BAD 70
ALCHEMYIch bin Aufklärer, das heißt: Kritiker, Ironiker, Ungläubiger,
vielleicht. Denn vielleicht glaube ich noch nicht einmal
daran, daß ich an nichts glaube. Sie sind Romantiker, unddas heißt, daß Sie zum Kapitalismus beitragen. Denn die
Sehnsucht und das Heimweh treiben die Welt, aber das
Treiben, eben, ist Kapitalismus. Der Stillstand ist die
Utopie. Deshalb will ich, daß die Uhren nicht schlagen,deshalb bin ich für den Winter. Sie glauben, als Romantiker,
der Welt zu entsagen, sie zu fliehen. Unsinn! Sie treiben sie
an … pursuit of happiness (…) Ein romantischer
Grundsatz. Und der Wappenspruch des Imperiums des Ich.
Uwe Tellkamp: Der Turm

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Yam bam bom bam Yom shilibili yom
Shilibilibilbom! Bom! Bom! Bom!
So klingt es, wenn Joann Sfars Klezmorim loslegen. Bumpadatschak!" und"Gsch-Gsch-Gsch-Pabah! lautmalt der Berliner Mawil, wenn bei ihm Die Band
(2004) zu daddeln beginnt. Musik soll sichtbar, Bilder wollen hörbar werden.
Comics werden zu Musik, Musik wird zum Comic. Das ist nichts Neues, schon
Krazy Cat war musikalisch.
Aber mit dem Intellectual Chic der Graphic Novel rückten auch Musiker und Musik
wieder verstärkt ins Bild. Als Personenkult wie bei Bob Marley la légende desWailers (Roland Monpierre, 2006), Kurt Cobain - Godspeed (2003) und Death
Rap Tupac Shakur: A Life (2005), beide von Barnaby Legg & Jim McCarthy, bei
Zappaesk (Andreas Rausch, 2005), Carlos Gardel (Muñoz & Sampayo, 2008)
und Cash: I see a darkness (Reinhard Kleist, 2006) oder Jim Morrison: Poetdes Chaos (Frédéric Bertocchini & Jef, 2011). Der Lizard King und der Man inBlack werden in schwarzer Tinte mythisch, ikonisch, poetisch. Aber hörbar?
Baby's in Black – The Story of Astrid Kirchherr & Stuart Sutcliffe (Arne
Bellstorf, 2010) führt auf die Reeperbahn zu den Anfängen der Beatles, Hank
Williams – Lost Highway (Søren Glosimodt Mosdal, 2011) schweift in den
letzten Stunden des Countrysängers, der auf dem Rücksitz eines Wagens stirbt,
noch einmal überwirklich durch seine Lebens- und Gefühlswelt.
Neben Kultfiguren oder (fast) der halben Rockgeschichte in Le Petit livre Rock
(Hervé Bourhis, 2007) werden auch ganze Musikstile und die Lebenswelten, vondenen sie zeugen, zum Stoff gezeichneter Erinnerungskunst: Rembetiko (David
Prudhomme, 2009) führt nach Piräus. Der Staatsstreich von General Metaxas undsein autoritär-antdemokratisches Regime werden 1936 zur braunen Folie für den
griechischen Blues. Klezmer (Joann Sfar, 2005-07) spielt im zaristischen Odessa
unter Isaak Babelschen ‚Luftmenschen‘. Sfar, der inzwischen auch das Lebens
seines Idols Serge Gainsbourg verfilmt hat, gelingt es, mit einem unerhört luftigen
Farbauftrag und krakeligen Strich, mit jüdischem Witz und improvisatorischem
Genie, die existenzielle Flüchtigkeit der ashkenasischen Lebenswelt zu evozieren. Wobei er mit seiner aus Chagall und Herriman, Klee und Quentin Blake
gepinscherten Bildermusik nicht die ostjüdische Vergangenheit zu vergegenwärtigen und zu verlebendigen versucht, sondern ihren unwiederbringlichen
Verlust skizziert. Lieder erzählen immer von Verlusten. Le Dernier Chant desMalaterre, mit dem François Bourgeon seine schaurig-schöne Trilogie Die
Gefährten der Dämmerung (1984-90) abschloss, endet damit, dass Gewalt,
Schmerz und Tod übergehen in Stoff für Spielleute mit Tambourin und Laute, in
Minnesang und Puppenspiel.
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Nicht neu ist die enge Freundschaft von Comics und Jazz. Alack Sinner (1977) von Muñoz &Sampayo drückt in der Jukebox der Gefühle 'Cheryl' von Charlie Parker, im Jazzclub trane's hört er
Gato Barbieri. In der Noir-Ästhetik der Argentinier, speziell bei ihrer Hommage an Billie Holiday(1991), wird Jazz zum Soundtrack der gefühlten Wahrheit, dass Schwarzweiß realistischer ist undumso wahrhaftiger, je schwärzer der Strich. BD Jazz - BD steht natürlich für Bande Dessinée lieferte in der Serie Editions Nocturne 56 Doppel-CDs mit den Musikern (von Louis Armstrong bis
Lester Young) und Musikerinnen (Bessie Smith, Anita O'Day, June Christy und wieder Billie Holiday)
als Protagonisten 16-seitiger Comics. Loustal & Paringaux treffen in Barney et la note bleue (1987,
dt. Besame Mucho) perfekt das After Midnight-Feeling einer an Drogen gescheiterten Existenz. Der
Trompeter Gabe ist die tragische Seele in Azzarellos 100 Bullets-Band The Hard Way und wird vonRisso mit Miles-Silhouette geadelt. In Cages (1990-96), das mit einer Shakuhachiserenade für eine
Katze beginnt, suggeriert Dave McKean immer wieder Jazzmusik, mit Fetzen von Notenschrift als
Klangfetzen von Saxophon und Piano, mit Raum- und Zeitverwerfungen in audiovisueller
Abstraktion, allegorisch mit Jazzpoetry und in Old School vs. New School-Jive.
Zwischen 1998 und 2008 hat Jimmy Draht mit Freunden von Anti-Hund, Charhizma und Hausmusik
Musik und Comickunst miteinander Blutsbrüder- & schwesternschaft schließen lassen. Jim Avignon
gehörte zur Familie, Thomas Ott machte das Cover für die Notwist-7” Torture Day (1995), so wie
Raymond Pettibone für Black Flag und Sonic Youth ein ganzes Image geschaffen hatte. Die Stories
von Jaime Hernandez in Love and Rockets (1983-88ff) haben mit der Serienheldin Hopey, dieBass in einigen Punkrockfehlgeburten spielt, wie nichts anderes die innige Beziehung von Indielifestyle und Comics geknüpft. Der Comic wurde selber zum Bandnamen und zum Blueprint fürs
Indieselbstverständnis. Joost Swarte designte Fay Lovksys Jopo en mono (1992) zum Sammlerstück und die taufte im Gegenzug ihre Band La Bande Dessinée. Beck (Harold Sakuishi, 1999-),
Nana (Ai Yazawa, 2000-) oder 5 Songs (Gipi, 2007) zeigen die Träume und Sorgen der nächsten
Generation magerer Indierocker und ihrer Manga-Geschwister. Das soapkitschbunte und platinpop–
pig vertonte Nana-Anime ist ein Lehrbeispiel für Pop-Business made in Japan. rpm (Martina Lenzin,2010) lässt dagegen noch einmal den DIY-Geist von Postpunkbands wie Young Marble Giants und
Scritti Politti bildhaft werden mit dem ungestillten Willen, in die Verhältnisse zu intervenieren.

4Anders als Matthias Schneider in Last Night A Comic Saved My Life, seinem anregenden
Beitrag für den Comic-Salon Erlangen 2004, oder Frank Schäfer in Bloß Bob Dylan fehlt noch(taz, 2008) interessiert mich hier nicht das Image von Sound (Plattencover von Comiczeichnern)oder dass Comicsmacher auch Musik machen - keiner bessere, by the way, als Peter Blegvad,
Vater des unglaublichen Book of Leviathan (2000). Mich interessiert der Sound als Image.
Den entscheidenden Kick versetzte mir ein Review von Uli Oesterles Hector Umbra (2009): Ein
Hauptthema von „Hector Umbra“ ist die berauschende und zerstörerische Wirkung von Musik,
das in seiner politischen Dimension von Oesterle als terroristischer, faschistoider Akt fremder
Mächte inszeniert wird. Sprache, Bild und Sound vollziehen in „Hector Umbra“ einen modernen
Totentanz, dessen feixende Fassade in Form dämonischer Invasoren und Geistwesen auchfigürlich zum Ausdruck kommt. Am stärksten beeindruckt der Rhythmus der Panels im Zusammenspiel mit den Sprechblasen, deren Anordnung und Syntax eine melodische und zugleichhöchst visuelle Bildgrammatik entwirft. Vor allem die unstetige Linienführung, das Kippen von
Perspektiven, die Dehnung des Bildraumes und das Aufsprengen fester Seitenlayouts erzeugen
einen temporären Taumel der Darstellung... (Jens Meinrenken: Taumelnder Totentanz)
Oesterles Protagonist, ein Münchner Maler, Cousin von Tardis Hector Burma, betrauert seinen
an einer Überdosis gestorbenen Musikerkumpel Joseph und sucht seinen verschwundenen
Freund, den DJ Osaka Best. In einem Tran aus Becks, Jägermeister und Schuldgefühlen
halluziniert er Abstiege in den Hades und eine Verschwörung von Dämonen, die mit Osakas
Sound als Geheimwaffe eine Art Mars-Attack planen, einen DOOOMsday im Liebfrauendom.
Elektro-Beatz, aufgeladen mit Feldaufnahmen vom Schlachthof, Bässe, tiefer und dunkler als
Umbra, drohen als das ultimative Brainstorming die Tänzer in den 'halbautomatischen Wahnsinn' zu treiben. BROM BROM BIRK BIRK BIRK FIGGL BREK BREK BREK BREK DOMM
DOMM VUKKU VUKKU VUKKU CHUNK CHUNK CHUNK CHUNK DUNN DUNN DUNN DUNN
DUNN BROOOOOOMBL BROOOOOOOOOMMBL DOOOM !!!!!!!!!!! Aus Oesterles Vorlieben
für Tom Waits, Jimi Tenor, Moloko, Beck, Dr. Nachtstrom, Sankt Otten, Elbow und Biospherelässt sich keine Aversion gegen Elektro per se ablesen, allenfalls ein Antagonismus zwischen
postindustrialem Power Elektro als a-humanem Sound und 'menschlicher', menschenfreundlicher Musik, die einem den Appetit auf Hamburger nicht verdirbt. Dass sein kruder, aberfaszinierend umgesetzter Plot Musik das Potential einer 'faschistischen Sprache' und einer
Waffe zuschreibt, nimmt sie - the Power of Sound - jedenfalls als Droge und Sprengstoff,dessen Sprengkraft mit dem Realitätsgehalt wächst, ernster als bloß als Lifestylehintergrund
und als Freizeitschmiermittel.
Joann Sfars Idee einer 'musical graphic novel' ist in Hector Umbra, Cages und Klezmer auf jeeigene, ganz erstaunliche Weise umgesetzt. Comic als stilles - MacLuhan sagte 'kaltes' Medium macht da die poetische Vorstellungskraft der Leser, die sogar die Fähigkeit mit einschließt to manufacture silent music while reading, mit expressionistischen, futuristischen undpsychedelischen Techniken und Lautmalerei mobil. Ich sehe Musik, ich höre Farben...

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Freakshow: Jonathan Pepper's Only Hearts Club BandWo gibt’s denn sonst noch sowas? Eine Stunde vor
Konzertbeginn wird man telefonisch gebeten, seinen
Arsch hochzukriegen für den zweiten Kandidaten unter
Charly Highdenreichs aktuellen US-Empfehlungen. Nach
KAYO DOT nun am Montag, den 2.5.2011, wieder im
Würzburger Cairo: CAPILLARY ACTION (fast wären
SECRET LIFE gleich mitgekommen, so stehen sie
weiterhin auf der Wunschliste). So komme ich in den
Genuss eines Originals aus Philadelphia, Jonathan
Pfeffer, Sohn argentinischer Emigranten, Nylonstringgitarrenvirtuose, Sänger, autodidaktischer Komponist &Arrangeur. Er lebt inzwischen ständig on the road, um
mit Julian Chin (Chicago) an Akkordeon & Percussion,
John DeHaven (Madison) an der Trompete, Mike Harrist(Boston) am Kontrabass und Colin Hacklander (Minneapolis) an den Drums an seiner Seite die Songs desAlbums Capsized aufzuführen. Aber was sind das für Songs, die uns zehn Getreuen, die das
Freak-Fähnchen auch in der zweiten Liga hoch halten, recht schnell in den begehrten Zustand desErstauntseins versetzen? Pfeffer singt ungereimte freie Lyrik, mit manieristischen, aber von der
Sprache ebenso wie vom Ausdruckswillen diktierten Intervallsprüngen. Mich erinnert das ein
wenig an DAVID GARLANDs Sophistication. Bei manchem Kniebrechzickzack seines Solos'Stocks In Short Supply' kann sogar der Mastermind, dessen Hirn das entsprungen ist, die selbst
gelegten Hürden kaum bewältigen. Wie soll ich eine Vorstellung von der Eigenart der stark perkussionsbetonten Arrangements vermitteln? Mir kommt allenfalls DIRTY PROJECTORS in den Sinn.
Pfeffer nennt als richtungsweisenden Kick SHUDDER TO THINK, sein Ehrgeiz misst sich an den
AMBITIOUS LOVERS und an PRINCE, ALEX LUKASHEVSKY lässt ihn neidisch erblassen. Es
gibt Latinrhythmen, Sambagroove, altspanische Gitarre und Mariachitrompete, wenn auch nur als
Beimischung. 'Feeding Frenzy' trommelt drauflos wie LES TAMBOURS DU BRONX. Als ich
Pfeffer hinterher aber den Namen VAN DYKE PARKS zuwerfe, leuchten seine Augen. Manches
wirkt wie als Cut-up konstruiert. Taktwechsel jagt Taktwechsel, Sprints kommen abrupt zum
Stillstand, um ebenso abrupt eine neue Richtung einzuschlagen. Die Aversion gegen schlichte
Akkorde und simple Reime und die seltene Instrumentierung sprechen für Artrockartistik. CHEERACCIDENT? FRENCH TV? Nicht zuletzt die Lyrics haben es in sich. Da wird das Herz in Hirnschmalz angebraten: Blissful Abyss, An Abscess With Sharp Teeth / Blank Smiles, No Guarantees / Methheads And Hormons / From A Safe Distance Ignorance Is Bliss. Oder Open Your
Mouth / Stay Perfectly Still / This Is A Stick-Up / Make A Wish / Staring Straight Into The Void /Fully Aware You'll Get Sucked In / All Your Wildest Dreams ('The Castle Is Real'). Pfeffer hat daseine ganze Persönlichkeit investiert, aber sein Engagement ist kein bloßer Narzissmus. So
unbedingt wie Bob Graettinger schreibt er an seiner Emotional autobiography. Hinter der Nabelschau und dem Ich-Du-Trouble schwelen der Moloch Stadt, der Moloch Gier, herrschen Egoismus
und Ausbeutung. Another One Gunned Down In Cold Blood / Over Some Dumb Shit / Some
Nickel And Dime Shit singt Pfeffer in 'Phanatical'. Tenderloin' besticht durch das Klimpern eines
Toy Piano und den Refrain What / Turns / You / On / What Turns You On. 'Life Of Luxury' setzt den
letzten Glanzpunkt: The Most Delicate Of Hands / Wrapped Around My Throat / Unravel The
Cocoon / Only To Realize They're Mine / I'm Going Pro / I'm Grasping At Straws / I'm A Slave To
My Ego / And Its Sharpened Claws Sink Deeper Into Me. Da kommt, im totalem Widerspruch zum
Inhalt, die ohrwurmige Hymnik des Chorgesangs noch einmal voll zur Entfaltung. Das Wechselspiel zwischen Pfeffers eindringlicher Stimme und dem Chor, zwischen aggressivem Geschrei undsüßem Crooning – toll gemacht. Es folgt Zugabe auf Zugabe, und als die Band mit ihrem Latein
am Ende ist nochmal ein Pfeffer-Solo. GROSSE KLASSE! Unter absurd ärmlichen Umständen –denn zu dieser Band sollten sich eigentlich Hunderte drängen. Dafür war's umso persönlicher undhautnaher.
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CHEER-ACCIDENTCHEER-ACCIDENT hatten das Pech, am letzten Tag (05.06.11) des 7-tägigen Festivals
Musique Action N° 27 in Nancy als letzte Gruppe kurz vor Mitternacht an einem abseitigen
Ort auftreten zu müssen. Während ein Shuttle-Bus wenige Interessenten herankarrte, traten
Schlagzeuger, Gitarrist und Bassist der 5-köpfigen Band schon mal in der fast leeren Halledes Hublot auf. Da ich von den 16 CDs der Gruppe bisher nur die dritte (DUMB ASK) kannte,
hatte ich eine bestimmte Erwartung an das Konzert, die auch prompt erfüllt wurde. In
stoischer Haltung brachte das Trio den Loop eines minimalistischen Hardrock-Riffs zu Gehör,ähnlich wie er auf DUMP ASK im letzten Stück zu hören ist. Wie lange die Band schon vor
sich hingeloopt hatte, weiß ich nicht, jedenfalls ging es noch mindestens 10 Minuten so
weiter. Ich war beglückt. Thymme Jones, der Drummer, offensichtlich ein Witzbold (siehe rbd
in BA#69, "Lache, Bajazzo"), wechselte währenddessen seine Mimik hin und her vonkünstlichem Grinsen zu mürrischem Dreinblick, bis er am Ende laut lachend rief: "Ihr denkt
wohl, dass ist alles, was wir drauf haben." Hier begann meine negative Enttäuschung, da dieBand meinen Erwartungshorizont unterlief oder überschritt. Eine Frau in khaki-farbenem
Overall, mit Glitzereffekt auf den Augenlidern, verringerte die Menge der Zuschauer, indem
sie die Bühne enterte und jetzt mitsang, später begleitet vom 5. Mann am Keybord. Siespielten wenige ältere Stücke, u.a. 'Garbage Head', das mir von DUMB ASK vertraut war,
sonst Songs neueren Datums, u. a. mit Beach-Boys-Stimmen, das Ganze erinnerte michetwas an Mr. Bungle. So vielseitig kannte ich die Gruppe nicht und ich begann, mich für die
ausliegenden CDs zu interessieren, von denen einige (von CUNEIFORM) meinen Eindruck
bestätigten, dass Cheer-Accident sich vom minimalen Hardrock zum Artrock bewegt hat. Alseinzelne Besucher den Raum verließen, machte Jones zunächst das Angebot: "Wir können
0, 12 oder 25 Minuten weiterspielen." Einer schlug 25 + 12 vor, während weitere den
Ausgang wählten. Jones begann dann die Abtrünnigen zu zählen und witzelte, immer nochüberraschend gut gelaunt: "Wir verlieren unser Publikum, da geht schon wieder einer. Wer
bis zuletzt hier bleibt, erhält einen Preis.“ Kurze Denkpause: "Der Preis ist: hier zu sein."Nach ca. 12-minütiger Zugabe ging ich als einer der wenigen Preisträger mit 4 CDs in derTasche, sehr müde, aber positiv enttäuscht zum Hotel.
Text: Bernd Weber Foto: Lutz Diehl www.progrockfoto.de7

JACK DUPON kämpft mit Fliegen und Fliegenden Teekannen
Auf dem Weg zum Stadtfest in der Partnerstadt Regensburg machten JACK DUPON aus Clermont-Ferrand am 25.06.2011 Station im Würzburger IMMERHIN. Also, Freakshowtime und,selbst für einige überregionale und babyblaue
Progrock-dt-Nasen, die
Gelegenheit, schon mal
vorab eine Band zu hören,die heuer beim RIO
Festival in Carmaux diehöheren Weihen für ihre
Rock in OppositionAmbitionen erhalten wird.
Déjanté, hors normes,
décalé, déglingué steht auf
ihrer Visitenkarte. Wie 'abgefahren' ist ein nicht
gerade austrainierter Typ(Thomas Larsen), der als
weiße Made in Shorts
Humptata- und Walzerbeats trommelt und rockt,
als wollte er aus der Haut
Foto: Monika Baus www.artrockpics.com
fahren? Wie 'normwidrig'
ein schüchterner Waver (Gregory Pozzoli), der introvertiert die linke Gitarre hätschelt, auch mal
mit Ebow oder so, dass sie wie eine Balaleika plinkt? Wie 'verrrückt' ein grauer Zausel in
Hosenträgern (Philippe Prebet), der rechts den Gitarrenvirtuosen mimt? Wie sehr ist der Bassist(Arnaud M'Doihoma) 'von der Rolle', der, als Operettenkaiser Napoleon III. ein echter Hingucker,
zentral als Conferencier fungiert, wobei er alles, was er da brabbelt, durch den Vocoder schickt?
Mit etwas Mühe lassen sich dabei Titel der aktuellen CD Démon Hardi erkennen - 'Jeudi
Poisson', 'La Marmite Du Pygmée', 'Le Château De L'éléphant', 'Oppression'. Der Drummer hilftradebrechen. Das Abenteuer mit den Fliegen muss irgendwas mit 'Mille millions de mouche
molles' zu tun haben, einer Suite von der ersten CD L'Echelle du Désir. Ein neues Stück lässt
Jack Dupon, den Helden, der durch diese Frog-Prog-Abenteuer geistert, einem französischen
Dichter in Ostafrika begegnen. Da dämmert es sogar mir, dass es hier vor Anspielungen nur sowimmelt - Rimbaud, Soft Machine (molle), R. Queneaus 'Cent mille milliards de poèmes'... Der
Flying Teapot im Elefantenhaus huldigt mittendrin einer weiteren Inspiration der Dupon'schen
Phantasie - GONG. Mit Gekaspere, surreal-oulipoeskem Wortwitz (der im Schriftbild des CDBooklets ins Auge springt, aber letztlich an rechtsrheinische Ohren verschwendet ist), mit
gekrächzten Gesängen zu ohrwurmigen Grooves gezielt spielerische Akzente im Progmenü zu
setzen, das ist in einer Linie von ETRON FOU LE LOUBLAN bis SEBKHA-CHOTT eine französische Spezialität wie Camembert. Ein Fisch tanzt im 3/4-Takt, im Marsch geht's um den Pygmäenkochtopf. Die grotesk angerauten, oft vielfach wiederholten Floskeln, die populären Rhythmen,
die auf einem Rennschwein daher reiten und sogar Funkbassläufe nicht scheuen, die beißen sichständigt mit richtig guten Tricks und Prebets virtuosem, kremigem oder wahwah-beredtem
Gitarrengefinger, bei dem selbst die Prog-Ohren aufleuchten, die die Gitarre lieber nicht auf dem
Kinderteller serviert bekämen. Aber niemand darf sich beklagen, die vier Garçons nehmen die
Freak-Überschrift nur beim Wort, auch wenn die endlosen Vokaltiraden mich zwischendurch mal
aufs Pissoir verscheuchen. Während die Weizenbierfraktion sich schon ihr 4. oder 5. einflößt,
lassen die Dupons weiterhin jeden Bierernst vermissen. Prebet wechselt von Carlos SantanaLäufen zur Steelguitar und lässt seine Finger so richtig schön bluesig und schmusig Trübsal
blasen. Also, Frog'n'Roll!! & Encore. Wenn das nicht Regensburg-tauglich ist.
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Lingua Mortuorum
Der Name FELIX PROFOS sollte Bad Alchemysten ein Begriff sein, spätestens seit
STEAMBOAT SWITZERLAND seine Komposition 'Get Out Of My Room' performte.
Schwierig ist aber immer noch, das Feld zu benennen, dem sich seine 9 neuen Stücke auf
Lingua Mortuorum (ZHdK Records, Z hdk 25/11) zuordnen lassen. Neue Musik ist ja als
Etikett so saublöd wie hilflos, und 'zeitgenössisch' ist jeder Handyklingelton. Profos hat ein
eigenes Ensemble aufgestellt, FORCEMAJEURE, in der eigenwilligen Bestückung mit
Schlagzeug, zwei Saxophonen, zwei Kontrabässen, zwei Tasteninstrumenten. Profos spielt
selbst Keyboards, Vera Kappeler Klavier, Harmonium und Toy Piano. Er gibt dabei an, dasser mit der Instrumentierung die Spieler ganz persönlich schon in Gedanken hatte - neben
Kappeler, bekannt mit dem Jürg Halter Quartet und Schule der Unruhe, sind das Lucas
Niggli (Steamboat Switzerland, Zoom), R. Camenisch (Duo BlumCamenisch, X-Quartett),
S. Pottmeier (Alliage Quintett), der Tausendsassa Christian Weber und John Eckhardt vom
Ensemble Intégrales. Die Präsentation spart nicht mit Assoziationshilfen, von Dario Argento
und Twin Peaks bis Bilder einer Ausstellung und Der Tod und das Mädchen. Es beginnt mit'Dunkles Hotel', einem Geistertanz in einem leeren Hotel, gleichzeitig spinnwebig undtrotzig aufgekratzt. 'Freund', 'Wilder Sweetness' und 'Dorf' mit seinem ohrwurmig drehwurmigen Pianomotiv rühren mit einer Neuen Einfachheit, so alt wie Satie, wie ein Walzer
von Pascal Comelade, wie die Herzausreißerei bittersüßer Lullabies. Wobei Toy Piano,
Nigglis Einhandpochen und -ticken und das Geknurr der Bässe immer etwas Unheimliches
evozieren und in einem Schauer gipfeln, wie er nur von einem speziellen 'Freund' ausgeht.
Ist er, wie es die alten Stoiker vorschlugen, nicht letztlich auch die 'Medizin', die gegen alles
hilft? Das so genannte Stück ist freilich hier alles andere als fatalistisch. Auch 'Wappentier'entfaltet in seinem zeremoniellen Dahinschreiten, seinen bockigen Tanzsprüngen, einerockende Aggression und Intensität, nicht genau wie, aber doch ähnlich wie Univers Zero,rein akustisch gedacht. 'Ernstes nordisches Rondo' stelle ich mir zwischendurch als ein
Wikinger-Shanty von Moondog vor, mit Saxophon- und Bassgebrumm und stampfenden
Seebären. 'Marche Triste' macht mit einem Marsch das, was der Valse Triste mit einem
Walzer macht. Harmonium und schäbig gewordenes Gebläse, monotones Cymbal und ein
Sack voller bitterer Erinnerungen kehren kleinlaut heim. Bei 'Lingua Mortuorum', erst nur
gehaucht und gesummt, dann sich kurz aufbäumend, wird die Tristesse mit zwei Fingern
vom Piano gepickt. Die Toten sprechen nicht, sie picken und tocken nur die unerbittlichen
Sekunden, die an den Lebenden nagen. Wenn ich eine Schublade für diese Musik finden
müsste, dann könnte es nur die für ein Einzelstück sein - das Prachtstück eines rein
instrumentalen Konzeptalbums, einer phantastischen (!) Kammer(??)-Rock(?!)-Suite, bei
der man in den dicken Annalen der Gibraltar Encyclopedia of Progressive Rock nachschlagen muss, um immerhin entfent Verwandtes zu finden.

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DISCORPORATE RECORDS (Dresden)
Weiß der Teufel, warum ich dieses Berliner Duo verschmäht habe, als es hier seine Freakshows
anbot. Wahrscheinlich hat mich die Drohung abgeschreckt, dass SCHNAAK so verdammmt lustig
ist. Der Kopfstimmen-Soul/Pop-Gesang ist tatsächlich ... funny. Aber an sich harken Mathias Jähnig
mit Fuzzgitarre und der umtriebige, auch von Kayo Dot (!), Tarantatec und Osis Krull her bekannte
Johannes Döpping mit seinem bockigen Rodeodrumming auf Wake up Colossus (DISREC17) die
Pop/Rockwelt gegen den Strich. Verzwirbelte Spielzeugelektronik und extrem vertrackte Taktkapriolen, Steeldrumklimbim, Tambouringerassel, nicht erst und nicht nur bei 'Herero' außer Rand
und Band, bringen die Synapsen und was sonst noch dranhängt, ins Schleudern. 'Tiki' rüttelt undschüttelt Exotica aus der Rappelkiste, rockt kurz die Wand hoch und tritt dann schrammelnd undrasselnd auf der Stelle. 'Knuus' flippert und loopt um Soulgepiepse rum, wie hornissige Indianer um
die Wagenburg. 'My Robot Garden' beginnt entschlossen, und pusht plötzlich tonnenschwere Lorenauf der Grand Funk Railroad. Kapiert? 'Ping Pong Miracle' gibt sich nach dem soulfunkigen Introderart die Sporen, dass Ross und Reiter im Dreieck springen, aber Dreieck im Quadrat. Danach
macht SchnAAk wieder erst auf zuckersüße Soul-Girls und dann auf Space-Ambient. Und endet mit
dem kammermusikalischen 'Tigrillo And The Cheese Fly', komplett mit Flöte und Strings, arco und
pizzicato. Bis die Beiden nochmal Gas geben, mit Mark E. Smith-Tonfall, Xylophon, verzerrtem
Gerocke und Videospielgeballer. Hihi, echt krass.
Broken.heart.collector (DISREC18), der erste Longplayer der Austrian-Allstars-Formation BROKEN.
HEART.COLLECTOR, ist zuerst mal ein Fressen für die Augen. Das macht das Artwork von Mackie
Osborne, die auch schon ihre Debut-7" Strange Fruits (2008) designt hat, wie seit 1980 schon
Dutzende von schönen Scheiben, von Mr. Bungle (California), vom Trio Convulsant (Sister Phantom
Owl Fish) und immer wieder den Melvins, der Band von Mr. Osborne. Allstars sage ich, weil neben
Manfred 'Raumschiff' Engelmayr (g, el) auch seine BulBul-Kameraden da trapsen, Derhunt (b, el)
und Didi Kern (d, perc, inside p, field rec.), Letzterer zudem Urgestein mit Fuckhead und Wipeout.
Dazu spielt Susanna Gartmayer (When Yuppies Go To Hell, Gemüseorchester, J. Leandre Tentetetc.) Bass- & Kontraaltklarinetten und Maja Osojnik (Low Frequency Orchestra, Frufru, eigene
Band) wechselt zwischen Bassblockflöte und Schnickschnack. Und sie... singt (was für ein harmloses Wort für das, was sie tut). Auf dem Programm stehen nämlich... Songs? Herzabdreherei,
Hirnzermulmung träfe es wohl besser. Gleich schon der gut 11-min. 'Love Reclamation Song', den
die Slowenin mit faszinierendem Alt anstimmt, legt einen flach. Da rauscht und dröhnt mondstichiger
NoiseRock, den man sich als Portmanteau analog zu 'Brundlefly' vorstellen muss, nicht erst, wenner abrupt in Broken.Heart.Core umschaltet. Diese raue Gangart bestimmt auch den knurrigen
Countrytango 'Another heart bites the dust', mit Bassklarinettentristesse und lakonischem Gesang,dem wohl nicht unvertraut ist, dass so manche Liebe im Death Valley versandet. Für das Instrumental 'The average weight of love' wühlt Kern im Innenklavier, Anubis wiegt das Herz, gebrochenewiegen schwerer als taube. Der furiose 'Eisenwalzer' schmiedet mit schwerem, fuzzigem Gehämmer die Herzensschlacke, Klarinette und Gitarre heulen, Osojnik raunt von den Abgründen hinterden Wänden der Seele, bis zuletzt nur noch ein verlorenes Glockenspiel pingt. Danach ist alle
Spreu weggeblasen, und als Vergleich bleiben nur Metalycé und Carla Bozulich übrig. 'Get the dog'
schaltet mit Ostinatos von Bass und Bassklarinette zwei Gänge höher, Osojnik führt Anubis Gassi.
Knarrend öffnet sich die Tür zu 'Boatwischmusik', das Boot liegt auf dem Trockenen, die Füße
schlurfen durch den Sand der Borderlands, die Bezirke der gebrochenen Versprechen. Osojnik
murmelt diesen Desertrocksong so gefühlsecht, dass es zwischen den Zähnen knirscht. You can
cry yourself to sleep, bis der Bass ächzend zum Stillstand kommt. Schluck. Für 'Eckig' wird wie
rasend die Kurbel gedreht, alles was nicht nagelfest ist, bebt. Erhaben setzt Gebläse und Vokalisation ein, der Insichwiderspruch rüttelt am Fundament dieses Prachtstücks, einer Trauerhymne,
bei der die Frackschöße brennen. '[...]' stöbert im Klangschutt, bevor 'Cestny crv' groovig in den
Verkehrsstrom einfädelt. Zuletzt pfeifen die Spatzen in den Hecken 'Wolves', und Osojnik singt 4/4bepulst vom Herzschlag der Wolfsähnlichen. Raue Riffs mischen sich mit hellem Gebläse, die Band
beschleunigt zum Trolltrott, Osojniks Sprechgesang entgleist in Glossolalie und Gegilfe, das Chaos
fletscht grinsend sein Wolfsgebiss, bis die blasenden Damen für einen unverhofft harmonischen
Ausklang sorgen. Nach herzhaftem Hauptgang ein Näscherl für den süßen Zahn.
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(Prilly)
Erst verstehe ich nur Qfwfq und Qwghlm. Aber schnell beginnt sich der Nebel um dQtç zu lichten:
Lionel Friedli, der trommelt doch auch mit Lucien Dubuis; Antoine Läng, das ist doch das L in
VLL678, das mit Stimme und Electronics operiert; und Vincent Membrez, der surft doch auch
Keyboard bei Michael Jaeger Kerouac. Hier auf nullachtfünfzehn, dem Debut ihrer vereinten Kräfte,eindrucksvoll designt mit dem eponymosen MG 08/15, traktiert er einen Sequential Pro One
Synthesizer. Der zungenbrecherische Bandname entschlüsselt sich, auch ohne dass ich bei Debord
und Heidegger nachblätterte, als duQtuç, schlicht Duktus. Der Duktus der drei Schweizer, daranlassen gleich die ersten Takte keinen Zweifel, ist knurrig und dynamisch. Humpf, aber nicht dumpf
oder bierernst. Das macht Läng klar, wenn er sich auf ein LaLa einpendelt, während Friedli einen
Zweitakter drischt, den sich Avantler selten trauen. Darüber heult der auch als Bass fungierende
Synthie nun wie düsengetrieben. Track 2 braust mit ähnlichem Elan auf Eeee dahin. Erst 'dtçQt'
stöbert länger im Hier und Da, bis der Bass downtempo ein simples Motiv findet, zu dem mehrere
Längs zu pfeifen beginnen und einer dann mit Mundtrompete Trübsal bläst, bis zu einem
verzwitscherten Finale. 'çtQ' stapft wieder mit Holzbeingroove, Membrez tuckert als 'Stratus'-Bass
auf der zweiten Spur vorbei, und Läng flackert und krächzt auf der Überholspur dahin. Daraus
entwickelt sich ein vertracktes viertelstündiges Wettrennen sich kreuzender Tempi und holzbeinbrecherischer Taktwechsel. Wer bisher eine Gitarre nicht vermisst hat, der vermisst sie bei 'tQQd'
auch nicht, das mit Geheul und Georgel dahin rast und knüppelhart blaue Flecken auskeilt. 'tçtçQd'
pfeift jaulend aus diversen Lecks, hält aber stur die Spur und sein Brummi-Tempo, das mit Schreien
angefeuert wird wie eine Maorirudercrew. Das erhöht zwar nicht das Tempo, sorgt aber für Unterhaltung. Läng lalalat als Mädchen, gurgelt als Geisterbahngeist. Was er auch artikuliert, istelektronisch begeistert, auch sein verhalltes, bassbeunktes, nur perkussiv betupftes Aaaah beim
abschließenden 'Qd'. Ein 'A Love Supreme'-Shuffle bekommt mit strammem 4/4-Geklopfe einenSpacewärts-Duktus, als Funk mit Wahwahbass und zunehmend krummen Takten und zuletzt einem
Kolbenfresser. 08/15? Eher ein heißer Kandidat für den Understatement Award.
Auf ATOMIC PARACELZE konnte man als Fan von Sleepytime Gorilla Museum, Unexpect oder Zu
stoßen. Ihr (namenloses) Debut wurde von Bob Drake aufgenommen und abgemischt. Mit dabei ist
wieder Antoine Läng, neben Jean-François Gandolfo - Fender Rhodes, Jamasp Jhabvala - 'Geige',
Grégoire Quartier - Drums und dem Invaders-Macher Alexis Hanhart am Bass. Läng überrascht mit
Lyrics, auch wenn er sie nicht gerade konventionell artikuliert. Was da erklingt, Songs zu nennen,
wäre nicht die ganze Wahrheit. Die Schweizer treiben das Format an seine Grenzen. Jonathan
Pfeffer von Capillary Actions könnte Läng mit seinen halsbrecherischen Intervallsprüngen als
verwandte Seele umarmen (Claudio Milano mit Nichelodeon wäre ein möglicher Dritter im Bunde).
Die Schweizer sind vergleichsweise tuffe Rocker, allerdings mit gewagten Sprüngen und gezielten
Umschwüngen von Tempo, Takt und Stil. Selbst wenn sich das Pathos von 'Awkward Leftovers' erst
aus Bröseln zusammensortiert und dann Schlag für Schlag einen Doomduktus diktiert, sind die
Kunstlieder immer wieder so gestrickt, dass man sie einer Geige kaum zumuten möchte. Jhabvala
hat freilich eine Dynamik wie Unexpects Borboën. 'Atomic Love' ist ein Wechselbad aus Zartheit
und Aufschrei, 'Hawaian Disco' verrenkt einem Haupt und Glieder, 'Gargoyle's Quest' lässt Melodik
mit Stakkatos kollidieren, 'Batcave' wagt den großen Gefühlston. Die Rhythmsection hat ihren Spaßan der Buckelpiste von 'On The Right Side Of The Day', ich habe meinen an den Einbrüchen vonMetalgegrunze inmittten von Avantakrobatik. Die Geige fräst sich durch massive Lärmwände,'Caged' kontert zuletzt elektronisches Gezwirbel, geigerisches Getrippel und naives Tralala, indem
es gegen den Beton im Kopf antobt.

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rune grammofon (Oslo)
Wenn man verfolgt, woran Mats Gustafsson und Jim O'Rourke schon miteinander gearbeitet haben- Xylophonen Virtuosen (1999) - Diskaholics Anonymous Trio (2000) & Weapons Of Ass Destruction (live 2002) - Andre Sider Af Sonic Youth (w/Merzbow live 2005) - The First... & The Second
Original Silence (live 2005) - Shinjuku Growl (w/The Thing live 2008) - One Bird Two Bird (erneut
mit Masami Merzbow Akita, 2009) - dann liegt die Vermutung nahe, dass es die Fusion von Allem
mit Allem ist: Abstract, Avantgarde, Experimental, Free Improvisation, Free Jazz, Noise. Die ultimative Fusion. Unreleased? (RCD2111), im September 2010 in Tokyo eingespielt, gießt im Meeting
von FIRE! WITH JIM O'ROURKE barrelweise Öl in eben dieses Feuer. FIRE! ist das 'andere'
Gustafsson-Trio neben THE THING, mit Johan Berthling am E-Bass und Andreas Werliin an den
Drums, während Gustafsson selbst neben dem Baritonsaxophon noch Fender Rhodes einsetzt undLive Electronics für eine Feuermusik in vier Sätzen. Werliin beginnt mit einem repetitiven Drumloop,
in den die anderen dröhnend einfallen, bis Gustafsson eine seiner himmelschreienden Hymnen
anstimmt. O'Rourke verstärkt mit der Gitarre die Magmaglut und verbreitert die Feuerfront, die sichlangsam, aber unaufhaltsam dahin frisst. Werliin öffnet sein monotones Pattern mit rasselndem HiHat und Kreuzschlägen und lässt die Cymbals zischen bis zum kollektiven Verlöschen nach 11 ½
Minuten. Die zweite Szene startet mit einem schnelleren, hinkenden Beatmuster, das Werliin mit
Cymbalschlägen akzentuiert. Moduliertes Gitarrenfeedback und schrillende Fenderregister malen
einen giftig leuchtenden Horizont. Nach 4 ½ Minuten setzt röhrend das Bariton ein, Werliin klackt
und tockt und zischt mit sturem Takt das wilde Brausen und Gustafssons GEHEUL voran, dasinzwischen O'Rourke infiziert hat und, wie die Fackel eines furiosen Marathonläufers, eine Feuerspur zieht. Nach einem kleinen Zwischenspiel aus perkussiven Klangklecksen, Baritongeblubber
und Harmonikaschlieren von O'Rourke folgt mit dem infernalischen 'Happy Ending Borrowing Yours'
ein dritter und letzter Höhepunkt. Die ersten 5 Minuten sind ein einziges kollektives Brausen auf
breiter Front, mit Werliin als Vorhut. Dann beginnt das Fender zu fräsen zu trägem Bass-Dum-dumDum-dam und tickendem Hi-Hat, gefolgt von einer hintergründig rumorenden, abgedrehten Gitarrenimprovisation. In der 11. Minute setzt Gustafsson das Bariton an die Lippen, erst summend,
dann mit einer Folge von Schreien, die einem einen Schauer nach dem anderen über den Rücken
jagen. Der Klos im Hals schwillt an und man muss fast mitschreien, mit bebenden Herzfasern, dienun auch noch O'Rourkes Noise in Schwingung versetzt. Werliin schlägt nur noch mit einer laschen
Hand, während Berthlings Dumdum die langsam abklingende Erschütterung in die Stille wegführt.
So wie man selbst, blind und erschöpft, weggeführt werden muss.
Dass SPUNK nicht einfach Kammermusik zu machen versucht, sondern... ja was - Weltmusik?, daszeigt der Mitschnitt ihres Auftrittes im Henie Onstad Art Centre am 23.8.2008, genauer, das macht
er einem bewusst. Für die Aufführung von Light (RDV 2112, DVD) ist der musikalische Raumaufgestoßen durch Filmleinwände ringsum, die die Wände öffnen für Ausblicke in die Natur, den
Bootshafen, ins Grüne und Blaue sozusagen. Im Zentrum der Aufmerksamkeit positionierten sichdie Trompeterin Kristin Andersen und die Hornistin Hild Sofie Tafjord, die burschikose Cellistin Lene
Grenager und die Vokalistin Maja S. K. Ratkje überkreuz. Tafjord und vor allem Ratkje greifen auchzu elektronischen Mitteln, was definitiv der Clou ist. Nicht nur wird damit die pure Vokalisation überdas übliche zungenrednerische Geschnatter hinaus geliftet, auch das ach so intuitive PlinkplonkTröt-Allerlei aus gepressten oder schwebenden Haltetönen, aus pikanten Spritzern und temperamentvollen Kratzern, bekommt dadurch die entscheidende Wendung, eine Wendung, die der braunbeige feminine Naturtonoutfit der Vier nicht vermuten lässt. Der Klangverlauf ist amorph fließend,träumerisch onduliert. Angereichert und verdichtet wird er von Ratkje mit Donnerblech, Glöckchen,Musikbox, Theremin, Delay- und Noiseeffekten, während Andersen auch mal eine Maultrommel
plonkt oder blockflötet. Verbreiten die Bläserinnen durchaus auch so etwas wie nordische Melancholie, so zwitschern, knarzen, blubbern und spotzen die elektronischen Gerätschaften eine andere'Sprache', der die andern, allen voran Grenager, mit extented techniques nacheifern. Sagte icheingangs 'versucht'? SPUNK liefern mit ihrem zeitgenössischen Statement einen elektroakustischen Lichtblick, der selbst ein kniefreies Strickkleid zu Stiefeln und Ratkjes Léandre'eske
Mätzchen verkraftet.
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Ausgerechnet IN THE COUNTRY, in meinen Ohren eine der weniger originellen, deswegen aber nicht unsympathischen Acts auf Rune Grammofon, werden mit Sounds andSights (RCD 2113, CD + DVD) in ein Rampenlicht gerückt, als wäre ihre Verschmelzung
von Keith Jarretts Romantik mit 'Silence is the New Loud'-Innigkeit und Mitternachtssonnen-Feeling eine Herzensangelegenheit des NorJazz. Zusammen mit einer CD, dieneben Filetstücken der drei Studioalben This Was The Pace Of My Heartbeat (2005),
Losing Stones, Collecting Bones (2006) und Whiteout (2009) drei bisher unveröffentlichte
Tracks enthält, feiert ein Film von Claus Arthur Breda-Gulbrandsen Morten Qvenilds
Pianoquartett mit einer Visualisierung, die alles andere als ein simpler Konzertfilm sein
will. Nun denn, jedem eine zweite Chance. Aber auch wenn ich meine Ohren auf'jungfräulich' zurückstelle, bleiben 'Afraid' und 'Slow Down' als weich bemooste Songs
doch nur samtzungige Gefühlshäppchen. Allerdings türmt sich daneben der Viertelstünder
'Kung Home' als erhabenes Prachtstück, selbst wenn Qvenild mit Butterfingern undRoger Arntzen und Pål Hausken mit gedämpftem Kontrabass- und Drums-Puls gleich
wieder mit wohligem Aaaah die nackten Füße in den Schnee zu tauchen. Eine sentimentale Version von Mark Knopflers 'Brothers In Arms' mit scheußlicher Kitsch-PathosKitsch-Dramaturgie verstärkt meine Stirnfalten. Das üppig illuminierte und drangvolle'Torch Fishing' und der in sich gekehrte Waldspaziergang über weichen Nadelboden bei'Tree Canopy Walkway' verschieben meine Einsicht in die Großartigkeit dieses Sounds
auf die Sight-Version. Der Film variiert das Repertoire nur wenig, 'Ursa Major' ersetzt zwei
der zuvor gehörten Stücke. Breda-Gulbrandsen verbindet romantisch, also schummrig,
ausgeleuchtete Szenen der verschwitzten Musiker bei der Arbeit mit meist schwarzweißen Bildern, die die Musik mit ihr entsprechenden Atmosphären assoziieren Schneelandschaften, nächtlichte Fahrten, einsame Blockhütten, Birkenwald mit
Anemonen, tanzende Nippesfiguren, die Lichter einer Bahnstrecke im Hinterland, eine
blonde Frau, ein blondes Kind. Dazu kommen kleine absurde Szenen wie von Kaurismäki- ein Mann mit Koffern oder Puppenkopf in den Armen, ein eingeschneiter Sänger mit
Buch und Stehlampe draußen im Freien etc. Alles ohne ein einziges Wort, es spricht
allein die Musik. Sichtbar wird die dynamische Spannweite der Band - wie Hausken seine
Filzschläge noch mit Handtüchern dämpft, wie delikat Andreas Mjøs sein Vibraphon pingt,
um im nächsten Moment feuereifrig auf den 'Kung Home'-Gipfel zu schrappeln, wie
Qvenild von seiner Candlelight-Klimperei am Blüthner zu psychedelisch quallender
Keyboarderei wechselt, zu der ein Barfüßiger tanzt, der wohl in den zuvor kurz sichtbaren
Fliegenpilz gebissen hat. Vielleicht sollte ich das auch mal probieren. PS: Als Zugabe gibt
es 'Kungen' - in Sommerfarben, mit IN THE COUNTRY als kleinem Wanderzirkus und
hippiesken Aussteigern, wenn auch nur geträumt.
Meiningslaust Oppgulp (A Singles Compilation) (RACD106), verdammt, ich wusste gar
nicht, dass es von MOHA! Singles gibt. Anders Hana an Gitarre, Electronics und Synthie& Morten J. Olsen an Drums & Electronics brettern gleich bei 'Naaljos Ljom' los, als gäbe
es kein Morgen, oder als könnten sie nicht schnell genug dahin gelangen. Wie die
Rhythmsection von ZU bei einem Frontalangriff. Bei 'Eg Blei Sogen Av Ein Atterganger'
mit seinen Stop & Go-Attacken ist die Raserei brutal zerhackt. Zu finden waren dieseKöstlichkeiten bisher verstreut auf Vinyl bei Le Petit Mignon, Gaffer Records und Rune
Grammofon, zwei Tracks auch als 8"-Lathe Cut bei A Drop Of Blood Records. Das Duoklingt wie der Wendeltreppensturz einer Schrottladung in Zeitraffer, wie Supersilent 4.
Mehr Gerappel und Holterdipolter geht kaum. Die Gitarre ist als solche nur schwer
erkenntlich, alles ist hier Zuckung, Gemetzel im Gabbertempo. Die Ereignisdichte ist
derart enorm, dass mancher sich es wohl überlegt hat, ober er gleich auch die B-Seite
auflegen soll. Die CD rattert und heult als ungebremstes Dauertrommelfeuer an einer
Sonic-Fiction-Front. Sechs der Tracks sind 7"-kompakt, einer sprengt den Zeitrahmen als
MOHA!s Beitrag zu ihrem 10"-Split mit Tape That. Der letzte taucht, nachdem er die
Schallmauer, statt sie wie bisher zu pulverisieren, sirrend und mit hunderterlei Effekten
und kleinen Detonationen unterhöhlt hat, ab und erst 5 Minuten später wieder auf - - als Garagenrock-Song!
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… over pop, under rock …

Takumi Fukushima Foto Claudio Casanova

PAOLO ANGELI / TAKUMI FUKUSHIMA Itsunomanika (ReR Megacorp, ReRPA5):'Recommended'-Musik durch und durch. Angeli mit seiner präparierten und erweiterten
sardischen Gitarre als ländlicher Vetter von Tom Cora, Fukushima als Geigerin von After
Dinner und Volapük mit einer Klangwolke, vollgesaugt mit Assoziationen an Fred Frithund Iva Bitova. Dass sie, obwohl sie seit vielen Jahren in Europa lebt, japanisch singt,
aber 'unjapanisch' geigt, gibt dieser - ja, natürlich, wenn's das nicht ist, was sonst? 'Imaginären Folklore' den unwiderstehlichen Reiz jener Déjà-vus, die den Kern aller
Folklore ausmachen, ob 'imaginär' oder genuin. Längen- und Breitengrade werden
ersetzt durch ein Erzittern universaler Herzfasern. Angeli kann sein Instrument wie ein
Cello klingen lassen und wenn er dann noch perkussive Elemente und Tonbandsamples
einstreut, dann ist die Methode 'Skeleton Crew' fast mit Händen zu greifen. Seine
Partnerin kann temperamentvoll tun wie eine Joëlle Léandre des Noh-Theaters und - mit
Pizzikato oder zierlichen Japonismen wie beim Titelstück - pikant wie Haco. Die Klangvielfalt ist so groß wie der Einfallsreichtum der Beiden. Angeli produziert die Sounds vonBariton- und E-Gitarre, Harfe und Tambourin, er klopft, scheppert, arpeggiert, rasselt,
jault als Einmannorchester und wechselt im Handumdrehen von Cellosamt zu gewittrigem Schillern, über das Fukushima mit lindem Romantikschmelz hinwegstreicht, bei'Kaze no tabi - Voyage du vent' als sanfte Brise, als Silberfaden bei 'Vetro soffiato'. Sie
sprechsingt bei 'Sponde' und ist bei 'Nee Dear My Sister' schon wieder die kleine
Schwester kleiner Schwestern, die jedoch Tarantella tanzt und auf Teufel komm raus
fiedelt, bis man nicht mehr weiß, ob sie Engelchen oder Satansbraten ist. 'Perdita di
tempo' ist eine gezupfte Noh-Miniatur, an die sich das erst ebenfalls gezupfte, abervolksliedhafte 'Okiwasureta' anschließt, das in das sehnsüchtig schwelgende 'L'ultima
nave' mündet, wortloser Herzschmerz mit Meeresrauschen. Für die rhythmische Zugabe'Vuoto A Rendera' - all das ist nämlich ein Konzertmitschnitt, was aber nur zweimal durch
Beifall erkenntlich wird - schwingt sie sich noch einmal auf den Besenstil und stößt zu Mt.
Brocken-Gefiedel heisere Hexenformeln aus. Da zeigt sich Musik wieder mal von ihrer
schönsten und Japan von seiner verblüffendsten Seite.
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* BUDAM Man (Volvox Music): Trotz einer ausgedehnten
Konzerttour durch Europa - unter anderem spielt er am 31.
Juli in Nürnberg auf dem Bardentreffen - hat es Budam
geschafft, zwischendurch sein zweites Album zu veröffentlichen. War das Debüt noch ein wilder Schelmenritt
durch die Instrumentenprärie, so präsentiert sich derKünstler von den Färöer Inseln mit Man nun ein wenig
homogener. Budam ist nicht nur Musiker, seine zweite
Leidenschaft ist das Theater. Auf diversen Live-Performances bekam man davon eine Kostprobe, mit einer
aufwendigen Bühnenkulisse für den Song 'The Fly', einer
Vertonung des Gedichts von William Blake ("For I dance
And drink, and sing, Till some blind hand Shall brush mywing."). Erstaunlich wie viel Zärtlichkeit das Färöer
Stimmwunder in seinen Gesang packt, und es erst am Endeetwas rauer wird. Und aus einer Mücke wird auch hier ein
Elefant gemacht. Denn 'The Elephant' erzählt von Ely, derdie ganze Zeit da sitzt, fernsieht und Unmengen von Chips
in sich hineinstopft. Entweder wird hier auf Evelyn Evelynangespielt oder, viel wahrscheinlicher, es geht nicht um
einen tierischen Dickhäuter, sondern einen Homo Sapiens,
der aus dem Trott seiner Fress- und Fernsehsucht nicht
ausbrechen kann ("tied to his chair with a chain of despair").
Mit wehmütigem Cello und dem mitleidigen, brüchigen
Gesang von Ása Wraae Olsen. Ein Überwachungsszenario
wie bei "Das Leben der Anderen" konstruiert 'The Man Who
Knows Everything'. Mit hektischer Gitarre und Drums im
Hintergrund, geht es um den Mann hinter der Wand, deralles mithört ("his head is a radio"). Der Song kommt punkig
daher, z.B. wenn Budam seine bisherige Unkenntnis
jodelnd kundtut und bedrohliche, laute Flüsterstimmen "Weare being watched" hauchen. Thematisch fühlt man sich mit'The Bicycle', der vertonten Umsetzung eines verträumten
Fahrradausflugs, an Queen erinnert, mit leichthändigem
Geklimper und einem strammen Rhythmus. Höher hinaus
will 'The Aeroplane", wo Budam von einer Flugreise überdie Wolken hinaus träumt ("above the clouds, above therain"). Die Beats, Bläser und der Backgroundgesang
werden zu Motorgeräuschen des Fliegers. Die Liebe zu
einer Frau als wichtige spirituelle Erkenntnis besingt 'You
Are My Religion' mit Orgel und Piano. Bei den manchmal
endlosen kleinen Widrigkeiten des Alltags - Thema von 'God
Is Fucking With Our Heads' - kann man schon mal daranzweifeln, dass der Allmächtige über seine Schäfchen wacht,
sie ihm vielleicht doch eher egal sind. In 'The Last Song'imaginieren Budam und Ása das Ende einer Musikerkarriere. Natürlich ist es nicht der letzte der CD, es folgt mit'All You Dream You Get To Keep' noch ein zartes AcapellaDuett der beiden als Betthupferl, vergleichbar mit 'Sleep'
von Lisa Gerrard.
Fazit: Budam bleibt seinem "Heavy Songwriting" undvielschichtigen Arrangements weiterhin treu. Sein zweites
Album ist weniger theatralisch und irrwitzig. Ist der Schelm
etwa zum Mann geworden?
Marius Joa
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* SOPHIA DOMANCICH Snakes And Ladders(Cristal Records 162): Schon die ersten Taktevon ’Hight Tide On The Ebb’ versetzen mich inlängst vergangene Recommended Records
Zeiten, als ich 1985 im Würzburger Laden John
Greaves Parrot Fashions erstanden hatte unddamit für mich ganz neue Musik jenseits aller
Trends entdeckte, von der aus sich mein
Musikgeschmack spinnennetzartig (zu Blegvad,
Henry Cow...) neu ausrichten und weiterentwickeln konnte. Das waren ausnahmslos
Platten für die Ewigkeit, die immer hörbar
bleiben und – wenn man sie nach langer Zeit
aus dem Regal zieht – sofort wieder ihre faszinierenden Reize verströmen, während man
andere nach gewissem Verfallsdatum emotionslos aussortieren kann. Snakes and Ladders wird
nicht zu diesen gehören, denn die französische
Pianistin Sophia Domancich, die unter anderem
mit Steve Lacy spielte, Preise in Kammermusik
errang, mit Pip Pyle arbeitete und lebte, ein Trio(mit Paul Rogers) und ein Quintett gründete, dieschuf mit Hilfe von John Greaves, Napoleon
Maddox, Himiko Paganotti, Robert Wyatt(voices), Jef Morin, Louis Winsberg (guitars),
Simon Goubert (cymbals & brushes), Jocelyn
Moze (keyboards, drums), Raphael Marc
(samplers, electronics) und Ramon Lopez(percussions, palmas) ein Werk, das schwer
einzuordnen ist. Sechs der vierzehn Stücke
prägt die Stimme von John Greaves, die sichbei ’Tea time’ fast der von Leonard Cohen
annähert, wenn er zu sparsamer Pianobegleitung Poems von Jaqueline Cahen rezitiert. Das
folgende ’Mis Manos Te Acarician’ klingt wie
Flamenco. ’Wilderness’ erscheint zunächst als
Pianosolo und danach im Hammondorgelsoundals typischer Robert Wyatt Song, wenn dessen
Stimme anhebt: “We followed our star, leading
us on, to our desert land and we ... find heaven
there, in the wilderness home-from-home….”
Unnachahmlich, wie Wyatt solche sentimentalen Stimmungen (manchmal musikalisch nahe
am Kitsch) hervorbringt. Ähnliches schafft auch
Paganotti, die mit deutlich tieferer und wärmerer
Stimme a ’Lucky Day’ besingt. Jef Morins
Gitarre gibt ’...Of Night’ deutlich mehr Pfeffer,
und dann legt auch noch der Rhythmussampler
zu. Insgesamt bleibt aber Snakes and Ladders,mit vier eingestreuten Instrumentals, einruhiges, fast meditatives Kleinod.

HOBOCOMBO now that it's the opposite, it's
twice upon a time (Trovarobato Parade, TRB P
04): "Machines were mice and men were lions
once upon a time. But now that it's the opposite
it's twice upon a time." Andrea Belfi an Schlagzeug und Harmonika, Francesca Baccolini am
Kontrabass und Rocco Marchi an E- & Lapsteel-Gitarre und Korg ms10 machen sich einen
Spaß daraus, Stücke von Louis Hardin zu spielen, besser bekannt als Moondog (1918-1999).
'Theme', 'Stamping Ground', das Madrigal No. 9'Be a Hobo', natürlich 'Bird's Lament', dazu
'Witch of Endor', das Madrigal No.4 'All is Loneliness' und 'Enough about Human Rights' sindtypische Zeugnisse des Viking of Sixth Avenue,
der ausgerechnet in seinen German Years,
Dank Ilona Goebel, zu später Anerkennung
kam, mit einem von Ernst Fuchs gestalteten
Grabmal in Münster. Genauso einzigartig wie
Harry Partch, aber vielleicht noch einen Tic
direkter und mehr in der Welt und bei seinen
H'Art Songs mit einem Feeling, wie es sonst nur
von Robert Wyatt ausgeht. Die Hobocombo trifft
das, was bei ihm wesentlich ist, nicht schlecht die Repetitionen, Moondog Vorliebe für rhythmische und rituell perkussive Akzente, den Kanongesang. Wobei sie all das in die Ecke der Indierockwelt verschiebt, die für wirkliche Originalität
ein Ohr und ein Herz hat. Da rasseln Rassel
und Tambourin, da hinkt der Beat, die Gitarre
macht alles vertraut, während der gestrichene
Bass am Allzuvertrauten sägt. Der nächste
Schritt kann nur zur Quelle selber führen und
zur Frage: What about Lark Rights? What about
Shark Rights? What about Fox Rights? Whatabout Ox Rights? What about Mole Rights? ...

Mbeck

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NIGEL KENNEDY & MEMBERS OF THE ORCHESTRA OF LIFE Four Elements (Sony Classical):Kennedy verdankt seinen Starruhm nicht zuletzt seiner
Version von Vivaldis Vier Jahreszeiten von 1989. Gut 20
Jahre später und nachdem er seine violinistischen
Interessen auf Hendrix, Klezmer, Jazz und was weiß ich
noch alles ausgedehnt hat, kehrt er zu Vivaldi zurück,
indem er dem barocken Evergreen eine eigene Suite an
die Seite stellt (im November auf Deutschlandtournee).
Dass ich mir mit der popeligen Vorab-CRr vorkomme
wie ein von Sony vorgeschickter Plänkler, der mit
Platzpatronen den Krach und Rauch der Werbemaschinerie verstärken soll, davon will ich mal absehen.
Für den Buchhalter eines Konzerns ist Musik nun mal
Ware und kein Spaß. Kennedys Antwort auf Vivaldi
besteht in Jazzrock, der mit einer dynamischen Rhythmund einer Stringsection den Leadgesang der Geige
antreibt. In den melodiösen Drive mischen sich Doug
Boyle mit der E-Gitarre und eine Trompete ein,Electronics verstärken den An- und Auftrieb der'Overture', mit der Kennedy die Erwartungen hoch treibt.
'Air' steigt zu programmierten Beats mit einem leichtchinesisch angehauchten Geigentirili in höchste Höhen,Zee Gachette (aka Z*) singt davon, der Schwerkraft zu
spotten. Boyle bereitet dann einen weiteren Lerchenflug
der Geige vor und Kennedy zwitschert, als gäbe es
keine Wolken. Erst die Trompete wirft darüber einen
Halbschatten, der die faunische Versonnenheit derStrings mit einer leichten Brise noch angenehmer
macht. 'Earth' pusht mit rockigen Breitseiten Gesang
von Xantoné Blaq, die Geige gibt ein Grappellieskes
Zwischenspiel, die Gitarre rifft und rifft. Funky unduptempo führt Gachette mit Call-and-Response-Chorus
und Bläserdampf durch 'Fire', mit einer Vitalität, dereninfernalischen Anstrich erst die Generation Rock in ein
Menschenrecht umgepolt hat. 'Water' bringt Abkühlung
und eine gedämpfte Stimmung, wenn Gachette als
piepsiges Seelchen droht, unterzugehen im Wellengekräusel, bis ihr die E-Gitarre Auftrieb gibt. Das ausgedehnte 'Finale' wechselt von pastoraler Geigenträumerei zu mit Stringbogenschlägen rhythmisiertem
Uptempo und zu Gitarrenpathos mit Vokalisation undeiner Frauenstimme, die von Feuer und Flamme
munkelt. Der Kontrabass kündigt die letzte Runde an,die mit gehackten Schlägen Tempo auf- und wieder
zurücknimmt und, angespornt von der Geige undGeheul, von einem Walzer zu einem irisch-chassidischen Jig in höllischem Tempo wechselt. Alle jetzt
atemlos Geplätteten werden dann noch mit 'It's Plucking
Elemental' belohnt, einem grotesken Kennedy-Ohrwurm
von fast schon Bing Selfish-Qualität.

* AVA MENDOZA Shadow Stories(Resipiscent, RSPT037): In der von
Männern dominierten Rock-, aber auch
Avantgardewelt fällt Frau immer auf.
Dass die „göttliche Ava“ nicht nur
musikalisch eine besondere Ausstrahlung besitzt, hat rbd anlässlich desphantastischen QUOK-Konzerts bereits
treffend beschrieben. Während sie
damals die Gitarre bis zum Saitenriss
traktierte, veröffentlicht sie hier nun eine
Liebeserklärung an ’best-written, mostmemorable older >story songs<’, wie’The Tennessee Waltz’ (Redd Stewart /Pee Wee King), ’I’m So Tired, I’m So
Glad’ (Skip James), ’Kiss Of Fire’ (in der
Version von Louis Armstrong undGeorgia Gibbs bekannt geworden) oder’Goodnight Irene’ (Huddie Ledbetter).
Zwischen diese streut sie auf ihr Solodebüt eigene Kompositionen ein, bei
denen sie zugleich Virtuosität undFingerfertigkeit unter Beweis stellt.
Nachdem Mendoza mit unzähligen
Improvisierern gespielt und getourt hat,verzaubert sie auf Shadow Stories mit
wunderschönen Melodien, die sie in
ihrer ureigenen Art interpretiert. Der
Swing ihres Gitarrenspiels zwingt zum
Mitwippen, und den kargen Passagen
werden sich selbst Bluesverächter(Rigo!) kaum verschließen können. Die
Eigenkompositionen wie ’Don’t Pity Me(Up in Flames)’ sind sperrigere auswuchernde Stücke. ’The Furious Harpy
Who Followed Me Everywhere’ beginnt
als minimalistisches, ruhiges Songgebilde, das in dissonante Gitarrenschwaden übergeht, gepaart mit Tempoläufen und verzerrtem Solo in Hendrixscher Manier. ’In My Dreams’ taucht
aus der Improvisation ’Goodnight Irene’auf, das bei der nächsten Nummer im
Mittelpunkt steht und variiert wird. Nachdem Hören des Finalstückes ’I’m So
Tired, I’m so Glad’ bestätige ich nur Teilzwei des Titels: I’m so glad to own thisCD. Und seit Februar ist die Scheibe für
die Top 10 des Jahres 2011 gesetzt.
Mbeck
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MOUNTAINS Air Museum (Thrill Jockey Records, Thrill 274): Brendon Anderegg & Koen
Holtkamp benutzen alte dröhn- und pulsminimalistische Rezepte, aber verwenden dabei sofrische und nahrhafte Zutaten, dass es weder altbacken noch museal wirkt. Der Auftakt kommt
erst noch etwas kirchlich rüber, ein brummiger Orgelhalteton, angedickt mit knarrig und sonor
vibrierendem Sound von Akkordeon, Gitarren, Cello, Bass, so verdichtet, dass es wie eineeinzige Welle changiert und wabert. Aber dann setzt einen 'Thousand Square' in Bewegung wie
ein Pferdchen, dass kopfnickend dahin trabt, zielstrebig und wie aufgezogen. Kraftwerk anno
1874, mit gefedertem Synthesizer. Nicht weniger opulent, aber jetzt wieder pulslos rauscht'Newsprint' dahin. Um einen hellen Orgelschimmer braust eine Wolke aus sirrenden undschillernden Klangpartikeln. 'Sequel' besteht dann erst wieder nur aus Puls, einem schnellen
diesmal, der jedoch dröhnend aufquillt mit zwitscherndem Farbenspiel und melodiösen
Verzierungen. Kosmische Kuriere cruisen in ihrer feurigen Himmelskarosse. Psychedelik ist
eines der Mittel, die ihren Zweck heiligen. Aus einer schnellen Basslinie und einer Phalanxschillernder Wahwaheffekte ist 'Blue Lanterns on East Oxford' geformt, das Akkordeon zirpt
stotternd, Erinnerungen an Town & Country werden wach. 'Backwards Crossover' verrät dasGeheimnis, das keines ist – Last Visible Hot Dog mit viel Kraut. 'Live at the Triple Door' lässt
zum Finale in der Dämmerung das Meer anbranden und entfaltet dazu bassig dröhnende,
akkordeonistisch pumpende und schwärmende, vielgliedrig flickernde Nachtaktivität. Um als
Wiegenlied für Berge, Meere, Riesenzwerge zu enden.
PAS/HATI present P.H.A.S.T.I. The Stages of Sleep – A Metaphor for Torun (PAS Records 010):
Als am 10.4.2010 das Flugzeug mit dem polnischen Staatspräsidenten Kaczynski abstürzte,
wurde das CoCArt Music Festival in Torun abgesagt. Das aus Brooklyn eingeladene Quartett
PAS reiste dennoch an und verband sich mit dem gastgebenden Perkussionsduo HATI für dieseStudiosession. Rafal Iwanski & Rafal Kolacki spielen ein Sammelsurium an Gongs, Glocken,
Rasseln, Cymbals, Bass- und Gewittertrommel, dazu Pfeifen und Flöten. Von den amerikanischen Gästen setzt Amber Brien Basseffekte ein und verstärkt zusammen mit Will Connor den
perkussiven Akzent. Robert L. Pepper geistert mit Keyboards, Synthesizern und Samples
umeinander, während Michael Durek ein altmodisches Casio SK-1, Theremin und, wie seine
Freunde auch, noch diversen Krimskrams einsetzt. Damit wird spontan gejamt, Imaginäre
Folklore von und für Turnschuhtribalisten. Der Geist der frühen Amon Düül mischt sich mit der
Low Fidelity und Arte Povera der Freakfolk-Internationale. So könnte sie klingen, die postapokalyptische Musik künftiger Kleinhorden. Es wären Rituale, die das Verlorene beschwören,Treibstoff für Traumreisen weg von der globalen Katastrophe. Ein Neoprimitivismus, der dieältesten menschlichen Fähigkeiten einsetzt: Spielen mit dem, was da ist, einen Ausweg finden
können in der zweiten Wirklichkeit des Traumes, der Imagination. Jeder sein eigener Schamane.
Wobei die innere Reise ohne GPS auskommen muss, alle Erinnerung ist gelöscht, Schlafwandeln wird zum Drahtseilakt. Nur bei 'Dreaming', dem Traum selbst, erinnern sich die Finger
daran, wie eine Melodie geht. Die Theremingeister heulen und Melancholie paart sich mit
Verwunderung. Spieluhren plinken Reste einstiger Schönheit, eine Mundharmonika summt, die
Flöte trillert Anfänge einer neuen. Für das 'Final Level' übernimmt der Autopilot das Steuer,
unwillkürlich tröpfelt Regen, der Wind wischelt durch die Flöte und rasselt die Schlangenrassel.
Das Herz diktiert den Gongs den Takt sanfter Tagträume.
PERILS OF PENELOPE This product is not a toy (Gaw ! Bastards Records, GAW!003): Dasseinige Belgier doch ganz gut rechnen können, zeigt dieses Quartett aus Tournai. Martin Grégoire und Maxime Mouquet geben an Drums und Bass den mal mehr, mal weniger komplexen
Mathrocktakt vor, Reynier de Palluel und Nicolas Mouquet weben darüber helle Doppelgitarrenmuster. Gesungen wird nicht. Allerdings ist der transparente, lichte, plinkende, klingelnde undflirrende Schrammelsingsang der beiden E-Gitarren Gesang genug. Zwischendurch wird zwar
auch energischer gerifft, aber nicht im üblichen Sinn rockistisch. Eher mit einer fast westafrikanischen Leichtigkeit, ohne je den Korastil direkt anklingen zu lassen. Belgien und Afrika,
das hätte auch nur einen unguten Beigeschmack. Lieber lasse ich diesen 25 Minuten ihre
eigene mathematische Fingerpicklogik, die in ihrem apollinischen Arpeggieren einem griechischen Himmel ebenso nahe ist wie den animierten Abenteuern der Penelope Pitstop.
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SIDESTEPS EP (Gaw ! Bastards Records, EP): Dass mich Bands, die am EuroDemo
Santander 2016-Wettbewerb teilnehmen, nicht sonderlich interessieren, schließt auch die
belgischen Gewinner mit ein. Mr. SideSteps & Co. bewarben sich erfolgreich um einen
Job in der Unterhaltungsindustrie mit hochglanzproduzierten Songs im Stil von Depeche
Mode. Wie das zusammenhängt oder gar zusammengeht mit kritischen Texten, regelrecht aufklärerischen Messages, das führt wohl direkt in die Ambiguitäten des heutigen
Indiepopbewusstseins. I don't run the business of your life ... I'm not your TV show To
spread excitement in your life ... But all that you do Is trust the media Instead of trusting
your own genes, predigt Mr. SideSteps bei 'I Am', und stellt sich mit 'Not Anymore' den
Blutsaugern entgegen, Kriegsdienstverweigerer in der "battle of profit": "I will take a
SideStep and overcome you ...and I will haunt you." Ob das allerdings aufgepeppt mit
schönheitschirurgischem Frauengesang überzeugender klingt? Und wie geht das
zusammen mit der Drohung des 'The Heartbreak Song', die Ex zu erschießen (diesemörderische Phantasie eines Verschmähten gibt es gleich in drei Versionen)? Oderschwelgerisch davon zu raunen, als depressives Mauerblümchen zu verwelken ('The
Clock')? Ist das einfühlsam, kitschig, zynisch, engagiert, von Allem etwas - mit einem
Wort: Pop? Only you can deny The glass of lies that you drink.
SPOOKY ATTRACTION FROM ADISTANCE Sunflower Sutra (staubgold digital 14): In diesem seltsamen
Namen verschwimmt die Distanz
zwischen einem Gitarristen in Köln
und einer Sängerin vom Kap. Wobei
Joseph Suchy mehr ist als nur
Gitarrist, und Juliana Venter, die in
Südafrika mit dem Mud Ensemble
engagiertes Musiktheater gemacht
hat, bevor sie nach London wechselte
und vor fünf Jahren dann nach Berlinkam, mehr als eine Sängerin.
Zusammen fabrizierten sie 'Voodoo'Versionen von Kunstliedern und
Juliana Venter
Folksongs, eingesponnen in akustische und präparierte Gitarrensounds (an denen, neben Suchy, auch noch Ramsay
Mackay mitspinnt), getragen von Klavier und Keyboardklang, bizarr verziert mit Cello oder
Slidegitarre, mit Tambourin und Ukulele, mit umgekehrter Mandoline oder elektronischverschwurbelt. Venter singt mit einer Stimme, die auch anders als naturblond kann, vonweißen Ameisen, goldenen Äpfeln, schwarzen Schafen und einem roten Hund, sie singt
eigene Texte und Texte von Breyten Breytenbach, Rilke und Rumi, sie singt in English,
Afrikaans und Deutsch. Rilkes 'Ende des Herbstes' ist mit Piano am kunstliedähnlichsten,'New Apples' erinnert an eine irische Ballade. Öfters aber ähneln diese Lieder von Heimweh und Fernweh, von Gold, das man nicht essen kann, silbernen Flugzeugen, die ohneeinen fliegen, vom zweifelhaften Anderssein der schwarzen Schafe oder vom ewigen
Wanderer dem Stoff, aus dem die Träume sind. Als Gretchen träumt Venter vom fliegenden Holländer - meine Ruhe ist hin (mein Herz ist schwer, die ganze Welt ist mir vergällt).
Während sie in in ein Gurkensandwich beißt, träumt sie von Voodoo, träumt sie, dass sie
nur träumt Die Welt ist nur Schlaf, Traum, Illusion, murmelt Rumi. Psychedelik mischt sichmit Mystik, eine Drummachine kurbelt das oxymorone Mantra: You saw them only when
they were gone. Der verzerrte Bewusstseinsstrom 'The wanderer' ist zuletzt noch einmal
ein Déjà vu (in meinen Ohren). Mit gleich mehreren Zungen rät 'Spooky' Juliana: Take
your crown and put it on / Grab your walking stick / And fuckoff out of here / Fuckofff outof here. Fast könnte man meinen, dass das manieristische Beiwerk nur deshalb so üppig
wuchert, um Pathos und Message zu verschleiern.
19

PETER STAMPFEL & THE WORM ALL-STARS A
Sure Sign of Something (Acid Soxx): Stampfel, Veterander Psychodelic-Urväter The Holy Modal Rounders, hat
offenbar weniger Probleme mit Bound to Loose (2006),
der Doku über die halbseligen und unheiligen Zeiten
der Beatnik-Band, als sein Partner Steve Weber, dersich davon in schlechtes Licht gerückt fühlte und den
Film als Nagel zum Sarg der Band verdammte.
Stampfel machte für ihn Werbung in Holland und fanddort neue Verehrer in Lukas Simonis, Nina Hitz & Alan
Purves. Die organisierten ein Wiedersehn und dieseStudioeinspielung von 19 Perlen aus dem abgründigen
Old Weird/Freak Folk-Repertoire des unverwüstlichen
Unikums. Mit Gitarre & Bass, Cello & Keyboards bzw.
Percussion & Nasenflöte stellen sie als Worm All-Stars
die perfekte Eulenspiegelband für Stampfels Ohrwürmer an Banjo, Geige und Gitarre. Zusammenklingen sie ungefähr so, wie wenn man auf dem Weg
zu Michael Hurley (mit dem Stampfel & Co. 1976 Have
Moicy! fabrizierten) falsch abbiegt Richtung Eugene
Chadbourne und das auch nach 40 Jahren noch nicht
bereut. Stampfel kommentiert seine Songauswahl
selbst, schließlich ist er als Linernoteautor für Harry
Smiths Anthology of American Folk Music GrammyGewinner. Was er dann schlitzohrig quäkt und schrammelt, kräht und pluckert, echter als echt, sind kuriose
Traditionals und Eigenes im Geiste von. Neben 'Wake
Up, Jacob' und 'Peg and Awl' von der Anthology stimmt
er 'Midnight in Paris' von Have Moicy! an. 'One Will Do
For Now' stammt von Weber, 'Fucking Sailors in Chinatown von Stampfels Ex-Frau, 'How Mountain Girls Can
Love' von den Stanley Brothers, 'Shombolar' von Sheriffand the Ravels. 1955 entstanden, ist dieser Rock/Calypso/African-Hybrid für Stampfel der „Rosetta Stone
connecting African music, Caribbean music, and doowop“ und ein Paradebeispiel für einen 'Go Song'. Was
das ist, erklärt er, inklusive seiner persönlichen 'Tunes
that changed my life'-Liste, auf www.furious.com/
perfect/stampfelgosongs.html (unbedingt lesen!).
Wie sowas aus seinem Mund klingt, hört man hier,zusammen mit dem Western 'The Tennessean', dem
dystopischen 'We're Still Here' und 'Be Sad', wo er
gegen seine Abneigung gegen traurige Lieder verstößt.
Zum Ausgleich gibt es Muntermacher wie 'Because,
Just Because' und Banjo-Partysongs wie 'Drunken
Banjo Waltz' und das bedingt hochzeitstaugliche'Comes Around'. Wer bei Stampfel nicht zu zappeln undzu walzen beginnt, muss lahmer als lahm und töter als
tot sein. Als Zugabe bringt Purves eine Kakophonie mit
ck. Macht nix, scheiß drauf.

* TULA No Name / Don't Say A Word
(Static Caravan, 7"): Die Wartezeit auf
den Dead Can Dance-Barden Brendan
Perry verkürzte im Frühjahr 2010 derüberraschende Support Act Tula mit
ihrer Band. Das zarte Mädel schien als"Stolen Child" gerade aus dem Zauberreich der skandinavischen Elfen zurückgekehrt, um uns Sterbliche mit
ihrer magischen Stimme und der untrennbar verbundenen Begleitmusik in
den Bann zu ziehen. Trotz meines
inständigen Flehens an die Götter derAnderwelten und wiederholte Anfragen
beim Label Static Caravan hat Tulabisher leider nur zwei 7'' Singles (mitinsgesamt fünf Songs) veröffentlicht,
die es für Nichtvinylkonsumenten wie
mich glücklicherweise auch als Digital
Download gibt. Immerhin ist ein Albumin Arbeit. Tulas Musik - vor allem derGesang und die Lyrics - atmen mit
sanft gehauchten Zügen Sehnsucht
und Melancholie, kindliche Unschuld
gepaart mit der Einsamkeit des Erwachsenseins, Tagträume als Wanderung zwischen Raum und Zeit. Akustikgitarre, Akkordeon sowie Piano bilden
den zarten Klangteppich auf dem sich
Tula leichtfüßig bewegt und teilweise in
Flüsterton singt, fast wie ein Waldgeist,
der mit Gesang und Gezirpe bezirzen
möchte. Dass es aber auch bodenständiger geht, beweist das affirmative'Yes' mit leichthändiger Elektrogitarre,
Der letzte Track - mit elektronischen
Beats - ist ein Teaser für das kommende Album, ein Lockruf von Tula, derÜbersetzung ihres Künstlernamens
gemäß, sich tief in den Wald zu begeben und dort dem wundervoll singenden, schwedischen Feenkind zu
lauschen.
Fazit: Don't Say A Word heißt die
zweite Single und lässt sich auch als
grobes Motto erkennen. Keine Worteverschwenden, sondern einfach
zuhören und sich entführen lassen.
Traumhaft schön.
Marius Joa

20

NowJazz, Plink & Plonk...
AKTIVRAUM (Köln)
Wenn es ein Trio Viriditas nicht schon gegeben hätte, hier stünde eines vor uns. Der Multiflötist FABIO MINA, der Drummer und Perkussionist DANILO RINALDI und MIRCO BALLABENE am Kontrabass beziehen sich mit Vìreo (AR 60101) nämlich direkt auf Hildegard vonBingen und ihre Blumenkraft. Der Titel heißt soviel wie 'Ich strotze vor Blumenkraft'. Weitere
Anregungen wurden von Dantes Vision des Lichtklangs der Engelschöre empfangen und vom
Bhagavad Gita. Grüne Musik also, die in grüner Spiritualität schwelgt. Neben der Querflöte
bläst Mina auch die Duduk, eine chinesische Bawu, eine Fujara aus Slovakien. Blumenkraft
fördert nicht nur den Bartwuchs, sondern auch den Traum einer weltumspannenden sanften
Energie, die hier widerhallt in Ethnofusion wie aus dem Bilderbuch. Walter Quintus, für derlei
Klänge empfänglich, sorgte für die Aufnahme und Abmischung. Für 'Quelle vive Luci' vervielfacht sich Mina zu einem honigsüßen, dunklen A capella-Chor. Unkende Udu-Beats und gespaltener Reedton, auf einen elektronischen Drone gebettet, prägen zuerst 'Venti diversi sulla
stressa Terra', bevor Querflöte und westliches Drumming diese Kollektiverfindung luftig undhell machen. 'Dadhmàu' schwebt erhaben über dem Dach der Welt. Ballabene spielt den
Rosenfingrigen, Rinaldi funkelt olympisch und Mina zieht Kreise, ohne groß die Flügel bewegen zu müssen. Während die Welt den Atem anzuhalten scheint, beginnt er auf der Đàn môi
zu zirpen, einer vietnamesischen Maultrommel. Nach den nur elektronisch besummten
Flatterwellen von 'Trame di Vento I', lässt die Trompete von Markus Stockhausen 'Trame di
Vento II' sublim erstrahlen. 'Sulla Sabbia che respira' füllt die fehlenden 11 Minuten zur vollen
Stunde mit ambientem Dröhnklang, bis die Wüste - sogar die Wüste - erwacht. Getrommel und
Bassgefiedel stoßen einen Tanz des Lebens an, und Mina feiert noch einmal "Ewige
Blumenkraft und ewige Schlangenkraft" in vogeligen höchsten Flötentönen.
Der Trompeter Pablo Giw, der gerade mal 23-jährige Kölner Spross einer kunstaktiven, halb
iranischen Familie, hat die Schule von Markus Stockhausen durchlaufen. Dass er in Dus-ti
seinen Sound elektronisch forciert und Mirek Pyschny dazu trommelt wie ein Morlock, dernoch nie etwas von Blumenkraft gehört hat,liefert Stoff, wie ich ihn von Aktivraum nicht
erwartet hätte. Da wäre Giws orientalisches
Projekt Tamās mit dem Sänger-Poeten Abdelghani Elmassaoudi einschlägiger. Er geht weitüber die übliche Miles-Daviserei hinaus. DieÜberschrift 2011 (AR 70101, LP) sagt es ja:
Heute ist heute und verlangt eine 'Expression Of
Now'. Gelegentlich, bei 'Vulkano' etwa, steht die
Trompete ganz schlicht als schlanke Trompete
im NowJazz-Raum. Häufiger ist ihre Verfremdung zu einer kakophonen Expression, zu
Delaykaskaden, zu röhrenden und zischenden
Wellen und Eruptionen. 'Heart Bop' bringt dann doch, sogar mit Stimmverdopplung, MilesFeeling galore, auch wenn Pyschny dazu nur einen furztrockenen Loop knackt. Er klopft die
Beats so un-'jazzig' wie es nur geht. Das Titelstück knurrt und jault, umknattert und umtickelt
von regelmäßigen, maschinenartig gekurbelten Figuren, auch wenn Giw strahlend ins Hornstößt. Zuletzt geht in Echowellen der Saft aus. Bei 'Irreversible' bläst er, von Feedback verzerrt, markante Ostinato-Ketten, die Pyschny wie mit Essstäbchen betickelt, bis zum Stillstand.
Für 'Reaktor' dengelt Pyschny Topfdeckel und Cymbals, Giw knört und knurrt eintönig mit
einem 'Baritonsaxophon', lässt wieder Feedback aufjaulen und plötzlich dazu prächtig sein
Horn erschallen, während sein Partner die Marschtrommel rührt. Für das finale '∞' stimmt Giw
gestopft einen Drehwurm an, den Pyschny zu Bassdrumtupfern staubfrei beselt. Den Schlusspunkt setzt Kreol-Poetry, die dann doch die Natur feiert und Stadtflucht predigt.
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AMBIANCES MAGNETIQUES (Montréal)Marie Deschênes

Bréviaire d'épuisements (AM 199) ist eine Komposition desPerkussionisten ISAIAH CECCARELLI für zwei Bassklarinetten (Lori Friedman & Philippe Lauzier), Bassviola (PierreYves Martel), Perkussion und Frauenstimmen (Èmilie Laforet & Josée Lalonde). Der dröhnende, zunehmend kakophon angeraute Auftakt ist das erste von vier instrumentalen'Solos', die eine 'Suite' nach Texten von Marie Deschênes
gliedern. Die 'Solos' und das bassklarinettistische 'Intermède' sind krasse Einbrüche von diskanten Schab- odergrolligen Blasklängen, die diese Kammermusik einem rauen
Wind, einem sauren Regen aussetzen. Der langsame
Gesang, gänzlich ohne Vibrato, wie in der Alten Musik undwie ich es mag, hat trotz der sopranistisch hellen Timbres
nichts Helles. Alles spielt sich hier in einem melancholischen, fast düsteren Zwielicht ab, ohne dass mir 'schwer'
als Charakterisierung richtig erscheint. Ernst ja, aber dabei
seltsam schwebend. Natürlich legen die verdreifachten
Basstonlagen den Stimmungsschwerpunkt tief. Aber indieser Tiefe rumort und flackert es. Ceccarelli schlägt keinen
einzigen Beat, er streicht und kratzt über Cymbals underzeugt beißende, schneidende Dröhnklänge, die eininfernalisches Licht aufleuchten lassen. Mehr und mehrsagt mir diese Musik zu, sehr sogar. So wie die beiden
Frauenstimmen ihr De profundis in der Church of Melancholy anstimmen, braucht man die Texte kaum noch zuübersetzen. 'Ô folie cher poème' singen sie zuletzt a capella. Beklemmend schön.

Mit Pinta, Niña & Maria (AM 201) hat DANIELLE PALARDY ROGER einen Triptychon
komponiert, der mit mehrfachen Dreifaltigkeiten die Zeitenscheide 1492 vergegenwärtigt:
Orale, notierte und improvisierte Musik; Konsonanz, Dissonanz, Noise; akustische, elektrische und digitale Instrumentierung; Französisch, Spanisch, Englisch. Eine starke Anregung dabei war das um 1490 von Juan del Encina geschriebene Lied 'Todos bienes delmundo'. Damian Nisenson spricht den Text in kernigem Spanisch. Drei verschiedene
Klangkörper unternehmen die kolumbianische Zeitreise und bedenken dabei den Sprung,
der zum Muster aller Sprünge ins Neue wurde. GGRIL (Grand groupe régional d'improvisation libértée), ein junges Ensemble aus Spezialisten und Amateuren unter Leitung vonÉric Normand, bestückt mit Akkordeons, Bläsern, Percussion, Streichern, E-Bass, E-Gitarre,
Dobro und Radio, spielt 'Qui connait (La Pinta)'. Das Ensemble SuperMusique, Rogers
eigene Versammlung von Montréal-Allstars, setzt bei 'Quien sabe (La Niña)' besondere
Klangakzente durch Duck Calls (Jean Derome), viel Electronics (Diane Labrosse, Alexandre
St-Onge), starke Gitarre (Bernard Falaise) und nervige Rufe von Joane Hétu im turbulenten
Wechselspiel mit feierlich getragenen Passagen oder einem Take Five-Zitat. Die Atlantikwellen umspülen diesen Clash von Conquistatores, Calibans, Mönchen und Neulandsuchern. Für 'Who Knows (La Santa Maria)' verstärkt sich ECM+, das rein akustische, gut
hörbar mit Flöten und Fagott bestückte Ensemble contemporain de Montréal, mit Percussions électroniques und Sampler von MF Côté und Labrosse, die das Knarren der alten
Karavellen in stürmischen Gewässern evozieren. Von 'Prologue „Unanswered Question“' bis'Deception... and Melancholy' wird das 'Land Ho!' der Neuankömmlinge im Indien, das nicht
Indien war, als offene Frage behandelt. Die Neue Welt als Mogelpackung. Rogers Musiqueactuelle taucht hier besonders tief und diskrepant in die Zeit, die nur eine Gewissheit bietet –am Ende Gräber. Alles andere sind Träume und Schäume. La fame bive segura, aunque semuera el duenno. Los otros bienes son sueño y una cierta sepoltura.
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Pierre Labbé

PIERRE LABBÉs Tremblement de fer (AM 202) war 2009 in derFassung für 50 Musiker das Auftaktkonzert zur 10. Ausgabe desFestival de Jazz de Montréal gewesen. Hier erklingt es in einer
Studioversion für Labbé + 12. Unter diesen 12, die Saxophone,Bassklarinette und Flöten, Trompete und Posaune, Strings vierfach,
E-Gitarre, Keyboards, Kontrabass und Schlagzeug so einzusetzen
verstehen, dass sich jedes Festival geschmeichelt fühlen müsste,
findet man natürlich wieder übliche Verdächtige wie Jean Derome,
Bernard Falaise, Guillaume Dostaler, Pierry Tanguay, dazu auchAndré Leroux vom Saxophonquartett Quasar und Aaron Doyle (vonJAZZLAB) an der Trompete. 'Freeleux' beginnt in Electric MilesManier, wobei die StreicherInnen für Dämpfung oder Balsam sorgen,
wenn im Fluss der Funkyness doch einmal ein Ellbogen oder spitzes
Knie vorsteht. Doyle setzt den Melodienreigen in Gang, Derome
treibt den sprudelnden Strom voran. Zieht einen 'Lavra' heliotrop ausder einsiedlerischen Zelle auf eine Pilgerreise auf dem Kamel, verstärkt 'Autochtone' noch den orientalischen Anstrich, setzt aber dazu
mit strammen Gitarrenschlägen Truppen in Marsch mit schwerem
Tritt, aber unbekanntem Auftrag. Arabeske Schlangen winden sichdurch Tonleitern mit Hamonien, wie man sie von Alters her am Nil
kennt, Derbukabeats gaukeln der Phantasie Bauchtänzerinnen undtanzende Schlangen vor das innere Auge ('Serpents et échelles').
'Le 2e souk' zieht dann das Tempo hypermodern an, hütchenspielschnell verschwindet das Geld im städtischen Trubel, jazzige Solos
lassen sich durch Hindernisse, Rempelei oder Gaukeleien nicht
ausbremsen, die Musik wird collagenhaft. Bei 'Mutations' aber gleichauch wieder träge und lasziv, stakkatohafte Anrufe prallen an ihrem
pantherhaften Hüftschwung ab. 'La Fille et la grenouille' zieht dasganze ins Comichafte, der Rosarote Panther liefert die Travestie
einer schreitenden Diva, Labbés Frösche verwandeln sich durch den
bloßen Anblick in ein Disney-Orchester.
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another timbre (Sheffield)
La Filature, Bibliothèque Grand'Rue, La Maison de la Musique, eine
Spinnerei, eine Bibliothek und ein Haus der Musik selbst boten ein
Dach, ein Obdach für Spiral Inputs (at39). Spinnen und weben
SOPHIE AGNEL als Außen&Innenpianistin, BERTRAND GAUGUET
mit Alto- & Sopranosaxophon und ANDREA NEUMANN mit Piano
Frame & Electronic Devices, teils Percussion, teils Zither, teils bloßes
Geräusch, eine Klangwelt, bei der man Bücher lesen kann? Auf
gewisse Weise schon. Die Klanggespinste sprechen nämlich selber
Bände, sind Poesie und Mystery, Sonic Fiction ohne Worte. Sie locken
die Phantasie in unheimliche Zonen, dahin, wo man lieber eine Sonde,eine Kamera, vorschicken möchte, bevor man einen Fuß dorthin setzt.
Gauguet suggeriert atmende, keuchende, schnaubende, schrill trillernde und pfeifende Phantome. Neumann und Agnel poltergeistern,sie schleifen und kratzen, sie federn und harfen drahtig. Das ist 'Kammermusik', wie sie entstehen kann, wenn man Edgar Allan Poe liest.
Lady Madeline am Piano, M. Valdemar am Saxophon und Kater Plutoan der Zither. Ihr Röcheln, Klopfen, Kratzen und Ächzen schraubt sichWindung für Windung ins Hirn. Was als leiser Schauder einer spiritistischen Sitzung beginnt, mit verrauschten Schritten, dünnem Geisterfingerpiano, paranormalem Luftzug und Glissandos, die die Grenzezwischen 'Hüben' und 'Drüben' verwischen, wird gegen Ende von'Spiral #1' zum Ambiente von 360°. 'Spiral # 2' klopft diesen Eindrucknoch fester, 'Spiral # 3' dämpft ihn mit einem weißen Tuch, 'Spiral # 4'
zieht die Schraube knirschend wieder an. Andere mögen statt derPoe'schen Farben blassere sehen und statt einer Spirale desSchreckens etwas Namenloseres. Es ist alles eine Frage der Lektüre.
Mutige schließen die Augen und lesen, was dort steht.
TIZIANA BERTONCINI, Geigerin im Niemandsland der Comprovisation, und
THOMAS LEHN, umtriebiger Hansdampf am Analogsynthesizer, kennen sich aus
dem ensemble]h[iatus. Seit 2002 spielen sich auch im Duo zusammen. Horsky
Park (at40) besteht zum größeren Teil aus 'galaverna' ('Raureif'). Entgegen dem
krampfhaften Eskapismus des klassischen Eiapopeia, wird da Vivaldi so in die
Gegenwart gebeamt, wie es eigentlich normal wäre. Biedermeierei, die ja, gut
futuristisch, die Schönheit aufheulender Autos durchaus genießt, mag das, als ob
man 100% Gegenwart nicht ertragen könnte, als unschön abtun. Unsereins freut
sich gerade am Reiz des Diskrepanten, am Kannibalisieren dessen, das ewig
unveränderlich konserviert sein soll. Die beraureifte Geige, die einerseits bewusst
das Wintergezitter aus den Vier Jahreszeiten anklingen lässt, andererseits aberfast gegen ihre Bestimmung als toughe Zeitgenossin ungeahnte Krallen ausfährt,und die Lehnsche Knatter- und Zwitscherbox sind zwangsläufig ein seltsames
Pärchen. Aber statt dem alten 'Die Schöne und das Biest' inszenieren sie einmodernistisches Spiel – 'Das Biest und der Geist in der Maschine'. Das wird nochdeutlicher bei 'moss agate'. Entstanden als Performance vis-a-vis in zwei Containern, wurde dabei der Geigenklang auch in Real-Time-Processing zerklangwolft. Dabei hat Bertoncini bereits allen romantischen und harmonischen Muff
abgestreift. Sprödes Pizzikato, schrille Striche, sportliche Bogenschläge verwandeln die schnörkelige Geige in eine kakophone Klangmaschine, ein Intonarumori. Statt Canaletto Russolo. Lehn interagiert als industrialer Widerpart, mit
scheinbar dampfbetriebener Mechanik, dann als ultramoderne Blackbox und als
Transformator. So – oder so ähnlich - hält man auf dem Markt der Trödler den
Gedanken wach, dass Museen nur an Allerseelen geöffnet sein sollten.
24Choices (at41) ist nur auf dem Papier ein Bläserduett. Zwar sind Trompete, Bassklarinette & Sopranosaxophon im Einsatz. Aber wenn BIRGITULHER und LUCIO CAPECE damit spielen, ist 'Blasen' so weit weg vonder ganzen Wahrheit, dass es fast schon gelogen ist. Es wird geblubbert, gefaucht, geflatterzüngelt, knarrig gebrodelt. 'Physical' ist ganz
minimalistisch nur nach diesen Methoden erzeugt. In zirkularbeatmeten
Dauermustern, in deren gepresstem Getucker und Gezucke auch blecherne Präparationen mitvibrieren. Das lange Titelstück macht einen
windigeren und räumlicheren Eindruck. Die Technik ist dabei so extented wie zuvor. Impulsketten blubbern mit metalloid schnarrenden Nebengeräuschen. Man hört auch das schniefende Luftholen, das dieser perkussiv verunklarten Metabläserei den Treibstoff liefert. Knurrend, schnarrig schnaubend, klapprig, mit Kullerlauten und blechernem Schrillen
zeigt sich dieser Beitrag zum Blurred Edges Festival 2010 in Hamburg
ganz dazu geeignet, statt eines Totenkopfes eine Gießkanne am Nachthimmel über St. Pauli aufgehen zu sehen. 'Orbital', die zweite kleineStudioaufnahme, verhilft, wenn ich mich nicht irre, einem minimalistischen Dauerhalteton mit Radio zur Verlängerung seines Istzustandes.
Die Stoßrichtung dieses 'Blasens' ist, wie mir scheint, weitgehend
antillusionistisch, materialbetont, der Physik näher als der Musik. Wieeine Testreihe, die darauf abstellt, dem Teufel im Detail auf die Spur zu
kommen.
Vordergründig Sopranosaxophon, Akkordeon und Spinett, hintergründig
Radio, Objects und Präparationen. Wobei sich bei grape skin (at42) der
Vordergrund oft nur wenig von Hintergrund abhebt. MICHEL DONEDA
und JONAS KOCHER sind dabei die Luftakrobaten, der eine mit gedämpften, atemhaltigen, teils auch schrill zitternden oder dunkel tutenden Blastönen, der andere als Phantom am Blasebalg. Er entlockt dem
Gespenst eines Akkordeons die Klänge kleinster Orgelpfeifen oder einer
Glasharfe. Der Stuttgarter CHRISTOPH SCHILLER, bereits mit C. L.
Hübsch at-erprobt und auch schon eine Merkwürdigkeit auf Creative
Sources, mischt sich dazu mit präpariertem Keyboardgezupfe und-geplinke, bei dem ich wenig, am wenigsten aber ein Spinett vor mir
sehen kann. Aus der Stille in die Stille pluckern und knarren – jetzt
drückt Kocher nämlich auch ochsenfroschige Ventile – züllen und
knistern, schaben und plonken Spuckefäden, Luftblasen und Spinettsaiten, letztere teils wohl mechanisch angerissen. Unscheinbarkeit und
Undeutlichkeit sind Stilprinzip. Es wird am Hemdzipfel des Chaos gezupft, aber äußerst vorsichtig und gut getarnt durch Camouflage, diesich dem diffusen Klangsaum des Heterogenen täuschend anverwandelt. Was diese Esoterik verbirgt, bleibt ebenso im Unklaren wie das,
was sie aufzudecken hofft.
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Creative Sources Recordings (Lisboa)
ABDUL MOIMÊME ist ein vertrauter Name im cs-Zirkel, solo, mit dem
Variable Geometry Orchestra oder mit dem Schweizer Duo Diatribes. Mit
gleich zwei präparierten Tischgitarren kreiert er Sounds, mit denen RICARDOGUERREIRO, sein ebenfalls aus Lissabon stammender, sechzehn Jahre
jüngerer Partner bei KHETTAHU (cs191), in einen Dialog eintritt mit seinerinteractive computing platform, die im Kern aus einem Laptop besteht. Beide
streben bei einem Maximum an Spontanität nach einem Maximum an Formgebung. Improvisieren heißt Komponieren und umgekehrt. Der erste Eindruck
ist der von einer Baustelle oder Werkstätte, mit schrill schleifenden Metallteilen und wummerndem Kompressor. Dazu plinken und harfen aber zarte
Laute, die den industrialen Eindruck ins Surreale verschieben. Diese Mixtur
bestimmt auch die folgenden Klang-'Bilder', metallischer Klingklang, ein
Scheppern und Dongen, Scharren und Klirren, aufgeblasen zur Großbaustelle, zur Werkhalle. Wobei die Plastizität der Klänge ein verwirrender
Widerspruch in sich bleibt - was wird hier gebaut, was wird hier fabriziert?
Eiserne, drahtige und glockige Illusionen sind im dritten Abschnitt nächtlichgedämpft, von der Decke der Tiefbaustelle tropft es auf Bau- und Maschinenteile, die sich schrill dröhnend in die Träume der schlafenden Bauarbeiterbohren. Das dreigeteilte, ausgedehnte '#29' wälzt sich ganz in einem träumerischen, unheimlichen Modus, federnd, heulend, rumorend scheinen daandere als menschliche Hände und Kräfte am Werk. Als wäre die 'Baustelle'
nur noch Spielzeug für den Wind, rostig gezerrt von Hitze und Kälte, von den
Klauen des Zerfalls, als wäre das Dröhnen des Materials eine Art von 'Erinnerung'. '#36' verbindet glucksiges Getropfe mit wieder massivem Gedröhn
und scharrendem Beben, wobei mit den letzten quietschenden und knarzigen
Geräuschen Moimêmes spielerische Hand ins Bild kommt. Die Illusion gibt
sich als Spiel zu erkennen, als Menschenwerk.
Ink Room (cs193) ist die erste Gelegenheit, bei der ich STEVE BERESFORD
ausschließlich Electronics spielen höre. Das mag bei einem derart vielseitigen
und abenteuerlustigen Mann - ich erinnere mich immer wieder gern an die
Alterations, Gestalt et Jive und seine Veröffentlichungen auf nato (etwas
weniger an die Three Pullovers) - nicht wirklich überraschen, aber ich wage
dennoch zu behaupten, dass man ihn lange nicht mehr so verspielt gehört
hat. An seiner Seite improvisiert DAVE TUCKER (von School of Velocity und
Scatter) auf der E-Gitarre, erfreulicherweise so, als hätte er noch nie etwas
von Derek Bailey gehört. Insofern wirkt der amerikanische Perkussionist
STEPHEN FLINN als 'englischer' Musterschüler fast ein bisschen streberhaft.
Der als 'Architect of Adversity' cs-einschlägige Knispler, Kratzer und Tickler ist
der mit Abstand geräuschaffinste Bröselkacker unter den Dreien. Während
Beresford seinem leicht spleenigen Spieltrieb mit offenbar simpler Krimskrams- und Spielzeugelektronik frönt, krabbelt und fitzelt Tucker zwar pro
forma mit, aber daneben lässt er doch ungeniert durchblicken, dass das nur
e-i-n-e Möglichkeit des Improvisierens ist. Als Quereinsteiger mit einer Postpunksozialisation bei The Fall und als Headmaster der School of Velocity
nutzt er, wenn nicht rockistische, so doch die erzgitarristischen Registerseines Instrumentes. Flinn kann und will die Artsy-fartsyness des Plinkplonk(dieser Chimäre aus Hyperbebop und Action Painting) selbst dann nichtüberspielen, wenn er mit Ketten rasselt und mit Schrott scheppert - es ist
schlichtweg sein Element. Tucker klingt darin so hirnerfrischend tuff (alsocool, slick & bold), dass er diesem Trio durchwegs die Spannung eines
inneren Widerspruchs gibt, mit einer gitarristischen Klangfülle, die der
Neigung zum skurrilen Klein-Klein als starke Medizin entgegen wirkt.
26

Keinen Freejazz und keinen Reduktionismus bieten die WEIRD WEAPONS, sondern'Grüüün'. Die unbändige Blumenkraft von 2 (cs 197) spricht ohne Worte für sich selbst.
Wozu soll ich mich da eigentlich verbal verrenken? Zwei lange Klangaktionen sind zu
hören, 2009 im Berliner Ausland gespielt. Plink (aber was für Plink!) von Olaf Rupp an
der akustischen Gitarre, Plonk (aber was für Plonk!) von Joe Williamson am Kontrabass,
und Tony Buck klimbimt und schabt dazu an allen Ecken und Enden seines Drumsets.
Das Grün (auf dem Cover) lässt sich als Girsch erkennen, ein Wildkraut, aber essbar.
Wild ist das, was da erklingt auf jeden Fall, und auf seine Art würzig. Lang knarrende
Sägetöne vom Bass, zirpige Triller oder pulsierendes Riffing der Gitarre, Buck tickelt
dazu unregelmäßige Schläge in wechselnden Metallklangfarben. Rupps Finger kreiseln
auf den Saiten wie im Hamsterrad den absurdesten Flamenco, mit so enormer Klangverdichtung, dass man an Handarbeit zweifeln müsste, würde man ihn nicht kennen als
Meister seiner einzigartigen Ruppistik. Inzwischen ist die manische Raserei kollektiv,
Buck hagelt auf Schuhkartons, Williamson fiedelt wie vom Affen gebissen, Rupp quirlt
und schrappelt so flink die Schallmauer entlang, dass es einem vor den Augen flimmert.
Das Gefrickel und Gerassel wird wieder etwas transparenter, bleibt aber wuselig und
knarzig, ein Stresstest für den Bass, derweil Buck mit Blechdeckeln scheppert. Rupp
legt noch einmal einen Zahn zu, zwirbelt und bespringt die Nylonstrings im tausendfingrigen Endspurt - voilà: 'Shantung'. 'Buckram' folgt, sozusagen Dasselbe in Grün,
genauer: sechshändiges Action Painting Grün in Grün. Wieder geraden die Moleküle
unter Druck, wieder bricht Alarm aus im Ameisenhaufen. Höchstmögliche Geschwindigkeit, schwarmhaft verdichtet und koordiniert, wie Breitseiten auf Conlon Nancarrows
Playerpiano. Buck ist ganz metalloider Schellenbaum. Nach 21 Minuten reduziert sichdas Tempo von Speedmetal zu Gabber und deeskaliert dann noch weiter zu einem
halbwegs beruhigten Unruhezustand. Williamson nagt an einer Basssaite, sägt nocheinmal so schnell er kann. Mehr Grün geht nicht.
27

CUNEIFORM RECORDS (Silver Spring, Maryland)
In der Musik fängt man mit etwas an, das man kennt, und endet bei etwas, das man nicht kennt.
Das ist der Grundsatz des Blues, ja jeder Kunst: vom Bekannten zum Unbekannten. Darin
besteht der kreative Prozess. Der Leitspruch von Miles Davis und die Elastizität des Blues sinderklärtermaßen die Triebfedern für Wadada Leo Smith, der, ähnlich wie Ornette Coleman mit den
Harmolodics, mit seiner Ankhrasmation einen Code entwickelt hat, der seine Musik organisiert.
Smiths Lebensabschnitte - die Anfänge in Chicago mit der AACM-Szene, die Saison in Paris, dieKabell Years in New Haven in den 70ern, der Anschluss an die Rastafari-Bewegung in den 80ern,
die CalArts-Jahre im kalifornischen Valencia ab 1993 - erscheinen im Rückblick wie Stufen hin zu
einer Anerkennung, der eine Reihe von Tzadik-Releases zum Durchbruch verhalf. Unermüdlicharbeitet der Trompeter an seiner universellen musikalischen Sprache, die die Problemlösungenvon Don Cherry und Miles Davis in eine eigene sublime Dimension weiter schreibt. Nicht zufällig
verschaffte ihm das YO MILES!-Projekt - mit Sky Garden (2004) und Upriver (2005) auf Cuneiform - das verdiente Gehör. Dieses Jazzrock-Update entfaltete eine Fusionsdynamik abseits derRetromanie der 00er Jahre ebenso wie deren seelenlosen futuristischen Routinen. WADADALEO SMITH'S ORGANIC kommt ebenfalls vom Bitches Brew-Rock her und strebt mit der allesüberstrahlenden Trompete etwas an, für das noch keine besseren Wörter als 'Feeling' und 'Soul'gefunden wurden. Mit der Suite 'Don Cherry's Electric Sonic Garden' knüpft Heart's Reflections(Rune 330, 2 x CD) organisch an die CD 2 von Spiritual Dimensions (Cuneiform, 2009) an. Vier
E-Gitarren, zwei Saxophone als dezente Klangverdichter, zwei Laptops, Stephanie Smith an derGeige, Angelica Sanchez an Piano & Wurlitzer, John Lindberg & Skúli Sverrisson am Bass undPheeroan akLaff an den Drums verfolgen ein Klangideal, dessen dynamische Opulenz nicht vom
Free Jazz herrührt. Die Art wie vor allem Michael Gregory und Brandon Ross ihre Gitarren als
Schneidbrenner und orpheische Türöffner einsetzen, war auf Jazzbühnen ziemlich ausgedünnt.
Die Cherry-Hommage ist zuerst eine betont lässige Angelegenheit. Ein gleichmäßiger Fuzzbassgroove trägt vier beredte Solos wie auf Händen bis zum finalen, himmelwärts gerichteten
Trompetengruß an den inspirierenden Vorgänger. Die 10-teilige Lichtmystik von 'Heart's
Reflections: Splendors of Light and Purification', das Shaykh Abu al-Hasan al-Shadhili gewidmet
ist, dem Gründer der sufischen Tarīqa Schadhilīya, entfaltet sich sodann als ein schwebender,transparenter Teppich aus Klangnuancen, auf dem die Solos, allen voran immer wieder der
Trompete, aufquellen wie Gesang oder Gebet. 'The Dhikr of Radiant Hearts' kommt bis hin zu
einem Lindberg-Solo ganz ohne Rockpuls aus. Der verleiht erst 'The Majestic Way' seinen, im
Hintergrund elektronisch verschlierten, getragenen Duktus, der Gregory Zeit lässt, Blümchen vonden Saiten zu pflücken. akLaff galoppiert und schwirrt dann vorweg zu 'The Shaykh, as far as
Humaythira', das die spitzzungig zirpende Trompete einbettet in eine mit Gitarrentrillern bis inhöchste Höhen gospelig aufflackernde Chorhymne, während sie bei 'Spiritual Wayfarers' Lichtstrahlen über einem glasperlenspielenden Kollektiv wirft. 'Certainty' öffnet Agharta- & Pangaeafunky einen solistischen Fächer mit splitterscharfen Gitarren- und Trompetenzacken, gefolgt vonden zuerst beatlosen Klangtupfern und elektronischen Gespinsten von 'Ritual Purity and Love',das in einem Part II umbricht zu einem blubbrigen Drums & Bass-Trio, dem sich das von Bässen
und Orgel umsummte Drumsolo 'Silsila' anschließt. Bei 'The Well: From Bitter to Fresh Sweet
Water' kurbeln zuerst Bass und Schlagzeug die wieder funky und strahlend sprudelnde Trompetean, die dann auf einem sanft rumorenden Klanggewebe ihr finales Statement aus langen undgepressten Tönen bläst. 'Toni Morrison: The Black Hole (Sagittarius A*), Conscience and Epic
Memory', knüpft, ebenfalls beatlos, daran an. Mit geräuschhaften Trompetenerfindungen,
Gespinsten von Laptops und Geige, träumerischem Keyboard und Cymbaltickling ist diesefeminine Hommage zugleich innig und hintergründig. Im starken Kontrast dazu gliedert sich das
22-min. 'Leroy Jenkins's Air Steps' in eine vom akLaff-Turbo angetriebene, durch einen promenadenhaft entspannten Groove aufgefädelten Folge von rasanten Klangballungen aus Teilmengendes Ensembles, in die die Gitarren sich besonders furios einmischen und aus der die Trompete
zweimal wie herausgeschält und sehr gefühlvoll hervorsticht. Nach einer scheinbar finalen
Schmauchspur, wird zuletzt noch einmal Jenkins Name buchstabiert. Man mag Smiths universale
Sprache streckenweise etwas linear empfinden, aber nie als eindimensional und mit einer
großherzigen Ausstrahlung.
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(London)Mit FREE SPACE hatte John Stevens 1973 eine Formation um sich geschart, größenmäßig halbwegs zwischen SME und SMO. Zeugnis davon gibt einzig das viertelstündige
Artefakt, das auf Life Amid the Artefacts (EMANEM 5014) erstmals dokumentiert ist.
Neben Trevor Watts am Sopranosax, spielten John Russell E-Gitarre, Nigel Coombes
Geige und Ron Herman Kontrabass. Die andere Hälfte der Truppe bestand aus OTHERWAYS, dem Projekt des Altosaxophonisten Herman Hauge, mit Simon Mortimer – Piano,
Marc Meggido – Kontrabass und Dave Solomon – Percussion. Wenn dieser auch mit
TEATIME hyperaktive Rappler rappelt, braucht es keinen zweiten. Stevens wechseltedaher zu Kornett & Vokalisation, für gepresste und krakelige Graffitis, die mit emsigem
Eifer kulminieren, ausdünnen zu glasigen Gespinsten und perkussivem Getröpfel underneut eskalieren. Der Übergang zu OTHERWISE ist der von schrill zu schriller. Die
Klangfarben schillern von katzenjämmerlich kakophonem Gegeige und Gequieke, um
das der Bass gouvernantisch die Arme breitet. Zuerst vertritt nämlich Coombes noch
Mortimer, so dass der Wechsel von SPACE zu 'WAYS kaum auffällt. Hauge ist ein konsequenter Vertreter der Dissonanz, Solomon ein einziger Schrotthaufen in Aufruhr.
Meggido zeigt seine knorrige Seite, Coombes seine teufelsgeigerische. Hauge verwendet
für ihre Spielweise den Ausdruck 'Unarmoured'. Wilhelm Reich hat so die seltenen Gelegenheiten genannt, in denen man sich ohne Schneckenhaus, ohne Rüstung und mit
eingezogenen Krallen dem Draußen öffnen kann. Während aber die andern Stachelschweine sich entspannen und, jetzt pianobeklimpert, etwas gedämpfter rumoren, rollt
und rumpelt Solomon auf eigener Spur dahin. Sag doch mal einem Steinschlag, er sollsich entspannen! Auf die Mitschnitte von 1973 folgen noch zwei Hauge-Solomon-Duos
von 1984, alles als Erstveröffentlichung, mit denen EMANEM die Virulenz der 'Second
Generation' der plinkplonkenden Insulaner im Allgemeinen unterstreicht und im
Besonderen die 'ungeschützte' Stimme von Herman Hauge würdigt.
Vielleicht muss man, um VERYAN WESTONs 'Tessellations I' ebenso gut, wenn nicht'besser' wie der Komponist selber spielen zu können, die Schnittmenge von Rachmaninoff und Baby Killer Estelle sein. Der blutjunge Pianist Leo Svirsky ist nämlich genau
das. Als Sergey Kuryokhin verehrender Baby Killer und Sarte-Leser spielt er mit seinem
Drummer-Partner Sam Shahin Zornschen Masada-Stoff und Mr. Bungle-t eigene Fetzer.
Auf Different Tessellations (EMANEM 5015) aber hört man ihn mit einer derart virtuosen
Version der, laienhaft gesagt, Pianosonate von Weston, dass er als Mitkomponist gelten
kann. Das Stück, das nach dem namensgebenden Prinzip der Parkettierung / Kachelung
52 pentatonische Skalen zu kaleidoskopisch variablen Mustern verkantet, von denen aus
Platzgründen nur die erste Hälfte zu hören ist, jongliert mit allem Möglichen, was sichzwischen Gershwin, Barlow und Kuryokhin komprimieren und stapeln lässt. Dem folgt,
nach dem gleichen Prinzip, 'Tessellations II' für Chor a capella, dargeboten vom eigens
dafür formierten THE VOCIFEROUS CHOIR. Dieses gemischte, überwiegend österreichische Nonett, in das sich Weston selbst einfügt, präsentiert das wohl Seltsamste,
was auf EMANEM je zu hören war. Allerdings musste erst ein Professor der York St John
University dessen Ernsthaftigkeit und de-territorialisierende Potenz bescheinigen. So
swinglesingt, doo-wopt und mbaqanga-groovt der luzisphärisch schwärmende Chor nun
ein Parkett, auf dem Solisten oder Pärchen abwechselnd beatboxen (eine Spezialität desAustria-Kurden Siruan Küng), throatsingen und indisch oder indianisch angehaucht
vokalisierend umeinanderkapriolen. Gipfelnd in einem Scatkabinettstückchen von Sofija
Knezevic und einem Nasenflötenduett, bevor zum 'Trompetenschall' von Annette Giesriegl & Küng der Heidenspaß mit seinem offenbar unerschöpflich variablen Badubadibibib, Didudadi und Dadidüdom ins Ziel und darüber hinaus kandidelt. Gibt es das, desGuten zuviel? Würden die Seraphim so ungebremst euphorisch drauflos gospeln, dann,mein lieber Mann, könnte es im Himmel höllisch werden.
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ROSWELL RUDD kannte ich bereits, bevor ich STEVE LACY kannte, von The Liberation Music
Orchestra und den Einspielungen mit Carla Bley in den 70ern, mit Archie Shepp in den 60ern. Vor
allem aber mit dem irren Posaunensolo von The Jazz Composers Orchestra. Lacy kam erst mit
Trickles (1976) ins gemeinsame Bild. Aber die Vorgeschichte – es gibt immer eine Vorgeschichte –die lieferte EMANEM 1975 mit School Days (EMANEM 5016), einem seitdem mehrfach, zuletzt auf
Hat Hut, wiederveröffentlichten Klassiker. Der führt zurück in den New Yorker Club Phase Two, wo
im März 1963 ein Quartett spielte, das sich ganz auf Thelonious Monk kapriziert hatte. Mit DENNISCHARLES an den Drums hatten Lacy & Rudd ca. 50 Monk-Stücke im Repertoire, von denen sie 7
präsentierten. Anfangs nur zu dritt, weil ihr Bassist HENRY GRIMES im Verkehr stecken geblieben
war. Bei 'Pannonica' wurde das Tonband erst auf halber Strecke aktiviert. Pianolos und mit 1:1Bewunderung spielte das Quartett weitestgehend originalgetreu die Träume, Stimmungen undbrillanten Ecken und Kanten des vertrackten Ohrwurmes des bärbeißigen Pianisten. Und zeigten
dabei die Quintessenzen des Jazz, 'jazziger' als jeder Mainstream es jemals könnte. Mit Anklängen an New Orleans-Sound vor allem im sämigen Gumbo-Groove der Posaune. Erst 45 Jahre
später fand Monk wieder solche Verehrer, ausgerechnet in Deutschland mit DIE ENTTÄUSCHUNG und vor allem MONK'S CASINO. Aber sein erster Prophet war Lacy, der neben dem
Komponisten von 'Monk's Mood' und 'Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are' nur Cecil Taylor und Kurt Weillähnlich vergötterte. Nach 'Skippy' folgen zwei Mitschnitte vom August 1960, die einzigen, die diekurze Phase dokumentieren, in der Lacy tatsächlich in Monks Band gespielt hatte. Zwar stehlen
ihm die gekonnten Tenorsolos von Charlie Rouse etwas die Show, aber seine Sopranosolos sinddann doch nicht ganz so verklemmt, wie Lacy selbst es in Erinnerung hatte. Ein Meister durch die
Brille eines Meisters, das ergibt Anschauungsunterricht, den man auch nach Jahrzehnten noch mit
Vergnügen studiert.
TREVOR WATTS & VERYAN WESTON:
5 More Dialogues (EMANEM 5017) mit
Saxophon & Piano. Mit jedem weiteren
Wort beginnen Kaffeesatzleserei undWortgeklingel. Assoziationswürmer zu
Klangklecks-Rorschachtests. Aber jedenoch so lautmalerische Verrenkung undselbst eine Notentranskription sindsowieso überflüssig, die Musik existiert
und kann gehört werden. Mit 'cuTWOrm','rooTWOrm' und 'flaTWOrm' machen die
beiden Veteranen ein wortspielerisches
Angebot. Mit 'Tessalation' für die
klingelnd und reißverschlussartig
verketteten Muster des Pianisten und'Moiré' für die schimmernden, flickernden
Alto- & Sopranowildbäche seines
Veryan Weston
Partners gibt es zudem schon übergreifende Metaphern. Weston besticht wie immer mit einem dynamischen, dichten, entschlossenen Duktus. Jede motorisch gehämmerte Sequenz, jede noch so quicke Folge von Rösselsprüngen scheint wie eine beschlossene Sache, ein Diktat der Steuerungszentrale. Die diktiert
zwar auch bedächtige Vorgehensweisen, aber das Wörtchen 'lyrisch' z. B. kommt mir selbst für die
leichthändigen Griffe erst, wenn ich darüber nachdenke, in den Sinn. Ob Weston Salz mit zwei
Fingerspitzen dosiert oder mit vollen Händen eine mächtig läutende Klangfülle anschlägt, Watts
bleibt in Verbindung wie durch eine kommunizierende Röhre. In sprudelnd kaskadierender
Melodiösität, durch Engpässe schrillend, jetzt tröpfelnd, sofort schon wieder quirlig. Der Rapport
der beiden, ein Echo von Westons Dialogen mit Lol Coxhill und zugleich ein Nachhall der Jahre mit
Trevor Watts' Moiré Music und der 6 dialogues mit Watts zehn Jahre zuvor, ist auffallend eng,
selbst in den vagen Momenten nie zögerlich, selbst in den turbulentesten nicht konfrontativ. Watts- Weston, Saxophon - Piano. Und alles ist gesagt.
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Charlotte Hug

Foto: Alberto Venzago

Slipway to Galaxies (EMANEM 5018) bringt Sonic
Fiction für Solo-Viola & Stimme in HAT HUT-Design
mit Linernotes von Nina Polaschegg, NowJazzExpertin bei SWR2. Die gute alte Bratsche als
Raumschiff in 'Anderwelten'? Mit CHARLOTTE HUG
igeht das. Die kapriziöse Schweizerin mobilisiert
dafür Energien, die sie von ihren keltischen Wurzeln
schöpft. Mit dem temperamentvollen Besenritt einher
gehen Graphitzeichnungen auf transparentem
Papier, wie mit dem Bratschenbogen in die Luftskizziert, die sie 'Son-Icons' getauft hat. Altes, fast
Vergessenes, und Ausgriffe ins Phantastische gehen
Hand in Hand. Hugs bizarr kirrende, krächzende,trillernde Vokalisation wirkt mal schamanenhaft, mal
exotisch 'wie vom andern Stern'. Die informellen
Schraffuren des Bogens auf den Saiten sind zu
ausgefeilt und klangverliebt, und zwar verliebt inmöglichst kakophone und unerhörte Sounds, um
archaisch zu wirken. Für 'Intersect' kommt mir
zugleih insektoid und elfisch in den Sinn. Reste desalthergebrachten Bratschenstils, bei 'Holy Ground'etwa, klingen inmitten der fremdartigen Seltsamkeiten nun ihrerseits wie ein fremdes Relikt,
unerklärlich in seiner fragilen, hier nicht vonVokalisation durchkreuzten Schönheit. Gleich aber
folgt wieder schillernde Kakophonie, wie pikkologeflötet, oder als wäre Draht und Glas mit im Spiel,bevor ein energisches Sägen einsetzt und wieder
Geschiller. Für 'Atman' wird Hug zur Cheeta, dieäffisch an den Saiten knurpst, für 'Cyclic' zischt undschlürft sie, gibt Laute in höchster Tonlage von sichund merkwürdiges Trillern und Knurren, während sie
die Haare ihre Bratsche spaltet. Das Titelstück fiedeltsie zuletzt als teufelsbratscherisches Kabinettstück,
con fuoco mit allen Tricks und Schickanen, die sie
gurrend noch verziert.
Mit If you don't like guitar you won't like this CD! fordert
JOHN RUSSELL ein If you like guitar you will hate it!
fast heraus. Aber so billig lässt einen Translations(EMANEM 5019), Duette, die Russell, teils 2007, teils
2010, daheim bei sich mit PASCAL MARZAN eingespielt hat, dann doch nicht davonkommen. Dafür ist
das brüderliche Gekrabbel eines gelernten 'steelstrung plectrum players' und eines 'nylon-strungclassical guitarist' zu virtuos in seiner x-fach härtegetesteten freisinnigen Manier, in seinem wechselnd
imitierenden und kontrapunktischen Miteinander.
Ausschließlich in fingerspitzer Handarbeit, ohne
Präparationen, ohne Effekte, zirpen, schrappeln,
quietschen, flimmern, plinken die beiden so drauflos,
dass sich selbst bei einem, dem die ganze Maniernicht zusagt, Verblüffung und Respekt einstellt.
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ENJA RECORDS (München)
Komisch, dass ich ECM kaum und Matthias
Winckelmanns nicht weniger traditionsträchtiges ENJA-Label, das heuer 40 Produktionsjahre feiern kann, noch weniger auf
dem BA-Radar habe. Ein München-Malus?
Immerhin findet ein kurzer Streifblick auf
den ENJA-Katalog Lucien Dubuis, Satoko
Fujii, Gutbucket, Mike Westbrook...
Vielleicht liegt es an der Hochglanzproduktion von Krawattenträgern wie dem
PASCAL SCHUMACHER QUARTET?
Der Luxemburger, der mir als Candlelightplimpler in schwacher Erinnerung ist, versucht auf Bang My Can (ENJ-9572 2) im
Verbund mit Franz von Chossy am Piano,
Christophe Devisscher am Kontrabass undJens Düppe (von Shreefpunk) an den
Drums den Nachweis zu führen, dass ein
Vibraphon nicht nur ein cooles, sondern einrichtig schickes Instrument sein kann.
Zwischen der Solointroduktion 'Inspector'
und dem geisterhaften Nachklang 'Ghosttrackmusic' inszenieren die Vier ein suitenartiges Kontinuum aus nahezu rockigem
Flow wie bei 'Water Like Stone' und, nochknackiger und schneller, bei 'Elmarno', aus
dem träumerisch dahin schlendernden'Seven Fountains' und dem melodramatischen 'No Dance On Volcano Ashes', daszuletzt prachtvoll auftrumpft. Wobei das'Rocken' doch allenfalls glasperlenspielerisch swingt. Schumacher hat ein Händchen für gefällige Melodien. Der samtpfotige Bassist tupft und erfindet auch mit'A Fisherman's Tale' die gedämpftesten undintrospektivsten Stimmungen. Das delikate,
glockenhelle 'Metamorphosis', das fast ineinen marschähnlichen Duktus verfällt, isteine Komposition des Pianisten. Düppe hatsich den ohrwurmigen Zwischensprint '30
Little Jelly Beans' ausgedacht. 'Taubenturm' kommt elegisch und hintersinnig
daher. Aber das Meiste drückt doch zu
vordergründig die Wonnetastatur und ist
einfach zu schön, um wahr zu sein.

Die 1970 in Stettin geborene Altosaxophonistin
ANGELIKA NIESCIER war Improviser in Residence beim Moers Festival 2008 und hat 2010 ebenfalls bei Enja - mit ihrem Quartett die hochgelobte Scheibe Sublim III herausgebracht.
Wenn sie selbst sich als 'Coltrane-geschädigt'
bekennt und hier auf Quite Simply (Enja, ENJ9574 2) zusammen mit Tyshawn Sorey an den
Drums und Thomas Morgan am Kontrabass
neben eigenen auch Stücke von Ornette Coleman und Anthony Braxton anstimmt, trianguliert
sie die Kernzone der modernen Jazztradition.
Eine gewisse Verwandtschaft mit Silke Eberhard
ist dabei offensichtlich. Mit ihrem quirligen Zungenschlag war Niesciers Sprung ins internationale Rampenlicht nur eine Frage der Gelegenheit. Auf den Drummer, der sich vor allem mit
Steve Lehman und Vijay Iyer profiliert hat, dersich aber auch als Paradoxical Frog schon vonIngrid Laubrock und Kris Davis hat küssen
lassen, hatte sie schon ein Auge geworfen, alssie bei einem seiner Auftritte mit Steve Coleman
and Five Elements auch Morgan kennengelernte,
der zuletzt im Verbund mit Courvoisier & Feldman auffiel. Scheint zuerst die quirlig-quicke
Leichtigkeit ein Hauptmerkmal zu sein, zeigt
dieses Niescier-Trio mit 'Mithra's Despair' eine
introspektive Poetik, die schon mit Morgans Solobei 'Diffraction' ins Spiel kam, dabei aber ein
flinkes Tamtam von Sorey ins Rollen brachte.
Jetzt wird der gedämpfte Sonnenaufgang ganz
mit Wermutstropfen betaut. Colemans 'Congeniality' verwandelt auf wundersame Weise Zartbitteres in heitere Unbändigkeit. 'Level 3' hat
diese Lektion schnell und hell verinnerlicht undlässt Soray zu einer repetitiven Altopassage
seine ganze Versatilität zu entfalten. 'Uncertainty
Principle' schwelgt in Wehmut, und auch Braxtons '69-0' bekommt einen blauen Schnurrbart
angemalt. 'Untitled' nimmt wieder quecksilbrig
Tempo auf, für Sorey ist Alles nur ein Klacks.
Bleibt zuletzt ein 'Bajazzo', der durchaus ein
Freund von Traurigkeit zu sein scheint. Aber so,
wie Niescier ein Lied davon singt, werden Wermutstropfen zu den Spritzern, ohne die dem
Cocktail des Lebens etwas fehlen würde. Morgan
serviert ihn mit Samthandschuhen.

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HUBRO (Oslo)
Das Instrument, das der an der Seite des Hardanger-Fiddlers Nils Økland
bekannt gewordene Ethnomusikologe und Organist SIGBJØRN APELAND
auf Glossolalia (HUBROCD2503) spielt, lässt einen unwillkürlich an Nicodenken, das Harmonium war ihr liebster Sound. An sich ist das Saugwindharmonium aber eine bestenfalls nostalgische Maschine, genauso aus derMode wie die Salonorchester, in denen es einst eine Blütezeit erlebt hatte.
Unter Apelands Händen erinnert es eher an seine andere Funktion, als
Kirchenorgelersatz für Hausgottesdienste und Seelenpumpe in pietistischen
Meetings. Darauf spielt ja der zungenrednerische Titel an, auf inspiriertes
Gestammel. Und tatsächlich klingt ein Harmonium ja durch seine Durchschlagzungen. An sich ist es eine asthmatische Tante, unharmonisch in den
Obertönen, klapprig in der Bedienung. Aber genau das reizt Apeland. Er
integriert die Nebengeräusche in das bebende Summen und Brummen undschwelgt in melancholischen und träumerischen Stimmungen. Da, in einem
Minderheiten-Blues, in der Frömmigkeit einer Kirche von Unten am Gegenpol barocker Orgelpracht, entfaltet das Harmonium seine Stärke. Sein
intimer, gedämpfter Gesang hat etwas Banges, eine seelenwunde Verletzlichkeit, die Apeland in vielen Schattierung auskostet, vom De profundisOoooo bis zu mattem Zwielichtglanz mundharmonikaler Vibratos und dem
wallenden Flügelschlag schwarzer Schwäne. Im Grand Hotel Abgrund gibt
es keine passendere Salonmusik.
Auch eine Art Realismus ist es, dass
HUNTSVILLE auf For Flowers, Cars
and Merry Wars (HUBROLP2505 +free CD version) die Arbeiterklasse
mit gerade mal 26 Sekunden bedenkt. Vor 'For the Working Class'singt Hanne Hukkelberg beim
Titelstück, das die ganze A-Seite
einnimmt, einen Satz von Jonas
Howden Sjøvaag, dem Drummer
des Eple Trios. Den HuntsvilleGroove, hypnotisch wie gewohnt,
den dröhnen und wellen wieder Ivar
Grydeland, Tonny Kluften und Ingar
Zach nach bewährter psychedelischer Rezeptur mit Minimal-Drumming,
Bässen und Gitarren, aber so, dass sich die Frage nach den Zutaten nicht
wirklich stellt. Der Sturm und Drang, der erst nach 18 Minuten aushallt, ist
so in sich schlüssig, dass er nicht mehr wie gemacht klingt. Nach dem
ironischen Zwischenspielchen mit Zachs lethargischer Tablamaschine, dassich auf das Debut For the Middle Class (2006) bezieht, folgt mit 'Ear/EyeConnector' ein zweiter, in sich zuckender, von Drone Commander-Effekten
vibrierender Klangstrom, wie Verkehrsfluss in Zeitraffer. Zuerst mit pochendem Drumming angeschoben, im späteren Verlauf mit Bassgewummer,
schlingen sich die Soundstränge von Grydeland und Kluften um die Hauptader wie leuchtende und glühende Tentakeln. In seiner elektrisierenden
Anmutung ist dieses lokomotive Shuffling berauschend und unwiderstehlich.
'Star Spangled Pillow' verlangsamt die Vibration in einem heulenden
Dingdong der Gitarre, das Zach mit einzelnen Schlägen betickelt und
bepingt. Da besticht Huntsville gerade durch die direkten Griffe an die
Gurgel. Blumig geht anders.
33Der Schriftsteller und Pianist KJETIL BJØRNSTAD (*1952, Oslo) könnte natürlich noch um einiges
bekannter sein, wenn er statt Romane über Grieg und Munch miese Krimis schriebe, aber er ist
doch als Edelfinger bekannt genug, um mein Interesse nicht wirklich zu wecken. Dafür sorgten die
paar Gelegenheiten, als ich seine Ergüsse mit Titeln wie The Sea, Seafarer's Song, Floating,
Devotions oder The Light im Radio angepriesen bekam. Apollinisches Himmelblau und nordische
Melancholie in gepflegter Innigkeit vereint. Nun gibt die erneute Wiederveröffentlichung seiner
Early Piano Music (HUBROCD2506, 2 x CD), nämlich von Preludes 1 & 2 (1984 bzw. 1985 erschienen bei Uniton) und Pianology (erstmals 1987 bei Hete Blikk veröffentlicht), die Gelegenheit,
Versäumtes nachzuholen. Mitte der 80er hatte sich Bjørnstad, der 1973 mit Åpning debutiert hatte,
längst als NorJazz-Pianist, den Grieg und Bach ebenso anregten wie Bill Evans, einen Namen
gemacht, den man in einem Atemzug neben Arild Andersen, Jon Christensen, Jan Garba-rek und
Terje Rypdal nennen konnte. Seine Präludien, denen schon Solos wie Tredje dag (1975) oder
Svart piano (1979) voraus gegangen waren, sind als späte Ausläufer des romantischen Kanonsklare und nordisch gekühlte Hybriden aus Chopin, 'Keyboards by Candlelight' und tagträumerischem Flow. Als solche gehören sie zur gehobenen Ambient Music, wobei der Norweger denen,
die ihn nur als angenehmes Nebenbei laufen lassen, ein Füllhorn an melodienseliger Sophistication
ins halbdurchlässige Bewusstsein trichtert. Gelingt es jedoch, die innere Seekuh zu wecken und
auf volle Andacht zu schalten, geben einem Bjørnstads Streicheleinheiten und Wiegenlieder, die sovertraut klingen wie alte Volkslieder und wehmütige Erinnerungen, die wohlige Bestätigung vonHerz und Feinsinn. Ähnlich wie die 19 Preludes spielen die 8 Pianologies mit der Pianisierung derabendländischen Gefühlswelt, zumindest des gutbürgerlichen Spektrums davon. Jedes Stück ein
Tanz von Déjà-vus, so dass einem der von Grieg inspirierte de Falla am Ohr zupfen kann, bevor
Bjørnstad das, was einem da spanisch vorkommt, durch ein Variationsprogramm dreht. Das
Spanische verläuft sich in einem Auf und Ab auf im Treppenhaus behüteter Empfindsamkeit. Die
Linke schlägt ihr Bimbam wie eine alte Pendeluhr, die Rechte träumt trippelnd von Peer-Gynt'schen
Fluchten. Kauft sich aber selbst im entsagenden 'Pianology 7' den Schneid ab und klimpert sichlieber das beschnittene Halbleben schön. Der melancholische Nachsatz ist dann so etwas wie derRealismus dieser Poesie.
Auf MATS EILERTSEN ist Verlass. Mit SkyDive (HUBROCD2507) liefert der Kontrabassist wieder
9 Sahneschnitten nordischer Köstlichkeit. Tore Brunborg schmust sein Saxophon im zungenmilden
Geist der frühen Garbarek-Einspielungen oder röhrt wie eine Idylle in den Wehen, Thomas T. Dahl
zupft dazu im ECM-vertrauten Rypdal- und Abercrombie-Stil. 'Neu' ist lediglich das Geklimper vonAlexi Tuomarila, das freilich den geleckten Anstrich dieser Harmonieseligkeit nur noch verstärkt.
Der Mainstream ist hier so breit, dass man ihn für das Meer halten könnte. Die Stereotypen des'Innigen' und 'Atmosphärischen' werden da so gekonnt wie vordergündig à la 'Nordisch für Dummies' aufgetragen, dass es an Parodie grenzt. Wenn sie zuletzt eine alte Eiche ansülzen, bin ichmürbe genug, mich an deren Borke zu schmiegen und hemmungslos zu schluchzen.
Das Pianotrio SPLASHGIRL sinkt mit Pressure (HUBROCD2509) knietief in den Treibsand vonTristesse, die Teergrube der Melancholie. Man könnte es für Desertrock halten, was Andreas
Stensland Løwe, Jo Berger Myhre und Andreas Lønmo Knudsrød da anstimmen, vordergründig mit
Klavier, Kontrabass und Drums, hintergründig mit Electronics, Drone Commander und Gastspielen
von Field Recordings, Gitarre, Tuba und Posaune. Verlangsamt, aber unerbittlich geht das Leben
seinen Gang, auch wenn die Gitarre von Juhani Silvola, die er auch für Jessica Sligter (Jæ, SacredHarp) einsetzt, in die nackten Fußsohlen schneidet. Der Zug durch die Wildnis erreicht bei 'The
Other Side' mit Bassstrichen und deliranter Gitarreneruption einen emotionalen Höhepunkt. Nur
das Klavier setzt als Devata Lokapala Fuß vor Fuß und verliert das Ziel nie aus den Gedanken.
'Concerning This Square' fasst auf der anderen Seite Tritt mit schnellem, repetitivem, mit perkussivem Klacken durchsetztem Riffing, fiebrigem Bassgefiedel, Uptempo-Tamtam und einem zuletzt
ganz träumerischen Piano. Das Titelstück irrlichtert mit verzerrten Klängen aus dem Innenklavier,mit schrillem Cymbal und Bassgeknurr, bis Bass und Percussion fiedelnd und mit federnden
Schlägen wieder das hohe '...Square'-Tempo aufgreifen bis zur rauschhaften Raserei, die abreißt
für Klavier- und Synthiepoesie. Knudsrød wirft Metallstücke dazwischen - nur eine von vielen
Raffinessen, die die gespannten Sinne beglücken.
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INTAKT RECORDS (Zürich)

Mary Lou Williams

Wenn MARILYN CRISPELL und GERRY HEMINGWAY gemeinsame Sache machen, dannkommen unwillkürlich die Jahre 1983 - 1994 in Erinnerung, als sie zusammen im Anthony Braxton
Quartet spielten, aber auch im Trio mit wechselnden Bassisten und zuletzt 1997 im Ivo Perelman
Quartet. Seitdem hat der 1955 in New Haven geborene Drummer eigene musikalische Vorstellungen umgesetzt, mit seinem beständigsten Wegbegleiter, dem Posaunisten Ray Anderson, in
BassDrumBone und diversen Quartetten. Dazu leitete er europäische Quintette mit den üblichen
Verdächtigen, spielte mit Frank Gratkowski und auch in gewagteren Konstellationen etwa mit John
Butcher oder Thomas Lehn. Die Pianistin aus Philadelphia fand ihrerseits große Beachtung durch
ihre Music of Annette Peacock im ECM-Trio mit Gary Peacock & Paul Motion und durch das IntaktTrio mit Barry Guy & Paul Lytton. Die Wiederbegegnung der beiden ist nun auf Affinities (Intakt CD177) zu hören, aufgenommen 2009 in Baltimore und 2010 in Tel Aviv. Intakt bestätigt seinen Ruf als
erste Adresse speziell auch, Dank Irene Schweizer, für Piano-Drums-Duette, wobei sich auchCrispell schon mit Louis Moholo da eingereiht hat. Nur wenige Minuten des Auftaktes 'Shear Shift',der Zusammenklang von sprunghaft komplexen und sperrig ostinaten Pianofiguren mit erst unerwartet swingenden, dann auch repetitiven Beats, genügen, um selbst Pianoskeptikern die Augenbrauen hoch zu ziehen. Wenn dann noch das Tempo anzieht, Hemingway den Swing und den
knatternden Drive nur mit Mühe zügelt, während seine Partnerin turbulent die Tasten quirlt undzielstrebig dahin sprintet, zuletzt aber ganz entspannt austrudelt und wie eine im Flug verlorene
Feder ins Gras sinkt, da hält man schon mal die Luft an. 'Axial Flows' ist danach ein zartes Glockenspiel mit Vibraphonklingklang. Eine leichte Brise spielt Triller, das Cymbal beginnt mitzuschwirren,
ein dunkler Hauch rollt über die Trommel. Bei 'Starlings' picken Schnäbel im Innenklavier, Staretrippeln über die Tasten, Hemingway lautmalt vogelig mit, perlt auch wieder übers Vibraphon und
flattert in gemeinsamer luftig-sprunghafter Unbändigkeit. Bei 'Threadings' zieht Hemingway hinkend
ein Bein nach, hält aber dennoch mit Crispell mit, die so tausendfüßlerisch dahin wuselt, dass dasGeschirr im Schrank klirrt. Hemingway rollt und rappelt zwei Minuten allein hinterher. Das lyrische'Air', eine Komposition des Pianisten Frank Kimborough, schwebt dann schwerelos als himmlisches
Kind. 'Permeations' zeigt, dass Gedanken nicht nur klingen, sondern auch tanzen können. 'Finis'
schließlich setzt mit metallischem Klingklang, mysteriös summend und schabend, von Bassnoten
bedongt, einen geheimnisvollen, leicht unheimlichen Schlusspunkt. Teufel noch eins!
35

Der Titel ist Programm - Celebrating Mary Lou Williams Live at Birdland New York (Intakt CD 187).
An fünf Abenden im August 2010 spielten das TRIO 3 + GERI ALLEN Stücke einer Pianistin, die mit
ihren Kompositionen und Arrangements den Jazz mitprägte wie keine andere Frau ihrer Generation(1910-1981). Sie hatte - in Andy Kirks The Twelve Clouds of Joy - maßgebend den Kansas City
Sound bereichert und ihr Ding called Swing auch in die Bands von Benny Goodman, Duke Ellington
und den anderen Swing-Größen eingebracht. In den 40ern wurde ihre Wohnung in Harlem dann zur
Brutstätte des Bebop, einige ihrer Einfälle hallen bei Monk wider. 1957 feierte sie nach einem
mageren Jahrzehnt ein Comeback, brauchte sich auch von einem McCoy Tyner nichts vormachen
lassen und wagte 1977 sogar ein Duett mit Cecil Taylor. Dazwischen lag ihre Konversion zum
Katholizismus, aus der ihr Album Black Christ of the Andes und mehrere Messen resultierten. Dassgerade diese vier Modern Jazz-Größen Wiliams huldigen, kommt nicht von ungefährt. Andrew
Cyrille hatte als junger Hüpfer für sie getrommelt, Allen hatte als Studentin an ihren Fingern gehängt
und sie in Robert Altmans Kansas City (1996) dann sogar verkörpert. 7 Kompositionen werden
gespielt, nicht auf alt und 'echt' gemacht, sondern so 'perpetually contemporary', wie Ellington die
Pianistin charakterisiert hatte: 'Blues for Peter' (1975), das allerhand Turbulenzen anklingen lässt,hatte sie auf ihren katholischen Mentor Peter O'Brien gemünzt, der heute ihre Stiftung leitet und dieLinernotes verfasst hat; 'Ghost of Love' (1938) ist ein leichtes Schweben voller Pianozärtlichkeit undOliver Lakes sehnendem Altogesang; das flott rhythm'n'bluesende 'New Musical Express' (1953),
das während der Jazz-Baisse entstand, als sie in Europa tingelte, lässt die Röcke fliegen und gipfelt
in Tänzchen von Reggie Workman am Bass und von Cyrille als Hardbopper; 'Intermission' (1973)
groovt im 11/4-Pizzikato mit hitzig-hymnischem Alto; bei 'What's Your Story, Morning Glory' (1938)versetzt einen Lake direkt ins Heartbreak Hotel; 'Libra' (1944) bringt von der Zodiac Suite die
Hommage an Bud Powell als Allen-Solo; 'Roll'Em' schließlich, 1936 für Goodman geschrieben, zeigt
noch einmal um eine Bassimprovisation herum Marys Idee von Swing, wobei Cyrille galoppiert,
dass es nur so rappelt.
INGRID LAUBROCK hat Charles Mackays Extraordinary Popular Delusions and the Madness of
Crowds von 1841 gelesen. Ihre neue SLEEPTHIEF-Scheibe The Madness of Crowds (Intakt CD189) bezieht sich auf seine Beschreibungen von Massenwahn und kollektiven Hysterien, von den
Kreuzzügen und dem Hexenwahn bis zum Mississippi-Schwindel und der Südseeblase, Börsencrashs, bei denen 1720 ganze Vermögen sich in nichts auflösten. Wie schon Isaac Newton leidvoll
feststellen musste, ist die menschliche Dummheit (insbesondere in Verbindung mit Geldgier) großgenug, dass das Geldverbrennspiel immer wieder neu aufgeführt werden kann. Nun ist Musik jaeine Madness für sich, die Wortschöpfung Beatlemania lehnte sich direkt an die Tulpenmanie
1636/37 an. Laubrocks Lösung könnte darin bestehen, rational, klar und vor allem kühl zu bleiben.
Aber Harry Lachner weist in seinen Linernotes die Polarisierung von Intellektualität und Gefühl
nachdrücklich zurück. Laubrocks Musik sei durchaus ein 'Risikospiel', eine 'selbstvergesseneÜberschreitung'. Allerdings im Imaginären, in der 'Freiheit der Imagination', in der das Individuum,
genauer, drei Individuen im gegenseitigen Vertrauen, den Ausnahmezustand erklären von den
Regeln der Masse und von kollektiven Mechanismen. Statt dessen - Vielsprachigkeit, methodische
Insichwidersprüche, Discordia concors. Liam Noble findet in Intakts Piano-Sommer die verblüffendsten Lösungen, erstaunliche Innenklavier- und sogar Hackbrettsounds, eckig und unverbindlichgehämmerte Einwürfe, Zweifingergefinger. Tom Rainey an den Drums rumort mit Krimskrams,
klatscht in die bloßen Hände, tickelt, schrillt und tätschelt links, tokt und pocht rechts und erfüllt nur
unorthodoxe Vorstellungen davon, was ein Drummer zu tun hat. Bleibt die Frage, was Laubrocks
gewagt nichtlineare Stücke überhaupt zusammenhält. Manchmal ist es ihr unbeirrt ruhiges Brüten
inmitten geräuschhafter 'Störungen' / Verzierungen und schneller Überholmanöver. Wobei das Stopund Go und die Kollisionen von Poesie und Turbulenz, ob synchron oder unsynchron, von etwas
mehr als bloßer Intuition gesteuert scheinen. Delikate Klangmalerei gipfelt in Wassergeblubber,
Raineys Schläge hageln zu krumm, um sie jemals Takt zu nennen. Aber Laubrock bläst so versonnen, als wären diese Unebenheiten ideal für ihren träumerischen Singsang. Der sich unberechenbar stürmisch entfaltet, der bei 'There She Goes with Her Eyes Out' furios explodiert, aberschnell auch wieder implodiert zu gedämpfter Mundmalerei, nur um bei 'South Sea Bubble' danndoch im Tumult mitzufiebern, mit den Geistern in 'Haunted Houses' zu geistern oder mit den Buben
aus dem Häuschen zu geraten. An Schlaf ist da jedenfalls nicht zu denken.
36Gift und Medizin sind eine Frage der Dosis, ob bei Schlangenbissen oder dem Biss desTrommelaffen. Der führt z. B. alljährlich während des Würzburger Africa Festivals zuähnlichen Symptomen wie der Biss von Taranteln oder Zombies - Scharen von Gebissenen versammeln sich unter der Brücke der Deutschen Einheit, um wie besessen Tag
und Nacht einen einzigen Groove zu donnern. Dagegen könnte das LUCAS NIGGLIDRUM QUARTET BEAT BAG BOHEMIA einen Impfstoff abgeben. The Fellowship of theDrums (Intakt DVD 191), ein 57-min. Film von Martin Fuchs, zeigt die Medizinmänner
2008 auf ihrer 25800 km langen Tour, zuerst in Südafrika und Moçambique, dann quer
durch Europa. Ersteres erklärt sich dadurch, dass das Drum Quartet als Kopfgeburt desAußenpostens von Pro Helvetia am Kap der Guten Hoffnung entstand, dass Kesivan
Naidoo von dort und Rolando Lamussene aus einem kleinen Dorf in Moçambique
stammt. Das Roadmovie zeigt nun in Innenansicht, wie es ist, wenn mit 'Lüc' Niggli und'Pez' Zumthor zwei Schweizer mit zwei Afrikanern die bubenhafte Liebe für die Spielsachen ihrer unerschöpflichen Rappelkisten teilen, eine Liebe, die die unterschiedlichen
Erfahrungen in Jazzbigbands, traditioneller Tanzmusik, einer Noise-Grind-Band undIntakt-Avantness aufhebt. Damit es nicht bloß beim trommeläffischen Groove, bei
notorischen Drum Battles oder Multikultikrampf bleibt, zoomt Niggli den buntscheckigen
Flow dramaturgisch hin zu abenteuerlustiger Orchestralität, zu einer Hochzeit von Rhythmus UND Sound, der die Spieler auf Wolke 7 schweben lässt. Wenn Niggli Perkussionisten mit Köchen vergleicht, weil beide mit Töpfen, Deckeln und Rührlöffeln hantieren
und der Sound einer Restaurantküche Musik in seinen Ohren ist, dann ist das eines derschönen Schlaglichter, die auf diese spezielle Fellowship fallen. Ein Highlight ist auch derAbstecher in Lamussenes Heimatdorf, wo die Vier nicht ganz programmgemäß versuchen, die Kinder zum Lachen und die Mädels zum Arschwackeln zu bringen. Nicht ohne
Erfolg. Der Auftritt in einer Township bereitete dagegen Naidoo ziemliche Bauchschmerzen. Die Leute dort brauchen keine Unterhaltung, sondern Auswege aus derArmut. Naidoo ist es auch, der kein Blatt vor den Mund nimmt gegen den Tourstress mit
tagtäglichen Auftritten, bis nur noch die wunden Finger das Ding auf Reservetankdurchziehen bis zum Finale in Polen. Freie Tage sind ein Luxus, den sich nur Besserverdienende leisten können. Der Film hält Licht und Schatten zusammen durch dieallgegenwärtige Musik, die als Cut-up von verschiedenen Konzerten ebenso virtuos im
Flow bleibt wie sie als zweite Sprache selbst alltägliche Gesten durchpulst und so denganzen Bilderbogen beat-bag-bohemianisch rhythmisiert. Dem Katzenjammer 2008
folgte inzwischen die Wiedervereinigung im Mai 2011. Pech und Schwefel sind eben
doch ein guter Klebstoff.
Hôtel du Nord (Intakt CD 192) vom SYLVIE COURVOISIER - MARK FELDMANQUARTET bringt ein Wiederhören mit Gerry Hemingway. Den Kontrabass in dieser
derart intimen Kammermusik, dass ich versucht bin, sie Schlafzimmermusik zu nennen,
spielt Thomas Morgan. Neben dem Titelstück, das Romantiker wie mich sofort an denMarcel Carné-Film denken lässt, mit der schönen Arletty, noch bevor sie mit ihrem'internationalen Arsch' mit einem Oberstleutnant kollaborierte, stoßen auch 'Dunes' und'Inceptions' die Phantasie cineastisch an. Die Geige von Feldman spielt aber die
Hauptrolle in allen sieben Episoden, lyrisch, kapriziös, schillernd in den dynamischen
Gesten einer Diva, der der Himmel nicht hoch und das Gefühlsspektrum nicht weit genug
sein kann. Auf je zwei wechselseitig wie auf den Leib geschriebene Kompositionen vonFeldman und seiner Lebenspartnerin am Piano folgen drei improvisierte Capricen, voller
geräuschhafter Einfälle bei 'Little Mortise', wieder mit violinistischer Lerchenzunge am
hingetupften Himmelsfresko bei 'Inceptions'. Selbst das Piano krabbelt da erdverhaftet ineinem Swing, der die Schwerkraft zu mindern versucht, damit sich Feldmans Anima zu
höchsten Tönen aufschwingen kann. 'Gowanus' zupft noch einmal an losen Fäden,Courvoisier im Innenklavier, Morgan samtfingrig, Hemingway mit Millimeterarbeit am
Cymbal, während Feldman Liebeserklärungen stenografiert für Ohren, die sich nur dem
Allerfeinsten zuneigen.
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"ONE SICK PUPPY"

Eyvind Kang Foto: Daniel Sheehan

Dieses Kompliment von John Zorn galt EYVIND KANG ('Kong' gesprochen), dem heuer 40 gewordenen, von Allmusic als ambitious, sophisticated, complex und yearning etikettierten Violinisten und
Komponisten der, obwohl er an so vielen guten Sachen beteiligt ist, in BA noch nie in einer Hauptrolle auftauchte. Dabei hat er bei den SUN CITY GIRLS gegeigt, im 4+1 ENSEMBLE von Wayne
Horwitz, mit MR. BUNGLE und SECRET CHIEFS 3, bei BILL FRISELL in dessen Gerhard RichterProjekt und im Trio mit Rudy Royston, etwa beim Moers Festival 2010, oder auch bei SUNN O))s
Monoliths & Dimensions. Von LAURIE ANDERSON, IKUE MORI und der Liedermacherin LAURAVEIRS ganz zu schweigen. Als bei Aestuarium, den arkanen Songs mit JESSIKA KENNEY, die ich
durch das Reissue bei Ideologic Organ kennenlernte, auch noch Anspielungen auf Giordano Bruno
dazu kamen, wurde ich endgültig scharf gemacht.
Um zuerst einmal voll ins Messer von DYING GROUND zu laufen, Kangs Powertrio mit Kato Hideki& Calvin Weston und den Quintessenzen vom Mahavishnu Orchestra, Perril und Death Ambient.
Das war 1998, und Kang war da längst im Auge des Hurrikans. Schon zwei Jahre zuvor war er bei
Frisells Quartet dabei. Und John Zorn, mit dem er in einem COBRA-Projekt gespielt hatte, gab ihm
im gleichen Jahr auf Tzadik die Chance für sein Debut als Composer, mit 7 NADEs, gefolgt vonTheatre Of Mineral NADEs (1998) und The Story Of Iceland (2000) - Kang ist halber Isländer. Zorn
nannte seine Musik exzentrisch, schräg und unbeschreiblich. Das ist das Mindeste, was man auchüber die Sick Puppyness von Sweetness Of Sickness (Rabid God Inoculator Industries, 1996)
sagen kann, über Live Low To The Earth, In The Iron Age (Abduction, 2002), das er mit sich selbst
als Neti-Neti Band einspielte, über Virginal Co Ordinates (I Dischi Di Angelica, 2003), seine Auftragskomposition für das Angelica Festival 2000, die mit dem Ensemble Playground in Bologna
uraufgeführt wurde, und auch über Orchestra Dim Bridge, (Conduit Records, 2004), sein Duo mit
Tucker Martine. Wie gut Kang improvisieren kann, zeigen seine Aufnahmen mit Dylan van der
Schyff & Francois Houle (1999) bzw. Mark O'Leary (2004), mit Michael Bisio (2000) oder William
Hooker (2001). Aber das 'sick puppy' hat sich der Mann mit einer Homebase bei Seattle, der mal als
Charly Chan, mal mit Kopftuch als Pirat daher kommt, verdient mit seinen Kompositionen, seltsamen Mixturen aus Exotica, Noise, aus Surrealismen und den Einflüsterungen arkaner Quellen.
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Auf 7 NADEs kommt schon die ganze Palette zusammen. Jedes Stück ist zugleich Einzelstück und
Mosaikstein, an dem er selbst schliff mit Violine, Keyboard, Piano, Tapemanipulationen, Bass, Erhu,
Harfe, Tuba, Noises, Cymbals, Piano. Auf Geflüster einer französischen Frauenstimme folgt dektonisches Beben oder ein Drama aus Schrei, Geigengekratze, Beifalljubel, Gitarrengeknurr, Wassergeblubber, auf eine Miniatur für 15 Mitwirkende Duos oder Trios, auf sonores Gebläse von Waldhorn, Fagott und Oboe pure Feedback- oder Geigenkakophonie oder ein japanisches Märchen, auf
Nino Rota Merzbow. Nippt man im Moment noch an seinem Cocktail, ist im nächsten der Teufel los,selbst innerhalb der einzelnen Stücke ist man vor nichts sicher. Ist schon 'Universal' eine Nervenprobe - Erich Zann-Gefiedel im Regen und grollende Nebelhörner - dann 'extra cry' erst recht Gebrüll am Spieß, Noises. Dagegen sind die Themen aus dem geheimnisvollen NADE-Zyklus
harmonisch oder klassisch. Eklektizismus ist Trumpf, die Cut-up-Methode scheint gesteigert zum
Exquisite Corpse-Spiel. Wenn da noch Ordnung herrscht, dann eine elementare - Earth, troubled
waters, fire, vapors... Everything is related.
Kangs Musik hat tatsächlich ein spirituelles Unterfutter. Von einem seiner Lehrmeister, dem Geiger
Michael White, empfing er den Healing Force-Funken. Johannes Keplers Harmonia Mundi gab den
Anstoß, sich mit Alchemie zu beschäftigen, mit Paracelsus, mit Pythagoras. Solche Interessen
gehen allerdings Hand in Hand mit einem an der University of Alberta in Edmonton und am Cornish
College of the Arts in Seattle erworbenen intellektuellen Rüstzeug, das er nutzt, um kritisch zu
denken und rassistische und kolonialistische Spätfolgen nicht unter den Teppich zu kehren.
Kangs Alles-mit-Allem ähnelt dem ästhetischen Vollspektrum von John Zorn - Kladderadatsch, Neue
Musik, Musique concrète, Exotica, Rota, Morricone... Beim Rosenkranz von Theatre Of Mineral
NADEs kommen mittelalterliche und orientalische Klänge hinzu, auch schon ein Hauch von Renaissance-Hermetik. Merkur und der Mond inspirieren die Imagination, 'Mystic Nade' verblüfft aber als
Reggae. The Story Of Iceland ist die Ruhe selbst, von einem Nebelhorndrone als Intro über die
unkriegerische Marschtrompete von Lesli Dalaba und Dudelsackswing bis zu Stringglissandos,
Flötenhauch, indisch gegeigter Minimal-Wehmut, rasselndem Tremolo, einem Marimba-Oud-Ohrwurm, heiserer Zeitlupenpsychedelik und Vibes-Gamelan. Virginal Co Ordinates breitet ebenfalls,
ganz Lento und minimal, ruhige Dröhn- und Pizzikatofelder aus, um dann in einem indischen Tanzzu enden. Einem chymischen Hochzeitstanz, denn Kangs rosenkreuzerisch-alchemisches VITRIOL
schwängert einladend die Luft: Visita Interiora Terrae Rectificando Invenies Occultum Lapidem.
War Aestuarium (2005) schon ein intimer Lobgesang auf Giordano Bruno, so feiert Athlantis (2006)
den weisen und freien Geist mit einem großen Chorwerk. Bei der Wiederbegegnung mit den
italienischen Freunden intonieren das Bläser-Ensemble di Ottoni di Modena und der gemischte
Coro da Camera di Bologna lateinische Verse aus Brunos Cantus Circaeus (1582) und von Marbod
von Rennes (1035-1123). 'Vespertiliones' wird nur von dunklem Bläserton gestützt, das Wechselspiel der Männer- und Frauenstimmen bei 'Andegavenses' nur von minimaler akustischer Gitarre
beblinkt. Den Gesang, vibratolos im alten Stil, kann man sich gar nicht prächtig genug vorstellen.
Das dunkle 'Rabianara' wird erst allein von Mike Patton gekrächzt, bevor der Chor sich dem
unverstellten Chaos annähert. 'Inquisitio', das den Mars beschwört, nicht Skropione und Schlangen
ans Licht zu lassen, ist als liturgisches Call & Response von Kantor und Chor inszeniert und die
Frauen rufen zuletzt Venus um Hilfe an. Jessika Kenney stimmt mit virtuosen Verzierungen 'Ros
Vespertinus' an, erst allein von Männerstimmen besummt, bis sich auch süß die Frauen einmischen.
Nach einem Zwischenspiel der Fanfaren wird mit dem großartigem Gloria dieser Missa Alchemica'Iupitter' angerufen, gefolgt vom Frauenlob der 'Repetitio' des Marbod, bei dem sich Männer undFrauen die Silben zuwerfen. Zu Pattons getragener 'Lamentatio' mit Sitar und minimaler Gitarre
kontrastieren die sirenenartigen Chorglissandos von 'Athlantis', die dem doppelgeschlechtlichen
Götterboten und Rätsellöser Merkur gelten. Das finale 'Aquilas' spielt noch einmal mit dem Kontrast
von Invokator und Chorbordun, bis zuletzt die Circe (= Patton!) kirrt und gilft: For you should not call
Circe an eagle on account of her power, when you assert her being a goddess and a queen.
Großartig und schaurig-schön!
Was noch? Für The Yelm Sessions (Tzadik, 2007) entdeckte Kang für sich sogar Bach und Bachund Ásatrú, den Asenglauben seiner isländischen Ahnen. Kenney singt Shakespeare, den Auftakt
macht, barock und elegisch, 'The Clown's Song'. Und jetzt? Konzerte mit Frisells 858 QUARTET
und BEAUTIFUL DREAMERS, mit Laurie Anderson & Rob Burger. Everything is related!
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LEO RECORDS (Kingskerswell, Newton Abbot)
Mit Pourquoi Tant De...? (LR 608) von DEFOSSEZ / DEBAECKER / GOUBERT bittet Leo um
Aufmerksamkeit für französische, nur scheinbar unscheinbare Spielkunst. Auf der einen Seite
agiert mit Patrick Defossez am Konzertflügel und Anne-Gabriel Debaecker an digitalen Keyboards und Sampling das eingespielte Duo Autre voix de piano, deren elektroakustische
Symbiose allein schon reizvoll genug wäre. Aber der Dritte im Bunde ist mit Simon Goubert(*1960, Rennes) tatsächlich doch jener Drummer, der zusammen mit Christian Vander indessen Projekten Offering, Voix de Magma und Welcome trommelte und anschließend an der
Seite von Sophia Domancich in Pentacle, Desormaisé, Soft Bound und im Duo. Er versteht esdaher bestens, einem Piano gleichzeitig fein abgestimmten Drive zu verleihen oder es wie ein
Starfotograf mit allen perkussiven Finessen ins beste Licht zu rücken. Aber tickelnde, klirrende, gestrichene oder mit Besen getätschelte Cymbals sind hier nur Finesse unter Finessen.
Die entspringen ja auch schon Debaeckers Elektronik, die zischelnd flüstern kann, die sich
kräußelt wie Zigarettenrauch (als Rauchen noch etwas mit Stil zu tun hatte), die funkelt undschimmert wie etwas, für das das Wort Nuance erdacht wurde. Dass wir uns hier leicht abseits von Rock und Jazz bewegen, dürfte längst klar geworden sein. Nennen wir es einesuitenartige Impression voller quellender und sprudelnder Energie, voller Feeling und Atmosphäre, eine Hymne an das Licht. 'Lumière, tu lascives ...tu t'irises ...tu t'asphyxies ...tu te
précieuses'.
Das italienische TRAN(CE)FORMATION QUARTET trägt seine Agenda schon im Namen. Mit
Entrance (LR 609) versuchen die Flötistin Giorgia Santoro und der Gitarrist Adolfo La Volpe
Leib und Seele von Wellnesssuchern und Armchairtravellern locker zu machen. Zusammen
mit Marco Bardoscia am Kontrabass und Vito De Lorenzi an Drums, Tabla und Esraj und indem sie selbst auch noch elektronische Mittel einsetzen, erforschen die Beiden die psychedelischen Potenzen von Musik, die zwischen Soft Jazz und Imaginärer Folklore schwebt.
Wechselweise ist sie indisch angehaucht mit Tablabeats oder westlich mit schnellfingriger EGitarre und Drums, wobei jeweils die Flöte leichter als Luft daher kommt, selbst wenn Santoro
in Alto- und sogar Basslage summt. Dass orientalische Melodik, transusige Lyrismen undatmosphärische Drones das Dolce far niente orientalisch würzen, will ich nicht bestreiten, vor
allem wenn De Lorenzi indisch klappert oder die Esraj streicht. Bei 'Addio Solo' tauchen weitere Streicher und dunkles Gebläse die Seele in brühwarmes Eiapopeia. Die lyrische, nocheinmal ganz gitarrenintensive Version von Mal Waldrons 'The Seagull Of Kristians[o]und'bekommt die Möve Jonathan in mir dann kaum noch mit.
Ebenfalls dröhnselig kommen die ebenfalls italienischen TELEGRAPH daher bei Telegraph(LR 611). In elektronische Wolken gehüllt, quillt der Sound der E-Gitarre von Giovanni Francesca und der Shruti Box, die der Bassist Dario Miranda einsetzt. Aber dieser erste Eindrucktäuscht. Mit 'Mod 1' - alle Stücke gehören zur Familie 'Mod' - ziehen der Drummer Aldo Galasso und Francesca andere Saiten auf. Knackige Rhythmik und gitarrengöttliches Riffing
stellen die Zeichen auf stürmischen Jazz Rock. Nur um bei 'Mod 4' mit elektronisch verträumten Gitarren- und Basseffekten und perkussivem Klimbim wieder woanders zu landen, einem
dröhnrockigen Ambiente, so dunkel wie erhaben, aus dem sich ein unvermutet melodiöser
Gitarrengesang heraus schält. 'Mod 7' träumt auf ähnlichem Terroir, auf Terronoir, dunklem,
vom Kontrabass bearbeiteten Grund, gutem Klima für den dionysischen Enthusiasmus derGitarre. Mit summenden Bassstrichen taucht Miranda 'Mod 8' in Dämmerlicht, in dem Francesca dann zu sonorem Pizzikato schönheitstrunken schwelgt, bis zur Reprise des Bassgesumms. Kann doch noch ein Gitarrengott uns retten? Eine Kalimba deutet nach Afrika,
allerhand Erregung, keine Antwort. 'Mod W' pocht dunkle Tupfen um ein vorletztes Statement
von Francesca, der die Noten zu Fragezeichen biegt. Der Bass stöhnt unter Bogenstrichen,die Gitarre singt ein letztes Mal, und zieht sich, zuletzt tatsächlich von Hokuspokus umraunt,
ins Ungewisse zurück. Mein Zauberfinger drückt einfach auf REPEAT.
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Nach ...in the Key of Rhythm und ...in the Key of Sadness nun Russian Folksongsin the Key of Winter (LR 612). Vater EVGENY MASLOBOEV und Tochter ANASTASIA MASLOBOEVA, er Komponist, Einmannorchester und dunkler Chorus, siedie blonde Kore in der Unterwelt, die, vom Sommer abgeschnitten, wie für sich die
traurigsten Lieder anstimmt. Die Masloboevsche Folklore und Mythopoesie sindalles andere als puristisch und zutiefst melancholisch. Bei 'The Fog' stimmen die
beiden das 'Die irae' an, der Ton ist aber durchwegs elegisch. Russland ist ihnen
ein Stoppelfeld, ein Ungeheuer, das sich selber verschlingt. Masloboev inszeniert
mit eklektischem Instrumentarium, Schlagzeug, persischer Harfe und Zither, Blockflöte, Maultrommel, Geige, Muscheln, Röhrenglocken, Küchenutensilien, Blechen,aber auch einem Roland Sampling Pad Klagegesänge gegen einen Winter, dernicht nur einst Russlands Feinde besiegt, sondern auch die eigene Seele vereist
hat. Und Anastasia singt sie wie gefangen in einem Palast aus Eis und Schnee.
Ihre fragile Mädchenstimme mischt sich mit pseudoliturgischem Gemurmel eines
unorthodoxen Mondkultes ('Radio Moon', 'High Moonlight'), Imaginäre Folklore mit
industrialem Sound wie von ZGA und Samples wie bei Tarasovs Trommel-Theater
Atto. Das webt einen beklemmenden Zauber und schlägt wohl selbst Fleischerhundgemüter in den Bann. Wobei ich vermute, dass Sentimentalität und Brutalität
wie Turteltauben zusammenpassen und sowieso viele der neuen Eisheiligen
Russlands auf der Gemütsleiter unterhalb der Fleischerhunde einzuordnen sind.
TIM TREVOR-BRISCOE und NICOLA GUAZZALOCA waren als Saxophon-PianoDuo bereits LEO-einschlägig, der serbisch-ungarische Violaspieler SZILARDMEZEI ist sogar quasi eine LEO-Empfehlung. Underflow (LR 614) zeigt die Drei imimprovisierten Zusammenspiel sowohl im Studio wie live. Man kann sich Mezei als
Vetter von Mat Maneri vorstellen, für den Abstraktion nur eine Option ist. Das Trio
setzt den Akzent allerdings genau da, auf einer flinken, pointillistischen Verhuschtheit. Nuckelnd, stöchernd, krächzig und abgerissen spotzend der eine, trippeligoder tröpfelig klimpernd und spröde hackend der andere, diskant zirpend, klopfend
und zupfend der Dritte. Jeder spritzt kurze und kürzeste Einwürfe, die sich in ihrer
Quickness zwar immer wieder tumultartig verdichten können. Aber selbst in den
dichten Momenten bleibt der Funkenflug ungreifbar, flüchtig, zu schnell für das Ohroder gar für die Erinnerung. Gelegentlich verschleift Mezei sein Fiddling vonabgerissenen Strichen zu verbundenen oder zu Schraffuren und katzenjämmerlichen Krakeln. Doch der Eindruck von einem Pollock in Motion bleibt vorherrschend. Ein Moment der Verzögerung und der Einkehr wie mitten in 'Dog Flow' oder die lyrisch entschleunigte Passage bei 'The Groaner' - sticht prompt heraus,auch wenn beides rasch wieder in manischem Eifern aufgeht, ebenso wie eineunverhoffte Generalpause in diesem Tongewimmel durch verdoppelten Furor 'gesühnt' wird. Hohe Englische Schule in der Scuola Populare di Musica in Bologna.
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LIBRA RECORDS (Tokyo)
Libra Records ist Fujii Records. Drei neue Lebenszeichen gibt es zu vermelden, allesamt mit dem typischen Brückenschlag der japanischen Pianistin und ihres Ehemanns,
dem Trompeter Natsuki Tamura, der den fernen Osten ganz nah an den Rest der Welt
heranrückt. Watershed (Libra 204-028) ist ein weiterer, wie ich finde, gelungener
Versuch des SATOKO FUJII MIN-YOH ENSEMBLEs, jazzige Spielweisen mit der
Simplizität und Vertrautheit (oder Allzuvertrautheit) von Volksmusik zu verschmelzen.
Von der Imagination her sind das, was Fujii und Tamura zusammen mit dem Posaunisten Curtis Hasselbring und Andrea Parkins am Akkordeon unternehmen, Landpartien, Ausflüge zu Wildwasser, Karsthöhlen, einer Flussmündung. Neben fünf
Kompositionen von Fujii gibt es Adaptionen von japanischen Volksliedern (Min'yō).
'Soranbushi', ein temperamentvolles Fischerlied aus Hokkaido, ist eines der bekanntesten überhaupt. Auch das Wiegenlied 'Takeda No Komoriuta' ist ein allen japanischen
Ohren vertrauter Wonneproppen. 'Hanagasa Ondo' stammt aus der Yamagata-Region,
wird von Frauen mit Strohhüten zu Schamisengeschrammel und Flöten getanzt und mit
köstlichen Schnörkeln gesungen. Das Ensemble kratzt vom Lullaby zuerst den Schmalzab, um dann doch ins Herzwehhorn zu stoßen, während das Akkordeon greint. Die
beiden Bläser überbieten sich mit schnaubendem Gebruste, schnarrenden und gequetschten Lauten, vom Piano perlen Wassertropfen und salzige Tränen. 'Soranbushi'
läuft weit stärker aus dem Ruder, und der dritte Song wird völlig durch den Kakao
gezogen - Tamura quakt und kirrt durchs Mundstück, Fujii singt zum Steinerweichen
falsch. Für 'Cascade' spritzt sie aus dem Innenklavier und die Band kaskadiert übersteile Felsen, bei 'Limestone Cave' zwirbelt sie die Tasten und harft die Saiten, während
der Berggeist ruft, und nimmt dann die Beine auf den Buckel, weil es ringsum so gar
nicht geheuer klingt. 'Estuary' ergibt sich zuletzt dem allgemeinen Sog und schlappt inelegischer Selbstaufgabe ins Meer.
Oscar Noriega, Briggan Krauss - alto sax; Ellery Eskelin, Chris Speed - tenor sax, Andy
Laster - baritone sax; Herb Robertson, Dave Ballou, Frank London, Natsuki Tamura trumpet; Joey Sellers, Curtis Hasselbring, Joe Fiedler - trombone; Satoko Fujii - piano,
Stomu Takeishi - bass, Aaron Alexander - drums, kurz: das SATOKO FUJII ORCHESTRA NEW YORK, ist eine Blaskapelle, mit der sich immer wieder was Besonderes
anstellen lässt - ETO (Libra 215-029) z. B. Zum 60. Geburtstag hat Fujii für ihren Manneine Zodiak-Suite komponiert, die mit den Eigenschaften spielt, die den 12 chinesischen Tierkreiszeichen - Ratte, Ochse, Tiger, Hase etc. - zugeschrieben werden. Der
Suite voraus geht 'The North Wind And The Sun', das ganz mit dem Kontrast zwischen
Einzelnem und Kollektiv spielt. 6 Bläser schreiben Zeichen in die Luft, der Wind nimmt
sie gelassen und Tamuras gequetschtes Pfeifen sogar versonnen. Schlagzeug, Bass,
Trompetenstakkatos und Haltetöne des Kollektivs stimmen dann die 'Ouverture' zum
dodekagonen Reigen an, bevor jedes seiner Teile durch eine eigene Stimme geprägt
wird, wobei sich das Orchester jeweils spezifisch mitentfaltet, voluminös, dynamisch,prachtvoll getragen wie bei 'Hare' (Ballou), Tamuras Zeichen. Der 'Dragon' (Hasselbring) ist eine besonders aufgekratzte Spezies, wird aber von der Schlange (Tamura)frech noch übertrumpft. So feurig das 'Horse' (Laster) stolziert, so gebeugt zieht derWidder (Noriega) dahin. Der 'Monkey' (London) ist ein quirliger Geselle, der Hahn
(Robertson) ein, wie soll ich sagen, einer der kräht, bis er heiser wird, und sich vonniemandem den Schnabel verbieten lässt. Der 'Dog' (Fiedler) ist vollmundiger Anführer
einer lauthalsen Meute, das Schwein (Krauss) die scharfe Spitze einer galoppierenden
und kirrenden Herde. Fujii schließt mit einem 'Epilogue' und fügt dem dann noch 'Pressure Cooker' an, das aus allen Rohren dampft und nach Fiedler noch London freie
Hand lässt. Zu allerletzt erklingt dann noch 'Stroll', erst als flackerndes Gezüngel von
Speed und Robertson zu dem das Orchester ein Om summt, dann im Kamelswing, mit
den Schätzen des Orients beladen, und schließlich mit Hasselbringgebrummel, hinterdas das Kollektiv einen melodiösen Schlussstrich kurvt.
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KAZE ist ein noch neues Projekt von Satoko Fujii & Natsuki Tamura mit dem Schlagzeuger Peter Orins und Christian Pruvost als zweitem Trompeter. Die beiden Franzosenspielen im Quintett IMPRESSION zusammen als Teil der Circum-Szene in Lille. Rafale(Circum-Libra 201) ist ein Konzertmitschnitt vom 15.11.2010 in Krakau. Neben drei
Kompositionen von Orins standen zwei von Fujii auf dem Programm, darunter das MinYoh-Stück 'The Thaw', und Tamura zwinkerte den Gastgebern zu mit 'Noise Chopin'. Da
schleifen die beiden Trompeter den romantischen Lack von Polens Stolz, während Orins
dräuend die 'Trauermarsch'-Trommel rührt und klopft, zu der man einen Kopfsprung
ausführen, oder ihn verlieren kann. Tamura hat die Ventile wieder besonders eng eingestellt, Fujii pickt sich fingerspitz ins Geschehen, bevor sie sich, wenn nicht Chopins
Stil, so doch ein wenig dem Stil seiner Zeit annähert, während die Trompeter Chopin mit
Berlioz verquirlen und aus der 'Symphonie fantastique' ein Nocturne zusammenbrauen.
Schnarrend und schmauchend machen sie gleich weiter, Orins spinnt einen ganz feinen
Faden um sein 'Anagramme', Fujii krabbelt an den Klaviersaiten. Die beiden Trompetersind verblüffend geistesverwandt, sie frühstücken wohl schon mit extented techniques,lassen aber auch keine Gelegenheit aus, durch Schönheit und Poesie zu glänzen. Der
Höhepunkt des Stücks ist getragen im Tempo und prachtvoll in der Strahlkraft. Nahtlos
tackert Orins allein weiter zu 'The Thaw'. Fujii gibt sich träumerisch, die Trompeten
frösteln erst, nehmen aber dann den lyrischen Faden auf als zwei Herzen, eine Seele.
Jetzt kommt Wind in die Segel, frisch genug, um zuletzt Eisblumen aufs Fenster zu
hauchen. Da sind wir aber schon in Orins 'Marie-T', eine gepresste und knisterndeAngelegenheit, mit selten femininer, zunehmend energischer, dann wieder verhaltenerHandschrift von Fujii, die Orins mit gespenstischem Sirren und feinem Cymbalbeben
säumt. Die Trompeten verdunkeln den Saum zu einem Trauerrand, gleiten ungeschnitten weiter zu 'Polly', um sich da in einen bizarren, hitzigen Dialog zu verstricken. Lässt
da Mussorgsky grüßen? 'Samuel' & 'Schmuyle', und Fujii und Orins machen dazu den
Gnom? Und schon schreiten sie tatsächlich auch zum großen Tor. Aber nur, um sicherneut in die Haare zu kriegen, bis der Einmarsch doch noch voran kommt, mit Uhrwerkbeat und Fanfaren. 'Blast' beginnt mit Flüstertüte und Pianogetröpfel, bis Orins zu
Rocken anfängt und damit die schrillen Trompeten auf Kurs bringt, die aber mit ihrer
Unbändigkeit in alle Richtungen zerren. Ein Knatterbeatsolo sorgt eine Weile für Konsens, weil Fujii Orins Rhythmus aufgreift, Schreie fallen, keine Ahnung, ob pro oder
contra. So dass die plötzliche Trompeteneintracht, wenn ich recht höre, durch die
Reprise von Chopins 'Nocturne Op. 9 No. 2' gestiftet, eher verblüfft, aber das Finale
doch noch zum grandiosen Triumpf geraten lässt.

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POTLATCH (Paris)
SEIJIRO MURAYAMA, der inzwischen in Paris lebende Drummer, ist der Partner von
K.K.Null in ABSOLUT NULL PUNKT, von der ersten Kassette 1985 bis zu Absolute
Magnitude, das live 2004 entstand. Etwa von da an, 2003/2004, verwischen sich inseinen Aktivitäten die sowieso nur durch Scheuklappen gebildeten Grenzen von Noiseund Bruits. Seine perkussiven Gesten, über die Jahre hinweg ausgeformt an der Seite
von Eric Cordier, Michael Northam, den Rodrigues-Brüdern, Lionel Marchetti, Éric La
Casa, Toshiya Tsunoda etc., wurden nur reduzierter. Als gälte es, dem Geheimnis von'A Bruit Secret' auf die Spur zu kommen, dem Geräusch von Duchamps akustischem
Odradek. Murayamas häufigster Mitsucher bisher war JEAN-LUC GUIONNET und ist
es auch wieder auf Window Dressing (P111). Live, teils in Ljubliana, teils in Paris,
haucht und bohrt er mit seinem Altosaxophon die verborgenen Geheimfächer der Geräuschwelt an. Kaum mehr als ein Fauchen hier, ein gefiepter oder gesummter Haltetonstrich da, kurze Plops, eine gegurrte Ondulation, ein blechernes Keckern oder Zirpen. Nur selten ein ausgehaltener Alarmton. Murayama schabt, klackt mit den Fingerkuppen, tockt mit dünnen Stöckchen, mit aller offenbar dabei gebotenen Vorsicht.
Sondierend. Mit langen Atempausen. Bemüht tonlos, als wär's nur der Wind. Kleine
Besenwischer, ein metallisches Erzittern, federndes Tocken. Jedem sein eigenes,
geheimes Zengärtchen.
Den Meetings mit Guionnet im Juni und Dezember 2010 ging im Mai eine Begegnung
von SEIJIRO MURAYAMA mit STÉPHANE RIVES voraus. Axiom for the Duration(P211) besteht nicht aus verwischten Spuren, sondern aus mikrotonal schimmernden
und pulsierenden Langwellen. Rives erzeugt auf dem Sopranosaxophon einen stechenden Zirkularatmungshalteton, den Murayama mit einem gewellten, fast pulsierenden Dauerton umspielt. Keine Ahnung, wie er das macht. Bogenstriche? Oder rotierende Reibung? Es verblüfft als kontinuierlich schwingende Dröhnwelle, die Rives nacheiner Atempause noch heller durchsticht. Wobei sein Dauerton leicht schwankt oderschartige Ränder aufweist. Statt Monotonie entsteht so etwas wie ein spektrales
akustisches Leuchten, eine schillernde Kakophonie, angeraut durch stimmhaftes,
spuckiges, flackerndes Überblasen. Nach einem Drittel des 56-minütigen Härtetests
sind die Nerven so blank geschabt, dass das einsetzende sonorere Sopranogesumm,
das nun sogar Murayamas Bordundrone dunkel unterläuft, als wohltuend empfunden
wird. In diesen bebenden und flatternden Vibratos ist allerhand Akusmagie am Werk,
ein weitestgehend virtuos kontrollierter, aber nicht 100%ig kontrollierbarer physikalischer Zauber. Das zweite Drittel endet hochfrequent sirrend und erstmalig mit einigen
perkussiven Schlägen, lässt einen aber weiter driften in einen letzten Spannungsbogen
aus pfeifend, schrillend und dröhnend stehenden Wellen, die einem durch Mark und
Bein gehen. Oh Heiliger Dudelsack! Höchster Zirbeldrüsenalarm.

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… nowjazz, plink & plonk ...
FRANK CARLBERG Uncivilized Ruminations (Red Piano Records, RPR
14599-4406-2): Eine hochkarätige Besetzung, ein außergewöhnliches Programm. Neben Carlberg am Piano umzüngeln sich die Saxophonisten JohnO'Gallagher und Chris Cheek, John Hebert spielt Bass, Michael Sarin Drums.
Vertont hat Carlberg, der ja bekannt ist für seine unkonventionelle Textwahl,
diesmal 3 Poems von (erneut) Anselm Hollo (*1934, Helsinki), 4 von Kai Nieminen (*1950, Helsinki) und eins des semilegendären Jim Gustafson (+1996).
Von ihm stammt die ironische Selbstdarstellung: There are only a half dozen
exquisitely perfect people in this world, and I am four of them. Nieminen schreibt
aphoristisch, zwei Zeilen genügen ihm, um seine Pointen anzubringen. Hollo
geht dagegen etwa so: It was all about poor communications / mistaken identity / voyages battles sieges & potions / returns / black sails / & dying / in love /after a busy life / Or, What I Rembember of Tristan & Isolde. Oder so: Heavy
drops / fell from the trees / & made a / plopping / sound / as they hit / thepoodles / (shouldn't that be 'puddles' / (no / not puddles / poodles. Der perfekte
Text, um dazu pointiert zu tropfen und zu trippeln. Christine Correa - natürlich
hat Carlberg das Ganze wieder ihr in den Mund gelegt - tröpfelt perfekt den
Beat, in dem diese witzige Poetry groovt. Ihr Ton, der bisher eher meine
misanthropischen Neigungen förderte, erinnert an Irene Aebi, was zum Teilvielleicht auch von der Sophistication der Lyrics herrührt. Das ist dann zwar
manieristisch, aber OK. Der gesanglich haarsträubendste Moment kommt gleich
zu Beginn, wenn sie das fetzige 'Lunatics' plärrt und spitfiret, Schlagworte aus
einem Medical Journal von 1852. Lunatiiics! Political eve-ents! Born idiots.
Religious enthUsi-asm!! Zum mit Soprano betont Lacyesken 'It was all about...'und zum Zickzack der Nieminen-Sprüche passen ihre Aebi-Zicken und ihre
Versuche, in Altlage zu 'flöten', dann wie bestellt, wie auch bei Hollos Lob der'Prairie Dogs', die sich anders als ihre fetten, zweibeinigen Mitamerikaner nicht
von Gaunern & Dieben beherrschen lassen. Witzige Köpfe, spitze Zungen, Ha,
what a jazz (um so mehr, wenn man bei John Heberts 'Old Age'-Solo seine
rutschende Brille vor dem inneren Auge hat).
MICHEL DONEDA - JONAS KOCHER Action Mecanique (Flexion Records,
flex_001): Pfiffig, nämlich passend zu Kochers Label, ist diese Musik verpackt inSchleifpapier. Damit das auch der Musik entspricht, ist die Körnung fein - P220.
Das ist doch mal eine Idee - Musik nicht in rpm zu messen, sondern in Micronµm. Doneda schleift das Trommelfell mit Soprano- & Sopraninogeräuschen,
Kocher hantiert mit einem Phantomakkordeon und Handwerkszeug. Der Raum,der dabei der Imagination suggeriert wird, ist nie und nimmer einer, in dem
normalerweise Musik stattfindet. Man wird in eine Werkstatt versetzt, in derGebläse und feine Winkelschleifer, Feilen und spitz sirrende Bohrer zum Einsatz
kommen. Von nebenan hört man Stimmen (die Aufnahme entstand während
einer Konzertreise von Ljubljana nach Istanbul). Aber was an Kunstandacht
fehlt, das wird durch die akribische Sorgfalt des Werkens wettgemacht. Selbst
die turbulenteren Passagen vermitteln weniger die Klangbilder, die man mit
Saxophon- und Akkordeonspiel verbindet, als vielmehr, als würden Blasebalg
und kleine Orgelpfeifen oder Ventile durchgepustet, feinjustiert und Härtetests
unterzogen und dabei schnarren, fauchen, knarzen, luftleer flattern, keckern,
röcheln, grollen, pfeifen, quietschen und schrillen und drohen, aus dem Leim zu
gehen. Electroacoustic improvisation unplugged, Musique concrète instrumentale, aber so konsequent zugespitzt, dass man nicht mehr an Lachenmann
denkt, sondern an bruitistischere Formen, mit einer Dynamik von Hörschwellenhauch bis zur fugensprengenden Eruption.
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IN TRANSIT Shifting Moods (Konnex, KCD5260): Spontanes Komponieren zu viert setzt
Risikobereitschaft und Vertrauen voraus. Die
Vertrauenbasis für die 7 Stimmungsbilder, 7
Launen, live am 26.10.2007 im Moods Jazz Club
Zürich entstanden, war schon 2004 gelegt
worden, als der Berner Soprano- & Altosaxophonist (und Musikredakteur) Jürg Solothurnmann und seine Landsmänner, der von Day &Taxi und mit Studer-Frey bekannte Kontrabassist
Daniel Studer und der ebenfalls schon bei Day &Taxi, Objets Trouvés und Billiger Bauer aktiv
gewesene Schlagzeuger Dieter Ulrich, erstmals
den New Yorker Pianisten Michael Jefry Stevensin ihre Reihen aufgenommen hatten. Damals war
Moving Stills (Unit Records, 2007) entstanden,
eine Studioeinspielung, ein Dutzend bewegter
Bilder, die schon das Wesensmerkmal dieses
Quartetts zeigen. Es herrscht da eine ausgeprägte Gleichberechtigung der Stimmen, Bassund Schlagzeug agieren nie bloß supportiv undfunktional. Mit starker Eigenkreativität umgehen
Studer und Ulrich jazzübliche Phrasen, schüren
Spannung, modulieren Stimmungen, so dass
Solothurnmann kaum noch als Primus inter pares
erscheint. Was etwas heißen will, der 1943
geborene Saxophonist ist ja nicht nur einer dererfahrensten - Alpine Jazz Herd, Agasul Orchester, September Winds sollten zur Gedächtnisauffrischung genügen - , er ist auch einer der melodiösesten und beherztesten Sänger weit undbreit. Was er da beispielsweise bei 'Spices &Devices, Part 2' umeinanderbläst, wie ein
anderer Rahsaan Roland Kirk oder Vladimir
Chekasin, sagenhaft! Dabei endet das Stück mit
abgerissenen Stupsern und flatternden Bogenschlägen. In Transit durchwadet immer wieder
Third Stream-Furten, integriert Elemente vonNeuer Musik und abgedrehte Improtechniken.
Stevens wirkt neben Studers Stringkunststücken
gelegentlich etwas 'vernünftig', wenn auch nicht
ohne romantisches Temperament und die
Gewitztheit, zu 'unterspielen'. Am klügsten
kommt er mir vor, wenn er mit simplen Schlägen
Wegmarken setzt. Wie er sich in 'Color Deep'hinein tastet, das macht freilich klar, dass er indiesem Fantasy-Rollenspiel auch als der Traumwandler gebraucht wird, so wie Studer als dertrickreiche Zauberer, Solothurnmann als der
Sänger und Ulrich als die Unruh eines Uhrwerks,
dessen Sekundendauer mit der 'Stimmung'schwankt. 'Last Famous Words' und 'Open End'zeigen ruckend bzw. tröpfelnd, träumerisch undzunehmend sprudelnd dieses eigene Zeitgefühl
besonders schön.

KUSIOLEK / SJAROV / WÓJCINSKI /KUGEL NUNTIUM (Multikulti Project, MPCC
002): Ein polnischer Akkordeonist und künstlerischer Kirchgänger zwischen Barock und
Heute, ein Tango-trifft-Klezmer-Allrounderoder Traumperlen streuender Geiger aus
Bulgarien, ein Warschauer Kontrabassist
zwischen Bach und Jazz und der Points
East-Drummer vom Dienst spielen Imaginäre
Folklore von den Kreuzwegen Mitteleuropas.
Anton Sjarov gibt vokalisierend und mit
Gegeige, so kümmelwürzig, als hätte Jan III
Sobieski die Türken nicht von Wien vertrieben, den Ton vor. Bass und Perkussion
liefern dazu keinen Puls, sondern Farbtupfer.
Die Geige klingt inzwischen à la Szymanowski versüßt, das Akkordeon setzt ein mit
zugespitzten Trillern. Ksawery Wójcinski
wechselt zu zwielichtigen Bogenstrichen, das
Akkordeon schimmert mit - Impression
Sonnenaufgang. Klaus Kugel klangmalt mit
kleinen Glöckchen, Muscheln und Holzarkadische Pfade, das Akkordeon summt
und singt mit der Geige, wie es schönheitstrunkener nicht geht. Jetzt pumpt es sogar
einen Puls, der die Geige beflügelt, auchwenn sie ihren leicht wehmütigen Unterton
nie ganz verliert. Das ist keine Neue Musik,aber doch wie neu, ungenierte, unerlöste
Romantik im innigsten Sinn. Mit Zartbitterkeit
als raison d'être jedes akkordeonistischen
Zungenschlags. Bei 'Chapter 5' wird das
Wechselspiel dann turbulent und... wechselvoll, wobei die Basstupfer treu den Pfadfinder spielen. Schon vergessen? Arkadien
ist das Ziel, Milch und Honig wenigstens als
Abendbrot. 'Chapter 6' verdoppelt den Eifer,auch wenn der Traum nie mehr ist als ein
kleiner Spatz, der einem in der Hand zittert.
'Chapter 7', die symbolträchtige 7, den
Menschen so lieb wie das Blau der blauen
Blume, scheint, von Kugel holzig und erzern
beschallt, während Geige und Akkordeon
Fäden ziehen, erst, von Gongschlägen
berauscht, zu eskalieren, deeskaliert jedochrasch wieder, um sich zuletzt - unter Robert
Kusioleks Händen - elektronisch aufzulösen.
Kaum zu glauben, dass die herzbewegende
Dramaturgie dieser Botschaft improvisiert ist.

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RICHARD NELSON LARGE ENSEMBLE
Pursuit (Heliotrope Records, Heliotrope 1011):
Bigbandjazz aus New England. Nelson, langjähriger Gitarrist im Aardvark Jazz Orchestra,
lehrt an der University of Maine in Augusta undleitet dort sowohl ein 13-köpfiges Ensemble alsauch ein Quintett, das den Kern der Großformation bildet. Im Großformat wird das 5-sätzige
Titelstück gespielt mit Solos des Trompeters
Don Stratton und der Altosaxophonistin Pamela
Jenkins im 1., des Drummers Steve Grover im
2., des Saxophonisten Tim O'Dell und des Bassisten Cassidy Holden im 3., des Tenorsaxophonisten Frank Mauceri und des Flötisten Bill
Moseley im 4. und des Komponisten und Leaders selbst im abschließenden Satz. Ellington
und Gil Evans mögen zwar Leitbilder sein,
verwandter zu Nelsons Persuit of Innocencesind aber etwa Maria Schneider und die gepflegten Entwürfe des Third Stream. Nelsons sophisticated Pickin' sagt schon fast alles, damit
heimst man in Burghausen anerkennenden
Beifall ein. Herzschrittmacher kommen dagarantiert nicht aus dem Takt, Cello und Violagarantieren entspannte Abendunterhaltung.
Sachte geht auch das Richard Nelson Quintet
mit O'Dell, Stratton, Holden und Grover zu Werk
bei 'Abol Stream' und 'Stillness'. Da schimmert
das nördliche Hinterland von Maine im pastoralen Azur, und Nelson lässt die Grauköpfe unter
seinen Fans schon mal vorfühlen, was Ruhestand heißt, aber auch, wie schön es wäre, nicht
länger die Reihen der Raffer und Hetzer zu
mehren.

RANT Land (Schraum 13): Merle Bennett Schlagzeug, Torsten Papenheim - Gitarre, ein
Duo, das auch nach dem verflixten 7. Jahr
weiterhin mit unerschöpfter Kreativität für sicheinnimmt. Die Beiden machen eine ganzschlanke und natürliche Musik, ohne Make-up
zu verteufeln. Hier ein Bisschen Piano, dort ein
Banjo, dazwischen hauchdünn Elektronik undauch mal Multitracking. Abseit von Schubladen
bezaubern sie mit Alltagspoesie, die U-Bahn
fährt durchs Bild, Bennett tippt auf der Schreibmaschine. Das Tempo ist durchwegs unaufgeregt. Die Zwei nehmen sich die nötige Zeit
zum Nachdenken und bieten einem an, dassman sich bei ihren Klängen auch etwas denkt.
Es muss nichts Konkretes sein, die Grundstimmung ist unbestimmt offen, träumerisch,unaufgeblasen, sie deutet etwas an, doch wer
weiß Was? Papenheims Riffs sind unspektakulär, mit Bedacht klischeefrei. Postrock wäre
ein mögliches Etikett, 'Orlando' rockt am Endein einen prächtigen Berliner Sonnenuntergang.
Aber wer braucht Etiketten? Am Gegenpol vonÜberwältigungsästhetik vertraut diese Musik auf
die Anziehungskraft stiller Wasser, die Attraktion
Hitchcockscher Blondinen, die hingetupfte
Poesie auf der Rückseite des Alltags, über die
man endlos ins Spintisieren kommen könnte.
Bennett macht mit leichter Hand nur das Nötigste, um den Anflug von Melodie zu unterstützen,
den Papenheim jeweils anstimmt. Neben 'stel'und 'gees' als winzigem Intro und Extro, sindauch 'starrnh' und 'rees' nur kleine Entwürfe,'hunderer' dagegen ein flüssiges Stück Rock,doch 'bluhm' schon wieder eine Folge vonharmonischen Punkten im Raum, mit Tippeinlage und sprudelnden Pianoarpeggios. Daszarte 'sterrnh' mit seinen getockten Kaskaden,
Harmonikahauch und Banjozupfern und 'resch',das zuerst beinahe still steht, treiben das Tagträumerische auf die Spitze. Der Name rant
jedenfalls, der könnte irreführender nicht sein.
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SPLICE LAB (Loop Records, loop 1013): Da schickt mir das mir bisher unbekannte
LOOP Collective in London einen Botschafter ins Haus, dem ich bei den ersten Takten
innerlich schon den Rücken zudrehen wollte - noch mehr Brit-Plonk zum Abwinken?
Aber dann merke ich selbst mit halbem Ohr, dass Splice mehr zu bieten hat. Drummer
Dave Smith, mit Jahrgang 1981 alles andere als ein Veteran, surft seit 5, 6 Jahren an
der Vorderfront der neuesten Brit-Jazz-Welle, mit dem Quartett Outhouse und innerhalb
der von ihm mitinitiierten LOOP-Blase (zu der z. B. noch Dog Soup, Fringe Magnetic
oder Phronesis gehören) mit Jim Hart's Gemini und Ma. Wie schon bei Outhouse ist
wieder der Tenorsaxophonist & Klarinettist Robin Fincker dabei, dazu der TrompeterAlex Bonney (von Leverton Fox) und, aus Montréal an die University of Huddersfield
bestellt, Pierre Alexandre Tremblay an Bassgitarre & Electronics. Aus dem geräuschhaft nervösen Auftakt mit seinen koffeingepushten Spritzern, gepressten Tupfern,
wabernden Drones, Klims & Bims entfaltet sich ein derart spannendes Spektrum von
NowJazz, dass es fast schon wieder willkommen ist, wenn 'Debris' nur minimalistischauf der Stelle tritt. Schon 'Caffeinated Drinks' selbst mündet in einem tackernden
Groove, 'Cortège' lässt zu knurrigem Bass die Bläser melodisch ausschweifen, Smith
setzt eine düstere Wallfahrt in Gang, wobei 'düster' nicht ganz das treffende Wort ist.
'The Wanderer' wird wiederum vom feierlich bedächtigen, zuletzt wellig bewegten Ton
der hellen Trompete und der dunklen Klarinette getragen, bevor Smith bei 'The Mess'jedes Fortkommen vergattert mit Kreuz- und Querschlägen. Nur das Tenorsax versteht
die krummen Takte zu nehmen wie sie kommen, bis auch die Trompete sich eingroovt.
Danach - 'Debris', der Uhrzeiger hakt und zittert, die Wüste dröhnt. 'Matter' schwelgtüber rumorendem Untergrund in Melancholie, nimmt aber genug Schwung auf, um sichmit breiter Brust vorwärts zu stemmen. Nach einem kurzen Zwischenspiel loopt bei'Sillon Fermé' Tremblay erst allein, flattrige, fiepende, dröhnende Laute und Basszupfer,einzelne Trommelschläge mischen sich ein, die Bläser pausieren, die Stagnation bleibt.
Dafür beginnt 'Ballade Fortuite' mit wunderbar schnarrender, gurrender, 'sprechender'
Trompete zu Bass- und Drumsgetröpfel, bevor zu guter Letzt bei 'Luna Verde' derMond als grüne Schmauchspur aufgeht, mit Trompetengeblubber und wieder melancholischer Bläsereintracht, die sich zum Halteton verlängert. Eiferndes Gerappel ruft
die strahlende Trompete zurück, die stechend und schillernd zerstäubt, nur das Saxophon hält jetzt noch einen Gedanken an Harmonie aufrecht. Und vereint die losen
Fäden und widerstrebenden Stimmen zu einem feierlichen Ausklang. Schluck.
Form follows F...eeling.
DAVID STACKENÄS & RAYMOND MACDONALD Lin Flax (Iorram, GW17, CDr):
MacDonalds Saxophon-Duette sind der rote Faden bei Iorram, ob mit seinem alten
Weggefährten George Burt, mit dem Cellisten Peter Nicholson oder nun, nach NeilDavidson, wiederum mit einem Gitarristen. Ist MacDonald ein Rachenputzer aus
schottischem Coxhill, mit süßsauren Spritzern von Evan Parker, so ist sein schwedischer Partner ein struppiger und drahtiger Vertreter der Klampfologie, einer der vonJohn Russell auf Abwege geführten Dissenter. Davon zeugen Stackenäs Monologe auf
Häpna, Kning Disk und Found You Recordings oder die grätige Trioeinspielung King ofHerrings. Er entlockt und entreißt der Akustischen als ein eifriger, staksiger Krabbler
und Klirrer stumpf spröde oder silbrig funkelnde, immer wieder verboten verbogene
Noten. Als würden seine Hände nicht in fünf Fingern enden, sondern in eisernen
Gliederfüßern, die auf Drähten umeinander klimpern, sie rupfen, zupfen und harfen,
dass es nur so plinkt und plonkt. Macdonald schrillt, röhrt und krächzt in allen Sopranotonlagen, er sprudelt im Zirkularatmungskontinuum temperamentvoll Untemperiertes, inselben Atemzug kakophon und poetisch, wenn man für schillernde und schräge Reize
empfänglich ist. Stackenäs bietet ihm zuletzt mit technischer Hilfe Kontra, einem Ventilator, der über die Saiten schrappelt. Er versucht die schottische Luftschlange mit
rhythmischen Tupfen zu bändigen und mit repetitiven Arpeggios zu beschwichtigen.
Aber all das ist gar nicht nötigt, Macdonald beißt nicht, er will nur flachsen.
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RICK STONE TRIO Fractals (Jazzand, JCD005): Wenn man mich nötigt,
solche Musik zu hören, gibt das meiner Vemutung starken Auftrieb, dassdie Menschen von verschiedenen Affen abstammen. Die, die solches
Geplimpel von sich geben mitsamt denen, die es goutieren, müssen vonanderen Bäumen herabgestiegen sein. Für Stone und die zwei Dutzend
weiteren Jazzgitarristen allein in New York hätte man die Gitarre nicht
erfinden müssen, das Vibraphon hätte doch genügt, um darauf die
beboppigen oder coolen Noten zu tüpfeln, an denen sich die Affen
scheiden. Die einen schnalzen schon mit der Zunge, wenn sie nur Namen
wie Emily Remler und Jim Hall hören. Ich aber sitze vor den Versionen
von 'Stella By Starlight', 'Darn That Dream', 'Smoke Gets in Your Eyes'
und selbst Billy Strayhorns 'Ballad for Very Sad and Very Tired Lotus
Eaters', die Stone da, neben einer Reihe eigener Erfindungen im ähnlich
flink virtuosen oder gekonnt mondkälbernen Geist, zusammen mit Marco
Panascia am Bass und Tom Pollard an den Drums zupft, wie ein Veganer,
der im Preisausschreiben ein Jahresabo beim Schnitzel-Eck gewonnen
hat. Aber ich war ja gewarnt: Will appeal to fans of jazz guitar.
TÁ LAM 11 Mingus! (Jazzwerkstatt, jw 105): Gebhard Ullmann feiert das
20-jährige Bestehen seines Projektes Tá Lam mit einer Hommage anCharles Mingus. Die seit 2008 11-köpfige Truppe ist vollmundig besetzt
mit 10 Rohrblattinstrumenten - Jügen Kupke (cl), Volker Schlott (as, ss),
Benjamin Weidekamp (as, cl), Daniel Erdmann & Vladimir Karparov (ts),Hinrich Beermann (bs), Michael Thieke (cl, acl), Gebhard Ullmann (bcl,ss), Joachim Litty & Heiner Reinhardt (bcl), eigentlich sogar 11 Bläsern,da auch der Akkordeonspieler Hans Hassler mit seinem Blasebalg sichins luftige Klangbild einpasst. Sie eignen sich mit Arrangements vonUllmann, Weidekamp und Thieke 9 Kompositionen des so blitzgescheiden wie rauflustigen Bassisten und Bandleaders an: Das sakrale'Canon' (von Mingus Moves, 1973), getragen und zum mitsummen,'Fables of Faubus', 'Jelly Roll' und 'Self-Portrait In Three Colors' vom
Klassiker Mingus Ah Um (1959), von dem auch noch 'Boogie Stop
Shuffle' stammt, das im Medley mit 'Wednesday Night Prayer Meeting'erklingt (von Blues & Roots, 1959). 'Eclipse', das Mingus schon 1947 fürBillie Holiday geschrieben hat, war auf Pre Bird (1960), und 'Reincarnation of a Lovebird' im gleichen Jahr das Titelstück einer Candid-LP.
'Nostalgia In Times Square' schließlich war 1959 für den John Cassavetes-Film Shadows gedacht gewesen. Das Medley bläst gospelig das
Kirchendach weg und betet mit den Tanzbeinen, wird aber nach einerCharles-Ives'schen Turbulenz plötzlich besinnlich, mit Schlott als Vorsänger, der sich ostinat in höchste Höhen aufschwingt, während der Chorzustimmend swingt. Danach wird es fabelhaft politisch mit einem Reigen
von bluesigen Aussagen vor dem Untersuchungsausschuss, die die
Spottlust auf reaktionäre Witzfiguren schüren. Zwei Klarinetten 'singen'den windschiefen 'Eclipse'-Song, der Chor seufzt und brummt eine
Melodie von der Winterseite des Lebens. Quick zuckendes Riffing
kräuselt das ohrwurmige 'Jelly Roll', Hassler hat ein Stelldichein mit deraufgedrehten Klarinette von Kupke. Danach wird das - ebenfalls für
Shadows entworfene - Selbstporträt in seinen Freudianischen, genealogischen und klangfarblichen Dimensionen angestimmt, als Paradestück
für das schillernde Akkordeon. Nachdem mit kubistischer Sophistication
Nostalgie in eine Melodie verwandelt wurde, folgt zuletzt eine bis zur
Unkenntlichkeit monotonisierte 'Lovebird'-Version. Mingus!? Ah Um!?
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Z(ago) + (St)auss

ZAUSS Überall in terra straniera borders beyond (Fazzul Music, fm 0829): Mit 'Hymn'
beginnt auch Überall, der zweite Release des Portmanteau-Duos von Francesco Zago und
Markus Stauss, wie Mingus! mit 'Canon', getragen und zum mitsummen. Stauss brummt
und röhrt auf dem Basssaxophon und Zago lässt seine E-Gitarre ebenfalls wie ein Blasinstrument singen. Die Musik steigt wie Nebel aus den Tälern, morgenrot überhaucht. Für'Senza nessuna eleganza' wechselt Stauss zum lichten Sopran und hascht nach seinem
eigenen, von Zago geloopten Echo, während die Gitarre heftig in Wallung gerät, zwischendurch aber lange im Dunklen stagniert. Bei 'Bewegung' erklingt mit dem Tenor die dritte
Stimme von Stauss, in turbulenten Clashes mit der geharkten Gitarre, die, undicht, eine
Klangspur hinter sich zieht, die sich einkringelt zu einem 'Mundharmonika'-Loop, über dem
das Saxophon ganz zart dahin schwebt. Ist Bewegung der eine Parameter, so Stimmung
der andere. 'Moods' urmelt wieder bassig zu Zago'schem Pizzikato und kaskadierendem
Delay, eine tutende Sirene wird quiekig durchlöchert. 'Pastorale' mischt Soprantriller undgefühlsinniges Hirten-'Geflöte' mit schwebender Euphonie der Gitarre. Der Erfindungsreichtum der Beiden macht auch die weiteren acht Duette zu Zeugnissen schönster Abenteuerlust, die bei den Machern von Spaltklang und Trank Zappa Grappa In Varese bzw.
Yugen ja nicht von ungefähr kommt. Mäandernd zwischen Erschütterungen und Strahlen,
Nichtigkeiten und Wendepunkten, zählt einzig Unerschrockenheit. Die vorausgesetzt, macht
das energisch-kakophone 'Kontaktspiel' besonders großen Spaß. Bei 'Quisquilia' gibt sichStauss vogelig, stupsend, schrill, Zago tüpfelt aleatorisch umeinander und packt seine
Effektkiste aus. Wenn sein Partner bei 'Strahlen' einen besonders 'strahlenden' Gesang
anstimmt, durchstrahlt er den mit prächtigen Reflexen und Splittern. Zauss lässt die
Grenzen von Jazz, Folklore, überhaupt alles Kartografierte, bewusst hinter sich, als
Migranten in terra straniera, als universale Stadtmusikanten im Überall.
50

… sounds and scapes in different shapes ...
ATTENUATION CIRCUIT (Augsburg)
Attenuation Circuit-Macher Sascha Stadlmeier und der Poetry & Sound-Macher Gerald Fiebig, auchlangjähriger Herausgeber der Literaturzeitschrift 'Zeitriss' und verdienter Literaturpreisträger seiner
Heimatstadt, sind zwei gute Geister in Augsburg, die dort die Experimental-Reihe ECHOKAMMER
mitveranstalten. Nun haben sie zusammen auch das Labelprogramm derart aufgestockt, dass ichlieber mal klein anfange, damit ich die Überfülle nicht in den falschen Hals bekomme.
Schön klein ist die Mini Series, 3"-CD-Rs, die in Mini-DVD-Hüllen daher kommen. Canvas - live
(ACM 1001) von EMERGE, das ist Stadlmeier persönlich, entstand bei der Finissage der Ausstellung "Hörbar in Farbe - Malerei als Partitur". Und zwar ausschließlich aus zuvor gewonnenen Geräuschen, die von Malutensilien stammen, u. a. von Tine Klink, von deren Stil Cover, Inlay und eine
gemalte Visitenkarte einen Hauch von Eindruck geben. Aus Wasserglas, Spachtel, Pinsel etc. wird
Musique concrète, quasi Klangmalerei im direkten Materialbezug. Es tropft und tönt wie bei Asmus
Tietchens in dessen aquatischer Phase. Etwas blauer sicherlich. Aber die Leinwände der drei
beteiligten Augsburger Malerinnen strahlten wohl auch etwas mehr Farbe aus als ein tropfender
Wasserhahn.
FM3 haben mit ihren Buddha Machines so manchen Floh in so manches Ohr gesetzt. Auch Buddha
Machines (ACM 1002) von GERHARD ZANDER loopt ausschließlich Klänge von Soundchips undDownloads des Erfinderduos Christiaan Virant & Zhang Jian. Jedem sein eigener Zengarten für die
Hosentasche. Zander beschallt ihn mit zartem Pianoklingklang, ambienten Tagtraumdrones, Twangs
der Guqin-Zither, Pǔtōnghuà-Gewisper. Da schau ich zum Mond auf und werd' etwas blass, derMann im Mond ist Chines' und spielt Kontrabass.
EMERGE ist dezidierter Musique concrète-Mann, keine synthetischen Sounds, immer nur O-Ton,verfremdet. Für Angle (ACM 1003) verwandelte er Atemgeräusche in metallisch singende und hellsirrende Sounds und abgründige Bassschübe, die kontrastierend kollidieren. Die Raumillusion
bekommt etwas Höhlenhaftes oder Submarines, wird aber durchzuckt von wieder helleren
Flatterwellen, die zuletzt die Oberhand behalten.
Die Limited Edition Series als solche (ACL) besteht jeweils aus 50 Unikaten, CD-Rs in Vinyloptik,
verpackt in handbemalten Reiseetuis für CDs. Aber es gibt daneben auch unlimitierte Jewelboxversionen (AC). Den Auftakt macht SUSTAINED DEVELOPMENT (ACL 1001) mit einem
Bekenntnis zu Dröhnminimalismus, Immersion und Deep Listening. Mit La Monte Young und Phill
Niblock als Hausgöttern und John Cages 'ORGAN²/ASLSP (As Slow As Possible)' als dem höchsten
Begriff von Dauer in Musik. '6'39" über Halberstadt' bezieht sich auf die 639 Jahre der Aufführung
der langsamsten Musik aller Zeiten in Halberstadt. 'Kammerflimmern' besteht danach aus einem
erst anhaltend auf einem Harmonium gebrummten Kammerton A, der zuletzt im langen Glissando
aufschwingt. 'Melting into Air' verbindet im Gedenken an den Augsburger Urkapitalisten Jakob
Fugger einen ansteigenden, mahlenden Harmoniumdrone mit spitzem, erratischem 'No Input'Feedback, gesteuert durch den Börsenkurs zwischen der Lehman-Pleite am 15.9.2008 und dem
21.2.2009, dem 161. Jahrestag des Kommunistischen Manifests. Der Titel zitiert daraus die Zeile
Alles Ständische und Stehende verdampft, alles Heilige wird entweiht..., der Ton bohrt sich durchs
Dach. 'Remembrance' artikuliert extrem gedehnt MMMMMMM, AAAAAAA und OOOOOO undübergibt den toten Großen Vorsitzenden der Erinnerung. 'A Scanner Darkly' schließlich mischt imAndenken an Philip K. Dick einen Brummton mit Geräuschen von Fitnessmaschinen und einem
Magnetresonanz-Scanner zur Vision totaler Kontrollvergesellschaftung. Ihr wisst schon, repressive
Entsublimierung am elektronischen Halsband, ständige 'Fehler'-Korrektur im vorauseilenden
Gehorsam gegenüber der nächsten Marketinganforderung. Dagegen Attenuation - Verzögerung,
Dämpfung des turbokapitalistischen Furors. Oder so ähnlich.
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Modul 3 (ACL 1002) dokumentiert eine Live-Improvisation von GERHARD ZANDER und
GERALD FIEBIG vom November 2009 in der Münchner Klangkunstgalerie t-u-b-e unter derÜberschrift 'Gesten'. Fiebig ordnet die mit Mischpultrückkopplungen, Effektgeräten, Sampler
und Table-Guitar ausgefaltete Ästhetik und deren Höreindruck dem Paradigmenwechsel zu,
der vor allem mit Cage und Lucier den Akzent vom Machen aufs Hören verschob, auf ein
unvorherbestimmtes Hören und auf ein Geschehenlassen. Statt autoritäre Diktate zu empfangen, wird Klang zum unbestimmten Anreiz für eigene Empfindungen. Wobei nicht das
Empfinden den Unterschied macht, sondern das 'unbestimmt' und das 'eigen'. Die beiden'Gestenmacher' unterlaufen ihrerseits autoritäre Routinen als Autodidakten ohne festes
Repertoire. Dazu kommt die relative Unbeherrschbarkeit der No-Input-Mischpulte, die insofern
schlecht als Prothesen für die künstlerischen Egos taugen. Statt Botschaften und Zeichen
stehen lediglich (akustische) Gesten im Raum. Die gilt es nicht zu deuten, vielmehr lauscht
man ihnen - alte Zen-Weisheit - wie man Vögeln lauscht. Zwischen Nicht-mehr-Chaos undNoch-nicht-Zeichen öffnen sich Anmutungen von Unübersichtlichkeit, Unvorhersehbarkeit undVergänglichkeit, d. h. von Lebendigkeit. Habe ich das richtig verstanden? Die 60 Minuten in
der t-u-b-e bringen eine menschenfreundliche, quasi apollinische Version von Lebendigkeit,
sie vexieren zwischen Kōan, Dreamscape, Irritainment und Musique d'ameublement. Statt
Vögel 'singen' Maschinen, Elektronen, summt eine bekrabbelte Gitarre. Für dieses Brummen,
Sirren, Pfeifen und Pulsieren in ständigen Modulationen, im vergleichsweise dramatischen 6.
Track dann auch impulsiven Gesten und kleinen Detonationen, bei Track 7 sogar einem
minimal-technoid tuckernden Groove, sind zoologische Vergleiche obsolet. Ist nicht sogar'Rädchen im Getriebe' schon eine veraltete Metapher?
B°TONGs Soundscape Ov ELF and HAARP (AC 1003) liegen die Verschwörungstheorienüber das US-amerikanische High Frequency Active Auroral Research Program in Alaska undüber Manipulationsmöglichkeiten durch Extremely Low Frequency-Wellen zugrunde. Wobei
Chris Sigdell die Thematik eher ironisch und zweifelnd angeht - If is not when... Sein hochdramatisches, Graeme Revell'eskes Cinema pour l'oreille ist hinterfüttert mit The ThingAssoziationen. Huskies heulen im Eiswind, Wasser gluckert, die Luft ein dröhnendes Brausen
und Kaskadieren - willkommen in Gakona. Detonationen und knatternde Frequenzen, Wellenchaos und dann doch auch ein harmonisches Orgeln, die Suggestion von unterirdischen
Anlagen, von U-Booten, von Forscherwahn inmitten von Naturgewalt. Alarmierende Mails
werden getippt, Inuits beschwören halbvergessene Götter, Lautsprecherdurchsagen verhallen
unverständlich. Auf Filmdialogfetzen folgt zischendes Horrorgeflüster, kristallines Rieseln
wechselt plötzlich mit einem halluzinatorischen Exotica-Marimbaphon zu knisterndem Feuer.
Dann wieder gespenstisches Geflüster. Stimmen im Kopf? Was ist HAARP im Vergleich zu
Hollywood, was ELF gegen die Invasionen von Leinwand und Bildschirm? Äußerst suggestiv
spielt B°tong mit Paranoia, Brainstorming, den Phantomen, die auf elektromagnetischen
Wellen surfen. Nicht durchzudrehen ist vielleicht nur ein Mangel an Phantasie.
Wir sind Holzköpfe, aber nur HOLZKOPF nennt sich auch so. Sein Sharp Like a Broken Bone(AC 1005), ein Breakbeatgewitter in Gabbertempo, entzieht sich grinsend dem AttenuationProgramm mit einem Elekkktrosplatter-Äquivalent zu, ja zu was? Fanfare Ciocărlia im 200
Bpm-Delirium? Von Speedranch^Jansky Noise oder V/Vm kennt man ähnliche Anschläge auf
das Nervenkostüm und die Trägheit der Masse(n). Mir schießt ein alter Song der Art Bears
durch den Kopf: Rats and monkeys crowd the city As it crumbles Into ruin Walls are loosening– Der Kanadier mit dem derb-deutschen Namen trifft genau diesen Moment, das crumbling &loosening aller Fundamente und Mauern, aber getanzt als Ruinen-Apocalypso. Demnächst inallen Bundesligastadien.
Nix Puppenkiste, nix Tafelkonfekt. Gemalte Musik, Buddha-Maschinen, Marx & Cage undKnochenbrecherei. First we take Augsburg...
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FAITH STRANGE RECORDINGS (New York)
Mike Fazio war zuletzt in der Band von Copernicus zu hören. Crossing Of Shadows(fs12) zeigt den New Yorker Gitarristen wieder in seinem eigenen Reich. Als orchestramaxfieldparrish wandelt er in elegischen Gedanken, die das Andenken an Jeff Ladd,seinem verstorbenen Partner in Life With The Lions, noch intensiviert. Die Schatten
dröhnender Wolkenbänke sind durchsetzt mit den Schritten eines Spaziergängers, vonVogelstimmen und von Grillengezirp. Etwas Helleresals Dämmerung oder Mondlicht ist zu der düsteren
Stimmung schwer vorstellbar. Fazio suggeriert gleich
mehrmals das Bild eines einsamen Wanderers ('On
Nine Mile Marsh', 'A Walk Amongst The Raindrops'),eines Melmoth oder Heathcliff, der eine gothische
Aura als Mantel um sich geschlagen hat. Durch 'Lost
Star' geistern gitarristische Klangfetzen, das Brüten
weicht einer neuen Unruhe, sogar einer pulsierenden
Bewegtheit von kaskadierend verhallenden Echos.
Ganz unerwartet kommt jedoch eine Männerstimme,
die, von Pianonoten umsäumt, etwas auf Japanischraunt. Die In memoriam-Stimmung hellt auf zu'Lament', das mit Pianoschlägen und hellen Drones Ende und Anfang in eins setzt,
zugleich Feuer und Rose, gestärkt durch den Trost, den T.S. Eliot mit 'Little Gidding'spendet, dem buddhistisch angehauchten vierten seiner 4 Quartets (wenn es denn ein
Trost ist, sich das Verbrennen im Nessus-Gewand vorzustellen als Liebkosung durch
die Hand, die es webte).
OUT FROM WHICH COMES THE BEGINNING heißt auch das letzte Statement auf
I - VI (fs13), einem 'ongoing abstract, exploratory & left-field musical endeavor', dasFazio A GUIDE FOR REASON taufte. Der gedankliche Hintergrund ließ ihn Titel aussuchen, die man in Marmor meiseln könnte: A HANDFUL OF HOURS IN A SPLITSECOND (THE EVENTS OF AN ORDINARY DAY PASS LIKE STRANGERS ON
THE STREET AS WE ARE BUSY AT WORK ENGINEERING TOMORROWLAND).
Oder: BEAUTY IN THE TOOLS OF TODAY (WITH WHICH THE COMMON MAN
HAMMERS THE WORLD INTO STRANGENESS, THE QUALITY IN SUCH THAT
DOES SHAKE US). Und: THE IMPORTANT THING IS TO NEVER STOP QUESTIONING. Die Klangbilder dazu sind loop- und delay-generiert, vom Hämmern und Kreisen
und der Betriebsamkeit des Industriezeitalters bestimmt. Der Sound von Generatoren
und Lokomotiven sind als Ingredienzen eingebacken in Klingeln, grummeliges Brummen, Heulen, Klopfen, flatterndes Rauschen. Dem Fazio den Effekt andichtet, das
Gewöhnliche strange, fremd und fragwürdig erscheinen, ja eigentlich sogar fremd
werden zu lassen. Als Poesie, als Schönheit in langwelligen oder auch pumpenden,
immer aber harmonisch schimmernden Drones. Der Synthie als Orgel für Tomorrowland.
TIME: THE SOLUTION TO THE PROBLEM OF THERE BEING NO SOLUTIONS
ist dagegen abstrakt geräuschhaft - Gebläse, Rotationen, extrem verlangsamte Detonationen. Der letzte Track forciert noch das Bruitistische und Motorische, wummernd
und mit dem Geflatter eines Ventilators an Gitarrensaiten. Echos versetzen einen in
einen containerartigen, von Surren erfüllten Hohlraum, den zuletzt ein Drum'n'BassGroove in Wallung versetzt. VII - VIII (fs14, 3" mCD) reißt ein Loch in den Container Ausblick auf grüne Hügel. Klanglich jedoch suggeriert THE INDIRECT COMMUNICATION zuerst in nahtloser Fortsetzung von 'VI', glucksend, sirrend, aufgewühlt, etwas
Hohles und Wässriges. Auch 'VIII' ist in diesem gedämpften 'Innen' befangen, verschluckt sich sogar selbst. Bis eine große Dröhnwelle über die Szenerie wegbraust,
gefolgt von kleinen Orgelwellen, die auf einen wieder offenen Horizont zu schwingen.
Vielleicht höre ich nur, was ich hören will. Aber was wären Suggestionen ohne
Spekulation?
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ERIC LUNDEs TraitMediaWorks (Minneapolis)
Lunde ist einer der unverwüstlichen und – warum nicht? - guten Geister der Noise Culture. Mit
BOY DIRT CAR hatte er (zusammen mit Darren Brown) von 1983 - 89 der Zweiten Welle des USIndustrial angehört. Als Trait und unter seinem zivilen Namen ist er nie von der bruitistischen
Fahne gegangen und mit seinem eigenen Label hält er zudem auch an der DIY-Praxis fest, die ja
als eine der manifestesten Erbschaften der Tape Culture gewürdigt werden muss. 2010 hat Lundeein ganzes Füllhorn seiner Aktivitäten ausgeschüttet, in allen Formaten von Cdr und Kassetten bis
DVDr und LP. LRAD: Compositions For The Long Range Device wurde als CD herausgegeben in
einer Auflage von 100 Stück, nummeriert und signiert. Verhallende Stimmsamples, dann auch ein
Feuerwerk, chinesisches Geschnatter und verzerrt heulender Krach weben ein geographischenvironmentales Netzwerk.
Als Motto dienen Sätze von Michel Serres, Spezialist für Parasiten und Götterboten aller Art: Wiederholung ist redundant, Identität ist Tod. Statt dessen sei eine Topologie des Differenten erforderlich, eine bewegte Landkarte des Bewegten. Let us trace out the map, real and imaginary, uniqueand double, ideal and false, virtual and utopian, rational, analytic, of a world where the Alps canchange place with the Himalayas, such that their forms reply to each other, and that the callings
from here correspond to the groanings of the excluded there. Vor allem tut eine Alternative Not zu
Hegels Dialektik, die eine mörderische Folge von Unduldsamkeiten zum Gesetz macht. Serreplädiert dagegen für eine Ökonomie ohne Opfer, eine Ethik des Bewahrens, der ein verirrtes Schaf
ebenso wichtig ist wie die ganze Herde. Eine besonders schöne von Serres Denk- und Leitfiguren
ist la belle noiseuse, die turbulente Venus Anadyomene, die schäumend Schreitende als SiNnBiLd
oszillierender, fluktuierender Möglichkeiten. Das Imperfekte, noch nicht Erstarrte gilt es zu bewahren vor der Logik des Trennens, Säuberns und Selektierens, vor der Schwarz-Weiß-Logik, der GutBöse-Logik.
Localized Noise-Induced Transitions (tmw024), diesmal in 200 nummerierten und signierten Exemplaren aufgelegt, widersagt dieser Logik mit Fieldrecordings, die Lunde in St. Croix Falls und Rhinelander, WI, gemacht hat. Ein sirrendes Rauschen stichflammt schweißbrennerisch und manchmal
knackt und klackert es auch an der Endstation des Ice Age Trail. In den 'Rauschpausen' werden
Vogelgezwitscher und Stimmen hörbar. Was genau sich da an 45°24′43″N 92°38′20″W abspielt,
bleibt umbestimmt. Ein Koordinatenkreuz trifft das in etwa so, wie die Countryband, die weiteröstlich im Oneida County aufspielt, den perfekten Nashville-Ton. Lunde hält Distanz und bevorzugt
Unschärfen. Der Wind im Mikrophon mischt sich mit vielsagender Stille, Gerumpel mit einer
akademischen Lecture. Mit How Close one is to the center, if I took the earth, without changing its
mass, and compressed it smaller (tmw025) rückt er der Repetition selbst zu Leibe. Loops eiern
noisig, krachige Impulse brausen heulend in das unrunde Pulsieren, Klopfen und Sausen. 13
Muster von rotierendem Produktionseifer oder gestotterten Kommandos. Der Realismus besteht
gerade darin, dass hier nichts produziert wird außer der Illusion von Produktion. Ein Circulus
vitiosus. Endstufe des Furors - eine Handvoll Diamanten, ein Klumpen Gold, ein weißer Zwerg.
Wer wusste besser als Samuel Beckett, dass Alles überwiegend aus Nichts besteht. Der Rest?
Stimmen im Kopf, halb gehört, schlecht verstanden. An Extremely Loud Silence (tmw027) enthält
drei 'Audio Renditions of Beckett's Dramas'. PETER J WOODS liest, mit Vocoderstimme, 'A Pieceof Monologue': Birth was the death of him. Ghastly grinning ever since...Stock still head haught
staring beyond. Beyond the black beyond. Ghost light. Ghost nights. Stands there staring beyondat that black veil lips quivering to half-heard words. Der schwarzen Schleier brodelt als weißes,
harsches Rauschen. BRYCE BEVERLIN II präsentiert eine Horrorversion des Hörspiels 'Cascando', die Stimme dämonisiert in einer extrem schrillen, fast unerträglichen Kakophonie. Eric Lunde
spricht den Einakter 'That Time' verteilt auf drei Tonbänder, unsinnig schnell und oft verzerrt, wie ineine Gießkanne rhabarbert. Tja, mit Schmerzen gehört, schlecht verstanden. Eine Liebeserklärung
als Säureattentat? Weil es nicht um ein Verstehen geht, sondern um's Ertragen? Lunde ist kein
Mann für einfache Antworten, keine leichte Kost. Das Wort 'enjoyment' verwendet er so, dass ich
seine Bedeutung nochmal im Wörterbuch nachschlug. Freuen wir uns also über diesen Einen.
Was scheren uns die 99, die sich nicht verirrt haben.
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(Wien)Wenn ich das halbwegs verstehe, dann entwarf MARK FELL für ErrorsmithPresets für die Software eines neuen Produkts des Berliner Unternehmens
Native Instruments – die dieser dann verwarf! Unverdrossen nutzte Fellseine Entwürfe, um damit sein eigenes UL8 (eMEGO 111) zu überarbeiten
zu Manitutshu (eMEGO 116, 2 x 12“). Neue Versionen von 'Occultation' sindso entstanden, eine davon als extrem minimalistisch tickender Remix von
Mat Steel. Dazu neue Versionen von 'Acid In The...', ein Running Gag, dersich zugleich auf das eigene '...Style Of Rian Treanor' und Heckers '...Style
Of David Tudor' bezieht. Dazu kommt bei einer Version des Titelstücks eine
synthesis reminiscent of Duet Emmo, also ein Gruß an den Labelkollegen
Bruce Gilbert. Mego-Inzucht hoch 3. Auf der reinen Klangebene betüpfelt
Fell das Hörfeld algorithmisch mit Razor-, Linn-, LatelyBass- und JazzOrgBeatz'n'Soundz. Eine französische Frauenstimme sagt die Muster an wie
bei einer Vorführplatte. Ein vertracktes Muster jagt das andere, ein Taktkrümmer als der vorige. Ich bin versucht, die 45rpm auf 33rpm zu reduzieren, damit es meine Synapsen nicht aus der Kurve trägt. Wer kein Cherokee aus South Yorkshire ist, kommt auf jeden Fall bei derartig vertrillerter
Stochastik ins Schleudern. Vielleicht sollte man es als Vorbeugung gegen
Alzheimer ausprobieren.
A Young Person's Guide to Kyle Bobby Dunn hat es vorgemacht, ein Opus
Maximus mit 24. Dazu gehört die Pose als Junggenie für ein Starposter, dasdie Meisterhand ins rechte Licht rückt, die Pranke von MARK MCGUIRE. Die
selbstbewusste Ausstrahlung verleiht auch seinem A Young Person's Guide(eMEGO 117, 2 x CD) dann schon Flügel. Der Gitarrist der Emeralds steigt
mit einem Velvet Underground-Jam von 17 Minuten in den Best of-Querschnitt seines CDR-Outputs der Jahre 2007-10 ein. Gekonntes, druckvolles
Multitracking, man halluziniert sich den Moe Tucker-Beat unwillkürlich dazu.
Aber McGuires wahre Spezialität sind Mantras, Guitar Meditations, harmonische Dröhntrips in Waberland, erhabene Flüge auf den Schwingen derBegeisterung in den lichten Vorschein der unsichtbaren Welt. Mit frippertronischem Anklang bei 'The Marfa Lights', mit Lou Reed-Sound oder
Schunkeltakt bei zwei kürzeren Tracks, mit westafrikanischem 'Kora'-Loopbei 'Stranger Than Paradise'. Zeit spielt dabei keine Rolle, die Art der Musik
hat neben den Déjà-vus auch ein eingebautes and so on and on and on.
Schwer zu sagen, ob McGuire von New Age-Harmonik bedröhnt ist, oder ein
Schelm, der gar nicht unflexibel mit seinen Minimal-Rezepturen zu variieren
versteht und neben gezogenen Langwellen auch kurze Zitterwellen dröhnen
und pulsierend kreisen lässt. 'Ghost Around the Tree' lässt Geister aus eineralten Opernaufnahme erscheinen, 'The Path Lined with Colorful Stones'
klampft von Mundharmonika besummt den Takt, um ein Kanu stromaufwärts
zu treiben. Ja, unser Genie kann auch akustisch flirren wie der Wind und wie
die Strahlen, die durchs Scheunentor scheinen. Meisterschüler von Fahey
und Fripp, dem Soundscaper und Crafty Gentleman, amerikanisch wie die
blaue Prairie, fernöstlich gebetsmühlenhaft, unermüdlich wie ein vonSonnenenergie angetriebener Koraautomat. Vielleicht gibt es sie ja wirklich,
die Marfa Ghost Lights. Und einen unerschöpften Oscar Wilde-/Orson
Welles-Spirit in den Velvet Goldmines des Rock.
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Harten Stoff für Eggheads liefert Mego mit Speculative
Solution (eMEGO 118), hyperchaotische Sounds von
HECKER zu Texten über Speculative und Extro-Science
Fiction. Eine blaue Box enthält neben der CD 5 knapp 4 mm
große Schrotkugeln und ein Booklet von 160 Seiten mit
Essays in Englisch und Französisch. Robin Mackey,
Herausgeber des Urbanomic-Periodikums Collapse, liefert
mit seinem Metatext schon auch Reflexionen über die
Beiträge von Quentin Meillassoux, maßgebender Vertreter
des Speculative Realism und somit Verfechter von Kontingenz und Hyper-Chaos, und von Elie Ayache, Author von
The Black Swan: The End of Probability. Meillassoux
spekuliert über die 'Fiktion von außerwissenschaftlichen Welten', kurz XSF. Eine XSF-Welt
wäre eine Welt, deren Irregularität ausreicht, Wissenschaft und Bewusstsein voneinander
abzukoppeln. Fiktionale Vorstellungen davon liefern Ravage von René Barjavel (dessen Elea
mir Teenagertränen abgepresst hat), Douglas Adams Hitchhiker's Guide to the Galaxy und
Ubik von Ph. K. Dick. Ayache fragt nach dem Undenkbaren jenseits von Zahlen, Preisen,
jenseits des totalen Marktes. Eine Welt ohne Denken, ohne Kausalität, ohne Humanität, ohne
Leben, pure Mathematik, pures Mysterium, pure Unwahrscheinlichkeit, pure Gesetzlosigkeit.
Heckers Sounds schneiden am äußersten Rand des Marktes Hic sunt leones-Grimassen. Bei
der leichtfertigen Benutzung von Kopfhörern würde wohl zersuppte Hirnmasse tropfen. Wobei
nicht jede Tonfolge gleich krass ausfällt. Auf jede halbwegs tonale Serie von Klangpunkten
folgen – sprunghaft und unberechenbar - gefühlte zwei bis drei ätzende, krätzige, schneidende, beißende, nesselnde, metzelnde Sequenzen mit Frequenzen, die wie Gorgoyles ins
Bewusstsein springen. Denn Bewusstsein gibt es ja jenseits von humanistischer Hybris und
Verblendung immer noch. Je subjektloser, desto objekthafter und empfänglicher. Desto
bedürftiger einer – stoischen - Technik der Kontemplation und der Gewöhnung. Ist damit derfalsche Hase aus dem Sack, der Spatz im Zylinder, der Fuß in der Hand, der Bär auf dem
Buckel, der Philosoph im Fass ohne Boden? Seems I'm a victim of speculative infection / Meetme on the other side of extro-science fiction / Don't need a cure / Need a final solution / DON'T
NEED A CURE / NEED A FINAL SOLUTION.
Ganz verhalten beginnt die Live Double Séance [Antaa Kalojen Uida] (eMEGO 121, LP +Audio-DVD in DTS 5.1 Surround Sound) von THOMAS LEHN & MARCUS SCHMICKLER.
Live mitgeschnitten beim Äänen Lumo Festival for New Sounds in Helsinki am 14.11.2010,
zeigt sich aber rasch die ganze Dynamik und Komplexität dieses altbewährten, zuletzt 2009 mit
Kölner Kranz und Navigation im Hypertext bei Auf Abwegen zu hörenden Duos, das Lehns
intuitives und fixes Actionpainting am Analogsynthesizer verschränkt mit Schmicklers nicht
weniger agilen Computersounds. Wer experimentelle oder meinetwegen 'intelligente' Elektronik
hauptsächlich als Studiotüftelei oder als futuristische Automatik mit einer Brösel- oder Rechenmaschine anstelle eines Herzens kennt, dem zeigen die beiden Rheinländer hier erneut dietemperamentvollen, abenteuerlustigen und immer wieder auch heißen Möglichkeiten deskalten Mediums. Zwar sind Transparenz und Räumlichkeit Trumpf. Doch die quasichaotische,letztlich aber sich nie verselbständigende Virulenz der Klangströme, -schübe und -wirbel
bestürmt die Sinne mit einem Ereignisüberschuss, der einen den Boden unten den Füßen
wegzieht und das Zeitgefühl suspendiert. Generell sind die knarzigeren, raueren BerührungenLehns Werk, die feinere Körnung und die wooshenden Schwünge Schmicklers Beitrag. Wobei
die Mittelpunkte der Ellipse oft so nahe aneinander rücken, dass die sprühende, bitzelnde,
splitternde Klangvielfalt einem einzigen Hirn zu entspringen scheint. Pulsierende odersymmetrische Momente sind die Ausnahme in dieser Ästhetik des Schweifens, Mäanderns undder Impulsivität, deren einzige Regel eine Unregelmäßigkeit zu sein scheint, die in ihrem
Wuchern und kaleidoskopischen Splittern über bloßen Nervenreiz hinaus auch Dramatik
entfaltet. Auf einen vorletzten Höhepunkt nach ca. 35 Min. und eine minimalistische, beiläufig
witzelnde Sondierungsphase sammelt ein keyboardistisches Motiv noch einmal die Potenzen
zu einem finalen Crescendo mit mehr Zipfeln als eine Narrenkappe.
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CINDYTALKs Hold Everything Dear (eMEGO 122) übernimmt
seinen Titel von einem Essayband von John Berger. Gewidmet
ist der Release Matt Kinnison (1965-2008), dem einstigen
Bassisten der zum Einmannunternehmen von Gordon Sharp
geschrumpften Band, der aber, solange er konnte, weiterhinSounds und Ideen beisteuerte. Aufgeregte Kinder, Glöckchenklingklang, melancholisches Pianogeklimper. Schon die Eingangsszenen schaffen eine Atmosphäre, für die nichts besser
passt als 'hauntologisch'. Sharp blickt in Bernsteintropfen derErinnerung, durch Fotolinsen, so geschliffen, dass sie die Wahrnehmung eines Flaneurs träumerisch verformen. 'On The Tip Of
My Tongue' ist ein treffender Titel für Déjà-vus, für etwas nagend
Bekanntes, dessen Name einem nicht einfällt. Ein Flussdampfer
tuckert vorbei, hinter Rauschgardinen Stimmen und Alltagsleben,
eine sirrend geblasene Melodie (wie Unanswered Question vonIves). Prasselnder Sturzregen. Handwerker oder Bauern bei derArbeit, eine Fahrradklingel, schabende, flirrende Geräusche,eingebacken in Gedröhn, das sich träumerisch dahin wälzt. Der
Fotoauslöser klickt. Dann wieder Klimperei. Und wieder Alltag.
Berger schreibt über Erniedrigte und Beleidigte, über Widerstandund Überleben im Spätkapitalismus. Cindytalk klimpert ein
fernes Echo eines der alten 'roten' Lieder. Aber der Widerstandist zittrig, ein Rinnsal, die Fäuste abgeschliffen vom Sandstrahl
des Wettbewerbs, die Luft durchrauscht, durchschrillt von Furien
der Angst, der Gier, der Enttäuschung. Das melancholische
Piano träumt immer wieder dagegen an. Wie die Landschaftsund Porträtfotos von Jitka Hanslová. Der letzte Track kehrt anden Anfang zurück, Kinder, Klingklang... aus der Stille unerwartet
noch eine Hymne, verzerrt und gedämpft... Kirche? Eher die
Sehnsucht selbst, nicht deren Enteignung.
Eine blutverschmierte Matratze, ein Fleischermesser, ein zerschlagenes Gesicht,
MIKA VAINIO präsentiert seine Musik auf Life (...It Eats You Up) (eMEGO 124) so
brutal wie noch nie. Aus Allem spricht die konfrontative, realistische Sprache desIndustrial und dessen Nachbeben. Pan Sonic und Vainio allein haben sich bisher ineher abstrakten Gefilden bewegt, wobei schon die Kollaborationen mit Keiji Haino
vermuten ließen, dass Vainio nach anderen Ventilen für sein Gefühlsleben suchte undbereit war, der Anziehungskraft Schwarzer Löcher zu folgen. Hier kommen nun Aggressionen zum Durchbruch, die mit ungewohnten, harten und knurrigen Gitarrenschlägen ohne Fisimatenten den Geist der Trägheit anrempeln. Der harsche Sound
geht einem an die Gurgel, 'Mining' ist ein erhabenes Stück roher Direktheit. Das kurze'Napoleon' danach eher heimtückisch in seinem gedeckten Vormarsch, der in einer
schrillen Attacke mündet. 'Open Up And Bleed' von The Stooges kommt schleppend
und knurrend daher als urig verlangsamter Black Metal, mit gurgelnder Stimme aus
einer höllischen Teergrube und kolossalen Kettensägen-Gitarren. 'Crashed' klangbebt
in finsterer Melancholie, geht in Beinahestille nahezu unter, lässt aber auch im Untergrund nicht nach, mit Faustschlägen zu dröhnen. 'And Give Us...' knurrt und sägt
einzelne Schnitte, torkelt und stolpert und droht zu zerfasern, jagt aber eine letzte
Stichflamme heraus. 'Cage' kratzt aus Vinyl eine dunkel verzerrte Gurgelstimme,
bevor 'Conquering The Solitude' zwischen abgründigem und schrillem Gitarrennoise
schwankt. Zuletzt klopft und zischt 'A Ravenous Edge' und Vainio findet eine letzte
erhaben knurrende Gitarrenmelodie (wie Thrones oder Guapo), die einem durch Markund Bein geht. Nach ihrem Vorüberzug rastet die Stille nur mit Quietschen und
Kratzen ins Schloss.
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m=minimal (Berlin)
KREUZBERG ist ein Projekt der Jugendfreunde Andreas Peters
und Jens Strüver, natürlich in Kreuzberg. Und Kreuzberg (mm006, LP) heißt auch ihre Wiederbegegnung auf dem pulsierenden
Feld der Elektronik, nachdem sie als Jungs einst im gleichen
Verein gekickt hatten. Handishe Beats, metronomisch wie bei
Jaki Liebezeit, getupfte Basslinien vom Synthie und Sounds vonPlattenzuspielungen. 'Unheimlich...' mischt teutonisch exakten
Beat mit gummiweicher Dub-Lässigkeit, dazu haucht anfangs
eine Frauenstimme. Dann wird es brummig und wie unter Wasser
verquirlt, vereiert, rückwärts gespult. Das Hi-Hat haspelt, der Beatstottert, fasst dann aber wieder Tritt auf festerem Boden undtrickst mit doppelten Übersteigern. Lee Perry ist King. 'Kaffeepause' mixt erstmal das Pulver, bevor dann das Koffein zu rocken
beginnt. Schwarze Beats ohne Milch und Zucker, der Energiefluss kurvt im Raum umher, der Puls flattert. Nicht nur weißes
Pulver lässt einen implodieren. Drones von gestrichenem Vibraphon bilden das Intro für 'Grille', das uptempo einen Massive
Attack-Puls mischt mit klackenden Hi-Hat-Loops und Dub-verhallter Stimme. Messinggeflirr wird überflogen von einem dröhnenden Bienengeschwader. Kaskadierende Basslinien ergießen
sich in ein Staubecken, kleine perkussive Effekte kräuseln den
Dröhnsee. Mit einer Serie von Glasscherbencrashes setzen dannwieder tackernder Puls und der Hi-Hat-Automat ein. Untergründig
verhallt ein Stimmecho. Wie aufgezogen marschiert man dahin
wie Winshluss' Pinocchio, in dessen Schädel Jiminy Cockroacheinige Drähte vertauscht hat.
Con-Struct (mm-007, LP) besteht aus 8 Konstrukten, die BORNGRÄBER & STRÜVER ausschließlich mit Material aus der Phonothek von CONRAD SCHNITZLER konstruieren durften. Um
den Schnitzler-Touch möglichst originalgetreu zu transferieren,
wurde mit Analogequipment gearbeitet und Röhrengeräten,bestückt mit Röhren aus den 60ern, die Christian Borngräber ineinem Radioreparaturladen im chilenischen Calama entdeckt
hatte. Knarrige Drones und dunkle Motorik sind verbunden zu
Mustern, die nur oberflächlich wie am Schnürchen dahin spuren.
Aber der Bewegungsdrang scheint umwölkt von Erinnerungen,überschattet von Zweifeln. Vielleicht sind es auch einfach
Nachtfahrten, im Hinterkopf beorgelt und bedröhnt von etwas,
das den, der da einsam dahin rollt, melancholisch stimmt. Bei'Con-Struct 4' widerstreben sich schnelle Impulse und mäandernde Dröhnschlaufen. Das Chukachukachuka von 'Con-Struct
5' scheint sich mühsam durch knurrige Dröhnbänder voran zu
arbeiten, während 'Con-Struct 6' den Widerstand durchstoßen hat
und Tempo aufnimmt, ohne die dunklen Schatten abschütteln zu
können. Schon bei der folgenden Etappe geht der Puls wieder
nur zäh und es geht nur mühsam voran, die dunklen Spuren
häufen sich und rollen aus allen Richtungen gegen einen an. Im
finalen Part stampft man nur noch wie submarin voran, überwölbt
von einem elegisch dröhnenden Adagio, in dem man fast so
etwas wie einen gedämpften Chor zu vernehmen meint. Seit
Schnitzler am 4.8.2011 gestorben ist, klingt das noch elegischer.
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MonotypeRec. (Warszawa)
TROPHIES ist ein Projekt von Alessandro Bosetti. Der Stil ist der gleiche wie bei
Royals (mono034), aber bei Become Objects of Daily Use (mono037) für ein Trio
mit Kenta Nagai an fretless guitar und Tony Buck an den Drums arrangiert. Die 8
Kompositionen gleichen den drei vorausgegangenen darin, dass wiederum Loops
ihr Wesen ausmachen, Loops, denen Bosetti selbst mit seiner Stimme ihr besonderes Gepräge gibt. Er spricht, genauer, er wiederholt ständig auf Englisch eigene
Texte, nur bei 'He came close to simply proceeding' mischt er wie schon bei'Gloriously Repeating' Zeilen von W.G. Sebald ein. Nagai imitiert die Sprachmelodie so exakt es nur geht, bevor er und Buck immer dichter und schneller den
Drehwurmcharakter selbst ins Zentrum rücken, und der Text zudem in Bosettis
elektronischen Dröhnwolken unterzugehen droht. He was a very foxy gentleman,mechanical, natural, human, inhuman, sacred, daemonical... Bosetti gelingt ein
verblüffend vielfältiger Tonfall. Buck trommelt so rasend wie bei Weird Weapons,
nur straighter, indem er sich jeweils auf ein bestimmtes Klangfeld beschränkt. Daskurze 'Hotels are ripping you off in D.C.' macht er ganz groovy. Beim Sebald-Track,den das Ticktock einer Kontrabassuhr durchkreist, ähnelt die Gitarre irritierend
einer zweiten Stimme, einer Frauenstimme, oder einem hellen Echo. Erstaunlich,
wie Nagai auch 'Enummerating issues of coexistance' nach-'spricht' und 'In thebackseat listen to him talk'. Das fällt auf durch elektronisches Rückwärtsgezwitscher, lediglich einigen perkussiven Akzenten, seltsamen Schreien im Hintergrund und zuletzt Krähenkrahkrah. Heftig geht es bei 'Let me take out the dog' zur
Sache, mit vehementem Knatterdrumming und von vorne herein einem hohen
Lärmpegel durch die hier schrillende Gitarre. Bei 'Spaceship' verdoppelt sich, zu
feinem Klimbim und einem Gitarrendrone, die Stimme nicht nur, sondern Bosetti
stimmt hier tatsächlich einen priesterlichen Sprechgesang an, den er ziemlich gut
im Ohr hat. Äußerst eigenartige Musik, selbst wenn man an Harry Partchs 'speechmusic' denkt oder Robert Ashley gehört hat.
You Can't Get There From Here (mono038) ist ein Gemeinschaftswerk von SCANNER + DAVID ROTHENBERG. Rothenberg tagträumt mit Bassklarinette und Klarinette im Fourth World/Magic Realism-Stil von Jon Hassell, angeregt durch die
Stimmen von Vögeln und Walfischen. Robin Rimbaud unterlegt das mit LaptopSamples, granularem Geriesel und gedämpften Elektroloops. 'Where Do You Run
To?' ist ein melancholischer Song mit souliger Frauenstimme, 'Tlingit Death Song'bezieht seinen elegischen Ton vom Rezitativ eines Textes des nahezu ausgelöschten Indianerstammes in Alaska, das Titelstück erinnert unwillkürlich an die
Wehmut von Thomas Wolfe. Professor Rothenberg ist weltreisender und praktizierender Musiker-Philosoph und Autor von Sudden Music: Improvisation, Sound,
Nature (2002), Why Birds Sing (2005), Thousand-Mile Song: Whale Music in a Sea
of Sound (2008) und Survival of the Beautiful: Art, Science, and Evolution (2011),
ein Seelenbruder von J.E. Berendt und David Toop. Nach Duetten mit einem Häherlingspärchen, mit Walen oder mit Zikaden brachte ihm zuletzt sein Duett mit Marilyn
Crispell, One Dark Night I Left My Silent House (ECM, 2010) höchstes Lob ein.
Auch die Stimmung und der Groove, das 'rudernde' Tamtam von 'The Serpentine
Way' etwa, das nervös klappernde 'Fabian Fox' mit seinem wiederkehrenden
Orchestersample, sind schwer zu überbieten. Rimbaud, dessen Curriculum vitae
inzwischen mit Wörtern wie Royal Ballet, Vogue und Philips gespickt ist, zeigt seine
vertraute Handschrift durch hintergründige Vokalsamples wie das lockende Geflüster von 'Ready Ready', die Atemzüge bei 'Compounding Daydream'. Er verschmilzt
Rothenbergs brütende oder pastorale Gesänge mit einem naturnahen Flow undchillt die frickeligen Nerven zuletzt vor der eisigen Küste von Spitzbergen.
59Der Weg zu KIM CASCONE wird von ihm selbst mit einer
ganzen Reihe von Warnschildern, V-Effekten und Doublebinds verstellt. What we record will always be a mere simulacra... By recording a field we steal its soul, we lose thegrain. Soundscapeing und dessen Performance tendiert zu
authoritärem Fokusieren, zu Linearität und Narrativiät, zum
Ein- und Ausklammern, das der 'Körnung' oder 'Maserung'eines Klangfeldes das Blut aussaugt und die Seele raubt.
Wieso soll ich mir dann The knotted constellation (fourteenrotted coordinates) (mono039) antun? Weil seine Operation
all diese Fallen vermeidet und nicht im ghetto of soundsouvenir or audio puzzle endet? Auditory fields are notmusic. Im besseren Fall sind sie Verlockungen für Träumereien, wobei, wie beim Protagonisten von Tom McCarthys
Roman Remainder (dt. 8 ½ Millionen), viele Tricks nötig
sind, um diese traumdurchlässige Wahrnehmung von etwas
Authentischem und Selbstverständlichem und damit das
Gefühl, lebendig zu sein, überhaupt zu bewerkstelligen.
Cascone, ein Mann mit allerhand Erfahrung in der Filmindustrie und im Sounddesign, arrangiert also seine Fieldrecordings bewusst so, dass sie nichts Offensichtliches undLogisches und noch weniger etwas Erzählerisches suggerieren. Kirchenglocken, Carillon, Schritte, halbkonkretes
Rumoren von Holz, Metall, Wasser, knarzige, spotzende
Störungen, Seehundgebell, die Zeile: You can trust me,
Gerinsel in eine Blechwanne, Hubschrauber, Metallklingklang, Brandungsgeschlabber, Spatzen, Bahnhofsdurchsage, locker verwoben mit Unbestimmtem und zuletzt
grillenähnlichem Getriller und dem Muhen eines Nebelhorns. Surreale Audiopoesie ohne roten Faden. Die, wenn
ich Cascone recht verstehe, umso mehr Leben ausklammert, je fixierter ich lausche. Verflixt.
"You can trust me" entpuppt sich als Zeile aus dem Mundvon EUGENE S. ROBINSON, dem Storyteller von OXBOW.
The Crying of Lot 69 (mono040) ist ein abgebrüht geraunter
Monolog, dessen Pynchon-Titel einen auf eine falsche
Fährte setzt, selbst wenn man zu Inherent Vice vorspult. Die
ihm entsprechende Atmosphäre eines gnadenlosen, von
Aasfliegen durchschwirrten Hard-Boiled-Realismus verstärkt
PHILIPPE PETIT durch einen Soundtrack aus Fieldrecordings & Electronics etc., den er anreichert mit gepressten
Trompetensounds von Rhys Chatham, Cellodrones vonHelena Espvall sowie Synthie und akustischer Gitarre vonHervé Vincenti. Robinsons Protagonist ist wie eine Ausgeburt von Jim Thompson, Derek Raymond oder Boris Vian.
Akribisch rekapituliert er den Auftragsmord an einer Frau.
Die akustische Gitarre im letztem Kapitel gibt dieser Nabelschau eines Killers, der offenbar ein paar Bücher zu vielgesoffen hat, endgültig die höhere Weihe und Aura eines
melancholischen Satans, der, empfindsam und verzweifelt
und dennoch heroisch, die Last schultert, Herr der Fliegen
und Spezialist für den Tod zu sein. Und der so gnadenlos
wie er killt auch seinen Lohn kassiert.
60

/ MONOCHROMEISION (Moskau)

Das Projekt Sound Ecology: Range (patch two) hat, wie extra betont wird, mit
grünen Bewegungen nicht direkt was am Hut, 'Sound Ecology' sei lediglich die
metaphorische Klammer für 10 Soundtracks, die 'Umweltbewusstsein' vom Klingen
und Lauschen her definieren. Entsprechend wird Umweltverschmutzung vorwiegend musikalisch aufgefasst. Den Klangkonserven aus den musikalischen
Supermärkten wird Frisches aus dem eigenen Hinterhof als Alternative entgegen
gestellt und zugleich das Ohr für Hörenswürdigkeiten geschärft. MATHIEU
RUHLMANN machte einen Spaziergang um 'Tranquille', ehemals ein Tuberkulosesanatorium und später eine Nervenklinik, seit 1985 eine Geisterstadt in
British Columbia. YANNICK DAUBY lauschte in der Nähe eines taiwanesischen
Dorfes im Regenwald auf die Rufe von Dickschnabelkitta und Scimitar Babbler.
MICHAEL NORTHAM meldet grundsätzliche Bedenken am Sinn des Ganzen an,
schüttet dann aber doch Frösche, Spatzen und Grillen in einen großen Topf undverspricht sich davon kommunikative Nebeneffekte. Für ERIC LA CASA undCÉDRIC PEYRONNET ist der Krach einer Recyclingfirma im belgischen Liege
Musik in den Ohren, was einer gewissen Pfiffigkeit nicht entbehrt. JOHN GRZINICH genügt, was Wind und Regen mit dem Drahtzaun in seinem Hof anstellen.
FRANCISCO LÓPEZ ist das Thema längst essayistisch angegangen und interessiert sich zwischen Schizophonie und l'objet sonore für das - hier motorischflickernde, rauschende, surrende - Innenleben von Klängen. JEPH JERMAN lenkt
die Ohren auf ein quietschendes Windmühlenwrack und ein Motorflugzeug in derWüste. RALF WEHOWSKY gibt sich ebenfalls skeptisch, was die ganze Fieldrecorderei mit ihren oft mageren Fundstücken angeht, ihn interessieren auch keine
Idyllen, sondern der menschliche Faktor. Seine Klangquelle ist die Stimme von mvMacher Dmitry Vasilyev, verzaubert zu hyperbolischen Glissandos, zerstottert zu
Kosmonautengemurmel. Bei CHRISTOPHER MCFALL drehen sich die dunkle
Spieluhr der Dämmerung und der Mühlstein der Nacht, als wäre die Welt doch eine
Scheibe und als hätte Karajan auch mal einen Ruderwettkampf dirigiert. MURMUR
verrührt zuletzt mit einem monotonen Loop Wind und glucksende Brandung zu
einer dröhnenden Wassermusik. Ich bekomme langsam nasse Füße vor soviel
Schizophonie.
Als Maeror Tri sich 1996 teilte, machten Martin Gitschel & Stefan Knappe weiterals Troum und Helge Siehl wurde verzaubert in 1000schoen. Yoshiwara (patch
seven, 2 x CD) ist die Wiederkehr von 5 Tracks, der er 2005 als CDr bei Kafue
Systeme veröffentlicht hat, erweitert um bisher unveröffentlichte 24 Bonusminuten.
Die nehmen größerenteils die aus läutenden Phantomen und motorischem Grollen
geballte Gestalt von 'Dronescape' an und verraten damit kein Geheimnis - Siehl ist
ein Dröhner und Looper vor dem Herrn. Eine besondere Note bringt er auch mal
durch den Einsatz von Pianoklimperei ins Spiel, zusammen mit summendem
Singsang. 'Sowlong', die 26 zentralen Minuten von Yoshiwara, schroten in ihrem
Mahlwerk Sufi- oder Muezzingesang mit, was den Erhabenheitsfaktor des Brausens, Orgelns und hintergründigen Klapperns um eine Zweierpotenz erhöht. Mitgelooptem Handclapping und Chorgesang eines tribalen Festes treibt die eingefangene Folklore den Puls gleich mit in die Höhe. Mir kommen Morgenlandfahrer
wie Rapoon und Muslimgauze in den Sinn. 1000schoen variiert deren und eigene
Rezepte, wenn er bei 'followed your steps' sein Lo-fi-Rauschen wiederum mit
einem psychedelischen Bassloopgroove ankurbelt, der die Lebenssäfte spätgeborener Singles quasi-kultisch und saturday-night-festlich keltert. Das nocheinmal 20-min. Titelstück umorgelt die Sinne mit schnellen und hellen Synthie- undGitarrenwellen. Ein Großreinemachen, das die Synapsen frei zu blasen versucht
von den Anhaftungen der Blöd-Maschinerie? 1000schön wär's.
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Dmitry Vasilyev selbst präsentiert mit SIMON WHETHAM & FRIENDS einen Sound-Designer aus
Bristol, der als Referenzen auf die Zusammenarbeit mit Scanner verweist, auf einen Amazonastrip
mit Francisco Lopez und ein Stipendium in Tallinn. Der Vierzigjährige ist mir 2009 mit einem kleinen
Release bei 1000fuessler untergekommen, der mir den Eindruck einer U-Boot-Fahrt vermittelte.
Meditations on Light (mv35, 2 x CD) enthält nun, wenn ich das recht verstehe, mit 'Lightspace' und'Darkerspace' Stereoversionen seiner Musik für die Lightyears-Ausstellung der Malerin Kathryn
Thomas mit kosmischen Darkspace-Bildern, Ölgemälden in der Preisklasse bis zu £ 4650. Whetham ließ sich dazu eine klassische Untermalung einfallen, schwebenden Orchester- und Synthiesound, ambiente Piano- und Gitarrenmusik, die Raum und Zeit träumerisch relativiert, durchschliert
mit Space-Drones, aber auch mit knarzigen Verzerrungen, als würde eine Strahlung die Harmonie
der Sphären stören. Wie das Meer im irdischen Maßstab, ist das All der ganz große Ocean ofSound, in den man auch ohne die gemalten Suggestionen kosmonautisch eintauchen kann. Ein
Dutzend Friends remixten diese Musik: FOURM, RICHARD LAINHART, PHILIPPE PETIT (der das
Piano als schwarzen Monolithen erscheinen lässt), MISE_EN_SCENE (Shay Nassi, der in Tel Aviv
Mahlers Geist über dem Thalassameer schweben lässt), MAILE COLBERT (die kosmischen Funkverkehr und irdische Erinnerungen einmischt), SCANNER (der die Milchstraße mit D'n'B-Beatskreuzt), CHRISTOPHER MCFALL (der den Raum dicht und widerständig wirken lässt), DAVIDWELLS, IRIS GARRELFS (mit einem elegischen Lied von Abschied und Verlust), YANN NOVAK(weit draußen und einsam), LAWRENCE ENGLISH (der sich gegen den Sonnenwind stemmt) und
JOHN KANNENBERG (noch weiter draußen und noch einsamer). Andromedabenebelte Köpfe
zwischen der Schwerkraft der Erinnerungen und dem Sog der Leere und der Dunkelheit.
Shaun Robert war als FACTOR X in den 80ern bis weit in die 90er ein Mitglied der E.T.A., derExperimentellen Tape-Art-Fraktion, vernetzt mit Telepherique und deren Drahtfunk-Products, mit
Sudden Infant oder Runzelstirn & Gurgelstock. Entertainment is boring, Boredom is more entertaining war eine der sarkastischen Parolen, die mit der grassierenden Retromanie wieder aktuell
wird. 022 (mv36) war 1985 eine Kassette (plus anonymisierter abgenudelter Flohmarkt-7") in 25er
Auflage gewesen - und damit durchaus typisch für die Szene. Robert loopte da zuerst Lo-fiGedröhn, was aber nur den Auftakt abgibt für eine Plunderphonie mit vielerlei Film- und Radiosamples, mit Klassikmotiven, Calypsofetzen, monoton kreisenden Mövenschreien und dunklen
Stimmbrocken, mit Afrogesang und hohlem Tamtam, ganz gedämpft unkenntlich Gemachtem,
zuletzt Verkehrslärm, einer Sirene, einer Frauenstimme dumpf im Hintergrund, Pianogeklimper.
Dazwischen schrappeln Gitarren, durchsetzt mit einer Stimme, die gegen sinnlosen Konsum
predigt. Das ist in seiner collagierten Verlaufsformlosigkeit gekonnt und spannender als ich inmeiner anfänglichen Retro-Aversion vermutet hatte.
Ama_Zone1: Black Waters (mv37) von ARTIFICIAL MEMORY TRACE nimmt einen mit auf die
beiden Reisen, die Slavek Kwi ins Amazonasgebiet gemacht hat. Wie in der wirklichen Erinnerungmischen sich Klänge von Flughäfen, Straßen und Hotels mit dem, was die Mikrophone dann von
Booten aus einfingen - Regen, Regen und noch mehr Regen, Vögel, Insekten, Fischotter, Fledermäuse, Baumfrösche, Brüllaffen, brasilianisches Kreuch & Fleuch zu jeder Tages- und Nachtzeit
in seiner Dschungelüppigkeit, von Baumkronen bis unter Wasser. Insgesamt sollte es ein Klanggarten werden für autistische Kinder. Aber dieser akustische Palmen-Garten, diese Tropen im
Glashaus, stehen allen offen, die darüber staunen möchten, welche Vielfalt sich auftut, wenn
Glotzen und Schwitzen nicht das Gehör betäuben.
Mit Flesh Tomb (mv38) wird ein weiterer Kassettentäter der 1980er/90er Jahre ausgegraben.
Mike Honeycutt machte in Memphis als MYSTERY HEARSAY sein Ding, das u. a. auch bei
Midas Tapes und Sound Of Pig verbreitet wurde. Die Downloadära führte seinen Aktivitäten
frischen Sauerstoff zu. Ausgrabung ist das Stichwort, alles, auch die 6 LARB -Tracks mit Zan
Hoffman, dreht sich um Unterirdisches. Gitarrengedröhn, sirrende Sägeblattelektronik undDampfstrahlen blasen Morlockgeruch ans Tageslicht. Man macht mit der Geisterbahn eine
Besichtigungstour durch Plutos Reich, die einen Vorgeschmack gibt, was einem 'unten' blühen
wird, wenn man 'oben' falsch investiert.
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MNDR/PSYCH-KG (Euskirchen-Flamersheim)
Was Matthias Horn mit seiner MNDR/PSYCH-KG-Produktions- & Vertriebsstätte so sympathisch macht, ist das Bewusstsein dafür, dass es bei dem ganzen Industrial/Noise-, Kunst! &Musik?-Quatsch nicht (nur) darum gehen sollte, an halbstarken Gewohnheiten festzuhaltenoder mit einem 'krassen Geschmack' der schnöden Welt zu spotten. Von Anfang an waren im
Industrial - jetzt mal als Überbegriff genommen - Herz & Hirn besonders intensiv und anders
als üblich gefragt. Herzstück der Ästhetik, der 'Weltanschauung', des Engagements, ist die
Solidarität mit dem Heterogenen, um es hochgestochen (mit Adorno) auszudrücken, odersimpler, die Identifikation oder zumindest der Schulterschluss mit den Selektierten, den Verfemten, den Unbefugten. Statt kokett-provokanter Sympathy for the Devil und dem ganzen
Scheißkult um Bauchaufschlitzer und Menschenschinder ein Blick, eine Stimme für die
Stummen, die Unsichtbaren. Für die, die man wegsperrt, die man aus dem Weg räumt, fürdas, was nicht in den Kram der Krämerseelen passt, damit der Marsch ins allgemeine Eiapopeia nicht ins Stolpern gerät. Art Brut, Außenseiter-'Kunst', vom einfachen Do-It-Yourself
der 'Dilletanten' und 'Kassetten-Täter' bis zur 'Bildnerei der Geisteskranken', ist, wenn man
mich fragt, die Magna Carta der 'Bewegung'. Gemeint (und gesucht) ist dabei etwas 'Eigenes'
und 'Eigentliches' (Ursprüngliches, Primitives, Wildes, Unkastriertes, Unsublimiertes etc.). Ich
teile damit nur das 'Ecce Homo' als Anstoß des Denkens und Fühlens, ziehe aber dem Phantasma der Authentizität eine Philosophie des Als Ob und die 'Imaginären Lösungen' der 'Pataphysik vor. Das 'Ecce Homo', etwas unpathetischer, das 'menschliche Elend' (das selbst die'gelungeneren' Exemplare unserer Spezies teilen), ist bei A-Childs-Color-Play Pt.2 (Psych.KG
037, LP) in beispielhafter Weise Teil des Werks: Für geistig behinderte Teenager war es ein
Kinderspiel, die 100 LP-Covers in hundertfacher Einzigartigkeit mit 'Himmels-Motiven zu gestalten. Dieser bildnerische Anhauch genuiner Art Brut transportiert nämlich 'Sky' von Ichiro
Tsuji, in den einschlägigen Kreisen bekannt als DISSECTING TABLE, dessen Domestic
Violence-Split mit Kommissar Hjuler, Ja / Nein - Sonate, 2009 ebenfalls schon von behinderten Jugendlichen gestaltet worden war. Diese Gestaltungsmöglichkeit ist also kein Gag,
sondern zeugt vom Selbstverständnis, das bei der Psych-KG herrscht, und das speziell auchder DVR-HGA Serie von Split-LPs mit den Neo-Brutisten Kommissar Hjuler & Mama Bär
zugrunde liegt. Tsuji ist ein Veteran des Japan Noise, der seit Mitte der 80er dem anthropologischen Grundrauschen lauscht und den Orakeln des Chaos. Sein raues Brausen und
Flattern, motorisches Brummen und Kreiseln, wird nicht dadurch beruhigender, dass es
zwischendurch langsamer seine Furchen kratzt. Die B-Seite bringt den Wiesbadener KarmaCosmiker MATHIAS GRASSOW, der seit 2006 in TOMAS WEISS einen geistesverwandten
Weggefährten gefunden hat, mit dem er auch als Nautic Depth im Ocean of Sound taucht. Er
hat übrigens gerade ebenfalls eine Himmelfahrt mit Namen Sky beim schwedischen Labelgterma publiziert. Ihr Gemeinschaftswerk 'plus - minus' ist im Gegensatz zur kosmischen
Unruhe des Japaners ein 'himmlisches' Nada Brahma-Ommm mit hohem Eiapopeia-Faktor.
Gibt es da eine Schwäche für die Idylle, ein immer wieder gern geseufztes 'Schön wär's'?
Der Psych-KG verdanken die BA-Abonnenten diesmal eine, wie ich finde, ganz besondereÜberraschung. BOMIS PRENDIN ist ein Name, der 2001 nach einem Verstummen, das 15
Jahre andauerte, wieder auftauchte. Geht man zurück zu den Anfängen der PsychedelicFormation aus Washington, D.C., stößt man 1979/1980 auf Test und Phantom Limb, zwei
Flexi-9" bei Artifacts Records, wo anschließend auch die frühesten Lebenszeichen der
Orthotonics erschienen sind. Bomis Prendin - Keyboards, percussion, vocals, scribbling,taping, Corvus Crorson - Noise of all kinds, Miles Anderson - Lead guitar, vocals, anti-composition, Hungry "Isaac" Hidden - Bass, vocals & Candeee - Atmospherics verbreiten mit
Drummachinegetacker und in Klangwolken gehüllter Rückwärtsgitarre eine Weirdness, dieungeniert nach 80er Jahre duftet, aber jeden nostalgischen Seufzer rechtfertigt, der damit
einhergeht. Ist es doch eine Nostalgie nach Anderssein und Eigensinn. Andere Seiten zieht
danach ERIC LUNDE auf, wenn er mit Alteisen catcht, einen mit Noise wachspritzt und die
Gehörgänge frei fräst. Aber davon war ja schon ausgiebig die Rede.
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Spectrum Spools (Wien)
Welche Botschaften könnten Kosmische Kuriere mit Messengers
des New Age austauschen? Hält sich Sauerkraut in Dosen so
gut wie Shirley MacLaine in Formalin? Mark Dwinell, Sophie Lam
und George Bennett, kurz FORMA, umkreisen auf FORMA (SP003, LP) solche und ähnliche Fragen mit einem ganzen Maschinenpark der Marken Roland, Yamaha, Crumar, Oberheim, Moog,
Farfisa und Alesis. Sie unternehmen eine Art akustische Testreihe, die in 11 Variationen die Loops von fixen Beats mit harmonisch schweifenden Wellen verquirlt. Arpeggierendes Geflimmer
und Geflöte mischen sie mit Gezwitscher und einem stehenden
Ton, regelmäßiges Auf und Ab mit Drummachinemustern. Dudelige Figuren tanzen Kreis um Kreis und ziehen einen mit in den
Sog der Repetition. Sind es Kreise? Oder Spiralen? Ständige
Wiederkehr des Gleichen, oder nur die Illusion von Wiederholung
bei ständig leichten Verschiebungen? Synthetisches Rokoko
changiert mit pastellleichter Pop Art. Die Skepsis, die vom Stichwort New Age ausging, ist letztlich unbegründet. FORMAs pulsierende Formen sind weder verquast noch esoterisch. Simple
Beatmuster erden selbst das Georgel von 'FORMA 197'. Meist
swingen aber die melodischen Dudeleien selbst schon so heiter,
irdisch und 'oberflächlich', dass Gedanken, was der Wassermann da mitführt, gar nicht aufkommen. 'FORMA 237B' ist zuletzt einfach zu schnell, um das Bewusstsein zu erweitern, es
kann und will es allenfalls erheitern.
Mit Elegy for Beach Friday (SP 005, 2 x LP) zieht Chris Madak,der Mann hinter der BEE MASK-Maske, eine Zwischenbilanz
siebenjährigen Schaffens. Auf einem prächtigen Klappalbum
bietet er Höhepunkte seiner dröhn- und space-affinen Obsession, die bisher nur auf CDr oder Kassette zugänglich waren.
Mit Synthesizern, Percussion, Piano, Gitarre, Tape, Electronics
und max/MSP verleiht er der Phantasie Schwingen, die bisnach Elysium tragen sollen. Sein Pathos mischt sich dabei mit
der Sophistication von Titeln wie 'Fallen Tree Thursday and theHalf-Crushed Arc of the Sky Taking Tea in the Pastoral Index',
wobei ihm selbst für so einen surrealen Wurm 3 Minuten genügen. Mit dem Ephesischen Abracadabra 'Askion Kataskion Lix
Tetrax Damnameneus Alsion' zitiert er den Pythagoräer Androcydes herbei, wobei ja ein Blick auf die Albumästhetik schon
genügt, um die Orientierung zwischen seltsam und äußerst
seltsam zu verlieren - Diana neben einem Atommodell, einem
Spielzeugklavierchen, einer gläsernen Eule, und darüber ausgegossen farbenfrohe, pythagoräisch nicht ganz koschere Diät
(Pfui Bohne!). Damit geht eine klangliche Vorliebe für Dröhnwellen und Klingklang einher, für eine Wiederverzauberung desAlltags. Mit extraschönen Momenten wie der wie geträumten
Spieluhr bei 'The Book of Stars Vibrating'. Weder Purist noch
Minimalist, ist Bee Masks roter Faden, der auch pulsierende,klapperschlangenrasselnde und komische Elemente wie das'sprechende' Gezwitscher von 'Scarlet Thread, Golden Cord'
mit einfädelt, letztlich nur die pythagoräisch angehauchte
Mythopoesie vom Goldenen Zeitalter.

Einige Tracks von Temporal
Marauder Makes You Feel (SP006, LP) sind parallel auch auf
dem Kassettenlabel Digitalis
Limited erschienen und dort gibt
es etwas mehr Informationenüber diesen obskuren Releaseals hier: Recorded 1983-1985
by Max Tanguy, Guitar - Lissa
Zukovich, Percussion - Hans
Schule, Synthesizer - Jean
Logarin. Ein gewisser Michael
Ferrer liefert dann das Garn,das inzwischen alle zitieren:
Logarin hatte in den 70ern bei
Andrew Rudin studiert. Die
Tracks entstammen einer informellen Session im Studio vonTanguy, einem Mitarbeiter vonConny Plank, Zukovich war
Logarins damalige Freundin.
Die Tracktitel und der Projektname TEMPORAL MARAUDER stammen von Joseph
Raglani, der die Bänder vonseinem Onkel, dem Komponisten Guerino Raglani, bekam
und davon so begeistert war,
dass er das Zeug unbedingt
bekannter machen wollte. Da
kein 'Marauder' je vorher oderseither musikalische Zeugnisse
hinterließ, sollte man dieses
Artefakt - mit einem It ain't
necessarily so meinerseits nehmen wie es ist: Als quietschende, pumpende, zuckende,zischende 4/4-Stomper undSpacetrips in post-kosmischen,
Moroderesken, eigenwillig
psychedelisch-technoiden
Gefilden. Da Retromanie als die
Ultima Ratio heutiger Popkultur
kein Morgen kennt, bestätigt derverspielte Charme von Temporal Marauder einem das Gefühl,
dass die Gleichzeitigkeit desUngleichzeitigen für den süßesten Schwindel sorgt und die
Vergangenheit einen angenehmer überraschen kann als es
die Zukunft verspricht.
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TOUCH (London)
Bei 'Midnight at the Oasis' wuchsen, so wie Maria Muldaur
das sang, sogar Kakteen in Arabien. Bei Watsons in die
Kalahari verlegten Version auf CHRIS WATSON und
MARCUS DAVIDSON Cross-Pollination (Tone 43) hörtman, statt der Auswüchse von David Nichterns Hollywood-macht's-möglich-Phantasie, alles mögliche andere
wachsen. Er verdichtet die Zeit vom Morgengrauen bis
zur Abenddämmerung auf 28 Minuten. Immerhin braucht
man auch für seinen Ritt kein Kamel, sondern nur genug
Einschwingungsvermögen, um sich schwitzend unter die
zwitschernd und keckernd, grillig und surrend, pfeifend,
heulend und knarrend ohrenzwickende Fauna zu legenund den Sand zwischen den Fingern, den Wind auf derHaut zu spüren. Diese Wüste ist vielleicht wüst, aber alles
andere als leer und still. Für 'The Bee Symphonie' arrangierte Davidson ein besonderes Stück für Chor undOrchester, nämlich den Einklang eines menschlichen'Bienenchors' mit einem, von Watson & Mike Harding
aufgenommenen, echten Orchester der Gattung Apis.
Während der gemischte Chor summt und erst euphonisch, dann zunehmend euphorisch die Vokale buchstabiert, als würde jeder der fünf Sirenenmünder Gelée
Royal lutschen und dabei seine innere Biene entdecken,mischen sich die echten mit surrendem Flügelwirbel unter
Lerchen, Tauben und den Wind. Zuletzt liefern sie nur
noch einen sonoren Drone für den von Schwarmgeist
inspirierten Chor.
FENNESZ ist seit Black Sea, seinem letzten Solo auf
Touch 2008, nicht müßig gewesen - Kollaborationen mit
David Sylvian, Sparklehorse, Antony, eine neue Fenn
O'Berg (eMEGO, 2010), ein Benefizkonzert für Fukushima, ein Gastspiel beim Yellow Magic Orchestra. Seven
Stars (Tone 44V, 10") bringt 4 mehr oder weniger neue
Stücke. 'Liminal' bedient mit Gitarrengeklampfe undambienten Wollweichspül-Drones Seelenbaumelbedürfnisse von Leuten, die ihren Wüstenrotfeierabend genießen möchten, wie ihn die Werbung vorsäuselt. Dass
Fennesz die Urversion des Stücks in Bali in den Sinnkam, hätte ich nicht besser erfinden können. 'July' ist weitominöser, in seiner elektronischen und metalloiden
Alchemie sogar etwas unheimlich. Und wenn zuletzt einemelancholische E-Gitarre weiche Sounds in die Dämmerung ausschwingen lässt, dann passt zwischen Mollklang
und wehmütiger Gefühlsresonanz kein Blatt Papier mehr.
'Shift' besteht aus schimmernden Klängen, wie mäandernde Orgeldrones, von denen ein matter, aber erhabener
Glanz ausgeht. Als würden kosmische Langwellen unsere
fernen Gestade streifen. Für das Titelstück, das ein wenig
auf sich warten läst, besentupft und babyrasselt Steven
Hess federleicht zu Fennesz' schon ganz bettschwerem
Gitarrenlullaby.
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… sounds and scapes in different shapes ...
ARVO ZYLO 333 (No Part Of It, CD-R): Es gibt sie noch, die Totalabsage
an das, was vernünftig und was ästhetisch akzeptabel ist. Da ist einen
Typ in Chicago, der in einem rattenverseuchten Kabuff die IndustrialGeschichte verwurstet wie Haarmann seine Opfer. Nicht als Farce,
sondern with a vengeance, mit Gewalt, wie der Teufel, auf die Spitze
getrieben. Das Machwerk besteht aus drei sperrigen Brocken, 'Plasthma'(11 Min.), 'Deadbeat Deluxe' (16 Min.) und gleich zu Beginn 'Quicksand
Eggs Of A Beaten Pathos', eine Lobotomie von über einer halben Stunde,nach der allein man schon wimmernd mit allen positivistischen auchallen nihilistischen Gelüsten abschwören möchte. Oder, drachenblutabgebrüht, von nun an erträgt, was immer auch kommen mag (zumindest
bis man sich das nächste Mal auf den Daumen hämmert). Aus einem
Trolltanz zu Spinettgeklimper entwickelt sich splattriger Harsh Noise als
Overkill mit Druckluftnadlerdauerfeuer. Dann wieder verzerrte Keyboardclusterschläge zu fortgesetztem Lo-Fi-Gewummer und Spießerschreckgeorgel zu schmetternden Paukenschlägen. Ein Karnevalszug von Orksund Trollen, der ausdünnt zu spotzendem Gebrodel, in das im Sekundentakt Metall tropft. Aus grausligen Stimmfetzen und stotterndem Noise
plötzlich melodieähnliches Gedudel, ein pulsierender Groove, Geisterbahnsynthie, Maschinenstumpfsinn, ein Charivariloop und noch mehr
Geklopfe und Georgel zwischen primitiv und kaputt. Gekurbelt bis zumÜberdruss, zur Erschöpfung. Schnitt. Und schon geht es im gleichen Stilweiter, kaputte Beats, kaputte Motoren, die von einem Locked Groove
zum nächsten holpern. Apokalypso ad nauseam. Was, wenn man
trotzdem grinst und, obwohl die Welt da aus dem letzten Loch pfeift, die'Plasthma'-Melodie mitswingt?
KOJI ASANO Solstice Eclipse (SOLSTICE045): Asano ist nach seiner(Neo)-Barockmusik von 2006 und den dunklen Jahren danach letztes
Jahr wieder aufgetaucht, indem er mit Galaxies (2010), scheinbar
nahtlos, anknüpfte an die Serie ambient-elektronischer, dröhnminimalistischer Solstice-Gewebe. Hier webt er wiederum einen Dröhnvorhang, allerdings mit einer seltsamen, bisher so noch nicht gehörten
Einmischung - ein summender Singsang neben dem schon vertrauteren
Orgelgedröhn.Vielleicht bilde ich mir das auch nur ein, ein Schleier, eine
Art Nebel aus einem andauernden Rauschen macht alle Konturen
unscharf, alle Ingredienzen ungewiss. Deutlich ist lediglich die Anmutungeines harmonischen, träumerischen Aufscheinens und langsamen
Dahindriftens von Orgel- oder Synthieklängen. Asano-typisch ist die
ungegliederte Zeitvergessenheit seiner diesmal 47-min. Meditation, oderwie immer man das nennen mag, dieses Starren und Lauschen auf ein
tatsächlich kokonähnliches Gespinst. Es trennt einen auf eine merkwürdig ambivalente Weise von der Welt, weil durch den hohen Rauschanteil die Trennung von Drinnen und Draußen so unklar wie unvollständig
bleibt. Wobei nicht einmal klar ist, ob das Rauschen von 'Draußen'
kommt. Ebenso könnte der Kopf selbst ein Bienenkorb sein, in dem essaust und braust. Als von der Welt abgeschnittener Autist summt man inseinem Gefängnis und kann eine harmonisch und sanft orgelnde Ordnung und Schönheit nur ahnen, als wunderschöne Musik auf einem
Kanal, den man einfach nicht richtig reinbekommt. Ich höre da zuletzt ein
monotones Gitarrenbrausen und weiß nicht, ob ich rein oder raus will.
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JOHN CHANTLER The Luminous Ground (Room40, RMV442, LP): Chantler stammt aus Brisbane,
hat auf einer Zwischenstation in Japan Verbindungen zu Maher Shalal Hash Baz geknüpft und zu
Tujiko Noriko und arbeitet heute in Südlondon. Sein Landsmann und Logenbruder in der Brotherhood of Drones, Lawrence English, hat auf Room40 bereits sein Debut Moniko (2003) herausgebracht und New Days (2007) von For Barry Ray, seinem Duo mit Carina Thorén. Der 'Carina, My
Light' gewidmete Nachfolger basiert auf Gedanken des Architektur- und Systemtheoretikers Christopher Alexander (A Pattern Language, 1977) und übernimmt sogar den Titel von dessen 2004
erschienenen vierten Band des Zyklus The Nature of Order. 'Design Patterns' (Entwurfsmuster) ist
das Stichwort und 'Patching' sowohl im Sinn von Flickarbeit (Patchwork) wie von Umstecken / Rangieren (Softwarenachbesserung) die Methode seiner Modularsynthese. Chantler kreiert oszillierende, ständig und meist sprunghaft und synkopisch modulierte Klangverläufe aus 'orgelnden' Synthieklangtupfen. Obwohl Feedback und Autogeneration Hauptrollen spielen, zielt Chantler ganz auf
einen organische Eindruck ab, auf vitale Unvorhersehbarkeit, auf überschäumende Generativität.
Die Programmautomatik arbeitet ganz im Hintergrund. Im Vordergrund herrscht eine heitere Psychedelik, die abzuzielen scheint auf Synapsenverzwirbelung durch guten, permakulturell dienstbaren Geist aus der Maschine.
DAGSHENMA Zaumi (Electroton, ton012, 3" mini-cdr): Higuchi Eitaro aka Dag Shen Ma ist bisher
gelegentlich als Remixer von Satanicpornocultshop aufgetaucht und auf Compilations, die in deren
Geist dem allgemeinen Geschmack Ohrfeigen austeilen. Mit dem Titel Zaumi nimmt er Bezug auf
die in der russischen Futuristengruppe "Gileja" erfundene Universalsprache zaum'. So wie Welimir
Chlebnikow, ein Oberdada dieser Sternen- und Vogelsprache, von der Synthese einer euroasiatischen Geisteswelt fasziniert war, kehrt der Mann aus Kyoto bei den Ainu ein, den Ur-'Kameraden'auf Hokkaidō, und lauscht ihrer Sprache und ihren Liedern. Kleine Partikel davon sind eingestreut indie Beatketten und swingenden Repetitionen von sieben Tracks, die die Schnurkeramikmuster der
Jōmon-Kultur zum Tanzen zu bringen scheinen. Spitze Impulse, kullernde und keyboardistische
Tonfolgen, gehaspelte und geflüsterte Silben, knörige Vokalisation, stotternde, schleifende, zerknitterte Drehungen. Hightech mit urigem Unterfutter und selbst schon wieder so überdreht, dasssie in Chaos zurückfällt. Oder ist es die Eloquenz der Sterne und Vögel? Gedichte aus Zahlen?
Letzter Ordnungsfaktor ist der Loop, die automatische Wiederholung von simplen, harmonischen
Gesten und flickrig nervösen Tics. Rituelle Tänzchen wider das Vergessen, akrobatische Verrenkungen im Hirnwindungslabyrinth, programmierter Programmkollaps, Kyotoprotokollaps,
Protokyotoprotokollateralschaden.
FONOGRAM Fonogram (The Land Of, LND013): Selig sind die Sanftmütigen, denn ihrer ist theland of... Vincente Garcia Landa richtet in Mexico City die Augen mehr nach Innen als auf sein
direktes Umfeld. 'Cruz del Sur' ist der sanft dröhnende Soundtrack seines eigenen Tarkovsky-Films.
'Victory Day' ist ein dröhnend wallender Song mit akustischer Gitarre von einem, der heroisch in den
Kampf mit dem inneren Schweinehund zieht. '5x5 (One Second Bridge Reprise)' kontrastiert damit
als ein Stück Musique concrète mit Kindergeschrei, Bahnhofsdurchsage und einem Rasseln wie
von geschütteten Muscheln. Die Gitarre - übrigens durchwegs gesamplet - ist nur eine vage undverzerrte Erinnerung. 'Nubes 1 & 2' richtet den inneren Blick auf Wolken, zumindest himmelwärts.
Der Anmutung von Kirchengesang und sanftem Georgel nach ist es ein Deckenfresko, der zweiten,rockigen Hälfte nach in der Church of Pop. Bei 'Andrea 2' dreht sich ein Gitarrenloop über Grillengezirp - Suggestion: Nicht Stille, aber Einsamkeit und Melancholie. 'Come On, Vamos' ist wieder ein
Song mit zarter Gitarre, kurz, aber mit allerhand Stringpathos. In das auch nur kurze 'Over/Under' ist
Verkehrs- und Kinderlärm eingemischt. 'Trance Taciturno' kurbelt wieder ein Gitarrenmantra. Regen
fällt auf 'Invisible City', die ätmosphärisch bisher dichteste Szene, dunkel dröhnend, als würde
Militär durch nächtliche Straßen rollen. 'Light & Dark' folgt mit elegischen Strings und Tamtam,'Linea' mit pulsierenden Bassschlägen, jämmerlichen Lauten und noch mehr traurigen Streichern.
Bleibt noch 'Agur' mit dem V-Effekt eines Vinylkratzers, Akkordeon- und Orgelsound, zugleichmelancholisch und flüchtig. Das Ganze macht einen intimen, sensiblen Eindruck in Abkehr vondenen, die lachen, weil sie reich und satt sind. Daher will ich Fonogram auch nicht das "Weh euch"des Evangelisten Lukas einbrocken, das denen gilt, die mit Allerweltslob überschüttet werden.
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CRAIG HILTON TOMAS PHILLIPS le goût denéant (Absinth Records, absinth *019, in 7"-Hülle):
Wie das Nichts schmeckt, weiß ich noch nicht.
Vorläufig lasse ich mir auf der Zunge zergehen, washier mit Hilfe von Guzheng und zwei Laptops ertönt.
Unter einem Himmel wie zerknittertes Silberpapier,wie schockgefrorenes Wasser. Die chinesische
Zither ist nur Mittel, nichts klingt hier wie gezupft undchinesisch schon gar nicht. 'Sans mouvement I' ist
ein einziges Dröhnen und Scharren, erhaben orgelnd, apokalyptisch dräuend, Shock & Awe, aber
mit prächtigem Vorschein von etwas SchrecklichSchönem. Da könnte man mit Baudelaires "Lawine
komm, im Sturz mich zu umfangen!" schon die Armeausbreiten. Der zweite Nicht-Satz dämpft die Erwartung mit Regengüssen, zischendem Geriesel vor
gedämpfterem Georgel, das die Erwartung auf die
Probe stellt. Das lange Titelstück rumort als knarzende, klingelnde Mechanik, wie eine alte Kirchenuhr in Vorbereitung eines Stundenschlags. Ein Piano
tröpfelt dazwischen und drahtige Laute zerren. Man
ist doch weiter vom universalen Schlussakkord
entfernt, als zuerst gedacht. Dunkle Bläser undDröhnwellen schieben sich über die Szene, dieweiterhin von Ächzen der alten Mechanik bestimmt
wird. Streicher und Gongs mischen sich ein undverstärken den mythopoetischen Geschmack, den
ich in dieser Intensität von Phillips, einem mir bisher
auf Line, NV° oder Nitkie begegneten stillen Amerikaner, nicht erwartet hätte. Sein kahler Landsmann
ist mir dagegen ein unbeschriebenes Blatt, aberdoch wohl derjenige, der, wie man von den Suggestionen seines Soloreleases The Smoking Mirror
her vermuten kann, die erhabene Aura ins Spielbringt. Vor 'Sans mouvement III' erklingt kurz die
Guzheng pur, bevor wieder dunkles Gedröhn
einsetzt, nächtlich gedämpft. Nicht unbewegt,
zwischendurch sogar mit geräuschhaftem Hantieren,regnerischem Stäuben und wieder Gongschlägen
punktiert, aber doch wie ein Horizont, der letztlich
nicht näher zu rücken scheint. Stimmung ist alles,
selbst die Liebe zum Nichts ist noch mehr als genug.
Nur das Nichts ist nichts.

KENNETH KIRSCHNER Twenty Ten (12k
1066, 3 x CD): Wenn Zeit Geld ist, dann ist
Kirschner einer der seltenen Multimillionäre, die gern ihre Millionen mit einem
teilen. Zuerst mit 'January 4, 2011' (23:40),
halb Gamelan, halb Carillon, ein komplexes Klimbim von Metallophon- und Xylophongepinge, klimprig, flirrig, tröpfelig undchaotisch aus mindestens vier Ärmeln
geschüttelt, so wie man einen sprichwörtlichen Sack Flöhe ausschüttelt. Dröhnminimalistisch geht es weiter mit 'November 7,
2010' (42:15), verträumten einzelnen
Pianotropfen auf Schwebklang von Strings
und Celesta. Obwohl - oder vielleicht
gerade weil - da die Klangschattierungenständig changieren, löst sich die Aufmerksamkeit - meine zumindest - nach einer
Weile von dieser ambienten Folie. Egal
wie angestrengt oder wie entspannt ich zu
lauschen versuche, mein Bewusstsein
schaltet auf Nachtstrom. 'September 25,
2010' (47:00) ist eine Atem- und Meditationsübung aus String- und Bläsergesumm, 142 einzelne Akkorde, kein einziger
wie der andere, quellen aus der Stille auf
und schwinden, vergehen, verlöschen
wieder in drei, vier Sekunden. Die letzte
Konsequenz aus Feldman, Nono und
Sciarrino? Oder Klang gewordenes
Schnecken-Haiku am Fujiyama? Aufdieses 'aber langsam, ganz langsam' folgt'January 18, 2011' (51:18), Pianogetröpfel,
Lo-fi-Rauschen, abrupte Breaks. Vordergründig ist das keineswegs einschläfernd,
nicht wenige der 'Tropfen' schlagen heftig
ein, auch die Schnitte oder Risse im
Gewebe wirken irritierend. Irritierender ist
jedoch das Ausmaß der Verwitterung, die
Anmutung von Staub, Spinnweben undzerschlissenen Erinnerungen, die hier ein
verstimmtes, wie von Geisterhand odervom Regen gespieltes Klavier umgibt.
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KONRAD KRAFT temporary audiosculptures andartefacts (Auf Abwegen, aatp33, in Arigato Pak!Faltcover): Detlef Funder ist ein Mann mit vielen
Namen - D-Fundation, Gilgamesh und, schon seit
1982, Konrad Kraft. Als solcher hat er zuletzt an
der Kompilation Winterbilder mitgemalt und fieldabei bereits durch seine plastischen Eiszapfen
auf. Seine vergänglichen Klangskulpturen und
Tonfragmente versuchen ebenfalls, eine gewisse
Körperlichkeit und Räumlichkeit von Sounds zu
suggerieren. Über einen wummrigen, zwitscherndloopenden Fond klopft er metalloide Schläge, alswürde er tatsächlich eine Klangskulptur perkussiv
bearbeiten. Und zwar handish, im Kontrast zur
Automatenmotorik des untergründigen Flows. Die
unregelmäßigen Beats schaffen einen negativen
Raum, den die Phantasie mit einem Bronzeguss
füllt. 'Sculpture 02' reizt die Imagination mit
Tropfengeplätscher und Stimmhalluzinationenüber einer hell rauschenden Grundierung. Wenn
nicht dreidimensional, so ist der Eindruck auf
jeden Fall mehrschichtig und zudem angereichert
mit Klangereignissen, die von Links und Rechts
ins 'Bild' stoßen. 'Sculpture 03' scheppert undkollert metallen in verrauschter, regenbetröpfelter
Räumlichkeit. Handarbeit, Maschinen und Naturphänomene (zumindest Klänge, die man dafür
halten könnte) greifen ineinander, unaufgeregt,
aber doch ereignisdicht, 'Sculpture 04' sogar
pulsierend, interpunktiert von Trillerpfeife undkleinen Ticklings. Statik ist in Bewegung, derRaum verzeitlicht, 'Sculpture 05' pingpongt
tröpfelig, drahtige Laute kaskadieren usw. Bis hin
zu einem Gitarrenloop und verzwirbelten Rückwärtsarpeggios bei 'olrolin'. 1,2 Std. sind etwas
lang, um meine Einbildungskraft direkt mit diesem
Kraft-Akt kurzzuschließen. Aber auch wenn ich mit
Neil Stephenson wieder ins quecksilbrig barocke
London eintauche, zeigt sich Krafts Skulpturenpark als mit der natürlichen Philosophie bestens
kompatibles Ambiente.

MACHINIST Of What Once Was (Moving
Furniture Records, MFR011): Der Holländer Zeno van den Broek wird hier mit zwei
längeren Arbeiten vorgestellt. Angeregt
durch die 'Monotony Symphony' von Yves
Klein beharrt 'mono tone in d' zuerst nur auf
einer einzigen brummigen Gitarrennote,durchkreuzt aber seinen Reduktionismus
durch elektronische Stiche und ein perkussives Rauschen, mit Echoeffekten undeiner schnell flackernden Sinuswelle. Dannzupft der Machinist auch um die Grundnote
herum, wobei er das Mittelfeld mit einer
stehenden Dröhnwelle stabilisiert. Spröde
Poesie wird von fülligen Rauschwolkenüberquollen, das Ambiente wirkt inzwischen, dem Namen entsprechend, betriebsam, aber dabei auch knarrig wie ein altes
Schiff, das, verankert, an den Trossen
schaukelt. Die Gitarre, lange abgetaucht,
plinkt dazu ein paar einsame, melancholische Noten. Pure Melancholie durchtränkt
auch 'of what once was', eine halbe Stunde
aus Gedröhn und Regen und dunklem
Gitarrengebrumm, das nach 6, 7 Minuten
sirenenhaft aufhellt. Wieder knarzt es inden Fugen. Doch die sonore Harmonik desGedröhns stemmt umd bäumt sich zunehmend energisch gegen eine dystopische
Anmutung. Die inzwischen vielspurigen
Drones zucken und fräsen reibeisern,
knurren dann sogar, als hätte sich die
Stromzufuhr verstärkt, fast bedrohlich undmartialisch. Als gäbe es da eine Tiefenerinnerung an Bombergeschwader undnässende Luftschutzbunker. Meeresbrandung überspült zuletzt das, was war,so wie sie alles löscht.

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NEST Body Pilot (Serein, SERE11.3, 10" EP): Wenn ich Klischees bedienen wollte, würde ichsagen, dass Huw Roberts & Otto Totland nur den Blick aus ihren Fenstern schweifen lassen
müssen über walisische grüne Hügel bzw. norwegische Wald- und Wieseneinsamkeit, um
solche Soundscapes in sich aufsteigen zu hören. Aber auch Wales und Norwegen sind nur auf
Werbebroschüren so idyllisch. An deren Glanz in Oslo inzwischen die Mäuse des Zweifel
nagen. Für die sanfte Ebene von 'Stillness', ausgebreitet durch einen einzigen, lang ausgehaltenen Streicherton, und das erhabene, von brummenden, summenden Bläsern mundgemalte Azur von 'The Dying Roar', beide von nachdenklichen Pianonoten durchhallt, ist wie eh undje der Wunsch Vater des friedlichen und tröstlichen Klangs. Die Bläser - eigentlich nur eine
Ahnung von Bläsern - ziehen davon wie ein Propellerflugzeug und überlassen dem tagträumerischen Piano das Feld. 'Koretz's Meteor' ist ein großes, synthesizergeneriertes Pulsieren, an
dem seitliche Geräusche knabbern wie Putzerfische. In der zweiten Hälfte wird der weiche
Faltenwurf noch etwas samtiger. Als würde da draußen nicht mit schmutzigen Schneebällen
geworfen, sondern mit Wattebäuschchen. Bei 'The Ultimate Horizon' schließlich rudert man auf
den Silberstreif in der Ferne zu. Das Fahrwasser ist feinkörnig und glatt. Gefragt sind also nur
Ausdauer und Vertrauen.
MARTIN NEUKOM Studien 5-7 (domizil 35): Neukom ist wissenschaftlicher Mitarbeiter am
ICST, dem Institut für Computermusik und Sound Technologie in Zürich. Sein Fachwissen hat er
in seiner Doktorarbeit 'Signale, Systeme und Klangsynthese - Grundlagen der Computermusik'
nachgewiesen. Zwischen 1992 und 1996 experimentierte er auf einem Atari ST mit dem Software-Synthesizer Csound. Unterhaltungswert ist in der schnittig designten Grauzone dieser
Musica docta etwa das, was in einem anderen Kontext 'friendly fire' getauft wurde. Zu Deutsch,
es ist nicht das Ziel, aber lässt sich nicht verhindern. Wooshende Glissandos, eiernde undkullernde Klangmolekülketten und wellige Kasdaden verwandeln sich auf dem Weg in mein
Gehör in Sonic Fiction, die jedes SF-Movie tatsächlich etwas außerirdisch erscheinen ließen,
wenn deren Macher nicht zu phantasielos für derlei fremdartige Abstraktionen wären. Wobei'abstrakt' hier Mirósche Traumwesen mit einschließt. 'Studie 5.5' ist eine Studie in - Aquaplaning
und Windgefauch, mit quecksilbrigen Tröpfchen. Kurz, Neukoms durchaus plastische Formenwelt spielt der Phantasie Streiche. Die 'Studie 6' rührt in 'Wasser', das nichts mit H2O zu tun hat,seinen Aggregatzustand in etwas Silbriges und Gespinsthaftes ändert und dann in etwas ganz
Anderes. Die große 'Studie 16' lässt wiederum Mirósche Vögel und Katzen aus dem xten Stockauf dem Pflaster zerplatzen, wobei sich die Phantasie als unkaputtbar erweist. Motorisches
Wummern und Flattern schweift rauschend und flirrend durch den Stereoraum, verhallt in immer
neuen, jetzt helleren, weil schnelleren Kaskaden, die sich in zwitschernde und dunkel abgebremste aufspalten usw. usw. Damit wir uns nicht missverstehen, füge ich hier noch die an sichselbstverständlichen Gänsefüßchen an, die zu jeder Verknüpfung von mehr als drei Buchstaben
gehören: """""""""""""""""""""""""""""""""""NOISEPOETNOBODY & VANCE GALLOWAY Uranium 238 (Lens Records, LENS0119): Dereine, Casey Jones, setzt String Board, analoge Modularsynthese und Loopers ein, der andere,
Galloway, eine normale Gitarre und, naja, allerhand Software. Damit locken sie ins Dunkel desVenusberges ebenso wie zum schimmernden Vorschein unendlicher Möglichkeiten. Das Spiel
heißt ''Ambient', aber mit, von diesen relativen Nobodies, ungeahnter poetischer Qualität. Die
Gitarre legt das dröhnende Fundament, darüber oszillieren, pulsieren und brummkreiseln
Flatterwellen. Und Casey plinkt und schabt an seinen Saiten perkussive Akzente, wenn man sowill. Aber eigentlich sind das eher rätselhafte Sgraffitis, die einem tagträumerisch versinkenden
Bewusstsein Funken von Enlightenment in den über die stützende Hand wuchernden Bart
werfen. Er spielt manchmal fast als Regengetröpfel auf einem Hackbrett, aber auch mit ostasiatischem Touch – Caseys Frau Briana ist Butoh-Tänzerin. Brodelnder Noise mischt sich mit
Rückwärtsgitarre und akkordeonähnlichem Schwebklang, metalloider Klingklang mit dröhnenden Luftschlangen. An Phantasie fehlt es den Beiden jedenfalls nicht, wobei Automatisches undHandishes sozusagen Hand in Hand arbeiten. Der 6. und finale Track, 'Casting Links For Chain
To Enslave Animal And Man', schlingt seine Fessel über 28 Minuten. Es fehlt wirklich nicht viel,und man könnte mich am Nasenring abführen.
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ANDREA PENSADO KTOTAM (Zeromoon,
zero012): Ein Abend mit Andrea Pensado kannschon mal darin gipfeln, dass das Publikum
höchstselbst SCREAM aufführen darf, Geschrei
für eine beliebige Anzahl von Schreihälsen. Die
1965 in Argentinien geborene Komponistin lehrt
an der University of Massachusetts Lowell
Musiktheorie, Komposition und Sound Art, undbetreibt mit ihrem Mann Gregory Kowalski
aurales Action Painting als Qfwfq - Italo Calvino
lässt grüßen. Dass sie, die in den 1990ern
konventionelle Musica Nova komponierte, mit
ihren 7 Improvisationen für Laptop / MaxMSP
und Stimme gut an die Seite von Violet, Blue
Sausage Infant und Konsorten ins ZeromoonSpektrum einer 'Intelligent Noise Music of the
non-entertainment genre' passt, das kann ich
nach wenigen Minuten unterschreiben, vor
allem was den Noise angeht. Von 'Bicho Raro'bis 'Ktotam' erklingt Harsh Noise einer ruppigen,ausgefransten Sorte, egal ob Pensado allein fürdie Realisation sorgte oder Kowalski bei 'Desconcierto (2)' oder beide zusammen bei 'Tangos, Scarlatti, Chopin Y Algo Más'. Die Stimme
ist meist nur ein kaum zu erkennendes Spurenelement. Bei 'La Careta' jedoch spielt sie allerdings ächzend, röchelnd und in blutigen Fetzen
unverkennbar die Hauptrolle. Auch beim plunderphonischen 'Tangos...' wird die Aufbereitungaus klassischen Fetzen, Lumpen und Papierdeutlich, auch wenn da ein Reißwolf gründlichsein Werk verrichtet. Blutige Kratzer auf den
Hörgewohnheiten zu hinterlassen, scheint
Pensado Spaß zu machen. Beim Titelstück Kto tam ist Polnisch: Wer da? - kommt tatsächlich ein schneller Puls ins Spiel, einezuckende, den Raum durchlöchernde Stanzlinie, umfurzt, betrillert, lo-fidel überhagelt vonschartigen Noisemolekülen. Pensados Sonic
Fiction zieht mit krassen Attacken die Harmonie
der Sphären in Zweifel. Gedämpfte Momente
werden unvermeidlich wieder aufgerissen vonstottrigen, hirnrissigen atmosphärischen
Störungen, wahren Säureattentaten auf diehimmlische Ruhe, die allen Frequenzen spotten,
die meinen, sich ohne Nesseln und Haifischzähne evolutionär behaupten zu können.
Logofugaler Communication Breakdown, schön
giftig und schön hässlich.

STATIC Freedom of Noise (Karaoke Kalk, kalkcd 60): Hanno Leichtmann, (mehr oder weniger) bekannt auch als Forest Jackson und mit
den Trios Groupshow und Denseland, macht
hier Musik with a little help of a lot of friends. In
größeren Nebenrollen treten auf Clare Cooper,
Tobias Delius und Axel Dörner, für Cameoauftritte geben Nicholas Bussmann, Zoe Irvine,
Magda Mayas, David Moss, Andrea Neumann,Gert-Jan Prins, Clayton Thomas, Kassian
Troyer und Sabine Vogel sich die Klinke in die
Hand. Mit Gesang von Falko Teichmann undYanira Castro werden einige der Tracks, die
Static mit Electronics, Organs, Signal Processors und Drums und den Sounds von Harfe,
Saxophon, Trompete, Cello, Innenklavier,Kontrabass, Table-Guitar oder Flöte als Klangtupfern ankurbelt, zu richtigen Songs. Im Flowvon 'Stubby Fingers', den ein Trompetenloop
dominiert, kreist ein "Stubby Fingers" ausFrauenmund mit. Das Titelstück pulsiert imschnellen Automatentakt, als stampfende,zischende Unterlage für Teichmanns Lob desLärms. 'The heimlich manoeuvre' tüpfelt undzwitschert dahin wie R2-D2 und ein hinkender,
ausnahmsweise sprachloser C-3PO. Der
Teichmann-Song 'The boy who ran into the sun'
wechselt vom unkriegerischen Schlagzeugmarsch zu einem vom Saxophon friedlich
gewellten 4/4-Tamtamtam mit friedensbewegtem Tambourin. 'Sad Rocket' mischt zittrig
quiekende Trompetenfetzen mit munterem
Handclapping, 'Sister Pain' loopt im Ticktacktakt zu hintergründigem Singsang und einem
Rezitativ von Teichmann. Den Flow und
Groove muß man sich jeweils stark verziert undverrauscht vorstellen, die 'Collage,Holz,Papier
2' ganz verfurzelt, verzwitschert, verblubbert,
aber mit Harfenarpeggios verschönt und vom
Saxophon beschmust. Castros Gesäusel geht
bei 'Corazon, Cristal' fast unter in Backgroundgemaunze und elektronischer Zuckerbäckerei.
Ähnlich ergeht es bei 'Gitarre, melancholisch'
der namensgebenden Taufpatin und der Harfe,
die beim Versuch, sich selbstvergessen als
Spieluhrfiguren zu drehen, umschwärmt
werden von Hofschranzen, die sie sogar beim
Pinkeln noch befummeln. Bizarr, das Ganze,
und ziemlich dekadent.

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VALERIO TRICOLI / THOMAS ANKERSMIT FORMA II (Pan,PAN 16): Der aus Palermo stammende Elektroniker Tricoli ist
mit 3/4HadBeenEliminated und Kollaborationen mit etwa Dean
Roberts und Antoine Chessex kein ganz Unbekannter. Ankersmit, der ein Altosaxophon einsetzt, ohne dass er als Altosaxophonist richtig beschrieben wäre, verdankt seinen guten
Namen hauptsächlich seinem Soundscape Live in Utrecht (AshInternational). Ihre, wie so Vieles heutzutage, in Berlin verfugte
Klangwelt schwebt uneindeutig über den Sektoren Abstract,
Drone, Experimental, Minimal und Musique Concrète. Die
Suggestivität der Klänge hat etwas Übersinnliches, etwas, dasInfrarotkameras, Geigerzählern oder Sonden zugänglicher ist
als den bloßen menschlichen Sinnen. Als wäre es zweckmäßig,den Säuregehält der Atmosphäre zu messen und ihren chemophysikalischen Chillfaktor zu analysieren. Das Cover zeigt einenunwahrscheinlichen weißen Pfau, surreale Chiffre für die fremdartige Schönheit der stechenden, summenden, oszillierenden
Töne, die schöne Fremdartigkeit der dröhnenden, pulsierenden,
zuckenden, schleifenden, sirrenden Laute, nadelspitzen Impulse, kleinen Explosionen, prickelnden Luftströme. Denn das
ständige Morphen im molekularen Bereich verwandelt sich mit
einem Kippeffekt der Phantasie in ein erdfernes Science FictionAmbiente, in das sich die Sinnesorgane von Insekten oder die
Sensoren von Sonden richten. Sonic Fiction zwischen Mikround Makro, Formicula und Fomalhaut. 'Takht-E Tâvus' ist zuletzt
eine einzige stehende und dabei binnenturbulente Dröhnwelle(ein Overdubsaxophonschwarm).
VÄLFÄRDSORKESTEREN VFO (Fylkingen, FYCD 1033): Das
Wohlfahrtsorchester besteht aus nur zwei Tapferen, Lise-Lotte
Norelius & Sören Runolf, die vor dem Sonnenuntergang desschwedischen Sozialstaates die Faust, die vom Herzen kommt,
recken. Danach drehen sie wieder unverdrossen ihre Knöpfchen, um gegen die Lachgas-Attacken (die Schweden sagen
noch schöner 'Lustgas') aus den Käseblättern und Flimmerkisten anzustinken. Mit knurrigem Rumoren, verzerrten
Stimmen, verhackstückten Gesängen, monoton hinkenden
Maschinenbeats, Gezwitscher, Gekuller, Knacken, Schleifen,
Trillern, Bohren, Zischen und was sonst noch die Gerätschaftenan Ach & Krach hergeben, bestreiken die Beiden das alltägliche
Eiapopeia. Runolf, mein Jahrgang, ist ein inzwischen kahler
Veteran von Lokomotiv Konkret und dem Too Much Too Soon
Orchestra. Seine Partnerin mischt seit Anfang der 80er mit,
damals als Gerademal-Twen bei der Bitter Funeral Beer Bandund in Lars Hollmers Looping Home Orchestra, mit Anitas Livs
machte sie in den 90ern sogar das Feuilleton auf sich aufmerksam. VFO spielt seit 1998 live-elektronisch postindustriale
Folklore, als kulturelle Geisterfahrer gegen den Lemmingzug ins
Glück auf Pump. 'Gristrött' lässt Maschinen schnarchen undveräppelt so den ganzen Betrieb, der eh kaum noch mehr sein
will, als ein Schweinemastbetrieb im großen Stil, als die Pumpe,
die Volksvermögen in die Hände Weniger pumpt.
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V/A RESONANZRAUM FAGUS 10 Maschinenkompositionen (Institut für Musik und
Musikwissenschaft, Universität Hildesheim): Hier erklingt Industrial Music im direkten
Wortsinn. Klangquelle ist das Fagus-Werk in Alfeld (Leine), eine Fabrikanlage zur
Schuhleistenfertigung, die 1911 in einem Gropius-Bau untergebracht wurde. Seit Juni
2011 ist die weiterhin in Betrieb befindliche Anlage Bestandteil des UNESCO-Weltkulturerbes. Studierende der Univ. Hildesheim hatten wohl zu diesem Anlass den Auftrag,
die Fagus-Klangwelt für Musique concrète im engen Sinn auszuloten. Es wäre da an die
Sechs Heidelberger Studien von Asmus Tietchens zu denken, für die er 2003 den Karl
Sczuka Preis bekam. 10 gekonnte Lösungen werden präsentiert. Die Werkgeräusche
wurden nach allen Regeln der Klangkunst abstrahiert und konkretisiert, sequenciert undgeloopt, verfremdet oder verdichtet - CONSTANZE TRIEDER lässt einen, angeregt voneinem Gedicht von Fernando Pessoa, bei 'Glückliche Insel' im Regen sich wegträumen
von der Arbeitswelt. Warum wohl gehören Werkbank und Fließband und Urlaubsträume soreflexhaft zusammen wie Regen und Traufe? SEBASTIAN YUN-KYONG MEYERHOLZ
bringt mit 'UR°' die Verhältnisse wenn nicht zum Tanzen, dann zum Frickeln, ist aber sicher
nicht der Einzige, der bei Schuhleisten an was anderes denkt als an den Stundenlohn
derer, die unser Fußwerk herstellen. Allgemeine Regel ist: Arbeit als solche ist nicht
darstellbar, aber kunstfähig. Nur transformiert als Spiel, als sublimes Gefunkel, als Daten
auf Bildschirmen ist die reale Welt zwischen zwei Stechuhrklicks überhaupt zulässig.
SEBASTIAN KUNAS wetzt bei 'Makro' den Schnabel an imaginären Klangskulpturen.
NORBERT LANG sind für 'Distanz' 500 km Abstand zum Werktagstrott nicht Distanz
genug, er verschleift seine Drones zum bloßen Gerücht. NILS NORDMANN tengelt undtänzelt leichtsinnig um monotone Schläge herum, die als Beat in eine prompt genussfähige
4/4-Ordnung einrücken. Gute Gelegenheit, über das Reflektieren zu reflektieren. Die
Bauhaus-Utopie einer - sehr verkürzt gesagt - Versöhnung von Arbeits- und Lebenswelt
durch Design schafft allenfalls Arbeitsplätze (nicht immer gut bezahlte und noch seltenergut designte, und wer sich die akademische Welt als Idylle vorstellt, kennt sie nicht). Das
Glück - mit anderen Worten - das ist designresistent.
ZWEIZZ & JOEY HOPKINS Zweizz & Joey Hopkins (Jester Records / Neuropa Records,
Trick 046): Joseph Hopkins ist 2008 mit nur 26 Jahren gestorben. Dennoch hat sein
norwegischer Partner, Svein Egil Hatlevik, eine der schillernden Gestalten der dortigen
Metal-Szene, in der der bekennende masturbator, beard enthusiast, noise maker undelitäre Sozialdemokrat mit Dødheimsgard, Fleurety und Umoral die avancierten, extremenund schwarzen Felder beackert, ihre Zusammenarbeit zu einem guten Ende gebracht.
Zweizz ist das wohl durchgeknallteste Projekt des Satanicpornocultshopkunden, geprägt
von Sarkasmus und 'Eternal Puberty'. Den Ulver-Fans etwa hat er heuer (als 'Vorgruppe')ein Horn aufgesetzt und ihnen was geschissen, statt Andacht gabs erstmal Krach. Auch
die Jesterei hier zeitigt hohe Ausschläge auf der Crazy-Skala. Beatgerammel in Gabbertempo, Samplingorgien à la Sir Duperman, Schafgeblöke und Schweinsgalopp, dass die
Schwarte kracht. Wo Frederik Thordendal's Special Defects, obwohl ähnlich durchgeknallt
und sarkastisch, pathetisch blieb, sind Hatlevik & Hopkins seltsame Clowns, die einen mit
Melodien betören, nur um einen vors Schienbein zu treten. Zu flink, um auch nur halbwegs
zu verstehen, wie einem da geschieht, spielen sie einen Streich nach dem anderen. Mit
eingemischt in den orchestralen Strudel mit hohem Rauschfaktor sind Gesänge bekannter
Gestalten der Norge-Szene wie Carl-Michael Eide (Aura Noir, Dødheimsgard, Virus),
Jester-Macher Kristoffer Rygg (Ulver) und der Trommlerin von Norma Sass sowie die
Gitarren weiterer Semigrößen. Auffälliger als Gitarren sind aber Keyboards, Frickelbeats
und Samples, die Amok laufen. Wobei jeder Wille zur Macht ('dWill 2 dPower') als kindischhingestellt wird. Undeutliche Stimmen, verhuschte und verzerrte Gesänge, mehrfach auch
aus Frauenkehlen, möchten den Untergang des Abendlandes ums Verrecken nicht
verpassen. Wenn schon Apokalypse, dann als Hopsassa, im nacktärschigen Narrenkleid
und mit melodiös flatternden Hemdzipfeln. Genre blending is so fucking nineties und out,
schreibt Hatlevik in seinem 'A tiny avant-garde metal manifesto'. Ein Gesamtkunstwerk solles werden, ein Gesamtkunstwerk muss es sein!
73

… beyond the horizon …
AHORNFELDER (Hamburg)

Bei Città Utopica (AH22) geht es nicht, zumindest
nicht vordergründig, um Kritik an den Sudan- oder
Irangeschäften des österreichischen Mineralöl-, Erdgas- und Chemiemultis OVM. Der Berliner Komponist
BURKHARD FRIEDRICH ließ sich lediglich durch die
Lichter der Raffinerie in Schwechat zu einer urbanen
Sonic Fiction anregen, die er mit dem Videokünstler
Kurt Hörbst realisierte. Friedrich, Jahrgang 1962, hatsich einen Namen gemacht vor allem mit multimedialen Arbeiten wie Lancelots Spiegel (2003), Imitationof life (2005) und Galaxy Hotel (2009), denen Motive
von Bret Easton Ellis & David Lynch bzw. Haruki
Murakami zugrunde liegen. Imitation of life entstandin Zusammenarbeit mit Felix Kubin, ebenso das
Raumklang-Projekt Echohaus (2010). Friedrich realisiert seine Arbeiten meist mit dem von ihm und derGeigerin Barbara Lüneburg gegründeten Ensemble
Intégrales, und auch hier - wir hören einen Mitschnitt
der Uraufführung 2010 im Rahmen von WIEN MODERN - ist mit dem Kontrabassisten John Eckhardt
ein Ensemblemitglied am Werk zusammen mit Adrian
Pereyra an der E-Gitarre und Jürgen Hall, ja, demauch als Gunter Adler und mit Augsburger Tafelconfect bekannten Jürgen Hall, als dem Sounddesigner
vom Dienst. Der elektronische Eindruck dominiert bei
diesem elektroakustischen Soundscape. Als ein tag& nächtliches industriales Rauschen und Brodeln, in
dem flatternde Saiten mitschwingen. Spitze Signale
irrlichtern aleaorisch, repetitiv, kaskadierend, Wind
faucht um die Stahl- und Betontürme. Der Lichterrausch signalisiert: Wir tun was, wir pumpen Wärme
und Licht durch die Lebensadern der modernen Welt.
Friedrich vergleicht die Industrielandschaft mit einem
Vergnügungspark für die Sinne. Jesses, unddemnächst freuen wir uns, wenn's die Atemluft
günstig bei ALDI gibt?

Bei Weapon of Choice (AH21, DVD) wird
das Auge mitgefüttert. Die Ensemble Intégrales-Geigerin BARBARA LÜNEBURG
performt, mit Unterstützung vom Deutschlandfunk, dem ZKM Karlsruhe und Ahornfelder, elektroakustische Arbeiten von fünf
Komponisten. Bei 'Stream Machines andthe Black Arts' interagiert ihr fein bebender
Stringklang mit Elektronik des Komponisten
HENRY VEGA zu einer videographischmorphenden Kugel von Flores Elias. Beim
Titelstück hat ihr der Ahornfeldermacher
und Drummer ALEXANDER SCHUBERT
seine motionsensorische Ausrüstung in die
Hand gedrückt. Jede geigerische oder die
Luft peitschende Bewegung des Bogens
triggert Sounds, die zudem als abstrakte
Farbgestik auf eine Leinwand hinter derGeigerin geworfen werden. Sound-Action
Painting im wahrsten Sinn des Wortes, so
effektvoll wie reizvoll. Bei 'Re: Mad Masters' von YANNIS KYRIAKIDES interagiert
Lüneburg, akustisch und elektrisch geigend, mit Keyboardklängen, Textzeilen undschmalen Bildstreifen aus 'Les Maitres
Fous' (1954), Jean Rouchs ethno-grafischem Film über ein Ritual der Hauka in
Ghana, das die Gewalt und herrenmenschliche Repräsentation der französischen
Kolonialmacht als theatralisches Voodoo
wiederholt. Die Geige ist zugleich vonpossessiver Eindringlichkeit und elegisch.
Aber gleichzeitig lesen und hören ist
schwer. Zu 'Fluid Calligraphy' von DAIFUJIKURA wirft Tomoya Yamaguchi zwei,
drei spaghettiförmige Strings auf grauen
Grund. Sie scheinen mit der hier rein
akustischen, aber besonders raffinierten,
schimmernden 'Pinselführung' der Geige
zu vibrieren, zu schwingen, zu tanzen.
MARKO CICILIANI, ebenfalls Ensemble
Intégrales-Mitglied, evoziert bei seinem'Alias' per gesampleter Mangafetzen japanische Popkultur. Lüneburg geigt elektrischvor grün beleuchteten Wandschirmen, auf
denen, elektronisch beschnarrt, Laserstrahlen zu zucken beginnen. Die Geige
wirft Echos und entäußert sich, liveelektronisch manipuliert, zuweilen bis zur
Unkenntlichkeit, zeigt aber so - supergrün!
- ihre Zukunfstauglichkeit.
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EXAUDI
Als mir gleich das erste Requiem aeternam aus den Männerkehlen, das aufrauschende lux
perpetua und das engelszart abschwingende dona eis von der weiblichen Front ein Kribbeln in
die Augen treibt, weiß ich: Hier sind wir richtig! MAGMA in der Johanniskirche, warum also nicht
HECTOR BERLIOZ in der NEUBAUKIRCHE? Am 16.07.11 nutze ich diese seltene Gelegenheit.
Die Klänge, mit denen der gut 100-köpfige MONTEVERDICHOR WÜRZBURG und dieTHÜRINGER SYMPHONIKER das barocke Schiff auf den Ocean of Sound hinaus blasen, sind inihrer transparenten, kontrastreichen Dynamik atemberaubend. Dass Berlioz' Grande Messe desmorts, die eigentlich zur Gedenkfeier der Revolution von 1830 gedacht war, am 5.12.1837 aneinen gefallenen Haudegen der französischen Schweinereien in Algerien verschwendet wurde,egal. Berlioz, dessen Byroneskem Kopf die wildromantische Symphonie fantastique entsprungenist, war weder Patriot noch religiös. Wenn das großartige Halali des 'Dies irae', das erst mit
hellsten Frauenstimmen einsetzt, mit einzeln ausgestoßenem Wort für Wort voranschreitet undschließlich das TUBA MIRUM SPARGENS SONUM mit voller Wucht und Pracht der Tuben,
Hörner und Posaunen von den seitlichen Galerien erschallt, wenn dazu die Pauken rollen und die
Kontrabässe grollen, dass der Steinboden zu vibrieren scheint, dann ist das auf seine Art Rockund Soul, dem die gesträubten Haare schaudernd zustimmen. Mors stupebit et natura cum
resurget creatura... NIL INULTUM REMANEBIT!! Geradezu schwindelerregend sind die Kippeffekte von der Wucht des Jüngsten Gerichts zum kleinlauten Quid sum miser tunc dicturus?, vonder stürmischen Pracht des 'Rex tremendae' mit ihrem Libera me de ore leonis aus allen Kehlen,
die geschürt wird von Englischhörnern und Fagotts gemeinsam mit Cellos und Bässen, zum
introspektiven 'Quaerens me' als hauchzartem Wechselspiel der Frauen- und Männerstimmen acapella. Herzausreißerisch stimmen die Tenöre und Baritone dann ihr Lacrymosa dies illa an, mit
wuchtigem Bläserschub und urigen Bassstrichen, und die Soprane antworten zarthell undflehendlich judicandus homo reus, immer und immer wieder, mit grollenden Klangballungeninterpunktiert. Bis zur rauschhaften Eruption des exaltierten Chores mit donnernden Pauken,
Flöten und Trompeten. Tränen, weggespült von der schieren Leuchtkraft der triumphalen Blechbläser und vom Klangbeben der einzelnen Schläge. Das 'Offertoire' umspinnt raffinessenreichden wieder gedämpften Männer- und zagenden Frauengesang mit hell-dunklem Streicherblues.
Erstaunlich, wie der große Raum den Schall bis ganz nach hinten trägt, so dass jede Nuance
Wirkung entfaltet. Erhaben stimmt dann ein Montanara-Männerchor, wiederum erst verhalten,
aber dann prächtig anschwellend, Hostias et preces tibi laudis offerimus an, umraunt vonPosaunen, denen Streicher und Flöten silbrig feine Echos anheften. Beklemmend schön. Um das'Sanctus' anzustimmen, tritt ein Tenor hinzu, dem nur die Frauenstimmen und hauchfeiner
Schwebklang antworten. Daraus entspinnt sich ein jubelnder Hosanna in excelsis-Kanon desganzen Chors, bis der Tenor mit dem Schwebklang und den antwortenden Frauen wiederkehrt
und dann der, jetzt noch prächtigere Hosanna-Kanon, vereint mit dunklem Streichergesumm und
Schlussakkorden der Blechfraktion. Obwohl ich den Chorgesang tausendmal lieber mag als jedes
Belcanto, ist der Solotenor natürlich ein effektvoller Schachzug. Zuletzt kehrt das 'Agnus Dei',
Lento und con dolore, mit gedämpftem Männergesang und lang gezogenen, halb grollenden,
halb schimmernden Haltetönen wieder an den Anfang zurück. Dona eis requiem sempiternam!
Bis das Ganze melodiös ins Schwingen kommt, wallend gen Sion und Jerusalem. Die Frauenstimmen schließen sich an, um immer wieder, mit aller Friedhofsbeklemmung, die daran hängt, et
lux perpetua luceat eis zu fordern, erst leise, dann aufflammend, und die Strings lassen einen
Vorschein des ewigen Lichts aufscheinen. Aber der zartbittere Moll- und Blueston bleibt vorherrschend, von dunklen Paukentupfern durchhallt, bis zum letzten Amen Amen Aaaameeeen.
Seufz und Ächz. Was für ein Sinnesrausch. 90 Minuten Spannung pur. Trotz einer Unterbrechung, um Instrumente nachzustimmen.Trotz der leider ungedämpften Beleuchtung. Trotz deralbernen Blätterei ringsum - der Text der Totenmesse ist seit über 500 Jahren gleich. Manche
offenbar weitgehend Herzenstaube verrenken sich sogar die Hälse, wer sonst noch da ist, um auf'Kultur' zu machen. Ja, trotz alledem. Wie ausdifferenziert Chor und Orchester unter der Leitungvon Matthias Beckert den nicht alle Tage zu hörenden Kraftakt vollbringen, ist ein Fest für meine
von Dergleichen selten beleckten Ohren. Schade, dass keine weiteren 'Freaks' einen Riecher fürdiese mittlere Sensation hatten. Muss denn immer erst ein Altrocker Gitarre dazu spielen?
75FIREWORK EDITION RECORDS (Stockholm)Über den Namen JEAN-PHILIPPE ANTOINE
konnte man bei Objet Métal Esprit stolpern, einerin eine FER-7" gerillte Hommage an Marcel
Broodthaers. In einschlägigen Kreisen ist der
Universitätsgelehrte bekannt als Autor von Marcel
Broodthaers - Moule, Muse, Méduse (2006) und
als Kenner von Gerhard Richter und Beuys, überden er La traversée du XXe siècle: Joseph Beuys,
Image, Mémoire geschrieben hat. Sein ästhetisches Denken kreist um image, mémoire undsouvenier. Nouvelle musiques anciennes (FER1088) präsentiert 7 elektroakustische Demonstrationen, bei denen Antoine mit Erinnerungen spielt.
'Tiento Boreal' lässt Joe Zawinul und den andalusischen Barockkeyboarder Francisco Correa deArauxo (1584-1654) miteinander vexieren. 'Quasi
Choral' nähert sich mit einer Danelectro Bassgitarre einem Bachchoral an. 'Finis terrae' ist ein
Gregorianischer Choral, gehört mit den Ohren vonCorrea de Arauxo und auf einer Gitarre nachgespielt. Bei 'Superfredons' erklingen gesummte,
gebrummelte, gepfiffene und sogar 'geblasene'
Ohrwürmer - 'La vie en rose', 'Freude schöner
Götterfunken' und Dergleichen - wie man sie
halbbewusst von sich gibt, wenn man ganz fürsich ist, hier aber als gedämpfte Musique d'ameublement, aus dem kollektiven Fundus möbliert. 'Squirrel Island Water Music' ist Musique concrète als Souvenir, mit dem sich Antoine nach Maine zurück versetzt unter die Wasser- undMotorengeräusche des heiteren Mittags am 31.7.2010. Jeder ist eingeladen. 'Gouttes defraîcheur' ist knarriges Saitengezupfe und zum Abkühlen in der Sommerhitze gedacht. Bleibt
noch 'Superfredons canonisés en jungle', ein Mix von 'Superfredons', der durch Stimmüberlagerungen und Wiederholungen das Gedächtnis üppiger aufblühen lasst und diesen Wildwuchs feiert. Tout être humain est un artiste.
If Other People Exist Then They Are Totally Sealed Secrets (Excrete Music #2, FER1092, one
sided LP) ist nichts anderes als die Performance von Something Like Seeing In The Dark (thevoice as an irregular generator), einem Text (Firework Edition No. 118, book, 56 p.), den LEIFELGGREN im Juli 2005 geschrieben und 2007 auch schon mit John Duncan aufgeführt hat. Am
4.12.2010 war sie Teil von Nicolas Malevitsis kleinem Festival in Xanthi, mit dem er, indem er
es zugleich zum finalen Absurd-Release # 84 :bye bye butterfly erklärte, das Ende von Absurd
feierte (der Nachfolger ist bereits als Πτώµατα Κάτω Από Το Κρεββάτι ausgeschlüpft). KOSTISKILYMIS knurscht und fräst ein schwarzes Loch in die existenzielle Dunkelheit, Elggren tanzt
und spricht mit verzerrter Stimme so eindringlich wie Copernicus Zeilen, die man, wenn man sie
selber stumm liest, eher wie Beckett'sches Geistergemurmel aufnimmt. Aus Elggrens Mundklingt Blank. Like white on white. Like seeing in the dark. Like trying. Like being... unerwartet
rau und eindringlich. Invisible. But still so powerful. So powerful... Gestures. Like in a fading
memory... Like razor blades in the dark. Like me. Like you... Free dreams. Still there. Still
possible... Voices. All over. Can't resist. Can't hear what they are saying. But. But. Fragments...
Images. Deep. Down. In black mirrors on the floor. Low Frequencies. Schwarze Spiegel.
Traumtüren. Ultra-High-Frequencies. Die Rückseite der LP ist ein schwarzer Spiegel. Elggren
lässt einen hinein stürzen, im freien Fall. Auf dem Kopf eine Krone aus Blech, und unten stinken
die Füße. Dennoch: I am the chosen one! And you too. You too. Ein Traumspiel. Ein Endspiel.
Ein Spiel. Um's große Ganze.
76This CD contains a detailed description of the afterlife into which people awaken after
the death of the physical body; about God, heaven, hell, angels, spirits and devils.
Nicht viele CDs wagen zu behaupten, was auf RECEPTION (FER1094) so lakonischkonstatiert wird. Swedenborg macht's möglich. THE SONS OF GOD AND MATS
GUSTAFSSON, Letzterer mit Live Electronics, Leif Elggren & Kent Tankred mit 32
verstärkten Eisenblechen, hatten sich mit ihrer Licht-Klang-Film-Installation beim
Festival Place and Sound, Stockholm New Music 2006 auf den Spuren ihres visionären
Landsmannes in das 'Schlaraffenland der Metaphysik' vorgewagt. Des einen Theosophie ist des anderen Erzphantasterei. Surrealist und Pataphysiker avant la lettre war
Swedenborg allemal. Seine Arcana coelestia (1749-56) und sein De Coelo et eius
mirabilibus, et de inferno (1758) hallen nach bei Schönberg, Anton Webern und Alban
Berg. Swedenborgs Erkenntnis Der Himmel ist ein großer Mensch und seine Suggestion von korrespondierenden Hieroglyphen konstituierten eine mystische 'Einheit desmusikalischen Raumes'. Es bleibt uns Überschlauen vorbehalten, begeistert entgeistert
zu sein und Extensionen menschlicher Größe nicht mehr in Himmel und Hölle zu
visionieren, sondern als mediale Präsenz auf Flachbildschirmen zu halluzinieren. Dassdas Spektakuläre aber weitgehend taubt macht, war einmal eine heute schon wieder
vergessene Diagnose über die Moderne. Ob Reception einen wieder 'empfänglicher'macht, zumal ohne die Magie der erhabenen Installation in der Färgfabriken, ist
fraglich. Und selbst 'magische' Eindrücke sind ja selten nachhaltig. Was bleibt von dem
damaligen 'Wunder', ist ein dunkles Brausen, durch das heller sirrende Klangzungenflackern. Prosaische Assoziation - Turbinen, Werkhalle. Seit den Tagen, als die Vorstellung selbst der Apokalypse noch mit 4 PS auskam, wird auch für nur kleinste
Wunder ein anderer Energiebedarf kalkuliert, von der Auferstehung der Toten ganz zu
schweigen. Das Sirren ist inzwischen ein Jaulen und Heulen geworden, was dem Tosen
einen nun doch schon etwas infernalischeren Anstrich gibt, auch wenn sich die Brisanzdann wieder etwas abschwächt. Dann beginnen die Donnerbleche zu rütteln, mit einer
bebenden Anmutung von Zittern und Zagen. Das sirrende Pfeifen setzt wieder ein,jaulende Triller wie hochtouriges Bohren. Und wieder die zähneklappernden Vibrationen, ein Flattern wie im Sog eines Tornados. Erst nach gut 50 Minuten flaut derSturm, flaut das Klangbeben ab. Einmal mehr bleibt das Gefühl, dass Elggren undseinen Partnern etwas gelingt, was wenige andere überhaupt auch nur versuchen.
Nämlich eine Grauzone anzureißen, in der dualistische und dialektische Gegensätzeverschwimmen zu ... Hieroglyphen und Korrespondenzen.

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IDEOLOGIC ORGAN [Editions Mego] (Wien)Ja, auch dafür hat Mego einen Sinn und offene Ohren, PHURPA, ein russisches Ensemble um Alexei Tegin, das ein auf Trowo Phurnag Ceremony(SOMA001, 2 x LP) zu hörendes alttibetanisches Bön-Ritual zelebriert. Die
von Stephen O'Malley kuratierte Vinylversion der 2005 im Melodiya Studiodurchgeführten Performance beeindruckt mit der Ernsthaftigkeit, mit der sich
Tegin und seine Mit-Mönche mit Dunchen (Langhorn), Gyaling (Oboe), Silnyen (Cymbal), Damaru (Handtrommel), Kanling (Knochentrompete), Nga(Trommel) und Shang (Glöckchen) als den einschlägigen Klangerzeugern,vor allem aber tantrischem Untertongesang sich der vorbuddhistischen
Schamanenmagie hingeben. In kehligem Grollen, das die Darmschleimhäuteerbeben lässt, werden die Dolche, die Phurpas, geschärft, um Dämonenfestzunageln und vor allem die negativen Energien von Gier, Anhaftung und
Unwissenheit. Die Instrumente setzen nur ganz vereinzelte Akzente im immer
wieder ansetzenden Grollen der Kehlen. Alles, was man sonst so kennt an
Weltmusik, von Joujouka bis zu den Pygmäen, ist im Vergleich dazu reinste
Popmusik. Dazu ist die absolut prachtvolle Präsentation dieser urigen Klänge
eine derartige Augenweide, dass Sammler von Besonderem wohl kaum
widerstehen können.
Bei der Einspielung von SUNN O)))s
Monoliths & Dimensions hat Stephen
O'Malley auch JESSIKA KENNEY &EYVIND KANG kennengelernt und deren
2005 bei Endless Records erschienene
CDr mit Liedern, die auf einem spirituellen
Webstuhl aus gaelischen, gregorianischen
und pythagoräischen Fäden gesponnen
scheinen. Aestuarium (SOMA002, LP)bringt nun diese 5 Songs einem vielleicht
bisher nur auf Mego oder Sunn O)))
fixierten, aber durch schlichte Schönheit
verführbaren Publikum näher. Kenney ist
Spezialistin für persischen und javanesischen Gesang, hat aber auch schon
an der Seite von Mike Patton Kangs Chorwerk Athlantis gesungen. Das
lateinische 'Orcus Pellicano' stimmt sie an wie ein Engelssopran das 'Ave
Maria', als eine getragene Anrufung, das dem kirchlichen Unwesen eine
erneuerte Unschuld verleiht. Kangs Viola schmiegt sich der Stimme an wie
ein heller Schatten, wie ein Seidenhandschuh. 'Figura Nox' wird durch
Melismen ein leicht indisch angehauchter Cantus planus, den Kang mit
dunklem 'Bläser'-Klang unterstreicht. 'Unnamed Figures' wirkt noch etwas
seltsamer durch das sirenenartige Auf und Ab der Stimmführung, dem die
Viola wieder hautnah folgt und dann sogar zu einem Solo ansetzt. Altgriechischer Gesang wurde schon so rekonstruiert. 'Dies mei', durchpocht
von perkussiven Tupfern und pizzikatobezupft, lässt in seiner, Trotz desLateins, folkloresken Schlichtheit die Kirche Kirche sein. Für 'Towards
Solitude' schließlich wird Kenney zur elegisch gestimmten Troubadoura, die
von Rosen und Feuer träumt. Schönheit kann manchmal so einfach
scheinen. Ist sie aber nicht. Das Cover prägt Giordano Brunos 'Speculum
Magorum' über eine arkadische Landschaft, 'Unnamed Figures' verweist
ebenfalls auf Brunos Articuli adversus mathematicos. Orcus, Sohn desChaos, und Nox als seine Enkelin sind Archetypen in Brunos Hermetismus.
Da auch Athlantis im Wesentlichen Texte dieses pantheistischen Märtyrers
vertonte, erweist sich der Nolaner als Kangs eigentlicher Fixstern.
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ORAL_records (Montréal)
Kandinsky? Mondrian? Malewitsch? Am ehesten noch Kasimir Malewitsch leuchtet mir ein als
Inspiration für Points, lignes avec haut-parleurs (ORAL 40), 10 Material-'Bilder', die MARTINTETREAULT für LE QUATUOR DE TOURNE-DISQUES komponiert hat. Was immer komponieren da bedeuten mag. Es sind Geräuschbilder, Knack-, Rausch- und Sprühbilder, die Nancy
Tobin, Alexander MacSween, David Lafrance & Magali Babin von 4 Plattenspielern kratzen. Zum
vollen Verständnis fehlt mir die zugehörige Audio-DVD mit Projekterläuterung und Scores, zum
vollen Höreindruck die Räumlichkeit der 4 Lautsprecher. Wer sich von einem Quartett von Turntablisten Fülle und Farbe verspricht, wird wohl etwas düpiert sein durch Tétreaults Vorliebe fürkonzeptionell reduktionistische, durchwegs abstrakt-bruitistische Spielereien. Er ist einer dieser'A Noise is a Noise is a Noise'-Typen, der Punkt und Strich meint, wenn er Punkt und Strich sagt.
Übersetzt in Kratz und Plop, schleifende, knisternde, furzelnde, allenfalls mal bitzelnde, zischendwischende oder brummende Loops. Molekulare Bewegung, subsymbolische Lautlichkeit, die
konsequent Welthaltigkeit oder gar Menschlichkeit ausklammert. Das Rauschen im Walde ohne
Wald, Meeresrauschen ohne Meer. Kaltes Medium nahe am absoluten Nullpunkt. Zuletzt nur
noch Verstärkerbrummen und subliminales Rumoren. Schwarze Scheibe mit schwarzem Loch.
Und dann sich die Scheibe wegdenken.
Als Hugo Girard in den 70ern Aut'Chose hörte, war das ein wegweisender Eindruck für sein
eigenes kommendes Künstlersein als VROMB. Dass er speziell hierzulande durch seine
Releases auf Ant-Zen bei Kennern einen guten Namen hat, sollte weder die Chronologie noch
die Proportionen verschieben. Avant Ailleurs (ORAL 41), seine Kollaboration mit LUCIENFRANCOEUR, den hier keiner kennt, ist die Begegnung mit einem Helden. Francoeur, le Freakde Montréal, hat in Quebec Kultstatus, als Poète & Chanteur von eben Aut'Chose, mit drei
legendären LPs Mitte der 70ern, und danach 6 weiteren solo. Seine Texte, gesprochen undprotogerapt im Slam-Poetry-Flow, teilweise fast gesungen, geistern Girard bis heute durch den
Hinterkopf. Umso größer war die Herausforderung, nun selber welche zu vertonen. Er umspinnt'On achève bien les rockers', 'L'Amerique inavouable', 'Montreal le jour' und 7 weitere Zwitter aus
Gedicht und Chanson mit Vromb-Sound, und Michel Meunier spielt dazu Phantomgitarre. Hat
nicht Ezra Pound Poesie an sich schon als Kentaur bezeichnet, halb 'thinking word-arranging',
halb Musik? (Und könnte er nicht nebenbei der Taufpate von Ant-Zen sein mit seinem: The ant's
a centaur in his dragon world?) Vromb gibt dieser Sonic Fiction pulsierend technoiden Drive und
ein Fluidum, das Francoeurs Tenor unterstreicht - 'The Future is now'. Immer - Now, ob 'Cosmos
1976' oder - gitarrendelirant - 'Montréal 1966'. Vögel sirren wie Patchinkokugeln. Francoeur zitiert
Jim Morrison und führt Geistergespräche mit den Bildern, die in westlichen Pop-Hirnen gespeichert sind. Es ist Poetry in Bluejeans und T-Shirt, per Du mit Marx & Coca Cola, mit Dylan, Lorca
und Pierrot Le Fou. Vromb geht zurück bis in alte Schellackzeiten und schleudert Francoeurdoch weiter nach vorne als der es sich vielleicht selber vorstellen konnte.

Lucien Francoeur79Collection qb (Montréal)
Clemens Merkel, Charles-Etienne Marchand (der inzwischen das QUATUOR BOZZINI verlasssen hat, Mira Benjamin heißt die Neue) und die Bozzini-Schwestern Isabelle & Stéphaniespielen auf Le mensonge et l'identité (CQB 1110) Musik von JEAN DEROME & JOANE HÉTU,
die durch theatralische Elemente und den Einsatz von Tonbändern dem Streichquartett einen
unpuristischen Anstrich zu geben versuchen. Wenn aber das Streichquartett an sich, anders als
ein Orchester und eher wie eine Band, soziale Egalität und das liberale Moment des Verhandelns spiegelt oder sogar repräsentiert, wie Heinz-Klaus Metzger ganz emphatisch der Ansicht
war, dann ist das Quartett nur noch etwas mehr es selbst. Theatralisch meint, dass die Spieler
im 2. Satz aufstehen und umeinander gehen, jeder mit einem eigenen Puls, mit Hämmern undSägen, aber noch auf der gleichen Baustelle, im gleichen Schlamassel. In Satz 3 zerstreut sichdie Gruppe dann völlig, mit jeweils eigenen Gedanken und verschiedenen Musiken, mit einem
perfekten Charles Ives-Finale. Tonbandstimmen bringen bereits von Anfang an etwas ins Spiel,das dem Alltag ähnlicher ist als Streicherklang - Sätze, die die Spieler in Deutsch, Italienisch undFranzösisch auf Interviewfragen zu antworten scheinen. Dazwischen erklingt kurz auch stakkatohafter Sprechgesang, im Rhythmus der Musik, oder krätzige Störungen quer zu harmonischem Gegeige. Die Musik ist extrem episodisch und wechselt minütlich, hagelt als Pizzikato,
kurvt in scharfem Glissando, imitiert Sprache - eine Quebec-Spezialität, schrillt Psycho-Slashing.
Das Ganze folgt einer Brechtianischen Agenda, als explizites 'Glotzt nicht so romantisch', voller
Reflektionen über das eigene Tun. Alles was älter als 20 Jahre ist, ist doch eigentlich alte
Musik... Es gibt keine Beziehung zwischen der Schwierigkeit eines Stückes und seiner Schönheit oder seinem Wert. Dazu gibt es Aphorismen über Lüge und Wahrheit. Passagen wie'Shiatsu' sind absolut krass, kakophonstes Tohuwabohu, aber eingebunden in eine Gleichzeitigkeit der Widersprüche, auch wenn es einfach nur Verschiedenheiten sind, und keine Geige
krasser als ein giftiges Moped, oder einschneidender als die Entscheidung des Aufsichtsrates.
Es gilt einfach nur: Wie 'Draußen', so auch 'Drinnen'. Konsequenz des Kapitalismus. Dass die
Börse das Wetter macht, steigert die Nachfrage nach Idyllen. Die zu zwiebeln mit Agit-Strings,
ist den Versuch wert. Der neue Wutbürger könnte gut etwas kulturelles Shiatsu vertragen.
Der Berliner ERNSTALBRECHT STIEBLER, mit Jahrgang 1934 einer der vertrauten Namen fürHorizonte-Hörer, taucht mit dem 2005/2006 entstandenen Streichquartett Sehr langsam - Teileins von Sens(e) Absence (CQB 1111) - ins Innere des Tones, um dort sich selbst zu begegnen
und um Neugierige zu der gleichen Erfahrung zu verlocken. Sonorität und Dauer, seine bevorzugten Parameter, zeigen sich in diesem dröhnminimalistischen Paradestück in ihrer ganzen
Nacktheit. Das euphonische Summen, das sich, wenn man die Augen schließt oder das Licht
löscht, total im Kopf einnistet, klingt kaum noch nach Streichern. Ich höre da das QUATUORBOZZINI fast als ein Bläserquartett, oder schimmernden Glasharmonikasound, aufgeblasen
zum Mandala einer von Abendrot durchfluteten Kathedralenrosette, leuchtend wie Gerhard
Richters digitale Fenster am Kölner Dom. Dass das Quartett sich auf Gedröhn spezialisiert hat,scheint nur so. Denn Tenney, Lucier und Stiebler sind nur Akzente in einem Spektrum vonClaude Loyola Allgén bis Walter Zimmermann. Stieblers Largo füllt den Kopf, das Zimmer, die
Welt, und leert sie zugleich, als ein fließendes Schwinden, ein Aushauch, ebenso Kafka, wie derKomponist andeutet, wie natürlich Beckett, Beckett und nochmal Beckett. Sense Absence von
DANIEL ROTHMAN, 2003 entstanden, ist wie ein Zwilling zu Sehr langsam und ergibt ein
perfektes Doppelprogramm. Der 1958 in New York geborene, in L.A. lebende Komponist,bekannt für seine Multimediaoper Cezanne's Doubt (an der Leo Wadada Smith mitgewirkt hat)oder das von Ph. K. Dick inspirierte SF-Klarinettenstück Yes, Philip, Androids Dream Electric
Sheep, bringt leichte Schattierungen ins Spiel und gliedert die gut 37 Minuten in lang gezogene
Atemzüge, in Lichtkegel, in stehende Wellen aus Vibratos, die mehr als einmal an Harmonikasoder Akkordeons erinnern. Ein langsames Pizzikato nach Zweidritteln des Wegs kommt völlig
unerwartet, als ob es aus wolkenlosem Himmel zu Tröpfeln begänne. Aber dann ziehen die Vier
wieder ihre schimmernden Striche in eine Dämmerung, die nur gestandenen Optimisten nicht
Abschied und Untergang nahelegt.
80

… beyond the horizon …

ANNE-JAMES CHATON - ANDY MOOR Transfer/2: PRINCESS IN A CAR (Unsounds, 23U,
7" in Faltposter): Autos sind das Transportmittel beim zweiten Teil der Transfer-Tetralogie. Die'Princess in a Mercedes class S 280' wurde vom guten Stern auf allen Straßen bis auf denhochstaplerischen Gipfel der Banalität und des Kitsches geführt. Das Beste oder nichts. Für'Sie', die umgetriebene Märchenprinzessin der Klatschspalten, Tankstelle der Rührseligkeitssauger, konnte es nur ein Luxusgefährt, eine silberne Kutsche sein. Autos als Leichenwagen da kommen mir andere Namen in den Sinn: Roland Barthes, Rolf Dieter Brinkmann, Jörg
Fauser, Helmut Newton, Jackson Pollock, W. G. Sebald... Chaton entkommt der Banalität durch
die monotone, repetitive Lakonie seiner Litanei: Elle est... Elle est... Elle est... Elle dit quelquechose, elle dit my God. Eine Frauenstimme übersetzt ins Englische. Die Gitarre schlägt die
finalen Sekunden, Yannis Kyriakides liefert einen zitternden elektronischen Puls. Bei 'Princess
in a Rover P6 3500S V8' zählt Chaton die Filme, die Regisseure und die Songs, die Partner und
die Autos von Grace Kelly auf: Au volant... Au volant... Au volant... Moor kräußelt die Wellen mit
einem langsamen Tanz der Illusionen... Illusionen... Illusionen...
ANTOINE CHESSEX Dust (cave12 Orchestra, c12Oo2): Vervollständigt durch geruchsintensive,
raumverzerrende Schwarzweißgrafik von Eva Rittmeyer & Xavier Robel wird hier eine Komposition für 3 violins, backtape and electronics dargeboten. Es geigen neben Elfa Rún Kristinsdóttir, der Konzertmeisterin des Solistenensembles Kaleidoskop, mit Steffen Tast und Ekkehard
Windrich zwei Könner vom KNM Berlin. Den Tape- und Elektronikpart besorgt Valerio Tricoli.
Während die Geiger einen dröhnminimalistischen Dauerton zum Schweben bringen, intoniert ersirrende und detonierende Laute, die durch den Raum irrlichtern. Die Violinen fächern auf undheben als Glissandos ab bis in höchste Höhen, umbraust wie ein startende Rakete, die mit
schrillem Trillern dem Blick entschwindet und nur Stille hinterlässt. In der nächsten Szene
zeichnen die Geigen, elektronisch verlängert, einen schimmernden Schwebklang, dem ein
dunklerer Dauerton als sonorer Schatten folgt. So stoßen sie mit Dopplereffekt ins Irgendwo, alsein vibrirendes Frequenzbündel, dem das Unmögliche gelingt, die Lautlosigkeit des Weltalls mit
einem himmelschreienden Geheul zu zerreißen. Geigen und Elektronik sind längst ununterscheidbar, ein einziges Klangbeben, das im letzten Viertel plötzlich brummig abdunkelt. Doch
die Geigen starten neue Glissandos, ein eskalierendes Geflecht aus jaulenden Spuren, die sichallmählich zum hornissig schwärmenden, generalalarmierten Crescendo verdichten. Bis sie
zuletzt als dünner Schwebklang verhauchen. Das kommt davon, wenn man sich mit Leuten wie
Lasse Marhaug, Zbigniew Karkowski, Chris Corsano, Thomas Ankersmit rumtreibt und dann die
Konsequenzen aus Nono, Lucier und Tenney zieht.
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CARLFRIEDRICH CLAUS - HARTMUT GEERKEN Einem Luftigen Akustischen Kosmos
Entgegen (Rumpsti Pumsti (Edition) Nummer 12): Nein, auch die breite geteilte Schnittmenge aus Mynona & Kubin, Sun Ra, Robert Lax und Ernst Bloch hilft nicht gegen den Neidauf den Entnervten, der diese Performance (am 25.6.1991 im Lyrik-Kabinett, München) mit
seinem "Ich muss mir doch nicht jeden Scheiß anhören!" gütesiegelte und das Weite - also
ein garantiert kunstfreies Fleckchen Erde - suchte. Alle anderen geraten in eine Flut gerrrollterrr RRRs und zwischen die Mühlsteine zweierrr einstündigerrr Zuspielbänderrr, die C.
Claus (1930-1998), vormals Künstler-Philosoph und basaler Sprech-Operateur in AnnabergBuchholz, und der 9 Jahre jüngere H. Geerken, kleinster gemeinsamer Nenner zwischen
Goethe und Sun Ra, Achternbusch und Kant, Konkreter Poesie und Stirners Einzigem, überGhetto-Blaster abspielten. Die Bänder sind, von Claus dicht, von Geerken luftlöchrig bespielt
mit je eigenen und Texten des Gegenübers, mit Maulwerk- oder Überblasgeräuschen auf
einer tibetischen Kurztube, mit Flüchen und Ascheschichten, mit Krach unbekannter Herkunft. Live kamen gezielt weitere Artikulationsakte hinzu, verbale und nonverbale, um das
man freundlich anzudeuten, und Allerhand dazwischen, wie Geerkens 'Würgeschreie'. Ein
Text von Kant ist kontaminiert mit dem Wort 'Polizei', Wörter zerfallen mit einer Halbwertzeit
von wenigen Sekunden zu Lautpoesie, tibetische Tschinka-Pings halten zwischendurch
Hungergeister fern. Die Künstler geben schamanisch, dämonisch, tierisch ächzend, gurgelnd, stöhnend, haspelnd und heulend ein Vollspektrum der Besessenheit ab. Sie mühen
sich an einzelnen Buchstaben ab, erleiden einen Sprachdurchfall oder schildern die Ankunft
der Vokale im Himmel. Was soll ich noch sagen? Ich sag lieberrrr nichts.
REINHOLD FRIEDL Inside Piano (Zeitkratzer, zkr0013, 2 x CD): Das Piano, Zentaur aus
Perkussion und Saiten, war gut 200 Jahre lang der Motor abendländischer Ästhetik. So sehr,dass Komponieren hieß, Musik auf dem Piano zu entwerfen, Monologe ebenso wie ganze
Orchesterpartituren. Vor 100 Jahren entstand allmählich ein Unbehagen und Ungenügen am
wohltemperierten Klavier. Cowell, Cage, Bertoncini, Radulescu, Szalonek, Krause, Lachenmann begannen, den Hemmschuh einer wirklich zeitgenössischen Musik zu traktieren mit
Fäusten, Schrauben, Bögen, Metall, Steinen, Fingernägeln etc. Friedl referiert diese Evolution von neuen Pianospielweisen und entfaltet sein eigenes metapianistisches Summa
summarum in neun Kompositionen. Friedls Bekanntheit als Leader des Ensembles Zeitkratzer hat wohl etwas sein eigenständiges Profil als Komponist, der bei Witold Szalonek
und Merio Bertoncini studiert, und als Pianist, der sein Handwerk bei Alan Marks und A. vonSchlippenbach ausgefeilt hat, in den Schatten gestellt. Mit Inside Piano demonstriert Friedl
mit seiner spielerischen Phantasie zugleich ein spektral dröhnendes Klangideal, das ein
Schlaglicht wirft auf das Ultima Thule, den Lustpol, den er mit Zeitkratzer bei aller Diffusion
hartnäckig anvisiert. Stahlfedern, eine Metalröhre, E-Bow, Gegenstände, die auf den Pianosaiten tanzen, geschabte Glissandos, vibrierende Cymbals und noch mehr Federn, sindallesamt Mittel, das Piano 'singen' zu lassen. In leuchtenden, schillernden Schwebklängen,teils rein und monocordistisch, teils gemischt und geschichtet zu orchestralem Volumen.
Während das turbulente 'La Conséquence Des Reves' quietscht, scheppert, federt unddonnert, dass die Klassikkuh schockiert den Darm entleert, taucht 'L'horizon Des Ballons'über nahezu 40 Min. ein in das Licht eines strahlenden Tones, wie ihn Skriabin nicht mystischer im Ohr hatte. Auf das drahtige Vibrato von 'Lespoir Des Grillon' mit seinem E-BowSummton und rumorenden Eingeweiden folgen 'Ombres D'ombres' als federndes Chiaroscuro und mit 'Les Cris Des Chantharides' der Auftritt einer grünschillernden Spanischen
Fliege in Formiculaformat. 'Chevelure Des Cognasses' wühlt mit Baudelairescher Wollust in
der 'Mähne' einer quittensamtigen Geliebten: Ein ganzes weltall · fern fast wie aus einer
gruft · Kann ich · aroma–wald! in deinem grund vermuten. Wie andre geister auf musik undstimmen fluten: Der meine · o mein liebling · schwebt auf deinem duft. 'Pendeloques De
Glace' gletschert in schrill scharrender und dumpf reißender Urgewalt und wirft kristallgebrochne Frequenzen. 'La Grimace Du Soleil' steigert ein letztes Mal den eisig schillernden,
splitterscharfen Ton zu süßem Schmerz. "Beauty is difficult, Yeats" (wie es bei Ezra Pound,
oder "Harmonia est discordia concors", wie es bei Pico della Mirandola hieß) - Anfang der
Neuen Musik (schlagt nach bei Franchinus Gaffurius).
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JONAS KOCHER solo (Insubordinations netlabel, insubcd03): Das
Akkordeon, das unbekannte Wesen.
Der Schweizer hat bei Teodoro
Anzellotti gelernt, wie man das
Allerweltsinstrument so klingenlassen kann, dass man aus dem
Staunen nicht herauskommt. Innerhalb der 'Bruderschaft des Blasebalgs' vertritt er – ähnlich wie Ute
Voelker etwa – den extremistischen
Flügel, der alle Vorstellungen, dieman mit dem Akkordeon verbindet,über den Haufen schnarrt, knurrt,
röhrt, röchelt und schnieft. Mal klingt
das wie ein krankes oder auch ein
brünftiges Urwelttier, mal knarrt undächzt es wie eine Maschine, wie sie
da Vinci oder Athanasius Kircher
entworfen haben könnten. Eines sourig wie das andere. Dann erklingt
plötzlich doch eine akkordeonistische
Akkordfolge, sirenenhaft oder rufend.
Wiederum bekommt man den Eindruck, dass da ein Wesen Laut gibt
oder ein heikles Ding, das man versteht, wenn man das Ohr dafür hat.
Egal ob als U-Boot-Maschinist oderals Elefantenflüsterer. Jetzt fiept es
hell und zart, ein bebender Schwebklang wie von den allerkleinsten Orgelpfeifen. Dann pumpt ein fast tonloses Pulsieren im Raum, füllt ihn mit
perkussiven Schlägen und wummerndem Teddybärgebrumm, bis zum
atemlosen Keuchen. Dann hupende
Impulse und Aufschreie, unterstrichen
von Klopf- und Klappengeräuschen,von feinen Pfeiftönen und grollig sonorem Gebrumm. Creative Sources
und Another Timbre boten dem
Schweizer schon ein Forum für seine
erstaunliche Kunst. Dabei wäre erüberall eine Attraktion.

LUCIA MENSE Electronic Counterpoint (satelita Musikverlag, satelita 004): Neue Musik für Elektronik und Blockflöte? Seit sie mit ihrem tränenseligen Programm Tombeaux auf das von Ekkehard Ehlers mitkuratierte Hauntology-Festival LUX ÆTERNA in Berlin im März 2011
eingeladen war, besitzt Lucia Mense die höheren Weihen
avancierter Diskursfähigkeit und Transzendierungspotenz.
Sie, die gerne zeitreist zwischen alter Musik und Barlow,
Niblock oder Berio, war zum Teil – das moderne Repertoire für Blockflöte ist rar - auch Auftraggeberin und hat
die ihr auf den Leib geschneiderten Entwürfe im Rahmen
der reiheM 2009 in Köln aufgeführt. Erbsen von MARCSABAT aus Kanada war ebenso eine Uraufführung wie
die zwei folgenden Stücke. Es besteht quasi aus sechs
barocken Tänzen, die, wie die Triebe der Erbse, organisch auseinander hervorgehen. Bis zu 5 Blockflöten
interagieren knickebeinig geziert oder schwärmerisch inverschlungenen Schrittfolgen und Drehungen mit einem
vorab aufgenommenen dunklen Tanzpartner, der fast ein
wenig an eine kurzatmige Pumporgan erinnert. Impansion
Expansion, zu Deutsch, Einrollung Ausdehnung, stammt
von MANFRED STAHNKE (*1951, Kiel). Gezogene Bassund Tenorblockflötenwellen verbinden und schichten sichals helldunkler Hauch mit ihren in Echtzeit im Computer
reflektierten Echos. SASCHA LINO LEMKE (*1976, Hamburg) addiert bei seinem [Re: re: Record a re:] die Altblockflöte mit konservierten und im Computer aufgetauten
Mehrlingsgeschwistern und lässt sie auf einem Spiralkurs
vielzungig anschwellen. Überblastöne und impulsive
begegnen vogeligen, schrillen und gedehnten Versionen
ihrer selbst. ULRICH KRIEGER (*1962, Freiburg) ist dereinzig mir bekannte Name, durch Text of Light und Zeitkratzer. Black Smoker für Subbass- / Bassblockflöte mit
max/msp nimmt die hydrothermalen Quellen am Tiefseegrund als Anregung für seine urigen Schmauchspuren.
Der Eindruck von Orgelpfeifen und Sirenen, tutend, teils
trillernd, grollend oder blubbrig umkräuselt, ist neben
einer programmmusikalischen auch von tiefmelancholischer Suggestivität. GEORG HAJDU (*1960, Göttingen)war mit Tsunami der Zeit etwas voraus. Eigentlich gab er
nur seinen mathematischen Wellen einen poetischen
Namen. Die gerippelten Altflötenkaskaden verketten sichmehr quecksilbrig als stürmisch im Wasserglasformat.
Jeder Geist der Schwere geht dabei - flöten.
83

THE VEGETABLE ORCHESTRA Onionoise(Transacoustic Research/Monkey, TRES008): Das ist die Musik, vor der Adorno das
Gesicht verzog, rein kulinarische Musik,
ESSBARE Musik. Die Österreicher bestehen auch in EHEC-hysterischen Zeiten auf
rohes Gemüse aus ihrem Klanggarten,
Susanne Gartmayer, Jörg Piringer, Ulrich
Troyer & Co. blasen, klopfen, reiben wieder
ihr arciboldoeskes Sammelsurium aus Eggplant Clap, Calabash Horn, Carrot Xylophone, Leek Crackle, Pumpkin Bass Drumetc. und transplantieren es zu 'Krautrock',
Bio-Techno, Roots-Pop, Minimal Tamtam
und Exotic Ambient. 'Le Massacre Du Printemps' und 'Pocket Stampede' sind dramatische Programmmusiken, gewittrige VivaldiVerwurstung (oops), Pferdepanik in Liliput.
'Melang' entführt mit Gamelan und tutendem
Dampferhorn in die Südsee, 'Regen' tröpfelt
anfänglich nur in dicken einzelnen Tropfen,
verdichtet sich aber dann zu nassem
Brausen und Prasseln. 'Brazil' mischt
Morsezeichen mit Hummelgesumm zum
Background für eine beknarzte unddurchfiepte Dschungel-Samba mit Froschchor. Mit Sirenenalarm setzt 'Excess Pressure Symphony' ein, heulende Glissandos
verdichten sich zum windumfauchten
Daueralarm. Mittendrin ein Schnitt, dannerneut ein gepresstes, hektisch gepumptes
Drunter und drüber Geheul. Das sich als
relativ harmlos herausstellt im Vergleich mit
der nun folgenden 'Krautrock'-Attacke aus
geratschtem und verzerrtem Cabbage Noiseaus einer Fabrik, die ein wahrer Gemüseschlachthof sein muss. Früchte aus dem
Klanggarten und allerhand Küchenstudiotricks zwiebeln einem die Ohren. Als Nachschlag gibt es Monsterbohnen. Na dann
"Mahlzeit".

V/A velak_rec concert series 2010 (Chmafu
Nocords, cn39): Keine Kompilation, sondern eineAufführung von 'zero and one', eine Komposition
für stille Räume, verschiedene Musiker, beliebige
Instrumente und unbestimmten Stil. Kollektiv
konzipiert und komponiert, nämlich von Philip
Leitner, Mamoru Okuno, Daniel Lercher & Peter
Kutin, wurde sie realisiert von 4 x 4 Ausführenden(u. a. Dieb13, Wolfgang Fuchs, Ye Hui, Matija
Schellander, Burkhard Stangl, Kazuhisa Uchihashi), den Teams A (rein weiblich), B, C, D. Jedes
Team spielt in Mustern von 1111 (Quartett) über1000 ... 0100 ... (Solos), 1100 ... 0101 ... (Duos),
111 ... 1011 ... (Trios) bis zuletzt wieder 1111.
Team B startet bei gelöschtem Licht - der stille
Raum ist vor allem auch ein dunkler Raum - mit
Gitarren, Elektronik und Schlagzeug und entsprechend elektroakustisch ist auch, nach nur
wenigen Stationen wird das manifest, der Gesamteindruck. Als assoziative Chimären stellen sich
Phosphor, MIMEO, Cardews 'Treatise' ein. Füreinen kontinuierlichen Verlauf der, 'inhaltlich' frei
improvisierten, bruitistischen Ereignisse sorgt die
unsichtbare Hand. Turntables, präparierte Gitarre,
Objects, mit denen hantiert wird, eine Flöte etc.
folgen einander, lösen sich ab als ein 50-minütiger
Klangfluss, der, mal dünner, mal breiter, immer
ziemlich reduziert, in keinem seiner Ströme oder
Arme zweimal der Gleiche ist. Eben noch ein Trio
mit Getrommel von David Schweighart (Tupolev),
jetzt nur noch eine zart bebende Gitarre, dann ein
dünner elektronischer Dröhnfaden. Wird ein
Musiker aktiviert, leuchtet ein Licht auf, so dassdas Klangmuster der Komposition quasi auchsichtbar wird. Elektroakustische Improvisation als
Konzeptkunst und Erlebnis. Die Unsichtbarkeit derMusikerInnen auf der CD transportiert die ferngesteuerte Quasianonymität der beteiligten Stimmen. Operngesang von alten Schallplatten, vereiert wie bei Mobys Play, liefert einen besonders
intensiven Stimmungsmoment, den das brummig
krimskramsende Finale mit erregten Flötenstößen
und geloopten Gitarrenschlägen auf ganz andere
Weise zu verlängern sich bemüht. Zuletzt inmeinem Hirn mit einem Anklang an Intesivstation.
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MANUEL ZURRIA LOOPS4EVER (Mazagran, mz001, 2 x CD): Der 1962 in Catania
geborene Flötist, der im Ensemble Alter Ego auch schon Philip Glass und Gavin
Bryars eingespielt hat, macht aus seinen minimalistischen Neigungen kein Hehl.
Waren seine letzten Publikationen Einzelporträts von László Sáry (Niagara, 2009),
Rytis Mazulis (Musica Falsa, 2010) und Philip Corner (Joy Flashing, 2010), so feierte
er schon auf Repeat! (Die Schachtel, 2008) die Wiederholung als musikalisches
Urelement. Drones4Ever, Loops4Ever. Um erneut die verwandten Gegensätze vonDauer und Wiederkehr auszukosten, boten sich einschlägige Klassiker. Von GIACINTO SCELSI mischt Zurria Maknongan (1976) und Pwyll (1954) zu Casadiscelsi;
von PAULINE OLIVEROS spielt er Portrait (of Manuel Zurria) (1993); von ALVIN
LUCIER das obertonreich schimmernde Glissando Almost New York (2003). Dazu
kommen Versionen von ALVIN CURRANs Madonna and Child (1968/2009), einswingendes Eiapopeia für jede Gelegenheit, von CLARENCE BARLOW das krass ins
Trommelfell schneidende ...until... (1981), von FREDERIC RZEWSKI Last Judgement(1968/2009), das eigentlich für Posaune, und von TERRY RILEY Dorian Reeds(1964), das mit seinen vielstimmigen Echos ursprünglich für Saxophon geschrieben
wurde. Die Flöte des Jüngsten Gerichts zieht den Aufschub dem Ende vor. Anderes
kommt unerwartet: Das dünnpfiffig schrille Piercing The Carnival (2009) von (und mit)
JOHN DUNCAN; The Garden of Love (2003) & Lipstick (1997) von Jacob Ter Veldhuis(* 1951), bekannt als JACOB TV; I Will Not be Sad in This World (2009) von und mit
EVE BEGLARIAN (*1958, Ann Arbor), indem elegisch schwelgende, quasi armenische Vokalisation dieser Hildegurl-Schwester von Kitty Brazelton zugespielt wird; undVariation#6: A Movement In Chrome Primitive (2010) von WILLIAM BASINSKI.
Während bei Basinski Loops zur Passion geworden sind, hält Barlow sich gewöhnlich
davon fern, nur bei …until... war der damalige Eindruck durch indische Dröhn- undamerikanische Minimal Music prägend. Dominiert bei Curran eine monophone
Simplizität mit pfeifenden Whirly-Sounds, so sind es bei Rzewski ständig sichändernde melodische Sequenzen. Alle Stücke haben elektroakustischen Charakter,von Feldaufnahmen aus Scelsis Haus über Oszillatoren bei Lucier, Laptop bei
Duncan, Boombox bei Jacob TV, Drones bei Barlow bis Delays bei Basinski und Riley.
Zurria changiert dabei flötenspektral zwischen Bass und Pikkolo, zwischen Einzahl
und Mehrzahl, wobei er bei seinem Selbst-Portrait auch abgründig vokalisiert undschlafzäh Gedichte von Emily Dickinson lallt. Das ist schon starke Medizin. DIE
Entdeckung ist das irrwitzige holländische Boomboxing, das im Original auf Jacob TVs
Shining City (Basta) zu finden ist. Erst tanzen William Blake und Steve Reich putzmunter auf dem Friedhof, dann kapriolen gehaspelte Silben mit aufgedrehtem
Flötengeschnäbel. Oops4Ever!
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inhalt
SHILIBILIBILBOM! BOM! BOM! BOM! COMICS UND MUSIK 3
FREAKSHOW: JONATHAN PEPPER'S ONLY HEARTS CLUB BAND CAPILLARY ACTION 6CHEER-ACCIDENT 7
FREAKSHOW: JACK DUPON KÄMPFT MIT FLIEGEN UND FLIEGENDEN TEEKANNEN 8OVER POP UNDER ROCK:FELIX PROFOS FORCEMAJEURE 9 - DISCORPORATE 10 - INVADERS 11 - RUNE GRAMMOFON 12NOWJAZZ, PLINK & PLONK:AKTIVRAUM 21 - AMBIANCES MAGNETIQUES 22 - ANOTHER TIMBRE 24 CREATIVE SOURCES 26 - WADADA LEO SMITH'S ORGANIC 28 - EMANEM 29 ENJA 32 - HUBRO 33 - INTAKT 35 - EYVIND KANG 38 - LEO 40 - SATOKO FUJII 42 - POTLATCH 44
SOUNDZ & SCAPES IN DIFFERENT SHAPES:ATTENUATION CIRCUIT 51 - MIKE FAZIO/FAITH STRANGE 53 - ERIC LUNDE'S TRAITMEDIAWORKS 54
EDITIONS MEGO 55 - M=MINIMAL 58 - MONOTYPE 59 - NITKIE / MONOCHROME VISION 61 MNDR / PSYCH-KG 63 - SPECTRUM SPOOLS 64 - TOUCH 65
BEYOND THE HORIZON:AHORNFELDER 74 - HECTOR BERLIOZ' GRAND MESSE DES MORTS 75 - FIREWORK EDITION 76 IDEOLOGIC ORGAN 78 - ORAL 79 - COLLECTION QB 80

BAD ALCHEMY # 70 (p) August 2011
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
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mitarbeiter dieser ausgabe: Michael Beck, Marius Joa, Bernd WeberBA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht näher gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl oder als Digital Download gibt
BAD ALCHEMY erscheint ca. 3 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 70 erhalten Abonnenten eine Split-CD-R von BOMIS PRENDIN & ERIC LUNDE (Psych.KG 2011)
Ganz besonderer Dank dafür an Matthias HornRückseite: Wadada Leo Smith (Foto: Jeremy & Claire Weiss)
Leseproben: http://stefanhetzel.de/esszumus.html; www.zunderderblog.de;
http://namremicz.wordpress.com; http://alfredharth.blogspot.com
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index1000SCHOEN 61 - A GUIDE FOR REASON 53 - AGNEL, SOPHIE 24 - ALLEN, GERI 36 ANGELI, PAOLO 14 - ANKERSMIT, THOMAS 72 - ANTOINE, JEAN-PHILIPPE 76 APELAND, SIGBJØRN 33 - ARTIFICIAL MEMORY TRACE 62 - ARVO ZYLO 66 - ASANO,KOJI 66 - ATOMIC PARACELZE 11 - BALLABENE, MIRCO 21 - BEE MASK 64 BERESFORD, STEVE 26 - BERLIOZ, HECTOR 75 - BERTONCINI, TIZIANA 24 BJØRNSTAD, KJETIL 34 - BOMIS PRENDIN 63 - BORNGRÄBER & STRÜVER 58 BROKEN.HEART.COLLECTOR 10 - BUCK, TONY 27, 59 - BUDAM 15 - B°TONG 52 CAPECE, LUCIO 25 - CAPILLARY ACTION 6 -CARLBERG, FRANK 45 - CASCONE, KIM 60- CECCARELLI, ISAIAH 22 - CHANTLER, JOHN 67 - CHARLES, DENNIS 30 - CHATON,
ANNE-JAMES 81 - CHEER-ACCIDENT 7 - CHESSEX, ANTOINE 81 - CINDYTALK 57 CLAUS, CARL FRIEDRICH 82 - COURVOISIER, SYLVIE 37 - CRISPELL, MARILYN 35 DAGSHENMA 67 - DAVIDSON, MARCUS 65 - DEBAECKER, ANNE-GABRIEL 40 DEFOSSEZ, PATRICK 40 - DISSECTING TABLE 63 - DOMANCICH, SOPHIA 16 - DONEDA,MICHEL 25, 45 - dQtç 11 - DUS-TI 21 - EILERTSEN, MATS 34 - ELGGREN, LEIF 76, 77 EMERGE 51 - FACTOR X 62 - FAZIO, MIKE 53 - FELDMAN, MARK 37 - FELL, MARK 55 FENNESZ 65 - FIEBIG, GERALD 52 - FIRE! 12 - FLINN, STEPHEN 26 - FONOGRAM 67 FORMA 64 - FRANCOEUR, LUCIEN 79 - FREE SPACE 29 - FRIEDL, REINHOLD 82 FRIEDRICH, BURKHARD 74 - FUJII, SATOKO 42, 43 - FUKUSHIMA, TAKUMI 14 GALLOWAY, VANCE 70 - GAUGUET, BERTRAND 24 - GEERKEN, HARTMUT 82 GOUBERT, SIMON 40 - GRASSOW, MATHIAS 63 - GRIMES, HENRY 30 - GUAZZALOCA,NICOLA 41 - GUERREIRO, RICARDO 26 - GUIONNET, JEAN-LUC 44 - GUSTAFSSON,
MATS 12, 77 - HECKER 56 - HEMINGWAY, GERRY 35, 37 - HILTON, CRAIG 68 HOBOCOMBO 16 - HOLZKOPF 52 - HOPKINS, JOEY 73 - HUG, CHARLOTTE 31 HUNTSVILLE 33 - IN THE COUNTRY 13 - IN TRANSIT 46 - JACK DUPON 8 - KANG,
EYVIND 38, 78 - KAZE 43 - KENNEDY, NIGEL 17 - KENNEY, JESSIKA 78 - KILYMIS,KOSTIS 76 - KIRSCHNER, KENNETH 68 - KOCHER, JONAS 25, 45, 83 - KONRAD KRAFT
69 - KREUZBERG 58 - KUGEL, KLAUS 46 - KUSIOLEK, ROBERT 46 - LABBÉ, PIERRE 23 LACY, STEVE 30 - LAUBROCK, INGRID 36 - LE QUATUOR DE TOURNE-DISQUES 79 LEHN, THOMAS 24, 56 - LUNDE, ERIC 54 - LÜNEBURG, BARBARA 74 - MACDONALD,RAYMOND 48 - MACHINIST 69 - MARZAN, PASCAL 31 - MASLOBOEV, EVGENY 41 MASLOBOEVA, ANASTASIA 41 - MCGUIRE, MARK 55 - MENDOZA, AVA 17 - MENSE,
LUCIA 83 - MEZEI, SZILARD 41 - MIN-YOH ENSEMBLE 42 - MINA, FABIO 21 - MOHA! 13 MOIMÉME, ABDUL 26 - MONTEVERDICHOR WÜRZBURG 75 - MOOR, ANDY 81 MOUNTAINS 18 - MURAYAMA, SEIJIRO 44 - MYSTERY HEARSAY 62 - NELSON, RICHARD
47 - NEST 70 - NEUKOM, MARTIN 70 - NEUMANN, ANDREA 24 - NIESCIER, ANGELIKA 32- NIGGLI, LUCAS 37 - NOISEPOETNOBODY 70 - OʻROURKE, JIM 12 ORCHESTRAMAXFIELDPARRISH 53 - OTHERWAYS 29 - PAS/HATI 18 - PENSADO,ANDREA 71 - PERILS OF PENELOPE 18 - PETIT, PHILIPPE 60, 62 - PHILLIPS, TOMAS 68 PHURPA 78 - PROFOS, FELIX 9 - QUATUOR BOZZINI 80 - RANT 47 - RINALDI, DANILO 21- RIVES, STÉPHANE 44 - ROBINSON, EUGENE S. 60 - ROGER, DANIELLE PALARDY 22 ROTHENBERG, DAVID 59 - RUDD, ROSWELL 30 - RUSSELL, JOHN 31 - SCANNER 59 SCHILLER, CHRISTOPH 25 - SCHMICKLER, MARCUS 56 - SCHNAAK 10 - SCHNITZLER,CONRAD 58 - SCHUMACHER, PASCAL 32 - SIDESTEPS 19 - SJAROV, ANTON 46 SLEEPTHIEF 36 - SMITH, WADADA LEO 28 - SOLOTHURNMANN, JÜRG 46 SPLASHGIRL 34 - SPLICE 48 - SPOOKY ATTRACTION FROM A DISTANCE 19 - SPUNK 12- STACKENÄS, DAVID 48 - STAMPFEL, PETER 20 - STATIC 71 - STONE, RICK 49 SUSTAINED DEVELOPMENT 51 - TÁ LAM 49 - TELEGRAPH 40 - TEMPORAL MARAUDER
64 - TETREAULT, MARTIN 79 - THE SONS OF GOD 77 - THE VEGETABLE ORCHESTRA
84 - TRAN(CE)FORMATION QUARTET 40 - TREVOR-BISCOE, TIM 41 - TRICOLI, VALERIO
72 - TRIO 3 36 - TROPHIES 59 - TUCKER, DAVE 26 - TULA 20 - ULHER, BIRGIT 25 ULLMANN, GEBHARD 49 - V/A RESONANZRAUM FAGUS 73 - V/A SOUND ECOLOGY:RANGE 61 - V/A VELAK_REC CONCERT SERIES 2010 84 - VAINIO, MIKA 57 VÄLFÄRDSORKESTEREN 72 - VROMB 79 - WATSON, CHRIS 65 - WATTS, TREVOR 30 WEIRD WEAPONS 27 - WEISS, TOMAS 63 - WESTON, VERYAN 29, 30 - WHETHAM,SIMON 62 - WÓJCINSKI, KSAWERY 46 - ZANDER, GERHARD 51, 52 - ZAUSS 50 ZURRIA, MANUEL 85 - ZWEIZZ 73
87