AD 111
ALCHEMYGone, gone, gone...
[28 Apr 2021] Anita Lane (Australian singer-songwriter - Nick Cave and the Bad Seeds), 61[14 Mai 2021] Hans Kennel (Schweizer Jazztrompeter - Alpine Jazz Herd, Habarigani...), 82[15 Mai 2021] Mario Pavone (US-Jazz-Bassist - Thomas Chapin, Dialect Trio...), 80[31 Mai 2021] Peter Hollinger (Drummer - Gestalt et Jive, Uludag, Slawterhouse...), 67
Hollinger hat die letzten 35 Jahre in Berlin gelebt. Als er jetzt wegen Eigenbedarf aus seiner Wohnung in derKreuzberger Adalbertstraße zwangsgeräumt werden sollte, brachte er sich um. Der Berliner "Tatort: Die
dritte Haut" irrlichtert da drumrum. Scheiß auf einen Rio-Reiser-Platz, wenn die Gentrifizierung munter
weiter über Leichen geht.

[01 Jun 2021] Robert Rutman (Dt.-amerikan. Komponist - Steel Cello Ensemble), 90[26 Jun 2021] Frederic Rzewski (US-Pianist u. Komponist), 83[26 Jun 2021] Jon Hassell (US-Jazz-Trompeter), 84[28 Jun 2021] Burton Greene (US-Jazz-Pianist), 84[01 Juli 2021] Louis Andriessen (NL-Komponist), 82[04 Juli 2021] Rick Laird (irisch. Bassist - Mahavishnu Orchestra), 80[07 Juli 2021] Angélique Ionatos (griech. Sängerin u. Komponistin), 67[20 Juli 2021] Jerry Granelli (amerikan. Jazz-Drummer), 80[22 Juli 2021] Peter Rehberg (aka Pita, Editions Mego; Fenn O'Berg, KTL...), 53[28 Juli 2021] Roberto Calasso (Der Untergang von Kasch, Das Rosa Tiepolos...), 80[04 Aug 2021] Karl Heinz Bohrer (Ästhetik des Schreckens, Theorie der Trauer, Granatsplitter...), 88[14 Aug 2021] R. Murray Schafer (kan. Komponist u. Klangforscher), 88

An der letzten Front moderner Mentalitätskämpfe rücken ständig zwei Lager gegeneinander vor.
Mission gegen Konsum, Protest gegen Rente, Militanz gegen Unterhaltung...
Wer vom 'Offenen' spricht, rührt an das Grundgefühl des Weltalters. Die Dimension Offenheit klafft
vor allem nach vorne auf - beziehungsweise nach vorne-unten...
Nicht das Wort war am Anfang, sondern das Unbehagen, das nach Worten sucht. Peter Sloterdijk
Worte, Worte, Worte, falsch und nicht stark genug, das Blut abzuwaschen, nicht laut genug, trotz
des Betruges, den Schmerz zu übertönen. Millionen und Abermillionen zu schlachten, das ist die
Kunst der Reiche. Warum sind wir Schwachen wenigstens nicht so mutig, daß wir Napoleon einen
Verbrecher nennen? Und den Säufer Alexander ein Vieh? - Die Namen, die die Geschichte auswählt- - es sind fluchwürdige Namen. Hans Henny Jahnn
David B. + Hervé Tanquerelle - Die falschen Gesichter
Jens Balzer - Das entfesselte Jahrzehnt. Sound und Geist der 70er
Jean Echenoz - 14
Umberto Eco - Ur-Fascism [The New York Review of Books, 1995]
Hans Henny Jahnn - Pastor Ephraim Magnus; Medea; Straßenecke; Die Nacht aus Blei; Essays
Birgit Kempker - Übung im Ertrinken / Iwan steht auf
Michael Kumpfmüller - Ach, Virginia
Reif Larssen - Die Karte meiner Träume

Twain? Pynchon? Wie "Der Distelfink" von Donna Tart und ähnlich gehypt, ist das ausgekochter Amischeiß, der sich ambitioniert und 'intellektuell' geriert und einem doch bloß einen Cowboyhut andreht

Alain Mabanckou - Zerbrochenes Glas
Michael Maar - Die Schlange im Wolfspelz. Das Geheimnis großer Literatur
Walter Mehring - Arche Noah SOS. Alte und neue Gedichte, Lieder und Chansons
Pankaj Mishra - Land and Blood. The origins of the Second World War in Asia (The New Yorker, 2013)
Henrik Rehr - Der Attentäter. Die Welt des Gavrilo Princip
Matt Ruff - Fool on the Hill
Anton Shekhovtsov - Apoliteic music: Neo-Folk, Martial Industrial and ‘metapolitical fascism’
Matthias Senkel - Dunkle Zahlen
Franz Schuh - Sämtliche Leidenschaften
Peter Sloterdijk - Du mußt dein Leben ändern
Alessandro Tota + Pierre van Hove - Der Bücherdieb
Ulrike Ottinger (Regie): Paris Calligrammes
Wehmütige Reminiszenzen - eingeleitet von W. Mehrings 'Brief aus der Mitternacht' in memoriam toter
Mitemigranten, eingerahmt vom Massaker von Paris 1961 und der Vandalisierung der Odéon-Theaters
1968, mit postkolonialen Tauchgängen ins Palais de la Porte Dorée, cineastischen ins Musée du Cinéma– Henri Langlois, surrealen ins Musée Gustave-Moreau...

Thorsten Schütte (Regie): Eat That Question - Frank Zappa in His Own Words2

Im 50. Festival- und zweiten Corona-Jahr müssen Tim Isfort und die
Moers-Crew noch einmal über den Widrigkeiten des Lebens hinaus
dem Covid-19-Terror trotzen, und tun das mit einem ziemlich wilden
Programm. Das zeigt

im ARTE concert Live Stream

gleich der Auftakt am Fr, 21. Mai Open Air am Rodelberg, mit dem durchdringenden Dudelsackalarm von LA TÈNE extented. Der rastazottelige Cyril Bondi - perc & D'incise - Indian
Harmonium, elec + Guilhem Lacroux - g & Jérémie Sauvage - b (von Tanz Mein Herz) +Jacques Puech & Louis Jacques - bagpipes schrillen und klopfen einen rituellen Headbangergroove und gleich noch einen in halber Geschwindigkeit. 5 der erhofften 500 Zuhörer* bekommen einen Vorgeschmack auf das nächste Mittelalter, die kommende Steinzeit. Dieser Old-Times-Techno bringt solche Zukunft heute schon zum tanzen.
In der Festivalhalle vereint die GROSSE KLEINE ALLEE BAND jubiläumsmäßig alle Improviser in Residence von Angelika Nescier – sax über Simon Rummel – glockenspiel, harmonika, toys4us, Achim Tang – b, Ingrid Laubrock – sax, Michael Schiefel – voc, Julia Hülsmann – p, Hayden Chisholm – sax, Carolin Pook – vl, John-Dennis Renken – tp, Kim Josephine Bode – fl, recorder, Emilio Gordoa – vib und Mariá Portugal – dr bis Kevin Shea – dr &Matt Mottel – keys aka Talibam! Allerdings gehen ihre lyrisch-blumigen Interaktionen und
turbulenten Eskalationen unter im visuellen Overkill durch das Gehampel eines Clowns im
Blütenrausch mit grauen Meanies als gesichtslosen Widersachern und der Dauerüberblendung durch Dokus der Hippiezeiten in Moerstock. Als wäre die Musik nicht Imput
genug und die Musiker* als Nicht-Stars nur so für eine Kamera erträglich. Oder durch die
nackten Schenkel der Interviews führenden Attraktrice Lena Entezami.
Das Bass-Drum-Duo JOËLLE LÉANDRE - GERALD CLEAVER spielt dann wieder draußen,und wird aus 50 m Distanz gefilmt. Dennoch, wer über Léandres phantastische Bogenzüge
und asiatische Kampftechnik nicht staunt, dem... verdammt, der Clown. Cleaver tockt unddonnert zwar ganz wunderbar und setzt martialische Hiebe, doch wo bleibt der Clownsjäger? Scheiß der Hund drauf, was sollen jetzt die Ken-&-Barbie-Puppen? Wie erbärmlich
ist das denn in seinem visuellen Downgrading aufs Niveaus eines schlecht besuchten
Kindernachmittags von Menschen mit Migrationsdefizit e. V.? Auch wenn mir dann
Léandres goldne Schuhe entgehen, gebt mir Radiooo!
aerosolo #1: BRAD MEHLDAU klimpert Radiohead, Beatles, Neil Young, Coltrane undandre Ohrwürmchen als Entr'acte-Unterhaltung und bekommt visuell dafür prompt ein
menschenwürdigeres Treatment.
Am Viehtheater (ha, call me Amphitryon) beschallt einen WILL GUTHRIE & ENSEMBLE
NIST NAH als hämmerndes, klöppelndes, schlägelndes Gamelan-Nonett, mit Prune Bécheau, schau an. Vor allem jedoch mit zweifach Drums, Metallofonen, Gongs, Schalltöpfen,
Klangschalen, Schwingscheiben, für insistentes Grooven und Klingklangzauber mit Myriaden von metalloiden Nuancen, den die Kameras wieder nicht zu würdigen wissen. Kann
denn keiner mal den Clown einsperren?
Alexander Hawkins als schillernder, trillernder, mit Seehundflossen funkender Hammond
B3-Wizard, John Edwards, der stupend sägende, plonkende Basswerker & Trommelmeister Hamid Drake sind DECOY und spielen mit JOE MCPHEE an Tenorsax Soul Jazz imAndenken an Coltrane und Jimmy Smith. McPhee singt mit Archie-Shepp'schem Vibrato,und seine roten Sneaker knallen ebenso wie Drakes zimtbraune Haube. Die drei haben an
den blauesten und dreckigsten Noten den größten Spaß und grooven fast verboten.
aerosolo #2: LUBOMYR MELNYK, der in der Pause schon vom Dreiklang aus Body, Mind &Soul als Türöffner zu wahrer Meisterschaft predigte und sich als 'continuous pianist' inseiner lebenslangen Hingabe mit den Meistern asiatischer Kampfkünste verglich, beginnt
simpel und meditativ und offeriert dann mit 'Flower' eine Krönung seiner zeitvergessen,
schönheitstrunken fluktuierenden Pianopoesie. Und schließt mit einem elegischen Lullaby
als seiner jüngsten Erfindung.
aerosolo #3: Als mitternächtliches Postscript bratzelt Gitarrero JULIEN DESPREZ als
furioser Light-Sound-Blitzer ‘Acapulco Redux’. Wer zuvor mit Melnyk Schäfchen gezählt
hat, erlebt auf die harteTour, was Moerser Clowns unter 'Kontrastprogramm' verstehen.
3Sa, 22. Mai: Nachdem Julius Eastman letztes Jahr in Moers schon mit 'Evil Nigger' & 'Gay
Guerilla' eingeführt wurde, spielen ENSEMBLE 0 + AUM GRAND ENSEMBLE - wie schon
auf Sub Rosa gehört (→BA 109) - nun in der Festivalhalle ‘Femenine’, als Hypnomirakel
aus beständig pulsendem Stakkato. Wobei im 12-köpfigen Line-up Benoît Delbecq - p,
Jozef Dumoulin - synth und Christian Pruvost namentlich hervorstechen, klanglich aberneben dessen Trompete Vibes, Shaker, Piano und das feminin vokalisierte badabadabadababaababaababaa.
Nach einem Talk-Intermezzo, das abolitionistisches Gedankengut anreißt - die Abschaffung der Polizei, der Gefängnisse [des Marktes, des Copyrights, von Schmerz & Leid (ichbin dabei!) und von überhaupt allem, das Mensch, Tier und der Erde schadet], freakjazzrocken als THE RESONATORS Frank Gratkowski als Extrem-Reedist, Guitarrero SebastianMüller & Basshotzenplotz Reza Askari (Colonel Petrov's Good Judgement) + Thomas
Sauerborn, Drummer bei Mount Meander & Wolves and Mirrors, vor tapferen 7, die dem
Mieswetter trotzen, furios betrillert und mit feinstem Traumstoff bestäubt. Müller ist ein
Kracher, Gott bloß ein Pisser, die Bildregie spendiert finnegans wake-ischen Text-Fluss.
Im Trockenen PICATRIXen die ICP-Witchfiddlerin Mary Oliver, mit Greetje Bijma eine altbekannte, lange nicht gehörte Stimme und Nora Mulder als godverdomse Pianistin. Mit Les
Diaboliques- & Puck-Spirit, von HAN BENNINK mit simplem Trommelchen zirkusreif beklopft. Bijma 'bläst' als Weißclown mit schneeweißem Mecki 'Posaune', singt Cor Fuhlers'Butterflies in my Laboratory', schmachtet Balladen, hurzt ein Kunstlied. My red lips arefrozen? Von wegen!
Draußen knattern, klimbimpern, sägen, plonken, röhren EMILIO GORDOA – vib, DON
MALFON – sax, DAG MAGNUS NARVESEN – dr + JOHN EDWARDS im quietschfidelen mexikanisch-katalanisch-norwegisch-johnnyboyschen Freistil.
PAT THOMAS - p, JOEL GRIP - b und ANTONIN GERBAL - dr beeindrucken mit ihrem
treibenden Umlaut-[ISM]us. Grip mit Propellerfingern im Dauerdreh, Thomas mit toller
Topf-Kappe und herrlich tatzender No-Nonsense-Technik.
Danach stakst der große Marabu zu den vom ugandisch-englischen Sextett NIHILOXICA
auf Crammed Discs geklapperten Riddims von "Kaloli". Als Vorgeschmack auf eine vonHierarchien, Businessinteressen und traditionellen Fesseln freien Musik, die dennoch an
ihren spirituellen Roots festhält, aber gegen den Kältetod einen schweren Stand hat.
Das DAVID MURRAY BRAVE NEW WORLD TRIO mit Bradley Jones am Bass & Hamid
Drake, heute mit etwas Weichem, das auf seinem Kopf gelandet ist, aber seine hüftlangen
Dreadlocks frei lässt, erinnert, wie gestern Joe McPhee, mit Macht daran, was nicht nur
Moers der Great Black Music verdankt. Bläst Murray, wie Jones anfangs mit schicker Flatcap, zum pulsenden Bassswing und zu Tante Drakes gottvollem Groove nicht umwerfend
melodisch, rau und heiß als einer der Meister, die Melnyk meint?
FENDIKA schüren mit Masinko, Krar, Basskrar und Drums und dann auch noch Tanz unddem Gesang von Wude Tesfaw ein Pfingstfeuer auf dem Bildschirm, von dem wir blassen
Ex-Out-of-Afrikaner - außer HAN BENNINK, der dann auch noch mit äthiotobt - nicht einmal
mehr träumen können. Mann, wenn 'Äthiop-ink' ein Virus wäre - statt der Affenbisse, die
Evangelikale und andere Querspinner zu Missionaren macht.
Spät lenken zuletzt Chris Pitsiokos - asax, elec, Wendy Eisenberg - g, Richard Lenz - b,
Kevin Murray & Aaron Edgcomb - dr, perc als STRICTLY MISSIONARY in Brooklyn angestauten Corona-Frust in cool strukturierte Eruptionen.
4So, 23. Mai: Nach den von Jan Klare kuratierten Sessions mit Fred Frith, Emilio Gordoa &Hamid Drake bzw. Marie Nachury, Matt Mottel, Hubert Zemler & Ava Mendoza - gesternauch schon mit Mulder, Shea, McPhee, Oliver und der embryonalen Majra Burchard - trifft
in der Festivalhalle SEICENTO VOCALE auf RICHARD SCOTT. Münsteraner A-capella-Chormeets Live-Elektronik, GESUALDO meets CLAUDE VIVIER, ein Mörder einen Ermordeten,
Moers goes 17th Century, goes 1971. Woher komm ich, wer bin ich, wohin gehe ich? 'Musikfür das Ende', schluck.
aerosolo #4: JAMAALADEEN TACUMA verschiebt als bird-of-paradise-bunt gedresster
Weißbart in der Souveränität seiner bald 65 Jahre das Weltenende als meisterlicher EBass-Botschafter eines Rooms for Love, arpeggiovirtuos, slapphappy und funky.
In Les Halles: JOËLLE LÉANDRE - b + MYRA MELFORD - p + LAUREN NEWTON - voc =3 wahre Mothers of Invention.
Als MOERSTERCLASS! präsentieren Könner vier Stücke von Composer Kids U19. Mit CoÔoder ONCEIM erprobte Formfinder* stellen sich in den Dienst einer flachen Hierarchie. Als
einer der Perspektiven, die unter den koketten Slogans 'Kampf um die Zukunft' und 'We
Insist!' vor der dystopischen Drohkulisse von "Fahrenheit 451" angerissen werden. Dochflache Gedanken, sie wanken und fliehn in esoterischen Kreisen und studierten Routinen.
Allein Cyril Bondi äußert bedenkenswerte Selbstzweifel über die brutal offengelegte
Systemirrelevanz seiner Musik und all der Selbstgefälligkeiten im Überbau. Für die im
Unterbau ist Kultur Petersiliendressing auf'm Schnitzel. Auch hier rüttelt niemand an den
Zäunen. Mehr Interdisziplinarität? Die bereits grassierende Infantilisierung mit Clowns,
Monsterratten, Plastikentchen? Von Gesualdo und Julius Eastman lernen? Die beiden
gehören für mich zu den Highlights. Wir zehren von der Vergangenheit - ob Kohle oder
Coltrane - und verzehren die Zukunft, der das Futurum II ja auch schon eingeschrieben ist.
Banal, banal. Die ästhetischen Fragen sind dabei im Grunde das geringste Problem.
Das Belgrader Jazzquartett SCHIME entfaltet mit dem Streichensemble MUZIKON eineromantische Third-Stream-Fantasy in XL. Zielpublikum sind vermutlich die Mehldau-Fans.
aerosolo #5: Am Viehtheater verkörpert JOHN SCOFIELD, der heuer 70 wird, 50 Jahre
Gitarrenkunst. Mit altersmilder Single-Note-Poesie, good old Songs und Sunset-Feeling.
Im exzellenten SYLVIE COURVOISIER TRIO mit Drew Gress am Bass trommelt Joey Baron,
als weiterer Meister in der Drummerriege mit Meselu Abebaye, Bennink, Bondi, Cleaver,Drake, Friedli, Gerbal, Guthrie, Guilhem Meier, Narvesen, Zemler...
...und Huguette Tolinga aus dem Kongo, die mit Kojack Kossakamvwe als Stromgitarrensensation und Stephane Kitutu an Bassgitarre C'EST LE TEMPS - C'EST LE TANGO klopft &singt, als Fusion aus traditionellem Conga-Bongo-Tamtam und Electric Afro-Rock.
FELIX KUBIN (elec) + HUBERT ZEMLER (dr) = CEL und knüpfen an Sven-Åke Johansson &Jan Jelinek an, indem sie Betthupfer mit Ijon Tichy durch den 'Ping Korridor' und die'Funkenkammer' juxtalektrovisionär von Abenteuer zu Abenteuer jagen.

5

Mo, 24. Mai: Das LAURA SCHULER QUARTETT mit Tony Malaby – sax, Hanspeter Pfammatter - keys & Lionel Friedli – dr begeigt, beröhrt, berappelt tapfer das grüne Gras undwirbt mit seiner urban aufgerauten Pastorale für mehr Grün in der Stadt.
Das dänische Nightingale String Quartet spielt BEETHOVENs "Große Fuge op.133" undzusammen mit einem von Felix Stachelhaus geleiteten jungen Sextett aus Hamburg sowie
Joe McPhee & Pat Thomas das chamberjazz-träumerische "Meeting Point" von JULIUS
VON LORENTZ, Composer Kid des letzten Jahres.
DAS QUEUE in Gestalt von Kevin Shea – dr, Matt Mottel – synth, keytar, p, Marja Burchard –vib, keys, horn, perc, dem Mit-Embryo Maasl Maier – b, keys, Keisuke Matsuno – git & Ron
Stabinsky - buzzer buzzen, heulen, bratzeln - Kontrastprogramm! - als Friiiikshow mit noch
Schlange stehenden (!) und der Reihe nach einspringenden Posaun-Saxofon-Perkussion- &Vokal-isten Rattatouille à la Brooklyner Suppenküche.
Das Orchestre de Nouvelles Créations, Expérimentations et Improvisations Musicales
ONCEIM tritt 2 x an, 35-köpfig! Félicie Bazelaire, Patricia Bosshard, Xavier Charles, Bertrand Denzler, Benjamin Dousteyssier, Benjamin Duboc, Franz Hautzinger, Julien Loutelier,Jean-Sébastien Mariage, Déborah Walker... tauchen in ÉLIANE RADIGUEs "Occam Ocean"und werden e pluribus unum. Im Ocean of Sound sind sie der Ozean und der Sound - inständig morphender Gegenwart, bewegtem Stillstand, tönendem, dröhnendem Fluidum,
fluktuierender Monochromie aus Myriaden Mikrosounds, geballter Polyphonie. Als Mantra,
Cocoon, Immersion, klingende Philosophie. Einmal in Erregung, das andermal als mächtiger KlangdOM. Vom Kameraauge ausnehmend immersiv eingefangen. So muss das sein!
Dazwischen: YEAH YOU aus Newcastle, Elvin Brandhi + Gustav Thomas=Mykl Jaxn=Dr William Edmondes (for I have many names). Tochter + Vater, Slampoetry/Autotune/Delay + gesägter Kontrabass & Vocals. Heftige JetztMusik, die sich in den Wind von vorn lehnt.
Der Wind von vorn übernimmt dann selber eine Hauptrolle, denn unsere geliebten Lyoner
LE GRAND SBAM präsentieren "Furvent", ihre Corona-verschobene Freakshow. Inspiriert
durch Alain Damasios 'Horde des Windes', trotzt ein verschworenes 8-tett in nomadenhafter
Kleidung - mit Ausnahme von Antoine Armera, der mit seiner roten Arbeitslatzhose wie eine
Mischung aus John Lennon und Peter Lustig wirkt - dem Orakel des I Ging und absurdem
Gegenwind. Phantastisch-futuristische, hochkomplex verschachtelte Neutönerei, von Arnera & Guilhem Meier arrangiert für Gesang, Piano, Rhodes, Moog, Cymbalum, Bass &Mellotron, Dundun-Bells, Gong & Marimba, Batterie und Électronics, hebelt aus, was wirüber Jazz, Rock, Klassik, Pop etc. zu wissen glauben. Die Sängerinnen Jessica Martin Maresco & Marie Nachury sind in ihrem dadaistischen Gebrabbel, sopranistischen Gegilfe undGekiekse bis hin zu allerlei Gurr- und Mimimi-Lauten einfach merveilleuse. [*Merci, Mariüs]
Das letzte Wort haben Fred Frith, Ava Mendoza & Oren Ambarchi als BACK TO BASICS.
Ava spielt Gitarre, Ambarchi triggert mit Gitarre Electronics, Frith spielt Table-Guitar mit
Percussiongimmicks, Ebow und Mbira und steuert das Ganze mit Zeittabelle. Als Soundscape mit antigitarristisch-dekonstruktiven Zügen, mehr Konzept als Musik. Aber mirbleibt ja der mächtige ONCEIM-Ozean mit seinem ultimativen Diimiinuuenndoo.
Fazit? Wie Festivals unter Corona-Bedingungen gehen, wurde dummerweise in Rotterdam
mit kaltschnäuziger Kommerzialität durchgezogen. In Moers wurde Dank deutscher Gründlichkeit mit 2, 3 Handvoll übers freie Feld verteilten Maskierten eher ein Gegenbeweis geführt. Für den Livestream an sich aber danke ich auf den Knien. Die visuellen... Gräuel
wäre noch geschmeichelt für diesen Hirnriss mit Methode, die lassen mich allerdings
grübeln: Sollte der optische Firlefanz die Musik würdigen, oder demütigen? Wollte das das
50. Moers-Meeting mit Hippieklischees von anno 1972 feiern, oder veräppeln? War das ein
Vorgeschmack auf Zukunftskultur, die sich als infantil bis idiotisch gefällt? Bin ich einfach
nur ein alter Depp, an den Chroma-Key-Technik verschwendet ist? Nun, dann wünscht
eben ein alter Depp den Moers-Machern die fortgesetzte Ambition und den fördernden
Rückhalt, vielen, vielen Meinesgleichen Glück zu bereiten durch Unverhofftes wie LATÈNE, ENSEMBLE NIST NAH, LUBOMYR MELNYK, PICATRIX, STRICTLY MISSIONARY mit
Wendy Eisenberg..., durch alte Seelentröster wie MCPHEE, MURRAY, TACUMA, DRAKE...
Und riesengroßes Glück mit JULIUS EASTMAN, GESUALDO/VIVIER, ÉLIANE RADIGUE
und LE GRAND SBAM.
6

over pop under rock
Crammed Discs (Brüssel)
Douzième Journée: Le Verbe, La Parure, L'Amour.
(MTM 15, CD/LP), 1982 als CRAM 020 im CrammedDiscs-Katalog erschienen, 1988 als Vol. 15 in der
Made to Measure-Reihe veredelt, ist ein Klassiker der
Brüsseler Nouvelle Vague Anfang der 80er. Als das
Atomium der Expo 58 im Style Atome noch einmal
ikonisch wurde und François Schuiten 'Brüsel' als
Stadt voller Geheimnisse entfaltete, boten Factory
Benelux / Les Disques Du Crépuscule und Crammed
Discs das Coolste, was Minimal, Wave und weltoffene
Up-to-Dateness zu bieten hatten - auf "The Fruit Of
The Original Sin" sind die crépusculen Essenzen
denkwürdig compiliert, Marc Hollander überbot das
noch mit Aqsak Maboul, The Honeymoon Killers,
Minimal Compact, Des Airs, Hermine. Kein Wunder,
dass es BENJAMIN LEW aus Liège in die neue Counterculture-Metropole gezogen hat, wo
er im La Papaye Tropicale Drinks mixte, Poster für das Factory-Venue Plan K designte und
mit Korg MS-10, Rhythm Machines & Tapes an ambienten Soundscapes bastelte. Up todate mit Brian Enos und Jon Hassells 'Possible Musics', wie sie fasziniert von einer FourthWorld zwischen Prä- und Postmoderne und speziell durch "Dieu d'eau: entretiens avec
Ogotemmêli", die Ethno-Fiction des Afrika-Forschers Marcel Griaule (1898-1956), dem die
Prä-Astronautik das 'Sirius-Rätsel' der Dogon verdankt. Lew weckte das Interesse vonMarc Hollander und von Tuxedomoons STEVEN BROWN und realisierte mit ihnen zusammen - Brown an Saxes, Piano & Organ, Hollander an Percussion & Bassklarinette - denwundersamen Trip des Zwölften Tages. Jenseits von Bamako, ans andere Ufer desFlusses, Vorläufer für Zazou Bikayes "Noir et Blanc" und "Desert Equations" von Sussan
Deyhim & Richard Horowitz und allein schon durch die Fotokunst ganz mysteriös und alien.
So lassen sie einen da träumerisch ins Unvertraute driften, schwebend zwischen
tribalistisch und sophisticated. Mit Korg MS-10, wie Daniel B[ressanutti] & Vande Voorde
bei Polyphonic Size, und doch ganz anders, mit einer anderen Strategie und "Geography"
wie zeitgleich Front 242 und auch anders als Alain Neffe mit Pseudo Code, obwohl die mit
ihrer 'Potlatch Music' auf Marcel Mauss, Griaules Lehrer, und Claude Lévi-Straussanspielten, den Taufpaten von Tristes Tropiques, ihren Labelkollegen auf Sandwich
Records. Die exotistische Passage von 'Bamako ou
ailleurs' bis 'Il, les quitta a l'aube' klingt, obwohl da
König Leopolds Geist noch so ganz ungestört schläft,
nicht naiv, eher leicht melancholisch in seiner loopenden, rudernden Bewegung gegen eine imaginäre
Strömung, seinen ständig wiederholten Bläserstößenüber launig posaunender Orgel. Es klingt — unschuldig - wie "Eskimo" (1979) von The Residents, wie"Action and Japanese Demonstration" (1982) von
DDAA, mit verwirbeltem Tamtam, angestaubtem, möglicherweise professoralem Gemurmel und zuletzt monoton Hirse stampfendem Beat zu melodiösem Ladida.
Erst David Toop hat mit "Buried Dreams", "Screen
Ceremonies" und "Pink Noir" wieder einen ähnlichen
Zauber ausgelöst.
7

Karl - Zehra (Berlin)
Mit Turkish Belly (KR084, LP) und dem Sonic-Youth-Gitarrero THURSTON MOORE als
fünftem Mann können die türkischen Karlisten KONSTRUKT fünf Finger zu einer Faust
ballen und gen Himmel recken. Trust your ear lautet die Message dazu, und wen oder
was sie da zerquetschen wollen wie eine leere Dose, das mag sich jede/r selberdenken. Live am 21.2.2020 in Istanbul, zeigen jedenfalls Korhan Futacı: alto sax, flute,
voice, loops, Umut Çağlar: electric guitar, synthesizer, Apostolos Sideris: electricbass, upright bass und Berkan Tilavel: drums, dass sie mit ihrem Free-Form-JazzRock willens und in der Lage sind, den Stein am Rollen zu halten. Sei's mutterseelenallein ('Yapayalnız'), sei's im Nebel ('Sis'), sei's noch so schwierig ('Zor'). 'Kurdadam'[Werwolf] klingt dazwischen wie eine Drohung, die ihre Zähne in zwei Richtungenzeigt. Bei gleich zwei Monstergitarristen verwandeln sich die Hände in Pfoten mit
Krallen, und Futacı lässt keinen Zweifel, dass 'Uğultular' nicht das Summen vonBienen meint, sondern das Heulen von Stürmen und Wölfen. Er tobt auch mit bloßen
Kehllauten zum Fräsen und Jaulen der Gitarren und zerrt an den Ohren mit
ululierender, schrillender Flöte. Wobei ich bei den heulendsten Tönen nicht mehr
unterscheiden kann, ob das von Gitarre, EWI oder 'ner menschlichen Kehle herrührt,Synthie, Loops und Fx lassen die Kakophonie allemal monströs überschießen. Bei'Zor' schlagen die fünf zu rauem Stakkato ein forsch forciertes Tempo an, und dem
hitzigen Geheul ist der sarkastische Gusto besonders deutlich anzuhören. Das
Publikum dankt dafür in Freakshow-würdigem Einvernehmen. Futacı spielt daher bei'Uğultular' mit schwerem Monstertritt auch gern nochmal den Oberwolf, der sich mit
weit aufgerissenem Rachen den halben Mond schnappt.

Ich leg dein Haus in Schutt und Asche und geh! Als derart temperamentvolle Braut
stellte TÜLAY GERMAN (*1935 in Istanbul) mit dem Hit 'Burçak Tarlası' (1964) die
Weichen Richtung Anadolu Rock. Um nicht lange danach mit ihrem links-gesinnten
Lebensgefährten Erdem Buri nach Paris zu emigrieren, wo sie von Philips als Popstar
vermarktet wurde. Dass ihr der Sinn nach anderem stand, zeigte sich erst mit Toulaï
et François Rabbath (1980, RE zehra003, LP), auf Arion als Indielabel, in ihrer Muttersprache und mit Rabbath, einem Bass- & Saz-Spieler aus Aleppo, der für sie Volkslieder der Aşık-Tradition arrangierte. German singt neben zwei alten Volksliedern und
Folklore von Karacaoğlan (+1680) und Dadaloğlu (+1868) mystisch-alevitische Poesie
von Yunus Emre (1240-1321) und Dede Efendi (+1846) und alevitisch-rebellische von
Pir Sultan Abdal (+1550). Doch dazu auch moderne Lyrik von Sabahattin Ali (19071948) und vier Gedichte allein von Nazım Hikmet (1902-1963), der eine durch Berlin,
der andre durch Moskau 'untürkisch' orientiert, beide verboten und eingesperrt, dereine ermordet, der andere vertrieben. Für Strophen wie: Aus mir wurde ein vertrocknetes Blatt, das vom Ast gefallen ist, / Wind der Dämmerung, blas‘ mich weg, zerbrichmich / Blas‘ meine Krümel von hier fort, ganz weit weg / Und bedecke den bloßen Fußmeiner Geliebten mit mir / Sieben Jahre war ich nicht in meiner Heimat... Für Zeilen
wie: Sie haben unsere frischen grünen Zweige gebrochen. Sie brachen uns die
Hände, die Bücher hielten... Wie: Die Gesichter unserer Frauen sind das Buch unseres Schmerzes... Tülay German singt das mit melancholischem Alt und wie mit Mehltau belegter Zunge, mit zartbitterem Feeling, Herzblut und einer Tristesse, wie sie
sonst nur ihre griechischen Seelenschwestern evozieren - Maria Farantouri, Fleury
Dadonaki... Nicht, dass sie nicht bei 'Dere Geliyor' auch tanzen wollte. Bei der Saz,dem gestrichenen Bass, da hat Angélique Ionatos offenbar gut zugehört. Neben
Germans 'Kırdılar' (von Hikmet) verblasst jedes 'Ave Maria' zu bloß pathetischem
Kitsch, ihr Hüzüm, ihr Blues alla turca lässt ganz Europa seufzen, ihr Heimweh lässt
die "Winterreise" zu geknödeltem Hurz erstarren. Denn: Es ist, als würde man das
schönste Lied hören / von der schönsten Stimme der Welt... - Hikmets Worte. Und das
gilt selbst wenn sie seine Frage Kannst du ein Bild des Glücks malen? mit dem Salz
ihrer Augen erwidert.
8Die Türkei grenzt an den Iran, und Karl überquert
diese Grenze offenbar ganz gern. Nach Porya Hatami
und Saba Alizadeh gibt es da mit ARASH AKBARI undseinen Fragments of Yearning (KR088, Cassette)
einen weiteren digital und audiovisuell versierten
Avantler zu entdecken, für den die Verhältnisse in Teheran kein Handicap zu bedeuten scheinen. Jg. 1987
und ein Bilderbuchexemplar von einem persischen
Turnschuhprinzen, präsentiert er sich melancholischangehaucht mit Titeln wie 'All is gone' und 'Pale Blue'(auf "Cracked Echoes", 2014), 'Saudade' und 'Constant Blackness' (auf "Vanishing Point", 2015). Mit
dem Artwork verlinkt er sich da mit herb realistischer
Malerei von Afshin Chizari, der auf orientalistische
Folklore pinkelt. Seine Arbeiten drehen sich um "Loss"und "Decomposition" und er bedient sich Künstlicher
Intelligenz und Brain-Computer-Interfaces, um ins"Obscure" einzutauchen, in Virtuelle Realität ("Flux")
oder in biologische Mikroprozesse ("Morphosis"). Ob
die KI-Augen bei "Blitzkrieg" die kriegerischen Dystopien im Nahen Osten verdeutlichen oder verschleiern,sei dahingestellt. Mit 'Haze' - Schleier, Dunst - (auf"The Rest is Silence", 2017) benennt Akbari aber etwas Wesentliches in seiner Klangpoesie, durch dasauch seine Weltanschauung durchscheint. Als eine
mystische Licht-Gnosis, die daran erinnert: 'You Are
Made Of Light'. Aber das Licht bricht sich in Prismen 'Prism', in Spiegeln - 'The Man Who Lived In The Mirror', in Scherben und Wellen - 'Broken Windows, Shimmering Waves'. Es bricht sich auf der 'Passage' zwischen - 'in-between' - Nichtsein und Ewigkeit an den
harten Kanten der undurchlässigen Materie. Unsere
fleischliche Hülle wird zum Gefängnis für den Lichtfunken. Mit den Trost: 'Don't Worry, We Will Vanish
Soon'. Akbaris Mythopoesie ist damit, vielleicht spielerisch, aber doch deutlich durchhaucht von der manichäisch-gnostischen Scheidung von Licht und Finsternis. Bleibt die Herkunft aus dem Licht 'untold' oder als
nur dusty echoes from the past in der Zeit begraben,dann bleiben allenfalls Splitter eines Sehnens ins Davor oder Danach. Schwer zu sagen, warum in Dröhnklang, Akbaris Dröhnklang, genau dieses Sehnen mitschwingt. Dass digital 'summende' Wellen Wehmut
evozieren, ein traurigkeitsgenießerisches Schmelzen,
eine magnetische Anziehungskraft, die nach Vereinigung strebt. Indem man sich hingibt und immersiv eintaucht in den sonoren, wie von Streichern und dunklen
Bläsern angedickten, in immer wieder neuen Nuancen
anhebenden, anbrandenden Klangfluss. Ob zähflüssig
oder stürmisch, er führt etwas körnig Angerautes, Geräuschhaftes ebenso mit sich wie kreisend wiederkehrende Laute und die Suggestion, dass es die wogende
Materie selbst ist, die mit menschlichen Lippen summt
und tönt.
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The Lollipoppe Shoppe (Berlin)
Ein bemerkenswerter Typ, dieser Călin Torsan, der, mit Jg. 1970, schon Mitte der 90er in
Domnișoara Pogany Musik mit Neofolkanstrich geflötet hat und zehn Jahre später mit Einuiea ins mittelalterliche Byzanz eintauchte oder Shakespeare beschallte. Der Bukarester,der am Muzeul Național al Țăranului Român (Museum des rumänischen Bauern) arbeitet,blies Klarinette, Fluier & Kaval bei Nu & Apa Neagră und Avant'n'Gard, und dass er daneben Romane schreibt, gibt dem Ganzen noch eine Extranote. Torsan trifft man bei Shanyio
neben Alexandru Hegyesi sowie in Moody Aliens Darkjazz-Projekt Magam in Thessaloniki,
wo auf Thirsty Leaves Music neben Magam und Avant'n'Gard auch seine Musik mit MULTUMULT erschien. Auf Now and then - new sounds from an old world (lscd 020) mischt erzusammen mit Marina Pingulescu, seiner Partnerin auch in Soare Staniol, an der Geige,
Vasile Gherghel an Electronics und Marius Achim an unkend pochender E-Percussion traditionelle Tänze aus Siebenbürgen und der Walachei folktronisch auf und improvisiert zu
den Rhythmen, zu denen Landvolk und Soldaten einst die Hufe schwangen - Hochzeiten
boten dazu den guten Anlass - noch etwas Eigenes im levantinischen Stil hinzu. Das
Orientalische und der näselnde Anklang dabei rühren aus Clejani im Süden her, wo Taraf
de Haïdouks zuhause sind. Zu Beginn beschwört Torsan, wie andere Flötisten Schlangen,die Sonne und singt dafür mit Marina zusammen Ieși, Soare!, mit rituellen Tiefenschichten
bis in die dakische Römerzeit und Sounds, in denen Archaik und Gegenwart sich wechselseitig bespiegeln. Dröhnend, schillernd, pizzicato und flautendo, mit elektronischen Stromlinien jaulig und verzwitschert oder in träumerischen Wellen, verhallender Vokalisation,
flatternden Stringfransen, aber dazu immer wieder auch sonorem Altflötenklang, um eine
Hora anzudrehen, mit einer Doina „die Seele zu erleichtern“ oder wehmütig dem Lied desKuckucks zu lauschen. 'Atica' verwandelt dann flötenkeck und mit surrendem Flitzebogen
selbst Mauerblümchen in flotte Bienen. Um doch elegisch zu enden mit der Hora Miresii'Gată-ți, Fată, Iăduta', wenn die Braut ihre Aussteuer packt wie ein Soldat seine Ausrüstung, ihre Mutter, Schwestern, Freundinnen verlässt und in die Fremde aufbricht.
Albert Kuvezin, 1965 in Kyzyl geboren, ist ein Phänomen. Seit seinem Debut mit 'Botanist &Shamen' auf Ivan Sokolovskys "Pressure: Music for Rich", mit Huun-Huur-Tu, mit Ken Hyder, Tim Hodgkinson, Valentina Ponomareva & Vladimir Rezitsky, mit Embryo, zuletzt mit
Dennis Rea auf "Giant Steppes". Vor allem aber mit YAT-KHA, 1991 mit Sokolovsky formiert, 30 Jahre später bei We Will Never Die (lscd 021) mit Sholban Mongush an der Langhalslaute Igil, während Kuvezin zu Gitarre und dem müden Hufschlag schlichter Percussion noch mit 'ner Khomuz schnarrt. Der Clou aber ist weiterhin, wie die beiden da tuvanische und nachgemachte Folklore verpinschern mit dem zu Maultrommel rau gegrollten'Solitude' von Black Sabbath und George Harrisons 'While My Guitar Gently Weeps'. Kuvezin stimmt neben schamanischen Texten bei 'Shartylaam (My Locust)' mit 'Umyvalsya
nochyu na dvore...' ein Gedicht des 1938 im Gulag umgekommen Ossip Mandelstam an,das harmlos anfängt mit Nachts, vorm Haus, da wusch ich mich –. Das jedoch - von Paul
Celan übersetzt - aufgipfelt in Sternensalz, im Faß zergehend. / Wasser, kalt, muß schwärzer werden. / Reiner nun der Tod und salziger das Elend, / wahrer, furchtbarer die Erde.
Aber so wie Kuvezin schon bei 'Kongurgai' gurgelt, sind Kälte und Schwärze, eine furchtbare Erde und ein grobgestirnter Himmel einfach nur die Realität, aus der er seinen Tuvablues gräbt. Ein urigeres Deprotimbre, ein abyssalerer Bass sind kaum vorstellbar. Die
Gitarre allerdings, die hat die Beringstraße überquert und ein Funkeln von amerikanischen
Prärien mitgebracht, ein bei aller elegischer Schwere geschmeidiges Glitzern, das sich mit
der jauligen Laute geschwisterlich vereint in einem Feeling, das sich von keiner Last unterdrücken, von keinem Horizont abschneiden lässt. Der Weg, den Kuvezin sucht - 'Ak-Oruk'('The White Road')... 'Bodap Choran (I Walk Myself)'... 'On the Path'... - die Musik rollt ihn
aus, und wenn der Wanderer zu lang auf Tränentropfen starrt, wie Parzival auf die Blutstropfen einer Wildgans im Schnee, zieht Tengris himmlischer Ruf ihn weiter.

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Moonjune Records (New York)Nach 6-jähriger Einkehr und mit umfassend angewendeter Studiowizardry kehren MAHOGANY FROG zurück ins Rampenlicht mit In The Electric Universe (MJR114, CD / Mafrogany Hog, mfh-000007, 2xLP). Graham Epp & Jesse Warkentin an Gitarren, Scott Ellenberger am Bass, Andy Rudolph an den Drums und alle vier an Keyboards & Electronics stauchen und dehnen in Winnipeg die Raumzeit als Weltinnenraum und Whatever-Space. Mit'Theme from P.D.' und '(((Sundog)))' als epischen Paranthesen und den vier Zwischenetappen: 'Psychic Police Force', 'Floral Flotilla (Sail to Me My Love in Your...)', 'CUbe' und'Octavio (Including: The Ascension of the Moonrise Children)'. Für mich hört sich das nacheinem Meeting von Flowerpower-Freaks mit lunaren Mächten an und nach Ph. K. Dick'
schem Brainstorm mit Sunn O)))'schem Wellenwurf. Tapeloops, Delay und vielschichtiger
Keysound kommen, von bekifften Schlangenbauchtanzflöten beschworen, ins Rollen, mit
massivem Fuzz und Dubwellen, zugleich träge und fiebrig. Auch als Rudolph das Tempo
anzieht, jault und schlurcht der Sound als granular angerauter Flow und verzerrtes Pulsen,
und derart dicke Luft gibt es nicht Outer Space, sondern unter der psychedelisch dampfenden Schädeldecke. Den dort herrschenden Verhältnissen in ihrer Tardis-Technik wird
die Brain Police selbst mit Knüppel und Elektroschocker nicht Herr. Fräsende Gitarre, wabernde Keys und widerspenstige Distortion leisten diffusen Widerstand, der Beat knüppelt
zurück, die Guy-Fawkes-Meute nimmt das wieder mal als Party sportlich. Cheerleader
pflügen auf blumenbekränzten Delphinen durch des Meeres und der Liebe Wellen und auf
Keyboards durch die Phalanx der Fiesen. Flöten kehren wieder und stoppen den Kriegsmarsch, die Kanadier sympathisieren ganz klar mit Sam Shakusky & Suzy Bishop: Selig
sind die Liebenden, denn ihnen gehört das Moonrise Kingdom. '(((Sundog)))' tanzt zuletzt
in orgelnder und brausender Wallung zu versonnen tupfendem Bass. Unterwegs gefriert
der Beat und es setzen stereophone Halluzinationen ein, Eisfrösche quaken, und rufen die
keyboardselig schunkelnde, von zeitvergessenem Tamtam getragene Melodie zurück.
17:41 voller Nebensonnenglanz.
Mit Solar Flash (MJR117) meldet sich der Drummer ASAF SIRKIS zurück, einmal nicht mit
Markus Reuter an der Seite, sondern mit Gary Husband an Piano & Keyboards und Kevin
Glasgow an 6 string electric bass guitar. Doch gleich auf 'Kinship', das die Seelenverwandtschaft untereinander feiert, hört man zu den jauligen Keys und dem zwischen dumpfdunkel, luftig schwebend und arpeggioquirlig gespaltenen Bass noch silberhelle Vokalisation
von Sylwia Bialas, Sirkis' - & Glasgows - Partnerin in Sirkis/Bialas IQ, von der auch das
triangulierte Homo ad circulum-Artwork stammt. Ihre Stimme verschönt, nach 'Aquila', dasden Adler evoziert, der Zeus die geschleuderten Blitze zurückbrachte, auch 'The Polish
Suite', wo mit Mark Wingfield ein weiterer Moonjune-Fixstern die Gitarre streichelt. Sirkis
rechtfertigt das ihm von Bill Bruford und Robert Wyatt gespendete Lob mit besonders delikat und dynamisch austarierter Rhythmik. Bei 'For Eric', das dem "I Sing the Body Electric"-Drummer Eric Kamau Gravatt gewidmet ist, spricht Sun Ra über die Differenz
zwischen man und human. Nur Letztere entspringen Hu, dem Ejakulat Atums, und sind daher beseelt mit Atem und Sprache und begabt für Musik, die direkt die Nilquellen anzapft.
Mit 'Under the Ice' zeigt Sirkis sich durch "Fingerprints of the Gods" fasziniert von der
Suggestion einer unter dem Antarktiseis verschollenen Kryptokultur. Die 3-teilige 'Suite'
knüpft diesseits der mit polnischem Blut und jüdischer Asche gedüngten Stoppelfelder an
die slawisch getönten Erinnerungen derer an, die rechtzeitig Israel als sicheren Hafen undneue Welt erreicht hatten. Sonnenanbeterische Vokalisation verbindet sich mit orgelpfeifendem Keyboard und sehnsüchtigem, ja herzzerreißendem Wingfield-Sound, polarlichternde Phantastik mit magnetstürmischem Andrang. Gebändigt durch getragene
Deeskalation und das Bestreben, das tagträumerisch dem Künftigen und Anderen zugeneigte Spekulieren nicht durch bleierne Bedenken und lähmende Erinnerungen niederzudrücken. Warum nicht das imaginäre Atlantis umdrehen in ein utopisches Desiderat? Warum nicht ein polnisches Lala-Lullaby versüßen mit rosenfingriger Mörgenröte?
11noname666.bandcamp.com [addicted label] (Moskau)
Anton Kitaev, zusammen mit Ivan Bredolog & Oleg Dynya Begründer des Labels ohne Namen, das seit 2011 auf der teuflischen Zahl 666 eine Church of Sound errichtet, sendet mir aus
Moskau haufenweise Belege für die Unverwüstlichkeit der russischen Lebensart und Lebenskunst. Stilistisch gewürfelt aus
Psych- und Stonerrock, Frogressive Punk und Doom Metal, um wie soll ich's nennen? - "the powers that be" mit Devils Horn und
Stinkefinger zu trotzen.
Im Quereinstieg angefangen mit TRANSNADEŽNOST in St. Petersburg, die ihrem Monomyth (728) William Blakes 'Auguries of
Innocence' voranstellen, um dahinter zu rochieren mit der Erdmutter 'Pacha Mama', dem 'Starchild'-Schädel und 'Chewbacca',
zweimal mit getragener Trompete, einmal lauthals nach der
schönen Waldfee 'Huldra' schmachtend. Aleksandr Yershov –guitar, Alesya Izlesa – guitar, glockenspiel, Nikolay Vladimirovich– bass und David Aaronson – drums, percussion rocken dazu mit
am 'Ladoga'-See abgehärteter Taffness, aber auf Electric Edenhin gepolter Empfindsamkeit. Die Gitarren singen mit Silberzungen von Sweet Delight, der Bass knurrt Some are born toEndless Night, nach drängender Wookieeness am Ende mit epischer, ätherischer, pochender 'Day/Night'-Drift.
In Kiew starrten sie so lange auf Plattenbautenfassaden, bis sie reif waren für den Krautmetal-Psychrock von PREE TONE. Auf Kiddy (729) schrammelt das ukrainische Quartettmit zwei Gitarren versiffte Sonic-Youth-Riffs, deren repetitiver Drive sich an Bands orientiert, die sich an Neu! orientierten. Der Gesang des Bassisten Sergio Kupriichuk und die
Frage What for are these non-fantasy rules about? verschwinden fast hinter der Wall ofSound, die jedoch melodische Blasen wirft und surrende Spiralarme emaniert. This worldis captured by robots. This world is run by caterpillars. Bei der Brekka-EP (756) noiserocken sie in a moon mood moon mood moon mood nur noch zu dritt, mit Lune als neuem
Gitarristen, der mit hellen Frequenzen an schrägem Postpunkusus anknüpft.
Roman “Karandash” Karandaev - trumpet, Dmitry “Dimon” Kuzovlev - bass, Andrew Kim drums, Ivan “Vanish” Khvorostukhin - horn, congas, und mittendrin bei ihrem Schreigesang und Speedpunkexzess Violetta Postnova als kläffendes, plärrendes Weibsvolk bei
der Steinigung, die bilden in Moskau die mephistophelische Partyband ZLURAD. Во благо
злу [Vo blago zlu] (731) zeigt sie moshend beim Hexensabbat, die wilde Violetta rast auf
dem Besenstil Karussell. Keine Zeit für Zwischentöne, ein Oger ist King, und sie gröhlen
und krawallen wie vom Rattenaffen gebissen. Diesen tartarischen Hackepeter mit Ruins
und Naked City in einem Atemzug zu nennen, ist allerdings ein noch viel bedenklicheres
Symptom.
DISEN GAGE, 1999 von Moskauer Studiosi gegründet, entwickelten sich zu einem Inbegriff für Piroggen-Prog. ...the reverse may be true (738 / RAIG, R036, 2008, RE) ruft ihr
drittes Album in Erinnerung, und Konstantin Mochalov & Sergei Bagin - guitars, Nikolai
Syrtsev - bass und Eugeny Kudryashov - drums brettern da mit Douglas Adams und Giorgi
Danelia per Anhalter auf den Wüstenplaneten „Plük“ in der Galaxis „Kin-dza-dza“ undtrinken auf die Nowaja ekonomitscheskaja politika – „Bereichert Euch!“. In Humpa-Laune
brechen sie auf mit rollendem Marschtrommelchen, vorwitzigen Gitarren und breiter
Kosmonautenbrust, und ihr schnittiger Sternenkreuzer erweist sich als einer der bestgeölten, bestgetakteten, allerdings sind 'Laxatives included' und sogar eine Marimba. Mit
Mamuschka! als ihrem "42", John Wetton mit seinen Mogul Thrash-, King Crimson-, Uriah
Heep- und Asia-Abenteuern als ihrem Guide und karnevalsgrotesker eigener Pfiffigkeit
zwingen sie einen, sich neben Vezhlivy Otkaz auch ihren Namen einzuprägen.
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CIOLKOWSKA erinnern in St. Petersburg mit Konstantin Ziolkowski (1857-1935), dem
Vater der Kosmonautik, als ihrem Paten, dem auferweckungsutopischen Kosmisten Nikolaj
Fedorov (1829-1903) und dem Noosphärologen Wladimir Wernadski (1863-1945) an den
anthropotechnisch-esoterischen Futurismus des 'Russischen Kosmismus', der vor Ort
weiterlebt in der Culture of Health und im Homo spiritualis des Neotheosophen Victor
Skumin und phantastisch nachhallt in Vladimir Sorokins "Ljod. Das Eis"-"Bro"-"23.000"Trilogie und weltweit in den transhumanistischen Visionen. Yegor Svysokikhgor - guitar,
voice, Alesya Izlesa - ukulele, Alexandr Monah - bass & David Aaronson - drums gestalteten nach "Avtomat Proshlogo" (730) auch [Psikhodeliya] (740) mit kaskadierenden Wellen
der Gitarre und der unukuleligen Ukulele. Ohne Trompete zwar, aber nicht ohne Hintersinn
und dem Spirit von Viktor Zoi. Für Songs, die, auf der Textebene sophisticated, zwischen
ironisch und melancholisch schwanken, denkanstößig im Weltinnenraum, barfuß auf dem
Fruchtfleisch der Erde Erde Erde. Nicht jeder kann auf dem Mond Fahrrad fahren. Moralfordert Opfer. Selbstmord hinterlässt eine leere Wohnung, leere Pantoffeln. Andere hängen
noch an der Vampirnadel und brennen.
Bob Dylan und Pommesgabel? Die Generation 'LeckmichamArsch' freut sich diebischüber die absurdesten Widersprüche. Boris Shulman als singender Bassmann & der Drummer Sviatoslav Lobanov sind in St. Petersburg JUICE OH YEAH und kreierten Juice Oh
Yeah (741) mit noch Fender Rhodes, Korg MS-20, guzheng, 12-string guitar, banjo etc., als
Schwertransport mit Bleifuß und Tunnelblick über Berg und Tal wie auf Schienen. Aber mit
orientalischem Anhauch keimt da auf einmal ganz zärtlich ein neuer Tag, dem sie fräsend
den Weg bahnen. Fretless und mit Fuzz, neben dem Trucker- nun auch mit Karawanenflair
und vokalisierten Melismen, die freilich mit ruppigen Stonerriffs zurück in die russische
Spur rucken. Try not to think about time, singt Shulman mit Kopfstimme bei 'Poleno', dassich mit 3/4-Takt aufschwingt in heulenden Grand-Funk-Railroad-Taumel und knüppelige
Rhythmik. 'Vnyz' triumphiert zuletzt mit Silberstaub und surrealer Poesie als träumerischbrachiales Wechselbad, das einen mit feierlichen Fanfaren und pathetischem MontanaraChor aufwärts fallen lässt.
Silent Voice Inside (747 / Pestis Insaniae, Pestis 005, 2012, RE) ist eine Neuauflage desMeisterstücks des Moskauer Metal-Trios THE MOON MISTRESS. Mit, neben 'Cremation
Meditation', 'Cease to Exist' und 'Samsara', 'The Wicker Man', 'Invocation to Hecate' und'Silent Voice Inside' als infernalischem Marathon. Garish, der Sänger-Gitarrist, sieht sich
Auge in Auge mit dem Teufel und der Horrifying Dark Mother in all ihren Gestalten, das
Tempo ist narkoleptisch, die Weltsicht bilderbuchsatanisch, der Black-Sabbath-Ton ein
lavazäher Morast aus Gloom und Doom. Black Transformation. Heil Samsara. Mahadeviüber alles.
Bei CRUST in Nowgorod erscheint alles wie im Fotonegativ. Vlad Tatarsky –guitars, Artur Filenko – bass, voice and acoustic guitar & Roman Romanov –drums vertiefen als nicht nur post coitum traurige Tiere ihr gnostisches Verdikt mit 'A Blind Man in Darkness... watching Emptiness'. Die Welt ist awry &mad, Russland eine Ödnis, das Leben verpestet: This is what my land has
become / With greedy twisted hands they steal everything they can / With
greedy twisted minds they cultivate a nation with plague in heart. Folge 'Anhedonia'. Das Wort für Welt ist 'Willow Forest' - Trauerweidenwald, in dem
die Gitarre akustisch plinkt. Aber heißt 'Darkness Becomes Us' nicht:
Schwarz steht uns gut? Das mit Stoic (752) zu überschreiben und Epikurs
Kopf aufs Cover zu splattern, legt nahe, dass Crust da an die Weltentwertung Marc Aurels und Ciorans anknüpft. Als Härtetraining aus teerigem
Doom und fräsendem Sludge, das aus Würmern perfekte Schwarzseher
machen möchte, standfeste Kämpfer, wenn die Leere, das Nichts, sieanfasst. A man must rebuilt himself with his own hands / And walk tall.
Filenko gibt dazu den heiser wetternden Savonarola und aufrüttelnden
Coach, wie er da Carnal pleasures and wine und die Perversions of daily
routine geißelt und anschreit gegen versteinerte Herzen.
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GREY MOUSE in Moskau, das ist seit den 90ern im Kern Alex Chunikhin an Gitarre &Bass. Bei A Moment of Weakness (766) singt Mikhail Kudrey mit anrührendem Bariton, und
Uliana Volkova sorgt nach einem melancholischen Gitarrenintro mit Cello für das treffendeMoll, wenn er als lonesome traveller auf einer amerikanisch-bluesigen 'Dark Road' wandert unter bleichem Mond. Taugt die dabei gewonnene Lebenserfahrung als emphatischer
Ansporn, oder als Warnung? ...let me take the wheel and step on the gas hört sich schon
desperat an, und das Cello macht daraus puren Fatalismus. Kudrey stellt sich taub gegennagende Selbstzweifel, aber der innere Dämon gibt keine Ruhe und rockt und rüttelt: But
should you die, No one will see, No one will know, No one will grieve. Aber er bleibt der
fatalistische Desperado, ein Zwitter aus Nick Drake und Nick Cave, von Sturm und Blitz im
Galopp verloren. Und Grey Mouse's Finale gehört wohl zu den »10 explizitesten 'Suicide
Songs' aller Zeiten«.
Seit Kamille Sharapodinov & Co. in St. Petersburg 2009als der mit Knochenschädel auferstandene Minotaurus
THE GRAND ASTORIA zu Abenteuern aufbrechen, ist
Phantastisches garantiert: Einmal durch die Coverkunst
von Sophia Miroedova, auf der er als Cäser regiert, mit
Gandhi Schach oder mit Alice Unterwasserkrockett spielt,
als punkadelischer Superman durchstartet, mit den Demoiselles d'Avignon flirtet, als Totenwächter am Leipziger
Völkerschlachtdenkmal wacht, die Osterinseln, das Oktoberfest und das Brandenburger Tor besucht, als Engel
die Hände faltet oder in der Hölle dirigiert... Und durch die
Sophistication in Titeln wie 'Wikipedia Surfer', 'The Inner
Galactic Experience of Emily Dickinson and Sylvia Plath','Something Wicked this Way Comes', 'Aelita Queen of
Mars', "Space Brezel vs Veggie Schnitzel", "Kobaia Express", '(Nine Lives of) Dersu Uzala (ver. 2)', 'Pocket Guru'... Die Musik dagegen war lange nur Altrock, psychedelisch oder heavy und bei "The Process of Weeding Out" einTribute an Black Flag. Um einen 2015 mit "The Mighty Few"(697) als opulent gekrähtem und geblasenem Prog-Opus
dann doch umzuwerfen und mit "Solo Instrument Concepts" als Tribute an Roscoe Mitchell noch etwas mehr. Bei
From the Great Beyond (770) fragen sie CSN&Y-fragil, abersarkastisch: Mirror mirror on the wall / Who's got the darkest soul of all? / Who can scare the shit out of this world?
Um im Retro-Slalom als Led Tull oder Jethro Zeppelin umeinanderzubrettern, mit Flöte und Kastratenstimme, dievon the beast in disguise und ancient wisdom singt. 'Nyanatiloka' erinnert, auch wenn man dazu den Ohren nicht
traut, an A.W.F. Gueth (1878-1957), den ersten deutschen
Bhikkhu, gefolgt von 'Anyhow', folky, mit Flöte und Banjo,
als nochmal zartem Mutmacher, bevor die Gitarre ein Fortsetzung folgt... psychedelisiert.
Back? Forward! (776781) rufen DOGS BITE BACK. Und die da ihrem Hundeherzen Luftmachen, sind Dmitriy Lapshin, Bassist bei Brom, Ilia Belorukov an Synthesizer & Feedback
und Lapshins Partner auch im Ototsky Quartet, sowie der Drummer Konstantin Samolovov,
mit Belorukov vertraut durch Mars-96, Wozzeck und als Ilia, Konstantin & me mit Christian
Meaas Svendsen. Kaum wird es mal wirklich krass und improfreakisch abgedreht, hört
man keinen Mucks von denen, die gerade noch mit The Moon Mistress und Crust vor
schwarzen Hinterpforten Schlange standen. Aber hier furzt und knattert es halt nicht fürPommes-Selfies mit Satan, hier wadelbeißen und kakophonen wirklich Noisedämonen, dieeinem via Synthiegebratzel gnadenlos den Schuh aufblasen.
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Das Trio REMOTE in Kaluga war von Anfang an sludge-versumpft und in zähflüssigem
Tran wie gelähmt vom Gift einer absinthgrünen Schlange, die Wij, dem König der Erdgeister dient. Oder ist es bloß ein Fuselkater ('Veisalgia') von russischem Format? Geben sie
mit dem arschkalten 'Oymyakon' ein Vorgefühl der Hölle? Bedröhnen sie einen bei "TheGreat Bong of Buchenwald" mit Verbrennungsöfenqualm? Ihre Drogenlyrik sucht ihresgleichen, und Orwells 'Doppeldenk' kehrt bei ihnen zur Quelle zurück. Der Doomed andStoned in Russia-visionäre Alexey Sivitsky/GodLikeIkons macht ihren Schädelinhalt sichtbar bei "Гореть [Goret']" und bei Дым [Dym] (782), wo Remote wieder brennt und raucht.
Und Jewgeni Krawtschenko ist, zu fräsender und pyroman züngelnder Gitarre und schädelknackendem Beat, am Bass der kreischende, gurgelnde Satansbraten in der Drogenhölle. In einer Fäkaliensprache, wie sie ihn seine Mamuschka nicht gelehrt hat.
NICK SAMARIN ist einer von "The Finest Moscow Sound Explorers", mit denen The
Grand Astoria 2017 Schäfchen ins Haus des Seins trieben. Im Viererbund IWKC=I Will Kill
Chita ist er mit Keys, Bass & Gitarre eine noname666-Konstante: Mit etwa dem prächtigen"Evil Bear Boris" (742) im Tentett und "Hladikarna" (715) als Stoner-Trip in Hasch- und
Mohngefilde, der, deutsch und mit Orgelpathos, in 'Opium des Volkes' gipfelt, sowie, zusammen mit WZM=Willezurmacht=ChvrchOvDrone, knietief in deutscher Schwermut bei"Two Bridges" (773), bei "Logbook of the Ark" (774) dröhnozeanisch bedröhnt, bei "EvilCosmonaut" (754) doomkrachig und mit Growl und Jaul. Auf Ozarenie (783, C-32) wühlt
und bohrt er sich mit Tasten, Bassgitarre, Drummachine, monotonen Loops und Orchestersamples ins Herz, ins Hirn, ins dritte Auge. 'Ozhidanie' (Hoffnung, Erwartung) + 'Otritsanie' (Verleugnung, Verneinung) + 'Osoznanie' (Bewusstsein, Erkenntnis) = 'Ozarenie' (Aufklärung, Erleuchtung). Als ein Prachtstück der 666-Reihe reicht das in seiner industrial
aufrauschenden Futuristik an Annie Gosfield heran und endet als brausender Noisesturm.
Natürlich kann man als alter Sack den Kopf darüber schütteln, dass sich halbstarke
Burschen so gern in finsteren Sackgassen rumtreiben, mit brennendem Gulliver gegenunsichtbare Wände toben und sich mit krassem Nadsat verständigen. Doch in den in Russland auf dunkle Weise betonierten und grotesk verzerrten Verhältnissen liegt es so nah
wie anderswo, den herrschenden Teufeleien mit Beelzebub beizukommen. Ob ein Eskapismus schwarze, psychedelisch bunte oder dezidiert unrussische Wege einschlägt, dassind zwischen Mode und Mentalität ähnliche Alternativen und Distinktionen wie der Trost,den die einen im Suff, die andern in Drogen suchen. Dass noname666=[addicted] das
Grindcoregezappel von MxAxMxAs "Dolgozhdanniy pervyinets" (787) unter einen Hutbringt mit der baritonbesaxten, amerikanisch bluesrockenden "Flanger Studio Session"(780) von DUSKY DIVE, die ihre Lyrics offenbar im gleichen Deproshop fanden wie Grey
Mouse, mit "Plutonian" (776) als extrem abyssmalem Teer-Fuzz ohne Boden von OLD SEA
AND MOTHER SERPENT in Yegoryevsk, und mit dem Freakjazz-Freefunk-Debut (769) desSPEEDBALL TRIOs aus Anton Ponomarev, dem Brom-Saxer, dem der Kittel brennt, Hassan
Mustafin, seinem Partner in Solvychegodsk, am Monsterbass und Sergey Bolotin an den
Drums, das verdient allemal Wohlwohn und derben Respekt.

https://noname666.bandcamp.com/
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ReR Megacorp (Thornton Heath, Surrey)
Wie kann das sein, dass RENE LUSSIER seit den Bruits de la Neige von "Élektrik Toboggan" (2009) nicht mehr der Rede wert gewesen sein soll? Wo er - und Ambiances Magnétiques - doch grundsteinlegend für die BA war, mit "Fin du Travail (Version 1)", mit Robert
Lepage und "Chants et Danses du Monde Inaminé", mit Jean Derome und der Spannungvon 'Oiseaux' und 'Saturne' auf "Soyez Vigilants, Restez Vivants! Vol. 1", mit André Duchesne, Les 4 Guitaristes de L'Apocalypso-Bar, Keep the Dog...? Nein, still für mich habe
ich noch über "Chants et danses...with strings!" (2016) gestaunt, den Zusammenklang vonLepage & Lussier mit dem Quatuor Bozzini. Bei etwas mehr Vigilanz hätte mir allerdings"Quintette" (2018) nicht entgehen dürfen, die grandiosen Purzelbäume mit Akkordeon,
Tuba, oktopedem Drumming. Und natürlich seinen Gitarren- & Daxophoneskapaden, wie
sie nun auch die Hauptrolle spielen bei Complètement Marteau (ReR RL1). Was sich mit
Total behämmert treffend übersetzen lässt, weil es von 'Burletta' (2009) über 'Pour modifier vos options personnelles, appuyez sur l'étoile *' (2019) und 'BanQ' (2015) bei 'Le clou'(1999) den Nagel auf den Kopf trifft. Das ist ein Kontrabassquartett, das Hugo Blouin allein plonkt und schrummt, das andere Musiken mit vokalem und bruitistischem Gusto und
Schuhputzbürste für eine Burlesque, für ein Gitarrenquartett mit elektrischen Zahnbürsten, und für eine Architekturprojektion an der Fassade der Grande Bibliothèque in Montreal, die Lussier allein performt. ReR bemüht für das Mosaikartige von Lussiers Ästhetik aus - Zitat - part lounge, part C20
experimental, part je ne sais quoi Stockhausens Begriff 'Momentform' und für seine andere Art Logik Schönbergs Terminus 'Klangfarbenmelodie'. Zu kurz kommen dabei die grotesken Züge und launige Clownerie mit Beatboxbeat, perkussiver
und grooviger Exotica, kuriosen Stimmphantomen, röhrender,
grunzender, quiekender Daxerei, gescheckten Gitarrenkapriolen, krachig krassen, verdrehten, von einer Telefonstimme gegängelten und solchen, die chamäleonartig Farbe und Stilwechseln. Bis hin zu 'P'tite burlette' als putzig wetzendem,
stripsodistischem Pünktchen aufs i.
Jar'a (ReR PA13) führt ans La-Maddalena-Archipel vor der
Nordostküste Sardiniens und auf die Basaltplateaus der Giara
di Serri und Giara di Gesturi (sard.: Sa Jara Manna) mit ihren
Wildpferden, Nuraghen, Stein- und Korkeichen. Mit PAOLOANGELI, der 1970 dort in Palau geboren ist, als Gastgeber
und Reiseführer mit seiner präp. sardischen Gitarre, seiner
Stimme, etwas Electronics als Basso continuo oder Zitterwelle und zum Höhepunkt noch Throatgesang von Omar Bandinu.
Präp. meint in seinem speziellen, aus gutem Grund seit vielen
Jahren von ReR gehuldigten Fall eine 18-saitige Kreuzungzwischen Baritongitarre, Cello und Perkussion, so traktierbar
mit Fingern, Bogen, Hämmern, Propellern und Pedalen, dasses einem wie von 2, 3, 4 Händepaaren orchestriert vorkommt. Die 6-teilige Suite zeigt ihn,
der sehr wohl auch gern in Gesellschaft spielt - mit Hamid Drake, Takumi Fukushima, Iva
Bittová... - , nun wieder als Manns genug, allein eine Büchse von der Größe Sardinens mit
seinem prickelnden, surrenden, dröhnenden, zirpenden Sound überquellen zu lassen. Man
kann sich da wieder über das 'No overdubs and no loops' nur die Augen reiben. Oder einfach mitfühlen, mitschwelgen, mitseufzen, mitträumen bei dieser visionär tagträumenden
phantastischen Folklore, zu der man sich immersiv unter die Algen mischen könnte oderembryonal einschmiegen möchte in die Basalt gewordene Lava, als schlafende Mumie
eines besseren Pompeji. Um im Traum wieder als stampfender Tänzer zu erwachen. Und
bei 'Sùlu' ergriffen dem urigen, helldunklen Wechselgesang zu lauschen. Und bei 'Groppo'
zuletzt mit einem der stammelnden Ancients unterzugehen in Mu.
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Frank Crijns & Dirk Bruinsma, die 1989 in Tilburg BLAST gegründet haben, berufen sichmit Vortographs (ReR blast03) ein weiteres Mal auf den vortizistischen Geist von Wyndham
Lewis. Crijns mit E-Gitarre, Bruinsma mit Soprano- & Altosax, Vibraphon & PercussionProgramming, beide mit Midi-Programming. Stimmt, Blast waren bei ihrem gorgonomischen Slashin'n'Burnin' bisher ne größere Blase, hatten mit Jim Meneses, David Kermanoder Fabrizio Spera bemerkenswerte Trommler und mit Paed Conca am Bass sich quasials Blast4tet gefestigt, aber die zwei sind Blast genug. Bruinsma ist mit Brown Vs Brown
und Office-R(6) mir etwas geläufiger geblieben als Crijns im Gitarrenduo Fraqx mit Jacques Palincks, aber mit der bewusst hals- und kniebrecherischen Rhythmisierung undengen Stimmführung stellt sich bei 'Soak' recht schnell wieder ein Blast-Feeling ein.
Bruinsma bläst eher einleuchtend als schneidend, so dass man sich an seinen Zackenkämmen eigentlich nicht stößt. Orgelgebrumm, Rassel und Hihatpuls dämpfen zudem die Kanten und Ecken bei 'Skrew', das programmierte Komplexität mit geschmeidigem Grooven
verwirbelt und ostinaten Gestus mit melodischem Hintersinn. Ein Zwitter aus Automatik
und Organischem, um damit auch bei 'Rope' den heutigen Widersprüchen und impulsiven
Winkelzügen Kontra zu geben. Bruinsma stapft da sogar launig mitten durch die Pfützen,
als wären ihm komplizierte Formeln das pure Vergnügen, und ob da doch auch ein melancholischer Vorbehalt mit im Spiel ist, bleibt in der Schwebe. 'Tactile Grid' entfaltet sichdann über 14 ½ Min. in teils an The Remote Viewers erinnernder Schnittigkeit, als cooles
Konstrukt in eckigen Kreisen, in modernistischer Dynamik, mit gläsernen Vibes und derben Holzschuhen, De Stijl in Motion, tanzender Konstruktivismus. Und das ist doch was,nämlich Widerpart des grassierenden Destruktivismus.
"Anthems & Antithets", die Song-Tetralogie von BRIAN WOODBURY, offeriert als drittes
Antipathy & Ideology (ReR BW4 / Some Phil 12), 20 kritische Lieder zum Stand der Dinge
im Allgemeinen und speziell in den USA. Mit seinen Landsleuten liegt er derart überkreuz,
dass er am liebsten so tut, als würde er sie nicht kennen. Doch er kennt sie nur zu gut. Er
sieht, wie sie von den Beständen und der Zukunft zehren, und klagt, dass sie sich breit
machen und raffen, solange der Vorrat reicht. Er rät dringend, den Tunnelblick abzulegenund die Fahrt in die Irre abzubrechen. Es sind Rocksongs mit Gitarren, Bass und Drums
und Lieder zu Piano, manche aufgeschäumt mit Keys und Strings, andere mit Reeds,
Brass, Flöten und Backgroundchorus. Mit Beatles-, Beach-Boys- oder Bacharach-Flair, mit
Country-, Blues-, Soul-, Salsa-, TexMex-, Honky-Donk- oder - 'Lucy, I'm Home' - echtem Van
Dyke Parks-Touch. Die Form ist bunt und poppig, die Themen aber die von Bänkelsängern,sozialkritischen Chansonniers oder Rappern. Die Hoffnung, dass die Mutter nicht an Krebs
stirbt, dass einer, der mit Hass hausieren geht, nicht gewählt wird, bei Woodbury wird sie
enttäuscht. Er singt von mexikanischen Einwanderern und Krüppeln aus dem Irakkrieg('Welcome to America') oder seufzt: Why can’t it be like it was? - anno 1974 (Nixon zurückgetreten, der Vietnamkrieg zuende...). Woodbury rollenspielt rücksichtslose Egomanen
und destruktive Großmäuler: If it ain't yours, take it / If it ain't true, fake it / If it ain't broke,
break it. Oder einen 'Guns and Ammo'-Junkie. Er singt von Bad Cops aus der 'We Can't
Breathe'-Perspektive, er gospelt: White people, come on / Step up, fellow men / Come on,liberal allies / We need to shut up and listen. Sarkastisch bedauert er den 'Poor Landlord':
The homeless are camping out all over town / They shit in the river, they’re turning it
brown / And bringing his property values all down. Er sagt nein, Danke, zu den Truppen:
The more they try to right the world / The more they serve to make it worse. Und warnt vor
Promis als Butsaugern: 'Beware of Famous People'. Ist es das Schicksal, sind es die Gene,
die einen umtreiben, oder doch nur myths the culture throws your way? Der Rassismus
sitzt tiefer als nur unter der Haut und die Rattenfänger finden immer Sündenböcke, gegendie sie ihre Johnny Rebs mit Drums'n'Fifes in Marsch setzen. Er bluest das unglaubliche: I
got me a small penis / But, people, do not get me wrong / For while my penis isn’t verylarge / I got the balls to sing this song. Und endet nach dieser grandiosen Confession allein
mit nur dem Piano und der einzigen Bitte: Heal the wound, and right the wrong / Save theworld / Just save the world / The one thing you must do / The only thing that we can do!
Wer, außer den Trumpianern, hätte für all diese Brianology nicht die größte Sympathie?
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trAce Label Guillaume Loizillon, Patrick Müller & Laurent Saïet (Paris)
Seit 1994 präsentieren Guillaume Loizillon & LAURENT SAÏET, Partner schon seit 1983 beim New
Wave mit Begin Says, mit noch Patrick Müller auf
trAce Label in Paris, teils vereint im erstaunlichen
L’Orchestre Inachevé, ihre eigenen Musiken und
eklektische Vorlieben, von Michèle Bokanowski und
Christine Groult bis Jean-François Pauvros (in Tribraque) und erschreckend vielen mir Unbekannten:
Hervé Zénouda? Mika Pusse mit Pupusse & Patrackoder Pikpus? Pepe Wismeer? A.C. Hello? Saïet, Jg.
1966, hat auf "Cinéphilie" (1999, trAce 007) & "Le
Retour" (2001, trAce 013) seine Lieblingsregisseure gefeiert, mit "Blue Trip" (2005, trAce 020) die
USA imaginiert, "For Your Ears Only" (2013, trAce038) war wieder Cinema pour l'oreille, "The Call ofLovecraft" (2018, trAce 046) eine Hommage an den
Kopf, dem Chtulhu und das Necronomicon entsprangen. Obwohl selber schon ein Einmannrockorchester, nutzt er auch bei After the Wave (Trace 056) wieder die Hilfe des alten
Freundeskreises: Patrick Müller und dessen Studio Pierre Schaeffer in Châtenay-Malabry.
Thierry Müller, Kult, seit er mit seinem Bruder schon in den 70ern das wie aus einem vonPinhas, Fripp und Riley bebrüteten kosmischen Ei geschlüpfte Projekt Ilitch initiierte,collagierte das Gothic-Artwork im 7"-Format: Louis-Ernest Barrias' La Nature verhüllt sichim Nachtschatten, ihr zu Füßen schläft Alexandre Cabanels schaumgeborene Venus. De laTours Madeleine und Sofonisba Anguissolas drei Schwestern beim Schachspiel driften mit
auf Géricaults 'Floß der Medusa'. Ben Ritter, seit Jahrzehnten an Saïets Seite, singt 'Lost
on the Highway', →Quentin Rollet am Saxofon und Paul Percheron (von Stamp) an den
Drums gehören seit "Parties Ouvertes" (2015, trAce 043) von Groupe D'Essai 3 zur trAceFamilie. Rollet bringt dabei die Aura mit ein, die er mit Jac Berrocal in La Vierge De
Nuremberg, Nurse With Wound oder Denis Frajerman aufsaugte, und wenn der LegendaryOber-Pink-Dot Edward Ka-Spel 'Bypass' und 'From the Rocks' singt, vermehrt das genau
dieses spezielle Flair. Das eine als ultimativer Abgesang auf eine restlos ausgekostete
Welt, die nur Asche auf der Zunge hinterließ, mit Ka-Spel als wehmütigem Dandy, dem
alles fad und leer, öd und obsolet erscheint. Broken Toys / Corrupted by the scrambled
code. Und auch das andere Lied eine Litanei des Scheiterns mit dem depressiven Fazit: To
step outside / Is tempting death. Ritter kommt ebenfalls nicht runter von einer Einbahnstraße in die falsche Richtung. And it was fatal, well, I didn't choose. Mellotron, Bass,
Keyboards, Percussion, Strings & Electronics kommen auf breiter Front zum Einsatz, aber
die Protagonisten sind doch Saïets aufheulende Gitarre und Rollets Alto- oder Sopraninosax beim Flanieren zwischen der ersten und zweiten Depro-Welle und der eiligen
dritten, der gongend initiierten Feierlichkeit von 'Lunar Eclipse', der Ironie des 'Mambo of
the 21st Century', galoppierend bei 'Hell Ride', und wieder beklemmender Sax-Tristesse
mit fatal klopfendem Beat und den Orgelclustern einer Sonnenfinsternis. Endend insurrender Game of Thrones-Düsternis, die wieder auch Saïets cineastisches Ohr verrät.
Und doch wird all das aufgehoben in der Einbildungskraft einer Leserin, die vor dem Turmvon Babel Jane Fonda imaginiert als Erzengel beim Jüngsten Gericht, und einer zweiten,
die sich aus dem, was sie da schmökert, mit Èliphas Lèvis androgynem Baphomet eine
magisch-hermetische "emancipation of humanity" erträumt. Als ob Thierry Müller, der jaseine weibliche Seite und Anima als Ruth Ellyeri hervorgekehrt hat, illustrativ auf die
Macht der Worte und der Phantasie anspielen wollte. Und auf Saïets Doppelleben als
Musiker und Bibliothekar und als großer Träumer, wie es auch Michèle Bokanowski mit 'Le
Réveil du Bibliothécaire' auf "L'Ange" (2003, trAce 017) und er sich selber schon mit"Rêve / Dream / Traum / Sogno" (1995, trAce 002) gesehen hat.
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Dieser wunderbare Fall von nicht gesucht und doch gefunden lässt mir keine Ruhe, mirgeht, von trAce enthusiasmiert, einfach der Mund über, um wenigstens die Spitze des Eisund Feuerbergs zu umschwärmen:
DAMIEN SCHULTZ mit der stupenden Hochgeschwindigkeits-Poésie-Sonore seiner Tour deforce "Reconstitution d’une O" (trAce 048), mit elektronischen Klangtupfern von Patrick
Müller und einem Cameo von Quentin Rollet. Auch wenn ich sonst nichts verstehe, 'Un
Singe, Je Suis Un Singe' verstehe ich und es sagt mehr als genug.
Bei "Animal Fièvre" (trAce 049) von A.C. HELLO machen alle mit: Jac Berrocal, Jean-Noël
Cognard, Guillaume Loizillon, beide Müller, Rollet und Saïet beschallen in grungerockigfreakjazziger Wallung den Sprechgesang einer Adeptin von Antonin Artaud. Anne-Claire
Hello, Autorin von zuletzt "Koma Kapital", hört Schellen im Kopf und macht als Rekrutin
der Armée Noire um Charles Pennequin aus ihrer Fresse eine Bombe. 'La Guerre Dans Ma
Gueule' und 'Ravagé' verraten die Intensität und Bitterkeit, die die aus "Naissance de lagueule" entnommenen Texte auch live entfalten.
"Le Retour De" (trAce 051) ist die CD-Version der 2012 auf Bloc Thyristors erschienenen
LP von LA VIERGE DE NUREMBERG, einem Projekt, das der schwergewichtige Drummer
Jean-Noël Cognard initiiert hat mit Philippe Thiphaine - von Heliogabale - (guitar), Quentin
Rollet (alto saxophone) & Ben Ajrab (bass) - Cognards Partner im Trio Barroco - sowie
Rivkah (voice & keyboard), aber in der Hauptsache doch Jac Berrocal, der einmal mehr
seine Trompete zirpt und schmettert und neben seinen Klassikern 'Sound Check' und'Rock 'n' Roll Station' 'Malpartita' und 'Les Ghoules' performt. In der heiseren Karambolageeines alten Freaks mit Rivkah als junger Folk-Pop-Fee.
THIERRY MÜLLER hat sich bei "L’écho des chiens dans le sang de la tactique" (trAce 053)
zusammengetan mit PEPE WISMEER. Das sind Anne-Laure Therme an Keys & Damien Van
Lede an E-Gitarre & Samples, ein in den Ardennen lebendes Paar, das seit gut zwei Jahrzehnten Jahr für Jahr dark ambienten Ardennenfolkrock in den Äther schickt - "Musia","Musib"... "Musix", "Musiy", "Musiz", ein ganzes Alphabet, entfaltet zwischen Schafen und
Schweinen, mit "No Re Re Night Fever" als nunmehr bereits 9-teiliger Serie. Sophisticatedgenug, um hier in 'Exanatellein' Venus und Luzifer aufscheinen zu lassen, mit Alice und Eva
mythopoetisch, und wie sie da 'The ghost ship in the ocean of my brain' in knarrender
Düsternis dahinziehen lassen. Van Lede singt mit androgyner Stimme neofolk-melancholische Lyrics und vertieft zu Strings from Nowhere noch die Tristesse. Ich kann ein Déjà-entendu an Edward Ka-Spell nicht verschweigen, warum auch? Müllers Gitarre melkt Herzensmilch, Stimmen wispern und verlieren sich in somnambulem Singsang, Faszination ist
hier ganz in französischer Hand.
Und toll ist auch, wie PATRICK MÜLLER und QUENTIN ROLLET auf "Vents" (trAce
055/Bisou, BIS-015-U) mit dröhnenden Electrosonics und kaskadierenden Saxofonwellenden prominenten Schauspieler DENIS LAVANT dramatisieren, der dieses Poem - dt.
'Winde' - des Nobelpreisträgers Saint-John Perse mit rau gebeizter Zunge eindringlich wie
ein infernalischer Marc Hurtado performt: Die Götter, die im Winde schreiten, schwingen
die Geißel nicht vergebens. Sie sagten uns - werden sie es auch euch sagen? - daß hundert
neue Schwerter gewetzt werden an der Kante der Stunde.

https://tracelabel.bandcamp.com
19How to say Yes to the 70s"Das entfesselte Jahrzehnt" nannte der Popkritiker Jens Balzer ("Popund Populismus", "High Energy") die Dekade, in die er 1969 hineingeboren wurde, anno Woodstock und Walking on the Moon. Aber was geriet da außer Rand & Band? Entfesselt wurden die Nebenwidersprüche als Patchwork zwar emanzipatorischer, aber gespaltener Interessen, das hedonistische 'Me' (T. Wolfe) 'pathologischer Narzissten' (C. Lasch), Männerphantasien, die als Heros in tausend Gestalten ausschweifen konnten, als Ziggy Stardust, Jerry
Cornelius, Frodo, Luke Skywalker, Dirty Harry, Perry Rhodan, Rocky oder Stadtneurotiker...
Entfesselt wurden Farben und mit dem Prometheus der technologischen Revolution ein
Geist des Daddelns und der Zeitverschwendung. Dabei hatte der naive Neo-Romantizismus des Flowerpower-Frühlings und des Summer of Love durch die Manson Family und in
Altamont schon 1969 einen unheilbaren Bruch erlitten, dem 1976 mit dem No-Futurismus
des Punk ein zweiter folgte. Mit der 1977 im 'Deutschen Herbst' von Johan Huizinga übernommenen Herbst-Metapher wurden die 70er explizit das Jahrzehnt verwelkter Illusionen.
Doch dem NO, das einer "Sheep Look Up"-, "Soylent Green"- und "Mad Max"-Zukunft entgegen taumelnd auf schwarz, cool und taff setzte - Black Sabbath, Deep Purple, King
Crimson, Kraftwerk, Led Zeppelin, Magma, Nico, Univers Zéro, The Who..., stand ein YES
entgegen, das bombastisch, psychedelisch, eskapistisch - Abba, ELP, Genesis, Hawkwind,Jethro Dull, Pentangle, Pink Floyd, Queen, Return To Forever, Ufo, Tangerine Dream... sich um Gandalf, Peter Pan, das Goldene Kalb scharte, paradies- & spacewärts - Avalon,
Neverland, unendliche Weiten... Idyllisch, pathetisch, surreal, sensibel oder hellsichtig, mit
Gurus, Jestern, Leidensmännern. Exemplarisch auch bei YES.
Die Musik und die Message von Jon Anderson & Chris Squire auf "Time and a Word" (1970),
dem zweiten, wie das Debut noch halbgrünen Album von YES, ist 70s bis in die langen
Haarspitzen: There ist only us who can change it... Love is the only answer... Sweet words,
Sweet thoughts, Sweet Dreams... Angestimmt mit klassikrockistischem Strings- & OrgelSchwulst, Propheten-Tenor und 'Astral Traveller'-Perspektive und zugleich Soft within thewayward things-Geflüster nach Lyrics von Stephen Stills. Mit Steve Howe als Gitarrenwizard und Ambitioniertheit, die sich selbst belohnte, folgte "The Yes Album" (1971), mit
Robert Heinleins 'Starship Trooper' (mit Sister Bluebird als Schutzengel für Mother Earth,der es in der 'Würm'-Eiszeit fröstelt) und 'I've Seen All Good People' als Suiten in schwungvoller Komplexität und 'Clap' als launigem Folktänzchen. Mit expliziter Kritik an der silly
human race und verblümter am Vietnamkrieg mit mutilated armies gather near / Crawlingout of dirty holes, their morals, their morals disappear. Mit Schachzügen gegen die White
Queen und dem Bekenntnis zu 'Perpetual Change'. Zur Orientierung: Ralph Möbius, derkünftige Rio Reiser, fragte mit Ton Steine Scherben zeitgleich "Warum geht es mir so
dreckig" (1971), riet 'Macht kaputt, was euch kaputt macht' und traf sich mit Anderson:
Alles verändert sich, wenn du es veränderst / Doch du kannst nicht gewinnen, solange duallein bist. "Fragile" (1971) nahm das, was Andersons Timbre die ganze Zeit schon ausstrahlte und später den Punks noch mehr zuwider ging als der Bombast, als Überschrift.
Rick Wakeman ersetzte Tony Kaye und vergriff sich an Brahms, 'Heart of the Sunrise'bringt ein Wechselbad aus instrumentaler Spitzenathletik und - na ja. Roger Dean gab YES
das Logo und ein Fantasy-Image: Ein kleiner Planet bricht auseinander, blaue Monsterchen
verkriechen sich verschreckt in Wurzelwerk, ein Bergsteiger erklimmt eine senkrechte
Felsnadel (was im polaren Kältetod von 'South Side of the Sky' widerhallt). Anderson visioniert einen Sommer der Liebe und des Lachens, aus Sandkornperspektive, surrounded
by a million years. Mit Tell the Moon-dog, tell the March Hare / (We have heaven) zeigt YES
sogar schönsten britischen Spleen. Als Schnörkel im Lebens-Marathon als 'Roundabout'
und run around durch heiß und kalt, abgestoßen von den steinernen Gesichtern einer
kalten Religion, zwischen Traum und Zorn, umarmt von Wind und Sonnenlicht und dochallein, lost in the city. 'Schindleria praematura' ist nur ein Fisch, aber mit '5 % for Nothing'macht Bill Bruford parasitäre Gepflogenheiten im Music Business kenntlich.
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Mit "Close to the Edge" (1972), 5.-bestes Progressive-Rock-Album im Rolling Stone-Kanon,
steigerten Anderson & Howe sich in die titelgebende sinfonische Dichtung hinein, als Ich,das, lose angeregt durch Hermann Hesses "Siddharta", im existentiellen Up & Down zwischen Manna und Void und abseits der Masse dem Change-Auftrag folgt. 'And You and I'
strebt in aquarellierten Lyrismen mit Akustikgitarre, Keys- & Synthiekitsch über Preacher
und Teacher, Eclipse und Apocalypse hinaus in ozeanische Gefühlswelten. Die Poesie von'Siberian Khatru' ist wohl was für Kryptologen, denen bei Even Siberia goes through the
motions und Luther, in time / Do-d'n-doo-dit, dah, d't-d't-dah die Augen aufleuchten. Der
Widerspruch zur überaus launigen Musik lässt sogar die Vermutung zu, dass bei Andersons Worten die Betonung auf 'viele' liegt. Ich bin mit seinem jungenhaften Winselsermon
und Wakemans Orgelschauern seit 50 Jahren aber sowieso nicht warm geworden. Vor"Tales from Topographic Oceans" (1973) hatte Anderson sein heroisches Haupt auf eine
Fußnote von Yogi Yogananda gebettet und fühlte sich berufen, Indiens heilige Bücherweisheit in 84 Minuten zu würdigen. 'The Revealing Science of God (Dance of the Dawn)'... 'The
Ancient (Giants under the Sun)'... The Call of Guru, Hare-Krishna-Brainfuck, in den 70ern
bilden Siddhartha und der Steppenwolf ein Brüderpaar wie Abel und Kain, das eine verwässerte Deep Play zu Wischi-Waschi, das andere himmelte Hells Angels, Droogs und Travis Bickle an. Bruford war vor den "Tales..." an den Court of the Crimson King gewechselt
für "Lark's Tongues in Aspic", Wakeman verabschiedete sich für sein vielsagendes Offwith their heads als Henry VIII., Patrick Moraz ersetzte ihn und öffnete mit YES auf "Relayer" (1974) 'The Gates of Delirium'. Indem YES Tolstois "Krieg und Frieden" zoroastrisch
tolkinisierten, als Krieg der Worte, von Rhyme und Reason, gegen einen dämonischen Aggressor, unter dem Banner des Lichts. Auch die "Tales..." gipfeln ja mit 'Ritual (Nous sommes du soleil)' ganz sonnentrunken. Die eigene, mahavishnuesk verschärfte musikalische
Rolle in diesem mit Kill them, Give them as they give us / Slay them, Burn their children's
laughter on to hell! ausgemalten Kampf ist: we gain the battle drum. 'Sound Chaser' vertieft das mit spread tales of change within the sound / counting form through rhythm electric freedom. Beim fragilen, mit Sitar kolorierten 'To Be Over' singt Anderson zuletzt wieder besänftigende Words of Wisdom zum YES-Adepten als childlike soul dreamer: ...do not
suffer through the game of chance... Balance the thoughts... seek and see in every light... gogently. Und klingt dabei doch wie ein ewiger Peter Pan und Sängerknabe im Ambrosian
Junior Choir. Für "Going for the One" (1977) kam Wakeman zurück und blieb auch für "Tormato" (1978), beides mit bescheideneren Songformaten, und da sie sich selber mit Tomaten bewarfen, brauche ich's nicht zu tun. 'Don't Kill the Whale', gut und schön, aber zager
Protest, Madrigal, Science Fiction und Zirkus stießen sich wie Kraut und Rüben, und Andersons Lyrics als 'boychild Solomon' und sein 'Rejoice' und 'Onward' 'On the Silent Wings
of Freedom' waren selbst bei 'Future Times' und 'Arriving UFO' nur noch eskapistischer
Schwulst, dem der Zeitgeist Hohn sprach. Konsequenz - bei "Drama" (1980) war Anderson
draußen, Wakeman auch, der Howe-Squire-White-Torso bildete einen Zwitter mit Trevor
Horn & Geoff Downes, zwei, die vertrauter waren mit "The Age of Plastic" und uptodate
mit 'Video Killed the Radio Star'. Horn imitierte Anderson, er rennt wie er ins Licht, verlinkt
bei 'Machine Messiah' dessen diamonds of light to the satanic mills und bellt mit dem Maschinen-Götzen schon den richtigen Baum an. Auch 'White Car' ist mit Take all your dreams /And throw them away in der Gegenwart angekommen. Down to the slaughter up for the
fun / Up for anything... I am a camera, camera, camera - an den Lyrics liegt es eigentlich
nicht, dass der Versuch, YES durch New-Wave-Energy zu transferieren, nicht ganz so gut
gelingt, wie das Update von King Crimson mit "Discipline" (1981). Die Zeit rennt like anathlete und rafft einen dahin like a dead beaten speed freak, egal ob man Yes oder No sagt.
Als konfuser, verklemmter 'Weltverfehlungskrüppel' (Sloterdijk) fand ich in den 70ern nie
genug Trotz oder den richtigen Trainer für eine athletische oder akrobatische Volte. Ich
nickte, wenn Männer rot sahen, blieb selber aber abgeduckt im You'd better close youreyes / Ooohhhh bow your head / Wait for the ricochet-Tran. Immerhin fand ich zu Arno
Schmidt und durch ihn von der Dark Side of the Moon zum "KAFF auch Mare Crisium"Modell in seinem hilarotragisch gescheckten Nichts Niemand Nirgends Nie. Und die
andern tanzten Disco, tanzten den Enoch Powell, den Belsen Pogo, den Stammheim Blues.
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... over pop under rock ...
CONCATENATE U+1F407; U+1F990(Quadratisch Rekords, QUAR013) : - - 'Rospo Rovente'→'Tenia Tenace'... Jedem Ende wohnt ein Anfang inne, Endsilben geben ihren Code als Anfangssilben weiter in 11 Titeln, deren italienischer Anklang - ...'Tombino Torrido'→'Dottore Dolore'... - von Marta Beauchamp ausgeht, die vor 30 Jahren in
Cueno geboren wurde. Sie als universal
gelehrte und mit Sound und Sculptures
kreative Menschin mit ihrem Cello undder ihr seit zehn Jahren vertraute Xaver
Fuchs mit seinem Knowhow als Bassgitarrist bei Stör, Ego Super und Al a
Malaka an E-Gitarre, beides studierte
Neurowissenschaftler, setzen mit Bogen
und Single-Note-Sounds in gradualem
Stakkato komplexe Klangmuster inGang. Als Räderwerk in spiraliger Drehung, in verzahnter Repetition circadianer Rhythmen, mit Tonsprüngen, diezwar durchaus launig klingen, aberganz programmatisch rocken. Ja, rocken, mit einem Zurück-in-die-ZukunftTouch, der eine Perückenparty - im
Keller des Jazzclub Bunker Ulmenwall in Bielefelder BaRock aufmischt. Abermit samtigem Legato und innigem Feeling auch schon Engtanzgeschmuse
einführt, an das bei den Alten nicht zu
denken war. Beauchamp wedelt mit
dem Bogen wie Waldi, und die beiden
lassen die gemeinsam erarbeiteten
Feedback-Loop-Translations so unterhaltsam und selbstverständlich sichentfalten, dass sie Tänzchen und Träumereien anstoßen, in denen sich Abstraktion mit Sinnlichkeit verzahnt zu
einem 'Klassik-Rock' ganz eigener
Machart. Dabei so universal wie Mathematik und mit in ihre Doppelhelix eingedrehten Erbstücken von Exotica und
Minimal, Rokoko und Rock'n'Roll, mit
dem Effekt einer merkwürdigen Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen. Trinkt
Kräutertee, schleckt Kröten, folgt dem
Müllmann, dem Rentier, dem Bandwurm, fuck, just follow U+1F407 in den
Gully.

LEVEN SIGNS Hemp Is Here (Futura Resistenza, RESLP006): Futura Resistenza kümmert
sich in Brussels & Rotterdam nach dem Wahlspruch Speramus meliora : resurget cineribus[Wir erhoffen Besseres : Es möge aus derAsche auferstehen] darum, Besonderheiten vor
dem Vergessen zu bewahren: Sowas wie "Tunes& Scenery (Hard to Whistle)" von Jacques vanErven, das 1984 bei Eksakt Records in Tilburg
herausgekommen ist, wie Efraín Rozas ausPeru, Joost M. de Jong jr. in Rotterdam, Viktor
Timofeev aus Riga oder Genetisis als Mavericks
von Heute. Bricht mir bei Eksakt Records schon
der Boden durch, schleudert mich "Hemp Is
Here" gleich nochmal in die Tiefe, zu Cordelia
Records anno '85, mit The Deep Freeze Mice,
Rimarimba, Mr. Concept, Jung Analyst, Yukio
Yung, C. W. Vrtacek, R. Stevie Moore. Lauter"Obscure Independent Classics" zu Zeiten, als'obskur' noch als Krypto-Gold geschätzt wurde.
Pete Karkut lieferte, zusammen mit Maggie
Turner, solch schwarzes Gold, mit in Nottingham, Sheffield und Bellingham angereichertem
Anything-Goes-Spirit bricolierte er aus TapeCollagen, Holzkisten-, Eisenbrocken- & Tamburin-Tamtam, Philicorda-Orgel, Pennywhistle
eine Mixtur aus DIY-Pop und Crazy Folk. Mit
zweistimmig Gesang, aufgekratzt melancholisch ('Prague Spring'), bombastisch persisch('Iraj 11'), der feierlich beorgelte Sitz der Weisheit ('Sedes Sapientiae') nach dem Mondschein('La Luna') ausgerichtet, von exotischen Vögeln
umflattert. Der Duktus selten geradlinig, mit
Ausrutschern rückwärts, aber irgendwie dochunverdrossen melodisch und im couragierten
Pathos den Rittern der Kokosnuss und den
Jumblies ebenbürtig. Karkut drückt sich jedenfalls nicht davor, die Fackel zu tragen undlauthals für Hanf zu werben. Er klopft und
knattert Morsezeichen, schüttelt den Rasselstock, klappert Xylophon, als, ähnlich derTardis, etwas Größeres, als es den Anscheinhat. 'Rumi' orgelt und tamtamt er pharaonisch,'Das Seal' orgelt er als sturen Drehwurm, und'Held in Arms' ist in seiner rhythmisch-melodischen, pfeifenden Erregung im Kern ein NicoLied. Karkut wurde Digital Media Technician an
Colleges of Art and Design in Camberwell und
Chelsea und liebt Esel. Warum wundert michdas nicht?
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MAULGRUPPE Hitsignale (Major Label, ML
157, LP/CD): Der Ostwind, der mir "Too Much
Future - Punkrock GDR 1980-1989" und Die
Zucht zutrug und der den Spirit von Die Art,
AG Geige und Sandow mit dem von EA80
mischt, bläst mir nun den Nachfolger zu"Tiere in Tschernobyl" (2019) um die Ohren.
Zu sagen, ich sei zu alt für den Scheiß, zieht
nicht, denn Jens Rachut mit seinem punkigen
Rattenschwanz von Angeschissen über Blumen am Arsch der Hölle, Dackelblut, Oma
Hans, Kommando Sonne-nmilch bis Alte Sau
ist womöglich mein Jahrgang. In Maulgruppe
spendiert der Hamburger Sänger & Schauspieler mit Frank Otto (ex-Kurt) an Gitarre,
Markus Brengartner (dessen Partner in Yass)an den Drums und nun noch Wieland Krämer(ex-Dackelblut) am Bass eine Schnapszahl
neuer Lieder. Er lobt Primzahlen fürs Ungeradesein und verteilt zweifelhaftes Lob für
die durch Corona stille Zeit. Da in der
Nordheide zwischen Dax und Dachs abseitsvon Hetze und deutscher Grammatik krault
er das müde Gehirn, Trüb-Seligkeit sein
'Schwarzer Hund'. Es plagen ihn die fehlenden und die Angst machenden Träume, dieschweigsamen Abende, die schlafenden
Möbel, die Eifersucht auf den Yoga-Guru
seiner Frau. Eigentlich ewiger Punk, hockt er
voll hippiemäßig rum, Blumen rauchend,
Blitze trinkend, bekifft von Liebeskokolores,
wie im Trojanischen Gaul. Und kalauert, dieHemmschwelle ganz unten, er mault über zuviel und zu wenig Leben, über zu laut und zu
öde, hadert mit sich als altem Blender, dem
nix mehr einfällt. Ach, wär ich doch im Pferd
geblieben. Ihn plagt geblähtes Hirn, die digitale Seuche, Kopfstau, weil sich darin das
Unentdeckte breit macht, Hauptplatinenweh.
Oder unwillkürliche Idiosynkrasie. Es treiben
ihn Tsatsiki-Fürze um, die Sorge vor rasenden Metastasen, die Balztänze einst mit Akne
und heute der 'Geisteraffentanz' mit dem Tod
als unsichtbarem Gorilla, der auf dem Coverganz majestätisch thront. Bei 'Kakteen verblühen nie' ist er vereint mit Françoise Cactus (1964-2021), die Villeneuve-l’Archevêque
als Provinzblume verließ und als Häkeldiva in
Berlin blühte. Was ist denn jetzt / das ist dein
Leben / es wird dich verderben / irgendwann
wird's fehlen. Das Ganze gut durchgekracht,
mit Elektrosounds aufgemischt, norddeutsch
deklamiert, mit Dackelblut und Sea Wantons
NTL-Verve gebellt.

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MONA MUR Mona Mur (play loud! productions, pl 109, LP/CD): Ach, Sabine Bredy ist
auch schon 60, letztes Jahr hat sie das mit'Venus 2020' cool und selbstbewusst gefeiert. Taekwondo hin und Computerspielsounds her, sie blieb immer Mona Mur, mit
einem zweiten Frühling mit En Esch (exKMFDM) und einem dritten mit Ralf Goldkind (ex-Lucilectric), still big in Wroclaw
und Łódź. Aber das Goldkörnchen, um das
ihr Popleben sich perlte, das legte Mona
Mur (mit Die Mieter in Gestalt der Einstürzenden Neubauten Alexander Hacke,
FM Einheit & Mark Chung plus Gode B. an
krude geschrappelter Gitarre) 1982 mit
der EP "Jeszcze Polska" und rough undtaff exekutierten Songs wie 'Eintagsfliegen' und der mit Nina-Hagen-Verve gekrähten polnischen Hymne. Die Wiederveröffentlichung ergänzt das mit den
Dandies, zombies and candies der 88er
Maxi-Version von 'Bastard', und damit ist
man bei der Party time with monsters andmachines ihrer 1988 erschienenen eponymosen Debut-LP, produziert von Dieter'Yello' Meier, aufgenommen und zu Automatenbeat wave-orchestral aufgeschäumt
mit J.J. Burnel & Dave Greenfield von The
Stranglers. Mona Mur femme-fatale-t mit
Nico-dunkler Altstimme in the church offemale twilight als Venus in Furs, Judith,
Salome und O, zugleich Medea und Sklavin
der Liebe, wie sie da, zusammen mit Kiev
Stingl, Neo-Noir-Klischees bis zur Karikatur überspannt. Sie singt Du stehst an der
Bar wie ein Engel, der flucht / Ich geh' indie Hölle, denn ein Teufel bist Du ('Ritz')...
von Lovers lost on moonlight drive ('Mezcal')... Leave your leather nuns and whips
aside / Cold hard heroine ('Venus')... ein
orgelschweres Do what thou wilt ('Snake') ...
Neben Metaphern wie I'm an insect fromyour video... oder We had Flesh and Bloodof Christ / Shot into our veins... ('007')
erstaunt sie mit Brechts 'Surabaya Johnny', gnadenlos angestimmt mit der LiveBesetzung von Die Mieter, und mit Billie
Holidays 'My Man' als gejazztem, masochistisch pervertiertem #MeToo - Love is aghost crime... Love is such a shame. Als
Konsequenz aus dem desillusionierten du
Hund und The lowest man I've ever seen
fordert sie mit 'Auf immer' ewige Treue
ein, und Wehe...

MONSIEUR DOUMANI Pissoúrin (Glitterbeat, GB114, LP/CD): Was auf Deutsch von vorne
bis hinten bepisst klingt, bedeutet in Zypern 'zappenduster', denn das vierte Album vonMonsieur Doumani mischt sich unter Kreaturen der Nacht und der Traumzeit voller
Wunder ('Thamata'). Antonis Antoniou, Angelos Ionas & Demetris Yiasemides haben sichin Nikosia mit ihren mit gefrickelter Tzouras, Gitarre, Posaune & anfangs auch Flöteangestimmten zypriotischen Folksongs auf "Grippy Grappa" (2013), "Sikoses" (2015) und
dem mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik ausgezeichneten "Angathin" (2018)
in nur drei Sprüngen an die Spitze der 'Global Sounds'-Polonäse gesetzt. Indem sie diehergebrachten Tänze Syrtos, Sousta und Zeibekkiko, Liebestrouble oder ein Aufstandslied
gegen die einstigen Paschas neumodisch aufmischen, allzu Einheimisches verpinschern
mit einer Udu, einem Rapper. Und dabei, in der Tradition der Dichter Dimitris Lipertis(1866-1937) und Kyriacos Kameras (1900-1986), mit Underdog- & Aussteiger-Spirit den
angekratzten Rembetiko und die aufgekratzte Laune noch pfeffern mit Spott überArschlecker, Großkopferte, 'Patridioten', smarte Aufsteiger, die pleite gingen, Männer, dieauf Möpse starren, und uns alle als Weltverzehrer und Umweltsäue. Mit der Absicht,
stachlig wie Kakteen und ein Gegengift zu sein. Mit nunmehr Andys Skordis, einem
namhaften Komponisten in Amsterdam, an Gitarre und dem verstärkten Einsatz vonSynthie, Stompbox & Elektronik nähert sich Monsieur Doumani psychedelischzyprotronisch dem Drive von BaBa ZuLa an, mit uptempo gereimtem WordSound,bassbrassigem Posaunenschub, in von Narghileschwaden geschwängerter, von Kobolden
durchgeisterter Nacht. Mit Lyrics des befreundeten Aktivisten Marios Epaminondas feiernsie den Tropfen Bernard-Marx-Blut in jedem Misfit und feuchtfröhlichen Verrückten('Kalikándjari'), mit 'Nychtopapparos' die Nachtschwärmer, bei 'Koukkoufkiaos' das
nachtwachende Käuzchen der Minerva (Athene noctua), das die Machenschaften vonDunkelmännern durchschaut, aber auch als böses Omen gilt. 'Astrahan' evoziert, zum
Tzourasgroove und Posaunendrive wie hergeholt aus steinkauzalter Zeit, zuletzt mit
archaischem Anklang eine antike Hymne - dem Nachtmotiv entsprechend wohl Medeas
Anrufung der andern Göttin, der die Eule dient - Hekate.
SORRY FOR LAUGHING See It Alone (Klanggalerie, GG358): Gordon H. Whitlow hat sich
Sorry For Laughing genannt für die Kassette "Jesus Wept", auf der er in Gedanken an
Kafka 'Our Procrustean Bed' besang. 1985, parallel zur Entstehung von "Bellowing Room",
der dritten LP von Biota, bevor sie sich mit "Awry" bad-alchemysieren ließen. 35 Jahre
später lässt Whitlow den Namen wieder aufleben, für acht neue Songs und vier
instrumentale Intermezzi, in denen sich Gone mit Agonie mischt. Intoniert mit dröhnender
Orgel, knarrendem Akkordeon, Keys, Kaen, dazu noch Gitarre von Janet Feder undSounds & Strings von Kuwayama Kiyoharu oder Patrick Q-Wright (der zur Zeit von "Jesus
Wept" Spuren bei Officer! und Look De Bouk hinterließ und dann zu The Legendary Pink
Dots fand). Der damit gerufene Geist von Edward Ka-Spel tritt prompt in Erscheinung, um
abwechselnd mit Martyn Bates zu Whitlows Musik eigene Poesie anzustimmen. Bates,
mittlerweile 60, singt von The fountain of snow to fall und von 'Fate Stars' über A world
unsound, die das Verkehrte drehen und wenden, und ruft 'Enter the Gates' - mit The eye ofthe seeker / The sigh of the dreamer / The heart of the knowing. Ka-Spel, Wassermann
vom Jg. 1954, hört tollwütige Hunde heulen und spielt einen ironischen Schutzengel, oderwas? Und wenn 'The Necessity of Good Timing' sich nicht mit Dark-Cabaret-Geklimper
und launigem Processing um den finalen Abgang zur rechten Zeit dreht, um was dann? Mit'Anti-Hymn' gießt er seinen Sarkasmus über den Mob, der erst 'Kreuziget ihn!' schreit undPoeten verbrennt und dann auf die Knie sinkt und vergötzt. Und reimt zuletzt First to fall /Last to cry mit Our precious prince hums lullabies / The world keeps walking by, daserhoffte Mit- und Füreinander nur ein blinder Fleck. Wer sie nun für zwei mürbe Grummler
hält, zwei abgedankte Lears, den überrumpeln sie gemeinsam mit Erinnerungen an
Edward Lears verwegene Jumblies: ‘Our Sieve ain’t big, / But we don’t care a button! wedon’t care a fig! / In a Sieve we’ll go to sea!’ Aber vom Heroe auf den Wogen des Absurden
ist nur ein Hund geblieben, der zu trister Autoharp & Geige - vergeblich - um Gnadenbrot
bettelt. Far and few, far and few / Are the lands where the Jumblies live.
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J. Peter Schwalm

J. PETER SCHWALM - MARKUS REUTER Aufbruch (RareNoise Records, RNR129, CD/LP):
Wie gesucht und gefunden: Der Keyboarder inFrankfurt, als durch Brian Eno initiierter unddurch Richard Wagner diffundierter Raum-ZeitWanderer. Und der Gitarrist in Berlin als Kosmonaut deep inside und in Outlands, auf Iapetus
und MoonJune, mit Zentrozoon, Crimson ProjeKCt und Stick Men als Crews, mit Ian Boddy,
Robert Rich und Stephan Thelen als Brothers inSound. Schwalm hat auf RareNoise mit "TheBeauty of Disaster", "How We Fall" & "Neuzeit"
schon Umbruch-Motive entfaltet. Auch "Aufbruch" erzählt von einem Neubeginn, dem'Rückzug' und 'Abbau' vorausgehen, von einem'Riss', einem Bruch mit dem Vertrauten, einem
Sichloslösen, -losreißen, Abschiednehmen füreinen langen Weg ins Ungewisse. Er 'bildhauert'
das mit Synths, Pianos, Electronic Percussion,
Live Treatments & Programming, Reuter 'malt'
es aus mit Touch Guitar, Soundscapes, Electronics. Dabei findet man sich zuerst in einer Dröhnosphäre, an der der Wind zerrt, auf die saurer
Regen und schwere Schläge fallen, die als
Trauermarsch den Ernst der Lage andeuten.
Bloße Melancholie tut es da nicht, sie wird unterhöhlt von kakophonen Einrissen und nervösem Puls, der Versuch, es auszusitzen, sichwegzuducken, endet in turbulentem Gewirbel
und brachialem Zerren. Alle Gitarrenwehmut
und feierliches Orgeln nutzen nichts, rituelles
Tamtam von Ölfassschamanen fordert Alternativen, der Säure- und Rostfraß nimmt zu, schon
grollen Götterdämmerungsposaunen und schüren das Murren, der Pulsschlag verrät leise Panik. Es prickelt in den Fundamenten, oben flimmert, unten wummert es, Harmonie lässt sichkaum noch beschwören, die Stimmung ist düster. Dumpfe Schläge stimmen auf ein Anderswo,
Anderswie ein, die Gitarre schmachtet nachdem Gestern, ein Trommelchen rät zu leichtem
Gepäck. Verzerrte Durchsagen von links undvon rechts bleiben unverständlich, den Gegenwind spüren dagegen alle, aber jetzt auch den
von der Gitarre, von Basskaskaden und derTrommel angeführten Groove. Mit dem vonSophie Tassignon vokalisierten 'Lebewohl' verwandelt sich Gitarrentristesse in Traurigkeitsgenuss und mit schwebendem iiii, sanften Orgelwellen und sanftem Bassdruck bei 'Losgelöst' in die Kraft, loszulassen für einen neuen,
beweglichen Beat. 'Abschied' malt in zartbitterer, schillernd orgelnder Ambiguität einen Horizont, mit etwas rosigerem als "Winterreise"Feeling.
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nowjazz plink'n'plonk
Creative Sources (Lisboa)
Ich höre, höre Stimmen auf Creative Sources, wie an drei goldnen Haaren herbeigezogen:Die von Susie Bishop in Sidney, die, auch als Violinistin oder mit Gitarre, Stil und Spurwechselt zwischen Singer-Songwriteress-Folk mit ihrer Schwester als Laura & Susie ("Meremba"), der nomadic folk jazz fusion mit Chaika, Monsieur Camembert's Leonard Cohen
Show, Jochen Gutschs progressive indie-chamber ensemble Hinterlandt ("Ode to Doubt","Sollbruchstelle"), Tángalo ("Good Enough For Gringos"), Jenny Erikssons barockem Marais Project ("The Garden Party") und der Electric Gamba Band Elysian Fields ("What
Should I Say", "Fika"). Im INLAY ENSEMBLE des Bassisten Elsen Price mit Carl St Jacques- viola stimmt sie ungewöhnliche "Songs for Habitual People" (CS 697) an,
die von LORENA IZQUIERDO, die, aktiv mit Opera Maleta, Soap Tongues und als Kuratorin der Reihe »Atmo_sphäre« im Berliner Loophole, auf "Favourite Galaxy" (CS 698) von'Mohn & Wut' erfüllt rumzickt im knarzigen, röchelnden, krächzenden Verbund mit AZIZLEWANDOWSKI - cello, voice, KRIS KULDKEPP - double bass & FELIX MAYER - trombone,https://m-i-l-k.bandcamp.com/releases
die schon bei The Last Taxi - auf Leo - begegnete von CHIARA LIUZZI, zusammen mit
Francesco Massaro - bass clarinet, live electronics & Adolfo La Volpe - (prepared) acoustic
guitar, banjo, objects, die einander nicht nur durch Chaque Objet und Bestiario vertraut
sind, + Elio Martusciello (Ossatura) an live electronics bei "Elica Multisensory Improvisation" (CS 699). Als exaltierte Diva oder in sich gekehrte Blinde in einer apulischen Oneirosphäre, schillernd, funkelnd, gurrend, flötend umgaukelt in all ihren Sinnen.
https://chiaraliuzzi.bandcamp.com/releases
Christof Thewes, Willi Kellers, Spielraum Heiligenwald? Mein Déjà-vu rührt her von Ruf der
Heimat, die dort am 19.10.2019 konzertierten, eingefangen als "Secrets". Am 15.2.2020
hatte der Schiffweiler Posaunist bei einem weiteren Heimspiel neben dem Trommel-Willi
den Gitarristen Andreas Willers als weiteren Berlin-Umlandler und den Saxofonisten FrankPaul Schubert als Prenzlauer-Berg-Bewohner dabei, kurz GRID MESH. Das Quartett, dasnach dem Tod von Johannes Bauer Dank Thewes seinen posaunistischen Reiz bewahrte,lieferte dabei den Stoff zu seinem Release № Four (CS 702). Mit Musik in Hoch- undTiefbauweise, voller Schweißnähte, und wenn nicht der eine, dann schießt der andere dervier dabei den Vogel ab. Los geht es ganz vorsichtig und tröpfelig, wie jene Gedanken, die
auf Taubenfüßen kommen und sich doch ins Hirn picken, spieluhrfunkelig, knattrig, aber
mit zunehmend Puste und gitarristischer Stromzufuhr schon auch massiv. Doch statt das
in einer Richtung zu forcieren, fächern sich die Stimmen so tickelig, quäkig und reedfeurig,
dass die Gitarre schon zur Sache kommen muss, damit das in ihrem gefurchten
Fahrwasser auf Kurs bleibt, auch wenn der eine dabei quiekt und der andere knört.
Kellers zupft Daumenklavier, klappert wie auf Karton, crasht Blech, Saiten wabern,
Thewes mundmalt Posaunenglanz, Schubert pustet vibrato, macht sich schlank undaltoleicht, gackert unisono mit der Posaune, Kellers funkelt glockenspielerisch und rattert
einen Spitzenmoment. Von dem rutscht die Gitarre aber knurrig ab, in körnchenfeinem
Hagel liefert sie eine furiose Brandrede und stachelt damit kollektiven Tumult an, vonbeiden Bläsern infernalisch geschürt. Doch eine kleine Vogelflöte pfeift drauf, lässt
Besinnung zurückkehren, mit brütender Posaune, rappeligen Drums, räsonierendem Alto.
Alle prickeln sie nun leise und geheimniskrämerisch und schmieden einen neuen, einen
Zwergenaufstandsplan, handstreichartig da und dort, mit ausgeklügeltem Micmac undeinem tollkühnen Vorstoß der Gitarre. Jubelnd stößt das Soprano nach und reißt die
Posaune mit, Kellers donnerblitzt, Schubert hat sich heiser geblasen, tiriliert und girrt aberbis zum Gehtnichtmehr, die Gitarre schillert nur noch wie ein Benzinfleck, so dass Kellers
klirrend den sublimen Touchdown in Ziel bringt.
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Christopher Dell (Berlin)
CHRISTOPHER DELL scheint mir neben den
Prinzipien {Boheme} und {Doppelleben} ein
drittes zu verkörpern, als Professor für Urban Design und Städtebau und Spezialist für
Improvisationstechnologie, der sein Knowhow zugleich als führender Vibrafonist
seiner Generation - er ist Jg. 1965 - praktiziert, vielfach preisgekrönt für sein Spiel mit
Heinz Sauer, D.R.A. oder Dell/Lillinger/Westergaard. Er verbindet so seine City-Science
von "Replaycity", "Tacit Urbanism", "Stadt
als offene Partitur" mit der Klangraumpraxis
von "Other Voices, Other Rooms", "Superstructure" oder "Open Form for Society".
Dass dabei sein musikalischer Überbau sichwie ein Drittmittelantrag bei der DFG liest,
ist diesem akademisierten Bewegungsprofil
und gedanklichen Niveau geschuldet. Wie er
jedoch, als selber ein ACT-Act, Siggi Lochs
Präferenz von Weichgespültem (kontra Lillinger & Co.) als Dressur und Erniedrigung desPublikums kritisiert hat, war deutlich genug. Hier bei Alterity Stream (Edition Niehler
Werft, enw 013) geht es nun in einer Reflexion über den seinerseits doppelprofilierten
Third Stream und das Modern Jazz Quartet um die 'konzertierte Aktion' eines klassischen
Bläser-Quartetts - Flöte, Oboe, Klarinette, Horn - mit dem jazzigen Theo Jörgensmann
Quartet der Jahrtausendwende - TJ an Klarinette, Christian Ramond am Bass, Klaus Kugel
an den Drums und Dell selbst. Individualität, Differenz, Andersheit und deren kollektive
Organisation - ein Wort dafür ist 'Stadt' - werden als politische Frage auf musikalische
Weise verhandelt, transzendierend, 'aufhebend', im prozesshaften Clash heterogenen
Materials und Wandel weicher Faktoren das Unterscheiden als Chance ergreifend. Der'Kontext' zeigt dabei deutlich neutönend-klassische 'Konturen' und 'Vektoren', mit improvisatorischer 'Maserung' durch Klarinette und Kontrabass. Wenn sich allerdings 'Oleaster'nicht als aus Oleander und Pilaster gezwittert, sondern als wilde Olive erweist, kann auchalles andere anders sein. 'En Face' so, im Vorbeigehn so, der wahre Zwitter ist das Vibrafon in seiner kristallinen ChamberJazz-Preziosität. Die 'Jazzer' bringen Grooviness undeine flaneurhafte Agilität ins Spiel, die 'Klassiker' etwas Gravitätisches und eine träumerisch entschleunigte 'Sandzeit'-Poesie, wobei die Parallelität im geteilten Nenner ihres modernistischen Zutrauens - Les Six, Mondrian, Cool Jazz, Earle Brown - und der Duplizität
der Klarinette aufgehoben scheint. Milt Jackson spielte in Donaueschingen (Fakt), Gunther
Schuller spielte Klee (Fakt), John Lewis spielte Delaunay (Fakt), Dell spielt Colorfields ofSound, transparent koloriert, oder keck geschrillt (das geht als Eindruck auf meine
Kappe). Giuffre'eske Sophistication bekommt durch das Horn eine alpine Silhouette,
nimmt selber lyrische Züge an, aber auch rhapsodische Verve. Die 'Glut' gebändigt, das
Temperament feinnervig geharft, das Vogelige mit sonorem Unterbau, Desire flirtet mit
Design, Fließendes strukturiert sich nach strategischem Konzept 'wie von selbst' in einem
imaginären (?) Raster, als Ready-Made. Wobei ich diesen Konzepten als intellektueller
Halbling nicht gewachsen bin. Doch ich 'höre', dass Dell ganz unbrutalistisch festhält angläsernen 'Haut-und-Knochen'-Idealen Mies van der Rohes und dass explizit Dell'sche
Bezugspunkte wie Bauhaus, Webern, John Cage, George Brecht, Boulez viel 'klassischer'und klangvoller widerhallen als diese Namen vermuten lassen. Als ein Schlendern inoffenen Räumen, ohne Kaufzwang, mit bummelndem Pizzicato, nicht ohne leise Melancholie über die Diskrepanz zwischen dem Ist und dem Es könnte doch. Und, nein, manmuss nicht Urbanistik studieren, um zu erkennen, dass die Barbaren nicht vor den Toren,
sondern mitten unter uns sind.
27

Gotta Let It Out (Copenhagen)Mit Drimpro (GLIO46MC / Love & Beauty Music, L&BM10, Cassette) macht mich WOOD
ORGANIZATION auf sich aufmerksam. L&B ist dabei das Spielfeld des zuletzt mit Karoline
Wallace gehörten polnischen Drummers Szymon Pimpon Gąsiorek (The Love And Beauty
Seekers, Pimpono Ensemble, E/I, Boys Cry), Gotta Let It Out das des rauschebärtigen
Bassisten Tomo Jacobson (Moonbow, Mount Meander), seinem Landsmann, wobei sie
beide ihren Aktionsradius um Kopenhagen schlagen, wo Letzterer das Freedom Music
Festival organisiert. Wie Jacobson und der Tubaspieler Rasmus Kjærgård Lund 2017 auchsolo einen Jahreskreis geschlagen und mit Linolschnitten verschönt haben, wie er im
Pianotrio Il sogno sich an The Necks und Morricone anlehnt, damit allein schon würde er
zu den 'Guten' zählen. Seinen entgrenzten Horizont zeigt er besonders plastisch im hawaiianisch-spanischen Trio Warmbladder, wo er nur mit Midi Ribbon agiert, oder mit Sun Araw
aus L.A. und den durchgeknallten Electrocartoons im S. Araw Trio XIII, wo er noch Yamaha
TQ5 einsetzt. Hier nun erweitert er die Klangpalette von Kontrabass und Midi Ribbon mit
Noise Generator, sein klapper- und polterlauniger Partner mit noch OP-Z Sequenzer. Durch
manische Perkussion huschen Streifenhörnchen, aleatorischer Overkill wird unterlaufen
von repetitiven Hängern und monotonen Drehmomenten, auf elektronisches Maunzenmuss man ebenso gefasst sein wie auf bellende Laute. 'Morning Ptuck' könnte wohl auf
den 'Bolero' in seinem Bastardstammbaum verweisen, tut es aber anstandshalber nicht.
Oben klimpern Vibes, der Unterbau tritt auf der Stelle, simple Griffe hadern mit einem
unrundem Fortgang. Piepsige Sounds pfeifen alarmiert zu wallendem Groove. 'Overdigg'bekennt sich zu seiner Over-the-Topness, pocht, furzelt und zwitschert sogar darauf, inquasi erratischen, eng verzahnten und gehäufelten, von Synthies bejaulten Mustern.
Stoisch beklopfter Pizzicatogroove, verspielte Melodik und kunterbunte Klänge rangeln bei'Global' um die Poolposition, Autotune-Vocals rückwärts verpassen dem Muezzin eine
Clownsnase. Bei 'Last Nowak' bequietschen sie ihr Tamtam mit Quietscheentchen undkontern das mit melancholischem Keyboarding. Als auch zuletzt nochmal zwei staubige
Holzfäller von unendlichem Humor, wie sie da den Sermon anstimmen: How many time I
have to repeat to understand the nature of... Und wie sie drauf pfeifen.
Tomo Jacobson, der gute Zausel, klopft gleich nochmal an mit Graduation (GLIO47/ AU
5016/5015, 2xLP/CD) als neuem Kreativitätsnachweis von IL SOGNO, dem Dreier mit
Emanuele Maniscalco, Jg. 1983, aus Brescia stammend und mit Third Reel ECM-profiliert,
an Wurlitzer piano & OB-6 synth und dem dänischen Trommler Oliver Laumann. Sie mischen diesmal unter ihre Eigenkompositionen noch Versionen von 'Um Gosto De Sol' vonMilton Nascimento, 'Turiya & Ramakrishna' von Alice Coltrane und 'Theme for Sweet Pea'
von Fiorenzo Carpi. Für eine Traumreise, die mit Synthiedrones und Bogenstrichen tatsächlich traumhaft anhebt und mit staccato gedrückten Tasten Tritt fast, der Sonne entgegen. Ob Fernweh oder Heimweh, das Sehnen ist mit Händen zu greifen, als arpeggierendes, orgelndes Schillern, Brüten und Ziehen, das hinführt zu 'Croatian Jungle', einem wundersamen Ohrwurm von Naumann. Le Douanier Rousseau malt die Prospekte, das Reisebüro Turiya erfüllt die Träume. Maniscalco zeigt, dass auch er melodieselig gaukeln und
raffinierte Cocktails mixen kann. Wie sich seine kristallinen oder auch geräuschig angeschrägten Keysounds mit dem akustischen Tupfen und Zupfen vereinen, wie sich polterndes Drumming abstößt von sanftem Legato und der Melancholie von Jacobsons 'Longings'
und seines aus Morricone und Badalamenti legierten 'Western Theme', ist kein fauler Zauber, sondern ein Kitzel oder hypnotisierender Sog, der weglockt von den ausgefahrenen
Hurtigruten. 'XII' ist staksig in Bewegung, 'Hope' hingestreut über einen Dauerdrone, 'Layers' umreitet, lässig wie Lucky Luke, Naumanns rappeliges Tremolo, 'Ostinato' kreist
keyboardistisch um seinen Shakerpuls. 'Radio Free Brescia' füllt als Heimspiel für Maniscalco das Teatro Grande mit versonnen abgeklärter Orgelei. Und Maniscalco tudelt zuletzt auch zu Besenbeat die zweifingersimple, aber betörende Titelmelodie von "Piso
Pisello" (1981) als das Gelungenste an dieser rührseligen Kritik an den 68ern.
28Grappa Musikkforlag: Hubro... Heilo... Odin (Oslo)
Wie gelangt man durch 'Cloudlands' inhöhere Sphären? STÅLE STORLØKKEN
zieht dafür, für Ghost Caravan (HUBRO
CD2635), die Register der Orgel in der
Steinkjer Kirke, einer eindrücklichen
Beton-Basilika mit freistehendem Glockenturm, deren Vorgängerin 1940
beim Überfall auf Norwegen von derdeutschen Luftwaffe zerstört worden
war. Storløkkens Sphären sind anders
als die theozentrischen von Nicole
Oresme oder als Gustave Dorés heliozentrisches Geflatter, auf das er Danteund Beatrice starren lässt, jünger und
mit Peter Sloterdijk studierbar. Und zugleich älter, pythagoreisch-ciceronischdurchhallt von geisterhafter Sphärenmusik. Nur wir, weil dies hinfäll’ge Kleid
von Staub / Uns grob umhüllt, wir können sie nicht hören - wie Lorenzo soschön in 'Der Kaufmann von Venedig'
sagt. Aber dafür gibt es ja Mike Oldfield. Storløkken umhüllt einen dagegen
wieder mit Wolkenschleiern, Drones,
tonlos blasendem Blasebalg und fahl
flötendem Zwielicht. Um die Umschleierung aufzureißen, Sphäre für Sphäre,
mit harmonischen Akkorden, beautiful
as the moon, terrible as an army withbanners (Chris Cutlers Metapher, als
Klang genommen). Nun, eigentlich folgt
einer feierlichen eine mysterös schillernde Bahn, bis in leicht pompöser
Wallung eine Geisterkarawane wie mit
Jupiter verbundener Eminenzen vorüberzieht. Durch pustende, mechanisch klappernde und kleinlaut flötende
Klänge erreicht Ståle Storløkken die
dritte Sphäre, in saturnisch angedunkelter, imperatorischer Pracht und mit
grollenden Hornstößen. Gefolgt von'Drifting on Wasteland Ocean' in finsterer, verrauschter Dröhnung, halb Nyx,
halb Styx, in Umbra eingetaucht.
'Fourth Sphere', der vierte Ring, erweist sich, wenn man ihn schließlich
erreicht, als melancholische Ebene,
lento, grave und lugubre. Als wären die
theozentrischen Schalen wieder umgedreht in geozentrisch gewölbte, mit
zunehmender Schwerkraft.
Storløkken © Thor Egil Leirtrø - Myhr+Apneseth © Andreas Eikeseth Nygjerd - Flukten © Bjørn Opsahl29

Om sommeren, om sommeren, / då alle småfugladn spela so vent. Die Wurzeln, derHumus - Folklore, Volkslieder, Slåttesong (Heilo Music, HCD7372). Hier - norwegische,angestimmt von MARGIT MYHR mit ERLEND APNESETH an Hardangerfiedel. Ihn kennen
wir mit seinem Trio und mit Frode Haltlis Avant Folk. Sie hat einen Namen als Schauspielerin & Tänzerin am Västanå Teater, aber auch als Volksmusikerin, solo oder mit
Kvedarkvintetten. 2016 gewann sie den Kongepokal für Gesang beim traditionellenLandskappleiken-Wettbewerb. Das Repertoire fanden die beiden teils in einer Liedsammlung von Margits Mutter Gunnlaug Lien Myhr: "Folkesong i Hallingdal". Während
sie dort 1990 geboren ist, bringt Apneseth mit seinen Sunnfjord-Sogn-Wurzeln VestlandWeisen ins Spiel, mit katzenjämmerlichem Tremolieren und mit dem Fuß gepochtem
Puls. Das Hardingfele-Oldie 'St. Thomasklokkene' hat er sich schon bei "Det Andre
Rommet" (Hubro, 2016) angeeignet. Dazu mischen sie Hallingspringar-Tänze mit ihrem
Hopsen und ihrem Dreh ('Sviv') mit der frommen Hymne 'Min Gud jeg prise vil med flid',
die Myhr ebenso rührend a capella singt wie 'Bånsull' [Wiegenlied], während ihre DaddlDüddl-ei-Zunge bei 'Den som rulla ette golvé' und 'Gro Gudmundsrud' Purzelbäume
schlägt. Bei der Ritterballade 'Krist give jeg var der' singt sie vom Tapferen, der sich die
Jungfrau nach drei Tagen Kampf mit ihren riesigen Brüdern erstritt. Und mit 'Hyrdevisa'
einen Herzensbrecher von betrogenem Liebesglück. Verlogene Menschen wird es
geben, bis die Welt untergeht. Bis dahin gibt der Sonnenuntergang jeden Abend einen
Vorgeschmack auf die Vergänglichkeit, wie der Tag vergeht, so zerrinnt das Leben('Kveldssang'). Anders als in der national- & regionalromantischen Epoche (Ivar Aasen,
Ludvig Mathias Lindeman, Adolph Tidemand, Edvard Grieg...) gedacht, hat sich Norwegen als hypermoderne Gesellschaft gefunden und dennoch, weit übers 20. Jhdt. oderdas hiesige Mittelaltermarketing hinweg, Althergebrachtes als aktives Volksvermögen
bewahrt. Myhr und Apneseth machen sinnfällig, wie sehr es dem Hier und Heute nochzugehörig ist.
Gard Nilssen's Supersonic Orchestra, OJKOS, A Tonic For The Troops... Und nun
FLUKTEN mit Velkommen Håp (ODIN Records, ODIN9576, LP/CD). Am Saxofon Hanna
Paulsberg, die schon supersonisch und mit Concept in Odins Gefolge dahingestürmt ist.
Mit wieder, wie auch bei Finity, dem Trondheimer Trommler Hans Hulbækmo an der
Seite, der mit seinem Beat auch Moskus, Skadedyr und Erlend Apneseth in der Spurhält. Den Kontrabass spielt Bárður Poulsen vom Espen Berg Trio und Wako, die Gitarre
Marius Klovning von Hullyboo und - die Norweger sind ein reiches, aber überschaubares
Völkchen und Kumpanei wird groß geschrieben - Skadedyr. Groß ist auch die Neigung zu
hoffnungsfrohen Fluchten. Ein Eskapismus, der, mit Joe Lovano, Paul Motian und John
Scofield als Fluchthelfern, den 'Budeie Boogie' und 'Barneblue' zeitigte, der, nach'Mellomspill' als freiem Zwischenspiel, Blüten treibt wie 'Jonas og Hvalen' und 'Tennis
med Torstein'. Wer zeigt da bei 'Bleik Myrk Legg' eine blasse, dunkle Wade? Und 'PaveToten Totten' verpasst mir gleich drei ??? Auf dem Cover zeigt ein vitruvianischer
Nackter in schwarzen Socken die idealen Proportionen seines... Landes, und das
Quartett galoppiert dazu von Norr- bis Feuerland, mit jazzrockiger Verve und einem
Kompass, der Richtung Afrika ausschlägt. Es ist vor allem Hulbækmo, der dorthindrängt, und Poulsens Pizzicato klingt dabei schon wie das Dumdum einer großen
Trommel. Klovning ist der Pfadfinder beim so vertrackten wie melodischen 'Framsyning'
und der, der mit dem Walfisch schmust, bei Paulsberg gehts hot und tottisch zu, sprich:cool von den weichen Lippen bis zur kessen Sohle. Der Duktus ist zuweilen eckig und
wie gestochen und doch kommt das mit groovigem Zug nicht unrund daher, zumal
Gitarre und Saxofon sich in inwendiger Glut die Waage halten. Das Tennismatch ist
anders als bei den Grand-Slam-Kanonier*en ein spielerisches Tändeln mit munterbrummelndem Basssolo, aber Poulsen zeigt bei 'Bleik Myrk Legg' im rasant bebopigen
und insistenten Drumrum auch seine sportliche Seite. 'Blomstrene' dreht zuletzt die
Kurbel eines versonnenen Drehwurms, mit dem Zeug zum Schunkel- und Kinderlied.
30

Jacob Felix Heule - Humbler (Oakland)
Obwohl kaum noch nötig, frische ich doch kurz das Gedächtnis auf, um JACOB FELIXHEULE von der Masse abzuheben: Der Perkussionist in Kalifornien spielt als Basshaters
mit Tony Dryer, als Voicehandler mit Danishta Rivero, mit Matt Chandler & Tom Djll als
Beauty School, mit Bill Orcutt, wenn sich's trifft, auch mit Moe, seit 2007 mit KANOKONISHI-SMITH an Koto. Non-Dweller (Humbler-007) zeigt die beiden mit der kratzbürstigen
Geigerin GABBY FLUKE-MOGUL, die, inzwischen in New York, mit Zähnen und Klauen und"threshold" auf Relative Pitch Furore gemacht hat. Heule hat sich darauf kapriziert, verengt-vertieft wie Jason Kahn mit Cymbals oder Etienne Nillesen mit nur Snare und ähnlich
bruitistisch wie Burkhard Beins, donnerblechern zu rumoren nur mit 'ner Bass Drum, derer als Floor Tom das Fell gerbt. Ohne Schlägel hantiert, schabt, reibt, kratzt, surrt er da mit
Jazzbesen, Krimskrams, zwei kleinen Hummern, einem Stift, bebenden Beckenkantenoder CD-Scheiben. Durchwegs beatlos, aber umso klangvoller lässt er Töne sich krümmen
wie Laokoon und seine Söhne im Würgegriff kakophoner Schlingen, in einer Schmerzlust,
die seine Spielgefährtinnen mit ihren Strings teilen und ständig schüren. Die mit einem
Stock und Styropor perkussiv traktierte, mit Bogen, Pinsel oder Plastikteller gestrichene
Koto ist abgesehen von diesem SM-Bondage-Touch weder als Koko noch als japanisch zu
erkennen, die Violine huscht neben krätzigen, schäbigen, flickernden und flötenden Lauten
allenfalls mal kurz durch Jon-Rose'sche Winkel im Geigenhimmel. In dem lässt Heule esrund um sich auftürmender Rage blitzen, rubbelig furzen oderrauschen, zu hornissigen, jauligen, knarzigen, fiebrig wetzenden Bogenstrichen, daxophonen Lauten, pfeifenden, wie mit
Angelschnur geprickelten. So konsequent malen sie eine 'verkehrte' Klangwelt aus, dass die wenigen unkrummen Töne
verirrt und verboten klingen.
Erosion (Notice Recordings, NTR067, C-80) schuf JACOBFELIX HEULE zusammen mit KEVIN CORCORAN, einem Mann
mit Screamo-Background in Get Get Go und einer Art-PunkVergangenheit mit Antennas Erupt! Corcoran hat mit Christian
Kiefer, Troy Mighty=Dead Western, dem Gitarristen Ross Hammond, Gretchen Jude und als Invasive Species im Percussionduo mit Jonathon Bafus gespielt, orientiert sich aber von San
Francisco aus gern auch in den asiatischen Raum, als Fieldrecorder, Soundscaper und perkussiver Improvisierer mit etwa Tetuzi Akiyama oder Yan
Jun. An sich mit Snare Drum & Objects, hier aber, wie Heule, mit Bass Drum. Für 'Eskers'
als metallischem Klangbeben, mit pfeifenden Drones und sirrenden, zirpig zerrenden
Klängen, aber, wohl durch Corcoran, nun auch grummeligen Schlägen als paukig grollendes Rumoren und donnerblechernes Quallen und Gongen. Mit drahtig zwitschernden, regnerisch rauschenden Suggestionen, rubbelig knarrenden, froschig quarrenden und kratzig
schleifenden Loops. Raue Reibung wird groß geschrieben und erzeugt zu hellen Wischern
ein tremolierendes, rollend kreisendes Vibrato in ständiger Bewegung und changierender
Tönung. Schläge fallen lange zu erratisch, um sie Beats zu nennen, aber dann hageln sie
knattrig erregt in ein ratschendes Klangfeld, ein metallenes Dröhnfeld. Um verwischt, zerbröselt und zerrieben zu werden, zugleich schrottiger Überrest und Prima Materia dieser
Klanglandschaft. Bei 'Intertidal' jedoch hört man die beiden, wie sie in rappeligem, trashcrashigem Abrissgusto die Abwrackprämie einstreichen. Von saugrob hämmernd undreißend bis archäologenpinselfein, mit stöhnendem Eisen, knackendem Stein, scharrendem Griffel. Als würde die im Schrott gespeicherte Zeit ihre 'Seele' aushauchen. Das erlesene Kassettenlabel Notice Recordings in Kingston, NY, gibt dem Raum, neben Musiken
von Jason Kahn & Tim Olive oder Ilia Belorukov, Stefan Thut & Seth Cooke, Okkyung Lee,
Steven Hess mit Haptic, Anne Guthrie & Billy Gomberg als Fraufraulein...
→https://humbler.bandcamp.com/ →https://noticerecordings.bandcamp.com/album/erosion
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Intakt Records (Zürich)

Sarah Buechi

Hört man sich den Aktionsradius von CHRIS SPEED an, dann klingt das
nach allem Möglichen, nur nicht nach Klarinettensolo. Seit dem Karriereauftakt mit Jim Black und Andrew D'Angelo in Human Feel, war der 1967 in
Seattle geborene Reedplayer, ob als Hase, ob als Igel, immer 'schon da': In
Tim Berne's Bloodcount, Erik Friedlander's Chimera, bei Dave Douglas, Uri
Caine, in Jerry Granelli and Badlands, The Claudia Quintet, The Clarinets,
Endangered Blood, Junk Magic, bei Julia Holter, Mary Halvorson... Der
Shutdown warf ihn nun auf sich selbst zurück und er nutzte das für Light
Line (Intakt CD 364) als intime Selbstvergewisserung, mit melodischer
Ader und dankbarer Rück- und Querkopplung: Sechs eigene Erfindungenbilden da ein Spektrum mit 'Miss Ann', 'Rites', 'Enfant' und 'Sun Ship' vonEric Dolphy, Julius Hemphil, Ornette Coleman und John Coltrane als 'Influencern'. Sowie mit 'Drifting' von Skúli Sverrisson (Weggefährte in Pachora und Alasnoaxis), 'Sphasos Triem' von Andrew D'Angelo und 'A Week
from Now' von Hilmar Jensson (mit dem er ebenfalls bei Alasnoaxis und
bei Tyft gespielt hat). Wie Speed das distelige, vom Trio Xoxocapa gekrähte und gefiddelte 'La Rosita Arribeña' pastoral verzaubert in alpine Folklore, ist es doch nur das extremste Beispiel für seine rückblickende Zärtlichkeit und vogelige Virtuosität, mit der er auch in seinen Improvisationen
alle Köstlichkeiten der Klarinette auskostet. Gleich schon mit dem Titelstück als heliotroper, tonleiterquirliger Etüde. Und weiter stupend sprudelnd als zirkularbeatmetes Gleiten in sonorem Halbschatten, in zackigen
Intervallen quinkelierend, mit blockflötigen Wendungen und Drehungen,dolphyesken High-Low-Kapriolen. Sirius-verrätselt, in versonnenen Wellenoder funkelig, in tirilierenden Pirouetten und Tonketten, ostinaten Figuren,
wie gestückelt aus ornette'schen DNA-Sequenzen, mit sonnenverzücktem
Vogelruf. Und zuletzt, auf sanft dröhnendem Bordun, mit 'It Should've
Happened a Long Time Ago' als melancholisch angehauchter Hommage an
Paul Motian.
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Welche Barbarin nennt ihr Söhnchen Conan und fühlt sich eins mit der Göttin, die,wilder als der wilde Crom, Come together / in my name / and surrender fordert?
SARAH BUECHI ist diese Löwenmutter, die aus Stöhnen und Seufzen Hoffnung destilliert und den Constant hunger to give and care. Gegen das ängstliche Versimpeln in
Schwarz und Weiß, that human need for an easy target, verkündet sie, ganz Seherin
und Bardin, auf The Paintress (Intakt CD 368): The truth is complex. Das Schicksal?
Wie das Göttliche, eine Triade aus anger, pain & joy. Selbst wo ein Kämpfer & eine
Königin zusammenkommen, legt sich etwas Wölfisches dazu. Nicht nur mit Sane is aword not well defined by human kind gelingt der Schweizerin starke Poesie, die sie,
bei aller in Bangalore, Dublin, NY oder Kopenhagen erworbenen Weltläufigkeit, doch
auch aus ihrer Muttersprache saugt. Dem Mutterboden, in dem auch rächte Liebisglut keimt, dauerhaft Bis die Bärge sich tönd biege / Und die Hügel sänked sich. Andererseits - Vertrauen is a waste on hungry crocodiles, und Buechi eine Sibylle, vonderen dystopischer Vision - the future I've seen - selbst Helden nichts wissen wollen.
Sie lässt dabei, Ende September 2020 im Volkshaus Jena, im pop-jazzigen Klangrausch, wie beispielhaft bei 'C-Void 91', vereint mit CONTRADICTION OF HAPPINESS, ihrem mit Piano, E-Bass, Drums & Strings bestückten Septett, und symphonisch verdichtet mit JENA PHILHARMONIC, neben cimmerischen - Conan - und keltischen - Cuchullain - auch hinduistisch-kalieske Züge aufscheinen, mit dem karnatisch vokalisierten 'T. A. S. Mani' (als Hommage an den 2020 verstorbenen Leiter desKarnataka College of Percussion). Sie mischt sopranlichte Lyrismen mit beschwingter Vokalisation, die der Schwerkraft ihrer Texte ebenso widerspricht wie die
streicherselige Orchestrierung, der federleichte Beat, die kristalline Klimperei, diewiegenliedhafte Zärtlichkeit, der bebende Bogenstrich und Paukenschlag ihres
Nachhalls von, hm, Delius, Holst, Vaughan Williams?, den sie bei 'Lion Heart' artrockig, bei 'Hungry Crocodiles' pizzicato rhythmisiert. Mit der Courage, Krokodilen
Löwenzahn ins Maul zu pusten und dem Kali-Yuga zungenschlagfertig in den Rachen
und wieder raus zu tanzen. Zuletzt marschiert sie - sarkastisch hoch²? - sogar mit
dem Sibyllenkiller triumphal auf den von ihr prognostizierten Untergang zu.
Soul in Plain Sight (Intakt CD 369), ist das nicht eigentlich der Titel für einen Monolog,
statt für ein Miteinander, wie hier das von ANGELIKA NESCIER mit ALEXANDERHAWKINS? Andererseits hat Hawkins für seine "Togetherness Music" gleich 16 Musicians aufgeboten, sein Solo aber "Iron into the Wind" genannt und sein Duett mit
Tomeka Reid "Shards and Constellations". Das korrespondiert mit hier nun dem
sprunghaft kapriolenden und impulsiv zustoßenden 'Brawls and Squabbles' als ungezähmtem Beispiel für ihr freies Improvisieren, neben der webenden Metaphorik
von 'Weft' (wie in Kette & Schuss) und 'Loom' (Webstuhl) sowie 'Shipwrecked Words'
und 'Metamorphose einer Karelle' - was zum Teufel ist eine...? Daneben ist 'Un:tamed'jedoch komponiert und zwar von Nescier, ebenso wie 'Nexus' als altsaxofonistische
Zeitreise ins Bebopige und kontrarhythmische Rückkehr, und 'Tar'ai', das seinem
Nachhall lauscht. Hawkins tastet da ebenso wie beim eigenen 'As Hemispheres atHome' wehmütig in lyrischem, liquid umgaukeltem Spleen. Aus 'Scops', der Zwergohreule, wird mit 'Scope' der Spielraum, den die beiden sich gegenseitig einräumen,
damit doch auch ihre Seelen klar und deutlich hörbar werden, nachdem sie sich mit'Arhythmic Songy' in Muhal Richard Abrams vertieft haben und sich dabei einen
Drehwurm einfingen. Nescier bevorzugt raue und ans Tenoristische streifende Register, beide sind große Sprudler und tänzelnde Wirbler, mit launigen oder sich tragikomisch in 'ner Endlosrille festfressenden Pirouetten. Aber auch mit krakeelenden
oder büffelig schnaubenden Ausreißern - sie - und mit Linksdrall auf Anschlag hummelnd oder querbeet wuselnd und Haken schlagend - er, der zugleich den Weißen Hai
und Fliegende Fische spielen kann. Ob flauschig im Nachtschatten oder kristallscharf
klirrend in grellem Licht, ob in halbschattiger Melancholie oder mit ungetrübtem Klimbim, nichts bleibt partout so, wie es zuerst scheint - aber manchmal doch.
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Leo Records (Kingskerswell, Newton Abbot)

Hellmüller - Baldes - Sommer - Renold

Raffinement und Feuer, Intellekt und Emotion, Kontrolle und Überschwang,
Out und In, alles nur scheinbare Gegensätze? Alles aufgehoben, Hegel undkregel? Mit den Anklang von The Way Out In (LR 897) an "The In Sound
From Way Out!" verraten der Zürcher Saxofonist Jochen Baldes und derLuzerner Gitarrist Franz Hellmüller, sein Buddy in BLOOM EFFECT, dassihnen die Beastie Boys so geläufig sind wie Mingus. Baldes als, seit 1997,
Leader von Subnoder, dazu mit Johanna Jellici Co-Leader von Soundfields
und Spacetracker, Hellmüller, Jg. 1973, mit seinem Hellmüller-Risso-ZanoliTrio, Dario Siseras Radar Suzuki, in Hellmüller-Sisera-Renold mit dessen
Bruder Luca Sisera. Dario Sisera schlägt hier kompositorisch mit durch bei'Rabe isst Pasta' und 'Ambrosia', Tony Renold ist leibhaftig der Trommler,
Patrick Sommer, sein Nebenmann auch im Adrian Frey Trio, spielt Bass.
Inzucht wohin man schaut - nicht in der Schweiz, im Jazz. Ob man allerdings den Schweizern bei einer Volksabstimmung mit dem launigen Pasta
pickenden Raben kommen dürfte? Mit luftig-melodischem Tenorsax, geschmeidigem Arpeggio, launigem Trommelchen? Oder wenigstens mit'Herbst-Zeit-Lose'n Feeling, melancholisch beiseite tretend, wenn in Renolds kollerndem Beat die Hammelherde talwärts poltert? 'Noam' ist Hellmüllers sich aus einem Rauschen schälende, sportlich beschleunigte undwieder elegische Hommage an Noam Renen, der ihm die Alexander-Technik beibrachte, 'Slider' variiert das mit sportlich sprudelndem Tenorsax undzartbitter funkelndem Saitenspiel. Baldes macht sich bei 'Sufi' zu Ehren
des Sufi-Ordensgründer Hazrat Inayat Khan mit Sopranosax ganz leicht,
Sommer streichelt den Bass mit dem Bogen. Das Titelstück schweift mit
markanter Beatfolge und gefühligem Pizzicato in MuzEnergo-Erinnerungen
und jazzt auf Pfoten durch sibirische Wälder, 'LuLa' pendelt 'bloß' zwischen
Luzern und Lausanne und windjault, regentickelt, holzknarzt doch exotisch- oder sind da die Titel vertauscht? Das Finish besticht mit knattrigem Stakkato und führt zu 'Ambrosia', das mit langem sehnsuchtsvollem Zoom
zurück Abschied nimmt von der Insel der Lotus-Esser.
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Steve Day hat die Dance Steps (LR 899) von SERGIO ARMAROLI und ROGER TURNER sowunderbar bedichtet, als Tip-toe (through the tulips) und mit Duchamp-Spirit ausgeführte
chaplineske Brötchen-Tänzchen, dass ich das nur abnicken kann. Wie der weißclownkristalline Klingklang des Vibraphons kontrastiert mit dem schrottigen Litterbug-Gerappel
und Dirtbird-Geflatter des Briten, der mit Konk Pack, Cartoon oder The Croaks ja schon
von sich aus die Art seines Spleens andeutet. Ob bei den "Steps" mit Andrea Centazzo &Harri Sjöström, im Spiel mit Giancarlo Schiaffini, Walter Prati, Fritz Hauser oder ob ihn hierein perkussiver Brut-Artist herausfordert mit dem hechelnden Eifer, in Müll zu stöbern undzu scharren, Armaroli ist durchwegs selber ein Dekonstruktivist, der seine selbstgewählte
Aufgabe durch das Vibraphon in seinem Etepetete bewusst auf dem höchsten Glasperlenspiellevel her angeht. Ein Pudel als Rattler, als bester Freund einer Promenadenmischung, das ist wahre Liebe, wahre Freundschaft.
Sharing the same twilight zone, mit den Sternen, und untereinander. ERIC PLANDÉ an Tenor- & Sopranosax, HASSE POULSEN an Mandoline & Gitarre und CLAUDE TCHAMITCHIAN
am Bass üben bei Beyond Dreams (LR 917) sich in 'Levitation', um, soweit es den Irdischen
möglich ist, mit den Sternen zu tanzen. Plandé, der in Frankfurt lebt, der mit dem Kundalini
Trio Carla Bley, mit Monika Thiery Don Quijote, mit seiner Unit Joachim Kühn würdigte und
mit Bruno Angelini unter einem "Black Moon" schwankt zwischen Solitude und Shanti, dermit Das Kapital und mit Hélène Labarrière als Busking bekannte Däne, der mit Tom's Wild
Years Tom Waits huldigt, und Tchamitchian, der als Spielgefährte von Andy Emler undPoulsens Kapital-Kumpel Daniel Erdmann die aufgehende Sonne mit "Lousadzak" feierteund mit Coltranes "Ascension" bereits der Gravitation trotzte, das ergibt ein traumhaftes
Twilight-Zone-Team. Und es hebt so zwielichtig 'flötend' und tönend an, dass das einsetzende Tenorsax in seiner hymnischen Unbeirrtheit umso erstaunlicher sich abhebt vonden mysteriösen Anhaftungen. Doch auch der Bass erweist sich als surrender oder samtig
tupfender Poet, so dass sich auch die Gitarre von einem schrammelnden in ein kapriziös
zupfendes Etwas verwandelt. Unisono und mit afrikanischem Flair oder mit spanischfunkelndem Anklang zu lyrischem Soprano und grummelndem Bass. Selbst akustisch undallein ist Poulsen einfach phantastisch. Alle drei fühlen sich, statt in Schwarz oder Weiß, imschillernd aquarellierten Dazwischen gut aufgehoben, mit Paul Motians 'Folk Song for
Rosie' als Blueprint ihrer zärtlichen Träumereien, ihres innigen Ich-schau-Dir-in-die-Augen,wie Plandé es mit 'Eyes' allein vormacht, und ihres hoffenden 'See You Soon' als traumzart
fragilem und doch rosenfeurigem Abgesang.

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Libra Records (Kobe)
Sein 70. Geburtstag gab NATSUKI TAMURA den Anstoß, mit Koki Solo (Libra Records 101066) etwas Besonderes zu demonstrieren. Seine Technik? Seinen, wenn man ihn so anschaut, jedesmal wieder unvermuteten Humor? Geschenkt. Das braucht der Trompeter inKobe nach Gato Libre, Junk Box, Kaze, dem Zusammenklang mit Elliott Sharp, Tatsuya Yoshida, Wadada Leo Smith oder Ikue Mori und an die zehn Dutzend weiterer Einspielungenmit Satoko Fujii nicht mehr zu beweisen. Nein, er zeigt hier mit hohem Ausschlag auf der"...und kein bisschen weise"-Skala, dass es von seiner Sorte nicht allzu viele gibt. Coronabedingt immer noch in Heimarbeit, entfaltet er mit den gefiederten, bebelzten, geschuppten Stichworten Bachstelze, Schwarzente, Kaninchen, Meeräsche, Reiher, Möve, Regenpfeifer und Schnepfe seine Spannweite als Übertrompeter mit einem Feeling wie TomaszStańko und einem Temperament wie Herb Robertson. Doch bei 'Karugamo' und 'Kamome'verblüfft er damit, dass er mit Wok, Töpfen und Pfannen vielfarbig klappert, scharrt, quietscht
und dazu singt als exaltierter Schamane oder närrischer Heyoka. Mit Erinnerungen an
seine Anfänge vor über 50 Jahren, als Nachtclub- und Cabaret-Jazzer, der sich bis zum
Zahltag mit Nudelsuppe und Reis so billig wie möglich verköstigte, und beim letzten Set als
Drummer einsprang, weil der den letzten Zug erwischen musste. Nebenbei hat er sichauch darauf besonnen, dass er ein wenig Piano spielen kann, wie, das hört man bei 'Bora'und 'Ishogi', wenn er dem Grand Piano seiner Frau mit romantischer Ironie und gezielten
Griffen eine komplexe Gedankenwelt anvertraut, die er erneut mit 'komischer' Vokalisation
lauthals archaisiert. Doch erst schmettert er wie der Trompetenchampion der Messingstadt, als Strahlenbündel und Tänzer brenzlichster Lippentänzchen (Sekirei'). Er lässt hymnische Melodik, Hejnał-Ruf und Zapfenstreichtristesse ('Kawau') in purer Schönheit und in
Mattglanz schallen und hallen und konterkariert das genüsslich mit dünn gepresstem,
pfeifendem Klangfaden, verstopftem Fauchen, furzigem Schnarren ('Sagi'). Und so kaut erauch 'Chidori' durch, wie mit Pocket Trumpet, von strahlend bis angeraut und gedämpft.
SATOKO FUJII: Piano Music (Libra Records 201-067). Nein, jedes "Nicht schon wieder" istda echt verfehlt, gerade hier. Denn Fujii macht diesmal aus dem Corona-Dilemma eine doppelte Tugend. Nicht nur ist sie, ins 'Home Office' verbannt, weiter kreativ. Sie verwandelt
hier auch ihr bekanntes, so kalkuliertes wie intuitives Spiel vollständig in ein Sampling undSoundscaping. So schuf sie als ein Patchwork aus klingenden 'Legosteinen' die Tracks'Shiroku' [weiß] und 'Fuwarito' [zart und leicht]. Mit ausschließlich Sounds, die sie im Innenklavier erzeugt oder modifiziert hat: Mit Ebow, reibenden Filzschlägeln, auf die Drahtsaiten prallenden Essstäbchen, Präparation etc. Lauter Klang-Legos von 1, 2 Minuten, diesie zu einmal 19, das andermal sogar 27 Minuten kombinierte und arrangierte. Funkelige
Klänge fügen sich zu dröhnenden, holzige Töne tauchen in metallische, Legato quillt in
Staccato. Feine Zweige und Herbstlaub, das sich in Wasser spiegelt, eingefangen von Ann
Braithwaite mit Wozencroft'schem Kameraauge, sind dafür eine stimmige Illustration. Fujii
erklärt sich bei ihren studiotechnischen Schnitten und Überblendungen inspiriert vonjener schönen, für Fujii freilich ganz imaginären Musik, die ihre alte Großmutter noch im
Kopf hören konnte, als sie taub geworden war. Was wir hören, entspringt somit Fujiis
eigener Einbildungskraft, aber auf der Suche nach Schönheit einen Tick jenseits deseigenen Horizonts, jenseits vertrauter Routine. Es 'Piano Music' zu nennen, ist, obwohl
nicht unzutreffend, doch die Verkürzung von etwas Unerhörtem und auch vom Ausmaßdes elektroakustischen Mehrwerts, der bloße Pianomusik weit übersteigt. Auf Dröhn- undpaukig grollenden Wummerwellen, mit thereminähnlichem oder 'Perilous Night'-Anklang,als klangwolkiges Driften mit perkussiven Akzenten, klöppeligem Dingdong, pfeifendem
und an Draht pickendem Finish - 'Shiroku'. Bewegter, turbulenter in ihrem harfigen
Rauschen, Schrillen, Scharren, Plonken, Flimmern, Zucken, Harken, Rattern, Surren die
größere, der erwarteten Sanftheit intonarumorisch spottende Schwester. Fujii unterstellt
so ihrer Großmutter einen kuriosen und furchtlosen Schönheitssinn, als hätte die alte
Dame nicht Katzen, sondern Mothra Futter vor die Tür gestellt.
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Pyroclastic Records (New York)CHES SMITH ist, wem sage ich das, einerdER Drummer seiner Generation: Von GoodFor Cows und Congs for Brums (solo) bis"Sun of Goldfinger" (2019) mit David Torn &Tim Berne und "Les Maudits" (2020) mit
John Zorn, ob mit Trevor Dunn's Trio-Convulsant oder als Leader von These Arches(beides mit Mary Halvorson), ob mit Secret
Chiefs 3, Carla Bozulich, Xiu Xiu, Marc Ribot's Ceramic Dog, Tim Berne's Snakeoil,
Ben Goldberg, Elliott Sharp, Darius Jones,
Eyvind Kang, Okkyung Lee, Erik Friedlander,
Kris Davis oder Anthony Pirog, er ist dadurchwegs so BA-istisch wie einer es nur
sein kann. Seit 20 Jahren vertieft er sichdabei aber auch in das polyrhythmische
Faszinosum des haitianischen Voodoo undübte sich in der Geister beschwörenden
Rhythmik. Ermutigt durch Andrew Cyrille &Maonos "Celebration" und Foulas "Voodoo
Jazz from Haiti", brachte er schließlich die
Voodoo- mit seiner Jazzseite zusammen,
was dann mit den Rada- & Petwo-tanbouMeistern Daniel Brevil & Markus Schwartz
und noch mit dem Keyboardgehämmer und
melodischen Phrasierungen von Matt Mitchell 2015 das insistente Manman-SegonBoula-Tamtam "We All Break" zeitigte in seinem Wechselspiel aus Beats & Breaks (kase),
Call & Response, Bell-Pattern und dem tonangebenden bas. Als Bonus beigefügt, verdeutlicht es den Schritt hin zu Path of Seven Colors (PR 14/15, 2xCD), 2020 beschritten im WE
ALL BREAK-Oktett mit noch Miguel Zenón am Altosax mit lyrischen und feurigen Luftschlangen, Nick Dunston am Bass sowie Sirene Dantor Rene & Fanfan Jean-Guy Rene, den
Leadern von Fanmi Asòtò, singend und mit noch mehr Tanbou-Beat. Aus originalen, aber
aus der Tradition aufkeimenden Melodien von Brevil entwarf Smith ein ambitioniertes
Beyond. Um, vor dem Hintergrund der andauernden blutigen Volksrebellion in Haiti, gegen
die Benzinpreise und die korrupte Regierung, mit Dutzenden Toten, grassierendem Bandenterror, zunehmender Verelendung und nun durch das Attentat auf Präsident Moïse zementiertem Downgrading zum No-Go-Land, Larèn [La Reine] Kongo zu beschwören, sichzu erheben. Durch Ornette Coleman hindurch erscheint das alte Königreich Dahomey. Angerufen werden, teils mit zungenrednerischem asingelelelelelelele, Danbala & Ayida, die
Schlange & der Regenbogen, und die Sonne ('Here's the Light'). Sirene ruft Granbwa, den
großen Wald ('Leaves arrive'), doch es erscheinen Zandò und Makaya und es kräht derHahn. 'Women of Iron' trommelt kampfbereit Ogun herbei, wie 1791 im Bwa Kayiman [→Bourgeon: "Das Mädchen vom Bois-Caïman"], um Macheten zu schmieden, die Sklavenhalter zu schlachten und Rum und Zigarren selber zu genießen zu tanzlustigem Altosax.
'Lord of Healing' jazzt aber die heilsamen Kräfte herbei, saxend und trommelnd bis die
Sonne aufgeht. 'Raw Urbane' neigt statt zu Simplicity und Landarbeit zu Sophistication in
Brooklyn (obwohl dort ein Mann leicht mal sein Jojo einbüßt). Ayida wird Minokan, einklingender Regenbogen in schwärmerischem Farbenrausch. 'The Vulgar Cycle' bittet anAllerseelen die Ghede-Loa, Trickster am Kreuzweg von Leben und Tod: Ouvri baryè, öffnet
das Tor. Und endet mit einer Klage über schamlose Diebe. Womit wir geschwind klimpernd, klappernd und mit lauthalsem Alto wieder mitten im Leben wären, nicht nur in Haiti.
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Quentin Rollet - reQords (Paris)
Q wie QUENTIN ROLLET. Der 1974 geborene Sohn des Drummers Christian Rollet (einer
der treibenden Kräfte bei ARFI, mit É-Guijecri, La Marmite Infernale und Workshop De
Lyon) hat, seit er 1993 bei Prohibition einstieg, sich immer mehr zu einer eigenen musikalischen Galaxie entwickelt: Mit den Labels Rectangle (1994-2013, mit Noël Akchoté), reQords (seit 2005) und Bisou (seit 2015, mit Isabelle Magnon), als Saxofonist mit Akosh S.
Unit, Charlie O, David Grubbs, als das Q in Q.O, N.Q.O, MOSQ, danQ, Q&A (mit Akchoté),
PQ (mit Philémon Girouard), in Mendelson oder La Vierge De Nuremberg, bei "Entrée Des
Puys De Grêle" dann mit Jean-Marc Foussat und dem eigenen Vater. Mir wurde er, nun
selber schon mit grauen Strähnen im Apostelbart, zunehmend geläufig auf Lenka Lente(mit Nurse With Wound und Vomir) und auf dem →trAce Label (mit Groupe D'Essai 3, A.C.
Hello, →Laurent Saïet). Als einer, der The Red Krayola, Andrew Liles, Jac Berrocal, Thierry
Müller, Denis Frajerman und Ghédalia Tazartès - bei "Quoi Qu'il En Soit (La chute de l'Ange)"- auf sich als gemeinsamem Nenner bringt! Shampanskoye (REQ006) entstand 2014, mitJÉRÔME LORICHON (Berg Sans Nipple, als Dr. Schönberg bei Zombie Zombie) an Electronics, bei einem Ad-hoc-Date mit dem tourenden russischen Duo Astma: ALEXEI BORISOVan Electronics, Guitar & Voice + an Drums, Voice & Effects OLGA NOSOVA (ex-Motherfathers, Toxydoll, Oko). Ergebnis: 'Outrock' für 'Chainsaw Zombies'? Out ja, auch outriert,
aber Rock? Rollet faucht, keckert, quäkt, trillert mit Alto- & Sopranosax und streut dazwischen überraschend melodische Töne. Nosova sprintet und glossolaliert als Wolfskind, siedongt und klappert, die Electronics glissandieren Kurven, werfen Wellen. Borisov pflückt
trockene Kürzel von den Saiten, Lorichon lässt den Buchla kuriose Sounds machen. Füreine Märchen- und Geisterstunde mit komischer, krachiger, grotesker Tollerei - Pantagruelmeets Baba Jaga, 'Umka', der kleine Eisbär, geht den krawalligen Gelbwesten aus dem
Weg, um, von Nosovas Singsang ermutigt, an den Invalidendom zu pissen.
ANDREW SHARPLEY (ex-Stock, Hausen & Walkman, -Mami
Chan Band, -A&E) hat, als er 1998 nach Paris kam und zehn
Jahre blieb, öfters mit Noël Akchoté gespielt und kannte daher QUENTIN ROLLET gut genug, um sich als neues A in Q&A
einzuschreiben. Für The New Me (REQ007/Test Recordings,
test 11), coronabedingt als Distanztennis über den Kanal,
denn er lebt, seinen Brexit-Unmut unterdrückend, wieder in
Nordengland. Rollet kann man mit Noiseimpulsen und elektronischen Fürzen natürlich nicht erschrecken, er ist dadurch
sogar zu besonders lyrischen Gesängen inspiriert. Und animiert umgekehrt damit Sharpley zu feierlichen Orgeltönen
und sanft pulsenden Loops, wie sie einem Ohm-Dom, einer
Church of Edison gut anstünden. Rollet intensiviert das mit
pfingstfeurigem Blaseton, den er aber gleich auch fauchend,
ploppend und schnarrend kontrastiert zu melancholischen
Tupfen und staksenden Beatz, die ihn paradiesvogelige
Schreie ausstoßen lassen. Melodische Punkte, perkussive
Verwerfungen, gitarristische Triller und klackender Beat gehen einher mit rauer Tenorsaxmelodik in ritterlicher Stoik, diesich weder um Tod noch Teufel schert, sondern mit wieder
Soprano Verletzlichkeit mit Courage paart. Knatternde undbrummende Wellen, tudeliges Gefinger und ein Niesen als VEffekt können Rollet nicht von seinen Lyrismen und Sopranotrillern abbringen. Dieses 'asymmetric' aus versonnen und
kakophon hat Methode, und auch Rollet macht dabei mit
rauen Rollern und launig-pathetischen Schwankungen Coxhill'schen Lol-Effekt.
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Trouble In The East Records (Berlin)
Mit ihrem pfiffig und narrenfrei gewitzelten "Bitte!" haben Ein GSCHLÖßL PÖSCHL mit
CAVENATI sich als Trouble-Shooter der ersten Stunde gezeigt, Popcorn röstend als Jazzcats auf den heißen Blechdächern der Liebigstraße, mit Sunk Pöschl als Münchner Erzengel am Himmel über Berlin. Für "Un altro, bitte!" (TITE-Rec 020) kam er erneut nach 'Bull
City', um nun in Neukölln auf 'Intuitive Regelungen' und, wie Christian Lillinger, 'ne 'More
Open Form for Society' zu pochen. Pfeifendeckel! Peter Hollinger hat vor den Miethaien
resigniert, in Friedrichshain brennen wieder Barrikaden, und prompt wird der Volkszorn
hochgekocht, nein, ach was, doch nicht gegen die Haie. 'A Harvest of Friends' evoziert
Robert Conquests "A Harvest of Sorrow" - "Ernte des Todes" - über den ukrainischen Holodomor. Aber vielleicht sollte man nicht alles gleich himmelhoch und höllentief hängen
und lieber 'Mi pequeño ciclón' lauschen als der Autobiografie eines Schmetterlings und an
Effekte denken, von denen ein 'Solo-Selbständiger !' selbst mit Ausrufezeichen nur träumen kann. Gerhard Gschlößl bescheidet sich zur schmetterlingsfein plinkenden Gitarrevon Alberto Cavenati und Pöschls tickeligem Pianissimo daher auch mit kleinlaut gekrächzter und schmusiger Posaune. Er sousaphont in 'Otopis' ein abgründiges O, während
Pöschl das Becken beklickert und Cavenati weiter fein flickert und versucht, Höhe zu gewinnen. Zu knatternden Wirbeln und arpeggierendem Kreiseln lässt die Posaune mithellem Pi alles Pa und ochsige Po unter sich. Um doch gleich wieder urig tiefe Töne zu
deklinieren zu tapsigem und lakonisch klackendem Beat. Cavenati zeigt seine zyklonische
Seite mit krasser Verzerrung, schartig kakophoner Verve, Gschlößl kaut weiter auf derUnterlippe, Pöschl holzt und hagelt. Die Wunden dieses Butterama-Dramas werden mit
Balsam versorgt, mit fünffachem O, die Posaune quäkt trotz ihrer Quetschungen, umharft
und, muschelig und schrottig, umraschelt. Gschlößl ist jeden Sou wert, Pöschl schamant,
Cavenati hat das, was auch Andreas Willers auszeichnet, und folgt dem Vollgas der übermütigen Posaune in quirligster Rasanz. Und tanzt zuletzt auch als swingender Tanzbär mit
ihr auf dem Bullenmarkt, mit nicht zu überhörendem Spott. Oder wie hört ihr das?
Free Radicals (TITE-Rec 023) ist, ähnlich wie "Un altro, bitte!" mit Artwork von Cristian
Boffelli, ein von Andreas Karaoulanis designtes kleines Klappalbum, mit 19 freiformalen
Kreationen von ANTONIS ANISSEGOS an Piano & Electronics. Der bewegt sich, seit 1998
in Berlin, mit John Cage und Morton Feldman, Bulgakow und Beckett als Leitlinien, alsComposer & Performer in der Schnittmenge zwischen Musica Nova und NowJazz: Mit etwa
dem Plejaden Quartett, der Opernkompanie Novoflot, dem Trio IAMA, als Sideman inChristian Lillinger's Open Form For Society oder Silke Eberhards Potsa Lotsa XL (mitGerhard Gschlößl), maßgeblicher, und angeregt durch Kurt Vonnegut, mit Card Castle,oder, in Thessaloniki, mit Blindsight. Radicals kommt hier direkt von Radix - Wurzel, nämlich dem Nährboden avanter Pianistik. In Tönen, die ihm intuitiv unter die Finger kommen
und immer wieder scharfen Einschlägen. So dass sich bedächtige Tonfolgen mit quirligen
abwechseln oder mischen, mit im einen Moment noch lauschendem Duktus und im
nächsten sich halb überschlagend und dabei springlaunig oder wühlend die volle pianistische Touchscreen nutzend. Mit klirrenden Sounds und digital verbogenen, dunkel
geharften, arschbombig hopsenden, mit linkslastiger Schwere, von Tiefschlägen fies
angeknockt, taumelnd, mit abrupten Sidesteps, zirpiger Störung, elektronisch verzerrten
und umwölkten Verwirbelungen. Schaukelnde Zweiklänge weichen ebenso nach oben aus
wie in ihrem Vorwärtsdrang von unsichtbaren Hindernissen gehinderte. Klingklang
stolpert, ratscht, zeigt scharfe Kante, aus undichten Lecks siffen krätzige Pixel, purzeln
ominöse Odradeks. Vergesst Feldman und Beckett, Anissegos' hackende und furzende
Anarchoarmee stellt Teppichwebern und Endspielern die Haare zu Berg und fällt den romantischen Popanz wie einen imperialen AT-AT. Nancarrow'sche Verdichtung ist hierfraktal und wie aleatorisch verunklart und weiter dramatisiert. Eskapistisch gepolten
Empfängern dürfte das die Synapsen quer stellen, wer sich dagegen in realitätsnahem
Quivive üben möchte, den schüttelt Anissegos hellwach.
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Umland Records (Essen)
LA NUÉE, das ist in Brüssel ein Saxofonquintett, geleitet von Johannes Eimermacher, mit
dreifach Alto- (er, Audrey Lauro & Frans Van Isacker), Bariton- (Hanne De Bakker) und
Tenorsax (Sylvain Debaisieux) und in Bands wie Bambeen Grey, Franco Saint De Bakker,
Gabbro und Pentadox erwiesener Tüchtigkeit. Der 30-jährige Münsteraner hat, neben Musiken für Theater und Tanztheater, in Drehkopf mit Klarinette gejazzt oder in Katjas Zorn
mit Gitarre gerockt, bevor er mit seinem Saxofon zugleich die Führung in Cashmetal (mit
Jakob Warmenbol von Robbing Millions an den Drums) und La Nuée übernahm. Erstereslebt vom Kontrast einer aufgewühlt freakrockenden Rhythmsection mit Eimermachers
Gewaltfreiheit predigendem Alto, steht aber als Jazzcoretrio in noch viel größerem Widerspruch zu La Nuées sublimem Dröhnminimalismus. Der steht dem von →Klaus Langs "Drei
Almenden" verblüffend nahe, auch ist La Nuée (Umland 48) mit 'flottant', 'L'éveil' und 'ledépart' ebenso dreigeteilt. Noch ruhiger fast und luftiger schwebt der Reedklang im Raum,in verhalten zirpenden und summenden Dauertönen, die in ihren drei Tonlagen zusammenklingen, ganz unforciert und zeitvergessen fokusiert auf das nuancierte Unisono. Statteiner Wall of Sound sind das Klangschleier, ja weniger noch, die pure Luft ist getönt, ganzsacht klangfarbgetönt in mikrotonaler Harmonik, surrend und sirrend als in sich bebende
Luftsäulen, als durchscheinende, nur im Mittelteil auch angerautere Wellen. Das fast halbstündige 'le départ' hebt an als bloßer Hauch und spuckiger Schaum, auch nach fünf
Minuten noch pianopianissimo. In der neunten verrät João Lobo (der trommelnde Schatten
des Pianisten Giovanni Di Domenico in MulaBanda, Oba Loba, Tetterapadequ...) seine
bisher verborgene Präsenz, mit fragilem Tickeln, wuselnden Pfoten und zunehmend
pochenden oder flickernden Schlägen. Zu aber weiterhin nur sanftem Surren, das sichnicht rocken lassen will, sondern in seiner Dröhnosphäre weiter träumt. Der perkussiven'Störung' geben die Reeds wirklich erst fünf Minuten vor dem Ende nach, aufquiekend
unter dem donnergrollenden Andrang, der jedoch metalloid verdämmert, während derBläserschwarm sich wieder in die Stille einrollt.
Das HEINER RENNEBAUM DOPPELQUARTETT bringt auf Bebop Bizarre (Umland 49)
wieder den Zusammenklang eines Streicherquartetts - mit Julia Brüssel an der Violine,
Viola und 2 Cellos - mit Rennebaums Gitarren, Jan Klare an Alto- & Sopranosax, Alex Morsey am Bass und Max Hilpert an Drums. Mir kann man dazu gern was von Akkord- & SlashChord-Zerlegungen, bitonalen Akkord-Attacken, Messiaen-Modus und polymetrischen Repetitionen erzählen, dann muss ich nichts erfinden, was es nicht halb so gut trifft. Wie sichherbstlich angerautes Streicherfeeling bei 'November' beißt mit Hilperts hastigem D'n'BDrive und Klares euphorischem Soprano, das haben Hilpert & Rennebaum gemeinsam
erfunden. 'Dido's Lament' in seiner bitteren Streicher- & Altowehmut, das ist natürlich
Henry Purcells Werk. Wie sich die Gitarre mit Silberzunge und bluesigem Slide der schmerzlichen Melodie annimmt, ist dagegen Rennebaums Beitrag, der Bass zupft pizzicato die
Zeitebenen zusammen. '20/20 Vision' setzt mit Cello die gefühlvolle Stimmung fort, akustische Gitarre und die übrigen Strings fühlen mit, Hilpert zerlegt das jedoch mit metronomischer und flickernder Lakonie. Mit vom Bass aufgewühlten Altowellen kommt ein aufgekratzterer Ton auf, den Klare auf die Spitze treibt. 'Maximum' spielt danach, rhythmischmaximiert, Plinkplonk-Pingpong, mit Zahnradstakkato von Klare und wildem Bogengefecht
zu rotierendem und knatterndem Trommelgewirbel. Aus Gitarre rückwärts und scharrenden Bogenstrichen schält sich 'Kreisel' mit hymnischem und dynamischem Altosang zu
Walking Bass und Dröhngitarre und macht sich locker mit twangendem Kontrabass zu
flimmernder spanischer Gitarre und launigen Strings. Nach ebenso launigem Pizzicatointro stimmt Rennebaum mit Wah-Wah, verzerrt und ringmoduliert das Titelstück an, Bassund Drums halten Kurs, Klare gibt dem mit Flöte eine vogelige Hermeto-Pascoal-Note.
Streicheleinheiten von Bratsche und Cello und ein akutisch plinkender Gitarrenloop verbreiten bei 'Oder so' versonnene Wonne, die Klares Alto zu einem Minimal-Vamp derStrings tagträumerisch auskostet. Verweile doch, du bist soooo...
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Wide Ear Records (Zürich)
ALEX RIVA spielt - Blockflöte! Aber 1. extrem und 2. in verwegenen Zusammenhängen:
Mit Dominik Blum an Korg MS 20 als Irlumb; zu dritt mit noch Marc Kilchenmann an
Kontrafagott als Kilirlumb; im finnisch-italienisch-zürcher Trio ZGB mit dem Gitarristen
Mika Szafirowski und Dario Fariello an Altsaxofon & präparierter Harfe; in Duos mit
dem Trompeter Silvan Schmid oder dem Perkussionisten Vincent Glanzmann. "11Illusions, 6 Voids and 4 In-Betweens" zeigt ihn, ermutigt durch den Essayisten Pankaj
Mishra, am Ganges in between sunyata, the void, und maya, illusion. Im ultrakakophonen Dialog mit den Vögeln des Himmels und, nun selber vogelig, dem Lärmen
der Welt und dem, was die Menschen so umtreibt in einer, laut Mishra, Erhebung wider
die moderne Welt. Gespalten zwischen der angloamerikanischen Überwältigung('Anglobalization') und widerspenstigem Ressentiment ("Age of Anger"), zerrissen
zwischen der Glück versprechenden Rhetorik des Westens und seinem suprematistischen Murx & Totschlag ("Bland Fanatics: Liberals, Race, and Empire"). Riva hält
das aus als Krächzer und schriller Trillerer mit evan-parkeresken, zirkular beatmeten
Spalt- und Zwitscherklängen, aber auch altflötenlyrisch zu Füßen eines Fährmanns. Sooder so ähnlich auch bei Solos and more (WER054), in Bangalore. Mit wie Benzin
schillerndem Pfiff, Frequenzen, die schmerzunempfindlich Klang und Schädel spalten,
rau überblasenem Singsummsang, stechender und zwitschrig glitschender Verve. Er
bläst die säuerliche Rasam-Suppe, und verbrennt sich doch die Zunge. Szafirowski
mischt mixerisch mit beim röhrend verzerrten 'Sun Ra Becomes Rasam' und dem
sprudeligen 'Mika's Minutes'. Bei 'Beedi Power' leidet die Flöte arg an Verstöpfung,
Hunde verbellen sie. 'The Reincarnation of a Toe' sirrt dagegen derart in höchsten
Dauertönen, dass mir die Trommelfelle zirpen. 'Narasimha's Toothbrush' ist ein
Rachenputzer mit Vogelpfeife. Und bei 'Carnatic Music Class with a Martian' spielt Riva
den kakophonen Alien, mit dem die Filmi-Sängerin Bindhu Malini zu kommunizieren
versucht. Immerhin mit dem Erfolg, dass sich aus der misstönenden Schale ein
vogeliges Etwas schält und ihrer karnatischen Vokalisation lauscht.
Wer sich nach TIZIA ZIMMERMANN umhört, findet die junge Akkordeonistin, die inBern noch an der HKB studiert, auf der Suche nach immer neuen Klängen im Trio mit
Hyazintha Andrej an Violoncello & Kay Zhang an Saxofon oder an der Seite von Jason
Kahn. Und, seit 2018 schon, zusammen mit PABLO LIENHARD an No-Input Mixer. Der
rotbärtige Wuschelkopf tanzt ansonsten mit Saxofon und jeweils Florian Kolb (& →Alex
Riva) als Schrödinger im Katzenklo, (mit Stefan Kägi) als KKL auf Klippen, und (mitPhilipp Saner) Freakjazz-Pogo in White Pulse. Was immer Zimmermann in Teodoro
Anzellottis hoher Akkordeonschule gelernt oder verworfen hat, ihr Debut klingt wohlauch daher so kaputt (WER055, LP in milchweißem Vinyl) wie es heißt. So wie wennzwei der Vorstellung, wie wohl Jonas Kocher oder Ute Völker und Toshimaru Nakamura zusammen klingen würden, grätschend zuvorkommen. Mit knarrendem und fiependem Blasebalg, dunklen Wummerwellen, kakophonen Querstreifen. Aufflammende
Orgellust geht flöten, wird sabotiert wie mit furzigem Moogsound und hält sich gerade
so als Halteton. Quarrende und zuckende Laute liefern sich ein impulsives Gefecht mit
ballernden Kürzeln, schweifendes Legato flötet und stöhnt kirmesorgelig und geht inNebelhorn-Basswellen unter. Monotone Impulse ringen mühsam um ihre Existenz, das
Akkordeon fühlt melancholisch mit, verfällt aber im knattrigen Mahlstrom auf die Auslaufrille zu in Hektik und Panik. Die B-Seite bringt kurbelwelligen, stottrigen Leerlauf
und dünnes, zwielichtiges Zirpen und Flöten. Daraus entspinnt sich über 19:49 'kaputt08', flimmernd, in langen, jaulig glissandierenden und zugespitzten Dröhn- undZitterwellen, mit nun noch einem monoton knackenden Akzent, erregt sirrend undschwankend in über kopfhoher Tonlage, die jetzt einen brummigen Schatten wirft, deraber mit dem finalen Verkümmern der jauligen Erregung zwangsläufig auch vergeht.
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Für Flagrant Délit (WER060, digital) hat sich DALIA DONADIO (Schwalbe & Elefant, DD’s
Poem Pot) zusammengetan mit dem zwischen Lausanne und Berlin pendelnden Drummer
MARTIN PERRET (L'Anderer, Hellmüller Trio, Lucy Kruger & The Lost Boys, Samuel Leipold
Quartet). Der Zungenschlag von Als chlötzli-narr schtosch i farbige einzelteili vor mr / alsloosi hüüfe purzle mr em tod zue von 'verluegsch mi' knüpft an die Duette mit Linda Vogelan, Perret tremoliert, grollt, poltert und crasht, lässt Synthiimpulse dröhnen. Donadio
vokalisiert als Plural und wendet sich, zu gehämmertem, geklimpertem Piano, an eine
zweite Weiblichkeit mit Sturmaugen, aber in träger Traurigkeit. Bei 'Ballerinas' singt sie,
wie bei "Poem Pot Plays Pantano", zu Synthistakkato und getrommelten Akzenten merkwürdige Zeilen von Daniele Pantano, der sieben Tänzerinnen skizziert: Ausgespannt
zwischen Emaciated = liberated und Abuse = violent treatment involving sexual assault,
klingen das zag beklirrte Brisé, Chaînés, Chassé, Croisé, Écarté, Échappé, Effacé,Fouetté, Plié, Piqué, Porté, Relevé, Retiré, Sauté, Tombé resignativ. In 'The Invisible
Downfall' stetzt Donadio dem existenziellen Abwärts von allem, was der Fall ist, nur mit
Mühe melancholische Reste des Élan vital entgegen. In telefonischem Stimmengewirr zu
Pianogeklirr und im Gegenwind als depressive Billie Holiday. '(Und die Bewegung darin)'
ist letztlich der Lebensdrang, meinetwegen als der Schopenhauersche Wille, der sichobjektiviert als Begehren, als Festhalten-Wollen, Sich-Entfalten-Wollen, DazugehörenWollen. Hier allerdings nur auf Sparflamme und wie in einem Traumspiel und schon nicht
mehr ganz von dieser Welt. Von Kinderspielgeräuschen weg hin zu dunklem Gebrummöffnet sich ihr Herzraum auch nach hinten. Es riecht zu Geklimper von Gitarre und Piano,
die den Rauch zu Wolken zupfen, nach vermodernden Blättern. Perret tappt mit Jazzbesen, Holz klappert, das Becken sirrt, im Mundraum findet sich neue Sprache, der jedoch
die Worte fehlen. Doch Atemzüge und melancholischer Singsang sagen genug, überLuftschlösser aus verlöschenden Erinnerungen und vagem Sehnen.
42John Zorn - Tzadik (New York)JOHN ZORNs polystilistisches Lebenswerk erscheint mir wie ein Selbstporträt in Magic
Motion, mit ihm als Magus, von dem es nur Vari-Vue-Abbildungen gibt, Flickers, die ständig
hin und her kippen: von klassisch zu jazzig, zu exotisch, zu metalbrachial... von jewish zu
mystisch, zu gnostisch, zu gothic, als lebendiges, unerschöpflich kreatives Mysterium Coniunctionis. Jay Campbell (JACK Quartet) performt auf Azoth (TZ8375) - Azoth ist nachÉliphas Lévi die bipolare Weltenseele - 'Autumn Rhythm', Michael Nicolas (Brooklyn Rider)'As Above, So Below', dIE hermetisch-alchemische Grundformel: tasks above are as theflasks below. Beides als Musica Nova für Cello allein. Eingerahmt wird das von 'Shapeshifter' (!) in zwei Versionen, mit wieder Nicolas am Cello und Ches Smith an Drums.
Gipfelnd in 'Diableries' mit Campbell, Smith und nun auch noch Jorge Roeder am Bass.
Mittendrin steckt also wieder mal der Teufel (als Star französischer Fotostereoskopien aus
der Unterwelt ca. 1860-1900). Heung-Heung Chin fängt das ein mit einer Rosette, einem
Speichenrad, dessen von Sonne, Mond, Venus und Jupiter umkreiste Nabe von Kardinaltugenden eingehegt wird: Caritas, Castitas, Pietas, Sobrietas...
Auf The Turner Études (TZ8376) lässt Zorn 18 Studies from the later Sketchbooks of J.M.W.
Turner (1841–1845) vor dem inneren Auge erscheinen. Als kaleidoskopische Suite aus
Präludien, Farbstudien, Sea- & Moonscapes, Nocturnes und Impromptus, ausgeführt von
STEPHEN GOSLING, seit 'Orphee' (auf "Mysterium", 2005) Zorns Mann für pianistische
Aufgaben, von impressionistisch und lyrisch bis maschinistisch-nancarrowesk.

Gnosis: The Inner Light (TZ8377), eine Hommage an Ennio Morricone, hat Zorn dem
GNOSTIC TRIO anvertraut: Bill Frisell - Gitarre, Carol Emanuel - Harfe, Kenny Wollesen Vibraphon, verstärkt mit John Medeski an Orgel, Fender Rhodes & Klavier. Als Deckblatt
wählte er die Caliditas Humiditas Algor Occulta Siccitas = CHAOS-Bildtafel von Barent
Coenders van Helpens "L'Escalier des Sages" (1689) und fächert dahinter essentielle
Lektüren auf: 'Poimandres' aus dem Corpus Hermeticum, das koptisch-manichäische'Kephalaia', das sethianische 'Three Forms of First Thought (Trimorphic Protennoia)' aus
Nag Hammadi, mit 'Sophia=Wisdom' und 'Garment of Light' die ophitische 'Pistis Sophia'.
Auf Heaven and Earth Magick (TZ8378) lässt JOHN ZORN Sae Hashimoto an Vibraphon
und wieder Stephen Gosling am Piano in fixierter Virtuosität, kristallin animiert unddunkelkammerdramatisch interagieren in einem quecksilbrig chamberjazzenden Fächer
mit wieder Jorge Roeder & Ches Smith als improvisatorisch flexibler Rhythmsection.
'Asclemandres' & 'Auto-Da-Fé' wie geschüttelt - 'Casting the Runes' - aus dem Würfelbecher von Arturo Pérez-Revertes Meta-Gothic-Novel "The Club Dumas"... Und daruntergemischt das Bataille'sche 'Acéphale', E.A. Poes 'Descent into the Maelstrom', Aleister
Crowleys 'Konx Om Pax'. Spaßeshalber posiert Zorn selber dazu so, als hätte seine Magieetwas geweckt, vor dem ihm die Augen aus dem Kopf quellen.
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Nach Franz von Assisi und Juliana of Norwich huldigt Zorn mit den drei einigermaßen unspanischen Gitarren von BILL FRISELL, JULIAN LAGE & GYAN RILEY nun Teresa De Ávila
(TZ8379), auf dem Cover als großäugiges Bambi porträtiert von Francois Gérard (berühmt
für den Softpornokitsch von 'Amor und Psyche' und seine 'Madame Récamier'). Bernini hat'The Sweetness of Excessive Pain' und den 'Danza Estatica' mystischer Verzückung inihrer Gestalt ultimativ ikonographiert. Zorns Tabula scalata (wie Athanasius Kircher esnannte) macht jedoch die christliche Mystikerin durch ein geflüstertes 'Marrano' als
Enkelin eines (zwangs)konvertierten Juden kenntlich.
Mit Chaos Magick (TZ8380), ausgeführt von der SIMULACRUM-Triade Matt Hollenberg an
Gitarre, John Medeski an Orgel und Kenny Grohowski an den Drums plus Brian Marsella an
E-Piano, vertieft John Zorn in durch Austin Osman Spares „Neither-Neither“ und „In-Between“ angeregter judäo-christlich-okkulter Synkretistik die Chaos-Gnosis von "Inner
Light" & "Heaven and Earth": Christlich mit 'St. Augustine' und den Paulus-Briefen an die'Corinthians'. Okkult mit 'Egregore' als 'Wächter' im Henochbuch und bei Eliphas Lévi oder
als 'Kraftfeld' bei der Fraternitas Saturni... mit 'The Servitor' als damit verwandtem chaosmagischen 'Diener'... mit 'The Initiate' (Some Impressions of A Great Soul) (1920) als Bericht des esoterisch-okkult angehauchten Komponisten Cyril Scott (1879-1970) über seine
Einweihung durch einen Meister... sowie mit 'Liber 15', Crowleys gnostischer Messe, und
mit 'Crossing the Abyss' seinem Konzept, die phänomenale Welt hin zur noumenalen Quelle zu durchdringen. Letzteres ist allerdings auch schon durch Kierkegaards widersinnigem'Sprung' in den göttlichen Wahnwitz als christliche Athletik bekannt, als credo quia absurdum des 1. Korintherbriefs [1, 18 –25], als Er [Abraham] glaubte kraft des Absurden, dassGott nicht Isaak von ihm fordern wollte, während er doch willig war, ihn zu opfern . Noch
gesteigert in Simone Weils Sich erniedrigen, heißt hinsichtlich der geistigen Schwerkraft
steigen. Die Schwerkraft des Geistes lässt uns nach oben fallen. Bei Zorn scheinen mir
Kierkegaards und Weils paradoxe Leidenschaft - weit mehr noch als mit Coleridges Willingsuspension of disbelief, der willentlichen Aussetzung des Unglaubens (als Zulassungsbedingung ins Fiktionale, 'Himmel' und 'Paradiese' eingeschlossen) - zu korrespondieren mit
dem 'Imp of the Perverse', als 'Wider-Geist', den er wieder mit E.A. Poe ins Spiel bringt.
So dreht sich John Zorns nimmersattes Lebens-Werk ständig weiter, um gnostisch,mystisch, chaosmagisch und künstler-philosophisch inspirierende Vorbilder zu einer pansophischen Hearts Club Bigband zu vereinen. Allumfassend versammelt seine Held*enund Heiligen-Galerie Artist*en, Alchemist*en und Maudits des It ain't necessarily so undfeiert meisterliche Eskapist*en, couragierte Illuminat*en, magische Realist*en und mutige'SurRealist*en' als Ikonen der Sezession, Vorläufer ins Sublime und Lockvögel ins Superlative. Zorns Musick ist dazu in der Horizontalen ein Jazzcore, Exotica und Musica Nova
verwebendes Weberschiffchen und vertikal ein Elevator, der zwischen Blakes Heaven &Hell pendelt. Denn das Oberste kommt vom Untersten, und das Unterste vom Obersten...
Und in ihr ist die Kraft des Obersten und des Untersten.

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... nowjazz plink'n'plonk ...
ELISABETH COUDOUX EMISZATETT Earis(Impakt 021): Die Cellistin Elisabeth Coudoux hat, nach Saitensprüngen mit Ignaz
Schick oder Marcus Schmickler, wieder ihre
Kölner Prinzengarde um sich geschart: Matthias Muche an seiner Bonecrusher-Posaune, Robert Landfermann (von Grünen &&&)am Bass, Philip Zoubek (→BA 109) am präp.
Piano, Etienne Nillesen (Muches Partner in
T.ON, der von Zoubek in Sebastian Gramss'
States Of Play und bei Werckmeister) an der
Snare. Um Auge - Iris -, Ohr - Ear - und Nase
- 'Smells matter' - zu füttern mit dem Tönen
ihrer inneren Stimmen, inneren Landschaften. Die sie ausbreitet von schön schaurig('Eerie entrance') über 'Peculiar' bis schaurig schön, 'With sound' und mit der Coudoux
vom Polychrome Orchestra her vertrauten
Stimme von Pegelia Gold (Orpheus Has Just
Left The Building). Gleich im unheimlichen
Intro aus bloßen Geräuschen scheinen das
Cello und die Kehllaute als himmlisches
Versprechen auf, das anziehender wirkt als
die animalischen Fesseln ('Captivates'). Unbändig, übermütig, mit lauthalsem AaAah
und kuriosem iiii als 'Song' with Sound auf
glissandierender Welle ('Curious force'). Posaune und Streicher, eben noch amalgamiert
und wie elektronisch, kurven und dröhnen
weiter in schleifend diskanter, hell-dunkel
kontrastierender Chromatik ('Automagic').
Träumerisch steigen die Klänge, pianistischbefunkelt, ins Ätherische ('Space of Heva'),das jedoch tiefmelancholisch andunkelt unddurch peitschende und holzige Schläge infernalisch in der Nase beißt. E-Basspuls (wie
man ihn von Landfermann nicht jeden Tag zu
hören bekommt), E-Keys und quäkig verzerrte Posaune fahren aber mit unerwarteter Fusion-Verve dazwischen. Goldiges Glossolalieren, pointillistische Klangspritzer und knörige Laute ('Pluses') führen in tremolierendem, klopfendem Flow allerschönsten Celloklang mit sich, Muche jedoch stöhnt minotaurisch im Ausweglosen ('Daily rhythm').
Wimmrige Pegelia-Geräusche mitsamt kratzigen, drahtigen und blechernen münden in
einem repetitiv geklimperten, gefiedelten,
Gold-gewellten Snare-Drive, der wie bekifft
in Zeitlupe endet ('Earis'). Nein, Gold driftet
weiter, immer weiter, auf einem kakophonen
Klangteppich, den Coudoux mit Sound webt
als Scheherazade rediviva.

BARRY ALTSCHUL'S 3DOM FACTOR Long
Tall Sunshine (Not Two Records, MW1012-2):
Altschul, der gute alte - er ist Jg. 1943! Steinbock aus der Bronx springt hier, egal
wie sehr ihm dabei sein Circle-Lorbeer verrutscht, wieder im Dreieck mit, wie schon im
FAB Trio und The OGJB Quartet, dem Bassenthusiasten Joe Fonda und Jon Irabagon
als Dr. Sax ohne Grenzen, von Andrew Baker
und Mick Barr über Gordon Grdina und Joel
Harrison bis Mike Pride und John Yao's Triceratops. Als Trampolin taugen ihnen, 2019
on Tour quer durch Europa, einmal mehr
Altschuls schon 2012 und 2016 erprobtes'The 3Dom Factor', das schon in den 80ern
mit Ray Anderson angestimmte, herzinnige'Irina' und 'Be Out S'cool' und das bereits
beim Moers Festival 1979 dargebotene 'Martin's Stew' als Themen für weitere Variationen. Dass Altschul nicht zu alt für neues
Zeug ist, zeigt er mit der wonnigen Erinnerung an eine Long Tall Sally, die wohl ein
flotter Feger war. Wobei 'neu' nicht der Punkt
ist - 'frisch' muss es klingen. Irabagon geht
der Mund über vor melodieseligem Gesprudel und Gegockel, Fonda juckt's in den Fingerkuppen nach einem Tänzchen und gernauch mehr. Irabagon ist dabei durchwegs so'chicken poxy' wie mit Altschul auch schon
bei "Foxy", und Fonda feuert Amors Pfeile
geschwinder noch als Legolas. Wer mit derartigem Temperament den Jazz-Faktor auf
Anschlag dreht, sax-sexy und hot, der pfeift
drauf, wenn man das Old School nennen
wollte. Irabagon himmelt 'Irina' mit gefühlvollster Altklarinette an, das Pizzicato gummitwistet auf den Herzfasern, er pflügt mit
dem Tenor schulschwänzerisch durch den
Schnee, keckert und tiriliert mit einem Soprillo die nasendreherischsten, megavirtuosesten Salti. Stu Martin hat sich nur ein Jahr
nach Altschuls Hommage an seinem 42. Geburtstag zu Tode gefeiert, aber sein Spirit
wird noch 40 Jahre danach meistertrommlerisch beschworen. Die stupende Basswizardry, die Fonda dazu prickelt und groovt,
spornt auch Irabagon nochmal an zu feurig
swingendem Overdrive. Derart Jazz zu spielen, ist es nicht - mit Sloterdijk gesagt - eineder schönsten 'rituellen Hüllen', 'anthropotechnischen Exerzitien' und spielerischen
Höchstleistungen, die das 20. Jhdt. gegen
die Entgeisterung beigesteuert hat?
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ENCRE(S) SONORE(S) (ZEi & Cie, Z003,
CD/LP): Der Saxofonist Julien Behar
schickt mir seine Musik aus Nantes, undmacht mir mit den Referenzen, auf die er
verweist, klar, das ich am französischen
NowJazz nicht einmal die Oberfläche
angekratzt habe. Ähnlich, ja noch mehr,
geht es mir so bei Stephane Decolly, seinem Partner schon in Z Comme, dessen
stupendes E-Bassspiel über zwei Jahrzehnte hinweg Lila Et Les Poinçonneurs
verbunden hat mit Thomas De Pourquerys
Rigolus (sic!) & The Endless Summer, mit
Yann Letorts Japanese War Tubas oderzuletzt Triplicity, und ich doch erst im
Grand Orchestre Du Tricot mit den Ceccaldis auf vertraute Namen stoße. Zum
Spiel mit Behar gehört live die Spontanmalerei von Christophe Forget, der damit
2018 den Anstoß gab zum Spin-off von Z
Comme. Ohne seine Ink & Paintbrushes
klangmalt Encre(s) Sonore(s) mit dem
massiven und gewagten Einsatz von Fx &Electronics, die Behars Altosound und
Decollys Dunkelwellen im Raum dehnen
und verschlieren und dabei knicken,
kratzen und oszillatorisch flattern lassen.
Dennoch folgen die beiden wie zwei Pilger
ihrem Traum, aber langsam, zeitlupig,
traumzäh, wie sich Bewegungen in Antoine Volodines Fiction & Cie abspielen.
Zwischen den Polen 'Evanescent' und'Célérité', mit strammen oder monotonen
Vierteln oder hoppelig rhythmisiert, mit
vagen, aber doch sehnsüchtigen Lyrismen, die sich von elektronischem Dröhnen
nicht verwischen lassen. Behars wunderschönes 'Mockba 80', auf das ihr Faible fürJohn Zorns Masada abgefärbt zu haben
scheint, rührt, wie 'Evanescent' und 'Célérité', von Z Comme her. Das Altosax ist
dabei vielleicht der zartere Poet, aber wie
der Bass da die lyrische und melodische
Ader blutsbrüderlich teilt, das gibt meinem
Faible für französische Musikalität neue
Nahrung. Seit der Zeit, da man in Höhlen
lebte, ist dem Geheimnis kein Sück Boden
abgewonnen worden. Erwacht unter dem
Messer, zum Tode Verurteilte, meine
Brüder. Im Maul des TIERS. Schrieb Louis
Aragon, als sein Orpheuskopf wie eine abgerissene Brombeere langsam dem Meer
zurollte (und bevor er sich als stalinistischer Schönredner einen neuen aufsetzte).

FLEISCHWOLF Einst (Valve Records,
VALVE #9787): Gunda Gottschalk, ist sie
nicht bekannt dafür, dass sie weder ein
Risiko scheut noch den Fehlerteufel
fürchtet? Mit Partita Radicale, seit 30
Jahren ihrem couragierten Mädelstreff
mit Ute Völker & Co, als Sonata Erronea
mit Dušica Cajlan-Wissel, im Duo Periculoso mit Peter Jacquemyn, im Spiel
mit Xu Feng Xia, zuletzt mit "Post Babel"
als musikalisiertem Kannitverstan. Seit
2015 lässt sie es auch wuppern mit
Achim Konrad, einem Gesinnungsgenossen, der Geräuschefrickelei und
Soundscapes als Fortsetzung von Sozialarbeit mit andern Mitteln betreibt.
Mit ihm ist sie über Theaterbühnen undÖlberge mit 'ner Rickscha bis nach
Myanmar kutschiert, um nun zusammen
im Kowald, wo 'die Oga schnarchen',mit dem Fleischwolf zu tanzen. Ungeheuer, die sich nicht mit 'Paradiescreme' verführen und selbst mit Rhythm
Machine nicht zum Swingen bringenlassen, aus denen machen sie Beefsteak Tartar. Gunda geigt ihnen denArsch, und lässt die Spatzen unter ihrer
zoraroten Kappe ins Schalksnarrenfreie
schwärmen. Mit allen Tricks, seit wunderliche Spiel-'Männer' mit Pferdehaar
die Catguts ihrer Huslen, Rebecs undFideln kratzen und damit selbst den
Teufel neidisch machten. Schon auchsehr schön, aber doch so viel mehr als
nur schön - Stakkato, Satanellando, Tillé
und rau wie Sau, mit feldchirurgischer
Elektronik verarztet. Die beiden schrillen, jaulen, toben, prickeln, stechen,dass selbst im Rosenberg Museum die
Wände wackeln. Sie schnarchen, krächzen, maunzen - Riesentheater, Schiffbruch auf'm Styx, Violine in Not, Safe
Our Sound. Sie zupft sich vielfingrig die
Medusenlocken, er jim-knopft mit derDampflok, es juckt, sie kratzt. Nur mit
Milch kann man sich die Welt so schön
saufen wie Gottschalk da geigt. Es
kratzt, sie juckt und wetzt, er zwitschert. Zuletzt tanzt sie auf Draht überdunkle Wellen hinweg und opfert amandern Ufer Honig. Verzerrt klingt es
herüber, von Kakodämonen gebogen
und gebrochen, und geht doch von Herzzu Herzen.

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GAMUT KOLLEKTIV 7 Lines (Edition
Gamut, EG 04): Eine heterophone Performance mit choreographisch-theatralischen Untertönen, 'komponiert' von derTänzerin Lotus Eddé Khouri, die selber
mehrfach schon den klanglichen Support von Stéphane Rives oder Jean-Luc
Guionnet genutzt hat. Aufgeführt undaufgenommen im Tanzhaus Zürich wurde das von jenem Kollektiv, das bei"Zacharya" von Uassyn gestreift wurdein Gestalt des Altosaxofonisten Tapiwa
Svosve, dem hier zusammen mit Tobias
Pfister die saxofonistischen Linien 2 & 3
vorgegeben sind mit: On Off On Off...
Philipp Eden spielt als Piano commentator: Description - Ellipsis - Imitation Counterpoint, Paul Amereller mit Hollowed out Drums: Deaf - Walk around Less - More. Continuous - Receptacle Loud Minute lautet der Part für Vojko
Huter an Ghost guitar. Xaver Rüegg an
Resolute bass ist mit Gravity - Slowness- Tenuous betraut. Und Silvan Schmid
fällt 7. als trompetistischem Robinbird
Variation on Variation zu. Minimalistische Schwarzweiß-Grafik von Davide
Rossetto korrespondiert mit dem Bühnenraum als leerem Käfig voller Zen.
Eden tastet sich hinein ins 'Traumspiel',
die Drums poltern quer, die vereinten
Reeds tuten Klagewellen, mit Pausen.
Die Trompete kräht und variiert vierTöne, die Strings ziehen Dröhnfäden alsganz gewöhnliches Kontinuum, dasDrums oder Piano heftig interpunktieren.
Plötzlich - Stille - , bis sich die abrupten
Einwürfe ins Surren des Basses fortsetzen... Trompetenstöße, Trommelschläge,
Gitarrengekrabbel, Pianoakzente, die
Saxofone hupen. Doch der Faden reißt
und ohne den Basston wirken die Stimmen verloren und verstummen auch. Der
Klangraum bleibt länger diffus, bis die
Trompete Impulse presst und Klanggespinste sich wieder verweben. Docherst Bassgebrumm verdichtet das wieder so, dass auch die andern Stimmen
ihr Elend wieder artikulieren, mit trotzigen Schlägen, rappelig und krähend,
und dem Kontra auch des Pianos undinsbesondere der Gitarre zum dröhnend
glissandierenden Kontinuum, das alarmiert eskaliert. Da gibt es nur eins - raus
aus diesem Raum.

THE KILLING POPES Ego Kills (Shhpuma,
SHH066): Ja verregg! Fütterst du dein Ich mit
Pillen, kannst du alle andern killen. Seit "EgoPills" (2018) hat sich Oli Steidle zusammen mit
Dan Nicholls zum mit Drums, Percussion, Marimba, Keyboards, Bass & Sampling bestückten Kern von the killing Popes verfestigt, um
den aber weiterhin auch Phil Donkins am Bass,
Phillip Gropper an Sax und Frank Möbus an der
Gitarre als Nuntii und Auftragskiller rumschwirren. Verruchter wird das noch dadurch, dassWeibsvolk die Stimme erhebt, Yelena Kuljic(von Kuu! & Z-Country Paradise) bei 'My Life Is
Not Your Game' und 'King of Soup' sogar mit
eigenem Text und bei 'Human Nature' als
Sprachrohr für Emma Goldman: With humannature caged in a narrow space, whipped daily
into submission, how can we speak of its potentialities? Freedom, expansion, opportunity,
and, above all, peace and repose, alone canteach us the real dominant factors of humannature and all its wonderful possibilities. Nach
dem 'Disclaimer': This is not a simple rock orjazz thing, gerät Groppers Sax bei 'Bling Bling
Frog$' gleich ins kakophone und klimperlaunige Mahlwerk des real grassierenden Kapitalismus, als Fluss ohne Ufer, der dazu auch noch
aufwärts fließt. 'Butcher' setzt dem Froschkönig des Gemetzels mit Gitarre die Zacken auf
die Krone, die Klangmixtur ist in ihrer postsquarepusherischen Entfesselung schlichtweg
halsbrecherisch. Kuljic mag da auf der road ofgloom, in der matrix of doom an Alberichs
Geierherz rühren wollen, sie bleibt doch wie
wir alle Spielzeug und Wild, das bei der Treibjagd nach Profit gehetzt wird. Die Bankster
grüßen sich mit 'Hi Five' und türmen mit Stakkato ihre Chips, die Bassnoten kullern, alle
andern jaulen in Drum'n'Baisse-Fieber. 'Chthulu' ist der h-eiligenschein chthonisch verrutscht, Möbus glitcht irrwitzige Töne. Schlamasseltov! 'F£U¥C€K$' stompt mit Baritonsaxloop im Teufelskreis, die Gitarre driftet in
Wachstumsringen. Durch Goldmans Whatabout...? agitiert, begehrt Kuljic auf, zu knattrigem Schub und kirrendem Gebläse, Steidle
beschleunigt noch im freien Fall. Der Schaumkönig ist tot, lang lebe King Krawallo & 'Long
Live the Popes' mit ihrem anarchistischen
Breakbeat-Kladderadatsch. Andere raffen bloßKröten, sie raffen die Zeit, sie gierfingern undgroppern gute Laune, sie woglinden, wellgunden, flosshilden in wonderful possibilities.

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MAT MANERI & KALLE MOBERG +INGEBRIGT HÅKER FLATEN Wordless Voices (Kamo Records, KAMO
004CD): Kalle Moberg, der neue
Akkordeonwizard, nicht in Tokyo,
sondern beim No Idea Festival
2020 in Austin, TX. Dort spielte derjunge Norweger einmal im Duettmit Maneris Bratsche, mikrotonal
stöhnend, nahezu ununterscheidbar unisono, verschwommen schillernd, in pulsenden, zerrenden
Schüben, jaulig schwankend, zähneklappernd und feuerspuckend,delirant trillernd, drehorgelflötend
und kratzig schrillend und in umgekehrtem Wechselspiel irrlichternd, zittrig zuckend, krabbelig
scharrend oder gedehnt zirpend
und zag orgelnd bis hin zum nochmal exzessiven Tumult. Und anderntags mit einem knapp halbstündigen, schon als 'Headspin' zu
hörenden Set im 'Trialogue' mit
noch dem Kontrabass des Lokalmatadors und Expat-Landsmanns
Flaten, der insistent plonkend undsummend bombige Akzente setzt
zum distorsiven Drehen, turbulenten Zerren und schlierigen Wabern
von Viola und Akkordeon. Selbst
für krasse Kakophonie schon aufgeschlossene Ohren dürfen darüber staunen, wie perkussives Col
legno kollidiert mit stichelnder undkratziger Action, fadenscheinigem
Flimmern, hornissigem Schwirren,den Lauten eines von Magenkrämpfen geplagten Teddybärs und dem
lyrischen Spleen eines bratschenden Weißclowns, der flautando auf
Mondstrahlen surft und die beiden
Dummen Auguste derart mit mitleidiger Verachtung straft, dass sieverschämt innehalten, wenn auch
nur kurz. Treffend illustriert ist derKlangclash mit dem kontrakolumbianisch krakelwilden KünstlerCredo “Creo que es preferible laneurosis a la estupidez” von Lucá
Aragón, einer jungen Mexikanerin
an der Kunsthochschule Oslo.

LYLE MAYS Eberhard (Lyle Mays Estate):
Eines der letzten Dinge, die der Keyboarderaus Wisconsin seiner Krankheit abtrotzte,
bevor er ihr am 10.2.2020 erlag, war ein als
Danksagung an Eberhard Weber verschlüsseltes Selbstporträt. Er hat dem Stuttgarter
Kontrabassisten, der so prägend eingewirkt
hatte auf ihn und die Pat Metheny Group,
der Mays jahrzehntelang als Herzkammer
und Hirnhälfte angehört hat, schon 2009
eine beim Zeltsman Marimba Festival inAppleton, WI uraufgeführte Komposition
gewidmet. Zehn Jahre danach setzte er
alles daran, ihr die bleibende Gestalt zu
geben, die quintessentiell sein darin investiertes Knowhow zeigt. Im engen Freundeskreis mit Steve Rodby von der MethenyGroup am Kontrabass, Bob Sheppard vom
Lyle Mays Quartet an Reeds & Flutes, Mitchel Forman an Wurlitzer & Hammond,
Jimmy Johnson am E-Bass, Alex Acuña (vonWeather Report) in einer 6-händigen Percussion-Section, Mays' Nichte Aubrey Johnson in einem 3-zungigen Chorus plus einem
Celloquartett. Und on top dieses durch Producing organisch verbundenen Klangkörpers Bill Frisells Gitarre, wie einst bei "Later
That Evening" (1982), Mays' denkwürdigem
Zusammenklang mit dem Widmungsträger
im Tonstudio Bauer, Ludwigsburg (und, im
Sextett, "Live at Funkhaus", Hamburg), so
ECM-selig und haarig, wie der Zeitgeist es
damals aus den Poren zog. Marimba, Pianound zartes Synthigewölk saugen einen ineine träumerische Suggestion von Zeitlosigkeit, lassen einen mit weichen Bassnotenund Minimalfiguren melodieselig driften,
von Vokalisation und kristalliner Sehnsucht
getragen. In einem Wechselspiel von süßer
Verdichtung und zartbitterem Schwebklang,
mit tänzelndem und wirbelndem Xylophonbeat in swinglesingerisch züngelnder Euphorie auf immer höheren Stufen der Verspieltheit, mit Sheppards Tenorsax als gutem Hirten, der alles Finstere in grüne Auen
verwandelt. Bis sich eine finale Bellevue
auftut und man, ahnungsvoll gespannt, ganz
leise näher tritt. Mays geht voran, in derguten Hoffnung, dass Ma'ats Feder neben
seinem auf 13 Min. essentialisierten Soundbleiern wiegen wird.

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ANDY MOOR Music For Safe Piece(Unsounds 68U): Anders als →Terrie
Hessels, der andere Gitarrist in Lean
Left und Vater von Lena Hessels, hat
Andy Moor mit Elio & Milo noch kleine
Kinder. Mit deren Mutter, der Choreografin Valentina Campora, fand er fürdie Herausforderung, Kunstarbeit undElternschaft zu verbinden, eine Lösung in der Performancereihe 'Safe
Place'. Sie tanzt und er spielt dazu,
teils mit einem der Kinder auf dem
Arm, oder die spielen einfach mit.
Denn was der Vater da macht, ist ja
ein Kinderspiel, wie er da an Drähten
zupft oder sie mit Bürste oder Feile
traktiert. Warum sollte dann der Junior nicht seinen Ball auf die Gitarre
werfen oder das Kabel über die Bühne schleppen? Entstanden sind so 13
Tracks, zu denen die Bewegungen
und Geräusche der tanzenden Mutter
und der spielenden Kindern ebenso
gehören wie Zuspielklänge von Temusewo Mukasa, dem einstigen Harfner
am Hof von König Mutesa II. von Buganda, oder Roland Kirk, der "Clickety Clack!" ruft. Moor, der neben The
Ex vor allem mit Anne-James Chaton
und Yannis Kyriakides auf Unsounds
im Gespräch blieb, harft, schrappt
und harkt wie von ihm gewohnt im
häretischen Spektrum der gitarristischen Möglichkeiten, wie er da bruitistische und eisendrahtige Klänge
von seinem Instrument pickt, rupft
und schnarrt. Zu omininösen Hintergrundsgeräuschen von Meeresbrandung und Detonationen - oder sinddas Gitarreneffekte der dritten Art,
alien und brut? Er reitet und springt
auf dem Bassregister rum, ostinat
oder abrupt, prickelig, struppig, royal
schillernd, monoton plonkend, krumme Sounds noch weiter biegend, mit
dröhnender Schraffur und Gedonner.
Doch wo wäre das königliche Ohr
dafür? Die willkommene Präsenz desSprößlings animiert Moor zuletzt zu
launiger Kinderbelustigung, gegen
die freilich andere Mütter eine Unterlassungserklärung einklagen würden.

PLATZ - GOLDMAN - CARNIAUX With Orbit (With
OrbitMusic/Bandcamp): Seit dem Abstecher
nach Wiesbaden für "Pebbles & Pearls" hat Jeff
Platz im Gespann mit dem Drummer Matt Crane
mit noch Pandelis Karayorgis & Nate McBride"10db" und mit noch Alec Redfearn & Christopher Sadlers "Technosignatures" als weitere
Kostproben seiner Kunst offeriert - von drei
weiteren Soloalben ganz zu schweigen. Hier nun
trifft er auf den Drummer Max Goldman in seiner
Spannweite von Disco-Funk mit Midnight Magic
bis Doom Metal mit The Body und dem Rorschachtest mit dem Trompeter & FolkwangHochschul-Professor Ryan Carniaux und dem
Saxofonisten Brendan Carniaux. Der fand sichan gleicher Stelle - @ Machines with Magnets
Pawtucket, RI - wieder ein, um mit Platz 'Lost to
History' und 'Schirm' im 'Vanish Mode' anzustimmen und über dünn geschliffene 'Memory
Planks' ins 'Irreversible' zu schreiten. Und bekommt prompt mit seinem lyrischen und hymnischen Zungenschlag rabiates Kontra durch die
krummen Haken, die Platz schlägt und durch
Electronics zum Zangengriff verschärft. Mit derKonsequenz, dass nach kaum fünf Minuten die
Hütte brennt und großer Bedarf nach Balsam
und zärtlicher Tröstung besteht. Platz schaltet
auf Rückwärtsgang, Goldman legt jeden Schlag
auf die Goldwaage. In der Hoffnung, dass die
Furie des Verschwindens von selbst wieder
verschwindet. Carniaux stimmt dafür zarteste
Töne an, Platz dreht sich im Kreis, Goldman
rasselt, eine wachsende Ungeduld ist dabei
nicht zu überhören. Platz ist als kakophiler
Krabbler und Kratzer auf Draht, Goldman tanzt
mit den Wölfen, Carniaux heult mit ihnen, alswollte er das Mare Crisium leersaufen. Metall
schleift und glitzert, die Gitarre theremint, erhaben über 'The Vulgar Crowd', Platz loopt zu
Carniauxs brütenden Haltetönen Bassfiguren.
Goldman schlägt tockelige Kreise und lässt
Becken rauschen zu Carniauxs melancholischer
Poesie und zu windschiefen Lauten und prickelnden Kürzeln der Gitarre. Zu paukendem
Tremolo, blitzenden Crashes, tickelnden Stöcken greift Platz zu freimütigen Frequenzen undschroffen Akkorden, nur Carniaux lässt sich vonder geschürten Erregung nicht mitreißen. Stattdessen zieht er mit seiner Klarinettenlyrik zuletzt auch Platz auf seine Seite, um elegischdem Unabänderlichen Tribut zu zollen, ohne es
bei Trübsal zu belassen, mit unverdrossen sprudelndem Tenor und bockiger Gitarre.

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ORQUESTA DEL TIEMPO PERDIDO
Traantjes (Astral Editions, AE022): Das
Artwork erinnert in seinem Groschenromanstil tatsächlich an vergangene
Zeiten, eine Modesty Blaise-Welt, ingrelle Farben getaucht. Eigentlich ist derniederländische Gitarrist Jeroen Kimman dafür zu jung, auch wenn er mit
Roomtone, Rosa Ensemble, Brown Vs
Brown oder zuletzt Bugpowder nun auchschon seit zwanzig Jahren mitmischt.
War Orquesta bei der kunterbunten
Exotica von "Stille" (2018) quasi eine
Onemanband, die sich in einen kollegialen Flickenteppich hüllte, ist es nun einevor Amsterdamer Frischluft pulsierendeKapelle mit Floris van Bergeijk, Salvoandrea Lucifora, Mark Morse, Jasper
Stadhouders, Onno Govaert, Tristan
Renfrow, bestückt mit Gitarre, Pedal &Lapsteel, Percussion, Posaune, Synthi,
Bass und Drums und von Fall zu Fall
getönt mit noch Klarinette, Tenorsax,
Tuba, Fagott, Xylophon, Piano, Harfeoder Harmonika durch mal John Dikeman, mal Joost Buis, Koen Nutters oder
Seamus Cater. Eine seltsame Blaskapelle in wie angeschickertem Taumel, indem falsche Matrosen exotisches undsurreales Garn spinnen und zupfen. Die
Töne krumme Hunde, der Flow stottrig
und klapprig, mit Zahnlücken und windschief, wie ein Orchestrion außer Rand
und Band. Die einen manisch überdreht,
die anderen bekifft, die dritten schlucken mexikanisches Bier, die Füße tanzen Walzer, der Kopf tanzt Hula in Hawaii. Kimman singt, einmal nur, nostalgisch, mit Mädchenstimme, und murmelt
altväterlich, zu delirant verdaddelten,
verschrappelten Gitarren. Mit sneaky
Overdubs und überhaupt over and over,schillernd und eiernd in asynchronen
Tempi, mit V-Effekten, wie Zappa auf
Speed, oder wahwahzäh, 13-stimmig
und mit singender Säge, in absurden
Kontrasten wie dem von Tuba und Glockenspiel. Und - Galileo, Figaro - esgroovt und swingt doch, sexy und elastiek, Bob-Drake'isch gedopt! Oder - 'bye
bye things' - trübselig abgeschlafft. Aber
zuletzt nochmal mit Affenzahn und mandolinenvertrillertem, lapsteelverjaultem,
total aufgedrehtem Irrwitz.

ATTICUS REYNOLDS Towers (Orenda 0092):
Reynolds stammt aus North Carolina, hat New
York schon hinter sich und agiert, nachdem ersich, wie sein Debut "Ventana" (2017) zeigt,
auch schon vor Ort in afro-puertoricanische
Folklore vertieft hat, seit 2017 in Los Angeles.
Dort begleiten ihn nun bei seinem zweiten
Statement als Komponist Devin Daniels (Sidekick von Jamael Dean und Carlos Niño) am
Altosax, Aidan Lombard an Trompete, Jon
Hatamiya (bei "More Than Anything" selberschon Leader einer digitalen Orenda-Einspielung) an Posaune, Jordan Reifkind an Gitarre
und Max Beck am Bass. Bei 'Control' lösen sichdie Bläser, nach sie zuerst bebopig losgeprescht sind, von der weiter knattrig fiebernden Rhythmik, erst vereint, dann jeder in solistischem Freilauf, auch Reifkind und, halbschon auf der Zielgerade, knackig drängend
Reynolds selber. Das Altosax klagt bei 'Sleep'über fehlenden Schlaf, die andern kennen dasauch, aber der Bass und das Drumming, erst
nur selbst aufgewühlt, stimmen einen neuen
Groove an, der zuerst die Gitarre kreativ beschwingt und dann die Bläser in ein frisches
Wechselspiel verstrickt. Bei 'Soon' lässt Reynolds die Bläser über einer ruhig kreisenden
Bassfigur schweben, die Trompete jubelt, das
Altosax macht große Sprünge, doch der getragene Duktus geht weiter seinen versonnenen Gang. 'F.emeral (chopper & the goldhand)'gibt wieder Reifkind einen reifen Auftritt als
Goldkind, doch Reynolds hält die Balance zwischen dynamischer Bestimmtheit und individuellen Chops fest im Auge. Bei 'West (of you)'seufzt die Posaune wegen der fernen Geliebten, die andern zeigen, dass ihnen das Gefühl
vertraut ist, so entsteht ein Einklang in Blau.
Dem Titelstück als poltrigem Drumsolo, folgen
bei 'Territorial' noch mehr blaue Töne, doch
Alto und Posaune blühen gerade in Bedrängnis
auf, und der Beat, der rollend und springend
mit Schmus eh wenig am Hut hat, bringt zuletzt
die trüben Tassen auf Trab. Bei 'Trapeze
Artists' gibt die Gitarre ostinat den Ton und das
agile Tempo vor und macht zu kollektiv geschürter Spannung auch die gewagten Sprünge. 'Hymn (thoughts & prayers)' windet zuletzt
mit feierlichem Bläserklang einen Kranz imAndenken an die vom Mandalay Bay-Schützen
in Las Vegas am 1. Oktober 2017 erschossenen
und verwundeten Besucher* eines CountryMusik-Festivals. Dass am Tag danach die
Aktien der Waffenindustrie stiegen (!), das ist
es, was die USA so 'großartig' macht.
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KEVIN SUN <3 Bird (Endectomorph Music,
EMM-010): Was du ererbt von deinen Vätern
hast... Kevin Sun hat sich 2020 anlässlich
Charlie 'Bird' Parkers 100. mit Haut & Haaren in sein Erbes vertieft und aus den überlieferten ca. 72 Stunden des ultimativen
Beboppers ein fasziniertes Echo geformt.
Der gefundene Reichtum an Anspielungen
und Referenzen des "James Joyce of modern jazz" wird ihm zur Lizenz, ja mehrnoch, zum Ansporn, mit Parkers Fundus
möglichst freisinnig zu jonglieren. Den Saxofonisten in New York flankieren dabei
weiterhin Walter Stinson am Bass und Matt
Honor an den Drums, seine Partner schon
bei "Trio", "The Sustain of Memory" und"(Un)seaworthy". Dazu greift Adam O'Farrill(Mary Halvorson's Code Girl) fünfmal zur
Trompete, Max Light dreimal zur Gitarre
und Christian Li, ein Vertrauter durch das
von Mute produzierte "Mute", lässt sechsmal die Finger über Piano & Fender Rhodes
fliegen. Bei drei modulierten Originalen und
12 nachempfundenen Resonanzen, die
Parker kannibalisieren, collagieren, shapeshiften, ohne seinem Spielwitz Gewalt anzutun. Im Gegenteil, wenn aus 'Dewey
Square' das tänzelnde und gitarrenquirlige,
mit einer Sheng verzauberte 'Du Yi's Choir'
wird, aus 'She Rote' das kniebrecherische'Cheroot' oder aus gleich vier bluesigen
Parker-Motiven ein neues 'Composite',wenn sich aus 'Scrapple from the Apple''Arc's Peel' schält, ist immer wieder Parkers'Adroitness' das Salz an den Peanuts. Vom
Schlangensex von Tenorsax und Trompete
gleich bei 'Greenlit' bis zum mit Klarinette
geflöteten und pianistisch gewellten 'Dovetail, von Fenderschmus auf Besenschlappen über klimpernd swingendes Tempo als
flottem Klacks bis zum so sanglichen wie
komplexen 'Big Foot', vom halsüberkopf
sprudelnden 'Onomatopoeia' mit wieder
Max Lights wieselflinkem Gefinger bis zum
von der Trompete kläglich angequetschten'Schaaple from the Apple', vom zu knattrigem Marschtrommelchen stramm schreitenden 'Sturgis' bis zum zu fünft gepfefferten launigen Prestissimofetzer 'Salt Peanuts'. Das Tüpfelchen aufs Pi setzt Sun,gitarrenverzückt, mit Parkers in 'Talck-overseed-nete' umgetauften Zungenbrecher
und Ohrwurm 'Klact-oveereds-tene'.

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TERRIE EX & JAAP BLONK Ozo Bonn (eh?
117, C-56): Der merkwürdige Titel erklärt
sich als Verweis auf das OZOLand im niederländischen Hunsel und die Kreuzung
an St. Helena, den Dialograum für christlichen Kult und zeitgenössische Kultur inBonn. Dort hatten sich im Juli bzw. März
2020 Terrie der Gitarrenterrier und der
blonkige Jaap mit elektronischem Spielzeug und seinem Mundwerk eingefunden,um - ja was? Nicht um an christlichen Plunder zu rühren, weder kopfüber noch kopfunter. Sie bespaßen potentiell für Kultur
empfängliche Zeitgenossen, also mehroder weniger uns, mit jauliger, schrubbiger
Saitenzwirbelei und blubbrigen und duckburgerischen Lauten, letztere per Schlabbergosche und absolut entenkultig. Ex
macht exkommunizierte Geräusche, Blonk
extraordinäre in einer stripsodistischen,zugegeben nicht immer jugendfreien'Sprache'. Er zischt und labert, presst Luftals undichter Luftballon, 'singt' als gottverlassener Kantor und Bahssetup-'Caruso', hechelnd, bajazzohaft lachend, das
Badewasser gurgelnd, als Oger ausrastend, als deliranter Kunstfurzer, unpluggt
oder unter Strom, von der Gitarre umschrillt, bekratzt, bekloppt beklopft, aberteils auch gar nicht unzart geschaukelt
und girrend umkurvt. Blonk rumpelstilzt
und rrrasputint, er schnarrt und quarrt, Ex
schrubbt die Saiten mit Stahlwolle, lässt
sie murren und plonken, elektronisch beklirrt und umsirrt. Blonk brilliert als tomanischer Livereporter eines dramatischen
Motorsportdebakels, aber sie können auchpianissimo, dröpje voor dröpje kwaliteit. In
Bonn variieren sie das mit pfingstlichem
Zungenschlag, der kein "Kannitverstan"gelten lässt, sogar die Gitarre 'spricht'.
Blonk zieht sich einen Splitter vom heiligen
Kreuz rein und fängt an zu frömmeln, sein
innerer Schweinehund bellt, Ex knurscht,
bibbert, ruckt und zuckt und schraubt die
Saiten noch strammer, noch jauliger. Blonk
lässt sein Maschinchen machen, was es
will, Es groß geschrieben, Mystik ex machina. Er gospelt molukkisch, fachsimpelt
mit einem Ziegenbock, faucht, quakt, rhabarbert kakodämonisch, wie durch eine
kommunizierende Röhre mit Ex verbunden.
Da krijgste Titten!

JOSHUA TRINIDAD Sleeping with My
worries (Subcontinental Records, SCR050): Der Trompeter in Denver, Colorado, hat sich mir mit "In November" auf
RareNoise Records ins Ohr geblasen.
Danach tat er sich für "Lithium" mit
Shadaab Kadri zusammen, einem Elektroniker in Mumbai, der sich Riatsu
nennt, und hat damit die Verbindung
hergestellt zu Arun Natarajans Subcontinental Records in Bangalore, wo er
auch bei "Aftershock" mit Mia Zabelka &Icostech rumgegeistert ist. Nun trifft
man ihn allein als einen, dem Covid-19
sorgenvolle Tage und Nächte bereitete
und morbide Gedanken einflößte, denen
er sich mit Trompete & Electronics hingab. Als Trompeter hat er beim soulig
beorgelten 'Lullaby for Ceora' sicher an
den tragischen Tod von Lee Morgan gedacht, der 1972 in Slug’s Saloon vonseiner Frau erschossen wurde. Trinidad
ist kein Hardbopper, aber eine Seele
von Mensch, dessen musikalischem
Feeling Coltranes "Blue Train" - bei dem
Morgan mitgefahren ist - metaphorischdie blaue Farbe liefert. Er bläst blue undlush, hassell- und molværesk, als Plural
mit mehreren Hörnern, in pulsender
Wallung und feierlichem Moll. Für 'Birth'mischt er Keyboard zum getragenen,
angedunkelten Blaseton, 'Fanfare forLombardy' fächert er in aushallender
Zapfenstreichtrauer als ein ganzes Delta. Bei 'Shelter' pulst erneut rhythmisches Programming zu Phantomorgelpfeifen und beklemmten, lang gezogenen Hornstößen, bei 'Earth' bläst erüber dröhnende Orgelhaltetöne hinweg
in blau getönter Hingabe, bei 'Thaw'
fröstelt der Mann mit dem mattblauen
Horn, dem er mit langem Atem magische Wärme entlockt, in Klängen, die
mit der Luft über warmen Wellen aufsteigen. 'Lament for Kondo' ist in seiner
sich über repetiertem Orgelarpeggio
aufschwingenden Euphonie ein Memento für Toshinori Kondo (+17.10.2020).
Und zuletzt lässt Trinidad die Liedermacherin Kal Cahoone zu tristen Keyboardstupfen und zartbitterer Trompete
Trauerflor winden, als hätten als 'Morning Bells' Totenglocken geläutet, über600.000 mal.

LISA ULLÉN - ANNA HÖGBERG Step Up a
Second! (Disorder 09): Die schwedische Saxofonistin Anna Högberg, die mit dem Golden
Offence Orchestra Pauline Oliveros und dem
Fire! Orchestra Penderecki gehuldigt hat, ist
mit The Big Yes!, dem Oya Sextett oder
Christopher Cantillos CC5 immer wieder fürMusik zu haben, die Ausrufezeichen setzt.
Hier setzt sie selber eins, zusammen mit ihrer
Partnerin in Attack, der mit Nina de Heney,
Trio Generations oder Festen bekannten Pianistin Lisa Ullén, und einem Allstarensemble:
Mats Äleklint an Posaune, Elsa Bergman amBass, Niklas Barnö an Trompete, Per Texas
Johansson an Klarinetten, Eva Lindal an Violine, Finn Loxbo an Gitarre, Anna Lund an
Drums, Sten Sandell an Piano & Harmonium,
Anton Svanberg an Tuba. Nach einem tiefen
Griff in die katzenjämmerlichen Register als
Intro zu ihrer 8-teiligen, gut 33-min. Suite,
tröpfeln peu à peu auch die andern hinzu, mit
spitzen Fingern, spitzen Lippen, zupfend undzag zirpend, mausig stöbernd oder insektenhaft allgegenwärtig. Doch das verdichtet
sich, zunehmend growly und groovy, zu einem jazzigen Flow, der immer unternehmungslustiger zu wallen und zu singen anhebt. Keckernd, schnatternd und quakend
die einen, melodieselig schwelgend die andern, so dass sich Stockholm immer mehr in
ein imaginäres New Orleans verwandelt.
Aber die Gitarre führt hin zu einem surrend
brütenden Innehalten mit kleinlautem Kummer und dem uralten Verlorenheitsgefühl at
the River of Babylon. Bis doch mit dem
hämmernden Piano sich Räder gegen das
Immersoweiter zu drehen und zu quirlen
beginnen, die Hörner blasen als Sirene undohne dass man das Raddampferrad mahlen
hört, gleitet man merkwürdig leise dahin. In
einer gespenstischen Ungewissheit, mit leise
wimmernder Geige, einem Hauch von Mundharmonika, der Tuba als knurrendem Magen,einem fadendünnen Pianissimo bis ins
Mucksmäuschenstille. Minutenlang wie in den
Rossbreiten und Nebelbänken auf "Occam's
Ocean". Um dort zu verbleiben, dort zu
enden?! Und das ist tatsächlich die Botschaft
dieser Musik? Bangen, lauschen, geduldig
bleiben, endlich doch schlafen, vielleicht
träumen? Mit Warhol & Giorno oder - wir sindja im Fylkingen - mit Elggren & Liljenberg?
Zzz... als the new loud!?

52

WARELIS, ROSALY, DIKEMAN, LUMLEY
Sunday at De Ruimte (Tractata 868 /Doek RAW): Der Amsterdamer Humus
treibt Blüte um Blüte, speziell im Dunstkreis des Doek-Kollektivs, das im 'Amsterdam Real Book'-Projekt Updates desNew Dutch Swing der Generation Bennink-Breuker-Mengelberg liefert. Treibende Kräfte sind dabei die polnische
Pianistin Marta Warelis (ver-doekt mit
Ada Rave in Hupata!, mit de Joode &Govaert als Omawi) und John Dikeman(Cactus Truck, Spinifex...), hier im Zusammenspiel mit dem kanadischen
Kontrabassisten Aaron Lumley (Stadhouders-Lumley, Marielle & Aaron) und
dem Drummer Frank Rosaly (¡Todos dePie!, Jaap Blonk's Retirement Overdue), mit dem Warelis auch schon bei
Ruidoscuro in die Keys griff. Ihr Tremolieren, Lumleys prägnantes Pizzicato
und Rosalys Unruhe stiftendes Hantieren breiten 'Juniper Fields', aus denen
Dikeman mit Ayler-rauem Timbre hochprozentigen Genever destilliert. 'Masquerade Charade' erhöht danach den
Geräuschanteil mit scharrendem Bogen, schrottig rasselnd, scheppernd,
beredt plonkplinkend, schnalzend collegno, während Warelis flimmert undhämmert und Dikeman stöhnt undröhrt, als müsste er Feuer spucken,oder bluest, als wollte er seinen Katzenjammer mit weiterem Feuerwasser
löschen. Aber die raue Schale enthält
einen Poeten und Sänger, der 'Lake
Perfidy' rockt, wie legendäre Fleischtopfverächter einst das Rote Meer. Zu
wummernd traktiertem, grollig gestrichenem Bass, gequirlten Tontrauben,
gedengeltem Blech, flirrendem Draht
rührt er mit Raspelzunge an Herzfasern. 'Post War Fiction' hebt hagelig,schmauchend und mit hüpfendem Bogen an. Ululiert da eine Okarina? Diskante Pfiffe stechen in Bassgebrumm,
Rosaly rumort und randaliert, doch
Dikeman singt in sonoren Wellen überalle Drums- und Bogenschläge hinweg,
vom Arpeggioflow ermuntert immer
hitziger und hymnischer. Und endet
doch, statt sich furios zu entzünden,ganz sanft und dem Wüten der Welt
ganz abgewandt.

SARAH WILSON Kaleidoscope (Brass Tonic
Records, btr 002): 10 Jahre nach ihrem'schööönen' "Trapeze Project" (BA 67) gibt
es ein Wiederhören mit Sarah Wilson in
Oakland, und die Trompeterin der Montclair
Women’s Big Band hatte - die Einspielung
entstand 2012 - dabei wieder Myra Melford
am Piano und den E-Bassisten Jerome Harris
an ihrer Seite. Dazu den Geiger Charles
Burnham, John Schott an der Gitarre undMatt Wilson (Honey And Salt, Big Happy
Family, Myra Melford's Be Bread, Trio M etc.)
an den Drums. Um diesmal ihren Werdegang
und Horizont zu skizzieren mit Widmungenan Melford, mit der sie sich in Henry Threadgill vertiefte und energische Ermutigung
erfuhr, an Peck Allmond, Tony Scherr &Kenny Wollesen in Erinnerung an ihre New
Yorker Zeit von 1993 bis 2005, an John
McNeil und Laurie Fink, bei denen sie Trompete studiert hat, an den Schönberg-KennerPaul Caputo als weiteren Teacher. Mit 'Aspiration' als Dank an die Museumskuratorin
Reneé Baldocchi in San Francisco und getragenem Trompetenintro, das über den
Horizon einen befunkelten Rainbow malt.
'Presence' (für Carla Bley) ergroovt dannschon mit Gitarren- und Geigenswing Karibikfeeling. 'Young Woman' als Pianosong mit
gedämpfter Trompete und 'With Grace', das
von feierlich auf afrobeschwingt umschaltet,
feiern Melford als Licht- und Wärmequelle
und Guide auf den richtigen Weg. Gitarre
und Piano verschönen das sanfte Kreisen
und die zarte Geige von 'Color' als kleinen
Marsch von Rainbow-Warriors. 'Kaleidoscope' bekommt von Piano und gestopfter
Trompete einen heiteren Dreh, Schott gibt
jazzigen Schub, der selbst die fromme Geige
und trübe Trompete mitreißt. Licht und
Schatten säumen 'Felta Road' mit Optimismus ohne Übermut, 'Quiet Rust' singt folkyund ähnlich ambig von Verfall und derHoffnung, das schon irgendwie zu deichseln.
Durch das stoisch bassdurchwellte 'Night
Still' geistert die Geige, bei 'The Hit' drängt
alles und am schönsten die Geige zu mehr
Courage im Vorwärtsgehn. Bei 'Lullaby +Exile' fragt man sich, warum sich Wilson
nicht ganz als Ohrwurm-Songbird versucht.
'Go' setzt den Schlussakzent als munterer
Hop und Ringelpiez mit Trommeldrive unddem Reigen flinker Finger an Saiten und
Tasten.

53

WU WEI and KLAAS HEKMAN Oostum Wind
(Strotbrock 021): Wu Wei bläst hier sozusagen als Ostwind, mit Sheng, allerdings seit
1995 in Berlin. Da ist er in den Gelben Seiten
zu finden als Mundwerker mit Marco-PoloRoute-Expertise, aber auch der Richtige, um
mit Sigune von Osten oder Stefan Hussong,dem Akkordeonprof. der HfM Würzburg,
Cage zu fiepen. Ob Musica Nova, barock inSamt und Seide oder whyplayjazzig mit dem
Large Ensemble von Stefan Schultze, Wei
kann's. Der 1949 geborene Hekman ist als
Bläser eines Basssaxofons nicht weniger
speziell, ob als Untermann bei De Zes Winden ab den 80ern, im Bassquartett Intermission mit Wilbert de Joode & William Parker inden 90ern, surinamisch mit De Nazaten van
Prins Hendrik oder im eigenen Ensemble
The NOO Ones, dem er 2013 mit Weis Bambusmundorgel einen fernöstlichen Kick verpasste. Daraus wurde eine Künstlerfreundschaft, die Ende August 2020 eine CoronaSession der Zomer Jazz Fiets Tour in Groningen zeitigte. Und diese elf in der romanischen Kirche auf der Oostumer Terp frei
gespielten Reedduette. Hekman rappelt mit
seinem Blecheumel und zeigt gleich mal die
Spannweite von Ochsenfrosch bis ins schrille Altissimo. Wei schillert dazu mit seinem
bizarren Blasebalg aus gebündelten Orgelpfeifen und bald gipfelt das in einer tobenden Katzbalgerei, deren verblüffend sonoresEnde Konfliktforscher vor Rätsel stellen
dürfte. Die beiden reizen den Kontrast von
Kläffer und Bernhardiner, Büffel und Madenhacker, launig groovend bis aufs Äußersteaus. Sie flöten aber auch Notturnos, wobei
Hekman da zu einer Shakuhachi greift, Wei
wetzt dafür später mal Erhu. Die 'Tropenjahre' bei der Verenigde Oostindische Compagnie muss man sich dazu weniger nostalgisch als mit Schaudern vorstellen. Hekman'Plok't, heult, wuppert, gilft, murrt und blöktin seinen Zinnhumpen wie eine Figur vonFrans Hals. Wei spinnt Klangfäden, bibbert,
zirpt, wirft Schatten und Wellen, beide pfeifen, girrend oder dumpf. 'Geräusch' wird
hoch gehandelt wie einst Tulpenzwiebeln, je
reißfester und verbohrter, desto gesuchter.
Wem wollen sie da bollernd, muhend undzerrend das Tanzen beibringen? Ploppiges
Zungenschlagstakkato und feines Shenglegato zeigen zuletzt nochmal die Distanz,
die die beiden da über-wind-en - spielerisch.
Na geht doch.
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XPACT II (FMR Records, FMRCD6010221): Hut ab vor 'Guter Unterhaltung',
die sowas wie "XPact" mit einschließt. Im
Kölner "King Georg" waren am 25.9.2020
als Entertainer am Start: Stefan Keune am
Tenorsax, Erhard Hirt an Gitarre & Electronics, Hans Schneider am Kontrabass
und Paul Lytton an Trobriander Laptop(haha) & Krimskrams. Mithin also ein
Botschafter des British Spleen, der in den
80ern mit deutschen Adepten spielte, dieheute als 2nd Improv-Generation gelten,
aktiv im Raum Witten-Wuppertal-Leverkusen, hörbar auf dem FMP-Spinoff Uhlklang. Mit Xpact (anfangs noch mit dem
2016 verstorbenen Wolfgang Fuchs) und
Schneiders Erfahrungen mit Fuchs undGeorg Gräwe als Vorstufen zum King ÜbüÖrchestrü. Dem dann Reibereien zwischen Hirt und Fuchs 1986 ebenso ein
Ende machten wie Xpact. Doch 34 Jahre
danach und aufgefrischt mit Keune unddessen - durch John Russell - Knowhow inbritischem Freistil und X-tauglicher Saxpower kam es zum 'Restart'. Mit diversen
Hirt-Sounds, fiependem, rau keckerndem
Altissimo, surrendem Bogenstrich, eifrigem Genestel und Gerappel, kindsköpfisch kakophil. Vordergründig besticht die
Quickness dieser Rasselbande und ihr
sägendes, zwitscherndes, jauliges, brummiges Krachmachen mit teils kuriosem
Spielzeug, über das heutige Kinder ebenso die Rotznasen rümpfen wie über Opas,
die sich derart närrisch aufführen. Keune
kommt kaum runter von seinem Soprangezirpe, Schneider quietschfiedelt und
knarrt, Hirt schrappelt, Lytton gibt Laut
mit Batterie und knatter-rasselt ohne
Strom. Die Großvateruhr schlägt überdieser Ludo=Narratologie eine 13. Traumstunde, in der gleich mehrere Sandmännchen haufenweise Klangbrösel streuen
und die Träumer mit auf den Buckel genommenen Traumbeinen Krachlawinen
lostreten. Bis über beide Ohren eingetaucht in verhuschte Saitenbruitistik,
Rrrreedgefurze, Schrotthagel, Klanggestöber, der eine auf Draht, der andre mit
Pfiff, der dritte dongend oder wuselig, allevier mit fragilen Friktionen oder furiosen
kleinen Schüben. Statt als Überwältigungsstrategen verlocken sie allein mit
akustischer Feinkost, zuletzt nochmal mit
emsigem Stöbern über sturem Bass.

JIM YANDA A Silent Way (CornerStoreJazz,
CSJ-0126/0127, 2xCD): Seit ich diesen Gitarristen aus Iowa mit "Regional Cookin''(1987) & "Home Road" (2014) erstmals vorstellen konnte (BA 94), hat er die 60 überschritten und macht weiter Musik, die Feuer
an die Welt legt, ob einer zuhört oder nicht.
Sein Kreis ist eine Camerata, eine Kammergemeinschaft, mit einer Handvoll Gefährten,über die Jahrzehnte hinweg - der Cellist
Hank Roberts, der Bassist Drew Gress, dieDrummer Damon Short und vor allem Phil
Haynes, in Yandas Trio, The Hammond
Brothers und Haynes' Free Country. So
auch hier, 2019 in Yandas Wohnzimmer, mit
Herb Robertson an Trompete & Synthesizer
und Yanda an einer verstärkten Akustischen. Zu seinem G-String-Stammbaum
gehören nämlich, neben den üblichen Halbgöttern, Roy Clark, Pat Martino, Jim Hall
und hier ja wohl... Derek Bailey? Duck Baker? Denn der Bezug auf Miles verteilt sichganz auf Raum und Zeit. Robertson schabt
mit Steinen und bringt trotz allem Ächz &Krächz kaum Luft durchs Mundstück,
Haynes pocht und streut Brösel übers Set.
Und Yanda? Der übergeht das Pfeifen, Heulen & Stöhnen des im Februar 70 gewordenen Meta-Trompeters mit von aller Kakophonie unberührter Nonchalance und euphon rührigen Fingern. Aber ist plötzlichselber ein krabbeliger Ausbund tönender
Merkwürdigkeiten zu rasselnder, schellender, klackender Schamanerei. Robertson
flötet und trötet weit abseits von Miles'
Ways, ja wie die drei da plonken und sirren,
das erinnert an struppige Lautgebungender Art Brut oder an krasse Incus-Sessions.
Wären da nicht mit der gleichen Selbstverständlichkeit träumerisch geharfte, gezupfte Lyrismen - zu weiterhin grummeliger,
rappeliger, rauschender Percussion und
jetzt brummigen Synthigespinsten. Robertson krakeelt duckburgerisch und zwirbelt EKeys, er spotzt, keckert, haspelt, stottert
und ballert als Scratch-Wizard, schrillt undtudelt mit Melodica über Haynes' verkrachte
Existenz hinweg. Krach und krasser Spaßsind King, nur die Gitarre hält virtuos als
Weißclown oder mit brummigem Unmut dagegen, wenn Robertson zu Haynes' Hyänentatzen, singendem Messing und crashigen
Hieben als komischer Ork zur Attacke bläst,
orgelt und sich gröhlend verausgabt. Das
Ganze x 2, umwerfend.

YORK The Soul Jazz Experience Vol. 1(UpperLevelRecords, ULR011, LP/CD):
Spricht irgend was gegen Leute, die Nufunk und Latin-Jazz spielen oder afrolicious Bossa-Jazz mit 60s Soul & 70s Funkmischen? Na, dann spricht auch nichts
gegen York, der damit in The Bahama Soul
Club ziemlich groß rauskam. Der Bremer
hat davor von 1996 bis 2008 bei Jazzkantine mitgemischt und deren Fusion vonJazz & Deutschrap, und jetzt sehe ichdoch einige die Stirn runzeln. Obwohl, hat
bei denen nicht Nils Wogram posaunt undGunter Hampel gesaxt & gevibet? Egal,
York macht hier sein eigenes Ding, angeregt von der Souljazz-Welle um 1970
rum. Mit Joel Rosenblatt an den Drums,
einem Veteranen mit Experience bei Spyro
Gyra, Don Harris, dessen Partner in The
Funk/Soul Brothers und mit nicht nur jede
Menge brasilianischer Erfahrung, an Trompete. Rick Petrone, ein weiterer alter Hase
mit Knowhow bei etwa Maynard Ferguson,spielt den Kontrabass, R.T. King Gitarre,
und zu noch Percussion und DJ kommt
Yorks Orchestrierung mit Rhodes, Wurlitzer, Organ, Clavinet, Vibes, Saxes, Flutes& Bassclarinet. Für, natürlich, ein 'BSC
Tribute', Tempo, 'Move & Groove' sind daseine, brasilianisches Flair und Chillen anden Stränden von Enchanted Islands das
andere. Dazu Verbeugungen vor Charlie
Parker und Paul Desmond ('CP & PD'),
Booker T. & Stax, abgeschmeckt mit einer
Prise Kurkuma und ordentlich gepfeffert.
Wenn dann noch Guida de Palma aus
Lissabon züngelt, bei der Jazz wie Jazzinho klingt, wenn die kesse Yane Singh
aus London 'Can you feel the heat' fragtoder Pat Appleton ihren De-Phazz- & BSCCharme spielen lässt, um ein bemerkenswertes 'Flamingo Girl' zu evozieren, das ha, Chemie studiert, oder bei 'Too muchtension' den inneren Drang mit ihrem AltTimbre dämpft, wer könnte da noch bockig'I can't get no satisfaction' behaupten?
Klar ist das retro bis über beide Ohren, mit
kessen Kicks durch Scratches und derheiseren Stimme von Miles Davis oder den
von Yves Saint Laurent & Brigitte Bardot
als V-Effekten, so dass den angejazzten
Partypeople doch eine hohe Dosis Sophistication verimpft wird. Style is cool.

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sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e sattenuation circuit (augsburg)

In der von ORiFiCE kuratierten Rollator-Serie überrollt einen hier ein US-Amerikaner, derals NOCTURNAL HISS in harscher Schwarzweiß-Ästhetik Noise+Techno als Rosskur verschreibt, damit wir vergessen, was wir sind. Er macht 'Awful Music for Awful People' unddreht einem damit einen Knoten ins Hirn. 'Humans are the Problem' lautet die Diagnose,"Stop Eating Animals // Start Eating Acid" einer seiner Verbesserungsvorschläge. Degrader (ACRS 1016, CDr) hört sich nach anklagendem Vorwurf an die an, die die Welt so verschlechtern und verhunzen, dass es 'Visible from Outer Space' ist. Es enthält aber auchein Lob jener Organismen, die sich bei der Biodegradation verdient machen. Keine
Kryptiden, wie 'Cryptid Waveform' andeutet, sondern schlichte Saprobionten. Wobei derAmerikaner mit dem Gedanken zu spielen scheint, dass er als eine Art Psi-Man und 'Mind
Force Degrader' falsches Denken biologisch abbauen könnte ('Molten Skull'). Allmachtsphantasien einer mit Superkräften angefiXten Generation? Die sechs Tracks boosten
harsch granulierten Noise mit Gamegeballer und drehen das noch rhythmisch durch die
Mangel. Loopend und in ritueller Wallung oder surrend und mit stanzendem 1-2-1-2-3. Mit
sausenden Repetitionen, stereophonem Weberschiffchen und simpel pochender HayfootStrawfoot-Automatik. Und statt Psi gibt's halt doch nur Schädelbohrer, Sandstrahl undunkünstliche Intelligenz mit Schluckauf und derbem Humor.
Jos Smolders hat vor seinem großen Wurf mit "Submerge-Emerge" und Mallarmés "Un
coup de dés jamais n’abolira le hasard" noch Zeit gefunden, mit seinem Kumpel Frans de
Waard als WaSm "Een" oder Twee (ACU 1030, CDr) Gläschen zu zwitschern. Wenn ich ...vijf,
negen... die geleerten zähle, waren's zuletzt sogar zeven. Ausgeheckt haben sie dabei
Klanglandschaften und Seestücke in altmeisterlicher Neutönerei, in der sich Wind undWellen mit Schiffsmotoren und industrieller Dröhnung vermengen und wallend verdichten.
Durch brummende Konvulsionen hallen dongende Laute. Aber wie tiefenerinnert, alswürde der Wind der Zeit handwerkliche Klänge mit sich tragen, und prasselnder,
tockender Regen Hufgeklapper, das sich berstend konkretisiert. Mit perkussivem Rumoren
in einem leeren Metallfass und pfeifendem Bowing, durchsetzt mit wispernden, maulenden
Funkstimmen, wird es gespenstisch narrativ. In gescratchtem 'Regen' wird metallophon
und pianesk musiziert, ein kleines Motorflugzeug kurvt. Schnarrende Spuren kreuzen sichmit surrenden, jaulenden, froschig knarrenden, stehende Wellen mit rhythmischen - hat
nicht ein Niederländer den Homo ludens getauft? Bis hin zu feinsten Orgeltönen mit
elektronischen Verzierungen, über harmonischem Kurven mit einem wiederkehrenden
Klapperakzent.
56Mağara (ACU 1031, CDr) bringt ein Wiederhören mit Melih Sarıgöl von FezayaFirar, der da
als f:rar seine Wahlheimat Berlin durchstreift. Als verschreckter 'Höhlenmensch' - Mağara
= Höhle - , dem Covid-19 einbleut: Draußen ist feindlich. Die U- und S-Bahn ein Spinnennetz, der soziopsychische Gegenwind infektionell verschärft. Die Fahrtgeräusche ein
nervös machender Beat, ein Dauerbeschuss der Sinne, Herzschlag und ein Pfeifen im Ohr,
Cartridge Music und Techno-Noise im Ohr. Friedrichstraße, Friedrichshain, wer kennt sichda aus, neu in Berlin? April 2020, der grausamste Monat, voller Angst in einer Handvoll
Staub, das Leben schlurchend ausgebremst. F:rar kreist um sich selbst, kocht im eigenen
Saft, im Underground als Disco-Cave, umbrodelt und monoton beklopft von eisernen
Schlägen, gedeutet als Ritual-Beat. Alles wird zum Loop, Beat stakst als Alien-Aggressor
und leert die Straßen mit seiner Impuls-Waffe. Nur noch die Phantasie treibt Blüten, die
Stadt wird zu einem Pompeij, einem Troya. Der wie durch eine Gasmaske keuchende Atem
ist nur leer drehendes, leise knurschendes Vinyl, holzig betickelt. Alexander ist bloß ein
einsamer Skater, seine Heereszüge gegen Schweden, Napoleon, die Türken nicht mehr als
eine ferne Pauke im Kopf. Steckt im 'Postdamm Syndrome' ein verballhorntes Potsdam?
Der Beat dazu tuckert und pocht uptempo, in Fluchtgeschwindigkeit.
Es gibt bei DOC WÖR MIRRAN zuverlässig zwei Konstanten: Ein nostalgisches Erinnern
ans Goldene Zeitalter des Rock, mit immer wieder dankbarem Gedenken an dessen dahingehende Heroen - Jerry Garcia, Woody Guthrie, Ray Manzarek, David Bowie, John Wetton, Keith Emerson, Jaki Liebezeit... diesmal an Elliot Mazer (1941-2021), Studiowizard fürNeil Young, Janis Joplin, Bob Dylan und Linda Ronstadt. Und der synchrone Schulterschluss mit Gesinnungsgenossen wie Frans de Waard, Paul Lemos, Jad Fair... als Spätlinge
in der immerhin noch silbernen Postpunk-Postmoderne. Wobei Diaspar parts 1 to 12 (ACU
1033, CDr) nun sogar beides vereint, den Silberklang von Ron Lessard (Emil Beaulieau,
RRR) und Jello Biafra (Dead Kennedys) mit Conrad Schnitzlers goldenem Glanz von Tangerine Dream und Kluster her und als Con-tinuum bis 2011. Wenn auch 'nur' virtuell mit
Bändern aus den 90ern und Studiowizardry à la Mazer und Macero. Dass Biafra vor 20
Jahren mit Lard "70's Rock Must Die" gebollert hat, well, das fällt unter 'rau, aber herzlich'.
'Diaspar' führt ins Golden Age of Science Fiction, in die von agoraphoben, einem Zentralcomputer total hörigen Unsterblichen bewohnte Kuppelstadt von Arthur C. Clarkes"Against the Fall of Night" (1948) / "The City and the Stars" (1956), der auf einer vor Jahrmillionen - sprich: demnächst - verwüsteten Zukunftswelt nur noch Lys als grüne Oase
sterblicher Telepathen entgegensteht. Clarkes - wohl von DWM geteilter - Skepsis vortranshumanen Ambitionen zufolge resultiert das aus den Versuchen, eine perfekte KI zu
erschaffen, die aber nur etwas Irres (the Mad Mind) oder Naives (Vanamonde) hervorbrachten. Beschallt wird das in einem wie der Tierkreis 12-teiligen Zyklus mit aus Sounds
von Joseph B. Raimond, Ralf Lexis, Stefan Schweiger und Michael Wurzer kreierter undvon Adrian Gormleys Saxofon überblasener Synth-Noise-Psychedelik, (2.) aus Tape- und
Doom-Wellen gewobenem Dark Ambient, (3.) Pianogehämmer und schweinisch kirrendem
Noise, (4.) brummigen Drones, (5.) zischenden und glissandierenden, perkussiv markierten
Schüben, (6.) alarmierten, von Stöhnen durchsetzten Kaskaden, (7.) verrauschter, nachtvogelig durchflöteter Träumerei, (8.) quecksilbrigen und unruhig gewellten Verwerfungen,(9.) kurvenden Dehnungen und stehenden Luftlöchern, (10.) verunklartem rhythmischem
Pulsieren und verhallenden Silberspuren, mit (11.) Look at this! A taperecorder als V-Effekt
in einem knirschenden, impulsiv drangsalierten Selbstbezug sowie (12.) als zuletzt wüst
verrauschter Loop mit kreisendem Nein!... Nein!... Nein!?

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Als ebenfalls (ACU 1033-CDr) reflektiert r I ɘ das Re:flexions / Sound-art Festival am
03.07.21 in Augsburg und den dabei herrschenden All-in-Spirit. Dass der von Attenuation
Circuit herrührt, wird einmal mehr unterstrichen durch die scheuklappenlose Paarung vonMusike(r)n, die sich ansonsten erst im Unendlichen treffen. Bei AC ist es dagegen ganz
normal, die bundlose Gitarre von STEFAN SCHMIDT mit den Electronics von EMERGE
improvisatorisch zu amalgamieren und DOC WÖR MIRRANs untergrundkultigen Linksdrall
mit den Sounds der Stimme und der Selbstbauinstrumente von Peter Johns lange obskur
gebliebenem Projekt THE OVAL LANGUAGE, und sogar den Feedbackkrach von CARSTENVOLLMER zu fusionieren mit Jan Kiesewetters Tenorsax & Stimme + Eric Zwang-Erikssons
Drums. Die sich 2017 noch NAJEZE nannten, halten nun als SPRENGMEISTER Auxburg als
Jazzstandort hoch, wobei der Saxer sich mit der Monika Roscher Bigband, dem Monica
Swing Ensemble, Los Molineros und Kiesewetters Gammarama als gediegener Jazzer
gezeigt und der Drummer seinen Ignaz Schick und Udo Schindler umfassenden ImprovRadius schon mit Sascha Stadlmeier erweitert hat. 'Die Unterschreitung' mit Vollmer öffnet
im bodenlosen Noiseexzess eine Reihe von Fenstern, durch die Saxtöne und Beats hörbar
werden, aber kaum pur, vielmehr auch selber fx-verzerrt und -gewellt. Als hartgesottenes
Wechselspiel auf infernalischem Terrain. DWM - oder doch John selber - tickt/klopft bei'Oval Eclipse' zu vokalem A-B A-B..., Klänge brodeln und zerfasern in Kaskaden. Faunisches Pfeifen und Flöten kontrastiert mit angestrengt repetierten Lauten eines Schamanen oder trainierenden
Kraftsportlers, DWMs Beitrag kann ich nur in der leicht
morriconesken, von Grillen bezirpten, dezent psychedelischen Samplingspur vermuten. Seltsam, seltsam. Abergleich der dark ambiente Einstieg, 'El Martirio de Las Ranas', zieht in spanisch angehauchter Gitarren-Tristesse in
ein Imaginäres, zu toltekischen Ruinen, zum Schlagen wer
weiß welchen Herzens, zum von Möven überschrillten Uferwer weiß welchen Meeres. Selbst in nur brodelnder Mikrodosis ist das zu groß für ein elektronisches Reagenzglas,
und dann wird es zuletzt auch noch von einer leicht
arabesken Tiefenerinnerung touchiert.
L'incertitude des signes (ACU 1036, CDr) führt in die
Bretagne, zu INTERNAL FUSION. Das ist Éric Latteux und
bei näherem Hinsehen ein alter Bekannter, der schon
erstaunt hat mit Jérôme Mauduit (Désaccord Majeur) als
Tlön Uqbar mit "La Bola Perdida" (1999) auf Staalplaat, wo
er zuvor selber mit dem Vajrasattva-Mantra "Om Vajra
Sadva Hum" zu hören war. Ungewissheit ist bei ihm das A
und O und trieb ihn dazu, vor dem Spiegel immer wieder"Mais qui êtes vous ?" [Aber wer bist du?] zu fragen. Unddabei setzt er selber doch mit 'Noöh', 'VirHatem', 'Horr','Innoha', 'Achan', 'Nahal', 'Häni', "Octon", "K.O.M.S.O.M"
schwer zu deutende Zeichen - oder meint "Suon" wirklich
nur Klang? Der Klang hier wird über 55 Min. immer wieder
in einer Zentrifuge zermahlen, in geräuschhafter Abstraktion, in metalloid schlurchender,
surrender, anschlagender Konkretisierung. Und taucht doch immer wieder aus dem
rauschenden, sirrend und zerrend loopenden Mahlstrom auf als sich unaufhörlichdrehendes Shoegaze-Mantra, mit orientalistisch schlängelnden Bläsern zu pochendem
Tamtam, mit orgelig hypnotisierendem Dreh zu sonor gestrichenem Bass und mit tribalistisch getrommelten, postindustrial verzerrten Übergängen von einem zum andern, dievage Erinnerungen an Muslimgauze wecken. Es ist Musik, wegen der man Art brut und'primitiv' genannt hat und die Tropen traurig. Latteux zeigt damit, wie gut Schmutz undUngewissheit als Gleit- und Klebstoff taugen zwischen Rand- und Übergangszonen.
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Constellation (Montréal)
Was ist das denn für 'ne Geschichte? Nach dem Tod des mexikanischen Haus- & Gartengestalters Luis Barragán (1902-1988) gelangt ein Teil seines gedrittelten Nachlasses, vonder Witwe des dritten Nachlassverwalters versteigert, als Barragán Foundation an den
Präsidenten des Schweizer Möbelkonzerns Vitra, der ihn seiner Verlobten als Morgengabe
verehrt, die ihn seither unter Verschluss hält. Seit Jahren nagt die multimediale Konzeptkünstlerin Jill Magid, die sich bei "Evidence Locker" (2004) mit Liverpools Überwachungskamerasystem CityWatch und bei "The Spy Project" (2005-10) mit dem niederländischen
Geheimdienst auseinandergesetzt hat, an diesem Knochen, und hat das in mehreren Ausstellungen und mit "The Proposal" als Film ausgestaltet. Obwohl all das kreist um authorship and ownership, property rights and copyright law, das globale Schachern mit
nationalen Kulturgütern und deren Rück- und Zusammenführung, ähnelt es doch einem
postmodernen spanischen Roman. Insbesondere wenn Magid der 'Verlobten' den Vorschlag macht, den Nachlass gegen einen aus ein bisschen Barragán-Asche gefertigten
Ring zu tauschen (ein Servive, den LifeGem bietet und um den sich Megids Projekt "AutoPortrait Pending" drehte). Damit, oh holde Kunscht, würde auch noch ein Liebesmotiv mit
angeschlagen. Das jaulende Geräusch, das bin ich, alles andere der Original Soundtrack
zu The Proposal (CST151), den T. GRIFFIN komponiert und selber in Brooklyn mit intoniert
hat, an Samplers, Banjo, Guitars, Percussion, Keys, Field Recordings & Voice, mit noch
Klangfarben von Sophie Trudeaus Violine. Als Soundscape mit postrockiger Atmosphäre,ambienten Dröhn- und Orgelwellen und zartbitterem Saitenspiel von Geige, Gitarre oderBanjo, mit empfangsbereitem, statt forderndem Feeling. Wenn 'Architecture of Noise' danndoch Schritte unternimmt, führt das wieder nur zu einem sublimen Geigenbeben und dem
wehmütigen Orgel-, Bass- und Glockenspiel von 'As Ever' als feierlichem Trauermarsch.
Bis zuletzt die kleine 'Grass Horns'-Band mit Matana Roberts, Reut Regev, Jason Ajemianund Jim White, die zuvor ein düsteres TamtamTamtam gepaukt hat, wiederkehrt und nun
die beiden ersten Silben von 'A Love Supreme' swingt.
Der Saxofonist JASON SHARP ist mit Matana Roberts, dem Ratchet Orchestra, Shalabi
Effect, vor allem aber durch Land of Kush bekannt. The Turning Centre of a Still World(CST154) ist, wie "A Boat Upon Its Blood" (2016, w/Joe Grass und den Zubot-Brüdern),
Music for amplified heartbeat and breath, und, nach "Stand Above the Streams" (2018,
w/Jesse Zubot), nun wirklich ganz solo, nur mit intensiv angerautem Baritonsax, Modularsynthesizer, Lyra-8, Theravox & Moog Bass. Nach dem von Robert Creeleys Poem 'The
Heart' inspirierten 'Still I sit, with you inside me' (auf "A Boat..."), horcht Sharp nun nicht
mehr nur auf sein Inneres, seinen Herzschlag, zumal dort so Schauriges droht wie bei
Poes 'Tell-Tale Heart'. Sondern er sucht, zwischen 'Upwelling Hope' und 'Humility of Pain',in einem erhaben dröhnenden, pulsenden, in psychedelischem Farbenrausch und mit
prächtigem Pathos quellenden und wallenden Ritual das Du, das er mit 'Everything is
Waiting For You' duzt. Sei es der 'Blossoming Rest', der nicht Ich ist, sei's ein Mehrwert im
Dasein, das in seiner Flüchtigkeit ('Velocity of Being') zu vergehen droht, bevor das eintritt, das er mit allen Fasern erhofft und erwartet, vor dem er zu bedingungsloser
Kapitulation bereit ist ('Unwinding Surrender'). Nur der Schmerz hat es nicht eilig, seinschleppender Tritt bleibt der gleiche, und wenn man sich noch so in Schlangenschlingenoder in einem Nessushemd windet. Schwingt im 'Everything is waiting...' nicht das All of
Ethiopia awaits you / My prodigal son mit, das Jeanne Lee und →Antonella Eye Porcelluzzi
angestimmt haben? Oder hallt da schlicht David Whyte wider, der Heuschreckenflüsterer
und Bergdoktor der Poesie (nicht zu verwechseln mit dem David Whyte von "Ecocide: Kill
the Corporation Before it Kills Us")? Egal, bei Sharp feiert die Macht der Wortlosigkeit
Triumphe. Das Artwork ist vom Experimentalfilmemacher Daïchi Saïto, dessen "Engram of
Returning" (2016) und "earthearthearth" (2021) Sharp im Gegenzug mit seiner Music forheartbeat and breathing beschallt hat.
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Crónica (Porto)
Vilniaus Degtinė, eine Destille, die seit 1897 im Baltikum den Promillepegel hochhält, war
teils auch Schauplatz des Muzika Erdvėje [Music in Space] Festivals in Vilnius. Matas
Drukteinis & Agnė Matulevičiūtė haben 2019 dazu auch YIORGIS SAKELLARIOU eingeladen, der als Lecturer an der örtlichen Litauischen Musik- und Theaterakademie und derVytautas Magnus Universität in Kaunas nicht erst aus Athen anreisen musste. Seit 2003
aktiv, auch als Mecha/Orga, war er mit Jos Smolders auf Korm Plastics zu hören, mit "In
Aulis" auf Unfathomless in Brüssel, mit "Nympholepsy" auf noise-below. Mit Degti (Crónica
171~2021, gelbe C-54) kehrt er zurück zu Crónica, wo bereits "Stikhiya" erschienen ist.
Hatte er zuvor dem Genius loci in den antiken Ruinen seiner griechischen Heimat nachgespürt oder dem Ambiente auf Naxos, in Syrien, Tunesien, Marokko oder Thailand, wares für 'Degti' der Geist in den Maschinen der Destillerie, der Geist des Gins und eponymose Witz aller Spirituosen. Er füllt einen ab mit einem akustischen Degtinė-Destillat, dasals Soundscape einen Gegenentwurf suggeriert zu monotoner Arbeit und prosaischem
Geschäft. Etwas Unheimliches, dem man sich nur mit dem sprichwörtlichen 'Pfeifen im
Wald' annähert, ob aus Notwendigkeit oder als Mutprobe. Man tappt im Dunkeln durch ein
dröhnendes Ichweißnichtwas, durch ein rauschendes Ichweißnichtwo. Als wäre man Teileiner primitiveren "Truman Show" und man könnte das dampfende Ächzen der angeworfenen Regen- und Windmaschinen mithören, obwohl man nur im Teufelskreis einer Abfüllmaschine Karussell fährt. Die Grenze zwischen Prosa und Poesie verwischt, eben noch
Vertrautes nimmt phantastische Züge an, eine Maschinenhalle wird zum Bahnhof, aus
simpler Automatik der staksige Tanz einer Tinguely-Skulptur, die die gleichförmige Produktion von unnützen Dingen spielerisch transformiert. Ins wummrig-impulsive Rauschenvon 'Be Pavadinimo' sind prasselndes Feuer, ferne Schüsse, das Klacken von Steinen eingebrannt. Nach minutenlanger Erwartung nähern sich unwirkliches Grillengezirp und ein
surrendes Insekt, die Stille knistert, Wind und Wetter erfassen die Szenerie in einem
crescendierenden Regenguss. Als Reprise klirrt und rauscht nochmal das Degtinė-Abfüllband als Glasbeben und Antiphon wie von Monstergrillen und als Angriff einer Phalanx vonMetronomen. Idealerweise lauscht man dem in absoluter Finsternis.
Reduced to a Geometrical Point (Crónica 173~2021) ist ein mit Feedback matrices, oscillator banks und multi-processing geschaffener Soundscape eines alten Bekannten, DAVIDLEE MYERS. Wobei so manche den New Yorker Spielgefährten von Thomas Dimuzio, Vidna
Obmana, Tod Dockstader und Asmus Tietchens immer noch als Arcane Device gespeichert
haben - mir geht es durch "Engines of Myth" (ReR, 1988), "Also sprach Zarathustra" (Anckarström, 1991) und "Diabolis ex machina" (Korm Plastics, 1992) ebenso. Und er hat ja
diesen Namen auch bei "Nodes" (Pulsewidth), seinem 20. Release, gerade erst wieder
verwendet. Hier nun fand er seinen Angelpunkt beim Schweizer Traditionalisten Frithjof
Schuon (1907-1998): ‘You must detach your life from the awareness of the multiple andreduce it to a “geometrical point” before God.' Ohne sich getroffen zu fühlen von dessen
Verdikt der Verirrungen der zeitgenössischen Kunst, folgt Myers dem »Alawiyya Maryamiyya«-Kultler ins Primodriale, wenn er seinen Standpunkt, in dem sich oszillierende unddröhnend glissandierende Raum- und Zeitachsen kreuzen, auf den Urkontinenten 'Laurentia', 'Pannotia', 'Gondwana' & 'Pangae' imaginiert. Um in mikrokosmischer Dosierung
die Unermesslichkeit des von der ultimate creative force of the universe Hervorgebrachten
in sich beben zu spüren, in shoe-gazender Versenkung, als Feedback auf den göttlichen
Quellcode. G wie Gravitation, E wie Energie, Elektrizität, Ewigkeit, O wie Omniverse, Omega. Schuon, dessen Sophia perennis im Fahrwasser René Guenons von Umberto Eco als
Ur-Fascism, or Eternal Fascism charakterisiert wurde, bildet jedenfalls, nach Newton,
Nietzsche, Wilhelm Reich oder Tesla, einen ungeahnten Bezugspunkt für sirrende undsurrende Dröhnwellen, für schnurrend kurvende, schwirrende, vielspurig raumgreifende
Oszillationen, für in sich bebende, flatternde, verzerrt sausende Frequenzbänder, die das
innere Auge mit panchromatischen Panoramen überschwemmen.
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Dorninger - base (Linz)
Wenn Wolfgang "Fadi" DORNINGER auf Phrasemongering (base 2108-28) die Phrasendreschereien selbsternannter oder gewählter Bürger:innen kollidieren lässt mit den
Verirrungen ('Error') quer gedachter Fehleinschätzungen, und "Leugnen, ablenken, lügen,betrügen" ('Deny, Deflect, Lie, Cheat') als das Mantra unserer Zeit geißelt, dann hat er inÖsterreich und mit größeren Sorgen als nur der Ibiza-Affäre, der "Freunderlwirtschaft à laKurz und selbst der ÖVP-Version der 'Orbánisierung' seinen eigenen Hallraum. Um aberjeglicher Selbstgefälligkeit vorzubeugen, lasse ich ihn auch, ja zuvorderst die hiesigen
Verhältnisse beschallen, die Bernd Weber, mein ältester Abonnent, gerade mit seinem
Frankfurter Rotstift so bilanziert hat: "Digitalisierungs-, Bildungs- und Pflegenotstand","Ruinierung der Solar-Industrie", "Strom-Verteuerung", "Transrapid-Ruin," "Maut-Debakel", "CUM-EX", "Wirecard", "Riester-Rente", "schwarze Null", "Masken-Skandal", "Corona-Diktatur", "Impf-Desaster", "Flutkatastrophe", "Afghanistan-Desaster", von den schwer
durchschaubaren Verbrechen im Ausland (Rüstungs-, Tier- und Müll-Eporte u.s.w.) mal
ganz abgesehen. Dazu schmelzen die Gletscher dort wie hier ('After the Thaw'), steigen
und stürzen die Fluten überall ('Driving Rain'). Verwandelt sich da 'Ambient' als Varianteder elektronischen Musik, bei der - laut Wikipedia - sphärische, sanfte, langgezogene undwarme Klänge dominieren, als das, was es - nach Merriam-Webster - an sich ist, nämlich
existing or present on all sides : encompassing, nicht zwangsläufig vom Kokon zum Capriccio? Hat sich nicht wie im Bilderwitz das idyllische Inselchen unter Palmen als derRücken eines Wals entpuppt, der dabei ist, abzutauchen? Nun ist der 'Fadi', so lange es ihn
gibt, von Monochrome Bleu über Josef K. Noyce bis Wipeout und selbst als Smiling
Buddhas nie ein Idylliker gewesen, sondern einer, der sich über das Verschwinden Gedanken gemacht hat ("Hisatsinom"). Oszillierend zwischen Fern- und Heimweh, als ein
Bergbezwinger und Biker, der für seine Aural Travelogues in den Himalaya, die Kordilleren, die Atacama-Wüste oder die Alpen Gefahren nicht gescheut hat, der durch das alt
gewordene Latium und die schwarze oder nachtlose Magie nächtlicher Städte gestreift ist.
Und dabei überall Schönheit fand - Eerily beautiful sight seufzt er bei 'The Mind Sings Soft
Tones', doch nirgendwo Milch und Honig, nirgendwo Shangri-La, nein, nur Fragility everywhere. Für 'Dystopian Daydreams' gibt es nicht erst seit Covid-19 gute Gründe. Da hilft
kein Lügen, kein Betrügen. Was helfen könnte, wären Friendship, trust and solidarity! Micherinnert diese Trias an Beauty, truth, and rarity, wovon, wie 'Fadi' ("Josef K. Noyce Sings
Shakespeare", 1989) einst gesungen hat, bei Shakespeare nur Asche in einer Urne
bleiben: Truth may seem, but cannot be; / Beauty brag, but ’tis not she: / Truth and Beauty
buried be. Dagegen steht hier ein trotziges I want friendship, trust, solidarity! / Now andalways, forever, humanity. Bei all dem Blah Blah Blah gereicht es zur Ehre, wenn der Einspruch - I cry... I scream - Rage (Weber) und Pathos (Dorninger) streift. Der Sound dazu ist
zugleich eisern angeschärft und melancholisch, der Beat ein monotones, ostinates Pochen. Und Dorninger croont als rauer Herzausreißer, der sich, emphatisch und aggressiv,
ins Zeug legt wie lange nicht. Der Beat tickt nervös, Loops schlurchen, Metall bebt und
fetzt, Beatz stanzen und wirbeln über dämonisch repetierten Lauten. Die Lügen klingeln
und zirpen in den Ohren, der Beschiss paradiert und stompt wie auf 'ner Love-Parade, undallzuviele lassen sich von We love to entertain You-Schmus die Liebe und von Algorithmen
das Leben erklären. Dabei ist der Herzschlag der Erde nahe am Herzflimmern, die Fundamente zittern, die Hitze walzt als dicke Tante und lockt mit Flötentönen. Wie wird sich's
leben lassen in Schlamm und in Wüsten? Tam Tam Taramtamtam. Après nous...? Ick bün
all hier! Der Chor der Frösche bläht die Bäuche, die einen stampfen wampig im eigenen
Mist, die andern spiralen abwärts und nennen's vorwärts. Dorninger raunt zu düsteren
Synthibläsern: ...the revenues / they destroy the ties / All lies, lies, more lies . Dagegen:
Freundschaft. Auch bloß eine Phrase? Ja, Brechts 'Solidaritätslied' ist vergessen, die Proletarier sind verdunstet, die Tyranneien blieben, und eine "Solidarität der Erschütterten"(André Glucksmann) ist so wenig in Sicht wie eine Antwort auf Wessen Morgen ist derMorgen? / Wessen Welt ist die Welt?
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E-Klageto / La Bois / Psych.KG (Euskirchen)
William Boppe? THE BLiZZARD SOW? Erst als ich 'Music by Denis Frajerman' lese, fällt bei
mir der Groschen. Von Guillaume Boppe stammen die Lyrics zweier Lieder auf "Rivièresde la nuit", und Boppe hat als französischer Cousin von David Tibet die Neofolk- & Nightmare Pop-Songs auf "Baagou music" (2003, Cynfeirdd) angestimmt, zusammen mit Frajerman als The Blizzard Sow. Dass das als nocturne, moite, dérangée und an Schwarze Magie
grenzende Album William & Ismaël B. zugeschrieben wird, den Söhnen einer ukrainischen
Sängerin, die ihnen mit Apollinaire und Mauriac eine Sehnsucht nach Frankreich einflößte,dass es mit ukrainischen, rumänischen, ungarischen und neapolitanischen Freunden inSighet entstanden sei, einem Ort, der als einstiger kommunistischer Gulag für ein Fortissimo aus frig, frica si foame (Kälte, Angst und Hunger) berüchtigt ist, steht allerdings eher
für F wie Fake. 2009 raunte Boppe, zu Tapeklingklang und Deprorock von El Faroud, 'Anita'
und 'Our Marriage and Divorce' als Vorgeschmack auf "Three trees outer of check" und"The sin of Muvalka", die jedoch nicht erschienen sind - anders als die bei Propos2
publizierten Lyrikbände "Vague" (2012), "Toi" (2014) & "Le Coude" (2017). Erst 2021 erklingt auf der sich ganz um Mexiko drehenden Camembert Électrique-Compilation "¡Ay
Caramba!" (an der z. B. auch Antonella Eye Porcelluzzi und Hans Castrup beteiligt sind)'L'homme Absinthe'. Und ist, ebenso wie 'Our Marriage and Divorce', nun Teil von Foggy
songs for the first periods (Exklageto 29), zehn Boppe-Songs und fünf Chansons, denen
die Sehnsucht zugrunde liegt, die William ergriff, als er seinen Bruder in der Psychiatrie
besuchte. Für die im Vorwort Solène Illonescu (guitariste et compositeure) zugeschriebenen Arrangements zeichnet im Impressum freilich Frajerman verantwortlich, und nicht
der Organist der koptischen Kirche in St. Petersburg, sondern er, Frajerman aka El Faroud,spielt Keyboards, RBox, Guitars & Bass, neben Klangspuren von Viola oder Flöte undLaurent Rochelle an Bassklarinette, der auch schon auf "Rivières de la nuit" zu hören war.
Boppe seinerseits präsentiert sich neben seinen Texten & Vocals als Übersetzer von"Hundert Länder, in denen die Rosen rot sind" [Cent pays où rouges sont les roses], Poesie
von Sonia Abendlicht (1959-1988), einer DDR-Dichterin, unbekannter noch als der unbekannte Soldat, deren 3-Zeiler nach Baudelaire, Rimbaud, Apollinaire 'riechen'. Im Juni
hat Boppe sich im Rahmen der Ausstellung "A corps perdu" in Abais (bei Nîmes) mit "75
Scheren aus Eis“ [Soixante-quinze ciseaux de glace] weiterhin in diese feminine Fiktion
verwandelt, um poetische Abendlicht-Proben in Glasröhrchen auszustellen. Als Sänger
zieht er einen through the darkness of my body mit in unheimliche Phantasien, die
Frajerman mit simplen Basstupfen, Zitterwellen und Coldwave-Maschinenbeats illustriert,'Homesick' mit dub-weichem Backbeat, 'Grammar of the deep sea' mit orgeliger Tiefseemelodik. Boppes Timbre ist inzwischen ein sonorer Bariton, der einen einlullen und
hypnotisieren kann, weil einen auch die Beats und Drones bedröhnen und die Gitarre
einem die Flimmerhärchen flimmern lässt. In 'The bus driver', 'The Christ on ice' und'Feeding the highway' schwingt ein Anhauch von David Lynch mit, eine düstere Gothicness
mit dunklem Tamtam bei 'The lights on the hill', unheimliche Vogelschreie. Der Gesang wie
für sich und ganz abgekehrt von Popglamour, der Sound bei 'The broken bike' nur noch
zermulmter Noise, während 'Auntie Rosie' zu Zweifingerkeyboard mit Dark Cabaret flirtet:
She is not really a witch, she is not really a bitch, but... Für 'Daddy has drunk the sea'
kommen wild knarrende Bassklarinetten ins Spiel, Eric Rogers Kornett beginnt zu röhren,
doch letztlich bleibt wieder nur Orgelmoll. Mit 'Dans les champs de la nuit' steuert gleich
das erste Chanson uptempo ins Desaster. 'Le ramoneur' wälzt sich mit Geflöte und wieder
Bassklarinette in Ruß, 'Plein d'etoiles' zählt mit Keys und Gitarre klimpernd erst kinderliedhaft die Sterne, wird aber immer galaktischer. Zeit für den grünen Engel, der den
Schädel spaltet mit Glockenspiel, Gruftbass und mexikanischer Trompete und den Absinth-Homme rekrutiert ins Regiment der Untergeher. Boppe endet mit 'Que peut ton
ivoire' als ohrenzupfendem Drehwurm, als Rattenfänger oder, schlichter gesagt, Verführer,
bei dem nie so ganz klar wird, ob er einen in Künstlerkneipen entführt, ins Mysterientheater oder als Kaminfegerjungen zu den schwarzen Brüdern.
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The Blizzard Sow

Mit Denis Frajerman auf den "Rivières de la nuit",
mit Guillaume Boppe 'Dans les champs de la nuit',
mit DDAA "Dans la nuit du souterrain scientifique". Ah, DDAA. Dass Jean-Luc André, JeanPhilippe Fée & Sylvie Martineau Fée, seit 1977
Herz & Hand & Hirn von Déficit Des Années
Antérieures in Lion Sur Mer im Corona-Sommer
2020 in ihrem Studio "Le souterrain scientifique"wieder kreativ gewesen sind, zeigt Ah La Faim !
Bigre Mens Tu ? (La Bois 35, 10" Lathe cut, 35
Expl. mit Artwork von frau-unbekannt). Der letzte
Stand der Dinge war gewesen: Auf Psychofon
Records ihre Feststellung "Dada est mort". Vive leKeuchisme! Und - auf Illusion Production - "Rapad-D-Rapad", ihre kosmogolische (sic!) Transformation von Eric Saties "Parade" in ein steampunk-orchestrales Pulsen und futuristisches
Stampfen, Hämmern und vinylrubbeliges Brodeln.
Mit Melone und Zwicker und, richtigrum betrachtet, doch wieder hinten raushängendem da-da.
Auf "Ah La Faim ! Bigre Mens Tu ?" spielen sie mit
animiertem Tamtam, halb Art-Brut-Gamelan, halb
Marimba-Exotica, für ein tribales Tänzchen auf,
mit kurioser Daxophonie auch, geklopften Steinchen, geklopftem und rhythmisch geriebenem
Metall, sogar Phantomtrompete, was dem repetitiven Duktus einen Possible Worlds-Dreh gibt.
Einerseits. Andererseits erklingt ein schwammiges Pulsen zu wieder Marimba, ein klapperndes
und dumpfes Tamtam zu klagender Trompete undWolfsgeheul, das sich jedoch allem zum Trotz mit
Geflöte und summendem Singsang eingroovt,
rasselig sirrend aufhellt und mit E-Gitarre undSteelpansound am Schwungrad kurbelt, dass es
Echowellen wirft. Dieser archaisierende Exotismus einer Folklore imaginaire zieht sich als
DDAAs Raison d'être durch die Jahrzehnte: Reine
Africaine, Radio Tombouctou, Danse Papou
1980... Path in the Wakasa Forest 1982... Zeit- undTraumreisen nach Afrika und Japan, ins Mittelalterund ins Prähistorische... Chants et Tambours
Maracayace d'Ankazoabo à Morafénobé 1992...
De Gaulle à Bayeux als surrealer Sprung rückwärts... zeitgenössisch mit Joseph Beuys und Le
Corbusier... mit dem Ph. K. Dick'schen VoightKampff Test Blade Runner-futuristisch... "Pourriture Cubique" [Fäulnis im Quadrat] = Victor Hugo
hoch André Breton... mit einem Wort: Rruvurrhh!
http://gboppe.blogspot.com/p/projets-alternatifs.html
https://gyaanipedia.fandom.com/wiki/Denis_Frajerman
https://ddaa.bandcamp.com/

PS: Abonnent*en der BA 111 können sich glücklich schätzen, denn sie erhalten "Foggy
songs for the first periods" von THE BLIZZARD SOW
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Marco Lucchi (Modena)
Antonella Porcelluzzi hat mich auf MARCO LUCCHI gebracht, a mellow artist aging 65, derin Modena mit Mellotron oder Piano, Synth, E-Violin, Acoustic & Bass Guitar, Tape & Treatments sich seine persönliche Audiosphäre kreiert. Als Kokon, als Wohlfühlraum, als einladende Emo- und Kulturosphäre, die er schafft und erhält mit animistic contemplations,nocturnal meditations und heidnischen Gebeten zur "Mater Natura", zu "Astarte" und"Thot", mit Wurzeln bis Knossos, bis Lascaux, und Fühlern ins Transhumane (Oltreumano).
● Seine ältesten Spuren finden sich 1989 mit "Fados" (im Quartet mit Geoff Warren), 1993
in den Kunstliedern von "Eranos" und 1995 mit "Il Mito Giardino" (mit Eranos Ensemble
und dem Dichter Giuseppe Conte) und dem elektroakustischen "Shipping" (für Septett)und Castanedas sieben Traumtüren ins Anderswo: longing - floating - walking - waiting...
● Als Türöffnern dankt er mit "Poets" (2010) Arthur Rimbaud, Henri Bergson, Jozef Van
Wissem, Odillon Redon, Charles Ives, Vincent Van Gogh, Gustav Mahler, John Fahey, derspanischen Philosophin Maria Zambrano, James Blackshaw, Erik Satie... Er feiert mit "Il
Giardino di Tutte le Delizie" (2016) Florian Fricke, mit "Summer of Love" (2017) den Geist
der Utopie, mit 'The Spirit of Eden' (2019) das Andenken von Mark Hollis...
● Mit Jack Kerouac visioniert er die Natur als Golden Emptiness, Golden Age ("the Golden
Eternity"), in gloriosen oder melancholischen Bildern erscheint sie als Schechina und
Gloria, mit Abendrot, Regenbogen, Schwan, Eule und Schwalbe als Archetypen...
● Er sitzt, ergriffen von Tarkowskis "Nostalghia" und voller "Sehnsucht" vor dem offenen
Meer, mit "La neve dell'Orlandina" (2012) als exemplarischem Dröhn-Trip mit Horn & Pianound mit "Maelstrom" (2020), "piano patterns" (2020) oder "Courantes" (2021) in pulsendem Minimal-Flow. Und reimt doch auch Meer auf "Wrecks"...
● Mit Morphing macht er sich Brian Enos "Thursday Afternoon" zu eigen, John Cages "In a
Landscape", Arvo Pärts "Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Joannem", "Stabat
Mater" & "For Alina", Meredith Monks "Ellis Island", Musik von Alio Die, Aphex Twin, Sōmei
Satō, Incredible String Band, Martyn Bates & Eyeless in Gaza, Pink Floyd, Jocelyn Pook,David Lang, Josh Varnedore, Tim Buckley, Matteo Marchisano-Adamo, Moondog, Ravi
Shankar, King Crimson, Shanyio=Alexandru Hegyesi, Boards of Canada, Tangerine Dream,
Hildegard von Bingen, Jan Garbarek & the Hilliard Ensemble, "Engel der Luft" von PopolVuh, "Piano Phase" von Steve Reich, "Medusa's refrain" von Terry Riley, 'The death of
Shelley' von Loren Mazzacane Connors, "The space between" von Joanna Brouk...
● Mit dem Orchestra Eclettica e Sincretista, seinem Sohn Dario, Wilhelm Matthies in
Kenosha, WI, Paulo Chagas, Paul Mimlitsch in Evergreen, CO, Noël Akchoté, Glenn Sogge
in Oregon, Mean Flow in Thessaloniki, Henrik Meierkord in Stockholm, Zuhé in Madrid,
Tuonela in Katoomba, Boson Spin in Brisbane, itwasthewires in Albuquerque...
● Mit immer wieder Poesie des Kanadiers Réjean Desrosiers [http://rejeandesrosiers.
blogspot.com/], von Dino Campana (1885-1932), Augustin Dercrois (Ministre de la Spinozie), Emily Dickinson, Hermann Hesse, Majakowski, Jean Michel Maulpoix, Pavese, Procol
Harums 'A Salty Dog', 'We lying by seasand' von Dylan Thomas...
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● Lucchi zitiert den Traditionalisten & Kunstphilosophen Ananda K. Coomaraswamy, den
Psychiater Elvio Fachinelli, E. A. Poe, die Beatles, Rumi, W. B. Yeats, Giorgio Agamben,
Basho, Giordano Bruno, Leopardi, Federico Garcia Lorca, Heraklit, Borges, Pessoa,
Roberto Calasso und weist mit "Le Roi du Monde" hin auf René Guénon...
● Der Incredible-String-Band-Barde Robin Williamson spricht ihm aus der Seele mit der'Invocation' von Gaias Beauty, von Ancient associates and fellow wanderers, und in derultimativen Melancholie der 'Verses at Ellesmere': Along the faceless streets of shadowed
England... Among the lonesome crowds of familiar England... Among the sad, sad marketsof heartless England... Knowing every kiss is a kiss of farewell...
● Als selber Maler von Seascapes, Landscapes, Innerscapes - mit Sound - umgibt er sichmit Malerei, die seinem Grundgefühl entspricht: William Blake ("Gottes Spuren", "Il Regnoe il Giardino", "organ verses"), Caspar David Friedrich ("Sinfonia In modo dorico"), Redon("notwithstanding Adam and Repeal"), Chagall ("Shabbat"), Munch...
● Er illustriert die Musik mit intimen und mit Meeres-Fotos von Ines Rastig (1965-2016), vonEric de Maré (1910-2002), Andreas Heumann... und einer Galerie von Ikonen: Mevlevi-Derwische ("So old", "Lectio magistralis"), "Dante" & Vergil, Nietzsche ("Zagreus", "AmorFati", "Die ewige Wiederkunft des Gleichen") & Simone Weil ("La pesanteur"), Charlotte
Brontë ("Charlotte"), Baudelaire ("Le Spleen de Paris"), Aleister Crowley ("Renaissance"),
H. P. Lovecraft ("Spinning bosons"), Borges ("La dicha"), Olivier Messiaen ("A glass of water"), Terry Riley ("Holy Father"), Pauline Oliveros ("a streched love song"), Toru Takemitsu("voicemorphing"), Tom Rapp (von Pearls Before Swine), Joni Mitchell ("early dawn, silent
waves"), Louise Brooks ("when I know the song"), Romy Schneider ("Orpheus", "November Song"), Jeanne Moreau ("Le Descendeur"), Fei Fei Sun ("una farfalla"), Werner Herzog("Trenodia"), Buster Keaton ("Kuchibiru"), Corto Maltese ("Cante jondo")...
Alles nur White Man's Kanon, Old Europe's Wehmut? Ach, You who are the blueness of theblue sky / And the wrath of the storm / I take the cup of deepness with you...

https://marcolucchi.bandcamp.com/music65

Antonella Eye Porcelluzzi (Marseille)
Mix Dante Alighieri with Madonna – that’s me

Ob es eine 'Liberation by Listening' gibt oder indem man im Tibetanischen Totenbuch blättert, wie ANTONELLA EYE PORCELLUZZI es getan hat, sei dahingestellt. Dass es sichfreier lebt ohne Furcht und mit dem Mut zu Risiken, das mag allerdings so sein. Die Courage, Vorurteile abzuschütteln, aufoktroyierte Schuldgefühle ebenso wie eingebildete Verdienste und unbegründete Privilegien, diesen Mut aus Klang oder Text zu saugen, darum
sollte es sich eigentlich nicht nur im geheimen Kreis drehen. Die unermüdlich kreative
Künstlerin in Marseille hat mit Les Oiseaux als eines der "Chansons d'Amour Tristes" 'Blasé' angestimmt, mit Farabi Toshiyuki Suzuki aus Nagoya Dantes Sonette, mit Terbeschikkingstelling aus Groningen Paolo Conte als Future Punk oder mit Chris Phinney Catull und
Horaz. Sie hat mit Deaf Society "The Velocity of Velocities" (Opa Loka, 2017) realisiert, mit"Orgasmusliedern" Wilhelm Reichs Orgon gehuldigt, mit Storyteller666 sämtliche Höllen
abgeklappert. In - bei "Eresia Paradiso", 'Children' und 'Rinascita del Senso' →Marco
Lucchi in Modena, der wie sie Dante und Nietzsche verehrt, mit Eisenlager in Dortmund,
Innocent But Guilty aus Bordeaux, Vaders Orchestra aus Duisburg, Obscure Heaven auf
der Krim oder Rauppwar in Rio Grande do Sul fand sie Gesinnungsgenossen, die ihre verrauchte Stimme orchestrieren.
Für The Secret Circle (OL202 101) hat sie MICHAEL SCHAFFER an ihrer Seite, den zur
Transgression ins Wesentliche allzeit bereiten Spiritus Rector von Opa Loka. Er liefert
einen pulsenden, feierlich dröhnenden, zwitschernden, brausenden Klangteppich für ihre
raunende Rezitation aus dem Bardo Thödol und dunklen Gesänge als Blutsschwester vonAnnie Anxiety. Fear death not, leichter gesagt als getan. Selbst der Sound windet sich daals ominös grollender, flirrender, schillernder Brainfuck: O nobly-born, listen undistractedly... From the east of thy brain, the White Kerima, holding a humancorpse, as a club, in the right hand; in the left, holding a skull-bowl
filled with blood, will come to shine upon thee. Fear not. Denn
fürchten kann man sich nur im 'Intermediary State', dem bisschen
Leben zwischen 'The Womb' und dem Exit. Niemand braucht Sesam, die Tür öffnet sich von allein. Klopf, klopf. Allerdings: Not
today. Aber deswegen - analog zu Peter Sloterdijks 'Zornbanken' in 'Angstbanken' investieren, vulgo 'Religion', deswegen sich an
wilden Texten besaufen und zu 'surrealen Riten' anstiften lassen?
Das Bardo Thödol ist zwar äußerst wild und surreal, aber zu 'jenseitig' für phobokratischen Nutzen. Porcelluzzi taugt es im Gegenteil dazu, gerade in phobischen Zeiten ein Gefühl des Freiseins zu
ermutigen, das weder eine 'starke Hand' braucht noch Sündenböcke. Sie ist darin schon bei 'Limbes Bardo Thödol' (2014) eingetaucht, dem ersten Teil ihrer Filmtrilogie "Divine Comédie" mit noch
'Race' (2017) und 'Eresia Paradiso' (2018), die sie aus Kabbala, I
Ging, apokryphen Evangelien, Castaneda, Jodorowski, Yogananda,
Jung, Paracelsus, Freud, Lacan, Leary, Crowley, Werner Herzogs"Aguirre", Pasolini, aber auch Mario Bava, als psychomagische
Heils- und Selbstheilungsgeschichte synkretisiert hat. Oder, mit
Joseph Campbell als Tour-Guide und gewollt campy, als Reise derInitiation und Emanzipation, die mit Innocent but Guilty & Crepuscular Entity als The Masquerade ganz White Wolf-trivial anknüpft an "Vampire: The Masquerade" & "The Book of Nod". Ich
finde mich da, von Liliths Blutdurst und der Tragik Kains und Henochs nur gestreift, wieder als verklemmtes Gegenbild zu ihrem
offensiven Gothic Punk, ihrem "Love is as violent as death", ihrer
vitalistischen Feier des Extraordinären: Just sitting here / Under
black glasses / In the sun / With some music / With some dance /Drinking [my] / Hesitating life / Till the bottom / With a / Straw.
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Antonella Porcelluzzis Kreativität nahm im Sommer 2021 epidemische und flutende Zügean, und ich höre da eine beständige Dringlichkeit heraus:● Auf 'Rinascita del Senso' raunt sie zu anbrandendem Meeresrauschen und einem vonMarco Lucchi gewählten Motto von Roberto Calasso: Nei viali della vita / Sali su un albero /E chiacchiera / Con il passero... Nur dass ihr nicht der Schnabel eines Spatzen gewachsen
ist, sondern der einer androgyn murmelnden Eule. Mit Eulenaugen sieht sie mehr als nur
Darkness, mehr als Schopenhauer, nämlich im vom 'Weltwillen' verhängten Blühen undVergehen die Chance, mit Spatzen seine Lebenslust zu teilen.
● Bei "Cosmic" ist Rafly Radjha aka E.A.T. in Indonesien ihr dröhnend sausender, überLichtjahre heulender 'Rocket'-Man, und sie eine kosmische Botschafterin für die Menschheit, auch wenn sie sich nicht aufs Forum stellt und brüllt, sondern ihre Message wie fürsich erst einmal probt. Als bestünde die Menschheit zuerst mal nur aus ihr und ihrem rotznasigen Alter Ego im Spiegel: Yes DIE / DIE FOR ME / IT’S THE ONLY THING YOU CAN DO /IN THAT SHABBY COSMOS / AND LET YOURSELF BE SHAKEN BY YOUR DEATH.
Einerseits. Und andererseits: Theology / Of the body / Wings of fire / Be mine / Forever /Eternity / Is ours / Absolute / Cosmic Honey / Is what / We are... I AM / LIVING / BIG THINGS /IN THIS WORLD / I FLY / I AM YOUR / UNIVERSAL / ROCKET / OF LOVE You sweet snottynosed / You beloved / You little brat.
● "WOMB (the yin-album)" ist der verunglückte Zwilling von "The Secret Circle", ihrem Trip
mit Michael Schaffer, weil der männliche Teil ihrer Stimme dabei zur kleinen Göre kastriert
wurde. Little brat in the Bardo?Antonellinchen in der Unterwelt?
● Bei 'Tu en fera quoi de nous' genügen ihr 3 ½ Min., um festzustellen, dass, wenn wir
denken, das Leben als Chichi in die Tasche stecken zu können, wir es vermasseln, vertändeln, und vom goldenen Fließ nur haariger Filz im Abfluss bleibt. Warum das Leben
nicht als Bühne nutzen, comme John et Yoko?
● Mit Enghis von Sharklor hat sie an vier Fingern "Ballads to shine" abgezählt und performt
sie zu knarrigen, brodeligen, narrenfreien Synthieschüben. Um die Zweifel eines blauen
Eselchens, auf dem sie reitet, zu beschwichtigen, singt sie sogar so gut sie singen kann:Many are / The oddities / Visible In this world / But where / Would WE end up / If the water /Didn’t end up in the sea? Hm, solange Schildkröten mit Pferden sprechen, Pfannen fliegenkönnen und kleine Mädchen Wölfe küssen, scheint die Welt ja noch in Ordnung zu sein.
Wenn man Alice, Dorothy, Amélie oder Antonella heißt. Doch 'Without you', sie malt's sichsingend aus, das wäre nicht auszudenken.
● Zu Vogelgezwitscher und diskantem Pianogeklimper von Philippe Neau in Cheval Blanc,
der sich lange Nobodisoundz nannte und der mit Innocent But Guilty als Stalsk formiert,'singt' AEP auf "TALISMAN (proustiana)" Szenen aus À la recherche du temps perdu.
● Bei "Before Dawn" kommt die Musik von dem schon weißhaarigen Ambientmeister Takenori Iwasaki aus Utsunomiya, genannt mora-tau. In seiner Neigung zu Notturnos und Lamentos bettet er ihr Rays of darkness fill the eyes / still is the silence of the night kongenial
auf sanfte Dröhnwellen, fragile Percussion, einen stringähnlichen, glissandierenden Halteton. Dream, or die. Sailing on the ship of love & Renaissance - ihr zentrales Wort - , oder
black fires / No birds / No voice / No hope. Du hast die Wahl.
● Für "BARBARELLA : 8 jours autour de la Planète" holte Porceluzzi I,Eternal, das ist Eric
Jovet aka SpecImEn, von seinen Wichsvorlagen weg, um mit ihr die Muse und wahre Engel
anzurufen. Antonella sucht dafür nach den richtigen Worten, dem perfekten Companion
und im dunklen Blau des Himmels nach Spuren des Paradieses. I,Eternal begleitet sie mit
knarrenden Schüben, schamanischer Vokalisation, dunkel orgelnden Drones, 'primitivem'
Dingdong, monotonem Beat, federndem Metall und übertönt dabei fast ihre mit den Poètes
maudits und deren Chants d'amour fou segelnde Poesie. From abyss to abyss. 'La distancese mesure en anges-noeuds' - Engels-Knoten, das sublimste Geschwindigkeitsmaß. Hm,'Rinascita/Renaissance' ist das eine, aber 'You' das noch Entscheidendere - das Du im
Spiegel, das Du als Companion, als Liebender, und das Du, das uns alle meint.
→https://antonellaeyeaynilporcelluzzi.bandcamp.com/music→https://antonellaeyeporcelluzzi.wordpress.com/
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Our Divine Lady of Darkness –Interview mit Darja Kazimira von Marius Joa* Ein schicksalhafter Tag im Mai 2017. Meister rbd hatte gerade die
Onlineweiten nach interessanter Musik aus Lettland durchsucht unddiktierte mir als besonderen Tipp zwei Worte übers Telefon: "Darja Kazimira." Kurze Zeit später begann ich mit meiner auditiven Reise in die
finstere Unterwelt der lettischen Komponistin, Vokalistin, Multiinstrumentalistin und visuellen Künstlerin Darja Kazimira Zimina auf ihrer Bandcamp-Seite. Vor fünfzehn bis zwanzig Jahren hätte mir solche Musik
finsterste Alpträume bereitet. Doch heute hinterlassen Donna Darjas
Kompositionen, egal wie düster oder abgründig, eher eine Mischung aus
wohligem Schauer und freudigem, befreiendem Lachen bei mir. Das mag
daran liegen, dass ich so einmalige Klanglandschaften und einzigartigen
Gesang bisher nur selten vernommen habe.
Nach dem ich ihre bisherigen, seit 2015 veröffentlichten Kompositionen
gehört habe (von denen einige leider der Selbstkritik Darjas zum Opfer
gefallen sind), bleibt mir nur eine Erklärung für den kreativen Prozess derKünstlerin: Sie agiert als Medium für Mächte, Geister, Phantasmen undandere Erscheinungen aus schwärzester Urzeit. Darja hat sich diesen
urtümlichen Kräften verschrieben und bietet ihnen durch ihren Gesang
und über Instrumente wie die georgische Spießgeige Tschuniri, dierussische Hornpfeife Schaleika, die lettische Bogenzither Giga, ein
gestähltes Cello und diversen Percussions ein furioses Ventil. Abstrakte,
universelle Themen wie Geburt, Leben, Tod, Dunkelheit, Kälte, menschliche Ohnmacht und Albträume stehen im Zentrum der Musik. Nicht seltenstellt Donna Darja bekannte Mythen oder antike Riten dabei in feministischer Weise auf den Kopf. So wird bei "Ο θάνατος του Ταύρου (Deathof The Bull)" (Februar 2019) der Stier nicht für männliche Kraft und Erfolg
im Krieg geopfert, sondern für die Fruchtbarkeit der Frau. Dass sich dieser
Ritus als fruchtlos erweisen kann, passt zur finsteren Stimmung. Wo keinneues Leben entstehen kann, verzweifelt selbst Mutter Erde. Der sinisterfruchtbaren Zusammenarbeit von Darja und der russischen Künstlerin
Dagmar Gertot mit den Griechen von Shibalba entstammt die UnterweltFlußfahrt "Dark Water Groan" (Mai 2019). Ein weiteres Leitmotiv hat Darja mit ihrem interdisziplinären
Kunstprojekt "Extrusion of the Other" (November 2018, YouTube) veranschaulicht. Die Verdrängung oder gar
Ausmerzung des Anderen, Andersartigen, Unangepassten, Linkshändigen oder, neudeutsch gesagt: desFreakseins. Konkret nahmen Darja und Dagmar die Ermordung von 443 Patienten der Nervenheilanstalt
Gintermuiža in Jelgavā durch die Nazis am 8. Januar 1942 zum Anlass, am Ort des Geschehens, einem
abgelegenen Waldstück, ein Gedenk-Idol, zusammengesetzt aus unterschiedlichen Teilen der Umgebung, zu
erschaffen.
Somit wären wir auch bei Lady Ziminas zweiter Passion, ihrer entfesselten Kunst visueller Art. Passend zu den
urtümlichen Sounds (aber meist unabhängig davon entstehend) kredenzt uns die Lettin unfassbar schaurige
Bilder von (gnädigerweise unscharfen) monströsen Albtraum-Manifestationen, welche das Unbewusste undDämonische visualisieren. Darja lässt dabei kaum eine Gelegenheit aus, sich selbst als monströs verzerrte
Kreatur darzustellen. Als Anerkennung der kulturellen Signifikanz wurden einige ihrer Werke in den Kanon derLettischen Nationalbibliothek aufgenommen, darunter auch die verworfene EP "I have the face of the Minotaur"(Mai 2020) und Aufnahmen von ihrem Konzert in Riga vom 6. August 2020. Mit ihren Kompositionen auf Bandcamp und Soundcloud, scheinbar einfachen, aber nicht minder eindrucksvollen Improvisationsvideos auf YouTube und Facebook sowie der erwähnten "Zerrbildkunst" präsentiert sich Darja Kazimira Zimina als veritable
Unterweltgöttin, welche selbst ich als überzeugter Atheist nur anbeten kann. Die nächstmögliche Form derHuldigung dieser unnachahmlichen baltischen Persephone folgt nun im Interview mit Darja höchstpersönlich.
So, first of all, please tell us a bit about your personal background. Where do you come from? What did youreducation and musical training look like?
68I was born in a small, Latvian provincial town called Jelgava, at the time of the liberation of our statefrom the Soviet Union and the terrible crisis of the 90s. Our city quickly became impoverished andturned into one of the main criminal centers of the Zemgale Region. It was a very interesting phenomenon of the coexistence of simple laborers and an underworld. For example, at school with you,children were sitting at the same desk, whose dads were engaged in drug dealing, assassinations,raider seizures, sale of weapons, etc. But behind you were the children of local peasants and 5"heads" of cattle were the only support in their life. This system, where the strongest wins, quickly
pumped into the children's world. So I was formed in a fairly tough environment, where you had tobe able to survive. And although from early childhood I began to get involved in music, and thencreate it, this process was inseparable from the surrounding social, marginalized horror.
A large number of young people were dying, from drugs, suicide, struggle, someone was killed andthis was an absolute, resolute norm. All of us, children, teenagers, stole, fought, and felt that a goodlife is a fairy tale for idiots. To be honest, I really like this past of mine, it has had a tremendous
impact on my personality and work. In my opinion, this is real life, and not the virtual version of it
today, with all this positivist nonsense and primitive interpretation of hedonism. I understand thatthe whole point is in the historical circumstances in the midst of which this parasitic idea opened up,
but times are different now, and society is still fast asleep in its infantilism.
So, I did not study music much - I have two classes in a music school -, did not feel the influence,
did not have examples, idols. Everything had to be done and looked for independently, looking for all
the necessary components in the void, in the city's space, auditory distortions in a living environment, and auditory accidents. Later literature became this source. And I got acquainted with"civilized dark art" only at the age of 16 when I left to study in Riga. It was interesting to watch andlisten to all this, but being a mature person and a musician, it did not touch me at all. For thisreason, I went into the humanities and professional research activities. Nevertheless, music andmusical skills grew in my head on their own and according to their own laws.
How did you come to doing the things you do, making this really dark kind of music?
This is probably a very funny fact, but I don't consider my music to be dark. I always miss thisdarkness, destruction, cruelty in her. It seems to me very "soulful" and even lyrical. Therefore, I'm
just going to my "dark" sound. Although this "characteristic" is not a requirement or an expectation
at all, because I have no control over anything here, it is useless. I often think about how the bodyof my music was formed, I am often asked about this, and in the old days I often tried, throughcomplex terms and curled sentences, to create the appearance of an extremely intellectual art
concept here, but in fact, I do not have a coherent answer. My music has always been like this, evenwhen it was not the full body and lived in the form of an idea. I didn't need to work it out on
purpose. She demanded from me only constant, specific technical self-improvement. Sometimes it'seasier for me to compare my music with spirit, a living substance that has captured my body andmind. I myself can not always understand what is happening in it and where it is going. Well, andundoubtedly, this substance is larger, deeper, smarter than me, and I follow it like a devoted beastand endlessly work, work very hard for its benefit, for its realization. So, I go wherever my eyes lookand that's it.
In addition to your music compositions you also create very striking, visceral works of visual art. Are thesealways connected to music or are visual art and music (sometimes) developed separate from each other?
My visual works live separately from music, and sometimes, in the past, they clashed with it. All mylife I have been doing something with my hands - sawing, cutting, designing, embossing, drawing,
erecting, writing, etc., but this has always been an organic continuation of my desire to learn themeaning of the ritual and the properties of its location, and not to make art. And my listeners began
to call me an artist, without my self-proclamation. However, my attitude to artistic activity as a formof self-presentation is specific. You see, visual art, like any other, should be appropriate, it needs toknow itself and understand that on the surface of the world and inside it, it has a purpose. This is ahuge mission, talent, a specific internal structure of the personality, which is capable of generating
and complementing symbolic systems, structures, and information keys in material or spatial
medium, and improve non-verbal communication. Here you cannot just go into the forest, smear
yourself with paint and jump, dance on the camera among the trees, proclaiming your unity withnature and manifesting the quasi communication that has happened between you, as thousands ofyoung artists do nowadays. Because, frankly speaking, nature does not need you as an artist, andamong people, maybe only farmers, hunter-gatherers, nomads, sorcerers, and priests who
historically embody several cult traditions aimed precisely at communication with nature, can reallyinteract with her.
69

This is a purely practical spiritualized activity, physical labor, and a way of life. Everything else here is
exclusively egocentrism, narcissism, nourished by capitalist ideology, and a certain amount of intellectual
impotence. But today it so happened that every second young man perceives his convulsions as a highartistic act, burdened with the deepest meanings. In my opinion, they forgot to open their eyes andunderstand that art is not an amateur autobiography or an embellishment of their own meaninglessness,
fruitless mental activity, but a global process, complex cultural, social, mental, and conceptual mechanisms. I'm sure that I can do all this in music, but I'm not sure that visual art is my subject here.

Your work is heavily influenced by ancient rituals and myths from various regions which you recreate bothmusically and visually. How and when did these two factors became the main source of your work? Or are there
any other sources of inspiration?
While working in ritual music and improvisation, you should be interested in many things and know
a lot. This path is identical to real research activity. Professional literature, original texts, libraries,
archives, museums, lectures, practical work, expeditions should become your constant companions;otherwise, it will all be an empty ringing. This whole rubbish about being "like an early man" and do
everything as wham, bam way will not work here, because it was not for this that we evolved andstudied for 350 thousand years, so that in the 21st century, through the prism of our naive ideas, tofake the mental and spiritual life of our ancient ancestors, deliciously seasoned with researchpassion for the exoticization in this area and a replicated image of ancient in popular culture.
Therefore, I have special love and respect for anthropology, ethnography, psychiatry, criminology,
thanatology, sociology, etc., and I cannot imagine my activity without these sources. However, I
cannot ignore my cultural-genetic baggage, which also greatly influenced and continues to influence
my sources of inspiration. Along one line in our family, since the 15th century, there was icon
painters, clergy, heretics, and sectarians who fled from persecution, and along the other line, there
were villagers, adherents of pagan traditions, who in the second half of the 20th century turned into
living guardians of a dying local culture, especially music...This adds individual value to what I do. On
this path, I feel like a person taking his place and doing his job.
How do you get your voice sound like it does? Does it require intensive training or is it a rather natural phenomenon?
It seems to me that any activity requires high professionalism, and therefore you have to work hardand improve to achieve the established level of excellence. My voice is no exception to the rule and I
train it almost every day. I just set myself new vocal tasks every time and go to their realization
through my musical ideas, ideology. Therefore, learning very easily turns into creativity. However,
vocalists should still be mindful of their bodies and consciousness. These components need to bediligently pursued because they are the cup that the voice fills. The body and consciousness mustthemselves become sound, go beyond their limits. So, if you want to study pain with your voice, thenit must be very painful for you. If you want to sound like a beast, then you need to bring your mind
and body to complete dehumanization. And this is a completely different level of work and skill. For
this reason, I believe that a good vocalist should be a god's fool, a real borderline man. He must beable to grow into the ground, set himself on fire, mortify himself, decay, fall into madness, otherwise,
all this "practice" loses its meaning. So, I rarely hear good vocalists today. Most of them are too
comfortable, timorous, and flat. They perform meager, obvious technical tasks, aestheticizing andlooping this process to nausea, but there is no sense, no depth, no result.

If I'm not mistaken your singing consists of vocal improvisations. But I'm pretty sure that you occasionally singin specific languagues. If that is correct which languagues do you sing in?
Yes, as a musician I am engaged exclusively in vocal and instrumental improvisation and do not use
any of the existing languages in my music. Moreover, this is my persistent, ideological position froman early age. I would like to free the music process from specific semantic formulas, symbolic
structures, linguistic norms. Sometimes I use simulative phonetic standards specific to certain
groups of languages, but in general, it's a chaotic, meaningless set of sounds. You see, when it
comes to specific texts, you immediately become a hostage of images, moods, narrow semantic andideological paths, and then chew for days of decoding that require decoding and so on ad infinitum.
But I want the intrinsic value of sound to always prevail over any meaning. It's like the sabbathsongs of Russian witches and incantatory formulas, including those with graphic designations. They
shout "liffa, praradda, guyatun, guyatun", and there is no specific meaning in these words, but the
texts are sacred and this is it all-consuming, frightening power. Thus, the text turns into an
idiosyncratic, assemiotic, and asemic act, devoid of any landmarks and open to any metamorphosis,
because in this soundology divine power defines itself, through the equivalence of the immensity ofthe essence of the verbal message and limitlessness of the ontology.
70What music, apart from your own, do you enjoy listening to?
I really love listening to ethnographic field recordings and ritual music of the peoples of the world. I
also love modern academic music and the academic avant-garde of the second half of the 20th
century. It is very difficult for me to name someone; I rarely cling to personalities... I always admire
Galina Ustvolskaya, Iannis Xenakis, Pauline Oliveros, Giacinto Scelsi, Alfred Schnittke, Julius Eastman,
Avet Terteryan, Sophia Gubaidulina, Barbara Hannigan, Dmitri Kourliandski. Of course, it is difficult to
bypass such experimenters as Z'ev, Svyatoslav Ponomarev, Alexey Tegin {Phurpa), Tanya Tagaq, Jen
Shyu, Bob Rutman... And of course the songs of the mentally ill, prisoners, and in general everythingthat is called outsider art.
What can you tell us about your upcoming projects?
I always have many projects and most of them never come to publication or exhibit. I really hopethat my new album will be released this year. Now, there is a process of discussion with the label.
For me, this is a key work and an event to which I have been going for a very long time, but all
attempts were in vain. And in the fall of 2020, I began to get very sick with respiratory infections andit was at this time that very music descended on me. This album should have had a lot of difficult
vocals, which carried the volume of storytelling works. My voice underwent a kind of self-terrorism,
the disease penetrated deeper and deeper into it, and by the end of writing this cycle, I almost lostthe opportunity to sing, only pain remained. In this album, a mighty force of destruction sounds forme, hungry fire rings and roars, and it was as if I burned out myself, burned everything that wasmost dear to me, without feeling regret. I was able to restore my vocal apparatus after half a year. It
was an amazing experience. As if I killed my voice and went to the afterlife in search of its new incarnation. Never before have I had to go so far. In addition, this year one of my first albums "Monochromia" celebrates its 5th anniversary and most likely this event will mark its physical, exclusive rerelease. It seems to me that the time has come to start a series of stories about my musical cycle,
which I have mentioned more than once before, and I hope that you will hear it this year.
Perhaps, I'll start with the surface. The Motive: My new musical opus was named "Medea Forgives
Jason" and its name complies with the plot of a series of my dreams. I took from them the mostimportant, introductory vision, which was completely focused on understanding this woman as anoumenon in the context of the cult tragedy of Euripides. From this point of view, the tragedy ofEuripides turned into a tautological, absurdist act, because Medea appears in it as an inert, illogicalcharacter, deprived of the possibility of activation due to the loss of her decipherment, as a set ofarchaic symbols. Better to say, Medea is rather an act of anthropy, when the face of a cosmogonic or
solar-lunar phenomenon turns into a human. In Euripides, her matter is woven from unary andforced stasis, while the character's inner symbolism constantly shows to us the multiplicity, multidimensionality, and dynamics of Medea's essence. In turn, my dream put together an inverse, "positive" story about Medea, where all her actions are naturally opposed to the actions she performedin the tragedy of Euripides; and this mode of changing "black to white" reveals even greater horror
where chaos lies on the surface and plunges being in profane violence, as opposed to sacred violence. But as far as we know, there is nothing in the ancient world more terrible than the equality ofthese twin brothers bearing with it an almost eschatological connotation.
From a musical point of view, I was interested in not getting into the exaggerated sound of horror or
innovative exclusivity. It was important for me to press to sing violence and destruction within theframework of traditions, musical werewolfishness, anthropocentry, in order not to allow paradigmatic contradictions and to act within the framework of an archaic skeleton.
You did a concert in August 2020 in Riga, Latvia. Any plans for live gigs anywhere else in the future?
It is very difficult for me to plan live performances. There is a technical, psychological, and ideological aspect here that hinders the planning of my concerts. Firstly, I am a solo musician, and onstage I have to undertake numerous tasks that are not very interesting to me from a professional
point of view. In addition, I am a rather closed person, with mental peculiarities, and each concert isa whole epic, which begins with taking sedatives and ends with my desire to bury myself deep in the
ground, sinking into oblivion. However, I am now diligently trying to work through this point. But
with ideas, everything is not so simple...after all, I cannot come to any space and start performing
my ritual improvisation. It must be a very organic process that cannot be triggered with a snap offingers. It should be preparation, contact with the place, a serious listener-participant, and not justan onlooker, a lover of spectacle and a fun pastime. Hope that such an opportunity will find me, andI will find it. I really want to share my music and space with other people, regardless of geolocation.
The main thing here is a full-blooded act because I do not want to pretend and pose anything ofmyself on purpose. [→https://darjakazimira.bandcamp.com]
71

... sounds and scapes i n d i f f e r e n t s h a p e s ...
BOREAS Y GOGLEDD Bwyty Hålogaland(Go To Gate, GoTO 028 / Turquoise Coal,
TC 008, CDr): Ronny Wærnes, der 2006
bei Psykisk Tortur einstieg, der mit dem
Origami-Noise-Kultler Kjetil Hanssen
zwischen Nothingness und Entertainment nach links tendiert und in Bodø Go
To Gate Records betreibt, ist die norwegische Hälfte des iPad-Duos Boreas Y
Gogledd, Alan Holmes die walisische.
Als einer, der in Bangor schon seit anno
Orwell mitmischt, in Third Spain, Fflaps,
Ectogram, Normal Shed Uses, mit Poesie von Zoë Skoulding und der postindustrialen, aber berückend poppigen
Psychogeographie von Parking Non-Stopschon auf Klangbad, mit der halb so
alten Annie Pye als Spectralate ganz
Anglesey-folky, mit Turquoise Coal als
Ko-Forum zu Go To Gate, mit Wærnes
erstmals 2013 beim AvantGarde Festival
in Schiphorst. "Skerries" (GoTO 027 / TC
007, CDr) entstand live im Skerries Pub,
Bangor, am 4.7.2015, und zwingt einen,
alle Vorstellungen von einer gemütlichen
Bierkneipe schnell fahren zu lassen. Das
Duo schenkt zu monoton pulsenden,wummernden, aus undichten Ventilen
leckenden, quallenden, klapprigen Maschinen ausschließlich die sumpfigste
Pisse schlecht gelaunter Verwandter
des Minotaurus in Gwynedd aus. Vier
Jahre später tischen sie fragwürdige
Spezialitäten eines nordischen Restaurants auf - Finnbiff, Lobscows & Lungemos, Kvæfjordkake, Fiskegrateng... Brrr.
Wobei das womöglich besser schmeckt
als es sich anhört. Das Wetter allerdings
ist von der rauen Sorte und bläst undsaugt einem Erinnerungen an Streicherklänge, zirpende Harmonika und süßeoder feierlich orgelnde Harmonien aus
dem Hirn. Brummige und glissandierende Spuren dröhnen, sausen, rauschenumeinander, Beats dongen und klicken,
Noise brodelt granular, und der Nordwind treibt wettergegerbte Recken ins
Sagenhafte.

CHIHEI HATAKEYAMA Late Spring (Gearbox
Records, GB1565CD0BI): Platten zu machen
scheint für diesen Typen in Tokyo so natürlich, so naturgemäß, hätte Thomas Bernhardgesagt, wie für Bäume, im Frühjahr Blätter
zu treiben. Seit "Minima Moralia" (2006) hat
sich Hatakeyama 80-fach (!) belaubt, meist
auf White Paddy Mountain, nicht gerechnet
die Alben mit Opitope, allerdings auch nicht
immer alone by the sea, im Schnee oderbeim Moon-Watching. Neben seiner mittlerweile 22-teiligen "Void"-Serie finden sich
Corey Fuller, Dirk Serries, Eraldo Bernocchi
oder Ken Ikeda als Füller der Leere. Zwischen "Requiem for Black Night and Earth
Spider" und "Erroribus Humanis et Antinomy" dreht er sich mit den Mondphasen
und dem Jahreskreis - wie zuletzt erst
wieder Hirokazu Koreedas "Shoplifters" vonSommerstrand zu Schneemann. Im Grunde
genügt Hatakeyama aber ein einzelner Tag
mit seinem Sonnenlauf von 'Breaking Dawn'
bis 'Long Shadows' und 'Twilight Sea', um allseine Themen zu streifen - mit 'Rain Funeral'das Requiem-Feeling, mit 'Butterfly's Dream'
die "Butterfly's Summer"-Poesie und das
Träumerische, mit 'Sound of Air' das Baden
in Luft, Dröhn- und Klingklang, mit 'Memoryin the Screen' sein Faible für Yasujirō Ozu.
Dessen "Später Frühling" (1949) scheint wie
die redensartliche Tüte Reis in Ultrazeitlupe
ewig zu fallen und als Schmetterlingseffekt
in seinem Gitarren- und Synthiesound weiterzuhallen. Als sollte mit jedem Akkord etwas in der Erinnerung Eingefangenes weiterschwingen - "Cinema Paradiso" ist eine
bleibende Erfahrung, der er nun selbernacheifert. Mit 'orgelnden' und 'flötenden',mit flimmernden und funkelnden Wellen, diesanft und mit zartbitterem Nachgeschmack
morphen. Euphon und harmonisch und doch
durchtränkt mit leiser Wehmut, aus der man
wie einst eine Fliege am Fliegenpapier
Fäden zieht und doch nicht loskommt. Nurdass man weiterlebt und den 'Honigstreifen'
so sehr genießen darf, dass man dabei dieEnglein singen hört.

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KAZUYA ISHIGAMI Mind Liberation(Dada Drumming, DD69): Der mit
Billy?, als Daruin und als Macher von
NEUS-318 bekannte Klang=NoiseKünstler in Osaka kehrt hier wieder
mit einem Ritual, das sich, christianisiert, als Fürbittengebet vorstellen
lässt. Als Flehen, die Seele zu reinigen von Zorn, Trägheit des Herzens
und Trübsinn, von Eitelkeit undHochmut. Das sich bei ihm freilich an
Buddha richtet, als Bitte, den Geistzu befreien von allen Emotionen, diesich an Unwesentliches und Vergängliches hängen. Motivierte das
Anliegen nicht auch schon 'Delete
old program' auf "Cleaner 583" und"Clear-all-wall"? Drones und Loops
sind dabei die Lösungs- und Putzmittel, um sich ostinat an der Anhaftung - Upādāna - zu schaffen zu
machen. Die Mittel sind so vielfältig
wie die Aufgabe: Rauschende Schübe gegen inneren Widerspruch, dersich fast stimmhaft artikuliert. Stürmisches Brausen über dunklem
Grund. Wildes Flattern mit animalisch-'dämonischem' Unterton. Mantraformeln und Gegenzauber. Surrender Wellenpuls unter martialischpfeifendem Beschuss. Umprasselter
Kolonnentritt, kakophon kreisender
Leerlauf. Metalloide Laute, gesteppte
Pixel, brodeliges Wabern, zittriges
Zucken, verzerrte Stimmreste, kreisend, noiseimpulsiv 'stehend' oder
stoßend. Weißem Rauschen folgen in
einem zweiten 'Befreiungsversuch'
läutende Laute, die in Lärm untergehen, Verkehrsgeräusche betten
das ambienter ein. Loops führen
klangvolleres Material mit sich, läutend und klopfend, pfeifen aber auch
wie schlecht geölt und wie vonKrähen bekrächzt. Ploppiger Beatund sausendes Brausen öffnen sichfür vage Harmonik aus 'himmlischen
Stimmen', diskanten Streifen, feinem
Sirren... Meeresbrausen? Eine Frau
spricht unverständlich, Geräuschspuren werfen letzte Wellen, die
Stimme scheint rückwärts zu rucken.
Frei wovon? Frei wofür?

73

THOMAS KÖNER Nuuk (Mille Plateaux,MP27): "Nunatak Gongamur" 1990, "Teimo" 1992, "Permafrost" 1993, "Kaamos" 1998, "Unerforschtes Gebiet"
2002, "Zyklop" 2003, "Novaya Zemlya"
2012... Dazwischen, 2004, "Nuuk", alsMille Plateaux-isierung von Köners Part
auf der Big Cat-Kompilation "Driftworks" (1997). Und jetzt erneut. Ob der
Bochumer bei seiner coolen Expedition
nach Grönland mit 'Amras' sich als
Leser von Thomas Bernhard verrät undanspielt auf einen Gegensatz von extremer Reizausgrenzung und extremer
Reizoffenheit, mag dabei so offen bleiben wie die arktischen Polynyas. Den
Akzent, den Alec Empire mit "Low on
Ice" setzte, den haben, neben Microstoria, Oval oder Gas, Köners Trips indas Tiefkühl-Ambiente der Arktis jedenfalls konsequent verstärkt. Man mag dasästhetisch mit McLuhan als Anziehung
durch Entleerung oder als Politik deskühlen Kopfs goutieren. Oder als mythopoetische Expedition auf den Spuren
von Dr. Frankensteins Kreatur, die sichselbst im eisig Unerforschten vereist
und entsorgt hat. Why do I feel so safe
listening to this? Is it because it instils asense of remoteness and isolation fromall the vicissitudes of modern life inme?, bestätigt ein Hörer schon nach nur
einer "Nuuk"-Dröhnung. "The Köner Experiment" nannte Köner, zusammen mit
E.A.R., diese Abkehr von der Dauererregung, diese Minimalisierung desSchmerzes, die er auch mit Asmus
Tietchens als Kontakt der Jünglinge im
Kühlfach anstrebte. Wobei er ja eine
Erregungsbereitschaft nicht enttäuscht,
sein brausender Andrang ist sogar eine
Hochzeit von Eis & Feuer, die eine
Ausnahmesituation schafft. Was er zuletzt mit der wundersamen "Tiento delas Nieves"-"...de la Luz"-"...de la Oscuridad"-Reihe sich zu eigen machte inAnlehnung an die langen Diminuationen
und das Glissieren einer Spielart der
spanischen Barockmusik und wohl auchan Tientos als verlangsamte Tangos, ist
nur die weitere ultrazeitlupig gedehnte
Modulation dieser Zum Raum wird hierdie Zeit-Transformationen.

ANTHONY MOORE, TOBIAS GREWENIG and
DIRK SPECHT The April Sessions (Sub Rosa,
SRV512, LP): Zuletzt war er lieber Kölner Professor als Gott, aber wer wollte das 'PrivatEgoismus' schelten, nachdem Moore seinen Beglückungsauftrag mit "Casablanca Moon/Acnalbasac Noom", "Desperate Straights" und "InPraise of Learning" bereits übererfüllt hatte.
Denn mit Slapp Happy & Henry Cow ist er
beautiful as the moon – terrible as an army withbanners gewesen. Heute beschreibt er den
Zeitgeist und vielleicht auch sich als As wild as awalking stick, as simple as a chair. Zusammen
mit zwei Mann von The Missing Present Band undder Therapeutischen Hörgruppe Köln, mit denen
er auch schon das melancholische "The Present
is Missing" (2016), "Ore Talks" (2017) & - live inArles, wo er jetzt lebt - "Les oiseaux sur la terrasse" (2018) verwirklicht hat, sucht er nach The
balance of magic and matter. Was, beim Mabinogion, steckt in 'Collidions' - Ionen oderGwydyon? Mind und Motion morphen, halbsediert, als merkurialer Dreamscape, in dem eineparanormale Tonbandstimme lallt. Auf gedehnt
angedunkelten Dröhnspuren und Zitterwellen
flüstert Moore in einem mystischen Schwindel
die kryptische Poesie von 'Zero Crossings',
wobei ihm das Rainbow Theatre auf der Seven
Sisters Road durch den Kopf geht und ein
Attentat. Neben 'Descender', das sich, verstärkt
durch das Comic-PopArt-SF-Artwork, mit Lemire& Nguyens kleinem Roboter TIM-21 und seinem
Robot Dog Bandit verbindet, aber auf derKlangebene, reduziert aufs Klangmolekulare, nur
unheimlich still hält. Im enigmatischen 'The Hake'
lässt Moore 'nen Seehecht durch die Logarithmen-Tafeln und die Approximationstheorie vonGaspard de Prony (1755-1839) gleiten und - wie
bei Rilke - eine Grammofonnadel durch die
Kranznaht, in einem Flow aus Calculation, Collusion [Verdunkelung], Collisions in space undCollapsing time. Und wer trägt da sein Päckchen- griefcase! - als Flachkopf - a shallow dog - dieTreppe rauf? So wird das Todessterngeballer
des Artworks als stumme Vision in einem umgekehrten Urknall rückgeführt auf innere Monologe eines Polymaths, calculating the infinite,eines Mindscape-Magiers, der, auch wenn er am
Stock geht, doch, wie sein Namensvetter Alan
Moore, Art als the science of manipulating
symbols, words or images betreibt.

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PAUL OEDNOM Vital Contrast EP(Serein, digital): Yui Onodera 023 - Max
Greening 024 - Luke Sanger 025 Sachi Kobayashi 026... die sublime,
von Huw Roberts mit John-Cage-Chilling, Downtempo-Meditations, Dreamscapes und Window-Gazes bestückte
Waliser Reihe verrät mit Sangers "Global Horizontal Irradiance" einen ihrer
bestimmenden Vektoren - die horizontale Flachlagerung von Gefühlserregungen. Das mit 'supine' benannte,
ja empfohlene Driften in Rückenlage
richtet den Blick auch nicht auf Gipfel
oder die Sterne, sondern nach innen.
Um Gleichmut und Trost in der Anschauung zu finden, dass background
implies form, motion implies stasis,
negative implies positive. So wird,
nein, so soll aus polarisiertem Kontrast
im ästhetischen Präferieren des Waagrechten ein programmatisches Enthierarchisieren der Dinge des Lebens
werden. File under: Horizontal Soundsof the Flatlands (flatlandfrequencies.
com). Oednom, selbst in diesen Flatlands bisher ein No-Name, lässt dennoch gleich ganz souverän sonore
Dröhnwellen sich winden, auf denen
er, gelassen, besonnen, Gitarrenklänge
kaskadieren lässt ('Flux', 'Cascade'), in
entschleunigten Repetitionen und harmonischer Euphonie mit sanftem Cellobeigeschmack. Bei 'Dropping Back'pochen und tropfen zeitlupige Schläge
zu keyboardistischer Melancholie, zu
weichen, geharften Pulswellen, als
exotistisches Lullaby für von sanfter
Brandung beleckte Ohren. 'Radial
Awareness' lässt weitere sanfte Wellen
pulsen, der Flow der Saiten- und derTastentöne wie von Schaum gedämpft.
Die Aufmerksamkeit gerichtet ins präkonfus Unentmischte. Und auch 'Rest'umschmeichelt die sandstrandträg undapathieselig hingestreckten, nur nochvegetativ empfänglichen Sensoren mit
sonnenmilchmilder Illumination undErgötzung.

THE PULSE Nihil Encounter ( We t
Dreams Records, WDR 011): Nach 7697
Miles mit Cristobal Rawlins (Raw-C) in
Santiago de Chile hat sich Dieter
Mauson als Pulse zusammengetan mit
Low Rhahn in Paraíba an Brasiliens
Nasenspitze, profiliert mit dem DreamPunk-Quartett Psychocancer, als Shoegazer mit Astrocrushing oder als Sinestesia Letárgica - mit Sintetizador,
Guitarra e Voz. Als 973-eht-namuh-973
verlinkt er sich sogar mit der numerognostischen Mystery-Site
973-ehtnamuh-973.com. Nefelibata - Traumtänzer, Tagträumer - ist sein anderer
Name, Occupied Head der von Mauson.
Gemeinsam driften sie über 'Die Bäume'hinweg, als 'Power Stream' ins 'Nirgendwo'. Dorthin steuernd, wo der Ocean ofSound am tiefsten ist ('Alto Mar').
Mauson mit Electronics & Field Recordings, für tagträumerische Wellen, die
Kinderstimmen mit sich führen, beklopft
von synthiepoppigen Beats. Das kannman durchaus zusammenbringen mit
dem surrealen Maskenball farbwilder
Art-Brut-Comicfiguren auf dem Cover.
Über ebenfalls fast 8000 km vereint
gegen die “adversidades do existencialismo” ansteuernd, gelingt es auchohne sich leiblich zu begegnen, ihre
Dröhn- und Pulswellen zu vereinen. Unddabei ein melancholisches Sehnen mit
Antrieb und einem kosmischen Vektor
zu versehen. O pulso pulsa pelos ares,
ja, durch die Luft, aber auch weiter,
immer weiter, immer tiefer, spacewärts.
In den Schläfen von Armchair-Kosmonauten, die sich nirgendwo wohler fühlen als im Imaginären, gerne auch bereit, das Kosmische mit dem Komischen
zu verwechseln und auf einer heiterabsurden Hoch²-Ebene das langwellig
dröhnende Immersoweiter unter sich zu
lassen. M steht da für Mauson, Meer,
Minimal und zugleich für Motorik und
Mandarinentraum, Welle für Welle, zuckend und zwitschernd in endlos rippelnden Repetitionen. Als Trance in
Motion und - dem bescheidenen Anklang von Rah, dem Sonnengott dererhabenen Naacal, in Low Rhahn zufolge - als Evokation von Mu-Musik.

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REBELSERPENTGOD Ludvs ep (Klappstuhl Records, SP 027, CDr): Die Spurführt da nach Tilburg, NL, zu Robbert
Heynen, einem Veteranen von Psychick
Warriors Ov Gaia, einem KK RecordsAct, bei dem er 1992 ausscherte als
eXquisite CORpsE, mit Debbie Jones ander Seite, oder allein als Enkidada oder
Rebelserpentgod. In den 10er Jahren
kam es aber im Dadavistic Orchestra
und Sumus zu einer Reunion mit den
alten Psychick Warriors Reinier Brekelmans und Tim Freeman. Trance, RitualDance, Dream Night Dance Music, Hypnotic Tribal Rhythms und Minimal Techno sind Stichworte, damals wie heute.
Bei "BCE" (1989 - 1996) & "AD" (2000
and up), als Rebelserpentgod auf einer
Schlange reitend, kommen noch 'acid'und eilige Klapperbeatz und Blubberketten dazu. Die "ludvs ep" bringt neben
dem ca. 1988 entstandenen Titeltracknoch das 3-teilige 'rb2' von ca. 1997, als
repetitiv pulsende, von sich abspulenden Programmen getriebene, quarrende, zwitschernde, komisch flötende
Monsterschwester von 'rb monster' auf"BCE". Als rhythmisch gemusterter, uptempo 'kriechender' Drilling, pochend,klappernd, klopfend, im robbenden Raupenstil dennoch so raumgreifend, dassman sich in pharaonischer Magie wie im
Flug bewegt, wobei jeder der Myriaden
simpler und insbesondere als 1,2,1,2,3
ungeniert stupid stompender Beatz undordinärer, launig quallender Soundz
pyramidaler Gravität spottet. Die Ourobouros-Schlange tanzt als unermüdlicher Drehwurm, als Kundalini, die bei
jeder Windung, jeder Drehung minimale
Abweichungen im Muster zeigt. Heynen
zeigt dabei kofferwortgewandte Sophistication - Enki/Dada/Atavistic - und spielt
mythopoetisch mit einer Archaik zweiterOrdnung und der Schlange als Symbol.
'Ludvs' = play, game, sport, training kreist und mahlwerkt zehn Jahre späterim 'gleichen' Panta rhei und Flow, oderpaddelt mit holzig wirbelndem Schwung,von Phantomrufen und Clapping angefeuert. Differenz, Wiederholung, Differenz, Wiederholung Wiederholung Wiederholung. Oberste Anthropotechnik.

RRILL BELL Ballad of the External Life (Elevator
Bath, eeaoa054, LP) + Blade's Return (Klappkart
nr.1, digital): Jim Campbell, der in Berlin der Katze
der Musique concrète seine Schelle umhängt, ist
vor allem durch den konstanten Arbeitseinsatz bei
The Dorf ein Begriff. Ich habe ihm für sein turntapelistisches (sic!) Erzeugen molekularer Turbulenzen und seine knurrig-knattrigen Klangpartikelkollisionen bei "Vagabond Laws" eine auffallend
eigene Handschrift bescheinigt. Nun überrascht er
mit der „Ballade des äußeren Lebens“, in der der
22-jährige Hofmannsthal fin-de-siècle-müde dem
ganzen Und-so-weiter abwinkt mit raunenden
Terzinen, seinem Und dennoch sagt der viel, der„Abend“ sagt, / ein Wort, daraus Tiefsinn und
Trauer rinnt / wie schwerer Honig aus den hohlen
Waben - an dem sich seither schnöde Parodistenlaben. Campbell, der aus dem Rust Belt nach Berlinkam, haben sich diese Zeilen vor zwanzig Jahren
als Floh ins Ohr gesetzt. Nun entzündet sich daran,
kassettenmanipulativ, ein Fräsen und ein Schürfen,
als Wispern von Gespinsten und als feines Knistern. Als Überwirklichkeit in träumerischer Dehnung von Spurenelementen, modrigen Rhizomen,
auf stiller Lichtung, fein von Amselsang durchzogen. Metallne Dichtung, unruhig in ihrem Brodeln,die, ungelogen, die Ohren streift als ein nur vages
Omen. Doch zu Trauerton, der leise orgelt, schallt's
auch wie Rufen oder Singen, wie feines Sirren, konvulsives Dröhnen, wie Vogelscharen, die sich verwandeln in Maschinen, windspielerisch und zwitschrig nah dem Granularen. Jauliger Sound quallt
weiter mit Metallbordüren, und Blackbirdsingsang
schließt als Nachtlied zuletzt leis die Türen. Dem
folgt die Fabel von 'ner Säge, die voller Reue in den
Wald zurückkehrt, um Abbitte zu leisten für ihr
zerstörerisches Tun. Campbell führt als Sprecher
durch das mit objects, tapes, dictaphones, synths,
drum machines, piano & ebows urwaldhaft beschallte, mit Weird-Folk-Gitarre beschrammelte
und beharfte Märchen, zu dem ihn tschechische
Zeichentrickfilme ebenso anregten wie Neowestern der 60er/70er und Lo-Fi-Home-Recorder wie
Emil Amos (Holy Sons, Grails) oder Ash Bowie(Polvo, Helium). Auf einer dämmrigen Lichtung
wird Blade nach langem Stöhnen, Wimmern, Seufzen ('Lament') als nun Singende Säge nach elbischem Ratschlag tatsächlich Vergebung gewährt
und die Sühne ('Atonement') mit einem Rave besiegelt, zu dem Grillen aufspielen und Mikropercussion sich zu waldeslustigem Tamtam verdichtet.
76

SAINKHO Ethno Tribal B.P.M. (Drugaya Kultura Product, DK034 CD
06/1): Tatsächlich, nach zehn Jahren ein Wiederhören mit Sainkho
Namtchylak. In Begegnungen mit
acht russischen Producern, die ihr
technoide Startbahnen für ihren
tribalen Tuva-Gesang ausrollen:
Alexei Borisov aus Moskau und,aus St. Petersburg, Nicholas Lem,
Alexander Zaitsev (ex-СБПЧ =Samoye Bol'shoye Prostoye Chislo),dem Duo Fizzarum (von dem "Frisson" auf Ant-Zen erschien), Oleg
Azelitskiy alias DJ Slon, Tsaritsa
Logiki & Vladimir Ivanov, seit überzwanzig Jahren aktiv als Perforated Cerebral Party, Parkle sowie
als Anstoßgeber Gennady Pleshkov aka Tenzor. Sainkho verschönt
dabei Lems robust getakteten Robotnik-Flow mit ätherischen Ghostwhispers. Zu Zaitsevs stur bepochten, steinig beklackten Wellenhaucht sie coolen Wave-Pop. Zu
Fizzarums knittrigen Loops unddrängenden Holperbeatz vokalisiert sie als kleines Mädchen im Elfenwald. Von DJ Slon uptempo beklopft und durchgerüttelt, pflügt
sie durch sibirische Stechmückenschwärme mit schamanischem Ee
und Aaaa. Tenzor lässt Schaum
prickeln und Sainkhos nochmalschamanische Vokalisation schweifen, um dazu quallige Laute zu
quarren, keyboardistische funkeln
zu lassen und ganz uneilig dahinzuzockeln. PCP loopt einen unrunden Groove und Sainkho treibt ihr
Yak mit reggaesmoothen Easy-Rufen. Bei Parkle kreist ihre Stimme
zittert und fragil in einer dunklen,
blitzig bezischten Klangwolke, zu
verwehten gutturalen Tuvalauten.
Borisov schließlich bereitet ihr einen helldunkel rhythmisierten, klickenden und wummernden Groove,um dem sie sich windet mit einem
repetierten commutation leak (?)
und langgezogenen Kehllauten.

jenseits des horizonts
thanatosis produktion (Stockholm)
Da, wo Christer Bothéns "Ambrosia" erklang und "Det Försvunnas Namn" von Martin Küchen, da webt nun MARTA FORSBERG mit Traumfäden und Lichtstrahlen TKAĆ (THTLP5).
Ähnlich wie zuvor bei "To All Frequencies I Can Not Sense" (2017) für Quartett und der sichmehr und mehr steigernden "New Love Music" (2020) für Sinuswellen, Zither und Chor. Die
in Berlin aktive schwedisch-polnische Elektroakustikerin und engagierte Konstmusiksystrar hat mit dem Golden Offence Orchestra als "Ode to Pauline Oliveros" deren "To
Valerie Solanas and Marilyn Monroe in recognition of their desperation..." ertönen lassen.
Und war mit Hästköttskandalen schon auf Fylkingen zu hören mit "Spacegirls" als Hospitalder Geister-Musik aus der einstigen Leichenhalle unter dem Sabbatsberg Hospital in
Stockholm. Dazu passt hier die nebulöse Geisterfotografie einer jungen Frau in Weiß. Um
zwei Stücke durch einen hindurchgehen zu lassen, die 2015 entstanden sind: 'LED andLove Sounds', made of frozen and processed violin sounds; und 'Weave and Dream', komponiert mit dem, schwedisch bis in die Fingerspitzen, OP-1 Synthesizer von Teenage Engineering. Ersteres ein lebendiger, aber konsequent dröhnminimalistischer Summton, dersich, aus einem hellen, bebenden und einem dunklen, glatten Drone gesponnen, in sichchangierend durch die Raumzeit bohrt. Nach einer Viertelstunde beginnt er in der Tonhöhe zu schwanken, wie gebremst sinkt er ab, steuert dagegen, um schließlich zu verlöschen. Im zweiten Fall fängt ein quarrender Halteton schon nach wenigen Sekunden zu
beben, zu wabern, zu schwirren an, als Schwarm motorisierter Bienen, mit plötzlich
grollendem Unterton, der bebend die Oberhand gewinnt. Stop. Und Go. Als weitere Dauerwelle, wie gezwittert aus Drehleier und Akkordeon, surrend in sonor dunklen und hellen
Frequenzen. Stop. Und als letztes ein gespenstisches Flöten, das einem allerfeinst die
Nackenhärchen aufstellt.
Der Stockholmer Pianist ALEX ZETHSON, der mir vor zehn Jahren in Niklas Barnös Je
Suis! auf Umland ins Klangbild geraten ist, hat sich seither mit Angles 9 auf Clean Feed,
mit Goran Kajfeš Tropiques auf Headspin und als Leader von Yokanda etabliert. Hier nun
bei Some Of Them Were Never Unprepared (THTLP8 / Relative Pitch Records, RPR1130)
zeigt er erst recht seine kompositorischen Ambitionen, mit einem 33 ½ min. Dröhnscapefür 6 Streicher*, 2 Pianos, 3 Gitarren und 4-händig Percussion. Motto: Werde in bewusstem
Kontrollverlust so sehr Teil eines Ganzen, dass du in der Summe mehr wirst als ein Teil vonihm. Ich erkenne da die Geigerin Anna Lindal (Magnus Granberg, Ensemble Makadam), die
Kontrabassistin Elsa Bergman (Anna Högberg Attack), den Drummer Andreas Hiroui
Larsson (J/L Duo), mit Torbjörn Zetterberg den Leader von Den Stora Frågan und in der
Gitarrenfraktion Kasper Agnas (der mir mit den Mahnig Bros. begegnet ist) neben den mir
neuen Giannis Arapis (der mit Mammock halbstark...) & Anton Toorell (der mit Dammit I'm
Mad schön schräg freakrockt). Zethson lässt sie unisono hämmern, gamelanesk wie Will
Guthrie & Ensemble Nist Nah, als rituelles Tamtam, mit pickenden Pianos, aufscheinendem Gongsound. In strammem Tempo, aber nur scheinbar eintönig, weil die Rhythmik,
weiß der Teufel wie, ein Muster aus engeren und weiteren Maschen abspult, und neben
einer basslastigen Dunkelwolke der klopfende Ensembleklang ebenfalls leicht changiert.
Nach elf Minuten wird Larsson fast allein gelassen, nur eine Geige pfeift noch flautando
mit, bis präpariertes Piano und blinkende Gitarre den Klingklang wieder hochschaukeln
und das Tempo anziehen. Part II beginnt transparent mit ätherischen Klangtropfen undfeinem Sirren und kommt in einer Art Dampflokduktus in die Gänge mit monoton pulsenden Bässen zu klickendem Drumming und hellen Bogenstrichen. Immer schneller? Immerlauter? Gefühlt, ja. Mit nun melodisch geigendem dadadida, das dem sturen Headbanging
einen seligen Dreh und dem ständigen Anstieg etwas Müheloses gibt. Doping ist King?
Nein, unermüdlicher Minimalismus gibt maximalen Auftrieb.
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Alfred 23 Harth (Frankfurt/Seoul)
Die mit Trio Trabant A Roma, Gestalt et Jive und The Punk Jazz Group (→BA109) begonnene Öffnung seiner Archive setzt A23H fort mit Memoria Eschatologica (digital) als Hörstück zu Chernobyl und Erinnerung an die letzten Dinge,
Agonie und Tod. Realisiert hat er das 1992 als 23-min. Kladderadatsch aus
dramatisch-katastrophisch rhythmisierter Sound Art, zerfetztem Chorgesang,homöopathisch eingerührtem Blockflötenorchester und einem ein Havarieprotokoll sprech-singenden Paar mit dem Frankfurt City Blueser, Kunstdandy,
Krankenpfleger und 2020 mit "Frittenmoni" sogar Opernkomponisten August
Scheufler. Die Überschrift stammt von Alfreds Bruder Dietrich Harth, einem
Spezialisten für Mythos und Ritual als Geburtshelfer von Kultur und Kunst,
nämlich dessen 'Versuch über Matthias Grünewalds Isenheimer Altar' (in "Mnemosyne Formen und Funktionen der kulturellen Erinnerung", 1991). Die Erinnerung an die 'Dialektik von Produktion und Müll' und ihre agonale Ratio wurde gerade erst
mit dem 5-Teiler "Chernobyl" (ProSieben) aufgefrischt. Die Affinität von Kunst zu Trash,Müll, Kontamination ist schon länger so ambivalent wie chronisch. Die Ästhetisierung von Scheiße & Dreck ist ja zugleich ein darin Wühlen, das mit
dem Ecce Homo-Fingerzeig von Grünewalds Johannes (als Covermotiv!) auf
die - in den Krematorien von Auschwitz zum Äußersten getriebene - 'Logik desSystems' hindeutet: 'Müllverbrennung' als Perpetuum mobile eines Teufelskreises und sine qua non von Wohlstand durch Wachstum, von Gedeih durch
Verderb. Das zu 'zerrütten' durch Gegenerinnerungen, Ausgrabungen, dem
Lesen verwischter Spuren und sogar Wehtun ist doch das, worum es in BA
immer schon geht. Und wird hier - in memoriam 10 Jahre Fukushima und 35
Jahre nach dem 26. April 1986 - exemplarisch vor Ohren gezerrt, mit sarkastischen und grotesken Zügen. Brechts „Glotzt nicht so romantisch!“ ist abgewandelt in „Was nützt das schönste Pathos, wenn alles beim Alten bleibt?“
Auf Film and theater music compi II (digital) zu hören sind ALFRED HARTHs Soundtracks
für ZDF-Dokus: Zu "Luther und die Deutschen" (1983) über den abergläubischen Mönch
ohne Sinn für die tiefere Not seines Volkes (H. Ball) und die als mächtiger Hasser riesenhafte Inkarnation deutschen Wesens (Th. Mann) - mit Brass und attackierendem Getrommel (Uwe Schmitt) in aufbegehrenden Schüben und mit feierlichem Pomp, als innerer Widerstreit mit kecker Auflösung. Zu "Letzte Vernunft" (1986) über den Alten Fritz und den
Krieg als die Ultima Ratio des aufgeklärten Flötenspielers oder despotischen Gerippes der
Pflichterfüllung und des Sadismus (wieder H. Ball) - flötenfriedlich, reedschmerzlich, mit
Trompete zum Kriegstanz bittend, mit Bassklarinette die Wunden leckend und auf dem
letzten Zahnfleisch humpelnd. Sowie zu "Geheime Welten" (1990) über den Secret Intelligence Service, den britischen Auslandsgeheimdienst MI6 - Kim Philby und die Cambridge
Five? George Blake? Bond, der Name ist Bond? Ach, die Kalten Krieger von Maulwurfshausen - in helldunkles Zwielicht, in zwielichtiges Pathos getaucht, honorige Blender, wühlend für das eine oder andere Vaterland, mit gezinkten Keys, verrauschten Electronics,
Saxtristesse. Dazu gibt es ebenfalls mit mehrspurig Reeds, Flutes & Electronics gestaltete
Exzerpte von Harths Theatermusiken für Fernando Arrabals "Der Architekt und der Kaiser
von Assyrien" (Schillertheater Berlin, 1988) - saxelegisch gebettet auf driftenden und pulsenden Synthisound und aufs Bergeversetzen hoffend. Und für das gut gemeinte SichVergreifen am Ungewöhnlichen in "Elysian Park", nach Marlene Streeruwitz (Deutsches
Theater Berlin, 1992) - mit dezisionistischem Keysstaccato, verzerrter, überdrehter Tonbandspur, himmlischem Phantomchor, Kartontamtam, immer wieder lyrischem Gebläse,
das die Gefühlsskala beharft, wie es Harth so leicht keiner nachmacht, und zuletzt einer
abwechselnd rhythmisch aufgewühlten oder unberührten Dröhnwelle.
https://alfred23harth.bandcamp.com
78

... jenseits des horizonts ...
JAMES BATTY Until I Set Him Free (Blue Spiral Records, BSR212): Batty hat für seine
Klangvorstellungen die 88 Töne eines Pianinos umstimmen lassen, um damit, wie
Michelangelo seinen 'David' aus dem Marmor, Klänge aus der Luft zu schälen, zu 'befreien'.
Er geht dafür, wie schon bei seinen Begegnungen mit 'Giants' des 'Microcosm' auf"Sanctuary (Overtones and Deviations)" (2016), als Composer-Performer an die Ränder
des Tonalen, in die Fugen des Mikrotonalen, wo es dämmert und glimmert. Als einer, derauf dem verstimmten Klavier eines Geisterhauses die Geister von John Field und Frederic
Mompou erscheinen lässt. 'Exodus' und 'Odyssey' sind dafür große Worte. 'Dawn'
jedenfalls ist ein Notturno durch und durch. Gefolgt von kecken, aber absehbar allzu
kecken Aufbrüchen eines Taugenichtses, dem das Moll von vorneweg am Schuh klebt. Was
ich Moll nenne, nennen Musikologen vermutlich anders. Aber Battys zartbitteren, leicht
windschiefen Töne stehen so auf keinem temperierten Notenblatt, es ist das Leben selber,
das ihm die Fingernägel schwärzt und die Stimmung in ihrem Doppelsinn trübt. Seine
musikalischen Memoiren sind nur ein Epilog zur Romantik, selbst für die Spätromantik
kommt er anderthalb Jahrhunderte zu spät, mit dem, was er da im Mondlicht in ein
zerfleddertes Notizbuch krakelt. Ihn als Nighthawk in eine triste Bar hinken zu sehen,würde den Anachronismus seiner spleenigen Reveries verwischen. Die Uhr schlägt dumpf
und von ferne 12, seine klimpernden 'Steps' führen ebenso raus aus der Stadt wie aus derGegenwart, als hinkender Zweiklang, in monotonem Tippelschritt, als Tropfenfolter
nagender Einsamkeit. Winterreise ohne Worte, Eiszapfen stechen wie Dolche. Battys
selbstverfassten Nachrufe sind kleine Postludien eines Epilogs, und er endet mit dem
allertraurigsten Bilanzstrich unter einer 'Befreiung' in eine 'bessere Welt'. Michelangelos'David'? Ich sehe da eher jene, die wie der arme Chatterton dem Tod als Befreierentgegengingen.
JOHN CAGE Variations VII (ēpicentre Editions, EPI-2101): A piece of music for any numberof musicians using photo-electric cells and electronic equipment, indeterminate in formand detail, using as sound sources only those sounds which are in the air at the moment of
performance, picked up via the communication bands, telephone lines, microphones
together with, instead of musical instruments, a variety of household appliances andfrequency generators. Uraufgeführt am 15.10.1966 in New York. Und neu aufgeführt beim
Le Bruit de la Musique Festival 2020 in Domeyrot. Von Lê Quan Ninh, Nadia Lena, Aurélie
Maisonneuve, Émilie Mousset, Jérôme Noetinger und Julien Rabin vor Ort mit Bewegungsmeldern, Bohrern, Camcorder, Computer, Epiliergerät, Kassetten, Kontaktmikrophonen,
Mischpulten, Mixer, Modem, Mole-Rat EMF, Radios, Smartphones, Turntables, Uhren,
Ventilatoren, Walkman, elektr. Zahnbürste etc. etc., dazu dem Input von 17 abwesenden
Mitspieler*n, verbunden per Phone, Web und durch Zufallsprogramme, die der kanadische
Anarcho-Software-Crack Andrew Culver entwickelt hat, 11 Jahre lang Cages Assistent. Die
Erklärungen gingen noch seitenlang weiter, aber da mein Brass auf Konzeptkunst undCages höheren Blödsinn keine weitere Befeuerung braucht, möge das Spiel beginnen: Mit
einem gleitenden Einstieg durch Festival-O-Ton hindurch, mit Sirr- und Bohrgeräuschen
und Stimmengewirr, unklar ob aus dem Publikum oder als zugespielter Input, gemischt mit
knarrigem, knattrigem, stechendem Elektro- und Maschinennoise, Radioschnipseln vonetwa einer quäkenden Trompete, einem alten Blueser, einem Rapper, einem Operntenor. In
der Quersumme ein nur unwesentlich verdichtetes Abbild alltäglicher Geräuschkulissen
als Roaratorio mit hohem sadomasochistischen Wiedererkennungsfaktor in seinem
nachgemachten Laubbläser-, Rasenmäher- und Hornbach-manischen Heimwerkerkrach.
Mit Gebabbel, dass einem der Kopf schwirrt, mit nervigem Babygeplärr on top undRadiorowdies mit exzessiv ausgelegter 'Zimmer'-Lautstärke. Wilhelm Busch ist da wenig
hinzuzufügen. Außer vielleicht: Nieder mit dem simulierten Hypernaturalismus! Bohrt euch
die Löcher doch in den eigenen Schädel!
79

KLAUS LANG & KONUS QUARTETT
Drei Allmenden (Cubus Records, CR376): Wenn der Grazer Komponist das
lutheranische 'Sola scriptura' („allein
durch die Schrift“) mitverantwortlich
macht für die musikalische Fixierung
auf Partitur anstelle eines präsenten
Komponisten-Performers, ist das eine
durchaus bedenkenswerte These.
Selbst die emotionale Expressivität
der Romantik sei so detailversessen
zu Papier gebracht und ein Kanon
festgeschrieben worden, der mitsamt
der nationalsozialistischen Exklusion
von 'Entartetem' weitgehend seine
Gültigkeit behielt - unter der Fuchtel
oberpriesterlicher Dirigenten als gegenreformatorischer Ergänzung werden kanonische Texte toter Genies
zelebriert. Lang kehrt daher zurück
zum Usus des 16./17. Jhdts., derKomponist sitzt noch unter Seinesgleichen, hält sein Ego im Zaum,
macht simple und klare Vorgaben, die
er dann mitperformt und in kollektivem Knowhow verlebendigt. So auchhier: Lang verwirklicht am Harmonium
seine oberste Maxime äußerster innerer Klarheit und innerer Stille zusammen mit dem Berner Saxofonquartett,das seine Verlebendigungspotenz an
Salvatore Sciarrino, György Ligeti
oder Georg Friedrich Haas ebenso
wie an Barry Guys "Reconstruction",
Martin Brandlmayrs "Haunted House"
und Tomas Kobers "Anschlussfehler"
expliziert hat. In Gestalt morphender
Dröhnwellen, die, wie exemplarischauch schon Klaus Langs "einfalt.stille.", Fluss und Zustand als eins erscheinen lassen. Der harmonisch orgelnde und im Spektrum von Bariton,
Tenor, Alto und Sopranos betörend
summende und zirpende Flow vereinter, gezopfter oder konkurrierender Halte- und Dauertöne entfaltet
eine unaufhörliche Präsenz als fließendes Dasein, atmendes Klarsein,
nur selten in pulsender Dringlichkeit.
Mit dem Titel lässt Lang einen dabei
shoegazend brüten über das "Eigentum ist Diebstahl"- vs. "Tragik derAllmende"-Dilemma.

WOLFGANG MITTERER temp tracks (col legno,
CL3 1CD 15008): Der Tausendsassa aus Lienz,
man kennt ihn als großen Orgler vor dem Herrnund überhaupt einen, der groß denkt und großtönt - ich sage da nur: 'Turmbau zu Babel' für4200 Sänger, 22 Schlagw., 8 Trompeten, 16
Hörner, 16 Posaunen, 8 Tubas... Hier versammelt
Mitterer aber 'nur' kleine elektronische Soundtrackbausteine, 20 Miniaturen zum Wortfeld'temp': wie temperament, temperature, tempest,
templar, temple, tempo, temptation..., 17 zum
Wortfeld 'ton': wie tonal, toneless, tonepoem,
tongue und, ts, ts, tonight... Für seine 'beste
Musik' zu "Untitled" (2017), das in Serendipität
gewebte, postume Bildpoem von Michael Glawogger (& Monika Willi), und für das als narrischer Zombie-Karneval gefeierte Spektakel "Die
Kinder der Toten" (2019), das auf Elfriede Jelinekbasiert, bekam Mitterer ja schon zweimal denÖsterreichischen Filmpreis. Nun bringt er sich in
Stellung für mehr, mit groovy oder nervös rhythmisierten Samples von Motor- und Tiergeräuschen, Stimm-, Strings- und Saxofonfitzeln,
Spuren von Orchester- und Opernklängen. Auf
engstem Raum und in auf 1, 2 Minuten begrenzter Zeit verschachtelt und komprimiert erhochkomplexe Bewegtheit in einem plunderphonischen Kladderadatsch aus Klassik, Jazzund Electronica, und suggeriert dazu dennoch
Stimmung und Spannung, wenn er Kompression
mit Entschleunigung überblendet. Wer sich dabei
langweilt, stammt von anderen Affen ab als
solche, denen dieses maximalistische AnythingGoes die Synapsen kitzelt, erfrischt, erhitzt. Weiles die denkbar zeitgenössischste Musik ist, die,mit allem Möglichen vollgesaugt, sich in auralem
Overkill ergießt und, indem sie scheinbar nur
noch kürzeste Aufmerksamkeitsspannen bedient,
ein klangliches Feuerwerk von symphonischen 56
Minuten abbrennt. Statt sich an Hurz zu verschwenden, jagt, sammelt, räubert Mitterer lieber
auf Pop- und Comicterrain, und wo auch die
Musique concrète oft heavy, allzu heavy war,
punktet er, auf technisch hohem Niveau, mit
einer unordinären Easiness, wenn er es zu Stabspielwirbeln orgeln und hummeln lässt, und sogar das Meer ans faunisch relaxende Trommelfellbrandet. Bis allerdings Urlauberhorden dazu
chillen, ist noch ein weiter Weg. Den Schlusspunkt setzt ein ätherisches Notturno, denn
Nächte, Träume und die Welt sind tief, viel tiefer
als am Tag gedacht (um Zarathustra's Rundgesang zu remixen).

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BERNARD PARMEGIANI Stries (Mode Records, Mode328): Das Œuvre von Bernard
Parmegiani (1927-2013), dem großen französischen Elektroakustiker, ist weitestgehend akusmatisch ausgerichtet, an Performer dachte er nur ausnahmsweise. Zwischen 'Violostries' (1964) und 'Exercisme I'(1986) ist 'Stries' (1980) für drei Synthesizer
und Tonband so ein Fall, aufgeführt einst
von TM+ mit Yamaha CS-40M, EMS Synthi
AKS und Denis Dufour an Roland System
100M Set D und in dieser Version, allerdings
unvollständig, auf "Trio Instrumental Électroacoustique" (INA-GRM, 1984) überliefert.
Im Hertz-Lab des ZKM haben nun Sebastian
Berwick, Martin Lorenz & Colette Broeckaert mit wissenschaftlicher Akribie undheutigem Knowhow die drei Teile des 45min. Stücks neu aufbereitet, was insbesondere dem ersten Teil, dem Tape-Solo 'Strilento', zugute kam. Parmegiani hatte dabei
auf das Tape von 'Violostries' zurückgegriffen, das nun, redigitalisiert, so plastischund präzise wie noch nie klingt in seiner
elektroperkussiven 'Impulsivität', deren rein
violinistische Herkunft dabei unglaublicherscheint. Für 'Strio', den Mittelteil, nehmenzwei der Synthies Modulationen des Tapesounds vor und generieren dabei ein surrendes, schimmerndes Dröhn- und Schauerfeld, der Yamaha oszilliert dazu fragile
Verzierungen. 'Stries' schließlich ist einveritables Quartett in ausgefuchster Sonic
Fiction, die sich jetzt doch als streicherhaftbekennt, aber zugleich noch verstärkt wie
nicht von dieser Welt daherkommt. Ein
Kontrast, den der Komponist selber verkörpert, wie er da posiert als eher derDritten als der Fünften Republik zugehöriger Schnauzbart. Neun dumpfe Stöße
führen per Band erregte Aktivitäten heran,abstrakt und alien, flickrig und knarrig,
polymobile Action in hektisch zuckendem,
turbulentem Helldunkel. Zirpiges Flickern
senkt sich herab in rieselnden Schüttungenüber abrupte Stringakzente und orgeligoder schütter driftende Synthiedrones. Die
Basstupfen kehren wieder als dunkle Spurin vielbewegter, crescendierender Konklusion und mit einem anderthalbminütig diminuierenden Bremsweg. Da hat einer faszinierend ernst gemacht mit dem Paradigmenwechsel von Immersoweitermusik zu
einer ganz anderen.
Klaus Lang - Wolfgang Mitterer - Bernard Parmegiani81

JUHANI SILVOLA The Slow Smokeless
Burning of Decay (Eighth Nerve Audio,
8nerve009): Silvola hat mit Jæ, Splashgirl, Jessica Sligter, Highasakite, The
Island Band und Frode Haltli Avant Folkeine kontinuierliche Präsenz auf Hubro
entfaltet und auch an der Seite der Violinistin Sarah-Jane Summers ist er kaum
wegzudenken. Hier aber knüpft er anseine zuletzt bei "Post Biological Wildlife" gezeigten kompositorischen Ambitionen an. Das meint in seinem Fall sonicnarratives in der Tradition frankophoner
Akusmatik. Zuerst folgt er da beim Titelstück Robert Frosts Spaziergang in den
Winterwald zu einem vergessenen Holzstoß ('The Wood-Pile') far from a useful
fireplace / To warm the frozen swamp as
best it could. Und er beruhigt dabei
Sturmbruch und Steinschlag mit elektronischen Vogelrufen, stiller Lichtung, fragilem Tickeln, verzerrtem Gitarrenklang.
Dass der Mensch ein (sprachbegabtes /nicht festgestelltes) Tier, Geist, eine Maschine, ein Computer oder nur eine Illusion sei, diesen Fehlversuchen, das Wesen von Menschsein zu definieren, stellt
Silvola in 'Five Failures in Representing
our True Nature' Musik as the most nonhuman art entgegen. Er spricht ihr den
Willen und die Fähigkeit ab, Identität festzulegen. Als hätte er Adornos Diktum im
Sinn, dass Kunst den Menschen allein
durch Inhumanität die Treue hält. Entsprechend undefiniert abenteuert seine
Geräuschwelt animalo-bruitistisch und
mit Vogelschnäbeln, metalloid dröhnend
und mit feminin singendem Loop in kataklysmischer Bedrängnis. Ein Klopfkäfer
morst, Tropfen tanzen, Klangpixel überflickern und überflöten Morlocktiefen.
Silvola vertieft das mit 'Like Garlands of
Flowers Spread Over the Chains that
Bind Us', wenn er Musik ausnimmt vonRousseaus Vorwurf, die Künste würden
über die Eisenketten, die die Menschen
beschweren, nur Blumengirlanden breiten, so dass sie ihre Knechtschaft lieben. Dazu lässt er nochmal Klangspuren
dröhnen und zwitschern, scheinbar konkrete Geräusche von Stein und Eisen,aber verunklart und in surrealer Bewegtheit. Es tönt das Meer, es tickt die Uhr,und definiert unser 'Was-auch-immer'Sein als garantiert vergänglich.

V/A Glacier Music II (Goethe Institut / Establishment Records, EEST013, Book+CD): Das
Goethe Institut, ROBERT LIPPOK als Music
Director und LILLEVAN als Artistic Director(und beide auch als Fotografen) wechselten
nach "Gletschermusik" (2016 →BA 91) den
Schauplatz, aber nur, um ihr Thema zu vertiefen - den Klimawandel als zauberlehrlingshafteEntgleisung des Anthropozän. Nachdem sie
2015 in Kasachstan, Kirgisistan, Tadschikistan
und Usbekistan den Tujuksu-Gletscher im Tienschan, dem Himmelsgebirge, umkreist hatten,
um über dessen Dahinschmelzen Alarm zu
schlagen, waren sie 2019 in Armenien undGeorgien unterwegs, mit dem Kazbek im Großen Kaukasus als weiterem Indiz, dass die Region ihre nicht umsonst mythisch verehrten
Wasserspeicher zu verlieren droht. Die Wüste
wächst, und Nietzsches philosophische Vision
ist zunehmend existenzielles Faktum, mit aucheiner gemeinsamen Ursache, dem EuropäerHeisshunger, dem kollektiven ich kann nicht
anders. Die Expedition zeitigte diesmal Musikder jungen Electronicproducerin & Pianistin
ANUSHKA CHKHEIDZE, der Sängerin ETOGELASHVILI, beide aus Tbilisi, und von HAYKKAROYI in Yerevan, einem Könner an der Duduk, aber ebenso versiert mit Piano & Laptop.
Lippok mischt sich dazu mit wieder dark ambienten Panoramen und Fieldrecordings, diehörbar machen, wie es unter dem bleichen
Mond in den Fundamenten knistert, wie dasschlafende Wasser verloren geht. Natürlich ist
es nicht damit getan, dem Gletscher ein Wiegenlied zu singen, es gilt, Lebensräume wie'unseren', der sich um 11.700 b2k mit dem Ende der letzen Eiszeit auftat, nicht in chronische
Katastrophengebiete mit 40°-Sommern, Dürren, Waldbränden und Sturzfluten zu verwüsten. Karoyi schrillt auf, schmerzlich und alarmiert, zu elegischem Piano, und er wird ganz
sanft zu Gelashvilis wehmütigem Gesang. Es
knarzt und klirrt, Electronics und dunkles Flöten fusionieren folktronisch, Gelashvili fleht mit
dem uralten 'Mze shina' ganz zart die Sonnean, ein Neugeborenes zu behüten, crescendierendes Bersten ist die Antwort. Chkheidze
klimpert davor schon melancholisch und danach wieder, jedoch nicht so resignativ, um
nicht ostinat drauf zu pochen, dass sich wasändern muss. Aber zuletzt zählen sie zu viert
doch die Tropfen, die der Gletscher verliert wie
ein Bluter. Ich fürchte, wir Menschen von Heutewerden in der Mythologie der Nachgeborenen
einmal als Dämonen und Vampire nachleben.
82Denise Ritter: "stage diving"Das Museum im Kulturspeicher kontrastiert, äußerlich und innerlich, mit dem übrigen
Würzburg wie das silicatgrüne Fraunhofer Institut von Zaha Hadid. Denn Würzburg und
Konkrete Kunst, Würzburg und Modernität, das beißt sich oder geht sich aus dem Weg. Die
Ausstellung der Dortmunder Klangkünstlerin DENISE RITTER, die haben wir daher am 18.
Juli 2021 auch ganz für uns. Der Name sagte mir was, denn die einstige Meisterschülerin
von Christina Kubisch, die nach ihrem Abschluss als Dipl.-Geographin abgebogen ist
Richtung Audiovisuelle Kunst und Neue Digitale Medien, hatte mir am Ohr gezupft mit'Outer Shell' und 'Hölleneingang a, b, c bis z', ihren Beiträgen zu den DEGEM-Kompilationen "wandlungen unplump" (2014) & "Grenzen" (2015). Den Kulturspeicher beschallt
sie mit der 4-Kanal-Klanginstallation 'stage diving', die Mozart, statt mozartfestlich in der
Residenz, mozartorisch einbettet in den Würzburger Alltag. Aber auf visueller Ebene wird
das veredelt mit vier im Karree aufgestellten schwarzen Schalltrichtern, die in ihrer konkaven Wölbung in ihre sphärische Mitte einladen, in der man immersiv eintaucht in ein
Brundlefly-analoges Moburg oder Wüzart. Die 8-Kanal-Klanginstallation 'small world wide_
track #1 / social interaction' bildet auf dem Boden eine Kette aus weißen Kugelsegmenten,
aus denen, à la Cage, ein globales Roaratorio erschallt, gemischt aus den Aufnahmen vonzehn Reiserouten, auf denen staffelartig Audiorekorder weitergereicht wurden bis nach
Brasilien und China. Das Weltkugel-Motiv bestimmt auch 'Sphaira 01': Ein weißer, runder
Satellit mit Sprechfunk eines Kosmonauten auf der Raumstation ISS sticht, ähnlich dem
Astronauten in Kubricks "2001", der in einer Louis-seize-Kulisse landet, hier absurd ab vonFin-de-siècle-Ölschinken. Mit der zirpenden 6-Kanal-Installation 'Revier', mit Grillen, die ja, gibt's denn sowas - durch Grubenholz 1200 m tief in eine Zeche gelangten und die hieraus schief gestellten kleinen Malakow-Türmen erschallen, knüpft Ritter an ihre postindustriale Thematik als Schachtanlage Gegenort (1997 ff) an. Und vertieft das noch mit 'mono /industriell' als Klangcollage aus der 2017 als letztes deutsches Steinkohlen-Bergwerk
stillgelegten Zeche Prosper-Haniel in Bottrop. Wenn man den Kopf in schief ausgeschnittene und trichterförmig verengte 'Klangfenster' steckt, hört man die Stimmen der Kumpel
und den Lärm von Dieselkatzen, Sumpfpumpen, Förderbändern etc. Draußen in der Kulisse des Alten Hafen, gibt es dann noch den Mainscape 'river loops_extended', als kleines,
lokalkoloriertes - denkt an "Asterix uff Meefränggisch" - Hörspiel. Heute wird das allerdings übertönt vom Salsa-Club, der unter dem Vordach des Heizkraftwerks schwoft. Tja.
Und abrobo, sorry, apropos Farbe: Ritter nimmt bewusst nur Schwarz, Grau und Weiß zur
Verräumlichung ihrer klangfarbreichen Zeitkunst, ihrer Einmischungen, Grabungen undDraufsichten, und gibt unserem würzburgerisch beschränkten Blick damit eine modernistisch und minimalistisch gekühlte Perspektive. Den lustwandelnden Ohren verschafft die apollinische Berauschung in audiovisueller Synergie eine Raum-Klang-Wahrnehmung, wie es die teuerste Stereoanlage nicht hergibt.
83Bohrer, Jünger und die andere Seite
Nachdem ich kürzlich mit L. A. Fiedlers "Cross the border, close the gap" eine der für Bad
Alchemy maßgebenden Bestrebungen aufgefrischt habe, wäre es unredlich, anlässlich desTodes von Karl Heinz Bohrer nicht zu erinnern, dass ich ihm den "Poetischen Nihilismus"
verdanke. Während andere die Hauptaufgabe der Kunst im Abbilden, Entlarven und Kritisieren sehen, sieht Bohrer im Nein und im 'Hinausgehen' über das unerträglich Gegebene
den eigentlichen Sinn und Eigenwert des Ästhetischen. Im sur-realen Transgredieren undÜberschreiten ins 'Abnorme', Ungeheure und Geheime als Notwehr und Flucht-Hilfe, alsaggressiver Protest gegen die positivistische Entleerung und 'Entzauberung der Welt',
gegen das Normierte und den Common Sense, als Einspruch, der sich weder als 'präfaschistische' "Zerstörung der Vernunft" (Lukács) noch als 'antimodern' erledigen lässt. Es
zeigt sich als der 'verzweifelte Realismus', den Arno Schmidt den Romantikern Tieck,
E.T.A. Hoffmann, Fouqué und Brentano bescheinigt hat ("Fünfzehn"), und in der phantastischen Unter- und Anderwelt - von de Sade und Poe bis Baudelaire, Lautréamont, Huysmans und Wilde - , die Mario Praz im 19. Jhdt. hervorgekehrt hat ("Liebe, Tod und Teufel:
die schwarze Romantik"), als höllischer Buchstabensuppe, die auch der exilierte Walter
Mehring zu entziffern versuchte ("Die verlorene Bibliothek"). Bohrer hat mich gepackt mit"Die Ästhetik des Schreckens" (1978) und wie er sich da in die 'pessimistische Romantik'
reingekniet und aus Ernst Jüngers Frühwerk - von "In Stahlgewittern" bis "Blätter und
Steine" und insbesondere "Das abenteuerliche Herz" (1929) - eine Anschauung entwickelt
hat, die eine spezielle Kunst des Neinsagens favorisiert. Mir brachte das durch Jünger hindurch eine Ausweitung von Klaus Theweleits einäugigen "Männerphantasien" zum 'stereoskopischen Blick' mit einem Späher- und einem Raben-Auge.
Jüngers durch den Weltkrieg erschütterten Sinne starren daueralarmiert auf das
schaurige Vexieren von Schönheit und Schrecken, Ruhe und Sturm, Körper und Kadaver,Täter und Opfer. Das zeitigte einen Stil, der "mörderisch oder frappierend" ist, der "verwundet oder erschüttert", nicht durch Parabeln, sondern als selber ein 'Massaker', als
Epiphanie der Gorgo, deren entsetzliche Grimasse sich als entsetzte Spiegelung undRückkopplung menschlicher Abgründe herausstellt. Bevor es Stil wurde, war es durchlittener Vernichtungs-Schrecken im verlorenen (!) Krieg. Jünger versuchte aus diesem
seinem 'magischen Nullpunkt' hervorzugehen als Avantgarde der neuen Dynamik (verkörpert im Typus des 'Arbeiters' als 'organischer Maschine'), dem Sieger im eigentlichen
Krieg, dem epochalen 'Bürger-Krieg' gegen die "Ordnung der Futtertröge", den Geist des19. Jhdts. Ganz forciert affirmierte er die in diesem "Krieg der Träume" siegreiche Seite,
der er sich zugehörig glaubte als höchst prämierter Kriegsheld, als beherzter, zum gefährlichen Leben tauglicher Abenteurer und unbedingt fit für den katastrophischen Umbruch.
Und positionierte sich dabei dennoch in merkwürdiger Contradictio in adiecto als 'Konservativer Revolutionär', 'dezisionistischer (also 'entschiedener') Romantiker' und schreibender Literatenfresser. Um, als die nationale Mobilmachung 1933 ihre Fratze zeigte, desillusioniert und als nur noch - Stichwort 'Désinvolture' - stoischer Beobachter herauszuspringen aus der Totschlägerreihe. Statt als ein anderer Rommel, anderer Göring Karriere zu
machen, sprang er dem Teufel von der Schippe, um als anarchischer Waldgänger so eskapistisch zu überleben wie Venator, sein Ich-Erzähler in "Eumeswil", wie Arno Schmidts
Düring in "Aus dem Leben eines Fauns". Auf dem Weg dorthin zeigt sich an Jüngers 'Poetischem Nihilismus' exemplarisch jene von Jean Paul diagnostizierte Wut des Bewußtseins,
gegen seine Zerstörung sich zu erhalten, und dies dadurch, daß es die Verkehrtheit, welche es selbst ist, aus sich herauswirft und sie als ein Anderes anzusehen und auszusprechen sich anstrengt. Daher stapeln sich Anti-Helden von Melmoth bis Aragons Grindor, so
tritt einem bei Carl Schmitt die eigene Frage als Feind entgegen. Jünger aber suchte jenseits solcher Gestalten die Annäherung an ein qualitativ 'Anderes', Elementares, Dämonisches. Er nannte den Ausnahmezustand "Afrika", "Anarchie des Lebens" oder "Welt der
Bücher" und beharrte dahingehend auf - wie N. Bolz treffend bemerkte - ein Wissen, vondem die Wissenschaft nichts wissen will. Literaten nennen es: Literatur.
84

Die Surrealisten nannten's ERUTARETTIL. Bohrer nennt Kubins "Die andere Seite", Kafkas"In der Strafkolonie", Aragons "Pariser Landleben", Bretons "Nadja"... Schauer und Thrill
und die „Plötzlichkeit“, mit der sie „blitzartige Glückstiefe“ (Musil) auslösen oder schockieren als „profane Erleuchtung“ (Benjamin), treten da ein als Effekte des mythopoetischen
Verstörers Dionysos und mit abgezogener Haut wie Marsyas. Die Kulturwarte verkulteten
das eine als visionär, verpönten Jünger aber als faschistischen Herbeischreiber der NaziVerbrechen. Das kommunistische Paradies 'herbeizuschreiben' und die dafür „notwendige
Grausamkeit“ (Aragon) zu bejahen, blieb daneben eine verzeihliche Petitesse. Bohrer fragt
dagegen, ob der sich als rational, sachlich und bieder behauptende Mainstream sich nicht
für seine Perversion und sein Debakel mit der Denunziation und Austreibung des 'Bösen'und Gorgonischen in der Kunst gleich nochmal der schwarzen Schafe als Sündenböcke
bedient. Der "Poetische Nihilismus", dessen Korrespondenz mit Qrts 'Heroischem Nihilismus' ("Drachensaat", Merve, 2000) ebenso im Raum steht wie dass er bei Arno Schmidt
von "Leviathan" über "Nobodaddy's Kinder" bis zum 4-fachen Nihil Nichts, Niemand, Nirgends, Nie im "Kaff..." umeinander blitzt, lenkt den Blick zurück auf die blutigen Hände
des 'Heroischen Idealismus'. 'Heroische Idealisten' dürfen, ja müssen sich als Erzwinger
des Guten zur Verwirklichung ihrer Ideale - Fortschritt, nationale Größe, bessere Welt alles erlauben. 'Poetische Nihilisten' verneinen dagegen die Sinnhaftigkeit jeder Tat undbescheiden sich - skeptisch, defätistisch, pathetisch grollend - mit dystopischen Menetekeln, infernalischen Visionen und Flüchen als ihrem poetischen Beitrag zum Teufelswerk.
Bohrer gewinnt sogar dem „Pathoswort“ derer, die 'mit Dolchen reden' - Kleist, Céline,
Rolf-Dieter Brinkmann, Rainald Goetz, Thomas Bernhard, Houellebecq - als literarischer
Hate-Speech etwas Therapeutisches ab. Wie Pulp's Sheffield is over, the fear is over, guilt
is over nicht mit pathos is over endet, sondern überrascht mit der Volte irony is over. / Byebye, bye bye, das hätte ihm gefallen können, wenn ihm die nihilistische Poesie im Pop kein
blinder Fleck und die Wiederkehr Ernst Jüngers bei Helmut Krausser und Christian Krachtkeine narzisstische Kränkung gewesen wäre.
Bohrer, der ja von Bolz und Bittermann einst das Naserümpfen über die 'Gutmenschen'gutgeschrieben bekam (eigentlich hatte es Kurt Scheel als Merkur-Redigierer erst auf den
Begriff gebracht), hat seinen Vorbehalt gegen den Idealismus derer, die vor dem Nihilismus in die Unendlichkeit entfliehen wollen, in seiner "Theorie der Trauer" (1996) eingefasst. Aller Teleologie/Utopie als künstlerischer, geschweige denn als tatsächlich angestrebter Restitution eines Verlorengeglaubten steht er kritisch gegenüber. Gegen Nostalgie oder Flucht-nach-vorn als Formen des Vergessens und Verdrängens im Spagat zwischen elegisch beklagtem Verlust (Abschied) und utopisch erhofftem Gewinn (Zukunft),beharrt er auf Trauer, die sich des unwiederbringlich Verlorenen und ständig weiter Verlorengehenden schmerzhaft bewusst bleibt. Der Preis ist ein "unglückliches Bewußtsein",von dem sich Bohrer aber wünscht, dass es sich nicht traurigkeitsgenüsslich einrichtet in
jener "Grundatmosphäre der Melancholie", für die exemplarisch Jüngers "melancholische
Erstarrung" und Benns 'Melancholie' stehen, mit seinem Sommerglück als falsches Potpourri, das nicht hinwegtäuschen kann über der Seele Agonie. Naja, irgendwie war mirdas zu hoch oder zu tief, und letztlich klappert einem das Leichtmetall im Weichgestänge
da wie dort. Dass es mich überhaupt zu den Texten von Trauerklösen und Schreckensästheten treibt, liegt freilich an der Trostlosigkeit der wahlweise zynischen, selbstgefälligen, infantilen oder hysterischen 'Bespaßung'. Zum Austarieren der Bohrerei taugt mir
Ernst Bloch und wie er den hoffenden Widerspruch zum Bestehenden verbindet mit zwielichtigen, ungereinigten 'Philosophien von Unruhe, Prozeß, Dionysos', 'Romantischer Hakenbildung', dem 'Impuls Nietzsche' und 'denkenden Surrealismen'. Jüngers 'Anarchie desLebens' erscheint da als das 'rebellisch Unbekannte', auf das 'Glücks-Kolportage' und'Winnetous Silberbüchse' ("Erbschaft dieser Zeit") hinzielen. Bloch geht sogar ganz gut
mit Fiedler zusammen. Und nie vergessen: Wir sind die Orks (die Wälder in satanischen
Mühlen verschüren). Und wir sind die Atome in einer Welt, in der jedes Atom in Arbeit ist,
in der Freiheit und Notwendigkeit längst ein und dasselbe sind, und starren da in schmerzfreier Idiotie nur noch wie durch Kameraaugen auf die global mobilgemachten Dinge, wie
hinter Panzerglas getrennt vom Schmerz der anderen als bloßen Screams on Screens.
85inhalt
moers festival 3 over pop under rock:crammed discs 7 - karl / zehra 8 - the lollipoppe shoppe 10 moonjune 11 - noname666bandcamp.com/addicted label 12 rer megacorp 16 - trAce label 18 how to say yes to the 70s 20 ...
nowjazz plink'n'plonk:
creative sources 26 - christopher dell 27 gotta let it out 28 - grappa musikkforlag: hubro... heilo... odin 29 jacob felix heule 31 - intakt 32 - leo 34 - libra 36 pyroclastic 37 - quentin rollet / reQords 38 trouble in the east 39 - umland 40 wide ear 41 - john zorn / tzadik 43 ...
sounds and scapes in different shapes:
attenuation circuit 56 - constellation 59 - crónica 60 dorninger / base 61 - e-klageto / la bois 62 marco lucchi 64 - antonella eye porcelluzzi 66 our lady of darkness: interview mit darja kazimira 68 ...
jenseits des horizonts:
thanatosis produktion 77 - alfred 23 harth 78 denise ritter: stage diving 83 ...
bohrer, jünger und die andere seite 84

BAD ALCHEMY # 111 (p) August 2021
herausgeber und redaktion
Rigo Dittmann (rbd) (VISDP)
R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg
bad.alchemy@gmx.de - www.badalchemy.de
mitarbeiter dieser ausgabe: Marius Joa
BA sagt allen freiwilligen und unfreiwilligen Mitarbeitern herzlichen Dank
Alle nicht gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind CDs,
was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl gibt und als Digital Download sowieso
BAD ALCHEMY erscheint 4 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd
Zu BA 111 erhalten Abonnent*en die E-Klageto-CD "Foggy songs for the first periods"
von THE BLIZZARD SOW
Mit herzlichem Dank einmal mehr an Matthias HornCover: „DayBirds“ (Ausschnitt), von SCHLOCKMASTER (schlockweltall.de)
Rückseite: Etruscan theme von Darja Kazimira!!! Die Nummern BA 44 - 106 gibt es als pdf-download auf www.badalchemy.de................................................................................................................................................
86impressum
AKBARI, ARASH 9 - BARRY ALTSCHUL‘S 3DOM 45 - ANGELI, PAOLO 16 - ANISSEGOS,ANTONIS 39 - APNESETH, ERLEND 30 - ARMAROLI, SERGIO 35 - AUM GRAND ENSEMBLE 4 BACK TO BASICS 6 - BATTY, JAMES 79 - BENNINK, HAN 4 - THE BLAST 17 - THE BLIZZARD
SOW 62 - BLONK, JAAP 51 - BLOOM EFFECT 34 - BOHRER, KARL HEINZ 84 - BORISOV, ALEXEI
38, 76 - BROWN, STEVEN 7 - SARAH BUECHI CONTRADICTION OF HAPPINESS 33 - C‘EST LETEMPS - C‘EST LE TANGO 5 - CAGE, JOHN 79 - CARNIAUX, BRENDAN 49 - CIOLKOWSKA 13 CLEAVER, GERALD 3 - CONCATENATE 22 - CORCORAN, KEVIN 31 - ELISABETH COUDOUXEMISZATETT 45 - SYLVIE COURVOISIER TRIO 5 - CRUST 13 - DAS QUEUE 6 - DDAA 63 - DELL,CHRISTOPHER 27 - DESPREZ, JULIEN 3 - DIKEMAN, JOHN 53 - DISEN GAGE 12 - DOC WÖRMIRRAN 57, 58 - DOGS BITE BACK 14 - DONADIO, DALIA 42 - DORNINGER, WOLFGANG 61 DRAKE, HAMID 3 - DUSKY DIVE 15 - EDWARDS, JOHN 3, 4 - EIMERMACHER, JOHANNES 40 EMERGE 58 - ENCRE(S) SONORE(S) 46 - ENSEMBLE 0 4 - f:rar 57 - FENDIKA 4 - FLEISCHWOLF
46 - FLUKE-MOGUL, GABBY 31 - FLUKTEN 30 - FORSBERG, MARTA 77 - FRISELL, BILL43, 44,
48 - FUJII, SATOKO 36 - GAMUT KOLLEKTIV 47 - GERBAL, ANTONIN 4 - GERMAN, TÜLAY 8 GNOSTIC TRIO 43 - GOLDMAN, MAX 49 - GORDOA, EMILIO 4 - GOSLING, STEPHEN 43 GOTTSCHALK, GUNDA 46 - THE GRAND ASTORIA 14 - GREWENIG, TOBIAS 74 - GREY MOUSE
14 - GRID MESH 26 - GRIFFIN, T. 59 - GRIP, JOEL 4 - GROSSE KLEINE ALLEE BAND 3 GSCHLÖßL PÖSCHL MIT CAVENATI 39 - WILL GUTHRIE & ENSEMBLE NIST NAH 3 - HÅKER
FLATEN, INGEBRIGT 48 - HARTH, ALFRED 78 - HAWKINS, ALEXANDER 3, 33 - HEKMAN, KLAAS
54 - HELLO, A.C. 19 - HEULE, JACOB FELIX 31 - HÖGBERG, ANNA 52 - IL SOGNO 28 - INLAYENSEMBLE 26 - INTERNAL FUSION 58 - ISHIGAMI, KAZUYA 73 - JACOBSON, TOMO 28 - JUICEOH YEAH 13 - KAZIMIRA, DARJA 68_71 - KEUNE, STEFAN 54 - THE KILLING POPES 47 KÖNER, THOMAS 73 - KONSTRUKT 8 - KONUS QUARTETT 80 - KUBIN, FELIX 5 - LA NUÉE 40 LA TÈNE 3 - LA VIERGE DE NUREMBERG 19 - LAGE, JULIAN 44 - LANG, KLAUS 80 - LAVANT,
DENIS 19 - LE GRAND SBAM 6 - LEVEN SIGNS 22 - LEW, BENJAMIN 7 - LIENHARD, PABLO 41 LIPPOK, ROBERT 82 - LIUZZI, CHIARA 26 - LUCCHI, MARCO 64, 65, 67 - LUMLEY, AARON 53 LUSSIER, RENE 16 - MAHOGANY FROG 11 - MALFON, DON 4 - MANERI, MAT 48 - MAULGRUPPE
23 - MAUSON, DIETER 75 - MAYS, LYLE 48 - MCPHEE, JOE 3 - MEHLDAU, BRAD 3 - MELFORD,
MYRA 5 - MELNYK, LUBOMYR 3 - MITTERER, WOLFGANG 80 - MOBERG, KALLE 48 - MONA MUR
23 - MONSIEUR DOUMANI24 - THE MOON MISTRESS 13 - MOOR, ANDY 49 - MOORE, ANTHONY
74 - MOORE, THURSTON 8 - MÜLLER, PATRICK 18, 19 - MÜLLER, THIERRY 18, 19 - MULTUMULT
10 - DAVID MURRAY BRAVE NEW WORLD TRIO 4 - MYERS, DAVID LEE 60 - MYHR, MARGIT 30 NARVESEN, MAGNUS 4 - NESCIER, ANGELIKA 3, 33 - NEWTON, LAUREN 5 - NIHILOXICA 4 NISHI-SMITH, KANOKO 31 - NOCTURNAL HISS 56 - NOSOVA, OLGA 38 - OEDNOM, PAUL 74 OLD SEA AND MOTHER SERPENT 15 - ONCEIM 5 - THE OVAL LANGUAGE 58 - PARMEGIANI,
BERNARD 81 - PERRET, MARTIN 42 - PICATRIX 4 - PLANDÉ, ERIC 35 - PLATZ, JEFF 49 PORCELLUZZI, ANTONELLA EYE 66, 67 - POULSEN, HASSE 35 - PREE TONE 12 - THE PULSE 75- REBELSERPENTGOD 75 - REMOTE 15 - HEINER RENNEBAUM DOPPELQUARTETT 40 - THE
RESONATORS 4 - REUTER, MARKUS 25 - REYNOLDS, ATTICUS 50 - RILEY, GYAN 44 - RITTER,
DENISE 83 - RIVA, ALEX 41 - ROLLET, QUENTIN 19, 38 - ROSALY, FRANK 53 - RRILL BELL 76 SAINKHO 76 - SAKELLARIOU, YIORIS 60 - SAMARIN, NICK 15 - SCHAFFER, MICHAEL 66 SCHIME 5 - SCHMIDT, STEFAN 58 - LAURA SCHULER QUARTETT 6 - SCHULTZ, DAMIEN 19 SCHWALM, J. PETER 25 - SCOFIELD, JOHN 5 - SCOTT, RICHARD 5 - SEICENTO VOCALE 5 SHARP, JASON 59 - SHARPLEY, ANDREW 38 - SILVOLA, JUHANI 82 - SIMULACRUM 44 - SIRKIS,ASAF 11 - CHES SMITH WE ALL BREAK 37, 43 - SORRY FOR LAUGHING 24 - SPECHT, DIRK 74 SPEED, CHRIS 32 - SPEEDBALL TRIO 15 - SPRENGMEISTER 58 - STORLØKKEN, STÅLE 29 STRICTLY MISSIONARY 4 - SUN, KEVIN 51 - TACUMA, JAMAALADEEN 5 - TAMURA, NATSUKI 36- TCHAMITCHIAN, CLAUDE 35 - TERRIE EX 51 - THOMAS, PAT 4 - TRANSNADEŽNOST 12 TRINIDAD, JOSHUA 52 - TURNER, ROGER 35 - ULLÉN, LISA 52 - V/A GLACIER MUSIC II 82 VOLLMER, CARSTEN 58 - WARELIS, MARTA 53 - WaSm 56 - WEI, WU 54 - WHITLOW, GORDON
H. 24 - WILSON, SARAH 53 - WISMEER, PEPE 19 - WOOD ORGANIZATION 28 - WOODBURY,BRIAN 17 - XPACT 54 - YANDA, JIM 55 - YAT-KHA 10 - YEAH YOU 6 - YES 20 - YORK 55 - ZEMLER,
HUBERT 5 - ZETHSON, ALEX 77 - ZIMMERMANN, TIZIA 41 - ZLURAD 12 - ZORN, JOHN 43, 4487

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