Giuseppe Verdi
La Forza del Destino,
Ouvertüre
Camille Saint-Saëns
La muse et le poète
Johannes Brahms
Sinfonie Nr. 4 in E-Moll

Georg Sonnleitner Dirigent
Andreas Janke Violine
Thomas Grossenbacher VioloncelloFR 19. Januar 2024 20 Uhr
Zürich, Kirche St. PeterSO 21. Januar 2024 17 Uhr
Winterthur, Stadthaussaal
Eintritt frei. Kollekte.
symphoniker.chRosenstrasse 98400 Winterthur
052 212 82 40
mail@buehler-geigenbau.chKonzertprogramm

Andreas Janke, Violine
Thomas Grossenbacher, VioloncelloGeorg Sonnleitner, Dirigent

La Forza del Destino-Ouvertüre
Giuseppe Verdi (1813 –1901)

La muse et le poète, Op. 132
Camille Saint-Saëns (1835 –1921)

Pause – In Winterthur mit Apéro

Sinfonie op. 98 e-Moll, Nr. 4
Johannes Brahms (1833 –1897)
1.
2.
3.
4.

Allegro non troppo
Andante moderato
Allegro Giocoso – poco meno presto – Tempo I
Allegro energico e passionato – Più allegro1

Vorwort des Dirigenten

Sehr geehrtes, liebes Publikum!
Mit einer italienischen Opern-Ouvertüre von Giuseppe Verdi, einem französisch-musikalischen Kleinod für Violine, Violoncello und Orchester von CamilleSaint-Saëns und einer im österreichischen Städtchen Mürzzuschlag entstandenen Sinfonie von Johannes Brahms möchten wir Sie heute ins Reich derMusen entführen. Was die drei Werke bereits auf den ersten «Blick» verbindet,
ist deren Tonart. Alle stehen in der Haupttonart e-Moll, wobei Verdis Ouvertüreund Saint-Saëns’ La muse et le poète am Ende in E-Dur enden und so eine
aufgehellte, befreiende Wirkung erzielen. Brahms bleibt im letzten Satz seiner
Sinfonie auch am Schluss im Moll, wodurch der melancholische, innerlich aberleidenschaftlich brennende Charakter, welcher sich fast durch das ganze Werk
zieht, beibehalten wird – ja in der Coda sogar nochmals dramatisch gesteigert
wird.
Bei unserem Eröffnungswerk wird bereits mit dem Titel La forza del destino dem
in dieser Oper waltenden Schicksal ein mächtiger Einfluss auf das Handeln derProtagonisten zugesprochen. Diese sind ihrem Schicksal praktisch ohnmächtig ausgeliefert. Die Handlung der Oper wirkt dementsprechend vorgezeichnet
und endet erwartungsgemäss tragisch. Zu Beginn der Ouvertüre spielen die
Blechbläser und Fagotte zweimal je drei kräftige, akzentuierte «Akkorde» aufeinem Unisono-Ton. Schon hier spürt man intuitiv, dass diese Geschichte nicht
gut enden kann. Gleich anschliessend hören wir ein rasches, bedrohlich wirkendes Motiv, welches dem unheilvollen Schicksal zugeordnet werden kann.
Im weiteren Verlauf der Ouvertüre werden potpourriartig Melodien und Motive
aus der Oper vorgestellt und verarbeitet, wobei sich immer wieder auch das
Schicksalsmotiv dazu mischt und für Beklemmung sorgt. Das Stück wendet
sich schliesslich nach E-Dur und endet mit einer Stretta in einem nicht ganzecht klingenden, lauten Triumph.
Als zweites Werk spielen wir für Sie: «La muse et le poète». Welch schöner
Titel! Ja, und was wäre ein Dichter ohne seine Muse? Ein Komponist ohne
seine «göttliche Nabelschnur» (N. Harnoncourt) oder auch ein einfacher Musiker ohne leiseste Inspiration? Ist nicht auch hier das Schicksal entscheidend,oder zumindest massgeblich bestimmend, ob, wie und in welchem Masse dieMuse küsst? Dieses äusserst reizvolle, selten gespielte Stück für Violine, Vio-2

Vorwort des Dirigenten

loncello und Orchester sollte als Zwiegespräch eines Poeten und seiner Muse
gehört werden. Es ist ein sehr intimes und bezeichnendes Werk aus der Federvon Camille Saint-Saëns. Dass es in unserem Konzert erklingt, verdanken wir
dem Wunsch unseres wunderbaren Solisten Thomas Grossenbacher. An seiner Seite dürfen wir mit grosser Freude Andreas Janke begrüssen. Er wird mit
seiner Geige den Part der inspirierenden Muse verkörpern, während das Cellostellvertretend für den Poeten spricht. Beide Musiker sind durch viele gemeinsame Jahre als Konzertmeister bzw. Solocellist im Zürcher Tonhalle Orchester
bestens aufeinander eingespielt und werden diesem Stück auf meisterlicher Art
und Weise die nötige Poesie und inspirierende Schöpferkraft verleihen. Dassbei unseren Solisten mit Musenküssen nicht gespart wurde, werden Sie bereits
beim ersten Ton erkennen. Ich möchte hier, auch im Namen der Winterthurer
Symphoniker, unseren Solisten meinen herzlichsten Dank für unsere, mir sehr
wertvolle Zusammenarbeit aussprechen!
Nachdem die Winterthurer Symphoniker im Laufe der letzten sechs Jahre bereits die ersten drei Sinfonien von Johannes Brahms für Sie gespielt haben,
steht heute seine 4. Sinfonie in e-Moll als Hauptwerk auf unserem Programm.
Es ist Brahms letzte Sinfonie und stellt gewissermassen den Höhepunkt seines
sinfonischen Schaffens dar.
Die Entstehung der Sinfonie wird in zwei Phasen geteilt. Die beiden ersten Sätze hat Brahms im Sommer 1884, den dritten und vierten Satz ein Jahr später, im
Sommer 1885, komponiert. Er befand sich in jenen Jahren jeweils im steiermärkischen Mürzzuschlag auf Sommerfrische. Dem Anschein nach war Brahms jedoch skeptisch gegenüber einem Erfolg seines neuen Werkes eingestellt, denner schrieb Anfang September 1885 in einem Brief an den Dirigenten Hans von
Bülow: «Ich fürchte nämlich, sie (die Sinfonie) schmeckt nach dem hiesigen
Klima – die Kirschen hier werden nicht süss, die würdest Du nicht essen!» Ein
besonderer Charakter kann dieser Sinfonie sicherlich nicht abgesprochen werden. Was aber in Frage gestellt werden darf, ist ein Zusammenhang des Klimas
am Entstehungsort und dem Charakter der Komposition. Hat Brahms hier diesauren Kirschen von Mürzzuschlag als Vorwand für eine eventuelle Ablehnungseines Werkes benützt, in dem Sinne, als sei die Prägung der Kunst durch das
Klima eine Selbstverständlichkeit, schicksalhaft gleichsam und vom Komponisten gar nicht zu beeinflussen? Auf mich macht diese Äusserung jedoch eher3Vorwort des Dirigenten

den Eindruck, als wenn sich Brahms nicht in seine Karten hat schauen lassen.
Für mich ist es ohne Zweifel die persönlichste der Sinfonien von Brahms. In ihr
erklingt Musik, welche Ausdruck einer aus tiefster Seele empfundenen Liebeund brennender Leidenschaft zum Leben und zur Schöpfung ist. Gewiss entströmt dem Werk auch eine elegisch-klagende Melancholie, dies vor allem imzweiten Satz.
Im dritten Satz herrscht dann eine heitere, kräftige, beinahe schon wieder übertriebene Ausgelassenheit, doch im Finalsatz, in der berühmten Passacaglia mit
30 Variationen, hören wir wieder die brennende Leidenschaft, teilweise zurückgehalten und unter der Oberfläche zwar durch die Form der Komposition, aberdeutlich spürbar. Lange Zeit galt die Meinung, dass das achttaktige Passacaglia-Thema auf das Bassthema des Schlusschores aus J. S. Bachs Kantate
Nach dir, Herr, verlanget mich (BWV 150) zurückzuführen sei. Dieser Chor ist
in Form einer Chaconne, was im Prinzip einer Passacaglia entspricht, geschrieben. Die Ähnlichkeit des Themas ist offensichtlich, und doch neigt die neuere
Musikwissenschaft dazu, die überlieferte Anekdote des Dirigenten Siegfried
Ochs als Zeitzeugen, wonach dieser selbst von Brahms hörte, wie es wohl
wäre, wenn man dieses Bach-Thema in einem Sinfoniesatz verarbeiten würde,als Fälschung anzusehen. Streng in seiner Form, von Brahms aber äusserst
farbig in der Instrumentation und Harmonik, lebendig in der Rhythmik und variantenreich in der Charakteristik auskomponiert. So stellt sich diese Satz dar.
Wie ein Überblick über ein Lebensthema und dessen schier unzähligen möglicher Betrachtungs- und Angehensweisen. Überhaupt erscheint mir diese Sinfonie wie eine Art Selbstreflexion Brahms’ über sein bisheriges Schicksal.
Am Ende des letzten Satzes gibt er die strenge Form der Passacaglia auf undschliesst mit einer Coda, die stringent und dramatisch auf das Ende hindrängt.
Die letzten Akkorde kommen plötzlich und können die enorme Dynamik derdavorliegenden Takte kaum abfangen und zu einem runden Abschluss bringen.
Die Dramatik bleibt bis zum Schluss intensiv bestehen, wie wenn ein Buch,kaum zu Ende gelesen, abrupt und heftig zugeklappt wird.
Hier noch der Text aus Bachs Kantate zu besagter Schlusspassacaglia: «Meine
Tage in dem Leide, endet Gott dennoch zur Freude. Christen auf den Dornenwegen, führen Himmels Kraft und Segen. Bleibet Gott mein treuer Schutz,

4

Vorwort des Dirigenten

achte ich nicht Menschentrutz. Christus, der uns steht zur Seite, hilft mir täglichsieghaft streiten.» Man mag zu Texten wie diesem stehen wie man will, aber fürganz so abwegig halte ich es nicht, dass sich Brahms gerade diesen Chor mit
diesem Text ausgesucht hat, um seine persönliche Version einer grandiosen
Passacaglia daraus zu entwickeln.
Wir hoffen, Ihnen einen schönen Konzertabend zu bereiten, und bedanken uns
herzlich für Ihr Interesse an unserem Musizieren!

Ihr
Georg Sonnleitner  Sag’s mit Blumen!

5Georg Sonnleitner, Dirigent

Georg Sonnleitner wurde in Wien
geboren. Von frühester Kindheit
an von Musik umgeben, erlernte
er zunächst Violine, dann Klavier
und später Horn. Einen Grossteilseiner Jugend verbrachte er in der
Schweiz, wo er auch ein Hornstudium am damaligen Konservatorium
für Musik in Luzern bei Jakob Hefti
mit Auszeichnung abschloss. Es
folgten Studienjahre in Berlin an der«Herbert von Karajan-Akademie»der Berliner Philharmoniker, sowie
an der Hochschule für Musik und darstellenden Kunst in Wien. Seit über 20
Jahren ist Georg Sonnleitner Mitglied im traditionsreichen Orchester der Wiener
Symphoniker.
Fast ebenso lange währt seine Tätigkeit im «Concentus Musicus Wien» auf historischen Instrumenten und in Sir András Schiffs Kammerorchester «CappellaAndrea Barca».
Seine lange Zugehörigkeit in diesen drei so unterschiedlichen Klangkörpern
sowie seine langjährige Zusammenarbeit mit Nikolaus Harnoncourt und András
Schiff haben wichtigen und starken Einfluss auf sein Musizieren ausgeübt.
Die jahrzehntelange Erfahrung und Praxis aus der Perspektive des ausübenden Musikers ermöglichen ihm einen anderen Zugang an die Herausforderungen als dirigierenden Interpreten am Pult.
Viele hunderte Male spielte er die klassisch-romantische Orchesterliteratur unter der Stabführung bedeutender Dirigenten, erlebte deren Arbeitsweise undgenoss ganz nebenbei in den Proben und Konzerten auch noch die vielfältigsten «Dirigiermeisterkurse».
Der Wunsch, diese unzähligen Erfahrungen in einer eigenen Interpretation zu
bündeln und zu verschmelzen, mündete schliesslich in einer mehrjährigen Dirigierausbildung in der Tradition Hans Swarowskys und Hideo Saitos an derUniversität für Musik und darstellende Kunst in Wien bei Prof.Yuji Yuasa.

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Georg Sonnleitner, Dirigent

Georg Sonnleitner gab sein Dirigierdebüt 2011 am Pult der ÖsterreichischKoreanischen Philharmonie im Wiener Konzerthaus. Seit Sommer 2017 leitet
er als Dirigent die musikalischen Geschicke der Winterthurer Symphoniker.
Die österreichische Herkunft und lange berufliche Tätigkeit in einem der grossen, romantischen Wiener Traditionsorchester werden stets in seinem musikalischen Empfinden, seiner Klangvorstellung und seinen Interpretationen deutlichzu erkennen sein. Ebenso stark ist jedoch sein Bemühen um das sprechende,
artikulierende Element in der Musik, welches der «Textverständlichkeit» eines
Werkes zu Gute kommt und das auf seiner Beschäftigung mit historischer Aufführungspraxis basiert.
Bei seiner Arbeit am Pult und im Umgang mit den Musikerinnen und Musikern kann Georg Sonnleitner auf einen überaus reichen Erfahrungsschatz als
Orchestermusiker und Kammermusiker zurückgreifen.

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Hae Jin Park, Konzertmeisterin

Die Niederländerin und Südkoreanerin Hae Jin
Park wurde 1996 in Nottingham, England, geboren. Sie begann im Alter von sieben Jahren
mit dem Geigenspiel und wurde ein Jahr später
in die Sweelinck Academy («Young Talent ») desAmsterdamer Konservatoriums aufgenommen,
wo sie auch ihren Bachelor absolvierte.
Derzeit studiert sie am ZhdK für ihren zweiten
Master, den Specialized Orchestra Master, bei
Professor Andreas Janke und Alexander Sitkovetsky. In der Saison 2023 / 2024 spielt sie im
Musikkollegium Winterthur, wo sie die Praktikumsstelle gewonnen hat. Sie spielte bei vielen Kammermusikfestivals und Orchestern wie
dem Davos Festival, dem Seeklang Festival, derSinfoniette Schaffhausen, dem Ensemble Collegium Novum Zürich und dem Residentie Orkest. Derzeit spielt sie eine wunderschöne Panormo-Violine von 1790, die sie als Leihgabe vom NMF (Nippon
Music Foundation) erhalten hat.

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Thomas Grossenbacher, VioloncelloThomas Grossenbacher war über 26 Jahre
Erster Solocellist im Tonhalle Orchester Zürichund übt eine rege Konzerttätigkeit aus. Als
Kammermusiker und Solist musiziert er in Europa, USA und Japan.
Seine CD-Einspielungen, insbesondere «Don
Quixote» (Arte Nova) von Richard Strauss mit
dem Tonhalle Orchester Zürich unter der Leitung von David Zinman fanden grosse internationale Beachtung.
Als Dozent an der Zürcher Hochschule derKünste (ZHdK) ist Thomas Grossenbacher
ebenfalls sehr engagiert. Manche seiner ehemaligen Studenten sind Preisträger internationaler Wettbewerbe, besetzen exponierte
Positionen in namhaften Kammermusikformationen und renommierten Sinfonieorchestern oder sind als Solisten tätig. Thomas Grossenbachers Lehrer waren Tatjana Valleise, Mischa Frey, Claude Starck und David Geringas.

9Andreas Janke, Violine

Andreas Janke, Erster Konzertmeister des TonhalleOrchesters Zürich, wurde 1983 in München in einer
deutsch-japanischen Musikerfamilie geboren.
Seine Ausbildung bekam er an der Universität Mozarteum Salzburg in der Meisterklasse von Prof. Igor
Ozim sowie beim Hagen-Quartett im Fach Kammermusik. Bereits in jungen Jahren ging er in zahlreichen bedeutenden internationalen Wettbewerben
als Sieger und Preisträger hervor, u. a. beim Königin
Elisabeth Wettbewerb in Brüssel, Fritz Kreisler Wettbewerb in Wien, Benjamin Britten Wettbewerb in London, «Premio Rodolfo Lipizer» in Gorizia oder beim
Wettbewerb «Prager Frühling».
Mehrere Stiftungen wie die Studienstiftung des Deutschen Volkes oder die Deutsche Stiftung Musikleben
haben ihn während der Ausbildung mit Stipendien
ausgezeichnet.
Früh begann eine rege internationale Konzerttätigkeit, die ihn zu den führenden Orchestern in ganz
Europa und Asien führte. Zu den Orchestern, mit denen er zusammenarbeitete,gehören u. a. das London Symphony Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra,
Tonhalle-Orchester Zürich, das Belgische Nationalorchester und die Academyof St. Martin in the Fields und er tritt dabei in grosser Regelmässigkeit sowohl
solistisch wie auch kammermusikalisch in bedeutenden Sälen wie im Grossen
Saal des Wiener Musikvereins und des Wiener Konzerthauses, im Rudolfinumin Prag, in der Philharmonie München, im Barbican Hall und Wigmore Hall in
London, im Concertgebouw Amsterdam und in der Tonhalle Zürich auf.
Zudem ist er bei mehreren Festivals sowohl als Solist wie auch als Kammermusiker ein gern gesehener Gast.
Zu seinen Kammermusikpartnern gehören renommierte Künstler wie Julia Fischer, Nils Mönkemeyer, Martin Grubinger, Vilde Frang sowie Jörg Widmannund Martin Fröst.

10Andreas Janke, Violine

Zusammen mit dem Pianisten Oliver Schnyder und dem Cellisten Benjamin
Nyffenegger bildet er das Oliver Schnyder Trio, zu dessen Diskographie u. a.
sämtliche Klaviertrios von Schubert, Brahms und Beethoven gehören und bei
RCA Sony und Sony Classical erschienen sind. Die Aufnahmen ernten aktuell
höchstes Kritikerlob im In- und Ausland und das Trio unternimmt Konzertreisen
durch Europa und Asien.
Im Herbst 2013 wurde er auf eine Professur für Violine an die Zürcher Hochschule der Künste berufen. Zudem leitet er seitdem regelmässig Meisterkurse
im In- und Ausland.
Andreas Janke spielt eine Violine von Carlo Bergonzi «Hozier, Andrews»
1733 –39, zur Verfügung gestellt von der Mercedes-Benz Automobil AG, Zürich.

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11Giuseppe Verdi (1813 –1901)

Giuseppe Verdi gilt als bedeutendster
Opernkomponist des 19. Jahrhunderts.
Seine Werke beherrschten über einen Zeitraum von rund 50 Jahren konkurrenzlos die
italienischen Bühnen.
Er wurde bereits im Alter von vier Jahren
vom Organisten seiner Heimatstadt Roncole in Musik unterrichtet. 1823 übernahm
er das Amt des Organisten in Busseto, wo
er daneben einerseits eine Ausbildung in
Komposition erhielt, andererseits auch einhumanistisches Gymnasium besuchte.
Nachdem Verdi eigene Werke für Orchester geschrieben hatte, bewarb er sich
als Zwanzigjähriger um die Aufnahme am Mailänder Konservatorium. Er wurde
abgelehnt – erhielt jedoch weiter Unterricht in Kontrapunkt beim Komponisten
Vincenzo Lavigna. Drei Jahre später wurde seine erste Oper – Oberto, conte
di San Bonifacio – mit grossem Erfolg an der Mailänder Scala uraufgeführt.
Diesem Auftakt zu seiner langen Karriere folgten seine Bekanntschaft mit dem
Verleger Giovanni Ricordi und weitere Aufträge für Mailand.
Seinen endgültigen Durchbruch gelang dem Komponisten mit der Oper Nabucco, die 1842 zur Uraufführung kam. Es folgten arbeitsintensive Jahre, in denen
Verdi zahlreiche Opern komponierte. Sein aussergewöhnlicher Arbeitseifer, derErfolg, den seine Produktionen nicht nur in Mailand, sondern auch in Venedig
und Rom hatten, sowie der Vertrag mit dem Verleger sicherten seine finanzielle
Unabhängigkeit. 1847 ist ein wichtiges Jahr, weil Verdis Opern von da an auch
auf ausländischen Bühnen gespielt wurden: I masnadieri gelangte in London
zur Uraufführung, Jérusalem in Paris. Wenig später zog sich der Komponist
nach Busseto zurück und erwarb ganz in der Nähe seines Geburtsortes einenLandsitz in Sant’Agata. In den folgenden Jahren entstanden die Opern, die heute am bekanntesten sind: Rigoletto, Il trovatore und La traviata. Anschliessend
hielt sich Verdi drei Jahre lang in Paris auf, wo er von der «französischen Schule» um Giacomo Meyerbeer geprägt wurde.

12Giuseppe Verdi (1813 –1901)

Während des zweiten Unabhängigkeitskrieges 1859 in Italien engagierte sichder Komponist politisch für die Monarchie des Hauses Savoyen und Camillo
Cavour. Sein Name wurde als Schlagwort für die italienische Einigung interpretiert, indem man die darin enthaltenen Buchstaben als Abkürzungen umdeutete: Viva Vittorio Emanuele Re D’Italia. Der Mythos von Verdi, der mit seinem
Werk für nationale Freiheit kämpft, wird heute zunehmend kritisch betrachtet.
Eher handeln seine Opern wohl von Individuen, die nach Glück streben, dabei
jedoch an gesellschaftlichen Zwängen scheitern.
Das Tempo, in dem Verdi seine Opern schrieb, verlangsamte sich in den 1860er
Jahren deutlich. Nachdem er mit der Scala in Zwist geraten war, komponierte
fast nur noch für Bühnen ausserhalb Italiens: La forza des destina für St. Petersburg, Don Carlos für Paris und Aida für Kairo. Erst 1869 schuf er wieder Werke,
die in Mailand aufgeführt werden sollten, indem er frühere Kompositionen umarbeitete. 1879 schliesslich nahm er den Otello-Stoff in Angriff und schrieb rundsieben Jahre lang an der Oper. Die Uraufführung war der Auftakt zu einer neuen, reifen Schaffensphase Verdis. Gegen Ende seines Lebens wandte er sichder Gattung der komischen Oper zu: Fallstaff erklang 1893 zum ersten Mal.
Seine letzte Komposition sind die Quatro pezzi sacri, eine Sammlung geistlicher Werke, die früher komponierte Werke mit dem Alterswerk vereint.
Quelle: Reclams Komponisten-Lexikon, Hg. von Melanie Unseld, Stuttgart 2009, S. 598 – 600.

13

Giuseppe Verdi: Ouvertüre zu La forza del destino

Die Ouvertüre zu La forza del destino verwendet Themen aus der Oper. Das
Stück gipfelt in einem effektvollen Allegro brillante und bildet daher den Auftakt
zu unserem Konzert.
Verdi komponierte die Oper als Auftragswerk für die Kaiserliche Oper in St. Petersburg. Er hatte ursprünglich die Idee, ein Werk nach Victor Hugos Ruy Blas
(1838) zu schreiben. Diese verwarf er aber und entschloss sich wenig später,ein Drama von Duque de Rivas mit dem Titel Don Alvaro, ó La fuerza del sino
(Don Alvaro oder Die Macht des Schicksals) zu vertonen. Ende November 1861
hatte der Komponist die Partitur weitgehend fertiggestellt und reiste nach St.
Petersburg, wo die Oper zur Uraufführung gelangen sollte. Diese verzögerte
sich aber wegen einer Erkrankung der Primadonna, so dass die Premiere erst
rund ein Jahr später stattfinden konnte.
Das neue Werk des bekannten Opernkomponisten Verdi wurde vom Publikum
begeistert, von der Kritik aber eher zurückhaltend aufgenommen. Bereits im
Frühling 1863 fand indessen eine triumphale Wiederaufführung in Madrid statt.
Der Erfolg konnte an der italienischen Premiere in Rom nicht wiederholt werden. Verdi arbeitete deshalb an einer Revision von La forza del destino, deren
textliche Endfassung schliesslich von Antonio Ghislanzoni angefertigt wurde.
Die 1869 an der Mailänder Scala uraufgeführte finale Version weist eine Reihe
von Veränderungen auf. So komponierte Verdi beispielsweise eine gross angelegte Ouvertüre anstelle eines kurzen instrumentalen Vorspiels, erweiterte den
dritten Akt und erneuerte das Finale des vierten Akts komplett.
Die Oper erzählt die Geschichte des Liebespaars Alvaro und Leonora. Die
Macht des Schicksals nimmt ihren Anfang, als Alvaro den Vater Leonoras versehentlich tötet, weil sich während eines Streits ein Schuss aus seiner Waffe
löst. Leonoras Bruder Don Carlos widmet fortan sein Leben dem Plan, den
Verführer seiner Schwester zu töten und so den Vater zu rächen. Obwohl sich
Leonora in ein Kloster zurückzieht und sich Alvaro bei den spanisch-italienischen Truppen in den Kriegsdienst begibt, finden die drei Figuren durch einenverhängnisvollen Zufall am Schluss wieder zusammen und das tragische Endenimmt seinen Lauf.
Quelle: Harenberg Opernführer, herausgegeben von Bodo Harenberg. Dortmund 1995, S. 921–923.

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Camille Saint-Saëns (1835 –1921)

Camille Saint-Saëns wuchs in der Obhut seiner Mutter auf, die selber Künstlerin war. Universal begabt, lernte er früh
lesen und übersetzte bereits als Siebenjähriger lateinische und griechische Texte.
Das musikalische Talent stach besonders
hervor. Bereits mit zehn Jahren debütierte der Knabe als Pianist und wurde als
Wunderkind gefeiert. 1847 folgte dann derÜbertritt in die Orgelklasse von François
Benoist, kurz darauf erhielt er auch Kompositionsunterricht am Pariser Conservatoire.
Nachdem er seine Ausbildung abgeschlossen hatte, war Saint-Saëns Organist an verschiedenen Kirchen in Paris.
Schliesslich erhielt er eine gut besoldete
Anstellung an der Église de la Madeleine,
wo er bald berühmt für seine sonntäglichen Improvisationen wurde. Daneben
war er als Komponist und Pianist tätig, von 1861– 65 auch als Klavierlehrer an
der privaten École Niedermeyer. Sein bedeutendster Schüler war Gabriel Fauré. Mit ihm verband ihn eine lebenslange Freundschaft.
An Montagabenden trafen sich Freunde, Kollegen und Gäste bei Saint-Saëns –und mit der Zeit avancierten les lundis zu einem der beliebtesten Treffpunktein Künstlerkreisen. Bekannte Persönlichkeiten wie Franz Liszt oder Hector
Berlioz waren Mitglieder des Kreises und schätzten das musikalische Schaffen des Gastgebers. Saint-Saëns beklagte sich immer wieder darüber, dassjunge Komponisten nur schwer ihren Platz in den Programmen der Konzertgesellschaften fänden und Mühe hätten, ihre Werke zur Aufführung zu bringen. Zu diesem Zweck gründete er die Société nationale de la musique, der erlange Jahre als Vizepräsident vorstand. Die Vereinigung beabsichtigte die gezielte Förderung einer nationalen Musikkultur. Die Erfahrungen des verlorenen
Deutsch-Französischen Krieges, in dem Saint-Saëns als Soldat diente, waren
wohl nur die Auslöser zur Umsetzung einer Idee, die der Komponist schon seit
Jahren im Kopf hatte.

16Camille Saint-Saëns (1835 –1921)

In der Folge entstand viel Instrumentalmusik. Die Sinfonie Nummer 3 in c-Moll(auch Orgel-Sinfonie genannt) ist als Hommage an Franz Liszt zu verstehen, da
sie viele von ihm entwickelte Thementransformationen aufnimmt. In den 1860er
Jahren befasste sich Saint-Saëns vermehrt mit dem Genre der Oper – zunächst
mit mässigem, später mit grösserem Erfolg. Von seinen dreizehn Opern habensich bis heute nur zwei – Samson et Dalila und Henry VIII. – im Repertoire gehalten.
Im Februar 1875 heiratete der Komponist Laure Emilie Truffot, welche die
Schwester eines Schülers war. Drei Jahre später verlor er in einer Zeitspannevon nur sechs Wochen durch Unfall und Krankheit seine beiden Söhne. Später trennte er sich ohne gesetzliche Scheidung von seiner Frau. Saint-Saëns
achtete stets auf seine angeschlagene Gesundheit. Wohl aus gesundheitlichen
Gründen, aber auch aus Enttäuschung über seine fehlende Anerkennung als
Komponist gab er 1899 seine Pariser Wohnung auf und lebte bis 1904 ausschliesslich in Hotels und Pensionen. Er unternahm Konzertreisen oder hielt
sich in klimatisch günstigeren Ländern auf, beispielsweise auf den Kanarischen
Inseln oder in Nordafrika.
Saint-Saëns schuf Werke aller Gattungen. Der Schwerpunkt liegt neben der Orgel- und Kirchenmusik auf Kammermusik und Orchesterwerken. Seine Opernzeugen von einer ausserordentlichen Kenntnis der Musik Wagners, ohne jedoch deren Stil zu imitieren. Insgesamt gelang es dem Komponisten, über einelange Schaffensphase hinweg seinen musikalischen Prinzipien treu zu bleiben.
Als Erneuerer der französischen Musiksprache gefeiert, hielt er an den Maximen des Klassizismus fest, auch zu einer Zeit, als die jüngere Generation um
Claude Debussy ihm dies zum Vorwurf machte. Saint-Saëns hat sich modernen
Strömungen jedoch nicht ganz verschlossen, denn überliefert sind auch einige
avantgardistische Werke: die Sept Improvisations für Orgel (1917) und eine derersten Filmpartituren der Musikgeschichte.
Quelle: Reclams Komponisten-Lexikon, Hg. von Melanie Unseld, Stuttgart 2009, S. 499 –501.

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Camille Saint-Saëns: La Muse et le poète (op. 132)

Das Konzertstück La Muse et le poète entstand in einer späten Schaffensphase
des Komponisten. Saint-Saëns schrieb es 1910 als Werk für Violine, Violoncellound Orchester, wobei er auch die Fassung mit Klavierbegleitung ausdrücklich
legitimierte.
La Muse et le poète zeichnet eine Auseinandersetzung zwischen dem Dichter –verkörpert durch das Violoncello – und seiner Muse – der Violine – musikalischnach: Die Einleitung, ein Andantino, malt ein melancholisches Bild. Im schwer
lastenden Vorspiel klingt bereits eine schwermütige Weise an, die nur ganz kurz
von einer leisen Dur-Terz der Violine in den Hintergrund gerückt wird. Dannmeldet sich der Dichter zu Wort: Das Cello steigt aus tiefer Lage in die Höhe,und die schwermütige Liedweise in e-Moll kehrt zurück. Erst als die Violine
zum zweiten Mal einsetzt, verändert sich die Stimmung. Die Geigenstimme ist
mit vielen Trillern versetzt und plötzlich, fast schon ekstatisch, bricht ein Pocoallegro in E-Dur hervor – symbolisch für den «Musenkuss», den der Dichter
empfängt. Doch dieser verharrt in Melancholie: Das klagende Cellosolo steht
wiederum in Moll. Es braucht die Überredungskünste der Violine, diese werden
drängender und endlich lässt sich der Dichter auf ein Duett ein. Dolcissimo
und Teneramente, «sehr süss und zärtlich», soll dieses klingen. Nach langerÜberleitung und einer Kadenz der Violine rafft sich der Dichter endlich auf undspricht. In hoher Lage antwortet die Muse – verführerisch und mit der Verheissung, den Gesprächspartner in ihre Sphären zu führen. Doch wieder verfällt
dieser seiner natürlichen Schwermut. Der Dialog spitzt sich zu, woraus ein wildes Molto allegro in Moll hervorgeht. Das Cello, das den Dichter verkörpert,
lässt seiner angestauten Verzweiflung in Form punktierter Rhythmen, wilder
Tremoli und Arpeggi freien Lauf. Nun aber antwortet die Violine mit einer sozärtlichen Melodie, dass jeder Widerstand zwecklos ist. Endlich kann die Musedie dunklen Wolken aus dem Gemüt des Poeten verscheuchen und ihn in ein
Liebesduett verstricken. In einer kurzen Kadenz schwankt das Cello noch einmal zwischen Dur und Moll und lässt danach seine Leidensmelodie ein letztes
Mal anklingen. Nun aber ist das Leid überstanden, Muse und Dichter werfen
einander ekstatische Melodien zu, und es kommt zum dramatisch gesteigerten
Durchbruch. Das Stück schliesst geradezu enthusiastisch mit einem Triumph
der schöpferischen Kräfte.
Quelle: Online-Kammermusikführer der Villa Musica. Sammlung von Texten aus Programmheften
der rheinland-pfälzischen Landesstiftung (seit 1991), verfasst von Karl Böhmer. https://www.kammermusikfuehrer.de/werke/3604, aufgerufen am 8. November 2023.

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Johannes Brahms (1833 –1897)

Johannes Brahms wurde am 7. Mai 1833
in Hamburg geboren und starb am 3. April
1897 in Wien. Sein Lebensweg ist geprägt
von einem kontinuierlichen Aufstieg in nahezu allen Bereichen: sozial, ökonomisch
und künstlerisch. Eine solche Biografie
stimmt überein mit den Maximen des bürgerlichen Zeitalters und passt zum damals
herrschenden Fortschrittsglauben. Nicht
umsonst ist Brahms als ein in besonderem Mass von «seinem Jahrhundert» geprägter Mensch bezeichnet worden.
Schon sein Vater Johann Jakob Brahms
kann als «Aufsteiger» bezeichnet werden.
Er hatte sich gegen den Widerstand seiner kleinbürgerlich geprägten Herkunftsfamilie zum Berufsmusiker ausbilden
lassen, konnte seine wirtschaftliche Lage durch eigenen Fleiss massiv verbessern, wurde Mitglied der Philharmonischen Gesellschaft und erhielt 1830 das
Hamburger Bürgerrecht.
Dem bürgerlichen Selbstbewusstsein entsprechend legten die Eltern Wert auf
die sorgfältige Ausbildung ihrer Kinder: Trotz zunächst beengter finanzieller Verhältnisse erhielt der junge Johannes Brahms auf zwei Hamburger Privatschulensowohl eine fortschrittliche Schulbildung als auch eine fundierte musikalische
Ausbildung. Mit Literatur beschäftigte er sich vorwiegend im Selbststudium.
Schon früh war Brahms ein Leser – und seine literarische Bildung sollte später
bei der Textauswahl für seine Vokalkompositionen eine wichtige Rolle spielen.
Prägend für Brahms’ Jugendzeit war ab 1843 der Klavier- und Kompositionsunterricht beim renommierten Musikpädagogen Eduard Marxsen, der ihn die
Auseinandersetzung mit den kompositorischen Verfahren der Variation und Bearbeitung lehrte, die in Brahms’ Werk eine wichtige Rolle spielen.
1853 wurde für den jungen Mann zu einem entscheidenden Jahr. Er unternahm
mit dem Geiger Eduard Reményi eine mehrmonatige Konzertreise, in deren
Verlauf er Franz Liszt kennen lernte. Folge dieser Begegnung war eine dauerhaft ablehnende Haltung gegenüber den ästhetischen Ideen der «neudeut20

Johannes Brahms (1833 –1897)

schen Schule». Weitaus wichtiger war aber die Bekanntschaft mit Clara undRobert Schumann in Düsseldorf, die zu einer intensiven Freundschaft wurde.
Schumann war so begeistert von den Werken Brahms’, dass er deren Drucklegung durch die Verlage Breitkopf & Härtel in Leipzig vermittelte.
Das grosse Lob und die Unterstützung des Meisters erwiesen sich für den jungen Brahms aber auch als Belastung. Wohl auch wegen überhöhten Ansprüchen an sich selbst zögerte er, von Klaviermusik und dem Lied zur Komposition
grösserer instrumentaler und vokaler Gattungen fortzuschreiten. Er betrieb indessen intensive Kontrapunktstudien, um sich handwerklich zu vervollkommnen.
1857– 59 hatte Brahms seine erste feste Anstellung als Leiter des Hofchores in
Detmold inne, kündigte aber, um sich der Herausgabe seiner Werke widmen zu
können. Im Juni 1859 gründete er in Hamburg einen Frauenchor, was ihn zu
zahlreichen Chorkompositionen anregte. Nachdem die erhoffte Stelle als Leiter der Hamburger Philharmonischen Konzerte anderweitig vergeben worden
war, übersiedelte Brahms nach Wien. 1863 wurde er Chormeister der Wiener
Singakademie und konnte erste Erfolge in der Hauptstadt der Kunst erzielten.
Brahms strebte anfangs eine feste Anstellung als Chorleiter und Musikdirektoran, weil dies ökonomische Sicherheit, Anerkennung und die Möglichkeit zur
Aufführung eigener Werke geboten hätte. Schliesslich entschied er sich aberdoch für die freischaffende Tätigkeit als Komponist, Dirigent und Pianist. Die Uraufführung von Brahms’ Deutschem Requiem im April 1868 sowie die Veröffentlichung der Ungarischen Tänze bedeutete seinen Durchbruch als Komponist.
In den letzten beiden Jahrzehnten seines Lebens genoss Brahms immenses
Ansehen. Dies zeigt sich unter anderem an der Verleihung der Ehrendoktorwürde durch die Universität Breslau (1879) sowie den Spitzenhonoraren, die er fürseine Symphonien erhielt. Sein Wohlstand ermöglichte es Brahms, junge Komponisten finanziell zu unterstützen. Ebenso engagierte er sich für die Wiederentdeckung und den Druck der Werke von Franz Schubert und Heinrich Schütz.
In seinen letzten Lebensjahren (ab 1894) komponierte er kaum mehr. Sorgfältig
ordnete er seine Werke und vernichtete diejenigen, die er nicht als überlieferungswürdig ansah. Seine letzte Komposition bilden die Vier ernsten Gesänge
und die Elf Choralvorspiele, darunter als letztes O Welt, ich muss dich lassen.
Quellen: Martin Geck: Johannes Brahms, Reinbek bei Hamburg 2013; Reclams Komponisten-Lexikon, Hg. von Melanie Unseld, Stuttgart 2009, S. 86 – 88.

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Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 4, op. 98

Die vierte Sinfonie in e-Moll von Johannes Brahms wird gemeinhin als Gipfel
und Endpunkt des orchestralen Werks des Meisters verstanden. In ihr verbinden sich die beiden Kompositionsprinzipien, die Brahms’ Schaffen auszeichnen: die Variationstechnik einerseits und andererseits die Rückwendung zu
alten Formen.
Diese letzte Sinfonie entstand in den Sommermonaten der Jahre 1884 und1885 in Mürzzuschlag am Semmering. Die Uraufführung erfolgte im Oktober
1885 durch das Meininger Hoforchester und unter Brahms’ eigener Leitung.
Der neuartige Gestus der Sinfonie muss für die Zeitgenossen, die an traditionelle Vorstellungen gebunden waren, ungewohnt geklungen haben. Einen
Hinweis darauf geben die zurückhaltenden Reaktionen im Freundeskreis desKomponisten ebenso wie in der Presse.
Die Sinfonie beginnt unspektakulär, fast beiläufig. Das Allegro non troppo ist
zwar nach dem Prinzip des Sonatensatzes gebaut. Aber es sind nicht zwei gegensätzliche Themen, die in der Reprise aufgelöst werden, sondern es handelt
sich um die allmähliche thematische Entwicklung eines einzigen thematischen
Kerns, die sich in Variationen durch den ganzen Satz zieht.
Das folgende Andante moderato fliesst in ruhiger Bewegung dahin. Das erste,
phrygisch anmutende Thema gehört den Bläsern und zeichnet sich durch einedifferenzierte klangliche Disposition aus. Das zweite Thema wird von den Streichern dominiert und erzeugt eine sanfte, melancholische Stimmung.
Der dritte Satz hat heiteren, fast ausgelassenen Charakter – nur selten wird das
Allegro giocoso in lyrische Bahnen gelenkt.
Dem Schlusssatz liegt eine grossartige und strenge Architektur zugrunde. Zunächst präsentiert sich ein Thema, das, leicht chromatisiert, möglicherweise
Bachs Kantate Nach dir, Herr, verlangt mich entnommen ist. Daraus entwickelt
Brahms eine Passacaglia, die noch komplizierter und rigoroser konstruiert ist
als der Kopfsatz. Doch hier erklingen nicht nur eine Anzahl von Variationen
unter einem Bass. Über die rund dreissig Variationen der barocken Passacaglia
wölbt sich ein Sonatensatz des 19. Jahrhunderts. Das immer präsente Themabildet das harmonische Fundament für einen sinfonischen Satz von höchster
Ausdrucksdichte. Der Musikwissenschaftler und Festivalleiter Rainer Pöllmann

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Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 4, op. 98

hat die Bedeutung von Brahms’ letzter Sinfonie wie folgt auf den Punkt gebracht: «Die Passacaglia der vierten Sinfonie setzt nicht nur einen Schlusspunkt unter Brahms’ sinfonisches Werk, auch jener Zweig der Gattung, den
im 19. Jahrhundert Schumann und Mendelssohn repräsentierten, ist hier anseinem Ende angelangt. In der Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart
wird die vierte Sinfonie jedoch zugleich zu einem Boten der Zukunft.»
Quelle: Rainer Pöllmann, in: Der Konzertführer, Orchestermusik von 1700 bis zu Gegenwart, Hamburg 2009, S. 513 – 515.

23

Gönner und Spender

E. und H. Basler
Ch. Bucher
E. Bürgi
P. und C. Bürgi
B. und M. Denzler
J. Denzler
O. und Ch. Denzler
M. Edelmann
K. Eugster Singer
H. und E. Feller
H.-P. und E. Fischer
S. Franks
A. Frauenfelder
H. Frei
Blitzart N. Gaggini
R. Gebhart
I. Hoffmann
Dr. Werner Greminger Stiftung
Grünraum
H. Gubler
P. und S. Hauser
M. S. Henschel
A. Herzog
A. S. Herzog
A. und L. Jaeger
V. Jakob-Alther

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M. Jenni
B. Junger
M. Junger
R. Kägi
R. und A. Kleinert
R. Lenzin
B. und R. Lunardi
A. und R. Milz
D. Nägeli
H. und E. Nägeli
I. Pöschel
M. Reich
M. Rouilly
E. und N. Ruckstuhl
V. Schaub
H. und M. Scherrer
K. Schroff
D. Staub-Helg
D. und L. Schütt
Th. Schütt
B. Steinmann
R. und H. Thomet
Ch. Tillmann
F. und L. Triet
B. und G. Tröster
R. Wagner

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Wir haben viel
Musikgehör fürIhre Wünsche.
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Ein Blick hinter die Kulissen

Komm, wir treffen uns einmal pro Woche und machen etwas Musik. Jederbringt sein Instrument, wir haben es lustig und wenn wir genug geprobt haben,veranstalten wir ein Konzert. Nach dem Konzert sind wir ganz zufrieden undgratulieren uns bei einem Bier gegenseitig zum gelungenen Projekt. Die super
Einnahmen aus den Kollekten decken locker unseren Aufwand. Das klingt docheigentlich ganz einfach.
Ganz so einfach ist es aber nicht. Damit rund 70 Musiker auf diesem Niveau
musizieren können, läuft eine rechte Maschinerie im Hintergrund. An der ersten Probe des Projektes hat unser Dirigent bereits vorgängig mit den zumeist
professionellen Stimmführern das Werk vorbereitet. Notenmaterial steht bereit.
Der Proberaum ist bezahlt. Reservationen wurden getätigt für die Konzertlokale. Transport steht bereit für die Instrumente und irgendwo probt ein erstklassiger Solist für seinen Auftritt mit den Symphonikern.
So kommt ein Jahresumsatz von rund CHF 100’000.– zusammen. Diesen können wir nur zu etwa einem Drittel durch die Kollekte decken. Für den Rest sind
wir angewiesen auf die grosszügige Unterstützung unserer Aktiv- und Passivmitglieder, Gönner, sowie privaten und öffentlichen Sponsoren. Dafür möchten
wir uns an dieser Stelle ganz herzlich bedanken!
Unterstützen auch Sie unser Orchester! Ob durch Ihre grosszügige Kollekte, als
Passivmitglied, Gönner oder ganz offiziell als Sponsor. Finanzielle Zuwendungen können von den Steuern abgezogen werden.
Interessiert an einer zweckgebundenen Spende für Raummieten, Transportbelange oder dem Solisten? Melden Sie sich unter info@symphoniker.ch!

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 Ich will regelmässig über die Konzerte der Winterthurer Symphoniker informiert
werden. Nehmen Sie mich deshalb als Interessent in Ihre Adresskartei auf.
 Flyer (Papierform)  Newsletter (elektronisch)

Ich will Passivmitglied des Trägervereins werden. Es stehen für mich reservierte
Plätze bereit und ich erhalte in Winterthur Apéro-Gutscheine für eine Erfrischung inder Pause.
 Fr. 60.– (Einzelperson)
 Fr. 80.– (Ehepaar/Familie)

 Ich interessiere mich für ein Inserat im nächsten Programmheft.
Name, Vorname: .......................................................................................................................
Adresse: .......................................................................................................................................
E-Mail:............................................................................................................................................
Einsenden an: Winterthurer Symphoniker, 8400 Winterthur oder
info@symphoniker.ch27

Mitwirkende

Violine 1
Hae Jin Park, Konzertmeisterin
Alice Bulliard
Janet Franks Wagner
Barbla Früh
Nadja Furrer-Dürler
Chie Henderson
Beat Junger
Brigitte Lunardi
Elisabeth Pfenninger
Yoko Pittini
Sabine Rahm
Thomas Schütt
Dorothee Strätz
Christopher Tillman
Gerhard Tröster
Ruth Wirth-Welle
Violine 2
Regula Litschig, Stimmführung
Cornelia Bürgi-Hirschi
Esther Bürki
Fiona Edelmann
Maja Edelmann-Grob
Barbara Etter-Nüesch
Kathrin Eugster Singer
Simon Huwiler
Ulla Jochumsen
Verena Kern
Kristina Mann
Jeannine Rossi
Katharina Rückstuhl
Dorothea Staub-Helg
Andrea Wintsch

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Viola
Andreas Pfenninger, Stimmführung
Corinne Alder
Esther Baumgartner
Magdalena Denzler
Michael Sebastian HenschelIsabelle Juvet
Regula Lenzin
Midori Pittini
Mirjam Reich
Michel Rouilly
Andreas Rüesch
Bettina Sutter
Cello
Katrin Aeberhard, Stimmführung
Urs Aeberhard
Susanne Behrendt
Johannes Bülte
Nicole Damman
Remo Friedrich
Corinna Junger
Martin Labhart
Julia Mann
Stefan Sigrist
Antoine Villard
Moritz Weinbeer
Kontrabass
Corinne Frehner, Stimmführung
Oliver Corchia
Andrea Herzog
Brigitte Mötteli
Carsten PetersMitwirkende

Flöte
Andrea Sabine Herzog
Danielle Schreiber
Oboe
Paul Bürgi
Ulrich Weilenmann
Klarinette
Beat Denzler
Rolf Wagner

Tuba
Rolf Scheufele
Harfe
Iryna Daschkieieva
Perkussion
Daniel Merki
Marina Richter

FagottBrigitte Brouwer
Basil Dieth
Renate Fiebig-Winkler
Horn
Brigitte Brauchli
Werner Heininger
Flavian Imlig
Linus-Bertil Schmid
Trompete
Edith OessMartine Vernooij
PosauneMarkus Felber
Hannes Gubler
Andres Venzin

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Konzertvorschau

Juni 2024
Fr, 14. Juni, 20.00 Uhr Zürich, St. Peter
So, 16. Juni, 19.00 Uhr Winterthur, Stadthaussaal
Don Quijote –eine Entdeckungsreise mit Ruben Drole
Ruben Drole, Gesang
Georg Sonnleitner, Dirigent
August 2024
Sa, 17. August, 14.30 Uhr Disentis
Fr, 23. August, 20.00 Uhr Zürich, Kirche Oberstrass
So, 25. August, 19.00 Uhr Winterthur, Stadthaussaal
Beethoven, Fidelio-Ouvertüre
Mozart, Klarinettenkonzert in A-Dur, KV 622
Beethoven, Sinfonie Nr. 7 in A-Dur, Opus 92
Sergio Pires, Klarinette
Georg Sonnleitner, Dirigent

Mit freundlicher Unterstützung
Stadt Winterthur
Departement Kulturelles

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Fachstelle Kultur des Kantons Zürich

Impressum

Herausgeber:

Redaktion:

Druck:

Winterthurer Symphoniker

Isabelle Juvet

Druckerei Baldegger

Texte und Lektorat:

Inserate:

Mirjam Reich

Isabelle Juvet

info@symphoniker.chUmschlagbild / Plakat:

Auflage:

Post-Konto: 84-958-3

blitzart.ch, Winterthur

500 Stück

8400 Winterthur
www.symphoniker.ch

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Kollekte

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Ab sofort freuen wir uns über Ihre Kollekte auch per Twint

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Bauer Bründler sammelt die frisch gelegten Eier

Natürlich.

Richtig.

Gut.

Weil es natürlich ist, derUmwelt und ihren Ressourcen
Sorge zu tragen. Hierund überall auf der Welt.

Weil es richtig ist, respektvoll undachtsam mit der Naturund ihren Produkten umzugehen
und nachhaltig zu handeln.

Weil es gut ist, sich selbst etwas
Gutes zu tun und das Besteder Natur mit gutem Gewissen
zu geniessen.