BAD
92
ALCHEMYrbd's favourites 2016
Burning Ghosts - Burning Ghosts (Orenda Records)
Bob Drake - Arx Pilosa (ReR Megacorp)
Fire! Orchestra - Ritual (Rune Grammofon)
Barry Guy - The Blue Shroud (Intakt Records)
Marc Hurtado w/Z'ev - Sang (MonotypeRec.)
Mamma Non Piangere - N. 3 (AltrOck)
Bobby Previte's Mass (RareNoise)
Stian Westerhus - Amputation (House Of Mythology)
Yugen - Death by Water (AltrOck)
John Zorn - Pellucidar A Dreamers Fantabula (Tzadik)

Leben heißt, die anderen mißzuverstehen, sie immer und immer wieder mißzuverstehen und sie dann,nach reiflicher Überlegung, noch einmal mißzuverstehen.
Philipp Roth

Kunst ist nicht eine bessere, sondern eine andere Existenz; sie ist nicht der Versuch,
der Realität zu entfliehen, sondern das Gegenteil: ein Versuch, sie zu beseelen.
Sie ist der Geist, der einen Leib sucht und Worte findet.
Joseph Brodsky...(the air is) filled with rambling ghosts and disturbed spirits.
They're all screaming and forlorn. It's like they are caught in some weird web some prugatory between heaven and hell and they can't rest. They can't live,
and they can't die. It's like they were cut off in their prime,
wanting to tell somebody something. It's all over the place...
Robert Zimmerman

Just read the first 600 pages. You’ll get the drift.
AlsarahGelesenAnna Achmatova - Poem ohne Held
Sabahattin Ali - Der Dämon in uns
Isaak Babel - Erste Hilfe. Sämtliche ErzählungenJohn Berendt - Midnight in the Garden of Good and Evil
Cosey - Saigon-Hanoi
Joe Fiorito - Die Stimmen meines Vaters
Wilhelm Genazino - Idyllen in der Halbnatur
Alexander Goldstein - Denk an Famagusta
B. S. Johnson - Christie Malrys doppelte Buchführung
Jaan Kross - Die Frauen von Wesenberg oder Der Aufstand der Bürger
Ossip Mandelstam - Im Luftgrab. Ein Lesebuch
Vladimir Nabokov - Pnin
Philipp Roth - Amerikanisches Idyll
Frank Schulz - Onno Viets und das Schiff der baumelnden Seelen
J. J. Voskuil - Das Büro. Direktor Beerta2Artrock-Festival "Match & Fuse" 23.-24.09.2016
Der Blaue Adler ruft, und wir kommen gern für
die versprochene "Match & Fuse"-Erfahrung,
bloß die Musiker nicht. Sie stecken im Stau,haben den Ausstieg in Würzburg verpasst undmüssen in Nürnberg wieder umkehren. Die
Freaks bestehen den Härtetest ihrer Gutmütigkeit mit Bravour, schwärmen vom RIO Festival in
Carmaux: Von Haco & Nippon Eldorado Kabarett; von der skurrilen graphischen Partitur
von Yumi Hara für Jump for Joy! (= 3/4 The
Artaud Beats + Faust); von Oosh-Smeh-Doughma, mit denen Miroslav Wanek wieder Kafkas
Axt schwang gegen das gefrorene Eis in uns
allen. Und ganz besonders von Half The Sky,
Yumi Haras Hommage an Lindsay Cooper, mit
Dagmar Krause und Chris Cutler, zu 4/7
japanisch und zu 4/7 weiblich. Womit ich zwar
nicht bei Upsilon Acrux bin, die immer nochverschollen sind, aber bei der Crux des Wochenendes. Mr. Freakshow präsentiert ausschließlich
die andere Hälfte des Himmels, die mit dem YChromosom. Sagt nicht, das wäre wurst, weil
Musik nur Eier braucht, keine Titten. Ich finddas, gelinde gesagt, ungut.
Aber gut, nach dem Spruch 'Die Letzten werden
die Ersten sein' marschiert das WORLDSERVICE PROJECT auf die Bühne, uniformiert
wie Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Und
erweist sich live als die Partyband, die ihr
RareNoise-Album "For King & Country" vermuten lässt. Als erstes stellt der den Ablauf
moderierende Keyboarder Dave Morecroft klar,
dass ihr Patriotismus nicht erst seit dem Brexit
mit Stinkefinger daher kommt. Ihr Sarkasmus
funkelt ja schon in Titeln wie 'Go Down, Ho'ses','Fuming Duck', 'Requiem for a Worm' (um wieder
zu Atem zu kommen, aber letztlich doch auchhochprozentig funeralisiert), 'Fire in the Pet
Shop' (mit uns als abgefackeltem Kleinvieh)oder 'Mr. Giggles' (mit Morecroft als bösem
Clown). Saxophon und eine ver-FX-te Posaune
blasen Feuerio. Morecroft, der mit dem europaweiten Tour- & Festival-Netzwerk "Match &Fuse" auch die Überschrift lieferte, ist ein Irrwisch, dessen Finger über die Keys und darüber
hinaus wuseln wie Wile E. Coyote. Seine Keytar
malträtiert er derart, dass sie beim zweiten
Einsatz den Dienst verweigert. Überhaupt
haben sich die Londoner längst ihrer Uniformjacken entledigt, die Feierbiesterfütterung ist
doch zu schweißtreibend.

Neil Blandford von WSP

Bastien Andrieu von BCD Labelle

Fotos: Monika Baus artrockpics.com

3

BCD LABELLE, die als nächstes nachrücken, sind
mit Florian Nastorg an Sax und William Laudinat an
FX-Trompete ähnlich bestückt, aber nicht um
direkten Partyspaß zu machen, sie operieren mit
düsterem Ambiente und Spannungsaufschub.
'Episch' raunt einer neben mir, mit Tendenz zu
dramatisch. Hauptrollen spielen Juan Favarels
Bass unter der Gürtellinie, Bastien Andrieus Moog
als Raumschiff Orion, der Gitarrist als flexibler
Kritzler am rechten Flügel. Dann geben die
Toulouser Gas, werden zackig, nur um dubbig
weiter zu morphen. Andrieu triggert Schauermärchen, Psychedelik kaskadiert, Nastorg, anfangs mit grollendem Bariton, dämpft jetzt ein Altoam Oberschenkel, Laudinat fingert mit einer Hand
Effekte. Grummeliger Mulm wird wieder durch
Bläserstakkato aufgemischt, Hardcoreriffs gehenüber in ein lyrisches, aber dann immer intensiveres
Gitarensolo. Zu Marche fùnebre-Pauke schreitend,
verbreitet ein Andante Morricone-Feeling. Eine Jasper Stadhouders von Spinifex
Bläserattacke und 4/4-Drive verdoppeln die Pace,brachialer Trolltanzbeat wird kakophon akzentuiert, die Gitarre spuckt Improsplitter.
Andrieu betrillert in der Manier von ARFI-Meister Xavier Garcia bleierne Metal HurlantRiffs. In eine getragene Hymne und Bläserunisono mit wieder surrendem Bariton landet er
per Hubschrauber für getrillerte Keyspoesie. Bis der Flow zur finalen Tarantellaacceleriert. Als Encore schmurgeln die Frogs im Blindflug, morsen Mayday und rumpeln
doch mit Karacho sicher ans Ziel. Noch können sie Present nicht das Schweißtuch
reichen, aber dass sie sich hohe Ziele gesteckt haben, das hört man doch, oder?
Die nun doch eingetroffene BENOÎT MARTINY BAND, die von einem luxemburgischen
Drummer geleitet wird, erweist sich als bunte Truppe mit Gitarre, einem Ungarn am
Fuzzbass und niederländischem Doppelsax. Sie huldigen dem Jazzrock der 70er,
wichsgriffelig und unverdrossen. Ich gestehe, dass ich diesem Segment des Himmels den
Rücken kehre, um zu schwätzen. Egal ob Jazz oder Rock, bei Musik, die weder durch Punknoch durch Frauenpower durchlauferhitzt ist, fehlt mir leicht mal das gewisse Etwas, das
in meinen Ohren erst zum Freakdom qualifiziert. Egal ob mit der Verve der Harry PussyTommlerin Adris Hoyos (die Paul Lai von Upsilon Acrux heiß verehrt), oder mit Lindsay
Coopers Sophistication (meine Himmelsleiter). Was in meinem Rücken erschallt, das klingt
mir einfach nur altbacken, zu 'normal', zu bieder. Dafür würd's langen, wenn ich in den
Spiegel gucke.
Als UPSILON ACRUX dann endlich doch das Festival eröffnen, ist es Zwei in der Früh undmeine Sensoren, die auf Schlafmodus umstellen möchten, diktieren eine Protestnote nach
der andern. Ich schau mir, da ich nun mal da bin, die Boys in ihrer bizarren Symmetriedennoch ne Weile an, die Kalifornier sind schließlich eine Cuneiform-Band. Allerdings hat
Acrux-Master Paul Lai sie nach "Radian Futura" (2009) komplett neu aufgestellt. Ein
Lackel mit Totenkopftattoos auf der Brust und ein halber Japaner trommeln so mental
verkoppelt wie das Pilotenteam eines Pacific Rim-Jaegers. Einer nannte das später einen
geclonten Charles Hayward mit vier Armen, einem Hirn. Gegenüber von Lai mit seiner
verwegenen Piratenvisage gibt es in ähnlicher 'Drift' einen zweiten Gitarrero. Zentral ist
der Keyboarder positioniert, ein schmaler, bebrillter Nikkei-Hipster. Unverändert ist die
Coolness ihrer Zahnradvirtuosität, ihrer acruxen Brachialität, die ihnen Vergleicheeinbrachte mit Ahleuchatistas, Behold... The Arctopus und Don Caballero. Die beim
Formulieren ihrer konkreten Lyrik bis zum Ende durchhielten und eine finale Steigerung
genießen konnten, ließen wenig Zweifel daran, dass ich was versäumt habe.
4ÇA, ein Vox Project-Trio aus Lyon, bieten, kaum dass ich Samstag um Zwei (mittags) mit"Guten Morgen" begrüßt worden bin, erneut den Groß-Klein-Kontrast. Mit Quentin
Mascarino als bärtigem Pferdeschwanz-Kentauren am E-Bass und Lucas Ottin als Quark
tretendem Kobold an der Gitarre. Die Botschafter des Freudschen Es akzentuieren ihre
von Julien Jousselme vehement betrommelten Knatterbretter mit Exklamationen, nurscheinbarem Nonsense, der sich, Stück für Stück, komplettiert zu "Mon tout petit Ça à moi
s'est dévoilé au grand jour quand j'ai su le voir sans lunettes." Kaum werden sie mal ganzlind, beginnen sie gleich wieder zu tatzeln. Wie sagte ich bei Acrux? Präzis-brachial! Ichversteh nur petit und grand, da werden sie plötzlich kastriert und dazu verdonnert,
Bruchrechnen zu üben. Es haut hin, sogar mit 32steln. Und Crescendo können sie auch.
Die traurigen Enthüllungen gipfeln in Oi-Punk und Frog'n'Roll. 'Ne Encore mit wieder einem
linden Part bringt alles noch mal gerafft.
UHL bringt geschmeidigen Hyperdrivejazz. Die Saarbrückener zeigen schnell, dass man
bei gleicher Instrumentierung völlig anders klingen kann. Die Gitarre von Johannes
Schmitz ist King, seine Virtuosität ist auf krasse Weise rasant. Für 'Robocop' macht
Martial Frenzel eine seiner so herrlich menschelnden Ansagen und lässt dann das Becken
flirren wie mit Kolibriflügeln. Wo Ça kantig knattert, fiebert Uhl mit mandelbrotschen
Blumenkohlöhrchen. Lukas Reidenbachs Bass schrammt an der Schallmauer entlang, die
Stöckchen tickeln wieder so schnell, dass es nur flimmert. Schmitz ray-russellt, 'Hochleben die Verkehrsbetriebe', aber dann arpeggiert er auch zum Steinerweichen. Ein Blues
wird krummtaktig dekonstruiert. Und singt die Gitarre nicht wie afrikanisch bestrahlt?
Hätten die drei nach dieser starken Entfaltung ihrer Uhlologie Halt gemacht, Hut ab. Stattdessen knuddeln sie einen toten Hasen noch eine gefühlte Stunde immer töter. Arggglll?!?
Konzerte länger als "Machine Gun" (37:08) sind pure Hybris, die sich selber bestraft.
Friiik, was ist das denn für ein herrliches Kikeriki, das einen als nächstes zur Bühne reißt?
Die beiden Saxer an der SPINIFEX-Front erweisen sich als Tobias Klein & John Dikeman,knackig betrommelt von Philipp Moser, mit Jasper Stadhouders links an fetziger Gitarre.
Und rechts dann doch auch eine bekannte Gestalt: Gonçalo Almeida von Albatre liefert
den schwarzen Puls für die furiose Feuerspuckerei. Alto und Tenor überbieten sich bis zur
Weißglut und finden bei der Reprise doch vereint heim an Mammas weichen Busen.
Schillernde Gitarrenschraffuren, begeisternde
Pyromanie, strammer Puls, das geht zack-zackzack. Feuer UND Bewegung. Aber dann auch eine
wunderbare Unisonomelodie als Schleifchen fürein Hupkonzert. Nach solcher Herzausreißerei ist
das komplette Würzburger Jazzfestival im Oktober so hinfällig wie nur was. Die Bläser spenden
gleich aber auch etwas Balsam für die glühenden
Ohren, wobei der bereits schnelle Beat und die
krabbelige Gitarre schon wieder etwas anderes
verheißen. So dass es nicht wundert, wenn das
fast in Balkanhopserei endet. Zum getätschelten
Bass schürft Stadhouders nach Feedbacknoise,
Klein beschwört Schlangen, nein, Drachen füreinen mitreißenden Bhangraringelpiez. Quietsch,kirr, klackklackklack, gegen die Spinifexerei
bräuchte es Strahlenschutzmaßnahmen, wäre die
Ausstrahlung nicht so positiv, so glückskeksknusprig. Almeida lässt den Bass zur Hölle
fahren, Stadhouders traktiert die Saiten punkjazzvirtuos mit Bierflaschenslide. Das verstärkt
nicht nur bei mir das Grinsen. Klar kommt die tolle
Truppe aus Amsterdam nicht um einen NachTobias Klein von Spinifex
schlag rum.
5

Arme ALFIE RYNER, wie sollen die danachbestehen, zumal ohne ihre 'Bodyguards' aus
untoten Revolver- und Messerhelden? In
schlichtem Künstlerschwarz fächert die
ebenfalls aus Toulouse angereiste Truppe
den ganzen Regenbogen aus Sax, Gitarre,
Posaune und Electronics auf, treibend,
furios, mit sturen 4/4, aber plötzlich offen füreine träumerische Gitarre. Und Paco Serrano deklamiert zu pumpendem Bass und
Noiseschlieren 'No Hay Mas'. Äußerlich ein
untersetzter spanischer Bauunternehmer, inWahrheit ein neuer Leo Ferre. Über dräuende Klangschübe mit wühlendem Tenorsax
schieben E-Kontrabass und die mit Schlangentattoo bezüngelte Posaune shub-niggurathsche Dunkelwolken. Heftigem Stakkato folgt Bassgesang, den die Posaune beschmaucht und elegisch besummt. Bis Serranos Altosax zusammen mit der hackenden
Gitarre nen Strich drunter zieht. Die einzelnen Stücke stehen nicht für sich, sondern
fügen sich zu einem engagierten Narrativ.
Jetzt mit einem grandiosen Gitarrensolo vonGérald Gimenez mit seinem Falkenprofil wie
der junge Anthony Quinn, der, mit erneutem
Bläsergesang verfugt, so die Spannung steigert. Wieder elektronisch wird die nächste
Deklamation eingeleitet, und Serrano macht
auf große Hose, mimt einen Egomanen, derzu schrappendem Drive mit Trillerpfeife
Böcke von Schafen scheidet. Ich, ich, ich
und meine cojones. Wie mit feierlichen Fanfaren wird eine makabre Szene gerahmt, wo
Kinder sich mit den Zähnen toter Zwerge
schmücken. Aber das Leben geht weiter, die
Kinder wollen Essen, der Bass geht mit
schnellen Schritten voran. Das Alto stöhnt,aber vielleicht ist das ja die Mutter desGesangs. Das Finale ist entschieden unentschieden. Aber die Zugabe, der 'Tango
Toxico', der grotesk und in Fetzen daherkommt, der bittet la vida, diese alte Hure, mit
Grandezza zum Tanz. Nochmal mucho macho, aber doch mit einer Passion und
Schmerzdurchlässigkeit, wie sie zuvor meist
gescheut oder halbstark überspielt und zum
Teufel gejagt wurde.
PS: Dass einige Menschen unter 21 dasFestival verjüngt haben sollen, ist kaum zu
glauben, aber wahr. Auch verschönerten
zwei haarige Paradiesvögel diesmal das
adlerblaue Freakvölkchen. Von Umvolkung
geifert deswegen keiner, bei uns regiert das
grenzenlose Lustprinzip.
6Remembering Masada
Die Aussicht, dass in John Zorns Masada Songbook geblättert wird, lockt uns am 21.10.2016 ins
Würzburger Spitäle. Das sich, wie auch schon bei
Jaap Blonk und bei Michel Godard, als intimer
kleiner Kunsttempel bewährt, dessen hervorragende Akustik Mikrophone überflüssig macht.
Dass ANNETTE MAYE'S VINOGRAD EXPRESS
dabei vor einem gemeinschaftlichen 'Blei-Kokon'Triptychon von Barbara Schaper-Oeser & Walter
Bausenwein postiert ist, und Bilder mit TuaregTiteln wie 'Tarelaid', 'Tafuk' und 'Ajor' informell eineorientalische Atmosphäre bereiten, ist ein unüberbietbarer Bonus. Wofür? Für Adaptionen vonZorns schmusigem 'Kisofim', wechselvollem 'Chajah', flottem 'Meholalot' oder schleppendem 'Kochot', einst angestimmt mit seinem Masadatet mit Dave Douglas, Greg Cohen & Joey Baron. Die Kölner Klarinettistin, die 2014 schon
mit dem Ensemble FisFüz und 2015 mit dem Duo Doyna das Spitäle beschallt und dabei ihre
klezmeresk-orientalische Ader gezeigt hat, hebt diesmal die Klezmer-Jazz-Connection
hervor, Vinograd = Weintraub (ein Familienname, der im Klezmer fast wie Brandwein
schmeckt). Dass die jüdische Migration in die Neue Welt den jungen Jazz auf der Nordroutemitbefruchtete, das leuchtet gleich mit den ersten Bassklarinettenklängen und Trompetenstößen ein. Zumal der auch mit Sebastian Gramss' Fossile 3, Emißatett und Norbert
Stein bekannte Etienne Nillesen mit nur Snare und Becken die Urform eines Drumsets spielt
und damit der Musik einen Anstrich wie aus Baby Dodds' Tagen gibt. Die Eklektik desProjekts erlaubt dazu aber einen E-Bassisten wie Janko Hanushevsky, der einerseits mit
seinem alten Fender den Puls liefert, besonders groovy bei 'Chajah', aber mit Tischtennisbällchen und einem Metallstück auch tolle Effekte auf den Saiten pickt und glitscht,
die die spielerische Herangehensweise sinnfällig machen. Zorn wurde auch gar nicht
gefragt, Maye mischt ungeniert eigenes Material zu ihren Masada-Arrangements, den Rest
besorgen Spontaneität und Spielfreude. Udo Moll (ja, der von Das Mollsche Gesetz), ihrlangjähriger Weggefährte, kann neben goldenen Hornstößen, die ihm, wenn es heiß hergeht, schon einen roten Kopf machen, auch umwerfend lakonisch ansagen. Mit seiner
putzigen Unterlippenfliege und ner Seeschlange auf der Brust verdeutlicht er den Witz der
jazzigen Ungeniertheit damit, dass man sogar bei Beethoven ruhig mal n paar Notenüberspringen könnte. Ich will aus dem faszinierenden Wechselspiel aus orientalischswingenden Skalen und raffiniertem, bis aufs bloße Geräusch reduziertem Freispiel nur
mein persönliches Highlight herausgreifen - Molls 'Rubidium 34'. Neben Chemikern (dieOrdnungszahl 34 gehört schließlich zum Selen) wird da auch Achtsamen am Ohr gezogen,weil das richtig harter Stoff ist, der Andacht bis zum Gehtnichtmehr impliziert. Nämlich ein
Drumsolo, das Nillesen seine genügsamen Möglichkeiten maximal ausreizen lässt. Dazu
drücken die andern auf Molls Zeichen hin zwei bis drei Mal pro Minute eins, zwei gedämpfte
Haltetöne. Aber Hallo. Nillesen tupft die Snare erst mit Filzschlägel, rührt dann mit Sticks
Marschrolls, quasi in Drums 'n' Fifes-Manier (mit Verbeugung vor Han Bennink, wenn er die
Ferse als Dämpfer einsetzt). Er be- und entschleunigt, dass man gespannt den Atem anhält,
lässt ein Mikrovibrato zischen und an der Snarekante ein winziges Schlägelchen federn, mit
dem er auch knarrt, als würde ein Schrank über den Fußboden gezerrt. Und sägt zuletzt
zugleich mit Geigenbogen und Rahmentrommel am Beckenrand, dass es fiept und rauscht.
Ich kann mich an keinen Drummer erinnern, der, wie ein Chirurg in Zeitraffer, so nuanciert
agiert und zugleich so simpel, dass ihm letztlich die bloße Hand oder ein feuchter Daumen
genügen. Dafür und für alles andere gibt es Blumen, Bocksbeutel und dermaßen Beifall,dass, obwohl mit einem schnellen Tänzchen im Kölner Stil anno 1986 schon alles gesagt
war, nochmal ne Handvoll Konfetti und Luftschlangen über unsre enthusiasmierten Häupter
geworfen wird.
7

Je pleure tout le temps
So ganz klar war uns beiden Freaks nicht, was uns am
23.10.2016 im Künstlerhaus Mousonturm in Frankfurt bevorstand. Die Frankfurter selber wollten es erst gar nicht wissen.
Rock in Oppossum, was soll das sein? So findet die AKSAK
MABOUL REVUE auch nur vor Interessierten im 'mittleren
zweistelligen Bereich' statt. Tja, selber schuld. Denn Marc
Hollander, Véronique Vincent & Co. verteilen Glückkekse, die
für eine ganze Kompanie gereicht hätten. Weil nämlich, stattschlicht ihr "Ex-Futur Album" mit eins, zwei Vorgruppen zu
präsentieren, der Abend echten Revuecharakter hat. Es fängt
mit 'Chez Les Aborigenes' an - "Je pars en Australie. Adieu
Paris" - und wir entdecken Julien Gasc und Benjamin Glibert
von AQUASERGE an Keys und Gitarre am rechten Flügel,Faustine Hollander spielt Bass, der hervorragende Trommler
entpuppt sich als Erik Heestermans (von Sheldon Siegel undIgnatz & De Stervende Honden). Lucien Fraipont (von Robbing
Millions) teilt sich, psychedelisch und bei 'Veronika Winken'
ganz afrofuturistisch, den Gitarrenhimmel mit Gliberts pikanten Rhythmen und Abstraktionen, ähnlich wie Hollander und Gasc ihre keyboardistischen Register verzahnen.
Wir werden bezaubert mit 'Afflux de luxe' und dem ohrwurmigen Refrain "Pas, t'auras,
t'auras pas...", bis Véronique geht und Gasc, bisher ihr Gesangspartner, mit seinem
sanften Timbre die Führung übernimmt für zwei Aquaserge-Songs (von "A L'Amitié" &"Tout Arrive", wie er mir hinterher verrät). Vor allem 'TVCQJVD' erinnert stark an
Stereolab. Noch poppiger und seltsamer wird es, wenn, neues Spiel, mit JAAKKO EINOKALEVI ein blondes 'Mädchen' in Hochwasserhose am Korg zu schrauben und mit
Säuselstimme zu singen beginnt. Mit dem schmachtenden Disco-Soul und TechnoMinimalismus von 'Double Talk' und 'Flexible Heart' sind wir scheinbar pluto-weit vom
Aksak-Avant-Kurs abgewichen. Doch dann kommt Véronique zurück, jetzt legerer undselbstsicherer mit Hand in der Hosentasche, und sie singen gemeinsam 'I'm Always
Crying', er sogar mit einer Strophe auf Finnisch. Nach der Pause beschert der ständige
Wechsel, wozu auch Gliberts Zweitjob als Bongoist gehört, die grandiose LAETITIASADIER. Souveräner als die Freiheitsstatue präsentiert sie
mit Gitarre Songs wie 'Echo Port' und bereitet mir größte
Mühe, nicht gegen das erste Gebot zu sündigen. Sie rät den
Frankfurtern, für die demnächst anrückenden Bankster
noch mehr große Häuser zu bauen, und singt bei aller
melancholischen Tönung so schön, dass einem die Spucke
weg bleibt. Gipfelnd in einer Soloversion von Gershwins'Summertime', vor der man sich nur in den Staub
schmeißen kann. Dann kehrt Véronique wieder, für ein
gemeinsames 'Je pleure tout le temps'. Jetzt mit sogar
einem dritten Keyboarder offeriert Aksak Maboul auch ein
neues Chanson, mit Sprechgesang, aber vor allem kollektivem Jamming und berauschendem Flow. Mit Hollander
als Crammed-Discs-Meister, der das Ganze mit phantastischem Keyboarddrive steuert. Und wen würde zuletzt
bei der honeymoonkillerisch kessen Quirkiness von 'Réveillons-nous' nicht ein Hauch der Glückseligkeit streifen,
die Pop sonst immer nur verspricht (too bad if I'm lying)?
Danach gibt es dann doch Hugs, Kisses und Autogramme
und die Erkenntnis, dass Tränen und Luxus wie A- und BSeite zusammengehören.
8

Freakshow: Die so genannte Sahne
Early late? Die Matinee am letzten Oktobersonntag (30.10.) häuft vor die Sahne erstmal
Magermilch, Geduldsproben und eine weitere Schande: Vier Bands, keine einzige
Musikerin. Zuerst gockelt das französische BeCoq-Trio CHAMAN CHÔMEUR BöseBubenmusik, einen derben Schnell-Langsam-, Hart-Weich-, Repetition-Kakophonie-LiveAbklatsch ihrer 'Chômagique'-Magie. Der Gitarrist im langen Politkommissarmantel mit
Pelzkragen reißt zwei Saiten, sonst reißen die drei nichts groß raus. Stunden später:MEDULLA, Amerikaner, genauer Texaner, nicht in Paris, sondern Berlin. Mehr Indie- als
Freakrock, dazu Gesang, zu dem Schildkröt und Seepferd über die Videoleinwand
paddeln. Mir fehlt der Funke, der Biss, der zum ja nicht unsympathischen Ökobewusstsein
sonst was Bemerkenswertes rüberbringt. Reizvoller sind da ihre Reisegefährten, ALEX'S
HAND, die, angeführt von Nic Barnes an den Drums und Kellen Mills am Bass, frech
angejazzte und frisch überrrockte 'Künstler Scheiße' bieten. Der Clou sind der Trompeter
Roberto Vicchio, mit Kenny Stranger ein fingerfertiger Lackel an der Gitarre und ein
Handstand auf dem Keyboard, das, upps, die Grätsche macht vor derart närrischem
Temperament. Wie sie da ihre zappaesken, cardiacsischen und mr. bungleorischen
Eklektizmen verhackstückten, erinnert mich das ein bisschen an Coax Orchestra und
BCD Labelle, nur deutlich mehr tongue in cheek. Mit trompetistischen Ausflügen über die
mexikanische Grenze und überhaupt locker-flockig unpuristischem Unernst mischen sie,
heute rein instrumental, Notenblattkomplexes mit Frei-Schnauze-Spaß. Sie können gern
wiederkommen.
Ihr Pech ist unser Glück. Nämlich dass danach La STPO kommen und vormachen, wie
wahre Künstlerscheiße geht. Das fünfköpfige Oktett aus Rennes macht mit seinem ÜberHurz den Unterschied zwischen hirnerfrischend und mindblowing sinnfällig. Und mit
welcher Unwahrscheinlichkeit wieder: Im Körper eines glatzigen Kneipenwirts derdelikateste Drummer und Xylophonperlentaucher: Patrice Babin; an der Gitarre ein
Weichfinger mit dem Charme eines kniefieselnden Buchhalters, den die Saiten aberanhimmeln, selbst wenn er sie mit nem Messer traktiert: JimB; an Keyboards & Saxophon
der graumähnige Christophe Gautier, aber was für ein Schlitzohr; an Geige & E-Bass ein
junger Geselle, der für zwei arbeitet: Sébastien Desloges, der trotz verflixter Soundprobleme Sahnehäubchen geigt und mit Basseffekten immer gerade noch rechtzeitig
seinen Meister zufrieden stellt; der heißt Pascal Godjikian, kommt in Gestalt eines
Beamten der Schulaufsicht daher und ist doch eine Sensation, die selbst ganz
Abgebrühte zu verblüffen vermag. Es beginnt mit 'L'imparfait', der Parade der Wörter,
lange vor uns, lange nach uns, aber was wir tun können, ist doch ein paar neue Wörter
auszuprobieren. Und genau das tut Pascal, mit Neologismen, die wie Piraten auf
trunkenen Schiffen das Logozentrum entern, mit lautpoetischen Kapriolen in den Grotten
und Krähennestern des Alphabets, mit dadaistisch bizarren Urlauten, gargantueskthesaurisch-ridikülem Sprachwitz als Pressesprecher mit Tourette-Syndrom. Mit 'Le
roman' wird ein großes neues Stück über ein Buch im Oberstübchen aufgeschlagen, ein
Buch ohne Titel, ohne Text. Den müssen wir träumen, damit er nicht uns träumt. Ein
schwebender Traum ist auch 'Un dieu es un passage dernier' mit Pascals Kopfstimme undseinem "tombeau molybdène". Irrwitzig anders dagegen ein Ketchak-Chor a capella. Mit'Les Liquidateurs' folgt die pathetische Hommage an die todgeweihten Liquidatoren vonTschernobyl, als ultimatives Drama, mit Alarmsirenen, bürokratischen Instruktionen,
kakophonen Rissen und Brüchen, keuchendem, röchelndem Horror, plastisch-programmatisch, in der Klangvielfalt fast schon zu phantastisch und faszinierend. Was noch? Mit'Kiotosmorama' eine Annäherung an den vergleichenden Vandalismus von Asger Jorn. 'L'
Intitulé Crème' dann schon mit Handclapbeat und Comicchor als Encore und eine zweite
hinterher. Hinterher? Alle LPs ausverkauft. Die Köpfe von Geniestreichen schwindlig
gekreiselt, aber total beglückt von etwas derart Extraordinärem. Art Rock? Warum so ein
komplizierter Begriff. Sagt doch einfach: La Société des Timides à la Parade des Oiseaux!
9over pop under rock
Fading Records (Milano)
Mit Fading verkürze ich lediglich das Warten auf neue AltrOcks. Mir scheint, dass MarcelloMarinone mit diesen 'faderen' Sachen diejenigen bedient, die Altbackenes 'im Stile von'bevorzugen. Wer hätte gedacht, dass man in der Schönen Neuen Welt mal Orwells
Neusprech sprechen würde? Wo 'Reform' für Sozialabbau und die Verschärfung prekärer
Verhältnisse steht, darf 'Progressive' genau so gut für ein nostalgisches Festhalten an
Altgewohntem stehen. PROMENADE aus Genua turnen auf Noi al dir di Noi (FAD-023),
ihrem Debut, recht sportlich auf der 'Progressive'-Matte. Mit Keys und Gitarre, mit Bassund Saxophon, mit krummtaktig quirlender Virtuosität und jede Menge Späßchen im
eklektischen Zappen von Zappa über zackige Balkanbocksprünge bis zu klassischgerifftem Ostinato. 'Athletics' zieht gleich mal alle Register der PFM-Orgel, mit einem
Kladderadatsch an Ohrenzupfern. 'Il Secondo Passo' stellt dann aber explizit klar: Hier ist
alles aus zweiter Hand. Und nach dem Schleuder- kommt der Weichspülgang. Mit
schmachtendem Cantautorecrooning des Keyboarders Matteo Barisone, zu dem das
Saxophon canterburyeske Blümchen pflückt, die Phantomstrings zum Kränzchen winden.
Solche Musik macht höchstens die Atemwege frei, um das Hirn durchzupusten bräuchte es
andere Magie als die von 'L'Albero Magico'. Allerdings versprechen die Italiener nichts
Falsches. 'Roccocò' schnörkelt Zuckerbäckerstuck mit Cembalo und Flöte für eine
pastorale Eselei. 'Pantera' besingt ein großäugiges Rilke-Supermodel, 'Crisantemo' einätherisches Wesen in durchsichtigem Blütenschleier. Wenn man den italienischen
Zungenschlag, Botticellikitsch und Caffè Latte mag.
Mit Overloading (FAD-024) wird ANAKDOTA vorgestellt, eine Band aus Israel. Hauptmächer ist der Tastenmann Erez Aviram, der seine Kunstlieder, leider auf Allerweltsenglisch, von Ray Livnat, Leadsänger von Project RnL und bekennender Gentle Giant-Fan,singen lässt. Und von Ayala Fossfeld, die Tomaten liebt und auch schon Bein gezeigt hat
als Chorusgirl bei Bilgo&Co. Sie singt 'Mourning' fast nur zu Piano mit wasserklarem
Sopran. Die elaborierten Lyrics verraten zwar eine auch an Genesis orientierte Ambition,aber Livnats Gesang fehlt doch das gewisse Etwas. Auch klingen die Arrangements mit
ihren Latin-, Pop- und Humptata-Anklängen nicht durchwegs von Musen der Champions
League geküsst. Was eine Reihe von Déjà-vus nicht ausschließt und witzige faule Ausreden
beim mit Moog Little Phatty bequietschten 'Late': So many things delayed me / Living dead
tried to attack me / Hordes of bees went out to get me / Was bombarded by the navy.
Ebensowenig verneinen will ich eine hohe pianistische Trefferquote beim temporeich
geklimperten Titelstück, bei dem Livnat freilich erneut an seine Grenzen stößt. Dafürglänzt Guy Bernfeld an der Bassgitarre, die er, ebenfalls mit Drummer Yogev Gabay an der
Seite, auch in Yoav Efrons engagiertem Metalcore-Projekt ARP spielt. Auch bei 'The Girl
Next Door' rattert Aviram ganz schön flott über die Tasten, um einem schüchternen
Verliebten auf die Sprünge zu helfen. Mich erinnert das stellenweise an die pfiffigen, aberauch oft mal arg überdrehten Sachen von Bob Drake. Für 'End of the Show' tritt nochmal
Fossfeld ans Mikrophon für ein eskapistisches Happy End-Duett.
Offenbar gleicht ein Ei des Kolumbus dem andern. Avenoth (FAD-25), das Debut von LA
BOCCA DELLA VERITÀ aus Rom, ist mit vierhändig Hammond, Mellotron, ARP Prosoloist,
Synth & Piano, E- & 12-strings Guitar, Rickenbacker Bass & Moog Taurus sowie Flöte undwiederum typischem Italo-Crooning aufgeblasen zu 80-min. Space-Schwulst. Mit Aliens,
Massakern, Deportationen und Aufständen und letztlich zerstörtem Planeten, aber mit
genau dem Fantasy-Kitsch und Prog-Pathos der 70er, das einst die sarkastischeren undtafferen Affen unseres Planeten auf die Palme brachte. Sonic Fiction geht anders.
10MissManagement - Mirran Thought (Fürth)DOC WÖR MIRRAN haben Tape hissed (Have Nine, mt-594, CD-R), ihren 141. Release,dem Andenken von David Bowie gewidmet und als Reminiszenz an die Kassettenära
ein Bandschnippsel beigefügt. Aus obskurem Archivmaterial der Jahre 1983-94 hat
Joe Raimond wieder ein sponge-bob-würdiges Abenteuer geformt: Weirdos vs. Deth.
Mit Rosinenhirn und 'Attention Spam'-Defizit bo-diddl'n'daddeln sie selbstironischgegen den Tod in jedweder Gestalt ihre mal krude, mal lendenzarte Garagen–psychedelik. Die unter Noisewogen unterzugehen droht, von Sharks bedroht, deren
Großeltern lange noch vom Festmahl der USS Indianapolis geschwärmt haben.
Gitarren im Sturzflug werden mit Synthienoise gegeißelt, von Brechern durchgeschüttelt und geschrotet, von Stürmen umfaucht und mit Raspelzungen abgeschleckt. Die Synapsen stehen unter Daueralarm, bis eine getragene Desertgitarre
sie trockenlegt. Doch gleich versinken sie wieder in brausender Flut, man hört
Stimmen und gerät in U-Boot-Panik, Kannibalen schlagen ihre Stammestrommeln.
Aber kein Barbar, keine gelbe Gefahr ist der Feind. Das sind eher die Executives,
denen DWM mit ihrer generösen No-©- & Null-$-Politik, mit Noise, aber auch mit
bluesig singender und silbrig funkelnder Gitarre einen Strich durch die Rechnung
machen. Wobei zwischen dem Noise und dem Blau kein vs. steht, Noise ist vielmehr
die Strömung, die einen hin zur blauen Seite des Haifischbeckens trägt (wo man mit
Barocktrompeten empfangen wird!).
Confusion rocks! (Have Ten, mt-595, CD-R) ist ausnahmsweise auch von Phil
Abendroth illustriert. Darin, dass der 142. Release von DWM dem Pastor und Senator
Clementa Pinckney, einem der Opfer des rassistischen Anschlags von Charleston am
17.6.2015 gewidmet ist, aber mit den Selbstporträts als Goldjunge, als 'warm son' undals kaputtes Ich überwiegend persönlich gehalten scheint, kann ich keinenWiderspruch erkennen. Raimond bildet mit Gitarre, Keyboards und Bass mit Stefan
Schweiger an den Drums eine kleine Rockband, die auf noch so verwirrende
Herausforderungen recht gelassen reagiert. Sanft und unermüdlich swingend, mit
Fingerstyle-Repetitionen und postrockig abgeklärt. Wohl auch mit allerhand
Deadhead-Spirit abgefedert und mit dem Ausrufezeichen hinter kalifornischflimmerndem Gold. 'Shelter' lässt zeitvergessen bekiffte Quicksilver Messengers mit
verklärten Kosmischen Kurieren umeinander schweben, alles schmilzt, alles fließt.
Amerikanisches Idyll pur, das jedoch mit der Fratze von Dylann Roof konfrontiert wird,
dem Attentäter von Charleston. Auch wenn weiter Goldstaub rieselt, paart sich nun
schmerzerfahrene Entschlossenheit mit gedämpfter Melancholie. Die Gitarre singt
beides mit Emphase, fasst zu Paukenbeat auch kraftvoll Tritt, ohne in billigen
Optimismus zu verfallen. Die Hubschrauberrotoren und peitschenden Schüsse bei'Happiness Is A Warm Son' und die ums amerikanische Oberstübchen kirrenden
Dämonen lassen dafür auch wenig guten Grund. 'Self Portrait, Broken' gibt dröhnend
und wabernd zuletzt dann doch der Confusion Raum, nur Demagogen und
Schwachköpfe sind auf schwarz-weiße Simpelei fixiert.
Junior Blues (Read Fifteen, MT-599, 60p) ist das bittere Gedenken von JOSEPH B.
RAIMOND III an seinen Ende 2015 verstorbenen Vater. Der hatte, auf christlichen Hass
und patriotischen Dreck eingeschworen, gegen seine verängstigten Kinder gern mal
den Bible Belt geschwungen und für die liberale Denkweise und den künstlerischen
Lebensweg seines 'europäischen' Sohnes nur verächtliches Stillschweigen übrig. For
over 30 years / I never had the guts / To tell you / That I love you / Now I'm glad I didn't.
Dem setzt Raimond sein Glaubensbekenntnis an die Poesie und die Kunst, an Liebe,
Schönheit und Individualität entgegen. Was sogar versöhnliche Worte für den
Antipoden mit einschließt. Und dem bei 'My Valley Of The Lost' oder 'Atlanta Ground'etwas gelingt, das über einen mutigen, schmerzlichen und exemplarischen Brief an
den Vater hinausgeht.
11

RareNoiseRecords (London)
Die Reid Hall in Edinburgh, ein 1859 erbauter viktorianischer Konzertsaal, hat wohlauch vor FREE NELSON MANDOOMJAZZ schon so manches zu hören bekommen. Die
Altosaxophonistin Rebecca Sneddon, der Bassist Colin Stewart und der Drummer Paul
Archibald geben sich bei The Organ Grinder (RNR068) dennoch lieber mit dem'Leiermann' den gehobenen Anstrich von Schubert und der "Dreigroschenoper".
Andererseits galten die Drehorgelspieler auch als öffentliche Pest, und DoomJazz ist
immerhin eine heimliche. Das dritte Album der drei bringt zwar keine Drehorgel ins
Spiel, aber mit der Trompete von Luc Klein und der Posaune von Patrick Darley neue
Klangfarben und ein anderes Gleichgewicht. Klein wurde aus Amsterdam eingeladen
für Horace Silvers 'Calcutta Cutie', blieb aber für drei weitere Stücke, darunter sein
eigenes 'LORA'. Statt alles gemeinsam zu komponieren, brachte diesmal jeder ein
Stück mit, Sneddon aus Bristol 'The Woods', Stewart aus Abu Dhabi 'Shapeshifter',Archibald, als Anchorman vor Ort, 'You Are Old, Father William'. Für Silvers Latingroove kam der Konzertflügel in der Reid Hall gerade recht, und ebenso die Jürgen
Ahrend-Orgel, um das röhrende Sax bei 'Om' zu bedröhnen. Was ist daran 'doomy'? Die
schleppende Langsamkeit von 'Open The Gate' und die knurrige Bassgitarre feiernnach wie vor Black Sabbath. Und wenn Sneddon aufschrillt, spottet auch das derErwartung an smoothen Jazz. Klein bestärkt sie bei Lewis Carrolls Parodie von 'The
Old Man's Comforts' erst unisono, kickt sich dann aber selber Stewarts Treppenstufen
rauf und runter, bevor sie wieder zusammen versuchen, einen Aal auf der Nase zu
balancieren. Beim angepaukten 'Funambule' wird mit bleiernen Füßen und schwerer
Zunge seilgetanzt. Im unheimlichen Wald aus Blech, wo es fiept und knurrig grollt,
verstrickt die Posaune das Saxophon in seinen Gesang. Silvers Stück taugt mit seinem
monotonen Dingdong als Elevator Noir und läuft zudem krawallig aus der Spur. Bei'LORA' folgt man einem Sarg, Sneddon spielt die quäkende Witwe, Darley den Witwentröster, Klein den Kuppler. 'Bicycle Day' bringt eine schwere Bergetappe, 'Inferno Pt. 1'
zeigt die Hölle als immergleiche Leier, aufgespalten durch Persephones Frühlingsgefühle. Stewart dreht 'Shapeshifter' als unrunden Loop mit Tempowechseln undlässigem Bläserswing. Und er wiederholt auch ständig 'Always Go Left In The Maze' als
Ratschlag fürs Leben.
ERALDO BERNOCCHI macht kein Geheimnis daraus, dass seine Verehrung für Brian
Enos "Apollo" (1983) ihn darin bestärkte, mit dem hindustanischen Lapsteelgitarristen
PRAKASH SONTAKKE den geliebten Klang aufzugreifen. Herausgekommen ist im
langen Hin und Her von melodischen Ideen, Loops und Sounds Invisible Strings(RN069). Der RN-Macher setzte dafür eine spezielle Baritongitarre mit Aluminiumhals
und Holzkorpus ein, arbeitete viel mit Pedalen, elastischen Basslinien und elektronischen Beats und überhaupt dem Studio als Instrument. Aber die großen Gesänge,die stimmt Dr. Prakash an, das jaulende Jubeln und Stöhnen ungeschiedener,
ekstatischer Schmerzlust. Der indische Meister war schon, vereint mit Eivind Aarset,
zu hören auf "Mercurial Balm" (2012) von Food. Seine geradezu beklemmend süße
Melodienseligkeit verbreitet intensives Possible Worlds-Feeling. Bei 'From Star To Star'
halluziniert man unwillkürlich Engelsstimmen zum Schmachten der Lapsteel und dem
groovig klackenden, pochenden, klickenden Flow. Bernocchi bettet Prakashs Singsang
auf Eiderdaunen, umwölkt sie mit zarter Pastelltönung, summendem Widerhall. Sein
Intro zu 'The Invisible Ferry' reimt Sonne auf Wonne, und selbst das große Indien lässt
sich einschmelzen in einen universaleren Regenbogen. In 'Sublime Skies' scheinen
Akkordeon- und Orgelklänge mitzuflimmern, mitzuschillern, bei 'Bangalor Electric'
rückt der tickelige Beat leicht, bei 'Purple Yellow' ganz stark in den Vordergrund. Nach
Geir Sundstøls "Furulund" werden hier noch einmal diejenigen verwöhnt, denen ihr
Brainfuck nicht psychedelisch und ihr Kaffee selbst mit drei Löffeln Zucker nicht süß
genug sein kann.
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BOBBY PREVITE hat mit "The 23
Constellations Of Joan Miró" (2001)
und "The Coalition Of The Willing"(2006) bereits ambitionierte Konzeptalben oder, wenn man so will, Suiten
verwirklicht. Und hat mit dem Septett
Bump schon einen massiven Klangkörper eingesetzt. Dennoch ist Bobby
Previte's Mass (RN 072) sein bisher
absolutes Opus maximus: Eine Messe
im Geiste von Guillaume Dufay und
Olivier Messiaen, mit allem, was dazu
gehört. Nämlich dem lateinischen
Messetext, angestimmt von The Rose
Ensemble, vom 'Introit' über das'Kyrie', 'Gloria', 'Alleluia', 'Credo','Offering', 'Sanctus' und 'Agnus Dei',
gipfelnd in der 'Communion'. Waseher nicht dazu gehört, ist ein wie aus dem Orkus abgeordnetes Donner & Doria
mit Drums (Previte), E-Bass (Reed Mathis), Pipe & Rheem Organ (Marco
Benevento) und Guitars (Stephen O'Malley plus Don McGreevy, Jamie Saft oder
Mike Gamble). Bereits in den frühen 2000ern hatte sich Previte daran versucht,
aber erst die Begegnung mit dem von Jordan Sramek 1996 gegründeten undgeleiteten Chor ermöglichte die jetzt erreichte Idealform. Dem 11-zungigen
Ensemble, vertraut mit den "Seasons of Angels" und dem "Fire of the Soul", demmexikanischen Barock ebenso wie mit Hawaiian Vocal Music und mit "Songs ofTemperance and Temptation" nicht weniger als mit "Southern Harmony Hymns
and Shaker Spiritual Songs", fehlte nur die Versicherung, dass Verstärkermauernund brachialer, in Heavy Metal wiedergetaufter Sound nur dazu dienen, sichzeitgemäß Gehör zu verschaffen. Previte gibt zu, dass es größter Anstrengung
bedurfte, um Beat, Gitarrenriffs, Orgelsound und den rosenlippigen Gesang zu
synchronisieren, vor allem die Kadenzen machten zu schaffen. Umso gewaltiger
wird nun die zage Seele aufgerüttelt, wenn in verschlungenen Melismen das"Filius Patris, qui tollis peccata mundi, miserere nobis" erschallt und das"Sanctus, sanctus, sanctus Dominus Deus Sabaoth / Pleni sunt coeli et terra
gloria tua" zum Huf- und Dampframmschlag der Drums und zum beelzebubigen
Knurren und Beben der glorreichen Gitarren von SunnO)))-, Earth- & Master
Musicians Of Bukake. Sind die ein Teil von jener Kraft, die stets das Böse will undstets das Gute schafft? Oder umgekehrt? Der Metal, der speziell mit seinen
stimmlichen Manierismen vom Grotesken zum Lächerlichen hin tendiert, wird hiererhaben sublimiert. Der Chor rückt keinen Millimeter ab von seiner versponnenen
Hingabe an den alten Ton der Mönche und Chorknaben (auch wenn die hierBüstenhalter tragen). An dieser Messe ist nichts Schwarzes, dafür wird mit
enormem Nachdruck, wenn nicht eine bessere Welt postuliert, so doch ostinat
Einspruch erhoben gegen die schlechte. Gable, der auch in Prevites neuem
Quartett The Visitors spielt, verbiegt beim in lauter 16tel zerklopften 'Offering'böse die himmlische Harfe. Der stramme Takt treibt zuerst auch das 'Sanctus' an,
bis die schillernde Orgel den Chor ins Spiel ruft. Wie der immer wieder auch kurz
mal a capella aus dem Krach aufscheint, insbesondere beim flehenden (und als
einziges gitarrenlosen) 'Agnus Dei', das ist schaurig schön! Die Orgel reißt
schließlich mit gewaltigem Cluster und stehender Welle mit zur 'Communion', diein exzessiver O'Malleyscher Kakophonie in Fleisch und Blut übergeht. Benevento
lässt dazu Electronics zwitschern und zieht mit seiner Orgelwelle einen langen,dünnen Gedankenstrich bis hin zum finalen "Amen". Dem - Himmel hilf! - eine
wilde Glossolalie ein schockierendes Ausrufezeichen verpasst!!!
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ReR MEGACORP (Thornton Heath, Surrey)
OSSATURA wurde mit "Dentro" (1998) und "Verso" (2002) und ähnlichen Qualitäten
wie Biota zu einer ReR-Empfehlung, nämlich mit einem multiinstrumentalen
Klangzauber, der mit bewussten Unschärfen eine tagträumerische Durchlässigkeit
des Alltäglichen hin zum Besonderen schafft. Elio Martusciello (der zuletzt Spuren bei
InSonar und NichelOdeon hinterließ) und die beiden Römer Luca Venitucci & Fabrizio
Spera mit ihren Erfahrungen bei Zeitkratzer bzw. Blast sowie gemeinsamen in 7k Oaks
greifen bei Maps and Mazes (ReR 03) wieder zu ihrer Palette aus Piano, Orgel,
Akkordeon, Gitarren, Drums & Percussion, Bass, Harmonika, Zither, Computer, Synthesizer, Electronics & Sampler. Sounds aus Neapel (wo Martusciello herstammt)
mischen sich mit welchen aus Korea (wo Spera mit Alfred Harth spielte), Flötentöne
der Maori (gepfiffen von Richard Nunns) mit Klarinette (gespielt von Michael Thieke,
Venituccis Partner in Unununium). Frauengesang entführt mit Zeilen von SamuelTaylor Coleridge seewärts, Water, water, every where. Wenn Mike Cooper (Speras
Partner in Truth In The Abstract Blues) spricht, zeigt die Kompassnadel nach Süden.
Drinnen und Draußen, Imaginäres und Reales verwischen, ebenso hier und dort. Das
Studio als Zauberstab bahnt die Zugänge zu möglichen Welten, Freundschaften
knüpfen Wege dorthin. 'The South' ist als Hör-Spiel dafür exemplarisch, aber dieÜberschrift auch Programm - nicht überall kommt man mit GPS hin. Auch wenn kein
weißer Fleck mehr blieb ('No Blind Spots Left'), sucht auch die schärfste Linse
vergeblich den 'Sea of Thoughts'. Ossatura umgaukelt mit Schleiertänzen die
Imagination, kein Ton ist hart, kein Rhythmus scharf, kein Flow gezielt, wenn da das
Becken zischt und rauscht, der Shaker rasselt, die Orgel dröhnt, das Akkordeon
züngelt, das Piano funkelt und trillernd durchdreht. Alles schwebt und flimmert undwirkt gerade dadurch suggestiv, eine Lockung durch Verkehr und Alltag hindurch.
Nicht ohne ominöse Schüsse und Ahnungen von Schiffbruch und Sintflut ('Diluvio'). So
gib unschuldig Wasser, Hinüberzugehn und wiederzukehren.
Nach BOB DRAKEs Ausflug in Joe Mruks Parco dei Mostri bei "Lawn Ornaments"(2014) liefert Mruk erneut das bunte Comic-Garn für Arx Pilosa (CTA AP01). Dret
Tancat zieht den Mantel fester um die Schultern, gürtet das Schwert und stellt sichden Legionen der Hölle, die ihre furchterregenden Tentakeln ausstrecken ('Dret Tancat
saves the Multiverse'). Allerdings wäre es ohne Bedrohungen, Rätsel, Abenteuer vor
Langeweile nicht auszuhalten. Jede Notwendigkeit ist auch eine Gelegenheit, durch
ominöse und gefährliche Tiefen zum 'Cryptic Mountain' zu gelangen, von 'The
Strangeness of You' gestreift, von 'The Molosse of Monument Hill' bedroht zu werden,
auf die unheimliche 'Fontaine de l'église' zu stoßen, Hieroglyphen zu entziffern oderdem Wasserhymnus des safranberobten Nashorns zu lauschen als ein anderer Jehande Mandeville, Baudolino oder aus dem Auenland gewirbelter Hobbit. Was wären wir
ohne Shakespeare, Maturin, Poe, Carroll, Lovecraft, Pratchett, Sim oder Moore? Nur
Dachse, die sich aus Mülltonnen ernähren. Wissenschaft allein hilft nicht, wie 'The
London Dialectical Society' beschämt erfahren musste. Der sternfahrende Apocalypse
Fox bringt es auf den Punkt: Whaddya wanna do, go to lunch, or go to the stars? Dem
Universum ist's freilich einerlei. Und wer weiß schon, ob in den Gärten des Vatikan
wirklich ein von einer anderen Ebene herab beschworenes Biest haust? In Drakes'Parthenon Replica' tummeln sich Sakis gnadenloser Iltiss Sreni Vashtar neben Frank
Belknap Longs körperlosen Hounds of Tindalos. Die 'Seven Fabulous Jackals'
bekämpfen derart dunkle Schrecken. Gegen Horror aus Immateria helfen nur Helden
aus Immateria. Drake beschwört Brian Wilson, Van Dyke Parks, Zappa, Samla
Mammas Manna, die Kinks und die Beatles und orchestriert seinen wieder mit
Kopfstimme gesungenen phantastischen Songzyklus mit grandioser Trippy Happiness.
"Smile" Re- & Overloaded? Nennt mir einen, der zur Zeit Pop ähnlich irrwitzig
aufmischt. Oder auch nur annähernd so überkandidelt, euphorisch und virtuos.
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... over pop under rock ...
GAYE SU AKYOL Hologram Imparatorluğu (Glitterbeat, GBCD 040):
Das dem Erdoğanwahn verfallene
Türkentum erscheint zur Zeit sostumpfsinnig und bösartig wie dermagyarische Orbanismus oder das
be-PiS-te Polentum. Da möchte man
am liebsten den roten Teppich ausrollen, damit dieses faszinierendeWesen nicht unter den kranken
Männern am Bosporus zu Schaden
kommt. Man muss nur einmal gesehen und gehört haben wie die studierte Sozialanthropologin, die 1985
in Istanbul als Tochter eines surrealistischen Malers geboren ist, auf Youtube ihr
Debutalbum "Develerle Yaşıyorum" (2014) performt, bis hin zu 'Pink Floyd'un Dediği Gibi'
und dem finalen Jingo-Rock 'Cehennem Meyhanesi', um dem Reiz ihrer dunklen Stimme
und ihrer sprechenden Hände zu verfallen. Dazu spielt das Trio Bubituzak hinter Masken
und mit Kutten wie Secret Chiefs 3, wenn die als Traditionalists orientalisch surfen. Akyol
zieht an ihren anatolischen Wurzeln und verbindet ihre Bewunderung für Grace Slick undShocking Blue mit der für Zeki Müren (dem Pascha einer androgynen Gegenwelt) und vor
allem Selda Bağcan (einst die 'anatolische Joan Baez', deren Stimme, mehr Paprika als
Honig, erst 20 Jahre lang unterdrückt und dann als altmodisch abgetan wurde, die vonFinders Keepers beschissen und bestohlen wurde, bevor der Freundschaftspakt mit BoomPam aus Tel Aviv sie mit Ende 60 nochmal als unwahrscheinliches 'Rock chick' chicmachte). Akyol (die übrigens ihr Idol für bantmag.com interviewt hat) macht eigene Poesie,
aber mit Sabahattin Ali (1907-1948) und Melih Cevdet (1915-2002) im Sinn, und spricht
damit, wie Bağcan, jene liberal-progressiven 30 % im Land an, die sich ihre Leitkultur nicht
von engstirniger Großmäuligkeit bestimmen lassen möchten. Ihre neuen Songs sindopulenter orchestriert, mit
wilden arabesken Streicherschwaden, die einenstarken Kontrast inszenieren zwischen tänzerischem
und rockigem Drive undnachdenklicher Melancholie oder weicher Sinnlichkeit. 'Akil Olmayinca' zeigt
in seinem träumerischen
Swing schön die oudähnlich klingende Baritongitar- mit Selma Bağcan
re zu dunkler Trompete und rollendem Tamtam. Wenn Akyol bei 'Kendimin Efendisiyim
Ben' sich Souveränität wünscht, darf sie gern schon mal am Zuckerhut lutschen. Ohne zu
verstehen, was sie singt, möchte ich jedoch allen odaliskischen Klischees widerstehen.
Bei 'Kendimden Kaçmaktan' und 'Uzat Saçini Istanbul' kommt ein Örgelchen, bei 'Anlasana
Sana Asigim' ein Akkordeon ins Spiel, aber am sprechendsten bleibt doch die Gitarre, diebeim Wiegenlied 'Dünya Kaleska' besonders düstere Schatten wirft. Bei 'Nargile' wird an
der Wasserpfeife gelutscht, um die blökenden Schafe zu vergessen. Akyol mischt
Romantisches mit Magischem Realismus und kritisches mit Selbstbewusstsein, mit auf
sanfte Glut gedämpfter Leidenschaft. Sie nennt es selbst 'türkischer Artrock'. Verfallen bin
ich ihr aber, egal wie sie es nennt.
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ALSARAH AND THE NUBATONES Manara (Wonderwheel Recordings, WONDER
CD-08): Reden wir nicht vom Sudan. Soll doch die dortigen Gewalttäter mit ihrer
Scharia und ihrer nicht endenden Menschenschinderei der Blitz beim Scheißen
treffen. Dabei war Khartum, wo man das verursachte Leid und Chaos gernverdrängt und ignoriert, einmal eine musikalische Nilquelle gewesen und Abdel
Aziz El Mubarak oder Abdel Gadir Salim Botschafter wunderbarer Musik straightfrom the heart. Die Biografie von Alsarah ist exemplarisch, mit 8 Flucht in den
Jemen, mit 12 Flucht vor dem dortigen Bürgerkrieg in die USA. Dort studierte sie
an der Wesleyan University Ethnomusikologie, wollte dann aber lieber selber Musikmachen. Sie wurde Lead Singer beim Nile Project, bevor in Brooklyn aus dergeteilten Diasporaerfahrung mit dem Perkussionisten Rami El-Aasser die
Nubatones entstanden. Deren Debut "Silt" folgt nun dieses in Marokko geschaffene
Konzeptalbum, angeregt durch nubische Vorbilder wie Hamza El Din (der beim Bau
des Assuan-Staudamms vertrieben wurde und in die USA kam) und mehr nochRasha (die über Kairo nach Madrid emigrierte). Vor dem Hintergrund der'Flüchtlingskrise' macht sie
die eigenen Erfahrungenzum Kreuzweg politischer
Zumutungen. Nach dem
frühen Krebstod von Haig
Manoukian spielt Brandon
Terzic die Oud, Mawuena
Kodjovi Bass, Nahid bringt
schwesterliche Gesangsverstärkung in der Aghani AlBanat-Tradition, in der sichweibliche Erfahrung ausdrückt. Bei '3yan T3ban'
etwa die Ansichten dreier
Mädchen im Yusuf Batil Refugee Camp im Südsudan,
wo Alsarah dem Filmemacher Hajooj Kuka an der
Doku "Beats of the Antonov"zuarbeitete. Die Bewegung
ist so paradox wie typisch: Während der Abstand eher zunimmt, zoomen
Erinnerungen und Mitgefühl heran an ein alternatives Pan-Ostafrika, das solches
Heimweh verdient. Dunkler Saitenklang und mit bloßer Hand zu federndem
Basspuls auf Riq, Deff und Dumbek geklapperter Groove breiten den Tanzplatz
aus für Alsarahs Stimme, die damit die Gefahr eingeht, als 'postmoderne Hottentot
Venus' angegafft zu werden und das nicht nur wegen ihrer wilden Frisur und dennoch wilderen Ohrgehängen. Sie singt auf Arabisch (ihrer schon dem Nubischen
entfremdeten Muttersprache) und im alten pentatonischen Modus, gern im
unmotorisierten Tempo von Huf- oder Ruderschlägen. Gestopfte Trompete,
Akkordeon, geklatschter Beat, elektronische Interludes und Verzierungen, Geigeoder Keyboards nehmen diesem Retro-Pop, gemeint als 'songs of return', nicht den
Zauber imaginierter Folklore, den neben dem arabischen Zungenschlag die Oud
von Terzic garantiert, die er schon im eigenen Xalam Project mit Matt Darriau
zupfte, auch wenn sie ihm als Abkömmling irischer, kroatischer und ungarischer
Vorfahren nicht in die Wiege gelegt wurde. Dabei ist er einer, der das Freisein vonTraditionen zu schätzen weiß. Wann hätte auch je ein Weg zurück geführt? Auch
Alsarah weiß das. Wenn sie davon spricht, that you must move forward in search ofnecessity for soul, for love, for home, for survival, ist 'forward' das entscheidendeWort. Konformität und festgenagelte Identitäten sind nur Fesseln und letztlich eine
Ursache für Krieg, auch für den im Sudan.
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BABA ZULA XX (Glitterbeat, GBCD 042, 2 x CD): BaBa ZuLa, das sind seit
1996 Murat Ertel mit Saz & Gitarre, Synthie, Bass und Percussion und als
Leadsänger und Levent Akman mit noch mehr Percussion, Maschinen undElektronik. In Istanbul sind sie bunte Hunde, Bosporus-Leute im Spagat
zwischen Asien und Europa, Folk und Westlerei, Volksnähe und Dissidenz,
traditionellem Kostüm und Minirock. Ihre Musik, Psychebelly Dance Music
oder Oriental Dub genannt, war von Anfang an als Filmmusik gedacht,
Beispiel: "Somersault in a Coffin" (1996) und "Ice Cream, I Scream" (2006).
Ins Ohr ihrer Landsleute wurmten sie sich, als bei einer TV-Serie dieblökenden Schafe und die Klarinette von Hüsnü Şenlendirici von 'Biz SizeAşık Olduk' zu hören waren. 2005 bescherte ihnen Fatih Akins Film
"Crossing the Bridge" über den Sound Istanbuls auch internationale
Zuneigung. Den übertürkischen Horizont betont der auf "XX" dominante
Dub-Groove als solcher und er zeigt sich auch darin, dass Sly and Robbie
oder Alexander Hacke mitmischen, dass neben Melike Şahin auch Brenna
Mac Crimmon aus Toronto singt oder mit Periklis Tsoukalas ein Grieche dieelektrische Oud zupft. Sogar Fred Frith hat 2014 in Ghent mit ihnen ein GuyFawkes-Tänzchen getanzt. Zum 20. Geburtstag präsentiert BaBa ZuLa ein
Best-of aus Remix-, Rerecording- und Liveversionen (fast 20 Min. vom
Resistance Festival 2013 in Athen) sowie aus Kollaborationen mit dermagnetischen Argentinierin La Yegros und mit Oki, seiner Tonkori und der
Dub Ainu Band. Dazu kommen auf CD 2 Geburtstagsgrüße in Form vonDubmixen von Mad Professor, Dr. Das (Asian Dub Foundation, Dub
Colossus), Uchi Uchida, Tolga Tolun und Dirtmusic. Wie subtil BaBa ZuLa
vorgehen kann, die live mit Schnauzbart- und Bauchtanzpuppenklischee
spaßen und mit ihrer Oriental Party etwas eindimensional wirken, zeigt sich,wenn sie ihren größten Hit, das melancholische Liebeslied 'Bir sana bir debana', von Delayamans Aret Madilian singen lassen, der armenische
Wurzeln hat. Durch die Blume sprechen sie auch mit 'Aşıkların Sözü kalır':
die Worte der Politiker sind Spreu, was bleibt, das stiften Dichter wie Pir
Sultan Abdal und Mansūr al-Hallādsch. Hühott, jag nur zu, Pascha, Bis Dir
die Räder vom Wagen springen...
BARBEROS Barberos (OFFSET Records/Dream Machine, DMR010): Als"absurdist electro-noise theatre from Liverpool... an awesome two-drummer
percussive battery, shuddering synth noise and frantic tempo switches, whirling between jazz, prog, avant-noise, breakcore and pounding polyrhythms allwhilst clad in skintight full-body spandex" werden sie angekündigt, wenn sie
sich mit Sax Ruins die Bühne teilen, wie heuer im August, oder, was stilistischetwas näher beieinander liegt, mit den Battles. Das Visuelle spielt eine große
Rolle bei ihnen, wenn sie sich maskiert und anonym als Froschmänner/Silver
Surfer präsentieren. Mit jaulendem Synthie als Surfbrett auf knarrenden
Synthiebasswellen sind sie kaum zu stoppen, das vierhändige Getrommel
verzahnt sich damit eher maschinistisch als im anarchistischen Stil vonTalibam!s Kevin Shea. Deren absurdem Uptempokrawall Barberos auf eigene
Weise aber doch nahe kommt. Die Stimme bei 'Hoyl' ist die von Charles
Hayward (This Heat), der zu Geblubber und Gesirre erst nur spricht, doch inder Stunde des Wolfs auch einen leisen Singsang anstimmt. Gefolgt vom
abrupten Stakkato, knarrigen Fuzz und staksigen Georgel des 'Concerto(Reprise)', das ELPs barbarischen Bartok mit Hardcoreknüppel barberosiert.
'Akropolis' besticht mit kantiger Kontrarhythmik, heftigen Orgelstößen undwieder urig splatterndem Bassstakkato zum krummen Hufschlag. Gipfelnd inanschwellendem Bocksgesang. Bei 'Obladden' kaskadieren zuletzt Vokal- undNoisepartikel, die von brachialen Schlägen und Synthiedarmkrämpfen aufgemischt werden, dass die Kacke dampft. WTF?!?
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EARLY SPRING HORSES What the Wood Whispers to Itself (Send the Wood Music): Vincent
Stockholm ist bereit, auf Glockenschlag sein Pferd zu peitschen, getrieben von der
Hoffnung, Reue und Gewissensbisse hinter sich zu lassen ('Early Spring Horses'). Oder
Segel zu setzen wie ein anderer Peer Gynt, gelockt von dem, was er sich vom Unbekannten
verspricht, um Tränen schert man sich da besser nicht ('Across the Roaring Forties'). Sein
Weg ist nun mal sein Weg ('Chaos in My House'). Nein, er wird nicht zum Essen zuhausesein, von jemandem, der die Engel singen hört, ist das nicht zu erwarten ('The Northern
Blot'). Im Wald schlief er so lang, gebannt von goldnen Blättern, dass ihm selber eine Borke
wuchs ('The Bark'). Die Sonne als phantastische Geliebte spendet ihm Wärme und Licht
selbst in Winter und Schnee ('Vintersolstånd'). Sein Naturell gleicht eher dem 'Ariel' auf
Prosperos Insel. Bis zuletzt der, der die goldene Krone des Herbstes und die grün-braune
des Sommers trägt, der Geist des Waldes, mythopoetisch unser aller Reise auf der Milchstraße beraunt in 'Voyager's Trail', Stockholms Hommage an John Muir (1838-1914), den'Wildnispropheten', 'Bürger des Universums' und Inspirator der Nationalparks. Das alles erklingt mit romantisch sensiblem Singer-Songwriter-Bariton zu klimperndem Klavier oderverfremdetem Keysound, zu Elektropuls und Handclapbeat, zu wabernden Wellen oderflatternden, zu klopfender Drummachine und Phantomcellos und sogar zu Harfengefunkel.
Nichts daran klingt neu, aber das wäre auch das Letzte, was der Mann aus Älvdalen
anstrebt.
FEU ROBERTSON Sticky Situations with Troubles (Partycul System, PS 031): Schade, dassdiese psychedelische Schrammelband aus Reims unbedingt amerikanisch sein will. Ich
denke, dass ihr junges Wollnashorn in fremder Zunge nicht so abhebt wie es könnte.
Charlemagne Ganashines Englisch nutzt poppige Phrasen als Krücke: A day in the life...
Never mind... between the devil and the deep blue sea... Riders on the storm... You're my
Venus You're my fire... Are You in exile on mean streets?... Hot baby in Sin City... The
encounters of the Third Kind... I'm your dog... Ground Control to Major Tom... Dazu gibt ersich mit seinem "Miss Miss Miss Addiction I Miss You", seinem "Off we go to a cocaine
store" süchtiger, als er vermutlich ist. Seine Nähe zum Low Life scheint mir ähnlich
gestohlen wie seine Zitate, seine Riffs und seine Küsse. 'On the boundary' kreist um Orson
Welles' "Touch of Evil", 'Ballad of Loli' um Nabokovs Lolita (allerdings mit Jane Birkin in hismind). Blockflöte, Banjo, Glockenspiel, Querflöte, Akkordeon und Dudelsack versprechenviel, sind aber mit Messerspitze dosiert. Wie konnte sich Daniel Erdmanns Saxophon
verirren zwischen die mal klampfend leicht, mal krachig schwer, mal flackrig verzittert insich selbst verliebten Gitarren? Wieviel muss man geschöppelt haben, um "Rising Riesling"stabzureimen und um ein platt gefahrenes Kaninchen für ein fliegendes Nashorn zu halten?
NADINE KHOURY The Salted Air (One Flash Records, ONEFL05): Was ist es, was diese einst
mit ihren Eltern aus dem Libanon nach London gekommene Liedermacherin offeriert?
Dreampop mit Synthiedrone und daumendickem Dattelmusaufstrich? Empfindsamkeit mit
plinkender Klampfe und sämigen Strings? Beim 'Jerusalem Blues' mit noch mehr süßem
Gegeige und Pianomoll schwelgt sie in Liebeskummer. 'Broken Star' trägt mit Trauermarschtrommelchen, Ambient- und Tremolo-Guitar ein in der Gosse gelandetes Sternchen
zu Grabe. Ich muss an mich halten, damit ich nicht hinschmelze in meiner Schwäche für den
Edelkitsch einer Damsel in tristesse. Die selber eine Schwäche für Saudade und Rilke hat,
die Lhasa de Sela, Hope Sandoval, Low, Cat Power, PJ Harvey und A Winged Victory For The
Sullen verehrt und um Leonard Cohen trauert. 'Daybreak' stapft mit Akkordeon und festem
Tritt scheinbar dem Silberstreif am Horizont entgegen. Harfenfein plinkt das Salz in 'The
Salted Air', wo Khoury zusammen mit dem Sandmann jedoch ins Reich der Schatten
schreitet. Danach klingt sogar der hinkende Beat von 'Surface of the Sea' flott, Piano undGitarre fast schon animiert. 'You Got a Fire' bringt wieder das feine Gefunkel, zu
partnerschaftlich vereintem Zungenschlag, aber wieder schlappem Zeitlupenswing, der das
glückselige Eiapopeia als Wunschtraum erscheinen lässt. 'Shake it like a Shaman' ist als
Hommage an Jeff Buckley mit Tamtam, respondierendem Chor und Déjà-vu-Haken das
launige Highlight, bevor 'Catapult' zuletzt mit Orgelchen, Klampfe, singender Lapsteel,klackendem Beat, der Überzeugung "Nothing is wasted" und fast ein wenig gospeligem
Anhauch vom Schatten in den Halbschatten steigt.
18

SPACEHEADS Laughing Water (Electric Brass Records, ebr006):
Wer nicht weiß wie Wasser lacht, wird umgehend aufgeklärt.
Alles andere ist wieder Sache der Trompetenloops & Effekte vonAndy Diagram, der Drums & Percussion von Richard Harrison.
Wobei diesmal Vincent Bertholet vom Genfer Orchestre Tout
Puissant Marcel Duchamp und mit G.W.Sok in Testa di Cavallo)
mit Kontrabassloops alles ein wenig anders macht. Ein wenig,
sage ich, denn es groot und groovt wie gewohnt, das Seepferdchen wiehert, der Oktopus schwingt die Tentakeln, dasblaue Blau steht unter Dampf. Bei 'Be Calmed' entspannt sichalles dub- und wahwahweich, ein französischer Radiosendermischt sich ein, alles spielt sich in Wellenform ab. 'Quantum
Shuffle' zieht funky das Tempo wieder an, 'Octopus' dreht aber
wieder Däumchen. 'Machine Molle' verweist mit Klapperloop,
jazzigem Pizzikatogroove und "Everybody needs a piece of theworld"-Chorus nicht gerade direkt auf Soft Machine, was nicht
heißt, dass es einen nicht grinsen lässt. 'Pedalo Power' klappermühlt mit einem vokalen Shi-Bum-Beat, diesmal darf die
Trompete frei schweifen. 'Aire De Rhone' schnappt zu bimbambom-lässigem Bassloop Genfer Luft, Harrison lässt Metallscheiben hallen, raschelt mit Muscheln, ein sanfter Chor vokalisiert zu Krähengekrächz. Spät erst wirft die Trompete dazu
ein wenig Mondschein. Wer das in Tütchen mit sich führt, braucht
bärenstarke Nerven, wenn eine Polizeisirene vorüber dopplert.
THE STRANGE WALLS ...Won't Last (Alrealon Musique, ALRN072):
Tags: art-punk, post-punk, gothic, New York. Kern des Ganzen ist
seit 1996 J.V.O. Worthley, mit "Bloody Garments Volume One" (1999)
als frühem Statement und jüngeren Lebenszeichen wie "Disappear
Reappear 1999 Condensed" (2015) oder "The Room's Width" (2013).
Diese nach einem Gedicht der Spiritualistin und Feministin Elizabeth
Stuart Phelps Ward (1844-1911) benannte EP, die damit und mit dem
Resedenduft aus O'Henrys 'The Furnished Room' Geister erscheinen
lässt, nennt Vocals, electronics, strings, guitar, water phone, toy
piano & concertina als Worthleys Werkzeuge. Dan Drogynous ist
Mitstreiter seit ihrer Begegnung im CBGB 2003, dritte im Bunde ist
neuerdings Regina Yates, neben Drogynous das blühende Leben(allerdings sieht der auch aus wie vom Geier ausgewürgt). Der
träumerische Gothic-Touch der EP, die damit wie eine Geistererscheinung aus den 80ern klingt, der greift auch gleich mit Yates'
Stimme, so mager wie Hänsels Knochenfinger, aus 'The Sleeping
Cage'. Mit Alraunendoping verschärft sich der Sound zu vehementen
Postpunk-Déjà-vus, wechselt aber gleich zu quallendem Vocodergesang für einen 'Torch Song' unter Wasser und zu einer von Yatesganz melancholisch angestimmten 'Wartime Melody'. Low-Fidelity,
Verzerrungen, wie mit den letzten Notgroschen klimpernde Percussion, schleppendes Tempo, Gesang wie von hinterm Vorhang,schwammiges Keyboard, schimmliger Prophet 600-Sound, lungenkrank zirpende Melodica, Spieluhr, Kinderklavier, Yates als 'Lucy
Grey', die im Schnee verloren geht, 'Snow Day' als Gitarrenpsychedelik, 'Yadwons' mit elegisch angeblasener Melodica, 'Grey
To Red' knochig durchpocht, und Yates Gesang so flüchtig, dassman vorm geringsten Windstoß bangt. Allerdings trägt die Musiksoviel Kummer und Vergangenheit in den Taschen, dass der Wind
sich schwer täte.
19Teenage Wastelands
Jede vergleichende Kritik ist faschistisch. Wo habe ich das kürzlich gelesen? Doch wie
soll ich sonst auf Unterschiede aufmerksam machen? Außerdem verrate ich mit jeder
Reflektion eh nur meine Schwächen, meine Wunschvorstellungen. Wenn ich vor der Wahl
stehe zwischen dem Dream- & Psych-Pop von MIND MONOGRAM und dem Post- &Garagenpunk von The Staches, dann bleibt mir nun mal keine Wahl. In mir sträubt sichalles gegen den mit männlichem Möchtegernsopran geschmachteten Schmus, den Edgar
A. Ruiz und sein Quartett aus L.A. auf AM in the PM (Aagoo Records, AGO094) aus ihrer
Maüs-Perspektive unter der Trauerweide ausbrüten. Wenn er da "Wolf" heult und mit"HaAaaa" einen Floh als Elefanten am Horizont swingen lässt. Damit bedient er ein
süßliches Jammerlappertum, das seit viel zu lange schon als Indie-Empfindsamkeit mit
Nacktschneckencharme hausieren geht. Inzwischen sind ja fundamentalistische Bärte
wieder in. Bin gespannt, ob sich das demnächst klanglich niederschlägt.
Dagegen sprechen mich THE STACHES mit der rauen Feminität von Placid Faces (LesDisques Bongo Joe, BJR009) und einer Haltung an, wie sie einst auch Mitte der 80er mit
dem Gewinsel der aufgeblasenen Machoegos der 70er abgerechnet hatte. Wie Lise Sutter
als Synthie-Kratzkatz und die Bassistin Charlotte Mermoud da singen und die Krallen
ausfahren, da hätte vor 30 Jahren nur Schneckenkorn verhindert, ihnen über sämtliche
Salatblätter zu schleimen. Heute wäre solches Anhimmeln abgeschmackte Nympholepsie.
Aber die Reminiszenzen an Kleenex und die Slits sindbei den beiden Genferinnen und ihren kernigen Hintermännern an Bass und Drums tatsächlich mehr als bloß
Plastikphrasen. So sehr, dass ihr 'Total Commitment' ineiner Wahrhaftigkeit ('Truth') endet, deren bitterer Beigeschmack zu hören ist. Sutter, die bei Couteau Latexfranzösisch kess die Wave-Schrauben dreht, undMermoud, die solo als Purpur Spytt mit Bass- & Drummachine-Lakonie becirct - hm, Frauen und Bässe sinddoch ein eigenes Kapitel Musikgeschichte -, die treten
zusammen auch als Maraudeur mit ungeschminktem
Lo-Fi-Synthie-Nichtpop vor den Spiegel, den sie einem
dann vorhalten. Fast klingen sie mir da, wie auch mit
The Staches, etwas zu amerikanisch, jetzt gar nicht mal
als Neo-Riot Grrls, eher mit einer Simplizität, die an
Kira Roessler (von DOS) erinnert. Sutter scheut sichnicht, Ron Padget und den von Rolf Dieter Brinkmann eingedeutschten Frank O'Hara als
poetische Vorbilder zu nennen. Könnte sie in der Zeit reisen, I’d go in Zürich, Switzerland,in the late 70’s/early 80’s to see Kleenex/Liliput on stage. Andererseits lassen mich die
jungen Schweizer mit ihrem Namedropping locker spüren, dass sie meine Enkel sein
könnten. Umso kurioser, dass sie mich auf Lena Platonos bringen, Jahrgang 1951 undganz meine Wellenlänge.
Dass Morgan Enos, der auch hinter Hheaven steckt, als OTHER HOUSES mit Fabulous
Dates (Aagoo Records, AGO095) sein Punkalbum gelungen ist, mag ich nach 'Pronounce
Tarot' (und der zigfachen Wiederholung dieser Phrase) noch glauben. Aber 'Fabulous
Dates' ist mit Spinett und Tambourin dagegen ganz verliebt in den Beatles-Pop der 60s.
Und das bekifft schmachtende 'I Feel Good' ebenso. 'See Tangerine' oxymoront beide
Extreme in eins, mit knarzigstem Fuzz und zugleich süßen Pop-Rüschen und Paisleymustern. 'Ferns Are Fine Forever' steigert noch den Spinettspleen mit Gesang, der seine
Chorknabenvergangenheit nicht verleugnet. Zum Ausgleich knurrt 'On A Vanity' wie
Grindcore in Zeitlupe. Danach aber bleibt es bei der Kopfstimme und dem Geschrammel
im Retrolook. Enos schüttelt seine Murmeln als wären es Diamanten vom Himmel. Und will
dennoch nicht Teil einer Retrobewegung sein ('No Part Of It')...?
20

Als ich durch "24616" (VOX15) von den Freakrockern und Freudianern Ça
auf VOX PROJECT aufmerksam wurde, ein kleines Label in St. Etienne, war
es bereits aus den Kinderschuhen rausgewachsen. Mindestens seit 2008
lassen sie da 50 km südwestlich von Lyon die Muskeln spielen: Progressive
Punk, Post-Hardcore, Sludge Metal und Math Rock, das volle Programm.
Wenn nicht stark, dann eben halbstark.
Ich fange mal 2014 an mit "Ostéologie des Pères" (VOX16) von MIKLIO,
dem zuvor schon ver-Vox-ten Duo von Antony Ferreira & Gabriel Notin, die
das Erbe der Väter bis auf die Knochen reduzieren, in einer euklidischgeometrischen Leichenfresserei, der es nach dem Mark gelüstet:
Repetitive Muster und simple Akkordformeln, die, mit sludge-metalistischen Wurzeln bei Gore und den Melvins, bei Boris und Isis, inschattiger Atmosphäre und doch scheinbar frei von Pathos im Rad desSchicksals drehwurmen. Nicht nur unermüdlichen Hamstern verschafft
das Lustgewinn. Nur Bass und Schlagwerk, gar nicht mal brachial, aber
bei 'Thetrahedre' dann auch mit E-Gitarre und gipfelnd in desperatem
Schreigesang, der gegen das verhängte Immersoweiter aufbegehrt.
Mit einer Rattenlawine überrollt einen PLÈVREs "Plèvre" (VOX17, C-18).
Nach dem althergebrachten 'Incipit', mit dem schon das Buch der Funken
anhob oder bei Nietzsche die Fröhliche Wissenschaft von Tragödien undderen Parodien, zerhackt und zermörsert einem hier Hardcore Hirn undEingeweide bis einem flau wird. Vor allem der kreischende, beißende
Schreigesang frisst sich als asiatische Folter ins Gedärm. Mehr Absage
ans herrschende Eiapopeia geht kaum. Ab damit ins Massengrab, derMensch entsorgt als Säugetier, dem man am besten das Fell über die
Ohren zieht. 'Mammifères' zieht mit dröhnenden Noiseschlieren den Strich
unter die Negativbilanz des Homo Sapiens.
Drums, Bass, Gitarren, mehr brauchen auch GRAND DETOUR nicht, um
einem Feuer untern Arsch zu machen mit "Tripalium" (VOX18, LP), einem
von 10 Labeln gemeinsam gestemmten Release. Das Quartett aus
Toulouse überrascht allerdings mit melodiöser Finesse und animiertem
Gitarrenklingklang, wenn sie da, mit beiden Füßen im Bodenlosen,balancieren zwischen Arbeit und Revolte, zwischen 'Arbeit und Rhythmus',zwischen der Beschwerlichkeit und dem Dreck des Metiers, ja sogar
zwischen Hayek und Keynes (denn wie soll man in 'Hayekeynes' keine
Anspielung auf den Konflikt zwischen Staat und Markt vermuten?). Wie
kein anderes Vox-Projekt sucht dieses hier den Schwebezustand als
Modus vivendi.
Das kroatische Trio VLASTA POPIĆ wird mit Fugazi und Shellac verglichen,
hat aber eigentlich mit der temperamentvollen Trommlerin Tena Rak undderen Schreigesang einen andern Akzent. Auch spricht die prickelnde
Gitarre gleich anfangs bei "Kvadrat" (VOX19/HMRL037, LP, koproduziert
mit Moonlee Records in Ljubljana) für sich. Das Tempo ist ständig hochmotiviert, der Duktus mit Postpunkverve rock'n'rollig und animiert. Dabei
singen diese Underdogs davon, in der Pfanne des freien Marktes gesotten
zu werden, von Ängsten, die den Blick verstellen, von ihrem Land voller
Scheißhaufen und Vogelscheuchen, von Träumen, die dahinschwinden,
wenn man den Kopf vor der nackten Wahrheit in den Sand steckt oder ne
Krawatte umbindet und vor der Hand, die einen zu füttern verspricht, mit
dem Schwanz wedelt. 'Nervozno se sanjari' besingt zuletzt zum
bemerkenswerten Ticktack der Gitarre fast volksliedhaft die Quadratur desKreises, bevor Rak zubeißt und den herrschenden Mächten die Kraft ihrer
Träume mit offenen Augen entgegen schreit.
21ŽEN kommt ebenfalls aus Zagreb und ist ganz in Frauenhand.
Eva Badanjak (Gitarre), Sara Ercegović (Drums) und Ivona
Ivković (Bassgitarre), alle drei dazu mit vocals, synths, organ &strings, betten bei "Jantar" (VOX20/UNREC10), das Vox zusammen mit Unrecords veröffentlichte, einem 'queer-feminist
record label' in Wien, dunkel gesprochene Lyrik auf rauschenden Minimaldröhnrock mit vielfachen Repetitionen. Dazu
stimmen die drei gemeinsam auch sehnenden Gesang an. Sie
singen von einem 'wilden Kind', nackt und allein im Wald. Sie
lassen Protonen, Elektronen und Neutronen tanzen und bei 'Žal'
die See den Strand küssen. Dem Liebesbekenntnis folgt bei'Slava Raškaj' ein schmachtendes Blättern im Poesiealbum desAllzubekannten. "Nema te zemlje koju ne znamo", kein Land
mehr unbekannt. Sie vertiefen das mit dem enttäuscht
gemurmelten 'Išao Sam Negdje, Bila Sam Svugdje', das einen
im Entgrenzten das Begrenzte spüren lässt, und dem nochentsagenderen Shoegazer 'Tvoje Šape Ostavljaju Tragove'.
Leider werden da so einige mädchen- und märchenhafte
Klischees bedient. Wobei ihr slawisches Märchen darin gipfelt,
den Vogelkäfig zu sprengen und mit den Nachteulen undGeistern zu tanzen und mit den Jokern und Teufelchen untereiner Zypresse Tee zu trinken.
THE CANYON OBSERVER sind eine slovenische Connection
und ihr "FVCK" (VOX21/KAP LP 004, 12") ist eine von James
Plotkin gemasterte Koproduktion mit Kapa Records, ebenfallsin Ljubljana. Mädchen, verlockt durch den Sexappeal vonGhouls und tintenfischiger Schwärze, nähern sich dem infernalischen Mahl- und Magmastrom dieses Sludge-Quintetts auf
eigene Gefahr. Schreigesang, der die eigene Brust zerreißt, undgrollendes Gurgeln, hackende Riffs, knatternde Blastbeats,düster-monotone Wiederholungen und karmesinrot aufscheinende Gitarrenglut machen es ratsam, dabei keine Röcke zu
tragen. Was bei Höllenbräuten, die auf Satansbraten scharfsind, auch kaum zu erwarten ist. Andererseits wirkt dieses hingebungsvoll sämige Riffing nach einer Weile derart heimelig,
dass es mich nicht wundern würde, wenn die Mama derhalbstarken Buben da gleich Apfelkuchen auftischen würde.
"Kind Words" (VOX22, LP) schließlich bringt mit freundlichen
Worten zum Ausdruck, dass CORBEAUX die Welt, wie sie ist,für einen müden alten, ja bereits halbtoten Gaul halten. Was
sonst könnte das Quartett aus Rennes mit 'Corpse Pose', 'Old
Tired Horse' & 'Old Dying Horse' meinen? Knatternde Beats
und der rufende Ton im Gesang, zwei verzahnte Gitarren überknurrigem Bass, dazu die Rückendeckung von Magnus
Lindberg (Cult Of Luna), der das Mastering, und von Amaury
Sauvé (As We Draw, Hourvari), der die Abmischung besorgte.
Aber letztlich doch nur durchschnittlicher Post-Hardcore. Das
Fuzzing des Basses und die Momente, in denen die Musik erst
tastend sich selber findet und der Sänger nur spricht, sinddann auch schon die spannendsten. Dabei wird mit 'Helena
Markos', der Mater Suspiriorum in Dario Argentos "Suspiria",
die älteste und schwärzeste seiner Tre madri beschworen,
ohne dass sich ein ästhetischer Rapport zur Mutter der Seufzer
einstellt.
22nowjazz plink'n'plonk
Cipsela (Coimbra)
Ach, JOE MCPHEE, nur wenige verkörpern den spirituellen und elementaren Horizont
der Musik so intensiv wie dieser 'Black Magic Man'. Er spendet mit seinen Hörnern"Tales & Prophecies", "Songs '&' Dances", "Voices & Dreams", immer mit Heart &Guts. Er beschwor Shakespeares Geist und Ibsens Gespenster, er pilgerte vonBabylon mit unablässiger 'Goin' Home'-Sehnsucht nach Ithaka und vergaß doch nie,
wem er es mit zu verdanken hatte, dass er so weit kommen konnte. So würdigte er
Albert Ayler, Sidney Bechet, Don Cherry, John Coltrane und Steve Lacy als legendäre
Helden, bedachte aber auch Klaus Baumgärtner, der seine neun Hat Hut-Covergestaltet hat, und Herbert Distel mit kleinen Stücken. Allein 2009 erinnerte er mit
seinen Altosolo "Alto" (Roarotorio) im Local 269, NYC, an den Drummer Warren Smithund den Poeten Steve Dalachinsky und mit Flowers (CIP 005) im Museu Nacional
Machado De Castro in Coimbra mit dem innigen 'Old Eyes' gleich noch einmal an
Ornette Coleman und mit 'Eight Street And Avenue C' einmal mehr an den Maler Alton
Pickens. Besonders freute sich Niklaus Troxler, der mit einer Posterausstellung in
Coimbra dabei war, über 'Knox', das ihm schon 1977 gewidmet worden war, ein
rührendes kleines Lied, mit grotesk aufstöhnenden Einwürfen. Dazu pflückte McPhee
für John Tchicai das anfangs brennnesselige, dann nahezu lautlose 'Flowers'. FürMark Whitecage stieß er 'The Whistler' ins Horn, gerahmt mit einem gepfiffenen und
mit Klappenlauten beklopften Motiv, das jeden den Atem anhalten lässt. Für Anthony
Braxton stimmte er mit zirkularbeatmeten Spaltklängen 'Third Circle' an. Als Encore
klatschte, klackte und ploppte er für Julius Hemphill 'The Night Bird's Call'. Humor
hat der Vogel also auch noch. Der Mann, der in Würzburg seinen Militärdienst
geleistet hat (und mit einem selbstgemalten Porträt von Ornette in seinem Spind fürStirnrunzeln sorgte), der ganz unverkrampft Edward de Bonos laterale Denkanstöße
mit dem Feeling von Chet Baker, Otis Redding und John Lennon unter einen Hutbrachte, der seine eigene Intellektualität mit der Tradition eines Paul Robeson und
James Baldwin in Einklang brachte und mit seiner kleinen Pocket Trumpet das
Brötzmann Tentet aufmischte, der lässt nicht nach mich zu berühren mit seinem
Seelenstrom, seinen Wolkentränen, seinen Urworten und simplen Fragen.
Kann man improvisieren, dass es nicht nach spielerischem Tasten klingt, sondern
wie durch unsichtbare Partituren bestimmt? JOËLLE LÉANDRE und THÉO CECCALDI
werfen mit Elastic (CIP 006) diese Frage auf. Mit Kontrabass und Violine, extented
techniques, bei Léandre mit jahrzehntelanger Léandristik. Bei Ceccaldi, der heuer
gerade 30 geworden ist, wachsen die Erfahrungsringe noch, meist im Zusammenspiel mit seinem Bruder Valentin, im eigenen Trio, in Toons, Deux Maisons und
Chamber 4, dazu im Orchestra National De Jazz. Schon mit dem Trio kam es zu einem
Erfahrungsaustausch mit Léandre, die die beiden Brüder auch in ihr 10-tet einlud.
Mehr als genug Vertrauensbasis für freihändig gewagte Streicherstreiche, die das
Restrisiko nicht auf Null minimieren wie die abgewetzten Routinen im Klassikzirkus.
Unsre zwei schwelgen dabei durchaus in der Fülle, die die Spätromantik und derModernismus den Virtuosen bieten und brillieren mit Tirili und Arcoschwung. Spicken
das aber mit surrealen Stimmungsumschwung, launigem Szenenwechsel undverblüffenden Showteilen. Mit zartbitterer Stummfilmmelodramatik, miróeskem
Pizzikato, vereistem Diskant, stöhnendem Kummer, schillerndem Glissando,
surrendem Hummelflug, Fuchsschwanzchampionship. Dann wieder gepickten,
geharften und gebogenen Tönen, zuckerbäckerischem Wiener Schmelz, fröstelnder
Jungfer. Und beim Finale ein Bonjour, tristesse, mit steinerweichendem FauréFeeling bis hin zum Erlöschen.
23

Creative Sources Recordings (Lisboa)
THEA FARHADIAN, kalifornische Geigerin mit armenischen Wurzeln, Pendlerin
zwischen San Francisco und Berlin, ist durch ihre Black Copper-Musiken mit Dean
Santomieri und Klaus Kürvers keine Unbekannte. Ihre Solos für Violine und
Max/MSP Software auf Tectonic Shifts (CS 365 CD) spiegeln ihre elliptische
Existenz, denn sie sind teils von Myles Boisen in Oakland, teils live im Berliner
Sowieso aufgenommen worden. Es braucht nur wenige Striche auf dünnen
Silberfäden, um in ihr eine Verwandte von Mia Zabelka oder der Bratschistin
Charlotte Hug wiederzuerkennen. Die interaktiven Electronics vermehren Farhadian zum Plural. Es gibt Nachhall- und Durchschlagseffekte, ein Zwitschern vonphantastischen Vögeln als Spielgefährten, die neckend den in seine Kunst vertieften
Weißclown umflattern. Das Künstliche kann sich so sehr verselbständigen, dassFarhadian zu der wird, die folgt und antwortet. 'Time Shift' und 'Quantum Shift'erkennen das neue Ungleichgewicht an, 'Ice Wave' und 'Silverplate' klingen als
Metaphern schon anachronistisch. 'Splinter' zeigt die Violine als bloßen
Zündfunken, als Genmaterial postviolinistischer Sonic Fiction, die längst ihre
eigenen Partikelparties feiert. Die Geige mutiert zur Harmonika, Melodica, Koto,zum schimmernd kaskadierenden Poltergeist. Sie stürzt, pfeifend und kratzend,
rückwärts in der Zeit, sie vergeht vor unseren Ohren, sondert Schatten und
Irrlichter ihrer selbst ab. Farhadian schleift und poliert dröhnende Klangfenster, diezuckende Strahlen reflektieren. Raue Synthetik reibt sich an Schönklang, Pizzikato
zupft dran rum. Geigen sind nicht vom Aussterben bedroht, dass sie mutieren ist ein
Reizzuwachs, den Farhadian auf dem Silbertablett serviert.
YORGOS DIMITRIADIS stammt aus Thessaloniki, leistet aber, nachdem er zuvor 12
Jahre in der Pariser NowJazz-Szene mitgetrommel hatte, seit 2006 seinen Beitragzur Leitkultur von Berlin aus, mit dem Fabric Trio, dem Trio SYC, im Berlin
Improvisers Orchestra, live @ Sowieso oder @ miss Hecker. Kopfkino (CS 369 CD)
ist nicht seine erste Veröffentlichung auf Creative Sources, er war da schon zu
hören mit Miles Perkin & Tom Arthurs als Glue ("Chats With The Real McCoy", 2014)
und mit Antonis Anissegos & Floros Floridis als Grix ("Penetralia", 2015). Diesmal
präsentiert er sich live am 7.3.2016 beim Deteriorate Sound Festival in Athen, das er
solo eröffnete, mit James Wylie & dem Veranstalter Yiannis Anastasakis weiterberlinisierte und am dritten Tag mit Grix abschloss. Obwohl es rein akustisch fast
nicht zu glauben ist, spielt Dimitriadis ein ordinäres kleines Drumset, ohne
nennenswerten perkussiven Schnickschnack. Er traktiert Snare, Tom und Becken
einfach mit Stöcken, Schlägeln verschiedener Härte, Besen und sogar der bloßen
Hand. Der Clou ist das Mikrophon in der Linken. Dessen Reibungen und Touches
spannen zusammen mit der schlagenden Rechten eine donnerblecherne Leinwand
auf, auf der zischend und rauschend eine metalloide Landschaft morpht. Darin
staksen und krabbeln drahtige Spinnen und tanzen ihre achtbeinigen Tarantellas bis
es dunkel wird. Was eben noch Tanzplatz war, wird knisternd und prickelnd zu
Speisekammer und Jagdrevier huschender Wusler und Trabbler, denen ihre
Schnelligkeit das Überleben sichern soll. Mit zuckendem Tickeln und Rollen
wechselt Dimitriadis auf die Überholspur, lässt Hölzchen als surrealen Regen auf
Blech hageln und aufs Fell pochen. Gefolgt von komisch quietschenden
Videospielgeräuschen und wieder morphendem Beckenhall. Sirrend, pfeifend,
quallend wird das Metall unter den ratschenden und tickelnden Berührungen flüssig
und lebendig. Dann kriecht das Klangbild ans Ufer, mit dunklen Reibungen und
Schlägen wird es zwischen Stein und Blech dramatisch, aber fein überfunkelt. Bis
Blechgong und kurzer Spieluhrklingklang die schrottige Szenerie zart sublimieren.
Wie Vincent Glanzmann oder Adam Golebiewski führt dieser Grieche die Vorurteile
gegen Drumsolos ad absurdum.
24Creative Sources continued...

John Dikeman - Zaal 100 (Amsterdam)
Zaal 100, benannt nach der Hausnummer
100 de Wittenstraat, ist zwar auch ein kleines
Label, interessiert aber hier als Podium voor
ongehoord geluid. Insbesondere mit der
Reihe 'Impro Jazzcafé' bietet sie eine Spielwiese für die Amsterdamer NowJazz-Szene
und ist neben dem Bimhuis so etwas wie das
LOFT in Köln. Wie komme ich darauf? Weilbeide Einspielungen, die ich mir beim Gastspiel von Spinifex mitnahm, dort entstanden
sind: O Mostro (Creative Sources, CS 273)
am 4.3.2014 und "Live at Zaal 100" am
27.9.2015. Auf ersterem spielen der SpinifexSaxer JOHN DIKEMAN und der SpinifexBassist GONÇALO ALMEIDA mit GEORGEHADOW, der 2012 über den Kanal gekommen ist und schnell im lokalen ImproNetz eingebunden wurde mit Raoul van der
Weide, Kristoffer Alberts, Andy Moor, Terrie
Ex etc. Hadow ist ein Rappler und Irrwisch,
der an allen Ecken das Feuer schürt, das
Dikeman spuckt. Der stammt aus Nebraska,
hat sich in New York und Philadelphie mit
wilder Musik vollgesaugt und dann mit
seinem Sax drei Jahre in Kairo geswingt. Seit
2007 in Amsterdam, lässt er die Stacheln
prickeln in Cactus Truck (mit Stadhouders
und Onno Govaerts), spaltet einem den
Schädel mit den Universal Indians undbefeuert Spinifex mit furioser Echsenzunge.
Kurz, er ist mit seinen 33 Jahren eine fixe
Größe im New Wave of Dutch Heavy Jazz, auf
dessen Wogen ja keineswegs nur Holländer
umeinander stürmen. Almeida ist Portugiese,knurrt und dröhnt bei Albatre und Spinifex
mit E-Bass, sägt hier aber knorziges Holz mit
dem Kontrabassbogen. Besonders eindrucksvoll schleift und daxofont er zwischen
den Pizzikatopassagen bei 'Eastern tides',als ein Doppelbassmann wie Ingebrigt Håker
Flaten. Aber auch unelektrisch vriekt er
dunkle Schattenwürfe und lässt mit seinem
El Greco-Schädel auf der Bosch'schen
Infernalik von Dikeman einen Himmel wie aus
Toledostahl lasten. Wie könnte man bei 'O
Monstro', das Almeida mit dräuendem
Pizzikato einleitet, nicht Goyas Koloss die
Faust ballen und überhaupt die vier Klangskizzen als Pinturas negras aus schwarzem
Feuer sehen? Mit einem letzten Glühen als
zart gefeiltem Ausklang.
Fotos: Monika Baus

25

John Dikemans Tenorsax, in das er den freien Geist von Jack Wright und die
Vierteltonchromatik von Joe Maneri gegossen hat, ist anderthalb Jahre später dergemeinsame Nenner mit dem TWENTY ONE 4TET Live at Zaal 100 (Clean Feed, CF 366).
Mit Almeidas Landsmann Luís Vicente (von Fail Better!) an der Trompete, Wilbert De Joodeam Kontrabass und Onno Govaert (von Cactus Truck) an den Drums, der ähnlich
vollspektral scheppert wie Hadow. Schnell zeigt sich jedoch, dass Feuer nicht das
dominante Element ist. Die Trompete sprudelt quecksilbrig, aber gepresst, der Tenorton
ist zum Infraroten hin verschoben, zugleich flackriger und gedämpfter. Kantiges Pizzikato
und Govaerts Blechschaden spielen stärker in den Vordergrund hinein. De Joode irritiert
bei 'Rising Tide' mit einen sperrigen und einsilbigen Solo. Vincente kiekst quick, aber leicht
angerostet, blechern überrauscht und holzig überrappelt. Dikeman überspielt seine
Zahnschmerzen mit Mustern, die mich an Ken Vandermark erinnern, bevor er schrille
Spaltklänge forciert. Govaert klingelt und klackt und tockt mit Schrott, der Bass brummt
und schmiert, die Trompete bringt fast ganz verstopft nur noch ein Surren und Schnarren
zustande. 'Undertow' taucht ganz ins bruitistisch Diffuse, mit erstickter Trompete undperkussiven Flocken. Als 'Vesuvius' kommt, angesägt und rasant berappelt, wieder
angerauter Tenorgesang und flatterzungiges Trompetengespotze, die wie Schlangen
kopulieren und dann, lustvoll erschöpft, Zigarettenpause machen für ein klackerndes
Drumsolo mit quietschenden Bassschraffuren. Doch die Trompete kehrt wieder fürmelancholisch gemaunzte, von Bass und Tenorhauch gesäumte, pompejianischverdämmernde Poesie.
Die Freakshow mit Chaman Chômeur, die da leider nur
eine holprige Ahnung von ihrer gleichnamigen BeCoqCD vermitteln konnten, spielte mir immerhin Are You
Free ? (BeCoq 11) von CACTUS TRUCK in die Hände,Dikemans furiose Dröhnung mit seinen SpinifexKumpels Jasper Stadhouders an Gitarre & Bass undOnno Govaert an den Drums. Am 10.10.2014 beim
"Are You FREE?" Music Festival im slovakischen
Dunajská Streda fegten sie gleich mal die Bühne mit
eisernem Besen. Als hätten höhere Mächte Dikemans
Lippen mit glühender Kohle entzündet, ist in seiner
kirrend tobenden Tonflut Enthusiasmus und Zorn nicht
zu unterscheiden. Er ist definitiv Feuer und Flamme
für die Sache der Freiheit. Stadhouders und Govaert
spielen dazu Sidekicks, die absolut kicken. Dem 11min. Ansturm folgt ein Tenorsolo, das den Göttertrank
genüsslich vorkostet und sich schon mal an ein dionysiertes Tänzchen wagt. Als zweiter lässt Stadhouders die Saiten flimmern, seine Finger ein Schwarm
flatternder, funkelnder Tinker Bells. Dazu hebt dannauch das Tenor zu singen und Govaert zu klingeln an.
Die Gitarre schürt mit rasenden Trillern und treibt
Dikeman zu höchsten Tönen, die er lustvoll stöhnt.
Govaert drischt die Becken, gerbt die Felle. Mit wie
vielen rrrs und eees schreibt und schreit man denn
FREE?!? Govaert klappert und rollt dann schon auf
der Leeseite des Sturms, Stadhouders zaubert
kakophone Schraffuren und Dikeman driftet tagträumerisch dahin. Mit kleinen Kringeln verzögert er
die Vorfreude auf eine finale Schussfahrt durch einen
schäumenden Katarakt. Als Encore fetzen die drei
eine Hommage an Napalm Death (könnte manmeinen). Blitzschlag! Und weit und breit kein Hirsch.
26

Cuneiform Records (Silver Spring, Maryland)
Das Lebenswerk des Trompeters LEO WADADA SMITH, dem dafür 2016 die
Ehrendoktorwürde des CalArts verliehen wurde, scheint bestimmt durch das Motto'Wie im Himmel, so auf Erden'. Seine Spiritualität - "Cosmos Has Spirit" -, lässt Licht
und Erleuchtung - "Light Upon Light" - sich auskristallisieren in Menschenrechten "Human Rights". So dass in diesem Licht die Welt erscheint als einstiges undkünftiges Paradies. Dort ließ er schon 'Grand Oak Trees At Dawn' gen Himmel ragenoder Bardsdale, CA wie einen Diamanten funkeln. Dort, das ist hier, und könnte
ganz einfach 'America' heißen und sich verbinden mit der Botschaft: 'Occupy theWorld for Life, Liberty and Justice'. Smiths Spätwerk besteht insbesondere aus
Suiten, in denen seine Welt-Anschauung widerhallt: "Spiritual Dimensions" (2009),"Heart's Reflections" (2011), "Ten Freedom Summers" (2012), "The Great Lakes
Suites" (2014). America's National Parks (Rune 430/431, 2 x CD) wurde angeregt
durch America's best Idea: Our National Parks, die 12-stündige Dokureihe von Ken
Burns (The Civil War, Jazz, The War), und feiert in den Wäldern, Fluten, Canyons,
Gletschern, Seen und Wasserfällen des Yellowstone, des Yosemite und desMississippi den Spirit of America. Aber Smith setzt dazu auch der Stadt New
Orleans als nationalem 'Kulturpark' ein Denkmal und der Musikologin Eileen
Jackson Southern (1920-2002) dafür, dass sie die Musik der schwarzen Amerikaner
ins allgemeine Bewusstsein rückte. Die 6-teilige Suite, angestimmt im Golden
Quintet mit Anthony Davis am Piano, Ashley Walters am Cello, John Lindberg am
Bass und Pheeroan akLaff an den Drums, ist dabei keine naive Romantik, die das
Erhabene bestaunt. So setzt Smith schon Burns naturreligiöser Metapher einer
Kathedrale seine spirituelle und ganzheitliche Psychogeographie entgegen. Er stellt
den Menschen nicht dem Erhabenen gegenüber, sondern internalisiert es, möchte,dass es in Fleisch und Geist übergeht, als mythopoetischer Bestandteil deskollektiven Organismus. Ihm ist die Idee des Parks, eines Eden als Volkspark,
wichtiger noch als die Gestalt, erstere verlebendigt er, zweitere möchte er amliebsten dem Zugriff von Politikern und Geschäftemachern entziehen. Der
Mississippi ist bei ihm getränkt mit finsteren Erinnerungen an Rassismus und
Lynchmord. Umso entscheidender ist die in den Nationalparks bereits verwirklichte
Vorstellung von common ground, common property, inheritance und tranformation,
wobei Smith nicht zwischen Gewachsenem und Gemachtem unterscheidet.
Markantes Pizzikato, pochende Schläge, Hornstöße und elegisches Cellobeschwören den Mythos Buddy Bolden und vergegenwärtigen die Tiefe der Zeit.
Gepresste Trompete, leichtes Tickeln und funkelndes Piano schütteln die Fesseln
ab, aber nicht die afrodiasporische Erfahrung, deren Weh dem Cello übertragen ist.
Komponiertes, Eigenkreatives und eine Smith eigene graphische 'Ankhrasmatik'
steuern diesen Kammerjazz, der keine Wände kennt. Lindberg diktiert dem inneren
Auge Visionen. Wie der silberbärtige Kontrabassist das macht, wie er sein Pizzikato
mit dem Bogen schaumig schlägt, wie er arco den Schatten spielt zum zartbitteren
Ton des Cellos, das ist grandios. Smith summt und zirpt für Eileen Southern langgehaltene Töne, die das Cello so melancholisch mitempfindet, dass das Memorial
durchwegs elegische Züge trägt. Für 'Yellowstone' wird der Gesang besonders
feierlich, der Trompetenton glänzender, der Horizont weitet sich, Lindberg setzt
einen Ochsentreck in Bewegung, das Piano sprudelt, die Trompete vergoldet das
Panorama. In einer halbstündigen Flussfahrt wird der Mississippi zum Denkmal desRingens um Menschlichkeit, zum großen, uferlos mitreißenden Sonic River, niemals
Lethe. Angesichts der immergrünen Riesenmammutbäume bedenkt Smith den in
perkussiven Tropfen versteckten langen Atem der Zeit, lässt aber auch ihren
scharfen Zahn aufscheinen. Strahlender jedoch ist die Schönheit im Yosemite,gespiegelt in den Strings, konzentriert im Goldglanz eines Trompetensolos,
donnernd in akLaffs Getrommel.
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Jeff Eber hat mich gerade mit Dysrhythmias „Veil Of Control” daran erinnert, dass er auchin ZEVIOUS trommelt, zusammen mit seinem Cousin Mike Eber an der Gitarre und Johnny
DeBlase, der seinerseits kürzlich an der Seite von Ches Smith und Jamie Saft auf Nick
Millevois „Desertio“ wieder gezeigt hat, wie gut er Bassgitarre spielt. Passing Through The
Wall (Rune 367) demonstriert die Stärken dieses Trios in der dynamischen Verschränkung
von rauem Basswerk, flinkem, leicht angejazztem Gitarrendrive und Drumming, das zugleichknackig hart und federnd agil den mahavishnuesken und öfters noch crimsonesken Kurs
hält. Eber arpeggiert ohne prätentiöse Zicken, ebenso wenig bedient er bratzige Machoklischees. Die 'Konkrete Kunst'-Optik des Covers spricht eh für sich. Auch die ostinaten
Wiederholungen zu pfeifendem Dröhnklang bei 'Pantocyclus' genügen bis hin zur Wortwahl
intellektuellen Ansprüchen, ohne sich der Mathrockschublade anzubequemen. Der Sound
ist dabei eisenhaltig, der Gestus insistierend, der Drive immer wieder enorm, und das gerne
mit rumpelndem Frontantrieb. Aber es ist die Repetition als konzeptionelles Strukturmerkmal, exemplarisch bei 'Crime of Seperate Action', die vielleicht etwas Ähnliches fürden Rock leistet, was die ID-Fraktion für den Dancefloor bewerkstelligte. Den finalen Akzent
setzt 'Plying the Cold Trade' mit düster gewälzten Gedanken, die in prächtigen Akkorden
und besonders nachdrücklichem, trotzigem Ostinato gipfeln.
TATVAMASI ist eine Kopfgeburt des Gitarristen Grzegorz Lesiak. Seinen musikalischen Weg
markiert der schwere Autounfall, der 2003 der Sängerin Anna Kiełbusiewicz das Leben
kostete und ihr gemeinsames Projekt Ania Z Zielonego Wzgórza beendete. Sein Überleben
ging einher mit der Einsicht „Das bist du“, dem von Ernst Jünger oft zitierten Sankskritspruch, der der neuen Band den Namen gibt. Ihr aktuelles Lebenszeichen „Dyliżans
Siedmiu“ gibt den passenden Wink, auf Parts Of The Entirety (Rune 371) zurückzugreifen,
das mit dem Tenorsaxophonisten Tomasz Piątek, Łukasz Downar an gitara basowa und
Krzysztof Redas an perkusja realisierte Debut. Hinter der vagen Magritteologie der
Coverkunst mit einer kafkaesken Bureau-Belegschaft in einem Spiegelkabinett mit Mise en
abyme-Aspekt erwartet einen der leichte Anklang an Soft Machine. Sowohl die ausdrucksstarke Rhubanabarbistik des Tenorsaxophons wie auch die mit Klangeffekten nicht
geizenden Surrealismen der Gitarre treiben die Imagination selbst durch verschlossene
Türen in merkwürdige Korridore. Helle, luftige Arpeggios oder funkige Jingles wechseln mit
Twanging und quallendem Wahwah, aufflammender Nachdruck mit tagträumerisch versonnenem Spintisieren. In die Geistesgegenwart polnischer Jazzintellektualität spielen
protojazzige Unterströmungen aus eurasischen Quellen hinein, ein Beigeschmack, der nicht
direkt vom Blues herrührt. Bei 'Shape Suggestion' und ‚Astroepos‘ geht das bis zur
Jewishness von Masada, Shofar, Alte Zachen, kein Wunder, die Rhythmsection ist die derKlezmaholics in Lublin. Zuletzt aber feuert Piątek nochmal tenoristisches Ostinato ab, wobei
ich über ein noch etwas ‚polnischeres‘ Grau in Grau nicht traurig gewesen wäre.
Für Mu (Rune 426) ging RICHARD PINHAS zusammen mit BARRY CLEVELAND (der mit“Hologramatron” auf Moonjune zu hören war), dem Windham Hill-erfahrenen Yo Miles!Bassisten MICHAEL MANRING und CELSO ALBERTI an Drums ins Aufnahmestudio. Siespielten da nicht einfach nur Gitarren, sondern der eine auch noch Guitar Synthesizer &Metatronics und der andere noch Moog-, Bowed-, Bowhammer-, E-Bow- & Sitar Guitar, MTron & Vocalizer 1000-Synthies, Gong und Percussion. Mu meint, wie 'Zen/Unzen' verrät,
nicht den sagenhaften Kontinent, auf dem Corto Malteses Quest endete, sondern die KōanPointe zur fragwürdigen Buddhanatur eines Hundes. Pinhas ist von der deleuzianischen
Rhizosphäre längst bis zur Leere und zum Non-Sens vorgedrungen. Eine Quartettsession
diente als Brainstorming und Stoffsammlung, ihre Gestalt bekam die Musik jedoch erst
durch aufwändige Postproduction. 'Gestalt' meint hier das ständige Schweifen und Morphen
einer orientalischen Weltraummission. Bow ist das Schlüsselwort für die zeitvergessenen
Schwingungskurven und die Spirale als sublime Verbindung von A nach O. 'I Wish I Could
Talk In Technicolor' entfaltet über 25 Min. schimmernde, dröhnende, klingelnde Harmonik,
während der Bass unablässig die Misbaha kreisen lässt. Bass und Drums sind auch da
grandios, wo die Gitarren curryumnebelt heulen und erleuchtet strahlen im sehnenden
Ausgriff nach Mu und dem Mu hinter Mu.
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EMANEM (Granada)
So wie es Restaurantkritiker gibt, könnte ich mir VERYAN WESTON bei seinen
Discoveries in Tracker Action Organs (EMANEM 5044) als Orgeltester, Orgelkoster
vorstellen. Im März 2014 probierte er in South Croxton (St. Mary the Virgin),
Horstead (All Saints), Brighton (St. Mary's), Stannington (Christ Church), Manchester(St. Anselm Hall), Newcastle (St. Silas) und York (All Saints) die dortigen Trakturorgeln aus, die mit einem spürbaren Druckpunkt dem Spieler eine gewisse"Möglichkeit der Kontrolle [geben] über die Ansprache der Pfeifen, je nachdem, wie
hart und schnell bzw. weich und langsam die Tasten angeschlagen werden."[Wikipedia] Insgesamt bespielte Weston auf der "Tuning Out Tour" mit Jon Rose undHannah Marshall ca. 30 Orgeln, mit Kostproben eigener Ideen, was bisweilen Stirnrunzeln bei irritierten Küstern und Vikaren auslöste. Ich weiß nicht, wie Weston es
mit den höheren Mächten hält, zu den Orgeln unterhält er ein Liebesverhältnis.
Daraus resultierte: hastiges Schillern und Dröhnen mit ketzerischem Farbenspiel
und Groove; windschief fragende und brütende Haltetöne und stagnierende
Modulationen; brummige, knarzige Vibration bei einem geisterhaften 'Flöten'-Adagio
mit vogeliger Wendung; träge quarrende vs. luftig schweifende und launig pfeifende
Töne; trippelnde Kirmesmunterkeit mit pfeifendem Bummelbähnchen, als dem die
Luft ausgeht, bläst er Pennywhistle; wieder groovy und launig getüpfelt und
geknarrt, aber auch seltsam verhuscht. Die Kirchenmauern bekommen sowas wohl
zum ersten Mal zu hören. In York durfte Weston 24 Min. quengeln, tröten, surren,
schillern und phantasierend Pfeifen in allen Größen schmauchen, bis ihm die eineoder andere Melodie unter die Finger kommt, die so bestimmt nicht im Gesangsbuch
stehen. Obwohl Einiges sich in Glaston- oder Canterbury recht gut machen würde.
Was könnte ich über das JIMMY GIUFFRE 3 with Paul Bley & Steve Swallow unddessen Klassiker Bremen & Stuttgart 1961 (EMANEM 5208, 2 x CD) sagen, was Art
Lange und Martin Davidson nicht schon weit kompetenter gesagt hätten über diesevon Radio Bremen bzw. dem SDR mitgeschnittenen und 1993 als "Flight, Bremen
1961" bzw. "Emphasis, Stuttgart 1961" bei hatART erschienenen Konzerte? Gerahmt
von den Studioalben "Fusion" vom März und "Thesis" vom August einer- und demnach der Rückkehr gewagten "Free Fall" andererseits, bildet das Zusammenspiel derdrei auf der Europatour im Herbst 1961 einen Höhepunkt modernistischer JazzSophistication. Während Ornette Coleman eine neue Elastizität erzielte durch den
Verzicht auf das Piano (d. h. auf Bley) und Cecil Taylor den Beat verflüssigte, betrat
Giuffre Neuland dadurch, dass er die Drums ganz liquidierte. Wobei alle jeweils ihre
Konsequenzen zogen aus Monks paradoxem Umspringen mit der Zeitlinie. Mit Monks'Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are' und Colemans 'Compassion for P.B.' liefern Bley &Swallow im Duett die Querverweise dazu. In 'Posters' und 'Jesús Maria' von Carla
Bley und 'Carla' von Paul Bley verbirgt sich die noch ungeahnte Zukunft, die Steve
Swallow mit E-Bass an der Seite von Bleys Ex verbringen würde. Der E-Bass war
dann auch beim Comeback des Trios in den 90ern obligatorisch. Hier mit 21 spielt er
noch Kontrabass und favorisiert mit Giuffres Klarinette und Bleys klischeearmer
Pianistik flexible Lösungen und dynamische Nuancen von gedämpft und impressionistisch bis crisp und abstrakt expressionistisch. Die von Giuffre komponierte 'Suite
for Germany' reflektiert explizit den Nachhall der Exilantenszene in Hollywood,'Flight' lässt Düsenjäger die Schallmauer durchbrechen und versetzt Vögel in
Aufruhr, 'Venture', 'Emphasis' und 'Whirrrr' faszinieren mit präpariert zirpenden oder
gepickten Pianodrähten. Es stößt bitter auf, dass der 'Markt' in den 60ern sowas
Cooles als 'out' abstrafte, Lee Marvin und Sean Connery hatten doch auch
Geheimratsecken und trugen Bügelfalten und Krawatte. Die Nachwirkungen blieben
jedoch bei der AACM-Szene und John Stevens hörbar, allerdings selten so elegant
wie beim Original.
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Search & Reflect (EMANEM 5209, 2 x CD) bringt
eine Neuauflage von "Mouthpiece" (EMANEM
4039, 2000) und Ausschnitte von "Plus Equals"(EMANEM 4062, 2001) bzw. "Trio & Triangle"(EMANEM 4150, 2008). In den Fokus gerückt sinddabei Stücke im Großformat des SPONTANEOUS
MUSIC ORCHESTRA, bei denen John Stevens
1973, 1975 und 1981 konzeptuelle und didaktische
Vorgaben realisierte, teilweise mit Workshopteilnehmern. 'Sustained Piece (instrumental)' und'...(vocal)' sowie 'Sustained Plus' und 'Static'
sprechen dabei für sich, sie verlangen bevorzugt
leise Haltetöne für ein transparentes kollektives
Gewebe. 'One-two' zeitigt durch die Entscheidung
für One oder Two ein kurioses Ticktack. 'Mouthpiece' wechselt von komischen Mundgeräuschenüber ebenso komische Vokalisation hin zu instrumentalem Charivari. 'Triangle' involviert drei
im Dreieck positionierte Dreiergruppen, die in sichund wechselseitig aufeinander lauschen undreagieren. 'Search & Reflect' ist ein ähnliches
Rezept. Ziel ist jeweils kollektive Interaktion durch
simple Prämissen. Indem sich jeder an die Regelhält, kann das Ganze atmen und schweben, ohne
den Ballast rivalisierender Egos. 'In Relationshipto Silence' mahnt zudem, sich ein Bewusstsein fürdie Stille, das Schweigen zu bewahren, als
Möglichkeit, die jedem offen steht. 1973 hatten die'üblichen Verdächtigen' plus diversen Frischlinge
bei ihrem surrealen Spintisieren mit Gebläse undGefiedel, Gitarre, Bass, Piano mit Stille nichts am
Hut. Wenn ich Trevor Watts, Nigel Coombes, John
Russell und Larry Stabbins erwähne, dann pro
forma, denn - außer gelegentlich Brian Eleys
Stimme - keiner sticht erkennbar hervor. Das ist ja
gerade der Witz. 1975 waren auch Evan Parker,
Roger Smith, Marcio Mattios Teil eines 21-köpfigen
Klangkörpers und seines flirrenden und kirrenden
Fluktuierens auch mit Cellos, Horn und Harmonika, das in pfingstlichem Gezüngel aufflackert,
bei sieben Saxophonen allerdings kein Wunder.
1981 kamen Maggie Nicols, Jon Corbett, Alan
Tomlinson, Paul Rutherford und Lol Cohill ins
quiekende, brodelige Spiel, dessen Zweck immer
schwarmintelligenter Klang war, in den Varianten:
eifriges Action Painting und Brownsche Molekülturbulenzen pollocken ein Wimmelbild, indem
jeder so viel und schnell wimmelt, wie er nur
wimmeln kann. Oder: eher längliche Töne tönen,heulen, trillern, fiepen Felder. Einzig das vokal
gedehnte Aaaah evoziert einen Rothko. Aber alles,
was das London Improvisers Orchestra macht,
erinnert an Stevens.
PS: John Stevens (1940-1994) hat tatsächlich
abstrakt-expressionistisch gemalt.
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Everest Records (Bern)ROTTERDAM aus Wien. Dort haben sich Susanne Amann & Michael Klauser vor 15
Jahren schon zusammengetan, um ihre besondere Form von Minimal Music zu
machen. Zuerst zu hören auf "Cambodia" (er_cd_044 , 2011) und nun erneut auf
Gizicki (er_cd_081). Sie mit Cello, er mit Akustikgitarre & Tuba, beide mit
Electronics. Aber damit erzeugen sie Klangbilder, die an die Turntablistik vom
Institut für Feinmotorok und Strotter Inc. denken lassen, nur noch konsequenter
im repetitiv-mechanischen Duktus. Uhrwerkartig laufenlaufenlaufende loopartige
Repetitionen von schnarrendem und plonkendem Saitenklang plus Pustelauten
und feinen elektronischen Signalen ergeben spielerisch sture Muster. Wiederkehrende Akzente verstecken das Monotone oder eigentlich nur Regelmäßige
daran hinter einem Anschein von Komplexität und einem federnden Pulsieren.
Sägende Laute verzahnen sich mit stampfenden und plonkplinkend gezupften.
Das Tempo dabei ist halbschnell, schon relativ zügig, und in seiner Hartnäckigkeit
erweckt das eine eigenartige Betriebsamkeit. Produktionseifrige Automatik undkuriose Binnenrhythmik stehen in einem produktiven Widerspruch, so dass esnicht abwegig ist, dem Geschehen einen rituell und tänzerisch stampfenden
Eindruck abzugewinnen. 'Tschik' mit seinem Tamtam und ächzendem Drehmoment könnte Ruderer im Takt halten. Dann wieder klappert es tretmühlenartig,oder es pingt und tickt blechern perkussiv zu wieder strammem Pulsieren. Die
Muster wirken spiralig, nie monoton, immer mit minimaler Veränderung. 'Gift'bummelt mit kleiner Lokomotive ächzend voran, das Cello keucht als Marathonseniorin dahin. Diese Gyromantik im Raupenmodus dreht einen auf der Kante
zwischen Tag und Traum in Trance. Die beiden spielen das, Amann mit Stöckchen
klopfend oder mit einer Kreditkarte als Plektron, Klauser sogar wackeldackelstoisch im Stehen, als wären sie programmierte Automaten in Menschengestalt.
Auf seine Weise ist das wohl einzigartig.
Nach dem "She" (er_cd_069, 2014) und dem zauberhaften "Hera" (er_cd_069,
2015) kommen wir mit Zade (er_cd_083) ans Ende der Geschichte vonSheherazade. Oder doch nicht? Die Schweizer Formation LE POT lässt nicht nur
vieles offen und im Dunkeln, sie nimmt einen mit in dieses Ungewisse. Schienen
wir zuletzt mit Benjamin Brittens 'Now until the break of dawn' noch einmal davon
gekommen und einem Happy End entgegen zu hinken, so raten Manuel Mengis(Trompete), Hans-Peter Pfammater (Piano), Manuel Troller (akustische Gitarre) &Lionel Friedli (Percussion), doch besser in Deckung zu gehen ('Take Shelter'). Der'Wirrwarr' der Nacht breitet sich jetzt schon mitten am Tag aus. Er macht das
Tageslicht diffus, weckt Zweifel am Kommenden. Mit Bogenstrichen über Metall,
tröpfeliger Percussion, lang gezogenem oder monoton wiederholtem Trompetenklang, der gepresst und gequetscht wird. Scharren im Piano, holziges Rumoren
und drahtige Laute wirken so wenig zielstrebig, dass man an jeglichem Ziel zu
zweifeln beginnt. Hektisches Gewusel, Knarzen und Ticken, aufgewühlte
Schmierer und nervöse, scheppernde Randale wird abrupt abgelöst vonMikrogeräuschen, fadenscheinig bis zum kaum Hörbaren. Mengis pustet mit dem
einen oder anderen schlaffen Ton Löcher in Spinnweben, Friedli schimmert undschummert und pingt eine Triangel aus Liliput, das Piano und die Gitarre werden
zu Gespenstern. Die Trompete träumt melancholisch in einem Beinahenichts aus
Paukentupfern und Klangflocken, zu monotonem Picken des Pianos. Zu sirrendem
Metall und Bogenstrichen wirft noch einmal die Trompete ihren Klangschatten,
das Piano plonkt und funkelt, die Pauke paukt. Und ich lerne zwei neue Wörter zu
verstehen: 'Latibule' = ein Versteck, wie in Becketts Poem 'Dread Nay: at ray / inlatibule / long dark / stir of dread / till breach / long sealed / dark again / still again;'Súton' = Zwielicht, Dämmerung, the approach of death or the end of something.
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HUBRO (Oslo)
Das CHRISTIAN WALLUMRØD ENSEMBLE ist mit seinen fünf Alben auf ECM, von"Sofienberg Variations" (2003) mit seinem 'Psalm'- und 'Memor'-Feeling im
Quartett mit Arve Henriksen bis zum 'Stille Rock' und 'Very Slow' von "Outstairs"(2013) ein Herzschrittmacher elegischer NorJazz-Ästhetik. Im fortgesetzten
Miteinander mit dem Trompeter Eivind Lønning, Espen Reinertsen (mit seiner
Bandbreite vom Trondheim Jazz Orchestra bis Rutger Zuydervelt) am Saxophon,
Tove Törngren (die, o mon ami, mit den spaßigen Therion Blümchen des Bösen
gepflückt hat) am Cello und Per Oddvar Johansen an Drums & Vibraphon knüpft
der Pianist aus Kongsberg mit Kurzsam And Fulger (HUBROCD2573) nun direkt
an sein Soloalbum "Pianokammer" (2014) an. Aus 'Hoksang' wird 'Haksong' undponytrottet in die weite Welt. Mit Besenbeat und kurios sprudelnden Glissandos.
Etwas besseres als Trübsinn findest du überall. 'Fulgsam' setzt danach wie mit
gläsernem Glockenspiel pingende Schläge mit langem Nachhall. Bei 'Langsam'
tröpfelt es auf die Tomtom, die Bläser schmusen dazu dunkel und so langsam wie
versprochen und werden auch nicht eifriger, wenn Johansen die Bassdrum
kickend einen Groove vorbuchstabiert und Wallumrød ins Harmonium greift.
'Phoniks' zieht mit Cellostrich und wie mit Glasharmonika einen dämmrigen
Horizont. Bei 'Klafferas' lösen winzige Saxkürzel trappelige Reaktionen aus.
Ballettübungen für Ratten? Kurios allemal. 'Arpsam' hebt mit monoton wiederholtem Zweiklang und langem Sustain des Pianos an, das Saxophon und das
Cello fügen tonarme und schnurrige Laute hinzu. Und mit manchmal einem
dritten Pianoton reiht sich so etwas wie ein Stückwerk aus melodischen Torsi,
etwas trist, aber auf seine Weise wiederum kurios. 'Kurzsam und Onward' bringt
ein melodisch geblasenes und übers Piano hinkendes Déjà-vu, dünnt aber immer
wieder aus zu Spinnwebklingklang mit erratischen Pianotönen. Dann fallen undfunkeln nur noch Tropfen wie ein seltsames Uhrwerk, das plötzlich schneller tickt
und tockt. War das etwas zu verspielt für ECM? Dabei ist das doch erst nur schön
seltsam und dann seltsam schön.
Der Gitarrenzauberer und Multiinstrumentalist GEIR SUNDSTØL, der mit "Furulund" (2015) erst nach 27 Berufsjahren sein Solodebut gewagt hatte (und damit
prompt für den Spellemannspris nominiert wurde), kehrt wieder mit Langen Ro(HUBROCD2576). Diesmal jedoch erst gegen Ende mit 'Røk' als Pedal Steel-Solound bei 'Baris' als Onemanband mit noch National Duolian, Guitar Banjo,
Xylophon, Basstrommel und Cymbal. Davor und danach erklingen Giorgio
Moroders 'Tony's Theme' mit Martin Windstad an Drums, Woodblocks & Bellsbzw. 'Los' mit David Wallumrød an Klarinette, Prophet 5, Piano und pfeifend. Und
drei weitere Stücke mit auch noch Martin Langlie, Erland Dahlen, NikolaiHængsle oder Erik Sollid, die sein an sich schon großes Klangspektrum aus nochBass, Harmonika, Shankar Guitar, Moog MiniTaur, Log Drum, Pump Organ,
Konzertharfe, Marxophon, Tubular Bells etc. zusätzlich verschönern mit diversen
Synthesizern sowie Drums und Percussion vielfältigster Art. Dennoch, oder
gerade deswegen, ergibt sich das konsistente Klangbild einer träumerischen
Southerness, von Melasse und einmal auch dem Curryduft einer melodischen
Shankar Guitar. 'Florianer' ist aber ein klassischer Sundowner, ein Tennessee
Waltz der verklärtesten Sorte. Zuvor hatte einen schon das Titelstück in eine
Western-Geisterstadt versetzt voller von Xylophonbeat beschwingter Skelette.
Sundstøls Pedal Steel ist eine der schillerndsten östlich von Tombstone, sein Tonein einziges psychedelisches Morphen, cremig und sirupsüß. Die phantastische
Orchestrierung vergoldet eine ganz wehmütige Vorstellung von Western mit einer
O My Darling-Stimmung, wie sie wohl kaum hervorgeht aus dem, wie es war,sondern nur aus dem Zauber der Legende.
32Kaum ist "In The End His Voice Will Be The Sound Of Paper" verhallt, KIM MYHRs
sublime Poesie mit Jenny Hval und dem Trondheim Jazz Orchestra, und noch hängt"Advances and Delays" in der Luft, seine seltsame, Circadia getaufte Begegnung mit
Buck, Stackenäs & Williamson, da frischt der norwegische Gitarrist die Sensoren auf
mit Bloom (HUBROCD2578), nun ganz allein mit elektrischen und akustischen 6- & 12saitigen Gitarren, Zither und Electronics. Er nutzt diese Möglichkeiten ganzorchestral, so dass die Gitarre fast untergeht in einer klingelnden Klangwand, bis er
die mit energisch repetitivem Riffing abräumt und flimmernd und pulsierend zu einem
bebenden Vibrato und dunklem Harfen gelangt. Gitarrensound als weites Feld, um
dort überschüssige Fleischtomaten verrotten zu lassen. 'O Horizon' folgt mit
wuppendem Muster und drahtigen Verzierungen, Wiederholung und pulsierendeMonotonie spielen eine Hauptrolle, müssen sie aber teilen mit konkurrierender
Repetition und ungebundenem Sound im weiterhin weit offenen gitarristischen
Spektrum. Allerdings von Rock ebenso weit entfernt wie von Jazz. So ist es vielleicht
doch eine besondere Form von Minimalistik, mit träumerischem, funkeligem Harfen
wie anfangs bei 'Swales fell', fast mit Cimbalom-Anklang, zu einem brummenden
Bordun. 'Peel me' kommt mit rauem Zittern, erzenem Klingklang und pochendem
Groove auf den Tomatozid zurück und hält dazu in der zweiten Hälfte nur kleine
Mollwellen für angemessen. Beständiges Schrammeln bestimmt zuletzt 'Milk run sky',
mit Flattereffekten als zweiter Stimme. Das wird in der zweiten Hälfte abgelöst vonglitchendem und vor allem waberndem und schnell zuckendem Saitenklang, mit
silbrigem Arpeggio als neuem Loop, der als schrammelmonotone Reprise erst mit,
dann ohne unterlegtem Bassmotiv zum Ausklang führt. So lässt Myhr zwischen
Humcrush und Mural in einem speziellen Mikroklima ganz eigene Blüten treiben.
LAURENCE CRANE ist ein Name, der in der Neuen Musik für British! steht und, etwa
zusammen mit Chris Newman, für die Next Generation nach Gavin Bryars, Michael
Finnissy und Howard Skempton. Tim Brady hat auf "Go (Guitar Obsesion)"(Ambiances Magnétiques) sein 'Bobby J' gespielt, Håkon Stene auf "Lush Laments
For Lazy Mammal" (Hubro) ebenfalls, dazu fünf weitere seiner Kompositionen,
Apartment House seine "Chamber Music 1992-2009" (Another Timbre). Auf Sound Of
Horse (HUBRO2582) erklingt das schon von Stene interpretierte 'Riis' (1996) erneut,
diesmal in der Version von ASAMISIMASA, dem Ensemble, dem Stene angehört.
Crane, 1961 in Oxford geboren, erfüllt die Bedingung, dass Britishness erst mit
Spleen und Skurrilität ganz bei sich ist. So wurde ihm schon 'a gently anarchic
humour' nachgesagt und ein Satie-ähnlicher Hintersinn. 'Events' (1997), eine seiner
seltenen Einfälle für Stimme, lässt auch an Milhauds 'Machines agricoles' und'Catalogue de Fleurs' denken. Wenn nämlich die Sopranistin zu elegisch dröhnenden
Klarinetten und Treppe steigenden oder dingdongenden Vibes in zartem Sprechgesang das Wetter auf der Insel und die Wechselkurse am 7.2.1997 listet sowie
Geburtstagskinder dieses Tages (Juliette Greco wurde 70). 'John White in Berlin'(2003) ist daneben, so wie 'Riis' mit seiner von Cello und Klarinette gefärbten, gradualchangierenden Orgeldröhnwelle, purer Dröhnminimalismus. Das mit hellen Cellostrichen und Pianonoten über brummenden E-Bows, rauschendem Cymbal undgrollender Basstrommel sich abzeichnende Röntgenbild einer Melodie ist typisch fürCranes skelettierte Musik, der simpelste Parameter ausreichen für essentielle
Aussagen. Beim winzigen 'Old Life Was Rubbish' genügt ein monotoner Pianoakkord,der über zwei Schläge nicht hinaus kommt. Das 7-fältige 'Sound of Horse' (2003) für
Klarinetten, Gitarren, Percussion & Cello bringt zuletzt ein Kaleidoskop dercraneschen Ästhetik: graduale und repetitive Simplizität, rudimentäre Melodik,
Dröhnen und Rauschen. Und mittendrin bei 'Loud and Rough' überraschend
aufwallende Rockriffs mit E-Gitarre und Bassklarinette, bei 'Very Plain' mit energischgeschrammelter akustischer. Danach schimmern Vibes zu dunklen Drones. Dochwenn Cranes Musik sublim aufleuchtet, wirft sie prompt wieder Schatten, bis 'Solemn
and Formal' finster pochend ganz hinab steigt ins Reich der Schatten.
33Daniel Meyer Grønvold (von Now We've Got Members) konnte man auch schon
bei Jæ und Jessica Sligter hören, Håvard Volden bei Jenny Hval und in The
Island Band, den Bassisten Ola Høyer mit Cortex auf Clean Feed, er undDrummer Martin Smådal Larsen spielten in Normal Dag I Byen auch schon'mystisk popmusikk' (mit der Asamisimasa-Klarinettistin Kristine Tjøgersenübrigens). Die Inzucht der norwegischen Szene und ein selbstkritikarmer
Dünkel in einem Land, das sich für das großartigste der Welt hält, waren schon
Thema eines badsoundsmagazine.com-Interviews mit Grønvold. Der bei der
Gelegenheit auch "Early use of echo and reverb etc in Joe Meek productions,
the weird sound making aspect of certain early surf bands, Glenn Branca andRhys Chatham’s guitar pieces, electroacoustic music etc etc." als das
Hintergrundrauschen bei MOON RELAY nannte. Full Stop Etc. (HUBROLP3579)
zeigt das Osloer Quartett in verschlankter Form, wobei gleichzeitig das Studiostärker genutzt wurde als Instrument für eine Collagen-Ästhetik, in die sich
Lasse Marhaug mixend mit einmischte. Grønvold und Volden unterlaufen das
Spiel ihrer Gitarren und Bässe selber schon mit Kassetten, Electronics,
Tapeloops, Synths und Percussion. Repetitive und konstruktivistische Elemente
sind nicht zu überhören, auch die Verunklarung, für die schon mal ein
geschütteltes Tambourin genügt, wirkt gezielt. Früher hieß das mal Postrock.
'O,,,,__', '7//_', '>-- -)' etc. verraten als Titel jedenfalls eine Lakonie mit
mathematischem Anstrich, die auch akustisch mit Kürzeln operiert. Wobei das
Formelhafte doch pfiffig Staub aufwirbelt und neben einem ostinat treibenden
Duktus auch die Poesie ins Spiel kommt mit dem jaulenden und schleppenden'-;;'. Das lange '..../__(;;;"___",,,)' wird zuletzt mit pochendem Puls und mit
flimmernden und schrammelnden Gitarren zum Tranceinduktor, und eine derGitarren stimmt zu Synthiesound ein Solo in Secret Chiefs 3-Manier an, das den
hypnotisierenden Effekt vervollkommnet. Daran ändert auch das eiernde
Gospeln als finaler Effekt nichts mehr, im Gegenteil.
Christian Skår Winther & Magnus Skavhaug Nergaard, Gitarrist und Bassist bei
Ich Bin Nintendo, spielen auch bei Karokh und Torg mit dem Drummer Jan
Martin Gismervik zusammen, aber als MONKEY PLOT sind die drei unter sich.
Für "Angående Omstendigheter Som Ikke Lar Seg Nedtegne" (2015) habe ichihnen eine Spannweite aus regelmäßigen Mustern und tagträumerisch freier
Gedankenspielerei nachgesagt. Mit Here I Sit, Knowing All Of This (HUBRO
LP3583) greifen die drei einerseits die Verbindung mit Pär Thörn auf, der ein
Stück aus seinem Gedicht 'Kalla Handen' vorträgt. Gehen andererseits aberüber ihre Unplugged-Phase zurück auf ihre rauen und lauten Anfänge, wieder
mit E- und Bassgitarre. Die repetitiven Muster, die ein Markenzeichen bleiben,klingen damit automatisch dynamischer und knorriger, ohne rockistischauszuarten. Was erklingt, sind Mathrock-Mantras, Loops aus Bruchstücken
melodischer Klingklangmolekülketten. 'The Couriers' verwendet das Rezept füreine hellere Variante, an sich ist Winthers Gitarre auffallend tief gestimmt. Die
unaufgeregten Tonfolgen wirken einfach, aber nicht unklug, zumal die
Norweger mit reizvollen Variationen aufwarten und das Tempo meist halbhoch
halten. Was einen durchgehenden Steter-Tropfen-Flow ergibt. So dass Thörns
Duktus, obwohl seinerseits repetitiv, mittendrin einen besonders markanten
Akzent setzt. Das träumerische 'Those Nights' wird durch Cymbaltickling
postrockig markiert. Das Träumerische ist sowohl dem Bann des ständig
Wiederholten geschuldet wie der ungezwungenen, geradezu psychedelischen
Kaleidoskopik, aus der dann das akustische Spintisieren bei 'Shyly Upon
Everything' um so mehr sich abhebt. So auch der verzögerte Tritt bei 'A Turning
Point'. 'I Had A Notion They Would' strahlt trotz seiner klappernden Mechanik
zuletzt etwas Melancholisches aus. Was ja nicht verwunderlich ist, so angelehnt
an die kalte Schulter des ewigen Trotts.
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Intakt Records (Zürich)
Eigentlich wäre CHRISTOPH IRNIGER PILGRIM
schon mal eine Freakshow-Alternative zu den
Cowboys From Hell, mit denen der Schweizer
Saxophonist einem mit Tower Of Power-Powerden Hut vom Kopf schießt. Doch Stop, dann fehlt
ja die FX-Freakness, und außerdem haben wir
kein Klavier. Pilgrim ist akustisch, jazzig, und zu
Dave Gislers Gitarre, Raffaele Bossards Bassund Michi Stulz an den Drums spielt Stefan Aebynun mal Piano. Mit Big Wheel Live (Intakt CD271), mitgeschnitten im November 2015 in Altenburg, Ratzeburg und Berlin, knüpfen sie an"Italian Circus Story" (2014) an, mit 'Entering theConcert Hall' sogar direkt. Dann zeigt sich aber,dass die Schweizer sich ungern auf Lorbeeren
ausruhen, neben Irnigers 'Acid' und seinem
träumerischen Arrangement von 'Ending at theDistrict' bietet Bossard 'Falling II' und Aeby 'Lostin Space', bevor mit 'The Kraken' der 'Octopus'
auftaucht von Irnigers Trio mit Bossard & Ziv
Ravitz, natürlich in neuer Gestalt. Da hier, anders
als bei denen, die in Lourdes ihr Heil erwarten,das absichtslose Pilgern wichtiger ist als dasZiel, ist das Wie, die Spiel-, die Erzählweise, entscheidender als das Was, die Komposition.
Irniger versucht da schon klar zu machen, dasser das Fixe und Fertige scheut und mit seinen
Kollegen lieber mit Bauklötzen spielt. Und
Bossard ergänzt, dass es keine klaren Vorgaben
gibt, wer was wie und warum zu tun hat. So dassdie in sich geknickte Rhythmik und die Melodielinie reihum streunen, ohne dass es nach Stückwerk klingt. Die Maschen sind locker, aber sie
halten den Spielfluss hoch und die Selbstzweifel
niedrig, so dass die Musik letztlich doch sehrkonsistent wirkt. Zugleich bleibt live noch mehr
Luft für solistische Brillanz, wobei Gisler seinen
jazzigen Duktus sehr schön überdreht, undIrniger selber einen ganz bedacht am Verfertigen
seiner Gedanken teilhaben lässt. Das Stück heißt'Acid', kann man die Gedanken eines andern als
Droge zu sich nehmen? Gislers Weird BeardGitarre schillert definitiv halluzinogen, sie lässt
einen zusammen mit dem schwerelosen Tenorsax bei 'Falling II' aufwärts fallen. Auch Aebys
glasperlenspielerischer Trip lässt einen schweben wie die Gestalten auf seinem "Are You...?"und "Utopia" und paranormale Stimmen hören.
Bis zuletzt below the thunders of the upper deepdas Tintenherz des Kraken aufbegehrt, wo dochsein Schlaf so lange währt, wie sich das große Rad
noch dreht.
35

Aufs Brooklyner Vision Festival 2015 war INGRID LAUBROCK eingeladen worden, um
etwas Besonderes zu bieten. Und ihr Sextett mit Koto (Miya Masaoka), Electronics(Sam Pluta vom Peter Evans Quintet), Tuba (Dan Peck von Laubrocks Ubatuba) neben
Piano (Craig Taborn), Drums (Tyshawn Sorey) und ihr selbst an Tenor- & Sopranosaxophon ist zweifellos außergewöhnlich. Für die Studioeinspielung von Serpentine(Intakt CD 272) lud sie zusätzlich noch Peter Evans an Piccolotrompete & Trompete
ein. Die Musik, die sie sich dafür ausdachte, ist auf die Möglichkeiten der japanischen
Wölbbrettzither abgestimmt, auf den Reiz von Hoch-Tief-Kontrasten, auf die Manipulationspotenz der Electronics und insbesondere die selbstbestimmt füllbaren Freiräume,die ihre Konstrukte den Spielern einräumen, ja sogar abverlangen. Ähnlich wie bei
ihrem SWR NewJazz Meeting-Oktett 2011 verschwindet das Trennende zwischen
NowJazz und Neuer Musik in einer klangfarbreichen elektroakustischen Morphologie.
Was Farbigkeit und Kontrastreichtum angeht, so lassen die Bernhardiner-PinscherFlirts der blubbernden Tuba mit der funkelnden Koto oder dem Glockenspielklingklang
von Laubrock und die Klangeffekte als solche, insbesondere die rauschende Gischt
und die granularen 'Störungen' von Pluta, an Wunderlichkeit nichts zu wünschen übrig.
Auch die squirreligen Kapriolen etwa von Piccolo und Soprano bzw. Piano und Tuba
bei 'Squirrel' erfüllen die großen Erwartungen als inspiriertes 'Yes we can'. Was bei den
Verlaufsformen, die durch Tempowechsel und durch die Zergliederung des Gesamtklangkörpers in wechselnde Binnenkonferenzen gesteuert werden, vermisst werden
könnte, versuche ich mit dem Begriff Verlaufsform anzudeuten. Doch auch wer einenarchitektonischen Entwurf und vertikale Vektoren favorisiert, sollte nicht überhören,wie delikat Laubrock & Co. sich in 'Pothole Analytics Pt. 1' vertiefen (aber beim
spritzigen 'Pt. 2' nur peu à peu zur Ruhe kommen). Wie urig die Tuba bei 'Chip in Brain'
brummt, und wie die Trompete elektronische Untiefen überstrahlt. Oder wie spannungsvoll alle miteinander beim Titelstück mit zarten Gespinsten ein Mysteryambiente
entfalten. Mich jedenfalls zieht Masaokas träumerisches Biegen der Kotosaiten und wie
sich Taborn da dazu träumt in seinen Bann. Dass Laubrock genau diesen Moment als
Ausklang offeriert, verrät viel über ihre 'Serpentinen'-Ästhetik. Es geht immer so vor
sich hin, und doch landet man zuletzt oben in dünner Luft und sublimer Offenheit.
Auch die Mythopoesie von BARRY GUY, MARILYN CRISPELL und PAUL LYTTON, diesich auf Deep Memory (Intakt CD 273) von 'Blue Horizon' bis 'Dark Days' in die
gemalten "Last Poems" von Hughie O'Donoghue versenkt, findet dort einen Schläfer('Sleeper') und einen gefallenen Engel ('Fallen Angel'), der von seiner Rückkehr träumt.
'Return of Ulysses' spielt dabei archetypisch auf ein Ithaka an, als dem blauen Horizont
am Ende dunkler Tage, dunkler Nächte. Heimkehr ist das große Leitmotiv von"Odysseey" (2001), "Ithaka" (2004) und "Phases Of The Night" (2008) bis hierher, wo
Guy seine 'Klaglieder' fortsetzt über den Bruch der Gefäße ('Shard'), sein Lamentoüber den Sturz der Engel. Mit 'Scent' evoziert er wehmütig einen Nachgeschmack vonal-Andalus als Sinnbild für ein verlorenes Paradies. Mit 'Fallen Angel' reißt er insplitternder Dramatik den Katastrophenhorizont auf, und lässt nicht nach, sich mit
brutalen Gesten und zartester Elegie als der erstaunlichste Kontrabassist unserer
Tage der Erinnerung einzubrennen. Spekulierten Origenes und Isaak Luria, wenn sieüber Luzifers Rebellion, die Lichtemanation des Schvirat ha-Kelim, die Rücknahme desAbfalls und Aufhebung der Trennung (Apokatastasis) als Reparatur der Welt und
Wiederherstellung des Anfangs (Tikun Olam) spekulierten, nicht über das Gleiche? Ist
es diese Gnosis, die O'Donoghue enigmatisch andeutet und die im archetypischen'Return of...' widerhallt? Mit bluesblauem Blau und leiser Hoffnung. Aber auchspringend und rasant, Odysseus als unaufhaltsamer Buster Keaton. Dann wieder als'Silenced Music' aus flimmernden Funken und erst tropfenden Tönen, die im
Innenklavier Schatten werfen, dann aber auch sprudelnd der Lichtquelle entgegenhasten. 'Dark Days' springt, hämmert und sägt zuletzt als tobende Unordnung, heitert
unter Crispells Fingern aber auf, um sich trillernd vom belämmernden Gehämmer
abzusetzen. Vom Zeitgeist, den wir riefen.
36Ganz elegisch setzt das STEFAN AEBY TRIO ein, um sich mit To The Light(Intakt CD 274) lichtfromm ins Hellere zu neigen. Stefan Aeby, André
Pousaz und Michi Stulz bilden ein samtpfotiges Pianotrio mit Piano,
Kontrabass und Drums, das im Chiaroscuro der Gefühlswelt Zärtlichkeiten austauscht. Stulz ist als einer der unbeschuhten Pilger, die
Christoph Irniger um sich geschart hat, darin geübt, sachte aufzutreten,
mit leichter Hand zu sirren und gedämpft zu pochen, um nicht zuübertönen, wie Pousaz da Krippenfiguren aussägt und mit feinem
Pinselchen koloriert. Stulz flauscht das Rauschgold mit Glockenspiel,Piano und Bass drehen mit markantem Riff einen Reigen mit Knicksmotiv,
bevor Aebi die Finger mit melodienseligem Gusto an der Sprossenwand
rumturnen lässt. Die Knautschzonen dieser Musik sind gut abgefedert,
Das 'hmmM' einer Melodie, das 'hmmM' der Melancholie ist der alles
dominierende Konsonant. Pousaz summt ihn immer wieder mit dem
Bogen, doch noch sonorer und samtiger brummt er ihn pizzikato, als
Samt und Pelz, worauf Aebi seine Perlen... streut kann man kaum sagen,er legt Ton für Ton ins rechte Licht. Ich sage nicht Kerzenlicht.
Andererseits, sind nicht viele bleibende Ideen bei Kerzenlicht gedacht
worden? Die christliche Vorstellung vom guten Hirten, von behutsamer
Herrschaft ('The Good King')? Die chinesische Poesie ('Shi')? Der
buddhistische Weg ('The Wheel')? Wehmut ist das zarte Band, das die
acht Tongedichte verbindet, bei deren siebtem Stulz besonders fein
seine 14 Arten, an Blech zu rühren auffächert. Man muss nicht zu den'Traurigkeitsgenießern' zählen, um diese flüsternden Flirts mit dem
Ungroben als Wohltat zu empfinden.
Schon länger muss ich beim SCHLIPPENBACH TRIO an die Epstein
Brothers von "A Tickle in the Heart" denken, wenn da zwei X-und-70- undein 66-Jähriger Drums und Tröte in den Kofferraum packen, Hut undKappe aufsetzen und losgondeln. Um ihr Ding zu machen, wo immer sichein Publikum findet. Die 'Winterreise', zu der Alexander von Schlippenbach, Evan Parker & Paul Lovens jedes Jahr aufbrechen, ist legendär.
Das Warsaw Concert (Intakt CD 275) spielten sie beim Ad Libitum
Festival am 16.10.2015 in Warschau. Wo sie natürlich ad libitum spielten,
dabei aber auch 'Miss Ann' und 'Out There' von Eric Dolphy und
Schlippenbachs eigenes 'Marcia di Saturno' als Themen anrissen. Als
Hyperbebop mit all der Souveränität jahrzehntelanger, nämlich schon
1972 angefangener Praxis und inniger Vertrautheit als ein FMPWarpkern. Free Music forever. Parker sprudelt und spotzt ausschließlich
per Tenorsax, angestachelt von Lovens rasseligem, schrottigem,
nadeligem Klirren, angetrieben durch Schlippenbachs unermüdlichhämmernden Pianodrive. Es dauert fast eine halbe Stunde bis zur ersten
Atempause, die durch eckige Pianolyrismen und feine perkussive
Interpunktionen gestaltet wird. Bis sich federnd, polternd und hämmernd
genug Sog aufbaut, um Parker wieder ins Spiel zu ziehen, mit seinerÜberfülle an brodeligen Spaltklängen, die er zu einem zirkularbeatmeten
Supersolo verdichtet. Bis mit einem Crash alle wieder beisammen sind,aber nur, um das Zentrum ganz frei zu räumen, für zeremonielle Gesten
im Innenklavier und perkussive Spannung, die Lovens mit rauschenden
und scheppernden Becken und nadeliger Feinarbeit schürt. Parker und
Schlippenbach tasten sich mit schnellen Kürzeln an eine erneute
Verdichtung heran, die bald tumultarische Züge annimmt. Ein kontrollierter Tumult, ein aufrauschender und überquellender Überschuss. Dem
noch ein 5-minütiges Liedele zugegeben wird, geträllert in der freilich nur
Evan Parker möglichen Eigenart.
37

Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
The Art Of The Improv Trio Vol. 1 - 6 (LR 771-776), sechsfach demonstriert von IVO
PERELMAN, fünf mal mit GERALD CLEAVER an den Drums. Ausnahme: Bei Vol. 2 (LR772) trommelt WHIT DICKEY, die zugehörige Variable ist MAT MANERI mit der Bratsche.
Die Rolle des dritten Mannes spielt bei Vol. 1 (LR 771) KARL BERGER am Piano, bei Vol. 3(LR 773) MATTHEW SHIPP, ebenfalls, aber auf wieder andere Weise am Piano, bei Vol. 4(LR 774) WILLIAM PARKER am Kontrabass, bei Vol. 5 (LR 775) JOE MORRIS an der EGitarre, während er für Vol. 6 (LR 776) zum Bass griff. So dass man die Ahnung, dass das
Gleiche nicht dasselbe ist, bestätigt bekommt im Vergleich zweier Arten Bass und zweier
Arten Piano zu spielen. Und einmal mehr zu hören bekommt, wie verblüffend Bratsche
und Tenorsax sich Ton in Ton treffen. Dabei bilden Maneri und Dickey, die sich seit den
späten 80ern von Boston her vertraut sind, einen gemeinsamen Gegenpol zu Perelmans
Manier, stöhnend zu singen. Ich mag Maneri, der wie Pierrot mit groteskem Riesenbogen
Vierteltöne kratzt, blau, gelb und grünlich wie abklingende Schwellungen. Das passt
perfekt zu Perelmans grell und schiefgelb in Altissimo gekirrtem Klang, wobei er dafür im
letzten Jahr eine neue Atemtechnik entwickelte, die inzwischen sein bisheriges
Fingerspiel ganz abgelöst hat. Wo andere Bohrer bräuchten, um Schädel durchzupusten,
und Nägel, um das Hirn zu kitzeln, genügen ihm schwefelgelbe und giftgrüne Spitzen, um
als Rossarzt der Lyrik, als Schneemann der Seele, an den Mundwinkeln zu zerren. Je
mehr ich mir Perelman zurecht biege vom Abstrakten Expressionisten zum Sänger vonGalgenliedern und Wahnsinnsarien zwischen Ensors Fratzen und Munchs Schrei, desto
besser leuchtet mir sein insistierender Tonfall ein. Karl Berger mag mir in all dem
widersprechen, sei's drum. Sein bedächtiges, aber jederzeit sprungbereites Spiel und
Cleavers pixelig klickende, raubkatzenhaft federnde Animation kehren in Perelmans
Palette den Schlürfer von Mondmilch hervor, den Surfer auf Schaumkronen, den kühnen
Phantasten, der zwischen enthusiastisch und närrisch schillert. Ob man es 'Joy' nennt
wie Berger oder 'Fun' wie Shipp, sie lassen sich von Perelmans Passion gerne
herausfordern und dankbar mitreißen. Cleaver agiert mit Shipp nicht weniger federleicht,
aber doch auch merklich knackiger, dreschender. Shipp kann ruhig mal bis zu den
Ellbogen in den Tasten wühlen, Perelmans Pathos in seinem Übermaß an Dexter GordonSang und Ben Webster-Vibrato tiriliert aufgekratzt drüber weg oder bezüngelt diewollüstig bebende eigene Brust. Wie angestochen schnappatmet und röhrt er auch zum
murmelnden Bass von William Parker, der da jedoch die Kinder Orishas ihr Jahrhundertelanges Leid in den brasilianischen Plantagen und Minen klagen hört. Und einemusikalische Kraft, groß genug, Berge zu versetzen und gemeinsam Visionen zu malen.
Parkers Finger und Cleavers Hände erzeugen ein fiebrig klirrendes Dauerbeben, sein
Bogen zersägt mit zirpendem Nachdruck Gitterstäbe. Wie alle Teile der sechs Sessions
sind auch ihre drei ungetauft, die Proportionen sind aber mit einer Mitteltafel von 51 undzwei Flügeln von je 5 ½ Min. so ungewöhnlich wie Perelmans stöberndes Finden und
Auskosten kleiner Freuden. Der zweite der neun Parts mit
Morris' Gitarre ist sogar noch wonniger in seinem ostinat
gepfiffenen und lyrisch funkelnden Mäuseglück, der letzte
wringt auch noch den allerletzten Seufzer aus dem Horn.
Dazwischen steno- und seismographiert Morris in stupender
Rasanz die von ihm prickelnd mitforcierten Kapriolen undManien quasi als Selfie. Vol. 6 ist ein Livemitschnitt aus dem
Manhattan Inn in Brooklyn, mit einem 42.-min. Set plus
Zugabe. Ein Landsmann von Perelman hörte ihn dabei am
Zuckerhut schlecken und in Morris' Bass und Cleavers
Drumming das Herz des Amazonaswaldes pumpern. Ich höre
brodelnde Passion, bebendes Pathos, Perelman pur mit allseinen schrillen Schlieren, als hätte er sich den Mond als"frechen Splitter" (wie Babel ihn genannt hat) eingezogen,wo es schön weh tut.
Illustration: Sebi Tramontana
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Das TRIO KIMMIG-STUDER-ZIMMERLIN spielt schon ne Weile gemeinsame Streiche, neu bei
RAW (LR 766) ist JOHN BUTCHER, der mit Tenor & Soprano den Zusammenklang vonHarald Kimmigs Geige, Daniel Studers Kontrabass und Alfred Zimmerlins Cello besaxt. So
erstmals am 25.1.15 vor erklärtermaßen offenen Ohren in München. Hoffentlich auch feinen
Ohren, denn vieles spielt sich da im Kleinen ab, im pricklenden Pünktchen-PünktchenKomma-Pfeil und so nah beieinander wie Leben und Tod unter einem Skalpell. Im kleinsten
Zirpen, Kratzen, Glissandieren und Trillern wird freilich Großes verhandelt: Teamgeist,
Synergie, Schwarmintelligenz, Differenzierungsvermögen, Geistesgegenwart auch beim
paradoxen Verhalten eines komplexen Systems. Das ist natürlich keine Kammermusik,
sondern ein zeitgemäßer Widerhall dessen, was sich in der nanostrukturellen und teilchenphysikalischen Avantgarde abspielt, zumindest als pfiffiges Als ob. Statt Hummelflug undder Wut über nen verlorenen Groschen sind wir hier freiweg beim kessen Hadrion, undverbringen die Nacht nicht auf kahlen Bergen, sondern mit Zauberlehrlingen in Laborkitteln.
Nathan Bontragers Cello diente schon If, Bwana als Sound Source für '4 Dock PO'. Ich denke
dennoch nicht, dass sein Appalachian Folk mit Hen's Teeth was mit Organum zu tun hat. In
Köln gehört er zum Impro-Kollektiv Impakt (wie Etienne Nillesen, Philip Zoubek und
Elisabeth Fügemann von Emißatett). Die heißt mittlerweile Coudoux und ist ein weiteres
Viertel von THE OCTOPUS. Das von Nora Krahl gegründete, durch den japanophilen Pariser
Hugues Vincent vervollständigte Projekt debütiert mit Subzo[o]ne (LR 770), freien Tauchgängen im Ocean of Sound, die die Imagination auf Augenhöhe bringen mit bizarren
Gesellen, halb Pflanze, halb Gespenst. Spinnenbeinige Kopffüßler zucken pizzikato, Verhaltensauffällige wetzen die Sägezähne, bös guckende, aber quietschfidele Clowns verschaffen sich Standortvorteile mit extented techniques, Merkwürdigkeiten bewegen sichfurzend voran, manche knarzen, wieder andere gehen flöten. Ein Zoom hebt aus dem Vierer,
der sich von Glenn Branca Musik bestellte und schon Tristan Honsinger mit auf die Bühne
bat, ELISABETH COUDOUX hervor, die mit Some Poems (LR 777) um Aufmerksamkeit bittet.
Mit theatralischer Manie, inbrünstig sonor, mit Spaltklängen, Resonanzen, Flageolett und collegno, mit großen Intervallsprüngen, kleinen Loops, geklopft oder groovy wie geschmiert.
Bei schnellem Puls in nuancierter Schattierung lässt sie Obertöne mitsingen und Steve
Reich lächeln. Sie lässt den Bogen flöten, surren, beben, schrillen, brummen, schillern, siezaubert zu melodischen Strichen perkussive Akzente und aus perkussiven ein rasantes
Rennen. Es funkt sogar kurz mal ein Discobeat dazwischen. Denn was sie macht ist ja Musikvon Hier und Heute, darüber lässt Coudoux nicht mit sich diskutieren.
Der Zusammenklang von FRANK GRATKOWSKIs Rohrblattlerei und der Posaune von SEBITRAMONTANA Live at Španski Borci (LR 779) gibt Steve Beresford in seinen Linernotes die
Gelegenheit, Billy Eckstines 'Jazzphone', den Molekülaustausch von Fahrrad und Radfahrer
in Flann O'Briens "Der dritte Polizist" und pataphysisches Sinnieren über Lol Coxhill der
Waldorf & Stadler-Fraktion als Knochen zuzuwerfen, damit sie beschäftigt ist, während wir
Spaß haben. Gratkowski brachte in Ljubljana Altosax, Bass- & Bb Klarinette ins Spiel, in dem
sein romantischer Partner seine leichten Seiten hervor kitzelt. Tramontana versenkt sichumgekehrt gern in die Abgründigkeit seines von innen schönen Freundes. Das mit dem Spaßmeine ich ernst, die beiden Enthusiasten purren, plörren, knattern, röhren, quieken, quäken,züllen, kollern und blubbern wie mit Tritons-, Alp- und Nebelhörnern so anregend, dass die
Mundwinkel schon lange vor den überkandidelten Zugaben an den Ohrläppchen kleben.
SIMON NABATOV hämmert Monk 'n' More (LR 780), beide Mal im LOFT, 1995 mit nancarrowscher Rasanz und eigenwillig eckiger Bestimmtheit: 'Skippy', 'Oska T.', 'Pannonica','Light Blues'. 2013, mit elektroakustischer Extension als Suggestion, dass, wie auf Droge,
die Zeit verrückt spielt, indem sie sich dehnt, krümmt oder auf der Stelle tritt. Im Traum trifft
Monk auf John Cage, auf Debussy und auf verzerrte, splittrig klingelnde, klirrende oderauch stumpf angedunkelte Spiegelungen seiner selbst. Zur Klimperei von 'Sunrise Twice
Redux' brummt man mit Shepard-Skala- und Doppler-Effekt dem Sonnenaufgang entgegen.
'Epistrophy' ist zuletzt aber nochmal purer Nabatonk, quirlig und springlebendig.
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Rune Grammofon (Oslo)
BUSHMAN'S REVENGE haben mich vom ersten "Hallo" aus der Hölle an nicht
abgeschreckt, sondern durchwegs gefesselt, so wie sie da jonglierten mit Motörhead,
Sonny Sharrock, Ornette Coleman und Dick Dale, mit den Beasty Boys und den Beatles,
wie sie Ghostrider in Ghostwriter, den Anti-Christ in einen Astronauten und 'Iron Man'in 'Iron Bloke' verwandelten, anspielungsreich auf Teufel komm raus. Even Hermansen,
Rune Nergaard & Gard Nilssen spielten schon immer auch Jazz by heart und frei
Schnauze, aber jetzt bei Jazz, Fritt Etter Hukommelsen (RCD2185) mit Ansage.
'Contemplation' von McCoy Tyners 1967er Blue Note-Klassiker "The Real McCoy" alsAuftakt ist jedenfalls eine Ansage. Ebenso 'Lola mit dem Gorgonzola' als Hommage an
den schwedischen Pianomelancholiker Jan Johanson zum Abschluss. Mit dem Arne in'Gamle plata til Arne' ist Arne Nordheim gemeint, und neben 'Angels' von Albert Ayler
dehnt das den Horizont schon ziemlich gewagt, wenn man bedenkt, dass da ein Trio im
Format von Cream und der Hendrix Experience zugange ist, ganz ohne Gesang. Dafür
singt die Gitarre und hebt das bluesige Unterfutter der Blue Notes hervor, wobei
Nergaard schnarrt als hätte er Kontrabasssaiten unter den Fingern. Hermansens
Intensität steigt über Achttausender hinweg, als wären es Maulwurfshügel. Nergaard
zupft selber das Intro zu seinem '0500', das dann mit tickelndem Drumming jazzig auf
den Weg gebracht wird zu versonnener Gitarre, der Nilssens fiebriger Duktus mehr undmehr das Blut in flüssiges Gold verwandelt. 'Bo Marius' funkelt zeitvergessen und inmelancholischem Abendrot, das den Gitarrenton kremig andickt. Überhaupt klingt
Hermansen, als wollte er Sharrock im Galopp nach Walhall überführen, oder mit den
Engeln singen, denen vor einem donnergrollenden Horizont Heimweh ihr himmelhohes
Jauchzen zu Weißglut presst. 'Lola' nimmt es zuletzt, durch Johansons Prisma
gebrochen zwischen funny that way und weep for me, auf zartbittere Weise leicht.
Wer Unästhetik derart auf die Spitze treibt wie beim Cover von Still Eating Gingerbreadfor Breakfast (RCD2188), der vertraut auf andere Reize. Oder schlicht auf die Zugkraft
des Namens SPUNK. Der Mitschnitt der beiden Sets ihres 20th Anniversary Concerts
am 2.12.2015 in Oslo kitzelt dann auch gleich die Abenteuerlust wie Ameisen in den
Langstrümpfen. Kristin Andersens Trompeten- & Blockflötenklänge, das brummige
Cello von Lene Grenager, das dröhnende und röhrende Waldhorn von Hild Sofie
Tafjord, die Vokalisation, das Theremin und die Oszillatoren von Maja S. K. Ratkje, sie
und Tafjord auch noch mit Live-Processing und Sampling, die saugen einen in einen
Traumfluss, in dem es kein Halten gibt. Alles changiert, fluktuiert, pfeift, keckert undjault, schabt, quietscht und heult. Mit anschwellender Erregungskurve erreichen die
ersten 44 Min. auf halbem Weg ein Maximum an Brownscher Hexenkesselturbulenz. Mit
flatterndem Blech, pfeifenden Glissandos, bohrenden Trillern, dicken Backen. Dannlässt der Druck wieder nach, die Walküren entspannen und räkeln sich, greifen zur
Zigarette, kauen an Grashalmen. Im Hintergrund klappern und zucken aber weiter
Kentaurenhufe, klingeln Schellen, der Groove will nicht abreißen. Emsig klopfend, mit
zuckelnder Flöte, schnaubenden Nüstern, windschiefem Gefiedel, launigem Singsang
zum Klingklang von Spieluhr und Krimskrams. Ratkje jubiliert auf hohen Gipfeln,
Tafjord tutet Alphorn, die Zeit fließt wie Honig. Denn alle Lust will bekanntlich Ewigkeit.
Die zweiten 35 Min. beginnen mit Attacco, als Krawall in der Schachtel, kandidelig,
hechelnd, knarzend, mit trappelnden Pfötchen, Schnäuzchen, die an einer Mundharmonika schnuppern. Frettchenalarm, Zeitrafferhektik Auch das Waldhorn bringt
keine Ruhe, Münder pressen, blubbern, zerren am Blech, Maja kirrt, der Bogen surrt
und kratzt. Was rappelt, wimmelt, brodelt, flötet, das lebt, lebt sogar sehr. Motorisches
Brummen legt sich darüber wie ein Schatten, löst Alarm und Panik aus, hinterlässt
Trauern und Klagen. Aber Spunk wäre nicht, was Champions frühstücken, wenn nicht
im Horndunkel aus gewürgter Kehle widerständige Codes ausgestoßen und neues
Gebrodel sich abzeichnen würden.
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veto-records (Luzern)
Luzern meets Chicago, die 13: More dreams less sleep (veto-records / exchange 013).
CHRISTOPH ERB als der Hauptpendler verdichtete die Connection im Oktober 2015 im
erneuten Zusammenklang seiner Saxophone & Bassklarinette mit dem Kontrabass von
JASON ROEBKE und dem Vibraphon von JASON ADASIEWICZ. Der ist Chicagos
Gegenstück zu Kenny Wollesen. Wie jener mit The Gnostic Trio oder The Dreamers fürdie New Yorker Szene steht, so repräsentieren die beiden Argonauten mit Living By
Lanterns und Sun Rooms, mit Jason Stein, Tomeka Reid, Mike Reed und gemeinsam in
Roll Down die eigenständige Improszene am Michigansee. Wo freilich nur der gruselige
Bodycount im dortigen Drogenschlachthaus in die Schlagzeilen kommt. 'Vivid', alsolebhaft und heftig, oder 'tense', spannungsvoll, treffen das nur annähernd, auch'bizarre' und 'weird' lassen die Zustände am andern Ende der Stadt reizvoller
erscheinen als sie sind. Aber es geht ja auch darum, über das, was ist, hinaus zu
träumen, wie schon mit "Yuria's dream" (2014), dem Debut der drei. Die Vibes funkeln
wie ein Kristallpalast, wie ein Porzellanladen, in dem sich jede Grobheit verbietet. Erbs
Saxophon überzieht den Traumhorizont mit einem Schimmern, lässt ihn beben undflimmern als lockende Suggestion. Der windspielerisch gläserne und tönerne
Klingklang bringt selbst den rauen Bassbogen zum Singen, und die Reeds zirpen dazu
zartbitter und machen sich leichter als Luft für einen beschwingten Flow. Der sich inschrille Spaltklänge und krabbelige Gestik auflöst, mit einem perkussiv flickernden
Mahlwerk, wieder perlendem Klimbim und sogar Schwingungen wie von einer
Glasharmonika. Zu sprudelndem Luzerner Vibrato klopfen Topfdeckelschläge undpingendes Gedengel, groovy und wie als spöttische Absage an die Weltbewältigung
durch Keilen, Ballern und Sprengen. Statt dessen wird vorsichtig gewischt undgetappst, und Vibes und Mundstück spinnen lange Glasfasern oder Goldfäden. Wenn
man es nur beim Träumen belassen könnte, statt nach dem Gold zu gieren und zu
enden wie Jason, der glücklose Goldräuber und Drachentöter.
Ich weiß nicht, ob Bohren & Der Club Of Gore an Stephen King und Kathy Bates
dachten, als sie 2008 ihr Album "Dolores" nannten. Dass Christoph Erb, Emanuel Künzi& Raphael Loher, kurz EKL, bei ihrem Dolores (veto-records 017) von besonderen
Frauen schwärmen, das verraten sie mit 'Rose Dolores', einer Hommage an den
Broadway-Star Kathleen Rose (1893-1975), den Prototyp eines androgynen
Supermodels. Und mit 'Lola', dem blauen Engel, den die Dietrich und die Sukowa
verkörperten, in deren Haut aber in North Soho jemand schlüpfte, dessen weiblicher
Hüftschwung mit dunkelbrauner Stimme und festem Griff einher ging. Wenn Künzi
übers Blech scharrt, stellen sich einem doch eher King- als Kinks-mäßig die Härchenauf. Den donnerblechernen Horror begleitet Erb mit schnarrenden und schmatzenden
Lauten des Mundstücks, eine ominöse Tönung rührt wohl von Lohers Wurlitzer her. Fürdas tenoristisch gegurrte und klapprige 'September 15th' wechselt er zu spitzen
Pianoklängen, die er dann für 'Delirious' so präpariert, dass sie glockig tönen. Künzi
pocht hohl und dumpf und dreht dann trommelige Kreise, Erb summt, nein, surrt dazu
mit Sandpapierzunge und starkem Vibrato. 'Lola' ist hier eine hektische Braut, diegerne große Sprünge macht, aber sich am Tag zweimal rasieren muss. Bei '1277'
rumort Künzi schrottig, tickelig und rasselig zu gepressten und geploppten ErbKlängen, Loher dongt und twangt an einem wie geschminkten oder verkleideten Piano.
Bei 'Rose Dolores' catwalken seine Finger in großen Intervallen, Künzi panthert auf
Pelzpfoten, Erb träumt, wehmütig, mit belegter, bebender Zunge. Und sein Traum setzt
sich fort bei 'Do lo re', das zuletzt in höchsten Piano- und Sopranolagen funkelt undfiept, wobei Loher und Künzi zugleich am tiefen Ende plonken und knarren. Bis Künzi
den Trommelpuls unter dem gurrenden und zirpenden Soprano fiebrig beschleunigt,
die Wurlitzer fängt an zu wabern und zu klingeln, und die drei bringen den großen
Spannungsbogen ihres Faszinosums sublim zu Ende.
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Wide Ear Records (Zürich)
Der Raum der Musik wurde in den vergangenen hundert Jahren von zwei
Demontagen verformt. Er schrumpfte zum Labor und zur Ausnüchterungszelle, um
den kollektiven Besäufnissen von 14-18 und Mitte des letzten Jhdts. in strenger
Versachlichung und Ernüchterung ihren 'heroischen Idealismus', ihren schönheitstrunkenen Dünkel und Größenwahn auszutreiben und um ihre kulinarische Völlerei
auf Diät zu setzen. Was zu knäckebrotspröder Askese und der Prohibitionästhetisierter Politik und alltäglicher Verblendung führte. Bis hin zur Austreibung desAllzumenschlichen aus der Musik. Um konsequent ins Gegenteil zu verfallen, alle
Wände und Bedenken einzureißen und im Anything Goes auch noch Dach undFußboden zu verfeuern. Alle Wünsche nach schönem Schein und fettem Bombast
ebenso wie nach Reduktion oder Raffinesse wurden übererfüllt. Bis hin zur
Austreibung des Begehrens aus der Musik (und nicht nur der Musik). Die fünf
Waldgänger von IM WALD entziehen sich bei Orion (WER022) all dem ins Heimliche,
in den Wald (der Wald ist heimlich, wobei es auf das Wort Wald nicht ankommt). Und
ins Vertikale: Space is the place, 'Nebulae' und 'Orion'. Berni Doesseggers
Linernotes deuten diese Bewegung deleuzeianisch als 'Raum-Werden, MolekularWerden, Anders-Werden'. Dazu stand schon bei Ernst Jünger: Im Waldgang
betrachten wir die Freiheit des Einzelnen in dieser Welt. Die Freiheit und ihren Spielraum. Den skizzieren zuerst Viola (Frantz Loriot vom Carate Urio Orchestra und
Vision7), Cello (Nicola Romanò) und Kontrabass (Raffaele Bossard von Pilgrim),schleifend, pfeifend und schraffierend, mit vom Bass gesetzten Orientierungspunkten im Nebulösen. Trompete (Matthias Spillmann) und Altosax (Tobias Meier)hauchen und pressen dazu ein Waldweben, feine Leuchtspuren unermesslicher
Raumzeit. Gedämpft dröhnend in langgezogenen, sonor anschwellenden Haltetönen,dunkel wie von Didgeridoo, oder als helle Nebelstreifen, als Milchstraßen enminiature. Zeigt sich da, wandelweiserisch sublim bis hin zum final aufblühenden
Lichtschein, wittgensteinsche Mystik?
WER setzt der 'Suissemania', der 'kantonalen Katatonie' (wie Lukas Bärfuss lästerte),ein anderes Selbstverständnis entgegen: Besonnenheit mit Pfiff, Stabilität auch indünner Luft, etwas Schwindelfreies, eine eigensinnige Poesie, das, was Wilhelm
Genazino 'Daseinssorgfalt' nannte. Das macht die Drummer Alex Huber, David Meier,Norbert Pfammatter und Jonas Ruther, die Bassisten Dominique Girod, Fabian Gisler,
Raffaele Bossard und Silvan Jeger, die Pianisten Marc Méan und Yves Theiler, die
Saxophonisten Rafael Schilt, Sebastian Strinning und Tobias Meier wie DNA
kombinierbar. Jeder mit dem Zeug zum Leader in Projekten wie Raffaele Bossard's
Junction Box, Alex Huber Chimeira, David Meier's Hunter-Gatherer, Happy End, Im
Wald, Noflores, Periskop, Things To Sounds. Zuletzt klangen die Harfe von Linda
Vogel und der Gesang von Dalia Donadio als Schwalbe & Elefant ganz besonders
schwarzenbach und robertwalserisch. Tobias Meier setzt von den "Kurzgeschichten"
mit Triathlon (WER 001, 2009) über "Transformations" (WER003), "Wundersam"(WER004), "Adumbration" (WER005), "Hunter-Gatherer" (WER007), "Organism"(WER009), "Let Them Come" (WER012), "Philippe & Paul" (WER013) und"Interesting" (WER019) bis "Orion" (WER022) die klanglichen Koordinaten. Mein
Schulterschluss mit dem Zürcher Saxophonisten, wie BA Jahrgang 1984, beschert
den Abonnenten der BA 92 "Wundersam" von Periskop. BA 71 meinte dazu: Mit den
Stichworten Spiel und Fantasy, Traum und Erinnerung, wird eine Zentralperspektive
für die gemeinsame Improvisationskunst projeziert. Alle Sinne konzentrieren sich auf
die Entdeckung von Wundersamem, das Meier mit melodiös schwärmendem Sopranoschon vorkostet. Mich überzeugte die phantasievolle Ökonomie, eine nachdrückliche
Empfindsamkeit, ein beharrliches Begehren und etwas, das ich trotzige Romantik
nannte. Schön, dass darauf kein Zoll erhoben wird.
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... nowjazz plink'n'plonk ...
DAY & TAXI Way (Percaso 34): Dass nichts
sich groß ändert - Leitgedanke einer konservativen Revolution. Gallio ist so klug und
so gut, in den Variationsmöglichkeiten desBeinahevollkommenen dem Innovationzwang
ein Schnippchen zu schlagen. Aber vielleicht
ist bei Gallio und seinem Ornette ColemanSpirit auch heute schon morgen. Es gibt
wieder Miniaturen, es gibt wieder Widmungen, es gibt wieder komplexe Vierminüter, es gibt wieder coole, finessenreiche
Sophistication, es gibt wieder Silvan Jeger
am Kontrabass, dem 'Tannenblau' gewidmet
ist, eines der drei surrealen Juni-Gedichte
von Friederike Mayröcker, die er singt. Es
gibt also auch wieder Gedichte, wie schon
von Gertrude Stein und von Joseph Jarmanbei "Out". Und es gibt, wie schon bei"Artists" (2014), David Meier, den Schnellertollermeier-Meier, mit flexibler Präzision
an den Drums. Ihm ist 'Fünfundzwanzig
Glastränen' gewidmet, der andere Mayröcker-Song, der dritte, 'Felix der Bienenkorb', ist ein Gruß an den Bassisten Dominique Girod. Unter den Künstlern bekommt Guido Nussbaum eine 'Kopfnuss'gekeckert, Stefan Gritsch per Alto dasenergische 'Klumpen' aufgedrückt, bei 'Veit /Fight' hat Gallio an Veit Stauffer von ReRec
gedacht. Es ist das ein lacyeskes SopranoKonstrukt mit feinen Besenwischern, dasPoesie und Achtsamkeit als Kampfkünste
würdigt. Bei 'Achtel' ist Zeit für pikante,eigenwillige Solos von Jeger und Meier, bei'Ich war da' auch für Gallio selbst. 'S' hebt
mit Zeitlupenpizzikato an und bleibt auch bis
zuletzt so träumerisch, nur 'Short Moment'
ist noch gedehnter. Umso schneller zucken'A Chinoiserie for Anne' oder das dem Komponisten Edu Haubensak gewidmete 'UdeEdu?', während 'Im' einfach auf der Stelle
tritt. Hätte Gallio schon das kürzlich in Lohrenthüllte 'Horrorwittchen' gekannt, würde'Snow White Black Magic' wohl anders
klingen. Aber auch so führt die Fahrt mit Day& Taxi wieder über die märchenhaften Wege
der Kontingenz, des It-Ain't-Necessarily-So.
Gelegenheit für Berni Doessegger, auf seinedeleuzeianischen Linernotes für "Orion" vonIm Wald nun rortyesk eine 'Poesie desWeges' zu häufen.

DEEP SCHROTT The Dark Side Of Deep
Schrott Vol. 2 (poise edition 24): Ja
Donner und Doria! Die Welt ist tief, undtiefer als der Tag gedacht. Was Wollie
Kaiser, Andreas Kaling, Jan Klare & Dirk
Raulf mit ihren vier Basssaxophonen da
zwischen Albert Aylers 'Our Prayer' und'Thunderstruck' von AC/DC schallen und
rauchen lassen, ist wieder ganz großer
Sport. Nämlich die Trollmeisterschaft im
Wranglin' 'n Manglin'. Nach der Trauerhymne für die vor Minas Tirith Gebliebenen, Kalings 'Buried Alive' und Klares'Beefy Heart' setzen die 'Seven Songs byHanns Eisler' den ersten Schwerpunkt:'Panzerschlacht', 'Lieder einer deutschen
Mutter', 'Mutter Beimlein', 'Das Einheitsfrontlied', 'An die Nachgeborenen', 'Und
endlich' sowie 'Das Einheitsfrontlied' indreifacher Gestalt. Unverwüstliches deutsches Liedgut, das anknüpft an "Plays
Dylan & Eisler" (2011). Leitkultur mit
Mitknurrpflicht, aber auch mit Seufzern
für alles Unbetreute in der Welt. Dann
'Lake of Fire' von den Meat Puppets und
die Tool-Trips 'Lost Keys (Blame Hofmann)'/'Rosetta Stoned': Erst sich dröhnend bedröhnen, dann grüne Männchen
halluzinieren. Deadhead Chemistry / Gotme seein' E-motherfuckin'-T! Nach Klares
Mahnung im Umgang mit heiklen Geistern,setzen 'Three Songs by Franz Schubert'
das zweite große Zeichen: 'Das Wirtshaus', der wehmütige 'Leiermann', dieaufbegehrende 'Meeres Stille'. Mit deralten, aber bitter notwendigen Leier: You
must remember this. Ansonsten: Braune
Flaute von der Alpenfestung bis zur
Wasserkante. In der ungeheuren Weite /Reget keine Welle sich. / Todesstillefürchterlich! Kaisers 'Dark Side Suite'
komprimiert auf 4:41 ein dunkles Ambiente, in dem groteske Verschwörungstheorien und Paranoia walten. Umso
heller strahlt, wenn auch mit sanfter Glutvon innen heraus, 'Eisler's Beauty' undblitzt und heult zuletzt AC/DCs Son of a
Gun-Spirit bei diesen vier von Sonargemeinschaftsgeist und alten Leidenschaften motivierten wunderlichen alten
Ehrenmännern.
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GREAT WAITRESS Hue (Another Dark Age, ADA006): In Echtzeit in
Sydney. Wo es die Pianistin Magda Mayas immer mal wieder hinzieht, um
mit guten Freundinnen zu spielen, der Klarinettistin Laura Altman undder Akkordeonistin Monica Brooks. So schon für das Debut "Lucid"(Splitrec, 2011) und 2013 für "Flock" (Creative Sources). Als Vermittler
und Helfer im Spiel waren Jim Denley, in dessen Splitter Orchestra
Altman und Brooks mitsplitterten, und Tony Buck, Mayas Partner in Spill.
Altman mit ihrem weltoffenen Flügelschlag in Chaika und als Schunklerin
in der Bitter Funeral Beer-Band Prophets mag in Sydney etwas weit vom
Schuss sein, aber damit doch nicht außer Hörweite. Außerdem hat sie
mit Brooks, die the mountain tops of the western plains für die beerswilling slags around the Sydney sub-tropic hinter sich ließ, auch schon
in Berlin, Nickelsdorf, Wels und Oslo musikalisch gekellnert. 'Ribboning'führt mit zartem Lufthauch und windspielerischem Dingdong despräparierten Klaviers zurück ins Hinterland. Altman kaut die Luft, Finger
flattern über Holz, tapsen auf Draht, der Wind streicht und pfeift über die
Akkordeonzungen und das Rohrblatt. Und frischt ein wenig auf, derBlasebalg summt kräftiger, das Dongen nimmt zu, auch ein mysteriöses
Brummen. Ist da ein abgelegener Siedler mit der Einmotorigen
unterwegs? Sirrend, surrend, mit fiependem Zug, mit plinkenden
Drähten und zartem Kingklang wie von Geisterhand lädt die Luft sichmystisch auf, aus Echtzeit wird Traumzeit. 'Hue' heißt Farbschattierung,
Tönung, 'Pleats' sind Falten wie auch eine Ziehharmonika sie hat. Die
Finger krabbeln zu leisen Pfiffen und Geknister, das Akkordeon zirpt undfiept, die Fingernägel harfen Draht, Altman spielt einen Nachtvogel,
haucht wie mit Steinflöte, das Piano raunt als gedämpfte Pauke, schnurrt
wie eine große Katze, schimmert wie Elfenstaub. Als würde Mother
Nature sich selber servieren als arkadisches Traumland, während einneues Dunkles Zeitalter sich zusammenbraut.
URS LEIMGRUBER ROGER TURNER The Spirit Guide (Creative Works
Records, CW 1062): Das auffallende Artwork von Julia Steiner zeigt, auf
DIN A3 entfaltet, schwarze Flocken in fedrig verhuschtem Flug überweißgrauem Wasser. Es öffnet in evokativer Äquivalenz das innere Augeund das Hinterohr für die 'Flüsterzonen', von denen Pirmin Bossart inseinem Einführungstext raunt. In dem er zugleich in einer Reihung vonParadoxien davon abrät, ein besseres Leben beyond our ears zu
erhoffen. Das Leben spielt sich vorne ab und nur da können Geist undGeister gegenwärtig werden. In Turners spielerischem Klingklang undseiner huschenden Gestik, in den in die Luft gepiekten, geritzten,
gezirpten Sopranokryptogrammen von Leimgruber. In lang gezogenen
dünnen Pfiffen reißt er mit kakophonem Zuschliff Luftlöcher auf, dieTurner mit Kleinkram umraschelt, umnestelt, blechern bespritzt,
berappelt, beknarzt, beklopft. Er lässt es hageln, nadeln, klingeln,
rauschen, rieseln, und Leimgruber zieht dazu Spaltklänge in diskant
schillernden Schmierern und schrillen Fäden, fiepend, trillernd, trötend.
Turner kommt vom Großen und Ganzen aufs klappernde Stöckchen, er
tickelt mit Zahnstochern und wetzt die Fliegenflügel. Aus nadelspitzen
Tönen werden spuckige, aber gleich doch wieder auch wie mit Zurna
genäselte und gequäkte, die in Turner den Poltergeist wecken. Offenbar
kann Leimgruber diese schräg zugespitzen Klänge seinem Tenorsax
entlocken, auf dem er zuletzt, zu Snarerolls und Gepolter von Turner, mit
rauer Zunge auch das 'Spiritual'-Motiv von Coltrane anstimmt und
kleinraspelt. Die letzte Minute bringt die Rückkehr in die Stille, aus der alldas 39 Min. zuvor hervorgegangen war.
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Enceladus Spring (Persephone)

The Venus PriestessAmphitrite

MOONBOW When the sleeping fish turn red and the skies start tosing in C major i will follow you to the end (ILK Music, ILK264CD): Das
Kalendergirl auf dem Cover als Blickfang für Musik, die William
Parker zu einem Gedicht anregte, entpuppt sich als die Persephone
aus Eugenia Lolis Collagenserie 'New Mythology' ...finally free from
Hades' claws, she enjoys spring's flowers on Saturn's moon.
Vielleicht erinnert sie den Tenorsaxer Mads Egetoft (Boujelou) und
den Drummer Kresten Osgood (Og Hvad Er Klokken, Ikscheltaschel,
Tys Tys), die beiden Dänen in Moonbow, an die Kleine Meerjungfrau.
Schauplatz ist nämlich Kopenhagen, wo der polnische Kontrabassist
Tomo Jacobson noch seinen Landsmann Maciek Kadziela und die
Norwegerin Danielle Dahl (Bravura In The Face Of Grieve) an
Altosaxophonen, Lucas Leidinger (von Mount Meander) aus Köln am
Piano und den Schweden Anton Jansson an Gitarre aufbietet, um fürden freien Geist zu werben, den Europa mühsam wiedergewonnen
hat und jetzt wieder mal als Ballast empfindet. 'Fish' startet mit
einem Gitarren- und endet mit einem Drumsolo, exemplarisch für die
langen Zügel, die Jacobson seinen Weggefährten lässt. Das perlende
Piano wird durch scharfe Gitarrenarbeit konterkarariert, so dass'And the skies' umbricht von intensiver Melodik in melancholische
Klimpereinsamkeit. Was bluesige Bläserhymnik auf den Plan ruft undluftige Verhandlungen über die guten Gründe, zu bangen, und dieebenso guten, zu hoffen. Zu optimistisch klingt das windschiefe
Saxophon da nicht. Die Zustände sind keineswegs auf C Durgestimmt, getragenes, vom Piano befunkeltes Tutti bündelt sichdaher zur Petition mit großer Sehnsuchtsgeste. Osgood klopft die
Möglichkeiten ab, Jansson leuchtet sie aus mit verzerrtem Saitenklang. Was prompt melodienselige Aufbruchstimmung im Teamauslöst und ein poetisches Brainstorming von Bass und Piano. Und
wenn 'The end' nicht happy ist, so ist es doch unverdrossen hoffnungsvoll, Leidinger streut ermutigende Argumente, die bei denkatzenjämmerlichen Bläsern einiges gerade biegen. So dass sie mit
aufglühender Gitarre dem Schicksal ein Unentschieden abtrotzen.
Denn Musik wäre, so Parker, nicht Musik, wenn sie nicht die Liebezum Leben über alles stellen würde. Mit miesen Resentiments schafft
man kein C Dur.
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MUCHE / HEIN 7000 EICHEN Transferration(Jazzwerkstatt, jw174): Wie bei 7k Oaks
rauscht hier der Eichenwald von Joseph
Beuys und vernetzt die Klangkreation desBielefelder Posaunisten und des Düsseldorfer Gitarristen mit Bildender Kunst,
Philosophie und intermedialen Rückkopplungsprozessen. Hein hat sich vom "TrueGerman Hateful And Misanthropic Free
Improv" mit Blemishes weiterentwickelt zu
einem Pata Messenger und Rotozaza und
mit Mia Zabelka auch schon Honig gepumpt. Muche, um 16 Jahre erfahrener, ist
ein Dreh- und Angelpunkt der Kölner
Klang- und Medienkunst, bei Das Mollsche
Gesetz, Muche-Zoubek-Tang, dem Multiple
Joy[ce] und Tabadoul Orchestra, Emißatett,nebenbei sogar Spinifex Maximus. Zentraler ist jedoch der mit dem Laptopper &Videokünstler Sven Hahne initiierte Zeitkunst e.V. und dessen intermediäre, bisnach Wien, Istanbul, Skopje, Bergen undsogar China und Vietnam exportierten'Frischzellen'-Kuren, durchgeführt mit dem
Timeart Ensemble, Nanoschlaf und mit
Hahne als Männer Mit Motoren. Wo ein'Stahlwille' ist, ist, um auf das nach Eicheln
trüffelnde Rüssel- und Borsten-Duo zu
kommen, auch ein 'Zwitschern'. Verblüffender noch als Muches posaunistisches, im Duo mit Matthias Müller sogar
verdoppeltes Posaunen-Multiversum, ist
die krasse Weise, wie Hein an den Saiten
wetzt und wütet. Was geht hinter der
Fassade aus beflaumtem Kinn und strengem Brillenblick vor, um so an die Schallmauer zu schrammen? Reduktionistisch?
Am Arsch. Idiosynkratisch trifft es schon
eher, wenn man darunter die instinktive
Abneigung gegen klangliches Tafelkonfekt
versteht. Lieber schmettern, zirpen,
schrappeln, rauschen, knören, schlabbern,
prasseln, krabbeln, klickern, schmauchen,hacken, fiebern und prusten die beiden
genüsslich entlang der Borke des kakophonen Protoplasmas. Auf "einem sehrhohen dynamischen und energetischen
Niveau", hihi. Dennoch mit eher horizontaler Ausrichtung und wie unter starkem
Druck, der den dynamischen Überschussnach vorne lenkt. "The future of improvised
music is assured in the hands of creative
young musicians of commitment like Nicola
Hein and Matthias Muche." Sagt wer? Sagt
Evan Parker.

EVAN PARKER - MARK NAUSEEF - TOMAGOUBAND As The Wind (Psi Records, psi
16.01): Dann muß ich Freiheit haben, / Soausgedehnte Vollmacht wie der Wind ...
gebt mich frei / Zu reden, wie mir's dünkt,und durch und durch / Will ich die angesteckte Welt schon säubern... Ja, diesmalübernimmt Parker als Anreiz die großen
Worte, die Shakespeare in "Wie es euch
gefällt" dem Jacques in den Mund gelegt
hat, getarnt als Lob der Narrheit. Denn somächtig stolz ist Parker auf das wildganswilde kreuz und quere Pfeifen undQuäken seiner zweiten Jugend, dass er
seinen Namen zu gern ganz oben geschrieben sieht, obwohl die Session in St.
Peter's Whitestable am 22.9.2012 auf
Nauseef zurückgeht. Die beiden hatten
zuvor "Near Nadir" auf Tzadik realisiert,
und bei einem Konzert im Pariser Banlieues
Bleues mit Adam Linson, Ikue Mori und Matt
Wright waren sie so von Gouband als
sechstem Mann beeindruckt gewesen, dasssie ganz nah zusammenrückten. Der kürzlich auch bei Fenêtre Ovale involvierte
Perkussionist erweitert Nauseefs mit Bent
Metal, Meditation Bells, Chinese Drums,
Woodblocks, Tom-tom und dergleichen entfalteten Finessenreichtum mit Steinklang.
Jacques' Philosophie, die den Bogen
schlägt von der Melancholie, die er aus
einem Liede saugen kann, wie ein Wiesel
Eier saugt, bis zum quasi Beckettschen
mere oblivion, Sans teeth, sans eyes, sanstaste, sans everything, hallt wider als
Wetter, Regen und Septemberwind. Gouband reibt und beklopft raue Steinplatten,
die er auf die Trommel oder die ungekehrten Becken gelegt hat, mit Steinei oder
Fäustling, Nauseef lässt Schalen singen undKetten rauschen, pingt Scheiben und Triangeln. Die perkussive Naturklangpaletteverführte Parker zu außergewöhnlichem
Einklang in eine fast Lear'sche oder Molloy'sche Szenerie und Seelenlandschaft aus
klapprig kargem Steinton und metallischem
Kling- und Dröhnklang, in die er sich einfühlt
und einfügt, ja geradezu einlutscht mit
zartbitterer Sopranistik und halbschattig
geflötetem Tirili. Schon auch mit dem typischen Schliff und Spaltklangpfiff, aber
diesmal räumlich auch, offen, durchscheinend, poetisch, 'natürlich' in seinem helldunklen Changieren. Ach, wollt' die 'angesteckte Welt' doch nur dies Mittel nehmen.
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THE REMOTE VIEWERS No Voice From The Hall (RV14): 'Bookended' ist so vielschöner als Intro und Extro. Zumal Aldous Huxley der ersten Buchstütze den
Namen gibt mit 'The Trouble with Fiction' (is that it makes too much sense. Reality
never makes sense). Haupttroublemaker sind wohl Noise Generator, Pocket
Theremin und das Baritonsax von Caroline Kraabel zu einem geklopften Beat.
Bei 'Screens and Uniforms' 35 Min. später lassen sich die vereint singenden
Saxophone im stürmischen Andrang von John Edwards' Bass und Mark Sanders'Drumming von noch so viel Noise nicht die Zuversicht nehmen, mit Adrian
Northover als vorpreschendem Trillerer inmitten der Sax-Quadriga mit auchnoch Sue Lynch und David Petts. Wobei Edwards den Noise noch andickt, indem
er erstmals auch zur Bassgitarre greift. Hauptsache dazwischen ist jedoch die
titelgebende Suite, deren fünf Teile durch vier Improvisationen verbunden sind.
Dabei zeigen sich im Miteinander der Rhythmsection erst mit Petts am Tenorsax,
dann mit Northovers Soprano, im Kraabel-Petts-Duett an Altosax und Noise
Generator und schließlich im All together die individuellen Qualitäten dieses
langjährigen Kollektivs, dessen Ästhetik freilich nach wie vor von den scharfen
Konstrukten von David Petts bestimmt bleibt. Die jagen einmal mehr die Bläser
im Zickzack über heftig gesägtes Basswerk und steiniges Pflaster. Aus der vonklaren Mustern und hartnäckigen Repetitionen bestimmten Formation schert
abwechselnd eine Stimme aus für kontrapunktische Alleingänge und furios
bohrende Sondervoten, denen freilich Edwards' wüstes Arcospiel undschnarrend struppiger Saitenklang zusammen mit den freihändig rockenden
Drums ständig Mut dazu macht. In der lärmaffinen Reibung von Saxstrenge mit
Saxfeuer und seiner faszinierenden Fügung von Freiheit und Bindung, Form undFeeling, Dynamik und Innehalten, treibt Petts eines der eigenartigsten Konzepte
des NowJazz konsequent weiter, bis hin zu 'Sunday Service' als ganzversammeltem, getragenem Finale. Der Rückbezug auf Autoren wie Rex Warner
und J. B. Priestley und auf den Film Noir - bei "Crimewave", das aus "The Big
Clock" (1946) von Kenneth Fearing herrührt, mit "Pitfall" (1948) von André De
Toth oder "City of Nets. A Portrait of Hollywood in the 1940's" von Otto Friedrich- erweist sich als paranoisch kritische Treue zur modernistischen Widerständigkeit im Schatten des Faschismus und des Kalten Krieges. Mit Huxleys
Zitat aus "The Genius and the Goddess" (1955) und einem weiteren aus "Flee theAngry Strangers" (1952) von George Mandel geht man nur wenige Schritte weiterauf den Straßen, die, wie Raymond Chandler wusste, von etwas Üblerem
verdunkelt werden als der Nacht. Will Self mit "Umbrella" und "Shark" oder Alan
Moore von "V wie Vendetta" bis "Jerusalem" zeigen eine ähnliche Treue, bei wohlähnlicher Diagnose.
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KEN SCHAPHORST BIG BAND How To Say Goodbye (JCA Recordings, JCA1602):
Wollte ich zur Bad- und Freakness meiner NowJazz-Ansprüche einen Gegenpol
finden, wäre Big Band ein guter Vorschlag. Eine Idiosynkrasie, gewiss, aber nicht
allein der beSWINGtheit etwa der Big Band Würzburg! geschuldet, denn die hrBigband serviert als Jazz from Hell auch nur kalten Kaffee. Dass die Traditionspflege
Geistesgegenwart nicht grundsätzlich ausschließt, zeigt Mark Harvey mit dem
Aardvark Jazz Orchestra am MIT in Cambridge. Von da ist es nicht weit zum New
England Conservatory, wo Ken Schaphorst seit 2001 das Jazz Studies andImprovisation Department leitet und 2014 ein Freisemester dafür nutzte, mit Hilfe
hochkarätiger Kollegen und Alumni einige Dankesschulden abzutragen, Mit 'Bluesfor Herb' erinnert er, mit Tenorsaxbrillanz und ellingtonesken Klangfarben, an den
Trompeter Herb Pomeroy (1930-2007), mit dem flotten 'Take Back the Country' undAnklängen an Gerry Mulligan an den Posaunisten und Arrangeur Bob Brookmeyer(1929-2011) und desen Stirnrunzeln über die amerikanischen Verhältnisse, mit dem
von Astor Piazzolla inspirierten Nichttango 'Amnesia' an seine Großmutter, mit'Green City' rühmt er Boston selbst als Hauptstadt weicher Bohnen und lauen Tees.
'Mbira 1' & '... 2' lassen die westafrikanischen und indischen Einflüsse in seiner
Musik aufscheinen und er orgelt für Ersteres eigenhändig ein Fender Rhodes-Intro.
Bei 'Global Sweat' lautmalt das Kollektiv ein anschwellendes Sommergewitter. 'Float'
wird von Geklimper und schmusiger Schwerelosigkeit getragen, sanfter noch als die
Ups und Downs des anfänglichen Titelstücks mit seinen inneren Stürmen ohne
Happy End, wo John Carlsons Trompete den Protagonisten spielt. Einfach nur die
Solisten zu nennen, ist Werbung für das NEC: die Trompeter Ralph Alessi und Dave
Ballou, die Posaunisten Luis Bonilla, Curtis Hasselbring und Jason Jackson, derPianist Uri Caine, die Saxophonisten Chris Cheek, Donny McCaslin, Brian Landrus,
Michael Thomas und Jeremy Udden, der Gitarrist Brad Shepik, der Drummer Matt
Wilson. Den Puls hinter den retrospektiven Verwirbelungen liefert Jay Anderson amBass, eine heimliche Hauptrolle spielen Jerry Leakes Geklapper und Gerassel bis hin
zu 'Descent' als exotisch angehauchtem Ausklang.
UDO SCHINDLER & MARCO VON ORELLI Luft.Spiele (FMR Records, FMRCD4160216): Mit allen Raffinessen, die sich nur denken lassen, saugen, zerren, schaukeln,
wirbeln, pressen die beiden Salonlöwen der 58. Ausgabe die Luft in den Dienst derKlang+Kunst in Krailing. Am 25.9.2015 spielte der Gastgeber Sopranino &Tenorsaxophone sowie Kornett, der Besucher aus Basel seine von Omri Ziegele’s
Billiger Bauer, Kaspar von Grünigens Bottom Orchestra und dem eigenen Quintett
her bekannte Trompete. Ziegele schrieb den beiden Luftikussen auch eine blumige
Laudatio, nennt sie "zwei Luftpiraten" und "zärtliche Jäger im Wald dessehnsuchtsvollen Rauschens", prostet dem "Wunder des gepressten Daseins" zu
und proustet was von wiedergefundener Zeit. Zu schön aber auch fauchen undschmauchen, kirren und gurren, brodeln und tröten die beiden mit dem
Beinahenichts in ihrer windigen Kanalisation. Sie flatterzüngeln und schnarren imWindschatten der zunftüblichen Schmetterei kuriose Zapfenstreiche mit einer
Virtuosität, bei der der Diabolus in musica sich als Raubein mit spitzen Hörnern
zeigt. Ich wusste gar nicht, dass Orelli ein derartiger Spaßvogel ist, der in jeder Lage
die Schräglage sucht und findet. Mutet es kurz mal etwas zahmer und getragener an,
folgen gleich wieder abgewürgte oder aufgekratze Töne, geploppte und gespotzte,
rostige und krumm gebogene, gern auch in spitz geknickten Zacken oder paradoxen
Sprüngen. Schindler gründelt in tiefster Lage, Orelli bläst tonlos durch ein undichtes
Ventil, der eine fiept, der andre schmatzt und kieft am Mundstück wie ein Hund anseinem Knochen. Zwischendurch sprudelt es in einem Zug durch wie bei Peter
Evans, zum Ende zu spürest du aber kaum noch einen Hauch. Das klappt so intensiv
und punktgenau, dass die beiden sich heuer an Ostern in der Traunsteiner
Klosterkirche erneut verabredeten, mit Baby Sommer als Spaßverstärkung.

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SCHWAB SORO Volons ! (Neuklang, NCD4150): Lust zu fliegen haben viele,
und landen als Flughörnchen im Graben, als Fressen für die Raben. Julien Soround Raphaël Schwab fliegen auf andre Weise. Dabei nutzen sie den Auftrieb
durch Ping Machine, wo Soro Altosax spielt und Schwab den Kontrabass. Soro
hatte auch schon in Big Four, einem Ableger aus lauter Ping-Maschinisten, zur
Vorsicht gemahnt: Mind the Gap. Mit den Armen rudern, bringt nichts,
Sprungkraft ist angesagt und noch besser mindert Tanzen die Schwerkraft.
Zwei Mambos und ein Walzer animieren hier dazu, sich leicht und locker zu
machen. Schwab hat derart schnelle und kraftvolle Finger, dass er mit den
Luftschlangen seines Partners so fix mithält, wie der Schatten zum Tänzer.
'Posément' nimmt sich selber wörtlich, mit bedächtigen, tagträumerischen
Lyrismen unter dunklem Vorbehalt. Umso quicker und fröhlicher sticht das
Walzerchen davon ab. Das Alto wirbelt, dass der hellen Saum fliegt, dasPizzikato krabbelt melodisch die Tonleiter rauf und runter, muss aber mit
ohrwurmigen Kringeln etwas aus dem mathematischen Tran gebracht werden.
'Groupes' taucht so tief in Tristesse, dass es fast stillsteht. Bei 'De conserve'
zirpt und federt Schwab mit dem Bogen und singt auch schön arco mit. Für'Jérôma' pickt er die Noten einzeln und scrabblet daraus eine Melodie, dieSoro so zartbitter anbläst, dass man mitseufzen möchte. Ganz sanftes Paul
Desmond-Feeling, der Ton zerbrechlich wie ein Soprano. Dem Fliegen wird
aber doch noch 'Volons' als Geschmacksverstärker zugeführt, der Laune
macht auf Loopings. Doch gemach, auch Vögel waren erst mal Echsen, viele
kleine Schritte sind nötig, um leichter zu werden als Luft. Während der Bass
geduldig läuft, verliert das Alto zwischen Sehnsucht und Resignation die
Bodenhaftung. Um zuletzt auf Sanges Flügeln ein usw. zu flattern, in einem
Takt, zu abstrakt für Hüftschwünge, dafür gut zu erkennen als sanfte Ironie.
SARA SERPA - ANDRÉ MATOS All The Dreams (Sunnyside, SSC 4028): Zwei
Portugiesen, die sich aber erst 2003 beim Studium in Boston kennen gelernt
haben. Serpas Stimme, inzwischen auch eine der Engelszungen in Mycale,erregte die Aufmerksamkeit von Greg Osby, der ihr sein Label Inner Circle alsroten Teppich ausrollte. Auf Osbys eigenes "Nine Levels" (2008) folgten
Serpas Leaderdebut "Praia" (2008) und "Mobile" (2011), ersteres mit Osby,
letzteres mit Kris Davis, beides mit Matos und seiner Mondlicht-Gitarre. Der
wurde neben ihrem Pianoteacher Ran Blake, mit dem sie "Camera Obscura"(2010), "Aurora" (2012) und "Kitaro noir" (2015) einspielte, zum weiteren
Duopartner, bei "Primavera" (2014) und nun erneut für Songs nach Gedankenvon Álvaro de Campos (= Fernando Pessoa), Luis Amaro, Clarice Lispector und
William Blake. Mit Ran Blake hatte Serpa zwischen 'Dr. Mabuse' und 'Mahler
Noir' geschwankt, bei "Mobile" hatte sie Zeilen von Herodot, Ryszard
Kapuscinski, Naipaul und Steinbeck gesungen und vor dem inneren Auge
Corto Maltese neben Captain Ahab auftauchen lassen. Hier beschwören die
beiden Lusitanier Erinnerungen an ein 'Lisboa', das zwischen 'Nada' ('Der
Tabakladen') und 'Night' ('Songs of Innocence') schwebt, zwischen Blakes The
moon, like a flower / In heaven's high bower, / With silent delight / Sits andsmiles on the night und der superlativistisch nihilistischen Müdigkeit von deCampos. Ich bin nichts. Ich werde nie etwas sein. Ich kann nicht einmal etwas
sein wollen. Abgesehen davon trage ich in mir alle Träume der Welt. Dabei ist
Serpas gelegentlich auf Synthesizer und strohwisch- oder fingerweiche Beats
gebetteter Zungenschlag, den die Gitarre oder sie selbst mit Piano verzieren,
ein Inbegriff träumerischer Leichtigkeit, vor allem wenn sie wortlos vokalisiert.
So cremig zart klingt das, als hätte sie die Quintessenz lusitanischer
Philosophie erfasst: Iss Schokolade, kleines Mädchen; iss Schokolade! Sieh,
es gibt keine andere Metaphysik auf der Welt als Schokolade.

49

* WORLD SERVICE PROJECT Fire In A Pet Shop
(Megasound, MSM 025): Beim diesjährigen Freakshow Artrock Festival in Würzburg heizten die
uniformierten Party Animals von WSP dem Publikum
kräftig ein. Wilde musikalische Tiere aus Britannien,das kennen wir ansonsten eher von Gabby Youngund ihrem Swingzirkus. Für ihr 2012 veröffentliches
zweites Album entflammten Dave Morecroft undseine Projektmitarbeiter Tim Ower (sax), Raphael
Clarkson (trombone), Conor Chaplin (bass) und Neil
Blandford (drums) – die beiden Letztgenannten mittlerweile durch Arthur O'Hara und Harry Pope ersetzt – eine Tierhandlung. Was wohl ihre Landsmänner Neil Tennant und Chris Lowe davon halten?
Die graphische Darstellung dieses feurigen Vorfalls ziert als Wimmelbild das CD-Cover.
Beim Opener 'De-Frienders' wird gleich mal die Bandbreite der Briten aufgezeigt.
Munteres Getröte, brachiale Bassriffs, agiles Getrommel und gelegentliche Tastenmätzchen, etwa Sounds aus der Videospiel-Mottenkiste vom "Master Of Shenenigans".
Das zoologische Einzelhandels-Inferno hört sich wie die Vertonung eines Stummfilms an,nicht ohne entsprechende Tierlaute. Die Posaune gibt zwischenzeitlich einen britischen
Benjamin Blümchen, der sich wohl aus dem Porzellanladen an den Ort des Geschehensverirrt hat. Bedrohlich wummert ein Flammenmeer aus dem Keyboard, ansonsten wirkt
das eher wie ein heiteres Punk-Jazz-Bühnenmusical ohne Gesang. 'Barmy Army' mit
improvisierender Militärkapelle, die vermutlich von einem Operettengeneral geleitet
wird, passt zu den Outfits der Band auf der Freakshow-Bühne und zum patriotismuskritischen Ton, der beim folgenden Album "For King And Country" angeschlagen wird.
'Villain Of The Aeroplane' lässt die Bläser zu durchdrehenden Flugzeugturbinen
mutieren, und das nächste Inferno scheint vorprogrammiert, wenngleich die Doppelbödigkeit
den Verdacht nahelegt, dass es sich nicht
unbedingt um einen Luftfahrt-Terroristen handelt, sondern vielleicht doch um einen ErsteKlasse-Tyrannen oder ein Rudel gröhlender ProllTouristen/Fußballfans (siehe 'Barmy Army').
'Dance Of The Clown' handelt von Morecrofts
Bühnen-Alter-Ego, den zwar als Horrorclown,aber eher nicht für die Neuverfilmung vonStephen Kings "Es" geeigneten Mr. Giggles, deranfangs zu Klatschen und Glockenspiel-Klimpern
Kung-Fu-Laute von sich gibt und später ein
derart schrilles Lachen, dass es sogar Pumucklerzittern lässt. Musikalisch unterfüttert wird das Der schräge Mr. Giggles(Foto: Monika Baus)von einem manisch-depressiven Zirkusorchester
mit Tourette-Syndrom, wobei auch die Keyboard-Sequenzen wie verzerrtes Gelächterklingen. Bei 'Small Town Girl', Morecrofts musikalischer Ex-Freundinnen-Abrechnung,beginnen Schlagzeug und Bass mit laszivem High-Heel-Gestakse und begleiten einen
Liebesreigen zwischen Saxophon und Posaune auf der einen, Keyboard und -tar auf deranderen Bettkante. Das harmonische Miteinander wird aber ernster und geht
irgendwann in die Brüche. Ob da Mr. Giggles seine Finger im Spiel hatte? 'Cunha', dasFinale furioso dieser Mischung aus der "Muppet Show"-Houseband Electric Mayhem unddem französischen Coax Orchestra, zelebriert eine neunminütige Jamsession in
portugiesischen Gefilden, die lange vor- und noch länger nachhallt. Solch trotzige,
unverwüstlich-humoristische Anarchie im Vereinigten Königreich kann nicht schaden,
vor allem nicht in Zeiten des unausweichlichen Brexits. Und was bitte soll der Titel'Change The F**king Record'?
Marius Joa
50sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e sattenuation circuit (Augsburg)
Unfälle im Haushalt (ACT 1035, C-22), das sind vier Beiträge zu diesem oder jedem
anderen Thema von HERR PENSCHUCK aus Oldenburg. Bei 'Gefühlsecht' tickt zu
gezupfter Pipa ein Geigerzähler. Als 'Bedenklich' wird ein umeinander kurvendes helles
Dröhnen bezeichnet, das weiterhin auch radioaktiv prickelt, bevor ein Beat zu stapfen
anfängt wie ein halbsekündiges Uhrwerk. Als 'Katastrofal' folgen Schnittmuster aus
dunklem Wummern und Knattern, überschwemmt von brodelnd und brausend anschwallender Sturmflut. Auch der Geigenzähler findet wieder was zum zählen. 'Tragisch'setzt dazu sich selbst als Schlusspunkt, mit wieder verzerrt heulendem Gedröhn,
schleudernden und eiernden Loops und pumpenden Wellen (Wavedrum?), dazu
unartikuliertes Rufen. Aber hat je ein "No!" was genutzt, wenn alles zu spät ist? Zuletzt
knattert wieder der Geigerzähler zu von der Decke platschenden Tropfen und während
Wind durch die Fensterlöcher pfeift, pickt auch noch einmal ein chinesischer Stoiker die
Pipa. Halt, das ist wieder der Anfang, aber als Reprise macht sich das richtig gut. Zur
Einschätzung darf nicht unerwähnt bleiben, dass Penschucks Kreativität auch für das
Erste Internationale Eierschneider-Orchester E|S|O verantwortlich zeichnet und für die
Dada-Wanderausstellung "Kunst für Hunde", mit Polaroids des ai_wei_weiten, pollockisierten, vermalewitschten, bekieferten Alltags aus der Perspektive eines LabradorMischlings (zuletzt im Juni 2016 in der Walpodenakademie in Mainz).
Ich zweifle, dass Hunde sich den 'White Bear' / 'Silenzio Imbarazzante'-Split (ACT 1038, C60) als Kunst aufbinden ließen. Kylie Damnyou, der in Victoria, British Columbia, via
Garbage Men Puking und Fuck Yr Body Up postindustrialen Noise ausschüttet und selberals The Answer To All Your Questions oder Mr. & Mrs. Teeth dazu beiträgt, fordert dazusammen mit Will Rossi als CONSUME AND EXPIRE die Anteilnahme an der Behandlung
amerikanischer Gefangener. Mit Pestrepellerkrach in vielspurig schroffer Harshness, derMann und Maus bei lebendigem Leib skelettiert. Dazu hält der Journalist Will Potter einen
Vortrag über Isolationshaft und andere Schweinereien im Bürgerkrieg gegen den Terror,
gegen Tierschützer und kriminalisierte Ökoaktivisten. Bei SEXY CROCODILE FOR DINNER,
Avantnoise aus Italien, bei dem schon rosa Höschen zwischen Wolken von Magritte
schwebten, ist danach betretenes Schweigen Programm. Durch flackerndes Geheul,
Niagarafallbrause und schlirre, sorry, schrille Hirnfräse, immer mal wieder mit einem
stampfenden Loop interpunktiert, treibt er den Teufel mit Beelzebub aus. Derart rumpelig
schlurcht sein Tonbandterror, den er unverdaut aus Krokodildärmen hervor zerrt, dasssogar die Kakerlaken kopfschüttelnd aus der Wohnung strömen.
Für Time Is The Enemy (ACT 1039, C-45) haben sich SONOLOGYST & KSHATRIY kurzgeschlossen. Der neapolitanische Sonologe, der vom Schlaf der Vernunft und von luziden
Träumen eine höhere Klarheit erwartet, hat mit Sergey Uak-Kib aus Wsewoloschsk (imOblast Leningrad) einen Mykologen und Somnologen an der Seite. Mit Hilfe der Venus('Venus Smiles') versuchen sie Chronos die Herrschaft über 'Chronopolis' streitig zu
machen, indem sie ihn mit sonoren Dröhnwellen besänftigen und verführen. Von der Zeit
und von Venus als den höchsten Mächten und als Komplizen, die in wechselseitiger
Abhängigkeit durch Myriaden kleiner Menschenopfer verbundenen sind, hängt, wie
Roberto Calasso in "Das Rosa Tiepolos" aufgezeigt hat, die ganze Welt der Erscheinungenab, hängt einfach alles ab. Wir Erscheinenden, wir Chronopolitaner, wir können das
Arcanum entschleiern (wie Sonologyst, der dauernd über 'Sein Und Zeit' spekuliert, es mit'Beyond the Veil' angedeutet hat). Oder so gut es geht auf diese Schleierleinwand ein
wenig Rosa und funkelnde Poesie projezieren, um mit Klingklang oder wenigstens als
Kette kleiner Fürzchen dahin zu treiben auf den dröhnenden Falten und rauschenden
Wellen des Scheins, bis schließlich doch die Sichel knarzt.
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Sack Zem...!!! Schon nach den ersten Sekunden von Years of Extinction 2009-2012(ACK 1023, CD-R) ist die Lebenswelt fugentief wanzenfrei. ZEBRA MU ist ein Pest
Repeller der gnadenlosen Sorte. Ein exterminatorischer Cranker und Crumbler,
Knarzer, Zischer und Brauser, der einem das Fleisch von den Knochen löst. Michael
Ridge, der in Norwich das Label Quagga Curious Sounds betreibt, genügen dazu
zerdepperte Töpfe oder Schritte über Kies, sprich, simple Mittel, um einen mit
Kaskaden harscher Wellen und schrillem Sandstrahlbeschuss zu zerschmurgeln.
Wenn er, wie bei "Merzbau" (QCS, 2010) oder "Magnoalchemy Merz Manipulations"(QCS, 2013), den Merz-Geist beschwört, dann nicht den von Schwitters, sondern den
des jungen Masami Akita, von The Haters, von K2. Dieser Querschnitt pulverisiert 17fach jede Schwäche und Nachgiebigkeit vor dem großen Eiapopeia-Schwindel. Wobei
nicht nur beim wilden Geläute und Gequietsche von 'Church Bells and Squeaking
Chair' allerhand krasser Humor mit im Spiel scheint.
Arrggl!!! Auch ORIFICE gehört, nicht zum ersten Mal, zur verkrachten Fraktion auf AC.
Fudge Function (ACK 1024, CD-R) setzt prasselnd und brausend den exterminatorischen Furor von Zebra Mu fort. Es brodelt und pixelt, aschgrau in grau rauscht derWasserfall, mit weißen, giftigen Spitzen und rosa Schmierern einer Kolbenflöte. Das
zieht einem die Plompen, aber nicht mit Karamel. Eher als Dauerbeben der Stärke 7,
das dem architektonischen Brutalismus mit adäquaten Waffen am Beton rüttelt.
Wenn's nur mal die Paläste und nicht immer bloß die Hütten träfe. "Noise forces you tobe free!". Wenn es so einfach wäre. Als komische Entlastung gibt es kurz eine gacksende Computerstimme. Aber gleich gibt Burkhard Jäger wieder Saures mit Geknatterund kompromisslosem Malfunctionexzess. Meine Fontanellen fiepen: Auszeit!!!
Gottseidank ist GHOST FLUTE & DICE kein Rumpelstilzchen. Mikkel Almholts Gott ist
die Melodie. Live at Echokammer (ACK 1025, CD-R) zeigt den Dänen in Augsburg mit
einer Demonstration seiner Hammerklavierästhetik. Wobei er sein ostinat geklopftes
Stakkato elektroakustisch überzieht mit, wenn nicht melodischen, so doch harmonischen Obertönen, Dröhnwellen, die die rasende Motorik mit hellem Glanz oderdunklen Schatten in die Zange nehmen. Das führt zu rauen Verzerrungen, ohne den
Vorwärtsdrang ganz bremsen zu können. Die Noten beginnen jedoch schnarrend zu
vibrieren, wenn sie mit aller Macht ihre Kreise ziehen. Und saufen schließlich doch ab.
Statt dessen schält sich zarter Hackbrettklingklang heraus und mündet in ein
klingelndes Tremolo der Rechten. Die zweiten 17 Min. beginnen mit perkussiven
Schlägen, die sich erst allmählich als doch auch pianistisch entpuppen. Die Tonspur
ist löchrig, Basstremolo, zuckende Klänge und hohe Töne wie von einer Melodica
fließen ineinander, stoßen jedoch auf verzerrenden Widerstand. Schnarrender,
repetitiver Nachdruck geht dagegen an. Glockiges Dingdong und brachiale Cluster
hadern mit der Verzerrung, endlich mit Erfolg. Pianoklingklang, etwas windschiefzwar, aber ganz lyrisch, tritt auf die Lichtung. Aber schon setzt sich auch die
Basshand motorisch in Bewegung, wieder auch mit schimmernden Obertönen und
dunkler Unterströmung. Das ist mit das Stärkste, was AC bisher geboten hat.
LE SCRAMBLED DEBUTANTE feiert schon wieder überkandidelte Urstände, und Allan
Zane (aka Exodus Z.-Polenta aka Sir Bear Trapper) hat diesmal, nein, nicht 'The Leg
That Grooves Itself And Learns' oder 'The Dreg That Proves Itself And Yearns' alsÜberschrift gewählt für seine Direktübertragungen aus Wonderland, vielmehr The Egg
That Moves Itself And Burns (ACK 1027). Looney Tunes-Wort- & Wuselsalat, ein Sackvoller hoch gepitchter Micky Mäuse und gurgelnd verlangsamter Popanzerei, oft auchrückwärts geschraubt und verhackstückt mit mexikanischem Geschnatter, Pianopoesie, Radiosurfing, Wookie-Sitcom. Auf LSD? Eher mit Speed auf der Überholspur
eines Wild Mouse Roller Coasters! Nichts kann diesen abstrus collagierten Overkill mit
anfangs zugleich überschnappenden und weich gekochten, dann lethargisierten oderim Traum geschmurgelten Zeitspuren und zuletzt tüpfelige, eine schnarrendeComputerstimme umfunkelnde Seltsamkeit annähernd fassen, schon gar nicht in
Worte. O Baby, uUu!
52

Auf Soundcloud gibt sich der SOUNDSCULPTOR von Solap Are (ACK 1028, CD-R) zu
erkennen als Robert Sipos in Eggenfelden. Mit Jahrgang 1974 griff er erst spät selber zu,
fand im Westen nichts Neues ("Trench Warfare On The Western Front") und im Osten
nichts Gutes ("Noise Forms from East Bloc"). Hier entführt er in Zonen zwischen Alb undTraum, wo ein unguter Wind weht und dunkle Wasser anbranden. Durch nebulöse
Klangschwaden lässt eine gedämpfte Marschtrommel wieder Gedanken an den Krieg von1914-18 aufkommen, auch sind manche Klänge kaum von Schreien zu unterscheiden. Im
Grunde hört man, wie das Vergessen die Schaufel schwingt, wobei plötzlich verrauschte
Musik die Synapsen wieder aufraut. Alla turca? Kirmesorgel? Es bleibt ein Grabenkrieg
gegen ostinate Loops, die das Erinnern überrauschen und pulverisieren. Zuletzt dröhnen
Glocken, zwitschern Vögel, aber friedliche Gedanken werden im Keim erstickt, gestört,verzerrt, zerschrotet. Kriegerisches Tamtam und fatalistisch raunende Kaskaden
bestimmen den Zeitstrom, und mag der noch so stottern.
A2 (ACK 1029, CD-R) bringt mit BEAT KELLER (an feedbacker electric guitar) jemanden zu
Gehör, der in Winterthur als Leader von Keller's 10 auf Unit Records mit einer Bandbreite
von Syd Barrett bis Thelonious Monk und Jürg Frey bis Louis Andriessen verblüfft. Den
litauischen Leisetreter DARIUS CIUTA, bekannt als Partner von Ilia Belorukov, Bruno
Duplant oder Stefen Thut, auch an seiner Seite zu finden, braucht nicht verwundern, Keller
ist ja als Interpret von Frey und auch von Christian Wolff wandelweiserisch und mikrominimalistisch bestens bewandert. Kellers schweifendes oder in sich kreisendes Sirren,
Surren und Dröhnen, von Ciuta sporadisch mit Schwarzweiß-, Quatsch, Shortwave-Radio
in der Manier von Keith Rowe bewispert, mit feinem Ticken punktiert oder winzigen
perkussiven Effekten umflattert, dreht sich auf dem Ouija panisch weg von R wie
Rumpelstilzchen und hin zu D wie Dornröschen. Die AC-Macher zeigen damit eine
Spannweite wie ein Quetzalcoatlus.
EMERGE & DON VOMP haben ihre seit mindestens 2009 bestehende und in Schiphorstoder beim Lab30 vertiefte Partnerschaft beständig erneuert. So auch bei Live at Pampin(ACK 1030, CD-R), am 26.9.15 in Ziegendorf. Dorthin muss man in Meck-Pom irgendwo mal
links abbiegen. iTunes weiß den abwegigen Titel 'Stepping into The Darkness' für das
steinig prickelnde, fein angeschliffene Geriesel des Green Grass-Konzerts der beiden da
inmitten von bernsteinfarbenen Fiberglas-Objekten von Herbert Hundrich. Der klackende
Steinklang ist eine dezente Verbeugung vor Hundrichs Academy of Stone, der Steinschlag
und das gewittrige Aufrauschen aber reine Phantasie bei hellem Sonnenschein, Emerges
Kapuze diente bloß der Imagepflege, so wie die Geige dem silberhaarigen 'Fiedler'
lediglich als Klangquelle mit Gitarrenpotenz dient.
the story of LARB (ACRC, 3 x CD-R) kompiliert mit 'Eye Sows', 'Ronda Roundheel’s
Revenge', 'Comin' All On Upside Yeh Head', 'Figuring Out What's What 'N What', 'We Ain't
Neber Gunna Be Done Did Wif It' & 'Have The Whywithal' 6 halbe LARB-Stunden von ZH27Releases 1998/99 und 2007-10. Ich tue mir schwer, mir das Hirn an der kakophonen Low
Fidelity von Mike 'Mystery Hearsay' Honeycutt & Zan 'Zanstones' Hoffman zu erfrischen.
Surrender Motor, dumpfe Harmonik, aufschrillendes Metall, rhabarbernde Stimme, Krach,
als würden am Fließband Schweine rasiert, und ebenso spannend, Krach ad nauseam.
Oder: Gitarrenstakkato zu Drummachine-Tamtam, Orchestersamples, Georgel, Klingklong,
verrauscht und zermulmt, zischend, quarrend und Da capo, mit Kirchenglocken und
Rennwagen mit Dopplereffekt. Das ist zwar nur noch halb so fad, aber den Rest spar ich
mir für ganz schlechte Zeiten.
Der "cörengrätö"-Dröhner SKREI tauchte am 24.6.16 das AC-Hauptquartier in dystopische
Düsternis (ACT 1041, C-60). Die Stimmung derer, die da beklemmt in Containern und Kellerlöchern hausen, ist permanent auf dem Tiefpunkt. Eine abgenudelte Kassette stottert
Orchestermusik aus der Zeit 'davor', eine Zwitschermaschine spielt Vogelersatz. Nacheinem brausenden Sturm muss wieder das Notquartier gewechselt werden. Die zweite halbe
Stunde gemeinsam mit EMERGE bringt Kaskaden des Zerfalls und Aufräumarbeit im Schutt.
Man plantscht in den Dröhnwellen der Destruktion. Ein pochendes Acellerando, Ziegelhagel
und das finale Crescendo verraten den Spaß dabei. Die Zukunft? Alles halb so wild.
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auf abwegen / EDITION DEGEM (Köln)
Versammelt von Monika Golla, kreisen 17 Mitglieder der Deutschen Gesellschaft fürElektroakustische Musik e.V. auf der DEGEM CD 14 (ed05) um den Begriff und die
Vorstellung Escape. Als Ausflucht und Eskapismus, als Flucht und letzte Rettung, alsverzweifelter Tastendruck, meist wirkungslos, gelegentlich tröstlich, eine Option allemal.
'...Falling Man, Rising Woman...: Conclusion' (für Solostimme und Live-Elektronik) von
SIMON VINCENT zeigt mit einer Rede von Germaine Greer einen feministischen Ausweg
aus repressiven Zuständen. PAUL HAUPTMEIER & MARTIN RECKER lassen bei ihrem
migratorischen 'Another Shore' offen, wo Verzweiflung und Hoffnung ineinander übergehen. JULIA MIHÁLY fand mit 'Cozy New Gastfeindlichkeit' einen treffenden Neologismus für ein Gerettetsein in Frustration. KAI NIGGEMANNs 'Interrupture' bringt keine
Werbepause, vielmehr geht es tumultarisch um Flucht- und Totstellreflexe, umüberhasteten Aufbruch und innere Einbrüche. 'Nachtgestalten' von INGE MORGENROTH
stichelt (mit grotesken Lauten von Magda Vogel) gegen die esc-Taste als Phantasma und
Freuds Wunderblock als Reizschutz vor bleibende Erinnerungen. MEHRAN SHERKATNADERI führt bei seinem 'Ich trenne mich von mir' mit Flügel, Santur und Stimmgabelklanglich ein Scheiden und Abstandnehmen vor. Bei KIRSTEN REESEs 'Jugendvollzugsanstalt' klackt Pingpong trostlose Löcher ins Knasteinerlei, in den Köpfen
schwappen Sintflutgedanken. Bei 'escape, part I' von SABINE SCHÄFER ist alles inzischender, kollernder, mechanischer Bewegung: Wir schaffen das. Angelika Sheridan &Frank Niehusmann aka STROM schlagen bei 'Umschaltplan' die flötistisch-computeristisch durchgeknallte Eskapade als befreiende Alternative zum systemkonformen
Reparieren und Reintegrieren vor. CLAUDIA ROBLES-ANGEL zeigt bei 'Departure' das
ständige Reisen und Rasen als zwanghaftes Suchen und Fliehen. JOHANNES S.
SISTERMANNS rät bei 'Raum_aufgeben_1', sich von Raumvorstellungen zu lösen, um in
Zwischenräume, in Lücken, ins noch nicht Festgelegte zu stoßen. FELIX LEUSCHNERs'iScape' vertieft sich in archetypische Fluchterlebnisse von Frauen, mit inquisitorischen
Fragen an die ins Gastfeindliche Entronnenen. ARSALAN ABEDIAN ignoriert bei "\a" alle
Metaphorik und knattert und tönt lieber mit Dezimal- und Binärcodes, mit Akkordeon,
Sax, Hackbrett und Draht. Auch NIKOLAUS HEYDUCK studiert bei 'Sine Wave Peaks' mit
trotzig kühlem Archimedes-Kopf Sinus-Schwingungen. HIROMI ISHII ist andererseits das
Erdbeben 2011 in Tokyo so in die Knochen gegangen, dass bei ihrem 'Shinra' das Kollern
von Steinen, panische Vögel und ein verzerrter Mädchenchor exemplarisch für
Schrecken und Zerstörung stehen.
Mit KONRAD KRAFT machte ich vor fünf Jahren durch "temporary audiosculptures andartefacts" (atp33) Bekanntschaft. Quadrat (aatp51, LP) ruft mir wieder seine perkussive
Klangsprache in Erinnerung, ein bildhauerisches Klopfen und Picken als launig
tropfender Beat über einem dröhnenden Fond. Doch schon ist der Duktus auchmotorisch, wenn auch im Leerlauf, Akzente werden durch Atemzüge und Wortfragmente
einer Frauenstimme gesetzt. Dann rutscht und schleift Schiefer zu tapsigen Besenstrichen, metalloiden Gesten und orchestraler, teils glissandierender Verzerrung. Als
Viertes kommt ein hohles Dröhnen, keuchend umloopt und huschend durchzuckt oderfurzelig beschnarrt, so dass monotone Spuren mit nervöser Aleatorik einhergehen. Die BSeite überrascht mit gelooptem Pianodingdong und harfigem Klingklang, der sich vonkrakeligen Störimpulsen und sirrenden Elektrogrillen seine Kreise nicht stören lässt.
'9quadrat' beginnt leise sirrend und surrend, gehemmt gitarristisch, die Töne gebogen
und teils gegen den Zeitpfeil gekehrt, mit feinen perkussiven Interpunktionen und kleinen
Trillern, wie mit verhuschtem, erregtem Atem überwischt, 8 ½ Min. lang, gleichbleibend
piano. Der siebte und letzte Track bringt ein raueres Mahlen und wieder motorisches
Brummen oder Brodeln, akzentuiert mit erratischen Schlägen, kleinen Wellen, einem
Feilen. Mit 'abstrakt' würde ich zu abstrakte Vorstellungen wecken, mit 'konkret' erst
recht. Ich denke, dass Detlef Funder auf etwas Eigenes und Ambiges abzielt.
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Frozen Light (Moskau)
Seit 2011 taucht dieses Label in die Tiefen des Ocean of Sound, Darkonauten wie
Shades Of The Black Sky sind dort verschwunden, andere wie Astrowind in
Lettland halten weiter die Nase in paleopsychedelischen Wind. Sie überdauern inHöhlen wie Aimeric Lerat als Low Cave Sounds oder beschreien Abgrund undSorge, Isolation und Verwüstung wie der blackmetallistische Moloch im ukrainischen Riwne, bei dem die Finsternis Deutsch spricht. Kaum zu fassen, dassJames Batty sich mit der klassischen Ästhetik seines "Sanctuary (Overtones andDeviations" (FZL041) da zwischen Molochs "Meine alte Melancholie" und dem
Funeral Doom Metal von erneut Lerats Abysmal Growls Of Despair findet.
Ein Einschreiben aus Moskau verschafft mir nun Einblicke in das Frozen LightUmfeld. In Gestalt von KARMICIEL WSZY, einem polnischen Dröhner, der mit Torre
Bert (FZL 034) an die Brüder Judica-Cordiglia anknüpft, die Anfang der 1960er mit
ihrer gebastelten Satellitenbeobachtungsstation "Torre Bert" bei Turin obskure
Funksprüche einfingen, die 1961 als "Voci Dal Cosmo" auf 7" bei Fonit Cetra
publiziert wurden. Sogar die BILD-Zeitung machte Schlagzeilen über russische
Raumfahrtkatastrophen. Nur der Todesflug von Kosmonaut Komarow 1967 ist
offiziell (Korhan Erel hat das mit 'Con-structure 2' thematisiert). Dass tote
Raumfahrer um die Erde kreisen, das geistert durch Stories von J.G. Ballard wie“The Cage of Sand” (1962), “A Question of Re-entry” (1963) und “The Dead
Astronaut” (1968). Die Judica-Cordiglias glaubten eine Ludmilla [Serakovna] zu
hören, nachweislich keine Phantome sind Valentin Bondarenko, der 1961
verbrannte, oder Georgi Dobrowolski und Viktor Pazajew, die 1971 mit der Sojus11 umkamen. Der Pole schafft es, einem mit ominösen Dröhnwellen den Schauderkosmischer Abgründe einzujagen, wenn er an einem Eisenkäfig mit entsetzlichdünnen Wänden Schwer- und Fliehkräfte zugleich zerren lässt, und Phantomchöre
schon Threnodien summen und raunen. Es branden da Suggestionen an, die das
einstige Kino der Angst vollständig abgetreten hat an Splatter, Spektakel,
Sarkasmus und halbstarke Randale. 'Ludmila' besiegelt die Ohnmacht vor dem
Erhabenen mit dem historischen Funkspruch des Ludmilla-Phantoms. 'Valentin'
durchstößt die Dröhnwellen schleifend und rauschend und mit einem Laut, alswürde hartnäckig versucht, etwas Kaputtes in Gang zu setzen. Karmiciel Wszy istübrigens kein Familienname, sondern spielt an auf den polnischen Fleckfieberforscher und Lebensretter Rudolf Weigl (1883-1957) und seine 'Läusefütterer'.
Aber das ist eine andere Geschichte.
-hiding place- (FZL 036) legt nahe, dass 'flight' nicht Flug, sondern Flucht meint.
EMERGE brodelt und zischt, stampft und klappert da unter Wasser, perkussiv
hantierend evoziert er eine ominöse Action. Sie bildet die Klammer für 'recover'
und 'tension', klanglichen Fortsetzungen, allerdings dabei mit Eljara/Prinzip
Nemesis an der Seite (wie schon bei "Staub"). Marc Fischer und Sascha Stadlmeier tauchen in eine tiefere, gedämpftere Klangwelt, Birgit Merk stimmt als einemelancholische Nixe einen ganz zarten Singsang wie für sich an und ignoriert
dabei ein Brausen wie von einem endlosen Zug. Im Innern der Klangzwiebelringe
liegt 'menace' und Emerge verfängt sich da in den Schlingen von Re-Drum. Pavel
Aleshin umwickelt ihn mit Loops kaskadierender und dröhnend summender
Männer- und Frauengesänge. Aber mit getanzten Klopfzeichen und gepauktem
Eigensinn kann er den Sirenengesängen widerstehen und wieder aufsteigen. Sichnach Gehör zurück tastend durch den brausenden Kanal, findet sich klopfend undschabend ein Weg, der auch wieder an der singenden Nixe vorbei führt. Er mündet
in einem Schienennetz für Geisterzüge, die hinter Mauern brausen, an denen
Emerge mit primitivem Steinwerkzeug kratzt, so eifrig, dass die Steine zwitschern.
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Russian Canon (FZL 037) mit 'Everything is fine'anzufangen, das nehme ich einfach mal als
Galgenhumor hin. Das FAKE CATS PROJECT,
das sind der Moskauer Bayanspieler und Maultrommler Kirill Makushin, der als Crows In The
Garden Nam-Khar begegnet ist. An seiner Seite:
der vielseitige Igor Levshin, der Trompeter Konstantin Sukhan und der Tausendsassa Alexei
Borisov. Der ist seit 25 Jahren ein eigensinniger
Selbermacher, mit Anton Nikkilä, Volga oder mit
Olga Nosova als Astma. Er wäre allein schon der
Garant, dass man zwischen Falken und Brüdern
am besten sich zu den Lerchen gesellt. Levshin,
Jahrgang 1958, ist der Dichter und Sänger der
falschen Katzen, die mit Schönberg ('Verklärte
Nacht') so vertraut tun wie mit Satie (von dem
die Musik für 'A Kitten Looks at Soldier's Eyes'
stammt). Mit 'Tristia' erinnern sie durch Ossip
Mandelstams “Wolfshund-Jahrhundert“ hindurch an den verbannten Ovid, mit Céline reisen
sie trübsinnig bis ans Ende der Nacht undwerden geweckt von Weckerläuten und einer
Straßensängerin am Taganskaja Platz. Dass sie
zuvor ihre „Fake Cat-“ und „Sad Songs“-EPs auf
Jaan Pattersons Label Surrism-Phonoethics
herausbrachten, müsste man erfinden, wenn es
nicht wahr wäre. Denn besser als mit ihren krausen Dreamscapes könnte mannicht an einer Welt teilhaben, in der Humor & Amour und Christopher Lee &Ornette Coleman Hand in Hand auf Denkmalsockeln stehen. Der Clou ist, dass derpoetische Anspruch daher kommt als seltsamer Freakrock, mit eiligem Basspuls,
zwei verschiedenen Gitarren, Samples und Loops. Das Bayan quiekt, mit
schleppendem Tempo und haufenweise Krach wird Bruderschaft beschworen,auch die kirrende Trompete wirft Wellen, weiß der Teufel, worauf die Brüder sichda einschwören. Dass Russen sowas drauf haben, weiß man seit AuktYon, 4 Pozicii
Bruno oder Swuki Mu, entsprechend weird und eigenständig ist auch dieser No
Wave, der einen durch einerseits Gitarren, Bayan und Trompete und andererseits
Noise von Tapes und Synthies älterer Bauart von der Kraut- in die Noiseecke
taumeln lässt. Was die Nächte verklären hilft und die Stimmen aufraut, ist wohl
unter Kartoffelkraut gereift, wobei sie mit dem Klischee der Intelligentzija, dieihren Katzenjammer in Wodka ertränkt, nur spielen. Sukhan wird als Kavallerie ins
himmlische 'Palmyras' vorgeschickt, zu Explosionen im Dunkeln, Schüssen im
Rauch. Saties '1ére Gymnopédie' sucht auf Katzenpfoten um Frieden an, es sindda weder Ruhm noch Beute zu gewinnen. Auch wenn ich wenig verstehe, soviel
wird mir klar: In der russischen Seele stöhnen weiße Nächte, graue Tage undwüten die Schneestürme der Sehnsucht, wie sie Vladimir Vysotsky in ‚Der
Kutscher' (Ямщик) besungen hat. In Melancholie getränkt, stürzen junge Körper
wie Sternschnuppen ins Unkraut, Schlafes Brüder von Ruhnu bis Burjatien, von St.
Petersburg bis zum Bajkalsee, im Kopf nur Wolkenschatten und ein einziger Brei.
Der Wind bläst Zeitungsfetzen um die Beine der Huren, die weiße Steppe gefriert
die Seele, in der Weißglut schmelzen die Erinnerungen. 'A Train' kriecht als
russischer Blues, Sukhan kraxelt auf der Tonleiter und bläst die Backen auf, um bei'Clouds of My Memory' die Wolken unter sich zu lassen. Kirchenorgel und Melodica
spielen Lerche, getanzt wird mit Hinkefuß in Teufelskreisen, zu Kirmesgeschrei
und zu trillernder Trompete. Noch gehört den Römern nicht ganz Russland. Dank
harter Männer, rein wie frischer Schnee.
56Bei One lumen in the past (FZL 039) und "Hysterics Of The Eternal" (FZL 044) komme ich
mit EXIT IN GREY in Berührung, eine der Ausformungen von Sergey Suhovik, der seit gut
zehn Jahren auf Daphne Records oder als Five Elements Music auf dem eigenen Label
Still*Sleep in Pushkino dröhnt, aber auch schon als Radioson auf Helen Scarsdale zu
hören war. Bei "Hysterics..." mischt er Radiowellen mit Gitarrensound für einen
Naherholungseffekt für die Sinne. Gitarrendrones sind eines seiner Hauptingredienzen bei
Trips ins Grüne, wo, wie der Dichter sagt, the dusk of autumn -- just like rusted metalsings. Er bietet der Phantasie Bahnsteige, Boote oder eine Treppe als Einstieg an, undlässt mit nostalgischer Handkolorierung und gedämpftem Licht den Zug in die Vergangenheit rollen. 'Old letters and visions' versetzt ins Dampflok- und Morsezeitalter. Man
könnte dazu der Gesundheit zuliebe nach Baden-Baden reisen oder auf die Krim, um
Damen mit Hündchen hinterher zu schauen, das Stöckchen zu schwingen und die
Gedanken kaskadieren zu lassen mit den Gitarrenwellen. Aber was da klingt, istaltersmilder Nachhall von Glanz und Gloria, der einen Schnarchenden umfängt.
Gibt es das, einen Eskapismus ins Unbequeme? GINTAS K mischt auf Dimensions (FZL
042) die Komfortzone auf mit elektronischen Zumutungen, die er beim 21st International
Symposium On Electronic Art in Vancouver 2015 live angeboten hat. Je nach Mentalität als
virtuellen Lern- oder Panikraum, als sensuelles Testgelände. Aber wer will schon lernen,
wenn er nicht muss? Dann doch lieber Thrill und Nervenkitzel. Der Litauer erzeugt mit
MIDI-kontrollierter Software und diversen Plugins verzerrte Alpha60-Durchsagen, denen
ein Blizzard metalloider Splitter folgt. Ins Leergefegte tröpfeln und sprudeln kristalline
Klangpartikel. Über 35 Minuten Action, mal ausgedünnt, meist ähnlich komprimiert wie
anschließend 'antras galas', 6:30, die einen nochmal in Höchstgeschwindigkeit durch eine
abstrakte Bobbahn schießen lassen.
STAR TURBINEs Nothing Should Move Unless You Want It To (FZL 043) klingt wie einedirekte Reaktion auf Gintas K. Als Plädoyer für die Komfortzone. ‚Ape Escape‘ weckt
spöttisch Zweifel, ob man sich durch das Rumgescheuche nicht bloß zum Affen macht.
Raus, rein, ‚An / Auf‘, welchen Einflüsterungen (‚Hearing Voices‘) soll man folgen, welchensich versperren, um sich zu zentrieren (‚Looking For The Centre‘)? Der Däne Claus
Poulsen war als Small Things On Sunday schon bei Attenuation Circuit, wie auch sein
langjähriger Partner Sindre Bjerga, der ansonsten mit seinem Landsmann Jan-Morten
Iversen im norwegischen Mondschein nach dem Geist in der Traummaschine jagt. Ihre
träumerische Art hat Vital Weekly als „Moving, without changing“ beschrieben. Mit mixed
media sources & a bunch of electronics of whatever kind fischen sie aus Überreichweiten
Cartoons, Funkstimmen, Akkordeon, Badewannengesang, Gollumgeflüster, durchknackt,bezwitschert, umrauscht und bedröhnt von Störungen, von Loops umknarrt. Aber besteht
nicht das halbe Leben aus Störungen?
Der dreadlockige Sergey Suhovik von Exit In Grey taucht gleich noch ein drittes Mal auf als
ION & SOPHUS, um mit Love Of One (FZL 050) an die Schwarzmeerküste bei Dzhanhot(abseits von Gelendschik) zu fahren, wo das Meer als träger Ochs sich selber wiederkäut
und man dem Schweigen Niemandsrosen streut. Die Brandung am menschenleeren
Strand unterhalb der Kiefernhaine träumt mit den Grillen in der Sonne. Doch wenn die
Nacht sich senkt und der Horizont sich murrig den Messinggeschmack von den
Himbeerlippen leckt, sinkt auch die schon geringe Hoffnung auf glücklichere Tage nachMoll. Die Eisenwelt: wie bettelhaft jetzt bebend, / Ganz in den Schaum, in die Musik gefügt .
Und dieser dröhnende Singsang der Wellen, dieses Rauschen der Zeit, wird der rosigen
Aussichten nicht müde. Ach Nadeschda. Ich weiß nicht, ob Mandelstam in Batumi oder
Gaspra mehr fand als schwarze Tinte. Wladimir Majakowski hat in Puschkino, das ist 30 km
nordöstlich von Moskau, von Jewpatorija geschwärmt, in den noch nicht völlig grauen
1920ern war er Jahr für Jahr auf der Krim gewesen. Heute gehört Odessa den
ukrainischen ‚Faschisten‘, die Krim ist ein Klotz am Bein, die russische Riviera ein „Wild,
Wild Beach“. Tja, nicht wir enträtseln Erebus.
57

Karlrecords (Berlin)
Bei der Wiederveröffentlichung von PAINKILLERs Execution Ground (KR025, 2 xLP) als 180g-Doppelalbum - womit der 1994 bei Subharmonic erschienene
Klassiker erstmals auf Vinyl vorliegt - musste dem Format ein Track geopfert
werden. Es traf 'Pashupatinath', ein Wermutstropfen von eigentlich doch
grandiosen 13:47. Es bleiben jedoch mit 'Parish of Tama (Ossuary Dub)', 'Morningof Balachaturdasi', 'Pashupatinath Ambient' und 'Parish of Tama Ambient'erstaunliche 70 Minuten dieses die 90er mitprägenden Allstartrios. Schließlich
kulminierten in John Zorns Altosax, Bill Laswells Bass und dem Drumming von MickHarris die denkwürdigen Härtetests von Naked City, Last Exit und Napalm Death.
Nach der Mark und Bein erschütternden Intensität von "Guts Of A Virgin" (1991)
und "Buried Secrets" brachte diese nepalesisch gegrillte Musik allerdings eine,nach meinem Dafürhalten stark von Laswell angeregte Wendung hin zu Dark
Ambient und Illbient Dub. Harris wurde dadurch aus seiner bisherigen Umlaufbahn
geschleudert und kehrte wieder als Scorn und Lull, Laswell dehnte den
dunkelweichen Horizont als Automaton und auf dem eigenen Subharmonic-Label
mit Divination, Psychonavigation und Praxis. Und Zorn sublimierte seine
schädelspaltend schrille Fierceness in Masada. PainKiller feierte eine Auferstehung bei seinem 50. Geburtstag 2003, ohne Harris, dafür mit Hamid Drake &Mike Patton. Mit schließlich Yoshida Tatsuya an den Drums folgten 2004-5 weitereLivekonzerte, "Prophecy" (Tzadik, 2013) zeugt davon. Ich war unter denen, die sie
2006 in der Alten Feuerwache erlebten. Daher weiß ich, dass die Raum und Zeitkrümmenden Effekte Laswells Basszauber geschuldet sind. Das wie von Mönchen
beraunte, von Schreien und dröhnendem Nachhall durchschauerte Bardo thos grol
(Befreiung durch Hören im Zwischenzustand) der schwarzen Ambient-Seite verliert
durch das Foto eines Gehängten (das nach Amerikanischem Bürgerkrieg riecht)
seine exotische Ferne. Und macht diese Scheibe zu einer, die Doom noch finsterer
malt als schwarz.
1970 hat JOHN CAGE sich "Song Books" ausgedacht, innerhalb von drei Monaten
90 Solos für Stimme, meist mit abenteuerlichen Anforderungen an eventuelle
Spielwillige. Ziel war to connect Satie with Thoreau. Sub Rosa hat 2012 eine vonGregory Rose & Loré Lixenberg realisierte Version herausgebracht (-> BA 75). Nungelang Reinhold Friedl mit Hilfe von Rashad Becker sogar das Kunststück derComplete Song Books (KR029, 2 x LP), inklusive also der bereits 1958 & 60
entstandenen # 1 & 2. Analog zu You Don't Have To Call It Music muss man das
nicht Songs nennen, jedenfalls darf man keine erwarten. Der Zeitkratzer offeriert
der hartgesottenen Spaßfraktion unter den Verehrern des großen Pilzkopfs ein
Kaleidoskop elektroakustischer Miniaturen, mit Maulwerk und - ist das zulässig? ohne, mit Vogelstimmen, Krach, gefundenem ebenso wie selber gemachten, mit
Krimskrams aus Holz und Metall, mit Feedback oder aus dem Müll gefischt, mit
Gicks und Gacks und Lalula, mit Gerappel und Gewackel, Holter und Polter, Hiebund Pfiff, Tröt und Gröhl. Schorsch, mei Dropfe, stöhnt da der Unterfranke, obwohl
die Nadel erst halbwegs das erste Loch anpeilt und der Wookiee erst noch am
Groschengrab jammern und Brunftschreie von sich geben wird. Treppauf getrappt
und kopfunter geheult, mit Blechtrommel, Mundharmonika, Schreibmaschine,
Würfeln und und und, möglichst verzerrt... Stärker als das irisch durchweichte
joycesche "Roaratorio" verlockt offenbar dieses Stück dazu, das Stichwort
Anarchismus möglichst polymorph-pervers, alogisch, brutistisch und absurd
auszureizen, und Thoreau im Wald allein einen guten Mann sein zu lassen. Michwürde nicht wundern, wenn die SZ-Serie "Hass auf Kunst" (Was soll der Hype um
Tarantino und Christo... Knausgård und die Beatles... Baselitz und Queen?...) sichüber Cage (und Rowling?) das Maul zerreißen würde.
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Klappstuhl Records (Köln)
Klappstuhl Records zeigt sich, nach ersten Anzeichen 2012 und 2013, seit 2015
zweifelsfrei wiederbelebt, ohne merkliche Gesinnungsänderung zur kassettentäterischen Vorgeschichte in den 80ern (& 90ern). Köln 4|11|2006 (SP 012, CD-R)
wirft nun sogar ein halbes Pfund in die Waagschale. Durch ein silbernes Cover aus
Eisen. Zu hören sind, live im Kulturbunker, Thomas Geiter: keyboard, mixing, Mal
Hoeschen: fieldrecording, mixing & Hellmut Neidhardt: guitars, amps, Letzterer
einschlägig bekannt als N, die drei gemeinsam als [multer]. Sie tasten sich mitblasender, wischender, dröhnender Vorsicht voran. Dröhnend? Es ist das fast ein
Singen wie von einer Harmonika, ein sublim changierender Silberstreif am tiefgelegten Kulturhorizont. Ein knatternder Helikopter unternimmt einen Aufklärungsflug. Kleine Alltagsgeräusche, Schritte, Vogelschreie, Entengeschnatter,
Glockenspiel und Turmuhrschlag oder erst glucksendes, dann anbrandendes undlappendes Wasser akzentuieren als Einsprengsel der Welt da draußen das
langwellig sonore, surrend noch unterstrichene Fürsichsein in einem Tagtraumzustand. Ein fernes Akkordeon spielt 'Caravan', die N-Gitarre schnurrt. Zwei
Stimmen referieren über den Ausnahmezustand und die Schamlosigkeit, diekünstlerisches Schaffen ermöglichen, und über das 'Nein' des ästhetischen
Menschen. Nietzsche trapst als Nachtigall: Es giebt zwei Zustände, in denen die
Kunst selbst wie eine Naturgewalt im Menschen auftritt, über ihn verfügend, ob er
will oder nicht: einmal als Zwang zur Vision, andrerseits als Zwang
zum Orgiasmus. Beide Zustände sind auch im normalen Leben vorgespielt, nur schwächer: im Traum und im Rausch. Vinyl knurscht, derHarmonikadrone kurvt und sirrt. Und träumt von der suggestiven
Kraft der Musik, ihrer "suggestion mentale"...
Hallo, da war doch was. Im Rückgriff auf die mehr oder weniger
friedliche Welt von 2008 ist auf Achtung Messarbeiten! (SP 014, CD-R)
zusammengefasst, was von INSTITUTE OF NOISE auf Experimental.com als "Friedliche Welt" (ex_17) & "Weltraum, Erde, Ich" (ex_20)
in File-Form aufgelegt worden war. Von Jochen Kleinhenz nur ein paar
Straßen weiter. Auch den einen Messarbeiter, den Multi Pop- und
NoBudget-Moviemaker Ralf Schuster, den kenne ich ein bisschenüber Stefan Hetzels Eibelstadt-Cottbus-Connection. Der andere, Tobias Richter,
hat in Cottbus eine ähnliche 80er Jahre-Vorgeschichte mit WK13 wie Schuster mit
Die Mesomere Grenzstruktur. Die beiden zeigen auch im Akkordeon Salon
Orchester anhaltende Gesinnungsgenossenschaft. Zur Sache selbst: Richter sorgt
für den keyboardistisch-elektronisch-noisigen Fond, inklusive meist temporeicher
drummaschineller Loops, Schuster macht Geräusche und rezitiert, meinetwegenauch sprechsingt, mal knittelig Gereimtes, mal in rhythmischer Prosa, höheren
Blödsinn im Stil der intellektuellen unter den einstigen Deutschen Wellenreitern,oder einfach nur in Schlagworten: 'Weltall, Erde, Ich'. Spöttisches über die Digitalisierung, das Kopfstehen ohne Kopf, das Rumstehen ohne Rum-pf. Was bleibt
das sind die Steine / Was bleibt das sind die Sterne / Was bleibt ist die Erinnerung...
Trotz Kunstwaschzwang im Schleudergang. Bedeutungslosigkeit breitet sich mit
Lichtgeschwindigkeit aus, unter röhrendem Neon triumphiert die Liebe. Denn alles
wird perfektioniert, sogar die Scheiße läuft wie geschmiert... Die gute Idee hat
eine zweite Chance verdient? Warum nicht. Selbstmordattentate und die
Gebetsmühlen der Ratlosigkeit sollten nicht das letzte Wort behalten. Schuster
wälzt Fragen... wie Sisyphos... auch mal wie Demosthenes. Die Welt keucht durchs
All und wir keuchen mit, die Freiheit, die uns bleibt, ist die Wahl der Qual. Denn
Denken ist so nutzlos wie das Reden, aber an einer Geräuschschleife hat sich nochkeiner aufgehängt.
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Kvitnu (Wien)
REDUKT, so nennen sich die beiden russischen
Knöpfchendreher Alexander Vasiliev und Nikolai
Turchinski. Anders als die Namenswahl vermuten
lässt, bestimmt ein kerniges Knarren und Surren ihre
Makro-Ästhetik auf Otho (KVITNU 46). Zumindest bei'Ooth', dem Auftakt. Dem folgt rhythmisches Knarzen
und Herzschlagpochen, fast wie eine Rhythmusgitarreschrappend, regelmäßig durchzogen mit hellen,
metalloiden Strichen, dann ohne, dafür mit hellem
Schein und zirpigen Impulsen. Ein seltsamer Herzschrittmacher für einen archaischen Roboter. 'Htoo'
als dritte Variante erhöht die rau schnarrende Frequenz, mit Galopploopdrehwurm und scharrendem
Streifenmuster. Der motorische Eifer produziert abernichts als sich selbst, will sagen: eine dynamische
Erregung, die glissandierend abhebt. 'Otoh' bringt ein
weiteres Poch-Knarz-Muster, mit surrender Strömung
und feinem Tickticktick, während das Pochen und
Furzeln unregelmäßiger wird. Für 'Tooh' wirken surrende Motorik und klappernd kreisende Mechanikzusammen. Eine Folge von Impulsen wird dröhnend
abgeblasen, wie mit Donnerblech umbebt, von hellen
Akzenten gestreift. Die Anmutung einer staksenden
Steampunkkonstruktion (wie die Goldene Himbeerenpflückende Kriegsspinne von Dr. Loveless im Wilden
Wilden Westen) ist recht plastisch.
ILPO VÄISÄNEN ist, anders als sein Pan Sonic-Partner
Mika Vainio, solistisch bisher erst einmal in Erscheinung getreten, mit "Asuma" 2001 auf Mego. Wenn
nicht mit Pan Sonic, so war er allenfalls mit Dirk Dresselhaus als Angel zu hören. Syntetisaattori Musiikkia
Kuopiosta (KVITNU 49, 12") ändert das nun mit dem 9teiligen, ebenfalls von O-Virus erfassten 'Osat'. Es ist
das eine Demonstration mustergültiger Musterbildung:
Ein unmetrisch pochendes Steppen - ein pumpendes
Sägen und sirrendes Ratschen - ein zwitscherndes
Peitschen über anschwellenden Brummelwellen - eintutender Puls, der die Hörschwelle umkurvt, wird voneinem motorischen Surren verschluckt... Schon diese
11 Min. erteilen jeder Einfalt eine Lektion. 'Osat 6-9'
bringt das Pochen mit einem monotonen Shuffle
zusammen - schnelle Tupfen tupfen auf einem sonoren
Fond dahin - dunkles Ratschen scharrt rhythmisch zu
einem rasseligen, flirrenden Säge- und Quietschebeat ein melodisches Schnurren wird abgelöst von rhythmisch steppenden Wechselschritten und winzigen
Keyboardlauten im Hintergrund. Das ist so unprätentiös wie groovy, und dabei so wenig erklärungsbedürftig wie althergebrachte Volkstänze. Aber wie
projeziert in eine Zukunft, die im Futur II auch schon
wieder auf sich zurückblickt.
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Editions Mego (Wien)
Neben dem gitarristisch-improvisatorischen OREN AMBARCHI von etwa
"Behold" (w/ Jim O'Rourke), "Tomorrow Outside Tomorrow" (w/ Licht &Akiyama) oder "Aithein" (w/ Pilla & Pupillo) gibt es den, der kaum zu
kategorisierende Soundscapes macht und Ensemblemusiken komponiert, wie'Wreckage' (w/ Ensemble neoN), "Sagittarian Domain" (w/ Strings), 'Krakow
Knots' (w/ The Sinfonietta Cracovia), 'Counterlife' (w/ Ensemble Phoenix) oder
"Quixotism" (w/ Iceland Symphony Orchestra), und dabei seine dröhnminimalistische Ästhetik auffächert von knurrigem Feedback über stoische Repetition
und nahezu mystischen Schwebklang bis hin zu zeitkratzerischer Mikrotonalität. Hubris (EMEGO227) gliedert sich in drei Teile: Part 1 (21:50) mit Computer (Mark Fell), Synth & Guitar Synth (Jim O'Rourke) sowie Motor Guitars(Konrad Sprenger) lässt in seinem zackig zuckenden Tempo und mit
Sprengers sirrenden Saiten an die krautige Motorik von Kraftwerk und Neu
denken. Nachdem der Synthie mit gestöhnten Signalen melodisch gehupt hat,
kommt mir der Takt noch etwas schneller und knackiger vor. Der Gitarrenklingklang von Part 2 (1:55) spielt mit Bass (O'Rourke) und Gemurmel (CrysCole) angeblich auf Albert Marcœur an. Part 3 (16:35) bringt mit flexiblerem
Drumming (Will Guthrie & Joe Talia) und Electronic Rhythms (Ricardo Villalobos) das zuckende Tempo zurück. Zu furzeliger Synthie-Funkyness (Keith
Fullerton Whitman) und der furios verzerrten Gitarre von Arto Lindsay wird derDrive scheinbar sogar immer schneller und dichter. Ambarchi, der selberjeweils mit Gitarren zugange ist, hat inzwischen Lindsay abgelöst mit
wühlendem, fräsendem Noise zur höllischen Galoppade und kommt zuletzt inseinem Feuereifer nur im Crash gegen ein Stoppschild zum Halten.
Das Fest Der Reichen (EMEGO0229, LP) ist, auch wenn es da immer wieder
heftig aufschäumt, gischtig aufrauscht und dramatisch theaterdonnert, eine
Reihe von pulsminimalistischen Uptempotracks. Wie "Koyaanisqatsi" auf
Speed, ein vehementes Tuckern und mitreißendes Quirlen. Als Synthiemaniac
verantwortlich zeichnet JUNG AN TAGEN, der auch bisher schon, sowohl bei"Vielheiten" (2014) als auch bei "Äußere" (2015), mit soliden deutschen Titelnauffiel, so wie hier mit 'Weiche Grenze', 'Vom Nebel zum Leib', 'Der klare Blick','Weiße Lüge', 'Im milden Licht' etc. Will man wissen, mit wem man es genau zu
tun hat, so stößt man unter dem Dach des audiovisuellen Virtual Institute
Vienna, kurz VIV, auf eine Vielzahl an Namen: Cruise Family, Easy Rider,
Stefan Kushima, Stefan Juster. Jung An Tagen besticht mit dem fiebrigen Eiferund Impetus seines Gehämmers, wobei der Maschine Verstand eingebleutscheint, ein Sinn, der über entschiedene Rasanz und Komplexität vortäuschende Formeln hinaus greift, mit ostinater Insistenz und zugleichüberschäumender Impulsivität. Kann eine Maschine derart auf ein Donnerblech eindreschen? Oder auch nur so seltsam das Tempo verzögern?
Wahrscheinlich schon. Aber der Effekt ist dennoch so eigen, dass ich am alten
Begriff Handschrift festhalten möchte. Auf der B-Seite spielt Regelmäßigkeit
und damit Tanzbarkeit eine noch geringere Rolle. Es zischt und kaskadiert,
wobei nun auch Raju Arara oder Miaux mitmischen, quer 'unterm Himmel hin'durch die Synthieregister, schimmernd, morphend, ganz zart auch, mit
keyboardistischen Satie-Motiven von Superskin und kunsthölzernem Balafon.
Zuletzt atmet sogar ein Akkordeon mit. Dass mit dem Sekretariat Berggasseeine Adresse neben dem Sigmund Freud Museum angegeben wird, deute ichso, dass Juster, der sich im Interview mit Skug als absolut reflektierter Typartikuliert, eine Couch für einen guten Platz hält, um mit ihm dirty, sexy undsophisticated zu tanzen.
61Sieht man, mit wem Richard Chartier schon unterwegs gewesen ist sein
Klangkunstleben lang, dann evozieren die Namen Taylor Deupree, Kim
Cascone, Steve Roden, Asmus Tietchens und Gregory Büttner ein feines
Netz aus dröhnminimalistischen Koordinaten. Als PINKCOURTESYPHONE
entfaltet der Kalifornier mit Taking into account only a portion of youremotions (EMEGO236) hier wieder einen Sound- und Dreamscape mit dem
Atem dröhnender und schimmernder Wellen. Wobei er dem vagen Somewhere helldunkler Schwingungen mit grollenden Unterströmungen, abermehr noch mit einer telefonierenden Frauenstimme einen cineastischen
Thrill verleiht. Die dunklen Drones entführen in Badalamenti-Abgründe, derhelle Klingklang und der feminine Anhauch eines Nymphenchors bei 'High
Ends Small' in Giallo-Gefilde, wo Blicke durch die rosarote Brille gar nichts
Gutes verheißen. "Your're coming with me... leave everything... it's getting
late..." Chartier entspinnt aber dann doch keine narrativen Fäden, er hängt
in Zeitschlaufen, käut klebrige Sekunden wieder und wieder. Wie die drei
Lotosesser der "Odyssee" vergisst man Raum und Zeit und sich selbst.
Nicht nur 'Horizontal Format' lädt zum Liegen ein, in submarine, uterine
Traumblasen, an denen die Außenwelt reibt und nagt, schwappt und dongt.
Bis man sich als taube Nuss fühlt, tümpelnd in pinken Rossbreiten. Das'Schlaflied' schläfert die letzten Reste von Geistesgegenwart ein, mit
zeitlupigem, dumpfem Lullaby, das wie eine der Tonbandschlaufen vonWilliam Basinski schleift und einem schwer atmend etwas ins Ohr keucht.
Wobei mit der hauntologischen Tristesse von The Caretaker der Zahn der
Zeit immer lauter zubeißt und die unerbittliche Moira mit der Schere die
Fäden kürzt und kürzt.

62

Opa Loka Records (Lahr)
Mit Low (ol16008) schließt GINTAS K eine mit "Lovely Banalities (Crónica, 2009)
begonnene und mit "Slow" (Baskaru, 2013) fortgesetzte Trilogie ab. Deutlich mehr als"Dimensions" (-> Frozen Light, 2016) lässt der Litauer da melodische und harmonische Anmutungen zu. Der dröhnende Orgelklang mit keyboardistisch-perkussiven
Akzenten und elektronischen Verzierungen kommt zwar auch in raueres Fahrwasser,
wummernd, knatternd, aber abgerundeten Kanten und mit wässrigen Spritzern, dazu
angeschlagen wie mit einem Kartonköcher. Die Elektronik macht dabei einen seltsam
altertümlichen, nahezu urtümlichen Eindruck und mutet außer einigen schärfer
gesprühten Impulsen gedämpft an, wie mit Flechten oder Schimmel überzogen, träge
aufrauschend und mechanisch klappernd. Als wären die Geräte, das Instrumentarium, archaische Vorläufer heutiger Digitalisierung und nicht frei von holzigen
und metallischen Bauteilen. Kein Produkt steriler Labore, vielmehr noch verwandt mit
Hammerklavier, Orgel und Webstuhl, als eine Ausgeburt der wissenschaftlichen
Pionierjahre, die vor Blut und Gestank nicht zurückschreckte. Insbesondere derOrgelklang, auch wenn er bei 'po', dem harmonischen Zentrum, spitz durchsirrt undumbrodelt wird, neigt in lang gezogener Monotonie zu melancholischem Moll. Danach,von noisigen Staubwolken überrauscht, weitere Anschläge wie auf Keys, die sich zwar
kristallin verfeinern, aber nicht scharf präzisieren lassen. Es zerrt wie Wind am
Mikrophon, wenn der 'Organist' die Töne pumpt, bei 'ziu' flimmert es dazu wie
verzerrte Strings, auch tropft es wieder ins Getriebe. 'Ars' hext mir mit 'O Superman'Tristesse ins Gemüt, und bei 'zrtQEW' grollt sogar der Boden unter dieser gestörten
Elegie, dieser Elegie aus Reibungen und Störungen.
Woher das sonore Brummen bei Lumbar Fist (ol16009) rührt, ist kein Geheimnis,
Richard van Kruysdijk spielt Circuit Bent Suzuki Omnichord, Arp 2600, Baritone
Guitar, Modified Bass Guitar, Drums, Singing Bowls, Tapes & 1² Effect Pedals. Der
Eindhovener weiß wie das geht, er war seit "Cyberflesh" (1993) eine der treibenden
Kräfte beim dunklen Pathos von Phallus Dei ebenso wie für die Trips Noir mit MarieClaudine Vanvlemen als Sonar Lodge und, verstärkt noch mit Niels van Hoorn von The Legendary Pink Dots, bei den Rorschachtests mit
Strange Attractor. Mit Daisy Bell und eigenartigen
Elektroversionen von William Blake-Poetry im
heutigen "London" (ol15002) tauchte er dannschon bei Opa Loka auf. Nun lässt er im Alleingang als CUT WORMS lange Haltetöne dröhnen,
plasmazäh fließende lange Schwingungen. Aus
geschmolzenen Erzströmen gießt er erhabenorgelnde Klangwände, sonor röhrende Baritonsäulen. Zeitvergessen breitet sich Magma aus,
aber bei 'Halo Ginseng' ist die Anmutung dieeines rituellen Chorgesangs alter Männer, dessen
Dauerton die Welt sich weiterdrehen lässt wie
einen Peitschenkreisel. Während so die Krusterast, brummt ein träger Kern so gut wie unbewegt sein OOOOOm. In 'Crabby Plasma'schwingt und dröhnt mit dunklem Unterton, schaumigem Saum und zuckender
Fluktuation der pure Ocean of Sound, das Urmeer oberhalb des Gewölbes, in das RvK
schon mit PHD2 getaucht war, dem dark ambienten Zwilling von Phallus Dei. Selbst'Drum Sloth' bringt keinen Beat, sondern einen orgeligen Klingklang, schimmernd undbrodelnd. Ob Van Kruysdijks Namensgebung sich eine Scheibe des Uroboros
abschneidet, auf Blakes 'Invisible Worm' anspielt oder einfach auf das WORM in
Rotterdam, das lasse ich gerne offen.
63

Psych.KG (Euskirchen)
In sensationeller Aluminiumhülle, die in ihrem Knitterlook die "Norsh"-EP von
Zoviet-France noch übertrifft, erreicht mich A Random Set Of Sarcastic
Implications (Psych.KG 231, LP) von ONE LAST REGION. Das ist offenbar ein
neues Firmenschild für Richard Franecki (guitar, electronics), Rusty Olson(drums, percussion) & Lars Kvam (saxophone) von F/i und Vocokesh in
Milwaukee, verstärkt um Jim Warchol mit einer weiteren Gitarre & Effekten.
Sie verwenden die A-Seite darauf, den Stoff zu läutern und das Feldexorzistisch aufzubereiten. Mit Freak Rock-/Free Form-Jams, die jedoch in
keinster Weise auf etwas Reines abzielen. Eher auf eine Verrücktheit, eine
Madness, die Franecki als Voraussetzung einer anderen Klarheit wohl fürnotwendig hält. Für dieses Andere steht bei ihm schon lange der Name Alan
Watts (1915-1973): 'Alan Watts was a Friend of Mine'. Ich vermute (allerdings
ist das nur spekulatives Pingpong), dass der englische Guru, der die Weisheit
des ungesicherten Lebens und eine Kosmologie der Freude lehrte, schon
frühe Titel wie "Space Mantra", 'Om Twenty-One', 'Why Not Now?...Alan!!' und'Jam For The Guru' mitmotivierte und dass die Formel 'The Circle Is The
Square' im gleichen Kontext steht. Abgeschmeckt mit ein wenig Jodorowsky
und viel Hawkwind und nicht ohne die in der Überschrift genannten
sarkastischen Implikationen. Statt tröger Drones dominieren kakophone
Brainfucks, FX-Attacken, Delay und Reverb en masse und insistierendes
Saxophon. Das Drumming dazu groovt etwas klumpig, soll so aber wohl die
unbändig miteinander kopulierenden Gitarrendrachen halbwegs in der Spurhalten. Ihr schroffes Kritzeln und Gefunkel zu Dröhnmulm und röhrendem Sax
hat neben sarkastischen noch weitere Implikationen, Rustys Getickel und
Getapse dazu unterstreicht den Hintersinn des Titelstücks. Zuletzt aberkommt diese Psychedelik doch wieder mit Holzbein daher. Diese Spannung
und Diskrepanz zwischen dem Hochfliegenden und dem Geerdeten,
Dreckigen, macht mit den Reiz aus.
Dekoriert mit Edvard Munchs 'Jugend am Meer' (1904) aus dem Linde-Fries(in einer Bearbeitung durch frau-unbekannt), geht RLW bei Störungen(Psych.KG 233, LP) zurück in die Zeit, als Kinos noch Lichtspieltheater
hießen. Und als Psychologie noch eine junge Wissenschaft war, die sich in die
Fluten versteckter Störungen stürzte. RLW trifft mit Ausdrücken wie'Vermeidungsquartett', 'Periphere Schwankungen', 'Dysphorische Episode'oder 'Leerkrampf' ganz gut den Jargon der Wiener und Züricher Seelenärzte,
deren Kundschaft den Zusammenhang von Kopf und Körper ähnlich
idealisierten wie Dr. Linde, dem Munchs Bilder dann nicht keimfrei genug
waren, schon gar nicht fürs Kinderzimmer. Die ersten 'Stör'-Klänge scratchen
und toben wie ein Dämon, der ausfahren will und knurrend den Ausgang
sucht. Mit grollendem Maulen und krachigen Verwerfungen im Schleudergang. Die Rede ist von bearbeiteten Resonanzkörpern, Betonung wohl auf
Körper. Den beuteln perkussive Invasionen, hörbar als unterbewusstes
Grollen oder als pervers polymorphende Alieninvasion im Überich.
Flashbacks trillern im Weichgestänge, tubadunkel, gleißend glissandierend,
zuletzt erratisch beorgelt oder brutistisch glossolal. Musikalische Resteglitchen auf knurrigem Fond, Tonbandfetzen schlurchen am Tonkopf,
dongende Gongs geraten in die Miesen. Ideale haben kaum noch Schrottwert,
verdrängen aber eisern ihre Entwertung und versickern als schweinischdämonische Legierung. Erneute musikalische Zuckungen führen zu
Reibungsverlusten, durch Hirnrisse zischt und sirrt es, der azaphalische
Körper leckt. Und vice versa. Kein Mensch ohne dys64

Sub Rosa (Brüssel)
Sub Rosa zeigt mal wieder sehr schön, dass kein Sandkorn und keine Scheuklappe dieelektronische Naturkunde von MICHEL REDOLFI von etwa der wundersamen
Neoschamanistik von Keiji Haino scheidet. Der französische Elektroakustiker, anfangs
in Marseille, heute in Nizza, hatte 1973 bis 84 seinen Horizont in Kalifornien erweitert.
Dort entstand, obwohl ihn ja eigentlich seine 'Sonic Waters'-Unterwasserkonzerte
bekannt machten, wie zuletzt 2006 'La Citta Liquida' bei der Biennale in Venedig, 1987
der Klassiker Desert Tracks (SR418). Das ist ein Trip mit 'Opening' als Ouvertüre, dieeinen mit Steinklang, Gewisper und elektronischen Anklängen an Vareses 'Déserts'
einstimmt auf die, wenn auch nur virtuelle Tour. Die bei 'Mojave Desert' zum Rogers
Dry Lake führt, dem ausgetrockneten Spielplatz der Edwards Airforce Base und Space
Shuttle-Testgelände des NASA-Forschungszentrums Dryden. Mit Geräuschen, spröde
wie Kaktusstacheln, knirschenden Schritten, dongenden Lauten an einem leeren
Wasserkanister. Wenn dazu Güterzüge nach Santa Fe ruckeln und die Rotoren eines
Windparks rauschen, sind von der Sonne ausgedörrte Halluzinationen wie in einer
Story von J.G. Ballard fast nicht zu vermeiden. Danach 'Death Valley': Desolation
Canyon, Zabrieski Point, Devil's Golf Course, Dante's Viewpoint, sprechende Namen
für eine schieferhart brüchige, glasig klirrende, in der Hitze schimmernde Szenerie, die
man gerne den Insekten überlässt, einer Spezies, die dem Tod den Stachel zu ziehen in
der Lage scheint. 'Palm Canyon' steht als Oase mit plätscherndem Quell und mit
Vögeln für mehr als bloßes Überleben, und auf dem Black Hill erwecken selbst die
hartgesottenen Sechsbeiner mit ihrem Summen und Grillen den Anschein einer
kosmischen Harmonie in High Fidelity. Bei 'Too Much Sky' zaubert Redolfi zuletzt dann
mit dem Digitalsystem C.A.R.L. aus Harfenarpeggio ein schimmerndes Klanggewebe,zu fein für etwas anderes als Elfenfinger.
Der Drummer TEUN VERBRUGGEN, für den BA 91 schon die Trommel rührte, war im
September 2015 mit dem Keyboarder JOZEF DUMOULIN, seinem Partner in Othin
Spake, The Bureau of Atomic Tourism und Warped Dreamer, nach Japan eingeladen
gewesen. Dort kam es zu The Miracles of Only One Thing (SR439), einem Clash und
Crash von elektrifiziertem Drumming und knurrigem Fender Rhodes-Sound mit Gongund Gitarrennoise von KEIJI HAINO. Als 'Non-Dark Destinations'wird gleich zu Beginn
eine rauschende, dreschende Attacke inszeniert, die furios dröhnend und schäumendsich in die offenen Arme der Kakophonie wirft. Das gibt der bereits bestehenden
Vermutung Nahrung, dass bei Warped Dreamer das Träumerische auf die norwegische
Hälfte zurückgeht (Henriksen & Westerhus), die belgische hat es mehr mit dem
Warpen. Die anfänglichen 25 Min. sind derart elektronisch, amorph und kollektiv
gestaltet, dass außer Verbruggens Schlagstockwirbel erst spät und nach einer fein
ausgedünnten Passage auch noch helle, atonale Gitarrenklänge die zugehörige Hand
verraten. Demoulin traktiert nämlich das Rhodes bis zur Unkenntlichkeit und ähnlichkrass wie Dominik Blum seine Hammond bei Steamboat Switzerland. Das Finale ist ein
raptorischer Exzess. 'Hotel Chaika' vertreibt schlurchend kakophon und mit trommlerischem Krawall ein anfängliches Harmonikafiepen und fenderflötet dann sosilberhaarig, dass eine Anregung durch den Manga "Chaika - The Coffin Princess"nicht ganz ausgeschlossen scheint, wobei Haino japanische Silben rattert und gurgelt
und die Action martialisch anheizt. Was es auch ist, es verschwindet unter einer
Schneedecke, die Verbruggen vom Becken rieseln lässt, allerdings zu knatternden
Störimpulsen, ein Drumsolo, wenn Haino nicht doch noch schiefen Gitarrensounddarüber harfen würde. Für 'Tonight' bläst er zuletzt mit rauer Zunge Flöte, zu feinen
perkussiven Akzenten und untergründigem Fendersound. Allerdings spottet es aller
Zurückhaltung, wenn Haino plötzlich lauthals aufschreiend zu singen beginnt, wie man
es nur von ihm kennt und wie es ihm die Aura eines Schamanen eintrug. Verdomme!
Starke Medizin!
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Thisco (Lisboa)
Das wortspielerische Lispeln von Thisco-Macher Fernando Cerqueira aka Walt
Thisney aka RASALASAD ist allein schon Musik in meinen Ohren: ThisContinuum,
Thismorphia, Thisconnected, Thisoriented, Thisobidience, Thisturbance, Thisease,
Thisagree... Klang so die Schlange im Paradies? Dazu noch Neologismen,
Portmanteaus und Slogans wie: Hauntomata, Buyology, Endotica, Buddhify, Mpire of
Desire, Commodify Your Dissent. Dieser Prankster-Prangsta ist ein zu Streichen undAprilscherzen aufgelegter Witzbold. Und etwas mehr, einiges mehr. Ich stoße die
Nasen da gern auf die "Occultural Anthology"-Reihe auf Antibothis, mit Lektionen in
Kultur-& Avantterrorismus, radikaler Ökophilosophie, Zen-Nihilismus, TagtraumKabbalistik, den Neo-Anarchist Dream State, Crimethinc, TechGnosis... Cerqueiras
angewandte Sophistication steckt auch in der kleinen Thisobey-Reihe, die den
Schulterschluss mit Gesinnungsgenossen sucht: Bei "Ambivalent Ambits/This: Edgeland" mit Hiroshi Hasegawa, bei "Untitled" mit Smell & Quim und mit irr. app. (ext.). In
ein Faltkartonschächtelchen verpackt, bringt nun Magnethism (3" mCD-R, 01) einenSoundtrack von Rasalasad zusammen mit Gesprochenem von WILDSHORES und VON
MAGNET. In dieser französischen Verbindung war schon 'This' auf "Thismorphia"
entstanden. Fein gesponnenes Dröhnen mit Klingklang eines holzigen Windspiels
geht einher mit sirenenhaftem Locken und wispernden Stimmen, der träumerischen
einer Frau mit einem "This...", das an das "Yes" der Molly Bloom erinnert, und den
Einflüsterungen eines Mannes. Die flimmernden Drones morphen, dazu setzt ein
federleichter Beat ein, ein bebendes Klicken. Erotischer Magnetismus? Das Fluidum
von ansonsten unausgesprochenen Tagträumereien? Die Aura von Étant Donnés ineinem feminin-maskulinen Ritual? Das ständig geflüsterte "This" und "This is..." wirkt
an der Grenze des Verständlichen umso anziehender. "Transformation" ist die
Losung, ...a kind of transformation, where
the soul... Das riecht nach Alchemie, Sunrevolution, Mirapuri-Mystik, Homo Virtualis... Aber auch nach dem, was Anthibothis
antreibt: ...to revolutionize the dynamics
of life in a total process of culturaltransformation in the name of imaginationin opposition to toxic life on low awareness, herd mentality and programmed
through.
Weiterer RASALASAD-Partner und Übungsteilnehmer in Sachen Querdenken, Dissidenz und zivilisiertem Ungehorsam ist bei
Thisturbia (3" mCD-R, 02) Thierry Arnal
aka AMANTRA. Durchaus sonore und auch glanzvolle Dröhnwellen wälzen sich dahin,durchflattert, durchschossen, überdröhnt von gitarristischen Fluktuationen und
Saitengesang, von Noiseimpulsen oder gedehnten Bassnoten. Und werfen die Fragenauf: Träum ich oder wach ich? Was heißt Störung, wer ist gestört, wer stört wen?
'Peak' bringt einen pochenden Herzschlagbeat, zu viel Herz für einen allein, so
schlägt das Herz einer Stadt. Als monotones Tamtam, überrauscht, überdröhnt, und
mit dem hymnischen Versprechen des himmlischen Chores, der seit je von der Stadt
auf dem Hügel (der “city upon a hill” als Anti-Babylon und Licht der Welt) herunterschallt. 'Error' hält mit Harfe und Flöten die kindliche Hoffnung auch im Rauschen derNiederungen aufrecht. Die Hoffnung auf eine große stolze Stadt... von Menschen aller
Art bewohnt, die in Harmonie und Frieden leben, mit Toren, die offen stehen für alle...
Allerdings mit dem grausamen Scherz, dass das E in Etopia nicht für Ecology steht,
sondern für Error und except (Indianer, Kommunisten, Mexikaner, Querdenker...).
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
THOMAS BEL Denying the healers (Self-released, CD-R): Die
Reminiszenz an "Defining the leaders" (2014) ist nur scheinbar, derMann aus Toulouse, bekannt für seine Bela Tarr-Tristesse und Funeral
Folk-Songs, offeriert hier vier Instrumentals, von denen '191.8 limbes'
einen derart kakophon zischenden und berstenden Querstrich zieht,
als wäre die CD-R kaputt. Man muss sich freilich in Erinnerung rufen,
dass Bel mit Dead Men's Letters sich schon dark ambient und mit
Misery und dem Label Distant Voices black-metalistisch positioniert
hat. Toulouse hat neben Alfie Ryner auch seine finsteren Seiten mit
etwa dem Label Necrocosm, dem Rohstoff ("La came crude") von A
Very Old Ghost Behind The Farm, den pessimistisch-melancholischangedunkelten Stimmungen bei Hors Sujet oder die 'Soft Drug'Dröhnung von Saåad. Bels 'The dying water' bringt klopfende
Drummachine und knarrenden Synthie in ein dunkles, regnerisches
Ambiente. Bei 'Ultranoir' legt er Keyboardsmelancholie, Cellostricheund pochende Funeral-Beats über einen knisternden Fond, zieht
jedoch die Schlagfrequenz an als Kontrast zum rituellen Düsterpathos.
Mit einem Pleinair-Epilog. '7.44_ltrnt' bringt zuletzt nochmal hastig
pochende Achtel über einer dröhnenden und einer scharf sirrenden
Spur. Ein Wechsel der Mittel, nicht der Ziele. Und all das als
Soundtracks zu Videos über verschleierte Bewegungen, Lichtblitze
und Blicke auf dämmrig und nächtlich dunkle Wasser, mit Lidern, dievon einer undefinierten Krankheit zucken.
CELER Two Days and One Night (Sequel, SQ05): Will Long hat sichhierfür auf die Spuren seines Großonkels begeben, der 1984 von New
York nach Tunis und weiter nach Hammamet gereist war und dort noch
am gleichen Nachmittag beim Schwimmen ertrank. Er war 80 Jahre
alt. Long vollzog 31 Jahre danach die gleiche Reise, übernachtete in
Tunis ebenfalls im Hôtel Amilcar. Am nächsten Tag dann der ominöse
Zielort, das "Tunisgrad" des Afrikacorps, wo 1943 250000 Deutsche
und Italiener kapitulierten. Die Jahrzehnte zuvor war das damals nochkleine Fischerdörfchen ein Attraktion für europäische Künstler
gewesen, ihr Zugang zu Afrika und jungem Knabenfleisch, Gide undOscar Wilde wärmten sich 1895 dort das Fell, Klee und Macke setzten
1914 ihre Pinsel der "finsteren Kraft der Sonne" aus. Heute warten 122
Bettenburgen auf die Massen. Long legt darüber seine nostalgischsanften Dröhnfolien, bringt mit Stimmen Lokalkolorit ins Spiel, wobei
da gleich schon Wellen über den Sprecher lappen. Die Schlagzeile"We cannot be the rich ruling class of a poor country" lässt michvermuten, dass da kein Tourist Guide spricht, sondern ein politischer
Redner deklamiert. Am Gegenpol die Stille, schlafend am Cap Serrat('Asleep against the black rocks near Cap Serrat'). Allerdings ist das so
weit abseits der Route, dass Celers Tunesientrip imaginäre Züge
bekommt, dass sich das Meer und der Himmel blauer dehnen und die
Sonne goldener orgelt. Zählt die Imagination zu den entwurzelten
Dingen ('In all deracinated things')? Eine Postkarte kehrt an ihren
Ausgangspunkt zurück, Celer suggeriert dazu 'Terminal Beach'Feeling, eine von Menschen entleerte Szenerie, wo der Fernsehapparat unbewohnte Zimmer beschallt und die Brandung die letzten
Spuren im Sand löscht und nichts als Stille bleibt.
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COUNCIL ESTATE ELECTRONICS Arktika(Glacial Movements Records, ICEBERG#2): Ein absolut programmatisches Werk
für ein Label, das Glacial Movements
heißt. Der Ice-erfahrene Justin K. Broadrick (Final, Godflesh, Techno-Animal,Jesu) und Diarmuid Dalton, der lange mit
Paul Neville (von Godflesh) in Cable
Regime und auch bei Final und Jesu Bass
gespielt hat, pflügen hier mit analog-onlysynth und fx improvisations durch die
Nordostpassage. Die 'Arktika' lief Ende1972 im damaligen Lenigrad vom Stapel,
als das bis zur Stilllegung 2008 in Murmansk stationierte Flaggschiff der nuklear betriebenen Eisbrecherflotte der
LK-60YA-Klasse. Drei ihrer fünf Schwestern, die 'Sovetskiy Soyuz', die 'Yamal'
und die erst seit 2007 einsatzfähige '50
Let Pobedy' fahren weiterhin zum Knutschen ins Eis. In Produktion sind als
Atomflot-Projekt 22220 mit einer neuen'Arktika', der 'Sibiria' und der 'Urals' drei
neue LK-60-Giganten, hypertrophe Walfische des Eisernen Zeitalters. So ein
Kraftpaket mit 75.000 PS und drei turboelektrischen Antriebsschrauben kanndann schon mal mit der olympischen
Fackel und über 21 Knoten zum Nordpol
und zurück brettern, die Olympier gönnen
sich ja sonst nichts. Das Electronics-Duo
zeigt sich deutlich beeindruckt von solcher stampfenden Brachialität, und lässt
das Reaktorenherz pochen, selber mollig
komfortabel abgeschottet als Passagiereon the rocks. Die Fahrt gilt nicht allein
dem Polarsterngucken, ohne die AtomEisbrecher können Gasprom und Nowatek das Jamal-Erdgas nicht vom Polarkreis mobil auf den Weltmarkt bringen.
Dafür klingen Broadrick & Dalton letztlichdoch etwas zu idyllisch. Oder bin ich der
Naive und überhöre die zunehmend kleinlauten und submarin gedämpften ökologischen Nebengeräusche? Ich blättere
dazu in Jens Harders visionärem "Leviathan" und prompt klingt "Arktika" ähnlich
finster und visionär. Und nur im läutenden
Gitarrenklang mit jenem Hoffnungsschimmer, den die erfolgreich gegossene
Glocke in Tarkowskis "Andrej Rubljow"
aufscheinen lässt. Aber welche Opfer
müssen gleich wieder der primitiv
stampfenden Automatik des 'Rosatom'Balletts gebracht werden?

MYRA DAVIES "Sirens" (Moabit Musik,
Moabit21): Wir haben hier wieder Texte der
kanadischen Dichterin Myra Davies, 5 vertont von Gudrun Gut (Ex-Malaria!, Monika
Enterprise), ihrer langjährigen Partnerin
schon in Miasma, 5 weitere von Beate
Bartel (Ex-Mania D., Ex-Liaisons Dangereuses), Guts Partnerin einst in Matador.
Davies bedichtet 'Armand Monroe', einst als
Master of Ceremonies eine Berühmtheit inder Gay Community von Montreal. Laut"Speaking in Queer Tongues" he wasinstrumental in introducing Anglophone
gays to French culture and Francophones to
Broadway and English gay slang. Genau
das macht Davies zu Poesie. Sie lässt Pan
erscheinen und Apoll, fährt jedoch nicht mit
Feuerwagen, sondern mit der S-Bahn. Sie
führt mit Wagners "Götterdämmerung"dreimal nach Walhall, wo Ziggy abgestochen wird, Alas Poor Gudrun. Die sich
als Witwe verbrennen will, während Brünnhilde lieber ganz Walhall abfackelt. Davies
bürstet das mit Jelinekschem Sarkasmus
gegen den Macho-Strich und gegen den
Ruhm- und Todestrieb. Sie verwandelt in'Siren Calls' auch Odysseus, nein, nicht inOphelia oder eine Odaliske, sondern in
Sailor Moon. Bei 'Mobilis in Mobili' knüpft sie
kosmologisch kesse Knoten aus Shakespeares To be, Marxens Verkündung, dass"alles Ständische und Stehende verdampft"
und Wordworths' "I wandered lonely as a
cloud". "Ephemeral is our best quality.
We're shape-shifters. Process not product...
Quivering shimmering, unstable, temporary.
It's who we are." Bei 'Everywhere Cage'
verpasst sie John Cage und der Avantgarde als "a white guy comfort zone" einfeministisches Détournement. Der Bombenalarm beim arabotronischen 'Inshallah' geht
letzlich auf eine amerikanische Weltkriegsbombe in Spandau zurück. Und 'Noutiné'
rüttelt bitter an der milden Strafe für einen
Vater, der seine 13-jährige Tochter totschlug. Bartels Soundtracks unterstreichen
den Sprachfluss mit animierenden Elektrosounds, bepochen ihn mit Maschinenbeats,
Gudrun Gut tut es ihr schwesterlich gleich,mit knarzigem und zwitscherndem Swing,
der den Rhythmus von Davies' lakonischem
Vortrag launig verwirbelt oder alarmiert
pusht. Heartbreak-Science, cool wie Laurie
Anderson, so belesen und sprachmächtig
wie engagiert.
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FEDERICO DURAND Jardín de invierno (SPEKK, KK032): In seinem zur
Natur und den Jahreszeiten hin offenen Wintergarten in La Cumbre brachte
der folktronische Argentinier seine wohl bisher zarteste Tagträumerei zum
Erklingen. Nebelverschleiertes oder lichtverklärtes Electric Piano gibt
Klingklang von sich, als wäre es eine Spieluhr bei den letzten Drehungen.
Funkelnd und tröpfelig, in verrauschtem Kreisen. Analogsynthie, Tapeloops
und Multi-Track Looper, Voice Recorder oder Anrufbeantworter sindebenso Hilfsmittel wie der Krimkrams, zu dem er greift, um in seinem
Poesiealbum zu blättern und dabei in nostalgischer, wehmütiger Träumerei
zu versinken. Die anfangs perlenden und gläsernen Bernsteintöne ziehen
dann auch leicht verzerrt dahinschweifende Dröhnfäden. Draußen vor den
Blockhausfenstern fällt Regen, fällt Laub, sinken Schneeflocken. Durand
hüllt sich dazu in seine summenden, seine zeitlupig 'singenden' Bänder, inden zartbitteren Geschmack einer Patina, dicker noch als bei Philip Jeck.
Der Wind rauscht in den Kronen, die Tapes erzittern in Low-Fidelity wie bei
William Basinski. Durand scheint an Klarheit nicht interessiert, er liebt
Schleier und Wolken, Schmelz und Zwielicht. Als hätte er die japanische
Anschauung des Yūgen verinnerlicht: Schaut man durch den Nebel auf die
herbstlichen Berge, dann ist die Sicht unscharf und doch von großer Tiefe.
Auch wenn man nur wenige Herbstblätter sieht, die Ansicht ist reizvoll. Die
unbeschränkte Aussicht, welche die Vorstellung hervorbringt, übersteigt
alles, was man klar sehen kann. Dazu hat eine Freundin ihm die vierJahreszeiten in zarten Pastellfarben ikonographiert. Abstrakt und niedlichzugleich und wie geschaffen für SPEKK.
HARTH / SEIDEL / SPERA / VAN DEN PLAS Malcha (Moloko+, Plus087):
Kernstück dieser wie koreanischer grüner Tee aufgeschäumten Musik ist
eine Session von Alfred Harth, Wolfgang Seidel & Fabrizio Spera am
13.11.2015 in Wedding. Die freilich nicht denkbar wäre ohne das Hintergrundrauschen von Seidels 'Total Freier Musik' mit Conrad Schnitzler undHarths 'herrschaftsfreier Musik' mit Just Music, das bereits Anfang der
80er schon mal zusammengerauscht ist, als Harth mit Seidels Populäre
Mechanik improvisierte. Vermittelt wurde das durch eine Beuys-Connection
von Schnitzler und Harth, der 25 Jahre später sein Projekt mit Spera
wiederum mit Beuys-Spirit 7k Oaks taufte. Virtuell waren Harth & Seidel
sich bereits für "Five Eyes" (Moloko+, 2014) wieder nahegekommen,
diesmal also von Angesicht zu Angesicht. Allerdings mit massiver
Nachbereitung des Sessionmaterials in Harths Seouler Laubhuette.
Insbesondere infiltrierte es den Sound seiner Saxophone, von Seidels
Buchla, Vibes und präparierter Gitarre und die von Speras Drumming
verdichtete Percussion mit Zuspielungen von Nicole van den Plas, seiner
Partnerin einst in E.M.T. Deren schamanistischer Singsang, ihre Pfeifen,
Piano und Daumenklavier, dazu Gekrabbel auf Zither und Balalaika bohren
zusammen mit Harths Dojirak ins kirrende und brodelnde Delirium ein
Wurmloch bis ins indische Oudh. Durch das quoll die phantastische
Geschichte der Begum Wilayat Mahal, die sich mit zerstoßenen Diamanten
im Malcha Mahal das Leben nahm. Davon rühren nämlich die Titel her.
Ähnlich weird, wenn nicht noch bizarrer und überwirklicher ist derakustische Gegenentwurf zu Sinn und Form, Maß und Ziel, Ersatzausdrücke: anarchisch, polymorph-pervers, unsystematisch offen, honigplastisch. Harths Laubhuettenästhetik bis hin zu "Kepler 452b Edition" (auf
Kendra Steiner) ist eine Explikation dieser unbedingten Freiheit. Sein
Tenorclash mit Seidels Buchla ist ein Triumph, aber wie van den Plas den
Hexenbesen schwingt und was die sieben Spatzen unter ihrem Dutt datreiben, das setzt noch einige Zacken obendrauf.
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HORNSCHAFT Check Out (Hornschaft, Fine-art Photobook + 10",
distr. by africantape): To check out - überprüfen, ein Auge habenauf, unter die Lupe nehmen, ausprobieren... Oder auch - sichabmelden und euphemistisch für 'sterben'. Das Auge schweift übereine Scheibe Brot, brutalistische Hochhaussilos im Winter, zwei Wacholdergnome im Garten. Es ist noch früh, es gibt Fragen,Antworten gibt es keine. Die Fotos leicht unscharf, wie handkoloriert. Schnitt: Cornwall, Heide, karge Stämme, kahles Wurzelgeflecht, Irrlichter, ein kleiner Radfahrer im Dunst. Dann heißkaltes
Pingpong der Sinne zwischen Sand und Eis, Fußspuren an
Stränden, die Kimmlinie braun verschleiert. Am Nachmittag:
Vogelperspektiven, Kegelformen wie Zwergenmützen, das letzte
Foto verschwommen, die Lichter verquollen, der Kopf desMädchens, das immer mit dazu gehört, gesenkt. Bevor es schwarz
wird, ein poetischer Epilog: smell of paint, saints, / dust shapes,
window seats, floor leaks, / precipices summer / scratches, plants,
plans, swaying braids, / foxtails, Cicely, immediate Blicke, / Amen, /fields, eyes ice / check out. All das ein Miteinander von Alessandro
Incorvaia (Music) & Giordano Simoncini (Images), das sie weiter
befruchten mit den Stichwörtern 'Übermaß', 'Aussetzen' und 'Tod'.
Zu viel und zu wenig da sein. Exponiert sein, isoliert werden, derPulsschlag unterbrochen, abgebrochen, die Grenzen zum andern
hin fließend, aufgelöst, zu viel eigene, zu viel fremde Präsenz, zu viel
Kontrolle, zu viel Exzess. Doppelbedeutungen, Unschärfen, lichte
Momente, verschleierte Blicke. Dazu dröhnt eine Gitarre, aufgenommen im Flur einer Schule in Nowa Huta. Sie umkreist sichselbst mit einem pulsierenden Bassloop und wie mit monotonem
Pianoklang, der läutend kaskadiert. Der Puls setzt aus, die Wellensurren in langen helldunklen Bögen. Bis wieder ein Riffgriffmonoton zu schlagen anfängt im Vorgriff auf die B-Seite. Unterlegt
mit sonoren Basstupfen beginnt eine silberfeine melodische
Träumerei. Die Noten verzahnen sich zu kräuseligen Wellen, derBass summt einen Dreiklang. Das Ganze verengt sich zu einer insich bebenden, sausenden Dröhnspur, in deren Schwellen zuletzt
ein heller 'Spieluhr'-Klingklang mitkreist. Ein Prachtstück, einwahrer Zwölfender zum Schauen, Lauschen, Sichversenken.
70JANA IRMERT End of Absence (Fabrique Records, FAB060CD): Bassklarinette?
Grillen? Vögel auf alle Fälle, dazu Drones, und Metall und Holz, die windspielerischklappern und kaskadieren. Die an der Hochschule für Film und Fernsehen Konrad Wolfin Potsdam diplomierte Klangkünstlerin aus Leipzig hat 'end of absence' tatsächlich
draußen unter Bäumen installiert. Um den Tanz der Zeit im Raum erleben zu lassen.
John Cage orakelt dazu sein "Each now is the time, the space." Das Dröhnen ist wohlauch ihr eigenes Summen, das sich über die rauschende Szenerie wölbt. 'Bagful' ist
wie mit metallenem Stichel gekratzt, zu einem pochenden Sekundenbeat. Und Irmert
spricht dazu: Sometimes I carry my heart like a bagfull of stones. 'Obstacles' braust
zuerst naturgewaltig, wird aber dann ganz transparent und hellhörig für feines
Rauschen und Dröhnen mit dem Anhauch von Brandung und von Gewitter. Teils wie
unter Wasser gehört. Im Hauch scheint auch ihr eigener Atem eingemischt und im
Gebrodel sanfter, ganz vager Gesang. 'Untitled (slow)' bringt zum Stichwort"Nothingness" leises Ticken und Tickeln und mahlende Loops von gewisperten Fitzeln.
Grillen und Vögel sind nur Gedanken, die einem im Kopf rumgehen. Wispernd beginnt
auch 'T like a cross', und die Stimme wird dabei zu Spatzengezwitscher. Natur zeigt
sich als vages Gespinst zu wieder leise grollendem Donner. I feel? Die Stimme ist ganzverhuscht. Herzschlag und Schnaufen rücken die kleine Szene, die jetzt wieder zu
loopen anfängt, hautnah. Ohne etwas greifen oder begreifen zu können. 'Altitude
Adjustment' ähnelt 'Obstacles'. Gedröhn und Brandungsbrausen verschwimmen in
einem harmonischen Zwielicht aus Natur und Industrie, mit rhythmischen Einwürfen
und zuletzt einem metallischen Geschmack auf den Lippen.
OLIVIA LOUVEL Data Regina (Cat Werk
Imprint, CW11): Louvels Cat-alogue kommt mir
durch die Aboutness der Werke entgegen, ich
schätze es nun mal, wenn es um etwas geht:"Doll Divider" (CW01) drehte sich um Modeund Models, "O Music For Haiku" (CW03) um
Haikus von Basho, "Beauty Sleep" (CW06)
nicht um Dornröschen, sondern um Füchse,
Vögel und Fledermäuse, ebenso "Bats by
Night" (CW07), wo sie zu Cole Porters 'Nightand Day' ausschwärmen. "Luna Park Hotel"(CW09) ist ihr nach 10 Jahren neu aufgelegtes
Debut, mit dem Flair der Alten Welt. "Lulu in
Suspension", ihre träumerische Reflektionenüber Louise Brooks, sind 2008 bei Optical
Sound erschienen, nur 'Das Blut' verrät die
deutsche Herkunft. Louvel selbst erscheint mir
wie das coole Remake einer der Nachtschattengestalten der 80er-Elektrowelle in
Brüssel oder Berlin. Das neue Werk konfrontiert nun entlang der blutigen schottischen
Grenze die Queens Mary und Elizabeth, in einem Duell gespiegelter Dualität. Mit 'The
Antechamber' überschriebene Songs verzahnen sich mit den instrumentalen 'The
Battles', der Schlacht bei Ancrum Moor 1545, dem für die schottische Seite
katastrophalen Black Saturday bei Pinkie Cleugh 1547, dem Familienzwist im Hause
Stuart 1568 bei Langside. 'Feb, 8 1587', der Tag, an dem die Königin der Schotten zur
Schlachtbank geführt wurde, ist für Louvel nicht der Zielpunkt. Man sollte sich das
besser wie durch Elfriede Jelineks "Ulrike Maria Stuart"-Brille vor Augen führen.
Zumindest versucht Louvel Mary als Dichterin zu würdigen, wenn sie ihren Tod mit
einem ihrer Gedichte überschreibt. Während sie andererseits das Politische,
Pathetische und Matrialische digital sublimiert mit knarzig verschatteten Beats und anund abschwellenden Drones, mit elegisch süßem, eher glamourösem als wehleidigem
Gesang, mit sinnlichem Selbstvertrauen und den Geigenstrichen von Fiona Brice (diebei Placebo und John Grant genug Pathos mit aufgeschäumt hat).
71

TOMOTSUGU NAKAMURA An Opened Book In The Dark (kaico,kc18): Ganz dialektisch lässt der Japaner dem akustisch fragmentierten "Slow Weather" (kc002, 2011) und dem elektronischakzentuierten "Soundium" (kc011, 2014) diese elektroakustische
Synthese folgen. Mit Suggestionen von Strings, Keys oder
Glockenspiel, feinkörnig bedröhnt und von tropfigem Elektrobeat
durchpulst, entstehen Dröhnscapes aus rhythmischen Tupfen
und elementaren Naturgeräuschen - Wasser glucksend undquecksilbrig spritzend... Darüber werden schwammige Elektrokeys gedrückt oder Gitarrensaiten gezupft, und es pixeln,
klacken, ratschen Beats sowohl in digitalen Mustern als auch wie
perkussiv auf Holz, Schiefer oder Metall verteilt. Die Klänge
reihen sich unrund, manchmal quasi aleatorisch, so dass sichkybernetische Logik mit windspielerischem Zufall verzahnt.
Leicht unscharfe Clicks vereinen sich mit phantasmagorischen
Glitches. 'Brussels' versetzt direkt in die geheimnisvollste derCités obscures. Über der ein 'Grapefruit Moon' scheint, wie mit
gelbem Messer geschnitzt. Am Ende steht mit 'Nirodha' ein
buddhistischer Begriff, der die Erlösung vom Leid im Unbedingten verspricht. Der Weg dorthin verläuft aber seltsam
taumelig, mit Paradoxien rückwärts rutschender Zeit, granularem
Knurschen im Getriebe, stolpernder Melodik. Was aus der Nähe
unrund und wie zufällig klingt, macht aber schon in der ambienten
Halbdistanz durchaus den Gesamteindruck eines harmonischen,wenn auch melancholisch angehauchten Fließens, eines
träumerischen Driftens über Widerstände hinweg und an Hindernissen vorbei. Es gibt Texte, die sich nur den geschlossenen
Augen erschließen.
TERUYUKI NOBUCHIKA Still Air (OKTAF#13): Mit 'Tranquille','Deauville', 'Hypnotique' und 'Nocturne' (auf "Morceau", 2009)
und mit 'Mou', 'Cafe Du Parc', 'Petite Étude' und einer weiteren
Bagatelle (auf "Sonorité", 2011) hat der Japaner schon seine
Neigungen zu träumerischen Stimmungen und weichen Tönungenzu erkennen gegeben. Und insbesondere eine Vorliebe fürfranzösisches Flair. 'Mit 'La Reve' knüpft er wieder an dieseFrankophilie an und mit 'Into the Silence' und 'Lost in Meditation'
an die Affinität für stille Stunden. Er schifft sich ein nach 'Antilia',
der Insel der sieben Städte, einer anderen île de Cythère, wieder
träumt er sich sehnsuchtsvoll hinüber in ein verschleiertes
Fantasia. Er lässt so etwas wie kleine Orgelpfeifen schillern, eine
Art Akkordeon fiepen, er rudert mit Klingklang dahin zu dunklem
Cellomoll. Es pulsiert, mit dem Sand des Sandmännchens im
Getriebe. Die Wasser des Traums schwappen, ein Loop schleift
zu gedämpft pochendem Beat. Loops, die ewige Wiederkehr, sinddas Grundprinzip, jetzt auch mit Pianoklimperei oder als
dröhnender Locked Groove. 'Erosion' kommt zu tickendem Beat
sprudelnd und in rauen Atemzügen daher. Dann wieder verhallen
Pianotöne auf monotonem Fond, mit knisternden und furzeligen
Störungen. Bei dieser Meditation scheint mir der Wurm drin. Dannein Hufschlag wie von unter Wasser her, dazu metallischanmutende, genauso gedämpfte, schleppende Beats, beides voneinem Dröhnen überströmt. 'Petos' beschließt die nur 28 Min. mit
schnell pixelndem Puls, mulmig und dröhnend überrauscht undauch nochmal mit träumerischer Klimperei.
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JAMES O'CALLAGHAN Espaces tautologiques (empreintes DIGITALes,
IMED 16140): Mit Jahrgang 1988 ist der junge Mann aus Burnaby, BC,
einer der jüngsten Vertreter der frankokanadischen Elektroakustik,
dessen Arbeiten aber schon mit einigen Preisen honoriert wurden.
Seinen Bachelor hat er an der Simon Fraser University bei Barry Truax
gemacht, der auch schon Paul Dolden und John Oswald einiges
vermittelt hat, seinen Master an der Université McGill in Montréal bei
Philippe Leroux mit seinem Knowhow von der Pariser Quelle. Wir hören
nun zuerst O'Callaghans prämierte Trilogie 'Objects-Interiors', 'BodiesSoundings' & 'Empties-Impetus' (2013-15). Dabei steckt er einen überbeide Ohren ins Innere eines Pianos, als eines mechanisch knarzenden, flirrenden, klappernden, mit Scharnieren quietschenden
Repräsentanten für Innenräume, wie etwa einer Wohnung (mitTreppenhaus und Wasserleitung). Wobei Wohnlichkeit auch dramatischaufgemischt wird. Dann wird zugleich bei einer akustischen Gitarre
und einem Kinderklavier das Innere nach außen gekehrt, um sie als
lebendige, sogar atmende Klang-Körper in Aktion kenntlich zu machen,wiederum mit dramatischem Anstrich. Im dritten Teil wird ein
Streichquartett in seine Bestandteile zerlegt, dekonstruktiv aus dem
musikalisch-historischen Kontext geschält und als CyberspaceKlanglandschaft voller krachend perkussiver Action, aber auch mit
ganz transparenter Szenerie neu ausgefaltet. 2011-14 entstanden,morpht dann noch 'Isomorphic' (das mit gemeinsamem Klangmaterial
mit 'Isomorph' & 'Isomorphia' ebenfalls eine Trilogie bildet) innerhalb
eines metaphorischen und morphologischen Vergleichsrahmens als
Roaratorio, als brodelndes Wimmelbild mit Krähenschrei, Brandung,
Vögeln, Hupkonzert, kirrenden Kindern, wieherndem Ross. Typisch für
die Quebecer Klangkunst ist die bestechende Plastizität der Sounds in
Motion, deren Raum- und Körper-Werden O'Callaghan zurecht als
tautologisch kennzeichnet.
OTSO Dendermonde (Elli Records, EL03, 23 Min.): Nein, kein Japaner,
sondern Dr. Lahdeoja, ein schwer zu greifender Finne, mal in der
Schweiz oder in Quebec, mal in Belgien, wo er im IF Trio mit dem
Akkordeonisten Jonathan de Neck "Imaginary Folklores" (2014)
anstimmte. Otso heißt der Bär auf Altfinnisch und dient dem Gitarristen
als Totemtier, der die Saiten jedoch mit größerem Feingefühl pickt als
man es den Bären nachsagt. Dendermonde ist ein Städtchen in
Ostflandern, das seinen Horizont phantastisch erweitert mit de Ros
Beiaard Ommegang und dem Umzug der Gildenriesen Mars, Goliathund Indian. Otso hat schon bei seinem Solodebut "Yonder" ebenfalls
den Horizont der Gitarre vom Bluesigen ins Freie und Phantastische
verschoben, mit jeder Menge Effekten und Loops. Verzerrtem
indischem Gesang folgen nun gleich bei 'QC Underground' das
drahtige Dingdong stolpernder Loops, wabernd röhrende Harmonikas
und dröhnende Orchestrierung. Mit Dubtechniken lässt Otso 'Banshee'zuckend kaskadieren, granular umknarzt, denn ein Moog ist auch mit
im Spiel, ebenso wie eine aufheulende E-Gitarre. Die flimmert undfunkelt bei 'Overwinning' gleich wieder fragil und träumerisch auf
knarzeligem Fond, um zu Drums und kaskadierenden Beats elektrifiziert zu singen. Loops greifen in Loops, in psychedelischer
Weirdness überrauscht und verunklart. Bei 'Mue end' sirren dannnochmal Harmonikas mit bebendem Drehleierdauerton, von kleinen
Detonationen und tutenden Lauten interpunktiert. An Winterschlaf ist
da nicht zu denken.
73ANDREW PEKLER Tristes Tropiques (Faitiche 14, LP): Ach, hätte ich doch nur
den Feinsinn eines Künstlers, um aus den "Traurige Tropen" und den Einöden
der Erinnerung raschelnde und knisternde Tracks zu konstruieren, rhythmisch
beklappert und mit dunklem Puls. Oder mit gummiartigem Endlosrillengroove,zart umsirrt und mit Glissandos aus dem Elektrodschungel. Die stehende
Welle, das Drehmoment. Dann Regen auf Palmblätter, oder doch nicht, da nur
eine künstliche Suggestion, melodisch umquallt mit Jon Hassell-Sound. Pekler
vexiert bewusst zwischen abstrakten, künstlichen Parametern: Structures,
Index, Symmetries, Vortices, Modulations. Und sinnlichen: Humidity, cool,savage. Canopy ist ein Dach über dem Kopf, Khao Sok ein Nationalpark in
Südthailand. Da können im Kopf sehr leicht Vogelrufe mitschwingen, aberzusammen mit dem Klang geharfter Saiten (?) so monoton geloopt, dass sichdas Natürliche im Gemachten spiegelt und bricht. Wäre ich noch skeptischer
als ich es bin, würde ich dem Verdacht nachgeben, dass die Kunst sich wieder
einmal zum Büttel macht, in diesem Fall zum Büttel der Tropenwaldverheizer
und Dschungelvermöbler. Wenn nach dem Kahlschlag nichts mehr bleibt als
die traurige Erinnerung, dann sind wird doch längst desensibilisiert für den
Verlust, mit sowieso nur einer vagen Ahnung, was verloren ging und für wasdas hätte gut sein sollen. Dann genügen Klangbilder und synthetische Exotik
mit 'natürlichem Aroma' für Wellness aus dem Kopfhörer. Die wildeste
Topographie ist eh die Autobahn und ein Parkplatz da, wo man ihn braucht.
Pekler verdreht auch auf der B-Seite eine uralte Mühle mit Balafontamtam und
Synthiesound. Er lässt Feuchtigkeit aus dem Blätterdach tropfen und loopt aus
einem Glucksen einen Beat zu einem Orgelhalteton. Andersrum gedacht undgesagt: Er macht sich aus Fragmenten und Ersatz, aus glitchenden undzwitschernde Lauten und weiterhin hassellesker Harmonik ein Dschungelbuch, eine magisch reale, eine universal zugängliche Vierte Welt, die er so gut
er kann auf Dauer stellt.
RLW Flurry Of Delusion (Black Rose Recordings, brcd 16-1013 / Dirter
Promotions, dpromcd 129): Wo 1996 schon sein Split mit Splintered erschien
und mittlerweile auch "The Pleasure of Burning Down Churches" (2007) und"Fall seliger Geister" (2013), nämlich dem Label von Stephen 'Contrastate'
Meixner, da kommen nun, in Koproduktion mit Steve 'Band Of Pain' Pittis, auchdiese narrativen Loops auf die Gehörgänge zu. 'All parts relate to each otherand nothing is what it seems to be'. Ist das ein Versprechen? Oder eine
Warnung? Aus Partikeln von Saiten- und Harmophonklängen, Motorengeräuschen, Vinylsamples und Perkussion ist eine knattrige Verlaufsform
granuliert, stottrige Motorik, surrend aufrauschende Harmophonie undperkussiver Dauerbeschuss. Oder RLW interpunktiert mit plinkplonkenden
Lauten von Gitarre, Saz oder Oud und rappeligem Hantieren einen Fond aus
Drones und verhuschtem Operngesang. Handgriffe scheinen ein spielerisches
Wesenselement zu sein, Haptik und Automatik wirken quasi 'Hand in Hand'
und erzeugen eine ins Anästhetische tendierende Schrumpfform von Melodie
und Rhythmus. Oder anders gesehen, sie schaffen eine Vor- und Urform
dessen, des einmal Musik gewesen sein wird, jetzt aber gerade erst wie eine
Hottentot Venus aus dem Ocean of Sound steigt. So wie sich zuletzt wieder
Operngesang aus dem Brausen wie von einem Düsenflugzeug schält. Das
Nochnicht oder Nichtmehr ist in dieser Klangwerkstatt mit ihren Bohr- und
Klopfgeräuschen ununterscheidbar. Flirrend und stöbernd, stechend undsurrend, immer wieder, aber nicht durchwegs hektisch, hebt sich ein
Nebenprodukt, ein Mehrwert oder Überschuss vom rein Praktischen und
Notwendigen ab, etwas, das sich 'gut' anhört, so gut, dass man damit spielen
und bewusst mehr davon machen und hören möchte. Darf ich vorstellen:
Homo ludens, immer schon und immer noch.
74

JOS SMOLDERS Nowhere: Exercises in Modular Synthesis and Field
Recording (Crónica 123~2017): Smolders sieht sich durch jahrelange Zenübung vom niederländischen Planer zum Klangkalligraphen befreit. Ein
Klangfluss kann sich nun in einem Zug entfalten, statt erst in akribischer
Feilerei und Korrigiererei Gestalt anzunehmen. "Nowhere" spielt dabei schon
auch irgendwo, 'Incident at Ras Oumlil' führt nach Marokko, irgendwo
zwischen Guelmim und Tan-Tan. Aber es gibt Orte, an denen man zwischen'NowHere' und 'NoWhere' schwer unterscheiden kann. Zudem sind Menschen
wichtiger als Orte. Etwa der mit 'For Rudy Carrera' gewürdigte Blogger, derüber Religion und das Leben als solches schreibt, auf "A Miscellany oftasteful..." über Film, Literatur, Kunst und Musik und der mit Carrera-Linn
Cultural Exchange (CLCX) sogar ein kleines Label betreibt. Oder die
Filmemacherin Maya Deren, der Smolders mit 'Song for...' Tribut zollt. Seine
ersten Klänge knattern wie ein Geigerzähler, dem Radioaktivität kleine
Botschaften morst. Eigentlich viel zu harmlos, um die plötzliche Panik zu
erklären, die Lautsprecherdurchsagen, die Evakuierung, die von Drones undtickenden Pixeln auch schnell kaschiert werden. Die Stimmen gehören wohlauch eher zu einem touristischen Spektakel, das Kraftwerk bei Sidi Boulbra ist
immer noch Zukunftsmusik. 'NowHere' rät zu Vorsicht, vor dem Hund, vor derBahnsteigkante, vor Billigfliegern, vor allem der Köter bleibt einem hartnäckig
auf den Fersen, selbst als es regnerisch vom Himmel pixelt. Die CarreraHommage stapft in brummigen Tupfen voran, die hastig joggend überholt
werden. Dann detonieren krass krachende Störungen, gefolgt von MGGeratter. Ist das narrativ? Es ist gar nicht so einfach, nichts zu sagen. Die
verzerrten Durchsagen, die wummernden Wellen, das sanfte Gedonge, derkristalline Klingklang, die ominösen Schübe, das brodelnde Prickeln undkuriose Trillern, das schrillend eskaliert, das flötende Getüpfel, das stimmhaft
und mit Mundharmonika anschwillt oder spieluhrzart, zeitvergessen, ungezielt
seinen Gang geht, all das spricht für sich.
STROM (NurNichtNur 116 06 15): Der eine Stromer, der Ruhrpott-LaptopperFrank Niehusmann, war jahrelang Aktivist bei der DEGEM, mehrfacher
Beiträger zu NurNichtNur und mit 'Scuderia Ferrari auf der Allee derKosmonauten' Preisträger der Deutschen Schallplattenkritik 2012. Mit beiden
Spielbeinen im mittlerweile mit der Thereminspielerin Gilda Razani fortgesetzten Radikal Audio Lab. involviert, hat er sich immer wieder am
Kurzschluss von Arbeit & Abenteuer versucht und teilt sich das alte
Ruhrgebiet als Maschinenpark und Spielwiese gern mit Bugs & Bunnies undneuen Monstern, Mythen & Mutationen. Seine Partnerin hier ist die Bass- & CFlötistin Angelika Sheridan, ihrerseits aktiv im Wuppertaler Improvisations
Orchester und mit den Ensembles X und Hiatus. Ihre Spezialität ist Spitfire imÜberblas-Overdrive, was sich immer wieder anhört wie Cathy Berberians'Stripsody', beschleunigt. Also um vieles wilder als die Technik undSachlichkeit vortäuschenden Stichwörter 'Transistor', 'Generator' oder
'Umschaltplan' vermuten lassen. Während Niehusmann mit Max auf MacBook
Pro hantiert, pustet sie als Irrwisch über 'Feld' und 'Fluss'. Ihre glossolalen
Lippentänzchen und ihr haspeliges Scatting als Flöten-Cyborg kollidieren und
fusionieren mit granularem Gestotter, flipprigem Gepolter und dem Gezuckeknarziger, furzeliger und brodeliger Impulskettenaktionen und -reaktionen.
Eine ganze Reihe von R2-D2s mit Hyperaktivitäts-Syndrom probt den
Aufstand, scheinbar taub für die rattenfängerischen Lockrufe der Flöte, diestatt dessen selber immer hysterischer und zappeliger krawallschachtelt. Max
als der Geist im Mac ruckelt und zuckelt, flippert und crackleboxt, als wollte er
mit Feuer unterm Arsch sein Gehege aus den Fugen sprengen. So vergehen
schnelle und helle 51 Min. wie im Sturzflug, und weit komischer als gedacht.
75

TAKAMOVSKY Sonic Counterpoint (Etymtone, ETYM-005): Grob gesagt:
Jürgen Berlakovich, geb 1970, lebt in Wien. Er macht Texte, Soundinterpretationen, Hörspiele, Soundessays, Audiokarikaturen, Speechsoundscapes, Performances und Filmmusik. Er verwendet sprachliche
Mikropartikel in Kombination mit Gitarre, Bass und Elektronik für
Kompositionen und Improvisationen. Er betreibt das Solo-Musik Projekt
Takamovsky, ist Co-Initiator des Performance-Duos Sergej Mohntau undEnsemblemitglied des Vegetable Orchestra. En detail: Zusammen mit
Ulrich Troyer (auch vom Gemüseorchester) hat er einen Soundtrack zu"Die Würghand" realisiert, einem Stummfilm von 1922; er hat beim
Klever Verlag "Instrumentum vocale. Ein Figurenpark aus Text undKlang" publiziert; und er hat einen der "Vienna Remixes" angefertigt
nach einer Vorlage von C.H. Müller & H.-J. Roedelius. Seine neue
Soloarbeit hebt an mit der 'Bourrée' (aus Bachs Cellosuite Nr. 4 in EsDur) als Ausgangspunkt für ein Wechselspiel von akustischer Gitarre
mit Clicks + Beatz und dröhnend ausgezogenen Soundwellen. Statt auf
anachronistischen Bachianas zu beharren, liftet Berlakovich gleich mal
die Gitarre auf neutrales, nicht sonderlich virtouses Fingerstyle-Niveau,weder amerikanisch noch spanisch, weder Lämmerhirt noch Basho
Junghans. Aber eben so, dass sich der fragile Stringklang und die
Beatz'n'Soundz das selbe Jahrhundert teilen. Das vertrackte Knattern,
Pochen, Pixeln, Knistern und Rauschen darf gleich auch noch die
Virtuosität beerben, dem Wiener scheint es mehr auf die Dialektik vonHandwerk und Automatik anzukommen, von an der Fragilität haftendem
Feeling und finessenreicher Automaten- und Algorithmenlogik. Wobei
die Kluft sich zu einem verträglichen Miteinander verengt. 'Running in
the Background' ist dann sogar ein kleiner Song, mit Poesie vonLeonard Cohen-Format. Und nach einem rauschenden Höhepunkt gibt
es eine kleine Reprise der Bourrée.
PAUL WIRKUS Discours amoureux (Edition Beides, beides 2): Wirkus ist
eine wandelnde Drei-Farben-Trilogie. Anfangs noch polnisch getönt mit"Mimikry" (2000) auf Gusstaff Records (in Zielona Góra), alsmusikalische Begleitung von Andrzej Stasiuk oder bei der Vertonungvon dessen "Noc" gemeinsam mit Mikołaj Trzaska. Dann in Köln und im
Miteinander mit Ekkehard Ehlers oder Stefan Schneider eingedeutscht.
Und zudem begann er mit "Inteletto D'Amore" (2004), "Déformation
Professionnelle" (2006) und vor Kurzem dann "Carmen Et Error"(beides 1), wie fragmentarisch auch immer, die Sprachen der Liebe zu
sprechen, Dantes süßen neuen Stil, Ovids Latein, Fred McDowells
Blues, das Französisch von Roland Barthes, rückgekoppelt an Rilkes'Ur-Geräusch'. '1982' - nicht zum ersten Mal nimmt Wirkus Jahre als
Titel - beginnt kynisch, klopfend in einem Fass, metalloid surrende,pulsierende, zitternde Wellen aussendend, die sonor dröhnend überwölbt werden. '1499' dreht sich als tröpfeliger Loop, jemand klappert
und schussert mit Metallteilchen. Dröhnende, zuckende, sirrendeWellen driften durchs Bild, zu weiterhin kleinen perkussiven Gesten. Die
mischen sich auch zu '2016', das als fein punktiertes Dröhnen an- undabschwillt. Glocken läuten im Hintergrund, kurz sind wir mitten in einem
Kindertrubel, im Vordergrund wird geraschelt, geknistert, dazu pfeift
ein einsilbiger Vogel. '1888' schließlich breitet sich mit einem
gitarristischen Flimmern auf rumorendem Fond hin, dazu schwillt, oh
Eifelturm, oh Sternennacht, wieder ein Drone und steht als bläserdunkles Mahler-Adagio im Raum, der an den Ränder knistert. „Und man
rechnet die Zeit …“76jenseits des horizonts
aussenraum(Cugy, Kanton Waadt)
MEI ZHIYONG, der, 1984 in der ShandongProvinz geboren, nun in der nordostchinesischen Millionenstadt Chángchun lebt, hat
mit den Shanghai-NOISern Torturing Nurse
schon seine harsche Stoßrichtung zu erkennen gegeben. Mit Schimpfluch-Mann Dave
Phillips unternahm er im Herbst 2015 dann die'Ritual Protest'-Tour durch Europa, mit Stationen am 23.9. im Genfer cave12 und zum
Abschluss am 15.10. beim Lausanner Underground Film Festival. Beides ist zu hören auf
Live in Switzerland (AR-LP-007, 12", redvinyl). Wie er da kratzend, rumpelnd, mit
abruptem Stop und Go fetzend und raspelnd
an den Knöpfen hantiert, liegt der Gedanke
nicht fern, dass ihn mit Death Metal und Grind
Core mehr als nur die lange Mähne verbindet.
Noise ist für ihn die wahre, die ungehinderte
Artikulation des Fleisches, des inneren Selbst.
Im cave12 mischte er tatsächlich groteske
Stimmlaute unter die krachigen Fetzen, blieb
dabei aber kontrolliert genug, um mit seiner
Brachialität bewusst und dosiert zu spielen.
Als tachistischer Action Painter und Dramaturg eines troglodytischen Brainfucks.
Beim LUFF wählte er drei Wochen später
breitere Pinselstriche. Die raue Kakophoniesurrt und sticht, dröhnt und schrillt, brodelt
und fräst ohne Unterlass. Statt mit Schnitten
und Löchern fesselt er die Sinne mit wilden
Modulationen, sogar auch binnenrhythmischen Momenten. Der krakelnde Klangstichelüberzieht die Haut mit barbarischen Tatoos,
spitze Dissonanz lässt die Synapsen aufjaulen, der Körper wird übersät mit Pferdeküssen und Knutschflecken. Das Traktat lässt
die so pestkrank Geschminkten aber jubelnüber die fernöstliche Lektion in Schmerzlust
und den einen oder die andere vielleicht sogar
liebäugeln mit den Reizen des Extremen undExzessiven. Die auffällige Coverkunst stammt
aus der Torture Garden-Serie der in Seoul
geborenen französischen Illustratorin Florence 'Flokim' Lucas, die auch schon für drei
Cuneiform-Scheiben von Richard Pinhas und
Merzbow die märchenhaft schrecklichen
Motive geliefert hat.
77

CHRISTIAN MARCLAY war immer schon ein Fall fürstereophone oder stereoskopische Wahrnehmung.
Denn neben seinen turntablistischen Performances, mit
dem djTRIO, Fred Frith, Ryoji Ikeda oder Thurston
Moore, gibt es da, prominenter sogar, den Konzeptkünstler mit Ausstellungen (2013: Manga Scroll,
Weserburg Museum für moderne Kunst, Bremen;
2015/16: Shake Rattle and Roll, Staatsgalerie, Stuttgart) oder dem 2011 bei der Biennale di Venezia mit
dem Goldenen Löwen ausgezeichneten Video "TheClock". Auch die Kompositionen, um die es hier geht,
zeigen die Handschrift eines Fluxus-Hirnheimers:'Graffiti Composition' (1996-2002) als leere Notenblätter, die, in Berlin verstreut, zu Geschmiere oder
Graffitis von Passanten einluden, so dass nun 150 davon - inzwischen Teil derSammlung Deutsche Bank - eine von Anonymus 'geschriebene' Symphonie einer
Großstadt bilden, wenn man diese Spuren hörbar macht; 'Screen Play' (2005) als
Stummfilmvideo, angereichert mit animierten Punkten und Strichen, die zusammeneine graphische Partitur bilden; 'Shuffle' (2007) als Kartenspiel mit 75 musikalischen
Motiven wie z. B. Werbelogos, Firmenschilder etc. mit nur dekorativer Notenschrift,deren simple Motive der Zufall verkettet. 2006 haben Melvin Gibbs, Mary Halvorson,
Lee Ranaldo, Vernon Reid & Elliott Sharp schon mal die 'Graffiti Composition' realisiert(Dog W/A Bone, 2010), Marina Rosenfeld, Maria Chavez & Austin Julian performten'Screen Play' 2010 im Whitney Museum, NY, Laurent Estoppey, Ikue Mori & Anthony
Coleman spielten beides 2014 im Walker Art Center, Minneapolis. Das Lausanner
ENSEMBLE BABEL, dem Laurent Estoppey (saxophone) zusammen mit Antonio
Albanese (guitar), Anne Gillot (recorders, bass clarinet), Luc Müller (drums) & Noëlle
Reymond (double bass) angehört, hat sich inzwischen auf Marclays Kryptogramme
spezialisiert. Die Anforderung, Spuren zu lesen und das assoziative Brainfucking
erinnern an John Cages "Song Books" und laden zu spielerischer Willkür ein. Es gibt
weder richtig noch falsch, nur überzeugend oder lahm. Das bei der Vernissage am
25.6.2016 in Lausanne vorgestellte baBel-Doppelalbum Screen Play (AR-LP-006, LP)offeriert als 'Screen Play' einen groovigen Flow, beprickelt mit pikanten Gitarrennoten.
Bewegung, Animation, kleine Finessen und gekritzelte Kürzel nehmen vor allem im Stakkato- oder
Repetitionsduktus für sich ein. Die Bläser, die Gitarre
und Donnerblech geben sich aber auch träumerisch,so dass das Ganze, so bildlos für sich, fast zu gut
funktioniert. Das für 'Graffiti Composition' mit
Jacques Demierre mit geharftem Spinett erweiterte
Quintet zeichnet in drei Takes luftigere Gespinste aus
den vageren Anregungen. Mit getupften Punkten,
zartem Klingklang, launigen Flötentönen, bruitistischen Wischern und Knarzern, aufflammender
Gitarre, rummsenden Drums, sonorem Pizzikato,
sägendem Bogen. Durchaus mit Echtzeit-Charme undso luftig, als wären's nicht mehr, sondern weniger
Spieler. 'Shuffle' collagiert in sieben Spielzügen
flockige Kürzel. Kommt da reihum jeder mal dran?
Albanese scheint die krassen Motive zu ziehen. Dannverdichtet es sich doch auch kollektiv. So oder so, es
klingt nicht konzeptsteif, sondern schön skurril, wenn
etwa ein Fitzel Bossa Nova zwischen kleinen Drehwürmern und abgebrochenen Torsi aufgefädelt wird.
Aber wie klingt "HIRN"?
78

Lenka lente (Nantes)
Illustriert mit Füsslis 'Silence / Das Schweigen' (1800), lässt 3 Poèmes / Entends Par La
Vertu Puissante De L'ouïe Du Lion (lkl-l20, Booklet + 3" mCD) in einem Dämmerzustandzwischen Black Metal und Dark Ambient den englischen Romantiker WILLIAM
WORDSWORTH dem französischen Duo TALWEG begegnen. Gewürzt noch mit Jules
Barbey d'Aurevilly (1808-1889), seinerseits eine Janusgestalt zwischen Schwarzer
Romantik und Décadence. Der reaktionäre Dandy und zeitkritische Autor, den Nietzsche"einen Unabhängigen" genannt hat, war hierzulande lange nur bekannt für die Femmes
fatales seiner diabolisch-sadistischen Geschichten, bevor Matthes & Seitz ihn auch mit"Die Alte Maitresse" und "Die Gebannte" der Vergessenheit entriss. Gegen Ende seines
Lebens hat er 3 Wordsworth-Gedichte ins Französische übertragen: 'We Are Seven', eineder "Lyrischen Balladen" (1798), mit denen er eine Deutschlandreise finanzieren wollte(wo er in Goslar ja tatsächlich sein Meisterwerk "The Prelude" anfing). Wir sind 7
Geschwister, zwei davon begraben und 'im Himmel', aber dennoch sind wir 7. 'The Blind
Highland Boy' gehört zu den "Memorials of a Tour in Scotland" (1803). 'Lucy Grey or,Solitude' entstand 1799 in Goslar und endet, anders als die Geschichte vom abenteuerlustigen blinden Jungen, die gut ausgeht, mit Lucys Verschwinden im Schneesturm. Ihre
Fußspuren enden im Weiß, als hätte sie einen Übergang gefunden, um als Naturgeist einen
anderen Weg für sich zu gehen. Das fand sogar William Blake stark. Den Sound dazu
machen Eric Lombaert, genannt Fels, an Drums, und Joëlle Vinciarelli, genannt Erle, diewie ein gefangener Ghoul oder hungriger Zombie schreit, dazu dröhnt eine geisterhafte
Bassgitarre. Die beiden haben schon in La Morte Young (sic!) eine Vorliebe für zähes
Nichttempo und urtümliches Feeling gezeigt. Bevor es zu gemütlich wird, beginnt auchFels knörend zu vokalisieren, zu schleifenden Strings und holziger Percussion, was einen
ritualistisch-primitiven Eindruck erweckt. Zuletzt führt eine fein schweifende Dröhnspur
durch den Schnee in die Stille.
Bagatellen / CIFRA 01-08 (lkl-eb3, CD-R + 5 sheets ofpoetry + 8 visual objects) vereint vier schwedische
Gedichte sowie 43 musikalische Miniaturen von MARTINKÜCHEN mit Kunst des Wieners JOHANNES HEUER.
Das Miteinander geht zurück auf die Einladung Küchensin den vorAnker Temporary Space for Artists in Wien im
Winter 2013/14. Musikalisch resultierte daraus bereits"The Bakery" (Mikroton), Küchens Begegnung mit Keith
Rowe. Zugleich entstanden offenbar '104 Bagatellen'
per Altosax, allerdings mit Hilfe auch einer Zahnbürste,
von Soundfiles und Präparationen. Durch einige dieser
Musiken ließ sich wiederum Heuer anregen zu 8
Drucken auf Karton. Ich kann kein Schwedisch, abermache mir auf 5 der Zeilen folgenden Reim: Ein roter
Nebel von Wörtern / die sagen, dass sie mich töten / ein
Nebel aus Feigheit / Planeten lumineszenter Quallen /im Dunkel der Schärengewässer. Oder vielleicht noch:...Die Leistung besteht in Kunst, etwas, das sehr
wichtig ist. / Niemand weiß von Anfang an, wohin es
führt. Killerpfade [Mord Spuren]. Betonen die Offenheit
im Augenblick des Todes. Küchen keucht, ächzt undröchelt dazu wie einer, dem der Tod nicht mehr nur im
Nacken sitzt, sondern schon in der Kehle. Verrauschter
Radioschleim klingt dazu quasi paranormal. Und
Bergman, Jürgenson und der müde Tod spielen dabei
ungerührt Jenseitsskat.
79

... jenseits des horizonts ...
ANTOINE CHESSEX, APARTMENT HOUSE & JÉRÔME NOETINGER Plastic Concrete /Accumulation (Bocian Records, BC-AAJ): Man muss auf dem Terminkalender desKomponisten und Saxophonisten aus Vevey ganz schön runter scrollen, über die
Premieren von "Entwerkung" for electric guitar & trombone und "Miasma" for electronics,
sax & flute, über die Aufführungen von "Metakatharsis" und "Damage is Done" durch das
Ensemble Phoenix und "Les Abîmes Hallucinés" durch das Ensemble Proton sowie eine
Vielzahl von Solo-Aktionen und Auftritten mit Der Verboten hinweg, um auf "Accumulation"
for amplified string quartet & electronics und auf "Plastic Concrete" zu stoßen und deren
Uraufführungen am 29.4.15 bzw. 28.2.14 jeweils im Cafe Oto in London. Beides durch
Apartment House, bei Letzterem in der großen Besetzung mit Anton Lukoszevieze: cello,
Ruth Ehrlich: violin, Dominic Lash: doublebass, Andrew Connington & Andrew White:
trombones, Seth Josel: electric guitar & Andrew Sparling: clarinet. Zu hören sind diesePremieren, mit jeweils den Reel to Reel Tape Recorders von Noetinger, einem Spielgefährten von Chessex, der im Anti-Ensemble auchschon die Aufführung von "Imperial Dissolution" beim
LUFF festival in Lausanne mitgestaltete. Chessex ist mit
Monno und dem vom Ensemble Werktag performten"FURIA" for saxophone, piano & percussions bei mirgespeichert als einer, der keine Furcht kennt vor Powerund Noise. Das von Robert Schalinski (Column One)aufs Cover geworfene Stoppelfeld als wie von Uecker
genageltes Tunguska-Ereignis lässt schon mal keine
Wendung zum Zartbesaiteten vermuten. Allerdings
zieht Chessex ominöse Dröhnkraft brachialem Durchbruch vor, so dass sich mikrotonale Klangfelder voran
schieben mit Stringglissandos, die bis in höchste
Höhen aufheulen und einen irrlichternden Widerhall
der Posaunen- und Bassfraktion hervorrufen, zu denen
Noetingers Bandmühle rauscht. Mit Einsatz der EGitarre wird prasselnd eine Schneise gebrochen, mit zwitschernden, dröhnenden,
knisternden Bruchkanten und elegischem Saum. Nicht oft wird die Plastik-Beton-Moderne
so 'konkret', so plastisch, so haarsträubend selbstverständlich in Konzertform gebracht.
Die Streichquartett + Tonband-Akkumulation braucht nach vom Cello beknurrten
Nebelhornstrichen der Bratsche ebenfalls nicht lange, um alarmiert zu jaulen, zu zittern, zu
prickeln und dröhnend, ja heulend zu changieren. Und zugleich mit kräftigen Schraffuren
und hartnäckiger Repetition die Furcht zu zügeln, dem Schrecken zu trotzen, sich grollend
aufzuladen mit Energie. Ein nicht nur durch Xenakis & Co., auch nicht nur durch Dave
Phillips, Zbigniew Karkowski und Borbetomagus stahlgewittrig durchwirkter Realitätssinn
erweist sich dabei als rückenstärkend. "While writing, I sometimes tend to think that
instruments and even electronic music will always be obsolete compared to the sounds ofa strong earthquake, a volcano erupting, a space shuttle taking off, a violent storm at sea
or a swarm of thousands of birds flying around a field", erläuterte Chessex gegenüber"Fifteen" Questions. Wer ohne mit der Wimper zu zucken "Darkthrone, Ligeti, Pain Jerk,
Whitehouse, Etant Donnés, Ornette Coleman, Bernard Parmegiani, Jani Christou,
Maryanne Amacher, the early works of Penderecki or the great soundtracks by John
Carpenter" listet (im Gespräch mit tokafi.com), der macht auch keinen großen Unterschiedzwischen Elektro und Akustik, zwischen Schönheit und Schrecken. 'Neue Musik' ist in
Chessex' maximalistischer, extrem offener und multidimensionaler Sicht ein obsoleter
Begriff. Nicht obsolet ist dieses Prachtstück von Streichquartett, das, von Noetinger
forciert, furios die Sinne entflammt. Mit zuletzt schillerndem Getriller, das schließlich
ausdünnt zum Wind über einem Stoppelfeld, zur Stille nach dem Sturm. Oder wohl besser:
zwischen den Stürmen.
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ENSEMBLE NEON neoN (Aurora, ACD5084):
Mit dem Ensemble neoN hat Susanna 2012
"The Forester" eingespielt und den norwegischen Grammy gewonnen. Als Zusammenschluss von Studierenden an Norges
musikkhøgskole in Oslo bietet das 9-köpfige
Frauenorchester, instrumentiert mit Percussion, Piano, Gitarre, Flöte, Klarinette, Saxophon, Cello, Geige und Sopranstimme, ein
Spektrum aus etablierten Neutönern wie
Salvatore Sciarrino und Phill Niblock sowie
noch aufstrebenden wie Erik Dæhlin,
Johannes Kreidler und Marina Rosenfeldt.
Entsprechend ist auch das Debut bestückt,mit 'My Favourite Thing 2' von Jan Martin
Smørdal und 'Kunsten Å Tvile 2' von Julian
Skar, den beiden jungen neoN-Gründervätern, dazu 'Travelling Light 2' von der
neoN-Klarinettistin Kristine Tjøgersen. Dazwischen erklingen 'Monocots' von Oren
Ambarchi & James Rushford und 'Two
Circles' von Alvin Lucier. Tjøgersen führt
eine Ästhetik ein, die mit unsprödem Touchund feinen Finessen Lachenmanns Musiqueconcrète instrumental adaptiert. Gefolgt
von Smørdal, der die Flöte mit hinkendem
Gefolge auf abenteuerlichen Wegen überflirrende, panische, tropfende oder snarebetrommelte und von Glöckchen überrauschte Felder und schiefe Treppen hinab
schickt, bis das Piano über krumme Stufen
wieder aufwärts steigt. Ambarchi & Rushford lassen die Gitarre harfen und plonken,
die Sopranistin flüstert wie auf einer Bandschlaufe, ebenso gluckst immer wieder
Wasser, und irgendwann ist es ganz still.
Der Effekt ist träumerisch, ein wenig gespenstisch sogar. Lucier erzielt mit seiner
nur minimal interpunktierten Dröhnung aus
schwingend glissandierenden, surrenden
und schwebenden Frequenzen, Obertönen
und Resonanzen gezielt halluzinatorische
Haupt- und Nebenwirkungen. Skars Stück
schließt sich dem nahtlos an, nur spielt dasopranistische Vokalisation die Hauptrollein einem fein dröhnenden Klangfächer. Der
plötzlich um- und auseinanderbricht inhechelnde, fiebernde, zuckende Erregung,kulminierend im aufrauschendem Gong. Die
Stimme kirrt allein weiter, löst aber impulsive Klanggesten aus, die mit bebendem
Piano in erneutem Krawall münden. Womit
neoNs Spannungskurve mit einem unvermuteten Haken- und Paukenschlag endet.

FENÊTRE OVALE Deuxieme volet (Umlaut,
UMFR-CD20): Als Fenêtre Ovale zum ersten
Mal Musik von Karl Naegelen musizierten,
waren das nur die einander durch das
Ensemble Hodos und Pascal Niggenkemper
Le 7ème Continent vertraute Spezialpianistin Eve Risser (Donkey Monkey) und derKlarinettist Joris Rühl (Hübsch Acht,
Hübsch's Drift, ONCEIM). Für den zweiten
Flügel kamen nun der Perkussionist Toma
Gouband hinzu, der sich als Spielgefährte
von Aurelie Maisonneuve oder mit Harmen
Fraanje & Brice Soniano hervor getan hat,sowie die am CNSMD de Lyon diplomierte
Geigerin Amaryllis Billet (A4&+). Wenn aber
die ersten Töne zu klappern und zu flirren
beginnen, fragt man sich doch sehr, wie
denn das genannte Instrumentarium daszustande bringt. Naegelen, 1979 in Bourgen-Bresse geboren, hat bei Peter Hamel
und Georges Aperghis studiert und vonsich Reden gemacht mit dem kämpferischen Les villes endormies pour ensemble et chœur d’enfants (2014) zum 100jährigen Gedenken an den 1. Weltkrieg.
Hier nutzt er wieder ausgiebig die Reize ungewöhnlicher Spieltechniken und geheimnisvoller Klangggestaltung für kleine Experimentalfilme für die Ohren, bevor 'Maillages', 'Macrolude' und 'Marée' mit übersechs Minuten dieses Capriccioformat auchübersteigen. Sounds von großer perkussiver Finesse abseits von Puls und Punkt
werden mit akribischen Pinselstrichen gemalt, derart seltsam sirrend, rauschend
und pfeifend, dass die Klangquellen nur mit
Mühe entschleiert werden können. Das
Glissandieren von Geige und Klarinette,
das Rauschen von Donnerblechen überkullerndem Metall, und dazu schlägt Risser
gemischte Noten und abgeschattete Lautean. Köchelnde Spucke, feiner Hauch undzarter, aber auch schriller Anschliff. Was ist
Saite, was ist Luft? Blech küsst Blech,
Gedröhn crescendiert. Risser dengelt wie
mit einem Hämmerchen, tockt oder pingt
Glitches. Gouband mörsert oder zieht einen
Nagel über Schiefer, Billet windharft oderdrehleiert. Sie arbeiten akribisch wie Geräuschemacher an Thrill und Mystery, versetzen kleine Schocks, und verstecken
gleich wieder ihre Geheimnisse hinterzarten Gespinsten, die Risser mit Nadeln
festpickt. Faszinierend.

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MAURIZIO GRANDINETTI Seek (United
Phoenix Records 32): Dieser aus Süditalienstammende Gitarrist ist einer, der gefragt
ist, wenn Komponisten sich etwas Besonderes für Gitarre ausgedacht haben. So
besorgte er Erstaufführungen von Rebecca
Saunders, Vinko Globokar, Jürg Wyttenbach, Gwyn Pritchard oder Heinz Holliger.
Dazu macht er eigene Theatermusiken und
ist in Basel Mitglied im Ensemble Phoenix,
mit dem er Musiken von Alex Buess, Tim
Hodgkinson, Dror Feiler, Beat Furrer undFausto Romitelli eingespielt hat. Der 16-17-,
Ice- & Phantom City-Buess hat auch studiotechnisch maßgebend am Gelingen von"Seek" mitgewirkt, sieben Auftragswerken
für Gitarre solo, und gleich das erste
beigesteuert: 'ata -11', das den kakophon
schrillenden Einsatz von Liveelektronik
verlangt, etwas, was Grandinetti ohne
weiteres bewältigt, so dass die Gitarre danur noch in dumpfen Tupfern zu ahnen ist,bevor sie zu einem verzerrten Saxophon
mutiert. Als Titelstück hat ihm Elliott Sharp
geharften Hall zugedacht und von ostinat
auf der Stelle tretenden Riffs gerahmtes
Tapping und Thrashing. 'Lunatico' von derin Basel lebenden Südkoreanerin Junghae
Lee zeigt den Mond als grummelnden,
flimmernden krummen Hund und abwechselnd krachig vollen oder spindeldürren
Balg. Das zart befunkelte Getriller undGetüpfel und die Oktavsprünge von 'Pit
Stop' hat sich Domenico Caliri ausgedacht,
Grandinettis Partner im Dedalo Guitar
Project. Der US-amerikanische Elektroakustiker Eric Chasalow hat ''Scuse Me'1998 geschrieben, als ein kapriziöses Unding und hochvirtuose Herausforderung.
Bei 'Take Life as a Slow Motion Suicide
Process' von der CD "Tango Art" (2011) von
Marcelo Nisinman & The Ensemble Musica
Urbana mischen der Komponist am Bandoneon mit, das Leben mit Alltagsklängen
und Wendy Moten mit überkandidelter
Vokalisation, aus Zeitlupe wird zuletzt
gnadenloses Fast Forward. 'Electric Cat',2006 dem Hirn des für seine haarsträubenden eisernen Gesänge bekannten Volker
Heyn entsprungen, klingt zuletzt wie ein
Wiedergänger vom Schrottplatz der Kuscheltiere, nur Krallen und Zähne undAugen wie Dolche. MiiiAUUUUUUU! Und ein
Hoch auf Grandinetti, ein Marsupilami, wo
andere nur Gitarre spielen.

J E A N - LU C G U I O N N E T - D E DA LU S
Distances Ouïes Dites (Potlatch, P416):
Das Dedalus Ensemble hat sich schon bei
Jürg Freys 'Canones Incerti' und Antoine
Beugers 'Méditations Poétiques Sur
Quelque Chose D'Autre' sowie 'Lieux De
Passage' als feiner Klangköper gezeigt(Potlatch, P113). Guionnet ist ein alter
Bekannter durch Eric Cordier, Hubbub undmehr und mehr auch seine raumbezogenen Konzepte und Soundscapes mit
etwa Eric La Casa, Murayama Seijiro oderThomas Bonvalet (von Radical Satan). Er
setzte Orgel ein, Bontempi, Hammond, amliebsten Kirchenorgeln, so sehr, dass ich
ihn besser einen Organisten, denn einen
Saxophonisten nennen sollte. Auf den
Lyoner bei BeCoq zu stoßen, hat michmehr überrascht als nun dieses Projekt,dessen Durchführung Didier Aschour (eguitar), Vincent Bouchot (voice), Cyprien
Busolini (viola), Eric Chalan (double-bass),
Thierry Madiot (trombone), Christian Pruvost (trumpet) und Deborah Walker (cello)übertragen war. Sie beschallten, einzeln
verteilt auf sieben Räume des Le Consortium in Dijon, ein Publikum im Salle 7,das nur Busolini vor sich sah. Fließend
gegliedert in 15 §§, frankensteint die CDVersion das Ensemble wieder zu einem
Körper, mit brummigen Atemzügen undsakralem Gesang. Dessen hohler Klang
lässt ahnen, dass alle Stimmen das Raumvolumen mit sich führen, als Audiohohlmaß in Kubik. Alle sieben setzen zudem
perkussive Akzente, mit Bogenschlägen
oder Handclaps. Bouchot spielt den Geist
im Gewölbe, durch die Gänge wischt derWind. Treffender als Kammermusik wäre
Gruft- oder Katakomben-Musik. Der Duktus ist inzwischen wandelweiserisch, mit
zagen Repetitionen oder auch melodischen Schlaufen. Mal von fern, mal nah,sich nähernd, sich entfernend, mal nur ein
stöbernder Hauch, mal impulsiv gepfiffenoder vollmundig geblasen, mal kurz gespritzt, mal lang gedehnt und schwellend,
rauschend, fauchend. In Guionnets Worten: Music becomes, through its own
artistic protocol, a way of testing reality
as it is felt and thought... The emotion I
seek is inside all these strata and theirsliding up and down while listening: whenthe music brings time.

82

* Ort: Irgendein Raum, außen oder innen. Zutaten:
Beliebiger Klangerzeuger (einzeln oder im Ensemble)– z. B. Musikinstrument (oder Alltagsgegenstand, der"klingen" kann), akustisch oder elektronisch. Szenario: Der Klangerzeuger »klingt« aufgrund von mechanischen oder elektrischen Impulsen bzw. Signalen, die erzeugt oder gesteuert werden ohne direktes
Zutun eines Musikers … Was, zugegeben, wie trocken
Brot klingt, ist ein äußerst facettenreiches Phänomen,
dem sich Herausgeber Harald Kubiczak in dem
kleinen, aber sehr feinen Buch »Musik ohne Musiker«
widmet anhand von »sechs mechanischen Orchestern« (so der Untertitel) – PIERRE BASTIEN, AD VAN
BUUREN, ULLRICH ELLER, HARALD KUBICZAK,FRÉDERIC LE JUNTER und TRIMPIN sind die sechs
Künstler, die hinter diesen Orchestern stehen.
Das Buch dokumentiert eine Reihe von Aufführungeneben dieser Orchester im Sommer 1997 im Amsterdamer IJsbreker, kuratiert von Paul Panhuysen; diebeiliegende CD enthält jeweils ca. 10-minütige Ausschnitte dieser Aufführungen.
Dennoch handelt es sich weniger um einen nachgereichten Katalog, vielmehr werden inden Texten ganz unterschiedliche Konzepte deutlich, wie Töne realisiert und organisiert
werden können, welche Überlegungen den jeweiligen »Ensembles« zugrundeliegen, wie
künstlerische Konzepte zu Klängen und Klang zur Kunst wird. Vom motorgetriebenen
Kinderspielzeug, das zwar exotische, aber doch relativ konventionelle Instrumente
mechanisch zum Erklingen bringt (Bastien) über die »geknackte Alltagselektronik« inForm ausrangierter, kreuz-und-quer-verschalteter Telefonrelais zur Ansteuerung elektromagnetischer Klöppel (van Buuren) bis hin zum piezokeramischen Element, das via
angeschlossener Solarzelle mit Spannung versorgt wird und Klänge erzeugt, die gleichzeitig durch die Helligkeit (Sonne/Wolken, Tag/Nacht) moduliert werden (Kubiczak) –konzeptionell wird anhand einer kleinen Auswahl ein recht weites Feld abgedeckt. Aber»ohne Musiker«? Es stimmt zwar: die meisten hier vorgestellten Künstler sind – eben –Künstler, Klang ist ihr Werkstoff, »Musik« das Resultat ihrer Arbeit (Konzeption, Vorbereitung, Aufbau, Ablauf). Aber »Musiker« meint hier vor allem Mitglieder der hochspezialisierten, arbeitsteiligen Ensembles, wie sie uns vor allem von der klassischen
Musik her bekannt (Orchester, Ensemble), aber auch in der Populärmusik zu finden sind(die Band und die Rollenverteilung der Instrumentalisten in ihr). »Wirkliche Anerkennung
wird dabei nur den großen Komponisten zuteil – den einzigen, denen offiziell Kreativität
zugestanden wird. Jeder andere in der Kette hat die großen Werke der Musik diszipliniert
auszuführen … Seit geraumer Zeit sehen viele Leute diese Art von Musik als Zwangsjacke und wollen die Situation verändern.« (Leon van Noorden, S. 11)
Es ist wenig verwunderlich, dass im 20. Jahrhundert, mit dem Aufkommen diverser
Techniken (mechanischen und elektronischen) zur Erzeugung, Speicherung, Übertragung und Rezeption von Klang auch immer mehr Experimente mit diesen Techniken
stattfanden, wie auch neue Konzepte (unter Einbeziehung von Zufall, Umweltgeräuschen, Fehlfunktionen etc.) ausprobiert wurden, Klänge zu organisieren, zu
erzeugen und öffentlich aufzuführen. Überdeutlich wird das an der Biografie und dem
Werk eines John Cage - bei aller Ambivalenz, die man seinem fast unüberschaubarem
Oeuvre entgegenbringen darf. Statt seiner wird aber eher Leonardo da Vinci als »größter
Erfinder und uomo universale aller Zeiten« im sehr ausführlichen Text von Kitty Zijlmans
angeführt, ebenso Uhrwerke, Spieldosen und Glockenspiele als frühe Versuche derautomatisierten Klangerzeugung und -organisation. Die Faszination, die von diesen auchheute noch ausgeht, steht deutlicher Pate für die Arbeiten der sechs hier vorgestellten
Orchester als die teilweise doch recht esoterischen Konzepte und Überlegungen eines
John Cage.
83

Neben den sehr interessanten grundsätzlichen Texten finden sich zu allen sechs
Orchestern ausführliche Beschreibungen, opulent garniert mit wirklich tollem
Bildmaterial – Ad van Buurens »Change Machine« muss man einfach gesehen
haben: Während der letzte Stand der Technik wohl der ist, dass kleine ComputerKästchen unzählige Instrumente aller Größen ansteuern können, arbeitet hier ein
fast schon kirchenorgelgroßes Arrangement von Relais und Kabeln, das dann
gerade mal neun Klingeln/Glocken bespielt – allerdings mit 30.000 verschiedenen Rhythmen, die zufällig generiert werden.
Dass »Musik ohne Musiker« nicht automatisch (sic!) seelenlose Maschinenmusik
meint, wird beim Lesen wie Hören schnell klar – wer van Noordens einleitenden
Text richtig liest, versteht, dass »Musik diszipliniert auszuführen« eher Maschinen- als Menschenarbeit sein sollte. Und dass die hier vorgestellten Maschinen aufgrund ihrer Konzeption und Konstruktion dann doch zur Unberechenbarkeit neigen, macht sie ja fast schon wieder … menschlich.
jk
Musik ohne Musiker/Music without musicians
Sechs mechanische Orchester/Six Mechanical Orchestras
Herausgegeben von Harald Kubiczak, Hélène & Paul Panhuysen
124 Seiten, durchgehend zweisprachig deutsch/englisch, plus CD (60 Min.).
Circuit Art 2016 / CA–003–16 / ISBN 978–3–00–046493–5 www.circuit-art.org

JEFFREY RODEN Threads of a Prayer Volume 1 (Solaire Records, SOL1003, 2 xCD): "There are no tricks in music." Gut gesagt. Befragt worden war Jeffrey
Roden da noch ganz als der Bassist, der mit "Mary Ann's Dream" (1994), "SongsFor Susan" (1996), "The Floor Of The Forest" (1999), "Seeds Of Happiness"(2005) und "Bridge to the Other Place" (2010) sein Herz in die Hand genommen
hatte. An den ersten drei Scheiben ist Steve Roden mit Sounds, Loops &Electronics beteiligt, bei "The Floor..." spielt Brandon Labelle Drums. Das sagt
uns doch was. Nach 20 Jahren im kalifornischen Musikbetrieb hatte derasketisch wirkende Typ in L.A. allerdings nicht nur seine ersten Soloalben
geschaffen, er hatte mit einer in Baird T. Spaldings "Life and Teaching of the
Masters of the Far East" gefundenen spirituellen Orientierung und von Ian
Krouse gefördertem musikalischen Knowhow die Saat gelegt zu einer
eigenständigen Ausrichtung als Komponist. Daraus resultierten kleine,musikalisch mit Morton Feldman und mehr noch Arvo Pärt verwandte
Pianostücke wie die 'Twelve Prayers', 'Untitled 10 Pieces' und 'The Passing of aKing', aufgeführt von Sandro Ivo Bartoli. Der hat auch "Liszt: The Franciscan
Works" für Solaire eingespielt, der Herzensangelegenheit des Klassikproduzenten Dirk Fischer (brüderlich unterstützt von tokafi-Schreiber und Feu
Follet-Mastermind Tobias). Von Roden werden zudem offeriert: 'The Many
Latitudes of Grief', ein elegisches, um Hoffnung bemühtes Oktett fürStreichquintett, Piano, Timpani und Posaune; mit 'Untitled #2 & 3" zwei kleine
Streichquintette, aber mit 'Leaves' auch ein zeitvergessen atmendes von 35 Min.
(dargeboten vom tschechischen Bennewitz Quartett plus Bass Monster Szymon
Marciniak). Rodens Gebete an einen "loving patient god" lassen zwar meine
Fluchtreflexe anspringen. An seiner Absicht, einen auf pantheistischer Folie auf
eine andere Bewusstseinsebene zu liften mit meditativen Klängen, ist freilich
nichts Verwerfliches. Dezenter als mit solch vorsichtig fragenden, träumerischverhallenden, nur selten auch glockig vollen Pianotönen und mit so innigem,
heliotropem Bogenstrich könnte man nicht an die Freiheit des Geistes
appellieren. Dem einen sein Ikonenbild ist dem andern sein Stillleben, sein Lochin der Luft, in das Herbstlaub fällt oder "the incomprehensible void between theleft and the leaving". Gefährlich sind die heroischen Idealisten, nicht ein so
demütig schönheitstrunkener Hesse- und Tolkien-Leser und Freund still
stehender Bäume.
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QUENTIN TOLIMIERI Piano (pfMENTUM, PFMCD105): Den guten Mann in
New York auf das Piano zu reduzieren, wäre verfehlt. Er komponiert
eigentlich für jede Art und für 'Any Number of Instruments' (2013), sein
'Trio' wurde z. B. von Frank Gratkowski & Co. mit Klarinette, Cello & EGitarre realisiert ("West Coast Soundings", Edition Wandelweiser, 2014).
'Location of Figures', sein neues Werk für die Jessica Gaynor Dance
Company in Brooklyn, ist zwar für Piano, 'Free Fall' (2014) war zuvor
jedoch für Keyboard, Saxophon & Electronics entworfen. Überhaupt ist
Multi-Channel Electronic eine Spezialität von Tolimieri, 'Three Comedies'(2005-14), bestehend aus 'Josef, Lieber Josef Mein', 'The Castle ofDromore' & 'Variations', bildete einen 3-stündigen Schwerpunkt beim
SPOR Festival 2014 in Aarhus. Die eigenhändigen Pianotraktate hier sindeine energische Tour de force, quasi algorithmisch klimpernde, tröpfelndeund Eis zerpickelnde Pixelfelder, die ich mir nicht ausgeschrieben
vorstellen kann, sondern nur als Auftrag an die motorische Intelligenz.
Rechts ticktackt es zahnrädrig (mit Zahnlücken), links schnurren Myriaden
Noten wie auf Rollerblades. Das kurze 'shorty' wird von erboster
Gebärdensprache zur Playerpianotirade beschleunigt, von kräftigenFrank Kline-Strichen verdichtet zu Pollock-Gewusel. Mit 'Well You Needn't'
wird Monk Referenz erwiesen, mit 'On Green Dolphin Street' wechselt
Tolimieri die Straßenseite von Motorik zu Romantik und Feeling. Dochgleich bestimmen wieder Maß und Zahl im wühlenden, quirlendenÜbermaß einen modernistischen Duktus, der in seinen Katarakten die
brutalistische Architektur und die geordnete Haufenbildung eines
Frachthafens auf dem Cover zu reflektieren scheint.
KOMITAS VARDAPET: Six Dances (Makkum Records, MR17 / Platenbakkerij, Pb 006): Mir ist Komitas ein Begriff, seit der Flötist Gregorio
Bardini ihn 2004 auf Arx Collana vorstellte. Keiko Shichijo spielt in
Amsterdam auf einem Steinweg Nachf, Baujahr 1880, die sechs
Volkstänze, die Komitas 1906 in Paris für Klavier geschrieben hat. Der
armenische Waisenjunge, 1869 geboren, war unter der Obhut derapostolischen Kirche zum Priester und Komponisten ausgebildet worden,
mit Stipendien in Tiflis und Berlin. 1906/07 wurde er auf einer Europatournee, die ihn auch nach Paris führte, als Botschafter der armenischen
Musikkultur gefeiert, mit Werken, die auf seiner wachsenden Sammlung
traditioneller Lieder und Tänze basierten. 1910 verließ Komitas das
Kloster, gründete in Konstantinopel den Goussan Chor, mit dem er auch inAlexandria und Kairo auftrat, aber präsentierte 1913/14 seine Kompositionen und musikethnologischen Funde aus dem ganzen Osmanischen
Reich auch wieder in Berlin und Paris. Am 'Roten Sonntag' 1915 gehörte
er zu den ersten deportierten Armeniern und überlebte die Massaker undGreuel des Genozids nur dank internationaler Fürsprecher. Allerdings so
traumatisiert, dass er, ab 1919 wieder in Frankreich, sich bis zu seinem
Tod 1935 nicht mehr erholte. 2012 hat Mikael Ayrapetyan die Tänzchen'Yerangi', 'Unabi', 'Marali', 'Shushiki', 'Het u Araj' und 'Shoror' für Naxos
eingespielt, 2013 hat Hayk Melikyan sie, 3 Min. schneller als die andern, in
Yerevan aufgeführt, das israelische Duo Burshtin/Kharmats hat sie im
gleichen Jahr für vier Hände transkripiert. Der satieske Anklang bei'Yerangi' ist Konsens und offenbar genuin Komitas. Im Fortgang hebt
Shichijo mit angedunkeltem Anschlag die Melancholie der armenischen
Folklore hervor, als hätte man dort immer schon auf der eigenen
Beerdigung getanzt. Selbst die große Gestik bei 'Het u Araj' erschlafft vor
der Durchführung. Auch 'Shoror' ist zuletzt pure Tristesse, seelenverwandt mit Federico Mompous spanischen Miniaturen.
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inhalt
artrock-festival "match & fuse": world service project 3 bcd labelle - benoit martiny band - upsilon acrux 4
ça - uhl - spinifex 5 - alfie ryner 6
remembering masada: annette maye's vinograd express 7
je pleur tout le temps: aksak maboul revue in frankfurt 8
freakshow: die so genannte sahne: la stpo 9
over pop under rock:fading records 10 - missmanagement/mirran thought 11 - rarenoise 12 - rér megacorp 14 ...
gaye su akyol 15 - alsarah and the nubatones 16 ...
teenage wastelands 20
nowjazz, plink & plonk:
cipsela 23 - creative sources 24 - john dikeman 25 - cuneiform 27 - emanem 29 everest 31 - hubro 32 - intakt 35 - leo 38 - rune grammofon 40 - veto 41 - wide ear 42 ...
moonbow 45 - the remote viewers 47 - world service project 50 ...
soundz & scapes in different shapes:
attenuation circuit 51 - auf abwegen 54 - frozen light 55 - karlrecords 58 - klappstuhl 59 kvitnu 60 - mego 61 - opa loka 63 - psych.kg 64 - sub rosa 65 - thisco 66 - hornschaft 70 ...
beyond the horizon:
aussenraum 77 - lenka lente 79 - antoine chessex 80 - musik ohne musiker 83 ...
BAD ALCHEMY # 92 (p) Dezember 2016
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
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mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa, Jochen Kleinhenz
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint so ca. 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 92 erhalten Abonnenten die CD "Wundersam" (Wide Ear Records, WER004) von PERISKOP
Mit herzlichem Dank an Tobias Meier
Cover: Sandra Kühne ("Wundersam"-Artwork)
Rückseite: Alfie Ryner (Foto: Lutz Diehl - progrockfoto.de)!!! Die Nummern BA 44 - 87 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................
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index7000 EICHEN 46 - ADASIEWICZ, JASON 41 - AEBY, STEFAN 35, 37 - AKSAK MABOUL 8 - AKYOL,GAYE SU 15 - ALBERTI, CELSO 28 - ALEX‘S HAND 9 - ALFIE RYNER 6 - ALMEIDA, GONÇALO 25 ALSARAH AND THE NUBATONES 16 - AMANTRA 66 - AMBARCHI, OREN 61, 79 - ANAKDOTA 10 APARTMENT HOUSE 80 - AQUASERGE 8 - ASAMISIMASA 33 - BABA ZULA 17 - BARBEROS 17 BARTEL, BEATE 68 - BCD LABELLE 4 - BEL, THOMAS 67 - BERGER, KARL 38 - BERNOCCHI,ERALDO 12 - BLEY, PAUL 29 - BUSHMAN‘S REVENGE 40 - BUTCHER, JOHN 39 - ÇA 5 - CACTUS
TRUCK 26 - CAGE, JOHN 58 - THE CANYON OBSERVER 22 - CECCALDI, THÉO 23 - CELER 67 CHAMAN CHÔMEUR 9 - CHESSEX, ANTOINE 80 - CIUTA, DARIUS 53 - CLEAVER, GERALD 38 CLEVELAND, BARRY 28 - CONSUME AND EXPIRE 51 - CORBEAUX 22 - COUDOUX, ELISABETH 39- COUNCIL ESTATE ELECTRONICS 68 - CRANE, LAURENCE 33 - CRISPELL, MARILYN 36 - CUT
WORMS 63 - DAVIES, MYRA 68 - DAY & TAXI 43 - DEDALUS ENSEMBLE 82 - DEEP SCHROTT 43 DICKEY, WHIT 38 - DIKEMAN, JOHN 5, 25, 26 - DIMITRIADIS, YORGOS 24 - DOC WÖR MIRRAN 11 DON VOMP 53 - DRAKE, BOB 14 - DUMOULIN, JOZEF 65 - DURAND, FEDERICO 69 - EARLYSPRING HORSES 18 - EKL 41 - EMERGE 53, 55 - ENSEMBLE BABEL 78 - ENSEMBLE NEON 81 ERB, CHRISTOPH 41 - EXIT IN GREY 57 - FAKE CATS PROJECT 56 - FARHADIAN, THEA 24 FENÊTRE OVALE 81 - FEU ROBERTSON 18 - FREE NELSON MANDELA 12 - GHOST FLUTE & DICE
52 - GINTAS K 57, 63 - GIUFFRE, JIMMY 29 - GOUBAND, TOMA 46, 81 - GRAND DETOUR 21 GRANDINETTI, MAURIZIO 82 - GRATKOWSKI, FRANK 39 - GREAT WAITRESS 44 - GUIONNET,
JEAN-LUC 82 - GUT, GUDRUN 68 - GUY, BARRY 36 - HADOW, GEORGE 25 - HAINO, KEIJI 65 HARTH, ALFRED 69 - HERR PENSCHUCK 51 - HEUER, JOHANNES 79 - HORNSCHAFT 70 - IM
WALD 42 - INSTITUTE OF NOISE 59 - ION & SOPHUS 57 - IRMERT, JANA 71 - CHRISTOPHIRNIGER PILGRIM 35 - JUNG AN TAGEN 61 - KALEVI, JAAKKO EINO 8 - KARMICIEL WSZY 55 KELLER, BEAT 53 - KHOURY, NADINE 18 - KIMMIG, HARALD 39 - KOMITAS VARDAPET 85 KONRAD KRAFT 54 - KSHATRIY 51 - KÜCHEN, MARTIN 79 - LA BOCCA DELLA VERITÀ 10 - LA
SCRAMBLED DEBUTANTE 52 - LA STPO 9 - LARB 53 - LAUBROCK, INGRID 36 - LE POT 31 LÉANDRE, JOËLLE 23 - LEIMGRUBER, URS 44 - LOUVEL, OLIVIA 71 - LYTTON, PAUL 36 - MANERI,
MAT 38 - MANRIG, MICHAEL 28 - MARCLAY, CHRISTIAN 78 - BENOIT MARTINY BAND 4 - MATOS,ANDRÉ 49 - ANNETTE MAYE‘S VINOGRAD EXPRESS 7 - MCPHEE, JOE 23 - MEDULLA 9 - MEIER,TOBIAS 42 - MIKLIO 21 - MIND MONOGRAM 20 - MONKEY PLOT 34 - MOON RELAY 34 MOONBOW 45 - MORRIS, JOE 38 - [MULTER] 59 - MYHR, KIM 33 - NABATOV, SIMON 39 NAEGELEN, KARL 81 - NAKAMURA, TOMOTSUGU 72 - NAUSEEF, MARK 46 - NOBUCHIKA,TERUYUKI 72 - NOETINGER, JÉRÔME 80 - O‘CALLAGHAN, JAMES 73 - THE OCTOPUS 39 - ONE
LAST REGION 64 - ORELLI, MARC VON 48 - ORIFICE 52 - OSSATURA 14 - OTHER HOUSES 20 OTSO 73 - PAINKILLER 58 - PARKER, EVAN 37, 46 - PARKER, WILLIAM 38 - PEKLER, ANDREW 74 PERELMAN, IVO 38 - PERISKOP 42 - PINHAS, RICHARD 28 - PINKCOURTESYPHONE 62 - PLÈVRE
21 - PRAKASH SONTAKKA 12 - BOBBY PREVITE‘S MASS 13 - PROMENADE 10 - RAIMOND,JOSEPH B. 11 - RASALASAD 66 - REDOLFI, MICHEL 65 - REDUKT 60 - THE REMOTE VIEWERS 47 RLW 64, 74 - RODEN, JEFFREY 84 - ROEBKE, JASON 41 - ROTTERDAM 31 - SADIER, LAETITIA 8 KEN SCHAPHORST BIG BAND 48 - SCHINDLER, UDO 48 - SCHLIPPENBACH TRIO 37 - SCHWAB,RAPHAËL 49 - SEIDEL, WOLFGANG 69 - SERPA, SARA 49 - SEXY CROCODILE FOR DINNER 51 SHIPP, MATTHEW 38 - SKREI 53 - SMITH, LEO WADADA 27 - SMOLDERS, JOS 75 - SONOLOGYST
51 - SORO, JULIEN 49 - SOUNDSCULPTOR 53 - SPACEHEADS 19 - SPERA, FABRIZIO 14, 69 SPINIFEX 5 - SPONTANEOUS MUSIC ORCHESTRA 30 - SPUNK 40 - THE STACHES
20 STADHOUDERS, JASPER 5, 26 - STAR TURBINE 57 - THE STRANGE WALLS 19 - STROM 54, 75 STUDER, DANIEL 39 - SUNDSTØL, GEIR 32 - SWALLOW, STEVE 29 - TAKAMOVSKY 76 - TALWEG
79 - TATVAMASI 28 - TOLIMIERI, QUENTIN 85 - TRAMONTANA, SEBI 39 - TURNER, ROGER 44 TWENTY ONE 4TET 26 - UHL 5 - UPSILON ACRUX 4 - V/A DEGEM CD 14: ESCAPE 54 - V/A MUSIKOHNE MUSIKER 83 - VÄISÄNEN, ILPO 60 - VAN DEN PLAS, NICOLE 69 - VERBRUGGEN, TEUN 65 VLASTA POPIC 21 - VON MAGNET 66 - CHRISTIAN WALLUMRØD ENSEMBLE 32 - WESTON,VERYAN 29 - WILDSHORES 66 - WIRKUS, PAUL 76 - WORDSWORTH, WILLIAM 79 WORLDSERVICE PROJECT 3, 50 - ZEBRA MU 52 - ZEN 22 - ZEVIOUS 28 - ZHIYONG, MEI 77 ZIMMERLIN, ALFRED 39

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