BAD 108
ALCHEMYGone, gone, gone...
[14 Jun 2020] Keith Tippett (Sextet, King Crimson, Centipede, Ovary Lodge, Mujician...), 72[28 Jun 2020] Simon H. Fell (engl. Bassist und Komponist, Bruce's Fingers, Badland, LIO), 61[29 Jun 2020] Hachalu Hundessa (äthiopischer Protestsänger), 34[06 Jul 2020] Ennio Morricone, 91[19 Jul 2020] Cor Fuhler (nl. Pianist und Live-Elektroniker, Palinckx, M.I.M.E.O., Corkestra), 56[25 Jul 2020] Peter Green (engl. rock guitarist, Fleetwood Mac), 73[04 Sep 2020] Gary Peacock (double-bassist w/ P. Bley, A. Ayler, K. Jarrett, J. Garbarek...), 85[10 Sep 2020] Diana Rigg (Emma Peel ... Olenna Tyrell), 82[23 Sep 2020] Juliette Gréco, 93[17 Oct 2020] Toshinori Kondo (Japanese jazz trumpeter), 71

Not words on the page but words in the world or, rather, words in the head,at the private juncture of thousand contexts... Leslie Fiedler... a tissue of citations, resulting from the thousand sources of culture. Roland Barthes
Ich hatte eine Menge Bücher gelesen, darunter einige von Schriftstellern, die viel von den
Menschen verstanden. Ich blickte auf meine Bücherregale: Mauriac, Simenon, Flaubert, Charles deFoucauld, die heilige Therese, Büchner, Dostojewski, Racine, das Tagebuch von St. Helena.
Entweder waren es nicht genug Bücher, oder ich hatte sie nicht richtig gelesen.
Niemand konnte mir helfen. Piet van der Valk
Kingsley Amis - Jim im Glück
W.ystan H.ugh Auden - Anhalten alle Uhren. Gedichte
Vicki Baum - Flut und FlammeJohn Berger - Das Leben der Bilder oder die Kunst des Sehens; Bentos Skizzenbuch
Roland Boden - Verkantung der Realzeitachse
Chester Brown - Fuck
Nicolas Freeling - Liebe in Amsterdam (1962); Because of the Cats (1963); Van der Valk und
der Schmuggler [Gun Before Butter] (1963); Die volle Ladung [Double-Barrel] (1964);
Criminal Conversation [Van der Valk und der tote Maler] (1965); Bluthund [The King of
the Rainy Country] (1966); Stumpfe Gewalt [Strike Out Where Not Applicable] (1967);
A Long Silence [Van der Valk muss schweigen] (1972)
Ursula Fürst + Jürg Federspiel - Die Ballade von der Typhoid Mary
Romain Gary - Erste Liebe Letzte Liebe
Annie Goetzinger + Pierre Christin - Das Fräulein von der Ehrenlegion
Jan Guillou - Im Interesse der Nation
L.eslie P.oles Hartley - The Go-Between
Peter Karvaš - Tanz der Salome. ApokryphenJack Kerouac - On the Road [again, diesmal im Original]
Rudyard Kipling - Der Mann, der König sein wollte. Indische Erzählungen [übers. v. Gustav Meyrink]
Bruno Latour - An Attempt at a “Compositionist Manifesto”
Giorgio Manganelli - Kometinnen und andere Abschweifungen
Luigi Malerba - Die nackten Masken
Cormac McCarthy - Der Feldhüter
Andreas Michalke - Bigbeatland
Muñoz + Sampayo - Moses Man der Boxer
Schlockcomics No. 17: Gil-Rak ist da! →www.schlockweltall.de
Zadie Smith - London NW
Jean Vautrin - Groom; Haarscharf am Leben
Danny Walther - Die "Fiedler-Debatte" oder Kleiner Versuch, die "Chiffre 1968" von links ein wenig
auf-zuschreiben [Magisterarbeit, Uni. Leipzig, 2006]
Janwillem van de Wetering - Das sichere Gefühl

2NO FREAKSHOW NO ARTROCK NO FESTIVAL
Es bräuchte ein von allem Freakspirit verlassenes Fleischerhundgemüt, um nicht, neben
vielen anderen Corona-Schäden, die für uns schlimmste Hiobsbotschaft zu beklagen.
Das FREAKSHOW ARTROCK FESTIVAL als von Genießern geschätztes alljährliches Must
Go, von Charly Heidenreich für den 25. / 26. September 2020 geplant und bis ins Letzte
vorbereitet im Radlersaal des Radsportclubs Heidingsfeld, wurde im letzten Momenta b g e s a g t.
Wegen eines Haufens von Virenschleudern und Shishapaffern, die Wurzburg als
Covideppen-Hotspot in die Negativ-Schlagzeilen brachten. Aber auch wegen des zu hohen
Infektionslevels, das den französischen Musikern eine 5-tägige Quarantäne beschert hätte.
Daher also leider doch kein Meeting of the Freaks, weder mit noch ohne Maske.
Kein Spaß mit der Zeuhl-Jazz-Fusion von FREE HUMAN ZOO, dem Intergalactic Free Music
Projekt des Drummers Gilles Le Rest und des Posaunisten Laurent Skoczek.
Kein Wiederhören, worauf ich mich besonders gefreut hatte, mit LE GRAND SBAM, der'Opéra-comique'-Version von Poil mit den Sängerinnen Jessica Martin Mareso & Marie
Nachury und der Vibraphonistin Mélissa Acchiardi.
Keine Freude mit den canterburyesken OIAPOK aus Strasbourg, die, angeführt vom
Bassisten Pierre Warwzygniak und mit Gesang von Léla Frite, bezaubern als Camembert inCamouflage.
Und ohne die Franzosen auch kein Krach mit COLONEL PETROV'S GOOD JUDGEMENT
und ihrem Kölner Progressive-Sludge-Metal-Hühnerhof wie 2017.
Kein Wiederhören mit dem Saarländer Hardcore Jazz von HYDROPULS, der Posaune vonChristof Thewes und der Power von Uhl (nur Erinnerungen an 2018).
Kein Kennenlernen von TRYON, dem Spin-off von Alex's Hand des Bassisten Kellen Mills in
Berlin.
Also, keine Saure-Milch-&-Pflaumen-Kur à la Charly, kein Zusammenklang von Genie undhalbstarker Hysterie. Und, seufz, kein Wiedersehen mit all den ein bisschen ans Herz gewachsenen 'Freaks', den herzensguten Zauseln, geschmacksverirrten Prog- & FusionNerds und Gackerärschen, die, man muss es so sagen, als vertrauensvolle Großfamilie
ihresgleichen suchen.
Die Musiker darben. Wer ihre aktuellen Tonträger noch nicht hat - stellt euch nicht so an,sondern reiht euch ein in die Käuferschlange fürFree Human Zoo: "No Wind Tonight" (EX-TENSION Records)→https://www.freehumanzoo.com/accueil
Le Grand Sbam: "Vaisseau Monde", "Furvent" (Dur et Doux)→https://legrandsbam.bandcamp.com/
Oiapok: "So empty it looks real"→https://oiapok.bandcamp.com/releases
Colonel Petrov's Good Judgement: "Among Servants" (Moral Machine Records)→ https://colonelpetrovsgoodjudgement.bandcamp.com/
Hydropuls: "Hydropuls"→https://krischall.bandcamp.com/album/hydropuls
Kellen Tryon Mills: "Wasted Time"→ https://tryon.bandcamp.com/album/wasted-time3

We know we know we know why!
Le Grand Sbam

Mit Vaisseau Monde (Dur et Doux, DD-037, CD/LP) liegt es mir endlich vor, das Debut von
LE GRAND SBAM, auf das viele, die sie mit ihrem formidablen Auftritt beim Freakshow
Festival 2015 verblüfft hatten, sehnsüchtig gewartet haben. Weil sie, wie ich, da brennende
Giraffen auf der Bühne halluziniert haben, und von der - wie habe ich es stammelnd zu
beschreiben versucht? - vogeligen Xenosprache zweier Dada-Pucks, zweier Volapükmädchen und deren überkandideltem Oulipo- und Gepopo-Pop in Bann gezogen worden
waren. Verantwortlich dafür zeichneten mit L’Arbitre = Antoine Arnera (keyboards, composition), Herr Bassone = Boris Cassone (bass) & El Glouton = Guilhem Meier (drums,
composition), kurz: das Kleeblatt von Poil. Aber verstärkt mit Acchiourdiou = Mélissa
Acchiardi an Vibraphon & Percussions und mit Mamcochon & Princess Goyaya als superlativen Hauptdarstellerinnen eines bizarren Maudit-Musicals. Zwei kandidelnde Paradiesvögel, die abseits der Bühne als Jessica Martin Maresco & Marie Nachury auf Erden
wandeln. Hohe Lyoner Schule, als artistisch zündender Art Rock abseits des gewohnten
Repertoires, vergleichbar allein mit Koenjihyakkei und dem Ryorchestra und deren fernöstlichem Hyper-Zeuhl, mit Spurenelementen von im Telepod cronenbergisierten Eskaton
und Fantômas-Zicken. Gleich 'Dins O Sbam' mit seinem ohrwurmigen (Let him go!)-Déjà-vu
an Queens rhapsodisches Bismillah! und Galileo figaro magnifico bringt hohe Ausschläge
auf Barbara Hannigans 'Mysteries of the Macabre'-Skala in gekläfften und überkandidelten
Gepopoismen. Und dazu knurrigen Bass und noiseumschwirrte Rhythmik im Taumel vonostinatem Stakkato, brachialen Schüben und surrealen Konvulsionen. Eingefangen abernoch in kristallinen Vibes und geflüsterten Breaks, die mit der in Richtung PinioL
freakenden Kraftmeierei kontrastieren. 'Les Lotus Ont Fleuri, Je Suis Assis À Côté D'unÉléphant Aux Oreilles Usées' entschwebt dann ganz ohne rockige Bodenhaftung ins Lotophagische und Träumerische. Mamcochon & Princess Goyaya deklamieren und seufzen
mit Aah und Au zu stagnierendem und zu klackendem Stakkato-Beat, sie summen und
vokalisieren zu tropfenden Paukentupfen und stolperndem Duktus. 'Kouïa' verrät nochmal
Le Grand Sbams Verehrung für Ligetis 'Le Grand Macabre', halb ausgebremst, halb
forciert mit elektronisch sirrenden Impulsen, animalischen Anmutungen, von den Zungenrollendem Rrrrr, koenjihyakkei'schen Breaks. Die hineinplatzen in 'Woubit' und 5 ½ Minuten
lang verhallen. Mit lediglich einem ständig leise wiederholten Know wawawawhy we know
we know we know why woubit why zu ausklingendem Grollen, klackenden Klängen vonAcchiourdiou und sirrenden Gespinsten. Ist das schon nur noch erschöpfter Nachhall,oder die Ruhe vor einem Sturm? Zu zartem Klang von Keys und fragilem Rocken spinnt
sich der We know we know we know why-Singsang hin zu 'Vishnu Foutrôline'. Das (mich)besticht als vom Brachialen ins Quecksilbrige sublimierte Synthese der großen Sbamistik.
Als eine Art phantastischer Pop in Opposition mit spleenigem Esprit und der im gemischten Chor frykdahlesk geschnatterten und verwirbelten kuriosen Gnosis: We know why
woubit. Wir und Woubit, der pelzige Woolybear.
4

L a t e r r e e s t b l e u e c o m m e u n e o r a n g e (Paul Eluard)* Der Weltraum. Unendliche Weiten. Dies sind die neuen Abenteuer des französischen
Freak-Föderations-Raumschiffes LE GRAND SBAM, das viele Millionen Lichtjahre vom
Mainstream entfernt unterwegs ist, um dorthin vorzudringen, wo bisher kaum ein Freak –mit Ausnahme der Landsleute vom Käsekreuzer Camembert oder der abgespaceten Crew
von Yolk – zuvor gewesen ist. In Staffel zwei mit dem Titel Furvent (Veröffentlichung am 11.
12.20 bei Dur et Doux, DD-039, CD/2xLP) bricht die Mannschaft unter dem Kommando vonCaptain Antoine Arnera (piano, electronics, voice, composition), mit dem ersten (Waffen-)
Offizier Guilhem Meier (drums, amplified percussions, voice, composition), Steuermann
Boris Cassone (bass, mellotron, voice) und den beiden vokalen Freak-Sonderbotschafterinnen Jessica Martin Maresco und Marie Nachury alias Mamcochon und Princess Goyaya
zu einer durch den französischen Science-Fiction-Autor Alain Damasio¹ inspirierten, planetaren Expedition auf. Grégorie Temois (Marimba, toms, dun dun bells, gong), Mihai Trestian (cimbalom) und Anne Quillier (moog, rhodes, voice) komplettieren das Forscherteam.
'La Trace', die knapp 19 Minuten lange Staffelpremiere, jagt das Raumschiff gleich mal
durch einen heftigen Ionen-Sturm mit erratischem Geklimper, Getrommel, onomatopoetischem Gesang und allerlei spacigen Sounds, der sich aber zwischenzeitlich beruhigt, als
der Flug geregelte Bahnen einnimmt. Wie die Performance eines gemischten Gesangsensembles mit Klavierbegleitung wohl für außerirdische Hörorgane klingen mag, veranschaulicht 'Nephèsh'. In den Folgen/Tracks drei bis zehn werden Elemente und Landschaften in fließenden Übergängen erforscht. Den Donner(gott) bei 'Tchen (Le tonnerre)' stimmt
chinesischer Singsang milde. Bei 'Souven (Le vent)' schneidet ein magisches Schwert
durch die von lieblich-aufgedrehtem Sopran erfüllten Lüfte. Das Zymbal entfacht das Feuer
in 'Li (Le feu)'. 'K'ouen (La terre)' rückt die Herren der Schöpfung mit „Buääh buääh“ undfast sakralem „Lalali“ gesanglich etwas in den Vordergrund. Im Gewässer von 'Touei (Lelac)' klingt alles etwas moderater und weniger überkandidelt als sonst. Der Himmelsflug in'K'ien (Le ciel)' kommt nicht ohne die üblichen Turbulenzen aus. Mit allen Zutaten des Albums ist 'K'an (L'eau)' gewaschen. 'Ken (La montagne)' erreicht im letzten Viertel den Höhepunkt mit rumorenden Drums, Quietschen
und Blubbern. Völlig aus der Reihe tanzt das
ungewohnt klar strukturierte Finale 'Choon
choon' irgendwo zwischen klimperlauniger
Folklore und fast sakraler Besinnung, mit
Percussion- & Zymbalgeplimpel und dem maleben nicht durch den Freak-Fleischwolf gedrehten, sondern recht gut verständlichen Gesang. Passend zu dieser im besten Sinne durcheinandergewirbelten, dadaistischen SpaceRock-Opera haben sich die Bandmitglieder inden drei Musikvideos zu 'La trace', 'Nephèsh'
und 'Li (le feu)' schaurige Masken aufgesetzt,
um die Verschmelzung von Homo sapiens und
Solanum tuberosum zu vollenden. Ich bete zu
den Freak-Göttern, dass ich diese irre französische Combo doch einmal live erleben darf,
nachdem beim Freakshow Festival 2015 mir
und 2019 der Band persönliche Hinderungsgründe dazwischen gekommen waren, von2020 ganz zu schweigen. Vive Le Grand Sbam!
Live long and prosper!
Marius Joa¹ von Damasio liegt nur „La Horde Du Contrevent“(2004), graphisch umgesetzt von Éric Henninot, als"Die Horde des Windes" (Splitter Verlag) bisher
auf deutsch vor
5Für das Freakshow Festival gibt es keinen Ersatz, aber wenn selbst die Frankfurter Buchmesse sich virtuell bescheidet, können auch wir uns begnügen.
Konzerte sind Festschmäuse, Tonträger aber unser täglich Brot! Von OIAPOK,
als Collectif de Rock Progressif Orchestral 2020 in Strasbourg zusammengestellt, gibt es nur einen kleinen Vorgeschmack auf ihre Konsequenzen ausder Einsicht, dass Musik ein unsichtbares Ganzes ist, in dem keine Grenzen
existieren. Nämlich 'So empty it looks real' als Auskopplung aus der kommenden EP "Oiseau Lune". Vorgeschmack meint aber auch Weißschimmelkäsegeschmack, denn Pierre Wawrzyniak (Bass & Komposition), Valentin Metz
(Gitarre) & Mélanie Gerber (Gesang) kennen wir bereits zusammen mit Clarissa Imperatore (Marimba, Vibraphon & Flöte) als W-Cheese, Val Sauvage undLela Frite mit dem aus Gong und Zappa geschnörglten AltrOck von Camembert. Mit noch Fred Durmann an Posaune erinnern sie an den Abenteuer suchenden, im Dschungel von Guyane spurlos verschollenen Journalisten Raymond Maufrais (1926-1950). Der Vater suchte den verlorenen Sohn jahrelangvergeblich, die Mutter endete in Wahnsinn. Oiapok - Oyapock heißt der Grenzfluss zwischen Guyane und Brasilien - würdigt dennoch das Streben ins Unbekannte, mit Gerber auf den Spuren von Véronique Vincent und Kwettap
Ieuw und einem fragilen Song in der Manier von Slapphappy, News FromBabel, L'Ensemble Rayé... Mit Exotica-Zauber und canterburyesken Verzierungen durch die Vibes und die Flöte und deren Helldunkelkontrast mit Posaune
und Bass.
Doch - typisch Freakshow - now for something completely different - nämlich
Free-Funk-Jazz-Punk, der HYDROPULS unter den Nägeln brennt. Auf "Hydropuls", sechs Ende 2019 bei Krischall Sonic Service aufgenommenen Brandanschlägen, spielen die Brandstifter gleich auch noch Feuerwehr: Hartmut
Oßwald am Baritonsax, Johannes Schmitz an der E-Gitarre und Martial Frenzel
an den Drums. Letztere Freakshow-erprobt als die trapsenden Nachtigallen
von Uhl, Schmitz auch noch auf Draht mit →Ulnaris Sulcus und Sizzle_Clubgewitzt mit Uli Böttcher, Jörg Fischer & Rudi Mahall, hier aber angestiftet vonThomas Lengert am Bass und Christof Thewes an der Posaune. Wir erinnern
uns: Thewes tutet um Saarbrücken herum (insbesondere im Spielraum Heiligenwald) mit dem Undertone Project, Phase IV oder als Trombonealone hochkarätigen NowJazz und stimmt im Modern Chamber Trio eigene Neue Musikan. Bis zum Corona-Break war er auch in Berlin zugange mit dem AAR Trio,
Die Enttäuschung, im Kaluza Quartett, mit Grid Mesh oder Ruf der Heimat.
Hydropuls verbindet mit Dynamik, Grande Vitesse und Feuereifer den Wasserdruck von älteren (Thewes ist Jg. 1964) und jüngeren Schläuchen (Frenzel,
sein Quartett-Partner auch bei der "SurRealBook"-Reihe, ist Jg. 1985). 'Feet
on Fire' macht, funky und ostinat, mit launigen Stakkatoketten den Dachhasen
heiße Pfoten. Rasante 32stel Noten, gehackt mit der Virtuosität chinesischer
Köche. 'Pump Up the Jazz' behält die hohe Drehzahl und Frickelfrequenz bei,
mit launig posaunierten Kapriolen und Schmitz'schem Schrappel-Irrwitz an
der Kippe zum Hals-über-Kopf. Ist 'La Kaze en Feu' ein Gruß nach Lille an
Christian Pruvost und Peter Orins? Die Bläser toben umeinander mit öligen
Schmierern und zuckenden Zackenkämmen, Frenzel klappert, was das Zeug
hält. Wie Dr. Funkenstein auf Speed, noch der lahmste Arsch folgt da dem
quicken Kopf. Selbst 'Dead Eyes Under Water' drängt vom Ophelia-Blues hin
zum fiebrig Vitalen, das bei 'Highspeed Underground' wie ein verrückter Hundin der Pfanne den eigenen Schwanz jagt. Und auch für 'Electric God', das mit
Bläservolldampf, pulsendem Allachsantrieb und furiosem Gitarrenspitfire als
dennoch melodieseliger Gabber-Funk im Harmony Express ins Ziel rast, ist
Prestissimo das Höchste. Typisch deutsch? Ja wo rasen denn die TGVs?
6

over pop under rock
Cuneiform Records (Washington, D.C.)© Christina Jansen

Like contemporaries Sonny Sharrock and Terje Rypdal, Russell makes it sound as if the guitar is notenough, as if he's reaching for something wilder... like a Pollock painting mounted with guitar pickups, the sound of explosions. So Jim O'Rourke über RAY RUSSELL, dessen Entdeckung ich
O'Rourkes Wiederveröffentlichung von "Live at the I.C.A." 1998 auf Mokai verdanke (ähnlich
wie er einen durch "Tribute to Masayuki Takayanagi" auf den Erzvater der japanischen
Freakgitarre hinlenkte). Russell hatte sich mit 24 Jahren vom James-Bond-Jazz-Gitarristen
mit John Barry Seven zur stupenden Gitarrensensation gemausert und sich durch "Rites
and Rituals" und "Nucleus - Live in Bremen" (beide 1971), "The Running Man" (1972) und"Secret Asylum" (1973) in der Hall of Fame verewigt. Alles danach, ob mit Harry Beckett,als Studiomusiker, erfolgreicher Komponist von TV-Musiken oder mit weiteren eigenen
Duftmarken, darunter so ansprechende wie "Goodbye Svengali" (2006 als Hommage an Gil
Evans) & (2015 mit Henry Kaiser) "The Celestial Squid" (beides schon auf Cuneiform),
steht im Schatten seiner jungwilden Genieblitze. Auch Fluid Architecture (Rune 483) entfaltet sich in souveräner Nachglut: 'Escaping the Six-String Cage' öffnet den Gitarrenkäfig
ins Ambiente, und biegt, schnurrend, dröhnend, mit "I.C.A."-Samples und mit Sunset-Feeling, auf die Terje-Rypdal-Spur ein. 'Turn Right at Ventura' nimmt zu fünft und gitarrenkrachig die Ausfahrt nach Rock City, mit Simon Phillips, Russells Partner in RMS, als Tanzbär an den Drums, gläserner Percussion, Chris Biscoe am Sopranosax, voller wehmütiger
Gedanken. Wehmütige Erinnerungen durchziehen auch 'Moon Dog', die auf Synthiesoundgebettete, solo gestaltete Hommage an Brin, eine Promenadenmischung aus Afghanistan,die 10 Jahre Russells Leben geteilt hat. Auf das von Hoffnung und Intensität geprägte 'Endure' im RMS-Trio-Format folgt 'We Go a Short Way!' zu viert, mit Keyboards und weicheren, aber levitationslustigen Gitarrenvibes. Bei 'The Conversation' erinnert sich Russell
versonnen an Jimi Hendrix, der, mit der Experience im April 1967 Teil der 'package tour'
mit Cat Stevens, The Walker Brothers u. a., durch Russells Hotelfenster einstieg für eineTasse Tee. 'One for Geoff' knüpft, weiterhin solo, daran an als akustisch fragile Hommage
an den Nucleus-Pianisten Geoff Castle (1949-2020). 'Six in - Six out', nochmal zu fünft und
mit grandiosem Tirili von Biscoe, zieht melodieselig die Register einer bedächtigen Intensivierung. Zuletzt kommt bei 'A Room within a Room' neben Ralph Salmins, Russells MitSvengali, an den Drums auch noch Mo Foster, der Bassmann von RMS, ins nochmal gefühlsinnige, von Biscoes Soprano angestupste Spiel, in dem, bei aller Altersmilde, doch
Herzblut Russells Finger lenkt, auswendig (by heart) und inwendig gleich abenteuerlich,gleich hingebungsvoll.
7

Über Henry Kaiser weiß ich nur Gutes zu sagen, wobei er mir die besten Gründe dafür mit
seinen Hommagen liefert - mit "Sky Garden" & "Upriver" im Yo Miles!-Projekt mit Wadada
Leo Smith, mit "The Songs of Albert Ayler" im kalifornischen Allstarkollektiv Healing Force,mit "Echoes for Sonny" als Dank an Sonny Sharrock. Nun steigt er mit A LOVE SUPREMEELECTRIC und wohl nicht zufälligem Anklang an Electric Masada mit A Love Supreme &Meditations (Rune 470/471) hinauf zum Castle on the Hill, zum musikalischen Montsalvat.
Mit neben ihm und seiner fur¡osen Gitarre noch Vinny Golia (Tenor, Soprano & Baritone
Saxophones), Wayne Peet (Hammond & Yamaha Organs), Mike Watt (Bass), der die Herausforderung als einstiger Minutemen mit Heidenrespekt anging, und John Hanrahan (Drums)
als Gralsrittern. Wobei speziell Hanrahan ganz groß ist, was Tributes angeht - mit Freestone Peaches an die Allman Brothers, in Greatful_Dead-Coverbands und mit dem eigenen
Quartet, mit dem er Miles, Wayne Shorter, McCoy Tyner und Coltranes Hymne huldigt, mit
der er den 9. Dezember als Geburtstag teilt. Kaiser hat mit der Hochzeit von Ragas und
Psychedelic Rock, von Free Jazz und Miles Electric und von Saxofon und Gitarre ja gleich
mehrere Sesam-öffne-dichs zur musikalischen Seligkeit zur Hand. Auch bei diesem vonJohn Coltrane inspirierten Salut, das sich einer noch besseren Frage verdankt als sie
Parzival zu stellen lange versäumt hat, nämlich: "What if?". Was wäre, wenn man Trane
durchs Feuer von Sonny Sharrock oder Prime Time phönixen ließe? Wenn man die 4 von "ALove Supreme", die Zahl des Irdischen und des Kreuzes, 'Acknowledgement' - 'Resolution' 'Pursuance' - 'Psalm', vereint mit der 5 von "Meditations", 'The Father and the Son and theHoly Ghost' - 'Compassion' - 'Love' - 'Consequences' - 'Serenity', den fünf Wundmalen, derfünften Himmelsrichtung, der Quintessenz? Wenn man das mit mediumistischem undafrologischem Spirit als one big suite denkt und diesem resoluten ¡Holy Shit! noch 'Joy' als
Surplus hinzufügt? Wie könnte da das Herz nicht höher schlagen mit den hypnotischsten
vier Tönen der Jazzgeschichte und sich salamandrisch von Golias Pfingst- und Kaisers
Weißglut rösten und von Watts stupendem Basswerk läutern lassen?! Vom Auftaktsgong
bis zur Reprise des Supreme-Motivs ein einziges In dulci jubilo, als Exorzismus, Offering,brennendes Bekenntnis zu Living, Loving, Serenity und Ascension. Last Exit: Paradise!
Da hat doch der (maue) Tatort "Züri brännt" tatsächlich die Rote Fabrik ins Bild gerückt
und (krampfhaft) dran erinnern wollen, dass die Zürcher mal jungwild und revoluzzig
waren, auch wenn es wie überall wieder ins Spießertum mündete. BA hat immer versucht,
den ausgeprägten Fortbestand von Schweizer Eigensinn aufzuzeigen, und SCHNELLERTOLLERMEIER ist da seit "Holz" (2008) nur ein weiteres brisantes Exemplar im ABC helvetischer Brandstifter von Alboth, Cowboys From Hell, Lucien Dubuis und Full Blast überKoch-Schütz-Studer, Joke Lanz, Monno, Om, Plaistow, Steamboat Switzerland oder Trio
Heinz Herbert bis White Pulse, von Intakt bis Wide Ear. Mit 5 (Rune 482, LP/CD) zeigen Andi
Schnellmann - electric bass, Manuel Troller - electric guitars und David Meier - drums &percussion einmal mehr, dass nicht nur die Toten schnell reiten, dass Matto und das Geld
nicht überall regieren, aber auch, dass mein keine Eier zerschlagen muss, um Rösti zurösten. Gleich '209 Aphelion' besticht mit der ausgeprägten Lakonie monotoner Basstöne
und deren launigen Verzahnung mit gepickter Gitarre und Besenwischern, und wie sie das
aufschrauben mit Drehmomenten wie bei Sonar oder Nick Bärtsch's Ronin. Der Duktus
eines Uhrwerks mit zugleich stoischem und nervös zuckendem Zeitmaß und dazu abrupten
Impulsen, schnarrenden Bassschlägen und knattrig groovenden Tonfolgen, bestimmt auch
'Before and After'. 'Tectonics / A Sore Point' bringt brummige Feedback-Noisespuren, bei'A.o.E.i.n.E.o.A.' mischen sich Bowing-Dröhnwellen mit flirrendem Becken, schlurchender
Perkussion und zart gepickten Saiten. 'Velvet Sun' bringt den klapprig zuckenden Eifer
zurück, von Bass und Drums ungerade interpunktiert bis zur wieder groovigen Verdichtung. 'Animate Become' lässt knattrige Zahnrad-Arpeggios kreiseln, in mindestens drei
verschiedenen Mustern. 'Made of Thin' schichtet aushallende Basstöne und Gitarrendrones auf flirrende Becken, auf eifrig geschrubbte Felle und wieder fein sirrendes Messing, nicht schnell, nicht toll, einfach nur hintersinnig ambient, für ungute Ahnungen ebenso empfänglich wie für leise Hoffnungen.
8

The Night is Da-Da-Dark...
* Was zur Hölle fällt mir eigentlich ein, dass ich die einmalige DARJA KAZIMIRA Zimina undihr mittlerweile durchaus reichliches Œuvre nicht schon längst mit weiteren Reviews
gewürdigt habe? Husch, husch, zurück in die musikalische Unterwelt der lettischen Vokalistin, Komponistin und Multiinstrumentalistin, die meist mit ihrer kongenialen Partnerin,
der Russin DAGMAR GERTOT, finstere Klangwelten voll urtümlichstem Grauen erschafft.
Die Hades-Schwestern entfesselt!
Mit Ο θάνατος του Ταύρου (Death of The Bull) [erschienen erstmals im Oktober 2018 und als Wiedergänger im Februar 2019 bei Bandcamp sowie ineiner limitierten CD-Version beim Londoner IndieLabel Aurora Borealis (abx 076)], widmet sich das
Dark-Dames-Duo paganen Fruchtbarkeitsriten.
Beim Albumtitel denkt man unweigerlich an die
Opferrituale der alten Griechen, die Titel der Kompositionen sind kroatisch. Doch Darja und Dagmar
zelebrieren hier einen feministischen Gegengesang
zu den patriarchalischen Mythen von Helden, die
Monster töten oder im "ruhmreichen" Krieg morden, schänden und brandschatzen. Im
Zentrum dieses zwölfteiligen Zyklus steht das Weibliche, als Ursprung des Lebens. Dochdie dem Leben innewohnenden konstruktiven Kräfte können auch destruktive Folgen mit
sich bringen. Beim Opener "Smrt do zimnego zilncu (Death of the Wintersun)' stimmen
Darja und Dagmar einen wehklagenden A-capella-Gesang an als wären sie Hohepriesterinnen der Sonne, die das Ersterben der Lichtspenderin in der dunklen Jahreszeit vergeblich zu verhindern versuchen. 'Pisn ourodƄ (Song of the God's Fool)' fällt mit einem fast
bedächtig brummelnden Altgesang und leise verhuschter Percussion, wozu sich im letzten
Drittel ein Quietschen aus der Ferne gesellt, ziemlich aus der Reihe, was die bisherigen
Kompositionen der Dark Lady from Latvia betrifft. 'Crna Proljece (Black Spring)' veranschaulicht den trotz Schalmeien und Trommeln kalten Frühling, dessen destruktive
Schwärze sich in ruhig-finsterem Gesang und dumpfen Bläsern manifestiert. 'Htona - мојаMajka (Chthonia is my Mother)', bereits als Einzeltrack in BA 98 besprochen, beschwört mit
vielstimmigem, bulgareskem Chor und dunkel dröhnenden Hörnern die Erdgöttin. Bei 'Ditko - ti pereghnoj (Child, you are muck)' wird das arme Kind, wie es bisweilen im Tierreichgeschieht, von seiner Mutter verstoßen, was in einem neunminütigen Stück mündet, zureinen Hälfte mit Rasselpercussions und einem fast bis aufs äußerste gehobelten Stahlcello, der zweite Teil mit wehklagenden Frauen, die nicht aus ihrer Haut können. Ohrenbetäubend und herzerweichend. Gleich noch zwei Minuten länger: 'Mij lono crne. Muže (My wombis black, husband)', wo unterschiedliche Blasinstrumente wie die jugoslawische Dvojniceoder die russische Zhaleika als Trauerventil dienen, bevor Darja und Dagmar durch ihren
tiefstmöglichen Gesang Geister aus dem Totenreich kanalisieren. 'U mom srcu starost(Hoar in my heart)' illustriert die Kälte des tiefen Kummers mit tibetanischen Tröten, dergeorgischen Chuniri und einer trauernden Altstimme. Mit 'Glas do gladnoj Majki. Trevodze(Voice of a hungry Mother. Anxiety)' und seinen durchgehenden Bläsern (Vuvuzuelas?) beginnt eine Trilogie des Verzehrens. Bei 'Zrtvanosenje (The Sacrifice)' führen fast liebliche,
hypnotische, Banshee-hafte Stimmen zum Opfergang, der mit meist knarzendem, malquietschendem Cello und teuflischem "Sprechgesang" vollzogen wird. Zum Hauptakt'Pogloscjenne (The Devourment)' prasselt das Feuer leise im Hintergrund und eine brüchige Stimme spricht ein Gebet, bevor alles von höllischen Hörnern und Darjas durchdringendem Organ verschlungen wird. Dem kontrollierten Wahnsinn frönt 'Bezplodje (The Infertility)' mit trauervoll-trotzigen Vocals und fast schon gängigen Percussions und Bläsern. Im
Finale 'Mjertvo pole. Place (The Field of Death. Lamentation)' breiten sich auf dem brachen
Bett von Mutter Erde ein windhaftes Pfeifen und zarte Flöten aus und ein glockenklarer
Sopran (hier habe ich Lady Dagmar im Verdacht), der in tiefe Verzweiflung stürzt.
Marius Joa
9Doc (Wör) Mirran's Sounds 'n Thoughts
DWM's release #176 Hiraeth / The Dark Sideof the Dampfnudel (Clockwork Tapes / Wenndas der Führer wüsste Records, 12") ist als
Gorgoyle mit Kronkorkenkorona und heizkraftwerklicher Rückseite ein Fetisch der besonderen Art. Die Genesis P. Orridge (19502020) gewidmete Musik dazu, im vertrauten
Mirran-Stil von Joseph B. Raimond mit Michael Wurzer und Stefan Schweiger, bekommt den prägenden Akzent einerseits
durch das Psych-Jazz-Saxofon von Adrian
Gormley, und andererseits durch den Groove
von Fretless Bass & Drums (Alex Kammerer)
und einen dampfnudelbluesigen Dudelsack(Reinhard Bauer). Sie transportiert mit dem
walisischen Wort 'Hiraeth' ein Heimweh nacheinem Zuhause, das es so nie gab. Und darkseits, wenn auch mit nur drei Schlöten, docheine Anspielung auf die Battersea Power
Station auf Pink Floyds "Animals" und damit auf die orwellianische Herrschaft der Dogs
und Pigs über die Schafe. Dabei ist freilich an Schweinskopf al dente ebenso wenig zu
denken wie zuvor an Sauerkrautkoma und dergleichen provinzkriminelle Routinen.
Was Totoche, the god of stupidity, Merzavka, the god of absolute ideas, und Filoche, thegod of bigotry, für Romain Gary waren, ist Routine für JOSEPH B. RAIMOND, der einem bei
Broken (Mirran Thought, Read twentythree, MT-628, Book) gleich mal mit der Widmung an
George Floyd genug anderes zu denken gibt. Der kleine Band freier Verse aus der Zeit
2008-11, nun illustriert aufgelegt, bringt eine Reihe grauer und depressiver Gedanken aus
einer Perspektive, in der selbst eine eklige Stubenfliege als beneidenswert und Blues alsbunt erscheint. Der Poet befindet sich mitsamt der Menschheit im freien Fall - fall, falling
forever... Nothing can save mankind / from his own greed, hate, ugliness / we just need torealize this / and / prepare for the impact. Das Älterwerden drückt auf das Selbstverständnis als ewiger Anarcho-Punk besonders schwer. Time isn't on my side. Statt dem jungen
The beer was cold, the sex was easy-Feeling, statt dem wilden One two, FUCK YOU, das,fast and furious, Punk einst als the highest possible, purest form of culture definiert hat,
gilt es nun beim Arzt bedauernde Blicke auf den mageren Arsch zu erdulden. Ältlich undschlaff geworden, und unsicher darüber, ob man lieber hero sein möchte oder a little boy
again. Couch-Potato-Phlegma lähmt die Poesie, lähmt die Artistik. Der alltägliche Trott, dersich in Schneckentempo eingeschlichen und alles infiziert hat, schrotet das anfangs so
unschuldige, naive Weltvertrauen, not yet spoiled by reality, und das zwischendurch so
ambitionierte Mensch-, Künstler- und Mann-Sein klein wie Max & Moritz. The world passes,
and I fit less and less... My brain is rusting of routine, my mind / always slipping into meaningless daydreams... Optimism has died a slow and painful death / as a grim uncertainty
has invaded the land... Black, my state of mind, but getting / used to it. 'Home' mit seinem"you can't go home again" ist nostalgisch pures Hiraeth. Der Puls schlägt höher nur noch
im Lamento eines Beziehungskrüppels über die Tyrannei und Kälte einer Ex (denn dem"For Conny, my perfect angel" nach sind das ältere Verletzungen). Oder Joe echauffiertsich über 'Shit Hop', über Pitbulls und protzige Autos als 'Dick Extender'. Noch aberwidersagt er trotzig: I don't want responsibility / I don't need respectability / I don't answer
to authority / I don't accept your bureaucracy und schwört nochmal den Anarcho-Schwur: I
will never accept an authority / not a government, not a law, not a god, not a wife / not an
opinion, not a boss / not what the neighbors think / not even myself.
10Irgendwas mit ...
Wie ich zu HIMATFILM komme? Wie bekommt Lumpi Flöhe? In diesem Fall 'nen Floh im Ohr,
eingefangen von einem Freak-Brother aus Köln-Kalk. Dort hat Martin Eclec seit 2007/08 als
die singende und Gitarre spielende treibende Kraft eines kollegialen Zirkels sein Faible fürKrautrock in ein Bandformat eingedost, mit Ayhan Doger an den Drums und Jan Peilnix am
Bass. Thematisch auf einem weiten Feld zwischen 'Beichtstuhl' und 'Vandertag', stilischmit Tentakeln Richtung Canterbury, Prog und Zeuhl, aber auch dem Nachhall von Kunstliedern oder Einstürzende Neubauten. Nach 2010 blieben, auch wegen personellen Fluktuationen, Alben wie "Der Schnorchel" und die Prog-Oper "Straße des Seins" unvollendet (ander wird aber nach der Rückkehr des Tastenmanns „Schuli“ Achim Stommel wieder gewerkelt). Seit 2017 wurde Himatfilm mit Peter Wenzel-Röttger am Bass und Niklas Molitor als
Drummer trittfester, im gelegentlichen Konzertieren auch selbstbewusster und in Gestalt
von "Hyla Coffeia" (2018) anhörbar. Prompt wurde es auf den Babyblauen Seiten verkostet
und als melodiöser Avant-Prog mit verschrobenen, kantigen und originellen Aspekten fürgefällig befunden. Irgendwas mit... (Eigenverlag) knüpft an dieses Irgendwo im Nirgendwo
zwischen 'Viktorias Geheimnis' und 'Das gelobte Land' an mit erneut deutschen Texten,
verkantet zwischen 'Irgendwas' und 'Höhere Mathematik'. Nach dem Auftakt, bei dem Eclec in desert-rockigem Trott über graphentheoretische Fragen brütet, gibt sich das Trioüber hohe Berge, tiefe Täler nolens volens selber die Sporen, um sich rechtzeitig neben
Inkas und Scherpas zum knurrigen Trolltanz einzufinden. Danach tanzt und hüpft 'Der Geigenbogen' (in der Hand von Pädagogen) in Erinnerungen an schwarze Pädagogik, doch die
Musik tendiert, gegen den deutschen Text, ins folkig Verzupfte, während bei 'Äquivalentia'
bassbetont und trippig repetitiv, mit Daumenklavier- und Nasenflöten-Exotica, mit Synthie
und Silberzungen-Gitarre, aber ohne Worte, das Kraut auf kleiner Flamme dampft. 'Die
falsche Äquivalenz' hat durchaus ihre Richtigkeit, das leicht Vertrackte daran ist Eclecs
Respekt für Miriodor geschuldet, und die gewollte Dissonanz der kreisenden Gitarrenfiguren braucht bei mir eh keine Rechtfertigung. 'Melatenblond' führt leise auf den Kölner Zentralfriedhof, vorbei am Sensenmann, an Holger Czukay und Jaki Liebezeit, zu einem morbiden Rendezvous an einem persönlichen Día de Muertos. Oder sollte man doch lieber auf
die gegangenen Freunde einen in der Kneipe heben? Danach nimmt der spätrromantischeinstürrzende und tierische Ernst zu mit rollendem rrr bei 'Der schöne große weiße Wisent'.
Und mit gitarrenvirtuos vermessenen Elefanten von Borkum, nein, Borneo - sind runde Elefanten dünner als eckige? Längst ist ja klar,
dass das, was Eclec da singt, die Sinnfragegelassen an sich abtropfen lässt. Statt tief zu
schürfen, flattern da lakonische Zeilen weitab
von Gemeinplätzen. Statt mit Stimmgewalt wird
skurril und süffisant gepunktet. Kölner Schule von Can bis Dietmar Bonnens Fleisch- undObst-Sortiment? Für 'CUSANA' gilt: Funkenmariechen, go West, kick it like Sonic Youth, in
Kuba oder Arizona. Mit 'Entweder oder' erinnert Himatfilm ans Sichfinden und Sichverliern der Avantgarde und, mit dunklen Bassstrichen, sowohl an Mary Bauermeister undihre Verdienste an Fluxus und als Mrs. Stockhausen als auch an die Opfer schlechten Geschmacks. Um zuletzt mit nochmal kratzigem
Kontrabass zu Käuzchenrufen den Abgang zu
machen.
PS: Den Abonnent*en der BA 108 mag "Irgendwas mit..." als seltsames Angebot erscheinen, aber fürchtet sich wirklich eine/r vor deutschem Text? Und ist Seltsamkeit nicht
unser täglich Brot?
11

Klanggalerie (Wien)

Es ist ein Wahnsinn, was die Wiener da an Wiederveröffentlichungen raushauen: Un Drame
Musical Instantané, Semantics, Konstruktivists, Officer!, Bourbonese Qualk, The Legendary Pink Dots... Auch Macau Peplum (gg341) ist ein Rückgriff, um die beiden Suiten
wieder zu Gehör zu bringen, die DENIS FRAJERMAN zwischen seinen Cantoperas und
Post-Exotic Oratorios mit Antoine Volodine kreiert und zur Jahrtausendwende bei Noise
Museum veröffentlicht hat. Ich kenne zwar statt 'Les Nénés d'Enée' (die Titten des Äneas)
nur 'Les mamelles de Tirésias', aber 'Macau Peplum' scheint irgendwie doch inspiriert zu
sein von diesem 'drame surréaliste' von Apollinaire & Francis Poulenc, so wie Frajermanda alte Römer - 'Romulus vulvus', 'Zöl Forceps (Spartacus)' - evoziert und antike Gewänder
in Macau schwingen lässt. Hundegebell oder Hufgeklapper sind desorientierende Ingredienzen eines Trips in sieben exotischen Szenen, die orientalisches Tamtam, Geigeoder Balalaika mit Keyboards und Computer zu etwas freiweg Phantastischem mischen.
Mit Hauptrollen für das Altosaxofon von Jacques Barbéri, Frajermans treuem Gefährtenschon in Palo Alto, dessen Erzählung "Carcinoma tango" - Barbéri ist nämlich auch SFAutor - dabei die Atmosphäre mit parfümiert. Und für Susannah Rooke, die mit in fahlem
Mitternachtsmondschein rezitierter Poesie hinführt zu einem bassbepulsten Ritualchor.
Eine Operndiva und ein Kornett entführen nach Fernost, repetierte und hechelnde Stimmlaute werden mit Krimskrams umspielt, befremdlich und doch reizvoll. Das Alto klagt zu
bassigem Mahlwerk und leiser Monotonie, die mit delirantem Gesang Tritt fasst und mit
schriller Kakophonie und Trompetenstößen zum Aufstand ruft. Gefolgt von einem Lied derKruï, zu gelooptem Klingklang und sägender Geige in schwülem, erotisch forciertem Ambiente. 'Bec de mièvre' dunkelt das mit Bass, röhrendem Gebläse und Pizzicato weiter an
für Poesie von Rooke und als schleppender Groove mit Altosax und Geige. Bis Zarb und
der Klingklang von Vibes und Glockenspiel zu zirpender Erhu und rhabarbernder Frauenstimme den letzten Akzent nochmal fernöstlich setzen. Mit Atemzügen hebt danach 'Le
Voyeur' an, nur zu fünft, aber mit erneut Barbéri, Kornett und Zarb zu nun noch Gitarre.
Keysklingklang und das träumerische Kornett verbreiten Giallo-Thrill. Stimmloops, Kornettlyrik und wieder orientalisch angehauchtes Tamtam werden in Frajermans elektroakustischer Klangregie tonbandästhetisch verdichtet. Mit ruckendem Schlurchen, repetiertem The bishop The bishop (?), tickendem Beat, stupsendem Kornett, kuriosen
Gitarrensounds, klopfendem Loop oder mickey-mousigem Kichern zu düsteren 'Bassposaunen' und überhaupt strotzend vor Comiclaune, Insichwidersprüchen und allem
Klimbim. Das Finale ist ein von Fanfaren bepustetes Schaukeln von eher Disney- als DaliElefanten, ein Tänzeln von pneumatischen Balletteusen. "Fantasia" à la francaise, undFrajerman dabei ganz klar ein Landsmann von Boucq.
12Dass CHRISTOF KURZMANN mit Extended Versions neben Josef K Noyce und ChristianFennesz (damals noch bei Maische) zur Wiener Nouvelle Vague gehörte, ist auch schon ein
halbes Leben her. Im Lauf der 90er leitete er das Orchester 33 ⅓, er etablierte das Labelcharhizma und sich selber zunehmend elektronisch auf den Schneefeldern der EchtzeitMusik und der Mikrotöne, mit Burkhard Stangl, The Magic I.D. und seit 10 Jahren und mit
Lloopp mit Ken Vandermark in Made To Break. SUSANNA GARTMAYER hat ihren Don'tGive-a-DAMN!-Spirit und ihren Bassklarinettensound mit Broken.Heart.Collector in die
Herzen gekerbt und entfaltet ihn weiter allein als AQUIE und zu zweit mit Manu Mayr, mit
Brigitta Bödenauer als Black Burst Sound Generator oder eben seit 2018 mit Kurzmann.
Als Paradebeispiel für jenes elektroakustische Dating, das seit 30 Jahren den Direktanschluss an die JetztZeit im quicken Kurzschluss sucht. Und das nun Smaller Sad (gg348)
hervorgebracht hat. Die Bassklarinette tremoliert und loopt zirkularbeatmet über Kurzmanns Lloopp-Wellen, aus der erstaunlich liquide und quecksilbrige Klangmoleküle aufsprudeln können. Aber er zieht die Stimmung elegischer Walgesänge und ritueller Mantras
mit knarrender Männerstimme vor und damit auch Gartmayer ins Ambiente, Dunkle, Archaische, mit Pottwalherzschlag bis zum Hals. 'Little Rage' geht damit ziemlich an die
Nieren. 'Dip' bringt regnerisch ploppendes oder wie händisches Tamtam über surrenden
und dunklen Wellen, die zuletzt dröhnend crescendieren. 'Novi Sad' kommt eigentlich von
Neoplanta/Neusatz, gibt aber den homographischen Anstoß, Trübsal zu blasen in düsteren
und rostigen Dauerwellen zu elektronisch surrenden. Aber ziehen einem elektronischmaunzende und zerrende Kobolde, so wie Gartmayer die tiefsten und höchsten Registerausreizt und wenn Kurzmann mit Gummiringen twangt, nicht die Mundwinkel hoch? Meldegehorsamst, das ja. Doch wenn Kurzmann zu Gongtupfern und monotonem Gummisoundträumerisch zu singen beginnt von einem peaceful moment / whiter than the rest, zieht die
Sadness gleich wieder sublimere Saiten auf.
Nach "Antigravity" (2015) & "Ice Exposure" (2019) legen JAC BERROCAL und seine beiden
Reisegefährten und Gesinnungsgenossen DAVID FENECH und VINCENT EPPLAY mit
Exterior Lux (gg352 / Akuphone, 12") eine weitere Etappe zurück bei ihrem 'Walkabout' insÜberall und Nirgendwo. Berrocal mit Trompete, Stimme und Rimbaud-Spirit, Fenech mit EGitarre und Beats jeder Machart und Couleur, Epplay mit Synthesizern, Sampling, Electronics, Edits. Als Orientierungshilfen gibt es geografische ('Wakhan Corridor'), fledermausige ('Chiroptera') und olfaktorische Spuren ('Vetiver', aus Liebe zum Süßgrasduft undder Kraft der Erde). 'Officer' ist ein kleiner Dank an Mick Hobbs, 'Fuis le feu' ein Widerhall
von Alan Vegas 'Viet Vet', bei 'Je me suis endormi' bringt Berrocal auf seine Art ein
Chanson von Jean Vasca, bei 'Légère dentelle' singt Sayoko Papillon eigene Lyrics. Als
Auftakt jedoch bellt Fenech Nowhere Ah Nowhere, bevor Berrocal dem New-Wave-Anklang
mit gestopfter Trompete seinen eigenen Touch gibt. Zum monotonen Tamtam, Handclapping und den Stimmfetzen von 'Exterior Lux' mischt er fetzende und schnarrende
Laute. Nein, das ist abseits von Rockburgh oder Jazzville unverwechselbar wieder mit
Generator unter Strom gesetzte Exotica mit Art-Brut- und Fourth-World-Beigeschmack. Die
Trompete zirpt, die Gitarre flimmert, der Persephone-Synthi geistert als Zwitter aus
Theremin und Ondes Martenot. Batman tanzt den Gotham-Stomp, Berrocal zeigt unter den
von Jon Hassell gesäten Drachenzähnen das schärfste Haifischgrinsen, selbst wenn er esbeim 'Officer'-Pow-Wow hinter fließenden Wellen verbirgt. Er flüstert zu dunkler Gitarre
Gloria Allelujah, lallt und schreit im Zeitsturz zurück zum Vietnamkrieg und treibt mit derTrompete die Kavallerie zum Galopp. Sayokos Singsang steht dazu im feminin-fragilen
Totalkontrast, so wie bei 'No Guitar Today' die Flöte, die Guy Harries auch schon bei Sol
Invictus und Yumi Hara geblasen hat, sich mit dem monotonen Maschinenbeat beißt. Wenn
Berrocal zuletzt heiser die Zeilen von Vasca spricht und der Sound von Gitarre undPersephone dazu ein dunkles und erhabenes Ambiente verbreitet, streift und ergreift das
die Sinne ähnlich wie Marc Hurtado es mit Pascal Comelade (ebenfalls auf Klanggalerie),
mit Z'EV und auch schon mit Alan Vega angestrebt hat.
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Moonjune Records (New York)Die Markus Reuter ShowNach Soft Machine - in Gestalt von John
Etheridge, Theo Travis, Roy Babbington &John Marshall - "Live at The Baked Potato"(MJR 102, CD / Tonefloat, TF 195, 2xLP), mitgeschnitten am 1.2.2020 in L. A., fokusiert
sich Moonjune gleich dreimal auf MARKUS
REUTER und seine Touch Guitar. Shapeshifters (MJR 103) zeigt ihn einmal mehr
vereint mit TIM MOTZER an Guitars, Bass
& Electronics, einem Typen, der durch
sein Spiel mit Ursula Rucker, Friedman &Liebezeit oder Bernhard Wöstheinrich, alsBandit 65 mit Kurt Rosenwinkel und als
Macher von 1k Recordings in Philadelphia
einen guten Namen hat. Dritter Mann ist
KENNY GROHOWSKY an Drums & Metals,
der heuer mit "Beyond Good and Evil - Simulacrum Live" und "Baphomet" zusammen mit Matt Hollenberg & John Medeski
auf Tzadik wieder in Früchte des Zorns
gebissen hat. Die drei lassen 'Dark Sparks'
fliegen, anfangs mit Bedacht und ruhiger
Hand. Strömende und kaskadierende
Dröhnwellen, die mit dunklem UnterbauchSounds von feinsilbernen und saugroben
Saiten mit sich führen. AufheulendeSounds, aufbrausende und mit eiserner
Handkante zerhackte. Grohowsky setzt
dabei federnd, rollend und rappelnd immer
mehr Druck hinter den schaum- undtraumgeborenen Klangsturm. So rocken
sie eine Freakshow, wie man sie sich auf
Moonjune gern mal wieder mitten in die
Fresse knallen lässt, mit elektronischen
Schikanen und rauerem 'Transmutation'Faktor als bei Reuter mit Stephan Thelenoder Gary Husband. Mit der deutlichen
Ambition, Rock in etwas ohne schalen
Biergeruch zu verwandeln, etwas, das als
Astronautennahrung und Cyberbrainfood
kickt. Reuter fräst und jault, Motzer harkt
und Grohowsky sternhagelt, dass derRaum sich ärger krümmt als berechnet.
'Cyphers' lässt sogar die Zeitmauer wie
Plasma morphen und macht sie so dünnwandig, dass ein bassknurriges Kaijū
durchzubrechen droht. 'Burn to Aether'pulverisiert diese Halluzination mit vitalem
Elan, galoppierender Verve, tremolierendem Drive. Aliens? Monster, die ganze Planeten zerdeppern, aussaugen, verbrennen? Schaut in den Spiegel.
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Am 23.5.2017 wurde in der Alten Feuerwache Mannheim Sun Trance (MJR104) uraufgeführt, von Mannheimer Schlagwerk unter Leitung von Dennis Kuhn, der sich das Stück von
MARKUS REUTER gewünscht hatte. Instrumentiert mit je zweifach Vibraphon, Glockenspiel und Crotales, dreifach Shaker sowie Bassklarinette, E-Gitarre, Elektrobass, Synthesizer, Drums und dazu dem Komponisten selber, der seinen Part mit Touch Guitar improvisierte. Es hebt an mit spieluhrzartem Glockenspiel, als Impression Sonnenaufgang, als
mit Rosenfingern melodisch geklimperter Klingklang auf fein dröhnendem Fond. Bis derTag nach 6 Minuten Tritt fasst und das Schlagwerk sich in Gang setzt, mit unaufgeregtem
Trott, aber zunehmend komplexen Schrittfolgen. Dennoch geht das gradual und melodischseinen sonoren Gang, mit dem Tempo von Wüstenschiffen, von Wüstentraumbooten. Als
besonnenes Tagwerk unter dem dröhnenden Auge der Sonne, als ein Immerso und Immersoweiter, in das sich aber nach 12 Minuten in den an sich wenig veränderten Glockenklingklang ein leicht melancholischer Anklang einschleicht, ein giallogelbes leises Unbehagen.
Nein, Reuter und die Schlagwerker schütteln das ab, nach einem Schluck aus dem Wasserschlauch wird der Tritt wieder fester. Unter der nun doch brennend hochstehenden Sonne
zieht die von der Gitarre sämig-sonor geführte Karawane, dattelkauend, ihre vertraute
Route. Die Gedanken dabei wehmütig und träumerisch schweifen zu lassen, das führt nur
auf Abwege, und der Tag neigt sich doch schon. Die Sonne kurvt dem Horizont entgegenund erlischt in einer Dunkelheit, die jede Nacht noch stärkere Traumblüten treibt als die
Wüste am Tag. Doch der melodische Klingklang will ebensowenig was von einem Endewissen wie spielende Kinder, die zu ahnen scheinen, dass ihnen ein Leben in Hamsterrädern und Tretmühlen droht. "Sun Trance" zeigt einem den hypnotischen Sog eines
Immersoweiter, auf einem Halbkreis, so gedehnt und so schön geschwungen, als wäre es
ein Brückenbogen und nicht die Hälfte eines Teufelskreises.
MARKUS REUTER OCULUS? Nothing Is Sacred (MJR105)? Die Reuter-Bande, der danichts heilig ist, besteht aus Mark Wingfield an E-Gitarre, David Cross (ex-King Crimson,
ex-Radius) an Rhodes & Electric Violin, Robert Rich an Textures, Fabio Trentini (Le Orme)am Bass, Asaf Sirkis (The Sirkis/Bialas IQ) an Drums & Percussion und Reuter selber an
Touch Guitar, Soundscapes & Keyboards. Mit Wingfield & Sirkis hat Reuter schon "TheStoneHouse" & "Lighthouse" realisiert , mit Trentini & Sirkis ist er für "Truce" zusammengekommen, mit Cross ist er durch Stick Men vertraut. Was sie gemeinsam ins Auge fassen, ist das
Verborgene per se - 'The Occult'. Ihre Herangehensweise ist alchemistisch - 'Solve etcoagula' [löse und verbinde], wobei sie das Munkelnde und Goldmacherische dabei mit'Bubble Bubble Bubble Bath (Wink)' & 'Bubble Bubble Bubble Song (Sighs)' doch, augenzwinkernd, runterspielen. Aber wie profan, B-Movie-mäßig oder gothic auch immer, wenn
der Bass zu unken und die Gitarren zu knurren und zu heulen anfangen, wenn die elektronische Wolke zu dröhnen und Cross teufelsgeigerisch zu fiedeln beginnt, dann ist das
mehr als nur hammermäßig und 'campier' als jeder Corman-Core. Und, ganz ohne feixend
zu posen, luziferischer als das, was sich mit Pommesgabeln aufspießen lässt. Der
schwarzromantische Bogen, der von Anfang an unter Strom steht und elektronisch verschärft aufscheint, scheint Prometheus in 1000 Gestalten zu zeigen - als gestürzten Engel,
an den Kaukasus geschmiedet, als faustischen Insichwiderspruch oder Mad Scientist, als
im Schlaf sich wälzendes Ungeheuer, dessen Träume als Bubbles aufsteigen (und in Rauch
aufgehen wie Rosebud). Was für ein melancholischer 'Wink'. Wie hat Dagmar Krause gesungen: I dream Hermaphrodite & I sit up / All night our eyes on the horizon / Of a wobbling
bowl? 'Solve et Coagula (Ghost I)' quillt und rockt als Adagio in 'stehenden' Dröhnwellen,
von groben Hieben durchzuckt, von zarten Sounds umspielt. What we feel we have tosolve / Is why the dregs have not dissolved / When I wake I wonder what it means; / Am I
bad alchemy? It seems... Der 'Bubble Song' bringt zuletzt, brütend über den Bodensatz in
den Schalen, tatsächlich seufzende Klage wie von einem Chor, zum Weh der gepeinigten
Gitarren. Trentini marschtrommelt auf der Stelle, die Melancholie klebt wie Ölpest an den
Hermes- und Pegasusschwingen, die Geige sägt an den Fesseln. Was für eine Niederauffahrt! Und nebenbei ein tolles Memento im 50. Todesjahr von Jimi Hendrix.
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Owari (MJR106, CD/2xLP/cassette) zeigt das mit King Crimson assoziierte Prog-Trio
STICK MEN mit Gary Husband als special guest an Keyboards, live am 28.2.2020 in
Nagoya. Beim einzigen Konzert einer Covid-19 zum Opfer gefallenen Asientour, auf deransonsten nur noch "Music of Our Times" (MJR101) zustande gekommen ist, die Begegnung von Husband mit, na wem wohl, mit Markus Reuter, dem deutschen Stick-Drittel
und seiner Touch Guitar. Als Turbo aber fungieren Tony Levin, der Bassmann der Fripp'schen Kings seit 1981, an Chapman Stick und Pat Mastelotto an Drums und Electronics,
der als Crimsons Beatmaster seit 1994 deren dynamische Auffrischung in der "Vrooom"und "Thrakattack"-Phase mitbestimmt hat. Mit den Schlagwörtern "Power Play" und "Prog
Noir" charakterisieren sie selber den Stick_Men'schen Daseinszweck und die Akzentvertiefung von einer Song- zu einer Track-Ästhetik. Der Vergleich mit nur mal "Colos-Saal,
Aschaffenburg March 26 2018" zeigt, dass sie auch in Nagoya mit 'Hide the Trees', 'Cusp','Larks' Tongues in Aspic Part II', 'Schattenhaft', 'Crack in the Sky', 'Prog Noir', 'Swimmingin T' und 'Level 5', also demselbem Wiedererkennungsfaktor, Erwartungen nicht enttäuschen wollten. Mit etwas weniger Crimson-Stoff zwar (im Colos-Saal spielten sie auchnoch 'Red' und 'Sartori in Tangier'), dafür mit Husband als Surplus. Bei 'Hajime' als Introwird aus einer von Frauenmund verkündeten Morgendämmerung in gläsernen Wellen undfragilen Beats ein atemberaubender Sonnenaufgang mit mitreißenden Touch-Frequenzen.
Gefolgt von einem Tanz nach dem andern aus mathematischen Synkopen und stöhnend
angerauten Schwüngen, aus gitarristischen Webmustern und trommlerischen Wirbeln,
aus sehnenden und aufstrebenden, ostinat hackenden und pumpenden Figuren in virtuoser Verdichtung, mit quecksilbrigen Einsprengseln von Husband. Nach 'Lark Tongues'als Dauerbrenner in prächtigem Purpur mit all seinen geschwungenen Unendlichkeits-∞
und !!!-Staccato bringt 'Schattenhaft' mit erhöhter Schlagzahl morastiges Wahwah undrauschende, von Keys durchwirbelte Verdichtung. Dann reißt die Wolkendecke auf für
entgrenztes Azur, und Levin raunt Our ceilings and our boundaries / we embrace them andwe wonder why / But you, you laugh at it all / while falling up, up / through a crack in thesky. 'Owari' wird in ätherischer, kristalliner Transparenz gewebt, aber nicht ohne knurrige
Vorahnungen und kakophone Interventionen. Und es nimmt auch schon Tempo auf hin zu'Prog Noir', dem zweitem Song, bei dem Levin zu gepaukten Sekunden auf georgeltem
Fond hinführt zu A place where darker dreams are made. Dazu passt die sämige Breitwand-Melancholie von Reuter zu wieder kristallinen Noten von Husband und xylophonen
Tupfen bei 'Swimming in T' als ätherischem, aber schmerzlich aufbrausendem Soundscape. Ich wette, dass T nicht für Texas steht, sondern für Tears. 'Level 5' behält den rauen
und schweren Duktus bei, den 'Beat' von Geschlagenen, eingeschmolzen in den Drang,
den rollenden Stein mit sisyphos'schem Trotz auf ein höheres Level zu wuchten. Als Bonus
erklingt noch mal 'Owari', übersetzt als 'The End' und über 16 Min. so variiert, dass dasÄtherische sich breit entfaltet. Husband überspringt die Spalten zwischen den dröhnend
schweifenden, dumpf bepochten Wellen, die, statt Wasser auf nostalgische Mühlen zu
lenken, den Blick richten auf einen zerbrechlichen Regenbogen am Horizont.

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Hari Ketiga (MJR107, 2xCD) bedeutet in der Muttersprache des Keyboarders
DWIKI DHARMAWAN 'der dritte Tag'. Im Kalender ist er verzeichnet als der 17.
Mai 2017 und zufällig auch der Geburtstag von Leonardo Pavkovic, der mit TeoMacero-Spirit in die Session in La Casa Murada bei Barcelona eingriff, wo an den
Tagen zuvor bereits "Rumah Batu" (MJR092) entstanden war. Pavcovics Entdeckergeist hat in Indonesien schon den Pianisten Riza Arshad mit simakDialog
und den Gitarristen Dewa Budjana aufgetan. Dharmawan, durch dessen Acoustic
Piano, Mini Moog, Fender Rhodes & Harmonium der aus den Ärmeln geschüttelte
Nachhall von Keith Emerson, Jan Hammer, Chick Corea, Keith Jarrett und Ahmad
Jamal geistert, von kristallinem Picken bis zu aufgewühltem Donner, ist sein dritter Import aus Jakarta und hier die treibende Kraft einer Rock-Oper. Mit wiederum
Markus Reuter an Touch Guitar, Asaf Sirkis an den Drums und dem biokosmopolitisch bewanderten Boris Savoldelli, der als exaltierter Prog-Crooner kreist um
Gaia, unsere aus Monddistanz in ihrer ganzen Einsamkeit und Verletzlichkeit erkannte Mutter Erde. In der Muttersprache der Oper türmt sich Pathos, das sichnach einem von Lukrezens "De rerum natura" und David Bowies "Space Oddity"
inspirierten Libretto des Cantautores Alessandro Ducoli (bekannt mit Bacco il
Matto, La Banda del Ducoli, auch schon Savoldelli und für Hommagen an etwa
Antonio Ligabue oder Jack Kerouac) sich über 9 Akte und gut 2 ½ Stunden ausfaltet. Als kosmisches Melodrama einer Mutter ('The Earth'), die einen Sohn hervorbrachte, der sie zu zerstören droht ('The Man'), während sie in einem Tanz vonMaterie, Strahlung und Schwerkraft dem 'Event Horizon' (dem Vater) entgegentaumeln, L’Orizzonte solo degli eventi. Mutter und Sohn sind dabei maskiert als
Lebensenergie, Bewusstsein, Bewegung, Naturgesetz, als Seele, Liebe, Schönheit, Freiheit, Ego, als Licht und Dunkelheit, Atem und Sound. Die Vier klammern
sich (wie wir alle) mit milch- und blutsaugerischem, muttermörderischem Schuldbewusstsein an Mutters Rockzipfel. Nur hier, auf diesem Fliegenschiss im All,können sie dröhnrocken, knurren, klimpern und die Trommel rühren, was nutzt die
sang- und klanglos vergossene Milch da draußen. Salvodelli schwelgt jenseits vonWorten, er heult, schreit, gurgelt, kandidelt, scattet, er (be)singt hydrazungig undsprachberauscht L'Anima, La Vibratione, La Materia, La continua Evoluzione,
L’Unico Verbo, L’U-ni-ver-so è mi-o, o-ra, die freigiebige, aber ohnmächtige Mutter
und das mächtige Schwarz. Er besingt die Atomisierung, den Seelenbrand, die
Sterblichkeit als mütterliche Schuld, die jeden Nihilismus rechtfertigt, und er verklärt in Bejahung des Nirwanas die Heimkehr ins Schwarze Loch als väterliches
Gebot. Sein als Error und Horror, Auslöschung als Erlösung, das Nichts als das
Göttliche, das mit Materie, Raum und Zeit auch den verlorenen Sohn zurücknimmt. So wird die Zerstörung der Erde zum Gottesdienst. I am the disciple ofunknown things / I am the astronaut of mind’s spaces / I am the executioner oflight / the killer of the land of mortals. Doch Ducoli lässt zuletzt das Nicht an sichselber zweifeln und verzweifelt aufschrein: Love … Love … what is Love I want tobe loved … loved. Wer wird sich an das Nichts erinnern, wenn es nichts gibt? Was
für ein Brainstorm, bei dem einem der Schädel qualmt: Über Ducolis kosmologische Poesie. Über Savoldellis auch noch fx-modulierte Stimmeskapaden und wieweit sie durch das 'Non avere paura' abgedeckt sind. Über das Sun_Ra'eske in
Dharmawans Mini-Moog- und Rhodes-Trips. Über die Kreuzung von Synthienoise
mit indonesischem Tribal-Beat, Sasando-Zither und röhrendem Gebläse, dievöllige Hingabe an den Groove der Östlichen kleinen Sundainseln und schließlich
dessen Absorbation - mit Moog, Scat, Electronics und Sirkisgetrommel auf dem
Marsch in eine neue Sloosha's Crossin'-Steinzeit. Sweet surrender? Oder nur
weitere Tears & Fears? Die schönsten Träume und Jarrett'schen Riffs in bitterem
Regen weggespült? Savoldelli ringt um Gaias letztes Lächeln, als durchgeknallter
Soul- & Scat-Jazzer und mit eindringlichem Cantautoreschmus, aber der Fortbestand der Welt sollte keine Geschmacksfrage sein.
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RareNoise Records (London)
Am Ende wird alles gut sein. Wenn es nicht gut
ist, dann ist es nicht das Ende. Vergesst Oscar
Wilde, vergesst John Lennon (das Zitat stammt
nämlich von Fernando Sabino). Mats Gustafsson, Anders Hana, Sofia Jernberg, Kjetil Møster
und Børge Fjordheim - als Nachfolger von Greg
Saunier, der bei "Svarmod Och Vemod Är Värdesinnen" (2018) trommelte - sind gut und sie
sind THE END. Auf "Nedresa" (RNR118, 10") mit
dem grandiosen 'The Prayer, The Prey' und dem
zarten 'With a Gesture. Will you Hurt me?' folgt
nun Allt är Intet (RNR123, CD/LP), und Gustafsson stellt da der Sinnlosigkeit den Trotz des Dichters Gunnar Ekelöf entgegen, angefixt durch
Zeilen wie cut open your stomach cut open yourstomach and don't think of tomorrow / cut open
your stomach it is your own inner sadness that
goes to hell. Da auch der Maler Edward Jarvis,
mit dem Gustafsson in Umeå zur Schule ging(und von dessen Bildern er zu "Worn. Kissed."
inspiriert wurde), von Ekelöfs Enigmatik fasziniert ist und von lakonischen Statements wie Ob
du jetzt verschwindest oder schon vor tausend Jahren, dein Verschwinden bleibt, taugt
dessen verstörende Ikonografie auch wieder als die perfekte Cover-Art. Für einen Passionsweg mit Stationen bei Karen Dalton und deren 'It Hurts Me Too', beim Pianisten Per
Henrik Wallin, dem mit 'Dark Wish' gedacht wird (und dessen 'One Knife is enough' wie ein
Nachsatz zu Ekelöf klingt), und bei Dewey Redman, von dem 'Imani' stammt. Jernberg
singt mit einer Stimme, die ständig zu brechen und zu reißen droht, zu dissonant geharften
Strings If things are going wrong for you / You know it hurts me too. Umso wuchtiger danach die rostig röhrenden Saxwellen in rauer Erregung und das geballte Muskelspiel zur
Verve von Jernbergs schneidendem und keckerndem Gesang und Møsters geflammter
Zunge: Why do I hide my wish? Ganz auf Møsters Kappe geht 'Intention and Release', mit
eigenartigem Trollbeat und sämigem Hee-Haw der Saxofone, aus dem Gustafsson aufschreit wie ein angestochenes Vieh. 'Allt är Intet' beginnt danach zwar erst elegisch und
mit durchscheinender Vokalisation, fängt aberunerwartet launig zu rocken und zu pauken an,
schaumgekrönt von Jernbergs heller Stimme,
die bei jedem Hexensabbat Furore machen
könnte. Wie in einem dunklen Spiegel ist Nichts
alles und Alles nichts, und darauf gibt es nur
eine Antwort: Non serviam! 'Kråka. Rörde Sig
Aldrig Mer' (nach "Crow. From the Life andSongs of the Crow" von Ted Hughes) folgt mit
noch größerem Furor, aber doch in rhythmischgeschlossenen Reihen. 'Imani' vereint zuletzt
Jernbergs delirantes Kirren mit atemlosem Geflöte von Gustafsson, um abzuklären für ihr nun
ganz harmonisches Unisono mit den melodischen Bläsern und Hanas da mit Bogen gestrichener Baritongitarre. Kommt da zu liebender
Empathie und luziferischem Trotz nicht dochnoch ein hoffendes Vertrauen?
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Dass STEPHAN THELEN, bekannt als Fraktalgitarrist mit Sonar, seit längerem schon
Streichquartette komponiert, war mir neu. Der Musikjournalist Anil Prasad (Macher vonInnerviews und Autor von "Innerviews: Music Without Borders") wusste es und stellte
eines davon David Harrington vom Kronos Quartett vor. Der gab Thelen prompt den Auftrag zu einen neuen Stück für die Serie '50 for the Future: The Kronos Learning Repertoire'(als globalem, betont femininem, innovativem Streichquartett-Kanon mit Werken von
Laurie Anderson, Susie Ibarra, Nicole Lizée, Trey Spruance, Henry Threadgill...). So entstand das 2017 uraufgeführte 'Circular Lines' in wunschgemäß komplexer, denn nur so
den Herausforderungen unserer Zeit adäquater Gestalt: Ein Instrument zirpt in 3/8, eines
zickt in 4/8, eines schrubbt in 5/8, das vierte wechselt zwischen Melodien und rhythmischer Unterstützung und alle vier wechseln zwischen den helldunkel zuckenden AchtelKürzeln und gefühlvoll gezogenen Linien. Als ein Klang gewordenes "Wir schaffen das"und als Absage gegen alle simplifizierende Bauernfängerei. Von diesem Stück sprang derThelen-Funke über auf das Al Pari Quartett, das sein schon 2006 entstandenes 'World
Dialogue' aufgriff, um, in schnell sägender Bewegung, von Tonart zu Tonart rückwärts
durch den Quintenzirkel zu kreisen und 7/8 mit 8/8 tanzen zu lassen. Als das polnische
Frauenquartett nach mehr verlangte, schrieb Thelen für sie die kleine 'Chaconne' (2018)
und 'Schlesien' (2019), das eine in 11/4-Takt, das andere mit Anklängen schlesischer Folklore im Mittelteil und in 13/4. Beides in 'Twofold Covering'-Technik, bei der ein Instru ment
einem andern als Schatten folgt, eine Oktave tiefer und in halber Geschwindigkeit. Das, wasThelen sein polyrhythmisches, minimalistisches Groove-Konzept nennt, kann man auch mit
anderen Worten nicht treffender charakterisieren. Eine uhrwerkartige Mechanik dreht sichin sägenden Strichmustern mit unterschiedlichen Drehmomenten oder Pulsfrequenzen als'organische Maschine', die dynamisch durchpulst wird und melodisch atmet. So, dass das
Repetitive und Mathematische mit Feeling erklingt. Mit Streicherklängen, die legato als
sehnend und in ihrem Ostinato als hoffnungsvoll fordernd gehört werden. In Stücken, die,obwohl so aufgemischt mit 'slawischem' Temperament, in ihrem 'Intelligent Design' zuvorderst ebenso als manieristisches Rezitativ funktionieren wie als minimal in der SteveReich'schen Manier und, bei allem Sturm & Drang, wie aufgedreht von einem großen Uhrmacher. Zu hören ist all das auf World Dialogue (RNR124, CD/LP).
Die Coronazeit war für J. PETER SCHWALM eine Unzeit, aber auch eine Zeit des Suchensnach Neuem. Neuzeit (RNR125, CD/LP) ist das Ergebnis einer Onlinebeziehung zu ARVEHENRIKSEN und der monatelangen Einkehr ins Heimstudio, um den kokreativen Input zu
verarbeiten. Mit dem Knowhow seiner Elektro-Jazz-Zeit mit Slop Shop und seiner ambienten Brian-Eno-Zeit und dem 'Zum Raum wird hier die Zeit'-Feeling von einem, der Wagnertransformiert hat. Seine Klanglandschaften und Henriksens Trompetenpoesie, mit der er
mit Wallumrød, Food, Supersilent, Jan Bang, Erik Honoré, David Sylvian, als Warped Dreamer oder solitär seit über 30 Jahren durchs Klangall schweift, sind wie füreinander geschaffen und haben ihren Zusammenklang auch schon mehrfach beim Punktfestival in
Kristiansand ausgekostet. Mit dissonantem Klavier tastet Schwalm sich in die speziellen
Frühlingsgefühle des Jahres 2020 hinein, das Herz pocht und Henriksen lässt beklemmende Lyrismen zarte Blüten treiben zu einem nun pulsenden und schwellenden Groove. Der
Geist von Chet Baker findet ein Medium und tanzt zu einem sanften Regenorchester. Wie
Prospektoren klopfen die beidem am Neuen, was ist Erz, was taub? Henriksen singt undstöbert in einem Mahlwerk knackender Beats. Trompete und Piano tönen den Raum zu
stoischem Snaregroove mit zartbitterer Elegie, draußen hat der Regen zugenommen. Henriksens gedämpfter Ton schwelgt melodieselig auf flimmerndem Gedröhn, die immer höher gestufte Erwartung bis zum Gehtnichtmehr gespannt, doch nur das eigene Echo hallt
wider. Die Zeit ist 'Unzeit' und out of joint, das Piano klimpert verstimmt zu gespenstischem
Theremin. Hin zu einer Reverie in vagen Wellen, mit zarten Vibes, Henriksens Rosenlippen
voller Mehltau, das Piano im Schatten. Bis die Tristesse sich selber abschüttelt, mit triumphalem Ton und orchestralen Schüben. Doch ein Zweifel bleibt und ebenso ihr Widerpart,die zitternde, flehende Hoffnung, dass bald andere Zeiten kommen.
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... over pop under rock ...
MARCIA BASSETT - MARGARIDA GARCIA - MANUEL MOTA Survival of Laments (Headlights,
cdh33): Lamentieren ist eine zweischneidige Sache, denn wer will sich so offen als Opfer
präsentieren? Opfer sind doch das allerletzte. Aber ganz aus der Mode gekommen sind sie
nicht, die Klagen des Hiob, des Jeremias, von Tristan oder Dido, die bitteren Tränen der
Verlassenen oder zur Witwe gemachten, die Kindertotenlieder, die Threnodien des 20. Jhds.
Bis hin zu den Laments bei King Crimson und zum Gewinsel der Generation Y. Doch klagenkann nur, wer weiterlebt und allein schon dadurch den Toten etwas schuldig ist. Und dem
Leben! Freiligraths O lieb', solang du lieben kannst! / O lieb', solang du lieben magst! / Die
Stunde kommt, die Stunde kommt, / Wo du an Gräbern stehst und klagst!, von der Dietrich mit
gebrochener Stimme ins Mikrofon von Maximilian Schell geklagt, sind für mich zum Lamento
aller Lamentos geworden. Und wer aus meiner Generation könnte nicht zu Tschaikowskys"Pathetique" mit Mutter Kempowski Jahre des Lebens, alles vergebens / Wann werden wir uns
einmal wiedersehn summen? Hier nun, ohne Worte und wie schon bei "Here They Rest Immobile" (2019), zwei E-Gitarren und Bass. Im 1566 vom protestantischen Ikonoklasmus calvinisierten Kirchenschiff der Janskerk in Utrecht in Korrespondenz zu Monteverdi und Purcell:eine Amerikanerin, die als Zaïmph und auf ihrem Label Yew zwischen dem Unendlichen unddem Endlichen pendelt, eine Bassistin in Lissabon als in Grau- und Umbratönen erprobte Melancholikerin, und Mota, der Headlight-Macher und Logenbruder von Noël Akchoté, Richard
Pinhas, Tetuzi Akiyama und Raphael Rogiński. Um in heulendem Elend zu baden, um zu stöhnen wie Saurier in Erwartung des Chicxulub-Asteroiden, um sich laokoonisch zu winden inschmerzlichen Frequenzen. Die Geburt des Lamentos aus dem Schmerz der Euryale und desMarsyas, mit aufflammenden Gitarren oder mit herakleisch zusammengebissenen Zähnen. Ein
Schwinden und Vergehen, bezahlt mit einem Zuviel an Schmerz, einem bitteren, aber auch
wütenden Konzentrat dessen, was ein Niederländer, Maarten ’t Hart, das Wüten der ganzen
Welt genannt hat. Oder wie Pessoa es auf den Punkt brachte: Kommt mir nur nicht mit Schlussfolgerungen! Die einzige Schlussfolgerung ist der Tod.
IM GRUNDE GENOMMEN Eigentlich (Fidel Bastro, FB102, LP): Bräuchte ich ein Beispiel fürnichtdummes Deutschsein, dann würde ich auf Fidel Bastro verweisen und das
Vierteljahrhundert an trockenem und einsilbigem Humor dort in Hamburg: Hrubesch Youth,Knochen=Girl, Potato Fritz, Fröbe, Halb, Stau, Sport, Tschilp. Mitten drin auch Ilse Lau undDiametrics als deren 2/3-Spin-off in Gestalt von Drummer Henning Bosse und Bassmann
Thomas Fokke. Mit Von Wegen und Preposterous zeitigte diese Bremer Schule seither weitereKonstrukte aus Komplexität, Lakonie und Melancholie, allesamt tauglich für Leistungskurse in
Mathematik und überdeutsche Freundschaftskunde. "Eigentlich" setzt das fort mit einerseits'Über Umständen', 'Wombat' und 'Zweimeterphose' und andererseits 'Insuffizienz', 'Flug derTapire' und 'Gerta', aber vor allem mit Fiete Pankoks Gitarre. Denn echt wird dieser Rock nur
mit Gitarre. Ihn mit Post- zu verbinden oder mit Links- wäre beides nicht unrichtig, aber das
Eigentliche ist der Eigensinn. Der aus der Musik selber herrührt, nicht aus den Egos, ausMusik, die in ihren Spiralarmen SST und City Slang mit eindreht, mit hanseatischem
Understatement und nicht nur wortkarg, sondern ohne Worte. Wobei es durchaus knattert und
die Gitarre mit breiter Brust den Weg bahnt. Ostinat und beweglich genug, sich nicht aufhalten
zu lassen. Repetitiver Nachdruck gehört zu den Basics und ebenso eine enthusiastische
Systematik, die im voraus schon grinst, weil ihr dieser in Fleisch und Blut übergegangene
evolutionäre Vorsprung Sicherheit gibt. Wenn das 6 Minuten dauert, dann dauert es eben 6
Minuten. Die Metamorphose macht keine Sprünge und doch schlagen die Spannungs- undTempowechsel Kapriolen. 'Insuffizienz' stanzt Morsezeichen, die Gitarre schimmert stereo,
bevor auch sie besonders energisch das Stakkato diktiert. 'Tapire im Flug' sind Brummer, diesich tremolierend und mit kraftvollem Bass in der Luft halten, kaum abgelenkt durch feinen
Klingklang. Luftiger dreht sich die Gitarre bei 'Gerta', nein, es sind, zwei, von denen die eine zu
sirren beginnt, während der knurrige Bass den Drehwurm weiter antreibt, der sich mit
repetiertem Stakkato weiter dreht. Damit können die Bremer sogar Sonar Konkurrenz machen,als kernige Variante mit euphorischem Drive.
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CHUCK JOHNSON The Cinder Grove (Glitterbeat Records / tak:til, GB106, LP/CD):
Jeesus Christ, da schaut einer in die Kamera, als wollte er bei einer Verfilmung von Cor mac McCarthy mitmachen. Johnson stammt
ja auch aus North Carolina und hat schon inden 90ern in Spatula mit der Gitarre Indierockfelder umgepflügt. Seit dem akustischen
Folkgitarrentrio Idyll Sword und Shark Quest
zeigt er sich ab "A Struggle Not A Thought"(2011) immer öfter als Einzelgänger oder,mittlerweile in Oakland, zusammen mit Marielle Jakobsons (von Date Palms) als Saariselka. Wie zuletzt bei "Balsams" (2017) sindinzwischen Pedal Steel Guitar & Electronics
seine balsamischen Gleitmittel auf ambienten Trips, sein Kautabak für Terry Riley'scheTurtle Dreams. 'Raz-de-marée' [Flutwelle]
hebt mit repetitiver und dröhnender MinimalOrgel an und Johnson lässt dazu die weichen Pedal-Steel-Wellen schwingen undsingen, geschmeidig und maunzend wie
Katzen, in Slow Motion die Hüften biegend,
mit zeitvergessener Kalligrafie von Armenund Beinen. Im schmachtenden, weiter vonSilberwellen umkurvten und durchschimmerten, von dunklen Basswolken durchquollenen uuuuuu von 'Serotiny' scheinen sich
Serenity [heitere Gelassenheit] und Zero zu
verknoten, gemeint ist aber die Freisetzung
von Pflanzensamen durch äußere Einflüsse,z. B. Feuer. 'Constellation' bringt als vager
Gruß Richtung Montréal zur bittersüßen
Melassespur der Pedal Steel verträumte
Pianotöne der seelenverwandten Kanadierin
Sarah Davachi ins Spiel. Bei 'Red Branch
Bell' klingen McCarthys "The Orchard Keeper" und Arvo Pärts Tintinnabuli an, Violinen, Viola und Cello verstärken da undauch bei 'The Laurel' sämig surrend undflimmernd noch den Stringsound der Pedal
Steel. Man mag da an die glamourösen
Bewohner des Laurel Canyon denken und an
Joni Mitchell, Johnson feiert aber den
Kalifornischen Lorber für seine relative Resilienz gegen die grassierenden Feuersbrünste. Sein erzamerikanischer Dröhnklang
ist im besten Sinn naturfromm, seine Grundstimmung durchtränkt mit bis auf den letzten
Tropfen ausgewrungener Wehmut. Zu den
Silberstreifen am kalifornischen Horizont,seid mir nicht bös, da muss allerdings mein
Grundvertrauen erst noch nachwachsen.
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SHOOTIN' CHESTNUTS Naninani?! (Le Bazardier, BAZ2020): Aus Nancy schickt mir
Nicolas Arnoult diese Siebdruck-Schönheit, mit arabischer Schrift, Pfirsichoptik
und Japan als Phantasie aus Sumoringern
und Pornogören. Arnoult hat Wurlitzer bei
Les 1000 Cris gespielt, ebenso wie Christophe Castel sein Tenorsax. Alexandre Ambroziak, der mit dem Pianisten Jean-Michel
Albertucci - nach einer Grußformel von
Nietzsche - als Fugitivus Errans trommelt,
und sein Bruder Mathieu am E-Bass sindals The A.A's (mit Antoine Viard von Hippie
Diktat) und mit Atomium Domine Teil desKünstlerverbunds Le Bazardier. Inspiriert
von ihrer Japan-Tour und der Aussicht auf
gemeinsame Gnawa-Musik mit Black Koyo,
gelingt ihnen der Spagat zwischen 'Les
Herbes de Myre' und dem 'GinToMantra'.
Wie? Im 'Cucumber Style' à la française,
mit dem sie dies und das (jap. naninani,auch schon bei John Zorn und YamatsukeEye) zusammenwürfeln mit 'Jacques Mayol', dem von japanischen Ama-Taucherinnen zum Extremtauchen angeregten Homo
Delphinus. Bürokratische Geister werden
es Jazzrock nennen, ich höre ein Saxofon,das sich zu repetitiv riffenden Keys aus
lyrischer und melancholischer Stimmung in
ein intensives Sehnen hineinsteigert, bevor
es seine Kreise wieder gelassener zieht.
Wiederholungen bilden die Essenz, die
Wurlitzer sendet Welle für Welle, der Bass
dreht pochende Loops, über denen Arnoult
dann tremoliert und schillert, und Castel
setzt dazu ebenfalls Figuren und liquide
Wellen. Seegurken tanzen den Cha-ChaCha im sanften Seegurkenstil, die Wurlitzer
klingt unter Wasser verzerrt, das Tenorsax
träumt sich ins Cucumber-Paradies. Bouchra Kashmar spricht kesses Arabisch undverwandelt die Band in tanzende Derwische. Das Tenorsax verwandelt sich vonMyres Drachen in eine Katze, die den erregt pumpenden, dröhnenden Puls der Zeit
lange unberührt an sich vorbeistreichen
lässt, bevor sie auf dem heißen Blechdach
zu tanzen und zu kreisen beginnt, aber aus
dem Karussell auch wieder aussteigt. Sichdrehen und gedreht werden, darum dreht
sich alles, allerdings nach oben offen, um
auf der Tonleiter Pfirsiche zu pflücken.

U L N A R I S S U LC U S A n t h ro p o p h a g e(https://ulnaris-sulcus.bandcamp.com): Deneinen kennen wir, Johannes Schmitz ist der
Krallenhand-Gitarrero von Uhl und →Hydropuls. Sein Mitmenschenfresser, Pascal
Zimmer, hat um Saarbrücken rum mit
Drums & Electronics ebenfalls schon
Schädel geknackt. Seit 2019 lassen die
beiden die Fetzen fliegen und auch hierverbeißen sie sich in fünf Hardrock/Psychcore-Knochen. Doch mit Élodie Brochierals drittem Element verschiebt sich der
Akzent vom Knochenmark auf andere Innereien. Die Puppenspielerin, Poetin undkämpferische Liedermacherin in Sarreguemines hat mit der Kölner Saxophon
Mafia Schlager angestimmt ("Nur nicht aus
Liebe weinen", 2007), mit ihrer Bandbreite
von Max & Moritz bis Baudelaire und
Rimbaud war sie mit Quatre Marteux schonver-gligg-t. Sie zauberte in Lothringen mit
Puzzle aus 'verrückter Waldalchemie' und'Maulwurfssonne' mädchenhaft rührende,
aber mit Umsturzverve auch zornig mitreißende Folklore imaginaire ("plan d'évasion", 2013, "Débordements" !!!, 2015 →https://puzzle-quartet.bandcamp.com), diesseits der Grenze schuf sie mit Wollie
Kaiser und wieder David Metzner das Gesamtkunstwerk "Rêves". Fridays for Future-Kids, ihr braucht eine Hymne? Singt
Brochiers 'La Haine'! Davon ist ihr Sprechgesang zum bleiernen Grand-Funk-Trittund fiebernden Furor von 'Rêve du 20.04.
2020' weit, aber nicht abgrundweit entfernt, denn zum 20.4. sind nur Albträume
denkbar. Das Titelstück, das einen harmlos
tuenden Klingklang rasch in die Tonne tritt,
traktiert sie mit kickboxenden Kampfschreien. 'Scénario' hopst danach einigermaßen launig, aber schon lässt Brochierden Tod anklopfen und in einem Wörterbuch nach 'Revolution' blättern. 'S´envoyerrêver ailleurs' wählt ebenfalls einen ZartKnurrig-Kontrast als Leitplanken, und Brochier beschwört eine Kometin auf die
Häupter herab, was erneut einen hopsenden Troll- und Veitstanz auslöst. 'La mer
Égée' spielt mit abruptem Go-and-Stop undtreibender Wallung. Keine Ahnung, wasBrochier dazu durchkaut - ägäische Wasserleichen, Rezepte für Menschenfleisch,mit Liebe serviert?

ZAZOU BIKAYE Mr. Manager (Crammed
Discs, cram 039, CD/LP): Hector Zazou (19482008) war mit der Ausgrabung der bereit fünf
Jahre alten ZNR-Obskurität "Barracade 3"
seit 1981 ein Recommended-Darling. Man
fand ihn versteckt auf der kultigen Compilation "Miniatures (A Sequence of 51 Tiny
Masterpieces edited by Morgan-Fisher)"(1980) ebenso wie auf dem legendären"Recommended Records Sampler" (1982),
von wo er übersprang zu Crammed Discs.
Bei "Noir et Blanc" (1983) schon im algerienfranzösisch-kongolesischen Verbund mit
dem Sänger Bony Bikaye und noch dem Elektronikduo Cy 1, bei "Géographies" (1984)
klassikpop-orchestral und Made to Measuregestylet. Bei "Mr. Manager" (1985) setzte
Zazous Producing den Akzent afrofunky undcluborientiert, doch blieb es bei fünf Tracks
und einem 32-min. Minialbum, auf dem dasanimiert buchstabierte, sopranolaunige 'Nostalgie' und 'Angel' mehr Hitpotenzial entfalteten als das gröhlend accelerierende Titelstück. Wobei 'Soki Akei' zwischen Afrika und
Borneo durch Bikayes da ganz manierierte
Kopfstimme und das Possible Worlds-Gebläse auch was für sich hat. Dreieinhalb
Jahrzehnte danach wurden sechs noch unveröffentlichte Stücke aufgefunden von den
Sessions mit 3-stimmigem Girlchorus, Philippe Herpin am Saxofon, Chris Joris an
Percussion, Vincent Kenis an Bass & Gitarre
und Luc Van Lieshout (von Tuxedomoon) an
hassellesker Trompete. Dazu kommen mit'Viva La Musica' die B-Seite der ausgekoppelten Single sowie die beiden Tracks der1990 erschienenen EP "Get Back (Longwa)".
Alles im afrofuturistisch aufgekratzten, newwave-optimistischen Kontrast zum postpunkverkaterten, auf Tschernobyl zusteuernden
Europessimismus, allem Bombenterror, äthiopischen Elend und Apartheidsunruhen zum
Trotz. Mit fröhlichen Girls zu knarrenden
Reeds und knatterndem Maschinenbeat bei'Le Menteur (Mokosi)', dem klimper- und synthielaunigen 'Sopa' mit seinem repetierten
Slogan Don't Stand Back in Red, dem aufgedrehten und knatternden 'Nakangi'. Und
mit 'Dubby Musica', das alle Dubregisterzieht und wie auf Schlittschuhen über musikalisches Eis gleitet hin zum pochenden
Drive und Tamtam von 'Get Back' und dessen
X-Akten-Zwilling als instrumentalem Klopfer.
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DIE ZUCHT Heimatlied (Major Label, ML 153, LP/CD): Nach der Verkleinerung meiner Bildungslücken durch die DDR-Punkrock-Retrospektive"Too Much Future" und das Biopic "Gundermann"geht es ostalgisch weiter mit dem wegen 'unsozialistischer' Orientierung nicht genehmigten
Wavepunk-Vorläufer von Die Art, dem Leipziger
Flaggschiff der 'Anderen Bands'. 'Zucht undOrdnung' war für die Staatsführung eine nicht
akzeptable Zustandsbeschreibung, der Spirit von1984 zu defätistisch und dekadent, und rührte ja
tatsächlich von Joy Division her. Holger „Makarios“ Oley (Gesang), Christoph Heinemann (Bass)
und Thomas Stephan (Schlagzeug) spielten dennoch, etwas 'anders', in der Parocktikum-Oberliga und über die Wende hinaus bis zum Ende
2001. Makarios schrieb seine eigene Geschichte
fort, mit Wissmut, der DA-Reunion 2007 und The
Russian Doctors. Unsere setzt 2019 wieder ein
mit der Auferstehung von Die Zucht, im Original
mit André Friedrich, mittlerweile Professor fürJournalismus und Kommunikation, an der Gitarre.
Und den alten, im Kassettenuntergrund verdämmerten, mit dem "Live '85"-Reissue 2006 in die
Diskoteka Historica archivierten Liedern. Makarios singt wie neu Frag nicht wohin... / Frag nicht
woher... Niemand ist zu sehen / Der Erlösung
verspricht. Er singt: Menschen krallen ihre Hände / In Beton- und Häuserwände ('Schutt undAsche'). Ich und Du sind grau, brutal, hässlich,traurig und verloren, sind hilf- und traumlos 'endlos'. Nichts als Irrlichter in der großen Stadt /Im Tanz der Nacht im Tanz des Wahns... Nichts inder Hand / Nichts im Gehirn, und die Rote
Armee / Die streichen wir heut grün... Alles
scheint veränderlich / Aber nichts verändert
sich... ('Manche Tage'). Innen ist stumm undaußen kein Leben / Innen ist Schmerz und außen
kein Schrei... ('Abwärts'). 'Nameless Song' ist
dennoch ein Liebes-, ein Nur-Du-Lied - vielleicht.
Denn da, wo die schönste Landschaft wie gekochter Spinat aussieht und das Herz untersibirischen Küssen erstarrt, ist das Du auch nur
ein Traum aus Glas. Der Beat ein stompender
Pirat mit Holzbein, ein reitender Cowboy. Makarios, weniger morbide als Ian Curtis, aber dochdunkel wie Torf und Samt, brennt der Kittel undhat zudem die bissige Gitarre am Arsch. Entsprechend hoch ist der Emo-Faktor, die innere
Mobilmachung, der Zunder, der ödes Grau in
Grau, tristen Trott und vermauerte Perspektiven
zu Brennstoff köhlert. Ein neuer Bloch würde das
aus den Scherben auflesen und als Erbschaft
wertschätzen. Doch eine Planwirtschaft desGlücks gibt es immer noch nicht.
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nowjazz plink'n'plonk
A New Wave Of Jazz (Belgien)'Jazz' ist ein weiter Begriff für das, was
Dirk Serries da offeriert. Denn Antoine
Beuger und Jürg Frey sind deutliche
Wegweiser auf Wandelweiser-Pfade, wie
sie Serries auch selber einschlägt, insbesondere mit Martina Verhoeven und
Colin Webster, mikrotonal und dröhnminimalistisch. Allerdings führt eine schmale Spur über Webster auch zur Londoner
Improv-Szene, zu Benedict Taylor undDaniel Thompson (→The Bellowing Earwigs, The Runcible Quintet), einem Adepten von
JOHN RUSSELL. Den hört man auf On Sunday (nwoj 0036) mit seiner akustischen Gitarre
live in der Bar L'Archiduc in Brüssel am 31.1.2010 zusammen mit STEFAN KEUNE am Altosax und KRIS VANDERSTRAETEN, Belgiens rappeligstem Rappler (veranstaltet von J-M
Van Schouwburg, Vanderstraetens Kumpel in Sureau, als unermüdlichem Go-Between
zwischen belgischem Plonk und englischem Plink). Keune setzt Russell mit neotachistischer Schützenhilfe von Vanderstraeten mit stürmischen Kürzeln unter Dauerbeschuss,um den aus seinem an sich poetischen Brüten über dem Gitarrenschallloch zu Lausbubereien zu animieren, wo man sich schon mal den Hosenboden an Stacheldraht zerreißt.
Russell stöbert dann auch eifrig mit zwischen Disteln und Gestrüpp, wo Keune als Struppi
hechelt und winselt und Vanderstraeten an allem pocht, tockelt und krimskramst, was inseiner Reichweite liegt, mit, so könnt' ich mir denken, S-Å. Johansson, Lytton und Lovens
als Animateuren ins perkussiv Ungenierte. Russell schrappt und schrubbt die Gitarre, alswäre auch sie ein Schlaginstrument, Keune quiekt, wie ein Rattler, der sich schnauzentief
in ein Rattenloch verbohrt, Vanderstraeten poltert und trappelt wie über Karton. Und dochgeneriert die Gitarre Momente, als wäre unter Russells Vorfahren ein Spanier, der den
Untergang der Armada überlebt hat, als hätte er Banjostunden bei Krazy Kat genommen.
Und brauchen wir in der globalen Außermittigkeit nicht alle Köpfe, die das - sowas - mit
dem Wandelweiser'-Jazz' unter einen Hut bringen?
New Invention (nwoj0037) bringt mit ANDREW LISLE dann ein ganz besonderes Trommeläffchen von der Insel, das seine närrischen Aktivitäten entfaltet in The Spring Trio mit
Daniel Thompson, mit John Dikeman, mit Alex Ward und im Kodian Trio mit Dirk Serries
und COLIN WEBSTER. Doch, wie man so sagt, he already had me with Shatner's Bassoon!
Webster seinerseits hat da noch in Anthony Joseph & The Spasm Band afrofunky getrötet,bevor er mit Mark Holub (von Led Bib, Blueblut) um die Häuser zog. Er überquerte den
Kanal für den 'New Wave of Dutch Heavy Jazz' mit Dead Neanderthals und koordinierte
dann seinen Tenorsaxfuror im reißverschlussengen Verbund seines eigenen Labelchens
Raw Tonk mit dem NWOJazz von Dirk Serries. Simpel, allzu simpel gesagt, verhält sich
Webster zu John Dikeman wie Lisle zu Weasel Walter, als ein Feuerspucker, der immer
150% gibt, kirrend und tobend bis das Schwein pfeift. Lisle rappelt dazu wie aufgedreht,
ganz high energy. Wie losgelassen knattert er über die Snare und gibt zwischendurch noch
Gas im ratternden Flow, der Websters launige Spaltklangkapriolen und Reibeisentiraden
aufnimmt oder auch freistellt, damit sie sich als lebenslustig 'gweek'ender Überschwang
ergießen. Beide konzentrieren sich dabei gern auf einen nur handtellergroßen Fleck, um
darauf ihr Tremolo und das ostinate Spitfire abzufeuern. Erst 'Kuggar' zieht einen rostigen
Klangdraht über löchrige und blecherne Perkussion, wobei Webster vor lauter Weh- und
Wermut fast die Spucke wegbleibt. Das Finish bringt aber nochmal pure Rasanz, ein fiebrig
tremolierendes Rollen und Toben über das volle Drumspektrum zu gabbernder Tenoristik,
die sich wie mit Presslufthammer an Beton- und Holzköpfen zu schaffen macht.
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Im RUBICON QUARTET hat Dirk Serries an akustischer Gitarre noch Martina Verhoeven an
Piano, Patrick De Groote an Trumpet & Bugle und Cel Overberghe an Altosax an der Seite.
Für Crosscurrents (nwoj0038) als weiterem Glied in der von Rutger Zuyderfelt mit weißer
Schrift auf hellem Grau designten Reihe. Overberghe ist ein Veteran, der mit Fred vonHove, seinem Partner auch in Cel + Fred, schon 1969 ein "Requiem for Che Guevara" angestimmt hat. De Groote kann nicht viel jünger sein, wenn er neben Jasper Van't Hof schon
1971 im Paul Van Gysegem Sextet geblasen hat. Verhoeven ist Mrs. Serries und entsprechend allgegenwärtig. Und Serries ist seinen Weg gegangen von Vidna Obmana und Fear
Falls Burning über so manchen Stream of Consciousness bis zu Yodok III & The Void of Expansion (mit Tomas Järmyr), Art of Cosmic Musings (mit Teun Verbruggen), Kodian Triound Tonus. Hier schrammelt und pickt er freien, in europäischer Manier dekonstruierten
Jazz als derjenige unter den vieren, der am weitesten englische Lektionen und calvinistischen Ikonoklasmus verinnerlicht hat. Verhoeven hat sicher auch Van Hove gehört unddehnt ihr Register bis in die hellen und dunklen Extreme, mit pointierter Nichtfülle, aberrabiaten Faustschlägen. Statt Arpeggios zu perlen, philosophiert sie mit dem Hammer,
oder trippelt auf Taubenfüßen. Die beiden Bläser machen aber die Show, De Groote mit
zirpenden und quäkenden Tönen und gepressten Schmierern, Bart Maris hat ihm einiges
ablauschen können. Und auch Overberghe hält dem melodischen und poetischen Herkommen halbwegs die Treue, lässt aber mit launigem Klappenfloppen keinen Zweifel, dass er
keine altmodische Pfeife ist. Auch wird der Flow immer wieder löchrig konfiguriert, ruckend und unrund, bei 'Airs Out' deflationär und melancholisch, De Groote trübsinnig undnahezu tonlos. Nicht viel anders bei 'Made Dream', halb schlappe Puppen, halb an Drähten
gebeutelte, gicksende, trötende, klimpernde Marionetten, Verhoeven mit wühlendem
Linksdrall, bis allen vieren der Hut hochgeht. Aber nur Serries überschrappelt john-russellig ganz den 'Rubicon', die andern würfeln noch um das Jazzgewand. De Groote cholerisch mit verstopfter Tröte, Verhoeven als nervöser Kobold, Overberghe lyrisch, aber wie
unter seelischem Druck. Zum heiseren Yo-Yo der Trompete bricht Verhoeven Töne übers
Knie und pocht dabei aufs i, aufs o, die Bläser sprudeln, Serries plinkt mit der Drahtharfe.
Als Ghostbuster, die etwas jagen, das ähnlich schwer zu fassen ist wie Covid-19, wobei
Overberghe lauthals demonstriert, dass er nicht zur 'Risikogruppe' zählt.
Imaginary Junction (nwoj0039) überbrückt den Kanal mit JackTrip-Software und vereint so
DIRK SERRIES & MARTINA VERHOEVEN an akustischer Gitarre und Piano einerseits mit
andererseits CATH ROBERTS (von Sloth Racket, Ripsaw Catfish, MoonMot) mit Baritonsax
und Krimskrams und - Achtung - TOM WARD (Roberts' Partner im LIO, bei Saxoctopus, Favourite Animals, Madwort's Menagerie) an Flöte, Klarinette & Bassklarinette. Der Duktus
ist da dezidierter struppig und geräuschverliebt, aber doch auch vogelig flötend und mit
plörrendem Baritoninput. Als Wechselspiel mit impulsiv verdichteten Momenten, abrupten
Stößen, klirrenden Einwürfen und anschwellendem Quallen neben fragend gedehnten Erwartungen. Roberts knurscht mit Plastik und harft womöglich einen Eierschneider, die
Luftlöcher rühren aber von woanders her, von der Achtung für den ganz leisen Gesang derunscheinbaren Dinge. Zu kleinlauter Flöte werden Steine geklopft, Verhoeven greift ins
Innenklavier, Klänge und Geräusche erklingen egalisiert. Die Welt ist Klang? You don't
have to call it Jazz, wobei die temperamentvollen Verwirbelungen auch nichts dagegenhaben. Ward rumort am unteren Ende der Bassklarinette, Serries klopft, scharrt undtwangt an Draht, Roberts röhrt mit dicken Baritonbacken, Verhoeven setzt mit Bedacht
helldunkle Akzente, murrend im Bassregister, mit kristallinem Ping. Nur Sekunden trennen
geballte Tumulte von Lichtungen, auf denen sich einzelne Klänge vor aller Augen zeigen.
Ward leimgrubert mit der Klarinette, Verhoeven turnt im Innenklavier, wühlt im Bassregister, Roberts röhrt volle Kanne, wühlt in ihrem Krimskrams. Form follows Fieber, follows kakophiler Phantasie. Freejazzige Ausbrüche, die Klangfülle der Bläser und des klangskulpturalen Pianos machen nur deutlich, dass der bruitistisch und anarchoperkussiv gefieselte
Kontrast dazu bewusst als Horizonterweiterung gedacht ist. Form follows Freedom, flötend, mit karger Piano- und struppiger Gitarrenpoesie, mit Roberts als zirpender undtickelnder Eva aus einer Rippe von Adam Bohman, und zuletzt dunklem Diminuendo.
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Clean Feed (Lissabon)
Towards the Western Lands with NorJazz on Clean Feed? CHROME HILL, das sind vier
Abenteurer aus Europas hohem Norden: Der Gitarrist Asbjørn Lerheim, Atle Nymo (vonMotif und IPA) an Tenorsax, Roger Arntzen (von In The Country und Ballrogg) am Kontrabass und Torstein Lofthus (von Shining, Elephant9 und Red Kite) an den Drums. Im Grunde
ist Chrome Hill eine Metamorphose von Damp, die seit 2001 schon Stücke des 1977 geborenen Gitarristen spielten, wobei Nymo 2014 Jørgen Munkeby nachfolgte. This is
Chrome Hill (CF557, CD/LP) führt, dunkler als zuletzt "The Explorer" (2018), von Lerheims
naturverbundener Kindheit auf Sula über Shinjukus Pachinkohallen und Zengärten in ein
durch Lynch- und Panter-Augen gesehenes Amerika - denkt an "Lost Highway", an "Jimbo
in Purgatory". Pochender Trauermarschbeat und ein elegisches Saxofon zählen die
schwindenden Sandkörner der Uhr, das Saxofon kommt ins Flattern, die Gitarre hält windschief und mühsam Tritt, Noisefetzen halten gerade so die Blöße bedeckt. Der klapprige
Groove bei 'Limbo' zeugt von Galgenhumor, das Saxofon singt, mit gemischten Gefühlen
und Sand zwischen den Zähnen. Dann aber, Tempo! 'Ascend' ruft zum Sturm auf den Hamburger Hill. Nehmt die Beine auf den Buckel und beißt die Zähne zusammen. Die Gitarre
stürmt voran. 'Interlude' stellt das jedoch wieder auf Anfang, als monotoner Rückmarsch
mit wehmütigem Saitenspiel. '10-4' steigert eintönig und mit brütendem Bass noch das
ausweglose Gefühl, nur das Saxofon appelliert zu galoppierendem Beat an den Arsch inder Hose: Rettung ist denkbar, wenn sich alle zusammenreißen. Bei 'Particle' sind die vierschon wieder obenauf und auf Krawall gebürstet, das Sax feuert und flammt zu raptorischer Gitarre und furiosem Beatgeknatter. Doch das Leben ist nicht so, 'Within' bringt mit
tremolo geblasener Trübsal wieder die Kehrseite der Medaille, feierlich und mit Trauerflor,
der Bass hält pizzicato zu rollendem Drumming eine Grabrede. Aber 'Light', beschwört
das nicht doch mit dunklem Blaseton und twangender, winselnder Gitarre zu Marchefunebre-Pauke und gestrichenem Bass und mit Pow-Wow-Pomp ein Indianer-Werden in
einem Morgenrot jenseits der Götzendämmerung?
Klaus Ellerhusen Holm und Roger Arntzen spielten als BALLROGG anfangs mit nur Reeds
und Kontrabass Stücke von Coleman, Dolphy und Giuffre ("Ballrogg", 2008) und vertieften
ihr 'Go West!' mit Trips nach George- & Monkeytown und in die Chromatic Fields von Morton Feldman ("Insomnia", 2010). Bei "Cabin Music" (2012) hatte sich ihnen Ivar Grydeland
an Pedal Steel & Banjo angeschlossen für Countryjazz an skandinavischen Feuerstellen.
Nach "Abaft the Beam" (2017) wanderte die Gitarre von Grydeland zu David Stackenäs.
Der steuert neben Holm nun für Rolling Ball (CF558) mit seiner breiten Erfahrung von TriDim und DJustible über Agape und LabField bis Seval und The New Songs ebenfalls
Stücke bei. Um die Erfahrung zu demonstrieren, dass manche kein Glück haben und dannkommt auch noch Pech dazu. Das 'Kein Glück'-Bild zeigt, aus Adlerperspektive, Menschengrüppchen, die ihrem Bergbauernelend trotzen. Das 'Pech' verschüttet sie unter einer Eisoder Schlammlawine. Das Trio umspielt das mit Folklore Imaginaire, einer Art Free Folk mit
an sich optimistischem Walking Bass, aber auf eintönigem und dämmrigem Weg, der nur
schiefer und krümmer wird. Bei 'Merkén' tanzen und torkeln die Töne wie Herbstlaub undchangieren dabei zwischen melancholisch und sehnend: Hör doch, kommt doch. Der summenden, zirpend vereisten Melodik des Titelstücks folgt pulsend bepochtes, tremolierendes Unisono, das Lichtnot diskant unterstreicht. Auf dem Highway ins 'Miami Weekend'
wird unternehmungslustig das Tempo erhöht, Holm trillert, die Gitarre flimmert, der Drive
steigt als Hoquetus tonleiteraufwärts, aber die Dollars trudeln haltlos aus den Taschen.
Arntzen geht bei 'Nostalgic Idol' aus sich als pulsender Sidekick heraus, wenn er der wehmütigen Klarinette mit lyrischem Pizzicato die Hand reicht. Durch das bassklarinettistischverschlungene und schrammelige Halbdunkel von 'Sonata 220 and 110' hindurch wird
'Multiplié Maximal' erreicht, ein Spaltklangzwielicht, in dem die Musik elegisch stagniert
und zu ersticken droht, wenn nicht ein Gitarrendreiklang ein Treppchen ins Freie fände.

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Creative Sources Recordings (Lisboa)
Welche Temperatur misst das Fieberthermometer bei der Musik (CS 658) von WERCKMEISTER? Und wodurch wurde sie infiziert? Durch die Musicalischen Paradoxal-Discourse
des barocken Tonkabbalisten Andreas Werckmeister? Oder durch Die Werckmeisterschen
Harmonien, Béla Tarrs denkwürdige Verfilmung von László Krashnahorkais "Melancholie
des Widerstands"? Die vier Werckmeister hier gehören wohl eher zu denen, die mit dem
Briefträger János um einen Walkadaver kreisen, während die Stadt vom Fieberwahn einer
Revolte geschüttelt wird. Definitiv gehören sie nicht zu den Stümpern und musikalischen
Quack-Salbern, die, statt improvisieren zu können, an den Fliegenschissen einer Tabulatur
hängen. Nein, Markus Eichenberger, der Atemwerker aus der Schweiz, hat seine Klarinette, Carl Ludwig Hübsch seine Tuba, Etienne Nillesen seine Snare und Philip Zoubek seinen
Synthesizer im Kopf. Um zusammen ex tempore Musik zu fabrizieren, die, Adagio molto Allegro con brio... Andante cantabile con moto... Allegro molto e vivace, schatten-weise die
Harmonie der Sphären abbildet. Während Hübsch mit Longrun Development Of The Universe oder Artblau gezielt dem Master-Plan der Schöpfung eigene oder artblaue Wendungen hinzufügt, während Nillesen bei States Of Play Renovierungspläne von SebastianGramss und in Emiszatett zusammen mit Zoubek Verbesserungsvorschläge von Elisabeth
Cadoux umsetzt, entäußert sich Werckmeister seiner elektroakustischen Kopfgeburten
nur auf unmittelbarste Weise. Mit durchwegs extended Techniques und so dicht am ursuppigen Tohuwabohu wie es nur geht. Halb Erzeuger von, halb wie Medien für uranfänglich aus ihnen emanierende Noiseschwaden, quallende Dunkelwolken und zwielichtige
Gespinste, gestaut brodelnde dicke Luft, steinige oder rostige Schleifspuren. Grollender,
brütender Rumor geht einher mit klackenden Murmeln, keckerndem Kreischen, Sternenstaub senkt sich aufs Wüste und Leere. Erste Herzen pochen, Krallen scharren, Fleischberge murren und tuten, Klangwellen pulsen. Der Wind spielt Akkordeon, spielt Alphorn,
Schilfrohr bebt, Pan döst. Siebter Schöpfungstag? Oder Ruhe vor dem Sturm?
Rieko Okuda, die ist doch mit Quasi Stella oder Hanna Schörken auf Umland und in Berlineine Spielgefährtin von Mia Dyberg? Der jedoch am häufigsten an ihrer Seite auftaucht, ist
Antti Virtaranta, der immer wieder mit ihr Bass spielt, als Pillow, bei Electric Anthillman,
Opta,h, Wave Bender, im Akvariet Trio oder im TAKATSUKI TRIO QUARTETT mit Joshua
Weitzel an E-Gitarre & Shamisen. Einem komischen Trio, das erst zu viert vollständig ist,
wobei die drei sich dafür z. B. schon Conny Bauer, Tobias Delius, Axel Dörner oder Silke
Eberhard angelacht haben. Live in Hessen (CS 682) zeigt sie mit Matthias Schubert am
Tenorsax bei einem Heimspiel für Weitzel in Kassel, der sich nun aber, solange Konzertveranstaltungen auf Eis liegen, ganz auf seine Stelle als Künstlerisch-Wissenschaftlicher Mitarbeiter für Klangkunst und Klangforschung an der HfM Mainz konzentriert. Er
ist, mehr als Okuda an Piano oder Viola, derjenige, der Zen-Akzente setzt, während die
andern mit extented techniques in der Improv-Wildniss umeinander spotzen, hacken,
wischeln, fiedeln, klopfen, keckern, knören und quäken. Wobei Schubert bei der Rückkehr
vom Mississippi lange in Entenhausen hängenbleibt. Okuda hämmert und klimpert eigene
Markierungen ins deterritorialisierte Schauerfeld, während sich Schubert aus der Gießkanne zwängt wie ein zu fett gewordener Dschinn und Weitzel als halber Japaner
schrappt. Bis sich Okuda hartnäckig auf einen bestimmten Fleck versteift, um darauf zu
saxofonistischem Tirili eine dröhnende Klangsäule zu errichten. Ein halbes Jahr später
spielt in Wiesbaden Dirk Marwedel als vierter Mann, ebenfalls mit Saxofon. Anfangs lyrischzu monoton plinkender Shamisen und turbulent arpeggierter Bewegung, aber zunehmend
ebenfalls spotzend und heiser, bis ihm nichts als Spucke bleibt. In verunklartem Pianissimo
aus kleinen Saitensprüngen, rumorendem Bass und träumerischer Gitarre. Klimpernd und
mit surrendem und tirilierendem Sopranino kommt Bewegung und Tempo ins Spiel, Okuda
klirrt, Shamisen und Basspizzicato eifern mit, Weitzel zieht es nach Kyoto, öffnet abervorerst nur eine Lichtung für ominös peitschende, knarrende, ploppende Kürzel. Okuda
redet wie in Trance, Marwedel reiht leise Pfiffe, Lippen mümmeln an der ppp besummten
Hörschwelle. Oh Volk der Mäuse.
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Rudi Fischerlehner - Farai-Records ... (Berlin)
Von OLAF RUPP und Audiosementics (BA 107) ist es nicht weit zu seinem Mit-Xenofox, dem
Drummer RUDI FISCHERLEHNER. Der hat nämlich, nachdem gligg Records seinen Betrieb
hat einstellen müssen, auf seinem Label Farai-Records [https://farai-records.bandcamp.
com] Tingtingk (frec9, digital) neu aufgelegt. Bad Alchemysten klingeln da die Ohren, denndas Titelstück, mit noch MATTHIAS MÜLLER an der Posaune, war 2012 aus der gligg-CD
017 ausgekoppelt gewesen als Sonderedition zu BA 72. Dazu hat Fischerlehner, der ansich als Trommler bei Gorilla Mask, dem Julie Sassoon Quartet, Fiium Shaarrk, La Tourettesowie mit Xenofox & Joke Lanz gut zu tun hätte, nun in der Corona-Zwangspause mit 'Liklik
Kaikai' einen Bonustrack ausgegraben, bei dem er, während Rupps Gitarre stöhnt undächzt und die Posaune wuppert, faucht und sich in einen zirkularbeatmeten Dauertonverbeißt, lakonisch muschelt, klackt, tickelt, tockelt, ticktockt, aufs Becken nadelt, etwas
schüttelt, kratzt und schließlich alleingelassen über Blech und Fell hagelt. Woraufhin Müller vollmundig zu tuten und tröten beginnt und Rupp von unten bis oben klangvoll die Saiten beprickelt und beschrappt, während F. taubeneiergroße Körner übers Fell tanzen lässt.
Vom defensiven Einstieg bis zum brillanten Finish bestes Training, um im Jungle out there
den Pfeil 'und Schleudern des wütenden Geschicks besser trotzen zu können.
Die dänische Saxofonistin MIA DYBERG hat in Berlin in RUDI FISCHERLEHNER einen besonders interessierten Spielgefährten gefunden, als Duo, im Trio mit dem Bassisten Asger
Thomsen oder - am 3.7. bei Sommerjazz @ Koncertkirken in Kopenhagen - mit dem Pianisten Søren Kjærgaard (The Living Room, Frands Rifbjerg Quartet). Zu zweit haben sie schon
mit "Leger" & "Berg" das 6. und das 8. (Digital)-Album in Dybergs Duoscrapbook-Serie
eingespielt, die mit der Pianistin Rieko Okuda und "Naboer" im Juni zum Abschluss kam[https://miadyberg.bandcamp.com]. Pause (frec8, digital) steht im Zeichen von Atommeilern und einer kafkaesken Dohle. 'Cage' heißt im Kontext mit 'Shut Down' wohl Käfig, und'Shut Up' spricht dann ja für sich. Ebenso wie das klopfende "Lasst uns raus!" als Einstieg.
F. klopft Zahlen, Dyberg kippt zwischen Monotonie und Vogelsang. Aber auch F. kann flattern, während es in die Töpfe regnet, er schüttelt Schellen, er holzt klapprig und tockend,
er lässt Stöckchen und Knüppel knattern, Besen federn, während sie schwankt zwischen
zagem und eintönigem Trübsinn, rau gepresstem Tremolieren und trotzigem Doch. Er deppert mit Schrott, sie spotzt und kiekst, er dongt und gongt, sie pfeift, es dröhnt. Zuletzt,'Tempo', von F. knattrig gekurbelt und gepaukt. Dyberg spielt dazu Sisyphos, treppauf,
treppab, ganz unverdrossen, auffallend beschwingt. Ich weiß nicht, wer ihnen da über die
Schultern schaut, aber einen guten Spiritus rector haben sie allemal.

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Verblüffend, mit welch leichtem Händchen Rudi Fischerlehner bei LA TOURETTEs Future
Kids (Selbstverlag) zur unheimlichen 'Birthday Party' der Singer-Songwriterin Tonia Reeh
aufspielt, die Piano klimpert und ihre Krallen gegen einen ungebetenen Gast ausfährt. Sie
haut nicht gerade zimperlich in die Tasten, und von ihrem 'Miauauau' sollten sich auch nur
coole Tomcats aufs heiße Blechdach locken lassen, von balzenden Herzensbrechern will
sie nichts wissen. Sie macht kein Hehl daraus, dass eher sie sich für die Herzensbrecherin
hält und eine lebensverändernde Erfahrung, bei der nur harte Hunde nicht wimmernd aufjaulen, und der klar ist, dass sie im Knast enden wird. Bei 'Repeating times' schleppt sie
sich auch wie in einer Chain Gang. Nie zum scheuen Pflänzchen taugend, hat sie genau
das auf dem Kerbholz, vor dem ihre Mutter gewarnt, aber sie damit nur noch mehr in Rage
gebracht hat. Was sie auch wählt, es ist garantiert radioaktiver Regen oder saure Traufe.
When the rain comes, don't let your children out . Dazu klopft und rührt Fischerlehner lakonisch das Trommelchen. Denn nur in der Nase bohren nutzt ja auch nichts. Er kennt sie undkennt ihre Freunde, nichts als Jerks und Pillenschluckerinnen, deren Niedergang sich nur
im Tempo unterscheidet, wobei das Gasgeben selbst noch bergab dominiert. Nein, dassind nicht die Hellsten. Auch der auf dem Motorrad ist einer dieser Träumer, die von 'Dollars and brands' träumen, die allzu empfänglich für Einflüsterungen sind, sogar denen, die
Jungfrauen im Paradies versprechen. Everything is OK? Mir klingeln die Ohren vor diesem
Mantra, Losern und Junkies geht es besonders leicht von den Lippen, oder RiotGirls, diesich für unverwundbar halten. Reehs bevorzugter Duktus ist ein aufgeratztes '¡Arriba!',
pingpingpingping pongpongpongpong, ¡Andale! Schon Minnie Mouse war ein Flapper,
Reehs Protagonistin ist eher noch Speedy Gonzales oder Ignatz - mit Titten.
ZSOLT SŐRÉS, 1969 in Budapest geboren, spielt sozusagen Table-Viola & Electronics auf
dem weiten Feld aus Improv und Noise. Mit Landsleuten wie Én (Pál Tóth) und Zsolt Kovács, seit den Nuller Jahren auch mit internationalen Spielgefährten wie Franq De Quengo(in Budapastis), Thanos Chrysakis, Jean-Hervé Peron alias Art-errorist, Franz Hautzinger(in The Abstract Monarchy Trio), Hilary Jeffery (in Inconsolable Ghost), Jean-Michel Van
Schouwburg & Adam Bohman (in I Belong To The Band), seit 2013 auch schon mit RUDIFISCHERLEHNER. Attention Span Reset (Hinge Thunder, HT-002) bringt den Auftritt der
beiden bei der No Wave Night im Auróra, Budapest am 6.9.2015. Eine freakische Bratsche
mutiert durch aus der Steckdose gesaugte Energie ins kakophon Raptorische, und dazu
Tamtam, das, kollernd, zischend, tremolierend und rasselnd, schrottig verwildert. Aufgeladen mit Spirit, mit dem die Hunnen - oder waren's die Husaren? - einst ihren Pferdchen
die Sporen gaben. Sőrés braust und jault und geht bis auf Feedbackanschlag zu Fischerlehners Gepolter und schamanisch geschabtem und geschütteltem Blech. Während der da
die Stöckchen hageln und Glöckchen schellen lässt, mit Becken crasht oder Eisen dengelt
und zerhackt, setzt Sőrés den Bohrer an eine Wall of Noise, also quasi an den vor Furor
bebenden eigenen Schädel, aus dem sie hervorgeht. Als ein nicht mehr zu bändigender
Erich Zann, dessen Kratzebogen nichts mehr von einer Sandstrahl-Bazooka unterscheidet.
Bis die beiden auf einmal ganz groovy zu einem wahnwitzigen Moshen anstacheln, mit
holzig pickendem Beat und dreschendem Psychrockgetrommel, mit Gefiedel, das in seiner
Eskalation ständig zu entgleisen droht. Womit sie sich so fertig machen, dass nur nochschleifender Nachhall leise weiterloopt zu einigen perkussiven und klingelnden Überbleibseln der schamanischen Verausgabung. Tekeli-li!
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Jacob Felix Heule / Humbler (Oakland)
Jacob Felix Heule ist ein perkussiver Umtriebler, in Oakland und der Bay Area eng
vernetzt mit dem Bassisten Matt Chandler, dem elektrifizierten Perkussionisten Kevin
Corcoran, mit dem Bassisten Tony Dryer als, ha!, als Basshaters, mit Jay Korber als
das Double-Drum-Duo Ettrick. Humbler ist sein Marktplatz, wo er mit Street Priest angefangen hat und mir mit Sult, seinem 'Acoustic Noise'-Trio mit Guro Skumsnes Moe& Haavard Skaset, seinen Namen ins Ohr gestopft hat. Eines seiner handgreiflichsten
Projekte ist das Duo VOICEHANDLER mit Danishta Rivero, nur Perkussion auf derSuche nach ihren eigenen archaischen Wurzeln, prälogische Stimme und beknackte
Alltagselektronik. Rivero stammt aus Venezuela und hat eine merkwürdige Vorgeschichte in Miami mit der Metalband Aghora. Nach Oakland ist sie gekommen, um
am Mills College zu studieren. Mit Alexandra Buschma, einer Studienkollegin, zwingt
sie seit 2015 als Las Sucias Reggaetón an seine kruden Anfänge zurück und verhext
männerdominierte Selbstverständlichkeiten mit Brujería Noise, feministischer Verve,
Santeriaspirit und karibischem Pathos. Ihr Dreckspatzentemperament zeigt Rivero
nun einmal mehr mit Heule bei light from another light (Humbler-005), vokalisierend
und mit bizarrer Glossolalie, hexenhaft schnatternd, delirant stotternd als besessenes Medium, als verzerrtes Sprachrohr von Latina-Erfahrungen. Heule rappelt,
poltert und klappert dazu, was das Zeug hält, von Riveros Hydrophonium umsprudelt.
Er trappelt auf Raubtierpfoten oder wird ganz kleinlaut, wenn die Geister wie mit
paranormalen Tonbandstimmen flüstern oder zunehmend sogar nur noch purer Noise
bratzelnd oder in Wummerwellen den menschlichen Faktor ausschaltet. Voicehandlers Art Brut und primitiver Elektrobruitismus visioniert ein postapokalyptisches
Silicon Valley, in dem bloß noch kaputte Maschinen menschliche Laute imitieren.
Oder sind es tierische? Heule betrommelt, überrauscht mit den Becken oder bepocht
dieses dystopische Downgrading als einen Rücksturz in die Menschheitsdämmerung,bevor ein schwarzer Monolith Affen in Überaffen verwandelte.
Brittle Feebling (Humbler-006) zeigt JACOB FELIX HEULE mit dem durch Spezza
Rotto und Grosse Abfahrt geschätzten Trompeter TOM DJLL, seinem Partner bereits
bei Beauty School, mit →KYLE BRUCKMANN, einem Spezialisten für grüne neue
Musik (etwa mit Gene Coleman's Noamnesia oder Bruckmann's Wrack), an Oboe &Englischhorn sowie KANOKO NISHI-SMITH an Koto, seinen Gefährt*en auch schon
bei Addleds. Er spielt dazu nur Floor Tom für ein freispielerisches Paradebeispiel
bruitistischer Art Brut, voller Kratzer, Schmierer, dunkler Tupfen, stöhnenden, scharrenden, größerenteils unidentifizierbaren und sowieso unbeschreiblichen Lauten.
Serviert als mit Stacheldraht verzierter Pustekuchen, was man gern und gut mit
Fiddlesticks decorated with barbed wire übersetzen kann. Dissonantes Quieken,
Quäken, Zirpen mischt sich mit drahtigen Fisimatenten oder meinetwegen Shenanigans, wenn Heule da die Tom donnerblechern rumoren lässt. Wer aber glaubt, dassdie Bläser an den Mundstücken lieber züllen als blasen, den überrascht Bruckmann
mit vogeligem Tirili. Und wenn Djll der Trompete Motorgeräusche abzwingt, zieht ereinen Dauerton von Berkeley bis Duckburg. Geklapper kreuzt sich mit schnarchendem Krach, und überhaupt verdankt das Action-ABC dieses Noise-Primers eineganze Menge dem fiesen Splatter des Itchy & Scratchy-Humors. Kaum ein Ton, dernicht unter eine Dampfwalze geraten, der nicht kläglich leck geschlagen ist, an dem
sich kein Mörser oder Fleischwolf zu schaffen gemacht hat, der ungespalten, ungequetscht davonkommt. Spitze Töne verschmelzen mit gießkannig tutenden, puderquastig getupfte mit schnaubenden, durch die Zähne gezogenen, wie aus einem
Luftballon entwischenden, huschende toben umeinander mit knarzigen, keckernden,
kirrenden, Blech oder Fell entrissenen. Manchmal gespenstisch pianissimo, öfters
turbulent (gelinde gesagt), immer mit einem schmuddelkindlichen Vergnügen an
kakophonem Kuddelmuddel.
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Intakt Records (Zürich)
Entdecken wir nicht alle mit der wachsenden Anzahl der Winter, zeitrafferisch gerissen im
zunehmend spürbaren Luftzug des freien Falls aufs Ende zu, den Reiz des Frühlings unddie Vorzüge der Langsamkeit? Auch ALEXANDER VON SCHLIPPENBACH weiß nach 81
Sonnenumläufen, dass alles, wonach die Hände greifen, Torso bleiben wird, aber sich derArsch dennoch wärmer anfühlt, wenn er am Klavier sitzt. Über sechs Jahrzehnte hat er
dem akzelerationistischen Zeitgeist beide Hände gereicht, hat im Trio mit Evan Parker und
Paul Lovens unermüdlich Witz und Geistesgegenwart als quick und spritzig definiert und
mit der Globe Unity der gobalen Erhitzung gehuldigt. Und nun: 'Frühling im Schnee'. Make
it slow, make it slow, make it slow. Einem Wunsch von Aki Takase entsprechend, kostet er
bei den Slow Pieces for Aki (Intakt CD 346) mit dem Mut zur Lücke von der Fülle desperfekt Dosierten. Zweiundzwanzig kleine Stücke für Piano solo, freie und komponierte,sind von einem japanischen Sinn für das Wesentliche ebenso angefasst wie von Schönbergs Durchlüftung von musikalischem Plunder. Jazz hat ja das bereits als Verbrechen
verpönte Ornament und Geschnörkel als modernistisch und sophisticated rehabilitiert, dieFire Music und die freie haben vor allem das elementar Vulkanische geschürt und dynamisiert. Schlippenbach lässt von dieser Fülle ab mit der Modernistik kandinskyscher Abstraktion (mit Monk'schen Ecken), ohne den Zauber des Mehrdeutigen und Hintersinnigen
in der Auswahl der Töne durch eine betonte Schlicht- und Nüchternheit auszuräuchern.
Nein, was es gibt, was es betont gibt inmitten dieser beschwingten Geometrie, ist eine
gewisse Bedächtigkeit und sogar ein Zugewinn an handfester Schönheit oder, wie Bert
Noglik es empfindet, an 'ernstem Lyrismus'.
Molecular (Intakt CD 350) bringt im JAMES BRANDON LEWIS QUARTET ein Wiederhören
mit Lewis als neuem Tenorsax-Darling und mit dem Trommelmeister Chad Taylor. Doch zu
diesem "Live in Willisau"-Gespann sind nun Aruán Ortiz am Piano und Brad Jones am Bass
gestoßen. Oder anders gesagt, Lewis hat seine 'Molecular Systematic Music' dem Aruán
Ortiz Trio von "Live in Zürich" anvertraut. Als Kompositionen, in die, so wie die DNA
Erbinformationen enthält, afroamerikanisches Erbgut eingebettet ist, wie es Lewis auch im
UnRuly Quintet und mit Heroes Are Gang Leaders weitergibt. Sein universalgelehrter
Horizont reicht von Isaac Asimovs Robotik, Biorhythmik und dem erfinderischen Agrarwissenschaftler George Washington Carver (1864-1943) bis ans Ende der Doppelhelix, ausderen Nuklearbasen er intervallische und harmonische Beziehungen ableitet, die man jedoch weder verstehen noch heraushören muss, um die Musik genießen zu können. Lewisüberzeugt nämlich schlicht und direkt mit seinem saxmelodischen Überschwang überostinaten und pulsenden Einwürfen als ruckendem Förderband für sein Lotophagenmantra. Wichtig sind allein die pochende, rollende Tangotristesse und die mit Ortiz
geteilten sehnsuchtsvollen Lyrismen bei 'Of First Importance'. 'Helix' dreht sich uptempo,
sprudelnd und rutschend, mit animiertem Pizzicato und Tickling, quirlendem Piano,
wirbelndem Drumming. Hinkende Drehmomente verzahnen sich zu Taylors monotonem
Ticktack mit Sprüngen und Läufen, aber die Zellkerne, um die die biologischen Uhren
ticken, speisen Lewis' Gesänge mit Feuer und Flamme und vor allem mit Feeling. 'Cesaire'
feiert genau damit, einem dankbaren Gefühl der Befruchtung, die postkoloniale Inspiration
durch Aimé Césaire (1913-2008). 'Neosho' liegt hier nicht in Missouri, dafür taikotrommelt
Taylor zu finster zu Lewis' bassbepochtem feuervogeligem Krähen. Es ist wohl die USS
Neosho, ein Tankschiff, das im Mai 1942, von japanischen Sturzbombern in Brand geschossen, vier Tage dahin trieb. Nur noch die Halbe Mannschaft konnte aus dem Meer
gefischt werden. 'Breaking Code' häckt sich mit arpeggierenden Fingern als hymnischgeflammte Elegie ins Gemüt. Doch die Pein vergeht, Taylors Tamtam lässt die Helix kreisen
und tanzen, in sich verquirlt, hämmernd und röhrend angespornt. Bis Brad Jones zuletzt
bei 'Loverly' blaue Saiten aufzieht und Lewis nochmal die Lippen spitzt für eine innige
Liebeserklärung an die Bausteine des Lebens.
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INGRID LAUBROCKs Lust, zu orchestrieren, erreichte einen ersten Höhepunkt in den mit
dem EOS Kammerorchester Köln unter Leitung von Susanne Blumenthal 2017 beim Moers
Festival aufgeführten "Orchestral Pieces: Vogelfrei / Contemporary Chaos Practices", dieallerdings dann in einer New Yorker Fassung festgehalten wurden. Doch Laubrock hat die
Arbeit mit EOS fortgesetzt mit einer weiteren, 2019 auch live erprobten Suite for Orchestra
with Soloists, die nun auf Dreamt Twice, Twice Dreamt (Intakt CD 355, 2xCD) zu hören ist.
Einmal in groß, mit EOS, einmal, wie zerrgespiegelt, in klein, beide Male mit Cory Smythe
an Piano & Quarter Tone Keyboard, Sam Pluta an Electronics und Laubrock selber an Tenor- & Sopranosax als solistischer Dreifaltigkeit, im kleinen Format partiell erweitert, klangfarbschräg und neutönerisch, mit Adam Matlock an Akkordeon, Josh Modney an Geige und
Zeena Parkins an krachiger Electric Harp. Diese träumerisch versponnenen, dröhnend gedehnten, kapriziös funkelnden und trillernden, elektroakustisch verhuschten und wie Eisblumen kristallisierten Kammerjazz-Versionen von 'Snorkel Cows', 'Drilling', 'I Never Liked
That Guy', 'Down the Mountain, Down the Mountain' und 'Twice Dreamt' entstanden zuerst.
Die EOS-Version mit, neben dem Kerntrio, Robert Landfermann am Kontrabass und Tom
Rainey an Drums stellt 'Dreamt Twice' an den Anfang und überhaupt erklingt die Suite dawie 'kannibalisiert'. So hat Raymond Chandler es genannt, wenn er seine Stories für Romane ausschlachtete. Laubrock nennt es 'Re-Imaginieren', weil es über ein Re-Arrangieren
hinausgeht und sie, nachdem ja die ganze Musik schon von Stimmungen und alogischen
Wendungen aus ihren Träumen vorgeformt ist, bei der Transformation ins große Format mit
Morphing, Shapeshifting, Zoom und Proportionsverschiebungen operiert. Nach der ChaosPraxis nun also eine oneirische. Das Orchester ist zur Chimäre mutiert, denn welches hat
schon eine jazzige Rhythmsection als Motörchen und elektronische Rattenschwänzchen?
Wobei EOS als Morgenröte und Frühnebel nur allmählich ins Spiel kommt, streicherzart zu
Vogelpfiffen, grummelnd zu kristallinem Geperle, als Nebelhorn über Seekühen, muhend
zu schillerndem Glissando, ganz debussyesk zu faunischem Saxofon. Mit zart gestrichenen, gesummten, mit Vierteltönen glockig betupften Impressionen geht Laubrock ganz ab
von ihren bisherigen, wie von Braxton oder Muhal Richard Abrams angestoßenen Konstruktionen. Wobei mitten in 'Drilling' zu elektronischem Gespinst das Soprano zu trillern
beginnt, EOS in Wallung versetzt, und auch die Solisten wieder munter werden. Laubrockgeht von impressionistischer Reverie weiter zu modernistischer Ironie à la Les Six, mit
kaprizösem Soprano, scharrendem Kontrabass, vogeliger Unruhe. Um zuletzt doch einzutauchen und unterzugehen in einem Mahler'schen Adagio mit geisterhaft (als Fledermäuse
im Glockenturm?) flatternden Strings, down and out im Abendrot.
Die Idee, das DAVE GISLER TRIO mit JAMIE BRANCH zu verkuppeln, hatte Patrik Landolt.
Heraus kam dabei das Zurich Concert (Intakt CD 357), mitgeschnitten beim unerhört!Festival Zürich 2019. Voilà, einerseits dIE Trompetennudel als Champion-Champion, nicht
ohne Kappe, damit die Schwalben nur trompetistisch ins Freie gelangen. Andererseits
Gislers Gitarre und Raffaele Bossards Bass, gütegesiegelt durch Christoph Irniger Pilgrim,sowie Lionel Friedli als trommelnder bunter Hund, mit Christy Doran, Le Pot oder Laura
Schuler. Gisler lässt als Leader die Karnickel über Dröhnfelder hoppeln, mit 'Rabbits on
the Run' als wummrigem Gewusel mit eisernen Pfoten und abschließend 'Dive' noch vom
2018er Debut, ansonsten jedoch neuem Stoff. Gleich mit aus pladderndem Regen aufstrah lenden Trompetenstößen und aufgewühlter Gitarre als 'Intro', das sich zu einem Dududududu-dom eingroovt. Kurz ins Amorphe zerflickert, schlägt 'What Goes Up...' als Trompetenattacke einen rasant grungerockenden Galopp an. 'Cappuccino' setzt dem verzerrte
Satzfetzen in koffeinvergifteter Zerrüttung entgegen. Aus dem triangeligen Geklingel bei'Spiegelgasse' lösen sich träumerische Blastöne, die mit siebenschläfrig verlangsamtem
Puls weiterträumen und mit zirpender Trompete und sehnender Gitarre etwas Besseres
als den Tod überall finden, wo keine Uhr tickt. 'Better Don't Fuck with the Drunken Sailor'
torkelt mit Lester-Bowie'esk growlender Trompete und einer Gitarre voller Schuppen undölverschmierten Biig-Fiiish-Stories durch Storyville. Den Schlusspunkt setzen schrubbiges
Pizzicato und knackig wirbelndes Geknatter zu nochmal knurriger Gitarre und launigen
Japs und Schmierern von Branch. Duckt Euch, hier fliegen Glückskeksbrösel durch die Luft!
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O wie so trügerisch? Mit The Deceptive 4 (Intakt CD 358, 2xCD) greift TIM BERNE'S
SNAKEOIL genau betrachtet hinter "The Fantastic Mrs. 10" zurück, denn es ist einesteils
schon anderthalb Jahre zuvor am 1.12.2017 im Firehouse 12 in New Haven entstanden undandernteils sogar schon im November 2009 & Juni 2010 im Roulette bzw. IBeam in Brooklyn. Was Berne am Altosax mit Oscar Noriega an Klarinetten, Matt Mitchell am Piano und
Ches Smith an den Drums 2017 offerierte, waren 1. das gerade auch im "Angel Dusk"Duett mit Mitchell angestimmte 'Perception' und mit 2. 'Moornoats' und 3. 'Seven' Vorformen von 'Rolo' und 'The Amazing Mr. 7' von der phantastischen Studioscheibe dann mit
noch Marc Ducret. Das Wechselspiel der beiden insistent bohrenden, hartnäckig tirilierenden Bläser und der kollektiv sich ergießende Flow erhalten, ohne Bass als verbindendem
Element, ihre besonderen Akzentuierungen durch Mitchells pikante Klimperei, dezidierten
Sprünge, ostinat auf der Stelle tretenden Töne oder spritzigen Cluster und von vorne weg
durch Smiths Kolorierung und Rhythmisierung durch rollendes Pauken, kristalline Vibes,
Gongschläge, klopfende Hand Drums und eisenhaltige Percussion. Gleich bei 'Perception'
etwa mit donnerndem Gerumpel zu schädelspaltenden Altowellen. Wie wild es auch zugeht, Berne sorgt dafür, dass immer einer im Auge behält, wo's langgeht und die Schritte
dorthin lenkt. Graduale Schritte, eilige Läufe, obsessives Kreiseln, rasantes Auf und Ab,
und zwar alles zugleich, sind als Bewegungsabläufe bestechend choreographiert. Dazu
erhöht das Hin und Her aus Verdichtung und Absonderung, wenn etwa Bassklarinette und
Piano, Piano und Vibes, Vibes und Bassklarinette als Paare unter sich bleiben, den polymorphen Gesamteindruck, dass sich da ständig die Richtung ändert, sich Vektoren verzweigen oder, etwa bei 'Seven', veitstanzmäßig eindrehen. Der augenzwinkernd superheldenhafte Titel meint neben der Band womöglich auch den jeweils quasi viersätzigen
Aufbau - im Firehouse 12 etwa Vivace | Misterioso, stringendo | Scherzo | Presto. Auf dem
Programm der mit Schlangenöl gedopten Turbulenzen in Brooklyn standen entsprechend:
1. das unbändige 'OCDC' (das auf "Shadow Man" landen würde) als Blaupause von Bernes
schwindelerregender, mit Caos Totale, Bloodcount und Big Satan entwickelter Science
Friction. Mit 2. 'Spare/Città' ein Mix aus 'Spare Parts' & 'Simple City' (vom im Januar 2011
eingespielten Debut auf ECM), Adagietto, aber zunehmend belebt und mit markanten Zutaten von Smith, von fragilem Stabspiel bis zu polterndem Gewitter. Sowie 3. (ebenfalls von"Snakeoil") 'Scanners', Prestissimo als lang gezogener, auf der Zielgeraden verblüffend
synchroner Sprint. Nur Konzertbesucher kannten somit bisher den jeweils vierten Streich:
Das con brio treppauf-treppab eschernde 'Deception', das in einer stupenden Reiberei vonNoriega und Smith gipfelt und sich immer noch weiter nach oben schraubt. Und das mit
21:25 breiten Raum erhaltende 'Hemphill', das Julius Hemphill ehrt, indem Berne an Studienmaterial seines Lehrmeisters ergänzend Hand anlegte und Hemphills Mysteries, Reflections und labyrinthischen Love Lines weiterspann, con spirito, giocoso.

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Benjamin Koppel @ Cowbell Music (Valby)
Er kam mir etwas zu spät unter für das
Feature "En Håndfuld Danske" in BA
107, aber BENJAMIN KOPPEL ist mit
seiner Flatcap und seinem Altosax eh
ein Kapitel für sich. 1974 in Kopenhagen geboren, ist seine Mutter die
Schauspielerin Ulla Lemvigh-Müller
(die etwa die Nys in "Stille Tage inClichy" und auf der Bühne Genet undPanizza gespielt hat), sein Vater aber
Anders Koppel, der Orgler bei Savage
Rose (neben Onkel Thomas am Piano)
und danach (von 1976 bis 2012) bei
Bazaar. Benjamin hielt, was seine Gene versprachen, mit einem eigenen
Jazzquartett schon als Teenager, dem
Pop-Rock-Orchester Moonjam, als Macher des Labels Cowbell, als Solist bei
den Saxofonkonzerten seines Vaters,
mit dem er als Koppel-Andersen-Koppel auch gejazzt hat. 2011 wurde er
zum Chevalier des Arts et des lettres
ernannt als Reisender in Sachen Jazzmit ökologischer Sensibilität, wie er
sie mit "Walden" (2009) und "TheKyoto Protocol & Other Climate Considerations" (2011) offenbart hat. Neben familiären Begegnungen mit seiner souligen Schwester Marie Carmen oder mit seinem
Cousin Nikolaj im Crossover-Ensemble Mad Cows Sing ist er sogar für HipHopperei zu
haben mit Per Vers oder Pede B. Besonders wohl aber fühlt er sich, wie The Art of theQuartet (Cowbell #77 / UTR 4958 2xCD) wieder zeigt, mit amerikanischen Jazz-Größen wie
dem Pianisten Kenny Werner (seinem Partner bei "Walden"), dem Bassisten Scott Colley(seinem Partner im Koppel-Colley-Blade Collective) und Trommelmeister Jack DeJohnette.
Dazu steuerte er 2015 den elegischen Glockenklingklang von 'Bells of Beliefs' bei & 'Night
Seeing', das versucht, einem hinter geschlossenen Lidern die Augen zu öffnen für all die
Verluste, die wir in kollektiver Lemmingblindheit selber verursachen. Neben 'Free I' in vereinter Melancholie & 'Free II', fiebernd, träumend und wieder fiebernd im Mondschein von1001 Nächten, neben DeJohnettes arpeggioseligem Klassiker 'Ahmad the Terrible' & 'One
on One' und neben Colleys 'Americana' erklingen von Werner 'Follow', das quirlig geperlte'Iago', seine frühe 'Ballad for Trane' und das schon auf "Balloons" erprobte 'Sada'. Das
meist mit sonoren Bogenstrichen, beredt summendem Pizzikato, zartem, aber klangvollem
Anschlag und zartbitterem Altogesang in allerfeinstes Nor- und ECM-Feeling getauchte
Spiel wird extraspeziell durch eine der delikatesten und feinnervigsten Leistungen von
DeJohnette, der die gut zwei Stunden mit der souveränen Nonchalance seiner (damals) 72
Jahre prägt. Die wernerische und insgesamt flockigere zweite Stunde mitsamt dem
Standard 'If I Should Lose You' greift mir dann etwas zu schwelgerisch in die DudelfudelZuckerdose. Das Abgesangliche bei 'Americana' danach, den Mehltau auf Koppels Zunge,bilde ich mir das nur ein? Mit Tempo allein entkommt man dem nicht, die Energie von 'One
on One' zerstreut sich in neckischem Kleinklein. Doch bei 'Sada' findet das Quartett nochmal den Ton, der seine Stärke, seine innere Dynamik ausmacht - die einfach nur schöne
Mischung aus Melodik und Melancholie, aus Tristesse und vorgekosteter Seligkeit.
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Benjamin (benannt nach Ben Webster) & Maria Carmen Koppel haben 2017 mit derKlezmer Band „Mames Babesgenush“ Musik im Andenken an Stefan Zweig gespielt, beim
Copenhagen Jazz Festival 2018 fächerte er in einem Sextett mit Cæcilie Norby, Ralph
Alessi & Uri Caine 100 Jahre Jazzgeschichte auf, 2020 feierte er, wieder mit seiner
Schwester, mit der er schon Soul-Hits spielt, seit er 14 und sie 17 war, Stevie Wonders 70.
Geburtstag. The Ultimate Soul & Jazz Revue (wieder zusammen mit Unit Records, Cowbell#78 / UTR 4959, 2xCD) ist daher kein Souljazz-Ausflug in fremdes Terrain, sondern ein
Rückgriff auf Koppels frühe Jahre als kleiner Bruder. Diesmal live im Juli 2019 mit Qualitätsgaranten und Soulbrothers wie Randy Brecker an der Trompete, wieder Scott Colley
am Bass und insbesondere der 80-jährigen Drummerlegende Bernard Purdie. Der Groove
bei Breckers Debut "Score" 1969, das ist seiner. Dazu spielt Jacob Christoffersen (Koppels Pianopartner bei "OneTwoThreeFour" und Begleiter der Sängerinnen Majbritte Ulrikkeholm und Sinne Eeg) Rhodes & Wurlitzer sowie (von drei Stücken von Koppel und Burt
Bacharachs wonnigem Ohrwurm 'Close to You' abgesehen) noch Dan Hemmer Hammondorgel, Jacob Andersen Percussion und Søren Heller Gitarre. Zu acht stimmen sie an:'Them Changes' von Buddy Miles, dem Drummer der Band Of Gypsys, Dizzy Gillespies cubopiges 'Manteca', von Curtis Mayfield 'Move On Up', 'Groove Me' von King Floyd, Stevie
Wonders 'Don't You Worry 'Bout a Thing' als ostinaten, kaum zu stoppenden Drehwurm undzuletzt Sly Stones 'Sing a Simple Song'. Einmal greift tatsächlich Marie Carmen zum
Mikrophon und singt Otis Reddings 'Respect', das Purdie oft genug mit Aretha Franklin
gespielt hat. Als verblüffende Anverwandlung mit angedunkelter Dirtiness, nicht umsonst
hat sie in den 90ern in der Brooklyn Fountain Church of Christ Gospelspirit an der Quelle
aufgesaugt. Der Purdie Shuffle, Breckers virtuose Trompete, der sumpfige, schwammige
Orgelsound, die Head-Solo/Solo-Head- & Song-Form, das oftmalige Unisono von Altosax
und Trompete, die lässige Upbeat-Funkiness, die noch lässigere Downbeat-Lässigkeit, dassind andere Fahrwasser als die des Quartets. Koppels 'Hammond Street' mit allem
Schinken & Speck, 'Feel the Bern' (als Verbeugung vor Purdie) und das im bekifften
Elefantentrott wiegend getragene, von Gillespie inspirierte 'Con Alma and Sax' schmiegensich den Originalen passgenau an. Bis hin zum fetzigen Finale mit (innerlich mitgesungenem) I'm talking, talking, talking, talking / I'm walking, walking, walking, walking /I'm living, living, living, living / I'm giving love and lovin' loving... Let me hear you say"Yaaaa, ya, ya, ya, ya / Yaaaa, ya, ya, ya, ya".

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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)
Leo Records, ein sympathischer Gegenpol zu den perfiden Brexit-Briten, verschafft mir
durch das FRANÇOIS LANA TRIO die Bekanntschaft mit dem Schweizer Bassisten Fabien
Iannone (von Marc Méans Taïga, Noé Tavelli & the Argonauts Collective und L'Orage) und
dem jungen britischen Drummer Phelan Burgoyne (der in Slaughden mit Kit Downes trommelt und mit Xaver Rüegg & Chris Wiesendanger als First Rain). Ihr Leader, der 1986 geborene französische Pianist François Lana, hat durch seine Studien bei u. a. Jacques Demierre, Vinz Vonlanthen und - aha - bei Wiesendanger beste Connections in die Schweiz undnutzt sie, um hauptsächlich dort Konzerte zu geben, und für Objectif Lune, sein anderes
Trio, mit ebenfalls Rüegg am Bass und Martin Perret an den Drums. Cathédrale (LR 884) ist
eine spirituelle Church of Jazz, errichtet, wie Magrittes 'Château des Pyrénées', auf Felsen
wie Paul Bley ('Divertissement'), Herbie Nichols ('Der Turm') und Andrew Hill ('Hillness'),
mit Thelonious Monk als Meisterfreimaurer, dessen schiefe Winkel auch Lanas 'Chaos
Momentum' und 'Black Socks, No Sugar' zum Tanzen bringen und im Dreieck springenlassen. 'Weird Stuff', von der Krypta bis in die Giebelspitzen, mit Pizzicato geerdet undgerundet, von Lana elastisch rhythmisiert, von Burgoyne so flickernd durchblitzt, als
bräche sich Licht in Gerhard-Richter'schen Fenstern. Auf schwarzen Socken springen
Zweiklänge wie Quasimodo in den Glockenturm, quirlig verlotterter Swing, der puritanische Stirnen runzelt, wechselt mit mönchischer Introspektion und pingendem ArmeSünder-Klingklang. Gipfelnd in gedämpftem Zwielicht, monotoner und mysteriöser nochals die 'Nocturne'-Stimmung zuvor.
Dem vierköpfigen Schwarmgeist des ENSEMBLE 5 begegnet
man bei Luminescence (LR 888) nun schon zum siebten Mal auf
Leo. Mit einem Konzertmitschnitt wie schon "Live" [@SonarraumBern] (LR 784, 2017), diesmal live in concert am 18.10.2019 in
Shibuya-Tokyo, und, wie in Bern mit Elliott Levin, mit ebenfalls
einem fünften Element, dem Geiger Naoki Kita. Neben RobertMorgenthaler - Posaune, Reto Staub - Piano, Fridolin Blumer Kontrabass und Heinz Geisser - Percussion, der sich von Kita,
mit dem er durch "Ma" (pfMENTUM, 2018) im Spiel mit noch
Guerino Mazzola vertraut war, etwas reizvoll Ungerades versprach. Kita hat gebadet in arabischer, koreanischer und TangoMusik, in Progressive Rock und Free Jazz, er ist mit SebastianGramss, Tristan Honsinger und Roger Turner rumgeturnt, undfühlt sich doch am wohlsten als singende Zikade. Sein zirpender
Strich, sein in langen Fäden ausgesponnenes Sirren, sein zartes
Flimmern bringen hier selbst Dickhäuter wie den Bass und die
Posaune dazu, mit weichen Fingern zu plonken und mit runden
Lippen zu quaken. Dabei kann der diskante Violinsound schneiden wie eine Drahtschlinge, scharf wie ein Nakirimesser. Dennoch ist der Tenor von 'Reverie' über 'Celestial orchard' bis 'Proceed' geprägt wie von fernöstlicher Finesse, von Ohren, verfeinert durch den Klang kleiner Zeremonialglöckchen, verräterischknarzender Dielen, von Wassertropfen in Zengärten. Wobei die
Klänge freispielerisch fluktuieren und sich verdichten in granularen Schüttungen, fasrigen Gespinsten, rasant spritzenden
Sturzbächen, schillernden Lichteffekten, launigen Umlauten, gestaucht, aber auch träumerisch gedehnt. Gerade noch blumig
oder muschelig, jetzt schon staubig und so windig, dass es die
Posaune als fliegenden Robert mitwirbelt. Lange Linien füllen
sich wie Fliegenfänger mit dunklen Tupfen und knörigen Schmierern. Es leuchten WellenWellenWellen und Teilcheneilcheneilchen.
Fotos: Lana - Kita - Schörken

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Ruth Hösli hat ihre Malerei - sie malt Farbräume ähnlich Rothko und Newman sowie
informelle Strukturen und Traces ähnlich Tàpies oder Twombly - im April 2019 in der
Kronen Galerie Zürich ausgestellt, zusammen mit Keramik von Theres Stämpfli. Dazu
spielte das KONTRABASSDUO STUDER-FREY 10 Konzerte, bei denen sie ihr zweierlei Zwirn verzwirnten und so ihr 20-jähriges Miteinander feierten. Daher rühren nun
die Klänge auf ZIP (LR 891), die schnell zeigen, dass sie dabei nicht an Zipperleindenken, sondern an den zippenden Biss von Reißverschlüssen. Daniel Studer steuert
mit Jg. 1961 ja erst noch aufs beste Improalter zu, und Peter K Frey, immerhin Jg.
1941, trotzt spielerisch dem Zahn der Zeit. Er hat, auch auf klingende und gebrannte
Weise mit Stämpfli als TONundTON, sich aber durchaus intensiv in den Transit der
Zeit in Lebenslinien und in Tonspuren vertieft. Drum geht es bei "ZIP" wohl kaum
darum, sich luftdicht in Plastik zu zippen, um in Wind und Kälte wie Königspinguine zu
watscheln. Eher bekratzen sie mit den Bassbögen als Kohlestiften oder Nägeln die
Zellenwände mit Kalenderstrichen, sie hinterlassen an den Mauern ihrer Welt Klanggraffitis als Lebenszeichen, sie markieren mit bruitistischen Kraklern ihre ureigene
Sphäre. Mit, anders als beim Reißverschluss, nie symmetrischer Verzahnung, vielmehr ineinandergreifend wie zugleich gesteuert von anarchischen und paralogischen
Einflüsterungen und freygeistig gestudertem Formwillen. Form follows Friction. Mit
gerupften und geplonkten Tönen, mit madenhackerisch gepickten und wie von den
Bässen gemeiselten Lauten, mit krabbeligem Huschen, impulsiven Kratzern, flageolettisierten Schmierern, mit groben Hieben oder auch strammen Schnalzern, mit
klapprigem Gequirle hin zu diskanten Ausrutschern. Siebenmal stolpern die Bögenüber Draht und rempeln gegen's Holz. Aber col legno am Arsch, alles Schulmäßige
und Brave ist rabiat gegen den Strich dubuffetisiert, der kammermusikalische Rahmen aufgesprengt ins wunderlich Abstrakte, roher und existenzieller als eine bloßeÜbersetzung von Akatens japanischer Zippologie ins Schwizerdütsche es sein könnte.
HANNA SCHÖRKEN, 1985 in Duisburg geboren, lebt und arbeitet, nach einschlägigen
Studien am ArtEZ Conservatorium in den Niederlanden, in Osnabrück und Lyon, als
dichtende Sängerin, singende Dichterin in Köln. Statt mit Filán oder Jozef Dumoulin
oder Kirchgängen mit Thorsten Töpp und einem wundersamen und engagierten
Programm über in der Nazizeit verfolgte Frauen, ist mir ihr Name erstmals bei "The
Dorf/Phill Niblock" untergekommen. Luma (LR 893) zeigt sie nun solo und so eindrucksvoll, dass ihr der alte Steve Day ein bewundernd gestammeltes Gedicht zu
Füßen legt: How deep is the depth of nosong / how high is the falsett o / in each incredulity that breaks from scho er ken... to the lighthouse we go to a room / of ourown om making & solo / converse with hannaaaa scho... Sie verblüfft mit einem Zahnrädchen in der Kehle, mit Rumor im Mundraum, sie schneidet Mispeln in den Wipfeln,
lispelt und haspelt hochtiefen Oktavenhauch, verstiegen im Silbenwald klöppelt sie
mit einem gutturalen Frosch im Hals. Hechelnd echolotet sie das hemmungslose
Bibbern der Bäume, im Kaumhauch der Vokale, im dentalen Abstieg ins Knörende
klagt sie zum fixen Hundsstern. Mit He! 'n Ha! schnappt sie hä-häppchenweise nachverpilzten Delirien, als unverschämte Schamanin. Sie gurgelt mit Anis, mit iiis, sticht
als Miss Cactus in 'Sidi Ifni'. O Wassermann, o Hvizdalek, o so kauzig, so fundselig
erahnt und ergräbt sie ihre neolithischen Ahninnen, sie die nie zagt. Sie pfeift. Siespricht bei 'Objects i can not touch' Zeilen einer Video-Poetry-Performance vonSophie Seita. Geometrical lines do not produce likeable people. Und pfeift noch einmal im Baum, an dem sie unsäglich sägt. Oder pfeift sie spottvogelig 'nem hechelnden Mops? Mit dem Stichwort 'Transfer' unterstreicht Schörken ihre Nähe zu 'Subschwestern' wie Uljana Wolf und Seita und deren transitorischen Zwiesprachen undÜbersetzungsunschärfen. 'Climbing' vertreibt Orests Un-Ding, und es endet bei Federn und Fell, Schnabel und Schnauze und dem ganzen Rest. Wolfs “Two heads are
better than ohne” verzweigt sich in Schörkens Mund in ein polymorphes, multilinguales Verschwistertsein von Fauna, Flora und Hanna.
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Les disques Linoleum(Toulouse)qui s'en va un peu (Lin023, 10") = Ein Song in fünf Variationen, in fünf Sprachen. Komponiert von MARC SARRAZY als Mann am Klavier, co-arrangiert von LAURENT ROCHELLE.
Die beiden haben mich bereits mit "Chansons pour l'oreille gauche" (2017) für sich eingenommen, nicht zuletzt durch eine Widmung an Antoine Volodien und eine Version vonGoblins 'Suspiria'. Aber ans linke Ohr rührte da auch schon 'qui s'en va un peu', auf
Deutsch und mit eigener Poesie gesungen von Anja Kowalski: Und wir, wie halten wir dichaus / Du verrücktes Leben / Wie ertragen wir dich / Du verrückte Liebe / In dieser verrückten Welt. Das singt John Greaves, der in Frankreich zum Chansonnier gewordene Bassist
von Henry Cow und The Artaud Beats, nun in englischer Version als 'What goes away
slowly', mit eigenen Lyrics, aber mit Kowalski darin einig: Es ist ein vie brûlante in einer
Monde étrange. Catherine Le Forestier, die, wie Greaves, seit 1969 Chansons singt, Rimbaud oder Aimé Césaire, dichtete 'qui s'en va' und spricht es zum Pizzicato und melancholischen Bogenstrichen eines von Rochelle arrangierten Streichquartetts. Kirilola (von eXGirl) überträgt 'qui s'en va un peu' als 'Kieyukumono Yukurito' mit Sprechgesang und Lalala ins Land der aufgehenden Sonne, zu Keys, Gitarre und programmiertem Beat von Rochelle. Ihr 歌 [Uta] und Greaves' mit herbstlichem Timbre und Bassklarinette angegrauterSong waren schon zu hören auf dem Linoleum-Appetizer "Söng Söng". Für 'Le Feu' alsarabischer Version mit Feuerwasser und einem Feuervogel fand Alima Hamel (von Médéa
Mountains) die Worte und den arabesken Ton, zu Piano, plonkiger Oud und Percussion vonLoïc Schild (Hamels und Rochelles Partner schon bei Monkomarok). Der Pianoloop rührt
her vom 'Original', das Anja Kowalski zuletzt anstimmt zu Unendlichkeitsschlaufen von Rochelles Bassklarinette und der Violine von Alexei Aigui. Mmm, vie brûlante, lalala...
Ohne Sarrazy hat Laurent Rochelle 7 Variations sur le Tao (LIN022) realisiert. Mit PRIMAKANTA als Kammerensemble mit Rébecca Féron (Electro-acoustic harp), Frédéric Schadoroff (Piano), Juliette Carlier (Vibraphon & Percussion), Arnaud Bonnet (Violine), Fanny
Roz (Gesang) und ihm selber an Bassklarinette & Sopranosax. Dào, der östliche, der'rechte' Weg, mit Laozi als Lotsen durch die zehntausend Dinge als großem Einen nicht
ohne das Andere (Yin und Yang), als Dasein nicht ohne Leere (Yǒu und Wú), als Wandel (Yi)durch Nichthandeln (Wúwèi). Hier als Durchgang durch die sieben 'Bilder' 'Jian' - 'Xiao Xu' 'Da Xu' - 'Li' - 'Yu' - 'Kan' - 'Tong', um im achten Schritt diese sieben zu vereinen. Als Erweckungs-Erlebnis (Kenshō) und Rite de passage, animiert durch die Fotoserie 'Pyrénées
montagne magique' von Pierre Meyer. Rochelles Musik dazu ist eine tiefe Verbeugung vor
Terry Riley und Philip Glass, als Interaktion des stetig liquiden Pianos und des Feueratems
der Bassklarinette (kan und li), unermüdlich repetitiv und melodisch sonor. Bei 'Xiao Xu' mit
femininem Lalala zu plinkender Harfe und gestufter Eskalation der Bassklarinette, euphorisch wolkenwärts. Das Piano dreht und dreht und dreht sich, zum Klingklang der Vibes
und fauchenden, ploppenden, winselnden Lauten von Rochelle. Vibeswellen, Arpeggios
und rauschende Becken kitzeln ihn bei 'Li' zu frohlockender Sopranistik. 'Yu' vereint wieder
die Bassklarinette mit pianistisch und stabspielerisch getanzten Kapriolen. Perlend geklöppelte Noten vereinen sich unisono mit Rochelles sonoren Wellen zum flüssig femininen'Kan', die Geige schmiegt sich zärtlich dem pulsenden Kreisen an. Geharfter Klingklang,zarte Klimperei von Piano und Vibes, zartbitteres Beben der Geige und sanfte Stöße der
Bassklarinette entlocken Roz gehauchte Laute, um die elementare Harmonie von Wasser,
Feuer, Erde, Luft zu feiern, bis hin zu höchsten Tönen der Geige, wieder euphorischen vonRoz und Gipfeljubel von Rochelle. 'La Mélodie du Tao' setzt noch ein i-Tüpfelchen
obendrauf in Philip-Glass'scher Exaltation und mit befreitem Lalala. Als Déjà-entendu von"Söng Söng" her, dem wunderbaren Linoleum-Appetizer und als lichte Alternative aus
Richtung Sonnenaufgang zum abendländisch dämmrigen, sakralen Moll von RenaudGabriel Pions "Spiritus" mit Ensemble 1529.

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Adrian Northover, Extraordinary Gentleman (London)
Das Füllhorn dieses guten Kameraden von John Edwards und dunklen Schattens von David Petts in →The Remote Viewers erklingt plötzlich aus allen Ecken. Nach dem Wiederhören
zuletzt mit Edwards im The Runcible Quintet und, für mich besonders eindrücklich, mit The
Dinner Party, zeigt sich Adrian Northover auch noch als bunter Hund im nachgereichten,
weil bereits 2015 eingerichteten The Perpendicular Giraffe Compartment (FMRCD5910520). Genauer, als brüllender Ohrenzwicker und das tirilierende und ululierende Viertel
von THE BELLOWING EARWIGS neben Adam Bohman, der mit Krimskrams scharrt undquietscht, Daniel Thompson, der eine akustische Gitarre kratzt, zupft, bekrabbelt undharft, und dem belgischen Vokalisator Jean-Michel Van Schouwburg, der offenbar jeden
Morgen Müsli mit Minton frühstückt. Ja, Bohman, der mit The Bohman Brothers, Morphogenesis und Diastolic Murmurs lange der Noise Culture zugerechnet wurde, längst aber
mit Northover als The Custodians Of The Realm und gemeinsam auch im London Improvisers Orchestra als einer der spleenigsten im Brit-Plonk mitmischt. Mit dem lallenden,
gurgelnden, stöhnenden Maulwerk von Van Schouwburg ist er vertraut durch I Belong To
The Band und unter vier gezwickten Ohren bei "Bagpipes and Blackberries". Thompson ist
ebenfalls gut auf die 'Monotone Britishness' hier mit Northover vorbereitet, angefangenmit "Mill Hill" und durch The Runcible Quintet, das im Andenken an Edward Lear ja bereitsfür den auch von Lewis Carroll, Edward Gorey oder Monty Python gespeisten Spleen
empfänglich ist, wie er aus Titeln aufscheint wie 'Latent Trouser Press Controversy', 'Herring Effort Procrastinations' und 'Electrified Militant Bladderrack'. Und wie er erklingt als
kakophile Art Brut, die vor bloßer Nichtidiomatik oder motorischer Intelligenz das Beinhebt, far out auf der Prinzhorn-Skala im polymorph pervers Laut gebenden, ungenierten
Spiel. Der innere Zensor scheint völlig eingeschläfert, um, ob manisch oder verträumt,einzubrechen ins phylogenetische Gedächtnis. Für nochmal ein hartnäckiges FischWerden, ein verwirrtes Bison-Werden, ein vom Rattenaffen-gebissen-worden-Sein.
Adrian Northover und Adam Bohman bilden auch THE CHEMICAL EXPANSION LEAGUE,
zusammen mit Sue Lynch als Vertrauter von The Remote Viewers, The Custodians und
dem LIO her an Tenorsax, Klarinette & Flöte und Ulf Mengersen, der in Berlin improvisiertoder Theaterbühnen beschallt, am Kontrabass. Für Grappling With the Orange Porpoise(Creative Sources, CS 646) griff Northover im Londoner Oxo Studio 2018 neben seinen
Blasrohren noch zu Wasp Synthesizer & Melodica, Bohman bringt unter seinen Objects
auch Strings zum Klingen. Der ironische Humor, der Witz, ist auch dabei nicht nur britisch,sondern speziell britisch: 'Concrete, Concussion & Cranberries', 'Marzipan Manipulations','Seagull Semaphore Slump', 'Sherbet Flavored Hysteria', 'Broken Thermos Flask Fiasco'...
Und der Spaß einer, der selbst noch Bruitistik und Kakophonie umdreht, um lieber mit den
Kellerasseln und Krabblern unter dem Stein zu krabbeln und zu fiepen. Mengersen murkst,
sägt, klopft, federt, murrt, Lynch tutet und brütet, Bohman quietscht wie ein Scharnier,schabt mit Blech, zirpt mit Draht, Northover zieht Melodicafäden, sprudelt, lutscht undkiekst Sopranotöne. Vieles bleibt unidentifiziert im Dunkeln, wenn ich es nicht Bohman
unter die scharrenden Finger, unter den knarrenden Krimskrams schiebe. Was macht dennso ein Wasp Synthesizer? Diese Wellen da zum sägenden Bassbogen? Anders als bei The
Bellowing Earwigs gibt es auch vogelige Laute und streckenweise sogar melodisch, ja
virtuos geblasene, gefiedelte, per Bass gebrummte. Der 'Adolescent Steamroller Stomp'
bringt, statt zu stompen, bluesige Melancholie, die man als katzenjämmerlich und komisch
abtun kann, aber nicht muss. Wie orange kann ein Tümmler sein? Wie schmeckt Hysterie?
Kann man mit Rosenblüten Raketen antreiben? Sind diese Klangbrösel und Tonkürzel
Musik im Werden, erst noch im Entstehen, oder Musik im Verfall, schon als Abfall? Ist es
Musik auf der Säuglingsstation, ihre erstes Krähen und Blinzeln? Oder Musik auf dem
Schrottplatz, dem Müllberg, von Krähen gekratzt, von Möven bepickt, von Ratten benagt,
vom Wind und von Müllsammlern durchstöbert? 'Gangrene Gagging Clause' hebt unternehmungslustig an und endet mit Wundbrand. Gewiss ist da gar nichts.
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Hearoglyphics (Setola Di Maiale, SM4150) zeigt ADRIAN NORTHOVER an Soprano- & Altosax im Zusammenklang mit dem Sopranino von JEAN-JACQUES, kurz JJ DUERINCKX. Der
hat in Brüssel, beeinflusst von R. Murray Schafer und in die richtige Richtung gestoßen von
Lol Coxhill und Michel Doneda, neben etwa Peter Jacquemyn oder Martin Klapper vor
allem eine Verbindung mit der britischen Szene gesucht: John Russell, Adam Bohman,
Roger Turner, Phil Wachsmann. Aber vor Ort hat er mit Gleichgesinnten auch Neptunian
Maximalism initiiert für ein gemeinschaftliches 'cultural engineering' durch Sound. Die 13
Duette mit Northover sind unerwartet ungiftig. Denn auch wenn ploppende Klänge undkieksende Kürzel, Klappengeklapper, Spaltklänge oder Schmauchspuren weidlich ausgekostet werden, prägt doch eine lustvoll geteilte vogelige Sanglichkeit das Klangbild. Trillernd, tirilierend, sprudelnd, züngelnd, schlängelnd, als virtuose Birdmachine aus Hand
und Mund. Für Musik als Hand- und Tagwerk, so natürlich und lebensspendend wie Schafe
melken, Fische fangen und Korn säen und ernten. Den Vögeln bewundernd nahe, schnabelspitz und flatterhaft. In melodieseligem Taumel den Sternen huldigend und dem Göttlichen.
In der inneren Überzeugung, etwas existenziell Relevantes zu tun, jenem magischen Tun
verwandt, auf das Northover mit zwei Worshipper-Statuen auf dem Cover anspielt.
'Duende', das heißt seine Stimme zerfetzen, sich schutzlos dem Dämon öffnen, für Musikjenseits von Formen, für nur noch das Mark der Formen, für reine Musik mit gerade nochso viel Substanz, um sich in der Luft zu halten. So Federico García Lorca über den Zustand
der Trance und Besessenheit als essentiellem Höhepunkt des Flamenco. Die eine Ahnung
davon aus Brasilien mit nach London gebracht hat, ist MARILZA GOUVEA, eine Malerin
und Keramikkünstlerin, die auch - There is a musicality in painting and a painterly quality
in music - immer wieder zum Mikrofon greift. Meist mit dem Cello des Improvisers undebenfalls Keramikers MARCIO MATTOS, zu dritt mit noch Rodrigo Montoya, Hannah Marshall oder, wie hier bei Cájula (FMRCD578-0520), mit ADRIAN NORTHOVER. Um in Andalusien zu wandern, um sich dem Flow von Wasser und Wolken hinzugeben ('Sea of Clouds','Cross Flow') und die Zeit zum Teufel zu jagen ('Frozen Time'). Mattos plonkt und schnurrt,
lässt den Bogen springen, prickeln, sägen, flimmern, knarzen, flöten, klopfen, knurpsen.
Northover mundmalt mit Soprano- oder Altosax abgerissene Kürzel, bunte Schmierer,
keckernde Spritzer, im Gestus sehr nahe bei Mattos' Pizzicato-Tupfen und Arco-Wellen.
Gouvea zwitschert und zungenredet, pingt Glöckchen, zischelt, sprechsingt als Schamanin wie für sich, mit spitzer Zunge, dentalen Lautketten, aber auch den gutturalen einer
Bruxa. Alle drei mit feinen Schweinsborsten, einander intim zugewandt, das Cello schnurrt
einmotorig drüber weg. Mattos glissandiert elektronisches Gewölk, Gouvea klackt mit
Steinen, bläst eine kleine Vogelflöte, Northover zu elektronisch mutiertem Cello allerschönste Dauerwellen für ein theatralisch eskalierendes Up und, in ebenso stripsodistischer Laune, ein komisches Down. Gouvea hechelt und rhabarbert zu tremolierten Wellen
und krachigem Cello - Hui! Britannia rules the waves, Matto regiert überall.

Northover, Bohman & Lynch
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Das Artwork von Sue Lynch
für das Cover von Let The City
Sleep (RV17) zeigt London
verstrahlt und aufgewühlt von
Covid-19. Zu den mit am
stärksten Betroffenen und wie
von Stacheldraht Vergatterten
gehören Musiker wie diejenigen, die sich seit 22 Jahren im
London Improvisers Orchestra zusammengetan haben.
Um den Widrigkeiten zu trotzen und den Zusammenhalt zu
stärken, wurde gleich mal "We
Stay Apart Because We Love
Each Other. Love Is Stronger
Than Greed." als Parole ausgegeben. Für "Sustaining theMusic" lieferten die zum Social Distancing verurteilten
The Boys in the Band - Northover, Petts, Edwards
Musiker*innen, na was schon,
natürlich Haltetöne von zuhause aus. Von Lynch stammt das Konzept für "Bubbles", Adrian
Northover steuerte, zusammen mit Philipp Wachsmann, 'Midnight at Blackfriars' und 'A
Darkness Diary' bei. Gefolgt von "Chain Reactions" als Demonstration kreativer Ansteckungsketten, mit Caroline Kraabel als viralem Hotspot und treibende Kraft auch für die
virtuelle Orchestralität bei "Together Alone". Auch THE REMOTE VIEWERS, denen Northover, von den neusachlich entfremdeten Kunstliedern mit Louise Petts bis zu den sinistren
und paranoiden Thrillern der Noir-Phase, ebenso lange angehört wie dem LIO, schufen ihr
aktuelles Wiegenlied für London auf virtuelle Weise. Aus, wie immer, Stücken, die David
Petts komponiert hat sowie separaten Files von Petts, Lynch, Kraabel und Northover an
Tenor-, Alto- & Sopranosaxofonen sowie von John Edwards am Kontrabass. Nur dass die
Kompositionen diesmal von Edwards per Computer zerstückelt, verdreht, manipuliert undper Sampling mit Sounds nach eigener Phantasie umgestaltet wurden, so dass die Petts'sche Handschrift mit Noise verkleidet und mit Autohupen oder Playerpianogehämmer aufgemischt erschallt. Aber in pseudosaxofoner Schnittigkeit und Motorik bleibt sie zugleich
konstruktivistisch präsent ('The Moviegoer'). Edwards mischt glockenspielerische Poesie
als fragwürdigen Gast unter sprudeliges Gebrabbel und rumpeligen Breakbeat ('The Guest').
Er lässt Noisewellen kaskadieren zu feinem Geprickel, billiger Plastikmelodik, zwitschernden und zuckenden Kürzeln, hinkendem Dingdong. Das Piano kehrt klimprig wieder zu
verrauschter Vibra- und Xylofonie. Die schlafende Stadt bestäubt er mit feinen Pixeln, gemurmelten Lauten und kleinen Störimpulsen, um selber zu launigem Xylofon, getwangtem
Gummi und orchestralen Phantomstrings zu tanzen. Vibestupfer mit Sustain, elegische
Glasharmonika und Theremin, elektronische Gespinste, tierisches Schnüffeln bleiben ein'Distant Glimpse'. Lynch zerschrillt das beim ersten der fünf Solointermezzos mit Altissimo
und hupenden Tonsprüngen vom rostigen Bodensatz bis aufs oberste Treppchen. Kraabeltutet und stöhnt unter einer Brücke. Edwards klopft perkussiv und lässt den Basskorpus
summen, bevor er die Saiten twangt, tremolierend sägt und daxofon flötend oder knarrend
anschleift und sogar melodisch pickt und streicht. Northover steuert fast tonlosen Lufthauch bei, ploppende, gespaltene, schmauchende Laute und zirkularbeatmete Sopranowellen. Petts knüpft mit rauen Stößen und ähnlichen Sprüngen an Lynch an. Bis Edwards
bei 'Porch View' zuletzt orchestrale Verwerfungen von Streichern, Baritonsaxofonen,
Glockenschlägen und knurrigem Bass durchmischt mit feinen Geräuschen, die zunehmend
kakophon ein leises Unbehagen auslösen. Bis hin zu einem Nebelhornruf, von dem man
nur hoffen kann, dass er rechtzeitig gehört wird.
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Ivo Perelman (Brooklyn)
PASCAL MARZAN, obwohl Franzose, schwingt sich als GiTarzan durch den Britischen
Plinkplonkdschungel. Er hat sein Können feinjustiert in Duetten mit den Gitarrenaltmeistern Roger Smith und John Russell (beides auf Emanem - und eigentlich ist Marzan nur vierJahre jünger als Russell). Oder auch im Zusammenklang mit Steve Beresford, Chie Mukai,
J.J. Duerinckx..., vor allem aber im London Improvisers Orchestra. Mit Alex Wards Klarinette spielte er dann schon seine 10-String Microtonal Acoustic Guitar, mit der er in ähnlich mikrotonale Spektren vordringt wie Mat Maneri mit der Viola, und bereichert so nachAnsicht von J-M Van Schouwburg die aktuelle Improv-Community wie einst Derek Bailey.
Dust Of Light \ Ears Drawing Sounds (Setola Di Maiale, SM4200), sein intimes Miteinander
mit IVO PERELMAN, war ein Zwischenakt, als der heuer im Januar die Londonor Szene
aufmischte mit dem "Strings & Voices Project" (mit Van Schouwburg und Phil Minton, und
mit Marzan im String-a-Ling mit Phil Wachsmann) und "Strung Out Threads" (SM4110/
4120) mit auch noch Marcio Mattos und Benedict Taylor. Marzans Tuning lässt ihn die Oktave in 36 Intervalle auffächern und verwandelt die Gitarre in ein altertümliches, so gut wie
unbekanntes Saiteninstrument, auf dem er, exotischer als Gordon Grdina auf der Oud bei
Perelmans "The Purity of Desire", tausendfüßert, flimmert, hackbrettelt, prickelt undharpo-marxt, während Perelman mit seinem Tenorsaxaltissimo den Mond anheult, mit Eichhörnchen rumturnt oder den Schweinen Flötentöne beibringt. Er entlockt dem Horn ähnlich schräge Mikrotöne wie einst Joe Maneri und quiekt und kirrt dabei aber so kläglich,herzzerreißend und schweinsohrschmalzig, dass es, wenn nicht komisch, so doch tragikomisch klingt. Aus einer leeren Regentonne schwingt er auf spitze Gipfelzipfel, wobei ihn
Marzan als zaubertrank-gedopter Gallier dabei noch überholt. Von Ben-Webster'schem
Pathos gleitet er noch im gleichen Atemzug zu Kazoo-Komik, sein ganzes Spiel ist ein
einziges Glissandieren und kalligrafisches Liánmián. Stupor mundi, alle beide. Doch dazu
ein zenmönchisches Pokerface zu bewahren, ist mir nicht gegeben.
Polarity (Burning Ambulance Music) ist insofern Zukunftsmusik, als sie erst im Januar erscheint. Auf BA, dem als Arts/Culture Zine + Website 2010 von Philip & I.A. Freeman etablierten Projekt Burning Ambulance, das zum 10-jährigen sich zum Label ausweitet undvon dem dort zu Erwartenden schon mal einen Vorgeschmack gibt mit saxophonist Mats
Gustafsson; pianist Aaron Parks; improvising Black music ensemble Burnt Sugar the Arkestra Chamber; saxophonist Melissa Aldana; drummer Whit Dickey and pianist Matthew
Shipp; bassist Melvin Gibbs; jazz/grindcore duo Dead Neanderthals; violinist Jason Kao
Hwang; and more. Nämlich der Tenorsax-Trompeten-Clash von IVO PERELMAN & NATEWOOLEY, die ihre gemeinsamen Wellenlängen schon gefunden haben zu viert (auf "Octagon" und "Strings 4") oder zu dritt (auf "Philosopher's Stone" und "Strings 3"). Nun also,
nur konsequent, dieses rigorose Tête-à-tête in Brooklyn. Im Februar 2020 kurz bevor Covid-19 dort Einzug hielt, mit einem den Winter austreibenen oder purimfestlichen Charivari, das bereits die exorzistischen Mittel mobilisiert, um mit verzahntem Enthusiasmus
auch anderen Übeln den Marsch zu blasen. Mit aufheulender Schärfe, grellgelb gilfendem
Kandinsky, verhackstückten Luftschlangen, impulsiven Stößen und Schreien, schnaubend
und stöhnend, himmelschreiend bis ins Pfeifregister. Sax und Trompete torkeln, Dauerwellen brustend, Klänge spaltend und schmierend und mit schrillem Gejaule, Arm in Arm.
Blau in der blauesten Bedeutung des Wortes, singen sie mit geschwellter Brust Pisaner
Cantos, in von Clown zu Clown brüderlich geteiltem Katzenjammer, krazy bis zum Steinerweichen, mit meterweit spritzenden Tränen. Als zwei tragikomisch tobende Dschinns,
die trotz allem Stakkato, eisenbeißendem Spitfire und lauthalsem Gebrülle den Ausgang
aus ihren Gießkannen nicht finden. Was ist das anderes als eine Stripsody, die alle lachhaften Register zieht, mit verstopften und lecken Tröten abgenötigten hirnrissigen Lauten,
zungenrednerischem Gebrabbel ums Mundstück herum. Als katzbalgerisches Gekreische,als hündisches Geknurre um einen Knochen, als Aufstand in Duckburg. Und zuletzt als
inbrünstige Hymne, mit Joker-Spirit hoch² dermaßen sprudelig geschnarrt, gegiekst,
geröhrt und gekrischen, dass selbst Kakerlaken die weiße Fahne hissen.
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Pyroclastic Records (New York)Uff, was ist a poisoned-by-whiteness American kind of optimism?
Der darüber nachdenkt, mit allerhand selbstkritischer Vorsicht, versteht sich, ist der pluripotente Pianist CORY SMYTHE. Seine Audioaktivität lässt die Geigerzähler
prickeln bei Stichworten wie International Contemporary Ensemble,
Anthony Braxton und Tyshawn Sorey. Er spielte mit Ingrid Laubrock(im Trio mit Stephan Crump bzw.
mit Sam Pluta als der Kern bei"Dreamt Twice, Twice Dreamt"),
mit Christian Lillinger's Open Form
For Society 2019 in Donaueschingen und beim Jazzfest Berlin und
auf "Les Maudits" bei John Zorns
Hommage an Baudelaire. Mit Hilary
Hahn gewann er sogar einen Grammy. Wenn er bei "Circulate Susanna" (PR 04, 2018),
seinen bizarren Liedern ohne Worte und Kunstliedmutationen mit Daniel Lippel an Detuned Acoustic Guitar & Electronics und Vokalisation von Sofia Jernberg, den letzten Akzent auf 'Strange Fruit' setzt, deutet das wohl auf das Gift hin im Wahn vom "Great again"
durch "White Supremacy". Den Keim zu Accelerate Every Voice (PR 08) fand Smythe in'The Whiffenpoof Song', angestimmt seit 1909 im A-Capella-Chor von Yale-Studenten, diesich nach einem Poem von Rudyard Kipling als 'Gentlemen-Rankers' auf die Schippenahmen: We're poor little lambs who've lost our way, / Baa! Baa! Baa! / We're little black
sheep who've gone astray, / Baa—aa—aa! / Gentlemen-rankers out on the spree / Damned
from here to eternity. An diesem Nonsense entzündete sich neben weiterem Monkey
Business-Nonsense aber auch die Sentimentalität und der Sarkasmus militanter Männer,ob bei den in alle Ewigkeit Verdammten von James Jones oder den "Starship Troopers"von Robert Heinlein. Männern, die bereit sind, White Man's Burden zu schultern, in Anzugoder Uniform. Smythe nimmt die A-Cappella-Idee, die durch John Zorn und Mycale ja
schon im NowJazz aufgelebt ist, und Andrew Hills "Lift Every Voice" (1970), um sein Piano
lediglich mit einem 5-stimmigen gemischten Chor, Looper und etwas Percussion zu verzahnen. Wobei er das Piano, ähnlich wie Ganelin oder Taborn, erweitert mit einen darauf
platzierten kleinen MIDI-Keyboard, in seinem Fall für vierteltönige Zwischentöne. Die
spektrale Harmonik dreier Frauen- und zweier Männerstimmen changiert in vokalisierten,
teils improvisierten, kollektiven und solistischen Passagen, geloopt, zerknittert, zerflimmert, schrottig zerschrammt, dröhnend gewellt. Klimprige Drehwürmer schrauben sichkomische Wendeltreppen hoch, Doo-wop-Anklänge durchqueren in großen Intervallsprüngen Grand-Sbam-Terrain, Vokale ziehen sich wie Kaugummi, fünf Zungen swinglesingen Volapük. So geht es im großen Bogen von 'Northern Cities Vowel Shift' über sieben
weitere kurze Stücke hinweg. Mit 'Vehemently' als Daumen-hoch für die tiefenökologischkonsequente, nämlich vehement die Vermehrung verweigernde Voluntary Human Extinction Movement (zu deren Freiwilligen ich zähle). Hin zu 'Piano and Ocean Waves for Deep
Relaxation' als 19-min. Long Track, mit, angeregt durch Andrea Lockwoods "Southern
Exposure", einem Keyboard vor Augen, das überrauscht wird von den steigenden Fluten
der globalen Erwärmung, aber unter Wasser weiter dröhnt und rumort. Age of Aquarius?
Der Gesang ist in Smythes kristalliner Vision verstummt und auch alle andern Lebenszeichen. Nichts frisst, nichts wird gefressen, kein Mensch, kein Problem. Es wurde Abend
und es wurde Morgen, und er sah, dass es gut war.
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Das Label der Pianistin Kris Davis ist rasch zu mehr geworden als ein Forum nur für sie
selbst. Doch sie hat mit "Duopoly" (2016), "Octopus" (2018, mit Craig Taborn) und"Diatom Ribbons" (2019) die Pfeiler gesetzt, an denen dann auch Cory Smythe, Ben
Goldberg und Chris Lightcap Brückensegmente anfügten. So nun auch ERIC REVIS, bei
dessen Slipknots Through a Looking Glass (PR 09) sie aber eigenhändig mitmischt. Der
1967 in L. A. geborene Kontrabassist hat sich sein Renommee erfingert mit Russell
Gunn, Branford Marsalis, Avram Fefer, Orrin Evans, Aruán Ortiz und Armen Nalbandian
und längst als kreativer Kopf etabliert mit Ken Vandermark in 11:11 oder im Trio mit
Kris Davis. Sie ergänzt hier sein Quartet mit Chad Taylor an den Drums, Darius Jonesam Alto- und Bill McHenry am Tenorsax. Revis dreht da denen, die seine Power loben,
aber seine Poesie unterschlagen, einen Strick. Dabei streift er mit 'Baby Renfro','Shutter' und 'House of Leaves' den Herointod eines jungen Schauspielers, Geisterhorror und ja wohl Mark Z. Danielewskis unermesslich absurdes Labyrinth, zumindest
auf der die Einbildung fütternden Ebene. Der Duktus ist federnd, knackig, sprühend vor
Unternehmungslust. Oder hat das Züge von fiebernder Manie? 'SpÆ', nur plinkende
Mbira, plonkendes Piano und erst Pizzicato, dannn Arco, dann wieder strammes Pizzicato, hat durch drehwurmige Repetition ebenfalls was Obsessives. Bei 'Earl & The
Three-Fifths Compromise' wird das nervös klingelnde Piano durch die Saxofone besänftigt. Das 3-teilige Titelstück spiegelt den Bass zum Doppelgänger vor diskant
fiependem Hintergrund. Dazwischen wieder stramme 8tel und röhrende Reeds, Jones
mit einem Furor wie einst bei Little Women. Bei 'ProByte' streut Davis mit feinem Arpeggio Blumen für die feierlichen Bläser, die sich danach im Stop und Go durch ein
Labyrinth tasten. Bis ein Weg gefunden scheint, dessen Immersoweiter leise Hoffnung
schürt, aber nur hinführt zu 'When I Become Nothing', das seinen kopfhängerischen
Trott jedoch abschüttelt wie Charlie Chaplins Tramp. 'Vimen' [Gerte, Weidenrute?]beschleunigt dann halsüberkopf, mit energischem, springlebendigem Piano, rappeligem Drumming und unisono singenden Reeds, die in unbändiges Krähen und Röhren
ausbrechen, vorpreschen und doch als vereinte Welle ins Ziel stürmen. Stark!
Craig Taborns JUNK MAGIC kam 2004 auf Thirsty Ear in die Welt, mit schon dem
Bratscher Mat Maneri und dem Bad_Plus-Drummer David King als Geburtshelfern. Als
Jazz zwischen Science und Wizardry mit unerhörten Loops und futuristischen Friktionen durch Breakbeats, Programming und Sounddesign. Für Compass Confusion (PR12) übernahm Chris Speed den saxofonistischen Part, Erik Fratzke spielt Bass undTaborn verwirklicht wieder mit Piano, Keyboards, Synthesizer und Studiotechnik eineelektroakustisch gezwitterte Cyborgästhetik, in der 'Laser Beaming Hearts' schlagen.
Möbiusschlaufen und Shapeshifting geben den Klangnarrativen ihr vexierendes undsurreales Gepräge - 'Dream and Guess'. Warum stinkt der Teufel nach Schwefel? Eine
Wissenschaft für sich. Schillernde und angeraut rubbelnde Synthieschübe weben eineambiente Textur, auf der sich repetitive Muster und melodische Figuren zu knackigem
Triphopbeat kreisend entfalten. Flattrige Spuren mischen sich mit kaskadierenden, eine
Chimäre aus Viola und Saxofon summt die Melodie, Glas funkelt auf Dröhnwellen, die
Identitäten verschwimmen. Der Beat? Nur ein träumerisches Tropfen. Confusion will be
my Epitaph. Ding-Dong, die Uhr spinnt, mir dröhnen die Ohren, im Klingklang unterschiedlicher Keysfrequenzen tönt eine Spur "A Love Supreme", die Zeit tropft undschmilzt, das Soprano träumt. Wenn plötzlich Satan auftritt, klingt es wie Univers Zero,
wie Present! Doch Taborn zerstreut den Eindruck in ein Durcheinander flüchtender
Einzelstimmen, die jedoch ein Tritonus einholt und im Teufelskreis umtreibt. Panikbetäubt die Sinne, Satan spielt King Kong, Maneri wie Erich Zann. Mit Röhrenglockenschlägen und kakophon angedunkelt driftet man durch 'The Night Land' zum elegischen
Dingdong von 'Sargasso', das einen als von Saxofon und Viola durchschlungene, vonBreakbeats aufgewühlte Rossbreiten nicht loslässt. Bis 'Sunsets Forever' sich zuletzt
herab senkt in nicht-auf-nicht-ab orgelnden, quasi Shepard'schen Adagiowellen.
Magic? Who am I to disagree?
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Es ist kompliziert, denn so Vieles hängt da wieder mit so Vielem zusammen. Seven Storey
Mountain VI (PR 11), NATE WOOLEYs sechste Auseinandersetzung mit "Der Berg dersieben Stufen", der 1948 erschienenen Autobiographie des Trappistenmönchs & Mystikers
Thomas Merton (1915-1968), ist nämlich wieder eine Auseinandersetzung mit dem eigenen'self-as-spirit', mit Merton gesehen als eine free, vital, self-moving entity, als von Liebe
entflammter spirit informing flesh. Allerdings ohne die religiöse Prägung und spirituelle
Motivation, eher bestimmt durch Becketts fail again, fail better. Und es ist wieder eine
Auseinandersetzung mit seinem Instrument als zugleich 'trumpet-as-machine' und Sprachrohr des seufzenden, schreienden, stammelnden Selbst. Hörbar gemacht ist das in dem,
was Wooley 'communal music' und Mutual Aid Music nennt, weil sie nicht seinem Kopf als
Master-Composer entspringt, sondern sich als Prozess entwickelt in einem familiären'Wir'. Einem mit Files früherer SSM-Stufen und von Loops strukturierten Chor von Instrumenten und Stimmen, die vor 'Ecstaticism' beben, um den Raum und alle drin zum Bebenzu bringen. Diesmal als 'We' aus Trompete, zwei Violinen, drei Drummern, Susan Alcorns
Pedal Steel, Julien Desprez & Ava Mendoza mit ihren Gitarren, zwei Keyboarderinnen, drei
Sängerinnen. 'SSM VI' für Ensemble und Tape wurde aufgenommen am Tag nach derPremiere am 23.11.2019 (in St. Peter's Chelsea in Manhattan). Es basiert im Kern auf dem
feministischen Kampflied 'Reclaim the Night' auf Peggy Seegers LP "Different Therefore
Equal" (1979) und enthält Spurenelemente von Will Guthries 'Breaking Bones'. Insbesondere aber basiert es auf Wooleys Zorn über das, was Frauen und den Schwarzen immer
noch vorenthalten und immer wieder angetan wird. Die Dreiviertelstunde hebt an mit
feierlich klagendem Summen und wehmütigen Pedal-Steel-Drones, mit langsam eingedrehter, leise wischender und flatternder Percussion zu zeitlupigem, zunehmend anschwellendem und bewegtem Gewölk von Keyboards und Orgel. Zu verhuschter Poetry
von John Berryman, quirlenden Keys, flirrenden Strings und Tapesound beginnt nach 20
Min. Desprez' Gitarre zu schillern. Bis in diesem träumerisch verunklarten Flow Mendoza
ihn ablöst, um, parallel zur stöhnenden Trompete und den rumorenden Drums, ein zunehmend turbulentes und kakophones, gitarristisch vertrillertes, trompetistisch durchschmauchtes Crescendieren zu schüren, das von der 27. bis zur 35. Min. Raum und Zeit
verglüht. Dann dünnt das Toben aus und reißt ab für sanfte Sounds der drei Gitarren undzu orgelnden, aus denen ein feierliches Ahh der Frauenstimmen hervorgeht, die schließlich, allein zu Piano, als Krönung des Ganzen Though Eve was made from Adam's rib anstimmen. Immer wieder, a capella, als Mantra, als Kanon, wie ein Kirchen- oder Volkslied:
For though we bear the human race / To us is given but second place / And some men
place us lower still / By using us against our will. Endend in trotzig wiederholtem You can't
scare me You can't scare me (aus Bobbie McGees 'Union Maid').

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Umland Records (Essen)

Was geht, wenn das hier in Deutschland noch gut bestückte Subventionssystem einbricht? Was ist diese Musik wert, wo fängt die Liebhaberei (sowohl vom Produzenten wie
vom Konsumenten) an, wo hört sie auf. In welchem System sind wir wie relevant? Lauter
gute Fragen. Wenn aber zutrifft, dass Corona nur verstärkt und sichtbar macht, was vorher schon war, dann gehört Kultur - im Sinn von lebendiger Kultur, von Live-Kultur, vonKonzerten, Theateraufführungen, überhaupt die bildungsbürgerlichen Distinktionen, das,
was den Citoyen vom Spießer unterscheidet... - schon länger nicht mehr zum Distinktionsbedarf. Es genügen Parties als 'Unterhaltung' und Zeitvertreib, als Event kindisch demonstrierter Trotz, außer Urlaub ist alles andre entbehrlich. Anstelle von Nietzsche, Rilke,"Faust" (oder Schund) im Tornister reichen 'n paar HipHopper im Ohr und die smarte Influenza, um sogar besser zu wissen, was Sache ist, dass nämlich der Gates und die Echsen...
Die drei neuen Umland Records pulverisieren jedes 'File under' und spotten dem Versuch
einer Zuordnung oder auch nur treffenden Beschreibung. Die einen mit dreifach Synthies,
der andere mit nur einem Altosaxofon, die dritten mit Stimme zu Klavier & Synthie. Erstere
nennen sich selber MEAT.KARAOKE.QUALITY.TIME und ihr Statement Futura Bold (Umland
Records 35, 2x12"). Sie haben es gegliedert in die vier Parts 'My Body is a Perfect State','Deepframing Reality', 'Exil und Tod' und 'Connected Cocooning'. Und sie mischen, Jan
Klare & Florian Walter mit Akai EWI 4000S & Moog Mother 32, Karl-F. Degenhardt (Derverkaterte Stiefel) mit Roland SPD-SX etc., also mit Electronic Wind Instruments, semimodularen Analogsynthesizern und perkussivem Sampling Pad, ein synästhetisches Etwas aus Blut, Salz und frischem Beton, aus Ekstase und Paranoia, zerebralen und rituellen
Tänzen, Farben, Funken, Bergamotte und Anthrazit, Lithium und Lichtung, Cupido und
Katharsis, Semantik und Melodie, Heldentum und Verlust. Das Cover zeigt, als fotorealistischer 'Magritte', Schaulustige, die in einer Nahbegegnung der dritten Art ein Ufo
begaffen, das allerdings in Gestalt eines riesigen Faustkeils erschienen ist. Eine Vision,
die an Einsteins Bonmot über den Vierten Weltkrieg erinnert und ähnlich ins Futurum IIvorgreift wie '#humans_of_late_capitalism (in memoriam)'. Die Pad- & Sensory-Beats, derMoog-Groove, der EWI-Sound, die durchgesagten Zahlencodes, die Loopmadness und das
Fast Forward sind entsprechend als Sonic Fiction zu bestaunen. Als assoziative Identitätsund Ruhestörung und Klangfitzel scratchendes, zuletzt ganz funkeliges Angebot, dem was
Sloterdijk als Cocooning, Immersion und Nesting in Wonderful-World-Blubberblasen metaphorisiert hat, zu entkommen. In surreale Sphärenverhältnisse, beispielsweise, mit fettgedruckter Ambiguitätstoleranz. Oder in eine utopische Sinngenese durch Widerständigkeit
und eine neue ästhetische Grammatik, wie Florian Walter es in einer Art akzelerationistischem
Gegenentwurf zu Mark Fishers resignativem Nekrorealismus vorzeichnet. Ich geb mir nen
Ruck und sortier's ein unter: 'zukunftsträchtig'.
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JAN KLAREs B.C. (Umland Records 36, LP), im November 2019 entstanden, changiert zwischen before Christ und before Corona. Achim Zepezauer hat ihm dennoch, in der Manier von Ror Wolf, ein stacheliges Covid19-Virus in eine altniederländische Idylle collagiert, aber auch in eine
dunkle Gebirgslandschaft. Klare (Konduktor von The Dorf, 1/4 von Deep
Schrott etc.) bläst dazu, nicht in the Key of Z, aber doch in the 'Key of Error'
sein Altosaxofon. Er kratzt und krakelt an verhärteten Meinungen ('Scratching the Wall of Opinion'), er rüttelt einen Götterbaum ('Shaking Alianthus'), er klopft ('Knockin' on Sky Cage') an die Decke des Käfigs, in dem
wir stecken - auch Rajesh Mehtas "Sky Cage" hat heuer in Moers von einem
Geistwesen erzählt, das gefangen in einem käfigartigen Feld steckt. Klare
interpoliert zwischen Pfingsten ('Pentecost'), dem Santo-Daime-Kult in
Brasilien ('Call Irineu Serra'), Odysseus ('Serene Siren', 'Honey Melting')
und Ikarus, wie ihn Breughel gemalt hat ('Falling Then Drowning Then
Forgetting'). Mit Klangschlangen, die wie kringelnde Tentakeln aus dem
Horn quallen und kraken, wie labyrinthisches Gedärm - so suggeriert es
zumindest das Scheibendekor. Mit Tonfolgen in helldunklen Windungen, instotterndem Stakkato, mit rauen Saugnäpfen, in tremolierenden Endlosspuren, in hummelnder Sturheit - ein bisschen Glas, und schon sind Millionen Jahre Evolution fürn Arsch. Verbohrt, naschsüchtig, spotzend, unermüdlich und unerschöpflich stupsend und raspelnd, verstopft bis zur
Tonlosigkeit. Singend und tutend in sonoren Intervallen, melancholischen
Wellen oder schiefen Winkeln, plörrend in erregten, cholerischen Tiraden,sich in gepresster Klemme Luft verschaffend, runter wühlend, so tief, wie
es das Alto hergibt, raufzu kirrend, auf halber Höhe schwankend zwischen
Sirren und Surren. Mit iii, uuu und ööö, mit Reibelauten, die auf der Zunge
zergehen, mit gemischten Gefühlen. Genau solchen, wie sie Corona inzwischen als globaler Härtetest eingefordert hat. File under: Lektion in
Ambiguitätstoleranz.
Die Duisburger Vokalistin HANNA SCHÖRKEN ist mit "Filán" (2016) auf
Unit Records zu hören, mit Band, und, allein mit ihrem Mundwerk, mit "You
Told Me How To Dance" (2018) auf Creative Sources und mit "Luma" (2020)soeben auch brandneu bei Leo. Pink Citrons (Umland Records 37, CD)zeigt sie mit der Pianistin RIEKO OKUDA, die sie 2017 in Berlin kennengelernt hat. Okuda hat dort mit Alex's Hand oder Mia Dyberg gespielt, war
mit dem Red List Ensemble ebenfalls bei Creative Sources und mit Quasi
Stella bereits willkommen bei Umland. Zusammen entführen sie einen mit
insektoid krabbelnder Pianistik und skurrilem Singsang in ein verschwiegenes Elfenreich, ein hinter elektronischen Schleiern verborgenes Amazonien, das hauptsächlich, vielleicht sogar ausschließlich Mädchen undFrauen zugänglich ist. Über irische Songlines, nur für kleine Füßchen begehbar. Schörken wandelt darauf und repetiert geheimnisvolle Formeln,
stammelnd und lallend. Sie vokalisiert sich auf einer Strickleiter aus Tönen
auf- und abwärts, übt sich als künftige Schamanin in Glossolalie und labi-bialem Babylonisch. Okuda klopft dazu im Klavierbauch, sie scharrt - what abitch - am Klavierdraht, sie pingt silberne Töne und pickt kristalline, sie
klopft und klackt holzige Laute oder wühlt tönern tremolierende. Beide
wissen sie von einem Land, wo die Zitronen pink blühn, sie schwärmen
davon züngelnd und zierlich klimpernd, sprudelig klirrend. Schörken tut mit
dunklen Kehllauten groß, ihrem Mund entquellen Laute wie geträumt, wie
schläfrig gegähnt. Klangbilder wie aus einem zauberischen Märchenbuch,
einem Hörbuch ohne Worte, nicht nur für Mädchen, aber doch wie aus der
rosaroten Hälfte des Himmels.
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Das Umland lässt sich zur Zeit ja überall aufstacheln gegen die urbanen 'Eliten', nur dasssich das Ressentiment der 'Abgehängten' gegen die Clercs der Demokratie richtet, stattgegen die Plutokraten in ihren verspiegelten Türmen, deren Konten das 'Volk' ja mehr denn
je füllt. Was ist diese Mobilmachung von Rechts denn anderes als eine erbärmliche Farce,
die 100 Jahre Geschichtserfahrung und die daraus gezogenen Lehren in orwellhuxleyweltlicher Verblendung negiert? Warum nicht gleich 500 oder 1000 Jahre? Zurück zu Weltuntergangsgetöns, gerüchte- und wundergläubiger Hysterie, Scheiterhaufen in X Namen,
Gemetzel im Namen des Volkes? Wer braucht Wissenschaft, solang's Hokuspokus gibt,
wenn Hirnschiss aus allen Kanälen sudelt, wenn die 'X-Akten', 'Das Heerlager der Heiligen'und die 'Protokolle der Weisen von Zion' nichts als die Wahrheit sind? Wie einst scheint
heute ein verbiestertes Lachverbot die Spaßgesellschaft vergattern zu wollen. Schön, dassbei Umland Records all das nicht gilt. Mit The Golden and other Ratios (Umland 34 / Improtest Records 15) berufen sich MART SOO & FLORIAN WALTER gezielt auf den an Covid-19
verstorbenen Architekten Michael Sorkin (1948-2020) und dessen zur investorenparadiesischen, aber Menschen missachtenden Praxis konträren Vorstellungen von Urban Design.
Soo (vom Weekend Guitar Trio und Three Free Radicals in Tallinn und vor 10 Jahren schon
mit ASK eine meiner seltenen Berührungen mit estnischem Improv) per Gitarre & Elektronik
und Walter (von The Dorf, Knu!, Super Jazz Sandwich, →Meat.Karaoke.Quality.Time, Malstrom) mit Hechtyphon (eine Pocket-Trumpet-Hydra mit drei Trichtern, Posaunen zug undspeziellem Mundstück), visuell mit einem Pop-Art-Poster der Illustratorin Maren Endler. In
der brutistischen Mixtur von Soos Drones mit Walters spuckig gebrodelten und luftig gefauchten Sounds, von verkrümmten, metalloid gepickten Gitarrentönen mit perkussivem,
schnarrendem, verstopft quäkendem und knörendem Blechblaswerk. 'Entering Rabbit
Holes' verspricht nicht umsonst den Zugang zu Wunderländern, 'The Pleasures of Liminality' die Wonnen der Desorientierung in Schwellenzuständen und Übergängen. Dazu kommt
die befreiende Gyromantik eines Karussells, als Hirnsausen und Einstieg in eine psychedelisch-kakophile 'Quest', per Zeitmaschine und Bioengineering, gepresst fauchend, mit knackenden Zungenschlägen, Blechriss und Entenfurz und zweispurig schauernder Sooistik.
Kein Zauber ohne goldne Sichel, goldnen Schnitt? Schon möglich. Aber mir kann man
leicht ne Fibonacci-Spirale verzapfen.

Camatta & Kirchhoff

Musik für ein imaginäres Tanzstück (Umland 38)? Musik für imaginäres Tanzen ist wie 'ne
Tasse Kaffee für 'n Karnickel. Vielleicht ist es ja Dinnermusic? Simon Camatta (von The
Dorf, Knu!, Super Jazz Sandwich) & St.efan Kirchhoff aka THE HANDSOME COUPLE legensich da nicht allzu fest, eher hin ... 2020? Wir waren Helden. Wir taten - nichts! ... Denn
getanzt wird nicht, und Essen gibt's in Essen grad auch nur to go oder einfach 'dähöm'.
Denn die beiden kochen, wie sie da auf Kartons, Dosen und Topfdeckel klopfen und an
Banjo- oder Gitarrensaiten picken und rühren, recht gekonnt mit Pfeffer und Salz undGute-Laune-Groove. Trotz aller Oddness, aller, deutsch gesagt, Sonderbarkeit und Ungeradheit, knackig und al dente. Bestechend ist die Lakonie dieser Music to cook by, derzahnradmechanische Beat, das stoische Midtempo, das zum schrägen Twang bei 'Naked
on a Swing' einen Klacks zulegt, aber zuletzt bei 'Going Home at Night' doch auch spüren
lässt, dass das Gegenteil von 'aufgekratzt' 'abgekratzt' wäre.
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John Zorn - Tzadik (New York)

Das Brian Marsella Trio mit Trevor Dunn am Bass und Kenny Wollesen an den Drums, das
JOHN ZORN im 'Book of Angels' das Stichwort "Buer" (2017) hat aufschlagen lassen, lässt
er nun bei Calculus (TZ 8371) die beiden Long-Tracks 'The Ghost Of Departed Quantities'& 'Parabolas' durchrechnen. Mit Marsella sitzt ein durch Cyro Baptista's Banquet of theSpirits, Jon Madof Zion80 und Winged Serpents, durch "Mount Analogue" und "TheHierophant" in Zorns Kabbala zutiefst Eingeweihter an den Keys. Was er da weghämmert,
splittert und ratscht, lässt einem den Mund offenstehen. Wobei sich die Verblüffung nochsteigert, wenn Zorn das Trio im Handumdrehen umschaltet auf entspanntes Kerzenscheingeklimper mit Besenstrich. Und wieder zurück, mit Marsella als Postbopspeednik
mit Drehwurm und einem Rappel von Wollesen. Mit dem nächsten Umschaltruck hat man
kapiert, wie der Hase läuft - das Trio spielt sich Blatt für Blatt durch ein jazzpianistischesKaleidoskop, von spritzig bis swingend, von pfeffrig bis zuckrig, aber mit nur einem Nenner: Sophistication, der Formeln wie f(x) = −2x² + 8x − 4 oder p = ((r² + a²) ^ 3/2) / (r² + 2a²)
kein bisschen Kopfzerbrechen bereiten, sondern die Lizenz erteilen zu absurd spiralenden
Kapriolen, irrwitzigen Sprüngen, strammem Pizzicato, nancarrow'schen Arpeggios undträumerischen Blicken aus dem Fenster.
Bei Baphomet (TZ 8372) küsst einmal mehr das Jazzcoreorgeltrio SIMULACRUM templerisch blasphem dem aus Mithras, Mohammed und der Weisheit letzter Schluss gezwitterten 'Vater des Tempels' den Arsch. Den haarigen Hintern des bärtigen Götzen, derdem französischen Okkultisten Éliphas Lévy (1810-1875) seine Auferstehung verdankt bei
Aleister Crowley, im schwarzromantischen Gothic und satanischen Metal. Was John
Medeski, Matt Hollenberg und Kenny Grohowsky da wieder bewerkstelligen, ist die ultimative 'Freakshow' für diejenigen, denen der PinioL-Faktor nicht hoch genug sein kann.
Wobei Medesky zu Grohowskys zuletzt mit Markus Reuter bei "Shapeshifters" bestauntem
Gepolter und zu Hollenbergs Heavy-Metal-Jogging, Fetztiraden und immer wieder wie
besessener Jagd nach dem eigenen Schwanz bisweilen derart campy und cheesy eine
Nase dreht, dass sich einem unwillkürlich ein satanisches Grinsen auf die Lippen stiehlt.
Typisch ZORN daran sind der Kontrast von rhythmisch-ruppigem Kladderadatsch und
melodischen Orientalismen, von 'nordischer' Kante mit sportlicher und motorischer Dynamik, schnellen Wendungen und blitzkriegerischen Attacken, denen eine Tongue-in-cheekness gegenübersteht und eine Orgel, von der selbst in der Church of Satan noch Klänge
wie aus himmlichen Gefilden perlen. Zumal Medesky die Tasten drückt mit dem Charmeeines entlaufenen Mönchs, aber auch den Erinnerungen eines Morgenlandfahrers, dem zu
arabesken Düften der Sand langsamer durchs Uhrenglas geronnen ist.
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Bei Les Maudits (TZ 8373) hört man JOHN ZORN selber bei 'Ubu' als Hommage an Alfred
Jarry, angestimmt im multiinstrumentalen Drei-Mann-Orchester mit Simon Sheldon Hanes& Ches Smith. Tobend wie das Moonchild Trio, grotesk, Irrwitz und Spaß bis auf Anschlag
und mit absurden Ausreißern in Exotica-Gefilde, ist da die Schreiße sowas von am Dampfen. Was für ein aufgeklappter Affenschädel voller purstem Zorn! Gefolgt von 'Baudelaires(I Paris Spleen; II Flowers Of Evil; III Artificial Paradises)' als kleinem Concerto grosso im
Andenken an den furchtlosen Beschnüffler böser Blumen, angestimmt vom International
Contemporary Ensemble unter Leitung von David Fulmer im Oktett mit Fagott und Cembalo in einem dekadenten Klangfarbbukett. Die instrumentale 'Klaviatur' ist die des Second
Empire und des Fin de Siècle, aber Zorn spielt darauf mit der Ungeniertheit eines Maudits.
Fulmer dirigiert auch 'Oviri' (tahitianisch für 'wild') in elegischer Erinnerung an Paul Gaugin als Südseetrip zu siebt, mit einer spektralen Verschiebung von Strings zu Horn, Posaune und Tuba, neben E-Gitarre, vierhändig Percussion und Electronics von Ikue Mori. Und
damit zu Klangfarben, Konvulsionen und Kontrasten aus Chimes-Fragilität, Brass- & Gitarren-Power, wie sie erst seit Varèse und Zorn in der Welt sind.
Für Songs for Petra: Petra Haden sings the Zorn/Harris Songbook (TZ 8374) bildet JOHNZORN ein Composer-Lyricist-Gespann mit dem Singer-Songwriter Jesse Harris. Der hat
Ende der 90er mit Tony Scherr & Kenny Wollesen als The Ferdinandos gespielt, bevor er
mit Norah Jones einen Grammy gewann. Mit "Cosmo" (2010) kehrte er wieder in den
Tzadik-Kreis zurück und schloss sich 2013, neben John Patton, Zorns "The Song Project"an. Die Beziehung zu Petra Haden besteht schon länger und zeitigte das Lagerfeuer-Têteà-tête "Seemed Like a Good Idea" (2016). Die 13 "Songs for Petra", realisiert zusammen
mit dem Julian Lage Trio mit wieder Wollesen, werden angestimmt von einer Musikerin, die
als Tochter von Charlie Haden (und Schwägerin von Jim Black) mit hohen Sympathiewerten Karriere gemacht hat in ihrer Entfaltung vom jungen Indiefolkrock mit That Dogüber The Decemberists zu Kollaborationen mit Sunn O))), Miss Murgatroid, mit ihrem
Bruder Josh bei Spain, mit Yuka Honda (von Cibo Matto) als If By Yes oder mit Bill Frisell.
Harris' poetische Imagination zeigt sich in Titeln wie 'Easy Time', 'Lost in the Rain', 'The
Wind in the Clouds', 'Waiting for Christmas', 'My Forbidden Tears'. Zorn legt das, mit nicht
weniger Feeling als etwa Bill Frisell, Hadens natürlichem Sopran in den Mund als, Kunstlieder wäre übertrieben, als auf undumme Weise amerikanisch pastorale Songs. Ganz amschlichten, unverdorbenen Gegenpol zum Maudit, aber insbesondere inneramerikanischzu dem, was Greil Marcus 'American Berserk' genannt hat: Die Lynchmob-Fratze, die sich
gerade demaskiert fürs letzte Gefecht gegen den linken Mob, der Santa Claus an den
Kragen gehen, sich mit dem Alten Testament den Arsch abwischen und das Eingemachte
plündernden Niggern überlassen will.

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... nowjazz plink'n'plonk ...
ORHAN DEMIR Freedom in Jazz, Vol. 2 (Hittite Records, HTT2010): Imagine John McLaughlin, James “Blood” Ulmer and Captian
Beefheart living in the body of a Middle East
guitar legend. So staunte einer über diesen
1954 in Istanbul geborenen, 1977 nach Toronto gekommenen Gitarristen, allerdings
irgendwann in den 90ern. Demir hat damals
mit Hittite seinen eigenen Laden betrieben,um sich als 'Sultan of Strings' zu präsentieren. Dann brauchte er seine Hände für
was anderes, bevor er 2019, nach 20 stillen
Jahren, sich mit 65 als Pensionär wieder die
Freiheit nehmen konnte als Traveller, Rambler, Stroller und Vintage Dude des Jazz. Als
einer, der sein Instrument auf einem 3500
Jahre alten Relief am Sphinxtor des hethitischen Alacahöyük fand, 1500 BC / '2020
AD', ein 'Janus'-Wimpernschlag, ein großer
Akkord. Den 20 Tracks von "Vol. 1" folgen
hier 14 weitere. Gleich der Einstieg in 'Faraway Ports' mit träumerischen arpeggierten
Singlenotes enthält jene gequirlten kleinen
Strudel, die Demirs extraordinäre Technik
verraten. Nicht nur ist er nicht eingerostet,er zeigt auch eine unverminderte Neigung
zu markanten Intervallsprüngen und fürsehnend aufwärts stürmende Figuren. Dazu
verblüfft er mit Dialogen seiner flinken
Rechten und einer Linken, die diese Eskapaden ermutigt und bereit ist, drohende
Abstürze abzufedern. Ein pulsender Swinganimiert sogar eher noch zu gewagterem
Hin zum Wunschhorizont, an dessen Perlenvorhang Demir ständig rührt. Mit spanischem Feeling in einer transatlantischen,afrobluesigen Spannung aus 'Ebony' und'Mississippi'. Silberne Flüsse sind seine'Roads of Destiny' ins Gelobte Land, dasFrieden verspricht ('Peace'). Dorthin strebt
Demir mit stupend fragilem, flexiblem, gefühlsinnigem Ton, der beständig im Plural
auf den Saiten sprudelt und funkelt. Fingerstylevirtuos, aber mit E-Gitarre, falls das
nicht klar sein sollte. Obwohl er voller Hüzün in die Kamera blickt wie ein verlorener
Gastarbeiter, hat er Zeug im Kopf und in
den Fingern, das selbst Duck Baker 'ne
Augenbraue hochzieht.
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DWBH Don't Worry Be Happy (Intrication,
Tri 002): Französischer Humor: Isabelle
Duthoit + Thierry Waziniak + Pascal Bréchet
+ Franz Hautzinger = DWBH. Hätten sie sichanders aufgereiht, hießen sie vielleicht We
Had Bad Dreams. Sie mit Stimme & Klarinette, wie man sie mit Carl Ludwig Hübsch's
Drift oder mit Hautzingers Trompete kennt,
Waziniak als Schlagwerker von Trio Rives,
Quartet Alta und Le Cercle, Bréchet als sein
Gitarren-Partner in We Free und als Libertaire. Mit brutistischer Action, spitzzungig
und äffisch, gepresst tremolierend, manischkrabbelnd, rappelnd, als klangliche Virenschleudern und Hotspot irrwitziger Teilchenphysik. Um jedoch träumerisch zu entschleunigen, mit spitzer Klarinette, lethargischen Tapsern, gezogenen Klangfäden,feinen Gespinsten, elektronisch mutierter
Xenogitarre, gilfendem Gelbklang. Duthoit
stößt krächzende Vogellaute aus und keucht
atemlos, Waziniak pickt und tickert, poltert
stolpernd, Hautzinger pustet Löcher, presst
Luftschlangen, zuckt Zackenkämme. Bréchet verblüfft mit sürrealem Saitenspiel, mit
gedehnten, verzerrten Sounds. In wieder
quick gepollockter Verdichtung verwischen
die Identitäten, durch Mimikri oder Infektion, Mundwerk und Mundstück wie eins. Die
Gitarre fx-t als Synthie, mehr Phantom als
Gitarre, auch Klarinette und Trompete mutieren zu EWIs, es rauscht und morpht. In
Duthoits Kehle schnurren Zahnrädchen, siesägt, sie hechelt und geiert, sie fiept undwabert, Hautzinger blubbert, er faucht,
schnarrt und fischt doch auch harmonischen Beifang aus der Luft, beide zwitschern, Waziniak crasht, federt, tupft. Die
lyrische Träumerei zu tief grollender oderducreter Gitarre wirkt dazwischen umso
bizarrer. Überhaupt scheint diese Klangwelt
wie laruelleisiert, irregulär und deviant.
Jenseits von Marx, Freud und Coca Cola wie
erratisch molekularisiert, insektoid, bruitophil, biotechnoid und elektroakustisch verzwittert, anarchisch, xenomorph, furchtlos
krass und sorglos spinnert.

SATOKO FUJII / IKUE MORI + NATSUKI TAMURA Prickly Pear Cactus (Libra Records 203062): Eine Opuntie vor Augen ist wie ein Wackelbild, mal Futterpflanze und Wirt für
karminerzeugende Cochenillenschildläuse, mal Unkraut, das man mit der Kaktusmotteausrottet, die ihrerseits wieder durch Kahlfraß schadet. Die sechs Duette, die hier mit vier
Trios röteln und zünseln, wurden unter Corona-Bedingungen zwischen Kobe und New York
gewebt, im File-Austausch, durch Schichtung und Editing. Statt wie sonst direkt am
Echtzeithorizont, nun mit der Möglichkeit, mit einem Vorwissen zu improvisieren und mitÜberlegung zu reagieren. Zudem spielen sie in ihrem vertrauten Zuhause und frei vonZeitdruck viel entspannter als im Studio oder auf der Bühne. Was, wie man sogleich hört,
den Thrill der elektroakustischen Clashes von Moris Electronics mit dem Piano undgepresster Trompete nicht mindert. Funkelige Schüttungen, rumorende Turbulenzen undfauchende Intensität gestalten so das prächtige Titelstück. 'Sweet Fish' kontrastiert damit
lyrisch und transparent, als Romantik outer Space. 'Guerrilla Rain' folgt, actionreich undkakophon erregt. 'Mountain Stream' bringt die verstopfte Trompete zurück, Wildwasser
und Wind zwängen sich durch engste Spalten, Mori zwitschert. 'Overnight Mushroom'
dröhnt als sublimes Nachtstück, klimperfein und mit Zauberklang aus dem Innenklavier,Noise schwärmt, brodelt, geistert, Fujii hämmert dämmerlastig, arpeggiert tapfer undsucht zuletzt doch fluchtartig das Weite. Die Geister wechseln hinüber zu 'Empty Factory',die Fujii mit Gothic Touch ausmalt. Bei 'In the Water' klingt das Piano tönern, donnerblechern, saitenflimmrig, Tamura lässt Frösche quaken, Mori die Sonne funkeln, viel zu
surreal und molekülbewegt für eine bloße Impression. 'Turning' bringt zu welligem, aufwallendem Arpeggio impulsiv pfeifende Gespinste, bei 'Muddy Stream' kehrt zu gnomischtrappelndem Piano und klapprigem Elektrorumor die schrille Trompete zurück. Für 'Sign'
wechselt Fujii zwischen gepickten, geharften, getwangten Saiten und geklimperten Tönen,die Electronics sprudeln, prickeln und zwitschern wie von Kaktusmotten vexiert. Alles gut
und schön, sehr schön sogar, aber wann gibt es endlich wieder Konzerte, Schoppen, oderein Onsen-Bad danach?
HALLEY-SHIPP-BISIO-BAKER The Shape Of Things (Pine Eagle Records 013): Rich Halley
ist ein ausnehmend naturverbundener und standorttreuer Jazzer. Von Episoden in Kairound Chicago noch in jüngsten Jahren und Trips into wilderness regions around the world
als studierter Biologe abgesehen, ist sein Lebensmittelpunkt Portland, Oregon. Dort
mitbegründete er mit dem Renommee als Leader der Lizard Brothers und per Du mit
Westcoastgrößen wie Vinny Golia, Michael Vlatkovich und Rob Blakeslee die Creative
Music Guild, dort leitet er das Outside Music Ensemble, das deshalb so heißt, weil es'draußen' spielt. In Rich Halley 3 oder zu viert mit noch Vlatkovich oder Bobby Bradford
trommelte dann schon sein eigener Sohn Carson, zu hören als Familienserie in 11 Folgen
auf Pine Eagle. "Terra Incognita" (2019) zeigte ihn zuletzt dann bereits mit Matthew Shippam Piano, Michael Bisio, seinem Partner schon in Jack's Headlights Anfang der 90er, amBass und Newman Taylor Baker an den Drums. Wie der mit Jg. 1943 sogar noch 4 Jahreältere Hase Halleys intervallsprunglaunigen und angeraut exaltierten Tenorsaxgesang
betickelt und mit krawalligen Hinterpfoten betatscht, wie Shipp da wieder querfeldein überdie Tasten tausendfingert - aber hallo! Wer, durch Shipp und Bisio angestoßen, an Ivo
Perelman denkt, darf konsterniert seine Maßstäbe neu überdenken. Halley ist, von Bisios
dunklem Pizzicato gedämpft, zugleich ein ebenso pyramidaler Trauerarbeiter wie derjüngere Füllhornschwinger in Brooklyn. Shipp legt einen swingend geklimperten Vektor,
auf dem Bisios Finger und Halleys, mit Tambourin abgefedertes Stakkato entlang hüpfen.
Um gleich wieder elegisch dem großen Pan einen Kranz zu winden, dessen letzte Refugien
an der Westcoast gerade in Rauch aufgehen. 'Oblique Angles' macht allem, was Beine hat,
Beine: "Flieht, ihr Narren!". Nur Nerds halten das für ein Filmzitat und Panik für ein Spiel.
Baker und Halley ruckeln und zuckeln hinein in 'Lower Strata', wo Shipp zu flott joggendem
Pizzicato launig hämmert und im Bassregister rumstampft und Halleys Stakkato mit seiner
Lowness einfängt. 'The Curved Horizon' entfaltet sich zuletzt aber nochmal zu ostinaten
Hieben von Shipp und rasseligem Drive von Baker wuselig und krabbelig. Und mit
crashigen Becken hin zu tumultarisch animierter Tenorhymnik und in exaltiertes Altissimo,
bis der Goldrausch, mit Baker als Tambour, in rollendem Auslauf am Strand erschlafft.
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HUNTSVILLE Bow Shoulder (Hubro, HUBROCD2620): Bei Huntsville sind Gäste
willkommen, schon bei "Eco, Arches &Eras" (2008) mischten (neben Sidsel Endresen) Glenn Kotche & Nels Cline mit. 2010
kamen sie erneut zusammen im Wilco Loftin Chicago, nun sogar als Doppeltrio + X:
Ivar Grydeland + Cline an Gitarren, Ingar
Zach + Kotche an Drums, Percussion und
Tabla Machine, Tonny Kluften + Darin Gray
(Kotches Partner in On Fillmore) an E- bzw.
Kontrabass. Und dazu Yuka Honda (vonCibo Matto) an Keyboards als das X undWeberschiffchen zwischen den Norwegern
und den Amis. Grydeland hat die Jam-Session nach 10 Jahren endlich so abgemischt,
dass es nicht nach Eintopf klingt, sonderntransparent und ausbalanciert. Die Uhr
tickt, die Gitarren harfen träumerisch, fragile Sounds funkeln, driften, kaskadieren als
Echo, das nicht verhallen will. Becken beben und rauschen, Saiten flirren, Klänge
stehen wie ein Mückenschwarm in der Luft,der Kontrabass grummelt, alles vibriert unddreht sich in kleinen Kreisen zu einem Tablagroove, der den möglichen Krautgeschmack mit Curry vertreibt. Das gitarristische Americana-Feeling wird in hypnotischem Riffing zum Turtle-Dream-Flow. Oderzu einem Erlkönigritt wie in Trance (denkt
an Rooster Cogburn und Mattie in "TrueGrit")? Das pumpernde Herz überschlägt
sich fast, die Gitarren greifen mit eisernen
Krallen danach, der Lebensfaden knarzt
und zuckt als Fieberkurve. Dann schlägt das
Herz wieder fester zur singenden Pedal
Steel, Saiten flimmern und plinken Loops,
Drähte plonken, Glöckchen schellen, ein
Säckchen Bohnen wird zum Shaker, dieKeys senden weiche Dröhnwellen, Huntsville schwillt an und groovt 'Higher'. Gefolgt
von 'Lower' als kakophoner Attacke, die jedoch abbricht vor granularen Klangschleiern und von metallischen Schlägen durchzuckten Partikelschauern. Der bewegte, insich kreisende Stillstand als stampfender,
klappernder Pow-Wow und Ultima Ratio desgaloppierenden Herzens. Ziel: 'The Unshot'.
Der Aufschub, der die Kugel im Lauf hält,
der - Ernst Jünger schrieb darüber - die
Schere der Parze nicht schneiden lässt,Traum und Trance, die die Zeit etwas
verweilen lassen.

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THE JCA ORCHESTRA Live at the BPC (JCA
Recordings 1805): Seit 35 Jahren macht das
Jazz Composers Alliance Orchestra in Boston sein Ding. Nach zuletzt "Why Do You
Ride?" (2014 auf Leo Records) und "Rats
Live On No Evil Star" (2018 schon im Eigenverlag) bringt das im Berklee Performance
Center präsentierte Programm neben einem
Prachtstück von Darrell Katz auch noch
Kompositionen der Posaunisten David Harris und Bob Pilkington und der Geigerin Mimi Rabson. Dargeboten, 22-köpfig und mit
allem, was zu Big dazugehört: Flöte, Violinen, Cello, Piano, Sopranosax und weitereReeds, Trompeten, Posaunen, Horn, Tuba,
Drums und Bass, mit Gitarre, Vibes und derVokalisation von Rebecca Shrimpton als besonderen Klangfarben. Um bei Rabsons 'Romanople' in den Krieg zu ziehen zwischen
Konstantinopel und Rom, mit aus klopfendem Beat und exotisch gegeigter Rhythmikmartialisch aufbrechendem dickem Blech
und siegesgewisser Klarinette. Doch nachschleppendem Rückzug und einem Cello,das ein bombastisches Debakel beklagt,
geigt es hinterher wie zuvor. Harris lässt bei'The Latest' das Parajazzensemble, das
1976 wie der Wind mit McCoy Tyner geflogen ist, im Latin-Groove die Hüften schwingen, die E-Gitarre spielt dabei groß auf.
Pilkington, der zum sechsten Mal vom Jahr
der Schlange umzüngelt wurde, feiert mit'The Sixth Snake' sein 'Kanreki', halb verwundert, halb beschwingt, mit lyrischem
Piano, Posaunenschmus, tirilierendem Soprano und Lust auf mehr. 'Orange, Yellow,
Blue' von wieder Harris ist ein mit Conduction gelenkter Latin-Groove mit gelber Trompete, blauer Posaune, rockigem Drumming,
farbenprächtigen Tutti. Katzens 'A Wallflower in the Amazon' lässt mit einem vonShrimpton angestimmten Gedicht seiner(verstorbenen) Frau Paula Tatarunis undexotischem Balafon ein Mauerblümchen
Abenteuer erleben im wilden Reigen mit
EWI, Sopranos, Trompete, Altosax, aber
zuletzt doch promillebedingtem Fiasko undmorgentlichem Katzenjammer. Und bei 'Super Eyes - Private Heroes' kreuzt nochmal
Rabson in rasantem Tempo, mit Vokalisation
und schwirrender Violine, mit Muskelprotz
von Baritonsax und Posaune, Superhelden
wie "The Incredibles" mit Private Eyes.

LYTTON-NIES-SCOTT-WISSEL "Do they dothose in Red?" (Sound Anatomy, SA016): Was
für eine Anhäufung von Kabeln und Knöpfen,
von Krimskrams, 'nuts and bolts'! Für 'a questionable activity', sicher, doch noch gibt eskein Gesetz gegen die Verwendung von 'nuts'.
Das Ganze, einerseits Synthesizer und Electrosapiens, andererseits Table-top Bits &Pieces resp. ein Koffer voller Kram, um ein
Saxofon zu präparieren, wurden aufgetischt
am 11.3.2017 im Kölner Loft von Richard
Scott und Joker Nies bzw. Paul Lytton undGeorg Wissel für 'a constant state of flux ormovement'. Scott hat gerade erst mit Twinkle³
gefunkelt, und im Red List Ensemble gibt es
ihn tatsächlich in Rot, wenn auch gefährtetem
Rot. Nicht zum ersten Mal ist er verkabelt mit
Nies, dem Kölner Soundschrauber und Toningenieur. Lytton, der keine Vorstellung braucht,
und Wissel (von WisselTangCamatta, CajlanWissel-Nillesen, Canaries on the Pole...) bilden ebenfalls ein Gespann, zu viert laufen sie
unter EEPS. ElectronicsElectronicsPercussionSax? Elektroakustik ist sowas wie dasneue Normal im Improv-'No-Man's Land', undhier so virtuos verdichtet, dass hand- undmundwerkliche Klänge und die zwitschermaschinellen Sounds sich gegenseitig durchdringen. R2-D2eske Impulse und flötende
Elektronik kreuzen sich mit gurrendem Tuten,
geschabten oder geschmauchten Schmierern
und klapprigen Kapriolen. Springende Plops
stoßen gegen gepingte Artgenossen, zuckende Kürzel spritzen und wirbeln aus wummrigem Dunkel hervor. Lytton schüttet Schrott
treppabwärts, er triangelt Dosenfischschwärme. Pfeifende Wooshes durchstoßen polymorph-perverse, perkussive Felder, Pixel tocken, federn und querschlägern, Dröhnfäden
umspinnen knarzige und knorzige Wellen,sirrende oder prickelnde Felder, und wieder
flöten Elektroschnäbel. Scharrende Schübeöffnen stöhnende Ventile, Lecks furzeln.
Blechgerappel scheucht pickende und quarrende Kakokrähen, wer oder was tockelt da
mit Tourette-Syndrom? Lytton schaumschlägert mit Schneebesen, Wissel pustet Rostlaub, es glitcht an allen Ecken, die einenzwitschern, die andern trappeln und trillern.
Schrottplatz, Videospiel, Tohuwabohu in derBlasenkammer, alles zugleich, wild bewegt,
stimmverwirrt und wie manisch. So aufgedreht, dass es die vier mit stampfendem Trittüber eine tröpfelige, knattrige Untiefe hinwegträgt.
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TRAINING "*x EP" (Fun In The Church,
FUN12, 10"): Der Drummer Max Andrzejewski konnte ja mit Hütte den Neuen
Deutschen Jazzpreis einheimsen (ichhätte ihm meine Stimme auch gegeben)
und bekommt im Feuilleton den Kopf
getätschelt, aber mit Julien Desprez im
Freakrocktrio Abacaxi zieht er schon
auch bei den richtigen Leuten [;-) die
Mundwinkel nach oben. Auch seine
Duette mit dem Saxofonisten Johannes
Schleiermacher sind weit mehr als nur
Trainingseinheiten in Erwartung besserer Zeiten. Schleiermacher, 1984 bei
Dresden geboren, hat sich schon als
Jungspund in allen möglichen Formationen des guten alten Gunter Hampel
hervorgetan und fit gemacht für das
Andromeda Mega Express Orchestra,
für Hütte und den Spagat zwischen
Wien, South London und Neukölln, im
Afro Beat von Shake Stew mit 2-fachBass, 2-fach Drums und, in eigener
Leadership, mit dem Spaceage-Funk
von Onom Agemo and the Disco Jumpers. Hier zu zweit mit auch noch Synthesizern und Vintage-Echogeräten gyroskopieren sie groovige Schlaufen mit
fieberndem Beat, als Minimal Jazz mit
enormem, hitzigem Drive. Danach startet 'Rakete', mit schnurrendem Synthie,
rauer Kehle und löchrigem Beat, um
einen wehmütigen Blick zurück auf den
blauen Planeten zu werfen. Ihr 'Winken'
muss man wohl als Tschüss verstehen,wenn sie da unternehmungslustig abschwirren in exotische Weiten, wie sie seit
Nick dem Weltraumfahrer kein Menschmehr angesteuert hat. Mit eifrigem Klapper- und Muschelbeat und multiplem
Wellenschwung schwärmt 'Schwarm'
weiter in Exotica-Euphorie, als Free
Electric Jazz im x-ten Update, mit, dank
modernstem Multitasking, einer Klangfülle, als wären sie zu viert oder gar
Dikeman + Barker hoch². Bei 'Pumpe'
orgelt dann noch eine Garagenorgel,
Schleiermacher kostet die tiefen Tenorregister aus und flötend tutende, die
Stimmung ist gedämpft, zittrig, bedrückt. Ohne Beat ist alles in Fragegestellt, die Rakete wird zum Spielballvon Druck und Sog, der Trip zum
Himmelfahrtskommando.

TRONDHEIM JAZZ ORCHESTRA & THE
MAXX Live (MNJ Records, MNJLP002): Ich
bezweifle, dass vom alten Wehrmachtsbunker in Trondheim, in dem sich der schwedische Keyboarder Oscar Grönberg (Bjørn
Marius Hegge Trio, Hanna Paulsberg Concept, Friends & Neighbors), der Gitarrist &Saxofonist Petter Kraft (Megaldon Collective) und der schwedische Drummer Tomas
Järmyr (Yodok III, Motorpsycho) zu The
MaXx entwickelten, eine deutsche Patenschaft ableiten lässt. Ihr Live-Clash beim
Moldejazz 2018 mit dem TJO, seit 20 Jahren
einem Flaggschiff des nordischen NowJazz,ist dagegen zweifellos ein Gütesiegel. 8köpfig, mit Kjetil Møster und Mette Rasmussen an Saxofonen, Anja Lauvdal an Keys,
maximalisierten sie die MaXx'sche Mad- undTenderness: Bei der feierlichen, melodieseligen 'Jazzballaden' mit pastoraler Blockflöte, mädchenhafter Vokalisation von Mia
Marlen Berg (IKI, Trondheim Voices), Møsters Tenorgesang und einem schmetternden Trompetensolo von Thomas Johansson
zu dann schon auch tapsigen Dissonanzen,
die auf erhöhte Promillewerte schließen
lassen. Mit einem drangvollen Posaunensolo von Petter Hängsel rollt, jazzt und rockt
dann 'Orgelblå' drauflos, Berg lässt sichlauthals von Orgelwellen mitreißen, Stakkato pumpt Meilen weg wie nichts. Mit verlöschenden Bläsern gelangt man zu 'Hystericon' als von Kraft und Berg im Duett gesungenem Gitarrensong - Lagerfeuer-Americana made in Norge. Aber schnell fetzt
danach wieder 'Time Taxi'. Berg hat es eilig,
ruft sich eins und schreit dem Fahrer ins
Ohr, Gas zu geben, Anton Toorells Finger
schlingern zu hackender Orgel virtuos überGitarrenseiten und Berg rockröhrt zu Stoff
aus allen Rohren. Doch Pt. 2 spielt plötzlichin ätherischen Gefilden, Berg vokalisiertversponnen als Engelchen auf Synthiedaunen und geblasener Wolkenwatte. Bis
sich die Fluktuationen zusammenbrauen:
Drums und Lauvdals Synthienoise wirbeln
um eine Gitarrenspur, Trompete und Møsters Gesaxe sprudeln über hiebfestem Getrommel. Doch der Gitarrenloop hält die
Spur, und Berg lässt als Taxi-Girl im fetzigen
Finish die Haare wie fliegende Fahnen aus
dem offenen Fenster wehen.

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WHAT HAPPENS IN A YEAR cérémonie /musique (FiP Recordings, fpcd01): Josh
Sinton, Jahrgang 1971, Generation X, isteine Macht am Baritonsax, ob mit derSteve_Lacy-repertory Band Ideal Bread
auf Cuneiform oder als Pendler zwischen
Anthony Braxton und Nate Wooley. Sein
Programm? "Making Bones, Taking
Draughts, Bearing Unstable Milestones
Pridefully, Idiotically, Prosaically" (zumindest gilt das für sein Predicate Trio).
Ein weiteres seiner Eisen im Brooklyner
Feuer ist das frei aufspielende Trio mit
Todd Neufeld und dessen mit Tyshawn
Sorey und Flin Van Hemmen erprobter
Gitarre und Giacomo Merega (vom Noah
Kaplan Quartet) am Bass, beides elektrifiziert. Sie nennen das 'la politique desauteurs' und meinen damit eine wie
geträumte Formfindung mit gesummtem
Baritonsound und gedämpftem Saitenspiel. Die ungebundene Spielweise istschlafwandlerisch, ein surreales Quallen,
ein gewelltes Dröhnen, aus dem Irrlichteraufscheinen. Ist 'Algernon' ein ganz pianissimo gehaltener Gruß an die geistersehenden Kollegen einst bei Cuneiform?
Sinton wechselt zu Bassklarinette, aberder Duktus bleibt der gleiche - gedämpft,
dämmerungsverschleiert, mitternächtlich versonnen. Seltsam jedoch, wie unerschrocken und rapid die drei da agieren, so knietief in der Unterwelt, einem
Niederland ('Netherland') unterhalb desTagesbewusstseins. Nicht dumpf undstumpf wie auf Valium, durchaus auf
dem Quivive mit offenen Traumaugen.
Aber eben in einem Fluidum, das, wie Nebel, die Laute dämpft und die Bewegungen verwischt. Driftend in psychoakustischen Rossbreiten, in denen leise Melancholie Zeit und Raum dehnt, die
Schwerkraft reduziert, die Bewegungenverflüssigt. Die drei scheinen an die
rätselhaften Bedingungen aber so gut
angepasst, dass ihre Klangpoesie zwar
wie dampfend, schmelzend oder verdunstend erklingt, der poetische Reiz
dadurch jedoch ein ganz eigener und
besonderer ist.

sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s
auf abwegen - Edition DEGEM (Köln)
Beim Namen JETZMANN steigt mir Duft aus dem Aroma Club in die Nase, klingelt mir Radio
Gagarin in den Ohren. Durch einen, der eigentlich Horst Petersen heißt und als Bassmann
bei Die Erde (mit Tobias Gruben) 'Liedermacher-Metal' gemacht und mit dem HipHop von
Mastino Stellung an der Heimatfront bezogen hat, ehe er atonale Klangspuren auf Wachsender Prozess hinterließ, als Spielgefährte von Asmus Tietchens und TBC. Mit der Antiinformation-3" "Unter die Deutschen" hat er Hölderlin auf das Cover der BA 58 gebracht. Use theAir (aatp78, LP) versammelt Tanztheatermusiken aus 15 Jahren, die er insbesondere für
Jenny Beyer schuf (von "Konkubinat" 2005 bis "Début" 2019). Funktionale Musik also, derTietchens aber jenes wechselseitig Prozesshafte bescheinigt, das sie von schnödem Tapetenklang unterscheidet. Selbst in fragmenthafter Kürze bliebe die auf schmalem Sektor
entfaltete Vielfalt hörbar, wobei Tietchens als Fechter gegen das Laster des Ornamentalenbesonders löblich findet, dass Jetzmann Redundanz zu meiden weiß. Wer jetzt nüchterneelektroakustische Abstraktion erwartet, die sich auf das Nötige konzentriert, der wird mit
aquatischen, femininen, saitenpickenden oder pianoklimprigen Anmutungen, mit Beatketten, Cymbalkratzern oder Kontrabassgeschrammel akzentuierten Dröhnwellen oder Loops
gut bedient. 'Uniek' ist ein Keyboardadagio mit eingeschlossener Sopranistin, 'Glasharfe'
ganz gläserne Melancholie, 'Jenny' ganz pianistische Tristesse und tremolierendes Fieber,das so verweht wie das andre vergeht.
THANOS CHRYSAKIS (*1971, Athen) und ΕΛΥΤΡΑ (aatp82), das passt gut zusammen. Denn
die alten Griechen erzählten zur Geigenmusik der Grillen die tragikomische Geschichte vonTithonos, dem ewiges Leben, aber nicht ewige Jugend geschenkt wurde, so dass von ihm
nur ein graubraunes, schrill zirpendes Etwas blieb. Chrysakis selber allerdings zog es in die
Welt und von England, wo er lange gelebt hat, 2015 nach Minsk. Mitsamt seinem Label Aural
Terrain, auf dem er in Kollaborationen mit etwa Chris Cundy, Sue Lynch, James O'Sullivan,
Wade Matthews und sogar Tim Hodgkinson zu hören ist, neben Begegnungen mit den üblichen Verdächtigen auf Creative Sources. Er lauscht hier zu glockenspielerischem Gefunkel,
zum Klingklang von Vibes und Xylophon, dem Knurschen, Brodeln, Wispern des Konkreten,stellvertretend verstärkt im raspeligen Gefiedel, das kleine Wiesenbewohner mit ihren Deckflügeln (έλυτρο) erzeugen. Heute ist der Klang, der die Sommertage überwölbt hat, weggezackert, weggebrannt, und ebenso ein Indiz für das ökologische Downgrading wie die verschwundenen Maikäfer, Schmetterlinge, Weinbergschnecken, Lerchen... das Bleichen derKorallenriffe ('Coral Aether'), der Schwund an Schildkröten ('Tortoise Pilgrimage'). Von wenigen vermisst wie der Duft der 'Pierian Roses', den die Musen liebten, schneller vergessen
als die 147 'Delphic Maxims'.
DEGEM CD 18: 20_20 (ed09), kuratiert von Stefan Fricke, produziert und designt von Marc
Behrens, ist der elektroakustische Widerhall des Jahres 2020. Mit klingenden Statements
von Marc Behrens, KedArY, Ludger Kisters, Nicola L. Hein / Joshua Weitzel, Peter Kiefer,
Julia Mihály, Ralf Hoyer und Johannes S. Sistermanns, in Erinnerung an Georg Katzer(1935-2019) und mit dem ausdrücklichen Hinweis auf seine Radiostücke "Mon 1789" und"Mein 1989". Aus Beethovens 'Coriolanus' wird 'Coronialus' (Klarenz Barlow), Phil Ochs
spuckt auf die FDP (Gerald Fiebig), der liebe Augustin fällt in den Graben (Monika Golla), es
regiert das X, während der Regenwald brennt. Böller krachen, Babies babbeln. Unter Clemens von Reusners Trauerweide blättert Jörg Lindenmaier in Cioran, man grübelt überübermenschliche Datenflüsse und Missmanagement. Lady Gagas 'Beautiful Dirty Rich' (Maximilian Marcoll) über-x-t Asteria Fiores 'Canto del Cosmonauta' (Wolfgang Motz), die Matrix
appropriiert Mutter Erde. 16 DEGEM-Künstler*innen jonglieren mit 2 und 0, 29.903 Nukleobasen, 1.048.576 Sinustönen, rechnen mit X Unbekannten. Anagramme beißen Palindrome,
Konzept ist Trumpf. Ist alles nur ein ferngesteuertes Entdifferenzieren von Widersprüchen,ziselierte Verunklarung, schleichendes Elend? Ein Knistern, Zischen, Knarren, Flickern derFundamente? Ein KI-Komplott, ein Update hin zur digitalen Erlösung? Nix ist gewiss.
56

Crónica (Porto)
Deriva (Crónica 162~2020, Cassette in Pink), frz. Dérive, da denke ich eigentlich an Guy
Debords Konzept, sich in Stadtlandschaften ziellos treiben zu lassen, abseits und gegenden Sog des Spektakulären, in den Fußstapfen von Baudelaires und Benjamins Flaneur.
Wenn Chaim Bronstein, Jean Vautrins "Groom", rettungslos abdriftet, bringt er Katzen
und Frauen um. VacuaMœnia (Fabio R. Lattuca & Pietro Bonanno) luden dagegen sechs
Landsmänner, einen Portugiesen, einen Finnen und einen Zyprioten dazu ein, Cultural
Drift hörbar zu machen. Darunter versteht man small errors or innovations that allow cultures to change from within... the slow, eventual, unregulated altering of a society, with its
unique traditions, morals, and behavioral trends... unvorhersehbare, da ergebnisoffen ins
Unbekannte, Ungeplante tendierende Veränderungen. Zustande kamen so: 'Equilibrium is
Restored' von Simone Castellan, 'Inertia' von Stefano Giampietro, 'Rubinetto' von Pietro La
Rocca & Carlos Zíngaro, die sich Natura Wiva nennen, 'Drifting Waves' von Petri Kuljuntausta, 'Lenient' von Chelidon Frame, 'System Failure! Alle Vittime del Ponte Morandi' von
Rinaldo Marti, 'Upon Mountain Ranges' von Emanuele Costantini und 'Noise Triangle' vonDimitrios Savva. Selbst mit Anleitung stehe ich da am Bahnhof und frage mich, wie Gleichgewicht und Trägheit, Zapfhahn und Triangel, Wellen, Bergzüge und zwischendrin die eingestürzte Morandi-Brücke dem gemeinsamen Nenner wohl entsprechen mögen? Angefangen von einem schlurchend, flatternd, dröhnend und mit zischenden Schüttungen bedrohlich wirkenden Xenotop, das umbricht in eine humane Geräuschkulisse, die dröhnend undakzentuiert mit posthumanen Stimmlauten ins Diskante glitcht und weiterdriftet an den
Strand von Entenhausen. Mit dem Debakel völliger Desorientierung, als ich feststelle, dassich da bloß durch Kurzfassungen (!) eines Viererleis gedriftet bin, dessen Fortführung an
glucksendem Wasser anfängt und wie auf Schienen brausend musikalische Wellen und
ein Piano mit sich führt. In ein Roaratorio aus Stimmengemurmel, orgeligen Wooshes,
einer pianovertrillerten Elegie mit drahtskulpturalem Plonken und orgeliger Reprise. Vögel
geben Laut, Insekten summen, ein Motor springt an, Wasser murmelt und brodelt, es hupt,ein Hahn kräht, in Verkehrstumult mischen sich Rufe, Kinder singen ein Ruf-Antwort-Lied.
Zuletzt eskaliert furioses Brausen und hinterlässt nur ganz feine Dröhnwellen. Die digitale
Version der Drift dauert über 100 Minuten. Change und Altering brauchen ihre Zeit.
Crossmodulated (Crónica 163~2020, C-60 in Red) zeigt ROEL MEELKOP mit fünf Tracks inmodularsynthetischer Klanggestaltung, zu der ihn Jos Smolders angeregt hat. Die beiden
kennen sich seit den 80ern durch THU20, und von daher kennt er auch Frans de Waard,
mit dem Meelkop in Kapotte Muziek, Goem, Wieman und Zèbra die (nicht nur) niederländische Sound Art maßgebend mitgestaltet hat. Hier nun so, dass er wie aus dem Innern
eines Containers oder leeren Ölspeichers eisern tönt. Mit dongenden Schlägen undwischenden Kratzern über feinem Gedröhn. Ins fein klingende Auf und Ab mischt er
dumpfe Impulse und überdeckt beides mit rumorendem Wummern und sirrenden Spuren
in konkaven Parabeln. Brummige, brodelig umspielte Dauerwellen stehen quer im Raum,wellig bewegt, mit Raupenschub, von pfeifend glissandierenden und furzeligen Graphen
umkurvt. Bis plötzlich, unerwartet naturnah, in verregnetem Tropenwald Vögel flöten undunbekannte Kehlen knarren. Aber nicht lange, und es vertreibt eine modulare Noisespur
die Natur aus ihrem angestammten Platz, wenn auch mit melancholischen Streifen.
Melancholisch wirkt auch das monotone Pauken danach, das in ein Wechselspiel mit
seinem Echo übergeht, abgelöst von schnurrenden und dröhnenden Spuren, einem
KlingKlangKlong-Motiv und einem fast etwas komischen Wellenflattern. Zuletzt mischt
Meelkop Verkehrsrauschen mit Klopflauten und prickelnden, surrenden Impulsen, aufrhythmische Plops folgen zwitschernde und hintergründige Geräusche. Eine Art
rauschender Regenvorhang, beknarrt, bepulst und wie von winzigen Feuerwerkskörpern
durchschossen, schwillt und schwillt und schwillt. Krähenschreie machen den Regen zum
Naturprodukt, wenn dann auch sie verstummen, bleibt nur ein Wummern, das Meelkops
Klangwelt vom Nichts trennt.
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Mit Nancarrow Biotope (Crónica 165~2020, C-70
in White) greift ØYVIND BRANDTSEGG eine Werkreihe nochmal auf, die anlässlich von Conlon Nancarrows 100. Geburtstag 2012 entstanden ist.
Dabei konnte er nun die MIDI-kontrollierbaren Orgeln im Stavanger Konserthus und im Nidarosdom
in Trondheim, verschaltet mit Disklavier und Electronics, bespielen mit zwölf von Nancarrows Studien für Playerpiano. Dazu kommen mit 'Vectors
and Intervals' zwei eigene, mit Improvisationssoftware gesteuerte Kreationen und drei zusammen
mit Petra Bjørkhaug, der Domorganistin in Trondheim, die mit ihrem Knowhow den auf vier Manualen bespielbaren fünf Oktaven gleich als Intro einefließende und atmende Klangwelt entlockt, die mit
der nancarrowesken Algorithmik und deren maschinistischem Duktus kontrastiert. Beides wird
von Brandtsegg nämlich als fiebrig zuckende Herausforderung ins Spiel gebracht, mit der Bjørkhaug agil, kraftvoll und geschmeidig interagiert.
Und singt er da etwa bei 'Follow the Lines'? Er ist
einerseits bestrebt, sich Nancarrows Studien originalgetreu anzunähern, andererseits aber denobertonreicheren und perkussiveren (Player)-Pianoklang auf den organischeren der Orgeln zuübertragen. Wobei Orgel nicht gleich Orgel ist,
allerdings jede Orgel allzu schnelle = kurze Impulse gar nicht wiedergibt und die Orgelpfeifen je
nach Größe mit unterschiedlichen Verzögerungenerschallen. All diese Tücken stellen mit den Reizdar für den Professor für Musiktechnologie an der
NTNU in Trondheim, der praktische Erfahrungen
hat als Perkussionist mit Krøyt und als Spezialist
für Crossadaptives Processing und Liveconvolver- mit dem Projekt Trondheim EMP auch schon auf
Crónica. Ein Reiz, der sich unmittelbar überträgt
als Verwunderung über die kuriosen, immer recht
sportlichen Übungen nach Nancarrows Tonfigurationen über Escher'sche Treppen, über die nun
schwarm- und kolonnenweise Töne gejagt werden,
fett quallende, auf der Stelle brummende odereben quecksilbrige und irrlichternde, clusterndeund ratschende, denen keine Treppe zu steil, kein
Labyrinth zu verwinkelt, kein Schillern zu infernalisch ist. Die ikonoklastische "Spire"-Organology
auf Touch, Wolfgang Mitterers Pfeifenströme oderdie Teufelstriller von John Zorn, sie erfahren hiernach Nancarrows gestanzten Formeln eine absurde Steigerung. Wobei Häufelung, Beschleunigung
und Verdichtung in ihrer abrupten und wechselvollen Bewegtheit sich als orgeliges 'Muss' erweisen. Mit Feuerwerk und Boogie-Woogie, Xylophon
und dazwischen Bjørkhaugs festlichem Zugriff.
Was für ein Denkmal für Keith Emerson!
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Mehrfachüberlagerungen: Elggren und Freud
Das Bild der Mutter mit dem toten Kind, das die Künstlerin Nives Widauer als die Stunde
null ihren Wiener Ausstellungen “Archeology of Undefined Future” & “Die Neue Zeit / Die
Welt von Gestern” einkerbt ... die Wiedereröffnung des Sigm. Freud Museums in Wien IX,
Berggasse 19 ... meine Leküre von Stefan Zweigs 'Erinnerungen eines Europäers' als
Nachruf auf die Welt von Gestern ... seine Gedenkrede für Sigmund Freud im Golders
Green Krematorium in London vom 26. September 1939 - wir alle in diesem Raume, dienoch atmen und leben und sprechen und lauschen, wir alle hier sind im geistigen Sinne
nicht ein tausendstel Teil so lebendig wie dieser grosse Tote hier in seinem engen irdischen Sarg ... LEIF ELGGRENs schwarze Firework-Edition-Box "Under That Couch" (FER
1112, LP) mit dem in Freuds Ottomane in 20 Maresfield Gardens in Hampstead gespeicherten Sound und vier Nahaufnahmen ihrer Unterseite, deren farbige, körnige Textur etwas
festhält, was ein Text nicht festhalten kann ... Leben heißt weben und spinnen, Sterben
heißt den Faden verlieren. Going down... loosing the threads one by one ... und dazu, unddas meine ich mit Mehrfachüberlagerung, Michelangelos Pietà als Ikone auch bei Elggrens
psychoakustischem Lauschen auf Stimmen von hinter dem Vorhang, von der anderen
Seite ... auf die Frequenzen der Schattenseite, den rauschenden Nachhall nach dem Fadeout ... zum imaginierenden Auge, das, so Freud, seine Phantasien zu einer neuen Art von
Wirklichkeiten gestaltet, kommt ein halluzinierendes Ohr für das "Ultrablack of Music ...
wie Schiller mit seinem spricht die Seele, so spricht ach! schon die Seele nicht mehr,seufzte auch Nietzsche Sie hätte singen sollen, diese 'neue Seele' - und nicht reden! ...
daher braucht es Ohren, aber nicht für die Stimme des Vaters, der Schwester, die
Blutrache fordern, sondern für den Gesang der Dinge, die stumme Klage der Schmerzensmutter, die schaurige der Euryale ... was geht da vor, wenn wir auf der Couch liegen und zuhören? Wenn wir lauschen, wie es klingt, wie Es klingt? Hören wir da Goldrausch,
Waldweben, Daseinslust, Liebestod, höheren Egoismus, Désindividuation? Wahn, Wille,
Wehe? Ein flehendes Ach heile mich, du Arzt der Seelen? Enthüllungen, als wäre man
Freud und zugleich der Wolfsmann oder Anna O. ... oder das Medium einer hauntologischen Séance ... Elggrens 'aisthetisches' Denken und eskapologisches Experimentieren
setzt da an, wo einem an sich Hören und Sehen vergeht, als Suche nach Spuren vonVerdrängtem, Vergrabenem, Verborgenem ... Er stöbert im negativen Raum, underneathund beyond, im Abfall des Tages, stöchert in Latrinen, interessiert sich für das, was unter
den Teppich gekehrt wurde, horcht auf das Wispern von Gespenstern, das beredte
Schweigen von Möbelstücken ... Er vermutet unter dem Deckmantel des Bewusstseins, imSurrealen, im Subtilen das, was dem Leben an 360° fehlt ... Er erkennt in Underdogs Sons
of God, jeder sein eigener Pluralis Majestatis ... trianguliert als Little Idiots zwischen Mad
Kings und Dead Queens, zugleich Isaak (Gott hat gelacht), Ödipus und Hamlet ... in jedem
steckt ein Lamm Gottes, ein kleiner Nemo, Häwelmann, Echnaton, Karl XII., ein König ohne
Land, ein Kaiser in neuen Kleidern, in jeder eine Queen Christina, eine most powerful woman in the world ... die Zukunft freilich, die ist absolut definiert: Das, was wir sind, werdet
Ihr sein ... Doch im Wartezimmer zum Jenseits werden Ariadnefäden zu Yo-Yos, werden
Spiel, Traum, Mythos, Szene, Symbol, Phantasie und Repräsentation zu den eigentlichen
Dingen des Lebens ... Das Ästhetische ist daher, um Terry Eagletons Faden fortzuspinnen,
eine Phantasie von Mutter und Vater ineins, von einer Vermischung von Liebe und Gesetz,
von einem imaginären Raum, in welchem das Lustprinzip und das Realitätsprinzip unter
Führung des ersteren miteinander verschmelzen ... Elggren, der seine Nase inter faeces eturinam steckt, findet mit Eagleton das marxistisch Erhabene im materialistischen Unterbau ... Er tanzt den Danse macabre im Reigen mit Dante, Claude Mellan, Swedenborg,
Blake, Poe, Strindberg, Beckett, David Lynch, Antoine Volodine, mit kapitalistischen Surrealisten und exquisiten Kadavern ... Doch dabei riechen nicht nur die Gespenster funny.
Denn Elggren zeigt - für mich das Faszinosum hoch 2 - mit der Freiheit eines Künstlermenschen seine 'Comic Book'-Heroen und Tänzer zum Tode hin als zugleich erhaben undlachhaft, erbärmlich und ungeniert, absurd und spielerisch.
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Gerald Fiebig - Passagen. Werk für Walter Benjamin[am 30.08.2020 live @ Stadthaus Ulm + Radio Free FM, am 20.09.2020 @ Radiofabrik Salzburg]

Eine radiophone Komposition, zum 80. Todestag von Walter Benjamin (1892-1940) in Auftrag gegeben für die Sendung "entartet" von Christian Clement (ein Name, der bei Würzburgern Erinnerungen weckt an
die 80er und ans alte AKW ja, so klein ist die Welt). Gerald
Fiebig seinerseits ist eine eingeführte Marke, in Augsburg als
Leiter des Kulturhauses Abra(..."nach dem nachkrieg", 2017,
xas, als Macher von Gedichten"motörhead klopstöck", 2020)und von Radiostücken, durch
Attenuation Circuit und bei Bad
Alchemy durch zuletzt "Gasworks". Mit Hommagen an Luc
Ferrari und Alvin Lucier verriet er etwas von seinen klangweltlichen Präferenzen, mit
ter Klingenbeck" (über einen"Akustisches Denkmal für Wal19-jährigen Widerstandskämpvom NS-Regime ermordeten,fer) oder "Wien 12.02.1934"(über das Niederkämpfen derösterreichischen Sozialdemokratie durch die Austrofaschisten) positionierte er sich engagiert. Bestärkt durch 'Exploding the atmosphere: Realizing the revolutionary potential of"the last street song"', Bruce Russells Beitrag zu "Reverberations - The Philosophy, Aesthetics and Politics of Noise", findet Fiebig in Benjamin die Gestalt, die ästhetische Fragen(Der Sürrealismus, Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit...)besonders dia-gnostisch verknüpft hat mit ethischen (Über den Begriff der Geschichte,
Theologisch-politisches Fragment...). Benjamin hat in sich mit seinen Denkbildern und
kleinen Kunst-Stücken (Berliner Kindheit um neunzehnhundert, der Gestalt des Flaneurs,
des erfahrungsarmen Nachkriegsbarbaren...) ja quasi Das abenteuerliche Herz und Der
Arbeiter von Ernst Jünger mit Ernst Blochs Spuren und Erbschaft dieser Zeit vermittelt.
Fiebig liest Zitate aus den genannten, für Benjamin grundlegenden Texten, und Sätze aus
dem "Passagen"-Fragment. Er lässt Benjamins Engel im Windkanal der Geschichte sichvergeblich gegen den Sturm stemmen, der vom Paradies her weht und eine Spur der Verwüstung zieht. Wo der Zug der Weltgeschichte in die falsche Richtung rast, wird der Griffnach der Notbremse zum revolutionären Akt und Leitmotiv. Fiebig stellt die Hörer dabei inWind und Regen und mit Benjamin in eine Zeit, in der das Telefon noch als Alarmsignal
klingelte oder dem Vater als Ventil für Donnerworte taugte, während er selber zum Hörer
griff, um gebannt einer fremden Stimme zu gehorchen. U-Bahn-Lärm und Noise zerren an
den Nerven. Poes 'Man in the Crowd', dessen abrupte, fieberhafte Bewegungen die Maschinerie imitieren, die auch der Konjunktur und den Waren ihre Stöße versetzt, korrespondiert zu Fiebig'scher Bedröhnung mit dem entschleunigten Drogenrausch, dem sichder Baudelaire'sche Flaneur in Paris überlässt, und mit den Opfern der urbanen Berauschung, die Friedrich Engels im Gewühl von London registrierte. Der Lärmzug nimmt Fahrt
auf für das Geprickel von Zitaten als unterbrochenem Zusammenhang und herausgeschlagener, vervielfältigter Überlieferung, eingedreht in Loops, als Cut-up montiert in ein
musikalisches Potpourri mit Weimarkolorit. Und mittendrin steht der in einem Kraftfeld
zerstörender Ströme und den Erschütterungen der Warenwirtschaft zerrüttete Mensch,der ein paar Schraubendrehungen der Geschichte weiter, noch bequemer geworden als
Benjamins 'Etui-Mensch', vom erträumten Ruin der Bourgeoisie und einer Veränderung
der Eigentumsverhältnisse nichts mehr weiß. Der 'destruktive Charakter' ist von Benjamins nihilistisch-sürrealistischem Wegbereiter und revolutionärem Umwälzer zum bloß noch
reaktionären Hosenscheißer mutiert. Eine Blockflöte schreit erbärmlich, der Reistopf
brodelt, kein Volk, kein Aas hört die Signale, die Klampfe ist verstimmt, kein Gassenhauer
hat mehr verborgene Kräfte. Kein Wunder, dass ich Die Ordnung des Profanen hat sichaufzurichten an der Idee "des Clubs" höre, wenn Fiebig von Benjamins Idee des Glücks
rappt. Denn der Feind hat zu siegen nicht aufgehört, und die Lokomotive rast ungebremst
weiter. Entsprechend schrill der Alarm, um den katastrophalen Flow zu unterbrechen,
damit es nicht ewig so weitergeht, barbarisch über die hinweg, die am Boden liegen.
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[Psych.KG] \ E-Klageto (Euskirchen)
Man kennt ihn als Human Flesh, manche auch durch Pol Silentblock (mit Daniel Malempré)oder Subject (mit noch Mirella Brunello, seiner Partnerin auch in Cortex), am ehesten
jedoch mit seiner Frau Nadine Bal als Bene Gesserit, doch Alain Neffe (*1949) ist einganzes Pluriversum. Vor allem mit dem Kult-Label Insane Music und den Serien "Insane
Music for Insane People" und - ebenso crazy but chic - "Home-Made Music for Home-Made
People", quer durch die 80er. Potlatch Music Vol.1 & Vol.2 (Exklageto 30, 2xCD) greift zurück auf seine Zeit in Charleroi, als er zwischen April 1979 und April 1982 zusammen mit
Xavier Stenmans : Voice & Texts und Guy Marc Hinant (*1960) an Pianet, Percussions,
Guitar & Casio Mini Organ als PSEUDO CODE versuchte, die Kurve von Kosmose zu den
Wellenkämmen der neuen Zeit zu kriegen. Er setzte dabei Synthesizer, Strings Organ,
Rhythm Box, Soprano Sax, Indian Flute & Vocoder ein, mit der Agenda: "We play potlatch
music which is emotional music, or more accurately emotional sounds, because we are notmusicians." Die Zeitebene ist die der ersten Begegnung von Neffe und Nadine (1980), dieder ersten "Insane Music for Insane People"-Compilation (1981) und von Bene Gesserits
Debut "Best Of" (1981), die Musik, oder besser, der Sound von Pseudo Code ist jedocheine Fortsetzung der Kosmic Music, die Neffe schon von 1974 bis 78 mit Francis Pourcel,
Malempré und Hinant als Kosmose freerockig und psychedelisch ausgekocht hatte und die
mittlerweile auf Sub Rosa erschienen ist. Denn Hinant hat das Brüsseler Label 1984 mitgegründet und einen eigenen Mythos geschaffen, mit Mark Stewart + Maffia, The Camberwell Now und W. S. Burroughs als Wegweisern durch ein Multiversum der avantgardistischen Entgrenzung, Dekonstruktion und Wiederverzauberung. Die mit Pseudo Codekreierten und 1980/81 bei Sandwich Records (einem Vorgänger vonPlay It Again Sam) auf Kassetten publizierten Tracks sind also ausgespannt (gewesen) zwischen Auschwitz-Birkenau und stürmenden russischen (?) Soldaten (den Covermotiven) vor einem Horizont
aus George Bataille (Potlatch), Deleuze (Sub Rosa) und Frank
Herberts "Dune" (das Klaus Schulze schon 1979 als Brain-Foodverkostet hat - als 'Spice'/Melange, das die "navigation trance" herbeiführt, by which a translight pathway could be "seen" before it
was traveled). Neffe & Co. genügten tea and tart. Theoretisch ist
der Bruch oder Übergang von (hippiesk) eskapistischer Old-SchoolPsychedelik zum (postpunkig abgeklärten, post-industrial gehärteten) New/Cold Wave zwischen Kosmose und Pseudo Code ähnlich verunklart wie die Melange aus Krautrock, Surrealismus, Dadaismus, Musique concrète, Noise, Ambient, Freak Jazz und Elektropop, aus der Steve Stapleton sein Lebenswerk mit Nurse With
Wound schöpft. Praktisch machen vor allem maschinenrhythmische, synthie-minimalistische Monotonie (als 'Nova Pattern' neben
handgefertigtem Drumming) einen Unterschied und der (intuitiv
improvisierte?) exklamatorische Singsang von Xavier S., in dem Jac
Berrocal und Mark E. Smith anklingen. Und mittendrin als großer VEffekt 'Surrounding 1 (7 to 7.32 AM)' als halbstündiger O-Ton vonAlltags- und Verkehrsgeräuschen in Charleroi. V wie Verfremdung,als Rückverweis an die Wirklichkeit da draußen auf den Straßen,
den Gehsteigen, in den Fleischerläden..., auf dem Wüstenplaneten
vor der Tür, am kohlenschwarzen Arsch von Belgien. Im Grunde
genommen taugt da jeder Ort, um (so Neffe im Interview) a little bit
insane, or at least, musically insane zu werden und das mit acertain sense of humor, and a need for “human” contact zu verbinden. Um zwischen launigem Spleen und der Keyboard-Melancholie von 'Surrounding 2' zu pendeln und mit Spirou & FantasioSpirit die Dutroux-Dämonen zu exorzieren.
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Public Eyesore \ Eh? (San Francisco)Free Improvisation, Avant Rock, Electroacoustic, Concrete;
Progressive & Regressive; Insider & Outsider. Kurz: Abnormale Sounds seit gut 20 Jahren. Das Mutterlabel offeriert
sie auf CD und brachte es mit "Gaze Emanations" von Pet
The Tiger, einem wilden Oktett mit David Samas, Tom Djll,
Gino Robair und PE-Macher Bryan Day, auf # PE145. Halt,da wäre ja schon wieder Isopleths (PE146) von EUPHOTIC,
mit wieder Bryan Day mehr oder weniger perkussiv undklangskulptural an invented instruments (wie Displacement
Rails, Rotowhisker, Sonic Marionette, Sound Mouse, Junk
Kalimba oder Zithselqier), die er solo einsetzt als Eloine, fürelektroakustische Improvisationen mit Bad Jazz, für tobendes Gedröhn und metallischen Krach mit Collision Stories
oder freie Improvisationen mit Shelf Life. Dazu wieder Tom
Djll an Trompete & Electronics und Cheryl Leonard, die
Treibholz, Sand, Steinen, Federn, Schilf, Pinguinknochen,
Kiefernnadeln und Muschelschalen Geräusche entlockt. Fürelektroakustische Surrealismen, zum Borromäischen Knoten geschlungen aus natürlich, physikalisch und imaginär.
Wer kann, der mag sich da an Anomalous Records erinnert
fühlen, an Eric Lanzilotta, Richard Lerman, Points Of
Friction, Dave Knott... mein Gott, auch schon wieder überzwanzig Jahre her. Djll würgt, saugt und pustet aus derTrompete rück- und querwärts die unmöglichsten Klänge,stöhnend und gurgelnd, dumpf oder brodelig und oft so,dass man außer der Trompete auch noch das Mundwerk
bezweifelt. Und die sirrenden, zwitschernden, irrwischenden Impulse, das ist ja wohl auch er? Beidseits bekrimskramst, sind Day die metallischen Akzente, Leonard dieraschelige Finesse zuzutrauen. Die Stichwörter 'Sulfolobus'
und 'Lithotroph' evozieren Archaebakterien, Prokaryoten
und brodelige Smoker am Meeresboden und jene natürlichen Tiefen, in denen sich auch der 'Histioteuthis bonnellii',
der Segelkalmar, rumtreibt, ominös überrauscht, dumpf
umraunt und beblubbert. Die imaginäre Unterwelt, in der'Pluton' herrscht, ist gleich um die Ecke, da wo's Steine gibt
und wenig Brot. Da, wo man vielleicht nicht 20.000 Meilen,aber doch tief unter dem Meer ins Dunkle staunt und das
mit stammelnden Funksprüchen nach oben meldet. Heutenoch der Lebesraum Bosch'scher Bizarrerien, vor 3,77
Milliarden Jahren aber die Ursuppe, aus der dann ein
Klümpchen Schleim in einem warmen Moor hervorgehen
würde. Und etwas später Borstenmäuler ('Bristlemouth')wie Sigmops bathyphilus oder Groucho Marx. In diesem
submarinen Phantasia werden Kakteenstacheln gepluckert,
Seepferden galoppieren, Djll nöckt Wassermusik, Day klappert und dongt als Blechmann sehr weit weg von Kansas.
Alle drei verheddern sich in kakophoner 'Echolocution', ja,
EK oh lo koo shun. Tropfen plätschern, Steinchen scharren,
ein Gong dongt, der Kraken schnarcht. Ich würde ja gern
mit ihm träumen, wenn nur nicht die euphotische Zone inden USA so mit Jauche besudelt wäre.
62Von Eh?, das 2016 nach eh?88 umstieg von CDr auf Audio Repository Tapes, erreichten
mich vier davon, darunter gleich mal Joyous Junctures (eh?107, C-60 in Purpur) von
JAAP BLONK. Mit der losesten Zunge weit und breit taucht er in elektronisch wobbelnde Wellen, er lässt spitze Wooshes umeinander jaulen, er flüstert, zischt, keucht, maultrommelt, ganz Chatterboxer, Geräuschebrutzler, Schlabbergosch, Klimperheini, kaspernder Kinder- und Spießerschreck. Er bringt KIs Kannitverstan bei, er schmachtet
als Crooner, kakophont, brrrrät Duckburger, lässt Mike Patton mit Phil Minton scharmützeln. Er käseorgelt, schnappt und hechelt Umlaute und dreht die hühnerbeinigen
Sirenen in Hypergeschwindigkeit schwindlig. Er klöppelt zu einem träumerisch gedehnten Zeitlupensong, lässt die Luft aus einem Luftballon brausen, hurzt unisono mit R2D2, furrrzt auf Deklarationen in fernöstlichen Dialekten. Cling-Yin hin, Yang-Clang her,
Blonk gurgelt cholerisch mit gurrenden Friedenstauben, er singt, pianoumtobt, gaga àgogo und, zu Stabspieldingdang, einen Lovesong, er kämpft Zungenkungfu mit einem
aggressiven Reißverschluss, lässt eine Computerstimme näseln. Gegen Blonks Sturmund Dachschaden gibt es keine Hagelversicherung.
Nisip Noaptea (eh?110, C-60 in Schwarz), rumänisch für 'nächtlicher Sand', entspringt
der Phantasie von GUIDO HÜBNER von Das Synthetische Mischgewebe und JOHANNES BERGMARK, einem Skeptiker und Neosurrealisten, der, Jg. 1963, in Stockholm
schon dem Fylkingen vorstand. Er macht elektroakustische und Text-Sound-Stückeoder improvisiert, mittlerweile mit etwas, das er 'Platform' nennt, einem Tisch voller
tönender Gimmicks. Pure Psychic Automatism ist mit das Entscheidende, an dem ersein Lebenswerk aufhängt. Mit seinem Sammelsurium von verstärktem Krimskrams
kitzelt er den Teufel in tausend Details, und Hübner folgt ihm in die molekularen und
granularen Strukturen knisternder und knarrender Schichten. In klirrenden und bebenden Winkeln mischen sich, kaum unterscheidbar, perkussive mit elektronischen,kontaktmikrophonierte mit geloopten Spuren. Drahtige Reibung kreuzt sich mit holziger, blechernes Touchieren mit dem Zirpen von Saiten, mit körnigem Rieseln, kurvendem Surren. Wenn man sich zur Hörschwelle runterbückt oder in der Nacht große
Ohren macht, tun sich entropische Abgründe auf, in der unaufhörlich die winzigen
satanischen Mühlen der Auflösung stampfen und hämmern.
Mein Favorit als Reisemuffel ist Indochina Soundscraps (eh?112, C-44 in Weiß), O-Ton
aus Vietnam, Laos und Cambodia, die ABIGAIL SMITH in Santa Fe zu einem Eastern fürdie Ohren geschnitten hat. Aus Fahrten in klapprigen Zügen, dem Sprechchor von Erstklässlern, dongender Ritualmusik, einer zarten Flöte allein, einem Karaoke-Schmachtfetzen in Low-Fi, Verkehrslärm, mehr Getrommel, Saxofonschmus und Entenquak,
Katzenpop in schrägen Gelbtönen und einem Mahamantrachor a capella. Und zuletztächzt nochmal der Zug.
Bei For Eternity (eh?113, C-30 in Blau) sitzen Frans De Waard & Sindre Bjerga im
Februar 2019 im Rotterdamer Worm und angeln nach dem Leviathan. Der eine aus
Nijmegen, der andere aus Stavanger, fischen schon eine ganze Weile als TECH RIDERS
im Ocean of Sound, selbst wenn's ihnen in die Suppe hagelt oder ein Hubschrauber die
Anglerruhe stört. In der Hoffnung, dass eine kleine Melodie anbeißt, die einem ja nicht
zufliegt, wenn man kein Vogel ist. Was sie jedoch herausziehen aus trübem Wasser,
sind Schlingpflanzen, ein alter Schuh und verrauschte Tonbänder, mit Stimmfetzen,
Gewisper, surrig brodelndem Noise. Ein Fußgänger streift vorbei, drumrum markieren
Vögel lauthals ihr Revier. Die Bänder sind zerknittert, die Stimmen verzerrt, durch Fast
Forward zu Dünnpfiff verhuscht, ruckartig zerblitzt, ins Paranormale und Xenophoneüberdreht, und zudem pläddert auch noch Regen. Doch zu den Wummer- undDröhnwellen, zu der zu fernem Turmuhrschlag sirrenden Tonspur, glimmt immer nochdas ewige Licht am bemoosten Denkmal der Tape- und Sound Art, an dem Bjerga & De
Waard mit pochenden Herzen ihre Blumen hinlegen - "From Eternity With Love".
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Sofa (Oslo)
Wenn die Geigerin Vilde Sandve Alnæs und die kürzlich erst wieder bei Martin Taxts "First
Room" begegnete Kontrabassistin Inga Margrete Aas, kurz VILDE&INGA, ihr drittes Album
auf Sofa nach dem Aufsehen erregenden Buch des Anthropologen Eduardo Kohn How
Forests Think (SOFA584, 2xCD) nennen, dann wohl wegen dessen 'ecology of selves', die
Menschsein sich nicht losgelöst vom 'Nichtmenschlichen' vorstellt, sondern immersiv,
eingebettet in lebendige, animierte, signifikante Selbstheiten. Statt Descartes "Ich denke,
also bin ich" gilt "Ich bin, also bin ich irgendwo". Kein Dasein ohne Wosein. Kein Wosein
ohne Silence & Sound. Die beiden Norwegerinnen unterstreichen das mit der Philosophie
von Raum und Zeit von Edward S. Casey, wie er sie in "Getting Back into Place: Toward a
Renewed Understanding of the Place-World" und "The Fate of Place" entfaltet hat. To beat all - to exist in any way - is to be somewhere... Place is as requisite as the air webreathe, the ground on which we stand, the bodies we have. Peter V. Swendsen, Komponist von etwa "Allusions to Seasons and Weather", windet dazu poetische Zeilen undbringt Vilde&Inga disko- & bibliografisch in einen mit Stichworten wie Echolocation, Ecofeminism, Aural Landscape, Natural Soundscape, Deep Listening, Tuning of the World verfädelten Verbund mit John Luther Adams, Alvin Curran, Katherine Norman, Pauline Oliveros, Maggi Payne, Éliane Radigue, R. Murray Schafer, Hildegard Westerkamp, Jana Winteren... Die beiden bringen ihr In-der-Welt-sein an vier Ortsterminen zum Klingen: Drinnen
im Emanuel Vigeland Mausoleum und im Newtone Studio und draußen am Spikertjern,
einem kleinen Waldsee in Oslos Hinterland, bzw. am Hafenufer mitten in der Stadt. Allerdings, wenn ich recht höre, so durchmischt, dass das Wo verwischt. Es beginnt mit einem
helldunklen Gewebe aus flimmernden und diskanten Strichen sowie angeraut sonoren.
Die Basstöne driften mit einem Schleierschwanz an Sustain dahin, den der französischeSoundtechniker Benjamin Maumus dazuzaubert. Aber dann beginnt die Geige zu urigen
Tieftönen auch col legno zu beben und zu flattern. Die beiden Instrumente 'atmen' gemeinsam harmonische, leicht zwielichtige Dröhnwellen. Sie knistern oder sie klopfen, wie knatternde Geigerzähler, wie Regentropfen, sie fauchen wie Wind in stillgelegten Tunneln. Und
finden zurück in eine halbwegs harmonische Spur, wenn auch mit melancholischem unddiskantem Anstrich. Und einem Vogel, die ihnen was pfeift. Vögel gestalten die IX. Szene
sogar lange ungestört unter sich, bevor Vilde&Inga sich in bruitistischer Camouflage undvorsichtig schleifendem und wummerndem Pianissimo dazu tasten. Auch in die XI. Szene,
die ans lappende und tickende Ufer führt, zu Möven und Motorengeräuschen im Hintergrund, fügt sich die 'Musik' unauffällig tappend ins Bild. Dann beginnt der Bass, windumrauscht, zu surren, Alnæs macht zahnradfeine Geräusche, gefolgt von melodisch pickendem Pizzikato zu Bassbogenstrichen und Vogelgezwitscher. In weiterhin leise rauschende
Outdooratmo setzen die beiden zuletzt nochmal klangvoll gestrichene Diskanzen, surrend
und sirrend in gespalten und windschief hohen und knurrig tiefen Lagen, Strich für Strich,
meditierend und lauschend. Mit Swendsens Worten: Generosity of absence. Continuing
variations. Invocations... breathing in local stillness... Momentary and ephemeral.

Foto © Peter Ganushkin64

Village Green (London)
SNOW PALMS ist seit 2011 ein Projekt von David Sheppard, Autor von "On Some Faraway
Beach: The Life and Times of Brian Eno" und Spielgefährte von Keiron Phelan (in State
River Widening und als Phelan Sheppard), von Peter Astor (in Ellis Island Sound), von Darren Hayman. Nach "Intervals" (2012) und "Origin of Echo" (2017) rückte Matt Gooderson
an seine Seite, Senior Lecturer an der Westminster School of Arts und musikalisch unterwegs gewesen mit der Londoner indie-electro band Infadels. Land Waves (VG057, LP/CD)
ist mit Micro-Synths, Philicorda, präp. Piano, Diddley Bow, Buddha Machines bzw. Modular
System, Synthesizer, Piano, Orgel, Bass, Tapes, Treatments und beiderseits Marimba, Xylophon, Glockenspiel, Drums und Percussion orchestrierte Minimal Music. Ein animiertes,
welliges, repetitives Pulsen im stabspielerischen Atomic Style, ungeniert mit dem Apollinaris von Glass und Reich besprudelt, angereichert mit heller, rhythmischer Vokalisation
von Megan Gooderson und munteren Stößen von Klarinette, Bassklarinette, Flöte oder Sopranosax. Gleich 'Atom Dance' knüpft an den mitreißenden, euphorisierenden Sog der'Music for Mallet Instruments, Voices and Organ' und von 'Tehillim' an - Midori Takada... auf
Speed? Caterina Barbieri? Nein, mir kommen allenfalls noch Eskatons "4 Visions" in den
Sinn. 'Everything Ascending' behält mit glockenspielerischem Gefunkel den schwindelerregenden Trancetaumel bei, mit pumpenden Bassklarinetten als tanzenden Derwischen,
bei 'Evening Rain Gardens' mit Vibestropfen als marschierender Marionettentruppe undklagendem Oooh. Das Titelstück als gläserne Klimperei in pochendem Duktus, den zuckende Reed- und Flötentöne zustimmend abgehaken, wirft optimistische Muster auf
einen melancholisch schnarrenden Hintergrund, den Megan mit ihrem UuuUuu mit andunkelt. Ohne jedoch den zu crashenden Becken vorwärts rockenden Flöten-Drive bremsen zu
wollen, nein, sie stimmt ja jubelnd mit ein. 'Thought Shadow' lässt aber die Sorge nicht
gänzlich fahren, so dass 'Kojo Yakai' als fernöstliches Mantra und xylophones Gamelan ähnlich 'Voudoun' auf John Zorns "In the Mirror of Maya Deren", aber mit ätherischen
Vocals - den Optimismus noch einmal mit Nachdruck einhämmert. 'White Cranes Return'jedoch hebt allzu große Naivität auf in einem Lob des Schattens und des Kranichs als
Symbol der Wachsamkeit und Beharrlichkeit.
Von BEN CHATWIN habe ich zuletzt seine "Altered Signals" (2019) empfangen, gesendet
aus South Queensferry am Firth of Forth, unweit von Edinburgh. Aus schottischen Tiefenerinnerungen ausgeformt als dunkles Ambiente, mit leidvollen Spuren vom Bau der ForthBridge, von den Hexenverfolgungen, bis zurück zu den heidnischen Anfängen. Bei The
Hum (VG058, LP/CD) ist er ganz Ohr für den Genius loci, den in den Mauern seines Hauses
summt und in den Gerätschaften seines Heimstudios. Er hebt den Eigenklang seiner
Klangsphäre hervor mit wieder auch antiquierten Analogsynthesizern und auch wieder
den Strings von Pumpkinseeds. Hörbar vielleicht nicht, aber doch eingeflossen sind dabei
Interferenzen mit dem Funk kreuzender Flugzeuge ('Interference') oder die verbliebenen
Ameisenspuren auf an sich gelöschten Tonbändern ('War of the Ants'). Als gespenstische,
unheimliche Spannung ('Creepy Strain'), die aber gesucht erscheint, wenn man sein
Heimstudio 'The Vennel' nennt, also Gasse, Durchgang - exemplarisch etwa die Miss Jean
Brodie Steps in Edinburgh, die zum Greyfriars Kirkyard führen. Wobei Chatwin der 'Ghost
in the Machine' tatsächlich erscheint. Er lässt Wellen pulsen, Beats klopfen und stampfen,
Elektronen zischen und die alten Synthies ächzen und rauschen. Die Strings flimmern mit
in anbrandenden Schüben, zu Läufen in hastendem Tempo, zu harmonischen, aber mit
Melancholie und Patina überzogenen Schlieren und wieder bepulsten Klangwolken. Die
Stimme von Kirsten Norrie geistert dagegen für mich unerkennbar mit und geht in
Schneegestöber ganz unter. Dumpfer, dunkler Puls mischt sich mit paranormalen Tonbandstimmen und verrauschten Funkdurchsagen, überschimmert von den sanften Streichern,umwummert und umsummt von tiefen Frequenzen. Erst zuletzt wird der Beat zum leichten
Klingklang in tupfenden Wellen, die eingehen in den Zeitlupenflow weich orgelnder, mithellem Sirren gesäumter Dröhnwellen. Selbst Gespenster legen sich da beruhigt aufs Ohr.
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Die französische Multiinstrumentalistin undSängerin ANGÈLE DAVID-GUILLOU war von"Writers Without Homes" (2002) bis "Life Has
Not Finished With Me Yet" (2012) involviert bei
Piano Magic und mit Labelkollegen auf Second
Language in die Post-psych Baroquetronic Folk
Music von Silver Servants. Mit Klima beschallte
sie das neue Millennium, das sich doch nur wie
das alte mit weiteren Nullen anfühlte, mit ihrer
eigenen Empfindsamkeit und dem nach London
transferierten Bonjour Tristesse der Generation
Y. Seit 2013 offeriert sie auf Village Green mit"Kourouma" & "En Mouvement" satieske Pianound fragile Minimalmusik in neoklassizistischer
Simplicity, die sie bei "Mouvements Organiques" in dröhnenden Orgelwellen anbranden
lässt und bei "Sans Mouvement" dröhngewellt
und zeitvergessen weiterführt als gebendes,
nehmendes Equilibrium. Ihr Faible für Sagan
und Duras hallt darin ebenso wider wie ihre
Lektüre von Sartre, Lessing, Coetzee und Amadou Kourouma und ihre Faszination für Tarkovsky, Cocteau, Visconti und Resnais, für die
Minimalismen von Gurdjeff, Glass und Moondog, für barocken und für Ausdruckstanz. Daran knüpft sie nun auf A Question of Angles (VG
061, LP/CD) an mit Kompositionen für Saxofonoktett, für Streichseptett und für zwei Cellos,
die miteinander spielen wie die blauen Affen in
der untergegangenen Kykladenmetropole 'Akrotiri'. Jeweils gezielt angereichert mit tiefsten
Bläsern und von ihr selbst: Mit Pauke undGroßer Trommel beim stampfenden und zuckenden Stakkato von 'Valley of Detachment',
das aufmarschiert wie Cäsars Armee in Gallien- Miraculix hilf! Mit Piano und Synthesizer zum
heulend klagenden Theremin von Lydia Kavina
beim Titelstück als Rückmarsch einer geschlagenen Armee und feierlichem Trauerzug. Mit
Minimalpiano, Swinglesang und Celesta bei den
von Basssaxofon beknarrten Wellen von 'Absolutely Not', dessen von Piccolo betrillertes Pulsen und Schrammeln die feinen Streicher besänftigen. Bei 'Forgetting Trees' mit melancholisch gradualem Piano, Philicorda, Farfisa und
Moog zu nur Flöte und Fagott. Bis zuletzt das
Wechselspiel aus pulsender Bewegung und
Tristesse, von Reeds und Strings, gipfelt im
orchestralen Alltogether von 'Quid Pro Quo' mit
auch noch 7-zungigem Aaa und Englischhorn.
Als Tanz der Mädchen, aber alles Barbarische
wie mit Purpur und Safran minoisch verfeinert.
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... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
IAN DOUGLAS-MOORE & PÄR THÖRN
Story Destroyer (Firework Edition Records, FER1132): Douglas-Moore ist ein
Künstler in New York, der mit Gitarre,elektronischen Sounds und Feldaufnahmen Raumklang texturiert, in Partnerschaft mit etwa Paul N. Roth oderDavid First & The Western Enisphere.
Öder auch mit Thörn, einem 1977 in
Uddevalla geborenen Autor, Konzeptkünstler & (sogar des Syldavischen
mächtigen) Lautpoeten in Berlin, der mit
Radio, präparierten Lautsprechern und
Tonband auch Klangkunst fabriziert - wie
etwa mit Leif Elggren "Variations on a
Theme by Pierre Degeyter (Celebrationof a Revolution)" (2009) - und der dabei
sowohl Åke Hodell und Sten Hanson als
auch Borges und Öyvind Fahlström
weiterdenkt. Hier tönen die beiden, teils
live im Berliner Ausland, wie auf Sinuswellen surfende und an Gullys nagende
Kanalratten. Thörn köchelt was, sein
Partner plonkt E-Gitarrensaiten, knurrige Drones ziehen über Gebrodel undelektrische Grillen hinweg. Noise trillbohrt, furzelt, pfeift und sticht. Dunkle
Gitarrentöne werden hell umsirrt, gelegentlich knacken harte Schläge, eine
pfeifende, vibrierende Dröhnwelle wird
rauschend oder schleifend gestört. Von
Draußen hört man Verkehr, von Ichweißnichtwo ein paranormales Stimmphänomen. Im Untergrund dongen und rucken
rhythmisch unrunde Laute wie ein defekter Tonbandloop, stechende Impulse
machen den stottrigen Duktus nicht
glatter, der zuletzt von einem Rumoren
verschluckt wird. Zwei, drei Frequenzen
tickern und pulsen auf lärmigem Fonddurcheinander, ein abgefeuerter Feuerwerkskörper schneidet hin zu Gebrumm
einer Fähre, einer rufenden Kinder- undeinsilbigen Vogelstimme, durchzogen
von einer 'flötenden' Welle. Das eine ist
Brooklyn, das andre Hanoi? Ihr Katachreten! Ihr Anthropopitheken! Schizo
am Arsch!

EC Oxid (Nueni Recs., NUENI #10): EC
steht für Estanis Comella, der im katalonischen Lleida Bild- und Klangkunst macht,
vorwiegend konzeptionell, meist in Schwarzweiß. Publiziert oder ausgestellt ist das mitÜberschriften wie "Arkaeology", "Open
Source X Data", "AMP XX" oder "part of the
Mirror becomes a razor when it’s broken".
Zu den mageren und kryptischen Datenhier - Titel wie 'ISXS', 'LIKA', 'NITE'... gehört ein Text, der spiralig auf die CD
selber gedruckt ist. Von der Kontemplationeines Brunnens mit Kaulquappen gelangt
man da zum Klangspiel mit eisernen Bändern, metallisch und silbrig gesäumten
Frequenzen mit dem Beigeschmack vonRost, Zerfall und Vergänglichkeit. Aus derinhärenten Gitterstruktur des eisernen Tönens, aus den Maschen und Falten aus
Stille, Schwerkraft und Noise emaniert ein
synästhetischer Zauber wie von Seide oder
Tulpen, noch feucht vom Tau. Something
cheerful. Assoziationen, die man nicht unmittelbar teilt, wenn dazu Comellas Noise
einsetzt. Als knattriges Klopfen mit kratziger, stechender Schärfe. Ein Spitfire schartiger Beats in schleifenden oder pixeligen
Ketten, hämmernd, stanzend, mit kakophonen Spänen, glissandierenden Wooshes. In repetitiven Mustern, wechselnden
Tempi, mit Sand im Getriebe, der den Drive
ins Schleudern bringt. Aber neue Motive
bringen immer wieder neuen Schwung,synkopiert in ungeraden Brüchen neben
sturer Automatik und launig krachenden
Impulsen. Eisenhaltige Breakbeats scheitern an Schlaglöchern und Engpässen,
wampiges Quallen rammbockt mit hymnischem Enthusiasmus gegen Hindernisse,
schafft freie Bahn für Beatwirbel, Dissonanzen wechseln auf die Überholspur. Es
klackt und zischt, ruckt und zuckt, tuckert
und tockt, stottert, flattert oder surrt undführt zunehmend harmonische Fetzen undsogar einen himmlischen Chor mit. Ich bin
weit davon entfernt, aus Comella schlau zu
werden, aber an dem 'cheerful' ist echt
nicht zu rütteln.

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GEINS'T NAïT + L. PETITGAND Like thismaybe or This (Ici d'ailleurs / Mind Travels,
MT12): Eine neue Etappe auf der von Thierry Mérigout und Laurent Petitgand, dem
1959 in Nancy geborenen Hauskomponisten
von Wim Wenders - von "Tokyo-Ga" (1985)
bis "Papst Franziskus" (2017) - , mit "Je
Vous Dis" begonnenen und mit "Oublier"
fortgesetzten imaginären Reise. Oder Reiseins Imaginäre? Zuletzt tauchte Uruk da ein
in das "Mysterium Coniunctionis" (MT11), in
C. G. Jungs psychischen Kontrapunkt aus
Persona und Schatten, in William Blakes
Polarität von Urizen und Orc. Bei den Abenteurern aus Nancy ist Mérigouts Phantasie
etwas mehr post-industrial aufgeraut, Petitgand hat eher ein Feeling für Melodisches.
Zusammen entfalten sie zur dystopischen
Optik aus leeren Regalen und Schließfächern ein Narrativ aus Geraden, Kreisen,
Zickzack oder Pirouetten, mit Elektrobeat,Drones und Strings. Bei 'Naga' mit tristem
Piano und Streicherweh auf einem einsamen Bahnhof in einem der hinterindischen
Reiche der mythischen Schlange. Bei 'HAC'
mit verrauscht hackendem Beat und schleifenden Spuren zu nun wirbelndem ÖlfassTamtam und Mövenschreien meinetwegenin Le Havre. 'Chut' bringt zu schleppendem
Beat, tickendem Wecker und wieder trübsinnigem Klavier eine desillusionierte, vonNoise verschleierte Frauenstimme. Ist '22'
ein Code für Brigitte Bardot? Der Beat ticktackt monoton zu verschlierten Strings undsurrenden Mysterien auf asiatischen Straßen. 'Guido Io' - ich fahre, fahre ich? Mit komisch knarrendem Anstrich im Kriechgang
einer Raupe zu Déjà-vus von Philip Jeck.
Führt 'Bago' nach Myanmar? Das Piano brütet zu motorischen Stringschraffuren, bis
mit einem Ruck ein vokaler Loop einsetzt.
Stampft das verrauschte 'Pecno' im hinterwäldlerischen Heu-Stroh-Marsch? Beklagt'Dustil' mit schmerzlicher Geige einen, derin den Staub gebissen hat? 'Liber', führt,dur et doux, mit Klack- und schnellem
Shaker-Beat und verzerrter Trompete ins
Bluesige. '37' mischt vokales Umpa-umpa
mit orchestralen Fetzen und Abrisskrach.
Bis zuletzt 'Aphro' zu zirpendem Loop undrauen Schüben mit melancholischem Piano
aus dem Schaum dieser Reise auftaucht
und das Liber Mundi zuklappt.

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JAVIER HERNANDO Jardín náufrago (La Olla Expréss, LOECD031):
Die Anfänge dieses Klangkünstlers
in Barcelona lassen sich zurückverfolgen bis Ende der 70er unddem Projekt Xeerox, aus dem erdann hervorging als Melodinamika
Sensor, mit dem Kassettenlabel Ortega y Cassette und unter eigenem
Namen mit etwa "Destellos Mercuriales" (1990), oder, auf Geometrik neben Esplendor Geométrico,"Luz Nacarina" (1999) und "Hydro
Parhelia" (2002). Auf La Olla Expréss, einer Kulturplattform, dieauch das NoNoLogic Festival veranstaltet, offeriert er 8 Tracks, die
er mit sintetizadores y efectos gestaltete und illustrierte mit Impresiones von Ángel Lalinde Laita (derin Zaragoza als A.L.L. selber Musikmacht). Und er tut mit Hugo von
Hofmannsthals 'Psyche' auf derTräume Pforten, nicht mit verzauberten Worten, doch mit wie metallener Flüsse grellblinkenden Wellen... Mit Meeresleuchttierchen ('Noctiluca'), die bei Neumond ('Novilunar') in den Wellen, den meergrünen ('Verdemar'), funkeln. Der Katalane steuert, die Küste als 'Exorama' vor Augen, auf 'Port Radium'zu. Aber nicht in Häfen, auf Wellen
ist er in seinem Element, Schiffbruch bildet seinen Horizont. 'Noctiluca', wo in submarinem Brodeln
Meerjungfrauen locken, erscheint
mir neben 'Vista Rasante' als dunklem, körnig durchschossenem Tauchgang und metallisch berührtem Klingkling als gelungenste Episode in
Hernandos Oktett changierenderMuster. Mustern in sirrendem, metalloid schillerndem Moiré mit feiner
Flatterwelle, orgelig in harmonischen
Schwingungen, in rhythmisch knarrender, quirlig überholter, dumpf
unterwühlter Wallung, als schnell
pulsender Flow, hoch-tief gewelltes
Minimal-Pattern oder quecksilbrig
umgluckstes Dröhnen, das zuletzt
uhrwerkartig auf so etwa 260 BPM
hochschaltet.

VITOR JOAQUIM The Construction of Time (Own Release 07): Manche empfinden die Zeit
als Spinschaum der Tage, andere als freien Fall, nach Carlo Rovelli, Quantenphysiker undAutor von "Die Ordnung der Zeit" und "Und wenn es die Zeit nicht gäbe?", ist sie ein thermodynamischer Prozess, erlebt als emotive Klebstelle von Erinnerungen und Erwartungen. ...like some uncanny foretaste of a bitter memory. Joaquim reiht in Sétubal seine
eigene Wahrnehmung von und seine Gefühle zur Zeit tönend aneinander: Von "La Strada
is on Fire (and we are all naked)" (2003) über "Flow" (2006) bis "Impermanence" (2018)
und "Nothingness" (2019, alle auf Crónica). Entgegen dem Bild von Zeit als rinnendem
Sand oder Ernst Jüngers mit stummem Entsetzensschrei erlebtem Crescendo im Sturz
durch einen Schacht aus reißenden Donnerblechen, entgegen auch Joaquims horizontalem Flusslauf ins Nichts, steht hier Breughels 'Turm von Babel' als getürmte Zeit, Stein
für Stein gemeiselt. In dieses (mesopotamische) Bild passen TV- und Radiostimmen aus
der Zeit der Irakkriege, eingebettet in zirpende Trompetenklänge und ein mit Piano und
Keyboards angereichertes, granularsynthetisches Dröhnen und Rauschen. Aus dunklem
Quallen, Stimmengewirr und Dröhnwellen emanieren ominöse und elegische Anmutungen.
Einem Zeitgeist geschuldet, der kaltschnäuzig martialische Routinen konstatiert. Die
Wellen zerflattern, kaskadieren, die Trompeten klingen wie zerquetscht oder dünn ausgezogen. Raum, Zeit, Energie und Materie lassen sich nicht zu Abstraktionen ausräumen,
im Gegenteil, sie saugen sich mit Melancholie voll und weigern sich zu vergehen. Joaquim
gibt den TV-Phrasen, die im Mund schon vermodern wie alte Hüte, einen karikaturistischen
Beigeschmack von 'babylonischer' Sprachverwirrung, stottriger Sprachzerrüttung. Der an
Hassell und Molvær erinnernde zartbittere Trompetensound und die an Philip Jeckerinnernde, vinylknistrig kreisende Tristesse evozieren gegen das stupide Immersoweitervon Auftürmen und Zertrümmern ein Innehalten. Einen quasi endlosen Aufschub im
Paradox - mit nochmal Jünger - der Schere, die nicht schneidet, sondern träumt. Sie
könnte - immer noch Jünger - sogar als Objekt verschwinden und doch Motiv bleiben - dassich der Musik annähert.
MARCUS MAEDER Crepuscule (Domizil 48, C-90): Verpackt in schwarz-weißer Faltbox,
Dämmerung - wie in "Götzendämmerung". Denn anders als im Grau in Grau der Philosophie, die bei Hegel erst mit der einbrechenden Dämmerung ihren Eulenflug beginnt,
dämmert hier schon wieder Morgenröte. Maeder zitiert Nietzsches Zarathustra, dem das
Leben sein Geheimnis verriet: ich bin das, was sich immer selber überwinden muß. Die
Dämonie der Ewigen Wiederkehr, der Drehorgel-Schlager vom 'Teufelskreis als Gott', siehaben ihre Pointe im "Ja" dazu. In der Größe der Bejahung und der Willensstärke, derOuroborosschlange den Kopf abzubeißen. Der fatale Kreis wird dadurch zum erlebten
Kreisen, zur gelebten Spirale. Das ständige Sich-Überwinden zeitigt Höheres, Ferneres,
Vielfacheres, indem es, schöpferisch, über sich hinausgeht. Maeder, der als 'Rasensprenger' schon vor über 20 Jahren mit Nietzsche'schem Dynamit gespielt und der
Tristesse Adieu gesagt hat, entfaltet das in 13 Movements, was, besser als 'Satz', die
Bewegung verdeutlicht. Varianz gibt jedem Zustand eine Transzendentalie. Maeder setzt
als Ökoakustiker und wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institute for Computer Music andSound Technology der Zhdk auf Grünkraft und die Fähigkeit von uns Menschen, unsere
Wunschmaschinen umzuprogrammieren gegen die Selbstzerstörung. Aus Verkehrsrauschen und Kinderstimmen scheint Klang wie von einer Harmonika auf, ein schillerndes
Klangspektrum in elektronischen Langwellen (1), in ein Wummern wie von Dampfermotoren stoßen surrende Impulse (2). Von im Raum driftenden Dröhnwellen zweigen sichschnarrende ab (3), scharf flötende stechen (4), wieder sonore changieren, von spitzen
Impulsen durchschossen, über gewelltem Grund (5). Schwellende Drones grieseln (6),dröhnende Akkorde platzen und verhallen (7), schillernde Schocks schlagen Stoß für Stoßein und ergießen sich (8), wummernde Schübe brausen durchs Klangbild (9). Es wummert,
unbewegter und wie unter Wasser (10), dröhnende und schauernde Brandung wälzt sichund tönt fast wie PhantOM-Gesang (11). Dunkelwellen mit hellem Saum ziehen summend
dahin, Regen rauscht (12), doch die Wolkendecke bricht auf für orgelnde, rosig urlichternde Helligkeit und zugleich wummernd überwallende Pracht (13). Ach, Fritz, Du
alter Geek und Schlangenbeißer, Du kleiner Floh in Nobodaddy's Ohr.
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PAY DIRT Error Theft Disco (Blue Screen,
BL02, green C-42): Wie kommt Bryan Day,
der Macher von eh? und Public Eyesore,
auf ein Label in Shanghai? Nun, erstensliegt der Ferne Osten von der East Bay aus
nicht so fern, und zweitens liegt Charles
LaReau aka Das Torpedoes, Days alter
Kumpel in Naturaliste (und eigentlich als
Leser von Miroslav Krleza, Musil und Derrida ein Kapitel für sich), dort vor Anker
und bringt Kassetten auf Foreign Lands
und Blue Screen heraus. Days Partnerin
dabei ist die in Massachusetts und San
Francisco mit Analog Modular Synthies,
Amplified Objects & Self-Built Electronics
aktive Victoria Shen, die 2020 mit "HairBirth" ihr Solodebut vorlegte. Ihr Clou ist
es, statt cool an Knöpfchen zu drehen, sichals weißblondes Riot Grrrl in Hotpants reinzuknien in ihre Gerätschaften, sich in ihre
Kabel zu verstricken und sogar zu verbeißen und damit rumzutoben für eineHarshness und physische Verve im asiatischen Stil. Mit Day inszeniert sie knurschige Konvulsionen von granular brodelnden Noisepartikeln, durchsirrt unddurchschrillt von ätzendem Alienblut, genüsslich zwitschernd, rau scharrend, impulsiv pulsend. Als synapsenschrubbende,rachenputzerische, darmspülende 'Brutal
Hygiene', grobkörnig und vibratorisch, mit
dreckigem Grinsen der verweichlichten
Postmoderne verordnet als Radikalkur,
wenn nicht sadistisch, dann doch sarkastisch. Sprachfitzel werden im Soundwolf
geschreddert, rhythmische Pixel zerpicken
die schnarrend versprühte Kakophonie.
Wie einst die Wale in den schwimmenden
Schlachthäusern werden hier erlegte Kaijūzu Tran und Noise-Gulasch verarbeitet.
Ähnlich wird beim die B-Seite füllenden'Mouthsh' Medienton verhackstückt undzersuppt, mit einer twangenden Gitarre gewürzt, mit knacksendem Vinyl, sprudelndem Gezwitscher, nadeligen Fluktuationen
und weiteren zerschrillten Stimmen verrührt. Mir kommen Eric Lundes "Ghost by
Mouth" und Le Scrambled Debutante inden Sinn. Aber so wie Evicshen zwischen
Dreckspatz, Domina, Elektrolurch undGeek zwittert sonst niemand.
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PHILIPPE PETIT & MICHAEL SCHAFFER
I (Opa Loka Records, OL2005): Petit ist
mit "A Descent Into the Maelstrom"(2019) und "Do Humans Dream of Electronic Ships" (2020) mit offenen Armenund Ohren bei Opa Loka empfangenworden. Weil er mit seiner geträumten
Sonic Fiction der dort gesuchten, mit
ambient, dark wave, ritual und lyricalumrissenen Ästhetik perfekt entspricht.
Einer Ästhetik, die von 2000 bis 2015
weitgehend von Schaffer vorgegeben
wurde, als Monoflow, Indian Tree Pieoder Chi Machine, mit Birdmachine, The
Beautiful Disease, in [moss] mit Oliver St.
Lingam von Phallus Dei, bei Corium mit
Matthias Weigand von xqm. Schaffer
malte wohl auch auf das Cover die Visionvon einem Krähenschwarm, der von einem Goldbrand-Vortex angesaugt wird
wie von einem Schwarzen Loch. Hier
vereint er kaskadierenden Gitarrensoundmit pixelnden und kreiselnden Klängen
und tuckernden Beats von Petits Buchla.
Schon nach wenigen Minuten ergebensich so komplexe Muster, mit nun aber
Petit als Birdmachine im wörtlichen Sinn,
mit pfeifenden Impulsen und zwitschernden Vogellauten in automatenhaftem Duktus. Petits zwitschermaschinelle, furzelige oder surrende Verspieltheit schiebt
Schaffers psychedelische Harmonik undmeist lichten und fragilen Tönungen etwas in den Hintergrund, wo sie sublim
und ätherisch mit seiner nun aufgeraut
kakophonen oder erratisch staksenden
Spur kontrastieren. In ein kosmisches
Bild gerückt, steuert der Franzose eine
Schrottkiste mit öfters mal unrund oderverzerrt pulsendem Antrieb, während
Schaffer ein Segel gesetzt hat, das im
Sonnenwind metallic und als feiner Harmonikaklang oder wie von Sternenstaubwellen geharft wie Edelmetall schimmert.
Mag sein, dass Schaffer sich Petit etwas'seriöser' vorgestellt hat, nicht als einen,
der knatternd furzt und eintönig brummt,
obwohl er doch Welten zustrebt, die nie
zuvor ein Mensch gesehen hat. Als einer,
der trotz R2-D2 in Schlamassel gerät undkaum mehr vom Fleck kommt.

jenseits des horizonts
empreintes DIGITALes (Montréal)
ANNETTE VANDE GORNE, mit Jg. 1946 die belgische Grande Dame der Elektroakustik,kehrt mit Haïkus (IMED 20164) zu alten Meistern zurück, zu Bashō und Breughel, dessen'Jäger im Schnee' ihr Thema illustriert. Angeregt durch Haïkus ihres Landsmanns Werner
Lambersy (Le Mangeur de nèfles, Au pied du vent), kreist sie, gerahmt durch 'Jour de l'an'(als fünfter japanischer Jahreszeit), von 'Printemps' über 'Été' und 'Automne' zu 'Hiver'. Mit
einer Sensibilität, die Vivaldis Jahreszeiten-Zyklus und dessen Widerhall bei Jean Michel
Jarre filtert durch die ästhetische Maßgabe von Haikumeister Bashōs 'fließender Beständigkeit' und Baudelaires 'ordre et beauté' als apollinischem Ideal, auf das sich schon
Vande Gornes Lehrmeister Pierre Schaeffer berufen hat. Das Ganze als klangliches Gewebe aus 17 Haikus mit 12 'Jeux', Spielen von Vögeln, Insekten, Kindern, des Wassers undvon Feuerfunken, fragmentierten, wiederholten, monotonen Spielen und tänzerischenoder träumerischen Momenten. Mit kontinuierlicher Aboutness und spurenelementarer
Rückbindung an immer wieder Debussy, Schumann, Schubert, Poulenc, Messiaen, Dufourt, Ligeti und als kollegialer Tribut an Pierre Henry, R Murray Schafer, Bernard Parmegiani und François Bayle verschmilzt Vande Gorne romantische Phantasie mit impressionistischen Augenblicken und solchen durch Dziga Vertovs Kameraauge. Vom krachenden
Neujahrsfeuerwerk in surrealer Dehnung und kristallisiertem Debussy-Piano hin zu bezwitscherten und sprudelnden Szenen und einem von Möven aufgemischten Spielplatz,
jeweils in elektroakustischen und orchestralen Konvulsionen. Mit Hummeln und Grillen
steigt die Sonne, Faun faulenzt in stagnierender Hitze, Donner grummelt, Liszt irrlichtert.
Danach, zwischen glissandierenden Wooshes, Pressluftgehämmer, Flugzeuggebrumm undjauliger Sitar, Herbstnebel und Herbstlaub, debussyesk und raschelig. Schließlich kratzen
Schlittschuhkufen über ein Piano, die Zeit scheint eingefroren, gedämpfter Gesang loopt,
Stimmen zucken in schmelzendem Gebrodel, metalloider Klingklang verhallt in eisiger
Luft. Bis zuletzt Tempelglocken und Gongs ein neues Jahr begrüßen.
Illusion (IMED 20165) bringt mit 'Déluges et autres péripéties' gleich eine weitere Komposition von ANNETTE VANDE GORNE nach Poesie von Werner Lambersy. Eingerahmt vom
metallophon gedengelten und xylophon geharften Klingklang von 'Au-delà du réel' (in memoriam Arsène Souffriau, een sleutelfiguur uit de eerste generatie Belgische componisten
van elektronische en experimentele muziek). Und von 'Faisceaux' als pianistischem Schattenspiel in einer akusmatischen, verdüstert monotonen Version und einer dialogischen,pianistisch weiter aufgefächerten. Aber in der Hauptsache liefert Lambersy den apokalyptischen Grundton eines Hörspiels, in dem er leitmotivisch die Auslöschung herbeiruft,
um Platz zu machen für un autre Eden: After the genocides, the famines, the organised
economic disasters, AIDS, Guantanamo, assassination by drones, carbon emissions andatomic waste beneath our feet for millions of years: we wait for the Destruction. Ein Großreinemachen, damit sich wieder Unschuld einstellen kann, empfänglich für poems, music,
mathematics, “heroic frenzies”, the microscopic and universal grandeur of the humanbeing. Statt dessen - das Hirn von Troglodyten, die Fresse von Cäsaren (Danke, Benn), thechimneys of the Nazis, the doghouse of the media, inhuman profits, organised corruption
and brutalisation und ein nasses Grab für verzweifelte Flüchtlinge. Schluss mit dem Rollenspiel von Tätern und Opfern, nichts, weder Grille noch Schmetterling noch ein unstillbares Sehnen nach Musik können den Fortbestand der Yahoos und der Gräßel-Wüteriche(Danke, Lem) rechtfertigen, deren Wüten den point of no return überschritten hat. Nur einskann uns vor der Auslöschung retten - die Selbstvernichtung: nothing is the force / that renovates the world (Merci, Emily Dickinson). Lambersy spricht selber, Françoise Vanhecke
schreisingt als Furie, Vande Gorne zitiert Pasolini, Anatol France und Lévi-Strauss. Cioran
und Ulrich Horstmann haben sie lange schon gepredigt, die anthropofugale (Er)Lösung.
71Ein Phänomen für sich ist mit Jg. 1926 (!) der in Avignon unverwüstlich kreative Akusmonaut FRANCIS DHOMONT (dem 'Déluges et autres péripéties' gewidmet ist). Auf Images
nomades (IMED 20167) offeriert werden drei Widmungsstücke eher abstrakter Art: 'Phoenix XXI' (2016, 20) für die kolumbianische Künstlerin Inés Wickmann und 'Perpetuum mobile (Pluies fantômes)' (2019) an den Musikwissenschaftler Christoph von Blumröder (Initiator der Schriftenreihe Signale aus Köln. Beiträge zur Musik der Zeit und beständiger Erforscher 'Neuer Musik') als homozygote Geschwister von rauschendem, sprudelndem,
wooshendem Temperament, das in oszillierenden Granulationen, flickrigen und brodeligen
Fluktuationen und mit quecksilbrigem Gefunkel überschießt und sich weder von Geisterregen noch von dunklen Zonen schrecken lässt. Und dazwischen 'Machin de machine'(2012) à Conlon Nancarrow, als Regentropfentamtam, das in rasant perkussiven, sprudelig
tremolierenden, donnerblechern wabernden Kaskaden verhallt. Sowie, gebündelt als 'Amiversaires', eine Reihe von kleinen Geburtstagsgrüßen aus den letzten 18 Jahren: FürBernard 'Parmé' Parmegiani, François Bayle, Oscar Wiggli und Beatriz Ferreyra jeweils
zum 80., Annette Vande Gorne zum 65., Pete Stollery zum 60., Miguel Azguime, Adrian
Moore und Jonty Harrison jeweils zum 50. Christoph Gallio hat mit Day & Taxi bei "Devotion" (2019) ein ähnliches Gebinde überreicht. Meist nur kleine, koboldquicke, kollegial
anspielungsreiche Klangpostkarten und spritzige Freundschaftsbekundungen im PantaRhei-Stil. Die alle 'Le flux des sons' feiern, als Jungbrunnen all dieser gewitzten und düsentriebigen Géo Trouvetous. Unter ihnen, wer hätt's gedacht, schreiben Dhomont und BayleSPAẞ besonders groß, mit der expliziten Absicht: te faire rigoler. RIGOler, Ha!
Portail (IMED 20168) bringt ein Wiederhören mit DENIS SMALLEY, dem ebenfalls 1946 in
Neuseeland geborenen Spektromorphologen und Soundshaper, der in Norwich und bis zu
seiner Emeritierung 2009 in London gelehrt hat. Einmal erklingt da "Fabrezan Preludes"(2015-16), als dreiteiliges Tauchen zu den Glocken von Debussys 'La Chatédrale engloutie'. Die Kathedrale steht in der legendären, vor der bretonischen Küste versunkenen Stadt
Ys (denkt an Vineta oder Rungholt). Claude Auclair (der auch Simon - Zeuge der Zukunft
und Nomaden gezeichnet hat) hat mit Bran Ruz dorthin geführt, Joanna Newsom hat mit"Ys" (2006) an Prinzessin Dahut erinnert, die von ihrem eigenen Vater, König Gradlon, auf
Befehl des Hl. Gwénnolé in die Fluten gestoßen wurde, weil sie eine heidnische Zauberin
und Schuld am Untergang gewesen sei. Smalley lässt die Imagination unter Wasser durch
das Portal ins Kirchenschiff tauchen, das allerdings nur nach Aremorica versetzt ist, um
christliches Heil gegen heidnisches Unheil zu propagierieren (während in Bran Ruz brutale
Eroberer aus Britannien das Gallisch-Druidische unterdrücken). Imaginäres, wie geträumtes Glockenspiel verbreitet einen metalloiden, milden Glanz und vagen, aber elementaren
Zauber aus Wasser, Licht und Klang. 'Les Voix de Circius' weht, noch unter römischen
Vorzeichen, als kalter Wind aus Nordwest - heute nennt man ihn Mistral. In Richtung
Provence und Okzitanien, wo er auch Smalley in seinem Studio in Fabrezan (ca. 30 km
westlich von Narbonne) im Sommer mit verflogenem Salzgeschmack und Mövenschrei
erfrischt, Regen bringt, oder im Winter auch beißt. Mit "Sommeil de Rameau" (2014-15)
wechselte Smalley dann, anlässlich des 250. Todesjahrs von Jean-Philippe Rameau, ins
18. Jhdt. Zu Traumszenen (scènes du sommeil) wie in Lullys Tragédie en musique "Atys"
und Rameaus Oper "Dardanus". Mit barock angehauchten, sanft driftenden, zauberischorgelnden Dröhnwellen im träumerischen, spektral orchestrierten Stillstand der Zeit,empfänglich für das Erscheinen von Mari-Morgans oder Sirenen. Schließlich greift Smalley
noch mit "The Pulse of Time" (1978) auf seine frühen Jahre in Norwich zurück, im Andenken an Barry Anderson (1935-1987), der das Stück einst in Auftrag gegeben hat (nicht
zu verwechseln mit Poul Anderson, auch wenn der mit The Corridors of Time und King of
Ys Smalleys Wege zu kreuzen scheint). Aber vielleicht lesen Elektroakustiker ja Science
Fiction und Fantasy. Smalley jedenfalls zeigt hier seine perkussive Seite, mit klopfenden,
wie Bälle kaskadierenden, hufklappernd steptanzenden Tonketten und zart gerührten
Clavichord-Saiten.

72

Bleiben wir bei DENIS SMALLEY und seiner 'spectral spatiality', auch wenn Patrick Ascione sie mit seiner 'spatial polyphony' locker überbietet. Im Vorgriff auf Vues spectrales(IMED 21172) und 'Spectral Lands' (2010-11), das die Aura der Golden Bay im heimatlichen
Neuseeland ambig und abstrakt (statt ambient und illusionistisch) verschmilzt mit dem
weltflüchtigen Geist, der von den okzitanischen Corbières emaniert. Die Sonne, der Wind,in Tablettenform zirpend, dröhnend, flötend, rieselnd, statt touristischer Werbung eher mit
einsiedlerischem Anhauch. In 'Ringing Down the Sun' (2001-02) schimmert und dongt,
homöopathisch in Klangschalen eingefangen, das Läuten, das bei den Dänen 'ringer solenned' heißt: Die Sonne auf und nieder läuten. Durch das Bimbam der St. Adalbero-Glocken
früh um 7 und als Abendläuten habe ich davon einen Begriff. Bei 'Resounding' (2003-04)
dongen die Glockenwellen raumgreifend weiter, als hohler Ölfassbeat und orgelnd. Ähnlichwie "The Pulse of Time" ist "Vortex" (1981-82) schließlich noch ein Rückgriff in Smalleys
jüngere Jahre und in seinem dröhnenden, surrenden, nadelspitzen und sirenenjauligen
Wirbel verbunden mit dem kollegialen Andenken an Tim Souster (1943-1994).
AMBROSE SEDDON, Jg. 1971 und Brite, hat bei Denis Smalley promoviert und lehrt mit
seinen akademischen Meriten Creative Technology an der Bournemouth University. Stattsich um den Abstieg der Cherries aus der Premier League zu grämen, richtete er seine
akusmatische Imagination auf Espace éphémères (IMED 20169), darauf, dass nichts
bleibt, wie es ist. Es bleiben nur Spuren, flüchtige Erinnerungen, Erinnerungen an Flüchtiges. So bei 'Traces of Play' an die Spiele und die Spielsachen, mit denen Seddon mit seinem Sohn, als der klein war, gespielt hat. Auch 'Pellere', lat. soviel wie 'vorwärts treiben /vorwärts stoßen', spielt mit Erinnerung als Geisterfahrer im Zeitstrom. 'The Nowness ofEverything' rührt her von Dennis Potter, als Drehbuchautor von "Der singende Detektiv"
einem der ganz Guten. In Seddons Elternhaus wurde er insbesondere auch für sein
Schwärmen für das weißeste Weiß eines Blütenmeers verehrt, und, als er den eigenen Tod
schon vor Augen hatte, sein verwundertes: But the nowness of everything is absolutely
wondrous. Seddon unterschreibt das mit seiner eigenen Feier des Alltäglichen. Bei'04_10_35_70' spielt er wieder mit Zeit, die den einen mit Reibungsverlusten nicht schnell
genug und den andern als animalisch impulsiv zu schnell vergeht. Mit 'Fleeting Strands'streift er die Küste von Norfolk und Devon entlang, weniger als Urlaubssouvenir, denn als
Meditation darüber, dass gurgelndes Wasser und der Wind nichts unberührt lassen. 'Fouram' schließlich akzentuiert, gedämpft dröhnend, metalloid beunruhigt und wieder gedämpft dröhnend, den Effekt des Zeitenwinds auf das Bewusstsein, verbunden mit der
Hoffnung, dass auch diese Gefühle flüchtig und vorübergehend sind. Gut möglich, dass dieelektroakustische Atomisierung und Abstraktion der Außenwelt und die Verklanglichungder emotiven Innenwelt in granularem Brodeln, peitschender Gestik, Schlammtopfergüssen, glissandierenden Dopplereffekten, flattriger, tickliger oder knarriger Vibration und
rauschenden Fluktuationen mit immer wieder metalloidem Beigeschmack der Arbeitsweise
des Bewusstseins verwandt ist, bevor es zu seinen erkennungsdienstlichen Aushärtungengelangt. Der menschlich-sinnliche Maßstab wird jedenfalls erweitert mit mikrodimensionalen Feinheiten, gehört wie mit inneren und mit Über-Ohren, als Hirnsausen in vage flutenden Nichtbildern.
73Éclats (IMED 20170) bringt Klangsplitter des 1983 in Québec geborenen, aber in Montréal
ausgebildeten PIERRE-LUC LECOURS, der nur als bebrillter Kahlkopf Ambrose Seddon
verblüffend ähnelt, nicht im Temperament. Weder beim 4-teiligen Farbenspiel 'Éclats'(2014-20), noch bei 'Impacts discrets' (2014) als surrealem Mikrokosmos, durchsetzt vondröhnenden Kurven und pulsenden Wellen, von rauschigen Schüttungen, abrupten Verwerfungen, leise dongenen Lauten, rhythmischem oder rabiat dreinschlagendem Aggro.
Das synästhetische Quadrupel in 'Rouge', 'Noir', 'Blanc' und 'Violet' ist im ersten, demroten Werkstück ein Action Painting, angeregt durch automatistische Malerei. Also jenem
surrealistischen Bestreben bei etwa Hans Arp und André Masson, auch noch die Fesseln
der eigenen geistigen Selbstkontrolle abzuschütteln, das mit Paul-Emile Borduas und Les
Automatistes ja eine besondere frankokanadische Spielart ausformte - Stichwort: 'Refus
global', 1948 ein Zeckenbiss gegen die grande noirceur, die große repressive Dunkelheit.
Als Klangquelle nimmt Lecours dafür Sounds aus dem Innenklavier, perkussive Einschläge, ruppig geharfte Gesten, aufquellende Dröhnblasen, dissonantes Schleifen, ausgespannt zwischen verhalten und eruptiv. Im zweiten Splitter formt er aus dröhnendem,
haarfeinem, drahtig perkussivem und glissandierendem Celloklang, modularer Granulation, Vogelgezwitscher, Wind und surrenden Fliegen ein bedrohlich verdunkeltes undabendlich verdämmerndes Ambiente. Das Weiß dekonstruierte er aus verhuschten Flötenkürzeln, gedämpft perkussiven, kaum als paukig erkennbaren Akzenten und posaunig
brummenden Wellen, als schillernden, trillernden Aufschein in einer Phase inneren Aufruhrs. Der violette Splitter, bruitistisch koloriert aus Modularsynthiesound und einem perkussiven Fächer von Papier über Snare bis Pauke und Basstrommel, kurvt in dröhnenden
und knurschig berstenden Spuren, mit gestanzten oder getackerten Beats, hackenden
Hieben, wirbeligen und gepaukten Schlägen und zuletzt tönernem, sanft umdröhnten
Glockenklang. Wo Splitter sind, gibt es auch Balken.
Figures de son (IMED 21171) erinnert an den farbenfrohen Pariser Elektroakustiker PATRICK ASCIONE (1953-2014). Der hat mit "Métamorphose d'un Jaune Citron" (1995 auf
Metamkine!), "Bleus et Formes", "Lune Noire", "Suite Blanche pour les Temps Nouveaux","Cet extrême silence des couleurs" unermüdlich Felder der Erinnerung ausgemalt, als"Espaces-Paradoxes" in einer "Polyphonie-polychrome", stereoskop mit einem primitiven
und einem Picasso-Auge. Ich weiß nicht, ob er auch noch, als mit 'Diabolique' ein später
Versucher seine Bühne betrat, an der Überzeugung festhalten konnte, dass Musik ebenso
wesentlich Klang ist wie Klang längst schon essenziell Musik ist. Das hier sind jedenfalls
Beispiele seines ausgereiften Gestaltungswillens: "Énième" (2004) ist Asciones x-ter Versuch einer praktischen Antwort auf das 'Warum und wozu Musik und wie fange ich es/sie
an?' Mit fiebernden Strings und aufforderndem "Hey", das eine Rudercrew anspornen
könnte. "Ascionerie n°6: Fantaisie diabolique" (2011-12) ist als Schlussstein der 6-teiligen
Reihe "Figures de style" auch so etwas wie das abschließende Kapitel seiner Autobiographie. Als nochmal sarkastische Absage an die teuflische, kasperltheatralisch durchgespielte Versuchung, Electronica zum Rumhopsen zu machen statt marginale Kunst. "Divertissement" (2001) ist kein Bekenntnis zu Entertainment, folgt aber doch launig und
uptempo oder mit cinedrastischem Thrill dem Vorsatz, nicht zu langweilen. Mit "Et puis
l'oubli" (1998) hat Ascione schon früh daran gerührt, wie Erinnerung in Vergessen übergeht. Wenn Worte und Gesichter verlöschen, kann vielleicht plastisch-dramatischer Klang
den Gedächtnispalast noch einmal illuminieren. "Danse de l’Aube" (2000–2002) wirft
sogar die Frage auf, ob tänzerische Konturen tatsächlich gegen den elektroakustischen
Kodex verstoßen. Und lässt mit dem, was da in der Dämmerung rumhopst, den eh nur
halbgaren Spruch „Über Musik schreiben ist wie über Architektur tanzen“ ziemlich alt
aussehen. So originell und explizit wie Ascione, Lecours und Vande Gorne mit "Illusion"ins gelegentlich doch etwas verdrießliche Einerlei der akademischen, im eigenen Saftschmorenden Elektroakustik grätschen, das könnte von mir aus gerne, ja mehr noch, dassollte dem Vorsatz, nicht zu langweilen, stärkere Geltung verschaffen.
74

No Edition (Alpen-Veen)

Wer ERIK MÄLZNER als HEROLD DES OFFENSICHTLICHEN (NO EDITION # 132,
DL/USB) begegnet, lernt ihn gleich einmal mehr als Meister des lakonischen
Understatements kennen: Es gibt viel zu erzählen / abends fliegt ein Flugzeug übers
Haus / auf der Wiese lag ein totes Wiesel / es gibt viel zu erzählen / letztes Jahr zwei
tote Ratten / verletzten Hasen beerdigt / es gibt viel zu erzählen / Sturm zog vorüber
kein Schaden / einmal im Monat ein Fußgänger / es gibt viel zu erzählen. Dieses
ländliche Stillleben 'Sensationen' zu nennen, Ha! Mälzner schillert elegisch undsatirisch, idyllisch nie. 'Graue Theorie' als Aporie im Nebel, als Irren undSteckenbleiben, das hätte mit theoretisch sind alle Probleme gelöst auch Alexander
Kluge nicht treffender pointieren können. 'Trautes Heim', gefüllt mit Hinterbliebenem
und Stabgereimtem - Kisten und Körbe voller Musikinstrumente / Hautschuppen undHaare / Hobelspäne und Heureste - , ist im vorgreifenden Rückblick ein Memento
mori. Was Mälzner als 'Essenz' aus steinernen Herzen presst und aus dem Intervall
aus hohem Märchenton und dumpfem Leben, legt er in Zeitlupe einem zwitschernden
Spatzen in den Schnabel. Zum Versäumen und Verschwinden gehört ein geträumtes'Wiedersehen' mit einer nicht angesprochenen Fremden, das die Innereien aufstöhnen
lässt. Dass einem 'Solitär' im Hortus conclusus über Jahre hinweg die Menschen unddie Welt abhanden kommen und dass Krieg herrscht, merkt er erst, als 'auf einmal'
alle weg sind. Bei 'Ganz schön vergesslich' sind das einstige Kennenlernen, dieSommernacht und der Sex vergessen, geblieben aber sind ihr Gesicht, ihr Lachen,ihre seligmachende Essenz, der Zeit enthoben wie bei Proust. 'Drei Mal Licht gemacht' gibt als Traum vom Radfahren, vom Linksabbiegen und davon, ein Buch auf
jiddisch geschrieben zu haben, einen Einblick in die Werkstatt eines Kreativen als
Fundbüro. Wäre Bibeln verbrennen ein Beitrag zum geträumten Bürger-'Krieg'? Die
Wenigsten können weiße Kaninchen aus dem Hut zaubern. Zuletzt bei 'Kurven'
kreisen die Gedanken lugubre um die unbeugsam stählerne Achse aus auf das
Leben zurückblicken / dem Tod entgegensehen und darum, irgendwann wieder amStart zu stehen. Auch wenn ich weit davon entfernt bleibe, das, was Mälzner meint,
zu sagen versucht oder sagt, so zu begreifen, wie er es meint, zu sagen versucht undauf kunstvoll lakonische und allemal mälznerische Weise auch sagt, vermittelt derabschiedssymphonische Grundtenor seiner Hauntologie doch nachdrücklich nur
allzu offensichtliche Gründe für Melancholie und Morbidität. Die 'Gespenster seines
Lebens' (um Mark Fisher abzuwandeln) kommen einem jedenfalls nur zu bekannt vor.
Aber auch das immer geradeaus, das immer, das irgendwann wieder. Nicht weniger
offensichtlich ist für mich die Absurdität, dass die kunstvoll in Moll getauchte Manier,
wie Mälzner mit Midi-Keyboard, Kommas und Gedankenstrichen per Computer,metallischen Akzenten, tristen Streichern oder Pfeifen und vor allem dem gedehnt
knarrenden, schleppend raunenden Sprechgesang dem Klang Aura und den Worten
Eindringlichkeit verschafft, ihn nicht längst zum heimlichen Klassiker gemacht hat.
75

Dass BRAINGRAINHOTSPOT danach bei ZWEI BÜCHER (NO EDITION # 133, DL/USB)
sieben Kapitel und Verse aus 'Buch Aufbruch und Wiederkehr' und sechs aus 'Buch
Froufrou Hoch Zwei' text- und wortlos aufblättert, mag verwundern, muss es aber nicht.
Lediglich das CD-Bild ist bedruckt mit einer alogischen Wortfolge, in der Adorno
zwischen Banditen, Dandies und Brahmanen patrouilliert. EM & JR, also Erik Mälzner &Jürgen Richter für die später Gekommenen, gestalten das mit Midi-Keyboard & Computer bzw. Midi-Keyboard, Sampler sowie akustischer oder E-Gitarre in einem neoklassischen Cyberbarockstil. In einem schreitenden und rhythmisch vorandrängenden
Duktus, von künstlichen Blechbläsern beknarrt, mit Fanfaren und himmlischen Chören.
Groovy, wie es die bezopften, gelb bestrumpften Zausel anno George Frideric Handel
nicht drauf hatten, aber auch für heutige Ohren maverick und allen gängigen Moden
abhold. Grillen- oder klapperschlangenberasselte Orgelflöten sind aufgemischt mit
postkolonialem Input, zerdehnt in zartbitterem Moll, voller Zeitstürze und Verzerrungen,die den harmonischen Tenor beugen. Die Melancholie der akustischen Gitarrenverse
hat besonders zu kämpfen mit Widerständen und widrigen Neologismen, aber auch die
Keys kommen immer wieder ins Stottern. Berstender Steinschlag behindert den Verlauf
und verstärkt die Tristesse dunkler Orgelcluster, dissonanter E-Gitarrenklänge und vor
Vibrato bebender Bläser. Aufhalten lässt sich aber der von der krassen Gitarre lakonisch kommentierte Klingklang nicht. 'Froufrou' hebt an mit einem pendelnden (Ho!)Ruf- & Antwortspiel und feierlicher Trompete. Der schreitende Duktus aus klopfenden
und plonkenden Tönen setzt sich fort in quarrenden Schüben von Keys und von Fuzzbass, zu monotonem, gitarristisch beflimmertem, von Beckenklang umsirrtem Pianound dem Ah und Oh eines Chors. Die Bassschläge und die einzelnen Pianotöne ziehen
helle Fäden, knattrige und trillernde Spuren kreuzen, und es setzt wieder die Trompete
ein mit getragenen Stößen im Wechsel mit schimmerndem Dröhnklang. Geht man so derKlangwelt an die Unterwäsche? Bevor nochmal das Käuzchen ruft, gibt ein kleiner
Stampftanz dem Fortgang etwas mehr Zug, so dass die Klangbilder, die dröhnenden
Stöße, die stimmlichen Phantome einen schneller und gehäufter streifen. Zuletzt erklingt aus Kapitel 6 der launig aufs Piano geklopfte und metalloid angeschlagene Vers
27. Wer jetzt immer noch nicht hoch zwei auf die Metaebene geliftet ist, dem fehlt dannwohl der Sinn dafür.
Bei 23 RUE St - SULPICE / PARIS 6e / JULI 2018 (NO EDITION # 134, DL/USB) handelt
es sich (angeblich) um eine gefundene Kassette. UNBEKANNTerseits bespielt mit
Industrial/Noise, kunstvoll genug, um es mit 90% der namhaft in Umlauf gebrachten
Kassettentäter- & Soundartistereien aufzunehmen. Sirrende, bohrende und sonstwie
schüttende, kramende, perkussiv hantierende Machenschaften mit krachigen, pochenden, scharrenden Akzenten sind in ihrer schrottigen Action verschönt durch
feminin vokalisierte Verzierungen (oder etwas, das sich so anhört). Dazu in bewusstem
Stadtkrach-Landkrach-Kontrast beginnt zu salbungsvollem Dröhnen und Vogelgezwitscher eine Kuh zu muhen, ein Geräusch, als würde ihr ein Moped aus dem Maul
rollen. Giftig spitze Laute und rhythmisch gewellte verdichten meinen Eindruck, dass daein kompetenter Gestalter am Werk war. Rumpelig geschlossene Eisentore, englische
Stimmsamples, schrille, jaulige und sonstwie hochkuriose Geräusche verraten ein
sarkastisches, für hühnerhöfisches Roaratorio aufgeschlossenes Gemüt. Track B2 ist
jedenfalls über die Maßen hilarious, wie englische Katastrophentouristen es 1871 in
Paris ausgedrückt haben. Drahtharfige Schläge bringen eine summende Musikalität ins
Spiel, das somit eine neue Seite aufschlägt, die mit impulsiven Crashes und surrigen
Clashes aber sowas von zerkladderadatscht wird. Wie Venetian Snares, aber nochmal
durch den Fleischwolf gedreht. Die drahtharfig perkussiven Schläge kehren, abgedunkelt, wieder, ihr sirrendes Schwallen durchsetzt mit klackig schlackerndem Groove.
Bis hin zu einem gemickymausten please fast forward the tape to the end of this side
als launigem Finish. Sowas findet man auf der Straße? Wer's glaubt, wird selig.
https://noedition.bandcamp.com
76... jenseits des horizonts ...
CHRISTER BOTHÉN Ambrosia (Thanatosis Produktion, THTBOX4, 3xCD):
Der 1941 in Gothenburg geborene Bass- & Kontrabassklarinettist hat das
Format zum Kult. Quer durch die 70er, bei Don Cherry, Spjärnsvallet,
Archimedes Badkar und der Bitter Funeral Beer Band (als Teil des ProggKollektivs Ett minne för livet) bildete Bothén ein unzertrennliches Couple
mit Bengt Berger, der in Indien und Ghana Luft von anderem Planeten
geschnuppert hatte. Und war selber eingeweiht in afrikanische Musik,
indem er 1971/72 in Mali Donso n'Goni spielen lernte und ab 1977 in
Marrakesch Gnawa-Musik und Guimbri. In den 80ern spielte er mit Bolon
Bata "Trancedance"-Musik und warf sich in die Arme von "Mother Earth".
In Bolon X spielte Morgan Ågren (von Mats/Morgan, Kaipa, Blixt) die Drums
und auch bei "The Spirit of Milvus Milvus", neben Per Åke Holmlander, Kjell
Nordeson und Mats Gustafsson, mit denen Bothén dann mit noch Johan
Berthling, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love und David Stackenäs
sein Acoustic Ensemble formierte. Kein Wunder also, dass er sich in
Gustafssons NU-Ensemblen und Fire! Orchestra einreihte oder mit GoranKajfes' Tropiques "Into the Wild" aufbrach. Als einer, der sich mit 78 junggenug fühlte, mit Sara Lundén den Swedish Lover zu spielen. Als einer, derseine intuitiv komprovisierte Musik als motståndshandling auffasst, als
widerständige, rebellische Aktion, zu der man in seligem Wahn fähig ist.
'Nightrain' (2011), 'Seismology' (2013), 'Nothing' (2013) und It' (2020) sind
Solos auf der Bassklarinette, ersteres als schmauchend gehaltenes, sonor
brummendes Dröhnen, als Klappen-Jogging eines pulsenden Zweiklangs,
als Kontrast von dunkel gemurrten Tönen und angeschrägt spitzen. Das
zweite als zarter, surrend angerauter Hauch, leicht gewellt, schwellend,
mit klapprig akzentuierten Sprüngen von tiefsten zu höchsten und nahezu
tonlosen Klängen. 'Nothing' dann sogar without reed und noch etwas
luftiger und tonärmer. Dafür schnurrt 'It' dann besonders sonor, mit Oktavsprüngen in anhaltendes Altissimo, als Wechselspiel von sanglicher Kalligraphie, kirrenden Schreien, murmelndem Tremolo. Das 24 ½ min. 'Ambrosia' stimmte er heuer im März
mit Kontrabassklarinette an, mit verhalten brütendem und gewaltig bebendem Klang, derim Innenklavier resoniert, wenn auf Bothéns Wink hin das Haltepedal gedrückt wird.
Manchmal klingt es wie ein in Seenot schreiendes Nebelhorn, wie Rolands Olifant beim
Massaker von Roncesvalles, gipfelnd in unwahrscheinlichem Altissimo. 'Zon' [36'] ist
dazwischen noch beklemmender, als ein Memento für gleich vier Bass- & Kontrabassklarinetten (Bothén, Per Texas Johansson, Hans Koch, Boa Pettersson), Flügel, Innenklavier und Kontrabass, und dazu Sofia Jernberg, die ein Text-Cut-up flüstert aus Swetlana
Alexijewitschs „Tschernobyl-Gebet“ und Tarkovskijs "Stalker" und ein Gedicht von W. G.
Sebald vorträgt. Angeregt durch die 2016 über den Sarkophag von Tschernobyl geschobene zweite Schale brummen und knurren die Klarinetten als Tragödienchor Dauertöne zu
krawalligen Schlägen auf die Flügeltasten und pfeifenden, scharrenden Sounds von Klavierdrähten. Die Turbulenzen verstummen für ein bloßes Wispern und gespenstisches Pianissimo. Jernberg und eine nur leicht angehauchte Klarinette stoßen Vogellaute aus, Klaviersaiten plinken und flimmern, die Bläser knarren und erzittern zu dumpfen und auchwieder pianistischen Schlägen. Nur feine Klangtupfen verhindern völlige Stille, kristalline
Laute und Arme-Sünder-Klingklang mischen sich mit gedämpfem Klarinettenschrei, klirrende und pochende Klänge und kleinlaute aus Jernbergs Kehle mit anhaltendem Blaseton. Jernberg spricht Sebalds dunkle Vision und verwandelt sich wieder zum Nachtvogel
in einem unheimlichen, von sirrenden, pingenden, ratschenden, windspielerischen Geräuschen durchsetzten Klanggarten, in dessen Zentrum ein Höllenfeuer schwelt. Der
Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer? You dream of one thing but you get quite another.
Der Weg in die Irre ist mit erfüllten Wunschträumen gepflastert.
77

BOW BOW (Sub Rosa, SR497, LP/CD): BOW ist ein Streichquintett in
Brüssel, das abseits von Klassikeinerlei improvisiert und eigene Instant-Musik macht, aber auch Musikaufführt, wenn sie so jung ist wie
die von Laurent Plumhans. Es besteht aus Margaret Hermant (EchoCollective) & Benoit Leseure an
Violinen, Jean-François Durdu an
Viola, Marine Horbaczewski (durch
ihr Trio mit Massot & Florizoone
eine meiner Today's Jazz-Females)
an Cello und Cyrille de Haes (alias
Otto Lindholm und auch schon
Partner von Ben Bertrand) an Kontrabass. 'Bryanbaum' ist eine Anspielung auf Adam Bryanbaum Wiltzie (ex-Stars of the Lid), mit dem
Hermant bei A Winged Victory for
the Sullen gespielt hat. Und hebt an,vom Bass zeitlupig bepulst, wie vonPosaunen geblasen, als sonores,
wie geträumtes Adagio von Mahler.
Mit seufzend schwellender Brust,mit vor Wehmut bebendem Cello.
Dass BOW dann mit Aidan Baker'Bryanbaum Variations' angestimmt
hat, unterstreicht ihren ästhetischen Horizont. Es folgt 'Edda' als
bewegtes Prachtstück, das diskant
auf und ab glissandiert, in schwirrender Kakophonie über knurrendem Abgrund. Schwellend und crescendierend, mit kaskadierenden
Wellen und wieder aufscheinenden
Phantombläsern. 'Cimes' [Gipfel,
Wipfel] picken sie pizzicato, derBass repetiert ständig nur vier Noten, das Cello trägt sie empor, dort
wo die Geigen zucken und im Licht
schwelgen. 'Egon' kurvt und flageolettisiert in den schillernden Farben
und mit dem spitzen Strich Egon
Schieles. Und 'Silence' pulst undstreift zugleich wie ein Windhauchdie bloße Haut, während lang gezogene, flimmernd fast stehende, helldunkle Wellen auf einen zubranden
und der Wind die vertäuten Boote
harft, dass Holz und Taue knarren.
Impression Oostende, Knokke...
faunisches Feeling, in den Atempausen vor den Kriegen.

KYLE BRUCKMANN Triptych (tautological) (Carrier
Records, Carrier 050): Chicago - San Francisco,
NowJazz - Neue Musik? Mit Wrack lässt er europäischen Modernismus mit African-American Creative
Music kollidieren, mit Ernst Karel als EKG verschmilzt er Woodwindsound mit Elektronoise, mit
Degradient macht er Skronkjazz & Poetry nach Texten von Matt Shears. Bruckmann ist ein skrupelhafter Brainiac mit diskretesten Neigungen, dochimmer wieder auch gewillt, dem Ziegengott einen
Hahn zu opfern oder, wie mit "Brittle Feebling" auf→Humbler, sich selber den Kopf abzubeißen. Wie
schwer er zu fassen ist, zeigen seine beiden aktuellen Soloreleases: "Draußen ist feindlich" [bandcamp] mit zehn puren Improvisationen für Oboe undEnglischhorn. Und dieses dreifaltige Sich-Ausliefern
an den existenziellen Schrecken mit (Folter?)- oder
(Wunder?)-Kammermusik in Gestalt von 'An Extruded Introversion for Blixa Bargeld', ebenfalls als
Verbeugung vor den Einstürzenden Neubauten, die
er auf einer Linie sieht von Webers "Der Freischütz"
hin zur ebenso deutschen, romantischen, egofugalen Erhabenheit der Wandelweiser-Ästhetik. Dazu
spielt er 'A Fuzzy Monolith for James Turrell' in Verehrung für die sublime Skyspace-Kunst dieses'Meisters des Lichts'. Und, angeregt durch den Autor von "Der Tabakhändler" und "Giles Goat-Boy",'A Spurious Autobiography for John Barth' ("...Awaits
Silent Tristero's Empire" von Wrack war 2014 bereits a musical phantasmagoria inspired by the novels of Thomas Pynchon). Dafür hat er sein Solo
"Entymology" an einen EMU-Synthesizer verfüttert,
damit der damit Kater Murr spielt. Gesagt, getan,
gibt es die gemetzelte Transformation in einer liveelektronischen Version und einer geblasenen. Auchdie elektronische 'Fälschung' lässt noch ein oboisches Trillern, Tuten und Fauchen als Quelle erkennen, aber eingetaucht in ominöse Dunkelwellen undwie verzerrt auf einem nahezu zerstörten Tonband.
Umso 'romantischer' der zartbittere Blaseton der'Introversion', der ebenfalls auf dröhnende Langwellen gebettet ist, aber in seinem zeitvergessenen
Brüten mit stolperndem Herzschlag diskante Spaltprozesse und Verschleifungen erfährt. Das einsame
Ich und seine sprühende oder ploppende Streuungin elektronischem Gegenwind. Die zweite Barthology verschärft zerrspiegelhaft den elektro-akustischen Zwist und verzerrt beide Seiten keckernd undfiepend oder alpha-zentaurisch zwitschernd und zirpend ins Kakophone. 'Monolith' wechselspielt feldmanesk mit spitzen und dunklen Halte- und sonoren
Zwischentönen, mit zartem Glockenspiel und den
unwägbaren Suggestionen schwarzer Monolithen.

78EVENTLESS PLOT Parallel Words (Another Timbre, ar163): Vasilis Liolios, Aris Giatas und
Yiannis Tsirikoglou performen seit 2002 in Thessaloniki eigene, meist elektroakustische
Musiken. "Parallel Words" (sic!) bringt, nach "No options" (w/ Chris Cundy, Granny Records)
und "Forcelia | Paralogismos" (Never Anything Records), als heuer schon dritte Werkschau'Cosmographia' für Psalter, 3 Bratschen, Geige, Klarinette und Electronics+Max/MSP, 'Parallel
Words' für Piano, Flöte, Cello, Bratsche und Electronics+Modular Synth resp. Max/MSP, jeweils
zu sechst, sowie 'Conversation' für 3-fach Percussion+Kontaktmikrophone, Bows und Viola, zu
viert realisiert, mit noch dem Bratscher Stefanos Papadimitriou und zuvor weiteren PlotGenossinnen. Gleich die ersten Bogenstriche werfen die Frage auf, ob da neutönerische oderalte, archaische Musik ertönt? Oder wird da Neue Musik nur archaisch intoniert? Als gäbe es
für Eventless Plot nicht die distinction between modern and pre-modern, culture and nature,human and non-human, die das Neue radikal vom Alten und Primitiven trennt. Was sich ja laut
Bruno Latour als anthropozentrischer Krampf erwiesen hat und sich gerade den Ast unterm
Arsch wegsägt, sprich: Gaia kakosmisch verhunzt. Die griechische Kosmographie hier scheint
als Hybride aus humanen und elektronischen Stimmen in einem Kontinuum aus archaischer
Simplizität und post-'moderner' Melancholie im desillusionierten Vorgriff ins Futurum II Latours Vorstellung zu teilen, nur ohne seinen Optimismus. Das Titelstück bringt zu bebenden
Strings melancholische Pianotropfen und elektronische Spinnweben, zu verschattetem
Flötenklang gepickte Saiten und Sinuswellen in langgezogenen Altweibersommerfäden und, inkollektivem Mezzoforte, eine Reprise des bebenden Cellos. Denkbar uneuphorisch, eher
träumerisch, ja hauntologisch in seinem "Vorwärts, Kameraden, wir müssen zurück" - ins 16.
Jh., mindestens, ins Ungespaltene, Prä-Inanimistische, ins noch Hoffende auch. Latour zumindest hält fest an Pandora's Hope, und das freundliche Gespenst seiner Hauntology heißt'Compositionismus'. 'Conversation' ist zuletzt ein Geistergespräch mit Morton Feldman.
Wieder nur piano, driften monotone dunkle Gongtupfen zu metalloidem, teils gestrichenem
Klingklang, gedämpft und melancholisch verschattet. Die Viola streicht über metallischtönendem und leise scharrendem Klang, dumpf gongt die Monotonie mit dunklen Sustain.
KATHARINA KLEMENT Schütten (Austrian Gramophone, AG0018): Klement hat da aus
Feldaufnahmen im Zementwerk Mannersdorf etwas kreiert, das vollspektral akustische
Gegenwartskunst ausfaltet: Denn diese 3 x 3 Solo Pieces for Violin, Cello, Piano schichten sichaus [0] dem O-Ton von Förderband, Brecher und Trocknereiklappen, von dem [Graduation A]
drei ausgewählte 'Klangbilder' als akustische Partitur von Barbara Lüneburg (v), Audrey Chen(c) und Georg Gräwe (p) musikalisiert wurden. In grafische Partituren verwandelt [GraduationB], dienten 'Gosse und Ketten' (als krakelwild überwucherte Spirale) für Tiziana Bertoncini (v),'Ofenlaufrollen' (als Code aus senkrechten Strichen und körnigen kleinen Rechtecken) für
Michael Moser (c) und 'Kugelsortiermaschine' (als Streuung feiner Kratzer und wolliger
Kugeln) für Thomas Lehn (p) als interpretatives Sprungbrett. Und [Graduation C] in traditioneller Notation wurde das für eine dritte Variante Annelie Gahl (v), Séverine Ballon (c) und
Oskar Aichinger (p) als Partitur untergeschoben. Alle neun Interpret*en gehören zur kentaurischen Spezies 'Composer-Performer' und sind etwa im ensemble]h[iatus (Bertoncini, Lehn)oder ensemble Intégrales (Lüneburg), mit MOPCUT (Chen), Polwechsel (Moser) oder dem
GrubenKlangOrchester (Gräwe) bestens vertraut mit Komprovisation und der Kontamination,
der 'Besudelung', von Klangkunst mit Geräusch und Noise. Ist Noise nicht der Zement, aus
dem die ganze Klangwelt sich aufbaut? So wenig wie das siebentorige Theben oder die
Triumphbögen Roms sich bei Brecht nur einer Hand verdanken, so sehr ist Klements Musikhier ein bewusst kollektive Leistung. Als ein multipler Schüttungsprozess aus subjektiven
Eindrücken, individuellen Nachzeichnungen, eingeplanten Übersetzungsunschärfen. Je 4 x
erklingt das gleiche Stück, die einen kennen noch den O-Ton, dem sie sich schleifend,
stöhnend, 'flötend', bebend, scharrend und Chen sogar mit Zahnrädchen in der Kehle
annähern, die andern nur die Grafik, die dritten nur die Noten. Meine Ohren sind dann schon
die fünfte Ebene, auf der mir allerdings vor allem die Vorstellung zwickt, was wohl die
Steinbruch- und Zementwerker von der parallelweltlichen Sublimation ihrer Arbeitswelt undihrer Gabalier-Gaudi denken würden, wenn sie ihnen zu Ohren käme? Dass Aichinger da sogar
ein bisschen mossolovt und Lehn phantastisch im Innenklavier dröhnt und splittert, bewahrt"Schütten" nicht davor, jenseits von Nonos "La fabbrica illuminata" oder Annie Gosfields"Flying Sparks and Heavy Machinery" im kulturellen Kuipergürtel zu kreisen.
79

MARIANNE BAUDOUIN LIE Atlantis, Utopia & Ulvedrømmer (Particular Recordings, P32
CD, 2xCD): Lie ist eine Kammerzofe mit PhD, die statt des Staubwedels den Cellobogen
schwingt, im Alpaca Ensemble und bei Trondheim Sinfonietta. Ihr Ziel ist es, durch innere
Konzentration in Musik körperlich und geistig zu baden und als Performerin in einer "Flow"Zone eine charismatische Präsenz zu entwickeln, die die Musik exekutiv verkörpert, mit
Stimme und allem. Hier hat sie das ausgeführt in fünf Auftragswerken: Bei 'Many Thousands Gone' (2017) von der 1970 in Connecticut geborenen, bei Trondheim lebenden Ellen
Lindquist stimmt Lie zu rauen Strichen, aber auch zartbitterem Kirchenton des Cellos das
No more slavery chains for me & No more children stole from me des Spirituals 'Many
thousand gone' wie einen Folksong an und verschränkt es, brutal an den Saiten reißend
und sägend, mit kleinlauten Fragmenten von Margrethe Munthes Kinderlied 'Vi har ei tulle'. In Solidarität mit den Müttern, die heute Vertreibung und Lagerelend erleiden. Das'Concertino per violoncello et voce' (2016) von Eirik Hegdal, Saxofonist bei Angles 9 undSkarbø Skulekorps, oftmaliger Mitstreiter des Alpaca Ensembles und Kollege von Lindquist am Musikinstitut der NTNU, hebt an mit sonorer Melancholie und lang gezogener Vokalisation, steigert sich zu sanglichem Unisono von Cello und Stimme und bringt mit 'All'
Anima mia' und brüchigem Timbre Zeilen des Triester Dichters Umberto Saba, um Schatten und Trübsal mit absurd sonnigem Gemüt zu trotzen. Stine Sørlies 'Atlantis Lamento'(2019) beklagt Untergegangenes, Versunkenes. Lie lässt aus gepickten, gekratzten undgezischten Geräuschen und aus Textfragmenten wie aus Wrackteilen und Ruinen Erinnerungen auftauchen, harmonisch und klangvoll cellistisch. Die schnurrenden Wellen, dierhythmischen Bandgymnastikschwünge und das vokalisierte Aaa von 'To F' (2011) hat
Maja S. K. Ratkje ihrer Tochter Frida gewidmet. 'Ulvedrømmer [Wolfsträume]' (2017) von
Lene Grenager, Cellistin in Lemur und Ratkjes Partnerin in Spunk, ist ein 7-teiliges Musikmärchen, zu dem Lie selber die Lyrics schrieb. Sie hat mit Alpaca schon auf "Systema
Naturae" (2010) und mit Sinfonietta schon auf "Khipukamayuk" (2016) Kompositionen vonGrenager mitverkörpert. Ihr Miteinander kulminiert nun in einer One-Women-Show, mit
Drummachine-Loops, launigem, gemütvollem und/oder erregt schillerndem Gefiedel, den
norwegisch gesungenen Nummern 'Tusler i natten' und, zu Rummelplatzlärm und Tap
dancing, 'I feel like a song'. Sowie, zu innig und elegisch schwelgenden Cellos, in 'Ulven og
Reven' als Kinderlied über den Fuchs, der Saint-Exupérys kleinen Prinzen das Sichvertrautmachen lehrt und Freundschaft als Weg aus der Vereinzelung. Endend mit nochmal
klopfendem Beat und launig, lakonisch und mit Bravour ineinander kreisenden Celloloops.
80T.ON plays Matthias Muche (Impakt 016): Als Blasenwerfer, Bonecrusher und blaskapellarischer Bestandteil rheinländischer Frischzellenkuren, in XL mit Peter Jacquemyn's
Fundament oder Scott Fields' Ensemble, in Klanglaborteams wie dem Timeart Ensemble,
Nanoschlaf oder 7000 Eichen gleitet Muche durch ein elektroakustisches, komprovisatorisches, audiovisuelles, kinderspielerisches, hörtheatralisches Spektrum, bis hin zu'Klangsondagen für Thomas Kling' oder der Performanz von Oxana Omelchuks 'Wow and
Flutter'. T.ON, das Miteinander mit Constantin Herzog an Kontrabass und Etienne Nillesen
an präp. Snare Drum, beides Spielgefährten auch bei Carl Ludwig Hübsch Artblau, stelltesich erstmals Anfang 2019 im Kölner Stadtgarten vor, mit einer Klangsprache, die Lachenmannsche Musique Concrète Instrumentale mit abenteuerlustigen Extensionen ausformt,
wie sie Nillesen zuletzt erst wieder mit Werckmeister gezeigt hat. Herzogs Weg führte
übrigens von Würzburger Studienjahren und seinem Spiel bei Pegelia Gold & Art Zentral
nach Köln und - als steckte die Szene dort unter einem Bierdeckel - an die Seite vonOmelchuk oder auf mathematisch-akusmatische Spurensuche mit Rie Watanabe in
Pythagorean Triple. Auch hier ist nicht nur der Einstieg avant, 'Punkt Linie', das auf einer
Computergrafikpartitur von Sven Hahne basiert: Als surrende, rumorende Reibung mit
quakendem Wahwah und blechernem Zirpen, nach längerem Luftloch in helldunklen
Kürzeln, plonkenden, ochsenfroschigen, tockelnden, federnden und mit Gusto auf Komik
posaunierten. Und wieder surrend, stöhnend, rumorend, ins Mundstück blubbernd,pressend, zu perkussiven Tupfen und Bogenschlägen vibrierend. Danach: 'Glocken' diskante Bassstriche, nein, es ist die Snare, oder? Dazu sonor schwellende Posaunentöne,
tropfende Basstupfen und dunkle Schatten, bis alles cascando vergeht. Für 'Gleiter' kurvt
Muche einmotoriges Glissando, unisono mit Herzog in insistenten Wellen. Er wiehert als
Pegasus und shilklopert, alpumglüht, zunehmend virtuos erregt mit zirkularbeatmetem
Dauerton. Zu feinem Klangsaum scheinbar abendfriedlich geworden, kommt ihm die
zweite Luft für melodische Turbulenzen in kollektiver Bewegtheit, für Johannes-Bauer'schen Groove zu trappeliger Snare, für rhythmisch gestufte und weich geschwungene
Figuren, die Muche mit Schmackes an den Abendhimmel schleudert. Das 'Ernste Musik' zu
nennen, wäre ein Witz².
THE TOUCHABLES Svart/Hvitt (ConradSound, CNRD329, 2xLP/CD): Ein dehnbarer
Begriff, Die Berührbaren, denn bei "The Noise is Rest" gingen Guro Skumsnes Moe (vonMoE und Sult) und Ole Henrik Moe (Sheriffs Of Nothingness) noch zu zweit durch Dick undDünn mit Octobass und Piccoletto-Geige. Als zugleich Kern und Spin-off eines MikrotonEnsembles, das bereits 2015 mit komprovisatorischem Spirit und eben "Svart/Hvitt"
debutiert hatte. Als Verbund mit Hanne Rekdal (Flöte & Fagott), Gjertrud Pedersen (Bass& Kontrabassklarinette), Martin Taxt (Tuba), Kari Rønnekleiv (die andere Hälfte derSheriffs an Strings), Laura Marie Rueslåtten (Handbells), Magnus Skavhaug Nergaard(Kontrabass) und Ane Marthe Sørlien Holen (von Pinquins und Chambre Noir an Basstrommel & Percussion), wobei der Moe auch noch Bassposaune bläst, während sie wieder
auf einen Stuhl steigen muss, um ihren überdimensionalen Bass zu spielen. Schon derEinstieg mit Mäusepfiffen und einem ominösen Grollen deutet auch da eine maximale
Spannweite an, während eine unmittelbar folgende Generalpause gleich für Irritation
sorgt. Nur minimalstes Grummeln überschreitet die Hörschwelle, als schöbe sich eine
Dröhnwolke langsam und leise anschwellend ins Bild. Und ein knarrend sich aus dem
Nebel schälendes, motorisch tuckerndes Geisterschiff. Im zweiten Satz vernebeln
Bogenstriche ein ferne tutendes Nebelhorn, raue Kratzer sägen zu Schlägen auf ein Ölfass, der Klabautermann saugt Wasser aus dem Schnurrbart, ein Sirenenton glissandiert
zur Mastspitze, nochmal knarrt der Octobass und Dröhnwellen eskalieren mit sirrendem
Vollgas übers höchste C. Der III. Akt ohne Worte surrt und rauscht wieder leise in den
Niederungen, sind es Lippen, sind es Saiten? Gepresste Luft, kleine Wischer, Flötenhauch,äußerst leise. Ein raues Harfen, tonloses Fauchen, schabende und tutende Haltetöne etc.
ppp. Und IV. ein Dröhnfaden, aus dem Beinahenichts ganz allmählich crescendierend. Als
sonores Unisono mit schimmerndem Saum, das abreißt für den Eindruck, eine BeckettFigur würde mit zugeklebtem Mund einen Witz über Malewitch erzählen.
81

WET INK ENSEMBLE Smoke, Airs (Huddersfield Contemporary Records, HCR24CD): Zu
diesem New Yorker Ensemble vereint hat sich eine Gruppe von Composer-Performern, die
mit der gleichen Selbstverständlichkeit elektroakusisches wie komprovisatorisches
Neuland beackern. Mit von George Lewis, Anthony Braxton oder Kate Soper Komponiertem und eigenen Erfindungen des Perkussionisten Ian Antonio, des Saxofonisten Alex
Mincek, des Pianisten Eric Wubbles, des auch mit Evan Parker oder Ingrid Laubrockbekannten Electronikers Sam Pluta. Hier performen diese vier zusammen mit Alice
Teyssier an Flöte & Stimme, Josh Modney an Violine und noch der Vokalistin Chermaine
Lee deren 'Smoke, Airs' als bruistischen Flow mündlicher und instrumentaler Kürzel.
Verhuschte Krakel, Zischlaute, Pfiffe, rollendes rrr führen durch Schleusen aus Stille undweißem Rauschen in weitere Räume voller Schmatzer, Kratzer, Spritzer, Knarzer, in mal
verdichtete, mal gedehnte Turbulenzen aus Flötenfitzeln, Brown'schen Molekularkollisionen, Glossolalie, feinem Schlaghagel, sirrendem Pianissimo, Gewisper. 'Dead Time'von Bryn Harrison (*1969, Bolton), der die Verbindung zu Huddersfield herstellt, spielt,
unter Verweis auf "Enduring Time" von Lisa Baraitser (die in London Psychosoziale
Theorie lehrt), mit Differenz und Wiederholung, mit Live-Loops und Band-Loops, mit derPerzeption ständiger Wiederkehr. Harrison suggeriert mit seiner aus Gavin Bryars,
Howard Skempton und Morton Feldman hervorgegangenen, wie von Saties 'Vexations'infizierten Minimal-Mechanik die ostinate Stagnation defekter Schallplatten, einenhakenden, mühsamen Fortgang, der immer wieder gegen Hindernisse stößt. Die vonVirtueller Realität und Archäoakustik faszinierte Kristina Wolfe beschwört in 'A Mere Echoof Aristoxenus' bei 'Ghost Aulos for Vitruvius' mit Geige, Saxofon und Flöte den Ton desAulos, der gespenstisch vage und mit hallender Schleppe erklingt. Und bei 'Heptaechon'vergegenwärtigt sie mit spärlichen Gong- und Chimeklängen die Akustik der Echohalle
des Zeustempels in Olympia. Für beides nutzt sie virtuell den von Vitruv beschriebenen
Effekt der Schalltöpfe in den antiken Amphitheatern. Pierre Alexandre Tremblay (*1975,
Montréal) schließlich lässt als weiterer Huddersfieldler bei '(un)weave' Klänge ausschwärmen wie Fußgänger, wenn die Ampel auf Grün schaltet. Im Wechselspiel vonbindenen Klangfäden und erruptiver Auflösung, von klaren Flöten- und orgelnden Haltetönen und perkussiv-pianistischen, ruppigen, zwischendurch auch rhythmischen Verwerfungen zeigt er die Reichhaltigkeit von Entfesselungsprozessen, die Schönheit impulsiver Positionswechsel.
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BA's Finest 2020
Aksak Maboul - Figures (Crammed Discs)
A Love Supreme Electric - A Love Supreme& Meditations (Cuneiform)
The Dinner Party - Wednesday Afternoon (FMR Records)
The End - Allt är Intet (RareNoise)
Le Grand Sbam - Vaisseau Monde (Dur et Doux)
Mary Halvorson's Code Girl - Artlessly Falling (Firehouse 12)
Sean Noonan - Drumavox (Noonansmusic)
Sophie Tassignon - Mysteries Unfold (RareNoise)
Zeitkratzer - The Shape of Jazz to Come (Zeitkratzer Prod.)
John Zorn - Les Maudits (Tzadik)82

Cross the Border, Close the Gap (revisited)
Katharina Klements "Schütten" rührt, wie es da um ein Zementwerk kreist, an einenwunden Punkt meiner Biografie als Sohn eines Zementwerkers und Enkel von Steinbrucharbeitern. Daran, dass ich mich aus dem Staub gemacht habe ins Angestelltenmillieu undauf ein autodidaktisch gestelztes Plateau, als Eskapist mit schlechtem Gewissen, aberdoch halbwegs (oder vermeintlich) gerechtfertigt als Praktikant eines 'Cross the border,
close the gap'. Nicht zuletzt daher - von LESLIE A. FIEDLERs 'Die neuen Mutanten' (inACID) und 'Überquert die Grenze, schließt den Graben' (in MÄRZ MAMMUT) - in den 70ern
multipliziert mit ACID als Ganzem, stammt ja meine Präferenz und seit Mitte der 80er auch
Propaganda für Rock in Opposition, Folklore imaginaire, File under 'Popular'. Für Musik,
die ihren Senf dazu gibt, bewusstseinsveränderliche, subversive Musik to change men's
dreams. Was sich weder mit Fiedlers 'Desengagement als letzte noch mögliche Tugend'
beißt [→ 'Politics of Experience' (R. D. Laing), 'Metapolitics' (Norman O. Brown), 'Paracriticism' (Ihab Hassan), 'Désirévolution' (Lyotard)], noch mit R. D. Brinkmanns Ich müsste ein
Maschinengewehr haben... (als weiterem Spritzer meiner ACIDifizierten und schMÄRZlichen Selbstfindung). ((Um der 'Einsamkeit des Lesers', der Impotenz des Ästhetischen
und Intellektuellen und der Ohnmacht der Habenichtse zu entkommen durch Aktion, dafür
fehlte mit der entsprechende Darm im Leib, doch ebenso fehlt mir bis heute die 100%ige
Überzeugung, dass sich in der Pariser Kommune, der Münchner Räterepublik, der RAF
oder den Black Panthern DAS BÖSE manifestiert hat)).
Geblieben ist mir mein Unbehagen über Ästhetiken, die Fiedlers Forderung Hohn sprechen,die Grenzen [zwischen Künstler & Amateur, Elite und Elise, Wirklichkeit und Möglichkeit,
den verfickten Fakten und dem Brainfuck der Phantasie] zu verwischen, die Gräben [zwischen High & Low, Mythos & Pop, Überbau und Lebenspraxis] zu schließen, die Lesenden,
Sehenden, Hörenden rezeptionsästhetisch als Komplizen zu stärken und gemeinsam die
Welt (wieder) zu verzaubern, mit Abenteuerlust, Sinnlichkeit, dreckigem Witz und Unsinn.
Geblieben ist mir (die Erinnerung an) Fiedlers emphatisches Werben für ein pupertäres, ja
masturbatorisches Indianer-Werden, für die Lockrufe von Wildnis und Open Space inmitten des grauen Immersoweiter, sein Plädoyer dafür, die Bewusstseinsveränderung
nicht der Bewusstseinsindustrie, die Visionen nicht den Technokraten, Magie und Mystik
nicht den Kirchen und falschen Propheten zu überlassen. Ich bin gepawlowt von Fiedlers
Arsenal aus 'Pop', SF, Western und 'Pornographie': Boris Vian, John Barth, Thomas
Berger, Anthony Burgess, W. S. Burroughs, Kurt Vonnegut Jr., Hubert Selby, One Flew
Over the Cuckoo's Nest, Portnoys Beschwerden. Daher, zumindest in homöopathischer
Dosierung, meine Berauschung durch Rabulisten, Enthusiasten, Dionysier, Anabaptisten
und 'Neue Juden', wie Leonard Cohen sie (in Beautiful Losers) genannt hat.

Von meinem Faible für Fiedlers 'Grenzphänomene' und Hopsasa des Ästhetischen rühren
meine chronischen Bauchschmerzen darüber, dass seit 75 Jahren adornoitische (Lukacs'
sche?) (postfaschistische?) Meme vor kulturellen Ausnüchterungszellen wachen (nichts
gegen Adorno, den kann man auch anders lesen) ((... und Ernst Blochs Geifern gegen C. G.
Jung, D. H. Lawrence und Benn muss man seufzend überlesen, denn, mit (und gegen)
Brinkmann, es geht nicht ohne Benn, Nietzsche, Arno Schmidt...)). Von daher, von Fiedler,
The Doors, Janis Joplin, Tim Buckley, Laura Nyro, '21st Century Schizoid Man', 'Child inTime'..., kommen meine Kopfschmerzen über das Verdikt von Irrationalität, Sinnlichkeit,
Pathos, von Nietzsches Dynamit und 'fröhlicher Wissenschaft' und überhaupt von jeglicher'Idiotie', die irgend etwas als faschistoid Deklariertem nützlich (oder selber 'links-' oder'anarchofaschistisch') sein könnte. Eine Gesellschaft, die sich aber nicht einmal in derkleinen Zahl der Denkenden (Enzensberger) an den blitzgescheitesten Köpfen berauschenkann, besäuft sich mit den breitesten Ärschen und genießt die Ableitung aller gesellschaftlichen Schwierigkeiten in lauter private Unterhaltungsmythologien - wie Martin
Walser (schon) anno '68 befürchtet hatte, contra Fiedler (der dagegen hielt mit The word
myth to you means lie, to me it means a communal dream).
83

Indem sie sich dem spontanen, subversiven, anarchischen 'Träumen' und (schlimmerenfalls ja auch repressiven) Entsublimieren entzieht, indem sie die 'surrealistische Provokation' und die Unmittelbarkeit als 'falsche' ebenso scheut wie die 'Zersetzung durch Bejahung' (Schwejkscher Ansatz), wird die reflektierende und konzeptionelle Sphäre, in derÄsthetik als Verrätselung verstanden oder 'Reduktion als Reinigungsakt' praktiziert wird
und 'Konkret-Sein ist alles' gilt, sauerstoffarm bis ins Anästhetische. Fiedlers 'American
Sublime' (Walt Whitman, McLuhan, Barnett Newman... in meinen Ohren: Ives) ist dagegenkomisch, respektlos und vulgär geerdet, seine 'neue Literatur' (und neue Kritik) kommt
volksnah, nicht ganz hoffähig und ein bißchen gefährlich daher. Wieweit dem der döblineskgroteske 'Realismus' von Grass, der 'schwarze' von Gisela Elsner, der schmuddelkindlichevon Peter Rühmkorf, der drastisch abstruse von Ror Wolf entsprochen haben, sei dahingestellt. Dass Kafka und Beckett komisch, und Beckett oder Volodine ebenso (wenn nichtmehr) ein 'Stachel' sind wie Büchner und Brecht, der späte Nono ebenso (wenn nichtmehr) wie der frühe Nono, ist dagegen keine Frage.
Der 'Schwejksche Ansatz' rückte als Kraftwerk-, Laibach-, Rammstein-Ansatz und auchder der 'Pop-Linken', speziell bei der SPEX, in den 80er/90ern dann doch in den Vordergrund und konnte dabei, implizit, Bazon Brocks 'affirmative Praxis' weiterspinnen. Was
mich angeht, sind jedoch die Wiederkehr von Verdrängtem (von 'Romantik', insbesondere
schwarzromantischen Liebe-Tod-und-Teufel-Motiven) und von Verpöntem (das 'Wilde
Denken' der Matthes & Seitz-'Faschisten'), die Wermutswürze der Melodramatik ('Poetischer Realismus', B. Traven, Remarque) und der Trost des Eskapistischen (Enzensberger,
Chabons Kavalier & Clay) sowie - mit Georg Seeßlen - das kritische Potenzial in Genres (BMovies, Krimis, SF, Comics...) und in bildungsbürgerlichem Erbgut (Marsyas, Sisyphos, Antigone, Don Quijote...) die Bretter, an die ich in meiner Hundehütte die Stirn drücke. Wenn ich
dazu noch das alte Theorie-Praxis-Problem an Wahlurnen (Massendemonstrationen, Generalstreik...) verweise und in der Faschismus-Frage eine Immunisierung durch Lebendoder Totimpfstoff befürworte, wird vielleicht meine Version des 'Populären' als Popocatépetl im Nebel sichtbar. Als Festhalten an einer mythopoetischen, surrealen, expressiven,dadaistischen, mit G. R. Hocke 'manieristischen', mit Fiedler 'archetypischen' Konstante,von Bosch über Blake und Lewis Carroll bis Max Beckmann, Anselm Kiefer, Magma, Monty
Python, Alan Moore, David Lynch, John Zorn, La STPO, Schlockmaster... Abseits der Anything-goes-Wurstigkeit von aufgeklärten Zynikern/enlightened middlebrows, die Fiedlers
Postulat umdreht, indem sie ästhetische Grenzen und Gegensätze relativiert, alle Provokationen und fast alle Abweichungen konsumistisch integriert (um zugleich, wenigstens
teilweise, in das Geschrei nach festen Außengrenzen einzustimmen).
Kunst (Literatur, Musik...) ist bei mir dem Wesen nach 'Herausforderungsrede', die, selbst
und gerade wenn sie sich nicht an Massen richtet, potenziell und idealiter so gut wie
jede/n ansprechen kann, d. h. können sollte. Als Sophistication, die dem Elitären und dem
Platten gleichermaßen entschlängelt, um ellingtonesk mit Ladies zu flirten oder sich mit
Screwballs zu kabbeln. Personifiziert als pikaresker Fellow of Infinite Jest. Poesie mag
durch ihr bloßes Vorhandensein das Vorhandene in Frage stellen - und einen selbst dazu.
Doch hat Enzensberger da (der Poesie) nicht implizit etwas sphinxisch Herausforderndes
unterstellt und Sex-Appeal dazu? Wenn ich dabei ständig Literatur mit Musik vermische,dann als Nadelöhr, dem es egal ist, ob Kamel oder Dromedar Einlass begehrt. Sprache ist
für mich nicht Käfig, sondern Golem, ein singender Golem. Kurz: Ich liebe Musiken, die auf dem Niveau von Fiedlers 'Low' (und attraktiv wie The Mothers of Invention, Dylan,
Cohen, Lennon) - J. G. Ballard, Ph. K. Dick, Joanna Russ, James Tiptree Jr. entsprechen,
die Chandler, Hammett, Simenon, Ross Macdonald, Chester Himes, Nicolas Freeling,
Sjöwall/Wahlöö das Wasser reichen können, die sich auf Augenhöhe mit Bilal/Christin,
Boucq, François Bourgeon, Michel Crespin, Hernandez & Hernandez, Muñoz/Sampayo,
Hugo Pratt, Schuiten/Peeters, Joann Sfar, Jacques Tardi, Winshluss abspielen. Egal ob derSieg der Bewusstseinsindustrie auf 1871, 1919, 1933, 1984 oder auf das Cocooning in
Facebook & Co. datiert, 'mein Kampf' (mit mir selbst) beginnt mit der Frage "Einmal auf
der Welt. Und dann so?" und dauert bis ich mich dem bleedin' choir invisible anschließe.
84

Mein skeptisches "So?" kreist um die Präferenz von Abstraktion, Autonomie, A-pathie→Post-Webern, Post-Cage, Konzeptkunst, das 'Konkrete', das 'Experimentelle'... Dass dasvor 40, 50 Jahren (nicht ohne pharisäerhaften Dünkel und unfreiwillig münchhausensche
Ironie) in quasi 'bürgerlichem Selbsthass' innerhalb des studentisch-akademischen und
feuilletonistischen Milieus als 'bürgerlich' verworfen wurde - eine längst unverständlich gewordene Terminologie, der ich als Nestflüchter aus dem Zementwerklich/Kleinbäuerlichen
ins Kleinbürgerlich/Würzburgische eh nur mit Achselzucken begegnet bin - hat ihr selbstgefälliges Zombiewesen nur befördert. Dennoch scheue ich 'elitär' als Vorwurf (à la: bei
Op-art und Minimal-art handelt es sich um manipulierende, oft terroristische Objekte),
denn es kaschiert oft genug nur einen bornierten und bequemen (Pseudo)-Anti-Intellektualismus (abgesehen davon, als was es die Rezipienten hinstellt). Mich reizt das Besondere und Extraordinäre, statt dass es schreckt (von Belcanto abgesehen). Dass sich
die Stars im künstlerischen Sektor (wie ihnen in den mit Revolutionsflausen und MosesAllüren aufgeblasenen, von Walter Benjamin nur einen Dünnpfiff rezipierenden Ästhetisierung der Politik/Politisierung der Ästhetik-Diskursen sowie den Die Kunst ist tot- undKunst als Ware-Debatten explizit vorgeworfen wurde) gerade durch Originalität, Spontaneität und Virtuosität kulturindustriell als goldene Kälber vermarkten lassen, sagt nichtsüber und noch weniger gegen die Überforderungskicks (egal ob durch 'Geniale Dilettanten' oder große Könner), die sich jenseits des spektakulär Vermarktbaren abspielen undmeist auch abseits von dem, was der Eitelkeit von Hipstern schmeichelt - als wohl zu
sonderbar, zu 'gut' (?) und daher nur marginal begehrlich.
Das Ästhetische als an sich manipulativ und Ästhetisierung als genuin faschistoid zu diskreditieren, ist Geschichte. Nicht die Geschichte eines Scheiterns, weil einige lieber Ottos
Mops bedichteten (statt auf der Straße "Ho Chi Min!" zu schreien) oder bloß grausames
Theater machten (statt - wirklichen Terror?). Vielmehr die sang- und klanglose, im Part maudite der RAF dennoch blutige Abwicklung des Phantasmas einer radikalen Umverteilung
der Macht-zum-"Off with their heads!" (die Macht, den Worten jede Bedeutung zu geben,
ergibt sich - wie schon Humpty Dumpty wusste - daraus von selbst). Chronisch geworden
und x-fach verstärkt haben sich die obszöne Kluft von Haben und Nichthaben und die Eroberung der Phantasie durch das Kapital, der Peter Schneider eine Revolte der Wünsche
entgegensetzte, womit er aber etwas anderes als die surrealistisch-situationistisch geprägten 'Ursprungslinien der Revolte' bei Fiedler meinte, nämlich realistische Abziehbilder
des (Schlecht)-Bestehenden. Die das am 'realistischsten' verwirklichten, klangen freilich
wie Throbbing Gristle, Pop Group, Merzbow, Einstürzende Neubauten... Mein Anspruch,mein Ceterum censeo, lautet eigentlich ganz simpel: Kick it like Beckett! Wie Franz, deralte Zausel, wie Mahler und Messiaen, wie Coltrane und Ayler, wie King Crimson und Can,wie Carla Bley und die Art Bears! Damit immer nur eine Außenseiterposition zu besetzen(als 'Freaks'), ist mir eine bis heute verwunderliche Folge einer instinktiven Selbstverständlichkeit ('Stachel im Fleisch'), der ihre Entfernung vom Integrierten, ihre 'Entfremdung',sich als dauerhafte Chance auftut. Innerhalb dieser Peripherie dann überwiegend mit
manischem Gefrickel, bruitophiler Magermilch, genügsamem Kleinklein, mikrotonalen Verstörungen, Schneehasenkütteln, Hypersensibilisierungslektionen und vor allem Routine
Routine Routine frustriert zu werden, fordert mir freilich oft mehr ab, als mir lieb ist, um
auch das wieder als Chance in der Chance zu begreifen.
Wer nicht will, der hat schon, wer nur mehr will, häuft nur den Scheißhaufen des NichtGlücks. Und, nein, ich freue mich nicht darüber, dass die Frage der eigenen Duldungs- undFörderungswürdigkeit den kleinen 2- und 3-stelligen Bereich als Existenzfrage nach der'Systemrelevanz' verbindet mit den höheren kulturhütenden und unterhaltungsindustriellen Etagen, seitdem Nussschalen und Luxusliner gleichermaßen auf dem Trockenen
sitzen. Wenn dann noch Alphamännchen als Volkstribunen Schule machen und sich die
Wirkohnmächtigkeit der offenbar überschätzten Bewusstseinsindustrie (Film- & Popstars,
schreibende Prominenz...) gegen den Rausch durch alte Plörre (Killerphrasen aus Bibel
und Koran, Ressentiments, Mia san mia, der immer wieder gern für Aberglaube und
Totschlagargumente empfängliche, 'faschistoide' Mist) abzeichnet, dann Gute Nacht.
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inhalt
over pop under rock:no freakshow no artrock no festival 3 we know we know we know why! le grand sbam 4 - oiapok - hydropuls 6
cuneiform 7 - darja kazimira & dagmar gertot 9 doc (wör) mirran's sounds 'n thoughts 10
himatfilm: irgendwas mit ... 11
klanggalerie 12 - moonjune (die markus reuter show) 14 - rarenoise 18 ...
nowjazz plink'n'plonk:
a new wave of jazz 24 - clean feed 26 - creative sources 27 rudi fischerlehner 28 - jacob felix heule 30 - intakt 31 benjamin koppel 34 - leo 36 - linoleum 38 adrain northover, extraordinary gentleman 39 - ivo perelman 42 pyroclastic 43 - umland 46 - john zorn / tzadik 49 ...
sounds and scapes in different shapes:
auf abwegen / degem 56 - crónica 57 mehrfachüberlagerungen: elggren und freud 59
gerald fiebig: passagen. werk für walter benjamin 60
e-klageto 61 - public eyesore / eh? 62 - sofa 64 - village green 65 ...
jenseits des horizonts:
empreintes digitales 71 - no edition 75 ...
ba's finest 2020 82
cross the border, close the gap (revisited) 83

BAD ALCHEMY # 108 (p) Dezember 2020
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl gibt und als Digital Download sowieso
BAD ALCHEMY erscheint 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 108 erhalten Abonnent*en die CD "Irgendwas mit..." von HIMATFILM
Mit herzlichem Dank an Martin Eclec
Cover: Artwork von Achim Zepezauer zu Jan Klares "B.C." (Umland)
Rückseite: Seoul Hipster, Fotoportrait von Alfred 23 Harth(er schreibt dazu: oft sind Koreaner, die jung aussehen in Wirklichkeit 10, 20 Jahre älter als wir sie
einschätzen können. In diesem Fall ists der Chefverkäufer in einer hippen Boutique mit Klamotten,
LPs, Kunstkatalogen & DJ-Set. Natürlich hatte ich ihn vorher um sein Einverständnis gefragt.)[nicht als Werbung für Hot Dogs oder Brain Dead, die hippe Streetwear-Marke in L.A., sondern fürBooks, Marks Marx & Thoughts]!!! Die Nummern BA 44 - 103 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................

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INDEXA LOVE SUPREME ELECTRIC 8 - ANDRZEJEWSKI, MAX 54 - ASCIONE, PATRICK 74 BAKER, NEWMAN TAYLOR 52 - BALLROGG 26 - BASSETT, MARCIA 20 - THE
BELLOWING EARWIGS 39 - TIM BERNE‘S SNAKEOIL 33 - BERGMARK, JOHANNES 63 BERROCAL, JAC 13 - BISIO, MICHAEL 52 - BLONK, JAAP 63 - BOHMAN, ADAM 39, 40 BOTHÉN, CHRISTER 77 - BOW BOW 78 - BRAINGRAINHOTSPOT 76 - BRANCH, JAMIE
32 - BRANDTSEGG, ØYVIND 58 - BRÉCHET, PASCAL 51 - BRUCKMANN, KYLE 30, 78 CHATWIN, BEN 65 - THE CHEMICAL EXPANSION LEAGUE 39 - CHROME HILL 26 CHRYSAKIS, THANOS 55 - DARJA KAZIMIRA 9 - DAVID-GUILLOU, ANGÈLE 66 - DAY,BRYAN 62, 70 - DEMIR, ORHAN 51 - DHARMAWAN, DWIKI 17 - DHOMONT, FRANCIS 72 DJLL, TOM 30, 62 - DOC WÖR MIRRAN 10 - DOUGLAS-MOORE, IAN 67 - DUERRINCKX,JJ 40 - DUTHOIT, ISABELLE 51 - DWBH 51 - DYBERG, MIA 28 - EC (ESTANIS COMELLA)
67 - EDWARDS, JOHN 41 - ELGGREN, LEIF 59 - THE END 18 - ENSEMBLE 5 36 - EOS 32 EPPLAY, DAVID 13 - EUPHOTIC 62 - EVENTLESS PLOT 79 - FENECH, DAVID 13 - FIEBIG,GERALD 56, 60 - FISCHERLEHNER, RUDI 28, 29 - FRAJERMAN, DENIS 12 - FUJII,SATOKO 52 - GARCIA, MARGARIDA 20 - GARTMAYER, SUSANNA 13 - GEINS‘T NAIT 68 GERTOT, DAGMAR 9 - DAVE GISLER TRIO 32 - GOUVEA, MARILZA 40 - GROHOWSKY,
KENNY 14, 49 - GUSTAFSSON, MATS 18 - HADEN, PETRA 50 - HALLEY, RICH 52 - THE
HANDSOME COUPLE 48 - HAUTZINGER, FRANZ 51 - HENRIKSEN, ARVE 19 HERNANDO, JAVIER 68 - HEULE, JACOB FELIX 30 - HIMATFILM 11 - HÜBNER, GUIDO
63 - HUNTSVILLE 53 - HUSBAND, GARY 16 - HYDROPULS 6 - IM GRUNDE GENOMMEN
20 - THE JCA ORCHESTRA 53 - JERNBERG, SOFIA 18, 77 - JETZTMANN 56 - JOAQUIM,VITOR 69 - JOHNSON, CHUCK 21 - JUNK MAGIC 44 - KAISER, HENRY 8 - KEUNE,
STEFAN 24 - KITA, NAOKI 36 - KLARE, JAN 46, 47 - KLEMENT, KATHARINA 79 KONTRABASSDUO STUDER-FREY 37 - KOPPEL, BENJAMIN 34, 35 - KURZMANN,CHRISTOF 13 - FRANÇOIS LANA TRIO 36 - LA TOURETTE 29 - LAUBROCK, INGRID 32 LE GRAND SBAM 4, 5 - LECOURS, PIERRE-LUC 74 - JAMES BRANDON LEWIS QUARTET
31 - LIE, MARIANNE BAUDOUIN 80 - LISLE, ANDREW 24 - LYNCH, SUE 39, 41 - LYTTON,PAUL 54 - MAEDER, MARCUS 69 - MÄLZNER, ERIK 75, 76 - MANNHEIMERSCHLAGWERK 15 - BRIAN MARSELLA TRIO 49 - MARZAN, PASCAL 42 - MATTOS,MARCIO 40 - THE MAXX 55 - MEAT.KARAOKE.QUALITY.TIME 46 - MEELKOP, ROEL 57 MORI, IKUE 52 - MØSTER, KJETIL 18, 55 - MOTA, MANUEL 20 - MOTZER, TIM 14 MUCHE, MATTHIAS 81 - MÜLLER, MATTHIAS 28 - NIES, JOKER 54 - NILLESEN,ETIENNE 27, 81 - NISHI-SMITH, KANOKO 30 - NORTHOVER, ADRIAN 39, 40, 41 OCULUS 15 - OIAPOK 6 - OKUDA, RIEKO 27, 47 - PAY DIRT 70 - PERELMAN, IVO 42 PETIT, PHILIPPE 70 - PETITGAND, LAURENT 68 - PLUTA, SAM 32, 82 - PRIMA KANTA 38- PSEUDO CODE 61 - RAIMOND, JOSEPH B. 10 - THE REMOTE VIEWERS 41 - REUTER,MARKUS 14, 15, 16, 17 - REVIS, ERIC 44 - ROBERTS, CATH 25 - ROCHELLE, LAURENT
38 - RUBICON QUARTET 25 - RUPP, OLAF 28 - RUSSELL, JOHN 24 - RUSSELL, RAY 7 SARRAZY, MARC 38 - SAVOLDELLI, BORIS 17 - SCHAFFER, MICHAEL 70 SCHLEIERMACHER, JOHANNES 54 - SCHLIPPENBACH, ALEXANDER VON 31 SCHMITZ, JOHANNES 6, 22 - SCHNELLERTOLLERMEIER 8 - SCHÖRKEN, HANNA 37, 47- SCHWALM, J. PETER 19 - SCOTT, RICHARD 54 - SEDDON, AMBROSE 73 - SERRIES,DIRK 25 - SHIPP, MATTHEW 52 - SHOOTIN‘ CHESTNUTS 21 - SIMULACRUM 49 SINTON, JOSH 55 - SIRKIS, ASAF 15, 17 - SMALLEY, DENIS 72, 73 - SMITH, ABIGAIL 63 SMITH, CHES 33, 50 - SMYTHE, CORY 32, 43 - SNOW PALMS 65 - SOO, MART 48 SÖRÉS, ZSOLT 29 - STICK MEN 16 - TABORN, CRAIG 44 - TAKATSUKI QUARTETT 27 TAMURA, NATSUKI 52 - TAYLOR, CHAD 31, 44 - TECH RIDERS 63 - THELEN, STEPHAN
19 - THÖRN, PÄR 67 - T.ON 81 - THE TOUCHABLES 81 - TRAINING 54 - TRONDHEIM
JAZZ ORCHESTRA 55 - ULNARIS SULCUS 22 - V/A DEGEM CD 18: 20_20 56 - V/A
DERIVA 57 - VANDE GORNE, ANNETTE 71 - VANDERSTRAETEN, KRIS 24 - VAN
SCHOUWBURG, JEAN-MICHEL 39 - VERHOEVEN, MARTINA 25 - VILDE&INGA 64 VOICEHANDLER 30 - WALTER, FLORIAN 46, 48 - WARD, TOM 25 - WAZINIAK, THIERRY
51 - WEBSTER, COLIN 24 - WEITZEL, JOSHUA 27, 56 - WERCKMEISTER 27 - WET INKENSEMBLE 82 - WHAT HAPPENS IN A YEAR 55 - WISSEL, GEORG 54 - WOOLEY, NATE
42, 45 - ZAZOU BIKAYE 22 - ZORN, JOHN 49, 50 - DIE ZUCHT 23

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