Nara Women's University
上羽陽子・山崎明子編『現代手芸考-ものづくりの意味を問い直す-』
フィルムアート社 2020年9月初版 312頁 2,400円+税
メタデータ

言語: Japanese
出版者: アジア・ジェンダー文化学研究センター
公開日: 2021-07-30
キーワード (Ja): ジェンダー, ファッション, ものづくり,社会, 手芸
キーワード (En):作成者: 林田,敏子
メールアドレス:所属:

URL

http://hdl.handle.net/10935/5601

アジア・ジェンダー文化学研究【第 5 号】2021［書評］

上羽陽子・山崎明子編『現代手芸考―ものづくりの意味を問い直す―』
フィルムアート社

2020 年 9 月初版

312 頁

2,400 円＋税

林 田 敏 子

（奈良女子大学）

今、手芸が熱い。かつては女性が家事の合間におこなう趣味的な手仕事というイメージが強かったが、昨今は、女性に限らず若い世代を中心とした交流サイトが立ち上げられ、大規模なフェアが開催されるなど明らかな手芸ブームが到来しているという。ただし、そこで好んで使われるのは「ハンドメイド」という言葉だそうで、専業主婦層を主な担い手としてきたかつての手芸ブームとは質的に異なる面もある。手芸とは何か。手仕事、ものづくり、作品づくり、アート、さまざまな表現が可能であろうが、どれほど技術や完成度が高く、また独創性があったとしても、その作品が美術館や工芸館に展示されることはおそらくない。本書は、若い世代にとってはどこかダサく（p.193）、美術や工芸の側からするとちょっと迷惑な存在で（p.154）、もらった人にとっては少し重いもの――ときにマイナスのニュアンスで語られることもある「手芸」の世界をあらゆる角度から論じたものである。
本書は、「つくる」「教える」「仕分ける」「稼ぐ」「飾る」「つながる」という 6 つのテーマに、「技術」「伝承」「アイデンティティ」「社会階層」「自己表現」「社会空間」という 6 つのキーワードを組み合わせることで、手芸がアートやものづくりの世界、あるいは文化や社会空間のなかで果たす機能に迫ろうとするものである。各章は、柱となる論考、各論としてのコラム、そして座談会という三つの要素で構成される。総勢 17 名からなる執筆者の専門分野は、民俗学、文化人類学、表象文化論、ジェンダー論、染色論、工芸史、デザイン史、ファッション論と多岐にわたる。アーティストや学芸員として創作活動や展示の「現場」に深く関わっている執筆者も含まれており、それぞれの専門や立場から自由に発言し、お互いに刺激しあい、共鳴しあいながら議論が組み立てられていく。本書ではキーワードを足し算的に増やしていくのではなく、各章のテーマに厳選されたキーワードをひとつずつかけ合わせるという方法によって、手芸論の射程を大きく広げることに成功している。
装丁もかなり凝っている。センスの良い表紙デザインはもちろんのこと、コラムと座談会のページの色が異なるため、本を横から眺めると美しい縞模様が浮かび上がってみえる。最初と最後に2 葉ずつ挟み込まれた厚手の紙は、織物を彷彿とさせる手触りで、「モノ」としての本の仕上がりにもこだわりがみえる。それはあたかも 17 人のアーティストによって共同制作された一つの作品であるかのようだ。以下、本書の構成にしたがって内容を概観しておこう。
序論では編者の一人である上羽陽子が「手芸的なるもの」を探る意味について論じている。
序論で強調されるのは、「手芸」と「手芸でないもの」の境がきわめてあいまいであるという点である。その「あいまいさ」ゆえに、手芸は芸術・美術・工芸といった分類やジャンルのなかでGender and Culture in Asia Vol.5, 2021

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確たる地位を与えられてこなかった。上羽が指摘する「美術の格下としての工芸、工芸の格下としての手芸（p.15）」というヒエラルキーの存在は、本書の執筆者が議論の前提として共有する問題意識の一つである。手芸が芸術のカテゴリーからも工業の範疇からも排除されるのは、一つには作り手のジェンダーが関係しており、もう一つは手芸がもつ家内性という特徴によるところが大きい。作り手の「想い」というとらえどころのないものが重視されるがゆえに、その輪郭をつかむことすらむずかしい手芸の「かたち」に迫ることで、既存の文化や芸術の枠組みを再考し、ものづくりの意味を浮かび上がらせようというのが本書のねらいである。
第 1 章は「つくる」をテーマに、もう一人の編者である山崎明子による手芸と技術に関する論考、3 本のコラム、「技術」をキーワードとする座談会によって構成される。山崎の論考は、手芸が学校教育のなかで教科として制度化された近代から、2000 年代のポスト・モダン的な第 3 次手芸ブームにいたるまで、手芸をいわば通史的に概観したもので、本書全体の議論の土台を提供している。そこで描かれるのは、つくり手のセンスが重視され、「つくる」という行為が極限まで簡便化されることによって、長らく技術と分かちがたく結びついてきた手芸の本質が大きく変容していく過程である。論考やコラムの内容を踏まえた座談会では、「つくりたい」という衝動と素材へのアクセスの問題、レシピ通りに再現することを目的とした手芸、技術の向上やそれに対する評価のあり方など多彩なトピックが扱われる。丹後の藤織、インドのラバーリーの刺繍、そして男子中学生によるレプリカ制作など、豊富な事例に彩られたコラムは本書全体の議論を深めることに寄与している。
第 2 章「教える」では、技術や文化としての手芸の「伝承」をめぐる問題が扱われる。杉本星子による論考では、女学校の教科として導入された手芸が西洋の上流階級のレディとしての嗜みに起源をもつものであったこと、手芸が西洋の家族観や文化そのものを取り入れるルートとなったことが明らかにされる。一方で、西洋的な近代化への抵抗は、西洋の文化を堕落したものととらえる風潮を生み、結果的に女性の貞節や家庭性が日本の伝統的美徳として復権、強化されることにつながった。この時期に再構築されたジェンダー規範が、現代にいたる日本社会の根強い専業主婦願望を支えているのではないかという杉本の指摘は重要である。コラムと座談会では、知識や技術の伝承における取捨選択の問題、特定の技術やデザインがモノや社会的文脈から切り離されることによって生じる「暴力性」の問題が議論される。手芸には確たる資格もないがゆえに、誰かに教えてもらった技術でつくった作品を販売したり、文様だけをデザインとして取り出したりすることが可能である。手芸の手軽さ、アクセスの容易さが文化の「収奪」につながる危険性をもっていることが、アイヌ刺繍をめぐる議論を通して浮かび上がる。
第 3 章「仕分ける」では、美術や工芸と手芸の違いとは何かという問いから、分類やカテゴリー化の問題が議論される。蘆田裕史の論考は、ぬいぐるみを素材とする「やわらかい彫刻」を手がかりに、近現代美術史のなかに「手芸的美術」の系譜をたどろうとするものである。硬い / やわ
らかいという素材の違いを通して「手芸的なるもの」の本質に迫ろうとする本論考は、逸脱としての「手芸的要素」への着目が文化や芸術の枠組みそのものを再考する契機となることを示してくれる。手芸は、「美術ではないもの」、「工芸ではないもの」といったように否定形で表現されることが少なくない。美術館や展覧会といった装置のなかで「手芸的なるもの」が格下に位置づけられることで、工芸は相対的にその地位を向上させ、美術に接近することが可能となる。この

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ように手芸は工芸や美術を価値づけ、その権威を保証し、美術を頂点とするヒエラルキーを下から支える機能をもつが、座談会では手芸の「ジャンルを攪乱する力」についても触れられていて興味深い。「仕分ける」をテーマとするこの章に深みを与えているのは、アイデンティティというキーワードをかけ合わせた点であろう。作品に込められたつくり手のアイデンティティなるものは、消費する側の需要や期待にあわせて「つくられる」可能性もあるとの指摘はとりわけ示唆に富む。
第 4 章「稼ぐ」は、家庭内における趣味としての手芸が商品化されていく契機や背景に切り込んでいる。近代産業の枠から逸脱したところに形成された手芸文化は、インターネットを介した個人ビジネスが可能になったことで、手芸を「稼ぐ」ことが可能な行為へと変えた。木田拓也
による論考は、商業化による手芸の目的の変容を、手芸の本質を揺るがす現象としてとらえている。手芸ならぬハンドメイドの作品において重視されるのは、大量生産される規格品にはない特別感であり、つくり手と買い手の感性がフィットするか否かであるという。章全体を通して、作品の売買という行為に「他者からの共感」を通した「自らの価値観の確認」という側面があることが浮かび上がってくる。社会階層をキーワードとする座談会では、平芳裕子が、19 世紀のアメリカでは手芸に「女性がやっていて稼げないもの（p.190）」というイメージはなく、手芸は賃金労働もしくは無償の家事労働としての裁縫とは差異化されていたとの重要な指摘をおこなっている。高度成長期の第 2 次手芸ブームの背景にあった専業主婦のステイタスの問題からも明らかなように、日本でも手芸は働く必要のない女性のステイタスを誇示する手段であった。現代でも手芸で「稼ぐ」ことに価値が見出される一方、頑なに「売る」ことを拒む感性が残っているのはそのためであろう。
第 5 章「飾る」では、手芸がもつ装飾性が考察の対象となる。中谷文美による論考では、19世紀から 20 世紀初頭にかけての西洋世界における家庭内の装飾が、女性性と強く結びついていたことが示される。ヴィクトリア期のイギリスでは、刺繍は中流階級の女性が余暇を享受できることを象徴的に示すもので、女性個人ではなく家族の社会的地位を顕示する機能を果たしていた。
一方、「過剰」なものになりがちであった家庭内装飾は、粗悪な女性趣味として批判の対象とされ、そこからシンプルさを良しとするモダンな家庭が理想像として現出したという。続くコラムや座談会では、ラバーリーの刺繍のように、儀礼の簡素化によって規範が希薄になり、装飾のみが目的化していった事例が示されるとともに、装飾は必ずしも余剰のものでなく、明快な機能性をもつ場合もあるとの指摘もなされている。1980 年代以降、「飾る」よりも「取り払う」ことが自己表現とみなされるようになった日本の状況は、手芸からハンドメイドへの流れを先取りするものとして興味深い。
第 6 章「つながる」では、手芸を通した人と人との交流によってコミュニティが形成されていく過程にスポットがあてられる。序論でも明言されているように、本書は手芸を介した「つながり」を無批判に評価するのではなく、そこに生じる軋轢や、コミュニティに内在するタブーの問題にも深く切り込んでいる。団地の手芸サークルや被災地での手芸活動は、ネットワークを構築するという重要な機能を果たしたものの、その「つながり」は常に危うさを内包するものであったがゆえに、「夫の仕事」や「お金」など「避けるべき話題」がいくつか存在したという。金谷美和の論考は、「集まって手芸をおこなう」という形態の意味に着目するもので、種々の社会運

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動のなかでメッセージを発する方法として活用されてきたクラフティヴィズムに焦点があてられている。参加者がメッセージ性を込めた手芸品を共同制作し、その展示や販売を通して運動を可視化することで賛同者を増やしていくという方法は、20 世紀初頭のイギリスにおける女性参政権運動で、女性たちがデモ行進のシンボルとして制作した手づくりのバナーにも通じるものがある。
（佐藤繭香『イギリス女性参政権運動とプロパガンダ―エドワード朝の視覚的表象と女性像―』
彩流社、2017 年）。
以上、本書の構成にしたがって内容を概観してきた。本書のもっとも評価すべき点を一つ挙げるとするならば、それはいい意味で「中心」がないことである。本書のテーマである「手芸」に明確な定義が与えられることはなく、読者も、そしておそらく執筆者も、「手芸とは何か」という問いに明快に答えることはできない。「手芸的」「手芸っぽい」という言葉は手芸という概念のあいまいさを示し、「残余のもの」「過剰なもの」といった表現はさまざまな意味での手芸の周縁性を示している。もちろん、本書が繰り返し発する「手芸とは何か」という問いに、断片的に答えることは可能である。素人的なもの、商業化されていないもの、高い技術を要しないもの、つくり手の想いが込められているものなど、手芸の特徴を挙げることはいくらでもできる。しかし、興味深いことに、こうした特徴をすべて否定したとしても「手芸」は成立しうる。プロによる手芸、商業化された手芸、高い技術をもつ手芸、つくり手の想いがそれほど強くない手芸、いずれも「あり」だ。「手芸的なるもの」はどこまで追ってもつかみどころがなく、「中心」がないまま隣接領域を侵食していく。本書は、手芸という概念が包摂しうる世界を可能なかぎり広くとらえることによって、手芸考の射程を極限まで広げることに成功している。この上さらに新たな視点を探っていくのは容易なことではないが、一読者として期待したい今後の展開をいくつか示すことで、評者としての任を果たしたい。
たとえば、テクノロジーと手芸という一見矛盾する組み合わせに一考の価値はないだろうか。
手縫いでなければ「手芸」でないなどと言えないことは、手芸好きの主婦の傍らにいつもミシンがあったことを想起するだけで十分であろう。本書で紹介されている「縫わなくてすむ布用接着剤」や「玉結びのいらない糸」（p.45）だけでなく、最近は「縫わなくていいボタン」まである。
今では洋服づくり欠かせないものとなったファスナーとて、テクノロジーの進化によって生み出されたものである。また、昨今は、テクノロジーと手芸という異質な組み合わせを楽しむ「テクノ手芸」なるものも存在するという。機械や電飾といった「硬いもの」と、「柔らかく」温かみのある布地を組み合わせることで、従来の手芸作品にも電子工作にもない新しい世界が創造されつつあり、手芸は「現代」という時代を反映しながら日々「進化」している。手芸の特徴である
手軽さ、アクセスのしやすさを支えてきたものとしてテクノロジーに着目する意義はそれなりにあるだろう。
また、ものづくりの歴史において、「モノ」を生み出してきた「人」への着目は欠かせない。
まして本書が指摘するように、手芸研究には「モノ」として史料が残りにくいという側面がある。
あらためて指摘するまでもないことだが、手芸は単なる「技術」や「モノ」ではなく、それを生み出す「人」の存在があってはじめて成立する。そうしたつくり手の「語り」を史料として保存する / 読み解くというのも一つの方法であろう。おそらく、つくり手に対するインタビューはすでに試みられているはずである。手芸ブームを支えた主婦たちは、手芸に何を求め、何を生み出

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（書評）現代手芸考

し、そこから何を得たのか。彼女たちの人生や生活のなかで手芸がどのような位置を占めたのかをさぐることは、手芸ブームを生んだ時代の特性を明らかにすることにもつながるであろう。そのさい、世代間の継承と断絶という問題はおそらく重要な論点になりうる。高齢者ケア、震災後のコミュニティづくりといった横のつながり、教え、教わるという意味での縦のつながりだけでなく、母から子、祖母から孫といった世代間のつながりからも読み取れることがあるはずだ。世代間で何が受け継がれ、何が変容し、何が断絶しているのか。「世代」を軸とした「手芸考」から、現代社会におけるジェンダーの問題をあぶり出すことも可能であろう。
手芸は安易な分類やカテゴリー化を拒絶する。こうした手芸の逸脱性は美術や工芸のオーセンティシティを担保するという機能をもつ。しかし、「手芸っぽいもの」「手芸的なるもの」がこうした「機能」を果たすのは、あくまで美術を頂点とするヒエラルキーのなかに手芸を位置づけた場合に他ならない。本書のなかで山崎は、「明治 30 年代くらいから戦後くらいまでは、手芸の語りのなかでは、なぜ女の子たちが美術を学ばないといけないかといえば、手芸が上手くなるからという議論があった（p.154）」と指摘している。山崎の発言は「手芸を中心とした語り」の可能性と必要性を示唆するものとして興味深い。「周縁」でも「残余」でもなく、手芸を「中心」に据えると、芸術のヒエラルキーや秩序はどう見えるのだろうか。隣接領域との間にはどのような断絶があり、どのような相互作用があるのだろうか。本書の執筆者たちはおそらく、手芸についてまだまだ話し足りないはずである。今後、本書が提示した「手芸的なるもの」が包摂する豊かなフィールドから、さらなる問題提起がなされ、新たな研究が生み出されていくに違いない。
最後に、「あなたにとって手芸とは何か」と問われれば、評者は「母」そのものであると答えるだろう。専業主婦だった母は、暇さえあれば日中の大半をパッチワークや編物をして過ごし、家には手芸品があふれていた。親元を離れて一人暮らしを始めたとき、「ダサい」の極みに思えたトイレカバーやドアノブカバーが、実は暮らしに「温かみ」を与えるものであったことを知った。実家には今、年を重ねた母が見向きもしなくなったパッチワークの材料が大量に残されている。誰も縫うことのない端切れを見るたび胸が締めつけられるのは、輝いていた頃の母の姿がそこに重なるからだ。本書を読みながら、目をそむけてきたあの端切れの山とどう向き合ったらいいのか、ずっと考えていた。ここは変に考え込んだりせず、評者がもっている手のひらサイズのソーイングセットで、手軽な「モノ」を何かつくってみる――案外、それが正解なのかもしれない。

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