BAD 107
ALCHEMYMrs. Peel, You're Needed

Menschen, die man geliebt hat, verschwinden, die Weltrevolution zerbröselt zu Staub wie ein
vertrockneter Kuhfladen, im schwarzen Raum trifft man die Personen nicht mehr, die man geliebt
hat, die Golems brechen einer nach dem anderen zusammen, der Lauf der Geschichte dreht um,
die Leidenschaften gleiten ab ins Nichts, die Bedeutung der Wörter löst sich in Nichts auf,
Volksfeinde und Mafiosi triumphieren für immer, Träume verraten die Wirklichkeit, aber der
Rachedurst bleibt... Antoine Volodine - Dondog
Wer glauben Sie eigentlich, daß Sie sind? Diogenes. Ich habe einen Diogeneskomplex. Was für einen Komplex haben Sie? Howard Cross
I don't know of any law against the use of the word "nuts". Lew Archer
All that has been said but multiplies the avenues to what remains to be said. Herman MelvilleGelesen:Penelope Fitzgerald - Die Buchhandlung
Michel Houllebecq - Unterwerfung
Juan Ramón Jiménez - Platero und ich [inkl. Fritz Vogelgsang - Monadische Brüderlichkeit]
Norman Mailer - Der Hirschpark
Margaret Millar - Letzter Auftritt von Rose
V. S. Naipaul - Das Rätsel der Ankunft
Michael Ondaatje - Katzentisch
Antoine Volodine - Dondog
Cécile Wajsbrot - Eclipse
Stefan Zweig - Die Welt von Gestern+zum dritten Mal_____
Ross Macdonald - The Name is Archer (1955): The Moving Target (1949); The Drowning Pool (1950);
Tote ertrinken nicht [The Way Some People Die] (1951); Ein Grinsen aus Elfenbein (1952); Find a
Victim (1954); The Barbarous Coast (1956); Sanftes Unheil [The Doomsters] (1958); The Galton
Case (1959); The Wycherly Woman (1962); The Zebra-Striped Hearse (1962); The Chill (1963); Die
Kehrseite des Dollars (1964); Black Money (1965); Durchgebrannt [The Instant Enemy] (1968); Geld
kostet zuviel [The Goodbye Look] (1969); The Underground Man (1971); Dornröschen war ein
schönes Kind [Sleeping Beauty] (1973); The Blue Hammer (1976)+ Trouble Follows Me (1946); Der Mörder im Spiegel [The Three Roads] (1948); Triff mich in derLeichenhalle (1953); Akte Ferguson (1960)
Peter Wolfe - Dreamers Who Live Their Dreams: The World of Ross Macdonald's Novels
It's All One Case: The Illustrated Ross Macdonald Archives [Paul Nelson (Interview) / Kevin
Avery (Hrsg.)] ________!! https://densorteskole.net/download/Den_Sorte_Skole_-_Lektion_III_Booklet.pdf!! Jonathan Lethem - https://harpers.org/archive/2007/02/the-ecstasy-of-influence/2

over pop under rock
DWM: Germany's Next Top Roadkill

DOC WÖR MIRRAN took a trip. Eingeladen zum XVII Wroclaw Industrial Festival, sindMichael Wurzer, Stefan Schweiger, Adrian Gormley und Joseph B. Raimond von Fürth nachBreslau gegurkt, um am 3.11.2018 im Alten Kloster (Stary Klasztor) aufzutreten. Neben
Teho Teardo + Blixa Bargeld und T.A.G. C. / The Anti Group als Hauptacts im Sala Gotycka
boten sie, zwischen den massiven Distortionen von MDS51 und Iron Fist Of The Suns
Power Electronics aus Birmingham, um 22 Uhr: 'Jedwabne', 'Alternative Facts', 'That Infinite Space Between Your Ears', 'Unarted', 'China', 'Wish You Were Her', 'Sax Offender','Sleepless Dreams'. Ein Programm, das das vom 27.7.2017 beim Braille Satellite Festival
bei Vilnius ("Covfefe Live", CT-22), am 13.10.2017 im 84 GHz München ("Un-Art-Ed", MT615) und am 14.10.2017 im Provino Club Augsburg ("Alternative Facts", MT-614) in freiem
Flow variiert. Nun ist es Teil der Have Twenty-Box Germany's Next Top Roadkill (MissmanagemenT, mt-626, LP in clear vinyl + CDr + DVDr), einem Prachtstück in braunem
Karton, mit Top-Roadkill-Artwork von Raimond. Inneliegend die LP (mit schwarzer Banderole, auf dem Label einer von Jerzy Kalinas 'Anonymen Passanten'), die CDr-Ton- &Bildträger, ein Donald Trump Barfbag, ein Black Lives Matter Dollarschein und Souvenirs das Programmheft, der Breslauer Zwerg als Schlüsselanhänger, die Setlist - , eingesackt
in die WIF XVII-Festival-Stofftasche. Das Ganze auch diesmal nicht ohne Memento: An NeilInnes (1944-2019), den Urban Spaceman der Bonzo Dog Doo-Dah Band, das i der Grimms,
den Ron Nasty von The Rutles und The Seventh Python. Und an Terry Jones (1942-2020),
Sir Bevedere, Brians Mutter... Das Konzert beginnt mit einem Traumschiff Enterprise-Intround Gormleys Soprano- & Altosax über gerührtem Marschtrommelchen, von Wurzers Synthie bezwitschert und noiseumschwirrt und so hypnotisch pendelnd, dass es PsychedelicNetwork- und Freakshow-Rübennasen gleichermaßen anziehen könnte. Schweiger triggert
mit seinen Stöckchen Elektrobeats und -loops über Wurzers Drones und Wooshes. Gormley könnte den Weißclown mimen, wie er da von allem Drumrum unberührt seinen harmonischen Reedsound bläst - die weißen Haare hat er schon. Zuckende Beats, pulsender
Bass und andauerndes China China China... setzen aber auch seine Hüften mit in Bewegung und befeuern seine Zunge. Während die Kamera v-effekthaft im kakophonen Publikum untergeht, taumelt DWM, blaulichtumwabert und von Sirenengesang verführt, in den
Schlingen des Wünschens. Gormley schmachtet in Fesseln, Loop kreist in Loop, Schweiger
wünscht "Krieg den Herrschenden" und klackt mit Holzstecken, während Wurzer mit
elegischen Keys zum tagträumerischen Driften lockt. Raimond sitzt, fast die ganze Zeit
unsichtbar, links an der Wand und lässt entsprechend hintergründig den Bass summen
und die Gitarre harfen. Bis das 'Outro mit Gelächter das Traumnetz zerreißt. Typisch Weib,keine Andacht, nicht einmal beim unendlichen Zungenkuss von Feeling und Noise. Die
Polen sind enttäuschte Träume gewohnt und nehmen's gelassen.
3* Mit Deleyaman in der Zitadelle der Melancholie
Mehr als drei Jahre sind schon
vergangen, seit meine vom omnipräsenten Verkehrs- und Baustellenlärm gestressten Ohren erstmals in den Genuss der Musik von
DELEYAMAN kamen, genauer gesagt ihrem siebten Album The
lover, the stars & the citadel, erschienen im November 2016 beim
hauseigenen Label TTO Records(TTOR 716) auf CD, Vinyl und als
Digital Download über Bandcamp.
Ins Leben gerufen wurde die Bandvor 20 Jahren von Aret Madilian, einem in Istanbul geborenen US-Amerikaner griechischarmenischer Herkunft, der seit Langem in der Normandie lebt, aber zuvor mit seiner
Formation Vogue (ab 1983 in Wog umbenannt) von 1981 bis 1998 Teil der Postpunk-Szene
von Los Angeles gewesen war. Sängerin Béatrice Valantin, Duduk-Spieler Gérard Madilian(nicht zwingend verwandt mit Aret) und Gitarrist/Bassist Guillaume Leprevost komplettieren Deleyaman. Das erste Album "00/1" wurde 2001 veröffentlicht, mit Gesang ausschließlich in Armenisch, inspiriert von alten Balladengesängen in dieser Sprache. Fünf
weitere Alben ("Second" [2003], "3" [2006], "Fourth, part one" [2009], "Fourth, part two"
[2011] und "The Edge" [2014]) sollten folgen.
Fast vom ersten Ton an hat mich "The lover, the stars & the citadel" auf überaus sanfte Artverzaubert. Nur als Trio (ohne Leprevost) führen Aret, Béatrice und Gérard durch eineakustische Besichtigung ihrer Zitadelle der Melancholie. 'La Plaine' vertont das Gedicht"Dans l'interminable Ennui" des fränzösischen Lyrikers Paul Verlaine (1844-1896), dessen
bildhaft-trostlose Verse von Madame Valantin mit teils vervielfältigter, traurig-nüchternerStimme dargeboten werden, sanft umschmeichelt von leisem Beat, dezent flirrenden
Sounds und zarter Gitarre. 'Silence' markiert den ersten vokalen Auftritt des Frontmanns,
mit seiner unvergleichlichen Stimme irgendwo zwischen Serge Gainsbourg, Leonard
Cohen und Bryan Ferry. Zu hauchfeinem Schlagzeug-Streicheln und träumerischen
Gitarren- und Keyboard-Klängen intoniert Aret eine Aufforderung zur gemeinsamen Stille,
weg von dem Lärm der Welt ("Come back to silence, come back to the sea") und viel zu
lauter Propaganda ("There are no chosen ones, no promised land prophecies. Those lies
are poison, demented fantasies"). Béatrice stimmt bei der Wiederholung mit ein, das
Werben war also erfolgreich. 'Morning Light' thematisiert die Vergänglichkeit des Seins("What is this thing we call time, in more than a way slips away"). Arets gleichzeitig trister
und warmer Gesang wird erneut von einem minimalistischen Rock-Arrangement begleitet,
dieses Mal aber mit mehr Rhythmus und Geschwindigkeit. Bei 'Secret Treasures' wird derPlattenspieler auf Post Punk gestellt, mit herrlich monotonem E-Bass und wundervoll
schrammelnder Joy-Division-Gitarre. Aret scheint hier mit dezent trotziger Attitüde genau
in seinem Element ("I ain't no mercenary troubadour, singing for your passing pleasures. I
ain't without purpose or a tool. I have my own secret treasures..."). 'Summer Flower',
teilweise basierend auf dem Gedicht "The Vanities of Life" von John Clare (1793-1864),
schlägt ganz ähnliche Töne an, entzaubert die vermeintliche Magie oberflächlicher
Verlockungen ("Do you think that beauty is power, is forever the way it feels. Go pluck thesummer flower and see how long it lives") und den narzisstischen Glauben an eigene"Wahrheiten" ("Doubt truth to teach you wrong and wrong alone as right"). Arets kleine
Post-Punk-Trilogie beschließt das düster-desillusionierte 'Beautiful Dawn' mit The DoorsElektroorgel und verhallenden Gitarren ("Destinations missed, destinations gone. You
walk until the last beautiful dawn"). 'Galaxy' illustriert die Vergänglichkeit des menschlichen Lebens im Angesicht eines unendlichen Universums.
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Im von Piano und Akustikgitarre begleiteten Duett intonieren Béatrice und Aret (mitarmenischen Lyrics) große Schwermut. 'La mer et l'amour' vertont erneut ein Gedicht,
dieses Mal von Barockdichter Pierre de Marbeuf (1596-1645), das sich teils lautmalerischmit den Gemeinsamkeiten der Liebe und des Meeres befasst, mit sanftem Geklampfe undMadame Valantins wunderschön getragener Stimme. Auch 'L'amoureuse', nach einem
Poem des surrealistischen Lyrikers Paul Éluard (1895-1952) darf Béatrice gesanglichveredeln. Mein Favorit der elf wunderbaren Songs dürfte aber 'Escape' sein, der einmal
mehr beweist, dass Deleyaman selbst wundervolle Poesie erschaffen können: "She's
escaped from the hollow fears of men, before they turn her inside out. From the raving
mortals of the night, to find a place of soothing light." Der chronisch unterbeschäftigte
Gérard Madilian darf hier endlich auch mal seine Duduk zur Hand nehmen, während
lieblich-arabeske Synthie-Streicher Orpheus und Eurydike begleiten. Zudem zupft hier als
Stargast niemand Geringeres als Brendan Perry von Dead Can Dance gefühlvoll die
Bouzuki. Diesem Kunstwerk kann und will ich nicht entkommen. Auch bei 'Autumn Sun' hat
Meister Perry, der seit ein paar Jahren in der Bretagne lebt, seine Finger im Spiel, nämlich
bei der Programmierung der Percussions mit orientalischem Rhythmus. "Arettrice" singenhier so schön, dass Dead Can Dance diesen Song auf ihrer Europa-Tournee mit einem
Cover geadelt haben. "Give me the autumn sun, the winter wind, this world is illusion. Giveme a summer breeze, just when the spring is here and again gone too soon." Hier stimmt
einfach alles. Entschleunigte, reduzierte Arrangements mit langen Intros und Outros,
elegisch-zarter Gesang, Songs voller Poesie und düsterer Schönheit. In dieser Zitadelleverirre ich mich nur allzu gerne.
Am 17. Januar 2020 (meinem 39. Geburtstag) erschien das achte Deleyaman-Album
namens Sentinel (TTOR 819), dieses Mal wieder mit Beteiligung von Guillaume Leprevost
sowie dem nordirischen Komponisten/Pianisten Jules Maxwell (nebenbei Tour-Musiker bei
Dead Can Dance), Violinistin Mădălina Drouvin Obreja und erneut Brendan Perry. 'Exil'beginnt mit einem einzelnen zwitschernden Vogel, fährt neben dem bekannten GitarrenArrangement zwar gedämpfte, aber im Vergleich zur vorherigen Veröffentlichung durchaus laute Paukenschlänge auf, während Béatrice französische Verse in bildhaft-lautmalerischer Sprache singt ("D'etoile en faille d'un battement d'aile traverse d'est en ouest unrêve en plein sommeil"), und bisweilen Gérards Duduk weint. Bei 'Keep the light' darf Madame Valantin ihren französischen Akzent bei den englischen Lyrics intensivieren und in
verführerischen Sprechgesang verfallen, bevor zum Ende herrlich vokalisiert wird, während Gitarre, Bass und Drums lauter werden. Das minimalistische Wohlfühlarrangement
durchbricht in 'Electric Sky' Mădălina Drouvin Obreja wenn sie dank elektrischer Verzerrung ihre Violine wie den dunklen Schrei einer Banshee klingen lässt. Dazu singt Aret erneut über Vergänglichkeit ("Rise and fall instead of all. Night and day for you to say. Whereis now and where is then? Hellos, goodbyes and lullabies"). Den Kreislauf der Natur besingt Béatrice mit glockenklarer Stimme bei 'Des roses vermeilles' ("Des roses vermeilles
nos champs sont fleuris, et le bras des treilles tend á nos corbeilles ses raisins mûris...
Hier la jeunesse, ce soir la viellesse, et demain la mort"), basierend auf einer Strophe aus
dem Gedichtzyklus "Caligula" von Gérard de Nerval (1808-1855). Ungewohnt fröhlich undhoffnungsvoll klingt Aret bei 'Still Waters', doch offenbart sich die gefährliche Unterströmung, wenn die Instrumente auf Crescendo umschalten. Mit rhythmischen Streichern und"Aretrice" in gewohnter Manier verfolgen sie ein 'Deer on the run' ins gelobte Land, wo
sich das Glück hinter Hügeln versteckt. Beim Highlight der insgesamt zehn Tracks, 'The
Valley', darf Brendan Perry intensiv aufspielen, mit Cimbalom, Bouzouki und Schlagzeug.
Würden Béatrice und Aret hier nicht auf ihre unnachahmliche Weise Poesie (von Winifred
M. Letts und Arthur Gorges) ins Mikro säuseln, könnte man meinen, sich in einem EnnioMorricone-Western-Score unter Mitwirkung von Nick Cave und Divan Gasparyan wiederzufinden. "Sentinel" lässt die Instrumente lauter und vordergründiger agieren, gleichzeitig
wirken sowohl die französischen als auch die englischen Lyrics entrückter und geheimnisvoller. Die Zitadelle ist zum Aussichtsturm mutiert, mit Blick auf phantastische Miniaturen
zwischen Wachstum und Verfall, Licht und Dunkelheit, Raum und Zeit.
Marius Joa
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... over pop under rock ...
BANTU Everybody Get Agenda (Soledad Productions, sole 002, LP/CD): Adegoke Odukoya
oder, für deutsche Zungen geläufiger, Adé Bantu, ist 1971 in London als 'Yoruba-Preuße'
geboren und durch die Brotherhood Alliance Navigating Towards Unity, kurz BANTU, undBrothers Keepers als bunter Hund bekannt geworden. Nach (von 1986 an) langen Jahren in
Köln, zog es ihn ins Land seines Vaters und seiner Kindheit, um dort erst recht dem Soundof Fufu zu frönen. Nach zuletzt "Agberos International" (2017) entstanden in Lagos zehn
neue Statements, zu zwölft, mit blinkender Afro- oder aufheulender Schweinegitarre,
Xylophon, Keys und heißem Bläserfunk, der gleich für den Afrobeat von 'Animal Carnival' ins
Volle geht. In Yoruba und nigerianischem Pidgin erscheint Nigeria als land of confusion &big illusion, Ratten und Affen nehmen den Staat als Beute und stülpen die NollywoodKäseglocke über die Kleptokratie. Neben dem Leadgesang stechen zwei Frauenstimmen im
Chorus hervor, der aber auch das Thema vortragen kann: Zornige Tiraden wie 'Disrupt theProgramme', für Freiheit, gegen die Querelen in den Provinzen, die Augenwischerei derMedien und von Polikern, die auf den Müll gehören. 'Watery Cemetery' zeigt mit elegischem
Rap und zirpender Trompete die Folgen - das Mittelmeer als nasses Grab. Widerstand und
Loyalität sind gefragt, gegen die human blood traders und die anti progress machine, die'Cash and Carry'-Mentalität und die Wurstigkeit, solang nur Habenichtse die Leichenhallen
füllen - die Morde an Journalisten und Politiker wie Dele Giwa und Bola Ige wurdenallerdings auch nicht aufgeklärt. 'Jagun Jagun' beschwört mit nervösem Tamtam einen
Warrior mit Zauberkräften wie im Nollywood-Drama "Aronimaja" und lässt - jeweils mit
Widerhaken? - Alágbàáà erscheinen, den Zeremonienmeister des Egungun-Ahnenkults. Bei'Killers and Looters' lachen Vampire politricksians und Ex-Generals rewriting our historyüber die folgsame Herde. 'Me, Myself and I' klagt die an, die nur sich selbst der Nächstesind, 'Man Know Man' beklagt die Armut, die Gier, die Illusionen, die in der Megacity denÜberlebenskampf Aller gegen Alle schüren. Wisch Dir die Augen, erkenn die 'Große Lüge',brich aus aus der Ego-Falle, aus dem web of hype. Das Ganze hat System (und hieß auch
früher so), Hirnwäsche löscht altes Wissen und ersetzt es durch 'Yéyé Theory', durch
Bullshit. Blackman history wird im postkolonialen Weltmusik-Eintopf verrührt, Ureigenes imkommerziellen Wahn zu einem Modegag, so schnell vergessen wie die billigen Fetzen aus
den Sweatshops. Oder?
BLUEBLUT Andenborstengürteltier (Plag Dich Nicht, PDN040): Oh Borstenvieh, oh Lebenszweck, das putzmuntere Undsoweiter, das "Butt Butt" (BA 89) in Aussicht stellte, kommt inGestalt eines Armadillos daher. Theremin-Queen Pamelia Stickney, Led_Bib-Drummer MarkHolub und Chris Janka an der Gitarre als echter Weana Blutspritzer setzen ihr mit "Hurts sogut" (BA 82) begonnenes Monky-(Pockie)-Buh tierisch fort. Sie zeigen einem zwitschernd's'Vogerl', 's Wiesenhendl, A-nerseits mit verschluckter Zauberflöte erst launig flatternd,dann schleppend, aber doch - You know how to whistle, don't you, Steve? - mit gespitzten
Lippen. Meist sind aber die flötigen oder videospielerischen Laute von Stickney aus der Luftgefischt, Janka kratzt die Saiten auf- und abwärts, Holub hinkt, ein Kontrabass (?) sagt Muh
als 'Gnu', mit etwas anderem Kulikitaka-Hüftschwung und mit sausend berauschtem
Karacho. Das Theremin umjault bei 'Tunada' lasch geharfte Janka-Riffs, ebenso bei'Woodhorser', aber verzerrter, beklemmter, zu angesporntem Schaukelgaul oder heuschreckvertrillert im Rosennetz. Bei 'Red Zep' fliegen zu Stickneys Finger-Belcanto die
Tschuschenröcke. Andererseits, alles live in Japan, spielt das Theremin, eben noch Yma
Sumac, eine hysterische Gitarre, singende Säge, jaulige Keys, zu rockenden 4/4 undgroovendem Bassstakkato. Do Re Miyazaki, O Kayama, getragen und fragil. 'Tunada' kehrt
wieder als 'Detunada', treppauf-treppab und nackt in Fukuoka, mit Thereminvox in höchsten
Tönen und der Gitarre abwechselnd psychedelisch und rhythmisch, immer detuned. Auch
zuletzt beim Roll over 'Buttoven', mit schlenderndem Arpeggio, aber auch ostinat hackend
zu Holubs lakonischem Beat. Mit schrappeliger Beschleunigung, aber das Wollust ward dem
Wurm gegeben ohrwurmig zum Mitsingen.
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CHARLES HAYWARD Crossfade Estate (Klanggalerie, gg340): Mitten in Deptford ist das
Albany ein Veranstaltungsort mit einer Geschichte, die bis ins 19. Jhdt. zurückreicht. Soweit
brauchen wir nicht zurückzugehen, nicht einmal bis 1975, wie "Objects of Desire", das
Hayward als einmannorchestralen Kassettentäter zeigt, ein Jahr vor Gründung von This
Heat. Ende der 90er hat er im Albany die Performance-Reihe "Accidents + Emergencies"
organisiert und 2005 war er gebeten, was mit der neu installierten digitalen Aufnahmetechnik zu gestalten. Realisiert mit Ashleigh Marsh, Nick Doyne-Ditmas & Orphy Robinson(Haywards Partner auch bei der Installation/Performance 'Anti-Clockwise', im Monkey
Puzzle Trio, bei "My Secret Alphabet" und bei Clear Frame), mit Sean O'Hagan (The HighLamas, Stereolab) als viertem Mitkomponisten und, improvisierenderweise, Rob Mills an
Saxofonen, der Mouthcrazy-Stimme von Sharon Gal, Chris Cornetto (Up Murphy Street) &Simon King (Homelife, beide auch bei Bing Selfish), ist das Projekt in Haywards Biografie als'Jumpcuts + Crossfades' (formerly entitled 'Shape Moreton') notiert. Gefrankensteint inanderthalbjähriger Studiomontage, ist das Patchwork nun durchaus hübsch anzuhören, als
Freerock-Flow mit heißem Jazzsax und geisterhafter Vokalisation von Gal. Mit pianistischen
Spritzern zu träumerisch verdünnten Reeds und Doyne-Ditmas' knurriger Basslinie, E-PianoKlänge driften, elektronisch verschliert und ambient. Hayward zupft Koto und singt vom
Space between you and me, weit entfernt zirpt eine Trompete zu wieder springenden
Pianotönen. Singsang, Saxschmus und Melodica vereinen sich mit einer Bossa-NovaGitarre. Nachtfalter flattern, ominös umtönst, von Beckenschlägen akzentuiert, das Soprano
fiept zu Robinsons Steel Pan und Gals Stimmschwaden. Ein Jazzrocktorso jah-wobblet als
Sopranino-Dub, auf Dröhnwellen driftend singt Hayward never steal or beg, only borrow.
Hinter Girlanden von Keys und Percussion leuchtet die Trompete durchs 'Rose Window', zu
gedämpftem Camberwell_Now-Groove. Klavierblitze bringen zu Koto und melancholischem
Saxofon 'The Space between' zurück, monotoner Bass hält die freakischen Schlieren von'Penultimate Tango' zusammen. Frankensteins Braut tanzt und zuckt aber erst bei'Tumbledown', zu klapperndem Holz und geharfter Koto, Minidisks schwirren als Ufos. Doch
Gal schließt die Türen, traurig und enttäuscht wie Miss Havisham.
MAP 71 Turn Back Metropolis (Foolproof Projects / Fourth Dimension Records, PRJ053 /FDCD123): Ein Wiederhören mit Lisa Jayne & Andy Pyne, die ich durch "Void Axis" (BA 99)
kennengelernt habe. Ihn als Quertreiber in Brighton mit Freak-Beats und Panic-Sound, sie
mit der nach Außen hin britisch unterkühlten Performanz obskurer Beat-Poetry und fast
fotorealistischer Sozialdiagnose. So konstatiert sie auch diesmal The sky's a tragic shade ofgrey and the only silver lining is in your pocket on pay-day. This town has edges like a
blade.... Some houses are a throne for ravens. Ihre Stärke sind blühende Visionen, die sie
einem ins Hirn spirographiert: I heard Saturn's rings / are leaving town / the last embers /before fashions change / permission for delirium / the rah rah salamander hit metal...
Mädchen werden berühmt, gehen in einem Ballard'schen Hochhausdschungel vermisst oderstürzen sich vor dem inneren Auge vom Dach. 'Siren Tank' - and the Sirens were boiled intheir tanks? - ist pure Cyberpunk-Fiction: Baby-Doll Nobody and Cherry-Pop Slipup on
carousel ponies / solid gold now carousel ponies all the rage now / Mayhem nouvelle. Jayne
schnipselt aus einem Wort-Puzzle wie aus M. John Harrisons "Nova Swing" eine 'Scissor
Kiss Experiment'-Litanei. 'Suburbanites' wimmelt nur so von wild visions of new designs,
und liefert wahrlich no easy chain of some meaning, entlang Zahlenreihen als Code fürniemand. Sie schreibt als some new recluse oriflamme over and over for attention or tosomehow fill the silence. Den letzten Rest von was Wesentlichem hat sich der Teufel gekrallt.
A replica disguised as himself says he really means it this time , genauso wie die andern
shape shifter idols, symbolic dreamers und cheerleaders of atomiser passions. DochFeuerleitern führen nur in eine Sackgasse oder auf eine Straße als a narrow stripe ofstereotypes, fließbandproduziert von synthetic hexing machines und duplication machines,
die einer generation in uniform ihr Gesicht verpassen und mit party bam-a-lam bei Laune
halten. Jayne wehrt sich mit Schere, sensiblem Sibyllen-Auge und New-Wave-Lakonie, vonPayne automatisch bepulst und händisch berasselt und bepaukt mit nervösem oderdrehwurmigem, mit alarmierten Sounds und Speedlines und poppigem Spott interpunktiertem Beat. Und zuletzt noch angeschärft mit Viola-Pzazz (Flair, Pfiff) wie von John Cale.
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OUMOU SANGARÉ Acoustic (Nø Førmat!, NOF 47, CD/LP): Das ist quasi ein Remake von"Mogoya" (2017), dem letzten Album der Weltmusikdiva in Bamako. Aber ohne Bass, E-Gitarre
und Marima, ohne Drums und aufgeblasenes Producing. Nur akustische Gitarre, ein Backgroundchorus und Vincent Taurelle mit hier und da Celesta oder Toy Organ. Als hätte sich
Sangaré von ihrem Erfahrungsplateau als 52-jährige Commandeur des Arts et Lettres de laRépublique française, Taxiunternehmerin, Goodwill-Botschafterin und Fürsprecherin der durch
alte Zöpfe drangsalierten afrikanischen Frauen rückbesonnen auf ihre Anfänge mit der SyllartKassette "Massolou", die sie via World Circuit Records mit Anfang 20 zum Weltmusikstar
machte. Von den einen als mitreißend frische Stimme im Wassoulou-Stil auf allen afrophilen
Bühnen bejubelt, in Mali selbst verschrien als vorlaut krähendes Weibsbild, das gegen die
guten Sitten verstößt, und als Neureiche, die ihre Landsleute beschämt. Sie singt, wie auf"Mogoya", noch einmal von Undankbarkeit ('Bene Bene'), von Lästerzungen und Selbstmordgedanken ('Yere Faga'). 'Saa Magni' ist eine Hommage an ihren verstorbenen Förderer Amadou
Ba Guindo vom Orchestre National Badema. Und 'Diaraby Nene', das sie mit 15 geschrieben
hat, ist tatsächlich der Song von ihrem Debut, der mit Sätzen wie [aus dem Bambara übersetzt]
when I say cold, it's about the shivers of love, brr, God knows, being cold ain't good in life, I put
my leg on his leg, I put my hand on his chest, he feels the shivers of passion, I feel the shiversof passion, als ungehörig erotisch, besonders Skandal gemacht hat. Mein 'nur' bei der Gitarrevon Guimba Kouyaté ist natürlich ein Witz, denn seine Finger sind ein auch schon von St
Germain und Mah Damba geschätztes kleines Gitarrenorchester inklusive Basspuls, ruppigem
Guimbrisound und Koraarpeggios und zusammen mit dem Orgelchen eine Arschwackelgarantie. Sangarés krähende Schärfe ihrer jungen Jahre ist, als hätte sie Timbuktuer
Goldwasser gegurgelt, ausgereift zu suggestiver Eloquenz und geschmeidiger Hymnik, die imostinaten Call und Response mit dem Chor ihre Argumente unwiderstehlich macht. Malis
Norden ist verloren an islamische Terroristen und auf Unabhängigkeit versessene Tuareg, derSüden schwankt blutig zwischen putschenden Militärs und dem wahhabistischen
Oppositionsführer Dicko, der als 'Imam des Volkes' reaktionär zu allem steht, für das Sangaré
singt. Mit 'Mogoya' endet sie bluesig betrübt, und hat sie nicht allen Grund dazu? Alles wird
gut? Warum warte ich Blödel dann seit 50 Jahren darauf, dass was besser wird?
SILVIA TAROZZI Mi specchio e rifletto (Unseen Worlds, UW031, 2LP/CD): Tarozzi ist in Bologna
eine auch singende Geigerin, die mit dem Ensemble Dedalus, dem “Piccolo Coro Angelico”,
solo oder im Duo mit der Cellistin Deborah Walker Musik von Pascale Criton, Pauline Oliveros,
Eliane Radigue, Catherine Lamb, Alvin Curran, Philip Corner oder Moondog intoniert. Nun
schuf sie, angeregt durch die Poesie von Alda Merini (1931-2009), aber mit eigenen Lyrics,
einen Liederzyklus, den sie, mit Franco Battiatos "Fetus", "Il Bestiario" von Maria Monti undCaterina Casselis "Primavera" als Leitfäden, Stück für Stück je eigen anstimmt: Den Auftakt,
noch ohne Worte, 5-stimmig mit Flöte und Klarinette, die titelgebenden Zeilen a capella als
Kanondrehwurm, 'Domina' mit federnden, kaskadierenden Keysounds, 'Spazio' mit Strings &Keys, Intermezzi wie 'Astuta' instrumental mit Domenico Caliri an E-Gitarre, '...e non volevi leali' mit Casio & Fieldrecordings, 'L'assenza' mit Vincenzo Vasi an Bassgitarre und selber mit
ostinat gegeigten Vogelrufen und Akkordeon, 'La forza del canto' & 'Che cos'è una primavera'
mit Walkers Cello und Enrico Lazzarini an Kontrabass, 'La sostanza dell'affetto' mit nochakustischer & Slide Guitar und Vibes, 'Hai nella bocca un silenzio', 'Siedimi accanto' & 'Al
balcone' mit Edoardo Marraffa an Saxofon und wieder Caliri, 'Sembra neve' wieder zu fünft,aber mit pochendem Herzschlag, Fanfare, wildem Sax, Windspiel und Dada-Singsang vonRaoul Hausmann ganz anders, 'Parlavi di un bambino' zu dritt, mit Flöte und Kontrabass.
Tarozzi dankt Merini, mit der sie sogar den 21. März als Geburtstag teilt, für die befruchtende
Macht des Gesangs und feiert mit ihr naturmystisch das Licht, das den inneren Schmerz unddie Ungeduld des Herzens stillt. Liebe und Gesang brechen sich Bahn, als Kreuz- undSiegeszeichen, mit raumgreifenden Flügeln, als mutige Turmspringerin. Frühlingsgefühle
nähern sich an einem Spinnenfaden und werden als Schicksal empfangen. Sie singt, zu zweit
allein, ein Liebeslied ins Ohr, sieht einen Alten, der sich auf dem Balkon die Beine wärmt,Erinnerung blüht und schmilzt, Verlangen und Ungeduld stürzen sich ins Leben und lassen
einen Traum in ihrem Sohn Romeo wahr werden. Mit elegischer und folkloresker Zartheit,
launig verspielt, hell und fragil, tutenden Phantombläsern, jauliger Gitarre, pendelndem
Zweiklang, gläsernem Flimmern und 'xxx Anna' als finalem Tutti-Frutti-Remix. Die Schublade'Easy Listening', die kann sich Google jedenfalls in den Arsch schieben.
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V/A Too Much Future - Punkrock GDR 1980-1989 (Edition Iron Curtain Radio, ICR01, 2CD/
3LP): In "Als die Welt noch unterging" (2007) kommen sie nicht vor, die Punks aus der GDR(Punks von Welt, wa?). Die Zonic-Retrospektive "Spannung. Leistung. Widerstand. Magnetbanduntergrund DDR 1979 - 1990" (Zickzack, 2006) füllte den blinden Fleck mit 'Musik zum
Weltuntergang' made in GDR, fächerte dabei aber die sog. 'anderen Bands' im Allgemeinen
auf: Herbst in Peking, Das Freie Orchester, Ornament und Verbrechen, Zwitschermaschine...
Bei Holger 'Alge' Roloff, in Rostock ab 1986 Macher von Trash Tape Rekords und nach der'Wende' von Amöbenklang, standen (auch im Interview mit Zonic No 14-17) dagegen die
lokalen Punkhelden Virus X und deren mit Schleimkeim (aus Erfurt) und Paranoia (ausDresden) unternommenen Ⓐusbruchsversuche (auf TTR, 1987) im Mittelpunkt. "Ende vom
Lied: East German Underground Sound 1979 - 1990" (Play Loud!, 2016) mischte wieder dieeinen und die andern. Die echten Punks darunter waren anders als Expander des Fortschritts, AG Geige, Die Gehirne oder Orlacs Hände echte Punks und hießen Grabnoct (mitIna Pallas, die 'Töten und Fressen' schreit, als einem der Riot Grrrls der Szene neben Jana
Schloßer und Mita Schamal von Namenlos, Andrea Hüber-Rhone von Frechheit und Cabi =Andrea Behring von Kein Talent). Von diesen echten Punks sind hier, von Andreas Auslauf,
Betonromantik, DDR Terrorstaat, Die Fanatischen Frisöre, Menschenschock, Müllstation,
Restbestand und Sendeschluss bis Unerwünscht, insgesamt 38 Bands erkennungsdienstlich in einer 80-seitigen Akte und teils in Abhör-Lo-Fi erfasst. Denn sie beschworen
gröhlend, keifend, kläffend eine 'Jugend ohne Tugend', sie nannten den 'Friedensstaat''hässlich', sie forderten 'Sag deine Meinung'. Die einen bellten 'Stalin', die andern 'Spießer', über den Köpfen ein 'Killersatellit', unterm Arsch ne 'Bahnhofsbank'. Die visionären
Rosa Extra (benannt nach der Damenbinde) sahen sogar schon 'Irgendwo lichterloh' wasbrennen. Entsprechend wurden sie bespitzelt, schikaniert, interniert, zersetzt - berüchtigt
das 1983 an Namenlos statuierte Exempel -, ausgebürgert oder als IM korrumpiert - beispielhaft Imad von Wutanfall/H.A.U./L'Attentat - mit bis heute bösem Blut und Stoff zuhauf
für Veteranentreffen und klärende Zeitzeugenschaft. Henryk Gericke (einst Sänger bei The
Leistungsleichen), der 2005 schon die Doku "ostPUNK! Too Much Future" mitkonzipierthat, besorgte die Zusammenstellung mit Maik 'Ratte' Reichenbach (von H.A.U./L'Attentat).
Der hatte seinerseits 2005 mit der Ostpunk-Allstar-Formation Ex-Cert aus Veteranen vonNamenlos & Planlos (O-Berlin) sowie von L'Attentat und Wutanfall (Leipzig), wie im Livemitschnitt zu hören, mit 'Hits' der Beteiligten 'Stürzt den Papst' & 'Macht eure Fenster z u'
gefordert und 'Leipzig in Trümmern' liegen sehen. Mit 'Smog und Ruß' & 'Atemnot' hatten
Planlos schon lange vor Bitterem aus Bitterfeld im kleinen Untergang einen größeren
gewittert. Alle bekamen sie eine Zukunft, in der sich viele verkohlt vorkamen, aber dem mit
nur noch mehr Matsch in den Birnen trotzten. Andrea von Frechheit gibt dagegen mit
Berliner Kamellen von Claire Waldoff eine gute Figur ab. Jana Schloßer wurde 1986
Mutter, arbeitete als Altenpflegerin, nach der Wende als Theaterpädagogin und mimte ab2007 wieder ihr namenloses Selbst, wie auch 2016 am Gorki-Theater in Lola Arias' Zeitzeugenrevue "Atlas des Kommunismus". Das RG 28 und solche Punks - ich bin gerührt.

L'Attentat ca. 1984... Schamal + Schloßer, abgeführt ca. 1983 © Christiane Eisler
9nowjazz plink'n'plonk
Cuneiform Records (Washington, D.C.)

Einmal langsam aus der Wäsche geguckt, zweimal geblinzelt, und schon sind wieder eins,zwei Jahre rum. Steve & Joyce Feigenbaum haben 2018 zwar ein Sabbatjahr angekündigt
und in eine ungewisse Zukunft geblickt. Nichtsdestotrotz sind 2019 doch wieder Albenerschienen, Downloads mit Gedächtnisauffrischungen von Upsilon Acrux und Richard Leo
Johnson, Neues von Le Rex und dem Tomeka Reid Quartet (mit Roebke, Halvorson & Fujiwara). Dazu krachige Gitarren-"Music from the Anacostia Delta" von Anthony Pirog als
The Spellcasters und "Live at Yoshiwara" (Rune 466) von GHOST RHYTHMS, einem französischen Tentett auf den Spuren von Univers Zero und Miriodor, mit Akkordeon, Cello,Sounds, zwei Saxofonen, arabesker Jazzrock-Mathematik und rockoppositioneller Kniebrechrhythmik. Angeführt von Drummer Xavier Gélard und dem Pianisten Camille Petit,
der, ähnlich wie bei "Madeleine" (2015) im Banne von Hitchcocks "Vertigo", auch mit Lady
With opulente Musik für imaginäre Filme orchestriert. Hier entzündet sich die Phantasie
am Nachtclub 'Yoshiwara' in Fritz Langs Berlin Babylon "Metropolis", in dem beim SalomeTanz der Automaten-Maria alle Männern den Kopf verlieren.
2020 brachte mit "The Daily Biological" (Rune 467) weiteren Chicago-Jazz mit dem CHADTAYLOR TRIO, mit Neil Podgurski am Piano und Brian Settles, Taylors Buddy auch schon
bei Tom Abbs & Frequency Response, an Tenorsax. Aber alle drei kennen sich schon vonder New School in New York City seit Mitte der 90er und bestechen hier reihum mit
knackigen Lösungen, die den fehlenden Bass vergessen lassen. Etwa bei 'The Shepherd'so, dass Podgurski mit der Linken den stoischen Schäferhund spielt, während er mit der
Rechten mit den Schäfchenwolken tändelt, die Settles aufbläst, bis sich das als
trommlerisches Gewitter entlädt. Bei 'Swamp' sumpft das Tenorsax lange alleine in seinem
Element, bevor es im Piano etwas Seelenverwandtes findet, Taylor pocht energisch auf
den Wissenschaftler im Swamp Thing. Obwohl sein polterndes, klapperndes, prickelndes
Temperament oft genug selber so aufrauscht und überschießt wie bei 'Matape', während
Piano und Tenor ihre Zahlenreihen vergleichen. 'Untethered' ist nicht entfesselt, ja nicht
einmal ungebunden, sondern sowas wie ein mutierter, dynamischer Walzer.
10Bei "Interactivity" (Rune 469) interagieren SHANE PARISH, ein Gitarrist aus
Asheville, North Carolina, und der aus Kobe stammende, mittlerweile aber in
New Mexico in einem Örtchen mit dem unglaublichen Namen Truth orConsequences lebende Perkussionist TATSUYA NAKATANI. Der Japaner ist
eine Improkapazität mit einem Spektrum von Nmperign und Blue Collar bis Assif
Tsahar, Michel Doneda, John Edwards & Rafael Toral und mit Liebman &Rudolph auch schon auf RareNoise. Parish hat seine Meriten durch Ahleuchatistas, aber auch als Finger-Style-Picker mit "Undertaker Please Drive
Slow" (2016) auf Tzadik und den 147 (!) Songs von "The Fireside Book of Folk
Songs" (2019). Auffälliger jedoch als seine spanisch angehauchte Tagträumerei
ist das, was Nakatani anstellt, wenn er da in Schrott rumort, rappelt, scharrt,
scheppert, wetzt, donnert und mit Zeug um sich schmeißt oder auch Metall
sirren und singen lässt. Aber wie Parish Paco de Lucia mit Duck Baker undEugene Chadbourne kreuzt, dürfte auch einige Augenbrauen hochziehen.
Ha, rigorously beautiful, ist das nicht genau das, wonach ich unermüdlich
suche? Hier ist es ein Versprechen, das die skandinavische Supergroup I.P.A.
mit "Bashing Mushrooms" (Rune 472) einzulösen versucht. International
Psychoanalytical Association? Internationales Phonetisches Alphabet? Indian
Pale Ale? Keine Ahnung. Es ist das, seit Atle Nymo an Tenorsax & Bassklarinette, Ingebrigt Håker Flaten, Texas-based, am Bass und der Trondheimer
Drummer Håkon Mjåset Johansen mit ihrer Interpretation von Don Cherrys"Complete Communion" norwegischerseits den Grundstein gelegt hatten, nachzuletzt "I Just Did Say Something" (Rune 422, 2016) bereits die fünfte Scheibedes 2008 vom Smålander Trompeter Magnus Broo und 2014 mit Matthias Ståhl
am Vibraphon schwedisch vervollkommneten Projekts. Supergroup deshalb,
weil sich da kreative Kräfte bündeln, die zuvor in Atomic, Motif, Chrome Hill,
Angles, Ståhls Trio, The Thing und The Young Mothers bzw. dem Magnus Broo
Trio ihre Haare gelassen haben. Nymo hat sich 'Kudeta' [coup d'état], 'HorusØye' [Horusauge] und 'Farmor' [schwed. Oma] ausgedacht, 'Bamse' [der liebste
und stärkste Teddybär der Welt], das Titelstück und 'Fem Skator' [fünf Elstern?]stammen von Broo, 'Go Greta' und 'Barnen' [Kinder] sind Ståhls Beitrag. Seine
kautschukweichen Vibestupfen ziehen von Beginn an die Trompete mit in eine
coole, von gedämpfter Dynamik bestimmte Zone. Die Trommel mag rollen undholpern, der Tenorton herb auf der Zunge prickeln, der immer wieder vereinte
Brass- und Reedsound setzt jedoch auf nur sanfte Gewalt, um die Verhältnise
umzustürzen. Broo schmust flauschig und melodieselig, Ståhl klimpert glasmurmelig und gar nicht stählern, gestopfte Trompete und die Bassklarinette
bringen jede Menge Nostalgie ins Spiel. Erst mit dem 'Bashing' kommt Tempo
auf, mit animiertem Stakkato, reihum auf Zack, die Bläser gackernd undkrähend, der Beat ein federleichtes Quirlen und Beckenflirren. Ståhls Klingklang, sumpfige Klarinette und Pizzicato führen mit zügigem Schritt auf die
Nilquellen zu, die flott geblasene, klimperlaunige Thunberg-Hymne geht die
Zukunft sportlich und mit optimistischem "Wir schaffen das!" an. Wer Kinder hat- oder eines ist - sieht das nicht ganz so rosarot. Ein halb leeres oder ein halbvolles Glas, etwas halb Schönes oder halb Gutes, es wäre beides nix Halbes undnix Ganzes. Das kann dir jede Oma erzählen, während sie melancholisch übervergossene Milch seufzt und Flatens Pizzicato beredt die Klimalügen zerpflückt.
'Fem Skator' swingt zuletzt mit Uptempo-Besenschwung, sprudelnder Trompete
und vollmundigem Tenorsax drauflos. Sind Jazzer nicht immer schon diejenigen,
die den Things to Come mit offenen Armen entgegengehen? Wie Mr. Hyde, wenner seinen Stock schwingend You should see me dance the Polka singt? Whenthe band commences playing, My feet begin to go... Das nenn ich rigoros. Schön
allein genügt nicht.
11Für "The Avondale Addition" (Rune 473), das 2017 live at Elastic Arts entstanden ist, hat
Fred Lonberg-Holm sein Trio mit Nick Macri (von The Horses Ha, Brokeback und Touch
Tones), der einen kernigen Bass spielt, und Charles Rumback (von Colorlist...) an Drums
verdreifacht als STIRRUP+6. Nämlich mit seinem Lightbox Orchestra in Gestalt von Jen
Clare Paulson an Viola, Zoots Houston an Electronics, Russ Johnson gewohnt trompetenprächtig, Peter Maunu (bekannt durch Mark Isham oder mit Al Gromer Khan) an Gitarre &Geige sowie Keefe Jackson & Mars Williams an Reeds. Stichwort ist erneut: Chicago.
Wobei L-H, statt Cello, als Lightbox Operator mit dem ganzen Nonett spielt, using a lightbased cueing system and cue cards. Für 'Little Spots' und ein Floating cum grano salis, in
Schwingungen, wie man sie immer noch einem östlichen Zeitempfinden zuschreibt, auchwenn dort längst das Gegenteil Realität ist. L-H trägt dem kakoelektronisch, mit gestuftem
Stakkato, geigender Verve und feurigem Atem Rechnung. Mit 'Rodney's Last Ride' als
bitterem, aufrüttelndem Fanal und 'Domi's Dream' als ergreifender Vision.
"The Anthony Braxton Project" (Rune 475) ist nun schon das 5. Album von THUMBSCREW
auf Cuneiform, und Mary Halvorson, Michael Formanek & Tomas Fujiwara, der harte Kernauch von Halvorsons Art-Song-Projekt Code Girl, picken, pauken und plonken da zu Braxtons 75. bisher noch selten gespielte Compositions des Meisters. Darunter 'No. 14' jeweils
von der Gitarre, dem Kontrabass und den Drums allein. Oder 'No. 61' als launiger kleiner
Marsch mit rollender Snare und viel spitzem Knie der aberwitzig quirligen Gitarre. Verdrehte Loops und verbogene oder schleierhafte Sounds, auch mit Vibes oder mit Bogen,wechseln mit strikt abgemessenen. Halvorson, 2019 Empfängerin des MacArthur Foundation 'genius grant', ist dafür prädestiniert, eingeweiht durch ihr Studium an der Wesleyan
University und vom Diamond Curtain Wall Trio mit Taylor Ho Bynum aufwärts bis zu den
großformatigen Mysterien der 'GTM (Iridium)'-Reihe oder von 'Echo Echo Mirror House'.
Während "Upon Both Your Houses" (Rune 3346, digital) von THINKING PLAGUE & "2001Live Bird" (Rune 3347, digital) von BIRDSONGS OF THE MESOZOIC bis zum Ellbogen in die
Vergangenheit eintauchen, ersteres ins Jahr Null zum NEARFest, wo im Jahr darauf auchBirdsongs ihr 20-jähriges feierten, ist "Chicago XX" (Rune 476) als CD-Version von CHEERACCIDENTs 2019er LP bei Complacency vergleichsweise taufrisch. Wobei ich mich frage,
welchen Joker ein schwitzender Kandidat wohl einsetzen könnte, der bei 'Who Wants to Be
a Millionaire?' den mondstichigen Gesang von Deborah Perry, die pterodactylen Hits derBirdsongs (die Perry mit 'A Band of Deborahs (Not Debbies)' huldigen) oder das, wasThymme Jones und Carmen Armillas anstimmen, zeitlich zuordnet soll? Wer Lyrics zu
goutieren weiß wie I won / I want to / Taiwan / right onto / thigh bone / I'm underground //amazed / I wake from mud / amphibian / so wait / for what? some diatoms? / what way I am,die, zu schleifendem Synthienoise, Reggaebeat und Assoziationen an This Heat, Kieselalgen besingen, der braucht im Übrigen keine Millionen mehr. Life rings hollow? Das Leben
vielleicht, aber doch nicht diese Musik! Cuneiforms Fächer von Art-In-Opposition-Rock bis
NowJazz aus Chicago, von Chad Taylor und Thumbscrew bis Thinking Plague und CheerAccident, von 1984 bis heute, es ist wohl das synchronste Fellow Travelling, das man sichzu BA denken kann.

https://cuneiformrecords.bandcamp.com/
12

Iklectikly Yours:
John Edwards, Adrian Northover... and more @ FMR Records

Clowns at Work: Northover - Edwards - Magliocchi

Live @ Iklectik, einem unwahrscheinlichen Kreativ- & Freiraum mitten in
London, unweit des Archbishop's Park in Lambeth, da entstand Dial (FMR
CD558-1119). Mit DAVID FRYDRYK an Trompete & Flügelhorn als polnischer Bereicherung der im London Improvisers Orchestra versammelten
Szene. An den Drums der schon vor 28 Jahren mit dem Lloyd-Fowler-Garside Trio bad-alchemysierte DAVE FOWLER. Am Kontrabass Her Majesty's
Bassiest: JOHN EDWARDS. Und an Tenorsaxofon, Klarinette & Flöte - SUE
LYNCH, seine Partnerin in Remote Viewers und die von Frydryk bei derVintage-Psych-Groove-Band The Scorpios, wo sie mit der sudanesischen
Sängerin Regia Ishag ins Horn von Afrika stoßen. Doch auch die ersten
iklectischen, in alle Richtungen stoßenden Hornstöße und gekrähten Tenorwellen, die Trommelrumpler und närrisch plonkenden, gerupften undebenfalls geklopften Bassklänge erhöhen die Zimmertemperatur auf Partyniveau. Denn das aylereske Quartett erzeugt heiße Snoopy-Stimmung. Bis
über das Rhabarbern der Bläser ein dunkles, sägendes Surren aufzieht
und dem Spaß den Garaus macht. Die Briten verstehen sich jedoch auf
Weddings und auf Funerals, die Band mischt ihre nicht vorhandenen Notenblätter, so dass in Tomcat_Murr-Manier Katzenjammer und Hochstimmung durcheinanderkollern als blaskapelliges Down and Out und Himmelhoch. Dial B für British Plinkplonk? Die Themse spült's, bevor es kleinmütig
zu miefen beginnt, in den Golf von Mexiko. Frydryk quäkt, sprudelt undbläst zur Attacke, Lynch geht flöten und haarsträubend tröten, besonders
schön auch mit der Klarinette, Edwards murrt, sägt und holzt. Und alle viertreiben den Zeiger von Stimmungstiefs wieder hoch, bis man, Dancing with
Tears in My Eyes, kaum mehr unterscheiden mag, was da Sadness ist, wasTraurigkeitsgenuss, was Joy.
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Auch wenn THE RUNCIBLE QUINTET für den Wikipedia-Artikel über Edward Lears 'Runcible' offenbar nicht populär genug ist, tanzt es doch extra-learisch auf der Hochzeit von
Pussy & Owl. By the light of the moon, hand in hand, on the edge of the sand , nach dem
Mahl with a runcible spoon. Der Countdown von "Five" und "Four" zu Three (FMRCD5650120) erklärt sich damit, dass das iklektisch-konzertante, durch vielfältige Begegnungenvertiefte Miteinander von Marcello Magliocchi an Drums, Neil Metcalfe an Flöte und Daniel
Thompson an akustischer Gitarre mit John Edwards am Kontrabass und Adrian Northover
an Alto- & Sopranosax im März 2019 mit nur zwei Atempausen auskam. Mit Edwards und
Northover bilden wiederum zwei Remote Viewers als jahrzehntelange Verbündete auchschon bei Sonicphonics und B-Shops For The Poor einen eingeschworenen Kern. Nur dasshier britischer Spleen in seiner ganzen Idiosynkrasie tonangebend ist und sich als geräuschverliebtes Flickern und Prickeln entfaltet. Flink auf Draht, mit feinem Besteck haarfein die Klänge und selbst dünne Flötentöne spaltend, mit Nadel und Faden sie wieder vernestelnd. Sogar 'pollocken' wird da zu einem ganz britischen Nonsense-Wort. Wer das fürtierischen Ernst nimmt, verkennt den Anteil an trockenem Humor dabei, ganz zu schweigen von Magliocchi als Arlecchino. Wie der lustspiel-erfahrene Italiener da raschelt, klirrt
und klingelt, wie Edwards da sägt, knurpst und Nüsse knackt, wie das Soprano trillert undschmaucht, das ist purer Slapstick und quicker und geistesgegenwärtiger als jedes Stegreiftheater. Die Gitarre zwar spröde und pikant im Stil von John Russell, aber alle fünf Halsüber Kopf wie verrückt wuselnd, sprudelig und unbändig hackend, stoßend, zappelnd,zwitschrig überdreht. Und doch zwischendrin auch versponnen in zarte Klanggespinste,
wie Weißclowns, die nach Harmonie schmachten, haschen sie nach jeder noch so fadenscheinigen oder flötenzarten Melodie. Edwards spannt daneben Haltetöne, so dick wie
Schiffstau, und lässt sie brummen und wummern bis zum nächsten überspannten Tirili.
Der manische Überschuss ließe sich selbst mit einem Runcible Spoon nicht ausschöpfen,
noch lassen sich diese spleenig verwirbelten Funken unter einen Runcible Hat bringen.
Als THE DINNER PARTY versammelt haben sich, diesmal an einem Wednesday Afternoon(FMRCD571-0120), erneut im italienischen Monopoli der anglo-russische Pianist VladimirMiller, der mit ihm in Notes From Underground verbundene Londoner Saxofonist Adrian
Northover, der mit Marcello Magliocchi bei The Sea Of Frogs und The Runcible Quintet sein
Italienisch schon aufpoliert hat, und Magliocchis Landsmann Pierpaolo Martino am Kontrabass. Für eine Dinner Music, die zugleich ein Tischgespräch ist über russische und englische Folklore, Virginia Woolf, Fellini und Pasolini. Zwei Themen hat Miller im Kopf schon
ausformuliert, alles andere kommt einfach so durch die Hintertür. Die drei vergegenwärtigen Fellini mit aus den Ärmeln geschütteltem Nino Rota und Pasolini mit 'Teorema'. Sietauschen Gedanken über Musik als Heilkunst, über Freundschaft, über Filmmusik und den
Melodienreichtum der Folklore und wie man ihn auskostet, ohne 'unter Niveau' zu
musizieren. Sondern wie Morricone als Spaghetti-Mozart, mit Populärem als stillem
Freund, mit Feeling, das einen auf die Knie zwingt, Dynamik, die die Gedanken tanzen
lässt, Klängen, die sich anschmiegen, ohne sich ihre Freiheit nehmen zu lassen. Ein Dinner
ist eine bloß kulinarische Angelegenheit und damit unterhalb der geistigen Dimension vonMusik. Mit Adorno gesagt. Nicht aber aus Kellerlochperspektive und nicht an Mittwochnachmittagen. Nijinsky tanzt Strawinski, aber nur als Zwischenspiel für elegische Gefühle.
Martino pocht mit Bogenschlägen darauf, dass britische und moskowitische Barbarei voneiner apulischen Perspektive nur träumen kann. Doch Millers Harfen im Innenklavier ist
sowas von innig und sein Anschlag, ähnlich wie bei Ganelin, Nabatov oder Abdullah
Ibrahim, so klassisch, so sonnenhymnisch, dass Martinos Bassbogen daneben wie eine
Schmeißfliege surrt und seine rabiaten Hiebe dem Terrone-Temperament zugeschrieben
werden müssen. Northover mit seiner schwarzen Italomähne singt sein Alto so melodienselig und herzensbrecherisch, als hätte er einen südländischen Legionär im Stammbaum,und "Open Your Eyes" so, dass man es versteht. 'Silent Friend' ist zuletzt, hitzig und rau
und durch Leid und Kummer hindurch alles, nur nicht taub, blind oder stumm, pure forza
vitale, pure Gioia di vivere, großes Kino der Gefühle.
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And Now (FMRCD583-0520) führt zurück nach London, nun ins Cafe Oto, am 22.1.2020, zu
STEVE NOBLE, John Edwards' oftmaligem Trommelpartner, zu dritt mit Alan Wilkinson, mit
Brötzmann oder mit Alex Ward als N.E.W. Dabei war Noble schon ein bisschen Kult durch
Rip Rig + Panic! DOMINIC LASH, mit Jg. 80 genau 20 Jahre jünger, trug da noch Windeln.
Doch in Tongues Of Fire und deren 7" "Smokin' Jo Crow / Washerwoman's Brawl" alsseinem kuriosen Debut 2006 schloss er zu Noble auf und vertiefte die Erfahrung mit Gannets und Chispas (jeweils mit Ward). Als extremophiler Pendler zwischen Free Impro undModern Composing im wandelweiserischer Reduktion. Das Konzert im Oto zeigt ihn und
Noble - wie schon bei "Fractions" 2013 im Vortex - im Clash mit STEFAN KEUNE, diesmal
aussschließlich am Tenorsax. Keune frönt, ob mit Paul Lytton oder mit John Russell, schon
seit Anfang der 90er einem Faible für Brit-Plonk, als bruitophilem Freispiel von maximaler
Verve bis Nullniveau und vice versa. Die drei setzen ein mit fliegenden Fahnen, einem
röhrenden, donnernden Sturm und Drang, bei dem sich Keune um Kopf und Kragenkeckert, in einer tremolierend aufgewühlten Wolke aus Pizzicato und Kung-Fu mit dem
Bogen. Wo hört da Noble auf, wo fängt da Lash an? Sie bilden eine tobende, rupfende,hieb- und stichfest plonkende und bebende Einheit, deren Hitzigkeit nur allmählich abkühlt. Raue, kirrende, rostig verwischte Reedklänge reiben sich an Bogenstrichen und
perkussiver Mikrochirurgie bis runter an die Hörschwelle, an der die beiden Briten knurrend und grollend kuschen, bassdunkel dräuend in fahlem Messingschein. Lash plonkt undkratzt sich das Bärenfell, Noble dongt und trappelt, Keune stößt abgerissene Laute aus,
keifend und querulierend, spitz zwitschernd, selbst durch sonores Tupfen kaum zu besänftigen. Auch im Mittelteil lässt sich der turbulente Überschuss kaum zügeln, rasantflatternde Gestik mischt sich mit Keunes reißender, stoßender Kakophonie. Kaum reißt ein
Luftloch auf, sprudeln die drei hindurch, das aufschießende, spotzend raspelnde Kikeriki
blechern und plonkend flankiert und animiert. Der dritte Part bringt ein drittes Mal
krakelige Phonographie: frischfröhlich schillernde Spritzer, windschiefe Kratzer, dengelige
Triller, rappelige Rappler, brütendes Surren und wieder Pollock auf Speed, Hagelschlagüber Topfdeckel, ein ruppiges Basssolo, dessen fragil zirpendes Ende von Keune bezwitschert, umzuckt und bequiekt und von Noble triangelig beklirrt wird. Der Duktus wirkt
gekürzelter, verhuschter, kapriziöser. Purste Spontaneität, weirde Wooshes, scheinbar wie
in Brownscher Bewegung, kollisionslustig, dringlich und dissonant, aber nicht kopflos. Mit
auch wieder einer furchtlosen Annäherung ans Beinahenichts. Mir in meiner gehemmten
Lahmheit wird das ewig ein Rätsel bleiben, so wie die irrwitzigen Pulks von Mauerseglern,
wie sie da wie halbstarke Mopedrowdies am Himmel schrillen.

2016 im Club W71 in Weikersheim
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Intakt Records (Zürich)
O may I join the choir invisible... To make undying music in the world... the choir invisible /Whose music is the gladness of the world. George Eliots Zeilen könnten die Hymne dermusikalischen Internationale sein, zu der der Drummer VINNIE SPERRAZZA, der Kontrabassist CHRIS TORDINI und die Altosaxofonistin CHARLOTTE GREVE sich mit The Choir
Invisible (Intakt CD 347) explizit bekennen (wenn auch nicht um den Preis, dafür ins Graszu beißen wie Monty Pythons ex-parrot). Tordini als mit Jim Black Malamute, dem Chris
Speed Trio und Angelika Niescier etablierter Intaktler, Sperrazza mit frischen BrooklynBeats bei Hank Roberts, Hearing Things oder mit Jacob Sacks in Play und in Landline. Und
Greve? Die setzte, anfangs in Berlin, schon mit 20 und ihrem Lisbeth Quartett ihre Duftmarken und machte sich, seit 2012 in New York, einen Namen im Altoquartett Asterids
oder mit Simon Jermyn als Sooner und in Wood River. Seit 2017 sind die drei als Choir vereint im Ethos, die Welt zu erfreuen in unkommerzieller Selbstlosigkeit (sagt Bert Noglik),aber auch in jenem Eigensinn, dass das Dasein und die Welt nur gerechtfertigt sind, indem
generous ardor, pure love, daring rectitude, thoughts sublime, sweet purity, our rarer,
better, truer self (mit Eliot gesagt) sich als ästhetisches Phänomen manifestieren und shap'd forth before the multitude - als 'Brot für die Welt' geteilt werden. Als bassdunkel
gewellter und bepochter 'Chant', als uneuphorische Selbstbefragung. Greve 'singt' mit vonMelancholie gebeizter Zunge, dem 'Low' verbundener als hochfliegenden Eitelkeiten. Tordinis Pizzicato, mit dem er Greve zu yearning songs ermutigt, dabei so schwarzsamtig wie
beredt. In murmelnder Insistenz, wiederholten Wellen, rollenden Tonketten, mit Alto-Ruf
und Arco-Erwiderung auf kollerndem und tickelndem Flow. Greve dekliniert Melancholie inostinaten Biegungen, Tordinis Finger und die Tom verströmen unerschöpfliche Schattierungen von o und u. Nichts Überirdisches, nichts Übermenschliches, sondern schlicht als'Daily Task', der eigenen - aber nicht nur der eigenen - Existenz Sinn zu geben.
Der Drummer Fredy Studer, Bobby Burri am Bass, Christy Doran als Gitarren-Cúchulainn &Urs Leimgruber als wayne-shorterisierter Wirbelwind und mit Jg. 1952 der Jüngste, diehaben sich, zehn Jahre lang vom Zeitgeist der 70er mitgerissen, mit OM in den Fusion-Annalen verewigt. Als der Wind sich drehte, hielten Studer & Doran mit Red Twist & Tuned
Arrow und ihrem Hendrix-Projekt die frühe Glut lebendig. Überhaupt blieben sie, Studer
mit Jasper Van't Hof oder Phall Fatale und Doran mit New Bag, brandgezeichnete Kinder
ihrer Zeit, die ihr Pfingsten in sich bewahrten. Selbst Leimgruber, der sich am extremsten
mit der Zeit anlegte im Versuch, sie zu zerraspeln, blieb dabei synchron genug, um mit den
alten Kameraden nach 25 Jahren OM aufleben zu lassen ("Willisau"), nicht nostalgisch,sondern mit der Zeit gereift. Die Erfahrung von 'perpetual motion' nährt auch It's About
Time (Intakt CD 348) als erneute Konfrontation der vier OMs mit sich selbst und dem Jetzt.
Aus der Hochzeit von Jazz- und Rockdynamik wurde bruitistisch abgeschliffene Elektroakustik, ein Tümpeln versponnener Geräuscheffekte, das sich nur langsam, aber gewaltig
in Marsch setzt und dabei eine ungestillte Lust an quiekender Groovyness offenbart. Aus
schrägem Ding-Däng-Twonk wird wummernd pumpender Drive, die Cymbal crasht, das
Soprano fiept und kräht, hardcore und schädelspalterisch, die Gitarre hendrixt zu stoischschrappendem Bass. Doch gleich haucht und keucht wieder nur ein Wind from 'Nowhere',OM pfeift auf Dynamik und schiebt V-Effekte unter der Hörschwelle durch. Tagträumerische Zärtlichkeit und rascheliger Klingklang spielen auf Zeit, spitze, raue, sprudelige Sopranistik treibt sie voran, um doch lieber wieder träumerisch zu entschleunigen. Die Zeit
sägt letztlich nur am kahlen Ast, auf dem wir sitzen, besser wär's, sie einzufrieren. Wasaber auch nur eine arschkalte und eintönige Illusion von Dauer zeitigt. Der dunkle 'Covid19 Blues' lässt einem den Schädel brummen, das Soprano kirrt in einem surrenden Sud.
'Fragments' sprengt mit energischen Schlägen Löcher für zarten Saitenklang, verzerrter
und schrottiger Beat geht einher mit sopranistischer Verve, die kläglich in die Klemme
gerät. 'String Holder' klopft und stöbert dort nach einem Fortgang, stürzt dabei ins Leere,in das Leimgruber Spinnwebfäden spinnt. And Clotho slowly weaves her web... 1972 (soalt wie OM). Und mir wird, ob ich vor- oder rückwärts schau, schwindlig.
16

Kleine Welt: Vinnie Sperrazza betrommelte die von Ohad Talmor Christoph Irniger Counterpoints befahrenen "Subway Lines" zwischen Zürich und New York, und in Vinnie Sperrazza Apocryphal synkretisierte er mit Eivind Opsvik, Brandon Seabrock und Loren Stillman den Gnostiker Valentinus, den Hl. Hieronymus, Bulwer Lytton und Sun Ra als Visionäre geheimer Weisheit. Open City (Intakt CD 349) zeigt das durch "Gowanus Canal" &"Octopus" bekannte CHRISTOPH IRNIGER TRIO mit Irnigers Mit-Pilgrim Raffaele Bossard
am Bass und Ziv Ravitz an Drums erweitert mit eben Loren Stillmans Altosax. Neben
melassedunklen Abrundungen durch Nils Wograms Posaune, ist Stillman ein Stützpfeiler in
Irnigers Konstrukt, als Doppelgänger und als dramaturgischer Kontrapunkt zu seinen hiermit neuem Mundstück nuancierten Tenorsaxlinien. Angeregt durch den Protagonisten vonTeju Coles "Open City", der als kosmopolitische und gemischtrassige, nämlich nigerianisch-deutsche Existenz reflektierend durch Manhattan flaniert, reflektiert Irniger überseine eigene Welt. Melodisch, aber mit großen Intervallsprüngen, gehört auch Bossards
Pizzicato zur singenden Phalanx, während Ravitz crashig und rumpelig die rhythmischen
Schikanen einstreut. Der eigentliche Kontrast verläuft nicht zwischen der synchronen oderverwirbelten Alto- und Tenormelodik, sondern zwischen deren jazzigem Sprudeln, derornettesken Seligkeit von 'Calling' oder dem posaunig betrübten Downtempo von 'Ballad'und von 'Time' hier und Irnigers forcierter Jazzrockdynamik mit Cowboys From Hell dort.
Er und Bossard huldigen hier Jazz als Old Wise Lady, die ihr zugelegtes "Maiden Voyage"Flair behalten hat, mit "a firm pressurelessness" (um ein Lob für Coles "Open City" fürIrnigers Offenheit zu entführen). Wobei die Hardstudio-Wizards in Winterthur Ravitz'
kantigen Schlag und Bossards markig-sonore Prägnanz um einiges erstaunlicher zur
Geltung bringen als es das damalige Klangverständnis bei Anthony Williams, Jack
DeJohnette oder Ron Carter (bei dem Bossard studiert hat) zuließ. Jazzberry Blues
abstrakt-modernistische Cover-art evoziert kongenial den coolen Chic der "Point of
Departure"-Jahre des Modern Jazz. Ein Vergleich mit Ravitz' fast parallelem ECM-Trip
voller Honey, Moonlight und Teardrops mit Avishai Cohen Big Vicious unterstreicht die
zeitparadoxe Asynchronität von Irnigers Blue und Cohens Nu.
Free Hoops (Intakt CD 351) bringt neun neue Kompositionen von SYLVIE COURVOISIER,
im gleichen Piano-TRIO wie "Double Windsor" (2014) und "D'Agala" (2017). Private Erfindungen für ihren Mann, ihre Mutter, ihren Bruder, eine Freundin, kollegiale für Drew Gressam Bass und Kenny Wollesen an den Drums, verehrende wie 'Just Twisted' für John Zorn
und 'Requiem d'un songe' für Claude Thornhill und Musik für die Katz. Courvoisiers postmoderne Gegenwärtigkeit zeigt sich unmittelbar im wuseligen Hin und Her dezidierter,
ostinater, grashüpferischer Figuren und lässig gewellter, die die Zeit zurückdrehen in die
50er. 'Lulu Dance' pingt mit Katzenpfote ¡ und ¡ und ¡ und jagt zu Trommelwirbeln den eigenen Schwanz, reißt ab für zeitvergessene Katzenblicke und dreht sich mit trippelnder
Reprise wieder im Kreis. Zorn spiegelt sich in kleinen Repetitionen und heftigen Prankenhieben, die sich vom Stakkato zum rasanten Arpeggio verengen und kapriziös über sichselber hinwegspringen. Thornhill wird fragil und bedächtig evoziert, mit kristallinem Klirren und dem Kontrast eines versonnen repetitierten Leitmotivs und funkeliger Beschleunigung in treibenden 16teln, die ins Pizzicato abfärben und ins Flirren der Cymbal. 'As We
Are' folgt mit dunklen Fingerabdrücken von Gress, während Courvoisier, ganz Wildfang,
die Tonleiter rauf und die Treppe runter tollt. 'Birdies of Paradise' spielt an auf Gressens
Birdwatching, mit Messiaen'schen Vogelrufen, pianistischen Calls und Pizzicato-Response,
singenden Bogenstrichen und Klavierdrähten, holzig klappernden Lautketten. 'Galore'
setzt surrend gestrichene Wellen und zickzackende Tupfen, denen die Pianohand beiläufig
folgt, in Hülle und Fülle gibt es - Lakonie. 'Nicotine Sarcoline' bringt entschiedene Läufe
und deren plonkenden Schatten, tonleiterkraxelnd in gehämmerten, tremolierten Stufen,
aufwärts mühsam, abwärts, zu kollernden Beats, gehupft wie gesprungen. 'Highway 1' evoziert zuletzt mit getragenem und grummelndem Arpeggio, bebendem Bogen und düsterem
Zweiklang, rascheliger und spukender Percussion, dusterem Pizzicato, funkelndem Pianound einem Gressens Händen entspringenden Geisterpferdchen, durch und durch gothic,eine Geisterstunde in der Villa Diodati im Jahr ohne Sommer.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
John Wolf Brennan, der keltische Keyboarder in Weggis, hat nach 30 Jahren mit PAGO
LIBRE allen Grund für ein festliches 'Hol-di-o-U-ri!'. Der drummerlose Vierer mit dem Moskauer Hornologen Arkady Shilkloper, dem Geiger Florian Mayer und dem Bassisten Tom
Götze, die aus Dresden hinzugestoßen sind, bietet mit Mountain Songlines (LR 886) eine
Revue ihrer Folklore auf der Suche nach dem passenden Volk. Als Bellevue und unablässig
suchender Blick nach dem Promised Land, zu dessen Schweizer Provinz der Musikethnologe Leonz Gassmann den Schlüssel im Ur-Motiv "Holdio Uri" glaubte gefunden zu haben,
während sich Bruce Chatwin in den Songlines der Aborigins die Urform auftat, in der die
Menschheit sich die Welt erwandert hat. Für Brennan ist die Out-of-Africa-Hypothese eine
Selbstverständlichkeit und er lässt das gleich in 'Hornborn Hymn' anklingen, zu Eurostrings
und Waldhornschmus. 'GTE (Grande Traversa Elbana)' hat er eigenfüßig erwandert, wirbrauchen da zu geharften und gepickten Pianodrähten und fiddeligem Gypsyswing nur mit
dem Pantoffel zu tappen. Bis auf den Gipfel des Monte Capanne, bester Ort, um zu 11/2Groove genüsslich ins Horn zu stoßen, dem Himmel so nah. 'Urwuchs' wurde Mayer voneinem knorrigen Baum zugeknarrt, zugeflüstert, während Götze um den Ararat, blumig'Armenian Princess' genannt, seufzt, die in türkischer Gefangenschaft schmachtet. Undauch, während Falken über dem Abgrund kreisen, mit dem kurdischen 'Cümbüs' begehrt
er, grollend und trotzig tanzend, gegen türkische Despotie auf. Was er da mit dem Bass
und wie die Geige einem da eine Gänsehaut macht, ist umwerfend. 'Ridge Walk' gratwandert als elegisch improvisierte Klangfarbmelodie. Mit dem x-fach durchdeklinierten 'Tü-dado' der Schweizer Post schlängeln sie sich auf Serpentinen, Sonja Morgenegg, Brennans
Partnerin in Sooon, juchzt ein Jüüzli, während Shilkloper mit Alphornmundstück wiehert
und ins Tal ruft. 'Selbsanft' schwebt auf 3029m, 'The Melody of the Earth' umkreist die Welt
am 30. Breitengrad, auf dem 82 Höhen- & Tiefen-Punkte als Noten die Melodie bilden.
Morgenegg reicht als Delphinbotschafterin Klage ein, über und unter dem Meeresspiegel
legt sich Wehmut aufs Gemüt. Das Volk aast, und die Welt schwitzt.
Mit platzDADA!! (LR 887) legt Leo die 2007 erschienene Scheibe neu auf, für die das PAGO
LIBRE SEXTET 2009 den Deutschen Schallplattenpreis erhielt. Mit, neben Brennan & Shilkloper, damals noch Georg Breinschmid am Bass und Tscho Theissing an der Violine, derdas R rollenden Kabarettsopranistin Agnes Heginger als drittem Wiener Schnitzel und an
den Drums Patrice Héral, kürzlich auch wieder bei "Got Hard" gut Freund. Brennan
braucht für das Thema nur durch die Zeit zu greifen, denn er ist in Weggis schon vor Ort,
wo Hans Arp, dessen Vater dort eine Tabakfabrik leitete, die Grundzüge seiner Arpistik
ausbrütete. Um dann in der Zürcher Spiegelgasse 1916 als Nachbar von Lenin das Cabaret Voltaire in ein kleines 'Dadábabylon' zu verwandeln, während Vladimir Ilych Petrograd im großen und brutalen Stil aufmischte. Arp flattert als Vogel Selbstdritt in Wolkenkuckucksheim, er glaubt an Sankt Ziegensack & Fassanbass und papperlapappt verbale
Purzelfrüchte, er findet synthetische Menschen sympathischer als geistig umnachtete Eier,er öffnet Tauben- & Donnerschläge und entpflockt Zwerge, aber Killerinstinkt hat er keinen.
Obwohl, den Tzara hätte er, wie der Moskauer Oberdada den Trotzki, am liebsten als falschen Dadaisten den Raupen zum Fraß vorgeworfen. Aber er rollt dann doch bloß als Pferd
in der Eisenbahn von A. nach B. und grübelt vor dem leeren Horizont über das schwarze
Licht aus dem Inneren der Welt. Bei Kurt Schwitters mümmelt immerzu die Kuh, es krawallt und krächzt, Rinn!zekete, die Ursonate. Das Horn gruuuft, der Wahn wächst, die Welt
fällt, pendelnd (wie Nabokovs "Ada or Ardor") vor Verlangen zwischen Ad (Ад) und Da (да),
als großes Ja zur Hölle, als 'Le grande Ardeur de Dada'. Oh ja, my Zickenbaby, meine süße
Ragtime-Puppe, mir ist alles schnuppe, ich bin ein Schwein, ich bin der Beat, der, von 1 bis
12, von Z bis A, den ganzen Schas zusammenhält. Inklusive 'Das fröhliche Greislein' alslachhaftem Schnickschnack von Daniil Charms und 'A klanes Brabitschek' als hirnausreißerischem Weana Couplet. Was für ein Schmatzn-Gfret, mit Walzer, Tango, frag mi net,
mit pikanter Acnalbasac-Noomistik und grotesk schnauzenbauzenden Kapriolen, lyrisch,theatralisch, im Chor und, o Bäsenstiel, o Ringelgschpül, schlichtweg sensationell!!
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Kaum lernte ich LUCIA MARTINEZ im Bob Spice Quartet kennen, zeigt Frágil Gigante (LR889) sie gleich nochmal, mit nun BALDO MARTINEZ am Kontrabass und JUAN SAIZ an
Flöten. Ersterer, Jg. 1959, hat mit Carlo Actis Dato "Folklore Imaginairo" gespielt, mit
Agustí Fernández und Ramón Lopez, mit Clunia schon seit den 80ern, mit seiner eigenen
Grupo und auch mit Lucía, die mit Jg. 1982 seine Tochter sein könnte, schon im MBM Trio.
Saiz ist mir auf Leo 2016 mit Pindio als sportlicher und pfiffiger Flötendrehwurm auf Spanienrundfahrt begegnet. Hier nun erscheint er in wechselnder Gestalt: Er ululiert glitschig
wie Carlos Bechegas, wechselt aber ins folkloresk Melodische und zu lerchenseligem
Tremolo. Lucía huscht dazu als Windsbraut, mit Besenwischern, wie auf Windhundpfoten,
mit windspielerischen Glöckchen, mal raschelnde, streichelnde, tupfende Allgegenwart,
mal leiser Blechdonner oder ein Snarebeben. Baldo entfaltet dazu eine meisterliche
Poesie des Sonoren, mit summendem Pizzicato, in dem sich Tristesse mit Sehnsucht paart.
Saiz reißt Luftlöcher, faucht tonlos, das Becken umrauscht pure Flötenelegie. Er pustet
wispernd zu flirrenden Strings und trappeligen, crashenden Gesten und findet dochwieder zu einer tutenden Klangfülle, die sich mit sonorem Arcosang mischt und stürmisch
trillernd eskaliert. Vogelige Erregung wird plonkend interpunktiert, die Flöte spinnt einen
Dauerton zu kollerndem, klapperndem Flow, bis zur vogeligen Reprise. Baldo lässt den
Bogen singen und beben, als Cello mit Trauerflor zu aufbegehrendem Tenorsax und erregtem Drumming. Lucía klirrt, gongt, crasht zum dunkel geflöteten 'Bradada', Baldo setzt
dazu schwarze Tupfen und treibt Saiz zu einer trillernden Tirade. Aus Dunkel wird Licht,
aus Lust wieder Leid. Zu den Klopfzeichen von 'Freaks' greift Saiz zum Soprano und gibt
dem abgerissenen Duktus einen überkandidelten Drive. Baldo, eben noch mit Pizzicatokapriolen unterwegs, zupft bei 'Saku' wieder Trübsal, von Becken und der Flöte hörest Du
kaum einen Hauch, aber doch alles bittersüße Weh am Cabo Fisterra. 'Nana' steigert das
noch mit fragiler Percussion, vogeliger Flöte und einem mit dem Bogen gesungenen Lied,wie es vor Jahrhunderten auf dem Jakobsweg erklungen sein mag.
Der Trienter Flötist STEFANO LEONARDI, der stark von Harry Sparnaay geprägte Bassklarinettist & Uomo Universale MARCO COLONNA aus Rom, der von Ongon-Schamanismus und "Häxan" faszinierte ANTONIO BERTONI an Cello & Guembri, der Bassist FRIDOLIN BLUMER und HEINZ GEISSER von Ensemble 5 an den Drums, die haben gemeinsam
schon bei "L'Eterno" (2018) im Trentino dem Wind, der dort die Kiefern zaust, und denGeistern der einstigen Lagorai-Front gelauscht. Nun lassen sie mit Aura (LR 890) Drachen
in den 'Astral Garden' aufsteigen. Sie versuchen Lehm ('Clay') Atem ('Breath)' einzuhauchen und 'Sand Shapes' einen 'Pulse'. Nach schrillen Weckrufen als Einstieg, wechselt
Leonardi, zu Bassklarinette und dunklem Rumor, mit Sulittu (oder Dilli Kaval) gleich wieder
zurück zu vogelig spitzen Trillern und zu bebender Launedda, zu der nun Colonna sopranistisch tiriliert. Ihr Ehrgeiz ist nicht so groß, Menschen erschaffen zu wollen, sie lassen,wenn ihnen der Hut hochgeht, Vögel ausschwärmen. Flatternde Verkörperungen dessen,
was Odem hat, was vor Vitalität und Melodieseligkeit überquillt, wenn es nur den Schnabel
aufmacht. Bertoni vibriert oder rupft an Guembrisaiten, Blumer plonkt, Geisser klirrt, Colonna tremoliert und vor Leonardis Mund wird aus Lehm ein Uuu, mit der tönernen Bassokarina Xun in Form eines Gänseeis. Zu gedämpftem Uuu in tiefer Melancholie pocht Geisser die Basstrommel, er raschelt muschelig und klackt holzig zu versonnenem, heliotropem Bassklarinettengesang, der Colonnas Verehrung für Fred Ho und Rahsaan Roland
Kirk verrät. Gemeinsam sind sie bestrebt, Musik zu machen, die urig klingt, die urtümlich
summt, mit Waterphone unkt, doch auch mit poetischer Sophistication und gut fortgeschritten in der Schamanenschule. Als pizzicatogetriebenes, tropfend klackendes Tamtam,
guembrispröd, doch flötenschön. Aber zur dudelsackähnlichen Launedda und Colonnas
erst getragenem, dann tirilierendem Sopranino auch ganz feurig jazzend zu allervogeligstem Geflöte, als 'Requiem' für Phönix. Das Sopranino zieht Fäden und die Launedda mit
sich in den vertrillerten Aufwind ('Threads'), Geisser patscht und kesselflickt, Saiten werden wie von Windrädchen gestreift, der Bass rumort. Mit solchem Flöten kannst du denGeist der Schwere töten. Die Schamanen schaffen, flötend und muschelrasselnd, bis zum
Abendrot, das bei 'Afterglow' aufblüht.
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HARRI SJÖSTRÖM, das Saxophon-As aus
Turku, hat sich seit den frühen Jahren mit
dem Quintet Moderne und durchlauferhitzt
bei Cecil Taylor fit gehalten mit Move, Up And
Out oder dem Sestetto Internationale (alledrei eine Art Update des Quintet Moderne).
Oder mit Xol dann schon mit Italienern, wieauch hier bei Duos & Trios (LR 892), im Dezember 2019 als Gast des Poeten, Essayisten
und Schöpfers von Opera grafica SERGIO
ARMAROLI in Biella, der sich nach Sjöströms
Spiel mit Matthias Bauer & Andrea Centazzo
einiges erwartete von der Kombination seines
Vibraphons mit dem Soprano und Sopranino
des Finnen. Armaroli hat auf der Suche nach
der ihm vorschwebenden hypnotischen, enigmatischen, hermetischen, kryptischen Armonia Anarchica eine große Spannweite vom
eigenen Axis Quartet und "Early Alchemy"solo über den jeweiligen Zusammenklang mit
Riccardo Sinigaglia, Alvin Curran, Walter Prati, Fritz Hauser oder Elliott Sharp und immer
wieder gern mit dem Oldtimer GIANCARLOSCHIAFFINI und dessen Posaune. So auch hierbei den drei Trios, die gut 32 der insgesamt
70 Minuten anarchistisch, posaunenlaunig
und spongebobig gestalten. Auf einem permanenten Schlingerkurs zwischen tadellöser
Harmonie und growliger Schreiße mit ubuesker Reiße, mit verstopft quakender, stöhnender, plörrender Trombone und à la Alexei
Kruglov quäkendem Saxgetröte. Armaroli als
Weißclown in höheren Sphären, Schiaffini mit
seinen 77 Jahren und Sjöström mit seinen 67
alle Sorten von Clowns, vulgär furzend oderspöttisch geziert tuend, scheinbar zu Todebetrübt und gleich wieder übermütig. Wobei
schon die neun Duette die kristalline Klimperei als Kronleuchter aufhängen und Sjöström
dazu fiept, gackert, kräht, kläfft, schrillt, tiriliert, in allen Schattierungen von blechern undheiser bis kapriziös und vogelig überkandidelt, von gespaltenem Gezüngel und klapprigen Lauten bis zu vollmundigen Intervallsprüngen und Purzelbäumen und sogar einem
lyrischen Träumelchen. Etwas näher bei Urs
Leimgruber als bei Evan Parker, aber mit ganz
eigenem Temperament. Armaroli lässt dazu,
picobello getrimmt, Glasperlen springen und
flippern oder das Metall aufscheinen, aber
innerlich ist er ganz Schmuddelkind geblieben, der bei 'Duet Seven', heiser bespotzt,
nur schrottig klappert.
Fotos: Pago Libre - Saiz, Martinez, Martinez - Marco Colonna - Armaroli & Schiaffini20

RareNoise Records (London)
WORLDSERVICE PROJECT reimt sich nun schon zum dritten Mal auf RareNoise Records,
und die Brexit-verkaterte Partyband zeigt sich bei Hiding In Plain Sight (RNR 121, CD/LP)
so aufgekratzt und avant-funky wie wir es lieben. Dabei hat Frontmann & Keyboardwizard
Dave Morecroft nunmehr in Rom den halben Kontinent als Cordon sanitaire zwischen sichund den Insulanervirus gelegt. Gegen die falschen Propheten, die sich an Lügen aufgeilen('Sex, Lies, Lies and Lies'), ist er zum Luftmensch geworden, dem Arthur O'Hara am Bassbei der kritischen Introspektion und Neuorientierung ('Where Am I') zuverlässig zur Seite
steht. Neuen Schwung bringen daneben Ben Powling als Saxer und Luke Reddin-Williams
an Drums, beide von Vipertime aus Leeds. Wobei Powling mit dem Rückenwind der vonFela Kuti, Sun Ra und Funkadelic inspirierten Mansion of Snakes daherkommt und auch
mit K.O.G & The Zongo Brigade in der Afrobeatfraktion mitmischt, und Reddin-Williams mit
dem Roller Trio den UK jazzzzzzz auffrischt. Für 'Pomped-Up Freddie', 'The Higgly Giggly
Wiggly Woo', 'Europhiles' und 'Onward' posaunt dazu der Riot-Jazz-bewanderte Kieran
McLeod aus Aberdeen. Aber los geht's mit dem bass-gekickten, melodieseligen, tenorsaxhymnischen 'Deeper' und dem bassknarrigen Uptempo von '...Freddie', das schaumschlägerisch röhrt und trötet. Während die Welt unter der Egomanie böser Clowns aus den
Fugen geht, treten aus den Spalten die bisher Unsichtbaren, die dem Zusammenhalt
dienen. Mit wehenden Bannern und mitreißendem Schwung versuchen sie Mr. Giggles als
Imp of the Perverse Paroli zu bieten. Morecraft setzt dem Trauerspiel der Lügen eine
italienisch deklamierte Brandrede entgegen. 'The Kipper and the Pork Pie' haut Boris
Johnson seine Bückling- & Schweinepasteten-Lügen um die Ohren, bevor wieder Mr.
Giggles triumphiert, aber mit (V wie) 'Vendetta' vehementen und stakkatodurchzuckten
Sturm erntet. Morecroft raunt erneut italienisch zu 1, 2, 1, 2, 3-Beat und furiosem Gebläse
sein moll-gesäumtes Bekenntnis zu Europa. Und 'Onward' ist zuletzt mit gedämpfter Posaune und elegischen Keys allem zum Trotz ein Bindungszauber, ein Vorwärts!, Millionen,
Alle Guten, alle Bösen / folgen ihrer Rosenspur. Freude heißt die starke Feder...
MERZBOW, MATS GUSTAFSSON & BALÁZS PÁNDI setzen mit Cuts Open (RNR 122, 2xCD/
LP) ihre Schnittfolge aus "Cuts" (2013), "Cuts of Guilt, Cuts Deeper" (2015) und "Cuts Up
Cuts Out" (2018) fort, nun wieder ohne Thurston Moore. Mit vier Seitenfüllern von über 23,
über 21 und fast 18 Minuten, deren Titel der belesene Schwede den Romanen "Jag for ner
till bror" & "Vi for upp med mor" seiner Landsfrau Karin Smirnoff abgeguckt hat. Merzbow
steht für Noise, Gustafsson für Fire! und The Thing, Pándi für Metallic Taste Of Blood undCement Shoes. Die Erwartung darauf wird nicht enttäuscht. Aber der Weg dahin ist dochein unerwartet langer, ein dräuendes, schwelendes Quellen und gedämpft dröhnendes
Sickern. Alle drei hantieren mit dezenter Perkussion, rasselnd, muschelig und metallischklirrend oder klingelnd neben Pándis kollernden und scheppernden Eingriffen, Gustafsson
flötet und setzt wie Masami Akita noch prickelnde, sirrende und rumorende Electronics
ein. Alles andere als In yer face! Schleichend, tastend, an Mayas Schleier zupfend, alles
Klang, kaum ein Puls, selten eine zielgerichtete Linearität, eher etwas Schamanisches undfernöstlich Rituelles mit Tempelschellen, wenn auch mit Stromanschluss und mit aufrauschenden Wellen. Sirrende und tuckrige Spuren führen in 'And we went Home' als BSeite. Mit rollenden Paukenschlägen, elektronischem Sprühnebel, perkussivem Pianissimo, metallischen und steinigen Tönungen, Atemzügen, sanftem und wummrigem Druck,
repetierten Impulsen und mit Pándi dann doch als galoppierendem Vorreiter einer breiten
Noisefront. Mundstückkürzel, schrottig perkussive oder läutende Klänge und Elektrogespinste, die zu dengelnden Schlägen und weiteren abgerissenen Lauten und Baritongebrumm von Gustafsson zu surren und zu knattern beginnen, lassen im Dunkeln, wohin
Mutter einen danach führt. Erst 'He locked the Door' bringt zuletzt die Wendung ins hornissig surrend und trommelnd Aggressivere, noisig nesselnd, brausend, wühlend und mit
stöhnendem, von Pándi beknattertem Geröhre von Gustafsson als final wütendem Ausund Durchbruchsversuch.
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Olaf Rupp - Audiosemantics (Berlin)
Haferbrei macht angeblich sexy, aber nur Spinat macht
Popeyes wie OLAF RUPP, unseren gerade erst wieder
mit Xenofox bewunderten Gitarrero. An seiner Seite bei
plursathn (6xFile) ist diesmal mit JOHN HUGHES ein
Kontrabassist, den es vor gut 20 Jahren nach Hamburg
gezogen hat. Wo er Spielgefährten fand wie seinen
trommelnden Landsmann Chad Popple, den Keyboarder
Jörg Hochapfel, die Saxofonisten Lars Schatzberg und
Frank Paul Schubert, aber auch Nicolas Wiese aka[-Hyph-]. Mit Rupp vertraut ist er seit mindestens 2015,
doch die Karawane zog seither weiter und der Mondhörte die Schakale in den Thymian-Wüsten heulen. Denn
die Sintflut hat sich aus dem Staub gemacht. Schwarze
Tücher und Orgeln, - Blitze und Donner, - steht auf undentrollt euch; - ihr Wasser, ihr Traurigkeiten, steht auf
und bringt sie zurück. Rupp & Hughes unterstreichen
Rimbauds Aufruf in 'Avant le Déluge' mit diskant
schleifenden und stöhnend glissandierenden Klängen.
Auch wenn es nur der kleinste Teil ist, so ist das dochtonangebend und richtungsweisend für diese schwindelerregende Stunde, die Hughes vor allem mit dem
Bogen beharkt, mit rauen, schrillen Schraffuren, Saitensprüngen und knorrigen Querschlägern. Rupp seinerseits pickt, rupft, trillert, flirrt dazu eingedellte undkrumm gezogene Töne, brütend angedunkelte ebenso
wie pikant zugespitzte. Als Taumel geballter und verzerrter Klänge zwischen Avant und Zen, im Zwielicht
von '(a) light in the vacuum of (a) doubt', mit 'Oh theplaces you won't go!' als Stoßseufzer anno Corona.
Rupps Rasgueados schnippen Viren von den Saiten,
einige zerquetscht er mit rasendem Tapping, beide
zerclustern und zerpflücken sie ein drohendes Vakuum
with all means possible.
Man muss sich Rupp immer wieder mal solo anhören,um das schwer Fassbare zu bestätigen, dass er mehr
Töne parat hat als ein Hund Flöhe. Töne, die er so monströs, muddy und nagging der E-Gitarre entreißen kannwie bei Fuzzy Logic (7xFile), wo er sich im März 2018
eingegroovt hat, um als Opening Act für Michael Giradem monokulturfixierten Gestänker von dessen Fans zu
trotzen. Er, den die Swans schon 1983 gekickt hatten,
sitzt da in einer Dunstglocke aus Free Jazz, Plinkplonkanova und melancholischer Swan-Song-Distortion wie
Pythia auf ihrem dreifüßigen Schemel, harft wie inTrance, versenkt in seherische Dizziness, und sämtliche
Drähte, die den Himmel voller Gitarren mit der Unterwelt
verbinden, laufen heiß. Von dort scheint auch eine unsichtbare Hand in die vierhändige Klangberauschungmit Hughes zu greifen, als perkussives Drittes undklangliches Surplus. Mir kommt dabei Skeleton Crew in
Erinnerung, nur grüner und noch viel schräger.
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Udo Schindler@ Creative Sources Recordings

Fabulierblättchen (CS 653)? Wer lästert da gegen die BA? Quatsch, die sich da am
19.7.2019 bei 95. Salon für Klang+Kunst in Krailling in sausender Erregtheit 'in ein Vibrato
begeben', die österreichische Geigerin IRENE KEPL und natürlich UDO SCHINDLER als
Hausherr, sind einfach nur animiert durch die Poesie von Friederike Mayröcker. Kepl hat
sich ihren Namen gemacht frei improvisierend mit Mark Holub (von Led Bib und Blueblut),
komprovisierend mit Petr Vrba & George Cremaschi, komponierend und mit Conduction
mit dem Ensemble Verso, im Alleingang stringtheoretisch oder mit Bach als Palimpsest,
sowie als komponierende Leaderin des Streichquartetts Violet Sp!n. Sie hält den Bogen,als wollte sie von der Violine eine 'Morgenscheibe rotorange' abschneiden, aber wenn
Schindler in 'des Schicksals Blasrohr' stößt, ist ihr jedes Mittel zugestanden. Kepl zieht zu
klarinettistischem Anhauch schillernde Klangfäden, die sie bekrabbelt und auf Reißfestigkeit testet. Flageolettisierte Schwünge kopulieren katzenjämmerlich mit kakophon
gepusteten Lauten. Klingt so Hausmusik bei Dr. Caligari? Schindler knarrt zwei Bassetagen tiefer, Kepl klopft und flattert, rupft und zupft. Er 'flötet', schmatzt, züllt, presst,
schrillt, faucht mit verstopftem Kornett, sie prickelt und nagt an Naturdarm, knarzt undzirpt an Kunststoff, surft mit dem Bogen über verbogene Frequenzen. Pianissimo ist zahlreich vorhanden, haarspalterisch zerfasert, in kritzeligen Fitzeln und in spitzen, blechernmaunzenden und klarinett girrenden Spaltklängen. Kepls Striche schliddern daxophon,
Schindler rührt mit der Zunge am tiefen Ende in kontrabassigem Brei. Da noch grollige,
und gleich wieder kornettistisch gepresste und geknörte Töne harmonieren mit violinistisch gepfiffenen und Ausrutschern ins Euphone oder rosenkäfergrün Schillernde. Tief
im extremen Echoraum pickt die Geige wie ein Madenhacker an der kontrabassdicken
Schwarte eines Nashorns oder Büffels oder sie sirrt wie eine Pferdebremse. Ob so oderso, Groß und Klein sind hier vereint, ohne dass Blut fließt.
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Zum Raum wird hier die Zeit, bin ich versucht zu murmeln, zu Music in Space (CS 650) als
Wiederhören mit UDO SCHINDLER & MASAKO OHTA, nach "回遊式庭 = Kaiyūshiki Teien"2017 nun am 6.12.2019 wieder im Salon für Klang+Kunst in Krailling, wie auch schon bei"Ohenrosan", aufgenommen beim 25. Salon 2012 und 2014 als CD vorgestellt beim 47.
(woraus ein Exzerpt auf "Botenstoffe" erklingt). Die japanische Münchnerin an einem
Pleyel-Piano zu hören, das legt allerdings Chopin näher als Parsifal. Doch 'Yureugoku' &'Oinaru hi ni' als Titel weisen in eine völlig andere Richtung - zu „Der schwarze Ast“ & „Der
atemlose Stern“ aus der Romantrilogie „Grüner Baum in Flammen“ von Kenzaburō Ōe.
Ohta tastet, nein, sie pickt sich mit fragiler, drahtiger Perkussivität hinein in einen nur vage
angedeuteten Raum, den Schindler mit spuckiger, dunkel ululierender Klarinette tönt.
Gestufte Zwieklänge schlagen Treppen in die von ihm mit Intervallsprüngen, kurzen Vogelrufen und tirilierenden Spaltklängen gelöcherte Luft. Ohta tanzt gnomisch im Innenklavier
und perlt Tontrauben hin zur Melancholie eines Chopin'schen Notturnos. Oder ist das
Toru_Takemitsu-Feeling? Die Klarinette sitzt daneben auf einem schwarzen Zweig unddenkt lauthals über das Leben nach, krächzend und heckenschmatzerisch, während Ohta
nun doch auf den einen oder anderen Punkt pocht, ohne, gleich wieder träumerisch,darauf zu beharren. Schindler murrt und schnarrt in kontrabassabgründigen Fasolt-undFafner-Registern, Ohta hantiert und klopft geräuschhaft an den erzenen Rändern der
Klangwelt, halb dissonanter Beat der Sorge, halb nasedrehend tanzender Spott, während
die Bassklarinette röhrt und wiehert wie Wotans Ross. Das zweite Spiel ist ein anderes,
Ohta launig klimpernd, Schindler nuckelt und trötet mit Althorn. Hindemiths Sonaten fürHorn und Klavier (in Glenn Goulds Version) sind sein persönliches Déjà-vu dazu. Aberauch da lähmt Melancholie wieder Ohtas Finger, die sich in Draht verfangen. Schindler
brütet über Töne und presst sie aus, er benagt sie wie Minotaurus einen Knochen, vertreibt sich pfeifend die Zeit, surrt absurde Kurven und vergeht darin. Ach, könnten meine
Bilder den eigentlichen Reiz dieses Tête-à-têtes, das ich für eines seiner poetischsten undinnigsten halte, doch nur annähernd in Worte fassen.

Fotos: Schindler & Ohta © KP Mendler - Kepl © Michael Kurz
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„And now for something completely different.“

STEPHEN FLINN lehrt Beautiful Beats und "Contemporary Urban Percussion" in L. A.,
Phoenix und New York und erholt sich davon im Flinn Lytle Maroney Trio oder mit Lauren
Nagaryu Ruben an Shakuhachi. Das war nicht immer so. Ich habe da was läuten hören vontraining as a fighter in an east-LA boxing gym, von working as a Dublin-based radio discjockey and news reader und sogar living as a Buddhist forest monk in Thailand. Ich bin auf
ihn gestoßen bei einem seiner Picknicks am Wegesrand als "Architect of Adversity" (2008,
CS 117) und als geräuschaffinem Tintenfisch in einem britischen "Ink Room" (2011, CS
193) mit Steve Beresford und Dave Tucker. Hier bei Red Bell (CS 656) reißt er das Klangfenster auf mit gestrichener Cymbal, pfeifend und dröhnend, mit Frequenzen, die einem
die Härchen aufstellen und die Zähne fletschen lassen. Hallende Schläge auf Fell und auf
Eisen nehmen den sirrenden Strichen etwas die Schärfe, der metallische Wellenwurf undAndrang ist dennoch nichts für allzu Zartbesaitete. Bei 'Breath' kratzt und reißt Flinn
weiter an Metall, das er knarzen und so 'singen' lässt, dass man dazu vielleicht das scharfe
Schwert und die spitzen Lanzen visioniert, die in Max Beckmanns "Messingstadt", im letzten Kriegswinter 44/45 gemalt, ein Liebespaar bedrohen. Mit 'Levels of Sky' fügt Flinn dem
Bild ein dräuendes, wühlendes Rumoren und wummernde Bedrückung hinzu. 'Divulging'?
Die Liebenden sind schon nackt, ihre von Bomber- und Panzergeräuschen zerschnittenen
Erinnerungen ahnend enthüllt. Bei 'Seeds and Rain' bilden Schnitt und Sang ein eisernes
Paar aus Schmerz und Hoffnung. Knurrige Drones changieren zwischen einer motorischen
und einer animalischen Anmutung, zwischen den 'Drachenzähnen' als Panzersperren desWestwalls und den mythologisch gesäten des Kadmos, wie Maxfield Parrish es vor Augengestellt hat. Flinns kryptische Suggestionen scheinen das Äußerste an Wahrheit zu sein,
das sich sagen lässt. 'Teacher's Art' besteht bei ihm darin, in gongdunkler Aura und donnerblechern aufquellenden Wolken das Messing zum Sprechen zu bringen. In aushallenden Wellen gepaukter, gepingter, klirrender Schläge wispert es »Mythos«, flüstert es»Ritus« und rät zu Repetition, damit alles bleibt wie es ist. Doch der Mythos warnt: Die
Welt ist eine Schlangengrube, denn Kadmos' geliebte Harmonia, Tochter der Aphrodite,
hat Ares, den Gott des Gemetzels, zum Vater. Entsprechend blutig ihr Erbe.

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Die Union of God's Musicians and Artists Ascension und das PAN AFRICAPEOPLES ARKESTRA als zugehöriges
Sprachrohr waren die Mittel, mit denen
HORACE TAPSCOTT (1934-1999) von
Anfang der 60er bis zu seinem Tod sein
Credo verwirklichte: Come together,stay together, play together, play for thepeople. Alles dreht sich um 'community',
ein urbanes Stammesbewusstsein, dasüber The Dark Tree (ähnlich dem Hometree auf Pandora) neural vernetzt ist
mit den Vorfahren und deren Erbe(n).
Ancestral Echoes (Dark Tree, DT(RS)13)
dreht - nach "Why Don't You Listen" live
@ LACMA, 1998 (BA 103) - die Zeit zurück auf Januar 1976, zu Sessions, diein einem Studio in Covina knapp 40 kmöstlich von L. A. entstanden. "The Dark
Tree", so heißt auch S. L. Isoardis Standardwerk zum Thema, das anhebt mit 'Ancestral Echoes: Roots of the African American
Community Artist' und Tapscotts frustriertem Ausstieg aus der in Kommerzzwängen verschlissenen Bigband von Lionel Hampton. Um in South Central Los Angeles sein Lebens=
Werk zu initiieren, ebenbürtig dem von Sun Ra als anderem Noah in Philadelphia und dem
von Muhal Richard Abrams in Chicago. Unter den Augen von Frederick Douglass, Booker
T. Washington und Harriet Tubman, gestärkt mit einem Stolz, der sich der westafrikanischen Königreiche erinnerte, der Kulturen der Yoruba, Ashanti und Hausa, der Tradition
der Griots als Barden, Propheten, Kritiker & emotional historian of a people. Eingesenkt
ist das in Tapscotts 19-min., wie von Charles Ives angehauchtes, doch von Afrodrums
aufgemischtes, mit Stakkato gepushtes Piano Concerto 'Ancestral Echoes', das die Ahnen
sprechen lässt durch sein anspielungsreiches Piano, Steven Smiths Trompete und Jesse
Sharps' Sopranosax, zuvorderst aber durch Kamau Daáood, dem Griot der 'Leimert Park'Szene, der die schwarzen queen mothers & forefathers feiert, als sculptors of pyramids &inventors of science, als Unbeugsam-Unsterbliche, die ihr Licht durch die Zeit schicken.
Sharps hat übrigens in den 90ern mit Ron Ringwood's Gospel Messengers oder den SkaPunks Loaded einige Spuren in Germany hinterlassen. Seit 2005 wieder in L.A., machte er
mit The Gathering das Arkestra wieder flott. Anno 1976 hatte das, durch endlose Proben
aufeinander eingeschworen, die Ancestors ebenso verinnerlicht wie Tapscotts schon
länger erprobtes 'Sketches of Drunken Mary', mit Michael Sessions berauschtem Altosax
und quirligem Flötengepiepse von Aubrey Hart. Protagonisten beim von Guido Sinclair
rhythmisch markant komponierten 'Jo Annette' sind Charles Chandlers übersprudelndes
Tenorsax, ein Horn und Tapscotts animierte Klimperei. Die 27 ½-min. 'Eternal Egypt Suite'als Erstgeburt des Reedplayers Fuasi Abdul-Khaliq beginnt auf bebendem Fond mit Adele
Sebastians innigem Flöten und gelangt, bläserisch aufwallend, mit Tamtam und rhythmischem Loop, über brüchige Pianinopoesie hin zu vogeligem Trillern, zu Trompetengesang von wieder Smith und zuletzt Abdul-Khaliq selber, der mit Tenorsax Löcher in die
Decke bohrt. Mit der Hingabe, die ihn in den 80ern mit der Black-Panther-Aktivistin und
Medical Marijuana-Vorkämpferin Sister Somayah Kambui (+2008) zusammenführte, um
gemeinsam im Malcolm X Center das The Family Teahouse and Jazz Café zu betreiben und
als Black Belt Symphony kämpferische Musik zu machen. Ihn erwartete eine dauerhafte
deutsche Zukunft, seit 1992 in Berlin, mit Journey To The Source und als langjähriger
Kurator und Leader der Little Big Band an der Werkstatt der Kulturen, deren stattgefundene 'feindliche Übernahme' er entschieden kritisiert. Es braucht die-hards wie
Sharps, Daáood und Abdul-Khaliq, damit die Lichter nicht ausgehen - light / lightness /melody of feathers.
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The Future
Jazz of London

In South East London pulsieren die musikalischen Adern mit
Grime, Broken Beat, Jazztronica, mit Afrobeat, Highlife,
Township Jive, mit Dub, Calypso, Cumbia, Soca und all dem
andern aus Afrika und der Karibik Zugezogenen, das sichständig kreuzt und ständig mutiert. Die multikulturelle,
polystilistische Melange der dortigen Solidargemeinschaft
aus Erbträgern und Wahlverwandten 'Jazz' zu nennen, hat
guten Grund, denn Jazz ist der Schlüssel to unlock andinterpret dozens of other forms of music, sagt der Tenorsaxer & Jazzteacher Binker Golding. Denn es passiert danichts anderes als einst in New Orleans, Harlem, Kansas
City und Chicago, wenn auch mit all den postmodernen Vor& Nachteilen. Innovation ist heute meist nur Marktgeschrei(und ein Hebel, mit dem sich Konzerne Volksvermögen aneignen), in einem Wettrennen von Updates, Verfallsdaten
und Retromanie. Aber man kann die Vergangenheit verlebendigen, indem man sie 'verjazzt' wie Moses Boyd Exodus
und Theon Cross mit seiner Tuba [BA 106], wie Shabaka
Hutchings, die Saxofonistin Nubya Garcia, Kokoroko [BA103], die Sängerin Zara McFarlane, die, mit einem jamaikanischen Background, 'Black Treasure' mit 'Future Echoes'
verbindet, unterstützt von Moses Boyd und Binker Golding,zwei, die bei Exodus und als BINKER AND MOSES auf der"Journey to the Mountain of Forever" (2017) & "Alive In The
East?" (2018) - mit noch Harfe, Trompete und Evan Parker (!)- weit besser harmonieren als Moses und Aaron.
Der halb taiwanesische Keyboarder KAMAAL WILLIAMS,
der sein Zeug lieber 'Wu Funk' nennt als 'Jazz', hatte seinen
Durchbruch als Yussef Kamaal mit dem Drummer Yussef
Dayes bei "Black Focus" (2017), mit E-Bass-Puls, Trompete
und Shabaka Hutchings, und realisierte anschließend als
Leader eines Trios "The Return" (2018) und eines Quartetts
mit noch Tenorsax "Wu Hen" (2020).
Die Trompeterin EMMA-JEAN THACKRAY, eine YorkshireVersion von Jamie Branch, hat sich für ihre „PsychedelicJazz-Beats“ mit WALRUS alte Meister wie Glenn Miller, Miles,
Coltrane, Gil Evans, Michael Gibbs oder Soft Machine ebenso
einverleibt wie die zeitnäheren Madlib und J Dilla. Mit nur den
EPs "Walrus" (2016), "Ley Lines" (2018) und "Rain Dance"(2020) gilt sie schon nicht mehr als Greenhorn, Dank auch
der tüchtigen Walrösser Lizy Exell, ansonsten Drummerin bei
Nérija, Elliot Galvin (mit seiner Erfahrung mit Led Bib, John
Zorn und mit Laura Jurd in Dinosaur) an Hammond &Wurlitzer und an der Tuba Ben Kelly (von Ruby Rushton).
Aber mehr noch verblüfft sie als sogar singende One-WomanBand im Spirit von Teo Macero und Madlibs Yesterdays New
Quintet.
Das EZRA COLLECTIVE mit den Pastorensöhnen TJ & Femi
Koleoso als brüderlicher Rhythmsection, Dylan Jones an
Trompete, James Mollison (von Cykada) an Tenorsax und Joe
Armon-Jones an Keys machte mit der EP "Juan Pablo: The
Philosopher" (2017) Furore und festigte die Lorbeeren alsÜberjazzer mit "You Can’t Steal My Joy" (2019) als Sandwich
aus Sun Ra und Fela Kuti mit garantiertem "I didn’t know that
could be jazz"-Geschmackserlebnis.
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NÉRIJA ist dazu das feminine Gegenstück: Cassie Kinoshi - Altosax, Sheila Maurice-Grey- Trompete (beide von Kokoroko), Rosie Turton - Posaune, Nubya Garcia - Tenorsax, Shirley
Tetteh - Gitarre (beide auch in Maisha), Rio Kai - Kontrabass, Lizy Exell - Drums. Sie setzten
ihre Duftmarke als Tomorrow's Warriors und strahlende Blaskapelle mit "Blume" (2019).
Vier Nérijas gehören auch zum von Kinoshi geleiteten SEED Ensemble aus 4 Frauen, 5
Männern, das, mit sechsfach Gebläse, Theon Cross' Tuba mit in die Wagschale wirft. Bei"Driftglass" (2019) zeigen sie Darkies als Stargazer, Dream Keeper und Afronauten, alsinterplanetarische Migranten, mit Poesie von Langston Hughes im Reisegepäck, mit'WAKE (for Grenfell)' als von Cherise angestimmter Klage für die Opfer im Grenfell Tower.
Ganz ins Azure liftet einen der Drummer Jake Long mit MAISHA und "There Is A Place"(2018). Mit Amané Suganami (von Where Pathways Meet) an Piano & Wurlitzer, Twm Dylan(wie Long von Rosie Turton's 5ive) am Bass, Tim Doyle (von Cykada) & Yahael CamaraOnono (von Ill Considered) an Percussion, Shirley Tetteh an Gitarre und Nubya Garcia an
Flöte & Tenorsax, dazu noch Strings, Harfe und Trompete. In hausgemeinschaftlich mit dem
Ezra Collective geteiltem Spirit, auf Isisschwingen und in opulenten Klangräuschen verzaubern sie London schlangenbeschwörerisch in ein Fantasien, wo Gold und Honig fließen.
Idris Rahman - sax, Leon Brichard - bass, Emre Ramazanoglu - drums, Yahael CamaraOnono & Satin Singh - percussion, das ergibt zusammen ILL CONSIDERED und baut
Klangbrücken nach ungeschriebenen Regeln. Serienweise in bisher neun Folgen, plus
Mitschnitte von "Live at The Crypt" in Camberwell am 14.7.2017 bis "Live in Nantes" am
31.8.2018. Rahman, als bengalisch-englisch-irische Mischung 1976 geboren, hat mit seiner
Schwester Zoe, in Oriole mit Ingrid Laubrock & Seb Rochford, mit Tom Skinner von Sons Of
Kemet in Wildflower und seit 1998 als Leader der reggae- & afrobeat-beschwingten
Soothsayers auf Ill Considered hingearbeitet und nebenbei mit Arun Gosh auf die dumme
Frage "But Where Are You Really From?" mit 'Made in England' geantwortet. In seinem Fall:
Free Jazz made in London, mit fuzzy Bass Guitar und feuerzungigem Gebläse.
Singh mischt auch mit bei der "Nubian inspired party-punk music" von MELT YOURSELF
DOWN, kernschmelzheißem Scheiß mit Pete Wareham, dem Saxer von Acoustic Ladyland& Polar Bear, und Kushal Gaya, der wie ein Derwisch mit Feuer unterm Arsch schreisingt,
dazu noch Hutchings & Skinner beim Debut 2013 und "Last Evenings On Earth" (2016).
Wobei auch deren Nachfolgern bei "100% Yes" (2020) genug auf den Nägeln brennt: das
Grenfell-Feuer, die Killerdroge 'Crocodile'...
Vieles davon ist nichts anderes als die fortgesetzte Brandung der Brit-Jazz-Wellen aus- den Nuller Jahren: The Cinematic Orchestra, Spring Heel Jack, Portico Quartet, Led Bib,
Wareham & Rochford in Acoustic Ladyland und in Polar Bear mit noch Mark Lockheart, der- in den 1980ern & 90ern sein Tenorsax bei Billy Jenkins, Jah Wobble's Invaders Of The
Heart und Django Bates gespielt hat. Denkt an Rip Rig & Panic, Playgroup, Kahondo Style,Working Week, die Loose Tubes als weißem Zugpferd neben den all-black Jazz Warriors,
mit Orphy Robinson, Courtney Pine und Harry Beckett aus Barbados als Rückbindung zur- JazzBrass-Tradition der späten 60er & 70er: Michael Gibbs, John Surman, Mike Westbrook, The Keith Tippett Group, Ginger Baker's Air Force und die township-gedüngte
Ogun-Blüte mit Chris McGregor's Brotherhood of Breath, Elton Dean's Ninesense, Harry
Miller's Isipingo, dem Louis Moholo Octet & Viva La Black bis in die 90er. Und immer soweiter, mit Jason Yarde am Saxofon und schließlich Shabaka Hutchings als 5. Bloke.
Besonders stark, stärker als an den US-Jazz, ist aktuell die Rückkopplung an den Afrobeat
und an Riddims der Karibik, an NeoSoul und Hip-Hop und das, was durch Kendrick Lamars"To Pimp A Butterfly" in Grammy Awards verwandelt wurde. Man muss nur 'Reason in
Disguise' mit Jorja Smiths souligem Gesäusel oder das gerappte 'What Am I to Do' hören,um zu begreifen, wie eklektizistisch etwa das Ezra Collective sich da bedient. Noch hält
die Musik den Zerreißproben zwischen Feet- & Brainstorm stand. Auch wurde deutlich,dass sie nicht 'im Blut' liegt, sondern in der Luft und auf Plattentellern, als Faszinosum,
optional, eklektisch und variabel - Hutchings bläst bei the Ancestors sanglich, bei The
Comet Is Coming mit Stakkato-Trommelfeuer. Nicht optional ist der lange Schatten, den
Sklaverei und Segregation um diese vorbildlich farbenblinde Szene herum werfen. Dem
kann sich niemand ganz entziehen, schon gar nicht mit einer weißen Weste.
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Während ich mir noch einbilde, dass ich mich mit der Londoner Jazz Renaissance auf
Brownswood, Gearbox und Jazz Re:freshed nun etwas auskenne und mir der Kittel kaum
heißer brennen könnte als bei Melt Yourself Down, belehrt mich "Cykada" (2019, Astigmatic Records) eines anderen. Der krausmähnige Bassgitarrist Jamie Benzies und Tilé Gichigi-Lipere an Keys & Electronics, die auch schon bei Myriad Forest (mit Yussef Dayes vonYussef Kamaal) gezündelt haben, als Anstifter, Tim Doyle, der auch bei Maisha trommelt,
Axel Kaner-Lidstrom, halber Schwede und Leader vom Levitation Orchestra, an Trompete,James Mollison vom Ezra Collective am Saxofon und Javi Pérez aus Barcelona mit fetziger
Gitarre, kurz: CYKADA, die lassen es krachen mit Jazz der re:freshtesten Sorte: Afrobeat,Gypsybrass, Ethiojazz, Mbalax und Soukous, funky aufgemischt, mit Knowhow, das Benzies und Doyle als rhythmischer Teufelskerl in Don Kipper gemacht haben und deren Mischmasch von Turkish Fasıl, Rebetiko, Romani-Musik und Klezmer in North East London. Mit
Afrika als Füllhorn, Mbira und Tamtam und bläserseliger Partystimmung im Westflügel desGarten Eden - Stichwort: 'Creation'. Aber auch wieder mit Warpantrieb und eskalierender
Jazzcoregitarre mit Primetime- und Simulacrum-Zunder. 'Dimension Stepper' gibt Gas mit
D'n'B-Drive und Wahwah-Turbo, die Bläser und Keys aber geschmeidig und beschwingt
genug, um selbst bleierne Schritte wuselig zu beflügeln. 'Ophelia's Message' verbindet
schweren Basspuls und schmetternde Trompete mit flötiger Exotica von Gichigi-Lipere
und erst zierlichem, aber zunehmend verschärftem Saitenspiel in Tempo, das zu Balkanbrassriffs in rasantem Galopp anzieht, mit einem kurios unkenden Drumbreak kurz vor
Schluss. 'Realise' hebt an mit feierlicher Trompete über flimmernden Keys und murmeligem Bassflow und kommt superfunky in Fahrt, in Wellen und Stakkatosprüngen, always,
always, zugleich feierlich und stürmisch. Ebenso bei zuletzt 'Third Eye Thunder', inKreisen, die sich vorwärts schrauben, der Beat drängend, die Bräsel, Quatsch, Bläser
getragen, die Gitarre vertrillert, die Keys beiläufig befingert. Saxmelancholie bremst den
Sturm erst noch aus, der sich dennoch zusammenbraut und zu Bläserwellen ins Rollen
kommt. Ein Bassbreak korrigiert aber nochmal den Kurs und lenkt Cykada in eine Wolke
elektronischer Mystik.
Was misfitcity.org a simmering pot of phuture soul, West African rhythms and cheerful
Afrofuturism, the rapid offset breakbeat-splash and electrophonic edge of grime andbroken-beat, and (in particular) spiritual jazz genannt hat, ist eher so etwas wie Pandoras
Pithos. Nur dass daraus statt Schlimmem Positives entkommt: Visibility, Intersectionality,
Unification, Communication, Broad-Mindedness... Mit endlos vielen Geschichten und Vorgeschichten. Ob es auf die United-Colors-Zukunft hinausläuft, auf die SAWA-MANGA
einen werbenden Vorgeschmack gibt, das Quintett von Beat Wizard D'Vo [Tilé GichigiLipere] & der norwegisch-philippinischen Vokalistin And Is Phi mit Mark Mollison an Gitarre & Bass, der polnischen Harfenistin Maria Osuchowska und Saskia Horton an Electric
Violin? Mir ist jede Phuture mit einem pH-Wert > 5 zu süßlich, mir fehlt da das Jazzige als
Salz in der Suppe, als Spice of Life, wie auch beim mit Strings und Trompete eingenebelten Nu Jazz cum HipHop des Keyboard-Softies ALFA MIST bei "Structuralism". Ich bleibe
skeptisch vor allem, das nur jene kulinarische Struktur füttert, die sich an Kitsch ebenso
leicht euphorisiert wie sie in Partystimmung die ACAB-Sau rauslässt.

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Ich suche daher als einer der Handvoll grauhaariger Männer, die einer Hoffnung beim
Aussterben zusehen, meinen Trost bei der väterlicherseits bahrainischen Trompeterin
Y A Z Z A H M E D,
den sie, melancholisch und getragen, spendet mit "La Saboteuse" (2017), mit Hutchings,
dem Vibraphonisten Lewis Wright, dem Drummer Martin France, mit dem sie sich rückbindet an Julian Argüelles, Django Bates, Mark Lockheart, Billy Jenkins, die Loose Tubes,
John Taylor, Kenny Wheeler und Michael Gibbs. Durch ihren britischen Großvater, den
Jazztrompeter Terry Brown, der in den 50ern selber mit John Dankworth Seven, Tubby
Hayes und Ronnie Scott gespielt und in den 70ern Graham Collier, Harry Beckett und
Acker Bilk produziert hat, geht ihre Rückbindung sogar noch tiefer. Für ihre 2015 in Birmingham mit ihrem dafür erweiterten Septett Family Hafla aufgeführte Suite “Alhaan al
Siduuri” betonte sie mit Perlentaucherfolklore vom Golf von Bahrain aber auch ihr anderes
Erbteil, dem sie schon bei ihrem Debut “Finding My Way Home”(2011) nachgespürt hatte.
Der mittelöstlich-arabeske Akzent spielt in der Londoner Jazzrenaissance eine auffallend
geringe Rolle, hätte nicht Eddie Wakili Hick vor Ruby Rushton, Ashley Henry und Sons Of
Kemet bei Gilad Atzmon & The Orient House Ensemble getrommelt. Ebenfalls 2015 konnte
Ahmed im Auftrag von Tomorrow's Warriors beim Women Of The World Festival mit“Polyhymnia” eine weitere Suite realisieren. Mit dem Nu Civilisation Orchestra (mit u. a.
Garcia, Turton, Maurice-Grey, Tetteh...), als ein Prachtstück in XL, das zum britischen
Selbstporträt mit stiff upper lip mit sanfter Hand und Miles-Aura einen orientalisch angehauchten Gegenentwurf entfaltet. Als Anrufung der Muse und Feier starker Frauen peu à
peu eingespielt, ist "Polyhymnia" 2019 bei Ropeadope erschienen, mit wieder stupendem
Artwork von Sophie Bass, die Ahmeds Releases mit unverwechselbarem Design zum Augenschmaus macht, in Harmonie mit dem arabesken Flair im Hinblick auf die saudische
Filmemacherin Haaifa Al-Mansour, mit Kaoss-Pad-mutiertem Trompetensound und den
Klängen von Fender Rhodes, Soprano- und Altosax. Ahmed nimmt einen mit Marschduktus
und dissonanter Gitarre mit der Bürgerrechtlerin Ruby Bridges mit nach New Orleans und
mit der pakistanischen Frauenrechtlerin Malala Yousafzai vor die Vereinten Nationen,
indem 17 Frauenstimmen ihre Rede von 2013 aufgreifen. '2857', die Nummer des Busses,von dem Rosa Parks' Bus-Boykott 1955 in Montgomery, Alabama, ihren Anfang nahm,
strukturiert die ihr gewidmete Passage, die stürmische und kämpferische Züge annimmt,
mit Posaune und wieder Kaoss-Pad-Distortion, mit der Ahmed ihren butterweichen, vonWheeler, Hassell und Henriksen herrührenden Ton aufraut. 'Deeds not Words' ist ein Arrangement der Suffragetten-Hymne 'Shoulder to Shoulder', die ihrerseits ein Detournement von 'The March of the Men of Harlech' war. 'Barbara' feiert zuletzt Barbara
Thompsons Lebenswerk, die große Zeit mit Jon Hiseman in Paraphernalia und ihren Kampf
gegen Parkinson, als Schlussakkord in C-Dur. Man kann dabei Ellington, Don Ellis oder
Carla Bley bemühen, aber dass Ahmed auch bei Graham Collier, Neil Ardley und Michael
Gibbs gut zugehört hat, ist meines Erachtens naheliegender. Gegen eine rückwärtsgewandte Neigung spricht "La Saboteuse Remixed" (2018), für Ahmeds Engagement 'A
Shoal of Souls' als Beschwörung zu mehr Mitgefühl mit den im Mittelmeer ertrinkenden
Migranten und als Talisman gegen die Anti-Muse, die einen in die Tiefe zieht.

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NUBIYANTWISTDie Süddeutsche mag ja den aufgedrehten Afrofuturismus von Onipa als "tropische Verunsicherung" feiern, aber das Mutterschiff von Tom Excell, der zusammen mit dem stimmstarken Kweku Of Ghana (dem Kopf von K.O.G. and the Zongo Brigade) hinter Onipa
steckt, das ist doch NUBIYAN TWIST. Eine Ausgeburt des Leeds College of Music, trug ihr
afrophiles Hipstertum sie nach South East London, wo in jeder Couleur das New Black
jazzt und brodelt. Mit Nubiya Brandon als ihrem Herzstück, die Motown-soulig undrappend die ostinat pushende und an der Beatkurbel drehende Melange aus Fela Kutis
Afrobeat, dem Headhunting von Herbie Hancock, Drum'n'Bass und Hip-Hop prägt, bei"Nubiyan Twist" (2015), mit Tom Davison als Scratch-DJ, "Siren Song" (2016, beides auf
Wormfood) und "Jungle Run" (2019, Strut). Angetrieben von Excell an Gitarre, Electronics& Percussion, Pilo Adami an Percussion, dem Rhythmwizard Finn Booth an Drums, Luke
Wynter am Bass, Oli Cadman an wunderbar schwammigen, orgeligen Keys sowie einer
massiv knarrenden Horn Section mit Joe Henwood (Baritone Sax/Live Dubs), Denis Scully(Tenor Sax, Flute), Nick Richards (Alto Sax) und Jonny Enser (Trumpet), aus der jazzige
Solos ausscheren oder eine Stimme nach kollektiver Antwort ruft. Kleine Gastspiele vonMulatu Astatke und Tony Allen sind auf "Jungle Run" Ausdruck der Wertschätzung, zweimal greift K.O.G. zum Mikrofon, als Vorgriff auf die mit Onipa genommene Ausfahrt. Ansonsten springen Adami (mit brasilianischem Zungenschlag) und Richards (als smoother
Crooner) oder - bei "Portraits" (2019) - Cherise mit souligen Brush Strokes und Ruby Woodim fickrigen Beatgewirbel ganz intim in die nach Brandons Weggang offene Lücke. Meine
Ohrwürmer, 'Work House' und 'Hypnotised', haben aber noch ihren genuinen NubiyanTouch, das eine im Wechsel von HipHop zu smoothem NeoSoul, das andere mit DubadelicSog in Reggae-Patois und tollem Bläserarrangement: Murder, we're killin' with the sweetest song / Murder, we're killin' with a softly soul / repetition is our ammunition... Ob Achterbahn oder im Riesenrad besinnlicher, immer gestaltwandlerisch und polychrom. Denn
Excell & Brandon denken nicht daran, bloß auf einem Einfall oder Riff rumzureiten: Wakeme up / Shake me down singt sie und reimt heart of stone auf bad to the bone. Born in thecity ist dafür Erklärung genug. "Jungle Run" trägt den inzwischen aufgebrochenen rassistischen Stress schon auf die Stirn geschrieben und als fiebriges Tempo in den Adern. We
are all the same? Vermitteln da Afrotamtam, tribalistischer Drive, ghanesischer Gesang
Stolz und Energie? Brandon singt von vergifteter Freiheit, in noch zu vielen Augen I wasborn a slave, a foolish child. Was könnte eine Pipeline von 'Addis to London' transportieren
außer Astatkes Vibrations? Ob Adami bei 'Borders' davon singt, dass das weiche Wasser
in Bewegung mit der Zeit den mächtigen Stein besiegt? Es klingt so, und betont so doch
nur Brasiliens schwarzweiße Hässlichkeit. Brandon fragt nicht um 'Permission', sie rappt
zu sprudeligen Keys You are a natural desaster und siegelt ihre Botschaft mit einem Kuss.
Richards' Softness geht in alten Geschichten von Spooks und 'Ghosts', die darüber hinweggaloppieren, fast unter. Die Realität wird als happy collusion rebellious rappig zerschnattert und veralbert ('They Talk'), Excells Puls schlägt fast nur noch hochtourig, den
dampfenden Bläsern geht die Puste nie aus. Erst Brandon schleckt zuletzt nochmal Süßes('Sugar Cane'), aber "Jungle Run" ist einfach nicht mehr so stimmig wie das Debut.
Nubiya Brandon singt übrigens, rauchig und mit Vibrato, nach wie vor bei THE HEMPOLICS, mit Grippa Laybourne auf den Spuren von Nat King Cole und Desmond Dekker bei
den On-U-Time-Warps auf “Kiss, Cuddle & Torture Vol. 1” (2017) & "...Vol. 2" (2020) mit
Real vintage lo-fi reggae.
https://nubiyantwist.bandcamp.com // https://hempolics.bandcamp.com
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Shabaka Hutchings
Während bei Tom Excell die Kompassnadel bei Ethio-Jazz, Afrobeat und ghanesischem
Basa Basa (= Chaos) zittert und Nubiya Brandons Stil-Orientierung sich an Josephine
Baker, Joan Crawford und Audrey Hepburn, Prince Buster, Denis Bovell und Phil Spector
auffächert, channeln 'King Shabaka' Hutchings an Tenorsax & Bassklarinette, Dan 'Danalogue' Leavers an Keyboards & Synthies und 'Betamax' Hallett an Drums als THE COMET
IS COMING die Geister von Sun Ra und Pharoah Sanders. Von "Prophecy" (2015) und"Channel the Spirits" (2016) über "Death to the Planet" (2017) mit feuerzungigem Stakkato
und Ascension-Spirit bis zum feierlichen und knarrig angedüsteren "Trust in the Lifeforceof the Deep Mystery", mit Kate Tempest als Kassandra bei 'Blood of the Past', und derHochzeit von Lifeforce und Softness bei "The Afterlife" (2019) mixen sie aus MythScience& Fiction ihren Jazz To Come, als Kosmische Kuriere mit Tamtam & Rolands als Warpantrieb. Destination: Beyond Black Hole - 'The Seven Planetary Heavens'. Als Trip, auf dem
man als Cowboys From Hell zum 'Space Carneval' geht und sich die Joints an Sternen
anzündet, während die bloße Partycrowd sich verkrümelt. SHABAKA HUTCHINGS, Jg.
1984 und mit Eltern aus Barbados, hat mit Malatu Astatke & The Heliocentrics, Soweto
Kinch, Melt Yourself Down und Polar Bear sich warm gespielt für Louis Moholo-Moholo's
Five Blokes (mit John Edwards & Alexander Hawkins) und den Humus aufbereitet für die
Ultrablackness von Shabaka and The Ancestors und für SONS OF KEMET als Supergroupmit verdoppelt klapperndem, stoisch shuffelndem, nicht aus der Ruhe zu bringendem
Drumdrive durch Seb Rochford (abgelöst von Sylvia Halletts Sohn Maxwell) & Tom Skinner
und dem vollmundigen Brass von Oren Marshalls Tuba bei "Burn" (2013) und dessen
melodieselig unkendem Nachfolger Theon Cross bei "Lest We Forget What We Came HereTo Do" (2015) & "Your Queen Is A Reptile" (2018). Mit 'Breadfruit'-Power und der sonoren
Deepness der Bassklarinette als Bekenntnissen zu Afrika als schwarzer Universalie, mit 'In
Memory of Samir Awad' im zornigen Andenken an einen erschossenen palästinensischen
Teenager und 'The Long Night of Octavia E Butler' als Vorgeschmack auf die Lobgesänge
auf Hutchings Urgroßmutter, auf Vorkämpferinnen der Black Liberation wie Harriet Tubman und Angela Davies, die Ashanti-Kriegerkönigin Yaa Asantewaa, die südafrikanische
Anti-Apartheid-Aktivistin Albertina Sisulu und Doreen Lawrence, die als Mutter eines
Opfers rassistischer Gewalt eine Reform der institutionell dafür blinden britischen Politik,
Justiz und Polizei bewirkt hat. Mit SHABAKA AND THE ANCESTORS entstand in Johannesburg zu acht mit Tenor- & Altosax, Kontrabass, Trompete, Piano/Rhodes und Gesang vonSiyabonga Mthembu "Wisdom of Elders" (2016), so Cape-Jazz-natty wie Dudu Pukwana
und Hugh Masekela. Bei "We Are Sent Here by History" (2020) sind die auf "Prophecy" vonJoshua Idehen visionierten 'Final Days of the Apocalypse' bereits Geschichte, als leidvolle
Lehre über Misogynie, Pyromanie, falsche Männlichkeit und falsche Propheten: 'Behold,
The Deceiver'... 'Teach Me How to Be Vulnerable'... Covid-19 verstärkt nur die bittere Lektion, dass für 'Those Who Must Die' die Karten gezinkt sind by centuries of western expansionism, capitalist thought and white supremacist structural hegemony. Das 'reinigende
Feuer' brennt weder den Knüppel noch Babylon, es macht stattdessen das BUT... sichtbar
hinter dem All men are created equal und Black lives matter.

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Birth of the zebra-striped Hipster

Die sympathische Farbenblindheit der Jazz-Szene in South East London rief mir den Begriff 'white Negro' in Erinnerung, der seit 1957 in der Welt ist, seit Norman Mailers 'Superficial Reflections on the Hipster'. Gegen den Konformismus des American Way of Life
brachte er durch Holocaust und Atombombe sensibilisierte Existenzialisten in Stellung:
Als Rebels with/out a cause, die sich mit den Schwarzen identifizierten, dem 'verfemten
Teil' der amerikanischen Gesellschaft. Der Negro gilt ihm, in Gestalt von Miles Davies undJames Baldwin, durch Jazz als the music of orgasm und die mit Drogen und Sex geschwängerte Coolness als source of Hip und Erlösungsversprechen von den spießigen
Zwängen und konsumistischen Verlockungen der schönen neuen Welt. In bohemistischer
Dissidenz positioniert sich gegen die Squares der Hipster als 'philosophischer Psychopath', der Robert Lindners “Prescription for Rebellion” und Wilhelm Reich gelesen hat, als
Weirdo mit dem Anstrich eines Kriminellen und Barbaren. Expliziert hatte Mailer den Typus
im nihilistischen Hobby-Zuhälter Marion Faye in seinem Roman "Der Hirschpark" (1955),
der in das mit Sex und Traumfabrikträumen geschwängerte Nachkriegsmilieu eines fiktiven Palm Springs eintaucht. Die Zeit, das kalifornische Milieu und als Eselsbrücke Mailers"Barbary Shore" (das allerdings in Brooklyn spielt) führten mich zu Ross Macdonalds "TheBarbarous Coast" (und prompt zu meinem dritten Untergang in dessen Drowning Pool).
Bei Macdonald laufen tatsächlich 'Hepcats' durchs Bild, als Zeitkolorit im Hintergrund oderals Zerrbild wie der erpresserische Stanley Quillan mit seinem Goatie, der in "The Wycherly Woman" in seinem Schallplattenladen erschossen wird. Zugleich jedoch gelingen
Macdonald musikalische Capriccios sondersgleichen:
I pulled the heavy door open, the noise blasted my ears. Most of it came from the platform at the rearend of the room, where a group of young men in white flannels were maltreating a piano, a guitar, atrombone, a trumpet, drums. The piano tinkled and boomed, the trombone brayed, the trumpet
squawked and screeched. The guitar bit chunks from the chromatic scale and spat them out in rapid
fire without chewing them. The drummer hit everything he had, drums, traps, cymbals, stamped on
the floor, beat the rungs of his chair, banged the chrome rod that supported the microphone. The
Furious Five, it said on his biggest drum. Und dazu tanzen in "The Drowning Pool" Ölarbeiter
mit heißblütigen Mädels wie Apachen.
Oder: The pianist's fingers moved in the keyboard mirror with a hurried fatality, as if the piano
played itself and she had to keep up with it... I watched her white hands picking their way through theartificial boogie-woogie jungle. The music followed them like giant footsteps rustling in the metallic
undergrowth. You could see the shadow of the giant and hear his trip-hammer heartbeat. She was hot.
Then she changed her tune. Her left hand still drummed and rolled in the bass, while her right handelaborated a blues. She began to sing in a hard, sibilant voice, frayed at the edges but somehow
moving: Brain's in my stomach, Heart's in my mouth, Want to go north-- My feet point south. I got thepsychosomatic blues. Doch auch Betty Fraley überlebt "The Moving Target" nicht.
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Als ich den Grund meiner Wild-Goose Chase, meinen spekulativen Mailer-Macdonald-Link,
fast schon vergessen habe, trifft mich "The Galton Case" (1959) wie ein Bumerang: Explizit
Hipster vs. Square, in Gestalt von Tony Galton, der, statt reich zu erben, lieber für ein
Undergroundmagazin Gedichte schrieb (he was practising Rimbaud's theory of the violation of
the senses), unter dem Nom de Plume John Brown und in der Ansicht, that the country wasgoing through another civil war - a war between the rich people and the poor people. He thought of thepoor people as white Negroes, and he wanted to do for them what John Brown did for the slaves.
Macdonald dichtet Galton schlichtweg Mailers Essay an! Und er liefert, spöttisch, abertreffend, den Bebop dazu: The Listening Ear was full of dark blue light and pale blue music. A
combo made up of piano, bass fiddle, trumpet, and drums was playing something advanced. I didn't
have my slide rule with me, but the four musicians seemed to understand each other. From time totime they smiled and nodded like space jockeys passing in the night. Und zum RechenschieberJazz gibt es obendrein Beat-Poetry aus dem Mund von Mr. Chad Bolling, singer of songs to besung, hepcat, man of letters, als süffisant paraphrasiertem Kenneth Rexroth. He said that at theend of the night he sat in wino alley where the angels drink canned heat, and that he heard a beat... Hesaid that sex was the ultimate crutch...
Aus dem literarischen Kanon Rexroth und Rimbaud, Henry Miller und Mad Comics, Sartre
und Science fiction, Jazzmagazine und Wichsvorlagen erklomm die Beat-Version desHipsters mit Allen Ginsbergs "Howl" (1956) und Jack Kerouacs "On the Road" (1957), "TheSubterraneans" & "The Dharma Bums" (1958) nach 10 Jahren den Gipfel des Desolation
Peak. Aber als schneeweiße Killerkaninchen - Lucien Carr hatte gemordet, William Burroughs seine Frau beim Wilhelm-Tell-Spielen getötet (auch Mailer stach 1960 seine Frau
Adele nieder). Als 'Negro' streifte die Szene allein LeRoi Jones, der mit seiner jüdischen
Frau Hettie Jones das Magazin "Yūgen" herausgab. James Baldwins "The Black Boy Looks
at the White Boy" fängt so an: I was on the road - not quite, I trust, in the sense that
Kerouac's boys are: but I presented, certainly, a moving target. And I was reading Norman
Mailer[s essay]. Hätte er besser "The Moving Target", Macdonalds ersten Lew Archer,gelesen. So ging ihm Mailers mit Kerouac and all the other Suzuki rhythm boys geteilte
Glorifizierung des Orgasmus auf den Sack, als way of avoiding all of the terrors of life andlove. Die Zebra-Streifen zogen aber eh andere rhythm boys: Von Lee Konitz und Gerry
Mulligan als Geburtshelfern des 'Cool' 1949/50 über Charlie Haden (mit Ornette Coleman)oder Steve Cropper & Duck Dunn (in Booker T & The MG's) bis Gary Peacock (mit Tony
Williams und Albert Ayler) oder Joe Zawinul (mit Cannonball Adderly).
In den 60s erschien der 'white Negro' in verjüngter Gestalt: Die Hippies popularisierten
den werte- und konsumkritischen Nonkonformismus als auf Bewusstseinserweiterung
fixierte Acidheads und friedensbewegte Blumenkinder in Haight-Ashbury. Macdonalds
Beach Bums in "The Zebra-Striped Hearse" (1962) sind die surfende Frühversion davon.
John Sinclair, Sprecher der MC5, propagierte 1968 - vor dem Hintergrund des Detroit Riot
1967 - eine White Panther Party, um so crazy, pure und bad zu werden wie Brother James
Brown, John Coltrane, Archie Shepp, Sun Ra, LeRoi Jones, Malcolm X, Eldridge Cleaver...
Die Illusion, als Weißer mit schwarzer Maske mehr Mann zu sein und 'primitiver' sein zu
dürfen, ist dabei so alt wie der 'edle Wilde', wie La Belle et la Bête. Dass Charles Mansonzum Helter Skelter seiner hippiesken Anti-Family 1969 eine Auslöschung der Schwarzen in
einem von ihm angestifteten Rassenkrieg phantasierte, ist an böser Ironie schwer zu überbieten. Eric Burdon mutierte mit War vom Animal zum Black Bird in White Satin für "...Declares 'War'" & "The Black-Man's Burdon" (1970). Mit 'Visions of Rassan' als Anrufung vonRoland Kirk, Charlie Parker und John Coltrane. Nach 1970 versank zwar the mid-century
modernist canon (...) into neglect and even disrepute; existentialism went out of fashion;
the cult of jazz was dead (so Louis Menand in 'The Norman Invasion'). Doch Patti Smith
griff für "Horses" (1975) durch Jim Morrison und Bob Dylan hindurch zurück auf Burroughs und zu Rimbauds Je suis une bête, un nègre... ein anderer - rebellious, rhythmic,
spontaneous, sexually free, gloriously uncivilized - by choice ["White Riot: Punk Rock and
the Politics of Race"]. Sie vertiefte bei "Radio Ethiopia" (1976) die Rimbaud-Spur und deklarierte: In the past, the artist has existed within society in two disguises … the slave or
the exiled. Oder: Christ was a man worthy to rebel against, for he was rebellion itself.
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Scheint da schon Mailers rebellischer 'white Negro' durch, so zeigt "Easter" (1978) sie
total 'High on Rebellion' und mit 'Rock N Roll Nigger' als Mailers hymnische Erbin: Baby
was a black sheep, baby was a whore / You know she got big, well, she's gonna get bigger /Baby got a hand, got a finger on the trigger / Baby, baby, baby is a rock and roll nigga /Outside of society, that's where I want to be / Outside of society, they're waitin' for me ... outside logic - beyond mathmatics poli-tricks baptism.
Auf die 'white Negroes' und den 'White Riot' der Punk-Generation warteten Bob Marley
und Parliament. Mit London als weiterem Hotspot, vor neuen Horizonten bis ins Bermudadreieck und runter ans Kap der Apartheid. Und neuen Zebras wie Creation Rebel, New
Age Steppers, Playgroup, Tackhead, Mark Stewart & The Maffia... Bezeichnend dabei
Stewarts I'd always loved black music. I'd always gone to funk clubs so I wanted to playfunk. We [= Pop Group] really thought we were funky... We thought we were like Bootsy
Collins or something. Ein Leichtes daher, sich auf On-U zu verbrüdern im dystopischen
Kurzschluss von Blake, Dub und Burroughs, als Rebellen der nächsten Generation undtaffe Praktikanten der Ebony-and-Ivory-Utopie. Ach, Crazy Dreams and High Ideals.
Parallele Schraubendrehung: Afrika Bambaataa, Public Enemy und andere Niggaz Wit
Attitudes (with a white Jew tellin' you what to do). Und eine Inflation weißer Carbon-Copies
von Real Niggaz, die 'Rebellution' soziopathologisiert zu nachäffenden Gangsta- & Alphamännchen-Posen. Vergeblich Dream Warriors' Warnung: Who is more fool, who is morefool / The fool or the fool who follows the fool? / Follow me not, you'll get caught / In a hot
spot / Cause I'm more hotter than the burning sun / A pink cerebellumental / Raised fromthe funk / Only I can beat the magic into the junk.
Schon in weißem Hip-Hop steckt - von Beastie Boys abgesehen - kaum noch ein halber
Hipster, und was als Hipster 2.0 im 21. Jhdt. auftaucht, ist weniger ein Abkömmling, alssein Gegenteil. Nämlich ein Square mit Zeitgeistaccessoirs. Definitiv kein 'white Negro',sondern Showroom Dummies, nach Anything-goes-Gusto behängt mit retromodischem
Image-Design und dabei durchaus ironisch, genauer, aufgeklärt zynisch sich des ZitatCharakters bewusst. Als Digital Bohemians und Branding-Dandies nutzen sie wie Wasserläufer die Oberflächenspannung poppiger Referenzen. Der Antagonismus, den Norman
Mailer im größtmöglichen Gegensatz zu weiß und spießig hatte aufreißen wollen, ist in Hip
Consumerism implodiert. Ob allerdings das feuilletonistische Bashing des 'Hipsters mit
dem Jutebeutel' oder, mit noch verächtlicherem Spott, des Wimpsters (Wimp +) oder gar
Nipsters (Nazi +) den wahren, guten und echten Hipster hoch halten möchte, sei dahingestellt. Klar, über x Hipsterwellen hinweg ist alles anders, aber nix besser geworden, so
sehr die zahnlosen Rebellen auch bellten. Doch den Mateschnut-Hipstern der Generation
Ego knirscht ja nicht einmal mehr der Wüstensand des Realen unter den Zähnen. Wo 'Es'
hätte werden sollen, ist nur Egozentrik gewachsen, patronisiert von einem smartphonesmarten Über-Ich, das statt Zugehörigkeitsgefühl und sub- oder gegenkultureller SzeneIdentitäten nur Narzissmus und Atomisierung fördert und allenfalls zu Flashmobs anstiftet.
Tocotronic hatten schon 1995 bei ihrem späthipsterischen Stoßseufzer 'Ich möchte Teileiner Jugendbewegung sein' / Quer mit euch durch die Straßen rennen mit „Darauf
scheißen wir“ das neue Normal vor Augen.
Insofern ist es wohl bloß Einbildung, wenn ich bei Joe Armon-Jones, Jamie Benzies, Tim
Doyle, Tom Excell, Lizy Exell, Maxwell Hallett, Dan Leavers, Jake Long, James Mollison,
Tom Skinner... und ihrer identifikatorischen Mitgestaltung des 'schwarzen' NowJazz in
London genuines Hipstertum zu erkennen glaube. Einen Lost Tribe von 'white Negroes',
die eine unhierarchische Form von Commonwealth vorleben und einen Brexit, der geradeumgekehrt das insulare, gekränkte WASP-Sein aufbricht.
Lew Archer begegnete in den 50ern/60ern den Hipstern und Hippies spöttisch reserviert.
Er ist von anderem, älterem Schlag: I am captain Nemo... (in "The Galton Case"). My realname is Natty Bumppo... (in "....Hearse"). Jedoch with some degree of urbanity. Er tut antiintellektueller, als er ist, wenn er auf Lefty Godot. The pitcher (The 'pitcher in the rye'?)wartet (in "The Chill"), denn er erkennt einen Paul Klee, wenn er ihn sieht. Und er erkennt
in Bruce Campion als maverick, authority hater und Outcast den obsessiven Künstler,
dessen Verachtung des 'normalen' Wertekanons ihm allen Respekt abnötigt.
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... nowjazz plink'n'plonk ...
SUSAN ALCORN QUINTET Pedernal (Relative Pitch Records, RPR1111): Susan Alcorn ist
so etwas wie die Queen Mother zur Pedal-Steel-Queen Heather Leigh, beide sind geprägt
durch die Deepness von Pauline Oliveros, beide genossen sie die starke Präsenz vonJandek und Chris Corsano. Nur war Alcorn schon in ihren 40ern, als sie, die damals nochin Houston (seit 2007 lebt sie in Baltimore) nur Country, Western & Alcorn gespielt hatte,sich durch Eugene Chadbourne und Peter Kowald ins Offene schleudern ließ. Nicht allein
durch "Mirage" (2013) vertraut mit Michael Formaneks Bassspiel, nicht erst seit "Away
With You" (2016) mit →Mary Halvorson und ihrer Gitarre und schon gar nicht erst seit
"Columbia Icefield" (2019) mit dem zauselbärtigen Drummer Ryan Sawyer, bat sie nochden Geiger Mark Feldman als fünftes Element dazu. Die Hochzeit ihrer Pedal mit dem
Eternal hebt an mit leisem Pedal-Weh zu samtigen Basstupfen, aus der sich ein melodiöser
Ohrwurm entfaltet, der sich aber halvorsonistisch wie am Angelhaken zu krümmen
beginnt, doch im Refrain wieder melodisch befreit klingt. 'Circular Ruins' kreist mit
flirrender Percussion um die Anasazi-Ruinen in Utah und empfängt dabei melancholische
Signale, die zum spitzem i aufgipfeln, gestuft und als Glissando. Halvorson fröstelt,
Kontrabass und Geige mischen warme mit schillernden Farben, die Stufen führen hoch ins
Diskante, die Geige opfert den alten Göttern Honig, aber die Nacht bringt doch nur
Wehmut. 'R.U.R.' lässt Rossum's Universal Robots aufmarschieren, Karel Čapeks Golems
für das 20. Jhdt., reihum übermütig irrwischende Automatenköpfe von geringem Verstandim 21sten. Alcorn beharrt mit Feeling, kapriziös und mit etwas Katzenjammer auf dem
menschlichen Faktor. 'A Night in Gdanks' verbindet Ostseetristesse, wieder treppauf, mit
Geigenromantik als quasi münchhausenischer Selbstheilung der Katerstimmung und mit
quirlig krummen Touren der Gitarre. Endet das schon mit leichtem Hochgefühl, so wird
'Northeast Rising Sun' - prosaisch ein Abfahrtsschild der Interstate 95 in Maryland, dasauch schon der Kinderbuchautorin Katherine Paterson ins Auge fiel - bei Alcorn zum
Mashup von melodieseligem Qawwali und juckpulvrigem Handclap-Hoedown, der vom
amerikanischen Highway ins Universale abbiegt. Alcorn und Halvorson, ein Dreamteam!
GUILLERMO CELANO QUARTET Fiction and Reality (Trytone, TT559-082): Ein Gitarrero
aus Buenos Aires, Jg. 1977, der sein in Amsterdam meisterlich ausgereiftes Können
beständig demonstiert beim 'Spinifex'-Label TryTone. Mit der Celano Baggiani Group, unddem Drummer Marcos Baggiani als derart treuem Begleiter, auch bei Lily's Déjà Vu und im
BBC Trio, dass es verwundert, ihn hier mal nicht anzutreffen, sondern Folkert Oosterbeek(von Bruut!) am Piano, Clemens van der Feen (ein Spielgefährte von Dré Pallemaerts,
Michael Moore, Harmen Franje, Onno Govaerts...) am Kontrabass und an den Drums Flinvan Hemmen (der Leader von Drums of Days und zusammen mit Jozef Dumoulin & vd Feen
bei Narcissus). Celanos Bill-Frisell-fragil singende Jazzgitarre führt einen, wie beim
Stichwort Amsterdam nicht anders zu erwarten, mit allen Finessen ad astra. 'Los Andes'
ist nur ein irdisches Bild für dieses Himmelwärts. Das per aspera steckt dem sehnsüchtigen Duktus als zartbittere Erfahrung unter der Haut und verrät sich in kakophonen
Ausrutschern und schiefen Zwischentönen. Celano wechselt für eine mühsame Passage
zu Rocksound, eine Steinlawine geht ab, Geier schreien, das Trinkwasser ist trübe undbitter. In dieser Landschaft, dieser Klangwelt, ist nichts so hängemattenselig wie es
anfangs schien. Die Gitarre gerät in ihrem Sehnen in dünne Luft und in ein Licht, das
Schönheit krümmt und bricht. 'Peru' hat einen leichten Bossa_Nova-Schritt, ohne goldene
Pfade für harmlos zu halten. Celanos die Herzfasern harfende Melodienseligkeit ist sichdes Missklangs zwischen Fiktion und Wirklichkeit nur zu bewusst und entfesselt die Reality
mit Hendrix'scher Verve, Distortion und Diskanz über das beschwichtigende Piano hinweg.
'Milonga en Temperley' versetzt dann mit weichem Hüftschwung und leisem Heimweh ins
Rioplatensische, bis 'Victor Alexander Dupee', bluesig bis ins Mark, 'and' als das
eigentliche Ziel ins GPS tippt.
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BERTRAND DENZLER ANTONIN GERBAL
Sbatax (Umlaut Records, UMFR-CD33):
Meine Bekanntschaft mit dem Tenorsaxofonisten Denzler, die zurückgeht bis in die 90er,
zu 49° Nord und Chamæleo Vulgaris, sahsich seither, ob durch Hubbub oder Trio
Sowari, ob auf Creative Sources, Confront
oder Potlatch, herausgefordert durch seine
immer intensivere Zuwendung, insbesondere
als Compositeur etwa für ONCEIM ("Morph",2014) oder CoÔ ("Arc", 2018), zu einerdröhnminimalistischen Klanggestaltung. Zu
Musik als defrakturiertem 'Raum', als derhythmisierter Gaswolke. Mit tonangebenden
Anstößen durch Phill Niblock, Antoine
Beuger und in Denzlers Fall nicht zuletzt
Éliane Radigue, deren Prachtstück "Occam
Océan (Pour Orchestre)" er in ONCEIM mit
schwellen, dröhnen und morphen ließ.
'Sbatax' [maltesisch für 17] zeigt ihn, wieschon Zoor (mit noch Jean-Sébastien Mariage), "Heretofore" oder "Le Ring" (mit noch
Axel Dörner) im vertrauten Miteinander mit
Antonin Gerbal, Trommler bei ONCEIM,
Peeping Tom, ‫[ �ا �س �م‬ism], ‫[ �ح �م �د‬Ahmed] undder Umlaut Big Band. Mit, manchen mag dasüberraschen, mich wundert ja kaum noch
was, rauem Stakkato in Kreisen, Wellen undostinaten Stößen zu krawallig rollendem und
mit gehämmerten Dauersalven durchsiebtem
Flow seitens Gerbal. Statt irgendwelcher
Nanocluster mit Genfer oder Pariser Flair die
wilden Wasser, durch die Vandermark &Nilssen-Love schießen, Dikeman & Barker,
mit Coltrane-Ali und Redman-Blackwell als
Urmetern für eine hupende, unermüdlich
polternde, kollernde, crashende Insistenz,
die keine Gaswolke aufbläst, sondern bei
Gefälle noch Gas gibt. Mit rasantestem Bleifuß, mit tremolierend verwirbelten Stöcken
und bolzendem Ratatata. Denzler röhrt dazu
Dauerwellen mit robustem Espressivo, als
Tour de force von 38:40. Gerbal gerät
dermaßen in Ekstase, dass er im Berliner Au
Topsi Pohl juchzende Schreie austößt,
während er die Felle gerbt, die Luft zur
Weißglut quirlt und im Akkord holzt und bolzt.
Auch bei Denzler fehlt nicht viel, dass er over
the top geht. Ich hör mir extra nochmal den
tagträumerischen, bergauf noch gebremsten
Spannungsanstieg bei Zoor an, um mich zu
vergewissern, dass mein geplättetes ¡BEIM
TEUTATES! allen Grund hat.
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MAYITA DINOS The Garden is My Stage(Dash Hoffman Records, DHS 1025): Das
Debut einer Landschaftsgestalterin mit
schon einiger Lebenserfahrung und dem
Arlington Garden mit Yoko Onos 'Whish
Tree for Pasadena' als größtem Stolz undschönster Bühne. Ihrer Mutter aus Puerto
Rico und dem griechisch-türkischen Vater
verdankt sie einen United_Nations-weit
offenen Horizont. In Los Angeles fand sie
dann die Ermutigung zum Coming-out als
Sängerin mit dem großen Herzen einer
Gärtnerin. Listen... / The rain is falling on
the roses / The fragrance drifts across thegarden / Like the scent of some forgotten
melody. Das Repertoire ist daher ein
bunter Strauß, gepflückt von: Charlie
Parker ('Ornithology'), Stevie Wonder /Syreeta Wright ('Come Back as a Flower'),
Thelonious Monk / Jon Hendricks ('Pannonica'), Joni Mitchell ('Woodstock'), BernicePetkere / Joe Young ('Lullaby of the
Leaves'), Jorge Drexler ('Un país con elnombre de un río'), Freddie Hubbard /Rochelle House ('Little Sunflower'), Billy
Strayhorn ('A Flower is a Lovesome
Thing'), Jerry Leiber / Phil Spector ('Spanish Harlem'), Ann Ronell ('Willow Weep forMe'), Antônio Carlos Jobim ('Double
Rainbow' & 'Aqua de beber'), und dazu das
eigene 'La Lola' mit Lyrics von Federico
Garcia Lorca. Eigen ist auch das üppig
collagierte, die Natur verherrlichende
Artwork, passend zur blumig arrangierten,
linden On-a-Summer's-Day-Musik eines
Jazzquartetts mit Piano und Gitarre, gelegentlich Percussion, Flöte, Sopranosax,
einer Trompete, wie sie bei 'Spanish Harlem' zartbitter zirpt, oder gezielt Keyboard& E-Bass bei Joni Mitchells We arestardust / We are golden / And we've got to
get ourselves / Back to the garden. So dass
'La Lola', ergreifend nur mit Bass, und'...Weep for Me', nur mit Pianotrio, noch
durch eine besondere Intimität auffallen.
So wie Dinos sich mit ihrem unprahlerischen Duktus und samtig angedunkelten
Timbre sympathisch von großmäuligeren
Divas abhebt und dennoch so souverän
klingt, als stünde sie mit ihrem Stil immer
schon im Rampenlicht. Flaming in thebreeze / Swaying with the trees / In thesilent night / Or in the misty light...

EVENT HORIZON Event Horizon (GRB Records): Four of the finest jazz musicians the Windy
City has to offer. Nur dass diese Kahl- und Grauköpfe aus einem Paralleluniversum zu dem
kommen, was man als Chicago-Szene kennt. Rick Vitek trommelt dort seit 1981 querbeet
von Jeff Newell's New-Trad bis zu Hardrock mit Mecca. Donn DeSanto lehrt Bass an der
Chicago State University und spielt ihn bei Dave Flippos Jazz From Planet Flippo. Scott
Mertens, Chairman des Sycamore Schools Music Departments, klimpert zur Jazzgitarre vonJim Kanas. Jim Kaczmarek, seit 1995 in Chicago, hat lange mit der untoten Beatband The
Buckinghams gesaxt und mit dem High Society Orchestra bei Hochzeiten aufgespielt.
Breitschultrig und bullig ist er die treibende Kraft im Ehrgeiz, nach jahrzehntelanger
Entertain- und Lehrroutine die eigene Kreativität herauszustellen. Die sich, wie gleich'Chelsea Playground' mit 3/4-Takt und melodieselig tirilierendem Sopranosax offenkundig
macht, in der slicksten Strömung des Modern Jazz pudelwohl fühlt. Chick Corea und Wayne
Shorter sind auch die Wegweiser für 'Guess Not', das mit Tenorsax und klimpernlaunig
genau den Mittelweg zwischen Walzer und Swing einschlägt, den barock verbiesterte Köpfe
als tödlich verpönt haben. 'Escher Drive' verrät zwar Mertens' Sophistication, diesmal an EPiano und latin-funky, doch das Hirnschmalz wird in Lyrismen und Vamps investiert
innerhalb des Ereignishorizontes einer Hipness, die 50 Jahre auf dem Buckel hat. Das sichmelancholisch wiegende 'Dark Waltz: When Sadness Comes' ist mit samtfingrigem Pizzicato
und glasperlenspielerischem Gemurmel zu kuschelig, um sich am Boden zerstört zu fühlen.
Ähnlich wonnig schwelgt 'Black Samba' mit singendem Soprano und arpeggioseligem Pianoin Moll. Das Titelstück bringt nach einem Flöten- und Arcorubato wieder E-Piano undTenorsax für einen 4/4-Drive, der treppab in ein basstiefes Loch führt, in dem Schrödingers
Katze maunzt. Aber egal ob ne Katze oder die Liebe flöten geht, die vier spielen Hans-guckin-die Luft, drehen mit 'Evening Mist' ein weiteres Soprano-Walzerchen, seufzen bei 'Last
Blue Jay' ein wenig mit hängenden Flügeln, ziehen aber mit dem half-time Funk von 'Strut'
weiter gen Süden. Ist das das Ziel? Ein fröhliches Entrinnen in afrokubanische
Calypsogefilde vor dem Schwarzen Loch im Herzen der USA?
RICARDO GRILLI 1962 (Tone Rogue Records): Auf "If On A Winter’s Night A Traveler"(2013), seinem Debut kurz nach seiner Ankunft, studienhalber, in New York, zeigte sich deraus São Paulo stammende Gitarrist sophisticated im Spagat zwischen Calvino und Zenon.
Aber eine Verbeugung vor dem 'beigen' R&B von John Legend verriet dabei auch schon wasüber seine eigenen Neigungen. "1954" (2016) folgte als Zeitreise ins Geburtsjahr seines
Vaters, im flinkfingrigen ABC aus 'Arcturus' (wie in "I was out around Arcturus, looking
down"), 'Breathe' und 'Cosmonauts' und im optimistischen Puls des kommenden Space Age.
Auch bei "1962", dem Jahr, in dem Grillis Mutter geboren ist, liegt der Akzent auf dem
jazzigen Breitengrad New Yorks, mit Smalls Jazz Club ('183 W 10th St') als eskapistischer
Startrampe zum 'Mars' und darüber hinaus. Grillis 'Fluchthelfer' sind Mark Turner am
Tenorsax, Kevin Hays am Piano, Joe Martin am Bass und Eric Harland an den Drums. In'Coyote' steckt außer einer langsamen Samba der Trickster, mit 'Signs' (Blues for Peter
Bernstein)' dankt Grilli seinem Gitarrenlehrer am Berklee College, 'E.R.P.' ist ein Code für
Bud Powell, mit Assoziationen an Wayne Shorters "E.S.P.". In 'Voyager' zwittert die
Raumsonde mit Harlands Band, in der Julian Lage die Gitarre spielte, in 'LunÁtico' eine
coole Bar mit Livemusik in Brooklyn mit der bitteren Tatsache, dass die Welt sich dreht, aberimmer Ärsche wie Bolsonaro und Trump nach vorne geraden. Nach einem psychedelischentzückten Intro verwandelt Grilli den hardboppigen 'Mars' unter den Fingern und Lippen
der Venus in einen verschmusten Softie. Die Zeitzeichen bleiben durch Turners zungenmilden Tenorsang und tändelnde Arpeggios auf Easyness stehen, sogar Wile E. Coyote
hängt ab zum lässigen Cobacabana-Swing von Jobim und Getz. Statt Agitation und
Hexenjagd lieber ein animiertes Fee-Fi-Fo-Fum mit schnippenden Fingern. Die bei 'The Sea
and the Night' ins Sternenmeer tauchenden Blicke sehnen das Age of Aquarius herbei, einweicher Maracatu-Puls dämpft, was allzu lunático auf einen Sprung in der Schüssel zusteuert. Grillis softe Retroästhetik lässt zwar bei 'Virgo' leise Bedenken ahnen, was wohl dernächsten Generation bevorsteht. Doch die ebenso leise Hoffnung überwiegt, dass weiches
Wasser wie das seiner geschmeidig rollenden und melodisch drängenden 'Voyager'-Wellen
als Teil einer schaumgeborenen Bewegung mit der Zeit den harten Stein besiegt.
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MARY HALVORSON'S CODE GIRL Artlessly Falling (Firehouse 12, FH12-04-01-034): Covid-19 hat DownBeat's
beste Gitarristin der letzten Jahre gehindert, 2020 so
halvorsonistisch zu gestalten, wie sie das 1. Quartal
begonnen hat: Durch Shows mit Nate Wooley's Columbia
Icefield, dem →Susan Alcorn Quintet, mit Sylvie Courcoisier und mit →Thumbscrew, auf Europatourneen mit
dem Tom Rainey Trio, Bill Frisell, Michael Formanek's Very
Practical Trio und Code Girl. Mit diesem ambitionierten
und bisher persönlichsten Projekt macht sie sich selberdas größte Geschenk zu ihrem 40. am 16. Oktober. Mit 8
neuen Songs, angestimmt von Robert Wyatt, Amirtha
Kidambi und der Tenorsaxofonistin Maria Grand undvertont mit noch Adam O'Farrill an der Trompete undRhythmik aus dem Thumbscrew-Effeff von Formanek &Fujiwara. Die Lyrics hat Halvorson selber geschrieben unddabei in acht besondere Formen gezwungen: 1. 'The Lemon Trees' als doppeltes Tanka, das sie Wyatt zu mexikanischer Trompete und rollender Trommel gleich wie zartbittere Schokolade in den Mund legt. 2. 'Last-Minute
Smears' als erbitterte Stichworte zur JustizausschussAnhörung des umstrittenen Trump-Kandidaten Kavanaugh
als Richter am Supreme Court, die Kidambi nicht ohne
Foto: Amy Touchette
Hohn intoniert als schleppende Klage über eine Farce, die die USA von heute als nur nochgrotesken Zirkus offenbart. 3. 'Walls And Roses' als Pantun, eine malaiische Form, in der
Zeilen der vorausgegangenen Strophen formelhaft wiederkehren, diesmal von Wyatt ganz
launig angestimmt zu krass rockender Gitarre. Bizarre Halvorsonistik führt auch hin zu 4.
'Muzzling Unwashed' als (französische) Villanelle im Stil von Cheer Accident, fünf kunstliedhaft akrobatische Terzette, die, zu wieder grandioser Trompete, als Refrain die erste
und dritte Zeile abwechselnd wiederholen und mit einem Vierzeiler abschließen, der die
zwei Refrainzeilen Trace amounts of dynamo smolder offbeat eyes / Muzzling unwashedthoughts not meant to vocalize am Ende noch einmal zusammenbringt, mit vokaler Bizarrerie wie von Maggie Nicols als Coda. 5. 'Bigger Flames' folgt tangoesk und mit leicht melancholischem Beigeschmack als (arabisches) Ghazal mit dem Reimschema aa xa xa xa xa
xa, so dass die Zeilen Orange head secretes a lie above you. / Sentencing the lacqueredsky above you aus Wyatts Mund als Echo weiterkaskadieren in ...and die above you ...fakedry, above you ...liquefy above you ...bloats high above you ...comply above you ...sewn
awry, above you. 6. 'Mexican War Streets (Pittsburgh)' skizziert als (wieder japanisches)
Haibun elegisch ein heruntergekommenes Viertel und mündet pointiert und als ob inseinem Innern ein Walzerchen stecken würde, aber auch mit knurrigem Groll und kollektiver Verve, im Haiku A blank intruder / of concealed spots, pretending / I don't fall in love.
Formaneks Pizzicato führt 7. ein in 'A Nearing', einer Annäherung mit ostinaten Trompetenstößen, grübelndem Tenorsax und Kidambis artistischem Sopran in freien Versen an
den brennenden Gestank ständiger Kapitulationen, kryptisch von morgens bis abends, bis
hin zu den vielsagenden Zeilen Drop those dresses. / Reveal unspeakable lines: / studied
calculation / of discarded open thighs. Und 8. die sechs sechszeiligen, vertrackten
Strophen plus dreizeiliger Coda der titelgebenden Sestine, mit den entsprechend durchgewechselten Wörtern arms - hole/whole - gray - cross - salt - wild. Aber dargeboten, als
wär's ein Liedermacher- oder fast sogar ein Folksong. Mit allerdings einer komplett'verrückten' Gitarre, Tönen, krümmer als der krümmste Hund und Halvorsons stupendes
Markenzeichen. Und mit zunehmend voluminösem Bandsound, der, von wegen 'artlessly',das poetische Maskenspiel als großer grauer Walfisch aufschäumt, wild & breaching.
Mary, oh Mary, so quite contrary / Smoked a haiku cigarette... Cool 'n' calculated, und dochso severe wie Code Red. Ordinären Scheiß gibt es doch genug, das hier ist wunderbar
prätentiös und schlicht und einfach extraordinär!
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INSOMNIA BRASS BAND Late Night Kitchen (Tiger Moon Records, TMR 009): Gegen
Schlaflosigkeit hilft - manchmal - was essen. Aber was da nach Mitternacht als Spaghetti alnero di seppia serviert wird, ist Tapesalat, an dem man sich die Zähne ausbeißt. Allerdings
nur optisch. Denn akustisch bieten Anke Lucks, Almut Schlichting und Christian Marien mit
Posaune, Baritonsax und Drums durchaus Appetitliches. Marien als einer, dem man
ständig begegnet, bei Z-Country Paradise, I Am Three, Andreas Willers 7 of 8 und mit
Brom und Tru Cargo Service auch schon im Tigermondschein. Schlichting ist in Shoot The
Moon und Subsystem mit dem Tiger per Du, und mit Lucks ist sie vertraut im Rusira
Mixtett, während Marien und Lucks durch Gleichwiederda verbandelt sind. Wer die „Hanns
Eisler“-isierte, Rotfront-gestählte Posaunistin je mit dem 'malwonischen', ganz auf Stramu
gebürsteten Quintett Shmaltz gehört hat, kennt ihr Rezept gegen Insomnia - Feiern bis die
Sonn' aufgeht! Auch zu dritt als pyramidabel aufblasbares Blaskapellchen spielen sie ihr'Wiegenlied' und 'Ssst' nur, um Wachhunde und Partymuffel einzuschläfern. Alle andern
werden wach und wacher mit dem 'Gingerbread Resistance...' und dem zu UptempoTamtam umeinander tollenden 'African Birdsong' oder dem Shmaltz-igen 'Rimdir' als
zeitlupigem Tango von der "Insel ohne Namen". Durch knarrigen Gutbucket-Groove mit
Rumpelbeat, mit launig geröhrten und gestöhnten Pachydermata-Gesängen und rollendem
Drive. Bis die Baritonmama ihre Jungen, denen erschöpft die Puste ausging, in den Schlaf
summt. 'Ssst' gibt danach das Signal, dass die dicken Hüften weitergeschwungen werden
können, zu zierlichem Miss-Piggy-Getribbel, für das Mariens Pfoten animalisch fliegen.
Posaune und Bariton stiften mit dicken Backen zu Geschwofe an, dralle Babes schieben zu
pushendem Stakkato ihre Sugardaddies umeinander, Widerstand ist zwecklos. Marien
baby-doddst, klopft Hmtata-Beats und lässt sie zerfließen für smoothen Swing. Nein? Da
lachen doch die Hühner, jedem Nein kontert ein melodieselig in die Hörner stoßendes
Doch!, das schwerer wiegt. In wessen Namen? Dem einer lauthals krähenden, calypsomanischen Lebenslust in XXL. Alles OK? Allet in Budda, mia is bloß ne Naht jeplatzt.
KAZE & IKUE MORI Sand Storm (Circum-Libra Records 205): Satoko Fujii & Natsuki
Tamura haben vor 10 Jahren sicher nicht gedacht, dass sie mit dem Drummer Peter Orins,
der treibendem Kraft im Circum/Muzzix-Kollektiv in Lille, und Christian Pruvost als zweitem
Trompeter ein derart dauerhaftes Quartett bilden würden. Der Erweiterung mit Sophie
Agnel als zweiter Pianistin und Didier Lasserre als zweitem Drummer zu Trouble Kaze
2016 folgt nun mit Ikue Mori als 5. Element eine weitere Variante. Vertraut mit Fujii &Tamura und Wadada Leo Smith bzw. Lotte Anker (als Mahobin), infiltriert sie die mit dendrei kurzen Freispielen 'Poco A Poco', 'Under the Feet' und 'Suna Arashi' verschränkten
langen Kompositionen 'Rivodoza', 'Kappa', 'Noir Poplar' und 'Noir Soir' mit ihren
Electronics. 'Rivodoza' heißt Hurrikan und greift lautmalerisch fauchend das Motiv von"Tornado" (2013) auf. Mit bruitistischen Pinseln übermalen die gepressten Trompeten undMoris Noise jede Vorstellung von einem Beat, Fujii flimmert und rauscht dazu nur im
Innenklavier. Und tropft dann doch monotone, mit Orins geteilte Sekunden, zu denen die
Trompeten voreilig die Ruhe nach dem Sturm feiern. Denn es rumort noch in Fujiis linker
Hand, aus der auch 'Poco A Poco' hervorgrummelt, zu zirpiger Trompete und perligem
Arpeggio. Zierliche Klänge skizzieren 'Kappa' als pointillistisches Gespinst, Elektrovögel
beschallen einen verschlafenen Xenowald, in dem Tamura lyrisch ansetzt und dannüberblaseloquent und mit spotzender, surrender Komik für Wirbel sorgt, bis der ganze
Klangdschungel mit pianistischer Lyrik, perkussivem Klingklang, Tamtam und sich frei
rotzender Trompete erwacht und zu Pianopoesie trötend in Schwung kommt. Gefolgt vonunheimlicher Beinahestille, die dröhnend crescendiert. Bei 'Noir Poplar' tremolieren die
Wipfel unter lind abgehobenen Trompeten. Eine davon tändelt zwitschernd mit Moris
Metallicgeflicker, gesäumt von wieder monotonem Piano, das zwar trommlerisch auf Trab
gebracht wird, aber zu melancholischer Monotonie rückkehrt. Nach dem lauthals
krawalligen 'Suna Arashi' als letztem Intermezzo sinkt pianissimo die Dämmerung herab,
mit noch tagträumerischen Trompeten zu Elektrogespinsten und flirrender Cymbal. Wenn
Fujiis Finger räuberisch zu huschen beginnen, machen sie die Nacht zum Abenteuer,
groovy, mit trompetistischem Gewusel, das abreißt für theatralisch groteskes Maulwerk
von Tamura. Doch der melancholische Ausklang geht über sein Gekasper einfach hinweg.
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EVA KLESSE QUARTETT Creatures & States (Enja Yellowbird, ENJ-9784): Die tüchtige
Trommlerin, mittlerweile Professorin in Hannover, rechtfertigte das DAAD-Stipendium, dasihr einen Masterabschluss in New York ermöglichte, nicht nur mit "Xenon" (2015) &"Obenland" (2016), sie lachte sich dort drüben auch die Jungs an, mit denen sie in
Trillmann schmust (wenn sie nicht beim Julia Hülsmann Oktett oder der Jorinde Jelen
Band trommelt). Das Quartett mit Evgeny Ring am Saxofon, Philip Frischkorn, der bei
Wollny seinen Master gemacht hat, am Piano und neuerdings Stefan Schönegg (von Enso,
Schmid's Huhn) am Bass ist jedoch als eigenes, an der HS für Musik und Theater in Leipzig
initiiertes Ding ihr eigentliches Spielfeld, auf dem sie zuletzt mit "Miniatures" (2018) "TenSongs for Chamber Jazz Quartet" angestimmt hat. Dem folgen nun 10 weitere Lieder, dieohne Worte erzählen: Von einem im Traum gebürsteten Nilpferdchen, einem wonneproppigen Dickwanst, für den der Bass geradezu brüderliche Zuneigung empfindet,
während Ring am liebsten darauf reiten würde. Vom labyrinthischen Kerker desMinotaurus, in dem sich Wahnsinn, Furcht und mordlustige Hast ineinander verwinkeln.
Der 'Choral for P' lässt einen zu Arvo Pärt wallen als franziskanisch-feierlichem Gegenpol,
bevor mit blauen Fingern und aufrauschendem Herbstwind Melancholie im September einsetzt und Ring Trübsal bläst. 'Mr. Liu' erinnert so melodieselig wie holprig an die Abenteuer
ihrer China-Tournee. 'Hal Incandenza' aus "Infinite Jest" habe ich mir bekiffter, nicht sobustrophedon und schon gar nicht so triumphierend vorgestellt, wie Frischkorn essuggeriert. Bernard l’Hermite, der 'Einsiedlerkrebs', klingt wie heimatvertrieben aus dereh nur geliehenen Schale. Vom Schluckauf im Kopf, wenn man verliebt ist, und weiterem
Hirnsausen erzählt das rasante 'Flirrr!', von des Lebens ganzem Jammer das von Messiaen
und Picasso angeregte tiefblaue Pathos von Rings 'La Vie'. Mit gewebten Bildern als
zärtlicher Liebeserklärung 'durch die Blume' ist 'Tuchmacher' zuletzt zugleich ein
Selbstporträt des Quartetts, das die fehlenden Worte umso mehr mit Klang, Phantasie undFeeling kompensiert. Soll keiner sagen, dass man es bei Klesse & Co. nicht mit einer
dädalischen Gefühlsarchitektur zu tun hat.
GEORGE MCMULLEN with VINNY GOLIA Line Drawings Volume 1 & 2 (SlideThing,
STM101/102): Wem hat Wayne Peet in seinem NewZone Studio in LA nicht schon mit
seinem Engineering & MixMastering gedient: Mit Nels und Alex Cline, Steuart Liebig,
Michael Vlatkovich, Brad Dutz, Jeff Kaiser, Emily Hay und Non Credo... der halben avanten
Westcoast-Szene, aber auch Horace Tapscott w/ The Pan-Afrikan Peoples Arkestra hat er
für Dark Tree aufbereitet. Am 9.8.2015 betreute er eine so ergiebige Session desPosaunisten & Flötisten George McMullen mit Altmeister Vinny Golia, dass sie zwei Alben
füllt. Mit dem virtuosen Einklang der Posaune mit Golias Bassklarinette, Soprano-,
Sopranino- & Baritonsaxofon, Altflöte und Piccolo und der Kombination von Flöte und
Soprano, Flöte und Bariton, Flöte und Altflöte. McMullen, in den Fokus gerückt mit seinem
Trio mit Alex Cline (BA 98), nuanciert seinen im Spagat zwischen NewZone-Artistik, dem
Brian Setzer Orchestra und Soundtrack-Jobs ausgefeilten Klang metallisch mit Harmonund Cup-Dämpfer oder gummiweich mit Plunger. So reimen sie wie zwei sich sonor
paarende Anakondas 'Fat Chance' auf 'Square Dance' und gehen launig tirilierend flöten.
Im windig gestöhnten und geschnarrten 'Suspicious Baby' und dem wachsweichen,
fliegensurrigen 'Portrait of Vincent Price' wirft Hollywood lange Schatten, und die beiden
drücken sich mit langem iii, ooo und ööö 'Smearish' um 'Dark Corners'. Während McMullen
am hornigen Ende wie im Wald streunt und auf der Alp shilklopert, suhlt sich Golia als
Badewannen-Bariton und Bronto-Goliath im Sumpf, er zirkuliert im Bassregister und steigtüber quäkige Kapriolen auf in vogelige Delirien. Wenn die Posaune wahwauah quakt, tutet
die Altflöte dazu Balsam aus Gilead. Golia sprudelt Bariton- und Tieftöne, als würden sogar
die knorrigsten und dicksten wie von selbst hervorquellen und schwerelos davonfliegen,'Horse Play' zeigt einen Brauereigaul als Pegasus. Die Altflöte drehwurmt um die stoischerhabene Posaune, Bärendreck wird als Köstlichkeit gelutscht, die Posaune zeigt sich zu
Piccolopfiffen von hinten wie von vorn als Horn. Bis McMullen zuletzt dem in der Teergrube
versumpfenden Bariton vogelig flötend vormacht, wie Evolution geht.

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QUINSIN NACHOFF Pivotal Arc (Whirlwind Recordings, WR4761, LP/CD): Nachoff, 1973 inToronto geboren, hat sich als Saxofonist insbesondere mit Michael Bates profiliert, bevor
er sich in New York etablieren konnte, JUNO-nominiert und top-rated, mit David Binney &Matt Mitchell als Flux, mit Mark Helias & Dan Weiss im Ethereal Trio und als Komponist von
jazz-klassik-hybrider Musik. Diese Ambitionen kulminieren nun in 'Pivotal Arc' fürEnsemble, seinem 1. 'String Quartet' und dem 'Violin Concerto', mit Nathalie Bonin in derHauptrolle, einer Weggefährtin seit 2001 und auch schon involviert bei "Horizons
Ensemble" und Nachoffs Debut "Magic Numbers". Violinist, composer, acrobat - always
ready for the next big challenge, wie etwa 'Prayer' als ihr Beitrag zu "Women Warriors: The
Voices of Change" 2019 mit dem Orchestra Moderne NYC. Das ¾-std. Concerto lässt sie,
abgefedert von einem 7-köpfigen Bläserfächer von Piccoloflöte bis Bassposaune plus
einer Rhythmsection mit Helias am Bass, Michael Davidson an Vibraphon und Satoshi
Takeishi an Drums, schwelgen in einem flatterhaften Tango, den sie mit dem scheinbar
zottig-täpsig-knolligen Kollektiv tanzt, das sich aber selbst im Porzellanladen krakenhaftgeschmeidig bewegt. So geht es über eine weichgekochte und samtig angedunkelte
Ballade mit einem weiteren improvisierten und mit Altissimo gespickten Solo hin zu einem
knickebeinigen Balkan-Tanz mit Pizzicato- und Vibesintermezzi, vollen Pustebacken,
quirliger, Wieniawski-süßer Fiedelei und temperamentvollem Finish. Das Quatuor Molinari
aus Quebec, das auch bei den konzertanten Stücken mitmischt, performt das ausgefeilte
Streichquartett, das, Satz für Satz, den Fokus von der 2. Violine über die Viola und das
Cello zur 1. Violine dreht, mit Wunderpus-Anstrich, glitschig und flexibel, andeutungsweise sogar kratzbürstig. Der gedämpfte Trauermarschverlauf und Streichersüßstoff von'Pivotal Arc', der im 'March Macabre' auf "Path of Totality" (2018) einen bemerkenswerten
Vorgänger hat, ist aufgemischt mit einem Hin und Her des Orchesters mit Scharivari vonTakeishi, kristallinen Kadenzen des Vibraphons und Tenorsaxschmus von Nachoff selber,
der jedoch sich und dem Bläserkollektiv die Zügel schießen lässt, hin zum Extro mit
gestrichenem Bass. Sophistication in Sepiatönen und ohne Schaum vorm Mund, in Zeiten
wie diesen ist das unvermutet wohltuend und per se ein Statement.
OJKOS Alea Iacta Est (Odin Records, ODINCD9573): OJKOS steht für Orchestra of Jazz
Composers in Oslo und - griech. - für Familie. Nachdem sie im Januar 2019 live mit derslovakischen Drummerin Michaele Antalová "Nethuns: Music for 14-Piece Ensemble"
aufgeführt hatten, widmete sich das Familientreffen im März ganz dem Gestaltungswillen
des Posaunisten Andreas Rotevatn, der im Jahr zuvor das Projekt auf den Weg gebracht
hatte. Mit einem sogar 16-stimmigen Klangfächer aus zwei Posaunen, drei Trompeten,zwei Flöten, Bass-/Klarinette, Baritonsax, zwei Gitarren, Rhodes/Moog, Tuba, Bass,
Vibraphon/Percussion und Drums, lauter Youngster, aber schon mit einigen Empfehlungendurch etwa Doomsday Preppers, Sanskriti Shresta Avatar, Trond Kallevåg Hansen,
Megalodon Collective etc. Mit Balder als Schutzgott stimmen sie 'Innsegling' und'Breidablik' an, mit schnarrenden Luren, bis mit Rhodes und Flöten ein launiger Groove
hervorgeht und in Tuttiwellen ein wie von Bacharach und Quincy Jones angeregtes
temporeiches Miteinander. Hasselleske Fanfarenstöße umquellen bei 'Elegi Karmosin' ein
Trompetensolo in elegischem Purpur, bevor 'It's South African time' & 'It's West African
time' mit Flötentrillern und klapperndem Groove erst ebenfalls eine Trompete und nacheiner Brücke aus Steve-Reich'schen Minimal-Vibes mit pumpendem Drive eineelektronisch verschwitzte Posaune animieren, mit einem nochmal hassellesken Ritornell.
Sanftes Dröhnen und zage, kaskadierende Trompetentöne kennzeichnen 'Dikt til H', die
Zeit steht für die brütende Tuba fast still, bevor, ganz zeitvergessen, Trompete undPosaune, gestopft, leise summend und feierlich, 'The Khorovod Prayer' anstimmen als
wär's Gershwins 'Prayer'. Doch dann ruft Charles Manson als Autotune-Muezzin zum'Helter Skelter', Loops, Flötentriller, eine wirre Stimme und stechender Bläserdruckmischen ein rockendes Uptempostakkato auf. Hier wird am deutlichsten, wie sehr
Rotevatn das Studio als Klangmaschine nutzt, neben den ellington-like eingesetzten
Stimmen der ihm vertrauten Solisten. Zuletzt fällt 'Snow in Treschow', als flockiger
Klingklang, mit Altflöte und dunklem Bläsermoll zum Ausklang.
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IVO PERELMAN & ARCADO STRING TRIO Deep Resonance (Fundacja Słuchaj!, FSR 14|2020): Ja, der Geiger Mark Feldman (Masada String Trio, Sylvie Courvoisier), Hank
Roberts (hochkarätiger Sidekick von Tim Berne, Bill Frisell oder Gordon Grdina) am Cellound Mark Dresser (ich nenne für sein Level nur Anthony Braxton, Satoko Fujii und sein
Quin-/Septet mit Nicole Mitchell) am Kontrabass bilden mit Arcado ein veritables
Streichtrio, nicht alle Tage, aber seit über 30 Jahren. Die Arcado-Session im April 2018 ist
eingerahmt durch "Strings 1" (mit Feldman & Jason Hwang an Violinen, Mat Maneri an
Viola) im März und "Strings 2" (mit Roberts, Maneri & Ned Rothenberg) im August, und mit
Dresser ist Perelman bereits vertraut durch "Suite for Helen F." (2002). Es juckt mich inden Fingern, für den Zusammenklang von Perelmans jaulend und quiekend hervorgestoßenen, aber auch fast celloschön gesungenen Tönen mit dem sirrenden undsurrenden Gefiedel und fingerflinken Gekrabbel der drei Arcados den griffbereiten Titel"Spontaneous Chamber Music" zu borgen. Andererseits führen das vogelig flötende
Flageolett und insektoides Gesumm, die windigen Pfiffe und süßen Sonnenstrahlen auf
Dressers Pizzicatopfoten raus ins Offene, wo die lerchenselige Violine an keine Decke
stößt, wo sich Perelmans Töne krümmen und wälzen wie Hunde in anrüchigen Düften. Die
porösen, schwindsüchtigen, fickrigen Kürzel entfalten sich in milder Luft, die einen suchenmehr Schatten, die andern das weite Feld, um drin zu springen und umeinander zu
storchen. Die Klänge taumeln wie Schmetterlinge, glissandieren hoch zum zugespitzten
Pfiff, unruhig, fahrig, sensibel, jedem Druck der Luft ausgesetzt (eine, zugegeben,
abgezweigte Formulierung). Dresser tappt im Dunkeln, klopft und plonkt wie an Weidendraht, Perelman kirrt, die Geige tiriliert, das Cello tremoliert. Die Bögen sägen und federn,die Arcados müssen sich nicht um kompositorische Fliegenschisse scheren, sie kosten die
Freiheiten, die man den Narren und Vögeln zuschreibt, naschen Süßigkeiten, mit gekurvtem Aufwärtsdrang, mit stöhnender Wonne. Käfrige Spitzentänzelei, launig geschrappeltes 'Banjo', schwirrende Schnörkel, hummeliges Gebummel, jaulige Welpenlust die vier, allesamt gestandene Mitt- & End-60er, lassen dermaßen virtuos dem Lausbübischen freien Lauf, dass nur arg verknöcherte Gouvernanten über grasfleckige Knieund dreckige Pfoten schimpfen können.
CATHLENE PINEDA Rainbow Baby (Orenda Records 0076): Pineda ist eine Pianistin, die inSouthern California mit Charlie Haden, Leo Wadada Smith, Vinny Golia, dem American
Idol-Wettbewerber und Queerty-Darling Jeremiah Lloyd Harmon und im David Tranchina
Large-ish Ensemble gespielt hat. Dazu hat sie sich mit "A Week's Time" (2014) auch schon
auf Orenda als 'A Woman Under the Influence' präsentiert und bei "A Week's Time" (2016)
als Naked Lunch serviert: Listen, My Live. Beide Mal mit Kris Tiner an der Trompete, Tina
Raymond an den Drums, letzteres, eine Suite über die Dichterin Eloise Klein Healy, auchschon mit Tranchina am Bass. Seither ist Pineda zweimal Mutter geworden und davon,
ebenso wie von zwei Fehlgeburten und einer Notoperation ihres Vaters dazwischen, istihre neue Quartett-Musik, leid- und freudvoll, durchwirkt. '1Nine' und 'Milo' meinen ihr
Töchterchen und ihren kleine Sohn, 'Wonder Weeks' und 'Carriers I & II' kreisen um das,
was junge Mütter Woche für Woche beschäftigt und was sie stemmen. 'Wild Geese II & IV'
sind inspiriert durch ein Gedicht von Mary Oliver (1935-2019). Ihr Regenbogenspektrum
funkelt in den Pastelltönen kammerjazziger Intimität, die Tiners cooler, gedämpfter
Trompetenton nur unterstreicht. Er zeigt sich hier, mit sanftem Nachdruck, als Meisterleiser Klänge, kleiner Wellen, zarter und strahlender Gefühle. Raymond genügen das
kleine Besteck und ein weicher Federwisch oder sie pulst mit Tranchina ein beständiges
Ich-Du, Ich-Du, Ich-Du. Doch für Milo lässt sie auch mal das Trommelchen rollen undkrachen. Meanwhile the world goes on. Pineda hebt daher den Blick, um mit Oliver den
Wildgänsen nachzuschauen: the wild geese, high in the clean blue air, / are heading homeagain. / Whoever you are, no matter how lonely, / the world offers itself to yourimagination, / calls to you like the wild geese, harsh and exciting - . Mag sich da
melodieselig immer wieder ein Kindchenschema abzeichnen, Pineda sucht die Teilhabe in
der größeren family of things und streut ihre perlenden Läufe als Farbtupfer ins kollektive
Gedächtnis.
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FRED RANDOLPH Mood Walk (Creative Spirit Records): In Honolulu geboren, ist Randolph mit seinem hochvirtuosen Kontra- & E-Bassspiel Teileines kulinarischen Musik-ABCs in der
Bay Area geworden, von Afro, Brazilian, Classical über Jazz bis Salsa, mit"Learning Curve" (2003), "New Day"
(2006) und "Song Without Singing"(2015) als Wegmarken seiner künstlerischen Entfaltung. Und nun 11 weiteren Facetten, mit The Fred Randolph
Quintet: Erik Jekabson - trumpet,
Sheldon Brown - saxes, Dan Zemelman- piano und Greg Wyser-Pratte - drums.
Dabei gingen ihm durch den Kopf:
Clifford Brown ('On the Upside'), Chick
Corea ('Unaware'), der Steely_DanDrummer Bernard Purdie ('T-BoneSlide'), David Crosby ('Strange Game'),Coltrane ('Mr. Now'), Todd Rundgren('Todd's Idea'), ein ostinater Groove
aus dem Kongo ('Nouveau Monde'),der brasilianische Gitarrist Guinga('Meadows'). Mal bluesy ('Mood Walk'),
mal Latin ('Knowing'), mal funky('Funky N.O. Thing'), alles in allem als
ein Zeitsprung, der mich zum Daumenlutscher verjüngt, wenn denn die Radiowellen und Ohren meiner Kindheit
derart transatlantisch empfänglich gewesen wären. Flöte und Vibes evozieren lässig den Duft einer anderen
Welt, Wurlitzergroove und Trompetenglanz den Sound von times gone by.
Mit einer Melancholie auf pelzigen
Pfoten, die nicht allein vom Zustanddes Musikbusiness herrührt. Mit einem
amerikanischen Swing, der der amerikanischen Gegenwart, die gerade mit
Borderline-Syndrom Mauern baut und
Gräben vertieft, klimperlaunig den
Vogel zeigt. Wobei alles (Besser)Wissen nur traurig macht, Mr. Now
spuckt ebenso auf Coltrane & Co. wie
Bolsonaro & Co. auf Guinga. Allem,
was wie auf Jaguarpfoten oder mit
gefühlvollen Bassistenfingern daherkommt, droht, das Fell über die Ohren
gezogen zu bekommen. Allerdings hat
Randolphs Musik genug Drive undLebenslust, um denen, die guten
Willens sind, Mut zu machen.

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DAVID SILLS Natural Lines (Gut String
Records, GSR 048): Jazz so quiet, mellow
und lässig muss man als mainstreamscheuer Nichtschwimmer erst mal finden.
Sills liebt es so cool, als Saxofonist &Flötist, der Stan Getz und Joe Henderson
auf der Zunge zergehen lässt. Eine Coolness beerbend, die sich einst als feiner
Gegenpol zu 'cold' (wie in Kalter Krieg)
Gehör verschafft hat. In jungen Jahren
ein Surfer und Eleve von Gary Foster in
Pasadena, einem Reedmeister im Lee_
Konitz-/Warne_Marsh-Stil, hat Sills sich inden 90ern mit dem Acoustic Jazz Quartet
und als Leader etabliert und, nachdem er
in New York seinen Master nachgemacht
hatte, wieder ganz dem Spirit der Westcoast hingegeben. Mit Blake White am
Bass und Tim Pleasant an Drums, die mit
dem Ensemble des Schweizer Kaliforniers Isla Eckinger zuletzt bei Enja zu
hören waren. Und als Besonderheit gleichzwei Dschäss-Gitarristen, Larry Koonse(vom Los Angeles Jazz Quartet und Billy
Childs Chamber Sextet und feinfingriger
Begleiter der Sängerinnen Cleo Laine,
Tierney Sutton und Sinne Eeg) und Mike
Scott (vom Los Angeles Jazz Collective,
mit Fingern, samtig wie reife Pfirsiche).
Sie schmusen und quirlen, flott und sophisticated, mit 'Minor Monk', 'Sonny's
Side', einem flötenverzauberten, pizzicatosanften 'Nardis' und, ebenfalls mit halbschattiger Altflöte, 'Interplay' Hommagen
an Monk, Sonny Rollins, Miles Davis undBill Evans - Stichwort: Mid Century Modern. Sie swingen mit pikantem Arpeggio'Sync or Swim', mit dem sprudeligen'Foggy Daze' bürsten sie Gershwin gegenden Strich, mit 'Jones' Tones' werden
locker Richard Rogers und Getz evoziert
und bei 'Outside Corner' wird, ganz ohne
Surfgitarren, gesurft. Aber der Clou sinddas Altflöten-Lullaby bei 'Quiet is theStar', 'Lover Man' als herzgebrochen
dämmernde und doch nach einer Überdosis Schlaftabletten wie befreite Ballade, 'Mellow Stone' als ihre Version vonEllington, stoned und mit schweren Augendeckeln, und 'All the Little Things' ineiner Behutsamkeit, wie man sie aus Los
Angeles gar nicht mehr erwartet.

BOB SPICE QUARTET In der Schwebe(Trouble in the East Records, TITE-REC
019): Nein, Robert Würz ist kein halber
Würzburger, sondern Musiklehrer in Berlin,
wo er seit 2006 auch gegen den einen oderandern Gordischen Knoten in Affen- undFechtstellung geht. In der Szene bisher
unauffällig geblieben, zeitigte der dynamische Gebrauch des Kopfes und des Altosaxofons nun dieses Quartett, in dem ich
alter Spiceburger mit Gerhard Gschlößl an
der Posaune und Maike Hilbig am Kontrabass zwei durch Vorwärts Rückwärts bekannte Troubleshooter vorfinde. Dazu
kommt mit Lucía Martínez eine vielseitige
Drummerin, galicisch mit eigenem Cuartetooder mit Agustí Fernández, berlinerisch mit
The Fearless. Während sie da furchtlos
durch die Hasenheide galoppiert, führt
Würz ins Romantische und Munkelnde und
mit El bandido Saltodemata sogar hinterden Mond. Kindliche Gemüter treffen da auf
Wachtmeister Dimpfelmoser und auf Zwackelmann, reifere Jahrgänge auf den Mönch
am Meer und Dorian Grey, mit 'Hongkongschatzi' und der Funkie 'Canadian Blue' als
Ausgriff in den Fernen Osten, wo ein papuaneuguineischer 'Totengeist' Frauen undKinder schreckt. Er reckt warnend die
Arme, als Wächter, der das Alltägliche abhält, damit es nicht mit dem Unheimlichen,
Abgründigen, Schrecklichen in Berührung
kommt. Würz hat elf 3-5-min. wendige undvielsagende Kompositionen entworfen, die
mit jazzigem Gebläse, oft unisono und mutwillig gelaunt, am Saum des nicht Geheuren
entlang tändeln, wie Kinder, die den Krokodil-, Wachtmeister- und jede Art von Schurken-Schreck als Nervenkitzel herausfordern. Entsprechend dräut und lockt die'Heide-Nacht' als Notturno in zauberischer
Vielgestalt. Die beiden Buben naschen
Pustekuchen wie in den Jahren, als dasTaschengeld gerade mal für einen Amerikaner oder eine paar Mohrenköpfe reichte,
und drücken ihrem Schatzi Schokoküsse
auf. Martinez täuscht die Hexe mit dürren
Holz- und flinken Blechfingerchen, Gschlößl
akzentuiert tromboandlkramerisch das Positive und schwankt und pulst mit Würz
zwischen versonnen und spöttisch, während Hilbig nicht nachlässt, als sonore
Nonne am Rosenkranz zu fingern und
dunkle Zaubersprüche zu murmeln. Ich
schweb ja schon.
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SUSAN TOBOCMAN Touch & Go (Soliterra
Records): "Love from Detroit" (2019) verrät
zwar, wo sie herstammt, aber Tobocman
kam schon mit 17 nach New York und war
dort 10 Jahre lang Studiomanagerin im
Electric Lady Studio. Mit Tom Tom Club kam
sie selber auf die Bühne, auch sang sie
Background für Red Hot Chili Peppers, The
Wailers etc. Doch erst als sie für sich den
Jazz entdeckte, kam sie auf die richtige
Spur, mit "Watercolor Dream" als ihrem
Debut 1998. Ihr viertes Album realisierte sie
nun mit Henry Hey, bekannt mit Rod Stewart
und David Bowie, an Keys; an Saxes Joel
Frahm, der mit Brad Mehldau, Omer Avital
und Jane Monheit gearbeitet hat; an Gitarre
Pete McCann, ex-Mahavishnu Project; an
Kontra- & E-Bass Matt Pavolka, erst kürzlich
mit Ohad Talmor Newsreel auf Intakt; anDrums Michael Sarin mit seinem Knowhow
von Thomas Chapin über Dave Douglas bis
John Zorn. Plus Dave Eggar, Spielgefährte
von Annie Gosfield, Nick Didkovsky oder
Rachael Sage, der sich frei improvisierend
mit dem Cello einmischt. Für, neben dem
Titelstück und 'Leaves of Absence' als Instrumentals sowie drei eigenen Songs, eine
Handvoll Coverversionen: 'What'll I Do' vonIrving Berlin, mit Latin-Tinge; das durch
Glen Campbell bekannte 'Wichita Lineman',sehnend gedehnt und aus weiblicher Perspektive; dagegen Gershwins 'The Man I
Love' so uptempo, als wäre der schnelle
Puls wichtiger als der Mann; aus Oliver
Twists 'Where is Love?' wird das Gebet
einer schmachtenden Jungfrau. Wer so auf
Liebe fixiert ist, muss wohl die 50%-Frauenquote interpretieren als 50% nackte Hautund von jedem Jahr über 30 die Hälfte.
Andererseits singt Tobocman schnippischund sophisticated: I've never existed on
love. Tja, 'Make Believe' ist eine ihrer Spezialitäten, mangelnde Festigkeit eine andere: I went astray / And lost my way to you,
und kriecht daher mit kleinlautem Latin-Pathos zu Kreuze. Doch sie durchkreuzt dieseweibchenhafte Seite mit unhysterischem
Timbre und unaufgeregtem Songwriter-Vortrag. 'Help!' von den Beatles dämpft sie zum
lethargischen Walzer, aber alternativ lässt
sie es psychgitarrenrockig aufflammen. Mit
dem James-Bond-Song 'You Only Live
Twice' macht sie den Zwiespalt selber zum
Thema: One life for yourself, and one foryour dreams.

ANDREAS WILLERS 7 OF 8 The Goldman Variations (Jazzwerkstatt, jw 207): Der gewitzte
Gitarrist wendet hier wieder sein schon mit Blue Collar, bei der Octet-Einspielung "TheGround Music" und der 'Montauk Suite' praktiziertes 'Ground Music'-Konzept an. Diesmal mit
Matthias Schubert (von Lurk Lab und Nabatov) an Tenorsax, Florian Bergmann (TrioTransmitter, ex-Cobalt Cluster) an Klarinetten & Altosax und Nikolaus Neuser (von Potsa
Lotsa) an der Trompete, dazu Meinrad Kneer an Kontrabass und Christian Marien an Drums(wie mit Neuser bei I Am Three, mit Bergmann bei UnbedingT, mit Willers bei Derek Plays
Eric). Willers hat mit Kneer & Marien "Nulli Secundus" eingespielt, und Schubert war schon
Teil jenes Octets, auf das 7 of 8 Bezug nimmt. Gejazzt wird, komplexitätsbedingt, vom Blatt,von billigen Lachern wie 'Friede den Hüten' und 'Goldman's Sack' zu intellektuell gepimptem
wie '''Dance the Revolution" said Emma, who was a Goldman too' und 'The Modified Princess
spoon feeding her spotless anthropocene'. Los geht's ratzfatz und mit Gequieke, doch als die
Jazzpolizei anrückt, wird nur Süßholz vorgegaukelt. Die Ordnungshüter sind's freilich
gewohnt, verschaukelt zu werden. Dass hinter ihrem Rücken gezüngelt und gespöttelt wird,
stakkato und mit schriller Klarinette, rockig und rasant, über die da oben mit den Homburgern
und dicken Zigarren, die Billigstlöhnler in Sweatshops ausbeuten. Egal, wie dumpf's dort
mieft, Hauptsache, klick klack, durch krumme Touren springt der Dollar in den Sack, während
das Steuersäckel wimmert und alle Prügel, die auf Säcke hageln, eigentlich den Eseln gelten.
Denen, die dazu I-A sagen, werden die Eselsohren glissandolang gezogen, bis in die
Luftlöcher hinter den Fassaden. Es werden Lektionen verpasst über soziale Verantwortung,mit anhaltender Betonung auf 'always', über sauberen Profit als Widerspruch in sich, überMoral, die Haken schlägt, während still und leise von unten nach oben verteilt wird, mit
Besengepatsche und Bassklarinette, mit über Schrottimmobilien und - dadada, dadadidadada- feixende Profiteure ergrimmten und betrübten Bläsern. Graue Normalität und launiges
Kunterbunt, das sich daran reibt, ein Kneer'sches Pizzicato, das beredt plädiert, die Trompete
in Misery, die Gitarre, die der Bassklarinette krumme Faxen vormacht, das Kollektiv, das die
Verhältnisse zum Tanzen bringen möchte. Wie Willers da ständig als Kobold quirlt, wie er
Eisler und Weill zerknautscht, wie er anthropozäne Flausen verzwirbelt, und allesamt
umeinanderhopsend den eingetrichterten Babybrei um sich dudeln, das ist der gelungene
Versuch, mit Münchhausenscher Verwegenheit sich selbst aus dem beschissenen Sosein an
den Haaren ins lustvollere Dasein zu ziehn, ja zu schleudern.
CHRISTIAN WOLFARTH Souvenirs (Hiddenbell Records 012, LP): Seite A 'Souvenir from a
Drum', Seite B 'Souvenir from a Cymbal', konzipiert und performt von Wolfarth im Zürcher
Kunstraum Walcheturm. Als bewusst konzentrierte Blechtrommelei, Klangfelder beackernd,
wie sie auch Jason Kahn, Etienne Nillesen oder Glanzmann & Hemingway bei "Compostion 0"
schon abklapperten. Tatsächlich haben er und Kahn sich bereits zusammengetan für"Percussion / Voice" (2017) und "Spirits" (2020), wobei Kahn mit nur Stimme oder Resonator
Guitar selber schon wieder eine Schraubendrehung weiter ist. Wenn Wolfarth bei Mikroton,
Bruit, Confront und der Edition Wandelweiser zu hören ist, dann weil er von seinem
perkussiven Spiel mit Momentum und als WWW mit Wintsch & Weber über mehr als ein
Jahrzehnt hinweg konsequent einer eigenen Spur gefolgt ist, die in der 4-teiligen "Acoustic
Solo Percussion"-7"-Serie (2009-2011), im Gesang dreier Becken bei "Scheer" (2013) und als"Spuren" (2016) Konturen annahm. Einer Spur hin zu jenem verborgenen Klang, nach dem ersein Label Hiddenbell getauft hat. Nennt es Inneres des Tons, nennt's Kern der Sache oder
Teufel im Detail, was Wolfarth da klopfend, klappernd, bürstend, mit Blechdeckel crashend
der Trommel zu entlocken versucht. Indem er ostinat rührt, federt, trappelig tänzelt, in
Turbulenzen gerät, in weiß gewelltes Rauschen. Mit polternden Repetitionen, tremolierendem
Sprint, tonlosen Wischern. Wie er klackend Akzente setzt, die sich als kleiner Groove ablösen,wie mit ner Kurbel gedreht. Als schnelles Nähmaschinentackern, klanglich schattiert, bis hin
zu knurschigem Auslauf und Stillstand. Auf die Cymbal hagelt 'Regen', in monotoner, sublim
umsummter, helldunkel changierender Vielfalt. Mit dunklen Tropfen und metallisch gezackten
Spitzen, als ostinat dengelnder Klingklang, in händisch nachdrücklichem Dauerbeschuss. Das
Messing bebt wie in sich gespalten in einem fein gekörnten Frequenzspektrum, nicht ohne dasgeisterhafte feine Summen, und jeder Hagelschlag wie mit einem etwas dunkleren
Schattenwurf. Als Einfall (subvenire), wie auch immer, und als Mitbringsel (souvenir), schon
klar, doch von woher nun genau?
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En Håndfuld Danske

BorgenAuch wenn schon lange nichts mehr so faul ist im Staate Dänemark, wie zu Prinz Hamlets
Zeiten, als es nach Ratte roch, ist das deutsch-dänische Verhältnis nicht frei von Stunkgeblieben. Wenn neben der Ruhmestat der Rettung der dänischen Juden kein Finger
gerührt wurde, so dass 1945 zehntausende deutscher Flüchtlinge verreckten, war das
wohl nicht allein eine billige Konsequenz aus dem 'Unternehmen Weserübung', sondern
auch eine Langzeitnachwirkung des im Krieg von 1848 geschürten Deutschenhasses und
nordischen Dünkels, der zum dänischen Debakel an den Düppeler Schanzen geführt hatte.
"1864 – Liebe und Verrat in Zeiten des Krieges" (2014) ist eine Kolportageversion davon.
Und ein schönes Beispiel dafür, wie der dänische TV-Serienboom - "Der Adler – Die Spurdes Verbrechens" (2004-2006), "Kommissarin Lund – Das Verbrechen" (2007-2012), "Protectors – Auf Leben und Tod" (2008-2010), "Borgen – Gefährliche Seilschaften" (20102013), "Dicte" (2014/2016), "Countdown Copenhagen" (2017-2019), mit Lars von Triers"Hospital der Geister" (1994/1997) als genialem Vorläufer - als bisweilen krude, aber gewiefte Mixtur aus Thrill, Bluff und Großtuerei von sich reden machen konnte. Ein weiter
Weg seit "Pat & Patachon" als eine meiner Graugänschenprägungen durch bewegte Bilder.
Dass mit Lars und Mads Mikkelsen zwei der bekanntesten dänischen Gesichter ihren Mittelnamen mit mir teilen, ist aber nur eine Kuriosität.
Der Hang zur Größe bei den Dänen, die als Kolonialmacht bis 1944 Island unterm Daumen
gehalten hatten, treibt seine musikalische Blüte seit 1971 im Gigantismus des RoskildeFestivals mit seinen 130.000 rummelgeilen Besuchern, bei dem im Isle of Wight-Stil die
Zäune niedergetrampelt werden und zur Feier der Jahrtausendwende auch mal 9 Pearl_
Jam-Fans. Für die große, die Orange-Bühne, waren allerdings dänische Acts lange nicht
big enough. Inzwischen aber schon: C.V. JØRGENSEN (*1950) als spöttisch-surrealer
Singer-Songwriter-Veteran und von "Storbyens Små Oaser" (1977) an so etwas wie derdänische Bob Dylan; die poetischen Postpunkrocker MAGTENS KORRIDORER; NEPHEW
aus Århus mit einem Ohr für die dänische Verfassung und Herzen so groß wie ein Fußball;die blondmähnige, soft rockende Songwriterin TINA DICO/DICKOW (*1977), die, zurück
aus London, "The Road to Gävle" einschlug (wo Joe Hill geboren ist), glücklich genug mit"En Håndfuld Danske"; der Indie/Electronic-Star Anders TRENTEMØLLER (*1972) mit
seinen lakonisch-coolen Konsequenzen aus Depeche Mode und seinem Evil Dub; Volbeat,die "Beyond Hell / Above Heaven" rocken, so abgedroschen, dass man mein angeödetes
Kopfschütteln für Headbangen halten könnte; ähnlich öde, Veto mit Leadsänger Troels
Abrahamsen; daneben machen dann fast Malk de Koijn was her, mit ihrem dänischen HipHop, ganz zu schweigen vom mit Platin überschütteten Rapper L.O.C. [Liam Nygaard O'Connor (*1979)], exemplarisch bei 'Du Gør Mig', dem von Christian E. Christiansen gedrehten,
rückwärts erzählenden Video, mit dem weißblonden Thure Lindhardt als Untergeher. Dänemarks 'Kulturkanon' wäre das letzte, was ihm als Rettungsring taugt. Aber was weiß ich
schon davon? Per Nørgårds Symphonik... "Aura" von Palle Mikkelborg... Na, immerhin.
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Andererseits habe ich als allesfressender Vielleser gerade mal den promillestarken "Roman einer Verwüstung" (1930) von Tom Kristensen und Svend Åge Madsens phantastischen Garnwickel "Sieben Generationen Wahnsinn" (1994) im Regal stehen, weil alles
andere sich als schwedisch oder norwegisch erweist. Als wären die Dänen bloß die hässlichen Entlein da oben. Doch das sagt ebenso wenig über die 5,8 Millionen hinter dem
Wildschweinzaun, wie meine Defizite zwischen THE SAVAGE ROSE - oh, Annisette!! - und
Magnus Fra Gaarden. Eine Lücke, die neugierig macht. Aber eine musikarchäologische
Zeitreise zu Leif Rodens ALRUNE ROD oder Karsten Vogels BURNIN RED IVANHOE ist
was ganz anderes, als mit 16, 17 heiße Tips zu tauschen: Kennst Du schon "Alrune Rod"?
Die klingen wie Vanilla Fudge und Hawkwind und singen dänisch. Oder: Die jazzrocken wie
Colosseum, auf "M 144" spielt John Tchicai mit, so ein irrer Farbiger. Aber "W.W.W." istnoch komischer, so canterburymäßig. Aber Lücke oder Öresund-Brücke hin oder her. Dennwie van Triers Oberarzt Helmer einst in die schwarze Nacht hinausschrie: "Hier Dänemark, ausgeschissen aus Kalk und Wasser, und dort Schweden, in Granit geschlagen Danskjävlar!!!" (und dabei hat es Jussi Adler-Olsen noch gar nicht gegeben). In geteilter
Flüchtlingshysterie hätten sie die zur Jahrtausendwende eröffnete Brücke 2015 am liebsten wieder abgerissen. Die dänische Musik, um unter bad alchemystischen Vorzeichen
zum Thema zu kommen, hat sich, mit dem 'Jazzhus Montmartre' in Kopenhagen als Infektionshotspot, in den 60ern & 70ern gründlich angesteckt mit Jazz aller Couleur, nämlichnach Getz, Pettiford, Dexter Gordon und Johnny Griffin auch durch Roland Kirk, Don
Cherry, Albert Ayler und die Blue Notes aus Südafrika. Mit bleibenden Stacheln wie
Johnny Dyani, etwa im New Jungle Orchestra des Gitarristen PIERRE DØRGE (*1946). Mit,
neben Dørge, dem Bassisten NIELS-HENNING ØRSTED PEDERSEN [NHØP] (1946-2005),
dem Saxofonisten JOHN TCHICAI (1936-2012) in seinem Pendelschlag zwischen den New
York Contemporary Five und dem New York Art Quartet und Cadentia Nova Danica, dem
Trompeter PALLE MIKKELBORG (*1941) und MARILYN MAZUR (*1955) als früh infizierter
Welle und tonangebend für ein kosmopolitisches, junges Selbstverständis der Dänen. Als
wilde Ausläufer der anfänglichen Brandstiftung spielte der Bassist PETER FRIIS NIELSEN(*1948) nach seinen jungen Jahren in Kenneth Knudsens Coronarias Dans mit dem Drummer PETER OLE JØRGENSEN (*1958) Pat & Patachon in Sweethearts In A Drugstore, als
The Wild Mans Band mit Peter Brötzmann, als Volume mit Mikołaj Trzaska, Friis allein mit
allen Wilden, Jørgensen insbesondere mit T.S. Høeg = Dane T. S. Hawk als Cockpit Music.
Die Drummer Jonas Johansen (*1962), der Move angeführt hat, & Morten Lund (*1972),
der sich meistens auf ACT-Niveau bewegt, der Tenorsaxofonist Hans Ulrik (*1965), derBassist Anders „AC“ Christensen (*1972), der Gitarrist JAKOB BRO (*1978), der sich auf
ECM profiliert hat, die bilden die brave Hälfte einer zweiten Generation. Dagegen wuchsen
dem Bassisten JONAS WESTERGAARD (*1976) mit Bro in Bandapart, in Blake Tartare mit
Kresten Osgood und in Delirium mit Stefan Pasborg an den Drums oder in Lovedale mit
dem Saxofonisten JESPER LØVDAL (*1969) die Flügel für den Flug nach Berlin zu Christian
Lillinger, Henrik Walsdorff und Ronny Graupe. STEFAN PASBORG (*1974) hat Furore gemacht im säuischen Hammondorgelgroove mit Ibrahim Electric, bei Carsten Dahl Experience, mit dem eigenen Odessa 5 und The Firebirds, wo er mit Anders Banke (vom New
Jungle Orchestra) an Reeds & Anders Filipsen (von The White Nothing / The Black Nothing)an Keys Strawinski, Khatchaturian und auf "Aladdin's Dream" Carl Nielsen verjazzrockte.
KRESTEN OSGOOD (*1976) als Umtriebler mit Veteranen wie Sam Rivers, Tchicai, Yusef
Lateef oder Paul Bley ist in Nacka Forum norwegisiert mit Jonas Kullhammar & Ole MortenVågan oder mit Tomo Jacobsons Moonbow. Auf eigener Bahn zieht PETER BRUUN (*1979)
ebenfalls trommlerische Kreise, mit Django Bates Belovèd und grandios bei All Too Human
als Motor für Marc Ducret, Kasper Tranberg und Simon Toldam. Mit Eggs Laid By Tigers
verblüfft er als Meister des Merkwürdigen, wenn er bei "Under The Mile Off Moon" (2012)& "This Red-Eyed Earth" (2014) mit dem Gitarristen Martin Dahl und Jonas Westergaard
an E- & Kontrabass Songs nach Gedichten von Dylan Thomas anstimmt, unterstützt noch
von Toldam an Piano & Synthie als viertem Beatle, und exemplarisch für den Überlauf inexperimentelle Popmusik, von dem Henning Bolte in "„jazzahead!“ – Landespartner: Die
dänische Jazz-Szene" schrieb.
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Der Trompeter KASPER TRANBERG (*1971) mit seinem Klangfächer aus Terzet, Strawboss,
Fosterchild, dem Østergaard Art Quartet der Perkussionistin Michala Østergaard-Nielsen
und der Solo-'Suite Cobra', SIMON TOLDAM (*1979) als Pianist auch im Han Bennink Trio, Jacob Anderskov, Banke, Bruun, Filipsen, Løvdal, Osgood und Pasborg, die gehören allesamt
zu The ILKs, mit ILK Music - I steht für independent, K für København - als eigenem Label.
Ebenso LOTTE ANKER (*1958) als Co-Leaderin des Copenhagen Art Ensemble und Spielgefährtin von Sylvie
Courvoisier & Ikue Mori, von Fred Frith, im Konvoj Ensemble oder in Marilyn Mazur's Shamania. Der Pianist
JACOB ANDERSKOV (*1975) verdiente sich erste Lorbeeren durch sein Trio mit Michael Formanek & Anders
Mogensen und in Doctor Structure zu fünft mit Banke,
Westergaard und Tranberg und so gewitztem Zeug wie"Godot ... stuck in traffic" (2003). In Anderskov Accident, mit weiterhin Tranberg und Laura Toxværd, spielte er Rhodes oder Wurlitzer, in Lovedale schloss er sichJesper Lovdal an, den 'Habitable Exomusics'-Triptychon
gestaltete er 2015 in den Parts "Kinetics (The Path)" mit
Melbye & Anders Vestergaard, "Statics (The Map)" solo
& "Dynamics (The Terrain)" mit Nils Davidsen & Gerald
Cleaver. Er war zur Stelle bei Free4Arts, einem Projekt
des Trompeters Tomasz Dąbrowski (einem polnischen
Akzent in der Kopenhagener Szene, auch bei Kasper
Tom 5, Hunger Pangs und im Tom Trio mit Davidsen &Mogensen), bei Maria Fausts "Machina" (2018) und, mit
Akkordeon (!), zusammen mit Lars Greve und Thomas
Eiler zu elft, bei Lars Pech Pilgaards Slowburn für "Folketro" (2020). LAURA TAXVÆRD (*1977) verklammert
die Generation von Tchicai, P.O. Jørgens & Peter Friis
Nielsen mit der von Anderskov, Johannes Lund & Maria
Bertel, und saxt dabei zwischen Charlie Parker undAlbert Ayler. Sie spielte im Trio Do Drugs und als The
Little Flipping Bird Band mit Peter Jacquemyn & wieder
Jørgens, in einem Pianotrio mit Jeppe Zeeberg & Ole
Mofjell oder in Rask's Slow Evolution Ensemble. Bei"Compositions 1 & 2" (2016) lotste sie allerdings hochkarätige Quartette mit grafischen Partituren, ihrem
Markenzeichen. Auch bei "Songbook" (2019), wo sie bei"Tidens strøm" Maria Laurette Friis mit Akkordeon,
Tuba und aylereskem Saxofon verschönte Poesie anstimmen lässt, zu der sie durch Frederik Grundtvig(1783-1872), den Verkünder der dänischen 'Volklichkeit', und den Dichter Carl Michael Bellman (1740-1795)
inspiriert wurde. Und wo bei "Drapery" ein Quartett mit
Marilyn Mazur ihre grafischen Schnörkel entwirrt.
Ebenfalls verILKt ist NILS DAVIDSEN (*1966), anfangs
Bassist in When Granny Sleeps (mit Tranberg), dannbeim Copenhagen Art Ensemble und bei Carsten Dahl
Experience, schließlich bei Maria Faust Jazz Catastrophe und dem Simon Toldam Trio. Der ILK-Katalog
streut all das mit vollen Händen, ein ganzes DänenABC, von Anderskov Accident und The Black Nothing
bis The White Nothing und Jesper Zeuthen.
Kresten Osgood - Kasper Tranberg - Henryk Pultz Melbye - Andreas Lang

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Der Saxofonist HENRIK PULTZ MELBYE (*1986) gehört dann quasi schon zu einer dritten
Welle. In jung-wilden Jahren war er bei Magnus Fra Gaarden, Svin und Motherfucker für
Jazzcore und launiges Anything Goes verschworen mit LARS BECH PILGAARD an der
Gitarre und THOMAS EILER an den Drums, im eigenen Trio dann mit CASPER NYVANGRASK, dem Leader des "Slow Evolution Ensemble", am Bass, und Anders Vestergaard an
den Drums. Rask bildet ein Trio mit Osgood & Petter Rylén, Eiler trommelt in Lars Bech
Pilgaards Slowburn. Der wiederum ließ mit dem Sänger Bisse das Schwein pfeifen und die
Mäuse tanzen und versuchte mit Klimaforandringer dem Klimawandel mit afro-psychedelischem Zauber zu begegnen. ANDERS VESTERGAARD (*1991), der bei Klimaforandringer trommelt, hält seinerseits mit Boujeloud, Yes Deer, Laser Nun als Duo mit Pilgaard
und mit Anderskov bei Kinetics lauter Trümpfe in der Hand. Das mit Magnus Fra Gaarden,
Svin und Henrik Pultz Melby ist übrigens nur die halbe Familiengeschichte, die andere
Hälfte schreibt sein älterer, mit The Mighty Mouse ebenfalls Freakshow-erprobter und dazuähnlich kahler Bruder ADAM PULTZ MELBYE (*1981) mit seinem Kontrabass. Und wie!
Nämlich in der Maria Faust Group, die zu 3/7 aus The Mighty Mouse besteht, und er blieb
der estnischen Saxofonistin auch treu bei "Maria Faust Jazz Catastrophe" (2013) und"Machina" (2018). Er spielte als Angel mit dem Gitarristen Stephan Sieben, im Trio desTenorsaxveteranen Jesper Zeuthen (*1949) mit Vestergaard und bei Jesper Zeuthen PLUS
auch noch mit Kasper Tranberg. Der Melbye in Kinetics, das ist er, ebenso in Berlin bei
Flamingo, im Kathrin Lemke Quartett mit Michael Griener und als Rotozaza mit Hein,
Mahall & Lillinger. Dabei war er seit 2007 in einem überdänischen Kollektiv mit etwa noch
Kasper Tom Christiansen, Håkon Berre, Tomasz Dąbrowski, Henrik Olsson, Carolyn Goodwyn und Maria Dybbroe involviert beim Label BAREFOOT RECORDS, auf dem von "The
Mighty Mouse" (2007) bis "Flamingo" (2016) 15 seiner Tonträger erschienen.
Der Trompeter Mads Langelund (*1980), besser bekannt als MADS LA COUR, fand mit
Andreas Lang, Frederik Vedersø und Kasper Tom Christiansen als Quartz das offene Ohr
von WhyPlayJazz und kam dort voll zur Entfaltung mit Mads la Cour’s Almugi. Mit (anstellevon Vedersø) dem Saxofonisten & Klarinettisten LARS GREVE (*1983), von Girls in Airports, Lars Bech Pilgaards Slowburn und ebenfalls mit Maria Faust in deren Group und bei
Jazz Catastrophe. Der Kontrabassist ANDREAS LANG (*1980), der als Wildling mit
schulterlanger Mähne das 'Nordische' wie gemalt verkörpert, hat sich in Berlin ein ähnlich
unfassbares Tätigkeitsfeld erfingert wie Jonas Westergaard: mit Gunter Hampel, Fusk,
Max Andrzejewski's Hütte, Wanja Slavins Lotus Eaters, Lisa Bassenge oder Philipp
Gropper's Philm als Highlights einer langen Liste. Der Drummer KASPER TOM (*1981) - füreinen Drummer hört sich Tom besser an als Christiansen - zog, pendelnd zwischen
WhyPlayJazz und For Tune, seine Spur von Quartz, den zu 3/4 polnischen Hunger Pangs
und Fusk über Almugi und Kasper Tom 5 bis zu Tomasz Dąbrowskis Free4Arts und
WalsdorffMelbyeTom. CHRISTIAN WINDFELD (*1983), ebenfalls Drummer, ging seinen
Weg von Aurora, einem Quintett des Gitarristen Jonas Kappel, und dem Aarhuser Trio
Admiral Awesome mit "Makeout Music for Modern Lovers" (2014) über das Freispiel mit
Anders Ørbæk als Kolonihaven Unikum oder mit Adam Pultz Melbye & Chris Heenan als
Flamingo und mit den beiden Australiern Andy Butler & Jonathan Heilbron als Ellipsis,
beides in Berlin, bis zu Solo-Snare-Soundart als Førstepersonental. CHRISTIAN BALVIG
spielt, als weiteres Beispiel für den Überlauf in experimentelle Popmusik, Piano mit einer
Bandbreite als maximalistischer Minimalist, vom Pianotrio mit Adrian Christensen &Frederik Bülow über den Dream Pop von Efterklang und seiner "Music for Humans" (2018)
im Christian Balvig 6-tet (mit Jens Mikkel Madsen von Kasper Tom 5 am Bass sowie Maria
Edlund & Louise Gorm vom Taïga String Quartet und We Invented The Night an Cello &Violine) bis zum manieristischen Symphonic-Rock-Bombast seiner Arrangements für "So
Deep" (2019) und von "60 Minutes of When Saints Go Machine" mit Copenhagen Phil und
Nikolaj Manuel Vonsild als dänischem Anthony. So dass es doch überrascht, ihn auch bei
Emmeluth's Amoeba zu finden. Denn als Jazzer, selbst als Pianoedelfinger, gewinnt man
kaum einen Blumentopf.

50Man muss daher, wie etwa AUGUST ROSENBAUM (*1987) am besten auch noch Producer
sein und sich mit Synthie, Orgel und Rhodes einklinken etwa bei der Neo-Soul/Jazz-RapElectronica von Coco O. & Robin Hannibal (die sich als Quadron als dänische Mischlinge
bekennen), beim Geschmachte von Niia oder auch der Videokunst von Jesper Just. Neben
jedoch auch dem Zusammenspiel mit etwa Jakob Bro, Thomas Morgan & Dan Weiss bei"Beholder" (2010), mit Lars Greve & Sven-Åke Johansson bei "All Romantic" (2013) odermit wieder Greve, Mike Sheridan & Mads Forsby bei "Rhizome" (2016). Robin Hannibal hatumgekehrt dann Rosenbaums "Vista" (2017) produziert, als melancholisch verhuschten
Darkjazzsoundtrack, Satie meets Sakamoto, mit Air-Flair.
MARIA BERTEL (*1980), oder Ymers Pizza, wie sie sichauch nennt, wenn sie ihre verstärkte Posaune pustet, zeigte in Selvhenter ver-5-fachte Frauenpower. Bei Gud Er
Kvinde zu zweit oder bei Havens Fugle und Solhorn ineinem Yoyooyoy-Pulk nahm sie sich den wüsten SlütspürtSaxofonisten Johannes Lund zur Brust so wie in Bad
Astma den Trommel-Motherfucker und Svin-Priester Thomas Eiler. So durchlauferhitzt war sie fit für The Big YES!
ebenso wie für die "Actions" mit dem Fire! Orchestra.
Ähnlich furchtlos gibt sich die furiose Altosaxofonistin
METTE RASMUSSEN (*1980), die es statt nach Berlin nach
Trondheim gezogen hat. Was sie mit Acid Plutonium undTrio Riot versprach, hat sie eingelöst in furiosen Clashes
mit Chris Corsano, Tashi Dorji, Julien Desprez und MoEoder im heißen Alltogether im Fire! Orchestra und in Gard
Nilssen's Supersonic Orchestra. Die Altosaxofonistin, Flötistin & Bassklarinettistin JULIE KJÆR (*1985) kam und
kommt im Pierette Ensemble, bei Jens Christian Jensens
Mette RasmussenÅrhuser Orchester Blood Sweat Drum + Bass, in PNL's
Large Unit oder Per Åke Holmlander - Carliot so richtig auf
Betriebstemperatur. Mit dem London Improvisers Orchestra, bei Saxoctopus, Favourite Animals und Madwort's Menagerie jeweils mit Cath Roberts & Tom Ward und mit
ihrem Julie Kjær Trio mit John Edwards & Steve Noble
zeigt sie sich britisch verbunden. So verbunden, dass sie
im April sich hinter Caroline Kraabel eingliederte in ein
virtuelles LIO für Lektionen zur Corona-Abwehr: "We Stay
Apart Because We Love Each Other. Love Is Stronger Than
Greed." MIA DYBERG (*1986) gehört ebenfalls in diese Altersklasse, vertritt aber in ihrem Sax-Trio mit Asger Thomsen am Bass & dem Norweger Dag Magnus Narvesen an
den Drums eine Ästhetik, die sie, statt auf die große Bühne, einerseits zu Creative Sources und den dort üblichen
Verdächtigen und andererseits nach Berlin führte, wo sie
mit Rudi Fischerlehner den 6. und 8. Part ihrer auf 12 Teileangelegten Duoscrapbook-Reihe gestaltete. Beim 7. dreht
Roberta Wjm, ihre Partnerin in Morph!, CDs und ächzende
Vinylscheiben für eine Symbiose von italienischem BruitisSigne Emmeluth
mus und skandinavischem Trübsinn.
SIGNE EMMELUTH (*1992) orientiert sich hin zum NorJazz, im Skarbo Skulekorps vonØyvind Skarbø, aber ist schon selber die abgeklärte Leaderin von Emmeluth's Amoeba
und dem Spacemusic Ensemble, jeweils mit dem Gitarristen Karl Bjorå, ihrem Partnerauch in Owl. Die kraushaarige MARIA DYBBROE (*1993) ist die Jüngste der furiosen
dänischen Saxerinnen, in Køs zusammen mit Valdemar Kragelund an Electronics und
Kristian Isholm Saarup an Drums, und in Cactus als einem Doppeltrio mit zwei Altos, zweifach Kontrabass (wobei Thorbjørn Kaas auch Cello spielt).
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Nicht zu vergessen: RUNE LOHSE, der für Laurits Emanuel bei "Sangbog" und bei
HobbyMor getrommelt hat, mit dem Pianisten Jeppe Zeeberg, auch in Dødens Garderobe
und dem Horse Orchestra, bei Klimaforandringer, Laura Toxværd und The Hum. Bei Gotta
Let It Out falten sieben 2013 entstandene Alben sein Können aus: "Kæmpeband" (2013)
mit 24-köpfiger Plink- & Trötkapelle, bei "Kids" (2013) solo, mit Martin Klapper, Peter Friis& Stephan Sieben, bei "Romantic Guitars" rockend mit Gesang von Emanuel, zu dritt mit
Zeeberg & Herb Robertson, bei "Reindeer" im Gitarrentrio mit Henrik Olsson & Nicolai
Claesson und nochmal zu viert mit Adam Melbye, Jeppe Højgaard & Mikołaj Trzaska.
Der Gitarrist HASSE POULSEN (*1956) ist ein Kapitel für sich, in den 90ern in Paris mit
49° Nord und mit Louis Sclavis. Er spielt, weiterhin mit französischem Akzent, mit Hélène
Labarrière als Busking und mit Fabien Duscombs als Free Folks und fand seine Berufung
in Das Kapital, hanns-eislernd mit Daniel Erdmann & Edward Perraud. Aber ist nicht vieles
zwischen Aarhus und Kopenhagen ein Kapitel für sich?
SORTEN MULD spielten vom gleichnamigen Debut (1996) über "Mark II" (1997) und "III"(2000) bis "Jord, Luft, Ild, Vand" (2002) eine Art Folktronik und Wie-die-Alten-sungenTripHop, aber mit Dudelsack, Flöte, Fiddel und Hurdy Gurdy, mit der Stimme von Ulla
Bendixen, etwas Sandy Denny, viel Unschuld vom Lande, als ihrem größten Kapital.
Bei UNDER BYEN in Aarhus geben seit 1996 Henriette Sennenvaldt & Katrine Stochholm
einer Melange aus Weltschmerz, Ironie und Drama eine björkisch hauchende Stimme und
die Richtung, in einer mit Kontra- & E-Bass, zwei Schlagzeugen, Dudelkeys, Cello undGeige bestückten Combo. So entstanden die fragilen Songs von "Det Er Mig Der HolderTrærne Sammen" (2002) und "Samme Stof Som Stof" (2006), eine Freundschaft mit Howe
Gelb und zuletzt "Protokol" (2013), und wecken vage Erinnerungen an Coco Rosie.
Kim Larsen (ex-Saturnus) macht als :OF THE WAND & THE MOON: Neo-Folk mit Klampfe,
Keys, Flöte, Cello, Bass, Geige, Akkordeon, Trommeln und Glocken und flüstert dazu, wasdie Natur und die Mythen ihm ins Ohr raunen: Von "Nighttime Nightrhymes" (1999) und":Emptiness:Emptiness:Emptiness:" (2001) bis "The Lone Descent" (2011). Mit Heiðrunar
Myrkrunar als Heimstatt für ein Rendezvous als Les Chasseurs De La Nuit mit Burial Hex,
für White Chamber und für Vril Jäger, Larsens Miteinander mit Thomas Bøjden von DIE
WEISSE ROSE, der seinerseits in alter Death_In_June-Manier mit Nietzsche, Ezra Poundund den Geschwistern Scholl auf der Ambiguitätstoleranzschwelle seiltanzt.
NORTT ist in Odense einer, der bei Aleister Crowley geblättert hat und morbide Konsequenzen aus Sunn O))) und mehr noch Lustmord zieht, mit dark-ambientem DroneDoom, von "Graven" (1999) über "Ligfærd" (2005) und "Galgenfrist" (2007) bis "Endeligt"(2017). Ein blühendes Leben? Nur über meine Leiche. Mit schönsten Dänischlektionen:
Lovsang til mørket = Liebeslied an die Dunkelheit, Støv for vinden = Staub für den Wind,
Kisteglad = heilfroh und quietschvergnügt (im Sarg)...
PUCE MARY kostet, postindustrial und agonal, bei "The Spiral" (2016) & "The Drought"(2018) in blutigen Küssen mit Genet, Lacan und Ballard das Unmaß ihres Begehrens aus.
Der Soundart als besonderen schwedischen Stärke - Fylkingen und Firework Edition begegnet auf Augenhöhe jemand wie JACOB KIRKEGAARD (*1975), mit audiovisuellemStanding im MoMa und der Rothko Chapel, mit einer dröhnambienten Werkreihe auf Touch& Ash International und mit zuletzt "Phonurgia Metallis" & "Black Metal Square" (2019) auf
Important Records. Und bei "Opus Mors" (Topos, 4xLP, 2019) in den vier Teilen 'Morturārium', 'Autopsia', 'Crematio' & 'Putesco' mit Orgel und Chor, aber vor allem dem O-Ton
von Leichenhalle, Autopsie, Kremation oder Verrottung.
LIS ER STILLE aus Aarhus schwelgen mit "Apathobvious" (2007), "The Collibro" (2010)
oder "Empirical Ghost" (2015) und der hoch gepitchten Stimme von Martin Byrialsen im
Pathos des Post, des Spät, Zu spät. Mit schicksalsschwerem Beat, gehämmerten Keys,
berauschter Breitwandgitarre, neben Streicherinnen und Chor als femininem undgläsernen Keys als fragilem Gegengewicht.
Elias Bender Rønnenfelt (*1992), Frontmann von ICEAGE und MARCHING CHURCH, wird
als dänischer Nick Cave und Kurt Cobain gefeiert. Nun gut. Aber dass Iceage ihren PostHard/Heart/Art-Core zuletzt bei "Beyondless" (2018) mit Gebläse von Kasper Tranberg
und Lars Greve anreicherten, zieht mir schon ein wenig die Augenbrauen hoch.
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Amalie Bruun (*1985) steht mit Freja auf Du und Du und mit MYRKUR auf Black Metal,
der für Wacken-Wackler ebenso taugt wie für Blackgazer. Scheinbar zart und offensichtlich blond, sollte sich jedoch der Wolf fürchten, wenn sie als Rotkäppchen durch den Waldzieht. Ich Göttin, Du: Kusch! Ein Engel mit Reißzähnen, wie sie da gesanglich wechselt
zwischen Blumenmädchen, kreischender Gladiatrix und grollendem Teufelsbraten. Bei "M"(2015) dienten ihr Ole-Henrik Moe mit Fiddel und Martin Taxt mit Tuba, bei "Mareridt"(2017) verschärft sie noch den Kontrast zwischen fast nur noch Engelsstimme und brachialem Geschrubbe und Geschnetzel, Dorftanz und Schlachthaus. Doch bei "Folkesange"(2020) lässt sie - und ich hätte nicht gedacht, dass ich da mal 'leider' sagen würde - allen
Metall hinter sich, jetzt nur noch volkstümlich mit Piano, Nyckelharpa, Lyre, Violin, Guitar,
Frame Drum, dem Cello von Jo Quail und dem Spirit, den Christopher Juul von Valravn und
Heilung mitbringt.
VALRAVNs pagan angehauchte, mit Rahmentrommel, Hurdy Gurdy, Mandola, Bouzouki
und Didgeridoo nicht immer hasenrein nordisch vertonte Folktronica war verwandt mit dervon Sorten Muld, mit Anna Katrin Egilstrød als kleiner Björk. Für den hoppelnden, eudaimonisch klimpernden Pop von EUZEN fand Juul die kapriziöse Stimme von Maria Franz,
der bei HEILUNG und "Ofnir" (2015), "Lifa" (2017) und "Futha" (2019) aber auch der
Sprung gelingt zu den vorchristlichen Schamanen und Skalden. Um zu rituellem Tamtam
Runen raunend, stabreimend und mit der deutschen Zunge von Kai Uwe Faust vom Willen
zur Macht und dem Römerschlächter Arminius zu singen und die Bootsgemeinschaft mit
allem Seienden zu feiern. Hail Gorm? Hail Danevirke? Das ist was für kleine Geister.
Heilung sucht einen Zauber gegen den Stachel des Todes und den gibt es nur zwischen
den Schenkeln der Frauen und aus der Hand der Walküren.
Mike Olsen (*1985) schlägt als DANHEIM auf die gleiche Trommel, mit Maultrommel und
Kratzebogen, aber nur wenig Gesang, mit Folktronik der urigen Sorte, wo zur Lure das
Käuzchen ruft und der Rabe krächzt: "Mannavegr", "Munarvágr", "Runagaldr", "Herja"...
Ich bin versucht, auf der Zeitgeistkurve, mit Asger Jorn (1914-1973) als dänischer Freakwelle, eine Parallele zu sehen zwischen dem Spirit der dänischen Hippiephase - mit Alrune
Rod, Burnin Red Ivanhoe, Savage Rose, Skousen & Ingemann, Kræn Bysted, Maxwells, C.V.
Jørgensen und der Freistadt Christiania - zum schwedischen FolkJazzProgg. Mit einem
ebenfalls parallelen Katzenjammer in den 80ern, der die Schleusen öffnete für den NewWave-Realismus und die postmoderne Ironie von KLICHÉ, für Doomster und Schwarzmaler von Mercyful Fate bis Nortt und die obligatorischen Walkürenritte zurück zu Heidenund Barbarentum, zu Mythen und Runen. Als wäre das ein notwendiger Gegenzug zum
Kosmopolitismus und der Sophistication der Jazzer und deren selbstverständlichem Pendeln nach Berlin, London, Paris, New York. Den in Norwegen ausgeprägten stilistischen
Fächer kann ich mit Dänen dagegen nur annähernd bestücken als nordisch-chamber-jazzig-cool: Jakob Bro, Doctor Structure, Girls in Airports, August
Rosenbaum, Fosterchild, Emeluth's Amoeba, Jasper Hoiby...;als neo-free-jazz-hitzig: Svin, Bad Astma, Mette Rasmussen, Julie Kjær, The Moms...;als meta-folk-hybrid: Sorten Muld, Analogik, Dreamers’ Circus, Helene Blum & Harald
Haugaard, Heilung... Viel Folk, selten so hybrid wie bei Afenginn.
als neo-hard/prog/jazz-rockig: Magnus Fra Gaarden, Ibrahim Electric, Romantic Guitars,
Klimaforandringer, All Too Human, Maria Faust!... Wobei es mit 'Prog' in DK so schwachbestellt ist, dass Metal von Wuthering Heights, Beyond Twilight und Finn Zierler solo ebenso dazu gezählt wird wie Sky Architects mit ihren Wechselbädern aus trübem Post-Rockund galoppierender Verve, Mew und das Gemaunze von Jonas Bjerre als träumerische ArtRock-Hymnik, Euzen, Under Byen oder Efterklang. Über die epic psychedelic guitar meltdowns von Papir lässt sich reden. (Robin) Taylor's (Free) Universe, mit Karsten Vogel von
Burnin Red Ivanhoe am Saxofon, ist daneben jedenfalls derart Old School, dass man ans
Fenster klopft, ob die Welt stehengeblieben ist;
Statt dessen: ein Anything Goes aus coolen Konzepten und aufgeblasenen Backen wie
bei Casper Nyvang Rask's "Slow Evolution Ensemble", Anderskov Accident, Mads laCour’s Almugi, Lars Bech Pilgaards Slowburn, Jesper Zeuthen PLUS, dem DEBRE DAMODINING ORCHESTRA vor allem mit "3DO" (2019)...
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All diesen dänischen Tollereien setzt Kim Nyberg (*1976) die Krone auf mit AFENGINN
als heißer Humppa-Kapelle, mit der er auf "Retrograd" (2004) Polkas für Elche anstimmte
und mit Klezmerfetzern Schläfenlocken flattern ließ. Bei "Akrobakkus" (2006) ließ er einen'Østrogenmanipuleret Basilisk' schwanken zwischen 'Terror Humppa' und einem 'Valse
Melankolika' - kurz: Folk Music mit 'Bastard Kompleks' als Spaß bis zum Abwinken. Aber alldas war nur das Vorspiel zu "Reptilica Polaris" (2008) als einer das Folkrockformat sprengenden Suite, mit einer 10-köpfigen Blaskapelle (inkl. Kasper Tranberg), deren von Jerichoüber den Balkan heraufgezogener Drive kein Wildschweinzaun aufhalten konnte. Mit einem
orthodoxen Männerchor, der feierlich 'Oh, Natura Totalitator' anstimmt, 'Demokrator Escalator' und 'Hosianna Reinkarnator'. Carmina Reptilica mit küchenlateinischen Zeilen wie
Olmo pasternale, Olmo perfa animale / Subterrare, Submarino, Solitudo, Silentiare // Olmo
sublimare, Kreatura implodare / Humidori, Externali, Psykopator, Amorali, die ihnen derfinnische Dichter Timo Haapaniemi in die Münder legt. Zu auch wieder fragilen Klängen vonGeige, Mandolinen und Rasmus Krøyers Klarinetten feiern die Alligatoren Karneval. Ein
Gnu-Massaker lässt das Rote Meer anschwellen und den 'Dracul Mare Rosso' sich die Lippen lecken. Um zuletzt die Kaimane und Vampire stampfend zu keltern und einzusarkophagen wie nur je einen roten Zaren. "Lux" (2013) zeigt Afenginn zu fünft sanglos aber klangvoll verwandt mit Pago Libre, mit lediglich noch klöppeligen Vibes und Posaune. Um einen
in der kostbaren Schwebe zu halten zwischen lichtem Spätsommer und dunklem, knarrend
aufstampfendem Winter, mit zartbitter begeigter und geblasener Herbststimmung, nah am
Hotel Abgrund tanzend im 'Waldhotel Solitaire'. Für "Opus" (2016) wird Nybergs chassidisch inspirierte Melange aus Elend und tänzerischem Trotz mit Trompete & Bassposaune
und auch noch Piano, Streichern, Cister, hinkendem Pizzicato, Klarinettenmelancholie,
Marimba & zwei Drummern zu einer opulenten Kammersymphonie. Dazu singt Ólavur Jákupsson mit fragilem Timbre 'Luna Televisio', er lacht beim gnostisch-lateinischen 'Partiro
Futile' und zum schweren Schritt von 'Pandemonium' über den Widersacher, halb Dämon,halb Opossum. Denn Humor schlägt auch dann durch, wenn die Musik es scheinbar gar
nicht hergibt. Und er mahnt, mit unterschwelligem "Wasteland"-Tenor rhythmisch skandierend zu einem Frauenchor: 'A-mo-re Me-mo-ri-am'. Remember Love. Cantate amoriam /non demonisator reklam. Mit 'Axiom' als feierlich geblasenem, melancholisch gestrichenem, dunklem Ausklang. Ähnlich "Klingra" (2019), mit wieder dem auch mit Yann Tiersen
bekannten isländischen Sänger, der diesmal feierlich Poesie des färöischen Songwriters
Dánjal á Neystabø anstimmt. Zu wieder auch tropfendem Klingklang von Piano, winselnder
Pedal Steel Guitar, Posaune, vierhändig Drums & Percussion und zusätzlich zu Niels Skovmands Geige dem Danish String Quartet. Da Nyberg und die übrigen Afenginns dabei die
Hände in den Schoß legen und alle Klezmer- und Balkanreste getilgt sind, erklingt klassischer Chamberrock mit teils Minimal-Duktus durch ostinat repetiertes Riffing. Bedächtige
Notenfolgen, der wehmütige Pedal-Steel-Sound und die melancholischen Strings malen
erstmals bei Afenginn ein nordisches und durch den Bass sogar ein Laura_Palmer-Noir. Mit
allerdings dem unaufhaltsamen Crescendo von 'Skapanin (The Creation)' und zuletzt 'Eftirskjálvtin' als melancholischer Vision von Ragnarök und eisigem Nachbeben. Statt'Danskjävlar' Volksmusik, die wie eine auf Völkerwanderungsrouten eingeschmolzene
existenzielle Legierung aus Trauer, Wehmut und Lebenslust klingt.
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Und zuletzt noch ein weiteres 'Kapitel für sich' - DEN SORTE SKOLEs 'schwarze' Pädagogik, die anfangs darin besteht, bei den Teachers 'n' Preachers des HipHop in die Schulezu gehen. Die Kopenhagener DJs Simon Dokkedal (*1979) & Martin Højland (*1980) konstruierten das als "Lektion #1" (2005) & "Lektion #2" (2008), wilden DJ-Mix-Narrativen aus
Rap und Black Riddims, mit Billie Holiday und Duke Ellington, aber durchsetzt mit Analogik, Neil Young, Bob Dylan und mit Acapella-Vocals von Janis Joplin oder Melanie. Als
Flow, der in seiner Scratchy- & Funkyness Sounds & Vocals von DJ Shadow, Le Peuple De
L'Herbe, Ananda Shankar, Dr. Octagon, Shawn Lee's Ping Pong Orchestra, La Funk Mob,
Nickodemus, Blue Foundation, "Time of the Gypsies" & "Nightmare Before Christmas" mitsich führt, von Lata Mangeshkar, Portishead, Camp Lo, Selda Bağcan, Cat Power, Dizzee
Rascal, Guns N' Roses, Eric B. & Rakim, Skousen & Ingemann und Family Man Barrett, bis
zuletzt donnernd das Meer aufrauscht. Absurde Mixadelic, schamlose Plunderphonie,
Schweinetrieb durchs globale Dorf. Warum klingt es aber trotzdem wie aus einem Guss?
Ist Gott ein DJ und Musik sein buntscheckiges A & O? "III" (2013) steigert die Mixfrequenzhoch X, mit Fitzeln von 250 vinyl-schwarzen Rillen aus 51 Ländern. Das Zehren von den Beständen nicht als kreative Schwäche, sondern als beglücktes Schwelgen in der faszinierenden Überfülle der Schatz- & Fundgruben, die Don Cherry 'The Whole World Catalogue'
nannte (der im Megaupload-Feuer verbrannt ist). Popol Vuh trifft Henri Texier, Karen
Dalton auf Screamin' Jay Hawkins, Weather Report auf Les Baxter, Un D. M. I. auf Munir
Bashir, Arcane V auf Fairuz, Gitte Hænning auf Baka Pygmies, Gilbert Artman auf Om
Kalsoum, Throbbing Gristle auf Etant Donnes, Svend Christiansen auf Egil Kapstad, derSpaghettisound von Nico Fidenco ft. Lida Lu auf Leadbelly, Wim Mertens und Garybaldi
auf die Auslaufrille. Als hätten John Oswald, KLF, DJ Shadow und die Nurse With WoundListe 25 Frankenstein'sche Monsterchen gezeugt, mit nominellen Vätern wie Piero Umiliani, Igra Staklenih Perli, Keith Hudson, Lloyd Miller, Damon, Cervello, Hot Boys, Witthuser &Westrupp, Zazou & Bikaye oder François Rabbath und Müttern wie Ream Daranoi, Malvina
Reynolds, Asha Bhosle für 'O Babuaa' und Bessie Jones bei 'Oh Death'. Übergreifende
Klangmotive verfädeln das als 'Eine Welt'-Kontinuum. "Indians & Cowboys" (2015) - Indians first! - behält die Mischfrequenz bei - ein Dutzend Samples pro Minute. Für die sympathische Distanzlosigkeit von etwa Gunner Møller Pedersen & Pygmäengesang, Kaleidon& Popol Vuh, Omar Korshid & Dub, Ryuichi Sakamoto, Cem Karaca & Drums of Burundi,dem Spiritual 'No More, My Lawd', 'Goldfarb's Fantasy' & Katarzyna Myckas Marimba,
Lomax-Fundstücken, Noise, akustischer Gitarre & brachialem SPK-Beat, The Ghouls & Les
Yper-Sound, Ethno-Groove, The Meters & Musa Dieng Kala, T.K. Ramamoorthy, This Heat &the Cairo Jazz Band tribal verdichtet, Leningrad Blues Machine & Howlin' Wolf, Lloyd
Miller, Günter Maas & Alfred Schnittke... Mit Igor Wakhevitch, Okay Temiz und Solis Lacus
mit ihrem Stichwort 'Utopia' als Leitfäden und erstaunlichen Raritäten aus den 60/70ern
als Favoriten. Ein Kaleidoskop der wahren Welt! Das ultimative Cross the Border, Close the
Gap! Baut größere Tische statt höherer Zäune! Mit der "Symphony No. I for Sampler andChamber Orchestra" (2014) und der "Symphony No. II for Sampler and Chamber Orchestra" (2016) als dritter Stufe, No. II realisiert mit Copenhagen Phil, No I. mit The Danish
National Chamber Orchestra, beides mit dem Modern Composer Karsten Fundal, beides
als Fusion weltmusikalischer Stimmen und Rhythmen mit elektronischen und fein dosiert
klassischen. No. I arrangiert Stoff von "III" neu in die cineastisch dramatischen Movements 'Mundo' - 'Loupe' - 'Batiri' - 'Anon' - 'Shotgun' - 'Urværk' - 'Molom' - 'Koto' & 'Kyrien',
mit maximalen Minimal-Loops, indischem Belcanto, Flötentönen, Marimbaklingklang,
Screamin' Jay Hawkins als Leadsänger paganer Riten wie bei Bronius Kutavičius. Für ein
grooviges Slouching des panglobalen Ghost-Orchestras als musikalischer Schimäre undWappentier der Vierten Welt. Bei No. II kehrt 'Lomax' mit Fannie Lou Hamers "Make a way
for me" wieder als 'Kollaps' und wird im SPK-Schredder zerstampft. In 'Der Ruf' ruft Popol
Vuhs Rohrflöte zu sämigen Streichern, Bläsern, Theremin und exotischem Singsang, Asha
Bhosle trifft auf orchestrierte Tristesse. 'Arca Hymn' ist ein konvulsischer Thrill mit feierlichem Männerchor, 'Rasami' ein exotischer, beflöteter Aufzug, mit dräuenden und schrillen Strings und tribalem Gesang zu pumpendem Beat. Samples als Volksvermögen? Als
Impfstoff gegen Fremdenfeindlichkeit und Rassenhass? Dansk Folkeparti? Danskjävlar!
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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e sattenuation circuit (Augsburg)

Not macht angeblich erfinderisch, aber es sind Vorstellungs- & Wunschkraft, die überNotlösungen hinausgelangen. Covid-19 brockte dem Augsburger Re:flexions / Sound-art
Festival 2020 hinsichtlich des Line-ups, das "Re:flexions / Sound-art Festival 04 07 20"(ACPS 1041, digital) mit Kostproben vorstellt, einige Änderungen ein. Und verhindertedamit auch einige der Begegnungen, die sich Sascha Stadlmeier ausgedacht hatte. Stattdessen wurde der vorgesehene Zusammenklang virtuell realisiert als: r I ɘ (ACU 1024).
Unwillkürlich denkt man an die Sessions beim Moers Festival, wenn z. B. für 'humaninterbreeding' Bu.d.d.A. (= Emerge + b°tong) vereint sind mit der ansonsten barocken, daaber quäkigen, zirpigen Trompete des kahlen Fabio Fabbri und der verträumten, glissandierenden, trillernden Violine von Hoshiko Yamane, die in Berlin als Tukico, vor allem
aber mit Tangerine Dream geigt, hier aber unter Lärmwellen und brausender Orgel erbebt.
Für 'sudden descent' mischt sich Lisa Simpson mit ihrem Bachelor aus Curitiba und ihrem
Master of Applied Art aus Vancouver an ihrer Singer-Nähmachine, mit der sie in Neukölln
Mode upcyclet, als Agente Costura mit den Electronics von Dieter Mauson alias Occupied
Head in Hamburg und von Boban Ristevski aka Lefterna in Skopje. Geschneidert, geschweißt und geschliffen wird wohl in einem Eisen- und Walzwerk am Outfit für einen
Eisenhans, der was Reißfestes bestellt hat. Ganz anders der Litauer Gintas K, wie er sichda bei 'closer musings' mit Calineczka (das ist Ścisław Dercz, ein gelernter Mathematiker
aus Gdańsk, aber aus Neigung Dröhnminimalist in Alicante) und dem hauchzart oderruckzuck-variabel dröhnenden und klopfenden Wilfried Hanrath aus Wuppertal quecksilbrig verströmt auf subliminal melodischem, subwoofdunkel bepulstem Gedröhn. Lee
Enfield (aka James Wyness, denn wer möchte schon wie ein Schießbrügel heißen), der in
the Scottish Borders wenig von der Scottishness hält, die man sich von Walter Scottabgeguckt hat, Sabīne Moore in Riga, die als Waterflower skurrilen Art Pop singt, und dernoisefeste Südtiroler Peter#KOMPRIPIOTR#Holzknecht erschrecken sich bei 'scare up'
gegenseitig mit Gewisper, Georgel, surrendem Gebrodel, alarmierten Wooshes, bis ein
schneller Synthiebeat in harmonische Gefilde führt, wo freilich kein Bleiben ist. Deep (dassind Stefan Vetter & Bernd Spring von Dhyana Records) nehmen zuletzt Hellmut Neidhardt
in ihre dröhnende und klopfende Mitte, der mit dem verträumten Gitarrenloop für 'ferch'seine n-Reihe auf N(91) verlängert. Ich staune, wie Emerge & Co. da immer wieder neue
Gesichter und (mir) unvertraute Veteranen der Sound-art auftun. Und wie gern und gut die
das mixadelisch-kollaborative Spiel auskosten.
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Drone Records - Substantia Innominata (Bremen)
Substantia Innominata verspricht, einmal mehr, Musik, die in ein Gebiet führt, wo Worteund rationales Denken außer Kraft gesetzt [suspended] sind und eine Verbindung zu
tieferen Teilen des Bewusstseins anfängt... Wer mich kennt, wird verstehen, dass ich michetwas schwer tue, der Wortlosigkeit das Wort zu reden. Ich neige dazu, in 'suspended' daslat. 'schweben lassen' zu verbinden mit Hegels 'Aufheben' als Dreischritt und Arbeitsgang
aus Negation (abolish/cancel/suspend) + preserve/sublate + pick and lift up/transcend.
Sprich: Es gilt das Zukunftsträchtige am Ungenügenden hervorzuwühlen und auf ein
höheres Niveau zu bringen (elevare). Ich denke dabei ebenso an Münchhausen wie an
Freud und betrachte die Dröhnwerker als Maulwürfe und Mineros (Bergleute), als Miners of
the Mind. Mit dem Mind in seiner, zugegeben, schwammigen Fragwürdigkeit dabei zugleich
als an den Haaren herbeigezogenem Gegenstand und Agent des speläologisch-sublimatorisch-elevatorischen Prozesses.
JEREMIE MATHES, Fotograf & Fieldrecorder in französischem Milieu, aber mit einem
mehrjährigen Erfahrungsschub in Kambodscha, ist seit etwa zehn Jahren so ein psychischer Speläologe, der im Unergründlichen noch Steine umdreht. So bei "Efequén" (2013),"Fallow Memory" (2015) und "In[Core]Wat[t]" (2018) auf dem Brüsseler Label Unfathomless. Nach 'Uunartoq Qeqertoq' auf "Drone-Mind // Mind-Drone Vol. 4" (2015) bringt Arkhaîos (SUB-27, 10") mit 'Tómleiki' [isländ. Leere] in wummriger Aura die Suggestion einer
Industrieruine, deren eisernen Relikte als Klangskulptur geharft, bedongt und beklappert
werden. Gewölbt als Dröhnsphäre über dunklem Grund, durchschweift von sonoren Klangwellen, die träumerisch kurvend und spielerisch surrend die Reste einer untergegangenen
Kultur streifen, als sei sie ein vergangener Wahn, als sei sie aus ihren Hüllen geschlüpft
und davongeflogen. Diese Klänge 'Gespenster' zu nennen, ist mehr als nur archaisierende
Poesie, da für eine hauntologische Sensibilität durch sie etwas Untotes aus der Vergangenheit greift. 'Yliaster' belebt das Bild mit grummelnden, rauschenden, zischenden
Turbulenzen, der Wind lässt Eisen rutschen und rollen. Und schwingt da nicht sogar einewie verwehte Orchestermusik mit? Meist reicht der Wind nur, um kleine Dinge zucken underzittern zu lassen und der Phantasie kleine Streiche zu spielen. Mathes jedoch scheint
Größeres im Sinn zu haben, wenn er das 'Yliaster' nennt, bei Paracelsus das aus Hyle und
Astrum (Stern) gebildete Portmanteau für Prima Materia, Matrix, Urgrund (archē) und
Limbus (die alles umgrenzende ober vnnd vnder Sphaer): Nur der - mit anderen Augen den Limbum erkent / der weiß was der Mensch ist ("Opus Paramirum").
Cristiano DEISON, 1971 in Udine geboren, ist mir, durch Aagoo, bekannt geworden als
Belauscher von "Quiet Rooms" und als Partner von Mingle mit Streifzügen durch NichtOrte, oft nur einen knappen Schritt dem Kollaps voraus. Auch bei Substrata (SUB-28, 10",flaschengrünes Vinyl), ein Titel, in dem der gleichnamige Ambientklassiker von Biospherewiderhallt, steht er nicht wirklich auf 'Terra Firma', auf festem, auf harmonisch gefestigtem Boden, denn Erosion sorgt für ein Awakening aus dem dunklen Beharren. Wie Biosphere mit seinem "Sorry to wake you". Der sirrende, sonor dröhnende, schwellendchangierende Grundton, aus dem sich die Wirklichkeit ausfaltet, indem sie sich an sichselber zu Schaffen macht mit dumpf pochendem Pauken, nestelnder und rumorender
Dialetik, mit kleinen Kratzern, klackenden Lauten, windspielerischer Beiläufigkeit, derschlägt die Augen auf und erblickt - sich selbst. Jérémie Mathes' 'Arkhaîos' und 'Yliaster'
heißen hier schlicht 'Prima Materia' und seine Leere kehrt wieder als 'In Vacuo Momentum'.
Wummernd als hell gesäumte Quellwolke, wandernd als orgelige Dröhnwelle, mit ebenfalls
raschelig verhuschten Akzenten. Deison benutzt prepared tapes, metals, strings, wires
and electronics, um in langen Wellen wie aus Schwefel (sulfur), Quecksilber (mercur) und
Salz (sale) das Leere mit dem Firmen zu verzopfen, das Tiefe mit dem Lichten. Ich
oktroyiere das nicht, ich versuche nur den Klängen, den Salzkörnern, dem Schwefelgeruch
zu folgen.
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E-Klageto / La Bois / Psych.KG (Euskirchen)

Die limitierte Sonderedition von ERIC LUNDEs Ghost By Mouth (Exklageto 22) wird wie auf
schwarzem 'Silbertablett' serviert auf der LP "30 X 30 - Short Bursts Of Light" (Psych.KG
099, 2012). Aber ob mit oder ohne, transportiert werden Spoken Words des 1960 in Rhinelander, WI, geborenen Sonic-Fiction-Künstlers, der 1984 mit Boy Dirt Car auf die Szene trat
und mit F/i, Hands To, Illusion Of Safety und mit Jeph Jerman & Dan Burke vereint als Holeist eine starke Facette der postindustrialen US-Soundart der 80er ausmachte. Hier nun
offeriert er in 20 Variationen die in "Ghost By Mouth", seinem neuesten Buch, verschriftete
These: 'Words Are Ghost That Haunts The Mouth'. W. S. Burroughs war der Überzeugung,dass ein Virus von Outer Space die äffische Evolution verändert und mit der Sprache etwas hervorgebracht hätte, das durch Priester-Mund (im weitesten Sinn) herrscht und befiehlt. Im Anfang war das Wort, / und das Wort war bei Gott, / und das Wort war Gott. Undich [der Priester-König] als die rechte Hand und der Zorn Gottes sage Dir... Bei Lunde,dessen "Short Bursts of Light" a kind of “oblique” novel in the manner of William S. Burroughs (or Kathy Acker) genannt wurde, ist die Zunge Medium für Worte, befehlende (?)
oder poetische (?), jedenfalls gespenstische, die herrühren von Toten [Formerly Blood,
Now Mourning]. Schon bei "In the Ghost Cave" hat Lunde das umkreist, der als Autor von"Music is Meat" und "I am a Copy of a Copy of a Strange Loop" weitere Thesen verschriftet
hat. Seit Jahren vertieft er sich in Wojciech Zureks Quanten-Darwinismus (as applied tocopying irregularities, and the nature of copying imperfections and accidents to create
new evolutionary phases) und die evolutionistische Frage, ob das Gehirn als Kopiergerät
oder als Bewusstsein funktioniert. Wobei Lunde das immer wieder an reduplikativen, degenerativen Prozessen vorführt. Mit verzerrtem Gemurmel der Kernthese. Speak, Ghost,flüstre zu pulsendem, sirrendem, störendem, rhythmisch pumpendem oder klopfendem,
zirpig zuckendem, statischem Synthie-Noise. We are Hosts, die litaneihaft repetierend den
Gast bekennen, der aus uns spricht, Wirte, die ihren Parasiten auf der Zunge empfangen
wie eine Hostie. God damn Ghost Mouth! Der Schädel als Ghost Cave, das Hirn als aphatische Ghost-Machine, füllt Bücher mit Accidents, Unfällen, Ausrutschern, "A Panic of Letters". Lunde liest aus seinen Büchern, seinen Lectures, vinylbeploppt, loopummulmt. We
only speak G-h-o-s-t. Wir atmen ihn/es. Wir kopieren ihn/es, er/es kopiert uns. You are
Ghost, a Ghost by Mouth. It comes so natural. Noise wäre dann ein surrender Abwehrzauber? Eine Strategie der Störung? Notwehr? Und Lunde? Ein Ghostbuster? Einer, der nur
sagt, wie es ist und wie es nicht anders sein kann? Bei 'Escape from Mouth' scheint derGeist vertrieben durch einen Dauerdröhnton. Ich vermiss ihn, des Pudels Kern, den Lundebei "Mimefistofele" und "FaustNotFaust" entpudelt hat, die mephistofelische Kraft, die daseine will und vieles andere schafft, was uns von Dungkäfern und Schaben unterscheidet.
PS: Für die Abonneten der BA 107 liegt "Ghost By Mouth" bei als Extraausgabe in DIN A4Hülle und mit speziellem Artwork!
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HARUTAKA MOCHIZUKI spielte schon seit 15 Jahren Altosax, allein oder mit
Tomoyuki Aoki (von Up-Tight) und anderen Landsleuten, die ihre Nasen in den
Free Wind stecken, als ihn mit Michel Henritzi und dem An'archives-Macher Cédric
Lerouley zwei japanophile Franzosen zumindest mal zum Geheimtip beförderten.
Flageolet Ni Tokeru Chocolate (Exklageto 24 / Klageto 2) ist eine direkte Folge
davon, als Part 2 der mit "We Were There" von Henritzi & Ikuro Takahashi begonnenen Klageto-Serie in 7"-Sleeves mit den BA-Abonnenten vertrauten grauen
Visuals von Frau Unbekannt. Mochizuki artikuliert seine Klangwelt mit auch noch
Stimme, E-Piano und Synthesizer - ein
Foto zeigt seine Werkzeuge (ein zweites seine Vorliebe für Lotte Ghana Milk
Chocolate, den Klasssiker unter Japans Schokoladen). Sein Altosax bläst
er diskant zugespitzt und zerbrechlichund doch melodisch. Nach einem rührend a capella angestimmten Lied,steigert er die Fragilität noch mit bebendem Reedblatt und der beklemmenden Intimität einer einsamen undverletzlichen Stimme. Nicht anders bei
seiner in sich verlorenen Zweifingerklimperei, einem shō-ähnlichen Fiepen
und einer weiteren Strophe seines
zagen Gesangs. Japaner können dasehr konsequent sein in der Selbstentblößung, wobei Mochizuki die rührendsten Register ausreizt. Zu accelerierend zwitschernden Elektroimpulsen spricht er wie ein Gehetzter und flüchtet sich in noch kläglicheres Altoaltissimo und ein spinett-zartes Liedchen mit Kaspar_Hauser-Feeling. Wie
doppelbödig er da spielt mit dem kakophon Schmerzlichen, ja Grotesken, und dem
Risiko des Lächerlichen, da wage ich nicht einmal eine Vermutung. Bei 'Azalea No
Hanataba Wa Itsuwari No Bara Ka' bot Mochizuki sein Spaltklangelend vor
Publikum dar, als Gesang eines Jünglings mit an den Kopf gedrückter Pistole.
Wobei ihm die bebende Altostimme versagt und unter die Hörschwelle schwindetoder auf der Zunge Rost und Blut sich in schrilles und stummes Schreien mischen
und mit in Rauch aufgegangener Klezmeressenz.
KARL BÖSMANN teilt im Split (La Bois 28, 2 x 7" Square Lathe Cut, in handmade Hardcover mit Artwork von Frau-Unbekannt als limitiertes Sammlerstück) seine 'Beilstein Hausmusik 1 & 2' mit 'Meat' & 'Balls' von RLW. Eine Hausmusik mit schillernder, wummernder
Kirchenorgel in der gräflichen Hauskapelle, mit schlurchendem Beat oder glissandierend
und trillernd und mit ratschenden Clustern, wie inspiriert von Dr. Phibes, John Zorn, Wolfgang Mitterer. Ralf Wehowsky kontert mit granular rubbelndem, dröhnend kurvendem
Noise, der als leise sausendes Pfeifen sich entzieht, der keuchend zu 'sprechen' versucht.
Doch plonkende Basstöne und störende Verwerfungen führen nur zu einer Reprise desgranularen Beginns. Ähnlich undurchschaubar die Kehrseite, als morphendes, aufwärts
glissandierendes, feines Gedröhn mit einigen wenigen Akzenten, auch bassdunkle Interpunktionen ergeben keine deutliche Spur. Stöhnende Laute könnten ebenso von Schmerz
wie von einem Kontrabassbogen herrühren. Erstaunlich, was 6 Min. im sich Verbergen und
Entziehen doch hergeben können, indem sie ihre Narrationsunlust als Qualität ausstellen,
als Reiz des Rätselhaften, als Dramatik des Unerklärlichen, als Abhub der wahren Wirklichkeit. Die ja hauptsächlich aus dunkler Materie und ungestellten, geschweige denn gelösten Fragen besteht.
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Grisaille (Steinfurt)
Die graue Eminenz hinter Grisaille ist Julius Ménard, der da 29 km nw-lich von Münster seit2019 und durchwegs auf Kassette ein Klangfeld auffächert, in dem ich Emerge und Aidan
Baker als Orientierungspunkte entdecke. Auch gibt es eine ästhetisch-kollegiale Querverbindung zu ]licht-ung[ und eine Vorgeschichte im Münsteraner Hardcore von Dramamineund Lentic Waters. Gut ins Bild passt dazu DOC WÖR MIRRAN mit Kraut Mask Replika(GRISAILLE-08, C-58) als DWM release #173 und Little Richard (1932-2020) gewidmete
Verbeugung vor 'Captain Bee Fart'. Es ist das ein Mitschnitt des Auftritts am 8.6.2013 inder Augsburger Ballonfabrik, mit Ralf Lexis an Guitar & Vocals, Adrian Gormley am Saxofon, Joseph B. Raimond am Bass und Stefan Schweiger an den Drums, die da, baritonknarrend, beefy und gritty, alten Freerock spielen. Als Clownfisch Enterprise, Next Generation,
tauchen sie mit 'Adriana Paintress', 'Song of Steel Death' und 'Tuburcular Bells' in die Vergangenheit, die sie, denn gefühlte Zeit ist besonders relativ, durch die Nase hochziehen
zum zeitlosen Brainfuck. Als ob der Freigeist der 60s und der 80s keine zwei Paar Stiefel
wären, ebensowenig wie der psychrockige 4/4-Groove und Gormleys lowjazziger Saxflow,
den er, wenn er nicht wie eine Biene Honig furzt, um einiges dominanter und rauer röhrt
als Dana Colley einst bei Morphine. Bei '8/6/13' mischen dann Emerge, Niku Senpunki & der
DWM-Noiser Michael Wurzer alias Kopfschmerztablette das Spiel auf mit giftigem Schrillen
und träumerischem Dröhnen, um es mit poppigen Einsprengseln zugleich zu ironisieren.
1983 (GRISAILLE-09, C-45) ist tatsächlich in jenem Jahr entstanden und zeigt somit FRANCISCO LÓPEZ, der bei seinem in seiner Diskografie als C1 geführtem Debut noch keine 20
war, mit einem seiner frühesten Versuche, die Noise Culture zu beschicken. Mit rhythmischzuckenden Gravuren auf einem wie im Zementmixer rotierenden Klangbrei aus brodelig
surrenden Pixeln, körnigen Plops, funkstimmverzerrten Phantomen und zischelnden
Schüttungen. Bei Seite B wechselt das Ambiente radikal - und für López wegweisend - zu
einem leisen Grundrauschen und wie unter Wasser hohl dongenden Lauten. Beides gehört
zu seiner Anomma-Phase, benannt nach der räuberischen Treiberameise, die auf dem
Cover einen Schatten wirft wie Max Schreck.
Nach zuletzt den Orgelwellen, Schritten, Atemzügen und dem knarzigem Gefurzel von "Hr"(2019, Econore) oder der Gitarrenmelancholie, dem wie Glocken läutenden oder surrenden Dröhnklang, dem Singsang und der Meeresbrandung von "Liminality" meldet sichauch JULIUS MÉNARD selber zurück mit L'Enfer C'Est Moi (GRISAILLE-10, C-25). Betwixt& between Flauberts „Madame Bovary, c'est moi“, Rimbauds Une saison en Enfer, Sartres„L' enfer, c'est les Autres“? Mit weiteren auf und ab orgelnden Gitarrendröhnwellen als
beruhigenden Mantras. In sechs Variationen kreisen Drones wie Borromäische Ringe, alszugleich stehende Welle und wiederkehrender, zeitlupig Saiten harfender Zweiklang. Die
Hölle am Arsch, daher nix wie Sphärenharmonie im Kopf?

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Interstellar Records (Graz)
JOANNA JOHN, 1983 in Polen geboren, lebt als audio-visuelle Künstlerin und Mutter
zweier Kinder in Tromsø und auf Senja. Der Musik ist sie vordergründig durch ihr Coverdesign verbunden, vor allem für Geir Jenssen (Biosphere), ihrem Partner im Leben, auf
Biophon und Bocian Records. Und durch Videoclips für Antoine Chessex, Robert Schalinski, Gustafsson/Nordwall, Zenial. Bei Bocian erschien 2019 auch "No End" als ihre musikalische Jungfernfahrt in die Gewässer der Nacht und Tauchgang durch ihr phantastisches
ABC (Argento, Bön, Coil...). Mit Bassdreiklang, Baritonsax und elegischem Gesang derEisfrau im Mumintal bei 'Here warmth is transmitted' als Höhepunkt eines angedüsterten
Dreamscapes aus Drones und Elektrobeats. Durch ihr Artwork für dessen Streifzug in die
Gitarrenwildnis bei "Zwölf" (2018) hatte John schon einen Berührungspunkt mit BURKHARD STANGL, mit dem sie nun bei Lynx (INT048, LP) Novemberluft schnuppert, nach
Rehen luchst und der Schwerkraft der bebenden x-Achse trotzt. Stangl, der anfangs,
sprich in den 80er/90ern, mit Ton-Art und Franz Koglmann hat ART-Musik spielte, stapelt
seither mit Olga Neuwirth oder Oswald Egger hoch und mit Polwechsel, Efzeg, Dieb13 oderAngélika Castelló flach, bis hin zu Schneehasen- und gar nur gedachter Musik und derLessness einer Reihe von Mikroton Recordings. John umknarrt, bezwitschert und bedröhnt
nun seine lakonischen Riffs und sein ebenfalls dröhnendes Feedback für ein Gefühl vonFatalität, mit leerem Magen im eiskristallenen Winterwald. Dunkle Bläser sind nur eine
Illusion in einer Kälte, in der Stangl Däumchen dreht in Erwartung besserer Tage und sichwarme Gedanken macht durch Poesie, während es aufs Dach kieselt und Vögel Kohldampf
schieben. Wenn ihm dabei zu Zitter- und Dröhnwellen Bambi erscheint, folgt er damit nur
der Phantasie eines pornographischen Lands- und Jägersmanns. Sein Klingklang hüpft
von Ast zu Ast, pickt an Draht, melancholische Blicke gelten dem Meer, das Eiszapfen
harft. Dem sonoren und sirrenden Sog und der brachialen Gitarrendramatik von 'Gravity'
folgt zuletzt 'X', mit knurschigem Vinyl, elendig pingendem Piano und zarter Gitarrentristesse zu flickrigem Beat, einem Orgelhaltetonvibrato und hingehauchten Lauten. Oderbilde ich mir die nur ein? Definitiv nicht eingebildet ist der verdammt große Reiz einer
Musik, die einen die Ohren spitzen lässt wie ein Luchs.
Bräuchte ich eine Brücke von Burkhard Stangl zu DIDI KERNs Drummer- & PercussionWelt, fände ich sie in Stangls 'Something is Trembling', das sie zusammen mit dem Prague
Improvisation Orchestra intoniert haben. Ansonsten
treffen sich Stangls Sphinxerei am Styx und Kerns Fuckhead-Wipeout-BulBul-Broken.Heart.Collector-, Freejazzund Poisonous_Frequencies-Schiene erst im Unendlichen. Auch elliptical overtone study & field recordings(INT049, LP) ist ein weites Feld aus 19 Szenen und
Miniatürchen, das Kern durchquert per 'Flugobjekt','Riverboat' und 'On the Train'. Vieles spielt sich auf
höherer Ebene ab, daher knarzt er 'Stiang aufi' ans Werk
und verlässt es wieder 'Stiang owe'. Da oben hört man
ihn als bezwitscherten, federnden, trommelnden Fieldrecorder und Träumer, als sägenden, knöcheltief umwummerten 'Steckalreiwa', Raindancer, Knisterknasterer, 'Scratcha', Tubeklopfer und Tambour, allwegs
getrieben vom Forschergeist, der ihn schon in jugendlichen Jahren an die Aluhut-Front getrieben hat (wie das
Cover zeigt). Kern untersucht gamelanesk dongende
Obertöne, lässt sich unterwegs von einem Rübezahl
beschnarchen, er schüttelt dem rappelnden Regen dievielen kleinen Hände, hört eine Doomsterin das Ende der Welt verkünden. Warum?
Pourquoi? Why? Um nicht, solange noch der Walkman irrt, das Lämpchen glüht, die Biene
schwirrt, zwischen 'Elend & Sorge' auf der Strecke zu bleiben.
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Karlrecords (Berlin)
Die 1976 auf Reunion geborene BÉRANGÈRE MAXIMIN hat ihrer auf Tzadik, Sub Rosa undMade To Measure entfalteten Soundart jeweils ihr eigenes Gesicht gegeben, gesehen
durch das Kameraauge ihrer großen Liebe, des ukrainischen Malers Anton Yakutovych(1957-2014). "Frozen Refrains" (2017) zeigt, wie sie allein wieder den Boden unter den
Füßen finden musste. Bei Land of Waves (KR078, 2xLP) gibt sie mit Sound Objects, small
Percussions, Synths, Electric Guitar, Voice und Electronics ihrem Eindruck von der Welt
als hybridem Kaleidoskop eine entsprechende Form. Dass sich erste und zweite Natur in
Parks und an Stadträndern durchdringen, wie unscharf Tage ('Day 41') und Nächte ('A
Kind of Night Ritual') ineinander übergehen, das macht sie hörsinnlich erfahrbar in pulsenden Wellen, verhuschten Vogelstimmen, atmosphärischen und elektronischen Störungen,knarzig, pixelnd, mit windspielerischem Schimmer, perkussivem Klingklang, tagträumerischer Rhythmik. Das Meer hat einen anderen Atem als die zwitschernden Vögel, der Herzschlag, der schnelle Schritt am Kanal entlang ins Brache. 'Kalimba Rough' klingt hohl, holzig und lethargisch, 'The Broken Shoe' flattrig gewellt und zittrig, die Nacht knistert wie ein
kokelndes Brikett, sie rauscht und wird von elektronischem Beat gestreift. Bei 'Full Jungle'
wird wie von Douanier Rousseau ein Traumdschungel lebendig, der sich auch bei 'Off the
Page' selber weiterträumt, als Fauna concrète, sirrend, dröhnend, zirpend, aufziehvogelig,
wasserschwappig, als Klangbild surreal, als Xenotop wildbewegt. 'L'Echappee' [Flucht?
Abschweifung?] füllt die ganze C-Seite mit eher urbanen Anmutungen, monotoner Akzentuierung, metallischen Geräuschen. Eine Fliege (?) surrt, es pocht und klappert als Baustelle und Zoo und doch weder - noch, nie 1:1, alles ist künstlich und kunstvoll verformt,
verrauscht, automatenhaft rhythmisiert. Für 'Walking Barefoot' hat Maximin das Quartet
Swibekico plus Fred Frith rhythmisch und dröhnend so aufgemischt, dass ein Komapatientenhirn ravt, mit kakophonen Irritationen wie bei Ph. K. Dick. 'Des Tigres Multicolores' verschleift pelziges Grollen mit wespigem Sirren. Und für 'The Thread' mischt Maximin zuletzt
perkussive Tropfen mit imaginären Schwalben, kaputten Maschinen, lecken Ventilen undkuriosen Stimmlauten zu Klangchimären, mapping the thoughts in one's brain, blurring theborders between real and imaginary pictures through landscape/soundscape and capture
an ephemeral moment with a very subjective viewpoint - Maximins Worte über die Kunst
ihres Mannes treffen auch für ihre eigene zu.
Nachdem sie mit Keiji Haino philosophisch versumpft und mit Ken Vandermark über den"Kozmik Basar" gebummelt sind, zeigt Eastern Saga: Live at Tusk (KR079, LP) die Istanbuler Free-Music-Posse KONSTRUKT 2018 in Newcastle mit OTOMO YOSHIHIDE, tanzend
auf glühenden Kohlen. Korhan Futacı an Altosax & Loops, Umut Çağlar an Guitar, Synth &Reeds, beide auch an Flöten, dazu Erdem Göymen & Ediz Hafızoğlu an Drums sowie
Apostolos Sideris, der am Kontrabass das elegische Intro streicht und zupft zum 'Fire
Dance', dessen Hitzigkeit mit immer intensiverem Gebläse von erst Rohrblatt und Flöte undstöhnender Vokalisation von Futacı allmählich zunimmt, mit zirpendem, plonkendem Bass,
Synthiegefiepe und Turntablescratches. Bis das Altosax oder das Mundstück auflodernund Çağlar & Otomo heftigst die Saiten riffen, zu schon seit Minuten wild krachendem
Drumming. Was für ein Übergangsritus für Hüseyin Ertunç (1947-2018), den trommelnden
Wegbereiter von Konstrukts freigeistiger Musik, der genau an diesem Wochenende gestorben ist. Mit schriller Flöte, wilden Trommelwirbeln und Gitarrengefunkel für das letzte
Break-on-through. 'The Myth' zeigt beide Gitarren bei einem Mantra, bevor Futacı wieder
seine Fackel entzündet und vorangeht in einem nun jedoch zarten Schwebezustand aus
Altogeflacker und lyrisch gerührten Saiten. Der ganze Duktus nicht mehr drangvoll, sondern sanft- und wehmütig hoffend auf karmische Illusionen, Bodhisattvas und lockendes
Flötengezwitscher. Mit Futacı ganz auf Ornette gestimmt, bis hin zum Diminuendo des ansich durchgehenden Sets von gut 50 Min. (→ Tusk TV auf YouTube). Was wir hören, sindzwei geschickte Exzerpte daraus, das eine so mitreißend wie das andere fesselnd.
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Oeldorf 8 (KR080, LP) von MESIAS MAIGUASHCA, 1974 uraufgeführt bei den Darmstädter
Ferienkursen, 1976 als LP erschienen, war die tönende Visitenkarte der Oeldorf Gruppe,
die sich 1972-78 in einem Bauernhof bei Kürten, 40 km östlich von Köln, zusammengetan
hatte. Ähnlich wie zuvor schon Can in Schloss Nörvenich und in Weilerswist oder das Feedback Studio in Köln mit David C. Johnson, der Stockhausen assistiert und Can mitbegründet hatte, war es eine der kreativen Streuungen, die von Stockhausen ausgingen, den Kölner Kursen für Neue Musik, dem Studio für elektronische Musik des WDR. Die OeldorferPeter Eötvös (der als Komponist & Dirigent ein Alphatier der Musikszene wurde), Dietrich
Fritsche, Joachim Krist und Maiguashcas Frau Gabriele Schumacher hinterließen mit'Oeldorf 8' für Violine, Klarinette, Cello, Elektroorgel und 4-Spur-Tonband ein eigenhändig
gestaltetes Selbstporträt, das, anders als Johnsons "Progranca—ein Oeldœuvre" oder
Silvio Fortićs "Drei Lieder aus dem unvollendeten und unvollendbaren Zyklus 'la merde desiècle'", überdauert hat. Zusammen mit 'Ayayayayay (1971)' für Tonband, 'Übungen' (19721973) für Cello & Synthesizer und "Reading Castañeda" (Wergo, 1997) legte es den Grundstock für die Karriere des 1938 geborenen Ecuadorianers als Professor für Elektronische
Musik an der HfM Freiburg von 1990 bis zu seiner Emeritierung. Und verdichtet nun das
von Karlrecords mit Avantklassikern von Subotnick, Reich, Reibel, Cage, Stiebler und Xenakis so verdienstvoll aufgefächerte You must remember this. Es erklingen in einer Mixtur
simultaner Passagen nur der instrumentale Klang (Piedrologia, 4 Kanons - Hommage à Varése, Sine Nomine), purer Tapesound (Impulse. Linien, Flächen), die Orgel allein (Uebung),
Orgel + Cello (Uebung), Geige + Klarinette (Ratespiel) und ein elektroakustisches Miteinander (Hommage à la Quinte, Oeldorf 8, Sul G). Maiguashca spricht dazu eine Introduktion, in der er den Oeldorfer Zirkel vorstellt, wobei da schon der 'piedrologische' Steinklang von elektronischen Impulsen durchzuckt und tumultarisch überrauscht wird. Die
Streicher und die Klarinette bilden dazu einen pulsenden, elegisch angehauchten Kontrast, der mit schillerndem Glanz und wellenförmigem Drang vorstößt in tremolierte, vogelwilde Gefilde, in der orgelsurrend Ufo für Ufo abhebt. Trillernde, schnarrende, zwitschernde Sonic-Fiction-Impulse werden an eine Wall of Sound geworfen, elektronischer Wind
streift an ihr entlang und auch wieder leise Streichermelancholie. Fünf Minuten vor dem
Ende beginnt ein wieder gesprochener Abspann, knöcheltief in Klangschlangen und kakophonem Konfetti, die Stirnen vorgeneigt, um Aschenkreuze zu empfangen.
Wie vor dem Feuer, das sich in “The Underground Man” an Ross Macdonalds Santa Teresa
heranfrisst, sahen sich die fünf auf Vashon Island im Pugent Sound vor Seattle zusammengekommenen Doomster im Summer of Seventeen (KR081, LP) vor der apokalytischen Kulisse des verheerenden Wildfires in British Columbia. Monika Khot (Nordra, Zen Mother),William Fowler Collins, Daniel Menche und das in Mamiffer & Split Cranium vereinte Ehepaar Faith Coloccia & Aaron Turner (ex-Isis, Old Man Gloom, Sumac und Macher von Hydra
Head & Signe Records), kurz SUMMER OF SEVENTEEN, konnten bis ins House Of Low
Culture Studio den Rauch schnuppern. Als konkreten Anstifter für ein dark ambientes
Menetekel, mit dräuenden Fanfaren, Noiseschwaden in massiven Schüben und im Kerneinem unerbittlichen Mahlwerk, das dem Chor der immer nur ach so Unschuldigen eine
andere Bilanz aufmacht. Viele werden da gewogen und zu leicht befunden. So mancher,
der so gern mit den Wölfen heulte, findet sich vor dem Gebrüll eines Schinders auf derunerwarteten Seite wieder, der des flaumigen Gänschens, mit der sich infernalische
Gargantuas das Arschloch wischen. Tuckernde Beats durchzucken eine von brausender
Orgel, fräsender Gitarre und elektronischen Machenschaften aufgetürmte Klang- undKlagemauer. Gongender Klingklang und Gesang wie von Eloi-Weibchen gaukeln Elysium
und Erlösung vor, der industriale Fortgang spricht, brachial und peitschend, eine andere
Sprache. Hallende Bassgitarrentöne übertönen wispernde Einflüsterungen, die erzern
dröhnende Aura von Verhängnis lässt kein Schlupfloch erkennen, Faith und Monika klagenvergeblich. Zuletzt bleibt nur ein Abgesang in raunenden Kaskaden, ein düsterer Bolero,aus dem üble Frequenzen Fetzen reißen, mit fatalen Gitarren, in deren Spektrum himmelblau und rosenrot nicht vorkommen. Klar, alles nur Theater - das Feuer brennt die Wälder
nicht, der Löwe frisst den Christen nicht, auch Nero geigt die Geige nicht...
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14·11·90 - Ein Akustisches Psychogramm (KR082, LP)
war 1993 (auf Geldrausch Tonträger) ein engagiertes
Statement von Marc Weiser gewesen, zusammen mit
Jürgen Hendlmeier als ARURMUKHA, was so viel wie'Habsüchtige Dämonen' heißt und die Stoßrichtung desEngagements verrät. Weiser hat sich danach einen Namen gemacht mit Rechenzentrum und Gitarre spielend
bei Zeitkratzer. Am Anfang stand jedoch die kritische
Szenographie dessen, was als Räumung der / Randale in /Schlacht um die Mainzer Straße im November 1990 in die
Berliner Annalen einging. Als bürgerkriegsrabiater Polizeieinsatz, Debakel für die rot-grüne Koalition und desillusionierende Erfahrung für die Ost-Berliner Hausbesetzer- & Alternativbewegung, die dabei einen Politik- und
Polizeiapparat demaskierte, der in jeder Couleur der kapitalistischen Verwertungslogik und einem Eigentum
dient, das zu nichts verpflichtet außer Profit. Ein 4-seitiger LP-Einleger schildert minutiös, wie das 'Räumungsbegehren' durchgesetzt wurde, der deutsche Sprachschatz zeigt all seine Schätze: Polizeikräfte, Scharfmacher, Wasserwerfer, Tränengas, Räumpanzer, Blendschockgranaten, Schildkrötenformation, Sondereinsatzkommandos, Landfriedensbruch, Pflastersteine, Mülltonnen, Zementsäcke, Sitzblockade, Menschenkette, alles
Menschenmögliche... Vertont, klingt es wie 'Berlin QDamm 12.4.81' von Heiner Goebbels oder 'Maifestspiele'
von Einstürzende Neubauten, nur in groß. Als hörspielartiges Drama, das 30 Jahre danach in ein Berlin im Würgegriff der Gentrifizierung und der überkochenden Mietpreise stößt. Mit collagierter Verve, krachigen Samples,
postpunkig und elektropoppig aufgekratzt, mit AC/CD
tanzend auf dem Vulkan, als Streetfighter und I.G. Blech
mit Tuba, Marschtrommeldrive und Trompete. Mit O-Tönen, den Aufforderungen der Ordnungsbüttel, das Begehen von Straftaten zu unterlassen. Demonstrationserfahrung auf flinken Beinen, global beflügelt. Der Jargon
der Ordnungshüter wird spöttisch aufgegriffen undrollenspielerisch ausgestellt als Trauerspielmaterial überden Tag, an dem es in Berlin zugegangen sein soll wie aneinem schlechten Tag in Beirut. Doch letztlich bleibt alles
beim Alten, die heile Welt und das gute Geld, denn 'Radio
Kalaschnikow' hat Ladehemmung, dem Metronom der
Zeit ist mit schiefen Tönen und auch dem Saxofon vonIgnaz Schick nicht beizukommen. Um den Planeten beten
reimt sich auf ein Raumschiff kneten. Nur wer schon hat,dem wird vom Kristkind noch gegeben, die andern können zu Ethno-Tec-Riddims Tinikling tanzen, bis ihnen die
Schwarte kracht. Oder bis man sich, der 'authentischen
Räumungsatmo' überdrüssig, vertraglich verträgt, ohne
Vakuum im Hirn. 'Trans-zen-dental' kommt barock daher
als feierlich-halluzinatorischer Hoffnungs-Schlager: Einneuer Tag beginnt, es liegt an Dir nicht zu verlieren / undfrei zu sein. Sekt, Bier und Fußball für alle. Aber machen
wir uns nichts vor, ob 1990 oder 2020, Habenichts undMietzwerg sind immer dä Dumme.
64Licht-ung - Spalt-ung (Leverkusen)
Die Auflagen sind kleiner geworden bei Milan Sandbleistift, aber
die Liebe zu hirnerfrischender Beschallung, Gestaltung undVernetzung ist unvermindert. Für Licht-ung ist das Land deraufgehenden Sonne logisch dIE Attraktion. ちょっと待って下さい。『 studio 』(Licht-Ung / Encore, CDr), das bedeutet in etwa:
Warten Sie bitte eine Minute. Doch schon illuminiert einen KyuShoku mit einem Rap im Dub-Duktus mit repetitivem Gitarrenklingklang, gipfelnd in geschrienem KaKa! Harutaka Mochizuki,
die neue Entdeckung, starrt still vor sich hin auf Annes Knie
und Wolken am Himmel, der Teekessel siedet und er beginnt
herzzerreißend Trübsal zu blasen auf einem kaputten Altosax.
Kei klampft japsychedelisch E-Gitarre mit fernöstlichem Tuning,
ostinat und mit klangvollem Groove. Ryoko Ono (vom Ryorchestra!) überrauscht ihr schädelspaltendes Saxgegilfe mit
Noise und rumorendem Psychrockbass. Sou Ouchi & Shigeki
Yamashita krautrocken als das New-Wave-Duo Hysteric Picnic
mit Drummachine und angedunkeltem Joy_Division-Spirit. Und
auch Bucket-T lässt, geboren in dem Land, das Godzilla zu
Füßen liegt, wenn dem nach Tanzen ist, zuletzt zu Schreigesang
und Lalala nochmal bleischwer und sabbathschwarz die Gitarren surren.
Mit No Breath Oblige (Spalt-ung, Lathe, 7") bleibt es ja-panisch,und mit TOSHIJI MIKAWA sogar auf essentielle Weise. Seit
1980 schon zieht der seine Spur, mit Hijokaidan und Incapacitants als einer der ganz harschen Kings, ja Lords of Noise. Aber
mit Marble Sheep oder Acid Mothers Kaidan auch psychedelisch und mit Hatsune Kaidan sogar vocaloid-sexy, wenn man
auf künstliche Roritas steht, jedenfalls J-pop-witzig, ähnlich wie
bei MikaTen mit Tentenko, einem Indie-Pop-Püppchen von 142
cm. Was der vermeintlichen JapNoise-Schmalspurmanie docheinen Schnurrbart verpasst. Schon bei Jazz Hijokaidan zudem
im Kurzschluss mit Akira Sakata, war Mikawa auch der Richtige
für dessen "New Japanese Noise" mit Paal Nilssen-Love beim
Roskilde Festival 2018. Hier, ach du heiliger Strohsack!, raubt
er einem den Atem mit eisenzerrend-hirnrissigen Frequenzen
und schrillen, peitschenden Flatterwellen, mit dem, was Merzbow the ecstasy of sound itself genannt hat. Maximal kakophon
und dennoch speziell im Part 2 als Puls zum Mitschunkeln.
In GALACTIC ABYSS vereinen Hiroko ('Rohco') & Hiroshi Hasegawa von Astro ihren Violin- & E-Gitarrensound mit Chiyo
Kamekawa (von Yura Yura Teikoku) & Shizuo Uchida (von Hasegawa-Shizuo) an E-Bässen, für abgründig bebenden, konvulsisch protuberanten, einem die Zehennägel rollenden Freakshit von der Krempelseite des Monds. Dargeboten als Vorderseite von The Sun And The Silence / Sympathy For The Dark
Side Of The Moon (Spalt-ung, Lathe, 10"). Auf der Kehrseite
tobt Hiroshi H. allein wie zwei Hulks beim Squash, mit einem
Stahlwerk als Spielfeld und Klangbeben in derartigen Wellen
und Schüben, dass die Beaufortskala bei > Orkan rotiert,
während Kinder für Autogramme anstehen.
65Bei "Insect Apocalypse" (2015) ist Hiroshi Hasegawa für ein ökologisches Statement vereint gewesen mit DAVE PHILLIPS. Der treibt seine Kritik am anthropozentrischen Utilitarismus und seine Warnung vor einer "Sixth Mass Extinction"
voran mit Clearing (Spalt-ung, Lathe, 10") als ritueller, exorzistischer Protestmusik. Die Hauptkritik gilt einmal mehr der snobistischen Weltanschauung,Mensch und Welt stünden sich wie Subjekt und Objekt gegenüber und die Welt
sei etwas, das sich von außen handhaben und ausnutzen lässt. Dagegen plädiert
er für die bescheidenere Welt- und Selbstwahrnehmung als Humanimal, das sichseiner Abhängigkeit bewusst ist, seiner Involviertheit auf Gedeih und Verderb.
Phillips schnaubt, raunt und wispert: What holds people back from evolution isfear. Er schwingt die Geißel, gegen sich, gegen alle, als schmerzhafte Bußübung
mit schwerem Atem. Black und Death Metal sind daneben Kinderkram. Hic sunt
daemones, die habsüchtige Todsünder und ontologische Snobs als Leckerbissenverschlingen! Phillips spielt in seinem entfesselten, grausamen Mysterientheater
Dämon und Sünder, Mahner, Richter und Auspeitscher. Er visioniert, wie die
global erwärmte Brandung an den Küsten reißt und frisst, wie Mensch und Tierkeuchen und röcheln im selbst entzündeten Feuerofen. Wie er sein Menetekelächzt und schreit, lässt einen erschaudern. Noch malt er nicht alles schwarz,
sondern grau: THE GREYS OF NIGHT ARE AS VARIED AS THE RAINBOWSPECTRUM AT NOON.
Jüngstes Beispiel für die sympathische Be-Licht-ung ist Pissing on the Populist(Spalt-ung, clear 10" vinyl) als DOC WÖR MIRRAN release # 161. Mit, neben dem
in fiebrigem Tempo rhythmisierten und mit spöttischen Lauten durchsetzten Titelstück von Joseph B. Raimond & Co., noch dem uptempo und poplaunig animierten 'Reflections of ourselves', das auf Dröhn- und Gitarrenwellen dahinpocht und dabei eine Opernsängerin streift. Und dem über 10-min. 'Don't worry
about the Rain', mit träumerischer Jerry_Garcia-Gitarre zu metallischem, kirmesorgelähnlichem Klingklang und surrenden Unterströmungen. Der rockige Groove,
der in der 6. Min. einsetzt, wechselt erst auf eine Drummachinespur und dannauf eine beatlos surrende, mit durchwegs einer psychedelischen Carelessness,die in der letzten Minute sogar noch auf harmonische Synthiewellen einschwenkt. Die Widmung an Frederick Douglass (1818-1895), den afroamerikanischen Vorkämpfer für freies und gleichberechtigtes Menschsein, im Juni
letzten Jahres erscheint wie eine prophetische Vorahnung.
https://licht-ung.bandcamp.com
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...

7697 MILES Iskay (Buh Records, BR118, LP +download): ...miles and miles and miles andmiles and miles. Cristobal Rawlins in Santiago deChile & Dieter Mauson in Hamburg, über Tausende Meilen miteinander eng verbunden. Diesmal nicht, wie bei "Kiñe", über Sascha Stadlmeier / Attenuation Circuit in Augsburg (woMauson heuer beim Re:flexions / Sound-art
Festival aufgetreten ist), sondern über Luis
Alvarados Buh Records in Lima. Nicht zufällig,
denn Raw-C & Occupied Head, um die beiden
bei ihren Szenenamen zu nennen, sind 2018 auf
Tour in Peru gewesen, wo sie umhüllt wurden
von der Aura der alten Kultur der Andenregion
und angeregt von der dort von alters her indigenen Sprache. Auf Quechua bedeutet 'Iskay'
zwei. 'Ninayay' [= entflammen] pulsiert als Synthieflow mit 'holzig' tockendem Tamtam, durchloopt von spitzen, zuckenden Elektroakzenten
und einem Aaa und iiiiii, das pseudovokal
dröhnt. Ganz kosmischer Groove, Nazca2.0.
'Sapanchuriy' [= sich zurückziehen] tuckert inschnellem Sprint, der stimmliche Spuren zerrüttet, mit melodischem Keyboarding auf derzweiten Ebene und diesmal kleinen metalloiden
Akzenten. 'Kawsachiq' [= der Schöpfer, der das
Leben einhaucht] tuckert ebenso schnell, mit
der Suggestion einer dunklen Cuíca, ständig
repetiertem Harmoniumriff, melancholisch summendem Orgeldrone, holzig und metallisch interpunktiert. Fluss der Zeit in ineinandergreifenden
Kreisen. 'Sut'ututuy' [= unaufhörlich tropfen]
schaltet in schleifender, zittriger Hast nocheinen Gang höher, in zuckendem, sirrend reibendem Drive, als in sich bebendes Mal- und Maulwerk, keuchend fast, eins-zwo, eins-zwo. Auch
'Rikch'ariy' [= aus einem Traum erwachen] loopt
und pulst zuletzt nochmal rhythmisch, durchsetzt von dunkel kurvenden, sirrenden undmehrspurig klopfenden und knarrenden Akzenten. Statt archaisierender Folklore mit InkaRuinen, Chullo-Muff und Alpaka-Mief und trotz
des Willka Qhichwa, des Valle Sagrado de losIncas als Kulisse, suggerieren die beiden eher
Cusco als pulsierende Touristenhochburg und
Peru ganz up-to-date mit der Streaming + Download-Gegenwart.

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GIANMARIA APRILE Rain, ghosts, one
dog and empty woodland (We Insist!
Records, WEIN10, LP/CD): Ein poetischer, ein perfekter Titel, der anknüpft
an 'No Freeway, No Plan, No Trees, No
Ghosts', als Weg, den Aprile schon vorüber 15 Jahren mit Ultraviolet Makes
Me Sick beschritten hat. Von denen
stammt auch die schöne Definition 'Intimacy is Jazz, Disturbance is Art'. Sowas kommt einem nur im Traum, undDreamscapes wie "Reverie" waren ja
Apriles Spezialität mit noch Andrea
Ferraris (von Ulna), Luca Mauri & Luca
Sigurtà in Luminance Ratio, deren Begegnungen mit Steve Roden und Oren
Ambarchi Wegweiser aufstellen nach
Solbiate. Ein verblichenes Foto und
xylographische Frottagen evozierenden dort geisternden Spiritus loci,dem Aprile bei Waldgängen mit dem
Hund nachspürt. 'Recollecting Piecesof Treasured Memories' (wie mit Airchamber3) als Ziel akustischer Seancen? Mit Gitarre und der chinesischen
Zither Guqin sucht Aprile, die nostalgische Gestimmtheit zu vermitteln,
träumerisch dröhnend, mit metalloidem Schimmer, sanft getupften Schattenflecken, tropfigen Lauten, drahtig
gezupftem Changieren, vibrierenden
Unschärfen, kaskadierenden Wellen,
bebendem Cello, sonoren Schüben,eisernen Schlägen, melancholisch fragiler Dissonanz, beklemmender Wehmut. Gespenster mit scharfen Konturen gibt es so wenig wie genaue
Erinnerungen. Alberto Anadone vonUltraviolet Makes Me Sick vergleicht es
mit dem Morphen von Wolken, dem
Farbenspiel von Morgen- und Abendrot, Aprile nennt seinen atmenden
Flow un flusso: libero, semplice e vero.
Sogar der Hund erstarrt mitten in derBewegung und lässt den Geistern den
Vortritt.

IAN ARKLEY one (Opa Loka Records,
OL2002): Bekannt ist Arc eigentlich
als Frontmann der melodic death,thrash and doom metal band SeventhAngel Ende der 80er/Anfang der 90er,
anschließend, im gleichen Stil, bei
Ashen Mortality, seit 2005 bei My Silent Wake und, gothrockig, bei Guillotine Dream. My Silent Wakes dark
ambientes "Invitation to Imperfection"(2017) erschien dann schon auf Opa
Loka, und Arkleys Einsatz von Cello,
Acoustic Guitar, Zither, Chimes, Keyboards, Noises, Shaker, Percussion &Electronic Drums verrät dabei klangliche Vorstellungen, die er nun mit
Harmonium, Didgeridoo, Mandoline,
manipulierten Aufnahmen und improvisierten Vocals im Alleingang
noch vertieft. Im walisischen Hinterland auf der Suche nach 'PermanentWays' vom uralten Einst ins Jetzt(oder umgekehrt?), nach Reliquien füreine 'New Church'. Als bewusster
Agent einer 'Necro-neuroscience', mit
dem einen Bein noch 'Woodman', mit
dem andern 'English Electric'. So
stimmt er mit archaisierendem Tamtam ein Powwow an, eine Ritualmusik
mit rasselnder Percussion und raunender Vokalisation, weit älter als
Englands 'Electric Eden'-Ära. Die
paukigen und dongenden Schläge
setzt er zu summendem HarmoniumBordun und durchsetzt das weiterhin
mit seinem choralen Aaah. Fragiler
Klingklang bringt einen elfischen Anklang, das feierlich orgelnde Harmonium einen frühchristlichen. Die
Stimme dazu klingt jedoch beklemmt,ächzend fast, die Zeit meint es nie gut
mit dem Bestehenden. Arkley ist ja in
Brynamman ständig umgeben vonAncient Cairns, von Trümmern und
Ruinen, von ausgedienten und demontierten Dingen. Die Strecke, auf
der einst die Eisenbahn dampfte, wird
von Unkraut überwachsen, Vögel
zwitschern. Der Beat erodiert zu immer flacherem, immer entropischerem Gedröhn, der Akzent liegt zunehmend auf nekro, egal wie sehr
Arkley es beklagt.

INRA I Super Liked You By Mistake(Self-released 003, C-15): Adam BenNun [‫ & ]אדם בן נון‬Philipp Rhensius
haben mit 'A Tired Lover with 732
Facebook Friends' (auf "Suburbs of
Utopia", 2017) und '5 Likes After 7
Minutes' (auf "The Content Consuming
Its Form", 2018) ihre Gegenwärtigkeit
angedeutet und mit 'She`s Like theSilence in Ingmar Bergman Movies',
wie sophisticated sie sind. Und ich bin
sogar bereit, ihnen darin zu folgen,dass Entfremdung zugleich etwas
Bedrohliches und Emanzipatorisches
bedeutet. Die beiden haben 2018 in
Berlin, wo sie alle ihre Rollkoffer
stehen haben, mit "Olympia" eine Performance der St. Petersburger Künstlerin Rachel Monosov beschallt, deren
jüdisch-kosmopolitische Sensibilität
Ben-Nun mit seinem Background in
Jerusalem teilt. Einen Background im
Dröhngitarrenduo 40 Prophets und als
tremolierender Singer-Songwriter vondüsterer Morbidezza. Hier ist sein Gesang reduziert auf von Noisewellen,
melancholischer Gitarre und pochenden oder fiebrig klappernden Beatz
verschleierte und verzerrte Spoken
Words oder Ben-Nun teilt wortlos die
von Rhensius schon mit aphtc ausgeformte Philosophie: Follow thebroken beats \ Not the linear dreams.
Taff wie es der Kapitalistische Realismus eingibt, halten sie sich das
System fadenscheiniger Zeichen mit
rollenspielerisch angepassten Lippenbekenntnissen vom Leib: Time passes / Be compliant. Die Hölle sindwieder mal die andern. Ein 'They', verkörpert in families wearing matching
clothes, das einem nur die Wahl lässt,streunende Katzen abzustechen und
Veganer zu werden, oder Möbel zu
kaufen. Soundpolitik von Rebellenohne Grund, ohne Ziel, ohne anderes
Ziel als 'new spaces of possibilities'?
Ach, wir Tschuktschen, alles was möglich ist, geschieht ja. Neue Inhalte?
Neue Formen? Ich würde gern 'consuming' mit fressen oder verzehrenübersetzen, aber 'konsumieren' trifft
es doch am besten.
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MADS EMIL NIELSEN + KATJA GRETZINGER + NICOLA RATTI Framework 3 (Arbitrary 11, 10" + CD + 18 risograph prints+ DL in verschnürtem grauen Faltkarton):Nielsen setzt seine "Framework"-Reihe
fort, die ich in ihrer kollaborativen und
zwischen Kopenhagen, Berlin und Mailand geschichteten Komplexität immer
noch nicht ganz durchschaue. Nielsen
fertigte, wenn ich's halbwegs verstehe,
mit Synthiesounds, Sinuswellen, Feedback, Noise und Percussionloops die drei
wieder auch R2D2-verzwitscherten
Tracks der transparenten Vinylscheibe.
Ganz oder teilweise basierend auf eigenen Zeichnungen als grafischem Leitfaden, tönen sie den Klangraum mit Flatter- und Dröhnwellen, mit ploppenden,
tickelnden und wooshenden Impulsen,
die auf subwoofdunklen Basswolken insynästhetisch-konkreter und op-artistischer Plastizität den Ohren Augen verpassen und vice versa. Gretzinger, multidisziplinäre Grafikdesignerin mit eigenem Studio in Berlin-Gesundbrunnen,'übersetzte' Nielsens Klangmaterial auf
18 Rasterfeldern in abstrakte 'Partituren'
aus abgemessenen Pixelstreuungen,Punkten, Balken, Kreisformen und geometrischen Farbfeldern in Rot, Grün undBlau, wobei die Farben je zweifach den
Grundton bilden. Daraus hat Ratti, derlange bei Ronin mitgespielt und mit Giuseppe Ielasi gerade erst wieder, auf Oren
Ambarchis kultigem Label Black Truffle,eine neue Scheibe als Bellows herausgebracht hat, drei Interpretationen gestaltet, die als Mini-CD zu hören sind. Mit
sanften Dröhnwellen, perkussiven undrhythmischen Akzenten und hupenden
Kürzeln in drei Variationen allemal so,dass der optisch-akustische Zusammenhang nicht von der Hand zu weisen ist.
Einem Groove mit erhöhtem Pulsschlag
und animierten Tupfen folgt auf dröhnendem Fond eine entschleunigte Variante in
melodisch tropfender Melancholie undeine dritte mit dumpf tropfenden Beats
als Kabakov-Tarasov'sche Wassermusik
auf summender Grundierung. Schick designte Nowness, artsy-fartsy, aber mit
Polka-Dots & Moonbeams und allemaldem Sexappeal eines Sammlerstücks.
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PEDRO REBELO Listen to me (Crónica
161~2020, meergrüne C-32): Da könnte ja
jeder kommen. Alle, alle wollen sie gehört
werden. Auch Rebelo, seit 2012 Professorof Sonic Arts an der Queen's University in
Belfast, hofft auf offene Ohren: 2004 beim
CYNETart in Dresden für "lautomata", 2009
beim Ars Electronica für "Over Hear" &"Netrooms: The Long Feedback". Dem
voraus gehen freilich der Gesang derkleinen Dinge und das Geschrei des Anästhetischen, ihrerseits erstmal von einem
wie Rebelo bemerkt zu werden. Hier folgte
er dem Ruf des International Iberian Nanotechnology Laboratory in Braga und mikrophonierte den Klang einer wissenschaftlichen Forschung, in der es - von der elektronenmikroskopisch winzigen Nanogitarre
als Werbegag abgesehen - nicht um Akustik geht. Neben dem Typus des engagierten
Künstlers (wie ihn etwa Pierre Jodlowsky
oder Dave Phillips vertreten) und dem desNostalgikers / Melancholikers (wie Gianmaria Aprile und Ian Arkley) vertritt Rebelo
den Club der scheinbar neutralen Phänomenologen. Wenn er zugleich jedoch mitwirkt am Forschungsprojekt "Sounding
Conflict: From Resistance to Reconciliation", das den Einfluss des Museu da Maréauf die Erinnerung und das Konfliktverhalten von Jugendlichen in den Favelas von
Rio untersucht, werden solche Profile
gleich wieder unscharf, solche Schubladen
undicht. Als Lauscher an der Wand undRegistrator des Alltäglichen fängt er esauch nicht 1:1 ein, sondern gestaltet es als
akusmatisches Theater. Der Vorhang gehtzu (!), damit sich dahinter ein motorisches
und mechanisches Geschehen entfaltet,
das viel mehr eine altmodische Werkstätte
vermuten lässt, als Nano-Hitech-Forschung. Mit schlabberndem Drehmoment,
Treibriemen und Geklapper, mit Pumpe,
Mahlwerk, Dröhnwellen, Bohrgeräuschen
und sogar Sirenensignalen. Eine Musiqueconcrète, die alles Konkrete verschleiert
und verzaubert. Kein Industriespion kämeda auf eine Forschung, deren Versprechen
und Risiken zwischen paradiesisch unddystopisch klaffen und daher neben gaiaund humanofugalen Unsterblichkeitsvisionären auch Nachahmer des Unabombers
auf den Plan rufen.

STROM | MORTS Coronal Mass (Midira
Records, MD086, 2xCD): Man stecke
Mat Axwielder (Mathieu Jallut), den
Gitarristen, und Renzo Tornado Especial (Olivier Hähnel), den singenden
Moogmann beim Doom Metal von Abraham in Lausanne, zusammen mit
Didier Séverin, einst der elektrifizierte
Vokalist bei den Noiserockern Knut,und setze sie unter Spannung, unter
Strom. Zwischen dem +-Pol, der das
moderne Leben mit Licht, Wärme, Sicherheit, Fortschritt und Komfort versorgt, und Morts, dem Fortschritt als
unbändigem Monster, das die Lebensgrundlagen zerstört, die Sterne verdunkelt und die Menschheit als stockholm-syndromisierte Geisel festhält.
Das Artwork von Helge Reumann zeigt
dazu einen möbiusverschlauften Korpus, einen Volltorus und einen Borromäischen Knoten, aus denen die Wirklichkeit blutet, ölig und wie Kunstblut.
Zwei Tracks, 'Ejection' & 'Injection' benannt, sind durch einen transparenten
Saum vom Mini-CD- auf 12cm-Format
verschönt. Mit Analog- & Modularsynthies, Hähnel noch mit Vocals & Azzax,
Séverin noch mit Klangschale, Jallut mit
Gitarre & Shruti, durchschweifen undverschlingen die drei Schweizer den
Klangraum mit einem Drone, der inknurrigem Drang und in expansiven
Schüben dem leise sirrenden Widerspruch in sich keine Chance zur Entfaltung lässt. Dennoch hört man, dassda mehr dahinter ist, metalloid schimmernde und gongende Feinheiten, sanftere, weniger aggressive Möglichkeiten,
ein, was weiß ich, ein 'tibetanischer'
Way of Life? 'Injection' bringt zur brummig kurvenden Dröhnwelle Schläge wie
auf Schrottblech und auf 'ne Pauke. Die
quallende Welle streift dunklere Tiefen,
die Schläge fallen rituell, vielleicht als
Abwehrzauber, vielleicht in fataler Identifikation mit dem Aggressor. Mit dem'Drachen', wie ihn die Alten genannt
hätten, der mir, wenn er jetzt seine gitarristische Flanke zeigt, verwandte Midira-Größen wie Aidan Baker und N in
den Sinn ruft.

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ULRICH TROYER NOK 2020 (4Bit
Productions, 4Bit-P009, LP/CD):"Nok", 2000 Troyers Debut auf
Mego, ist durch sein markantes
Comic-Cover unschwer zu finden
in meiner kleinen 3"-Sammlung.
Beides, was Troyers Werdegang
seither bestimmt hat, war da schon
angelegt: Die Küchengeräusche
hin zu Das Erste Wiener Gemüseorchester, und die plastische Agilität eines Soundtracks für (imaginäre) Cartoons, die er mit der"Songs for William"-Trilogie um die
Abenteuer von Stompbox William
mit Old-School-Dubadelic ausgefaltet hat. Nun hält er Einkehr bei
seinen Anfängen, mit Remasterversionen der sechs Original- 'Noks',
zwei damals über den 3"-Randgefallenen Tracks und je einem
aktuellen Remix durch ChristianFennesz und durch Stefan Németh.
Die Originale waren verzwirbelte
Fehler-ist-King-Rabauken, stachlige Gesellen mit spritzigem Temperament und tänzerischem Alienblut. Furzelige Glitch'n'Cut-Amphibien mit der Neigung, blubbernd zu
grooven, xeno genug, um sich rauben- oder quallen-artig zu bewegen. Nadelige Pixel, körnige Plops
und kapriolende Steps verbinden
die organischen mit exoskelettösen
und servomotorischen Potenzen,
wenn auch nur im Streichholzschachtel- oder Odradek-Format.
Einige Laute klingen wie mundgemalt oder wie Miró in 3D, andere
wie in der Puppenküche zubereitet
und mit Khoisanklicks gewürzt.
Fennesz würzt das mit seiner Gitarre und allerhand Wehmut. Németh schnippt mit Schere undbändigt Bodychecks aus Subwoofing und rumpeliger Turbulenz mit
langgezogenen Dröhnwellen undSchleifspuren. Zuletzt quallt nochmal 'Nok 1' als schnippischer Blob
im Schlammtopf.

TWINKLE³ Minor Planets (Marionette, M14, LP/CD): Twinkle, twinkle, little star, How we
wonder what you are? Den einen, Clive Bell, den erkenne ich leicht. Weil er mich zurückstürzt in die 80er, zu Kahondo Style, Accordions Go Crazy, British Summer Time Ends undwunderbarer Musik auf Nato. In den 90ern & Nuller Jahren war er bei Jah Wobble und Paul
Schütze zu hören und auch schon mit David Ross oder Richard Scott, 2/4 von Grutronic.
Ersterer ist neuerdings Partner von Bells alter Spielgefährtin Sylvia Hallett in Hymn,
Letzterer pendelt mit seinen Analogsynthies und als Macher des Digitallabels Sound
Anatomy zwischen Manchester und Berlin. Mit Ross an Tremoloa, Cosmic Bow & Drosscillator und Bell an Shakuhachi, Pi Saw & Khène funkeln sie zu dritt im Asteroidengürtel, derzwischen Mars und Jupiter kreist. Ausnehmend munter und groovy, wenn man bedenkt,dass Bell heuer 70 geworden ist. Mit durch die Shakuhachi fernöstlich angehauchter
Exotronica, tüpfellaunig, furzelig und zwitschernd. Oder, bei 'Soma 2815', chillend zu
pastoraler Flötenmelancholie auf einem Nordhang des Himalayavorlands, wo man in vollen
Zügen die Milchstraßenmilch mit den Augen trinken kann. Danach wird's breakdancehoppelig, mit kristallinem Schimmer rund um den 'Drachenpalast' ('Ryugu 162173'). Oder,
bei 'Hertzsprung 1693', gradual und zügig, zu aber wieder ganz wehmütigem Flöten- undstöhnendem Mundorgelton. 'Abnoba 456' kommt mit schnellem Arpeggio daher, verliert
jedoch seinen Impetus an elektronische Stagnation, tremolierende Shakuhachitristesse
und gezupfte Monotonie. 'Bodea 998' mischt uptempo zitternde Vokalisation in gedehnten
Flöten- und Khènesound, 'Kalliope 22' folgt mit lecken Ventilen, sonoren Shakuhachikaskaden und feuchten Spritzern. 'Ziziyu 26946' nimmt wieder Tempo auf mit kontrarhythmischem, zwitschrigem Drive und vogeligen Pfiffen zu langen, fast stehenden Dröhnwellen. 'Aurelia 419' schließt, 'steinig' kollernd und mit dunkler, bebender Bambusflöte,
diese elektroakustische Mixtur aus B-Movie-Futuristik und Althergebrachtem, in der sich
die Sonde Hayabusa 2 kreuzt mit Folklore, so alt wie die Himmelsscheibe von Nebra.
V/A Teerschwestern (Teerpappe, TEER005, 2xLP): Der einen da zusammen mit allerhand
Konsorten teert & federt, ist Sebastian Felstau, der in Hamburg als Wosto Gas gibt mit
dem Sofa, bis auch das letzte Nasenhaar flattert, der mir mit seinen "Wosto Ajustements"
von The Blech (!) die Augenbrauen hochzippt, der aber auch als Acid Lion auf afroschwarze 808-Beatz pocht, mit dem Gnu per Du als Medizinmann mit Rasselstock. So oder so ist
er ein rhythmotorisch klopfender Zeitgenosse, bei dem sogar der Thalys Kreise dreht. Wir
haben ihn schon kennengelernt als 1/3 von Sauerstofff neben Dieter Mauson & Inox Kapell,hart wie Glas, Beton und Stahl, zäh wie Leda. Sauerstofff dreht hier auf Seite B mit klopfendem Gewirbel und dem Slogan "You are God!" an der 'Ätherschraube', nachdem Acid
Lion auf Seite A als Neffe eines beatophilen Onkels in Bremen kaltschnäuzig behauptet
hat, 'The Planet doesn't mind'. Mauson geht auf Seite C als Occupied Head 'Firm Steps(that's where I wanted to go today)', im zuckenden, pochenden Duktus von Maschinenbeatloops. Wie vieles hier, zwar nicht im Gleichschritt, aber doch gleichgesinnt. Zweimalbegegnet Frank Schnütgen, der BMX-Weltmeister von 1987, anfangs als Endo Monk mit derBeziehungsphysik von 'Materie', kurz vor Schluss als der Äi-Tiem-Rapper Hans Solo mit
Wosto zusammen bei 'Ottos', mit Ottos Mops und einer Galerie von konsum- & trendgeilen
Normalverbrauchern. Otto, Du Otto, schlimmer geht immer. Carsten Schulz macht als
Quadratschulz knüppelzarte Erfahrungen mit der Hamburger 'Polizei immer schnell dabei(Ratzfatz)'. 'Säure 9' wird uptempo mit fetze Hitze im Now Style verspritzt von Rainer
Buchmüller in Karlsruhe, der sich dabei wieder hinter Fred & Luna versteckt. Doch nochbesteht Hoffnung, zumindest behauptet Bodo Hansen in Leipzig, Tarnname Syncboy, dasbei seinem sonor surrenden 'Hope'. Dass Kaspar Müller in Berlin zuletzt sein hektischknarrendes Treiben 'Wotan' nennt, obwohl es ein Mädchen ist, fällt, wie so gut wie alles
hier, unter Humor made in Germany. Jeder Track, jeder Song hat entsprechend ein witziges Intro, das selbstbezogen wirbt für diese Teerschallplatte (nicht von Pappe und wie sie
sonst noch niemand hatte). Oh Mar-JandlJandlJandl, ottos mops klopft / ottos mops kotzt /lulu's pooch poopst / owie lacht / onno viets siehts / ogottogott.

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jenseits des horizonts
Leif Elggren: As if I was my father
As if I was my father (Firework Edition No. 142, booklet) enthält mit 'The Chair' (1996), 'The Sofa' & 'The
Cupboard' (beide 2002) drei besonders ergreifende
Performances des schwedischen Künstler=Philosophen, als Fotoserien aus 11, 12 Bildern. Wie Gauguins'D'où venons-nous? Que sommes-nous? Où allonsnous?', wie Blochs "Das Prinzip Hoffnung", kreist
Elggrens ganzes Lebens=Werk um die gnostischen
Grundfragen: "Wer waren wir? Was sind wir geworden? Wohinein sind wir geworfen? Was ist Geburt?
Was ist Wiedergeburt?" Als Gottes- und MenschenKind, worried & lonely, als Prinz Hamlet und zugleichvergreister Lear, als König ohne Land, als taumelnde
Marionette von Angst, Über-Ich und Todestrieb, horchend auf den unhörbaren Gesang der Seele, das
Schweigen des Vaters. Eli, Eli, lama asabtani. O fahter,fahter gone amoong / O eeys that loke / Loke, fahter:your sone! Mit "Call me Ishmael" von Charles Olson(1910-1970), dem transatlantischen Poeten mit schwedischem Erbteil, taucht Elggren in die Melville'schen
Meeresweidegründe, darin die Ausgestoßenen und die
Pilger aller vier Kontinente ruhen, die Wellen endlos
steigen und fallen und ebben und fluten; denn hierschlummern, ungleich vereint, Millionen Schatten und
Phantome, versunkene Wünsche, nachtwandlerischabenteuerliche Träume, alles, was wir Menschenleben
und Menschenseele nennen: sie alle liegen träumend,in tiefen Träumen noch, und werfen sich wie unruhvolle
Schläfer in ihrem Bett umher; die ewig rollenden Wogen sind rastlos nur durch dieser Schläfer Unrast. Als
Träumender oder eher noch wie ein besessenes Medium sich windend auf einem Stuhl, an einem Schränkchen, unter dem Sofa. Die Möbel, weiß, steif und bürgerliche Fassade wie bei Ingmar Bergman, sind Familienerbstücke. Den eigenen Vater erinnernd, der 1996
mit 90 im Altersheim gestorben ist, inszeniert Elggren
das existenzielle Endspiel, als Glied der genealogischen Polonaise, eines Danse macabre. Mit jeder Geste, jedem Schritt, jedem Atemzug als Enactment im
Prozess des ständigen Sich-Selbst-Neuerzeugenmüssens bis zuletzt. Das eigene Leben lebend als'projektives Gedicht', wie Olson es nannte, aus Atmen,
Lauschen und, so gut man es als kleiner Idiot vermag,
die Wahrheit sagen oder zeigen. Art does not seek to
describe, but to enact. So wie Elggren (mit Shakespeare gesagt) bodies forth the forms of things unknown, erscheint sein Inter-faeces-et-urinam-Spiritismus, sein materialistisches As if, als gelebte Gnosis.
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Glitterbeat (Hamburg)

Glitterbeats von Ian Brennan betreute Hidden Musics-Reihe ist musikalische Palliativmedizin und kaum ohne Klos im Hals zu hören: "Hanoi Masters - War Is a Wound, Peace Is a
Scar" und "Khmer Rouge Survivors (Cambodia)" sammeln den Überblues und hirnverrenkend schräge 'Partymusik' von Überlebenden des 'Amerikanischen Kriegs' und der Roten
Khmer, alten Kram, nach dem bald kein Hahn mehr krähen wird. "Every Song Has Its End(Sonic Dispatches from Traditional Mali)" bringt Volksmusik, die gerade mitsamt Mali zerrieben wird. "Why Did We Stop Growing Tall?" zeigt mit den Batwa ein Völkchen, das in
Uganda wegen der Gorillas umgesiedelt wurde und von dem, nachdem ein Drittel im Völkermord in Ruanda umkam, nun erwartet wird, dass es im großen Eierkuchen aufgeht. Was
bei so spielwitzigen Gören wie Rosine Nyiranshimiyimana ein Frevel wäre. Brennan sucht
und bewahrt, was noch zu retten ist, bevor der schleichende Kulturozid das Eigene alsveraltet, rückständig und armselig auslöscht. Durch 'Versöhnungspolitik' in Ruanda, terroristisch in Timbuktu, durch pakistanischen Staatsterror in Belutschistan, überall als
Durchseuchung mit der durch Starglamour und 4/4-Takt transportierten globalen Monokultur. Auch der 76-jährige Sufimeister USTAD SAAMI ist in Karachi nicht mehr fern vom
Elefantenfriedhof. Wobei ihm die Fundamentalisten im von paranoiden Militärs mit Gestapomethoden regierten Pakistan am liebsten gleich das Maul stopfen würden mit seinen 49
blasphemischen Noten und seinem präislamischen Kauderwelsch und Taubenmist. Vonseinem über 800-jährigen Khayál stammt die Qawwalimusik ab, nun verstößt das gleichzeitig gegen die MIDI-verschleimte neue Mode im 'Naya Pakistan' und eine starrsinnige Orthodoxie mit Lynchmobs als Vollstreckern. Ustad singt auch auf Pakistan is for the Peaceful (GBCD 097, LP/CD) mikrotonale Skalen, begleitet von seinen vier Söhnen an Harmonium, Tamburas, Tablas und als Chorus. Er scheut sich dabei nicht, das Erbe von Nusrat
Fateh Ali Khan anzutreten und beim WOMAD oder wo immer sich ihm eine große Bühne
bietet, sein 'Prayer for a Saint' und seine 'True Notes' an 'Ungläubige' zu verschwenden.
Ihm genügt als Glaubensbekenntnis 'God is'. Gott ist 'Zwielicht', Gott ist 'Sehnsucht' erläutern das ebenso unnötig wie "God Is Not a Terrorist" (2019). Aber in Zeiten wie diesen
muss man alles ausbuchstabieren, und dennoch damit rechnen, dass nur der 'War Song'beifällig aufgenommen wird. Auch wenn nicht so jubilatorisch und upliftend wie sein Vorgänger, versenken Ustads glissandierender Singsang, seine stupenden Melismen und dersurrend und sirrend kurvende, mit dem dhun der Tabla bepochte Klangteppich doch ebenso in Trance. Oder zumindest ins Grübeln. 'Aman (Peace)' ist nicht so weit weg vom Selig
sind die Friedfertigen; denn sie werden Gottes Kinder heißen und Selig sind die Sanftmütigen; denn sie werden das Erdreich besitzen, auch wenn das in einem andern Buchund seit 2000 Jahren ebenso nur für'n Arsch geschrieben steht.
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AMMAR 808 - "Ammar" steht für "He, Sie (Mr. Unbekannt)" - das ist der tunesische Keyboarder und studierte Musikologe Sofyann Ben Youssef, der zwischen
Tunis und Brüssel eine für die heutige Zeit typische
elliptische Existenz entfaltet. Gerade der verschobene
Lebensmittelpunkt zeitigte bei ihm eine pan-maghrebinische Perspektive ("Maghreb Unitied", 2018). Und,
im Spagat zwischen den neotraditionalistischen Bargou
08 und den engagierten Tuaregrockern Kel Assouf, dieschon mal als "Ammar 808 meets Blue Cheer" beschrieben wurden, eine mit diasporischer Synergie
aufgeladene Sensibilität. Neben der räumlichen Spannung hat Ben Youssefs Elliptik auch eine zeitliche, mit
einem (afro)-futuristischen Gegenpol zum Hergebrachten, der mit Sci-fi-Phantasie und Cyberpunkthrill einem
Nordafrika 2120 vorgreift, das den Staub der Vergangenheit abschüttelt. Nicht ohne 'influence', aber vor
allem mit 'innocence' [so im Interview mit rhythmpassport.com]. Mit Global Control / Invisible Invasion(GB 100, LP/CD) erweitert Ammar 808 seine Perspektive mit der südostindischen Metropole Chennai als
drittem Pol. Schon mit 20 hatte er mal in Delhi Currygeschnuppert, nun mischt er karnatischen Puls undhinduistische Psychedelik (als invasivem Virus) mit
dynamischem Arabotronik-Tamtam. In den Zusammenklang seiner Maschinenbeats und Wummerwellen mit
dem elefantösen Zang tumb tumb und Gerappel vonKanjira, Thavil und Mridangam mischt Ammar 808 noch
Geflöte, Nadaswaram, das Surren einer Vina und vierSingstimmen, und gibt so der bis heute als Straßentheater präsenten krausen Phantastik hinduistischer
Mythen einen vitalen, zugleich melodischen und bocksbeinigen Joujouka-Kontrapunkt. Bei 'Marivere Gati'
sucht Susha mit tremolierendem Zungenschlag Schutz
und Zuflucht bei Minakshi als von Shivas Lingam gezähmter, nun mütterlicher Amazone. Und auch mit 'Pahi
jagajjanani' preist sie die Mutter des Universums, Göttin der drei Welten. Bei 'Ey Paavi' besingt Kali Dass zum
Palaver zweier Straßenhändler die Recken Bhima und
Duryodhana, die 18 Tage lang mit Keulen aufeinander
eindroschen. 'Duryodhana' bekommt, obwohl ein prahlerischer Tunichtgut, noch einen Extra-Nachruf. 'Mahaganapatim' ist ein Lobgesang auf Ganesha, der, alsvernaschter Genießer von Modaka-Konfekt, aus Mäusen Elefanten machen kann. Unbändig treibend, machen der pumpende, schrappende Gnawa-Beat zu trötender 'Vuvuzela' dermaßen Dampf, dass die schreiende oder mit Autotuning geschmierte Männerstimme
sich überschlägt, während Susha althergebrachte
karnatakische Silben züngelt. Auf Chennai fällt bei
diesem Mashup der Schatten der Dorsale-Gipfel, Bollywood dreht in der Medina. Doch alle Beatgewitter bei'Summa solattumaa' können Yogeswaran Manickams
feierlichen Gesang nicht aus der Ruhe bringen.
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No Edition (Alpen-Veen)

Mehr oder weniger gut / mehr oder weniger schlecht / mehr oder weniger belanglos... Der
Faktor, in dem man sich in den von ERIK MÄLZNER ausgesprochenen Gedanken selber
wiedererkennt, ist erschreckend. Ebenso wenn ihm schwindlig wird beim Umeinandersausen von Sonne und Mond. Das geht mir einfach zu schnell, knurrt er bei 'Vertigo' auf
MORE OR LESS (NO EDITION # 129, DL/USB) und meint damit wohl das, was mir als freier
Fall vorkommt und Büchners Danton als Ritt kopfunter auf der keuchenden Erdkugel.
Dabei von Liebe schreiben, von Schönheit reden, von Natur singen, ist lächerlich. Oder ist
das nur so bei Pechvögeln und von Skrupeln geplagten Sonderlingen, die vor sich mit der'Lepraratsche' warnen? 'Wenn ihr wüsstet', was ich träume - ner Kreuzfahrt über Wasser
wie mit Onno Viets, unter Wasser tauchend mit Kaleu Lott oder im Nemo 33, (T)Raumschiff-Surprise-tief und Rühmkorf-tiefer in die Kindheit mit Quietscheente und mit Salamander / Arsch auseinander / Arsch wieder zu / und raus bist du. Mit 'Moodschegiebchen'[Marienkäferchen] und mit 'Henkelmann' dazu die wohlige Regression in sächsisches
Gebabbel und Kindheitserinnerungen, lange nicht gedachte Wörter ziehen in die Tiefe, aus
Cut-ups ergibt sich Sinn ('Cantio Rusticalis'). Schon vor Corona herrscht bei Mälzner
seniorengerechte Seuchenroutine: Montag / aufstehen / essen / laufen / Mails öffnen /Radio hören / lesen / essen / CD hören / lesen / fernsehen / schlafen / Dienstag / aufstehen /essen / putzen / Mails öffnen / lesen / Radio hören / essen / lesen / CD hören / fernsehen /schlafen... ('Isolationshaft'). Gelassen sieht er Herbsttagen entgegen, die sich anbieten,
hinaus zu gehn und Dichtung und Wahrheit zu suchen, denn gerade wenn das Wetter grau
ist, stellen sich Musik und Poesie im Kopf ein. Ansonsten gilt der gute Vorsatz: Nichts
verkaufen wollen, nicht werben müssen und vor allem nicht übertreiben. Doch die
Unsicherheit, ob es wieder dunkel wird, kann einen ebenso überfallen wie ein ultimatives
Happy End: wenn du vor der Tür ständst / würden Tränen fließen / wenn du vor der Tür
ständst / könnt ich mich erschießen ('Kreis schließen'). Mit der tristen Vorgeschichte: ichverlor dich an den grauen Alltag / einfach so. Und schuld war nicht der Bossa Nova,
sondern Schweigsamkeit, Gewohnheit, Vergesslichkeit... ('Lorenz Goose'). Dabei ist er,
wenn er im Garten werkelt und Veilchen ihn an dunkle Locken erinnern, in Gedanken
immer noch bei ihr, die damals doch schon in Gedanken ganz woanders war ('Violaioplokos'). Müssen wir uns den, der da 'ich' sagt, als Orpheus vorstellen, als Parzival (ohneCondwiramurs), als 'Marcel' (sans Albertine)? Mit Worten als Blutstropfen im Schnee oderals Madeleine-Geschmack. Ein Abzählreim oder ein Vokal (Aidaluna... U 35... Ukkel) lassen
die Erinnerung springen wie einen Stein über Wasser, mit Grau als Farbton, der das
begünstigt, mit Gassenhauern [Cantio Rusticalis], Floskeln, Repetitionen als Gleitmittel.
Außer Josephine Bakers Bananenschurz bei 'Sans Glisser' rutscht hier alles bei diesem
Tausendsassa des Made of This.
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Wie Mälzner das verklanglicht mit gehackten Keys, abrupten Kratzern, krassen Schlägen,krummen Beats und Trompetenstößen oder im elegisch-orchestralen Legato von Fanfaren
und von Streichern und sogar mit 'nem Akkordeon, ganz zu schweigen vom grotesk
knarrenden, verkifft schleppenden, dabei absurd aufgekratzten Sprechgesang, teils auf
deutschzungigem Englisch, das habe ich schon oft genug mehr schlecht als recht zu
beschreiben versucht. Er bringt seine Mittel - words / voice / midi-keyboard / samples /computer - auch wieder zum Einsatz bei CTOSP2 (NO EDITION # 130, DL/USB), als
BRAINGRAINHOTSPOT mit Jürgen Richters freakishem oder akustisch fragilem Gitarrenspiel, Samples und Midi-Keys. Um, nach glockenspielerisch-pianistischem Intro,
demiurgisch die Ruhe zu stören mit der Genesis von Musik. Oder um sich surreale Plagenauszudenken wie die, dass einem Insekten die Kleider vom Leib fressen ('Kurzfilm'). Ein
Surren, ein Klingklang, eine feierliche Trompete, ab und an eine knarrende Orgel oderseufzende Tür. So oder so geht was voran, geht was vorbei. Abgüsse nehmen den Platz
der Originale ein, nur das Zittern bleibt, das Verlangen nach fehlenden Teilen, die
Widersprüchlichkeit der Wünsche ('Art von'). Weisheit vorletzter Schluss: und immer
wieder geht die Sonne auf / bis sie verglüht ('Bisschen warten'). Wie bei Ror Wolf ertönt ineiner lieblichen und friedlichen Landschaft / plötzlich lautes Dröhnen, ominöse Anzeicheneines apokalyptischen Sogs nach unten ('Groß'). Oder kleine Spuren wie bei 'What
happened', wo wohl ein Tier durchs offene Fenster kam und wieder verschwand.
Zumindest lassen sechs Blutstropfen sowas vermuten. Aber was ist schon sicher, ohne
Text, an den man sich klammern kann, wenn ringsum Pauken und Trompeten dräuen?
DOPPELSPITZE (HIC RHODOS - HIC SALTA / NO EDITION # 131, DL/USB) von N.N. & NON
TOXIQUE LOST bringt Erik Mälzner mit Sea Wanton zusammen, der Synthesizer, Sampler& Laptop einsetzt. Mälzner ist dabei der alleinige Wortführer, der NTL-Spirit ergießt sichauf der klanglichen Ebene, mit düster schnarrenden Schlägen und einer stampfenden
Gitarre, die zum heulenden Makrofon eines Katastrophenzugs irrlichtert. EM singt,
schleppend und monoton getaktet, im Tsen Brider-Countdown von 'Kollegas', die wegenGier, Völlerei, falscher Pillen oder in die Psychiatrie verlustig gingen: sechs Kollegas sin
wir gewesen / haben kritisiert den Tinnef / einer konnt nich widerstehn / sind wir geblieben
finnef u.s.w. SWs Handschrift zeigt sich in Drummachinerhythmik und in Loops, die auch
Stimmfetzen mitschleudern. EM legt einer Androidin Gründe in den Mund, warum der'Transfer mehr oder weniger relevanten Wissens' sich schwierig gestaltet, insbesondere
das mit Ironie / Nuancen des Zeitgeistes / Sarkasmus / kulturellen Bezügen / SlangAusdrücken / wortspielerischen Elementen operierende der Außenseiter-Fraktion ins
Establishment. Er deklamiert, während ein Kontrabass zupft und Klangwolken schnarren,
dass ihn keine Promi-Fratzen interessieren, sondern das, was sie gemalt, gesungen,gedacht haben ('Keine Portraits'). Statt Kompetenz, von der Mälzner, halb automatenhaft,halb rhythmisch, genau aufzählt, was ihr zugrunde liegt, begegnet einem meist nur das Kri
Kra gockelnder Geistes-Krüppel. Zu rasantem Tempo klingeln taube Schellen, erregtes
Blech, es schnarrt und pfeift zu kaskadierender, loopender, von Gesang und heulender
Gitarre durchsetzter Turbulenz. Mit schiller/hölderlin'schem Pathos beschwören beide ironisch? sarkastisch? - zu Synthieschlieren und hupenden 'Horn'-Stößen die edle Blässe
des Gedankens, der, spröde und trotzig, sich plumpen Tanzpartnern verweigert, während
schwärmerische sich danach verzehren - oh komm und führe uns / den Weg zu Freiheit
und Ohnmacht [sic!]... ergänze was da liegt im Argen... klebe ehe das Haus zusammenfällt('Aufforderung'). Beider stimmliche Manierismen kommen da voll zur Entfaltung, Wantons
bedrängte Intensität, Mälzners knarrende Ironie. Zuletzt ertönt U-Bahnhofslärm undStimmengewirr, donnerblechernes Dröhnen, pathetisch aushallende Gitarrenriffs, menetekelhaft dräuend. Eine zerhäckselte und bepaukte Stimme feiert die Popkomm. Elegische
Einhandkeys kommentieren das elegisch, zu mulmig waberndem Lärmpegel. Bevor Sea
Wanton einmal mehr mit einem Totalverriss für sich wirbt ("a collection of bumbling songs
that lack inspiration, punch and soul"), rufe ich die andere Aufforderung in den Sinn, dieda, mit Hegel-, Marx- & Nietzschezungen, im Hintergrund beständig mitschwingt: Hier ist
die Rose, hier tanze.
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Sofa (Oslo)

Das Musica-Nova-Quartett LEMUR mit Bjørnar Habbestad an Flöte,
Michael Francis Duch am Kontrabass und den beiden Spunks Lene
Grenager & Hild Sofie Tafjord an Cello & Waldhorn hat sich für Alloy (SOFA581) vereint in einer komprovisatorischen Legierung mit Dr. Zeitkratzer,
REINHOLD FRIEDL am Piano. Während z. B. "Enemy of the People", ihr
Projekt mit Kate Pendry in seiner multimedialen Hypertextlichkeit aus
Ibsen, Grieg, dem Jonestown-Massaker und "Der weiße Hai" in seiner
Widersprüchlichkeit aus - Zitat - dem Zeitgenössischen und dem
Historischen, dem Politischen und Ästhetischen, dem sehr Persönlichen
und dem gesellschaftlich Relevanten, der heiliggesprochenen Kunst und
der niedrigen Populärkultur vor Aboutness nur so strotzt, ist "Alloy" inseinen sieben Komponenten ein einziges Mysterium. Nämlich pure
Klangerzeugung mit extented techniques, ein bruitistisch-perkussives
Klappern, Kollern, Tröten, Flöten und Harfen im Innenklavier, eine wild
bewegte, kakophone Musique concrète instrumentale, die sich urplötzlich
sublimiert zu einem schimmernden Pfeifen mit stöhnendem Horn und
plonkendem Bass auf einem stehenden Celloton. Gefolgt von erneuten
granularen Fluktuationen, labialen und gepressten Hornlauten, schrillen
Psycho-Attacken, tremolierendem Gebläse. Friedl pickt an präparierten
Klaviersaiten, schäbige Töne verbreiten Wehmut, das bisher hektische
Klangbild wird fadenscheinig und löchrig, aber mit Bogenstrichen undlang gezogenen Klangfäden kaschiert. Knarzige Kratzer, plonkige Tupferund gurrende Hornlaute mischen sich mit sonorer Flöte und metallischdiskantem Schlitzen und werden zu einem langen, weiterhin flötenschönen Legato verdichtet. Wieder stöhnend und drahtig dröhnend hebt
zart und träumerisch der 5. Part an, der aber rau schlurchend anschwillt,
von der Flöte spitz, vom Horn grollend akzentuiert. Horn und Bass
kontrastieren sonor mit kratzigem Cello, das turbulent Kakophone nimmt,
drahtig bescharrt und durchschrillt und heftig beflötet, überhand undmündet doch in einem sanft dröhnenden Diminuendo. Die 7. Komponente
bringt zu sonor surrendem Bordun tremolierendes Flötenpathos und
elegisches Horn, Friedl flirrt im Innenklavier, die Zeit steht fast still als
Waldes- und Abendruh'. Wie abstrakt oder konkret auch immer, Lemur +Friedl gelingt auch ohne Hypertext - einfach so - ein Narrativ voller
vielsagender Kontraste und Widersprüche.
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Meine Gedächtnisstütze für MARTIN TAXT ist das M - M wie Muddersten,
Microtub, ToshiMaru NakaMura, aber auch wie Music For A While. Wobei
ich die Songs (von Weill, Dowland, Schubert, Händel, Purcell...), die Tora
Augestad da angestimmt hat, nicht ohne Mühe im mikrotonalen Bildunterbringe, das ich mir von dem Trondheimer Tubaspieler mache, der seit2010 das Sofa Label leitet. Eindeutig jedoch ist seine mit Nakamura &Tetuzi Akiyama in Koboku Senjû oder mit Seijiro Murayama & Toshihiro
Koike hörbar gewordene japanophile Ader, die ihn nun mit First Room
(SOFA 582) einen Teeraum mit Tatamimatten auslegen lässt, deren Maß die
Musik mit strukturiert. Taxt führt sie selber auf mit mikotonaler Tuba &Sinuswellen, zusammen mit Inga Margrethe Aas an Viola da Gamba &Kontrabass. Vor schwarzweißen Webmustern des Videokünstlers Kjell
Bjørgeengen als lebendigem Wandschirm, die, ähnlich wie schon für Keith
Rowe & John Tilbury und ebenfalls auf Sofa, die dröhnminimalistischen
Mikrodifferenzen visualisieren. Sonor surrender Sound tönt den Raum insanft abgestuften Haltetönen, Ton für Ton, Ton in Ton, besser noch: Klang
für Klang, Tönung in Tönung. So meditativ, dass das Sofa, auf dem man
diese Beschallung wohl am besten empfängt, sich der Schwerkraft entzieht
und leicht zu schweben beginnt. Winzige metallische Geräusche von Taxt
führen durch eine stille Niederung jedoch in ein Anderswo, die Tuba stöhnt
auf schrottigem Feld, bevor langgezogene Bogenstriche und windspielerisches Funkeln diese 'Wunde' wieder schließen. Tubadunkle undviolahell sirrende Klangwolken driften wieder sonor, allerdings vervielfältigt Taxt sich dabei knurrig, spuckig, sinuswellig, subwooftief und mit
auch wieder metalloid geknarztem Wabi-Sabi. 'Til the snakes drop, drop,
drop from her head / And the whip from out her hand. So weit entfernt
voneinander ist das eigentlich gar nicht.
Kari Rønnekleiv & Ole-Henrik Moe, die SHERIFFS OF NOTHINGNESS,
huldigen bei An Autumn Night at the Crooked Forest, four fireplaces (inreality only one) (SOFA 583), nein, nicht dem Herbst, nicht der Nacht undauch nicht dem 'Krummen Wald' in Westpommern, sondern diesmal dem
Kamin oder Bullerofen in der Hütte in Krokskogen (ein Waldgebiet nordwestlich von Oslo), wo diese Musik entstand als Teil der "at the Crooked
Forest"-Serie mit "A Summer's Night..." (2011), "A Winter's Night..." (2013)
und "Silent Night..." (2015). An der Feuerstelle, um die man sich immer
schon versammelt hat, um Geschichten zu erzählen von Trollen, Elfen,
Kobolden, der Schneekönigin, Espen Aschenbengel oder dem Kinder
schlachtenden Herodes, die dann doch gern in der Nacht, im verschneiten
Märchen- oder dunklen Spukwald spielten. Die beiden Norweger erzählen
und malen ihre Stimmungen wieder nur mit Geige und Bratsche, dröhnminimalistisch und quasi in Niblock'scher Monochromie. Ohne Puls, eher inden Bogenstrichen atmend, als Ton in Ton bebende Haltetöne. Genauer summende Toncluster, Schwärme von Tönen mit unscharfen Rändern: Als
1. glimmende Rotglut, mit allerhand nahem Infrarot. 2. als gedeckte Birkenscheite, die, mal leiser, mal lauter, in schnellen, kurzen Strichen wummern.
3. als großer Fichtenklotz, der in noch schneller und immer schneller wetzenden Strichen und mit dabei spitzen Pfiffen verbrennt. 4. als veraschte
Glut, die, angeblich mit Spuren von grünem Licht im Spektrum, unter denschleifenden Bögen wie ein Bienenstock dröhnt und stöhnt. Um das ganz
als Programmmusik zu hören, müsste man die Brücken ins Abstrakte verbrennen. Oder ist es doch so schon Musik, um dazu Tee zu trinken, um dazu Norske Folkeeventyr zu hören wie sie Peter Christen Asbjørnsen undJørgen Moe (!) in den 1840ern gesammelt haben?
78

... jenseits des horizonts ...
ANDREAS BÜLHOFF & MARC MATTER ɅV - A Sound Writing Tool (Research & Waves,
RAW[0.6,Y,0.75], LP): Bülhoff machte seinen Bachelor über Oskar Pastior, promovierte am
Graduiertenkolleg „Schreibszene Frankfurt“ und forscht jetzt an der FAU Erlangen mit
Schwerpunkt konzeptuelle, digitale und postdigitale Literatur, experimentelle Poesie und
Neo-Avantgarde. Matter, Karl-Sczuka-Preisträger mit Institut für Feinmotorik, Medienkünstler und Spezialist für Henri Chopin, lehrt 'Künstlerische Texte & Medienästhetik' in
Düsseldorf. Ihr gemeinsames Projekt, das unter dem Titel "Again As" auch schon im pfiffig
Sinn stiftenden DJ-Remix bei SWR2 ars acustica zu hören war, bringt als, grob gesagt,
Sound Poetry im Fahrwasser eines Åke Hodell eine dezente Auseinandersetzung mit dem
Krieg der Medien, exemplarisch aufgezeigt am Jargon der New York Times als liberalem
Mainstreamprintmedium und dem des Messageboards /pol/ [politically incorrect], dasquasi als Bad Bank des Imageboards 4chan rassistischen, sexistischen, antisemitischen
Kack verqirlt. 2 x 32 einsilbige, teils homophon zweideutige, in phonetischer Transkription
auch als Artwork visualisierte Wörter sind, von einem Text-to-Speech-System artikuliert,
einander gegenüber gestellt in jeweils der gleichen, von Graphic Scores ausgeformten
Abfolge: '1. Index' - '2. Sparse' - '3. Progs I & II' - '4. Dense' - 'Locked Groove I - IV'. Einerseits z. B.: And Our Air New Sound Word Find Here World Of Shift Hour Knew Whirled
Hear Which Witch Race State Case Sale Peace Sweet Piece Please Good Chance Can Left
Crack Bored... bis zur babylonischen Verdichtung und zu Mantras wie: Our Chance Our
Chance... Und /pol/seits: I On Band But Do Him Just Hole Lies Mind No Whole Past Right
Role Please See Some War Where Mean Mind Like Lies I Buy Just Click Race... Click Like
Click Like Do Buy Do Buy... Sollen in einer metakritisch splendiden Perspektive diese
Schreib- & Sprechweisen als gehupft wie gesprungen erscheinen? Gibt es, wenn man auf
das Formelle, Materielle und Ambige von Wörtern abstellt, zwischen dem Redigierten unddem informell Hingerotzten, zwischen Nachrichten mit liberaler Tendenz und populistischextremistischer Agitation mit Fake News kaum einen Unterschied? Wäre ein interkulturelles 'Gespräch' über Neoliberalismus, Patriarchismus und die weiße Herrenrasse leichtmöglich, wenn man nur die Kehrseiten der Medaille mit DJ-Spirit einander so annähert undhindreht wie die A- & B-Seite einer LP? Den beiden, die sich dazu in einem Werkstattgepräch auf SWR2 geäußert haben, geht es garantiert nicht darum, die Kluft zwischen nicht
immer tadellosen Demokraten und grundsätzlichen Arschgeigen zu verdampfen und zu
suggerieren, dass, deutsch gesagt, die FAZ/SZ/TAZ und PI-News/KenFM Filterblasen undLocked-Grooves von gleicher Qualität wären. Das - allerdings nur auf dem Waschzettel
ausgesprochene - Problem ist ja nicht, dass Wörter so viel Verschiedenes bedeuten können, sondern - mit Humpty Dumpty, Lenin, Gramsci, Carl Schmitt, dem Ministerium fürWahrheit gesagt - wer das Sagen hat. Wer die Macht, die Diskurshoheit, erringt, diejenigen, die widersprechen, verhasst und zunehmend mundtot zu machen und Lügen zunehmend unkritisierbar: Unwahr ist plusgut. 2 + 2 = 5. Die Naturgesetze machen wir. Mit der
Machtfrage werfen die ɅV-Macher jedenfalls einen Maulwurfshaufen auf, über den ichlieber stolpere als über das irritierende Bemühtsein, sich nicht mit Kritik die Hände
schmutzig zu machen, abgehoben auf 'ne Metaebene und distanziert im ɅV = 'off' als überschlaue Künstler, traditionelle Intellektuelle & neutrale Komparatisten. Als wären wir in
Carl Schmitts Endzeitalter der Neutralisierungen angelangt und die moralischen Konflikteökonomisch, die ökonomischen technokratisch neutralisiert, d. h. außer Streit gesetzt.
Statt dessen zeichnet sich das Wiederaufflammen 'konfessioneller', bürgerkriegerischer
Spaltungen ab entlang ideologisch-phantasmatisch verbiesterter und thymotisch erschlaffter Fronten. Während den einen die Digitalisierung einzig, aber bestens als
Dreckschleuder für Hetze und Aberglauben wie in den 'guten alten Zeiten' taugt, huldigt"ɅV" als spielerisch abgeklärte Spaltung digitaler Kümmel vorbildlich dem Neutralitätsgebot. Irgendwie macht mir die fehlende Streitbereitschaft ein bisschen Sorge.
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REINHOLD FRIEDL Krafft (Zeitkratzer Productions, zkr0027, CD / Bocian Records, LP): Anders
als "Alloy", seine konkrete Kammermusik mit →Lemur, ist das ein 2016 von Friedl komponierter,
beim Festival Extension in Paris uraufgeführter orchestraler Kraft-Akt, der dafür Zeitkratzer mit
dem Ensemble 2e2m zusammenschweißt. Pierre Oullier dirigiert den zwei mal 9-köpfigen
Klangkörper, beiderseits bestückt mit Kontrabass, Cello, Violinen, Percussion und Piano undberlinerseits noch Frank Gratkowski an Klarinetten, Elena Kakaliagou an French Horn und Hilary
Jeffery an Posaune zu einem Klangfächer von noch Gitarre, Saxofon, Trompete und Tuba aus
Champigny-sur-Marne. Vereint als beidseitig beflügelte, mit Pauken und Gong von hinten
angeschobene Rhythmachine für eine Unisonotextur, die Friedl mit Hilfe seiner als Doktorarbeit
perfektionierten Textural Transformation Machine geformt hat. Der Klangkörper setzt ingeballtem Tutti Ton für Ton und Schritt für Schritt, mit bebendem Blech, grollenden Pauken. In
einem aleatorisch erscheinenden gestuften Auf und Ab von Tönen und Halbtönen, die sich inder Dauer und im Nachdruck leicht unterscheiden. Dabei so unhastig, so kraftaufwendig, dass
der Duktus nicht als Puls erscheint und so an Andriessen oder Martland erinnert. Der Eindruck
ist eher so, als würden die Töne mühsam geschoben, schweißtreibend und in Moll. Eine
Sisyphosarbeit, aber wie in Camus' Sinn doch als unaufhörliche Anstrengung bejaht, auch wenn
die Lunge pfeift. Der Schweiß tropft eine glockenspielerische Silberspur, die Luft wird inzunehmender Höhe flöten- und geigendünn, der Schub schleifend und diskant. Die müden,schmerzenden Muskeln zittern tremolierend, die Reibung schrillt, das Blut rauscht in den Ohren.
Jeder Ruck ein Aufjaulen, ein der Trägheit der Masse aufgezwungener, den Schmerz duzender
Fortgang, der sich vor dem Höhepunkt in bebende, grollende Zentimeterarbeit bis zum
Gehtnichtmehr verdichtet und in tosendem Beifall kulminiert.
GABRIELE HASLER Herden und andere Büschel (Laika-Records 3510384.2): Die Hasler gab,
zeitgleich mit BA, 1984 ihr Debut und gleich mit "Crazy" und ihrer langjährigen Formation
Foolish Heart die Stichworte für ihr lautpoetisches, plurilinguistisches, klanglauscherisches
Lebenswerk. Denn von was ihr Herz und Kopf voll sind, davon geht ihr der Mund über phonologisch, prosodisch, oulipoesk, überzeugt davon, dass "God is a she" und 'Time's aRhythm'. Die 3 ½ Jahrzehnte als Fool on the Hill und Rotschopf wie aus einem Lew Archer-Krimi
lassen sich unmöglich in zwei Sätze packen. Daher picke ich unter ihren Spielgefährten mit
Andreas Willers, John Wolf Brennan und Günter Baby Sommer nur die raus, bei denen bei mir
was klingelt. Mit dem Saxofonisten Roger Hanschel hat sie Poesie von Gertrude Stein an die
Tauben verfüttert und, mit noch Dietmar Bonnen, "Styr" (2008) veropert. Der Earl Grey ihrer
Creatoxygenology ist jedoch Oskar Pastior, mit dem sie u. a. "Frösche und Teebeutel" für Chor acapella, Saxofon und Solostimme aufbrühte. Nach der Rose bei ihren "Rosenstücken" (1996),
John Dowland bei "Lovesongs" (2003) und Henry David Thoreau bei ihrem mit Ukuleleorchester
und Obertonstimmen opulent verklanglichten "Walden oder Das Gurren der Tauben" (2011) ist
der Leitfaden bei "Herden...", das sie, wie schon "G.bete 365" (2007) und "Im Bauch derVokale" (2013), allein gestaltet hat, ein animalischer. Auf Streifzügen ins Höricht bekommen die
Wörter Federn und Fell. Wir begegnen einer Mäuse-'Sippe' und 'Termiten', die von einer
Aktiengesellschaft Buchstaben fressen (mit einem Effekt wie in Mark Dunns "Ella Minnow Pea").
Es streifen einen zu Flügelschlag oder knurschenden Schritten eine Rebhuhn-'Kette', Fasane
als 'Gesperre' und als 'Bukett', Fische im 'Schwarm', Rehe im 'Sprung', Füchse im 'Geheck',schoofe Gänsevögel und unzählige 'Oiseaux' fantastique: Der Soprantölpel, das Goldzähnchen,das Zeterchen, das Sahnehäubchen, der Krawall... Wobei Hasler, indem sie sich da bezieht auf
die 2017/2018 auch schon von Peter Ablinger als radiophone Hörskulptur gestaltete '1111
Vögel'-Liste aus Valère Novarinas "Rede an die Tiere", ihre Affinität zu dessen 'Theater der
Ohren' bekennt, zu Artaud und zum roten Ursprung der Wörter im Fleisch des Menschen. Allein
meint: Ich bin viele, ich stehe unter Strom, knietief im Maulbeermoor, ich bin ein Klangtier, ein
selbstsüchtiges Schalentier, in einer schallenden Herde. Auf Widerschtandslosigkeit als eine
'Erklärung für das nicht so erfolgreiche Leben von Schafen' ist sie schon Anfang der 90er
gekommen. In 'erbsen und einige metalle' wird die Neigung des Googleübersetzers vorgeführt,etwa einen Satz von Knut Hamsun in polyglott blühenden Blödsinn zu übersetzen wie mit
Zerberix über den Styr. In 'pös eld orf' fühlt Hasler mit einem Verkäufer, der die Kleiderbügel
zwanghaft in 4cm-Abstände ordnet, beide stehen sie im Bann des Ungeordneten. Form follows
Zwang, damit er/sie/es sich nicht mehr fremd ist und nicht so fremd in der Fremde. Entfremdung
von der Herden-Sprache ist tremolierende, melismatische, girrende, plosiv tropfende, surrende
Heimkehr ins Sein, das das Bewusstsein bestimmt, von Marx bis Valentin, von Anton Voyl bis deFunès.
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PIERRE JODLOWSKI - ALEXANDRE BABEL White Zero Corp (éOle records, éOr_017):
Dass man den Genfer Perkussionisten Alexandre Babel durch Æthenor kennt, mit
Sudden Infant oder mit Massimo Pupillo & Caspar Brötzmann, sollte nicht vergessen
machen, dass er auf Musica Nova spezialisiert ist: 'Notes on Light' von Kaija Saariaho,'Monoliths' von Mark Barden, 'Journal de Bord' von Alessandro Bosetti, '24 Loops' (einZahnrad-Tamtam für 4 Perkussionisten) von Pierre Jodlowski... Seit ein paar Jahren
bildet er das WZC-Duo mit diesem 1971 in Toulouse geborenen Komponisten, der seit
1993 Mixed Music kreiert, fixiert auf Stimmen & Texte, Mensch-Maschine-Interaktionen, Erinnerungen & Traumata ("Berlin, mémoires aléatoires", der 1. Weltkrieg bei"Soleil Blanc"). "Limite Circulaire" (2008) basiert auf M.C. Escher, "Jour 54" (2009)
hörspielartig auf Georges Perecs "53 jours", "Ombre della Mente" (2013) auf Alda
Merini, "Ultimatum" (2016) auf Fernando Pessoa, "La Ralentie" (2017) auf Henri Michaux. "Artaud Corpus fragments" (2006) und "Le dernier songe de Samuel Beckett"(2013) sprechen für sich. Für den Clash von Piano & Electronics schrieb er gleich
serienweise: die "Série Noire" (2005, über Thriller), "Série Blanche" (2007, über das
Absurde in Jean Gionos "Ein Mann allein"), "Série-C" (2011, über John Cage), "Série
Rose" (2012, über Pornographie), "Série Bleue" (2013, voller Drumpattern und Loops,
inspiriert durch Yves Klein), "Série Rouge" (2017, in heftigem Hauen und Stechen überBlut, wie es bei Eisenstein, Jan Fabre und in Kubriks "Shining" spritzt). "Mad Max" fürPerformer, Electronics, Video & Licht, uraufgeführt beim Aujourd'hui Musiques Festival 2017 in Perpignan, ist daneben zwar spektakulär, aber doch auch ein ordinärer
Schmarrn, der das Hui! allzu wörtlich nimmt. "White Zero Corp" geht mit Jodlowski
selber an Bass, Keyboards & Electronics einher mit schwarzweißen Zeichnungen vonDavid Coste und dreht sich um - schwer zu sagen: Um 'Brains'? Um 'A Void' als löchrigem Diskontinuum mit glissandierender Eskalation? Bei 'Freedom Club' und 'Unabomber', klar, geht's um Ted Kaczynski, bei 'Phosphor' und 'Scandium' um Elemente,'Trechō' = gr. für rennen, laufen, 'Agricales' sind die champignonartigen Pilze. 'Empty
Data Center'? Die schießen wie Pilze aus dem Boden in China's far-flung provinces.
Doch wer will das noch wissen nach den ersten grollenden Tönen? Da wird stattdessen klar, warum Roli Mosimann die Finger im Spiel hatte in den polnischen Saraswati Studios, denn abseits aller Neutönerei, speziell der gezierten, gehört WZC zur
gleichen Brut wie Monno, The Young Gods und Sudden Infant, und das Rock progressifzu nennen, ist mehr als berechtigt. Dass einige Takte an PinioL & Co. erinnern, könnte
daran liegen, dass Jodlowski in den 90ern die 'Lyoner Schule' durchlief. Krachige
Verve, rhythmische Bodychecks, dräuende Dunkelwolken, knurrige Impulse undelektronische Peitschenhiebe diktieren als Nenner brachiale Dynamik und explosive
Aggressivität, wobei sich ungrade Brüche und noisig-perkussive Verwirbelung paaren
mit so Lakonischem wie dem Countdown einer Zahlenreihe, bloßem Herzschlag oder
Vogelgezwitscher. Doch auch die krumm geWertmüllerten Beats selber folgen Formeln und repetitiven Mustern, auch wenn die Dynamik das anarchisch bis ins Kakophone verzerrt. Typisch Jodlowski daran ist die Mensch-Maschine-Spannung, der The
Futurists versus the Unabomber-Konflikt, den auch schon Sleepytime Gorilla Museum
reflektiert hat. Er versteht seine Musiken als engagierte Einmischung in Fragen der
Zeit: "Time & Money" (2006), "Tadmor" (2016, über das syrische Foltergefängnis)...
Ich mag es, wenn es über was geht und schätze es, wenn es um was geht. Pessoas
ultimatives Großreinemachen als Álvaro de Campos ist dafür nur die futuristische
Augiasstall-Version. Den konnte 1917 nicht nur The Germany furchtbar leckn - You,
German culture, a rancid Sparta dressed with the oil of Christianity and the vinegar of
Nietzscheization, a sheet-metal beehive, an imperialistic horde of harnessed sheep!
Nein: All are to blame for the general failure of everything! Gegen den ganzen Scheiß
hülfe nicht der stärkste Mensch, sondern der kompletteste! Nicht der härteste,
sondern der komplexeste! Nicht der freieste, sondern der harmonischste! Da auch
Jodlowski dem propagierten Superman als pathetischem Zwitter aus Anarchist undIngenieur nicht noch das unverzichtbare Quantum Humor abverlangt, muss ich das
wohl tun. Ausgerechnet ich?
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KOTRA & ZAVOLOKA"Silence"(KVITNU 0, one sided 7"):This is the last Kvitnu release
Ein Abschied, nicht mit Gewimmer, sondern dem Paukenschlag völliger StilleAls leere Endlosrille auf der A-Seite der ansonsten ungerillt glatten, weißen Scheibe
Statt einer tönenden Spirale ein stummer Kreis
What do you hear when you hearnothing?
0
4:33
The sound of silence
Stille ist die alchemische Substanz, die Leere in Sound verwandelt
Stille ist der Stein der Weisen in der Musik
Stille ist das sine qua non
Stille ist immer schon da
Stille ist uranfänglich, ungeschaffen, ungeworden
Stille ist der Schoß des Urknalls
Stille lässt Milliarden Sonnen verstummen
Stille ist Klang, den man nicht hören kannStille ist frei von Klang
Stille ist frei von
Stille ist frei
Stille ist
Stille0
Unvergleichlich
Unverwechselbar
Unauslöschlich
Stille ist sich immer gleich
Stille ist immer anders
Stille ist der Klang des Nichts
Stille ist Ground Zero... flüchtig... absurd... golden... ist gedachte Musik
Stille ist selten... allgegenwärtig
... schwer zu finden... schwer auszuhalten
Stille ist in uns
Stille (Todesstille fürchterlich!)(...such grey stillness and silence that many objects of beauty seemed to have become
dulled and stilled and lost all their sparkle...)isthoffentlich nicht / sicher nicht
das Letzte
das wir hören werden
von den beiden, die hier so beredt schweigenvonDmytro FedorenkoundKateryna Zavoloka

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BRONIUS KUTAVIČIUS Last Pagan Rites / From the Yotvingian Stone (MIC Lithuania, MICL
LP002, LP): Trotz des sowjetischen Vetos gegen sein Pantheistisches Oratorium (1970) hat
sich Kutavičius, mit seinen 88 Jahren der große alte Mann der litauischen Musik, damals
immer weiter in die historischen und mythischen Wurzeln dessen vertieft, was als Litauische SSR doch für seine Russi- & Sowjetifizierung hätte dankbar sein sollen (statt dessen
waren ca. 50 % der Berufsmusiker und über 70 % der Schriftsteller davor geflohen). Paskutinės pagonių apeigos (Die letzten heidnischen Riten) für Sopran, Frauenchor, vier Hörner und Orgel (1978) erschien dennoch 1983 bei Мелодия, wobei die Uraufführung von Iš
jotvingių akmens (Vom Stein der Jatwinger) für Sopran, Alt, Tenor und Bass und 16 Volksmusikinstrumente im gleichen Jahr weiterhin für handgreifliche Auseinandersetzungensorgte. Umso mehr gelten diese Oratorien heute als Kulturschätze und Leuchten deswiedererblühten litauischen Selbstbewusstseins. Romualdas Gražinis, der schon die Einspielung von 'Last Pagan Rites' mit dem Chor der Vilnius Čiurlionis Art School (Ondine,2001) geleitet hatte, dirigiert hier den Aidija Chamber Chor, der die archaisierende Poesie
von Sigitas Geda (1943-2008) anstimmt, die den Litauern so vertraut ist wie ihre wiederbelebten Sutartinės. Der gemischte Chor hebt bei 'Oh du grüner Grashüpfer' zu dröhnenden Hörnern an wie die aufgehende Sonne mit einem schwellenden Aaah und teilt sich in
kanonartige Wellen zur 'Feier der Burghügel des Medvėgalis' (die 1329 von einem teutonischen Kreuzfahrerheer unter König Johann von Böhmen, mit Guillaume de Machaut als
Kriegsberichterstatter, gestürmt und 6000 Litauer zwangsgetauft wurden). Als 'Beschwörung der Schlange' fleht eine Solistin als Priesterin inmitten des wispernden, murmelnden
Chors, litaneihaft darum, nicht zu beißen, nicht Bruder, nicht Schwester, nicht Vater, nicht
Mutter, nicht die Sonne, nicht Gott. Zur 'Feier der Eiche' umkreist der Chor zu sanften Horn stößen in allmählich anschwellenden Repetitionen den Weltenbaum. Die Orgel fällt ein mit
einem (protestantischen) Choralmotiv, das sie sieben Mal und immer dominanter wiederholt, während der Chor immer leiser auszieht. Man könnte meinen, dass Kutavičius da den
Deutschen Orden mit seinen seit 1283 ständigen mörderischen Kreuz- und Raubzügen die Männer wurden getötet, Frauen und Kinder geraubt und versklavt - als drohenden Dominator aufziehen lässt (wie Eisenstein & Prokofjew in "Alexander Newski"). Allerdings
wurde das „ewige Feuer“ auf dem Hügel von Vilnius 1387 unter Großfürst Jogaila gelöscht
und der heidnische Tempel zerstört, der Orden dagegen in der Schlacht bei Grunwald 1410
endgültig geschlagen und Litauen christlich polnisiert. Auch Kutavičius feierte mit der 'Dedicatio Ecclesiae Cathedrali, anno 1988' (dem Finale des Oratoriums Epitaphium temporum pereunti von 1998) Vilnius als gut katholisch. Wobei sich sein Glaubensbekenntnis auf
die kryptische Sator-Formel und Poesie von Geda beschränkt. Wer hätte das in den 70er/
80er Jahren nicht als Parabel gehört? Durchsetzt mit den mehrdeutigen Gegensätzen: Heidnisch=litauisch vs. christlich=kolonialistisch; katholisch='westlich' vs. orthodox='östlich;protestantisch vs. 'Rom'=Moskau (dem Dominator ab 1795)? 'From the Yotvingian Stone'basiert auf Zeilen, die Hieronymus Maletius, ein preußischer Theologe, im 16. Jhdt. niederschrieb, sowie auf einem von Kutavičius festgehaltenen Volkslied über eine den Stürmen
trotzende Eiche. Als Elegie für die in den kolonialistischen Stürmen des Deutschen Ordens
im 13. Jhdt. verwehten (sprich christianisierten, assimilierten, ausgelöschten) Jatwinger,
einem Nachbarstamm der Litauer westlich der Memel. Wieder archaisiert Kutavičius mit
rhythmisch klackenden Steinen, Rufen in einer vergessenen Sprache, schnarrender Maultrommel, primitivem Flöten und einsaitigem Schrummbogen. Als Tamtam mit gutturalen
Männerstimmen, weit uriger als der pagane Neofolk von Ugniavijas, und schnell schnatternden hellen. Der 2. Satz ist dagegen ein elegisches Flöten und Atmen zu sanftem Harfenarpeggio, mit erst nur Frauenstimmen, die jedoch ein neues Blätterdach aufspannen, unterdem sich dann auch die Männer mitversammeln in vereintem Vokalisieren. Das abreißt füreine einzige Frauenstimme als dünnem Faden zwischen Einst und Jetzt, zwischen Quelle
und Durst, Vergessen und Imagination. Kutavičius hat mit Die Tore Jerusalems (1991–95)
Jerusalem und zugleich Vilnius als das 'Jerusalem des Nordens' mythisch und mystischbeschworen mit nach allen Himmelsrichtungen hin weltoffenen Toren. Und huldigt dabei
der Mater dolorosa als höchster Ikone seines Pantheons und Gegenpol zu engstirnigem,
engherzigem Nationalismus. Retro ist für niemanden eine gangbare Option.
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LUKAS LAUERMANN I N (Col Legno, BCE 1CD 16009): Der Wiener Cellist, der sich als IndieFreelancer in Vielerlei einmischt, von Donauwellenreiter über André Heller und HansJoachim Roedelius bis Tocotronic oder Wanda, hat mit "How I Remember Now I Remember
How" (2017) schon seine Ambitionen ausgeformt als eigenkreativer Hypercellist und Klangpoet, der sich von Pessoa, Bachmann, Lily Brett oder Rothko hat infiltrieren lassen. Für ein
Bekenntnis zum Cello und eine zartbittere Elegie, wie nur dessen Saiten sie verströmen. Und
auch hier ist bei aller Rede von Halbtönen und binären Codes, von Input und Introspektion,
der mit Stimmgabeln und Synthesizer angereicherte und von Piano flankierte melancholische Lamentoton das A und O, das I und N eines Narrativs von Illusion, Individuality, Insightund Indulgence aus purem Klang. Als Songs of Innocence and of Experience, die, ohne
Worte, bloß mit einem Pizzicato oder pianistischen Largo das Andenken eines Engels oderein Mahlersches Adagio evozieren, eine Welt von Gestern oder Übermorgen. Um, mit einer
ebenso simplen Beschleunigung der zupfenden Finger und der Bogenstriche, das In- zu
streichen und so nach -equality und -justice zu streben. Die gefühlsinnige Musik klingt älter
und anders als jede gruftige K. u. k.-Nostalgie und wahrer und sublimer als bloße Wiener
Zuckerbäckersüßlichkeit. 'Decisions' fährt zwar dem melancholischen Alles is hin in die
Parade, und Lauermann lässt, permanent variabel, einen energischen Gnom auftreten, denaber sanft dröhnender Nebel gleich wieder verschluckt. Eine triste Spieluhr und zirpendes,
summendes Moll bringen herzensbrecherisch und schwelgerisch das Sehnen nach Unschuld verstärkt zurück. Das surrende Extro heißt '(n)ext.one' und scheint in diesem
Gertrude Stein'schen “beginning again and again” ebenso wie im fragmentarischen undflüchtigen Flow Bestrebungen verpflichtet, wie sie Lauermann intensiv mit der Performancegruppe Saint Genet praktiziert hat.
POLWECHSEL & KLAUS LANG Unseen (HatHut ezz-thetics 1016): "Unseen" spielt damit,
dass der visuelle Sinnentzug bei akusmatisch wahrgenommenem Klang doch auch kreative
Sinnestäuschungen mit sich bringt. Hier sind wir blinde Zaungäste in der Stiftskirche St.
Lambrecht in der Steiermark, wo Klaus, der 'einfalt.stille'-Lang, nicht zu verwechseln mit
Bernhard, dem Differenz-Wiederholung-Lang, nicht nur die Kirchenorgel spielte, sondern
mit 'Easter Wings' auch die erste von drei neuen Kompositionen auftischte, die sich
Polwechsel mit ihm auch schon im Juni 2018 in der Berliner Emmaus-Kirche vorgenommen
hatte: Michael Moser und Werner Dafeldecker an Cello und Kontrabass, wie seit fast 30
Jahren, Burkhard Beins und Martin Brandlmayr, seit "Archives of the North" (2006) dabei,
mit Cymbals & Percussion. Moser hat Langs 'berge. träume' (2003) für Violoncello und Chorbei den Wittener Musiktagen 2004 aufgeführt und Langs Musik ist ihm auch im Trio Amos
geläufig. Polwechsel hat im gleichen Jahr beim Taktlos Festival mit Lang an Orgel (und noch
John Tilbury am Piano) Dafeldeckers "Small Worlds" dargeboten. Man kennt sich undschätzt sich. Unsereins aber täuscht sich, wenn er/sie da elektronisch schleifende Gespinste, Flötentöne und summende Dunkelwellen vernimmt, wenn auch nur mit dem 'elektronisch'. Es sind das sorgsamste Flageoletts, auch perkussive Bogenstriche und kleine
Orgelpfeifen, so fein gekitzelt, dass es der Hl. Cäcilia Nonnenfürzchen entlocken würde. Das
metalloide Changieren und leise Schellen, ist es orgelig oder perkussiv? Wer pickt davogelig (mit Claves)? Die brummige Harmonie, der infernalische Zuschliff, allzu christlich ist
das nicht. Mosers 'No sai cora-m fui endormitz' fußt auf dem Canso n° IV, Farai un vers dedreyt nien, jenem berühmten 'trobar clus' von Guilhem de Poitiers, dem ersten Trobador, undbringt orgelige Schübe, die sich helldunkel ums Kirchenschiff wellen, dröhnend und bebend,
kaum dass die Strings aus diesen Clustern aufscheinen. Nach einem Break jedoch übernehmen repetierende Striche und perkussives Flickern den schubartigen Gestus, wenn auchfragiler und mit Luftlöchern, in denen die Orgel durchscheint. Dafeldeckers 'Redeem'
wummert orgeldunkel und bassknarrig, als sonore Quellwolke mit pfeifenden, schleifenden,
knispelnden Akzenten. Prächtige Orgeltöne führen, hell gesäumt, über Escher'sche Stufen
zugleich ab- und aufwärts, perkussiv betrillert und berappelt. Aber die Orgel stößt ostinat
ins Horn, wird umschimmert von metalloid gestrichenen Obertönen, kehrt wieder mit einer
Haltetonfolge, die abgelöst wird von rauschigem Noise, metallischem Schimmern und zuletzt
jauligen Glissandi. Malautz suy e tremi morir / E ren no sai mas quan n‘aug dir. [Ich zittre
heiß vor Todesplagen / Und weiß das nur vom Hörensagen...]84

... und zuletzt noch zwei Trips nach Venedig
YANNIS KYRIAKIDES & ANDY MOOR Pavilion (Unsounds 65U): Das Cover mit zwei
ausgeschnittenen Silhouettenprofilen, ein Blickfang. Für Musik, die entstanden ist bei der
57. Biennale in Venedig im Pavillon français. In der Merzbau-inspirierten, holzig verschachtelten Dädalus-Architektur von Xavier Veilhans 'Studio Venezia', in dem die Sinne
aus dem rechten Winkel gebracht wurden, haben in einem von Christian Marclay mitkuratierten Pulk venezianischer und internationaler Musiker (Brian Eno, Sébastien Tellier,
Éliane Radigue, Nicolas Godin...), die sich ein halbes Jahr lang dort ablösten, auch diesebeiden gewerkelt. An zwei Tagen im Oktober in einer offenen Tonstudiosituation, wobei
ihnen das verwunderte Publikum quasi in die Kochtöpfe glotzen konnte, spielte Moor seine
E-Gitarre, aber abseits der ruppigen Verve mit Lean Left, und Kyriakides mit Computer,
Moog, Buchla etc. Von den 9 Stunden Klangmaterial haben sie sechs der gelungensten
Momente ausgewählt: Minimalistisch repetierte Gitarrensounds auf rubbeliger Noisespur,
drahtige Beats und knurrig unkende in rhythmischen Kreisen. Loops bilden ein Kernelement dieser Musique d'ameublement, die, obwohl halbwegs rund und regelmäßig,Veilhans Caligari-Kubistik nicht wohnlicher macht. Denn Moor kann kaum bis 3 zählen,ohne dass die Töne sich dröhnend gegen den Strich krümmen. Er kratzt, harft und schlägt
die Saiten zu wummrigen und tickenden Klängen, die ihrer synthetischen Herkunft
spotten. Töne klacken mechanisch, plonkend umtupft, rhythmisch bepickt, hell angefunkelt
und doch im Duktus melancholisch. 'Stropha' klebt ihr katá am Schuh, 'Fossa' gräbt mit
hackenden Lauten Grab und Grube für ein ächzendes, wummriges Geschehen, dem monoton das letzte Stündlein schlägt - wie in den venezianischen Schreckensjahren 1348/49,
1575/77 und 1630.
V/A Intonarumori: Ieri ed Oggi (ReR Megacorp, ReR 1913 / Diplodisc, DSP02): Initiator
dieser retrofuturistischen Hommage ist Alessandro Monti, ein 1960 in Venedig geborener
Autodidakt & Produzent und der folkrockende Kopf vom Unfolk Collective. Bei "File Under
Oblivion" (2019) ist er schon in der Zeit bis 1983 zurückgereist und hat mit 'Dance In
Opposition' angedeutet, dass die entscheidende Weichenstellung seiner Lebensbahn die
Initiation ins R.I.O.- & Recommended-Pluriversum war. Ins futuristische Gestern verhalf
ihm der Modern Composer und Futurismus-Experte Daniele Lombardi (1946-2018), der1980 "Musica Futurista" kompiliert hatte, mit dem Hinweis auf Prof. Pietro Verardo, einem
venezianischen Musikologen, dem ein Nachbau von Luigi Russolos im 2. WK verlorenen
Intonarumori zu verdanken ist. Damit wurden zuletzt 2009 im Teatro Dal Verme in Mailand,
wo 1914 Russolos legendäres »Grande Concerto Futurista« stattgefunden hat, durch das
Orchestra I Pomeriggi Musicali zwei historische Stücke aufgeführt: 'L'Angoscia delle
macchine' (1926) von Silvio Mix als romantizistische Selbstüberwindung der Maschinenangst durch das Übermenschenpathos von Ruggero Vasari. Und 'Il mercante di cuori'(1927) von Franco Casavola, dessen spätromantischer Eskapismus mit intonarumorischen
Tönungen Silly Symphonies und Looney Tunes vorwegnimmt. Beides ist hier zu hören als
Futuristik mit angezogener Handbremse. Eingebunden in Montis Bestreben, den vonVerardo wiedererweckten intonarumorischen Sound gezielter vergegenwärtigen zu
lassen. So entfaltete auf Montis Anstoß hin Andrzej Karpiński, Drummer der polnischen
R.I.O.-Formation Reportaż, mit Hybrid-Drums & Stimme einen 8-fach schnarrenden,
stampfenden, unkenden, ratschenden, singenden, klopfenden, rauschenden, paukenden
Klangfächer mit dabei evozierten Gefühlswerten: Noises of patience, love, purity... Chris
Cutler kreierte, unplugged, 'Quando il futuro è il passato', Sonic Fiction als tremolierende,raschelige, klappernde Séance. Und Nick Sudnick mit seinen Zgamoniums zeigt bei'Protomekanika' als klangberauschtem Prachtstück Russolo als Erzvater der einstigen
ReR-Entdeckung ZGA. Monti remixt zuletzt das Ganze orchestrarumorisch zu 'Simultaneità
futurista'. Für das utopische Zeitkolorit sorgt Artwork von Ivo Pannaggi (1901-1981), dem
Verfechter einer Arte Meccanica Futurista, die er am Bauhaus weiterentwickelte. Viva, ihrscharrenden Stropicciatore, ihr gurgelnden Gorgogliatore, ihr knisternden Frusciatore,
Ronzatore, brummt!
85

inhalt
doc wör mirran: germany's next top roadkill 3 mit deleyaman in der zitadelle der melancholie 4
over pop under rock 6
nowjazz, plink & plonk:
cuneiform 10 - john edwards & adrian northover 13 - fmr records 13 - intakt 16 - leo 18 rarenoise 21 - olaf rupp 22 - udo schindler 23 - creative sources 23 - horace tapscott 26 ...
the future jazz of london 27... cykada 29 - yazz ahmed 30 - nubiyan twist 31 - shabaka hutchings 32
birth of the zebra-striped hipster 33
en håndfuld danske 47... afenginn 54 - den sorte skole 55
soundz & scapes in different shapes:
attenuation circuit 55 - substantia innominata 57 - e-klageto/la bois 58 - grisaille 60 interstellar 61 - karlrecords 62 - licht-ung/spalt-ung 65 ...
beyond the horizon:
leif elggren: as if i was my father 72 ...
glitterbeat 73 - no edition 75 - sofa 77 ...
andreas bülhoff & marc matter 79 - pierre jodlowski & alexandre babel 81 kotra & zavoloka 82 - bronius kutavicius 83 ...

BAD ALCHEMY # 107 (p) September 2020
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 107 erhalten Abonnenten die CD "Ghost By Mouth" (E-klageto) von ERIC LUNDE
als Extraausgabe in DIN A4-Hülle und mit speziellem Artwork
Mit herzlichem Dank an Matthias HornCover: "Ghost By Mouth" Artwork by Eric Lunde
Rückseite: Cykada's Electronics-Wizard Tilé Gichigi-Lipere aka D'Vo [© Luke Macpherson]!!! Die Nummern BA 44 - 103 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................

86index7697 MILES 67 - ABDUL-KHALIQ, FUASI 26 - AFENGINN 54 - AHMED, YAZZ 30 SUSAN ALCORN QUINTET 36 - AMMAR 808 74 - APRILE, GIANMARIA 67 - ARCADOSTRING TRIO 43 - ARKLEY, IAN 68 - ARMAROLI, SERGIO 20 - ARURMUKHA 64 BABEL, ALEXANDRE 81 - BANTU 6 - BERTONI, ANTONIO 19 - BIRDSONGS OF THE
MESOZOIC 12 - BLUEBLUT 6 - BLUMER, FRIDOLIN 19 - BRAINGRAINHOTSPOT 76 BRENNAN, JOHN WOLF 18 - BÜLHOFF, ANDREAS 79 - GUILLERMO CELANOQUARTET 36 - CHEER ACCIDENT 12 - COLONNA, MARCO 19 - THE COMET IS
COMING 32 - COURVOISIER, SYLVIE 17 - CYKADA 29 - DEISON 57 - DELEYAMAN 4 DEN SORTE SKOLE 55 - DENZLER, BERTRAND 37 - THE DINNER PARY 14 - DINOS,
MAYITA 37 - DOC WÖR MIRRAN 3, 60, 66 - EDWARDS, JOHN 13, 14 - ELGGREN, LEIF
72 - EVENT HORIZON 38 - EZRA COLLECTIVE 27 - FELDMAN, MARK 36, 43 - FLINN,
STEPHEN 25 - FORMANEK, MICHAEL 12, 36, 39 - FOWLER, DAVE 13 - FRIEDL,REINHOLD 77, 80 - FRYDRYK, DAVID 13 - FUJII, SATOKO 40 - FUJIWARA, TOMAS
12, 39 - GALACTIC ABYSS 65 - GARCIA, NUBYA 27, 28 - GEISSER, HEINZ 19 GERBAL, ANTONIN 37 - GHOST RHYTHMS 10 - GICHIGI-LIPERE, TILE 29 - GOLIA,
VINNY 41 - GREVE, CHARLOTTE 16 - GRILLI, RICARDO 38 - GUSTAFSSON, MATS 21- HALVORSON, MARY 12, 36, 39 - HASLER, GABRIELE 80 - HAYWARD, CHARLES 7 HUGHES, JOHN 22 - HUTCHINGS, SHABAKA 27, 28, 30, 32 - I.P.A. 11 - ILLCONSIDERED 28 - INRA 68 - INSOMNIA BRASS BAND 40 - CHRISTOPH IRNIGER
TRIO 17 - JODLOWSKI, PIERRE 81 - JOHN, JOANNA 61 - KARL BÖSMANN 59 - KAZE
40 - KEPL, IRENE 23 - KERN, DIDI 61 - KEUNE, STEFAN 15 - EVA KLESSE QUARTETT
41 - KONSTRUKT 62 - KOTRA 82 - KUTAVICIUS, BRONIUS 83 - KYRIAKIDES, YANNIS85 - LANG, KLAUS 84 - LASH, DOMINIC 15 - LAUERMANN, LUKAS 84 - LEMUR 77 LEONARDI, STEFANO 19 - LOPEZ, FRANCISCO 60 - LUNDE, ERIC 58 - LYNCH, SUE
13 - MAIGUASHCA, MESIAS 63 - MAISHA 28 - MÄLZNER, ERIK 75, 76 - MAP 71 7 MARIEN, CHRISTIAN 40, 46 - MARTINEZ, BALDO 19 - MARTINEZ, LUCIA 19, 45 MATHES, JEREMIE 57 - MATTER, MARC 79 - MAUSON, DIETER 56, 67, 71 - MAXIMIN,BERANGERE 62 - MCMULLEN, GEORGE 41 - MELT YOURSELF DOWN 28 - MENARD,JULIUS 60 - MERZBOW 21 - MIKAWA, TOSHIJI 65 - MOCHIZUKI, HARUTAKA 59, 65 MOOR, ANDY 85 - MORI, IKUE 40 - N.N. 76 - NACHOFF, QUINSIN 42 - NAKATANI,TATSUYA 11 - NERIJA 28 - NIELSEN, MADS EMIL 69 - NOBLE, STEVE 15 - NON
TOXIQUE LOST 76 - NORTHOVER, ADRIAN 14 - NUBIYAN TWIST 31 - OCCUPIEDHEAD 56, 71 - OHTA, MASAKO 24 - OJKOS 42 - OM 16 - OTOMO, YOSHIHIDE 62 PAGO LIBRE 18 - PAN AFRICA PEOPLES ARKESTRA 26 - PANDI, BALAZS 21 PARISH, SHANE 11 - PERELMAN, IVO 43 - PHILLIPS, DAVE 66 - PINEDA, CATHLENE
43 - POLWECHSEL 84 - RANDOLPH, FRED 44 - RATTI, NICOLA 69 - REBELO, PEDRO
69 - RLW 59 - ROTEVATN, ANDREAS 42 - THE RUNCIBLE QUINTET 14 - RUPP, OLAF
22 - SAIZ, JUAN 19 - SANGARÉ, OUMOU 8 - SAWA-MANGA 29 - SCHIAFFINI,GIANCARLO 20 - SCHINDLER, UDO 23, 24 - SCHLICHTING, ALMUT 40 - SEED 28 SHARPS, JESSE 26 - SHERIFFS OF NOTHINGNESS 78 - SILLS, DAVID 44 SJÖSTRÖM, HARRI 20 - SONS OF KEMET 32 - SPERRAZZA, VINNIE 16 - BOB SPICEQUARTET 45 - STANGL, BURKHARD 61 - STIRRUP+6 12 - STROM | MORTS 70 SUMMER OF SEVENTEEN 63 - TAPSCOTT, HORACE 26 - TAROZZI, SILVIA 8 - TAXT,MARTIN 78 - CHAD TAYLOR TRIO 10 - THACKRAY, EMMA-JEAN 27 - THINKINGPLAGUE 12 - THUMBSCREW 12 - TOBOCMAN, SUSAN 45 - TORDINI, CHRIS 16 TROYER, ULRICH 70 - TWINKLE³ 71 - USTAD SAAMI 73 - V/A r I ɘ 56 - V/A ちょっと待 っ て 下 さ い 。 『 studio 』 65 - V/A INTONARUMORI: IERI ED OGGI 85 - V/A
TEERSCHWESTERN 71 - V/A TOO MUCH FUTURE - PUNKROCK GDR 1980-1989 9 ANDREAS WILLERS 7 OF 8 46 - WILLIAMS, KAMAAL 27 - WOLFARTH, CHRISTIAN 46- WORLDSERVICE PROJECT 21 - WYATT, ROBERT 39 - ZAVOLOKA 82

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