BAD
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ALCHEMY1

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CIRCLE LIVEDas war doch ein veritables Festival, was da am 17.11.2007 in
Würzburg zum 10th Anniversary von Horsts Psychedelic Networküber die von der Pforzheimer Psychedelic-Lightshow Kosmik
Klaus and his Solar Sea Slideshow bestrahlte AKW-Bühne
ging. Natürlich mit Zone Six, den vor 10 Jahren von Dave Smith aka
Sula Bassana am Spacebass gegründeten Hawkwind-getriebenen
Trance-Trippern, mit Ex-Guru-Guru-Axeman Ax Genrich als Gaststar neben der Spacegitarre von Julius-K; mit den durch Dirk Bittners Gitarre und Dirk Jan Müllers Georgel auf Retrokrautwolken dahin dampfenden Electric O r a n g e aus Aachen, bei denen Canund Ashra-Nostalgiker sich einen Bierbauch schlanker fühlen können; und mit dem Münchner Gitarre-Bass-Drums-Trio Colour H a ze, bei dem ich vergeblich auf was zu Futtern in der notorisch desorganisierten AKW-Kneipe wartete. Aber was zählt ein leerer Magen, wenn als Höhepunkt vor 196 psychedelisch animierten Fansnun die finnischen CIRCLE anstanden.
Allein schon deren Outfit signalisierte allerdings: Schluss mit Psychedelik, wenn auch nicht Schluss mit lustig. Drummer Tomi Leppänen, ein Handtuch in Jesuitenschwarz, würde mit seiner überdimensionalen Brille eher zu Devo passen, Sänger-Keyboarder Mika
Rättö geriert sich mit Strasshosenträgern, Stachelarmbändern undPrinz-Heinrich-Mütze als Glamrock-Tom-of-Finland. Nur Gitarrist
Janne Westerlund hält die schlichte Indietradition aufrecht und bei
Jussi Lehtisalo am Bass kann sowieso keine Verkleidung den finnischen 2-Zentner-Knuddel kaschieren. Mit ‚Virsi‘ steigen sie ein, Rättö croont wie Peter Hammill und die Band wuchtet Pathos in den
Saal. Bis völlig unerwartet ein monoton-motorischer Uptempo-Riffeinsetzt und nicht mehr aufhört. Zum Headbangen zu schnell, rast
man mit Kraftwerk auf der Überholspur. Bis die pathetische Repriseeinsetzt, hat man jedes Zeitgefühl verloren. Dazu pulsieren und rotieren geometrische Muster, eher konstruktivistisch als psychedelisch und vage lassen sich alte Wochenschaudokus von Wehrmachtstruppen und Militärparaden ausmachen. Rättö parodiert zackig den martialischen Anstrich des eigenen Tuns, wobei die entgegen gereckten Bierflaschen Zweifel aufkommen lassen, ob der
Rhythmus, bei dem jeder mit muss, da je auf Widerstand treffen
könnte. Circle setzt mehrmals solch ostinate Stakkatos ein, besonders schmissig bei ‚Tulilintu‘, und auch das Accelerando, das fürAdorno ein Wesensmerkmal faschistischer Musik bedeutete. Bloßdass Circle ganz bewusst mit solchen Versatzstücken arbeiten, fürdie ganz Naiven mit einem augenzwinkernden Grinsen. Für dieÜberwältigungsästhetik wirft sich Lehtisalo in Metal-Posen, Machotum wird durch Fingerhakeln und Armdrücken mit Rätto verarscht,
sogar mit einer Stierkampfparodie, bei der Rättö den Bassstier mit
einer unsichtbaren Muleta in Leere stoßen lässt. Dafür kräht erdann wieder selber wie am Spieß, als Heldentenor, der eine MetalArie wie ‚Murheenkryyni‘ mit der nächsten toppt, beim abgehackt
intonierten ‚Uusi Uhraus‘ mit dem vielfach wiederholten „Shake shake shake it, the 666“. Dazwischen aber breitet sich zweimal scheinbar endloses Geplänkel aus, und das nicht bloß, um den Wechsel einer gerissenen Basssaite und eines versagenden Gitarrenamps zuüberbrücken. Mir kommt es wie gezielte V-Effekte vor, bewusst gegen den mitreißenden Sog der Hirnplattler gesetzt. Circle berufen
sich zu 88% auf ihre Landsleute Sleepy Sleepers, die provokanten
Vorläufer der Leningrad Cowboys. Das ist kein Witz, sondern DER
Witz. Circle sprengt wie ein Springteufel die zu eindeutigen Schubladen. Heißt Psychedelik nicht ‚Bewusstseinsveränderung‘? Insofern ist Circle vielleicht doch eine psychedelische Band.
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PS: Hinterher will natürlich so mancher genau die Circle-CD, mit der er den Konzerteindruck mit nach Hause nehmen kann. Ausnahmsweise taugt Rakennus (Live) (Ektro Records, EKTRO-048) nicht schlecht als Doggybag, um Erinnerungsreste aufzuwärmen.
Mitgeschnitten am 19.9.2007 in Charlottesville, hört man, wenn auch mit etwas anderer
Dramaturgie, vieles, was auch in Würzburg für ähnliche Begeisterung sorgte wie in Virginia. Ziemlich genau der Ton zum Film vor dem Auge der Erinnerung. Wobei die auchnoch Bilder liefert wie den Filmloop eines axtschwingenden Zombiebekämpfers als Illustration von wüstem Rock‘n‘Roll-Gemetzel oder das frenetische 16tel-Geschnetzel von
Leppänen beim rasenden Finale. Dafür gibt es keinen Ersatz.

Noch mehr CIRCLE Live beschert einem das Psychedelic-Network-Label Sunhair.
Telescope (sh 005, 2 x CD) ist der Mitschnitt vom Gastspiel der Finnen am 12.06.2003
im Würzburger Cairo. Sunhair dokumentiert die psychedelischen Unterströmungen vor
Ort, die in Gestalt von Zone Six (Any Noise is Intented, Psychedelic Scripture) und Neumeier-Genrich-Schmidt (The Psychedelic Monsterjam, The Intergalactic Travel Agency)
Würzburg, ohne dass es die bornierten Bewohner ahnen, im kosmischen Gleichgewicht
halten. Lehtisalo, Leppänen, Rättö & Westerlund zeigten sich dabei von ihrer allerpsychedelischsten Seite. Die Uhren zerflossen, die Zeit wurde suspendiert: Matka (28:07) Metsän Henget / Tavaton (23:36), Huurre (19:43) - Ajannopeus (12:46) - Teräskylpy(13:20) - Kaarre (33:24). Circletypisch ist, dass sie keine Studiotracks auswalzen, sondern jeden ihrer Trips extra buchen. Wie in der Phase 2003/2004 immer wieder - Empire (live), General (live) und Mountain (live) vom Mai, Juni und Oktober 2004 wären
vergleichbare Zeugnisse - setzt Leppänen sich als menschlicher Trommelautomat inGang, Lehtisalo pluckert seine hypnotischen Läufe, Gitarre und Keyboards riffen undrepetieren bis die Finger kaum noch anders können. Aber sie müssen, weil Circle nur
Circle ist als ein organischer und bewusster Klangkörper, nie tröge, immer relativ
schnell pulsierend, federnd und mit der Fähigkeit, gezielt zu beschleunigen. Die Stücke
sind Spannungsbögen, die den Höhepunk möglichst lange verzögern oder sogar‚vergessen‘. ‚Ajannopeus‘ dreht als stoischer Minimalismus den Drehwurm mit letzter
Konsequenz. In das tranceinduktive Pulsieren flicht Rättö mit viel Farlowe-Vibrato seine finno-ungrischen Gesänge, Pathos, gewürzt mit Bizarrerie, bei ‚Teräskylpy‘ mit keifender Intensität und Delayfetzen an den Mundwinkeln. Aber nirgends ist der Glamrocker von 2007 zu ahnen. Circle zelebriert mit seinem Brainstorming, den Accelerandosoder den ‚Silent Ways‘ von ‚Kaarre‘, die zum Abschluss - mit Dave Schmidt als Verstärkung - schon die Miljard/Tower-Phase ahnen lassen, nur Sachen, die der Sibelius-vorgeschädigte Adorno zu ächten versuchte. Mich dagegen findet man bei denen, die sichdie Hirnrinde gern finnisch massieren lassen.
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NICHTS GEHT ÜBER EINEN SPRECHENDEN FROSCH?
Am 9.1.1985 (sic!) hatte ich sie schon einmal bestaunen wollen, den Posaunisten CONNYBAUER und den Schlagzeuger HAN BENNINK, aber der Holländer hatte seinen Auftritt im
Würzburger (alten) AKW vergessen und saß zuhause vor dem Fernseher. Die Zuhörer kamen so in den Genuss eines der berühmten Bauer-Soli, eine quasi dreistimmige, zirkularbeatmete Hymne an den Urquell von Rhythmus und Melodie. Jetzt, am 24.11.2007 im W71 in
Weikersheim, war endlich mein Nachholtermin, und Bennink war tatsächlich da, und wie.
Obwohl er mit seinen 65 Jahren off-stage eher wie eine Mischung aus Monsieur Hulot undeinem distinguierten Käsehändler wirkt, mutiert er an seinem Drumset zu einem polymorphperversen Medium des Rhythmus. Er bringt ein Füllhorn aller nur denkbaren Trommelriffs
zum Überschäumen, von Marschrolls über zirzensische Salto-Mortale-Spannung bis zu allen
möglichen Shuffles, die Trommler im Lauf der Jahre, ach was, der Jahrhunderte aus den
Handgelenken geschüttelt haben. Alles wird Groove, Beat, Timing. Stock, Besen, Besenstil,die Füße hacken auf die Snare, die Stöcke landen auf dem Boden, dann der Trommler
selbst. Solche Seniorengymnastik wäre der perfekte Jungbrunnen. Bennink braucht kein
Werkzeug, unter seinen Händen wird alles Beat. Die Heizung wird geharft, der Vorhang geschüttelt, ein Tisch knarrend verrückt, die Türe zugeschlagen oder zum Quietschen gebracht. Alles, bei aller Clownerie, als ein Staunen über den Klangreichtum des Zuhandenen
und alles durchwegs im Takt. Er donnert oder knuspert im dreifachen Pianissimo, er treibt
die Bassdrum über die Bühne und die Pflastersteinbremse gleich mit. Er ist einfach unwiderstehlich, der Homo ludens in Person. Fällt ihm der Drumstick aus der Hand, wirft er den
zweiten hinterher, Ausrutscher sind immer nur Anstöße für quicke Wendungen und neue
Einfälle. Am schönsten ist der Moment, wenn er einen Vogel als Schattenspiel an der Wandflattern lässt - rhythmisch natürlich! Bauer lässt sich weder durch Blitz und Donner noch
durch den theatralischen Humor des holländischen Piraten an seiner Seite aus der Ruheund dem Spielfluss bringen. Hier ist er mit seiner Posaune einmal nicht der August, sondern
der konzentrierte Weißclown, der melodische Fäden bis zum Mond spinnt. Zusammen mit
Bennink gelingen verblüffende Punktlandungen im Hier und Da. Nach der Pause zeigt er
sein ganzes Können erstmal ohne dass ihm Bennink die Schau stiehlt. Die Spucke rinnt, dasAuge leuchtet, da meint man in der Basslinie sogar den König von Thule seufzen zu hören.
Diese Musik ist spontan, aber gleichzeitig wie immer schon dagewesen, Protomelodie,
Volksmusik, virtuos binnenrhythmisiert. Bennink schließt sich an mit einem solistischen Kabinettstück und dann vollenden sie diesen unverschämt unterhaltsamen Abend in brüderlicher Zugabenlaune. Zwei Rock‘n‘Roller on the road.
Ach ja, der Frosch. Bennink erzählt den Witz von dem in einen Frosch verzauberten Drummer, der um einen Kuss bittet, um sich rückzuverwandeln. Die dicke Tante, die ihn fand,bremst ihre kussbereite Freundin. Wozu ein weiterer brotloser Schlagzeuger, ein Frosch,der sprechen kann - damit lässt sich Geld verdienen.
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QUIVEM VRASTORR HOZHAI HEDDINICA

Der 1961 in Kitakami, Iwate, geborene Drummer und Stones-of-the-World-Sammler Y O SHIDA TATSUYA (Yoshida ist der Familienname) steht prototypisch für die Selbstwidersprüchlichkeit alles ‚Typischen‘, als gleichzeitig ‚japanisch‘ und ‚weltoffen‘, sowohl eklektizistisch als auch bestechend intensiv. Den Herrn des Magaibutsu-Reiches lernte ich mit
seinem auch Magaibutsu betitelten Solo kennen, das 1991 bei Review Records in Würzburg
herauskam. Schon damals waren ‚Ruins‘ (sein 1985 gegründetes Drum‘n‘Bass-AvantcoreProjekt) und ‚Magma-Aficionado‘ seine Referenzen. 1997 erlebte ich ihn erstmals live, mit
Derek and The Ruins auf dem Taktlos Zürich. Da schlossen seine Aktivitäten bereits von
Akaten (einem Duo mit Tsuyama Atsushi) bis zum A-Capella-Projekt Zubi Zuva ein ganzes
Alphabet an abgedrehten Anschlägen auf die Gemütsruhe ein. Weitere 9 Jahre später hörte ich ihn mit Painkiller in Mannheim, nunmehr auch mit den Erfahrungen von Korekyojin(mit Nasuro Mitsuru von Altered States & Kido Natsuki von Bondage Fruit) und der Ultrapsychedelic von Musica Transonic (mit Nanjo Asahito von High Rise & Kawabata Makoto vonAcid Mothers) in den Knochen. Mit Soft Mountain und Acid Mothers Gong hatte der unscheinbare Brillenträger da auch schon in direktem Funkkontakt mit den alten CanterburyHelden Hopper, Dean und Daevid Allen gestanden. Dazu spielt er Jazzrock im Fujii Satoko
Quartet oder im Episome-Trio mit Otomo Yoshihide & Bill Laswell und beweist dabei eine
Vielseitigkeit, die keine stilistischen Berührungsängste kennt.
He looks as though he is just driving to work in his car. But his beats are so individual &technically dazzling he is a delight to play with. He has a quirky humor & open mind & hehas my full respect. (Daevid Allen)
Yoshidas Magma-Obsession gipfelt in Daimonji (mit Hoppy Kamiyama & Nasuro Mitsuru)
und den seit 1994 aktiven KOENJIHYAKKEI, mit den publizierten Stationen Hundred
Sights of Koenji (1994), Viva Koenji (1997), Nivraym (2001) und Angherr Shisspa (2005) sowie den DVD-Shows Live at Star Pine‘s Cafe (2002) und Live at Doors (2006), mit ihm selbst
als einziger personeller Konstante. Aktuell stehen der Bassist Sakamoto Kengo, die Keyboarderin Kanazawa Miyako (von Le Silo), die Saxophon- & Klarinettistin Komori Keiko (vom
Shibusashirazu Orkestar) und die Sopranistin Yamamoto Kyoko ihm zur Seite, um in einer
dem Kobaïanischen ähnlichen Sprache Zeuhl über Gipfel und Abgründe des Unaussprechlichen zu peitschen. So exaltiert Yoshida solo, mit Zubi Zuva X, the Ruins oder Daimonji
agiert und so frei er in den von Japanern ‚psychedelisch‘ getauften Bitches Brews aus
Free Rock und Fusion trommelt, so seriös und präzise sind die komplexen Arrangements
der extraterrestrischen Carmina am entgegengesetzten Ende der Corvus-Corax-MumpitzSkala. Spektakulär sind Yamamotos zungenbrecherische Walkürengesänge an sich, die zu
ebenso kniebrecherischen Taktwechseln jenseits bloßer Akrobatik als mitreißendes Sursum Corda staunen machen. Beim fetzigen ‚Grembo Zavia‘ (von Viva Koenji!) höre ich statt„Grembo“ immerzu nur „Tempo! Tempo!“. Atemlos. Überrollt. Übermagmafiziert.
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Sprache und Rhythmik sind eins, ein holterdipolterndes Treppauf-Treppab. „Rattims Friezz
Rattims Friezz / Fillidan Pamuccallom Fillidan Pamuccallom / Zigizzi Zyagiga Zyagiga Zigizzi
Zyagiga Zyagiga Zigizzi / Zyagiga Zyagiga Zyah!“ (von Angherr Shisspa) braust als purer
Über-Futurismus dahin, äußerst dynamisch, aber mit femininem Zungenschlag, Meta-Dadaismus, aber nicht grotesk, sondern euphorisch, hymnisch, als Kult einer turbulenten
Gottheit. Inmitten dieser Motorik gibt es elegische AaAahs und Farinelli-hafte Kantilenen
wie von der blauen Diva Plavalaguna, und das von einer Sängerin, die in einem anderen Leben im geschlitzten Kleid Salsa sang. Der Bass knurrt quirlig und wird gleich bei ‚Tziidakk
Rashzhisst‘ ganz von der Leine gelassen, Komori setzt furiose Akzente am Sopranosax, Yamamoto wird von Yoshida permanent zum Unisonochor verstärkt. Das Grundgerüst jedoch
liefern die Keyboards mit markanten, ständig wechselnden Motiven und vor allem das
Schlagwerk mit Christian-Vander‘scher Flexibilität und Power. Was Yoshida da als singender Drummer ohne Noten- und Textbuch an rasand exakter orchestraler Polymetrik trommelt, sucht Seinesgleichen. ‚Fettim Paillu‘ mit seiner Opernexaltiertheit und Call-&-Response-Dramatik durchkreuzt jede Vermutung, dass hier nur eine Masche mit japanischer Besessenheit durchexerziert wird. Koenjihyakkei variiert Magmas Urtyp ähnlich wie Eskaton
und lenkt dabei die Neugierde zwangsläufig zurück auf die Inspirationsquelle, deren Einzigartigkeit durch solche Resonanz nur unterstrichen wird. Vergleiche mit The Mars Voltaoder Mr. Bungle sind bei Spätgeborenen so verzeihlich wie abwegig.
Yoshida gehört zu den Japanern, die Amerika den Rücken zukehren und nach Westen
schauen, wo neben Vander Charles Hayward von This Heat zum Maß seiner Dinge wurde.
Sein Musica-Transonic-Partner Nanjo Asahito, der selbst The Fugs, Glenn Branca und Velvet Underground verinnerlichte, unterstreicht diese Besonderheit: What Tatsuya Yoshida
does is totally different. He constantly alters the rhythm and the tune. That's the way hestructures things. Mit diesem ‚europäischen‘ Crisscross unterscheidet es sich ebenso deutlich von Nanjos ‚amerikanischem‘ Dröhn-Maximalismus wie von den genuin ‚asiatischen‘ Ästhetiken Keiji Hainos (Fushitsusha), Kan Mikamis, Tori Kudohs (Maher Shalal Hash Baz) oder
Chie Mukais (Che Shizu).
Als Kostproben von Yoshidas Können und Eigenart empfehle ich:
Magaibutsu (1991), Saisoro (w/Derek And The Ruins, 1994), Improg (w/Daimonji, 2003), Angelona (w/ Satoko Fujii Quartet, 2005), Angherr Shisspa (w/Koenjihyakkei, 2005), Episome(w/Yoshihide/Laswell, 2006)

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THE NEW IMMORTALITY

Rilke hat einmal spekuliert, ob man die Toten ‚zum Sprechen‘ bringen könnte, wenn man mit einer Edisonnadel die Suturen, die
Schädelnähte, ‚abspielt‘. LEIF ELGGREN hat für The Sudarium of
St Veronica (Firework Edition Records, FER1065) quasi versucht,
Christus selbst hörbar zu machen. Als Klangquelle nahm er den
berühmten Kupferstich von CLAUDE MELLAN (1598-1688), den
der 1649 als eine einzige, an Jesu Nasenspitze beginnende, unterschiedlich breite Spiralrille geschnitten hat. Genau betrachtet eine Schallplatte avant la lettre! Von einer möglichst originalgetreuen Heliogravüre aus dem 19. Jhdt. aus dem Stockholmer
Nationalmuseum wurde ein Photo-Etching in Kupfer angefertigt.
Das spielte Elggren auf einem speziellen Turntable einmal per
Hand gegen den Uhrzeiger, einmal in 33 rpm clockwise und erneut
rechtsdrehend mit der Gravur auf dem Tisch und manueller Nadelführung, wobei als Nadel ein Stichel diente.
Das Schweißtuch der Veronika als erstes Camera-obscura-Porträt
und neben dem ähnlich phänomenalen Turiner Grabtuch einziges‚Originalbild‘ des Gottessohnes, wird im Veronikapfeiler des Petersdoms als Ikone des Christentums gehütet. Mellan kann es nur
auf telepathische Weise vor Augen gestanden haben. Aber für seinen scharfen Blick und seine Akribie zeugen seine Mondstichevon 1636. Elggren wiederum versucht seit vielen Jahren, seine in
Kupfer gestochenen Traumbilder auch hörbar zu machen. Seine
Debut-7“ Cu (Phauss, 1982), Cu für Kupfer, und die beiden The
New Immortality-Singles (Anckarström / Firework Ed., 1992, 1998)
basieren auf entsprechenden Experimenten. Die manuellen
Schweißtuch-Versionen sind als Nachvollzug der Strichführungeine Art Händedruck mit Mellan. Der 33 rpm-Track lässt erstmals
Mellans Groove als Groove erklingen. Die älteste Schallplatte
klingt nicht barock und nicht sehr christlich, sondern bruitistisch.
Nach Arbeit. Kratzen, Schneiden, Gravieren als - Schöpfungsakt.
Schöpfung als Chiropraxis. Zeichenmachen, Bildermachen,
Schreiben erschaffen das ‚Chirotop‘ der ‚klugen Hand‘ (Sloterdijk).
Die chirotopisch-phonotopische Blase war der Beginn eines Inder-Welt-Seins, in dem das geflüsterte Ihr werdet sein wie Gott als
sich selbst erfüllendes Versprechen gehört wird.
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GREGORIO BARDINIBei Casa del Custode (BA 54) hatte sich der bekennende ‚Traditionalist‘ Gregorio
Bardini ganz der Sprachgewalt seines Landsmannes Alberto Cappi hingegeben. Auchbei Sentinelle del Mattino (The Eastern Front, Front 008) spielt Poesie eine Hauptrolle.
Bei ‚Ezra Pound in Mantua‘ vergegenwärtigt die 80-jährige Mary de Rachewiltz ihren
Vater, indem sie Fragmente aus den Cantos liest. Bei ‚With Usura‘ hört man dessen eigenen Bardengesang mit den Versen aus Cantos XLV: With usura hath no man ahouse of good stone / each block cut smooth and well fitting / that delight might cover
their face, / with usura / hath no man a painted paradise on his church wall / harpes etluthes / or where virgin receiveth message / and halo projects from incision. Nicht die
gerollten Rrrrs machten diese Tirade gegen den naturwidrigen Wucher berüchtigt,
sondern dass Pound Mussolini als seinen ersehnten Drachentöter verehrte und den‚Wucher-Drachen‘ mit dem ‚Zinsjuden‘ gleichsetzte.
Bardini selbst spricht zwei Gedichte der 1936 in Breslau geborenen, seit 1965 in Rom
ansässigen Christine Koschel, die das literarische Erbe von Ingeborg Bachmann mitbetreute und auch als Übersetzerin von Djuna Barnes und Eugenio Montale bekannt
ist. ‚Dieser Herbst ist am Ende‘ raunt von einer „Leidenszeit der tiefen Wachheit“ und‚Wer eine andere Welt sagt‘ bedenkt den Tod, von dem die „Knochenberge“ und„Zahlenstaffeln in den Totenbüchern“ künden, und sieht Keime treiben aus„durchbohrten Geheimnisträgern“. Nach diesen Poeten, denen Italien zum Schicksal
wurde, deutet Bardini mit dem donauschwäbischen Reiter in ‚Batschka‘ und ‚Wacht
an der Drina‘ eine unbestimmte ‚Ostfront‘ an, die mit dem Namen seines Labels in TelAviv korrespondiert. Drachen gibt es an allen Fronten. Dino Buzzati hat darüber Die
Tartarenwüste geschrieben. Ob bei ‚Worms‘ mit dreistimmigem Flötenklang des Drachens oder Siegfrieds gedacht wird, ist ungewiss. Bei ‚La bottega dell‘orefice‘, demartistisch-‘formalistischen‘ Höhepunkt, stören plunderphonische Fetzen träumerische
Klimperei, die bei einer näselnden Zurna Zuflucht nimmt vor der ‚Krise der modernen
Welt‘. ‚Atla-Itla-Lati‘ dreht sich als ritueller Singsang zu Strings, Flöten und Piano. Einen krassen Akzent setzt das Power-Electro-Trio KOMPRIMIERT mit den heiser geschrienen Deklamationen von Martin ‚Mala‘ Langes bei ‚Umani‘ und vor allem‚Depeche‘:
ICH WERDE BIS MORGEN ALS WAHNSINNIGER AUF HEILIGES EHRENWORT DIE SONNEANSTIEREN ODER SCHLAGE MIR AN EINEM PFOSTEN DIE SCHLÄFE EIN... ENTWEDER ODER.
Ein größerer Kontrast zu den Schwebklängen und melancholischen Tönen, die Bardinis allgegenwärtige Flöte und Paolo Longo Vaschetto am Piano einstreuen - oder gar
zu Bardinis bretonisch-keltischer Folklore mit Jolif (Lonsai Maikov) -, lässt sich kaum
denken.
Das abschließende ‚“Laissez-faire city“ in the night‘ mit Vaschettos Saxophon im
Wechsel mit Bardinis Flötenelegie ist dann wieder eine zartbittere Serenade. Die Flöten, die so wenig Wurzeln schlagen wie der Wind, geben, ob elektronisch-ambient
oder perkussiv umspielt, Bardinis Klangpoesie den von ihm geliebten alteuropäischen
Mollton. Das Leitmotiv aber ist Wachestehn, Wachheit. Denn nur törichte Jungfrauen
vergessen, die Lenden zu umgürten und die Lampen brennend zu halten.
9Foto: Les Krims

Nach wem sich in Japan eine Band benennt, der ist Kult. Hierzulande brachte dem Taufpaten der PASCALS freilich selbst die Filmmusik für Sommer Vorm Balkon bestenfalls Vergleiche mit Yann Tiersen ein. Der hat Comelade, nach dessen Fehlstart 1975 als HeldonVerschnitt, bereits als Drittklässler zu dem musikalischen Einfall inspiriert, den der seit 30
Jahren variiert, oder? Tatsächlich ist Comelade keine schlechte Antwort auf gleich zwei
Fragen, nämlich ob Witz und Traurigkeit sich vertragen und ob Frankreich ein Land desLächelns ist. Ad 1 orientiert sich der 52-jährige aus Montpellier, von dem es heißt, er sei
big in Katalonien, an Erik Satie (plus Nino Rota & Kurt Weill), ad 2 fallen Namen wie JacqueTati oder, nein, nicht schon wieder Amelie. Ready-Made (1980) verweist auf Duchamp, La
Dialectique Peut-Elle Casser des Briques? (1984) auf Hegel und Spirou, Détail Monochrome (1984) auf Yves Klein, El Primitivismo (1987) oder L'Argot du Bruit (1998) auf Dubuffet,
Pataphysical Polka (1991) auf Jarry, Topographie Anecdotique (1993) und Logicofobismedel Piano en Minuscul (2003) auf Satie, Psicotic Music' Hall (2002) und Back to Schizo(2004) auf Deleuze etc. Comelades minimalistische Simplizität und ‚Kindlichkeit‘ sind alles
Mögliche, nur nicht infraintellektuell, seine Musica Populaire klingt nur so, so beschwingt,
so ohrwurmig, so voller akustischer Déjà-vus, so unverwechselbar comeladesk.
Im Zentrum von Mètode de Rocanrol (Because01272) steht wiederum meist ein winziges
Spielzeugklavierchen, dazu schrammeln Banjos, unkt eine Tuba, schnauft eine Heimorgel,schmachtet das Akkordeon, bluest eine Wahwah-Posaune, fiept eine Mundharmonika,
schwingt ein Saxophon die Hüften, heult eine Säge den Mond an, trötet ein Plastiktrompetchen, gespielt von ihm selbst, dem Multiinstrumentalisten Pep Pascual und dem Drummer Didier Banon. Rocanrol gibt es als ‚Elvis Loved Dogs‘, zwischen Tango und Rumba
leistet sich ein Walzer sogar ein richtiges Klavier. Jopo de Pojo ist quicklebendig und Morricone trifft selbst für Heliogabals bizarre Parties den richtigen Ton und beide schlürfen
sie Cocktails, die der Barmann des Satans mixt. Paul Wittgenstein genügten die fünf Finger
der linken Hand zum Klaviervirtuosen, Comelade braucht nie mehr als zwei. ‚The Halucinogenic Espontex Sinfonia‘ versetzt Ravel durch eine Injektion Morricone ins Delirium.
Doch wenn Comelade zum Abschluss ‚Com Un Rossinyol Amb Mal De Queixal‘ anstimmt,
bleibt kein Zweifel, er ist der schönheitstrunkene melancholische Clown eines verschwundenen Zirkus. Er hält die Erinnerung, vielleicht sogar eine Sehnsucht wach an die großen
Mermaids-After-Midnight-Orchester der 50er und 60er, als deren verfluchter Sohn er sichsieht, marginalisiert und deplaziert. Seit es das Penguin Cafe Orchestra nicht mehr gibt,
ist er allein, um sich herum spürt er Schwund und Stagnation. Stagnation schafft Langeweile, Langeweile macht traurig, Ignoranz macht traurig. Comelade ist der Ritter der traurigen Gestalt, der seine Lanze in den Dienst jener Musen stellt, deren Küsse einst zu
Rock‘n‘Roll und Comics inspirierten. Von dieser Hochblüte ist nur ein welker Duft geblieben. Ist Comelade ein Nostalgiker? Die Symptome ähneln denen von Cor Gout, der mit Muziek in zwart-wit ein ganzes Buch über ‚amusementmuzikanten‘ und ‚dansorkesten‘ geschrieben hat. Es gibt da eine tiefe Sehnsucht in uns, die durch Hungerkunst und Langeweile nicht zu stillen ist.
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another timbre (Sheffield)
Dieses neben etwa Creative Sources und Erstwhile weitere Forum für die Freuden- & Leidenschaften in den Grenzzonen der Sonosphäre beginnt passend mit THE CONTEST OF
PLEASURES. Den schönen Namen beansprucht das mit Tenor- & Sopranosaxophon, Klarinette und Trompete bestückte Trio von John Butcher, Xavier Charles und Axel Dörner, zuerst für ihr eponymoses Potlatch-Debut, als Headline dann für Albi Days und nun für Tempestuous (at01). So sublim gehn diese Drei zu Werke und derart bereit, Schallmauern zu
transzendieren, dass Kirchen als Schauplatz und Lautverstärker weder selten noch unangemessen sind. Auch ihr Konzert auf dem Huddersfield Contemporary Music Festival 2006
fand in der alten St. Thomas-Kirche statt. Gut 50 Minuten lang wurde sie in der Stunde vor
Mitternacht am 20.11. beschallt mit Blasmusik, die diesem Namen spottet und sogar die Instrumente selbst fragwürdig werden lässt. Zwischen Stille und voluminösen Drones blasebalgte ein Pneumatismus, wie er einer solchen musikalischen Dreifaltigkeit entspricht, die
gleichzeitig dem Teufel im Detail das Seine gibt. Nicht elektronische Überformungen wie bei
Albi Days und auch keine Bruitophilie bestimmten den Tenor dieser Stunde, vielmehr der
Klangreichtum selbst. Vermehrt durch ausgefeilte, das Klangspektrum erweiternde Spieltechniken, aber ausgeprägter als bei Butcher, Charles & Dörner zu erwarten mit immer
wieder sirenenhaften Glissandi und vollmundigem KLANG, statt diskreten und dissonanten
Geräuschen, die es natürlich auch in Überfülle gibt, die obligatorischen und dennoch wieder verblüffenden Plops, Schmauchspuren, grollenden Gurrlaute und unbändigen Schriller.
Der Raum ...is full of noises, Sounds and sweet airs, that give delight and hurt not. Sometimes a thousand twangling instruments Will hum about mine ears, and sometime voices...

Foto: Juliette Agnel

Bei Tasting (at02) haucht, keucht und hechelt Caliban selbst, PHIL MINTON, die Stimme
des Unbefugten, des Unbändigen, der Protomorphen. Dazu schleift SOPHIE AGNEL die
Saiten ihres Pianos, klopft sie zurecht, als ob sie krumme Nägel wären. In den ersten Minuten schlägt sie kaum eine Taste an, alles kommt aus dem Bauch, auf Tastendruck erfolgt
nur ein dumpfes Plonken blockierter Drähte. Die 42-jährige Pariserin scheint dabei mit Electronics, speziell Delay zu operieren, anders kann ich mir viele Effekte kaum erklären. Sie
beginnt auch selbst zu Summen, als ob sie Minton besänftigen wollte. Der quängelt abernoch wie ein Kind im Regen, den Agnel lautmalt und ein fernes Donnergrollen dazu. Minton
macht sich ganz klein, ein gepresst stammelndes Etwas an der Schwelle zur Artikulation,ein ‚Wolfskind‘, das die Geräuschwelt simuliert und dabei erste Kontrapunkte setzt. Agnel
ist ‚Natur‘, ‚Mutter‘ und Setebos, die Mintons ‚Echostadium‘ animiert, der selbst nicht zu wissen scheint, ob er Wind ist oder Kind oder Tintenfisch. Fremder und zarter und erstaunlicher kann ‚Musik‘ kaum klingen. Und Agnel zaubert ohne Elektronik.
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Für Hum (at04) versammelten sich der Harfner RHODRI DAVIES, MATT DAVIS,
ein Londoner Trompeter des Hautzinger-Kelley-Stils, der von Orange (Creative
Sources) her bekannte BECHIR SAADE aus dem Libanon an der Bassklarinette
und SAMANTHA REBELLO, die Flötentöne sucht und auch einige findet. Die Instrumente verwandeln sich unter den Fingern und Lippen in intonarumorische gorgogliatori, sibilatori und ululatori, in Schall und Rauch und Schmauch. Schäbige
Geräusche, wie in den Wind geschrieben, mit dem Finger in Staub gemalt, als Spucke auf den Ohren verrieben, damit die Blinden wieder hören und die Lahmen wieder sehen können. Mundgeblasene Musique concrète, viel Grau in Grau. Die Bassklarinette gurgelt mit Schleim aus dem hintersten Lungenflügel, die Flöte bibbert
mit den Furchtsamen, denen jedes Blatt zittert. Die Trompete röchelt als Allegorie
des Röchelns, schrillt als schlecht geölte Zwitschermaschine. Davies ‚Harfe‘ ist nur
ein Objekt unter Objekten, ein Objet trouvé, ein Drahtverhau, an dem der Wind zerrt
und der Frost knarzt. Davis setzt als einziger Electronics ein, denen sich der undefinierbare Rest anlasten lässt. Ein Klassiker der Bruit-secret-Ästhetik, der Arte Poverissima, die unscheinbar neben Regen und Wind auf dem Wartebänkchen zum
Diesseits sitzt.
Endspace (at05) passt nahtlos ins bisherige
Another-Timbre-Programm. In der Geigerin
ANGHARAD DAVIES begegnet man derleiblichen Schwester von Rhodri Davies, inder, wie der Name vemuten lässt, indienstämmigen, aber in Kopenhagen aktiven
TISHA MUKARJI und ihrem Innenklavier einer Schwester im Geiste von Sophie Agneloder Andrea Neumann, mit der sie tatsächlich ebenfalls im Duo spielt. Sowohl die Geigen- wie die Klaviersaiten werden mit zager
Vorsicht und hungerkünstlerischem Verzicht
in einer Art Beckett‘schen Ästhetik des Verschwindens zum Klingen gebracht. Schäbiges Schaben interagiert mit Klopfzeichen
aus dem Inneren eines Tonkruges. ‚Endspace II‘ ist von einem grillenhaften Eifer bestimmt, spitzen, bohrenden Tönen. Öfter ähneln die Geigenstriche aber einer quietschenden Mechanik, mühsamen Atemzügen,dem Pfeifen einer tonlosen Blockflöte, schrillem Stechen. Mukarji zupft einzelne Pizzikatonoten, aleatorisch wie Regentropfen, aberwie von einem inneren Sinn für Harmonie bestimmt. Dazu erzeugt sie geharftes Gerippel
auf den Saiten oder Tasten, gehämmerte
Pings oder das Geräusch, wenn man ein großes Uhrwerk aufzieht, auch Schläge, als ob
sie ebenfalls mit einem Geigenbogen an den
Klavierdrähten hantiert. Alle fünf ‚Endspiele‘
definieren den Raum als etwas Diffuses, etwas, das unter den Händen sich nebulös auflöst, Grau in Grau, Weiß in Weiß - ‚closed
space‘, endspace, Sackgasse, Sarg. Das Ohr
tastet im Unklaren, kann aber nur Flüchtigkeit verifizieren. Die Klänge ‚erleuchten‘ kurz
den Raum und erlöschen wie die Leuchtkugeln einer Notsignalpistole. Ob derart magersüchtige Musik eine extraordinäre Verfeinerung oder Müdigkeit des Abendlandes andeutet, keine Ahnung.
Angharad Davies
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ASPHODEL
Wenn der inzwischen im bruitophilen Japan aktive ZBIGNIEW KARKOWSKI
involviert ist, bedeutet Sound NOISE. Continuity (ASP3003, DVD+CD) widerlegt
dieses Gerücht durch den, darf ich‘s sagen, granularen CD-Langweiler ‚MassFlow-Rate‘, der ins Innenleben eines Krümelmonsters eintaucht. Man muss die
Optik nur mikroskopisch genug einstellen. Was meine Ohren ans Gehirn melden, wird dort übersetzt in einen in sich vibrierenden, klumpig morphenden
Schwarm von Insekten, die mit Myriaden von Flügelschlägen unnötig Wind machen. Die 41 Minuten von ‚Perceptor‘ basieren auf Klängen des als Streichquartett agierenden Musica-Nova-Ensembles Apartment House und bringen
dabei ein indirektes Wiederhören mit einem der Interpreten von James Saundersons ‚# [unassigned]‘ (BA 55). Cello, Viola und zwei Violinen werden
zerschrotet, mit Beschleunigungs- oder Rückwärtsglissandi zermorpht. Dennoch lässt sich Streicherklang noch als Zirpen und Sirren oder Pizzikato erkennen, anderes klirrt gläsern oder rauscht wie zermahlener Tumult aus einer Bahnhofshalle. Jedenfalls zieht und dröhnt es wie hech supha und fängt
an zu plätschern und gespenstisch zu fauchen. Ähnlich insektoid wie ‚MassFlow-Rate‘, aber riesig und katastrophisch aufgebläht, schwärmt etwas in alle
Ritzen und Poren, als ob Karkowski A. Paul Webers ‚Gerücht‘ vertont hatte.

A. Paul Weber: Gerücht

Dabei ist es ATSUKO NOJIRI, die ihm die DVD-Bilder liefert. ‚Float‘ manipuliert die Instrumentalmusik eines 8-köpfigen skandinavischen Ensembles um
Dror Feiler. Die Videokünstlerin aus Tokyo illustriert das Dröhnen und Hämmern dieses zeitkratzerischen Ensembles, das wie ein ganzer Flughafen bei
Hochbetrieb lärmt, mit zeitlupig schwebenden Mikadostäbchen, oder sind es
Blumenstengel? Zur mit Kontrabassklarinette (erneut Dror Feiler), Bassposaune und 2 Basstrommeln bestückten diabolischen Quartettmusik ‚Tritonal
Rapture‘ wirft Nojiri schnell flimmernde senkrechte und waagrechte Lichtstreifen auf eine schwarze Leinwand, dazu tauchen mit jedem donnernden
Trommelschlag blaue und weiße Rechteckrahmen auf. Karkowski lässt diesmal den O-Ton relativ unberührt, die Bläser grollen und kollern, ein Morlockschmied hämmert monoton, aber zum Finale dieses Notturnos aus der Unterwelt dann immer schneller. ‚Membrane‘ dreht noch einmal ‚Float‘ durch den
Soundwolf, es bleibt ein einziger prasselnder Hagelschlag, ein mikroperkussives Rauschen, das plötzlich abreißt. Nur noch ein Störimpuls wummert die
restlichen 9 Min. vor sich hin. Über den schwarzen Bildschirm driften flimmernde Farbbalken, von strichdünn bis bildfüllend, die abstrakten Motive von‚Tritonal Rapture‘ jetzt weiß und pastellfarben, dazu grüne, blaue, purpurne,
feuerlodernde Leuchtstreifen auf schwarzem Grund, oder rasende Sinuskurven in zarten Beigetönen und Lindgrün. Zusammen sind Atsuko Nojiri und
Karkowski ein synästhetisch starkes Team, rein akustisch beeindruckt mich anders als FdW/Vital - nur das abyssmale Bassstück. Auf CD hätte ich statt eines weiteren ‚Float‘-Remixes lieber die Originalmusiken von Apartment House
und des Oktetts gehört.
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BOXHOLDER RECORDS (Woodstock, VT)
In den Fingern des 1935 in Cleveland, OH, geborenen Pianisten
BOBBY FEW juckt durchwegs Avantjazz, von seinen frühen
Jahren mit Booker Ervin, Albert Ayler und Archie Shepp überdie Pariser Zeit mit Frank Wright und Noah Howard und die
Jahre 1981-94 mit Steve Lacy bis zu den späten Gastspielen
des Expatriate auf CIMP/CJR und Boxholder, speziell in derPartnerschaft mit Avram Fefer. Mit Continental Jazz Express(Boxholder, 2000) hatte Few bereits an seinen gleichbetitelten
Pariser Alleingang von 1979 und sein Solodebut Coming Thru
(1977) angeknüpft. Seine aktuelle Einspielung Lights and Shadows (BXH 054) zeigt einen abgeklärten alten Hasen, der klassisch-romantische Gefilde als sein Biotop betrachtet. ‚Bells‘und ‚Dreams‘ klingen nur den Titeln nach Ayleresk, ersteres
macht lautmalerischen Effekt mit Glöckchen und Rasseln,während die linke Hand mühsam dahin stapft, die abschließende Reverie setzt einen versonnenen, leicht wehmütigen
Schlussakkord. Dazwischen erinnert ‚Flakes‘ als Eiskunstlaufan Lacys vertrackte Sprünge und ‚Enomis‘, das Few seiner
Frau Simone widmete, gibt sich den Anstrich einer immergrünen Romanze. Bei den drei übrigen Exkursionen, insbesondere
dem gut 18-minütigen Titelstück und dem ebenfalls viertelstündigen ‚What You Doing‘, lässt Few mit kaskadierenden Arpeggien oder bedächtig gesetzten Noten dezidiert Jazzartiges
beiseite und seinen Gedanken und Gefühlen freien Lauf. Das
klingt in meinen Ohren dann eher nach aus den Ärmeln geschüttelten Debussy, Chopin, Skrjabin. Mag die rechte Hand
auch noch so davon tänzeln, der Bass sagt skeptisch: Machhalblang, und pocht darauf, dass Licht Schatten wirft.
Bei jedem Bratwurstfest würde man eine derart vom Affen gebissene Combo Senfen und Federn. Irgendwie hat es Eugene
Chadbourne fertig gebracht, sein manisches Geschrammel
und Geknödel in the key of z als ‚frech‘ und ‚lustig‘ zu verkaufen. Mich erinnert er ein wenig an Michael Moore. Mit derGrandmother of Invention Jimmy Carl Black als lässigem Taktklopfer, Dieter Schroeder an Percussion und Pat Thomas, denvielseitig zu nennen eine Untertreibung wäre, an Keyboards
und Sampling tingelte THE JACK & JIM SHOW PRESENTS
von Dresden nach Slovenien - von dort sind Livemitschnitte zu
hören - und zurück bis nach Belgien, mit Zwischenstop in Freiburg, wo weitere Studiotracks für Hearing Is Believing (BXH053) entstanden. Im Repertoire hatten die Vier die Beatles(‚Elenor Rigby‘, ‚...Me and My Monkey‘), Charles Mingus (‚Pithecanthropus Erectus‘), Dizzy Gillespie (‚Salt Peanuts‘), Marvin
Gaye (‚What‘s Going On‘), Tim Hardin (‚Misty Roses‘) und den
Country-Hit ‚It‘s Five O‘Clock Somewhere‘. So was nennt man
Bunter Abend. Mit ‚Girl from Al-Qaeda‘ als tatsächlichem Knaller: Each time she passes, death to the masses - KRCHHHH.
Den Abschluss macht ‚When the Grass Grows Over Me‘, daseinst die Nashville-Dreifaltigkeit Don Chapel, Tammy Wynette &George Jones verbunden hat. Chadbourne ist eine abgenudelte Jukebox, die seit ewigen Zeiten repariert werden müsste.
Immerhin bleibt sein extremer Nervfaktor berechenbar, seinrasendes Banjogeschrappel, sein Freakbrothertimbre, das alles, was er wahrscheinlich wirklich liebt, ‚komisch‘ werden
lässt. Black hat dabei seinen Spaß. Nur Thomas kann einem
richtig unheimlich werden. Er ist die Antwort auf die Frage,
was Bailey, Beresford, Coxhill, Minton, Powerfield, Sweethearts
In A Drugstore UND Chadbourne gemeinsam haben.
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C I M P Records (Redwood, NY)

McPhee & Duval

Mit CIMPoL, Creative Improvised Music Projects in Location, lancieren Bob & Marc Rusheine neue Reihe mit Livemitschnitten, nur konsequent, denn die präsentierte Musik entfaltet
ihre Raison d‘être am besten live. Den Auftakt macht das TRIO X mit AIR: Above & Beyond(CIMPoL 5001). A.I.R. ist gleichzeitig eine Verbeugung vor Henry Threadgills Trio mit F.
Hopkins & S. McCall und das Akronym für Artist In Residence. Denn JOE MCPHEE war alssolcher die zentrale Figur auf dem Suoni Per il Popolo Music Festival in Montreal 2006, solo,
im Duo mit seinem Trio-X-Partner, dem Kontrabassisten DOMINIC DUVAL, und mit The
Thing. Das Trio, angetrieben von Jay Rosen an den Drums, und mit McPhee durchwegs am
Tenorsax, spielte Musik im Geiste von und mit Dank an Threadgill (‚Fried Grapefruit‘), William Parker (‚Jump Spring‘) und Fred Anderson (‚21181/2 Indiana‘). Mit dem ganz zart undelegisch gesummten ‚Close Up‘ endet der erste Set, den McPhee mit einem Bassklarinettenreed bestritt. Beim zweiten wechselte er für die growlig-aylereske Duke-Ellington-Hommage‚Give Us This Day‘ zu einem Tenorblättchen, um - nach einigen Auslassungen - mit ‚Here‘sthat Rainy Day‘, einem zärtlich-versonnenen Dialog mit Duval, und dem Trio-X-Klassiker ‚A
Valentine in the Fog of War‘ zu enden, einer immer wieder rührenden Beschwörung derRodgers & Hart-Evergreens. McPhee ist ein Phänomen, mit seinen 67 Jahren gleichzeitig
ein Messenger des Freien Geistes und Fackelträger der großen Tradition der Feuermusik,
geschichtsbewusst und bescheiden, und dabei längst selbst einer dieser Großen und einer
der seelenvollsten dazu. Zugleich jedoch strotzt er vor Unternehmungslust und uneitler
Spielfreude, die jedem Konservativismus spottet.
Schon am Tag zuvor entstand die Volks- und Soulmusik The Open Door (CIMPoL 5003), nur
Duval und McPhee, diesmal am von ihm selten gespielten Altosax, in Referenz an Jackie
McLean, der im März 2006 gestorben ist, und in Reminiszens an The Dream Book (1998), mit
dem dieses Duo Ornette Coleman Tribut gezollt hatte. Der Auftakt ‚Escape from the Shadow‘ entfaltet sich aus einem Bassintro und Gläsergeklirr über 25 Min. als gefühlsinniges
Freispiel aus immer wieder singenden Figuren des Altos und zustimmenden und animierenden konsonanten Pizzikati. McPhee intoniert keine Zitate, aber durchwegs melodiöse Linien,
die aus Hymnen und Balladen stammen könnten. Sonor und im nächsten Moment angeraut
intensiv, von perkussiven Bassakkorden akzentuiert. Das ungewohnte Alto nötigt McPhee
unwillkürlich dazu, seine musikalischen Ideen noch bedachtsamer zu artikulieren. Er tut das
mit einer sublimen Heiterkeit, einer Schwerelosigkeit, die, wie sehr sie auch seinem Wesen
entspricht, so nicht alle Tage von ihm zu hören ist. ‚Freedom of Choice‘ entwickelt sich anschließend aus Fieptönen des getätschelten Saxophons zu stürmischen Kunstflügen, die
die Wolkendecke durchbohren. So hymisch und innig der erste Set mit ‚More Violets‘ endet,
so leichtfüßig und entschlossen führt die Fortsetzung durch ‚The Open Door‘ über einenselbstgewölbten Hauch von Regenbogen (‚Rainbow Crossing‘) ins Offene und Ungewisse.
Als Kompass dienen allein die poetischen Fühler - Duval spielt ‚A Poetic Resonance‘ arco,
McPhee einfach nur herzzerreißend -, die auch nicht irren, wenn das Ganze in ‚Variations
on God Bless the Child‘ mündet. Da kann man nur auf das Wohl solcher Zeitgenossen anstoßen und den Kloß im Hals runterspülen.
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Was für ein Clou, Serenity (CIMPoL 5002), ODEAN POPEs A-cappella-Improvisationen auf dem Tenorsax, tatsächlich im Morgengrauen bei Nieselregen draußen im Freien aufzunehmen. Toningenieur Marc Rush kam
mit Schirm und Mikrophon ziemlich ins Schleudern, um einzufangen, wasder Mann aus Philadelphia, ein notorischer Frühaufsteher, von Vögeln
umzwitschert, unterwegs auf Feldwegen bei Rossie, NY, anstimmte - Traditionals wie ‚Wade In the Water‘, ‚Go Down Moses‘, ‚Kum Ba Yah‘ und ‚I
Shall Not Be Moved‘, ‚The Lord‘s Prayer‘ und ‚The Star-Spangled Banner‘,
Kirchenlieder wie ‚There is a Balm in Gilead‘ und ‚What a Friend We Havein Jesus‘, ‚Variations on Ellingtons Come Sunday‘ und schließlich das von
ihm selbst stammende Titelstück. Popes Morgengebete klingen dabei weder frömmlerisch noch kitschig, sondern einfach nur innig. Rührend? Ja,
rührend. Und paradiesisch. Aber man darf auch an Sonny Rollins unter
der Williamsburg Bridge denken, der dort einst ganz für sich in die Gefühlsskalen von Evergreens wie ‚God bless the child‘ oder ‚Where areyou‘ eintauchte. Und fragen, ob Religion ohne solche Musik nicht Blasphemie ist?
Mit The Early Show (live at Twins Jazz) (CIMPoL 5004) vom DAVID BONDQUINTET kann man inspirierte Postbopper bei der vergnügten Arbeit in
Washington, D.C. miterleben. Leader ist ein 1950 in El Paso geborener Alto- & Sopranosaxophonist, flankiert von Bob Butta am Piano, Steve Novosel am Bass und Luther Gray an den Drums. Ausgerechnet der, mit Jahrgang 1972 der mit Abstand Jüngste, ist mir an der Seite von Timo Shanko
auf einigen Skycap-Releases schon untergekommen. Als zweite Spitze
fungiert der 64-jährige Washingtoner Tenorsaxophonist Andrew White,eine Legende mit dem J.F.K. Quintet und ein Universum für sich, konserviert auf seinem eigenen Label Andrew‘s Music. Die Titel ‚Rock Out‘,‚Coltrane‘ (von dem White über 700 Solos transkribiert hat), ‚Dew Drops /Lyons‘ und ‚Sun Ra Swing‘ umreißen das Feld, auf dem hier munter geackert wird, Bond, der all das komponiert hat, beschwört zudem nochden Spirit von Dewey Redman. Gemeint sind tatsächlich der swingende
Sun Ra und Coltrane als Hardbopper, aber das genügt als Vektor, um das
Haus zu Rocken. Das Wechselspiel der Hörner, mit Sicherheit nicht auskomponiert, und die mit harten Manschetten gehämmerten Tonsplitter
sprengen immer wieder den Deckel von dieser heißen Salsa, so dass man
nicht unglücklich wird, wenn man bei etwas elegischeren Reminiszensen
an Coltrane und Lyons etwas weniger schwitzt.
SALIM WASHINGTON führt mit Live at St. Nick‘s (CIMPoL 5005) die Imagination in einen New Yorker Jazz-Pub. Auf dessen Bühne tummelte sicham 23.2.2007 nicht das ganze Harlem Arts Ensemble, aber doch wesentliche Kräfte daraus. Neben Washington an Tenorsax & Oboe, Ka-Umba
Frank Lacy an Posaune & Flügelhorn und Melani Dyer an der Viola agierte als Rhythm Section das Donald Smith Ensemble mit Aaron James am
Bass, Mark Johnson an den Drums und natürlich Smith am Piano. Angestimmt wurde einiges mehr, aber zu hören sind Joe Hendersons ‚Shadeof Jade‘ in einer Auftakt- und einer heiß gelaufenen, fiebrig schnellen extended Version, Washingtons ‚Harlem Homecoming‘ & ‚You Can Fly‘ unddas krummtaktige ‚Stranded‘ von Frank Lacy, dessen Bart seit den Fotos
aus der Zeit mit Lester Bowie‘s Brass Fantasy schneeweiß geworden ist.
Serviert wird Jazz so, wie ich meinen Kaffee mag, schwarz und heiß. Das
Sextett dreht tatsächlich wie koffeingepusht auf, selbst die Viola wird wie
mit glühendem Bogen gespielt, auch wenn Dyer nur hörbar wird, wenndie Bläser pausieren. Es ist das alte, über den Atlantik mitgebrachte
Spiel, jeder darf mal in den Kreis springen und mit einfallsreichen Tanzsprüngen brillieren. ‚You Can Fly‘ bekommt einen orientalischen Anstrich
durch Viola und nasale Oboentöne, die an eine indische Nagaswaram erinnern. Zum Finale wird das längst lautstark mitgehende Publikum mit
Pharoah Sanders ‚The Creator Has a Master Plan‘ beglückt, angestimmt
von Tulivu-Donna Cumberbatch als Überraschungsvokalistin: Peace andhappiness for every man - happiness thru all the land.
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CREATIVE SOURCES RECORDINGS (Lisboa)

Mit der Masse der Veröffentlichungen erweiterte sich auch die Bandbreite des portugiesischen Labels vom dezidiert Reduzierten zu energischerem Plinkplonking und sogar zu komponierten Sachen. So bei Faint (cs 088, 2 x CD) von PEDRO REBELO,FRANZISKA SCHROEDER und STEVE DAVIS. Improvisierte, meist, aber nicht nur,kurze, immer wieder heftige Clashes von Piano, Saxophon und Percussion wechseln
Schlag auf Schlag mit elektroakustischen Stücken, die Rebelo aus dem gemeinsamen
Klangmaterial formte. Er arbeitet am Sonic Arts Research Centre der Queens University in Belfast und begegnete dort der deutschen Saxophonistin, mit der er auch das
Forschungs- und Performance-Projekt laut betreibt. Ihr Partner, ein geborener Belfaster, rumpelt ein noisiges Vollspektrum, oft Ton in Ton mit Rebelos Turnübungen im Innenklavier und Meiselschlägen auf den Tasten. Schroeder spielt die Heißkalte, temperamentvoll, aber mit kühlem Kopf. Die Kompositionen sind sozusagen Remixes undordnen die individuellen Handschriften den Möglichkeiten des Morphens unter, noiseophil statt egoman. Du bist nichts, dein Sound ist alles.
Für MICHAEL V O R F E L D sollen Stichworte wie Perkussionist & Bildender Künstler,
Jahrgang 1956, Berlin, Heinrich Mucken Saalorchester und NurNichtNur genügen. Sein
Spielgefährte bei Alle Neune: Rheinländer Partie (cs 089) ist WOLFGANG SCHLIEMANN, auch er Perkussionist, sogar vom gleichen Jahrgang, und ein alter Bekannter
im Ensemble 2 INCQ., ebenfalls NurNichtNur-connected und ansonsten engagierter
HumaNoise-Aktivist in Wiesbaden. Ihr Instrumentarium besteht aus ‚Zeug‘, das sie klopfen, streichen, kratzen, zupfen und schmeißen. Man traut seinen Ohren nicht, was alles
möglich ist an Klangvielfalt, ganz ohne Strom. Eine Kegelpartie der ganz feinen Art,‚chirurgisch‘, wenn man dieses Adjektiv vollständig ins Positive entwendet. Ein feinkörniger Pointillismus, molekular, nuanciert, quecksilbriger Funkenregen, aber so, als objeder Partikel eine Miniaturraumkapsel wäre, die punktgenau ins Ziel steuert. Es landen
Myriaden solcher ‚intelligenter‘ Kapseln, krallen sich an Metall fest und fangen an zu
bohren und zu sägen, bis der ganze Raum metalloid zu Sirren und zu Singen beginnt.
MEtA AtEM (cs 090) versammelt fünf Arbeiten von GUNNAR GEISSE, ‚per sona’,‚MEtA’, ‚grattager g-eis-es-e’, ‚Das diskrete Jetzt’ und ‚Die Quelle’, allesamt ambient, allesamt E-Gitarren-basiert und mit E-Bass, Signalprocessing oder Nature-Recordings
perfektioniert. Das Strömungsverhalten von Flüssigkeiten, Gasen, Wellen und – speziell
bei ‚Das diskrete Jetzt’ – von Wolken und ähnliche nichtlineare Phänomene werden
verwandelt in atmendes Rauschen und Tönen. Geisse ist ein Grenzgänger zwischen
Neuer Musik und Improvisation, ein komplexitätstheoretisch gefestigter Holist, der Ordnung aufspürt, diskrete Topologien und Perlenschnüre, mit denen das Jetzt sichschmückt. Grattage ist ein Verfahren, Malschichten abzuschaben, so dass neue Farbtöne erscheinen. Die danach benannte nuancenreiche Komposition von 24 Min. korrespondiert mit Geisses audio-visueller Performance ‚may i erase one of your drawings?’(das hatte Rauschenberg de Kooning gefragt), wobei sein Verfahren weder weißes
Rauschen noch Stille anstrebt. ‚Die Quelle’ wird durchflüstert von Stimmen, russischen
und chinesischen Lauten, und verweist gen Osten. Oder auf den menschlichen Faktor?
17Superimpose (cs 092) enthält sechs Dialoge des Posaunisten MATTHIAS MÜLLER
(Bhavan, The Camatta, *1971, Zeven) und des Drummers CHRISTIAN MARIEN (exBloomington, Kapelye Ziganoff, Jahrgang 1975), miteinander vertrauten Partnern im
Berliner Quintett Olaf Ton. Blubbern, durch Dämpfer abgeschattetes Knören und
Schmauchen amalgamiert mit vierdimensional hingetüpfeltem Pochen, nadelndem
Klimpern und flinkem Gerappel zu geräuschhaften, aber doch auch launigen Molekularbewegungen. Von Nahezustillstand und gedämpftem Gefurzel bis zu spritzigen undspotzenden Kollisionen und Querschlägern wird so gut wie alles geboten, wozu
Schlag- und Mundwerk in der Lage sind.
ANDREW DRURY, Jahrgang 1964 und in Brooklyn ansässig, ist ein Perkussionist,
der, wenn ich mir seine Renditions solos 2004-2007 (cs 094) anhöre, wenig mehr
braucht als eine Mülltonne von der blechernen Sorte und ein paar rostige Nägel. Damit schabt, fiept, knarzt und kratzt er Frequenzen, die einem die Schuhe ausziehen
und jeden Zehennagel einzeln aufrollen wie Sardinendosendeckel. Bei seinen Junk
Percussion Workshops vermittelt er die Courage, mit simpelsten Mitteln große Effektezu erzielen. Er kann auch anders, wie er mit Content Provider, Breathe, Lurie & Drury(w/Jessica Lurie), TOTEM oder in Jason Kao Hwangs EDGE zeigt. Aber mehr noch als
seine ihn inspirierenden Kollegen Tatsuya Nakatani und Le Quan Ninh negiert er eineGrenze zum ‚Hässlichen’. Der Natur ebenso verbunden wie einer dezidiert linken Tradition, ist das keine schlechte Konsequenz, die man aus Artaud und Emma Goldman
ziehen kann.
Sky Shifter (cs 095), schon im Juli 2003 entstanden, dokumentiert die Reibungen von
MARK O’LEARYs Gitarre, Electronics & Ebow mit GÜNTER MÜLLERs elektrifizierter Mikropercussion. O’Leary ist mit seinen Leo-Releases meine persönliche Gitarrennemesis, Müller bekannt für feinstoffliche Klänge, die Richtung drittes Auge undviertes Ohr zielen. Dröhnminimalistische, quasi gasförmige Sounds diffundieren im
Luftraum, mal gleichmäßig, mal durch Impulse verwirbelt, dann als gedämpft wummerndes Mäandern, das in D’n’B-ähnliche Zuckungen verfällt. Die Gitarre ist fast
durchwegs nur ein Dröhnwerkzeug, erst bei ‚IV’ twangt O’Leary ein paar monotone
Akkorde. Das kurze ‚V’ wird durch Ebow zu einer singenden ‚E Symphony’, bevor diese Dröhnwelt wie ein azoisches Wesen mit vibrierenden Wimpernschlägen im Dunkel
verschwindet.
Hm, wenn ich das richtig auffasse, sind bei RacingTheSun ChasingTheSun (cs. 096)
zwei völlig separate Piano-Solo-Konzerte von THOLLEM MCDONAS, eins in San
Francisco und eins im italienischen Forli gespielt, zu einem Konzert für vier Händeüberblendet. Oder? Der 1967 in San Francisco geborene, halb irisch-, halb irokesisch-stämmige Vollblutmusiker ist bekannt für seine PerpetualTouringPhilosophy - I
think it's crucial to the cultural health of our planet for musicians and artists of all varieties to travel as much as possible - und entsprechende TourStories von Autopannen, AdHoc-Konzerten und dem Sichnichtsattsehenkönnen an grandiosen Landschaften. Er spielt Piano und/oder singt und nennt das, was er improvisiert, komponiert oder komprovisiert ‚eccentriclect’, da es sich weder in noch gegen eine Tradition stellt und für Alle und alles Mögliche taugt. Verdopplung und ‚Chance’, zwei derwichtigsten Pynchonschen Against the Day-Parameter, verdichten McDonas Klangwelt zu opulenten Räuschen, Nancarrowschen Tontrauben und Nietzscheanischem
Schwelgen, lassen aber auch erstaunlich fragile Momente bestehen. Ein Unikum.
‚München meets Glasgow‘ könnte man Light in Dark Corners (cs 098) überschreiben,
denn im Saxophonquartett RICH IN KNUCKLES findet man Markus Heinze (*1970,
München), der entsprechende Erfahrungen aus Le Fou Rohr mitbringt, ebenso wie
Christoph Reiserer (*1966, Wasserburg am Inn). Die schottische Seite verkörpern
Raymond MacDonald (The Burt/MacDonald Quartet) und Graeme Wilson, auch wenn
der in Newcastle zuhause ist, denn zusammen mit MacDonald ist er eine Stütze des
The Glasgow Improvisers Orchestra. Und ab geht die Katzenmusik, vierfach verzopft,
manchmal wie verstopft oder verrostet, durchwegs zum Piepen. Katzenmusik ist eigentlich ein zu zahmes Wort für das brünftige Geröhre, Schnauben, Ploppen und heisere Oinken, wobei diese virtuos krause Kakophonie nie blindwütig tobt, vielmehr
spielerisch seinen weichen Kern und Hang zu Süßholzraspelei offenlegt.
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ctrl strebt auf 25.11 (cs 099) - die Einspielung entstand am 25.11.2006 in
Wien - nach dem ‚Noch-nicht‘ im Extraordinären. Gloria Damijan (Piano),
Bernd Klug (Kontrabass), Meike Melinz (Flöte), Bernhard Schöberl (akustische
und E-Gitarre) und Gabi Teufner (ebenfalls Flöte) spielen ihre Kammermusik
selbstverständlich im Frei- und Plinkplonkstil. Es wurde zwar schon behauptet, dass Haferbrei sexy macht, aber man muss dazu aussehen wie Marty
Feldman und nicht klingen wie fünf Mäuse, die in Haferflockenkartons rappeln. ‚Strg C\Strg V/Kopieren macht Spaß‘ zeugt von Humor, aber muss man
unbedingt als Eierkopf den Eierköpfen gleichen wollen, die Gefummel als holde Kunst zelebrieren? Das Piano ist hier offenbar ein Saiteninstrument. Darüber komme ich aber leichter hinweg als über das ‚vergasen den Haferbrei‘.

Das Doppelnull-Jubiläum feiert CS adäquat mit Stills (cs 100, 3 x CD), prall gefüllt mit sechs Liveperformances des VARIABLE
GEOMETRY O R CHESTRAs conducted by Ernesto Rodrigues. Organisiertes Chaos zwischen
Noch-nicht und Nicht-mehr, Electro & Acoustic, Indeterminacy, Diffusion undeine nichteuklidische Geometrie bestimmen die Bewegungen von Klangmassen, kreiert von 17- bis 33-köpfigen Klangkörpern, mit Violine/Viola & Cello (E.
& G. Rodrigues), Akkordeon (A. Pereira), Circuit bending & Tapes (Travassos)
und Kontrabass (H. Faustino) als personell konstante Quellen für durchwegs
mit Strings, Brass & Reeds, Electronics und Percussion angereicherte Klangflüsse. Gegen meine Vermutung kommen die nicht als magere Rinnsale daher, sondern als üppige uferlose Ströme. Mehr Free Jazz als sonst was, aberganz beherrscht von Kollektivinstinkt. Selten schert eine einzelne Stimme aus
und wenn, dann weiterhin umschwärmt von Ihresgleichen, als Schleppe, die
Individualität an das übergeordnete oder grundlegend Gemeinsame rückbindet. Rodrigues unsichtbar lenkende Hand bei dieser lusitanischen Variantedes London Improvisers Orchestra löst Prozesse aus, denen er selbst als Partikel unterliegt. ‚Suddenly The Dream Became A Promise Of White’ lenkt den
Fluss zeitweise unterirdisch durch Karstgebiet, um dann erneut aufzuschäumen in Dreamscapes, in denen das Ungesonderte dominiert. Didgeridoo, SunRa-Drums, Samplingfetzen, Nähmaschinenstrings, Akkordeongepumpe, herrliche, Herz und Hirn erfrischende Kakophonie, ein Fest für die Ohren!
19Den Aquarian Drum Song (cs 101) stimmt BJÖRN LÜCKER an, eine
feste Größe in der Jazzszene Hamburgs, als Drummer von Eisenrot,
The Most oder Tirx Trisonar, aber einer mit Lust auf mehr, etwa mit
Ritmo Rubato, einem Projekt mit der Sopranistin Ge-Suk Yeo. Hierbuchstabiert er ‚mehr’ wie M-e-e-r. Zwischen dem ‚Prologue in Light
Blue’ und dem ‚Epilogue in Dark Blue’ der dreiteiligen Drum-Suite
fühlt Lücker den Puls des ‚Sea of Sound’, tanzt mit den Wellen, begegnet dem Sandmann, David und Goliath. Der Drummer nicht als
Schießbudenfigur, vielmehr als Maler von Seestücken und Wellenklängen, der die Timpani pochen und die Cymbals flirren und rauschen lässt oder den Atem anhält, um freundliche Geister nicht zu
stören. Dazu Visionen wie Panizzas Gelbe Kröte. Hmmm - Aaah…

The Idle Class (Chaplin), The One (Wong), Welt am Draht(Fassbinder), The Third Man (Welles), Face/Off (Woo), Johnny Stechino (Benigni), lauter Filme über Doubles, schwingen im Hintergrund mit bei Doppelgänger (cs 103), sechs Diffusionen der Trompeterin BIRGIT ULHER mit ERNESTO RODRIGUES (viola) und
CARLOS SANTOS (live-sampling). Akzentuiert dabei scheint mir
nicht die Spaltung zu sein, sondern die nur hauchdünne Differenz,
die Ununterscheidbarkeit der Dinge von ihren Schatten. Die Trompetengeräusche klingen nicht nach Brass, sondern wie von Holzoder Karton geschabt, oft nur wie eine mit den Lippen beschmauchte Imagination. Der Saitenklang ist nur ein Kratzen oderein flirrendes Gespinst, das Sampling ein unsichtbares Drittes, das
mit Phantom- und Avatarklängen aus Luft und Strings das Grau-inGrau weiter verunklart. Rodrigues ist der Garant dafür, dass zumindest die mikrotonal reduzierte Musique Concrète von CS sich gleich
bleibt.
Die Umtriebe des Süditalieners ROBERTO FEGA vernetzen ihn mit
Workshops mit Tim Hodgkinson und Amy Denio, den Solar und Pangolino Orchestras, Thollem McDonas oder dem elektroakustischen
Trio Taxonomy. Un geco nella mia casa (cs 107) ist ein elektroakustischer Alleingang, mit sporadischen Samples aus Filmen (Das
Schloss im Himmel, Große Vögel Kleine Vögel etc.) und gelegentlich
mit klassischer, allerdings weitgehend retuschierter Gitarre als
Klangquelle neben dem Computer. Da ein ratternder Zug, dort einestöbernde Ratte, es braucht hier einiges an Phantasie, wenn man
kein Gecko ist und immun gegen Langeweile. ‚Rifaccio il bucato’ imRemix durch den RéR-einschlägigen sardischen Gitarristen Paolo
Angeli hört sich an als ob der Gecko eine Django-Reinhardt-LP ableckt. ‚Insurgente’ als ein mit Kontrabass unterstrichenes Statement
von Subcommandante Estrella fällt ebenso aus dem Rahmen wie die
Posaune beim Finale.
Sator-Rotas (cs 109) ist tatsächlich Markus Schmicklers elektronische Komposition von 1998, arrangiert als Stromsparversion. Das
Ensemble Zeitkratzer ist bekannt für Umkehrungen von elektronischin unplugged. Das gleiche Kunststück gelingt MATTHIAS MUCHE,
Posaunist in der Schäl Sick Brassband – aha, Köln -, im James Choice Orchestra und bei Das Mollsche Gesetz und Mitorganisator desFestivals Frischzelle, dem Österreicher PHILIP ZOUBEK (LHZ,
Hubweber/Zoubek) am präparierten Piano und als Senior dem angeösterreicherten Köln-Bewohner ACHIM TANG, der mit seinem
Bass auch mit Oskar Aichinger, Hannes Löschel oder Max Nagl zugange ist. Finessenreich werden Computersounds simuliert, extended techniques zaubern mit Pizzikatokürzeln und vorsichtigen Pointillismen bis hin zum langen finalen Crescendo ein dröhnminimalistisches Klangmorphing, das Schmicklers magisches Klangfeld aus Sinuswellenmotiven auf erstaunliche Weise nachzeichnet.
20

CUNEIFORM RECORDS (Silver Spring, MD)

Aurora Josephson: Self Portrait 2004 / Albert Ayler

Albert Ayler (1936-70) hat seine Verehrer und Propheten - Brötzmann, Gustafsson,
McPhee, Williams, Vandermark. HEALING FORCE bietet für The Songs of Albert Ayler(Rune 255) Vinny Golia und gleich drei Gitarren auf (Henry Kaiser, Joe Morris & Mike Keneally), nachdem schon Marc Ribot den Aylersound auf die Gitarre übertragen hatte. Cuneiform setzt damit seine ‚Contemporary Masters‘-Reihe fort, die bisher Hommagen an Miles
Davis (Yo Miles!), Captain Beefheart (Fast ‘N‘ Bulbous), John McLaughlin (The Mahavishnu
Project) und Zappa (Ed Palmero Big Band) enthält. Organisator war auch hier H. Kaiser mit
dem Vorsatz, das allgemein mit Verlegenheit und Kopfschütteln quittierte Spätwerk von Ayler einer Revision zu unterziehen. Bei den Impulse-Scheiben Love Cry (1967), New Grass(1968) und Music is the Healing Force of the Universe (1969) hatte Ayler versucht, mit dem
Gesang von Mary Maria an Soul, Gospel & R‘n‘B anzuknüpfen. Ihre Rolle übernimmt Aurora
Josephson, deren Stimme schon bei The Molecules zu hören war. Am Bass agiert Damon
Smith, am Schlagzeug Weasel Walter (!), der inzwischen ganz beim Free Jazz angekommen
zu sein scheint. Der wirkliche Witz dieser Songs ist allerdings, dass sie gar nicht erst versuchen, Ayler zu imitieren. Die Spieler verstanden sich eher als Medien, um Aylers musikalischen Idealismus mit neuer Kraft aufzuladen. Sie generieren eine metaharmonische Mischung aus Aylerismen und post-Aylerschen Eklektizismen, die mit dem Originalstoff so frei
umgehen wie Otomo Yoshihide mit Dolphy. Kaiser selbst gibt neben Coltrane, Sanders undSharrock Scelsi, Steely Dan, The Swans und Sonic Youth als Ingredienzen an. Und siehe, es
ward alles neu, New Generation, New Ghosts, New New Grass. Erstaunlich, wie unblöd jetzt
der Gesang über den Abgründen schwebt, aus denen die Gitarrenflammen auflodern.
Großartig, wie sich Gitarren und Gebläse in Aylers Namen verbrüdern. Walter switcht zwischen jazzig, rockig und infernalisch, aber sein BumBumBum zu ‚Oh! Love of Life‘ aus gekreuzten 4/4 und 3/4, kann nur Jazzfans irritieren, die im Grunde ihres Herzens keine Musik
brauchen. Golia rotzt und fiept als pharoahnischer Leftfield-Koreaner, Aurora keckert zur
Abwechslung wie etwas mit Nagezähnen und im Handumdrehen klingt Aylers ‚Thank God
for Women‘, ein Duett des Huhns im Korb mit Keneally, wie New-Orleans-Honky-Tonk. ‚Heart
Love‘ beginnt zuckersüß und plötzlich ist Eric Dolphy als Flötenspieler mitten unter uns, um
von The Swans Eisenbrocken vor die Füße gewuchtet zu bekommen, die süße Stimme kehrt
wieder - und wird von Gitarrenbebop wie von Ameisen befallen. Dass der 20-min. programmatische Monstertrack ‚Music is the Healing Force of the Universe‘ ein Nest von Phönixen
ist, kein Wunder, denn dass ein Stück drei-, vier-, fünfmal mutiert, ist obligatorisch. Die Newness ist nicht zuletzt ebenso plunderphonisch wie eklektisch. Bei ‚New Generation‘ klingt
Aurora tatsächlich wie Kim Gordon und Walter rockt ein Accelerando, das erst nirgendwohin zu führen scheint, aber dann doch bei schrägem Soprangekiekse landet mit Kniebrechbeats, krumm wie die Hölle von Flandern. Keneally spielt meist Klavier, dass es einem Tastengott nur so graust, aber effektvoll, weil simpel. ‚New Ghosts‘ lässt Derek Bailey erscheinen und Aurora beschwört mit dunklem Raunen alle guten Geister. Wenn ich das nächste
mal am besten Plattenstand auf dem Psychedelic Netzwork Festival gefragt werde, was ich
denn am Heißesten empfehlen könnte, würde ich nicht zögern.
Aber auch ohne Healing Force legte ich schon eine ‚Rune‘ ans Herz. Zu der der Oberfreakvom Plattenstand als Alternative - eine ‚Rune‘ vorschlug. (Wahre Geschichte)
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Die deutsch-englischen Beziehungen waren
nicht immer die besten und ‚Krauts‘ kein Kosename für die Hunnen von jenseits der Zivilisation. In einigen Fällen kam es aber zu spirituellen Brückenschlägen zwischen insularen
Psychedelic- & Space-Trippern auf PinkFloyd- und Hawkwind-Kurs und krautigen Levitationsaspiranten à la Tangerine Dreamoder Ash Ra. Julian Cope ist so ein Germanophiler, wobei die Objekte seiner Begierde
nicht auf Wernher v. Braun sondern auf Albert Hoffmann als Spiritus Rector verweisen.
Stephen Stapledon ist ein weiterer Freundder Pilz- und Gottsucher im deutschen Wald.
Die Freeman-Brüder von Alto Stratus betanken ihren Raumexplorer ebenfalls mit Mandarinen. Aber RADIO MASSACRE INTERNATIONAL übertreffen mit nahezu drei Dutzend
krautwindigen Releases in einer Lebensspanne von nur gut 12 Jahren alle und alles. Und
vor RMI war in den 80er Jahren bereits DAS,ein ähnlich gepoltes Projekt von Steve Dinsdale, Gary Houghton & Duncan Goddard mit
Mark Spybey, heute Dead Voices on Air und
Link zwischen Soviet France und Can (M. Karolis Sofortkontakt, Damo Suzuki‘s Network).
Mit Rain Falls in Grey (Rune 256) verneigt
sich RMI allerdings vor Syd Barrett (1946-2006),
dem Acid-Piper von Pink Floyd und Erfinder
der Glissandogitarre. Daevid Allen von Gongspielt sie bis heute und bekundet seinen Dankals Illustrator des Sydophilen Covers. Um eine
Barrett-spezifischere, rockigere Psychedelikà la 60s zu kreieren, griff Goddard, nebenden obligatorischen Loopers, Sequencers,
Synthesizer, Keyboards und Gitarren, auchzum Bass, Dinsdale spielte Drums und Houghton eben Glissando Guitar. Zusätzliche Besonderheiten sind Martin Archer, seines Zeichens Discus-Label-Macher in Sheffield, an
Saxophonen, Bassklarinette & Bassblockflöte,
und die Hawkwind- und Gong-angefixte Cyndee Lee Rule (UFOsmosis) an der Electric
Violin. Der Titel und gleichzeitig Auftakt(17:11) zitiert aus Barretts ‚Baby Lemonade‘
und knüpft hörbar an den frühen Pink Floydan, allerdings mit ähnlichen Konsequenzen
wie sie Waters, Wright & Mason selbst schon
bei A Saucer Full of Secrets und Ummagumma aus ‚Astronomy Dominé‘ und ‚Interstellar
Overdrive‘ gezogen hatten. Aus surrealen
Songs wird spirituelle Raum-Zeit, ‚Bettr‘r Days‘-Epik (11:45) ‚...far away‘ (10:58). Energie
wird ‚kosmisch‘ und strahlt von ‚oben‘, denewigen Psychedelik-Jagdgründen, auf empfangsbereite Geister. Dass mein ‚innerer
Schweinehund‘ (my weaker self), zumindest
bei den Tracks mit Drumgroove und Gebläse,
schwanzwedelt, verrät einiges darüber, wasmeine gymnasialen Synapsen 1969 ff prägte ‚bewusstseinserweiterndes‘ Long-VersionsGeschwurbel, je länger, desto lieber.
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Auf TIME OF ORCHIDS bin ich schon
neugierig geworden durch den knurrigen PAK-Bassisten Jesse Krakow. Anfänglich war da auch der PAK-Drummer K. Abrams zugange, dem dannDavid Bodie nachfolgte. Chuck Sternan Keyboard & Vocals initiierte dieBand 1999 und Eric Fitzgerald von Auto-matic
VaudevilleundBlastex
OP134.XXnds (w/K. Abrams) komplettiert sie an Gitarre & Vocals. Namesake Caution (Rune 257) als Nachfolger des Tzadik-Releases Sarcast While(2005) und nun schon 5. Veröffentlichung zeigt die New Yorker Formation
als veritable und entsprechend pathetische Art-Rocker mit hymnischem
Doppelstimmengesang, der einem die
Ohren à la Golden-Years-of-Prog klingeln lässt, und mit wuchtiger, teils
breiter, meist vertrackter Orchestrierung, die von Genesis über Thinking Plague in die Zeitlosigkeit dreispringt. In the bare bones / Whatmakes you gold from slave / Darlingabandon, your history / Knows nobounds and it forces you / Madly,
through passages ashen... und weitere
kryptische Zeilen aus dem Book Even
The Blessed Ones Hesitate To Open
bestimmen den Tenor. Innerhalb der
New Yorker Brother- & Sisterhood mit
Behold... The Arctopus, Child Abuse,
The Drayton Sawyer Gang oder
Dysrhythmia gehören Time Of Orchids
zu der von Tim Byrnes mit Friendly
Bears und mehr noch Hazel-Ra, vonKayo Dot oder den unglaublichen Zs
stark gemachten Kunstbärenfraktion.
Der Harmoniegesang von Stern & Fitzgerald und der Keyboardplüsch werden ausbalanciert durch krummtaktige Rhythmik, oft wahre Synkopenexzesse, und abgründiges Bassgrollen.
Ein Illusionismus zweiter Ordnung
macht die ‚Entertainment Woes‘ selbst
zum Thema, Himmelsstürmerei wird
als ein zweifelhaftes Abenteuer geschildert, der Donner als theatralischund geborgt. Web we spin is a thrilling
ancestry so crude / Wince to plague
our murk and see serene. Der Rückgriff auf alte Rezepte lässt mich wirklich zusammenzucken, aber innerlichmuss ich auch lächeln, dass ein derartiger Antipop-Manierismus wieder so
prächtig Urstände feiert. Endlich mal
Musik, die keine Theorie der Selbstunterbietung (P. Sloterdijk) verlangt,
weil epidemisch das sapiens-Niveau
verfehlt wird.

Es Konzeptalbum zu nennen wäre viel zu prosaisch für das Garn, dasder Gitarrist RICHARD LEO JOHNSON mit GREGG BENDIAN an
seiner Seite auf Who Knew Charlie Shoe? (Rune 258) spinnt. Erzählt
wird, mit musikalischen Mitteln, die Geschichte des Titelhelden, einem 1955 bei Marked Tree, Arkansas, geborenen Gitarrenspieler undseines Wegbegleiters Jaden Barral aka Junk Fish, einem Jamie-MuirFan und Dropout der Memphis-Szene. In die Haut des Ersteren
schlüpft natürlich Johnson mit einer Reihe von eBay-ersteigerten Billiggitarren, Zweiteren verkörpert der Mahavishnu-Project-Trommler
Bendian, allerdings ohne Schlagzeug, ihm genügt, sein Spitzname
verrät es, Junk Percussion. Zusammen spielen sie ‚Hick-Prog‘. FürJohnson ist Shoe das (fiktive) Missing Link zu Vernon McAlister, dem
unbekannten Vorbesitzer der Steel-Guitar, auf der The Legend of
Vernon McAlister entstanden ist. Shoe und Junk Fish mögen fingiertsein, ihre Musik hört man wirklich. 20 Tracks, in denen Shoes Erinnerungen anekdotisch eingefangen sind, vor allem Episoden seiner Hinterweltlerkindheit in den Rockabilly-Jahren, seine Eltern und Onkel,
seine Spiele und Comiclektüre (‚Superman‘, ‚Jesus on a Tire Swing‘,‚Itty Bitty Ditty‘) und Träume (.Circum Came and Went‘). Was Religion
angeht, blieb er lieber bei seinem persönlichen Blick auf Jesus, stattin Gemeinschaft zu schwärmen (‚Whitewash Worship Warehouse‘).
Who Knew ist nostalgisch und möchte wohl authentisch sein, aber irgendwie wird alles, was Johnson zupft, fein und keimfrei. Bendian
rappelt, raschelt, tokt und plantscht zwar, als hätte man ihm als Kindein paar Maiskolben zuviel an den Kopf geworfen, vor allem bei seinem Solo ‚Junk Fish Out of Water‘. Aber an Johnsons Sound will einfach kein Originaldreck haften bleiben. Wenn man es freilich nimmt,
wie es ist, dann macht es Spaß, Charlie Shoe kennenzulernen, der ein
beachtlicher Virtuose des Fahey-Jansch-Kottke-Pickings ist, ein Idiot
Savant der passionierten Finger. Zwischendurch hört man O-Ton, derAtmosphäre schafft, Vögel, Züge, Radio, Hundegebell, Ruderschläge,
eine Kirchenglocke. Eines ist sicher, Shoe ist ein träumerisches Gemüt, wach und erwachsen sind nur seine Finger.
Das Artwork von Courtney Chappell und Titel wie ‚Post-Colonial Nausea‘ und ‚Take Me to Your Leaders Never Sounded So Alien‘ lassen
keinen Zweifel, AHLEUCHATISTAS geht auch bei Even In the Midst...
(Rune 261) in jeder Hinsicht engagiert zu Werke. Weniger überdreht
vielleicht, aber nicht weniger engagiert. Derek Poteat, Shane Perlowin & Sean Dail betreiben ihr Bass-Guitar-Drums-Ding eher noch ausgetüftelter und abgeklärter als Math Rock für Fortgeschrittene. ‚Cupof Substance‘ ist auf 56 Sekunden komprimiert, aber das Trio aus
Asheville, NC, nimmt sich auch über 5 oder 6 Minuten Zeit, um einen
eleganten Beweis dafür zu führen, dass Rock die Verhältnisse nicht
unterkomplex nachzeichnen muss, um ein „whoooooa“ zu provozieren. Manchmal scheint die Musik wie implodiert, scheint sich sammeln zu müssen und beim minimalistischen Kleinen Einmaleins neu
anzusetzen (‚The Bears of Cantabria Shall Sleep No More‘). Aber
nicht nur Zwerge, auch Götter haben klein angefangen, um dann
prosthetisch Reviere von kosmischem Ausmaß zu besetzen. MathRock würde ich hier gern auf Mathetik zurück führen, mit einem‚konstruktivistischen‘ Verständnis von Wirklichkeit im allgemeinenund von Musik im Besonderen, verstanden und betrieben als aktiver,sich selbst-organisierender (autopoietischer) Prozess. ‚Politisch‘ ist
das Ganze eben nicht durch ein Auf-sie-mit-Gebrüll, vielmehr durch
Flexibilität, Wendigkeit und Analytik. ‚Brilliant Dandekovs‘ wirkt wie
eine Laborversion von The Molecules. Energie verspritzt nicht linear,
vielmehr als quasi dreidimensionales Brainstorming. Das MinutemenLegat rein instrumental, hybrid gekreuzt mit Avant-Rock-againstRock. Schließlich ist der Kopf nicht nur zum Bangen da, sondern
auch, um Rösselsprünge auszuführen oder Kreuzworträtsel zu knacken.
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Aufmerksamen dürfte nicht entgangen sein, dass mein ASMUS
TIETCHENS-Werkreihenkommentar bei 9. eine Zahnlücke aufweist. Das fehlende T sei nunmehr nachträglich implantiert:
Zwingburgen des Hedonismus / Mysterien des Hafens (DS 96).
Ersteres war 1987 als einseitig bespielte LP beim schwedischen
Label Multimood herausgekommen, mit der Kohlezeichnung eines nackten Männerrückens als Augenfang. Die Musik ist Teilvon Tietchens ‚Faircomp‘-Reihe 1982-86, die versuchte,‚konventionelle‘ Musik zu realisieren und dabei durchaus üppige
Resultate erzielte. Die so Cioranisch betitelte Version kam eigentlich als ‚Faircomp 1J‘ zur Welt, Ausgeburt einer Matrix und
eines Fairlight CMI, eines 1987 durch den DX 7 etc. ausrangierten Modells. Während Version ‚1J‘ Piano und ‚Männerstimme‘
treppauf-treppab steigen lässt, treibt der Bonustrack ‚Faircomp
1K‘ den barocken Duktus auf die manieristische Spitze, als Kranich-Balztanz für synthetische Bläser. ‚Bubendey Notturno‘ &‚Ritual auf der Halde‘, zusammengefasst zu Mysterien des Hafens, sind Überschuss von Geboren, um zu dienen. Sie bestückten 1988 eine Seite der Odd-Size-Split-LP Face To Face / Vol. 1,
Rücken an Rücken mit Die Form. Tietchens hatte dabei Schauplätze im Hamburger Hafen vor Augen, die heute nur noch Erinnerung sind. Die Furie des Verschwindes fasst auch seine vonAbraumhaldenstoizismus und Ritual-Drumming geprägte Postindustrialästhetik selbst in Bernstein, die so vom Heroischen Nihilismus des Industrial und seinem Als ob eines post-nuklearen Eswird-einmal-gewesen-sein zeugt. Tietchens scharrte mitten im
Abraum die Koloraturen einer Opernsängerin frei, ein wurmstichiges Leitfossil frühkapitalistischen Selbstbewusstseins. Dessen Recyclingkräfte wurden unterschätzt, seine Ungeniertheit,von den Beständen zu zehren, sich von Abfall zu ernähren und
die Peripherie abzuschöpfen. Statt Distanz, Differenz und Dissidenz machten Etcetera und Dacapo Konjunktur, statt Notturno
Hedonismus. Der einzige Zwang, der dazu nötig scheint, ist die
Vorstellung, als Partymuffel vulgo Kulturpessimist geschnitten
zu werden.
Mit Omega - Untertitel „While the Stars be not Darkened...“(DS101) komplettiert David Jackman die mit Sanctus (Robot Records) und Amen (DS95) begonnene ORGANUM-Trilogie mit
dem unfrommen Ton, mit dem Das Buch Prediger die Nichtigkeit
aller Illusionen beschwört. Die Zeile ehe die Sonne dunkler wird
und das Licht und der Mond und die Sterne... (Ecclesiastes 12:2)
führt zu einem Schlüsseltext der Vanitas-Literatur - was ist das
Leben anderes als ein Haschen nach Wind - , der gleichzeitig inseiner epikureischen Bejahung der Jugend, des Lebens und desDiesseits ein philosophischer Stachel im Fleisch des Alten
Testamentes ist. Sitardrones evozieren buddhistische Untertöne, Dröhncluster schlagen die Stunden, die Ecclesiastes 3:1-8
wie eine Litanei aufzählt: A time to weep, and a time to laugh; atime to mourn, and a time to dance; eine Zeit zu suchen undeine Zeit zu verlieren; A time to love, and a time to hate; a timeof war, and a time of peace. Omega ist selbst in sich wieder
dreigeteilt und erfüllt in der finalen von drei nahezu gleichen
Viertelstunden den ganzen Raum mit pantheistischer Erhabenheit. Jackman nannte (im Interview mit Kevin Spencer) für das,
was ihm vorschwebte, big slow shape in time, Kegelschnitte unddie minimalistischen Lichtinstallationen von Dan Flavin. Kühle,symmetrische Struktur, warmer Klang, keine Psychologie, keine
höhere Bedeutung. A piece of time, a time of peace.
24Der irische Elektroakustiker ROGER DOYLE hat mit seinen
Frühwerken Oizo No (1975) & Thalia (1978), als sie 1992 bei
Artware wiederveröffentlicht wurden, und zuvor schon mit
der United-Dairies-LP Rapid Eye Movement (1981) Liebhaberauch außerhalb akademischer Zirkel gefunden und konnte
seinen guten Ruf mit dem Opus maximus Babel (1999) festigen. The Ninth Set (DS103) beschließt die Passades-Serie,deren bisherigen acht Sets bei BV Haast erschienen sind.
Dröhnminimalistische Ebenen werden erschüttert von Brüchen und Erruptionen, an- und abschwellende Drones bekommen Knicke oder werfen sich dramatisch in Falten. Man
purzelt treppab in ein von Detonationen erschüttertes Walzwerk, in Dunkelheit, in der man sich nur mit einem Blindenstock voran tasten kann. Es hagelt Metallstücke und theaterdonnert gewaltig. Eine verzerrte Frauenstimme wimmert undgirrt, vervielfältigt sich zu Schnäbeln und Schnauzen. Mit ca.
66 Min. hat allein The Ninth Set symphonische Dimension,
wobei die Parts 4 & 5 Doyle in Bourges den renommierten
Magisterium Prize 2007 einbrachten. Ein rauer Drone, wie
aus dem Bauch einer Gewitterfront geharft, überschüttet
wolkenbruchartig die Szenerie mit metalloiden Tropfen, Wind
zerrt an rostigen Scharnieren, lässt Windspiele aufklirren,holt, während der Sekundenzeiger tickt, Atem, um als Knallfrösche Steinmauern umzustürzen und zwischen Holzstapelzu fahren. Pt.5 dröhnt nach diesen Turbulenzen dann einen
Regenbogen aus dem zarten Aaaah eines Frauenchores,
Happy End und Neuanfang, auch wenn da ein Windstoß in
den Blättern raschelt. und über den Köpfen Wildgänse dahinziehen.
Neben der kurzwellig-flexiblen sucht auch die langwellig-ambiente - wellig, nicht -weilig - Fraktion der Elektrowellenbieger die Reize der Livepräsentation. Für eine DS-Labelnacht
im Oktober 2007 im Brüsseler ARGOS, bei der JOHN D U N CAN, KONTAKT DER JÜNGLINGE & C.M. VON HAUSSW O L F F auftraten, wurde Untitled (DS104) zusammengestellt, damit die Besucher, wenn nicht den, dann zumindest
einen Liveeindruck der Künstler mit nach Hause nehmenkonnten. Darauf enthalten sind ‚Live at the Compound‘ (SanFrancisco, 21.7.2007) von Duncan, ‚Montreal Solution 1‘(28.5.2003) von Thomas Köner & Asmus Tietchens sowie‚Circulating Over Square Waters (Framed Nature)‘ (ATP London, 2.6.2005). Alle drei Projekte verbindet eine Ästhetik desUnterschwelligen, alle drei modellieren Klanglandschaftenals Seelenlandschaften, als Zonen des Unheimlichen. Der
Amerikaner lässt über sein nur leicht gewelltes Grau in GrauWind fauchen, in dem man das vage Aaah und Oooh von verlorenen Seelen halluzinieren kann, und endet mit einem
scharfen Ausrufezeichen. Der Schwede, ein dezidierter Kenner des Paranormalen, lässt Alvin Lucier erklären, um was es
geht. Man hört Publikumsgemurmel und ein nerviges‚Vogelquäken‘. Ob das Konzept sich um die Quadratur desKreises oder die Verzeitlichung des Raumes dreht, geht in‚Zaboni‘-Rauschen und einem heiseren ‚Raubvogel‘-Loop unter. Meine beiden Landsleute suggerieren eine Wind- undEislandschaft, auf der wummernd Druck lastet. Eine Vocoderstimme spricht nur halb aufgetaut, gefrorenes Kichern
funkelt kristallin. Ein Zug rauscht durch den Schnee. Der
ständige Wind kämmt der Landschaft immer neue Frisuren.
In Montreal dürfte das absolut ‚québécois‘ geklungen haben.
25

(London)Martin Davidson konstatiert mit schwarzem Humor, dass selbst in der Plinkplonkwelt gilt: Sex and Death sells. Da Sex kaum in Frage kommt, bleibt nur:
Maybe I should kill the musicians on Emanem. Anlass gibt der Tod von PAUL
RUTHERFORD (+ 5.8.2007) und das (nur) bei solchen Anlässen aufflackernde Interesse an einer Spielkunst, die solistisch ihren Höhepunkt in The
Gentle Harm of the Bourgeoisie (1974) fand und dem nunmehr wenigstens
posthum Solo in Berlin 1975 (EMANEM 4144) an die Seite zu stellen ist. Offenbar entwickelte Rutherford seine Multiphonics- und Spaltklangtechniken
unabhängig von Berios für Vinko Globokar geschriebene Posaunenexploration Sequenza V (1965) und noch vor Mangelsdorff. In Berlin, im März ‘75
beim FMP Workshop Freie Musik und erneut am 7. & 8.11. beim Total Music
Meeting, konnte er aufbauen auf jahrelange Erfahrungen mit SME und Iskra
1903 und in großformatigen Kontexten wie den Ensembles von Schoof undBrötzmann, der Globe Unity, Centipede und LJCO. Seine Innovationen hört
man aber am besten solo und selten so plastisch und ohrenöffnend wie bei‚Primus‘ (vom Novemberset), wo er die Mehrstimmigkeit voll und launig entfaltet und dazu noch mit Krimskrams raschelt und klackert. Wie er da Luftdurchs Horn knört und blubbert, so manisch, wie früher unser Dackel einen
Filzpantoffel fertig machte. Bei ‚Berl In Zil‘ und ‚Secundus‘ grapschte er
gleichzeitig auf Klaviersaiten. Dass dieser Übereifer sich seiner Komik bewusst war, ‚A Song My Granny Taught Me‘ lässt es vermuten. Rutherford
glaubte da noch an die bewusstseinserweiternde Kraft solcher Klänge undan Künstlertum als Stimme des Gewissens und Stimulation von Emanzipation. Statt dessen musste er zwischendurch als Türsteher arbeiten, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Einige Berliner Jazzfans (es sind ja immer die Fans) schissen ihm schon damals was und pfiffen. Davidson hat das
weitgehend weggefiltert. So bleibt der pure Genuss eines Originals, dashier einige seiner schönsten Blüten trieb.
Pfeifen - nein, aber inneres Kopfschütteln, jedesmal wieder. Für eínen Stolperstein bad alchemystischer 360°-Offenheit steht der Name ROGER
SMITH, hier im Duo mit PASCAL MARZAN aus Paris. Beide spielen unverstärkte Spanische Nylonsaiten-Gitarren und bekennen sich zu Cage und
Bailey als Anstöße. Während bei Smith die Erfahrungen mit SME, den
Three/Four Pullovers, Louis Moholo oder Adam Bohman Sedimentschichten
seines Spiels bilden, konnte Marzan nur sporadisch Kontakte zur Britischen
Freedom-of-the-City-Szene pflegen. Two Spanish Guitars (EMANEM 4145)
entstand wortwörtlich an Smiths Wohnzimmertisch, direkt auf DAT. Intimer
und kammermusikalischer geht es nicht. ‚Be Careful of Cheap Imitations‘zupft gleich zu Beginn an Cages Hl.-Geist-Hemdenzipfel, macht aber dabei
den Unterschied im Ansatz deutlich, der weder ein Rewriting von Satie oderirgend jemand sonst noch Aleatorik per I Ging impliziert. Statt dessen - Intuition, Writing on Water, Spatzengezwitscher. Die Gitarren werden viel- undschnellfingrig gegen den spanischen Strich gepickt. Virtuose und erweiterte Techniken sind selbstverständlich, der Clou passiert im Kopf, in der Intonation eines - laienhaft gesagt - insektoiden, ameisenhaften, myriapodalen
Großen Krabbelns, das mit dem giftigen ‚Chemical Warfare in Wood Green‘
ironisiert wird. Die Trilogie ‚Boiling... / Flowing... / Freezing Water‘ lädt zu
molekularen, den Aggregatzustand modulierenden Assoziationen ein, wobei die programmmusikalische Lautmalerei mehr in abstrakter Form das innere Auge reizt. Der eisige Part evoziert aber durchaus plastisch frostige
Erstarrung und kristallines Funkeln. Das wiederum dreiteilige ‚Holiday in My
Head‘ unterstreicht das Moment eines zweck- und bildlosen Streunens, das
Ohren und ein Herz hat für kozivilatorisches und unangepasstes Leben ‚Sparrow Amour‘ imitiert den balzenden Eifer geselliger, wenn auch unscheinbarer Nachbarn - ‚Bye Baiji‘ ist ein Abschiedslied für den JangtseDelfin. Noch sind die beiden Plinkplonk-Gitarristen, dank ihrer Spatzennatur,nicht die zwei Letzten ihrer Art.
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EXTRAPLATTE (Wien)
PETER ANDROSCH aus Wels ist hierzulandenoch nicht so ‚angekommen‘ wie seine Landsleute Georg Friedrich Haas (*1953, Graz),
Bernhard Lang (*1957, Linz) oder Wolfgang
Mitterer (*1958, Lienz), aber mit Jahrgang
1963 vielleicht auch noch zu jung, um vom
Geheimtipp zum Darling zu reüssieren. Sammlung 5 Kammermusik (EX-PA 005) präsentierteine Handvoll weiterer Appetizer für Eclat-Geschmäcker. Bei ‚Paso Doble‘ für Bläserquintett, gespielt vom DAIUS Quintett, nahm derOberösterreicher ‚Rebounds pour percussion
solo‘ von Iannis Xenakis als Zündfunke für ein
pneumatisch-barockes
Perpetuum mobile,
spritzige Motorik im modernistischen Stil von
Les Six. ‚Canto‘ entstand auf einer Wanderung
in der Toscana als Gesang auf Diktaphon undwurde für Klarinette solo transkribiert. So
Manches von Scelsi entstand auf dieselbe
Weise, wobei Androschs Stück eher einem
Gegacker ähnelt. Das Ensemble Wiener Collage spielte in der Besetzung mit Flöte, Klarinette, Trompete, Akkordeon und Viola zwei Versionen von ‚Kombinate‘ (2000). Jede Aufführung
gerät anders, da ein Shapeshifting des Klangkörpers und ein stochastisches Puzzlen mit
musikalischen ‚Zeilen‘ und ‚Blättern‘ den Charakter der aleatorischen Komposition ausmachen. Die ‚Zwölf Inventionen für drei Violoncelli‘ (1990/91) reflektieren und entschlacken
das Bach‘sche Grundmodell. In der Klemme
zwischen historistischem Krampf und illusionärer Zeitlosigkeit machen die scharfen und
motorischen, dann wieder melancholisch insich versenkten Celliklänge das Dilemma einer
Kunstmusik hörbar, die als asynchrones Kindder Zeit zur Denkmalpflege und zur Fußnote
verdammt ist. Als ob den Spielern das Wort
‚Zukunftsmusik‘ wie Hohn in den Ohren klänge,verfallen sie bei ‚Invention 9‘ in einen katatonen Pizzikato-Stupor, um sich gleich danachmanisch die Haare zu raufen (‚10‘). Wieder um
Haltung und eleganten Duktus bemüht, entgleist der allerletzte Ton (‚11‘), worauf sie jähzornig die Celli zersägen (‚12‘). ‚L‘AlgérieStreichquartett No.II‘ schließlich, im Mitschnitt
der Uraufführung 1998 in Linz durch das Maggiore Quartett zu hören, entstand als Reaktion
auf die Unbegreiflichkeit der algerischen
Massaker. Androsch spricht dabei von einem
inneren Zwang, der sich der Zweck-, sprich,
Wirkungslosigkeit der musikalischen Geste
bewusst bleibt. Ins Ohr hängen sich innerhalb
eines reichen Gewebes aus aggressiven undelegischen Motiven immer wieder auffällige
Glissandi und Le Sacre du printemps-Stakkati,
wie ja Strawinsky überhaupt der erste Name
wäre, wenn man Androschs Untermann bei
Namen nennen wollte.
27Peter Androsch an der Gitarre und Bernd
Preinfalk am Kontrabass sind die hochkarätigen boys in the band für DR DIDI undseine New Songs (EX 774-2). Androschknüpft dabei, wie schon bei den im Duoeingespielten Songs, quasi direkt an seine
Zeit mit Josef K Noyce aka Fadi Dorninger
an. Die Arrangements wirken wie improvisiert oder locker verabredet, denn Didi
Bruckmayr genügen Straßenpfosten und
notfalls Leitplanken für seine vokalen Eskapaden. Der promovierte Faschismusforscher und notorische Frontmann von
Fuckhead und Wipeout gesellt sich zu
Stimmextremisten wie Waits (‚Sick‘/‚One
Day‘), Walker (‚Do you know‘) oder B. Amstad von C. Dorans New Bag mit melancholischen oder grotesken Lyrics von leeren
Cabarets, toten Kaninchen, Selbstmordgedanken und Major League Assholes, wobei
er ins Diskant hochkiekst oder Marillenknödel lutscht, den Mond umarmt, Reißnägel
gurgelt und Stimmbandgummierung ausspuckt. Als Queequeg aus Linz wird er zum
Harpunier, der Hirne und Popanze aufspießt mit der theatralischen Grandezzaeines Walfängers, der für die Fotografen
auch mal den Fuß auf einen gestrandeten
Kadaver stellt, Hauptsache es kommt rüber, dass er sich aus Gestank und großen
Tieren nichts macht. Bei ‚Yellow River‘
mimt er eine Bajazzoschwuchtel, ‚Artista‘
ist bloß noch calibanisches Zungenreden
zu knurriger Bassmonotonie und bizarrem
Gitarrengeplinke. Aber er kann auch croonen und flüstern wie bei ‚Let me be free‘,‚Long ago‘, ‚Speak to me‘ oder ‚Mare (oneday)‘, als ob er mit Engeln flirten wollte. Bildungsbürgerliche Splitter wie ‚Pizzicato‘,‚Pavane‘ und ‚Toccata‘, das onomatopoetische ‚Rondo‘ oder ‚Polonaise‘ (hinter dersich freilich eine vokale Selbststrangulation verbirgt) reflektieren ein ‚Bourgeoisian
growing up‘, das sich hier selbst mit Wrestler-Gusto in die Mangel nimmt. Selbst
simple Sachen wie ein eintönig gegeigter
oder geplonkter Bass wirken effektvoll,
weil Androsch dazu derart beredt, halb
spanisch, dann wieder neutönerisch seine
Gitarrensaiten pickt, als ob er direkt an die
Gemütsfasern rühren könnte. Beim finalen‚Peace‘ bläst er Melodica wie ein Weißclown, während Dr Didi grollt wie ein Pit
Bull und faucht wie ein Troll. Nur Karaokein einer Alien-Schwulenbar auf Nar
Shaddaa hat Vergleichbares zu bieten.
Wer nur den poppigen Bruckmayr von A
little warning from the pimps! kennt, ist
Jungfrau, was den wahren Didi angeht.

H Ausmusik
Im September 2007, pünktlich zur Popkomm und ein Jahr nach dem 15jährigen Jubiläum, verkündete Wolfgang Petters überraschend das Endevon Hausmusik. Umsatzrückgang. Verluste insbesondere im Ausland. Geordneter Rückzug aus dem Musikgeschäft. Immerhin kein Konkurs. Petterswird zukünftig als Meister der Elektrotechnik den Lebensunterhalt für sichund seine Familie bestreiten (genaueres kann im Netz nachgelesen
werden). So ein Mist!
Zuletzt trat Hausmusik vorwiegend als Vertrieb auf. Aber eigentlich haben
wir Hausmusik nicht als solchen kennengelernt, sondern als Label aus derProvinz, welches zusammen mit Kollaps und Payola die Welt verbesserte.
So ungefähr im Jahr 1991 fing alles damit an, als Wolfgang Petters von derIdee besessen war, eine Platte veröffentlichen zu wollen. Dazu hatte erverschiedenste Leute in der Gegend von Weilheim und Landsberg am Lech
angehauen. So entstand aus diesem Umfeld, dieser Szene, wasauchimmer,
der erste Hausmusik-Sampler - eine Platte auf der diese Musiker in den unterschiedlichsten Konstellationen zu hören sind (diese Kompilation ist vergriffen - kann mir wer eine Kopie auf Kassette zukommen lassen?). Hier war
noch Low-Fi chic, Mario Thaler und seine Uphon-Studios kamen erst später
ins Spiel. Den gleichen Leuten scheint es zudem Spaß gemacht zu haben,auch die Cover in Eigenregie zu drucken und zu basteln. Auch der Zündfunk wurde auf diese Weilheimer Szene aufmerksam und übertrug sogar
ein Live-Konzert aus der Provinz ins ganze Bayernland.
Trotzdem bin ich erst so richtig auf den Geschmack gekommen, als ich A
MILLION MERCIES, also Wolfgang Petters himself solo, live im Würzburger
Immerhin gesehen habe. Und dann war da noch diese Vorgruppe beim Notwist-Konzert im AKW, die mir sogar noch besser als die Hauptband gefallen hat - FRED IS DEAD. „Angst vor“ hieß damals deren aktuelle LP. Sympathische Menschen machen sympathische Musik. Und erklären uns in einem
Popsong, was Adolf Hitler oder Johnny Cash mit Landsberg am Lech zu tun
haben. Und solche Sachen. Schönere und bessere hausgemachte Pop-Musik gab es damals für mich kaum.
Auf gut durchorganisierten Hausmusik-Festivals in Landsberg am Lechund später dann in München konnte man der Entstehung von heute immer
noch populären Bands wie dem TIED AND TICKLED TRIO, LALI PUNA oder
MS JOHN SODA zuschauen (in all diesen drei Bands wirkt mindestens ein
Acher-Bruder mit). Auch wenn diese nicht zwingend auf dem HausmusikLabel veröffentlichten, gehören sie doch irgendwie zur Hausmusik-Familie.
Andere Bands wie SUBATOMIC, TELECONDUCTOR oder ALLES WIE GROSS
sind längst Geschichte.
28Angenehm war auch immer die Nähe zur Comic-Szene. So erschien so manche Jimmy-Draht-Ausgabe in Kombination mit
Hausmusik-Samplern.
So war auch der letzte, im Jahr 2006 erschienene HausmusikSampler mit dem Titel „You Can‘t Always Listen To Hausmusik
But...“, eine Kombination aus literarischen Texten, Comic-Zeichnungen und Musik - in Form von zwei Langspielplatten und einem Büchlein, verpackt in einem Klapp-Cover aus stabiler Graupappe. Hier wird noch einmal das musikalische Spektrum vonHausmusik deutlich, das sich irgendwo zwischen Country, Pop,
Folk, Rock, Experiment und elektronischer Musik bewegt. Für jeden der 16 Songs mussten sich zwei Formationen zusammentun. Somit treffen hier Indie-Größen wie CALEXICO, die auf Hausmusik noch unter dem Namen SPOKE ihre erste LP veröffentlicht
haben, auf THE NOTWIST, aber auch solch Urgesteine wie diewunderbaren VILLAGE OF SAVOONGA auf fragile Neuentdeckungen wie SQUARES ON BOTH SIDES. Freunde aus Norwegen(DEAF CENTER), Großbritannien (Blurt-Mastermind TED MILTON)
oder Australien (SODASTREAM) sind genauso dabei wie Bandsvon Exil-Bayern, die es nach Berlin verschlagen hat (JERSEY).
Und Musiker, die nicht der Weilheimer Ursuppe entstammen (z.B.
CARLO FASHION) sind genauso mit von der Partie, wie solche,
die bereits auf dem allerersten Hausmusik-Sampler vertreten
waren (BROKEN RADIO). Und so weiter und so fort. Für diese Artenvielfalt muss man dankbar sein!
Dieses Dankeschön gilt nicht nur für die letzte Compilation sondern auch für die letzten 16 Jahre in denen das Label Hausmusik uns mit jeder Menge guter Musik versorgt hat. Die einzelnenBands und MusikerInnen aufzuzählen würde den Rahmen sprengen. Man sieht sich hoffentlich wieder! Vielleicht auf Labels wie
Morr Music oder Alien Transistor? Möge die Liebe zur Musik unddie alten Freundschaften die aktuellen Geschäftsproblemeüberleben!
PS: Noch ein Wunsch an Wolfgang Petters: Bitte nie mit dem
Musikmachen aufhören – ich bin gespannt auf die neue A MILLION MERCIES-LP, an der Du doch schon im letzten Jahr gearbeitet hattest…
Guido Zimmermann, im Dezember 2007

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HIBARI MUSIC (Japan)
Auf den Zeitgenossen, mit dem ich
auf „ABJECTOR“[sic] (h.m.o/3 02, 2 xCD) in kompakter Form zusammenpralle, wirft der folgender Augen- &Ohrenzeugenbericht (Split Foster)ein bezeichnendes Schlaglicht: The
final set came courtesy of Brit Tim
Goldie, who poured beer on himself,
struck kung-fu poses, put a snare
drum over his face and screamed
through the surface of it, and generally did his best to torture us withacute metal-on-metal screeches.
“[sic] TIM GOLDIEs perkussive Exzesse, geübt in Begegnungen mit
Parker, Prevost, Edwards et al., aber
mit ungezügelter Ausrichtung derinneren Kompassnadel am Noisepol,
sind auf „White Peristaltic Interrogations“ [sic] willkürlich zerhackt in 36
2:00-Brocken. Diskante, schrille, ultrabruitistische Reibungen und manische Kollissionen von Metall undMetall, Holz, Faust und Fell, durchwegs ohne Overdubs. Erdbeben im
Haus Paiste. [sic] Tim der Trommelfellripper füllte auch „Devocalised
Fluchtverdächtiger / Blocksperre
Refluxur“ [sic] - die Neigung zum
Deutschen teilt er mit den ähnlichnoiseaffinen Aufgehoben - mit 2:00Blöcken, diesmal ‚nur‘ 35. Durchgeknallte Tinnitusohrenschrauben, mit
Elektronenstürmen und Schreiattacken, immer wieder abrupt von brutaler Stille oder Grundrauschen
durchsetzt. Wer in diesem Noisegewitter nicht zittert und bebt, war vorher schon taub. Manche flüchten mit
klaffenden Wunden. Andere blähen
die Nüstern, als würden sie in diesem Garten der Qualen den Duft derBlauen Blume wittern.

Attention (h.m.o/3 03) ist eine - hrrrm - eine Soundlecture. Während TAKU UNAMI, der Hibarimacher selbst, einzelne trockene Gitarrenpingsund -wrumms und lange Luftlöcher zupft, spricht
MATTIN die Hörer direkt an - This is not the rightvolume! - How much did you pay for this? - , um genau diese Hörsituation zu reflektieren und in Fragezu stellen. Auf www.bagatellen.com schieden sichdie Geister. Einer fand es irritierend, andere langweilig, manche provokativ, andere fänden Celine
Dion oder Soft Jazz provokanter. Mattin selbst, bekannt für seine Avant-Snobs-Eat-Shit-Aktionen, erklärt: “Attention” ... suggests that any listening experience is mediated both by the context and the
choices made by the listener, which alter the meaning of the work and become part of the creative
process... Something as simple and important aschoosing the volume of how to listen to the recording is a very strong decision that determines thesound and the meaning of the work... Richard Pinnell findet es prompt etwas enttäuschend, dass Attention seems to be less about deliberately annoying people and more about a post-Cage idea ofmusician/listener interaction ; ) Das Problem ist,
dass niemand Unamis Musik spannend findet undauch Mattins Hurz-Effekt kein All-repeat verlangt.
Die Frage ist auch weniger, ob die Hörerfahrung,egal von welcher Musik, wie Dan Warburton zurecht unterstreicht, selbst ein Akt der Improvisation ist. Sondern ob und wie AUFMERKSAMKEIT
geht. Welche Rolle die Erwartungshaltung spielt
und die Körperhaltung (siehe Abb.), die Investition
und das Geschwätz der anderen, die Tagesformoder die Hornhaut etc etc. Ich finde ja - aber wasinteressiert euch mein Geschwätz. Andererseits...
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HIGH MAYHEM (Sante Fe, NM)
In Zusammenarbeit mit Synchronicity Pictures präsentiert Here With Your Eyes
(DVD) die Performances von THE LATE SEVERA WIRES auf den High Mayhem
Festivals 2003 (23 min.) & 2006 (46 min.), gesehen mit den Augen des Videokünstlers JOE PICARD. Die Band mit Ultraviolet (turntables), Mike Rowland(drums), Yozo Suzuki (guitar) & Carlos Santistevan (bass) braut, wie zuletzt auf
ihrer LP three minutes a second (-> BA 55) zu hören, ein Gesöff, das schon in derHauptsache Delirien verursacht, so dass Nebenwirkungen kaum noch ins Gewicht fallen (abfallende Nasen oder Ohren steckt man betont cool in die Jackentasche). Picard bildet nicht ab, sondern überblendet den deliranten Sound, eine
durchwegs dichte Melange aus Noise und Samples, mit deliranten Farben undFormen, rhythmischen Zuckungen und morphenden Schlieren. Die wenigen
Schnipsel, die das Quartett selbst durchs Bild geistern lassen, zeigen eine so
straighte Band, dass zwischen Bild und Klangbild ein blinder Fleck bleibt, auf den
ich Erinnerungen an Perlonex projeziere. Ultraviolet, die ihre Finger über die beiden Turntables zischen lässt, als wären es glühende Herdplatten, & ihre bebrillten Partner streuen ihren Noise freilich weit diffuser, intuitiver, gleichzeitig tastender und manischer, kommen aber immer wieder zu ähnlich erruptiven Kumulationen. Ob Picards visuelle Overkillattacken der Weisheit letzter Schluss sind,sei dahin gestellt. Mir ist das zu heiß, zu redundant. Wenn ich eine Lightshow
brauche, schließe ich die Augen. Ich bin mir nämlich sicher, dass DIESE Band jeden noch so prosaischen Rahmen hemdsärmelig zu transzendieren in der Lage
ist. Sie ist allein schon HEISS genug, um die Synapsen zu Popcorn zu rösten.
WE DREW LIGHTNING entstand aus der Asche von Derail, mit Roland Ostheim(guitar, keyboard, piano, loops) & Michael Smith (drums, electronics, samples) als
personeller Konstante. Für Swimming With Orange gingen sie mit Steve Canny(cello) und Alex Neville [von The brilliant Dullards] (bass guitar, banjo, electronics) in die High-Mayhem-Studios und erschufen dort eine Reihe von Songs,
die sie mit allen psychedelischen Raffinessen marinierten. Gitarre, Bass undDrums liefern die rockige Grundlage, meist in träumerischem mid-tempo. Aber
durch das Cello wird alles samtig und pelzig, durch die Loops und Electronics
schillernd und unscharf, durch den süßen, dünnen Gesang von Ostheim wie verzaubert. Die Zeit läuft nicht immer eindeutig nur in eine Richtung, die wehe undsehnende Stimme verstärkt die Illusion, dass sich precious moments festhalten
lassen, dass Sehnsucht Raum und Zeit überwindet. Spätestens mit ‚Insectivor‘,
wenn Ostheim in Gretchen Yatsevich ein weibliches Double bekommt, ist dieseMusik vollständig in einem sanften Delirium angekommen. Das Banjo fängt bei‚Ouroboros‘ zu pluckern an und taucht Swimming With Orange in das Weird-FolkLicht, das auch von etwa MV & EE With The Bummer Road ausgeht. ‚Zombie T.V.‘
duscht in psychedelischem Harz vor dem finalen Freak-out. Wer tangerinfarbiges Shapeshifting und unverständliche Lyrics nicht mag, wer lieber Wände um
sich hat als pulsierende Membranen, der ist noch nicht reif für dieses Orange.
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INTAKT (Zürich)

TOMMY MEIER, seit Federlos-Zeiten
Tenorsaxophonist & Bassklarinettist
Trompeten & Flügelhörner 4-fach - Kenny Wheeler, in Formationen mit seiner LebensgeManfred Schoof, Jean-Luc Capozzo, Axel Dörner, fährtin Co Streiff, führt hier für Root
Posaunen ebenfalls 4-fach - George Lewis, Paul Down (Intakt CD 135) selbst Regie in
Rutherford, Jeb Bishop, Hannes Bauer, auch die einer Bigband, die daran erinnert,
Reeds im Quartett - Evan Parker, Gerd Dudek, E.-L. dass das ‚Innere Afrika‘ oder derPetrowsky, Rudi Mahall, dazu zwei Perkussionisten - einstige Jazzclub ‚Africana‘ in Zürich
Paul Lovens & Paul Lytton, sowie der Leader - Ale- als Phantasien oder Erinnerungenxander von Schlippenbach - am Klavier. Nennt es verblassen, wenn sie nicht immer
Blasmusik, nennt es Free Jazz, nennt es Feuermu- wieder aufgefrischt werden. Die
sik, für mich ist Globe Unity - 40 Years (Intakt CD Band besteht im Kern neben Meier
133) der einzige Totalitarismus, den ich mir gerne und Streiff aus Peter Schärli (tp),gefallen lasse. Bis heute hat das GLOBE UNITY Jürg Wickihalder (ss), Hans Anliker
ORCHESTRA den Gestus des Bahnbrecherischen (tb), Peter Landis (ts, bs), Stephanbewahrt, als Männervortrupp mit grobzivilisatori- Thelen (g, loops, samples), Chris Wieschem Sinn für Brandrodung und Neuanfang ab- sendanger (keyb), Irène Schweizer
seits der Herde. Vorerst gibt es nur eine Schmiede (p), Herbert Kramis (b), Jan Schlegel(‚The Forge‘), für Prediger, Schullehrerinnen und (eb), Fredi Flükinger & Marco Käppeli
Blumensamen scheint wenig Bedarf. Noch dominie- (dr), Chris Jäger (perc) und Trixa Arren galgenvogelhafte Individualität, geteilte Aben- nold (turntables). Die wahren Stars
teuerlust, ein charismatischer Primus inter pares. sind jedoch Fela Kuti mit ‚Lady‘ und
Für altersbedingte Ausfälle der ersten Generation ‚Zombie‘, Dudu Pukwana mit ‚MRA‘
sprangen geistige Söhne ein - Bauer & Capozzo, und Sun Ra, dessen ‚Mu‘ unter Meiers
beide Jahrgang ‘54, Bishop (*1962), Dörner (*1964), ‚Gebrselassie‘ gemischt ist. Meier
Mahall (*1966). Inzwischen ist auch Rutherford in selbst komponierte im Geiste dieser
die ewigen Jagdgründe eingegangen. Das Jubilä- ‚Roots‘ weiteren Stoff, der Lebensumsprogramm wurde auf dem JazzFest Berlin 2006 energie und Freiheitsdrang unter afund im SWR Studio 1 in Baden Baden mitgeschnit- rikanische Vorzeichen stellt. Er verten. Dabei stoßen diese bis auf das Titelstück schon sucht dabei, zwei wesentliche Imin den 70ern entstandenen ‚Kompositionen‘ jeweils pressionen zu verkoppeln: Das ErwaVariationen von organisiertem Chaos und konso- chen des schwarzen Kontinents
nanter Kakophonie an. Typisch sind ein unlöschba- (‚The Dawn Part I-III‘), wenn er noch
rer Funkenflug, der eine ständig wechselnde Zahl ganz unberührt bei sich selber ist,
von Köpfen entzündet, sowie gänzlich frei gestellte mit dem Aufbruch in die chaotischen
Duette und Soli. Daneben entfacht Willem Breukers Megalopolen (‚City of Noise‘); undMarsch ‚Out of Burtons Songbooks‘ große hymni- zwei Reflexionen: Über Dürre (‚The
sche Pracht, die sich in Einzelgesänge und Zirkus- Drought‘), Bürgerkrieg und Protest
turbulenzen auffächert. Je katzenmusikalischer, (‚Colo Vamp/Zombie‘), die in einem
desto schaurig-schöner, kitzlich-paradoxer in mei- Potpourri aus Xenakis-Elektronik undnen Ohren. Und wo bleibt das ‚Bavarian Calypso‘- Widerstands-Funk anklingen, aber
Fieber in bayrischen Bierzelten, ihr tauben Schel- auch Ausdauer und Erfolg, wie ihnlen? Müssen Schlippenbach und Petrowsky euch der äthiopische Langstreckler Haile
vormachen, was Piratenschneid ist? Wheelers Gebrselassie symbolisiert. Die WIMalpenländische
Truppe‚Nodago‘-Solo mischt spanische Grandezza mit geübte
Tristesse, bevor Rutherford und Lovens ein Kabi- mischt mitreißend als Brother &nettstück liefern. Mit Steve Lacys ‚The Dumps‘ Sisterhood of Breath Downship-Blaskommt ein zickiger New-Orleans-Swing ins Schlin- musik mit dem funky Afrobeat von Afgern mit Mahall als Über-Dolphy und PoPoPo-Faxen rica 70 zu einem transafrikanischenvon Bauer, Capozzo versucht es französisch-ele- Update, das Felas Frauenverachtung
Homophobie stillschweigend
gant, wird aber kakophon überstimmt, bis Dörner und
mit groteskem Gefauche die Luft raus lässt. Folgt konterkariert. Die Samples von Trixanoch das Synkopengehämmer von ‚The Forge‘, für Arnold (ja, die Les Halmas-Drummedas Lewis die Glut schürt und Schlippenbach, per- rin) und Joke Lanz (genau, Sudden
kussiv umrappelt, die Tasten heiß klopft, bis Tutti- Infant), der zusammen mit Hans Koch
stakkati hinkend den Schlusstakt steppen. Lewis, und Christian Weber Großstadtlärm
nur äußerlich der Exot auf diesem europäischen lautmalt, setzen markante, die Perdie
durchwegs
Narrenschiff, liefert zur exzentrischen Position auch cussionabteilung
die entscheidende Reflexion: Globe Unity heißt eine zwingenden Akzente. Aber die fetziWahl zu treffen zwischen Ich oder Überich, Sehn- gen Bläser sind es, die mir warm ums
sucht oder Angst, Überschreitung oder Nachahmung. Herz machen.
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INTRANSITIVE RECORDINGS (Cambridge, MA)
Dass sich Tsuyoshi Nakamaru, der zusammen mit Hiroshi Kumakiri in Tokyo das Synthesizer-Duo NERVE NET NOISE bildet, TagoMago nennt,
regt mich mehr an, als das minimal-technoide Geplimpel, das die beiden
Japaner fabrizieren. Dark Garden (INT029) taugt vielleicht als Metronom
für Leute, die schon im Morgengrauen an Waldrändern entlang keuchen
und bloße Fußgänger als Schnecken verachten. Aber Tago Mago führt die
Seele Can-wärts, mit einer Spannweite, die über Damo Suzuki Japan berührt und über Pascal Bussy Frankreich. Dieser Can-Aficionado hatte Anfang der 80er sein Label so getauft, neben Cans Prehistoric Future auch
Stoff von This Heat und Vidéo-Aventure veröffentlicht und mit der Compilation Paris Tokyo (1983) die Distanz zwischen Merzbow und DDAA, Haco
und Richard Pinhas auf den Hauch eines Millimeters schrumpfen lassen.
Während ich abschweife, kehrt auch der Jogger fußlahm humpelnd anseinen Ausgangspunkt zurück. Nennt den Nerve Net Noise simpel oderskurril, altmodisch selbstgestrickt wie Early Electronic Music oder futuristisch wie Gimmicks, die die Labors der asiatischen Spielzeugindustrieaustüfteln. Ich spaziere im Dunkel eines anderen Gartens.
HOWARD STELZER kann von Intransitive Recordings als My Own Little
Label sprechen, für das er selbst 1998 mit Stone Blind den Startschussgab. Seine Aktivitäten als Sound Artist gehen allerdings noch weiter zurück. Mit Bond Inlets (INT030) überarbeitete er seine erste Solokassette,aber nicht um sie aufzupolieren. Das Grundrauschen scheint eher noch
verstärkt zu Dauerregen und Windgefauch, durchsetzt mit diffusem
Scheppern, zischenden Spritzern, knarzenden Impulsen und einem wummernd rotierenden Motörchen. Der Clou sind jedoch halluzinatorisch verzerrte Gesänge, mehr zu ahnen als zu hören, gurgelnd und mulmig wie bei
zu niedriger Abspielgeschwindigkeit. Mir ist von Stelzers zwischen Gameboy, Absurd und Humbug verstreuten Arbeiten nur die Brombron-Kollaboration Night Life mit Giuseppe Ielasi bekannt. Er ist der Fall eines nicht ungeselligen Melancholikers, der häufiger mit Partnern wie F. de Ward, Jason Talbot, The Cherry Point, Tim Feeney, Seht, John Hegre, Jazzkammer
u. a. arbeitet als allein. Aber mit einem Ohr für die Geräusche des Abbaus
und des Zerfalls und im Auge schon die künftigen Ruinen, um die der Wind
heult. Was da noch piepst, ist kein Vogel, sondern ein rostiges Scharnier.
Dazu ein Tuten wie ein Schiff in Seenot, während der Sturm noch aggressiver wird, einen mit Pfeilhagel überschüttet und alles, was noch Form hat,zu schleifen beginnt. Als er abflaut, bleibt nur eine ausgeräumte Landschaft, abgenagt wie ein Knochen. Detonationen und ein kriegerisches
Rumoren setzen ein, als läge hinter dem Horizont Verdun oder Stalingrad.
Wer Hatali Atsalei (l‘echange des yeux) (INT031) hört und auf eigene Gefahr sich nähert, würde ein seltsames Ritual erblicken, bei dem zuerst ein
närrisch japsender Hund und dann ein Japaner Hauptrollen spielen. Es ist
SEIJIRO MURAYAMA, der in ANP mit KK Null, im Trio Lo und in Partnerschaften mit Eric Cordier, J. Noetinger oder J. Guionnet bekannte Perkussionist. Statt üblicher Percussion hört man nach wenigen tapsigen Schlägen und seltenen Paukentönen jedoch meist nur Schritte und Hantieren,klackende Vulkansteine und brechendes Holz. Wasser plätschert, Feuer
knistert und knackt, immer wieder mit explosivem Knall. Dazu hört man
peitschendes Gefuchtel, als ob ein Schamane unwillkommene Geister verscheuchen müsste. Murayama ist dieser Schamane, der hustend und mit
gutturalen, halb erstickten oder gehauchten Lauten sich den Elementen
und den Nachtvögeln anverwandelt. Sein Schlund wird aber auch zum Kanal für Aaaahs und Ooooohs, auf die Raubvögel oder weit undefinierbarere Bewohner von Anderwelten aufgeregt antworten. Schüttelt da ein
Thunderbird sein krytisches Gefieder? LIONEL MARCHETTI verband
diese unheimlichen Laute zu einer Musique concrète, die mit dem Feuer
spielt und der Dunkelheit und der Neugierde auf des Pudels Kern.
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LAST VISIBLE DOG RECORDS(Providence, RI)

Dass Finnland sich auf Freaks stabreimt, wird durch VAPAA mühelos bestätigt. Das Quartett, das mit Hum Hum
Hum (LVD 115) die Schwerkraft zu überwinden versucht,
hätte sogar den weit höheren Psychedelicfaktor zum
Würzburger Psychedelic Network Festival beigesteuert
als ihre Landsleute Circle. Tiitus Petäjäniemi, Keijo Virtanen, Jari Koho aka Kulkija und Joel Kivelä sind Tripper
und Träumer, die auch als Keijo & The Free Players oder
The Magick Travelling Backpackers Band die Köpfe rauchen lassen. Als Vapaa knüpfen sie ungeniert an die rituellen, amorphen und rohen Krautaspekte speziell vonAmon Düül an, um tranceinduktiv hinter Schamanenzotteln und Qualm halb verschwommen vor sich hin zu
dröhnen und zu raunen und die Kundalinischlange zu beschwören. Folk und Jazz sind nur Häute, die das Biest
abstreift. ‚Sarasta‘ und ‚Varjoista‘ ähneln Fake-EthnoSessions, nachdem man kräftig in Fliegenpilze gebissen
hat. Die Gitarre kaskadiert in zeitvergessenem hellem
Wellengekräusel, die Moogs und Harmoniums sirren wie
Sitars und wummern wie Hubschrauber. Einer der
Schamanen klopft stoisch den Puls. Es ash-rat, als ob
Göttsching selbst die Saiten schwingen ließe, und popolvuht, dass man nicht mehr weiß, ob man in den Gärten
Pharaos umher taumelt oder von Zorn-Gottes-Affen gebissen wurde (oder ersteres weil letzteres). Bei ‚Ajan
Odotus‘ herrscht Aufruhr, aufgeputschte Glöckchen und
Percussion schütteln die Krone der Weltesche. Bis endlich ‚Tuhannet Vuodet‘ sich das Erdendasein zu einem
trolligen Groove zurecht schunkelt. Denn darum geht es,
Auftrieb, Levitation, getting higher and higher.
JOHN WHITE, ansonsten Indiepopper mit Mëstar,
schrammelt und säuselt hier Songs, die wohl den sprichwörtlichen sentimentalen Hund hinter dem Ofen vor locken sollen. Der Songwriter im neuseeländischen Kaff
Oamaru ist ein Erzvertreter der Neuen Niedlichkeit. Mogwash (LVD 118) enthält den gleichnamigen Songzyklus,
der 2003 mit ein bisschen Hilfe seiner Freunde vonCloudboy in Berlin entstanden ist, gekoppelt mit Balloon
Adventure, 9 weiteren Liedchen, die mit etwas Gegeige
von Alan Starrett schon 2000 in Dunedin eingespielt worden sind. White klampft oder spielt Zweifingerpiano, sein
Timbre ist kaum mehr als ein Hauch und spielt durchwegs die Ich-bin-klein-mein-Herz-ist-rein-Karte. Von Minute zu Minute wird mir Herodes immer sympathischer,mit jedem UuUu wächst in mir ein eliminatorischer Antidreampopismus. Selbst wenn das Schneeweißchen from
Downunder seine rosarote Märchenwelt aufscheucht mit
Titeln wie ‚As the Bombs Falls Down‘ und ‚Train Disaster‘,bleibt der enervierende Säuselton derselbe. Selbst das
depressive ‚Darkest Day‘ wirkt da nur wehleidig. Aus anderem Mund könnten die Lyrics und der melodische Einfallsreichtum vielleicht der Teddybärenfalle entkommen.
Nicht jeder Pimpf ist schon ein Robert Wyatt. Dass abschließend das 23-minütige ‚Instrumental‘ mit harmonischen Seelenbaumelwellen aufwartet, erklärt halbwegs,
wie White auf LVD landen konnte.
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Wildflowers Under the Sofa
(LVD 120)? Hoffentlich ohne
Ameisenkolonie, die sich daheimisch fühlt. Als Botaniker mit
Blick für ökologische Nischen
betätigen sich GIANLUCA B E CUZZI, der in Piombino auchals Kinetix aktiv ist, & FABIO
ORSI aus Taranto. Ihre bisherigen Kollaborationen hießen
Muddy
Speaking
GhostsThrough My Machines und The
Stones Know Everything. Sie
verbinden ihre Vorlieben fürdröhnende Keyboards und Gitarrenloops mit Laptopzauber.
Als es in Strömen zu regnen beginnt, sitzt man unterm Sofa gemütlich im Trockenen. Die Güsse ziehen auch schnell vorüberund die Vögel beginnen wiederzu zwitschern. Die beiden Italiener haben einen Sinn für wohlproportionierte Symmetrie. Die
Blütenpracht von ‚First‘ und‚Last Flower‘, die sich jeweils
genau 20:20 hinbreitet, rahmt
das 7-min. ‚No Flower‘ ein, bei
dem ein hell blinkender Loopüber wogende Om-Wellen hinweg rollt. Ein Sofa als Tagtraumluftschiff, von dem manparadiesgärtnerische
Blickeüber das 5. Tagwerk schweifen
lässt? Die Gitarre tickt und tackt
wie eine verlässliche Standuhr,
die Landschaft, an die man immer näher heran zoomt, wummert als harmonisches Klangbeben, als ob jemand die Register einer Vox Dei aufrauschen
lassen würde. Man hört sogar,
wie ein Blasebalg Luft pumpt,
bis das Holz in den Fugen
knarzt. Da sind dröhnminimalistische Könner am Werk, die die
Geister von Oliveros, Feldman,
Mazzacane Connors, Spacemen
3 und W. Basinski durch sichhindurch strömen lassen. Fürdas Finale lässt Becuzzi Pianonoten dahin schreiten, erhaben
und klassisch.

LEO RECORDS (Kingskerswell, Newton Abbot)
Ninetet (Yoshi‘s) 1997, Vol.4 (LR 500/501, 2 x CD), die Ghost Trance Music (GTM)Doku der legendären August-Woche in Oakland wuchs um einen weiteren Abend.
Composition No. 213 & 214 variieren erneut die kanonartige Motorik von ANTHONYBRAXTONs Grundgedanken. Der 6-zungige Bläserfächer, in sich noch einmal 2fach (Jackson Moore), 3-fach (James Fei, J.D. Parran), 4-fach (Andre Vida), 5-fach(Brandon Evans) und sogar 8-fach (der Meister selbst) von Sopraninosaxophon und
Flöte bis Basssaxophon und Kontrabassklarinette aufgespalten, gibt Braxtons
Spektralpsychedelik den farbenprächtigen Kaleidoskopcharakter. Das stoßweise
zuckende Unisono mit dem Braxton sein Ballett über Eschersche Treppenfluchten
führt, folgt einem exakten, fiebrigen Duktus. Kevin Norton braucht diesen sichselbst tragenden Strukturen mit Drums, Marimba, Percussion & Vibraphon keinen
weiteren Schub zu geben, er streut statt dessen weitere farbige Perlen in dieses
Glasperlenspiel, das kristalline Zerebralität mit sich ständig überlagernden, verstärkenden oder unterteilenden Wellenlängen und Pulsfrequenzen verbindet. Dass
Kevin O‘Neil auf seiner Gitarre mitzupft und Joe Fonda zwischen entsprechenden
Pizzikati und gestrichener Grundierung wechselt, geht in diesem vielfältigen Wellengekräusel lange fast unter, bis bei transparenten Passagen, die nur von hellen
Flötenklängen und Reedhochtönen gesponnen werden, plötzlich doch die Gitarre
quirlig im Vordergrund steht oder Fonda knurrig das Spielbrett ansägt. Denn die
GTM ähnelt einem universalen Sternhalma (Chinese Checkers) für 9 Spieler, deren
Züge und Sprünge in Zeitraffer als Einzeltöne erklingen. Simple Regeln lösen sich in
unüberschaubare, chaotisch kakophone Einzelheiten auf, die sich auf einen Impuls
hin dynamisch bündeln. Aus einer höheren Perspektive wirkt jedoch alles ganz zielgerichtet.
* Wie zuletzt in BA 55 erwähnt (S. 30), ist SAINKHO NAMCHYLAK stilistisch nur
schwer zu fassen. Anlässlich des Jeunesse-Festivals mit dem Motto „In Trance. Musik im Rausch der Sinne“ traf sie im Oktober 2006 in Wien erstmals mit dem Perkussionisten JARROD CAGWIN zusammen. Inspiriert wurden ihre nun als In Trance(LR 502) veröffentlichten Live-Aufnahmen von den Wandmalereien in den MogaoGrotten im chinesischen Dunhuang mitsamt seinem mythischen Überbau und dendazugehörigen Legenden. Diese werden hier keineswegs in Worten erzählt, sondern schwingen höchstens in der Musik mit. Namchylak setzt alle lautmalerischen
Facetten ihrer Stimme ein, während Cagwin mit seinen Trommeln den Puls dieser
vier hier dokumentierten Stücke vorgibt. Von rauschhaften Zuständen ist diese Musik weit entfernt. Eher mäandern die beiden mit ihren Instrumenten gemütlich
durch die Klanglandschaft. GZ
Es gibt zwar ein bad alchemystisches Kulturotop à la ‚Die Wolga entspringt in Europa‘, einen alteuropäischen Horizont, der Földényi, Gombrowicz, Jerofejew, Krasznahorkai, Krleza, Lem, die Strugatzkis, Béla Tarr und Witkiewicz mit einschließt.
Aber das ist alles nicht auf Augenhöhe mit der Gegenwart des Schengener Durchwinkens und strotzt vor Ignoranz, was aktuelle Verhältnisse angeht. Zur Vojvodina
fällt mir nicht einmal ein Klischee ein. Der Violaspieler Szilárd Mezei stammt vondort und Cerkno (LR 503) zeigt das SZILARD MEZEI QUINTET live auf dem Cerkno Jazz Festival 2006 in Slovenien. Mat Maneri hat die Viola in der Improvisationskunst etabliert, aber der mit Jahrgang 1974 nur 5 Jahre jüngere Mezei hinterfüttert
seine Artistik, flankiert von Milan Aleksic am Piano, seinem Mentor, dem bärenstarken Ervin Malina am Kontrabass und dem marschverliebten István Csik an den
Drums, so mit mobil gemachter Kammermusik und vom Tanzboden gekratzten Folkresten, dass er Jazz an osteuropäische Zuflüsse zurückbindet. Auch Bogdan Rankovics Bassklarinette & Altosax ändern nichts an diesem Zwittercharakter des Mezei-Sounds, dem Wechselspiel von komponierten Grundierungen und eingebetteten
Soli mit tänzerischen Passagen wie ‚Spinning Wheel‘ und dem flotten Postbop von‚That Dance‘ und ‚Uncia‘. Der Paukenklang bei ‚Jaguar‘ legt seinen markanten Akzent auf die gleiche Waagschale wie durchwegs, oft Ton in Ton mit der Bassklarinette, die Viola selbst, die dunkle, ungarische Erde in einem Beutelchen um den
Hals trägt. Pago Libre wäre ein möglicher Vergleich, nur kerniger.
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Merkwürdig, dass mir WILBERT DE JOODE bisher so wenig untergekommen ist. Palaë (LR 504) ist, obwohl auch schon wieder der dritte Release im Trio mit dem von Köln nach Amsterdam gewechselten Pianisten
ACHIM KAUFMANN und dessen vertrautem Weggefährten FRANKGRATKOWSKI an Klarinette, Bass- & Kontrabassklarinette und Altosax,
freilich die perfekte Gelegenheit, die außerordentliche Spielkunst des holländischen Kontrabassisten zu bestaunen, der in seiner Totalität aus Pizzikato- und Arcotechniken direkt an Barry Guy und Joëlle Leandre anknüpft. Seine Diskografie fädelt Namen auf wie Ab Baars, Han Bennink,
Cor Fuhler und bündelt sie in Available Jelly mit Boeren, Delius, Glerum,
Vatcher & Wierbos. Speziell ein so starker Widerpart wie Gratkowski, derin allen Tonlagen und aus allen Knopflöchern fiept, spotzt und kollert, gibt
ihm beste Reibungsflächen, um zu Knarren und zu Brummen, zu Scharren, Knarzen und Plonken, so handfest und plastisch, dass ‚geräuschhaft‘
als Charakteristikum nicht hinreicht. De Joode hantiert zugleich flexibel
und urig. Kaufmann muss, um da gegenzuhalten, bis zu den Ellbogen ins
Innenklavier eintauchen und an den Saiten zerren wie ein Langbogenschütze vor Azincourt. Aber er kann auch zickig über den Zebrastreifen
catwalken, wenn Gratkowski aus dem Keller auf die Klarinettenleiter kraxelt, um die Höhenluft auf Braxtongehalt zu testen. Das 7-fache Brainstorming und Fingerhakeln, bei drei verschiedenen Gelegenheiten live aufgenommen, hat in seiner Fülle staunenswerter Momente Referenzcharakterfür ‚direkte‘ und extreme Musik, die, wenn sie ‚In the Face‘ ankündigt, damit eine Kickboxstrategie meint.
Mit One Hot Afternoon (LR 505) stellen sich der Londoner Altosaxophon& Klarinettist TIM TREVOR-BRISCOE und der Pianist NICOLA G U A Z ZALOCA vor, die seit 2000 in Bologna auch gemeinsam im Quintett Comanda Barabba musizieren. Italienische Kicker in der Premier League
sind weniger exotisch als ein britischer Jazzer am Fuße des Apennin.
Aber offenbar stimmt die Chemie zwischen dem virtuosen Mundwerk von
Tim T-B, der sich zuletzt von Dave Liebman die vorletzten Tricks zeigen
ließ, und dem Temperament seines Dialogpartners, mit dem er zwischen
Spontanerfindungen und al dente gekochten Kompositionen switcht. Neben Melodienseligkeit spielt der gemeinsame Hang zu launigen Sketchen gibberish stories - eine Hauptrolle. Exaltierte Oktavsprünge und über x
gehämmerte, knickebeinige Tonsplitter intonieren Looney Tunes, die einem fliegende Kamele und sich davon stehlende Spinnen auf die Netzhaut
der Imagination pinseln. Unterhaltungswert wird groß geschrieben, bis hin
zu Affenzucker. Aber unüberhörbar sind selbst die überkandidelten Spitzen von beherrschter Musikalität getragen und dem Mut zu Wechselbädern der Gefühle. Während Comanda Barabba augenzwinkernd Spaghettijazzklischees à la Actis Dato zum Swingen bringt, gelingen T-B & Guazzaloca wirkliche Sonderanfertigungen.
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Wer Peter Schuster schon im nischenkulturellen
Vorruhestand vermutete, irrt. Pünktlich zu Weih- PRIONMUSIC (Nürnberg)
nachten landeten Publikationen auf dem Gabentisch, die seinen Unruhestand belegen. DASFRÖHLICHE WOHNZIMMER besagt mit Knocking On Wohnzimmers Door (PR 109, CD-R):
Einmal ‚begnadeter Dilettant‘, immer - äh - begnadet. Ise Kilic & Fritz Widhalm bilden eine Wiener Ausformung der Spezies ‚Köstliche Ungeheuer‘, als Verleger von Edition Das Fröhliche
Wohnzimmer (von 1986 bis 2006 86 Publikationen überwiegend österreichischer Untergründlichkeiten), Herausgeber von Wohnzimmer. Zeitschrift für unbrauchbare Texte und Bilder, Betreiber der Wohnzimmergalerie mit Glücksschweinmuseum in Wien Josefstadt, als Selberschreiber (Kleine schmutzige Welt des Denkens,
1989, Dieses Ufer ist rascher als ein Fluss, 1999, Neue Nachrichten vom gemeinsamen
Herd, 2001), RadioArbeiter, VideoMacher und als fröhliche Hausmusikanten, mit von Three
hot people on a very hot summer day (1986) bis zur Bandauflösung 2001 ca. 30 Veröffentlichungen auf dem eigenen D.F.W.-Records + .werkschaft-Label. Die 20 Tracks des Prion-Releases scheinen geschnittenes Worst-Of-Brot der frühen Jahre zu sein, Stefan Krist, Sonja
Wally und deren Nachfolgerin Susa Binder tauchen nur gelegentlich auf, der von Anbeginn
beteiligte Bernhard Kölbersberger spielt eine Hauptrolle. Bei ‚Histerix Grotei Gray‘ geht
D.F.W. auf Tuchfühlung mit Chris Newman, ist ‚Still Hungry‘ und ‚Quite Strange‘ und bekennt:‚I‘ve got A Longing for Lechery‘. Seltsame Gesänge in Östrenglisch, Lo-Fidelity as low as
can be, Primitiv-Percussion, Schrumm- & Kratzbürstgitarre, Flöten und Tröten, äußerste
Simplicity machen sich einen eigenen Reim auf allerhand Ungereimtes. ‚What‘s going On Live in Brno‘ oder ‚What Do You Say‘ stehen exemplarisch für D.F.W.s D.I.Y.-Wave, der Anarchie und Glücksschweinerei nicht nur unter Wasser propagiert. ‚I Don‘t Wanna Grow Up‘,‚Be A Flop‘ und ‚We Don‘t Want to Work No More‘ sind einschlägige Parolen, King Kong,
Frankensteins Monster und Winnetou angehimmelte Helden. Albern? Ganz schön albern.
Der „Titan der deutschen Wohnzimmermusik“ ist HARALD SACK ZIEGLER. Live28.04.2006 Köln Bürgerhaus Kalk (PR 110, CD-R) zeigt, wie man ohne Nussecken oder
Brusthaartoupet und ohne Funny zu heißen den deutschen Schlager verwitzbolden kann.
Sack, von der ZEIT als „grandioser Banal-Poet“ gestreichelt, hatte wieder nur Lächelnmacher mitgebracht, den ‚Abziehbilder‘-Dub, die ‚Barbie Hymne‘, ‚(Schon seit Tagen haftet
heftig ein) Kaugummi (an meiner Sohle)‘, ‚Vor Zwei Jahren‘, ‚Margeriten (sehn aus wie kleine Spiegeleier)‘, ‚Sterntaler‘, ‚Wenn ich tot bin (wachsen meine Haare nicht mehr)‘, ‚(EineCD ist ein guter) Taschenspiegel‘, ‚Taschentuchwalzer‘, ‚(Du bist nur Eins) Zwei Wochen(weg, doch das halt ich nicht aus)‘, ‚Barbie & Ken‘, dazu mit ‚Manchmal‘ einen traurigen
Song von Leo Leowald sowie als Zugabe ‚(Alle Hunde sind) Ungeheuer (teuer)‘. Die Lyrics
mit ihren banal-genialen Reimen, die jeder Einfalt spotten, wären schon Platin wert, aber
Sack topt das durch die Arrangements mit Waldhorn (!), Human Beatbox, Handclapping und
Klasse-Delayeffekten, durch die er sich einmannorchestral in einen sackvoll Säcke vervielfältigt. Dennoch, ein mitgewaschenes Tempotaschentuch, „aufgelöst in seine Einzelteile“, will erst mal im Dreivierteltakt besungensein. Um danach dann einen Reinhard-MeyRap mit ‚Zwei Wochen‘ vom Blödelkopf auf
die sehnsuchtsvollen Füße zu stellen - „...die
Freiheit ohne dich, die brauch ich wirklich
nicht, selbst beim Blumengießen kann ich sie
nicht genießen, dabei denk ich nur an dich,ich vermisse dich fürchterlich...komm zurück
zu mir nach Haauuse...“ Wie er das rüberbringt, sagenhaft. Von wegen „Kindergartentante des Kunstlieds“. Bei Sack passt
zwischen Blöd- und Tiefsinn nicht mal ein
Hauch von Zynismus.
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/(Omaha, NE)

Public Eyesore startete 1998 als anachronistisches Kassettenlabel von Bryan Day für seine Projekte Sistrum und Prototype Earthborne, wechselte mit Jorge Castros The Joy and Rewards of Repetition (pe17) 1999 noch etwas stotternd zu CD-Rs (inzwischenabgezweigt auf die eh?-Schiene), zeigte dabei ein Faible für japanische Connections, spickte das Programm allmählich neben
Noise und Drones mit Improvising und wenn dann Electric Kitten
Vomit mit The Avant-Garde Revolts (pe39) auftaucht, kann ich mir
1000 Worte sparen. Mit Ernesto Diaz-Infante & Bob Marsh (pe49)
und Aidan Baker (pe52) kamen 2002 erstmals Namen, die mir was
sagen. Gitarren spielen eine prominente Rolle, Lo-Fi ist kein Hindernis, weiterhin findet sich etwa das Emergency String Quintet(w/ B. Marsh & Damon Smith) neben japanischen Knallfröschen
wie den Wonwons. Pagú (pe60) von Monotact wurde als LP gepresst, Superfine (pe67) von - ha - Jad Fair & Jason Willett war
2003 die erste professionelle CD. Modern Day Urban Barbarians(pe71) marschierten nach wie vor Schulter an Schulter mit Leuten wie Jesse Krakow (pe79) und Amy Denio (pe89), Blue Collar(pe81) spielte als Vorgruppe von The Che Guevara Memorial Marching (And Stationary) Accordion Band (pe85). Allein schon We
Are (pe97) von Emily Hay & Marcos Fernandes oder die Devotional Hymns for the Women of Anu (pe86) von Autodidact veröffentlich zu haben, das den Titel ‚Cry Me A River, Elizabeth Nietzsche‘
enthält, hätte das ganze Unternehmen gerechtfertigt.
Auf die 60 Metonymies (pe108) von Tartar Lambs, ein Projekt vonKayo Dots Toby Driver, folgt nun BOB MARSH mit Viovox(pe109). Der Cellist & Violinist aus der Bay Area jagt seinen Instrumentalklang, Wortfetzen und Samples durch Prozessoren, dieVerzerrungen und Halleffekte hervorrufen. Loops mit kaskadierenden Flirrsounds mischen sich mit meist unverständlichen Vokalisationen, Wörter, halbe Sätze, die offenbar mehr Klang- als
Sinnträger sein wollen. Marsh nennt es Rantings, Ravings, Sermons, sogar little operas, was aber als kleine Werke gelesen werden sollte. Ein Schauer von Stringmolekülen jagt den nächsten.
Manchmal verdichten sie sich zu Klangnebel- oder -wolkenfetzen.
Die einmannorchestralen Effekte sind reichlich effekthascherischund es gibt da den prätentiösen Beiklang eines Reeling ‘n Writhing
for the umpteenth time through Finnegans Fake.
In SHELF LIFE lässt sich ein Quartett aus Alex Boardman, Joseph Jaros, Andrew Perdue und Labelmacher Bryan Day entziffern, die auf Rheuma (eh?27, CD-R) dem gemeinsamen Faible fürbruitistisches Tripping frönen. Gitarrengekrabbel, Electronoise,
Bassgebrumm, gespenstische Vokalisationen brauen sich zusammen zu einer Art Spacemusik der mulmigeren Sorte, freakischund alien, lo-fi, diffus, ursuppig. In irdischen Gewässern würde
man das sarkastisch ‚Rheuma‘ getaufte Raumschiff Seelenverkäufer nennen, ein rostiger Kahn für illegale Missionen, mit lauter
Galgenvögeln an Bord, die das ungute Rumoren des Antriebs abgebrüht überhören. Ängstliche Gemüter würden statt lose klackenden Eisenteilen eine Totenglocke bimmeln hören, in den
Funksprüchen abgehörte Fahndungsmeldungen. So tuckert man
mitten hinein in infernalisch brausende kosmische Wirbel, diesämliche Nieten in sämtlichen Spanten ächzen lassen. Hier aber
ist das Routine und die Crew schaut bei dem Gedröhn trotz allem
bedenklichen Gezwitscher der Bordcomputer nicht einmal aus
ihren zerfledderten Lem- und Ballard-Taschenbüchern auf.
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Hinter GIRAFFE steckt erneut Joseph Jaros zusammen mit Luke Polipnick, die ihre ‚andere‘ Musik in Lincoln, Nebraska, machen. Jaros ist Multiinstrumentalist
und auch aktiv mit Howloosenation und Howard, Fine,
Howard. Polipnick spielt Gitarre bzw. Drums oder
Laptop etwa mit Volcano Insurance und in Nagaoag,
einem Duo mit Bryan Day. Wenn man ihrer Einladung
Hear Here (eh?29, CD-R) folgt, hört man durchwegs
irdische Geräusche, Vögel, Radioschnipsel, Babytalk,elektronisches Knurschen, Wabern und defekten
Sprechfunk, der nur noch ein stottriges Zirpen ist.
Den noisigen, furzelnden Verlaufsformen und stechend
zickzackenden Störungen merkt man die
Freude an chaotischen, kinderfreundlichen Verhältnissen an, die sich weder um Fidelity noch um Selbstdisziplin schert.
(D)YNAMIC (B)ROWN (H)IPS in Bloomington, Indiana, kurz D.B.H., schwelgen bei Wave the Old Wave
(eh?31, CD-R) in Ayleresker Fire Music, die auch so lofi daher kommt wie ein Bootleg aus Slug‘s Saloon.
Justin Rhody, Clare Hubbard & Keith Wright an Trompete, Saxophon & Drums geben sich als urige Kellerasseln des Free Jazz, die für eine herrliche Kakophonie ihr letztes Hemd hergeben. Wenn D.B.H. (diameterat breast height) verstärkt mit Slideposaune, Geige &Blockflöte und Kontrabass zu Sechst antreten, wird
das Ganze etwas verplinkter und grobmaschiger,
aber immer wieder mit Schüben von The-Time-isNow-Herzblut aus den aufgeschlitzen Handgelenken.
MARINA HARDY, auch The MS. genannt, spielt angeblich zwei Dutzend Instrumente, aber FdW (Vital)
hat ihr Pink Violin (eh?32, CD-R) in Samplingverdacht.
Sind die Balkankapelle von ‚Cowgypsy‘ Fake oder
Heimarbeit, die Metalgitarre von ‚Zoom‘ selbst gespielt oder geklaut? Hardys Eklektizismus klingt sooder so erstaunlich, cheesy und sehr abwechslungsreich. ‚Trummpet‘ schichtet Trompetenhall über einewischelnde Drummachine. ‚Spanish‘ groovt halb balkanesisch, halb spanisch und kommt mir doppelt spanisch vor, Lars Hollmer könnte es nämlich auch nicht
besser. ‚Red Teeth‘ verblüfft als Akustikgitarrendrehwurm. Miss Hardy, who are You? ‚Yip Yip‘ ist ein
perfektes Arrangement für Piano-Schlagzeug-Bass,‚Yowar‘ ein swingend virtuoser Twanggitarrensong im
alten Stil, mit Orgel und tollem Kontrabasssolo.
‚Ceisel‘ besticht als Schlangenzungensolo für zwei
Geigen, das die letzten Augenbrauen hoch ziehen
dürfte, ‚Noow‘ beginnt gleich in Donaueschingen, landet aber unversehens im Dschungel. Gershwins ‚It
Ain‘t Necessarily So‘, einer meiner persönlichen Evergreens, kommt dann so straight und gekonnt, wie es
gekonnter nicht sein könnte. So schamlos kann man
doch nicht samplen, oder doch? ‚Dollering‘ schließt
als Melancholie in Jazz mit Herzensbrechergeige zu
Nighthawkpiano und samtigem Bass. Marina Hardy,
geheimnisvolle MS, kaum eine irdische Frau hat sichje zu solchen musikalischen Einflüssen bekannt wie
Du (www.myspace.com/marinachardy) und die Legasthenie steht Dir wie ein Silberblick. Aber...
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RA SOUNDS (Brooklyn, NY)
Der PAK-Release Motel (Ra007) ist zwar
von 2005, aber was Ron Anderson macht,
ist auf unabsehbare Zeit brandaktuell. PAK
ist Andersons Avant-Ding neben The Molecules (-> BA 56). Der Unterschied ist allerdings so gravierend nicht. PAK sind rasant,einige beschrieben ihre Frenesie als Minutemen on speed oder als die Stammzellen,
mit denen Lightning Bolt experimentiert.
Jesse Krakow am Bass und Keith Abrams
an den Drums verursachen ein einziges
Blitzgewitter. Dabei entpuppt sich Krakow
als der Krakow von Fast ‘n‘ Bulbous UND
von Time of Orchids (und als großer Fan
von Half Japanese) und Abrams als ehemaliger ToO-Drummer. Zusammen mit Anderson inszenieren sie den Kurzschlussvon Zappa, Speedcore und James Chance.
Wo der funky und lasziv sein konnte, sindsie - überschallschnell und so virtuos, wie
man es eher von überdrehten Japanern
kennt. Mit Ross Bonadonna, Tim Byrnes und
Stephen Gauci funken tatsächlich auchschnittige Bläser mit, ‚Heatwave‘ kommt
dennoch nicht ‚tropical‘ daher, sondern mit
Beefheart‘esker Gitarre. Überhaupt zeigt
Anderson sich als Übergitarrist, was er bei
The Molecules noch überixxxt. Speziell‚Every Body Likes You‘ bietet eine Demonstration, die Wichsgriffel erblassen(und Joe Baiza grinsen) lässt. Doch muss
man sich, auch wenn einem von den ersten
Rasereien noch die Zähne klappern, peu à
peu umjustieren. Denn nach den manischen Mr. Hyde-Eskapaden zu Beginn zeigt
PAK mit ‚Zugzwang‘, das mit tinkelnden Pianos aufwartet, und erst recht dem Accelerando-Monster ‚Bienvenue a L‘Hotel Plastique‘ mit seinen Bläserstakkati, das sich unterwegs drei- bis viermal runderneuert unddennoch nichts an Zielstrebigkeit einbüßt
und entsprechend cool landet, eine unvermutete Dr. Jekyll-Seite. Der Umschwung
kommt mit ‚The Higher The Elevation The
Lesser The Vegetation‘ und seinem prachtvollen Wechselspiel zwischen der Gitarre
und der furiosen Gorillageige von Carla
Kihlstedt, Unisono und im Reißverschlusszickzack. Da leuchten die Augen eingedenk
alter SST-Herrlichkeiten (Alternatives, Blind
Idiot God, Gone, Universal Congress Of,
Zoogz Rift). Amazing Eggheads, die wie
Rotz von der Wand spritzen.

Noch weiter in die Vergangenheit, allerdings
eine, bei der die Gegenwart Mühe hat, nicht
ins Hintertreffen zu geraten, führt Friends(Ra008, CD + DVD). Man hört zwar die aktuelle
Besetzung von THE MOLECULES mit John
Shiurba am Bass, neben Thomas Scandura an
den Drums und Ron Anderson, jedoch
1997/98. Aber da gab es schon ‚What, Why?
Oh Yeah‘ und ‚Let‘s Dance‘, Fetzer, die 2007
immer noch prototypisch für das Blitzschachdes Trios stehen, dessen ‚Beat Me‘-Attitüde
wohl begründet ist. Ist da jemand rotziger,
ratzfatziger? Selbst wenn, dann müsste man
sagen: Wie The Molecules, nur noch superlativer. Anderson & Friends sind ein Maßstab.
Nicht simpel für Hochdruckavantpunk, bei
dem Klangmoleküle chaotisch und panischdurcheinander rasen. Jede Explosion ist ausgetüftelt wie ein Fischli-Weiss‘sches Perpetuum Mobile, nur statt wie in Zeitlupe in Zeitraffer, halsüberkopf, mad-movie-manisch. Stakkatohafter Schreigesang, holterdipoltriges
Zickzack über krumme Taktfolgen, ruckzuck
getrommelt und von den Basssaiten gehackt,dazu Hyperspeed-Gitarrensoli mit abrupten
Wechseln zwischen schnell und schneller,
Panzerbebop, Fraktalexzess. Und plötzlich
beginnt dazu noch die Geige von Carla Kihlstedt zu schrillen und fordert Anderson zu etwas, das einem Martial-Art-Duell ähnlicher ist
als jedem denkbaren Tanz. Die 29 Tracks, diemeist auf 1-2 Minuten sich ein Flipperfreispiel
ums andere erpunkten, machen Zuhören zum
Extremsport. Das Feuerwerk überraschender
Wendungen hinterlässt einen erschöpft, aber
wie nach einem unentschiedenen Match mit
einem anerkennenden Grinsen. Für die, die
es gesehen haben müssen, um es zu glauben,
gibt es den mit Cut-ups von 99 Hooker gespickten Videobeweis mit Live-Exzessen von
1990-97. Hinter Andersons pockennarbiger
Visage steckt ein messerscharfer konstruktivistischer und politisch fordernder Verstand.
Die Minutemen-Vergleiche kommen nicht vonUngefähr. Seine Gitarre killt jede Illusion, dassdrei Akkorde ein Optimum darstellen, selbst
wenn er ein Solo auf nur noch einer Saite beenden muss. Die Frühphase war chaotisch,experimentiergeil, Chris Millner (1990-94) ein
Tom-Hanks-Typ, mit dem Talent zum Ausrasten; Ryo danach (1994-95) ein theatralischer
Kalmücke, die Molecules mutierten zu Grand
Skunk Railroad; der hypervirtuose Shiurba(1996 ff) mit seinem vollständig emanzipierten Bass bringt das Paradox fertig, Avant-Metal-Kung-Fu, Jazzzcore und Postpunk zu Ratz‘n‘ Roll zu verschmelzen, der so do-or-die-mäßig fetzt wie Indie in seinen besten Tagen.
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ReR MEGACORP STEVE MACLEAN wurde von ReR bereits
mit Opposite of War (2000) als jemand gewürdigt, der mehr vorzuweisen hat als mit
Roswell Rudd und Dr. Nerve gespielt zu haben (zu hören auf Out to Bomb Fresh Kings).
Heute Assistent Professor am Berklee College of Music in Boston, kann MacLean auf
eine Karriere zurück blicken, die neben Pionierleistungen mit Fairlight CMI, DX-7, Linn
Drum, automated mixing consoles und digital audio samplers und der Produktion von
Hunderten von Werbespots Arbeiten mit
dem Portland Experimental Music Collective
umfasst sowie eigene Kompositionen. Präsentiert wird auf Bridges (ReR SM2/3, 2 x CD)
ein unchronologischer und undurchsichtiger Querschnitt durch MacLeans Lebenswerk von 1987 bis 2006, Arbeiten fürSampler und Gitarrentrio, mit Livequartettund im Duo mit der Vokalistin Melanie Hedlund. Seine persönlichen Kommentare sindzwar nett zu lesen, aber wenig informativ.
Als ob eher eine Summe, ein Gesamteindruck, als die einzelnen Etappen und Zutaten vermittelt werden sollte. Der MIDI Sequencer ist ein größerer Star als die sonstigen Mitwirkenden, auch besteht bei ihm
nicht die Gefahr, „careers with personal relationships“ zu verwirren. MacLean nutzte
ihn für orchestrale (‚Maneuvers‘, 1990), therapeutische (‚Trance 4‘, 1995) und plunderphonische Effekte (‚Splice‘, 1992), für motorisch staksende Rhythmik, Korawebmuster
oder als Arpeggiator. Jeder sein eigener
Zappa und Zampano. Als Livequartett hört
man die Opposite of War-Besetzung mit Agnes Charlesfield (keyb), James McGirr (b),Dave Fields (d) und McLean selbst an Gitarre & Electronics mit Klassikrock und ebenfalls der von ihm bevorzugten strengen
Durcharbeitung barocker Motorik. Das akustische Gitarrentrio ist das von Radial Circuit(Mobius, 1999), das wiederum gemessenen
Schrittes strenger Formgebung huldigt. Im
Kontrast dazu sind die Duette mit Hedlundund ‚2 Short‘ in einem Quintett mit Jorrit
Dijkstra frei improvisiert. Die MIDI-Geschichten gehn mir weiter am Arsch vorbei als derHalleysche Komet. ‚Bambiville Revisited‘(1987) hat vielleicht noch einen gewissen
Akai-S-900-Charme, bei ‚Bridges‘ (1994), dasfür einen Film über die Bosnischen‚Säuberungen‘ gedacht war, lässt das Pathos noch den Eindruck nachhallen, den die
Bilder auf MacLean gemacht hatten, wobei
die Martialik etwas zwiespältig rüber kommt.
Ich stelle etwas hilflos einen großen Abstandzwischen Angebot und Nachfrage fest.
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CONTINUITY...

(Thornton Heath, Surrey)
Continuity... Records, ein neuer Trabant, der RéR umkreist, wurde initiiert
von Charles Hayward & Lesley Evans,um sich speziell um die Musik von Hayward zu kümmern, aber auch Leckerbissen aus dem britischen Underground der 60s & 70s auszugraben,
und bringt gleich als Erstes ein besonderes Meeting of the Spirits. CLEAR
FRAME (TINU 001) ist nichts weniger
als ein All-Star-Gipfel - Hayward (Quiet
Sun, This Heat, Camberwell Now) an
den Drums, Hugh Hopper (Soft Machine, Soft Works, Brainville 3) am Bass,
Lol Coxhill (Delivery, Kevin Ayers, The
Melody Four, The Recedents, Burt /MacDonald + Coxhill) am Soprano, dazu
Orphy Robinson (Courtney Pine, The
Jazz Warriors) an Vibraphon, Steel Pan& FX, der zuletzt auf Robert Wyatts Comicopera zu hören war. Wyatt selbst
spielt auf Gegenbesuch hier Kornett.
Zusammen kreieren sie eine post-canterburyeske, neo-fusioneske Ästhetik,
mit agil-dynamischem Drumming unddem E-Bass als gewaltigem Soundelement und zweiter Leadstimme neben
Coxhills einzigartigem, schnörkelig-näselndem Knören. Diese Bitches Brew
bekommt durch Robinsons karibisches
Steelgedengel und das tönerne, gläserne Perlen des Vibraphons eine exotische Würze, das tagträumerische
Ambiente eines neuen Horizontes undfremder Küsten. Wyatts dunkler Kornettklang, schnarrend oder mit kaskadierendem Nachhall, mäandert dazwischen wie ein weiterer Duft von weither. Hoppers fuzzige Klangwolken sindder Stoff, aus dem Cloud 9 geballt ist.
Coxhills Swing kann einen entführen indas New Orleans eines Paralleluniversums, nichts ist hier wie man es kennt.
‚Figure Eight‘ hat ganz klar Jon Hassells Possible Worlds vor dem inneren
Auge. Diese Exotica lässt durch ‚noise‘und ‚void‘ hindurch etwas Höheres undBesseres durchschimmern. Dass Rock+ Improvisation weniger ist als die Summe seiner Teile, ist übrigens nur
Smalltalk, an dem man einen Schmockerkennt.

rune grammofon(Oslo)

Wem Irvine Arditti persönlich die Freeman Etudes ins Ohr gegeigt
hat, mit der ausdrücklichen Warnung, dass Cages Zehntausendmeterlauf für aleatorisches Gefiedel nichts für schwache Gemüter ist, den können OLE-HENRIK MOEs Ciaccona / 3 Persephone Perceptions (RCD 2068, 2 x CD) nicht schrecken. Der 1966 in
Oslo geborene Komponist, der bei Xenakis studierte und 2006
den Arne Nordheim Komponistpris zugesprochen bekam, war im
gleichen Jahr auch auf den Donaueschinger Musiktagen zu hören. ‚Lenger‘ für Streichquartett und Solovioline wurde vom Arditti Quartet aufgeführt und Moe spielte selbst den Solopart. Obwohl
also ein Könner seines Instrumentes, vertraute er seine beiden
neuen Sologeigenstücke seiner Frau Kari Rønnekleiv an, die sichden Anforderungen an extented techniques und Ausdauer ‚Ciaccona‘, Moes R.I.P. für Xenakis, dauert 43 Min., das dreiteilige,
durch Kindheitserinnerungen inspirierte ‚3 Persephone Perceptions‘ 40 - bestens gewachsen zeigt. Letzteres besteht aus schnellen Repetitionen von diskanten Spaltklängen, einem beständigenmikrotonalen Sägen in höchstem Tempo, durchwegs schrill, wobei die Tonhöhe leicht auf und ab kurvt. Wenn man meint, es geht
nicht mehr, ziehn gegen Ende des Mittelteils Tempo und Schrillfaktor noch einmal ultimativ an. Plötzlich - Bruch. Mit einem Sirenenheulton taucht die Geige ins dreifache Pianissimo ab. Es
bleibt nur ganz leises Schaben an der Hörschwelle. Bis eine Reihe von Klangblitzen aufzuckt, die einem Stromschläge versetzen
und die Tonhöhe nach oben pitchen. Hammerhart und gnadenlos! Aber was war das für eine Kindheit? Die Kakophonie von‚Ciaccona‘ ist dann ein einziger Protest gegen den Tod, den Moe
als eine Entführung in die Unterwelt hinstellt, die in schrillen Entsetzensschreien widerhallt. Sie beruhigen sich nur allmählich zu
einem Zagen, Ächzen und Seufzen, das Rønnekleiv zitternd vonden Saiten kratzt oder trotzig presst. Auf 13 Stationen des Abschieds und immer stilleres Memento mori folgt im vierzehnten
Abschnitt ein Übergriff auf die ‚Persephone‘-Ästhetik, das schrille, ostinate, frenetische Fuchsschwanzsägen, das im Tempo anzieht und zunehmend krätzige Mikrotöne raspelt. Erstaunliche
Musik und eine mutige Labelpolitik.
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FOODs fünften Gang Molecular Gastronomy (RCD 2069) servieren nur noch der Saxophonist Iain Ballamy und der Elektro-Perkussionist Thomas Strønen. Es wird gar nicht erst versucht, Arve Henriksens ätherische Trompete und die Basstupfer von Mats Eilertsen zu kompensieren durch Maria Kannegard am Fender Rhodes und die efx/Keyboards des durch
Freak Power, einem Projekt mit Norman ‚Fatboy Slim‘ Cook, und zahllosen Lounge- und NuJazz-Aktivitäten bekannten Ashley Slater. Dafür treten nun Saxophonlinien von eleganter
Coolness und Breakbeats oder ambiente Electroschwingungen nach ‚progressiv-synthetischer Methode‘ in ein ganz enges Wechselspiel. Ballamy ist dafür prädestiniert durch einen
Erfahrungsschatz, in dem Namen wie Billy Jenkins, Django Bates, Loose Tubes oder Bill
Bruford‘s Earthworks heraus funkeln. Wie er bei ‚Apparatus‘ oder ‚Red Algae‘ ganz entspannte, verträumte Töne über das knackige Uptempogezucke seines Partners legt, das
hat Klasse. Denn Strønens knittrige Unruhe und Ballamys einsilbige Resonanz scheinen gerade in diesem Unterschied der Temperamente miteinander zu schmusen wie zwei Verliebte. Bei ‚Spherification‘, bei dem Kannegard stoßweise spotzend im Untergrund rumort, lässt
Ballamy durch Zwischensprints aufblitzen, dass seine Ruhe nicht von Lahmarschigkeit her
rührt. Das versonnene Tagräumen liegt ihm nur mehr, besonders schön bei ‚Texturas‘, in
das Strønen und Kannegard nur dunkle Tupfen einstreuen. ‚Nature‘s Recipe‘ swingt mit
schlangenbeschwörerischen Soprano-Orientalismen, die rumpelig und scheppernd umknattert werden. Strønen vexiert ständig zwischen handisher und programmierter Rhythmik, Ballamy nuanciert dazu jeweils nur die Tönung seiner melancholischen Grundstimmung, die bei der mehrstimmigen Altflötenelegie ‚The Larder Chef‘ allein die eigenen Echos
zum Partner hat. Den Schlusspunkt, ‚Alchemy‘ getauft, setzen Alltagsgeräusche und pointillistische Percussion, virtuos handgespielt, bis dann doch noch das Soprano einsetzt undeine sublime, vogelige Melodie über zunehmend motorisch zuckende Beats improvisiert.
Zum Vorvorgänger Veggie verhält sich Molecular Gastronomy wie Remy zu Ferran Adrià.
Im unscheinbaren Namen BOX stecken vier Prominente. Wenn Supergroup nicht abgedroschen klänge, wäre es die treffende Bezeichnung für den Zusammenklang von Raoul Björkenheim (Krakatau, Scorch Trio), Trevor Dunn (Mr. Bungle, Fantomas, Electric Masada, Trio
Convulsant), Ståle Storløkken (Supersilent, Humcrush) und Morgan Ågren (Mats / Morgan,
Simon Stensland). Anstoß für den auf Studio 1 (RCD 2070) zu hörenden Clash der Vier gab
angeblich der Filmemacher Philip Mullarkey, der für sein Projekt [box] - aber das führt nur
an der Sache vorbei. Sache ist, dass im spontanen Brain- und Soundstorming 6 Tracks
entstanden, die man jedem in die Hand drücken kann, der nach dem Stand von Free Rock
heute fragt. Dunn & Ågren bilden eine an Fülle, Flexibilität und Dynamik schwer zu überbietende Rhythmsection, ohne dabei kopflos den schnellen Fingern freie Hand zu lassen.
Dieser Supergroupsündenfall findet hier einfach nicht statt. Speziell Björkenheim spielt seine Gitarre nicht im Leerlauf bergab, sondern schräg bergauf. Alle vier schleppen Prog-Ballast wie Scherpas auf schwer zu besteigende Gipfel. Das finale ‚Untitled 2‘ kämpft gegendünne Luft und Schwerkraft mit zäher Beharrlichkeit, die Gitarre ächzt, die Keyboards
stöhnen, es gibt nur Verzerrungen, das Ziel ist nicht mehr vor Augen, sondern nur nocheine Vision. ‚Untitled 13‘ erhebt das Stolpern schon zur hohen Kunst, Ågren klopft Morsezeichen, die Gitarre schrappt ungerade Stakkati, Dunns Bass wummert diffuse Staubwolken,
dann doch ein Aufundab auf der Tonleiter und ein Schub nach vorne und schon wieder
Vollbremsung. ‚Untitled 3‘ tuckert quick, virtuos unvirtuos, die Gitarre klingt präpariert
stumpf, die Keyboards wechseln mehrmals die Farbe, von perlig surreal zu fuzzig und zurück. Storløkken hält durchwegs die grösste denkbare Distanz zu jedem Prog-Usus. Derstumpfe Gitarrensound taucht schon in ‚Untitled 7‘ auf, flinkes Gekrabbel vor fiebrig-eifrigem Drumming und urig stagnierendem Bass. Die Gitarre spielt sich frei, behält aber einenangefressenen Wahwahsound, mit dem Björkenheim absolut irre Läufe improvisiert.
Storløkken schiebt Hammondcluster herbei, falls die Gitarre ins Schleudern kommt. Bei‚Untitled 11‘ loopen Gitarre und Keyboards zuerst nur simple Repetitionen, während derBass schon Bände spricht und Ågren mit kleinen Riffs fiebert, bis Björkenheim auf ganzschiefer Bahn davon balanciert. Das Ganze als synergetische Summe steckt jedoch bereitsin ‚Untitled 9‘, dem 17-min. Auftakt, früher hätte man gesagt, der A-Seite. Hier sind tatsächlich Groove und kaum gebändigte Gitarrenläufe Trumpf. Allein mit diesem Track könnte
sich Björkenheim als Saitengott verewigen. Aber vor der Unsterblichkeit tut sich ein Abgrund auf, ein Nebel, in den er mit seiner Viola da Gamba hinein sticht. Minutenlang gibt es
Bewegung, aber keinen Weg. Und dann doch. Die Gambe entdeckt ein Licht, die Gitarre
stößt ins Freie und tobt sich aus wie ein Dschinn, der endlich der Flasche entronnen ist.
Ågren & Dunn geben Stoff, die Keyboards werden immer deliranter und nach einem letzten
Luftholen rammt die Gitarre das Tor zum Paradies. So muss das sein. Wie denn sonst?
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DER SCHÖNE HJULER MEMORIAL FOND (Flensburg)

Auch wenn die letzte Ausgabe dieses Fanzines ohne Besprechungen der Elaborate
aus dem Einfamilienhause Hjuler auskommen musste, heißt das noch lange nicht,
dass Kommissar Hjuler und Mama Bär pausiert hätten. Nein, deren Kunst-Produktion
ging gewohnt weiter wie das Brezelbacken. Nur konnte der Urheber dieser Zeilen
mit der Produktionsgeschwindigkeit der
beiden (und auch der des Herausgebersdieses Heftchens) nicht mithalten. Am besten wir knüpfen an den Live-Reviews aus
dem vorletzten Heft an.

KOMMISSARHJULER ALLSTAR
BAND
Vertreibung aus dem Paradies(DVD-R, SHMF-KKI)
Angeblich gibt es von den Hjulers auch schon
Kurzfilme. Bei dieser DVD handelt es sich aberlediglich um einen Mitschnitt eines in etwa
halbstündigen Live-Auftritts von Kommissar
Hjuler (Stimme, Gitarre, Wanne), Mama Bär(Stimme, Gitarre, Perkussion) und Sascha
Thomsen (Kinderschlagzeug) beim audio-visuellen Hakro Massandro Festival 2007 im KKI
Flensburg. Dargeboten wurden die Stücke„Retect“, „Brotkatze für Paul McCarthy“ und„1. Grußverweigerung“ im neuen Live-Sound.
Kommissar Hjuler gibt sich hier als Entertainer
und Frontmann, stülpt sich zeitweise einen
Pappkarton über oder taucht seinen Kopf unter Wasser, nur um zum Rumschreien wieder
aufzutauchen. Weitere Showelemente sucht
man hier vergeblich, genauso wie elektronische Klangerzeuger. Zwei elektrische Gitarren, ein Kinderschlagzeug, eine Tasse, zwei
Stimmen und ein Mikrophon genügen dem Trio
für Ihren Auftritt, der hier wirklich nur dokumentiert wird. Schnelle Schnitte und wilde Kamerafahrten werden nicht geboten. Hier wurde die Kamera einfach auf ein Stativ geschraubt, ein- und wieder ausgeschaltet, nochein Vor- und Abspann hinzugefügt. Fertig.

KOMMISSAR HJULER UND FRAU
Vandroogenbroeck (CD-R, SHMF-141)
Hjuler ist ja nicht nur als Polizist und Künstler
unterwegs, sondern auch als Plattensammler(oder war das mal?), auf dessen Suchlisten
MAMA BÄR
sich so manches super-rares, total spezielles
Herzklopfen (CD-R, SHMF-138)
und unbekanntes Zeug befindet. So ist es nicht
Frau Hjuler präsentiert hier solo eine akus- verwunderlich, dass hier nun die Musik der vontische Kulisse aus dem Inneren eines Rei- Joel Vandroogenbroeck gegründeten Psychehenhauses – Heimwerkerlärm, schleifende delic Rock-Band Brainticket, die auch schon
Kehrgeräusche, verfremdete Stimmen von mal von Nurse With Wounds gecovert wurde, in
nebenan – und rezitiert am Ende dieser Familie Hjulers Hausmacher-Art verwurstet
Collage einen Text, in dem die Funktion des und in neue Därme gefüllt wird. Auf der Suchemenschlichen Herzmuskels beschrieben nach dem Acid Trip schrammeln stählerne Giwird. Nichts, was bei mir Herzklopfen aus- tarrenriffs durch die erste Hälfte dieses 23-milösen könnte.
nütige Werks, Kommissar Hjuler rezitiertschreiend irgendwelche Texte und seine FrauDas
H j u l e r - H j u l e r - jault, schreit, röchelt und stöhnt steinerweiM. STABENOW
Mehrfach-Retect (CD-R, SHMF-140)
chend. Im Mittelteil singt sie dann aber auch
Der Hamburger Klangkünstler Marco Sta- hübsch aus der Ferne, „like a place in the sunbenow hat für das (Anti-) Konzert des Ehe- for you and me“, repetitiv. Noch weiter entpaares Hjuler in der Hörbar am 29.06.2007 fernt bearbeitet jemand ein Klavier und sorgt(vgl. BA 55, S. 56) diese Collage aus deren anschließend für zerstörerisches Feedback,Klangmaterial erstellt, die dann letzten En- bevor das Stück amorph ausfranst und verdes doch nicht zur Aufführung kam. Scha- klingt. Irgendwann wird es einen Wikipediade eigentlich, denn diese besitzt eine akus- Eintrag geben, in den es heißen wird:
tische Dichte und Dramaturgie, die man bei Vandroogenbroeck gilt bis heute als eines derden Werken von Mama Bär und Kommissar psychedelischsten Alben der Künstlergruppe
Hjuler manchmal vergeblich sucht.
Hjuler überhaupt.
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KOMMISSAR HJULER
Kinderliederpuppe(CD-R, SHMF-029PUPPE82)
Auch ich bin jetzt mehr oder weniger stolzer Besitzer einer Kommissar Hjuler Puppe, einem Einzelstück, gefertigt aus drei gebrauchten Pinseln und zwei Saugern. Auf Kommissar Hjulers Website sind alle Puppen dieser Serie
abgebildet und können dort vonaller Welt begutachtet werden. Zu
jedem Kunstwerkchen dieser Art
gibt es auch eine CD-R mit selbstgemachten Kinderliedern, die manseinem Nachwuchs allerdings nur
vorspielen sollte, wenn man ihn
ordentlich verstören will. Rückwärts pulsierend und tieffrequent
grummelnd kommt Vater Hjuler
daher. Mehrere Tracks kann man
nur noch als leises Restgeräusch
wahrnehmen, wenn man das Volumen ordentlich aufdreht. Und amEnde singt der Kommissar nocheine durch Rückkopplungen verzierte Acapella-Hymne auf seine
geliebte Gattin: „Sie ist nicht groß /sondern eher klein / ja so soll ‘ne
Mama Bär auch sein“.

SLASHDEATH Kein Mitleid (CD-R, SHMF-147)
Irgendwann hatten Mama Bär und Papa Hjuler Besuch
von Arnulf Meifert (laut sub-bavaria.de „Der erste bei
der Krautrockband Faust rausgeschmissene Musiker(1971), der auch mit dem Wiener Aktionisten Günter
Brus zusammenarbeitete und das Brus-Archiv leitet“)und nahmen bei dieser Gelegenheit das erste Heavy
Metal-Stück der Familie Hjuler auf. Wobei hier streng
genommen gar kein Heavy Metal zu hören ist. Das gedroschene Metall klingt eher nach Blech. Saiten werden geschlagen und koppeln rück. Stimmen schreien
textlos dagegen an. Zwischendurch elegischer Frauengesang und fast schon melodiöses Geklapper. Dannwieder herrlicher, dilettantischer Krach. Das genaue
Gegenteil der aktuellen Neubauten-Platte.

KOMMISSAR HJULER UND FRAU
Who Knows What? (CD-R, SHMF-148)
Zuerst wiederholen sich hier nur ein paar Klavierakkorde, dann schiebt sich Kommissar Hjulers Stimme
dazwischen. An dieser Stelle ahnt man schon, dassman diesen Song doch eigentlich so langsam erkennen
sollte. Spätestens wenn Mama Bär dann mitsingt wirdklar, daß es sich hier um die Titelmelodie der deutschen Ausgabe der Sesame Street handelt, allerdings
mit einem englischen Text, den es vermutlich so nie
gegeben hat. Aus „Der, die, das“ der Arbeitsgruppe Sesamstraße (Musik von Ingfried Hoffmann, Text von Volker Ludwig) wird das verstörte „Who Knows What?“ desEhepaars Hjuler. Da haben sich die Erziehungsberechtigten wiedermal am Liedgut ihrer Kinder vergriffen
MAMA BÄR
und dieses innerhalb von kompakten zwölf Minuten bis
Incomplete (CD-R, SHMF-144)
zur Unkenntlichkeit entstellt. KOMMISSAR HJULER UND
Eine Frau, eine elektrische Gitar- FRAU wollen halt auch mal spielen.
re, eine Stimme. Dilettantische,
liedhafte
Improvisationen am U.MOELLHUSEN Antizipation (version u. m.)
Abend. Für Familie Hjuler-Verhält- (CD-R, SHMF-019+12)
nisse fast schon ein ruhiges Werk, Die Lesung des Textes „Die Antizipation des Generaeine
geradezu schöne
Gute lized Other“ von Kommissar Hjuler und Frau erschienschon vor ein paar Jahren. Seitdem wurde dieser Stoff
Nacht-Musik.
verschiedensten anderen Klangkünstlern als Material
für neue, eigene Stücke / Remixe / Versionen zur VerMAMA BÄR
Alcoholisme - Brutfügung gestellt und die Ergebnisse auf Hjulers Label inder Reihe SHMF-019+ veröffentlicht. Mit dabei waren(CD-R, SHMF-Brut2)
Hier wird man vom Piepsen eines bisher u.a. Af Ursin, Yvesmeme und Karl Bösmann. Die
Weckers wieder in die Realität zu- Version von U.Moellhusen (ex Komittee Praesens) ist
rück geholt. Aus Fernsehschnip- nun die zwölfte Veröffentlichung in dieser Reihe - undseln hat Mama Bär eine Collage mittlerweile sind zwei weitere erschienen. MOELLHUzum Thema Sucht und Alkoholis- SEN liefert hier zehn zumeist relativ kurze, gelungene
mus gefertigt. Ein monotoner Puls Stücke, in denen er den Text bzw. die Sprache mit
und verfremdete, trompetenhafte Klangmaterial aus anderen Quellen collagiert, verKlänge bilden das Fundament die- fremdet oder moduliert. Anfangs geht es eher plunderses Stückes, das im zweiten Teil phonisch zu, dann wird die Sprache verfremdet bis sie
mit immer mehr Gesang, Noise erst ihre Bedeutung verliert, dann zu einer eigenen
Sprache und schließlich zum puren Geräusch wird.
und Effekten bereichert wird.
Bestes Sound Processing der harschen Sorte.
GZ
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SEGERHUVA (Stockholm)

INCAPACITANTS präsentieren
mit El Shanbara Therminosis(seger 21) Nippon-Noise im Original. Purer Krach ad nauseam.
Bis hin zum Doppelleben als Angestellte einer Bank und im öffentlichen Dienst erfüllen Toshiji
Mikawa, 1981 der Gründer desProjektes, und Fumio Kosakai,
idealtypisch die durch Masami
Akita und Hiijokaidan geweckten
und von Contagious Orgasm,
Solmania, Masonna, MSBR, Violent Onsen Geisha etc. gepushten Erwartungen. Ursprünglich
1995 eine C45-Kassette auf Aubes Label G.R.O.S.S., hier mit einem 20 min. Bonustrack erweitert, rasieren Electronics undjaulende Theremins einem den
Schädel mitsamt der Haut. Ein
schillerndes Chaos, brodelnd, zischend, prasselnd als uranfängliches Tohuwabohu, um darin zu
duschen.
Der
Urknallals
Schrecksekunde, die kein Endenehmen will. Das Duo selbst
bleibt bescheiden und nüchtern,halb Ministranten, halb Techniker am entgegengesetzten Endeder Sleaze- und SexploitationSkala. Michel Henritzi hat dennoch insgesamt von „sonic pornography“
gesprochen
undmeint damit die S/M-Aspekte undorgiastischen Effekte der Lärmbäder und den Unterwerfungscharakter des Ganzen, die
Schmerzlust derer, die gebannt
der auralen Fistfucks harren.

Ist Harsh Noise sexy? Die EXTREME E L E C TRONICS UNIT schwärmt für Edwige Fenech,von Ende der 60er bis Mitte der 80er Jahre eine
mediterrane Schönheit in europäischen Erotikkomödien, Thriller- und Horrortrash. Die Formation bündelt die Energiestrahlen von Mania (Keith
Brewer aus Texas, bei dem sich Eros auf Massacre reimt), The Rita (Sam McKinlay aus Vancouver, dessen Phantasien ansonsten um Weimar
Whores, Breast Mutilation und kopflose Frauenleichen kreisen) & Sewer Election (der für seine Killing for-Serie bekannte Schwede Dan Johansson)
nach dem Motto: Krach ist schön, dreifacher
Krach dreimal so schön. EDWIGE the inconsolable
widow thanks all those who console her (seger16) besteht aus der Domina-Seite ‚Anna: The
Pleasure The Torment‘, in Anspielung auf Anna,quel particolare piacere (1973), die einem derart
das Fell gerbt, dass man nur noch Sternchen
sieht. Und aus ‚Poker In Bed‘, eigentlich La Signora gioca bene a scopa? (1974), gespickt mit Edwige-O-Ton, das einem dann das gegerbte Fell überdie Ohren zieht, Strip-Poker für Masochisten. Da
hat man die Wahl der Qual - Strip Nude for Your
Killer, Play the Game or Leave the Bed (aka Die
nackte Bovary). Die einen vergehen sich an Flaubert, andere schänden gleich mehre Musen. Was
ist daran sexy? Harsh Noise ist kaum Music To
Watch Girls By. Eher ein autoerotisches Bad in
weiß brodelndem Drachenblut, onanistisch und
offensiv schwul wie bei The Gerogerigegege, sadomasochistisch angehaucht wie bei den Bondages von Merzbow oder C.C.C.C.s Mayuko Hino
(neben Junko von Hijokaidan eine der raren Frauen des Genres). Wobei die sexuellen Phantasientransgressiv und das ‚Perverse‘ demonstrativ,
nicht erotisch fungieren. Die voyeuristischen
Stielaugen der drei Jungs hier, allesamt Nachgeborene, die Industrial als ein vor sarkastischer
Gewalt und Sleaze triefendes Comic-Genre beerben, zeigen mit Edwige einen geradezu sublimen
Geschmack. Aber das Junggesellenmaschinenhafte von Harsh Noise können sie nur kaschieren,indem sie ihm ironisch (?) die Spitze brechen.
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staubgold (Berlin)
Dean Roberts hat schon mit and the black moth play the grand cinema (ebenfalls auf Staubgold) gezeigt, dass er starke und dunkle Gefühlswelten nicht scheut. Im Trio AUTISTIC DAUGHTERS mit Martin
Brandlmeyr an Drums & Computer und Werner Dafeldecker an E-Gitarre & Kontrabass spinnt der Neuseeländer nun auf Uneasy Flowers(staubgold 81) die Slowcorefäden von Be Mine Tonight (Kranky,2003) und dem Triodebut Jealousy And Diamond (Kranky/Staubgold,2004) weiter. Als Singer/Songwriter reicht er zwar nicht an die
stimmlichen Eigenarten eines Nick Drake, Robert Wyatt oder Tim
Buckley heran. Aber dass überhaupt solche Vergleiche ausprobiert
werden können, rührt daher, dass Roberts Timbre mit Intimität undInnigkeit getränkt ist. Die Lyrics kreisen um einen Protagonisten namens Rehana: Rehana opens his mouth / supplements his excesswith elixir (‚rehana‘s theme‘) - the kids all descend / upon rehana‘selixir (‚gin over sour milk‘) - has cautioned to rehana junior / theworth of a bird in the hand (‚bird in the curtain‘)... Motive werden vonSong zu Song weitergereicht, erst das Elixir, dann der Gin: ...you say
the word and turn this gin into / an ocean, heißt es in ‚bird in the
curtain‘. Das ‚Curtain‘-Motiv von well you say your a bird that has
flown / into a curtain kehrt wieder als and the curtain will rise on the /fortunate eyes / of the sole occupants in ‚hotel exeter dining room‘.
Manchmal folgen die Wörter einfach der Anziehungskraft - in politics/ in parish / and the glamorous will vanish/ in habits, / and carrots,and rabbits, and / static electricity / „goodnight irene“ (‚richest woman in the world‘) - oder dem Geist aus der Flasche. Denn Rehana ist
a king / who is slightly drunk. Martin Siewerts Mandogitarre akzentuiert nur die Monotonie und Tristesse im Hotel Exeter, aber Chris Abrahams übernimmt mit seinem The Necks-Piano bei drei Songs seine
Nebenrolle so markant wie Harry Dean Stanton. Was fehlt sind einprägsame Melodien, was bleibt ist eine Grundstimmung von Mehltau.
Zu BA 56 gab es zuletzt TOSOM is mixed by XOTOX, Dinner Music for
Clubbers (staubgold 82) ist nach dem gleichen Rezept entstanden:
PETER GRUMMICH plays STAUBGOLD. Der Minimal-Techno-DJ mit
einer ganzen Latte von Braintist-, Kompakt- und Shitkatapultreleases
variiert Staubgoldstoff, um damit die schweißfreien Zonen im Clubund Partyumfeld zu beschallen. Ausgewählt hat er dafür Tracks von
To Rococo Rot, Ehlers/Suchy/Hautzinger, Sack und Blumm, Rafael
Toral, Andrew Pekler, Kammerflimmer Kollektief, Alejandro Franov,
Reuber, Sun, No-Neck Blues Band & Embryo und FS Blumm. Ambientanders, aber ambient, mit einem Flow, der Übergänge Ton in Ton und
auf gleiche Wellenlänge bügelt. Die Auswahl und der Mix zeigen eineklare Tendenz - traumhaft (‚Jackies‘s Dream‘), fließend (‚Optical
Flow‘), bedröhnend (‚Subnarkotisch‘), lazy & entspannt (‚Sunbeams‘).
Die Grenzen zerlaufen, Individualitäten zerfließen, alles wird coolund easy. Grummich steht zwar auch auf harten Stoff von Butthole
Surfers bis zu Throbbing Gristle, aber hier liefert er mit Windspiel,
Spielkind und Walgesang, klim und bim und Harfengeflirr Wellness
und Cocooning, das als Spacenightmuzak oder Music to read books
by immerhin weder die Intelligenz noch das Ohr beleidigt. Grummich
reiht sich ein mit der gut 11-min. ‚Sunbeams‘-Seite seiner Kompakt12“ Frozen World, Geplinker, das die einen als ‚pulsiernde Lebendigkeit‘, die andern sogar als sexy hören. ‚Jinx (Version)‘ remixt wie
schon ‚Jnx (Excursion)‘ von der Split-10“ auf Karl Records das Titelstück des Gammler-Zen-&-Hohe-Berge-Trips des Kammerflimmer
Kollektiefs, weniger schamanistisch, aber durch die dominanten
Harmoniumdrones nicht weniger zirbeldrüseninduktiv. Staubgold als
Dröhnlabel? Nicht immer, aber immer öfter.
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TOSOM (Memmingen)
FREIBAND hat 298 (TOSOM 29,
CD-R in CD-Format-DVD-Box) Phill
Niblock gewidmet und man hört
warum. Dröhn Dröhn Dröhn. Fransde Waard hat dazu den Saxophonton von Bo van de Graaf aufgenommen, um ihn zu loopen und zu modulieren. Bei ‚258‘ - 298 setzt sichzusammen aus ‚258‘ + ‚8‘ + ‚32‘ wird ein Grundton zum wie zirkular
beatmeten Halteton, der in sich rollt
und pulsiert, aber dabei die Höhehält. Soweit ich das mit bloßem Ohr
sagen kann. Untergründig meint
man den Bläser pumpen und pusten
zu hören, fast könnte man sich daselektronische Korsett weg denken.
Der Dauerton scheint sich sowohl insich wie im Raum zu drehen unddabei unterschiedliche Schattierungen anzunehmen. Ganz und gar
sonor und so nah an der akustischen Quelle wie selten bei FdW.
Bei ‚8‘ geht die Stabilität dahin, ausder einen Linie werden einzelne Fäden, was sonor und rund war, klingt
nun in sich gespalten und fiepig wie
eine Melodica. Die kommt nicht
wirklich als zweite Stimme dazu man kennt die Melodica von Beequeen - , sondern bläst nur als verfremdetes Derivat dem Saxophon
entgegen. Der Dialog ist, obwohl
weniger sonor und friedvoll nur insich selbst versenkt, dennoch ebenso organisch wie automatisch-aleatorisch. Das 5-min. ‚32‘ behält diehöhere Tonlage bei, verdichtet die
Stimmen aber zum atmenden Hin
und Her von Harmonikazügen. Eine
konsequente Arbeit, einleuchtend
realisiert.

Wahrnehmungshygiene (TOSOM 30, CD-R in DVDBox) von N.STRAHL.N, bereits sein dritter TosomAuftritt, ist weitgehend kreiert aus Fieldrecordings
und führt Makro- und Mikroebenen, Außen und Innen
durch Einbildungskraft zusammen. Der Bogen umfasst von der ‚Einführung Solar Wind‘ bis zum‚Ausklang Mehr Licht!‘ natürliche (‚Wetterleuchten‘) ,körperliche (‚Gefrierbrand‘ & ‚Heilbrand‘) und maschinenweltliche Aspekte (‚Zyklotronendreck‘, ‚Tag
der Arbeit‘) sowie Hirn und Geist (‚Dura Mater‘,‚Sublimat‘, ‚Zurück in den Grauen Raum‘). Mario Löhr
zermahlt und zermörsert seine Wahrnehmungen allerdings zu körnigen Partikeln, zu prasselnd pulsierendem Knirschen, postindustrial und harsch. Dasdurch Noise evozierte Ambiente hat so von Weitem
die Konsistenz von Schmirgelpapier, aus der Näheähnelt es einer pockennarbigen Mondlandschaft. Bei‚Gefrierbrand‘ halluziniere ich fernen Singsang - derGesang der Neuronen? Das Stöhnen der Erfrorenen?
Durch ‚Zyklotronendreck‘ zieht der düstere Trauermarsch einer sizilianischen Karfreitagsprozession,
die Hirnhaut wird mit knurrig bohrenden Trillern
durchsiebt. Das Titelstück dongt wie eine hohle
Blechwanne, in die Regen prasselt, Zyklopenfäuste
bongen dazu einen finsteren Dreiklang. Hygiene hat
längst einen sarkastischen Unterton angenommen,denn die Außenwelt stürmt ziemlich ungewaschen
auf die Sinne ein. Wie noch Schädliches ausfiltern,wenn Krach als schön gehört oder als sublim genossen wird? Für eine naive Lesart fehlt N.Strahl.N freilich die Naivität, das hat er mit Titeln wie Brot und Lügen, ‚Aus Wahn wird Wonne‘ oder ‚Des Zwielichts
letztes Glühen‘ und seinen medienkritischen Arbeiten
Mindscreen und Zeitpapier deutlich genug gemacht.
Seine Wahrnehmungsfilter muss jeder schon selber
einstellen. Bei den ‚Sublimat‘-Loops kommt mir Rosenkranzgemurmel in den Sinn. Wer aufblickt, sieht inder Ferne Blitze tanzen. Wer Ohren hat zu hören, derhört unterhalb des daueralarmierten Rumorens, daslängst zu einer Gemütlichkeit zweiter Ordnung geworden ist, das Knirschen in den Fundamenten.
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TOUCH (London)

Der Titanic-Mythos hat die fromme Näher-mein-Gott-zu-Dir-Legende inzwischen der Vermutung preisgegeben, dass das White Star Orchestra unter
Leitung von Wallace Hartley in den letzten Minuten vor den finalen um 2:20
sich von dieser Welt mit ‚Songe d‘Automne‘ verabschiedete, einem Herzensbrecher des englischen Walzerkönigs Archibald Joyce. Untergang im Dreivierteltakt, rührend unt trotzig. GAVIN BRYARS taucht mit der Neueinspielung seines Klassikers The Sinking Of The Titanic (Tone 34) auf der Biennale
in Venedig 2005 noch einmal ein in das Wasser ohne Balken und die Luftohne Drähte. Überlebende, 711 von 2201, gab es nur Dank Marconis drahtloser Telegraphie, wobei die 1. Klasse dreifach bessere Überlebenstüchtigkeit
bewies als die 3. und die Mannschaft. Bryars selbst am Kontrabass und das
italienische Ensemble Alter Ego spielen ebenfalls etwas, das ‚Autumn‘ heißt,
jene episkopale Hymne, deren dritte Strophe die passende Zeile Hold me up
in mighty waters; Keep my eyes on things above enthält. Philip Jeck dreht mit
seinem Vinylgeknister die Zeit bis nach 1912 zurück. Dazu hört man - Legenden gibt es immer in mehreren Versionen - den Bericht einer Zeugin, die
Nearer, My God, to Thee gehört haben will. Der Unterwassersound der immer
und immer wieder intonierten, aber verlangsamt und wie schon nicht mehrvon dieser Welt in einer Luftblase gespielten Hymne mischt sich mit herbstlichen Assoziationen wie Grillengezirp, aber auch der raunenden Menge bei
einem Sportereignis. Jeck‘scher Sarkasmus? Die Regenmacher als perkussives Element wirken ähnlich makaber. Wäre das Pathos ohne solche V-Effektezu stark? Oder soll es diesmal gegen Kitschverdacht hartgekocht werden,
nachdem die ‘94er Version (Point Music) noch einen Kinderchor und dunkle
Bläser mit versenkt und auf dem Gebein am Meeresgrund Morsezeichen getokt hatte? Wenn die White-Star-Musiker, von denen keiner überlebte, abertatsächlich als Letztes Walzer gespielt haben? Und wenn Marconi recht hätte, dass Klänge unsterblich sind? Dann wellt sich um den Erdball, selbst
wenn auch die Erinnerungen längst verdämmert, zu Bernsteintränen geronnen und zu Hollywoodmelodramen verklärt sind, eine oxymorone Kakophonie
aus Entsetzensgebrüll im Walzertakt.
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TZADIK (New York/Tokyo)
Dem aus San Francisco stammenden, Third-Stream- und Arnold-Dreyblatt-geschulten Trompeter Paul Brody in Berlin ist diesmal zwar keineso schöne Überschrift eingefallen wie Kabbalah Dream (2002) oder
Beyond Babylon (2004), dafür wirken bei For the Moment (TZ 8118) so
illustre Gäste mit wie der Brave-Old-World-Sänger Michael Alpert,
Frank London und John Zorn. Brody ist auch noch mit Klezmer Toy
eine Silberzunge der, wenn nicht radikalen, so doch neuen Jewish
Culture, während er mit dem DetoNation Orchestra kaum beachtete
Seiten im American Songbook aufschlug. Gemeinsamer Nenner ist Erinnerung. Erinnerung ist das „Geheimnis der Erlösung“, wie die kabbalistischen Mystiker und die chassidischen Zaddikim wussten,„Erinnerung ist eine Trompete“, ergänzt Brody. In PAUL BRODY‘SSADAWI agieren Eric Rosenthal (Naftule‘s Dream) an den klackenden
Drums und Martin Lillich an akustischen und elektrischen Bässen,
Brandon Seabrook (Klezperanto) mit seiner Fetzgitarre, sowie alsneuer Klarinettist Christian Dawid (Klezgoyim, Budowitz). Das markante elektronische Gezwitscher von ‚Too Low‘ bleibt anonym (ich habe
Seabrook in Verdacht). Erinnerung heißt für Sadawi nicht Tradition,sondern Madness! Sie wird nicht in Beton gegossen, sondern aktuell
und plötzlich in die Luft geschleudert, nicht als Asche, als Klang. Dochausgerechnet ‚Serendipity‘, der glückliche Zufall, ist eine Elegie, nachtrauernd, aber gleichzeitig auch vorläufig. ‚Good-bye for jetzt‘, für das
Seabrook Banjo pickt, trifft erneut diesen zwiefältigen Ton zwischen
Wehmut und Sehnsucht, Gefühle, die sich ‚jetzt‘ aneinander reiben.
‚Dukovinia‘ ist eine schwelgerische Melodie, wie es sie schon immer
gegeben haben könnte. Die Gäste stellen sich beim Titelstück ein, einem Uptempofeger, der kein Gestern oder Morgen kennt. Alpert seufzt
den Herzensbrecher ‚Pure as a Teartrop‘, der sich wie in Ketten dahinschleppt, und bei ‚Guitar‘ sprechsingt er, während Seabrook rockt, ineiner Sprache, die für mich wie eine Mischung aus Arabisch und Ungarisch klingt. Da die Erlösung so ungewiss ist wie das, was Morgen
kommt, könnte das Jetzt gern immer so optimal sein wie Brodys Musik.
Fast könnte man meinen, einige jüdische Musiker sind, statt sich aus
Spanien vertreiben zu lassen, als blinde Passagiere mit einer der ersten Karavellen nach Kuba gelangt, um dort sephardisches Melos mit
bald (1526) hinzu versklavten Afrobeats und Rohrzucker zu Rumbaund Mambo zu vergären. Aber DAVID BUCHBINDER‘S ODESSA /HAVANA (TZ 8121) ist doch ein etwas späteres Produkt des kulturellen Melting-Pots Toronto im Einwandererland Kanada. Der TrompeterDavid Buchbinder und der Pianist Hilario Durán verschmelzen in ihrer‚Colaboración‘ zwei Exiltraditionen zu Jewish/Cuban Jazz. Als ob Jazz
genau das wäre, eine urbane Melange von Diasporafolklore in der
Neuen Welt. Neben den beiden Leadern spielen der Saxophonist Quinsin Nachoff (Rhodes Trio, Magic Numbers) und der Geiger Aleksander
Gajic vor einer Rhythmsection, die die ‚Rumba Judia‘ mit ebenso rasantem Hüftschwung swingt wie ‚Freylekhs Tumbao‘. Zwischen Horaund Salsatänzer passt gerade noch der Schweißfilm, ob 3/8 oder 4/4,
Odessa/Havana likes it HOT. Von reiner Einheizermusik unterscheidet
sich das hier jedoch durch Son-Montuno-Raffinessen, farbige Wendungen, temperamentvolle Kapriolen von Trompete, Saxophon, Geige
und Piano, während das Percussiongeklapper nicht nachlässt, dasFieber zu schüren. Um seinen Erinnerungen und Hoffnungen nachzuhängen gibt es ‚Cadiz‘, das jedoch nach vier Minuten in See sticht undsich den Wellen und dem Wind anvertraut, fürs Schmachten und Seufzen die Habanera ‚Prayer‘. Mir persönlich fehlt etwas das Überraschende, das eine oder andere Haar in der Soße, etwas, das übermultikulti-kulinarische
Feidman-meets-Buena-Vista-Social-Club-Erwartungen hinaus zielt.
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My roots in terms of improvised music are
ugEXPLODE (Oakland, CA)
in the music of cecil taylor, albert ayler '66'67 bands, brötzmann "machine gun","soon" by sonny sharrock, "three for aquarter, one for a dime" by archie shepp,
FMP, ESP-Disk, BYG, etc., stellte WEASELWALTER kürzlich noch einmal klar(www.bagatellen.com) anlässlich von Firestorm (UG 22), Einspielungen im Quartettund Double Trio mit dem Bassisten Damon
Smith, manchmal verdoppelt mit Lisle Ellis& Marc Edwards, mit wechselnden Saxophondoppelspitzen wie Elliott Levin & Marco Eneidi bzw. Mario Rechtern und dem legendären Sun-Ra-Veteranen Marshall Allen. With this music i am attempting to express highly articulated violence and fury. ithink people are ready for it. i offer people
a blast of energy and i hope people can enjoy it. Ähnliches gilt ohne Einschränkung auch für die Revolt Music (UG 20) vom
WEASEL WALTER QUARTET, keinem festen Quartett, sondern ein Gespannmit zwei Bassisten, Damon Smith & Randy Hunt, und wechselnden Saxophonisten - Josh Allen, John Gruntfest oder Aram Shelton - , aufgenommen bei fünf
verschiedenen Gelegenheiten, mit einem Gastspiel des Gitarristen Henry Kaiser, das ‚The need to revolt‘ von oben bis unten zerfetzt. Die Kaiser-Connection führte inzwischen zu Walters & Smiths Promotion als Healing Force. Aber
im Grunde ist alles nur eine Rückkehr zu seinen frühen Jahren in Chicago mit
Hal Russell und Ken Vandermark und gleichzeitig der beständig fortgesetzte
Versuch, die extremen Energiepotentiale von No Wave, Death Metal und Free
Jazz zu fusionieren. Mit den Gesichtern mag der Farbton der Flamme wechseln, aber nicht der Hitzegrad, das kollektive Schüren einer Revolte. Mit derVolte, dass diese Musik those who revolt against the revolting gewidmet ist.
Walters sich um Kopf und Kragen blasende Feuerköpfe tragen alle Mützen
oder Hüte, als ob sie befürchten müssten, dass ihnen bei ihrem infernalischen
Bohren und Rütteln an der Schallmauer der Himmel auf den Kopf fallen könnte.
Manche nennen das, was Weasels Thrashing und das Pluckern und Sägen derBassisten in die Vertikale peitschen und prügeln bis es Flügel bekommt, Death
Jazz und meinen das vielleicht sogar als Kompliment. Ich halte Walter eher füreinen Kieselguhr Kid, einen Anarchisten, der die Lunte legt an die Verhältnisse
wie sie sind. Sein ‚Drum Solo‘ auf Revolt Music ist eine einzige Kettenreaktion
an Dynamitdetonationen, wie ein Echo auf Stockhausens ‚In die Auferstehung
jagen‘. Nur ist das Schlimmste, was einem dabei blühen kann, ein Brummschädel. Kein Pfingsten ohne Feuerzungen, kein Hochgebet ohne Sursum Corda.
Der Feind heißt Trägheit und Langeweile. Lichens (UG 24) zeigt WEASELWALTER & DAMON SMITH im Rapport mit GIANNI GEBBIA (*1961, Palermo), der mit Altosax, Cracklebox & Flöte die Trennlinie zwischen Musik und Raserei verwischt, wie es ein an die Wand gespieltes Opfer seines Projekts Switters in Dresden einmal erlebte. Gebbia hat mit Joraku 3 oder Zen Widow zwar
noch weitere Trios im Feuer, aber kein so dynamisches wie The Lichens. Die
Unterschiede zwischen Walter und Zen-Widow-Drummer Garth Powell, derdurchaus auch knackig und tockend zu Werke geht, sind frappierend. Walter
schlägt schnell und fiebrig, seine reduziertesten Momente sind ein Hagel überFell und Metall, wenn er nicht ganz die Hufe still hält. Smith knurpst hier in dieser auffallend transparenten Begegnung wie ein Riesenholzwurm (keine Anspielung auf seinen Köperbau beabsichtig) oder fiedelt wie ein Zikade. Wer esnicht zu frontal mag, der kann sich mit Gebbia dem ugExplode-Zentrum nähern. Es gibt raffinierten Feinschliff zuhauf, vorsichtiges Probieren, wie heißdie Suppe und wie spitz der Stachel des Todes denn nun ist. Es gibt sogar Fingerschnippswing (‚Phylogeny‘) mit Bass-DumDum und getickelten Cymbals.
Walter lässt sich nicht in eine Schublade einsargen. Death Jazz? Dead guys
don‘t make music. Walter ist eine erste Adresse für positive Energie.
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Wassermusik + Wassermusik + Wassermusik

Wer die wilde und geschichtsträchtige Landschaft und das mittelalterliche Flair der schiefergedeckten grauen Steinhäuser und der unzähligen Schlösser und Burgruinen entlang
der Dordogne kennt und lieben gelernt hat, wird vermutlich erst einmal enttäuscht sein vondem spröden, aber ambitionierten Projekt (handmade Cover)# Dordogne (Amor Fati, fatum 011, 2007, erhältlich bei No Man’s Land, Berlin),eingespielt, wie im Nachbarland häufig üblich, mit staatlicher und regionaler Unterstützung.
(In unserer Provinz weiß man meist gar nichts von der Existenz einheimischer ambitionierter Künstler abseits des Mainstream). Wer die Dordogne nicht kennt, wird wenig mit der 2CD
anfangen können, es sei denn er ist ausgesprochener Liebhaber langatmiger minimalistischer Klanggeschichten von 1:08 bis 25:42 Länge, die BENJAMIN BONDONNEAU(Klarinette) und FABRICE CHARLES (Posaune) mit Hilfe von Feldaufnahmen zusammenbastelten. Die CD nimmt ihren Ausgang wie der Fluss selbst am 1885 m hohen ehemaligen
Vulkan (1) Puy de Sancy, dem höchsten Berg des Zentralmassivs und der Mont Dore, deren
Name sich vom keltischen Wort für Wasser ableiten lässt. Kalter scharfer Wind bläst zunächst über die kahlen Hochflächen, der dann dem leisen Plätschern der Quelle weicht. Im
Oberlauf noch ein reißender Gebirgsfluss, stürzt sich die Dordogne durch kaum besiedelte
Wildnis in die Schluchten von (2) Bort-lesOrgues (Der Name des Ortes kommt von orgelpfeifenartigen Felsformationen), an den Hängen hört man die Glocken der Weidetiere mit denen die Klarinette vogelschreiartig in Dialog tritt, bis eine Polizeisirene die Idylle stört. Im
mittelalterlich verträumten (3) Beaulieu, ehemals Station auf dem Jakobsweg, fließt derFluss schon deutlich langsamer, wurde er doch oberhalb bereits mehrfach gestaut. Bei (4)La Roque Gageac wusch der Fluss einen Felsüberhang aus, der sicherlich bereits in prähistorischer Zeit für Wohnstätten genutzt wurde, 1963 aber teilweise abgebrochen war undeinen Teil des darunterliegenden Dorfes zerstört hatte. Die Musiker nutzen den Echoeffekt
der steilen Felswand für Vogelschreie und Elefantenposaunen. Der Verkehr der Touristenströme (Engländer überschwemmen im Sommer diese Gegend) mischt sich darunter, bis
der Cro Magnon Mensch (Les Eyzies mit seinen berühmten Höhlen ist nicht weit) zurückzukommen scheint und seine tarzanartigen Urlaute dem Gestein entgegenschleudert. Gleichgegenüber liegt auf einem steilen Felsvorsprung die Burgruine (5) Castelnaud, deren mittelalterliches Sommerspektakel mit Stimmengewirr integriert wird. Hier paddeln unzählige
Urlauber auf dem trägen, seichten Fluss mit seinen vielen Windungen, vorbei an sanften,
von Feldern bedeckten Höhen oder an schroffen Felsformationen. Bei St Cyprien wird die
Umgebung flacher und weniger spektakulär. Und nahe (6) Tuillieres sind die Ufer schon
weiter zurückgetreten, die Dordogne fließt geradliniger. Bei (7) Castillon-la bataille befindet
man sich im Weinland des Bordelais auf historischem Gebiet, denn hier fand 1453 die letzte
Schlacht des 100jährigen Krieges zwischen England und Frankreich statt. Das Stück beginnt mit regenartigem Geknister, Gepfriemel und Gebrummel, Einhauchen in Instrumentenrohre. Nach 6 Minuten röchelt etwas, dann steigt der Partner mit rhythmisch abgehackten Hochfrequenzgeräuschen ein. Ich phantasiere Wildschweingrunzen (das Perigord derTrüffelschweine ist nah), Vogelgezwitscher, Autos in weiter Ferne, schnelleres Fließen –oder Regen? – Wind am Mikro. Nach 15 Minuten kommt etwas mehr ’Fahrt’ ins Klangbild:
Gewitter? Motor? – Die starke Reduktion lässt viele Gedanken zu. (8) Libourne am Zusammenfluss von Isle und Dordogne ist eine größere Stadt mit Hafen für den Weinversand, zB
aus St Emilion, und so steigt die Lautstärke der länger schwebenden Einzeltöne der Klarinette an bis zum Sirenenalarm. Stadtlärm, Posaune und Klarinette im Dialog, Gänsegeschrei (die hiesige Stopfleberpastete ist eine teure Delikatesse), ein Angriff der Posaune.
Durch (9) Ambes, einem kleinen Ort kurz vor der Mündung in die Gironde, marschiert eine
Blaskapelle, bricht ab – Autolärm, Mopeds, Stimmengewirr – wieder die Blasmusik. Die Klarinette klingt wie der kaputte Anlasser eines 2CV, der nicht anspringen will. (10) Soulac an
Atlantik und Girondemündung bietet im Gegensatz zu den anderen Stücken ein Feuerwerk
an assoziationsfördernden Geräuschen: Polizeisirene oder automatisches Eingangstor,
Rangierlärm von Containern, Opernsängerin, Quietschen, Sägen, Vögel, Wellen, Möwengeschrei. Das offene Meer ist erreicht, die Cote d’Argent mit 100 km herrlichem Sandstrand
bis Bayonne. Ich lege mich in die Sonne in den warmen Sand, schließe die Augen und entspanne beim Rauschen des Meeres (das aber ist auf der CD nicht mehr drauf).
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JEAN DEROME liebt Kanu-Camping wegender Unwägbarkeiten des schnellen Wetterumschwungs und des relativ geringen Komforts,
was einen zu ständigem Improvisieren zwingt
und deshalb benutzt er es für# CANOT-CAMPING expedition 4(Ambiances Magnetiques, AM100, 2002)
als Allegorie, um eine gemeinsame Basis für 11
Improvisierer zu schaffen, ohne im Chaos oderim goldenen Käfig zu enden. “Canot-camping isa vast territory filled with things to know andthings to do, animals, birds, lakes and rivers as
explored by 11 skilled canoeist-improvisers”,
die da sind Jean Derome (direction musicale,saxophones, flutes, instruments inventes petits
instruments
etvoix),
NicolasCaloia(contrebasse), Guillaume Dostaler (piano),
Normand Guilbeault (contrebasse), Joane Hetu
(saxophone alto et voix), Diane Labrosse(accordeon, echantilloneur et voix), Jean Rene
(violon alto), Pierre Tanguay (percussion, flutea bec, instruments inventes, guimbarde etvoix), Martin Tetreault (tourne-disque a quatrebras), Tom Walsh (trombone), Rainer Wiens(guitare electrique). Derome versucht die gesamte Bandbreite zeitgenössischen Musikschaffens von Video-Clip über komponierte
Musik bis Pop und Geräusch einzubeziehen. In
21 Improvisationen über knapp 70 Minuten
macht uns der Reiseleiter eine musikalische
Expedition nachvollziehbar, auf der es phasenweise zwar ähnlich minimalistisch zugeht wie
an der Dordogne, die aber deutlich mehr Ohrenkino, mehr Action, mehr Spannung und
Vielfalt bietet als die Reise der Franzosen, wobei sich nicht zu allen Titeln in gleicher Weise
assoziieren lässt. Geräuschhafte Stücke wechseln mit gleichmäßig rhythmischen Sequenzen(Paddeln, ruhiges Dahingleiten) und melodiösen Strukturen (’Lac 3’). Da stehen freies Spiel,Stimmenakrobatik, kollektive Improvisation neben Songhaftem (’Pour parler a leurs amis’,’Lac aux oiseaux’). In ’Animaux’ konkretisieren
sich instrumentales und vokales Schweinegrunzen, Bellen, Hufegeklapper, Flügelschlagen, Wiehern, Gänsegeschrei, Schlabbern, Muhen, während bei ’Babittes’ leises Wimmern
sich ins Unheimliche steigert. Bei ’L’Autobus’
fliegt die Landschaft vorüber und beim Finale
führt hektisches Paddeln zum Ziel, alle sind euphorisch, Coltrane scheint sein Sax zu bearbeiten, schließlich tropfen die Kanus ab.
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Für ihren trunkenen Wald haben sichFred Frith, Kato Hideki und Ikue Mori auf
DEATH AMBIENT # Drunken Forrest(Tzadik, TZ 7264, 2007)
diesmal mit Jim Pugliese (percussion,
trumpet, mbira) verstärkt. Sechs Jahre
ließen sie sich Zeit für eine unterhaltsame
Ambientmusik, kreieren sie doch Soundlandschaften im Spannungsfeld zwischenakustischen Instrumenten wie Gitarre,
Bass, Violine, Banjo, Mandoline, Ukulele
und Akkordeon und elektrischen Gitarren,
E-Bass, Computer, Recorder, analoger
Synthesizer, sowie glasses, ice and water.
In Teilen ähneln die Stücke den vorher
besprochenen, sie sind jedoch in sich geschlossener und als großartige, trunken
machende Kompositionen konsumierbarer (was in keiner Weise mit ’leichter Kost’
gleichzusetzen wäre) und bringen dem
Hörer so noch mehr Genuss als Canotcamping, bei dem der Entstehungsprozess Vorrang hatte. Mit ’Lake Chad’ steigen Death Ambient zunächst sehr gemächlich und zart ein, bis Hidekis Banjo
und Friths Gitarre kurzfristig krachend
dazwischenfunken und alles sich schließlich im Geräuschhaften verliert. Störfrequenzen in ständigen Schleifen, Brummgeräusche, Wasserplätschern treffen bei’Greenhouse’ auf einen Klangteppich vonGongs und Becken. Das Daueranschlagen der Becken erinnert in ’Qianwei Sky’an die Percussion der Chinesischen Oper.
In der ’Deadzone’ ist es zunächst sehrruhig, jedoch nicht leblos, wie Insektenund Vogelgeräusche verraten, offensichtlich aber menschenlos, obwohl gerade hier vocals angegeben sind. In’Belarus’ dünstet die gegeigte Melodieüber Dauerbrummen und –knarzen, flirrende Töne gehen bis an die Schmerzgrenze. Ähnlich beim Titelstück ’Drunken
Forrest’: Die Violine schwebt im Raum mit
einer langgezogenen
Melodie, dazu
grummelt und klappert Pugliese, bis derBass mit dem Streicher in Dialog tritt.

Das Hindurchgleiten durch den klanggeschwängerten, wassertriefenden Wald, zwischenmoos- und flechtenüberzogenen Baumriesen – eine unheimliche, düstere Welt, die das Cover zeigt – ist der Höhepunkt der CD. Die Spannung steigert sich mit sägenden, heulenden,
dräuenden Gitarren und Schlagzeug und entwickelt sich fast zum RIO-Rocksong. Der finale’Coral Necropolis’ beginnt geräuschig. Eine ruhige Gitarrenmelodie bietet schöne Zusammenklänge. Während Fred Frith sich auf der neuen Massacre-Scheibe austobt, frönt er hierdem verhalteneren Spiel. Dann ’stören’ wieder Geräusche, Pugliese bearbeitet Rasseln,
Glöckchen, Becken. Es könnte endlos so weitergehen. Unerwartet ist plötzlich alles vorbei.
HACO rechtfertigt mit einem einzigen Titel sowohl
den Stempel ’file under watermusic’ als auch den
Kauf der CD# Riska(Arcangelo, ARC1122, 2007; zu beziehen bei
No Man’s Land).
Für ’Shower Alone’ sind alle lobpreisenden Superlative zu wenig. Wenn Haco unter der Dusche “I’m inthe shower alone, what a fascinating time“ von sichgibt, wird man zweites verstehen und für ersteres
Beistand anbieten wollen. “The water cascadingover me“ bringt dem Hörer keineswegs Abkühlung,vielmehr lädt das über die Schöne perlende und abtröpfelnde Wasser die Atmosphäre weiter auf und “Ifeel my consciousness peeling away“ ist bei diesem
betörenden Sirenengesang unumgänglich. Marilyn’s’Dear Mr President’ ist nichts dagegen. Mit diesen 4
Textzeilen treibt die Japanerin in ständiger Wiederholung den gebannt Lauschenden bis an den Rand
des Wahnsinns. Dazu spielt Makoto Inada einenphantastischen akustischen Jazzbass. In wunderschönem Cover mit elfenartigen Wesen verpackt,dem die Lyriks in Japanisch und Englisch beigelegt
sind, präsentiert die CD weitere 8 Songs, auf denen
außer der Multiinstrumentalistin Haco noch Mari
Era, Makoto Inada, Masafumi Ezaki, Hiromichi Sakamoto, mamieMu, Madoka Ichiraku und Yuko Nexus6
agieren. Meist bilden Keyboard oder Sampler den
gleichmäßig rhythmischen, ruhigen Klanghintergrund, vor dem Marimba, Vibraphon, Kontrabass,
mehr oder weniger fremdartig fernöstliche, aberwohlklingende Melodien spielen. Prägend sind die
stetigen Wiederholungen der musikalischen Bausteine, aber auch der Textzeilen (bis auf zwei inenglischer Sprache alle japanisch), die Hacomehrstimmig übereinanderschichtet. Da geht es um“A faint sensation lingers on your skin. It could be
the god’s footprints“ um ”Full-color palette in yourmind”, ”No envy, no meanness. It’s like tattoo. It’s
like piercing. Heal yourself.”, um ‘Flashback’ odereine ‘Chat Night’. Sehr mysteriös ist das Titelstück‘Riska’, bei dem ein Metronom die Rhythmusgruppe
bildet und der Kontrabass die Melodie vorgibt, zu
der Haco mit brüchiger Stimme “Will I, this facelessperson called Riska., Riska ever be understood“ fast
seufzt. Ein wenig aus dem Rahmen fällt das einzige
Instrumental ’Magnetic Field of Riska’, dessen Geräusche und geschredderte Stimmbeiträge von fieldrecordings, electromagnetic cellphone sounds (withstereo bucscope), sampler und rhythm electronics
stammen.
Michael Beck
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DOUBLE TROUBLE
Wie könnte man die Konzertsaison 2008 besser beginnen als mit dem Wunsch:
Möge die Macht mit euch sein. Was könnte die Macht besser injezieren, als einehohe Dosis an Brutal Prog, an Firestorm - und Revolt Music? WEASEL WALTER
steht programmatisch für ein solches Vorhaben, das er auch auf seinem Flying-Luttenbachers-T-Shirt verkündet, das er im Lauf des Sturms, den er beim
03/Freakshow-Saisonauftakt am 18.01. im Würzburger Cafe Cairo an seinem
Drumset entfacht, vom Hals bis zum Bauchnabel durchschwitzt. An seiner Seite
der Feuerspucker MARIO RECHTERN an diversen Reeds. Norwegen hat Frode Gjerstad, Österreich den ‚Brötzmann von Wien‘. Ein magerer Hering mit
Wollmütze und Dreitagebart, der aussieht, als würde er seit dreißig Jahre mit
Embryo tingeln. Tatsächlich hat er aber mit der Reform Art Unit gespielt (198496), mit dem DMN-Trio und jenseits des Atlantik, wo es ihn immer wieder hinzieht, mit The Nabobs oder eben Weasel Walter. Weasel hat die Luttenbachers
ad acta gelegt und frönt nunmehr seinem Faible für Intensität und Power vermehrt in der Freien Musik. Er knattert auf seinem abgespeckten Drumset furiose Stakkati, pingt Triangels, tockt und schabt die Cymbals, ohne je zu fummeln.
Es gibt bei ihm keine Fill-ins, sondern gezielte Spitfire-Salven, Bassdrumgeboller und abrupte Schnitte. Mag er sich äußerlich vom Luttenbacher-Teufel in einen blonden, bausbackigen Lackel mit deutlichem Bäuchchen verwandelt haben, seine Demolationskunst ist ungemindert top-speed, ein futuristisches Ratatata, mit Gusto exerziert und im kongenialen Rapport mit Rechterns Energiestößen. Der fiept und bohrt an der Schallmauer mit seinem Sopranino, das er
mit ganzen Stapeln von Yoghurtbechern dämpft, um die infernalischen Klangfarben zu nuancieren. Er wechselt zum Bariton, aber zuerst mit Posaunenmundstück, was eine verblüffende Verfremdung ergibt, dann mit ‚normalem‘
Mundstück. Erst gedämpfte Querulanz, dann Bird-Call-Gequäke auf dem Mundstück allein. Durchwegs schaurig schön, prickelnd und so heiß, dass die Ohren
glühen. ‚Normal‘ ist bei Rechtern nur das Außerordentliche. Er spielt keine improvisierte Musik, sondern verkörpert und lebt sie. Und Weasel? I'm not 20 years
old anymore, sagte der 35-Jährige No-Wave-Freak, der Chicago hinter sich gelassen hat und heute in Oakland lebt, im Interview mit Dan Warburton(www.paristransatlantic.com). I'm into refining and defining an aesthetic of myown. I'm into speed, velocity and violence in music. My music is underlined by
my own frustration and it reflects my personality, I suppose. But I'm into articulation and intelligence as much as I am into primitive outpourings of chaos. Ich
denke, dass er das an diesem Abend mitreißend in die Tat umsetzen konnte.
Zuvor hatten STEFAN HETZEL + MARKUS ZITZMANN an Keyboards + Altosax das Publikum mit ihrer ‚21st Century Improvised Music‘ eingestimmt. Überkalkuliert repetitive Figuren tasteten sich die beiden in eine immer wieder einleuchtende Balance aus Hetzels erfreulich sperrigen Nicht-Klischees und Zitzmanns Anflügen von Zitaten, von ECM-Softness bis Ayler-Growls, die auch ungeniert in einem Hüftschwung münden konnten. Nicht unbedingt die Gegenthese zum anschließenden Feuersturm, aber doch davon abgesetzt.
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Foto: Oliver Heisch

Schließlich MICHAEL WERTMÜLLER & MARINO PLIAKAS - Drum‘n‘Bass.
Wertmüller fusioniert den Feuergeist als einstiger Alboth!-Drummer, den er inzwischen, zusammen mit Pliakas, auch im Peter Brötzmann Trio versprüht, mit
Dieter-Schnebel-geschulten Musica-Nova-Konzepten. Davon kannte ich bisher
nur Gebürtig, das er für das Brötzmann Chicago Tentet geschrieben hat, unddie auf GROB erschienenen Kompositionen Die Zeit. Eine Gebrauchsanweisung
und Entleibung Part 1 & 3. An diesem Abend richtet er die Augen konzentriert
auf seinen Laptopschirm, während Pliakas sich, so schnell seine Finger überden E-Bass flitzen können, an ellenlangen Partituren abarbeitet. Schon die ersten Riffs lassen meine Hosenbeine flattern, denn was die beiden da inszenieren
ist nichts weniger als ein Orkan. Ein Zwitter aus Techno und Metal, in Schweizer
Präzisionsarbeit zum Rasen gebracht, mit Double-Bassdrum-Brainstorming,
wuchtigen Überkreuzschlägen und donnergöttlichem Cymbalgeschmetter. Pliakas traktiert seinen Steamboat-Switzerland-Bass mit furiosen Arpeggi, Glissandi und Slidepitching, steigt mit beiden Füßen auf seine ‚Tretminen‘, um die komplexen Notenfolgen - passagenweise jedoch auch, wie er mir anschließend
sagt, einfach nur im Geiste dieser Notenfolgen - in Überwältigung zu verwandeln. Die Musik, von Elektrogezwitscher durchschossen, ist dermaßen vertrackt, dass nur durch äußerste Virtuosität die Energie gebündelt und zielgerichtet auf die entzückten Synapsen stahlgewittert. Die Intensität und Wucht
der Exekution verwandelt krumme Brüche und ungerade Takte permanent in
Brutal Prog, gleichzeitig biestig und schön, gleichzeitig vertonte Logarithmustafel und Metalposing. In Donaueschingen erntete Die Zeit. Eine Gebrauchsanweisung 2001 einen Sturm aus Buhs und Bravos, im Cairo kamen auf jeden stillen Zweifler x Enthusiasmierte, denen diese Art von zeitgenössischer, wenn
nicht progressiver, dann doch futuristisch dynamisierter Musik einleuchtete.
Sollen sich an solcher Musik, die eher aus dem Schädel des Zeus als aus
Schaum geboren war, ruhig die Geister scheiden, Hauptsache die Macht ist mit
uns.
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DAS POP-ANALPHABETANTHURUS d‘ARCHER Plastofilène - Musique Verte Fatalitas: Desperate Pinball (Anthurus d‘Archer): Getauftnach einem Pilz mit einem giftig rot-schwarzen Polypenkopf, gehört dieses Quintett aus Poitiers zur selben
Familie wie Sebkha-Chott und wirkt in der halbstarken lokalen Metal-Klonosphere (Klone,
Hacride, Mistaken Element, GTI, Trepalium)
wie 5-Sterne-Köche neben FastFood-Grillern. Der Kern besteht
aus Ubangrido aka U Gandriot
aka Ü Gandrio de Janeiro(string-drum guitar, voice,electronics), Pataflute aka
Patrick ‚Le Mortel‘ Le Mortellec (flutes, screaming), Olivier‚Max Bass‘ Ménardi & Jérémie‚Jar Jar‘ Gilbert (guitars) und
Matthieu ‚MMTZ‘ aka ‚Math‘ Metzger (saxophones, machines). Alles
andere als eine gängige Besetzung. Gitarren, Bläser und jede
Menge elektronische Gimmicks erklären Zappa posthum zum
Ehrenbürger von Poitiers. Der ‚Humor‘ riecht stark nach SuzyCreamcheese, der Sound ist extrem ver-Mr.Bungle-fiziert
und wie durch Estradasphere angekickt. Die gitarristischvirtuose Verballhornung von Allem & Jedem clont Squartets Manlio Maresca,
teils als Irrwisch, teils als
Clown. Allein die
halbe Stunde von‚American Way Of
Death‘ (auf Plastochelt in 15 Etappen
filène, 2003) hevon Ellington zu
Django Reinhardt,
mutiert vom‚
Psycho Circus‘ zum‚Valse Tropical‘,verhackstückt
Jazz, Metal, Swing undBombast-Prog etc.
Naked City
wird gegrüßt, aber so, dassdiesmal Zorn & Co.
die JazzSnobs sind, denen der Shit um die Ohren fliegt. Die Titel
sind sowortspielerisch wie die Musik diebisch und sophisticated.
Der Nervfaktor ist entsprechend hoch, aber immer wenn ich den
Kopf
schütteln will, fällt den Pilzköpfen was ein, das michabwechselnd staunen und headbangen lässt. Durchwegs ist das Stoff,
der auf
Französisch mit ‚sur‘ beginnt und auf Deutsch mit ‚Über‘.
Musique Verte (2007), nur 27 Min., verpackt in einen DIN A4Die
Karton,bedruckt mit Exzerpten aus einem Pflanzenführer, pflückt
Gänseffingerkraut und Alpenampfer, als ob jedes Wildkraut eine bewusstseinsverändernde Eigenschaft hätte, die es nur zu extrahieren
gilt.
Was in einem Moment sich pathetisch aufbläst, ist mit dem nächsten
Takt schon Duck Soup, ein kichernder Kladderadatsch, dem keine
Tonfolge heilig ist und keine zu blutig, um sie nicht zu verwursten.
Inszeniert ist der Spaß als Soundtrack zu einem Kopffilm mit
Schnipseln von Burton und Disney bis Polansky und Svankmajer,
im Schnelldurchlauf mit Haufenweise Déjà vus und nicht der geringsten Scheu vor hirnrissigen Schnitten von Klamauk zu Musica
Nova und zurück. Fatalistas: Desperate Pinball (2005) - verpackt
in ein 16 x 24 cm-Booklet mit sarkastischen Collagen vonPatrice Le Garrec - ist der perfekte Name für das Flippern zwischen Jazz, Metal und Balkandisco, zwischen Schwarzem Humorund überschäumender Freude an musikalischen Kollisionen.
Live rasen die absurden Champignons durch ihren‚Perservator no foot bubble mac twist‘ und zucken bei‚Lebedikunfreylekhdonnaleedisproportionorganique‘ wie vonStromschlägen geschüttelt. Ich zucke entzückt mit.
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Foto: Joanne Savio

ROBERT ASHLEY Tap Dancing in the Sand (Unsounds, 15U): Wegen seiner TVOpern als genuin amerikanischer Innovator bejubelt und mit seiner Trilogie
Perfect Lives (1978-80), Atalanta (Acts of God) (1982-91) & Now Eleanor's Idea
(1985-94) neben, wenn nicht gegen Stockhausens Zyklus Licht gestellt, kann Ashley tatsächlich darauf verweisen, dass er nicht mit Belcanto anno Tobak Ohren
und Uhren verbiegt. Er kam vielmehr mit seiner Sprechstimme direkt ins Wohnzimmer, mit Formen, die dem Medienzeitalter entsprechen und mit einer ‚Aboutness‘,
die an Stelle melodramatischer Anachronismen die Gegenwärtigkeit von Musikselbst zum Thema macht. Seine Music with Roots in the Aether (1976) porträtierte
7 amerikanische Kollegen (das Lovely-Music-Kollektiv), ‚Tap Dancing in the Sand‘(2004), ebenfalls mit ihm selbst als Sprecher, dreht sich um Hector Berlioz, der allerdings mit Alvin Lucier verschmilzt in Zitaten, die aus The Art of Memory vonFrancis Yates stammen. ‚Hidden Similarities‘ (2005) erzählt auf Holländisch dieGeschichte einer Abenteurerin wider Willen, Golfspielerin, Drogenkurierin, Überlebenskünstlerin (Alexander Kluge protokolliert ähnliche Lebensläufe). Holländisch deshalb, weil die Performances vom MAE stammen, einem Ensemble, dasden Namen seines Gründers Maarten Altena weiter führt, auch wenn längst Yannis Kyriakides und Ex-Barooni-Macher Robert Spekle die Leitung übernommen haben. Die Besetzung mit Blockflöte, Frauenstimme, E-Gitarre, Posaune, Geige, Klarinette, Kontrabass, Percussion und Piano ist, gelinde gesagt, ungewöhnlich. Das
dröhnminimalistische, wie gesummte ‚In memoriam ESTEBAN GOMEZ (quartet)‘(1963) kreist um jenen Kapitän des Magellan, der 1520 vor Kap Horn desertierteund für Ashley eine soziopolitische Entscheidung repräsentiert, die der musikhistorischen Quartettform entspricht (I don‘t understand that). ‚She Was a Visitor‘(1967) ist ein A-capella-Stück, bei dem ein Sprecher ständig den eponymosenSatz wiederholt, von kleinen Chorgruppen umzischt und umraunt, die willkürlich
Phoneme dieses Satzes herauspicken. ‚Outcome inevitable‘ (1991) wiederum reiht
solistische Statements, die von dunklem Pochen begleitet werden, während die
Viola unbeirrt einen monoton ‚gegeigten‘ Basso continuo dazu schraffiert. Ashleywar 1983 - neben Cage, Glass & Meredith Monk - einer der vier Protagonisten vonPeter Greenaways Four American Composers, einer weiteren Schraubendrehungdes Close-the-Gap-Postmodernismus. In der Rezeption wurde versucht, Ashley &Cos ‚humoristische, ironische und spirituelle Kraft‘ als ‚Amerikanisch‘ gegen‚europäische Strenge und Melancholie‘ (De:Bug) auszuspielen. Dabei hat Greenaway sein Faible für Minimalismus à la Nyman und Mertens nur mit Kontext hinterfüttert, der heute allenfalls als Modewahn, wenn auch internationalen Zuschnitts,
für 70er-Jahre-Käse steht. Was das Ohr für Prosaik und Alltagsbezug angeht,
sucht Ashley freilich Seinesgleichen und findet sie tatsächlich bei Landsleuten
wie Ives und Partch. Ashley selbst deutet an, warum das so ist. In other words, anidea that could be expressed in Europe in an art form had to take a social or political form in America, because there was no art in America.
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ANGEL Kalmukia (Editions Mego, eMEGO087): Der Wechsel
von Dirk Dresselhaus, Hildur Gudnadottir & Ilpo Väisänen vonOral, wo 2006 der Livemitschnitt In Transmediale erschienen
ist, zu Mego leuchtet ein. Denn Mego ist spätestens mit KTL
eine der ersten Adressen für dröhnminimalistisches Brainstorming geworden. Der Science-Fiction-Soundtrackcharakter
des Angelnoise hat sich verdichtet zu einem Epos, das nicht
am Kaspischen Meer zu spielen scheint, sondern out there.
Auf einem winzigen Planeten, den die Ankömmlinge wegenseiner Wüst- und Magerheit sarkastisch den irdischen Nameneiner Republik der einstigen Russischen Föderation gegeben
haben. Das Abenteuer der Explorer beginnt mit dem Fund von‚Bones in the Sand‘, der Entdeckung einer Kalmukia-Kultur.
Die folgende Invasion stößt auf Schwierigkeiten, Tests führen
zu unguten Ergebnissen, dem Alarm folgt die Katastrophe. Der
Epilog heißt ominös: ‚Aftermath: The Mutation‘. Was im Zeitraffer nach einem SF-Plot klingt, wellt sich in Wirklichkeit wie
Sanddünen. Die wüste und scheinbar leere Landschaft, die als
Gitarrendrone sich von Horizont zu Horizont hinbreitet, verschluckt jedes Zeitgefühl. Das Lost-In-Hildurness-Cello bleicht
im Sand wie weiß polierte Knochen, wie der Trauerrand einerabgestorbenen Zivilisation. Das Cello verstummt und der Wind
spielt ein Schlagzeugsolo. Mit dem Cello erwacht auch dasverborgene Kalmukia wíeder, wird spürbar als Verzerrung und
Dissonanz. Wellen bekommen Sägezähne oder stechen. Die
ganze Landschaft beginnt wie eine gigantische Cellosaite zu
surren. Als ob etwas Riesiges erwachen würde, dessen Hautzu beben anfängt. Danach ist nichts mehr wie es war. Die Luft
ist erfüllt von dongenden und scheppernden Glocken, über die
Wüste rauscht eine Meeresbrandung, alles gerät in Wallung
und blüht auf. Die Bewässerungsstrategen im irdischen Kalmückien waren leider keine Engel.
AUTISTICI Volume Objects (12k 1045): Wer mir unverblümt
andeutet, dass ich mich als unsensiblen Klotz betrachten sollte, falls mir das Feingefühl und Ohr für seine Delikatessen abgehn, weckt in mir schon aus Trotz eine Lust auf - Rock‘n‘Roll.
Autistici verspricht ‚Tiny Details - Abstract Ambiences & Broken Space‘. Und kommt bei Letzterem schon ins Stottern, weil
bei aller Abstraktionsverliebtheit der Nagel an der Wand vergessen wurde, um meine Mütze daran zu hängen. Der, waspersönliche Daten angeht, minimalistische Künstler in Stockport balanciert auf dem Grat zwischen den taktilen und narrativen Potenzen von Klängen und Geräuschen. Die Klänge bieten sich zum Greifen an, man meint sie erkennen zu können,als ‚Objekte‘, die in surrealen Kurzfilmen umeinander wirbeln,sich zu abenteuerlichen Bilderfolgen fügen. Aber dann bleibt
doch vieles vage, unlesbar, alle Suggestivität endet in nicht
entzifferbaren Rebusrätseln. Autistici mischt Instrumentalklangfitzel mit Materialtönen, Feldaufnahmen mit Electroneologismen. Aus Saiten baut er einen ‚White Cage for Tiny Birds‘
oder eine zerknitterte Melodie (‚Broken Guitar, Discarded
Violin‘). Die Welt ist miniaturisiert zu einer perkussiven Spielfläche für vielgliedrige Perkussionisten, Dröhner und Rumorer.
Manchmal scheint das Material selbst zu ‚arbeiten‘, Knistern
und Knacken fügen sich zum Schreibmaschinendiktat(‚Heated Dust on a Sunlit Window‘). Es gibt Geistermädchenstimmen und sanftes Gedonge in den schwächeren Momenten
und ein hin und her sausendes Moped, Schnarchen, Geblubber und pischenden Sprühregen in den launigeren. Taylor
Deupree hat schöne Schwarzweißfotos dazu gemacht. Typisch 12k.
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HAN BENNINK & TERRIE EX
Zeng! (Terp Records, terp IS-13):
Ein Heimspiel, wie schon The Laughing Owl (2000). Zwei kongeniale
Temperamente, beide mit Zaanstreek-Hintergrund, die nichts voneinem Generationenkonflikt wissen
und nichts von ‚Hie Plinkplonk‘ - ‚Hie
ExPunk‘. Bennink (*1942), der freilichauchselbstschon
als‚ÜberPunk‘ tituliert wurde, tut das,
was er am meisten liebt, scheppern,
rappeln, dem Trommeläffchen Zucker geben. Terrie Hessels (*1954)
schrappelt seine Gitarre nicht alsrockistische Streitaxt, sondern als
Drahtharfe, von der er skrupelhaft
Geräusche kratzt, schabt, wringt.
Es gibt ein Video von der Session,
das zeigt, wie er sich in die Sachehinein kniet, wie er unruhg hin und
her tigert. Er spielt mit dem ganzen
Körper. Benninks Erfahrungen mit
Bailey und Chadbourne basierten
auf einem anderen Rapport. Die Interaktionen sind nie vordergründig,
selten reaktiv. Die beiden scheinenüber Bande zu kommunizieren,wenn sie um gegenstrebige Fügungen ringen. Ex lässt sich nicht zu
simplen Lösungen anstiften, selbst
wenn Bennink seine ‚verführerischen‘ Rolls und Shuffles aus den
Handgelenken schüttelt (‚Hortsik‘,‚Suerk‘). ‚Mit ‚Shelly‘ verbeugt ersich eifrig beselnd vor Shelly Manne, wer ihn kennt, weiß, dass da keine Ironie im Spiel ist. Der Witz bei
Bennink ist, dass er seinen Spielraum nach allen Möglichkeiten abklopft, ohne die Erdung in Märschenoder sonstigem populären Tamtam
preiszugeben. Ex zeigt sich als neophytischer Plinkplonker, der die Saiten durchwegs nur beknurscht, beknarzt, ihnen splittrige Triller undquicke Kürzel entlockt. Bennink
sieht das sein Leben lang weit lockerer und polyglotter, ‚Two Bruised Ribs‘ beginnt er afrikanisch, bevor er à la Lytton um sich tokt odereinen Mundharmonika-Blues andeutet. Gewidmet ist Zeng! dem Andenken von Mohammed Jimmy Mohammed (1958-2006), dem blindenäthiopischen Sänger, für den Bennink 2005 auf dessen Europareise
getrommelt hat.

BERSARIN QUARTETT Bersarin Quartett (Lidar
Productions, LIDAR002): Die Spur führt hier nach
Münster, nicht auf den Arbeitstisch von Prof. Boerne, sondern zu einem lebendigen Zeitgenossen names - hm - Jean-Michel, eigentlich Thomas Bücker.
Dessen Phantasie kreist um den Geist eines 1945 in
Berlin mit dem Motorad tödlich verunglückten Kommunisten. Während er als Jean-Michel nervöse
Shoegaze-Electronica programmiert, tagträumt ersich als virtuelles Quartett nach ‚St. Petersburg‘ undin Herbst- und Winterlandschaften (‚Oktober‘, ‚Eskann nicht ewig Winter sein‘). Es erklingen zwar
Geigen und ein Piano, allerdings nur als Simulacrum. Das Feeling ist von Tristesse angehaucht,
die Stimmung wie von Raureif überzogen. Da sich
mit Oktoberrevolution oder Kalter Krieg heute weder Nostalgie noch Beklemmung anstoßen lassen,steuern die Downbeats und elektronischen Nebelschwaden die Imagination hier nur in NighthawkBars, einsame U-Bahnstationen, weg von Münster.
Leere Blicke auf ein ödes Einerlei füllen sich mit
Schwermut und Überdruss. Aber wer liest heutenoch Russen? Was das Bersarin Quartett ausbreitet, sind eben keine ‚Geschichten von Interesse‘,sondern Seelenlandschaften der Posthistoire. Als
Landschaften russisch weit oder finnisch öde, als
gefühlte Landschaft ein allgegenwärtiges Hier.
Klänge wie hoch geschlagene Mantelkrägen, eine
Melancholie, wie sie Gavin Bryars repetitive Kammermusik evoziert. Alles stagniert - ‚Und die Welt
steht still‘ - und dröhnt, von Geigen und zarten Bläsern eingelullt. Mit ‚Die Dinge sind nie so wie siesind‘ beginnt die Wende, irritierende Breaks, Vogelgezwitscher, animiertes Drumming. Soeben noch
‚Nachtblind‘, setzt das Prinzip Hoffnung den Hebelan - ‚Es kann nicht ewig...‘. Jazziges Beseln gibt sichstoisch, kaum hat man ein Ziel, ist man auch schon
dort (‚Endlich am Ziel‘). Die Streicher bekommen ihren zweiten Frühling, es geht noch langsam, aberes geht, mit hohem Gitarrenklang und aufgeregt tuenden Geigen. ‚Mehr als alles andere‘ nimmt die
Beine unter den Arm und erreicht eine Kreuzung.
Auf einem Pfeil steht ‚Alle Richtungen‘, die andere
Straße führt nach ‚Dort-‘ (Rest unleserlich).

60

M.B. + E.D.A. Regolelettroniche (Baskaru, karu:8): M.B.
steht für den vor 10 Jahren als sanfter Dröhnminimalist
wiedergeborenen Ex-Industrialisten Maurizio Bianchi,
E.D.A. für Emanuela De Angelis, seine exakt 20 Jahre
jüngere Landsfrau aus Pescara. In den 90ern Sängerin& Gitarristin von Joyce Whore Not und anschließend mit
dem Sweet-new-glitch-Projekt Mou, Lips! aktiv, scheint
ihr Appetit auf Normabweichung ungestillt. Umso erstaunlicher, dass sie mit M.B. sich gleich vierfach Fesseln anlegt - Prinzip, Normen, Ordnung & Regeln, angewandt auf irdische, kosmische, universale und elektronische Seinsweisen. Daraus resultieren als Bewegungsform Loops, spiraliges Rauschen, Drones, die sich wie
Raupen voran schieben - Strecken, Rücken wölben, Hinterteil nachziehen, ad infinitum. Loops & Waves verbinden sich nach ‚rulelectronischen‘ Formeln mit Drones &Re-Echoings zu Mantras, die in ihrer automatenhaften,
geradezu kosmischen Monotonie eher irritieren als beruhigen. Ist Demut die Fähigkeit, ständige Demütigung
klaglos zu ertragen? Oder die Gleichmut, das, was nichtzu ändern ist, unaufgeregt durch sich hindurch strömen
zu lassen? Wenn die Raupe weit genug in den Kosmos
hinaus gekrochen ist, wird es unvermutet stiller, lichterund sogar die Halluzination einer teleologischen Melodiösität stellt sich ein. Das Universum pulsiert und vibriert, mit etwas Phantasie könnte man sogar sagen,singt unordentlicher als es sich für eine Ordnung gehört. Selbst Blitze oder Peitschenschläge ändern darannichts. Ausgerechnet bei ‚Electronic Rules‘ setzt Unruhe
ein und es umkreist einen minutenlang das Flüstern einer Frauenstimme, ein Lockruf, eine Mahnung, die sicheinfach nicht entziffern lässt.
BLACK ENGINE Ku Klux Klowns (Wallace Records, wallace88): Es
hat etwas gedauert, bis ich in die Finsternis dieser Musik eintauchen
konnte, die schwärzer als eine Teergrube ist, in der die Mafia ihre
Leichen entsorgt. Das italienische Jazzcore-Trio ZU, Massimo Pupillo
am Bass, Jacopo Battaglia an den Drums & Luca Mai am Baritonsaxophon, verstärkt mit Eraldo Bernocchi an der Gitarre, ist die Quelledieser Finsternis. Mit aller Macht wüten sie gegen die Clowns im
Rampenlicht, die dafür sorgen, dass die Wirklichkeit aus den Fugen
ist und Schwarz und Weiß unter den Augen eines impotenten Gottes
die Rollen tauschen. Hier werden die Leichen ausgegraben und vor
die Haustür der Killer abgelegt. Selbst wenn man ZU kennt, als Feuerteufel an der Seite von The Thing etwa, überrumpelt einen die
Knurrigkeit, mit der sie hier an der Knochenmühle kurbeln. Pupillo
macht einen Höllenlärm, fuzzig und verzerrt und mit Haifischzahnfrequenzen, die an den Nerven zerren. Bernocchi knüpft an seine
Vergangenheit bei Sigillum S und Apocalypse Fanfare an, als er sichAshes nannte und mit Mick Harris rumorte, an die Neigung, sich überAbgründe zu beugen, die er in Equations Of Eternity und Charged
dann sublimiert hat, wenn auch nicht suspendiert. ‚Mene Tekel Peres‘ und ‚Controversy Over The East Bank‘ zeigen mit dem Finger in
den Nahen Osten und klingen wie das Biest, das in Yeats ‚The Second Coming‘ slouches towards Bethlehem to be born. Things fallapart; the centre cannot hold; Mere anarchy is loosed upon theworld, The blood-dimmed tide is loosed, and everywhere The ceremony of innocence is drowned; The best lack all conviction, while
the worst Are full of passionate intensity. Black Engine trommelt undröhrt und schrillt mit Überzeugung, Leidenschaft und Intensität ein
vehementes Contra, ein gebrülltes Veto gegen die Kacke, die ausden Ärschen von Berlusconi & Co. dampft.
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CENTENAIRE Centenaire (Chief Inspector, CHIN200712): Damien Mingus (MyJazzy Child) + Aurélien Poitier + Axel Monneau (Orval Carlos Sibelius) + Stéphane
Laporte (Domotic) = Centenaire, ein Chamberpop-Quartett, das mit dem surrealen,
sepiabraunen Artwork von Vesolt neugierig macht und kaum zuviel verspricht. Leider trifft Mingus mit seinem gehauchten Schmuseton allenfalls den Geschmack
kuscheliger Gemüter, denen dann die aufwändigen Arrangements für Gitarre, Organ, Cello, Klarinette, Charango, Percussion und Metalophon Stirnrunzeln verursachen. Da ist allerhand Knowhow und Detailverliebtheit eingeflossen in diese Lovesongs und Fantasies, die mit Zutaten liebäugeln, die über Popverhältnisse hinaus
gehn. Statt ‚barock‘ und ‚progressive‘ würde ich es lieber ‚manieristisch‘ und‚sophisticated‘ nennen, was die vier Franzosen da mit Postrockfinesse aus sorgfältig zisellierten Repetitionen und liebevoll gefärbten Webmustern zusammen brauten. Die von Pet Sounds-Zitzen gesäugten und mit White Album-Pillen aufgepäppelten Frischlinge versuchen, welterfahren und erwachsen zu wirken - ‚Heavy foreveryone‘. Bei ‚Dress‘ ziehen sie die Mädels schon mit den Augen aus (When you
undress, I will meesbehave). ‚Take me Home‘ und ‚Riverside‘ werden, wenn ich
nicht irre, von Monneau angestimmt und lassen mich bedauern, dass er nicht
durchwegs ans Mikrophon durfte. Dass Centenaire Robert Wyatt und dem Penguin
Cafe Orchestra nacheifern, spricht für sie und für sich.
COLD READING TRIO Life of Ghost (Form Function Records, ƒ(F)0701): Drei
neue Namen und ‚Soundpainting‘, die von Walter Thompson entwickelte Conductionvariante, als gemeinsames Faible. Denn der Laptopper Christian Pincock und
der Keyboarder & Akkordeonist Evan Mazunik agieren auch im NYSPO und in ZAHA, einem Soundpaintingderivat, dem Mazunik als Kapellmeister Eisler vorsteht,
wenn der Bach-, Monk- & Cardew-Fan und Urbikulturalist nicht als Music Director
der Resurrection Presbyterian Church in Williamsburg, Brooklyn fungiert, während
Pincock ebenfalls mit den Brooklyn und New Blood Soundpainting Orchestras das
NY-Audiotop besprayt, mit Cadmium Lace skronkt oder mit el acou junk Schrottplatzflamencos erfindet. Dritter Mann ist der ebenfalls NYSPO-erprobte JohnO‘Brien an Drums & Percussion, der den Gegenpol bildet zu Pincocks MAX/MSPSoundprocessing und Samples. Klänge treffen auf ihre zermorphten, zerhäckselten Echos und Found Sounds. Die Klangbilder ähneln, wenn Pincock seinen Laptop
auf maximale Fressgier einstellt, denen von FURT. Gegen das Verdautwerden unddas elektronische Clonen sträuben sich das Akkordeon durch melancholische Lyrismen und Atemyoga, O‘Brien durch Stricknadelgerappel, Gepolter und Gekratze,
an dem sich MAX die Zähne ausbeißt. Mazunik wirft als poetischer Wanderer viele
Schatten, bleibt aber unbeirrt die stoische Seele, die im Ungewissen Fassung bewahrt, ein Saluzzi über den Abgründen. Wechselt er, nach dem ganz perkussiven‚Raven Steals the Sun‘ ohne ihn, für ‚Rub-a-Dub‘ zur Augustus-Pablo-Melodica, wird
der Ton zittriger und bedrängter, greift er zum Keyboard, beginnen Wellen zu mäandern, die O‘Brien unter Dauerbeschuss nimmt, oder es hinkt ein Piano aus derHintertür der L’Auberge Ravoux, dem ein Ohr fehlt (‚Auvers-sur-Oise‘).
ECFA Der Wald (Pull The String Records, CD-R): Der Tenorsaxophonist Carl Smith
bleibt der Sprache seiner Vorfahren treu und tauft in Austin, TX, seine Musik weiterhin mit Namen wie ‚Ergeben‘, ‚Wuhletal‘ oder ‚Adlershof‘. Im Trio mit dem Sopranosaxophonisten Holland Hopson und J. Friedrich an den Drums wechselt er
zwischen komponierten und improvisierten Stücken, zeigt mit ‚Friedrichsfelde‘sein solistisches Geschick und mit ‚Kleine Widerhallen‘ und ‚Kleine Tanz‘ hat er eigenwillige Stücke für Saxophonduo im Programm. Wenn er ‚Ergeben‘ an Eric Dolphy adressiert und mit ‚The Retreat‘ ein Stück von Steve Lacy anstimmt, erweist er
der Tradition Referenz, wobei Lacy auch in ECFAs Musik widerhallt. ‚Aspects of the
dream‘ ist als Hommage an Bobby Jaspar (1926-63) geschrieben, einem belgischen Tenorsaxophonisten auf Lester-Young- & Stan-Getz-Spuren. Smith macht
kein Hehl daraus, dass auch er selbst einen bedachten und unterkühlten Ansatz
bevorzugt. Mit ‚Schygullplatz‘ bekennt er sich zu einer Schwäche für Hanna
Schygulla, oder die Lili Marleen, die sie verkörperte? Friedrich arbeitet gern mit
Snare- und Tom-Tom-Rolls, seine Beats klingen mehr nach dem Schlagzeug selbst,
als nach verfeinertem Jazz. Die Finessen liefern die beiden sich umeinander
schlängelnden Bläser, die ohne Vibrato und Espressivo luftig und liquid dem Geist
der Schwere spotten.
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FERNÁNDEZ - PARKER - G U Y - LYTTONTopas (Maya Recordings, MCD0701): Aurora + Zafiro = Topas? Weit gefehlt. Als der
Aurora-Pianist Agustí Fernández das Zafiro-Trio Evan Parker-Barry Guy-Paul Lytton
am Tag nach deren Konzert am 26.3.2006
ebenfalls im L‘Auditori, Barcelona, zum
Quartett erweiterte, verwandelte er sich ineinen Abstrakten Expressionisten, der seine zarten Sonnenaufgangs-Impressionen
mit Pollock‘schen Spritzern übermalte.
Während Guy seinen Bass einmal mehrzum Florettduell forderte, Lytton im Besteckkasten fieberhaft nach dem perfekten
Instrument kramte, um die Schmisse zu
verarzten und Parker drängend aus dem
vorletzten Loch pfiff, bekrabbelte und beharfte der Katalane die Pianosaiten, weil
das nun mal zu finessenreichem PlinkPlonkdazu gehört. Dann blinkte er mal einige
weiße
oder
beclusterte
haufenweise
schwarze Tasten und Lytton streute wie
manisch Sand über seine mit panischer Feder gekritzelten Eildepeschen. Wie Nietzsches so genannte Wahnsinnszettel ist
eine an den Mond über Barcelona gerichtet, eine andere an den Geist Peter Kowalds. ‚Still Listening‘, ein Duett von Lytton
und Fernández, beschwört realiter dieschon lange nicht mehr zufällige Begegnung von Nähnadeln und Drähten auf einem Operationstisch. Ein toter Esel kennt
keinen Schmerz. Nur ich schwanke zwischen Überdruss und fasziniertem Ekel vor
soviel Bart, der sich bei ‚Inner Silence‘
auch noch andächtig denselben streicht.
KAZUMASAHASHIMOTO
Euphoriam(Noble CXCA-1222): Wenn ein harmloser
Schmetterlingsfänger und Weltinnenraumdekorateur als ‚magical alchemist of sound‘
angepriesen wird, dann muss ich von 5möglichen *** allein schon 13 Punkte für
Unverschämtheitabziehen.
Hashimotosingt Englisch, klimpert Piano und Klavier,geigt, flötet, shuffelt und vogelpiepst Popsongs von gezierter Kunstgewerblichkeit.
Die Stimmen - bei einigen Stücken hört man
die Labelkollegin Gutevolk - sind meist
leicht vocoderverzerrt, der Anstrich vonNaivität und Unschuld verdankt sich wohlauch dem Hintergedanken, mit Haruomi
Hosono oder Pascal Comelade in einem
Atemzug genannt zu werden. Letzteres ist
dem Popper in Tokyo gelungen. Ansonsten
kann ich nur den Eindruck unterstreichen,den sein Debut Yupi (-> BA 42) und Gllia (->BA 50) auf mich machten, Dekostoff, Transusigkeit, eloieske Anämie.

JACKIE-O MOTHERFUCKER Valley of Fire
(Textile Records, TCD16): Ist das noch Freakfolk, wenn Tom Greenwood und seine Mitmütter zum Auftakt mit ‚Sing‘ die Can-Fackel
schwenken und danach den Beach-BoysBaumsterb-Blues ‚A Day In The Life Of A
Tree‘ von Surf‘s Up covern? Oder wird andersrum ein aufgeblasener Schuh daraus,
dass nämlich Freak Folk nichts anderes ist
als ein Etikett genau für solche Manierismen,
für das Mischen von Widersprüchlichkeiten,das Verpintschern von allem Möglichen. Wobei ‚The Tree‘ und vorher schon das Titelstück sich tatsächlich pseudofolkloristischgeben, mit Klampfe und knorrigem Americana-Crooning von den schneeigen Bergen, allerdings ersteres elektronisch verzwitschertund überdröhnt und letzteres eben als kalifornischer Bankert. Greenwood singt wie einzweiter Bonnie ‚Prince‘ Billy und daran, dasser Folk-Magus Harry Smith verehrt, lassen Titel wie Alchemy - Fuck to Gold und The Magick Fire Music keinen Zweifel. Dem krautigpsychedelischen Auftakt gibt Eva Salensdurch Spoken-Word-Deklamationen einen
Anstrich von Predigt und Message, aber eher
irritierend dilettantisch, als hirnwäscherisch.
Ich bin versucht, es einen unbeabsichtigten
V-Effekt zu nennen. Der wahre Höhepunkt
kommt dann mit dem 20-min. ‚We Are Channel Zero‘, einem hirnverbrannten Psychedelic-Trip mit verhalltem Vocalizing, bassigem
Dröhnmulm und monotonem Gitarrenstillstand, so dass hauptsächlich das tockende
Drumming für Bewegung sorgt. Noisige Einsprengsel und Ringelreinsingsang rücken
JOMF hier in eine Seelenverwandtschaft mit
Crystal Belle Scrodd/NWW. Sopranosaxsoundbohrt sich wie eine Freaker-Pipe in Candyland durch ein sinnverwirrendes Charivari
aus rituellem Geklöppel und Hexeneinmaleins, das wie Bandersnatch durch den Krautdunst schlumpt. Bis die gabben Schweisel
frieben.
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JAMES CHOICE ORCHESTRA Live at Moers (Moers Music
03020): Ein 20-köpfiges Orchester ist ein gefundenes Fressen
für jeden Komponisten, kein Wunder, dass gleich vier Leader
sich diesen Kölner Cuttle-Fish teilen in seiner leviathanschen
Pracht mit Trompeten, Posaunen, Tuba (Melvin Poore), Saxo- KAPITAL BAND 1 Playing
phonen, Klarinetten, Violine, Cello, Kontrabass, Piano, Vibra- By Numbers (Mosz, Mosz
phon, Synthesizer (Thomas Lehn), Gitarre (Scott Fields), 017): Drums, Vibraphon,Drumms und sogar Stimmen (Barbara Schachtner & Isis Marimba, Cello und GitarKrüger). Der Name kippelt zwischen Chance und Joyce, bis re, dazu eine Flöte, Martin
die ersten Stringtöne von Carl Ludwig Hübschs ‚Floating Frag- Brandlmayr und Nicholas
ments‘ erklingen, die 2005 Moers in Donaueschingen einge- Bussmann setzen den Akmeinden. Wenn dann noch die Bläser roaratorisch dazwi- zent diesmal stärker auf
akustischen
Seite,
schen funken und schnattern, nimmt die Welt definitiv Kontu- derren und Farben an wie durch den Boden einer Whiskeyflasche ohne die elektronische zu
Malenbelinst. Solche Musica Nova hat man in Moers wohl selten zu vernachlässigen.
Ohren bekommen, maximalistisches Schnedderedeng, ohne nach Zahlen passt als MeScheu vor centipede‘schem Furor, mit eingestreuten Mätz- tapher insofern, dass gechen à la Ligeti und Lachenmann, die zusammen mit Plink- naue Kolorierungen vorgeplonk (Sebastian Gramss) daher kommen wie die Drei von der nommen werden, aber ReTankstelle im Zirkus. Die anschließenden ‚Berichte aus der petitionen und Verschieneuen Stadt‘ von Norbert Stein scheinen nur wenige Takte bungen an vorgefertigtelang impressionistisch gepolt, dann setzt ebenfalls die Blä- Muster denken lassen, an
serwucht ein, aus der sich eine Sopranstimme löst, die einen Material, das zu einer
Bericht an die Akademie zickt. Dazu quietscht das Orchester Schablone gehört. Die Äsder vonerst aus allen Rohren und Synthesizern und versucht dann thetik ähnelt
Projekten
bieder und beruhigend auf den Rohrspatz einzuwirken. Der Brandlmayrs
verstummt tatsächlich, Gelegenheit für Fiedler und Faucher, Trapist oder Radian. Nicht
sich ihrerseits zu echauffieren, gefolgt von einem jazzigen so beim Mittelstück dieses
Piano-Trio, das wie Geister aus der Moers-Vergangenheit auf- nur knapp 33-minütigen
taucht, Posaune und Gitarre ansteckt und die Bigband zu ei- Dreiteilers, ‚Playing thenem schnittig zuckenden Finale animiert. Wuchtig setzt nun Night in Vienna‘. Da hört
Groß‚Choice III‘ ein, das Frank Gratkowski Thomas King gewidmet man nächtliches
hat. Gelegenheit für eine weitere Soprantirade mit Texten die- stadtgrundrauschen, Geses U.S.-indianischen Autors, diesmal in Pierrot Lunaire-Ma- wisper und Verkehrsgenier, eingebettet, ich wähle bewusst diesen kriegerischen räusche, dazu vorsichtige
Terminus, in zunehmend martialisch in alle Richtungen feu- Cellostriche. Noch ist es
ernde Tutti. Die Stimmen murmeln, singsangen, das Orchester nicht spät genug, um zu eimacht sich dafür jetzt ganz transparent, lässt sich aber von ner
High-Fidelity-StadtTrompete und Schlagzeug gern in einen rockigen Swing ver- landschaft
aufzuklären,setzen, der sich überlappend eindickt zu einer Fire-Music-Ka- wenn das in Wien je derkophonie, die abrupt vollbremst. Violine und Klarinette und Fall ist. Wieder kann man
eine deklamierende Sprechstimme tüpfeln durcheinander, an Pinselstriche denken,
weitere pointillistische Klangpunkte kommen hinzu, rauschen jedoch diesmal in Dunkelauf, zerfransen wieder zu geräuschhaften Schmierern und grau und Nachtblau. Dann
Spritzern, zu denen wieder Pierrot Lunaire- und Kunstliedähn- beginnt auch das Schlagliches ertönt und eine prosaische Rezitation, von Vibraphon zeug zu flirren, ohne dasumklimpert. Die letzten 6 Minuten dieses Halbstünders tasten Schläfrige aufzuheben. Die
sich vorsichtig durch Geflüster und Schneegestöber voran, Stadt scheint zu atmen,
Haltetöne malen einen grauweißen Horizont, zarte Bläser set- wie Meeresbrandung, die
zen einen elegischen - Punkt wäre fast zuviel gesagt. Bleibt sich langsam hebt undnoch ‚Manico con la mia‘ von Matthias Schubert, in dem sich senkt. In der Ferne läuft
Musikalisches, Visuell-Tänzerisches und Vokales mischt. An- Musik. Der Prater in the
fänglich hört man nur gedämpfte Ursuppe köcheln, dann wer- Dark? Die abschließende
den Schnarch- und Schnieflaute deutlich, ein A und noch ein Singsang-Litanei ‚Counting
A, Zischen und alberne Floskeln als V-Effekte gegen Kunstan- the Waves‘ ist Nam Junedacht. Dann launige, groteske Sprengsel, bis das Orchester Paik und Vashti Bunyan
doch noch zu harmonieren beginnt. Doch die beiden Stimmen gewidmet und, obwohl mit
stinken mit Geplärr weiter gegen die Kunstwelt an, die sich als ihrem monotonen Pochen
Zirkus und inszenierter Zickenalarm selber auf die Schippe und dezenter Percussion
nimmt. Brrr. Naja, Herr Schubert, vielleicht gibt es ja Kasseler der simpelste Part, doch
Humor analog zu Gelsenkirchener Barock? Die Zugabe als der eindrücklichste.
Rausschmeißer.
64seltener Schnappschuss des Phantoms Xentos Bentos

FELIX KUBIN UND DAS MINERALORCHESTERMusic For Theatre and Radio Play (Dekorder 022):
Eine kleine Sammlung von funktionalen Musiken aus‚Zufall‘, einem 2003 von Branco Simic inszenierten
Theaterstück nach einer Kurzgeschichte von Vladimir
Nabokov, aus ‚Hollywood Elegien‘, Schorsch Kameruns 2002er Inszenierung des Brecht/Eisler-Liederzyklus, und aus ‚The Raft‘ (2006), einem Hörspiel von
Xentos Bentos, bei dem Kubins Coolhaven-Partner
Lukas Simonis Regie führte. Ich widerstehe der Versuchung, das Mineralorchester als ein ‚stilles‘ oder‚schales‘ Wasser zu befrotzeln, muss aber eingestehen, dass ich nicht in der Lage bin, hier Esquivelsche,
Morriconeske oder Badalamentiöse Pracht anders als
in homöopathischer Verdünnung herauszuhören. Kubins Stärke ist seine ungenierte ‚billige Künstlichkeit‘,
der raue Charme seines popeligen Mondschein-PopHausbrands. Kaufhauselektronik und Alleinunterhalteridiosynkrasien, die sich nicht an volkstümliche
Zombiewünsche verschwenden. Käsekeyboards undDrummachine und eine klapprige, windige B-MovieOrchestralität, ‚abgenutzte Klänge‘ (Eisler) aus Tagtraumspeichern, sind näher bei der Sky-Trilogie vonAsmus Tietchens und Das Zeitzeichenorchester als
bei irgendwelchen Zeichen der Zeit. Wer möchte die
Hand dafür ins Feuer legen, dass ‚Hollywood‘ von Ironie (‚amerikanisch‘) statt Melancholie (‚europäisch‘)
getränkt ist? Kubins Zeitmaschine ist gern out of joint,
euphorisch überdreht bei der Eisleresken ‚Fischrevue‘, im nächsten Moment ‚Am Pool‘ mit einer
McCarthy-Vorladung in der Hand und als Enemy Alien
auf einem Floß ausgesetzt. The rat men accused meof not liking stench, of not liking garbage, of not liking
their squeals, of not liking to eat dirt. Mit ca. 20 Minuten nimmt die Hörspielmusik zu Xentos Bentos (akaAmos von The Homosexuals) exciting action-thriller
with unmistakably squirmy undertones den breitesten
Raum ein, wobei die Gitarre von Viktor Marck die Akzente setzt, bevor ‚The Miraculous Revue‘ ein Happy
End wie ein Karnickel aus dem Hut zieht.
65

THE LADYBUG TRANSISTOR
Can‘t Wait Another Day (Fortuna
Pop!, FPOP75): Meine Erstbekanntschaft mit der mit Superlativen in den 7. Pophimmel gejubelten Brooklyner Band um den Warbler Gary Olson macht mir wieder
mal bewusst, dass ich die Popwelt
nicht verstehe. Zugegeben, Olson
hat eine Stimme wie dreilagiges
Klopapier und betreibt mit seiner
Schmuseband einigen Aufwand,um Kuschelrock- und Nostalgiegelüste zu bedienen. Neben Jinglejangle-Indiegitarrensongs
steigt durch Rhodes- & Hammondgeorgel feiner Käseduft in die Nase, dazu lassen eine Geige oder
Viola hier, ein Cello da, mal einmürber Trompetenton und zum
Auftakt und beim Finale sogar das
Saxophon von Roy Nathanson einen vom luxuriösen Tin-Pan-AlleyPop der Golden Years of Kitsch
träumen. ‚Terry‘ zieht für ein bisschen Liebeskummer schamlos die
Register von Bobby Goldsboros‚Honey‘ und Olson schreckt auchnicht davor zurück, den Namen
Doris Day in den Mund zu nehmen.
Lost Love, lost dogs, Ferien zuende, das sind die wahren Sorgen,nicht Kathrinas Verwüstungen.
Nicht nur ‚Broken Links‘ klaut bei
Bacharach, als ob Diebstahl zum
guten Ton der neuen Zeit gehörte.
Man gibt sich wieder ungeniert
adult-oriented und sülzt, als ob es
nur noch neoliberale Bobos undkesse
Bausparkassenwerbung,ach, als ob es wieder eine Zukunft
gäbe, wenn man sie nur den gemütvollen Spießern anvertraut.

MANPACK VARIANT Sticky Wickets (Digitalis Recordings,
digi047): Der eine in diesem Brooklyner Duo ist der vonPeeesseye und Phantom Limb & Bison bekannte Jaime Fennelly. Der andere, Chris Peck, stammt aus Michigan und spielt neben Projekten wie Listening Music for the Age of Crystal Moon
Cone und dem Brooklyn Adult Recorder Choir auch in Wrasses
mit Chris Forsyth, womit sich der Kreis zu Peeesseye schließt.
Sticky Wickets ist eine elektronische und noisige Angelegenheit. Als ob eine kunstbeflissene Klientel bedient werden soll,zu deren Distinktion Ästhetiken des Unbehagens und desHässlichen nicht unbehaglich und hässlich genug sein können.
Speziell das 21-min. ‚Matted Fur‘ hat den Erlebniswert einer alten Fußmatte. Die filzig-schäbige Wiederkehr des Immergleichen, knurschiger Grus als dreckiger, bröseliger Fond, darüber scharren Schuhsohlen als monoton wiederholtes Ad infinitum, fertig ist die perfekte Dubuffet-Granulation oder ein Großes Graues Bild von Tapies, die aufgerichtet mit gefühlten 4 x
5 m nichts weniger als Erhabenheit ausstrahlen. Zuvor hatte‚Flash Pumper‘ eine krachige Postkarte aus Infernalia geschickt. ‚Nice Face‘ schneidet danach Grimassen mit bis zu
den Ohren geschlitzten Mundwinkeln und ist so nett wie derAnblick von Elizabeth Short. ‚AC Ferries‘ beginnt als leises
Grundwummern, nach 2 1/2 Minuten setzt plötzlich ein pulsierender Alarm ein, der in einen verzerrten Riff übergeht, sichverstärkt, scharrend verdichtet und verklumpt. Quäkiger
Kleinmädchensingsang (It‘s a beautiful day, schubidu?) setzt
dem Ganzen die nicht geheure Krone auf. Als Finale dann‚Heartstream‘, ein bohrendes Trillern und Stechen und Dröhnen, zunehmend offensiv, flattrig und schrill zirpend. Ein klirrig
orgelnder und fauchender, fast hubschraubender Loop setzt
ein und hält minutenlang durch, bis er doch abreißt und nur
das stechende Signal bleibt. Ein Ambiente, so gemütlich wie
Abu-Ghraib. Man duscht sich darin, schüttelt sich und fühlt
sich tough.
MATTIN Broken Subject (Free Software Series, FREE SS 04,
CD-R): Neben dem obligatorischen Aufdruck Anti-Copyrightgibt es nur noch die Information Performance: SC, PD, Jamin
Editing & Mastering: Ardour Distribution: Debian Realised in
Berlin July 2007. Zum Auftakt dieser 10 x 3:00 ertönt ein Großes Bratzeln und silbriges Bitzeln, das aber im zweiten 10tel
gleich noch giftigere Blasen blubbert und knarzt, gleichzeitig
Schwefelquelle und Starkstromkabeldefekt. Mattin dosiert den
Krach so, dass stille Passagen - das ganze dritte und weitgehend das neunte 10tel - den Wiedereinbruch des Infernalischen erneut schockhaft wirken lassen. Das vierte 10tel operiert gnadenlos mit diesem Wackelkontakt, stabilisiert sich als
Dauergrummeln und beginnt wieder extrem zu bratzen. Jetzt
ein rieselndes Zischen, plastisch wie ein Strom von Sandkörnern, stechend gepitscht und wummernd überwölbt. Der Raumscheint aufgeraut, nicht mehr leere ‚Luft‘, vielmehr durch den
Einbruch der vierten Dimension von Drähten durchsponnen,
von Kristallen durchsplittert, von Molekülen durchbrodelt. Man
schneidet und stößt sich an dieser ‚Luft‘. Teil 7 ist ein durchgehendes Sieden, das von brodelnder Gewalt erfasst und demoliert wird, Teil 8 ein brausender Wasserfall, der donnernd
noch anschwillt, abreißt, in ein schrilles Trillern überwechselt.
Das letzte 10tel erfüllt heulender Sirenenalarm, flattrig loopend - Schnitt!! und Stille, die diesmal nur noch von Misstrauen
und brennenden Ohrwascheln erfüllt wird. It's by far the bestsolo Mattin release I heard, kommentiert FdW/Vital. Und der
hat wirklich Vieles gehört.
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MICO NONET The Marmalade Balloon (Mico Nonet Records, mn1001, CD /mn1002, 7“): Peace andHappiness for everyone,
Sweets und Luftballons ein
Leben lang? Das Mico Nonet in Philadelphia, PA, besetzt mit Instrumentalisten
des Philadelphia Orchestra und des Berlin Philharmonic, Carrie Dennis - Viola, Efe Baltacigil - Cello,Paul Lafollette - Horn, Katherine Needleman - Oboe,
vertraut der wohltuenden
Macht von Harmonie undSchönklang. Ihre Version
von ambienter LatenightKammermusik, in denen
spätromantische Tranquillo- und Lento-Passagen
anklingen ebenso wie Gavin Bryars After the Rebequiem-Minimalismus,
kommt ihren speziellen
Touch durch den Synthesizer von Joshua Lee Kramer. Kramer spielte bei
Matt Pond PA, als die nochin Philadelphia zuhausewaren, und zeigt hier, dasses ein Leben außerhalb
von Indierock gibt. Das
fünfköpfige Nonett lässt
dreizehn Ballons, alle in
Pastellfarben, am Sommerhimmel dahin driften.
Hängemattenträumerisch(‚Rüya‘, ‚Hammock‘), schläfrig (‚Uyku‘), auch melancholisch (‚Notturno‘) fließen die String-, Horn- undOboenklänge wie Honig,
mit zartem Schmelz, webend, aber nicht repetitiv,
evozieren sie Bilder vonziehenden
Kranichen(‚Crane‘)oder
Papierschiffchen (‚Paper Sailboat‘). Der ‚Maloja Pass‘
führt von Chiavenna nach
St. Moritz, während ‚Darana‘ in die Traumzeit der
Aborigines entführt. Nicht
meine Welt, aber was ist
schon meine Welt?

NADJA Radiance Of Shadows (Alien8Recordings, alien72): Wenn man Aidan Bakers Hinweisen folgt, in welchem Kontext er seine
Stichworte ‚fire‘ und ‚radiance‘ verstanden
wissen möchte - Shelley Jacksons Half Life,
Lydia Millers Oh Pure & Radiant Heart undAmerican Prometheus von Kai Bird & Martin
Sherwin - dann stößt man auf J. Robert Oppenheimer, drei weitere wiedergängerische‚Väter der Atombombe‘ und eine postatomare Zukunft, die von Siamesischen Zwillingen
als Strahlungsmutanten bevölkert wird. Musikalisch tritt Bakers Duo mit Leah Buckareff
drei Soundlawinen los, mit Gitarrendonnerund Basswolkenbruch, die wie von einem
Vulkanschlund ausgekotzt auf einen nieder
krachen. Für den obligatorischen Vergleich
mit Swans fehlt das rhythmische Element,
Nadjas Welt ist eine Dunkelwolke aus dark
ambienten Drones, brachialen Riffs undDrummachinegehämmer, die eher in derTradition von Earth und Godflesh bis
SunnO))) stehen, wobei die elementaren undarchaischen Assoziationen einen Dreh ins
Dystopische erfahren. Zermalmende Kräfte
werfen sich über Land, ihnen mythische Namen zu geben wie Vishnu oder Godzilla, sie
Blitz zu nennen oder Schatten, ist müßig. Baker nimmt die ultimative Transformation als
Folie für die Vision einer endlosen Kette präultimativer Verwandlungen - each time a cell
splits off we become a new flesh - a new self
into infinity. Also sprach der KalenderblattGuru. Der Sound spricht eine andere Sprache. Zu seiner Suggestivität gehört auch,dass er vom Übergang von ‚i have tasted thefire inside your mouth‘ zum Titelstück ausdünnt auf eine Keyboardlinie, DrummachineLeerlauf und stagnierende Rhythmusgitarre- bis mit VOLLER WUCHT wieder Vishnu zutanzen beginnt, innehält --- (Baker murmelt
seine ‚Radiance Of Shadows‘-Poesie) --- ERNEUT AUFSTAMPFT --- UND NUN UNBÄNDIGPLATT TRAMPELT, WAS IMMER DA SEIN MAG,
lustvoll grollend wie Cthulhu selbst.

THE NABOBS Nixon Is Dead? (Konnex Records, KCD 5190): Es gibt einige, die gern
auf der Beerdigung eines Präsidenten tanzen würden, der nicht Nixon heißt. Das pietätlose Quintett, das in Brooklyn die Köpfe
zusammensteckte, um Patriotismus ganz
anders zu definieren, formierte sich um
den Multisaxophonisten Blaise Siwula (TheSlam Trio etc.), der dazu den ihm vertrauten Drummer Ray Sage aufbot, der 2002
mit W.O.O. Revelator auch schon in Würzburg für Furore gesorgt hat, Wilbo Wrightam Bass und den Gitarristen Bruce Eisenbeil (Carnival Skin und weitere Releases
auf Nemu in Köln). Zudem stellte er den in
Weasel Walters Feuerstürmen gestählten
Wiener Mario Rechtern mit seinen auffrisierten Sopranino- & Altosaxsounds auf die
linke Flanke, um zusammen Tricky Dick keine Träne nachzuweinen. Gemeinsam legensie von zwei Seiten Feuer, Rechtern quecksilbrig spritzend und feuerteuflisch keckernd, Siwula rein akustisch, aber nicht
weniger hitzig. Dazwischen stöchert Eisenbeil mit zwei Schürhaken in der Glut, lässt
die Funken stieben, den Rost klirren. Beide
Bläser werden von Brötzmann-Fieber geschüttelt, klingen mit ihrem Sopranino- bzw.
Curved-Soprano-Gespotzeausnehmend
hartnäckig und bissig, lassen sich nicht abschütteln, wenn Mr. President noch so verärgert mit den Beinen schlenkert. Freiheitstrunkener, überkandidelter Cyberbebop, halsüberkopf, und Sage schaufelt mit
Hölleneifer immerzu Zündstoff nach, um als‚Nattering Nabobs of Negativism‘ (so hatte
Spiro Agnew die unbotmäßige Presse beschimpft) noch mehr Feuer unterm Arschzu machen. Die Bläser pusten auch melodiöse Fetzen, die nach zerfleddertem Homeof the Brave klingen und bei ‚The 18-MinuteGap‘ Aylersche Geister aufmarschieren
lassen. Eisenbeil scheint durchwegs higher
als Elvis zu sein, sein angetörntes Saitengekrabbel ist der Clou dieser abgedrehten
Totenwache.
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NEMETH Film (Thrill Jockey, thrill 194): Auf seinem ersten Soloalbum verbindet Stefan Nemeth seine elektroakustischen mit seinen cineastischen Interessen. Dazu frisierte er eine Handvoll Soundtracks so, dass ihre Funktionalität inden Hintergrund rückt und ein neuer Zusammenhang entsteht. Zum Einsatz
brachte der Radian-Mann Gitarren, Synthesizer, Percussion, Electronics &Programming sowie Fieldrecordings von Dariusz Kowalski und Lotte Schreiber, die noch aus den filmischen Kontexten stammen. Als da wären ‚Domino‘(R: L. Schreiber) bei ‚Fields‘, ‚Ortem‘ (R: D. Kowalski) bei ‚Transition‘ und‚Ortem Ende‘, ‚Luukkaankangas‘ (R: D. Kowalski), ‚Söprus‘ (R: A. Pennanen),sowie ‚Via L4-Norte‘, ein unvollendetes Projekt von Nemeth selbst, allesamt
Arbeiten, die sich um Urbanismus, Stadtarchitektur, Verkehr oder Soziokulturwandel drehen. Wobei das Strohhalme sind, um Nemeths autonom gewordene
Schnecken zu treiben. Doch autonom heißt leider auch konturlos, unspezifisch, Schall und Rauch. ‚Söprus‘ hat mit seinen geklopften Pianopings einen
Wiedererkennungsfaktor. Alles andere gefällt sich in einer Funktionalität
zweiter Ordnung, nämlich als Atmosphäre, als Ambiente, als Soundscape. Vorlauter Struktur und System schrumpft der Mensch zum Verkehrsteilnehmer.
Der Sound transportiert rhythmisch-perkussiv die Motorik eines Automatenballetts, Gehämmer, wummernde Klaustrophobie, dröhnenden Feedbackklang, Verkehrs- und Baustellennachhall. Nach Industrial Post-Industrial,nach Post-Industrial Soft-Industrial. Früher konnte man das Gras wachsen hören, heute ganze Städte. ‚Ortem Ende‘ schwängert die Luft mit Akkordeonduft.
Aber auch die Metro fährt nicht wirklich rückwärts.
NUBOX featuring DJ ILLVIBE Next Twist (Enja Records, NIN 1907 2): Die
Nighthawks-& Trance-Groove-Trompete von Reiner Winterschladen (*1956)
und mehr noch DJ Illvives Turntables sind zwar die Ohrenzupfer, aber für die
Blue/NuBox-Ideen und ihre Realisation, für Arrangements und Electronics
zeichnen seit 1984 der Oberhausener Bassist Alois Kott (*1950) und derDrum-Maschinist Peter Eisold verantwortlich. Ohne Vincent v. Schlippenbach,den ich vom Lok 03-Projekt mit seinem Vater und Aki Takase her kannte, wäre
ich freilich kaum auf diese Hightech-Melange neugierig geworden, die postmodernes Entertainment made in Germany repräsentiert. Der Auftakt ‚Delta
Due‘ erinnert mit seinen knisternden Illvibes aus den Mississippisümpfen an
Mobys Play und Carter Burwells Soundtrack zu The General‘s Daughter, lässt
mit launigem Gezwitscher und lässigem Kontrabasstrott aber keinen Zweifel nuBox will verblüffen. Eklektizismus gilt als Qualität, Kulinarisches erst recht ‚Nouvelle Cuisine‘. Die Komplimente lauten entsprechend: nicht verkopft, kein
intellektuelles Sound-Programming. Wenn man mit dem Kopf scheißen könnte,
bräuchte man nicht mit dem Arsch zu denken, gell? ‚My Amedé‘ ist mir zu verzuckelt, das raunende Chorsample bestenfalls genial daneben. Nach dem looney-tuneigen RATatouille springt ‚Fat Frumos‘ mit dem Gesang des Balkandiscoeuphorisiakums Miss Platnum in ein rumänisches Märchen, in dem ewige
Jugend zum Fluch wird. ‚Whales at Jazz‘ spricht mit Moby Dick mitten im
Dschungel. Sind Wale das Mahagoni des Meeres? Werden sie mit Kettensägengejagt? Bei nuBox ist alles möglich, sogar dass mir neben Winterschladens
Trompetengesängen ihre Effekthascherei gefällt. ‚Next Twist‘ mischt quasi die
Streicher von Indigo, dem Kammermusikprojekt von Kott & Winterschladen,
mit schneidigem Blech und stotternden 6-Pence-Rappern, Scratchmania infull effect. ‚Slowaits‘ schlumpt zu spitzen Trompetenstößen gen China, ‚Perky
Protones‘ under a wondering star in eine Futurama-Zukunft. DJ Illvibe ist derDaniel Düsentrieb solcher Comicstripaspekte. ‚Low Engineer‘ schleppt mühsam einen toten Wal hinter sich her, ein gefundenes Fressen für die rasend
pickenden Pizzikatoschnäbel auf der anschließenden ‚Minimal Party‘, während
Gase, jämmerlich begeigt, als gequälter Soulgesang entweichen. ‚Sho Sho‘,ein DJ Illvibe-Remix, rührt zuletzt einen Absacker aus Dancefloorbeats undquirligem Trompetensound. Ich bin hin und her gerissen von einem Ehrgeiz,
der anzephalischen Genießern Kid-Koala-Formalistik als Partyhäppchen serviert. Aber sich auch im neueKirche-Video vor Zombies abmüht. Neben Miss
Platnums ironischen Lobgesängen auf üppiges ‚Essen‘ und Statussymbole
bleibt nuBox zwar gewissermaßen Fastenspeise, aber auf der ‚eklektisch-manieristischen Pay-it-all-back-Party‘ zahlen sie mit barer Münze.
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Maxfield Parrish: Moonlight 1932, Arizona 1930

ORCHESTRAMAXFIELDPARRISHTheSilentBreath Of Emptiness (Faith Strange Recordings,
Faith Strange 07): Wenn man in der Vergangenheit
des Gitarristen Mike Fazio stöbert, stößt man auf
Life With The Lions, auf Chill Faction mit ihrem
FunkNoFunk und auf die irischen AgitPop-Stews
von Black 47, zwei New Yorker Projekte mit dem
Green-Suede-Shoes-Crooner Larry Kirwan. Zusammen mit Thomas Hamlin, einem alten Weggefährten bereits seit den 80ern, bildet er auch die
Gods Of Electricity, die Dark-Ambient-Welten jenseits von Eno erschaffen. Hier jedoch lässt er allein
seine Gitarrenwellen aufrauschen und durch den
Raum branden. Ältere dürfen an aufgeraute Robert-Fripp-Soundscapes denken, Jüngere an Fear
Falls Burning. Nennt es Dröhnminimalismus oderpsychedelisches Tripping ins Parrish-Blaue, Fazio
ist lange genug dabei, um dafür als einer der Blueprints zu gelten, nicht als Kopie. Er erzeugt seinennahezu symphonischen ‚Orgel‘-Klang ohne Overdubs, im intuitiven Freispiel, Welle für Welle fürWelle. Maxfield Parrish (1870-1966) war übrigens
ein stilbildender Märchenillustrator und Maler vonandrogynen Träumern und phantastischen, anfänglich goldschimmernden und später mondlichtblauen Landschaften. Seine präraffaelitischen Wesen sind zu ätherisch für Fazios Klang. Der gehört
zu den Monument Valleys und erhabenen Plateaus
ihrer Traum-Monde.

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POMASSL Spare Parts (RasterNoton, R-N 088): Franz Pomassl
braucht nur ein Wortspiel, um Sophistication zu demonstrieren. Sein
Intro heißt ‚Nitro‘ und lädt als banales Signal zu einer psychoakustischen Grillparty. Gut erfundene Titel stehen neben irdischen wie‚Lovozero‘ (ein Link Richtung Kolaund Murmansk) und ‚Qaraghandy
Storm‘ (einstige GULag-Zone im
heutigen Kasachstan); ‚Valsalva
Maneuver‘ (Durchpusten der Ohrtrompete) baut sogar den entsprechenden Auf-Zu-Effekt ein. ‚Pestrepeller‘ entpuppt sich in seiner ultrasonischen Variante als Schädlingsvertreiber, der mit 30000 bis
60000 Hz Enemy-Alien-Invasoren
verscheucht, ein Effekt, der schon
Pomassls Trial Error (1996) zur
Waffe machte. Der österreichische
Psychonaut, der für seine ‚Posthuman Body Music‘ auf Gerätschaften sowjetischer Bauart der
80er Jahre vertraut, gehört nicht
zu denen, die einem die Zukunft
virtuell und steril vorgaukeln, abgekoppelt vom bio-mechanischem
Ballast, oder als psychedelisches
Rokoko. ‚Tandem Distiller‘, ‚Murena‘ und ‚Terawatt Hours‘ deklinieren ‚post‘ als rasselnde, stampfende, prasselnde, schleifende, rumpelnde, knurschige Angelegenheit
für handfeste Space-Cowboys, diejenseits des Point of No Return von
Pop und Groove operieren. ‚Kalin
Tubes‘ bringt in die Schwerelosigkeit etwas zurück, das einen den
Kopf einziehen lässt, die Gefahr
schwingender Eisenteile, die keine
Wattebäuschchen sind. Pomassl
verkoppelt analogen Klang mit
physischer Taktilität, seine Informationen hinterlassen Prellungen.
Das Trommelfell wird nicht vergeistigt, vielmehr als Teil der Haut
auf den ganzen Körper ausgedehnt, auf dem die Impulse mit Haflerschuhen herum stompen. Bei‚L>-<R He Cntriller‘ hämmert Ichon
Tichy an seinem defekten Untersatz herum. Was immer Pomassl
vermitteln will, mir vermittelt er
eine geerdete Phantastik, der mit
dem abschließenden ‚Qaraghandy
Storm‘ das Muster eines imaginären Hör-Raums gelungen ist.

REVUE&CORRIGÉE #74 Décembre 2007 (fr. mag, 52 p): Die Jahresendnummer der französischen Kollegen in Grenoble & Sievoz stellt den LeserInnen den
Schweizer Gitarristen und elektroakustischen Improvisierer Tomas Korber im
Gespräch vor, den japanischen Urtyp & ‚Liedermacher‘ Kan Mikami und denFrankfurter Installationsakustiker Marc Behrens. Dazu gibt es eine vierte Gesprächsrunde der On the Edge-Reihe über Tanztheater, Reviews von Oren Ambarchi bis Ghédalia Tazartès und David Watson und einiges Schöne mehr. Mir
ein Augentrost, denen, die des Fränzösischen mächtig sind, ein unverzichtbarer Hausfreund.
FRANK ROTHKAMM LAX (Flux Records, FLX7): Rothkamm, einer der pfiffigsten Macher von INDM, Intelligenter NichtTanzMusik, inszeniert hier noch einmal
die mehr oder weniger inszenierte Millenniumshysterie, die der Doppel-Nullapokalyptische T-1000-Power zuschrieb. Wenn die Uhren um 0:00 von 99 auf
00 umschalten würden, könnte, ja würde die Welt ins Jahr 1900 zurückmorphen, Computerhirne durchschmoren, es Flugzeuge vom Himmel regnen. ‚Es‘
dachte nicht daran. Alles nur Duck Soup. Rothkamm nimmt, wie die TerminatorTrilogie, L. A., die Stadt der Engel und City of Quartz, als paradigmatisch für
postfuturistische, stressbedingte Nebenwirkungen maximaler Fluchtgeschwindigkeit. Als da wären Raum- und Zeitpanik und die Ersetzung des Unterbaus
durch die Traumfabrik, die Gleichzeitigkeit von Werbung, TV-Channelparallelitäten, televisionierter Jetztzeit und Zeitlupenwiederholungen etc. Dazu kommt
die Paradoxie, dass man gemeinsam Gott Mammon anbetet und dennoch bis
aufs Messer um Jobs, Parkplätze und Restauranttische rivalisiert, dass man in
der besten aller möglichen Welten dennoch nur als von Brown‘scher Bewegung zu Random Walks genötigte fensterlose Monade ein Nullsummenspiel
spielt. Rothkamm setzt diesmal veraltete Gerätschaften ein wie einen HewlettPackard-Sinuswellengenerator und Heimcomputer von Atari und Macintosh,dazu Cut-ups von LATV, Bienenstock- und Erdbebenmetaphern, um von anachronistisch langsamen, meist knurschig wummernden oder hell sirrenden LoFi-Spuren aus die umeinander schießenden Parallelrealitätsfetzen zu konterkarieren. Statt den Verlustbilanzen des 20. Jhdts. Monumente zu errichten,
setzt er auf die synästhetischen und synergetischen Effekte von Klang + Text,
Sinnlosigkeitsvermutung + Sophistication.
JOHN SHIURBA 5x5 1.2=A (Rastascan Records/UN-Limited Sedition, BRD055): Das A steht für Anthony Braxton, die 5 für 5 Spieler und 5 notierte Passagen, die inmitten einer Kür 5 Pflichtfiguren im Geiste von A ausführen. Shiurba
hat bei Braxtons Six Compositions (GTM) 2001 (Rastascan) E-Gitarre gespielt
und mit Supermodel Supermodel (Emanem) catwalkte er zusammen mit Gail
Brand, Tim Perkis, Gino Robair & Matthew Sperry auch schon über die Seiten
von BA 51. Oakland-PlinkPlonk meets Ghost Trance Music, kein Grund zur Aufregun g. Wenn mir Shiurba nicht als Splatterbassist von The Molecules quasi
als Geisterfahrer begegnet wäre! Nach dieser Wiedertaufe höre ich 5x5 mit
aufgebohrten Ohren. An seiner Seite bei der Fortsetzung von 5x5 1.1=M (2002)
standen der Nmpering-Trompeter Greg Kelley, erneut der Percussionist Robair
und Morgan Guberman am Kontrabass, der Gleiche, der ansonsten etwa in Shiurbas Triplicate-Ensemble Bariton à la Phil Minton singt und in Spezza Rotto
Demetrios Stratos auferstehen lässt. Diese musikalische Multipli- und Totalität,der selbst Braxton als Gast bei Wolf Eyes sein Wohlgefallen bezeugte, rückt die
relativ fadenscheinigen 5x5-Spinnweben in ein anderes Licht. Sind die GTMUnisoni noch ganz Braxton-hörig (Ninetet (Yoshi‘s) 1997 in halben Portionen),so tasten die freien Interaktionen mit ihrem quäkigen Sopranino- & Altogenuckel mit Schneckenfühlern ins Ungeformte. Robairs Perkussion besteht nur aus
polymobilen Molekülketten. Guberman überstreut seinen aleatorischen metalloiden Geräuschpointillismus mit filzig-tatzigen Plonktupfern und Sägemehl.
Kelley geistert als schnarrendes, fauchendes, fiependes Unwesen umher, an
Undefiniertheit nur erreicht von Shiurbas Bruitismen, die er von präparierten
Saiten schabt und pflückt. Ein Lob von Rück- und Vorsicht, die Spaß daran hat,
im Musentempel verpöntes Gerappel und Gekrächze mit altmeisterlicher Liebeund Sorgfalt zu zisellieren. Manchmal mit so zarten Fingern und süßen Lippen(‚1.2.5‘), dass sogar die hochnäsigen Musen verwundert näher rücken.
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LUKAS SIMONIS & TAKAYUKI KAWABATANews (Z6 Records, Z6 0893): Was für ein bizarrer
Mischmasch, Kawabata (*1960, Osaka) dichtete
und inspirierte, Kumi Kondo aus Connecticut übersetzte, spielte Cello und sang ein bisschen, dennhauptsächlich hört man den Sprechgesang vonMiki Sugiura; Nina Hitz aus der Schweiz spielte das
zweite Cello, Andreas Mehringer komponierte undSimonis, seinerseits Rotterdamer Musikant (Dull
Schicksal, Liana Flu Winks, The Discombobulators,
Vril und Coolhaven), komponierte noch mehr undremixte und ließ kurz seine Gitarre dazwischenfunken. So entstand ein Songzyklus, der umgehend
wieder dekonstruiert und remixt wurde. Übersetzungen und kreative Missverständnissse sind auch
explizit das Thema und dazu würde passen, dass(eine) Miki Sugiura MDa wissenschaftlich über die
Rolle von Zwischenhändlern im frühmodernen Kapitalismus arbeitet. Als (Sprech)-Sängerin hat sie
sich den Charme ‚natürlicher‘ Japonaiserie nicht
austreiben lassen. So fragil artikuliert sie Zeilen
wie I speak the old language of an eastern fisherman stuffed in my mouth are fallen leaves. is it mybrain that will die away first? leave me alone. yellow bugs... oder I have nothing to say, because tomorrow my bowels with malignant blood will burst,
dass man nicht nur bei den japanischen Versionen
lange nicht den grausligen Tenor bemerkt. The
city stone pavement underneath cherry blossom
petals a hole of boredom, I hide myself in the hole
I will smolder out my life klingt aus ihrem Mund wie
ein bisher unbekanntes Art-Bears-Stück. Unter
Cellostrichen und Remixschichten verschüttet
werden Fleurs-du-Mal-Manierismen hörbar, wie sieschon Dagmar Krause, Catherine Jauniaux oder
Haco ins Ohr träufelten. ‚Kunstlied‘ wird von Simonis neu definiert, als Palimpsest mit elektronischen
Mitteln, als elektroakustisches Hybrid aus Topdown- und Bottom-up-Avantness.
JULIEN SKROBEK Le Palais Transparent (FreeSoftware Series, FREE SS 03, CD-R): Ein neuer
Name in Mattins Reihe for the promotion of experimental works realised using free software mit einer Composition for guitars and sine waves using
Audacity under Debian. Wie schon die Vorgänger
von Tim Blechmann und Kakofunk in augenfälligem Schwarz-Silber designt, operiert Skrobeks
dreiviertelstündiges Triptychon mit dem Call und
Response von einzelnen Gitarrennoten, ähnlich
dem Reduktionismus von Taku Unami, und langem
Schweigen. Nicht zufällig ist die Arbeit Radu Malfatti gewidmet, dem Altmeister der ‚Gedachten
Musik‘. Im Wechsel mit den Gitarrensounds ertönen Sinusdrones, ebenfalls gefolgt von vielen
Atemzügen absoluter Stille. Oder verwandelt sichder Gitarrenklang in Sinuswellen? Auf einen Teil
Klingklang kommen ca. sieben Teile Stille. Sehrmeditativ das Ganze, Musik für lange Aufmerksamkeitsspannen. Denn wie würde Mattin dazwischenrufen: Attention! Don‘t think. Listen. It‘s high quality
music.
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DAVID TORN TIM BERNE CRAIGTABORN TOM RAINEY Prezens(ECM 1877): Torns Tripping OverGod (1995) hat bei mir einen bleibenden Eindruck hinterlassen, Bernes The sublime and. Sciencefrictionlive (2003) zusammen mit Taborn, Rainey (& Marc Ducret an der
Gitarre) nicht weniger. Als dannmein Radio-Guru Harry Lachner
Prezens zu seinen Favoriten 2007
zählte, war der ‚Sündenfall‘ vorprogrammiert - eine Hymne auf eine
ECM-Scheibe in BA. Eigentlich ist
das ja auch Thirsty-Ear-Stoff, dennnicht ECM, sondern die von Matthew
Shipp & Peter Gordon lancierte The
Blue Series markiert die Schweißnaht, entlang der Jazz und alles
Mögliche brandaktuell fusionieren.
Hier ist es Torn, der per LiveSampling & Manipulation das gejammte Material, die Linien und das
Keckern von Bernes Altosax, Raineys furioses Drumming und Taborns Klangwolken aus Fender
Rhodes, Hammond B3 & Mellotron
zu Sonic Fiction aufmischt. Statt individuellen Stimmen und Dogma 95 Improvisationen hört man 11 Trips
in Klanglandschaften, die Torn als
Studiowizzard, als Klangalchemist,
der auch seinen eigenen Gitarrensound mit einschmilzt, zerloopt und
mit Breakbeats zerknittert. Dennoch erklingt hier genug abgedrehte Gitarrenmusik, nur völlig losgelöst von festem Rock- oder Jazzgrund. Sie ambient oder atmosphärisch zu nennen, wäre jedoch auch
nur eine Viertelswahrheit. Sie ist
freakish und dubby, sie morpht undchangiert, schillert und groovt als
21 Century Schizoid Music mit Ultraworld-Spin. Als ob Torn & Co. die
Spirits von Miles, Macero und
McLaughlin gerufen hätten. Kurze
Schübe von Bluesrock, Prog, Funksind ebenso nur lllusionen wie Rest
& Unrest. Definition have vanished.
Präsent ist dafür die Anziehungskraft von etwas noch Undefiniertem, das sich in süßen und heißen
Saxophonlinien ebenso entfaltet
wie im Hagelschlag eines Trommelgewitters, mitreißend in Torns singenden oder verzerrten Gitarrenriffs und am undefiniertesten in Taborns unkendem oder diffus quellendem Georgel.

THEY CAME FROM THE STARS I SAW THEM vs. Reality(Onomatopoeia Records, HUM4): Mit TCFTSIST wird Musik philosophisch,
Utopie musikalisch. Das macht der programmatische Auftakt dieses
Konzeptalbums mit fiktionalistischer Emphase klar: We deny reality!
Statt dessen - mit Engeln und Aliens per Du. Mit ‚Speak and spell‘ wird
das ABC der Alterität eingeübt, bei ‚Signals‘ mit Funkwellen von Anderswo eine Disco nach hinten aufgebohrt - und man landet in einem Arkadien, das nach Hawaii duftet. Es folgt mit ‚(It‘s Always) Boomtime, Part
One‘ ein Uptempofetzer mit UuUuUuu-Chorus, silbrig funkelnden Percussiongirlanden und der peppig gerappten Aufzählung dessen, waszählt: Boys and Cars and Money and Girls and Music From the Stars.
‚Part Two‘ pitcht mit Kopfstimme in soulige „You‘re so special“-Delirien,ein Saxophon summt verliebt und der Drehwurmrefrain: „We‘ve been
waiting for this moment for a long long time“ kippt von einer Liebeshymne zum First-Contact-Gospel, mit sperrangelweit geöffneten Euphorieschleusen. Ende der A-Seite (auch CDs haben ihre Seiten). Denn bevor
Horton Jupiter (vocals & electronics), Alex Holmes aka A.J. Holmes aka
Vanishing Breed (guitar, vocals & electronics), Naomi Auerfeld (Clarinet& Saxaphone & Vocals), Sculpture aka Dan Hayhurst (Bass & Vocals)
und Giles Narang (Drums) die B-Seiten-füllende ‚Astro National Anthem‘
anstimmen, muss man erst mal tief durchatmen. Es beginnt verhalten,
bis Geigen from Nowhere zu einem animierten Beat, Electrogezwitscher
und minimalistischen Loops von Gitarre und Bass spacewärts fiedeln.
Flöten kommen hinzu, die Drums federn ihr monotones Dumdumdum,
der Luftraum füllt sich mehr und mehr mit fliegenden Glücksschweinen.
Schnitt. Gitarre und Bass übernehmen den Uptempopuls, die Flöte kaskadiert über Delayechos, Keyboards beginnen zu riffen, die Percussion
rauscht als Schellenbaum auf. Break. Ganz langsam beginnen ein hoher
Geigenton, Gepfeife (!) und Saxophon im Dreivierteltakt zu walzen. Ein
Chor setzt ein und plötzlich ein ganzer Spielmannszug, mit Trommlercorps und Glockenspiel. Er zieht prachtvoll dahin in die Ferne und Stille
Stille Stille, wobei ein dunkles Etwas andeutet, dass diese Parallelwelt undunsere sich im Unendlichen treffen sollten. TCFTSIST 1 - Reality 0. Diese
Band ist heißer als Chip und die quere Summe aus den eingestandenen
Vorlieben für Can, Devo, Queen, Residents, Talking Heads oder, wenn
ihr mich fragt, Van Dyke Parks und Brian Woodbury. Mit Rip-it-up-andstart-again-Attitüde fusionieren DIY-Wave, Neo(n)-Psychedelic, Sophistication, flammende Lippen und brennende Herzen zu einem überwirklichen Du-bist-nicht-allein-Versprechen.
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V/A Sieben Mal Solo (Schraum
7): An zwei Abenden im Berliner
Atelier ‚Cri du coeur‘ präsentierte Schraum sieben persönliche
Ansichten und solistische Verlautbarungen. Dave
Bennett(Hotelgäste) brachte zum Auftakt
sein Ogrephonique in Schwung,ein Selbstbaudingsbums aus Zither, Spieluhr, Diktiergerät, Türschanier, das ihn zu einem Einmannorchester der Noise Culture mutieren lässt. Aus Hamburgangereist war Lars S c h e r z berg (Nordzucker), dem sein Altsaxophon genügt, um mit Flatterzungentechnik, schrillen Spaltklängen und gefauchten Schleifspuren die Ohren lang zu ziehen.
Axel Haller (Kainkwatett, Trio
Vopá,
Schraum-Mitbegründer)
entlockte einem E-Bass durch
Bogenstriche dröhnminimalistisches Lo-Fi-Wummern, raue Wellen, die er sorgsam moduliert, sodasssiezwischenFeedbackknurren und dem Röhren
von Blasinstrumenten vexieren.
Der Kölner Posaunist Paul H u b w e b e r (PaPaJo), mein Jahrgang
und damit der Senior dieser sieben Todsünder (was die Gebote
desbiederen
Schönklangs
angeht), kam ohne Schnickschnack aus, um schnarrend undschnaubend, blubbernd und aus
dem letzten Loch pfeifend daranzu erinnern, dass Mangelsdorf
und Rutherford nicht nur in den
Bauer-Brüdern rumoren. Ute
V ö l k e r aus Wuppertal blies ihr
Akkordeon zur Heimorgel auf, so
voluminös und furios hörte ichsie bisher noch nicht. Sabine
V o g e l (Schwimmer) ließ aus ihrer elektronisch frisierten Bassflöte Sonic Fiction emanieren,
die einen in einen extraterrestrischen Dschungel teleportiert.
Christian M a r i e n schließlich,
Schlagzeuger bei Olaf Ton, bereitete Rührei à la Lytton oder
harfte einen zahnlückigen Gartenzaun,einenklöppeligen
Breakbeatpointillismus, der sich,zunehmend komplex, verdichtet
und wieder reduziert zum ursimplen Beat.

V/A Signal To Noise Vol 4 (For 4 Ears Records,
FOR4EARS 1866): Das japanische Abenteuer desSchweizer Signal Quintets setzte sich fort mit einem
Studiotreffen in voller Besetzung mit dem Saxophonisten Katsura Y a m a u c h i . Yamauchi hatte am gleichen
7.3.2006 schon den Termin mit Tomas K o r b e r &Christian W e b e r allein, der auf Vol.2 eingefangen ist(BA 55). Dass nun auch Jason Kahn, Norbert M ö s l a n g & Günter Müller im elektroakustischen Verbund
mitwirken, um Dragon Balls auf der kollektiven Seehundschnauze tanzen zu lassen, lässt sich an der Dichte der Klangströmung ahnen, wenn auch nicht identifizieren. Yamauchi immerhin ist als raues, freilichrauchzartes Surren auszumachen. Der Maschinenpark
aus Analogsynthesizer, Gitarre, geknackter Alltagselektronik, Ipod und Electronics summiert sich zu einerdröhnenden Blase, einem Dröhnotop, rund wie das Heilige Ommm, das sich, knackend und tropfend, immer
mehr aufbläst und wölbt. Webers Kontrabass sendet gesägte Frequenzen aus. Alles mischt sich zu einer konsonanten Hyperbel, einem Regenbogen aus Klangfarben,
der erst nach gut 27 Minuten erlischt. Beim zweiten Trip
von nunmehr knapp 20 Minuten kommt größere Unruheins Spiel, ein Flattern und Pfeifen, fein pulsierende Zuckungen und gefauchtes Knurschen, das nur zum Teilauf Yamauchi zurück zu führen ist. Der krächzt jetzt diskanter, Weber hält das sonore Ende besetzt. Nach 5 Minuten wird ein scheinbares Wellental zu einer schrill
stechenden Zone, die Luft ist siedend und stagniert. Die
Rossbreiten setzen einem dem Fiepen und dem Trommelfeuer von ‚Licht‘-Partikeln aus, die allmählich genug
Druck entwickeln, um die Segel zu blähen und wieder
Fahrt aufzunehmen. Auf einem Kurs freilich, der in einschrilles, weißes Inferno driftet, wie es E.A. Poe vor dem
inneren Auge gestanden haben könnte. Yamauchi ist
der Kakodämon, der in den höchsten Registern kirrt,
aber umschwärmt von ähnlich giftigen oder knurrigen
Misstönen, die einen durch die Mangel drehen. Vorläufig
ist Vol.4 die Etappe mit dem grössten Thrillfaktor.
V/A Signal To Noise V o l . 5 (For 4 Ears Records,
FOR4EARS 1867): Am 10.3.2006 trafen sich Jason
Kahn, Norbert M ö s l ä n g & Günter Müller dann mit
Aube, dessen Laptop & Electronics Vol.5 zu einer reinelektronischen Angelegenheit machen, inzwischen eine
Selbstverständlichkeit, aber nur weil sie von Liveelektronikern mit Lust auf improvisatorische Spontanität im
kollaborativen Verbund dazu gemacht wurde. Gerade
Aube war doch jahrelang ein Heimstudiobastler und allenfalls Mailartist. Zusammen mit den Besuchern aus
der Schweiz braut er hier einen Sud in vier Gängen odermeinetwegen Gesängen, eingedenk des Gesangs der
Neuronen, von dem Robert Silverberg gesprochen hat.
Die Nervenzellen werden hier definitiv zum Aufjaulen
gebracht mit Schrillern und Schnaufern, Schleifern und
Knackern, wie sie sich Russolo nicht krachiger hätte erträumen können. Futurismus hat sich zu Sonic Fiction
entwickelt, die Zukunft nur in zwei Varianten kennt eine kakophone (speziell Track 2) und eine, die automatisch vor sich hin wummert, blubbert und zwitschert undgeschäftig tut. Beide Varianten hinterlassen einen posthumanen Beigeschmack.
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ALS DIE WELT NOCH UNTERGING
So nennt FRANK APUNKT SCHNEIDER seinen
Zeitreiseführer Von Punk zu NDW (Ventil Verlag).
Das ‚noch’ gilt jenem Es-war-einmal, das die Verwegenheit hatte, sich gegen die Gegenwart aufzulehnen, und einer Subkultur, in denen die des/illusionierten jüngeren Geschwister der 68er zum Gegenschlag ausholten. Der Bamberger Monochrom-,
Testcard- und BA-Schreiber spürt ihnen nach, wobei er die neudeutschen Echos auf Punk und New
Wave von 1976 bis zu ihrer Nichtmehrerkennbarkeit
1985 weniger in ihren Spitzenprodukten als vielmehr als kollektives DIY-Fieber würdigt und die Akzente entsprechend anders setzt als ‚der Teipel’ mitseinem Veteranenlatein oder Zurück zum Beton
und Verschwende Deine Jugend mit ihrem Wir-sindwieder-wer-gewesen-Tenor. Apunkt, mit Jahrgang
1969 ein Nachgeborener mit Erbschadensymptomen wie der Ernst Neger Revival Band und dem Label Hausmacherkassetten, besichtigt Jugend (aufder sozialen Praxis- und Relevanz-Ebene) noch einmal als geborene Avantgarde und Erwachsene als
Schweine. Er markiert noch einmal die HKL – dieSelbstermächtigung eines radikalen Dilettantismus
gegen die bürgerliche Geniekult- und Weltfluchtkultur, gegen Kunst-Dünkel, Prog-Bombast und HippieEsoterik, Infantilität als Protestform, das NichtSchwein-Werden als No-Future-Trotz. Die Frühphase mit Straßenjungs u. a. wird breit geschildert, die
Düsseldorfer Virulenzen dafür bewusst kurz und mit
kritischem Augenmerk auf die Achse Kunst-Punk.
Ausführlich topografiert Apunkt die regionale Verbreitung des DIY-Virus, sortiert nach den 19 einwohnerstärksten Städten der BRD von Berlin bis
Bonn inklusive Provinz in ihrer gleichzeitigen Ungleichzeitigkeit und streiflichtert dabei auch nochÖsterreich, Schweiz und die DDR. Er zeigt die Spiegel- und Zerrbilder der NDW in den vojeuristischen
und den Selbstdarstellungsmedien mit Schwerpunkt
Kassettentätertum, das Apunkt als die „Augsburger
Puppenkiste“-Version der Lebenslüge vom richtigen
Leben im falschen nicht verklärt. Zugleich süffisant
und indigniert konstatiert er, wie Kommunikationspotential zu selbstgefälliger Wichserei implodierte.
Dennoch, ohne die ‚Genialen Dilettanten’ und ihre
Entwürfe eines Bottom-Up-Pop keine NDW. Wobei
Apunkt den Kümmel nochmal längst spaltet – dort
Blixa Bargeld als gefüttertes Ego, hie die Anonymus
Combo als Vorhut der Jeder-ist-ein-Mensch-Bewegung, die nicht aus den Startlöchern kam. Was gingschief? Zu viele Trittbrettfahrer? Zu viel oder zu wenig Avant-Rückkopplungen? Der Hauptselbstwiderspruch zwischen kollektiver Rebellion (entgleist zu
Frauenverachtung, Hooliganismus, Hass, aktenkundig als Hilsberg-Mobbing und SO 36-Überfall etc.)
und individueller Revolte (aufgewärmte Boheme) zu
betriebsblind gelebt? Schon 1980 daher Anfang
vom Ende, jeder ‚Erfolg’ ein Pyrrhussieg und von
Ausverkauf nicht zu unterscheiden.
Und was heißt das jetzt?
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Hat das weithin wahrnehmbare vereinte Autreten unter einer gemeinsamen Fragestellung - wie war
nochmal die Frage? - den deutschen Schlager, die Jugend als solche runderneuert? Waren Falco,
Markus, Nicole und Nena neudeutscher als Boney M, Die Schlümpfe
oder das Orchester Anthony Ventura? Was haben neben DAF, Fehlfarben, Liaisons Dangereuses, Non Toxique Lost, Der Plan, S.Y.P.H. die Nobodies und No-Hit-Wonders hinterlassen, das dem Hang zur Selbstunterbietung widerstanden hat? An
die 140 Seiten Disko-/Kassettografie– weitgehend kommentiert! – belegen, wie ungeniert die ExtreMisten
und Lustigen Mutanten, die ungeordneten Kräfte von Vielklang &Vollsuff damals die Gunst der Stunde nutzten. Ob mit spätem Lob für
Die Alliierten aus Niederkrüchten –Wahnsinnsplatte! - , Cotzbrocken –eine der zehn besten… - oder DMark – voilà: die beste NDW-Platte –oder Niedermachern wie Rohstoffverschwendungsklassiker, Apunkt
ist hier so nerdy, wie ich mir dasauch bei seinen analytischen undretroprojektiven
Kapiteln
gewünscht hatte. Da müht sich aber
Bildungsbürgerverschämtheit ab an
Lippenbekenntnissen zu poplinker
Möchtegernrelevanz. Und ist die
ständige Absage an die Subjektform
nicht eine an den eigenen Haaren
herbeigezogene
Münchhausiade,das Gerede von ‚Pop-Rebellionen’etwas anderes als – Schlausein imÜberbau? Dass Apunkts skrupelhafter Lobgesang des, ob mit Konzept
oder unbedacht Ungeschliffenen,
Unkontrollierten und nach der Lektüre erst recht als Sauhaufen stattals etwas Vereintes Wahrnehmbaren nicht wirklich besserwisserischdaher kommt und weder die historischen noch seine eigenen Widersprüche kaschiert, macht die Lektüre nicht immer einfach, aber sympathisch. Mich jedoch hinterlässt
die Retrospektive als orientierungslose, linksaufklärerisch kunsthumanistische Nischenexistenz, als Summe Apunktscher Abfälligkeiten, als
unbelehrten Half-Japanese- undCassiber-Fan, als irrelevanten Untergeher.

Bad Alchemy – SPACK
Spack.
Annäherung an die Schallplatte „Jahre später“ von La Dolce Vita, 1983.
Im Trend zurück: Lutz Schridde
Gerade hatte mir ein Musikfreund das Taschenbuch „Fleisch ist mein Gemüse“ vonHeinz Strunk in die Hand gedrückt, da ging meine monatelange Grabbeltour durch die
Schallplatten-Ramschtische auch schon zu Ende. Was war in dieser welthistorischen
Sekunde gut gemeinten Händedrucks eigentlich passiert? Hatte das einen historischen Sinn – oder hilft kurzes Nachdenken darüber den eigenen historischen Sinn zu
sensibilisieren?
Alles kein Zufall - wer Sinn hat, wird Sinn finden.
Strunk sei Dank. Das war ernüchternder Lesespaß über das Weltwissen eines zum
Tingeln verdammten Saxofonisten einer Tanzkapelle im Hamburger Großraum derachtziger Jahre. Wirklich eng sein Blick, schmal das Büchlein und dürr die versammelte Lebenserfahrung. Größe bekommt das Lebenswerk, weil Strunk so bescheiden
ist, auch beim Fluchen. Zuletzt ein Treuer des Glückspielautomatenglücks. Eigentlich
ist das Wühlen zwischen alten Schallplatten ein verwandtes Verhalten. Im Prinzip
weiß man vorher genau, welches Risiko man eingeht, aber es zieht einen doch immer
wieder hin. Ja, man fühlt sich wie ein getarnter König, der sich unter das unbekannte
Volk mischt – offen für alles, was daheim die vier Wände sonst verbieten.
Dem geschätzten Leser von Bad Alchemy mag bei aller Gewöhnung an Avantgarde
und Supertrend durchaus die Spucke wegbleiben angesichts der Musik, die ich nun
rückschauend kommentieren möchte. Wir treten ein in das sogenannte spätbürgerliche Kontinuum, in die sechziger bis achtziger Jahre – in den Herbst der deutschen
Unterhaltungsmusik. Einen Tusch vorweg für RANDY PIE mit ihrem Funk-Rock-Song„Kitsch“ von 1975, Streicher arrangiert von Werner Becker, später international erfolgreich als ANTHONY VENTURA.
„'cos Kitsch is reaching out across the ocean
And Kitsch is reaching out across the deep blue sea
A plastic image climbing your horizon
Like Buddah, Allah, and sweet Jesus Kitsch is after me.
Kitsch is catching on like an alchemist's stone
It's turning glass to pearls and brass to gold
It's spreading all about
Kitsch will line the looking-glass
When time says you've grown old.“(Text der zweiten Strophe)
Meine eigene Begegnung mit Musik – ich bin 1959 geboren – in der Schule war ein
kurzer Musikunterricht beim Lehrer Schmolling. Der quittierte seinen Dienst, nachdem
seine Frau nach langem Krebsleiden starb und einen Nachfolger gab es nicht. Mein
Physiklehrer am Gymnasium Langenhagen war Trompeter beim damals schon weltreisenden Langenhagener Blasorchester, von dem ich immerhin im hannoverschen
Plattenramsch drei Langspielplatten gefunden habe. Auf den Fotos dort konnte ich
ihn leider nicht wiedererkennen. Ob Lehrer Wolten noch lebt? Auf unseren Schulfeten
gab es das Übliche: Glam-Rock, Hardrock und live mal die Scorpions und die norwegischen Ruphus. Ich erinnere mich noch an den eindrucksvollen kurzzeitigen Auftritt einer Motorradgang, die mit wirbelnden Gürteln beim Scorpionskonzert die Tanzfläche
von schwitzenden Mädchen befreite. Die stummen Figuren zogen bald wieder ab und
wir Jungs griffen uns die willigen Mädchen erneut. Ruphus spielten für weniger Geld
als die 5000-DM-Scorpions und der Gesang war wunderschön, „Let your light shine“
eine Offenbarung. Das muss 1978 oder 1979 gewesen sein. Dann warf mich das Abitur aus der Schule.
75

Wenn man so nach 30 Jahren zurückblickt, erscheinen die Erinnerungen täuschend klar.
Das liegt an der notorischen Reduktion der Erinnerungen und an der Schönfärberei dabei.
Die musikalischen Erinnerungen lohnen jedoch ohnehin nicht, es war in Langenhagen am
Gymnasium einfach nichts los damit. Als mal der Mitschüler und spätere Auslandsdozent
Joppke mit einer Platte vom Mahavishnu Orchestra zu einer Party kam, blickte man ihn ungläubig an, verführt wurde er dann von einer Blondine, die später reich mit Porsche heiratete. Das Leben drängt nun mal in die Normalität und trennt, was seiner Wege gehen will.
1980 nach dem Abitur traf man sich aber weiterhin bei Feten, da lief dann ein Reihenhausbewohner mit XTC, Chrome und The Residents auf und tanzte wie ein kaputter Roboter. Yello's High-End-Basteleien haben ihn noch Jahre verfolgt. Heute steht in seinem unverlassenen Reihenhaus ein supermoderner Computer mit supermodernem Keyboard, Single wie
sein Besitzer.
Die einen gehen weg, die anderen bleiben. Da bin ich meinem Musikhändler Ralf zu großem Dank verpflichtet, dass er mir ab 1981 auf den Geschmack zu kommen half. Bei denStudentenfeten in Hannover war ja leider auch kaum was los in Sachen Musik. Während Ideal, Talking Heads, Fehlfarben und Nina Hagen ordentlich abgefeiert wurden, begegnete mir
die gleiche Ungläubigkeit wie beim angehenden Mahavishnu-Dozenten damals in Langenhagen, als ich mal vorsichtigerweise Asmus Tietchens mitbrachte. Immerhin kam ein aufmerksamer langhaariger Kommentator damit, er würde „dazu“ Drogen nehmen. Ich jedochgenoss Tietchens damals schon ohne Hirnbrenner und starrte nur zurück. Den DJ-Posten
musste ich dann bald wieder räumen.
Das eine ist der musikalische Geschmack, das andere ist das ganz normale Schicksal.
Etwa 1985, als ich noch an der Avantgarde des Minimal-Pop, der japanischen Elektronik undso weiter klebte, befreite mich die erste Solo-Platte Peter Principle's „Sedimental Journey“
von unnötigem Stolz und elitärem Ressentiment. Peter Principle ist bis heute Gitarrist bei
Tuxedomoon und hat nach jahrzehntelanger Pause sein viertes Solo-Album veröffentlicht,„Idyllatry“. Die Kritiken im WWW sind positiv, ich vermute seine übliche Eleganz. Damals
1985 hatte sich Principle mit Zelt in die Natur begeben und sie mikrofoniert. Die Musik war
dann damit angereicherter 80er maschineller Drum-Sound und riss irgendwie etwas auf bei
mir. Seitdem höre ich komplett anders Musik und bin inzwischen bei der reinen Elektroakustik zugewandert. Meine älteren Beiträge und Rezensionen hier in Bad Alchemy erzählen davon. Principle's zweite Solo-Platte „Tone Poem“, ebenfalls beim belgischen Label Crammed
in der Serie Made To Measure veröffentlicht, nahm ich auf der Suche nach idealen Lautsprechern stets mit (ebenfalls die „Romantic Warrior“ von Return To Forever). Da gibt es einen Sound, der nur kurz auftaucht, der sich aber auf jeder Anlage total anders anhört. Jetzt
mit der Einreise in die Klangwelten der elektroakustischen Musik ist meine innere lauschende Neugierde gestillt. Dort in den Klang-Zelten bin ich wirklich gerne zu Hause.
Die Neugierde angesichts der überquellenden Ramschkisten – und ich sehe meinen Musikhändler Ralf auch mal wieder – ist eher historischer und äußerlicher Art. Längst verwöhnt vom Anti-Muzak der Industrial Culture erscheinen die Sounds der Adenauer-Zeit unddes deutschen Herbstes posthum umgekehrt alarmierend wie die regelmäßige Grippe-Impfung. Was habe ich denn so alles gefunden? Und warum verstehe ich die Schallplatte„Jahre später“ von La Dolce Vita ohne elitäres Ressentiment und so ganz ohne Stolz? Als
die Platte 1983 erschien, hörte ich selber gerade Asmus Tietchens. Nun nach 25 Jahren ist
sie mir wie zufällig in die Hände gefallen.
76Regio-Spack
Das Langenhagener Blasorchester ist typisch für die norddeutsche Region. Die Langenhagener Blasmusik hat im Plattenstapel die Gesellschaft der Musikvereinigung Varel e. V.,
des Blasorchesters vom Georg-Büchner-Gymnasium Seelze-Letter und des musikalischen
Inselspaziergangs auf Spiekeroog. Ich nenne sowas heute „Regio-Spack“ und amüsieremich klammheimlich. Das selige Vergessen ist freilich vorherzusehen. Eher hängen bleibtdas „Big Band Dancing“ der Jugendband Hannover, wo es richtig swingt. Schön, wie lässig
hier 1978 die typisch deutsche Großmannssucht abgefangen wird. Diese Jugendband hatte
ich damals gar nicht bemerkt. Zwei Platten mit hannoverschem Chorsingen runden den Regio-Spack ab. Auch hier fällt auf, dass die hannoverschen Ensembles internationale Tourneen abreißen.
Bis 1973 lebte ich allerdings in Oldenburg, nahe Ammerland. Auch von dort gibt es RegioSpack, plattdeutsches Liedgut und Knut Kiesewetter. Das hat einen ganz anderen Charmeals das Zeug aus dem Hannoverschen. Ich musste mir sagen lassen, dass Kiesewetter vorher echten Jazz gemacht hat und ich habe mir das mal angehört. Kiesewetter hat sogar
Preise für seinen Gesang bekommen, der Friese und das Plattdeutsch ist dort völlig weg.
Verkauft wurden seine Jazz-Platten im High-End-Fachhandel und erreichten nur eine kleine
Klientel. Seine volksnahen „regionalen“ Lieder sang er in den späten Sechzigern, über Umweltverschmutzung, Kleinstadt, Soldaten und – über den Herbst. Der politische Herbst kam
ja dann auch bald. Weit weniger politischen Anspruch, aber doch viel tückischen Tiefgang
hatten die späteren Torfrock mit ihrem norddeutschen Liedspaß, der störrisch auf dem
Grasteppich blieb.
Vom Regio-Spack kann man was lernen. Bei aller Enge im thematischen Horizont ist dochdie Resistenz erstaunlich, mit der importierter Wandel aus der Ferne ausgehalten wird. Die
Enge des Themenkataloges spricht Bände, man kommt sofort zum Punkt. Zur gleichen Zeithaben sich Akademiker mit Phänomenologie und Alltäglichkeit befasst und die Architekten
der dritten Generation den „Genius Loci“ untersucht. Ausgerechnet in der vermauerten
Adenauerzeit und ihren politischen Ausläufern segnete sich der Regio-Spack so richtig ein.
Volkslieder konnten und können ungeniert von Schlagersängern und professionellen Chören weitervermarktet werden. Der tingelnde Heinz Strunk erfuhr das Ungenierte am eigenen Leibe, als er das regionale Kulturerbe in den achziger Jahren stimmungsvoll intonieren
musste. Etwa gegen Mitternacht waren die Herrentoiletten der Lokale regelmäßig zugekotzt.
Natur-SpackIch war nie bei den Pfadfindern. Einer meiner fünf Brüder wohnt in Thönse im Langenhagener Hinterland und seine Tochter hat die Pfadfinderei mitgemacht. So habe ich danndoch noch von so genannten Fahrten-Liedern erfahren und mir eine Edition von Heino gegriffen. Eine Platte der Pfadfinder aus Pöseldorf hörte ich mir auch mal durch. Raus in die
Natur, wir lieben die Stürme. Wenn man dann mal im Internet bei Wikipedia stöbert, zeigt
sich, dass auf solchen Liederalben Volksweisen und modernes Liedgut vermischt sind, herkommend aus den Zeiten Metternichs bis Bismarck und Groß-Wilhelm, ganz wie bei der
Weihnachsmusik. Hermann Löns warf mal in 14 Tagen einen Liederzyklus hin, der seither
ausdauernd vermarktet wird. Trefflich wurde ein Heino-Album getitelt: „Weit ist der Weg ...“
„Aber wohin?“ fragte Nietzsche in seiner Nachlass-Kladde mal bei schwarzer Musik. Das
war, als gerade keine Sklaven mehr über das Meer transportiert werden durften. Der philosophische Freelancer dürfte in den italienischen Zeitungen um 1886 davon erfahren haben. Eine Antwort kam später von Sun Ra, der dazu ein Raumschiff wählte. Na denn. Nietzsches Rat – „auf die Schiffe, ihr Philosophen” – dürfte damit ebenfalls beantwortet sein,kosmische Stürme vorausgesetzt.
Gewandert wird in deutschem Land jedoch meist aus freien Stücken. In Norddeutschland
mit Küste träumt man sich dann auch schon mal weltreisend zum Meer hinaus, und so sang
Heino Klassiker wie „Wir lagen vor Madagaskar”, „Aloha Oe“ und „In einer Bar in Mexico“.
Bei solch bodenständiger Sehnsucht fehlte nur noch die rauchige oder tiefe Frauenstimme
von Alexandra oder Lale Andersen, um aus Spack zeitlose und überweltliche Ohrwürmer zu
machen – sofern es ins Irgendwo zog. Kommerzielle Chöre und Schlagersänger können andiesem Irgendwo nicht vorbei und lassen deutsches Pflichtbewusstsein neu interpretieren.
Auch zur Jagd geht es hinaus, dem edlen Wild hinterher.
Heino selbst hat sich in hohem Alter noch übernommen, seine neuliche Tournee floppte inden USA. So ein Ende ist völlig unverdient. Wäre er doch zu Hause geblieben, in deutscher
Natur. Freddy Quinn sang: „Denk mal an dich.”77

Euro-Spack
So richtig in Urlaub bin ich auch noch nicht gefahren. Südlich kam ich bis Sils-Maria. Während der Oberstufe zog es uns mit wenig Taschengeld in die griechischen Restaurants,„zum Griechen“ hieß das Motto. Einige Jahre später und mit Vespa-Roller ging es dann„zum Italiener“. In der Schlagermusik schlug sich das spendable Reisefieber der Deutschensofort nieder. Griechisch kam es von Nana Mouskouri, Demis Roussos war eigentlich Ägypter, spanisch kam es von Julio Iglesias und italienisch von Alice und sowieso von Vico Torriani mit dem Lied über die Caprifischer. Sogar Brian Eno fand ich im Euro-Spack, auf Teresa
De Sio's Album „Africana“ aus Italien 1985, da war der Zenit des Euro-Spack längst überschritten.
Die Urlauber brachten vom Mittelmeer Platten-Souvenire mit. Solche Souvenire habe ich
ebenfalls im Ramsch gefunden und dort bemerkt, dass deutscher Euro-Spack für die Urlauber in mediterrane Sprachen übersetzt wurde. Beispiel: Michael Holm's „Fiesta mexicana”
1973 auf Mallorca. Wie gruselig. Umgekehrt wurden mediterrane Songs von der deutschen
Spack-Industrie gerne adaptiert, sogar von den originalen Künstlern zusätzlich auf Deutsch
gesungen.
Bei der Grabbelei in diesem Kram machte ich noch eine weitere besondere Entdeckung.
Gemeint ist das Live-Doppel-Album. Der Stimmen-Import Karel Gott oder auch Julio Iglesias,
und die gute Milva sind mir mit solchen Formaten in die Hände gefallen, und auf CD sind dieheute gar nicht im hiesigen Handel. In der schwarzen Musik waren mir diese Formate posthum als CD bekannt geworden, zuvor einst seltene und hoch gehandelte Vinyle der insgeheim frauengesteuerten Sammlerszene. Auf Schallplatte kommt so ein Live-Konzert wegendem Plattenumdrehen leider nicht so gut hin, im Konzert muss man ja auch nicht ständig
aufstehen. Bei den Live-Aufnahmen kann man die natürliche Stimme aber dann so richtig
abfeiern. Der Schiwago-Klassiker „Weißt du wohin“ ist mitreißend, Karel Gott sang übrigens
zur Verärgerung seiner akademischen Ausbilder in Jazzclubs.
Aus dem Euro-Spack ist dann Euro-Pop geworden, wobei sich Italien am längsten hielt,
etwa mit Angelo Branduardi und sowieso dem Italo-Pop. Ihr könnt mich gerne korrigieren.
Die Pseudonyme von Schlagersängern waren oft an mediterrane Länder angelehnt und das
kam hier immer gut an. Jetzt, wo Griechenland in der EU ist und mit Euro rechnet, will die
Schlagersängerin Vicky Leandros sogar politisch kandidieren. Irgendwo im griechischenHinterland hat der deutsche singende Pseudo-Russe Iwan Rebroff seine Schafzucht.
Beim Durchforsten des Euro-Spacks ist mir noch eine besonders feine Sache entgegengefallen. Auf einer original italienischen Platte von 1975, deren Pappe auf vierfache Fläche
ausgefaltet werden kann, sind zwei italienische Konzerte des Orchestra Spettacolo Raul
Casadei, in Liscio und Verona aufgenommen und eine Alternative zu James Last. Da gibt es
Walzer und Polka, Tango und Mazurka, die unter italienischer Sonne völlig unspießig erklingen. Das ist schon näher am Geiste der schenkenden Tugend.
Spendierfreudig zeigt sich bis heute Mireille Mathieu, so klein sie auch gewachsen ist. Als
Musterbeispiel erfolgreicher Schlagerkunst brilliert sie bis heute in ihrer Domäne europäischen Brückenbauens, allerdings nur über den Rhein. 2008 ist sie in Deutschland wieder
auf Tournee, eine DVD ist auch im Handel. Sie diniert in Paris stets mit gleicher Frisur im
gleichen chinesischen Restaurant und schützt ihre Haut vor der Sonne, zu der es die Urlauber hinzieht. Ihre Schallplatten waren alle aufwändig gestylt und oft voller wunderbarer Fotografien. Mit dem schnöden Wort Euro-Spack kann man dieser Frau nicht begegnen.
78Spenden-SpackMireille Mathieu spendet, wenn ich mich richtig erinnere, der Wohlfahrt für Kinder. In
den Ramschkisten beim Ralf habe ich reichlich Artefakte unserer ostrheinischen
Spendenfreude gefunden. Themen gibt es ja viele: Hunger, Flüchtlinge, Katastrophen,
wo man hinschaut und es reißt auch heute einfach nicht ab.
In der deutschen Schlagerwelt war die Spendierhose wie der Minirock oft mit Fernsehsendungen verkoppelt. Auf einer Schallplatte der Aktion Sorgenkind stellte Wim
Thoelke unter anderem Helmut Schmidt an der Orgel vor und ließ ihn Gershwin spielen– „I got rhythm”. Da kann man sich schnell was als Handy-Jingle rausklauen. Auch amerikanischer Spenden-Spack war hier mal verkauft worden. Ich fand eine Platte der
UNESCO mit Dionne Warwick, den Bee Gees und Sammy Davis Junior singt ein Lied aus
Doctor Doolittle. Diese enge Beziehung des Spenden-Spacks zur schwarzen Musik dokumentierte sich besonders bei den urig-kultigen ersten vier Rote-Kreuz-Platten bis
1970 „Lieder ohne Grenzen“, „Lieder, die uns Brücken bauen“, „Lieder unserer Welt in
Licht und Schatten“ und „Lieder unserer Zeit in Licht und Schatten“. Die ungeheuer
elegante Zusammenstellung mit tollen Begleittexten und wunderschöner Aufmachungwurde in dieser Form nicht fortgesetzt. Schuld hatte der neue Editor Robert Lembke,
der das Konzept unzeitgemäß fand und Schlager-Potpourries zimmern ließ. Der anständig bebrillte Robert Lembke hatte hier seinen Beruf ordentlich verfehlt. Er fandwohl auch keine tollen Lieder mehr. Hingegen auf den ersten vier Platten sind geradezu zeitlose Juwelen des Gospel-Pop und Chansons, die sonst nirgends zusammen zu
finden sind. Zum Verschenken habe ich mir einige Exemplare doppelt gegriffen.
Eine unmögliche Übereinstimmung von Zweck und Inhalt vermutet man beim Spenden
für den deutschen Wald eher nicht. Man sieht Bäume auf der Plattenhülle, alles ist grün
und aufgeklappt zeigen sich idyllische Fotos der bedrohten Natur. Die Lieder enthalten
von Alters her schon „Wald“, „Linde“, „Jäger“ und so weiter. Der Spendenruf mit TVSendung von 1984 kommt freilich nach „Jahre später“ von La Dolce Vita, mit der das
Zeitalter des deutschen Spacks bereits abklingt und der ich mich mit diesem kleinen
Essay annähern möchte. Beim deutschen Wald hört der Spack ohnehin auf. Das ist bitterer Ernst. Deutscher Wald ist Klimawald.
Beim Kinder-Benefiz bin ich selber stets gerührt, ich war ja auch mal klein. Doch es
wird Spack, wenn Kinder über eine Welt singen, die sie noch gar nicht kennen und ohnehin nicht verstehen. Die Texte werden ihnen in den unerfahrenen Mund gelegt undklingen nicht nur falsch. Sie sind auch falsch. Bei einer Platte zu Gunsten der VietnamKinder, die Rainer Holbe präsentierte, kam da ganz schön was zusammen. „Nehmt uns
mit, Astronauten“ hätte man den Kleinen da zuallererst so richtig gewünscht. Für die
SOS-Kinderdörfer hieß es auf einer weiteren Platte „Kinder brauchen Liebe“, das
kostete natürlich. Diese Lieder von 1975 bis 1984 ließen Kinder selbst mal aufhorchen.
Es ging um Kinderaugen, Riesen und anderes, diese Platte war auch FÜR die Kinder.
Mit dem UNICEF-Logo kam dann 1979 Udo Jürgens mit seinem verhinderten John-Lennon-Spirit, „Die Blumen blüh'n überall gleich“, pünktlich zum Jahr des Kindes. Die Texte
waren fast alle von James Krüss. Der Illustrierten-Verlag Gruner + Jahr widmete sich1980 dem Kinderhilfswerk von Mutter Teresa in Kalkutta. Die B-Seite war ein internationales Lieder-Potpourri, wo jeweils Landeskinder einen Klassiker heimischen Kinderliedgutes vorstellten. Das haut mich wirklich um. Von Mexico, Ägypten, Norwegen undso weiter spürt man stets das Kindliche, das uns allen nahe geht. Warum können die
nicht alle zusammen glücklich spielen? Wozu sind Kriege da? Kann man Spenden fürKinderhilfswerke nicht sogleich an Militärausgaben koppeln? Der deutsche Beitrag zu
diesem Lieder-Potpourri war Mozart KV 350 „Wiegenlied“, gesungen von deutschen
Kindern.
Mit dem Grassieren der Fernsehabende erlebte das Fundraising völlig neue Höhen.
Man drückte auf die Tränendrüse und gehörig auf die Tube. Man warb dabei für Schlagerzusammenstellungen im Handel mit Spendenanteil, und das regelmäßig wie derWetterbericht. Solche Platten liegen heute in den Ramschkisten und die Fernsehabende funktionieren längst anders. Das Interessante an diesem Spenden-Spack ist die gelegentlich urige Zusammenstellung, die man in den heutigen Kaufhäusern so niemals
finden wird, wenn dort CD-Boxen (Wallet-Boxen) für wenig Geld angeboten werden. Ich
selber habe in meiner Jugend nie Schlager gehört und kann mich nicht erinnern, wasdie Texte so geboten haben. Nun fällt mir zum Beispiel gleich ein Doppelalbum mit
Schlagern von 1973 in die Hände und ich spüre ein gewisses Understatement bei den
Künstlern. Damals war dieser charmante Verzicht auf Star-Allüren wohl noch möglich.
79

Auch lange Zeiträume übergreifende Zusammenstellungen einer erfolgreichen
Platten-Serie wie bei „25 Jahre Schlager für Millionen“, ein Drei-LP-Album, kannposthum den emotional verkleisterten und überforderten Kopf klären helfen,
wenn man sie geduldig und zunehmend erleichtert durchhört. Nirgends auf solchen Zusammenstellungen ist der Redakteur genannt, der etwa die Reihenfolge
und Auswahl festlegte. Das ist sicherlich nur ein kleines Detail, aber es ist eben
dieses damit verbundene klammheimliche Understatement, das den Spack derAdenauer-Zeit und des deutschen Herbstes von der späteren schrillen Kommerzialisierung unterscheidet. Die von TV-Serien begleiteten Spenden-Platten brauchen hingegen mit echtem Eigensinn nicht zu wirken, es genügt sekundäres
Werben. Spack hat seine Ambivalenz und verliert sie hier durch die Übertreibung sekundärer Medien. Die große gemeinsame TV-Welt wirkt unaufhörlich wie
schon das paläontologisch erkundete Pangäa. Jener Superkontinent erlebte das
größte Artensterben des Planeten. Es wurde eng.
Mauer-Spack
Völlig überrascht war ich, als ich in den gewaltigen Spack-Mengen auch
Schallplatten der DDR fand. Die Labels heißen AMIGA für den Pop und ETERNA
für die Klassik, soweit ich das gesehen habe. AMIGA verhökert derzeit Drei-CDBoxen für unter 10 Euro in den Kaufhäusern. Meine Mutter kam ja von „drüben“und meine drei Tanten habe ich erst sehr spät kennen gelernt. Die DDR-Musikerreichte mich einst nur über jugendliche Rockbands wie City. Nun aber fandich Amiga-Platten mit dem dortigen Spack, regionales Tanzorchester von Jo
Kurzweg. Der Sound zieht mir die Schuhe aus. Zu Heimatmelodien gesellen sichdort durchaus plötzliche Bläsereinlagen, kommt sogar ziemlich funky. James
Last hatte so etwas ja auch mal drauf. Spack war das alles durch die spürbare
Regionalität, eine Nähe zum amerikanischen Swing wurde sorgsam übertüncht,
nicht aber bei westdeutschen Tanzorchestern. Vielleicht ergänzt ja mal jemandhier meinen kleinen Essay und gibt einen Bericht über den sonderbaren DDRSpack.
Zur Zeit des westlichen Go-Go-Sounds war der Unterschied noch nicht sodeutlich, man folgte ihm in der DDR. Auf der CD „Amiga a Go Go“ ist davon einiges zu hören. Experimentelles hatten die in der Welt des Schießbefehls auch. So
fand ich ein Orgel-Schlagzeug-Projekt von Hans-Günther Wauer und Günter
Sommer, „Verschränkte Konstruktion“, das sich wie frühe Tangerine Dream undKlaus Schulze genießen lässt, aber unter Amiga-Jazz läuft. Dem begleitenden
Text entnehme ich Beziehungen zu John Coltrane's „Ascension”. Es gibt dazu
noch ein Sequel.
Mit den Amiga-Platten sind in Hannover auch polnische, ungarische und tschechische Platten in den Ramsch gekommen. Das sind Rockbands, Volksmusik,
Chansons, Klassik und Instrumentalmusik leichter Art mit wohl nationalem Aroma. Eine original russische Drei-LP-Box aus Leningrad mit einer Werkschau vonLeonid Utjossov, dem Begründer des russischen Swing, erweiterte mein Wissenüber Jazz-Orchester mit historischen Knackern aus den 30er und 40er Jahren.
Stalin schenkte ihm das Leben.

80Russen-Spack1966 lief „Doktor Schiwago“ in den deutschen Kinos und trat eine Romantik
sondersgleichen los. Ein Russe an meinem Musikstammtisch meinte, inzwischen
wollte man in Russland den Stoff selber nochmal verfilmen. Bis weit in die achtziger Jahre wurden dann von wechselnden Sängern und Ensembles ein enger
Melodien-Kanon vorgetragen, huckepack folgten Tourneen und lizensierte Platten des russischen Verlages Melodya. Das kann man nicht als Euro-Spack behandeln, dass ist Russen-Spack. Inzwischen habe ich 25 Versionen der Schiwago-Melodie gefunden, und tatsächlich, es gibt zwei verschiedene deutsche Texte dazu. Iwan Rebroff sang sogar in russischer Sprache, nach welcher Vorlageauch immer. Die amerikanische Textversion ist „Somewhere my love“ und Placido Domingo übertrifft meiner Meinung nach freilich jenen Ray Conniff von 1966.
Legendär ist die deutsche Version von Karel Gott, mein Favorit jedoch ist die
Version von The Goodtime Girls, produziert von Frank Valdor in frech-englischer
Tonlage und Go-Go-Sound. Für Russen selbst ist das ungenießbar, eine deutsche Schrulle, eine amerikanische Schrulle. Ein unmittelbares Baby des kalten
Krieges, ein Artefakt der Adenauer-Zeit, wäre sie nicht 1963 zu Ende gewesen.
Adenauer starb 1967 und müsste Schiwago noch erlebt haben.
Der eigentliche Russen-Spack ist der dürre Kanon eingedeutschter kommerzialisierter russischer Melodien und nachfolgende russisch orientierte Schlager,
etwa Udo Jürgens mit „Do swidanja” und Dunja Rajter mit „Tum Balalaika”. James Last stellte das Zeug auf Tournee in Russland vor und hinterließ zwei vernebelnde Schallplatten, die sogar in den USA vermarktet wurden. Umgekehrt
tourten russische Chöre und Ensemble erfolgreich in Europa, etwa die Don Kosaken, und lancierten manche originale Interpretation der erkorenen Volksweisen.
Die Künstlerkarrieren von Iwan Rebroff und Boris Rubaschkin starteten mit Hilfe des Russen-Spacks. Illustrierte wie Constanze und Praline stärkten ihr Platten-Sortiment, sogar eine Go-Go-Version kam in den Handel. Spack war das alles, weil mit stoischer Wiederholung stets die gleichen Melodien geboten wurden. Wer mehr wollte, musste Importe aus Russland kaufen. Im gleichen engen
Kanon bewegte sich auch eine zeitnahe englische Version des London Festival
Orchesters unter Stanley Black, die in Deutschland angeboten wurde.
Russen-Spack aus der DDR ist mir bisher nicht begegnet, dort wurde Melodya
lizensiert und gut. Zugegeben, die original russischen Interpretationen haben
eben dieses gewisse Etwas. Kapitale Sänger wie Iwan Rebroff und Boris Rubaschkin wurden vor allem wegen ihrer prägnanten Stimme zu Legenden desRussen-Spacks. Wer sich für eine schöne Kollektion interessiert, dem nenne ich
die Vier-LP-Box „Anuschka“ vom Verlag Marcato mit einer Platte tollen russischen Originalen und sonst deutschem Plagiat. Auch Alexandras Klassiker„Sehnsucht” ist dabei.
Eine ähnliche Belebung wie Doktor Schiwago und weitere Russen-Filme damals bewirkte noch das Musical Anatevka. Die urtümliche Version mit Shmuel
Rodensky ist neulich erst auf CD erschienen. Eine instrumentale Jazz-Adaption
von Eddie Gomez, Mark Kramer und John Moseman erschien auf CD 2004 in New
York: „Jazz Fiddler On The Roof”. Wenn ich einmal reich wär, würde ich die abernicht mehr kaufen.
Spackklassisch

Die Verengung des Geschmacks bei illusionärer Weltoffenheit betrifft nicht nur
die Adenauerzeit. Das ist meine These. So etwas hat es im neunzehnten Jahrhundert auch schon gegeben. Ich denke da an die romantische Begeisterung
für Bach, die unter anderem vom Geiger Johann Joachim unterstützt wurde. Die
Enge des Biedermeiers ließ ein enges Kulturdiktat zu und kanalisierte den Blickauf erkorenes Besonderes. Bach selbst kam nicht rüber. Orgeln wurden im Interesse des Zeitgeschmacks umgebaut, der Sound verändert. Bach wurde Ikone
und verspricht bis heute Zustimmung beim Kunden. Besonders der ProgressivRock mit seiner missionarischen Schräglage nutzt den engen Sinn für das kanonisierte Repertoire, Synthesizer müssen sich an Bach bewähren (Walter Carlos)
und bringen prompt gute Kasse.
81

Dabei tat man Bach ohnehin kein Unrecht. Die damals wiederentdeckten Werke BWV 1001-1006 für Solo-Geige enthalten ja den Sinn für die
Opfer-Rolle und konzentrieren das musikalische Schicksal auf den bisher
einzigen Gottessohn und erst recht auf den Schüler am Solo-Instrument.
Hier setzt auch die industrielle Adaption richtig an, selbst wenn der „Sitz
im Leben“, der Bezug zu Ostern nicht beachtet wird. Wenn Rockgruppen
oder Popgruppen (Jethro Tull, Ekseption, The Pink Mice, Elektra u. a.)überhaupt klassische Musik adaptieren, kann man vergleichbar von echtem Spack reden. Mich überraschte insofern eine beispielhafte industrielle Variante der Chemie Grünenthal GmbH, auf deren Jubiläums-Platte von1971 Günter Noris das erste Brandenburgische Konzert BWV 1046 fürSchlagzeug, Bass und verlegenes Elektropiano bearbeitet hat. Günter
Noris, dessen Instrumental-Version von „Love Story” zuvor schon seinen
Anpassungswillen offenbarte, gründete 1972 die Bundeswehr Bigband
und zählte damit zur Verhandlungsmasse des NATO-Doppelbeschlusses.
Doch entweder man schafft seine Verehrungen ab, oder man schafft
sich selber ab, so etwa schrieb Nietzsche einmal. Spack entsteht aus Motiven der Verehrung und der blinden Romantik gleichermaßen, unabhängig vom kommerziellen Ehrgeiz. Spack ist eine moralische Angelegenheit.
Sympathisch wird es, so geht es mir, wenn Albernheit und Spaß offen zu
Tage tritt, etwa zur Zeit der Go-Go-Musik. Umgekehrt lassen auch Orchester nicht locker, Rock und Pop philharmonisch zu adaptieren und dadurch Spack zu produzieren. Künstler der leichten instrumentalen Unterhaltungsmusik stehen da auch nicht untätig herum wie die Zinnsoldaten.
Zukunft des Spack
Oben habe ich die deutsche Funkrockband Randy Pie zitiert. Demnach
führt ein Verständnis des Phänomens Spack (als Paradox von scheinbarer Weltoffenheit und enger Geschmacksführung) zum Verständnis desalchemistischen Steins, der unter anderem Blei in Gold verwandeln könne. Na klar, den Bogen hatte das Band-Mitglied Werner Becker bald raus
und seine Platten unter dem Pseudonym Anthony Ventura lagen überhaupt nicht wie Blei im Laden. Beckers Melodie-Sortimente machten ihnreich. In seiner Platten-Serie „J'taime” werden sogar dem KrautrockKlassiker „A Whiter Shade Of Pale” süffigste Hammond-Klangfarben verpasst.
Inzwischen ist diese Alchemie ohne Wirkung. Im Prinzip könnte man alles wieder Verspacken, aber zurzeit interessiert das keinen. Höchstens
elitäre Kanon-Diskussionen der literarischen Kulturschickeria lassen Interesse vermuten. Was heute zählt, das ist der Effekt und die Abwechslung. Korrigiert mich, wenn oder sobald ich falsch liege. Retro-Effektedrängen nicht auf Spack, sondern man will dann quasi eine echte Zeitreise und so den Ruck-Stau in Deutschland vergessen. Das ist ein neues
Biedermeier und es wird sicherlich noch weitaus schlimmer damit. Selbst
die doch im Biedermeier entstandene Science Fiction vermarktet nur alte
Themen in neuen Produktionen, es geht einfach nicht weiter.
Die sich so neuartig gebende Techno-Szene lebt ebenfalls vom Aufwärmen alter Methoden. Den Endlos-Mix, elektronisches Experiment und das
Remake gab es schon zu Lebzeiten Adenauers, Experimente mit Tonträgern und Samples gab es schon vor dem zweiten Weltkrieg. Die Alchemie,
die in der Techno-Szene einzelne Leute reich macht, ist die privilegierte
Stellung des DJs, die manche sehr gut zu nutzen verstehen. Diese Positionierung enthält allerdings das gleiche Paradox wie das Produkt Spack. Effektive Geschmacksführung und die Illusion der Weltoffenheit sind die leitenden Gebote des Techno-DJ, der nicht Kitsch oder Spack zulässt, sondern dem aktuellen Publikum nachfolgt und es bestätigt. Spack aber lebt
von einem spezifischen Aberglauben, sattelt auf schlechter Informationüber die Bedürfnisse des Publikums und stirbt regelmäßig wieder ab.
Spack ist nur dann auch bleibend angenehm, wenn die enge Attitüde mit
Humor empfunden werden kann, wenn Spack seine Vergänglichkeit offen
zeigt und damit ansteckt.
82Nachwort
Lieber Heinz Strunk. Als ich dein Buch „Fleisch ist mein Gemüse“ gelesen hatte, verstand ich den ganzen Kram mit dem Spack erst so richtig. Du musstest das alles am eigenen Leibe aushalten und ausbaden.
Du hast auf den Dörfern getingelt und diese gewissen Lieder rauf- undruntergetrötet. Dann hast du diese zugekotzten Toiletten gesehen,etwa ab Mitternacht. Wie tapfer du das alles mitgemacht hast. Wie oft
du das Lied mit den Caprifischern und das Lied von der Nordseeküste
spielen musstest, ich wage nicht, mir das vorzustellen.
1983 ist die Platte von La Dolce Vita „Jahre später“ rausgekommen
und die Titel sind samt und sonders Klassiker des Tingelns, sogar ein
Saxofon ist dabei. „Junge, komm bald wieder“, „Bella Bella Marie(Caprifischer)“, „Seemann, deine Heimat ist das Meer“, „Mitsou,
Mitsou“, „Der Wind hat mir ein Lied erzählt“, „Kriminaltango“,„Wochenend und Sonnenschein“, „Mackie Messer“, „Ein Schiff wird
kommen“ und „Weiße Rosen aus Athen“, alles im Rheinland eingespielt,
losgetreten von der Sängerin Gaby Köppen. Vor deinem Buch hatte ich
den Kanon gar nicht verstanden, ich bemerkte gerade noch die Nähe
zur Neuen Deutschen Welle und hielt den Rest für irgendeine nette Absicht.
Deine Begeisterung für Roger Whittaker und sein meisterliches Pfeifen bei Live-Konzerten wollte ich unbedingt nachempfinden und habeerst mit dessen Studio-Album „Folk Songs“ etwas Glück gehabt. Dieses
Aufwärmen von Folk Songs könnte man für englischen Regio-Spackhalten, aber wer ist schon Engländer.
Vom deutschen Spack habe ich erst mal genug. Worauf der Spack reagiert hat, erweitert allerdings den historischen Sensor. Bach etwa ist
tatsächlich elementar und lohnt die Erkundung, insbesondere die so
genannte Köthener Zeit, der auch die Solo-Kompositionen entstammen. Überraschenderweise fand ich im Ramsch beim Ralf eine BachBearbeitung vom Organisten Gerd Zacher, „Bach-Actuel”, 1968 dem
tatenfastenden Philosophen Adorno gewidmet. Variiert wird ein BachThema, eine Weihnachtsmelodie, besser: Sie wird demontiert und umgewandelt, wohl 'umfunktioniert'. Adorno's musikphilosophische Antwort ist mir nicht bekannt. Mir wird bei solchen Zugriffen auf Bach ganz
seltsam im Hirn. Adorno glaubte auch gar nicht an den Weihnachtsmann.
Andernorts wird nicht so viel nachgedacht. Als ich wie die Langenhagener Blasmusik auch mal in der hannoverschen Marktkirche für Musik
sorgte, zur Erholung für Ruhegäste der sommerlichen Techno-Parade,baten zwei ältere Damen um Erläuterungen der farbigen elektronischen Musik. Da fiel mir erst mal nichts ein. Jetzt aber hilft mir diesekurze Episode, etwas anderes zu verstehen. Der Techno-DJ kommt
vielleicht deswegen nicht zum Spack, weil er sich selbst nie alleine
fühlt. Denn wer ständig mixt, dem wird es niemals eng.
83BAs Lieblinge 2007
FOVEA HEX Neither Speak Nor Remain Silent (Die Stadt)
MASSACRE Lonley Heart (Tzadik)
MURCOF Cosmos (The Leaf Label)
ONJO Live Vol.2 parallel circuit (Doubt Music)
PUSH THE TRIANGLE Repush Machina (D’Autres Cordes Records)
SHINING Shining (Rune Grammofon)
SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM In Glorious Times (The End Records)
GHEDALIA TAZARTES Jeanne (Vand’oeuvre)
ROBERT WYATT Comicopera (Domino Recording)
JOHN ZORN Asmodeus Book Of Angels Vol.7 Marc Ribot Plays Masada Book Two (Tzadik)
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KONTAKTADRESSEN
12k/LINE - www.12k.com
Alien 8 Recordings - www.alien8recordings.com
All About Jazz - www.allaboutjazz.com
Ambiances Magnétiques - www.actuellecd.com
Amor Fati - http://amorfati.label.free.fr
A-Musik ( + Laden + Mailorder) - Kleiner Griechenmarkt 28-30, 50676 Köln, Germany; www.a-musik.com
Another Timbre - www.anothertimbre.com
Anthurus d‘Archer - www.anthurus.com
Asphodel - www.asphodel.com
Auf Abwegen - P.O. Box 100152, 50441 Köln; www.aufabwegen.com
Avantgarde History / Rock History / Encyclopedia of New Music - www.scaruffi.com
Bagatellen (Online-Magazin) - www.bagatellen.com
Baskaru - www.baskaru.com
Because - www.because.tv
Boxholder Records - boxholdr@aol.com
Chief Inspector - www.chief-inspector.com
Circle - www.circlefinland.com
Creative Improvised Music Projects - www.cimprecords.com
Cuneiform Records - www.cuneiformrecords.com
Dekorder - www.dekorder.de
Die Stadt - www.diestadtmusik.de
Digitalis Recordings - www.digitalisindustries.com
Discographien - www.discogs.com
Drone Records (+ Mailorder) c/o S.Knappe, Celler Str. 33, 28205 Bremen, Germany; www.dronerecords.de
The Eastern Front - www.theeasternfront.org
ECM - www.ecmrecords.com
Editions Mego - www.editionsmego.com
Ektro Records - www.ektrorecords.com
Emanem - www.emanemdisc.com
Enja Records - www.enjarecords.com
European Free Improvisation - http://www.shef.ac.uk/misc/rec/ps/efi/
Extraplatte - www.extraplatte.at
Faith Strange Recordings - www.faithstrange.com
Firework Edition Records - www.fireworkeditionrecords.com
Flux Records - http://rothkamm.com
Form Function Records - www.formfunctionrecords.com
Fortuna Pop! - www.fortunapop.com
For 4 Ears Records - www.for4ears.com
Foxy Digitalis (Online-Magazin) - www.digitalisindustries.com/foxyd/index.php
Free Software Series - www.freesoftwareseries.org
Haco - www.myspace.com/hacohaco
Hibari Music - www.hibarimusic.com
High Mayhem - www.highmayhem.org
Intakt Records - www.intaktrec.ch
Intransitive Recordings - www.intransitiverecordings.com
Konnex Records - www.konnex-records.de
Last Visible Dog Records - www.lastvisibledog.com
Leo Records - www.leorecords.com
Lidar-Productions - www.lidar-productions.net
Maya Recorings - www.maya-recordings.com
Mico Nonet Records - www.micononet.com
Moers Music - www.moers-music.com
Mosz - www.mosz.org
Noble Records - www.noble-label.net
No Man's Land (+ Mailorder) - Straßmannstr. 33, 10249 Berlin, Germany; www.nomansland-records.de
Onomatopoeia Records - www.onophonic.com / www.myspace.com/theycamefromthestarsisawthem
Open Door (Mailorder) - Lauterbadstr. 12, 72250 Freudenstadt, Germany; www.open-door.de
Paris Transatlantic (Online-Magazin) - www.paristransatlantic.com/magazine
Persona Non Grata (Online-Magazin) - http://blog.png-online.dePrionmusic - www.prionmusic.de
Public Eyesore Records / eh? - www.publiceyesore.com
Pull The String Records - www.carlsmithgroup.com
Ragazzi Website für erregende Musik (Online-Reviews) - www.ragazzi-music.de
Ra Sounds - www.ronanderson-molecules.com
Rastascan Records - www.rastascan.com
Raster-Noton - www.raster-noton.net
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RecRec (Laden + Mailorder) - Rotwandstr.64, 8004 Zürich, Schweiz; www.recrec.ch / www.recrec-shop.ch
RéRMegacorp (+ Mailorder) - www.rermegacorp.com"revue & corrigée - 17, rue Buffon, 38000 Grenoble, Frankreich; revue-corrigee@caramail.com
Rune Grammofon - www.runegrammofon.com
Sammlung - www.sammlung.or.at
Der Schöne-Hjuler-Memorial-Fond - www.asylum-lunaticum.de
Schraum - www.schraum.de
Segerhuva - www.segerhuva.se
Staubgold - www.staubgold.com
Sunhair - www.psychedelic-network.de
Terp Records - www.terprecords.nl
Terrascope Online - www.terrascope.co.uk
Textile - www.textilerecords.com
Thrill Jockey - www.thrilljockey.com
Tosom Records - www.tosom.de
Touch - www.touchmusic.org.uk
Tzadik - www.tzadik.com
ugEXPLODE - http://nowave.pair.com/ugexplode
UN-Limited Sedition - www.limitedsedition.com
Unsounds - www.unsounds.com
Ventil Verlag - www.ventil-verlag.de
Vital Weekly (Online-Reviews) - www.vitalweekly.net
Wallace Records - www.wallace.com
club W71 - www.clubw71.de; http://de.wikipedia.org/wiki/Club_W71
Z6 Records - www.xs4all.nl/~lukas/

HERAUSGEBER UND REDAKTION:
Rigo Dittmann [rbd] (VISDP)REDAKTIONS-

UND

VERTRIEBSANSCHRIFT:

R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de • www.badalchemy.de
BAD ALCHEMY # 57 (p) Januar 2008
MITARBEITER DIESER AUSGABE:
Michael Beck, Lutz Schridde, Guido Zimmermann
Fotos: Bernd ‚Schorle‘ Scholkemper 5, Sunhair 2, 4Alle nicht näher gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sindCDs, was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl gibt
BAD ALCHEMY erscheint ca. 3 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 57 erhalten Abonnenten die Prion-CD-R HARALD SACK ZIEGLER Live 28.04.2006 Köln
CD-R-Hülle & Rückseite designt von Jochen Kleinhenz
Als back-issues noch lieferbar - Magazin mit 7" EP: BA 32, 33, 35 bis 42
nur Magazin: BA 43, 45, 46, 54 - 56
Einige Leseproben findet man unter http://stefanhetzel.de/esszumus.html,
die vergriffenen Nummern BA 44 & 47 - 50 als pdf-download auf www.badalchemy.de.........................................................................................................................................................................

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CIRCLE LIVENICHTS GEHT ÜBER EINEN SPRECHENDEN FROSCH: BAUER - BENNINKQUIVEM VRASTORR HOZHAI HEDDINICA: YOSHIDA TATSUYA - KOENJIHYAKKEITHE NEW IMMORTALITY: LEIF ELGGRENGREGORIO BARDINI
PASCAL COMELADES MÈTHODE DE ROCANROLhAUSMUSIK (G. Zimmermann)
WASSERMUSIC (M. Beck)
DOUBLE TROUBLE: WALTER + RECHTERN - PLIAKAS + WERTMÜLLER LIVEALS DIE WELT NOCH UNTERGING - VON PUNK ZU NDW
LUTZ SCHRIDDE: SPACKANOTHER TIMBRE 11 - ASPHODEL 13 - BOXHOLDER 14 - CIMP 15 - CREATIVE S O U R CES 17 - CUNEIFORM 21 - DIE STADT 24 - EMANEM 26 - EXTRAPLATTE 27 - HIBARI MUSIC 30 - HIGH MAYHEM 31 - INTAKT 32 - INTRANSITIVE 33 - LAST VISIBLE DOG 34 LEO 35 - PRIONMUSIC 37 - PUBLIC EYESORE / EH? 38 - RA SOUNDS 40 - ReR / CONTINUITY 41 - RUNE GRAMMOFON 42 - DER SCHÖNE HJULER MEMORIAL FOND 44 -- S E GERHUVA 46 - STAUBGOLD 47 - TOSOM 48 - TOUCH 49 - TZADIK 50 - ugEXPLODE 51
AGNEL, SOPHIE 11 - AHLEUCHATISTAS 23 - ANDROSCH, PETER 27 - ANGEL 59 - ANTHURUS
D‘ARCHER 57 - ASHLEY, ROBERT 58 - AUTISTIC DAUGHTERS 47 - AUTISTICI 59 - BECUZZI, GIANLUCA
34 - BENDIAN, GREGG 23 - BENNINK, HAN 5, 60 - BERNE, TIM 71 - BERSARIN QUARTETT 60 - BIANCHI, MAURIZIO 61 - BLACK ENGINE 61 - DAVID BOND QUINTET 16 - BONDONNEAU, BENJAMIN 52 BOX 43 - BRAXTON, ANTHONY 35 - PAUL BRODY‘S SADAWI 50 - BRYARS, GAVIN 49 - DAVID BUCHBINDER‘S ODESSA / HAVANA 50 - CAGWIN, JARROD 35 - CENTENAIRE 62 - CHARLES, FABRICE 52 CLEAR FRAME 41 - COLD READING TRIO 62 - THE CONTEST OF PLEASURES 11 - CTRL 19 - DASFRÖHLICHE WOHNZIMMER 37 - DAVIES, ANGHARAD 12 - DAVIES, RHODRI 12 - DAVIS, MATT 12 - DAVIS, STEVE 17 - DE ANGELIS, EMANUELA 61 - DE JOODE, WILBERT 36 - DEATH AMBIENT 53 - DEROME, JEAN 53 - DJ ILLVIBE 68 - DOYLE, ROGER 25 - DR DIDI 27 - DRURY, ANDREW 18 - DUNCAN, JOHN
25 - DUVAL, DOMINIC 15 - DYNAMIC BROWN HIPS 39 - ECFA 62 - EXTREME ELECTRONICS UNIT 46 FEGA, ROBERTO 20 - FERNÁNDEZ, AGUSTÍ 63 - FEW, BOBBY 14 - FOOD 43 - FREIBAND 48 - GEBBIA,
GIANNI 51 - GEISSE, GUNNAR 17 - GIRAFFE 39 - GLOBE UNITY ORCHESTRA 32 - GRATKOWSKI,FRANK 36 - GRUMMICH, PETER 47 - GUAZZALOCA, NICOLA 36 - GUY, BARRY 63 - HACO 54 - HARDY,
MARINA 39 - HASHIMOTO, KAZUMASA 63 - HAUSSWOLFF, CM V. 25 - HEALING FORCE 21 - HETZEL,STEFAN 55 - INCAPACITANTS 46 - JACK & JIM SHOW PRESENTS 14 - JACKIE-O MOTHERFUCKER 63 JAMES CHOICE ORCHESTRA 64 - JOHNSON, RICHARD LEO 23 - KAPITAL BAND 1 64 - KARKOWSKI,ZBIGNIEW 13 - KAUFMANN, ACHIM 36 - KAWASATA, TAKAYUKI 71 - KOMMISSAR HJULER 44, 45 KONTAKT DER JÜNGLINGE 25 - KUBIN, FELIX 65 -THE LADYBUG TRANSISTOR 65 - THE LATE SEVERA WIRES 31 - LÜCKER, BJÖRN 20 - LYTTON, PAUL 32, 63 - MACLEAN, STEVE 41 - MAMA BÄR 44, 45 MANPACK VARIANT 66 - MARCHETTI, LIONEL 33 - MARIEN, CHRISTIAN 18, 73 - MARSH, BOB 38 - MARZAN, PASCAL 26 - MATTIN 30, 66 - MCDONAS, THOLLEM 18 - MCPHEE, JOE 15 - MEIER, TOMMY 32 SZILARD MEZEI QUINTET 35 - MICO NONET 66 - MINTON, PHIL 11 - MOE, OLE-HENRIK 42 - MOELLHUSEN, U. 45 - THE MOLECULES 40 - MUCHE, MATTHIAS 20 - MUKARJI, TISHA 12 - MÜLLER, GÜNTER
18, 73 - MÜLLER, MATTHIAS 18 - MURAYAMA, SEIJIRO 33 - N.STRAHL.N 48 - THE NABOBS 67 - NADJA
67 - NAMCHYLAK, SAINKHO 35 - NEMETH 68 - NERVE NET NOISE 33 - NOJIRI, ATSUKO 13 - NUBOX
68 - O‘LEARY, MARK 18 - ORCHESTRAMAXFIELDPARRISH 69 - ORGANUM 24 - ORSI, FABIO 34 - PAK 40- PARKER, EVAN 32, 63 - PLIAKAS, MARINO 56 - POMASSL 69 - POPE, ODEAN 16 - RADIO MASSACRE
INTERNATIONAL 22 - RAINEY, TOM 71 - REBELLO, SAMANTHA 12 - REBELO, PEDRO 17 - RECHTERN,MARIO 55, 67 - REVUE&CORRIGÉE 70 - RICH IN KNUCKLES 18 - RODRIGUES, ERNESTO 19, 20 ROTHKAMM, FRANK 70 - RUTHERFORD, PAUL 26, 32 - SAADE, BECHIR 12 - SANTOS, CARLOS 20 SCHLIEMANN, WOLFGANG 17 - SCHROEDER, FRANZISKA 17 - SHELF LIFE 38 - SHIURBA, JOHN 40,
70 - SIMONIS, LUKAS 71 - SKROBEK, JULIEN 71 - SLASHDEATH 45 - SMITH, DAMON 51 - SMITH, ROGER 26 - STABENOW, M. 44 - STELZER, HOWARD 33 - TABORN, CRAIG 71 - TANG, ACHIM 20 - TERRIE
EX 60 - THEY CAME FROM THE STARS I SAW THEM 72 - TIETCHENS, ASMUS 24, 25 - TIME OF ORCHIDS 22 - TORN, DAVID 71 - TREVOR-BRISCOE, TIM 36 - TRIO X 15 - ULHER, BIRGIT 20 - UNAMI, TAKU
30 - V/A SIEBEN MAL SOLO 73 - V/A SIGNAL TO NOISE 73 - VAPAA 34 - VARIABLE GEOMETRY ORCHESTRA 19 - VORFELD, MICHAEL 17 - WALTER, WEASEL 51, 56 - WASHINGTON, SALIM 16 - WE
DREW LIGHTNING 31 - WERTMÜLLER, MICHAEL 56 - WHITE, JOHN 34 - ZIEGLER, HARALD SACK 37 ZITZMANN, MARKUS 55 - ZOUBEK, PHILIP 20 - „[SIC] TIM GOLDIE 30 87

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