hage om kvelden' die
Trompete gestopft und die Tuba wehmütig über kreisenden Pianonoten seufzen undbrummen. Sagstuen maunzt zu Glockenspiel und hebt dann doch mit einer Bläsermelodie
und feiner Violine das Gemüt vom Dunklen ins Lichte. Um doch in leise Wehmut
zurückzusinken.
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SLAGR machen seit 2007 zeitgemäße nordische Folk Music (Betonung auf zeitgemäß,nicht auf Volk). Anne Hytta spielt die Hardangerfiddel, Amund Sjølie Sveen Vibraphon undlässt dazu auch Glas singen, und Katrine Schiøtt steuert nunmehr auf Dirr (HUBROCD
2602) den Celloklang bei, der von "Solaris" (2007) bis "Short Stories" (2015) bei Sigrun
Eng in guten Händen war. Verehrer des Trios wissen kaum, was sie mehr bewundern
sollen: Die umweltbewusste Sensibilität, die die Audiosphäre als Glashaus erscheinen
lässt, in dem man nicht mit Steinen wirft oder ins eigene Nest scheißt (das Cover zeigt
versteinerten Weichschiss)? Den Thrill, den man fast gothic nennen könnte? Das minimalistische Steve-Reich'sche Sägen, das 'flimmer' flimmern lässt? 'Hel' rührt mit seinem
Demeter-Feeling, dem Trauercello, der gläsernen Tristesse, an die Fasern, die noch
Verlust verspüren. 'Varle', mit glockenspielerischem Vibraphon und Stringweh, führt michzu - Hoden? Die Galloi, die Tempeldiener der Kybele, kastrierten sich. Hatte auch 'Eir', dielange Fäden spinnende nordische Göttin der Heilkunde, solche Diener? Was ließe sich soheilen? Ist 'September' noch Sommer, oder schon Herbst'? 'Aur', Eyrr, 'Øyr' schimmern
zwischen Sand und Gold. 'Aur' spann anfangs noch Goldfäden, nagt aber auch zirpend an
Stein. Die 'Strimesong'-Fiddel warnt, dass nicht alles was glänzt, Gold ist, die Glasharmonika singt dazu ihre eigene Zerbrechlichkeit. 'Øyr' ist am Meer angelangt, das Goldhat sich verschliffen, die Wehmut nicht.

Slagr - Foto: Geir Dokken

Hilde Marie Holsen - Foto: © Jarle H. Moe

Mit Avant Folk (HUBROCD2604) deutet FRODE HALTLI tatsächlich die Spannweite seiner
Akkordeonmusik an, von der Folklore etwa mit Rusk oder den Fiddlern Gjermund Larsen
und Ragnhild Furebotten bis zur Neuen Musik von Salvatore Sciarrino, Arne Nordheim &Aldo Clementi (auf "Vagabonde Blu", 2014), Eivind Buene ("Into the Void", 2014) oder
Helmut Oehring ("Sur Poing", 2016). Letzteres mit dem Trio Poing, mit dem er auchengagierte 1. Mai-Programme aufführte ("Wach auf!", "Kapital & Moral"), mit vielen
Brecht-Weill-Songs, gesungen von Maja S. K. Ratkje, einer guten Freundin von der Einspielung ihrer 'Gagaku Variations' her ("Looking on Darkness", 2002), die auch hier als
Koproduzentin zur Stelle ist. Für Haltlis Versionen zweier norwegischer Volkslieder bei'Trio', einer ebenso bittersüßen, aber stampfend getanzten und sich tremolierend auffächernden färöischen 'Kingo'-Hymne und bei 'Gråtar'n' für den sich aus gespenstischer
Düsternis schälenden Geist eines Walzers von Finnskogen, arrangiert für Geigen, die
Saxophone seines Poing-Partners Rolf-Erik Nystrøm, Ståle Storløkken an Harmonium &Synthie, Gitarren, Kontrabass und Drums. Eingerahmt mit Haltlis eigenem 'Hug', in dem
Hildegunn Øiseths ganz wunderbares Trompetensolo im Stil von Arve Henriksen
hervorsticht. Und mit 'Neid', einem wehmütig swingenden Etwas im Geist der alten
Weisen, bei dem Haltli alle Silberzungen seines Instrumentes singen, seufzen undjubilieren lässt. Eine dunkle Gitarre spinnt das innige Spintisieren mit fort, bis plötzlich
staksige Glieder zu tanzen anfangen, aber innehalten vor einer verblüffenden Saxophontirade in wilden und höchsten Tönen, um dann erst wie von Silberfäden leicht in die Luftgehoben die letzten Runden drehen.
30Intakt Records (Zürich)
Das GLOBE UNITY ORCHESTRA hat von "Globe Unity - 40 Years" (Intakt, 2007) zu Globe
Unity - 50 Years (Intakt CD 298) mit Paul Rutherford (1940-2007) und Kenny Wheeler (19302014) zwei der Alten ziehen lassen müssen und mit Johannes Bauer (1954-2016) einenvorzeitigen Verlust erlitten. So dass vor allem die Posaunensektion neu aufgestellt wurde
mit Walter Wierbos, Christof Thewes und Gerhard Gschlößl, während die Trompeter(Schoof, Cappozzo, Dörner) verstärkt sind mit Tomasz Stanko und Ryan Carniaux (einem
New Yorker in Köln, der mit Nicolas Simion und Norbert Steins Pata on the Cadillac die
Lippen gespitzt hat). Auch bei den Reeds gibt es (neben Dudek, Petrowsky & Mahall) neue
Gesichter mit Henrik Walsdorff und Daniele D'Agaro (ein erfahrener Mann aus Udine, dermit Schlippenbach und mit Takase sein Können gezeigt hat). Dazu gibt es mit Carl Ludwig
Hübsch, wie vor 50 Jahren mit Willy Lietzmann, wieder eine Tuba. Alexander von
Schlippenbach, seit 2017 bundesverdienstgekreuzigt, fand im künstlerischen Leiter Richard
Williams jemanden, der gern Ja sagte zur fälligen 10-Jahreswiederkehr des Orchestras
beim Jazzfest Berlin, nach 2006, 1986 und 1976, denn der war selber schon beim Debut
1966 in Flammen aufgegangen. Schlippenbach, Manfred Schoof und Gerd Dudek sind noch
Männer dieser ersten Stunde. Aber alle miteinander sind sie Diener einer größeren Macht,
nämlich der "erschütternden Gewalt des Tones" im Wechselspiel von Kollektiv und Individuation. Wobei Einzelne oder kleine Gruppen aus dem von Paul Lovens und Paul Lytton
betrommelten Halbkreis vortreten und ihre Stimmen erheben. In der geteilten Lust an
kakophoner Ungezwungenheit und weniger bestimmt durch Power, als durch pfingstliches
Gezüngel in schwärmerischer Euphorie. Im schwarmintelligenten Chor werfen eine Posaune, eine Trompete, ein Saxophon und wieder eine Posaune kleine Beulen. Schlippenbach
klopft dazu ständig seine Silberhämmerchen und bringt das siedende Oktodekagon zum
Brodeln. Das Klangbild ist nicht bloß durchwegs polymorph, sondern dabei auch feuerförmig, glimmend, flackernd, flammend. Mit einem beklapperten Pianomonolog in der 19.
Min., der wild keckernde Erregung hervorruft, aus der Evan Parkers Soprano sich trillerndvereinzelt und das Publikum mitreißt in die nächste Kollektivprotuberanz. Aus der schießen
schrille Trompetenschreie auf, mit wellenförmigem Nachhall. Mit schmachtendem Gestöhneverbreitet die Brasserie matten Glanz im doch wieder schwelgerischen Wechselspiel vonDiscordia concors (Uneinigkeit des Einigen) und Concordia discors (Einheit des Uneinigen).
Mit einem nochmal markanten, zugleich schmurgelnden und strahlenden Trompetenstatement, das Szenebeifall einheimst. Der Endspurt setzt sprudelnd und mit keckem
Saxophon ein, als klingender Sturzbach und mit crescendierendem Voilà !!!
Dass der Leader des DAVE GISLER TRIOs auf Rabbits on the Run (Intakt CD 304) nun selberin den Vordergrund tritt, und das bei Intakt, ist nur die logische Konsequenz seiner
bemerkenswerten Präsenz in Florian Egli Weird Beard und Christoph Irniger Pilgrim. So wie
er die Anxiety of Influence seines gitarristischen Lehrmeisters Kurt Rosenwinkel schon in
eigensinnigen Lösungen abschüttelte, gibt er nun mit 35 Jahren eigentlich recht spät die
Richtungen vor, in die er Haken schlägt mit Raffaele Bossard am Bass (seinem Mit-Pilgrim,
Mit-Asmin und seinerseits Lotse bei Junction Box) und Lionel Friedli (mit seiner Erfahrung
bei Lucien Dubois, Christy Doran und Sarah Buechi) an klirrenden Drums. Gisler ist nicht
der erste Gitarrist, in dessen Sound Saxophongesang widerhallt. Das Nebeneinander von
gummifingrigem und elegischem Schwebklang bei 'Spiegelfeld' und schillernd wetzendem
Gefinger beim kantig geklopften 'Dive' setzt sich fort im Kontrast des bedrückten, abersehnsuchtsvoll spintisierenden 'Mr. No Name' zum psychedelisch und mit diskanten
Splittern rockenden 'Sinister Minister', des wieder schwerelosen 'Zooming In' zum
halsbrecherisch loshetzenden, rasend beknatterten Titelstück, bei dem Gisler hochvirtuos
trillert und zickzackt, und zum himmelschreienden und poltrigen 'Spirit Laundry'. Nur 'Two
Flowers' in seinem von Friedli überfunkelten träumerischen Brüten und Spekulieren und'Playground', das zu Besenstrich und Walking Bass silbergestreifte Zuversicht ausstrahlt,
bilden zuletzt ein weniger ungleiches Paar. Die Linernotes loben das als "schöngeistige,
popaffin süffige Melodien". Autsch!
31

ANGELIKA NIESCIER, CHRISTOPHER TORDINI & TYSHAWN SOREY spielten
The Berlin Concert (Intakt CD 305) am 3.11.2017 beim Berliner Jazzfestival
anlässlich des Niescier verliehenen Deutschen Jazzpreises. Die postcoltrane'sche Saxophonistin, die nach Ulrike Haage (2003) erst zweite
reichlich weibliche Preisträgerin, und Sorey, der mit ihr auf "Quite Simply"(2011) und "NYC Five" (2016) trommelte, verbindet weit mehr, als bisher für
die Nachwelt festgehalten ist. Mit Tordinis Kontrabass als drittem vertrauten
Element philosophierten sie im ersten Teil von Niesciers Dramaturgie,'Kundry' überschrieben und anlässlich des Projekts "199 Jahre Wagner"
entstanden, über Identität und Respekt als Widerpart geschürter Ängste und
forcierter Ungleichheit. 'Like Sheep, Looking Up', in das in Spurenelementen
das 'Barbaralied' der Bergleute eingebluest ist, rührt natürlich von John
Brunners prophetischer SF-Dystopie "Schafe blicken auf" her (die ich Endeder 70er gruselnd verschlungen habe) und warnt davor, ausschließlich die
Triebfeder Kommerz die Sekunden diktieren zu lassen. '5.8' legte sichNiescier in Istanbul zurecht und wie 'The Surge' als viertem Part ist es
hinterfüttert mit Peter Sloterdijks Gedanken über "Stress und Freiheit" in sichselber hetzenden "Sorge-Systemen", in denen man ständig mit Unmöglichkeiten wie dem Rat "Be safe and remain alert" psychoterrorisiert wird.
Niesciers Überbau wird zu 1/4 ein saxophonistisches Räsonieren und Flehen.
Und ergießt sich zu 3/4 als Wildwasser, mit Sorey als ausnehmend agilem
Schwergewichtler und Geröllheimer (auch wenn mir seine ganze kratzbürstige und spielsüchtige Geistesgröße erst so richtig beim Button Trio mit
Stephen Haynes & Joe Morris oder beim Undermine Trio mit Pitsiokos &Lopez aufgeht, sein Fingerspitzengenie bei Paradoxical Frog und sein
Schneeflockenspirit mit Jen Shyu). Das Ganze möchte die trio-interne
Achtsamkeit und Synergie gerne als beispielhaft hörbar machen undvermitteln. Das "Wissen um Wirksamkeit" in Dr. Christian Broeckings
Linernotes geht meines Wissens allerdings gegen Null. Hat je eine Ameise
ein Konzert als Grille verlassen, eine Zecke als Blutspender, eine Heuschrecke als ...? Wir wissen es nicht.
Nach den Graubärten von Globe die Milchbärte. In DISTRICT FIVE hat der bei
Gisler, Wiesendanger und Irniger geschulte Züricher Gitarrist & Electronicscrack Vojko Huter drei Mitstreiter vom Gamut Kollektiv mit sich gezogen:Tapiwa Svosve an Altosax & Synthie, Xaver Rüegg (der auch mit Vincent
Glanzmann in Trios von Silvan Schmid und von Philipp Eden spielt) am
Kontrabass und an den Drums Paul Amereller, Jahrgang 1991 und fit durchs
Spiel mit Joscha Schraff, Evelinn Trouble oder Colin Vallon. Der postindustriell trendig gewordene Züricher Kreis 5 kriegt auf Decoy (Intakt CD308) "District 9"-Flair, als Debut, das Miles Davis als Hl. Christophorus unter
sich, aber doch mehr mit Clubkultur anzufangen weiß. Dass Svosve, der ab
nun in einer jungen Crew das Taktlos-Festival mitgestaltet, 1995 geboren ist,verrät, was die Stunde geschlagen hat. Halt, was Falscheres als die
Dancefloor-Abkocher Sons of Kemet könnte man sich jetzt nicht vorstellen.
Die Züricher bestechen, eher so wie mal das Portico Quartet und all die
skandinavischen Delfinstreichler, durch Transparenz und Geschmeidigkeit.
Sophisticated, mit Reminiszenzen an coole Vorläufer und naseweis genug,
ihre Novität mal spritzig, mal als Smoothie zu servieren. Der wellige, luftigleichte Altoflow hält Tuchfühlung mit dem durchscheinenden Gitarrensound,auch wenn es kurz halsbrecherisch wird oder, mit ostinaten Repetitionen,groovy wie 'Maths'. Öfters wird es aber ätherisch, denn schon schwebt man
wieder, light und extra-light, im tagträumerisch chillendem Maybe und hört
ein mit quirligen Abercrombie-Fingern und Apollinaris-Lippen gesungenes
Lob des Flüchtigen, der Empfindsam- und der Lauterkeit.
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Wenn mit Musik wie der seinen Geld zu machen wäre, würde Julius Eastman (1940-1990)
gefeiert wie Jean-Michel Basquiat. Mit 'If You're So Smart, Why Aren't You Rich?' (1977)
hat er das selber schon ironisiert. So aber ist er nur ein Schwarzer, der drogensüchtig undobdachlos verkommen ist und in Vergessenheit geriet. Dabei hat er 1970 die denkwürdige
erste Einspielung (bei Nonesuch) von Peter Maxwell Davies' "Eight Songs for a Mad King"
gesungen und mit Meredith Monk "Dolmen Music" und "Turtle Dreams". Er hat mit Petr
Kotik das S.E.M. Ensemble gegründet und damit auch eigene Kompositionen aufgeführt.
Aber seine nackt-schwule Performance von John Cages "Songbooks" 1975 in Buffalo
machte Skandal, und Cages Verdikt, sein Ego sei homosexuell fixiert, machte ihn zur
Persona non grata im durchaus selber schwulen Avantzirkel. Er zog sich trotzig den Schuhan, sah sich selber sarkastisch als "eine Art talentierter Freak" in der Nachfolge desschwarzen Pianisten & Komponisten Thomas Wiggins (+1908), der bei Barnum als Zirkussensation aufspielte, und provozierte damit, dass er seine Stücke 'Nigger Faggot', 'Dirty
Nigger', 'Crazy Nigger' taufte. There are 99 names of Allah, and there are 52 niggers, als
Hoffnungsträger einer kommenden musikalischen PLO. Während aber Reich, Adams undGlass via Nonesuch zu Ruhm gelangten, verschwand Eastman im toten Winkel. Erst seit
einigen Jahren läuft eine Wiedergutmachung: "Unjust Malaise" (New World Records,
2005) brachte Eastman im O-Ton, 2015 erschien eine Biographie, seine Musik wird wieder
gespielt, sogar von DJ/rupture, sogar - kleine Welt - von den Horse Lords, die 'Stay on It'(1973) performten. 2017 und 2018 erklangen seine Stücke auch bei der Maerzmusik in
Berlin. Und bei der documenta 14 griff das Schweizer KUKURUZ QUARTET in die Tasten,das sich auf Eastmans Musik für vier Pianos spezialisiert hat. Piano Interpretations (Intakt
CD 306) bietet 'Evil Nigger' (1979) als trillernd fluktuierenden Ozean mit dem wiederkehrenden melodischen Diktat B-A-F#-E-D-A-B, bis hin zu einem von Donnerschlägen bewirkten Zusammenbruch zur kleinlaut-zagen Elegie. Davor lassen sie bei 'Fugue no. 7'(1983) das Bimbam von Glocken anklingen, die Eastmans spirituelle Wende in den 80ern
andeuten, durchsetzt mit dunkel krachenden Clustern. Und sie greifen für noch einmal
panreligiöse Schwingungen bei 'Buddha' (1984) in die Saiten, so pianissimo, dass dieses
Flimmern als Stille erscheint, die an der Hörschwelle knarrend andunkelt, drahtig vibriert,
dabei von einigen wenigen Tropfen bepingt wird und in dieser Quasistille bis zum Endeverharrt. Eastmans Musik ist aufgrund ihrer oft vagen Notation freilich so interpretationsabhängig, dass 'Buddha' aus den Mündern des Sotto Voce Vocal Collectives nicht das
gleiche, ja nicht einmal dasselbe zu sein scheint. 'Gay Guerrilla' (1979) hebt in ein-zweifingriger Monotonie an und weitet sich aus auf einem Bassdrone, mit kleinen Wechselschritten, in Halbtönen changierend, regnerisch tröpfelnd, achthändig an- und abschwellend, unablässig repetitiv mit einem immer wieder gehämmerten Dreiklang. Crescendierend fächern sich die vier Händepaare kanonartig auf, eines diktiert im dröhnenden Wirbel"Eine feste Burg ist unser Gott", bis es gedämpft in die Tiefe geht, aber zuletzt trillernd
und in immer neuen Wellen doch nur noch treppauf und auf und aufwärts.
JOEY BARON & ROBYN SCHULKOWSKY haben mehr gemeinsam als das Trommeln und
Christian Wolff. Mit dessen 'Percussionist 5', 'For a Medley' und 'Bass Drum Duo für Joeyund Robyn' bestreiten sie halbe Abende, aber so wie Schulkowsky Wolffs Songs & Dancessolo sang und tanzte, so hat sie mit Baron auch eigene Tales & Dances, sogar "Dinosaur
Dances" (L-M, 2010), den Fellen über die Ohren gezogen... oder so ähnlich. Sie hatte das
zuvor schon mit Fredy Studer bei "Duos 1, 2" (1998) ausprobiert, bei "Armadillo" (NewWorld Records, 2013) kam Baron dazu. Und nun bei Now You Hear Me (Intakt CD 307) also
wieder Joey & Robyn, zeitvergessen vertieft in ihr Dadadong dadong dadadang dadong...
Bei 'Passage' dröhnen, klacken, klingeln und klöppeln sie über ne halbe Stunde, bei 'The
Gaze' erreichen sie erst nach 17 Min. den Horizont. 'Castings' ist ein holzig akzentuiertes,im wörtlichen Sinn stabspielerisches und accelerierendes Tamtam ihrerseits, auf das
Baron metalloid, trappelig, mit Schwebklängen, Basspumpern und lässigem Beckengroove
antwortet. Damit liegen schon fast alle Ingredienzen offen und auch der Kontrast vonsitzendem Drumming und Standtrommelei. Der Rest ist ein himmlisches Kinderspiel, mit
klickenden Steinchen, Katzenpfoten, als Erbsenpingpong, Glockendingdong.
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Intonema (Sankt Petersburg)
Gibt es in Finnland Fans von Schimanski? Tuukka Haapakorpi: electronics, Lauri
Hyvärinen (Duopartner des Intonema-Machers Belorukov): electric guitar, objects, Taneli
Viitahuhta: alto saxophone, objects, piano und Hermanni Yli-Tepsa: violin, objects nennen
sich jedenfalls seit 2010 HORST QUARTET und zimmern sich eine Audiosphäre aus elektroakustischen Geräuschen. Ein Hammer ist auch im Spiel, hauptsächlich aber 'Carpenter
Ants'. Vergesst also die Vorstellungen, die sich zu Gitarre, Saxophon, Piano und Geige
einstellen, Edged Timbre (int023) vermittelt davon kaum Schattenrisse. Es fiept, dröhnt,surrt, das Blasrohr ist verstopft, muss aber. Viitahuhta presst, nuckelt und versucht sogar
Wörter ins Mundstück zu stopfen. Krimskramsende Gesten erzeugen dazu tuckernde,
klopfende, zirpende, furzelige, drahtige Laute, bewusst uneindeutig und verzittert,ziemlich nah an einem mikrokakophonen Ground Zero, der jedoch in Ameisenperspektive
tausenderlei Raum bietet, der immer abenteuerlustiger beknattert, beblubbert, bedröhnt,crescendierend bekracht und zuletzt repetitiv beklimpert wird.

Seth Cooke - Foto: Remco Merbis

SETH COOKE, Perkussionist in Bristol und Labelmacher von Every Contact Leaves a
Trace, ist ein Mordskerl mit Haaren überall, außer auf dem Schädeldach. Man möchte ihn
daher in eine Ecke stellen, wo's heavy, dark und taff zugeht. Es will einem nur schwer inden Kopf, dass er auf wandelweiserischen Spuren wandelt, mit Manfred Werder, Sarah
Hughes und Michael Pisaro auf Another Timbre. Ein Lieblingsspielgefährte ist der
extremophile DOMINIC LASH, mit dem er sich nach etwa "Pact" (2014, 1000füssler) und"Canary" (2015, Hideous Replica) jetzt erneut für Egregore (int024) feinabstimmte. Mit
dem fast einstündigen Zusammenklang seines Cymbalfeedbacks mit Lashs Electronics. Es
verdattert mich jedesmal aufs Neue, ihn mit dem wohl gleichen Selbstverständnis, mit dem
er ansonsten mit dem Kontrabass improvisiert mit Roger Turner & Alex Dörner (als Tin),
John Butcher & John Russell (als Stray), Elisabeth Harnik & Fay Victor (als Reddeer) oder
The Holy Quintet, so dröhnminimalistisch und elektronisch zu hören. Mit einem monoton
vibrierenden Halteton, der freilich weder monoton noch zu halten ist. Das andauernde
Sirren/Surren changiert nämlich unaufhörlich in sich, streift Sinus-Hochglanz und Wummer-Zonen. Dem Titel nach, einem bei Victor Hugo poetisch, bei Eliphas Lévi arkan
verwendeten, bei Eugen Grosche von der Fraternitas Saturni in seinem Logennamen
GrEgor A. GREGORius eingeschriebenen Begriff, der aus dem apokalytischen Henochbuch herrührt, handelt es sich um magische Kraftfelder oder um Gruppengeist. Zwei sindvielleicht noch keine Gruppe, aber doch ein Ausgangspunkt.
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Ilia Belorukov (in Tampere?) - Foto: Anastasia Tsayder

Invanskrue (int025) entstand im Dezember 2016, als ILIA BELORUKOV und MIGUEL
A. GARCÍA als Wolkokrots in Frankreich und der Schweiz tourten, bei einem
spontanen Studiomeeting in Zürich mit JASON KAHN an Drums und FRANTZLORIOT und seiner Viola. Zusammen mit Fluteophone, Kontaktmikrophon, ApeSoft
iVCS3, Samples, Feldaufnahmen und Electronics scheinen da Kahns Signal-ToNoise-Zeiten wieder aufzuleben. Mit Stringgespinsten, schraffierenden und perkussiven, tremolierenden und repetitiven Gesten und metalloidem Schimmer überknarzigem und rumorendem Fond, in dem Belorukovs verstopfter Blaseton unter'rumoren' fällt. Mit Spaß an mikrodynamischen Verwirbelungen und kollektiver
Kakophilie wird die Schallmauer traktiert, Kahn wummert mit Basstrommel, flunkert
mit Cymbal, scheppert, schüttelt Krimskrams, Loriot krikelkrakelt und glissandiert.
Der Spanier und der Petersburger stiften die eher ominösen Unter- und zwitschernden, pfeifenden Zwischentöne zum nicht undramatischen Verlauf in seinem
perfekten Equilibrium aus Elektro und Akustik und den dabei immer wieder
verblüffenden Anverwandlungen und Korrespondenzen. 'Janotaticker' scheint dabei
nicht von portugiesisch 'eitel' zu kommen, sondern vom finnischen 'hungern nach'.
Auch von 'Relieffestia' führt eine mögliche Spur architektonisch zur Tampere
University of Technology. Vielleicht schielt Belorukov ja tatsächlich gern über den
Finnischen Meerbusen.
KONSTANTIN SAMOLOVOV, ein Klopfkäfer in Sankt Petersburg, betreibt dort
zusammen mit Belorukov das Kassettenlabel Spina!Rec. Als Gesinnungsgenossen
und Weggefährten spielten sie auch schon in Wozzeck, konstanter und noise-rockig
in Mars-96 oder elektronisch in Mars-69. Bei Varietas (int026) zirpt und knattert anseiner Seite jedoch Алексей Сысоев [ALEXEY SYSOEV], mit No Input Mixing Board
und Electronics. Der war, mit dem Pianisten Yury Favorin und dem Trompeter
Konstantin Sukhan, schon auf Creative Sources zu hören, bei "Wallpaper 3.1.6"(2015) bezog er sich auf Cardew und Prévost. Hier ist er der Knarzer, Tickler und
Furzler zu den Klopftönen, Tapsern oder der verhuschten Wischelei seines Partners.
Samolovov spielt nicht Drums, vielmehr nutzt er sie selektiv und pointiert als
Geräuschquelle, ergänzt mit Krimskrams und ein klein wenig Radio. Der tachistischbruitistische Gestus mag tatsächlich mehr oder weniger von AMM-Spirit hinterfüttert
zu sein, für die reduktionistische Manier sind noch andere Väter denkbar. Das Resultat ist musterknabenhaft und endet mit Samolovovs rubbelndem Daumen.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot, Devon)
Dem Aachener Pianisten LUCAS LEIDINGER bin ich in Tomo Jacobsons 5-Nationen-Septett
Moonbow begegnet. In seinem Trio & Strings findet man Etienne Nillesen neben dem
Alinde Quartett, in Mount Meander zog er Jocobson und den lettischen Saxophonisten
Karlis Auzins auf seine Seite, bei New Phalanx hat der Gitarrist Epaminondas Ladas das
Kommando. Er spielt auch mit Nillesen im Quartet von DANIEL DAEMEN, und mit diesem
belgischen Altosaxophonisten entstand Dialogues (LR 820). Voller Erinnerungen an Islandoder an Kopenhagen, mit dem Gefühl im Glashaus zu sitzen, voller Vaterstolz und einigen
Prisen Humor. Leidinger ist der Stichwortgeber, sprich, er komponierte die tagträumerische Glasperlenspielerei ebenso wie das Klopfen gegen unsichtbare Wände, er pickt am
Draht, malt mit blauer Fingerfarbe, er spitzentänzelt, silberhämmert. Daemen bläst feine
melodische Linien und zuckendes Zickzack, pfeift wie ein Obertonsänger, er trillert odertrauert, immer lyrisch, immer empfindsam. Der perfekte Putztrupp für den Porzellanladen.
Der Flötist STEFANO LEONARDI hatte schon bei "Conversations about Thomas Chapin"
FRIDOLIN BLUMER und HEINZ GEISSER an der Seite, die Rhythmsection von Ensemble 5.
Bei l'Eterno (LR 830), gemeint ist eine uralte, vom Blitz getroffene Zirbelkiefer im Trentino,
hört man noch MARCO COLONNA, Spielgefährte von Silvia Bolognesi oderAgustí Fernandez und Liebhaber von Kammerlingen, an Klarinetten und am Cello ANTONIO BERTONI,
dem, wenn er solistisch tausendfingert (mit "1/2 H[our] Drama" auch schon auf Leo, aktuell bei "Terre occidentali"), kaum tausend Plateaus genügen. Zu fünft machen sie, ich will
nicht sagen eine Programmmusik, aber sie erschaffen doch eine urige Klangwelt aus flötenspitzen und saitenschrillen Verästelungen, knorzigen Gesängen und poltrigem Steinschlag. Ein Streben, das ortlos und flüchtig ist wie der Wind und sich doch beharrlich in die
Tiefe von Stein und Zeit krallt. Voller Brüche und doch ungebrochen in seiner Naturwüchsigkeit. Leonardi fängt den Genius loci mit zwitschernder Sulittu ein, mit zirpender Launeddas, mit folkloreskem Anklang. Dem Kiefertorso steckt der Wahn an der Lagorai-Frontin den Jahresringen, in der Bassflöte hallen Hybris und Vergänglichkeit melancholischnach. Die Bassklarinette borkt und keckert, Blumer und Bertoni fiebern, Geisser hackt am
Porphyr, donnert und blitzt, und Leonardi und Colonna trillern und toben unbändig drüber
weg. Noch einmal träumt l'Eterno, von der Zeit sanft betropft, und muss doch gleich wieder
ihren Stürmen und Reißzähnen trotzen, forever & ever.
MARK HARVEY and the AARDVARK JAZZ ORCHESTRA, das verspricht engagierte Musik.
Und einmal mehr wird Democratic Vistas (LR 833), durchsetzt mit Mens et Manus des Massachusetts Institute of Technology, der Erwartung gerecht. Durchwirkt mit Walt Whitmans
kritischem Idealismus, hält Harvey mit seiner Bigband den herrschenden Verhältnissen
Benjamin Franklins Republikanismus entgegen. Mehr denn je gilt es Träume zu träumen
(Grace Hughes macht es in 'Dreaming' vor), denn was sonst könnte die Abwärtsspirale im'De-Evolution Blues' stoppen. Beten vielleicht? Statt noch frömmer, sollte die USA lieber
bunter werden. Das schlägt jedenfalls 'Samba313' mit brasilianisch-karibischem Zungenschlag vor. Was es am wenigsten braucht, ist eine Mauer ('No Walls'). Besser sollte sichder Spirit von Ellington und Abdullah Ibrahim frei entfalten. Breitesten Raum gibt Harvey
seiner Einmischung in das, was er American Agonistes, Amerikanische Querelen, nennt,
mit 'The Swamp-A-Rama Suite': Ein 10-faches Kontra gegen den 'March of the Delusional,
Dysfunctional Demagogues', ein spöttisches Vorführen der herrschenden Schurken undWitzfiguren im 'Waltz of the Oligarchs', 'Twit Storm Two-Step', 'Trumputin Tango'... Die
akkordeonistische 'Perseverance Polka', 'Persistence Pavanne' und der New-Orleans'sche'Democratic Street Dance' setzen explizit auf Frauenpower. Vieles ist nötig, um den 'Disintegration Death Dance' mit einem anderen Populismus auszukontern, mit dem Spirit vonCharles Ives etwa, von Mingus, Sun Ra, Charlie Haden, turbulent und voller Kontraste aufgemischt mit Harveys Galgenhumor, Brass und Gegenwind.

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pfMENTUM (Warrensburg, MO)
Prof. Dr. GUERINO MAZZOLA hat mich schon bei "Ma" (pfMENTUMCD116) an die
University of Minnesota geführt. Denn der Schweizer predigt dort seit 2007, was er als
pianistischer Spielgefährte von Heinz Geisser auch praktiziert. Professor ALEX LUBET(*1954 in Chicago) gehört sogar schon seit 1979 (!) zum Lehrpersonal in Minneapolis, alsder Autor von "Music, Disability, and Society" (2010) und Vermittler multikultureller
Perspektiven, die der WASP-Leitkultur eine weltoffene entgegenstellen, wie sie sichspiegelt in seinen Kompositionen Iris of Light, for koto ensemble; Alyssa in Bali, forgamelan; And the Walls Come Tumbling Down, a dance-drama chronicling relations
between African- and Jewish-Americans; The Wise Men of Chelm, a klezmer musical forchildren; Bosnia Blues, stagework with Jewish and blues musicians and live electronics;
und African Sabbath, for vocal soloists, chorus, and jazz and African instrumentalists. Er
greift, wenn er bei DeepState (PFMCD119) zu Mazzolas Flügel-Schlägen improvisiert, zu
akustischer Gitarre, National Steel Guitar oder Sopranukulele (mit der er eine Pipa oder
Shamisen suggerieren kann). Einen Vorgeschmack kann man finden auf "Spectral Blues"(2013), eine Ahnung von der gemeinsamen Stoßrichung mit Mazzola geben die Titel'Neither Slavery nor Servitude', 'Freedom of Speech', 'Blessings of Liberty'. Drahtig spröd
pickend, prickelnd, schrappend, aber auch fragil und zärtlich, lyrisch und kapriziös
klimpernd, mit der Linken rumorend (bei 'Establishment Claws') oder im Innenklavier (bei'Bare Arms'), lassen sie in ihrem ungenierten, aber wie von Tiefenerinnerungendurchwirkten Spiel bluesige, frühjazzige und volkstümliche Töne durchklingen. Mazzolabringt mit 'Verinoqu'es' ein nachdenkliches Solo, Lubet mit Mountain Dulcimer ein
amerikanisch-elegisches, das er dennoch 'Kaddish' nennt. So wie Fremdwörter laut
Adorno als "Juden der Sprache" diese würzen, so werden hier krumme und ungeschönte
Klänge als quasi 'behinderte' willkommen geheißen.
Der Leader des GEORGE MCMULLEN TRIOs ist ein Posaunist für viele Fälle, Filmjobs, TVJobs, bei Randy Newman, Tom Waits, Paul Anka, auch im Vinny Golia Large Ensemble ist
er zu finden und im Luckman Jazz Orchestra. Mit The Brian Setzer Orchestra gewann er
mehrfach einen Grammy. Wobei er bei mir eher mit Brad Dutz, Michael Vlatkovich, The
Motor Totemist Guild ("City of Mirrors") und mit Ogogo punktet. Auf Boomerang(PFMCD120) spielt er nun seine eigene Musik, mit Nick Rosen am Bass (seinerseits
ambitionierter Leader 2010 bei "Into the Sky" und 2012 bei "Violet") und an den Drums
Alex Cline, dem Zwillingsbruder von Nels und ein Leuchtturm der Westcoastszene.
McMullen fackelt nicht lange, um klarzustellen, dass Innovation nicht sein Thema ist. Er ist
ein sangesfroher Swinger, nicht dirty und hot, ihm kommt es mehr auf Serenität und auf
Feeling an. Rosen und Cline unterschreiben das explizit gleich bei ihren ersten flockigen
Solos. McMullens herzhafte Könnerschaft zeigt sich auffallend schön bei den posaunistischen Schmierern und dem Up und Down der Gefühle von 'Follow the Bouncing
Ball', das auch im halb federnden, halb elegischen Bass widerhallt. Im Seufzen und sogar
Stöhnen ist McMullen so groß, dass auch Rosen ganz bogensanft und butterfingrig
behutsam wird, mit quasi nylonfeinem Sound. Cline, eben noch katzenpfotig, geht mit
gerüsteter Vorsicht durch 'The Open Gate', Rosen unterstreicht aber McMullens
melodisches Zutrauen, das zwischen zögerndem und lustwandlerisch leichtem Trittwechselt. Vier intuitive Passagen verbinden McMullens Wegbeschreibungen, Cline dabei
leicht schrottig, die anderen glissandierend und surrend hin zu munter bepulster,posaunistisch sprudelnder Jazzerei, bei der Rosens Finger wieder singend über die Saiten
springen zu federleichtem Drumming. 'Waiting' folgt mit Spiritual-Feeling in Swing-LowTrübsal, bevor ein dunkler Wind die Saiten und Becken harft und McMullens ausgedörre
Lippen kaum einen Ton herausbringen. Wenn dann zu dunklem Pizzikato und Schrottbeat
ein gestopfter Gesang anhebt, ist er so knietief bluesig, dass er über sich selber lachenmuss. Und mit unernster Laune geht es auch ins Finish, mit aufflammendem Gezüngel,aber gedämpftem, verstopftem Ausklang. Just follow the Bouncing Ball.
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PNL (Oslo)Was da als aleatorisches Getüpfel anhebt, ist More Fun, Please (PNL040), Paal NilssenLoves Auftragskomposition für das Only Connect Festival 2017 in Oslo. Als nicht einziger,
aber spezieller Clou war dabei seine 8-köpfige Large Unit (aus Mats Äleklint, Klaus
Ellerhusen Holm, Per Åke Holmlander, Tommi Keränen, Jon Rune Strøm, Christian Meaas
Svendsen, Andreas Wildhagen und ihm selbst) vergrößert zur EXTRA LARGE UNIT. Mit
einer Workshopklasse von Norges musikkhøgskole, 20 willigen Youngstern, die ihm drei
Pianos, drei Akkordeons, zwei weitere Kontrabässe und fünf weitere Blechtröter
bescherten. Die ließ er nun zwar nicht nach seiner Pfeife, aber doch meistenteils nachgraphischen Zeichen, einer Handvoll Noten und insbesondere Conductionsignalenumeinander wirbeln. Um den Spaß und die Eigeninitiative zu vergrößern, gab es Cues wie
Fuck Trump!!!, Smelly Fart, Disco, Beauty, Sexy, ECM, Miau, Vodka King, Voff! oder zeigten
ne schwarze Schraffur, Aufwärts- und Abwärtspfeile, eine Ameise oder ein Gespenst. Dazu
konnten die Konduktoren mit Splittergrüppchen jonglieren oder im Rahmen von PNLs
Gesamtkonzept den Tausendfüßer als Ganzes und in Teilen durch Dick und Dünn
dirigieren. Es dreht sich darum, die Hierarchie zwischen Komponist, Dirigent undOrchester abzuflachen zu Gunsten des Spielerischen, des Überraschenden, des Flexiblen,
Unbestimmten, Cage meets Butch Morris in einem Spielraum, groß genug für zugleich
Brötzmann und Feldman, das Spontaneous Music Ensemble und koreanische Hofmusik.
Von der anfänglichen Stille und dem initiativen Trompetenstoß bis zum finalen Nocheinmal
und Nocheinmal und Nocheinmal einer rührend geigenden Grille. Denn nicht Brasspower
hat hier das große oder gar letzte Wort, eine folkloreske Fiddel und die zirpenden
Akkordeons, Klimperei, Keränens Elektrogespinste, Flöte und perkussive Flocken fordern
für sich Transparenz und Zurückhaltung. Umso effektvoller die elefantösen Bodychecks,
pianistischen Faustschläge, die Drums- und Tuttiattacken und der Tubagroove im Kontrast
zu Vibes, Trompetenstakkato und dem sonstigen Klimbim. Der Sturmlauf in der Mitte derhalben Stunde ist wohl ein Höhepunkt, aber das unkige Quokquok zu Videospielgeballeroder irrlichternden Strings danach ebenso. PNL sollte zu den Kronjuwelen im Kingdom of
Norway zählen.
PAAL NILSSEN-LOVE & OTOMO YOSHIHIDE - 19th of May 2016 (PNL039). Eine
Konstellation wie gesucht und gefunden. Zuerst noch mit The Thing 2007 in Tokyo("Shinjuku Crawl"), dann mit Lasse Marhaug auf "Explosion Course" (2011) und am
4.5.2013 zu zweit im Jazzhouse Kopenhagen. Im Moskauer DOM zeigten sie gleich mit denersten Schrillern der Gitarre, wie es klingt, wenn zwei Kopfjäger 'keine Gefangenenmachen'. Otomo schruppt und reißt die Saiten mit einer Verve, als wollte er dem, was man
gewöhnlich Kakophonie nennt, alles an verborgener und verfemter Schönheit entreißen.
Erst nach 5, 6 Min. verfällt er in stille Betrachtung des Angerichteten, und auch sein
norwegischer Freund verkehrt seine krachig polternden Einwürfe in stilles Genießen.
Allerdings muss man sich unter dem leise bebrüteten Andachtsbild wohl sowas wie Chaim
Soutines 'Geschlachteten Ochsen' vorstellen. Scharrend und kritzelig setzen wieder
Geräusche ein, wie um den Kadaver schwirrende Fliegen. Paal trillert und rumpel-crasht,
Otomo schrillt, dass man's bis in die Zähne spürt. Kein Zweifel, wir haben es mit einem derkrassesten Gitarrenstatements 'aller Zeiten' zu tun (wie es der Jargon der schamlosenÜbertreiberei gerne ausdrückt). Nur, hier ist es Fakt, und lässt fast jede andere
Gitarrenprotzerei als bloß kuschelig erscheinen. Otomo tremoliert jetzt, nachdem er die'Cat'-Krallen gewetzt hat, schon auf der 'Dog'-Seite hin zur weiteren Synapsenchirurgie mit
diskanten Schnitten und Punktierungen. Paal überwacht das als Anästhesist, beginnt dannaber seinerseits fieberhaft am offenen Schädel zu hantieren, mit Tupfern und Wischernund sirrenden Fäden. Otomo fädelt sich mit höchster Vorsicht wieder hinzu für einzischendes und begongtes Crescendo, dessen Blitzen und Donnern er mit rasendem
Riffing anheizt, bis er zu trillernder Cymbal den Punkt erreicht, an dem es höher nicht
geht. Aber er tanzt dort oben wie ein toller Dschinn, der sich erst jenseits des Siedepunkts
von Eisen in seinem Element fühlt.
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RareNoise Records (London)
Wir kennen das Schweizer Quartett SONAR mit seinem Ronin-Spirit und seinen minimalistischen Gitarrenmantras von Cuneiform her. "Static Motion" (2014) und "Black Light"(2016) sind bärenstarke Statements der Gitarrendoppelspitze aus Stephan Thelen undBernhard Wagner und der Schubkraft von Christian Kuntner und Manuel Pasquinelli an
Electric Bass und Drums. Vortex (RNR087) bringt nun eine weitere Verwirbelung mit Gitarrenmeister DAVID TORN. Der hatte sich von "Black Light" fasziniert gezeigt und investierte nun sein Knowhow, um das Ganze noch etwas rockiger und rauer klingen zu
lassen. Das polyrhythmische 'Part 44' ist als Auftakt eine Referenz an den Schweizer Minimal-Guru Don Li. 'Red Shift' folgt dreigeteilt, erst nur Sonar allein, dann ein Intermezzo in
Triton Tuning mit Torn, und schließlich eine Improvisation mit Torn'schen Loops, transparent und funkelig und zuletzt intensiv schillernd. 'Wave and Particles' verrät die Hauptbestandteile, neben Thelens Formvorstellungen und dem kollektiven Einfühlungsvermögen.
Pochender Bass, frickelige Muster, und darüber Torn, der die Schwingen breitet undschrille Klänge ausstößt und rau gestöhnte, die sich leidenschaftlich abheben von Sonars
mathematischem Klingklang. Diese Spannung wirkt auch bei 'Monolith', das sich repetitiv
in fraktaler Komplexität dreht, mit wieder markanten Basspumpern, während Torn wieder
in höchsten und in rauen Tönen stöhnt und 'singt'. Wenn er sich vom Resultat an Miles
Davis und Jon Hassell erinnert fühlt, liegt das zuvorderst an dem weit aufgerissenen undzuletzt dunkel dröhnenden Possible-Worlds-Horizont. 'Vortex' setzt ein mit schnellen
Zuckern und hallenden Tönen zu paukendem Bass und crashigen Beats, Torn schneidet
glühende Sounds, kurz gehackte weichen lang gezogenen. Pasquinelli verschärft den
Drive, die Saiten funkeln und Torn schickt flammende Botschaften in die Welt. Zuletzt entstand 'Lookface!' in freier Improvisation, mit forderndem, wildem Getriller von Torn zu Gedröhn, stoischen Mustern und wieder treibendem Drumming, das aber unter bloßem Geflimmer und Schwebklängen wegtaucht, die souverän ein finales Crescendo verschmähen.
Um den Trompeter JOSHUA TRINIDAD in Denver fallen Namen, die mir so wenig sagen wie
sein eigener. Der Nebel lichtet sich etwas, wenn er Mathias Eick, Nils Petter Molvear,
Tomasz Stanko, Erik Truffaz, Jon Hassel und Enrico Rava als prägend nennt. Lauter leise
Europäer, die er wegen ihrer nicht-machistischen Spielweise schätzt. Da verwundert es
etwas weniger, dass er mit "Cortege" (2014) neue Musik für Beerdigungen im Sinn hatte.
Bei In November (RNR094) stößt er ins gleiche Horn, zusammen mit Ståle Liavik Solberg
an den Drums, der sich zwar mit Fred Lonberg-Holm als Party Knüllers versucht hat, aberleichter doch "Into Darkness" streunt. Wer mit Steve Beresford, John Edwards und John
Russell als Will It Float? die Klänge sortiert, ist doch eher ein Partykiller. Dritter Mann ist
der 1970 in Lillehammer geborene Jacob Young an Gitarre, der Trinidads Faible für Eickteilt, wie man hört auf seinen ECM-Alben "Evening Falls" (2004) und "Sideways" (2007).
Young hat mit InterStatic aber auch schon die RareNoise-Weihen. Die Vermutung, dassweichfingrig gezupft und nordisch getönst wird, trifft nur zum Teil zu. Getragen undelegisch, das ja, 'Bell' als Hymne und als Lullaby streben danach, und Trinidad strahlt im
matten Herbstglanz eines gefühlsechten Tonpoeten. Ergreifend wie das Halali amsinkenden Sarg. Auch Young pickt selbst von der Akustischen Abschiedsschmerz, undsein Groove bei 'Feathers' kommt mit Wahwah ins Schwimmen. Nicht so die Trompete, die
nur zu klar den Tod schon in der Ferne erblickt. Wer sich Wehmut vom Leibe halten
möchte, sollte Trinidad meiden. Trost liegt in der ungeschminkten Schönheit seiner auf
dürres Laub gebetteten Töne, ohne Kitsch und ohne Vibrato, liegt im nachhallenden Golddes Oktobers, das Young durch die Finger gleiten lässt. Lange Fäden, die die Zeit dehnen,
sind da schon ein kleiner Sieg über die Vergänglichkeit. Den Eulen verwandter als den
Lerchen, sind Sehnsucht und Melancholie, fragil und poetisch, eins. Auch wenn es unterden Füßen raschelt, strahlt die Trompete doch ungebeugt und lässt sich ihren Gesang
nicht nehmen. Bis bei 'The Attic' doch die Stimme bricht. 'Torreon' reckt aber zuletzt
wieder die Faust, mit entschlossen Hornstößen zu allerlyrischster Gitarre.
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* Bei den scheinbar immer grausiger werdenden weltpolitischen Verhältnissen kann man
sich eigentlich nur flüchten, ins Privatleben, phantastische Welten oder eben in den Punk.
Passend hierzu erschien Ende April 2018 Serve (RNR093), das vierte Album der britischen
Punk-Jazz-Truppe WORLDSERVICE PROJECT. Schon beim Vorgänger "For King &Country" (2016) quittierte das derzeit-gerade-noch-europäische Quintett die Entwicklung
zum Brexit mit allerlei Sarkasmus. Frontmann, Keyboarder und Gelegenheitssänger Dave
Morecroft (nebenbei auch künstlerischer Leiter des "Match & Fuse"-Festivals) hat
mittlerweile gar der Insel den Rücken gekehrt und seine Zirkuszelte in Rom aufgeschlagen.
Als Ehrlicher ist man bekanntermaßen oft der Dumme. 'Plagued with Righteousness'hadert mit diesem Schicksal zwischen intensiv-heftigen Ausbrüchen und vergleichsweise
entspannten Intermezzi mit Stadionhymnenfinale inklusive Keytar-Solo. 'Dai Jo Bo'
bedeutet auf Japanisch etwa soviel wie "Nein danke, alles ok". Dass die WSP-Buben diesedrei Silben im gleichnamigen Track allerdings rüde herausbrüllen, lässt eher auf die
Interpretation "No thanks and FUCK OFF!" schließen, die auch besser zu dem hierentfachten, destruktiven Punk-Gewitter passt. In bester Dark-Cabaret-Tradition erzählt'The Tale Of Mr. Giggles' die traurige, wahre Geschichte des gleichnamigen Horrorclown,
nebenbei sechstes Bandmitglied. Gereimte Strophen wechseln manisch mit entfesseltem
Circus Swing, bei welchem sich vor allem Arthur Clarkson an der Posaune verausgaben
darf. Dazu kiekst Morecrofts verzerrte Stimme die Moritat des Kinderschrecks (" His namewas Mr Giggles and he always found a way to keep himself concealed from all the children
out at play. He’d creep right up behind them, a balloon clenched in his fist..." ) bis zu den
traurigen Ursachen seines Verhaltens ("Poor Giggles was misunderstood, it happened in
his youth. It was his peers that tortured him, that made him so uncouth. It always starts alonely clown, a fool who has no life. He cannot find a partner, and he surely has no wife...")
und der bitteren Lektion ("A lesson here, it should be learned, for we are all to blame. We
push the outcasts to the edge, just laughing at their shame. Perhaps old Giggles had nochance to show us who he is. Accepting him could surely have prevented all of this. But
now instead, we’ve failed him and a monster is created. Apologies and such regrets areuseless and belated...") als ernstgemeintes Plädoyer für Toleranz. Dazu quietscht,
wimmert, kreischt, faucht und heult der Clown als geschundenes Tier, jedoch ohne sein
irres Lachen zu verlieren, um dann noch eine schmerzvolle Gesangseinlage zu liefern("They don’t want me, they look over me, inside my head. They just torture me, they ruleover me, inside my head"). Wenn dieser Manegen-Kracher nicht auf der nächsten
Kompilation von "Twisted Cabaret" landet, dann soll die Labelchefs doch der Pennywiseholen! Eher wenig behaglich oder ruhig wirkt 'Ease' mit abgehackten Rhythmen und
chaotischen Soli bis hin zu den mir irgendwie bekannt vorkommenden Harmony Vocals.
Bei 'Runner' geht's im holprigen Laufschritt über die Tartanbahn. Die Keys werden vonoben nach unten gewischt, gefolgt von einem Sax-Solo des nimmermüden Tim Ower, derdanach vermutlich mindestens Seitenstechen hat, begleitet von Harry Pope als DrumsAnimal. Bei verhallender Fanfare geben alle beim Zieleinlauf noch einmal richtig Gas. Dem
derzeit weltpolitisch leider sehr angesagten Säbelrasseln unter Großmächten und anderen
absurden, wenn nicht schaurigen Entwicklungen zeigen WSP mit 'Now This Means War'den Mittelfinger (siehe CD-Cover). Die vom Frontmann auf englisch, französisch, italienisch und deutsch zum Besten gegebenen rhetorischen Fetzen sind hier nur der
Aufhänger für ein veritables Metal-Punk-Jazz-Inferno mit ungewohnter Gitarrenlastigkeit
und obligatorischen Grunzschreien. Ich kann mir in meinen kühnsten Träumen kaum
ausmalen wie dieser Song im kommenden September beim FreakShow Artrock Festival
2018 live wirken wird. 'To Lose the Loved' beginnt als elegischer Trauerzug für gefallene
Weggefährten, verliert aber dann durch die malträtierte Keytar als Trigger völlig die
Fassung, mit der Melodie aus 'Ease' als wiederkehrendem Motiv. 'False Prophets'beschließt das Album mit einer anfangs leise aber langsam crescendierenden SmoothJazz-Nummer, die mit gewohnter Intensität und Hymnenhaftigkeit ausklingt.
Marius Joa

40

J PETER SCHWALM hatte sich längst auf Poets Club Records, mit Brian Eno oder mit Tanzund Theatermusik profiliert, er hatte mit Eivind Aarset Motive von Bach aufgegriffen und
mit Michael Wollny Skrjabin interpretiert, ganz zu schweigen von den Projekten "Wagner
Transformed" und "Kraftwerk Uncovered" (für das Ensemble Icebreaker), bevor ich ihn
bei "The Beauty of Disaster" (2016) den 'Anxt Code' knacken und alle 'Wunschklangregister' ziehen hörte. Wie dort, so hat der Frankfurter auch bei How We Fall (RNR096)
wieder Aarsets Gitarrensound und den Bassveteranen Tim Harries (Earthworks, June
Tabor, Katie Melua...) in seine Klangpalette aus Gitarren, Keys, Synths, Drums & Electronics eingemischt. Darin hallt, nach einer Hirntumoroperation 2016 posttraumatisch angedunkelt und vom eigenen Schicksal sensibilisiert, nun ein existenziell vertieftes Gespürfür kollektives Bedrohtsein wider. So bläst er einem mit 'Strofort', 'Battenfeld', 'Gangesthal', 'Stormbruch' und 'Clingon' keine bloße Fantasy ins Hirn, sondern erinnert daran,
dass sein hessischer Lebensraum einst im Fulda Gap als atomar verbrannte Erde verplant war. Auua. Synergetisch verstärkt wird das, wie schon bei "The Beauty of Disaster",durch die explosive Imagination von Sophie Clements. Die anfängliche Düsternis bekommt
durch den Duktus verzerrter Vokals und durch Georgel einen sakralen und klagenden
Akzent, dunkles Pauken und ineinander gestauchte Beats suggerieren militante Erregung.
Ein Mahlwerk aus schillerndem Tremolo und martialischen Schlägen malt ein Battlefielden miniature. Das Blut pocht in den Ohren als dunkler Groove, der das melancholischbrütende 'Auua' nicht so recht belebt, obwohl Piano und ein beständiger Schub sich Mühe
geben. Der Beat stampft und hackt, wehmütige Strings beben, Kriegstrommeln und Puls
vexieren, dunkle Bläser schnarren, über die finsteren Pläne ist längst Gras gewachsen,
but the Beat goes on. Denn letztlich schlugen nur 'Vivian' & 'Wiebke' oder 'Kyrill' ihre
Schneisen, nicht der Iwan.
'Stormbruch' ist eine kleine
Pianoelegie, die pathetischaufwallt. 'Clingon' bringt inden unrund hackenden Duktus Flöten und einen zuversichtlicher wirbelnden Groove,'Musles' nochmal gedämpfte
Streichermelancholie in Slowmotion. Zum Ausklang flötet
bei 'Singlis' auch nochmal der
Synthie, und ein Zupfen, in
dessen graduale Fußstapfen
das Piano tritt, geht seinen
unfrohen Gang. Oh Cioran,geh du voran, der Wittgenstein geht hinterdrein.
How We Fall - Cement and Light Artwork by Sophie Clements41

Trouble In The East Records (Berlin)
Nach dem Einstieg mit schon sechsfachem Trouble, gibt es gleich ein Wiederhören mit
dem Posaunisten Gerhard Gschlößl. Der für Aproaching Eayafjallayökull (TITE-REC 006)
im MADNESS & ARROGANCE getauften Verbund mit Marc Schmolling an Fender
Rhodes & Wurlitzer auch Sousaphon pustet. Zuletzt gehört mit Ein Gschlößl Pöschl Mit
Cavenati und dem "50 Years"-Mitschnitt des Globe Unity Orchestras oder nicht gehört
mit Helga Plankensteiner Plankton (ah, da ist auch der Schriefl dabei), genügt sein
bloßer Name als Qualitätssiegel. In Schmolling hat er einen Münchner Keyboarder an
der Seite, für den sein Trio mit Westergaard & Lillinger spricht und dass er in Ticho mit
Tom Arthurs & Almut Kühne traumwandelt. Dazu schneidet er mit Schapizki oder im
Christian Krischkowsky Quartett Gesichter als würde er von Kenneth Branagh gespielt.
Hier zieht er mit schnell abdunkelndem Klingklang zur maunzenden Posaune die
Phantasie ganz auf ihr ureigenstes Terrain, ins Phantastische. Er wellt kleine Wellen zu
grummeliger O-o-philie, o wie in Sumo. Aber schon kräht Gschlößl, er new-orleanst, er
presst kleinlaute Laute zu kristallinen Tönen, er bläst mit Karpfenmund Rauchringe, ergeliert Geblubber mit dem Sousaphon zu wurlitzigem Gewitzel. Gießkannenpoesie wird
tremolierend zerstrudelt, Unkenrufe können die Laune nicht trüben, was vorne bluesig
scheint, lässt hinten nicht das Trillern sein. Schmolling kapriolt witzelsüchtig, er ist eine
Flohnatur, eine der quirligsten Stimmen im deutschen Jazz. Und Gschlößl stöhnt dazu
vor Sanges- oder Waldeslust, er gibt seinem Schaukelpferd die Sporen, während
Schmolling um sein Instrument fürchten lässt, so wie er da klirrt, zuckt und mulmt. Nacheinem letzten Sousalog führt er Laikas Geist Gassi und pflückt ihr ein paar Sternchen
vom Himmel. Oh wie schön.
'Post Truth and Pre Desaster', guter Titel. Aber auf Concurrences (TITE-REC 007) von
DER LANGE SCHATTEN gibt es auch einen rauflustigen Oktopus, und was sind denn
bitte 'Stendhal Syndromes'? Es beginnt aber mit 'Serenata Maledetta', wobei Antonio
Borghini mit seinem Bass, Michael Thieke (The International Nothing, Splitter Orchester...) mit der Klarinette und Håvard Wiiks Klimperei nicht wirklich bei Nini Rossos
Spaghetti-Western-Hymne anknüpfen und auch nur sehr indirekt den neapolitanischen
Herzensbrecher "È mezzanotte e cu 'sta bella luna..." anstimmen. Dabei kann es der
Mailänder gut mit Sängern, mit Cristina Zavalloni, mit Mike Patton bei "Mondo Cane".
Seit 2009 verdreht ihm aber die Berliner Szene den Kopf - Sven-Åke Johansson, Die
Hochstapler... - und so geriet er mit Cobalt Cluster auch in meine Fänge. Vor Der lange
Schatten (von Nietzsches Sonnenschein der Erkenntnis geworfen) hat er mit Thieke(versteckt in Malebranche) schon "Six Dances Under" (El Gallo Rojo, 2008) getanzt. Der
wiederum hat mit Wiik (Atomic, Free Fall...) bei Motif eingefädelt, so dass das Übereinstimmen und Zusammenwirken vieles ist, nur kein Zufall. Gleich wenn die Nacht
hereinbricht und der Wind wie auf verbotenen Wegen umgeht, sind Wiik und Thieke
melodienselig mit dem Mond per Du, probieren in dieser Lunacy aber auch schon
sehnendere Töne, wie sie dann dem Oktopus in den tanzlustigen Tentakeln jucken.
Wobei Thieke ein beschwingtes Tudeldi kandidelt und die drei im Kreise wirbeln. Das
klingt eher übermütig und taumelig als auf Krawall gebürstet. Danach wird syndromatisch gehämmert, plötzlich auf Finger- und Lippenspitzen geschlichen, tremoliert undgekrächzt, wieder heimlich getan und wieder..., überspannt wie Stendhals ParmaSchinken. Einem weiteren zickig-flockigen Tänzchen folgt 'Year of the Soul Dryer' (wasan den Sponsorenkalender in "Unendlicher Spaß" erinnert) als surrendes Spintisieren(arco) mit hastigen Zwischensprints (pizzicato) und einer mal undichten, mal überkandidelten Klarinette. Das ist aber noch nichts im Vergleich zu Thiekes spitzen Trillern
und den gekrähten Attacken bei 'Leaps of Faith'. Sogar im Angesicht des Desasters
haben die drei genug Lust am Spinnen, um Lust auf närrischen Schatten zu machen.
Nicht Düsterlinge, Schmetterlinge wollen sie und sollen wir sein, für eine Musik voller"verklärter Erinnerungen aus der 'besseren Welt'".
42

Tzadik (New York)

Und letztlich ist er doch ein verrücktes Huhn. Beweis: The Urmuz Epigrams (TZ
8358), als Hommage an den rumänischen Gerichtsschreiber Demetru Demetrescu-Buzău, bekannt als der Proto-Dadaist Urmuz (1883-1923), den Eugène
Ionesco ab 1965 in Frankreich (wieder)entdecken half und Oskar Pastior ab1976 in Deutschland, wo er schon 1930 in H. Waldens Der Sturm übersetzt zu
lesen war. Ein schmales Gesamtwerk, "Bizarre Seiten" überschrieben, nicht
mehr als zehn Geschichten ('Der Trichter und Stamate', 'Ismail und Turnavitu','Algazy & Grummer', 'Die Fuchsiade'...). Die allerdings einen aufrührerischen
Sinn für das Groteske und Absurde verraten, wobei da auch gnostische Züge zu
erkennen sind. Doppelter Reiz also für JOHN ZORN, mit Saxophon, Piano,
Organ, Sound Effects, Guitar, Bass, Game Calls, Percussion und Stimme denurmuz'schen Spirit zum Klingen zu bringen, wobei ihm Ches Smith mit Drums,
Percussion, Vibraphon, Glockenspiel und Stimme assistiert. Einmal hört man
die "Epigrams" als 'Modern Reconstructions' und in einem zweiten Ansatz als'Original Versions, privately pressed on the Romanian Pahuciphone Label circa
1923', mit fingiertem Schellackpatina in zeitreisender Annäherung. Wobei sich
Zorn auch selber seiner kakophilen Ratzfatzzeiten als schräger Vogel oderschräger Vogeljäger erinnert. Mit krächzender Vogelpfeifen-Komik, absurden
Quäketönen und trappeligem Gepolter im Kontrast mit feinem Geknister undzartem Klingklang. Mit wie angestochen kirrenden Säuen, glucksendem Wasser,
gewittrigem Donnergroll, hechelndem Hund, kratzendem Nagel und lautem
Schrei zu Satie-Piano - Urmuz wurde ja tatsächlich als kleiner Klaviermeistergeschildert - und wieder eleganten Vibes. Mit tribalem Tamtam zu infernalischfiepender Orgel und krachigen Detonationen. Mit Kauz- und Falkenschreien zu
perkussivem Rumoren und Klopfen, Glockenspiel, klackenden Absätzen, transsylvanischem Wolfsgesang, Klavier und nun träumerischem Saxophon. Mit
Löwengebrüll zu Pauken, glissandierendem Arpeggio und gehämmertem
Klavier, klackernder Percussion und wieder Säuen, die sich erbrechen, wenn
sie mich sehen. Der Mann am Klavier findet eine Melodie, ein Schamane
scheppert blechern und knarrt eine Futuristenparole. Ein Exoticagroove setzt
ein zu komischem Singsang und klöppelnden Vibes. Wasser gluckst, eine Türknarrt, ein Gong gongt, Wind faucht und urplötzlich fetzen Painkiller-Attacken
dazwischen. Bis vereintes Gehechel, Geschnatter und Gebrüll den Schlusspunkt toben. So, als Geschmack von rohem Dachs mit Zitrone, wird Urmuz
vergegenwärtigt als Schnittpunkt ubuesker Anarchie, Picassos "Le Désir
attrapé par la queue" und Zorn'scher Manierismen, die sein Faible für B- und
Mad Movies anklingen lassen. Mit einer Ausgelassenheit, die man ihm so kaum
mehr zugetraut hätte.
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Seit OKKYUNG LEE (*1975, Daejeon) mit 23 während ihres Studiums in Boston die noisige
Seite des Cellos entdeckte, fühlt es sich wie eine Erweiterung ihres Körpers an. Kein
Wunder also, aber dennoch in seinem Ausmaß erstaunlich, dass sie seit ihrem Anschluss
an die New Yorker Downtown Szene mit Überraschungen aufwartet jenseits des Erwartbaren. So dass sie sich in nur wenigen Jahren mit Fred Lonberg-Holm als Erbin von Tom
Cora präsentierte. Ich hörte sie in dieser Phase 2003 mit Tom Abbs & Frequency Response("Conscription"), während sie sich weiterentwickelte mit Christian Marclay, Marina
Rosenfeld, Raz Mesinai, Vijay Iyer, Butch Morris... und ihr Name bei "Nihm (Tzadik, 2005)
erstmals in der Headline stand. 2006 spielte sie ihr erstes Soloalbum ein: "I Saw The Ghost
Of An Unknown Soul And It Said... " (Ecstatic Peace!). John Zorn huldigte ihrer Himmelshälfte mit "Femina" (Tzadik, 2008). Ich hörte sie mit Wadada Leo Smith's Organic, im
Monstermash mit Peter Evans & Steve Beresford, als Strange Sister und mit Zorn's Cobra
beim "Unlimited 23" (2009), mit 6ix auf Leo. Sie komponierte "Noisy Love Songs" (Tzadik,2011) für ein elektroakustisches Kammeroktett und die Widmung 'for George Dyer' macht
sie zu Francis Bacon. Mit "Ghil" erschien ihr zweites Soloalbum bei Ideologic Organ. Aber
Anla Courtis, C. Spencer Yeh, Lasse Marhaug, Jon Wesseltoft, wie kommen die ins Spiel,wenn nicht aus Liebe zum Noise? Der freilich schon im Spiel mit Thurston Moore & Ikue
Mori nicht zu überhören war. Ihr Bogenstrich hat Zähnchen wie eine Raspel. Mit wie in
Stein gemeiselter Miene lässt sie das Cello schaudern, schillern, knurren, wimmern. Als
Bleeding Edge Trio mit Evan Parker & Peter Evans, mit Lisa Ullén & Nina de Heney, Axel
Dörner & Achim Kaufmann, Bill Nace & Chris Corsano oder im Duett mit Phil Minton, John
Edwards und wieder Marclay verfestigte sie ihr improvisatorisches Standing, mit The Pitch("Frozen Orchestra (Amsterdam)"), in Frank Gratkowskis SWR-Projekt Skein und Evan
Parkers Seven ElectroAcoustic Septet erweiterte sie ihr Verständnis für mikrotonales undelektroakustisches Ensemblespiel. 2013 kuratierte sie das "Unlimited 27" in Wels - mit
dem Deoneum Ensemble schon als Indiz für eine Rückbesinnung auf ihre koreanischen
Wurzeln. Von Marclay und London Sinfonietta beauftragt, komponierte sie "Pub Crawl
Day". Überraschend tauchte sie an der Seite von Jenny Hval auf ("Apocalypse, Girl") und
bei den Swans ('Cloud of Forgetting' auf "The Glowing Man"). Sie suchte die Begegnung
mit Bill Orcutt und seiner kaputten Bluesgitarre ("Live at Cafe Oto", "OKK/OTT"), als Irrwisch mit infernalischen Schraffuren. Als SWR-NOWJazz-Session wurde bei den Donaueschinger Musiktagen 2016 "Cheol-Kkot-Sae (Steel Flower Bird)" aufgeführt (dessen
knurrige Keimzelle sich auf "Ghil" findet) - Pansorigesang von Song-hee Kwon und
koreanische Percussion von Jae-hyo Chang verzahnt mit Cello, Ches Smiths Drums, John
Butchers Saxophon, Edwards' Bass und Marhaugs Electronics. Moris "Obelisk" führte sie
Anfang 2017 wieder mit Sylvie Courvoisier zusammen. Sie formte ein Quartett mit
Angharad & Rhodri Davies und Corsano, um im März 2017 beim Borealis Festival in Bergen“still hoping for a miracle…?” uraufzuführen. Noise and more? O ja, sehr viel mehr. Im Mai
2018 präsentiert Tzadik die Donaueschinger Aufführung von Cheol-Kkot-Sae (Steel Flower
Bird) (TZ 4023). Da Lee mit klassischer westlicher Musik aufgewachsen ist, ist das weniger
ein Rückgriff als eine Öffnung für koreanische Tiefenerinnerungen, die nun, ohne impround noiseästhetische Abstriche zu machen, traditionelle und persönliche Momente unteravancierten Vorzeichen vereint. Man darf also hier keinen gefälligen Exotismus oder ein'Zurück zu den Wurzeln' erwarten, Lee schert sich den Teufel um Gefälligkeit. Das Pansorivibrato ist als ein 'koreanisches' zugleich ein beschwörendes Ingredienz für die Suggestion eines ritualistischen Singens und Sagens. Das Cello springt, jault und singt dazu
als zweite Stimme inmitten klappernder Percussion und irrlichternder Noisespritzer. Aufeinem langsamen Basszweiklang entfalten sich so Turbulenzen, aber auch, ausgerechnet
durch Butchers Soprano, ganz elegische Lyrismen, gekontert von wüst tobendem Marhaug-Lärm und kollektiver Erregung. Butcher schmurgelt Spucke, die Bögen surren in
Kurven, Klänge verwandeln sich schrillend und vibrierend in Vögel. Ein Baksu trommelt,
Kwong stimmt zu kristallinen Vibes ein schlichtes Lied an, Butcher blörrt zu rasendem
Drumming. Bis hin zu einem Schlussfeuerwerk, das Smith allein poltert und crasht. Dem
hintan fügt Lee mit elegischer Pianopoesie und schillerndem Flageolett eine Hommage an
die ermordete Jo Cox. Das ist von vorne bis hinten freiweg 'amazing'!
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Umland Records (Essen)
Simon Camatta, Jan Klare & Florian Walter öffnen mir nun schon zum dritten Mal die Ohrenfür ihre musikalische Plattform. Nach Umland 3 - 9 (BA 94) und Umland 10 - 12 (BA 96)
gehts weiter mit French Kiss (Umland 13, Kassette) von CRASHING AIRPLANES. Da hört
man wieder Jan Klare, eingeladen von Yasin Wörheide, einem Mitbegründer der jungenVersmolder Schule, der aber auch mit Basilisk-(Percussion), Akkordeon, Darbuka (oderschlicht: bags, pipes, fx) an der Klangfront werkelt, zusammen mit David Krüger an der
Gitarre im Soap Bubble Orchestra und dem Anaconda Lipstick Club. Grobe Richtung:schlangenbeschwörende Krautpsychedelik... kosmischer Basiliskeneierschmalz. Mit Klares
röchelnder Kakophonie, aber auch vogeligem Alto, betten sie zwischen 'Thai Massage' und'Stringtheorie' 'Einen Astronauten schubsen' und 'Serbian Knot' und ganz in die Mitte 'Japanese Boy' als Hommage an die Schlagersängerin Andrea Jürgens (1967-2017). Erstaunlich, wie Krüger zu blechernem Geklapper von Wörheide sein Gerippel und Gedröhne synchronisiert mit Klares Gezüngel und Gestöhne. Dann halten Ziehharmonika und Rhythmusgitarre Zwiesprache mit Klares Knowhow. Wenn Krüger angeschrägt und könnerischdrauflos rockt oder rhythmisch schrappt und Klare basstieft knurrt, stur auf der Stelle
pumpt oder aufschrillt, bleibt Wörheide wieder ominös-perkussiv im Hintergrund. Und sogeht es auch in die letzte Runde, Krüger fx-opulent dröhnend, Klare deep-schrottig, Wörheide perkussiv nestelnd und mit hohlem Sackpfeifenpfiff. Recht merkwürdig das Ganze.
Noch merkwürdiger jedoch ist BRUIT 4 (Umlaut 14). Nicht allein weil da vier Trompeterzusammenkommen, sondern weil nur Flavio Zanuttini eine normale Trompete bläst, Florian
Walter jedoch ein Hechtyphone (eine Zugtrompete mit drei Trichtern und einer Art Fagottmundstück), Torben Snekkestad seine eigene Version der von Eddie Harris erfundenen,
mit Rohrblatt angeblasenen Reed Trumpet und Axel Dörner eine Firebird Trumpet, eine
einst für Maynard Ferguson entwickelte Besonderheit mit Ventilen und Zug und schräg
gestelltem Trichter. Walter (Knu!, Das Dorf) und Zanuttini (der, ob einst mit Arbe Garbe als
agit-punkjazzigen Cousins von The Ex und der Jerseyband oder mit den postbopvirtuosen
Opacicpapa eigentlich in eine andre Krawallschachtel zu gehören scheint) haben durch
Das Große Ding und Camatta Monk bereits Freundschaft geschlossen. Hier machen sie am
Gegenpol zu Kitsch-hoch-2 Bruits im Quadrat: windige, quäkige, grollige, flattrige, gepresste Klänge, aber auch sonore, wummrige, lang gezogene und vollmundig stabile. Und
wieder zischende, punktierte, furzelige oder dröhnend gewellte und glissandierende. Die
volle Dröhnung von rotzig-rostiger Gießkanne bis zu Katzengold.
"Prolegomena for an initiatory listening" nennt der Drummer Francesco Cusa "Skrunch",
FLAVIO ZANUTTINIs Capo bei The Assassins, seinen Alleingang La Notte (Creative
Sources, cs 505 / Umland 15). Denn er sieht da die Klangwelt des Friauler Trompeters in
Götterdämmerungsdüsternis getaucht und gar in die Urfinsternis des Urgötterpaars KekKeket aus der Achtheit von Hermopolis. Das ist natürlich zum Großteil Projektion, aberangestoßen durch Zanuttinis Stichworte 'Secrets' und 'Éveil' (Erleuchtung), für Cusa der
Ausgang einer psychogeographischen Odyssee. Zanuttini scheint mit 'Doppelgänger' (verdoppelt in 'ME & me' und 'Bipede') eher Nietzsche zu variieren: "Abgerechnet nämlich, daßich ein Geschöpf der Nacht bin, bin ich auch dessen Gegensatz." Mit 'Scelsi' als Leuchtturm. Oder schwarze Sonne. Erstaunlich ist, wie Zanuttini dann fauchend, stöhnend,ächzend, züllend, wie garrottiert oder Ventile sprengend quasi ganz allein den Bruit 4Sound zustande bringt. Pressend wie eine Gebärende verdoppelt er sich mit Spaltklang
und Obertönen in einen Dunklen und einen Strahlenden, einen Gequälten und einenSingenden. Abgerissene und gestauchte Kürzel, matt glänzender Zapfenstreich, kontrabasstiefes Grollen, zischend und ploppend querulierender Zweiklang und gequetschte
Laute münden in Scelsi Namen in einem sonoren Halteton, der sich aufzackt zum Akkord
und völlig spaltet. So wird, pressend und stoßend, der schrille Tonkern hörbar ('Nucleo')und zuletzt als dissonant-insistenter Dauerton seine eindringliche Strahlkraft.

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In HANDSOME COUPLE (Umland 16) stoße ich neben dem Essener Drummer und
Camatta-Mönch Simon Camatta, der mit The Dorf, Knu! und The Wisseltangcamatta im
Umland ackert, auf St. Kirchhoff als seltsamem Heiligen am Banjo. Bei näherem
Hinschauen wird daraus Stefan Kirchhoff, störwilliger Gitarrero bei Katastrophia, mit Peter
Eisold & Frank Niehusmann als Oper, Skepsis und Gleisbau und bei M∞kruch, wo er mit
dem trans*vangardistischen Performancepataphysiker Joscha Hendrix Ende & Mr Maribel
am Bass den genialen Dilettantismus von Non Toxique Lost wiederzubeleben scheint. Die
zwei Hübschen hier geben mit 'LOL' die spaßige Richtung vor (feiern dabei aber zugleichden Hauch von Anarchie und Freiheit und die LOL-Partystimmung im Essener Goethebunker). Lakonisch und simplizistisch tragen sie ihre Gewitzheit ins Umland und ziehen
dabei, mal dubbig, mal orientalistisch, ähnlich hippe Konsequenzen aus HipHop-Grooves
und 4/4-Takt wie einst die Schlaumeier unter den postmodern Gewellten aus Punk. So
einfallsreich Camatta seine pochenden Muster verziert, so effektvoll zerstruwwelt
Kirchhoff den Banjoklang beinahe zur Oud oder Shamisen und gibt, zumindest andeutungsweise, den Saiten dabei ihren 'Migrationshintergrund' zurück. Und einen Hauch
des Selbstverständnisses, dass sie einst unter schwarzen und schwieligen Fingern
schwarze Beine und geplagte Glieder zu Tänzchen gekitzelt haben. Die beiden wollen
doch nur spielen? Quatsch. Musik, die mir zwischen Ohr und Ohr nicht zu Gedankensprüngen verhelfen und sich dabei mit etwas Welthaltigkeit bekleckern lassen wollte, diewäre mir bloß "mit Geräusch verbunden".
Auf Crazy Notions (Umland 17) schicken SIMON CAMATTA & FRED LONBERG-HOLM ihren
improvisatorischen Zusammenklang von Drums & Cello 'through my head'. Federleicht undquietschfiedelflink, zirpzart und katzentatzig, blechern rumorend und das Cello so spitz
wie ein Dudelsack, aber im Handumdrehen auch knorrig knorzend oder sonor surrend.
Und gleich wieder die Zähnchen wetzend am Katzendarm, mit schillerndem Flageolett,glissandierend, flimmernd oder krabbelig der eine, nadelig nestelnd, topfdeckelig
klackernd, eisenschürfend oder tickelig der andere. Wird man Essen bald so selbstverständlich mit Chicago zusammenbringen wie Oslo oder Luzern?
Camatta trommelt mit THE DORF & CONSORD auch wieder bei Die vollkommene Larve(Umland 18), Jan Klares Adaption von Stanisław Lems Erzählung "Die Maske". Zu hören ist
da die komplette Neufassung einer schon in den 90ern realisierten Vertonung mit einem
Libretto von Ruskin Watts ("The Manifold Troper", "Odes & Episodes"). Lems Denkspiel
spielt damit, ob eine programmierte Tötungsmaschine (in Gestalt einer Frau und mit derStimme von Marie Daniels) durch Logik, Wissen und kognitive Flexibilität in die Lagekommt, das Programm zu übersteigen und sich, es besser wissend, umzujustieren. Mit
Keith Gunderson (in "Mentality and Machines") gefragt: "Is the programmed robot like a
man under hypnosis? Or like a cunning dissembler? Or more like an actor with a script?"
The Dorf (27-köpfig und neben Strings, Gitarren, Reeds und haufenweise Blech auchwieder mit Buchla200e, Computer, Synthie & Theremin) und Consord (ein Tentett nur aus
Bläsern und Percussion), dazu Zitate aus der "Winterreise" (...mein Herz ist mir erfroren...), aus Michael Scrivens 'Prolegomena to Androidology' und aus dem Kosmos
Insektenführer (Die Gottesanbeterin), spekulieren in Form eines szenischen Konzertes,
einer Musik-Text-Montage à la Heiner Goebbels: Wird die Junge Frau den Liebhaberlieben / töten / lieben / töten? Kann sie willensfreie 'Person' werden, Mädchenalbernheiten
begehen, oder wird sie hypnotisiert, Simulantin, Marionette bleiben? Wir werden es mit
den Maschinen versuchen müssen und sie mit uns. Die Musik dazu ist exotica-üppig,
beschwingt, freiweg avanciert oder reduziert auf Beat und Noise und nicht zuletzt stark
Kurt-Weill-verwandt. So dass Marie Daniels (Marie Mokati) in ihrer Hauptrolle mehrfach
Anklänge an "Die sieben Todsünden" und seine Musical-Songs evoziert. Klare dreht am
Rad, um sein Orchester auf Touren zu bringen, vor allem in der 'Verfolgungsschwarm'Szene. Die Maschinen-Frau sucht Rat in einem Kloster, aber die finale Vergegnung,'Gralsburg' überschrieben, endet, groovy und aus vollen Rohren, zugleich jubilatorisch undtödlich und gipfelt in einem österlichen Auferstehungsmotiv.
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WhyPlayJazz (Schönefeld)
Max Andrzejewski's HÜTTE hat Furore gemacht und sich 2013 den Neuen Deutschen
Jazzpreis verdient. 1986 geboren, gehört der Drummer in Berlin zu den Jahrgängen, auf die
es ankommt. Und entsprechend wirbelt er rum: Mit Almut Schlichting in Shoot The Moon, mit
Anna Webber's Percussive Mechanics, Absolutely Sweet Marie, Kalle Kalima, Annette
Maye's Vinograd Express, Birgitta Flick, Polypore und Pranke. Hütte and The Homegrown
Organic Gospel Choir (RS034) ist nach dem Debut (Unit Records, 2012) der dritte Streich
seines Quartetts mit dem Saxophonisten Johannes Schleiermacher (Gunter Hampel, Alex'sHand), dem in Köln Klaeng-verbandelten und von Expressway Sketches vertrauten Remscheider Tobias Hoffmann an der Gitarre und dem Dänen Andreas Lang, der sowas wie derHausbassist ist bei WhyPlayJazz, mit Fusk, Philipp Gropper's Philm, Lotus Eaters, Anna
Maria Sturm und mit Mads la Cour in Quartz und Almugi. Den Clou mit Chor brachte dannschon "Hütte und Chor" (Traumton, 2014). Aber der ist nun auf 13 Zungen angewachsen undwird sahnegekrönt durch die jubilierende Gospelstimme von Dorrey Lin Lyles. Die Lyrics
schrieben Thomaspeter Goergen, Dramaturg am Staatstheater Kassel, und die Tänzerin/
Schauspielerin Sylvana Seddig, als salzige Botschaften über Nahrung, fleischliche, geistige
und seelische. Darüber, dass wir Allesfresser ('Omnivore') uns die Bäuche vollschlagen, derGeist aber darbt. Dass wir als aufgekratzte Jäger & Sammler ständig auf der Jagd nachmehr sind? Wobei das keckernde Saxophon und die zickige Gitarre im hymnischen
Werbespot über von himmlischen Strahlen vergoldete 'Butter' als Seelentrost ebenso
Ironieverdacht schüren wie das euphorische Handclapping bei 'Hunter Gatherer'. Vielleicht
ist Soul ja nur ein schöneres Wort für die unstillbare Gier, die unsereins zu Killern und
Raffern macht, zu Buttergipfelstürmern und lidl-glücklichen Schlachthofjunkies. Sage mir,was du frisst ('Eat what you are'). Go Vegan? Die Nahrung ganz verweigern ('Starving,
Anorexic')? Gnostisch sich auf geistige Nahrung beschränken, wo Soma war, soll Pneuma
werden? Das Gospeln ist jedenfalls nur schöner Schein, hinter dem fundamentale Fragenaufklaffen. Der erst saxbefeuerte, dann schwebende Gesang über Salz ('Salt') feiert zuletzt
die Poesie der richtigen Dosierung. Wie es Hoffmann bei 'Sugo' vorgemacht hat, über die bei'Full' besonnen gebrütet und die bei 'Sugar' mit Hoffmann'schem Fingerspitzengefühl undSchleiermachers Honiglippen versüßt wird.
Feinsinnig, behutsam, gefühlvoll, sublim... ich bin vorgewarnt, was mich auf Salvation (RS035)
erwartet, dem Zweitling von WANJA SLAVIN LOTUS EATERS. Benannt nach der 'Ballad forVery Sad and Very Tired Lotus Eaters', hatten sie ihr Debut 2014 (RS012) bestückt mit 'A
Long Day's Journey into Night', in Anlehnung an das mit Billy Strayhorns Ballade etwa zeitgleiche Drama von Eugene O'Neill, mit einem 'Hippie Song', und mit 'Odense', wohl als Hommage an Hans Christian Andersen. Slavin, der mir als Buddy von Christian Lillinger geläufig
ist, durch sein Quintett für "Sirocco", Lillingers Grund, G9 Gipfel, Slavin-Eldh-Lillinger und
Amok Amor, verbindet da sein Altosax mit Philipp Groppers Tenorsax, Rainer Böhm am
Piano, Andreas Lang am Kontrabass und Tobias Backhaus an den Drums. Und fügt nun für'Salvation' die Trompete von Tom Arthurs hinzu. Bei einer zweiten Session in Italien, bei der'W.S. I' und 'Melancholia I & II' entstanden, bläst Erik Kimestad Pedersen die Trompete,
Slavin setzt auch Synthie ein und Böhm eine Fender Rhodes, Bernhard Meyer spielt E-Bass,
Nasheet Waits trommelt. Und beim Date in Berlin, das 'W.S. II', 'Moonlight Becomes You' und'Love Song' zeitigte, wurde mit Petter Eldh an Kontra- & E-Bass und Ivars Arutyunyan an
Drums eine dritte Rhythmsection eingewechselt. Kenner können die erste Zeitebene, die ich
auf Mitte der 1950er datieren würde, sogar mit dem Namen Lee Konitz verbinden, die elektrojazzige zweite mit etwa Wayne Shorter Anfang der 70er. Und mit Bing Crosbys traumfabriziertem Schmachtfetzen verwischt Slavin Raum und Zeit ganz. Aber wer zieht denn vor,
mit trauriger Seele durch graue Wogen zu rudern? Sind Melancholie, Mondschein und Liebe
die Krankheit, oder die Kur? Slavins Medizin aus sanft, aber intensiv strahlenden Trompetengesängen, schmusigen, aber untrögen Saxophonen, sanfter Entschleunigung, das weiche 'W.S.'-Stakkato, schillernde Glasperlenspiele und synthetische Kicks scheinen letztlichdoch die in milchiges Licht getauchte Melancholie selber als heilsamsten Lotus zu preisen.
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Im Vorbeigehen werfe ich Brigade Futur III, das sind Benjamin Weidekamp (Themroc 3,
Golden Escort), Jerome Bugnon (Seeed), Elia Rediger (The bianca Story) & Michael Haves+ Spielvereinigung Sued, für ihr aus der Reihe tanzendes "Alles wird gut gegangen sein
werden" (RS037) Kusshände zu. Um mich bescheideneren Dingen zuzuwenden: Auf Influx(WPJ040) von PEUKER8 finde ich als einzig mir Bekannte die Cellistin Elisabeth Coudoux(Emißatett, The Octopus). Als Teil eines Stringtrios mit Alina Gropper (Violinquinton) und
Filip Sommer (Violaquinton) neben dem Dresdner Clemens Pötzsch (Orgler in Rahel
Hutters nebulösem Minimal-Act The Cloche) am Piano, Mark Weschenfelder (von Dora
Osterlohs Kite oder auch musikalischer Begleiter der Würzburger Autorin Luise Boege) am
Saxophon sowie Eugen Rolik am Bass und Florian Lauer an den Drums, die mit dem
tonangebenden Gitarristen Paul Peuker zuvor schon als Axiom gespielt haben. Lauer ist
mit dem prickelnden Trio Zur Schönen Aussicht bereits zu WhyPlayJazz gestoßen. Peuker,
wie, glaub ich, alle andern auch, ein Produkt der HfM „Carl Maria von Weber“ Dresden,verortet sich da zwischen Bartok und Zorn, zwischen Tim Berne und Schostakowitsch.
Was allerhand Ehrgeiz verrät und dass das Zwittrige der Musik als Chamber Jazz sogewollt ist: Druckvoll die Gitarre und doch auch tändelnd mit luftigem Sopranosax, zarten
Strings, mit kreisender Triskele ('Love Song') oder mit ostinaten 4/4, aber satieskem Piano('The Skyward Escape') bzw. flehendem Saxophon (beim programmatischen 'Grind me
tender'). Oder so elegisch wie 'Anthem' und 'Mnimi', mit gehauchtem Gesang von Sissi
Rada zu erneut wehmütigen Streichern, das Ensemble trägt Trauerflor, die Drums
schweigen. 'Fuge' lässt den Blick zu blauen Blumen schweifen, mit zartbitter-romantischen
Streichern und Piano, Gitarre und Saxophon träumerisch, und insgesamt außer Tritt. Bis
zu knatterndem Drumming ein Weg gefunden und entschlossen gegangen wird. 'At
Beinglass Farm' lässt einen am Grashalm kauen und bringt einen mit krausen und schrillen
Tönen auf übersächsische Gedanken. Das Thema der 'Theme Music' spielen Gitarre und
Sax unisono, zu acht spielen sie Peuker8ula (analog Tarantula), bevor Peuker allein dersinkenden Sonne entgegen 'Into the Wild White Yonder' reitet.
PHILIPP GROPPER'S PHILM spielte Live At Bimhuis (WPJ041) am 30.7.2017 natürlichschon hauptsächlich den jüngsten Stoff von "Sun Ship", nämlich Teile der titelgebenden
Suite, die mich mit Captain Groppers Crew in unendliche Weiten schweifen ließ. Wobei es
mit dem Warpantrieb hapert, es holpert und stagniert, die Lichtjahre treten auf der Stelle
und die Sinne sind verstrickt in synthie-bekiffte 'Der Weg ist das Ziel'-Illusionen. Um sichzwar aufzuraffen, fiebrig und quirlig, aber für den Kurs gilt: Alle Richtungen. Das
tremolierend und schrill umschwärmte wahre Ziel, dem sie entgegen perlen, grooven,driften, liegt innen. Jedenfalls weitab von den Neobebop-Sektoren, durch die Underkarl,
Die Enttäuschung, Squakk oder Reich durch Jazz kreuzen. Gropper ist das durch Fusk
zwar nicht ganz fremd, er hat aber, mit Erfahrungen als Lotos Eater und Chimaira-Hascher
und mit Philm ebenso wie mit Tau, eigene Vorstellungen, wie sich Raum und Zeitrhythmisieren lassen. Es folgen Exzerpte von 'Who Owns the World' und von 'J'. Aber mit'Ze' griff Philm auch zurück auf "The Madman of Naranam" (2015) und mit 'Licht' sogar auf
das 2012er Debut. Seither hat Elias Stemeseder Håvard Wiik an den Keys ersetzt (wobei erauch nen Synthie einsetzt) und statt Andreas Lang spielt Robert Landfermann den
Kontrabass. Bevor sie 2018 zu neuen Abenteuern aufbrechen, boten der hochreflektierte
Berliner Tenorsaxophonist und seine Freudenspender den Amsterdamern nochmal ihre
ganze Helionautik. Stemeseder schildert plastisch, wie sie sich einst durch die stacheligen
Boulez'schen Kristallwälder von 'Ze' knickten, über Lichtungen hetzten und wie, obwohl
entronnen, die Ohren noch lange klingelten und zirpten. Wenn die Antwort auf 'Who owns
the World' Borgs oder Klingonen lautet, heißt es auch da, die Beine auf den Buckel
nehmen und flink sein, auch wenn es über Stock und Stein und Treppenfluchten geht,
Stemeseder zwischen Porzellan und Perlen, Gropper zwischen Alarm und Melancholie. 'J'
gönnt dafür einen sublimen Blick auf etwas, das schon eher Arkadien ähnelt. Und 'Licht' ist
einfach nur ein Fest in geschachtelten Achteln, das, Oli Steidle als strammer Drummer
allen voranrauschend, einen mit rasant-ostinatem Geklimper und sprudelndem Tenorsax instrahlenderen Aussichten schwelgen lässt.
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Der dänische Tröter Mads Langelund, 1980 in
Svendborg geboren, hat zwar seit 2006 ein festes
Standbein in der Danish Radio Big Band, ist abervor allem selber jemand, als Mads la Cour. Roland
Schulz hieß ihn schon 2007 auf WhyPlayJazz
willkommen mit Andreas Lang & dem Drummer
Kasper Tom Christiansen als Quartz. Mit "Mads à
la Cour" (2008) und mit Im Beruf war er bei Stunt
Records, kehrte aber zu WhyPlayJazz zurück für"The Lark" mit dem Pianisten Søren Gemmer, vor
allem aber für die 2015er Trilogie von MADS LA
COUR'S ALMUGI, erst als Quartz im Quadrat mit
noch dem Klarinettisten Lars Greve bei "Quartet"(RS019, 2015), bei "Duo" (RS020) dann mit dem
Drummer Anders Mogensen als Polterer, Nick
Knatterton und auf Pelzpfoten im kornett-flügelhorn-virtuosen Gefühlstaumel, und zu acht mit
Posaune, Strings und eigenhändig auch Moog als"Large Ensemble" (RS021), das knurrbassig
groovend 'Sir Dance a Lot' zum Tanzen bringt, mit
Pizzikato den alten Bauernstand ehrt, aber sichauch schwungvoll befiedelt 'Baba Ganoush'schmecken lässt. Jetzt bei Hule (WPJ044) ist
wieder das Quartet dran, mit allerdings MariuszPraśniewski am Kontrabass, den Mads vom Łukasz
Borowicki Quartet mitbringt, neben Christiansen
und Greve (ex-Maria Faust Group, Girls In Airports) an Klarinette, Bassklarinette & Tenorsax.
Um mit 'Immer schön' gleich dreimal den gleichen
Wunsch zu hegen, melancholisch angedunkelt
und sehnsuchtsvoll, mit weichem Pinselstrich undweichen Stupsern. Aber um doch auch mit
rostiger Klarinettenkakophonie oder Engelszunge
den nimmer schönen dänischen Verhältnissen als
Misthaufen voller Krawallschläger zu lästern('Støyland Møgland'). Mit deutlicher Spitze gegen
die Ausländerpolitik der Ministerin Inger Støyberg. Kein Geringerer als der große alte Beatpoet
Peter Laugesen unterstreicht in den Linernotes,
dass was faul ist im Staate Dänemark, wenn der
Anstand verschwindet in einem Sturm von Spottund Lügen in einem xenophoben Country of
Noise. Mads la Cour und der gießkannenraue
Greve halten dagegen mit temperamentvollem
Groove und lustvollen Gesängen, dem rasantkollernden, plötzlich feierlichen und doch wieder
beschwingten 'Gammelton', dem aufgekratzt
ostinaten 'Bølgebop, Bølgebop'. Leider geht die
Fäulnis in halb Europa um, quillt aus wahnhaften
Filterblasen und verstärkt in autopropagandistischen Echokammern den Mist von 1000 Jahren.
La Cours Stichwort 'Höhle' meint defensiv wohlauch Refugium, mir ruft es eher offensiv Gottfried
Benns «die Fresse von Cäsaren und das Gehirn
von Troglodyten» in den Sinn.
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Wide Ear Records (Zug)
Nein, nicht "Big Bold Back Bone" von Emerge, vielmehr Emerge (WER028)
von BIG BOLD BACK BONE. Von diesem schweizerisch-portugiesischen
Projekt empfing ich bei seinem Debut "Cloud Clues" (2013) "wetterwendische, spannende Musik" (BA 80). Ihr Zweitling, "In Search of theEmerging Species" (Shhpuma, 2017), ist mir zwar entgangen, aber das hierentstand beim gleichen Studiotermin Ende November 2015 in Lissabon.
Eines der Stücke, 'Mergulhador', hat Travassos, der Elektroniker und
Covergestalter unter den vieren, bereits bei seinem "Life Is A Simple Mess"(Shhpuma, 2017) integriert. Der aus Locarno stammende Drummer Sheldon
Suter hat die portugiesische Connection im Trio mit Domeniconi & Schlegelfür "Quince Dreams" (Creative Sources, 2017) vertieft und das Miteinander
mit dem Trompeter Marco von Orelli konzertant in Blow, Strike & Touch und
Lotus Crash. Luis Lopes hat seine Gitarre weiter gefingert für Aufnahmen mit
dem brasilianischen Saxophonisten Yedo Gibson oder dem spanischen
Albert Cirera sowie dem Albatre-Bassisten Gonçalo Almeida. Die auf
Creative Sources weit über 400-fach variierte Ästhetik geräuschhafter
Fluktuationen und abgeflachter, gern sogar dröhnender Dynamik dient auchdem Zusammenklang mit den Kollegen aus der Schweiz als gemeinsamer
Grund. Das zirpende und gedämpfte, dabei gar nicht so unmelodiöse Quäken
der Trompete ist noch das hervorstechendste Ingredienz, das Krabbeln,
Rumoren, Dröhnen, Poltern und Plinken drumrum verzahnt dagegen das
perkussive mit dem gitarristischen Traktieren und dieses wieder mit dem
elektronischen in noisigen Grauzonen. Die Gitarre prickelt kaktusstachlig, die
Trompete bläst tonlos. Feedback und Travassossound zwielichtern, Suter
untergräbt den maunzenden und glissandierend stöhnenden Trompetenglanz
mit scharrendem Fauchen. Oder ist es Lopes, der da kratzt und Suter lässt
Metallkanten schimmern? 'Tentaculita' - Tentakuliten waren kleine Mollusken
in der Kambrium-Devon-Periode - bringt abrupte Schläge und abgerissen
flackernde Kürzel. Bei 'Mergulhador' tauchen Trompete und Gitarre elegischvereint und dabei perkussiv betröpfelt ins Azur. Zuletzt jedoch grummeldonnert Suter'sches Tremolo abgründig unter einer atemlos gehetzten, vonLopes umlichterten Tirade von MvO.
TOBIAS MEIER, in guter Erinnerung mit Things to Sounds und noch frisch im
Ohr mit "AB+" vom Cold Voodoo-Duo mit Silvan Jeger, hat für A Linear
Thought (WER034, 7") eigene, mit Hilfe des Essayisten, Zeitschriften- undProjektemachers BERNI DOESSEGGER Text gewordene Grundgedanken
vertont. Doeseggers Denkrichtung gilt Kunst im Allgemeinen, Theorie undKulturtechnik, Schreiben und Emanzipation im Besonderen. Was sie
miteinander denken über die Intimität von Stimme und Ohr, vom Klingen undHören als erweiterter Außenhaut (Sloterdijk nannte das Audiosphäre), überdie Innen-Außen-Beziehung von Binnenraum, Saum und dem Anklang desAnderen, über Narziss und Echo, über Dehnung und Faltung der Raum-Zeit,über den Zeit-Raum als Wahrnehmung von Gegenwart und Widerhall, vonDifferenzen und Tonfolgen und wie sie ins Melodische gleiten, das ließ sich
DALIA DONADIO in den Mund legen. Nicht den Text selbst, sondern diesen
sinnfällig machend in vokaler, demonstrativer Praxis. Als Summen undZischen und zweistimmig-zweispurig vokalisiertes aAAAaaAaaa. Alschangierendes iii und üüü und wieder auch zweistimmiges aaaa und ååååå,mit ausgezogenen Haltetönen und kürzeren Zweiklängen zwischen o und u.
In fünf Phasen oder Passagen gleitend und resonierend, zwischenkörperlichvon Leib zu Leib, urkommunikativ von Mund zu Ohr, von Mensch zu Mensch.
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... nowjazz plink'n'plonk ...
BRUBECK BROTHERS QUARTET TimeLine (Blue Forest Records, BFR-18-03001): Mit "TimeOut" (1959), "Time Further Out: Miró Reflections" (1961, Cover von Miró), "Countdown—
Time in Outer Space" (1962, Cover von Franz Kline) und "Time Changes" (1963, Cover von
Sam Francis) war Dave Brubeck à la mode und Sophistication so hip wie schmale Krawatten.
Dahinter steckt jedoch ein bemerkenswertes Give & Take. Denn 1958 war Brubecks Quartet
mit Paul Desmond, Joe Morello und Eugene Wright (mit dem Brubeck die Rassentrennung
aufhob) vom U.S. State Department - Stichwort: Geheimwaffe Jazz - als cooler Ambassador
des American Way of Life auf eine Propagandatour geschickt worden, die ihn, seine Frauund die älteren Söhne nach Polen führte, in die Türkei und den Nahen und Fernen Osten (bisnach Ceylon). Von wo er und Desmond 9/8 und 5/4 als die Takte (Time Signatures) mitbrachte, die 'Blue Rondo à la Turk' und 'Take Five' zu Hits machten. Chris (*1952) & Dan
Brubeck (*1955) waren 1958 noch zu klein für die 80 Konzerte in 14 Ländern, aber seit 1971
treten sie musikalisch in die Fußstapfen des Vaters, Chris mit quirligem E-Bass & Bassposaune, Dan als Drummer, als Two Generations of Brubeck, New Brubeck Quartet, als
Brubeck Bros. oder auch mit Larry Coryell. Dan hatte bei The Dolphins schon in den späten
80ern den zartfingrigen, heute am Vassar College lehrenden Gitarristen Mike DeMiccio an
der Seite, und auch der Pianist Chuck Lamb ist bestens brubeckifiziert (“Lambinizations II: A
Tribute to Dave Brubeck”, 2011), um 60 Jahre danach nochmal die Souveniers von Brubeck
sen. zu würdigen: 'The Golden Horn' & das chopin'sche 'Thank You ("Dziekuje")' (von "Jazz
Impressions of Eurasia" als unmittelbarem Niederschlag 1958), natürlich sein 'à la Turk','Far More Blue' (von "Miró Reflections"), das posaunenschmusige 'Easy As You Go' & 'Since
Love Had Its Way' (vom Musical "The Real Ambassadors", 1962) sowie 'Tritonis' (von 1980).
Dazu kommen vier neue Stücke im Geiste von. It's all about time, wobei der Zeitgeist jener
Jahre nur noch als bittersüßer Nachgeschmack nicht eingelöster Versprechen vergegenwärtigt oder um den Finger gewickelt werden kann wie von Liam Noble ("Brubeck", 2009)oder Noël Akchoté ("In Your Own Sweet Way", 2015).
FRANÇOIS CARRIER, MICHEL LAMBERT, RAFAL MAZUR Beyond Dimensions (FMR Records,
FMRCD477): Alles was da erklungen ist im Alchemia Jazz Klub in Krakow am 2.6.2014("Unknowable") und am 24./25.5.2015 ("The Joy of Being"/"Oneness") bei den Begegnungender beiden Kanadier, Carrier am Altosax, Lambert an den Drums, mit Rafal Mazur und seiner
grummelnden Bassgitarre, spottet jeder Beschreibung der derzeitigen polnischen Verhältnisse. Doch während ein paar Dutzend ihre Selbstwahrnehmung als einsichtsvolle
Reisende hin zum Unbekannten, als für Schönheit Empfängliche, bestätigt finden, schwört
die PiS-hörige Mehrheit trotzig auf Blut & Boden, Stolz & Vorurteil, und wittert in der
Stadtluft, die angeblich frei macht, den Gifthauch der Entwurzelung, Entartung und Entfremdung. Dass (gefühlte) Modernisierungs- und Globalisierungsverlierer und von nicht
eingelösten Versprechen Enttäuschte ihr Heil anderswo suchen, ist eigentlich ein
hauntologischer Ansatz. Ja, da geht ein Geist um in Europa. Doch eimal mehr mit bauernfängerischen Phrasen, die das Heil in ausgetretenen nationalen Schuhen, Ressentiments
und der Hatz auf Sündenböcke predigen und Hosenscheißerei zur Tugend erklären. Der
reaktionäre Geist weht nicht nur über den einstigen Killing Fields von Europa, die Phobie vor
der Postmoderne mufft und spaltet querbeet. Doch auch in Timisoara, wo das Trio am
29.5.2016 im Aethernativ warb für etwas, das man gern 'Open Dream' nennen kann, gab es
dafür offene Ohren. Damit will ich der Musik nicht ihre spirituelle Dimension absprechen,dafür ist 'Namagiri', die Hindu-Göttin der Kreativität, auf die z. B. das indische Mathematikgenie Srinivasa Ramanujan (1887-1920) seine Intuitionen zurückführte, zu sprechend. Ob
freilich Entspiritualisierung, Instinktverlust, Un- oder Fehlbildung ursächlich dafür ist, dassnur wenige Carriers 'Gesang' als Volksmusik erkennen? Hymnisch wie Coltrane, ganeshaesk
wie Paul Dunmall, dabei so wenig wie diese vordergründig indisch, zehren seine Mantras,
seine Schlaraffenländler Tänze, sein Reichtum an spontanen Kringeln, Schnörkeln, Kirrern,
sein umeinanderspringendes Stakkato zu Mazurs melodischem Tremolo, vom Unerschöpflichen und machen es so fast glaubhaft.
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SHIRLEY CRABBE Bridges (MaiSong Music & Entertainment,
MME2018): Man schlägt sie, verbrennt sie hinter sich. Ich redevon Brücken. Crabbe findet sie
bei Milton Nascimento, baut mit'The Bridge' selber eine, für ein
Jazzensemble mit Geklimper vonDonald Vega (Ron Carter Golden
Strike Trio) oder David Budway(Begleiter von Kristen Lee Sergeant oder seiner Schwester
Maureen), dazu Bass, Drums, mal
ne Trompete, hier und da noch
Strings. Dazu singt sie 'Isn't It a
Lovely Day' (im Andenken an Ella
Fitzgerald), 'Taking a Chance on
Love' & 'Thief in the Night' (mit
Ethel Walters im Sinn, mit der sie
ganze Abende gestalten kann), zu
ChaChaCha-Beat und starker
Trompete von Brandon Lee 'I Didn't Know What Time It Was' (vonRodgers / Hart), das wieder eigene 'Promise Me', das für den Bund
fürs Leben wirbt, und 'The Windmills of Your Mind' von Michel
Legrand (mit dem Clovis Nicolas,der französische Bassist, tatsächlich schon gespielt hat). And
the world is like an apple / Whirling silently in space... Zu dieser
Herbst-Tristesse fügt Crabbe Billy Joels dornenreiches 'And So It
Goes'. Und stimmt zuletzt die
christliche Hymne 'Blessed Assurance' an, weil ihre Mutter diegern hört. Es ist das nach "Home"(2011) das zweite Album, das sie
mit ihrer unblonden Sopranstimme prägt, mit unprahlerischem
Tonfall, sympathisch menschelndem Feeling, weil ihr ein ungeniert altmodisches, streicherversüßtes, aber familiäres Unteruns wichtiger ist eitle Brillanz. Mit
der rauen Wirklichkeit hat dieses'Life Matters' jedoch soviel zu tun
wie 'Over the Rainbow' mit'Straight Outta Compton' oder
'Bridge Over Troubled Water' mit'Rebel Without a Pause'.

DELL - BRECHT - LILLINGER - WESTERGAARD
Boulez Materialism (Plaist 002): Zitierte ich
Christopher Dell zuletzt mit seinem klaren
Statement gegen paternalistische Erniedrigung,legt er mich hier aufs Kreuz mit einem Paketgriff
aus Adorno, Hegel, Lefebvre und Boulez. Da
wird das Besondere, das Allgemeine und das
Negieren selbst negiert zugunsten eines Totalen, in dem allein Unterdrückung sich aufheben
lässt und dem Heterogenen Gerechtigkeit
widerfährt, etwa durch das Verstärken undMaterialisieren nicht-darstellbarer Anteile derMusik im prozesshaften Musizieren mit DBLW.
Gleichberechtigt und in Echtzeit wird im Zusammenklang seines Vibraphons mit Jonas
Westergaards Kontrabass, Christian Lillingers
Drums und Johannes Brechts Live Electronics
probiert, dem Spektakel des Neoliberalismus mit
einem neuen Realismus zu begegnen. Wedernaiv aleatorisch, noch romantisch-subjektiv,
wollen vier kritisch reflektierte Subjektivitäten
im Kollektiv über sich hinaus gelangen. Im
wechselseitigen ständigen Relativiertwerden
und von der Serialität nicht das dogmatische
Moment, aber doch die Negation des Subjektiven
erbend, wird die Vermittlung von Unmittelbarem
angestrebt, ohne dieses aufzuheben. Vielmehr
soll es sich als Zeitstelle in einem Feld der Relationen ereignishaft offenbaren. Womit die 8
Sekunden Aufmerksamkeitsspanne gen Blackout
getrieben wären, das Kannitverstan jedochallein mir geschuldet ist. DLW sind der harte
Kern von Lillingers Grund und bei "Grammar"
ganz unter sich. Das macht Brecht als DJ, Klopfkäfer und Remixer in Stuttgart zum Joker eines
hyperaktiven Gestenreichtums und Hirnsausens,
dessen Eingriff sich mir erst allmählich erschließt. Er lässt seine Beats völlig sein und
manipuliert statt dessen mit dem quirlig geperlten, fiebrig und fedrig getickelten, gewischelten, gepochten, geplonkten und überhaupt aus dem Vollen geschöpften Klangmaterial der andern, das er fallweise verdünnt,dehnt, zerschliert. Wobei gleich in den ersten
Sekunden Dells Kristallbohnen weichgekocht,
Uhren geschmolzen, Eisentore entriegelt und
Original und Derivat verwischt erscheinen. Meistaber dominiert der rasante Eifer der ImproGrammatiker, auch wenn ihnen Brecht die eineoder andere Möbius-Schlaufe in die flatternden
Glieder dreht. Schwarmintelligenz paart sich mit
motorischer, je selbstloser, desto einmütiger.

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DEMIERRE - DÖRNER - KOCHER Cone of Confusion (Bruit, BR7): Wie winzig
ist der Zwergen Scheiße, wie flüchtig unser Leben / da flüstert's leis: "Im
Gegenteil", doch hör ich's so grad eben. Nein, diese Mütze mag sich ein Esel
aufsetzen. Aber wo einem der Kopf steht ('Position of the Head'), nachdem ihn
Jacques Demierre, Axel Dörner & Jonas Kocher mit Piano, Trompete und
Akkordeon beackert haben, wer wollte das vorhersagen? Es ist jedenfalls weit
ungewisser als dass, wie sehr man sich auch dreht und wendet, der Arschimmer hinten bleibt. Dagegen kann das frei improvisierte Mit- und Ineinandervon bedächtigen Schwebklängen, leisen Haltetönen, hier einem Plinken, dort
einem Fiepen, jetzt einer kurzen Attacke, öfters mal auch einem Luftloch,ausgedehnt genug, um selbst große Irrtümer durchzuschieben, nie anders
vorhergesagt werden, als dass es sich bedächtig weiter entfaltet. Mal mit
einer furzend gepressten Injektion oder schnarrenden Lauten der Trompete,auch mit gradualer Tonfolge auf den Tasten, oder gehämmertem Ostinato zu
hornissigem Hornissimo. Ein undicht zischendes Ventil, Demierres Linke mit
müdem Moll, Dörner mit einer gezogenen Ameisenspur hin zum Pustekuchen.
Soll ich es verhaltene Klangpoesie nennen? Konsequentes 'Silence is the new
loud'? Ein Genügen am Genug? Demierre schwärmt von DDKs endloser
Emergenz und Kontingenz als Ausfluss gemeinschaftlicher Spontaneität und
Absichtslosigkeit und erklärt: Dieses Geschehenlassen ist für mich Meisterschaft. Er harft im Innenklavier, lässt Kristallsplitterchen plinken, Dörner knört
und löchert Luft, Kocher findet Fitzel von Fitzeln, um nichts weniger als die
Wirklichkeit selber zu bezeugen.
DONDER (Selbstverlag): Die Jungs in diesem belgischen Pianotrio sind mit
Jahrgang 1995 noch ein Stück jünger als Anneleen Boehme und die Boys im
LABtrio. Harrison Steingueldoir, der Mann am Klavier, Stan Callewaert, derseinen Bass auch im polnisch-dänisch-belgischen Trio Lawaai spielt, undTrommler Casper Van De Velde mit seiner Spannweite vom Minimal Chamber
Jazz mit Schntzl bis zum Elektropop mit Maya Mertens bei In Een Discotheek,
gewannen zusammen 2015 den Storm! Contest, bevor sie 2017 am Koninklijk
Conservatorium Antwerpen als Meister abschlossen. Da hatte Callewaert
bereits seinen Koffer weiter nach Kopenhagen gerollt, um am Rytmisk
Musikkonservatorium noch eins draufzusetzen. Auch lernte er dort Lars Greve(von Girls In Airports, Mads La Cour's Almugi) kennen, der mit (Bass)-Klarinette & Tenorsax in der Koncertkirken Kopenhagen das belgische Dreieckzum Würfel aufklappte. Indem er ihr Geheimnis teilte, körperlos ('Lichaamloos') durch Spiegel zu gehen. Das Cover zeigt einen schwarz silhouettierten,dämmergrauen Winterhimmel. 'Vinterlys', 'When the Sea is Empty' und 'Nachtzwemmen' setzen die Segel der Imagination hinaus in einen flimmernden,
brodelnden Ocean of Sound, ein Gewebe von Geräuschen, durchkreuzt vonlyrischem Piano und dunkel flötendem Bogenstrich. Greve überrascht als
melancholischer Träumer zu tapsendem Besen und Molltupfen vom Bass.
Steingueldoir spielt keine Töne, er spielt Wehmut und strudelt einen immer
tiefer in die tremolierende, grummelige Welt hinter dem Spiegel. Zu melodischer, aber tonlos angegriffener, leise beknarrter Tristesse, zu gefrorenen
Tränen im Schnee, mit zerbrechlich dünn geschliffenem Bass, flockenzart
gedongtem Gong und Paukenfell. 'Secrets' wölbt sich als rostrauer Tenorsaxblues in einem tremolierenden Kollektiv. Doch gleich wird der Klang wieder
ausgedünnt, der Bassstrich kakophon, Greve summt einen Dauerton, dasPiano verläuft sich, wird kleinlaut und monoton. Aber versucht sich dochgegen die Leere und Dunkelheit zu behaupten. Mit rührendem Spieluhrklingklang gegen den schlürfenden und fauchenden Sog und die Pelzpfoten
der Nacht, die sich auf die Pianokeys legen. Einer Nacht, die einem am Ohr
kaut und einen erbeben lässt wie die federnden Basssaiten.
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JON IRABAGON QUARTET W/ TIM HAGANS Dr. Quixotic's Travelling Exotics (Irabbagast
Records 010): Odd meters and quirky melodies abound, haha. Wohl wahr. Und wie schon
zuletzt das eher nostalgische "Behind the Sky" (mit Tom Harrell) wieder mit Trompete.
Diesmal von Tim Hagans aus Dayton, der schon mit 20 bei Stan Kenton blies - ich rede davon Mitte der 70er. Ihn mit Bob Belden und Animation auf RareNoise zu hören, war fastschon das Abseitigste bei seinen Blue Note- und ACT-Pirouet-ten. Aber ein Könner ist er
definitiv. Dazu spielt wieder der aus Caracas stammende Luis Perdomo Piano, Yasushi
Nakamura einen superquirligen Bass und der bei Dave Douglas und Bill Frisell bewährte
Texaner Rudy Royston trommelt wie schon im eigenen Orion Trio mit Irabagon. Der Clouhier ist die von Colin Batty ("Mars Attacks", Freakybuttrue Peculiarium Portland) designte
Freakshow, eine Galerie seiner Cabinet Cards aus bizarr übermalten historischen
Porträtphotos. Daher 'The Demon Barber of Fleet Week' mit seinen ostinaten Schraubendrehungen und stupendem Pizzicato und das doppelzüngige, rasante 'The Bo'ness
Monster' mit pickendem Pianoschnabel. Dazu zieht Irabagon mit seiner weit über Mostly
Other People Do The Killing hinaus auch mit Mary Halvorson, Dave Douglas oder Barry
Altschul entfalteten Tenorsaxphantastik an den Augenbrauen. Perdomo wirbelt, rauscht
und glitscht, dass das Piano nicht zum befürchteten Hemmschuh wird. Hagans steigt bei'Emotional Physics/The Things' ein, einem heißen Cooker, stürmisch und schwärmend,aber wie alle Stücke zu vielgestaltig für einen Nenner. Irabagon treibt 'in' so an die Kante,
dass immer ein paar Extremitäten 'out' flattern. 'You Own Your Own' deutet die echoartigen
Erwiderungen der Trompete auf die Exklamation des Saxophons an, und bringt das alte
Hardbop-Wechselspiel Clifford Brown/Lou Donaldson, Kenny Dorham/Hank Mobley, Lee
Morgan/Benny Golson accelerierend auf den neuesten Stand, mit einem Heimspiel für
Perdomo. 'Pretty Like North Dakota' ist ganz elegisch verwandelt, die Trompete gestopft,
das Tenorsax besinnlich, um sich dann aber doch, schmetternd und jubilierend, ins
Feierliche zu schrauben. Vielleicht nicht ganz so hoch wie der Taipei 101, aber 'Taipei
Personality' bringt dafür zuletzt zum Trott von Bass und Drums und dem plinkenden Piano
die Trompete und das Saxophon als Lifte ins Spiel. Up, up, and up.
URS LEIMGRUBER Broken Silence (Creative Works Records, CW 1063): Cold lonely
puritan What are you fighting for? Sorry, falsche Assoziation. Das F-Wort, nach dem ichsuche, ist 'filigran', nicht fighting. Leimgrubers siebter Monolog als Einkehr in sich selbst
lässt sich am ehesten meteorologisch fassen, als Tiefdrucktrog. Zwar tatsächlich auchkalt, aber im McLuhan'schen Sinn, mit gaps in the content, nämlich Stille - 'speechlesswith ochre'. Auf der F-Ebene kommt einem der Luzerner entgegen mit 'Fluttering Flag' und'Follow the Flow'. Aus der Stille durch die Stille in die Stille, die 'Ko Mu'-, die
Kommunikation, die Kommunion von Stille. Ich fühle mich wie bei Rowe und Tilbury, wie
bei Mural, überhaupt wie Sofa-gebettet vor Aufmerksamkeitssauger wie Sheriffs Of
Nothingness, Silencers, Microtub, Oker. Vor ein Clair-obscur aus 'The Light in the Moss'und 'Umber'. Reinhard Kager zeigt in den Linernotes sehr schön Leimgrubers Weg vonColtranes Om ins Zwanglose auf, durch den Halbschatten des Quartet noir hindurch, mit
langem Atem auf dem schmalen Pfad in die "lautere, verdichtete Stille" (Hölderlin
folgend). Hölderlin im Gespräch mit Zenmeister Dōgen. Das Üben der Leere: der Atem.
Das Hören der Stille. Als dünner Klangfaden, filigran, kristallin, daher zerbrechlich, fragil.
Aber doch flexibel, wie es dem Wesen der Grashalme und des Schilfs (Reeds) entspricht.
Und der Zunge, der Flatterzunge, die mit der Sprachlosigkeit spielt und an der Stillezüngelt. Mit rauem Tenorhauch, das Soprano zirpend, zirkularbeatmet flackernd,
multiphon changierend, beharrlich tastend, trillernd, so flötenspitz, dass es manchmal
fast mehr als Glanz schillert denn als Klang tönt. Glänzende Götterlüfte rühren euch
leicht, doch uns ist gegeben zu schwinden, zu fallen ins Ungewisse (um es nochmal
hölderlinesk anzudeuten). Leimgruber rührt ans, stößt ins Ungewisse, bohrend, insistentfragend, vogelig schrill: Wo ist der Weg? Wo die Worte fehlen oder versagen, pickt der
Schnabel, poppt und flattert die Zunge, beben die Lippen und blasen bloße Schatten von
Tönen. Der 'Umber'-Monotonie des Tenors folgt zuletzt nochmal gespaltene und rau
quäkende Insistenz des Sopranos, spitz und eindringlich genug, um Stein zu spalten.
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ALAIN MALLET Mutt Slang (ETrain Records, EJ001): Wer Camus
zitiert und mit Hyänen fraternisiert, wer mit Paul Simon, Marc
Johnson oder mit Jonatha Brooke sogar The Music of Laura Nyro
gespielt hat, der kann nicht ganz schlecht sein? Der französische
Keyboarder zeigt nach Jahrzehnten im Hintergrund hier seinen
eigenen Ehrgeiz, mit einem Latin-Touch gleich zu Beginn beimanimierten 5/4-Groove mit Flöte und Altosaxsolo und danach
immer wieder, mit Akzenten durch Pandeiro, Kanjira, Congas oder
Xekere und überhaupt viel Percussion von Jamey Haddad (der mit
seinem Renommee durch Paul Simon und Dave Liebman wie Mallet
am Berklee College lehrt). In Nebenrollen hört man schmusige
Saxophone und Gitarren, Hauptrollen spielen neben der Rhythmik
der Bass von Peter Slavov (Joe Lovano, Uri Gurvich) und die Geige
von Layth Sidiq. Vor allem aber Ladies, für die Mallet immer schonein Händchen hatte: Tali Rubinstein bläst Blockflöte und singt beim
beklemmend zart begeigten 'Adama', das sie selber schrieb,
ebenso wie das melancholische 'Alone'. Veronica Morscher singt
zur dunklen Flöte Naomi Shemers israelischen Song 'Road Signs',
Song Yi Jeon komponierte 'Spring' und swinglesingt dazu. 'Thelong walk home' ist eine zauberhaft improvisierte Kleinigkeit mit
Melodica und führt zu 'Salif', das natürlich Salif Keita meint. Aberder Wind weht doch von Latin America her, als milde, beschwingte
Brise und als Lieblingsslang. So endet es auch wie es begann mit
einem Tango, mit Saxophon und einem wehmütigen Akkordeon.
Als Zugabe singt Mallet selber noch das Wiegenliedchen 'Cradle'.
PEAL Bag of Screams (Setola Di Maiale, SM3520): Den einen der
beiden Läuter, Dröhner und wohl auch Screamer, den (im Erich
Schachter Trio, mit Atlas Austria Express, mit dem k. u. k.-Trio1724...) umtriebigen Wiener Trommler Emil Gross hörten wir
zuletzt im Flow mit dem Generations Quartet. Soweit ich weißimmer noch keine 30, hat er mit dem Bassisten Paul Rogers,
Jahrgang 1956, wieder einen alten Hasen zum Partner. Denn derWaliser ist seit 40 Jahren ein Rückgrat des NowJazz jenseits unddiesseits des Kanals - Keith Tippett Sextet (1978, 1983-84), Elton
Dean Quintet (1979, 1995), John Stevens Away (1980), Skidmore/
Rogers/Levin (1984-87), Mujician (1988-), Pip Pyle's Equip'Out(1990-95), Sophia Domancich Trio (1990-99), die Deep Joy, Dig
Deep und Deep Whole Trios (allesamt mit Paul Dunmall), Whahay(2012-), L'Étau (2013)... Mich selber plagiierend, könnte ich
diesmal sagen: 'Yell' ist ein Stichwort, 'Geschrei' ein anderes,'Howl' ein drittes und meint doch das gleiche. Als ob Gross anGschreams anknüpfen wollte, sein frühes Gitarrentrio mit Itzo
Pichler & Andi Stecher, wenn auch nur wortspielerisch. Rogers ist
eine bassistische Sensation, nicht weil er einen 7-saitigen spielt,
sondern durch die mirakulöse Art wie. Wie er da sein prickelndes,
kribbeliges, öfters cello-pikantes Pizzikato mit schrummendem
Sound aus voller Bassbrust unterlegt, wie er bärig brummt, wie er
mit dem Bogen sägt und schrammelt, wie er schillert, quiekt,raunzt, suRRt und zirpt. Gross kann sich dazu alle perkussiven
Freiheiten nehmen und tut das auch ausgiebig, rappelnd,rumpelnd, klirrend, crashend, klickernd... Das macht Radau, daschlägt's 13, das sägt, dass es nur so staubt. Ich sage ja immer:
Barry Guy, Bassgott! Doch je länger ich lausche, desto polytheistischer wird mir zumute.
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LAURA SCHULER Elements and Songs (veto-records 018): Kleine schöne Welt. Denn
ich bin schon bei WhyPlayJazz, angezogen vom Namen Aberratio Ictus und dem
Cover von "Ictus Irritus" (2015), auf Ronny Graupe gestoßen, der da Fäden spinnt
nach Bern zur hyperzarten Vokalistin Rea Dubach und zur Violinistin Laura Schuler(*1987 in Langenthal). Dass in Schulers Quartett (neben Hanspeter Pfammatter &Lionel Friedli) Philipp Gropper auftaucht, hat meine Neugierde noch erhöht. Undtatsächlich sind um Schuler herum ein Bündel interessanter Projekte zu entdecken:
Mit Theo Känzig (akustische Gitarre) & Valentin von Fischer (Kontrabass) seit 2009
als Chèvre Chô hat sie "Primavera" (2013) eingespielt; mit ihrem Bruder Luzius am
Piano & Lisa Hoppe (Me & Mobi) am öfters gestrichenen Bass seit 2012 als Esche
brachte sie "Leiser Protest" (2016) und "Der Dichter spricht" (QFTF, 2018) hervor; mit"Laura Schuler's Kronikor" (QFTF, 2018) gab ihr Quintett mit der schwedischen
Bassklarinettistin Lisa Grotherus, dem Gitarristen Anatole Buccella, Silvan Jeger(von Day & Taxi) am Bass und Lukas Rutzen an den Drums sein Debut. Das
kammermusikalische oder pastorale Image durchkreuzt sie, wenn sie mit Jonas
Labhart an Altosax & Berni Doessegger am Schlagzeug als Kŗ★ŉK eine fx-forcierte,
kakophon urbane und dezidiert auch postromantische Klangwelt frei improvisiert. In
Esche sind die Sehnsucht nach Zitronenblüten und von des Gedankens Blässe
gezügelte Tänzchen mit durchscheinend feinem Bogenstrich vereint, so wie auch derSchafskäse, mit Honig versüßt und als imaginäre Folklore veredelt, zum Dancing inyour Mind serviert wird. Als Dichter verdichten sie summende Melancholie mit
knurrigem Trotz, die Violine fröstelt, kratzt und schrillt, wenn durch bloße Einbildungskraft ein Fischerboot in einen Sturm gerät und Odysseus 'On a Slow Bus toChina' von Karl May erstmals was vom Swing der Neuen Welt hört. Kronikor zwittert
zwischen melodienseliger Wehmut und wieder trotziger 'Interruption', zwischen'Constant Change' und ostinater Insistenz, Feeling und Konstruktion, fingerspitz undgrillig, bis hin zu schiefen oder knarzigen Tönen und fliegenlogischem Schwirren. Als
ich "interessant" sagte, meinte ich dieses Schuler'sche Changieren. Es verwundert
mich daher nicht, dass sie sich hier allein in das I Ging, das Buch der Wandlungen,vertiefte und von dessen acht Trigrammen ihre spielerische Imagination anregen ließ:'kūn', die weibliche Erde, 'duì', die wechselhafte See, 'xùn', der sanfte Wind, 'qián',der männliche Himmel, 'lí', das trennende Feuer.
Verklammert mit Motiven des Plötzlichen und
des Getriebenseins. Dabei vereint sie ihren
wetzenden und flageolettierenden Bogenstrich
im gleichen Atemzug mit Vokalisation undmischt die elementaren Kraftlinien als weiblicher Wind, als feuriger Wechsel. Pizzicato und
perkussive Erregung, dongende Gongs, pickende und mit dem Bogen gefederte oder geklopfte
Klänge rücken den Fernen Osten heran an mitteleuropäisch getragene Melancholie. Aufgerissen durch einen verblüffenden Einklang vonviolinistischem und stimmlichem Fiebern, im
abrupten Gegenschnitt mit wieder sanften undzagen Zügen. Schillernde Schönheit wird vondunklem Gong verschattet, ostinate und kratzige Motive kontrastieren mit wehmütig lyrischen, die mir mit ihren Wurzelfäserchen in
Folklore und Alter Musik eine andere Laura, Laura Cannell, in den Sinn rufen. Wobei
Schuler diese Spur aber schon wieder kakophon durchzuckt und durchschrillt.
Gegen frösteliges Tremolo mundmalt sie üüü und aaa, rippelige Repetition und lange
Wellen bohren, noch einmal gongverdunkelt und mit zittriger Stimme, ein Loch in den
Himmel. Das sie heiser kratzend erweitert, um zuletzt mit flattrigen Flügelchen und
hymnisch pulsierendem Herzen hindurch zu schwirren.
Foto © Dieter Duevelmeyer

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MARC SARRAZY & LAURENT ROCHELLE Chansons pour l'oreille gauche (Linoleum
Records, LIN017): Wie für mich gemacht und wunderbar anspielungsreich in mein linkes Ohr
geträufelt. Rochelle hat in Toulouse vier Alben mit Monkomarok gemacht, zwei mit dem
Liliput Orkestra und mit Le Gle die extraordinären, wie von Lindsay Cooper geküssten undzugleich vom Affen gebissenen "Suites erratiques" (2012). Auf "Les Amours Invisibles"(2012) spielte Denis Frâjerman die Coda, er prägt mit Sopranosax & Bassklarinette viceversa dessen "Rivières De La Nuit" (2017). Auch den von Satie und Debussy faszinierten
Pianisten Sarrazy haben seine wilden Schlaufen - um Joachim Kühn, Alexei Aigui &Ensemble 4'33" und sein Trio und Quartett mit Dieter Arnold und Paul Schwingelschlögl schon mit Frâjerman verbunden. 'Paysage avant pendaison', das sein schwarzes Feuer auch
auf das elektroakustische 'Reflets Dans Un Oeil Mort' wirft, Antoine Volodine zu widmen und
Max Lachaud zuzuzwinkern, unterstreicht diese Verbundenheit, 'L'Homme Assis Dans Le
Couloir' reflektiert auf Marguerite Duras. In 'Funeral Blues' geistert Chopin, für 'Bartok a lafenêtre' wird Bartok bestohlen, für 'Malcolm Malkovich' Ravel zitiert. Goblins 'Suspiria' war
schon bei "Virus 124" (2003) in Sarrazys Triorepertoire, in 'Voulévoulévouvouzélas' hallt das
um Abdullah Ibrahim kreisende "African Project" mit Rochelle von 2010 nach. Er klimpert
repetitive Muster und verwirbelt und zersprudelt sie mit Feeling und Sophistication, Rochelle
singt dazu leidenschaftlich und rau mit der Bassklarinette, vouvouselig, aber doch den
Schatten suchend, mit dem Soprano. 'Si tu regardes' erklingt getragen, voller süßem Weh,das auch bei schnellem Schritt an den Schuhen klebt. Für die Duras und bei 'L'Heure Où
Tout Se Fane' zaubert Sarrazy allein zu welliger Monotonie mit rhythmischen oderspinnenbeinigen Griffen in die Drahtharfe des Klaviers. Der 'Funeral Blues' schwelgt à la
Chopin mit feierlichem Pomp in Funèbre-Stimmung. Für Bartok ploppt Rochelle mit dem
Mundstück, bevors spritzig wird. Dafür beginnt 'Mal... Mal...' aufgekratzt und kann aucheinen Anfall von Malaise abschütteln. Mit 'A la frontière du jour' folgen dann aber dochmelancholische Minuten, mit kreisender Linker und einer verdunkelten Bassklarinette, die
vom Licht singt. 'Suspiria' flößt Giallo-Thrill ins Ohr, gelb prickelnd und doch groovy. Für 'Qui
S'en Va Un Peu' sprechsingt zuletzt Anja Kowalski (ex-FES, Wolke und schon Gast bei
Rochelles Okidoki Quartet) auf Deutsch vom verrückten Leben und der verrückten Liebe,
vom Wachsen und Vergehen, und dazu lässt Alexei Aigui die Geige zittern. Die Hoffnung
stirbt zuletzt, dass Moskau so europäisch wird wie Kowalskis Brüssel und Rochelles
Toulouse, und dass linke Ohren nicht schon bald auf der Roten Liste landen.
ALISTER SPENCE / RAYMOND MACDONALD Sound Hotel (Alister Spence Music, ASM006):
Anderthalb Jahre vor dem Kira-Kira-Konzert mit Satoko Fujii am 12.9.2017 in Tokyo entstandin Edinburgh am 18.4.2016 dieses Piano-Saxophon-Duett. Spence und MacDonald konnten
dabei das Vertrauen auffrischen, in dem sie 2011 schon "Stepping Between the Shadows"
gestaltet hatten. Buddies waren sie ja schon vorher geworden, 2008 in MacDonalds International Big Band, mit übrigens auch schon Fujii. Das Sound Hotel ist wie ein einziger Bienenstock. Hier schwirren die beiden in einem besonderen Licht, ein Licht, das sich in den kleinen
Wellen ('Small Pulse') des 'Ocean' of Sound bricht. MacDonald suggeriert gleich zu Beginn
mit dem Tenorsax dieses Licht-Wasser-Spiel und auch den Schatten, den kurz eine Wolke
wirft. Spence lässt dazu die Sonnenstrahlen funkeln, in kleinen und kleinsten Brechungen,die sich zu einem in sich fluktuierenden Kontinuum rippeln. MacDonald bläst zirkular, Spence
arpeggiert und tremoliert derart auf der Stelle, dass einem der silberne Spiegel ('Sun Mirror') von windgekräußeltem Wasser - bei mir ist es der Main - plastisch vors Auge gestelltscheint. Dass der zarte, zeitvergessene Klingklang von 'Small Pulse' 4:33 dauert, dürfte eher
Zufall sein. Spence steigt danach wieder ein mit herben Haltetönen und ostinaten Dunkelwellen zu kristallinem Gefunkel und tagträumt gleich ins Blaue weiter in lyrischer Melodik('Blue Light'). Er mischt ploppende Kürzel zu klimprigen Hell-Dunkel-Sprüngen, um zusammen dann flossenwedelnd (und mit Evan-Parker'eskem Zungenschlag) im noch nicht plastikmüllversuppten Liquiden zu schwänzeln bis es Dunkel wird. Und tatsächlich phosphorizierensie auch schon ganz melancholisch einen blauen Planeten-Blues ('Phosphorescence'). Als
könnte man die Stunde, als unsre Urahnen an Land krochen, um die Zukunft in den Sand zu
setzen, gar nicht genug betrauern. MacDonalds 'Foot on Sand'-Flow ist jedenfalls, quirlig
und spritzig beklimpert, ein sprudelnder, ja hymnischer Lobgesang auf die Zeit davor.
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JOHN TILBURY / KEITH ROWE /KJELL BJØRGEENGEN Sissel (Sofa563): Der norwegische Videokünstler Bjørgeengen war schon bei"Enough still not to know" (2015)
mit im minimalistischen Spiel der
beiden AMM-Veteranen. Wenige
Wochen vor dem in Stavanger mitgeschnittenen Konzert war Bjørgeengens Frau Sissel Bakken(1950-2016) gestorben, ihrem Andenken ist jeder Ton gewidmet. Vor
dem inneren, durch den marxistischen Kunsthistoriker TJ Clark
geschärften Auge standen dabei
Nicolas Poussins "Les Cendres dePhocion recueillies par sa veuve"(durchwirkt von Kreon'scher Gewalt) und "Paysage par temps
calme". Im Ohr - unhörbar - die
Bach-Busoni "Chaconne d-Moll".
Alles dreht sich um Stille und Elusiveness (Flüchtigkeit) im Angesicht des unsichtbaren Todes, derja bei Poussin selbst in Arkadien
herrscht. Für Keith Rowe bezeugen
Poussins stumme Bäume und ein,trotz stürmischer Wolken, spiegelglatter See seine Gegenwart. It's
where my music has been headingfor during the past decade, a mutescratching in the forground, andthe chatter and clatter of humanlife somewhere vaguely behind.
Sehr weit weg und äußerst vage.
Dieses Memento mori webt darum
einen dichten Schleier aus dunklem
Feedback-Gedröhn, nicht ohne sirrenden Saum, aber doch als ganz
undurchsichtiger Schleier der Maya. Rowe selbst rührt daran mit wenigen, dabei aber kratzigen, bruitistisch schlurchenden Gesten. Tilbury setzt dazu Noten, als hätte er
nur ein paar Handvoll davon, beklemmend sublim, ohne Scheu vor
schiefen Klängen und manchmal
fast trotzig. Mit fragendem Gestus
die Tonleiter eskalierend oder auchresignativ, oft gläsern, doch auchsonor, holzig tockend oder drahtig
harfend. Beckett und Feldman
scheinen die Hände zu lenken,
spirituell, aber in den letzten, fast
stillen Minuten auch geisterhaft.

THE YOUNG MOTHERS Morose (Super Secret
Records, SS-23): Seit "A Mothers Work is NeverDone" muss ich mir Ingebrigt Håker Flaten als junge
Mutter in Texas vorstellen. Dabei sind es mittlerweile schon neun Jahre, dass der mit seinem 'gut
strings sound' bei The Thing, Atomic und dem
Scorch Trio zum Bass-Herkules aufgestiegene
Norweger in Austin lebt. Was ihn nicht hindert, mit
Teun Verbruggen, Nate Wooley und Jozef Dumoulin, mit Jaime Branch, Dave Rempis und TollefØstvang oder als BIC (w/Julien Desprez, Mette
Rasmussen und Mads Forsby) so allgegenwärtig zu
sein, als müsste er daheim mehrere Mäuler stopfen.
Seine Austiner Band mit dem hageren Trompeter &Shape-Of-Broad-Minds-Reimer Jawwaad Taylor,
dem Reibeisen-Saxer Jason Jackson, Jonathan F.
Horne an der Freak-Gitarre sowie Stefan Gonzáles
und Frank Rosaly an Vibraphon, Grindalonium,
Drums & Percussion erinnerte mich bei ihrem Debut
durch Jawwaads Rap-Einwürfe an Jazz & Poetry
und den Jazz-Rap-Boom der 90er, aber durchmischt mit wilder Freejazzerei und einer rockigen
Verve bis hin zu Mike Patton & Moonchild neben derEmpfindsamkeit einer Cello-Suite von Benjamin
Britten. Diesmal ist noch mehr los und Flaten
wechselt wieder zwischen E- und Kontrabass bei
nun zehn Stücken, von denen vier mit weniger als 3
Min. auskommen. Der Kontrast des gläsern-fragilen
Vibraphons (doppelt bizarr, wenn man dazu Gonzáles mit seinen Biker-Muskeln sieht) mit Taylors
dringlichem Rapping auf federndem, von der
Trompete beschmettertem, der Gitarre betrillertem,dem Saxophon bekirrtem Groove braucht nur einen
Bruchteil der als 'Attica Black' gebotenen Mütterlichkeit, um die Zeichen auf Sturm zu stellen. 'Black
Tar Caviar' bringt hymnisches Tenorsaxpathos zutickender Percussion, bis Flatens Rickenbacker
einsetzt für einen Saxgroove zu Rap und Hardcorefuror. Auch Jacksons rostrauer Sound steht bei'Bodiless Arms' im größten Widerspruch zu denzarten Vibes, bevor 'Francisco' nach Chinatown
groovt. Danach wird's dann so richtig wild mit dem
Jazzcore von 'Jazz Oppression' und 'Morose', mit
ner Hauptrolle für Gonzáles, dem Sohn von Dennis
und Bruder von Aaron, mit seinem Yells-At-EelsTemperament. Flatens stoisch wiederholtes Pizzikato spottet der saxistischen Erregung von 'Osaka',
das ein Funeral-March-Motiv aus der Luft greift.
Einem zweiten 'Untitled'-Noise-Crash mit Propeller
und Schmiedehammer folgt in einer Staubwolke
zuletzt 'Shanghai' mit ganz unwahrscheinlichem
Robert-Wyatt-Feeling und auch nochmal JawwaadReimen in einem dub-zähen Flow, in dessen Morast
ich nur zu gern versinke. The Magic of Superfly, wasfür grandiose JuJu-Variationen.
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WILLERS - RODER - MARIEN Derek plays Eric (Jazzwerkstatt, jw 188): Thestory's told, the dark has won? Pete Brown, 'Pete the Poet' auf John
McLaughlins "Extrapolation", hat für Cream 'SWLABR', 'White Room', 'As
You Said' und 'Deserted Cities of the Heart' geschrieben und für Jack
Bruce die "Songs for a Tailor" (wovon Colosseum 'Rope Ladder to the
Moon' und 'Theme for an Imaginary Western' aufgriff). Mit His Battered
Ornaments und Piblokto! war er auch selber der Headliner. Dass er hierein Empfehlungsschreiben abgibt, ist der Wink, umzupolen von Eric
Dolphy zu Eric Clapton, dem einstigen Cream-Gott, und auch von Derek
Bailey zu Derek and the Dominoes. Das Stichwort ist jedenfalls 'Rockmusik', mit einem retroutopischen Zoom zu den Blütejahren 1964-74, alses Rock und Jazz offen, intensiv, bluesig und free miteinander trieben,
dabei progressive Formen und gesellschaftlichen Mehrwert zeugten und,für eine kurze Zeit, Extraordinäres zu Experience machten. Schon das
klassische Gitarre-Bass-Schlagzeug-Format (wie auch vor 20 Jahren bei
Blue Collar) wirkt als Spiegelkabinett, in dem Christian Mariens Drumming
Ginger Baker, Mitch Mitchell, Jon Hiseman... reflektiert, in Jan Roders
Bass Bruce, Noel Redding, Daryl Runswick... nachhallen und in Andreas
Willers' Gitarre McLaughlin, Jeff Beck, Jim Mullen... (in meinen Ohren,
tatsächlich mögen es eher Jim Hall und John Abercrombie sein). Willers,
mit Jahrgang 1957 alt genug, sich direkt anzustecken, hat Mitte der 90er
Jimi Hendrix Experience gefeiert und 2015 in Cottbus - zu einer Lesung
von JW-Macher Uli Blobel - und bei "We Remember Jack Bruce" im
Kesselhaus Berlin - neben Pete Brown & Clem Clemson (Colosseum,
Humble Pie, Jack Bruce and Friends) - auch schon Bruce und Clapton
Referenz erwiesen. Hinter 'Steampunk 69' als kakophon angeschrägtem,
hitzigem Manifest dampfen hier nun als impro-bluesiges "Andreas-WillersKonglomerat" Zwitter und Medleys aus Willers, Mahavishnu Orchestra('The Dance of Maya'), Gentle Giant ('Valedictory'), Ellington, Mingus,
Freddie King, Bruce & Brown ('The Politician') und von Bruce noch
'HCKHH Blues / Statues' (von dessen jazzig-instrumentalen KontrabassAlbum "Things We Like"). 'Alexis & The North' lässt einen im Rotters Clubzwischen "Endstation Sehnsucht" und "Good Morning, Vietnam" taumeln.
Die Musik zwickt einen mit 'Hen's Teeth' und pferdeküsst einen mit 'Bee's
Knees'. Bei 'Plodding Along' pumpt Roder fast wie ne Hammond, Willers
gibt sich flockig unbeschwert, die Rhythmik und zischende Becken sind
Trumpf. Bei 'Roost'r' tritt der Gockel die Treppe krumm, Willers bohrt den'Tunnel Boogie', er bluest sexy (Dank Haferbrei), er zwitschert, drehwurmt
und singt "nothing but the Blues" zum Freak-out mit einer Akustischen undzu Kontrabass. Er gröhlt auch "get into my big black car" und lässt es dazu
krachen. Der Blues entschwebt ins All, die Gitarre verbeißt sich in die
irdischen Verhältnisse, sie glitcht und säuselt, unjazzig rhythmisiert. Roder
gibt wieder Kontra und er ohrwurmt Mingus, während Willers ausrastet,jazzige Arpeggios veräppelt oder bluesig zeitlupt. Bei 'Fettes Holz' rayrussellt und wahwaht er dicke Bretter und nimmt dabei die Beine auf den
Buckel. Beim fast ein bisschen feierlichen Speeddating mit Bruce' Blues,
bei dem Marien ins Rollen kommt, gewinnen sie ein Freispiel, das sie als'Elementarfelder' dröhnend ausformen, mit stehenden Wellen und rumorenden Bassstrichen. Bis Willers akustisch ein Fragezeichen dahintersetzt. Sie können das gern als "nicht akademisch domestiziertes Experiment musikalischer Dialektik" verkaufen, ich nenne es einen geschichtsbewussten und herzhaften Kick von Dreien, die gut zugehört
haben bei "Things May Come and Things May Go but the Art School Dance
Goes on Forever". PS: Neugierigen sei noch empfohlen, das mal zu
vergleichen mit den Versionen von 'Goodbye Pork Pie Hat' und 'Spoonful'
des Tobias Hoffmann Trios mit Etienne Nilessen.
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Today's Jazz is female 2

Sophie Agnel

Kim-José Bode © Getoutski

Kaja Draksler

SOPHIE AGNEL (*1964), eine Pariserin in Toulouse, bietet mit das Eigenartigste, das sichmit Piano bieten lässt. Ihr "Solo" (Vand'Oeuvre, 2000) wurde zum Manifest. Aber mehrnoch als ihre Duette mit dem Gitarristen Olivier Benoît, der Pianistin Christine Wodrascka,
mit Phil Minton, Catherine Jauniaux, David Chiesa, Daunik Lazro, Andrea Neumann oder
Thurston Moore oder ihr Trio mit John Edwards & Steve Noble (Clean Feed, 2013) wichen
andere Sachen von vertrauten Routinen ab: "Rouge Gris Bruit" (Potlatch, 2001) mit Lionel
Marchetti & Jérôme Noetinger, das Quartett Qwat Neum Sixx (mit wieder Lazro &Noetinger), ihre Konfrontationen mit ErikM, mit Cremaster oder mit Arnaud Rivière, ihrelektroakustisches Stenografieren im Trio mit dem Drummer Michael Vatcher & Joke Lanz
(Sudden Infant) an Dada-Turntables beim Festival Météo Mulhouse 2016 und beim Artacts
St. Johann 2017 [beides auf YouTube]. Weil sie da konsequent die Herausforderung durch
Liveelectronics sucht. Weil sie dazu statt mit den Tasten mit Drähten und Fäden, mit Klang
als Plural und als Stille und überhaupt mit V-Effekten spielt. Was sie nicht disqualifiziert
für das Spiel mit dem Orchestre National De Jazz (unter der aktuellen Leitung von OlivierBenoît) oder im Double Trouble - 2 Trompeten, 2 Pianos, 2 Drums - mit Trouble Kaze, wo
sie - zu hören auf "June" (Circum-Disc, 2017) - ihren Pianostil mit dem von Satoko Fujii
verwirbelte. Heuer spielte sie in St. Johann mit Angélica Castelló & Isabelle Duthoit. Es
wäre unrecht, zu sagen: Ohne Agnel keine Elisabeth Harnik (*1970), keine Ingrid
Schmoliner (*1978), keine Eve Risser (*1982). Denn für das Innenraumspiel der Österreicherinnen war das Beispiel von Manon-Liu Winter (*1958) und Katharina Klement(*1963), mit dem Akzent auf dem Perkussiven und Präparierten, wohl prägender. Aber
Klement, die ebenfalls ihre Klangfarben elektronisch befördert, und Agnel sind doch
Parallelen, die sich schwesterlich nahe sind.
Als Moerser 'Improviser in Residence' wurde 2018 KIM-JOSÉ[PHINE] BODE (*1982, Oldenburg) geladen. Von Daisy Duck schon als "The Lady Gaga of the recorder" bejubelt, ist diein Münster aufgewachsene und in Amsterdam voll aufgeblühte Blockflötistin, Vokalistin
und Performancekünstlerin zugleich eine Augenbrauenlifterin und Ohrenzupferin: a) Mit
dem Performancetrio aXolot (mit Sarah Jeffery & Dodó Kis), erweitert mit Brechtje [vanDijk], Jornt Duyx und Marcos Baggiani zu b) Jerboah, einem Quasi-Art-Rock-Sextett mit
drei Blockflöten, Gitarre und Drums, das, quirky und amazing, als Freakshow-Aspirant in
Frage käme; mit Stijn van Beek und zwei EWIs als c) The Kewis und d) im Rutger Muller
Ensemble mit Blockflöte und Cello, elektronisch aufgemischt. Beim Moers Festival selbertrat sie auf mit Kis und Ethan Iverson, dem Pianisten von The Bad Plus, unglamourös,
dafür aber auch kein bisschen gaga.
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Auf KAJA DRAKSLER (*1987, Kranj) hat mich Rudi gebracht, auch so ein Östrogen-Sensitiver. Die Slowenin ist eine, die sich das Klavier schon mal im Muscle-T-Shirt vorknöpft,um in dessen Eingeweiden zu rummsen und zu schaben. Doch schlägt sie mit Glöckchen
und kristallinem Arpeggio zugleich auch feinste Töne an für den denkbar größten Good
Girl-Bad Girl-Kontrast. Ihr Weg führte von Ljubljana über Groningen, wo sie 2009 ihren
Master abschloss, ans Conservatorium van Amsterdam für ein Kompositionsstudium. Dochschon mit 20 hat sie mit 'Orpheus und Eurydice' ein Konzert für Akkordeon und Orchester
komponiert. Sie gründete 2006 The Acropolis Quintet mit Sanem Kalfa (voc), George
Dumitriu (g, el), Mattia Magatelli (b) und Kristijan Krajnčan (dr) (drei, die auch als DumiTrio
zusammenhalten). Auf Dumitriu und Krajnčan konnte sie auch zählen bei ihrem Leaderdebut, der Sextett-Einspielung "Akropola" (2007) im heimischen Koper. Mit Magatelli und
mit Luca Marini an den Drums bildete sie ihre BadBooshBand. Für das European
Movement Jazz Orchestra steuerte sie - an der Seite von Philipp Gropper und Matthias
Schriefl - 'Impresija' bei für "EMJO Live in Coimbra" (2010). Mit "The Lives Of Many Others"(2013) zeigte sie solo die Konsequenzen, die sie aus Cecil Taylor, John Cage, Ellington,
Jaki Byard oder Craig Taborn gezogen hat. Onno Govaerts, in Amsterdam Drummer bei
Cactus Truck und Spinifex, wurde ihr "Bums"-Gefährte (2014) bei Feecho. Ihr neuester
Spielkamerad ist Terrie Ex. Zusammen mit Susana Santos Silva, eine der Trompeten im
EMJO und ihrerseits in den Niederlanden Partnerin von Gonçalo Almeida (Albatre,
Spinifex) im Trio Lama, war sie 2016 beim Moers Festival und 2017 zum Unlimited nachWels eingeladen. Empfohlen haben sie sich dafür mit "This Love" (2015), einem intimen
Einklang mit reduzierter und introvertierter Klanggestaltung, lyrisch, bedächtig und öfters
mit gewollter Stagnation im Unisono. Auch mit kuriosen Mikrogeräuschen, perkussiven
Akzenten und drakslerschem Federspiel auf den Klaviersaiten, bis hin zum tremolierenden
Espressivo oder donnerblechernem Grollen. Der Abstand zum Radau mit Govaerts
bezeugt einen Gestaltungsspielraum, der freilich nur ihrem weiten Horizont entspricht: vonCaravaggio bis Rothko, von Hesse bis Jodorowsky. Den auszuschöpfen, ist Draksler
insbesondere mit ihrem OCTET bestrebt. Mit Govaerts, Dumitriu an Geige & Bratsche,
Lennart Heyndels am Bass sowie Ada Rave und Ab Baars an Klarinetten, Tenorsax und
Shakuhachi. Dazu stimmen die isländische Sopranistin Björk Níelsdóttir und Laura Polenceaus Lettland Poesie an von Pablo Neruda ('Births', 'The Builder' und 'Canto XI'), vonAndriana Minou, einer Griechin in London, und von Drakslers Landsmann Gregor Strniša,
von dem die Überschrift stammt: "Gleadalec" (Clean Feed, 2017). In einer ambitionierten
Montage von Neuer Musik und freier Improvisation, hauptsächlich von Baars, aber peu à
peu allen, sogar den Sängerinnen, die außer kunstliedhaft zu singen auch rezitieren und
vokalisieren. Mit 'Mirabile Mysterium' greift Draksler Renaissancemusik des Slowenen
Jacobus Gallus auf, Minous 'Omlettio ad Absurdum' ist quasi auch das Rezept für das
Ganze. Nerudas Zeilen wie I chose my own illusion, / from frozen salt I made its
likeness-- ... the ship did not come back, / everyone drowned in his own tears / while I went
back to the wood / with an axe naked as a star bewahren dagegen ihr Pathos, um sich an
den kapriziösen und absurden Minouismen zu reiben. Draksler jüngster Streich ist "To
Pianos" (Clean Feed, 2017), ein Pianoduett mit Eve Risser. Und die beiden machen da mit'Sestri (To a Sister / Two Sisters)' und 'To Women' unmissverständliche Ansagen. Denen
wir gerne zustimmen. Denn Carla, Ava, Maja, Kaja... - sind wir nicht alle Rudi?
Abschweifender Einschub: Als ich die Today's Jazz is female-Reihe in BA 96
anging, konnte ich Joëlle Léandres J'accuse…! an die Organisatoren desFrench Jazz Awards im Dezember 2017 nicht vorausahnen. How is it

possible that in the 21st Century again and again not one single woman
was nominated? [auf www.freejazzblog.org/2017/12/support-for-joelle-leandre-to-women.html] vertiefte - mit direktem Bezug auch auf das
Draksler-Risser-Album - das Thema, mit eigener Gewissenserforschung derFreejazzblogger und einer anregenden Liste. Mir wäre lieber, ich wäre
peinlich durch offene Türen gestolpert, statt so up to date zu sein.
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KATE GENTILE wäre einfach als Drummerin schon was Besonderes. Aber gleich mit ihrem
Leaderdebut "Mannequins" (Skirl, 2017) wurde die aus Buffalo stammende Komponistin
zur Fallstudie für "The New Jazz of the 21st Century" (popmatters.com). Damit sind jene in
Brooklyn ausgebrüteten komplexen Spielzüge eines Jazz-Math-Rock-Maximalismus gemeint
und Anstöße, wie sie von Weasel Walter, Alan Bjorklund, Chris Pitsiokos oder Peter Evans,
Tim Dahl & Mike Pride als Pulverise The Sound ausgehen. Dabei bildet gerade das
Vereinigen von Jazz-'Language' und 'Sound' Gentiles Feldtheorie, die sie praktiziert mit
dem Keyboarder Matt Mitchell zu zweit als Snark Horse, zu dritt (mit Kim Cass am Bass) als
Phalanx Trio, zu viert (mit Jeremy Viner an Klarinette & Tenorsax) als New Quartet und als
Mannequins (mit, statt Cass, Adam Hopkins, ihrem Partner schon bei Denial & Error), zu
fünft in Mitchell's Phalanx Ambassadors, oder in Air Ceremony, einem Septett desGitarristen Dustin Carlson, mit dem sie auch als Secret People und in Chopper trommelt(von Clashes mit etwa Nick Didkovsky, Mary Halvorson, Jon Irabagon, Ingrid Laubrock, Ava
Mendoza... ganz abgesehen). Die Rede ist von "oblique patterns... mechanical... hyperdetailed... a Ph.D level challenge... like notes scattered on a tabletop like Scrabble tiles..." ,im Versuch, den Clou ihrer Klangkonstrukte, die in Gestalt von etwa 'Trapezoidal Nirvana'oder 'Alchemy melt [with tilt]' implizit mit Bebop-, Metal- und HipHop-Teilchen puzzeln, zu
erfassen oder auch zu verdammen.
Die dänische Altosaxophonistin METTE RASMUSSEN (*1980) hat
ihre Homebase in Trondheim. Ihre Töne bei den Synthiepoppern
Bodebrixen oder bei der Sängerin Heidi Mortenson ließen nicht
annähernd ahnen, was beim 2012 eingespielten Debut mit Trio
Riot und David 'Schnellertoller' Meier unmittelbar offenkundig
wurde - sie ist ein zum Schädel spalten aufgelegtes Riot Grrrl. In
Brooklyn beschwor sie mit Chris Corsano "All the Ghosts atOnce" (2014) und zog mit ihm anschließend um die Häuser. In derBrassband des Gitarristen Anton Hunter feierte sie 2014 den"Article XI" der Charta der Grundrechte der EU, der die
Meinungs- & Informationsfreiheit garantieren soll. Mit Corsano &John Edwards als Rhythmsection kam es zum Monsterclash mit
Virginia Genta von Jooklo. Es entstanden in New Haven "StarSpangles Voltage" mit Paul Flaherty und wieder Corsano und in
Wroclaw "Free Electric Band" (For Tune) mit Altmeister Alan Silva
Mette Rasmussen
am Synthie und Ståle Liavik Solberg an den Drums. All das trug
ihr die Aufnahme ins Fire! Orchestra ein für "Ritual". 2016 blies sie wieder in New York bei"Transcendental within the Sphere of Indivisible Remainder" (Clean Feed) mit dem
Slovenen Dre Hočevar. Mit "To the Animal Kingdom" (2017) ist der aus Bhutan stammende
Gitarrist Tashi Dorji ihr Spielgefährte geworden für verwegene Kakophonie. Sie spielte
2017 beim Artacts in St. Johann mit ihrem Quintet mit Doppelbass und Doppeldrums und
im Duett mit Dieb 13, sie kirrte in Moers um die Wette mit der kläffenden Aurélie Poppins in
Cocaine Piss aus Lüttich (denkt an Wolf Eyes mit Braxton), machte beim Météo-Festival
Furore mit BIC, sie tourte im Januar 2018 mit Sofia Jernberg in Australien, spielte wieder
beim Artacts, diesmal solo und in Ken Vandermark's Entr'acte. Waaahnsinn!!
Zum Kaja Draksler Octet gehört mit ADA RAVE (*1974 in Chubut) eine Argentinierin, diesich selber schon als Leaderin profiliert hatte, mit etwa ihrem Cuarteto und "laContinuidad" (2011), bevor sie 2013 in Amsterdam Fuß fasste. Mehr und mehr hat sie sichda entfaltet im Hupata Trio, mit New Rumours & Other Noises ("The Moonlight Nightcall",2016), ihrem Trio mit Nicola Hein & Wilbert de Joode, in Hearth mit Draksler, Susana
Santos Silva an der Trompete und Mette Rassmusen am Altosax, im spinnerten 5tet der
mit Naked Wolf bekannten Kornettistin Felicity Provan mit Han Buhrs und Michael Vatcher,
im Blue Lines Sextet mit Bart Maris und Wolter Wierbos ("Live at the Bimhuis", 2017). Raveist im Kern wohl eine lyrische Brüterin, aber ohne Scheu, sich jeden Schönklang
abzuschminken, ihrem Tenorsax rostig raue Töne zu entlocken und selbst im Sitzen noch
Bocksprünge zu machen.
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Denk ich an Katja Draksler, erklingt dazu gleich die Trompete der umtriebigen SUSANA
SANTOS SILVA (*1979 in Porto), ihrer Partnerin 2016 beim Moers Festival und 2017 beim
Unlimited in Wels. Gestärkt mit dem Master-Diplom in Jazz Performance 2010 am Codarts
Rotterdam, präsentierte sie sich als kleine Teufelin mit eigenem Quintet für "Devil's Dress"(2011). Im Hintergrund lief da länger schon von 1996 bis 2016 ihr Engagement im Orquestra Jazz de Matosinhos und von 2007 bis 2012 im European Movement Jazz Orchestra(->"EMJO Live at Coimbra", Clean Feed, 2011), da aber bereits mit Kaja Draksler. Wegweisender war freilich Lama, das Rotterdamer Trio ihres Landsmanns Gonçalo Almeida
mit dem kanadischen Drummer Greg Smith ("Oneiros", 2011, "Lamaçal", 2013, "TheElephant's Journey", 2015, "Metamorphosis", 2017, alle Clean Feed). Mit einem weiteren
Landsmann, dem Drummer Jorge Queijo, entstand als SSS-Q "Songs from my Backyard"(2013). Dauerhaft ist wieder ihre Verbindung mit dem schwedischen Bassisten Torbjörn
Zetterberg, aus der "Almost Tomorrow" (Clean Feed, 2013) hervorging und im nach "OchDen Stora Frågan" (2014) benannten Ensemble noch "Om Liv & Död" (2015) sowie zu dritt
mit Hampus Lindwall an der Orgel "If Nothing Else". Zetterberg war auch an ihrer Seite bei
ihrer zweiten Leadership für "Impermanence" (2015) und bei Life and Other Transient
Storms, einem Projekt mit Lotte Anker, Sten Sandell und Jon Fält (Clean Feed, 2016).
Zugleich kam mit "This Love" (Clean Feed, 2015) ihr Duo mit Drakslers Piano in Gang. Sie
fauchte und keckerte mit Tom Chant (s) & Vasco Trill (d) die bruitistischen Schmauchspuren von "The Paradox of Hedonism" (Discordian, 2015), blies im Fire! Orchestra bei"Ritual", auch in Mats Gustafsson’s Nu Ensemble und im Quartett mit Christine Wodrascka(p), Christian Meaas Svendsen (b) und Håkon Berre (d) ("Rasengan!", 2016). Beim
Rescaldo Festival 2016 in Lissabon entstand mit "All the Rivers – Live at Panteao Nacional"(Clean Feed, 2018) ihre erste Soloaufnahme, die, ähnlich wie Abdul Moimême bei"Exosphere", das Pantheon als Klangraum ausreizt. Für die Belgrader Formation Hashimalippentanzte sie den prächtigen 'Dance No.3' (auf "The Haywain", 2017). Kennzeichnenderfür ihren Ton sind jedoch gestopfte und zirpende, gepresste, stöbernde und verschmierte
Kürzel auf Evans-Wooley-Niveau, nicht ohne Glanzmomente und virtuose Triller, bei
Almeidas Kompositionen auch mit geschmetterten Akzenten, aber doch, gerade mit
Draksler, gerne nach innen lauschend und von zurückhaltender Poesie. Die feminine
Quintessenz ist freilich seit ihrer Premiere bei den „October Meetings" 2016 im Bimhius
Amsterdam Hearth (Heart mit H), der portugiesisch-slovenisch-argentinisch-dänische
Zusammenklang mit Draksler, Ada Rave und Mette Rasmussen.
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Neuester Liebling ist HEATHER LEIGH aus dem
Kohlenrevier West Virginias (die allerdings
ganz urban in Houston, TX aufwuchs). Einst
war sie die mit der Brille in Ash Castles on the
Ghost Coast, beim psychedelischen Gitarrentrio Charalambides (da hörte ich sie erstmals auf "Unknown Spin") und mit Christiana
Carter als Scorces. Aber so um 2004 rumtaucht sie plötzlich in Glasgow auf, verheiratet
mit dem schottischen Musiker (Telstar Ponies,
Tight Meat) & Autor ("England's Hidden Reverse", "This Is Memorial Device") David Keenan, vereint in Taurpis Tula und zusammen bis
2015 Betreiber des Kultshops Volcanic Tongue
in Glasgow. Keenan verdankt ihr die 2003er© Foto: Geert Vandepoele
Coverstory "New Weird America" (The Wire).
Sie verdankt Susan Alcorn den Wechsel von einer Slide Guitar zur Pedal Steel. Und schuf
damit eine Reihe von Soloalben mit wildem Sound & Gesang, "stripped back and raw",
noch sehr Lowlands-Americana und doch auch schon Highlands-Wilderness, ganz jaulende und tremolierende Kreatur: ..."Give the Ashes to the Indians"... "There's a Brunette up
in Tulsa that cries for me"... "Devil, if you can hear me"... 2003 beim Brattleboro Free Folk
Fest fand sie sich auf einmal tobend an der Seite des Monsterdrummers Chris Corsano in
einer blutigen Fusion von Scorces mit Flaherty-Corsano & The Hated Music, fortgesetzt inThurston Moores Dream/Aktion Unit auf "Blood Shadow Rampage" (2005) und zu zweit als
Jailbreak ("Color Them Gone" & "The Rocker", 2010). Zutreffend beschrieben (von grindsightopeneye) mit "rocks like it hasn’t a braincell to spare, re-connecting avantgardetactics and ass-whooping rama-lama with all the revolutionary fanfare of the most radical
counter-cultural two-chord punk." Sie tourte mit Jandek (zu dritt mit Alan Licht oder mit
Keenan) und mit John Olson (von Wolf Eyes), sie namedroppt Borbetomagus so selbstverständlich wie Kim Gordon und kennt auch keine Scheu, auf "I Abused Animal" (Ideologic
Organ, 2015) als Ikone für "21 century sex" zu erschienen. Als sie (angeregt von Ilan Volkov & Alasdair Campell, den Kuratoren des Tectonics Festivals in Glasgow), sich Peter
Brötzmann als Partnerin anbot, leckte der sich nur die Lippen und fragte nicht mal,welches Instrument sie spielt. Zusammen erzeugten sie seither in Warschau am 8.11.2015(= "Ears Are Filled With Wonder", Not Two) und beim Unlimited Wels am 13.11.2016 (= "SexTape", Trost) und inzwischen auch on the road in Neuseeland und den USA Musik, die sie
als "sensual, romantic even" beschreibt. Sie spielte mit Joe McPhee, William Parker, Steve
Noble & Peeter Uuskyla in Krakau und mit Brötzmann & Toshinori Kondo - verfluchter
Kack, da ohne mich - sogar im w71. Im März 2018 fuhr sie neben Brötzmann und Keiji
Haino die Fingerpicks-Krallen aus, jetzt war sie mit ihm gerade in Moers. Darf uns das
wundern? Kein bisschen. Ein großer Heroe ist für sie Albert Ayler. His music isjust some of the most tear-jerking, beautiful, heavy, heavy music of all time. Ayler
and other jazz musicians like Arthur Doyle,
Milford Graves, Sun Ra, Coltrane; it's
always been a pretty serious influence on
my music... Those that follow no one’s
rules but their own have my heart, seien
es Musiker, bildende Künstler oder Schriftsteller. Dass sie nun selber selbst vonalten Zauseln verehrt und umschwärmt
wird, erträgt sie souverän. Ich denke
aber, der Respekt, den sie sich verschafft
hat, ist ihr noch viel wichtiger.
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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
Discrepant (London)
Nein, das ist nicht Kollegah, der FELIX BLUME hier stammt aus Narbonne und ist
Fieldrecorder und Klanginstallateur mit einem Standbein in Mexico City und Arbeiten wie"Sonic Traffic Light", "Invisible / Possible Citie(s)" oder "Iron Memory" (mit einer eisernen
Polizeiabsperrung als Klangskulptur für einen donnerblechernen Beat, den er in einen
steinernen transformiert), die er 2016 auch beim CTM Festival for Adventurous Music and
Art in Berlin präsentieren konnte. Hier bei Death In Haiti (Funeral Brass Band & Sounds ofPort Au Prince) (CREP51, LP) gestaltet er die Musik der Blaskapellen der Maestros Walter,
Turenne und Ronald und von weiteren Unbekannten zu einer großen frankophonen
Totenfeier mit allem was in der Hauptstadt des einstigen Saint Domingue dazu gehört:
Blasmusik in der Kirche, die new-orleans-jazzig, aber weder kirchlich noch allzu traurig
klingt, die Worte des Priesters, Pianomusik und Klageweibergeschrei bei der Aufbahrung,die Prozession mit dem auch als 'What a friend we have in Jesus' bekannten 'Ami fidèle ettendre', das letzte Gebet des Pfarrers, Gesänge, Shouts, ein Ave Maria der Gemeinde, ein
Saxophonsolo, letzte Worte, herzzerreißendes Schluchzen der mutterlos gewordenen
Kinder und lautstarkes Stimmengewirr am mit Rum begossenen und mit Joints umqualmten
Grab. Dazwischen weitere Hymnen wie, mit einem lachenden und einem weinenden Auge,'Mouri Jodi', wie das zartbittere 'Lot Bo Rivye A', das dudelig beschwingte, trompetenlyrische 'Jesus Sauveur' und das sanft getragene 'Pitye' als schleppender Dirge mit vielVibrato. 2010 mussten in der erdbebenverwüsteten Stadt 316.000 Opfer begraben werden,
und das finden dann höchstens noch die Götter lustig.
Discrepant ist ein Vinyl-Paradies, in dem ich unter vielen
Unbekannten immerhin My Cat Is An Alien, Ergo Phizmiz,
People Like Us, Kyriakides & Moor, die Meridian Brothersoder Pierre Bastien finde. Zu den schönen Unbekannten
gehört neben The Dead Mauriacs oder German Armyauch KING GONG. Das ist in Berlin Laurent Jeanneau, derMusiken sammelt aus Vietnam, Laos, dem uigurischen
Westen Chinas oder aus Tanzania. Discrepant präsentierte davon schon "Xinjiang", "Voices", "The Lisu","Gongs" und einiges mehr, wobei er da wie zuletzt bei"Imer Zeillos: Asian Variations for Saz, Cura & Tanbur"
gern unpuristischen Neigungen frönt, wenn er nämlich
verschiedene Quellen zu surreale-schizophonen Soundscapes collagiert. Von postkolonialen Skrupeln nicht
gebremst, schwelgt er ungeniert exoto- und auch kakophil in den Reizen des Fremden,
Anderen und Durcheinandergemischten. Dian Long (CREP53, 2 x LP) bringt als akustische
Chinoiserie einerseits einen im Schleudergang verrauschten 'Soundscape China' und dazu
seine 'Destruction of Chinese Pop'. Bei "Music is not a Copy" wird der Klangwolf soüberfüttert, dass er Breakbeats kotzt, Computerstimmen gackert und Tonbandsausen
bekommt. King Gong versucht das zu lindern mit Orgelgedröhn, das sich allerdings selber
nicht zu helfen weiß. Daneben verrät die Dekonstruktion von Bling-Bling-Pop-Shit aus
Shanghai Jeanneaus Liebe zu anderen Klängen, wie er sie abseits der urbanen Hysterie in
Yunnan fand. Bei kuriosem Erstklässlerunterricht, gekreuzt mit sowas wie Brittens 'The
Young Person's Guide to the Orchestra', bei wohl älteren Filmkomödien und Musicals, einem
krähenden Folklorechor und Pipageschrappel, Pekingoper/Kasperltheater, ner skippenden
Pop-CD, Straßen- und Zuglärm, Miao-Folklore mit Reed-Pipes, Wool-Picker-Percussion,
Flussufergeplätscher, Neujahrsfestgetrommel, kaskadierend aufgemischt. Indem King Gong
danach die Popsongs im Microstoria-Stil skippt und plunderphonisch verhackstückt, kann erauch sie als etwas Kaputtes und Verrückt-Surreales retten. So werden die beiden LPs dochnoch zu den zwei Seiten des gleichen Yuáns.
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Drone - Substantia Innominata - Transgredient (Bremen)
Mit XIBIPIIO. In And Out Of Experience (TR-12) setzen RAISON D'ÊTRE & TROUM
fort, was sie mit "De Aeris In Sublunaria Influxu" (2015) begonnen haben. Wieder
lieferte Peter Andersson, der sich zuletzt bei "Alchymeia" (Cyclic Law, 2018) vom'Nigredo' zum 'Rubedo' alchimisiert hat, den Stoff, den Martin 'Glit[S]ch' Gitschel& Stefan 'Baraka[H]' Knappe derangierten, transformierten und mit Sounds vonGitarren, Stimmen, Flöten, Akkordeon, Cello, Geige, Didgeridoo und Dombra ergänzten. Für des Meeres und der Sehnsucht Rauschen, Maschinengesang, 'Dreiklang aus Äther'. Wobei die Wellen des Bewusstseins gemeint sind und die tiefen
Wasser des Nagual. Der Titel ist ein Wort in der Sprache der brasilianischen
Piraha, ein 'Eigi Einhamr' (nicht einhemdiger) war in den isländischen Sagas
jemand, der tierische Gestalt annehmen konnte, 'Ārdaga' steht im "Grímnismál"
für die alte Zeit, 'Hang'-E-Lah' (like a lost man) ist Teil des Totemisierungsritus derkalifornischen Miwok, 'Ijä-Kyl' steht für das 'Mutter-Tier', den Hauptgeist eines
jakutischen Schamanen. Lauter Suggestionen, die die Seinsweise eines begriffsstutzigen Mitteleuropäers als beschränkt vermitteln, als entgeistert, seines Fischund Vogelwerdenkönnens verlustig. Dazu schürt ein Tönen und Dröhnen, wenn
nicht den leisen Wunsch nach Wiederverzauberung, so doch ein Unbehagen,einen Phantomschmerz am vom Unbegriffenen abgeschnittenen Sosein. Schimmernd und surrend glissandierende Drones, einige fast menschlich in ihrem
Raunen, bieten sich als Fluidum des Vermissens und Sehnens an. Aber es
rumpeln auch Container in metallischer Klaustrophobie und kommen doch ins
Schwimmen, mit schmelzenden Konturen. Loopend, vibrierend, morphend,
abyssal brodelnd, geisterhaft flimmernd werden Grenzen unscharf und durchlässig. Da Hans Peter Duerrs "Traumzeit" (1978) einige der Denkanstöße und ein
nagualistisches Hintergrundrauschen liefert, geht es dabei um eine Verlustabschreibung des zivilisierten Elends im Rückblick auf das Selbstverständnis dereinstigen Wildbeuter, im Mutterschoß des großen Ganzen zu kreisen. Dicker
Draht schnarrt, von Phantomstimmen umschweift, von lippenlosen Mündern
angeblasen, von Gitarren umnesselt. Der Chor wird ätherisch zu sphärischen
Gitarrenwellen, Luren röhren, Pauken hasten über zarte Harmonika hinweg. Bis
mit 'Epõdós' sonore Beruhigung einkehrt, mit entkrampfteren Atemzügen. Als
wäre, zwanglos rauschend, die Nada-Brahma-Küste in Sicht gekommen.
Man könnte denken, dass Steven Wilson, Jahrgang 1967 und aus Hertfordshire,ausgelastet gewesen wäre mit No-Man und Porcupine Tree. Doch weit gefehlt. Er
tat sich auch noch mit Aviv Geffen zusammen als Blackfield und mit Dirk Serries
als Continuum und und und. Als BASS COMMUNION verdankt ihm die Dröhnwelt
in den vergangenen 20 Jahren Sachen wie "Ghost on Magnetic Tape" (2003),"Molotov and Haze" (2008), "Chiaroscuro" (2009) oder "Cenotaph" (2011). Dazu
kam es zum Miteinander mit Muslimgauze oder Freiband. Sisters Oregon (SUB
25, 10") brummt und dröhnt in vier Abschnitten, mit kleinen Irritationen wie einer
hintergründig brabbelnden Stimme oder drahtigem Flirren. Dass hauptsächlichein Knabenchorsample zugrunde liegt, möchte ich zuerst noch glatt unter 'Mythos
Basismaterial' ablegen. Orchestrale Anmutungen in erhabenen Wellen subvertieren den motorischen Beigeschmack des dampferartigen Wummerns undüberlagern dabei einen körnig hagelnden Fond. Die A-Seite endet mit hellem
Schweifen (womöglich doch Knabenstimmen) über brodeliger Verdunkelung. Die
B-Seite spinnt den hellen Faden weiter, als schwellenden, summenden Halteton
mit sopranistischem Beifang. Einem plötzlichen Störimpuls folgen die elegischen
Schwingungen ätherischer Vokalisation. Als würde Melitta das Sterben in den
Bienenstöcken beklagen. Der Honig versickert, was bleibt ist nur noch ein
dunkler Nachhall.
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Volume 6 (MIND-06, LP, blaugrauviolettes Vinyl) der
Reihe DRONE-MIND // MIND-DRONE, wieder mit
Coverartwork von Pete Greening, bringt zwei starke
Mindblower der mit "Atavist Craft" (2015) und"Oppressfield" (2017) ans Herz gewachsenen NAMKHAR. 'Sunuxsal' als brausend und sausend aufschäumender Auftakt, mit aufrauschenden Gongs
und Cymbals und hintergründig klackerndem Metall.
'Hinoss' folgt grollig wummernd und rasselig flirrend, mit orgeligen und hellen, fast wie vokalisierten
Schüben und paukendem Ritualtamtam. Mit diesen
Prachtstücken korrespondieren 'Battle Ritual' und'Transition' von MARKIAN VOLKOV. Der Italiener
paukt und klappert seinerseits, wenn auch selbst für
rituell arg simpel, und schiebt dazu ebenfalls
dröhnend pulsierende, knarzige Wellen. Gefolgt vongrolligen und sausenden Schüben wie von einem
höllischen Curler. Geloopte Rufe und wilde OrkSchreie, aufzischende Gischt, martialischer Donner
und flatternder Andrang forcieren den Übertritt ineinen Kriegszustand. Sein Debut, Industrial Stuff",
ist 2014 in Florenz entstanden, mit bereits rituellaggressiver Ausrichtung, schwankend zwischen
noch schlappen, wirbeligen und automatisch zuckenden Beats. Auf "Mesmerizing Journeys" (auchnoch 2014) folgten "Beings from the Outside" (2015)
mit bereits den beiden Mind-Drone-Tracks undzuletzt "Logic Isn't Mandatory" (2017). Nichts davon
zwingt mich dazu, mir seinen Namen irgendwohin
tätowieren zu lassen. FOR KINGS AND QUEENS,
das sind in Berlin Jens & Barbara Kindermann vonSubterranean Sonic, ein Odd Couple, neben dem
Kommissar Hjuler und Frau Fluxus-fix, aber tauberscheinen. "Extended Voices" (2015) verriet eine
Neigung zu Robert Ashley und Pauline Oliveros, bei"Elektroraum" (2014) spielt 'Der Schnurrbart vonFriedrich Nietzsche' eine undurchsichtige Rolle, bei"Schwarze Himmel von Metall" erstmals die Stimme
von Barbara K. eine wesentliche als delirierendes,
aber auch Georg Trakl singendes Medium. 2017
entstand die kakoelektronische "Living Room Series
Vol.1-3" mit 'Inland', 'Ausland' und 'Umland'. 'Grenzland' knüpft daran an, mit geisterhaft vager Vokalisation zu schimmerndem und dröhnendem Elektronoise, glockenspielerischem Feinklang und grenzverletzendem Morphing. Der Kontrast dieses Dreamscapes zu Volkovs Martialik ist allemal bewusstseinserweiternd. Bei 'Water Drone 1 & 2' sind dannKopfhörer Pflicht, sagt der aquaphile KEVIN DURR
in Oakland. Wisperndes Geflüster ist tröpfelig umsponnen oder von dunklem Nass umquollen, gekonnt plastisch und ästhetisch eigenwillig. Es regnet
und tropft, sprudelt und sirrt sogar unter Wasser.
Eben noch Bachforelle, prasselt man schon als Fish
für Chips.
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My Cat Is An Alien
Ihrer Verklanglichung von Oskar Panizzas "Le
Jardin de Vréneli" auf Lenka Lente folgt sogleich ein Wiederhören mit dem gesamtkunstwerklichen Brüderpaar Maurizio und Roberto
Opalio. Im zwanzigsten Jahr ihres Miteinanders
erreicht mich ihre Post immer noch aus Turin,auch wenn die beiden sich vor Jahren schon in
ein Refugium in den Westalpen zurückgezogen
haben. Längst sorgen ihre in Kollaborationen
mit Christian Marclay, Thurston Moore, Keiji
Haino, Jim O'Rourke, Lee Ranaldo, Dead C,
Loren Connors, Nels Cline, Text of Light, Steve
Roden, Mats Gustafsson, Jean-Marc Montera,
Ramona Ponzini oder Joëlle Vinciarelli entfalteteÄsthetik für eine Resonanz, die ihnen 2017 sogar eine Einladung zur Biennale in Venedig eintrug. Akustisch haben wir es mit postindustrialler Klangpoesie zu tun. Mit einem kosmischen
Vektor: From the Earth to the Spheres... Cosmic Debris... Eternal Beyond... Als schamanistische und xenophile Kontaktsuche: Speak, Alien, Speak!... Mit synästhetischer
Ambiguität: Abstract Expressionism for the Ears... Denn Roberto füttert als Maler undFotograf immer auch das Auge mit (ähnlich wie Steven Stapleton/Babs Santini/Nurse With
Wound oder Robin Storey/Rapoon). Als sie dAS Wort für all ihr Bestreben suchten, fanden
sie aber: "RE-SI-STEN-ZA!" The Sky With Broken Arms (Opax, OPX040 / Elliptical Noise,ΑΩ6577CD) zeigt exemplarisch MY CAT IS AN ALIENs Art of Noise, gestaltet von Maurizio
mit E-Gitarre, Effekten & Loops und Roberto mit wortloser Vokalisation, Mini-Keyboard,
Alientronics & Vinylloops. In monotone und traumfängerisch kaskadierende Pianoschläge
mischen sich auf knisterndem Vinylfond sirrende Elektrogespinste. Als selbst- und zeitvergessenes Mantra für Shoe- oder besser doch Stargazer. Hypnotic Spaces nannten sie
das schon vor langer Zeit oder kürzlich auch sehr treffend The Dance of Onierism.
Robertos hohe Stimme mischt sich als mehrzungiges, zum Ööö und Üüü hin schillerndes
Aaaa in den Wellenfluss aus nun auch perlend mitschwingendem Pianoklang. Die Stimme
wird zum Chor, zum Schwarm, der nach maximaler Ausdehnung hinter der Pianomonotonie entschwindet. Art is a Tear of Noise and Infinite Silence.
Once you'll touch the sky you will never return to dust (OPX041 / ΑΩ6578CD) gestaltet
ROBERTO OPALIO alleine mit präpariertem Mini-Keyboard, Alientronics, Kurzwellenempfänger und seiner typischen wortlosen Vokalisation. Fast möchte man ihn da auf
einem Alpengipfel ins Blaue singen sehen, umschwärmt von Vögeln von fremden Planeten.
Aber das ist nur das Präludium. Danach setzt ein Alienkeyboard ein, mit eigenartig
kristallinem und orgeligem Klang und Schwingungen, die auch vor Verzerrungen nicht
zurückschrecken. Der Orgelsound beginnt zu vibrieren und in sich zu schwanken, er
scheint zu schwären wie eine Wunde. Ein Pianoklang schmiegt sich dazu, unscharf undglitchend, etwas mehr als nur ein Schatten, in tremolierendem Einklang, knarrig umkreist.
Alles dreht sich im Kreise, kurvt Spiralen, das Knarren wird rauer, prasseliger, das Pianoverschwommener, das Orgelvibrato zittriger, als ein Vortex feiner, unscharfer Fluktuationen. Manche werden da an Jim Kirby denken, an Philip Jeck, an William Basinski, und
mir geht es genauso. Wobei jetzt das Prasseln fast alles übertönen würde, hätte nicht
wieder die Stimme eingesetzt, dieser wehmütige Singsang einer nach oben tendierenden
Kopfstimme, der von einem hellen, gläsernen Trillern und flötendem Pfeifen abgelöst wird.
Danach höre ich nur noch das Zirpen einer Harmonika, und wenn das andere die Stimme
ist, ist sie dunkel geworden. Und der Himmel ebenso.
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Touch (London)
MARK VAN HOEN sorgte einst mit Seefeel, Locust und Scala auf Too Pure und Apollo füreine typische Tönung der 90er. Mitte des Jahrzehnts schloss er Freundschaft mit Mike
Harding, seinem Partner dann in drøne, und fand Aufnahme in der Ash/Touch-Familie.
Dahin kehrt er nach einigen Releases bei Editions Mego zurück mit Invisible Threads(TO:104). Wenn er da mit Fender Jaguar dröhnt oder kleinste Orgelpfeifen auf dunklen
Bassflecken schillern lässt, tut er das mit Anregungen durch Chris Watson und Philip Jeckoder jüngeren Eindrücken durch Claire M Singer oder Jana Winderen. Ein weiteres
Moment bilden cineastische Vorstellungen und seine erneute Lektüre von Edgar Allen
Poes 'The Conversation of Eiros and Charmion', so dass, was wir da hören, fast als so
etwas wie ein Soundtrack dazu vorstellbar ist. Strings flirren, einzelne Rhodes-Noten
funkeln spieluhrzart, im Hintergrund der verzerrte Singsang einer Frauenstimme. 'Dark
Night Sky Paradox', 'Aether' oder 'Instable' sind ein Fingerzeig für die Imagination,
träumerisch zu driften, mit Schauwerten eher für das innere Auge. Der ätherische Flow hat
einen dunklen, bei 'Flight of Fancy' sogar tubatief grollenden Bodensatz, als würde derAnker eines Luft- oder Traumschiffs über den Boden schürfen (oder Schnarchtöne den
Flug ironisieren). Als gäbe es neben unsichtbaren Fesseln auch tönende, basslastig odermollbeschwert. Doch für den Sturm, der von den Trümmern der Vergangenheit her weht,
ist bekanntlich selbst ein Engel nicht standfest genug.
Das Turiner Duo OZMOTIC kommt, wie Pig Pen von den Peanuts in seiner Staubwolke, in
einer Wolke aus Science, Music, Philosophy, Video Art, Soundscapes, Film, Performanceund Sociology daher. So explizit bei "U235", wo sie, unterstützt von Murcof, etwa die Stimme von Zygmunt Bauman sampelten, der ihnen auch das Stichwort der 'liquid modernity'
liefert. Bei "AirEffect" (2015) und "Liquid Times" (2016) spielten sie mit Fennesz zusammen, daher wohl die Connection zu Touch für nun Elusive Balance (TO:107). Kreisend um
das prekäre Gleichgewicht von Natur und Mensch, von Organischem und Maschinellem,
und um ästhetische Analogien zu dieser evolutionären Reibung. Etwa in der Spannung vonStille und Anspannung, wobei sanfte Drones, getragene Sopranosaxmelodik, gedämpfte
Beats und wohl auch die dunklen Subwoofertupfer den organischen Part vertreten, stechendes, pixelndes und zischendes Computergeflicker und rempelige oder eilig trappelnde Beats den Widerpart dazu. Zu 'Hum' singen Domspatzen, Vögel zwitschern, gut undschön. Aber wie kommt man von Baumans ambiger Diagnose zu derart mondstichiger
Hypnose? Erst 'Insecting' findet zuletzt eine ominöse, starke Sprache aus untergründigem
Grummeln, wehem Sirren und aggressiven Kratzern.
Bis Mitte der 90er waren auch die prometheischen STRAFE F. R. [Für Rebellion] in Düsseldorf ein bemerkenswertes Phänomen der Postpunk-/Art-School-Welle und mit "Santa
Maria" (1986), "5" (1988), "Vögel" (1989) und "Lufthunger" (1991) auch schon auf Touch.
Nach fast 20-jährigem Rückzug kehrten Bernd Kastner & Siegfried Michail Syniuga 2014
mit "Sulphur Spring" (Klanggalerie) auf das akustische Parkett zurück. Unvermindert eigenartig, und besser kann ich zuerstmal auch The Bird was stolen (TO:110) nicht etikettieren. Vollständig lautet der Spruch ...because the donkey was sleepy. Aber der Esel müsste
Zettel heißen, um bei dem seltsamen Krach zu schlafen. Mit Elektronoise und Elektrobeats,
mit Synthies, Aggro-Gitarre, Perkussion und verzerrten Stimmen. Ihren eigenen. Erst für'Anophelis' lassen sie Caterina De Re circen und krähen. Die beiden fanden offenbar
keinen guten Grund, ihren surrealen (?) Duktus zeitgeistkonformer zu novellieren. Auch
blieb das 'Cap de Barbaria' ein Orientierungspunkt, durch 'Pianosmoke' weht Ross-Bolleter-Spirit, bei 'Himmelgeist' kommt der Deus ex machina aus einem defekten Uher-Tonband. Medusa und Midas irrlichtern durchs Imaginäre, Klangkaskaden rütteln und zucken
am Phlegma, Klangfäden zwitschern, Klangwolken dröhnen, Kehlen quellen über vor
flüssigem Metall, Vibes klimpern zu heftig krachenden Impulsen, Synthiewellen und Stimmspuren quallen wie unter Wasser. Um zuletzt nochmal De Re in einem fetzigen Drummachinestomper zu verwursten. Zu nachwachsender Kaukasus-Leberwurst.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
ABBY LEE TEE By Accident (Shash 019) & Riverside
Burrows (Shash 029): Wäre mir Abby Lee Tee in derbaltischen, ukrainischen, rumänischen Electronica als
bemerkenswert erschienen? Fabian Holzinger war sofrei, mich direkt auf sich aufmerksam zu machen, als
Teil des kleinen Shash-Records-Netzes in Linz, neben
Lowa (Shash-Macher Christian Ghahremanian), Dear-No(Arno Deutschbauer) und Mischmeister M, den Doomdubberz aus Wien oder Monophobe (Maximilian Walch).
Visuell wird Abby Lee Tee [ability] vom Künstlerinnenduo System Jaquelinde unterstützt, als jemand, dessenSound am Puls der Zeit sich von Glitch und Dubstep ins
Ambiente abkehrt. Mit urbaner Sehnsucht nach Borke
und Efeu, schaukelnd zwischen Chill und Dancing inYour Mind, aber auf der schlaffen Seite selbst dieses
unverschwitzten Dancefloors: I'm feeling numb, I'm
feeling numb. Empfindsam verhuschte Vocals, Minimalpiano, Drums, Loops und Drones, um über schwarze
Freitage hinwegzugleiten in schwankendem Kahn.
'Drunken Boats' ist die aus der grauen Stadt fliehende
kleine Schwester von 'Bateau Ivre', einer der "Elegies inthoughtful Neon" von Mimu Merz. 'Stirrings still' hört
sich nach Beckett an, als fein bepochtes, pulsendes
Zucken und Flimmern. Vogelstimmen kollidieren mit
verzerrtem Noise, Backbeat tritt auf der Stelle, wirwollen es aber so. Die Daumen zupfen Mbira zu einem
wonnig-monotonen Vorgeschmack auf ein vogelparadiesisches Arkadien. Mit einer Hommage an "Tarka the
Otter", Held in Henry Williamsons Buch (1927) und
dessen Verfilmung 1979. 'Nothing is ever done', esgeschieht nur. Wie im Traum in unruhigen Nächten, wo
zu knarzigem Beat und dunkler Flöte nur noch die
Computergeister ihren Worksong singen. Das zweiteilige "Riverside Burrows" führt wieder in die Natur,oder auch nur in ein Soylent-Green-grünes Relikt, einen
Download davon. Wasser, Vögel, windspielerischer
Klingklang, in einer idyllischen Ruhe, dass man fastversteht, was das Wasser da murmelt. Gitarrensoundquallt in konzentrischen Ringen, ein Gewitter grollt,
Nature morte in situ. Pt.2 bringt dasselbe, wieder infaunischem Grün und wieder mit windgeharftem Klingklang. Schwarzkittel verständigen sich Rüssel an Rüssel, Piano, Flöte und Synthie wellen sich ambient und
idyllisch, Regen spielt Percussion, mit elektronischen
Ausläufern. Von der Natur lernen, heißt: im Hintergrund
bleiben. Der Linzer war zuvor schon naturbedürftig,
aber - bei "Speechless Affairs" (2013) - mit noch verrauschten, dubbigeren und d'n'b-nervösen Zügen undsogar einem Olatunji-Groove im Staubsaugerbeutel. Und
noch im Irrtum, man müsste nach Bali, um zu chillen.

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BEN BERTRAND NGC 1999 (Les Albums Claus, lac011): Was ist das denn für schönes
Zeug? Spacetrips mit Bassklarinette und Electronics, ambient, minimalistisch, melancholisch, sonor und vor allem total stimmungsvoll. Der da mit dem Fernrohr der
Imagination gen Orion strebt ('Orion Molecular Cloud') und dabei Sankt Hubble dankt('Sanctus Hubble'), ist ein Komponist und Bassklarinettist in Brüssel. Bei seiner Digital-EP"Era - Area" (2017) war er noch zwischen Pygmäen und Kreuzrittern ('Planctus for
Jerusalem'), zwischen Gavin Bryars und Evan Ziporyn gependelt, formte aber aus den
eklektischen Anregungen schon eine konsistente eigene Ästhetik. Hier nun ist er ganz
Sterngucker, mit dem Auge auf dem jungen Sonnencluster 'V380 Orionis', der den
Schlüsselloch-Nebel NGC 1999 erhellt. Mit 'Malkauns on Kitt Peak' ehrt er das Kitt PeakObservatorium in Arizona mit einer indischen Raga, mit 'Post Scriptum to Valentina
Tereshkova' die erste Frau im Weltall, die 1963 mit der Wostok 6 im Alleinflug 48-mal die
Erde umkreist hat. Bertrands Musik ist durchwegs getragen und meditativ, mit melodischmodalem, manchmal sogar didgeridoo-dunklem Klarinettengesang über dem Continuo
kreisender Wellen, wobei aus Loops sanfter Puls und sanfte Muster entstehen. Ihn beim
H.A.N.S.-Festival Diepenheim (NL) zwischen N, The Star Pillow und Nadja zu finden, kannnicht verwundern. Dass er zuvor Bryars' 'Lauda' angestimmt hat, verrät einiges über sein
eigenes Bestreben und zeichnet zugleich eine sublime Spur nach, die von Bryars das A
star is born-Motiv (Stella nuova'n fra la gente / k'aparuisti novamente) weiterspinnt.
BEN CHATWIN Staccato Signals (Village Green Recordings, VG037): Chatwin, dem Wörter
wie Discordia oder Dyspnea locker von den Lippen kommen, erscheint mir im schottischen
South Queensferry als Rauscher und Dröhner. Seit zehn Jahren schon als Talvihorros,
etwa mit "Some Ambulance" (2009), "Music in Four Movements" (2010) oder "Eaten Alive"(2013), danach bürgerlich mit dem von H. G. Wells inspirierten "The Sleeper Awakes"(2015) und "Heat & Entropy" (2016), mit 'The Kraken' und 'Corpseways'. Er lässt gern den
Genius loci mit einsickern, die Asche der beiden 1644 verbrannten Witches of Queensferry, die Toten beim Bau der Forth Bridge 1882-90, die vielen hier begrabenen Opfer der
Skagerrakschlacht 1916, den heidnischen Kult des ganz mit Kletten bedeckten Burry Man.
Hier fällt auf 'Black Castle' der Schatten des Hexenwahns, 'Fossils' spielt an auf den Fund
10.000 Jahre alter Relikte, die ältesten Siedlungsspuren in Schottland. Dabei verbindet
Chatwin ambiente Darkness und Gitarrendrones mit dem Cello von Pete Harvey und dem
Stringsound von Pumpkinseeds und ruft auch noch Kornett und Tenorhorn hinzu. So
entstehen läutende Melancholie, dunkles Pathos. Dazwischen eifern Beats auf düster
pochendem Puls, gehen die Dinge staksend ihren Gang. Da hört man das versprochene
Stakkato, aber die Streicher sind von ihrer elegischen Stimmung nicht abzubringen. Dazu
wabert und wölkt sich Gedröhn, 'Hound Point' zieht spöttische Kreise um einen lahmen
Riesen. Für 'Bow Shock' und 'Black Castle' vereint Chatwin zum Ausklang Bläser undStreicher, schmerzlich, aber doch auch feierlich.
FURTHERSET To alter and affect (-OUS, OUS013, C-25): Tommaso Pandolfi gab sich auf"Old Quantum Theory" und "Calabi-Yau" per Du mit atomphysikalischen und mathematischen Mannigfaltigkeiten, mit "Two Lovers in a Room" und "Veilles" dann noch um
einiges surrealer, verspielter, geheimnisvoller. Seine neue EP geht wohl mehr in letztere
Richtung, noch etwas ernster und philosophischer. Er brütet über 'This Eternal Vanishing','The Arc of Imaginary', 'Drawings of Desire and Hate'. Mit der Absicht, zu beeinflussen,
etwas zu bewirken und zu ändern. Als Vertreter des 'Italian New Wave' sind seine Mittel die
der IDM, ein immersives Floating und Melting in Synthiewellen, in denen geisterhafteVokalsamples mitschwimmen. 'There's Magic under Water' hat er das an anderer Stelle
mal genannt. Kurze Wellen rippeln mittlere, die um dunkle Langwellen kreisen. Melodische
Tupfen singen ebenso wie melodische Loops das Lob des steten Tropfens und des langen
Atems. Werden dabei aber immer wieder von rauem Widerstand gehemmt. Brausen daher
jedoch nur umso heftiger, pumpend und mahlend. Wobei das weniger einen molaren
Eindruck macht als den molekularen von Stanisław Lems Schwarmpartikelwolken auf
Regis III oder der schizoiden Psychophysik von Deleuze.
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VINCENT GLANZMANN Z/Rzw-Shiiiiiii (Through States of Matter, 3 x CD Box Set): Jedes derdrei Stücke auf eine eigene CD zu pressen, verrät schon einen Appell, der mehr ansprechen
will als nur die Ohren. 'Z' (17:10) besteht aus unregelmäßig zuckenden Sounds, schleifenden
und einigen anderen, glockenspielerischen Phantomen etwa, vereinzelten Plops, tuckernden
Pixeln. Die wie in Schlaufen schleifenden, wie mit Stichel oder Kreide gezogenen, könnten
auch gepustet oder paranormal auf Tonband geraten sein. Es geht Glanzmann dabei um
Bewusstseinserweiterung durch 'cyclic thought processes'. 'Rzw-Shiiiiiii' (8:51) ist betuckerter und bepixelter Chor aus schnell pulsierender Vokalisation, ein A-a-a-a und ein O-oo-o und einige Umlaute dazwischen, feminin und maskulin gemischt. Ein Tremolo aus
seelischen und geistigen Aspekten, 'Soul' und 'Spirit', Schmetterling und Daimon. Mit '--thehidden' (7:41) schließlich bezieht sich Glanzmann auf "Concrete PH", ein Musiqueconcrète-Stück, das Xenakis 1958 aus dem Geräusch brennender Kohle realisierte. Wieder
tüpfeln Pixel, zu silberspitzem Chimesgeflirr und ultrafeinem Prickeln. Geräusche begegnen
Klängen. Schleifend, sirrend, zirpend, knarzig, pickend, durchschossen von körnigen Plops.
Eine intime Audiosphäre als Blasenkammer. Man muss aufpassen, dass man kein
'Gottesteilchen' verschluckt.
DAVID GRUBBS / TAKU UNAMI Failed Celestial Creatures (Empty Editions, EE003, LP):
Unamis Name ist früher öfters gefallen, 2004 bei "Compositions for Guitar Vol. 2" und"Vasistas", als eine der elektronischen Facetten von Otomo Yoshihide's New Jazz Orchestra
oder mit "Attention", einer Soundlecture von Mattin. Er zeigte auch die folgenden Jahre ein
Faible für feine und feinste Klänge, mit Radu Malfatti, mit HOSE, mit Manfred Werder und
Stefan Thut wandelweiserisch, weiterhin mit Taku Sugimoto oder Mattin, wogegen die
Aktivitäten seines Labels Hibari nahezu stillstehen. Auch von Grubbs, einst auf Drag Cityvom frischen Wind in Chicago total beschwingt, sind mir nur Restspürchen geblieben, bei
Niobe, Hegenbart, Zuydervelt. Seine Musiken für Karl Bruckmaiers Hörbuchversionen von"Die Ästhetik des Widerstandes" (2007) und "Chronik der Gefühle" (2010), mit Susan Howe,
Nate Wooley oder Belfi & Pilia kenne ich nur vom Hörensagen. Unami lenkte seine Aufmerksamkeit auf Nakajima Atsushi (1909-1942) und dessen Erzählungen 'The Moon Over the
Mountain' und 'The Rebirth of Wujung' (über ein von Selbstzweifeln geplagtes Monster imRiver of Flowing Sand) und zusammen erschufen sie dazu eine zuerst lange nur schlichte
und bedächtige, aber dann doch auch krachig geriffte Gitarrenmeditation, gebettet auf
einen Computerdrone. So erscheint Nakajimas kafkaesker Poet und Waldmensch, der, bevor
er sich ganz in einen Tiger verwandelt, noch seine Gedichte diktiert, Gedichte von dennoch
zweifelhafter Qualität. Grubbs singt diese Geschichte als eigenes Gedicht. Etwas pikiert
durch den Ausdruck 'failed celestial being', ist Grubbs noch enttäuschter, dass in Nakajimas
Original sogar 'gefallener Engel' steht. Als ob die judäo-christliche Phrase selbst japanisches Denken vergiftet hätte. Es beruhigt ihn erst, dass 'gefallen' bildhaft eigentlich herrührt
von 'Opferfleisch, das vom Alter gefallen ist'. So rührt man doch, wie Roberto Calasso, tiefer
an die Dinge. Dazu bringen die Finger eine in die Saiten gravierte Brailleschrift-Poesie zum
Klingen, mit Noël-Akchoté'scher Sensibilität für Tiefenschichten.
TOM HALL Spectra (Elli Records, EL06): Hall macht als Labelkollege von Otso und Alessio
Santini in Los Angeles zappelige Computermusik, die er zu surrender Surroundness
beschleunigt und verdichtet. Was sich wie ein melodisches Klingeln anhören kann. Oderpulsierend von hell nach dunkel, von dunkel nach hell, als Andrang mit grolligem Bassschub,
klimprig und verzirpt, repetitiv und rhythmisch, sprudelig und hastig, nervös oderenthusiastisch. Plötzlich holzig klappernd zu schnell getaktetem Tempolauf auf brummig
gestuftem Grund, der sich in den Vordergrund schiebt und tremolierend erschöpft. Hallsteuert über holpriges Terrain, er entschleunigt, depressiv und pathetisch bedröhnt inmulmiger Unschärfe. Hall liebt es, seine Klänge aufzurauen, selbst poppiger Melodik undhoppeliger Rhythmik gibt er einen dissonanten, verzerrt surrenden oder metallischsirrenden und zuckenden Dreh in einer zwischen Keys und Strings, zwischen Euphorie undHysterie schillernden Orchestralität. Die bei 'Last Retreat' sich zuletzt aber als MahlwerkKlingklang doch auch melancholisch eindreht.

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HACKEDEPICCIOTTO Joy (Potomak): Es ist das schon nach "Unity"(2016) der zweite Meditation Soundtrack von Alexander Hacke & Daniellede Picciotto. Mit zwitschernden Vögeln, perkussiven Tupfen und mystischem Stringschwebklang auf einem nebelhorntief brummenden Bordun.
Hacke koloriert das mit Bowchime (einer Erfindung von Robert Rutman),Electronics, Gitarre, Bass und dem Bassregister eines Akkordeons, dePicciotto spielt mit Geige, Autoharp, Hurdy Gurdy und Flöte. Und sie
spricht weise Sprüche. Dazu kommt von Eric Hubel (Mitstreiter desverstorbenen Glenn Branca) exotische Percussion, Harmonium undSaitenklänge bei und auch Vincent Signorelli (Trommler bei Swans und
Unsane) spricht die meditativen Sensoren an mit Percussion und Beats
auf einer Holztreppe. Hacke & de Picciotto vereinen ihre Stimmen, um'Let there be Joy' zu singen. Welle und Teilchen, Beat und Drone, vereint
in brainfuckend schwirrender und pochender Hypnotik. Mit Ektara und
Tanpura indisch durchschauert, doch die Geige tönt wie elegischstrahlende Trompeten. Ein Schrummbass schrummt, de Picciotto visioniert Göttliches und Wundersames, das sich still annähert. Kindness,
Balance, Harmony, Splendor erscheinen am Wunschhorizont als Gabe,
die sich selber gibt. Wenn Hacke zu Darbuka und Gonggedröhn rauen
Khöömei-Tieftongesang schnarrt, sehe ich tibetanische Lamas wie
Kolibris schwirren. Durchaus als funktionale Musik gedacht, ist das
musikalisches Yoga für Fortgeschrittene. So können die einen sich fit
machen, um sich selber und anderen umso mehr zuzumuten. Und die
andern blinzeln, langsam, ganz langsam mit dem dritten Auge, um solche
Zumutungen halbwegs zu ertragen. De Picciotto sucht nach Humility,
Demut, nach Forthrightness & Sincerity, Offen- & Aufrichtigkeit. Das
erinnert mich an einen alten Griechen, der am hellichten Tag mit derLaterne was suchte. Was war es noch?
JEMH CIRCS (untitled) Kingdom (Cellule 75, CELL-2): Marc Richter in
Hamburg - Stichworte: Black To Comm, Dekorder - hat sich mit Jemh
Circs eine neue Maske aufgesetzt. Für "Jemh Circs" (CELL-1, 2016) und
die Lathe-7" "Qot" (Hasenbart, 2018). Und nun 24 neue Tracks, enthusiastisch erzitternde Klangbeben, vital zuckend und orgelnd. Pochend,
klirrend, hämmernd und wie auf dem Schüttelrost gerüttelt die rhythmische Ebene, euphorisch dudelnd und hymnisch clusternd auf derorgelig-harmonischen. Wobei diese Schichten sich ständig durchdringen
und wechselseitig erregen. Kontrastieren eben noch dumpfe Beats mit
quirligen Zackenkämmen, loopen jetzt schon hektische Zuckungen (wieeine hängende CD, wie einst Microstoria) zu dröhnend schillernden
Synthieergüssen. Gedämpften und dennoch fiebrigen Momenten folgen
Verwerfungen mit lallenden Gesängen und tickenden oder zirpenden
Lauten. Immer in einem quasi manischen Erregungszustand, einem popinfizierten Delirium aus verhackstückten oder gestauchten Samples.
Beständig wird die Kurbel gedreht, mal abgedunkelt als welliges
Wummern, mal als sirrendes Mahlen, Knittern und Knattern. Durchwegs
mit Tremolo-Tremor und Drehwurmdrall, wie breit und feierlich auchimmer die Orgel/Synthie-Register aufscheinen und changieren. 'Peak Oil'und 'Zebra' strafen mich Lügen mit einem langen Halteton zum Picken
einer Saite und verhuschtem Knabenchor und mit melancholischem
Saxophon. Aber an sich bleibt es doch Fahrstuhlmusik für Wackelkopfpuppen. Bei 'Animals.....Animals' fallen Schüsse und alle kuschen.
Aber gleich wieder deliriert ein Mad Organist, hecheln und stammeln
Stimmen oder tänzeln Endlosrillen, denen Jemh Circs auf die Sprünge
hilft. Ich will mich als Phlegmatiker nicht beklagen, er meint es ja gut.
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KALLABRIS Kettenwindel Bingo (Klappstuhl Records, SP 020, CD-R): Es tut mir
ein wenig weh, dass ich Michael Anacker nach den frühen Expeditionen zu "81°n.B., 178° ö.L.", nach "Hafalgar" und zu den 'Pigmies' & 'Hogmies' (auf "Music For
Very Simple Objects") nicht auch nach "Shanghai" und "Bruxelles" gefolgt bin,dass ich die Welt nicht mit seinem Hundeblick ("Hund vor die Tür") oder aus
Fliegenperspektive ("The Standard of a Fly") ins Auge fasste. Zuletzt schüttelte
ich den Kopf verwundert "... on what there is...". Also, was weiß ich schon? Damit
ich nicht länger ignorant mit der Eselsmütze in der Ecke stehe, füllt Klappstuhl mir
nun einige Wissenslücken mit der Wiederveröffentlichung von "Kettenwindel" (j.t.
122, 2004) und von "No Bingo" (j.t. 127, 2002), Letzteres ohne 'Kalkwater', diehalbstündige Dehn- und Streckübung mit Led Zeppelin. Allemal "Eine Informationsgabe der Enzyklopädischen Forschungsstelle des Archivs für reine undangewandte Kallabristik" und eine willkommene dazu. Trotz der 'Hüpfburgrisiken'
und dass ich da zuerst 'Vorhaut von Tamat' lese (statt Vorhut). Mit einem Pfefferminzbonbon als Zäpfchen hüpft man bis nach 'Hinterzarten', entlang einer Kette insich kreisender Miniaturen und komisch kalibrierter Tonbandskurrilitäten, dieeinen mit Hundeschnauze an diversen Doxa schnüffeln lassen. Ohne Dogmen fürwahr zu halten - wahre Hundekunde! Man merkt die geerdete Froschperspektive
eines Philosophen, der geübt ist, die Münze umzudrehen und auch mal eine
Masche fallenzulassen. Es koaxt der Frosch, ein Akkordeon bittet zum Dancing in
the Rain. Soll man intervenieren? Oder nur kontemplieren, mit indischer Gelassenheit an Saiten picken und sich Trauben in den Mund schieben ('Contemplatio
Latitudinaria')? Bevorzugt Anacker da heitere Lösungen ('Grapes of Mumbay'), so
führt er einen bei "No Bingo" mit getragener Orchestrierung zu Commander
Perkins und Cindy Common in die dimensionsbrechende Stargate-Zukunft vonMondbasis Delta-4. Wenn ich lese, dass H. G. Francis (1936-2011), der pseudonyme, auch an Perry Rhodan schreibende Autor der Reihe, für seine über 600
Hörspiele mit einer Auflage von 120 Millionen 120 Goldene und sechs PlatinSchallplatten einheimste, flößt Kallabris mir auch ganz neue Gedanken überWeltherrschaft und das Plasma des wirklich Populären ein. Seine Sonic Fiction ist
hier auf längere Strecken ausgelegt, in uneuphorischem Duktus rhythmischer,gelegentlich sogar militant, allemal auf B-Movie-analoge Weise zukunftstauglich.
Sollen andere das Geheimnis um die Verbindung zwischen Perry Rhodan und derVorhaut Jesu lüften, manchmal ist Verklärung jeder Erklärung vorzuziehen.
PLASTER Transition (KVITNU 57): Ein vertrauter Kvitnu-Act, bei "Platforms" &"Zyprex 500" (2011) noch als Duo mit Giuseppe Carlini, seit "Mainframe" (2015)
Gianclaudio Hashem Moniri alias Kaeba allein - "Double Connection" (2012)
bestand zwischendrin aus Remixen. Sein Ansatz ist diesmal simpler und direkter,
mit Dröhnwellen und verzerrter Harmonik von Analogsynthies. Gegen wummernde und sirrende Soundwälle läuten unscharfe Beats, die aber in einer
fräsenden Noisewalze untergehen. Ein knurriges Pulsieren und Dröhnen trägt
post-industriale und prä-apokalyptische Züge, dazu quallt eine brausende Gitarre
und türmen sich krachige Wolken auf. Crescendierende Wellen pumpen mit
Sägezahnkämmen in fauchendem Wind. Soll sich daran das Herz hängen? Eher
schleicht sich Wehmut ein. Verzerrte Turbulenzen splattern, gegeißelt vonzischenden Impulsen aus undichten Ventilen, unterwandert von surrendem Moll.
Pumpende Schübe loten den brausenden Spielraum aus, laufen ins Leere,raumgreifende Schritte dringen tiefer ins Unbekannte und Dunkle ein. Sich dem
noch so knurrigen Unbekannten anvertrauen, heißt ja nur, sich von Entfremdung
und Isolation verabschieden. Was so einfach nicht ist. Wer stellt sich schon gerne
zu den 'Children on the Cliff', denn weiß man's, ob man Lemming ist oder ein
beflügelter Klippenbrüter, der den Sturz wagen kann? Ob Plasters finale
Harmonie einem bei allem Rausch und Schleim dazu Mut macht, oder nur die
Hoffnung lässt? Letztlich entscheidet der Leidensdruck.
74ZOË MC PHERSON String Figures (SVS Records, SF01, LP):
Matratze, Straße, Katzenwiege, Katzenauge, der schlafende Bär
und Krone, so nennt man Figuren im Fadenspiel. Mc Pherson
alias Empty Taxi, die sich auch schon als female:pressureSchwester solidarisch engagiert hat, interessiert sich für Cat's
Cradle ebenso kulturanthropologisch wie für Inuitkultur oderkurdischen Feminismus. Und es erklärt ihren Zugriff als
Sammlerin von Feldaufnahmen: Pferdehufe in der Türkei,
Bienen in Frankreich. Brasilien, Indonesien, Benin, kein Kochtopf, in den sie nicht ihre Nase steckt, wenn auch im Bewusstsein, dass der Clash of Cultures Verlierer zeitigt undschlimme Anpassungszwänge. So global wie der Weltzugriff
der Halb-Französin/Halb-Nordirin, so multimedial ist ihr in Brüssel verdichtetes Projekt, mit
Live Visuals von Alessandra Leone, Tanz von Ichi Go und Congas-, Bendir- und RepiniqueGetrommel von Falk Schrauwen. In den sieben unpuristischen Kapiteln 'Sabotage Story(unknot opening)', 'Deep (prayer)', 'Shaman (how I became)', 'Komusar (moving)', 'Hardingfele (release)', 'Inouï (and free)' und 'Transmission (so it shall never be lost)' saugt Mc
Pherson in ihren mit Electronics und der eigenen Stimme generierten und mit Basssaxophon
akzentuierten techno-futuristischen Groove exotische Samples. Anfangs nur als Spurenelemente und prämodernes Kolorit, aber zu meiner wachsenden Verwunderung bleibt dasauch so. Stimmen aus der Arktis, von der Prince-of-Wales-Insel oder aus der Südsee bleiben
sekundär neben ihrem eigenen Schamanin-Werden mit französischem Sprechgesang. Was
sehr schön klingt, wobei die Empty-Taxi-EP "Irizajn" (2014) ihre Altstimme noch suggestiver
entfaltet hat. Aber diese virtuose Ethno-Mixadelik schwimmt doch ganz im Fahrwasser derimaginären Folklore von Holger Czukay und Jah Wobble oder Jon Hassell. Hardangerfiddel
und Inuitgesang (Katajjait & Assalalaa) bleiben exotistische Zutaten im rhythmischen LoopFlow mit immer wieder auch der eigenen Vokalisation, knarrigen Electronics undpulsierender Schizophonie. Doch auch wenn mir der Überbau - an sich liebe ich ja Überbau
und prätenziösen erst recht - aufgesetzt vorkommt, die Musik ist so attraktiv und groovy,
dass Mc Pherson mich leicht um den Finger wickelt.
SHHH... I, of the storm (Thisco, Thisk.V002/2018, LP): Seitdem Rui Bentes sich shhh...
nennt, tauchte er immer wieder bei Thisco auf, bei "Give Me Ambiguity Or Give Me Something Else" (Thisk.16, 2004) im Split mit Mikroben Krieg & Sciencia, gefolgt von "Shhh..."(Thisk.32, 2005) und "Low Lights" (Thisk.52, 2009), bei "+ Vol." (Thisk.73, 2013) Kopf an
Kopf mit Dave Phillips, Anla Courtis, Philippe Petit... und bei "Live at Livraria Ler Devagar"(2016) zuletzt vs. Rasalasad. Auf dem Cover öffnet die Wolfszeit ihr Traumauge über einer
eisigen, eisernen Klanglandschaft. Shhh... erschuf dazu mit 'As she drives by', 'Falling
antennas', 'The first day of heavy rain' und 'Collapse dream' eine postindustriale Dystopie
mit aggressiver Powerelektronik und dem ständigen Ansturm beißender Eispartikel. Eiserne
Wände und die sich dahinter duckenden Spätlinge zucken unter der Noisegeißel und unter
bitzelnden Stromschlägen, Säure frisst sich in alle Fugen. Eine Frauenstimme liest aus den
Chroniken des Niedergangs, drüber wölbt sich orchestrales Moll. Gackernde Laute verraten
allerdings einigen schwarzen Humor dabei, die Chickens sind wohl wir. Shhh... findet hinterseinem Rauschvorhang schon noch einen Dancefloor neben dem Hühnerstall, auch wenndie Boxen zu den wirbelnden Beats nur verzerrte Frequenzen ausschleimen. Götterdämmerung ist doch immer auch Götzendämmerung, und auf Evola ist eh geschissen. Die B-Seite
bringt mit 'A swarm of us' accelerierendes Schleudern, Dröhnen und ein Zucken der Drummachine, die sich wirbelnd und rumpelnd überschlägt in einer Grauzone aus Störimpulsen,
dabei aber auch knattert wie eine Schreibmaschine. Bis der Noise aufklart für himmlischelegischen Phantomchorgesang zu kaskadierenden Beats wie von einem leeren Ölfass.
Aber dazu raunt eine Hexe oder Sibylle weitere Drohungen. Und Shhh... lässt auch die
Noisemaschinen weiter rauschen, wirbeln und zucken und nach einem Break dann melancholischer kaskadieren und dröhnen. Die Stimmen sind wohl doch nur aus einem alten BMovie, mit dem 'I, of the storm'-Kitsch von Of Monsters and Men hat es rein gar nichts zu
tun, mit den Shitstorms des Anthropozän aber durchaus schon.
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MICK SUSSMAN The Rosenberg Algorithmic Music Generator:
Selected Works, Vol. 1 (The Sublunar Society 053): 'Tutelage Soundproof (Rb. 1)', 'Astrosphere Slowpoke Goner (Rb. 2)', 'Gluttony Idiom(Rb. 3)'... 'Premeditated Potbelly (Rb. 363)', 'Absolved Barbarian (Rb.
364)' und 'Sultan Albeit (Rb. 365)' taufte Mick Sussman in New York das
jeweilige Tagwerk, das er seinem Musikroboter Rosenberg abverlangt.
Der in Stunden erledigt, wozu ein Mensch Jahr und Tag bräuchte.
'Adieu Ideal (Rb. 416)' und 17 weitere bis hin zu 'Licit Teatime (Rb. 685)'
verraten, dass Rosenbergs Sklavenarbeit weiterging. Hinterfüttert mit
von Conlon Nancarrow, Harry Partch, Zappa und Autechre abgeleiteten Ideen, wurde der algorithmische Musikautomat von seinem'Schöpfer', der zugleich Kopf der Sublunar Society ist, so programmiert, dass er fit genug ist, Track für Track für Track zu basteln aus
phasenverschobenen und gehäufelten Patterns und heavily layered
cross-rhythms. In hektisch rasenden Tempi (180-200 BPM) undtausendfüßerischer Epileptik sind 1/7, 1/11, 1/13, 25/16 oder 31/16
keine Schwierigkeit und keine Seltenheit, eine phrygische oder eine
Shruti-Skala kein Problem. Und warum einfach, wenn es auchkompliziert geht? Sussmans resp. Rosenbergs synthetischer Sound
klingt dabei auch ungeniert synthetisch, was als dudeliges Hyperticktack und elektroschrottiger Klingklang dieser Sonic Fiction den
Charme von B-Movie-Science-Fiction und Steinzeitvideospielerei
verleiht. Zum Spinettgroove von 'Italicize Mellow (Rb. 609)' tanzt der
Blechbauer, grunzt das Schwein, 'Salesroom Spinozism (Rb. 428)' ist
als Gabber-Pizzicato auf Draht, 'Feral Earldom (Rb. 620)' einedüsentriebig furzende Arsch-über-Kopf-Barn-Dance-Rammelei. Aberder Sündenfall in diese mathematisch Unzucht treibene 'Musik' fandschon im Barock statt.
ANDREW TUTTLE (Someone Good, RMSG017): Was soll ich davon
halten, dass der eigene Name schon Programm genug ist? Als ob
Tuttles Schlafzimmer da als Ludwig XIV in Brisbane der Mittelpunkt vonmindestens ganz Queensland wäre, um den Gärten sich breiten('Garden Development'), Flüsse sich winden ('A Winding River') etc.
Inmitten dieser Tuttlesphäre bestimmt er mit Banjo und akustischer
Gitarre, aber auch Synthesizer und Signal Processing, wenn nicht das
Wetter, so doch die Stimmung, die Atmosphäre. Das selbstbenannte
Album ist sein bereits drittes, nach "Slowcation" (2015), wo er seine
Location entschleunigte, und nach "Fantasy League" (2016). Keine
Ahnung, worauf Tuttle mit 'Sodermalm Syndrome' anspielt (das Stockholmsyndrom geht auf das benachbarte Normalm zurück), der beruhigende Banjoklang auf summendem Bordun mag allerdings als
Seelenbalsam bei allen möglichen Syndromen taugen. Bei 'Boarding
Zone' pickt Tuttle immer wieder das Oh my darling-Motiv, doch vonseinem Bluegrass-Arpeggio geht auf leicht indisch anmutendem Fonddurchwegs eine elegisch oder nostalgisch funkelnde Zärtlichkeit ausoder hier eine Wehmut, wie sie beim Abschiednehmenmüssen aufkommt. Die Banjosaiten flimmern über Synthiewellen, über Violasaiten
und Lapguitarsound faucht der Wind. Bei 'Reflections on the Twilight'
klingen sie elektronisch verzerrt, gedehnt und angedunkelt fast wie
eine hallende Riesenspieluhr. Dann kommt mit sprudeligem DuellingTempo Cahulawassee-River-Feeling auf (nach dem fiktiven Fluss in"Deliverance"), bevor 'The Coldest Night' einsetzt, als mit noch EGitarrensound angedickte Dröhnwelle, über der ein Trompetenloop zu
kreisen beginnt und auch nochmal Banjopicking. La nuit c'est moi.
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jenseits des horizonts

Christopher Chaplin
Nach einer kleinen Karriere als Schauspieler in den 1980/90ern hat Christopher Chaplin,
der jüngste Sproß von Charlie & Oona, seit 2005 verstärkt als Komponist Eindruck
gemacht. Mit "Je suis le Ténébreux" (2016) als bisherigem Höhepunkt, wo er sich vertieftin 'Aelia Laelia Crispis', die rätselhafte lateinische Marmorinschrift in Bologna für ein
Grabmal ohne Leiche, über deren 'Weder-noch...' sich von Athanasius Kircher über Nervalbis C. G. Jung und André Pieyre de Mandiargues schon viele vergeblich den Kopf
zerbrochen haben. Mit den Stimmen von Hans-Joachim & Christine Martha Roedelius undder Wiener Künstlerin Claudia Schumann grub sich da etwas in die Sinne, weder Kunst,
noch Wirklichkeit, weder wahr, noch sinnlos, immer aber unheimlich. Hier nun für Paradise
Lost (Fabrique Records, FAB063) lässt Chaplin Zeilen von Milton singen und fand dafür die
gesuchte Stimme im Tenor Nathan Vale. Dazu im Kontrast lässt er Leslie Winer murmeln.
In den frühen 80ern gefeiert als androgyne Ikone bei Valentino, Dior und der Vogue und2014 wieder bei Vivienne Westwood, hat sie mit "Witch" (1993) und "& That Dead Horse"(2010) sowie ihren vokalen Spuren bei Jah Wobble, Jon Hassell, Mekon und CM vonHausswolff das Timbre und die Aura entfaltet, die Chaplin gefällt. Während Vale bei 'I
Dread' und 'Of this New World' mit Miltons Worten einen gewissen Anklang an Benjamin
Brittens Lieblingssänger Peter Pears evozieren soll, konnte Winer zu 'Dave the Shoe'sogar eigene Worte erfinden. Chaplin webt um das verlorene Paradies Klanggespinste
aus vagem Piano und elektronischem Wummern, erratisch akzentuiert mit Clicks undflockiger Percussion, orchestriert mit Streichern und mit Bläsern (oder Samples davon).
So entsteht etwas Verhuschtes und hagelig Flickerndes, durch das Chaplin auch Fäden
von Vales Stimme fädelt. Mit dieser Vokalisation setzt sich eine elegische Tendenz durch,
ein erhabenes Erbeben, mehr Staunen als Grauen, aber doch in Moll und wiederüberschüttet von Hagelkörnern. Bis Vale zuletzt nochmal den Satan brüten lässt: O fouldescent! that I who erst contended / With Gods to sit the highest, am now constraind / Intoa Beast, and mixt with bestial slime... Dann zeigt Winer, wie gut sie sich in Burroughs, in
Herbert Huncke und in diesen Satan einfühlen kann. Chaplin orchestriert ihre Zeilen
anfangs gedämpfter, aber dann beginnen die Elektronen überzusprudeln und eisern zu
flippern, bevor Winer, melancholisch begeigt, ihren fatalistischen Sermon fortsetzt. Die
Stimme pitcht ins Himmlische, Winer predigt Liebe und die Kraft des Möglichen, die
Geigen weinen. Ein Largo als dritter Satz ist ungewöhnlich, aber in dieser Symphonie Noir
klagt ja auch ein gefallener Engel de profundis: O thou that with surpassing Glorycrownd, / Look'st from thy sole Dominion like the God / Of this new World; at whose sight
all the Starrs / Hide thir diminisht heads; to thee I call, / But with no friendly voice, and add
thy name / O Sun, to tell thee how I hate thy beams / That bring to my remembrance fromwhat state I fell... Die seltene Schwester dazu findet sich in Dvoraks "Aus der Neuen
Welt", aber nicht als letztes Wort und so pastoral und feierlich, dass sie ganz paradiesischduftet. Bei Chaplin schillert Miltons Sympathy with the Devil durch Vales paradiesfernen,
aber unheimlich zarten Gesang, weder hassvoll, noch zerknirscht, verdammt, aber nichtverstummt. Als wüchse unter der Schale aus einem Sandkorn die Perle der prometheischluziferischen Revolte. Shelley, Lord Byron, Blake, Maturin und De Quincey fachten den
Funken an bis hin zu Nietzsches Götzendämmerung und dionysischer Morgenröte jenseits
von Gut und Böse, zu Camus' 'absurdem Menschen in der Revolte' und zu Brechts Undman siehet die im Lichte / Die im Dunkeln sieht man nicht.
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Reeling and Writhing through Demierre

Durch JACQUES DEMIERREs Abécédaire (Lenka Lente, frz./engl. Buch + CD)
führen viele Neben-, aber auch einige Hauptwege. Etwa der linguistische desGenfers Ferdinand de Saussure oder der dàoistische des Sinologen Jean
François Billeter, der in Genf gelehrt hat. Mit ihm verbindet Demierre eine vonKalligraphie und den Denkweisen Laotses und Zhuangis angestoßene und im
Qigong geübte Auffassung, die nach Gleichgewicht strebt, einem Equilibrium
zwischen dem Körper, dem Sprechen und dem Pianospiel als organischintimer Performanz kontinuierlicher Transformation. Wobei bei Demierre die
Klang-Raum-Zeit statt als wohltemperiertes Kontinuum als Zone ohne
Gesetze, als wuchernde Wildnis erscheint. Bestimmende Denkfigur ist ein(auch schon bei Beckett und bei Morton Feldman bedachtes) Weder-Noch:weder bewusst noch unbewusst, weder erinnernd noch vergessend, weder
gefühlsbetont noch gefühlsleer, sans tambour ni trompette. Musik erscheint,
als ein koan-paradoxer Schwebezustand, als Balanceakt in einem permanent
bewegten Raum, trianguliert durch Bewegung=Tanz, Sprechen=Singen undeine Trauer am schwarzen Sarg=Piano. Aber auch geprägt durch MC5,
Luciano Berios "Omaggio a Joyce" und durch Tangos. In Klang spürt
Demierre die Emergenz des 'principe vital', als unmittelbare Erfahrung, die
ans ortlose Zentrum der Realität führt, zur Quelle unaufhörlicher Formen und
Figuren, zum Bewegenden, das alles mit lebendiger und klingender Bewegung erfüllt. Absolute Priorität hat die Wahrnehmung, mehr als ein Pianist,
Improvisator oder Komponist ist Demierre Aisthet. Als solcher nimmt er den
eigenen Körper als Klangkörper wahr und versucht die Körper der Hörenden
in Klangkörper zu transformieren, so dass sich die äußerliche Realität in'réalité sensible' verwandelt, wobei ich mir unter 'sensible' wahrgenommen
vorstelle. Zwischen Sinn und Sinnlichkeit wählt Demierre immer letzteres. Der
Körper wird, von Klang berührt, zu einem Palimsest von Klängen, eine
Stratigraphie wahrgenommener Eindrücke, winziger Transformationen. So
dass die körnige Haut aller Dinge wie in Braille die Textspuren dessen trägt,
was war und was ist. Hören heißt, an der Erfahrung des berührten Körpers,
an seinem Vibrato teilhaben. Hören heißt, das 'principe vital' spüren.
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Meisterschaft besteht darin, diese Erfahrung zuzulassen. Alle Fragen, die die akustische
Erfahrung aufwirft, münden darin, sie zu wiederholen. Weder als Frage noch als Antwort.
Dabei zeigt sich der Genfer als Gegenteil eines Glasperlenspielers. Angesichts von
Hunger, Gewalt und Ungerechtigkeit stellt er gegen die Affirmation eines zutiefst unfairen
Systems seinen Spielraum, wie winzig auch immer, um es in Frage zu stellen und zu
transformieren. Allein oder gemeinsam mit Urs Leimgruber & Barre Phillips als LDP, mit
Axel Dörner & Jonas Kocher als DDK. Bestärkt wird er durch Eddie Prévosts Diktum: No
sound is innocent. Sound ist eine Kraft und als solche politisch. Aber maßgebend ist auch
Roland Barthes' Verdikt: Jede Sprache ist faschistisch. D. h. diktatorisch. Daher sollte man
die Sprache in Arrest setzen, die Worte entleeren, die signifikanten Wörter und ihre
Bedeuterei liquidieren (verflüssigen). Musik soll keine Sprache sein, sondern ein Klingen
und Singen von Liebe und Leere, bar jeder Absicht, etwas zu befehlen, ja ohne die
Fähigkeit dazu. Wie bei Nietzsches: Sie hätte singen sollen, diese »neue Seele« – und nicht
reden! Wie schade, dass ich, was ich damals zu sagen hatte, es nicht als Dichter zu sagen
wagte. Demierre beherzigt daher ein Weniger-ist-mehr-Prinzip, allerdings durchaus als'warrior' mit Händen aus Stahl (wie Sylvie Courvoisier und Simon Nabatov beeindruckt
konstatiert haben).
Demierre und Lenka Lente offerieren zu dem 250-seitigen Buch die CD "Ritournelle". Mit
einem lautpoetischen Groove, der in einem 130 bpm-Stakkato quer durch "Die Winterreise" hetzt. Genauer: durch Wilhelm Müllers Zeilen. Und mit einem anderen als Schuberts'Leiermann' an der Kurbel. Eher hört man da das, was den Wanderer in den Schnee und in
die Fremde treibt, das unaufhörliche Stoßen einer Landjägerfaust, ein Dämon, der stößt
und stößt und stößt. Geh! Geh! Geh! Demierre stößt so schnell er kann Wörter undNichtwörter seiner Müller'schen Querlese aus. Jedes 'Wort' 7, 8, 9, 10 mal, aber so, dasses morpht, weil ein Laut sich allmählich ändert oder allmählich ein neuer sich ins 'Wort'
hineindrängt und auch wieder verschwindet. Beispiel: ...MRICH MICH MICHE LIECHE
LIEBE LIEME IME IM ICH DICH... Beispiel: ...SCHLÄGT SCHLEHT LEHT GEHT GREHT
GRUHT GRUSS GRUF GRUFT RUFT... Beispiel: ...AN ACH UCH SUCH SUCHE SUCHTESULLTE SOLLTE SOCHE SUCHE... Demierre verschluckt sich dabei immer wieder, lässt
das aber unverbessert so stehen. Er haspelt, als wären Tage und Wochen und Wege undStege auf unerbittliche Sekunden komprimiert. Was romantisch war, wird so realistischund brutal. In den Sinn-Brocken Fremd, Welt, Weit, Zeit, Tritt, Mich, Liebe, Ich, Dich, Pfiff,
Schild, Wind, Wangen, Tränen, Quelle, Schnell, Schnee, Seh'n, Singt, Auch, Manch, Ruh',
Ort, Flocken, Schollen, Stadt, Still, Kalt, Grab, Ging, Bis, Haus, Hell, Hinab, Dach, Nach,
Mai, Wer, Wonne, Gruß, Gruft, Ruft, Luft, Meine, Boden, Betten, Ende, Sein, Ach, Suche,
Weg, Wohl, Wahl, Busen Bohren, Ort, Gott, Kein, Hin, Nimm, Nimmer ebenso wie in dem
Nicht-mehr und Noch-nicht dazwischen, dem Weg-von und Hin-zu, wuchert das 'Gras
zwischen den Pflastersteinen', die wirkliche Wirklichkeit, die sich der Sprache entzieht.
Am meisten den Begriffen, am wenigsten der Poesie, und selbst da schwingt sie eher im
Nichtgesagten, im Nichtsagbaren. Daher ja die Lautpoesie, daher Lewis Carroll, daher
jeder Nonsense, der mit der Sprache spielt. Warum sollte man nicht die Ohren an den
Buren bohren und an den Blusen des Böhmen schnuppern? Du tropfes Tier, Ich------liebe-------Dir! Im Anfang war das Wort, und das Wort war bei Gort, und Gort war das Wort.
Könnte irgend jemand an einen Gort glauben? Es heißt zwar A rose by any other namewould smell as sweet. Des einen Triandáfyllo, des andern Gül. Alles, wie es will? 's führt ja
jeder Weg zum Ziel? Unsre Freuden, unsre Wehen, Alles eines Irrlichts Spiel!?
Lektüre: Roland Barthes - Was singt mir, der ich höre in meinem Körper das Lied...
Fragmente einer Sprache der Liebe... Das Rauschen der Sprache... Das Reich der Zeichen.
Jean François Billeter - Das Wirken in den Dingen... Ein Paradigma... Skizzen [alle Matthes& Seitz]. Ludwig Hohl... Robert Walser...
Auswahldiskographie: Fabrik-Songs - Improvisations sur Weill et Eisler (1989), Brainforest(w/ Guy & Niggli, 2006), One is Land (2008), Albeit (w/ Leimgruber & Phillips, 2009),
Breaking Stone (2013), Voicing through Saussure (w/ Vincent Barras, 2014), Cone ofConfusion (w/ Dörner & Kocher, 2018)79

Ideologic Organ (Paris)
In Fortsetzung von "Sacred Flute Music From New Guinea: Madang / Windim Mabu" (SOMA024, 2016) erklingt auf Crying Bamboos: Ceremonial Flute Music from New Guinea Madang (SOMA030, 2 x CD) weitere Ritualmusik von Eingeborenen in Neuguinea. Aus der
gleichen Quelle, aber nun Aufnahmen, die Ragnar Johnson drei Jahre später, im November
1979, in Madang nahe der Mündung des Ramu gemacht hat. So dass Stephen O'Malley hierkeine Wiederveröffentlichung bietet wie in erstem Fall im Rückgriff auf David Toops !
Quartz-LPs von 1977/79. Diese Aufnahmen waren bis dato unveröffentlich. Die Bambusquerflöten erklingen immer als längeres und kürzeres, männlich und weiblich gedachtes
Paar. Sie zu spielen, teils in Verbindung mit der Schlitztrommel Garamut oder der
Handtrommel Kundu, bei Initiationsriten, bei Geburten, Hochzeiten und Totenfeiern oderdem Fest der Sagoernte, ist jedoch Männersache. Die Ecke dort war bis zum 1. Weltkrieg
als Kaiser-Wilhelms-Land deutsch kolonialisiert gewesen, ist dann australisch geworden
und im 2. Weltkrieg blutig umkämpft gewesen. Sie liegt freilich diametral entgegengesetzt
zum papuanischen, bis 1962 niederländischen Asmat, wo noch 1961 Michael Rockefeller
geschlachtet und mit allem polymorph-perversen Zeremoniell gegessen wurde (als Rachefür fünf vom niederländischen Aufseher umgebrachte Stammesmitglieder). Hier gab es bei
Festen Sagopaste, Bananenkuchen, Instantkaffee und höchstens mal ein paar Schweinchen, die spektakulären Murup-Masken waren bereits Folklore und nur noch wenige
kannten die alten Tabus noch vollständig und sämtliche Geisterstimmen, die in den
unermüdlich summenden und zirpenden Flöten-'Schreien' anklingen.
Ustad (Meister) ist ein Wort, das einen Karl-May-Leser nicht schrecken kann. Indien aberschon, denn über die Kolportage von Maximilian Kerns "Im Labyrinth des Ganges" und"Der Tiger von Eschnapur" oder die postkoloniale Desillusionierung und britische Selbstkritik von James Gordon Farrells "Die Belagerung von Krishnapur" und der TV-Serie"Indischer Sommer" bin ich da nie hinausgekommen. Ustad ZIA MOHIUDDIN DAGAR(1929-1990), Abkömmling von Hofmusikern in der 19. Generation, war ein Meister der
Rudra Veena. Benannt nach Shivas Beinamen 'der Brüllende', besteht das Instrument aus
einem anderthalb Meter langen Bambuskorpus, zwei hohlen Kürbissen als Schalltöpfen
und sieben Metallsaiten über ixundzwanzig fixen oder bei Dagar, dessen Instrument aus
Teakholz noch größer und mächtiger war, beweglichen Holzstegen. Dagars Vorfahren
spielten damit am Hof der hindustanischen Maharanas von Uidapur, allerdings wurden derDhrupad-Stil und das Instrument schon im 19. Jhdt. altmodisch und mit der indischen
Unabhängigkeit 1947 obsolet. Die Dagars konnten sich in Mumbai kaum mit Privatunterricht über Wasser halten. Bis sich ab den frühen 60ern mit Ravi Shankars Sitar, Ali
Akbar Khans Sarod, L. Subramaniams Geige, mit Shakti, Kadri Gopalnaths Saxophon oder
R. A. Ramamanis Gesang im Westen der Indien-Boom entwickelte, der auch Z. M. Dagar indie USA führte, um ab den späten 60ern und von '74 bis '81 kontinuierlich in Seattle undBerkeley zu lehren. Und zu spielen, für indische Facharbeiter bei Boeing und ein
weltmusikalisch interessiertes, durch Hesses "Siddardha", Kerouacs "The Dharma Bums"
oder den Beatles-Guru Maharishi Mahesh Yogi heilserwartungsvoll ostwärts orientiertes
Publikum. Oder sagt man an Amerikas Westcoast 'westwärts'? Auf einer späteren Tour
entstanden 1986 bei Privatkonzerten in Seattle am 9.3. mit noch Annie Penta an dersirrenden Langhalslaute Tanpura die Ragas Abhogi & Vardhani (SOMA028) und am 15.3.,
mit Manik Munde an der Pakhawaj-Trommel und zwei Tanburas als Bordun, die Raga
Yaman (SOMA029), die Mutter der Ragas. So wenig es mir behagt, mir Ritualmusik aus
Neuguinea und hindustanische Hofmusik als Kuriosa und sinnliche Faszinosa 'anzueignen', so wenig kann ich leugnen, dass der urige, der 'singende', der von Dagars Fingern
geknetete, in unendlichen Windungen morphende Sound der Rudra Veena als trippiges
Brainstorming nicht zu überbieten ist. Stephen O'Malley, selbst aus Seattle, bekennt sichals unterschwellig davon geprägt und ist ziemlich stolz darauf, mit Hilfe der Dagar Family
diese Archivaufnahmen erstmals zu Gehör bringen zu können.
80Music Information Centre Lithuania (Vilnius)
TWENTYTWENTYONE, das sind seit 2005 Arturas Bumšteinas, Antanas Dambrovskij, Lina
Lapelytė und Vilius Šiaulys. Vier litauische Post-Minimalisten, vereint zum Laptop-Quartett,das seine Raison d'Être von Cornelius Cardew her bezieht, auf dessen Graphic Score"Treatise" auch hier auf Split (MICL LP 001 / Bôłt Records, BR LP04) die vier von jeweils
einem der Mitglieder organisierten Tracks der A-Seite basieren. Auf der B-Seite feiert das
DIISSC ORCHESTRA sein 10-jähriges Bestehen. Wobei Orchestra etwas großspurig klingt,
denn vereint sind da ebenfalls nur vier litauische Komponisten: der 1976 geborene Theatermusikspezialist Martynas Bialobžeskis; Antanas Jasenka, Kreator der Kinderopern"Prince Noisy Guy" (1997) & "Stripy Opera" (2015), des Musicals "Song of the Woods"(1998) und von "Boarding Pass" (2005) als Opus magnum seiner Mensch-Maschinen-Musik; Vytautas V. Jurgutis, Jahrgang 1976, Schöpfer von "The Future Sacros" (1997) und"Spiritual Guide to Old Kaunas" (2016); und Jonas Jurkūnas, Jahrgang 1978, der zusammen mit Bialobžeskis "Stella hermetica" (2007) schuf und für „Dūšelės”, das mythologische Folkrockdrama von Aistė Smilgevičiūtė ir SKYLĖ, "All Souls' Paraphrasis" (2016). Stattnur auf Laptops zu starren, spielen sie mit, ich zitiere: high and low-tech, stopwatches, CD
players, old-school Venta synthesizers, and malfunctions of audio equipment. Dass alle
acht Tracks ca. 5 Min. dauern, ist wohl kein Zufall. Während die Scheibe kreist, kreisen die
Linernotes von Dariusz Brzostek um das Medium Vinyl als 'hauntologische' Botschaft.
Dass es etwas für sich hat, wenn es geheimnisvoll knistert und geisterhaft knackt, wennetwas zwei Seiten hat. Cardew wird vergegenwärtigt als dämonisches, schlurchendes
Glitchen, als dröhnendes Sgraffito, als Strand eines rauschenden Ozeans (mit tutendem
Nebelhorn, versunkender Glocke und angeschwemmtem Noiseplunder). Auch das dem
Prager Opening Performance Orchestra verwandte D.O. operiert mit den McLuhan- undMatrjoschka-Eigenschaften von Klang. Klang umkreist, reflektiert und recyclet Klänge, dieer, gern aus zweiter, dritter Hand, in sich trägt. Knatternd, prasselnd, flatternd, mahlend,in molekularer Verwirbelung - 'Tinohi' von Jurgutis. Dröhnend, brummig und orgelnd umschliert - 'Venta lebewohl' von Jurkūnas. Mit brummigem Schwellton, kratzigen Störungenund orchestralen Halluzinationen - 'MY DO' von Bialobžeskis. Mit nervöser, verzerrter,zerknautschter, jaulig umbrauster Rhythmik - 'exe.rpm' von Jasenka.
Auf Pavilion (MICL CD098) vereint Arturas Bumšteinas als Kurator 'Hörübungen' von sichund sieben weiteren litauischen Künstlern. Ich sage Künstler, weil es nicht um Musiker undnicht um Musik im üblichen Sinn geht, sondern... Bei 'I force myself' bringt Viktorija
Damerell (Kuratorin und Künstlerin, die mit Skulpturen, Klang und Text arbeitet) Duchamps
Motto “Ich zwinge mich, mir selbst zu widersprechen, um nicht meinem Geschmack zu
entsprechen” ganz durcheinander. Ramūnas Motiekaitis (Komponist und Wissenschaftler
mit Schwerpunkt Japanische Philosophie) versetzt einen bei 'I can't get through to you.
Frankly, I don't even know you' mit wenigen und kargen Klängen von Schamisen, Wodkagläsern, Perkussion und Gitarre in Tore Takemitsus Herbstgarten. Bei 'Mother' besteigt
man mit Kristina Inčuiraitė (die Videokunst, Installationen und Experimentalfilme macht) in
Kiew die monumentale Mutter-Heimat-Statue für die siegreiche Rote Armee und hört dabei
die Anweisungen des Touristenführers. Emilija Škarnulytė (bildender Künstler und Filmemacher) nimmt einen bei 'Ablation Zone' mit zu heulenden Wölfen in Spitzbergen. Bei
Bumšteinas' 'The Year of the Catdog' sitzt man im litauischen Wald vor einem knisternden
Brennofen, brennt japanische Keramik, der Hund ärgert die Katze, also trinkt man auf
Pavlov, auf Bulgakovs Hundemenschen und auf Laika, dazu flöten Orgelpfeife und
Tonflöte. Gailė Griciutė (Klangkünstler und Improvisierer) wurde von Michael Pisaro zu'Some of all of that' angeregt, mit fauchendem Mund evoziert er den Wind in den Wipfeln
nahe des Gediminas-Turms. Bei 'Sounding Door' von Julijonas Urbonas hört man die Türder Vilniaus dailės akademija, wo er Vize-Rektor ist, zuscheppern. 'Numbers' von DariusČiuta (Architekt, Designer, Fieldrecorder...) versetzt nach Kaunas, wo etwas Holziges
pocht und knarrt, der Wind pfeift, und ab und zu zirpt eine Geige. Was für ein Genius-lociSpiritismus, der dazu die Geister von Duchamp, Cage und Beuys ruft.
81

2L (Oslo)2L steht für Lindberg Lyd AS, für Nordischen Sound in audiophiler Spitzenqualität, Auro3D, Dolby Atmos und Pure Audio Blu-ray. So auch bei UTOPIAS (2L141), genauer: µtopias =Micro-Utopias, nach einem Begriff des Kurators und Kunsttheoretikers Nicolas Bourriaud,
der, Charles Fourier, die Situationisten und Félix Guattari weiterdenkend, die alltagsrelationalen Momente von Kunst betont, Aspekte der Nähe und der Konkretheit. Diese
Vorstellung wird nun von Morten Lindberg (technischerseits) und von Kjell Tore Innervik(als ausführendem Perkussionsmeister) exemplifiziert an zwei ikonischen Stücken für
Percussion solo: das kraftvolle 'Psappha' (1975) von IANNIS XENAKIS und das zarte 'The
King of Denmark' (1964) von MORTON FELDMAN. Einerseits durch das Bestreben, mit
Hilfe der dreidimensionalen 2L-Mikrophonierung den Hörer so nah wie möglich oder gar
mitten hinein in die Musik zu versetzen, in daher gleich zwei Versionen von 'Psappha' undeine besonders intime des Feldman-Klassikers. Andererseits durch die radikale Vertiefung
von Innervik in seine Aufgabe, für die er an die tausend Stunden aufwendete, um dem
Wesen von Xenakis und Feldman möglichst nahe zu kommen, dem Verlangen dergraphischen Partituren und der Instrumentierung, den diskrepanten Dynamiken, dem
Humus, in dem die Klänge wurzeln. So dass, wenn in 'Psappha' die Schläge auf Fell, Holzund Metall ihre Wellen aussenden, darin die Wellen um Lesbos schlagen und die Rhythmik
von Sapphos Poesie. Und durch orthodoxe Klosterglocken (dem Klang der Simantra)
hindurch eine griechische Aura aufsteigt wie von einem archaisch-rituellen Tamtam in
Thrakien. Oder dass in Feldmans Erinnern weniger die Zivilcourage von Christian X. anklingt (zumal es bloße Legende ist, dass er sich mit dem Judenstern schützend vor die
dänischen Juden stellte), als vielmehr die Shoa selber. Daran wird in abstrakt-expressionistischer Pointillistik pianissimo und mit bloßen Händen gerührt, jeder Klang ein MikroStolperstein, zumal wenn Innervik dabei auch an Geschirr für Gefilte Fish und Artilleriegeschosshülsen tastet. Wie sehr dabei aber das µtopisch-aisthetische Moment dominiert,
also die Berührung des Hörers, zeigt sich schon darin, dass nicht Xenakis und Feldman,sondern µTOPIAS die Headline bildet.
Ob auch der norwegische Pianist Jan Gunnar Hoff tausend Stunden an Polarity (2L145)
gebrütet hat? Es ist Musik für sein HOFF ENSEMBLE mit dem Schweden Anders Jormin(vom Bobo Stenson Trio) am Kontrabass und Audun Kleive (Terje Rypdal, Marilyn Mazur,
Jon Balke) an den Drums. Sie zelebrieren sie als prototypischen Nordic Sound, als
Kammer- und Kirchenjazz, der einmal mehr Pfade sucht (und, indem er sie sucht, bahnt),
Pfade ('Pathway') ins Unschuldige ('Innocence'), zu den Anfängen ('Beginning'), den Altvorderen ('The Elder'), ins Innere ('Within'), zum Heiligen ('Sacred'), nach Hause ('Home').
In der Hoffung, dort Gerechtigkeit zu finden ('Justice') und von Glückseligkeit zu kosten('Euphoria'). 'Nordisch', das meint seren, heiter, strahlend, hier sogar mit öfters einem
leichten Latin-Groove, zugleich unbeschwert und ein bisschen melancholisch, als eine Art
norwegischer Bossa Nova, melodiös und kristallin. Für 'The Elder', das mit Ingmar Bergman von Fårö aus Blicke auf die Ostsee und ins eigene Innere wirft, greift Hoff schon auchin die Orgelregister eines Prophet 6 und ebenso bei 'Polarity', das sich besonders
unbeschwert entfaltet. 'Beginning' dagegen bringt zu dunkler Dröhnwelle zartbitterste
Bogenstriche, ähnlich wie bei 'Sacred' mit seinem Orgelweh und Pauke. Bei 'Justice'kommt einem fast ein Liedtext dazu von den Lippen und auch 'Moving' kann man wörtlichnehmen, es ist ein bewegendes Lied ohne Worte, dafür mit sprechendem Pizzicato. Bei'Euphoria' kriegen Drums und Piano sich vor lauter Tempo kaum ein, 'Within' kreist um
Verletzlichkeit, ohne sich hilflos zu geben. 'Home' schließlich rührt in seiner liedhaften
Besinnlichkeit her von einem Gedicht von Knut Hamsun, der so viel über Heimweh, vonverlorener Jugend und Unschuld und von überwachsenen Pfaden wusste. Entstanden in
der Sofienberg-Kirche in Oslo, mit Jormin erhoben auf einem kleinen Podest und mit
zwischen Drums und Piano ausgebreiteten Holzscheiten, ist das Klangbild so, dass man
die Englein singen hören könnte, wenn ihnen zum Singen zumute wäre.
82... jenseits des horizonts ...
KETAN BHATTI & ENSEMBLE ADAPTER Nodding Terms (col legno, BCE 1 CD 16005): 1981
in Neu-Delhi geboren, fand Bhatti über Bielefeld, wo er aufwuchs, in Berlin zu Cyminology,
als Drummer dieses Quartetts der Sängerin Cymin Samawatie, die mit ihrer persischen Lyrik
bei Double Moon und seit 2008 bei ECM zum Weltmusikstar wurde. Seit 2013 üben die
beiden auch mit Divan der Kontinente auf ästhetischem Gebiet postmigrantische Grenzüberschreitungen. Bhatti allein macht Theatermusik, er realisierte mit "Discount Diaspora"2011 eine Oper nach einem Libretto von Feridun Zaimoglu und gewann, heilige Scheiße,
einen Echo Sonderpreis für das Breakdanceprojekt "Red Bull Flying Bach". Allerdings
beflügelt das deutsch-isländische Ensemble Adapter, das sind Gunnhildur Einarsdóttir
(Harfe), Matthias Engler (Percussion), Kristjana Helgadóttir (Flöten) & Ingólfur Vilhjálmsson(Bassklarinette), mit Einspielungen von Franco Donatoni, Davíð Brynjar Franzson, Bunita
Marcus, Sarah Nemtsov oder Walter Zimmermann Geist und Körper auf seine Weise. Hier ist
es verstärkt mit Antonis Anissegos (Flügel), Andreas Voss (Cello) und bei zwei seiner zehn
Kompositionen Bhatti selber an Drums & Flügel. Von 'Ferntendenz', 'Umziehaktion' und'Modul 4' gibt es dazu Remixe, was selbst für neutönende Kammermusik jetzt nicht derNormalfall ist. Bhattis Akzent liegt auf Stakkato und Beat, er will, dass es klopft, klöppelt,
groovt. Sein Legato hat dazu manchmal fast was Glitchhaftes. Die krummen Beats, derostinate Duktus in der Ausführung durch so schwuchtelige Instrumente wie Harfe, Flöte undVibraphon im Kontrast mit der brummig sonoren Bassklarinette entfalten den Reiz desUngewöhnlichen, auch ungewöhnlich Automatenhaften, Technoiden. Anklänge an Steve
Reich (Pierre Bastien, Strotter Inst.) weichen gleich wieder der eigenen Klangsprache aus
ungraden Rhythmen und Repetitionen, für die 'Crossover' ebenso zu kurz greift wie'mechanisch'. Eine Parallele ist sicher das Brandt Brauer Frick Ensemble, in dem Bhati,
Einarsdóttir & Engler an einer ebenfalls hybriden Schachtelung von House und ChamberMusic mitwerkeln. Auf seine eigene Weise ist das IDM, jedoch weniger für nur Smarte alsvielmehr für solche, die den Break zu denken und zu tanzen imstande sind.
ANA DALL'ARA-MAJEK Nano-Cosmos (empreintes DIGITALes, IMED 18148): 1980 in Parisgeboren, arbeitet sie doch in Montréal, wo sie 2016 ihren Doktor in Komposition machte.
Selber macht sie vorwiegend Musique concrète & électroacoustique. So sind etwa auf "Air"(Kohlenstoff, 2014) zu hören: 'Haiku Mixtur' pour mezzo soprano, 'Alice Complice' pour 2
saxophones & piano préparé, 'Ikomani' pour choeur, 'Ubukho' pour saxophone soprano und'Air' pour 4 flûtes à bec, aber jeweils mit Tonband oder Electronics, gipfelnd in der
Achterbahndramatik von 'La Lechuga'. In blablaTrains spielt sie, mit Takuto Fukuda an gyrobased sensor instrument, selber Theremin, mit der Saxophonistin Ida Toninato bildet sie
Jane/KIN und sie improvisiert im elektroakustischen Ensemble ILÈA bei "L'étoile Absinthe"(Tsuku Boshi, 2017) und "Multi.Cosmes" (Mikroclimat, 2018). Hier aber dreht sich alles um
maßstabsvergrößerte Winzlinge: Bei 'Akheta's Blues' macht ein Heimchen im HausgrillulaFormat xylo- und kristallophone, dröhnende Hausmusik und frisst zugleich sein Instrumentarium auf (oder das ganze Haus?). 'Diaphanous Acarina' bringt Milben zu klingelnden
und knarzigen Ehren, allen voran Typhlodromus pyri, ein Nützling im Weinbau. Was derfreilich mit der Roten Spinne anstellt, ist für Zuhörer unter 16 Jahren nicht geeignet.
Protagonisten von 'Bacillus Chorus' sind steppende und wummernde Bakterien, deren
Kooperationsfähigkeit als vorbildlich gewürdigt wird. Durch 'Pixel Springtail Promenade'poltern Springschwänze als parasitäre, türenschlagende Götterboten, wie losgelassen vonMichel Serres zappen sie von Szene zu Szene. In Analogie zur Alice-Illusion (mit der Henrik
Ehrsson am Stockholmer Karolinska Institut experimentiert hat) wird man selber ein
bisschen Colembola, wobei Dall'Ara unter Bezug auf Denis Smalleys Begriffe 'gestureframing' & 'texture-setting' mit Verunklarung, Ambiguität und perceptual cross-fading
operiert. 'Xylocopa Ransbecka' intensiviert zuletzt noch die Illusion vom Maßstab Mensch
auf Maßstab Holzbiene, eine Schrumpfung, nach der selbst kleine Dinge anschwellen zu
Steinschlag und Meeeresbrandung, die auf einen einprasseln & -brausen.
83

ANNE-JAMES CHATON & ANDY MOOR Tout ce que
je sais (Unsounds, 60U): Ort: Paris - Le Carreau duTemple am Square du Temple - Elie-Wiesel, umweht
vom Geist der Tempelritter und der Erinnerung an
die deportierten und in Auschwitz umgebrachten
jüdischen Kinder. Zeit: 2.6.2017 im Rahmen des35e Marche de la Poésie. Zweck: Die Wiederholung
und Verbreitung der schon mit Thurston Moore bei"Heretics" (Unsounds, 2016) ausgestoßenen Rufein der Wüste der "anachronistischen Verwilderung"(Ernst Bloch). Die Mittel: Chatons Stimme & Electronics, Moors Gitarre & Electronics und die damit
ostinat rhythmisierten oder kakophon forcierten
Mahnrufe, die der grassierenden Rattenfängerei
der Retrogarden, dem Zurück in den "Wärmestrom" und der "gestauten Wut" (erneut Bloch)
des Nationalen, Xenophoben und Monomanen das Befreiende der Dissidenz, der Revolte,
der Transgression oder, unprätentiöser gesagt, von aufgeklärten Einsichten entgegensetzen. In Chatons poetischen Litaneien, als Gegen-Glaubensbekenntnis und als Glorreicher
Rosenkranz aus Perlen der Heterodoxie: Rabelais im Stakkato des "Qui joue..." von 'Casino
Rabelaisien'. In den mit "Je sais que..." (Ich weiß nur, dass...) bei 'Tout ce que je sais' Aufgelisteten - der abweichenden Tradition der Alchemisten, der Manichäer, der Bogomilen, derKatharer und der Tempelritter, die sich den Königen, Päpsten und der exterminatorischen
Orthodoxie widersetzten. Je sais que l'hérédité commande la formation des vivants. Je sais
que la luminosité est déjà là. In 'Le Songe de Ludwig' Ludwig Wittgenstein. He knows that
that's a tree, not a zebra / he can see it quite clearly... things behave thus and thus, / sitting in achair, after having drugs. Lauter Namen mit J in den von Moor beschrappten Vierzeilern von'Coquins coquettes et cocus', die das rote J des Judenstigmas mit Rimbaud-LautréamontGainsbourg'scher Sprachlust umdrehen. Bei 'Clair Obscur' Gestalten aus der Dichtung
Ovids und aus der Bibel - Goliath und die Medusa, die Sibylle und Salome, Bacchus und
Cupido, Martha und Magdalena, Pluto und Judas... festgehalten in der Hell-Dunkel-Malerei
von Caravaggio, Rembrandt, Goya, Artemisia oder Orazio Gentileschi, dessen 'Giuditta e laserva' das vielsagende Covermotiv bildet. Als Encore hört man W. S. Burroughs' gedehnt
raunende Zunge, und Chaton visioniert dazu das von Moors Blitz & Donner durchzuckte 'TheThings That Belong to William' und ahmt dabei mit dem ständigen "Il a vu des choses..." das"Livre de la Révélation", die "Apocalypse of John", nach. He saw an English colonial,assisted by five police boys / An explorer in sun helmet / He saw Rock and Roll adolescenthoodlums, An intellectual avantgardist... Ich sage lieber nicht, was ich sehe. Es würde nur
meinen Ruf als Miesepeter, Misanthrop und Schwarzseher verschlimmern.

ALEJANDRO FRANOV Albricias (Panai, Pana023): Der Argentinier ist einer der Hausmusiker
bei Nature Bliss in Tokyo. Zuerst als kleines, rhythmisches Ein-Mann-Ensemble oder mit
Freunden oder auch folktronisch-ambient wie etwa auf "Yusuy" (2002), "Opsigno" (2004),"Aixa" (2008), "Digitaria" (2009), "Aquagong" (2010), "Champaqui" (2012) oder "Rio" (2015),
mit Akkordeon, Gitarre, Sitar, Harfe, Keys, Vokalisation, auch obertönig oder feminin, Stabspielbeats, Rasselpercussion, Synthesizer, Flöte, Fieldrecordings, allem Möglichen. Daneben
greift Franov aber auch gern ausschließlich in Tasten, wie bei "Melodia" (2005) und "SoloPiano" (2014) als pastoraler Pianist in Wald & Wiesenstimmung, oder bei "Suspendido En El
Aire" (2016) als spektraler Minimal-Orgler. Hier nun lässt er wieder die Finger übers Klavertagträumen. In Serenadenstimmung zieht er sieben weiße Karnickel aus dem Hut. Da kreist
der Kondor, wachsen Perlen auf Bäumen wie Kirschen ('cereza'), oder wächst eine Mauer,von Maurern Stein an Stein gefügt ('albañiles'). Die Hände verkünden frohe Botschaft ('albricias'), wollen, klimpernd und trillernd, das Grau in Grau vergessen machen, saugen sichdabei jedoch melancholischen Grauton ('gris') in die Fingerspitzen. Er zieht Süßgras durch
die Finger ('digitaria'), oder lässt die Seele Nachtwache halten ('estados de anima: vigilia').
Den langohrigen Ziehharmonika-Pianisten in Frack und Melone malte ihm sein Mit-Porteño,
der gegenständlich-simplizistische Damian Crubelatti in seinem quasi-naiven Stil aufs Cover.
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ROUGGE Cordes (Green United Music, CORD3): Bei seinem "Monochrome"(2015) sah ich diesen sublimen Franzosen zwischen Antony, Mikhail Karikis undArvo Pärt in der Rothko Chapel knien. Schwelgerisch vokalisierend und ins
Klavier seufzend, mit Botschaften, kryptischer als heraklitsche Fragmente. Auchhier gibt es wieder nur elf 'Fragmente', von denen einige schon bei "Monochrome" und "Fragments" (2007) erklungen sind. Allerdings hat er dazu erstmals auch Arrangements für ein Streichquintett geschrieben, die seinem minimalistischen Pathos, seinem elegischen Duktus noch etwas mehr Schmelz undInnigkeit verleihen. Schon zuletzt hatte ich nicht ausgeschlossen, dass seine
Andacht, sein eines gefallenen, aber reuevollen Engel würdiges Lallen, gut in
Verbindung zu bringen wäre mit Ikonen wie Thierry De Cordiers 'Grand Nada'.
Und dass vielleicht tief darin vergraben ein warzenschweinisch-maldoror'sches
Grinsen funkelt, von den Streichern umbebt. Um nicht zu sagen, dass sie zittern
und zagen und doch auch Rougges Jammer auf schwarzen Samt betten. Rougge
hat synergetische Kreationen geschaffen mit dem Theatermacher Clément
Saunier, dem L'arctique-Wildlife-Fotografen Vincent Munier und mit dem Filmemacher Julien Rotterman bei dessen preisgekröntem Werbefilm "Alice(s)" fürL’association Astrée, die Einsamkeit sichtbar machen und bekämpfen will. Mit
Moll, Moll und noch mehr Moll und der Tristesse eines dowland'schen Chorknaben, der Traurigkeitsgenießern Honig ums Maul schmiert. So bittersüß undschön, dass es fast nicht mehr schön ist, so feierlich und traurig, dass man sichdrin suhlen kann.
TONALIENS Tonaliens (Edition Telemark 785.02, 2 x LP): Vor einem Klanghorizont in „reiner Stimmung“ (Just Intonation) bringt Werner Durand (ex-The 13th
Tribe, ex-Armchair Traveller) mit seinem eigenkreierten Pan-Ney-Blasinstrument
den Tonaliens-Akkord ins Spiel, Robin Hayward (Splitter Orchester, Microtub)
neben seinen Tubamikrotönen noch den Hayward Tuning Vine, ein mikrotonales
Software-Interface zur intuitiven Entdeckung der „reinen Stimmung“. Dazu bläst
Hilary Jeffery (Zeitkratzer) Posaune, Ralf Meinz (ex-Zeitkratzer) setzt Electronics ein und besorgte den Livesound. A in der Amsterdamer Vondelkerk, mit
auch noch Amelia Cunis Stimme (die in Chora(s)san Time-Court Mirage schon
mit Hayward und Jeffery zusammenklang), und B im Labor Sonor in der Berliner
KuLe bei einem Heimspiel dieser speziellen Aliens. Durand hat als langjähriger
Wegbegleiter von Arnold Dreyblatt genug Überlegungen zu Harmonik und„reiner Stimmung“ angestellt und noch seine eigenen hinzu entwickelt überdröhnminimalistische Spektren, wie sie ähnlich auch Ellen Fullman, James
Tenney und Eliane Radigue anziehend finden. Wie gleich die ersten Sekundenvon 'Vesta' zeigen, nicht umsonst, und dazu in faszinierendem Einklang mit dem
tuba- und posaunendunklen, supersonoren Vibrato seiner Mit-Aliens. Das grollt
ja wie ein ganzes Tuba-mirum-Geschwader beim Jüngsten Gericht. Was für ein
Ton, die Mutter der Tonfamilie RRRRROOOOO. Vollmundig und hörnern, aberauch surrend wie schnurrende Tausendfüßerbeinchen. Cuni vokalisiert zu
diesem röhrenden, in sich nur leicht changierenden Unisono-Dauerton mit denhelleren Vokalen und weichen Silben, wie eine indische Svara in Zeitlupe. Meinz
spielt ihr dazu ihr Echo zurück. Das Unisono entzopft sich in Haupt- und Nebenstränge, das Atemvolumen reicht für eindrucksvolle Langwellen. Die Electronics
wellen sich als virtuelle Shō, die Bläser tauchen tief ins Dunkelblau und Violettspektrum des Tuning Vine. Im Labor dann ohne Cuni, zielen die Tauchgänge bei'Pallas' bei aller sanften Bewegtheit doch konstant ins Blaue und in Götterdämmerungs-Noir. Panflötenelegisch, mit mattem Posaunenglanz, luftigem
Fauchen und gruftiger Ruh' wird das U umkreist, der saturnische Vokal des
Ursprungs und der feierlichen Dunkelheit, des Grundes, der Muschel, desMundes, der Kugel, der Uhr und der Urne (wie Ernst Jünger unkte). Mit zuletzt
aber auch trotzigem Crescendo, kurz nur, aber rau.
85

inhalt
freakshow: bent knee 3 over pop under rock: altrock / fading 4 - da 5 - piniol ≠ yolk 6
freakshow: mit yolk auf dem planeten der affen 7
over pop under rock: lukas simonis 8 - la stpo 9 ...
freakshow: caterina palazzi sudoku killer 10
vom nachteil, in rumänien geboren zu sein 16
moersy moersy moersy: das moers festival 2018 22
nowjazz, plink & plonk:
satoko fujii 26 - hubro 28 - intakt 31 - intonema 34 - leo 36 pfmentum 37 - pnl 38 - rarenoise 39 - trouble in the east 42 tzadik 43 - umland 45 - whyplayjazz 47 - wide ear 50 ...
laura schuler 56 - willers / roder / marien 59
todays jazz is female 2: sophie agnel - kim-josé bode 60 - kaja draksler 61 kate gentile - mette rasmussen - ada rave 62 - susana santos silva 63 - heather leigh 64
soundz & scapes in different shapes:
discrepant 65 - drone / substantia innominata / transgredient 66 my cat is an alien 68 - touch 69 ...
beyond the horizon:
christopher chaplin 77 - jacques demierre 78 ...
ideologic organ 80 - music information centre lithuania 81 - 2L 82 ...
BAD ALCHEMY # 98 (p) Juni 2017
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint so ca. 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 98 erhalten Abonnenten die wiederveröffentlichte CD "Les Explositionnistes" (Exklageto 14)
von LA SOCIETE DES TIMIDES A LA PARADE DES OISEAUX
Mit herzlichem Dank an Matthias Horn / Psych.KG / E-Klageto
Cover: La STPO [Artwork for "Hollowtations"]
Rückseite: Brötzmann & Leigh relaxing in Vermont!!! Die Nummern BA 44 - 90 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de.......................................................................................................................................................
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indexAARDVARK JAZZ ORCHESTRA 36 - ABBY LEE TEE 70 - AGNEL, SOPHIE 60 - AMUTE 11 MAX ANDRZEJEWSKI‘S HÜTTE 47 - ANGHEL, IRINEL 19 - AQUASERGE 11 - AVANT'N'GARD
17 - BARON, JOEY 33 - BASS COMMUNION 66 - BELORUKOV, ILIA 35 - BENT KNEE 3 BERTONI, ANTONIO 36 - BERTRAND, BEN 71 - BHATTI, KETAN 83 - BIG BOLD BACK BONE
50 - BJØRGEENGEN, KJELL 58 - BLUME, FELIX 65 - BLUMER, FRIDOLIN 36 - BODE,JOSEPHINE 22, 60 - BRECHT, JOHANNES 52 - BRÖTZMANN, PETER 24, 25, 64 - BRUBECKBROTHERS QUARTET 51 - BRUIT 4 45 - CAMATTA, SIMON 46 - CARRIER, FRANÇOIS 51 THEO CECCALDI FREAKS 12 - CHAPLIN, CHRISTOPHER 77 - CHATON, ANNE-JAMES 84 CHATWIN, BEN 71 - CHIOREANU, COSTIN 18 - COLONNA, MARCO 36 - COOKE, SETH 34 CRABBE, SHIRLEY 52 - CRASHING AIRPLANES 45 - DA 5 - DAEMEN, DANIEL 36 - DAGAR,ZIA MOHIUDDIN 80 - DALL‘ARA-MAJEK, ANA 83 - DALT, LUCRETIA 12 - DAWSON, RICHARD
24 - DELL, CHRISTOPHER 52 - DEMIERRE, JACQUES 53, 78, 79 - DER LANGE SCHATTEN 42- DIISSC ORCHESTRA 81 - DISTRICT FIVE 32 - DÖRNER, AXEL 31, 45, 53 - DONDER 53 - THE
DORF & CONSORD 46 - DOROBANTU, DANIEL 17 - DRAKSLER, KAJA 61, 63 - DURAND,WERNER 85 - EASTMAN, JULIUS 33 - EDWARDS, JOHN 25, 44, 60, 62 - ENSEMBLE
ADAPTER 83 - EXIT OZ 19 - EXTRA LARGE UNIT 38 - FEIGIN, MISHA 8 - FELDMAN, MORTON
58, 78, 82 - FLORIAN, MIRCEA 20 - FRANOV, ALEJANDRO 84 - FUJII, SATOKO 26 , 27 FURTHERSET 71 - GARCIA, MIGUEL A. 35 - GEISSER, HEINZ 36 - GENTILE, KATE 62 - DAVEGISLER TRIO 31 - GLANZMANN, VINCENT 72 - GLARER 18 - GLOBE UNITY ORCHESTRA 31 GREVE, LARS 49, 53 - PHILIPP GROPPER‘S PHILM 48 - GRUBBS, DAVID 72 - GSCHLÖßL,GERHARD 31, 42 - HACKEDEPICCIOTTO 73 - HAGANS, TIM 54 - HALL, TOM 72 - HALTLI,FRODE 30 - HANDSOME COUPLE 46 - HOFF ENSEMBLE 82 - HOLSEN, HILDE MARIE 29 HOMUNCULUS RES 4 - HORST QUARTET 34 - IG WITZELSUCHT 8 - INNERVIK, KJELL TORE
82 - IORDACHE, MIHAI 20 - JON IRABAGON QUARTET 54 - JACKIE-O-MOTHERFUCKER 14 JEFFERY, HILARY 15, 23, 85 - JEMH CIRCS 73 - KAHN, JASON 35 - KALLABRIS 74 - KAZE 26- KING GONG 65 - KIRA KIRA 27 - KLARE, JAN 22, 45, 46 - KOCHER, JONAS 53 - KUKURUZQUARTET 33 - LA DOTTRINA DEGLI OPPOSTI 4 - LA STPO 9 - LAMBERT, MICHEL 51 - LANG,
ANDREAS 47 - LASH, DOMINIC 34 - LEE, OKKYUNG 44 - LEIDINGER, LUCAS 36 - LEIGH,
HEATHER 24, 64 - LEIMGRUBER, URS 54 - LEONARDI, STEFANO 36 - LILLINGER,CHRISTIAN 25, 52 - LONBERG-HOLM, FRED 46 - LORIOT, FRANTZ 35 - LUBET, ALEX 37 MACDONALD, RAYMOND 57 - MADNESS & ARROGANCE 42 - MADS LA COUR‘S ALMUGI 49 MAKUNOUCHI BENTO 18 - MALLET, ALAIN 55 - MARIEN, CHRISTIAN 59 - MAZUR, RAFAL 51- MAZZOLA, GUERINO 37 - GEORGE MCMULLEN TRIO 37 - MC PHERSON, ZOË 75 - MEIER,TOBIAS 50 - MILEA, ADA 16 - MOOR, ANDY 84 - MÜLLER, MATTHIAS 23, 27 - MY CAT IS AN
ALIEN 68 - NIESCIER, ANGELIKA 32 - NILSSEN-LOVE, PAAL 38 - OONA 13 - OPALIO,ROBERTO 68 - ORINS, PETER 26, 27 - OZMOTIC 69 - CATERINA PALAZZI SUDOKU KILLER
10 - PEAL 55 - PEUKER8 48 - PHILIPPE PETIT & FRIENDS 14 - PHOENIX 21 - PINIOL 6 PLASTER 74 - RADUCANU, MARIA 21 - RAISON D‘ETRE 66 - RASMUSSEN, METTE 62 RAVE, ADA 62 - ROBINSON, EUGENE S. 14, 24 - ROCHELLE, LAURENT 57 - RODER, JAN 27,
59 - ROUGGE 85 - ROWE, KEITH 58 - SAMOLOVOV, KONSTANTIN 35 - SANTOS SILVA,SUSANA 63 - SARRAZY, MARC 57 - SCHULER, LAURA 56 - SCHULKOWSKY, ROBYN 33 SCHWALM, J PETER 41 - SHHH... 75 - SIMION, NICOLAS 21 - SIMONIS, LUKAS 8 SKADEDYR 29 - SKYDIVE TRIO 28 - SLAGR 30 - WANJA SLAVIN LOTUS EATERS 47 - SMITH,
CHES 43, 44 - SOMNOROASE PĂSĂRELE 18 - SONAR 39 - SOREY, TYSHAWN 32 - SPENCE,
ALISTER 27, 57 - SPLASHGIRL 28 - STRAFE F. R. 69 - SULE, AYUUNE 15 - SUSSMAN, MICK76 - SYSOEV, ALEXEY 35 - TENOR, JIMI 15 - TIBERIAN, MIRCEA 21 - TILBURY, JOHN 58 TONALIENS 85 - TORDINI, CHRISTOPHER 32 - TORN, DAVID 39 - TORSAN, CALIN 17 TRINIDAD, JOSHUA 39 - TROUM 66 - TUTTLE, ANDREW 76 - TWENTYTWENTYONE 81 UNAMI, TAKU 72 - V/A CRYING BAMBOOS 80 - V/A DRONE-MIND / MIND-DRONE VOL. 6 67 V/A PAVILION 81 - VAN HOEN, MARK 69 - WESTERGAARD, JONAS 52 - WILLERS, ANDREAS
59 - NATE WOOLEY‘S SEVEN STOREY MOUNTAIN 23 - WORLDSERVICE PROJECT 40 XENAKIS, IANNIS 72, 82 - YOLK 6, 7 - YOSHIHIDE, OTOMO 38 - THE YOUNG MOTHERS 58 ZANUTTI, FLAVIO 45 - ZORN, JOHN 43

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S
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I
TE
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