BAD 102
ALCHEMYAnd Who Shall Go to the Ball?
[07 Sept 2018] Dmitry Vasilyev (Macher von Monochrome Vision in Moskau), 42[28 Dez 2018] Amos Oz (israel. Autor), 79[19 Jan 2019] Mario Bertoncini (ital. Komponist), 86[26 Jan 2019] Michel Legrand (frz. Komponist), 86[25 Feb 2019] Mark Hollis (English musician, singer and songwriter for Talk Talk), 64[22 Mar 2019] Scott Walker (Halb-Engel & Genie), 76[05 Apr 2019] Davey Williams (US-avant-garde guitarist w/ LaDonna Smith, Curlew), 66[06 May 2019] Pekka Airaksinen (finn. Komponist und Musiker), 73[15 May 2019] Wiglaf Droste (Häuptling Eigener Herd, Wüterich gegen medialfäkale Getüme), 57

ALLES FÄNGT AN, SICH ZU MUSIK ZU DREHEN. ICH MUSS KOTZEN. TERROR DER ORGANE, JEDESWILL SEINEN PART SOLO SPIELEN. DER DIRIGENT VERLÄSST RÜCKWÄRTS DEN ORCHESTERGRABEN INMITTEN EINES OHRENBETÄUBENDEN LÄRMS VON KÜCHENGERÄTEN UND KLEINHOLZ.
NACH EINER PARTITUR, DIE AUS ROTEN HANDGESCHRIEBENEN GROSSBUCHSTABEN BESTEHT:"SCHEISSE ÜBER DEN, DER DIES LIEST." MOLTO ANDANTE ODER SO, JEDENFALLS WILL ICH NICHT,DASS DIE WELT STILLSTEHT. ICH WILL VERSTEHEN. ICH WILL NICHT, DASS DIE MUSIK AUFHÖRT,ICH MÖCHTE NOCH EIN WENIG AUF DEN DÄCHERN TANZEN. - Blexbolex

Ich weiß nicht, ob gute Kunst die Menschen besser macht oder ob die Menschen gute Kunst nur
dafür brauchen, damit sie ihnen die Illusion vermittelt, die Besserung dieser Welt und ihr eigenes
persönliches Glück hätten doch eine Chance. - Maxim Biller
Die wahren Worte muß man alleine finden oder erfinden... Ein Minimum an Auffassungsgabe
muß ein Autor von seinen Lesern erwarten dürfen, sonst geht es nicht. - Wiglaf Droste
H. C. Artmann - Sämtliche Gedichte
Maxim Biller - Sechs Koffer
Roberto Calasso - Das unnennbare HeuteElias Canetti - Die Blendung [noch krasser als ich es in Erinnerung hatte!]
Emmanuel Carrère - Ein russischer Roman
Mircea Cărtărescu - TravestieCharles Dickens - Die Pickwickier
Knut Hamsun - Landstreicher [nochmal]
Jaroslav Hašek - Die schönsten Geschichten
Zbigniew Herbert - Stilleben mit Kandare
Volker Janssen - Kornblumen und Salo. Begegnungen mit der Ukraine
Pavel Kohout - Ende der Großen Ferien
Helmut Krausser - Einsamkeit und Sex und Mitleid
František Langer - Ein Koffer aus Übersee
Léo Malet - Bilder bluten nicht; Corrida auf den Champs-Élysées; Die Brücke im Nebel;Stress und Strapse; Kein Ticket für den Tod; Spur ins Ghetto
Claude Mauriac - Die Marquise ging um fünf Uhr aus
Roger McDonald - Mr. Darwins unentbehrlicher Gehilfe
Gustav Meyrink - Der Golem
Ernst Penzoldt - Die Powenzbande
Joan Perucho - Der Nachtkauz
Walter E. Richartz - Vom Äußersten
Jaroslav Seifert - Alle Schönheit dieser Welt
Elif Shafak - Der Geruch des Paradieses
Andrzej Stasiuk - Die Welt hinter Dukla
Heinrich Steinfest - Das Leben und Sterben der Flugzeuge [ächz]Anton Tschechow - Ariadna. Erzählungen 1892-1895
Iwan Turgenjew - Aufzeichnungen eines Jägers
Vladislav Vančura - Felder und Schlachtfelder
Sandro Veronesi - XY [arrgl]
Michal Viewegh - Erziehung von Mädchen in Böhmen

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Bariton-Barde, Bossa Nova und Buckley
Brendan Perry live im Frankfurter Nachtleben* Mein persönliches Konzertjahr 2018 war, auch dank der zahlreichen von Meister Charlie
Heidenreich veranstalteten Freakshow-Gigs, ein überaus starkes. Doch 2019 verspricht
fast allein durch zwei Konzerte noch besser zu werden. Denn bevor ich meine Hausgötter
Dead Can Dance, die seit Ende April auf Europatour unterwegs sind, Mitte Juni zum
dritten Mal innerhalb von sieben Jahren live erleben darf, war am 6. März 2019 im
Nachtleben zu Frankfurt am Main erst einmal die männliche Hälfte des einzigartigen Duosan der Reihe: BRENDAN PERRY.
Obwohl das Nachtleben nicht ganz ausverkauft ist – hier und da versuchen Besucher auchnoch kurz vor Konzertbeginn ihre überzähligen Karten an die Frau/den Mann zu bringen –so passt zwischen die zahlreichen Zuschauer zumindest im vorderen Bereich des Saales
kein Bierdeckel mehr. Und dennoch gelingt es mir als kleinem Hobbit in die erste Reihe
vorzudringen als Brendan Perry sowie seine beiden Mitstreiter, die Brendan- & Lisaerfahrene Schottin Astrid Williamson (Keyboards) und Richard Yale (Bass) – spätestens
seit der DCD-Tour 2012/13 fester Bestandteil der Entourage – schon ihre Instrumentezücken. Für mich persönlich hat sich die Reise nach Mainhattan beinahe schon durch den
Opener gelohnt. Denn 'Labour of Love' gehört nicht nur zu meinen absoluten Lieblingssongs aus der Feder Brendans, sondern findet seit Jahren auch als Klingelton auf meinem
Handy Verwendung. Dieses treibende Stück mit starken perkussiven Elementen im Hintergrund sowie Gitarre und Gesang mit genialen Lyrics (“Forced by necessity I arrive at yourdoor. These gifts I bring to you for your benefit alone. In anticipation of things to come alabour, a labour of love...“) im Vordergrund stammt von der 1983 aufgenommenen PeelSession, also der sehr frühen Phase von Dead Can Dance. Brendan begrüßt anschließend
das Publikum mit „Guten Abend“ und bittet um mehr Licht auf der Bühne mit derBegründung „I’m not Stevie Wonder!“Auch wenn sicherlich bei weitem nicht alle Fanwünsche bezüglich der Setlist erfüllt
werden, so entpuppt sich der Gig als thematisch und dramaturgisch gut strukturiert. Dem
Auftakt folgt eine Tim-Buckley-Tribute-Trilogie, beginnend mit 'Happy Time', wiederum
einer meiner Favoriten aus dem Fundus des viel zu früh verstorbenen Singer-SongwriterJahrhunderttalents. Nach 'Buzzin' Fly' kommt 'Chase the Blues', bei welchem Perry seine
weiße E-Gitarre an Williamson übergibt und zur Akustikklampfe wechselt. Den Song nimmt
Mr. Lovegrove wie manchen anderen zum Anlass zu herrlich improvisiertem Falsettieren
und Vokalisieren.
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Die nächsten beiden Tracks ('Berimbau', benannt nach dem BogenInstrument, und 'Canto de Ossanha') nehmen die Zuschauer mit auf
eine Reise nach Nordbrasilien. Der lockere Bossa-Nova-Trip wird
durch die träumerische Hymne ‚The Carnival is Over‘ unterbrochen,wobei Richard Yale zum kleinen Synthie-Keyboard wechselt, während
Astrid Williamson Rhythmus und melodisches Fundament bildet.
Wunderbar auch das Arrangement bei ‚Song to the Siren‘, dem vierten und letzten Buckley-Cover des Konzerts, mit magisch hallenden
Keys-Klängen und Brendans wundervoller Stimme, die mit der Zeit Meister Perry feiert Ende Juni seinen 60. Geburtstag - immer besser
zu werden scheint.
Zwei neue Stücke hat Mr. Lovegrove ebenfalls mit im Gepäck. Mit lässig-hypnotischem Gitarrengegriffel und dem Titel als wiederkehrendem, bisweilen abgewandeltem Mantra wartet 'Killing the Dream' auf.
Perry blickt pessimistisch auf die Menschheit („To impose our morality we invented God.“ (…) „Xenophobia: killing the dream.“ (…)„Theocracy: killing the dream.“ ), um dann doch positive Eigenschaften oder, anders gesagt, Lösungswege zu finden („Love andcompassion: building the dream. Altruism: building the dream.“). Von'The Rising Tide' blieb mir vor allem Astrid Williamsons wildes Spielim Kopf: sie klimpert die Klaviatur rauf und runter wie bei David
Bowies ‚Aladdin Sane‘, was zum stürmischen Thema des Songs
passt. Hoffentlich finden sich diese beiden Tracks auf dem kommenden dritten Solo-Album Perrys, welches eventuell noch dieses
Jahr erscheinen könnte. Nach dem ohne die eigentlich unverzichtbare Drehleier auskommenden Klassiker ‚Severance‘, der ebenfalls
sehr schön arrangiert wurde, verabschiedet sich das Trio unter
großem Applaus kurz, bevor die Zugabenrunde beginnt. ‚Don’t Fade
Away‘, das minimalistisch-elegische Finale des 1994er Live-Albums/
Konzertfilms „Toward the Within“, unterstreicht einmal mehr Brendans Stärken als selbst ernannter „Country Boy“. Als Schlussakkord
zum Mitschunkeln (!) folgt ‚Medusa‘, wie Brendan erklärt, eine „burlesque version“ des Songs über eine „Femme Fatale“. Williamsons
Keyboard mutiert zur Seemannsorgel, Yale verwandelt mit rhythmischem Glissando seine irische Autoharp zur Unterwasserharfe,
während Mr. Lovegrove so wunderschön singt und klampft wie er nur
kann.
Im Anschluss an das Konzert ergibt sich die Gelegenheit zum kurzen
Plausch mit Richard Yale und Astrid Williamson, die mir beide meine
Vermutung hinsichtlich des Einflusses von ‚Aladdin Sane‘ beim PianoPart von ‚The Rising Tide‘ bestätigen, wobei sich vor allem die Keyboarderin begeistert darüber zeigt, dass man die Referenz erkannt
hat. Brendan signiert für mich und andere die Konzertkarten, sucht
den direkten Kontakt zu den Fans jedoch nicht. Allerdings packt er
hinterher, als sich der Keller des Nachtlebens geleert hat, kräftig
beim Abbau des Equipments mit an. Gleichzeitig wird unter den
wenigen verbliebenen Zuschauern heftig diskutiert, ob und wie gut
denn die Perry’sche Performance war. Ich meine, mehr lässt sich aus
dem Club-Ambiente und der personell kleinen Besetzung kaum herausholen. Auch wenn ich sicherlich nichts gegen einen Saal mit Bestuhlung hätte. Die wird es allerdings beim kommenden Auftritt vonDead Can Dance unter dem Motto „1980-2019 – A Celebration: Life &Works“ definitiv geben. Und der Abend mit dem Bariton-Barden ausder Bretagne bot wahrlich mehr als nur einen süffigen Appetizer.
Marius Joa
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Club W71: Larry Ochs and The Fictive Five
* Mit dem Quintett unter der Fuchtel des Saxophonisten und Bandleaders LARRY OCHS
haben sich Norbert Bach & Co., die treuherzigen Betreiber des Clubs W71, eine messerscharfe Allstar-Band aus dem Freejazz-Jungle New Yorks eingefangen. Der Verein desClubs W71, der sich 1971 – ich zitiere die Satzung – a.) der Förderung von Kunst und Kultur
und b.) der Förderung von Bildung und Erziehung verschrieben hatte, ermöglichte es auch
an diesem Abend dem dankbaren Publikum, ein ausgewähltes Konzert der Extra-Klasse zu
besuchen; und das zu wirklich erschwinglichen Preisen (#Pecuniaolet). Der Mikrokosmos,
der sich am 9. März des Jahres 2019 unseres Herrn in dem kleinen, gut gefüllten Vereinshaus in Weikersheim auftat und implodierte, ließ sich auf der Fahrt durch die verschlafene
Wald- und Auenlandschaft, die es sich schon in der sonntäglichen Dämmerung gemütlich
gemacht hatte, schwer erahnen. Gemütliches und gepflegtes Ambiente, bestes Bier der
Brauerei Spielbach und eine freundliche Atmosphäre stimmten mich dann aber schon in
Kürze in neugierige Vorfreude auf den Schmaus, den die Besetzung den grauen Hirnzellen
im Vorfeld versprochen hatte. Mit dem allseits beliebten Trompeter NATE WOOLEY, ein Tierder experimentellen Wissenschaften für Ansatz- und Blastechnik (Prof. Dr. Dr. Dipl. Ing…),
angelte sich Larry Ochs einen Solisten, der es versteht, Raum und Zeit wie einen schlechten
Entwurf zu zerknüllen und in einen überquellenden Mülleimer zu werfen. Grausam, schön
und ehrlich. Natürlich. Das Fundament des königlichen Grooves bilden der Schlagzeuger
HARRIS EISENSTADT und die beiden Kontrabassisten PASCAL NIGGENKEMPER und KEN
FILIANO. Eisenstadt, der in seinen Eigenkompositionen vielschichtig und einfühlsam vorgeht, zeigt auch in dieser Besetzung, dass er, stets ernst und aufmerksam seinen Kollegenlauschend, es versteht, seine polydimensionalen Phrasen gekonnt mit einem maximal dynamischen Spiel zu verbinden. Wobei eine Art archaische Anmut in den doch recht reduziert
ausgewählten Mitteln liegt, denen doch wiederum eine fantastische Lyrizität nicht von derHand zu weisen ist. Geht die Rechnung auf, zeigt sich auch hin und wieder ein zufriedenes
Lächeln mit einem kindlichen Glitzern in den Augen. Die beiden Bassisten, so heterogen sie
zueinander scheinen, liefern in stetiger Kommunikation mit Eisenstadt ein außerirdisches
Call-and-Response-Spiel nicht nur im tiefen Frequenzgang. Niggenkemper behängt sein
Instrument mit mehr Gefummel, Geraschel und Klim-Bim, als Cleopatra in ihrer Höchstzeit
und spielt mit metallenen Gerätschaften seinen Bass als bluesige Slide-Guitar. Das Ergebnis
ist eine obertonreiche Wundertüte mit gestrichenen Flageoletttönen, die die Sterne wie ein„Malen nach Zahlen“ miteinander verbinden. Das Urgestein Filiano, aus einer spürbar
älteren Schule entsprungen, kommt hingegen pfortz-trocken ganz ohne Schnick-Schnack
dahergescheppert.
* Text: Nick Heß - Fotos: Schorle Scholkemper
5Doch er kokettiert bald mit fast melodiösen Basslines,
die aber, ohne Hoffnung auf Genesung, schnell vonebenso rotzig-frechen wie blitzschnellen Bogenstichen
durchlöchert werden. Jedem Ton wird aber ein eigenes Bewusstsein eingehaucht, was die ungebändigte,
aus dem nicht vorhandenen Bart auftauchende Vokalbegleitung attestiert. Der Leader Ochs macht am Tenorsaxophon wie am Sopranino eine heiße Figur in tropischer Stimmung. Er verschafft sich mit Quietschen,
Sabbern, Hecheln und Blöken viel Raum, ohne aufdringlich in Pose zu treten. Hin und wieder tritt er aberauch mit einem Lächeln zur Seite und sieht seinerBand von außen lauschend zu, wie ein stolzer Vater,
der seine Kinder bei den ersten Gehversuchen beobachtet. Über den gesamten Abend ist es der Bandund den Solisten außerordentlich gelungen, einen
Spannungsbogen aufzubauen, zu füttern und voneinem Aggregatzustand in den nächsten zu überführen, wobei doch auch ein hohes Maß an konzeptioneller Kopfarbeit zu verspüren war, was ein Blick in
die Partituren und so manch ein angestrengtes Gesicht auf und vor der Bühne bestätigten. Hin undwieder konnte man sogar ein Unisono der beiden
Bläser auf einem einsamen Floß am Horizont paddeln
sehen. Verfolgt und umkreist von Haien. Reihum
choreographische Handzeichen und Anweisungen vonOchs gaben dem Spiel aber die nötigen Wendungen,ohne die unangefochtenen Profis ins Schleudern zu
bringen. Im Gegenteil: Es half den 5 New Yorker Spezialisten, ihr Potential an Virtuosität voll auszuschöpfen und eine transzendentale Kommunikation
auf fast metaphysischer Ebene zu kanalisieren.

6Freakshow: Spinifex soufifext again!
"Spinifex? Soufifex!" hieß schon mal meine
Schlagzeile, zu einer der mitreißendsten
Freakshows der letzen Jahre (-> BA 100).
Wobei da am 14.10.2018 noch der großartige Stoff von "Amphibian Ardour" in der
Luft brannte, aber auch schon brandneue,
nämlich im Oktober in Gent eingespielte
Soufifexerei von Soufifex (TryTone, TT559076). Gent bedeutet ein Heimspiel für den
sechsten Mann, den Trompeter Bart Maris,
dieses wandelnde ABC flämischer Klangzauberei, von X-Legged Sally, Vervloesem
und Think Of One bis dEUS und Flat Earth
Society. Zum Tanzen brachten sie dabei'Drinks & Logistics' & 'Unnecessary Lines'
von Gitarrero Jasper Stadhouders, 'Marifa'
von Bassmonster Gonçalo Almeida (dasma'rifa, das Ziel islamischer Gnosis, direkt anspricht) sowie 'Confrerie' & 'AHAP' (As High,nein, As Heavy As Possible) von Tobias Klein, dem Oberfex am Altosax. Dazu verdrehten
sie das liebesmystische 'Zarbi Owj' des persischen Meisters Mohammad-Reza Lotfi (19472014) in soufifexer und ostinat treibender Manier mit zweierlei geflammtem Saxgezüngel,
Polterdrums und wiederkehrendem Triller. Los geht es aber mit 'Confrerie's krummtaktigem, accelerierendem Stakkato, feierlichem Gebläse und wildestem Dikeman from
Borneo. Der im John-Dikeman-Andrew-Baker-Duo Freakshow-härtegetestete Tenorsaxer
schürt da zum schrägen Gong-Boing und den dreschenden Hieben von Philipp Moser mit
flammenden Lippen die Sufi-Glut. Was für eine feuerspuckende Bruderschaft! Dann fleht
Klein wie ein Verdurstender nach Labung und Orientierung, Dikeman trägt auf abgrundtiefem Bass dickes Vibrato auf, Maris flatterzüngelt, das Tempo ist zunehmend höher, alses ein Kamel vorgibt, und ebenso der Feuereifer. Maris stimmt 'AHAP' als Zapfenstreichan, bis man zu monotonen Schlägen gespalten wird zwischen Trauer und Trotz, mit einem
Ruck und schnellen Wirbeln auf Letzteren setzt, aber zu einem auf der Stelle tretenden
Riff erst noch eine heftige Gitarrenattacke überstehen muss. Jasper als tobender Dschinn,
die Band als hartnäckige Humoristen. Derwisch-Trash, Trance-Core, höhere Sphären, hihi!
Stadhouders' '...Lines' entspinnt sich geräuschhaft und leise, mit perkussiven Flocken undgepresster Trompete über stagnierenden Drones. Bis sich genug Masse verdichtet, um zu
zünden, mit flickernden Kürzeln, stechenden Hornstößen und stoßendem Stakkato. Hin zu
einem aufgedreht bekrähten Super-Hopsasa, mit Almeida als moshendem Hulk. Fürdessen 'Marifa' spielt Maris einen Muezzin über rauschenden Gongs, Tamtam und einer
perlensucherischen Bläserschlaufe in immer schnellerer, von Klein geschürter feierlicher
Drehung. Bis zur Erschlaffung, zu schlappem Tamtam und dröhnendem Feedback. Zuletzt
wird mit 'Dikri' ein Gujarati-Volkslied verwandelt, mit schroffen Repetitionen, aberbeschwingtem Bläsermotiv, Klein kräht, Maris kräht, Dikeman röhrt. Indisch geht anders.
Aber man kommt so der Seligkeit Ruck für Ruck ziemlich nahe.
Schon am 24. März 2019 bringt SPINIFEX den neuen Stoff mit ins Immerhin, als Ziel ihres
mit den Freakshow-notorischen Ni! aus Lyon unternommenen Dreisprungs vom Tor 9 inBremen über das Schieszhaus in Zeulenroda mitten in meine vorgeglühten Rezeptoren da
zwischen Marius, Stefan und Michael in der mit Sesseln und Sofa neu bestückten ersten
Reihe. Wo ich erstmal das Geschrubbe von Ni! durchleide, das anderen ein Genuss seinmag. Es gibt halt auch komische Freaks. Neue Stücke? Dass ich nicht lache. Ihr
knochenpolierendes kleines Einmaleins besteht überhaupt nur aus einem einzigen, zu
Tode geprügelten Einfall. "Isch 'eiße Ni!" französelt der junge Bob-Ross-Doppelgänger zur
Linken. Ich bin entwaffnet, der Sch'eiß ist genau so gewollt.
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Bescheiden ist allerdings auch das
Wort für den Sound an diesem Nachmittag. Allerdings sind wir im Immerhin Einiges gewohnt. Und es gehört ja
nur eine Verve à la SPINIFEX dazu,
das als völlig wurscht zur Seite zu
wischen. "Soufifex" ist Programm und'Confrerie' allemal der perfekte Einstieg, der mit zwingendem Stakkato
die Zeichen auf Qawalidemmi stellt.
Klein & Co. haben sich vielleicht sogar
ein bisschen von Ni! anstecken lassen,
was das Offensive angeht. Über Philipp Mosers chinesische Gongschläge
könnte ich Juchu! schreien. Und überdas heftige Zusammenrauschen vonBläsern und Gitarre sowieso. Das immer wieder gern gehörte 'Hipsters Gone Extragalactic' wird gleich als zweites gezündet, und Almeida demonstriert, warum er den Spitznamen
Gonzo hat. Stadhouders traktiert seine Hollowbody so vehement, dass ihm beim ersten
Furioso, in das ihn Moser immer weiter pusht unddrischt, schon eine Saite reißt. Stakkato, Ostinato,
Tutti, Solo, in einer auffälligen Reibung von komplexer
Konstruktion und kakophilem Krawall. Maris undDikeman (zurück aus Tirol, wo er beim Artacts in St.
Johann mit Universal Indians feat. Joe McPhee das
Kriegsbeil geschwungen hat) kramen dafür in einem
Stapel Noten. Wobei Maris, im Vergleich zum Oktober,mittlerweile ganz in seinem Element ist. Entschlossener krähend und ganz extremistisch, wie er da die
noisigen Hintertürchen seiner Trompete aufstößt. So
wie Almeida, den ich überhaupt noch kaum so aufgedreht und extrovertiert erlebt habe, einmal den Bass
garrottiert, so stopft Maris der Tröte das Maul mit
einem Joghurtbecher. Ob tonlos gefaucht und überblasen, ob melancholisch-melodisch oder flammend
geschmettert, da bläst einer umeinander, dem selbst
Wooley und Peter Evans kaum was vormachen können. Nicht nur, dass 'AHAP' und 'Unnecessary Lines' auch noch zu groovigem Riffing finden, zwischen solch abendländisch-amsterdamer Soufifexerei mit ihrem vorgezeichneten Wechselspiel bekommt der mentale Tanzzwang unverkennbar auch seine orientalischen Züge. Selbst für einen, derweder Gnawa von Persisch unterscheiden kann noch 'Zikr' von 'Dikri'. Dasbieten sie als Zugabe, vehement gefordert, egal was. Da hat Stefan, derfür mich mit ausgeflippte Hund, jedem
der Guten schon mit Handschlag gedankt. Sound hin, Dreck und Speck
her, live lassen die sechs, da mag
Klein noch so sehr den unbewegten
Beweger mimen, als rock'n'rollendeDerwische derart die Fetzen fliegen,dass ich ihre Wiederkehr beim Artrockfestival im September schon jetzt
mit einem Grinsen quittiere.
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The spirit of the Flying Luttenbachers is to push music to extremes on every level, HA! Was mir
da am 8. April im Immerhin ins Auge sticht und zu Ohren kommt, diesmal auf einem Stehplatz(die erste Reihe gehört den Tim & Weasel-süchtigen W71-lern), ist nichts weniger als superkalifragilistisch expiallegorisch! Weasel Walter hat vor zwei Jahren die zehn Jahre lang eingefrorenen FLYING LUTTENBACHERS wieder aufgetaut, im zirkusreifen Dreamteam mit Tim Dahl,
seinem Buddy in Retrovirus und Quok, und dessen Pulverise-The-Sound- & Unnatural-WaysTurbobass. Wie der in schneeweißem Las-Vegas-Lounge-Suit, zu Sneakers und Baseball-Cap,
antritt, ist allein schon zum Schreien. Rechts bläst Matt Nelson Tenorsax, Dahls Partner in Grid.
Und obwohl der mit Monitor- und Feedbacktroubles hadert, erweist er sich als Rotzer vonhoher Dekonstruktionspotenz. So wie sich das schlaksige Fragezeichen dieses Montagabends,
Alex Ward an der Gitarre, in feinen Längsstreifen und Krawatte entpuppt als das mit Yetiblut
gedopte, orgonverstrahlte Drittel von Noble-Edwards-Ward, als die von Derek Bailey, Eugene
Chadbourne und Lol Coxhill durchlauferhitzte Hälfte von Dead Days Beyond Help. Er fetzt mit
langen Pianistenfingern wie der junge Arto Lindsay und liefert für Weasels harmolotowschen
Neo-No-Wave-Cocktail die ätzenden Spritzer Lizardsäure. Weasel inszeniert das, was er im
Rolling Stone treffend als gamut between technical overload and mindless idiocy anpries, als
hanswurstiger Clown. Er schneidet als Mussolini in Schaftstiefeln, die mitsamt seiner Kriegsbemalung den Luttenbacherspirit garantieren, Grimassen, er post als Muskelmann, lehnt sichauf Dahl wie Laurel auf Hardy, spöttelt über unsere ACDC-Kirrer.

Freakshow: Flying

with The Luttenbachers

Doch er rechtfertigt sein Gehabe mit dem irrwitzigen Knattern seiner Doublebassdrumkicks,
der Gabber-Geschwindigkeit seines gehämmerten Ratatatas, der Raserei seiner flirrenden undzischenden Beckentriller. So wie er 'Goosesteppin'', 'Crippled Walk' und 'Sleaze Factor' als
rammdösige Konstrukte aus Carcrashes und simplen Beatmustern, aus rasantem Kkringgg,
sturem BumBumBum und abrupten Breaks rechtfertigt durch deren schädelspaltende Zweckbestimmung. Und durch seine stupende Powertechnik als ein Drummerchampion, dem das
Unmögliche ein Klacks ist. Als ein blitzgescheiter Composer, der dem Problem der Brisanz die
Hörner abbricht als Hellboy in Musica. Schaut und hört doch nur, wie er die -bacher mathematisch präzise durch Katarakte aus Over-the-Top-In-yer-face-Kakophonie steuert. Dahl mit bratzelndem Bassgetriller, schneller als das Auge, und verblüffendem Glissando, Ward konvulsischunter Elektroschocks, wobei ihm schon mal die Krawatte unter die kratzenden Krallen gerät.
Mit 'Epitaph' und dem Zack-zack-zack eines preußischen Walzers als schlagendem Exempel,
zwitternd zwischen durchgeknallter Hysteriiiiiiiie und der kaltschnäuzig exekutierten Hardcoreversion von Glenn-Branca-Riffing. Getoppt von 'Mutation', einem metronomisch-konvulsischen Hochgeschwindigkeits-Stakkatomonster, das sich an Widerstand abwürgt, ihn pulverisiert und als unaufhaltsame Tour de force auf Messier 87 zurast. Seit The Molecules ein Ritterheer Mann für Mann in voller Rüstung eine Wendeltreppe runterkickten, ist mir kein teuflischeres Spektakel um die Ohren geflogen. It don't mean a thing if it ain't got swing? Ach du lieber
Hellington, stupid cupid hat verschiedene Pfeile im Köcher.
Foto: Olaf König
9Freakshow: Schlumpfonie in C
Mit BOOLVAR kommen am 14. April Botschafter des Pariser Kulturbundes Gigantonium ins Immerhin, zwei Tagenach ihrem Zwischenstop bei Attenuation Circuit in Augsburg. In Gestalt des Drummers Guillaume Béguinot und
von Delphine Joussein an der Querflöte. Die überbläst sie
mit summendem Singsang oder heult lauthals auf undmoduliert das mit jede Menge Effekten. Nicht Jethro undnoch weniger 'Dull' (unterfränkisch gesagt). Mit den
Zungen einer Hydra und so dunklem Widerhall in Loops,
Delay und Ringmodulation, als wäre die Silberflöte zu
dunkler Materie mutiert, von der nur eine unerklärliche
Schmauchspur zeugt. Ganz flöten-schtroumpfige, blumige Windsbraut, verleiht sie ihren rattenscheuchenden
Atemstößen, bei denen ihr die Lippen prickeln, mit Bluejeanshüftschwung energisch Nachdruck. Fixe Stakkatos
und vereinbarte Treffpunkte mustern diesen so unerwartet krassen Free- und Noiserock, in dem Delphine mit
knöpfchengedrehtem Sandstrahlfuror wütet. Für ihr noch
namenloses, aber hiebfestes Finale schlägt ChristianKühn 'Der Tonga-Guru' vor, mir ist dazu nur 'Flycatcher's
Stampede' eingefallen.
Fast genau auf Jahr und Tag kehren KUHN FU wieder, im Gepäck den neuen Stoff von"Chain the Snake" (Berthold Rec, CD/LP). Mit, neben Christian Kühn als tollkühnem Leader
an der Gitarre, allerdings 'nur' Esat “Big Baba Bass” Ekincioğlu und mittlerweile George
Hadow an den Drums (Ziv Taubenfeld, das bassklarinettistische Raukehlchen, ist vaterschaftsbeurlaubt). Aber was heißt 'nur', jeder Ekincioğlu-Finger ist ein kleiner Hulk. Und bei
Hadow sollte als Vorschusslorber genügen, dass er sich sonst mit John Dikeman & Gonzo
Almeida rumtreibt. Er ist, obwohl er auf den ersten Blick so wirkt, sich nicht zu schade,
krachige Riffs von links nach rechts und von rechts nach links zu räumen für die launigen
Jazzrock-Polkas eines Gitarrentrios mit rock'n'rollendem Kontrabass. Kühn und Ekincioğlu
gröhlen: Meine Frau, die Ilsebill, will nicht so wie ich wohl will. Power to the Butt! Doch dannkommt schon das spöttische 'Marco Messy Millionaire' vom neuen Album mit mords Bumbumbum, zackigem Stakkato und zickzackender Gitarre. Garantiert das erste Mal wird vonHadow erwartet, Schlangen zu bändigen und bei 'Gustav Grinch' selbstgefällige Narzissten
durchscheinen zu lassen, die nicht annähernd so flink und groovy sind wie die Fus. Allen
voran der Ober-Fu, der wieder als witziger Moderator und mit gitarristischer Pikanterie
jazziges Arpeggio veräppelt und überhaupt sehr an einen sarkastischen Hipster auf derscharfen Seite der 80er erinnert. 'Sonic Manah' ist jedoch seinerseits was für ganz spitze
Finger und metronomische Beats. Bei 'Oswaldo's Waltz' soll eigentlich ein Latin Lover im
Noir-Set von "Gilda" schwofen, heute werden wir durch B-Movie-Trash geflippert. Hadow
zeigt mit klackender Präzision nicht erst bei seinem rasanten Solo, was für ein Schatz er ist,
“Big Baba Bass” zaubert bei seinem Arco-Solo Tausendundeine-Nacht-Flair. Prompt folgen'Kuhnstantinopolis' und das Selbstbildnis als unermüdlich tourende und an kleinen Brötchen
nagende 'Street Rats', mit einer Unverwüstlichkeit, die selbst Boolvars rattenscheuchendes
Geflöte lockt statt schreckt. Als Zugabe wird 'Wolf's Muckenkogel' - zu viert eine knüppeldick
polternde Klezmerpolka mit wehenden Schläfenlocken und von Milch und Honig besoffenem
Lalala - in seinem "Muss i denn, muss i denn..." dennoch gehopst. Sitzt der Taubenfeld daheim, dann wirbeln die Spatzen halt zu dritt den Staub auf. Denn Spaß muss sein (selbst
wenn wir darauf verzichten müssen, dem grollenden, zornig aufstampfenden, vor Wut
heulenden Schlumpf-Fiesling 'Gargamel' mit Wahwah eine Nase zu drehen. Und auf 'Traktus'
als belämmertes, behämmertes, Scheiße brüllendes Taubenfeld-Traktat über die letzten
Seufzer eines von einem Traktor überrollten ELP-Fans).
10Freakshow: Koenji Hyakkei – Irgendwo zwischen SEGA und Kamikaze* „Hundert Ansichten von Kōenji“ darf der Taufname
des kobaïjapanischen Zöglings von Gründervater
Tatsuya Yoshida laut Wikipedia übersetzt werden.
KOENJI HYAKKEI, ein Name, der sich mindestens
ebenso schwer merken wie aussprechen lässt. Wer
ihr Konzert am 11.5.2019 (das einzige zwischen dem
R.I.O. in Bourgoin-Jallieu, London, St. Petersburg
und Moskau!) im kulturellen Lieblingskeller Würzburgs, dem Immerhin, miterleben durfte, sollte das
Gefühl nicht losbekommen, dass entweder 100 eine
bedeutend große Zahl im Japanischen darstellt odersich ein Übersetzungsfehler eingeschlichen hat.
Oder wäre es auch nur eine abendländische Denkweise, dem erlebten Gefühl eine übertrieben große
Bedeutung beizumessen, was vielleicht nicht ganz
der japanischen Ästhetik entspräche? Sicher nicht
absprechen lässt sich dem Sextett aber die ausschweifende Fülle und das hohe Maß an Virtuosität,
mit der sie an diesem Abend einer begeistert
tobenden Menge im heringseng vollgepackten Immerhin lauter offene Kinnladen bescherten. „Die
haben zu viel Magma gehört in ihrer Kindheit!“ – diequalifizierte Analyse eines Gastes? Vielleicht - gewisse Parallelen zu den zheulanischen Urvätern
mögen wohl erkennbar sein, für mich aber nur
oberflächlich. Das Eintauchen in einen sehr eigenen
Kosmos voller Dynamik und Pathos auf polyrhythmischer Achterbahnfahrt, getragen von kobaïanischen Chorälen bis in den entlegensten astralen
Winkel? Träfe zu, nur, dass die Kollegen von Koenji
Hyakkei auf dem Rücken eines weltenverschlingenden Drachens auf LSD durch modulare ArcadePlatinen reiten, um seine Spieler frustfrei und umgehend zum harmonischen Game-Over zu tragen. Es
ist eine Frage von Sound, die Vander und Yoshidakeinesfalls gleich beantworten wollen. Jetzt könnte
eine Reihe von Vergleichen und Unterschieden
folgen, die wir uns aber sparen, da persönliches
Erlebnis selten mit selbsternannten Spezialismus
harmoniert und dies meinem Sinne fernliegt. Lenken
wir das Augenmerk lieber auf das Super-Brain
Tatsuya Yoshida (*1961). Ruins, Akaten, Acid Mothers Temple, Zubi Zuva, Psyche Bugyo, Kollaborationen mit John Zorn, die Liste auditiver Gaumenkitzel geht noch weiter, wenn man sich mal online
seinen schier unendlichen Content in den unterschiedlichsten Besetzungen an die Ohren hält.
Dieses Jahr wird er auch auf dem MOERS-Festival inallen Facetten zu bestaunen sein, hoffentlich auchwieder mit Raincape-Zipping-Improvisationen (!).
Neben dieser enormen Schaffenskraft glänzt er
mindestens ebenso hell an seinem Instrument.
POLYRHYTHMIK ist unser Wort der Stunde.

11Mit meditativer Konzentration im Gesicht, gleich eines alten Sensei, scheint Yoshidajeder einzelnen Trommel ein eigenes Leben einhauchen zu wollen, während die
Herren Sakamoto Kengo, Koganemaru Kei und Yabuki Taku (Bass/Gitarre/Keys) die
Rhythmus- & männliche Kontravokal-Gruppe vervollständigen und ein weitverzweigtes harmonisches Gerüst stellen, das die Solistinnen Komori Keiko und AH(Sopran-Saxophon/Gesang) gerne als steile Abschussrampe nutzen, um Band und
Publikum zum gemeinsamen Abheben in die Sphären von Koenji zu bringen. Gleich
einer Horde wildgewordener Tengu jagen sie um ihren Meister herum, verlassen hin
und wieder ihre Laufbahn und wirken dadurch nie starr, gleich den Rädern eines
Uhrwerks. Denn es wird hier nicht das Klischee eines japanischen Drillkindes erfüllt, das jahrelang von seinen Eltern genötigt wurde und wie eine Maschine einfach
nur wiedergibt. Hier und da schleicht sich auch mal, durch Feedbacktrouble, ein
absolut verzeihliches Holpern in das Spiel, was die Profis aber keineswegs aus derRuhe geraten lässt. Vielmehr verleiht das, von lediglich einem Lächeln und Blickaustausch quittiert, dem Ganzen eine herrlich sympathische Note von Menschlichkeit, die die Tiefe ihrer Liebe zur Musik sichtbar werden lässt. Als besonders
heller Stern leuchtet an diesem Abend die fabelhafte Sängerin AH: Von Intergalaktischen Arien bis Obertongesängen aus fernen kaukasischen Steppen, dazwischen der Raum, gefüllt von endlosen Lines, treppauf treppab, hin und her, kreuz
und quer. Das Ganze dann bitte auch noch Unisono mit Piano und Saxophon – derSchöpfer hat sich schon etwas dabei gedacht. Licht bricht immer wieder durch,
freche groovige Rockparts aus den 70ern oder komplette FreeJazz–Ausfälle, jedoch
nie lange an einer Stelle verweilend, ebenso das Publikum. Die Chöre rufen stets
ein heiteres „NEXT LEVEL“ aus. Am Ende tobt die Menge, schreit nach Zugabe, unddie Kapelle zieht noch einmal ordentlich einen vom Leder. Ein Über-Medley, scheinbar extra für ihr Aufschlagen in Europa konzipiert, aus Melodien für Millionen, in
dem sich Bizet, Händel, Beethoven, Ravel, Chopin, Bach von Takt zu Takt ineinander weben. Unvergesslich. Unvergleichbar.
So durften wir einem wunderbaren Spektakel beiwohnen, voller Exotik, Nähe undvor allem Spaß, ja den machten sich die Koenjihyakkeianer – aber auch mit uns. Wer
das halbwegs nachvollziehen möchte, kann das mit dem 2018 erschienenen Album"Dhorimviskha", auf dem auch der aktuelle Gitarrist Koganemaru Kei seine
schillernden Farben ins Spiel werfen darf. Favorite-Track Levhorm. Viel Spaß damit!

Ohrvizzi Gassfain Levhorrm dehllfondey !
wessen tzomborrido Keiyoss Keiyoss Fellondufain !
dürü dürü
dürü dürü
dürü dürü
dürü dürü
dürü dürü

Text: Nick Heß * Fotos: Lutz Diehl
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over pop under rock
Moonjune Records (New York)

Post aus Belgrad beschert mir die VASIL HADŽIMANOV BAND. Der Sohn eines populären
mazedonischen Schlagersängers hat, am Berklee College ausgebildet, einen eigenen Weg
eingeschlagen, seit 1997 mit seiner VHBand: Bojan Ivković an Percussion, Branko Trijić an
der Gitarre, mittlerweile Miroslav Tovirac am E-Bass und Pedja Milutinović an den Drums.
Und als fünftes Exemplar stattlich beschnauzter und bärtiger Mannsbildhaftigkeit erselber an Keys, so wie man ihn kennt vom Trio Sveti (ebenfalls mit Trijić), vom Bace
Quartet (mit Theodosii Spassov) oder Dušan Jevtovičs No Answer Trio (mit Asaf Sirkis).
Letzteres war ebenso auf Moonjune willkommen (MJR085) wie bereits "Alive" (MJR076),
das 6. Album von VHB, featuring David Binney. Und nun Lines in Sand (MJR095), mit deranimierten Funkiness von 'Mr. MoonJune' und dem sprudeligen Saxophon von Rastko
Obradovic als Dank an MoonJune-Man Leonardo Pavkovic, neben dem stürmischen AfroFunk von 'Ratnici podzemlja' [Krieger der Unterwelt?] als weiterem Entwurf der ganzen
Band, Toviracs 'For Clara', Trijićs wieder saxeuphorisiertem 'Waiting For...' und acht neuen
Stücken von Hadžimanov. Das glockenspielzarte, synthiequarrende 'For Clara' ist Dean
Bowman in den schmachtenden Mund gelegt, dem Screamer der Screaming Headless
Torsos, bei Don Byron, Uri Cane und Elliott Sharp's Terraplane. 'Lost' wird angestimmt vonMarta Hadžimanov mit schwindelerregend hohem Sopranstimmchen, verloren im
bepaukten Gang der Menge. Ansonsten aber greift Ivković zum Mikrofon. Ja, die hohe
Vokalisation gleich beim folkloresk und downtempo geklopften Einstieg, das ist er. Nicht
weniger verblüffend ist die angeblueste Gitarre. Nicht nur 'San snova' wird geprägt vonkreisender Klimperei, parallel mit der gradualen Gitarre, und allein im Arpeggiotaumel.
Alternativ lässt Hadžimanov es orgelig dröhnen wie beim xylofonen toktok-toktoktok
tektek-tektektek von 'Kaži', das als 'Kaži Gradiška' zwischen Galopp und Getrudel
wechselt. Bei 'Maklik' umspinnen jaulige Keys, schweifende Kaskaden und quakender
Bass einen melodischen Loop, für 'Freedom from the Past' zieht Trijić Ghostrider-Saiten
auf zu Tamtam alla Turca. Mit 'Rege Hadži' als kaskadierendem Dub mit launig jaulenden
Keys und kreiselndem Arpeggio endet Hadžimanovs von Afrika über den Balkan und den
Atlantik gezogene Bahn in karibischem Sonnenschein.
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E-Klageto - La Bois - Psych.KG (Euskirchen)
Ken Matsutani, Oberschaf von Marble Sheep und Captainvon Captain Trip Records, hat THE MICKEY GUITAR
BAND von der Psych.KG-LP "From the Deep" (-> BA 96)
zu From the Beaches (Psych.KG 237, 2 x LP + CD in Box)komplett neu aufgestellt: Mit Rinji Fukuoka (ex-OverhangParty) an den Drums und Louis Inage am Bass, derRhythm Section von Majutsu No Niwa, die man ebenso
auf "Es Läuten Die Glocken" (der E-Klageto-Compilation
zu BA 86) findet wie Hiroshi Hasegawa, Mickeys vierten
Mann am elektronischen Gegenpol zur Gitarre. Auchbekannt als Astro, ist Hasegawa mit dem Psych.KG-Split"Levotion" und in Begegnungen mit Sudden Infant, Mama
Baer oder dem Opening Performance Orchestra (-> BA91) einer, der in Matthias Horns Klangkosmos, neben
Kommissar Hjulers Fluxus-Malstrom, den JapNoiseAkzent vertieft, um den aber immer auch psychedelischrockende Landsleute wie LSD March splittern. Ein solcher Spagat, ausgeschmückt mit BALieblingen wie Karl Bösmann, La STPO und Denis Frajerman, ist ein Doppelkick, für den
ich gern den Arsch hinhalte. Für die psychedelische Hälfte schon gut vorgeglühte Ohrenfinden sich in Würzburg ja durch Horst Porkerts Psychedelic Network Festivals mit etwa
Da Captain Trips, und durch sein Label Sunhair Music, mit Cubus Maximus und Zement als
Lokalmatadoren. Ob hinter Marble Sheep Haruki Murakamis mystischer Schafsmannumeinander sprang, bleibt ebenso Spekulation wie ob einen die Mickey Guitar Band mit
einem Mickey Finn umknocken will oder mit Mickey Harts Greatful-Dead-Spirit. Fakt ist,
dass Matsutani hier einen Strand von morgens bis Mitternacht vor das innere Auge rückt:'Hazy Morning', 'Glaring', 'Sunset', 'Moonlit Flower', 'Falling Star', 'Midnight Beach', dazu
ein 'Stoner Beach' und - live - 'Ufo...' & 'Soup Beach'. Nein, kein Utah- oder 'Terminal
Beach'. Und dennoch alles andere als ein Ambiente, um sich da in die Sonne zu legen. Die
dräuenden Drones suggerieren eher einen Morgen, an dem dort der Kadaver eines Riesen
strandete (wie in J.G. Ballards 'The Drowned Giant'), und die Gitarre findet dafür auchelegische Töne. Für ein unglaubliches Phänomen, das dennoch von Leichenfledderern
geschändet und von menschlichen Aasgeiern skelettiert wird. Von dem aber vielleicht
doch eine mythische Erinnerung bleibt, Stoff für rituelle Tänze mit Tamtam, polterndem
Donner und Cymbalcrashes von Fukuoka, zu stehenden, quallenden, zuckenden, vonElectronics umbrodelten und gegeißelten Gitarrenwellen. Hasegawa entfaltet trillernd undfräsend eine massive Präsenz, die dem ständig anbrandenden Gitarrensound einen XFaktor aufdrückt. Denn Beach ist hier nur das Wort für den Saum des Ozeanischen, für die
Berührung des Wassers unter der Erde mit dem über der Erde, von Inner und Outer Space.
Die Gitarre stöhnt, dass dafür die freilich schon von Fukuoka, Henritzi & Junko benutzte
Schlagzeile "Billion Years of Sighs" zuträfe. Und die sinkende Sonne wird mit Gesang
verabschiedet, als gäbe es keinen Mond, keine Sterne und kein Morgen. Aber sie klingendoch als Leuchtfische in der Tiefsee über unsern Häuptern, als milchige Autobahn, auf derdie Band dahin brettert, als hätte sie das Kraut getankt, das auch Schneebälle und Steine
durchs Weltall jagt. Die Geisterstunde durchzittern sie schrappelig und mit schleichendem
Tritt entlang sirrender und rauschender Klangmauern. Um als Ufo wortlos singend,sirrend, dröhnend und blitzend über roten Kuppeln und Türmen zu taumeln, angezogen
wie von einem Glas Burgunder, in dem Erdbeeren schwimmen. Live klingt das mulmiger
und ursuppiger, schrottig und kettenberasselt, noch zeitvergessener und wie in einem
gummiweichen Raum. 'Soup Beach' lässt einen durch knietiefen Morast stapfen. Matsutani
und Hasegawa irrlichtern infernalisch und während die Gitarre zu eisern rumpelnden
Erschütterungen 'flötet', swamprocken Inage und Fukuoka, dass das Unterste sichzuoberst kehrt. Oder spielen da einfach nur vier halbstarke Godzillas Beachvolleyball?
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Als ich Andreas Arndt 2011 für "Behind the scenes" (Pych.KG 057) als postindustrialen
Shitquirler lobte, der der Verarschungsindustrie Sand ins Getriebe streut, hatte er die
symbolische Negation der Negation schon seit Mitte der 90er betrieben. Als Facies
Deformis und Irikarah schlug er Krach auf Membrum Debile Propaganda und Steinklang
Industries etc., u. a. auch in Gesinnungsgenossenschaft mit Carsten Vollmer. Das Besteaus Hagen (Exklageto 21) versammelt mit den neun Tracks von "Retro?" (Hausgebrauch,2005) und den sechs von "Die Welt im Kreis E.P." (MNDR, 2006) die treffendsten vonArndts Arschtritten als A². Davon verweisen 'Elektropiraten', 'Freaky Computer' und'Computerclick' auf A²s Werkzeug, das die "Der Konsument E.P." explizit auflistet: PC,
Korg Poly 61M, Yamaha CS 30L, Korg X50, Vermona DRM, Ken Multi DE 1400, Zoom 1202 +1204, Monacor EEM-2000, RSP Hush 2000, Behringer Ultrafex II. Damit gelingt, in Lo-FiCredibility, ein täuschend gekonnter Rückgriff auf die kalte, von Drum Machines geklopfte
Synth-Pop-Ästhetik der Neuen Deutschen Welle. Mit 'Der Konsument' ist der Adressat
benannt, dem, gefangen in Teufelskreisen und unter 'Zeit'-Druck, der Ausgang aus seinerselbst verschuldeten Unmündigkeit angeraten wird. Angestoßen von 'Alien Drumsong' undvon Koffein ('K.A.F.F.E.E.'), aber nicht, um sich bloß noch blöder zu tanzen - 'Kein Tanz'!
Dabei schlagen dennoch die simplen, aber animierenden Patterns und die süffisanteLakonie von Der Plan & Zeitgenossen durch, während die Aussage stilgerecht reduziert ist
auf Zeilen wie aus Kraftwerk-lerischem Computermund: Du drehst dich im Kreis und weißt
nicht warum... Ich kann zählen / 1 2 3 / 4 5 6... Kälteschock! Kälteschock!... Inszeniert inder ironischen Militanz eines Anti-Rattenfängers - die von Irikarahs "Kampf-Sequenzen"(1996) an Arndts Œuvre bestimmt hat. Und definitiv cool.
Medium meets Message bei Nigger / Flug & Derinnerekern (la bois 29, square 7inch lathecut + anti-10inch in handmade 10inch-sleeve). Der Knaller ist allemal die von FRAU UNBEKANNT in 39 Acryl-Originalen (!) gestaltete Picture Disc, Betonung auf Picture. Heike
Zimmermanns Cover Art - die Alufolie für One Last Region oder die Fotoarbeit für "Gehirnmessies" sind darunter noch die unspektakulärsten - lässt Psych.KG-Fans sammlernärrisch werden. Die hier huckepack transportierte Musik stammt 'Nigger'-seits von KOMMISSAR HJULER und Dino-seits mischt auch noch DINO FELIPE mit, ein Freak aus Miami,
dessen Desktopdramen mehrere Bandcamp-Stunden füllen. Zu hingespucktem Blacknigger! White nigger! Bad nigger! Good nigger! verliest der Kommissar eine Definition vonRassenhass und wickelt das in alarmierten US-Polizeifunk. B-seits loopt und flippert
chaotischer Elektro- 'Pop', komisch trötend und mit abgerissener Mama-Baer-Stimme.
Kusafuka Kimihide ist mit seiner 'Musicalchemy' und 'Metalnoisemusic' als K2 seit 1983,
nicht zuletzt durch die 'Noise Tournament'-7"-Splits in den 90ern, ein ebenso prägender
Ausformer von Japanoise wie Merzbow, C.C.C.C., Hijokaidan, Incapacitants... Karoushi:
Overwork For The Death (Psych.KG 221, LP + CD in Box), eingepackt von Frau Unbekannt,
bringt auf giftgrünem Vinyl 'MatzRi the Suicidal Angel' & 'Dance to Dentzoo' und auf der
CD eine auf 60 Min. erweiterte Neuauflage der C46 "Les Extremes Se Touchent I" (1995).
Während K2 aktuell seinen 'Improvised Electro-Core' mit Modularsynthies in MultitrackRecordings moduliert, setzte er in den 90ern noch Schrottteile, Analogsynthie und seine
Stimme ein. Und suggerierte so einen brausenden Wasserfall, eine donnernde Wall ofNoise, gegen die er antobte, entlang der er mit eisernen Manschetten schlurchte undschrillte und sich fluchend abarbeitete. Karōshi meint ja 'Tod durch Überarbeitung', dasjapanische Phänomen, bis zum Umfallen zu schuften. K2 schuftet und brüllt, bis das
Schwein pfeift, mit bis zum Hals schlagendem Puls, über beide Ohren im Tinnitus-Bereich,aber unnachgiebig kakoman. Schon 1984 hatte er im 'Herzmuskelgewebe' eine Schwachstelle erkannt, längst ist er mit jedem einzelnen Tumor per Du und mit Godzilla sowieso. 35
Jahre danach und ohne Schrott und Stimme ist seine Klangsprache und die Körnung verfeinerter, die Impulsivität molekularer, sprühender. Für die Zumutung surrender, geißelnder, brodeliger, heulender Aggression, die gerade deshalb Musik in so manchem Ohr ist.
Auch die Stoßrichtung ist noch die gleiche. Derart gegen die Welt als Disambiente aus
Metastasen, Monsanto, Erdbeben und Tretmühlenstress anzutoben, Respekt.
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RareNoise Records (London)
Ganz so verzwickt wie mit Schrödingers Katze ist es bei CHAT NOIR nicht, denn der
Keyboarder Michele Cavallari ist da die fixe Größe und auch Luca Fogagnolo mischt
zuverlässig seinen Basssound dazu. Doch von der Verstärkung durch J. Peter Schwalm
und Daniel Calvi bei "Nine Thoughts For One Word" (2016), dem ich in BA 90 sogar
Schmachtfetzenqualität bescheinigen konnte, ist nur Calvi an Gitarre & Synths geblieben bei Hyperuranion (RNR 104, CD/LP) und dafür der Schlagzeuger Moritz Baumgärtner (MELT Trio, Mats Spillmann Trio) neu. Dazu verdichtet sich der Geist von Nils
Petter Molvær für vier Melodien zu Molvær selbst. Im Titel steckt Platons Vorstellungeines überhimmlischen Ortes voll der immerwährenden Formen des Seins, deren Anblick die Menschen so verstört, dass ihnen im Exil der Endlichkeit nur eine vage Erinnerung davon bleibt. Cavallari bezieht davon die Spannung zwischen ätherischem
Schein und musikalischen Grundideen, wie sie ähnlich bei Flying Lotus, Tortoise, Battles
oder Jaga Jazzist widerhallen. Phantasievolle mögen beim ostinaten Synthiegroove von'Blister' an Goblin erinnert werden, hörbar ist auf jeden Fall der markante Kontrast
zwischen nervösem Uptempogefrickel, ostinaten Wiederholungen, gespenstisch wimmernden 'Strings' und poppigem Getüpfel. 'Humanity' steigt downtempo und triphoppig
knarrend hinab ins menschliche Exil, mit melancholischem Klingklang und melancholischer Trompete. 'Immediate Ecstasy' lässt die Keys schwindsüchtig schmachten überwieder eifrigerem Groove, knurrigem Bass und dumpf stampfendem Beat. 'Overcome'verbindet Synthiepop-Chinoiserie und Schwebklänge mit fragiler Gitarre, getragener
Melodik und Glockenspiel-Wehmut. Molvær steigt wieder ein für 'Quasar', um über eine
tremolierende Klopfspur und dunkle Dröhnwellen hinweg zu träumen. 'Glimpse'
schraubt sich über eine Ohrwurmmelodie hoch zum heulenden Synthiefetzer mit bassstarkem Nachdruck, tuckerndem Groove und verzerrt aufschrillendem Trompetenpathos. Dunkle Drones schwellen an zu 'Ten Elephants', die arschwackelnd grooven zu
einer dickhäutigen Erkennungsmelodie. 'Matador Insects' groovt zu Tok-Scht-Tok-SchtTok-Scht-Automatik, staubig melodisiert und mit quallendem Subwoofing. Bis 'Quasar(Reprise)' zuletzt nochmal die Trompete mit zischendem Synthieschwebklang vereint
und mit dampfendem Groove alle Kleinmut triumphal abschüttelt.
Hojotoho! Heiaha!? Wo sonst kann man derart aus dem Vollen schöpfen wie in Norwegen? Red Kite (RNR 105, CD/LP), das Debut von RED KITE, ist, psychedelisch und
heavy, die ultimative Jazz-Rock-Super-Fusion: Even Helte Hermansen, Gitarrist vonBushman's Revenge, Shining und Grand General + Torstein Lofthus, Drummer vonShining und Elephant9 + Trond Frønes, Bassist von Cadillac, Blood On Wheels undGrand General, +, an Keyboards, Bernt André Moen von Dualistic, der sich bei Shinings"Blackjazz" bewährt hat. Alice Coltranes 'Ptah, the El Daoud' als Auftakt ist dann auchgleich mal eine Ansage, von ätherischer Psychedelic zur melodieseligen Himmelfahrt
mit stapfendem Bassriff und voran drängender, durch klimpernde Zweifel nicht vom
Weg abzubringender Gitarre. Alles weitere stammt von Hermansen: '13 Enemas For
Good Luck' als Einlauf mit heiß und heulend aufquellender Gitarre und dunkler, mit 70sHardness versteifter Verve. 'Flew A Little Bullfinch Through The Window', mit wieder
schreitendem Beat, erweist sich als mehr Dom als Pfaff, indem Gitarre und Keys
kleinlaut schnäbelnd doch kathedralen Luftraum auskosten. 'Focus On Insanity' nimmt
von Ornette Colemans 'The Shape of Jazz to Come' her melodischen Schwung mit
wieder virtuos quirlendem her-moen-sen'schem Drive und gottvollem Gitarrenfuror wie
im Goldenen Zeitalter. Auch der Basspuls schlägt da bis zum Hals, und Lofthus
scheppert und knattert wie 'wahnsinnig'. 'You Don't Know, You Don't Know'
entschleunigt zuletzt nahezu elegisch. Und gewinnt doch, wie von Brünnhilde gedrängt,immer mehr innere Kraft und muthigen Trotz, Hunger und Durst, Dorn und Gestein zu
ertragen und im Ungewissen den eigenen Weg zu gehn. Wotans Wüten, gebannt wie
hinter Panzerglas. Lache, ob Noth, ob Leiden dich nagt!
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SEAN NOONANs Coup, sich als PAVEES DANCE mit der Can-Legende Malcolm Mooney zusammenzutun, geht mit Tan Man's Hat (RNR106, CD/LP) in eine zweite Runde. Mit wieder
dem Best-Dressed-Bass-Star Jamaladeen Tacuma, statt Aram Bajakian (der nun in Vancouver mit seiner Frau in Dálava spielt) krallt sich Ava Mendoza die Gitarre, und an Keyboards
mischt Alex Marcelo mit, ein alter Bekannter von The Hub. Der hat schon bei "The Sound of
White Columns" (2011) Bekanntschaft mit Mooney gemacht, der sich als Fauve Painter &Beat Poet fit gehalten und auch mit u. a. Myles Boisen & Dave Slusser in der Bay Area als
Tenth Planet drei Alben realisiert hat. Noonan, bekannt an afro-keltischen, brooklyn-bavarischen und zappa-varèsischen Kreuzwegen als Brewed-By-Noon-Griot, Scheherazade mit
Boxerpunch und überhaupt Memorable-Sticks-Man, tritt wieder hinter Mooneys harmolodisch gestaltete Beat Poetry und sein So Contrary-Timbre zurück. Teils nach Ideen von Noonan oder von Günter Janovsky (durch den Jahu-Musikladen in Freising und den "Hirsch" in
Moosburg ein Local Hero), kehrt der bei 'Boldly Going' und 'Martian Refugee' den spaceexplorativen Blick auf die irdischen Verhältnisse um. Er gibt sich auch bei 'Tell Me' explizit
engagiert und erdet dabei Noonans eher eskapistische Fantasy. Die sich aber schon nochzeigt bei 'Turn Me Over' als launigem Ragtimekrach über einen in 'ner Vinylrille steckenden
Dschinn. 'Gravity and the Grave', das Mooney mit Steve-Day'scher Verve performt, 'The Endof the Inevitable' und das rührende 'Winter Inside' kreisen daneben um den Tod. 'Tan Man's
Hat' hatte Mooney einst schon für ein Can-Demo auf der Zunge und es erklingt nun als bluesig eingesäumter Rock'n'Roll. Bravouröser Bassschub zu halsbrecherisch wirbelndem
Drumming, quirligen oder orgelig tremolierenden Keys und Mendozas schrappelig agiler,
herzmassierender und bei 'Girl from Another World' freiweg sensationeller Gitarristik machen hier aus Jazz & Poetry etwas Hochkomplexes und scharfkantig Brachiales, das dabei
weder elegische noch groteske Züge scheut, um als Universal Outsiders, Refugees undTravellers Staub aufzuwirbeln.
Im JAMIE SAFT QUARTET verdichten sich für Hidden Corners (RNR109, CD/LP) jede Menge
gemeinsamer Erfahrung und geteilter Spiritualität. Die von Jamie Saft am Piano und Brad
Jones am Kontrabass in New Zion und bei "New Dream", die von Hamid Drake an den Drums
und Dave Liebman an Sax & Flute in Sacred System und zuletzt bei "Chi", die von Liebman
mit Miles Davis, die von Drake mit Pharoah Sanders und Don Cherry. Die Annäherung an das
Ch'i im Taijiquan (dessen Hauptprinzip die Weichheit ist), die Faszination für die Mystik der
Gnawa und der kabbalistischen Gematria, der Spirit von "Ascension", "Ptah, the El Daoud"und "Thembi". Gebündelt in der Quest nach den universalen Heilkräften von Musik. Saft hat
Drake zu New Zion eingeladen und mit Liebman eine Hommage an John Coltrane gespielt.
Nun ist all das vereint in 'Positive Way' und sieben weiteren Vorstößen ins Verborgene, von'Seven are Double' bis 'Landrace'. Jones brummt und lässt die Pfoten über die Saiten
tanzen, Saft arpeggiert mit weichem Anschlag, und Liebman bricht auf dem Tenor inenthusiastische, ganz ungezwungene Gesänge aus. Als sei ihm der Geist der ImpulseMeister in Fleisch und Blut übergegangen. Dann wechselt Saft auch zu splittrigen Figuren
und ins rumorende Bassregister, zu Jones' singendem Pizzicato und Liebmans bohrender,
aber nie verbohrter Insistenz. Zu 'Yesternight', nicht zufällig mit Soprano, möchte man fast
Raindrops on roses / And whiskers on kittens anstimmen. Saft hämmert mit silbernem
Hämmerchen und quirlt rauf und runter, Jones besticht mit melodischer Fingerfertigkeit,
Liebman mit höchster Zärtlichkeit. '231 Gates' versteckt sein Geheimnis in Flötentönen und
schwindelerregendem Pizzicato. Mit dem Bogen streicht Jones um 'Turn at Every Moment'
wie die Katze um die Hosenbeine, und Saft schwant über den zugefrorenen See - das
Soprano spielt dazu den Prinzen. Für 'Hidden Corners' wird Liebman wieder zum federleichten Tenor, zu ausschreitendem Walking Bass und edelfingrigem Geklimper. In 'The
Anteroom' lässt Saft zu geisterhaftem Bogenstrich und elysischer Flöte träumerische
Erwartung aus den Tasten aufsteigen. Und das Finale nutzt Jones nochmal für ein
stupendes Pizzicato, Liebman für Sopranokapriolen und Saft für kristallines Geklimper imalten Stil. Als weiterer Retro-Trip ist das ganz OK. Nur OK? Gilt - mit Laotse, Benjamin undBrecht - nicht auch: Wer das Harte zum Unterliegen bringen will, der soll keine Gelegenheit
zum Freundlichsein vorbeigehen lassen? Als »Minimalprogramm der Humanität« auf derErde voller kaltem Wind?
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rune grammofon (Oslo)
Das FIRE! ORCHESTRA ist, als Feuer, gestaltwandlerisch, aber immer mit Mats Gustafsson,
Johan Berthling und Andreas Werliin und den Stimmen von Mariam Wallentin und Sofia Jern berg als Glutkern. Konzentriert auf 14 Flammen, flackert Arrival (RCD2205 / RLP3205) um
allerhand Blech und Reeds vermindert, dafür aber mit Strings und, neben bekannten Zündlern wie Per Texas Johansson und Christer Bothén (an Oboe, Bass- & Kontrabassklarinetten), neuen Gesichtern wie Isak Hedtjärn (von Festen) an Klarinette & Altosax und, als Rückkehrer, Tomas Hallonsten (von Tape) an Keyboards. Die Geigen führen mit '(I am a) horizon'
ein in die anfangs nur glimmenden 66 Min., denen die beiden Sängerinnen ein zartes Morgenrot einhauchen, von Susana Santos Silvas zirpender Trompete und den knarrenden
Bassklarinetten gesäumt. Was für Stimmen, was für ein relaxter Sonnenhymnus. Würden
nicht raue Reeds so gequält aufstöhnen. Aber Mariam & Sofia swinglesingen 'Weekends(The soil is calling)' als wie durch die Zeit gereiste Flowerpower-Girls aus den 60ern/70ern.
Und so voller optimistischer Grünkraft, dass sie dem kakophonen Widerstand aus ominösem
Georgel, dunklem Rumpeln und wieder schmerzlichem Röhren die Leviten lesen und all das
als Groove um den Finger wickeln, auch wenn der Nachgeschmack leicht bitter schmeckt.
Aus einem Klarinettenabgrund fängt Robbie Bashos 'Blue crystal fire' zu qualmen an, aberfragilster Sopran und harfenzarte Keys entführen in einen Märchenwald: Deep within theforest: there I wait for you my love / Deer with silver antlers: come and play with me my love .
'Silver trees' verweilt dort mit wehmütig röhrendem Bassklarinettengesang zu Berthlings
Pizzicato, bis die beiden Elfen Balsam auf die Wunden züngeln, den das Cello verstreicht.
Mit dem Zauberspruch: Nothing is, nothing was, nothing will be, der prompt zu einem trompetenbeschmetterten Groove anstiftet, zu dem die Mädels rappen und lauthals jubilieren.
'Dressed in smoke, blown away' schleppt als Orgel-Gospel mit Gutbucket-Bariton und jaulenden Strings süße Erinnerungen mit sich. Auch '(Beneath) the edge of life' umkurvt downtempo und streichersüß die harten Kanten des Lebens. Und doch endet es mit dem tiefmelancholischen I'm lonely, please hold me, come closer, my dear / I can't hide all this hurt andpain inside I feel einer Version von 'At last I am free' (I can hardly see in front of me), die sichin ihrem beklemmenden Insichwiderspruch verzehrt. Ja doch, als derart fire!-orchestrales
Phänomen ist das Dasein und die Welt ewig gerechtfertigt!
Es gibt sie noch, 'Supergroups', und ELEPHANT9 ist eine davon: Mit Ståle Storløkken (vonSupersilent) an Keys, Nikolai Hængsle (von Band of Gold) an E- & Kontrabass und Torstein
Lofthus (von Shining) an den Drums. Psychedelic Backfire I (RCD2206 / RLP3206) & II (RCD
2207 / RLP3207) zeigt sie nicht nur live, sondern im Kampen Bistro in Oslo demonstrierensie im Januar 2019 mit zwei Versionen von 'Habanera Rocket' & 'Fugl Fønix' (von "Walk theNile", 2009) zugleich ihre frei rockende Flexibilität, dank der das Gleiche nie dasselbe ist.
Und entfalten dabei, ohne an immergleichen Noten zu kleben, die ganze Bandgeschichte:
mit noch 'I Cover The Mountain Top', dem ebenfalls doppelten 'Skink' & dem Titelstück von"Dodovoodoo" (2008), 'John Tinnick' (wieder vom zweiten Album), 'Freedom's Children' (von"Atlantis", 2012), Stevie Wonders 'You Are The Sunshine Of My Life' (von "Silver Mountain",2015) sowie 'Farmer's Secret' & 'Actionpack1' (von "Greatest Show On Earth", 2018). Dassbeim zweiten Konzert wieder der schwedische Gitarrist Reine Fiske (von Dungen, The Amazing) als vierter Mann mitmischt und Elephant9 seinen Björkenheim/Rypdal-Touch aufdrückt, gehörte ja schon bei "Atlantis" & "Silver Mountain" zum elephantösen Sound. Zuerst
jedoch dominieren Hammond, Rhodes, Minimoog & Mellotron, die ebenso auf Zehenspitzen
durch Porzellanläden tänzeln können, wie sie mit Emerson'schem Düsenantrieb für Action
und Voodoo sorgen. Wobei Storløkken mit Zawinul & Young voodoo-wütet und mit Hancock& Co. EVIL einen Spiegel hinhält. Bei aller Retroskepsis zögere ich, darauf zu pochen, dassdie 70er das Letzte und Keith Emerson das Allerletzte sind, was heute not tut. Progressive
Rock machte durch Aggressive Punk und mit dezidiert gesamteuropäischem In-OppositionSpirit jenseits von Hypertrophie das Beste aus sich selbst. Die Gegenwart kann das von sichnicht behaupten. Aber mitreißender als mit solchem Trollgroove und den Pfingstzungen von
Fiskes phönix- & dodofedriger Fusion von McLaughlin und Rypdal kann man um Freedom's
missratene Kinder kaum werben.
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Noel Scott Engel genannt Scott Walker (9.1.1943 - 22.3.2019)The Sun Ain't Gonna Shine Anymore. Das bekommt
der Feind der Zeitgeistsurfer (NZZ) in seiner kompromisslosen Originalität (n-tv) als one of avantgarde music's most electrifying auteurs (npr) und
experimenteller Einzelgänger im Kaninchenbau desIrrsinns (Spiegel) jetzt auch noch mit ins Grab geschaufelt. Von Leuten, die nicht versäumen, ihn als
gescheiterten Teeniestar und Freak hinzustellen,
mit "Climate Of The Hunter" (1983) als der größten
Pleite von Virgin. Zu Fotos, die vor 50 Jahren seines
Lebens die Augen verschließen. Pinguine fliegennicht. Maoam. Immer schön durchblicken lassen,dass man doch lieber um goldene Kälber tanzt als
mit so einem befremdlichen Engel.
...In den Achtzigern noch ein Soloalbum, das endgültig so etwas wie einen Heiligenscheinum Engels Gestalt legte, aber wie verschweißtes Blei in den Regalen liegenblieb, unddann, plötzlich, aus heiterem Himmel, ein entferntes Donnergrollen als subtiler Schock fürden Rest der hörenden Gesellschaft: mehr als zehn Jahre später, mitten in den Neunzigern, ein neues Album von Scott Walker - Tilt... Wenn jemals Musik aus einer anderen
Dimension gekommen war als der, die wir zu kennen uns anmaßen, dann die Musik vonScott Walker. So Tobias O. Meißner (der Autor von "Starfish Rules", "Berlinoir"...) in "HalbEngel" (1999), wo er Walker-Engel seinem Protagonisten Floyd Timmen, Kopf der Band
Mercantile Base Metal Index, einen Ausweg zur Misere des Ruhms aufzeigen lässt, eine
Alternative zum Selbstmord im Rampenlicht.
Ja, "Tilt" (1995 bei 4AD), als das erste Album des 21. Jahrhunderts? In der Not frisst der
Betrieb auch Außenseiter, gefallene Engel, den Klang eines erfrierenden Himmelkörpers(Der Tagesspiegel), einen Orson Welles der Musikindustrie (Walker über sich selber). Aberes musste sein: "Drift" (2006)... "Bish Bosch" (2012). Und ist es nicht Pop, dann eben
Kunst - Francis Bacon, Camus, Dada, Klang gewordener H. R. Giger. Mit Sunn O))) hat er
uns nackten Affen "Soused" (2014) als großen schwarzen Monolithen in den Mondkrater
Tycho gewuchtet. Mit einem gepeitschten Marlon Brando, einem Wiegenlied vom Totschlag
der Rothäute, einem Bullen im Schlachthof, die Schlachthöfe als Golgota. Hymnen an die
Nacht, enigmatisch bis zum Äußersten in mythopoetischer und existenzieller Mehrfachcodierung, aber intensivst eingefühlt ins Eingesperrt- wie ins Ausgestoßensein. Some areborn to it. Some are made to do it. Some allowed. Noel Scott Engel hat alle drei Kriterien
erfüllt. Diesseits und jenseits des Jupiters. Verschreckend, erstaunlich, einzigartig.
Wie es der Teufel will, fiel mir letzte Woche im Musicland "The Childhood of a Leader" in
die Finger, Walkers Soundtrack zum Film von Brady Corbet, der, locker basierend auf
Sartres "Die Kindheit eines Chefs" und "Der Magus" von John Fowles, die Adoleszenz
eines faschistischen Führers nach dem Ersten Weltkrieg gestaltet. Kaum ging mir wieder
Walker im Kopf rum, kommt im Radio die Todesnachricht. Und ich fühlte mich ein wenig
schuldig (als wäre ich in China über einen Sack Reis gestolpert). Die Musik ist echter Walker, wenn auch ohne Worte. Reich orchestriert mit haufenweise Streichern, gegenbalanciert mit massenhaft Brasspower. Mit Orchestrierungshilfe durch Mark Warman, der inzwischen auch bei Corbets "Vox Lux" (2018) im Spiel war. Walker besticht durch dramatische Effekte, wie sie bei " Der Weiße Hai" und "Psycho" an den Nerven zerren, und durch
prägnante wie bei 'Printing Press'. Aber mehr noch durch dräuendes Chiaroscuro, mit
ungut flirrenden Strings, pulsierenden und surrenden Bässen, grollendem Blech, eigenartiger Percussion. Purer Walker und ein würdiges Vermächtnis. Alas...
Der Leiermann drehte was er konnte. Tonight / my assistant / will pass among you // His
cap will / be empty // Tonight my assistant / will hear / the canals / of Mars...
19

... over pop under rock ...
BERESFORD - HAMMOND Circle Inside the Folds (the 52nd, 52NDCD005): Nach "The Lightning Bell" (2016) mit noch der Pianistin Carolyn Hume, seiner Partnerin auch in Fourth Page
bei zuletzt "The Forest from Above" (2018), spielt Charlie Beresford hier wieder, wie schon
bei "Each Edge of the Field" (2017), im Tête-à-tête mit der Cellistin Sonia Hammond. Wieder
im Cwm Gwilym Schoolhouse im walisischen Bezirk Powys zupft er die Gitarrensaiten für
das zarte 'Homage to Opus 8' (nein, nicht Chopin, sondern Zoltan Kodalys Herzausreißer für
Cello), das zu Hammonds sämigem Strich wechselseitig aufwallt und sich schließlich mit
monotonem Pianoriff auf der Stelle dreht. 'Submerged' folgt in geradezu spanisch gepickter
Melancholie mit von allen Fingern ausgekostetem, auf Cellosamt gebettetem Feeling. Das
Cello tanzt die ersten Schritte des 'Apparat Waltz', die Gitarre schmiegt sich so eng an, dasses pikiert kiekst, aber keinen 3/4-Hüftschwung auslässt. Bei 'Mosquito Machinery' sirren die
Gitarrensaiten blutdurstig zu nächtlich dunklem Celloton, der versucht, einen seligen Traumzu hüten, aber sich selber in ein Blutsaugerchen verwandelt. Zu einem leicht metallischen
Gitarrenloop, den das Cello umflirrt und schillernd, fast pfeifend umflageolettisiert, fordert
Beresford wie ein jüngerer Steve Day "Adjust the File". 'Something Against the Hull' hebt an
mit verhuschtem Cello zu perkussiv geklopftem Piano und taucht zu Beresfords rumorender
Linker sonor ins Dunkle. Um dort wieder einen 3/4-Takt zu finden, den er im Innenklavier
beplonkt. Für 'Order of Odonata' (die Ordnung der Libellen) harft er schließlich nochmal
spanisch zu brummigem Cello, er funkelt in kleinen Kreisen, findet einen althergebrachten
Ton, klampft monoton und, vom Cello besummt, wieder in Kreisen. Kreise, denen ein Pferch
zu eng wäre und wo die Gemeinde gern wachsen kann.
BIOTA Fragment for Balance (ReR Megacorp, ReR BCD9): Zwischen zuletzt "Funnel to a
Thread" und Biotas neuem, einmal mehr von Chris Cutler verlegten Gesamtkunstwerk aus
Bildern und Musik liegt der Tod von Charles O'Meara/C.W. Vrtacek (1953-2018). Der Auftakt
dieser besonderen Softcore Chambermusic aus Colorado könnte in seinem Andenken
elegischer kaum sein. Sein Piano ist aber noch Teil der von Rhodes, Clavioline,
Biomellodrone, Hammond & Pump Organ, zarter Percussion, Streichern (Crown Bass, Violin,
Banjolin), zartem Gebläse, Akkordeon und vor allem durch feines Gitarrenspiel bestimmten
Klangbilder, die freilich erst durch Processing, Mix und Editing durch Bill Sharp, Randy
Miotke und Gordon Whitlow ihre Biota-typische Gestalt annehmen. Als Dreamscapes, indenen abstrakt expressionistische Landscapes und surreale Seelenlandschaften widerhallen. In träumerischen Akkordeon-, Piano- oder Geigenklängen, in bebendem Orgel- oderzirpendem Trompetensound und dem Fingerstyle-Gitarrenpicking von Tom Katsimpalis undMark Piersel. Durchschauert mit den Gefühlswelten aus Balladen von jenseits von Eden, wie
sie der von elektrischen Musen geküsste Neofolk der 60er/70er aufgefrischt hat. Diesmal mit
geisterhaften Anklängen von Nic Jones' Versionen von 'The Flandyke Shore' und 'Oh Dear,
Rue the Day', dem durch Percy Grainger, Shirley Collins und Martin Carthy bekannten 'Brigg
Fair', und 'There Lived an Old Lord', wie Jean Ritchie es gesungen hat. Bezaubernd, aberimmer nur geisterhaft angestimmt von Kristianne Gale, die dazu noch den eigenen 'FishingSong', 'Magpie Lamps', 'Rabbit in the Rain' und 'On Laurels' in poetischen Schwaden mit indas Zwielicht wölkt, in dem Biota mit 'Whirl Quarter Moon', 'Halflight', 'Corner Shade' und'Cloud Pale' nach Vergessenem und Verlorenem tastet. Aus 26 strömenden Passagen formt
sich ein Flow aus unaufhaltsamer Flüchtigkeit und beständiger Fluktuation, in der Schwebe
zwischen Vanitas, Trauer und schönheitstrunkener Nostalgie. Bei 'Unspun' und 'Compass
Well' aber auch energisch und überhaupt wie mit transzendentalistischem Rückenwind undCharles-Ives'schem Flair. PS: Dass sich Gale bei "Heartbeats In The Ocean Of Stress" und"The Schoenberg Paradox (paradoxically)" von Arzathon mit dem aus Dülken stammenden
Erdling Ralf "Gypsy" Bevis zusammentat, gibt mir Gelegenheit, neben den einzigartigen unddoch mit Denis Frajerman oder Beresford & Hammond seelenverwandten BIOTA doch auch
auf diesen wahren I am not here to entertain-Undergroundler hinzudeuten:-> arzathon.bandcamp.com !!
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CHRIS BROKAW End of the Night (Glitterbeat/tak:til, GBCD075 / VDSQ 024LP):
Weiß der Teufel warum bei mir, wo sich doch mit Codeine, Come, Willard Grant
Conspiracy, Thalia Zedek, Molasses, Dirtmusic oder Rhys Chatham x Projekte, in
denen er zugange war, in meinen Reusen verfangen haben, von Brokaw nichts
hängen blieb. Hier nun sticht gleich mal das vom legendären Graphikdesign-Oldie
Sandy Dvore gekrakelte 'Raucher mit Hund'-Artwork ins Auge, noch bevor ich
unter den Mitstreitern mit dem Drummer Luther Gray und dem Bassisten Timo
Shanko zwei gute Skycap-Jazzer entdecke, die sich da einfach als gute Kumpel
einbringen. Dazu bläst Greg Kelley eine melancholisch gedämpfte Trompete gleich
bei 'Swimming, Tuesday' und nochmal zum Ausklang dieser zehn Nocturnes.
Ansonsten lässt Brokaw sich als One-Man-Gitarren-Band bei vier Stücken vonStreichern umspielen. Dass einem diese Songs ohne Worte im Indie-AmericanaStil sein Slacker- und Loser-Timbre vorenthalten, erscheint mir persönlich als keinschmerzlicher Verlust. Denn der Tenor der brütenden Gitarre-und Bass-Nachtwachen ist auch so schmerzlich genug, vor allem, wenn Strings zartbitter an den
Herzfasern reiben oder die Gitarre kaskadierend verhallt. Das energisch tuende'Step Outside' bleibt nicht mehr als ein Vorsatz, denn Brokaw harft weiterhin die
Harfe des Trübsinns und lässt jeden Eifer vermissen, die Nacht und das zähe
Mitternachtsblau im Gemüt schneller hinter sich zu lassen, auch nicht als derschlaflos Rumlaufende von 'His Walking'. Die Nacht muss von allein vergehn und
tut es mit so bangem Reveille der mehrzungig geblasenen Trompete, als wäre das
Morgengrauen nur die Abenddämmerung in durchsichtiger Verkleidung.
DENIS FRAJERMAN Wastelands/Lawrence of Arabia (Klanggalerie, gg292): Es hat
mich enttäuscht, dass "Herbes & golems" - mit einer Ausnahme - mit dröhnendem
Schweigen aufgenommen wurde. Nun denn, ceterum censeo... Für die kleine'Wastelands'-Suite legt Frajerman Zeilen von T. S. Eliot wie modrige Pilze in
Susannah Rookes Mund. Angefangen mit April is the cruellest month, breeding /lilacs out of the dead land, mixing / memory and desire... Er hat mit ihr auch schonsein 'Quatuor N°2 "La Mort D'Anchise"' (2004) realisiert, und ebenso gehören
Carole Deville und Hélène Frissung an Cello und Violine zu seiner Entourage, dennStrings sind bei Frajermans Kreationen unverzichtbar. Sie erklingen hier mit
sanften Drums, neben melancholischer Bassklarinette, Soprano oder Sopranino zu
seinerseits Gitarre, Keyboards oder Bass. Wobei das Cello noch elegischer summt,
wenn die Themse als Lethe dahinfließt. The nymphs are departed. / Sweet Thames,
run softly, till I end my song... Eindringlich bittet Rooke: Stay with me. / Speak to
me. Eindringlich fragt sie: “Do You know nothing? Do you see nothing? Do you
remember Nothing?” Um schließlich zu einem Geigenton, wie er weher nicht
klingen könnte, wie eine Wasserleiche in der von Öl und Teer versifften Strömung
an der Isle of Dogs vorbei zu driften. Als 'Lawrence of Arabia' verbunden sinddann zehn Compilation-Beiträge durch eine leichte, bei 'Express' auch deutlichereorientalistische Tönung. Die wieder von Strings herrührt, neben Zarb & Percussion
und, gezielt, Soprano oder Sopranino. Frajermans eigenes Spiel ist von vielfarbigen Keys bestimmt, wobei er allein bei 'Choleoptia', seiner 'One Minute
Symphony' für "Apología de los insectos" (2017 auf Endogamic), Acoustic Guitars,
Piano, Voice, Hand Clap, Mouth Percussion & Chinese Cymbal einsetzte. Mit 'Clock
Bird' greift er ganz uhrwerk-minimalistisch ein Stück von Minimal Compacts"Lowlands Flight" (1987) auf, und er widmet das ganzen Album auch Samy Birnbach. Mit 'Wie der Wind am Ende einer Straße' und allem Karawanen- und Miragezauber covert er Amon Düül II, auf deren "Wolf City" (1972) das zu finden ist.
Wobei 'Nostalgy', 'Mélancolia' und 'Captain Nemo's Death' explizit jenen Grundzug
der eigenartig neoklassizistischen Stücke verraten, der mir ausgeprägter erscheint als der Orientalismus. Was, trotz der puren Streichertristesse von 'Orient',
nicht heißt, dass man sich Frajerman als trüben Cousin von Pascal Comelade
vorstellen muss.
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ANNA VON HAUSSWOLFF Dead Magic (City Slang, SLANG50139): Was mich bei derschwedischen Prinzessin, immerhin ist sie die Tochter von Carl Michael von ElgalandVargaland, aufhorchen lässt, ist der Dagmar-Krause-Ton, der bei 'The Book' kurz den
Horizont aufreißt, bevor sie wieder in Pianowellen eintaucht mit einem kleinen Undinenstimmchen über blonde Brisen hin zu pathetischer Verve. Von "Singing From the Grave"(2010) an hat sie sich in die Herzen von Traurigkeitsgenießern gewühlt. Mit den Epitaphs,
dem 'Deathbed'-Pathos, dem 'Funeral For My Future Children' und Kirchenorgel als ihrem
bleibendem Markenzeichen auf "Ceremony" (2012) als einem Requiem mit ostermythischer
Sonnenaufgangshoffnung. In einer Spannweite vom knarrenden 'No Body' bis zu Countryfolkspreu in poppigem Moll. Mit "Källan" (2014), wie in "Jungfrukällan", aber inspiriert
durch den gleichnamigen naturmystischen Roman von Walter Ljungquist (1900-1974), als
Domorgelwagnis auf Touch. Mit Matti Bye als Hydras Dream und "The Little Match Girl"(2014) als imaginärer Filmmusik. Wobei ihre Schwester Maria als Filmemacherin ihre
Songs gern in schauermärchenhafte Albträume verwandelt. So auch bei der Stranger- undWanderer-Thematik und dem Wiederverzauberungszauber von "The Miraculous" (2015).
Wo Annas Version von 'Come wander with me' mit Swans-Power umbricht in 'Deliverance'
und sie sich zu gilfender Gitarre die Seele aus dem Leib schreisingt: Walk with love / Walk
with soul / Walk with dreams / Through the cold / But I will never be free. Die eigene Phrasendrescherei und Reime wie My love is strong, but my nose is too long deuten eher auf poetische Dachschäden hin. Was freilich der mirakulösen, zuletzt ganz desertrockigen Musikkeinen Abbruch tut. Mit 'The Truth, The Glow, The Fall', 'The Mysterious Vanishing of Electra', 'The Marble Eye', 'Ugly and Vengeful' & 'Källans återuppståndelse' als nur noch einer
Handvoll Stücke kommt Anna bei "Dead Magic" ihrem Ideal eines nur einzigen Liedes noch
näher. Eingedenk von Ljungquists Mahnung, dass ohne eine Stille um die Geheimnisse derinneren Natur des Menschen keine Legenden gedeihen, nährt sie das Geheimnisvolle mit
Herzblut und dem Trotz der Untoten. Will we fall where we fall / Oh down in the chaos /Driven by black magic glow. Ist das der Sturz von the white angel's glow in schwarze Abgründe? Der Sündenfall, Luzifers Sturz? Das in Schwarzrot getauchte Frauengesicht ist
eine ebenso geheimnisumwitterte Illustration wie der gläserne Sarg in einer barocken
Gruft. Die Orgel- und Gitarrenmusik dazu ist wieder schauerromantisch und ungeniert pathetisch. Anna ruft voller Hingabe an Tod und Teufel ihren mysteriösen Lover und Seelen(ver)führer My sweet John, My dear John. Sie, der ein Bonmot wie "The void is unavoidable" lächelnd von den Lippen kommt, bringt dazu sogar ihren eigenen Namen ins Spiel,Electra, beim schleppenden My feet are not enough / My love is not enough , geschrien mit
rauer Kehle und aufheulender Verve bei ihrem bislang grandiosesten Torchsong. 'Ugly and
Vengeful' als ätherischer und zugleich steintrolliger 'Stonerrock' zeigt sie wie versteinert
und hin- und hergerissen von einem Steinsein, für das sie sterben will und nicht
sterben kann. Als sei's der heilige Gral, alshätte jedes große Wort einen Kometenschweif. Ohne Worte, nur mit Kirchenorgel,
schweift das Marmorauge, zeitenthoben,
hin zur Quelle, in die Anna zuletzt auferstehungsmystisch und sunnatrunken eintaucht.
Wobei When the morning comes to embrace / The glorious I shall become / Todissolve myself into emptiness / And to riseagain with one stone less als letzte Zeilen
dieser sich wieder schmerzhaft und glorreich aufreibenden Passion an Rätselhaftigkeit nichts zu wünschen übrig lassen.
Aber es liegt wohl in der Familie, mit einem
Burzum-T-Shirt (sie) oder mit Auschwitzaschenkunst (ihr Vater) Verwunderung
auszulösen.
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OONA KASTNER & WILLEM SCHULZ
oct. 18, 2:09 a. m. (Poise 29): Mmm
Oona, die einzigartige Oona Kastner.
Nach den Dead-and-Gone-"Songs froma Darkness" mit Dirk Raulf als d.o.o.r,
gibt es da gleich ein Wiederhören mit
ihrer Stimme und nun auch eigener
Poesie, beschallt von Willem Schulz
und seinem Cello. Der sitzt in Melle
zwischen wilden Rosen, hat aber einenkünstlerischen Aktionsradius von Herford über Duisburg und Unna bis
Bielefeld, doch gern auch durch dieganze Republik wie einst für seine "43
Dialoge mit der Welt" (BA 77). Neue
Musik – Text – Kunst – Performance Improvisation - Kommunikation, dafürist Schulz zu haben, solo, mit Steve
Gibbs & Joachim Raffel als ->Namu 3,
dem Cooperativa Ensemble, mit Kastner & dem Pianisten Markus Schwartze bereits bei "Disappearances & Last
Things" mit wilder Musik am wüsten
Ende der Zeit. Wenn Oona Ich denke
an dich in der Stille der Nacht... flüstert- es sind das Zeilen von Fernando Pessoa - ist man wohl unmittelbar wieder
in der gleichen Wüste, im gleichen
Friedhof der Nacht, schwarz und weißunter dem gleichen fremden Mond.
Dem Mond der Verlassenen, der Vergessenen. Das Cello dazu ein einziges Schlurchen indüsterem Diskant mit Christopher-&-Okkyung-Lee-DNA. Um im nächsten Moment kakophon zu entgleisen, zu zersplittern, als poltrig schrilles Oinky-Poinky, zu dem Oona mit
kapriolender Seezunge überkandidelte Laute von sich gibt bei einem stripsodistischen
Seepferdchenrodeo. Dann wird sie zu ächzenden Bogenstrichen zur raukehligen Hexe, dieplötzlich in verjüngter Blüte einen Song in Oonas Cohen-Young-Radiohead-Stil anstimmt.
Um vor dem kommenden Winter zu warnen, in wachsender Besorgnis. Als Worried One,als Kassandra, als weiblicher Tim Buckley. Aber nach 7 Minuten zeigen sich zu schrillen
Strichen doch Bocksbeine und eine beelezebubige Zunge, in Gollum-Sméagol-ähnlicher
Spaltung, kindlich vs. erlköniglich grollend, Frühlings-Kobold vs. Winter-Dämon. Zu galoppierendem Gefiedel und klopfenden Hufen wird sie zur schmachtenden Liebesmystikerin,
die sich mit flehenden Be my... in höchste Höhen aufschwingt, wo ihre Worte schmelzen
wie Wachs. Sie zerfließen zu einer heiseren und delirant stammelnden Sprachlosigkeit mit
düsend abstürzenden Glissandos und heulender Kakophonie. Um '2:53 a. m.' schlägt zu
cellomagisch pochender, sich durch alle Schattierungen deklinierender Wallung die
Stunde eines unendlich süßen Kusses, vor dem alles verstummt und die Zeit sich in eine
andere verwandelt, so intensiv wie Oona da ihr Glück visioniert - so far away in anothertime and another place and another face. Um sich zuletzt in tiefster Tristesse auf das
verschlissene Velours des Cellos zu betten... um ein wenig zu ruhn... um sich von ihrem
Warten auszuruhn, von Stille behütet. "Wenn das Herz denken könnte, stünde es still"(Pessoa). Kastner trägt ihr Herz auf der Zunge, mit einem Feeling, das seit den von Auster& Cioran-Spirit durchschauerten Songs im Duplex Mesh Duo nochmal nachdunkelte.
Weiterhin wie angezogen durch den gleichen Lapis Exillis wie David Sylvain, Scott Walker,
Mark Hollis. Seit 2018 ist sie übrigens Teil des Musikerkollektivs THE DORF und ließ mit
ihnen schon "Ummagumma" wieder auferstehen. Ist das nicht toll?
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ANTHONY LAGUERRE Myotis (Vand'Oeuvre, LP): Laguerre ist als Trommler, Compositeur,
Improvisateur & Toningénieur mit Anbindung an das CCAM-Umfeld in Nancy kein neuer
Name. Sondern durch Filiamotsa, Club Cactus (mit Jean Michel Pires) und zuletzt Piles (mit
Guigou Chenevier & Michel Deltruc) einer, an den sich Erwartungen knüpfen, die er beim
CCAM 2019 mit "OH !" als création théâtrale, musicale et chorégraphiée nach SamuelBeckett weiter schürt. Oder als Iki mit der vokalisierenden Isabelle Duthoit bzw. im Duo mit
G.W. Sok. Das 7-teilige 'Mausohr' hat er nun allein gestaltet mit Batterie, Effets & Harmonica. Und er steigt ein mit einem dunkel und monoton gepochten Trauermarsch mit zag
fiepender, hobobluesiger Harmonika, in der der Wind windschief klagt, oder die ferne
Dampfpfeife einer Lokomotive. Dann rührt er die Trommel wie vor dem großen Sprung im
Zirkus, doch das Band reißt, bevor einer springt. Statt dessen hagelt es aufs Becken, mit
wieder abruptem Filmriss. Viertens mischt er in ein motorisches Dröhnen diskant stechende und peitschende Blechklänge. Gefolgt von groovigem Tamtamtamtam, alternierend
verzahnt und mit weiteren Drumrolls und Beckencrashs kreisend angeschoben. Der 6.
Streich knattert, gongklangwolkig verrauscht und mit wieder metalloiden Stichen. Für 'VII',das den Rest der B-Seite einnimmt, stößt Laguerre alle 5, 6 Sekunden monoton ans
Becken und lauscht dem Nachhall, in den sich feine Metallfäden spinnen, neben
elektrischen Störlauten, dumpfen Wummerwellen und pfeifender Harmonika. Die Schläge
treffen allmählich das ganze Drumset, um in schleppendem Duktus schwerfällig zu rocken.
Aber doch mit genug Zug, um immer mehr ins Rollen zu kommen und mit zunehmendem
Basstrommelschub auch träge Masse mitzureißen in einen stampfenden, klappernden
Galopp. Sag keiner, dass es Laguerre an dramaturgischem Knowhow fehlt.
LES COMPTES DE KORSAKOFF Nos Amers (Puzzle): Ein von noch keiner Freakshow
gehobener Schatz, vielleicht weil sie, statt aus Lyon, aus Chambéry kommen? Immerhin
hat Rousseau dort bis zum 30. Lebensjahr gelebt, allerdings ist auch dessen vehementer
Kritiker Joseph de Maistre dort 1753 geboren. Ein Mann für unsere Zeit: Freiheit macht
nicht glücklich. Wissenschaft und Kunst, die keinem König dienen, sind bloß Narreteien. In
Demokratien ist niemals das Volk der Souverän, sondern das Geld. Geoffrey Grangé –Basse/Voix/Compositions, Guillaume Pluton – Trompette & Arrangements, Diego Fano –Saxophone Alto, Grégory Julliard – Euphonium, Marie-Claude Condamin – Violoncelle &Textes, Romain Baret – Guitare, Christophe Blond – Piano & Quentin Lavy – Batterie,denen 2016 schon "Ghost Train" (BA 91) zu verdanken war, nehmen sich die närrische
Freiheit, selbst wenn wir auf sinkenden Schiffen schaukeln, von 'Le Maudit' und 'Le Double'
als 'Antidote' zu singen. Als Gegengift, das man den neuen alten Monstern ins Ohr träufelt.
Grangé ist ein theatralischer Screamer, vexierend zwischen Claudio Milano (NichelOdeon),
Pascal Godjikian (La STPO), LEF (O.R.k.) und Nils Frykdahl (Free Salamander Exhibit),aber ohne Metal-Anklang, so wie auch die Musik als Avant-Rock mit klassischem undjazzigem Anstrich. Der Auftakt ist ein Aufschrei zu entschiedenem Riffing, vor allem desKlaviers, der nach kleinlautem Wispern in exaltierter Deklamation und brachialer Hymnik
gipfelt und der Zwiesprache von Klavier und Altosax. 'Caroussel' beginnt mit zielloser
Gitarre, tickt wie die Nadel in einer Endlosrille, kommt mit Beatgeklopfe weiter, mit
schnellem Sprech- und jetzt auch Gitarrengesang. Eigen wie Jac Berrocal, mit bläserumschmuster Jazzklimperei bei 'Terminal'. 'Murmures à l'Oreilles des Monstres' wispert
Grangé zu nur tröpfeligem Piano und trippeligem Beat, dafür gefühlvollem Cello, über das
das Piano spritzt und die Bläser sich geschlossen sammeln. Nur die Gitarre schert aus
und bringt den Gesang zurück, um lauthals und feurig die Fackel zu schwenken für 'Père
et Fille' als lichtem, luftigem Chanson, das auf der Stelle tritt. 'Bateau qui Coule' plonkt als
schleppendes Pizzikato, zu dem Grangé keucht und wispert, bis er zum tutenden Euphonium mit groteskem Gelächter einen kollektiven Danse macabre anführt. Gefolgt von'Antidote', mit Anklang an Pago Libre, ohne Worte, nur Bläser und Cello. Wie der Gesang
bei 'Le Double' zu eintöniger Trommelei ein letztes Mal von schlicht bis dramatisch gleitet,wie Pluton zum schwellenden, treibenden All-together elektrifiziert trompetet und der
Sänger sich zuletzt selber im Spiegel erscheint - formidable!

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We are the matter of everywhere. How can we be from somewhere?
* Schlimm genug, dass rechte Parteien in Deutschland, Frankreich und anderswo in letzter
Zeit immer mehr Zuwachs erhalten. In Polen und Ungarn stellen Rechtspopulisten die Regierung, in Österreich geben sie den kleinen Koalitionspartner. Menschen mit Migrationshintergrund, Homo- und Transsexuelle, politisch Andersdenkende usw. werden als dasvermeintliche Problem hart angegangen. Gegen einen fehlgeleiteten Nationalismus richtet
sich Olivier Mellano mit seinem Projekt NO LAND. Der 1971 in Paris geborene Musiker,
Komponist und Autor hat seit Beginn der 1990er mit unzähligen anderen Künstlern, Gruppen und Ensembles wie Psykick Lyrikah, Mobiil, Bed, Laetitia Shériff und Dominique A
zusammengearbeitet. Zudem komponierte er fürs Kino, Fernsehen, Dokus, Theater und
Choreographien. Als Gegenentwurf zur vor allem in Europa fortschreitenden Abgrenzung
mit den Auswüchsen Hetze und Rassismus hat Mellano "NO LAND" ins Leben gerufen, alspolitische Fiktion, humanistische Utopie und Ode gegen die Vereinfachung des komplexen
menschlichen Daseins. Mellano wuchs in der Bretagne auf und begann sein Musikstudium in
Rennes. Dadurch waren ihm die traditionelle Musik der Region und vor allem Bagads (inErmangelung eines adäquaten deutschen Begriffs: Pipes-and-Drums-Bands) vertraut. Mit
der Truppe von Bagad Cesson-Sévigné begann Mellano seine Visionen zu verwirklichen. Als
Sprachrohr holte er sich niemand Geringeren als Brendan Perry ins Boot. Perry hatte 2015
sein irisches Domizil, das Dead-Can-Dance-Heiligtum namens Quivvy Church, verkauft und
war mit seiner Familie in die Bretagne, Heimat seiner Ehefrau, übergesiedelt. Auf einer
schottischen Neujahrsfeier von Robin Guthrie, einem weiteren Wahl-Bretonen und Mitbegründer der Cocteau Twins, trafen Brendan und Olivier erstmals aufeinander.
"We are the land, the moving frontier / We are the now, we are not the here""NO LAND" feierte seine Premiere als Live-Event mit mehreren Konzerten im Juni und Juli
2016 in Frankreich, bevor im November 2017 das Projekt auf CD und LP bei World Village(WV 479131) veröffentlicht wurde. Als metaphorischer Ausgangspunkt des Textes fungiert
der Flug der Schwalben, die keine Grenzen kennen ("Swallows circle above our little heads.
They draw circles that never remain, avoiding the lines that would turn into cages." ). Auch
wenn das ganze Opus nur aus einem Track (CD-Version) respektive 2 Stücken (LP-Version)
mit einer Gesamtlaufzeit von 38 Minuten besteht, schmälert dies nicht den epischen
Charakter der Komposition. Mellano vereint hier auf den ersten Blick sich widersprechende
Komponenten. Mit neun Trommeln, vier Dudelsäcken und achtzehn Bombarden (Oboen)
verkörpert die Bagad das militaristische Element von Marching Bands, die es in ähnlicher
Zusammensetzung auch in vielen anderen Ländern gibt. Doch diesem martialischen Ton
stellt Mellano den völlig unkriegerischen Inhalt seiner Utopie entgegen. Der eigenwillige
Sound erschafft einen ganzen Kontinent unterschiedlicher und doch homogener
Klanglandschaften. Gekonnt wechseln sich innerhalb der einzelnen Sequenzen die Mitspieler ab. Besonders wichtige Zeilen werden gar im Chor gesungen ("THE HEART IS OUR
LAND, THE EARTH IS OUR LAND"). Über diesem - im Gegenzug zu den rollenden Trommeln
und Schalmeien des 'identitären' Neofolk - pazifistisch-utopischen Spielmannszugreigen
thront Brendan Perry mit seiner weichen Bariton-Stimme wie ein von Eirene beseelter
Friedensbotschafter.

"We have no land and if we had land / It would have no name.""Just one for all
or no land."Marius Joa
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KEDR LIVANSKIY Your Need (2MR-043, LP/CD): Yana Kedrina, so ihr ziviler
Namen, ist Teil des Moskauer Künstlerkollektivs John's Kingdom und mit Jg.
1990 'das neue Gesicht der russischen Underground-Electro-Szene'. Sie hat
Literatur und danach an der Moscow School of New Cinema studiert, doch die
ihr natürlichste narrative Form findet sie in Musik. Als Allesfresserin auf
elektronischem Sektor, von altem Industrial und EBM über Electro und
Breakbeat bis Neofolk und Shoegaze, aber durchtränkt mit dem Anarchospirit
und der Egomanie der russischen Punk- und Noise-Szene, die ihre Verspätung
gern durch waghalsige Überholmanöver und Überbietungsstrategien überspielt. Bei "Ariadna" (2017) zählte Kedr noch Sergey Kuryokhin & Pop
Mechanica zu den sie inspirierenden Vorfahren. Aber mehr als nett geklopften
Synthiepop und eine angenehm romantische, fast ein wenig melancholischbelegte Stimme finde ich nicht auf der Wagschale. Hier hat sie nun den St.
Petersburger Beatmaster Flaty als musikalischen Partner, aber die Poetry und
der Gesang sind allein ihre Sache, die körperbetonte Präsentation als
Blondine, die bei schlechter Beleuchtung noch wie 19 wirkt, erst recht. NachWilliam Blakes Tyger als Bettvorleger bei "Ariadna", ist auch diesmal zwischen'Lugovoy', dem Verdächtigen im Mordfall Litvinenko, und 'Ivan Kupala', derSommersonnwendfeier am Johannistag, viel Raum für die Phantasie. Die
Musik stampft zappeliger und erregter, knarriger und üppiger, die Stimme
jubiliert, kaskadiert und vokalisiert, mit der repetitiven Insistenz von Urban
Folk und der Euphorie von Party- und Johannisfeuerstimmung (angeheizt mit
Flöte und Maultrommel). Phrasen wie "bodies keep in touch" und ähnlicher
Quatsch setzen jenseits ihrer Banalität auf den Wiederholungseffekt, der mit
ostinaten Beatz und Bounces die Synapsen stanzt oder als Dub die Sinne
trübt. Erst spät zeigt sich wieder die romantisch schmachtende Kedr von'Mermaid' und 'Love & Cigarettes'. Aber ich erwarte doch einiges mehr, damit
Moskau ein neues Gesicht bekommt.
DANIELA SAVOLDI Ragnatele (Selbstverlag, LP): Seit ich die halbe Brasilianerin in Brescia mit "Trasformazioni" (BA 90) als 'kleine Schar von Celloengeln'
vorstellte, ist sie um die Cantautori Matteo Passante und Andrea Carboni undum Corimé herumgestrichen, sie hat den Dreampop von Francesca Lago und
Weinproben von Joe Bastianich verschönt, mit Le Luci Della Centrale Elettricaoder für Michele Comites Collettivo Clochart musiziert und im Dudù Kouate
Trio sogar afrikanisch. Hier nun zittert sie erneut in einem selber gesponnenen
Spinnennetz, zugleich Falter und Spinne, zugleich Tremolo, Pizzicato und
elegisches Legato. Und einsam vokalisierende Sirene, in einer Jahreszeit, diesie frösteln lässt. 'Improvviso' bringt jaulende Striche zum trappelnden Hufschlag ihrer Finger. Und ein noch viel wehmütigeres Feeling, durch bebende
Klänge und tieftraurige im Bassregister, aber dem ganzen Schmelz eines
Cellos, das schwarzen Flor webt. 'Storia di un attentato' erinnert an den'Mafiajäger' Paolo Borsellino, der 1992 mit seiner Eskorde ermordet wurde.
Der elegische Duktus zieht sich weiter zu 'Space' in bittersüßer, von Pizzicato
betropfter Tristesse, die schmachtend dem Sehnsuchtshorizont eines Schwarzen Lochs zustrebt. 'Dada' - ist Italien nicht eher Zang tumb tumb oder Bunga
Bunga? - zupft und summt weiter Trübsal, die Savoldi mit pickenden Bogenschlägen akzentuiert und mit Efeu umwindet. Wer mag, kann da aber auch,während die Cellowellen immer höher schlagen, mit leichtem Tritt um erwartungsvoll offene Gräber tanzen. Ich wüsste da einige in Rom und um Rom
herum, bei denen ich nicht die Hände ringen würde, wenn der Blitz sie beim
Scheißen trifft. Zuletzt bringt 'Modulatori' Loops aus fingerspitzems unddunklem Pizzicato und Klopflauten als Fond für einen nochmal wehmütig
gestrichenen Cello-'Gesang'. Ein Fressen für Traurigkeitsgenießer

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THE SEPHARDICS Abre tu Puerta (Loewenzahn/Heideck records): Ludger Schmidt undManuela Weichenrieder haben 2009 schon als Ensemble DRAj y Marisco fresco den Akzent
von ihrer Klezmermusik auf den spanischen Zweig verschoben. Schmidt, den man als
Cellisten von The Dorf gleich mit anderen Augen betrachtet, fand mit Patrick Hengst undMartin Verborg, dessen Geige & Saxophon ebenfalls bei The Dorf erklingen, die Richtigen,um den sephardischen Bogen auch noch - hortz Zao & Weidorje! - rückzukoppeln an Zeuhl
Wortz. Was die Musik mit Judith-, Jericho-, Golem-Power auflädt. Weichenrieder, die aucheinige Handvoll Noten klimpert, singt in Ladino voller Liebesleid (sufriendo del amor), abernachtigallt auch bis hin zu swinglesingerischem Scat und vokalisiertem Triumph. Sie mimt
die rassige Andalusierin, die keusch erblühende Rose ('La Rosa Enflorece'), mit somanchem teilt sie Brot, Salz und Kissen, so manchen hat sie mit ihrem Feuer verascht. Beimrasant tänzelnden 'La Comida la Mañana' wird geliebäugelt, leichtsinniger als es die Mutter
war, bei 'Abre Tu Puerta' schmachtet der Schatten zum Licht, geblendet von einer Schönen,die leider die 'Pforte' geschlossen hält. Doch Schmidt pluckert und knurrt tatsächlich mit
Magma-Kralle und lässt, wenn sie nicht ebenso schmachten wie die süße Geige, die Saiten
sich mit Wahwah wellen und heulen wie bei Lonberg-Holm. Verborg schürt die Glut mit
jazzigem Soprano und David-Cross-igem Gefiedel. Das seltsam dräuende 'After' besticht mit'Gitarren'-Verve, gefolgt von 'Quen Te Va Ver', mit Sprechgesang und flötend, fast heulend
vokalisiert und begeigt. 'Complas de Purim' besingt das schadenfrohe Schauermärchen,dass die Juden, statt selber umgebracht zu werden, 75000 Perser abschlachten konnten.
OK, es ist einfach 'ne krasse Rachephantasie, und den Spott über Hamans Frau Zeresh, 'laloca', gibt's #MeToo-frei dazu. 'La Mujer de Terach' ist ein Lobgesang auf schmerzensreiche
Mütter wie die des Abraham. Bei 'Los Caminos de Sirkedji' herrscht, in Carmina BuranaDuktus und mit Pizzicato, Trübsal in Istanbul, denn die Schwarzhaarigen sind auch dortsaure Trauben, kalt wie Eis. Das karfreitagstrist gepaukte 'Majo, Majo, Majo' klingt dagegenliebesverkatert. Das E-Cello verzehrt sich im Feuer und kann danach nur noch monoton
plonken. Sich vom geilen Dienstmädchen ('Las Muchachas de Servir') 'verführen' zu lassen,
war aber immer schon eine lässliche Sünde und davon zu singen, als hätte man Jerichoerobert, ein witzig-flottes Fiedl-Liedl. Der kernfusionierten Musik steht freilich mein Ohr
sperrangelweit offen.
VASSVIK Gákti (Heilo, HCD7345): Seit 1997 macht Torgeir Vassvik als Botschafter der SámiKultur umweltbewusste Musik, in die die Lebenswelt der Samen doch ganz anders einfließt
als bei der reißerischen Schwedenkrimiserie "Midnight Sun". Er ist 1962 in Gamvik geboren,
dem nördlichsten Arschpickel Europas, und wenn er seine Joiks anstimmt, die er mit
Gitarre, Rahmentrommel und Electronics begleitet, dann mit einem stereoskopischen Blick,
der eine animistische Verbundenheit mit den Geistern, den heiligen Landschaften und derAnderwelt vereint mit urbanem, ja kosmopolitischem Knowhow. Nicht als kostümierter
Pseudo-Noaidi, eher als uriger Blueser in Mitternachtsblau, per Du mit Wasser und Feuer,
Wolf und Wal. Bei "Sáivu" (2006) mit Arve Henriksen & Anders Jormin, bei "Sápmi" (2009)
mit einer Norge-Allstarcrew, seit 2010 mit dem Sounddesigner Audun Strype und den
Kjorstad Brothers Hans (von ->Miman) an Geige und Rasmus an Oktavgeige. Vassvik besingt
den samischen Universalkünstler Geir Tore Holm, den legendären Noaidi Johan Kaaven(1835-1918) (oder 'die arktische Fee' Elin Kåven?), er singt von Orcas, der Sonne im
Dezember, von Treibholz, der Umweltzerstörung durch die Ölindustrie. Mit countrybluesiger
Gitarre und einer Artikulation, als hätte er sich an Bidos die Zunge verbrannt. Dazu fiedeln
die Kjorstads in ostinatem Duktus und diskanter und trillernder Schärfe oder sie surren und
ploinken schräges Pizzicato zu wummrigem Drumming, während in Vassviks Joiks anklingt,
dass er sich auch in Tuva, Korea und Japan nach Verwandtem umgehört hat. Aus Tuva hat
er die Langhalslaute Igil mitgebracht, aus Litauen die Hornpfeife Birbynė. 'Beaver In Red
Wood' ist eine elektronisch umsponnene Konferenz von Tieren, und wenn sich Vassvik ihnen
oder einem der alten Medizinmänner anverwandelt, frage nicht. Bibergeil ist übrigens nötig,um den Trollwal abzuschrecken. In Vassvik singt quasi die halbe Besatzung der Pequod:
Queequeg, Tashtego, Fedallah und Elias. Und der Groll des Wals gleich mit, den er mit
schnarrender Maultrommel beschwört bei 'Voodoo Against Arctic Oil Drilling'. Gegen den
weltweiten Fieberwahn ('Global Fever') setzt er sein V und den Pfiff lokaler 'Spottdrosseln'.
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WEASEL WALTER Skhiizm (ugEXPLODE, ug70): "Fuck Music... Tell Jokes You'll Make More Money", das wäre die eine Konsequenz nach einem halben
Leben, vertingelt zwischen Free Jazz und No Wave. Oder was sonst wäre die"Final Solution" - noch mehr "Maximalism", noch härtere "ProtestMusic"?
Weasel schafft es, beides zu vereinen, die Jokes und maximale Härte, nicht
zynisch, aber sowas von sarkastisch. Hier vereint er seine Pose von "Apocalyptik Paranoia" mit spiked wristbands und der ein-euligen Balaclava von"Curses" als Heavy-Metal-Bogeyman und One-Man-Band mit vollem Sortiment:
Guitar, Bass Guitar, Electronics, Drums. Wem er da drohend in den Weg tritt,sagt er mit 'Contagious Mass Idiocy' und 'They're Even Dumber Than They
Look'. Mit freilich geringer Hoffnung auf die Heilsamkeit seines Buh! - 'Turns
Out Everything Is Pointless'. Sechs kurzen Attacken, die seine Argumenteauffächern, folgt mit 'The Hangover Heart Attack Variations' ein 20-Minüter,der auf einem Song von Steve "Thee Slayer Hippy" Hanford basiert (bevor er
im Knast landete, Drummer bei Poison Idea). Mit allem hyperfuriosen In-YerFace-Jux der Flying Luttenbacher, nur ohne Sax und ohne Jazz. Dafür knattert
er Beatsalven, dass jede Drummachine erröten muss. Und er fetzt die Gitarre,
nicht wie einem Alex Ward live oder Brandon Seabrock auf "ShatteredDimension" (ug74) die Ohren zerfleddern, eher so, wie Tim Dahl klänge, würde
er Gitarre spielen, oder wie ein Gitarrenhalbgott aus der Metal-Heroenzeit.
Wobei Weasels Wilde Jagd auch weniger in kakomathematisch rhythmisierter
Abruptheit daher kommt, vielmehr zieht sie sich als endloses Legato durch
verschlungene melodisch-harmonische Gefilde, galoppierend und als Hornissenattacke. In einem überschallrasant zischenden und heulenden Rausch,aber mit der Tongue-in-cheek-ness einer absurden Polka. Bis hin zu einem
sturen BamBamBamBam... Als fröhliche Wissenschaft und Teil von jener Kraft,die gern den Dicken macht, mit Heidenspaß an der Götzendämmerungsbeschleunigung. Dass er Groucho Marx, Jack Kirby, Alejandro Jodorowsky
und Anton LaVey, Kopf der Church of Satan, als Ikonen nennt, ist derSchlüssel zu seiner übermenschlichen Gabberdiabolik. Niemand schreddert
die verkehrte Welt schneller als dieser Joker unter den X-Men.
ZENOBIA Zenobia EP (Acid Arab Records / Crammed Discs, cram288): Seit
Muslimgauze und den Barraka El Farnatshi-Grooves in ihrer Blüte in den 90ern
wurde in BA nicht mehr derart orientalisch umeinandergemosht wie bei
diesem jungen Elektro-Duo. Nasser Halahlih (von Fawda) & Isam Elias (vonGhazall), zwei aus Nazareth stammende israelische Palästinenser in Haifa,
lassen die Darbuka klopfen, die Synthies fiedeln, näseln und trillern, die Bässe
pumpen, die Füße stampfen, die Kastagnetten knattern, die Nabel kreisen, dieKamele furzen. Die beiden sind in weißem Keffiyeh sowenig Scheichs oder
Kameltreiber wie Hildegard von Binge Drinking Nonnen, aber wen juckt das inRamallah, Beirut oder Berlin, solange es unter den Sohlen oder dem Skalp
funkt durch zuckendes Stakkato, kreiselnde Loops und arabeske Psychedelik.
Ob heavy oder träge, in jedem Fall mit hypnotischem Zug weg von der Nahosttoderfahrung. In einer groovigen Mixtur aus mit Nilwasser getauftem Arabpop,
sophisticated Dabkebeat und levantinischer Euphorie, die sie versuchen als
Made by Zenobia global zu etablieren. Als bewusste Alternative zum klischeehaften Omar Souleyman fühlen sie sich näher beim jordanisch-palästinensischen Shamstep-Abräumer 47Soul oder bei Acid Arab, auch wenn das bloßzwei Pariser auf Orienttripp sind. Ob die von 'unserem' Tiepolo verewigte, vonAnita Ekberg verkörperte palmyrische Herrscherin Septimia Zenobia (3. Jhdt.)
als Taufpatin ein frauenverehrendes Statement beinhaltet, sei dahingestellt.
'KSR KSR KSR', 'La Fou - Up' und 'Tawahan' sind auch nur ein Vorgeschmack,
letzteres wohl mit einem Shaabi-Song von Hassan El Asmar im Stammbaum.

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Local Heroes?

Lokalpatriotismus ist das Letzte, das man BA nachsagen kann. Im Gegenteil, zu den lokalen
Szenen stehe ich geradezu autistisch im Abseits. Was nicht nur einem durch No Man's Land,
Galerie Nulldrei und Charly Heidenreichs Freakshows verwöhnten Snobismus geschuldet
ist. Allerdings gab es mit TELEPHERIQUE in den 90ern durchaus lokale Helden. Und mit
HILDEGARD VON BINGE DRINKING auch aktuelle Favoriten, wobei das auf mj's Kappe
geht. Aber sonst?
Daniel Gehret, eine der beiden Binge-Nonnen, rührt seinerseits die Werbetrommel für ein
anderes Duo, ZEMENT, gebildet von Philipp Hager (Gitarre, Synthesizer, Sampler, FX) &Christian Büdel (Schlagzeug). Ich, aufgewachsen im Schatten des Zementwerks in Karlstadt, bin da allein schon durch die Tags Zement und Portland angesprochen. Die beiden
scheinen mit "Werk" (2016) und "Klinker" (2018) auf dem Würzburger Label Sunhair Music
die Kraut- & Psychedelik-Felder zu bestellen - Sunhair ist schließlich das Hörfenster zu
Horst Porkerts Psychedelic Network Festival-Reihe. Und 2019 bringt sie der Erfolgskurs
auf dieser 'Retro'-Schiene zur Zappanale und auf die Mental Stage des Burg Herzberg
Festivals. Gehret möchte sie dennoch etwas absetzen vom rückwärts gewandten Maskenball des Krautrock, als quasi von Flower- & Zauselpower paradigmatisch gewechselt diesseits von S.Y.P.H. - "weg vom ausufernden Krautrock hin zur patternbasierten Elektronik.
Weniger Rock, mehr Sound. Weniger Song, mehr Track." Die Babyblauen Seiten stellen
Zements repetitiv, motorisch, metronomisch treibenden Schlagzeug-Gitarren-Minimalismus als 'Industrial' im wörtlichen Sinn in direkten Bezug zu Kraftwerk und Neu! Wenn das'retro' ist, dann ist alles Abtanzen zu hypnotisierendem Puls und technoidem Beat ebenfalls 'retro'. Ich sehe die Szenen eher als kulturelle und psychonautische Doppelhelix und
nur idealiter geschieden: Als Tribe, der sich konstant als folky, naturnah, haarig und durch
weiche Drogen psychedelisiert geriert. Und einen, der sich als urban definiert, mit dem
Aggressiven identifiziert und, notfalls mit härterem Stoff, fit hält für die Stahlgewitter und
die Anästhesie zwischen Asphalt, Neon und Beton. Indianer- & Nomade-Werden versus
Maschine-Sein.
Seit ihrem eponymosen Debut 2009 berechtigen DER WEG EINER FREIHEIT, da, wo derMetal-Hammer hängt, zu den schwärzesten Hoffnungen. Mit "Unstille" (2012, Viva Hate
Records), "Stellar" (2015) & "Finisterre" (2017, bei Season of Mist) führte sie der Weg derlinken Hand zum Extreme, Ragnarök und aufs Wacken Festival. Nikita Kamprad, der Hesse,
E.T.A. Hoffmann und Dostojewski schätzt und dessen Alphabet Bach, Chopin, Fado, Pärt,
Satie und Tango Nuevo umfasst, singt angeblich deutsch (was aber nur beim Intro zu'Aufbruch' klar wird) und lässt dabei skeptische Gedanken einfließen und eine Sehnsucht
nach 'Ruhe'. Fernziel ist der 'Lichtmensch', der Weg dahin aber finster und steinig.
Einen ganz anderen Weg gehen sheyk rAleph (Baglama, Sitar, Oud, Congas, Daf, Frame
Drum, Tabla, Darbouka, Ney, Flute, Zurna, Synthesizer), Tommi Tarek (Bass) & Fredh Al
Fezér (Drums) mit ihrem 'Oriental Space Rock' als GROMBIRA. Mit dem Segen vom 'Priestof the horny Kong' schaukeln sie bei ihrem Debut (2017, Tonzonen Records) auf den alten
Karawanenwegen von Embryo und Dissidenten, Fernziel "Germanistan". Kartoffelbrei
macht bekanntlich sexy, löst Ernährungsprobleme bodenständig und könnte alsorientropes Tripping, das mit reiner Geisteskraft Ziegen ins Weltall schießen kann, einiges
an Flugbenzin einsparen.
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'Wo wir hingehen brauchen wir keine Straßen' meinte auch SPACEMAN SPIFF auf "... und im
fenster immer noch wetter" (2011), dem Nachfolger zu "Bodenangst" (2009). Danachrealisierte der Würzburger Singer-Songwriter in Hamburg noch "Endlich Nichts" (2014),
bevor HANNES WITTMER nur noch er selbst ist als einer, der zwischen 'Affen' und'Satelliten' an die 'Sollbruchstellen' rührt. Bei der Releasetour auf Pay-What-You-Want-Basisfür "Das große Spektakel" (2019) stand zuletzt ein "Reingewinn" von 374,78 € zu Buche. Und
neben dem betriebswirtschaftlich-ideologischen Patt als Erkenntnisgewinn "eine absolute
Notwendigkeit, die Art und Weise, wie wir wirtschaften und wie wir über Arbeit,
Gesellschaft und Verantwortung nachdenken, radikal zu ändern."
Vor Wittmer gab es schon - mit Schlagzeug, Melodica, Akkordeon, Jagdhorn... - die OneMan-Combo UDO MADER als lokale Variante eines 'genialen Dilettanten' der - laut nummer 'Modern Volksmusik' macht. Zu hören auf "Der heilige Hase und der Vogel welcher auchheilig" (1997) und "Fuchsbaumelodien" (2003). Nach (oder neben) Getingel in Clubs selbst
in Berlin liefert er Musik für junge und krumme Ohren im Plastischen Theater Hobbit ("Einer
der auszog das Fürchten zu lernen", 2017, "Open Mind - In Progress", 2019).
Henrik Engstler, Jg. 1993, ist als HNRK, oder als Schism mit DJ Heroin, ein 'Star in derNische'. Inspiriert durch Rapper wie Lil B/The BasedGod macht er Grime-graue Töne, PostDubstep und Beats without Words, oder auch welche für den Emo-Rapper Bones.
'Nachtzug', 'Nekrophag', 'Neonurban', 'Nullzone' oder 'Lichtlos' heißen seine Stichwörter,und Marionetten schlenkern dazu die Glieder wie unter der Stroposkopgeißel.
THE MORGROTUSKTHULULUSTOCCULTOBSKULLTY HORRORMANCE machen als Grotusk
Freaks auf "Rise of the true Pentagrammophone" (2011) und "Bohemian Blasphemy" (2016)
mit schlimmen, schnellen Fingern Black'n'Roll für die schwarze Katz. Die Schlawiner (beidenen heuer Nick Heß von Cubus Maximus angedockt hat) verwursten mit diebischem Spaß
Metal- und Gothic-Klischees. Sie empfehlen 'Wermuth gegen Schwermut', brettern mit
durchgedrücktem Gaspedal gen Sodom und scheuen sich nicht, 'Bombelecher 666' mit
fränkischem Zungenschlag zu kreischen.
Spaß gibt es bei PHANTOM WINTER nur als Doom-"Cvlt" (2015), als "Sundown Pleasures"(2016) und, bei "Into Dark Science" (2018), als schwarzes Irgendwas - Magie? Humor?
Andreas Schmittfull (guitar, screams), der neben Poe, Mary Shelley und Sylvia Plath auch
Adorno und Pynchon zitiert, wenn er Engeln die Flügel ausrupft, baut da, nun mit belesener
Poesie, auf die rein instrumentale Massivität von "Geisterstadt" (2007) & "Karpatia" (2011)
mit OMEGA MASSIF auf. Mit, ähnlich MALM, sympathisch klarer Positionierung, gegen das
deutsche Vergessen und die Lust, andere als Sündenböcke zu hetzen.
CUBUS MAXIMUS fanden mit "First Life" (2016), recorded @ 8. Psychedelic Network
Festival im Cairo Würzburg, ebenfalls bei Sunhair Music offene Ohren. Max Arsava (Keys),
Robert Nemec (Bass), Simon Schellhorn (Drums, Vibes) & Nick Heß als Gitarrentiger mit
artischockenspitzen Krallen, aber auch mit sanften Wahwah-Pfoten durch die Wiesenblumen streifend. Missus Beastly und Kraan werden als Vergleich genannt, was nicht heißt,
dass die Jungs mit Mottenpulver im Müsli aufgewachsen sind.
Dagegen wird an der Würzburger HfM und in der lokalen Jazzszene durchaus mit Mottenpulver gedopt. Zu den Young Lions der Blue Monday-, Clyde's Delight- und KellerklängeMeetings gehören: der Nürnberger Drummer Paul Sennewald (Bop); der Schweinfurter
Saxer Anton Mangold (Bop, AMQ); Max Hirth aus Weilheim (Perplexities on Mars) - Tenorsax;
die ebenfalls Weilheimer Leopold Helgert (Federal Pengueen Summit) - Bass & Max Arsava(Cubus Maximus) - Keys; aus Schweinfurt der Pianist Jan-Peter Itze (JPI-Trio); Nikolaus Jira(Good God) - Piano & Johannes Liepold (Jonik, YAY) - Tenorsax als echte Würzburger; alsschon Erfahrenere: der 'Melodie-Bebopper' Joe Krieg - Gitarre & der Drummer Uli Kleideiter(Joe Krieg Quartet). Um zu pendeln zwischen Strayhorn, Postbop und Baumschule. Beim
AALY Trio w/ Ken Vandermark klingt 'Würzburg' ganz anders.
Mit MICHAEL ENDE, Bassist bei Letzte Instanz in Dresden, und seinem Fusionduo Inverted
stellte Würzburg 2018 gleich zwei "Deutscher Rock & Pop Preis"-Träger. MANFRED SAUER,
ebenfalls Bass, füllt Säle mit den Schlagerschmachter Wincent Weiss. Und demnächst ein
Denkmal für Dirk Nowicki und ein Aufzug zur Festung, um Würzburg so richtig auf
Weltniveau zu hieven?
30nowjazz plink'n'plonk
Eisenwooley? Wooleystadt?

Der Drummer HARRIS EISENSTADT und der Trompeter Nate Wooley sind nicht zufällig 2/5 vonThe Fictive Five, ihre Partnerschaft geht Jahre zurück und umfasst einerseits Eisenstadts
Afrotrip "Guewel" (2008) und seine "Canada Day"-Reihe ("Canada Day", 2009; "...II", 2011;"...III", 2012; "...Octet", 2012...) und andererseits Wooleys "(Put Your) Hands Together" (2011),"(Sit In) The Throne Of Friendship" (2013) und "(Dance To) The Early Music" (2015). Wobei dasnoch verschränkt wird durch beiderseits Eivind Opsvik am Bass und das geteilte Faible für ein
Vibraphon. Schaue ich mir das genauer an, dann entdecke ich auf "Canada Day IV" (Songlines,2015) neben Matt Bauder am Tenorsax und Chris Dingman am Vibraphon mit nun Pascal
Niggenkemper (von Le 7ème Continent, Carate Urio Orchestra...) am Bass ein weiteres Fünftel
von The Fictive Five, die zur gleichen Zeit mit Larry Ochs Wim Wenders, den südafrikanischen
Universalkünstler William Kentridge und die Filmemacherin Kelly Reichardt umkreisten und bei
Tzadik debutierten. Ich war auf den 1975 in Toronto geborenen Drummer zuvor schon bei
seinem "Jalolu" (2004) gestoßen, wo er einen Vierspänner aus Andy Laster an Reeds und den
Trompetern Roy Campbell, Paul Smoker und Taylor Ho Bynum lenkte, und bei Mark Weaver's
Brassum (2006). Und staune jetzt doch, was mir alles entgangen ist: sein September Trio, The
Convergence Quartet mit wieder Bynum, seine getragenen Bläsertrios und turbulenten
Ensemblemusiken auf "Woodblock Prints" (2010), die beiden "Golden State"-Alben (2013 &2015), "Old Growth Forest" (2016), das wieder ambitionierte Nonett "Recent Developments"(2017) und das Streichquartett (!) "Whatever Will Happen That Will Also Be" (2017). "Canada
Day IV" ist cool, sophisticated und modernistisch, mit einer Retrovolte, die sich noch einmal
der zukunftsträchtigen Essenzen von Postbop und Abstraktem Expressionismus zu vergewissern scheint. Mit luftiger Transparenz und Dingmans kristallinem und glockenspielerisch quirligem Klingklang, der, ähnlich wie Kenny Wollesen bei John Zorn, in sublimen Schwingungeneinen Hauch von Exotica versprüht. Eisenstadt scheint mit der Band ab den 50ern einenalternativen Weg zu imaginieren, vorbei an den amerikanischen Albträumen. Mit offenen Augen
erträumt, mit Hürdensprintereleganz (statt hirnverbrannter Martialik) und leichthändigen Dreh(statt brutalem Gestiefel). Gekrönt von einem Trompeter, dessen geräuschverliebte Virtuosität
und atemberaubende Expressivität zartes und wehmütiges Zirpen ebenso umfasst wie
launiges Krähen und kapriolende Bocksprünge. Wobei es Eisenstadts zwischen melodienselig
und melancholisch changierende Erfindungen sind, die dazu anstiften.
31

So auch im CANADA DAY QUARTET bei "On Parade In Parede" (Clean Feed, 2017), live inPortugal, ohne Dingman, so dass Niggenkempers Pizzicato eine Hauptrolle übernimmt.
Eisenstadt kocht mit Fisch und Pastinaken, und obwohl er vorgibt, nichts von Anspielungenzu halten ('Innuendo is Nobody's Friend'), deutet seine Musik sehr wohl an, dass er Agilität,
melodischen Pfiff und zwanglose Überredungskunst für sexy und geistig nahrhaft hält.
Wooley ist da wieder der unwiderstehliche Wortführer, neben Niggenkemper als fingerfertigem Verführer. Bauder spielt mit seinem orchestralen Knowhow im Exploding Star undFull Throttle Orchestra oder bei Anthony Braxton und wie bei Taylor Ho Bynum ähnlich gritty
wie die Trompete. Wobei Wooley eben nicht nur sandpapierkörnig und wie gerissenes Blechklingen kann oder wie ein Dschinn, der sich durch den Flaschenhals zwängt, sondern auchstrahlend und seidig, spritzig und versonnen, so wie auch Niggenkempers Bogenstrichzwischen Sägezahn und Samt zwittert. Eisenstadt lässt zwischendurch mit dem 'We All Ate
What We Wanted To Eat'-Motiv Brotherhood-of-Breath'sches Afrofeeling aufkommen, alsselber ganz uneitler Handwerker. Sein Drumming ist so mager wie die Stöckchen von Hänsel
& Gretel, aber er hat damit alles im Griff, von der flickernden Raffinesse im Detail bis zum
gut durchdachten, gefühlvollen Gesamtbogen. Alles Exaltierte und Extraordinäre sollen die
Bläsern sich getrauen. Ohne dabei den Volkslied- oder Spiritual-Anklang, der in seinen
Kompositionen aufscheint, zu verspielen. Keine Sorge, das passiert nicht.

NATE WOOLEY besticht nicht nur durch seine stupende Technik, sondern auch durchseinen kreativen Output: mit "Seven Storey Mountain" erklomm er fünf Gipfel, "Battle
Pieces" lieferte er sieben, bei The Bureau Of Atomic Tourism buchte er fünf Trips, dazu
kommen vier Sessions mit Ivo Perelman und vier, wenn nicht mehr, Sessions mit Ken
Vandermark. Und seine "Complete Syllables Music" (mit dem 150-min. 'For Kenneth
Gaburo'), eine Solo-Tour de force mit Tonband & Effekten, als 4er-Pack. Ebenso bemerkenswert sind "Psalms From Hell" (2014) für Trompete, Cello-Quartett und Sopran nach
William Blake, "Polychoral" (2016) als dröhnminimalistisch-mikrotonal pulsierender, elektroakustischer Trompetengipfel mit Peter Evans, "Argonautica" (2016) mit Drums, Keys
und Trompeten je zweifach und "Knknighgh (Minimal Poetry for Aram Saroyan)" (2017) ineinem slovenisch-portugiesischen Quartett mit Chris Pitsiokos. Ich habe mir "Columbia
Icefield" (Northern Spy, 2019) gegriffen, mit Mary Halvorsons Gitarre, Susan Alcorn an
Pedal Steel und Ryan Sawyer an Drums & Voice. Der erweist sich als wildbärtiger Hotzenplotz und Brother in Crime von Rhys Chatham, Matana Roberts, Darius Jones, Chris
Forsyth, war in Gangs wie Stars Like Fleas und Green Dome (mit Zeena Parkins) unddrehte mit Wooley schon Dinger wie "Seven Storey Mountain". Alcorn war weit vor Heather
Leigh Miss Pedal Steel, mit einer Spannweite von Pauline Oliveros über LaDonna Smith bis
zum Mary Halvorson Octet. Mit tickenden Repetitionen und klanglosen, zu monotonem
Beat synchronen Trompetenstößen erinnert Wooley an den New York Intellectual 'Lionel
Trilling', Autor von "The Liberal Imagination" und "The Moral Obligation to Be Intelligent".
Über accelerierende Verwerfungen und flatternden, abgerissenen, wild crescendierenden
Noise hindurch tönt die Trompete endlich offen, aber zugleich schmerzlich und melancholisch, zu pickenden und trillernden Strings, tickenden Stöckchen, opak dröhnender Pedal
Steel. Bis als Reprise die Gitarren wieder in zwei Geschwindigkeiten ticken und Halvorson
Töne verbiegt zum monoton wuppenden und wieder accelerierenden Beat. 'Seven in the
Woods' folgt als zarte Meditation mit wundersam zirpender Miles-Trompete, einsamem
Marschtrommelchen und naturfrommem Saitenklang, voller Wehmut und wie transzendentalistisch angehaucht mit Ives-Spirit. Doch mit wieder auch ganz verbogener Gitarre, diezu grollendem Drumming trillernd und fuzzy aufbegehrt, aber zagend und allein gelassen
endet. 'With Condolences' bekundet zuletzt wohl Wooleys Trauer über 'das gefrorene Meerin uns', mit betrübtem Trompetenton, dunklem Gitarrenmoll, doch auch zunehmend spitzund krummfingrigen Halversonismen zu polternden Drums und jetzt auch wieder extrem
gepresster und fauchender Trompete. Sawyer spricht dunkle und elegische Worte, und die
andern treten vor und legen einen Kranz nieder. Was für ein Faszinosum, hinterfüttert mit
Trillings oberster Maßgabe "to stay true to oneself", sprich: mit enormer Originalität.
Fotos: Schorle Scholkemper
32Gigantonium (Paris)
Diese Bekanntschaft verdanke ich der Boolvar-Flötistin Delphine Joussein, die auch die
Fäden bei diesem Label zieht. Man findet da: "Dangda" (GIG001WIN1) von Simon Winse,
einem Sänger aus Burkina Faso in einem afro-französisch rockenden Verbund mit Flöte,
Ngoni-Laute, grandiosen Gitarren und respondierenden Frauenstimmen. Bei "O.U.R.S."
den Jazzgeiger Clément Janinet mit Hugues Mayot (von Kolkhöze Printanium und Partner
der Flötistin Sylvaine Hélary) an Bassklarinette & Tenorsax und Joachim Florent (von JeanLouis) an Kontrabass. Und auf "self afraid" ohrwurmiges Schubidu und schmusige Chansons eines diebischen Pärchens, das sich im Nom de Plume Joe Quartz versteckt - Olivier
Schlegelmilch (Percusion, violoncello) & Jeanne Susin (Piano, chant, composition).
In die Hand drückte mir Joussein mit "TBPN" (GIGO03TBP1) von TbPn Musik des Pianisten Xavier Camarasa und des Posaunisten Matthias Mahler. Der eine ein Duopartner vonJean-Marc Foussat und - mit Julien Chamla (von Hippie Diktat, Aquaserge) an den Drums in El Memorioso oder La Pluie Jaune. Der andere von Journal Intime, die sich vor Jimi Hendrix verbeugen oder mit Marc Ducret zum Power-Vierer erweitern. Camarasa hämmert und
klopft hartnäckig repetitiv auf dem blechern, holzig, drahtig präparierten Instrument, Mahler quakt und gackert blechernes Stakkato. 'Déconstructions simultanées' verdichtet das
mehrspurig, mit knatternder Posaune und nancarrowesker Notenhäufung, um schmusig
und mit perkussivem Klingklang eine wieder neue Wendung zu nehmen. Gefolgt von geräuschhafter Reduktion und gepressten und blubbrigen sowie dongenden und klackenden
Lauten. Dann wieder lyrische Posaune zu pingender Monotonie. Und eine Reihe von Luftlöchern zwischen arpeggierten Momenten und energischen Schüben. Und nochmal schlabbrige Geräusche zu plonkigen und klickenden. Abgelöst von maunzender, stöhnender, stakkatohafter Mahlerei zu einem Wechselspiel von feinsten und groben Schlägen und abbrechenden Ausbrüchen. Ganz eigen und schön spannend.
"Épiphanies" (GIGO04GOD1), das sind 8 Études pour Dictaphones, Radios & Clarinettes
von JEAN-BRICE GODET, der einen, egal ob bei Regen oder Schnee, auf Godot warten
lässt. Und dabei beschallt mit krachig überrauschten Klangfetzen und sausenden Bandschnipseln. Eine Ästhetik, die sich in Kakophonie suhlt, an der auch die rau schnarrende
Klarinette ihren monotonen Anteil hat. Aber Godet kann auch ganz klarinett dudeln zu
irischem Zungenschlag. 'Petit poème symphonique' pingpongt und knattert metronomisch,'Continuum' tauscht, wiederum ligetisch, das Cembalo gegen die da maximalistisch trillernde Klarinette. Bei 'L'absence' wird man lo-fi in einen Mann-Frau-Dialog eingesponnen
und umrauscht von verzerrtem Jacques Brel. 'Dans les aspérités' ist wie mit zittrigem
Klarinettengriffel 'geschrieben'. Das Finale bringt eine Reprise der krachigen 'Ouverture',
mit plunderphonischen Klangfetzen, paukiger Monotonie, als Motor tuckernder Klarinette,
Trompetenstößen und Sturmgebraus.
Auch der Drummer SYLVAIN DARRIFOURCQ erklärt sich zu "Coïtus Interruptus" (GIG006
ILW1), das er mit dem Leader von Théo Ceccaldi Freaks und dessen Bruder Valentin als IN
LOVE WITH realisiert hat, inspiriert durch Beckett, Ken Kesey, Blexbolex und vor allem
Faulkners "Le Bruit et la Fureur". Er inszeniert mit fiebriger Violine und plonkendem Celloeinen unrunden Groove, beendet eine Love Story bevor sie beginnt, trifft Lynch am Strand,
nascht an Pilzen und gluckert Mezcal. Verblüffend, wie Fiedler einen derart mit Schall undWahn bestürmen und wie kurios sie pizzicato flippern können, wenn sie nicht hinter Sinuswellen und monotonem Pochen verflimmern. Abrupte Schnitte, sprunghafte Rhythmus- undsogar Stilwechsel oder 'Repeat' als ein gespielter Vinylhänger halten die Synapsen auf
Trab. Fingerspitze Pikanterie kontrastiert mit wuchtig moshendem Geknatter, strammem
Saitenspiel mit heulendem Furor und impulsivem Drive. Darrifourcqs Esprit sorgt für permanente Holterdiepolterei im ständigen Fein-Grob-Kontrast. Von wegen 'Chamber Rock',das hier tickt gelben Klang auf Bullenschädel, mit schlimmen Fingern, denen kein Tempo
zu schnell, keine Wendung zu zackig, keine Repetition zu stur ist, um nicht doch daraus
einen galoppierenden Sog zu zaubern. Kurz: Ein formidabler Brainfuck!
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Hubro (Oslo)
Rune Nergaard, geboren 1983 in Nordland,
Bassgitarrist bei Astro Sonic und vor allem bei
Bushman's Revenge, hat, wenn auch mittlerweile kahlgeschoren, schon mit Rune Your Day
ein eigenes Ding an den Start gebracht, bei
Clean Feed. Doch mit EXOTERM leitet er auchein internationales Quartett: mit norwegischerseits noch Kristoffer Berre Alberts am
Saxophon, der sich mit Cortex, Lasse Marhaug,
PNLs Large Unit oder The Way Ahead profiliert
hat; und brooklynerseits Nels Cline an der Wilco-Schmilco-Gitarre und Jim Black (Human
Feel, Malamute, Endangered Blood...) an den
Drums, zwei, die durch Jenny Scheinman's
Mischief & Mayhem oder das BBC-Trio mit Tim
Berne gut aufeinander 'eingeschossen' sind.
Beim rosenfingrigen 'First Light', dem Einstieg
in Exits Into A Corridor (HUBROCD2618/LP
3618), scheint Mayhem [Chaos & Verstümmelung] jedoch noch nicht erfunden zu sein, es seidenn, das melancholische Saxophon hebt am
Morgengrauen dessen ungute Nebenbedeutung
hervor. Bei 'Forest Mist - Night' begehrt Exoterm
dann schon deutlich erregter gegen das Zwielicht auf und schürt ein Feuer, das den Nebel
vertreiben soll. Aber die Gitarre gespenstert
ungerührt weiter in verzerrtem Diskant, so dassAlberts vergeblich züngelt, und das Gedröhn
einen '...Back Towards the Car...' und zum Rückzug drängt. Um mit an sich melodischem Uptempo-Drive den Tag herbeizusehnen, ja herbeizuschreien, denn Alberts ist schon nochvoller Feuer und Flamme, so dass es rings um
ihn flimmert und siedet. 'Moves Away From the
Door' schiebt sich quer ins Bild als trübsinnige
kleine Hymne, die Cline aber, während Black mit
schleppendem Beat einen schweren Gang antritt, bei 'Two More Times' kakophon zerfieselt
und doch zugleich auch mit sich schleppt. Alberts mischt sich furios röhrend dazu, so dasssich ein kakophones Tohuwabohu entspinnt,
das in düsteres und stechendes Feedback undschrille Verzerrungen mündet. Ob 'Manufacturing a Smile (Exits Into a Corridor)' schließlich ineine Sackgasse ritter-tod-&-teufelt, ober sichtapfer trotzend durchfräst ins irgendwie Freie,
dürfte Ansichtssache sein. Das Saxophon treibt
zwar den Teufel aus, aber mit Beelzebub. Undeiner der beiden wird es wohl sein, der da zuletzt den erschlaffenden Missklang belächelt.

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Das ERLEND APNESETH TRIO bildet für Salika, Molika (HUBROCD2621/LP3621)
zusammen mit FRODE HALTLI am Akkordeon eine Hubro-Allstar-Crew, die Haltlis
Stichwort "Avant Folk" aufgreift. Mit Stephan Meidell (Cakewalk) an Baritongitarre, Øyvind Hegg-Lunde (Building Instrument und, beide zusammen, Strings &Timpani) an Drums & Percussion und Apneseth selber an Hardangerfiddel
errichten sie mit einer Zirkus- und einer Kirchenflanke eine Pyramide, deren
Spitze zur Sonne weist, der Eingang aber nach Westen. Richtung Sogn og
Fjordane, der Heimat von Apneseth, aber auch von Kjartan Hatløy, der in Salbu
die naturmystischen Stimmungsbilder "Solreven" (dt. "Der weiße Weg", wörtlich
Sonnenfuchs) geschrieben hat. Drei Klangbilder würdigen den dortigen Geniusloci und das Althergebrachte mit den archivierten Stimmen dreier Volksmusikanten. Mit wehmütigem Pizzicato auf Akkordeonwellen und MeidellsElectronics bei 'Mor Song'. Mit dem Gesang von Karen Hatleberg auf flimmerndem Haltlisound und druckvoll federndem Groove. 'Takle' als Holzschuhtanz, der,zwischen lärmigen Klammern, von einem alten Beatboxer und mit weichem
BumBum gestampft wird. Doch gleiten alle sieben Stücke mit Avantantrieb durch
die Zeit wie das Raumschiff der ägyptischen Götter in Enki Bilals "Alexander
Nikopol". 'Cirkus' bringt spitzen und mit Alltagsgeräuschen verunklarten Noiseund pickt, pulst und knarrt als launiger Tanz mit orientalischen Verzierungen.
'Pyramiden' evoziert pochend und downtempo die Hardangervision einer
Karawane. Doch 'Solreven' und 'Kirkegangar' suggerieren, gleitend vereint, mit
zartbitterem Geigenstrich, kreisendem Gitarrenriff und einem bloßen Schimmer
von Akkordeon zu klackendem, bassdumpf bepochtem Beat, aufblühend und
hinschwindend, die blauen Sphären dort, wo der Fluss rauscht... Dröhnend undbebend, mit flirrender Percussion und orgelig flötend, und darüber ein paar
weiße Wolken, sehr hoch, die durch das Blau treiben.
Eigentlich wollte ich TROND KALLEVÅG HANSEN ganz der Fraktion der zartbesaiteten Gitarristen zuordnen, wenn ich mir sein Spiel im Trio mit Alexander
Hoholm am Kontrabass und Ivar Myrseth Asheim an den Drums anhöre. Doch als
einer der drei Gitarristen neben den beiden Drummern von Maximalista durchkreuzt
der junge Haugesunder in diesem DK-NL-FI-NO-Verbund in Kopenhagen meine zu
schmalspurige Vorstellung. Aber hat sein Ensemble, das für Bedehus og Hawai(HUBROCD2626/ LP3626) mit Adrian Løseth Waade (Skadedyr, Nakama) an Fiolin
und dem - durch "Langen Ro" & "Brødløs" - Hubro-Star Geir Sundstøl an Pedalsteel erweitert wurde, das Zeug, verwöhnte Nachfahren der Wikinger - oderMeinesgleichen - bis nach Polynesien zu teleportieren? Wobei sie auch noch
Electronics & Field Recordings (der Kapitän) sowie Marxophon & Xylophon(Sundstøl) mit an Bord ihres Traumboots genommen haben. Das anfangs auchtatsächlich auf weichen und melodischen Gitarrenwellen und filzweichem Puls
dahinschwebt und bei 'Flukt' sogar soghaft dahineilt. Doch 'Slektstreff' entschleunigt gleich wieder mit Country-Gitarren, schmachtender Geige und Pizzicato in von Fern- oder Heimweh mattem Huftritt. Die Gitarre zupft Moll undimmer moller, aber Kallevåg Hansen versäumt nicht, im Vorbeigehen den Komponisten 'Fratein Valen' (1887-1952) zu grüßen, der zurückgezogen in Valevåg bei
Haugesund eine eigenständige dissonante Polyphonie entwickelte, die dem
nationalistischen Trend der 1930er missfiel. Wenn Sundstøls Pedal Steel mit
immer zartbitterer Süße singt, dann doch voller jenem Weh, das in die Ferne
zieht. Etwas ganz Anderes als der Trübsinn ringsum wurde ja lange auch in den
pfingstbewegten Kapellen ('Kappellet') ersehnt und den freikirchlichen Bethäusern ('Bedehus...') erfleht. Alle Finger zupfen daher an den feinen und den
dicken Saiten nach einem Swing, der einen anderswohin schleudert. Aber es
bleibt beim Weh und bei der Melancholie und 'Hawaii' ein unendlich ferner Sehnsuchtshorizont. 'Halvvåkne drømmer fra baksetet' tagträumt davon auf dem
Rücksitz, beorgelt und umschmachtet, aber am Steuer sitzt der müde Tod.
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Charlotte Hug (Zürich)Was für ein Phänomen, diese zartgliedrige, wildmähnige
Zeichnerin und Extremmusikerin. Charlotte Hug ist
schon lange eine starke Präsenz, auf Emanem und Leo,
mit Fred Lonberg-Holm oder Elliott Sharp, mit Quatuor
Accorde oder im Stellari String Quartet, orchestral mit
dem London Improvisers Orchestra (und dessen Echosin São Paulo oder Krakau). Oder ganz sie selbst, nur mit
Bratsche und Stimme, mit spezieller Weichbogentechnik
und extraordinärer Vokalisation, elektrisierend elektrifiziert, aber auch ohne Strom mit fast nicht zu glaubenden
Klängen. Dabei setzt sie nicht nur ihre eigenen inneren
Stimmen frei, sie sucht das auch mit kompositorischen
Konzepten auf größere Klangkörper zu übertragen.
Durch Butch Morris'sche Conduction. Durch 'Interaction
Notation' nach einem System von Larry Ochs. Und insbesondere durch ihre ureigenen Son-Icons. Das sindbeidhändige, twomblyeske Graphitzeichnungen, die, mit
bildnerisch eigenständiger Strahlkraft, innerlich gehörte
Musik visualisieren. Mehr als Inspirationsquelle denn als
graphische Partitur, können sie jedoch auch von Spielern phantasievoll verklanglicht werden.
So bei 'Nachtplasmen' für Orchester und Video-Score mit Son-Icons, realisiert mit der Lucerne Festival Academy 2011, und bei 'Inn Cammino' für Chor und Son-Icons, aufgeführt
mit dem via-nova-chor München 2013, beides zu hören auf Son-Icon Music (Fundacja Słuchaj!, FSR 11|2018). 'Nachtplasmen' überlässt zwischen zwei durch Conduction gesteuerte Sätze die Spieler ganz ihrer Intuition und Imagination angesichts einer nachthimmlischen Iconographie mit Icons, die an der irischen Atlantikküste entstanden sind. Gläserne
und dröhnende Klänge, sausend und heulend fluktuierende Streicher und dunkle Bläser
führen turbulent zu einer Lichtung, auf der nur die zartesten Stimmen erklingen. Dochturbulent und schwellend formt sich neues Klanggewölk, in das Flöte und Strings stechen.
Auch türmen sich gewaltige Wogen auf und stoßen und schwallen, beplinkt und bequäkt
und glissandierend durchschweift. Aus dunklem Bläserstakkato erhebt sich ein sonores
Tubamotiv, das die Streicher imitierend weiterspinnen, hin zu schroffen und pfeifenden
Bogenstrichen und gepresstem Trompetenklang. Bis sich pointillistisch, glissandierend,
flimmernd oder auch mit dicken Backen pustend und bärenbrummig die Fülle der Sternbilder entfaltet, bevor Hug, zuerst wieder gläsern, aber mit sanft zunehmendem Licht
wieder den Tag erwachen lässt. In Gespinsten der Streicher und zunehmender Erregung.
Die sich zu kakophonem Schliff ballt und kollektiv zu crescendieren scheint, aber stattdessen fein und träumerisch den Ernst des Tages aufschiebt. Bis doch muhend undschrillend der Lärm und der Druck so groß sind, dass er ein Windspiel klirren lässt.
Ähnlich struktieriert ist auch das Chorstück mit dirigierten Ecksätzen und einem freien
Mittelteil, diesmal unter Anwendung der Ochs'sche Notation und mit Icons, die Hug hochoben im Engadin kreierte. Alle neun Sängerinnen und Sänger erhielten ein individuelles
Icon, das zur Ausgestaltung von Mundinnenraumanalogien anregte und dazu, aus dem
eigenen Inneren zu schöpfen. Und ein weiteres, das Formen suggerierte, sich als Organ,
Wirbel oder Glied eines polyphonen Klangkörpers einzubringen. Beide Werke korrespondieren wie Quellen (der Chor) und Meer (das Orchesterstück). Die gemischten MünchnerEngel und Bengel glossolalieren als ein Coro Della Sat auf Hof(f)mannstropfen, almdudeligund überkandidelt, mit auch mal cholerischen Koloraturen. Aber dazwischen jeweils wie
für sich und doch vereint: mit bloßen Atemzügen oder verschlossenem Mund, mit Trillern,Üüü und Aaa, Mi und Au, betont maskulin und josefin. Für eine Stripsody, die, Cathy
Berberian and beyond, allermund komische Register zieht, zuletzt mit Legatoaufschwung
gipfelwärts, bis sie außer Hörweite verschwindet.
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Fast nicht zu glauben, dass CHARLOTTE HUG & LUCAS NIGGLI
sich bis zum 22.9.2016 aus dem Weg gehen konnten. Umso bunterdann bei 11. Festival Ad Libitum in Warschau die Wetterphänomene rund um ihren Clash von Bratsche & Stimme mit Drums & Percussion. Dabei hat Niggli ja nun wirklich über seine weitgefächerte
Einbindungsfähigkeit - ich erinnere nur an Steamboat Switzerland,
Zoom und Niggli-Biondini-Godard - hinaus ein Faible für ungewöhnliche Stimm- & Klangkombinationen, von Sainkho Namchylak
einst schon mit Kieloor Entartet über Xu Fengxia bis Andreas
Schaerer. Fulguratio (Fundacja Słuchaj!, FSR 12|2018) lässt sie
endlich gemeinsam sprühregnen, Wolken aufreißen, mit Blitzen
querschlägern und wetterleuchten. Sie als schillernde Kratzbürste
mit einer des bloßen Bratscheseins überdrüssiger Überbratsche,er als funkeliger Rumpelpumpler und finessenreicher Krimskramser. Hug wetzt unwahrscheinliche Laute von den Saiten und klickt
noch unwahrscheinlichere in ihrer Kehle. Sie übermenscht den
Bratschensound als Schamanin, Banshee, Yma Sumacs Medium,als surreale Fauna, von Paradiesvogel bis Pferd auf dem Flur.
Prompt lässt auch Niggli Donnerhufe fliegen, Beats erledigt ersieben auf einen Streich. Hug fieselt die Viola, dass sie flötet undfedert, in ihrer Kehle surrt ein Zahnrädchen, krächzt ein Archaeopteryx. Sie sägt am Ast auf dem sie sitzt, lässt Mondstrahlen
irrlichtern, Niggli klickt mit Steinchen oder rockt sogar mit ToadPower. Er spielt Bowling und mit Gongs und Glöckchen, sieschmiert und krakelt dazu Son-Icons in die nackte Luft. Das ist anallen Ecken und Enden spektakulär, aber drumherum auch spinnwebfein und zart getönt ('Virga' und der allmähliche Einstieg in'Perlucidus'). An bestimmten Ecken wird hartnäckig rumgefeilt,
Krummes wird gerade geklopft (und umgekehrt). Niggli tapst mit
bloßen Fingern, raschelt mit Muscheln. Sie gurrt, ululiert, spielt
Käuzchen und würgt und kaut, rockig angespornt, an einer
schwierigen Hexenformel. Archaisch und anarchisch, kapriziös
und exotisch und mit allen Mitteln zum Fliegen bereit, ob Schamanentrommel, Hexenbesen oder Roberts Regenschirm.

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Intakt Records (Zürich)
Das New York Trio (Intakt CD 321) genannte, aber mit CHRISTOPHER TORDINI und
GERALD CLEAVER feat. JONATHAN FINLAYSON sich als Quartett mit anderem Drummer
offenbarende neue Album von ANGELIKA NIESCIER knüpft mit seinem NamedroppingCover an "NYC Five" und "The Berlin Concert" an. Und gleich mit dem fetzigen Unisonostakkato von 'Surge' und später dem temporeich animierten, leichtzungig verwirbelten,
leichtfüßig joggenden '5.8' auch inhaltlich an das Jazzfest Berlin-Konzert des (New York)
Trios mit Tyshawn Sorey. Wesentlicher aber als diese Neuinterpretationen ist der Spirit
von John Cage, der Niescier bei 'Chancery Touting' zum Würfel und bei 'A Truck Passing a
Clock Tower' zur Stoppuhr greifen ließ. Dem gleichen Geist verdankt sich die FibonacciFolge des bassgesägten, verhuscht und sprunghaft geblasenen 'Cold Epiphany' und die ad
random summenden Tordinitöne bei 'Ekim', dessen Schwermut von einer Melodie der türkischen Komponistin Nazife Güran (1921-1993) herrührt. Dazwischen postboppen sie '...ish'
mit sprudelndem Alto und rasantem Drive. Cleaver ist ein Inbegriff für den Pulsschlag von
NYC, explizit mit Tomasz Stańko und Ellery Eskelin, mit Basement Research und immer
wieder mit Ivo Perelman und Matthew Shipp. Der Radius von Finlayson erscheint daneben
noch schmal, aber konsistent in seiner Anbindung an Steve Coleman, Steve Lehman undMary Halvorson. Und er ist ja auch erst Mitte 30 und damit mit Tordini Next Generation.
Sein sehnender Ton bei 'Eki', der anknüpft an ein langes Alto-Arco-Duett, ist an Feelingschwer zu überbieten. Was zirpende Kiekser und krähende Triller nicht ausschließt, wennNiescier sie für 'Push/Pull' fordert. So wie Tordini mit wolligem Pizzicato einen da ganz in
das Innere großer Schäfchenwolken versetzt, so sonor knarrt, so fein laubsägt er mit dem
Bogen beim von Niesciers tremolierten, mit Muscheln beraschelten, zuletzt pianissimo geschmauchten '...Touting'. 'A Truck...' kommt zuletzt als Denkfigur auf Socken daher. pp
und ppp, mit spitzen Lippen und auf flinken Füßchen, Sekunden brechend und teilend.
Der Zürcher Pianist, der mit Things To Sounds, Where's Africa und Roofer, der Formation
des Bassisten Luca Sisera, sein Profil schärfte, ist jedoch insbesondere im eigenen YVESTHEILER TRIO zum Werbeträger helvetischer Tüchtigkeit geworden, um sie bis nachÄgypten, China und Guatemala zu exportieren. WE (Intakt CD 324) ist nun ein großes Wort
- für das Wir von Theiler & Sisera mit dem besenschwingenden und flockig klickklackenden, aber auch heftig stampfenden Drummer Lukas Mantel? Für ein Wir, das nachwie vor ein Jazzpianotrio als Indikator für Verhältnisse goutiert, in denen "Raum zum
Atmen" und 'Beauty in Space' geschätzt werden? Wo - noch - so etwas wie der markante
linkshändige 'Slush in Thaw'-Riff bestaunt wird, der wirbelige, dynamisch hämmernde,
ostinat repetierte Figurationen auf den Weg bringt, die über lyrisches und kaprioliges
Pizzicato und eine markante Reprise in sanften Kreisen zur Ruhe kommen? 'No Rank, No
Hill' findet von diskant schraffierten Bogenstrichen mit festem Tritt und dynamischem
Geknatter zu wendig klimperndem Pianoslalom und knackigem Geflipper, gut im Schuss
und zahnradpräzise. Siseras Finger singen 'The Truth Is, I Was Born in Argentina' undwieder setzt das eine melodische Mechanik in Gang, einen mit Luftsprüngen getanzten,
aus Hand- und Fußgelenken gefederten, farbenfroh pointillistischen Code. 'WE' selbst ist
ein melodisch kreisendes Stakkato, das in beckenberauschte, besenbetatschte Tagträumerei und in Melancholie verfällt. 'Beauty in Space' tritt kleinlaut und downtempo auf
der Stelle, der Versuch, sich aufzuraffen, läuft ins Leere. Aber auch Trübsinn kann ja schön
sein. Erst im zweiten Anlauf glückt der Rückgewinn munterer Zuversicht. Auch 'The Visit of
Mr. Lev' gestaltet Theiler als kunstvolles Narrativ, möglicherweise mit Chaim Potoks Asher
Lev im Sinn. Mit Walking Bass, wirbelig-flickrigem Getrommel, energischer Drehkurbelei,
ostinatem Stakkato, wuseligem Pianosprint, chassidischem (?) Anhauch, erneutem
Kreisen, Klapperdrumsolo und finalem Crash. Plädiert 'Every Year' zuletzt für Kontinuität?
Theiler legt, zu klackendem 4/4-Beat, einen sehnenden Unterton in seine aufsteigenden
Figuren. Und verstrickt sich doch mit mehr und mehr Moll in die Möbiusschlaufe desPrinzips Hoffnung. Mir fällt dazu schon lange kein Gegenargument mehr ein.
38Die Pianistin SYLVIE COURVOISIER und der Violinist MARK FELDMAN bilden eine Ellipse,
deren europäisch-amerikanisch und klassisch-jazzig akzentuierten Mittelpunkte sich oft sonahe kommen, dass man es für einen Kreis halten könnte. Über Namen wie Schostakowitsch und Schnittke, wie Geri Allen oder Cecil Taylor hinweg, den Courvoisier zuletzt
nochmal bei "Six Encomiums for Cecil Taylor" bestätigt hat, ist ihre Music for Violin and
Piano, wie sie sie von Anfang an so unprätentiös wie treffend nannten, immer ein Zwischen ding, dessen Pole sich annähern, als ob sie sich küssen wollten. Egal ob 'Zorn'-ig wie bei"Malphas" oder 'Messiaenesque' wie bei "Oblivia", ob zu dritt mit etwa Ikue Mori odervierblättrig wie schon so oft auf Intakt, es bleibt eine intime Suche nach der blauen Blume(oder Perle), die bei Time Gone Out (Intakt CD 326) einmal mehr über die Grenzen desNützlichen ('Limits of the Useful') hinaus strebt. Im spontanen Spiel wie auch bei 'Blindspot', 'Blue Pearl' und dem so schön betitelten 'Homesick for Another World'. Oder mit
mehr Bedacht, wie bei Courvoisiers 'Éclats for Ornette' und vor allem bei 'Time Gone Out'
als labyrinthisch komplexem, stufenpyramidalem 20-Minüter. Ähnlich Feldmans 'Not a
Song, Other Songs', das es über gut 10 Minuten vielfältig auszufalten gilt. Dass einem fürsowas wie 'Cryptoporticus' neben dem Schlüssel auch die Worte fehlen, liegt in der kunstvollen Natur einer Sache, bei der schon die ersten voller Heimweh flageolettisierten, flimmernden und höchsten Töne sprachlos machen. Feldmans Violine erregt mehr als nur Aufsehen, wie sie sich da aus dem Kammerfenster schwingt wie Max Klingers räuberischer
Flugsaurier. Wobei man nicht recht weiß, ob die Pianohiebe das stoppen oder noch anspornen wollen. Courvoisier geistert ja selber im Innenklavier oder klirrt und rumort zwischen quecksilbrig, drahtig und bleiern als Alchemistin, die zutiefst mit dem Wahn eines
Erich Zann mitfühlen kann. Und erst recht mit Einem, der herzzerreißend auf der Tonleiterrumturnt und rumdüst bis ins spitzeste Altissimo. Ich höre da etwas zutiefst Romantisches
schillern und schmachten, tröpfeln, sirren oder donnern. Etwas Phantastisches, in dem mir
Johannes Kreisler, Paganini, Strawinskis barbarisches Frühlingsopfer oder auch Frankensteins von Geigenklang angezogenes Monster deutlicher vergegenwärtigt scheinen, alsderen noch so reißerischer Abklatsch von Heute.
AKI TAKASEs Pianosolo Hokusai (Intakt CD 327), ihr zwölftes Album bei Intakt, nimmt die
Bilderwelt von Katsushika Hokusai (1760-1849) als Einstieg in die inneren Landschaften
ihrer eigenen Kunst. Nach fast ihrem halben Leben als Berlinerin, ist Hokusais Ikonografie,
in der sich japanische Selbstbespiegelung und japonistisches Klischeebild begegnen, fast
so etwas wie eine Seelenwaage. Jedenfalls etwas, an dem sich Fragen nach Prägungen,
Erinnerungen, Nähe, Distanz oder einfach der Perspektive festmachen lassen. Nicht zuvergessen die ästhetische Herausforderung durch Hokusais Reduktion und Symbolik. Als
das Einfache, das schwer zu machen ist und das Wenige, das doch so viel sagt. Gleich in'Crane' schwingt im Wegfliegen und Rückkehren des Kranichs, nicht nur mit Japan Airlines, ein sich aufschwingender und doch melancholischer Widerspruch aus Wollen undSollen mit. Bei 'Hokusais Meer' steht 'Die große Welle vor Kanagawa' vor Augen, als in sichwild erregte und wühlend kreisende Kraft. Es fehlt auch das anspielungsreiche 'Cherry'nicht, die schon mit David Murray zeitvergessen beschnupperte Kirschblüte. Bei 'Bach
Factory' spielt Takase Bach als akustische Ikone des Abendlandes, in vierhändiger Motorik
mit Alexander von Schlippenbach, der auch noch als rasant schnurrender und hämmernder 'Dr. Beat' zu Ehren kommt. Soll ich mir 'Live in a Dream' als oktopuserotisches 'Frühlingsbild' vorstellen? Die gläsernen Tropfen von 'Nihon Bridge in Edo' schlägt Takase auf
einer Celesta an. Mit 'Hokusai Manga' würdigt sie in bewegter Action die tatsächlich als
Hokusai-Mangas in Umlauf gebrachten Bildbände. Im launig celestierten 'Sketch of Spring'und beim als Broken Blossom spöttisch hinkenden 'Silent Landscape' sketcht Takase
himmlisch gewitzt oder sarkastisch betrübt auch so manches Déjà-vu aus den Handgelenken. Während Hokusai ein Meister des weißen, leeren Raums war, ähnelt ihr Temperament
eher einem Tsunami oder dem Nachi-Wasserfall, unter dem der Mönch Mongaku meditiert
hat. Was, wie gehört, Pfiffiges und Hintersinniges nicht ausschließt. Der schnelle und komische Stakkatosprechgesang bei 'Hokahoka Hokusai' ist von Takases Schriftstellerfreundin Yoko Tawada, die 2017 das Hokusai-Thema mit angestoßen hat.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Ich werde mich hüten, mit den poetischen "Hüllkurven" zu konkurrieren, mit denen Peter
Weber die "Nähegewitter" des GASSER 3 umschmeichelt. In Espresso Galattico (LR 845)
konzentriert sind die geteilten Erfahrungen des Tenorsaxophonisten Jürg Gasser, Jg. 1947und ein zurückhaltender Vertreter der Zürcher Werkstatt für Improvisierte Musik, mit dem
noch 6 Jahre erfahreneren WIMler Peter K Frey, dem Karl-Ein-Karl-Frey, Studer-Frey-Frey am
Kontrabass. Und mit Dieter Ulrich, der von Martin Schlumpf's einstigem Bermuda Viereck
per Day & Taxi und mit allerhand Objets Trouvés, aber insbesondere seinen Drums in diesem
3-eck eingeparkt hat. Welches Schwarze Loch könnte galaktischer, schwärzer, verlockender,
sanfter oder witziger sein als die Schwärze im Ereignishorizont einer Espressotasse? Die
drei servieren den Kick der Impro-Unendlichkeit in irdisch-handlichem Format. Mit den abgerissenen Kürzeln von an sich sonorem Tenorsaxgemurmel zu koffeinhaltig prickelndem
Pizzicato und Bogenstrichen, die sich wie das magenkranke Stöhnen eines Teddybärs anhören. Dazu tickelt Ulrich, den man als bekennenden Altschulianer kennt, als ob er einemden Lack verhageln wollte. Das alles in einer Dringlichkeit, die einen von drei Seiten bestürmt,als Attacke eines Killerbienenschwarms, als Stampede einer durch ein Afro-Garagentor
durchgebrochenen Gnuherde. Wie da die Saiten beben unter Freys geradezu hackenden
Bogenhieben, wie sie als Dasselfliegen surren, wie Ulrich da wie auf Gepardenpfoten um die
Herde streicht. Wie aber auch Gassers Lippen einen Slowfox schmusen, bevor sie von einem
Atemzug zum andern vom Bienenstich lassen und zu Kratzbürsten mutieren. 'Softly, but...'trifft ganz gut, dass man eben noch Melancholisches und jetzt doch Saures ins Ohr geträufelt bekommt, mit krätzigem, knurrigem Strich zu tapsigem und rostigem Ton. Als 'Joke' quäkt
Ulrich sein schrilles Bugle zu plonkendem, sägendem Freyspiel. Danach wird das Tempo
angezogen, rattrig klackernd und mit Bogeneifer, Gasser macht sich dünn und schlüpfrig,
um plötzlich vollstoff loszuröhren. Doch 'Ciao' bluest er zuletzt so katzenjämmerlich, dassdie Milchstraße sauer werden könnte.
New Destinations (LR 853) ist nach "In Transit" & "Travelling Light" eine weitere Fahrt desPianisten Pat Battstone mit THE LAST TAXI. Er hat dafür, nach Marialuisa Capurso, Antonella
Chionna und Gianna Montecalvo, in Bari mit der elektrifizierten Vokalistin Chiara Liuzzi undder Flötistin Giorgia Santoro zwei weitere Italienerinnen aufgegabelt, neben wieder Adolfo
La Volpe an der Gitarre, Giacomo Mongelli an den Drums und Chris Rathbun am Bass. Liuzzi
hat bei Leo schon den Geist von Billie Holiday beschworen, Santoro hat da im Tran(ce)formation Quartet mit La Volpe geflötet, der auch bei La Cantiga De La Serena an ihrer Seite
ist, wo Fabrizio Piepoli Lieder anstimmt, wie aus einem Jahrhunderte tiefen Brunnen geschöpft. Die Taxifahrt führt raus aus der Stadt ans und übers Meer ('Where Sea-Creatures
Slowly Dance') bis zu 'The Markets of Marrakech'. Oder ist das alles nur ein Traum, von'Twilight Departure' über 'Sunrise over a Painted Desert' bis 'L'Amore Rêvé'? Versponnener
Eskapismus, wo man wie nach einem Kuss des grünen Engels ('Absynte') in einem japanischen Garten aufwacht und sich vorkommt wie Alice ('Looking Glass Woman')? Verführt undentführt von der Flöte und Liuzzis wortlosen Lockrufen. Umfunkelt vom Klang präparierter
Klaviersaiten, umwellt von Flötenkaskaden, vom Bass am Ärmel gezupft wie von Bettelkinderfingern, von den Drums gedrängt und der E-Gitarre aufgekratzt, während Liuzzis
Ladida und scattendes Gehampel den dafür Empfänglichen gute Laune macht. Je dunkler
die Flöte, desto schöner die Gäste, aber unter Liuzzis Lockendach flattern echt komische
Vögel. Battstone quirlt, die Gitarre heult, die Piccolo fiept, das Ganze rockt, bis drunten eine
Seegurke sich in Zeitlupe zur Ballerina aufbläst. Schnell weg da, um trocknen Fußes ein
ganz andres Flair zu haschen, um mit psychedelisierender Gitarre Farben zu riechen undprickelnde Düfte zu hören. La Volpe macht die Uhr kaputt und beplinkt einen Zen-Garten, indem die Zeit stillsteht und sogar rückwärts stürzt. Santoros Flöte verleiht derart grüne
Flügel zu einem Lullaby von Liuzzi, dass sich die Wiege in die Luft schwingt. Nur der Bassverhindert, dass man hinter dem Spiegel verschwindet. Liuzzi besingt emphatisch La
Musique. Doch wenn sie zuletzt mit Aa und Üü 'L'Amore Rêvé' vokalisiert, schreibt ein böser
Finger André Gagnon darunter und das lässt mich beinah aufs Keyboard kotzen.
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Das BLAZING FLAME QUINTET/6 ist für Wrecked Chateau (LR 855) etwas aufgemischt, sodass ich neben dem Hauptmächer Steve Day zwar noch den E-Geiger Peter Evans, Julian
Dale an Kontrabass & Cello und Mark Langford fringe free an Tenorsax & Bassklarinette
wiedererkenne. Doch trommeln tut nun Marco Anderson (Bird Architects, Groundhogs) und
mit David Mowat (Klezmernauts, Chai For All, BEJE = Bristol European Jazz Ensemble) spielt
ein engagierter Streetwarrior Trompete. Mehr Bristol geht nicht. Und mehr Steve Day geht
auch nicht, wenn er gleich loslegt mit Either we eat or we ourselves are eaten; so roams thewolf pack through the Landfill Of Eden. Muss man crazy like Blazing Flame sein, um zu
sehen, wie Unkraut aus rostigen Robotern wuchert / as organic discard consumes the apocalypse? Und doppelt crazy, um dabei nicht durchzudrehen? Oder sind wir schon durchgedreht? I wouldn't turn to violence if I were you / but you do, you do, you do, you do . Das
Meer? Zermüllt. Die Kinder? Entfremdet. Sometimes we wreck the best of what we have.
Day hält dagegen mit 'Russian Doll' als Lobgesang auf Vladimir Tarasov (aber auch derKlage, dass es sein Buch über das Ganelin Trio nur auf Russisch gibt). Im mit Spinnweb und
Katzenpfot' gemalten 'Wrecked Chateau' - this home of mystery, an inner sanctum of fossils
and bones, treibt sich statt Geistern nur noch Aurora die Streunerin rum - there's a spooky
feeling in the feline pose. Blazing Flame spielt Phönix, und mit 'Trane- & Ornette-Spirit Gershwins 'I Got Rhythm': Exultant pleasure, pain and sorrow. / Strike the right and the wrong
note. / Make my music a bleeding heart, / make my mindful fall apart ('Flaming Gershwin').
Bei 'Regular Queens With Three Stray Horns' feiert Day Billy Strayhorn, der sein Schwulsein
offen lebte. Bei 'Brutus and Caesar' schließlich reißt das Foto eines einstigen Freundes, dersich zum Emperor Augustus aufschwang und doch nur ein Blackleg Miner, ein mieser Streikbrecher, ist, fast nochmal vernarbte Wunden auf. Day stöhnt, als hätte ihn jemand an der
Gurgel, mit J'accuse-Emphase seine beiläufig gereimte und doch frei pendelnde Poetry, die
Flames improvisieren Feuer- und Katzenmusik. Sie sind, mit heißen oder nur flimmernden
Bogenstrichen, flackerndem Saxophon, brandbeschleunigender oder zirpender Trompete,die beste Band, die sowas kann.
Mit Readings: Gileya Revisited (LR 856) & "Red Cavalry" (LR 857) sind wir wieder bei eineralten Herzensangelegenheit von SIMON NABATOV, der Passionsgeschichte russischer
Literaten unter Stalins exterminatorischem Wahn und Terror, der er sich schon bei "Nature
Morte" (Joseph Brodsky), "The Master and Margarita" (Michail Bulgakow) & "A Few Incidences" (Daniil Charms) gewidmet hat. Isaak Babels "Die Reiterarmee" hat er, wie schon
Brodsky & Charms, Phil Minton anvertraut, die Texte der Hyläa-Gruppe sind Jaap Blonk in
den Mund gelegt. Für den sind Alexei Krutschonychs Sa-um-Neologistik und die Experimente von Welimir Chlebnikow mundgerechte Leckerbissen. Angefangen von Eine Ohrfeige demöffentlichen Geschmack, dem von Wladimir Majakowski mitverfassten, 1912 aus Moskau
gemorsten Manifest der Neo-Skythen im Wilden Osten, die die Klassiker ersäufen wollten
und selbst Marinetti, der sie als Sauvagisten umarmen wollte, eine Nase drehten. Mit phonologischen und transmentalen Gedichten wie dyr-bul-schtschil / ubeschtschur / skum / wy sso
bu / r l äs, Gedichten, die, wie mit dem Feuerhaken geschrieben, einer fressenden Sägeähneln sollten. Gedichten wie 'Kho-Bo-ro', die sich gröhlend und Wodka gurgelnd tanzen
lassen. Silben, die sich lallen und krächzen und von Läusen beten lassen. Verklanglicht hat
Nabatov das mit Reeds-Rülpsern wie ein Gänserich, Flötentönen und flüsterschnaubendem
oder kirrendem Schtschyr-Wssrrrwww!!! von Frank Gratkowski, Live Electronics von Marcus
Schmickler, Gerry Hemingways Geklapper und der eigenhändigen Verklimperung bis hin
zum elegischen Schaum des wehmütigen Mekhytso / Lamoshka von 'Shokretyts', zu dem
selbst Gratkowski seufzt und herzzerreißend trillert, bevor die Erde mit Shksad! / Tsa! überdem Sarg festgestampft wird. Und bevor Blonk nach dem von Schmickler bescratchten
Hyläa-O-Ton der von Hemingway gerappel-trommelten 'Intermisssion 3' zuletzt zu Piano undzartem Alto Bobäobi - Wääomi - Piääo - Liäääj - Gsi-gsi-gsäo als Reggae schmust. Chlebnikow starb 1922 mit 36 Jahren. Majakowski schoss sich 1930 eine Kugel ins Herz. Charms
durchlitt den ganzen Terror und verkam, für verrückt erklärt, 1942 an Unterernährung.
Krutschonych überlebte bis 1968 als Schatten seiner selbst. Doch Nabatov lässt den HyläaSpirit, jazzig metalogisiert, im 21. Jhdt. ankommen. Wo freilich längst schon auch Stalin
angekommen ist, populärer als alle toten Dichter zusammen.
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Der rote Zar hat das rote Paradies 1940 auch von Isaak Babel 'gesäubert', einem jüdischen,viel zu witzigen und lebenslustigen Schmierfink aus Odessa, der in "Die Reiterarmee", 1924
in Majakowskis Magazin LEF erschienen, den Sieg von Budjonnys Reitern in Galizien überdie Weißen, die Kosaken und die Polen zu unheroisch geschildert und nestbeschmutzerischvon Judenmassakern geschwafelt hat. Sein Theaterstück "Marija" machte 1935 den gleichen
Fehler und sein Tod war danach nur eine Frage der Zeit. Wassili Blochin, Stalins Oberhenker
mit seiner Metzgerschürze und einer Kopfschussquote von bis zu 350 Staatsfeinden pro
Nachtschicht, erledigte das so nebenbei. SIMON NABATOVs Auseinandersetzung mit Babelund mit seiner eigenen Herkunft ist das Gegenteil von nebenbei, geht es doch um den kommunistischen, durchaus von messianischen Hoffnungen motivierten Utopismus als 'jüdische'
Machenschaften in den Augen seiner Gegner und den gleichzeitigen Antisemitismus imroten Zarenreich und seinen Kolonialgebieten. Diese Widersprüche, die Babel mit eigenen
Augen und am eigenen Leib erlebte, wurden noch durch seine Zweifel verschärft, ob sich
Kriegsverbrechen rechtfertigen lassen, um ein Himmelreich auf Erden zu schaffen. Nabatov
inszeniert Red Cavalry (LR 857) als Singspiel, in dem sich bolschewistische ('BudjonnyMarsch'), polnische ('Noch ist Polen nicht verloren') und jüdische Motive ('Haschkiwenu' &Klezmeranklänge) plunderphonisch kreuzen und die idealistisch-utopische 'Internationale'zum Trauermarsch wird. Phil Minton sprechsingt so, dass einen durch seine röchelnde,
krächzende Theatralik die grotesken und makabren Züge in Babels lakonischen oderpathetischen Zeilen anspringen. Auch ein jazziges Intermezzo kann das, elektronisch verfädelt, nicht abschütteln. Das klarinettenelegische 'Gedali' malt Minton extraschwarzhumorigaus, und die Band deliriert zwischendurch, als wären Trauerzüge ein jüdischer Witz. Die
Drums klappern als Pferdehufe oder Tamtam, Minton schreit, realistisch wie einst bei"Rags", zu knöchelig klapperndem Piano und deklamiert lauthals zu einem klarinettenforschen Gänsepogrom. 'After The Battle' ist ein gefundenes Fressen für Schmeißfliegen,Plünderer und Gröhler, für dadaeske Albträume und die Scham, ja, Babels Scham, selber
nicht zum Schlächter zu taugen. In vollendeter Zukunft ausgedrückt: Kein Nachruf auf
Nabatov wird einmal verschweigen dürfen, was er mit den "Readings" geleistet hat.
The Collective Mind (LR 858) bringt ein Wiederhören mit dem von Heinz Geisser angeführten
ENSEMBLE 5. Der Zürcher Perkussionist war mit dem Collective 4tet lange eine konstante
Größe bei Leo, ohne sein noch konstanteres Miteinander mit dem Pianisten Guerino Mazzola
zu vernachlässigen, wie erst letztes Jahr bei pfMENTUM zu hören. Das zuerst mit "Solstice"(2012) vorgestellte, rein Schweizer Ensemble mit Robert Morgenthaler an der Posaune,
Fridolin Blumer am Kontrabass und dem mit Ensemble Linea und Præsenz zeitgenössischgewieften Pianisten Reto Staub behielt seinen Namen auch zu viert bei und rechtfertigt das
gerne in 4+1-Meetings. Blumer, der mit Don & Giovannis, Doina, The Sam Singers oder Babak Nemati auch schöne Sachen macht, wo der Brotkorb tiefer hängt, weil Unterhaltung
größer geschrieben wird, war jedoch auch wieder mit Geisser zur Stelle bei Stefano Leonardis Leo-Album "L'Eterno". Seine Vielseitigkeit ist ebenso unerlässlich wie Staubs NovaKnowhow, um intuitiv in die versteckten Winkel und Lotusgärten freier Kreation zu gelangen,die nur dem inneren Auge sichtbar und einem Kollektivbewusstsein zugänglich sind. Umdabei nicht an der Klangoberfläche abzuprallen, gilt es den richtigen Winkel zu treffen, unddoch gelingt der Zugang nur in enorm raschen, zugleich impulsiven und beharrlich ostinaten
oder aber in träumerisch verlangsamten Bewegungen. Daher die quirlig spritzenden nebenganz unforciert driftenden Momenten, beides jedoch in schwarmintelligenter Ausrichtung.
Und mit maximaler Flexibilität speziell von Morgenthaler, der sein gerade noch eindringlich
blubberndes Stakkato oder stöberndes Knören komplett entschleunigen kann für gedehnte
Luftblasen oder Rauchringe und quakendes Wahwah. So wie Staub von hoppelnden Sprüngen zu harfenden Griffen ins Innenklavier wechselt, die mit Geissers Gestreichel von Blechkanten harmonieren. So wie der Bass mit festem Schritt synchron mit Staubs Linker auftritt,bevor alle hochgeschwind ins Rollen kommen und über Stumpf und Stiel springen. Stattnichtidiomatischer Strenge ist durch die launige Posaune oder eloquentes Bassgemurmelüber den animiert flickernden, hämmernden, rauschenden Flow und virtuosen Zusammenhalt hinaus immer etwas Sangliches und Amüsantes im Spiel, das in der Summe seiner
einfallsreich klirrenden und plinkenden Teile fetten Überschuss abwirft.
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IVO PERELMAN & MAT MANERI setzen die mit Feldman & Hwang ("Strings 1") bzw. mit Roberts & Rothenberg ("Strings 2") begonnene Reihe fort mit erst nur NATE WOOLEY an der
Trompete: Strings 3 (LR 859). Und dann auch noch MATTHEW SHIPP am Piano: Strings 4 (LR860), quasi wie "Philosopher's Stone" mit Bratsche extra. Das Ganze kreist also um Maneris
Viola, die den Grundton angibt, um die das Tenorsax herumschmust und die Trompete herumzirpt. Perelman strebt sogar neue Altissimorekorde an, um mit den Strings auf höchsten
Höhen zu schweben, zu flimmern, zu kirren. Wooley bläst dazu in schillernder Konkurrenz
und in liquidester Kontrapunktik. Sprudelig und mit allen Wassern gewaschen reibt er sichsandig und golden an Perelmans Seidenklang in der Grit-&-Silk-Dichotomy von Trompete
und Tenorsax, die hier chamäleonchromatisch und oktopusmimisch bis in letzte Farbnuancen ausgereizt wird. In synchronen Fluktuationen, mit ständigen Spurwechseln und Pärchenbildungen, harmonischen Verdichtungen, zartbitteren Stimmungstiefs, enthusiastischen Auf- & Abschwüngen in mikrofeinen Quanten und exaltierten Oktaven. Als rasantkurvende Flugshowformation, als gleichschenklig trillernde Synchronschwimmerinnen, als
ringende Laokoongruppe, als zuckende Stakkatoorgie. Stellt euch das vor als sOnOres Lob
des gemeinsamen Nenners von ViOla, TrOmpete und TenOr in einem proteischen BrOnzetOn, der aber in gurrendes Dunkel, gellendes Ostinato, träges Quäken, girrende Spitzenumgelautet wird. Was für ein Potlatch. Mit Shipps Piano bekommt "Strings 4" in Perelmans
Vorstellung eine klangskulpturale Dimension und einen moderaten Akzent. Shipp klopft
nämlich schon mal auf die Finger, wenn die andern zu sehr Bugs Bunny spielen. Zuerst jedoch spielen sie Little Nemo, dem in Slumberland träumerisch die Dimensionen abhanden
kommen. Den Absurditäten in die Zange nehmen und Beine machen, auch Shipp tut da Abgründe auf. Die Töne ziehen sich wie Gummi, beben vor Vibrato in heulendem Elend, bevor
man sich zur komischen Seite hin rettet. Für Shipp ist ein Stridegroove komisch genug, fürManeri etwas gefieselte Hysterie oder Moskito-Blutdurst. Umso närrischer blasen die andern zwei um die Wette, oder Trübsal, so dass Shipp mit der Faust auf den Tisch schlagenmuss. Aber schon auch mal launig mitpingt & -pongt. Cool.
Seit seinem Alleingang "[Oeil]" (2005) fand ich Vinz Vonlanthen bei jedem Wiederhören inneuer Gesellschaft: Bei "VLL678" (2010) mit Antoine Lang & Rodolphe Loubatier, bei "Silo"(2012) mit Christophe Berthet & Cyril Bondi, als VIP mit Pierre Audédat im Leftfield plunderphonischer Breakbeatzonen und sampladelischer Dekonstruktionen (BA 96). Travoltazuki(LR 861) ist schon von der Optik her als Fake und Spaß markiert, für den Vonlanthen seine
Gitarrenwizardry mit den Keys von Florence Melnotte und der Rhythmik von Sylvain Fournierzu OOGUI vereint. Die Französin, die auch Piano und Kaossilator einsetzt, hat sich mit FourRoses hervorgetan, mit Les Mystères De L'Ouest und bei "Whynotmelnotte" solo. In La Foire
ist neben Jacques Siron schon Fournier der trommelnde Dritte, ein Tausendsassa, der inGenf von Fanfare Funk mit Albertine über Eigenkompositionen mit Ernest Platini und Western Spaghetti Music mit Les Cow-Bows bis zu Explorations Orientales mit ZZHR das ganze
ABC abdeckt. Das Zeug mit OOgui läuft dazwischen als Disco-Impro-Dingo, und sie tanzen
da nach Melnottes Pfeife 'Mupulupu' oder 'Shitimogo'. Fournier hilft einem auf den 'Sprung'oder dirigiert durch das rasant verzwirbelte 'La Brignoire de Claude', Vonlanthen lässt bei'Night Fever' und 'Réminiscence Acid Dance Floor' mitfiebern. Dazwischen brüten sie kollektiv so kleine Sachen aus wie 'Fournibus', 'Melnottika' oder 'Grugenbulles' mit seinen Keyskaskaden und plinkendem Klingklang. Mit dem Tanzen ist das freilich so eine Sache, denn
neben Riffing, das jeden Idiot-Dancefloor umtreiben könnte, lassen die drei die Straightnessrasch an die Wand laufen und drehen Rockkonventionen ebenso wie gängigen Jazztricks
eine Nase, pfeifend und mit hintersinnigen V-Effekten. Wenn etwa der Zeitpfeil auf der Stelle
tritt oder schlapp macht wie zu weich gekochte Nudeln, wenn der Drive stagniert oder sichfraktal verzettelt. Aber es bleibt genug Zucker für Freakäffchen, genug Kitzel, der die Glieder zucken lässt. Oder auch die Hammelbeine lang zieht, wenn R.I.O.-Rhythmik wechselt mit
gedehntem Schwebklang ätherischer Gitarrensaiten. Nennt es freakish, surreal, was mit
vorne meta- oder hinten -esk. Albert-Hofmannesk z. B., wenn 'Toigrandebrute' mit Schwyzerwitz flöten geht, einen Progzahn zulegt und doch zart schwebend ankommt. Oder cheshiresk,
wenn Melnotte zuletzt ihr 'Gatogato' tatzt, es beschleunigt, bis es bloß noch pfeift und überträumerische Klimperei und gitarristische Ondes Martenot hinweg entschwindet.
43Motvind Records (Oslo)
Gudbrandsdalen? Da darf man an "Kristin Lavransdatter" denken und an Peer Gynt. Oderan Hans Kjorstad, Geiger bei Frode Hatli Avant Folk. Der stammt von dort, ist aber selten
zuhause in Sør-Fron. Weil die Musik ihn hinaus zieht, mit seinem Bruder Rasmus als Kjorstad
Brothers und zu viert in Reolô, mit Folkevogn, Billy Meier, Slow Is The New Fast, Sanskriti
Shresta Avatar, Vassvik. Und nicht zuletzt MIMAN, mit Andreas Røysum an Klarinette & Gitarre & dem Schweden Egil Kalman an Kontrabass & Modularsynthie, beides seine Partnerauch in der Marthe Lea Band. Im August 2018 haben sie in Kopenhagen Stora mängder
rymdgrus (MOT2, LP/CD) kreiert, den Nachfolger zu "Ulme", und überwölbt mit den Sternbildern der Nordhalbkugel, der 'Emisfero Borealis' aus dem "Firmamentum Sobiescianum"des Johannes Hevelius. Kjorstad lässt bei 'Kometen Kommer' flickrige Saitenklänge irrlichtern, Røysum schnarrt und krächzt, Kalman hantiert plonkig und wummrig und zugleich
granular, knurschig und brummig. In seine dunklen Machenschaften stechen mit dem Geigenbogen heftig zugespitzte Klänge und quellen fiepende oder knarrig geblasene. Wischender Eifer mischt sich mit schrillen Kratzern und katzenjämmerlicher Fiedelei. Kalman klopft
und rumort mit dem Bogen. Und lärmt auch sonst noch perkussiv? Nein, das ist wohl die Gitarre, eine akustische, erst geklopft, dann plinkig gepickt. Mit Spaß an der flinken Verwirbelung komischer Töne. Bei 'Fuggel Eller Fisk' zwitschern, tirilieren und piepsen nämlich komische Vögel, der Synthie blubbert dazu nasse Nachtgesänge und zwitschert, vom Bass
beplonkt und von der Klarinette delirant umschwärmt, wie R2-D2 mit ein paar Jod-S-11Körnchen zuviel. Auch bei 'En I Taget' geht einiges flöten, in den diskant gepressten, tonlos
gefauchten, erregt gekrabbelten, dunkel geplonkten, kakophon angeschrägten Lauten eines
phantastischen Dschungelbestiariums. Als hätten Asger Jorns 'Der Mond und die Tiere','Phornix Park' oder 'La Fleur du mal' plötzlich zu klingen angefangen.
Sich auf kein Sponsoring einzulassen durch Konzerne, die sich damit Feigenblätter für ihre
Waffengeschäfte und die Ölploitation verschaffen, gehört zu Hans Kjorstads Motvind-Agenda, die neben dem Label auch das Motvindfestivalen stemmt, als 'Gegenwind' zum Pecunia
non olet. Mit Is Okay Okay Is Certified (MOT3) als dritter Motvind-Scheibe wird Signe Emmeluth präsentiert, eine junge dänische Saxophonistin in Oslo, die beim SPACEMUSIC ENSEMBLE den Ton angibt. Profiliert als zweite Mette Rasmussen in Konge (mit Mats Gustafsson,
Ole Morten Vågan & Kresten Osgood), hat sie da erneut den Gitarristen Karl Bjorå an der
Seite, ihren Partner in Owl und 1/4 von Amoeba bei Emmeluths Leaderdebut "Polyp" (2018).
Andreas Winther (von Karl Bjorå's Aperture) trommelt, mit Anja Lauvdal (von Skadedyr,
Finity...) spielt eine Piano, die mit "We Are The Granddaughters of The Witches You Didn't
Burn" gerade wilde Runden auf dem Besen ritt mit Donna Haraway und der Skadedyr-HexeHeiða Karine Jóhannesdóttir, deren Tuba auch hier den Bass ersetzt. Was Emmeluths Spacemusik motiviert, verrät die Poesie, die sie Rohey Taalah (von Gurls) in den Mund legt, erst als
Vokalisation, dann als Rezitativ, dann als Sprechgesang: Liebe als die Kraft, die Zeit undRaum krümmt, die aus Geraden Spiralen dreht, die aus schwarzen Staubkörnchen Regenbogenfarben gewinnt, die winzige Kuriere von Mutter Erde ausschwärmen lässt. Eros und
Veriditas als sanfte, mit No-Input Mixer & Synthiesounds evozierte Mächte. Dann tasten sich
Piano, Alto und die Stimme dazu, himmelweit weg von wildem Freejazzfeuer. Lauvdal klimperklirrt, Emmeluth schnaubt, bis nach 14 Min. aus dem geräuschhaften Sud mit Tuba und
den Drums Ansätze von Melodik Tritt fassen. Monoton tickende Gitarre und erratisches Pochen schieben melancholisches Tuten an, das abreißt für die Poesie, die auf Geräusch- und
Schmauchspuren daherkommt und mit Besenbeat und Bläsergroove Schwung bringt, mit
kirrendem Alto, energischem Piano, Swinglesingsang und wieder zwitschernder, flötender
Elektronik. Aus Vokalisation und Pianogefunkel erwächst ein sprachmelodisches Turning Shifting - Feeling - Dripping - Vibrating, in rollenden Kreisen und ostinatem Duktus. Um, Wort
für Ton und mit elektrobruitistisch-klapprigem, hartnäckig pochendem Spielwitz, tickendem
Piano, Altosaxgesang und sägender, prickelnder Gitarre, Plastik, Stahl und Glas zu zerpicken.
Hin zu Taalahs Scream floral essence and fauna over the cities... Floral essencials facing
man as girl boy as woman humans in nature... Und mit Tubamelancholie hin zur wieder
elektrobruitistischen, tastenden, träumerischen Reprise. My O.K. is certified.
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PNL (Oslo)KEN VANDERMARK & PAAL NILSSEN-LOVE sind sich seit 2002 ein immer wieder gesuchtes wechselseitiges Vergnügen, das von "Dual Pleasure" bis "The Lions Have Eaten One Of
The Guards" ausgiebig der Nachwelt überliefert ist. Dazu gibt es im Internet haufenweise
weitere Amateur-Dokus. So dass die beiden sich für Screen Off (PNL041) als ihrem 10.
Streich den Spaß machten, aus privaten YouTube-Clips von 2008-2018 ein Cut-up zu
fabrizieren, einen durch Experimentalfilme von Michael Snow und Tony Conrad angeregten
Ton-'Film'. Verschärft durch das von Lasse Marhaug vorgeschlagene Prinzip, nur jeweils
Schnipsel von exakt 120 Sekunden zu nehmen und daraus dennoch was musikalischAussagekräftiges zu konstruieren, der Chronologie spottend und auch die schwankenden
Tonqualitäten billigend in Kauf nehmend. Die einfühlsame Interaktion als essentieller
Impro-Parameter tritt zurück hinter das Montagekonzept und billige Rip-offs. In der SchnittKontinuum-Dyade ist der Akzent auf den Cut verschoben, was durchaus verstörend abrupt
und mit bewusst rumpeligen Übergängen durchgezogen wurde. Für 21 Parts von teils
ungenierter Tonqualität, die den Dreck-&-Speck-Faktor mit fast nochmal punkigem 'Fuck
Off' zu Ehren bringt. Unvermindert präsent und ungeschönt in-yer-face ist die für die
beiden typische Synthese aus Feuer und Bewegung, immer und immer wieder Vandermarks fackelschwenkendes Feuerio und ostinates Stakkato, PNLs eisernes Dreschen,
Zischen und Rauschen, sein Rappeln, Pochen, Knattern und grooviges BumkunchabumBumkunchabum. Es verdutzt, wie dieser Verschnitt, dieses produced by Tomcat Murr, trotz
der, ja durch die Abstriche essentielle Best-of-Qualitäten vermittelt, auch wenn dabei
heilige Kühe zur Schlachtbank oder ad absurdum geführt werden.
Noch vor den furiosen Roskilde-2018-Mitschnitten "New Brazilian Funk" (PNL042) und"New Japanese Noise" (PNL043) mit den ohrzerfleddernden Exzessen von Frode Gjerstad
bzw. Akira Sakata ist am 11.9.2017 live im Pit Inn in Tokyo Jikan (PNL045) entstanden. Als,nach "Arashi" (19.7.2013), "Semikujira" (20.5.2015) und "Live at Fylkingen" (4.5.2017),
vierte Aufzeichnung von ARASHI, dem Dreizack aus Paal Nilssen-Love, dem Fire!-Bassisten Johan Berthling und Sax-Wirbelwind Akira Sakata. Arashi heißt Sturm, und der 1945 inHiroshima geborene Japaner sät und erntet ihn schon seit "Bang!" und "Distant Thunder"
in den 70ern über Wha-ha-ha bis hin zu den Taifunen mit Jim O'Rourke, Chikamorachi odergar Hijokaidan. Wer ihn in Roskilde 'The Bone People' schreien und den 'Birdsong' kirren
hört, weiß endlich, warum sich die Japaner Godzilla als Schoßtierchen halten. "Arashi"
hieß 1977 auch schon ein legendäres Album des Yosuke Yamashita Trios mit Gerald Oshita
als zweitem Saxer neben Sakata und dem Wechselspiel von irrwitziger Feuerspuckerei und
Aylers 'Ghost'. Das liefert die Messlatte, an der Sakata 42 Jahre danach nochmal sichselber misst. 'Jikan' heißt Zeit, 'Tsuioku' Erinnerung. Nicht aus dem Kopf geht ihm das alte
Fischerlied 'Saitaro-bushi', das er nach "Fisherman's.com" und der 'Atlantis'-Version auf"Semikujira" erneut mit Arashi-Spirit und Moby-Dick-Wut aufwühlt. Was ein Witz ist, denndiesem zierlichen Senior würde man eher zutrauen, dass er sich mit seiner Aktienrendite
einen späten Lenz auf Honolulu macht. Hier verblüfft er gleich zu Beginn doppelt, nämlich
mit grotesk gestöhnter Theatralik und rauem Volksliedgesang. Als ein anderer Keiji Haino,
zu leisem Tapsen und Gefiedel, wobei Berthling folkloresk flageolettiert und PNL metallisch rasselt und groovt. Erst dann fächelt Sakata mit dem Altosax, lyrisch und doch schon
intensiv zugespitzt, zu grummeligem, polterndem, rollendem Donner, surrendem Bogenstrich und dunklem Plonken. Time flies, in Weißglut. Für 'Yamanoue-no-Okura' schillert
Sakata, pizzicatobestachelt und beknattert, zwischen köchelnder, sprudelnder und überkochender Saxerei. Gipfelnd in feuerbohrendem Bogenstrich und primitivem Tamtam zu
hochdramatischem Sprechgesang, der selbst noch dramatisch verstummt. Doch mit einer
weiteren Volte klezmerbluest Sakata zuletzt zu flimmerndem Bogenstrich und aufschrillendem Blech in so bittersüßer Klarinettenwehmut vom Verlieren und Vermissen, dass selbst
die tollwütige Zeit den Kopf gerührt auf die Pfoten legt.

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... nowjazz plink'n'plonk ...
AGOGOL & NAABTALDEATH MO#NO#NO (Tonkunst Manufaktur, TM006): Als ich das erste
Mal von Andreas Gogol hörte - sein äußerst seltsames "Gorymaaz" (A-Musik, 2005) - , dawar er, nach dem Braunschweiger Jahrzehnt von 87 bis 96 mit den Evil Puppets, schon seit
10 Jahren in Berlin zugange, als Experimentalfilmemacher, Bildner & Töner. Schon damals
mit Connections zu C-Schulz und Guido Möbius, seither auch im Zusammenklang mit Mia
Zabelka, Joke Lanz, Rieko Okuda, Korhan Erel..., neben schwer Schubladierbarem wie den
Improtrios tmp 5-7 und ->Schichtnougat. Er spielt hier außer einer modifizierten E-Gitarre
noch Electronics, Krimskrams und Harfe, sein Partner Eberhard Meisel, Mitveranstalter der'Tonhallenkonzerte' in Hannover, als NaabtalDeath eine verstärkte und präparierte Zither
und den Effekt-Prozessor Kaoss Pad Quad. Das daraus Resultierende 'noisy ambient
electro-acoustic soundscapes' zu nennen, findet meine Zustimmung. Ich stelle mir das
klopfende, scharrende, dröhnende, kaskadierende, klappernde, sirrende Action Painting als
eine Malerei vor, die versucht, die Sinne in krachige Stadt- und mehr noch in rumorendeSeelenlandschaften einzutauchen. Wobei sich Titel wie 'Sakura' [Kirschblüte], 'Moon' und'Birds' als dankende Verbeugungen lesen lassen vor den japanischen Pionieren unzimperlicher Zustandsbeschreibungen. Bei 'Oda...Dawn' meint man fast eine ostinat angeschlagene
Shamisen schrappen zu hören. Und wenn in einer kurzen Lichtung mitten im Krach Schritteüber Kies führen, erklingen drüber weg Kranichrufe. Schon die Überschrift deutet ja japanische Tier-Geister und Dämonen an [Mononoke], die bei 'Birds' zu erregter Nippon-Percussion und Theremin auch erscheinen. Dazu bringt das finale 'Fanal' zwitschernd übersprudelnde und zuckend impulsive Einbrüche eines elektronischen Überschusses, die derScheinrealität ein 13. Stockwerk und ungeahnte Tiefen aufzwingen.
ARK NOIR Tunnel Visions (Enja/yellowbird, yeb-7793): München ist allenfalls ein hellgrauer
Fleck im BA-Kosmos. Was womöglich einer fränkischen Aversion gegen das Bairische geschuldet ist oder dass Panzerballett den Embryo-Bonus aufgezehrt hat. Dabei haben Lukas
Bamesreiter und Richard Schwartz, die Leader des BamesreiterSchwartzOrchestras, schon
im August 2016 beim „The Art of Dreamland“-Mini-Jazz-Festival in der Würzburger PoHa mit
Bamesreiters Mycophagy und Schwartzens New Musings Collective für die junge Münchner
Szene geworben. Dritter Botschafter dabei war das Electronic-Jazz-Kollektiv Ark Noir, bemannt mit den BamesreiterSchwartz-Sidekicks Moritz Stahl an Tenorsax w/ Fx und Marco
Dufner an den Drums. Dazu mischen Sam Hylton an Keys, Tilman Brandl an Gitarre undRobin Jermer am E-Bass mit an einer isarfluxen Fusion aus Nu Jazz, Spacenight-Melancholie und kickendem Trap-Beat. Synthies, Sequencer, Synth-Bass und Roland SPD-SX Sampling Pad unterstreichen, dass das durchdigitalisierten jungen Köpfen entspringt, die im
Münchner Milla Club zeitgemäße Visionen entspinnen. Wer das Schweizer Trio Heinz Herbert oder die Cowboys From Hell im Ohr hat, wird darin verwandte Züge erkennen und kannsich mit dem Twin Peaks-elegischen 'Intro To A Dystopian Society' hineinziehen lassen in'Tunnel Visions', die durchaus wache Augen vermuten lassen und Nasen, die im selbstgefälligen Mia san mia auch ungute Tendenzen wittern. Stahl bläst wehmütige und alarmiert aufstöhnende Töne über dumpf stampfenden 4/4teln. Zu klackendem Beat und psychedelischen Schlieren tasten sich monotone Keys in den Tunnel, die Gitarre leuchtet als Fackel
voran, auch wenn ihr der Arsch auf Grundeis trillert. 'Praha' zuckelt dann uptempo, inruckenden Schüben und mit pixelspitzen Fingern, wellt sich dazwischen aber in Kaskaden
zur wieder mutigen Gitarre. Bei 'Drinkin' & Drivin'' mischt sich unter dunklem Gewölk dieraunende Stimme eines Saturday-Night-Cowboys in den Klackerbeat, zu Keysgeflacker undfräsender Gitarre, bis der Trott Tritt fasst. 'Arkomplex' verdankt seine Form ein wenig Lennie
Tristanos 'Turkish Mambo'-Loops, zu kecker, unrunder Rhythmik treiben verzerrte RhodesSounds wilde Blüten. 1-2-3, 1-2-3 kommt Tempo auf und nimmt das melancholische Saxophon mit. 'Weightless' lässt zu schnellen Vierteln, windschiefem Rhodes und auffrischendem Saxophon Gesang von Hannah Weiss wie Spreu verwehen, verwehen, verwehen. Um inschleppendem Tempo mit 'Tunnel Visions Revisited' zu enden, mit Elektrobeat, spinnenfingrigem Keysklingklang, drängender Gitarre, aus allen Poren elektronisch dampfend.
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PETER ARTS VAN DER ZANDEN & FRED VAN DUIJNHOVEN Birds'
Song (P.J.J. 05): Zwei Veteranen der niederländischen Jazz-ImproSzene. Der eine Flötist in Nijmegen, bekannt durch das Fluitkwartet
Confour, den Kammermusikvierer Melaquarta und im Duo mit Barend
Tromp an Gitarre. Der andere (wie sein älterer Bruder Martin van Duynhoven) ein Drummer, der jahrzehntelang mit dem Saxophonisten Bo van
de Graaf gespielt hat (I Compani, Neptet, Bo's Art Trio). Ich lese 'Flöte',ich denke Delphine Joussein, Sylvaine Hélary, Nicole Mitchell, Helen
Bledsoe, nein, älter: Carlos Bechegas, noch älter: Robert Dick, in
Holland (gegoogelt): Ronald Snijders, Koos Verheul, Chris Hinze. Arts
van der Zanden ist ein Schlumpf, ein Vogel dieser alten Schule.
Besonders melodienselig bei 'No Blues Today' oder, mit Altflöte, beim
Ticktock-Ticktock des Titelstücks und, mit Bassflöte, bei 'Breuk', einer
Erfindung seines Partners, der ein Ohr für Vögel hat ("Bellbird", 1996).
Aber da schwingt er die Besen wie Panthertatzen. Dazwischen quirlen
sie das durch "Miles Smiles" bekannte 'Freedom Jazz Dance' von Eddie
Harris. Mit einer Spannweite vom gelben Klang von 'Yellow Umbrella'und, denkbar unstürmisch, 'Chinese Storm' oder dem sehnsuchtsvoll
mitternachtsblauen 'Liedje voor Sophietje' bis zum andalusisch-arabesken 'Madinat-al-Zahra'. Van Duijnhoven scheint dabei der alten
Drums-and-Fifes-Tradition anzuhängen, mit oft simpelstem Tocken undzwingendem Rollen, freilich nicht ohne lässig-flockige Jazz-Wirbel undgekonntes Tamtam vom schwarzen Kontinent, speziell beim nochmal
bassflötendunklen 'Black'.
BURKHARD BEINS - MAZEN KERBAJ - MICHAEL VORFELD Sawt Out(Herbal Records, Concrete Disc 1802): 'How Worried Are We?' Gute
Frage. Verbirgt sich die Antwort in einer in ein echtzeitperkussives
Sandwich gequetschten Trompete? Kerbaj bringt sich, karikaturistischgewieft, mit Cartoons jeden Tag ein deutsches Wort bei, und wenn er
gleichzeitig mit Karkhana metaorientalisch umeinander bläst und mit
dem "A" Trio auch eigene Echtzeit-Abstraktionen kosmopolitisch bekracht, hat das u. a. auch das gemeinsam: Der Teufel, der Witz, steckt
im Detail. Nicht zuletzt der Witz, dass in Noise-Musik stört, was man
alltäglich mit Löffeln frisst und selber erzeugt: Monotonie und Krach.
Hier freilich ist der Krach erstens nicht ohrenbetäubend und zweitens
schön crazy gekratzt, geschnarrt, geschabt, geknattert, gekritzt,
geharft, gepocht, geklackt, gepaukt, gegongt, geschlürft. Kurz, es ist
ein bruitistisch-phantastisches Wimmelbild, wie es eigentlich allen Spaßmachen müsste, die sich ihren kindlichen Rasselbanden- und Rappelkistenspirit nicht ganz haben austreiben lassen. Die drei Geräuschemacher überbieten sich mit skurrilen Einfällen: bezirptem und glockenspielerischem Dingdong, tonlosem Pustekuchen, blechernem Getrappel, emsigen Wischern, drahtigem Gefunkel, flatterzungigem Surren.
'Solid Water' bringt dann tatsächlich eine eiserne Wall of Noise, dieaber schnell abflacht. So dass zwitschrige Laute hörbar werden, einvogelig brodelndes Ichweißnichtwas auf metallisch crescendierendem
Resonanzboden. 'Crossfeed' mixt zirpige Spitzen und Triller mit klapprigen, nadeligen und dongenden Klängen und solchen, die metallischdurch Mark und Bein schneiden. Auch 'Sore Toad' pierct fies die
Trommelfelle, gefolgt von Gegonge, eifrigem Gekrabbel, rotierendem
Klacken, rauem Scharren und basstrommligem Wummern. Hin zu metallischem Klingklang und Tickling, dunklen Tupfern und maulsperriger
Trompete. Bis die Pauke den letzten Punkt setzt. Musik zur Zeit.
Punktum.
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SATOKO FUJII Stone (Libra Records 201-056): Verschnaufpause? Nicht bei Satoko Fujii,
nicht einmal nach dem 12-Runden-Lauf ihres Kanreki-Jahres. Wobei die unersättliche
Pianoholikerin ihre Fleißbildchen sammelnden Landsleute noch überbietet, indem sie
tatsächlich kreative Überstunden leistet. Für ihr neues, ebenfalls noch 2018 realisiertes
Soloalbum hatte sie die mysteriöse Musik im Sinn, die ihre Mutter 'gehört' hatte, seitdem sie
zuletzt taub geworden war. Da ihre Mutter sie weder beschreiben noch summen konnte,
rätselt Fujii darüber, wie sie sich das als tönende Stille, zerebrales Grundrauschen odergedachtes Wiegenlied vorstellen soll. Entstanden ist eine ganz unesoterische Einfühlung,auf einem steinigen Pfad aus Obsidian, Trachyt, Dunkelglimmer, Schiefer, Klingstein,
Basalt, Sandstein und Marmor. Bewegt als 'River Flow' und 'Lava'. Und wieder erstarrt als'Icy Wood' und 'Ice Waterfall'. Aki Takases "Hokusei" teilt damit nur einige Motive, nicht den
Stil. Das finale 'Eternity' stammt aus dem Nachlass des Gato-Libre- & Ma-Do-Bassisten
Norikatsu Koreyasu. Der Auftakt jedoch bringt als Annäherung an das inwendig erlauschte
mütterliche Mysterium ein ominöses Dröhnen des Innenklaviers, das sich mit Sustain als
nahezu elektronische Anmutung fortsetzt. Als metalloid stehende und zeitlupig driftende
Langwelle mit kristallinen Einschlüssen, indem Fujii zu den sanft schwingenden Saiten
sporadisch an Tasten oder den Korpus rührt. Ich vermute, dass sie die Saiten mit Faden
oder Bogen in Schwingung versetzt und so Klänge erscheinen und quasi aufblühen lässt.
Ganz ohne elektronischem Zauber, einfach mit Fingerspitzengefühl, Pizzicato, präpariertem
Klappern, lyrisch verträumtem Arpeggio, geharftem Sound und tropfendem, funkelndem
Klingklang. Als Dingdangdong-dongding tönender Umlaute, steiniges Tocken ans Holz undan Stahl- oder Kupferdraht, den sie auch pfeifen und wie eine Säge 'singen' lässt. Das Lava
und der Wasserfall dröhnen im Bassregister, dazu streut sie romantische Figuren und
plinkende, plonkende oder wieder klapprige Laute. Draht sirrt und flimmert zu dumpfen
Schlägen. Fujiis Klangspektrum spottet dem tastengöttlichen Usus und kommt klangskulpturalen Kolleginnen wie Sophie Agnel näher als sonst. Dabei lässt sie sich aber aucheinen handfesten Groove oder monotonen Eigensinn ebenso nicht nehmen wie poetischgeäderte Marmorierungen. Aber wo die Töne im Kopf wirklich herkommen, dafür mussnoch so mancher Stein umgedreht werden.
URS LEIMGRUBER - JACQUES DEMIERRE - BARRE PHILLIPS - THOMAS LEHN Willisau(jazzwerkstatt 191): Das Trio LDP am 2.9.2017 beim Jazz Festival Willisau, mit Lehn undseinem Analogsynthie als besonderem Gast. Der umtriebige, mit Konk Pack unvergessliche
Elektrofuzzi, der besonders gern mit der Violinistin Tiziana Bertoncini, seiner Partnerin im
ensemble ]h[iatus, rumtändelt, hat sich da rangetastet im Trio mit Demierre & Leimgruber
und die Bekanntschaft fortgesetzt mit 6ix. Wer seinen Auftritt mit 'Monkeybusiness' tituliert,
verspricht ja annähernd soviel Spaß wie die Marx Brothers. L, D & P sind dafür bekannt,
dass der eine umeinander fiept & krächzt, der zweite hämmert, harft & rumort und der
dritte plonkt & surrt wie drei übermütige Gibbons. Wobei selbst der Jüngste schon aufs
Rentenalter zusteuert und der Senior deutlich über 80 ist. Zu viert ähneln sie mal einem
Wurf von Stachelschweinchen mit der mütterlichen Mahnung im Ohr: Kitzeln, Jungs, nicht
stechen. Oder insektoiden Aliens, die sich mit Klicklauten und anderen Kürzeln verständigen. Oder..., nein, kein Vergleich hält da stand. Denn bei aller Sonic Fiction und
Bruitophilie, die Lehn mit B-Movie-Gusto düngt und Blüten treiben lässt, die Demierre
donnernd dramatisiert und Leimgruber mit Alienblut überschauert, bleibt da immer aucheine der Erde treue zärtliche Aufmerksamkeit für die kleinen Dinge und eine Begeisterungüber deren aus dem Verborgenen hervorgekitzelte unerschöpfliche Seltsamkeit. Auch
wenn Leimgruber vom Soprano zum krähenden, furzenden Tenorsax wechselt zu pelzig
getatzter Basspoesie und zu Demierres spitzfingrig plinkenden oder seehundflossigen
Kapriolen, bleiben Poesie und Kakophonie so ineinander verliebt, dass sie sich ständig
abknutschen. Der eine zirpt, der andere sägt, brummt und federt, der dritte trommelt,
ratscht und kladderadatscht. Und Lehn spielt dazu ein grunzendes Trüffelschwein oder ein
quecksilbriges Tinkerbellchen und er greift sich Klänge der andern, um sie durch den
Soundwolf zu drehen. Manchmal geht der Feinschliff bis runter zur Hörschwelle, die
Akribie bis in die kristalline und molekulare Feinstruktur. Aber mit quäkender Insistenz undkollektivem, verzerrtem Tremolo wird man zuletzt in diesem Affenhaus so willkommen
geheißen, dass ein Nein nicht in Frage kommt. Gut so.
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URS LEIMGRUBER & JEAN-MARC FOUSSAT
Face to Face (Fou Records, FR-CD 32/33, 2 xCD): "Substunce Sans Scrupule", sein Duett
mit Georgios Karamanolakis, gab mir schon
die Gelegenheit, den Scheinwerfer auf den
1955 in Oran geborenen Toningenieur und
Synthiefreispieler Jean-Marc Foussat zu
richten. Seit der Zeit mit Potlatch, in Marteau
Rouge (mit Makoto Sato & Jean-François
Pauvros) und als Aliquid (mit Sylvain Guérineau) hat sein Aktionsradius mit Fou als
eigenem Forum nochmal zugenommen: im
Zusammenspiel mit etwa Simon Hénocq,
Ramón Lopez, João Camões, Jean-Luc Petit,
Marialuisa Capurso, Bao Luo, Départementd'Éducation Psychique, 5599... Kein Wunder
bei einem Kopf, der ebenso empfänglich ist
für die Tragik der Rohmer-Actrice Pascale
Ogier wie für die Poesie von Henri Micheaux.
Hier schöpft er aus dem Vollen eines Synthi AKS zusammen mit Leimgruber an Soprano- &Tenorsax, am 26.10.2018 in der Zürcher Werkstatt für improvisierte Musik, 'Rive de rêves'getauft, und am 19.10. in der Kunsthalle Luzern, 'Luxerna' benannt. Leimgruber, dieser neurochirurgische Synapsenspalter mit einst Quartet Noir, 6ix, S4, Demierre & Phillips oder als
Pancake mit Roger Turner, der von Thomas Lehn her auch unter elektronischem Noisebeschuss nicht mit der Wimper zuckt, setzt Foussats berstenen Lauten spitze, schrille undschrillste entgegen. Für ein durchdringendes Ineinander von diskantem Legato und brüchigem, aber aufbrausendem Rumoren. Das sich loopend in die Stille entfernt und funkelig
wiederkehrt, so dass Leimgruber kurz der Ton und fast die Spucke wegbleiben, bevor er
wieder spotzend und fiepend mit haarsträubenden Frequenzen seine Stiche setzt. Er stellt
sprudelige und quäkige Kakophonie in tentativen Kürzeln oder zirkulargetriebenem Flowgegen ein Dröhnen, Oszillieren oder Sirren, in das Foussat ein raunendes und summendes
Multipel seiner Stimme einmischt. Dazu auch Vogelgezwitscher, dem Leimgruber schmatzend und schnaufend begegnet. Foussat dreht Maultrommel und lässt Geheul kaskadieren,
Leimgruber klappert dazu blechern, so wie er ein Summen, das zwischen sonor und insektoid changiert, und Synthiedudelei pfeifend erwidert. Er zerreißt die Luft mit rauem Röhren
und Spotzen, von guttural bis altissimo, während Foussat nun plätschert zu kreisender undnesselnd überrauschter Stimme, teils Dämon,teils Taube, teils Coro della S.A.T. Bis hin zum
synthetisch prickelnden und verhallenden
Ausklang. Auch 'Luxerna' weist diese Mixtur
aus schrillstem Altissimo und Cyborg-Loops
auf, aus quäkigem Tröten und einem Summen, halb Bienen, halb Chor, durchsetzt mit
Hundegebell und Pfiffen, Grillen schütteln
winzige Rasseln. Leimgruber überrascht mit
zagen Lyrismen, aber leimgrubert, raspelt
und trillert vor allem sopranointensiv, derSynthi A quallt und dröhnt und schillert kristallin. Bis Foussat auch da Vögel zwitschern
lässt und vokalisierte oder seltsam heulendeWellen wirft zu Gongschlägen und dem ostinat tremolierenden Saxophon. Endend mit
pochendem Pulsschlag und Stimmengewirr
und zuletzt alarmsirenenhaftem Wimmern.
Anschnallen! Und ab in yer face!

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MAIER.MORPURGO.RICCI Mesmer (Palomar Records 58): Dass Giovanni Maier in Triest Merke: TriesteLovesJazz - einer der umtriebigsten Kontrabassisten des ItaloJazz ist (mit
Palomar als eigenem Label), dürfte bei an die 200 Tonträgern offenkundig sein. Ob Enten
Eller, Claudio Lodati, Enrico Rava, Tiziano Tononi, Umberto Trombetta, Giancarlo Schiaffini,das Italian Instabile Orchestra..., auf Maiers Puls ist Verlass. Wenn es darum geht, Monk,
Lacy, Mingus oder Ornette (wie zuletzt im Wyrd Quartet) zu würdigen, Nino Rota, Joyce oderdas Schengen-Abkommen, Maier ist der Mann. Der ebenfalls Triester Pianist Riccardo Morpurgo hat daneben viel weniger Fingerabdrücke hinterlassen, aber natürlich auch schon mit
Maier in 'Boomeringstroms' gewirbelt. Dritter im Bunde ist der junge Drummer Pietro Ricci,
der mit dem Brass-Groove von Buena Banda oder im montenegrinisch-kroatischen Enes
Tahirovic Trio gerne Fahrten nach Graz unternimmt. Als Trio In Motion spielten sie schon 2017
beim TriesteLovesJazz das, was der Name versteckt andeutet: Kreationen von Paul Motian.
'Psalm', 'Etude' (mit Bowing und satieskem Arpeggio) & 'Boomerang' mit einem Ohrwurmthema, das als Schmetterling zurück kommt, von der 1982er ECM-LP, 'Jack of Clubs' von1985, das joggende 'Morpion' von "One Time Out" (1987) und das späte 'Mesmer' von "Gardenof Eden", das mit beredten Fingern von besseren Zeiten singt. Dazu mit 'Blues in Motion' ein
launig klimperndes Stück, das Charlie Haden 1987 seinem Spielgefährten unter die Stöckchen schob in Erinnerung an das legendäre Keith Jarrett Trio (1966-72). Motian hat das Pianotrioformat weiterhin mit Stenson & Jormin ausgekostet oder mit Kikuchi & Peacock als Tethered Moon, aber gern auch verlassen für den Klang von Saxophonen und der Gitarre vonBill Frisell. Während sich also die andern mit den sensibelsten Rhythm Sections messen, hat
Morpurgo es mit den silbrigsten Händchen im Jazz-Spiel zu tun. Beides von ungebrochener
Strahlkraft, genug, um sich davon Mesmerisieren zu lassen und selber silbrige, animalischmagnetische, balsamische Wellen auszusenden. Das Triester Trio kommt den Originalen sonahe wie Elmyr de Horys Fakes an Picasso oder David Stein den Modernen. Und ich meine
damit den zärtlichen, flockigen Spirit, die Tänzchen Braille-sensibler Fingerkuppen, nicht jedeeinzelne Note.
MoE / METTE RASMUSSEN Tolerancia Picante (Conradsound, CNRD330): Die dänische Saxophonistin ist im Today's Jazz is female-Register als "zum Schädelspalten aufgelegtes Riot
Grrrl" verzeichnet. Was dem Irrwitz ihrer Clashes mit alten Haudegen wie Paul Flaherty oder
Alan Silva und jüngeren Wildlingen wie Dre Hočevar, Tashi Dorji, Dennis Tyfus und immer
wieder Chris Corsano freilich nur annähernd gerecht wird. Modell für die Pikanterie hierstanden zudem ihr Gezüngel mit dem Jooklo Duo, mit Cocaine Piss oder mit BIC. MoE, dasNoisetrio der Bassistin Guro Skumsnes Moe mit Håvard Skaset an der Gitarre & Joakim Heibøan Drums, das sich mit seiner "Oslo Janus"-Serie in die Synapsen frisst, entspricht ganz
Rasmussens Gusto, durch die kakophonen Pfützen von Dystopia zu spritzen. Anne Waldman
von der Jack Kerouac School of Disembodied Poetics nennt den Zusammenklang "a Blues forthe fragile Anthropocene". Mit 'Shadrach, Meshach, and Abednego' wird es ein Gesang aus
dem Feuerofen, bei 'This Is Who We Are' zu "A Song Without Color", Klang des Regens, ein
unerwünschter Chor. Im dritten Teil der 'Mother'-Suite ist es die 'Story of a "NO!"'. Guro singt,
nein, sie schreit Anklagen wie bei 'City Boy' (Fucked Up His Choice of Freedom) und kryptische Satzfetzen als Poesie, die dennoch alle verstehen, denen sie um die Ohren fliegt. Die
Musik ein Pflügen und Fräsen, ein ostinates Sägen, Röhren, Gilfen, Dröhnen und Grollen zu
vehement abwrackendem Schlaghagel. Das Saxophon längst in bohrender Weißglut, und dazu
stößt wieder Guros gekrähte Kryptik, zu rappeligem Exzess, pushendem Stakkato, fiesen
Frequenzen. THIS IS WHAT WE ARE. THIS IS WHO WE ARE. Lemminge IN THE BLIND FOOTSTEPS OF CAPITALISM. Zum Heulen, und Guro heult, Welle für Welle als vokales Martinshorn.
Durch Regn Regn Regn und durch vom Bass gegrabene Schattentäler. Der Hals muss immer
länger werden, um noch Mond und Sterne zu sehen in der dröhnenden Finsternis, mit Rasmussen als letzter Fackelträgerin. Und selber in Flammen, mit wieder schädelspaltender
Intensität. Mit 'Ask' als final gekrähtem und gehämmertem Rrriot. Und vielleicht einer Ahnung
des von Maxim Biller inständig geforderten Feuers einer großen sittlichen Anstrengung, desleidenschaftlichen Wunschs, das Leben möge endlich aufhören, so ein elender Scheißhaufen
zu sein, des Kampfs für eine bessere Welt und gegen das übermächtige Unglück, das dem
menschlichen Dasein in Gestalt von so unterschiedlichen Heimsuchungen wie Kapitalismus,
Verrat oder Gefühlskälte innewohnt.
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NAMU 3 un deux trois quatre (Setola Di Maiale, SM3870): Wer so zählt, der beginnt
bereits mit "Beherma! Beherma!", den krähenden, kyōgen-theatralisch erwiderten
Muezzinrufen von "Namu" (2010) und dem ostinaten Geklapper von Joachim Raffel zur
wie mit der Kurbel gedrehten präparierten Gitarre von Steve Gibbs. Raffel, Jg. 1958,
macht in Osnabrück sein eigenes Ding von Trio bis Large, von Modern Bop bis “popimaginaire“. Sein Partner stammt aus Chicago, agiert aber seit Langem mit spanischem
und barockvirtuosem Fingernspitzengefühl in Belgien. Hier jedoch lässt er Bach einen
guten Mann sein und geriert sich als halber Koreaner. Wie sehr Gibbs dazu neigt, überdie klassischen Stränge seiner Eight-string zu schlagen, das zeigen - neben Fire WalkWith Us (mit Christian Vasseur an Erzlaute) und Wasteland als artaudianischem Kammer-Noise-Gagaku-Quartett - "Kraan Gaar Ak" (2015) und "Live at Ex-i-t Lab" (2016) als
deux & trois des mit dem Cellisten Willem Schulz vervollständigten Namu 3. Ja, dem
Schulz, von dem auch zusammen mit Oona Kastner Erstaunliches zu Ohren kommt. Wie
die drei da zuweilen "Pere Ubu" auf Koreanisch zu proben scheinen - by my green
candlestick! Wie sie da einem Hund mit Flöhen die Töne erklären. Wie sie da kopfstimmenkomisch als Pierrot zwischen "Mi" und "Ni" von 'Scherzo' zu 'Contredanse' taumeln.
Erratisches Klampfen und alogische, flötenbetrillerte Perkussion kontrastieren mit
weißclown-feinem Cello. Dazu mischt sich nach der pseudoasiatischen Zungenrede jetzt
ein französisch buchstabierter Code auf blank gewischtem Fond. Die Gitarre irrlichtert
zu stoischem Tamtam, das Cello schrammelt als Puppentheater-Lokomotive. Oder das
Cello schillert und die Gitarre krabbelt zu flötenpfiffigen Klängen, bis Raffel einen
Läusepfad toktoktokelt. Der hohe 'Shhhnabak'-Faktor fraktalisiert jedes Gleiten zu
einem Scharren, zu dem einer mintonesk auf Schamane macht. Eselsschreien folgen
weitere Klopfspuren, die aber mit Saitengeprickel verunklart werden. Drei Kung-FuMeister demonstrieren 'Betrunkener Affe', selbst wenn's auf dem Schrottplatz Frösche
hagelt. Schulz surft auf einem Mondstrahl, Gibbs arpeggiert meisterlich, Raffel rasselt
und raffelt. Um zuletzt jedoch in seltenem Einklang Gräser und Bäume - namu heißt
Baum - mit einem Regenzauber fein zu überschauern.
RANT To Raise Hell As We Go Along (Unit Records, UTR 4891): Das fünfte Album vonRant, dessen Vorgänger "Margo Flux" 2015 der 20. und letzte Release des von Torsten
Papenheim mit Merle Bennett betriebenen Labels Schraum gewesen ist, zitiert das
Traditional 'St. James Infirmary'. Die Berliner Schlagzeugerin und der auch mit Tru
Cargo Service oder mit Whisper / Whistle aktive Gitarrist setzen nämlich den leichentrunkenen Barflysong als Schlussstein einer Reihe: dem 'Work Song' von Mingus, ''Very
early' von Bill Evans, Charlie Parkers beboppiges 'Segment', 'In your own sweet way'
von Brubeck, dem 'Moorsoldatenlied' (ganz reduziert auf "Eichen stehen kahl undkrumm... Auf und nieder geh´n die Posten..."), Ellingtons 'In a sentimental mood','Georgia on my mind' von Hoagy Carmichael, 'Alone together', anno 1932 von Arthur
Schwartz komponiert, und 'My favorite things' von Richard Rodgers, Coltranes Sopranosaxohrwurm für walzende Derwische. Die abgespeckten, kreuzkrummen Versionen der
beiden lassen keinen Zweifel, dass sie an der Crossroad in die Richtung abgebogen
sind, aus der der Diabolus in musica mit schrägen Tönen, Teufelstrillern und bocksbeinigen Sprüngen lockt. Wobei sich wie von allein ein Paradise Lost-Feeling einstellt,
gemischt aus zartbitterer Melancholie und eigenwilligem Trotz. Also zugleich sweet undsentimental, mit bluesigem A-Devil's-Work-is-never-done-Bewusstsein und nicht mehr
Hoffnung als ein Moorsoldat. Papenheim und Bennett zupfen und tappen so karg und
gedankenversunken, wie man es kaum für möglich halten würde. An den zigmal abgedroschenen Oldies finden sie immer noch Spelzen, die wegmüssen, um die Essenzen
und das Innerste freizulegen. Bennett trommelt und besenpatscht diese Röntgenbilder
wie mit nur einer Hand. Papenheim, der die ganze Zeit spielt wie ein Dackel mit derlinken Hinterpfote, wedelt bei Monks 'In walked Bud' plötzlich aufgeregt mit dem
Schwanz und trippelt und kreiselt gleich weiter in Erwartung von Schnitzel und Nudel.
Und kommt doch nur zu sich in old Joe's Barroom, zehn Buds später, aber immer noch
der Heckklappe eines Leichenwagens vor sich.
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TOM PIERSON Last Works (Auteur 3491, 2 x CD): Post aus Tokyo. Für teures Geld Bigbandmusik mit alten Zauseln, angeführt von einem Unbekannten? Aufgenommen acht Wochen
bevor Lew Soloff am 8.3.2015 gestorben ist, dessen Andenken die Musik gewidmet ist. Der
war mit seiner Trompete ein zu großer weißer Elefant, um ihm nicht zu begegnen auf einer
seiner 579 Alben - bei Gil Evans, Carla Bley, Ray Anderson, Philip Glass, Marianne Faithfull
und natürlich in jungen Jahren: bei Blood, Sweat & Tears! Ebenso bloody war Lou Marini(*1945) in den Jahren 72-74, der danach bei Zappa, The Blues Brothers und allen möglichen
Stars seine blaue Zunge flattern ließ und bei "Rainbow Mountain" (1999) auch wieder mit
Soloff. Der Weg von Tom Pierson (*1948) schien ebenfalls direkt in die Champions League zu
führen, als Dirigent, Arrangeur, Pianist und Filmmusikmacher für "Hair", Altmans "Quintet"
und Woody Allens "Manhattan". "Tom Pierson" (1982), sein Debut mit Turning Point, einem
Electric-Jazz-Quintett mit Marini, verriet jedoch schon einen anderen Ehrgeiz, den er mit
The Tom Pierson Orchestra im NYC der 80er verfolgte, zu hören auf "Planet of Tears" (rec.
1989, p 1996). Doch mittendrin brach er die kommerziellen Brücken ab und ging, angewidert
von der Gewalt in Amerika, 1991 nach Japan, wo er lehrend und als Barpianist seine Schale
Reis verdiente. Um daneben die Filmkomödie "Turkey Boy" (2009) zu drehen, während die
Pianosolos "II" (1993) & "Unchained Melody" (1998), die Pianotrios "III" (1994) & "Left/ Right "(2001), "The Hidden Goddess" (rec. 1999, p 2003) mit wieder dem NYer Orchestra und eine
"Symphony" (2008) seine unverminderten Ambitionen bezeugen. Hier hat er 15 Könner umsich geschart: Kanoa Mendenhall an der Bassgitarre mit 17, Soloff mit 71, Ben Herrington(Doctor Nerve) als einzig mir bekanntes Gesicht und Dan Levine (Brian Woodbury) an Posaunen, den Trompeter Tim Leopold (erprobt mit Nate Wooley und John Zorn), mit dem Baritonsaxer Michael Lutzeier einen Münchner, zwei Franzosen und Pheeroan akLaff (mitseinem Renommee von Air und Braxton bis Sharrock und Wadada Leo Smith) an den Drums,
Weggefährten seit 20 oder gar 30 Jahren. Was will, was kann Pierson den Bigbandroutinen,
die er seit den 80ern für regressiv und verstaubt erklärt, damit entgegensetzen? Mit eigenwilligem Trotz verwebt er Third-Stream-konzertante Modernistik mit Gil Evans' SvengaliTouch, kraftvoller Farbgebung, markanten Oktavsprüngen über bassposaunistischen Tiefen,
mehr notierten als freien Solos, breitem Klangpinsel für massive Tutti, die mit ätherischer
Transparenz kontrastieren und agil der Schwerkraft spotten. Robinson Khourys Posaune
und Lutzeiers Bariton wechseln als Wortführer mit Marinis Klarinette, Alto- & Sopransosax(beim fetzig groovenden 'Chandra Lowery's Samba' und züngelnd auf der E-Bass-Treppevon 'Pharaoh's Serpent') und den Trompeten von Dominic Derasse, Mike Ponella oder Soloff,
der beim temperamentvollen, vollmundigen 'Times remembered' in höchsten Tönen schwelgt.
'By the Martyr's Decree' spielt in diesem Hell-Dunkel mit Shu Enomotos aufbegehrendem
Saxophon auf der Schattenseite, ebenso 'Dark Story', das sich elegisch-pathetisch dahinschleppt mit Trauerflor von Bariton und Soprano, während das einem Pianosolo entsprungene 'Winter's End' einen in Frühlingsluft aufatmen lässt, und drei Pierson Brothers aprillaunig
die Backen aufblasen. Der 2. Set schlägt, mit glänzendem Tirili und Feuerspuckerei vor
allem wieder von Enomoto und Marini, einen ebenso großen Bogen: vom außen geflammten,
innen love-supreme-kremigen 'Elipsis' über ein natürlich schwüles, saxsinnlich entschleunigtes 'Sultry' und '45/8' als prächtigem Seestern mit grandioser Soloffistik, kollektiv aufgesprudeltem Feuer-Wasser und stechendem Stakkato bis - was für ein Kontrast - zum kleinlauten, aber ohne zu verzagen auch perlenden 'In God's Name' und 'Two becoming 3', dasdem Grollen und den Schlägen des Schicksals und dem Splitterhagel des Pianos lauthals
singend und geschlossen trotzt. Marini, der da all seinen sopranistischen Zauber aufbietet,
singt zuletzt auch bei 'Among Strangers' gegen den Wellengang der Dinge, der selbst
Piersons einsame Finger erfasst und melancholisch stimmt. Während das komplex polyphone Orchestre National de Jazz, Flat Earth Society, Barry Guys New oder das Fire! Orchestra, PNLs Large Unit, The Dorf oder das Orkestrova von Larry Ochs Piersons Zweifel
am Evolutionsschwung jazziger Kollektive neumodisch widerlegen, zeigt der näher liegende
Vergleich mit etwa La Marmite Infernale, dem Aardvark oder den Orchestras von Satoko
Fujii, dass auch seine altmeisterliche, kentonesk pneumatisierte und mit E-Bass dynamisierte Gestaltungskraft durch starke Solos und mehr noch die farbige Orchestrierung
gerade in ihrem gebundenen und entschiedenen Duktus immer noch beeindrucken kann. So
wie Ellingtons Suiten, Clarke-Boland...
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BENJAMIN SCHAEFER Hive Mind (For the Records, FTR001): Sein Name fiel schon als derdes Keyboarders in Katrin Scherer's Momentum und des Leaders von Quiet Fire (mit
Kathrin Pechlof), doch naheliegender wäre Expressway Sketches, das Kölner Surf- &Schlurf-4tet mit Gitarrero Tobias Hoffmann. Dass Schaefer beim Neuen Deutschen Jazzpreis 2019 den Komponistenpreis gewann, gibt schon einen Hinweis auf die große Sache,
die er mit Mind Hive anstrebt, nämlich den Genuss seiner Musik in Big, gespielt von vierTrompeten und vier mit Tuba und Bassposaunen angedunkelten Posaunen, 5-fach Reeds,
Gitarre, Piano (er selber), Bass und Drums. Dafür hat er 'IO', mit James Wylie am Altosax inder Hauptrolle, dreifach codiert als digitales I/0, dem innersten Jupitermond und Geliebte
des Zeus. Und gestaltet als Klage einer Verlassenen, gehetzte Flucht vor einer nervigen
Schmeißfliege und endlich erlöste Stille. Beim Bläserstakkato und der pochenden Rhythmik von 'Long Story Short', mit klimprigem und quirlig arpeggierenden Piano und dem
kleinlauten, aber Mut fassenden Baritonsax von Stefan Karl Schmid, wird kreuz und quer
gemorst und genau so auch gegroovt. 'So Near, So Far' basiert vollmundig blasend auf
Echowellen und Resonanz, wird aber immer zagender und verstummt für den alleingelassenen Bass von Igor Spallati, bis gezacktes Gebläse und pochendes Stakkato eine Wendung bringen. Doch enden tut es, nach erneutem Dämpfer und trotz beredtem Gitarrensolo von Frank Wingold, wieder kleinlaut. Das Titelstück dreht sich, mit Drummer Jonas
Burgwinkel als Primus inter pares, schwarmintelligent um sechseckige Bienenwabenstrukturen, voller gershwinesker Turbulenzen in einem kollaborativen Reigen rhapsodischer
Schwänzeltänzchen. 'Egregores' schließlich führt, leise dräuend, das okkulte Phantasma
eines Gruppengeistes zurück auf die 'Gottessöhne' (oder Wächterengel - Egregoroi) von 1.
Moses 6, die mit Menschentöchtern Riesen zeugten. Diese Nephilim, die laut dem apokalyptischen Henochbuch die Erde kahl fraßen und [ähnlich den Kyojin von "Attack on Titan"] Kannibalen wurden, schwellen bei Schaefer mit Matthias Schriefls Trompete ganz
allmählich zu Gewitterwolken, die sich mit heftigen Hornstößen und Trommeldonner entladen. Worauf Trompete und funkelfeine Gitarre als zarter Regenbogen Nephilim-Entwarnung geben. Alle Kompositionen implizieren improvisatorische Flexibilität und Eigeninitiative. Doch da spielen Schaefers Mannen mit, als hätten sie nur drauf gewartet.
SCHICHTNOUGAT SN18 - Magic Disco: Schichtnougat ist seit vielen Jahren das in
Punkjazz/P-impro-Manier krachende Gitarrentrio von ->Andreas Gogol mit Andreas
Günther an Bass, Moog & Posaune und Markus Hagedorn an den Drums. Sie schrubben
einem die Knochen mit poly- & adrenochromen Resonanzattacken, frage nicht und schon
gar nicht nach Sonnenschein. Ihre 6. selbstverlegte CD-R zeigt die drei live als 'E-Men', dieeinem weder ein E für ein U vormachen wollen noch umgekehrt. E steht allenfalls für ein
launiges Niemandsland zwischen Elegie und 'Energy', wo sie im SN-typischen Freistil mit
komischen Elektro- und verzerrten Gitarrensounds umeinander eiern. Gogol mit immer
wieder fast höherer Krabbelfrequenz als Joe Morris und effektgetriggerter Bruitophilie.
Hagedorn als Schredder und Rumpler zwischen Schrottplatz und Muppet Show. Güntherals Moogwutz und quarrendes, unkendes Phantom im Unterholz. Trotz der Versuche, ihreFriedenspfeife vor dem Wigwam zu schmauchen und die Tomahawks gegen Bier zu
tauschen, will einfach keine Ruhe einkehren. Von zuviel 'Moon Food' aufgedrehte Crack
Dancer brechen schon kriegsbemalt in die Idylle und reißen mit zu Sonderschichten auf
dem Weg des Kriegers. Gogol, der eben noch Nasenhaare zupfte, wetzt die Messer,
Hagedorn kramt in der Krawallschachtel nach Zeug zum Hauen und Stechen. Doch erst,
logisch, ist das Kriegstänzchen fällig, mit fiepender Mundharmonika, oinkendem Bass.
Was die magere Kriegskasse nicht hergibt (an 'Nougat & Beer'), wird wettgemacht durch
Geschrei und selbsthypnotischen Singsang, durch Sägezahn-Energie, einen mexikanischrappenden Verbündeten, hochtourige Electronics, insistentes Stakkato und die Fiktion
vom treffenden 'Momentum'. Wobei mich 'Son' vermuten lässt, dass derart hoppelige undnoiseumsauste Tänzchen mit stachelschweinischer Gitarre letztlich doch das Äußerste
sind, zu dem dieser Krieg ausartet. 'Ra Ra Ra Ra'? Bei soviel Ra-ndale und Ra-dau erübrigt
sich die Ra-che.

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UDO SCHINDLER / JAAP BLONK Hillside Talks (Relative Pitch Records, RPR1089): Wenn
Schindler & Blonk im April beim 92. Salon für Klang + Kunst und im Juni in München miteinander improXen, werden sie dabei die letztes Jahr beim 84. Salon in Krailling gesponnenen Fäden weiter verzwirbeln. Blonk passt Schindler gut in seine Vokal-Reihe mit Annette Giesriegl und Franziska Baumann. Und er zackt sich vice versa als weiterer Zacken
in die dadaeske Krone von Dr. Voxoid, zwischen Blonk & Terrie (Ex) und Retirement Overdue (Blonks Rentnerband mit Miguel Petruccelli, Frank Rosaly & - oha! - Jasper Stadhouders). Reeds & Brass meet Voice & Computer. Und Schindler wird so Labelgenosse vonPaul Flaherty und Christine Abdelnour, was denn sonst, die Klasse hat er nunmal. Gewidmet ist die Scheibe dem Andenken des Mitbegründers von Relative Pitch, Mike Panico(1965-2018), dessen unvermuteter Selbstmord die Szene schockierte. Blonk erwidert
Schindlers quäkende und maunzende Trompetenlaute mit unmöglichen Zungenschlägen,furzendem oder zischendem Mundwerk und überhaupt urkomischen Verlautbarungen,
Duckburgerisch inklusive. Zu launigem Klarinettenschmus erzählt er Witze ohne Worte, er
versucht sich, mit Comiclauten verständlich zu machen und mit xenophonem Singsang.
Dazu computerisiert er furzelige Töne und zirpigen Klingklang, um mit Ratterzunge und
Schlabbergosche weiter zu ballern und zu schwittern. Was für loonytuneske Deklamationen, in Lautpoesie oder in Geiersprache, zu gezüllten und ploppenden Kürzeln jetzt der
Kontrabassklarinette, die elektronisch gegeißelt wird. Laberndes MauMauMaulwerk undtrillerndes. Gejodel auf Valium. Zeitlupiges Lullaby - zu fein gefiepten und gewellten Mundstückkunststücken. Ghédalia-Tazartèskes Urmel-auf-dem-Eis-Pathos, sopranogrotesk umtönt. Tieftönende Plops, knarziges Wurzelwerk, röhrende Schreie, gepresste Quetschtrompetenlaute, R2-D2-mäßig bezwitschert und gläsern-klangschalig umpingt, bedongt,
erregt beflimmert von einem videospielsüchtigen Hitechschamanen. Eine balzende Tuba
erntet wummrige und spritzige Resonanzen, närrische Scatkapriolen. Und wieder urmeliger, perkussiv umflatterter Weltschmerz. Blonk, ein Cyborg aus Spiel und Zeug. Schindler, gerade noch mit Pockettrumpet, jetzt schon wieder in Abgründen. Wo er sich mit Altissimo selber leuchtet. Wo Blonk einen Balrog-Blues anstimmt, elektronisch bepoingt.
Sowas nenne ich wahres Spiel ohne Grenzen und saukomisch dazu.
LUCA SISERA ROOFER Starlex Complex (nWog Records 023): Wie sehr der Graubündner
Bassist in der Schweizer Szene verbandelt ist, zeigt das Miteinander mit Marco von Orelli,
Tommy Meier & Sheldon Suter als Lotus Crash ebenso wie die Seilschaft seines Vorzeigeprojekts ROOFER: Mit dem Saxophonisten Michael Jaeger ist er durch Kerouac und Dave
Gisler's Shizzle vertraut, mit dem Pianisten Yves Theiler in dessen Trio, mit Michi Stulz,
dem Drummer auch bei Christoph Irnigers Pilgrim und im Stefan Aeby Trio, durch Shizzle,
r.i.s.s. und H2S2. Maurus Twerenbold, der fünfte Mann, war, nach zwei Alben auf Leo Records, wohl der Vermittler zu nWog, dem Label seines Posaunenlehrmeisters Nils Wogram. Dass der neue Stoff im Schatten des Piz Starlex in Scuol entstand, wo sich Sisera im
Atelierhaus Nairs aufhalten konnte, gibt dem halsbrecherisch freihändigen Roofing ein
etwas bodenständigeres Flair. Was kniebrecherische Rhythmik und hochkomplexe Tonsprünge nicht ausschließt. Twerenbold macht Wogram mit hochalpinen Hornstößen alleEhre, bevor mit Pizzicato, Beckenschlägen und melancholischem Piano die Aufmerksamkeit sich nach Innen kehrt. Das Herz schlägt Moll, die Bläser blasen Trübsal. 'Struggle
Bubble' tanzt dagegen aufgedreht unter afrikanischer Sonne, als hätte Sisera beim Tommy
Meier Root Down Orchestra die Finger vorgeglüht. Bei 'Nairs' hauchen sie sich aber, windumfaucht, wieder verfroren bibbernd die Finger zu kleinlauter Pianotristesse. Um jedoch
mit fast einem Spiritual der Kälte zu trotzen. Bei 'Mama Helix' drehn sie sich erneut tänzerisch, mit postboppigem Bläserswing, krummem Stakkato, klackendem Beat und abwärts
quirlendem Piano, entlang einer Spiegelachse. 'Missing Chan(n)els' hebt als 3-teilige Suitean mit singendem Pizzicato und dunklem Bläserschmus, beschleunigt groovy, mit beschwingtem, allerdings nicht kopflos exaltiertem Tenorsaxophon und Pianoarpeggio, undendet doch im vereinten Jubel mit der euphorisiert vokalisierenden Isa Wiss. Beim 'Starlex
Extro' senkt sich dann schon Dunkelheit bei einem von allen im Bassregister geplonkten
Sonnenuntergang, bis zum letzten Glimmer der Bläser.
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OLI STEIDLE & THE KILLING POPES Ego Pills (Shhpuma, SHH049): Immer wenn er Pillen
nahm? Nein, Oli Steidle ist auch ohne einer der fixesten Drummer, nicht erst seit Oliwood.
Als mörderische, vielleicht auch nur umwerfende Päpste hat er um sich geschart: Frank
Möbus an der Gitarre als alten Spezl von Der Rote Bereich; Dan Nicholls, gewiefter
Keyboarder von den Strobes und in Liun mit Lucia Cadotsch & Wanja Slavin; Kit Downes,
ebenfalls Keyboards, bekannt als Enemy mit Petter Eldh; und am Bass schließlich Phil
Donkin, ein Sunderlander in Berlin, der, ebenfalls mit Slavin, bei Masterfrown den Tonangibt und bei Uncanny Valley im Nicht-Brexit mit Steidle & Tomas Challenger. Eldh ist,
trotz nur eines Gastspiels bei 'Monopoly Extended', wo auch Steidles Kumpel Kalle Kalima
eingreift, Co-Autor der Musik, die nur bei 'Alive' und 'Isis' durch Philipp Gropper, einem
Steidle-Vertrauten durch Philm, auch saxophonistisch getönt ist. Aber selbst da schwebt,
eiert, zuckt und schillert sie in anderen Sphären, gitarrenverzerrt, keysverzückt, verrückt
verrockt. Denn das 'Intro' groovt gleich mal wie nicht gescheit, die Keys launig und verliebt
in komische Klänge oder kleine Melodiechen, der Bass elektrisch, das Tempo mindestenshalbhoch, die Rhythmik Arsch über Kopf, unrund und krümmer als der krümmste Hund.
Möbus schlauft auch ohne i, mit kaprioligem Arpeggio und fetzigem Gefetze. 'Zombies'
hebt als schleierhaftes Pingpong an und schnappt surreal verschliert durch 'Isis' hindurch,
mit kirmesorgeligen Loops. Dan Got lessit zcu Zeytten die Heiligen auch schnappen undstrauchlen. Drehwurmig, keysversponnen und pfiffig dreht 'Nuremberg Heroin Lullaby' derStadt, in der Steidle geboren ist, eine Nase, in vertrackt gestauchtem und gedehntem
Zeytfluss. Fürwahr, 'Strange Condition', denn auch die nächsten Minuten wechseln die
Farben schneller als der Karnevalstintenfisch, mit ähnlich hohem IQ. So wie Steidle datentakelt und die Band durchdreht, da muss motorische Intelligenz sich schon mit
künstlicher kurzschließen und sämtliche Humorreserven anzapfen. Bei 'Speed Junky onfunny human Darts' schnupft Andreas Schaerer die Linien, die Steidle ihm vor die Nase
streute und ist damit nah bei Don Winslow, zungenbrecherisch, hard-boiled und with every
dart on point. Auch fürs Finish gehen die Popes nicht vom Gas, mit nochmal absurden
Tempowechseln, aufgipfelnden Keys, entgleisender Gitarre und nur notdürftig beruhigten
Nebenwirkungen. Und was hat Leibniz got to do with it, potz quicksilver & confusion!?
LE STRING'BLÖ March for nature (veto-records 019): Mehr Blö als String, denn Saiten hat
allein der E-Bass von Urban Lienert, Reto Eisenring trommelt und Roberto Domeniconi,bekannt als nachteuliger Pianist an der Seite von Markus Eichenberger, spielt Fender
Rhodes. Die Fäden allerdings, die ziehen Lino Blöchlinger an Alto- & Baritonsax und Sebastian Strinning an Tenorsax & Bassklarinette. Letzter als 1/4 von Anemochore und mit
einer Solohörprobe auf Wide Ear ist über Grosser Bär mit Domeniconi vertraut, in Urs
Blöchlinger Revisited schon mit Lino verbandelt und im Fischermanns Orchestra auchnoch mit Lienert und Eisenring. Simpler freilich steht String für Strinning und Blö für den
Sohn des unvergessenen Urs (1954-1995), der nicht ungern den 'Telemachus' und 'Phoenix' zu spielen scheint, auch wenn er mit Jg. 1988 mit vertiefter 'Skeps' dem kollekdoofen
Kuddelmuddel die Stirn bietet. Dennoch verblüfft der harsche Noisecore-Einstieg, aus dem
die Bläser mit Gießkannenstakkato hervorzucken und als krähende Fanfaren den BassFender-Krach als Sprungfedern nutzen. Schnittige Verve und knurriger Sound gehen ein
rasantes Zweckbündnis ein, auch wenn Domeniconi die panische Eilmeldung morsen
muss, dass wieder mal ein Eisberg gerempelt wurde. Mit dem 'Bonobo' auf Neuanfang, undalles wird besser? Sex und Intelligenz statt Raffgier und Panik auf der Titanic? Zum Kirren.
Oder sollen wir doch ein neues Affentänzchen wagen zu Eisenrings furiosem Solo? Die
Schweizer als halbe Afrikaner, ein Kapitel für sich, aber durch die kochende Betriebstemperatur und das groovige Temperament hier bestätigt. 'Peacock' wird danach aus
gepresster Unscheinbarkeit zu auftrumpfender Farbenpracht entfaltet. Und Blö und String
blasen gleich weiter in die Glut unter den feuervogeligen Ärschen, bevor sich die Fenderelegisch-telemach zu knurschigem Vinyl hinzu tastet - Söhne und verschwundene Väter.
Neben durch zuviel Alpha drohendem evolutionärem Omega. 'Skeps' lässt einen dazu
baritonknurrig, aber heftig beklackert und feurig aufbegehrend im Dunkeln tappen. Mitsoviel Energie, dass sich eine Marschrichtung von alleine findet.
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AKI TAKASE JAPANIC Thema Prima (BMC CD 268): BMC steht für Budapest Music Center
und im dortigen Studio entstand diese luxuriös präsentierte Einspielung, mit der Aki
Takase ihrer Fukushima-geschüttelten alten Heimat ein mutmachendes "Kopf hoch"zufunkt. Mobilisiert hat sie dafür am Saxophon Daniel Erdmann, der sein Renommee mit
Das Kapital und den ebenfalls BMC-gewürdigten Velvet Revolution einbringt und sich auchschon als ihr Duopartner bewährt hat. So wie bei Aki and The Good Boys der Bassist
Johannes Fink, der andererseits wie ein Schatten wenn nicht an Gerhard Gschlößl dann an
Erdmann klebt. Noch besser vertraut ist ihr DJ Illvibe, durch Lok 03 und Da Capo und als
ihr Stiefsohn. Als Drummer empfohlen hat sich Dag Magnus Narvesen im Duo mit Papa
Schlippenbach. Um, nach Takases Verbeugungen vor Ellington, Monk, Dolphy, W. C.
Handy, Fats Waller oder Ornette Coleman, nun Conlon Nancarrow zu huldigen. Indem
dessen mechanisches Gehämmer in den gegenläufigen Takten und Geschwindigkeiten
und dem schlurchigen Scratchen des groovigen Titelstücks und allen weiteren Suggestionen von urbaner Action widerhallt. Zuvor mündet sopranobesprudelte Rushhourroutine bei 'Traffic Jam' in einem Stau, den Autofahrer wohl kaum so locker und stillverträumt genießen wie hier, nicht als feierliche Prozession und nicht als flottes Tänzchen.
'A Goldfish in Space' leidet als kleines Sopranosaxtrio mit Bass-, Besen- und Blechtapsernüber zu 'Mannen i Tårnet' als bescratcht-beschwingtem und pianovertracktem Halsüberkopfbebop. Die Turntables, die das arabesk bekiffte 'Wüstenschiff' schaukeln und dazu
rappen, pausieren bei 'Hello Welcome', wo Erdmann mit Fink tenorsaxt und Takase rasantmit Narvesen kapriolt, und ein rappeliges Solo des Norwegers in einer Saxhymne endet.
Das stramm joggende 'Monday in Budapest' kontrastiert komplex, scratchy, sirenenalarmiert und palavernd mit dem balladesken Tenor-&-Piano-Flirt bei 'Les Constructeurs',
bevor die Turntables hubschraubernd, das Piano bockig hämmernd und die Drums krawallig den 'Berlin Express' nach Südamerika jagen. Raue Tenorsaxerei, Phantomgeige,
Theremin, growlige Trompete und Mickymausstimmchen umgeistern einen zickigen Tango.
Bei 'Madam Bum Bum' schließlich lässt DJ Illvibe den Schellack-Gesang einer RagtimeDiva zuletzt in den Abfluss gurgeln. So viel Fantastik und Fun stoppt jede Panik.
KEN VANDERMARK & TERRIE EX Scaffolding (Terp Records, IS-30, LP/CD): Vandermark
ein 'Dutch expat'? Unstrittig ist, dass er oft genug bei The Ex gastierte und dass er mit
Terrie Ex die Hälfte von Lean Left bildet. Streiten kann man dagegen über "Yes, my friend,from the beginning music was by definition defined by words. Without critics, it would
simply be left to its fate." Da weder Willem van der Stroop noch De Dagelijkse Jazzbanner
verifizierbar sind, bin ich versucht, mich als Beutel des Spruches zu outen. Außerdem
verwette ich meinen letzten Hering, dass die zehn Clashes des Gitarrengeschrubbes vonBarbie, Quatsch, von Terrie mit dem Tenorsax oder der Klarinette von Ken so manchen
Vinyl-Connoisseur schon nach wenigen Umdrehungen dazu brächten, den dazu genießerisch genippten Schluck Whiskey auf den Teppich zu brusten. Dschäss? Hessels (soheißt Ex bürgerlich) kratzt und hämmert die Saiten mit Krallen oder nem Stock, als wär das
Instrument mit Stacheldraht bespannt. Vandermark röhrt, kirrt, keckert, mal als Eichelhäher oder Elster, mal wie eine bedudelte Amsel. Aber eigentlich werden die Saiten oft
genug auch nur getupft und die mal mehr, mal weniger angerauten Reedtöne gelutscht undgekrümmt, dass 'wild' nicht das angebrachte Wort dafür ist. Ex hantiert perkussiv,
Vandermark fiept und vertrillert einen spitzen Haltetonfaden. Drei Fotos fangen ihre
Körpersprache treffend ein. Insofern, ja, kakophil, kakophon, kako-van-val-dood! Aber mit
besonnener Akribie, die die konventionelle Spaltung von schön und hässlich einfach nicht
kennen will. Stellenweise mit emo-heiserem Nachdruck, im nächsten Anlauf mit der
sublimen Finesse drahtiger Touches zu klarinettistisch gehauchtem Pianissimo. Aufgelöst
mit dudeligen Kapriolen, wie einem Black Bird der Schnabel gewachsen ist, zu nur
hintergründiger Exerei. Oder mit spotzenden Lauten, schrillen Tonsprüngen und kleinen
Schmierern zu erratischen Handgriffen oder federnden Stockschlägen. Vergleichbar mit:
Terrie Ex meets Ab Baars, Xavier Charles oder Jaap Blonk (alles ebenfalls schon auf Terp
realisiert). Und doch wieder ganz anders.

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ANDERS VESTERGAARD & FINN LOXBO Saint Erme (Gikt Records, Gikt3): Mit "I'm finewith the swirling colors" haben mich der dänischer Drummer und der schwedische Gitarrist dazu gebracht, was von 'nordischem Zen', 'verborgener Schönheit' und 'negativer Ästhetik' zu murmeln. Auch ihre Meditation über ja wohl einen heilig gesprochenen Benediktinerabt oder eigentlich dessen Geburtsort Saint-Erme-Outre-et-Ramecourt (35 km westlich von Reims) ist wieder von 'sublimer Reduktion' geprägt: einzelnen, bedächtigen Griffen über die Stahlsaiten der Akustischen, seltenen, unscharfen Schlägen der Drums, dazu
hauchzarte Gespinste von Sinuswellen oder Feedback. Interessanter als der Namenspatron ist in St. Erme freilich das PerformingArtsForum, das eines seiner zahlreichen Residencies an die beiden Musiker vergeben hatte. Ihre Ästhetik ist so reduziert und rituell wie
bei Manuel Motas einsamer Gitarre. Nur dass hier die Seelenruhe in der 26. Min. durchschossen wird von einem kakophonen Impuls. Das mag als Keisaku-Hieb gelten, als
Schlag des Aufweckstocks. Mir erscheint es eher als Vorschein einer harscheren Realitätsebene, die sich in einigen wenigen harscheren Beats ankündigt und schließlich als
dunkles Dröhnen und Wummern manifestiert. Loxbos Finger picken daran entlang wie eine
Fliege an der Glasscheibe. Dem wummernden Dunkel entspricht ein monotones, nachhallendes Plonken der Saiten zu wieder einzelnen perkussiven Streichen. Usw. usw. Knietief versunken in Willigis-Jäger-Spirit, die Wolke des Nichtwissens kontemplierend (umdas mal mit dem Zen-Meister vom Benediktushof halbwegs begreiflich zu machen).
UTE WASSERMANN, JAAP BLONK & MICHAEL VORFELD (Kontrans 965): Auf Blonks eigenem Label, Bit
für Dot, Musik, die wohl dem Imp of the Perverse
geschuldet ist. Oder wie soll ich das genuschelte
Impr~ov~i~sors sonst deuten? Wassermann und
Blonk natürlich mit Maulwerk, Gurgelstock, Zungenschlag, Lippentwist. Sie noch mit Whistles, Kutu
Wapa, Waldteufel und Mirliton. Er auch mit Electronics, wie beim imperversierten Zusammenklang mit
Udo Schindler. Vorfeld mischt sich mit Percussion,
Strings, Glühbirnen und Elektronikgeräten dazu. FürKasperltheater in einer mit Entenhauserisch verwandten Sprache. Mit Blonk als dadaeskem Punch,
als Krawallero aus der Puppenkiste. Mit brodelnd
gekochtem Krokodil-Stew, das dennoch so zäh sichzieht wie die zeitlupige Zeit, die Blonks Artikulation
dehnt. Nicht nur Wassermanns Laute bleiben dazu
aber vogelig und pfiffig, auch Vorfeld pumpert ungebremst. Erst zu synchronem Schreien findet auchdie Zeit wieder den richtigen Glockenschlag. Zu
singendem Blech kann man der Fauna Glossolaliens
lauschen. Eines der Viecher schnurrt wie ein Zahnrädchen, ein anderes pfeift wie ein Beo. Es knarrt
kehlig, es zwitschert zwittrig, von Beats gesteppt,
von Impulsen durchschossen, zugleich Bio- undElektrotop. Vorfeld tockelt und sirrt, Blonk urmelt,
Wassermann girrt, er brabbelt schamanisch, sie tut,
als sei kein 'Weibsvolk' anwesend, Vorfeld prickelt
auf Draht. Next Stop Tuva? Dadastan? Kein Gulliver,höchstens Ijon Tichy hat dergleichen je zu Gehör
bekommen. So ein rubbelig bescratchtes, nöckischbeflötetes Blonkisch, von Tropfen bepocht, tezcatlipocaesk umfaucht, summend bepulst. Äußerst
komisches Zeug. Distributed by ToonDist, logisch.

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V/A 10, A Brokken Records Special Edition (Brokken Records, BR010): Die treibende undverbindende Kraft hier ist die Gitarristin, Komponistin und Brokken-Macherin CORRIE VAN
BINSBERGEN. Schon bei den bloßen Titeln ihrer „Schrijvers in Concert“-Reihe klingeln mir
die Ohren: "Het Duister Dat Ons Scheidt", "Wij Weten Wie Wij Zijn...", "Godverdomse
Dagen Op Een Godverdomse Bol" (richtig, mit Dimitri Verhulst). Hier präsentiert sie mit
ihrem Oktett Vanbinsbergen Playstation die 'Fifteen Suite', als Auftragswerk zum 15-jährigen Bestehen der Westergasfabriek in Amsterdam, früher ein Gaswerk, jetzt ein kultureller
Multiplex. Und sie feiert zugleich ihr Label mit Kostproben der bisherigen neun Brokken.
Stücke von: "For a Dog" von Cram (gedämpftes Tamtam mit Gitarren- und Sopranomelancholie), "Midday Moon" von der Geigerin Tineke de Jong (broken-hearted mit Piano, Marimba und Percussion), "The Midge" von Andy Bruce & the Rigidly Righteous (ein mit Posaune, Mundharmonika und Tuba verjazztes Volksliedchen), "Over de bergen" von ihr
selber & dem Schauspieler, Regisseur und Autor Josse De Pauw (große Klassik-Rockoper
mit De Pauw als pathetischem Narrator und Vokalisation der Sisters van der Poel), "Vier!"
von Corrie en de Grote Brokken (funky und theatralisch mit den Stimmen von Bob Fosko &Beatrice van der Poel), ihrem "Self Portrait in Pale Blue" (ganz pale & blue), "And the cowgirls kept on dancing" von Two Al's (ein Pianotänzchen geht flöten), "No Trace" von Rutger
van Otterloo & Albert van Veenendaal (Sopranowehmut meets Pianotristesse), sowie"Hide & Squeak" als komisch flötende und hupende Exotica des Edindamer Trommelwizards Alan 'Gunga' Purves. Dass van Otterloo sein Sopranosax bei Cram, de Grote Brokken und Vanbinsbergen Playstation spielt (von The Schismatics und Orkest De Volharding
ganz zu schweigen), dass van Veenendaals (präpariertes) Piano bei ebenfalls der Playstation und, mit Purves (von Nine Tobs, Ernst Reijseger, Lotz of Music, Het Wisselend
Toonkwintet, the Rigidly Righteous...) an den Drums, bei Two Al's und Tineke de Jongerklingt, während Arend Niks bei Cram und de Grote Brokken trommelt, das macht die
Brokken-Party zu einem großen Familienfest. Schande über mich, dass ich erst jetzt
die Tür zu diesem Tollhaus gefunden habe.
Dafür werde ich durch die 'Fifteen Suite' ander Hand geführt: mit energischen 15teln
des Basses - vorbei an den Bäumen imWesterpark - der Statue in Rot-Gelb-Blau einem Talkshowmaster - zeichentrickquick
auf Katzenpfoten - faul im Gras - träumend
man sei ein Grashüpfer - flott joggend ums
Gaswerk - von dessen Betrieb nur nochgeisterhafte Echos blieben - jetzt im Hochzeitskleid mit Tom Waits und der Posaune
von Joost Buis im Ohr, einem der beständigsten Weggefährten von Binsbergen dann mit fröhlichem Kwelasound als Hommage an Sean Bergin (+2012), der aus
Durban stammte - zuletzt mit Melancholie
und Mitgefühl mit Obdachlosen und Straßenmusikanten und etwas Reggaegroove
als Schmusedecke gegen die eigene innere
Obdachlosigkeit - bis hin zum unternehmungslustig aufgekratzen Ausklang. Fürden 9-teiligen Brokken-Trip hat Binsbergendann die Reihenfolge der BR-Stücke soumarrangiert, dass ein zweites emotionales Narrativ entsteht, das sie nach dem'Ik wil'-Pathos von De Pauw enden lässt auf
der melancholischen Note ihres Selbstporträts. Ich staune, ich staune und staune.
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Czech Music Crossroads

Es wäre Unsinn, die reaktionäre Vergiftung in Europa den 'rückständigen' und 'undankbaren'
Späteuropäern aus dem Osten anzulasten. Das Gift ist überall und mitten unter uns. Die
ungarischen oder polnischen Verhältnisse sind (analog zu den französischen, italienischenoder sächsischen) eher symptomatisch für ein überwunden geglaubtes Gefälle zwischen
dem Stadtluft-macht-frei- & World-Wide-Spirit und den ererbten Phobien der Nachfahren
der wie eh und je abgehängten 'Misttreter' (in Opanken), die bei Miroslav Krleža den finsteren Horizont abgeben, vor dem sich die Handvoll Miniaturmaler, Philosophen, Reformatoren
und Gegenreformatoren als 'Lichtbringer Europas' abzeichnen. Dieser kaum noch ständische, sondern allenfalls mentale Gegensatz (zwischen Bio- und Lidl-Kundschaft) wird heutewieder mutwillig verschärft, so dass die Alternativen umso deutlicher vor Augen stehen.
Denn die Kaffeehausintellektuellen, Hipster und Neo-Yuppies und ihr neon- und boho-chicer
Lifestyle in international orientierter Sophistication in Budapest, Warschau, Krakau, Breslau
haben allen Grund, sich auf die Hinterfüße zu stellen. So auch in Prag, Brünn oder Ostrava.
Die Überschrift rührt nämlich vom dortigen Festival her, das - wie auch das Colours of Ostrava - im einstigen Industriegelände und heutigen Kulturerbe Dolní Vítkovice Flagge zeigt inder Vernetzung mit slovenischen, polnischen und ungarischen Gleichgesinnten inklusive der
CZ-Diaspora [etwa dem Gitarristen Martin Alaçam und dem Cellisten Jan Kavan (Metamorphosis, Rêve Général), der Flötistin & Bassklarinettistin Žofie Kašparová (im schwedischfinnisch-arabesken Quintett 13th Dimension) oder der Sängerin Julia Ulehla (->Dálava)].
Der Musikjournalist Aleš Opekar hat dort 2014 eine Einführung in "The Roots of Contemporary Czech Alternative Music" gehalten, die Spätgeborenen ebenso wie denen, die den
Klang 'kleiner Identitäten' meist überhören, als erste Annäherung taugt an den anspruchsvollen Jazz-und Jazz-Rock von Karel Velebný, Jiří Stivín, Martin Kratochvíl, Emil Viklický undeiner Reihe anderer. Die 70er-Jahre-Alternativszene im engeren Sinne des Wortes (Stehlík,Švehlík, F.O.K., Extempore, Amalgam, Elektrobus). Die Alternativszene der 70er- und 80erJahre, allen voran Plastic People of the Universe [nicht zu vergessen Mikoláš Chadima, dermit der MCH Band die Fackel von Elektrobus und The Extempore Band weitertrug]. Die
zweite Folk-Generation der 80er mit Giganten wie Nerez [w/ Zuzana Navarová], Oldřich
Janota, Jaromír Nohavica und Karel Plíhal. Die neue Rockwelle der 80er Jahre angeführt
von Jasná páka und Pražský výběr. Bis hin zur Gegenwart mit rockigen Gruppen wie Květy
und Vložte kočku, elektronischen Projekten wie Floex und Never Sol und Jazz-geprägten
Gruppen wie Vertigo Quintet und Eggnoise. Darüber hinaus gibt es auch Songschreiber wie
Beata Bocek und Jana Šteflíčková, die akustische Instrumente als Begleitung verwenden,sowie Musiker, die aus der Quelle heimischer Volksmusik schöpfen, wie z.B. Bezobratři und
Jitka Šuranská. Wir beobachten auch eine wachsende Zahl von spielerischen Experimentatoren, die unmöglich zu kategorisieren sind (von Tara Fuki = Dorota Barová & Andrea
Konstankiewicz bis DVA = Bára Kratochvílová & Jan Kratochvíl)... Ich reibe mir allerdings
verwundert die Augen, denn wo bleiben da Jaroslav Hutka, Karel Kryl, Vlastimil Třešňák?
Iva Bittová und die Brünner Szene mit ->Pavel Fajt, ->Vladimír Václavek und Dunaj? Jablkoň?
Filip Topol und Psí Vojáci? Vladimir Kokolia und E? Už Jsme Doma? Vladimir Hirsch aka
Subpop Squeeze? Das Opening Performance Orchestra?
Áá = langgezogenes a Cc = z Čč = tsch Éé = langes ä ě = [je] Ňň = [nj] Řř =[rsch] Šš = sch Ťť = [tj]59Um mich in den Stand der dortigen, dem "Bazillus des Ostens" (Radka Denemarkova)
trotzenden Dinge reinzufinden, nehme ich mal einige der CZ-Acts auf dem Crossroadsoder dem Jazz Goes to Town-Festival sowie auf den Labeln Animal Music und Minority
Records als exemplarisch für ein tschechisches Selbstverständnis von Alterität:ŠTĚPÁNKA BALCAROVÁ - Die Prager Trompeterin ist eine der Animals. Bei "Nevinost" &"Bohémy" (2011) stand sie im Schatten der extravagant kreativen Vladivojna la Chia (dieman gesehen haben muss, wie sie mit der Celebrity-Cellistin Terezie Kovalová ganz in Girlnext-Door-Zivil auf einem Hummer Mundharmonika spielt!). Oder sie diente bei "Na Radosti" (2014) dem Kitsch und Pathos von Aneta Langerová, der ich andererseits ihre Darstellung des Gulag-Opfers Anna Barkova (1901-1976) in "8 hlav šílenství" (2017) zugute
halte. Doch im tschechisch-polnischen Quintett Inner Spaces (mit Vít Křišťan am Piano und
Luboš Soukup, dem Leader von Points, am Saxophon) macht Balcarová selber von sich reden ("Inner Spaces", 2010, "Light Year", 2012, Animal Music) als Botschafterin des jungen
CZ-Jazz. So jung die Musiker, so gediegen allerdings ihre Musik, die kaum mehr zu wollen
scheint, als Pfeifenraucher an Ingrid Jensen oder Tomasz Stańko zu erinnern. Dann aber hat
Balcarová, die auch das Concept Art Orchestra dirigiert ("Prague Six", 2015, "Vánoce
Dospělých", 2018, Animal Music), mit "Life and Happiness of Julian Tuwim" (2017, Animal
Music) im Sextett mit dem Marienbader Reedwizard ->Marcel Bárta und dem Kontrabassisten Jaromir Honzák (der an gute Zeiten mit František Kučera, Vladimir Václavek & Iva Bittová in Čikori anknüpft) neun Gedichte von Julian Tuwim (1894-1953) verjazzt und sich dabei mit dessen feinsinniger Vogeligkeit beschwingt, insbesondere beim lebensbejahenden
Stakkato von Ból? Śmierć? Tak, tak! / Wiem, wiem: czar złud! / Nic, nic! Dzień - ptak! / W
pęd! w lot! w wir! w cud! / O życie, życie moje. Wobei Małgorzata Hutek mit 'Ptak' eines vonTuwims pfiffigen Gedichten für Kinder anstimmt neben Poesie vom 'Gras' und vom 'Glück',die noch nicht überschattet war von seiner Flucht vor den Nazis und seiner Enttäuschungüber die polnischen Zustände. Dazu taugt ihre quellfrische, Bittová-kecke oder gefühlvolle
Stimme doch recht gut. Beim Jazz Goes to Town in Hradec Králové konnten sie das 2018sogar neben Spinifex und Nate Wooley’s Knknighgh präsentieren. Dennoch bleibt mir ein
Gefühl wie das eines Esels, dem man da unter Birken einen alten Strohhut aufsetzt.
MARCEL BÁRTA - der 1974 geborene Reedplayer taugt quasi als Leitfaden durch den Čazz(wenn nicht Animal-isch, dann auf Polí5): als Leader von Vertigo (mit dem PianistenVojtěch Procházka, Oskar Töröks Trompete und Gesang von Dorota Barová) und von Muff
(mit Jakub Zitko an Keys und Jiří Šimek an E-Gitarre), als DoMa Ensemble nur mit Barová,
mit Luboš Soukup im Points Septet, mit Tomáš Liška in Mamatohe, als Gast bei der
Freakshow von Fru Fru, bei Never Sol, Langerová, Balcarová oder (mit Jan Faix von dendeleuzianischen Skrytý Půvab Byrokracie) bei den plunderphonischen Stratocluster...
DÁLAVA - das ist großer Stoff mit der herkunftsbewussten, rührenden, wandlungsfähigen
Stimme von Julia Ulehla, Geigen als mährischem Gütesiegel bis rüber nach New York undVancouver, Aram Bajakian (Ulehlas Ehemann) an Gitarren & Glockenspiel und Shanir Ezra
Blumenkranz an Gimbri bei "Dálava" (2014) und, noch reicher orchestriert mit Cello,
Cimbalom, Bässen, Drums, Piano, Akkordeon, Farfisa, Hammond, Wurlitzer und Rhodes,
bei "The Book Of Transfigurations" (2017). Imaginäre Folklore (oder echte, von Julias
Urgroßvater Vladimir um Strážnice herum gesammelte, aber von Bajakian mal sanft, mal
total krass transfigurierte), man kann sie kaum überzeugender und mitreißender inszenieren. Und dabei demonstrieren, dass sich aus der Scholle ganz anderes ernten lässt
als dumpfe Ressentiments, Ängste und Aberglauben.
DAVID DORŮŽKA TRIO - der 1980 in Prag geborene Gitarrist ist eines der international
profiliertesten Animals, dazu ein Spielgefährte von Bittová, ->Marta Töpferová, Aga Zaryanoder der Kontrabassisten Jaromír Honzák und Tomáš Liška. "Autumn Tales" (2016) zeigt
ihn mit Jiři Slavik am Kontrabass und Martin Novák an den Drums mit gefühlsechtem
Touch, einem Ohr für das jiddische Substrat und elegischem Heim- und Fernweh.
V...v... = stimmhaftes w ...v = ff Yy = kurzes i Ýý = langezogenes i Zz = stimmhaftes s Žž = stimmhaftes sch

60

LENKA DUSILOVÁ - 1975 in Karlovy Vary geboren, ist sie vom Pop-Rocksternchen der 90er
zur mit Angel-Awards überhäuften Diva geworden, mit Secret Service, Čzechomor, Květy,dem Vertigo Quintett, den Eternal Seekers, mit ->Beata Hlavenkova als Baromantika,
symphonisch aufgeblasen oder solo, mit Gitarre intim, doch mit Electronics und Loopstation gern auch überlebensgroß. Der umjubelte Diven-Gipfel Iva Bittová-Lenka DusilováMonika Načeva (die ihrerseits allein schon cooles Theater ist, insbesondere mit ihrem nachLem getauften Dark-Wave-Klassiker "Mimoid", 1998) war da nur eine Frage der Zeit, und
die Lyrics sind dabei schon mal von Jáchym Topol.
Nein, nicht F wie Floex, F wie PAVEL FAJT. 1957 in Brno geboren, trommelte er sich in den
80ern mit Dunaj und mit Bittová durch den Eisernen Vorhang. Er spielte mit dem ex-Dunaj
Gitarristen Vladimír Václavek (als Joseph Boys), mit M. Chadima (als Transparent People),als Drummerduo mit Jim Meneses und schamanisch mit Stepanida Borisova. Er trommelte
mit Anna Homler & Geert Waegeman, bei Die Vögel Europas, bei The Danubians mit Amy
Denio, groovte mit Roman Holý, Ondřej Smeykal & Yumiko Ishijima als Autopilote und als
Leader von Pluto (mit dem grandiosen Václav Bartoš von Fru Fru) und des Drum-Ensembles
Slet Bubeníků. Zuletzt fand ich ihn im Mia Zabelka Trio (mit Johannes Frisch), neben Oona
Kastner bei einem Gurdjieff-Projekt, mit David & Jakub Prachař bei der Performanz vonÉmile Ajars "Monsieur Cousin und die Einsamkeit der Riesenschlangen", solo als Drumming
Alley und etwa im Herbst 2018 weiterhin mit Slet Bubeníků aka Gathering Of Drummers[G.O.D.] (als All-Star-Sextett mit Pavel Koudelka und wieder Chadima).
HLASkontraBAS - da steckt mit Petr Tichý ein weiterer Kontrabassist dahinter, mit seinem Renommee durch Nejtek-Tichý-Smetáček = NTS, aber auch Erfahrungen mit Tomáš Dvořák (Floex)
oder der swingenden Cabaret-Attraktion Diva Baara. Auch seine Partnerin Ridina Ahmed[ová]hat sich als Vokalistin schon bei Floex geräkelt. Mit Tichý swinglesingt sie Songs ohne Worte
auf einem Teppich aus Basssounds und Bassloops. Ihr Debut erschien 2016 bei Poli5.

BEATA HLAVENKOVÁ - die Pianistin und Komponistin vom Jahrgang 1978 ist geradezu ein
Notenschlüssel zur Tonart CZ, wenn man auf gottgegebene Harmonie, New Simplicity,
Gänseblümchen und Kerzenschein steht. Mit Lenka Dusilová als Eternal Seekers oder
Baromantika, bei "Zvon" (2012) an der Seite von Iva Bittová, bei "ČeskosLOVEnsko" (2015)
an der von ->David Koller, bei "Až Po Uši" (2015) der von Vladivojna la Chia, mit "Joy for
Joel" (2009), ihrem jungmütterlichen Solodebut auf Animal, mit "Theodoros" (2013), mit"Pišlické příběhy" (2015) und, ganz tschechisch, Holzpuppenmärchen von Filip Rychlebský, mit dem norwegischen Keyboarder Anders Aarum bei "Scintilla" (2016) für noch mehr
'Infancy' und 'Intimacy', und mit "Bethlehem" (2017) sogar ganz in Weihnachtsstimmung.
DAVID KOLLER - 1960 in Prag geboren, mischt er ab 1980 mit, als Drummer bei Kilhets,beim Punk Rock und New Wave von S.L.S., Jasná Páka und Žentour, als auch noch Sänger
und Poet bei den von Ivan Král produzierten Lucie (mit dem Klassiker "Černý kočky mokrý
žáby", 1994), bei "Adieu C. A." (1991), Pražský výběrs Adieu für die Rote Armee (mit einem
Gastspiel von Frank Zappa), mit Král in Alice, soft-pop/rhythm'n'bluesig mit Alias, deutlichrockiger und verkrachter mit der jungen Lenka Dusilová in Pusa ("Pusa", 1996), und, bisheute, adult-oriented, als Koller oder Kollerband.
TOMÁŠ LIŠKA - der Kontrabassist, der mit ->Barta in Mamatohe und mit Törok in Soukups
Points Quartet spielt, formierte als natürliche Konsequenz aus "Invisible World" (2009) und"Invisible Faces" (2017) Invisible World, mit Kamil Slezák an Percussion, am Akkordeon
dem Serben Nikola Zarić (von Vila Madalena und aus der Echokammer von Bratko Bibic)
und Efe Turumtay aus Istanbul an Geige & Gesang. Und es klingt, als hätten sich die Prager
lieber von den Osmanen als von den Habsburgern etwas vermachen lassen.
IVAN PALACKÝ - *1967, ist in Brno ein seltsamer Liedermacher (und Architekt), einst (19952002) mit noch Fagott, Klarinette und der Kontrabassistin Jennifer DeFelice als Sledě, ŽivéSledě und jetzt als Tilko, beides mit Unpopular Songs. Dazwischen machte er leise Töne mit
etwa Andrea Neumann, Klaus Filip oder dem Trio Tierce. Doch vor allem spielte er mit dem
ebenfalls Brünner Modern Composer Peter Graham, der einst ->Jaroslav Šťastný-Pokorný
hieß, als Palagrachio und bei 'A Nap - Funeral Music For Mauricio Kagel' (2009).
61

JAROSLAV ŠŤASTNÝ-POKORNÝ - hat es als Professor an der Janáček-Musikakademie in Brnozu was gebracht. Das Versprechen seiner neoklassizistischen kleinen Stücke für BA 15 (1990)
hat er, unter dem Namen Peter Graham, übererfüllt. Das Arditti Quartet spielte 2009 sein
'String Quartet No. 1'. Seine Kammerkantate 'Der Erste' (1993) nach Franz Kafkas erstem Briefan Hedvika Weiler [zugleich der Titel einer Werkschau mit dem Ensemble Mondschein (ArtaMusic, 1998)], fand ebenso Beachtung wie der kleine Song-Zyklus 'Three Wives' (1993) oder
'Viola Walk. Mountains, Water and Moon' für Ensemble (2014).
TOMÁŠ PROCHÁZKA - aka Federsel mischt mit Gitarre, Keys, Turntable, Electronics undEffekten mit bei den acid-krautigen B4 (..."Lux Oxid", 2012, "Germanium", 2013, "Die Mitternachtmaus. The Plastic People of the Universe Tribute", 2015), bei Gurun Gurun, Royal Radio,
Handa Grote und nicht zuletzt Poisonous Frequencies, mit ->Petr Vrba an E-Trompete,freihändig bekracht von Didi Kern (Bulbul, Broken.Heart.Collector...).
JITKA ŠURANSKÁ TRIO - Šuranská von der Bohuslav Martinù Philharmonie in Zlìn fiel ebenfalls als blondes Äpfelchen von Bittovás Stamm und rollt, wie man auf "Divé husy" (2016) hören
kann, mit Martin Krajíček an der Mandoline und Marian Friedl an Kontrabass, Cimbalom & Flöte
durch mährische Streuobstwiesen. Von volkstümlichem Kitsch halten sie mit dem auchmelancholischen Zungenschlag und dem grenzoffenen Saitenspiel deutlich Abstand.
TELLEMARKK - seit 2000 bilden der Saxophonist & Bassklarinettist Pavel Hrubý (von Limbo)
und der Perkussionist Tomáš Reindl diesen 2009 mit der Vokalistin & Cellistin Dorota Barová(von Tara Fuki, Vertigo...) erweiterten Verbund. Anders als beim teils etwas auf Eurovisionsgipfel verstiegenen Pathos von Reindls "Zahrada Soch" (2010) zieht auf "Tellemarkk" (2017)
eine Handelskarawane mit Orientteppichen auf einer imaginären Saitenstraße, ein Pilgerzug
vor dem inneren Auge von Freizeit-Sufis.
MARTA TÖPFEROVÁ - als diese Sängerin & Cuatro-Spielerin, Tochter des Schauspielers &Senators Tomáš Töpfer, 2012 aus New York nach Prag zurückkam, hatte sie sich mit ihrer
samtdunklen Altstimme und latinophilen Liederzyklen wie zuletzt “Trova” (2009) ein beneidenswert internationales Flair verschafft. Mit dem Cimbalon-Geige-Gitarre-KontrabassKlangfächer von Milokraj kehrte sie jedoch zurück zu den heimatlichen Wurzeln und ihrer
Muttersprache, ohne Böhmen vom Meer ins Hinterland zu verrücken, wie man auf "Milokraj"(2013, Animal Music) und "Tento svět" (2017) hören kann.
VLADIMÍR VÁCLAVEK - Jg. 1959, verschlang Bach und Black Sabbath als Bassist und Gitarrist
bei Dunaj, bei E, auf "Leitmotiv" von Psí Vojáci, mit Josef Ostřanský & Takumi Fukushima (vonAfter Dinner, Volapük, Rêve Général) als Rale, mit Čikori und wieder Bittova, als Dunajská Vlna
fast wieder Dunaj. Dazu eigene Projekte (..."Písně Nepísně", 2003, "Ingwe", 2005, "Živě", 2011,"Barvy Radugy", 2015), als Liedermacher-Poet, hypnotisierend repetitiv, mit Poesie vonBohuslav Reynek (1892-1971) und ganz eigener Intimität.
PETR VRBA - ist vielleicht dER CZ-Impro-Umtriebler, ob mit Kurt Liedwart, Veronika Mayer (alsJunk & the Beast) oder George Cremaschi (als Los Amargados), zu dritt als The MoND, als
Poisonous Frequencies bzw. mit Maja Osojnik & Matija Schellander als "Doppeltrio" oder,massiert, im Prague Improvisation Orchestra und bei IQ+1. Wo er ist, ist ganz weit draußen.

DálavaMarta Töpferová

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ZABELOV GROUP - dieses Projekt des Drummers Jan Šikl mit dem weißrussischen Akkordeonisten Roman Zabelov brachte meinen CZ-Lauschangriff ins Rollen. Mit ihrem mit Loopstation zum Schweben gebrachten Soundscape, verziert mit noch E-Gitarre, Piano, Orgel,
Trompete, Percussion, Kantele, Harfe, Glockenspiel, Kontrabass, Sopransaxophon und
Bassklarinette und zu Zabelovs Kopfstimme auch noch Frauenstimmen, einer sopranistischen und ätherisch vokalisierende. "Eg" (Minority Records, MIN42, CD/LP) lädt dazu ein,für eine Weile ('For a While'), für eine kleine Unendlichkeit ('Lemniscate'), die Welt zu verlassen. Denn aus der Distanz liebt es sich besser, wie die Prager Compagnie 420People mit'Fairy Queen' zeigt, wo die Zabelov Group zum Tanz aufspielt. Doch lieber als zu knackigem
Breakbeatgroove die Füße auf die Erde zu setzen, breitet sie die Schwingen über den
Wolken und erinnert mich dabei an Daniel Dorobantu und sein timișoares 'Trancing' mit Thy
Veil. Bei 'Na Krev' mit seinen Yma-Sumac'schen Schaumkronen beschleunigen Bassklarinette und Kontrabass den Puls (Jaromír Honzar legt da mit Hand an), 'For a While' entschleunigt mit Madeleine W. als anglophoner TripHop mit plinkender Harfe und elegischem
Sax von Petr Kalfus (von Mantaban). Bei 'Opuštěný Svět' steht die Zeit fast still, zu
raschelndem Holz und der Wehmut von Piano und Trompete. Für 'Je vis' versuchen Šikl undZabelov die Pace wieder anzuziehen, aber zu klackender Stagnation und vokalisiertem
Schwebklang kitzelt erst nur das französisch-feminine Geflüster von Cecile das Ohr.
Dröhnwellen und rhythmisch-perkussive Momente suchen tagträumerisch ein Equilibrium,
bevor das jublilierende Sopranosax 'Lemniscate' das Glanzlicht aufsetzt. Bei 'Fairy Queen'muss eine etwas infantil klingende Japanerin ihre Isolde-Rolle erst noch üben. Und zuletzt
räsonniert auch Hannah C. über das nicht einfache Ich-Du zum glasharmonischen Schwebklang und zur brütenden Gitarre von 'There is always somewhere else to go'.
Ob Barová, Šuranská, Töpfer- oder Bára Zmeková, ob Bárta, Dorůžka, Hrubý, Liška, Malinaoder Tichý, ich höre da eine feminine, folkloreske oder jazzige Tönung, wie sie schon
MARTIN KRATOCHVIL mit Jazz Q und dem Gitarrenwizard Luboš Andršt dynamisiert undder heimgekehrte MIROSLAV VITOUS mit seinen "Universal Syncopations" universalisiert
hat. Sein altersmildes Spiel mit etwa Adam Pierończyk ist davon ebenso beflügelt wie es alsaktuelle Tendenz zu hören ist bei ACTUAL TENDENCIES und, zum verwechseln ähnlich, beiŠimon Herrmann & Co., die sich in Bates'schem Mimikry MOLOTOW MOLOCH QUARTET
nennen. Darin lässt sich vielleicht jene vom jazzophilen Josef Škvorecký, der unerträglichen
Leichtigkeit von Milan Kundera und dem Liebesunglück von Michal Viewegh her pulsierende
Ader erkennen. Aber wo klingen dann Jaroslav Hašek, Vladislav Vančuras "Felder und
Schlachtfelder", Bohumil Hrabal, Jiří Gruša und der Liebesmüll von Ivan Klíma nach, wo
hallen Jaroslav Rudiš und Jáchym Topol wider? Die Surrealität von Jan Švankmajer und Jirí
Kratochvil, der Geist von Pavel Kohout, der Wegsanierten und ins Wiener "Nachtasyl" Ausgebürgerten oder der Shit von 'Nestbeschmutzern' wie Radka Denemarková? Alles Schneevon Vorgestern und Vorvorgestern? Die vermisste Spur Bernard-Marx'scher Nichtkonformität findet sich sehr wohl bei bei Už Jsme Doma, Postižená Oblast und Skrytý Půvab Byrokracie und führt mich nach Prag, wo die Misfits ihr Jahrestreffen abhalten.
Alternativlos alternativ ist dort nämlich seit 1993 das Festival Alternativa. Mit ASSTMA •KVĚTOSLAV DOLEJŠÍ • ESAZLESA • FRISK • JEŠTĚ JSME SE NEDOHODLI • MARTIN
KLAPPER • MILAN KNÍŽÁK • KOCHLEA • KVĚTY • IVAN PALACKÝ • POSTIŽENÁ OBLAST •PAVEL RICHTER • ŠIROKO DALEKO • SKRYTÝ PŮVAB BYROKRACIE • STRATOCLUSTER •TEMBRYO • ZAPOMENUTÝ ORCHESTR ZEMĚ SNIVCŮ • ZÁTORY... (eingebettet in ein total
bad-alchemystisches internationales Who's Who). Da spielt dann wirklich die Musik, die derRede wert ist. So wie bei Poli5 [-> poli5.bandcamp.com] in Prag und, noch um einiges
krachophiler, Stoned To Death [-> stoned-to-death.bandcamp.com] in Pardubice. Da kannman sich vom Drummer Vít Hoigr, dem Gitarristen František Václavík und dem Saxer Zdeněk
Závodný mit Frisk'scher "Science Friction" steinigen oder von Richter & syn polygon psychedelisieren lassen. Aber wie sagte ein desillusionierter M. Chadima (2009): Vor 20 Jahren
habe ich geglaubt, dass die Musik für den Umsturz wichtig war. Aber das war ein Irrtum...
Unsere Idee war ein Sozialismus mit menschlichem Antlitz... Die heutige Lage in Tschechien
ist für mich fast so unerträglich wie die Situation während des Kommunismus... (Lacht)
Ich habe zu früh und zu viel Winnetou gelesen.
63sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
Attenuation Circuit (Augsburg)
EMERGEs Materia (ACU 1014) entstand am 09.01.2018, live @ Schron in Poznań. Dass sichder Augsburger einspurig nicht so recht wohlfühlt, zeigen die sich nach allen Seiten reckenden Tentakeln bei Attenuation Circuit. Daher wirkt eine gewisse Rhythmisierung hierauch weniger wie eine Rückkehr zu den alten Zeiten als Dependenz. Nein, rückwärts steht
nicht auf dem Programm. Oder doch? Wie der gute Sascha Stadlmeier sich da mit seinen
typischen Tachismen und mit kaskadierendem Scharren repetitiv durch dunkle Höhlensysteme tastet, lässt aus den Echowellen ein steinzeitliches Klangbild sich entfalten, dasnahelegt, dass man sich das -lithikum immer auch als Holzzeit vorstellen sollte. Wobei eine
schnarrende Computerstimme die Phantasie plötzlich ähnlich durch die Zeit katapultiert
wie bei "2001: Odyssee im Weltraum" der Gedankensprung und Griff zur Waffe den ersten
Homo Faber (als ersten Jäger und Totschläger) von Richard zu Johann Strauss schleudert.
Emerge gibt seiner bekannten troglo-Suggestion, seinem Caveman-Raum, ein zeitliches
Moment, das man rhythmisch nennen kann und sogar pulsähnlich. Aber eigentlich ist es
lediglich repetitiv, kreisend, ostinat. Und damit auch schon nicht mehr bloß Raum, nicht
mehr bloß Continuum, sondern Zeit-Raum, Zeit-Maschine, Maschinen-Zeit, mechanische,motorische und automatische Zeit. In die man nochmal submarin abtaucht, mit dem Looptaucherischer Atemzüge zu träumerischem Pizzicato. Aber Emerge lässt die unaufhaltsame Zeit doch berstend durchbrechen wie vulkanische Lava. In komplexer, scheinbar nicht
so recht vereinbarer Mehrdeutigkeit, die sich jedoch als einfach nur elementar erweist:
Stein, Holz & Höhle = Erde, unter Wasser = Wasser, Atemzüge = Luft, Magma = Feuer. Die
Mehrdeutigkeit erscheint dadurch als bewusst gestaltet und verdient neben der RaumZeit-Verschränkung, aber noch vor seiner Dröhn-Puls-Dialektik, das eigentliche Kompliment, das es Emerge zu machen gilt.
EMERGE (Sascha Stadlmeier) liefert auch einen der vier ca. 9 ½-min. Splitter von Fiction
Circuit (ACW 1007, LP) als einem 4-fach-Split, ähnlich der "Drone-Mind // Mind-Drone"Reihe auf Drone. Mit der Besonderheit, dass PBK (das ist der seit 1986 kassetten-kulturell
aktive und etwa mit Vidna Obmana, Zan Hoffman, Asmus Tietchens oder Telepheriqueprofilierte Phillip B. Klingler) auf der AMT-Seite Ausgangsmaterial von ARTIFICIAL MEMORY TRACE (das ist Slavek Kwi, Klinglers tschechischer Spielgefährte bei "Transphere 1997
_1999" und der von Emerge & Fiebig bei "Intercept") im alten Industrial-Stil verwurstet:harsch surrend, quecksilbrig durchfunkelt, impulsbezuckt (wie von einer tixenden Amsel)
und wie durch einen Stimmfleischwolf gedreht. Und dass in GERALD FIEBIGs ebenfalls
AMT-lich hinterfüttertem, aber vergleichsweise ambientem Scape das Coverartwork, das
Emerge aus Visuals von Klingler und Kwi digital collagiert hat, als quasi graphische Partitur widerhallt: als orgeliger oder motorisch surrender Dauerton in sanften Kurven und mit
körnig pixelnden und knarrigen Einschlüssen. Auf der PBK-Seite verarbeiten Stadlmeier
und Kwi umgekehrt jeweils Quellklang von Klingler, wobei AMT wilde Noise-Action liefert:
als ebenfalls industriale Klangwolke voller impulsiver, metalloid sirrender und alarmierter
Verwerfungen, mit Halluzinationen grunzender und brummender Tierstimmen und verzerrtem Funkverkehr und zuletzt Ansätzen eines tickenden Beats zu knarrigen Impulsen.
Emerge taucht danach wie unter Wasser, um das dröhnminimalistisch zu beruhigen. An
eine stehende, selten von einem Lichtschein nuancierte Dröhnwelle stoßen von Unten
gedämpfte Beats oder glucksender Klingklang. AMT und PBK genossen dabei als Gäste
alle Freiheiten, sie selbst zu sein, während die Augsburger sich, reaktiv, entsprechend
zurücknahmen, um das Ganze gezielt auszubalancieren. Was sich auf dem Papier relativ
komplex konzipiert anhört, hört sich auf grün marmoriertem Vinyl ganz logisch an,
dialektisch und so harmonisch wie Yin und Yang.
64auf abwegen (Köln)
Jemand, der Hunde und kleine Kinder hasst, nein, anders: Jemand, der die Kunst vonPasolini, Haneke, Hayao Miyazaki, Lovecraft, Mishima und Ballard schätzt, kann nichtganz schlecht sein. Das lässt sich überprüfen an der Sound Art von Stefan Hanser
alias ANEMONE TUBE. Seit über zwei Jahrzehnten macht er dark-ambiente Klangkunst, mit The Epicurean als Klang-Schaufenster, auch für Mit-Eskapisten wie Martin
Bladh, Con-Dom, Dave Phillips, Last Dominion Lost oder Post Scriptvm. Nach dem frühen": existence" (aatp09, 2001) und etwa "In the Vortex of Dionysian Reality" (2015) oder"Golden Temple" (2016) als nietzscheanische, musikalisch-tragische Mythendämmerung zwischen Apokalypse und Arkadien stemmte er mit der "The Three Worlds"Trilogie "Allegory of Vanity / Forget Heaven / Vanity of Allegory" das bisherige Opus
Magnum seiner dämonozentrischen Imagination. Das jetzt aber nahezu noch überboten wird mit The Hunter in the Snow (The Epicurean, cure.21 / AATP65) im Verbund
mit dem schwedischen Psychonauten JARL und dem droning Ukrainian MONOCUBE.
Als Leitfaden stellt Hanser die Jahreszeitenbilder (1565) von Pieter Bruegel d. Ä. vor
Augen: Der düstere Tag (Vorfrühling), Die Heuernte (Sommer), Die Kornernte (Hochsommer), Die Heimkehr der Herde (Herbst) und Die Jäger im Schnee (Winter). Die
Weltlandschaft im Jahreskreis, Andachtsbilder zur Kontemplation des natürlichen,des gottgemachten Kreislaufs, mit dem verschollenen ? (Frühling) als Stolperstein.
Durch Betrachtung zur Einsicht in die Vergänglichkeit des bisschen Lebens in seinen
elsterhaften Gegensätzen als 'discordia concors‘ (einige Uneinigkeit). Wobei Bruegel,wie auf Die Elster auf dem Galgen zu sehen, durch die Blume riet, unter dem Galgen
zu tanzen und auf die verkehrte Welt zu scheißen. Und entspricht nicht sein Zyklus
ganz dem diskordianischen Kalender und dem Gesetz der Fünf? Dazu erklingen nun
fünf 'Andachtslieder', in denen Zeilen von Jean Gebser (1905-1973) mitschwingen,die zu Weltvertrauen und zum Hiersein verführen wollen, wie vielfältig und unbegreiflich es auch sei. Nicht als Denkende, als Ahnende. Gestreift von düsteren Dröhnwellen und frostig klirrenden Silberfäden über monoton knackendem Loop. Mit
Sprung in den Juni, emsig scharrend und bröckelig erregt, mit sogar Stimmengewirr
vor hellem, frisch aufrauschendem Horizont. Der Sommer dann ein Anbranden vonbrodelnden und heulenden Hitzewellen, die einen surrend ins Träge drücken, mit
grollend anschwellendem Unterton, als drohte es doch noch die Ernte zu zerhageln.
Die herbstliche Heimkehr, die bei Bruegel wie der Rückzug eines geschlagenen Heers
anmutet, gestaltet Hanser allein, Dröhnwelle für Dröhnwelle auf verschattetem Fond.
Der Winter bekommt mit 18 ½ Min. doppeltes Gewicht, knietief in pochender Naturgewalt, melancholisch gestuft, brausend verdüstert, wie ein gefrorener Schrei. Wobei
es mir nicht leicht fällt, da jeweils im Bilde zu sein.
Untitled (2017) (aatp66) enthält die Opera #354 - #359 von FRANCISCO LÓPEZ, konstruiert aus Klängen, die der Spanier gesammelt hat in Regenwäldern, Wüsten,
Meeren, Savannen, Gebirgen, Sümpfen, Parks oder Wäldern von Südamerika bis
Südafrika, von Marokko & Spanien über Ostasien hinweg bis Japan und Neuseeland.
In der ersten von sieben Szenerien breitet López Mikrogeräusche aus, so fein, dasssie sich ohne Kopfhörer kaum vom alltäglichen Krach abheben. Um plötzlich sichdoch wummernd und in abrupten Verwerfungen und drastischer Plastizität als
Störungen eigener Art in den Vordergrund zu drängen. Die Dimensionen springen
vom Abstrakt-Mikrophonen zum O-Ton in einer Sportarena, von quäkenden Gänsen
oder Fröschen zu windumfauchter Nahaufnahme, zu Insektengesumm oder kleinen
Dschungelloops. Von wieder ominösem Pianissimo, das auf die Trommelfelle drückt,und knisternden, ja fast flüsternden Pixeln auf schimmerndem Fond zu leisem Gebrodel mit wieder insektoidem Überbau. Zuletzt mit brummigen, schleierhaft umorgelten Kurven und, verzerrt eingemischt, dem Gershwin-Song Who cares, whocares? I'm dancing and 'I Can't Be Bothered Now'. Was für Humor ist das denn?
65Drone-Mind // Mind-Drone - Substantia Innominata (Bremen)Den 26. Beitrag zur hervorragenden »Substantia Innominata«-Reihe liefert der seit 20
Jahren als IRR.APP.(ext.) bekannte M. S. Waldron in Oregon, der vor allem auf Errata In
Excelsis als eigenem Forum mit surrealer Spleenigkeit immer wieder dem Unwahrscheinlichen die Hand reicht. Als einer, der mit NWW die "Angry Eelectric Finger"-Trilogie
realisierte, der mit "Orgonosis" [als Gnosis von Wilhelm Reichs 'primordial kosmischer'
Energie] oder "Perekluchenie" [über die Auferstehung von Bärtierchen] seine Gehirnkapazität garantiert 100%ig ausreizte (und letzteres Nils Frykdahl widmete), hat er bei mireinen Stein im Brett. Are all Things Equivalent? (SUB-26, 10", clear vinyl) besticht wie fastalles, was er macht, mit stupendem Artwork und bringt neben 'At Some Scale...' als
Antwort auf die Frage noch 'Sleep Turbines' als weiteren Beleg für seine oneirischen
Einsichten. Mit einem knarrenden Knurren springt er ins Ohr und verbleibt da mit einem
Dröhnen, das industrial-metalloide und tibetanisch-rituelle Suggestionen kakophon
orchestriert. Als ein Hirnsausen, vor dem der Fluchtweg durch von Raunen und Stöhnen
beschallte Geisterbahnkorridore führt. Diesem starken Stück folgt sein dröhnender
Zwilling, durchsetzt mit einer dunkel knarrenden Stimme, die von sausenden Oszillationen
und Fluktuationen übertönt wird in einem pulsierenden, zugleich maschinenhaften undorganischen Klangbeben, das dadurch überzeugend alien wirkt.
Drone-Mind // Mind-Drone Vol. 7 (MIND-07, LP, cyan blue vinyl) bringt im vertrauten 4-fachSplit SPECIMENS (das ist Alex Ives, früher bei Thee MVP, jetzt bei Ice Baths, der in London
ambiente Sachen auf First Terrace Records macht) zusammen mit Vytenis Eitminavičius
aus Litauen, der als SKELDOS mitten unter Bäumen hofft, dass die Eisenzeit und die
Autobahn einen großen Bogen drum machen. Die B-Seite vereint MYTRIP (Angel
Simitchiev) aus Bulgarien und das in BA bereits durch "Fraction Elements" bekannte
OPENING PERFORMANCE ORCHESTRA. Der Bogen von 'Broken Beams' und Specimens
weiteren, über wummerndem Abgrund oszillierenden und wie von klagenden Rufen
durchsetzten Düsterwellen schwillt und spannt sich über 'Byra' als baltischer Dröhnwolke,
aus der harmonisches Orgelmoll quillt. Hin zu 'Death Is My Heaven' als dunkel bepulstem
und 'I Stood Still' als quallendem Dröhn-Trip, der mit himmlischem Ahh ins Türkise strömt.
Ton in Ton hin zum wummernden 'Creeping Waves' aus Prag, das sich in surrenden
Schüben als schleichendes Grauen, als ominöser Schatten durch den Raum schiebt. Die
obligatorische Pete-Greening-Optik vexiert dazu als täuschende und Schwindel auslösende Op-Art. Was da als "Creeping Waves" (2010) schon vor Jahren zu kriechen angefangen hat, ist eine fundamentale Ausformung der Fraction Music des Prager Kollektivs.
Stefan Knappe tut daher gut daran, 'Creeping Waves IV' als sanften Brainstorm vonweiteren 70 Minuten sich per CD ins Mind-Drone-affine Tagtraumbewusstsein schleichen
zu lassen. Nicht als etwas, dem man aufmerksam lauscht. Aber doch als etwas, das als
ambienter Kokon mit sublimem Vibrato ans Trommelfell rührt und die Hirnhaut überzieht.

66

Gruenrekorder (Hanau - Frankfurt/M.)
Die Städte, phosphoreszierend am Ufer, die glosenden Werke der Industrie, unter den
Rauchfahnen wartend gleich Ozeanriesen auf das Dröhnen des Horns... Mit diesen Zeilen
von W. G. Sebald, in "Nach der Natur" gerahmt von Albrecht Altdorfers Visionen einer im
Feuersturm verzehrten Stadt (auf "Lot und seine Töchter") und des Gemetzels der "Alexanderschlacht", gibt GERALD FIEBIG seinen Gasworks (Gruen 179) eine Stimmung wie auf
William Turners 'The Fighting Temeraire'. Last Exit: Abwrackwerft, Elefantenfriedhof derIndustrie. Erstes Stadium: Nach dem Paradies. Zweites: Nach der Natur. Drittes: Nach derIndustrie, post-industrial. Fiebig, bekannt durch seine Klangkunst bei Attenuation Circuit
und durch Gedichte wie zuletzt "nach dem nachkrieg" (parasitenpresse), taucht mit den
Ohren in das von 1915 bis 1968 betriebene und bis 2001 als Verteiler genutzte Gaswerk in
Augsburg-Oberhausen, das, ähnlich wie die Westergasfabriek in Amsterdam, mehr undmehr als Kulturpark genutzt wird (Modular Festival, Brechtbühne...). Das postindustriale'Nach' sollte, so Fiebig, freilich nicht vergessen lassen, dass der Laden ohne die nur aus den
Augen geräumte schmutzige Schwerindustrie weder global noch lokal laufen würde unddass auch saubere Bildschirm-Hitech endlos Energie frisst. Das Bewusstsein dafür schärft
er, zusammen mit Emerge, bei 'post-industrial' (2014) mit Gasgeräuschen eines Küchenherds und prozessierten Fabrikklängen. 'Ohrentauchen mit Echolot' (2016) resultiert aus
einer Performance im 84 m hohen Gaswerkkessel, mit Werk- und Spielzeug und Fiebigs eigenem Stimm- und Körpereinsatz. 'Nach der Industrie' (2010) unterlegt mit Gasgeräuschen
die Erinnerungen eines einstigen Gaswerkarbeiters als eine proletarische Lehrstunde überDrecksarbeit für 83 Pfennig die Stunde. (Aber das sind halt immer so Kleinigkeiten.) Und'Echos of Industry' (2015), entstanden als Hörspiel für das tschechische Radio Vltava, schachtelt in den Gaskessel das Geklapper von Textilmaschinen - Basis für Augsburgs einstige Blüte als das deutsche Manchester. Dazu mischte Fiebig ein Saxophon als dröhnendes, klagendes Horn und ein Theremin als geisterhaftes Echo in ... die Baumwollwolken, die weißen, in

die aufgegangen war ohne ein Wort der Atem ganzer Legionen von Menschen... Nordländisches Trauerspiel, Schach- und Winkelzüge, zwangsläufig vollzieht sich immer das Ende.
PS: Als Arbeiterkind mit Schwenk Zement-Sozialisation lege ich "Gasworks" der BA 102 alsganz persönliche Empfehlung bei.
DAVID ROTHENBERG ist Klarinettist, erprobt im Spiel mit Scanner, Pauline Oliveros, Iva
Bittová, Marilyn Crispell, er ist Professor of Philosophy and Music und er ist der Autor von"Sudden Music: Improvisation, Sound, Nature" (2002), "Why Birds Sing" (2005), "Thousand
Mile Song: Whale Music in a Sea of Sound" (2008), "Survival of the Beautiful: Art, Science,and Evolution" (2011) oder "Bug Music: How Insects Gave Us Rhythm and Noise" (2013).
Lauter Bücher mit Musik. Zu seinem neuesten, "Nightingales in Berlin", gehört Nightingale
Cities: Berlin / Helsinki (Terra Nova, TN 1920 / Gruen 189, 2 x CD), aber auch schon "Berlin
Bülbül" (TN 1511 / Gruen 159). Beides mit Electronics von Korhan Erel, Rothenberg mit auchnoch Bassklarinette, Seljefløyte, Furulya oder iPad, sowie nun auch noch den Sängerinnen
Lembe Lokk & Cymin Samawatie, der Geigerin Sanna Salmenkallio und weiteren Berliner
Bülbüllauschern, die sich die Nächte um die Ohren schlugen, um mit Nachtigallen zu
musizieren. Deren Musik der Dichter John Clare schon 1832 bewundernd einfing mit ‘Chewchew chew-chew’ & higher still / ‘Cheer-cheer cheer-cheer’ more loud & shrill / ‘Cheer-up
cheer-up cheer-up’—& dropt / Low ‘Tweet tweet jug jug jug’ & stopt / One moment just to
drink the sound / Her music made. So suchte Rothenberg, meist allein, im Mai 2016 in
Helsinki auch den Zusammenklang mit Sprossern, Busch- & Schilfrohrsängern (mit Amsel
oder Wachtelkönig als akustischem Beifang). In der Überzeugung, dabei nicht einem'Anderen' als 'Alien Beauty' zu begegnen, vielmehr einem Widerhall menschgemachter
Klänge, hard machinery ebenso wie soft melody. Natur und Kultur verklammert durch
Schönheit als evolutionärem Plus? Mit anfänglichen Finessen- und Verblüffungsvorteilen derGeschnäbelten, denen dennoch ob des unmöglichen Dus die Rolle von Accessoires und
Lokalkolorit droht. Am Ich-Du-ähnlichsten ist es, wenn Rothenberg unter finnischem Himmel
und unter vier Augen quasi selber zum Vogel wird.
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Mozdok - Positive Regression (Warschau)
MICHAŁ TUROWSKI, der aus Wroclaw stammt, setzt sich, auch als Bolesław Wawrzyn,
Jonasz Karpiński, vor allem aber als Gazawat auf BDTA und Mozdok als seinen eigenen
Foren innerhalb der polnischen Noise Culture beständig mit Violence auseinander.
Aesthetically, as the Germans call it (de Quincey). Indem er die Sinne richtet auf "Rape
Culture", Folter, die Kriegsverbrechen im Tschetschenien- & Bosnienkrieg, die Geiselnahme von Beslan, den "Tannöd"-Mord in Hinterkaifeck 1922. Daneben zeigt er mit "Wojnaświatów" (Krieg der Welten) und Jerzy Żuławskis polnischem SF-Klassiker "Na srebrnym
globie" (Auf dem silbernen Globus) seine Zweifel an einem glücklichen Ausgang dessen,
was man Zukunft nennt. Wormwood and Flame (MOZD 022) ruft von '26th April 1986' bis'Life After People' Tschernobyl in Erinnerung, den gärenden Sarkophag, die Geisterstadt'Pripyat', das dortige 'Polissya Hotel', die illegalen Selbstsiedler ('Samosely') in der Sperrzone, die Nachwirkungen des schwarzen Winds ohne Grenzen. Natürlich gibt es auch dazu
strahlenresistente Köpfe, die den Gau als Lappalie abtun, weil nennenswerte Schäden
eigentlich erst durch die Panikmache der Anti-Atom-Lobby entstanden. Dagegen hülfe nur:
anders wählen. Nämlich die Brut, die heilige Einfalt mit Infamie paart, die keinen Klimawandel fürchtet, sich nur in Filterblasen heimisch fühlt und vorsorglich einen Nachttopf
überstülpt, an dem alle missliebigen Fakten abprallen. Illustriert mit dem »Denkmal für die
Feuerwehrleute«, suggeriert Turowski mit metallisch verschärftem und düster wummerndem Gedröhn und stampfender, pfeifender Rotation die dunklen Züge und den schwarzen
Kern des Industrialen. Die "dark Satanic mills" von William Blake liefern dafür ebenso eine
Blaupause wie das Krematorium der "Todesmühlen" von Auschwitz als "Industrial"-Logo.
'Life After People' schwingt zuletzt auf einer Wellenlänge mit W. G. Sebalds "After Nature"& "On the Natural History of Destruction". Die Engländer nannten das "bleak reflections",
und genau damit haben wir es auch hier zu tun. Alexander Kluge konstatierte: "In solche
Not kann nicht die Natur bringen." Sondern nur ein organisatorischer - quasi fabrikmäßiger- Aufbau von Unglück. Ein Wahn als System. Unten als Stalingrad, oben als "B 17, jedereine Werkstatt, aber der kompakte Verband als Fabrik", dazwischen als - nun ja - als
Fabrik, als Betrieb.
Seit 2018 geben Paweł Starzec und Michał Turowski auf Positive Regression fast alle acht
Wochen mit einem neuen Statement Laut. Als MAZUT waren sie schon seit 2015 auf BDTAzu hören, als Mazutti sind sie zu dritt, mit noch Maciej Moruś, auch bekannt als Macio Moretti (LXMP, Shofar, Mitch & Mitch). Weniger explizit als Turowski allein, enthält "Atlas"
doch eine Hommage an Malachi Ritscher, der sich 2006 aus Protest gegen den Irakkrieg
selbst verbrannt hat, und auf "Eichwald" gibt es den Track 'Stammheim'. Bei Promień (PR.PRO) poln. Radius - ist eine, bei Turowskis Faible für SF durchaus mögliche, Inspirationsquelle
denkbar im kanadischen Thriller "Radius" (über an unexplained cosmic anomaly thatstruck the Earth und die merkwürdigen Folgen). Die Titel bestätigen das nicht wirklich,
deuten aber mit etwa 'Punishment', 'Traumatic Bonding', 'New Primitivism' oder 'Institutional Betrayal' auch so auf genug Ungutes hin. Mit Synthies, alten Radios, Diktaphon, Tonbändern aus dem Müll oder von Flohmärkten, Drummachines und Kassettenrekorder folgt
das Duo den Vorgaben von Cabaret Voltaire, Test Dept & Co. 'You can get angry' ist ein
dunkel wummernder Mutmacher zu Engagement und Widerstand. Das tribale Trommeln
und Vokalisieren wird jedoch Maschinen übertragen, Loops und Beats als 'Punishment'
gegen Gelangweiltsein eingesetzt. Längst sind wir ja Slaves to the Rhythm, poch-pochpoch-poch, und darüber flöten und zwitschern hysterische Synthies. Tarzanschreie jodeln
durch den in Betonkübel gestanzten Dschungel. Die Lunacy gestampfter 4/4 taktet den
Tageslauf. Wahnsinn, methodisch institutionalisiert, vom inneren Caretaker kontrolliert,
genauer, diszipliniert. Wird der Beat suspendiert, setzt Melancholie ein, denn man ist zum
Scheitern verdammt ('Setting up to fail'). Tek-no, tek-no, tek-no, und nirgendwo ein
Fundament, nur Gas, nur heiße Luft, umzwitscherte 4/4. Großer Gott, zuletzt wird derGlobus wieder eine Scheibe sein, aus lauter kleinen Taschenspiegeln für Narzissten.
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Touch (London)
1971 geboren, hat SIMON SCOTT 1990-94 und wieder seit 2014 beim Shoegazing von Slowdrive getrommelt. Daneben ist er seit "Navigare" (2009) in
dröhn- und dark-ambiente Richtung navigiert, was ihn mit "Below Sea Level"(2012) zu 12k, mit "Insomni" (2015) zu Ash International und mit "Flood Lines"(2016) zu Touch führte, als Fieldrecorder und Klangökologe. Er nimmt Sturm
Barney, der 2015 wütete, als Einstieg für Soundings (TO:112, CD/Cassette),
einen Travelogue, in dem sein Globetrotting von Cambridge nach Brisbane,
Buenos Aires, Lima, Los Angeles oder Porto, von Hotel in Moskau zu Hotel inTokyo widerhallt. Mit dem Sound von Analogsynthie und Laptopelectronics,
durchsetzt mit melancholischen Streichern oder wie pulverisiertem Gitarrenklang verordnet sich Scott sanftes Dröhnen, Summen und 'Flöten' als Gegengift zum Immergleichen im Fremden, als poetischen Gegenpol zur prosaischen
Anästhesie beim Transit von Nicht-Ort zu Nicht-Ort. Um zur Ruhe zu kommen
im lullenden Wiegen von Cello, Bratsche, Geige und Kontrabass. Aber es
bleiben doch immer Reste des unguten Betriebs, Tretmühlenloops und die
Nagezähne ätzender Zumutungen. Dagegen stehen Vogelgezwitscher oder ein
Auf-Abstand-Gehen ins Arktische. Und immer wieder Dröhnwellen, imprägniert
mit Erinnerungen und klanglichen Souvenirs, mit Kirschblütenduft ('Sakura'),Nachthimmelstille und dem süßen Weh der Strings, mit den Mysterien vonEleusis ('Hodos' deutet dorthin), dem Geruch von Regen in der Wüste Thar('Baaval') oder der Wärme der Sonne im Winter ('Aprecity').
Die Strings auf Simon Scotts "Soundings" sind zum Teil die von ZACHARY
PAUL. Der von Tony Conrad, Pauline Oliveros und La Monte Young inspirierte
Violinist & Komponist in Los Angeles, mit Jg. 1995 einer der Jungen, hat schon
als Poppy Nogood mit "Music for Mourning" (2016) oder "Mood Paintings"(2017) Musik für melancholische Stimmungen und für Deep-ListeningLauscher angestimmt. Scott, die Brüder Gaines aka Jerkagram, Geneva Skeen
und Songstress Sophia Pfister bilden ein kollegiales Netz, in dem sich Paul als
Dreamscapedrifter bewegt. A Meditation on Dischord (Tone 67) zeigt ihn live
am 23.2.2018 beim "Touch presents..."-Event @ Human Resources mit 'Slow
Ascent' (12:06) und am 12.10.2018 beim "Desert Daze" am Lake Perris mit'Premonition' (31:50). Dabei ließ er die Geige in offener D-Stimmung surren
und schnarren, fast wie eine Drehleier, ein Hurdy-Gurdy. Mit EarthQuakerDevices, Boss RC-30-Looper und Diamond Memory Lane Jr -Delay schickt er
in sich bebende Haltetöne und Glitches auf kurvende Parallelebenen, teils mit
hitzeflimmerndem Tremolo, aber gebündelt in einem streichorchestralen,
mikrotonal glissandierenden, up, up and away strebenden Einklang. Einem
monotonen Vielklang, einem polychromen Einklang, der zuletzt rasend fluktuiert und ein so ultrapsychedelisches Hirnsausen auslöst, dass man die
Englein zwitschern hört. Und der vor Ort die nachmittäglichen Wolken derart
kitzelte, dass sie sich abends noch niesend entluden. 'Slow Ascent' spielte
Paul lampenfiebrig mit normalem Tuning vor seinem bis dahin größten Publikum, als die Zeit vergessen machende Meditation in warmem Bronzeton.
Wobei der Geigenton wieder gefächert erklingt, als ein leicht melancholischer
Plural, aus dem sich eine Vogelstimme zirpig flötend hervorheben kann undetwas, das wie zarte Vokalisation anmutet. 'A Person with Feelings' (10:24) ist
dann noch die überraschend wilde Musik zu einem Kurzfilm, in der die Geigentöne in weichen elektronischen Wellen erst driften, dann aber zerflattern und
pizzicato auf brummigen Noise einprickeln oder auf ein hornissig diskantes
Eskalieren und dessen dunklen Untergang.

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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
AKE I remember the trees (TRST Records,001): Hinter AKE (nicht zu verwechseln mit
einem gleichnamigen DJ in Pescara) steckt
der in den 80ern geborene Elia Pellegrino in
Turin, der gerade auch im Trio Pugile als
Sparring Project mit Maurizio Borgna den"Soundtrack for Contemporary Stories"(Machiavelli Music, 2019) mitkonzipiert hat.
Allein realisiert er, nachdem er in seiner
Entwicklung von Bach zu IDM abgebogen
ist, Glitch Soundscapes und Broken Tunes,
die er mit Sequenzern, Synthies und Arpeggiatoren generiert. So z. B. "New Father"(SØVN, 2017). Und nun diese Sonic Fiction,die [den Tag] 'post-everything' wörtlich
nimmt und anhebt mit 'Polvere'. Wie in "polvere tu sei e in polvere tornerai!" Dazu gibt
es ein Bild aus einer Welt, wie sie J. G. Ballard in "Die Dürre" geschildert hat, nur
schlimmer. Nämlich eine alte Fotografie, die
ein Kind zeigt vor seltsamen Formen, unbekannten Strukturen. Dünne Säulen, vondenen mehrere Abzweigungen ausgehen
wie ineinander verschlungene Arme. Ein
Bild wie aus einem fernen Jahrhundert, wie
von einem anderen Planeten. "Was ist das?"
Antwort: "Das waren Bäume, sowas gibt es
nicht mehr." Das nenne ich eine postapokalyptische Pointe. AKEs Soundscapes dazu
klingen wie Electronica, deren Urahnin einst
den Countdown zum Start des Raumschiffs
Orion runtergezählt hat. Inzwischen jedochsoweit evolutioniert, dass die wüstenplanetaren Siliciumgehirne gelassen verschmähen, menschliche Laute zu imitieren. Sie
dröhnen und zirpen mit metallischem Beigeschmack, sie loopen mit sandkörnigem
Belag und zuckenden Akzenten. Manchmal
meint man, dass da noch humane Sprachreste mitkreisen, als Mantras der künstlichintelligenten Tiefenerinnerung. Neben granularsynthetisch pulsierenden Repetitionen
in sandpapierenen Dünen und melodischguillochierten Schwingungskurven. Bei 'In
reverse' zieht der zittrige Griffel helldunkle
Zykloide, mit verzerrten Spitzen und melancholischer Abschattung. Und 'Aspettando' stellt in bebender Wehmut keine
Besserung in Aussicht.

CELER Xièxie (Two Acorns, 2A15, je 2 x LP /CD / MC): Will Long bringt Souveniers aus
China mit, Klang gewordene Eindrücke undErinnerungen aus dem im Juni 2017 bereisten Shanghai und Hangzhou. Mit Motiven
wie den Stimmen von Passanten, Autohupen, Regen, der Bullet-Train-Verbindungzwischen den beiden Städten, Bahnhofsdurchsagen, Stimmengewirr, Vögeln, diechinesisch zwitschern, Karaoke... Aber homöopathisch verdünnt ins Unmessbare undUnhörbare. Denn so wie die Städte im Kameraauge eingetaucht sind in Dunst undRegengrau, so tagträumt die Erinnerung ineinem weich gefilterten Soundscape, auf
sanft atmenschaukelnden Dröhnwellen.
Selbst als Projektil eines Hochgeschwindigkeitszugs mit über 300 km/h schaukelt man
wie eine Daunenfeder. Das Chinesische verschwimmt schnell zu bloßen Ingredienzen
und verschwindet hinter dem Horizont. Als
wäre das Basismaterial nur ein sublimer
Mythos. Für das Wiederganzbeisichsein desBewusstseins genügt Long das sanfte Immersoweiter ozeanisch atmender Schwingungen. Oder der synästhetische Nachgeschmack von Regen bei Tages- oder bei
Neonlicht. Celers Bedürfnis nach Ruhe und
Ausgeglichenheit ist um ein Vielfaches
größer als ganz China. Als Scape kennt er
nur die Welle, die erstmals bei 'For the entirety' ihre gleichförmige sonore Schwingung
mit einem Hauch von orgelnder Feierlichkeit
weitet. Aber vielleicht ist auch das nur die
Illusion eines Eingelullten. Nach nochmal
kurzen Klangsouveniers schwingt auch die
zweite Hälfte als meditative Möbiusschleife
oder in sich kreisende Ouroboros. Das 'Prelude to obsession' steigt nach 23:48 in Hangzhou um zu 'Our dream to be strangers'(15:25), bei dem die Welle wieder verunklart
zu einem dröhnenden Orgeln und im Wind
verwehenden glockigen Läuten. 'Text me
when you wake up'? Soll ich dann schreiben, dass Schlafsterne® wie Aufputschmittel wirken im Vergleich mit Celers Dröhnwellen-Lullaby? Oder dass im Gegenteil
selbst Esoterikmuffel dabei eine Bewusstseinserweiterung erfahren?

70d E Pine Island Under the Midnight Sun (1000+1 TiLt / RU.MO.RE.001):
Seit 2012 macht Andreas Kavvadias in Athen Soundscapes, deren Machart und Intention er mit Begriffen wie Automatisches Schreiben und Entropie des Moments sowie als synästhetisch und meditativ charakterisiert. Gegenstand dieser meditativen Betrachtung ist ein kalbender Eisberg in der Antarktis, registriert von Landsat 8, einem Erdbeobachtungssatelliten der NASA. d E zaubert daraus ein Windspiel in großem
Maßstab, ein Fauchen und Dröhnen, das ein harmonisches, wenn auchmelancholisches Glockenläuten mit sich führt. Halt, nein, das sind meine
Adalbero-Glocken als zufällige Krönung dieser elegischen Suggestion
von Schwund und Untergang. Auf dunklem Surren schwingen in wehmütigstem Moll harmonische Wellen dahin. Das alles ist ganz klassischgestaltet mit der Anmutung dunkler Streicher und munkelnder Bläser,nur dass d E die Sätze seiner Dark-Ambient-Symphonie statt Adagio,
Lento oder Largo 'Under' - 'Fall Wind' - 'Greet' - 'Oymyakon' nennt. Die
Klänge sind wie in Nebel gehüllt, bis hin zum Orgelhalteton des vierten
Teils, der, nur scheinbar statisch, schwellend und flimmernd zu morphen
scheint und zudem von einem dumpfen Beat durchpulst wird. Königspinguine finden das sicher cool. Oimjakon konkurriert mit Werchojansk
um den Titel 'arschkältestes Loch der Welt'. Nur wird es statt kälter
immer wärmer und wir schauen mondkälbern zu.
ALESSANDRA ERAMO Tracing South (Corvo Records, core 016, LP): Im
Berliner Ausland präsentierte Eramo ihr Solo for Voice and Electronics
neben ->Miman aus dem hohen Norden. Sie dagegen, die selber aus
Tarent im Mezzogiorno stammt, evoziert einen Gegenentwurf zum Bild
des Südens als Problemzone, als Scheiße am Schuh des Nordens. Nämlich einen Globalen Süden als Freiraum, der sich, vom Geographischen
ins Imaginäre erweitert, so wenig festmachen lässt wie das Meer. So
wenig wie ihre Zunge dem Logos gehorcht. Ihr 'a/tem', ihre glossolale
Poetophonie und vokalen Graffiti sind vogelfrei, ein A-Sagen, das mit
fauchenden, zischenden Zungen ans harte Ende des Alphabets stößt-t-t.
Mit 'I cannot neglect the sea' zeigt sie Ophelia als Wasserleiche im'Mediterranean migrant cemetery'. This is the south, they kiss the sand.
Welche Sprache, which language könnte das verschweigen? Ihre witch
language jedenfalls nicht. Pfeifende, heulende Thereminsounds durchsetzt sie mit Flüsterlauten in Kecakstakkato. Very very very really really
really werden aneinander gekettet als komische Lautpoesie und mit
Singsang und stechendem Elektrogezwitscher für gut! befunden. A
piece A peace país by e i eiei a o... folgt als weitere Poesia sonora,
durchmessen mit vokalisiertem iiiii. Und gesäumt von der sinuswelligen,wie mit Mundharmonika bewimmerten Horizontlinie einer 'Southernlandscape'. Eramo vokalisiert Aaa A A A Eeee Oooo E E E Aaaa... undnennt es 'Vacío' - Leere, Öde, Vakuum. Für 'Song for the sun' verbindet
sie ein Marienlied aus Kindermund mit dem karnevalesken SackpfeifenGroove von Zampognas. 'Primitive Bird' stimmt Eramo dann wieder
selber an, von lauthals über entenhauserisch bis zum tonlosen Hauch.
Für 'My favourite A train' namtchylakt und hvizdalekt sie auf noisigem
Fond vokales Stimmbandflattern, quasi jodlerische Zungenschläge,
pseudoexotische Theatralik und krächzende oder ululierende Kehllaute.
So dass es nicht wenig überrascht, wenn sie zuletzt ganz ungeschminktund mit Feeling immer wieder 'When I look into your eyes' singt. Wie bei„Here's looking at you, Kid!“ in Casablanca liegt dazwischen jedoch ein
Meer, über das nicht jede Flucht gelingt.

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HAARVÖL + XOÁN-XIL LÓPEZ Unwritten Rules of a Ceaseless Journey (Crónica
148~2019): Haarvöl, das sind Fernando José Pereira, João Faria & Rui ManuelVieira, drei seit Ende 2012 aktive portugiesische Klangkunstmacher, die vor allem
auf Moving Furniture Records zu hören, mir aber bisher noch nicht begegnet
sind. Zusammen mit Xoán-Xil López, mir ebenfalls noch unbekannt, schufen sie
mit Electronics & Field Recordings die Musik zur Tanzchoreografie "Revoluções".
Zitat: Alle Gründe, eine Revolution zu machen, sind gegeben. Keiner fehlt. Das
Scheitern der Politik, die Arroganz der Mächtigen, die Herrschaft des Falschen,
die Vulgarität der Reichen, die Industriekatastrophen, das galoppierende Elend,
die nackte Ausbeutung, der ökologische Untergang... [aus Comité invisible:
Jetzt]. Was fehlt, sind die Körper, solange sie nur vor Bildschirmen hocken. Der
vom Ballet Teatro aus Choreographie, Installation, Bild und Musik gefügte
Denkanstoß verschweigt dabei nicht, dass Revolutionen auch Enttäuschungenoder Traumata erzeugen, dass Öffnungen als Schließungen ankommen, dassUtopien jederzeit in Dystopien umkippen können. Dreimal 15 Min. bilden ein
Triptychon: 'Something's Missing (Utopian)' - 'The Pulsating Waves (Reality)' 'Don't Look Back, Run (Trauma)'. Als dröhnendes Gären in 50 Shades of
Resignation, in 50 Shades of Nontheless. Die fragmentierte Welt zeigt sich als
Kleben am Gewohnten, als vages und bloßes Sehnen, als gähnende Leerstelle im
Jetzt, dem Ort und der Zeit der Entscheidung. Stattdessen: stagnierendes
Ichweißnichtwas, in dem ein leises Fauchen umgeht. Zu wachsender, metallischgetönter Unruhe wellt sich auf graubraunem Fond ein monotones, zuletzt an
Dringlichkeit zunehmendes Pulsieren. Keuchende Atemzüge eröffnen den dritten
Teil, der kaskadierende Akzente in ein zielloses Surren setzt. Celloähnliche Lautekommen als ein blechernes Tönen nicht vom Fleck, während der unentschlossene
Frosch langsam gesotten wird.
JÖRG PIRINGER darkvoice (Transacoustic Research, TRES010): Ob with fucked
up recordings of human voices bei "Vokál" (2003), ob 'Alles, was der Fall ist' als
sein Beitrag zu "Three Ideophones" (2008 auf Onomatopee) - Ideophone und
Onomatopoetika sind Cousinen - oder "Konsonant" (2014) als an extraordinary
exploration of letters, voice and technology, Piringer doktert, wenn er nicht mit
dem Vegetable Orchestra Gemüse grooven lässt, als Daten-, Klang- & Visual-Poetdurchwegs mit Buchstaben, Stimme und Elektronik rum. Für "darkvoice", wasnicht zufällig nach Darknet klingt, spielt er seit 2014 mit der Vorstellung eines
Web-Rotwelschs, einer elektronischen Geheimsprache exclusively made frommanipulated voice, sinister typography and digital technology. Als ein Code, dernicht mehr zu knacken ist, weil er auch noch das Unsagbare verschlüsselt.
Terroristen, Schwarzhändler und Pornodealer brauchen also nicht aufzuhorchen.
Denn Piringer steigert Wittgensteins Sprachspiel soweit, dass er die Anzahl derPrivatsprachenversteher von 1 auf Null reduziert. Indem er John Cages Bonmot"Ich habe nichts zu sagen, und ich sage es, und das ist Poesie, wie ich sie
brauche" weiterzutreiben scheint in "Ich habe viel zu sagen, und ich sage es
unversteh- & unentschlüsselbar, und das ist Poesie, wie sie niemand missbrauchen kann." Wobei, so wie ja bei Cage Nichts nicht Nichts ist und Stille nicht
Stille, auch der Wiener das Unverstehbare und garantiert Unentschlüsselbare
eben nicht ungesagt lässt. Sondern mit einer technoid rhythmisierten Ideophonieals, Zitat: lebhafte Darstellung einer Idee in Lautgestalt. Was ja zugleich eineschöne Definition von Musik ist. Auch ohne Waschzettelklartext wäre "darkvoice"schon Musik, als pulsendes und zuckendes Grooven von zerrütteten, algorithmisch manipulierten Konsonanten, Vokalen und brodeligem Noise. Erst durch den
Waschzettel transportiert diese launig lasche Lounge- oder fickrige D'n'B-Electronica ihre überwachungskontroverse Pointe als eine gezieltere Idee als etwa die'bloß' poetischen Verlautbarungen von Jaap Blonk. Aber was heißt schon 'bloß'.

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STANDING WAVES The Wave (Selbstverlag): Eigentlich gehören da noch Videobilder dazu, aber dafür gibt es ja das Kopfkino. Der da tönt, mit Samples, Keyboards & Bass, ist Marcus Davidson, ein Brite im norwegischen Bergen, auf
Touch involviert in die Orgel-Projekte 'Spire' und 'The Eternal Chord' sowie mit
Mike Harding und Philip Jeck. Mit dem Fieldrecorder Chris Watson entstanden
die Chor-&-Tape-Schöpfungen "Bee Symphony" (2009) und "Sea Polyphonies"(2012). Gern schreibt er auch für Stimmen, Chöre und Vokalensembles wie das
Londoner A-Capella-Trio Voice. Sein Seniorpartner hier ist der Violinist undLeader des Bristol Ensemble Roger Huckle, der seinerseits vielfältig mit Bergen verbunden ist. Ihr gemeinsamer Soundscape vereint einmal mehr Davidsons Vorlieben: für den bestirnten Himmel ('Sky of Consciousness'), desMeeres und der Klänge Wellen ('The Wave'), die Natur ('Frog Chorus'), Stimmen(Kat Kleve), indische Mythen ('Tabla Dance'), Alte und spirituelle Musik ('Hildegard's Dream'). Mit Tablabeat, indischem Bordun und Gefiedel zwischen Folk
und Feeling wird man vom west-östlichen Divan auf den Tanzplatz gewirbelt,
die Keys hämmern, dass die Röcke und Haare fliegen. Doch gleich versinken
Piano und Geige in süßem Weh ('Elegy'). Frösche beknarren ein Vokalisieren,das kollektive Rhythmik und Steelpan zum glossolalen Jubel und rollendem
rrrrrr animieren. Hildegard von Bingens Himmelslob wird mit Mumbaibeat undHarmonium indisch eingemeindet. Die Violine kehrt gefühlsinnig wieder zu
einem himmlischen Aaah, eine Windsbraut faucht, Obertöne pfeifen, quellende
Orgeldröhnwellen werfen mächtigen Schatten. Doch Klapperbeat und rasantes
Gefiedel stiften zu Kehlgesang nochmal zum Dancing in Your Mind an. Mit Piano
aufgekratzt und west-östlich verzwittert, wird alles dafür getan, dass es selbst
Elefanten in den dicken Füßen juckt. Bis doch wieder das Bewusstsein einsetzt,
mit Obertongesang und ernüchterter Geige, deren Sehnen sich weder
dräuendem Gedröhn noch pfeifendem Wind beugt.
STEREO HYPNOSIS & CHRISTOPHER CHAPLIN Bjarmi (Fabrique Records,
FAB069): Die drei Isländer, die als Stereo Hypnosis etwa "Hypnagogia" (2009)oder "Morphic Ritual" (2014) realisiert haben, sind eng miteinander verschlungen: Óskar & Pan Thorarensen als Vater und Sohn, Pan Thorarensen andÞorkell Atlason als Ambátt, mit dem alten Thorarensen als einem der Art-BrutVeteranen von Inferno 5 ("Angeli Daemoniaque Omnigena Imbecilli Sunt", 1996)
und Atlason als Mitglied der Komponistengruppe Rotterdamse School. Ihre mit
Synthesizern, Field Recordings, Gitarre & Electronics gestaltete Klangwelt
ambient, chilly, eskapistisch und hypnotisch zu nennen, ist so naheliegend wie
phantasiearm. Dass sie sich mit Chaplin zusammentaten, dem Mastermind vonso Enigmatischem wie "Je suis le Ténébreux" (2016) und "Paradise Lost" (2018),
lässt vermuten, dass sie auch dessen Hang zu Pathos und Mythopoesie teilen.
Wie sonst wären Titel wie 'Slaves of Sleep', 'All Flesh is Grass' oder das Ph.K.
Dick'sche 'Counter Clock World' zu erklären? Gemeinsam hacken und meiseln('heggur') sie mit 'Bjarmi' [Schimmer] überschriebene klangskulpturale Landschaften: 'Heiði' [Heide, Hochebene], 'Klif' [Felswand], 'Tangi' [Landzunge]. Als
ein Heimspiel der Isländer, diesmal in Hvammstangi in der auf 1 Einw./km2
ausgedünnten Region Norðurland vestra. Dort dröhnminimalistisch sich hinbreitende Soundscapes zu machen, ist eigentlich ein Pleonasmus wie kaltes
Eis oder eine tote Leiche. Oder es wird so, quasi an der Quelle, der Rohstoff
gewonnen für die Sedativa, Tranquilizer und Downer, wie sie schon im 200 km
entfernten Reykjavík (und überall, wo sich 445 und mehr Einw./km 2 stressen)
als Balsam für die Nerven unverzichtbar geworden sind? Stehende Dröhnwellen, halluzinatorisch geflötete Töne, Wassertropfen, Brandung, Eis undmelancholisch getupfte Saiten streicheln auf -azepame und -azolame Weise dieaufgerauten Rezeptoren. Auch Chaplin nimmt da Urlaub von sich selber.

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TRANSTILLA Transtilla I (Opa Loka Records, OL1901): Trance, Trans, Stille - dassind naheliegende Assoziationen zu den dröhnend im Raum stehenden
Langwellen von Anne-Chris Bakker & Romke Kleefstra. Bei 2/3 von Kleefstra|
Bakker|Kleefstra kommt das nicht unerwartet. Wobei die rauen Seiten, die K|B|
K live zeigt, zur Raison d'Être für das Duo wurde. So kommt das eiserne
Schleifen und Zerren fast noch etwas eiszeitlicher und harscher daher, als man
es zu 'Skaftafellsfjara' vermuten möchte, wo die isländische Südküste allmählichüber dem Horizont auftaucht. Romke ist der gitarristische der Kleefstra-Brüder,Jan ist der Mundartdichter, den er in Piiptsjilling mitbedröhnt. Das Friesische
und die Poesie schwingen hier nur mit als purer, mal mehr, mal weniger metallisch und Moll getönter Klang. So dass 'Lavender and Mulberry, 1959' wie eine
Kindheitserinnerung anmutet ähnlich Ingmar Bergmans "Wilde Erdbeeren",während 'Poasen' ein naturverbundener, lokalpatriotischer Hinweis zu seinscheint auf die Renaturierung des friesischen Flüsschens Koningsdiep. 'Skura'
könnte von schwed. scheuern, weißruss. Haut & Leder herrühren. So wie man
anfangs den Schliff und die Schrammen von Gletschern und Moränen sich mit
einbilden konnte, 'arbeiten' die weiteren spotzenden Laute oder rückwärts
fließenden Klänge direkt an den Hirnwindungen. 'Poasen' bringt dunkles
Klampfen, bezuckt von kleinen, rauen Akzenten. Zu dunkel schweifendem undwummrig brodelndem Brummen plinken hell gepickte Saiten, umkreist voneinem eigenartigen Impuls, bis hin zu vermehrten E-Gitarren-Geräuschen, als
insgesamt morastig stagnierende Anmutung. 'Skura' bringt zittrigen Saitenklang, wie mit Bogen tremoliert, dazu dröhnt eine stehende Welle, wie Kirchenglockenklang, wie ein vokalisiertes Aaah. Gitarre? Synthie? Rauschende
Becken? Schwer zu sagen. Aber auch Kleefstras Artwork huldigt dem Unklaren,
Zwielichtigen, Nebulösen. Klangkaskaden türmen sich, zugleich erhaben und
opak, und verhallen. Zuletzt dringt 'Rudzki' aus der Stille, in sonorer Melancholie, mit wieder zittrigen Strichen, als dröhnende, atmende, schwellendePhantome von Cello und Kontrabass. Um verhallend wieder zu versinken.
THOMAS WILLIAM HILL Grains of Space (Village Green Recordings, VG041,
CD/LP): Tom Hill in Nottingham, auf Village Green in Soho Labelkollege von Ben
Chatwin und CUTS, hat seine Entwicklung genommen von Wauvenfold, Anfang
der Nuller Jahre, über Origamibiro, mit Andrew Tytherleigh, hin zu "Asylum forEve" (2017), als subtilem Statement zum grassierenden Abgrenzungswahn. Mit
dem Stichwort 'Nonesmanneslond' und dem Asylantrag für die mitochondriale
Eva. Und einer von Piano und Streichern bestimmten Minimal-Ästhetik. Die ist
nun noch etwas üppiger gestaltet mit Loops einer Viola da Gamba, die nicht
allein durch Repetition rhythmisiert wird. Zum pulsierenden Effekt tragen auch neben dem Klingklang des Pianos - Kalimbas und Metal Tongue Drums bei,während Gongs, Klangschalen, mit Bogen angestrichene Metallophone undsogar Analogsynthies eine Grundierung liefern für den schnell zuckenden,
tröpfeligen, steppenden Duktus, den klopfenden, schraffierenden Gestus.
Zweimal Trompete, zweimal eine Violine und bei 'Curvature' noch eine funkelige
Harfe setzen Akzente auf diesen bewegten Flow, der illustriert ist mit einer derInner Landscapes von Samantha Keely, eingefangenes Feuer, fixierter Sturm,
wie beim späten Turner. 'Willow' ist mit Streichermelancholie zweifellos eine
Trauerweide, 'Filament' mischt Pizzicato mit noch tieferer String- und Trompetentristesse. Aber der rhythmische Drive geht, wenn auch über glockenspielfeines Gamelan und bebende Strings hinweg, bei 'Flock' doch seinen Gang.
Um sich bei 'Whorf' zuletzt mit den hastig sägenden Streicherstrichen in die
offenen Arme eines Dröhnens zu stürzen. Unter dem skeptischen Blick eines
kleinlauten Pianozweiklangs und zu Streichern, die in ihrer Monotonie sichselber überdrüssig zu sein scheinen.

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Die von Wolfgang "Fadi" Dorninger kuratierte Retrospektive "CASSETTE CULTURE
NODE.LINZ" ist nach ihrer Premiere 2018
in Linz weitergewandert in die Druckerei
Resch, Rosinagasse 19 im 15. Wiener Bezirk. Nicht zufällig, Thomas Resch war, wie
Dorninger, Mitglied von Monochrome Bleu.
Dass wir in Dorninger von Die Ind undJosef K. Noyce bis Wipeout, The Smiling
Buddhas und base einen unermüdlichen
Knotenknüpfer alternativer Kultur vor uns
haben, das erwähne ich nur den Spätgeborenen zuliebe. Weniger für Nostalgiker
als für jüngere (oder vergessliche) Ohren
zeichne ich auch die Linie nach, um die sich diese Ausstellung dreht: Oral history - Chrome
memory - Medium/?/?/message - Haunting promises. Als alternative Praxis in einem globalen Rhizom, geknüpft in der Blütezeit der Sound Culture als Cassette Culture (1982~1996),
eine Praxis des Kreierens, Performens, Vernetzens, Kompilierens, MailArt-, Label-, Fanzine-Machens - alles im DO IT YOURSELF!-Prinzip. Längst hat sich Touch als Tapeworm inden eigenen Schwanz gebissen. Aber, ehrlich gesagt, wann hat man zuletzt einen Gedanken erübrigt für ADN (P. Bielli, A. Crosta, M. Veronesi+), Cause And Effect (Hal McGee &Debbie Jaffe), EDT (Julian Ash), G.R.O.S.S. (Akifumi Nakajima), Insane Music (Alain Neffe),
IRRE Tapes (Matthias Lang), Korm Plastics (Frans de Ward), Ladd-Frith (Brian Ladd & Julie
Frith), Prion Tapes (Peter Schuster), Sound Of Pig (Al Margolis), SPH (Fernando Cerqueira)...? Wer das als steinzeitlich abwinkt, da doch erst die Facebook-, Bandcamp-, Soundcloud-, YouTube-Gegenwart die optimalen Selbstdarstellungs- und Vernetzungsmöglichkeiten 'schenkt', der unterschätzt die genommenen Freiheiten, die sich einst als polymorphe Bricolagen 'genialer' Dilettanten mit Fetisch-Aura und in 3D manifestierten. Geblendet
durch den 'Service' von Huxley/Orwell Inc., auch wenn dabei das Medium jedweden Inhalt
frisst, jedoch nur 'Relevantes', Spektakuläres und Erregungspotentes nach dem Scheißhaufenprinzip auch potenziert. Wobei alles Besondere derart im Ozean der Beliebigkeit
untergeht, dass es mich in schwachen Stunden doch konsterniert, wenn die BA-relevanten
Spuren etwa auf YouTube weiterhin nur im 2- bis 3-stelligen Bereich registriert werden.
Wie in der Chromzeit, aber oft wohl weit unverbindlicher. Moritz Pisk (IFK_Junior Fellow an
der Kunstuniversität Linz), der der Ausstellung intellektuell sekundiert mit einer Lectureüber 'Zukunftsmusik', versucht dem, was da netzwerkartig, hybrid und oberflächlich; zirkulierend, nonkonform und allgegenwärtig; global, lokal und ungreifbar daherkommt unddabei mehr als das kulturindustriell Verwertbare beinhaltet, innovationsmotorische Relevanz und 'Pop'-Appeal abzugewinnen. Doch reduziert das die Cassette Culture nicht zur Vergangenheit
einer Illusion? Richtig an so einem
Ansatz ist, dass sich bereits an derSoftware als sanfter Verführerin skeptisches Denken von affirmativem
scheidet. So wie sich zwischen 'lost
futures' und 'closed loops' verklärende Nostalgie und regressives Retroscheiden von ungestillten Hoffnungen und offenen Forderungen. Mir
stehen als mahnendes Memento immerzu die "Schizolithe"-Pyramide
von N.L.C. und die MSBR-Kassette"Yasha" vor Augen.
Zeit: 29. Mai 2019 ff Ort: Druckerei Resch, Rosinagasse 19 in 1150 Wien ->http://www.base.at/ccnl/

rechts die BA

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jenseits des horizonts
no-edition (Alpen-Veen)

ERIK MÄLZNER again, wie gewohnt mit Midi-Keyboard, Synthesizer und Computer, teils mit,
teils ohne Worte & Stimme. Um in freischaffender Zuverlässigkeit Ungereimtes, aber Wohlbedachtes zu kreieren wie das dunkel geraunte 'Was ich noch sagen wollte', über ein, wenn
nicht persönliches, so doch vertrautes Tarnungsverhalten. Oder, mit rauem, komischem,
zweistimmigem Computersprechgesang, Gereimtes wie: auf einem Sofa das prächtig geschmückt war / trank ein Paar das mächtig verrückt war / auf einem Sofa das alt war / starbeine Frau die verknallt war / auf einem Sofa das rot war / lag ein Mann der tot war / aufeinem Sofa das recht bequem war / war nichts mehr das noch zu sehn war / auf einem Sofa
das eben noch dort war / ging das Leben das auf einmal fort war ('Bürgerliche Komödie').
Beim 4/4-beklopften, furzigen 'Gebure' pocht er - einerseits - auf Distanz zu den Dummen
und Dreisten und den Alten, die sich besserwisserisch einmischen, statt sich mit Anstand zu
verkrümeln. Andererseits... 'Okkasio' macht es einem schwer, die Achterbahnfahrt zwischen
feiner Ironie und scharfem Sarkasmus / Gewissen und dem Erstaunen / dem Lachen und der
Wut nicht als persönliche Zustandsbeschreibung zu lesen. Und die leise Hoffnung auf ein in
alten Koffern eingelagertes revolutionäres Wut- & Mut-Potential nicht als von Robert Misik("FS Misik") und/oder Comité invisible inspiriert. Zusammen mit acht Instrumentals und mit
von glissandierender Corioliskraft verdrehter Rhythmik hat Mälzner das zu Grabungen imökonomischen Totalitarismus (# 115, USB Stick/Bandcamp) zusammengefasst. Und wenn erbeim krach-verzückten 'Someone like ... ach Adele' womöglich zwischen Adele [əәˈdɛl] undder Wiener Tatort-Bibi schwankt, ruft er mir Tardis abenteuerlustige Adèle Blanc-Sec in den
Sinn. Jedem die seine. Allen, die dem musikalischen Dr. No-Face und grauen Maulwurf aufgeschlossen sind, aber wieder eine stramme Performance seiner eigenartig kentaurischen,
mit cybrid-technoider, beatz-blitzender, keys-verträumter, orgel-berauschter, ziegendämonischer Erikalistik gekreuzten Rock/Klassik-Chimären. Ich sehe da sogar, nein, nicht Gottes
Sohn, aber - Allmächd! - ein Fagott über Wasser gehen.
Die sieben Twists and turns in my non-public garden (# 116, USB Stick/Bandcamp) sind sodann allesamt instrumental. Kaskadierende Wellen, bedächtige Bassgitarre, perkussiv
flackernde Molekülketten, es genügen wenige Atemzüge, um auch da wieder Eigenartiges zu
konstatieren. Wobei ERIK MÄLZNER groovige Strukturen nicht scheut, im Gegenteil, er
konstruiert sie Schicht für Schicht aus melodischem Downtempo, mehrspuriger Rhythmik
und melancholischem Zweifingerpiano. Bassgitarre, Lento und Largo, fluktuierende Kaskaden, Melancholie und Piano bleiben die bestimmenden Faktoren dieser wiederum zwittrigen Tracks, denen mit Strom und Computer Althergebrachtes und Neutönerisches vereint
vor den Karren gespannt sind. Schnarrender Sound, treppab verhallende Klangketten, rundum verteilte Trommelschläge und trittfester Beat neben beharrlicher Langsamkeit...
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Jedesmal kommt es allmählich zu mehrspuriger Verdichtung. In 7-facher Variation, in 7-fältiger Verdichtung, mit Gitarre, D'n'B-Twists, Dröhn-Turns. Mit
Twangs und Pizzicato in einem surrenden und
gradualen, immer wieder aufheulenden Flow. Jetzt
auch mit orgelähnlich quarrenden Fanfarenstößen zu
zuckenden Beats, Scratches und wieder auch den
bekannten Hallkaskaden in nun geradezu orchestraler Kulmination. Und in der siebten Variante mit
nochmal gehäuften rhythmischen Verwerfungen,kniebrecherisch, dabei nun ganz uptempo, turbulent
und breakbeatgroovy aufgekratzt. Mit dazwischenfetzender Gitarre, zappelphilipp-manisch, pestrepellisch, schneckensplatternd, maulwurfschreddernd. Da zeigt einer, over the top, was im Garten
infinitesimaler Beats eine Harke ist.
All dieses komplexitätserprobte Können wird auch in
Common Multiple tried and tested (# 117, USB Stick/Bandcamp) eingebracht mit Erik Mälzners Midi-Keyboard & Computer als der einen Hirnhälfte, demeinen Hotspot von BRAINGRAINHOTSPOT, dem unverdrossenen Zusammenklang mit Jürgen Richter an
E-Gitarre, Sampler oder Midi-Keyboard. Für die jevier Movements von 'Otherwise a capacity increased
by a factor of four' und 'Diverse possibilities for interaction and the integration of other equivalentfunctions' sowie das 9-teilige, 26 ½ min. 'Lively andengaging motivation of multiplicators to participate
in exchange of ideas'. Wobei es so diskant-kakophon
losgeht, dass die Implantate zu platzen drohen. Mit
ostinaten Tastenschlägen und stechenden Frequenzen, mit Verzerrungen und scheinbar unrundenTempi, aber doch entschlossenem Duktus und gnadenlosem Fortgang. Der an sich Hand und Fuß hätte,mit einer deutlichen Strenge sogar. Aber der Ton
macht die Musik, und diese hier labt sich an Gift undGalle. Oder leidet sie an Nesselfieber, an Kakophonitis? Die scheint im zweiten Stück mit flötender Orgel oder mit quarrendem Fagott zu kernig gezupftem
Kontrabass etwas abgeklungen zu sein, doch machen sich weiterhin metalloide Verzerrungen zu
schaffen. Nicht so recht klassisch und nicht so recht
jazzig, aber durch den Noisebefall zwingt es einen,
den Tatsachen ins Auge zu schauen. 'Lively and engaging motivation...' kommt mit Streichern in Kniestrümpfen und gepuderter Perücke daher. Aber wieder mit scharfem Ton, als wie mit Glaswolle gepuderter Haydn-Lärm. Jetzt zwar ganz klassisch mit allem
Schrumm und Dran bis in die virtuosen Triller, unddoch ein Attentat aufs Trommelfell. Freilich nur bei
Gemütern, die auf geleckte und geschönte Fassadenbestehen, um sich dahinter ungeniert in Hässlichkeit
und Müll einzurichten.
Cover- & Label-Artwork: EM

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Anthony Pateras - Immediata (Berlin - Melbourne)
BAs Bekanntschaft mit dem Metapianisten, Komponisten und Immediata-Macher aus Melbourne geht
zurück bis zu seinen frühen Ausrufezeichen 2003-2004 mit Robin Fox
und mit P/B/B - PATERAS / BAXTER /BROWN - auf Synaesthesia. 15 Jahre
später gibt Bern•Melbourne•Milan(IMM014, 2 x CD) einen retrospektiven Eindruck von Pateras frei improvisiertem, auf Krawall gebürstetem
Remmidemmi zusammen mit David
Brown an präparierter Gitarre und
Sean Baxter an Drums. Mit den
Konzerten 'Inland' = Melbourne
2017, 'Bern' 2006 und 'Milan' 2008
sowie 'McIlwraith' als Mitschnitt
ihrer ersten Probe 2002. Dazu räsonniert Baxter entlang eines von Derek Bailey überFoucault, Badiou, Berio und Deleuze-Guattari gesponnenen Fadens über das Wesen von
Improvisation im Allgemeinen anhand der ihren im Speziellen. Indem er das eigene Tun als
politisch, philosophisch und moralisch, ja, moralisch hinterfüttert zeigt. Als ego- und logofugal und sogar anti-humanistisch, weil radikal antiautoritär, irregulär, verspielt, neugierig,
einfühlsam, gerecht (im Sinne von Adornos "Gerechtigkeit gegenüber dem Heterogenen")und letzthin altruistisch, dabei aleatorisch, spontan, offen für Fehler, widrige Umstände,gemeinhin 'Hässliches'. Statt diatonic harmony, sonorous melody und equirhythmic metersind harmonic dissonance, microtonal melody, timbral ambiguity und polyrhythmic fragmentation Trumpf. Authorship und das Composer-Genie werden als faschistisch, Ownership, Prestige und High-Fidelity als Popanze gestürzt zugunsten von als inferior disqualifizierten Werten. Überhaupt triumphieren das Werden und der Kontext über Musik als
thing-in-itself und etwas universal oder auktorial Vorgegebenes. Selbst Christou oder
Xenakis finden sich auf Augenhöhe mit Mayhem wieder, mit deren Armageddon-Spirit
P/B/B 'Bern' aufmischte. Mir scheint freilich, dass P/B/Bs Umwertung der Werte alles vertikal Aufstrebende flachlegt zugunsten eines perkussiv flickernden Gamelans, rumorender
Schattierungen und der tröpfeligen Pixel-Texturen von Regengüssen und Hagelstürmen.
Pateras trillert, plonkt, pingt und hämmert nämlich mit der Verve eines Cecil Taylor ein
präpariertes Cage-Piano, Brown traktiert die Gitarre als bloße Dröhnquelle und Drahtharfe. Baxter agiert dazu als ein rappeliger, zappeliger Rüttler und Schüttler, kratzend,
hauend und mit grollendem Kicken, das perfekt mit einem Bassgroove von Pateras Linker
korrespondiert. Ob er da flirrt oder Brown, ist oft ununterscheidbar. Wenn die Gitarre nach
Gitarre klingt, lässt das verwunderter aufhorchen als wenn Brown zu ostinatem Tremolo
und Blech, das an Blech schlurcht, maskierte Geräusche bratzelt. Mit quicken, abrupten
Gesten pollocken sie hochfrequente Fluktuationen, als eiserne Tausendfüßer, als manische Schrottstöberer am hyperaktiven, kakophon kataraktischen Gegenpol zum ganz
anderen Flow ihrer Landsleute The Necks. Mit Metal im erschreckend wörtlichen Sinn, mit
Grindcore, unplugged. Wobei die drei ihr improvisatorisches Anything-goes von der'McIlwraith'-Nullstunde an konzeptionell oder stillschweigend definiert haben als eine
Präferenz der Fülle, der gestenreichen Schüttung und grimmigen Häufung perkussiv
scheppernder und sirrender Kürzel. 'Milan' zeigt daneben einen der seltenen Momente
reduzierter Bleakness, eine bleierne Lähmung des manischen Eifers. Der jedoch nicht
weniger sturm- und drangvoll die Wände und die Köpfe im O'Artoteca P/B/B-ifizierte. Obwohl Brown 'nur' wie ein behutsamer Chirurg hantiert, denn Baxter randaliert mit büschelweise Stöcken, Schlägeln, Blechen neben Pateras als Amok laufendem Playerpiano.
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Collected Works Vol. II (2005-2018) (IMM015, 5xCD) zeigt als Abschluss der ImmediataReihe ANTHONY PATERAS als Modern Composer und Elektroakustiker, der versucht, Starres (Rigor) so zu unterlaufen, dass es spontan und unmittelbar erscheint. Dabei erweitertsich - in einem von Amacher, Feldman oder Nono und den avanten 50ern aufgehellten, vonBrüssel, Dutch New Music und den 80ern oder Rucksack- & Taschendieben in Berlin eher
getrübten Hallraum - sein Spektrum aus Kammer-, Orchester-, Orgel-, Piano- und Percussionmusiken der "Collected Works 2002-2012", über 5 Stunden lang, um- drei Trios: 'All Of Your Nightmares At Once' (2012) für Crotales & Vibraphon als gläsern
schwingender Kling- und Schwebklang und zimbelfeines Glockenspiel - 'Infinite Variations
On Collapsed Time' (2016) für akustische Gitarre, Vibraphon & präpariertes Piano inpickendem, tröpfel-krabbeligem Duktus über Vibradröhnklang - 'Three Mirrors' (2014) für
röhrendes, tremolierendes, quiekendes, elektronisch manipuliertes, zuletzt in einen Halteton gebanntes Saxophontrio, Loops & wummrige, ploppende, zwitschernde Sounds;- fünf Arbeiten für Improvising Ensemble: 'As Long As Breath Or Bow' (2013) mit ensemble]h[iatus - 'Decay of Logic [for RD]' (2017) mit dem norwegischen Kitchen Orchestra - 'Ontetradecagon' (2010) mit dem mit 11 Bläsern, E-Gitarre, Percussion, Violine & Revox bestückten Australian Art Orchestra - 'Artifacts of Translation' (2015) mit dem 27-köpfigen Le
Grand Orchestre de Muzzix aus Lille (wo eine Melodica den Unterschied macht) - und'Fragments, Splinters & Shards (2005) mit Twitch. Im Bemühen, dass diese Klangkörper
durch ihn anders klingen als ohne ihn;
- zehn Solos: mit Kontrabass - Piano - Piccolo - Klarinette - Cello - Flöte - Violine - 8 präparierten Pianos - Tam-Tam - Sopran und jeweils Electronics (Tonband oder Synthie), vier davon aufgenommen im Mai 2018 in der Schlosskapelle Solitude, Stuttgart. Die Pianos sindtickende und klappernde Uhrwerke und Kuhglocken, per EMS VCS3 geloopt und gestapelt,
befurzt und bepixelt, mit Widmung an Jérôme Noetinger. Für Sopranstimme, obwohl Soprane so gut wie immer lächerlich klingen (weil die Komponisten taub sind für die ZungenPakistans, Bulgariens, Persiens, Koreas, des Soul oder der Inuits). Jessica Aszodis ausnehmend naturklares AEIO kontrastiert mit elektronischem Tremolo, bleibt unberührt vonzuerst leicht spöttischem Widerhall und klingt zuletzt doch wehmütig.
Das präparierte Piano spielt er eigenhändig, ebenso mit Doepfer A-100 zu den Saxophonen und zum Tam-Tam, und auch bei den Kitchen und Australien Art Orchestras und Twitch
mischt er, elektronisch, mit. Als einer, der für Stasis angeblich erst den Mut aufbringenmuss, zeigt sich Pateras fast ausschließlich mutig: Bei 'A Happy Sacrifice' für Kontrabass
mit dröhnendem, brummenden Dauerton. Bei 'Burning Is The Thing' für Piccolo mit stechendem. Bei 'Thinning' für Klarinette mit bebendem, rumpelnd erschüttertem. Bei 'Rules
Of Extraction' im pfeifenden, sirrenden Einklang von Doepfer-Feedback und Erkki Veltheims Violine. Bei 'TamTam+' mit doepferisiertem, rauschendem Messinggedröhn. Auchzeigen die Pianoklänge bei 'Sphinx's Riddle' oder die Flöte zur wummrigen Revox bei 'A
Reality In Which Everything Is Substitution' Pateras in träumerischer Distanz zu P/B/B.
Ebenso windet das ensemble ]h[iatus sich als tubadunkler, knarrender, gongender, vonTiziana Bertoncini, Géraldine Keller und Angelika Sheridan spitz gestachelter Tatzelwurm
durch einen dröhnend fluktuierenden und crescendierenden Dreamscape. Ähnlich die
Norweger, die mit gut 50 Min. den längsten Zeitbogen spannen, mit zeitvergessen raumgreifenden Langwellen von Akkordeon, Cello, Violine und Gunhild Seims Time-JungleTrompete und dunklem Pochen zweier Drummer. Auch das große, mit 4 E-Gitarren und 4
Bässen bestückte Muzzix-Orchester schwingt, tief unten, wo der Kraken traumlos schläft,
als Schar gewaltiger Polypen / schlummrigen Tang in ihren mächtigen Händen. 'Ontetradecagon' ist dagegen mit Teo-Macero-Spirit als freejazziges kollektives Pollocking inszeniert
mit Hauptrollen für Vanessa Tomlinsons Percussion, Scott Tinklers North-of-North-Trompete und Veltheims Violine. Noch splittriger, flickriger und auch noisiger treibt Pateras daselektroakustisch jaulende und fauchende Twitch-6tet an, mit grollender Posaune, Veltheims
kratziger Geige, erratischer Percussion, bruitistischem Gusto. Aber zunehmend auch fragilem, quecksilbrigem Klimbim, Luftlöchern oder dunklen Haltetönen, die mit heftigen Grindcore-Eruptionen und kakophonen Kürzeln kontrastieren und schon ahnen lassen, was2009 als 'Ni Maître, Ni Marteau' mit Pateras SWR2-Projekt Thymolphthalein ins Rollen kam.
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Sofa (Oslo)
Off the Coast (SOFA 570)? Nun, der DANIEL LERCHER driftete 2014/15
schon mal durch den Fokus, auf "CAVE" (Canto Crudo), mit "missa brevis"
und bei "TH_X" (beide auf Chmafu Nocords) auch schon mit dem uns durch
Skadedyr und Beam Splitter bekannten norwegischen Posaunisten HENRIKMUNKEBY NØRSTEBØ. Auf einem Inselchen, off the coast vor Trondheim
setzten sie ihr Miteinander fort, mit noch der Harfenistin JULIE ROKSETH.
Wobei manchmal der Wind genügt, um ihre 19 Saiten schwingen zu lassen.
Aber nicht nur der Wind dient dem Genius loci, auch die Vögel, das Meersowie mit Aksel Johansen ein alter Insulaner. Der singt vor der rauschenden
Brandung das 'Sula Lied' für die Besucher, die bei 'Inside Elements' mit
Bassklarinette, halber Klarinette und Hakenharfe röhrend, sirrend, mit
drahtigem Tönen und plonkenden Lauten mit den lokalen Elementen interagieren. An sich aber umweht, umdröhnt, umspinnt, umdongt, umlaptopt
Lercher mit Sinuswellen, Resonatorensound & Fieldrecordings die grollende,
wuppernde, surrende, Spucke köchelnde und seltsame Tierlaute ausstoßende Posaune. 'Farther Away' brummt und wummert urig, die Posaune atmet
und schlürft, mit dunkelstem Zweiklang betupft. 'Winding' schließlich dröhntönt und flötet windharfig und wie singendes Glas oder zirpende Melodika(Breath Piano?), zu fein oszillierenden Sinuswellen und spinnwebzarten
Klangfäden. Zuletzt aber wie in Atemnot, fast ein wenig röchelnd, so dasssich zur kristallinen Meeresfrische etwas Schwindsüchtiges mischt, ein
Munch'sches Grauen.
Apropos Daniel Lercher. Der hatte seit 2012 immer wieder einmal einen gewissen NIKLAS ADAM als Spielgefährten, einen 1986 geborenen Dänen, derin Oslo mit Electronics, Objects, Sculpture, Programming, Performance, Installation & Music zugange ist. Unter Music fällt wohl, wenn er mit Danielle
Dahl (Saxophone) & Thomas Eiler (Schlagzeug) als Tigers Mind eine Gitarre
traktiert. Für das 2015/16 mit dem Künstlerkollektiv Verdensteatret performte"Bridge over Mud" ist dagegen selbst 'Spektakel' eher noch untertrieben und
das gleiche gilt für das 2017 uraufgeführte und heuer wiederaufgeführte
"Hannah". Wenn Adam einen nun hier auf Undulate (SOFA 572) mit 'Gestures,
Percussion Solo, Jungle' beschallt, als einer pointillistischen Merkwürdigkeit
aus perkussiven, von des Gedankens Blässe verzögerten Gesten, elektronisch zuckenden und zwitschernden Glitches und ratternden Pixeln (I smell arat), dann stelle ich gewisse Ähnlichkeiten fest mit a Chance Meeting on a
documenta- or Biennale-Dancefloor of R2-D2 and the King of Denmark. Mit
freilich mehr Rätseln als sie Mona Lisa hinter ihrem Schnurrbart verbirgt. Als
A palimpsest undulating at every breath. Als kuriose Xenophonie und insektoid-automatenhafte Mikrophonie aus a- oder post-humanen Fünkelchen und
Lauten, die sich metalloid, zirpig, dröhnwolkig, blubbrig und letztlich
unerklärlich als Dschungel nicht von dieser Welt gerieren. Das gilt fast nochmehr für 'Other Solutions and Mimicking Object a' als Stripsody loonylauniger Spielzeugroboter, deren quasi-labiale & -gutturale Artikulationsbemühungen aber im Ansatz stecken bleiben oder, da kann eine Orgel zuletzt
noch so erhaben tönen, allenfalls künstlich klingen oder animalisch und wie
frisch geschlüpft. So dass einem Lacans Objekt a (als Angst machendes
Fremdes, aber eigentlich nur vom Eigenen abgetrenntes Partialobjekt - die
Brust, die Exkremente, der Phallus, der Blick, die Stimme) in erst extrem reduzierten und dann in komischen Kürzeln begegnet. So wie einen Lacansparadoxer Jargon in so kryptischen Sätzen streift wie All in all, in itself, all it
is - was all that it wasn't.
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Je dumpfer der Zeitgeist, desto sublimer die
Musik? Oder sehe ich das falsch? Denn wenn
die Fremskrittspartiet als „Rechtsextremismus
light“ gilt, dann ist Six Moving Guitars (SOFA
573, LP/CD) von FREDRIK RASTEN immerhin
ernste Musik und angeblich schwerere Kost als
alltäglich im Stau stehen, gemobbt werden und
was einem die Schlagzeilen oder das Fernsehen
zumuten. Rasten, Jg. 1988, ist mit dem Kontrabassisten Jonathan Heilbron als Arches und mit
dem Trompeter Torstein Lavik Larsen (von Skadedyr und Finity) als Pip und jeweils zu viert als
Oker, als Limits oder in Volumes zu hören. Er
präsentiert sich und seine Musik abwechselndin Oslo und Berlin, hat aber auch das feine
Händchen für die Wandelweiser- und Just-Intonation-Ästhetik von Johan Lindvall, Antoine
Beuger oder Catherine Lamb. So komponiert er
auch selber dröhnminimalistische Musik wie'Harmony for two or more voices', sparsame wie'127 chords for two guitars' oder in matten Dreiklängen monoton kreisende wie 'Limn (for guitar
and occasional voice)'. Musiken, deren 'Schwere' sich nur in Schneeflocken oder einzelnen
Wassertropfen aufwiegen lässt, wobei sich somanche Frequenzen und Obertöne als unwägbar erweisen. Rastens 'Wandering', 'Circling','Alternating', 'Running' & 'Pendulating' vonsechs Spielern mit akustischen Gitarren lauschend, fühlte sich Catherine Lamb von Principia Aesthetica gestreift, wie sie in Paul Klees
Pädagogischem Bauhaus-Skizzenbuch notiertsind, von Koans von La Monte Young, vom 'No
Manifesto' der Choreografin Yvonne Rainer,
doch vor allem von José Macedas Geschick, mit
einfachsten Mittel große Klangkörper in Musikautomaten zu verwandeln. Angestoßen wird
dieser Eindruck von geruhsam wandelnden
Gitarrentönen. Hellem, gleichmäßigem Klingklang und, von einer zweiten Hand, dunkler
geplonkten Noten, die dann mit Nachhall weiterläuten und auch mit eingetrübten Frequenzen, zum weiterhin gradualen Klangkling. Dannquallen geharfte Akkorde in monotoner Folge zu
Geräuschen, als würden die Wände gestrichen
oder der Fußboden gewischt. Die Akkorde folgen rascher, klangfarbspektral und mit Sustain.
'Running' bringt trabende Schritte zu als Dreiklang alternierenden Akkorden von zwei oderdrei Händen (ähnlich 'Limn'). Und die fünfte Bewegung reiht in wieder monotoner Folge klangvoll nachdrückliche und nachhallende Riffs. Der
Schluss kommt unverhofft, als ein in der Stilleverdunstendes No to moving or being moved?

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... jenseits des horizonts ...
HUBERT BERGMANN ZeitÜberSchreitung (Mudoks Records, mr-085-1526, 2 x CD): Bergmann,
Pianist und Poet in Überlingen und auch schon Spielgefährte von Elmar Guantes, Udo Schindler oder Mary Halvorson, verbindet diesmal 22 rasant gequirlte, energisch kumulierte 'Hymnen & Traktate' für Piano solo mit einem 26-seitigen Essay [https://klarschicht.files.wordpress.
com/2018/12/zeitueberschreitung_prod.pdf]. Was sich anfangs noch als kulturpessimistischverbittertes Plädoyer für Wahrheit und Erinnerung liest, das Ezra Pound, Julius Evola, Maximilian Woloschin und Botho Strauß als Nothelfer anruft, entpuppt sich als unmissverständliches, kotzübles Bekenntnis zur 'Wahrheit' der Holocaustleugner Mahler, Stolz und Haverbeck,die Bergmann (ganz wie der AfDler W. Gedeon) feiert als Häretiker, Dissidenten und luzide
Fragensteller inmitten "tumber Hunnenabkömmlinge", die vom 'Shoah-Business' und der 'Gutmenschen'-Elite gegängelt und für Tabuverstöße abgestraft werden. Den § 130 StGB zu
kritisieren und Realitätsverweigerung als Grundrecht zu fordern, wäre eine Sache. Bergmanns Anliegen ist jedoch, sich mit, bei aller Rumdruckserei, doch 88%ig übernommenem
Jargon der Truther und Querfrontler anzudienen als "Widerstands-Überträger" für jene, die
das Dritte Reich vom Holocaust freisprechen und zugleich dessen 'Überlebenskampf' gegendas 'Weltjudentum' beerben und fortsetzen möchten. Ach, dem verdunkelten und tabuisierten
Jahrzwölft wird nur als Hort bunter Vielfalt und der tiefen Verbindung zum Guten, Wahren und
Schönen gehuldigt? Ja dann. Die deutschen Verbrechen unters Verkleinerungsglas und dieder andern unters Vergrößerungsglas zu legen, verschafft mir nicht die geringste Erleichterung. Statt sich jenseits von Gut und Böse zweifelnd und skeptisch abzumühen,jammert Bergmann, als hätte man ihm in der Musik das Moll verboten und in der Verkehrsordnung das 'Rechts vor Links' umgestellt. Falls er gegen die Scheidung von Böcken und
Schafen die Stimme erheben möchte oder für eine andere, gern dogmenwidrige Sichtweise,d'accord. Hinter 'extradextrasinistra' stecken dagegen die faschistoide Tradition derQuerfront und der Wutbürger, der sich neuerdings für das Ganze hält. Bei aller Sympathie fürZweifel (etwa an der Existenz Karls des Großen) und durchaus möglicher Empathie für somanchen Kain oder Judas, wer so vehement Holocaustleugnern und Hitlergrüßern das Wort
redet, der teilt deren Wut darüber, dass der Sündenbock als Opferlamm das nazi-deutsche
Notwehr-Phantasma zerstört. Darüber, dass der exterminatorische Exzess wider Willen dem
ewigen Prügelknaben zum robusten Refugium eines Judenstaates verhalf. Er teilt deren'Wahrheit', dass an allem Unglück die Ju... Zionisten schuld sind. Dass auch unter den neuen
Kleidern des 'Humanitarismus' der blanke Arsch der Weisen von Zion und hinter allem Übelzionistische Puppenspieler (wie George Soros) stecken. Zwischen Bergmann und Mahlers'Aufstand der Wahrheit' (Den Holocaust gab es nicht) vermittelt dessen Pamphlet „Das Endeder Wanderschaft – Gedanken über Gilad Atzmon und die Judenheit“ als Wegweiser zur'Rettung aus der judaisierten Welt'. Atzmon, Bergmanns Spielgefährte bei "Zone De Memoire"(2012), gefällt sich auf seinem bizarren Kriegspfad gegen die 'Jüdischkeit' als 'self-hating exJew' und Anstifter antizionistischer Hetze. Mit „Der wandernde – Wer?“ der Lieblings-Judevon Mahler und Haverbeck ebenso wie von antizionistischen Linken, hallt Atzmons „Being intime“ in Bergmanns ZeitTransGression wider so wie Sparta und Satie im Titel 'Gymnopaedia
Satiensis', Hölderlin in 'Hyperion schreitend am Morgen', Bartok und Bach in 'Bela Bachdrinnen' und 'Bartókrokoko' oder Skrjabin in 'Paraphraskrjabin'. In 'Akmon' steckt allerdings
nicht Atzmon, sondern ein Amboss, mit dem sich Bergmann selber als unerschütterlicher
Kämpfer und Erdulder böswilliger Hiebe geriert. So wie er sich mit 'Rhythmicon' als mutigerÜberschreiter zu erkennen gibt, der, neben Atzmons kainitischer Zündelei, offenbar auch dem
mit den NachDenkSeiten und Ken Jebsens KenFM vernetzten Online-Magazin Rubikon nachbabbelt - Foren, die mit der 'Lügenpresse' dem Pharisäer und dem Zöllner gleichen. Doch wer
ist da wer? Und wie soll ich die lechts stürmende und rinks drängende Musik trennen von dem
mir zutiefst zuwideren Bemühen ihres Machers, der sie ausdrücklich als Vehikel einsetzt?
Hätte ich das ganz verschweigen sollen? Soll ich das bei meinen Kuriosa einsortieren
zwischen Armin Mohlers „Der Nasenring“ und Syberbergs „Vom Unglück und Glück der Kunst
in Deutschland nach dem letzten Kriege“ ? Oder soll ich auch eine Wahrheit rausschreien?
Die Künstler sind mein Untergang!
82

ANDREW POPPY Hoarse Songs (Field Radio,
FRCD1519): Klimperei bricht ab für einencoolen Rai-ny-Day-Love-Song zu zuckendem
Drummachinebeat und Synthiebass, der zuletzt synthiedudelig Tempo aufnimmt. 'Wave
Machine (Endless Parting)' besingt auf extraschnellem Flow elegisch den Geist der Maschine und den Zeitgeist, der diesen britischen Postminimalisten prägte. 1954 in Kent
geboren, sattelte Poppy in den frühen 80ern
Glass und Nyman mit The Lost Jockey (1982),
natürlich neben Nyman, Bryars, Branca auf
Les Disques Du Crépuscule, dem damaligen
Arbiter Elegantiarum in Sachen Up-to-Date- &Coolness. Es folgten die extraordinären, wie
von Meredith Monk und Steve Reich inspirierten LPs "The Beating of Wings" (1985) & "Alphabed" (1987) auf ZTT (zwischen Art Of
Noise, Propaganda, Grace Jones und Anne
Pigalle) und Kollaborationen mit Psychic TV,
Coil, Erasure, The The... 'The Object is a
Hungry Wolf', '45 Is', 'Goodbye Mr G' oder
'Revolution Number Eight: Airport for Joseph
Beuys' verraten die Ambition seiner Musiken
für Orchester, neben Songzyklen wie "Another
Language" (Pianoversionen von 'Running Up
That Hill', 'Die Nebensonnen'..., gesungen vonClaudia Brücken) oder "Shiny Floor Shiny
Ceiling" (mit sieben Stimmen auf den Spuren
von Current 93). Den repetitiven Duktus orchestriert Poppy, der sich dem Auge als weißmähniger Indianer darbietet, eigenhändig mit
Piano, Keys, Bassgitarre und Percussion.
'What Alice Said' stimmt er an als Kunstliedüber Alice Toklas & Gertrude Stein, John &Yoko, Alma & Gustav Mahler, Claude Cahun &Suzanne Malherbe, George Dyer & Francis
Bacon... und verschönt das mit Cello undFlügelhorn. 'Riderless' kreist ohne Worte als
Karussell, erst eintönig, dann beschwingt
tutend. 'What Is This Place' beantwortet Poppy
geduldig mit This place is what this is. Während andere ins Jagdhorn stoßen, heult er den
Mond an, singend (im Tenor eines Songs vonBritten), wartend, kreisend. Bei 'Cyber Spark'
betrauert er, warmed by a nostalgia for machines of iron und mit fragilem Piano und
Cembalo, Herzen aus Glas, die von den Bits
und Numbers der digitalen Zeit zerstäubt
werden. Der 'XY Song' kreist, monoton pulsend und mit Glockenspiel, um Chromosomen,
He, She und Why. Und 'Hoarse' vexiert zuletzt,
zu elegischem Piano, homofon und einsilbig
zwischen Hoarse und Horse. Aufs Eigentümlichste neoklassisch und sophisticated.
83

ERNSTALBRECHT STIEBLER Zwischen den Tönen (Edition Telemark 864.07, 2 x LP): Dieser
am 29.3.1934 in Berlin geborene Alt-, wenn nicht gar heimliche Weltmeister des reduktiven
Minimalismus ist mir mit 'Betonungen' (1968), 'Mitteltöne' (1997) & 'Torsi' (2002) für Orgel,'Sequenz II' (1984) & 'Schwebend' (2009) für Violoncello, 'Trio 89' (1989) für Cello, Klavier und
Schlagzeug, 'Quart Solo' (1998) für Piano, 'Ton in Ton' (2011) für Ensemble, 'In Atem' (2012) fürElectronics, 'Mit der Zeit' (2012) für Kontrabass und Synthesizer (alles auf m=minimal) unddem Streichquartett 'Sehr langsam' (2006) zu Ohren gekommen. Das ist bei einer über 60
Jahre laufenen Produktion so gut wie nichts. Zu Stieblers 85. Geburtstag fallen mir nun vierweitere repräsentative Werke in die Hände: 'Intervall 19' (1997) & 'Slow Motion' (2003) für Ensemble, 'Zwischen den Tönen' (1997) für kleines Vokalensemble in zwei Gruppen und 'ortung'(2018) für 12 Streicher, dargeboten vom Kammerorchester des Rumänischen Rundfunks(1999), The Barton Workshop (2003), Schola Heidelberg (2002) und dem Solistenensemble
Kaleidoskop (2018). Über Stieblers Sonderweg in Abkehr von ihm viel zu elaborierter Musica
Nova ist ja doch noch genug geschreiben worden. Sein unter- und tiefgründiger Dröhnminimalismus, dem gewisse Parallelen zu La Monte Young, Scelsi, Wolff, Oliveros oder Tenney
nachgesagt werden können, lässt ihn als Vorläufer wandelweiserischer und zeitkratzerischerÄsthetiken erscheinen. Man hört seinen Widerhall bei Michael Pisaro oder Klaus Lang und nur
schiere Ignoranz lässt Hunderte weiterer Dröhner (ob Celer oder Zachary Paul...) versäumen,
ihm Dank abzustatten. Stieblers beharrliche Mikro- und Haltetonakribie und sein 'con moto'kleiner Differenzen in einem nur langsam fortschreitenden Kontinuum, sie sind hier exemplarisch zwischen Tönen verortet und in Zeitlupe verzeitlicht. Raum ist sein zentraler Begriff,aber wie in: Zum Raum wird hier die Zeit. Bei 'Intervall 19' dehnt er ihn, den Zeit-Raum, alsorchestral gefächertes Helldunkel von Haltetönen von zweieinhalb auf drei Oktaven, bei 'Slow
Motion' driftet sie, selbstvergessen raumgreifend, als nuancenreiches, von perkussiven
Störungen akzentuiertes Chiaroscuro. Nicht neu will es sein, sondern tief und inwendig. Bei'Ortung' wellen und wiederholen sich summend und sirrend lange Drones, die O-Ton (aberauch ü- & iii-Ton) wörtlich nehmen und immer wieder auf sich selbst zurückgreifen, in auchzügigen Intervallfolgen und mit für Stiebler extraordinärer Aufwallung. Das Vokalstück schließlich besticht als völlig vibratolos vokalisiertes Mit- und Ineinander von Quart und Tritonus, als
ein Im-Klang-Sein, das auf den Zungen zergeht und doch nicht vergeht.
CHRISTIAN WINTHER CHRISTENSEN Almost In G (col:legno, WWE 1CD 20444): Toller Typ, mit
seiner Schirmmütze und einem Reisigbesenbart. Der Däne, Jg. 1977, gilt als enfant terrible
der Neuen Musik, für den Lachenmann und Ligeti zeitgenössischer zu Beethoven sind als zu
ihm. Beethoven spukt tatsächlich in 'A Small Monument for a Symphony' (2012) rum und in der'Festmusik - mit japanischem Geist und deutschem Akzent' (2010). Der gemeinsame Nenner
der Werkschau auf col:legno ist aber die Performanz durch SCENATET. Das Kopenhagener
Ensemble gibt zum Besten: 'Almost in G' (2016) für Altflöte, Bassklarinette, Perkussion,
Akustikgitarre, Piano, Violine & Cello als eine geräuschlustige Stripsody und Laubsägearbeit,
bei der die anfangs abgeklebt klappernden Saiten des Pianos zuletzt befreit sind. In 'Sextet'(2014) für sägende, pustende und saitige Laute von cl, trp, inside pno, vl, vla & vlc geistert inabgerissenen Kürzeln ein Rondeau aus dem 15. Jhdt., das Robert Morton für den burgundischen Hof erdacht hat. Ins pointillistische Gekrabbel einer mit Altflöte, Bassklarinette,
Piano, Violine, Viola & Cello umspielten Zwiesprache einer akustischen und einer elektrischen
Gitarre ist bei 'Chorale' (2016/17) homöopathisch linksrum etwas Bach verrührt. Das 'String
Trio' (2008/09) ist der kläglich und kratzig scheiternde Versuch, Beethovens 'Ode an die
Freude' in höchsten Tönen und gemeinsam anzustimmen. Die 'Nachtmusik' (2011/12) ist ein
Ableger der 'Festmusik', der mit kleinen und quicken Tönchen von Alto fl, bcl, vl, vlc & pno erst
Flohzirkus spielt und dann mit energischem Stakkato davonstürmt. 'Being Apu Sarkar' (2009)
inszeniert mit abgestumpftem und geriebenem Klavierdraht, kleinlauter Melodica und einem'singenden' Glas minimal-sublim eine kannibalische Kommunion. Und 'Four Hyper-Realistic
Songs' (2014/15) für Altflöte, Bassklarinette, Harfe, Piano, Cello & Max/MSP, mit 11 ½ Min. daslängste Stück, ist mit sprunghaften Kürzeln, Atemzügen, öde tickenden Sekunden, aber mundlos, ein Spottgesang auf die gewollte Schäbigkeit und unfreiwillige Hysterie der Neuen Musik.
Was für eine Art von Komponist dagegen der Däne ist, das dürfte nach diesen bruitistischen
Mikrostenografien voller pfiffiger Komik und ironisierender Aboutness geklärt sein.

84

V/A Another Point of View (Music Information Centre
Lithuania, MICL CD102): Natürlich geht es da wieder um
Litauische Kunstmusik/Musikkunst, mit dem Contemporary Music Ensemble SYNAESTHESIS als Medium.
2013 gegründet, mit der Pianistin Marta Finkelštein als
Direktorin und dem Dirigenten Karolis Variakojis als
künstlerischem Leiter, ob bei Heimspielen beim GAIDA
Festival in Vilnius oder internationaler Bewährung beim
Melos-Ethos in Bratislava und Crossroads in Salzburg. Sie
können Michael Gordon, Gerard Grisey, Anthony Pateras
oder Yannis Kyriakides. Aber hier präsentieren sie einenganz einheimischen Fächer: 1. Als 'Cell' (1992) für Violine,
Viola & Piano guillochiert der für sein konzeptionelles
Eintauchen ins Mikrodimensionale renommierte RIČARDAS KABELIS (*1957) den Klangraum in 3D mit
einem Muster aus schnellen gradualen Unisonofiguren. 2.
Bei 'State of Mind (Observance)' (2012) für Posaune,
Horn, Piano, Violine, Viola & Cello spinnt der 'Feldmaneske' JULIUS AGLINSKAS (*1988) zu einem bedächtig aushallenden Pianozweiklang und tagträumerischem Pizzicato langgezogene Klangfäden der Hörner
und der Streicher. 3. Der von Japan und der Musik derstillen Dinge faszinierte RAMŪNAS MOTIEKAITIS (*1976)
verweist bei 'After Sunset Cycles' (2015) für Flöte, Klarinette, Piano, Violine, Viola, Cello & Percussion mit den
Zwischentiteln 'Glimmer', '3 Voices', 'Fall/Call' und 'Unanswered Question' auf Feldman und Ives als Inspiratoren für seine debussyeske und funkelige Meditationüber das Zarte, Vergängliche und Verebbende. 4. 'Canon
Mensurabilis' (2000) wurde, ohne Percussion, ansonst
gleich instrumentiert, von RYTIS MAŽULIS (*1961) mit
Nancarrow-Spirit, Ars-Nova-Kanon- und Vierteltonreihentechnik als pingendes und fiependes Minimal-Getüpfel
konstruiert, als naturgegebene Mathematik. 5. Im
Dröhnen, Fluktuieren, Schwellen und Morphen von 'From
Another Point of View' (2017) für Flöte, Bassklarinette,
Marimba, Piano, E-Gitarre, Violine, Cello, Kontrabass &Tonband suggeriert DOMINYKAS DIGIMAS (*1993, also
jünger als 'Cell'), Zen-inspiriert und Mažulis-geschult, den
Abgleich von real und virtuell als ständigen Prozess. 6.
Mit 'Kōan' (2012) für Klarinette, Viola & Piano umtänzelt
RITA MAČILIŪNAITĖ (*1985) ein Schwing-Plonk-StakkatoGlissando und verteilt dabei mit einer freien Hand
Ohrfeigen. 7. Den in Den Haag aktiven ANDRIUS ARUTIUNIAN (*1991) beschäftigen virtuelle Welten ebenso
wie die Diaspora seines armenischen Vaters. Sein 'ASMR'(2016) dreht sich mit Altosax, Violine, Piano, E-Gitarre,
flüsternder Frauenstimme, perkussiven Akzenten undüberhaupt launigen Klängen um das YouTube-Phänomen
des euphorisierenden Meridiankribbelns, das im Spiegel
als "Kopforgasmus durch Geflüster" und von Clemens J.
Setz als "High durch sich räuspernde Menschen" mitbeschwurbelt wurde. Fast könnte man glauben, dass das
MICL hier Europas Zukunft anklingen lässt.

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inhalt
bariton-barde, bossa nova und buckley: brendan perry in frankfurt 3
club w71: larry ochs and the fictive five 5
freakshows: spinifex soufifext again! 7 - flying with the luttenbachers 9 schlumpfonie in c: boolvar + kuhn fu 10 koenji hyakkei: irgendwo zwischen sega und kamikaze 11
over pop under rock:moonjune 13 - e-klageto / psych.kg 14 - rarenoise 16 - rune grammofon 17
noel scott engel genannt scott walker 19 ...
anna von hauswolf 22 - oona kastner & willem schulz 23 - no land 25 ...
local heroes?
nowjazz, plink & plonk:
eisenwooley? wooleystadt? 31 - gigantonium 33 - hubro 34 - charlotte hug 36 intakt 38 - leo 40 - motvind 44 - pnl 45 - tom pierson 52 - corrie van binsbergen 58 ...
czech music crossroads 59
soundz & scapes in different shapes:
attenuation circuit 64 - auf abwegen 65 - drone 66 - gruenrekorder 67 mozdok / positive regression 68 - touch 69 cassette culture node.linz 75 ...
beyond the horizon:
no-edition 76 - anthony pateras 78 - sofa 80 hubert bergmann 82 - andrew poppy 83 - ernstalbrecht stiebler 84 ...

BAD ALCHEMY # 102 (p) Juni 2019herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Nick Heß, Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 102 erhalten Abonnenten die CD "Gasworks" (Gruenrekorder) von GERALD FIEBIG
Mit herzlichem Dank an Gerald
Cover: Joseph Sattler : ex libris autoportrait (1893)
mit Dank an Dirk Raulf
Rückseite: Komori Keiko & AH von Koenji Hyakkei
mit Dank an Lutz Diehl - www.progrockfoto.de!!! Die Nummern BA 44 - 97 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................

86index
A2 15 - ADAM, NIKLAS 80 - AGOGOL 46 - AKE 70 - ANEMONE TUBE 65 - ERLEND APNESETH TRIO 35 - ARASHI 45 - ARK NOIR 46 - ARTIFICIAL MEMORY TRACE 64 - ARTS VAN
DER ZANDEN, PETER 47 - BALCAROVA, STEPANKA 60 - BARTA, MARCEL 60 - BAXTER,SEAN 78 - BEINS, BURKHARD 47 - BERESFORD, CHARLIE 20 - BERGMANN, HUBERT 82 BINSBERGEN, CORRIE VAN 58 - BIOTA 20 - BLAZING FLAME QUINTET 41 - BLONK, JAAP
41, 54, 57 - BOOLVAR 10 - BRAINGRAINHOTSPOT 77 - BROKAW, CHRIS 21 - BROWN,DAVID 78 - CELER 70 - CHAPLIN, CHRISTOPHER 73 - CHAT NOIR 16 - COURVOISIER,SYLVIE 39 - CUBUS MAXIMUS 30 - d E 71 - DALAVA 60 - DARRIFOURCQ, SYLVAIN 33 DEMIERRE, JACQUES 48 - DER WEG DER FREIHEIT 29 - DINO FELIPE 15 - DORNINGER,WOLFGANG 75 - DORUZKA, DAVID 60 - DUSILOVA, LENKA 61 - EISENSTADT, HARRIS 5,
31, 32 - ELEPHANT9 18 - EMERGE 64, 67 - ENSEMBLE 5 42 - ERAMO, ALESSANDRA 71 EX, TERRIE 56 - EXOTERM 34 - FAJT, PAVEL 61 - FELDMAN, MARK 39 - FIEBIG, GERALD
64, 67 - FILIANO, KEN 5 - FIRE! ORCHESTRA 18 - THE FLYING LUTTENBACHERS 9 FOUSSAT, JEAN-MARC 49 - FRAJERMAN, DENIS 21 - FRAU UNBEKANNT 15 - FUJII,SATOKO 48 - GASSER 3 40 - GODET, JEAN-BRICE 33 - GROMBIRA 29 - VASIL HADZIMANOV BAND 13 - HAARVÖL 72 - HAMMOND, SONIA 20 - HANSEN, TROND KALLEVAG 35 HAUSSWOLFF, ANNA VON 22 - HILL, THOMAS WILLIAM 74 - HLASKONTRABAS 61 HLAVENKOVA, BEATA 61 - HNRK 30 - HUG, CHARLOTTE 36 - INVISIBLE WORLD Q 61 IRR.APP. (ext.) 66 - JARL 65 - K2 15 - KASTNER, OONA 23 - KEDR LIVANSKIY 26 - KERBAJ,
MAZEN 47 - THE KILLING POPES 55 - KJORSTAD, HANS 27, 44 - KOENJI HYAKKEI 11 KOLLER, DAVID 61 - KOMMISSAR HJULER 15 - KUHN FU 10 - LAGUERRE, ANTHONY 24 THE LAST TAXI 40 - LE STRIN‘BLÖ 55 - LEHN, THOMAS 48 - LEIMGRUBER, URS 48, 49 LERCHER, DANIEL 80 - LES COMPTES DE KORSAKOFF 24 - LOPEZ, FRANCISCO 65 LOPEZ, XOAN-XIL 72 - LOXBO, FINN 57 - MADER, UDO 30 - MAIER, GIOVANNI 50 - MÄLZNER, ERIK 76, 77 - MANERI, MAT 43 - MAZUT 68 - THE MICKEY GUITAR BAND 14 - MIMAN
44 - MINTON, PHIL 42 - MOE 50 - MONOCUBE 65 - THE MORGROTUSKTHULULUSTOCCULTOBSKULLTY HORRORMANCE 30 - MORPURGO, RICCARDO 50 - MUNKEBYNØRSTEBØ, HENRIK 80 - NAABTALDEATH 46 - NABATOV, SIMON 41, 42 - NAMU 3 51 NIESCIER, ANGELIKA 38 - NIGGENKEMPER, PASCAL 5, 31, 32 - NIGGLI, LUCAS 37 NILSSEN-LOVE, PAAL 45 - NO LAND 25 - SEAN NOONAN PAVEES DANCE 17 - OCHS,LARRY 5, 36 - OOGUI 43 - PALACKY, IVAN 61 - PATERAS, ANTHONY 78, 79 - PAUL, ZACHARY 69 - PBK 64 - PERELMAN, IVO 43 - PERRY, BRENDAN 3, 25 - PHANTOM WINTER 30- PHILLIPS, BARRE 48 - PIERSON, TOM 52 - PIRINGER, JÖRG 72 - PONK 62 - POPPY,
ANDREW 83 - PROCHAZKA, TOMAS 62 - RANT 51 - RASMUSSEN, METTE 50 - RASTEN,
FREDRIK 81 - RED KITE 16 - RICCI, PIETRO 50 - ROKSETH, JULIE 80 - ROTHENBERG,
DAVID 67 - JAMIE SAFT QUARTET 17 - SAVOLDI, DANIELA 26 - SCHAEFER, BENJAMIN 53 SCHICHTNOUGAT 53 - SCHINDLER, UDO 54 - SCHULZ, WILLEM 23, 51 - SCOTT, SIMON 69- THE SEPHARDICS 27 - SHIPP, MATTHEW 43 - LUCA SISERA ROOFER 54 - SPACEMUSICENSEMBLE 44 - SPINIFEX 7 - STANDING WAVES 73 - STASTNY-POKORNY, JAROSLAV 62 STEIDLE, OLI 55 - STEREO HYPNOSIS 73 - STIEBLER, ERNSTALBRECHT 84 - SURANSKA,
JITKA 62 - TAKASE, AKI 39, 56 - TBPN 33 - TELLEMARKK 62 - THEILER, YVES 38, 54 TÖPFEROVA, MARTA 62 - TRANSTILLA 74 - TUROWSKI, MICHAL 68 - V/A 10, A BROKKEN
RECORDS SPECIAL EDITION 58 - V/A ANOTHER POINT OF VIEW 85 - V/A DRONE-MIND //MIND-DRONE VOL. 7 66 - VAN DUIJNHOVEN, FRED 47 - VANDERMARK, KEN 45, 56 VASSVIK 27 - VESTERGAARD, ANDERS 57 - VORFELD, MICHAEL 47, 57 - VRBA, PETR 62 WALKER, SCOTT 19 - WASSERMANN, UTE 57 - WEASEL WALTER 9, 28 - WINTHERCHRISTENSEN, CHRISTIAN 84 - WITTMER, HANNES 30 - WOOLEY, NATE 5, 31, 32, 43 ZABELOV, GROUP 63 - ZEMENT 29 - ZENOBIA 288788