杉光定作品展ギャラリートーク
日時：令和 3 年 8 月 22 日（日）場所：エイブル 3 階 研修室
講師：杉光 定さん

「絵画のテーマ性について」

おはようございます。
今日は私の知り合いの方にもおいでいただき、非常に心強く思っております。こういう話をすることは滅多にございませんので、どうしようかなと思いながら、いくらか資料を作ってまいりました。
私は、高校の美術の教師をしながら、ずっと美術畑に関わってきて、退職後も絵を描いております。鹿島に於いては恩師の岩永京吉先生、金子剛先生に指導してい

講師

杉光定さん

ただき、ここまで続けてこられたと思います。
今日は「絵画のテーマ性について」ということで、ピカソの話をしたり私の制作意図などを話したりしようと思います。
私が大学 2 年生の頃に、金子剛先生が事務局長になられて「鹿島市美術人協会」ができました。昭和 44 年でした。その頃からずっと心に残っている言葉があります。それは、納富進先生に言われた「おまえは、何を描きたいのか？」という言葉です。
今考えたら本当に貴重な時間だったと思いますけれど、生意気盛りで何も分からないまま、いろいろ描いていたわけです。そして美術協会展などに出す作品を納富先生に見てもらっていました。忘年会の席だったと記憶していますが、納富先生が横に居られて「お前の絵を見たけど、何を描きたいのか？」という質問をされました。
そのころの私は、人物画を描いていたんですけど、はっきり言ってテーマがしっかりしていなかったのです。だから、納富先生に言われた時には「あぁそうか、何を描きたいか、わかっとらんな。
」というのを気づかされました。それがきっかけで、“テーマ性がない作品やそれを持たない作家というのはありえない”と思うようになりました。
絵を描くときには、まず、何をモチーフにするかということが大事です。目の前の静物であったり風景であったり、旅行した時に、たまたま感動した場所があったら、そこを描きた

いと思いますね。最近は、その場でスケッチをするんじゃなくて、デジカメで撮ったりスマートフォンで撮ったりします。そういう場面の残し方が瞬時にできるようになりましたね。
当然、人物や心象もモチーフにします。その次に大切なのは、モチーフにどのようなテーマ性を持たせて表現するかということです。
さて、これからは「美術史の中の絵画」ということで話をしていきます。
ご存知のように、美術の鑑賞授業で、2 万年くらい前に描かれたアルタミラの洞窟やラスコーの洞窟の壁画を見ますよね。最近では、1990 年に、ショーヴェの洞窟壁画が見つかりましたね。アルタミラはスペイン、ラスコーはフランス、ショーヴェもフアルタミラの洞窟壁画（一部分）ランスですね。このショーヴェは、壁画を見つけた人の名前だそうで、3 万５千年くらい前に描かれたようです。

アルタミラやラスコーの洞窟壁画の動物は生き生きとしています。このように生き生きとした動物の肢体を描く能力が当時の人々に備わっていたのか、それはどうしてなのかと不思議でもあります。
私の家は農業をしておりまして、中学生の頃は、牛に藁と米糠を混ぜて食べさせる担当でした。その頃は、牛の角の生え具合とか、舌の長さとか、涎を垂らしている姿とかよく見ていました。それから爪がどうなっているかとか、そういう生活の中で教えられていたんですね。同じように、動物壁画を描いた当時の人々もよく観察していたのだろうと推測できます。
また、人が寝そべらないと入っていけないような洞窟に絵が描いてあるのを、最近テレビで見ました。そういう場所に描くのは、呪術的な意味合いが強いのかもしれません。
19 世紀以前の作品になりますと、皆さんご存知のようにキリスト礼賛の絵画が多く残っています。
例えば、レオナルド・ダ・ヴィンチの「受胎告知」や「最後の晩餐」ですね。それからラファエロは「システィーナの聖母」を描いたり、ミケランジェロは「最後の審判」を描いたり。イタリアルネッサンス絶頂期の作品と言われるように、文芸復興の時代で、才能が溢れた人たち、天才的な人たちがたくさんいます。当時は、工房があって、弟子がいて、ダ・ヴィンチが描いたという作品も、どこかは弟子が描いているとか、そういう時代でもあります。
また、権力者の肖像や功績を描いた作品も 19 世紀以前は多かったですね。
例えば、ナポレオン・ボナパルト。
『峠を越えるボナパルト』とか『ナポレオン一世の戴冠式と皇妃ジョセフィーヌの戴冠』ですね。
19 世紀に入りますと、ミレーが登場します。皆さんご存知のように『落穂拾い』『種まく人』『晩鐘』など有名な作品がありますね。ミレーはゴッホにも影響を与えた画家ですが、農民に目を向けています。神に祈りを捧げながら生活をしている労働者、そういう人々を描いていたと思います。ミレーの『種まく人』の 1 枚は、山梨県立美術館にあります。ゴッホも『種蒔く人』を描いていますね。モチーフも、はじめはミレーの真似をして描いていたそうです。
そこで、皆さん、ピカソという画家をご存知だと思いますが、彼はどういうテーマを持って絵を描いていたのかというのを考えてみたいと思います。
ピカソの父親は美術教師で、ピカソは 7 歳くらいから絵を描かせられていたらしいです。
そして、13 歳でバルセロナの美術学校に入学しています。今でいうと専門学校ですね。彼は 13 歳で、もう飛び級ですよ。10 代で天才ぶりを発揮して、評価も手に入れたわけですが、その後「青の時代」に入ります。親友が悲しい死を遂げてしまったことに、非常に落ち込んでしまって、そこに生まれたのが「青の時代」です。19 歳くらいから 23 歳の頃まででしょうか。青い色彩の『盲人の食事』『老いたギター弾き』など、感傷的な情緒性の強いテーマの作品を描いています。
24 歳くらいからは、作品に明るい色彩が出てきます。『抱擁』『アクロバットと若いアルルカン』などが描かれた時代を「ばら色の時代」と呼んでいます。サーカス一家と生活を共にして、家族愛がテーマになり、ピカソの気持ちが前向きになったというか、希望のある色に変わるわけです。
そして、26 歳から 40 歳くらいまでキュービズムの時代になります。セザンヌの理論を踏襲した物体を幾何学的に分解して、それを組み合わせ、再構成するという革新的な表現方法でした。「ばら色の時代」に絵描きとして十分認められていたのに、周りから見たら「ピカソはどうかしたのか、おかしくなったのでは？」とささやかれるほど理解しがたい表現技法だったのです。
ピカソはその後も、美しい色を使ったメタモルフォーゼといわれる大胆なデフォルメをしたり、『ゲルニカ』のような暴力や戦争批判の作品を制作したり、テーマを変化させていきます。
さて、私のテーマについて話したいと思います。
まず、“難民シリーズ”ですね。当時は、アフリカ難民やベトナム難民のニュースに関心がありまして、実際に行ったわけではないですが、無垢の民の苦しみや悲しみや行き場がない人々を描いていました。しかし、多摩美術大学のある先生に「杉光君、一生懸命描いているけど、君の絵には匂いがないね。
」と言われたんです。ものすごくショックでした。
「現場に行って、飢えとか苦しみとかもっと知る必要がある」と言われたような気がしました。

『何処へ』

次に、道化師、“サーカス”をテーマにした作品を制作しました。
いくつか描いた中に『出番前』という作品があります。
出品している行動美術協会展で 1999 年に奨励賞、会友推挙を得ました。私たちはサーカスのサルと一緒で、社会の組織の中で操られている立場にあるんじゃないかという思いと、みんなに冷やかされながらも一つの芸に打ち込むサルに対する共感というか、そういうものを表現しました。
そして、その後“受胎告知シリーズ”に入ります。
『出番前』『受胎告知１』

それから、2011 年の東日本大震災に大きな影響を受け『黙示録』という作品を制作しました。東日
本大震災における被災者への鎮魂というか、そのことを凝視している目、すべてを吐き出すような管、波にのまれ、沈んでいく家も描きました。池田学君のような有名な若い現代作家も「東日本大震災が表現者として非常に大きかった」と言っています。
「絵描きとして何をすればいいか」という問いが私自身『黙示録』にもありました。
その後の『蘇生 213』という作品では「若者が振り返りながら未来を見つめていく」という制作意図を持って二人の青年を描いています。東北の形をしたような構成には多くの壊れた家などを描き入れました。

『蘇生 213』

2011 年の震災のあと、2014 年に熊本の大震災が起こりました。現場を追体験しながら 2014 年から 2018年にかけて“刻の詩（ときのうた）シリーズ”を描きました。
地割れした中に棺がありまして。地中に根を描いていますけど、これは象徴的なものです。どんなになっても生命力というのはどこかで復活するという思い『刻の詩 018』

を「絡んだ根」で表現してみました。描くことによって「出来事を風化させない」という思いでした。

そして、最近ですけれども、4 月に阿蘇に行ってきました。感染症対策をしながらの、日帰りスケッチ旅です。
阿蘇高原を通っているとき、崩落している場所を見つけました。地震か大雨の痕跡だと思いますが、ハッとしました。
こういう自然の原風景があるんだと思ってですね。多分、放牧放棄地だと思います。牛もいなくて、雑草がどんどん生えてき『原風景』て。そして、そこになんか魅力を感じて、しばらく見ていました。切り株なんかも取り残され、雑木にも生命力の強さを感じました。

『阿蘇の原風景』もう一つ、由布岳ですね。由布岳は活火山ですから雲仙普賢岳のように、爆発するかもしれない。そういうエネルギーを色彩として入れてみました。

『由布岳』

その次に、『憩う』という作品です。自宅から 1 キロくらい行くと堤防がありまして、たまたまそこに行ったときに「ここの風景もいいなあ」と思いました。実際に、犬がいたわけではないですが、何処に行っていいかわからないような迷い犬が、憩う場所を見つけて休んでいる、そういう風景にしました。人間にも動物たちにも、リラックスできる場所が必要だと思うんですよね。動物の寂しさや孤独感、その中での安らぎをテーマとして表現したつもりです。

『憩う』

次に『連れ添い』という作品です。
椅子の上に梨を二つ描いていますけども、意外と気に入りましてね。妻と毎日を過ごしていますが、絵にしたらこんな感じかなぁと……。丸いテーブルは、歩んできた人生舞台、そういう気持ちを入れました。

『連れ添い』『一本松』という作品は、金子先生と一緒にスケッチ旅をしたときのものです。その木の生命力とか天に向かう力強さとか、東日本大震災で残された一本松に思いを重ねて描きました。

『一本松』

最後に『古代回帰』です。ずっと昔から命が繋がってきて、今ここに私も存在しているということです。

『古代回帰』

これからのテーマ性についてですが、「人間や植物などの原点回帰と、そのものの存在価値」を表現していきたいと思っています。詩人で書家の相田みつを氏が「生きているうち 働けるうち 日の暮れぬうち」と言っていますが、私は「話せるうちに、動けるうちに、生きているうちに」という心境になっています。そして「一生絵描き、一生自分」で生きていこうと思っています。
どうもご清聴ありがとうございました。