BAD 105
ALCHEMY

[B]eliefs about the essential goodness or beauty of the world
are fundamentally paper-thin bullshit. Zadie Smith
So then the big moral question is: How do I live with that terrible truth? I keep thinking ofRobert Stone making the distinction between the word sublime and the word beautiful. He
described being in a battle as sublime. George Saunders
Alle Musik der Welt sagt alle Dinge der Welt - ich meine natürlich des Universums -,und das ist alles, was es überhaupt gibt.
Es hebt sich alles gegenseitig auf.
Die Posaune wird erschallen!
Tut sie.
Ihr Berge, brecht in Jubel aus.
Tun sie. Joanna Russ
Lukas Bärfuss - Hagard
Dietmar Dath - Niegeschichte
Alfred Döblin - Wallenstein
William Gibson - Virtuelles Licht
André Gide - Sämtliche Erzählungen
M. John Harrison - Nova Swing
Kazuo Ishiguro - Als wir Waisen waren
Christian Kracht - Die Toten
Hans Lebert - Der Feuerkreis
Klaus Mann - Mephisto
Thomas Mann - Bekenntnisse des Hochstaplers Felix Krull
Robert Menasse - Die Hauptstadt
Orhan Pamuk - Rot ist mein Name
Christiane Rochefort - Frühling für Anfänger
Joanna Russ - Wir, die wir geweiht sind...
George Saunders - Lincoln in Bardo
Judith Schalansky - Der Hals der GiraffeJoão Silvério Trevisan - Ana in Venedig
W. Somerset Maugham - Um dieser Tränen Willen. Erzählungen
Recommended: Ted Gioia-> http://www.thenewcanon.com/ -> http://www.conceptualfiction.com/-> http://fractiousfiction.com/ -> http://www.postmodernmystery.com/
2»Potlach«* Es war 1969 oder 1970 als wir, noch halb Kinder, gelegentlich im Potlach in der Elefantengasse vorbeischauen „durften“. Zu einer Zeit in der einige Würzburger Lokale Langhaarige
nicht bedienten, schnupperten wir im Proberaum der einheimischen Band BLUESCAMPAIGN an der Welt von Sex 'n' Drugs 'n' Rock'n Roll. Blues Campaign waren unsere
Helden, ihre Musik zog uns magisch an, und so versuchten wir in jedes ihrer Konzerte zu
kommen. Vermutlich bin ich auch bei ihrem letzten, anno 1970, Ohren- und Augenzeuge
gewesen. Roman Bunka (Gitarre, später Embryo, Dein Kopf ist ein schlafendes Auto und
nun einer der gefragtesten Oudspieler weltweit), Norbert Dömling (Bass, später Missus
Beastly und mit diversen Jazzern unterwegs), Klaus Götzner (Schlagzeug und meistens
mit Antolinis Drumbeat unter dem Arm, später funky bei Ton Steine Scherben) und Jürgen
Benz (Saxophon und Flöte, später Missus Beastly, Munju) begannen als Coverband (Bunka
und Dömling erklärten mir damit, warum sie Blues Campaign in ihren Biographien nicht
erwähnen). Unvergessen sind ihre Versionen von 'Season of the Witch' oder 'Dear Mr Fantasy' in Anlehnung an Bloomfield/Kooper/Stills "Supersession". Aber die Band improvisierte schon damals auf hohem Niveau. Mit dem Besuch von Missus Beastly 1970 wurde
die Improvisation dann in anderen Konstellationen weiterverfolgt und Blues Campaign
schließlich aufgelöst. Und jetzt, sage und schreibe 49 Jahre später, trafen sich die vier
wieder, am 30.11.2019 im Würzburger Omnibus [dessen Kellergewölbe über sage undschreibe 50 (!) Jahre hinweg gezittert und gebebt hat vor Champion Jack Dupree, Dollar
Brand, Albert Mangelsdorf, Om, Michal Urbaniak oder Yōsuke Yamashita... bis zu Arthur
Brown, Marc Ribot's Ceramic Dog, Little Women und Doctor Umezu]. Um in sichtlicher
Wiedersehensfreude, bester Spiellaune und noch besser als damals einen Abend langausgiebig zu improvisieren („Wir haben keine Stücke eingeübt“). Ein Stück spielten sie in
Urbesetzung, dann mischten weitere Musiker
aus der Würzburger Musikszene mit: Mitinitiator
Georg Kolb (Bass - Elastic Rock Band, Aera,
Venice), schon damals gerne (am Rand) dabei –hatten sie ihm diesmal das Mikro abgedreht? - ,Lutz Oldemeier (Schlagzeug - Missus Beastly &Aera), Art Zen (Gitarre - Missus Beastly, Embryo),Alex Grünwald (Keyboards - Elastic Rock Band,
Münchner Freiheit), Bidi Setz (Schlagzeug Aera, Embryo, Sticken In), Pete Winter (Percussion, Gesang) und Burkard Schmidl (Keyboards Missus Beastly, Dissidenten, Ivan Opium). Der
Omnibus war brechend voll, und die zum Teilergraute und teilweise deutlich gealterte Zuhörerschaft war begeistert wie damals. Freie
Passagen wechselten mit bluesigen Stücken.
Orientalische Elemente flossen ein, die Schlagzeuger wechselten reihum ihre Instrumente. Die
Bassisten trieben funky (Kolb) oder virtuos(Dömling) den Rhythmus, Wehmeyer fabrizierte
ungewohnte Klänge, und Roman Bunka verzauberte wie ehedem auf der Gitarre und sang„alte Weisheiten“ wie Everybody needs somebody to Love oder Sun Ra's Space is the Place.
Kurzzeitig wurde auch wieder die Season of the
Witch beschworen. Wenn auch weniger aufregend und etwas abgeklärter, lebte für einen
Teil der Fans eine lange vergangene Zeit wieder
auf. Schön, wenn sich das für viele noch einmal
wiederholen ließe.
MBeck3

over pop under rockBrendan, Lisa und die virtuellen Bacchantinnen* Nach der etwas überraschenden Veröffentlichung von"Dionysus", dem neunten Studioalbum von DEAD CANDANCE bei PIAS Recordings (PIASR 440CDX), im November 2018 machte sich erst einmal etwas Irritation in
der Fangemeinde der britisch-australischen Band breit.
Viele störten sich am geringen Anteil der weiblichen
Hälfte namens Lisa Gerrard. Andere, vermutlich Nostalgie-Fetischisten, erhofften sich wohl eine Platte im
Stile der früheren Alben. Dabei klingt doch keine DCDScheibe wie die andere. Ähnlich enttäuscht fiel das einoder andere Presse-Echo aus. Während die eigentlich
durch meist geistreiche Reviews glänzende Website
Laut.de dem Werk attestierte, es sei "bewusstseinserweiternd wie eine BWL-Party", kürte die sächsische
Regionalzeitung Freie Presse "Dionysus" sogar zum"schlechtesten Album" einer "einzigartigen Karriere".
Ein Jahr lang habe ich die kuriosen Platte (in meinem
Fall als Vinyl-Asket die Compact Disc) in Tateinheit mit
dem Konsum von ein paar Flaschen Birnenwein (auf Englisch – kein Witz – "perry") auf mich wirken lassen undliefere nun meine freilich völlig subjektive Meinung ab.
Dead Can Dance legten mit "Dionysus" erstmals ein wirkliches Konzeptalbum vor. Zwar
hatte das Duo etwa schon bei "Into The Labyrinth" (1993) Elemente aus der griechischen
Mythologie als Inspirationsquellen genutzt - 'Ariadne', 'Towards The Within' und 'The Spider's Stratagem' verweisen auf die Theseussage. Auch bei späteren Stücken wie 'Bylar'
und 'The Lotus Eaters' hatten sie auf Odysseus' Spuren mit Rembetika-Sounds gespielt.
Doch eine komplette Veröffentlichung einem einzigen Thema zu widmen, ist selbst in den
musikalischen Sphären von Brendan Perry und Lisa Gerrard ungewöhnlich. Perry, derdieses Mal fast die komplette Komposition und Aufnahmen allein vornahm, fühlte sich vor
allem durch die Lektüre von Friedrich Nietzsches "Die Geburt der Tragödie aus dem
Geiste der Musik" (1872) zu einer musikalischen Adaption des Dionysos-Kultus und derCharakteristika des griechischen Weingottes inspiriert. Doch Perry begnügt sich nicht
damit, für die Verarbeitung seines Themas nur Zutaten aus der hellenistischen Welt zu
verwenden. Das psychedelische, bunte Cover ziert eine rituelle Maske der Huicholen,
einem indigenen Volk aus der mexikanischen Wüste. Eine bestens geeignete, visuelle Reminiszenz an das 1984 erschienenen Debütalbum und den kreativen Prozess hinter dem
Bandnamen. Als animalische Würze einer allumfassenden süffigen Klangmelange ertönen
Fieldrecordings von Ziegenherden aus der Schweiz, Vogelstimmen aus Südamerika sowie
vom Summen neuseeländischer Bienen. Dazu ertönen Instrumente aus diversen Kulturkreisen: die türkische Zurna (eine Art Vorläufer der Schalmei), die rumänische Schnabelflöte Fujara, das bulgarische Saiteninstrument Gadulka, das Psalter (Urform von Zither
und Hackbrett bzw. Cembalo) aus Griechenland und die vom Balkan stammende GajdaSackpfeife. Nicht zu vergessen, die unverzichtbaren Rahmentrommeln unterschiedlicher
Größe und Klangfarbe.
Mit „Dionysus“ verlassen Dead Can Dance erstmals komplett ihre üblichen strukturellen
Pfade und gliedern das Album wie ein Oratorium in zwei Akte mit insgesamt sieben
Sätzen. Wer jetzt meint, das neue DCD-Werk widme sich nur Wein, Weib und Gesang, also
Sex and Drugs and Rock'n'Roll in vorchristlicher Weise, der irrt.
4

Vielmehr dient der Gott des Weines, der Trauben, der Fruchtbarkeit, des Wahnsinns undder Ekstase als Ausgangspunkt für eine intro- bzw. retrospektive Reise zurück in eine Zeitnoch vor der Verdrängung oder Verwässerung alter Bräuche und Riten durch neuere
Religionen. Eine Zeit, in der die Menschen noch im Einklang mit der Natur lebten und das
Gefühl der Verbundenheit mit dieser durch die Einnahme von psychoaktiven Drogen
verstärkten. Dionysos gilt ohnehin auch als Gottheit der Außenseiter, Aussteiger undFreaks, quasi als antiker Hippie-Urvater, zu dessen Ehren kräftig gefeiert wurde.
Der erste Akt beginnt mit Meeresrauschen. 'Sea Borne' heißt den über den Ozean
gekommenen Gott willkommen. Eine Strandpartie mit galeerentauglichem Getrommel,
vibrierenden Drones, quäkenden Flöten und ersten singenden Dionysos-Groupies.
Außerdem scheint jemand mit vorsintflutlichen Weingläsern zu klimpern. Vielleicht ist es
aber auch nur eine Kithara. Das spirituelle Erwachen der Anhänger bringt 'Liberator of
Minds' gemächlich aber stetig ins Rollen. Ein sanfter Reigen von Trommeln, arabesken
Melodien und filigranem Geklampfe sowie punktuellen, minimalistischen Gesangseinlagen. Beides dient jedoch nur zum Aufwärmen für das große Finale des ersten Aktes:'Dance of the Bacchantes'. Mit Psalter und Percussion als Taktgebern eines entfesselten
Tanzes, zu welchem ein Frauenchor wie in Trance trällert und trillert. Wobei ich dieAlbumversion des Tracks nicht ganz so gelungen finde wie die Live-Performance beim
Konzert in Frankfurt am Main (-> BA 103), wo Lisa und Brendan persönlich diesen antiken
Gassenhauer schmettern. Yalla!
'The Mountain', Centerpiece des Albums und Beginn von Akt II, spielt auf den Berg Nysa
als Geburtsort des Dionysos an. Ein Brummen aus der Ferne, antike Sackpfeifen undfingerspitz berührte Rahmentrommeln läuten den fast meditativen Hymnus ein, bevor wir
erstmals Brendans und Lisas Stimmen hören, die wortlos vokalisieren, wobei sich die
weibliche Hälfte eher etwas im Hintergrund hält. Dennoch ein traumhafter Song, der mit
Laute und Ziegenglocken ausklingt. Vor allem beim folgenden, stimmlastigen 'The Invocation' glaubt man den Frauenchor von Mystery of the Bulgarian Voices, mit denen Gerrard 2018 ein Album veröffentlichte und seitdem immer wieder auf Tournee geht, zu
hören. Doch weit gefehlt! Die tranceartigen Gesangspassagen wurden mithilfe einer Software namens Syllabuilder, einer umfassenden Online-Sammlung gesungener Silben, erschaffen. 'The Forest' lässt Brendans Stimme gemeinsam mit den virtuellen Bacchantinnen durch den berauschten Wald tänzeln. Durch den Verzicht auf die Trennung der einzelnen Stücke innerhalb der Akte, die jeweils einen
Track bilden, verstärkt sich der fließende Eindruckeines panta rhei. Zum Schluss gibt es dann keine
wilde Orgie, sondern ein entspanntes Hinabgleiten
ins Reich der Träume. Perry und Gerrard mutieren bei'Psychopomp' zu Morpheus und Eurydike, während
die Natur langsam selbst zur Ruhe kommt. Ein
drehleier-artiges Motiv mischt sich mit Okarinas und
sanft geklöppelten Percussions. Die letzten Töne bis
zum süßen Schlummer gebühren Lisa.
In seiner Gesamtheit präsentiert sich 'Dionysus' alsmannigfaltiges Zwitterwesen aus männlichen undweiblichen Eigenschaften, aus antikem Naturverständnis und der Verwendung modernster Technik
für die musikalische Umsetzung, sowie aus dem
akademischen Modus Operandi Brendan Perrys undder intuitiv-improvisierenden Herangehensweise vonLisa Gerrard. Ein sogar für DCD-Verhältnisse abstraktes Werk und womöglich eine Art Hybrid der
beiden zuvor veröffentlichten Alben „Spiritchaser“(1996) und „Anastasis“ (2012).
Marius Joa
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Crammed Discs (Brüssel)
Halak Halak (Acid Arab Records / Crammed Discs, cram291, CD/LP) - willkommen bei
ZENOBIA. Auf geht's, 'Edine' - Gib mir mehr! Go Go Go! 'Yalla Yalla' - mehr mehr mehr. Vielmehr als nur 'Ksr Ksr Ksr' von der Debut-EP, mit der Nasser Halahlih & Isam Elias nachden Dancefloors von Paris bis Berlin, von Brasilien bis Südkorea, auch die Plattenteller in
Rotation versetzten. Mit ihren palästinensischen Arabotronics, bei der die Keffieh nur bei
strammer Egal nicht davonweht. From Haifa with Funk, Shake your booty, Sheik! Wobei die
Musik mit furzenden Kamelen soviel am Hut hat wie Hildegard von Binge Drinking mit
Weihwasser, und Zenobia mit Zenobia soviel wie Asterix mit Kleopatra. Hier ist purer Arabsynthiepop aufgemischt mit levantinischem Dabkebeat. Nasales Gebläse, klopfende Darbuka, gezupfte Saiten, alles feinste Hi-Tech made in China. Kann etwas, das groovt wie
Sau, halāl sein? Aber wer schwingt nicht sein Leben lang die Hufe meist makruh? Die arabesken Bass-Bomben taugen jedenfalls allemal zur Ertüchtigung der Glieder, und wenn
der düsentriebige Brainfuck mit all seinen jauligen Trillern und Schnörkeln und geklapperten Rhythmen nicht zu einer Zukunft als Ingenieur, Architektin oder Redakteurin hinreißt,
was dann? Das tudelige 'Halak Halak' mit seinem Backbeat, das animierte Handclapping,die ostinat wiederholten Synthiefiguren bei 'Funky Egal' mit seinen komischen BassbuffoEinwürfen, 'Shaglaba', das nochmal einen Gang hochschaltet, und der zuckende 'El3ab
El3ab'-Shuffle als hopsendes Finale - sie sagen alle dasselbe: Wüste war gestern, Wüste
ist morgen, heute aber Milch & Honig.
Uganda? Die Zeit der Schlächter ist so lange her, dass sich nicht einmal mehr der älteste
Marabu auf den Müllhalden der Geschichte daran erinnert. Und kaum ein Ugander, dennnicht mal 3 % sind älter als 50. Geblieben sind dort die Armut und die ewige MuseveniHerrschaft. Und hier der Abgrund der 'Selektion von Entebbe', 1976 der Punkt ohne
Wiederkehr des linksradikalen Antifaschismus, der seinen 'Judenknax' überwindet undzum Heil der Palästinenser die Endlösung der Judenfrage vollenden hilft. Marabu meint
dabei nicht - wie bei Karl May - einen islamischen Derwisch, sondern den aasfressenden
Storch, der auf Lugandisch Kaloli (cram297, 2xLP/CD) heißt. Was neben den Landessprachen Suaheli und Englisch die Sprache in Buganda ist, dem Herzstück von Uganda.
Auf der Klangbrücke Kampala-Bradford begegnen sich in NIHILOXICA nun ugandische
Tanzbeats, ausgekocht im Boutiq Studio von Nyege Nyege Tapes, achthändig getrommelt
vom Nilotica Cultural Ensemble auf großen und kleinen Uganda-Trommeln (Ngomas) &Kürbisrasseln (Ensaasi), mit Electrorhythms von Jacob Maskell-Key (Spooky J) aus Leeds
und Synthiesounds des blondgelockten Pete Jones (pq). Die beiden mischen den nilotischen Beat auf mit ihrem Faible für Fela Kuti, Tribe Called Quest, Polar Bear und Aphex
Twin, dem Techno-Groove von Randomer oder Sleeparchive, dem sturen Geklopfe vonPerth Drug Legend, dem unorthodoxen Geklapper des Schweizer Drummers Samuel Rohrer.
Weder exotistische noch eskapistische Motive verschließen dabei den Blick auf die Wirklichkeit: 'Gunjula' - erziehen - verweist auf das Schneckenrennen der dürftigen Schulausbildung gegen die gabbernd galoppierende Geburtenrate, das holzig klickende undblechern umtönte Uptempogerappel von 'Black Kaveera' auf die Kampagne gegen Plastikmüll. Die Schläge hageln mit Klappergroove und gitarrenähnlichen Drones auf stoischdumpfem TumTum-Beat. Sie rattern und kaskadieren in Mustern, die Zählen und Rechnen
so mitreißend vorführen, dass es in Händen und Füßen nach the different branches ofArithmetic juckt. Was monotone und donnerblecherne Beats und eine düstere, fiebrige
Atmosphäre nicht ausschließt, wie 'Mukaagafeero' zeigt. 'Busoga' krönt den ravenden
Schwung mit hellem, welligem Synthieschub, 'Salongo' verzahnt wieder holzige und metalloide Loops, 'Bwola' erinnert als Höhepunkt an den zeremoniellen Tanz der Acholi zu Ehren
von Häuptlingen und Würdenträger. Als Extro hört man Grillen in Jinja, 80 km östlich vonKampala, während Jamiru 'Jally' Mwanje zu Beckenklingklang und Synthiesonic auf einer
Flöte piept. Wie weit sich Nihiloxica dabei von den ugandischen Pop-Highways entfernt,
zeigt der Vergleich mit dem neureichen Feelgood-Shit von Eddy Kenzo und Bebe Cool unddem Autotuneschmalz von Rema, Sheebah Karungi, Lydia Jazmine...
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Makkum Records (Amsterdam)
Von IT DOCKUMER LOKAELTSJEs Comeback war schon die Rede. Von der lakonischen
Uilenspiegelei dieser friesischen Postpunks auf den Spuren von Minutemen, Wire und dergl.,
als wären seit "Moddergat" keine 30 Jahre vergangen, die Schädel nicht kahler, die Bierbäuche nicht runder geworden. Dass Sytse J. van Essen, Peter Sijbenga & Fritz de Jong sichbei Alles Is Goed (MR28, LP/CD) aber Deutsch Amerikanische Freundschaft anverwandeln
und deren "Alles ist gut" (1981) komplett verfriesen, ist so, als würde man den DAF-Nighthawks Robert Görl & Gabi Delgado-Lopez als Biobauern wiederbegegnen. Als fände Sir
Quicklys in "Irgendwie und Sowieso" nacherzählte Psychedelisierung bairischer Kuhställe
anno 1968 seine Analogie in der Infizierung Dokkumer Köpfe mit globalen Dorf-Vibes der 80er
wie dem Ich fühle mich so seltsam von 'Ich und die Wirklichkeit' (als 'Ik Yn It Echt'), wie 'Verlier
nicht den Kopf' mit Gabis Schau nie zurück / Schau nur nach vorn / Bleib für immer jung (als
'Kopke Derby'). Schon 1987 hatte IDoL sich 'De Rôver en de Prins' angeeignet, dem niemandseine Zukunft als oktoberfestlich gegröhlte Sieben-Bier-Schwulität aus der Hand gelesen hat.
Demnächst gröhlen sie wohl 'Alle gegen alle' ('De Iene Tsjin De Oare') - mit seinem Hei(l)!!
Rechts den roten Blitz / Und links den schwarzen Stern. Oder Oh, ich bin so glücklich / Und
mir ist so schwindlig / Mein Herz macht Bumm / Bumm, Bumm / Bumm, Bumm ('Myn Hert Dat
Slacht'). Da die blauen Augen, dort die 'Reade Lippen', im so gewellten Raum rücken Dokkum
und Berlin, rechts und links, Ich und Wirklichkeit nah zusammen (und tanzen sogar Tango).
Gabi hatte mit Krutschonych & Chlebnikows futuristischem 'Sieg über die Sonne' dichten undsiegen gelernt: Schwitzt, meine Kinder / Schwitzt / Verbrennt euch die Hände / Im Kampf um
die Sonne... ('Sato-Sato'). Sein Deutsch für Anfänger ist übersetzt ins unschuldige Frysk,
Berlin Babylon eingedampft ins Provinzielle, Görls Muzyk trocken geschrubbt. Selbst Beweg
deinen Hintern / Klatsch in die Hände / Tanz den Bonifatius klingt dabei so, als hätte IDoL Heu
und Stroh in die Holzschuhe der Tänzer gesteckt.
ZEA? Den kennen wir als Arnold de Boer, als friesischen Singer-Songrocker und Lokalpatrioten mit afrophilem Horizont und Nachfolger von GW Sok als Sänger & Gitarrist bei The
Ex. OSCAR HAN HOOGLAND ist in Amsterdam ein kaum weniger bunter Vogel, als Jazzpianist
im Chris Corstens Quartet, improfit mit Natalio Sued in The Ambush Party oder mit Yedo
Gibson & Gerri Jäger als EKE. Aber daneben auch als Kumpel von Zea, nicht nur bei dessen"Crimes against Pop". Die 9 Jahre Altersabstand sorgten 1999 für den Spaß, dass de Boer,eben noch auf der Bühne des Paradiso von ihm bewundert, anderntags das Klassenzimmer
betrat als Hooglands neuer Sozialkundelehrer. 20 Jahre später klimpert, trillert und drehorgelt er auf Summing (MR29 / De Platenbakkerij, PB11 / Klanggalerie, gg327, LP/CD) mit
elektrischem Clavichord, Synthie, Sirenen & Piano krumme Töne und Zea singt: Don't sing if
you want to live long. Sarkastisch, weil einem ständig gesagt wird, dass man sich gefühl- &traumlos als Zombie einordnen soll, tot, down & out. Er hält lieber an Myth & Magic fest, stattzu bangen, dass die, die da auf uns zuwanken und an die Türen klopfen, nicht unterwegs
absaufen oder in Lastwagen ersticken. Für die sind die Smarten und ständig Erreichbaren
unerreichbar, denen genügen doch Stimmen im Ohr, keiner braucht diese... Körper ('We lostour phone'). Aufgemischt ist das mit ostinat nervendem Daueralarm. Der kürzeste Text
beknackt einen - mit William Hughes Mearns und haarsträubend wimmerndem Clavidudelsack- antigonish: Last night I saw upon the stair / A little man who wasn't there / He wasn't there
again today / I wish, I wish he would go away . Auch zum wieder ostinaten 'Pniek' klimperklirrt
Hoogland einen schwindlig, diesmal ohne Worte. 'Atom Heart' verwirrt die erkalteten undverlorenen Herzen in Amsterdam mit einem, das höher schlägt als Tibet und heißer strahlt als
ein Atomkraftwerk. Der Süden kehrt mit ihm ein, verschönt das Wetter, bläst Paragrafen undDächer davon, bringt die Milchstraße zum Tanzen. Einer, der nie einen Stein geworfen hat ('I
never threw a stone'), schickt einen mit der Post ins All. Es soll keiner damit eine Mauer
bauen. Nein, alle sollten lieber das Tanzbein schwingen im Melting Pot, zu 'Trip the light
fantastic', Lawlor & Blakes unverwüstlichem, von Zea linkisch angestimmtem East Side, West
Side, all around the town / The tots sang "ring-around-rosie", "London Bridge is falling down" /Boys and girls together, me and Mamie O'Rourke / We tripped the light fantastic on the
sidewalks of New York... (mit Chester Himes' Coffin Ed Johnson and Grave Digger Jones, mit
Procol Harum, mit Uri Caine... On the light fantastick toe).
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Narrenschiff (Thalwil)
Jahuu! Jauchzet, ihr Himmel, frOhlocket, ihr Engel, Youchz Now (NAR 2019137). Von dendrei OOOs in SOOON ist das von jOhn Wolf Brennan das vertraute, eingehenkelt zwischensOnja Morgenegg und dem palästinischen Zürcher tOny Majdalani. Anders gesagt, ihr
jOdeln, vOkalisieren & Obertonsang wird getragen vom con sordino, arco oder arpeggio
kapriolenden Piano und der Melodica des einen und der pOlyglotten Percussion desandern, die gemeinsam schon gen Orient gepilgert sind. Zu dritt ziehen sie vOlksmusikalische Orbits, denen Verkehr aus aller Welt zuströmt. So gleich 'Der Mongolische
Reiter', der auf ululierten Wellen und mit glossolalem Zungenschlag aus der Steppeherangaloppiert, während Brennan bei 'Dunloe Gap' mit irischem Feeling durchs County
Kerry klimpert, auf den Fersen einer knatschigen Maid. 'Klezma' zeigt die drei Klezmorinjodelnd, bechernd und unkoscher hopsend, bei 'Al Záhara' lassen sie zu rau-süßem
Wechselgesang, Handpan und Melodica Kamele schaukeln. 'Normu Jovnna' ist, als
Jägerlatein eines Bärentöters, der bunte Hund unter den samischen Yoiks, das feierlich
gepochte 'Gula Gula' eine Leihgabe von Mari Boine. 'Iberimbao' züngelt zu dunkler Fender
Rhodes auf der iberischen Route von Angola nach Brasilien. 'Jodel Breton' hopst zu
surrealen Vokalen in die Bretagne. 'Pythagoras' Science Frictions in Siracusa' führt mit
Tamtam, Monochord, ostinat gehämmertem Piano und archaischem Wechselgesang zum
1:2:3:4 der Mousiké. 'Voix-là: Durabai' wirkt schamanisch aufgekratzt durch Koffein.
'Bellow Dance' zeigt als tremolierende Akkordeonbalgerei mehr Zunge als Bauch, dasrhythmisch getürkte 'Kabak' tanzt säbelkrumm um einen Kürbis rum. Dann ist Zeit für'Zaman', nicht als Linie, nicht als Kreis, vielmehr als mit Whirly tube geschwirrte, mit
Santur geschlägelte Spirale. Und 'Sunneufgang Juuchz' feiert zuletzt schon wieder die
Morgenröte, aus Thurgauer Sicht. Voilà, imaginäre Folklore, spontan und NOW, naturnah,
original, weltzugewandt, on the road zuhause.
Zwischen "Brotrock", Bergerausch und "Wildwuchs", zwischen Asphalt, Rost & Rosen,
kurz: Zwischen den Welten (Nar 2020142), da fühlen sich auch MARCELLO WICK & ELIASMENZI daheim. Der eine in St. Gallen als John-Lennon-bebrillter Chorleiter, Obertonpfeifer,
Zwischenton-Quetscher, Untertonröhrer, als 1/3 der Beatbox-Jodel-Chimäre Triado und 1/4
von Stimmsaiten, beides mit Sonja Morgenegg von Sooon. Der andere als Hackbrett klimpernder Schwarzbart mit Samurai-Tutt, dennoch wurzelecht im Duo Zwilch und altappenzellerisch, eigentlich altfränkisch (altfrentsch), mit Landstreich. Im Hinterland phantasierten die beiden sich hinauf auf 'Fels' und 'Nebelmeer'. Wick bläst dazu mal Duduk, mal
Geißbockhorn, er klopft mal Handpan, mal Udu und spielt ab und zu Akkordeon. Hauptsache bleibt jedoch seine Stimme, aus dem Oberstübchen, aus dem Unterbewusstsein,
wie aus fernen Landen. Denn wie er da zum funkelig geklöppelten oder zithertristen Hackbrettklingklang den Mund aufmacht, erklingt exotischer Zungenschlag, erst (wie) aus dem
südlichen Amerika, dann huun-huur-tu-wanisch aus dem mongolischen Hochland, kehlig
dunkel und flötend. Wie vor dem Altai als Klagemauer, als ob er zum Blaseton des Aprikosenrohrs vom Leid des an den Kaukasus geschmiedeten Prometheus singen würde. Ein
Threnos aus uralten Zeiten, ein meertiefes Weh, mit abendländischen Nebelstreifen wie
bei Caspar David Friedrich und bei Schubert. Ein nachhallender Blues, so alt wie das erste
gestöhnte Schofar- oder Muschelhorn, wie die Flüche auf den alten Abraham. Gut Beil, ihr'Kaulquappen'! Wick glossolaliert über 'Treibsand' hinweg, jodelt zu kleinlautem Akkordeon bitter vom verwurmten Stern 'Wermut'. Er spielt Strubelpeter, klopft nochmal die
Handpan und lallt zu fernöstlichem Pizzicato als Schamane. Er croont jiddische Zungenrede zur Cymbal, er fleht guttural um Regen und erntet, ja Himmel, Stimm- & 'Wolkenbruch', tatsächlich Donner. Bevor es 'Abschied' zu nehmen gilt, versöhnen die beiden sich und uns - mit ätherischem Jodelsang und Dulcimer mit den Mächten, den hohen und denfernen, bevor sie lauthals und obertonselig auf den Sonnenuntergang zutänzeln, in den sie
zuletzt mit leiser Wehmut eintauchen. Ein Narrenschiff mit so ner Bordkapelle hat zwischen Eisberg und Kraken gute Chancen zu narrenfreier Fahrt.
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Oona
OONA, unnachahmliche Oona Kastner. Nach "Leonard Cohen, Neil Young, Radiohead" beiihrem Solo Vol. 1 sowie zwischenzeitlich noch den grandiosen "Songs from a Darkness"(mit d.o.o.r.) und "oct. 18, 2:09 a.m." (mit Willem Schulz) bringt Live Solo Vol. 2 je drei
Songs dreier weiterer von ihr verehrter Lieblinge: Nick Cave Laura Nyro Nine Inch Nails(poise edition 31). Zu Piano, Keyboards & Electronics singt sie ihre Version von Caves'Abattoir Blues', dem apokalyptischen Schlachthaus-Vetter jenes 'Higgs Boson Blues', mit
dem Cave in Reinhard Kleists "Mercy On Me" nach Genf dem Gottesteilchen entgegenrollt. Über dröhnender, quallender Tiefe modern da, zu klackendem Holz, gespenstischem
Beat, auf Oonas Zunge Zeilen wie Entwined together in this culture of death / Do you see
what I see, dear? / My heart it tumbled like the stock exchange / Do you feel what I feel,dear? Gefolgt von 'Hiding All Away', wo sie sich zu ruckenden Schüben, fatalistischem
Piano und Elektrobeat an seiner Stelle inszeniert, als sei sie der damned, elusive
Pimpernel, nicht zu finden, nicht zu greifen, wen man auch fragt. Aber plötzlich wird das
ein lauthals geschriener Make-Love-not-War-Song: But we all know there is a law / Andthat law, it is love / And we all know there's a war coming / Coming from above / There is a
war coming... Eine erstaunliche Wahl ist der 'Little Water Song', den Cave Ute Lemper inden Mund gelegt hat. Scheinbar mystisch, in Wirklichkeit grausam, sind das die letzten
Augenblicke einer im 'Liebestod' Verratenen und Ermordeten: Under here, you just takemy breath away / Under here, the water flows over my head / I can hear the little fishes /Under here whispering your most terrible name / Ah, and under here, Sir, your lovely voice
retreats. War Tweets I had to catch my breath und Oops, there goes my shirt up over myhead dazu der neckische Answer-Song? Als Paradebeispiel, wie man außerordentliche
Poesie mainstreammäßig verhandelt und Realismus im Pop zynisch abtreibt? Aber waswäre heute nicht die Farce einer Tragödie, a 'Copy of a' copy of a copy, der bloße Scheineines Schattens. Laura Nyro (1947-1997) war dagegen ausnehmend einzigartig. Mit Songs
wie 'Gibsom Street' von "New York Tendaberry" (1969), wo nun Oona mit wildem Erdbeermund und träumerischer Stimme als andere Alice durch den Spiegel ans andere Ufer
taucht, das teuflisch wummernde, schlaff pochende, verboten rauschende, lockende. 'And
When I Die' von Nyros Debut "More Than A New Discovery" (1967) ist bekannt als Hit vonBlood, Sweat And Tears. Als ein trotziges Gospel, in dem eine verwegene 17-jährige, ein
russisch-jüdisches, italienisch-katholisches Hybrid der Bronx, den Tod anredet mit My
troubles are many, they're as deep as a well / I can swear there ain't no heaven but I pray
there ain't no hell. Denn sie hofft auf eine Wiedergeburt, mit weniger Troubles, ohne
Dämonen: When I die, there'll be one child born. Auch Oona gibt sich da, zu ominösem
TripHop, schnippendem Atropos-Beat, abgebrüht. 'Broken Rainbow' (von "Live At The
Bottom Line"), Nyros Klage über die Vertreibung der Navajos, die Zerstörung der Native
American Nation, stellte, schon 1988, the earthways and the new ecology den Modern lies
der modern worlds entgegen, mit bitterem Home sweet home America. Oona singt undspielt das mit dem Piano zu dunklem Pochen und Raubvogelschreien denkbar elegisch.
Trent Reznor hat bei 'Copy of a', vorwurfsvoll und doch nur für den Arsch, ins Bewusstsein
gehämmert: Look what you had to start / Why all the change of heart. Oona kaut zu dark
ambient bebenden Schatten seine Gedanken, als seien sie mit Asche überstreut, ohne den
Vorwurf zu dämpfen, der als Mahlwerk weiterklappert. 'Hurt', 1994 auf "The Downward
Spiral", wurde durch Johnny Cash vom Drogen-Song zum existenziellen Lear-Monolog.
Ebenfalls mit der Frage: What have I become? Und dem vergeblichen If I could start again.
Als König eines Reichs aus Dreck, mit Scheiße gekrönt. Oona inszeniert das, hochdramatisch, mit "Suspiria"-Glockenspiel, knarrendem und dumpfem Puls, bösem I will
make you hurt, hoffendem I will find a way. 'A minute to breathe' ist zuletzt später Reznor,
2016 mit Atticus Ross (seinem langjährigen Soundtrack-Kollaborateur) eingespielt,
sorgenvoll gespalten zwischen Too late und I don't want to say goodbye, voller Zweifel, dieFeder der Maat aufwiegen zu können. Oona konstatiert und stammelt das zu dröhnenden
Orgelclustern und Maschinenbeat, der gnadenlose Sekunden schlägt. Laura, Darja,
Oona ... Angels in the Dark.
9

RareNoise Records (London)
Music from the Early 21st Century (RNR115, CD/LP) könnte davon zeugen, dass wir Eintagsfliegen uns nicht auf Fliegenschisse reduzieren lassen. Ob sie nun die 232 Millionen
Lichtjahre entfernte, von albernen Astronomen 'Godzilla-Galaxie', von nüchternen UGC
2885 getaufte Ungeheuerlichkeit erreicht oder nicht. Mit JAMIE SAFT, NELS CLINE und
BOBBY PREVITE haben sich jedenfalls drei Sterngucker, die ernsthaft baff sind über das,
was die Weltraumteleskope da abfotografieren, zusammengetan als Hammondorgeltrio, in
dem Saft einmal mehr heranzoomt an den ihm nicht erst durch "The New Standard", "Loneliness Road"& "You Don't Know The Life" vertrauten Downtown-Szene-Drummer. Die Intimität mit dem Schmilco-Gitarristen ist dagegen erst bei einer gemeinsamen Spritztour entstanden, wo sie sich spaßeshalber sogar an The Zombies und Led Zeppelin vergriffen.
Hier jedoch greifen sie jammend alles aus der Luft. Und ihr erstauntes O, O, O über was
ihnen da zuflog, hallt wider in 'Photobomb', 'Totes', 'Occession', 'Woke' und 'Flash Mob'.
Mit 'The Extreme Present' und 'The New Weird' als Slogans, die sie zwischen avant undschräg verorten. New & Weird wie M. John Harrison, Jeff VanderMeer, China Miéville,
nicht wie das neoromantische, der Erde zugewandte New Weird America, das vom Baumder Erkenntnis Golden Apples of the Sun pflückte, nicht künstliche Intelligenz, wie sie hier
'Machine Learning' andeutet. Aber geistern da nicht noch ältere Spacecowboys undMother-Ship-Queequegs aus der Primetime-, Lifetime- & Brain-Salad-Ära, with heavyboots 'n cyberpunk minds? Die drei surfen mit Archetypen aus Fusion, Kosmischer Musikund Dubadelic auf der elektronischen Welle, das Gewesene zurückholend, verstärkend,
verdrängend, umkehrend. Saft beschwört mit seiner Dunkelwolkenpoesie Brian Auger,
Larry Young, Sun Ra und setzt dabei noch Fender Rhodes & MiniMoog ein, für ein 'Dodovoodoo' und 'Psychedelic Backfire' wie Ståle Storløkken mit Elephant9. Cline spielt abgedreht wie Rypdal, wie David Torn, er stürmt als Star Warrior outer space, ausnehmend
lyrisch und spirituell. Mit 'Woke' als ekstatischem Alien-Stomp im Pferdekopfnebel, mit
einem feierlichen Marsch, den Previte zeremonienmeisterlich anführt. Und zuletzt soknurrig wie komisch flashend mit polymorpher Bizarrerie, die launig ins Rollen kommt undentfesselt trillernd den Gipfel des Mt. Emerson stürmt.
GIORGI MIKADZE kam mit "Mikrojazz! Neue Expressionistische Musik" (RNR, 2017) ins
Bild. Als Pianist & Keyboarder im Spagat zwischen Tbilisi und Berklee, der mit Jack DeJohnette & David ‚Fuze‘ Fiuczynski fusionierte und bei seinen Projekten "Voisa" & "Georgian Overtones" das Vokal-Ensemble Basiani zusammenbrachte mit etwa Nils Landgren &Ellen Andrea Wang. Georgian Microjamz (RNR116, CD/LP) zeigt ihn mit erneut Fiuczynskis
Microjam-Gitarre, ebenso fretless wie der Bass von Panagiotis Andreou (von Jason Lindners
Now Vs Now). Und mit dem ebenfalls Berklee-geschulten Sean Wright, der, gefeiert als
Drummer des koreanischen Boygroup-Popstars TaeYang', 6-stellige YouTube-Clicks als
selbstverständlich betrachtet. Gleich der feierlich vokale Auftakt - Ilia Zakaidze, gesamplet- macht klar, dass Mikadze auch hier mit einer Melange aus Folklore und Fusion aufwartet,
die er durch 5 'Interludes' gliedert. Der jazzrockige Part zugleich futuristisch, knackig
rhythmisiert und schwammig in seiner gleitenden Mikrophysik. Der georgisch-basianischekernig und männlich bei 'Elesa' und den abschließenden Höhepunkten 'Lazhghvash' und'Tseruli'. Dass der polyphone Chor ähnlich heißt wie Tbilisis berühmter Nachtclub, ist kein
Zufall - er bezieht sich direkt auf den Sieg der Königin Tamar über den Sultan von Rûm in
der Schlacht bei Basian 1204, der Club wortspielerisch. Nana Valishvili stimmt 'Moaning'an als getragene Threnodie für die 2008 im Krieg mit den Russen Gefallenen. Dochmartialisch ist hier allenfalls der galoppierende Beat von Wright und dabei ebenso nur die
schneidige Show rockender Recken in Tigerfell wie das aufheulende oder gockelnde
Riffing an Gitarre und Keys, mit stupenden ‚Fuze‘-Tiraden, die einen tasten lassen, ob derKopf noch drauf sitzt. Dazu im größten Kontrast Wiegenlieder ohne Worte. Und schließlich
zu gestrichenen und gezupften Folklorestrings noch einmal der feierliche Chorgesang aus
haariger Männerbrust, erst downtempo, zuletzt beschwingt und verschnörkelt.
10In der "Today's Jazz is female"-Galerie habe ich natürlich die Scheinwerfer schon auf
SOPHIE TASSIGNON gerichtet. Denn wie die fünfsprachige Belgierin da in Berlin singt, mit
Zoshia, als Charlotte & Mr. Stone, mit Azolia, House Of Mirrors, im Octet ihres Mannes
Peter van Huffel oder auf der Theaterbühne bei "Die Mauern von Hebron" (nach Andrzej
Stasiuk) oder "Stimmen aus Tschernobyl", frage nicht. Wobei sie mich unter allen Kostproben am meisten fasziniert hat, wenn sie nur mit Stimme & Electronics ganz eigene
Konsequenzen zieht aus Bach & Chopin, den Atmosphären bei Ingmar Bergman & Jim
Jarmusch, aus Folklore, Mittelalter, großen Gefühlen (BA 99). Mysteries Unfold (RNR119,
CD/LP) ist wieder so eine Mono-Oper aus vier eigenen Songs und vier, die Tassignon sichaneignet, um damit ganz unterschiedliche Gefühlswelten von Frauen zu entfalten. Sie hebt
an mit 'Gub okayannie' [Verfluchte Lippen], einem russischen Herz-Schmerz-Liebeslied vonJuli Kim, dem zu Sowjetzeiten verpönten Barden, der Dank seiner in Filmen verbreitetenSongs dennoch ein Liebling der Massen wurde. Getragene Vokalisation schwingt sich mit
Brieftaubenschwingen und glossolalen Zungenschlägen zum Geliebten. Mit Dolly Partons'Jolene' fleht sie eifersüchtig eine überlegene Rivalin an, ihr nicht den Geliebten abspenstig zu machen, der im Schlaf ihren Namen murmelt, im Bann ihrer flaming locks ofauburn hair, ihrer eyes of emerald green. Zu Mövenschreien singt sie das mit irischem
Feeling a capella aufs Meer hinaus, als wäre die Verführerin als spöttische Aphrodite vondort gekommen. Bei 'Witches' von den Cowboy Junkies als wiederum getragener Ballade
löst sie sich dagegen von ihrem verschlafenen Lover, um sich der Schwesternschaft der
Hexen anzuschließen, die sie lockend umschwärmen: Come dance in the moonbeams, ride
the night wind / Make love to the darkness and laugh at man's sins. Im schnell und umpalaunig im Twisted-Cabaret-Stil angestimmten 'Don't Be So Shy With Me' ist sie selber die
Kesse und Verführende. 'Descending Tide' löst keine Geheimnisse, sondern fügt wispernd
und im Chor weitere hinzu, wehmütig durch das, was sie mit geschlossenen Augen sah.
Mit 'La Nuit' taucht Tassignon vielzungig und französisch ein ins Unterbewusste, in dieverhexende, mit dumpfem Ritual-Beat beschworene Darkness. Eine seltsame Wahl ist der
Psalm 127 mit dem mit Vivaldi ganz sakral, chorisch und wie mit Countertenor angestimmten 'Cum dederit' dilectis suis somnum. Denn nicht nur gibt da der Herr den Seinen das
Brot ohne Mühsal im Schlaf, vor allem füllt er dem Krieger den Köcher mit Söhnen. Zuletzt
singt Tassignon mit 'If You Go Away'-Pathos von dancing in the dark und von foolishhearts, davon, einmal zu oft eine Linie überschritten zu haben, sie gesteht Maybe I waswrong, fleht Please don't hurt me forever und Please don't go. Schwört sie da der Hexereiab, um bedingungslos zu kapitulieren? Ach, für einen guten Song wurde schon alles
Mögliche versprochen, das sich auf mysteriöse Weise als unmöglich erwies. Tassignon
hört sich so gar nicht wie eine an, die darin aufgeht, der Schatten eines Hundes zu sein.

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ReR Megacorp (Thornton Heath, Surrey)
Auf den ersten Blick wirkt The Gardens of Beastly Manor (CTA 25(b)) wie die direkte Fortsetzung von BOB DRAKEs "Lawn Ornaments" (2014), "Arx Pilosa" (2016) und "L'Isola dei
Lupi" (2018), als verspielte Fantasy auf abenteuerlichem Terrain, mit animalischen Protagonisten wie nun 'Rococo Raccoon' und 'The Helpful Badger'. Den labyrinthischen
Schauplatz und das Dekor hat diesmal Peter Blegvad gemalt: Einen Garten als den ungeniert eskapistischen Gegenpol etwa zum brutalistischen Hochhaus, wie J. G. Ballard es
in "High-Rise" visioniert hat. Dessen 'Garden of Time' scheint Drake ja zu streifen, ebenso
wie mit 'Terminal Vista' dessen 'Terminal Beach' und '...Dreams of Stellavista', um danndoch eher zwischen Gothic und Borges zu taumeln und sich nachts in Frances Hodgson
Burnetts 'geheimen Garten' zu schleichen. 'What Walks the Maze by Night?'... 'So Sunk theSunken Garden'... 'Beware the Well of Saint Untel'. Orchestriert als Einmann-'Orchestra ofBob' mit Piano, Banjo, Farfisa, Korg MS20, Gitarren mit und ohne Strom, Blockflöte,
Drums, Bass, Hand-Bells, Posaune, Trompete und Geige. Und damit, wenn nicht in einer
neuen, so doch in einer nochmal gesteigerten Beastly Beatitude aus ambitioniertem
Cartoon-Soundtrack und Benjamin Brittens "Young Person's Guide to a peculiar Orchestra". Denn neu ist allemal der Wechsel von Songs zum rein Instrumentalen. Wobei Drake
nicht ganz bei Purcell anknüpft, aber durchaus bei klassischem Klimbim, das er freilich
bizarr hybridisiert mit Synthie und E-Gitarre, mit Banjo und skurrilem Glockenspiel. So
dass sich auf der neuen Zeit- und Soundebene Klänge kreuzen, dass einem schwindlig
wird wie in einer defekten Zeitmaschine. Ganz zu schweigen von der Rhythmik als 'Broken
Balustrades', und dem Feeling als paradoxer Mischung aus abenteuerlustigem und melancholischem 'If'. Denkt nicht an Kipling, denkt eher an If I were a train, I'd be late again...
And if I go insane / Will you still let me join in with the game?
TIM HODGKINSON, Urtyp von Henry Cow und Work, ist mit Konk Pack und dem rumänischen Composer-Couple Avram & Dumitrescu ein unverwüstlich kreativer Eckpfeiler im
ReR-Kosmos geblieben. Under the Void (ReRTH4) zeigt wieder einmal seine Seite als
Modern Composer. Mit 'Under the Void' for flute, oboe, clarinet / bass clarinet, bassoon,
trumpet, horn, trombone, 2 violins, 2 violas, cello, bass, piano, and 2 percussion, das allerdings als Homunkulus aus der Retorte erklingt. In einer de-konstruktiven, hochdramatischen Dialektik von Sustain und Staccato, einem "Under the Volcano" von diskanten
Strings, irrlichternden Bläsern, grollenden und crashenden Pauken, Cymbals und Gongs,
vermittelt durch glissandierende mikrotonale Synthesen. Schwankend, in Shock und Awe,
mit Wehmut und Trotz, vor der Leere, der plötzlichen Abwesenheit des Baseler Perkussionisten Daniel Buess, der 2016 tot im Rhein gefunden wurde. Auch die abrupt kakophone
und ostinate, aber immer wieder auch wie gelähmte Gestik von 'Then' entstand mit virtual
strings, brass, woodwinds, piano, siberian frame-drums, gongs, viola, electronics, lap steel
guitar and Yamaha DX-21. Durchgeistert von Akkordeon und Cymbalscratches, mit Gespinsten dissonanter Drones, knarrig befurzt, panisch beflötet, urig bepocht. Als HitechSpross von Hodgkinsons sibirisch-schamanischem Projekt K-Space mit Ken Hyder &Gendos Chamzyryn und als Ritus im Schatten von Krisen, Krankheit und Verlust. Im tuvanischen 'Örtemchei' schichtet er, mit grafischer Wegbeschreibung wie zuletzt schon bei'On Earth' und 'Ananké', drei Welten, the three-ness of three, drei kosmologische Sphären(ähnlich der christlichen Kabbala bei Agrippa von Nettesheim und Heinrich Kunrath).
Obwohl diesmal tatsächlich performt, von einem Hyperion Ensemble mit Chris Cutler undMark Sanders an Percussion, ist das zu Hörende erneut eine im Studio designte undangereicherte Mixtur und ein weiterer für Hodgkinson typischer Zwitter aus Archaik und
Cybernétique, Ritual und Sophistication. Mit wieder primitiven Schlägen, dramatischen
Kollisionen, glissandierenden Kurven, flimmernden Horizontalen, vertikalen Cuts, dräuenden Hörnern und Trommeln, blitzendem Pizzicato, perkussiven Akzenten, klanglichen
Irritationen. Als Touch von 'Otherness', die dem Komponisten, selbst als Studiowizard,
zustößt und die Hodgkinson als solche weitervermitteln will.
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AFTER DINNER, ach After Dinner, ich darf
gar nicht daran denken. Eigentlich nur zwei
Scheiben, aber Haco & Friends hätte für
die Ewigkeit auch die eine gereicht: "After
Dinner / Glass Tube" (1984). Die "Souvenir
Cassette" (1988) und "Paradise of Replica"(1989) waren nur die willkommene Bestätigung der verblüffenden Originalität derJapaner, die mit 'Sepia Ture II' auf BA Nr 1
und Haco als erstem Covergirl BA's Raisond'Être mitbestimmt haben. "Live Editions"kompilierte 1990 dann nochmal "After
Dinner" mit vier der Souvenirs ihres ersten
Europatrips 1987, zwei von ihrer Wiederkehr 1989 und einem Livesong aus Osaka.
The Souvenir Cassette and Further Live
Adventures (ReR ADR1) bringt nun nochmal alle 10 Souvenirs, den bisher unveröffentlichten Galopp 'A Boy in the Boiled
Egg' von ihrer zweiten Europatour und mit'RE' alle vier bisher nur auf "Re Records
Quarterly Vol. 4" zu findenden Stücke, die
After Dinner am 2.2.1986 in Osaka spielten. Mitsamt den übersetzten Lyrics, mit denen
sich Haco vorstellte, mit A whimsical fork & a capricious hat. Womit sie zwei Grundzüge
ihres bizarren Esprits, ihrer wunderlichen Oddness verriet: Launig & grillenhaft. Wer sie
hörte, hat, was Haco nüchtern mit the concept of 'ma' (space) influenced by traditional
Japanese Music, experimental pop rock, and musique concrete benennt, als magische
Begegnung der dritten Art in Erinnerung: Gestalten in japanischer Tracht, die die Bühne
rituell mit Glöckchen erst als Raum für sich markierten, bevor sie ihn bespielten, mit
Taikodrumming, einem paramilitärischen Gitarristen, mit Mellotron & Keyboards, Bass,
Percussion und an Geige Takumi Fukushima, die ihre musikalische Zukunft mit Volapük,
Rêve Général und Les.Mutants.Maha in Europa fand. Und mittendrin Haco als präziöse
Prinzessin, wie als Praline kostümiert. Das Ganze in einer mit 4-Kanal-Surround-PA und
Headphones besorgten Hi-Fidelity, von der man sich 1987 vor Staunen kaum einkriegte.
Denn, ja, wir saßen ihnen am 2. Juli in St. Remy zu Füßen, wo ihr Trip von Nijmegen überAmsterdam, London und Zürich gipfelte. Die Souvenirs sind nur zum Teil vom MIMI
Festival, denn geboten wird das bestmögliche Idealkonzert, egal von woher. Als nocheinmal bezauberndes Déjà-entendu mit ihrer Visitenkarte als dramatischem Auftakt, mit'Kitchen Life' als Tell me / Catch me-Walzer, dem vogeligen 'The Room of Hair Mobiles', 'A
Walnut' als Funkenmariechen im Stechschritt, dem tonbandverschliffenen 'An Accelerating Etude', 'Sepia-Ture' in seiner skurrilen 1-2-3-Tristesse, 'Cymbals at Dawn' als Drums'n'
Fifes-Märschchen, 'A Man of Marble' als getragener Arie, einem in Rossbreiten träumerisch tümpelnden 'Glass Tube' mit fetzigem Höhepunkt und 'Soknya-Doll' als mirakulösem
Ohrwürmchen. Haco verdreht einem den Kopf um 270°, wenn sie da, mit kapriziösem
Sopran und ohne dass man es verstehen könnte oder müsste, singt von Fischen, die derGabel die kalte Schulter zeigen, Skarabäen, auf die das Gewürz des Lebens fiel,
Menschen, die geometrische tote Dinge verehren, Heuschrecken mit Löwenkopf, einem
Ameisenbärennest, davon, dass gegen das Hausfrauensyndrom keine Vitaminpillen
helfen. Wie sie da träumt von streunenden Katzen, fliegenden Schlotfegern, wie sie barfuß
tanzt in einem Splitterregen oder wie Alice mit einer Puppe spricht. Wuchtiger undfreakrockiger als in der "Glass Tube"-Menagerie. A-Musik light, Proto-Le_Silo... ach was:Ein!-zig!-ar!-tig! Hold breath & listen. Nicht ohne die schaudernde Verwunderung, dassafter After Dinner der Lauf der Dinge - the way of the world - zu Jetzt führte. Naja, es wäre
wohl auch nicht anders verlaufen, wenn ein Einhorn im Hyde Park gegrast, E.T. Asylbeantragt oder Jesus wiedergekehrt wäre.
13Sie lassen sich sehr vage als eine Jazz-Band definieren, denn sie arbeiten mit einem sehrklassischen Jazz-Setup: Kontrabass, Schlagzeug und Klavier, aber sie solieren nicht. Siearbeiten ein bisschen wie Swans: Sie errichten einen Klang und folgen ihm dann. Wenn sie
auf die Bühne gehen, wissen sie nie, was sie spielen werden. Dabei entstehen dieseungeheuren Klanglandschaften. So Michael Gira über THE NECKS, die er dazu bewegen
konnte, beim letzten Album der Swans mitzuwirken am Titelstück 'Leaving Meaning' undbeim von Baby Dee gesungenen Prachtstück 'The Nub'. Man kann nicht sagen, dass sie da
auf der falschen Hochzeit spielen. Denn auch wenn noch niemand die Musik, die Chris
Abrahams, Tony Buck & Lloyd Swanton seit 33 Jahren machen, mit »It’s like being beaten
to shit, but in a good way« beschrieben hat - sie ist damit im Innersten verwandt, in jenem
Kern, der in die Auferstehung jagen will. Nicht mit einem Schlag, nicht mit Shock & Awe,eher als Rites de passage. So auch wieder bei Three (ReR Necks14), mit den dreiÜbergängen 'Bloom' - 'Lovelock' - 'Further'. Blühen wir 'Zwitter aus Pflanze und Gespenst'
da vom Anthropozän weiter ins Novozän, das sich James Lovelock zu seinem 100.
erträumt hat? Nicht als Zeitalter des Übermenschen, sondern von evolutionär hervorgebrachter künstlicher Hyperintelligenz. Benevolenten, telepathischen Cyborgs, von Gaia
selbst geboren. Der Mensch macht sich als Geburtshelfer letztmals nützlich und tritt dannin den Ruhestand. O wie wunderschön. Das Cover zeigt allerdings nur Gaia von ihrer
kargen Seite - kein Mensch, kein Problem. Das Trio beginnt mit einem schnell rüttelnden,
bassdunkel betupften Vibratogroove von Buck & Swanton, Abrahams tagträumt dazu einevon diesem Eifern unberührte Pianopoesie und er lässt Orgelstreifen schweifen. Wahnsinn,
was Buck da wegrasselt, als ginge es rituell mal wieder ums Ganze. Bei den Gitarrenschlägen hilft ihm aber doch ne unsichtbare Hand. Bei 'Lovelock' rauscht und dröhnt dannein Klanggarten aus Gongs, bebenden Becken, Röhrenglocken, gerührter Snare, Chimes.
Abrahams verteilt seine Noten dazu wieder sparsam und bedächtig, die Orgel schillert,
Swanton federt mit dem Bogen. Das Ganze ein dräuendes Rumoren, Zauber gegen Zauber,nun auch mit grollender Tom und dumpf verhallendem Pochen. Was für ein Thrill aus soscheinbar einfachen und doch so wirkungsvollen Mitteln. Wer noch zweifelt, that there isno other trio like the Necks, hier ist ihre Einzigartigkeit unabweislich. Auch und gerade,
weil sie ihre Magie derart über den hypnotisierenden, soghaften Flow hinaus entfalten
können, der so etwas wie der Zaubertrank von The Necks ist. Hier zuletzt als sonores
Pizzicato zu einem von Buck funkelig beklirrten Downtempogroove, mit weich dröhnender
Desertgitarre, sanfter Orgel und wieder ganz lyrisch perlendem Piano. Die Kette derWiederholungen kein Zwang, vielmehr ein versonnen schunkelndes, ständiges Auf und Ab,
mit dem Swanton einen wie in Abrahams Schoß wiegt und einlullt. Als Mantra, dessen
Beständigkeit mit einer Fülle kleiner Variationen und Verzierungen ausschmückt wird. Als
zeitvergessener Kameltrott nur im Kopf, einer Mirage entgegen, die vor dem inneren Augeflimmert und gaukelt. Glaube, Hoffnung, Liebe, diese drei...

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Lukas Simonis - Z6records (Rotterdam)
Der Worm-stichige 'Dutch guitarist' - was für ein Understatement - füllt peu à peu die
wenigen Lücken in seinem ABC witzelsüchtiger Aktivitäten von AA Kismet, Pierre Bastien,
Coolhaven und Dull Schicksal über Liana Flu Winks, Mensimonis und Ornament & Crime
Arkhestra bis Stepmother, Trespassers W, Vril, X Static Tics und Zoikle. Neben Cantos
Deus als weiterem C füllt LUKAS SIMONIS auch das P gleich doppelt mit Ivan Palacký undPerfect Vacuum. Aber bohren wir nach, Zahn für Zahn. Smet Het Bew Erf Left (z6 19492019) bringt 'Zempheng' als halbstündiges long piece und 'Retserleq' als kurzes von'nur' 19 Min. im Verbund mit IVAN PALACKÝ. Den hatte ich ja in »Czech Music Crossroads«
notiert als experimentierfreudigen Kopf, mit etwa Andrea Neumann oder dem altbekannten Jaroslav Šťastný=Pokorný in Brno. Dass Simonis nach Libusin kam, hat eine Vorgeschichte in bereits gemeinsamem Konzertieren 2008. Entstanden ist 10 Jahre danach
Musik, improvisiert mit Gitarre und einer Strickmaschine der Marke Dopleta 180. Als
pratzeliges Noiseambiente, als ein von Impulsen durchstoßenes, von pfeifenden Fäden
durchzogenes Dröhnen. Als ein Piercing mit Drahtklang, Feedback, postindustrialem
Rauschen. Als Zerren, raues Harfen, ratschendes Zirpen. Mit perkussiv tastenden Fingerspitzen, metalloiden Geräuschen, tuckerndem Beben, gläsernem Klingklang. Aber auchgitarristischem Andrang zu kaskadierenden Dopleta-Wellen. Lise-Lotte Norelius undSyntjuntan kämen als halbwegs Geistesverwandtes in Frage. Wobei unsere beiden mit
reißverschlussfeinen Zähnchen zu Werke gehen, wie sie da ihre Geräuschmaschen zum
Klingeln und Schnurren bringen, zum Ticktock fingerhutkleiner Holzschühchen. Aber nicht
ohne Biss, twangendem Drahtverhau, daxophon wetzendem Schliff und trappeligem Eiferoder auch ungeniert fadenscheinigem Gerippel welliger Muster.
Bei Interweaving (z6 - 000658) von CANTOS DEUS ministriert Simonis zusammen mit dem
Bassisten Bruno Ferro Xavier da Silva (ex-Stöma) dem himmelschreienden Performer
Jacco Weener. Die einst als Oberfreak von Gul Night Out bestaunte bête noire des 'Dutch
underground' hält es hier mit der Religion. Und (sc)haut dabei den Evangelikalen aufs
Maul, die bereits halb Amerika fundamentalisiert haben. Weener fängt zu Mords Bass undjauliger Gitarre, zu Drummachine, Synthie und Käseorgel, zu gospeln an: Open your heartand get yourself ready! Give up resistance! Come to me! Follow him! Mit pathosschwangerem Vibrato, unverschämt und penetrant. Sein Zäpfchen bebt wie bei einem
schmalzigen Alleinunterhalter, in the Key of Cheesus. Er heult, crazy wie Arthur Brown's
Kingdom Come-Show, als Preacher zum nächsten Kinderkreuzzug, als absurder Jodler
und Rotterdamer Screamin' Jay Hawkins. Mit schwerem Dutch-Touch, fies berockt mit
dem Spirit von Bobby Pickett & The Crypt-Kickers. To the hills of Jericho, aber kakophon
beknarzt, als höllenpfuhliger Rock'n'Roll aus dem wijd uitgestrekte gebied van Merdistanda zwischen Babel und Bibel. Te döstrukshon is near, Baby!
Simonis hat 2009 mit Dave Marsh als PERFECT VACUUM "A Guide to the Music of the 21stCentury" zusammengestellt. Dave Who? Kein anderer als Amos = Jim Welton = Xentos
Fray Bentos, der mit The Homosexuals, The Tesco Bombers, Amos & Sara, L. Voag, Die
Trip Computer Die oder Unhappy Fly aus Punk & Dada seine eigene Underground-Galaxieerschuf. I Must Not Think Bleak Thoughts (Blowpipe, BP125, LP) zeigt die beiden erneut
mit mehr oder weniger fiktiven Helfern (wie Nina Hitz und Knut Aufermann) und einem
Sammelsurium an Arp-, Arturia-, Doepfer-, Korg-, Macbeth-, Nord Lead-, PAiA-, Roland- &Yamaha-Synthies. Für wieder ein Gödel, Escher, 'Maybe Some Bach'-Ratatouille skurriler
Elektropopsongs, einige davon mit Fake-Gitarre. Asphalt Cowboys begegnen 'Arp Lovers',
so 'Ratopolis'-urban wie 'Strange Pomtato'-psychedelisch. Ein Gigamesh, das mehr als nur
55 Jahre zu Brainfood aufbereitet. Mit Bleeps und Bloops aus allen Poren zu diskodelischpochenden Maschinenbeatz und exodelischer Sonic Fiction in Sputnik-Retro. Kein Wunder,
mit Stanisław Lem als Taufpaten. Marsh singt das mit hellem Timbre, das ans Feminine
streift. Als poppiger Comic Strip, loony & goofy, als Hirn-Aerobic, mit einem Hintersinn,der den Kitsch dabei hoch 2 setzt.
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... over pop under rock ...

JAC BERROCAL DAVID FENECH VINCENT EPPLAY Ice Exposure (Klanggalerie, gg326 /Blackest Ever Black, BLACKEST071, LP): In den 80ern roch alles an Jac Berrocal nach
Kult, der 'Khomeiny Twist' mit Catalogue, "Hotel Hotel" auf Nato, sein vor Lachen ersticktes "Monique Amour" mit Video-Aventures auf BA #4, seine fatalen Begegnungen mit
Nurse With Wound, Lol Coxhill und Pascal Comelade. Mit Jg. 1946 schon damals kein
Jüngling mehr, ist er auf seine alten Tage nochmal so richtig aufgeblüht: Mit La Vierge deNuremberg, mit Kaspar T Toeplitz, mit Ghédalia Tazartès und "MDLV" auf Sub Rosa undvor allem mit David Fenech an der Gitarre, mit Jg. 1969 einem Quertöner des Fin deMillennium. Dritter Mann ist, wie schon bei "Antigravity" (2015), der sympathisch obskure
Typ, der mit Synthie, Percussion & Effekten bei Bader Motor mit Nietzsche durch die Nacht
krautrockt und - ha! - 'Khomeny Twist' tanzt. Er mit seinen elektroperkussiven Sounds undFenech mit gezielt auch noch Fender Rhodes, Field Recordings, Berimbau, Gamelan oder
Turntables sind Berrocals Reisebegleiter nach Havanna, Argentinien, Taschkent, Surabaya. Er spielt natürlich Trompete, kalt und schneidend, und bestimmt die 16 aus Jazz,
Electronica, Rock, Noise und Possible-Worlds-Exotica facettierten Szenen noch mit dramatischem Sprechgesang. Als französischer Jon Hassell, aber mit anarchischem Rimbaud-Spirit. Why am I so strange tonight? schreit er bei 'Why', und Ornettes 'Lonely Woman' presst er melancholisch verzerrt. 'Lisiere Island' scheint nicht weit von Skull Island zu
liegen, so dumpf wie da die Trommeln pauken, zu nebulösem Singsang von Sayoko Parisaka Dosage. In Salta singt ein ganzer Chor von Girls, zu Kesselpaukentamtam und einer
abgebrühten Trompetenmelodie. Schnitt, und Berrocal malewitscht, wummernd umwellt,
Weiß auf Weiß. Simple Rhythmik kreist auf der Stelle, die Trompete kaskadiert, oder sie
zirpt zu Beats und Chorgesang in Java. Berrocal rockt und zischt frei Schnauze, er bläst
Trompete on the rocks und tümpelt in Tristesse. 'Dickinsonia' dreht die Evolution 555 Millionen Jahre zurück, Afrika lag noch in Gondwanas Schoß, träumt aber, zu urigem Soundvon Epplays Eowave Persephone, schon von Stammestrommeln und melodienselig kecken
Trompetenstößen, die zuletzt auch 'Take My Diction' schmettern, zu strammem Rhythmboxing und Radiostimmen. Hinter geschlossenen Lidern fällt die Orientierung nicht schwer- Willkommen in Berrocalia!
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MARKUS REUTER Truce (MoonJune Records, MJR100): Dem Touch-Gitarristen &Looper Markus Reuter kommt die Ehre zu,
nach Stephan Thelens "Fractal Guitar",
Dewa Budjanas "Mahandini", "Tor & Vale"von Mark Wingfield & Gary Husband sowie "Our New Earth" von Sirkis/Bialas IQ
als 96, 97, 98, 99, MoonJunes 100. zu
gestalten. Als Smiley mit altmeisterlich
gemalten Madonnenaugen. Mit Asaf Sirkis
an den Drums und Fabio Trentini, der von2009 bis 2017 bei Le Orme gespielt hat,
an Fretless Bass & Basssynthesizer. Mit
Reuter ist er vertraut durch "Face", dessen algorithmisches Gefrickel mit Pat
Mastelotto. "Truce" kapriziert sich weder
auf 385 Takte noch auf 200 Schichtenoder 513 Harmonien und entstand daher
an einem einzigen Maientag in Katalonien.
Als Froschkonzert mit dem Bass als quakendem und kriegstanzendem Ochsenfrosch, Sirkis als stompendem Taktgeber,der eine Galeere in ein groovendes Tollhaus verwandelt, sich aber auch als Taifun in tollen Pirouetten verwirbelt. Und
darüber Reuter, dessen stürmische XMen-Finger Luftgitarristen von einer Ohnmacht in die andere sinken lassen. 'Swoonage' ist in seinem getragen knurrenden
und dröhnenden Pathos dabei die mit Abstand kürzeste Episode. Meist schlägt das
Herz höher und mit größerer Ausdauer,
hingebreitet auf einer Synthiewolke, vom
Bass ostinat gepusht, von der Gitarregezerrt, von den Drums gestählt. Reuter
virtuost, was die 8 Saiten hergeben, den
synthetischen Touch-Sound muss man
freilich mögen. 'Be Still My Brazen Heart'entschleunigt wieder, fast ätherisch, dieschmachtende Gitarre lässt die Herzfasern beben, der Bass quarrt. Dann steigt
Reuter, fast mehr Dr. Manhattan als Iron
Man, outer space, mit der Touch als
Science-Fiction-Orgel, mit Superpower
betrillert. Der Sound aurora-borealisiert
in der Hochatmosphäre, elektrometeorisch schauernd, jede Berührung eine
heulende, rau stöhnende Leuchtspur überrollendem Kobold-Beat. 'Gossamer Things'
groovt zuletzt aber nochmal besonders
zeitvergessen über einem gemütlichen
Bassmotiv, das weder Trommeleifer nochdie exaltierte Gitarre aus der Ruhe
bringen.

TAMIKREST Tamotaït (Glitterbeat, GBCD/LP
091): Ousmane Ag Mossa, Aghaly Ag Mohamedine & Cheick Ag Tiglia sind Tuareg aus
Kidal in Mali, die 2006 ihre Musik dem bewaffneten Kampf um ein selbständiges Azawadvorzogen. Wie die verwandten Toumast aus
Niger - entre Guitare et Kalashnikov. Ag Mossa singt, disloziert im algerischen Tamanrasset und in Paris, in seiner Muttersprache vonder Hoffnung der Kel Tamasheq (so nennen
sich die Tuareg selber) auf etwas Besseres
als den Krieg der Mouvement national de libération de l’Azawad gegen die malischen
Regierungstruppen oder die Scharia der Ansar Dine, der Schänder von Timbuktu. Eine
eigene Heimat allemal, aber nicht die, vor derdas Frauenensemble Tartit 2013 sich mit
Grausen nach Burkina Faso und Mauretanien
abwandte. Bis dahin harren sie aus - entre
divertissement et engagement - als mit Gitarren, Bass, Djembe und Schlagzeug instrumentiertes Quintett mit zwei Franzosen, Paul
Salvagnac und Nicolas Grupp, das durch Dirtmusic und Glitterbeat ins Rampenlicht rückte.
Mit Ag Mossas Bariton und rockigem Drive als
Hauptessenzen, ohne derart die Kurbel zu
drehen - Blue Cheer meets Ammar 808 - wie
der raue Sänger-Gitarrist Anana Ag Haroun &der Keyboarder Sofyann Ben Youssef mit Kel
Assouf, die in Brüssel Frankreich, die USA
und Israel anklagen und Mano Dayak als Tamashek-Märtyrer feiern. Dafür mit psychedelischem Kolorit und lokalem, mit Gitarren, dienach Mark Knopfler, nach David Gilmour, abervor allem nach Mali 'riechen'. Die langsamen,melancholisch überstäubten, zartbitter sichsehnenden Lieder, allen voran 'Amzagh' unddas schleppende, teils nur gesprochene 'As
Sastnan Hidjan' und dazwischen das kollektiv
angestimmte, mit Clapping und bluesiger Gitarre beflügelte 'Amidinin Tad Adouniya' sindbesonders eindringlich. Überstrahlt vom marokkanisch-französischen Pop- & Filmglamourvon Hindi Zahra, die 'Timtarin' mit ihrem "betörenden", nach Chanel duftenden Zungenschlag prägt. 'Tihoussay' reizt durch pinken
Gitarrenzauber, der fast sogar Buben in Mädchen verwandelt. 'Anha Achal Wad Namda'
rockt im Galopp. Das abschließende 'Tabsit'
aber bekommt, während schon die Dunkelheit
einsetzt, durch japanischen Klingklang vonShamisen und Tonkori einen 'exotischen'
Touch aus ganz unvermuteter Richtung.

17ΘYMOZ Breed (Everest Records, er_cd_091): Hinter Thymós (θυµός = Lebenskraft, Mut,
Stolz, Zorn wie in Den Zorn singe, Göttin...) steht Antonio Albanello, der in den 80ern
Sänger & Gitarrist von Senso Unico und in den 90ern von Albello gewesen ist. Vor allem
aber das Sprachrohr einer Berner Undergroundlegende, Andrea Kaisers Dnjepr, die die
Schweizer Szene-Selbstgefälligkeit vandalisierte mit provokantem Doom Wave und drei
Scheiben auf RecRec. Heute ist der 60-jährige, der sich im Asyl- und Integrationsbereich
engagiert hat, in Würde erkahlt und gelegentlich mit dem Heiligen Geist per Du. Also nicht
erschrecken, wenn die mit Blaer bekannte Maja Nydegger da die Register einer Kirchenorgel zieht, zu Keys des, wie auch sie, beflügelten Berner Ex-Alpinisten Marco Maria in
Berlin und den Drums von Manuel Pasquinelli, so bekannt mit Sonar und dem Akku Quintet
wie Maria das Unerkanntsein vorzieht. Albanello setzt seine Stimme mit fein dosiertem
Pathos auf elektronische und maschinenhaft rhythmisierte Texturen. Der erste Eindruck
ist das feierliche Dröhnen der Orgel, dem er die verzerrte Melancholie seiner Poesie
anvertraut: This is your life, this is your time. Driftend auf einem triphoppigen Flow, mit
krachigen Paukenschlägen, aber überwiegend doch Cyberbeats, automatenhaft stampfend und knackig pochend. Der Gesang bei 'Gods TV' erinnert mich ein wenig an Josef K.
Noyce und singt nicht nur bei 'Déjà vu' und 'Living in the past' von vor Jahrzehnten gemachten Fehlern, von wie Spielzeug zerbrochenen Versprechen, von, das sehnende
Timbre deutet es an, vergeblichen Hoffnungen. Nur, spielt das eine Rolle ('Does it matter'),vor so einer prächtiger Orgelwand? Allerdings auch tief gesunken vor Amerika ('Breed').
Man kann freilich immer noch entkommen ('Escape'), per Himmelfahrt, in Nostalgie, durch
Flucht, und wenn die Fluten noch so hoch sind. Durch Unbedingtheit, durch Phantasie,
durch Liebe, dieser zu Pianoklingklang und hinkender Pauke schmachtend evozierten
Himmelsmacht. Das singt man zumindest den Kinderchen an der Wiege: dass sie erwählt
sind ('Chosen one'), dass Schutzengel den Schlaf behüten, wenn man lieb ist, dass einem
ein place like home versprochen ist ('Promise'). Unnötig zu sagen, dass Albanello weder
auf die Zorn-Bank einzahlt (von der Sloterdjik sprach, der dagegen den meritokratischstolzen Potlatch favorisiert), noch Wut-Bürger als homerische Helden feiert, sondern mit
Thymós gegen megalothymisch aufrüstendes Ressentiment und Giftzwergentum ansingt.
ZELIENOPLE Hold You Up (Miasmah, MIALP047): Dieses Trio schlafwandelt seit 2002 in
Chicago mit im Generation_Y-Flow aus Postrock und Slowcore, schläfrig wie Bedhead,slow wie Slowdive. Matt Christensen mit Gitarre und mattem Gesang, Brian Harding amBass, Mike Weis an Skins & Cymbals, dazu dröhnen Harmonium oder Orgel, alle Gefahr ist
träumerisch verschüttet, alles Gangstertum nur noch Geistererscheinung. Und auf Gespenster ist geschissen, nichts als wabernder Schall und benebelnder Rauch. So bei"Sleeper Coach", bei "Stone Academy", traumfabriziert wie aus "Hollywood", oben 'misty',
unten 'Drug Legs'. Mit 'All I Want Is Calm' und "Give It Up" winken sie denen müde ab, die
Amerika great again machen wollen. Andererseits: 'Doubt the Reasons' und (mit Pow-WowGroove und Neil_Young-Feeling) 'Don't Stop Until You Die', denn "The World Is A House On
Fire". Muss ich mir Zeleniople als verkappte Rebellen vorstellen? Wer James Tenneys "For
Percussion Perhaps, Or...(night) for Harold Budd" ebenfalls als Kriegstanz performt, derfordert einen neuen Blick auf seine Musik. Die Zeiten sind seither nicht freundlicher geworden, und great ist nicht das Wort, das in den Sinn kommt, wenn man wie Christensen
die Calumet Region bereist. Denn in der postindustrialen Verwüstung und Verelendung um
Chicago, Gary und Hobart rum kann man sich vorkommen wie in Tarkowskis Zone. Die
sechs neuen Songs kommen wieder ganz zeleniople-typisch als melancholisch trottender
Gitarrenrock daher. Mit tremolierendem Saitenspiel und monotonem Tamtam bei 'Safer',
mit fragilen Loops, klirrenden Cymbals, flimmernder Gitarre und wehmütigem Gesang bei'Breathe', monoton pochend, mit schimmernder Orgel und hingehauchtem Versprechen
bei 'Hold You Up'. Bei 'You Have It' mit gedämpft klopfendem Tamtam und schmachtendem
Timbre. Und nach 'Just An Unkind Time' in nochmal verlangsamter Tristesse, mit zartbitterem Akkordeon und Bassklarinette, ist zuletzt 'America' zwar unerwartet optimistischrhythmisiert, aber mit dem Tenor eines Abgesangs.

18

V/A Söng Söng: Polychrome Sounds from theUnderground (Linoleum Records, Lin020): Alles bei diesem Label im okzitanischen Aurignac, 80 km abseits von Toulouse, hat einen
gemeinsamen Nenner: Laurent Rochelle. Der
Bassklarinettist, Sopranosaxofonist & Soundprogrammierer spielt da nämlich mit Okidoki'dream jazz imaginaire', als Saxicola Rubi mit
Dirk Vogeler als seinem Double und mit der
Sängerin Fanny Roz in Prima Kanta 'minimalisme néo classique' & in Zita Lika 'barock jazz du
Komingistan'. Zu Gehör kam er mir schon mal
mit den "Chansons pour l'oreille gauche" (Lin017) mit dem Pianisten Marc Sarrazy (BA 98).
Aufgefächert in 14 Kostproben von Lin 017 Lin 024 serviert Rochelle sich nun ganz als
Herz und Hirn des Linoleoktopus: Mit Appetitmachern von Sarrazy-Rochelle, bei denen Mike
Ladd mit rauchiger Stimme von John Malkovitch rappt und Sarrazy zu klopfendem Elektrobeat, Minimalpiano und Gitarrenloop Baudelaires 'Enivrez-vous' raunt: Il est l'heure des'enivrer! Pour n'être pas les esclaves martyrisés du Temps, enivrez-vous; enivrez-voussans cesse! Der alte John Greaves übersetzt
das schon Anja Kowalski in den Mund gelegte'Qui s'en va un peu' wie ein anderer Steve Day
in 'What goes away slowly', das phantastische
eX-Girl Kirilola transferiert es tändelnd nach
Japan (dazu gibt es auch noch eine weiterefranzösische und eine arabische Version).
Ohne Worte erklingen der Sarrazy-Rochelle'sche 'Funeral Blues' als verjazzter 'Marche
funèbre' von Chopin und 'L'Homme assis dansle couloir' mit geharfer Zither. Mit Okidoki
stimmt Anja Kowalski Regenpoesie von Raymond Federman an und kandidelt synchron zur
knarrenden Bassklarinette. Und sie zeigt an
der Kuniga-Küste von Nishinoshima einen OkiInsulaner, der aufs Meer starrt, should hestay / should he go, bis ihn der letzte Fährmann
abholt. Roz vokalisiert mit Prima Kanta, zum
Terry_Rileyesk animierten Puls von Piano,
Harfe und Vibraphon und mit wieder großaufspielender Bassklarinette, 'La mélodie duTao' & 'Xiao Xu' als Minimal-Chinoiserien. Und
für Rochelles elektro-folkloreskes Soloprojekt
Tanuki kaut sie zu mächtig pochendem Beat
Worte, bis sich alles um sie wellt und dreht,
während Rochelle allein sich im Grünen verliert. Im Duett mit Vogeler durchqueren furzende Bassklarinettenbüffel den Saxicola Rubi-con, und zuletzt bitten zwei melancholische
Sopransaxofone zum Tanz. O ja, mit dem linken
hört man besser.
19nowjazz plink'n'plonk
Big Bad Brötzmann
Ort: Die naTo in Leipzig. Zeit: 7.10.2017. Der 'Boss' an diesem Tag und zuständig für alles:
Oliver Schwerdt. Er besorgt: Die PA, einen Konzertflügel für sich, die Drums für Christian
Lillinger, die Kontrabässe für John Edwards und John Eckhardt (Robert Landfermann ist
terminlich verhindert). Für Brötzmann ein Hotel mit Badewanne, etwas Käse backstage, ein
Dinner danach. Es wird Schwerdts First Date mit Brötzmann sein und er trainiert dafür, hört
sich auch das Schlippenbach Trio an und "Balls" mit van Hove & Bennink. So dass er sichgewappnet fühlt, was da auf ihn zurollen mag. Was er verschweigt? Tja, Brötzmanns "Alarm"(1983) ist zwar der Anstoß für den "Tumult!", "Krawall!" & "Rabatz!" mit New Old Luten (wie ja
wohl auch für das A l'arme!-Festival, das Louis Rastig, der mit am Aftershowtisch im Lulu
Lottenstein sitzt, organisiert unter Bezug auf Brötzmanns Total Music Meetings). Aber Brötzmann selber ist dennoch nur das Wessi-Pendant und Schwerdts Ersatz für Ernst-Ludwig'Luten' Petrowsky beim Versuch, nach dessen Außer-Dienst-Treten weiter seinem Ideal zu
frönen, dem basslosen New Old Luten Trio sowie dem New Old Luten Quintet mit gleich zwei
Bässen. Mit ihm selber, als nach eigenem Dafürhalten "Soundspieler ersten Ranges" mit
Schlagseite zum Perkussiven hin, in der Rolle und mit der Power, dem Elan von Cecil Taylor,van Hove, Ganelin, Schlippenbach. So auch, Vorhang auf, zum Auftakt im BIG BAD BRÖTZMANN TRIO mit Biturbo!, Capt'n (Euphorium Records, EUPH 065, 3"). Und mit Karacho! (EUPH066) als BIG BAD BRÖTZMANN QUINTET. Das, in der für Brötzmann wohl erstmaligen Konstellation mit Piano und zwei Bässen, ganz "extraterrestisch!" fast die tonmeisterlichen Pegelüberflutete und Schwerdt so tsunamisierte, dass er mit gemischten Gefühlen dran zurückdenkt. Fand er sich doch, der sich im Trio noch "fantastisch" gefühlt hatte, mit dem Kreuzfeuer
einer Machine-Gun-Phalanx konfrontiert, in der Edwards einen Bass kleinholzte, während er
sich zu Clustertremoli gezwungen sah, was bei Petrowsky so nie der Fall gewesen war. Dochwährend er und die Bassisten geschlaucht und schweißgebadet den Beifall entgegen nahmen,
hat der souveräne Capt'n, dessen Staccato und Power das Energielevel so hoch getrieben
hatte, ohne nennenswerte Schweißtropfen sogar schon sein Jacket wieder angezogen. Dabei
ist er gewohnt furios durch 'Ol' Capt'n (Biturbo Kings)' gecruist und hat dabei seinen
Bootsmännern freie Hand gelassen, ein Luftloch zu beflirren und zu beklirren. Und um,
während er die Klarinette wie eine seiner Zigarillos schmaucht und nur ein paarmal aufglühen
lässt, für den Fortgang der Action zu sorgen oder durch den Nebel zu lotsen. Schwerdt
ratschend und sprunghaft, kopfüber im Bassregister oder jeden Zentimeter der Keys
behämmernd, Lillinger mit schrottiger Nonchalance. Derweil träumt Brötzmann auf dem Tenor
so intensiv von der Insel der Seligen, dass ein Zipfel davon auf der Bühne erscheint. Zu fünft,steigt Brötzmann ins trippelige und murxende Rumoren ein mit hymnisch tremolierender
Klarinette und animiert damit zu hitzigem, klapprigem, wuseligem Eifer, in dem Schwerdt mit
spitzem Trillern und rasant wie Nancarrows Playerpiano die Schaumkrone bildet. Brötzmann
kehrt wieder mit schreiendem Tenor und bohrender Insistenz, vom Piano mit manischem Hämmern und Quirlen berauscht, von Lillinger umbebt, von den Bässen umgrummelt. Schwerdt
haut Stufen, die Bassbogen flöten, Lillinger klirrt, das Tenorsax nimmt sich, irrwitzig betrillert,
große Gefühle zur Brust. Bogen zirpen und sägen, Stöckchen flirren, hauen, stechen, Brötzmann bläst ein Brandloch, Schwerdt überspringt Stufen, auf- und querwärts. Das Tenorsax
webstert starkes Vibrato, Metall schillert und sirrt, Schwerdt hämmert, was das Zeug hält,
sucht aber, im Dienst einer feuersalamandrischen Poesie, auch lyrischen Sauerstoff. Pizzicato
murmelt und feine Percussion animiert Brötzmann dazu, mit der Tarogato die dionysischgeschwängerte Luft in Brand zu setzen, als Feuerzunge eines enthusiasmierten Organismus.
Funken plinken, Pegasus galoppiert, aber sag keiner, die kleinen Dinge kämen unter die Hufe
der großen. Big & bad ist nur der Kältetod, nicht die flammenzüngelnde Klarinette und nicht
das Tenorsax als vitaler Widerpart. Brötzmann erscheint auch nicht als Capt'n, sondern als
erster unter fünf Heizern, fünf Hymnikern im glühenden Bauch des Leviathan. Den LilliSchwerdt 2018 weiter schürten im tollen Spagat zwischen Herkunft und Heute - mit Akira
Sakata zu dritt und zu fünft mit Eckhardt & Borghini bzw. mit John Dikeman und im Quintett mit
Edwards & Ingebrigt Håker Flaten!!
20

FMR Records (Rayleigh, Essex)

In den Kollaborationen von Attenuation Circuit mit Andreas Glauser (Brainhall) hätte sichder Drummer CHRISTIAN BUCHER, Glausers Partner in Bug, unter mein Radar schleichen
können. Doch der Vergegnung in der kleinen Welt, folgt nun doch die Bekanntschaft in der
großen. Denn Bucher, Jg. 1969, aus Zug stammend, in Horw sesshaft, ist einer, der sichseit Ende der 80er durch die Telefonbücher der globalen Soundwelt trommelt und dabei
eine treue Fernbeziehung zu den Philippinen etablierte. Mit dem Altosaxofonisten RICKCOUNTRYMAN, den es 2011 von Massachusetts nach Manila zog. Und noch dem dortigen
Bassisten SIMON TAN, der sich mit Countryman und der japanischen Trommellegende
Sabu Toyozumi fit hält, bis Bucher wiederkehrt wie zuletzt für Empathy (FMRCD555).
Countryman mag sich in seinem vitalen Gesang auf Dolphy beziehen und auf Sonny Simmons, mit markanten Intervallsprüngen und schneidendem Altissimo, und Tan macht kein
Hehl daraus, dass er in seinem Pizzicatoflow Charlie Haden und John Pattitucci so manches verdankt. Doch Bucher? Der hat bei seinen Lektionen weniger von Lovens als vonCobham verinnerlicht und von Favre vielleicht den einen oder anderen Besenstrich. So
dass er eher wie ein anderer Freddy Studer rockt, mit grundehrlichem, dennoch stupendem Rumpelpumpelfaktor und rollendem Galopp. Zumindest im Kontext dieser Feuermusik, die große Gefühle auf kleiner Flamme dreht und wendet, um dann doch auch hitzig
bis zur Weißglut aufzuflammen, mit Bucher als Grill- und Groovemeister, der mit leichter
Hand freejazzige Lyrismen ankurbelt und flasht, dass es nur so lodert und zischt. Countryman bläst als totaler Altopoet von innig bis enthusiastisch. Gemäßigt ist daran wenig,
schon gar nicht beim rasant sprudelnden 'Temperance', und erst recht nicht, wenn
Buchers flinke Wirbel ins Kullern und Springen kommen, so dass C-man noch schöner
schmusen und noch höher springen kann. Natürlich schmilzt da 'The Snowman' jämmerlich dahin, von Feuerteufelchen umtanzt, anschließend mit Arco-Moll und herzzerreißendem Weh beklagt. Doch es erhöht sich nur die Widerstandsfähigkeit, angespornt mit
Buchers unverwüstlicher Tambourcourage und C-mans impulsiv aufstöhnenden, heiseren
Schreien. Aus grauem Blues wird Himmelsblau, mit perelmanesk-vitalem Sang undrollendem Drive. Warum nur machen die Guten Musik und die Miesen Politik?
Dafür, dass FMR mittlerweile eine CD-on-Demand-Politik betreibt, blieb das Profil durchaus
konsistent: Paul Dunmall, Glasgow Improvisers Orchestra, Szilárd Mezei, Adrian Northover, Philipp Wachsmann... doch dabei offen für auch das Fresh Dust Trio und "Honey, Did
You Break All My Jazz Cassettes?" von der Bootleg Unit, beides mit selbstironisch frischemWind durch den elektroperkussiven Slowenen Jaka 'Brgs' Berger. Wide (FMRCD556) gehört zur Schiene des Konsistenten, mit dem kanadischen Altosax+Drums-Gespann FRANÇOIS CARRIER & MICHEL LAMBERT. Doch ihre guten Ostkontakte - russische zu Alexey
Lapin, polnische zu Rafal Mazur - bringen nun, 2018 live in Byrgoszcz, neue Gesichter ins
Spiel: den Bassgitarristen MARCIN BOŻEK & TOMASZ GADECKI an Tenorsax, die ihrerseits seit 2007 in Gdynia als Olbrzym i Kurdupel miteinander freejazzen, während Gadecki
etwa in Lonker See auch noch zu den Rocksongs von Joanna Kucharska schmust und röhrt.
21

Aber es ist Bożek, der hier zum Auftakt mit French Horn röhrt und knört, bevor
er sich mit wuseligen Fingern ins saxistisch aufgetane weite Feld von 'Wide'(23:07) stürzt, mit einem Gefälle, auf dem Lambert abgeht wie kollernder
Dauersteinschlag. Carrier und Gadecki lösen sich nach acht Minuten ab, dereine als Sprudler, der andre abgerissen und rotzig ostinat. Bis sie vereint
trillern und auch das Horn sich wieder einmischt für ein klagendes Miteinander,
wobei sie sich gegenseitig wieder zu Smileys kitzeln, kabbelig und wieder
rasant überschießend, überkreuz odradekend, hotzenplotzig und als Würstchen [Kurdupel], die sich zu Raketenwürmern [Wężoidy] aufblasen. Abgelöstvon 'Radiancy' (9:44) als Adagio, in dem es aber bożekistisch derart irrwischt,
dass das Elegische ins Überkandidelte umkippt. 'Leeway' (31:42) lässt sichdann nicht besser als mit Spielraum übersetzen, den die vier so phantasie- wie
temperamentvoll ausreizen, aufgekratzt keckernd, sich gegenseitig anstachelnd, fast ayleresk sogar, aber gleich wieder aus beiden Rohren staccato
feuernd, Bass und Basstrommel mit rumorendem Schub und darüber metallische Blitze. Lambert stößt ein besoffenes Schunkeln und Moschen an, die
Saxer feuern over-the-top, Coltrane meets Pharoah. Bis sie die Erde wieder
hat, fast scheinen sie fromm in die Knie zu gehen, mit Bożek nur noch als
kakophoner Schleifspur. Aber selbst in diesem spirituellen De-profundis,
diesem bluesigen Feeling, zuckt und köchelt so viel Vitalität, dass sie, sichgegenseitig ansteckend, letztlich doch wieder hochschaukeln, um jedoch nicht
triumphal, sondern zart und sublim zu enden.
KEUNE - RUSSELL, Keune - SCHNEIDER, Keune - LOVENS, das geht seit vielen
Jahren gut zusammen. Und das nicht einfach so, denn mit dem LeverkusenerHans Schneider am King_ Übü-Bass [& Paul Lytton an den Drums] hatte derOberhausener Sopranino- & Tenorsaxer schon Anfang der 90er das Stefan
Keune Trio gebildet (quietschfidel eingefangen 1992 auf "Loft"). Da war er 26,
aber schon ganz dem Imp(ro) of the Perverse verfallen. Das 1993 etablierte
Quartett mit dem Londoner Saitenkratzer John Russell und dem ewig
beschlipsten Rock'n'Roller Paul Lovens zeigt wie sein Spiel mit Lytton den
Wert, den Keune auf englische Neologismen legte und immer noch legt: im Trio
mit Dominic Lash & Steve Noble, in Xpact mit Erhard Hirt und wieder Schneider& Lytton. Wobei der Wider-Geist und Teufel der Verkehrtheit, der auch Live in
Bochum '93 (FMRCD560) am 10.10.1993 im Museum Bochum beherrschte, sich
als 'nothing particularly horrible' präsentiert. Vom Horror vacui, der einst die
Welt plenistisch zusammenhielt, blieb nur die Lust an der Creatio ex nihilo, die
Lust furchtloser Vakuisten, als die sie sich mit 'Cuism' verraten, am Jonglieren
mit infinitesimaler Fülle und unendlicher Leere. Auch in der dünnen Bochumer
Luft finden sie Gottesteilchen, die sie keckernd zum Teufel jagen, Klangpartikel, die sie trillernd zerstäuben, spalten oder so dünn ziehen, dass sie
quietschen. Lovens hackt und zerpoingt Blech, tockelt und spreißelt Holz.
Russell harft und zerpflückt Draht. Schneider zerquetscht dicke Fliegen odersägt, dass es singt. Und mittendrin im Bochumer Schrott, Keune als kreischendes, zirpendes, krähendes Metallpartikelfüllhorn, als schillernder Schwarm,
rostiger Rotz, spitzer Strahl. 'Cuism' ist eine delikat getupfte, transparente
Geräuschwolke, und Lovens lässt da tatsächlich eine Singende Säge jaulen.
Bei 'Drei' dominieren wieder turbulente Schüttungen, krawallige Kollisionen,knurpsige und klopfende Action, raue Reibung, Spitfire, dass die Luft brennt.
Bei 'With a big stick' zirpt Russell wie mit Angelschnur, Lovens lässt Rattenpfoten rappeln und huschen, der Bassbogen flageolettisiert und hüpft, das
Sopranino pfeift und spotzt. Auch piano und pianissimo und natürlich um
Luftlöcher herum, an deren prekären Rändern sich das Ganze ja abspielt.
Keune (über)lebt - es könnte schlimmer sein - als Bibliothekar. Denn um den
Homo ludens herum wachsen die Luftlöcher.
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Intakt Records (Zürich)
Der Drummer Jim Black ist ein beständiger Pendler zwischen seinem Brooklyner Standort
und cisatlantischen Spielfeldern, wo er nach Winter & Winter, hatOLOGY, Clean Feed oderHubro, wo er zuletzt mit Exoterm zu hören war, in Intakt ein verlässliches Forum geboten
bekommt. Für Human Feel und "Malamut" und nun erneut sein JIM BLACK TRIO mit dem
Salzburger Pianisten Elias Stemeseder, der mit seinem Renommee durch Philipp Gropper's
Philm umgekehrt in New York gefragt ist, mit Timo Vollbrecht 'Fly Magic', Lucia Cadotsch'Speak Low', Dogtown oder Jagged Spheres. Den Bass dazu spielt Thomas Morgan, ECMbeflügelt mit Bill Frisell und dabei europäisiert mit dem dänischen Gitarristen Jakob Bro
oder dem italienischen Pianisten Giovanni Guidi. Reckon (Intakt CD 334), eingespielt in
Winterthur, zeigt die drei, wie sie mit Instant Composing das Klischee 'Jazz Piano Trio' austricksen, insbesondere, weil Stemeseder für seine Rechte und Linke eine andere Arbeitsteilung im Kopf hat, als die unter Pianisten übliche. Zudem erweckt er durch Präparationen
den Eindruck, er würde eine Walze drehen zum dunklen Gebummel des Basses und Blacks
vorwärts taumelndem Drumming. Dazu quirlt er rasant arpeggierte Muster, die mittendrin
ihr Ziel verschmähen, wenn sie denn eines hatten. Mondscheingeklimper bleibt schon nachwenigen Takten hängen wie ein Gassi geführter Hund, der bockig an was schnubbern muss.
Black poltert und klappert, als wäre er allein. Das Piano pingt und umkurvt den Beat links
unten, rechts oben, und irgendwie passt es perfekt. Kurbelige Effekte gibt es auch bei Black,ein überschnelles Shuffling, zu dem was im Innenklavier scheppert. Melodische Figuren
kreisen als Spirale, zu singendem Pizzicato, mit Morgan als dem Poeten, Black als Rocker
und Basstrommelkicker, Stemeseder als Pierrot aus Nonchalence, Feeling, Aha-Effekten.
Rascheliger Beat macht freilich auch Effekt, oder klirren da Flaschen im Innenklavier? Ostinates Gepolter kontrastiert mit versonnen gewiegtem Kopf, mit spinnenfingrigem Gekrabbel, gekurbeltem Schneebesen, geharftem Draht, immer noch in lyrischer Versunkenheit.
Black nestelt metallisch, Piano und Bass sind einmütig wehmütig, Stemeseder fischt merkwürdige Klänge aus dem Innenklavier, Milchflaschen scheppern zu rockigem Drive undnochmal quirligem Arpeggio. Der Bass flimmert, das Piano träumt, Black klirrt, das Piano
klirrt, Black hackt Holz und Blech zu Beats, schnell, schneller, lass Noten aus, spring!
Am gleichen Ort, den Hardstudios in Winterthur, entstand Kalan Teban (Intakt CD 338) undverrät, dass das als "Kalo Yele" (2016) eingefangene Miteinander von ALY KEïTA, JAN
GALEGA BRÖNNIMANN & LUCAS NIGGLI keine Schneeflocke war. Der in Uster ansässige
Drummer hat zwischen Steamboat Switzerland, dem London Jazz Composers Orchestra, A
Novel Of Anomality und Olga Neuwirths Oper "Orlando" durchaus noch Lust, mit den Klarinetten und dem Sopranosax von Brönnimann und Keïtas Balafon die Out-of-Africa-Hypothese zu vertiefen. Als Kind von Schweizer Entwicklungshelfern, ebenso wie Brönnimann,der über den Future Jazz mit Brink Man Ship und den New World Beat mit Nadja Stoller ina.spell zu jmo stieß und sich neben Korameister Moussa Cissokho, einem Senegaler Expatin Voralberg, ganz auf seine Kameruner Herkunft berufen kann. Out of, nicht Back to (wienoch in den 60ern) - Keïta lebt als Kulturbotschafter von der Elfenbeinküste in Berlin. Nichts
wird da gesucht, aber vieles präsentiert, als afropäische Selbstverständlichkeit (mit Zap
Mama und Johny Pitts gesagt). Jenseits von Afrika, wo man schwarze Prinzen und 'rassige'
Afrofestivalstars bejubelt, die 'Schwarzen' an sich aber dorthin wünscht, wo sie 'hingehören'. Keïta & Co. durchkreuzen solche Schizophrenie mit hybrider Verschmelzung und jazzigen Universalien. Aber Balafon und Kalimba klingen doch soo afrikanisch. Ce n'est pas si
simple. Das 'Urige' ist sophisticated, das Ferne so nah wie die Wildnis im Herzen, der Weltstaat im Kopf. Wie die Bassklarinette der Erde, das Soprano den Vögeln. Niggli rührt wie
mit Federn ans Blech, Keïta klöppelt Minimal-Muster, deren www-quicke, komplexe Ratio
Drum- & Dreammachines spottet. Er singt 'Douga' und 'Mogo-Sobè' als Zauberformeln,
Brönniman 'singt' immer. Für Exotica, die über Arthur Lyman und John Zorn lächelt, weil
das 'Imaginäre Afrika' hier echt ist. Als Glasperlen- und Hütchenspiel, das auch noch rockt,
aber, suggestiv, ohrwurmig, wehmütig, vor allem von einem leichteren, swingenden Leben
erzählt. Denn der Akzent liegt dabei mehr auf 'imaginär', als auf Afrika.
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Vom Weg des kubanischen Pianisten ARUÁN ORTIZ von Havanna über Barcelona nach
Brooklyn war schon die Rede, als sein erstes Erscheinen bei Intakt 2016 den Anstoß gab,seinen Werdegang seit dem Debut 2004 nachzuzeichnen. Seither bestach er solo mit
modernistischem Cub(an)ismus, und als ambitionierter Leader, mit den Drummern Gerald
Cleaver oder Chad Taylor, mit Don Byron, auf Augenhöhe mit Anthony Coleman, Sylvie
Courvoisier, Kris Davis, Matt Mitchell, Matthew Shipp oder Craig Taborn. Inside Rhythmic
Falls (Intakt CD 339) badet im Jungbrunnen kubanischer Traditionen mit dem souveränen
Drummer ANDREW CYRILLE, der da auf die 80 zugeht, und den Bongos & Cowbells, derMarímbula & Catá von MAURICIO HERRERA, der in New York gefragt ist, wenn es nach
Cuban Express, nach Heritage & Passion klingen soll. Rhythmik als Sacred Code, mit'Lucero Mundo' als Spoken-Word-Anrufung der Yoruba-Gottheit Elegguá als A und dem
populären 'Para ti Nengón', das heim nach Santiago de Cuba führt, als O. Erst zuletzt pur,nachdem Ortiz den traditionellen Changüí und Tumba francesca zuvor dekonstruiert undalle Kuba-Klischees eliminiert hat. Indem er das ihnen in der Sklaverei Eingeschriebeneüberschreibt mit seiner Sophistication als Leser von Nicolás Guillén, Alejo Carpentier,Fernando Ortiz, vermutlich von José F. Buscaglia und, durch Argeliers León & Danilo
Orozzco, 'Argelier's Disciple', als Kenner der afroamerikanischen Studien dieser beiden
Folkloristen. Wobei im Überschreiben etwas Nostalgie und viel Verehrung mitschwingen,
bei 'De Cantos y Ñáñigos' für die initiatorische Bruderschaft der Abakuá, bei 'Golden
Voice' für den Changüí-Sänger Cambrón. Wie bei Carpentier ist bei Ortiz der Zweifel am
Wunderbaren suspendiert. Santeria, Beat und Tanz bewahren ihm als MythScience Meme
aus dem Kingdom of Congo, die die Sklaverei überstanden und den Schwindel danach. Als
Abstraktion staubiger Füße durch quecksilbrig sprudelnde oder nachdenkliche Gedanken,
mit klapprigem Tamtam und durch Impulse der Lebensenergie Ashé, hämmernde, sprunghafte, locker aus dem Ärmeln geschüttelte, marímbulatorisch gezupfte, mit Besen fein
gewischte, als Konversation geklirrter und klopfender Töne, als pianistische Mulataje.

There once was a man named Berne / Whose Snakeoil ensemble did churn / Using freedom and charts / And a big dash of smarts / They crushed it with every new turn. Warumeine Doktorarbeit, wenn's ein Limerick auch tut? Zumal es Essenzen benennt, die TIM
BERNE'S SNAKEOIL ausmachen. Freedom & charts, sprich: Insanity & Design, trance-likevibe & cathartic elements, balls, not cockiness - so Matt Mitchell, der Piano- & Modularsynthieplayer der Formation, deren Kopf mit The Fantastic Mrs. 10 (Intakt CD 340) derensechste und seine ix&vierzigste Scheibe als Leader vorlegt. Im Zwei-Generationen-Verbund mit Oscar Noriega an Klarinette, der seit Mitte der 90er mitmischt, Mitchell, der 4war, als Berne 1979 seinen ersten 5-Jahresplan vorlegte, und Ches Smith an den Drums,
der über dessen tabornitische Thirsty_Ear-Musik vor 20 Jahren nur hilflos den Kopf geschüttelt hatte. Da war Berne längst mit Miniature, Caos Totale, Bloodcount und Big Satan
dem New_York-Style-NowJazz eingeschrieben. Mit seinen Mutant Variations des AACMSounds von Roscoe Mitchell und Julius Hemphill. Sehr oft mit dem kahlen Gitarristen Marc
Ducret an der Seite, der nun erstmals auch Snakeoil seinen speziellen Kick versetzt. Einen
Dreh, der den Gesang von Altosax und Bass- oder Bb-Klarinette verschraubt mit einem
Fundament, das nur nebenbei auch aus Combing besteht und solider Rhythmik. Was klimperndes Arpeggio, sogar mit Tack Piano, nicht ausschließt oder dass Smith mit Glockenspiel und Vibes funkelt, mit Gamelan, Haitian Tanbou und crashenden Becken schwelgt
und den groovenden Zackenkamm-Flow gern den Bläsern überlässt. Wobei sich Noriega
mit Ducret ebenfalls auf trillernde Abwege einlässt, soundverliebt und doch auch getrieben
von Tamtam, gehämmerten oder rumorenden Tasten und feurig turbulenter Berneistik, die
den Thrill in langen Glutwellen auskostet. Umso mehr kontrastieren damit Hemphills 'Dear
Friend' als kleines Spieluhr-Lullaby und zuletzt das saxverträumte, von David Torn mit
Gitarrensound eingesponnene 'Rose Colored Assive'. Dazwischen wird 'The Amazing Mr.
7' in seiner rasanten Bestimmtheit und Spiderman-Dynamik noch einen Tick verblüffenderdurch die exotistische Percussion und die Kapriolen von Ducret und Mitchell. Und 'Third
Option' besticht noch einmal als Knoten aus bohrender Insistenz, launigem Scheiß-dieWand-an-Swing und klimperklapprigem und sogar bruitistischem Klimbim.
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Kalt erwischt, denn was mir auf Long Forms (Intakt CD 341) ganz neu erscheint, ist eine
reife Frucht der NowJazz-Szene von New York. Wobei das NEWSREEL SEXTET angeführt
wird von OHAD TALMOR, einem in Genf aufgewachsenen, von Lee Konitz geförderten
Tenorsaxofonisten französisch-jüdischer Abstammung. 1995 an die Manhattan Music
School gekommen, wurde er in Brooklyn als Betreiber des "Seeds" zu einer fixen Größe.
Er mischt auch da, wenn er nicht mit etwa Axel Fischbacher oder Adam Nussbaum tourt,
in einem Freundeskreis mit, aus dem sich nun NewsReel rekrutiert: Shane Endsley (vonKneebody) an Trompete, Jacob Sacks (vom Dan Weiss Trio) am Piano, Miles Okazaki , derMonk-verliebte Leader von Trickster, an Gitarre, Matt Pavolka am Kontrabass, Dan Weiss,
der Babynator von Starebaby, an den Drums. Weiss und Talmor teilen die Faszination fürindische Musik und für orchestrale Klangformen, die man früher mal Third Stream genannt
hat. So verjazzte Talmor Bruckners 8. Sinfonie und brachte Weissens konzertantes 'Layas:for Piano, Drums and Orchestras' zur Aufführung. 'Layas Lines' knüpft ebenfalls an unrunde nordindische Muster an, wenn auch mit Solo für Solo transkulturisiertem Wellengang. Mehr Ramanujan-Spirit als Curryduft, aber vor allem dann bei 'Kayeda' mit den typisch kaskadierenden Formeln im Duktus der vereinten Bläser. Ganz anders die besinnlichen, von süßer Tristesse bekifften, träge sich dehnenden Lyrismen von 'Casado', dassich, wenn auch nur im Kopf, zu einem Marsch aufschwingt. Ebenso zeitvergessen undtagträumerisch 'Scent' mit einer Zartbitterkeit, die sich in Seide hüllt und sich in Rubinen
bricht, wobei Sacks gleich letzte Stunden mit anschlägt. Wogegen freilich das Kollektiv
geballten Einspruch erhebt, mit rockendem Groove und schmetternden Fanfaren. Um sichzuletzt doch melancholisch zu bescheiden. 'Groupings' als kurzer Treppensprint führt hin
zum sanften 'Musique Anodine'. Darunter harmlose Musik zu verstehen, täte Talmor sicher
unrecht. Es sind schmerzstillende und besänftigende Klänge, die NewsReel anstimmt,
Pavolka und Okazaki mit allem Fingerspitzengefühl, die Bläser gedämpft, Weiss mit fragilem Getickel, Sacks mit perliger Klimperei. Zwar von Tristesse gesäumt, aber Talmor
zieht melodienselig und cool wie Konitz seinen Tenorsound in lichte Altohöhen, in denen
alle miteinander aufstrahlen, um die ballistischen Wochenschauen zu überstrahlen.
Wie, zum Teufel, soll man denn der 50-jährigen kreativen Freundschaft von EVAN PARKER,
Jg. 1944, & PAUL LYTTON, Jg. 1947, anders gerecht werden als mit einem ganzen Roman?
Sie selber machen sich bei Collective Calls (Revisited) (Jubilee) (Intakt CD 343) den Spaß,
die Titel aus "Party im Blitz" zu fischen, Elias Canettis Gift spritzendem Rückblick aufseine karge, allenfalls seitensprungreiche Zeit unter Engländern, die er als vertrocknete
Mumien und Hochmuts-Künstler um die 'bonfires on Hampstead' staksen sah. Trotz aller
Nazi-Blitz-Gewitter mit stiff upper lip, dabei partygeil und sexbesessen wie Iris Murdoch,dieses Oxford-Ragout. Parker & Lytton, der seit 1975 in Belgien selber auf Abstandgegangen ist, scheint aber Canettis Etikettierung als quäkerische Dissenter und Königsmörder nicht schlecht zu gefallen. Ihr einst von Lytton mit schrottigem Drumset und Liveelectronics akzentuiertes Miteinander 1970 ff, gleich zu Beginn als ''Not necessarily
English music" ironisiert, erscheint auch nach einem halben Jahrhundert weiterhin unerschöpft und entfaltet sich hier in seiner ganzen handwerklichen Frische und mundwerklichen Blöße. Parker schreibt sogar gerade dem Miteinandervertrautsein den förderlichen
Impuls der kreativen Unbedenklichkeit zu. Tatsächlich sprudeln, federn, rappeln sie miteinander wie zwei ewige Lausbuben, die soeben ein neues Spiel erfunden haben. Der eine
mit seinem heiseren Lerchentirili aus tenoristischem Zirkularatmungsfüllhorn, der andere
mit unter rasantem Tremolo oder feinem Dröhnen bebenden Blechen, knatternden Fellen
und wie mit Bauklötzchen klackendem und kollerndem Eifer. In elf abstrakt-expressionistischen, hackend und ploppend akzentuierten Ergüssen, geschwindigkeitsberauscht,
bruitistisch ungeniert und, im Urvertrauen auf die Unerschöpflichkeit des Klangozeans,von keinem Zenon'schen Paradox zu bremsen. So wetzen sie unverdrossen die Schnäbel
am Diamantberg (der selbst im Fast-forward einer Wells'schen Zeitmaschine sich davon
unvermindert zeigt). So steigen sie in den immer selben Fluss als gläubige Heraklitianer,denen da immer wieder anderes Wasser zufließt. Und ist diese peculiar music nicht doch
auch ein quäkerisches Lob der Gleichheit und ein shakender Taumel?
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Während sich Retromoden immer hysterischer in den eigenen Schwanz beißen,
zehrt die Moderne bedächtiger von den Beständen. Auch der Modern Jazz
schlägt im historistischen Rückgriff immer wieder gern das Great Jazz Songbook
auf. So richten ALVIN SCHWAAR, BÄNZ OESTER & NOÉ FRANKLÉ als
klassisches Pianotrio bei Travellin' Light (LR 875) zwar die Scheinwerfer inmodernstem Fahrkonfort nach vorne, aber folgen dabei Reiseführern aus alten
Zeiten: den Gershwins ('Someone to Watch Over Me'), Herbie Hancock ('I Have A
Dream'), Duke Ellington ('Heaven'), Kern & Hammerstein ('All the Things You Are'),Whiting, Chase & Robin ('My Ideal'), Bill Evans ('Very Early'), John Coltrane ('Big
Nick') und nochmal Ellington ('Prelude to a Kiss'). 1926... 1969... 1968... 1939...
1930... 1962... 1938. Vergangenes und Vorvergangenes, eine Gemengelage aus
früh und spät, Musical und Kirche, Swing, Intimität und Kitsch zweiter Ordnung,reflektiert und vergegenwärtigt mit einer Sophistication dritter Ordnung. Als
Postludien jenseits von Träumen und Idealen, unter ausgeräumtem Himmel. Mit
einem blutjungen Pianisten - Schwaar - und einem Drummer - Franklé, die sichdurch die Immigration Unit und Œstetik vertraut sind, und einem Bassisten Oester, der mit Jg. 1966 und seinem Renommee im WHO Trio mit The Rainmakers
südafrikanische Klänge aufmischt und mit Old Europe mazedonische, aber sichdabei immer auf Neuschnee freut. Hier gilt: Dem Zärtlichen winkt Zärtlichkeit. Die
drei parshippen als Softies, Franklé mit Federn, die ihm ein Engel geschenkt hat,
mit Stöckchen, zu mager für eine Hexe. Dabei so beschwingt, als würden sie dochan ein vollkommenes Du und an die Himmelsmacht glauben. Empor die Herzen mit träumerischem Arpeggio, ostinatem Pizzicato und Schneebesenwischern,aber auch mit fiebernder Tripolarität im 'All the Things'-Taumel. Aber gleich
wieder sehnend und voller Melancholie angesichts überschatteter Ideale odervoller Frühlingsgefühle im Mondenschein, mit Motian-Beat treppauf und ebenso
mit Trane und dabei noch kecker und spritziger. Aber zuletzt doch wieder zurück
in der eigenen, einsamen Spur, voller sentimental woes...
In Luzern im Gelben Haus ein gelber Klang? Die Hunting Waves (LR 876) von
NUCLEONS legen sich auf keine Farbe fest. Es sind 'Subatomic Whisperings', dieum Heisenbergs Unschärfe kreisen ('Spinning'), die nach Snarks und Quarks
jagen ('Hunting Quarks'), die über die sieben Leben von Schrödingers Katze
staunen und über das Närrische, das die Welt im Kleinen und im Großen zusammenhält. Die da flüstert und außer Rand und Band maunzt, ist Franziska
Baumann. Die da spinnen und wirbeln, sind der Bieler Tonwerker SebastianRotzler am Kontrabass und an den Drums Emanuel Künzi, Wehmuts-Rumpler mit
dem Kimm Trio, Drum-Kick bei Christof Mahnig & Die Abmahnung. Flüsternde
Weite, erkennst du mich? / Von weit ins Weite kreisend, verlor ich mich. Nicht
dass Baumann das wirklich singt, aber denken könnte sie's, während sie
zungenredet und kauderwelscht und die Boys pochen, klappern und rumoren.
Wobei Rotzler ganz eigenartig am Bass rupft, zupft und wummert. Baumanns
gacksende, schlürfende, bibbernde, jodelige Artikulation, ihre alogisch ululierende, das iiii betrillernde Vokalisation sind mit überkandidelt nur unscharf
angedeutet. Das sägende, schleifende, paukende Handwerk, die Flötentöne und
Chinoiserie ihrer Mit-Baryonen steht aber ihrem effektvoll erweiterten Mundwerk
kaum nach. Raue Kehllaute werden holzig betockelt, der Gluonenbetrag ist
naturgemäß anormal, das ü hat durchaus einen Gelbstich, Rotzler lässt Up- und
Down-Quarks springen, Baumann pourquakt und labert französisch. Ihr A-a-a-ää-aaa bassig beknurpst und umsurrt, ihr E-i-a-o und Heidschi Bumbeidschi zuletzt
ein jiddisch angehauchtes Lullaby mit eifrig befiedeltem Jodeldrall und krustigen
Lauten aus Schamanenkehle. E pluribus Boojum.
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Der Pianist SIMON NABATOV ist eine der verlässlichsten Größen bei Leo Records undbestätigt das mit Dance Hall Stories (LR 880). Er bewegt sich da, wie bei "Mirthful Myths",'Arm in Arm' mit FRANK GRATKOWSKI an Altosax, Klarinetten & Flöte. Bei vier der acht
'Tänze' rührt DOMINIK MAHNIG, der sich schon in anderen Nabatov-Trios bewährt hat, die
Trommel. Anfangs spekulieren die beiden aufeinander wie zwei scharfe Mauerblümchen,ihr erster Tanz ein fragiles Gedankenspiel, das aber schon orgiastischer Berauschungvorgreift, der zweite dann bereits eine geil kollernde Balz, mit heimlichen Griffen an die
Weichteile. Mit Mahnig kommt zum Flow noch der Bump, kristallscharfe Krallen, fleischige
Hüften, der Tanz ironisch geziert und doch auf dem Sprung ins Apatschige. 'Slinky' reimt
sich mit närrischer Flöte auf kinky. Wieder zu dritt kosten sie klimprig und altoschmusig
nochmal die Eskalation von schüchtern bis brünftig, gefolgt von chillig dröhnender Zweisamkeit, mit lang gesponnenem Klangfaden und Gemunkel im Innenklavier. Dunkel hebt
auch der vorletzte Tanz an, Gratkowski mit Bassklarinette, Nabatov links im Falstaffregister, rechts perlig und sogar cembalistisch. Das Finish dann bebopquick, freiweg behämmert und bekloppt, gehupft wie getupft, bis die Puste ausgeht. Time Labyrinth (LR 881)
reflektiert als erster Teil von SIMON NABATOVs 'Changing Perspectives'-Projekt Zeit, im
existentiellen Sinn und im musikalischen. Ein neutönendes Septett folgt seinen Vorgaben,
die dabei Soli vorsehen, als individuelle Zeitkonten und gegenläufige Zeitströme: Matthias
Schuberts Tenorsax bei 'Metamorph' als Ausbund aus wirbeligem Chaos und gershwinesker Rhapsodik des Pianos, der zuletzt in Einzelteile zerfällt; Gratkowskis Flöte und Dieter
Manderscheids Basspizzicato bei 'Reader' als pastoralem Part, mit Hans W. Kochs Synthie
als Störenfried; Shannon Barnetts Posaune im Widerspruch zu den Staccatostößen von'Right Off'; Melvyn Poores Tuba zur langsamen, aber in sich bewegten Fluktuation bei 'Repeated'. Mit zuerst aber 'Waves' als geräuschnaher Geburt der Musik aus der Meeresstille,
bis hin zum vollen, beklimperten Bläserfächer, mit Koch als R2-D2. Und zuletzt 'Choral' mit
kollektiver Harmonie als Anwort auf pianistische Tristesse und der epikureischen Gelassenheit, mit der Zeit nicht zu hadern, als Medizin gegen aufbegehrende Kakophonie. Hören
Sie diese Musik, denn sie ist sehr gut.
Statt Hugues Vincent vertrat im Moskauer ДOM FRED COSTA am Tenorsax die französischen Farben bei Quartet Red (LR 882), an der Seite von VLADIMIR KUDRYAVTSEV am
Kontrabass, GREGORY SANDOMIRSKY (mit dem Mediterranean Deconstruction Ensemble
zuletzt auf Fancymusic) am Piano und PIOTR TALALAY mit seiner Erfahrung mit Kruglov
und dem Priot Ensemble an den Drums. Costa ist ein alter Fuchs, der seit den 80ern mitmischt, bei Loupideloupe und winzigen Spuren bei Vidéo-Aventures und Guigou Chenevier, aber dem musikalischen Schwerpunkt durchwegs in Musik für Tanz und (ähnlich wie
bei Kudryavtsev) für Theater. Gemeinsam realisierten die beiden gerade "Alice, De l'autre
côté du miroir". Costas Performance "Costarama : my name is [F]red" verrät ihn als
Spender des Rots, sein rauer Gutbucketton installiert ihn als kommunizierende(n) Röhre(r)zwischen dem Pantagruelesken und Ubuesken seinerseits und dem karnevalsgrotesken
Volksvermögen seiner Gastgeber. Er scattet sogar für eine aufgekratzte Spielart vonRhythm'n'Blues, quasi als Bluesbrother und Blutsbruder von Chekasin und Kruglov, aberauch von Jac Berrocal oder Sven-Åke Johansson. Er ist ein Hardbopper und Zundelfrieder, ein Fuchs, der seine brennende Lunte jagt und 'Hotel Room Disasters' auslöst. Er
keucht wie Minton, auf der Flucht zum Bahnhof. Findet aber wieder zu Atem, um mit
Sandomirsky ein Walzerchen zu tanzen, sein Hopp-Frosch-Spirit vorerst noch ayleresk
schreiender, hymnisch singender Furor, kein mörderisches Feuer. Er stöhnt 'When Bars
are closing' und tanzt einen letzten Rumba. 'Dead Partners' bekommen einen im Innenklavier geharften, zungen(f)rednerisch gehaspelten, hundeherzlich gehechelten, kleinlaut
tremolierten Nachruf. Und, nach längerer murmeliger und wieder mintonesker Beratung,einen tenoristisch getrillerten und gekirrten, rasant geklapperten und gequirlten 'Cactus'
aufs Grab. Zum Abschied klimpert Sandomirsky als 'Farewell Coctail' eine Runde Moscow
Mule (5cl Wodka, 2cl Limettensaft, Gurke, Ginger Beer und ein Spritzer Tragikomik), den
Costa mit gebeizter Zunge schlürft. Plus question de phrases sobres / Ni de révolutiond'octobre / On n'en était plus là / Fini le tombeau de Lénine...
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PNL (Oslo)
Paal Nilssen-Love schafft es, seine Large Unit beweglich und weltoffen zu halten, mal Extra Large, bei"Ana" brasilianisch, bei Ethiobraz (PNL049) als LARGEUNIT + FENDIKA nun sogar äthiopisch-brasilianisch.
Mit Terrie Ex als Reiseführer nach Addis Abeba, mit
wieder Celio de Carvalho & Paulinho Bicolor als Exporteuren von Rio-Grooves. Im Einklang mit Fendikas
Krargezupfe, Masinkogezirpe, Koberotrommel, vierTanzbeinen, zwei Zungen. 13-köpfig umringt mit skandinavischem Blech & Reeds, E-Gitarre, Akkordeon,
Electronics, zwei Bässen, zweifach Drums, ich nenne
nur Mats Äleklint, Ketil Gutvik, Per Åke Holmlander,
Julie Kjær, Christian Meaas Svendsen und Andreas
Wildhagen als den verlässlich harten Kern. Beim
Jazzfestival 2018 in Molde spielten sie neben 'Fluku' in
furios gesaxter Kurzversion und dem Forró-Klassiker'Capoeira mata um' nur Musik, wie sie in Äthiopien die
Spatzen pfeifen - 'Zelesegna', 'Anbessa', 'Shellele','Nargi', 'Gonder', 'Tezeta', der heiße Stoff, den Fendika
schon auf "Birabiro" (Terp) zum Kochen brachte. Hier
hebt es zu zirpenden Bogenstrichen feierlich an mit Nardos Tesfaws wundersam tremolierendem Azmari-Gesang, nur sie, die Masinko, ein Akkordeon. Auch der Forró-Hit erklingt
erst, gegen den Strich, ganz intim nur zu exotischer Percussion und Flöte. Bis zu Handclapping und gerührten Trommeln alle Backen aufquellen für das ohrwurmige Motiv. Um
gleich wieder nur der Percussion und quakigen Cuica zu lauschen. Das feminine Vibrato
kehrt wieder für 'Anbessa', mit Call & Response undostinatem Beat als im Kollektiv überäthiopisch aufgemischter Groove, den die ganze Welt versteht. Mit
feurigem Gebläse, wie es The Ex & Friends schon mit
Getachew Mekuria anstimmten. Nach 'Gue' darf man
sich fragen, ob es da am Horn von Afrika noch wasanderes gibt als Hufe kitzelndes Hopsasa und das hummeligste Headbanging, zu trillerndem Zungenschlag, nun
wie völlig losgelassenen Bläsern und einer Gitarre, die
mit Wurzelbürste traktiert wird. Einem schnellen Hop mit
Call & Response der Bläser, frisch polierter und struppig
gebliebener Gitarre, röhrender Posaune, jauliger Masinko, folgt zu ebenso schnellem Galopp wieder Wechselgesang von Nardos mit dem aufgekratzten Haufen. Von
verflimmerndem Diminuendo bis zu pfingstlichem Eifer.
Gefolgt von wieder Saitenspiel zu tockendem Hufschlag,
lauthalsem Wechselgesang, unermüdlicher Repetition,
Clashes von Gitarre und Akkordeon, Call & Response
von Schrei und Beat. Als Groove, der jeden Ungeist euphorisch kelternd in den Boden stampft, mit anfeuernden
Stößen der Bläser, kollektivem Jaulen und Krähen, Encore auf Encore. Bis die Ethiobraz Edition der Love XL
Unit und Nardos mit 'Tezeta' doch noch einmal die Herzfasern harfen, mit trillerndem Akkordeon, fiedelnder Masinko, bluesig überstäubt. Wahrhaftig nach Schweiß en
masse auch noch Love in XL. Den äthiopischen Honeymoon dagegen gibt es nicht ohne dunkle Wolken.
Fotos: Thor Egil Leitrø28

Rune Grammofon (Oslo)HENRY KAISER war schon in den 80ern einer der erfreulich bunten Hunde. Erst auf Metalanguage und dann SST verband sich sein Gitarrensound, in dem er Derek Bailey mit John
Fahey und Elliot Ingber verschmolz, mit Toshinori Kondo, Rova, Eugene Chadbourne, Sergey Kuryokhin, Zoogz Rift, Bill Frisell. Er spielte mit John French, Fred Frith & Richard
Thompson, buchstabierte das Alphabet crazy & backwards, landete auf der BA 11-Cassette. In den 90ern entdeckte er Madagaskar musikalisch, er feierte mit Wadada Leo Smith"Yo Miles!", in den Nullern weaselte er mit Walter, verbeugte sich vor Albert Ayler, Sonny
Sharrock und Terje Rypdal, er lustwandelte stundenlang solo im "Garden of Memory" undwar 2019 präsenter denn je - auf Cuneiform, Moonjune, Relative Pitch, ugEXPLODE undauch wieder Metalanguage. Und da waren ja noch die Pole und der tiefe Norden, von "Ice
Death" (1977), seinem Debut, über "The Sweet Sunny North" (1994/96 mit David Lindley)
als Trip nach Norwegen, bis zum antarktischen "Nostalgia for Infinity" und den "Encounters at the End of the World" (2013, zum Film von Werner Herzog). In the Arctic Dreamtime(RCD2211) knüpft daran an im Gitarrendoppel mit IVAR GRYDELAND (von Huntsville undDans Les Arbres). Als CineConcert zu "Roald Amundsen - Lincoln Ellsworths flyveekspedisjon 1925", der Doku zum Versuch, den Nordpol im Flug zu erreichen, der in einer Notlandung scheiterte. Mit dem glücklichen Ausgang, dass alle sechs Teilnehmer dank derunglaublichen Anstrengung, eine Startpiste zu bauen und eines der beiden Flugzeuge
wieder flott zu kriegen, nach 3 Wochen heil zurückkehrten. Kaiser & Grydeland nahmen
quasi im Schamanenflug daran teil, Kaiser nicht zuletzt mit seiner Erfahrung als Scientific
Diver in den antarktischen Gewässern des McMurdo-Sund. Während unter Grydelands
Fingern die Zeit gleitet wie ein von kälteren Zeitaltern träumender Gletscher, heult Kaisers
Gitarre einen Gesang, der durch Mark und Bein schneidet. In der Sonne funkelt das Eis wie
ein Kristallpalast, die Todesgefahr verschwindet hinter fragilem, plinkendem Klingklang,
der sogar zu tanzen beginnt. Zierlich auf Spitze, nicht in plumpen Stiefeln. Gefolgt von entschleunigter Psychedelik im quallenden und flimmernden Flow schillernder Freak-Wellen,von Polarlicht überschauert, dunkel umwummert. Monotoner Puls wird gegenläufig durchschnitten, kristalline Widerhaken sprießen, und überhaupt rypdalen und hendrixen die
beiden arktische Klänge wie zwei Schotten, die Schnee in 421 Facetten ausflocken, bevor
sie [die Klänge] zuletzt trillernd und flötend durch die Schädeldecke pfeifen. Dreamtime ist
das richtige Wort, und warum Drogen nehmen, wenn man - Dali hat es vorgemacht - einesein kann. Der Pol-Überflug gelang übrigens im Jahr darauf, 1926, mit Nobiles Luftschiff'Norge'. Three cheers - und diesmal nicht nur - for the dogs.
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KRZYSZTOF PENDERECKI war, als er 1971 mit The New Eternal Rhythm Orchestra'Actions' zur Aufführung brachte, auf seinem Penderadetzky-Marsch zu Altar & Tradition
von seinen avancierten Meisterstreichen - 'Anaklasis', 'Fluorescences', 'Polymorphia','Threnos' - mit denen er zehn Jahre zuvor Furore gemacht hatte, noch nicht so weit entfernt, um vom gradlinigen Kollegen Lachenmann abgetan zu werden als Leitkuh der 'tonalen Paarhufer'. Was er 1970/71 schrieb - 'De natura sonoris No. 2', 'Kosmogonia', 'Utrenja','Canticum Canticorum Salomonis', die 'Partita' für Cembalo, elektrische Gitarre, BassGitarre, Harfe, Kontrabass und Orchester - war zwar in Weihwasser getaucht, aber noch
mit dem Beigeschmack von "Der Exorzist" und "Shining". Für die radikale Resonanz auf
Hiroshima und Holocaust die höhere Weihe als Hollywood-Horror - Action! Dem Orchestra,eine andere Globe Unity mit Bennink, Breuker, Brötzmann, Mangelsdorf, Rutherford &c.&c.
&c., mit Rypdal so kratzig wie nirgend sonst, entwarf er mit grafischem Leitfaden: ein Vorspiel zur Klangentfaltung; einen 4/4-Part mit Überblas-Techniken; einen (weniger bewegten) Menomosso-Abschnitt, mit 2- und 3-stimmigen Teilgruppen, einem Choral, einem Baritonsaxsolo; eine quintessentielle Reprise mit Schlusschoral [-> Philips, 1971, Wergo,
1977, Intuition, 2001]. 2018 ließen sich Mats Gustafsson und FIRE! ORCHESTRA dazu anstiften, für das Sacrum Profanum Festival in Kraków noch einmal Actions (RCD2212 / RLP
3212) in Angriff zu nehmen und dabei das nur 16 ½ min. Original durch Conduction undgrößere Freiheiten auf 40 Min. zu erweitern. In quasi identischer Instrumentierung, nureine Posaune ist verwandelt in Per Åke Holmlanders Tuba neben Goran Kajfeš, Niklas
Barnö & Susana Santos Silva - Trompeten, Maria Bertel - Posaune, Anna Högberg - Altosax, Gustafsson selbst - Baritonsax, Per 'Texas' Johansson - Tenorsax, Klarinette, Flöte,
Christer Bothén - Bassklarinette, Alex Zethson - Hammondorgel, Elsa Bergman - Kontrabass, Torbjörn Zetterberg - E-Bass und Andreas Werliin - Drums. Eingeschworene Fire!Biester, mit weiteren Allianzen im Goran Kajfeš Subtropic Arkestra, bei Torbjörn Zetterberg Hot Five, Angles, Tropiques, Je Suis!, The Big YES! oder Holmlanders Carliot – It’s
Never Too Late Orchestra. Dazu das Fire!-Debut von Reine Fiske mit seinem Rock-Spirit
von Landberk und Dungen bis Motorpsycho und Elephant9, der bei "Sky Music: A Tributeto..." auch schon den Terje Rypdal gemacht hat. Kontrabassstriche und Tuba grummeln,leise und mit Schmauchspuren setzen die Bläser ein, fauchend, stöhnend, knarrend,
krähend, flötend. Doch sie verstummen, weil sich da eine schwellende Orgeldröhnwelle
wölbt. Aus langgezogenen Hornstößen entfaltet sich prächtiges Trompetenspiel, dazu
setzen Drums und Pizzicato erst sich, dann alles in Bewegung, mit aufgekratztem Bläserkrawall, der sich zu anhaltendem Tutti ballt, Schnitt! Die Gitarre und beide Bässe krabbeln
gemeinsam, von Bassklarinette sanft, von Bläserkürzeln und den Drums impulsiv akzentuiert, bis hin zu heftigen Stößen. Die Klarinette schmust auf weichem 1 ⁄ 2 ⁄ 3 des Basses,
die Flöte tiriliert im langsamen Groove des ganzen Kollektivs, Schnitt! Gong rauscht undcrasht, und trappelig akzeleriert die Trommel. Zu Werliins klapprigem Eifer glissandieren
zwei Trompeten und umkreisen sich schließlich a capella. Die Reeds summen, alle Bläser
pollocken, zu Orgel, funkeliger Percussion und Gitarrenlegato setzt erneuter, metallischangeschlagener Groove ein, Staccatokürzel zerrütten ihn. Überblende. Lang gezogenes
Glissando wird von einer Trompete stufig getönt. Blende. Gustafsson balgt sich am Bariton mit der Bläsermeute wie um einen Knochen, und dann kommen sie endlich, in schwerem Schritt, die 4/4, von Bläsern umschwirrt, die Uhr zeigt gut 30 Min. Die Tuba blubbert
und stößt betrommelten Staccatotumult in ein herrliches Bläserdelirium, aus dem abrupt
Zethson allein ausschert hin zu einem Hammondhalteton. Ein rhythmisches Motiv bringt
wieder Bewegung für erst spotzig fauchendes, dann träumerisches, weiterhin beorgeltes
Gebläse, das aber in brummiger Bass-Tuba-Stagnation an den Anfang zurückkehrt. Undvergeht. Das sind definitiv andere Proportionen und Lösungen als nur die von Penderecki
vorgezeichneten. Part 2 & 3 erscheinen vertauscht oder vereint. Kein Choral. Weniger
individuelle Improvisation. Keine Rypdalraptorik. Und überhaupt vermeidet Gustafsson die
Verlockung, die großen Alten imitieren oder überbieten zu wollen. Er betont das Miteinander, außer der Action und dem Vorwärts auch das Verweilen. Ach Lachenmann, es gibt
noch anderes Feuer als das von Schwefelhölzern, und haben wir nicht letztlich alle einerlei
Odem, um es zu hüten oder so oder so anzufachen?
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Umland Records (Essen)
JAN KLARE, klar, kennen wir, als Schulze von The Dorf und als Umtriebler mit Deep
Schrott, RKeT und 1000 weiteren bambostischen und bösen Dingen. Sein neuer Partnerbei Heisig-Klare (Umland Records 29) ist mit WOLFGANG HEISIG ein 1952 geborener
Sachse, der sich als Bankkaufmann, Kirchenchorleiter, Barpianist und Musiktherapeut
Wurst & Brot verdient hat. Der aber auch Gedichte macht, die er "Sprachfachübungen"
nennt, und andere komische Sachen. Wie, noch vor der Wende, etwa mit den KabarettLiedermacher-Duo Sonnenschirm. Oder, ganz anders, 1992-95 die 'Nadeldruckchoräle' fürNarrator & Orgel und ähnliche Machwerke mit Fluxus-Geist. Bis ihn in den 90ern der Geist
von Conlon Nancarrow anrührte, dessen Werke für Playerpiano er mit Phonola (& PC-gesteuerter Stanzmaschine) aufzuführen begann, dazu Zeug, das Steffen Schleiermacher als
Hommagen an László Moholy-Nagy und Oskar Schlemmer komponiert hat, Mechanische
Musik von Ligeti sowie Selbstkomponiertes. Auch die Duette mit Klares Altosax folgendieser Spur, denn sie spielen drei Studies von Nancarrow: die rasante #11, freejazzig
tobend, die launig nur schlendernde #3b, die zeitrückwärts stürzt in Swing- und
Stridetage, und #3d als ebenfalls lässig entschleunigtes Jazzcatgetrippel, das nur kurz mal
aufrauscht. Dazu die 'Prinzen-' und die 'Doppelrolle' von Klare, klimprig und ostinat
kreiselnd und krähend das eine, mit melancholischen Schatten im Hintergrund als
lyrischer Gegenthese; das andere mit nebelhornigen Dauertönen und rostig gewellter
Klage, mit der sich Heisig mit tremolierender Basshand und plinkender Rechter
solidarisch erklärt. Und zuletzt '13865 Nuclear Weapons' als Erfindung von Heise, dermechanisch ein ganzes Pixelfeld behämmert, in abruptem, streuendem Gestus, dernancarrowesk beschleunigt, wild entschlossen und immer wilder. Plötzlich aber nur nochsteif staksend, wie mit voller Hose. Klare hält sich da ganz raus. Und ich merke auch ohne
Geigerzähler, dass hier Spannung und großer Spaß winken.
Für Check Test Check (Umland Records 30) gingen als HALF LABORATORY - HALF BAND
zehn Dorfler ins Testlabor: Marvin Blamberg (Drums), Julia Brüssel (Geige), ChristianHammer (Gitarre), Hannes Nebel (Bass), Ludger Schmidt (Cello), der auch noch mit The
Sephardics spielt, Markus Türk (Trompete), der noch bei Family5 und Jansen bläst, derauch mit Knu! und Super Jazz Sandwich bekannte Florian Walter (Altosax), gerahmt vonMoritz Anthes & Max Wehner (Posaunen) und mit wieder Jan Klare (Tenorsax), halb
Versuchsleiter, halb Bandleader. Er entwarf fünf der sieben Stücke und anfangs gleich die
Kreise und Wellen von 'Helmet', die gegen immer zäheren Widerstand ansprudeln und ihn
beseitigen. 'Pell-Mell' folgt als kollektives Tasten, mit kribbeliger Gitarre und träumerischer
Geige, der die Bläser hinterherschmachten. Klare spielt Liftboy bei 'Escalator', mit nun ineiligem Unisonostaccato aufwärts gewellten Diagonalen, die durch kreuzende Linien in
Turbulenzen geraten, bis sie mit wiederholtem Nachdruck Klarheit schaffen. Cello undPosaune geben die ersten Töne an beim wieder freien 'Pêle-Mêle', als erneut wie geträumter Orchesterprobe aus plonkenden, schlabbrigen, zischenden, gackernden,
quarrenden Lauten. Basspizzicato buchstabiert anschließend 'Dark', die Posaunen sindschnell dabei, die Streicher sülzen, während sich ein klackender Groove anbahnt, von dem
sich Tenorsax und die zirpende Trompete schmusig tragen lassen. Die Rhythmik erfasst
schließlich auch die Streicher und alle streben zunehmend hymnisch ins Lichte, derDämmerung in repetitivem Staccato spottend und kaum zu bändigen. Bei 'Bel Air' diktiert
Klare dann wieder klare Bläserwellen, in vereinter Aufwärtstendenz und Bläserlust. Bis
ein Break alle Stimmen sondert, wechselspielerisch über sonorem Basspizzicato. Erstlicht und luftig, dann elegisch ergriffen und mit wieder einer Stimme in vereintem Staccato
treppaufwärts, mit der Gitarre als Blumenmädchen, für eine feierliche Zeremonie.
'Swagger' fetzt zuletzt uptempo dahin als Folge gestufter Repetitionen in strahlendem
Vorwärtsdrang. Die Konturen verunklaren, aber Tempo und Drive bleiben und das
rhythmisch stoßende Wellenmuster setzt sich so auch wieder durch. Als Tour de force, an
der nichts Halbes ist. Aber seit wann würde Klare halbe Sachen machen?
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... nowjazz plink'n'plonk ...

ARRIAS - DAVIES - ULLÉN Crystalline (Ausculto Fonogram, AUF005, LP/CD): Zwei Jahre
bevor Johan Arrias mit Gul 3 bei Fylkingens Sounds-99-Improfestival demonstrierte, wie
anders freie und neue Musik klingen kann, war er bei Andra generationen eingestiegen, als
Surinamese der dritten Generation, um die Schweden mit migratorischem Slivovitz-Spirit
der zweiten Generation aufzumischen. Er blieb dann aber doch ein neutönerischer
Streuner und schuf sich mit Ausculto Fonogram ein eigenes Forum, für zuletzt seinrostiges Lamento "Pour Alto Seul", bei dem ihm der Wind in Spaltklangwehmut durch die
Rippen bläst. Hier hat er an seiner Seite die Waliser Geigerin Angharad Davies, die, nebenden Vogelspuren mit ihrem Bruder Rhodri in Cranc und in Common Objects, mit Apartment
House Neue Musik in fragilster Mode zirpt. So dass es nicht verwundert, wenn sie mit
Skogen bei Magnus Granbergs "Ist gefallen in den Schnee" und "Nun, es wird nicht weit
mehr gehen" in minimaler Pointillistik schneestöbrige Versionen von Bruegels "Die Jäger
im Schnee" und Schuberts "Wintereise" mitzaubert. Wie Davies ist die aus Seoul
stammende Stockholmerin Lisa Ullén eine Konvertitin von Klassik zu Disorder (wie sie ihr
Label nannte), im Quartet mit Mats Äleklint, mit Nina de Heney, mit "Piano Works" solo,
dem Motståndsorkestern (mit ihrem Sohn Henning an Trompete, Äleklints Posaune, drei
Bässen, zwei Schlagwerken) oder dem Improvisationswerk ”!Step up a second! – musik för
elva musiker” mit Anna Högberg (uraufgeführt 2019 beim Disorder fest # 2, Fylkingen).
Gemeinsam schufen die drei eine 6-teilige Suite, als elegische Kirchenmausmusik mit
dunklen Pianonoten, Geige und Saxofon im schäbigen Einklang. Zwar sind sie
abwechselnd tonangebend, aber der Tenor bleibt sich ähnlich, der Einklang dünn und
kleinlaut, bei Davies' 'Rydal Mount' im Andenken an William Wordsworth tröpfelig und
fadenscheinig. Die Geige nagt bibbernd am Hungertuch, das Saxofon pfeift auf dem
hohlen Zahn, Ullén findet gerade mal eine Handvoll monotoner Töne, die sie jedoch trotzig
verteidigt gegen katzenjämmerliches Kratzen und Fauchen. Bei den 'Rituals' von Arrias
tropft und klimpert sie auf diskant zirpende Haltetöne, die nur zu unterscheiden sind,wenn Arrias die ganz dunklen Frequenzen streift. Auch gemeinschaftlich bleiben die drei
sich bei 'Etude' und 'Coda' ästhetisch treu, zwar etwas entbundener und bewegter, vor
allem das Piano, aber weiterhin flach und diskant. Um, melancholisch und doch trotzig,
allem Spektakulären und Aufgeblasenen zu widersagen.
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THE BUREAU OF ATOMIC TOURISM Eden (Rat Records, RAT042 / Werkplaats Walter,
WALTER004): Ist dieses Büro eine 'Seifenoper für Intellektuelle', ein Reisebüro für
Monaden? In seinen acht Jahren gab es fast mehr Personalwechsel als bei J. J. Voskuil in
Jahrzehnten. Jon Irabagon ist am Saxofon Nachfolger von Andrew D'Angelo, vor Magnus
Broo blies Nate Wooley die Trompete, die Gitarre kam von Marc Ducret über Hilmar
Jensson in die Hände von Julien Desprez, Bass spielt nach Trevor Dunn, Jasper
Stadhouders oder Tim Dahl nun Ingebrigt Håker Flaten. Konstant blieben nur Jozef
Dumoulin an Fender Rhodes & Casio und, als Bürovorstand, der Drummer & Rat_RecordsMacher Teun Verbruggen. Zwei, die getrennt - mit etwa Lidlboy und Lilly Joel der eine, mit
FES der andere - oder vereint in Othin Spake, Warped Dreamer und eben The B.O.A.T. denbelgischen NowJazz uran-anreichern. Dumoulin hat diesmal den ganzen Set komponiert,
abweichend von der meist freien Vorgehensweise zuvor und auch von "Hapax Legomena"(2014) mit seinen fünf Ideengebern. Aber immer im modernistischen Ansporn desAtomiums in Brüssel und des 'Atoomstijl' frankobelgischer Ligne_claire-Comics. Mit 'De
Teun Van Eden' als Urknall und finaler Reprise, mit 'Love and Things' in drei und dem
trompetistischen 'Video Interlude' in zwei Abschnitten. Mit züngelnden Bläsern undhervorstechender Trompete, mit treibendem Bass- & Trommelschub, an dem auch die
Gitarre mitrifft. Aber auch plötzlichen Luftlöchern, mit nur tickender Cymbal, hingetupften
kleinen Klangwolken, geräuschhaft getüpfelten Kürzeln. Mit ätherischem Schwebklang,den Verbruggen beklopft, Broo fanfarenforsch umschnörkelt. Desprez spielt bruitistisches
Phantom, die Bläser pressen bis zur Erschöpfung. Dann wieder nur ein Zaudern und
Stolpern einzelner Töne, abgerissene Bläserkürzel, perkussive Streuung, Störimpulse,
Bassgewummer. Bis sie zusammen ins Rollen und Rutschen kommen, als turbulente
Lawine, durchsetzt von einem Trompetenmotiv und Kinderstimmen. Danach wieder Trott,mit rufenden Bläsern auf der Suche nach dem nächsten Groove. Dem kommt aber wieder
spritzende Streuung zuvor, eine Miles_Davis-coole Trompete, melancholische Träumerei
mit ECM-Feeling, einstimmige Bläser in B-Moll, die, von Gitarre und Drums becrasht,
aufschreien. Nochmal melancholisch führt Dumoulin aufs Ende zu, dem die Atomteilchen
zuletzt mit strammer Pace, knattrigem Maschinenbeat und chromodynamischem Rhodes
entgegeneilen, wo sich ihre Spur in rauschender Unschärfe verliert.
JOHN CHANTLER STEVE NOBLE SEYMOUR WRIGHT Atlantis (1703 Skivbolaget 1703-9,
LP/CD): Chantlers Weg über Japan und London nach Stockholm konnte man Dank Room40
ganz gut mitverfolgen. Ohne abzusehen, dass der Mann aus Brisbane, der mit Electronics,
Kirchenorgel oder, wie auch hier, Synthesizer arbeitet, jenseits seiner Automatic Music,
der Buchla_200-Soundwellen von "Counting to Five (for Don Buchla)" oder der Logik von"Logic Being The Lowest Form of Magic" dahin kommen würde, Two Dreams for Endless
Skies auszubrüten mit den zirkularbeatmeten Dauerwellen des Altosaxofonisten Johannes
Lund. Und das dann noch zu steigern bei "Front and Above" (2017) mit dem Drummer
Steve Noble, den ich in seinem Fächer von Rip Rig + Panic über School of Velocity, N.E.W.
und Lol Coxhill bis Åthenor, Brötzmann oder Duck Baker einfach nur sagenhaft nennen
kann. Und der erst auf Matchless, dann auf Otoroku lancierten konfrontativen Kakophilie
von Wright, ebenfalls Altosax. Anders als beim live mitgeschnittenen Erstling gingen sie
diesmal nach ausgiebigem Probevorlauf ins Atlantis Studio, wo Chantler und Wright ihren
Sound durch Fender Röhrenverstärker schicken und eine transparentere, ausdifferenziertere Balance mit Noble erzielen konnten. Und auch wollten. Statt schädelspaltender
Noiseattacken wagen sie subversivere Schachzüge, subtilere Infiltrationen des Bewusstseins. Mit Luftlöchern, fast auch windspielerischen Gongschlägen, hundsföttischen
Spaltklangpfiffen, quecksilbrigen Tropfen, R2-D2-Zwitscherwellen, getockelten Kaskaden,noch der windigste, blechernste, krachigste, elektronisch verstrahlteste Ton in Hi-Fidelity.
Als "Broken Music" parallel zu Fire Room, wobei Wright als Vandermarks Alter Ego in die
Suppe spuckt, mit rostiger und pelziger Mr. Hyde-Zunge, ostinat plörrend, während
Chantler Marhaug mit Lehn'schen Registern verdunkelt. Zugleich ent- und verzerrt, mit
röhrendem Stimmbruch, mit zuletzt unwahrscheinlichem Rockbeat als holperndem
Groove, der mittendrin abreißt.
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JOHN CHANTLER & JOHANNES LUND Andersabo (1703 Skivbolaget / Johs & John 1,
LP/CD): John Chantler zum Zweiten. Nun an Pumporgel & Synthie mit Johs Lunds, einem
rauschebärtigen Saxofonisten in, seh ich recht - Hundested? Einer, der als one of theDanish experimental scene greatest dynamos gepriesen wird. Einst im Yoyooyoy-Kollektiv
als Freakrocker mit Slütspürt oder solo. Aber gern auch zu zweit: Mit Toke Tietze
Mortensen, Mats Gustafsson, der Posaunistin Maria Bertel als Gud Er Kvinde oder im
Baritonsaxduo mit Henrik Pultz Melby (von Svin) als Elefanten im Philip_Glass-Haus. Undnun hier, mit Basssaxofon und einem wabernden, wohl zirkularbeatmeten Dauerbeben,
einem unaufhörlich chiaroskuren Vibrato über metalloidem Zirpen und dunkel murrenden
Langwellen. Sich dazu eine Landschaft einzubilden, eine alte Scheune, Wald und Wiese, ist
etwas viel verlangt. Was nicht heißt, dass die Musik nicht mit solchen sinnlichen
Eindrücken vollgesaugt ist. Sie rühren her von der Residency der beiden Musiker inAndersabo bei Unnaryd, einem Dörfchen in der schwedischen Provinz Halland, eingebettet in eine Bauernlandschaft zwischen unberührten Moorlandschaften, Seen undgroßen Waldgebieten, gut 60 km nordöstlich von Halmstad (wo Isildur Bane daheim sind).
'Open Field & Forest' besteht aus einem anhaltenden Orgelton, zerrissen von heiserem
Röhren. 'Under Barn Floor' füllt die B-Seite mit einem knurrigen Basssaxdauerton, orgelig
durchschimmert und betickt und beknistert von Regentropfen oder Mäusepfoten. Bis das
Ambiente in einer bloßen Feldaufnahme sich direkt zu erkennen gibt, mit Raubvogelrufen
und einem Traktor, der dröhnend durchs Bild fährt.
STEVE DAY & MARK LANGFORD with JULIAN DALE Pairing (FreeTone Records, FTR006):
Steve Day fehlt es, wenn er in Bristol seine wundersamen poems of alchemy and insight
performt, nicht an einfühlsamen Mitstreitern. Sogar Julie Tippetts & Keith Tippett halfen
seine Flammen schüren, seit 2016 tut es Mark Langford, Urgestein der Bristoler
Improszene. Im Blazing Flame Quintet, mit Julian Dale am Kontrabass. Und auch hier, beivier Songs zu dritt, neben sieben Duetten, die Langford mit Bassklarinette oder Piano
gestaltet. Day feiert das Rubedo von Poetry & Sound mit Komplimenten an my flamin'
buddy, der mit links den Worten Nachdruck gibt. Bei 'Dorian across the Bahamas' duckensie sich vor Hurrikan Dorian, der 2019 wie von einer mythischen Gottheit verhängten
Schrecken verbreitete. In 'About the Piano' erzählt Day von einem Pianospieler, der vom
Südsudan über Algerien in die Normandie kommt und den das, was er zurücklassen
musste, bis in die Fingerkuppen verfolgt. 'Blades of Grass' blickt durch Walt Whitman
hindurch auf Britain bleeding green blood into the ground, und Day sähe dabei gern, dassGras über so manches wächst. The trick is to blunt the blade. Zeile für Zeile in theatralisch,fast atemlos eindringlichem Sprechduktus, zu pianistischem Monking, dem die Sophistication aus den Synkopen springt. 'Sadness for America' macht mit Ornette Coleman Front
gegen die Men who live in the White House. Angesichts der schwarzen Opfer vonPolizeigewalt in den USA bleibt nur Bitterkeit. Day reimt freedom fell auf enigma in hell,raunt von the intimicy of mixed meanings, zu Laut- und Stimmungsmalerei mit knurrigen,zwitschernden, elegischen Bogenstrichen, munkelnder oder in Melancholie gegerbter
Klarinette, singendem Glas, winziger Rassel. 'White Chalk' setzt das 'Black Lives Matter'Thema fort, ohne britische Selbstgefälligkeit. An Enoch Powell als racist eunuch who wasfound drowned in his own Rivers Of Blood knüpft Day die Erinnerung an den in Bristol
gestorbenen bengalischen Schriftsteller und Reformer Ram Mohan Roy (1772-1833), dersich als Gesandter des Großmoguls für die Abschaffung der Witwenverbrennung
eingesetzt hat. Powells „Ströme von Blut“-Rede 1968 über die Überfremdung der Briten
durch Einwandererfluten fand freilich 75%ige Zustimmung und nicht nur der WindrushSkandal 2018 zeigt den langen Atem dieser Gesinnung. 'Silent Way' feiert den MilesKlassiker mit ganz anderem, dunkelblauem Nachhall, während 'Memory of the Moon' den
Honeymoon einer Liebe besingt, ihre Phasen und ihr Verblassen. Bei 'Coward' scheut sichDay, sein Durchkommen als ewiger Feigling tapfer zu nennen. Mit 'In Tune' besingt er einenblinden Pianostimmer, der Klang als Fluidum nuanciertester Grammatiken trinkt undatmet. Und in 'Pianist at the Coach Station' schwärmt er vom Zauber, dass auf einemöffentlichen Pianino, auf dem sonst Kinder nur Jackson Pollock klimpern, plötzlich eine
Terry_Riley-Raga ertönt, a lullaby of harmony.
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JACQUES DEMIERRE The Well-Measured Piano (Creative Works Records, CW 1064): Nach
Bachs 'wohltemperierten' Urahn vor 200 und John Wolf Brennans 'wohlpräpariertem'
Verwandtem vor 20 Jahren, ebenfalls auf Creative Works, nun also ein gut gemessenes
Piano? Oder vermessenes? Das - es ist Demierres eigenes - extra von Genf nach Yverdonles-Bains verfrachtet und dort in einen alten Brotofen (!) geschoben wurde. Nicht um es
hitziger zu temperieren, Dummerchen, wegen der Raumakustik. Dabei verzichtet Demierreganz auf Präparation, ihm genügt es, die Tastenbreite und das Innenklavier auszureizen.
Und wenn er Mr. Fantastics Flexibilität besäße, würde er auch auf Overdubs verzichten. Er
misst jede Spanne, jeden Hand- und Fingerbreit, jede Faust und Elle eines Klangkörpers,
der, wenn nicht innen größer als außen wie die Tardis des Doctors, so doch die Ausmaße
eines Plurals aufweist, gar einer Multitude. Und obgleich 'Dilute the Sky with Care', 'Wind
Motet' und 'To Thank the Morning Rain' einen Naturraum als romantisches Kontinuum
andeuten, weckt Demierres deterministisch unmittelbarer Zugriff doch Zweifel, ob sein
Klangraum nicht als 'Granulararchitektur' auch hyperbolische und mannigfaltige Gefilde
streift. Jedenfalls pocht er mit hämmernder Motorik auf bestimmte Punkte, die er mit einer
gewissen Feierlichkeit akkordisch überwölbt oder nuanciert beleuchtet. Verzögerte Töne
kontrastieren mit klingelnder Wallung, monotoner Stundenschlag mit changierenden
Tönungen, romantisches Memento mit modernistisch ostinatem Staccato. Technoides,
hochfrequentes Tempo und diskante Tonlagen sprechen eine deutlich nachromantische
Sprache. So erscheinen die ersten 24 Min. als Tour de force aus Melancholie undobsessiver Manie. Der Wind erhöht noch das Tempo mit klingelndem Tremolo, pingenden
Pixeln, splittriger Streuung und surrenden Wooshes aus clusterdichtem Arpeggio, das die
Tasten wie Reißverschlusszähne ratscht oder wie dicke Trosse knarren lässt. Äußerst
eindrucksvoll! Aber Demierre ist ja auch der, der sich den Klangrausch "Thirty Pianos"
ausgedacht hat. Der Regen fällt dann zugleich in metaphernschweren Tropfen und hellem
Schlaghagel feiner Silberhämmerchen. In seiner bewussten, ja kategorischen Gestaltung
sinnlich erstaunlicher Morphismen gehört das zum Bemerkenswertesten, was ich seit
Langem mit einem Piano habe anstellen hören.
KAJA DRAKSLER & TERRIE EX The Swim (Terp IS-31, LP/CD): Piano-Püppchen undGitarren-Punk? Ach was, heute sind Gegensätze so selbstverständlich, dass sich damit
nicht mal mehr Reklame machen lässt. Deneuve und Gorilla? Na und? Auch der Kontrast in
Czajka & Puchacz [Kiebitz und Uhu], Drakslers Miteinander mit dem polnischen Drummer
Szymon Gąsiorek, vereint Tag und Nacht. Sie war vor ihrem Pendeln zwischen
Kopenhagen und dem slovenischen Trboje 13 Jahre lang Teil der Szene in Antwerpen,
Onno Govaert trommelt in Feecho und ihrem Octet, mit Ab Baars spielt sie in Fish-Scale
Sunrise, auf jedes Huis reimt sie jederzeit ein Bim. Dass selbst die mit Drumstick undMesser traktierte Gitarre von Terrie Hessels um einiges älter ist als sie, ist letztlich nur
eine kuriose Randnotiz zur kuriosen Klanggestaltung. Er mit kratzigen Schlägen undtremolierend gekrümmten Saiten, sie - in der Nachfolge von Ken Vandermark, Jaap Blonk,
Ab Baars oder Paal Nilssen-Loves "Schoberdebonk" mit Ex - mit dunklen Tupfen undpikantem Picken. Knarzt er da mit Draht, oder sie mit Holz? Wischende Gesten
verunklaren ein bruitistisches Pianissimo, statt konventionellem Arpeggio streut Draksler
getönten Klingklang à la Cage oder hält allersanftestes Sustain zu abrupt geschrubbten
Geräuschen, zu struppig gehackten und gezwirbelten Kakokürzeln, zu wie von einer
Angelschnur gepickten Sekunden, zu wie einer Spieluhr entlockten Tönchen. Nach kurzauch der rasanten Streuung gehämmerter Pianokristalle und gitarristischer Schrapnells
folgen wieder Geraschel wie mit Luftpolsterfolie, Getröpfel ins Innenklavier, Gestöber auf
den Saiten da und dort, plonkender Stahldraht, perkussives Geklopfe, schrappiges
Geharfe. So vieles, nur kaum Piano als Piano, kaum Gitarre als Gitarre. Hämmernde,
hoppelige Wallung weicht gleich wieder monotonen Tropfen, pickendem Klingklang,pingenden Glöckchen. 'Butterfly' bringt als Encore am 7.6.2018 im Cafe Oto monotones
Scharren und Laute wie vom Kamm geblasen sowie perkussive Action mit Krimskrams auf
den Innenklavier- und den Gitarrensaiten, bevor Draksler doch noch mit dem Piano läutet,
kling-klang kling-klang klang-kling...
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SATOKO FUJII ORCHESTRA NEW YORK Entity (Libra Records 214-058): Nach zuletzt "Fukushima" (18.8.2016) hat Fujii ihre New Yorker Allstar-Männerriege am 1.5.2019 zum elften Mal
versammelt, um, 13-köpfig, die Backen aufzublasen. Fünf Saxophone als Alto-Bariton-Tenorfächer, drei Trompeten, zwei Posaunen, keine Klarinetten, kein Piano. Mit Briggan Krauss, Andy
Laster, Tony Malaby, Oscar Noriega, Dave Ballou, Herb Robertson, Natsuki Tamura sowieso,
Curtis Hasselbring, Joe Fiedler und am Bass Stomu Takeishi sind zehn Mann dabei, die schon
am 19.6.1997 zur Stelle waren, um mit "South Wind" diese ungeahnt beständige Blaskapelleaus der Taufe zu heben. Ellery Eskelin bläst seit 2001 Tenorsax. Nels Cline an der Gitarre und
Ches Smith an den Drums sind seit "Fukushima" bereit für mehr. Angeregt von buddhistischen
Analogien zur Quantenphysik, speziell bei Nagarjuna, der im 2. Jhdt. die 'Schule des Mittleren
Weges' begründete, fand Fujii diesseits der 'acht Verneinungen' und 'zwei Wahrheiten' fünf guteGründe, im ewigen Ist und Ist-Nicht weiter zu tönen: 1. 'Entity' - mit Tutti-Anschub für ein Drumsolo, das Cline mit feinen Fäden umspinnt, bis wallend monotone Bläser die beiden zu einer
knurrig gehetzten Flucht zwingen. Summende Posaunen und triste Trompeten scheinen den
Vorfall zu bedauern, entpuppen sich aber als Teil der hetzenden Meute mit ihrem hysterischen
Anführer. 2. 'Flashback' - aus dem melodisch dynamisierten Kollektiv schälen sich Fiedlers
zunehmend querulante Wahwahposaune, ein lyrisch verspieltes Altosolo von Noriega, zu dem
das Orchester im Schlaf murmelt, und ein launiges Trompetensolo von Robertson, erst nur vonSmith betrommelt, dann mit aller Bläserpracht überdröhnt. 3. 'Gounkaiku' - als rosenzungiger
Sonnenaufgang, mit zartem Trompetenschein, Strahl für Strahl, und plötzlich feierlich einsetzendem Alltogether. Daraus steigt Ballous strahlender, virtuos tremolierener Trompetengesang auf, doch der Tag zerfällt geräuschhaft und brütend in Einzelteile. 4. 'Elementary Particle' - mit Houellebecq'schen Schatten unter den Augen, zu gerupften Basstönen und einem
Eskelin-Solo, das sich zu schnellem Tickling von heiser zu hitzig steigert, während das anfangs
verkaterte Kollektiv sich in feierlicher Harmonie sammelt, um auf dem Höhepunkt feurig überzuschießen. 5. 'Everlasting' - das, seinem elegischen Feeling spottend, Tamuras gequetschte
und schnarrende Trompete paart mit Hasselbrings kurioser Posaune und Lasters sonores
Bariton mit dem hornissigen Alto von Krauss. Doch Bassdonner klärt die Atmosphäre für den
sublimen, gesammelten Aufstieg aller ins große Ganze.
GIMBAYASHI HELIAS WAZINIAK Motian's Traces (Intrication, A001): Die Pianistin Masaé
Gimbayashi-Barbotte klimpert mit der Flötistin Doris Aviani CPE Bach & Piazzolla, Kunstlieder
mit der Sopranistin Tomoko Ishii, oder, solo, Brahms, Debussy, Satie... So klassisch wie nur was,dabei mit japanischen Kirschblüten von Makiko Kinoshita oder Fumio Yasuda oder griechischen
Neutönen von Nickos Harizanos. Doch in der Rencontre Musicale mit dem Kontrabassisten
Fabrice Hélias liebäugelte sie schon auch mit Jazz. Zu Hélias kommt hier noch der Schlagzeuger Thierry Waziniak, sein Partner bei Galiane und Urban Bees, in BA freilich besser bekannt durch Gaël Mevel und das Label Rives. Den Jazz liefert Paul Motian mit 'Once around thepark' (von Paul Bleys "Fragments"), 'Good Idea' (von "One Time Out"), 'Abacus' (von "Le Voyage"), 'Conception Vessel' (von Motians Leaderdebut 1973), 'Asia' (von "Dance"), 'Fiasco' (von"It Should've Happened A Long Time Ago") und 'Tuesday ends Saturday' (von "Tribute"). Allesamt Schritte auf dem Weg von 'Song of Sitting Bull' & 'Inspiration from a Vietnamese Lullaby'(1973) in die auf ECM favorisierte New Simplicity und Neue Innerlichkeit der Spät-70er & 80er,
auf dem Colemans 'War Orphans' & Hadens 'Song for Che' auf der Strecke blieben. 'Ch'i Energy' statt Che, das weiche Wasser in Bewegung als Mantra, Bill Frisell statt Punk, Toskana- statt
Rote Armee Fraktion. Und jetzt - während die Gelbwesten randalieren, ein Lob der stillen Einfalt
und die Feier einer friedlichen, zärtlichen, sinnlichen Revolution auf Birkenstock-Sohlen. In
entschleunigten, bedächtigen Tonfolgen, mit Fingerspitzengefühl, das die Poesie ertastet, mit
sonorem Pizzicato und schnurrendem Bogenstrich, glasperlenspielerischer Klimperei, pochenden Tupfern und metalloiden. Mit melodieseliger Sophistication, schlendernder Lakonie, Blech
raschelt, der Bass singt, alles ganz beiläufig. Gimbayashi temperamentvoll kokett, Waziniak
besenflink und salopp, statt leisetreterisch, Helias besonders markant, ob er nun krabbelt, sägt,
plonkt oder maunzt. Bei 'Asia' als großem Motian-Panorama bebt er als Pierrot vor herzzerreißendem Weh, bevor das launige Piano und rappelige Drums andere Seiten hervorkitzeln. Auch
'Fiasco' spottet kapriolend und hampelnd der Schwermut. Erst '....Saturday' setzt der unerträglichen Leichtigkeit ein Ende, mit nonchalantem Bonjour Tristesse. Wo keine Illusionen, da keine
Enttäuschung, und das Zartbittere daran, hat es nicht einen trotzigen Beigeschmack?

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BRIAN GRODER TRIO Luminous Arcs (Latham Records): Ein Trompeter & Flügelhornist in
Brooklyn, Jg. 1953. Mit eignem Label, auf dem er sich mit Meistern wie Sam Rivers (19232011) und Burton Greene (Jg. 1937) präsentieren konnte. Sein heißes Eisen ist aber sein
Trio mit Michael Bisio am Kontrabass und Jay Rosen an Drums, das mit dem Debut 2014 und"R Train on the D Line" (2016) zu Buche steht. Bisio hat sich eingeschrieben mit Avram
Fever, Stephen Gauci und vor allem Joe McPhee, als feste Größe auf CIMP. Danach mit
Matthew Shipp auf Thirsty Ear, der ihn mit Ivo Perelman zusammenbrachte, aber auch seit
10 Jahren im Matthew Shipp Trio mit Whit Dickey an den Drums resp. Newman Taylor Baker(mit dem auch Groder gut vertraut ist). Jay Rosen seinerseits kann seine Trios beim
Einschlafen wie Schäfchen zählen: Whitecage, Perelman, Gunther, Cheshire, Minasi,
Marcus, Taylor, Kelsey, Gayle... und Trio-X als das tollste, mit McPhee & Dominic Duval,
ebenfalls meist auf CIMP. Im Gauci Trio und dem von David Arner sowie im Michael Bisio
Quartet war dann schon das Gespann beisammen, das mit Groder unter dem 'Moon Bow'
und im 'Winter Wurr' fröstelt, das als 'Sundog' sich den Pelz wärmen oder sich den 'Pirr' um
die Ohren wehen lässt und bei 'Smoored' fast in Schnee erstickt. Groder hat dafürschottische Ausdrücke aus Großväters Zeiten ausgegraben, ästhetisch ausgespannt
zwischen der abstrakten 'Höhlen-Malerei' und den als Wordslabs etikettierten Prosapoems
von Randee Silv als evokativen Linernotes. Mit gestopften Trumpetslabs zu treibendem
Tempo, aber auch zeitvergessener Pizzicatopoesie. Bis Groder wieder einsteigt mit
versonnenem, weiterhin gequetschtem Gesang, dem man staunend lauscht wie dencoolsten lyrischen Tönen von Miles Davis. Dieser Ton macht die Musik, mehr noch als die
asymmetrischen Tempi und die Wechsel von 3 zu 2 zu 1 Stimme. Groder steigt dabei auchüber steile Treppen, strebt zu offenem Horizont. Dem sie mit Karacho und auch wieder
Rosen entgegenstürmen, aufgekratzt hupend. Rosen tickelt und poltert, Groder stößt ins
Horn, jetzt ohne Bass. Bisio kehrt wieder mit frostspitzen Bogenstrichen und pelzig
sonoren, während Rosen ans Blech haucht, patscht, federt und Groders Klang aufstrahlt,
sehnende Blicke wirft und lange Schatten. Bisios Finger singen Bass, Rosen flirrt undglöckelt dazu auf schnellerer Spur, er kratzt und flickert, aus Frost wird Feeling. Der Bogensingt und wühlt, die Trompete strahlt und verglimmt, aus knurrigem Holz wird kristalliner
Metallklang, aus Winter wuseliger, impulsiv sprudelnder Frühling.
SEAN HAMILTON Table For One (pfMENTUM, PFMCD135): Diesen Drummer nicht zu kennen,
ist verzeihlich: Er ist noch jung, wohl Jg. 1991. Er hatte, bevor er nach Grand Junction,
Colorado, kam, seine Homebase in Florida und trat, abseits der Eastcoastwirbel undWestcoastzirkel, in Tampa, Orlando, New Orleans auf. Wenn er tourt, dann meist im
Universitätsmilieu, das er auch mit der Lecture “Improvisation, Composition, Notations, andReal-Time Electronics” bedient. Er spielt, abgesehen vom seltenen Miteinander mit etwa
Klimchak, dem 'Baron des Bizarren' aus Atlanta, oder Nathan Corder, einem Elektoniker inOakland, meist allein. So bei "LOCI" (2016), so auch hier bei dieser 'collection of improvised
vignettes for solo drum set, percussion, and vuvuzela'. Sein Mindset - my creative interests ist nicht auf Rhythmus gepolt, sondern auf Klang, bis hin zu erweiterten timbral
possibilities. Neue Musik, freie Improvisation, Soundart und Noise bilden dabei ein
selbstverständliches Ganzes. Ganz anders als die Bauklotzarchitektur auf dem Coverandeutet, hageln Steinschläge, stürzen Wildwasser, poltern Schüttungen, dazwischenerklingen animalische Klänge, an Blech scharrend, stöhnend. Pollock in Motion kontrastiert,
krawallig crashend, ostinat klopfend, steinig flippernd, mit paukendem Tockeln und
aufrauschenden Gongblüten. Kuhglockenalarm wird von klackernden Abprallernüberschüttet, die sich rollend verdichten. Als maximalistisches Actionpainting, als knie- undhalsbrecherischer Sport, querfeldein über einen Schrottplatz, mit B-Noten für poetischen
Metallsound. 'Acquiescence Of' (und dessen Reprise) pingen als Intermezzi sogar nur
zarten Glockenspielklingklang. Doch gleich setzt Hamilton wieder grobe Hiebe zu rasselig
bebendem Tamburin, krakelt er wieder die Zacken und Punkte einer schrottigen
Stenografie. Zu bolzender Kickdrum hagelt es eiserne Poing-Körner. Als 'Dusk, Valley'klackklockt ein Klangfisch holzige Tropfen zu weiteren Basstrommelkicks. Bis Hamilton
zuletzt noch einmal eine Gerölllawine lostritt, hagelnden Steinschlag, bei dem sichmotorische Intelligenz in einem rollenden, crashenden Flow berauscht an anarchistischüberdrehtem Poltergeist, aber beherrscht genug bleibt für das finale Diminuendo.
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KIMMIG - STUDER - ZIMMERLIN and GEORGE LEWIS (Hat Hut Records, ezz-thetics 1010):
Kaum ein Hauch, oft nur ein huschendes Rascheln, zartes Zirpen, feines Plinken. Drahtige
Kürzel und schwirrende, neben quakig blubbernden und knörenden, die wie unter Stroman Blech reißen. Stürmische Wischer, pixeliger Eifer, windspielerisches Beinahenichts,
ferne Stimmen. Saitengespinste, gleitende Schuppen und elektronische Phantome, andenen die Zeit nagt mit nur einem Zahn. Kratzer und Schläge, zischende und abrupt
klappernde, rupfende, flirrende Hektik, Unsichtbarkeit. Art Lange greift, wie Dietmar Dathin seiner "Niegeschichte" der Science Fiction als Kunst- & Denkmaschine, zurück auf
Samuel Taylor Coleridges "suspension of disbelief'. Der hob damit die Pflicht zu
aufgeklärtem Unglauben und die als Motor des Fortschritts etablierte Ratio auf, um
spekulative und ästhetische Vorgriffe auf things to come zuzulassen. Dath aktualisiert das
noch mit dem der kategoriellen Algebra entliehenen Begriff 'Aufhebungsfunktor' als
konjunktivem Prinzip des Ver-Formens oder Vor-Formens in Fantasy, Horror & SF. Lange
zeigt Coleridges 'Als-ob-nicht' als Zugang zu den unglaublichen Abenteuern der Moderneund exemplarisch zur mit Violine, Kontrabass & Cello angestimmten Sonic Fiction vonHarald Kimmig, Daniel Studer & Alfred Zimmerlin, am 8.4.2018 live im Kunstraum
Walcheturm Zürich, mit noch George Lewis an Posaune & Electronics. Um ihre nichtidiomatische Herangehensweise von sowohl Free Jazz als auch 'Improvisierter Kammermusik' abzusetzen, zieht Lange Analogien zur nicht-kohärenten Poesie von Gertrude Stein,zu Schwitters, zum dadaistischen Ad absurdum sowie zu William Turner oder den Mobiles
von Calder. Suspendiert sind Melodie, Rhythmus und Harmonie, zugunsten von avenues ofambiguity, timbres, textures, dynamics, space & silence. Als ob sie intuitiv Stein'schen
Hinweisen folgen würden wie A chance to have no noise in or because. Oder a spectacle
and nothing strange a single hurt color and an arrangement in a system to pointing. All thisand not ordinary, not unordered in not resembling. The difference is spreading.
Verklanglichte Textkompositionen, ohne Autor. Oder mit Humpty Dumpty, in Splittern. Aber
wären, wenn ich da Duft aus Hookahs quellen 'hörte' oder ein verschwindendes Grinsen,
die Mühen der vier nicht umsonst? Weil ich proteisch Morphendes in Second-HandKlamotten stecke, statt die neue Kollektion zu bestaunen wie Mystiques Camouflagen?
Was flimmert und prickelt da wirklich?
HARALD KIMMIG One Body One Bow One String (inexhausible editions, ie-014): HK,
gerade gehört mit Daniel Studer & Alfred Zimmerlin, gehört in Freiburg zum selben
fieselschweifigen Fähnlein wie Ramsey Ameen, Billy Bang, Jon Rose, Phil Wachsmann,
Albrecht Maurer oder Gunda Gottschalk. Er hat, in den 80ern 'eingeweiht' durch Cecil
Taylor, neben dem improvisatorischen Händchen auch ein kompositorisches, vereint in derinterdisziplinären Erforschung des menschlichen Faktors in Tanz, Wort, Grafik, Klang.
Neben dem Zusammenklang als EKT mit eRikm & Olaf Tzschoppe oder Verzweigungen im
Creative_Sources-Gestrüpp in Lissabon stehen Aufführungen mit The Human Factory
Band, 2016 die Bespielung von Villingen-Schwenningen mit "MegaHer(t)zStadt" und heuer
im Juli das elektroakustische Spektakel "Position_900-Freiburg sonifiziert" zur 900Jahrfeier der Breisgaumetropole. Hier aber, eingespielt 17 Jahre nach seinem waldeinsamen "Violin Solo »Im Freien«", ist Kimmig wieder ganz für sich. Diesmal auf engem
Raum, als ein surrender Schwarm, ein tremolierender Drang in bebender Unschärfe undunbändiger Unrast, ein manueller, schwellender Strichcode, sägend, fieselnd, zuckend.
Ein Ton, tatsächlich ostinat nur auf einer Saite gefiedelt, gezirpt, geknarrt, geräuschhaftfurzelnd, manisch wetzend, col legno klappernd. Sogar ganz perkussiv, wobei der Bogenverwischt, was die Fingern krabbeln und tocken. Holz und Gespinst in Interaktion,
irrwischig strichelnd, rappelig klopfend. Keine Violine kann ahnen, dass ihr mal sowas
blüht. Wobei es ja prickelt, pikanter als das gewohnte Pizzicato, ausgefuchst auf Draht, auf
kleinstem Fleck ein Lexikon der Unruhe, mit Seiten in ppp. Und einem zweiten Band, mit
wiederum schillernden Tremoli, manisch grillend, im Wechsel von leicht und druckvoll,schnell und schneller, schabend, klopfend. Die Violine in der Nussschale. Und als
Nussknacker. Mit Kimmig als Scrat, das "Ice Age"-Cronopio, das aber zuletzt mit
knurrendem Magen in Winterschlaf sinkt.
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JOKE LANZ & JONAS KOCHER
Abstract Musette (Corvo Records,
core018, LP): Neu ist das nicht, dass
Joke Lanz sich nicht mehr im engen
Noise-Kontext bewegt: Mit Möslang,Müller, Kahn und Weber grillte er
schon 2006 Känguru-Steaks mit
Brennglas, mit eigener Meisterschaft
in der DJ-Gilde neben Marclay, Tétreault, eRikm, Dieb13, DJ Illvibe. Vor
10 Jahren landete er mit Vincent
Membrez in OZMO zusammen mit
Lionel Friedli und wieder ChristianWeber auf Unit Records. Er beschallte Shelley Hirsch mit seinem Dreh,und aus Sudden Infant wurde 2013
eine Dreifaltigkeit mit wieder Webers
Kontrabass und Alexandre Babel an
den Drums. Er versengte mit seinen
Turntables Xenofox das Fell, beim
Unlimited 2018 umkreiste er Sophie
Agnel & Michael Vatcher. Schon im
Jahr zuvor hatte er seine Scheiben in
Le Havre neben Jonas Kocher gedreht. Lanzens 12 Jahre jüngerer
Landsmann bereichert den EAIZirkel mit extremen Klängen, die er
dem Akkordeon entlockt. Mit Bruits,
die wie Schneeflocken auf der Zunge
zergehen, mit Push & Pull, dass es
nur so ächzt, quarrt, fetzt und staubt.
Hier haben sie angestaubte MusetteWalzer abrupt zerviertelt und zerachtelt, scratchend zerstückelt, zwitschernd und jaulig beschleunigt,
gackernd zerfetzt, knarrend gelooptoder in Endlosrillen verhakt. Das
Akkordeon murrt, schnarrt, fiept,
Vinyl knistert, Lanz zerhaspelt Wortfetzen, lässt eine Stimme rhythmisch
grunzen, er staucht und dehnt echte
Musettes, Loops und Repetitionen
gehen Hand in Hand. Wenn es besonders akkordeonistisch klingt, ist
es nicht von Kocher. Ungeniert ubuesk wird da gerülpst und grotesk getönst, der Balg zerknittert, aus dem
Wanst die Luft gelassen. Krrtchmvrtz!
Mrkrpxzkrmtfrz! Bei Diplodokus undallen Anthropopitheken, ein MusetteMassaker! Dazu tanzen zu wollen,
täten sich sogar Flöhe schwer.

IVO PERELMAN MATTHEW SHIPP Live in Nuremberg (SMP Records, SMP-011): Mit Goldschrift und
Magnetverschluss - wenn Hannes Selig was
herausgibt - zuletzt etwa sein Trio mit Fink &Steidle "Live auf AEG" - , dann edel. Unter Kultur &Freizeit fallen in Nürnberg auch die Konzertreihe“The Art of Improvisation” in der Kulturwerkstatt
auf AEG und ein gleichnamiges Festival. Zu dessen
zweiter Ausgabe 2019 luden Selig und Peter Fulda
mit dem Metropolmusik e.V., neben Anthony Pateras, Schlippenbach, Lillinger & Steidle oder Olaf
Rupp, am 26.6. auch Shipp & Perelman ein, um den
Stand der jazzigen Dinge weit oberhalb derAbstiegsränge in die dritte Liga aufzufächern. Das
New Yorker Duo, eines der miteinander vertrautesten, nutzte die Gelegenheit, ihr Publikum
mit einer ganz anderen Art von Lebkuchen zu
füttern, als die, auf die die Nürnberger sich was
einbilden. Mit gefühlsschwangerem Tenorsax undaufwühlendem Altissimo als Perelmans eigener
Gewürzmischung. Und Shipp als Arbeiter derFaust, wie ich ihn so ostinat noch selten gehört
habe. Aber dann auch als Krabbler, der tausendfüßerisch einen angeknockten Charly Chaplin
spielt, virtuos torkelnd, mit kuriosen Schnalzernüber die Bordsteinkante und keckem Gestelze.
Während er als holzgeschnitzter Prinz, als tanzender Barbar zu einer einzigen gehämmerten Note
stampft, quirlt Perelman die Zunge, als wäre ihre
Jazz-Show jedem Quatsch, jedem Spektakel lockerüberlegen. Sie spielen, eben noch Rabauken,
plötzlich Poeten, sie reimen Brunft auf Hirsch,
Horn auf Hupe, Hack auf Zack, der eine quiekt undkirrt, der andre pocht stur auf sein Staccato unddonnergrollt wie ein Gewitter über den Reichstagsruinen. Shipp paukt und arpeggiert, verboten
schnell, er tappt mit Clownslatschen quer über den
Zebrastreifen, er schlendert, springt, galoppiert.
Perelman quäkt und sprudelt dazu Speedlines, er
schmust, er schäkert, er kippt von Spaltklängen ins
innigste Vibrato und zu Shipp'scher Randale
wieder ins durchgeknallte Altissimo. Live geben sie
einfach alles, was Spendierhosen hergeben,
Schweinernes vom Master Butcher, mit BammBamm-Bamm-Bamm portioniert, aber auch Brooklyner Feinkost, erstaunlich verziert, ein Schmelz
auf der Zunge. Gut 55 Minuten ein Wechselbad derLaunen, exaltiert, lyrisch, nochmal aufs Unbedingteste ostinat, bis zur letzten Dampfwolke. Und auchohne das verdiente "Bravo!" verschleudern sie
noch eine hipp gewuselte, gehüpft wie gesprungene und geröhrte Encore hinterdrein.

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PETTER RYLÉN After the Meltdown (PR005): Petter Rylén stellt sich mir als a pianist,composer, youtuber, beatboxer and person vor mit dem, was er am besten kann - Piano
spielen. Aufgewachsen im östlichen Schweden, ausgebildet in Kopenhagen, hat er seine
Betriebstemperatur erhöht in Lagos, bevor er 2017 in Wales ein vorläufiges Ruheplätzchen
fand, in Newport, genauer gesagt. Führte der 35. der Lovesongs, mit denen er auf dem
Datingportal Tinder lockte, ihn dorthin? Hat, wer Klavier spielt, denn nicht eh Glück bei
den Frauen? Neben dem "Me Ran Blake, you Jeanne Lee"-Duo mit der wunderbaren
Altstimme von Nana Rashid spielt Rylén gerne im Trio mit Casper Nyvang Rask, demdänischen Leader des Slow Evolution Ensembles und Bassisten im Henrik Pultz Melbye
Trio, sowie Kresten Osgood, dem Hansdampf in allen Gassen, an den Drums. So bei"Petter Jazz", seinem Debut 2016. Und nun wieder, live in Kopenhagen, bei nur vier
Zuhörern ausnehmend intim und einander zugewandt. Mit lyrischer Pianomelancholie, auf
brummigem Bogenstrich, metallisch befunkelt. Doch dann fasst Rylén Tritt, nicht länger
angespültes Strandgut, sondern gestreift von der Idee des aufrechten Gangs. Der abererst in kleinen Schritten tribbelnd erprobt sein will, weiterhin blechern beklirrt zu nun
diskanten Strichen, gezogen von Ryléns hartnäckig klopfendem Ostinato. Das aber
träumerisch erschlafft und sich gyromantisch in kleine, schwankende Kreise eindreht, zu
denen er kurios zu vokalisieren beginnt, in zunehmend erregter Wallung. Die Osgood mit
einem Paukenschlag stoppt, für delikate Plinkplonk-Poesie, pizzicato und mit pingendem
Einfinger-Staccato auf nur einer Taste. Schmachtender Falsettsingsang und Griffe ins
hohe Pianoregister werden akzentuiert mit tickenden Beckenschlägen, und derkriegerische Beigeschmack von 'War' löst sich auf in ein Es-war-einmal. Wobei die nur 20
Min. dieser EP auch davon nur einen Vorgeschmack vermitteln. Oder ist es derNachgeschmack vom Glück als Klümpchen Schleim in einem warmen Moor? Als noch alles
nur Ufer war, als ewig nur das Meer rief?
TRU CARGO SERVICE Dear Passengers (Tiger Moon Records, TMR 007): Der in diesem
Berliner Quartett die Fäden knüpft zwischen einem amerikanischen Präsidenten undtürkischen Legenden, zwischen Mitscherlich und Melancholie, ist der Gitarrist Torsten
Papenheim, bekannt mit Rant und zuletzt seinem Solo "Tracking - Racking". An seiner
Seite am Tenorsax der Tiger_Moon-Tiger Alexander Beierbach, aktiv mit Twirls und dem
Hannes Zerbe Jazz Orchester und da ebenso wie in Brom und Gleichwiederda auch schon
mit dem Drummer Christian Marien und dessen von Derek plays Eric über I Am Three undder Insomnia Brass Band bis zum Kreuzberger Klarinetten Kollektiv einschlägiger
Rhythmik. Kontrabass spielt, wie auch bei Gleichwiederda, Bring That Thing, Wasteland
Green oder dem Max-Bill-inspirierten, rhythmisch möblierten Jazz von Fee Stracke /Instrumental Chairs die Dresdner Songpoetin Berit Jung. Bassschläge und rockender Beat
gliedern handfest das Terrain für Papenheims Gitarrenläufe, die sich daran entlang
ranken, fragil, und doch bestimmt. Ähnlich die tenoristische Stimme in ihrer Spannung aus
sanfter Glut und feurigem Gezüngel. Womit hat der US-Präsident, an dem die
Atombombenschande, der Koreakrieg und die anschwellende McCarthy-Hysterie kleben,
die hingehauchte Poesie von 'Harry's Truman' verdient? Das nachdenklich schlendernde'Melancholy Grandeur' gibt Zeit, darüber zu grübeln. Ist der Jazz als solcher schon eine
Antwort, als Gleitmittel ins Nachkriegsglück, made in USA? Die zugleich erz- undüberamerikanische Sophistication, die herzhafte, blitzgescheite Weise, wie Beierbach
Akkorde zerlegt? Die klackende Rhythmik, die Synchronschwünge von Tenor und Gitarre
und das exotisch geharfte Flimmern bei 'Efsane'? 'Mitscherlichs Zoo' mit seinenmonotonen Basstupfen, dem Wechselschrittbeat und der angeschrägten Gitarre, das,
Mitscherlichs naturferner Unwirtlichkeit spottend, mit Fuchs- und Waschbär-Spirit durch
die verwinkelten Städte streunt und groovt, ist eines von vier neu arrangierten Stücken
von Papenheims "Some of the things we could be" (2009). Blueskrumme Gitarrentwangs
stehen für den 'Tennessee'-Part von 'Esfahan', das nach Jungs Pizzicatosolo quirlig
beschleunigt. 'Interstice' kreist variabel um ein 'A Love Supreme'-ähnliches Motiv, wobei
Papenheim launig in den Zwischenräumen rumpickt. Seine ganze Ästhetik ist spitzfindig,
von den beharrlichen Repetitionen bis zu pikanter Figuration, von versonnener
Tagträumerei bis zu... - woher rühren diese spitzen Pfiffe?
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VOCCOLOURS & YOICHIRO KITA Live in Japan (Creative Sources Recordings, CS 623): Das
polyglotte Quartett spricht Quatschchinesisch und 'Zaum', Dschungelschnatterisch und
Schwitters-Dütsch. Da wäre es gelacht, wenn VocColours sich nicht auch in Japanverständlich machen könnten. Im September 2017 flogen Brigitte Küpper, Gala Hummel,
Norbert Zajac & Iouri Grankin mit dem Reisebüro Goethe dorthin, der Ninja Jockey &Shibusa_Shirazu-Trompeter Yoichiro Kita nahm sie in Tokyo in Empfang. Als eine durch
Eberhard Kranemann vermittelte Connection, durch die auch die Tänzerin & Livemalerin
Yukino Nono, Kitas Partnerin in Ko-On-Ten, ins Spiel kam. Diese Konstellation kreierte beim
10. Festival Jazz Art Sengawa 'Jungust', mit sich aus elektronisch getupftem Pianissimo
herausschälenden gilfenden, krächzenden, grollenden Kehllauten und gepressten
Trompetengeräuschen. Eine ominöse Geräuschwelt, durchblitzt von perkussiven NinjaEffekten. Mit gesummtem Gewölk und lauthals aufquellendem. Mit glossolalen Schüben undhirnrissig kakophonen Hornstößen. Mit murmeligen Wellen, dem Wutanfall eines Grimm'igenRiesen, gnomischer Panik, animalischem Tumult und Trompetenalarm. Mit lang gezogenen
Rufen und Vogelpfiffen, verzahnt mit schläfrigem Summen und rhythmischen Schreien. Meinte
man gerade, ein Pferd kotzen zu sehen, herrscht plötzlich windspielerischer Friede undEinklang in der schrägen Vogelschar. Die Japaner dürften Augen und Ohren nicht getraut
haben über die Exaltationen ihrer unberechenbaren Besucher, die alles andere als Goethe
und Beethoven exportieren. Kita mahnt mit monotonem Beat und kultivierter Trompete
deutsche Leitkultur an. Aber die legt sich an der Hörschwelle aufs Ohr und versinkt vielsagend - in Schlaf. Ist 'Yurei no Warutsu' dann das, was sie träumt? Mit noch Morgan Fisher
an Keyboard & Toys, Koichi Makigami als altem Bekannten aus Vocal Village und Keiko Komori(von Koenji Hyakkei!) an Bassklarinette beginnen launige Gespenster [Yūrei] rheinweinbeschwipst Walzer [Warutsu] zu tanzen, denn Donauwellen schwappen von der Bühne, auf
der Nipponesen und Narrhalesen sich schwesterlich verbrüdernd in die Arme sinken.
WAKO Wako (Øra Fonogram, OF157): Vier junge Köpfe des Jazz i Norge, seit 2015 vereint füreinen Sound, in dem besonders Phantasievolle schon zappaesken Sibelius, Beatles undJames Last heraushörten. Der Saxofonist Martin Myhre Olsen, noch keine 30, bläst beim
Megalodon Collective und leitet im MMO-Ensemble seine eigene Olsen-Bande, mit Simon
Olderskog Albertsen an den Drums, ebenso wie bei Operasjon Hegge und hier. Am Piano Kjetil
André Mulelid, Jg. 1991, wie, zusammen mit Olsen, bei Siril Malmedal Hauge und als Leader
eines Trios auf Rune Grammofon. Den Bass spielt Bárður Reinert Poulsen, wie auch bei KarlBjorå's Aperture und mit Albertsen im Espen Berg Trio und bei Adrian Løseth Waade. Waades
Grappelli-Geige ist auch hier, auf Wakos viertem Album, einer der Klangfarbtupfer, neben
weiteren Strings, weiteren Saxofonen, Arve Henriksen und an Vibes Rob Waring, der als alter
Hase schon seit 1981 in der Oslo-Szene umeinanderhoppelt. Jahrelange Freundschaft undSpielerfahrung kulminieren da nach Ideen von Olsen und ein paar auch von Mulelid in einem
Design mit erstmals auch Samples, E-Bass, Synthies und Multitracking. Für zuerst kleine
Wellen, den beschleunigten Puls und melodieseligen Drive von Verliebten, mit lyrischen
Streicherinnen, neckischem Pizzicato. 'Wako Amok' zeigt, mit Mulelid als Jarrett und rasantem
Tenorsax, Amor als Springinsfeld, das k rührt nur von Wako her. Das entschleunigte'Stjerneskipet' verbindet Olsens himmelwärts steigendes Soprano mit Roland-Space-Echo. Er
hupt, Piano, Bass und Drums quirlen, das Soprano bebopt, eine Flasche klickklackt, bis Olsen
mit Bariton noch ne richtig große Seifenblase knarrt. Ein Pilot schleppt trübsinnig seinen
Teppich, nur der schwerelose Pianoklingklang und das aufrauschende Becken verraten, dasser mal fliegen konnte. Danach presst Henriksen einem saxbeschmusten Bassriff-Loop seinen
Stempel auf, mit Trompete, Synthie und mitreißendem Sang. Das scheint Soprano undPizzicato zum sehnsüchtigen Tagträumen anzustecken, davon, dass Erwachsensein nichts als
Klimperei und Swing beschert. Wenn es nicht anders kommt oder endet, bevor der wuselige
Jagdhundschwung das Glück am Hasenfell erwischt. Sissel Vera Pettersen vokalisiert
elegisch von derart unerfüllter Hoffnung. Auch ins Arpeggio und Sopranotremolo schleicht
sich trotz pulsendem Schub leise Wehmut, die mit wachsender, von Vibes befunkelter
Dämmerung mitwächst. Doch 'Savage Detective' macht zuletzt mit Streicherkapriolen undüberkandideligem Sax nochmal so richtig Party. Was für eine Hochzeit von feinfühliger
Sanglichkeit und quicklebendiger Sophistication. Ein Jungbrunnen für die Hoffnung auf neue
Männer und bessere Tage.
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O Kanada! With glowing hearts...
Die literarische Welt blickt 2020 auf den wohl respektabelsten Teil Amerikas, das Norwegen der Neuen Welt, und ich kenne davon zu meiner Schande kaum mehr als 1, 2 Sätze
mit X - "Generation X" von Douglas Coupland, "NOX" von Anne Carson. Atwood, Martel,
Munro, Ondaatje, Urquhart, Boyden - Fehlanzeige, oder wieder völlig vergessen. Selbst diemörderischen Reiseführer - Giles Blunt, Barbara Fradkin, Louise Penny... - Fehlanzeige.
Was mit Leonard Cohens "Beautiful Losers" und "Der Mann aus Kanada" von Hugo Prattbegann, kam über irgendwas mit Jung'schen Archetypen von Robertson Davis und Mordecai Richlers jüdischen Witz nicht hinaus. Eher haben mir Filmemacher wie Denys Arcand
und David Cronenberg die Augen gefüttert, und mehr noch Atom Egoyan und Denis Villeneuve. Da habe ich mir sogar Soundtracks besorgt, von Howard Shore (*1946, Toronto) &Mychael Danna (*1958, Winnipeg). Beginnt da was zu klingen? Kenny Wheeler (*1930, Toronto, +2014), Paul Bley (*1932, Montréal, +2016), R. Murray Schafer (*1933, Ontario),
Claude Vivier (*1948, Montréal, +1983), Michael Blake (*1964, Montréal)? Zu speziell?
Bitte, dann gern noch prominenter: Glenn Gould (*1932, Toronto, +1982), Leonard Cohen(*1934, Montréal, +2016), Joni Mitchell (*1943, Alberta), Neil Young (*1945, Toronto),
Peaches (*1966, Toronto). Zu 'amerikanisch'? Zudem interessiert mich Musik in erster
Linie als "A Subversive History" (Ted Gioia). Und da steht Kanada ganz herausragend da,
mit den Musiques Actuelles aus Montréal und der Parole "Vive le Québec Libre". Wobei
mir jede nationalistische Betonung befremdlich wäre. Es ist die kulturelle Eigenheit, die„Canadian experience“, die mich interessiert, geprägt durch den Genius loci, das Terroir,durch Sprache & Geschichte, als frankophones (& katholisches) Erbe des 1761 im Guerrede la Conquête (die Sieger nannten ihn French & Indian War) untergegangenen NouvelleFrance. Als minderheitliche Widerspenstigkeit gegen den kulturellen Dominator, der mit
der Paranoia vor der Roten Gefahr - remember Fort William Henry! - aus der eigenen Victimization und aus rassistischer Hysterie seinerseits einen anglo-amerikanischen Antriebsmythos schuf. Nach der Beseitigung der louisianischen Schwelle mit allen exterminatorischen Konsequenzen, die James Fenimore Cooper mit dem Tod von Cora Munro als westindischem Quadroon und Uncas, dem letzten Mohikaner, düster vorgezeichnet hat. Mit
dem Bikulturellen blieb im Kanadischen neben der Opfermentalität und dem „Survival“ alsAntrieb (so Atwood) etwas Ungleich-Zwiefältiges virulent, das sich sperrte gegen die Vereinnahmung & Selbstaufgabe, die anlässlich der Wehrpflichtkrise 1917, der Unabhäng igkeit 1931, der eigenen Maple Leaf Flag 1965, des FLQ-Terrors & der Crise d'Octobre 1970,
der eigenen Hymne „O Canada“ 1980 beständig als assimilatorischer Druck im Raum stand.
Aus der „révolution tranquille“ in den 60ern ging die Identitätsvorstellung eines „kulturellen Mosaiks“ hervor und eines unhysterischen Umgangs mit asymmetrischen „dualities“ Anglo- / Franko-, konservativ / liberal, Zivilisation / Natur, USA / Kanada... Québecs Assassins des Fauteuils Rollents und im Südosten Kanadas die "Great Concavity" als Atommülldeponie, die hat sich nur David Foster Wallace als unendlichen Spaß ausgemalt.
Mitreißend und ganz spielerisch wurde dieses "Vive le" hörbar auf dem Montréaler LabelAMBIANCES MAGNÉTIQUES sowie - ab 1983 - beim Festival International de Musique
Actuelle de Victoriaville: Bei den Gitarristen ANDRÉ DUCHESNE (*1949, Montréal) und
RENÉ LUSSIER (*1957, Montréal), die, vorgeglüht in den späten 70ern bei Conventum als
Bureau Central des Utopies, mit Les 4 Guitaristes De L'Apocalypso-Bar einen unschlagbaren Bandnamen fanden. Lussier realisierte mit dem Reedplayer & Soundtrackkomponisten ROBERT-MARCEL LEPAGE (*1951, Montréal) "Chants et Danses du Monde Inaminé"(1984) als einen Blueprint der Folklore imaginaire und mit dem Saxofonisten & Flötisten
JEAN DEROME (*1955, Montréal) - als Les Granules - "Soyez Vigilants, Restez Vivants!"(1986) & "Le Retour des Granules" (1987) als weitere Klassiker der Musique Actuelle. Mein
Liebling ist jedoch André Duchesnes "Le Temps des Bombes" (1984). Wobei mich Derome
ebenso schön um den Finger wickelt, mit der Blasmusik von Fanfare Pourpour und nicht
weniger faszinierend mit les Dangereux Zhoms (etwa mit "Navré", 1996), beides mit dem
großartigen Pierre Tanguay an den Drums.
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Und da waren ja noch Wondeur Brass, von denen DANIELLE PALARDY ROGER (*1949, Laval), DIANE LABROSSE(*1950, Québec) & JOANE HÉTU (*1958, Montréal) auchals Les Poules und, mit auch wieder Marie Trudeau, alsJustine wunderbar krumme Eier legten. Mittlerweile haben
Hétu, ich empfehle da "Filature" (2011) und "La Femme
Territoire ou 21 Fragments D'humus" (2012), und Roger,
mit "Bruiducœur, Prières des Infidèles" (2005), "Pinta,
Niña & Maria" (2010) und zuletzt "Cannibale" (2018), dieschräge Musique Actuelle als SuperMusique etabliert, unddas mit ungebrochener Rock-in-Opposition-Verve. Denndas, der Spirit von Henry Cow, Faust, Stormy Six und Albert Marcœur, war ja von Anfang an der Zündfunke gewesen, everyday sound, folklore, free jazz and social protest
so zu verwirbeln, wie es auch Lussier & Co. gefiel. Lussier& Duchesne fanden für Les 4 Guitaristes dann ja tatsächlich Chris Cutler als Mit-Barfly, und in Keep The Dog
machten Lussier und Derome mit Fred Frith Furore. Auchmit Lars Hollmer, R.I.O pur mit Samla Mammas Manna,fanden sich die beiden gemeinsam auf der Bühne im
Looping Home Orchestra. Nicht ohne die eigene Ambitionzu Musiques actuelles in XL: Derome etwa mit "Confituresde gagaku" (1988), Duchesne mit "L'ou'L" (1989), Lussier
mit "Le Corps De L’ouvrage" (1994), Lepage mit "La Machine à explorer le tempo" (2003).
Derome und das Label MONSIEUR FAUTEUX M'ENTENDEZVOUS? beglückten mich mit der gewitzt populären Blaskapelle FANFARE POURPOUR, mit Akkordeon, dem Geiger
Guido Del Fabbro, der auch mit ROUGE CIEL grandios rockte, dem Saxofonisten Damian Nisenson. Der Metadrummer
MICHEL F. CÔTÉ (*1958, Montréal) alias Mecha Fixes Clocks
besorgte mit Bruire (mit Martin Tétreault & Lepage oder Derome), Pink Saliva und Klaxon Gueule (mit jeweils ALEXANDRE ST-ONGE & Gordon Allen bzw. BERNARD FALAISE)
und mit dem Label &RECORDS ästhetische Updates, absurde, bruitophile Art-Brut-Bricolagen mit Dubuffet als
Spiritus Rector. Falaise dockte mit guitar, banjo & keys an
bei MIRIODOR, Quebecs Maß der Dinge in Sachen Artrock,
Docteur St-Onge mit basse, voix, électroniques & seinenubuesken Grillen bei Shalabi Effect, beide beim Ensemble
SuperMusique, Klangkörper für Derome, Hétu, Roger, Del
Fabbro et al. Niemand musste mehr weg, um wie Michael
Blake in New York mit Lounge Lizards und Slow Poke berühmt zu werden. Im Gegenteil. Lhasa de Sela kam 1991
nach Montréal, dort entstanden ihre Meisterwerke "La Llorona" (1997) & "The Living Road" (2003), dort ist sie 2010
gestorben, dort gedachte ihr Esmerine mit "La Lechuza"(2011). Dorthin kam auch der Reedgigant Colin Stetson,
heiratete Sarah Neufeld, die bei Arcade Fire und Bell Orchestre Geige spielt, und realisierte "New History Warfare
Vol. 2: Judges" (2011) & "Vol. 3: To See More Light" (2013).
Ein Kapitel für sich ist der weltgewandte Saxofonist FRANÇOIS CARRIER, der im beständigen Du mit dem Drummer
MICHEL LAMBERT ans Unknowable rührt.
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Derweil ist Éric Normand mit dem Label TOUR DE BRAS in Rimouski längst die Adresse
für musiques neuves et d'occasion (von Normand selber an einem Selbstbaubass, vonCôté, Nicolas Caloia, Philippe Lauzier, Piere-Yves Martel, Sam Shalabi...). Eine jüngere
Entdeckung ist, neben der Pianistin Kris Davis (*1980, Vancouver), aus Toronto die Trompeterin LINA ALLEMANO (*1979), die mir, ob mit Four, Titanium Riot, The Cluttertones
oder free-lancing, den Kopf verdreht. Und die dabei den Altosaxofonisten Brodie West, an
Synth & Piano Ryan Driver und an den Drums Nick Fraser mit ins Bild rückt, die in Wests
Eucalyptus oder in Drumheller kicken und trillern und über Sandro Perri und Eric Chenaux
dann auch Fäden zu Constellation spannen, wie Esmerine, wie Stetson, wie Neufeld.
Ja, ab 1997 erhob sich in Montréal CONSTELLATION
als entfesselter Ballon in die Lüfte: Heimstatt für das
engagierte Pathos von GODSPEED YOU BLACK
EMPEROR!, DO MAKE SAY THINK, FLY PAN AM,
HANGEDUP, FRANKIE SPARO, THEE SILVER MT. ZIONMEMORIAL ORCHESTRA & TRA-LA-LA BAND, dieorientalen Schätze von LAND OF KUSH, die grenzüberschreitenden Evangelien von Carla Bozulich und
Matana Roberts Spurensuche nach den Gens de Couleur Libres. Mit THIERRY AMAR und seinem allgegenwärtigen Bass, bei Godspeed, Mt. Zion, Molasses,
Evangelista, Land Of Kush, dem Klezmerquartett
Black Ox Orkestar; mit EFRIM MENUCK (*1970, Montréal) an Gitarre & Vocals, mit den Geigerinnen Jessica
Moss und Sophie Trudeau. Mit "Lift Your Skinny Fists
Like Antennas To Heaven" und "My Red Scare" alsBA's Favoriten anno 2000, "Horses in the Sky" 2005,"Against the Day" 2009 und "Sand Enigma" 2019.
Mittendrin auch Osama SAM SHALABI (*1964, Tripolis)
an Gitarre & Oud, als Leader von Shalabi Effect undLand Of Kush und gemeinsamer Nenner auch für
Molasses, The Dwarfs of East Agouza, Karkhana oder
Moose Terrific.
In Thee Silver Mt. Zion, Set Fire To Flames, Esmerine, Evangelista und Land Of Kush
erklang als sonore Konstante das Cello von REBECCA FOON (*1978, Vancouver), die sichsolo auch als Saltland der Wahrheit verpflichtet fühlt, die uns frei und die Welt neu macht.
Mit grünem Daumen und offenen Sinnen engagiert sie sich für Klima und Lebenswelt undlässt das bei Waxing Moon (CST149, LP/CD) anklingen mit 'Wide Open Eyes' und 'This Is
Our Lives'. Von 'New World', mit sehendem und wühlendem Piano und dröhnenden
Phantomen, bis zu 'New World Reprise', mit noch Cello & Orgel, reiht sie Song an Song,
mit Freunden von Arcade Fire und The Besnard Lakes zu dritt mit noch Drones, Gitarre,
Synthie, Kontra- oder E-Bass oder Sophie Trudeaus Violine, zu viert oder fünft, mit nochDrums, vereinten Bässen und Backing Vocals. So dass diesmal nicht ihr Cello, sondern
neben dem Piano ihre Stimme den träumerischen, seherischen Tenor bestimmt und eine
Melancholie in Bronze- und Kupfertönen. Als ein sonor summendes Om zu schillerndem
Cello und zartbitterer Geige, das Piano aber voller Tristesse. So wie Foons Gesang inseinem Hauchen, Flüstern, Raunen von the Essence of your beating heart, von 'Another
Realm' und von ozeanischer Liebe, in der Foon mit süßem Weh badet. Aber auch euphorisiert. Doch mit hämmerndem Piano und schnellem Beat, free from the heartbreak ofthis world. Doch mit dem Piano und dem Mond kommt die Melancholie zurück,schleppend, schmachtend, in a prison of darkness, mit Cello- und Basstrichen über die
Herzfasern und wieder süßer Violine. Foon schleckt ihre Poesie wie Ahornsirup, wie sie da
Vessels of Love / Boundless love visioniert und eine neue Welt, jenseits von Gier. Warumverläuft eigentlich Liebesmystik nicht pandemisch?
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Jay Crocker hat mit Ghostkeeper, Ray Bourne oder Jon Mckiel in Nova Scotia psychedelisch gerockt, als JOYFULTALK macht er Musik wie die als "Plurality Trip" bei Constellation
erschienene. A Seperation Of Being (CST150, LP/CD) knüpft daran an, mit wieder einem
Graphic Score nach seinem Planetary Music System - kreisförmigen und gefächerten Notationen mit bedeutungsvollem Farbenspektrum. Damit steuert er die drei-teilige Suite aus'I've Got That Trans-Dimensional Feeling Again', 'Pixelated Skin' & 'Liquified Then Evaporated'. Wie immer es das macht, es hört sich anfangs an wie Gamelan von Harry Partch, plus
Strings (von Jesse Zubot, der mit Gordon Grdina, Peggy Lee, Tanya Tagaq, Fond of Tigers
und Off World gefiedelt hat). Programmierte, hochkomplex zuckende, klopfende, pixelndeBeat- und Tüpfelmuster, dazu noch surrende Spuren, in ständigem Auf und Ab. Das mutet
auf einmal leicht orientalisch an, mit allerdings futuristischen Arabesken der Geige zu
Rhythmik 2.0. Labyrinthische Muster führen mit orgelig zuckender Oszillogrammatik,
galoppierendem Puls und delirantem Jig multipler Strings treppauf-treppab. Maximal
minimal, mit Glass, Reich und Nyman als Samenspendern.
In Montréal beim Psychpop von Sheer Agony und beim femininen, aber krachigen Dreampop von Silver Dapple Bass zu spielen, hat Markus Lake nicht genügt. Mit der 'chanteusecréole' Jef Ellise Barbara und der Transgender-Afrofuturistik von Elle Barbara’s BlackSpace rührt er an die eigenen afrodiasporischen Wurzeln. Und als MARKUS FLOATS setzt
er seinen Abschluss in Electroacoustics von der Concordia University um in sanft gewellte, immersive, aber auch einschneidend nachdrückliche Soundscapes. Mit MIDI-ästhetischen Vibes und orgelnden Harmonien, die Kirche oder Souljazz evozieren, zur synästhetischen Suggestion eines Monet oder mehr noch seiner eigenen Abstrakten Expressionistik nun bei Third Album (CST152, LP/CD). Für ein 'Again' und 'Always' auf Vaporwaves, aufparallelem Kurs zu Dedekind Cuts "$uccessor", aber mit dem Gefühl, die Zukunft sei eine
Messe wert. Als ein Vorwärts mit rückwärts gewandtem Blick und einer mit James Ferraros Hypnagogic Pop verwandten Wiederkehr von Verdrängtem. Zu monoton schnippendem Klickklack chillend in einer Dark Lounge, driftend auf orgelnden Opiumdämpfen,
aber plötzlich turbulent mitgerissen, mit wehenden Haaren, geknebelt schreiendem Mund.
Ins Immersoweiter Philip_Glass'scher Wallung, mit immer mehr gezogenen Orgelregistern. Hin zu einer stehenden Dröhnwelle, zu melancholischem Klang kristalliner Keysin dunklem Fahrwasser, in aufrauschender Brandung. Mit schnellem, holzigem Beat und(p)optimistischem Klingklang, obwohl Tempo doch noch selten eine Lösung war. Die
Bewegtheit entschleunigt daher für schweifende Drones und wieder frommes Orgelpathos, mit trillerndem Diminuendo. Bis zuletzt doch das närrisch tüpfelnde Uptempo überdem Orgel-Largo die Oberhand behält.
T. GOWDY hat sich zuletzt mit "B-Stock" (das im Funkhaus, Berlin entstand), "Vitrify Kate"und "Pachira Aquatica" sowie mit seinen Auftritten beim MUTEK 2018 zuhause inMontréal und 2019 in Barcelona das Profil verschafft, um mit seinem ambienten und
knarrig pochenden Minimal Techno bei Constellation willkommen zu sein. Mit TherapyWith Colour (CST153, LP/CD) und diesmal Musik, die seine Experimente reflektiert, sichmit der Nova Pro 100 Light & Sound Mind Machine selbst zu hypnotisieren. Er hat zuvor
schon damit gespielt, das Überich zu suspendieren, Erinnerungen zu vitrifizieren undtherapeutische Sounds zu kreieren. Ziel: a shared feeling of connection through disorientation. Mit maschinell-rituellem Zen-Duktus und Sand im Getriebe seiner Vaporwaves, mit kristallin getüpfelten Mustern. Oder hier nun mit flattrig tremolierendem Beat
auf brummigem Fond. Indem es seine Colour in Schwarzweiß verpackt, und, mit
Steve_Reich'scher Phasenverschiebung, einen hinkenden Beat loopt und dabei einenkünstlichen Singsang aufliest: wawa-wo-wawawa-wo. Uptempobeat wird kratzig undblechern interpunktiert und pochend betropft, rasselig geschüttelte und ruckend
stapfende Rhythmik ist wummrig bepulst. Zuletzt klopft Gowdy ein asymmetrischrhythmisiertes Muster, das auf eine monoton pochende Spur zuläuft. Constellation
präsentiert damit einen Exponenten jenes Art-Makings, das sich darin versucht, ein nichtnarratives Setting bedeutungsvoll erscheinen zu lassen, up-todate mit 'immersive
worldbuilding' & 'spatial narratives'. Montréal goes Metropolis.
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Der einseitige Fokus auf Québec und Montréal sollte nicht den Blick verstellen ans
andere, das Westcoast-Ende von Kanada, der by Sea, Land, and Air prosperierenden 2½Millionen-Metropole Vancouver, mit den zig Betonfingern ihrer Skyline. Der Jazzcore von
No Means No rührte daher, der Electro-Industrial von Skinny Puppy und Front Line
Assembly. Durch Lussier und Les Disques Victo stieß ich auf das dortige NOW Orchestra
und das Hard Rubber Orchestra des Trompeters John Korsrud, Sammelbecken für AhornJazzer wie den Pianisten Paul Plimley, den Gitarristen Ron Samworth, den Trompeter Brad
Turner, den Drummer DYLAN VAN DER SCHYFF, die Cellistin PEGGY LEE mit ihrem Octet,
mit Standing Wave klassisch, als Handmade Blade und in Dálava mit Aram Bajakian, im
New Canadian Art Quartet mit Blake. Ihnen boten sich ab 1992 SONGLINES (vor Ort) und
ab 1998 SPOOL (in Uxbridge, Ontario) als weitere Foren: Für Samworths Talking Pictures(mit van der Schyff & Lee), den Trompeter Harris Eisenstadt (*1975, Toronto) und sein
Canada Day Quartet, den Klarinettisten François Houle, für GORDON GRDINA, der seit
dem Debut mit eigenem Trio vor 16 Jahren mit Gitarre und Oud zwei Welten verbindet. In
Box Cutter und dem arabesken Tentett Haram hat er Houle an der Seite, im Quartett East
Van Strings Lee & Eyvind Kang, bei The Marrow Mark Helias & Hank Roberts. In Square
Peg ist er vereint mit Mat Maneri, Shahzad Ismaily & Christian Lillinger, in seinem Quartet
mit Oscar Noriega, Russ Lossing & Satoshi Takeishi, als Peregrine Falls spielt er mit dem
Bassisten Kenton Loewen, seinem treuesten Weggefährten, mit seinem Solo "China
Cloud" gewann er 2019 einen Juno Award. Seine Mitnomaden bei Gordon Grdina's Nomad
Trio (Skirl Records, Skirl 044) sind Matt Mitchell am Piano, der nicht weniger als Tim
Berne’s Snakeoil, das Dave Douglas Quintet, Jonathan Finlayson’s Sicilian Defense, Kate
Gentile’s Mannequins, Anna Webber’s Simple Trio, Ches Smith’s We All Break und dasDave King Trio auf einen Nenner bringt. Und an den Drums Jim Black, von dem ja, Dank
Ingrid Laubrock und Intakt Records, selten einmal nicht die Rede ist. Er treibt hier gleich
bei 'Wildfire' zwei Tausendfüßer vor sich her wie ein Waldbrand alles, was krabbeln,hoppeln, die Pfoten und Hufe auf den Buckel nehmen kann. Unruhe verbreitet auch sein
ameisig arpeggiertes Intro zu 'Nomad', dessen kniebrecherische Ziegenpfade alles anGelenkigkeit fordern und eine Entschlossenheit, die Stock und Stein quirlig trotzt. Bei'Ride Home' lenkt Heimweh die Finger, wobei die Gedanken wie Vögel den Fingern voraus
fliegen, die Beine aber, obwohl taffe Rocker, vor lauter Hindernissen kaum wissen, wohin.
Obwohl Grdina bei 'Benbow' besinnliche Saiten aufzuziehen scheint, endet es dochwieder fluchtartig Hals über Kopf. Black pocht bei 'Thanksgiving' auf freilaufenden
Biotruthahn, Grdina treibt ihm seine Norman_Rockwell-Flausen aus. Bei 'Lady Choral' darf
Mitchell aber doch ein wenig träumen, nur ist die Lady da kein Tramp, sondern derarabesk auf der Oud beschworene Geist von Larry Coryell.

Peggy Lee

Gordon Grdnina

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Bereits seit 1992 zieht sich in Vancouver der Klarinettenton von FRANÇOIS HOULE(*1961, Lachine) als Songline durch bis heute: von Et Cetera mit van der Schyff überPaul Doldens "L'Ivresse de la vitesse", "Cryptology" (2000) mit Brad Turner, Lee &van der Schyff, Lepages Klarinettengipfel "Pee Wee et moi" (2005) mit Lussier &Tanguy, immer wieder Benoît Delbecq oder Grdina, in Sea and Sky mit der Pianistin
Jane Hayes oder multimedial & interaktiv bei Linda Bouchards "All Caps No Space".
Auf dem Vancouver Jazz Festival 2017 stellte er sein mit dem Altosax von Nicola
Fazzini hell-dunkel züngelndes, halb italienisches 4tet ITACA vor, mit Nick Fraser an
den Drums. Und 2019 erneut, in einem vollen Tagesprogramm mit auch noch Alexander Hawkins & Harris Eisenstadt, dem Ghost Lights Quartet mit Delbecq, Grdina &Loewen sowie Grdinas Oriental-Express HARAM. Houle vertieft diese 'Orientierung'im Quartet des aus Israel stammenden Gitarristen Itamar Erez ("Mi Alegria", 2019).
Und besonders bewegend in PNEUMA, in klarinettistischer Dreifaltigkeit mit James
Falzone & Michael Winograd bei Ayelet Rose Gottliebs Songcycle Who Has Seen The
Wind? (Songlines, 2019). Die aus Jerusalem stammende Sängerin in Montréal, bekannt a capella mit Mycale auf Tzadik, singt Gedichte von Izumi Shikibu (976 - 1030),
von Forugh Farrokhzad (1934 - 67), von James Joyce 'Alone' und, namensgebend, dasberühmte Poem von Christina Rossetti (1830 - 94), das 1947 auch schon W. O. Mitchells Meilenstein der kanadischen Literatur den Titel gab. Beseelt von Wind und vonRosenduft singt Gottlieb Lamentos von Loneliness und von Ruinen, zu Klarinetten,
trembling with tears, aber auch entfesselt, mit Reißzahn und mit Punch. Kunstliederleuchtungen, statt mit blödem Belcanto mit zartem Timbre, das unter die Haut geht,
oder exaltiert, auch ohne Worte, mit Electronics von Houle, aber nie ohne Feeling.
Berührend, bewegend, begeisternd.
Doch zurück nach Montréal. Mit Shalabi Effect wurde auch das bis dahin japanoisige
Label ALIEN8 eine Adresse, wo man Set Fire To Flames (mit Sophie Trudeau an
Violine, Beckie Foon von Mt. Zion & Esmerine an Cello, Genevieve Heistek vonHangedub an Viola, Roger Tellier-Craig von Fly Pan Am und Et Sans an Gitarre) als
weiteres Montréaler Allstarensemble fand, im unwahrscheinlichen Nebeneinander
mit Les Georges Leningrad und Nadja, sprich: Leah Buckareff & -> AIDAN BAKER aus
Toronto. Dessen dröhnmeisterliche Spur führte von dort und Projekten wie Adoranund ARC nach Berlin und neuen Projekten wie B/B/S/ oder dem Hypnodrone Ensemble (mit dennoch seinem Landsmann Eric Quach aka thisquietarmy), wenn nicht
als kanadischer Diplomat, dann als Botschafter der Dröhnosphäre. Daneben sandten
UNEXPECT - think Cirque du Soleil goes black metal - aus Montréal die Botschaft:
Black Metal ist beautiful, Dank Leïlindel. Im abseitigen Saskatchewan war Black Metalà la WOLD dagegen schwärzer als schwarz.
Durch -> empreintes DIGITALes ist Montréal seit 1990 auch eine Hochburg für die an
Kanadas Universitäten seit 1959 rezipierte und von Pionieren wie Hugh Le Caine (19141977) oder Otto Joachim (1910-2010) kreierte Elektronische & Elektroakustische
Musik. Die von Pierre Schaeffer und Pierre Henry Ende der 40er in Paris initiierte
Innovation - Akusmatik, Musique concrète, Audio Art, Cinéma pour l'oreille - fand als
frankophone Erfindung besonderen Anklang in Quebec: Mit der Hi-Tech/HighbrowKlangsprache von James Andean (*1972, Ottawa), Martin Bédard (*1970, QuebecCity), David Berezan (*1967, Edmonton), Nicolas Bernier (*1977, Ottawa), Christian
Bouchard (*1968, Quebec City), Darren Copeland (*1968, Ontario), Yves Daoust(*1947, Longueuil), PAUL DOLDEN (*1956, Ottawa), der mich mit seinen 'Physics of
Seduction' und 'Marsyas' Melodies' auf "L'ivresse de la vitesse" (1994) und "Histoires
d'histoire" (2017) begeistert hat, Louis Dufort (*1970, Montréal), Chantal Dumas(*1959, Drummondville), GILLES GOBEIL (*1954, Sorel-Tracy) mit dem starken
Eindruck von "Dans le silence de la nuit" (2001), Monique Jean (*1960, Caraquet),
Robert Normandeau (*1955, Quebec City), Stéphane Roy (*1959, Saint-Jean-surRichelieu), Pierre Alexandre Tremblay (*1975, Montréal), Roxanne Turcotte (*1960,
Montréal).
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JAMES O’CALLAGHAN (*1988, Burnaby) ist darunterjung und clever genug, dass sich Augenbrauen
leichter hochziehen lassen mit den spektakulären
Sounds und extented techniques von Stücken wie'Among Am A' (2015) für Flöte, Bassklarinette, Violine,
Cello, Piano und Electronics, die einen aggressiven
Streit im Hintergrund zuspielen.
Q steht für Québec, aber auch für QUARTETSKI does
Prokofiev und die saloppe Version von "Visions
Fugitives op. 22", die der Kontrabassist & Meister der
Viola da Gamba Pierre-Yves Martel (*1959, Ottawa)realisiert hat mit dem Trompeter Gordon Allen, Philippe Lauzier an Reeds und Isaiah Ceccarelli an den
Drums (wie auch beim Ensemble SuperMusique undNicolas Caloias Ratchet Orchestra, das mit Derome
und Shalabi Montréals Before & After vereint). Und Q
steht vor allem für das QUATUOR BOZZINI mit Stéphanie & Isabelle Bozzini an Viola & Cello und Clemens Merkel an Violine, deren Darbietungen von
Kondo, Niblock, Skempton, Stiebler oder Tenney die
Ohren von Freunden der Neuen Musik spitzen. Aberbei "Le Mensonge et L'identité" (2011) verwöhnten sie
auch die Verehrer von Hétu & Derome, und mit Lepage & Lussier vergeigten und zerkratzten sie deren
Klassiker "Chants et danses... with strings!" (2016).
CHRISTOS HATZIS, 1953 in Griechenland geboren,kam, nach Studienjahren in den USA, mit 29 Jahren
nach Kanada und lehrt an der University of Toronto,
als Modern Composer, der byzantinisches Erbe undchristliche Mystik kurzschließt mit Jazz, New-Age, Pop
und der Kultur der Inuit - wie bei Arctic Dreams 1 & 2(2002/03) oder Syn-Phonia (Migration Patterns) for
Inuit Throat Singer, Arabic Vocalist, Orchestra andDigital Audio (2016). Mit dem String Quartet No. I (The
Awakening) (1994), Constantinople (2000), das als
eklektischer Mix von urban gospel with mediaeval
chant, a 19th century Sufi song with bluegrass,
Cretan folksong with viol-like writing prächtig genug
wäre als Soundtrack für umkämpfte Throne und auf
Gräbern tanzende Tyrannen, sowie mit der Ballettmusik Going Home Star gewann er jeweils den renommierten Juno. Er selber reicht als Visitenkarte
das Shakespeare-umstürmte The Isle is Full of Noisesfor orchestra (2013), als sonic fruit of our search forour psychic roots. Ganz seinem Motto entsprechend: ...start with modernism and gradually evolve
forward towards classicism, von Debussy über Mendelssohn... Aber das pfingstliche Tongues of Fire für
Percussion & Orchestra (2007) mit seinem 'Heavy
Metal'-Auftakt, sexy ostinatos, bones of rhythm und
Hollywood-Finale wäre fast noch überzeugender. Undwie wohl Wormwood (2006), Hatzis' Cantata for Bass
Baritone, Pop/ Rap Singer, Child Soprano, SATB Choir& Piano Trio, geklungen hat?
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Apropos CONSTANTINOPLE. So nannte KIYA TABASSIAN (*1976 in Teheran), der 1990 mit
seiner Familie nach Quebec eingewandert ist und dort zum Setar-Meister wurde, das Ensemble, das seit 1998 zum wegweisenden Klangkörper wurde für Weltmusik als 'Sound ofMontreal'. Mit Tabassians Bruder Ziya an Tombak & Percussion, konstant mit dem vielseitigen Pierre-Yves Martel an Viola da Gamba, meist mit Patrick Graham an Percussion,
spielt Constantinople Musik auf den Spuren von Rumi, Marco Polo, Sor Juana Inés de la
Cruz, Barbara Strozzi oder Claude Viviers „Et je reverrai cette ville étrange“. Mit Ablaye
Cissoko out of Africa, mit Lori Freedman & Savina Yannatou auf Sapphos Lesbos, mit
Musik aus dem Herzen von al-Andalus, aus Anatolien, aus dem Mexiko des 17. Jhdts., als
Korrespondenz von Marin Marais in Versailles mit seinem Zeitgenossen Demetrius Cantemir in Topkapi, mit der akadischen Sopranistin Suzie LeBlanc in der Manier von El Greco,
mit Frank London & Lorin Sklamberg klezmeresk, auf Indienfahrt mit Sufispirit, mit wieder
Savina Yannatou marienmystisch in Toledo, mit dem Klarinettisten Kinan Azmeh in Aleppo
und Damaskus vor dem Krieg (Kanada hat 2015/16 40,000 irakische Flüchtlinge aufgenommen), mit Sängern und Tänzern, um den Killing Fields und Aktienmärkten die Erinnerung an den Duft von Rosen und die Sehnsucht nach dem Garten Eden entgegenstellen.
Überall und seit unvordenklichen Zeiten, so Tabassian, bewahren Barden, Troubadours,Aşıks und Griots das Wort, als zugleich Botschafter und Friedenstifter halten sie Verbindung mit den Mächten der Natur, dem Numinosen, dem Gedächtnis der Vorfahren.
Ohne Poeten, Sänger und Musiker erlischt der schöne Götterfunke mitsamt dem
kollektiven Seelenfunken.
Der Perkussionist PATRICK GRAHAM hat in Montréal neben seiner weltmusikalischen
Abenteuerlust mit Constantinople und, mit Ben Grossman an Drehleier und wiederum
Pierre-Yves Martel, in Giant Tiger noch weitere Spielfelder: Ein ebenfalls klassischfolkloreskes bei La Nef und deren Konzeptalben wie "My Love Is Like A Red, Red Rose Chansons de Robert Burns", "The Battle of Killiecrankie", "Trobairitz" und, zusammen mit
Les Charbonniers de l’enfer, dem patriotischen "La Traverse Miraculeuse" über das
Schicksalsjahr 1759, das Seegefecht der 'Danae' unter Capitaine Pierre Bart und La
bataille des Plaines d'Abraham. Und ein jazziges mit Étienne Lafrance & Marianne Trudel
in Trifolia oder im Duo mit dem französischen Gitarristen Thomas Carbou - wenn man
deren intuitive Dreamscapes mit exotistischem Einschlag und Carbous Vokalisation undGroßeinsatz von Delay und Loops noch jazzig nennen mag. Damit nicht genug, zeigt ihn
Unnatural (Parenthèses Records, PREC12) in einer elektroakustischen Kollaboration mit
JOHN SELLEKAERS, einem elektronischen Manipulator in Brüssel. Der stammt ebenfalls
aus Quebec und hat seine Finger schon seit Mitte der 90er im Spiel, als Feral Cities, JonahHex, Meeple, Metarc, Night Sky Pulse, Xingu Hill, mit Cedric Fermont, Olivier Moreau oder
Mathias Delplanque und nicht zuletzt mit Marc Mœdea & Gabriel Séverin (von Jardin
D'usure / Silk Saw) in Dead Hollywood Stars und Moonsanto. Als minimalistisch-ambienter
Dröhner, der auf ätherisch sublimem Klangfilm durch geheimnisvolle Städte wie 'Zeropolis' driftet, der als Skywalker am Nachthimmel schlendert, brodelig verrauschte, Wellen
werfende Arcana streifend, mit einem Puls, der Morsezeichen pocht oder psychedelischeMuster tüpfelt. Music to read Science Fiction by, Old School, versteht sich. Graham gibt
den driftenden und quellenden Dröhnwellen einen irdischen Touch, mit metalloiden
Klangfarben von sirrenden, tickelnden Becken, Gongs, Klangschalen und händischem
Tamtam, das als kaskadierendes Echo verhallt ('Lacuna'). Scheppernde und donnerblechern wabernde, murrende und stöhnende Percussion wird mit Pixeln beschossen('Next of Kin'). Scharrende Laute weichen einem durchaus groovigen Klingklang, dem
Unken und zarten Dongen ausgeteilter Schläge, an die Sellekaers Dröhnfäden anhängt('Innerland'). Denkt an Z'ev, denkt an Jason Kahn. Die Dröhnosphäre als Habitat, um darin
einzutauchen, wenn auch nur keuchend ('Submerge'), oder als dunkles Ambiente zum
Fürchten, wenn Graham die Pauke da ungut wummern und knarzen lässt. Doch was ist
daran unnatürlich ('Unnatural, Pt. 1 & 2')? Graham bleibt auf seinem schrottig und exotischerweiterten perkussiven Spielplatz immer verspielter Handwerker.
Fotos: André Duchesne - Jean Derome & Joane Hétu - Sam Shalabi - Tippi Hedren & Nicole Lizée

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Aber zurück nochmal zu Ambiances Magnétiques. Zu TIM BRADY (*1956, Montréal), der mit Visions (1984) für improvisierenden Solisten und Streichorchester,
mit dem Trompeter Kenny Wheeler in der Hauptrolle, seine erste Duftmarke inToronto setzte. Den Durchbruch schaffte er aber mit sich selber und seiner Gitarre
in der Hauptrolle, mit Bradyworks und insbesondere dem Festival The Body
Electric / Guitarévolution 1997 (mit David Torn, Fred Frith, Elliott Sharp, René
Lussier, Ron Samworth, Kasper Toeplitz...). Sein Œuvre, mit Highlights wie The
Choreography of Time: Symphony #2 for saxophone quartet and orchestra, The
Guess Who Symphony, dem Requiem 21.5, The How and the Why of Memory:
Symphony #4, den Kammeropern The Salome Dancer (2005) & Ghost Tango (2015)
und Eight Songs about: Symphony #7 (2016-2017), rückte aber doch wie sonst nur
Glenn Branca die Gitarre ins Zentrum seiner Musique actuelle: Von Playing Guitar:
Symphony #1 for solo electric guitar, sampler and 15 musicians (2002) über 24
Frames for video and electric guitar (2008) bis 100 Very Good Reasons Why (2015)& 100 questions, 100 réponse (2016) für jeweils 100 (!) Gitarren sowie Désir forelectric guitar and large chamber ensemble (2016-2017), gipfelnd in As Many
Strings As Possible, Playing: Symphony #9 (2019) mit 150 (!!) guitares als Instruments of Happiness! Neben der Symphony #1 nenne ich My 20th Century (200305), mit Bradys Hommagen an John Lennon, Charlie Christian, Rosa Luxemburgund - wie auch die Symphony #7 - an Dmitri Schostakowitsch, sowie Atacama:
Symphony #3 (2012), für Chor und 11 Instrumente nach Gedichten von Elías
Letelier über Pinochets Terror in Chile als meine Favoriten.
Eine theatralisch feminine Stimme in Kanadas Musique Nouvelle & Actuelle ist dievon ANA SOKOLOVIĆ (*1968, Belgrad). Man sollte sie nicht überhören. Mit ihrem
serbischem Temperament mischte sie die Szene auf mit etwa Ciaccona (2002) und
Vez (2005), dargeboten als "Folklore Imaginaire" (Naxos, 2016) vom Ensemble
Transmission mit der durch Queen Mab, Lussier, Lepage, Derome und bei SuperMusique bekannten Lori Freedman an Klarinette. Noch größere Furore machte sie
mit dem "Ich liebe dich" in 100 Sprachen ihrer MonoOper Love Songs (2008) für
Mezzosopran und Saxofon, der Kammeroper Svadba-Wedding (2010), dem A-capella-Spaß Dring, dring (2010/ 2014) und dem durch zwei Songs der serbischen
Rockband EKV/Ekatarina Velika inspirierten ...and I need a room to receive five
thousand people with raised glasses ...or ...what a glorious day, the birds are
singing "halleluia"... (2014), gespielt vom Turning Point Ensemble (mit Houle &Samworth), auf "Thirst" (Redshift, 2015). Üppig geriet ihr auch das chakrafarbene
Concerto Evta (2017) for violin and ensemble, und Aufmerksamkeit erregte auchdie durch ein Gedicht von Philip Larkin angeregte Oper The Old Fools (2018).
Ihr Abseits in Vancouver wird JOCELYN MORLOCK (*1969, Saint-Boniface) versüßt
durch das Etikett “Left Coast Maverick”. Mit ihrer als quirky and eccentric postmodernism gelobten Ästhetik hat sie ein ABC entfaltet mit Amore (2005) für
Stimme & Piano, Asylum (2010) für Pianotrio & Aeromancy (2011), mit Bird in the
Tangled Sky & Blood, Rain, Violets (1997) sowie dem Streichquartett Big Raven(2015), mit dem Soundtrack Children of Armageddon (2008) for chamber ensemble with soprano & Cobalt (2009) for violins and orchestra, mit Demon Snail (2004)& Darwin Fish (2006), mit dem gefeierten Exaudi (2004) für Kammerchor und
Cello... bis Theft (2009), eingespielt von Standing Wave & Peggy Lee auf "LiquidStates" (Redshift, 2013)... und Zart (2006). Ihren Juno gewann sie für My Name isAmanda Todd (2018), ihrem In Memoriam für den Teenager, der sich 2012 wegen
Cyberbullying erhängt hat. Morlock zeigt eine geradezu Eloi-hafte Vorliebe fürStreicher und für zarte Flöten - bei Salamander (2012) für Flötenoktet oder dem
Flötenkonzert Ornithomancy (2013). Und überhaupt für die Music of the Romantic
Era (2005), ein Stück, dem ihre Neigung ebenso auf die Stirn geschrieben ist wie
ihrem Cellokonzert Lucid Dreams (2017) und Night, Herself (2017) für Orchester.
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Für mich weit interessanter ist NICOLE LIZÉE (*1973, Saskatchewan) mit ihrer Indierockvergangenheit mit The Besnard Lakes und seither ihren turntablistischen und cinephilen
Plunderphonien, deren Titel bereits Bände sprechen: King Kong and Fay Wray for orchestra
and solo turntablist (2004), Nosferatu for orchestra (2006), das krasse, manische Kubrick
Études for piano and glitch (2013), Hitchcock Études for string quartet, percussion, andglitch (2014), das herrlich abgefahrene, Uma-fizierte Tarantino Études for bass flute, soundtrack, and film (2015), Lynch Études for piano, soundtrack, and film (2016)... Das Kronos
Quartet spielte ihr Death to Kosmiche (2011) & Another Living Soul (2016), Standing Wavenahm Sculptress (2014) auf. Man braucht sich nur Ennio Morricone’s ghostly whistles, Slim
Whitman’s mournful yodels, and Syd Barrett’s whispered cosmic soliloquy bei Bookburners for violoncello and turntablist (2012) anzuhören oder das bei den Donaueschinger
Musiktagen 2019 uraufgeführte Sepulchre for ensemble and soundtrack, um innerhalb von
Sekunden ihre Hitqualitäten zu erkennen. Wobei naheliegt, dass es Landsleute waren, dieihr den Weg wiesen: René Lussier, mit dem Hinweis "For me, found sound comes fromcinema." JOHN OSWALD (*1953, Kitchener), der bei R. Murray Schafer, David Rosenboom
und Richard Teitelbaum studiert hatte, seit den 70ern als freier Improvisierer präsent war
mit etwa Henry Kaiser und Toshinori Kondo und der in den 90ern dann in CCMC zu Torontos
Avantpionieren Michael Snow & Paul Dutton stieß. Als Altosaxofonist. Der sich aber zudem
in den 80ern neu erfunden hat - als Plunderphoniker. Indem er - wie parallel Christian Marclay - Popmusik aufmischte als "Plunderphonics" (1988) - mit den legendären Versionen
von Stravinsky's 'Rite of Spring', Dolly Parton's 'Great Pretender' und Elvis Presley's 'Don't'- , auf "Plunderphonic" (1989) mit dem berüchtigten Michael_Jackson-Cover, mit "Discosphere" (1991) und "Grayfolded: Transitive Axis" (1994) mit Greatful Dead's darkest star.
Mit extreme twentieth-century avant garde techniques kannibalisierte Musik sich selbst,
als postmodernes "Anything Goes" (w/ Alfred 23 Harth, 1986). Das 'Ende der Geschichte'
hallte wider als "Death of Vinyl" (1991 bei DOVe, Toronto) und in 'Le Dernier des Vinyles'
auf "Muss Muss Hic!" (1991) von Bruire in Gestalt von Côté, Lepage & Tétreault. Denn neben
Lussier und Oswald fand Lizée, wenn sie da etwa Doris Day und Anthony Perkins mit-hitchcocken lässt, im "Vögel"- und "Psycho"-Thrill schwelgt und die Plunder- & Cut-up-Technik
noch mit der cineastisch-visuellen Komponente virtuos steigert, ein Vorbild auch in MARTIN TÉTREAULT (*1957, Québec). Auch der drehte seit Ende der 80er auf Ambiances
Magnétiques an Turntables, playing - so Andrew Jones in "Plunderphonics, 'Pataphysics +Pop Mechanics" - Jackson Pollock on the wheels of steel, dass es wie der letzte Schrei
klang, besonders schön auf "Des Pas Et Des Mois" (mit Côté & Lussier, 1990).
BEKAH SIMMS (*1990, Mount Pearl), die bei Hatzis studiert hat, sucht in Toronto eigeneästhetische Lösungen zwischen noisy/heavy, repetitive soundworlds, sparser textures und
Zitaten, die sie allerdings verzerrt und verunklart. "Impurity Chains" (Centrediscs, 2018)gibt davon Kostproben: Microlattice (2016) for bass clarinet, double bass, percussion, andpiano etwa, Everything is... distorted (2017) for flute, bass clarinet, violin, cello, piano, percussion & electronics oder das gitarrenfetzige Granitic (2018) for flute, clarinet, trumpet,
violin, viola, cello, electric guitar, electric bass, synthesizer & percussion. Daneben zeigen
auch The Formula (2016) for wind quintet oder with dawn in our lungs (2018) for flute,
clarinet, violin, cello, piano & percussion ihre Vorliebe für diskante Klänge und scharfe
Gesten, die nach meinem Dafürhalten die Erwartungen an Musica Nova fast etwas zubordsteinschwalbig bedienen. Bei amok (as a syndrom) (2016) for large wind ensemble,
ihrer Hommage an Fausto Romitelli, sogar als Domina, mit Knute, Krallen, heißem Atem.
Es wäre natürlich gefrevelt, würde ich nicht daran erinnern, wie alles anfingt: Mit "Eskimo"
von The Residents. Nein, Quatsch, natürlich mit der Improanarchie von LE QUATUOR DUNOUVEAU JAZZ LIBRE DU QUÉBEC 1967 bis 1974, mit dem Pockettrompeter Yves Charbonneau und dem Saxer Jean Préfontaine (*1926, Montréal), die die Libre-Fahne als Axt
schwangen. Und, zeitgleich, mit Walter Boudreau (*1947, Montréal) und L'INFONIE, dieschon durchgeknallt anfingen im Clash von Jazz, Beatles und Barock, abstrusem Pipifax,
Pathos und dessen Parodie, und mit "33" (1970), dem 'Mantra (In C)' auf "333" (1972) und"3333" (1974) so oder ganz anders, aber immer phantastisch blieben.
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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
apropos...
Sternheim, Döblin, Broch, Andersch, Grass ≠ Stifter, Robert Walser, Kafka, Amery, Perec,
Handke... Alas, poor Sebald, (fast) nichts gegen die Heiligen rechter Hand. Aber so einfach
lassen sich (angeblich) kryptofaschistische Kolporteure, jüdische Selbsthasser, Konvertiten, Konfabulatoren, Opportunisten und Verdränger dann doch nicht von Untadeligen
scheiden. Weder durch ästhetisch-ethische Apodiktik (wonach ästhetische Defizite symptomatisch für ethische sind), noch durch das mit Theweleit geteilte psychosozial pathologisierende Profiling von Gefühlskrüppeln, Realitäts- und Biografiefälschern. Das sageich als Vieles-, fast Allesleser, was nicht heißt, dass ich Döblins Irrwitz oder Hans Leberts"Der Feuerkreis" schmerzfrei schlucke. Das sage ich als einer, der den „Zusammenfall derGegensätze“ dem kategorischen Entweder-oder vorzieht. Kafka träumte, aus der Kampflinie zu springen und sah Schreiben als "Herausspringen aus der Totschlägerreihe" - doch
Ernst Jünger sprang tatsächlich vom ordensbehängten Stoßtruppführer zu "einer höheren
Art der Beobachtung". An meiner Wand hängen beider Porträts. Wo bleibt da der Rigorismus? Das Scheiden der Geister? Der Spaß an der Schmäh kritik? Bitte schön: Diejenigen,
die W. G. Sebalds Rühren ans Luftkrieg-Tabu entgegenhalten, die Zerstörung sei kollektiv
nicht nur heraufbeschworen, sondern verdient gewesen, jedes "Bumsti!" ein notwendiger
und alternativloser Fall poetischer Gerechtigkeit und ein Taubenschiss im Vergleich zum
Holocaust, die sind für mich, jenseits von naiv oder zynisch, Antisapientinales in Vollendung und auch durch Bauchschmerzen über trübe Wasser auf den Viktimisierungsmühlen nicht entschuldigt. Dabei an die japanischen Brandstätten erst gar nicht zu
denken, hat damit zu tun, dass die Herrenrasse unter sich mit der Formel “One Brit isworth two Frenchies or a hundred Wogs” rechnet. Well - “Life is cheap in the Orient”,
nekrometrisch hyperinflationär sogar, mit Zigmillionen, die in Britisch-Indien in den El Niño
Famines krepierten, doch ebenso nur Fliegenschisse wie die Kadaver-Hekatomben in
China bis hin zu Maos 'Großem Sprung'. Wer aus den Schandtaten des Monstroteratus
Furiosus (der Gräßel-Wüterich, der sich selbst Homo Sapiens nennt), die deutschen krönt(mit ner Krone aus Scheiße, aber immerhin), beansprucht in den atrozitologischen
Monströsitätsbilanzen mit 'Größter Täter' & 'Größtes Opfer' gleich beide Titel für die ungelbe Welt (vielleicht weil der 'Asian Holocaust' an Timurs barbarische Schlächtereien
anknüpft, der deutsche jedoch an die zweite Industrielle Revolution). Es spricht so oder sodoch vieles für ein Menschenbild wie bei Swift, Lautréamont, Céline, Cioran, Bjørneboe,
Horstmann, John Gray... Houellebecq? Naja, den Scheißkerl halte ich für überschätzt. Und
will ich nun zu einer miesepetrigen 'Weltanschauung' nur Industrial, Harsh Noise, Dark
Ambient, Black Metall oder Blasmusik hören? Nö. Zwar könnte ich endlos darüber klagen,dass Musik eher zu wenig als zu viel von Bäumen redet - seit Brecht hat sich da einiges
verdreht. Und kann es jemand entgangen sein, dass ich seit 35 Jahren Rock in Opposition,
Musiques Actuelles, Folklore Imaginaire, Fire Music und Sophisticated Music allen anderen
Musiken vorziehe - von Mahler und Ives mal abgesehen? Aber würde ich deswegen die
Nachfahren von Josefine, der Sängerin aus dem Volk der Mäuse, knebeln wollen wie Troubadix? Nie und nimmer. Ästhetischer Reduktionismus = atmendes Klarsein, stiller Protest(möglicherweise). Es soll als Rigorosität genügen, was alles NICHT in BA vorkommt. Lieber
gebe ich vielen schwachen Musiken Asyl. Denn hält nicht die schwache Wechselwirkung
das Universum zusammen? Und wird nicht die Kraft in der Schwachheit vollendet, madeperfect in weakness (2. Korinther 12:9)? Bei Walter Benjamin steckt hinter den Schachzügen der Geschichte ein buckliger kleiner Zwerg und - Agamben hat das hervorgehoben in der Vorstellung des Glücks wirkt eine "schwache messianische Kraft", die, hauntologisch, durch die Zeit huscht. Als das Andere jenes Fortschritt-Sturms, der Benjamins
Engel zaust. Auf einen Zustand zu, der sich nicht durch Kampf und Sieg bewerkstelligen
lässt, sondern durch "Unterbrechung", "Notbremse", "Stillstand", Windstille, ein dem Wu
Wei der Wahrhaft Schwachen verwandtes Als-ob-nicht. Was ja immerhin schön gesagt ist.
52

attenuation circuit (Augsburg)
Frogs Rain, Humanimal, Songs of a Dying Species, Insect Apocalypse, Frogoroth, Sixth
Mass Extinction, Post Homo Sapiens (ACU 1017, CD / Etched Anomalies, ETCH 03, Cass) DAVE PHILLIPS schraubt weiter an seiner Kritik an der Anthropozentrik, die sich abspaltet
von der Koevolution mit dem Empfindungsvermögen alles Lebendigen und zunehmend das
jahrmillionenalte Geben und Nehmen der Ökosysteme stört und zerstört. Seine Sicht wird
dabei zunehmend dystopisch, und ist es noch Warnung oder schon Drohung, wenn er dem
Anthropozän nichts Gutes prophezeit? Weil Homo Sapiens seine Maßstäbe verabsolutiert,
um den Preis ständiger Verdrängung in einer Spirale zunehmender Anästhesie. Woher
rührt die Schmerzunempfindlichkeit und Gleichgültigkeit darüber, dass die natürliche HiFidelity untergeht in Dauerlärm und Müll, Müll und noch mehr Müll? Dem entgegen stellt dp
als Fan von Jerry Goldsmith - dem er 'Metamorphosis' widmet - seine Omen, sein Loving
the Alien. In Gestalt von Bruder Frosch und selbst von Insekten als fernen Verwandten
vom Stamm der Gliederfüßer, deren Mimikri und Symbiotik mit der Pflanzenwelt er alsbiosemiotische und in Phytognosis eingebettete Lektionen dringend empfiehlt. Ohne Mutualismus kein Überleben. Ordovizisches Massenaussterben - Ursache: Kontinentaldrift +Eiszeit; Kellwasser-Ereignis - Ursache: Megavulkanismus + Meteoriten; Extinktion an der
Perm-Trias-Grenze - Megavulkanismus des Sibirischen Trapps; ... an der Trias-JuraGrenze - Asteroidenimpakt + Vulkane; ... an der K-P-Grenze - Chicxulub-Einschlag + Dekkan-Trapp; "The Sixth Extinction" (Elizabeth Kolbert) - Ursache: Homo sapiens. Dagegeninszeniert dp sein Ritual, mit monotonem Trommelschlag und gutturaler Stimme, eingesenkt in eine bienenschwärmerische Insekto-, ja Faunosphäre, mit einer Nymphe, die
darüber lacht, wie dämonisch Pan da wieder tut. Auch paukendes Dongen und sirrender,
hochtourig sausender Noise werden infernalisiert durch eine panische Stimme undgarstiges Krähen und Blöken. Ein Monstergrummeln wie von Sauriern geht über in ein
gezupftes 'Dies irae', auf dem wieder Krähen sitzen. In brodelige Ursuppe spuckt saurer
Regen, Feuer knistert, und dp denkt nicht daran, Natur von Noise zu scheiden und zur
Idylle zu schönen. Er gongt den Kessel, der ebenso Zaubertrank wie Gift enthalten kann.
Und lässt zuletzt eine Sopranstimme zum Himmel schreien, zu elegischen Pianotönen,Insekten, Vögeln und dem eigenen Keuchen. Ecce Homo!
Mit Hominine Parts 1 to 3 (ACU 1018) verdichten Joe Raimond und Sascha Stadlmeier die
Ereignisse um DOC WÖR MIRRAN im Herbst 2017. Nach "Un-Art-Ed" und "Alternative
Facts" mit Konzerteindrücken vom 13. 10. in München und vom 14.10. in Augsburg nun mit
einer Studiosesion am 3.12. in Fürth. Mit, zu Raimonds Gitarre & Synthie und Stadlmeiers
Samples & Bass, wieder Adrian Gormley am Saxofon, Michael Wurzer am Synthie, Stefan
Schweiger an Samples, Theremin & Percussion sowie, als besonderem Gast, Frans De
Waard mit Radio, Kassetten & Electronics. Die 168. Veröffentlichung von DWM ist
gewidmet dem Gitarristen Gary Duncan (1946-2019), dessen Spiel mit John Cipollina
Quicksilver Messenger Service geprägt hat. Hominine meint schlicht Menschen, und
Raimonds Artwörk zeigt einige Exemplare der Spezies. Die Jam-Session zeitigte einenSoundscape-Triptychon elektroakustischer Psychedelik, in der sich träumerische
Saxofonlyrismen paaren mit bruitistischer Sonic Fiction. Mit quellenden und morphenden
Dunkelwellen, Zwitschermaschine, gurrender Vokalisation. Unheimlichkeiten von unterhalb der Schädeldecke. Nicht so narrativ wie bei Philip K. Dick, aber strange enough, mitsirrenden Spuren, gedämpftem Pulsieren, schillernder Oszillation, brummigen Impulsen,
in egofugaler Drift. Im Windschatten von Gormleys Saxofon, dessen Sound aber nicht sostandfest ist, dass ihn nicht Kaskaden davontragen. Auch der Dauerton, den er zu holzigen
Verwerfungen, metallischem Klingklang und changierenden Dröhnwellen anstimmt, ist
Wellen und Wind ausgeliefert. Und dann wiehert auch noch ein traumfahles Ross, zu
glissandierendem Thereminalarm. Gormley tremoliert und kaskadiert, die Traumwelt isterschüttert und in aufgewühltem Delayfluss, dräuend beknarrt, das Saxofon diskant
zugespitzt, ein Bullroarer schwirrt. Ein Flow aus sirrenden, pfeifenden, dröhnenden
Kreisen und Wellen, die, O Mensch! Gib acht!, in der Dämmerung verhallenhallenhallen.
53Live @ KunstbeTrieb Wien, 14.05.19. Wien? Ich dachte Wien ist tot? Ja mei, dann muss
man's halt improvisieren: SASCHA STADLMEIER mit Gitarre, Bass, Samples, Holz & Draht,
am E-Bass THE BASSENGER, das ist Julia Zemánek, DJ Lady M, die bei Phal:Angst und an"Planzengenitalien" rumgespielt hat und 2018 auch schon beim Re:Flexions Sound-Art
Festival in Augsburg. Der dritte Mann bei Distanz Stillstand Überwindung (ACU 1019) ist
GILBERT «Killbird» MEDWED, der etwa bei Lovejunkie und Kill The Dead trommelt und bei
den Unknown Lovers auch schon mit Zemánek. Er generiert dazu noch Synthienoise,
beide Wiener sprechen, Stadlmeier spielt weitere Stimmen zu. Heulenden Noiselinien
durchstoßen kaskadierende Basswellen, monoton bepocht und durchloopt von wiederholtem "Du rutscht mir durch die Finger... ist schon gar nicht mehr wahr". Das steigert sichin rockige Aufwallung, fällt aber zurück in das träumerische Selbstgespräch. Gefolgt vonfragilem Klingklang auf schnarrenden und vibrierenden Impulsen, von erst kreisendem
Automatenbeat, dann rockigem Drumming auf dumpfstem Subwooving. Medweg spricht
von unaussprechbarem Sinn in ameisenhaftem Stimmengewimmel und von der Anflutung
einer Zeitwelle von 1923 her. Die, dunkel angerockt, in Stimmengewirr mit Zemánek
widerhallt. Unscharfe Impulse und dröhnend 'atmende' Wellen operieren als psychedelischer Funktor und trüben das Bewusstsein, der träumerische Bass umspielt emsig
wichsende Schabgeräusche. Bis wieder dunkle Brandung aufwallt von unter Strom stehenden Saiten und das Schaben zu grooven beginnt, aber die drei doch den Beinahestillstandvorziehen. In Wiener Dialekt ist die Rede von kannibalisch brutalen Märchen, von derVielfalt der Bewegung, der Spannung von Ding und Denken, der Verquickung zur Vieldimensionalität. Oder alles nur Makulatur? Psychotrone Stagnation wird überwunden
durch Detonationen von Bass und Gitarre. Aber gleich wieder kleine Gesten, Poch- und
Schabgeräusche zu welligem Auf und Ab. 60 Strohmänner landen so im Feuer der Alten.
Nur die Bohne überlebt, wenn auch mit schwarzer Naht.
David Leukert arbeitet in Freiburg seit gut 10 Jahren als GRODOCK auf den Hoch- & Tiefbaustellen der Noise Culture, live und kassettentäterisch zwischen Dark Ambient und Musique concrète. Der Sog / Kollaborationen (ACT 1054 / Grubenwehr Freiburg, GW/FR:14,
Cass) zeigt ihn, signalrot marmoriert, unter Druck und überflutet, Seeufer und Vogelstimmen überrauscht von was anderem als Wasser. Mit 'Fluggeschwader über dem Lago Maggiore' als baustellenlärmig rumorender und dröhnender Störung gebuchter Urlaubsfreuden und aggressiv industrialem, impulsiv zuckendem Noise-Furor als 'Schlag ins Gesicht'.
'Kreiseltanz' loopt melancholisch und jault komisch, zwischen Musik, Werkstatt und
Schweinestall und wird brausend hingejagt zum 'Vorgartenritual' als dumpfem, vogelig
bezwitscherten Tamtam. Zurück ans lappende Ufer, aber statt dessen weggeblasen vonSandstrahlnoise. Wenn Grodock so den Raum zwischen Wunsch und Wirklichkeit besetzt,
lässt er bei 'Die dritte Grube' (mit dem Post-Industrial-Veteranen Dieter Müh aus Devon)
wieder Melancholie einsickern, mit ferner Musik, die sich in der Erinnerung dreht. 'Rausch'bringt (im Krach & Stahl-Verbund mit Flutwacht) bepulsten Krach, massive Verstörattacken und dunkle Dröhnung. 'Die Omnipotenz eines Hundewelpens' kehrt (mit Oba Boba)
zurück zu Melancholie und Komik und kommt dabei, zu harmonischen Dröhnwellen undprimitiver Percussion, auf den Hund. Doch 'Wogen' setzt zuletzt (mit Felix Mayer) den Akzent nochmal auf fiese Kakophonie, fällt sich nun aber selber in den Arm, mit stöhnender,
dröhnender Harmonik als brummigem Ambiente voller Trompetenwehmut.

54auf abwegen - edition DEGEM (Köln)
Die von Till Kniola mitverlegten Editionen der Deutschen Gesellschaft für Elektroakustische Musik haben jeweils einen Kurator und jeweils ein - mehrdeutiges - Thema:"Grenzen", "Escape", Beats ... DEGEM CD 17: Transit (ed08), kuratiert von Michael
Edwards & Thomas Neuhaus, dreht sich um Verwandlungen, Übergänge, technologische, gesellschaftliche, historische. Musikalisch wurde das schon von John Coltrane
und Cecil Taylor thematisiert, von Underground Resistance, Jeff Buckley und Fennesz.
Jürg Solothurnmann nannte sogar ein Quartett In Transit. Bei '13C2=[♄]' [d. h. 2 aus 13
Chronometrie], dem ruckelnden Gezuckel von Klarenz Barlow, muss ich mein
tropfendes Hirn die Nase hochschniefen, nachdem es durch 78 Zweierkombinationen
aus 13 Tonspuren mit 12-Puls-Metren und chromatisch steigenden Hz-Spektren in Rotz
verwandelt wurde. Das Stück hätte auch bei "drop the beat" gepasst, aber das ist halt
die vielsagende Mehrfachcodierung der Neutönerei. Dirk Reith, mit Jg. 1947 einer derAltgedienten, transformiert bei 'scattered voices' rauschende und glucksende PseudoSprachklänge in knattriges Drumming. Clemes von Reusner schnitt für 'KRIT' einhaarfeines Stück von Sanskrit ab, um dieses Haar nochmal zu spalten und inhauchenden Wooshes zu verweben. Durchsichtigkeit ist dabei kein Krit-erium. Thomas
Gerwin, Leiter der AG tiefKLANG des Berliner Unterwelten e.V. und Klangkunstfestwirt, kocht in seinem 'Alchemic Process VI - materia prima' ein hochenergetischprasselndes Rubedo, das bei Überdosierung abzustürzen droht ins anfängliche
Nigredo als 'weiß rauschender' Massa confusa, in der Hunde bellen, Babies plärren,der Wind faucht. Auch Monika Golla & Nikolaus Heyduck spielen bei 'Transitus',
schabend und dröhnend, mit Überlastung und Exitus, dem Umschlag von Schönklang
in Störung. Jan Jacob Hofmann schaltet bei 'Nocturnal Transit_remix' das visuelle
Primat ab, wie künstlerisch erprobt bei der Luminale 2018 in Frankfurt, wo die Straßenbeleuchtung der Rosa-Luxemburg-Straße abgeschaltet wurde für eine Erfahrung derNacht, nur mit rhythmischen Impulsen und Vogelstimmen übers Autoradio. Johannes
S. Sistermanns, der, Jg. 1955 wie Gerwin, in Köln dem Übergangsraum e.V. mit vorsteht, sucht bei 'UnKnown' in vagen Klangschatten und windigen, zischenden Schüttungen am Meeresufer einen Anfang und eine Vorform des Transits, der, ebenso wie er
als öffnendes Suchen lockt, als schlie ßendes Finden droht. Hans Tutschku schließlich,
Professor für Komposition an der Harvard-Universität und weltweit gefragter Lehrmeister der Elektroakustik, der unternimmt bei 'Spannungsresonanzen', mit Kandinsky
als Reiseleiter, eine hörspielartige Zeitreise in das Bauhaus-Weimar von vor 100
Jahren, mit den Ohren als Brücke ins Eigene und ins Künftige.

Auch mit Jochen Schwarz hat sich Till Kniola zusammengetan, um dessen 2003 auf Die
Stadt begonnene »Asmus Tietchens Rerelease Series« doch noch zum glücklichen Abschluss zu bringen. Mit nun Teil 17, dem finalen S, in Gestalt von Monoposto (aatp 71 /DS 120), dem Miteinander von ASMUS TIETCHENS mit CV LIQUIDSKI, eigentlich
Andreas Hoffmann (1957-1998). Dass der Grafiker, Musiker (mit Cinéma Verité oder
Rossburger Report) und Hamburger Szeneschreiber (als Paul Coon etwa einer
Kolumne im INTRO) sich für den Tod schnell noch clean und schön gemacht hatte,
entsprach ganz dem 'Prinzip Hoffmann'. Mit anderen Worten: 'Einfach Helden'. Wobei
der hanseatische Humor von 'Junge Hoden' und 'Mit dem Zombiebus ins Totenreich
der Killermumien' bei Dragnet/DOM Elchklang, wo die Scheibe 1991 herauskam,besonders offene Ohren fand. Mit Hoffmanns Gitarrensound, von Tietchens rhythmisiert und durch Treatments drangsaliert, mit fortbestehender Freude an heulendem
Elend, knurrig loopender Lakonie, surrendem Tremolo, tief melancholisch im stumpfsinnigen Fortgang der Dinge. Bei 'DDR' und 'Vergessene Jungens' mit der Anmutungeines Akkordeons, bei 'Fraueninnenhygiene' mit der von verzerrten Stimmen, bei'...Helden' mit gehämmerten Clustern, zuletzt mit Neil-Young-Anklang. Und dazu nun
einem stampfenden sowie einem dumpf schlurchenden Bonus-Track.
55

E-klageto - Psych.KG (Euskirchen)

Ausgangspunkt von Session #43 Recomposed (Exklageto 20 / Ecocentric Records, E.R.
#210) ist, der Titel sagt es ja, die 43. Industrial-Drone-Beat-Session von Manuel Schaub &Matthias Weigand, kurz XQM, die Schaub mit Sequencer, sein Partner mit Analogsynthie
und beide effektvoll bestritten. Schaub trommelt auch Black Metal in der Kölner Band
Ultha, Weigand mischt schon seit Anfang der 90er mit, als Seven Minutes Of Nausea mit
Mick Hollows, mit schon Schaub als End Of Silence, mit Ecocentric Records in Koblenz.
2015 begann die Session-Reihe von xqm, die sie ähnlich durchnummerieren wie Carsten
Vollmer seine 'Arbeiten' oder Hellmut Neidhardt seine N-Reihe. Sie landeten damit, im Split
mit Hiroshi Hasegawa, auf "Metastasis / FLUXUS +/-" (2016/2017) bei Psych.KG und mit
den Sessions #36 & #52 bei Attenuation Circuit. Kein Zufall daher, dass E∑ERGE ihre 20:24
zu 'Trover' (17:48) rekomponiert hat. Auch Tilmann Jakob, einschlägig bekannt als LDX#40(oder auch als Brigand Oaschloch), war, etwa mit "Struggling" (2017 -> BA 95), schon bei
den Augsburgern zu hören. Er verwandelte in Frankfurt, mit Kunstscheisse im Kopf undmehr oder weniger lisdexamfetaminal, die 'Session #43' - die vom 2018-07-05 datiert - inseinen 'Pangea Mix' (15:42). Der '#43'-O-Ton hebt an als surrendes, rauschendes Brausen,
das, leicht changierend, anschwillt. Als Klangbild, in dem die natürliche Suggestion vonRegen und Wind vexiert mit einem industriellen Lärmpegel, und das sich beides einverleibt. Als dröhnminimalistischer Soundscape, in sonorer Langwelle geschichtet aus grummeliger Tiefebene, rauschender Mittelschicht und einem feinkörnig sirrenden, in sich fluktuierenden Surren. Das, halluzinatorisch, Spatzentschilpen, Krähenpalaver, Funkstimmensalat oder einfach ein metalloides, funkeliges Glitchen dreht, wendet und schüttet. Emerge
hebt daraus eine dunkel tremolierende Spur hervor, er taucht submarin unter, in ein traumartiges Ambiente mit gedämpften Stimmen, harmonischen Phantomen, metalloid pfeifenden und flüssig quallenden. Wie Überreichweiten von Radiofrequenzen, in die Krähen,Funkstimmen und quarrende Frösche sich einmischen. Mit balsamisch orgelnden Dröhnwellen, in die Tierstimmen und verzerrter Gesang einbrechen, tschilpende Schnäbel,dumpfes Grollen, vordergründige kleine Geräusche, Stimmengewirr. LDX#40 mischt sonore, sanft pulsende, brummig surrende Basstöne zur hintergründigen, aber ständigen undsogar anschwellenden Präsenz der sprudeligen xqm-Spuren. Die sich quellwassrig, vogelig, schiefrig splitternd ausschütten, eingesäumt von einem finalen Klingklang wie voneinem gedämpften Carillon. Allerhand Futter für die Imagination, möchte ich meinen.
Und daher scheue ich mich nicht, das den Abonnenten der BA 105 als Dreamscape ans
Ohr zu legen.
56

Was für ein Kunst- und Sammlerstück offeriert Matthias Horn denn dawieder, als Psych.KG 505 Art-LP! Mit dem Titel Kupfer Till Mingwave auf
einer Kupfertafel in Reliefdruck. Und mit einer der sensationellen AntiLPs mit psychedelischem Dripping von Heike Zimmermann alias Frau
Unbekannt. Als Picture-Verlockung für den eigentlichen Tonträger, eine
12" mit zwischen abstrakt und konkret changierendem Noise von THE
HATERS. Eine brausende Klangwand wird mit Flaschen - oder Mingvasen? - bombardiert, die klirrend und mit spitzem Krachen zerplatzen.
Die zusätzliche Illusion eines brausenden Zugs und von schrillen Vogelschreien wird ausgehebelt mit Schwirrschlauchschwingungen. Der
brodelnde Pt. 2 pulst als schwingende Welle, der dunkle Brodem führt
weiterhin Laute mit sich, die an monotone Vogelschreie erinnern oderan ein quietschendes Scharnier. Mit zuletzt erneut dem schwirrenden
Whirly Tube, zu Geräuschen wie zermantschter, in Spucke zerkochter
Sprache. Pt. 3 verschüttet unter den Glasscherben rhythmische Rufe,
ein raues Staccato wie von einer verzerrten Version von HETs 'Throw
out that rag', schlurchend und zermalen, als panischer Tumult, oder als
Wookiee-Party. Auch die vierte Szene bombardiert einen im Dauerbeschuss mit Glas, zu geloopten Bremsgeräuschen und anhaltendem
Sirenenalarm. GX Jupitter-Larsen, der über allen Dada- & Situationismus hinaus insbesondere Allan Kaprow, Béla Tarr und Henry Darger
verehrt, wird als einäugiger Veteran des ewigen Kriegs an der Noisefront im März 61 und freut sich immer noch diebisch über jedes Blipeiner Permawave that pops along the polywave. Merke: The mingwave
is the distance between thought and language. The xylowave is the
distance between something and nothing. The romawave is the
distance it takes for something to be forgotten. The polywave is selfcontradictory movement. Doch Entropie ist das schwarze Loch um das
alles kreist, ob Jupitter-Larsen nun Hunderte von LPs zerschoss,
Bücher zerriss oder Glasscheiben zerdeppert. Die La Brea Tar Pits
ständig vorm Auge, begegnet er dem Verfall mit Gelächter und offenen
Armen. Doch den Ruin zelebrieren und beschleunigen, ist vom subversiven Potlatch und Joker-Spaß der 80er längst rekuperiert zum
heute allgemeinen Après nous. GX macht daher weder alte Jokes nochneue Statements. Er nennt, was er macht, einfach a journey.

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Karlrecords - Zehra (Berlin)
MUHAL RICHARD ABRAMS? Karlrecords wird ja, gut beraten von Reinhold Friedl,
immer waghalsiger. Während Pi Recordings mit "We are on the edge" das 50th
Anniversary von The Art Ensemble Of Chicago feiert, mit Famoudou Don Moye, Roscoe& Nicole Mitchell, präsentiert Celestial Birds (KR070, LP) den AACM-Erzvater: Auf der
A-Seite, an Piano & Klarinette, mit 'The Bird Song'. Es ist das die B-Seite der 1968er
Delmark-LP "Levels and Degrees of Light", Abrams' Debut als Leader, mit Anthony
Braxton an Altosax, Maurice McIntyre an Tenorsax, Leroy Jenkins an Violine, Leonard
Jones am Bass, Thurman Barker an den Drums. 1930 in Chicago geboren undeingetaucht als Pianist & Komponist in Blues-, R&B- und Hard_Bop-Routinen, war 1957
seine erste Aufnahme mit MTJ+3 entstanden. Dass Abrams an den Rosenkreuzern
schnupperte, wie einst Erik Satie, und sich in Nummerologie vertiefte, war ein erstes
Indiz für sein Ungenügen am Gewöhnlichen. Die Lektüre von Joseph Schillinger (18951943), dem aus Charkiw stammenden Musikguru, beförderte ihn anfangs der 60er dannrasch selber zum Mastermind, mit der Experimental Band als Versuchslabor, in dem
sich die 1965 gegründete Association for the Advancement of Creative Musicians(AACM) anbahnte. 1967 stellte er seinem Namen Muhal voran = Nummer Eins, quasi ein
Ausrufezeichen zur LP. Braxton, darauf ebenso ein Frischling wie Jenkins und Jones,
folgte, zu viert mit Abrams, Jenkins und Wadada Leo Smith und ebenso denkwürdig, mit"3 Compositions of New Jazz". Der Rest ist nicht bloß Jazzgeschichte, sondern die
Selbstbehauptung schwarzer Musik als ausnehmend sophisticated und emotiv. Ausgespannt zwischen einer Malcom_X- und einer universalistischen Y-Achse, zwischen
Abrams' eigener Wühlarbeit am Piano - von "Afrisong" (1975) bis "Vision Towards Essence" (2007) - und etwa dem komplex 8-stimmigen "View from Within" (1985). Ausgefaltet vom Art Ensemble of Chicago, von Henry Threadgill, George Lewis, Wadada
Leo Smith, bis hin zu Braxtons Gropius-Bau-verschachtelter Ghost Trance Music "Sonic
Genome" beim Jazzfest Berlin 2019. Vor 51 Jahren zieht Altissimo die Ohren lang,David Moore rezitiert Poetry, die Geige zirpt und flageolettisiert zu weiteren diskanten
Tönen, tremolierendem Becken. Das Kollektiv crescendiert, Vögel tschilpen, Glöckchen
klingeln - I've a feeling we're not in Kansas anymore. Illinois? Sillynoise? Als kakophoner
Kollektivkrawall mit frenetischem Saxgesang, wildem Geklingel und Getrommel,
maximaler Verdichtung, größtem Spaß an Krach-as-Krach-can, der, zwitschernd undjaulig fiedelnd, erst nach 22 extraordinären Minuten verhallt. Ja was für Vögel sind(waren) das denn? Aus "The Hearinga Suite" (1989), an sich mit dem hochkarätigen The
Muhal Richard Abrams Orchestra eingespielt, wurde das Synthie- & Piano-Solo'Conversations With the Three of Me' ausgewählt - Pianoakkorde, die mit viel Nachhall
den Raum ausloten, die zugleich die Höhen und tiefste Tiefen ausreizen. Bis plötzlich
nur noch der Synthie wilde, brodelige Klänge spuckt und pustet. Mit 'Think all. Focus
one' erklingt das finale Synthiesolo aus dem gleichnamigen Septett-Album von 1995. Da
staksen nur Synthieklänge launig umeinander und stürzen sich in ein närrisch zum
eigenen vielgliedrigen Gliederfüßergamelan tanzendes Arachnoidengetümmel. Mit
launiger, nochmal krachverliebt eskalierender Reprise. 'Spihumonesty', von "Spihumonesty" (1980, alle drei Black Saint), zeigt Abrams dann wieder im Ensemblespiel: Mit
Roscoe Mitchell an Altosax & Flöte, Leonard Jones am Bass, Amina Claudine Myers an
Piano, Electric Piano & Orgel, Youseff Yancy mit Theremin (als ein noch von Schillinger
ins Ohr gesetzter Floh), George Lewis an Posaune, Sousaphon & Synthesizer und Jay
Clayton - Stimme. Brummig jaulend, zwitschernd, trillernd, orgelnd, rauschend, ist das
ein Prachtstück dröhnminimalistischer Elektroakustik. Und so verblüffend nah anechtzeitmusikalischen oder zeitkratzerischen Entwürfen, dass ich am 1980 kratze, ob
nicht was zeitlich Näheres zum Vorschein kommt. Wenn die Absicht darin besteht,
Abrams als schrägen, elektronisch und ästhetisch avancierten und überhaupt polymorph kreativen Vogel in Erinnerung zu rufen - er ist 2017 gestorben - , dann ist diese
Auswahl das reinste Pfauenrad.
58

Mit Invisible Cities II (KR073, LP) bringen
AIDAN BAKER & GARETH DAVIS die Fortsetzung, den Fortgang, von "Invisible Cities"(KR045). Da hörte man sie schon vertieft in
Italo Calvino, Davis mit träumeisch tönender
Bassklarinette, Baker mit sonor summenden
Langwellen seiner Gitarre. Zartbittere, wehmütige Erinnerungen evozierend, voller Sehnsucht nach der City upon a Hill. Hieß nichteines von Bakers Projekten sogar Mnemosyne, nach dem Fluss der Erinnerung, derMutter der Musen? Nun sind es, Calvinos fünfundfünfzig Stadtbeschreibungen in Fünferreihen entsprechend, fünf Blicke. Mit Augen('Eyes') für Verborgenes, Verschüttetes ('Hidden'), und für die Toten ('The Dead'). Und was
heißt 'Continuity' - Fortbestand, Stetigkeit,
Fortgang? Hat nicht Eugen Helmlé "La Disparation" von Calvinos Oulipo-Kollegen Georges
Perec treffend mit "Anton Voyls Fortgang"übersetzt? Wo das E verschwindet, Voyl
verschwindet, eine Leiche verschwindet. Weil
die Lebenden nicht aufhören, fortzugehen, zu
verschwinden aus fragilen in unsichtbare
Städte. Calvinos Stichwörtern Erinnerung,
Himmel, Zeichen, Wunsch folgen nun die
Augen, die Toten, die verborgenen Städte unddie fortdauernden, und deren Namen ('Names').
Die Städte tragen nämlich allesamt Frauennamen, mythologische, antike oder biblische,als ein Alphabet von Anastasia, Baucis undChloe bis Zoe und Zora. Verborgen, aber nicht
unhörbar. Mit Verkehrsgeräuschen, dröhnendübermalt, melancholisch umraunt, von atmosphärischer Störung überrauscht. Als dunkles
Ambiente, dem die Urbanität, die Aktualität,
das Leben entzogen scheint. Als Geisterstädte, als bloße Erinnerung, überweht vondröhnenden, wabernd zuckenden Wellen, verschüttet unter Klangschichten. Als etwas, vondem man zu dunkler, klagender, nostalgischer
Hirtenflöte träumt, nach dem man psychoarchäologisch forscht und gräbt. Mit knarrendem, röhrendem Pathos bei 'The Dead', mit in
Bassklarinettengesang verwandeltem Schmerz,
dunkel umtost, mit eisernem Geläut. Mit Rost
auf der Zunge, an den Fingern, Welle für Welle
Wehmut, ein Trauern, ein Vermissen. Im hellen
Register findet Davis das größte Weh. Namenvergehen in Schall und Rauch, verwehen als
Asche, versinken in Sand. Und doch war da inden neun Höllenkreisen der Lebenden einer
wie Calvino, der zu erkennen suchte, wer und
was inmitten der Hölle nicht Hölle ist, um ihm
Dauer und Raum zu geben.
59Der Lyriker ULF STOLTERFOHT wurde für seine plunderphonische 'Art Bruet', seine "mitReimleim verklebten Textmixe" (nachzulesen bei Urs Engeler, Peter Engstler oder Kookbooks), schon mal als "Zitatrowdy" gelobt. "Fachsprachen" sind sein Spezialgebiet, Nassauerei sein Lebenswerk, die beste droge ist ein weißes blatt könnte sein Motto sein. Hierliefert er den Text zu Ein Strumpf wächst durch den Tisch (KR074, LP), ein Hörspiel inRegie von Thomas Weber und Iris Drögekamp und mit Musik vom KAMMERFLIMMER KOLLEKTIEF. SWR2 hat es am 2.7.2019 ausgestrahlt, die Stimmen sind die der Krimi-erfahrenen Schauspielerin Kathrin Wehlisch und des auch aus John von Düffels RadioTatort-Serie
bekannten Burgtheater-Mimen Markus Meyer. Hier sind die Schurken ein als Rumpelstilzchen bekannter Kidnapper und Erpresser. Und der Rotarmist Andreas Baader, der aus
Stammheim ausbrach, um mit Starbuck, Quiqueg, Lazarus und dem tollen Wittgenstein auf
einem Walfänger anzuheuern. Andererseits behauptet Gudrun Ensslin in Kassiber-O-Ton,
mit Wittgenstein Stroh gedroschen und Schweine zum Teufel gejagt zu haben. Unter der
Maske Geld, das Schwein. Aber ist das eine gesicherte Aussage oder nur ein Rhinozeros,
das nicht im Zimmer ist? Schwer zu be- / zu widerlegen ist auch die private Empfindung,dass das Kollektief rockt wie Sau. Psychedelisch, erzwinglich, Bilder schürend von Dampf
im Topf, Stroh im Kopf, Gold im Mund, Hals im Band. Oh Gott, welcher Mund kann das aussagen? Die Rote Armee Fraktion auf Schweinswalfang, fallweise als Harpuniere, lallendeBesenstiele, zwangsernährte Märtyrer. Stolterfoht drischt Widerstandslatein, Befreiungsstroh, stammheimlich, schnurrig, schweinchenschlau. Die Lage ist der Fall. Der Revolutionsbart wächst barbarossig durch den Tisch, erstarrt zu Stein. Erstarrt zu Schmerz,
nicht auf der Schreibmaschine zu lösen, nicht auf 'nem Plattenteller. Die Suppe ist auf
dem Tische, Punkt 13 Uhr. Philosophie der Praxis, Gefängnishefte, Wortsuppe, Wittgenstein als Blendgranate im Radical-chic-Remix. Dazu jan-carl-raspe-lt der Bass, guudruunt
das Harmonium, rumpeln die Drums. Götzenhammer, Fotzenpanik, Nierenkiste, Katzenjammer, Froschperspektive, Lebensweisen - mit dem Kampf nicht zu vereinbaren. Die SPD
als Vollstreckerin der NSDAP, nichts sonst. Wahr oder falsch? Usw. Die Macht von Namen
und Benennungen? Schwein als System. Ratte im Labyrinth. So heiß ich nicht, nein, dieseSuppe ess ich nicht. Kategorischer Wider-Geist. Dann packte es den linken Fuß mit beiden
Händen...
GIULIO ALDINUCCI again, nach “Borders And Ruins” (2017), “Hidden” (mit The Star Pillow), “Disappearing In A Mirror” (beide 2018) und “No Eye Has An Equal” (2019) lässt der1981 in Siena geborene Dröhnmeister nun Shards Of Distant Times (KR076, LP/CD) erklingen. Verschleierte Notturnos, mit wieder zartbitterem Wahn in Moll, der akustischen
Pareidolie von Phantomstimmen, unscharfen Erinnerungsfetzen, kryptischen, sich entziehenden Botschaften. Mit wieder dem Heimweh nach "a home away from home", süßlockenden Sirenengesängen. Als dröhnende Fata Morgana und Tanz der sieben Schleier: 1'Phoenix' - 2 'Fractal Tears' - 3 'Every Forgotten Word' - 4 'The Overturned Abacus' - 5 'Not
Enough Memory' - 6 'Kids Playing With Iron Slags (Beach Scene)' - 7 'Rhizomatic Realities'.
Als Thirdspace-Trips ins Futurum II. Als Memento in sieben Variationen, mit parzivalschem
Tranceblick auf Asche, Apfelmännchen, Erinnerungslücken, umgestürzte Säulen, Strandgut, Rhizomorphes. Oweh, wer hat dich mir genommen? Erst verloren, dann vergessen.
Wer hat die Schalen zerbrochen (wer schlug den Mops entzwei)? Nur Scherben, nur
Schlacke. Mit Orgelpathos in stehenden Wellen, mit deliranten Chören, fraktalsakral undligetiluxuriös. Auf die Knie vor dem schwarzen Monolithen, dem lapis exillis, dem Throne ofDrones. Dem Erhabenen jenseits von Worten, vinylzerkratzt und radioverschleimt wie bei
Harry Hallers Lektion über den lachhaften Abgrund zwischen Idee und Erscheinung,
Zauber und Notdurft. Von Rauschen berauscht, von Orgelbreitseiten überwältigt, orchestral bedröhnt, metalloid überschauert, von Pixeln beklickt. Zuletzt mit hell aufscheinenden
Erlösungsakkorden, der brausend überstäubten Anmutung von Malletbeats, mysterientheatralischen Domspatzen, deren verzerrte Stimmen in der Dämmerung verhallen.
Aldinucci zeigt sich so erneut fixiert darauf, dass Trennendes porös wird, dass die
Scheidewände zum Vergehenden instabil und zum Gewesenen durchlässig bleiben, dass
Schwarz und Weiß elsterfarben erscheinen.
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Ilpo Väisänen (ex-Pan Sonic) & Dirk Dresselhaus (Schneider TM) spielen seit 20 Jahrenzusammen als ANGEL, neuerdings: die ANGEL, und haben dabei auch schon mit Strings
Of Consciousness oder Lucio Capece und Hildur Guðnadóttir angebandelt, der heuer
Oscar-ver-"Joker"-ten. Sie aber verfolgen hier mit Utopien I (KR077, LP) wieder zu zweit
allein, wobei da Oren Ambarchi wieder kurz reinschneit, den schon mit "Terra Null." (2014)
und "Entropien I" (2017) eingeschlagenen Weg. Mit Electronics der eine, mit Gitarre derandere, beide mit Effekten. Und beide, wie es scheint, mit der Hoffnung, dass der Weg
doch nicht so dystopisch ist wie von Cormac McCarthy vorgezeichnet. Sie setzen dagegen, wie schon mit "Hedonism" (2008), auf die Heilmittel des 'Epikouros': Fürchtet euch
nicht, weder vor Popanzen noch vor dem Tod; Schmerz ist vergänglich; alles Begehrenüber das Einfache und Natürliche hinaus ist unvernünftig und macht unglücklich. Mit'Cargo Cult' deuten sie wohl ihre Skepsis an vor nur formalistischer Wissenschaft und
fetischistischer Technologie. 'Coup d'État' thematisiert, dass Staatsstreiche nicht zum
Lachen sind. Die zwei potentiell sympathischen - der Gunpowder Plot und das Unternehmen Walküre - sind misslungen. 'Khormanoupka' schließlich verweist auf G. I. Gurdjieff:
A map, as my friend Yelov used to say, is called in a certain language by the word
khormanoupka, which means 'wisdom', and 'wisdom' in that language is characterized asfollows: 'Mental proof that twice two makes seven and a half, minus three and a little bit ofsomething'. Allerhand geistig-seelisches Rüstzeug, eingebettet in knarrige Dröhnwellen
mit metalloiden Einschlüssen, die durchaus so etwas wie eine knurrige Gefasst- und Entschlossenheit ausstrahlen, wie sie da umeinander surren, von alarmierend aufheulendem
Glissando durchkurvt. Dazu kommen Geräusche, die eine pulsende Repetition umkrabbeln
und umflattern, teilweise harsch und auch wieder rau umsurrt. Der Putsch kommt dannkrass kakophon und prasselig und brodelig durchpult, mit der halluzinatorischen Anmutung aufständischer Schreie und trampelnder Kolonnen. Und der vierte Part dann rhythmisch schwappend und geloopt, mit rennendem Duktus, sirrend und furzig durchwirkt,
von Schlägen durchhallt, surrend durchwellt, wie von aggressiven Insekten oder Hitchcocks Sprühflugzeug, das Gary Grant jagt. Noch etwas post-industrialer als der Vorgänger
und nur auf die Weise ambient, die ausschließt, es sich gemütlich zu machen.
Nach "The Trance Of Seven Colors" legen die Zehra-Macher Serkan Sanli & Thomas
Herbst, der Karlrecords-Chief, einen weiteren marokkanischen Trance-Klassiker auf die
Plattenteller. Apocalypse Across The Sky (ZEHRA002, 2xLP) ist 1991 entstanden, 23 Jahre
nachdem Brion Gysin und der Maler Mohamed Hamri Brian Jones mit zum Eid al-AdhaFest nach Jajouka gebracht hatten, um mit THE MASTER MUSICIANS OF JAJOUKA zu
musizieren, mit allen weltmusikalischen Folgen und Querelen. Einschließlich eines Copyrightstreits zwischen der Hamri-Jones-Fraktion und dem Attar-Clan, Vater Hadj Abdelsalam und Sohn Bachir. Der wurde Anfang der 90er zum neuen Weltmusik-Darling, mit guter
Connection nach New York, gemanagt von Cherie Nutting, der Fotografin und Vertrauten
von Paul Bowles, mit der er zeitweise auch verheiratet war. So entstanden, mit Elliott
Sharp, "In New York" und im Januar '92 mit Maceo Parker "The Next Dream", beides mit
BACHIR ATTAR als Headliner. Und dazwischen, im November '91 daheim in Jajouka, dievon Bill Laswell produzierte Einspielung mit einem 22-köpfigen Kollektiv, darunter zehn
Attars. Ein grandioser Zwitter in festlicher Pan-ik, der Ziegengott Boujeloud tanzt mit
Aisha Qandisha, Bachir feiert Jajouka und das Andenken seines Vater. Weltgewandt
genug, die Gefragtheit der Musik mitzudenken als Weg zu Geld und Ruhm. Mit dem unermüdlich gepaukten Beat der großen T'bol-Trommeln, mit hufklappernd geklopften Tarija& Bendir und quäkenden Ghaitas als groovendem Panstanz. Oder dem ebenso mitreißenden Klampfen und Plonken der Gimbris und dem Responsorien-Gesang eines
femininen Chors oder von allen. Dazwischen die Lyrismen einer Lira, als Flöten-Konzert
mit rituellem Tamtam. Der Lira-Orgie folgen wieder frohlockende Ghaitas zu stampfenden
Bockshufen. Mit immer wieder Call & Response und hypnotisierender Repetition als den
Essenzen. Trommelnd und tanzend durch die lupercalische Nacht, oder 'On Horseback',
als reitender Bote, der Ibrahim Einhalt gebietet, seinen Sohn zu schlachten. Rata-Tam
Rata-Tam Rata-Tam Rata-Tam Rata-Tam ad infinitum...
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Midira Records (Essen)
Auf Uncoded winds below the waves (MD 068) weht der 'Grecale' von Nordost, der 'Libeccio' von Libyen her, der 'Scirocco' von der Sahara und der 'Maestrale' [Mistral] aus Nordwest. Um Nasen in Italien und solche, die das Mittelmeer befahren. In unserem Fall um dievon FRANCIS M. GRI, einem Schweizer in Mailand, DAVID GUTMAN, einem Amerikaner in
Brüssel, & FEDERICO MOSCONI, einem Musica_Nova-Gitarristen in Verona, drei, die auf
Gris Label KrysaliSound sich als geistesverwandt gezeigt haben, wobei Gutman da als
Drawing Virtual Gardens und als Tropic Of Coldness zu finden ist. Alle drei verbinden
introspektive Neigungen mit umweltsensitiven, um mit Gitarren - auch Gutman spielt eine Samples & Sounddesign in Dreamscapes zu psychonavigieren und durch die Windrose zu
kreuzen. Auf kristallin schimmernden Dröhnwellen, zu wind-, saiten-, glockenspielerischem
Klingklang. Die Brandung der Lotophagenküste im Rücken, schaumgeborene Visionen vor
dem inneren Auge, von Circe und den Sirenen raunend, so dass Verlockung sich in die
Warnung mischt. Der Wind bläst, die durchschnittenen Wogen rauschen, die Luft ist geschwängert mit beständig wiederholter Verführung, die Sehnsucht wächst und zieht, derBass und dunkles Tamtam schieben. Doch warme, stille Luft lässt die eben noch geblähten
Segel schlackernd erschlaffen, matte Wellen lappen und ziehen sich kaskadierend hin, nur
die träumerischen Gitarren tremolieren weiter, und die Sonne streut ihren Klingklang überdie aufgeheizte Haut des Meeres. Erst der Mistral frischt diese imaginäre Odyssee wieder
auf, mit rauschender Gischt in wachsender Kälte, während Dämmerung und Melancholie
die Segel schwärzen und der Kurs nur tieferes Dunkel verspricht.
TRANSTILLA, das ist Kleefstra|Bakker|Kleefstra ohne Jan Kleefstra und seine friesische
Poesie. Das ist Trance, Transit, Stille - mit Romke Kleefstra & Anne Chris Bakker als den
nicht genannten Dröhnquellen im nebulösen Grau-in-Grau von II (MD073). Die mit'Achrome' möglicherweise anspielen auf das kaolingraue Raster von Piero Manzoni, auf
die norwegische Gemeinde 'Askvoll' (was nicht 'voller Fragen' bedeutet, sondern was mit
Eschen und Wiese), die - vielleicht - auch mit 'Assemblage 2008' auf Kunst verweisen oderauf Deleuze & Guattaris 'Gefüge'. Die - wer weiß - mit 'Valavond aan Concourslaan' in die
Dämmerung von Groningen führen? Angesprochen werden allemal die dröhnophilen
Sensoren, die für sonor mäandrierende Gitarrenschwingungen empfänglichen. Die einst
nach dem Balsam aus Gilead lechzenden, die nun Seelenfrieden suchen im Inneren desKlangs, im Auge der Dröhnosphäre. Innen monochrom grau, außen das schleierhafte
Positiv und Negativ eines fotografierten Geistes, im Hörbereich ein Bündel stehender,
metallisch bebender, sanft geschwungener Wellen, ein leises Scharren und geisterhaftfragiles Glockenspiel. Um Saitenflimmer- und Wummerwellen kreisen metalloide, melancholische, monotone Anmutungen, bis nur eine melancholische Gitarre übrig bleibt.
Zuletzt crescendiert ein rumorendes und brausendes Gefüge, fluktuiert eine schillernde
Mannigfaltigkeit, rotiert eine sausende Klangballung in sich und um ein schwarzes Loch.
Another Year Is Over (MD080) ist die beeindruckende Kreation des Topofonikers Enrico
Coniglio aus Venedig mit Matteo Uggeri aus Mailand, die sich nach ihrer 2017 auf
Dronarivm erschienenen Kollaboration OPEN TO THE SEA nennen. Umschwirrt von 'Tapes& Cows' und 'Uninvited Ghosts', machen die Lyrics & Stimmen von Lau Nau, Romina
Kalsi/Animor, Dominic Appleton (von Breathless) und Gaia Margutti daraus etwas anderes
als nur eine weitere Dröhnvariante. Lau Nau singt finnisch und herbstlich, Yan Jun raunt
bei 'Crystal Dog Barks' chinesisch, dazu setzen Trompete oder Cello wehmütige Akzente indie mit Synthie bzw. Laptop bedröhnten, gepochten, betupften, mit Gitarre, Piano und
Samples melancholisierten Songs. Go home for another pint of laughter, rät der eine,
Can't get out of my head, klagt die andere. Appleton blickt am rettenden, wenn auchsalvinisierten Ufer zurück auf die Wellen, entschlossen To start again, Margutti spielt im
Pfauenfedertutu Tennis und ersehnt flüsternd den Frühling. Aus Winterschlaf und Moll
keimt Hoffnung. Passi d'orco che fanno bum bum. Eine der, so far, schönsten Blüten in
Midiras Garten. Und das will neben Aidan Baker, N und Thisquietarmy etwas heißen.
62Mikroton Recordings (Moskau)
Seit gut 10 Jahren verteilt Kurt Liedwart goldige Mikrotönereien, als Staub und als
Nuggets, from Russia with Love. Wieviel Liebe muss da erst in 20 Years of Experimental
Music (mikroton cd 76-85 / Fibrr Records, fibrrbx01, 10xCD) stecken, der Anniversary-Box
von FORMANEX? Gegründet in Nantes, von Emmanuel Leduc (guitar, electronics), Julien
Ottavi (percussions, laptop, electronics) & Anthony Taillard (prepared guitar), dazu stieß2001 Christophe Havard (alto sax), Leduc scheint seit 2015 inaktiv zu sein. Als elektroakustisches Impro-Ensemble mit der Raison d'Être, Cornelius Cardews graphische Partitur"Treatise" zu performen. Sowie eigenes und anderes vom gleichen Geist, wie er sich ab
1998/99 etwa bei Grob in Köln und auf Jon Abbeys Erstwhile Records entfaltete.
• Eigenes wie 'Le Langage Du Thé' & 'Chercher Le 2eme Oeil' von 1998/99 (auf CD8 "Early
Works"). Bruitophile Collagen mit kaskadierenden und wummernden Wellen, postindustrialer Mulm, mit noiserockiger Verve. Zwar bemüht, sich zu einer minimalistischerenÄsthetik vorzutasten, aber doch als donnerndes, crashendes, ostinates Brainstorming.
Verwandt mit Hubbub, die auf Matchless Recordings ja sogar direkt bei Eddie Prévost &Co. andockten, oder auch mit MIMEO.
• Anderes wie etwa das Piercing und Rumoren von 'Demonology #11' mit seinen auf Sinuswellenspitzen sausenden Kakodämönchen, das ihnen KASPAR T. TOEPLITZ 2001 'auf den
Leib' schrieb (CD9), mit noch dem 2013 verstorbenen Laurent Dailleau (von Art Zoyd, Le
Complexe De La Viande, Triolid...) an Theremin & Laptop. Dass die Chemie mit Toeplitz
stimmte, verrät 'Szkic' von 2012 mit dröhnminimalistischem Gebrumm, Geprassel und Wellenschwung, und das durchaus wieder maximalistisch.
• RALF WEHOWSKY animierte Leduc, Ottavi & Taillard 2004 zu einer tinnitusterroristischbrodelnden Performance von 'Ihr Kinderlein kommet' (CD6), wovon bisher nur 'Acte Un'
auf "Herzblutanteil (I.K.K. IV)" landete. Vor dem eigenen Herodes-Furor entzieht sich Formanex da in Gespinste aus Bruits secret, während ringsum Mord und Steinschlag toben,
bis nur noch Fitzel entleibter Kinderstimmen geistern, die zuletzt gegen den nochmal massiven Schauer und Hagel garstiger Noisepixel ansingen.
• 2012 führte Formanex im Brüssel 'For Formanex' auf, das SETH CLUETT sich für sie
ausgedacht hat (CD10), ein Spezialist für "Objects of Memory" und "Forms of Forgetting"aus - Ilium fuit, Troja est - Troy, New York. Bedröhnte Splitter, Tuckerpuls, jaulige Wooshes,brummige und nadelfeine Frequenzen. Etwas sparsam, aber doch gitarrenbetont.
• All dem war allerdings da längst die persönliche Bekanntschaft mit Keith Rowe vorausgegangen, der in Vallet lebt, nur 25 km südwestlich von Nantes, und mit dem Ottavi &Havard ab 2000 als [N:Q] spielten. Dank Rowe konnte Formanex 2002 beim MusiqueAction Festival 2002 in Nancy 'Treatise' im auratischen Verbund mit AMM (also Rowe,
Eddie Prévost & John Tilbury) performen. Cardews bleibendes Faszinosum, das neben
Formanex damals auch Burkhard Beins und die Berliner 2:13/Echtzeitszene herausforderte oder eine Chicagoposse mit Jim O'Rourke. Die Box offeriert jedoch eine neuere,auf hier ein Knarren, dort ein Zirpen, ein Schleifen, ein paar Tupfen und einige geträufelte
Pianotropfen reduzierte Pianissimo-Version, zu sechst am 4.12. 2017 (CD1), für die Formanex seine sublime Seite hervorkehrt. Ottavi legt überhaupt den Schwerpunkt auf die 2012
begonnene Kollaboration mit ONsemble. Er bildet nämlich die Keimzelle des fallweise 6bis 11-köpfigen, mit Gitarre, Saxofon, Klarinetten, Harfe, Bassposaune, Cello, Bässen,
Piano, Objects und Electronics bestückten Klangkörpers, der Teil der sozialen Skulptur
Apo33 in Nantes ist, mit political activism, mediation or social action, hard sciences andhuman sciences, urban planning, ecology, economy… als Agenda und Fibrr als zugehörigem Label. So verklanglichten Formanex + ONsemble + AMM beim gleichen Apo33Event im April 2017 nochmal zu zwölft 'Treatise (p. 46-47)' (CD1), nicht mehr ganz so als
Fisches Nachtgesang, mit einigen feinen Funken, Bogenstrichen, Dröhnfäden und Luftblasen mehr. Und wer singt denn da so schön? Ist das 'Walk on by'? Aber auch davon kannsich eine Meerjungfrau nur ein dünnes Fähnchen weben.
63Seltsam eigentlich, dass ausgerechnet die während der Terrorherrschaft in den 1790ern
am schlimmsten terrorisierten Städte, Lyon durch Fouchés Schlächterei und demoliert als
Ville sans Nom und Nantes im Vendée-Aufstand, durch die Colonnes infernales und die
schaurigen Noyades, heute so virulente Avanthochburgen sind.
• Im Mai 2014 performten Formanex + ONsemble in Nantes PHILL NIBLOCKs Orchesterstücke 'Disseminate' & 'To Two Tea Roses' (CD4), wobei ich letzteres fast noch durch die
Hubro-Version von Ensemble neoN im Ohr habe. Hier finde ich sein rosenfarbspektrales
Echo, von Cajun Sunrise bis Sunset Celebration, von Peace bis Mister Lincoln, von Angel
Face bis Crimson Glory. Auch ersteres, 1998 komponiert, ist ein schwebender Dauerton
aus Mikrointervallen, mit dunklen Unterschwingungen. Petr Kotik hat 2001 einetschechische Version dirigiert, Quatuor Bozzini spielte 2018 die revidierte Stringversion
ein. Selbst Zeitkratzer könnte das Original kaum besser performen als es hier dröhnt.
Im gleichen Monat erschien übrigens auf Mikroton "A Quartet for Guitars" von Rowe,
Taillard, Leduc & Ottavi als NG4 Quartet, einem Update von 4g, Rowes Four Gentlemen of
the Guitar von 2004, und lieferte mit 'Ineptitude' (Unbeholfenheit) und 'Gaucheness' (Taktlosigkeit) Stichworte, die das eigene Licht unter den Scheffel stellen.
•• Am 14./15.11.2014 gestalteten Rowe, Tilbury, Ottavi + ONsemble zum 80. Geburtstag von
CHRISTIAN WOLFF zwei Wolff-Abende: Mit 'Two Pianos' (in besten Händen bei Tilbury undWolff selbst), 'For 1, 2, 3 People' (intoniert mit Gitarre, Klarinette, Bruits), zwei löchrigen,tachistischen Versionen des Soundscapes 'Edges', den Wolff 1968 für AMM entworfen hat,und dem damit verwandten Text-Score 'Looking North': When you hear a sound or see a
movement or smell a smell or feel any sensation not seeming to emanate from yourself,
whose location in time you can sense, and its occurance coincides, at some point, withyour pulse, make your pulse evident: in some degree; for any duration. Abgerundet vonspontanen, die New York School schwänzenden Klanggestaltungen des Trios Rowe /Wolff / Tilbury (CD 2 & 3). Als Bekenntnis zu Indeterminacy, Intuition, zum Homo ludens
und zum Mit-Denken & Ein-Fühlen der 1960s als Zeitgeist ohne Verfallsdatum.
• Ende Januar 2016 folgte im 3- + 7-köpfigen Formanex/ONsemble-Verbund mit dem seiner
Parkinson-Diagnose trotzenden KEITH ROWE dessen geräuschvoll getupfter und gewischter, selbstvergessen driftender, sogar mal nach Curry duftender Soundscape 'Hang Ups'
(CD5) für präparierte Gitarre und elektroakustisches Ensemble. Mit wieder den Fingern
von Clara Bodet, Sarah Clénet, Carine Léquyer, Sylvie Noël und Jenny Pickett im Spiel an
Klarinette, Kontrabass, Harfe, Piano, E-Gitarre und jeweils Objects oder Electronics.
• Im Mai 2016 performte ONsemblex 'Fragile Being, Hopeful Becoming' als wandelweiserisch sublimes Stirb und werde von und mit MICHAEL PISARO an Gitarre. Ein Fingerhut voll Pianissimo, das das Grundrauschen mal wummernd trübt, mal fahl tönt. Und im
September ertönte 'Shoguu' von und mit RADU MALFATTI an Bassharmonika, wobei mit
der von Rowe insgesamt vier präparierte Gitarren erklingen (CD10). Leise klingen. Denndas sind die zwei stillsten halben Stunden des Dekalogs. Wobei Malfatti mit dem ON/
NOnett altweibersommerfeine Dröhnfäden spinnt, aus Luft, Strings und Feedback.
• Im April 2018 schließlich, als Kurt Liedwart sich mit Ottavi & Rowe bei "L'Or" als Goldmacher zeigte, realisierten Ottavi & Taillard ebenfalls mit Rowe das Beinahenichts von'Three Lines To Achieve Almost Nothing' (CD7). Nur zwei präparierte Gitarren, GrummelPauke & Bruits. Nur Feedback, Mikrogebratzel, leises Phantompiano, Stringgespinste, gedämpfter Paukendonner. Doch neben Pisaro fast schon wieder Krawall.
Wobei Dr. Ottavi andererseits ja ständig seinen inneren Mr. Hyde (The Noiser) sich austoben lässt, bei "Trilogie des Fantomes" (2008) oder "The Black Symphony" (2013), mit
Zbigniew Karkowski, KK Null, bei "Blast of Silence" (2014) mit Toeplitz, mit Jenny Pickett
als Solar Return und in den Anti-Rock Missile und Dime Ensembles. Bei "Secrets Telluriques" (2017) wieder solo mit dunkel rauschendem Symphonic-Tamtam-Gong, bei "Beyond
Symphony" (2019) - arrgll!! - mit Computer & Noise Generators. Es gibt da keine Entwicklung von heißspornigem Brainstorm zu saugendem Entzug, von halbstarker Maximalistik
zu reifer 'attraktiver Leere'. Sondern, konsistent und konstant, das Faible für psychoaktiveÄsthetiken des Offenen, Unbestimmten, Fragmentarischen, für den Thrill des Unberechenbaren. Die Box bringt 3/10 Lärmiges, 2/10 Leises, 5/10 NY_School- & AMM-Geschultes.
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FEN entführt ins Unkartografierte und lässt einen stranden auf No Man's Island (mikroton
cd 86). Krazy Kats 'heppy lend, fur fur away', gefunden? D. H. Lawrences Rananim, erreicht - aber nur als Niemandsinsel, als Toteninsel? Ecos 'Insel des vorigen Tages', betreten? Houellebecqs Daniel25 und sein (un)mögliches Lazarote? Oder klingelt doch immer
wieder John Donnes "no man is an island" mahnend im Ohr? FEN steht seit 2008 für Far
East Network, die organlose Körperschaft für das intuitive, egofugale Miteinander vonOtomo Yoshihide an Gitarre, Yan Jun (bewährt als Partner von Petr Vrba, Francisco Meirino, Jason Kahn oder Tim Olive, bei Firework Edition oder Foreign Lands) an Electronics,
Yuen Chee Wai an Gitarre & Electronics und Ryu Hankil an Max/MSP. Ohne die Stimmeeines Meisters, nur mit Klang als verbindender Universalie zwischen japanischen, chinesischen, singapurischen und südkoreanischen, also zweifach auch insularen Erfahrungen,ohne sprachliche Schnittmenge. Dafür mit Visabürokratie als größerer Barriere als derweite, stille Ozean. Dessen unstille Flatter- und Dröhnwellen sie durchschneiden, gelockt
von exotischen Aufziehvögeln, getrieben von knirschenden Haifischzähnen, Sägezahnfrequenzen, giftig kratzenden und schillernden Impulsen, pochenden Schlägen, Wummerdruck, gezerrt von Wind und Gegenwind. Eisernes Tremolo mischt sich mit dongendem
Geläut, reißverschlussartigem Gefetze, massivem Feedbacknoise. Eskalierend in Gitarrenfuror und Kakodramatik. Psychedelisch befriedet mit Tortoise-Spirit, doch schon joggt
Godzilla wieder seine Runde um den Pazifischen Feuerring. A burning thing, bound by wild
desire... Bis der Ocean of Sound wieder zur Ruhe kommt und Turtle Dreams träumt, wennauch auf grummeligem Ruhekissen, der dünnen Kruste über glühendem Eisen.
Auch der Firework-gestählte Schwede LARS ÅKERLUND (ex-P.I.T.T. & The Dreamers, Lab
for Life-Long Sound Dysfunctions) und der mit Kernel & Sleaze Art toeplitzierte ERYCKABECASSIS verstehen ihr Falls (mikroton cd 87) als musikalische Traummaschine. Sie
betreiben sie mit Doepfer Dark Energy, Midi-Controllers, Modular Synthesizers, Ableton
Live. In tuckernden, hämmernden, furzelig pixelnden Impulsketten, mit dunklem Unterfutter, stürmischem Andrang, so richtig auf Touren. Als surrende, abrupt sirrende Spurenüber schnellem Puls und ohne. Fein gekörnt, zahnrädrig wooshend, anschwellend undabreißend, rumpelig oder alarmistisch. In acht Variationen. Darunter 'Aruk' mit allein 30 ½
Min., das ganz allmählich zum gewaltigen Pulsar anschwillt, aber implodiert und von
Schlägen getroffen lange nur kleinlaut weitermorpht und brodelt, bis es doch noch zu einer
zweiten, gewaltig brausenden Klangballung reicht. 'Falls' rotiert mit spitzen Frequenzen
auf brodeligem Sud, ein dunkles Ufo kreuzt und vergeht, der brodelige Fond überdauert.
'Arku' dünnt zuletzt aus zu elektronischem Grillengezirpe, wobei die elektronische Virulenz
die natürliche überschreibt, bis auch sie verdämmert.
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Bringt Sink (mikroton cd 88) die Wiederkehr des Kitchen Sink Realism? Der Vogelblick desCovers, die dürren Köpfe der Wilden Karde, das steinerne Sibyllengesicht, eingefangen
von Serge Kolosov, dem anderen Mikroton-Visualisten neben Liedwart, sprechen dagegen.
Tatsächlich evoziert SINK, das sind seit 2004 Chris Abrahams (The Necks, The Dogmatics)
mit Yamaha DX-7, der Mailänder Berliner Marcello Busato an Drums, Andrea Ermke(Abrahams Partnerin bei TREE) mit Minidisks und der holländische Berliner und Echtzeitmusik-Protokollant Arthur Rother an der E-Gitarre, mit Vogelgezwitscher und windspielerischen Glöckchen auch eher so etwas wie eine virtuelle Realität von Natur. Zu träumerischem Bass huschen pelzige Pfoten über die Becken, Böller vertreiben die Stare aus
dem Weinberg. Nachmittag eines Fauns, in lau trillernder Luft? Steinchen und Krimskrams
scharren und kullern, jemand kehrt, die Yamaha tagträumt zu rascheliger Percussion, im
Hintergrund fallen Schläge. Metall klirrt, Busato wirbelt, der schrotthaltige Klangpegel
steigt und spielt den kollernden, rappeligen Mr. Hyde zum trancegroovigen Mr. Chill, zerrt
am Reißverschluss zwischen den beiden. Busato streut metalloide, hagelige Tropfen zur
nun träumerischen Gitarre, Minidisks flattern, Gestik und Automatik verschwimmen, postrockig und elektroakustisch. Bewegtes und Beruhigendes suchen ein natürliches Gleichgewicht. Abrahams drückt einen Halteton, Busato raschelt und rumort im Hintergrund, die
Gitarre prickelt. Aus Schrott wird ein schrottiger Beat, in den die Yamaha mit einfällt, füreinen Psychedelic-Flow fasst wie bei The Necks, knarzig zwar, aber von Rother unsinkbar
an Eis- und Feuerbergen vorbei gelenkt. Als kleinen 'Epilogue' fingert Abrahams zu Verkehrslärm und läutenden Röhrenglocken ein lyrisch verträumtes Arpeggio. Für die
passenden Ohren zum stereoskopischen Blick mit einem wachen und einem Traumauge.
Dem stereophonen Realismus von "Sink" folgt mit kangaroo_kitchen (mikroton cd 89/90,
2xCD) der mikrotonale der eingeschworenen Schweizer Gemeinschaft JOKE LANZ JASON KAHN - NORBERT MÖSLANG - GÜNTER MÜLLER - CHRISTIAN WEBER. Also quasidas Signal Quintet, nur mit Lanz als 5. Element. Oder MKM +, wobei Weber und Lanz als
das Plus schon in Sudden Infant vereint sind. Mit Turntables, Modular Synthie, Radio,
Mixer, geknackter Alltagselektronik, iPods, Electronics, Bass & Revolver ließen sie live in
Kaliningrad ein Känguru kochen und in Moskau den 'mountain_monkey' tanzen. Mit ihrem
jahrzehntelangen Knowhow, mit ständig aktualisiertem Voice_Crack- und Nachtluft-Spirit,
Müller auch verlegerisch richtungweisend mit For 4 Ears, Kahn mit Cut. Nicht zufällig sindMöslang und Müller als maßgebende Liedwart-Lieblinge zum siebten Mal auf Mikroton zu
hören. Mit postindustrialer Magie im Dark Forest out of space out of space out of space,
mit alchemischem Brainstorming im inner space. Als Heroes with 1000 Noises, fünf
Prothesen-Olympier, die ihre Finger niemals in die gleiche Kaskadenflut stecken. Alles
fließt, alles kreist, in schlurchenden Schüben, stottrig, rauschend, spotzend. Durchsetzt
mit russisch brodelndem Radiotrubel, sausenden Noisewellen, Partikelstürmen, scratchend zerfetzt, wooshend gepitcht. Komischer als jedes Känguru, mit absurden Arabesken, quietschigem Fiddel-Jig, pochendem Punch, groovigem Tamtam, zwitschernd undtrillernd durchschossen, als cyberpunkig krachophile Bricolage. Einer sprüht "Michel
Jackson" an die Wand, ein andrer lässt Maxwell's Dämon aus der Flasche. Danach spielt
der Chaos-Club in Kaliningrad zwar etwas "wie Flasche leer", einer findet aber zum Finish
nochmal den richtigen Knopf der Drummachine. Auch in Moskau fließen die Klangquellen
egolos ineinander, pfeifend, dröhnend, mit Nadelstichen, Stimmschnipseln, nun aucherkennbaren Bogenstrichen von Weber. Zu hufklapperndem Beat, tierischen Grunzern,Radiofetzen, quarrenden Impulsen, dumpfem Puls, einem Delta an Kaskaden, sausenden,
tremolierenden Spuren, turbulenter Action. Mit gestanztem Ticktack, abrupten Kratzern,
zuckendem Akkordeon, erratischer Wallung, surrenden Kurven, weiterem Arco-Sound,technoidem Oomph Oomph Oomph. Mit kakophonen Crashes, Kavallerietrompete, Maschinenleerlauf, Radio-Cut-up, Furzelketten, feinem Flageolett und eifrigem Sägestrich zu
Jokes Scratcher-Jokes, Wummermulm und launigen Loops. Mit knacksendem Vinyl zu
verspielten Impulsen, daxophonen Lauten, spaßigen Drehmomenten. Bis sie nach einem
Affenzahn-Crescendo hinschwinden in fragilem Mikro. Was für kindsköpfisch intelligente,
populäre Mechatronik.
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T h o m a s S h r u b s o l e (Sale)

Nach "Rural Memory", "A Concise Dictionary of Plants and their Uses" und - wie vonEdward Gorey betitelt - "The Unfolding Map" grub SUB LOAM, wie schon bei "The Portable
Archive", hinab bis auf die Zeitschicht 2009/2010. Und der Land-Art-Tonbandler in Salefand dort als Excavated Relics (Dissolving Records, Henge 013, C-22 in Braun) die Soilscapes 'Soil Surface' & 'Stone Fragment', zwei Überbleibsel, die damals nicht so ganz ins"Ohr" gingen und auch für "Earthern Circle" nicht die richtige Rundung aufwiesen. Umso
hervorgehobener stehen sie nun da, wie van Goghs Paar Schuhe, die in der lehmigen Erdeeinsamer Feldwege und öder Brachen mit wortloser Freude das Nutzlose im Seienden
unter den Sohlen gespürt haben. Shrubsole hat jede Minute seiner Klangbilder erwandert
und stößt einen, nicht mit der Nase, aber doch den Ohren an den Puls der Zeit, wie er daeine überzeitliche Lichtung schlägt ins Naturverhaftete, abseits von Feldern und Holzwegen, abseits der Raster der Lebensmittel- und Möbelindustrie. Statt dessen: Schlehenhecken und dürre Karden entlang wenig betretener Wanderpfade ins Unspektakuläre.
Nicht als O-Ton, durchaus musikalisiert, mit leicht verzerrtem gitarristischem Klampfen
und Flimmern und mit sun-burned Hands geklopftem Tamtam. Als feldsperlingshafte,karge, nicht asphaltierte Folklore im weirden Stil neopsychedelischer, kontemplativer
Grassroots-Thoreaus, wenn auch als Einzelgänger in Greater Manchester.
Bei Tape Music (Parenthetical Activities, 2xCass in Grün & Blau + 48 p Booklet & Inserts)rückt THOMAS SHRUBSOLE seine traditionsbewusste Tape Art als 'kinetic concrete andferric sculptures' ganz ins Feld der Objets trouvés und Geräusch{kunst}, deren Kunstcharakter er in Klammern setzt. Visuell mit Farbfotos, die Unscheinbares ästhetisieren
und Prosaisches exotisieren: Decken, Wände, eine Rattankugel-Lampe, Lichtflecken, exotische Pflanzen, farbige Muster, gefundene, gezeichnete, in Papier collagierte. Akustischals Bruitistik, mit der Tonbandästhetik schürfender Scratches, abrupt ruckendem Gerumpel und kakophonem Schlurchen. Mit durch die Mangel gezogenen Klängen von händischer Perkussion, Krimskrams, Sopranosax, E-Piano. Drahtig, sirrend oder merkwürdig
glucksend, nimmt das, erregt bewegt, stripsodistische Züge an, in itchy&scratchyesker
Abstraktion. Mit Speedlines sausend, bedrängt und verzerrt, zwitschernd, zuckend, mit
Hängen und Würgen, impulsiv zugespitzt und spritzig, aber auch mit kuriosen Tieftönen.
Meist aber überdreht, die Klänge verschliffen, als pausenloses Karussell deliranter Toons.
Dann aber auch händisch und perkussiv, knattrig und pochend, erratisch und 'brut', mit
Bassgemurkse und als Infinite-Monkey-Schreibbüro. Klapprig, närrisch zerblasen, unverhofft auch groovy mit Drummachine, gleich wieder pover und jämmerlich verzerrt. In
unaufhörlichen Schlaufen, knarzig und pfeifend, als Rattenrennen. In der blauen Stundedann als gezupftes Gummiband, als Kette betropfter Klangschalen, als geschmierte Käseorgel, unter Wasser glucksend, in rauen Schüben, mit klirrenden oder wabernden Impulsen, verzerrt zerrend, jaulig wooshend, wummrig knarrend, ad infinitum.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...

CHRISTINE ABDELNOUR & JOACHIMNORDWALL A Higher State of Body and
Mind (Firework Edition Records, FER1126):
Auf dem Cover eine der 'Drawings for
Fashion' von Leif Elggren mit einem seinerrot gebänderten Machtgeiler und Blutscheißer. Und, aufgeklappt, weiteren Blutstreifen neben einem anamorphen Blutschädel. A Higher State? Eher reimt sichbody auf bloody und mind auf grind. Grindwie 'zermalmen', Grind wie Wundschorf, wie
Kopf. Damit kennt Nordwall sich aus, durch
The Skull Defekts, badend in Oceans ofSilver & Blood. Nordwall, The iDEALIST, derSchädelspalter, der mit Henrik Rylander als
Saturn And The Sun ins Centre of Your
Mind, of Your Skull zielt. Der mit CM vonHausswolff als Sins For Beginners "Fireburn the Bloodlot" entzündet hat. Abdelnour ist ihrerseits, zuletzt gestählt etwa mit
Louis Schild oder Chris Corsano, taff genug
für weißes Rauschen ebenso wie für sublimen Rausch. Sie setzt ein mit fauchenden,
ploppenden, schnarrenden, schlürfenden
Lauten, mit Flatterzunge und gespalten
flötender. Erst in der achten Minute quillt
auch Nordwall ins Klangbild, mit brummigem Pianissimo, dem sie sich unisono anschließt. Bis sie anschwillt zum CalliphoraMonster und aufschrillt bis ins höchste
Diskant. Nordwall spielt dazu wieder nur die
Wand, an der sie bebt oder tickt wie eineverzagende Uhr. Zu Basswellen als vager
Tönung, als dunkler Dröhnung, auf die
Abdelnour Streifen und Punkte aufträgt,
auch unwahrscheinlich spitze, trillerige
Kratzer, während Nordwall sein Umbra
punktuell vibrieren lässt. Sie tenorsaxt Haltetöne, er brummt und wummert, sie faucht'tonlos' und flimmert, er kurvt hin zu einem
Dauerton, sie zirpt und pulst zu seinem
feinen Harmonikasound. Bis letzte Dunkelwellen und gepresste Laute in die Stillediffundieren und ein PLOP den Schlusspunkt setzt.
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AKB Marianergraven (Lamour Records,
lamour093, LP/CD): In AKB steckt AnnaKarin Berglund, die schon auf Lamour zu
hören war mit Labelmacher Viktor Zeidner
aka Slim Vic. Standort: Gävle. Rolf Lassgård
wohnt da, Joe Hill stammt daher, als der
große Sohn der Stadt. Ihr wisst schon: "IDreamed I Saw Joe Hill Last Night" - Joan
Baez sang das in Woodstock, Scott Walker
auf "The Moviegoer". Berglund aber macht
keine engagierte Musik, sie macht ambiente
Soundscapes, mit einer Imagination, die
von Gävle so weit weg führt wie nur möglich- 10.233 km südöstlich in den Pazifischen
Ozean, 11 km hinab auf den Meeresgrund.
Der Ruf welcher Küsten lockt sie dahin('Kustanropet')? Welcher Sonnenaufgang('Soluppgången') über noch untraurigen
Tropen ('Tropikerna')? Durch welche Dämmerung ('Skymningszonen') zieht es sie
dahin? Auf sanften, harmonischen Dröhnwellen, Balsam für die stürmisch aufgewühlte Seele. Sie spricht von stürmischen
Wolken über ihren letzten vier Jahren. Jetzt
sind wohl die Abgründe ausgelotet. Die
Dröhnwolken ziehen erhaben dahin, zeigen
statt dunkler Rücken nun ihre hellen Bäuche, über stillem Ozean, statt über finsterem Riss. Die sonore Drift aus der Tiefe ins
Lichte, von melancholischen Küsten zu
silbernem Horizont, führt Phantome mit wie
das himmlische Aah eines Chores oderpfeifende Obertöne. Mit schimmernden
Flanken, einem rieselnden Klingeln wie vonChimes, mäandrierendem Orgelpfeifenklang, dunklem Zeitlupenpuls, surrenden
Langwellen. Kosmisch und ozeanisch zugleich, im gelassenen 'Flügelschlag' von
Riesenrochen, orgelnd in den Farbtönen
des Regenbogens nach der Sintflut. Aber im
Postscriptum dann doch wieder ganz wehmütig mit Pianotristesse und Klarinettenmelancholie.

KIRK BARLEY Landscapes (33-33, TTTT010, LP): Der aus Yorkshire stammende Soundscaper,
der in London auch als Bambooman und Church Andrews operiert, steuert hier mit seiner
Arche die 'Fourth World'-Inseln von Jon Hassell an. Mit Gitarrensound und Synthieklang, mit
Feldaufnahmen und echtem Drumming, in Loops und mit pentatonischen Skalen. Gleich dieersten plinkenden Töne evozieren fernöstliche Exotik, funkelige Sonnenstrahlen auf stillen
Wassern. In tagträumerischen Kreisen, mit im Hinterkopf abklingendem Blechkrach. Mit dem
harfenähnlichen Klingklang einer gemächlich sich drehenden Tonwalze und einer schnell
fluktuierenden Spur, händisch betrommelt. Die Gitarre tropft und twangt in zeitvergessenen
Drehungen. In Tempeln, die zur Versenkung, an Wassern, die zum Eintauchen einladen. Stromgibt es freilich überall, für digitales Furzeln selbst unter benieselten Palmblättern. Knarzige
Störungen - ein fernes Feuerwerk? - mischen sich mit gongenden Tupfern, verbogene Gitarrenund lethargische Basstöne mit rollenden Trommelsalven. Grillen zirpen zu klöppeligem
Gamelan und glucksendem Wasser. Bamboo-Tube-Percussion tockt als monotones Arpeggio
zu quietschenden Scharnieren und fernem Hundegebell. Gitarre, oder Keyboards? Jedenfalls
zart harfende Töne auf waberndem Fond, Enchanted Islands, Inseln des vorigen Tages, mit
elektronischer Fauna. 'Bleached' bringt verstimmte, aber zeitvergessene Zweiklänge vonGitarre und Bass zu eiligem und wieder wabrig webendem Tremolo. Und 'Cradle' schließt mit
Grillen, laschem Besenbeat, knarrigem Sound und einem kindersimplen Gitarrenmotiv, zu dem
Synthieflöten launig flöten. Wo meine Wiege stand, wo ich gespielt als Kind? Where the mist
was on the rice-fields an' the sun was droppin' slow, Where she'd git her little banjo an' she'dsing "Kulla-lo-lo!"
BEN BERTRAND Manes (Stroom, STRLP-038 / Les albums claus, LAC015, CD): Nicht aus
Plastik, aber doch aus Belgien, begegnet Ben Bertrand hier schon zum zweiten Mal. Nach dem
Spacetrip "Ngc 1999" nun mit einem Konzept, das um Harold Blooms 'Anxiety of Influence' zu
kreisen scheint. Mit 'Morton and György in the Battista Mist' als Verbeugung vor Feldman und
Ligeti, angestimmt mit dem geliebten, mit Electronics modulierten Sound seiner Bassklarinette. Als pulsende, atmende, wie mit Whirly Tube geschwirrte und wie mit Akkordeon
gepumpte Ehrung zweier Geister, denen Bertrand Dank schuldet. 'Those behind Us that We
Follow' bringt ebenfalls, nun wie mit getragenem Orgeladagio und dunkel surrender Klarinette,den Vorläufern Opfer dar. Bei 'Incantation 3' spielt Bertrand auf, als wäre er von Einflussangst
etwas entbunden, und doch nicht frei von Beklemmung. Ben, für immer Sohn. 'Delayed
Monologue' tremoliert in weiterhin elegischer Stimmung, mit knarrig pulsenden Intervallen undverwehtem Sound, so ephebisch, wie es sekundären Zeiten ansteht im Rückblick auf silbrigere
Tage. 'The Manmaipo' nimmt, voller Melancholie, mit flötenden Wellen und ätherischer
Vokalisation, zuletzt sogar die Hilfe einer jener alten Frauen, 'die den Reis befragen', inAnspruch, als Medium, aus dem die Seele von Toten sprechen kann. Und der 'Battista Mist'?
Der eine fand ihn bei Giovanni Battista Piranesi, der andere bei Giovanni Battista Tiepolo, mirbleibt er schleierhaft.
DASPO Samenreis (Setola Di Maiale, SM4020): Davide Palmentiero & Giuseppe Pisano haben
gemeinsam in Neapel (u. a. bei Elio Martusciello) und Utrecht Elektronische Musik studiert undim Orchestra Elettroacustica Officina Arti Soniche San Pietro a Majella oder, zusammen mit
Massimo Varchione, als Inhorep auch praktiziert. Dass Pisano in Oslo bei Prof. Natasha Barrett
seinen Master macht, während Palmentiero nach Bellizze zurückkehrte, hinderte sie nicht, als
Daspo aus ihren gemeinsamen Eisenbahnfahrten in den Niederlanden einen Soundscape zu
gestalten, den sie auch live performen. Als dunkle Erinnerungen, wie geträumte Anmutungen.
Keine Bahnhöfe, kein Fahrgefühl, nur ein wie unter Wasser versenktes Dröhnen, einzähflüssiges Morphen, mit geräuschhaftem Treibgut. Bei 'Lorentzweg' mit gitarristischer
Melancholie, dunklen Tupfen, vagen Fluktuationen, dass da Geigen involviert sind, kann ich
nicht erkennen. Bitonal pulsende Dröhnung wird mit Herzschlag bepocht, unbeschreibliche
Tönungen zeugen von größter Achtsamkeit im Detail, in quecksilbrigen Akzenten undmetalloiden. Und mit auch wieder von Gitarrensaiten gepflückter Tristesse in winterlichem
Utrecht-Feeling. Mit 'Schiphol' als Notausgang für das Gefühl, in Heimweh zu ertrinken. Eine
kurze Eruption und wieder viel gedämpfte Dröhnung, bevor sich ein Silberstreif zeigt. Als
Aufhellung, die aber so vage bleibt wie das ganze Narrativ, das in der HKU ausgebrütet wurde,als Anechoic Chamber Music.
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IMMENSITY OF THE TERRITORY Vol. 3 (Studio d'en Haut / Entropic GBC, EGBC003): Der
Travelogue dreier Franzosen, die nach New York & New Orleans 2008 (Vol. 1) und
Kalifornien-Arizona-Nevada 2010 (Vol. 2) im Sommer 2016 & Winter 2017 den Norden der
USA bereisten zwischen Badlands und Rust Belt und jenseits der Grenze Ontario, mit
einem Abstecher nach Quebec City: Charles-Henry Beneteau vom Ensemble Minisym, dasin Nantes Moondog Gassi führt, Christophe Havard, sein alter Weggefährte bei Abs(.)Hum,bekannt durch sein Spiel mit Yannick Dauby, aber vor allem durch Formanex und da auchschon mit Anthony Taillard, dem dritten Reisegefährten. Ihre Stationen sind in North
Dakota eine Ölpumpe bei Medora, 1883 gegründet vom Marquis de Mores, der sich da als
Fleischbaron versuchte und eine Postkutschenverbindung nach Deadwood in South
Dakota einrichtete, über Belle Fourche, das erst nach dem Marquis und mit der Eisenbahn
zum großen Viehbahnhof nach Chicago wurde; das durch die Brüder Coen berühmt
gemachte Fargo, das davor nur Buddy Hollys letztes Ziel gewesen ist; Murdo in South
Dakota, Des Moines in Iowa; eine Geisterfarm und das US Steel-depressive Gary inIndiana, wo die Jackson Family herstammt. Auf der anderen Seite dann die Countrysides
bei Nipissing, Belleville und South Glengarry in Ontario und entlang des St-Laurent ins
Frankophone. Was ist der rote Faden dieser französischen Spurensuche, dieser
Rosenkranzschlaufe, mit Medora als Anfangs- und Endperle? Der Mensch als bad/good
guy in an endless dramadie, der den Traum, den die Natur träumt, in Albträume und Müll
verwandelt, wie der schwarze Poet Marvin Tate dichtet? In Chicago, Upton Sinclairs
einstigem Schlachthof-Dschungel, bei Brecht das Symbol einer sich im Lebenskampf
selbst zerfleischenden Menschheit. Joe Wilkins spricht in Missoula, Montana, dem
westlichsten Punkt der Reise, dazu, angesichts von arbeitslosen Fabrikarbeitern, seine'Note to My Unborn Son concerning Manufacturing Economics and Courage'. Aber
während Brecht nach Krise und Stagnation den kapitalistischen Kreislauf ungebrochen
zeigt - es sei denn, lässt Wilkins bei 'Reckoning' einen Angler im klaren Forellenbach dieheile Welt umarmen: The world is good. Nur sieht man dazu einen morastigen Pfuhl und
Totholz: 'The Old World is Dying'. Nach Wäldern und Flüssen nun auch schon Eisen- undÖlindustrie, die sich in diesem Traumspiel zwischen meditativem, elegischem AmericanaSound von Folk-, rockenden E- & ferngesteuerten abs(.)hum's-Gitarren, Analogsynthie,
Melodica und Percussion in O-Ton durchziehen, zwitschernd, als berstendes Eis oder als
Eisenbahn und Noise.
VITOR JOAQUIM Nothingness (Own Release 03): Den Portugiesen hörte ich zuletzt bei"Impermanence" und bei "Tuning the Invisible" (zusammen mit Emidio Buchino als HAN)
jener Unbeständigkeit ausgeliefert, die Glückseligkeit und Schönheit ständig verwandelt in
Melancholie und Tristesse. Man kann die unsichtbare Hand, die keine Dauer zulässt, nicht
gnädig stimmen, sondern nur versuchen, das Schöne zu mehren, beharrlich und halbwegs
zufrieden, wenn es halbwegs gelingt. Denn 'Here', 'There' & 'Everywhere' wächst die
Wüste, droht das Nichts. Joaquim setzt Piano, Voice, Keyboards, Electronics, Guitar undSinger Table ein - eine Nähmaschine? Um sich mit Hiss, Humming, Crackling und Samples
von Radio und Stylophon und Spurenelementen von Caetano Veloso, Voz de Capo Verdeund Bizet dem entgegenzustellen. Nein, um ihm, dem Nichts, entgegenzugehen. Ins dark
ambiente Niemandsland, das überall ans 'Nowhere' stößt, erkennbar in dunklen,
gedämpften Dröhnwellen, Geisterstimmen, ominöser, monoton knarrender Reibung,zwielichtigen Schwingungen. Als ob da etwas ganz Anderes anbrandet, etwas
Unbekanntes atmet, wabert, wächst. Nennt es meinetwegen Dreamscape, aber wer ist daTräumer, was das Geträumte, tümpelnd in einer Nussschale in den Rossbreiten derErinnerung, der Vorahnung? Dunkles Quallen dongt im zirpenden, zerrenden, wummernden Sog der Entropie, dunkles Moll dreht sich in langsamen Loops, wie bei Philip Jeck, alstief melancholische Anmutung von Bizets Arie 'Je crois entendre encore'. Dagegen nimmt
schneller Puls Fluchtgeschwindigkeit auf, kommentiert von einer ironisch angedunkelten
Stimme. Joaquim säumt das Eine vom Andern mit einer Steppnaht, doch verzerrter
Gesang und Geistermusik diffundieren von 'Elsewhere' nach 'Nowhere'. In wabernden
Wellen, vibrierendem Oszillieren, voller Tristesse, über wummrigem Abgrund.
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JACASZEK Music for Film (Ghostly International, GI-357, LP/CD): Michał Jacaszek ist ein
polnischer Elektroakustiker mit einem auf Important, Gusstaff und Requiem Records oder
Miasmah aufgefächerten Œuvre, daruntereinem Waldspaziergang zusammen mit Kwartludium auf Touch. Als Rimbaud spielte er inGdańsk zusammen mit Mikołaj Trzaska undTomasz Budzyński, dem Sänger der ThinkingMan's-Punkband Armia. Besondere Beachtung
fand er für seine Filmmusiken, etwa zu Jan
Komasas "Suicide Room" (2011). Hier nun
erklingt eine Collage, ein Soundtrack-Cut aus"Golgota wroclawska" (2008, ebenfalls von Komasa), der schmerzlichen Aufdeckung kommunistischer 'Säuberungen' bei der Machtübernahme in Polen, "The Iron Bridge" (2019),
einem Dreiecksdrama mit Rettungsmission ineiner Kupfermine, "He Dreams of Giants"(2019), einer Doku über Terry Gilliams "TheMan Who Killed Don Quixote", vor allem jedoch
Rainer Sarnets "November" (2017), einem estnischen, abergläubisch visionärem Schauermärchen in Schwarzweiß. Montiert ist das als
ein elegisches Kontinuum mit der Suggestion
melancholischer Streicher, mit tieftraurigem
Cellopizzicato, zartbitterem Bogenstrich. Ganz
als polnischer Threnos, mit leisem Karfreitagspathos in dornengekröntem Moll, bei 'Twelve
Years' mit Downtempobeat sich schleppend,
mit klagender Vokalisation. Fast möchte manda universal mit einstimmen, als 12 Years a
Slave, in 1000-jährigem Elend, und was ist'Dance' anderes als ein Tanz mit dem müden
Tod? Der sakrale Gesang beim 'Christ Blood
Theme' driftet zu Altarglockentönen auf Orgelund Synthiewellen, der einsam feminine bei'Liina' zu gezupftem Largo des Basses und zirpender Geige. Liina schreitet zu wehmütigem
Piano und wieder gezupften und flimmernden
Saiten dann seltsam entschlossen zu ihrem
vergeblichen Rendezvous. Und die Imagination
erreicht so, ohne dem Teufel die Seele zu
verkaufen, jenseits von Pest, Kratts, Hexen,
Hostienzauber und Werwölfinnen, mit Key- undStringsound und schwellendem Traurigkeitsgenuss im späten November nicht La Mancha.
Sondern wie auf Tarkowskis Spuren mit wieder
gradualem Pizzicato Schritt für Schritt 'The
Zone', den allertraurigsten Winkel der Welt.
Dorthin führt Jacaszeks Musik, nicht Weiß,
Blau oder Rot wie bei Zbigniew Preisner oderso schwelgerisch illuminiert wie bei Wojciech
Kilar, sondern in düsterem Schwarzweiß und
mit ganz finsterem Wolfsecho.
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ROMAN JUNGBLUT Back To Where It Never
Started (Self-released RJ01, 12"): Ein
Sound- & Medienkünstler in Köln, der sichdurchschlägt mit Sound für Filme, Games &TV, aktiv im Verein zur Förderung deskulturellen Lebens GENAU e. V. und in derSelbstdarstellung ein Plural. Als engagierter
Zeitgenosse der Epoche, in der, wenn auchanders als in Schillers Vorstellung vonsozialer Mobilität, nur wenige mehr dastehenbleiben wollen, wo der Zufall derGeburt sie hingeworfen. In der Irrtum und
Unsinn sich als unerschöpflich erweisen
und am schönen Ziele der ruhigen Weisheit
mehr denn je vollkommen uninteressiert.
Jungblut beginnt mit den dröhnenden Impulsen von 'Detox/Retox', wechselt mit '78-78' aber unvorhersehbar zu rhythmischen
Minimal-Piano-Mustern, durchschweift voneiner verzerrten Welle. Er nähert sich bei'Einsicht' mit ruhigen Tupfen und hallenden
Wohlklängen der ruhigen Weisheit, auf die
freilich glissandierende Pfiffe, flatulente
Impulsketten und wieder dröhnendes Wooshing scheißen und pfeifen. Doch 'Two For
Tooth' bringt als Long Track von 11:14 erneut harmonische Drones in raumquerenden Langwellen, in die Jungblut per Synthie
ein pulsendes Minimalmotiv mischt, dasunscharf verwischt. Beides mal näher, malferner. Eine seiner wesentlichen Einsichten
verdankt er Michel Foucaults Diagnose desmodernen Wohlfahrtstaates als mit rassistischen Scheidelinien operierende Biomacht, die Homogenes konstruiert, indem
sie Heterogenes ausscheidet ("In Verteidigung der Gesellschaft"). Die Gesellschaften verschaffen sich die Illusion vonSicherheit und die Volkskörper glauben zu'gedeihen' durch die Abspaltung/Abwehr/
Exklusion von 'Unzugehörigen', 'Verdächtigen', angeblich 'Nichtintegrierbaren'. Kein
Bedarf für das schöngeistige japanischekire-tsuzuki (›Schnitt-Kontinuum‹) oder
Adornos Ästhet/hik der ›Gerechtigkeit gegenüber dem Heterogenen‹, dem Mannigfaltigen. Wir aber sagen mit Rainald Goetz:
Je fremder, desto interessanter. Und mit
Kamerad Parth, mit Kamerad Jungblut:
Vorwärts, wir müssen zurück. Die Gegenwart ist ja noch nicht einmal bei sich selberangekommen.

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OLIVIA LOUVEL SculptOr [Hepworth Resounds] (Cat Werk Imprint, CW14): Meine
dritte Begegnung mit Louvel und deren
Blutspur von Wedekinds Lulu ("Lulu in Suspension") über ein blutarmes Dornröschen("Beauty Sleep") bis zur blutigen, blutenden
Mary Stuart ("Data Regina"). Das hier ist
eine Hommage an die englische Bildhauerin
und Grafikerin Barbara Hepworth (19031975), die, angeregt durch die surrealen
Tropfenformen von Hans Arp und die janoch halbwegs witzigen Peniden von Brâncuși, parallel zu Henry Moore ovoide Hohlund Vollpfosten gestaltete, wie sie - adnauseam kopiert - prototypisch für die
abstrakte 3D-Moderne stehen. Womit ich
mich weniger zu Arno Brekers 'Pallas
Athena' bekenne, an deren spitzem Brüstchen sich dennoch so manche eine blutige
Nase holen mögen, als - lokalpatriotisch - zuPeter Wittstadts 'Schneewittchen', 'Homunkulus' und 'Waltraud von der Vogelweide'. 'SculptOr' basiert auf einem Tonbandmitschnitt von Hepworth, auf dem sie
1961 Selbstauskunft über ihre Kunst gab.
Ihr "The sound of a mallet or hammer ismusic to my ears" wird zum Leitfaden einer
Suite, die mit Motti wie 'Use Your Own Body'
Hepworth und ihren Gestaltungen gedankliche und klangliche Konturen gibt. Aussagen wie "I, the sculptor, I am thelandscape, I am the form and I am thehollow, the thrust and the contour" werden
Teil eines Hörspiels, in dem auch Sätze im
Ohr bleiben wie "I detest a day of no work,
no music, no poetry." Eine Schreibmaschine
hämmert, Louval singt "I must carve astone" und "I Draw What I Feel In My Body
In My Body My Body" oder spricht,
eingebettet in Hepworths Originalton undpochende, pixelnde, steinig splitternde
Elektrosounds und -beats, deren Sätze
nach. Hepworth fühlte sich durch Küche
und Kinder nicht beraubt, sondern bereichert, wenn nur ihre Formen im Kopf
weitere Gestalt annahmen. Ist 'I, the Sculptor', bei aller Härte, nicht die absolute
Antithese zu Mickey Spillanes ebenfalls mit
dem Hammer, mit Mike Hammer, philosophierte 'I, the Jury' aus dem Jahr 1947, indem Hepworth 'Pendour' schuf und ihre
'Hospital Drawings' begann?

OCCUPIED HEAD Steady (Wet Dreams Records, WDR003): Das ist Dieter Mauson in
Hamburg, ein alter Hase, seit den 80ern mit
Inox Kapell als Nostalgie Éternelle und zuletzt begegnet als die cisatlantische Hälfte
des Duos 7697 Miles bei Attenuation Circuit.
Dort war er inzwischen auch eines der drei
guten Dinge im Bund des dritten Auges[BU.D.D.A.], und mit wieder Kapell & Sebastian 'Wosto' Felstau spendet er das, wasjeder braucht - Sauerstofff (ja, mit fff). Mit
Songs im lakonischen NDW-Stil, die er da zu
Synthie, Bass- & E-Gitarre mit anstimmt, alseiner von drei grünen Mahnern vor nur nochGlas, Beton und Stahl. Auch hier, zu noch
mit Mundharmonika und Samples angereichertem Sound, bleibt es nicht bei elegischen Ambient-Scapes, bei von Keys angestoßenen, von Dröhnwellen umschweiften
Kaskaden, bei peitschend zuckendem,
knurrig überwölbtem Staccato zu orgeligem
Pathos. 'L'etat d'urgence' visioniert, unterdem Eindruck der Katastrophe von Fukushima, nichts weniger als den Ausnahmezustand, eine Erhebung der Massen, die
von ihrem Viehfutter aufschauen und aufhören, die Lügen zu schlucken vom Segen
der Technik und dass nur der Profit vonwenigen Wohlstand für alle beschert. Er
findet dafür auch Worte in der Sprache von
L’Insurrection qui vient, der Muttersprachevon Liberté, Égalité & Fraternité. Dazu bringt'Welat' die Klage einer Kurdin, dass ihr Flehen um Gerechtigkeit, Respekt und Friede
mit Schüssen erwidert wird. Es muss docheine Escape-Taste geben, eine Alternative,einen Notausgang ('Eventual escape'), etwas, das das System von innen nach außen
kehrt ('Inside out'), wenn die Verblendung
durchschaut ist ('Behind the surface'). Mauson operiert souverän mit Wellen und Tropfen, metalloiden und liquiden, mit melancholisch getönten Drones und konvulsischem
Quallen, mit zirpenden Klängen und alarmierten. Er entfaltet orchestrale Banner zu
schreitenden, stanzenden oder flexiblen
Beats oder auch Steve_Reich'schen Repetitionen und auch wieder kaskadierenden
und zuckend sausenden Spuren. Das standhafte 'Steady' ist ein nur scheinbar defensives Motto. Mausons Attribut ist die Wespeund verweist auf seine unentwegte Absicht,
ein Stachel im Fleisch zu sein.

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LAURENT PERRIER + DAVID FENECH
Plateforme #3 (Bam Balam Records, BB
LP069): Eigentlich hat sich das Label in
Bordeaux doch auf Japan-Psychedelik
kapriziert - Acid Mothers Temple, Kawabata Makoto, À Qui Avec Gabriel, Richard
Pinhas & Tatsuya Yoshida, The Mickey
Guitar Band.... Wie passt Laurent Perrier
dazu, mit seiner Vorgeschichte bei Nox,
Odd Size, Zonk't, Heal und Pylône unddem Sound von Buchla-, Serge- und Eurorack-Modularsynthesizern? Wegen der
E-Gitarre von Fenech, der mit Jg. '69
ansonsten neben Ghédalia Tazartès oder-> Jac Berrocal gern La Jeune Gardespielt? Nach #1 mit Felix Kubin, Lawrence
English & Gianluca Becuzzi und #2 mit
Francisco López, Tom Recchion & Christian Zanesi - liefert er bei der #3 von Perriers kollaborativer 'Plateforme'-Reihe
auf der A-Seite die Plattform. Und besorgt dazu den Mix eines gamelan-klöppeligen und monotonen Stampfbeats,
dessen Impetus, nämlich einen in Trance
zu hämmern, die Synthies umflimmern
und noch impulsiv anschieben. Dochmitten in den 18 Min. setzt der Beat aus
und die beiden quarren, sirren und dröhnen, getragen und mit entschleunigtem,
gedämpftem Puls, ein elegisch angedunkeltes Ambiente. Bei der B-Seite überlässt Fenech seinen präparierten Gitarrensound dann dem Gutdünken von Perrier, der ihn unkenntlich macht für ein
synthetisch aquarelliertes Klangfeld aus
getupftem und schlierigem Klingklang,rhythmisch quallenden Tropfen in launigem Muster. Fast ein tremolierendes
Tamtam, nein, doch nur Dröhnwellen und
ein federleichter Puls, der gleich wieder
verschleiert wird, um als schnelles Tamtam weiterzuklopfen. Immer noch etwas
kindsköpfisch motiviert, flimmrig, vonSilberfäden durchsponnen, brummig
gewellt. Als Dreamscape und vor allem
im zweiten Klangbild als das Gegenmittel
zum japanischen Furor und insbesondere
zum nervtötenden Gefetze von Ryoko
Ono mit Plastic Dogs, ihrem neuen Quartett, und "Growl" als jüngster Bam_Balam-Attacke.

PHILIPPE PETIT Do Humans Dream of Electronic
Ships (Opa Loka Records, OL1905, 2CD): Nach E. A.
Poe nun Ph. K. Dick, denn das ist, ebenfalls opalokalisiert, der Nachfolger zu "A Descent into theMaelstrom". Und ein weiteres Abenteuer in Petits
Sonic Fiction, so amazing wie seine "Extraordinary
Tales of a Lemon Girl", so cineastisch wie "Henry: The
Iron Man" und seine Giallo-Scores, so psychedelokosmisch wie "The Red Giant meets the White Dwarf"
oder "Closed Encounters of the 4 Minds". Daranknüpft 'Encounters of the 6th kind...' an, die dritte
Etappe eines Trips - 'The Journey' - , der nach'Landing - Immersion' und 'A night with three moons'rückstürzt als 'Return to tomorrow... Is this the end?',so futuristisch wie rhetorisch. Denn der Kosmos ist so
endlos wie die Phantasie. Die Medien von Petits
Spacecraft sind Vox Continental Organ + Cymbalom +Electric Psalterion + Cello + Arp 2600 + Turntablism +Moog Modular System 55 + Buchla Easel + Moog
Model 12 + Theremin + Grand Piano + Processed Voices/Choir + Guitar + Wurlitzer + Percs + RSF Expander
Kobol + Roland Fantom G6 + Mini-moog Model D und
er jault und schnurrt damit unter klapprigem Partikelbeschuss zwischen Subraumwellen und Ionosphärenturbulenzen dort umeinander, wo kein Mensch zuvor
gewesen ist. Dabei geht es nicht um die Jagd auf
Replikanten oder um Voigt-Kampff-Tests, sondern
ums Imaginieren und Träumen selbst. Als ein SichHineinversetzen-Können, das Dick freilich als fragwürdig hinstellt, wenn er das 'Einswerden' mit Mercer,
der Erlösergestalt einer Ersatzreligion, als mörderisches Selektionskriterium einer Menschheit zeigt, dieschon lange nicht mehr zwischen echt und künstlich
unterscheiden kann. Petits Zwitschermaschinen undeinen schwindlig drehende Turntablistik, die Hyperkomplexität seiner Spurenelemente und der Dauerbeschuss mit emotiven Resten verdreifachen mit den
Monden und mit zuletzt Piano und Bluesharp auch die
Melancholie. There is no escape from Noise, kein
Herausspringen aus einer Vinylrille oder einer programmierten rhythmischen Glücksspirale, die einen
eine Frau gegen eine Ziege und die Ziege gegen eine
Kröte tauschen lässt. CD2 bringt, live mit ausschließlich Buchla Easel - The Electric Music Box, mit 'Laïka
In Space' (52:40) eine Hommage an die erste Kosmonautin 1957 und mit 'Why Do Birds' (10:27) eine an
Damon Knights 'Comic Novel of the Destruction of the
Human Race'. Während ersteres damit spielt, sich ineine totgeweihte Hündin zu versetzen, fragt Petit mit
Knight und launig jaulenden, kuriosen und komischen
Klängen, warum sich ganze Gesellschaften so idiotisch aufführen als wären sie in einen Idiot Plot zweiterOrdnung verstrickt - everybody in the whole society
has to be a grade-A idiot, or the story couldn't happen.

74jenseits des horizonts
empreintes DIGIALes (Montréal)
Der Elektroakustiker STÉPHANE ROY ist zwar 1959 in Frankreich geboren, aber ganzzum Montréaler geworden, mit kurzem Draht zu empreintes DIGITALes, wo "Kaleidos"(1996) und "Migrations" (2003) seine klangskulpturale Arbeitsweise zeigen, mit der erdurch 'transzendentes Lauschen' in unbewusste Tiefenschichten eindringen möchte. Mit
dem (wegen seiner verleugneten SS-Vergangenheit umstrittenen) Rezeptionsästhetiker
Hans Robert Jauß als Wegweiser und Lyotards "Der hörbare Teil des Werks ist nur
musikalisch, wenn er das Unhörbare evoziert" als Maßgabe. So entstanden seither: Aus
flimmrig tremolierenden, rau schürfenden, fein knisternden, rhythmischen und fauchenden Spuren, ausgespannt zwischen Stille und harmonischen Wogen ➔ 'Maelström'. Aus
metallischem Sirren und pulsendem Stampfen, lange gedämpft und geisterhaft, endlichnah und laut ➔ 'Train d'enfer', in dem Rimbaud mit dem Unmöglichen tanzt. Als Impression Sonnenaufgang ➔ 'Les aurores pourpres', tagträumerische Lichtstrahlen, gestört und überrauscht von dunklen Konvulsionen, Brüchen, impulsiven Verzerrungen.
Aus rhythmischen Orgelwellen, dunklen Schüben und beklemmten ➔ 'Les territoires
secrets', als durch Nicolas Bouviers "Die Erfahrung der Welt" inspirierter Travelogue,allerdings nicht ostwärts, sondern ins eigene, als Leere und Fülle orchestrierte innere
Granulat. Sowie ➔ 'Voies crépusculaires', im Selbstbezug auf ein Frühwerk, 'Crystal
Music', als sich aus der Dämmerung schälender Puls, ein Tamtam mit wieder impulsiven
Einschüssen, aber allmählich doch als groovender Loop in perkussiven Schattierungen,durch Engpässe ins Zentrum. Sieh da: L'inaudible (IMED 19162).
Stéphane Roy und CHANTAL DUMAS haben einiges gemeinsam: Das Geburtsjahr 1959,
die Elektroakustik, Montréal. Und entspricht nicht sein "Migrations" ihrem "Le Parfume
des Femmes", Untertitel: Drei Tonaufzeichnungen über das Thema der Migration, dassie schon 1997 in Berlin realisiert hat (mit u. a. Joëlle Léandre, Shelley Hirsch & The
13th Tribe)? Oscillations planétaires (IMED 19163) wurde 2018 erstmals in der Reihe'Klangkunst' bei DLF Kultur ausgestrahlt, logisch, nach Mitternacht. Die konzertante
Uraufführung folgte am Conservatiore de musique de Montréal nach. Das Werk kreist,
nicht ganz so rund wie sie mit "86400 seconds - time zones" an einem Tag die Welt
umkreiste, aber doch ähnlich programmatisch um ein oszillatorisches Ensemble geologischer Phänomene: Erdbeben, plattentektonische Subduktion, die Konvektion desErdmantels, der Marianengraben, der Mittelatlantische Rücken, Gebirgsbildung,
Erdgezeiten, Geysire, Geomagnetismus, seismische Wellen. Die Erde als Klangskulptur,
als eruptives, glissandierendes, sich knirschend dehnendes und reckendes 'Automobil',wenn man autós = selbst und mobilis = beweglich wörtlich nimmt. Geysire haben Durchfall, der Fenriswolf schnüffelt, kreationistische und kataklysmische Mythen nehmen
wieder Gestalt an, aus Eis und Feuer wird Ymir, Wassermütter und Eisriesinnen gebären
Berge, Meere und Giganten, um es mit Döblin zu sagen. Nicht auf bloße Worte hin oder
als Kopfgeburt, bei Dumas, die ihrem Namen dramatisch und abenteuerlich Ehre macht,
sind Gaias gewaltige Wehen so irdisch wie erhaben. Mit Spuren eines Baritonsaxofonsoder von rumorendem Piano und Schlagzeugbecken (bei 'Dorsale médio-atlantique')inmitten der Synthie- und Brandungswellen und des tellurischen O-Tons. Und aus derGeo- und Biosphäre geschöpft, einer erdballumspannenden 'Musikosphäre' (Manfred
Stahnke), mit einem völlig anderen Begriff von 'Weltmusik', die sich auch ganz ohne
Mensch selber macht, aber dann niemand hätte, der sie hört. 'Ondes sismique' istpaukenrollender Trommeldonner inmitten trillernder Klangbeben. Und für 'Plaqueantarctique de loin en loin' mischt Dumas zuletzt in sonor dröhnende, melancholischangedunkelte Schübe kristallin pingende Tropfen. Die Sahara ist dein Garten, ebenso
der Marianengraben; stirb dort, und du wirst nicht einsam sein. (Joanna Russ)
75

Moondog und Charles Plymell, Ross Bolleter und Jacques Demierre... das versteht man sofort, als Faible für modernistische
Mavericks. Aber die Booklet-Reihe mit Text/ch/en von William
Wordsworth (1770-1850), Pierre Loti (1850-1907), Oskar Panizza (1853-1921), Félix Fénéon (1861–1944), Charles-Louis
Philippe (1874-1909), André Salmon (1881-1969), Franz Kafka(1983-1924) und Antonin Artaud (1896-1948), dazu von Andrew Liles und von Guillaume Belhomme selbst, dem Herausgeber? Was verbindet diese ausgesuchte Lektüre vom romantischen Début zum dekadenten Fin de Siècle, das Mario Prazbestimmt sah von La Carne, la morte et il diavolo ? Ein schaurig
schwarzer Faden? Ein Plädoyer für anarchistisch, bizarr undavanciert Gewagtes? Mary Shelley, die bei ihrem Frankensteinor The Modern Prometheus (1818) das Siècle noch vor sichhatte, sah eine spekulative, mythische und viszerale Spur ins
Kommende: Science Fiction, Fantasy und Horror. Wobei viele
dieser Contes fantastiques - so wurden E. T. A. Hoffmanns
Fantasiestücke ins Französische übersetzt - einfach als 'phantastisch' vexieren. Zwitternd zwischem rückwärtsgewandtem,
antidemokratischem, schicksals- & abergläubischem Schauer(Nantes)und Motiven der Grenzüberschreitung, der Verwandlung.
Neben Poe, Maupassant, Meyrink, Kubin, Kafka, Lovecraft... steht auch HANNS HEINZ
EWERS (1871-1943) in der Galerie der Phantasten. Als Enfant terrible, Weltreisender undder von Oscar Wilde und Max Stirner angeregte, von Okkultismus, Spiritismus, Drogen und
Rausch faszinierte, wahrhaft schillernde Bestsellerautor von Grotesken & Schauergeschichten wie der splattrigen 'Die Tomatensauce' (1905) und 'Die Spinne' (in "Die Besessenen", 1908). Berühmt durch "Alraune" (1911) und "Der Student von Prag" (1913),
fand er sich nach sechs Jahren in den USA in der Weimarer Republik zwischen den
Stühlen, den einen nicht deutsch genug, den andern suspekt, beiden degoutant. Und posthum gilt er gänzlich als Persona non grata durch seine Anbiederung an die Nazis mit"Horst Wessel. Ein deutsches Schicksal" (1932). Doch keines in solchen Fetzen undFarben wie seins. Denn die Nazis haben ihn, der auch Brecht als 'Pornographist' und'Fachmann für Entschleierung' anrüchig war, dennoch verboten, als zu 'unmoralisch', wasseine eigene Ironie hat. Belhomme kam auf Ewers wohl durch den Kabarettisten & Chansonnier Marc Henry (1873-1943), der mit seiner Frau Marya Delvard das Pariser Le Chat
Noir nach München und Wien exportierte und mit Ewers Liberettos zu den Opern "Dietoten Augen" (1916) & "Ivas Turm" (1926) schrieb. Sorcière, Ma Mère (lkl-l41, Booklet + 3"mCD) bringt, als Gegenstück zu Liles' krassem 'Très Chère Mère', 'Meine Mutter, die Hex'
(aus "Nachtmahr", 1922, mit 6 Radierungen von Stefan Eggeler, 1923) auf Französisch.
Der erste Satz verrät, was Ewers in Yankeeland schmökerte, und lautet So schrieb Dr.
Kaspar Krazykat an seinen Bruder – . Er bittet ihn flehentlich darum - heirate nicht! Denn siehe Titel. Sie führt nämlich eine Kröte spazieren, züchtet Fliegenpilze und Bilsenkraut,steht mit den wildesten Ausgeburten der Phantasie der Gotik auf du und du, Flauberts›Versuchung des Heiligen Antonius‹ ist ihr Brevier, sie sammelt Besen und kuriert Warzen,
kann aber auch 'verwünschen'. Kinder fesselt sie mit Sätzen wie: Es saßen da ein Dutzend
beisammen, Hexen und Zauberer. Die aßen Biersuppe. Und als Löffel hatte jedes den Vorderknochen eines Totenarms. Umschnurrt von Bast, der katzenköpfigen Göttin. Bis sie
sich auf dem Besen davonschwingt, hin zum Großen Bock. So der Briefschreiber. Der damit aber nur bei seiner Schwägerin den Wunsch nach Mädels erhöht, die alle genau soliebe, nette Hexen werden möchten wie die Mutter. Dazu erschallt 'The Top of the Left Ear'(wo der Dackel die Katz biss). Von, traditionsgemäß, NURSE WITH WOUND, wie schon zu
Fénéon, Philippe, Salmon, Kafka und Artaud. Als träumerischer Drone von feliner, glänzender Geschmeidigkeit, metalloid gestreift. Als vom Wind geflauschtes Glockenspiel,pulsend unter katzenpfotig gegongten Tupfen. Und irgendwann nicht mehr Kätzchen,sondern schreitende Göttin, zwischen Klangschalen und Mörser, golden umschimmert.

Lenka Lente

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MIC Lithuania (Vilnius)
Das Lithuanian Music Information Centre grüßt in der aktuellen No. 22 (Januar 2020) desMagazins »Lithuanian Music Link« (Print + online!) von Vilnius aus die Welt. Mit dem kulturpolitisch geförderten Stolz auch auf Alternatives und Avanciertes, der ja die bemerkenswerte Musikszene Litauens insgesamt auszeichnet. 'Lithuanian Women Composers: From
Minorities to Leaders in 30 Years' zeichnet dabei die feminine Erfolgsgeschichte nach, die2019 gipfelte in der Auszeichnung von Mirga Gražinytė-Tyla als Star am Dirigentenpult, vonAsmik Grigorian als Operndiva und vor allem im Goldenen Löwen für die Filmemacherin
Rugilė Barzdžiukaitė, die Schriftstellerin Vaiva Grainytė und die Komponistin Lina Lapelytė
und ihre Revue Sun & Sea (Marina) im litauischen Biennale-Pavillon in Venedig. Onutė Narbutaitė ist vom Kronos Quartet zu 50 for the Future eingeladen worden, Raminta Šerkšnytė
erhielt das Gütesiegel von Deutsche Grammophon. Und nur die zungenbrecherischen
Namen verhindern, dass von Žibuoklė Martinaitytė, Egidija Medekšaitė, Rūta Vitkauskaitė,Justina Repečkaitėso, Rita Mačiliūnaitė, Zita Bružaitė so die Rede ist, wie sie es verdienthaben. Ohne Quote oder #MeToo-Rückenwind entfaltete sich da ein Selbstverständnis, dases Justė Janulytė befremdlich erscheinen ließ, mit Ashley Fure und Olga Neuwirth beim
Festival MaerzMusik in Berlin in eine Frauenecke geschoben zu werden. Als wäre aus dem
nachholenden Schwung in Litauen als junger Demokratie ein vorauseilendes Bewusstsein
entstanden, neben dem die im Natio-Fascho-Macho-Rollback in Bedrängnis geratenen liberalen und progressiven Positionen in den alten Demokratien so defensiv erscheinen wie
sie sind. Wobei die litauische Fortschrittlichkeit einhergeht mit Tiefenerinnerungen vor derStunde Null 1990, an neopaganen Geist, den Sutartinės-Gesang als litauischem 'Ur-Code',das Spiel der Kanklės-Zither, wie 'Lithuanian Postfolklore: The Archaic Baltic Music in Modern Times' aufzeigt. An Symphonikern wie Bronius Kutavičius und der Folklore des Männerchors Ugniavijas, des Frauenchors Trys Keturiose, der Romuva-Hymniker Kūlgrinda, an
Laurita Peleniūtė und Indrė Jurgelevičiūtė (mit Merope) bis hin zur ambient-tribalen
Folktronica von Donatas 'Donis' Bielkauskas oder Saulius Spindi. Dass, woran in 'Vilnius
Jazz Guide' nochmal stolz erinnert wird, die litauische Hauptstadt in den 1970ern mal eine
Hauptstadt des Jazz war, war freilich Zugereisten zu verdanken: Vyacheslav Ganelin, Vladimir Tarasov, Vladimir Chekasin, Arkady Gotesman... Doch die Saxer Vytautas Labutis,
Petras Vyšniauskas und Liudas Mockūnas und der Bassist Eugenijus Kanevičius schnappten den Virus auf. Als dann die Luft im postsowjetischen Alltag dünn wurde, blieb doch das
Vilnius Jazz Festival am Puls des NowJazz dran - nur so mancher Jazzer nicht im verkümmerten Land. Jeder fünfte Litauer ging außer Landes, fast 1 Million, dafür rücken Ukrainer
und Weißrussen nach, unwillkommen. Wobei Weggeher wie der Drummer Dalius Naujokaitis, der sich in New York etabliert hat, wieder die alte Heimat befruchten, wo inzwischen
neue Eigengewächse keimten: Sheep Got Waxed (= Simonas Šipavičius - sax, electronics,
Adas Gecevičius - drums, electronics, Paulius Vaškas - guitar, electronics), der Keyboarder
Mantvydas Pranulis mit Brave Noises, Džiazlaif (= Kazimieras Jušinskas - soprano sax,
Arminas Bižys - alto sax, Danielius Pancerovas - baritone sax, Paulius Vaškas - electricguitar, Aurelijus Užameckis - double bass, Ignas Kasikauskas - drums) und das Saxquartett
Katarsis4 (die drei von Džiazlaif plus Algirdas Janonis), die aufspielen können im Jazz
Cellar 11, dem Vėjai oder Nauji Vėjai und der Paviljonas Bar, im Buchladen Rūdninkai und
im Downtown Forest Hostel. Ein Kapitel für sich erzählt 'Kablys: Alternative Culture by
Hook or by Crook', das schwärmt von dem einstigen Kulturpalast der Eisenbahner aus den
50er Jahren, der 1993 unter der Initiative von Petras Ubartas (Trompeter und Gitarrist dernoch antisowjetischen Kultrockband Antis [= Zeitungsente/Fake News]) in ein Kunst- &Kreativzentrum verwandelt wurde. Mit seinem namensgebenden Haken des Künstlers
Mindaugas Navakas an der klassizistischen Fassade, als Dach für Raver, Punks und Metal
Heads, die Musikdistribution Zona, Festivals aller Stile. Bis es runterkam, von Hooligans im
Suff vandalisiert, ausgebrannt, und erst 2008 und nur als Kellerclub XI20 wieder auflebte.
Doch seit 2013 zieht es, peu à peu hergerichtet, als Vilnius' kultigste Bienenwabe wieder inseinen Bann.
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Da, wo man sich schon mal als 'G-Punkt Europas' anpreist, lockt Zoom In 13: New Art Music
from Lithuania (MICLCD105) in eine Ecke, in die,wie sexy und sophisticated auch immer, sich
Touristen nur selten verirren. Dabei könnten sie
sich beim Gaida oder Druskomanija Festival inVilnius, beim Jauna Muzika Festival oder beim
Iš Arti in Kaunas empor ins Reich des Edelmenschen liften lassen. Von vier Modern Composern, die ihren Horizont draußen erweitern,zwei die sich daheim bemühen. Alle sechs freilich in der festen Überzeugung, dass der
Mensch nicht von Wurst allein lebt, dass ihn araging desire, mit William Blake gesagt, umtreibt nach the food of love, nach sublimem
Manna. Den versucht Egidija Medekšaitė
(*1979), die mit ihrem PhD an der Uni. Durhamin UK komponiert, zu stillen mit Sattva als
Prachtstück aus den erhaben dröhnenden Wellen eines elektronisch forcierten Akkordeons.
Albertas Navickas (*1986), der in Paris promoviert, lässt bei Sunrise of the West über dem
impressionistisch flimmernden und grandios
wogenden Tremolo des Lithuanian State Symphony Orchestras zuletzt die melancholische
Stimme von Eglė Sirvydytė (von mmpsuf) aufscheinen, mit so viel wahrerem Feeling als dem
der Belcantozicken. Katabasis von Ramūnas
Motiekaitis (*1976) wird intoniert vom Ensemble
Synaesthesis, bestückt mit Altosax, Bassklarinette, Piano, Violine, Bratsche und Kontrabass,in ebenfalls post-debussyesken Fluktuationen.
Oder takemitsuesken? Das St. Christopher
Chamber Orchestra lässt The Perseids vonGoda Marija Gužauskaitė (*1995) funkeln, mit
flimmernden Streichern, elegisch angedunkelten Bläsern, Mahler'schem Pathos, erhaben wie
auf Adlerschwingen. Rūta Vitkauskaitė (*1984),
die in London studiert, stellt bei Chrysalis dem
Lithuanian State Symphony Orchestra Solopercussion gegenüber, wirbelnde Vibes undmonotone Schläge, die das Orchester in einen
Taumel versetzt. Dazu entpuppt sich Mothra
und tanzt mit kristallinen, harfendelikaten undmetallischen Gesten als dennoch monströse
Spezies, die zuletzt paukendunkel brummt,
trampelt, federt, röhrt und mit Wolkenkratzern
moscht. Die schon wohlbekannte Žibuoklė Martinaitytė (*1973) in New York versetzt mit Millefleur den Klangkörper des Kaunas City Symphony Orchestras in zart flirrende und dröhnende Schwingungen und paukende, crashende
Aufwallungen. Lockt da nicht Duft aus unsichtbaren Kelchen wie von Sternenblumen?
Fotos: Das Kablys - Ruta Vitkauskaite (© Anders Bigum) - Julius Aglinskas (© Edvino Gogelio)78

Daneben bringt Note Lithuania: Experimental/Electronic 2019 (MICLCD106) in zwölf
Beispielen probably the most exciting representation of an active wave of experimental
electronic music deriving from the first decade of the 21st century. So Ugnius Liogė, derMacher des Mittelalter-/Neofolk-/Darkwave-Festivals Mėnuo Juodaragis und des Labels
Dangus. Angefangen von Vėlių namai, Julius Mitės Ritual Dark Folk mit Bart, zu Ross und auf
Wurzelsuche bei den kurischen Ahnen in ihrer Bedrängnis durch Slawen, Nordmänner und
die Ritterorden. Bei Patris mit Cellomelancholie in Dämmerungsgrau, mit insistentem Beat.
Der schon als "Drone-Mind // Mind-Drone"-Träumer belauschte Skeldos zeigt sich einmal
mehr als Verehrer von Antanas Škėma und flüsternder Caretaker of Yearning. Die Performancekünstlerin, Sounddesignerin und Filmemacherin Daina Dieva, die mit Skeldos bei"Aviliai" Honig gesaugt hat und in Schwarz auf Schwarz gedruckte Poesie eingetaucht ist,sieht als Kassandra dunkle Fluten steigen. Distorted Noise Architect mischt seit seinem
ersten Auftritt 2018 im Kablys die dunkle Dröhnfront auf mit technoidem Ritual-Beat. Auchbei NULIS:S:S:S als neuer Maske von Laurynas Jukonis, als Girnų Giesmės mit seiner"Sėja"-Reihe die graue Eminenz postindustrialer Dröhnung, knarzen zu melancholischer
Gitarre Stein und Stahl als Wegmarken seiner Nulis:s:s:see. Als Tiese locken Antanas
Dombrovskij und Vilius Šiaulys mit geradlinigem und wahrem Noise, ex nullo kreiert mit
submolekularer Unschärfe. Unit 7 mischt technoid klopfenden Maschinenbeat, melodische
Reste und Stimmsamples zu EBM aus dritter Hand. Maximilianas Oprishka strebt als Fumein die erhabene Dröhnosphäre und den sonoren Mattglanz des Nachthimmels. Auch Lukas
Grinys dröhnt als Nortas seit 2018 melancholisch in the Shade of Grey. Die Sängerin Ingula
Rinkevičienė und Raguvos ziehen mit Flöte, Kankles, Cello und Dead_Can_Dance-Touchschleppend ins Exil. Avidja/devita schließen im Gitarrenduo mit ihrem Nadja-verwandten
Dröhnen den Klangbogen, der zwischendurch zwar rhythmisch aufwallt, aber die Litauer
doch auffallend dröhnend überwölbt und vor kalten Ohren schützt.
An JULIUS AGLINSKAS (*1988, Anykščiai) wurde schon herangezoomt mit 'Fragments for
Symphony Orchestra' (auf "Zoom In 11"), den melancholischen, helldunkel gefleckten
Repetitionen eines Streichquartetts (auf "Zoom In 12") und 'State of Mind' als 'feldmanesken', zu einem bedächtig aushallenden Pianozweiklang und tagträumerischem Pizzicato
langgezogenen Klangfäden (auf "Another Point of View"). Anton Lukoszevieze, der Leadervon APARTMENT HOUSE, der für neue Musik aus Litauen, dem Land seiner Vorfahren, ein
besonders offenes Ohr hat, zeigt nach Arturas Bumšteinas, Jurgis Mačiūnas, Antanas
Rekašius und Egidija Medekšaitė nun auch Aglinskas in Großaufnahme. Mit Daydreamer(MICLCD107) als 12-teiligem Dreamscape, intoniert mit Bassflöte, Bassklarinette, E-Gitarre, Keyboards, Percussion, Piano, Lukoszevieze selbst am Cello, Viola und zwei Violinen.
Aglinskas selbst setzt den Akzent seiner Klangwelt am Gegenpol zu Action oder bloßer
Buchhaltung auf Schönheit und Feeling. Lukoszevieze lässt in seiner poetischen Introduktion die Namen Erik Satie, William Basinski und Harold Budd fallen und schwenkt die
Kamera eines Cinéma pour l'oreille von leeren Wänden auf ein regnerisches Draußen. Fürein gefühlsechtes Schwarzweiß, evoziert mit melancholischem Piano (Siwan Rhys) und
aushallendem Sustain, aber beständig auch sehnendem Pathos. Als ein traurigkeitsgenüssliches Bonjour Tristesse, eine zartbittere Immersion in die unerträgliche Leichtigkeit des Seins. Wie sie eigentlich Lukoszevieze in die Wiege gelegt wurde, aber offenbar
nicht aufgehört hat, als schwarze Tinte in den Sentimental Fields Osteuropas zu zerlaufen.
Auf der Artemjew-, Kilar-, Pärt-Route, widerhallend in tagträumerisch stagnierender
Klimperei, mit bebenden Lippen, bebenden Herzfasern Tantalosqualen erleidend, aberverwandelt in die Schmerzlust eines unaufhörlichen Konjunktivs. Immer wenn alles im
Dunklen zu versinken scheint, greift Rhys mit der Rechten eine Handvoll neuer Hoffnung
und findet so den Thrill ungestillter Sehnsucht, den süßen Schmerz des Beinahe, einesvergeblichen Verweile doch. Wenn die Hand erlahmt, schwelgen die Streicher, summen die
Bläser mit quellwolkigem Drang, in balsamischem Moll, bis Rhys mit unveränderter Wehmut, doch ungebrochen illusions- und schönheitstrunken wieder die Tasten drückt. Mit nun
auch dunklen Schatten der Keyboards und lang gezogenen Drones und zuletzt doch kristallenem Hoffnungsschimmer durch Vibes und süßestem Trost der Strings.
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No Edition (Alpen-Veen)

Warten Warten Warten... Auf was? Bis es dunkel ist, bis
man schwarz wird? Auf bessere Zeiten - 2020 wird ein
Super-Jahr (schlagzeilt die BLÖD-Zeitung)? Ach nä.
Warten, auf den Krieg, auf den Bus, das Boot, um dranzukommen, im Wartezimmer zum Jenseits, in der Schlange,
durchnummeriert, ausrangiert, noch nicht abkassiert? „Injener warmen Zwischenzeit, bevor der Sommer endet undder Herbst kommt“, wie bei Pessoa? Interim. In the Meantime = halfway between extremes; originally in music, "atone intermediate between two other tones". Worauf ERIKMÄLZNERs Scherenschnitt-Oldtimer harrt, am Abend dreifüßig, vermittelt sich ohne Worte. Noch einmal frische Luft,auch wenn der Kuckuck ruft. WARTEN IN DER ZWISCHENZEIT (NO EDITION # 123, DL/USB) vielsagend zu nennen,
wäre euphemisch. Mit Midi-Keyboard, Synthesizer, Sampler und Computer gestaltet Mälzner eins, zwei, drei Stückchen Zwischenzeit, genauer: drei Brocken von 20 undmehr Minuten, noch einmal mit seinem ganz eigenen 'As
Time Goes By', seinen fundamental things. A case of do ordie. In fatalem Moll, mit morbidem Piano, Schlägen auf die
Drahtharfe, kaskadisch verhallend, monoton durchwellt,
bedröhnt, mit Zeitstürzen rückwärts, perkussiv befunkelt,
mit kurzen Bogenstrichen als Kommas. Der Fall ist ernst,
wie alles was der Fall ist. Die Akzente fallen im zweiten
Satz gedämpfter, zögerlicher, aber doch noch von WindChimes-Funken umrauscht und fast dramatischem Orchesterschwall, die löchrige Gegenwart bedongt, angepickt, zu Streichertremolo beknarrt von dunklen Bläsern.
Ein Schiffswrack dröhnt als stählerne Klangskulptur, mit
einem ebenso geisterhaften Andrang von Alarm. Prothesensymphonisch wie Tim Hodgkinson, aber eisenhaltig
und elegisch. Im dritten Satz mit Orgelhalteton und sublim
flimmernden Streichern, lange stehenden Wellen, sogar
einem himmlischen Aaaaa aus Phantomkehlen. Die eiserne Zeit, mürbe geworden, Gongs dongen bronzenen Flor,
säumen den Abend noch einmal golden. Ein Endspiel ohne
Ende. Ein "Not today" als dröhnendes Adagio, das der Uhr
die Zeit und dem Tod die Leich' stiehlt. Felice notte, uns
Schädelblüten, abgefeimt. Und Schattenlaut auf tief vertraut, das hat ja schon der Benn gereimt.
80IN THE STUDIO (NO EDITION # 124, DL/USB) wurde in Herne eingespielt von RRR & R, genauer: von und mit JR (e-guitar / a-guitar / electronics), YR (synthesizer / sampler / electronics), JRR (e-piano / piano / electronics) & ER (e-drums / percussion / electronics) featuring
Kanzler Meier on vocals. Wobei JR Jürgen Richter ist, von Braingrainhotspot, bei den andern muss ich passen. Ganz sicher ist nur, dass es da, 'In the Year Three After Reunion',doch noch eine Mauer gibt ('Wall'), mindestens einen 'Stimulus' und zwei Trips, den 'Trip
near India' und den 'Trip in the Dusk'. Doch mit 'Ali-Lente' kann ich wieder nur ein Fragezeichen verbinden. Musikalisch zwittert das zwischen Gitarrenpsychedelik und Electronica,
zwischen Freakrock und abgedrehter Sonic Fiction, als Idiot Dancing in Your Mind, zu Uptempo-Beatz, durchschnitten von fräsendem Gitarrensound und virtuellen Bläserstößen. Bei'Ali-Lente' wird's dann völlig weird, mit raunenden Vocals im borkigen Timbre Erik Mälzners,
der da wohl als von wüstem Sound umsponnener Kanzler was von Selbstmord und Auswandern knarrt und von ständigem Wandel. Dem kurzen 'Wall', von Gitarre beknurrt, von Beatsbeblitzt, folgt 'Stimulus' als Kladderadatsch mit Saxofon, erratisch und angefressen vonwieder der Gitarre, während KM mit denglischem Zungenschlag erklärt, dass nix zu erklären
wäre. So wenig man einer Erklärung nahe kommt, so wenig auch Indien. Aber vielleicht
doch, mit freakischer, die Zeit dehnender, verzerrender Gitarre, bekifftem Synthiesound,
driftenden Mirage-Keys und wüster Rhythmik, ins Hinterstübchen des Grey Rooms. Ganz
sicher gibt es Menschen, die intelligent, kultiviert, großzügig, offen, sympathisch, witzig,
unkompliziert etc. pp sind, raunt der Kanzler dann beim unkompliziert entschleunigten'Ganz sicher'. Mit der Pointe: Aber ich kenne sie nicht. Wo leben sie? Wooo? Danach gehts
duster weiter, mit baritondunkler Desert-Gitarre und Sonnenuntergangsmelancholie, so
himmelschreiend wie pianotrist. Bei 'There' singt KM zuletzt, zu Akkordeon und wieder im
Westernlook, aber mit deutschem ti-eitsch, davon, zu prüfen, was abgerissen, was neu gebaut gehört. Doch das ist nur so eine Idee, ein Traum, der abrupt endet.
KILLING TIME (NO EDITION # 125, DL/USB) mit 'die Zeit totschlagen' zu übersetzen, hießevon Langeweile reden und von Zeitvertreib. Grübelt ERIK MÄLZNERs Knochenmann darüber, ob es weniger eintönige Jobs gibt als seinen? Doch Google weiß auch, dass die Sense,
die Sichel der Zeit kills love, kills deals, kills you, kills us all. Time kills everything. Bei "KillingTime" von Massacre gab es schon 1981 'Bones' und den Vorsatz: 'Aging with Dignity'. Mälzners wiederum wortloser Chronozid ist wie das Noch von "Warten..." dreigegliedert, in'Climb On a Chair to Get Closer to the Night Sky', 'Decay Into Elementary Particles' und'Twofold Challange' (sic). Ersteres lässt an die Inkas oder Aborigines denken, für die, in
Sternenlicht badend, das Dunkel Gestalt annahm: als Lama oder riesiger Emu am Himmel.
Sterne, das Dunkel, und ihre Verehrer. Die Elementarteilchen lassen mit Houellebecq das
Klonen schmerzfreier Neo-Menschen visionieren, bei ihm eine resignative und larmoyante
Perspektive. Oder sie rühren hippiesk an Joni Mitchells We are stardust / Billion year old
carbon... Staub bist Du und zum Goldstaub kehrst Du zurück. In der Zwischenzeit herausgefordert durch, naja, ihr wisst schon, Miracle of Birth, Meaning of Life, Autumn Years. Und
früher oder später durch das Verfallsdatum, den unsichtbaren Gorilla. Also Twofold. Als
möglicherweise ein letztes Lamento? Sowas wie Mälzners Last Tape? Unwahrscheinlich. Er
spinnt sein Thema einfach weiter. Kreativ unerschöpft, mit langen Dröhnfäden, ausdauernden
Haltetönen. Durchsetzt mit perkussiven Kaskaden aus umgekegelten Kegeln, geschlagenen
Drums, verhallendem Grollen, Zeug, das zu Bruch geht. Durchstoßen von alarmierenden
Signalen und klagenden Klängen wie von einer Schalmei. 'Decay...' wirft dunkle Wellen mit
langem Sustain zu Glockenschattenspiel und schleifenden Bogenstrichen, die stöhnen wie
die Pestkranken bei Whens "The Black Death". Sie wollen singen und beten, können aber
nur noch röcheln, zu MIDI-Blasetönen, Drones und Rippenstößen mit Verzerrung. Der
grimme Tod macht Pisspötte zu Klangschalen, für die letzte Musik vor dem letzten Furz. Der
dritte Satz setzt dunkle Bass- und triste Pianotöne und lauscht ihnen nach, wie sie in derStille vergehen. Ins löchrige Gefüge knarren Posaunen lange Wellen, Drones driften zu den
brüchigen Tönen des Klaviers. Bis allmählich die Klangspuren nicht mehr aufhören, zu
schnarren und zu dröhnen, und das sich schon abzeichnende Leichentuch zur Leinwand
wird, zum glockig läutenden Klangfeld eines knarrigen Sound Field Pain/tings. Mit längst
auch wieder kräftigen Pianoschlägen. Wer fürchtet sich vor schwarz, weiß und grau?
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Sofa (Oslo)
JAN MARTIN SMØRDAL ist ein norwegischer Modern Composer, Arrangeur und Multiinstrumentalist (etwa bei Jenny Hval, Hanne Hukkelberg, Torgeir Vassvik oder Siri Nilsen).
Seine Musik wurde intoniert von den Ensembles Kammerklang, Allegria und 96 oder von
Karin Hellqvist, der Violinistin bei Cikada, Oslo Sinfonietta und dem femininen Ensemble
neoN, dem er selber angehört. NeoN hat sein 'My Favorite Thing 2' eingespielt ("Neon",
2016), mit neoN hat er Catherine Lambs 'Parallaxis Forma' dargeboten (auf "Niblock /Lamb", 2019). Und er wirkt auch mit an neoNs Aufnahme von Choosing to Sing (SOFA 579,
LP/CD), seiner vertrackten Erfindung aus dem Jahr 2015, in den Parts 'React' (7-stimmig),'Choosing to Sing' (nur Trompete & präp. Cello), 'Response' (nur Klarinette & Piano) und'Call' (nur Flöte, Klarinette & Violine), die, gedreht und gewendet, wiederkehren: Erst nur
Trompete & akustische Gitarre, dann zwei Mal Trompete, Flöte, Klarinette & 12-saitige
Gitarre, bevor 'Call, but Response' als Schluss-'Gesang' erklingt, wieder 7-stimmig, nur ein
kleines Bisschen anders. Die Trompete spielt Eivind Lønning (von Streifenjunko und dem
Trondheim Jazz Orchestra), wobei er da zu Beginn nur an einem schleifenden Kratzen,
einem zirpenden Dröhnen und Flöten mithaucht, das, spektral changierend, einen Sinuston umspielt und dabei dunkel und wummrig aufquillt. Mit dann fast ununterscheidbar'singenden' Blasetönen und Flageoletts als leise heulender Klage, nur Trompete und Cello,doch ebenso kaum zu glauben wie die mit Piano ratschend geklirrte und mit Klarinette
gegurrte Schmauchspur und der röchelnd verunklarter Singsang zu dritt. Gefolgt vonwieder helldunklem Heul- und Dröhnklang, von einem unwahrscheinlich schillernden, langanhaltenden und dabei angedunkelten Blaseton (was macht da die Gitarre?). Das Quartett
gerät rhythmisch in bienenstockbrausende, zuletzt schlabbernde Wallung, mit ganz unbegreiflichen extented techniques. Das Finish bringt gepustetes und geschlagenes Stakkato und Pizzicato zu animalischem Mundstückvibrato, mit nochmal großem Erstaunfaktor.
Denn Smørdal macht letztlich keine mikrotonale, sondern schlicht 'erstaunliche Musik' schaut & hört nur mal “All play”, neoNs Gitarren-Concerto mit Daniel Meyer Grønvold als
videoprojeziertem Freak-out-Solisten. Oder wie das Ensemble Ernst mit quarrender Tuba“(herd)STUDY” streichelt, pickt, kratzt und pustet, von kleinlaut auf der Stelle bis donnernd expansiv.
Die dänische Saxofonistin Signe Emmeluth hat sich in Oslo in kurzer Zeit einen Namen
gemacht, mit Skarbø Skulekorps, dem Spacemusic Ensemble und Emmeluth's Amoeba. Da
hat sie auch schon Karl Bjorå mit seiner Gitarre an der Seite, der, noch Twen wie sie, mit
Yes Deer, dem Megalodon Collective und Karl Bjorås Aperture sich ähnlicher Wertschätzung erfreut. Zu zweit als OWL haben sie abgeschieden in Hemnes oben in Nordland Mille
Feuille (SOFA 580) geschichtet. Er harft die Saiten, sie pustet Kuchen, Hauch für Hauch,
mit noch perkussiven Finessen und elektronischen. Im sorgsamen Miteinander und mit
poetischem Gespür für feine Verzierungen. Vorsichtig suchen sie in bruitistischer Pointillistik nach Antworten auf unausgesprochene Fragen. Tonlose Puster legen sich ostinatüber obskures Wummern. Saxofone Kürzel zucken monoton zu störenden Impulsketten
und brodeligen Rumor. Bjorå lässt die Saiten funkeln und flimmern, von Elektronik motorisch beknattert. Denn alles Lyrische und Schöne findet einen inneren Gegenzug, ob in
automatischem Furzeln oder in spuckigem Schlürfen. Kaum klärt Emmeluth ihren Blaseton, knattern und brodeln dazu wieder körnige Noisepixel. Geräuschschlieren streifen
Gitarrengespinste, dongende Laute begegnen steinig klackenden, spitz fiepende stoßen
auf trillernde, eines so zeitvergessen wie das andere. Er tremoliert, sie bläst Blockflöte
und rasselt. Um plötzlich kakophon zu keckern, zu pfeifender und rumpelnder Crackleboxerei und erratischem Saitenspiel. Spitze Töne durchstechen einen harfigen Gitarrenloop, wummrige und knattrige Störungen werden mit Feinklang akzentuiert und von Emmeluth am Mundstück bekeucht. Zuletzt mundmalt sie zu diskantem, auch wieder flimmerndem Saitenklang und elektronischer, geräuschverliebter Einmischung. Die Eulen sindnicht, was sie scheinen.
82

... jenseits des horizonts ...

CLAUDIO F. BARONI The Body Imitates theLandscape (Unsounds 64U): Ein Wiederhören mit jenem argentinischen Neutöner,der schon mit "Motum" (2018) bei Unsounds
zu hören war: Mit einem atmenden Dreamscape, einer zart georgelten Hommage anPhil Niblock und dem glissandierenden undkurvenden Streichquartett 'Perpetuo Motum'. Nun bietet das Ensemble Maze, in Memory of Robert Ashley, Baronis klanglichen,für Tonbandstimmen, Schallwandler (Transducer Speakers) & Ensemble aufbereiteten
Teil einer interaktiven Installation mit 17
ergonomischen Objekten, Wasserbetten, 60
Holzbänken und 180 Lautsprechern von Adi
Hollander. Die wesentliche Anregung dazu
war mit "Karada" eine Schrift des Kulturwissenschaftlers Michitaro Tada (19242007), die sich den elf Teilen des Körpers
widmet: Atama, der Kopf - Kao, das Gesicht- Kata, die Schulter - Senaka, der Rücken Hara, der Bauch - Heso, der Nabel - Uesuto,
die Taille - Hippu, die Hüfte - Koshi, das
Becken - Oshiri, der Arsch - Ashi, Beine &Füße. Entsprechend gegliedert ist Baronis
Bodyscape, wobei elf Stimmen dazu TadasÜberlegungen auf Englisch murmeln, vertont mit Anne La Berges Altflöte, Gareth
Davis' Bassklarinette, Keyboards, E-Gitarre,
Kontrabass, Percussion und Liveelektronik
des Komponisten. Die Stimmen klingen dabei wie unter Wasser glucksend und wispernd, die Instrumente setzen dazu behutsam Glockenspielfunken und dongende,
quellende Wasserfarbtupfen mit ausschlierendem Sustain. Als dünne Klangglasur,
aufgetragen mit weichen Pinselstrichen, mit
ständig den Einflüsterungen im Ohr. Einem
Ohr, das empfänglich wird für Einhandklatschen, während Kopf und Körper baden
in der Beinahestille eines Zengartens, derZeitvergessenheit Morton Feldmans, derKalligrafie von Licht und Schatten, derSinnlichkeit von Michel Serres' "Die fünf
Sinne".

83

MIREK COUTIGNY The Further We Ventured (Vynilla Vinyl, VV037 / Icarus Records, I009, LP/CD): Pianist turned composer turned electronic, so pendelt derjunge Belgier, er ist Jg. 1992, zwischen
Ypern und Gent, zwischen Klassik und
Klassik-Pop. Mit Jonathan Bonny & Koen
Quintyn als Headliner, im Pianoduo mit
Gabi Sultana vom Ensemble Spectra, mit
dem er auch schon Philip Glass spielte
und für das er etwa The Bigger Picture(2018) komponiert hat. Oder wie hier solo
zwischen den elektroakustischen Polen'Colorful Danger' und 'Safe Grey' mit noch
Percussion von Bonny und Strings im
Klangdesign. Als Ingredienzen eines pulsminimalistischen Ästhetizismus aus pianistischen Repetitionen der Glass-NymanMertens-Tradition, plinkender Spieluhr
oder Mbira, händischem Tamtam und balsamisch schmeichelnden Streichern. 'Atlas' folgt, melodisch beschwingter, derKlingklang mit Drums akzentuiert, mit
elektronischen Breaks, aber doch wieder
kreiselndem Flow, zu zartbitteren Strings
als Sehnsuchtstentakeln über die vorstädtischen Einheitsfassaden hinaus. Bei'The Stairs' tastet Coutigny allein vonsanfter Tristesse ins zart Sublime, das bei'Positive Loops' synthiewolkig und streicherselig anschwillt und mit Handclaps
und Elektrobeat in Wallung kommt. 'Ripples' wirft kleinste Kräuselwellen zu erneuten Piano- und Pizzicatoloops und hinkendem Beat, überflockt mit kristallinen
Arpeggiokürzeln und Coutignys rhythmischer Imitation des Beats mit der Linken.
Das Ganze wieder in spiraligem Aufwärts.
Ebenso das elegische, mit Streichertränen
getränkte Dämmergrau von 'Safe Grey',
das hinstrebt ins leise lockende, aufwärts
klimpernde Lichte, aber, halb resigniert,
halb traurigkeitsgenießerisch, zurücksinkt
und im Sicheren verhaftet bleibt.

MADS EMIL NIELSEN Framework 2(arbitrary 10, 2x10" + graphic scores):
Die Spur dieses Klangkunstmachersin Kopenhagen lässt sich entlangseiner Brotkrumen auf arbitrary gut
verfolgen: "Framework" (2014), "Percussion Loops" (2015), "SoundTales
Collage" (2016), "Black Box 1", "Refound" (2018). Letzteres mit Andrea
Neumann, denn Collaborations sindso etwas wie Nielsens anderes Spielbein: mit Anders Filipsens Tentett The
Black Nothing, Nicola Ratti, Madame
Nielsen. Sein erstes jedoch sind Graphic Scores, auf denen insbesondere
die 'Framework'-Serie basiert. So
auch hier, auf weißem Vinyl, bei (A)'Circles' als kleiner Synthiesoundcollage, die Nielsen dreiteilig illustriert
hat. Klingen tut das wie R2-D2 auf
LSD, bedröhnt, zwitschrig glitchend,
mit irrationalen Wooshes und Brüchen
und monoton stagnierenden Pixeln.
Und (B) in der Verklanglichung dersieben Motive von 'Framework Fragments' durch Nielsen & Neumann mit
Electronics & Innenklavier, die Nielsen dann zu einer komplexen Collage
konfiguriert und komprimiert hat.
Brausend, holzig wabernd, mit dumpf
dröhnenden Einschlägen, sirrend verrauscht, tackernd gemustert, elegischgeföhnt, drahtig geharft, zuckend, impulsiv aufbrausend, als anbrandende
Abstraktion. Gefolgt, auf klarem Vinyl,
von der Interpretation eines Teils von'Circles' durch Jan Jelinek (C) und deskompletten 'Framework Fragments'
durch Hideki Umezawa (D). Jelinek
lässt quecksilbrige Moleküle gedämpft
fluktuieren zu harmonischem, transparendem Gewölk über dunklen Tupfen.
Der lange als Pawn aktive Japaner
zieht rauschende Linien auf wummrigem Fond, er mischt fressende Lautezu elysischen, knistrige zu fragil zirpenden. Zu atmenden, pulsenden,
dröhnenden Anmutungen fügt er zierlichsten Klingklang, prickelndes Pianissimo, perkussive und kristallin pfeifende Mikroklänge. Allerfeinster Stofffür des Kaisers Garderobe.

MAX DE WARDENER Music for Detuned Pianos (Village Green Recordings, VG063, LP/CD): Schwer zu fassen, dieser Max de Wardener: Er spielte Bass mit Tom Arthurs unddem zimbabweschen Mbirameister Chartwell Dutiro ebenso wie mit Dani Siciliano,
Mara Carlyle oder Matthew Herbert. Er
machte Scores für Filme. Und er ist ein
Modern Composer, der im Geiste von Harry
Partch nach ungewohnten Klängen sucht,
wie denen einer Bassmarimba oder von'Cloud Chamber Bowls'. Oder, bei "Kolmar",denen von Rototoms, Crotales, Boobams,
Branches, Shells, Sand Blocks, Glass Harmonica, Ondes Martenot, Waterphone, Cristal Baschet und Buchla. Hier nun hat er Kit
Downes (Troyka, Oli Steidle's Killing Popes)
zwar nur an ein Piano gesetzt, das abernach einem Tonsystem von La Monta Youngbzw. bestimmten Aspekten der Harmonischen Reihe umgestimmt wurde oder so,dass es wie Partchs 'Diamond Marimba'
klingt. Vier Stücke sind aber schlicht in
Gleichstufiger Stimmung. Das zart schreitende 'Star Song' mit seinen verhallenden
Kaskaden ist dem Andenken von Dutiro
gewidmet, der 2019 gestorben ist. Das Artwork ist von der durch 'Suns from Flickr' bekannt gewordenen (Foto)-Künstlerin Penelope Umbrico, die de Wardener zu Titeln wie'The Sky has a Film', 'Redshift', 'Blueshift','Deranged Landscape' und 'Color Cry' anregte. Repetition in Wellen und monotonen
Mustern ist ein Wesensmerkmal seiner Ästhetik, aber auch deren Transgression in Lyrismen der rechten Hand, dazu ein elektronisch-orgeliger Fond, um die eigenartigen
Arpeggien darauf zu betten. 'Bismuth
Dream' könnte man mit einer romantischen
Reverie verwechseln oder mit Klimperei in
Erik Saties rosenkreuzerischem Hintersinn.
Ob Minimal oder Simplicity, das träumerische Moment ist invasiv. Der verfremdete
Klang unterstreicht das und sorgt auch da
für Irritation, wo Downes mit Bestimmtheitins Blaue greift. Weil mit der Harmonie alles
Feste zu schwanken scheint. Bei 'Spell' führt
der Hintergrund ein in sich kreisendes Eigenleben. 'Foxtrott' schnürt füchsisch schräg
gegen den Wind. Und 'Doppelgänger' gerät
zuletzt als von Arpeggiogirlanden umharfter
Zweiklang ganz auf die schiefe Bahn.

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V/A Les Espaces Électroacoustiques II (Col Legno, WWE 40003, 2xSACD): Nach der ersten
Retrospektive von Ligetis 'Glissandi' (1957) über Berios 'Visage' (1961) bis 'Mnemosyne'(1986) von Brian Ferneyhough bringt die Fortsetzung neben einem Kölner Schwerpunkt
mit 'Klangfiguren II' (1955-56) & 'Terminus X' (1967) von Gottfried Michael Koenig sowie
dem Stockhausen-Klassiker 'Kontakte' (1958-60) noch einen italienischen, mit Luigi Nonos'Omaggio a Emilio Vedova' (1960), 'La fabbrica illuminata' (1964) & 'A floresta é jovem echeja de vida' (1965-66) und Luciano Berios Spätling 'Altra voce' (1999). Monumente, um
die kein elektronischer und kein Leftfield-Grundkurs herumkommt. Aber worüber soll ich
jubeln, wenn Nono mit dem Knowhow des Institute for Computer Music and Sound
Technology in Zürich up to date gehievt wird - brillant eingespielt, als etwas, das es zu
kennen gilt? Es ist ein Wissen, das zynisch oder depressiv macht. Denn das Gefälle vonNonos Zielen und dem, was aus der angestrebten kulturellen Hegemonie organischerIntellektueller Arm in Arm mit den Werktätigen und den Befreiungsbewegungen wurde und
aus dem Avanti populo mit 30 % CPI, ist beschämend, ja bestürzend. Hatte er nicht genug
Nothelfer und Fürsprecher hin zu einer anderen Organisation des bisschen Lebens Hölderlin, Majakowski, Brecht, Benjamin, Garcia Lorca, Julius Fučík, den Informel-Maler
Emilio Vedova (der 'Intolleranza 1960' mitgestaltet hatte und 1984 'Prometeo' beleuchten
würde)? Bei 'La fabbrica illuminata' sind es Cesare Pavese & Giuliano Scabia, durchmischt
mit Stahlwerklärm, als brausendes, zischendes Fegefeuer und Schmiede eines glutspritzenden, mit Erzengelzungen entflammten Aufbegehrens? 'A floresta é jovem e cheja
de vida' [Der Urwald ist jung und voller Leben] ist durchsetzt mit dramatischen Stimmen,
anarchischem Krawall, Donnerblech, Klarinette und Worten von Patrice Lumumba undFrantz Fanon, als Protest gegen Kolonialismus und Vietnamkrieg (dem seit 1975
fünfundsiebzig weitere Kriege folgten). Statt dessen kam schon in den 70ern der Absturzin bleierne Zeiten - die Künstler Formalisten und Narzissten, die Intellektuellen Verräter,die Proleten Touristen und wieder 'Volk'. Biedermänner zündeln mit Brandstiftern,Bankster und böse Clowns feixen über das Wimmern der Demokratie, kackbraune Phrasen
ziehen Massen an, die Zeit scheint 100 Jahre zurückgedreht.
Daneben, deutscherseits und ohne Worte: 1000-jährig ernüchterte Abstraktion, totaler
Serialismus, Materialfortschritt als sine qua non (auch aus linker Sicht), elektronische
Unschuld, in der die "Klänge keine andere Geschichte außer ihrer eigenen" haben (Koenig).
Die furztrocken rauschenden, zuckend glitchenden 'Klangfiguren II' - und nicht weniger die
metalloid-perkussiven, impulsiv-explosiven Strukturen von 'Terminus X' - hart wie Kruppstahl, aber sauber (nach einem Gutachten im WIRE). So suchte man dem Faschistoiden zu
entkommen, in Technophilie und einer Banalität des Guten, erst Wirtschaftswunder, dann
Wellness, statt Thymos Kaufwut. Kapitalismus wasch mich, aber mach mich nicht nass.
Und immer so weiter, so erbärmlich, dass selbst die fettesten Jahre als mager in Erinnerung bleiben. Stockhausen spähte daneben schon wieder nach Eternity's sunrise. Als innovativem Faszinosum im elektroakustischen Wechselspiel von Piano, Perkussion und Tonband, so ausgetüftelt, dass es fast launisch und ein wenig närrisch klingt, mit schimmerndem Klingklang, kristalliner Bizarrerie, prächtigen Crashes. Dass er damit überwältigen in die Auferstehung jagen - wollte, verriet sein Neid auf die 'Künstler' von 9/11 (den auchAnselm Kiefer und Damien Hirst teilten). Berios Duett von Mezzosopran und Altflöte mit
Poesie von Talia Pecker Berio versuchte zum Millenniumsende nochmal mit erregtem Vibrato und elegischem Unterton die Ohren den Stimmen von Wind und Meer zu öffnen, aberauch für das Weinen eines Alten und die Erinnerung an Vater und Sohn, die in den Bergengefallen sind. Das war auf der L'Ulivo-Insel (1996 bis 2001) doch nochmal jene andere
Stimme mit 'Bella ciao'-Feeling, dem Gegenwind der Forza Italia ausgesetzt und schon im
Schatten der Berge des Irrsinns. Also - straßenköterzynisch werden wie Wiglaf Droste, derauf 9/11 ebenso pinkelte wie...? Nun, auch Spötter müssen sterben, und wer das für weltverbessernd hält, wird wohl weiter sein Gesudel richten auf Charlie Hebdo, den Koran, die"Erhabenheit der Katastrophe", "den Terror des Amüsements" oder "den Schwafelprinzen
karnevalistischer Artifizialität, den Karl Heinz Stockhausen" (stillstand.de). Ich höre hier,allen Pinklern zum Trotz und mit stärkerem Eindruck, als ich es erwartet hatte, Leitkultur in
optimaler Darbietung. Doch soviel Zunder, und keine Köpfe dafür.
85inhalt
over pop under rock:potlatch: blues campaign im omnibus 3 brendan, lisa und die virtuellen bacchantinnen 4
crammed 6 - makkum 7 - narrenschiff 8 - oona 9 rarenoise 10 - rér megacorp 12 - lukas simonis / z6 15 ...
nowjazz, plink & plonk:
big bad brötzmann 20 - fmr 21 - intakt 23 - leo 26 pnl 28 - rune grammofon 29 - umland 31 ...
o kanada! with glowing hearts... : ambiances magnétiques 43 constellation 44 - gordon grdina 46 - françois houle 47 - christos hatzis 48 constantinople - patrick graham 49 - tim brady - ana sokolovic - jocelyn morlock 50 nicole lizée - bekah simms 51
soundz & scapes in different shapes: apropos... 52
attenuation circuit 53 - auf abwegen 55 - e-klageto / psych.kg 56 - karlrecords 58 midira 62 - mikroton 63 - thomas shrubsole 67 - jacaszek 71 - philippe petit 74 ...
beyond the horizon:
empreintes digitales 75 - lenka lente 76 - mic lithuania 77 no edition 80 - sofa 82 - les espaces électroacoustiques 85 ...

BAD ALCHEMY # 105 (p) März 2019herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Michael Beck, Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 105 erhalten Abonnenten die CD "Session #43 Recomposed" (Exklageto 20 /Ecocentric Records, E.R.#210) von xqm + EMERGE + LDX#40
Mit herzlichem Dank an Matthias Horn again
Cover: Miss Plunderphone Nicole Lizée
Rückseite: Anti-LP von Frau-Unbekannt [Psych.KG]!!! Die Nummern BA 44 - 97 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................

86indexABDELNOUR, CHRISTINE 68 - ABRAHAMS, CHRIS 14, 66 - ABRAMS, MUHAL RICHARD 58 AFTER DINNER 13 - AGLINSKAS, JULIUS 79 - AKB (ANNA-KARIN BERGLUND) 68 ÅKERLUND, LARS 65 - ALDINUCCI, GIULIO 60 - APARTMENT HOUSE 79 - ARRIAS, JOHAN 32- BAKER, AIDAN 59 - BARLEY, KIRK 69 - BARONI, CLAUDIO F. 83 - THE BASSENGER 54 BAUMANN, FRANZISKA 26 - BERIO, LUCIANO 85 - TIM BERNE‘S SNAKEOIL 24 - BERROCAL,
JAC 16 - BERTRAND, BEN 69 - BLACK, JIM 23, 46 - BLUES CAMPAIGN 3 - BOZEK, MARCIN 21- BRADY, TIM 50 - BRÖNNIMANN GALEGA, JAN 23 - BRÖTZMANN, PETER 20 - BUCHER,
CHRISTIAN 21 - THE BUREAU OF ATOMIC TOURISM 33 - CANTOS DEUS 15 - CARRIER,FRANÇOIS 21 - CHANTLER, JOHN 33, 34 - CLINE, NELS 10, 36 - CONSTANTINOPLE 49 COSTA, FRED 27 - COUNTRYMAN, RICK 21 - COUTIGNY, MIREK 83 - CYRILLE, ANDREW 24 DALE, JULIAN 34 - DASPO 69 - DAVIES, ANGHARAD 32 - DAVIS, GARETH 59 - DAY, STEVE 34 DE WARDENER, MAX 84 - DEAD CAN DANCE 4 - DEMIERRE, JACQUES 35 - DIE ANGEL 61 DOC WÖR MIRRAN 53 - DRAKE, BOB 12 - DRAKSLER, KAJA 35 - DUMAS, CHANTAL 75 EMERGE 56 - EMMELUTH, SIGNE 82 - EPPLAY, VINCENT 16 - EWERS, HANNS HEINZ 76 - FEN
65 - FENDIKA 28 - FENECH, DAVID 16, 73 - FIRE! ORCHESTRA 30 - FOON, REBECCA 44 FORMANEX 63, 64 - FRANKLÉ, NOÉ 26 - SATOKO FUJII ORCHESTRA NEW YORK 36 GADECKI, TOMASZ 21 - GIMBAYASHI, MASAÉ 36 - T. GOWDY 45 - GRAHAM, PATRICK 49 GRATKOWSKI, FRANK 27 - GORDON GRDINA‘S NOMAD TRIO 46 - GRI, FRANCIS M. 62 BRIAN GRODER TRIO 37 - GRODOCK 54 - GRYDELAND, IVAR 29 - GUTMAN, DAVID 62 - HALFLABORATORY-HALF BAND 31 - HAMILTON, SEAN 37 - THE HATERS 57 - HATZIS, CHRISTOS
48 - HAVARD, CHRISTOPHE 63, 70 - HEISIG, WOLFGANG 31 - HÉLIAS, FABRICE 36 HERRERA, MAURICIO 24 - HODGKINSON, TIM 12 - HOLMLANDER, PER ÅKE 28, 30 HOOGLAND, OSCAR HAN 7 - HOULE, FRANÇOIS 47 - IMMENSITY OF THE TERRITORY 70 - IT
DOCKUMER LOKAELTSJE 7 - JACASZEK 71 - JOAQUIM, VITOR 70 - JOYFULTALK 45 JUNGBLUT, ROMAN 72 - KAHN, JASON 66 - KAISER, HENRY 29 - KAMMERFLIMMERKOLLEKTIEF 60 - KEITA, ALY 23 - KEUNE, STEFAN 22 - KIMMIG, HARALD 38 - KITA,
YOICHIRO 41 - KLARE, JAN 31 - KOCHER, JONAS 39 - KOENIG, GOTTFRIED MICHAEL 85 KUDRYAVTSEV, VLADIMIR 27 - LAMBERT, MICHEL 21 - LANGFORD, MARK 34 - LANZ, JOKE39, 66 - LDX#40 56 - LEWIS, GEORGE 38 , 58 - CV LIQUIDSKI 55 - LIZÉE, NICOLE 51 - LOUVEL,OLIVIA 72 - LOVENS, PAUL 22 - LUND, JOHANNES 34 - LYTTON, PAUL 25 - MÄLZNER, ERIK
80, 81 - MAHNIG, DOMINIK 27 - MARKUS FLOATS 45 - THE MASTER MUSICIANS OF JAJOUKA
61 - MEDWED, GILBERT 54 - MENZI, ELIAS 8 - MIKADZE, GIORGI 10 - MITCHELL, MATT 24, 46- MORGAN, THOMAS 23 - MORLOCK, JOCELYN 50 - MOSCONI, FEDERICO 62 - MÖSLANG,NORBERT 66 - MÜLLER, GÜNTER 66 - NABATOV, SIMON 27 - THE NECKS 14 - NIBLOCK,PHILL 64 - NIELSEN, MADS EMIL 84 - NIGGLI, LUCAS 23 - NIHILOXICA 6 - NOBLE, STEVE 33 NONO, LUIGI 85 - NORDWALL, JOACHIM 68 - NORIEGA, OSCAR 24, 36 - NUCLEONS 26 NURSE WITH WOUND 76 - OCCUPIED HEAD (DIETER MAUSON) 73 - OESTER, BÄNZ 26 ONSEMBLE 64 - OONA 9 - OPEN TO THE SEA 62 - ORTIZ, ARUAN 24 - OTOMO, YOSHIHIDE 65- OWL 82 - PALACKY, IVAN 15 - PAPENHEIM, TORSTEN 40 - PARKER, EVAN 25 - PERELMAN,
IVO 39 - PERRIER, LAURENT 73 - PETIT, PHILIPPE 74 - PHILLIPS, DAVE 53 - PISARO,MICHAEL 64 - PNEUMA 47 - PNL LARGE UNIT 28 - PREVITE, BOBBY 10 - REUTER, MARKUS
17 - ROCHELLE, LAURENT 19 - ROWE, KEITH 64 - ROY, STÉPHANE 75 - RRR & R 81 RUSSELL, JOHN 22 - RYLÉN, PETTER 40 - SAFT, JAMIE 10 - SANDOMIRSKY, GREGORY 27 SCHNEIDER, HANS 22 - SCHWAAR, ALVIN 26 - SCHWERDT, OLIVER 20 - SELLEKAERS, JOHN
49 - SHIPP, MATTHEW 39 - SHRUBSOLE, THOMAS 67 - SIMMS, BEKAH 51 - SIMONIS, LUKAS
15 - SINK 66 - SMITH, CHES 24, 36 - SMØRDAL, JAN MARTIN 82 - SOKOLOVIC, ANA 50 SOOON 8 - STADLMEIER, SASCHA 53, 54, 56 - STEMESEDER, ELIAS 23 - STOCKHAUSEN,
KARLHEINZ 85 - STOLTERFOHT, ULF 60 - STUDER, DANIEL 38 - SUB LOAM 67 - TAILLARD,ANTHONY 63, 70 - TALALAY, PIOTR 27 - TALMOR, OHAD 25 - TAMIKREST 17 - TAN, SIMON 21- TASSIGNON, SOPHIE 11 - TERRIE EX 35 - ΘYMOZ 18 - TIETCHENS, ASMUS 55 - TRANSTILLA
62 - TRU CARGO SERVICE 40 - ULLÉN, LISA 32 - V/A DEGEM CD 17: TRANSIT 55 - V/A LESESPACES ÉLECTROACOUSTIQUES II 85 - V/A NOTE LITHUANIA: EXPERIMENTAL /ELECTRONIC 2019 79 - V/A SÖNG SÖNG: POLYCHROME SOUNDS FROM THE
UNDERGROUND 19 - V/A ZOOM IN 13: NEW ART MUSIC FROM LITHUANIA 78 VOCCOLOURS 41 - WAKO 41 - WAZINIAK, THIERRY 36 - WEBER, CHRISTIAN 66 - WICK,
MARCELLO 8 - WOLFF, CHRISTIAN 64 - WRIGHT, SEYMOUR 33 - XQM 56 - ZELIENOPLE 18 ZENOBIA 6 - ZEA 7 - ZIMMERLIN, ALFRED 38
87