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Report2017– 2019

3つのキーワード

Three Key Principles

1. 実験的な創造・創作｜ラボラトリー
Conduct experimental creation and production: Laboratory

2. ともに学び考える｜コ・エデュケーション
Learn and think together: Co-education

3. 連携・協働の創出｜コラボレーション
Create partnerships and collaborations: Collaboration

アートラボあいちでは、アートをちょっと掘り下げてみたり、少し違う角度から見てみたり、別の方向から聞いてみたりすることで、新たな創造の場、新たな発見の場、新たなつながりの場となるような活動を行ってます。そのために、次の3つのキーワードを起点に展開しています。

Through activities for delving deeper into art, observing from different
angles, and listening from different directions, ALA aspires to becomea place for new creation, a place for new discovery, and a place for
new connections. Its activities are guided by the following three key
principles:

的な芸術の創造を継承し、発展させていくことを目指したアートセンターとして活動しています。 また、あいちトリエンナーレの開催目的でもある、「文化芸術の発展」、「文化芸術の日常生活への浸透」、「地域の魅力向上」に向け、展覧会や様々なプログラムを通じて先端的な芸術活動を実践するとともに、情報を収集し発信する拠点となります。

Art Lab Aichi(ALA) has been reopened as an art center tasked with

施設案内

Facility information

アート ラボ あいち と はWhat is Art Lab Aichi?

アートラボあいちは、あいちトリエンナーレがこれまで取り組んできた先鋭

アートラボあいちが入る愛知県庁大津橋分室の建物は、1933年竣工。愛知県信用組合連合会が建設し、1957年に愛知県の所有になった。1階の外壁は正面のみ石張りで側面は人造石洗い出し仕上げ。2階以上は茶色のスクラッチタイルで覆われている。さまざまな部分に凝った当時の表現主
義的な装飾が残っている。1階は愛知・名古屋 戦争に関する資料館。

ALA is housed in what was once the Aichi Prefectural Government
Otsubashi Office. The building was completed in 1933 for the Aichi

continuing and evolving the kind of cutting-edge contemporary art

Prefectural Federation of Credit Associations, and passed into thecreation taken on to date by Aichi Triennale. ALA shares Aichi Triennaleʼsownership of Aichi Prefecture in 1957. The first floor has a stone-cladgoals of contributing to the development of culture and art, bringing

facade and pebbledash side walls. The second floor and above are cladthem closer to everyday life, and enhancing Aichiʼs appeal. In order towith brown “scratch tiles” (a type of tile incised with vertical lines). Many

fulfill these goals, ALA organizes exhibitions and other wide-ranging

parts of the building retain original elaborate Expressionism decorative

programs for cutting-edge contemporary arts, and also assembles andfeatures. The first floor houses "Aichi-Nagoya War Archives".

disseminates art-related information.

2

3

2

アートラボあいち概要
About ALA

6

事業一覧
List of projects

15

活動の様子
Plates of activities

33

事業詳細
Detailed information of projects

61

シンポジウム報告
Report of symposium

72

運営体制
Organization

4

5

List of projects
2017 年─ 2019 年 実施事業一覧＃活動協力

12月10日（日）
名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」
第2回「リベラルアーツ×リーダーシップ」（名古屋芸術大学）＃展覧会

2018年1月6日（土）〜2月18日（日）
サイト& アート 01 今村遼佑「雪は積もるか、消えるか」＃活動協力

2018年1月6日（土）〜2月18日（日）（愛知県立芸術大学）「Shadow in the House」Akira Otsubo exhibtion＃活動協力

2018年1月21日（日）
名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」
第3回「リベラルアーツ× ?」（名古屋芸術大学）＃活動協力

2018年2月10日（土）（トリ端会議）トリ端会議 2018年 2月の会

自主事業

＃シンポジウム

2018年2月18日（日）
いま、改めてアートセンターを考える。vol.2「ラーニングセンターというかたち 八戸市新美術館構想について」

自主事業

＃上映

2018年2月24日（土）〜3月25日（日）
ALA screen 004：萩原健一 / Kenichi Hagihara＃展覧会

2018年2月24日（土）〜3月25日（日）
あいちトリエンナーレ大学連携プロジェクト「批評する身体：メディアと社会と表現とAttitude for Critic : Expression In-between Media and Society」＃活動協力

2018年2月24日（土）
トリエンナーレスクール 第1回「アーティスティック／ディスカバー 地域の魅力を見つめる方法」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

＃活動協力

4月22日
（日）
トリエンナーレスクール 第3回「ワークショップと対話のデザインについて」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

＃展覧会

5月18日
（金）
〜6月17日（日）（愛知県立芸術大学）「素時 SOJI」

＃活動協力

5月19日
（土）
トリ端会議 2018年5月の会（トリ端会議）

＃活動協力

5月20日
（日）
トリエンナーレスクール 第4回「ビエンナーレ／トリエンナーレはなぜこんなに開催されるのか？」（あいちトリエンナーレ実行委員会）＃シンポジウム

6月16日（土）
いま、改めてアートセンターを考える。 vol.3
「国際展
（芸術祭）
拠点としてのアートセンター：ハバナ・ビエンナーレとキューバのアートシーンについて」

＃活動協力

6月17日
（日）
トリエンナーレスクール 第5回「テクノロジーと幸福は比例するか？」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

自主事業

2017年度
自主事業
自主事業＃シンポジウム＃上映

大学企画 ＃展覧会

5月20日
（土）
「いま、改めてアートセンターを考える。vol.1」
5月27日（土）〜6月25日（日）「ALA screen 001：辻直之 / Naoyuki Tsuji
5月27日（土）〜6月25日（日）「black,color」（名古屋造形大学）

＃活動協力

5月28日
（日）
トリ端会議 5月の会（トリ端会議）

自主事業

＃展覧会

7月7日
（金）〜8月27日（日）
山本高之 「Children of men」

自主事業

＃トーク

7月23日
（日）
「キュレータービジット&トーク」

＃活動協力

8月20日
（日）
トリ端会議 8月の会（トリ端会議）

自主事業

自主事業
自主事業
大学企画
大学企画

2018年度8月24日（木）＃ディスカッション オープンディスカッション「ドクメンタ、
ミュンスター彫刻プロジェクト、ヴェネチア・ビエンナーレについて話し合う」
＃展覧会

9月16日
（土）〜10月1日（日）「アートとあそび展」

＃上映

10月6日
（金）〜11月26日（日）「ALA screen 002, 003：田村友一郎 / Yuichiro Tamura」

＃展覧会

10月7日
（土）〜10月29日（日）「ボーダーレス展」（名古屋芸術大学）

＃展覧会

11月3日
（金・祝）
〜11月26日（日）「La Guerre - 戦争」（愛知県立芸術大学）＃活動協力

11月19日（日）
名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」
第1回「Aging Hip Hop ─ リベラルアーツ×表現文化」（名古屋芸術大学）

＃活動協力
自主事業

大学連携

大学企画

自主事業

11月26日（日）
トリ端会議 11月の会 in 長者町（トリ端会議）

12月9日
（土）
＃ディスカッション
オープンディスカッション「2017年、国内の芸術祭を振り返る」

6

7

自主事業

自主事業

＃展覧会

7月6日
（金）〜8月26日（日）
斉と公平太「グスタフ・フェヒナーもしくはベンハムの独楽」

＃活動協力

7月15日
（日）
トリエンナーレスクール 第6回「赴くこと、滞在すること、創ること」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

＃活動協力

7月21日
（土）
名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」
第4回「リベラルアーツ×電子楽器：1931( 昭和6) 年の名古屋におけるテルミン」（名古屋芸術大学）

＃活動協力

8月19日
（日）
トリエンナーレスクール 第7回（あいちトリエンナーレ実行委員会）「14歳の私が行動を起こした時から現在まで」

＃人材育成

9月1日
（土）〜11月30日（金）
あいちトリエンナーレ×アートラボあいち
人材育成プログラム「展覧会の体験をデザインする」

大学企画 ＃展覧会

＃活動協力

自主事業

＃活動協力

10月21日（日）
トリエンナーレスクール 第9回「2019年ラーニングのプログラムが目指すこと」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

＃展覧会
＃人材育成

10月27日（土）〜11月25日（日）
あいちトリエンナーレ×アートラボあいち サイト& アート02「窓から。」
人材育成プログラム「展覧会の体験をデザインする」

2019年2月2日（土）〜3月24日（日）
あいちトリエンナーレ大学連携プロジェクト「ユーモアの作用、あそびの効用 HUMOROUS BEHAVIOR PLAYFUL ACTION」＃活動協力

2019年2月24日（日）
名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」
第5回「リベラルアーツ×複（福？）言語」（名古屋芸術大学）

＃活動協力

4月21日
（日）
トリエンナーレスクール 第15回
「がんと共に歩む力を〜マギーズ東京の試み〜」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

＃活動協力

5月19日
（日）
トリエンナーレスクール 第16回
「創造と共生の場：美術館から保育園へ」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

＃展覧会

5月25日
（土）
〜6月23日（日）「Unprepared - 無交差 -」（愛知県立芸術大学）

＃活動協力

6月29日
（土）
、6月30日（日）
名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」（名古屋芸術大学）
第8回「リベラルアーツ×震災×協働」

大学連携

＃人材育成

8月24日
（土）
〜10月30日（水）
あいちトリエンナーレ芸術大学連携プロジェクト『U27プロフェッショナル育成プログラム 夏のアカデミー2019「2052年宇宙の旅」
』

大学連携

＃展覧会
＃人材育成

9月21日
（土）
〜10月14日（月・祝）「C Laboratory Aichi」
あいちトリエンナーレ芸術大学連携プロジェクト『U27プロフェッショナル育成プログラム 夏のアカデミー2019「2052年宇宙の旅」
』

＃活動協力

10月11日（金）（トリ端会議）トリ端会議 2019年10月の会＃展覧会

11月13日（水）〜12月15日（日）「TRANSCENDENCE OF HOMEOSTASIS」（名古屋造形大学）

＃活動協力

12月8日
（日）
週刊武藤・その後（トリ端会議）＃展覧会

2020年1月11日（土）〜2月16日（日）「化現の光」（名古屋芸術大学）＃活動協力

2020年1月26日（日）
名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」
第10回「リベラルアーツ×人文知」（名古屋芸術大学）

＃活動協力

2月21日
（金）
〜2月23日（日）（愛知県立芸術大学）「ミッドジャパン 音の芸術祭」

＃活動協力

2月23日
（日）
「複合芸術と共異体」（秋田公立美術大学大学院 複合芸術研究科）

2019年度大学企画2018年12月7日（金）〜2019年1月20日（日）「BORDERLESS 2018 Laundry」（名古屋芸術大学）＃活動協力

2018年12月7日（金）〜2019年1月20日（日）（名古屋芸術大学）「issue ＋ design 10周年記念展示 SYNERGY」＃活動協力

2018年12月9日（日）名古屋芸術大学芸術学部芸術教養領域公開講座「リベラルアーツ× X」
第6回「リベラルアーツ×美術史 桃山ー美と戦いの世紀（名古屋芸術大学）＃活動協力

2018年12月15日（土）
愛知県立芸術大学 アーティスト･イン･レジデンス2018 ミョン･フェイエン＆
川松康徳「Future Made "2038"」関連企画（愛知県立芸術大学）

＃活動協力

＃展覧会

大学連携

9月16日
（日）
トリエンナーレスクール 第8回「ふるまいをデザインする建築家」（あいちトリエンナーレ実行委員会）
9月24日
（月）
トリ端会議 2018年9月の会（トリ端会議）＃活動協力

2019年2月17日（日）
トリエンナーレスクール 第13回
「先端技術にとって美とは何か」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

9月1日（土）〜9月30日（日）「ポーカーフェイス/３/ アフターイメージ 不可視なものの重ね描き（パランプセスト）」（名古屋造形大学）＃活動協力

大学企画 ＃展覧会

＃活動協力

大学企画

大学企画

2018年12月16日（日）
トリエンナーレスクール 第11回
「アートが、ビジネスに対して出来ること」（あいちトリエンナーレ実行委員会）
2019年1月20日（日）
トリエンナーレスクール 第12回
「芸術祭におけるボランティア活動の楽しみかた」（あいちトリエンナーレ実行委員会）

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Plates ofactivities
活動の様子

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自主事業

＃シンポジウム

いま、改めてアートセンターを考える。 vol.1

自主事業

＃上映

ALA screen 001 : 辻直之 / Naoyuki Tsuji

自主事業

日時｜2017年5月20日（土）
13:00-18:00
Document
─

P.33

＃展覧会

山本高之 Children of men▶

会期｜2017年5月27日（土）〜6月25日（日）
Document─

P.33 ▶

16

17

会期｜2017年7月7日（金）〜8月27日（日）
Document─

P.34 ▶

自主事業

＃トーク

Document─

キュレータービジット &トーク

自主事業

＃ディスカッション

自主事業

日時｜2017年7月23日（日）
15:00-16:30

P.35

アートとあそび展▶

日時｜2017年8月24日（木）
19:00 - 21:00

オープンディスカッション ドクメンタ、ミュンスター彫刻プロジェクト、
ヴェネチア・ビエンナーレについて話し合う

Document─

P.36 ▶

18

19

＃展覧会

会期｜2017年9月16日（土）〜10月1日（日）
Document─

P.36 ▶

自主事業

会期｜ ALA screen 002 2017年10月6日（金）〜10月29日（日）
ALA screen 003 2017年11月3日（金・祝）〜11月26日
（日）

＃上映

ALA screen 002, 003 : 田村友一郎 / Yuichiro Tamura

自主事業＃ディスカッション

オープンディスカッション

自主事業

サイト & アート01
今村遼佑 雪は積もるか、消えるかDocument
─

P.37

▶

日時｜2017年12月9日（土）14:00-16:00

2017年、国内の芸術祭を振り返る＃展覧会

Document─

P.39 ▶

20

21

会期｜2018年1月6日（土）〜2月18日（日）
Document─

P.40 ▶

自主事業＃シンポジウム

いま、改めてアートセンターを考える。 vol.2
ラーニングセンターというかたち 八戸新美術館構想について

自主事業

＃上映

ALA screen 004 : 萩原健一 / Kenichi Hagihara

大学連携

日時｜2018年2月18日（日）
14:00−16:30

会期｜2018年2月24日（土）〜3月25日（日）

あいちトリエンナーレ大学連携プロジェクト 批評する身体：メディアと社会と表現とAttitude for Critic : Expression In-between Media and Society

Document
─

P.41

＃展覧会

▶

自主事業

会期｜2018年2月24日（土）〜3月25日（日）＃シンポジウム

P.41 ▶

22

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P.42 ▶

日時｜2018年6月16日（土）13：00〜15：30

いま、改めてアートセンターを考える。vol.3 国際展（芸術祭）拠点としてのアートセンター：ハバナ・ビエンナーレとキューバのアートシーンについて

Document─

Document─

Document─

P.43 ▶

自主事業

＃展覧会

斉と公平太
グスタフ・フェヒナーもしくはベンハムの独楽

自主事業

会期｜2018年7月6日（金）〜8月26日（日）

活動期間｜2018年9月1日（土）〜11月30日（金）

あいちトリエンナーレ×アートラボあいち
人材育成プログラム 展覧会の体験をデザインする

Document
─

P.44

＃人材育成

▶

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Document─

P.46 ▶

自主事業

＃展覧会

＃人材育成

あいちトリエンナーレ×アートラボあいち
サイト & アート02 窓から。

大学連携

会期｜2018年10月27日（土）〜11月25日（日）

会期｜2019年2月2日（土）〜3月24日（日）

あいちトリエンナーレ大学連携プロジェクト ユーモアの作用、あそびの効用
HUMOROUS BEHAVIOR PLAYFUL ACTION

Document
─

P.47

＃展覧会

▶

大学連携

＃人材育成

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P.49 ▶

活動期間｜2019年8月24日（土）〜10月30日（水）

あいちトリエンナーレ芸術大学連携プロジェクト『U27プロフェッショナル育
成プログラム 夏のアカデミー2019「2052年宇宙の旅」』

26

Document─

Document─

P.51 ▶

大学連携

＃人材育成

C Laboratory Aichi

＃展覧会

大学企画

会期｜2019年9月21日（土）〜10月14日（月・祝）Document
─

P.52

＃展覧会

会期｜2017年11月3日（金・祝）〜11月26日（日）

愛知県立芸術大学 「La Guerre ー戦争」

▶

大学企画

＃展覧会

愛知県立芸術大学 「素時

大学企画

29

P.39 ▶

会期｜2018年5月18日（金）〜6月17日
（日）

SOJI」

＃展覧会

愛知県立芸術大学 「Unprepared - 無交差 - 」

28

Document─

Document─

P.43 ▶

会期｜2019年5月25日（土）〜6月23日（日）
Document─

P.50 ▶

大学企画

＃展覧会

Document─

名古屋芸術大学 「ボーダーレス展」

大学企画

＃展覧会

P.38

＃展覧会

名古屋芸術大学 「化現の光」＃展覧会

会期｜2017年5月27日（土）〜6月25日（日）
Document─名古屋造形大学 「black,color」

▶

大学企画

会期｜2018年12月7日（金）〜2019年〜1月20日（日）

名古屋芸術大学 「BORDERLESS 2018 Laundry」

大学企画

大学企画

会期｜2017年10月7日（土）〜10月29日
（日）

＃展覧会

P.34 ▶

会期｜2018年9月1日（土）〜9月30日（日）

名古屋造形大学「ポーカーフェイス／３／アフターイメージ 不可視なものの重ね描き（パランプセスト）」

Document─

P.49 ▶

大学企画

会期｜2020年1月11日（土）〜2月16日（日）
Document
─

＃展覧会

30

31

P.47 ▶

（水）〜12月15日（日）
会期｜2019年11月13日

名古屋造形大学 「TRANSCENDENCE OF HOMEOSTASIS」

P.52 ▶

Document─

Document─

P.52 ▶

Detailed informationof projects
事業詳細

自主事業

＃シンポジウム̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

いま、改めてアートセンターを考える。 vol.1………………………………………………………………

ゲスト｜小川希（Art Center Ongoing ディレクター）
相馬千秋（アートプロデューサー／芸術公社代表理事）菅沼聖（山口情報芸術センター [YCAM]
エデュケーター）

進行

｜服部浩之

会場

｜アートラボあいち3階

日時｜2017年5月20日（土）
13:00-18:00

チラシデザイン｜小島邦康………………………………………………………………

概要
あいちトリエンナーレを始めとする地域のアート情報発信拠点「アートラボあいち長者町」と「アートラボあいち大津橋」は愛知県庁大津橋分室内に集約（土）
し「アートラボあいち」として、2017年5月20日にリニューアルオープンしました。このリニューアルオー
プン企画として、先鋭的で実験的な試みを展開しつづけるアートの実践者3名をゲストに、シンポジウ

凡例
・アーティスト及びゲストのプロフィールは、事業実施時のものを記載

プロフィール
小川希／ OGAWA Nozomu
2008年に既存の価値にとらわれない文化の新しい試み
を恒常的に実践し発信する場を目指して、東京吉祥寺に芸術複合施設『Art Center Ongoing』を設立。地域や行政の思惑に左右されず、約10年間絶えることなく活動を続け、現在では東京になくてはならないアートセンター
として独自の立ち位置を確立している。また、近年は
Ongoing Collective を立ち上げ、多様なジャンルに携わるクリエイターたちと共同するプロジェクトも開始し、活動の幅を広げている。
相馬千秋／ SOMA Chiaki
アートプロデューサー。国際舞台芸術祭「フェスティバル /トーキョー」初代プログラム・ディレクター、横浜の舞台芸
術創造拠点「急な坂スタジオ」初代ディレクター
（2006年から2010年）。2014年、仲間とともに NPO 法人芸術公社を設立し代表理事に就任。2005年、フランス共和国
芸術文化勲章シュヴァリエ受章。2016年より立教大学
現代心理学部映像身体学科特任准教授。
菅沼聖／ SUGANUMA Kiyoshi
ミュージアムエデュケーター。愛知県出身。岐阜県立国際情報科学芸術アカデミー［IAMAS］卒業。2009年から
山口情報芸術センタ［YCAM］で勤務。YCAM では、メディアテクノロジーを活用したワークショップの開発やファシリテーションといった教育普及事業全般および地域資源の活用に関する研究開発プロジェクトの企画を担当している。

ム「いま、改めてアートセンターを考える。
」を開催し
ました。
近年日本国内では、特に地方都市を中心に新たな芸術祭が生まれ、比較的規模の小さな美術館や劇場が設立されています。こうしたなか、今改めて都市における文化や芸術活動の核となるアートセンターには、どのようなことが期待されているのでしょうか。
国内外で規模やかたちにこだわらず、先鋭的で実験的な試みを展開しつづけるアートの実践者3名を招き、これからの都市におけるアートセンターの可能性を探るシンポジウムを実施しました。

32

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自主事業

＃上映

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

ALA screen 001: 辻直之 / Naoyuki Tsuji………………………………………………………………

アーティスト ｜辻直之
会場

｜アートラボあいち3階

会期｜2017年5月27日（土）〜6月25日（日）………………………………………………………………

概要

洗濯バサミ、マスキングテープや印刷物の切り抜きなプロジェクトを立ち上げることとなりました。新プ2017年5月にリニューアルオープンした「アートラボなどを用いて、鮮やかな色の生き物を作ります。こ

ロジェクトでは、2020年に東京オリンピックが開催

今回、新たにスタートし、展覧会終了後も続けられらの鮮やかな色は、昆虫や人間、生き物を誘惑されることを見越し、名古屋でもかつて開催の機運れる予定の「名古屋オリンピック」にまつわるリサーチ・
プロジェクトにも同じような展開が生じるのだろうか。

あいち」では、新たな発見の場として、様々な映像作品を上映するプログラム「ALA screen」をスタートさせました。
第一回目は、アニメーション作家である辻直之による映像作品≪影の子供≫を上映しました。辻直之
氏の作品は、木炭を使ってイメージを描いては消し重ねていくプロセスをコマ撮りしていくことで、動きすることさえあります。
「COLOR」つまり鮮やかに見があったオリンピックに焦点をあてた作品を実現す

える色彩は、レディメイドのものですので、それは存べく、リサーチワークショップを展覧会開始前からス

1988年の招致を目指しながら幻に終わった名古屋

在として無害な無色透明に近いです。一方で、タートさせました。会期中もリサーチを継続していき、

オリンピック。今回、途中経過として紹介された当「BLACK」は、様々な色の幅や重なりによって生まれその資料や成果を随時展示公開しました。

る「BLACK」で、それはカラフルです。

レビュー

オリンピックに大した希望も抱けない今の時代から見れば、それ自体は感情移入を促されることもないの痕跡を残しながら、イメージが変化していく様子

プロフィール

人類の子供たち。

木村充伯／ KIMURA Mitsunori
1985年静岡県生まれ。静岡県を拠点に活動。2007年
名古屋造形大学大学大学院修了。

―大きな視野で、小さなことを積み重ねる。

愛知芸術文化センターのオリジナル作品として制作
人で様々な生き物に変化しながら逃げていく様子が描かれています。
《影の子供》
2006( 愛知芸術文化センター オリジナル映像作品）
上映時間｜18分（ループ上映）プロフィール" 人類の " 子供たちというのがいい。異なる国家や民族、宗教間の軋轢が強まるばかりの今日、子供たちをこうした分け隔てを越えた、丸ごとの人間にとっタン・ルイ／ TAN Rui
1973年マレーシア生まれ。静岡県を拠点に活動。2000
年来日。2007年名古屋造形大学大学院修了。

ての一つの存在と見なすこと。振り返ってみれば、た態度があったと言えるだろう。本展の期間中、入＃展覧会

れ替えで上映された過去作品は改めてそのことを̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

辻直之／ TUJI Naoyuki
1972年 静岡県生まれ。1995年 東京造形大学美術2類卒業。あいちトリエンナーレ2010映像プログラム出展作家。

山本高之

実感させるものである。カメラを前にした子供たちの様子は様々で、奇天烈な発想や緊張の裏返しかChildren of men

ら生まれる挙動が思わず笑いを誘うものもあれば、………………………………………………………………

思わず感心せられるもの、もちろん、取り立てたとこ

アーティスト ｜山本高之

大学企画

＃展覧会

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会場｜アートラボあいち2階、3階

会期｜2017年7月7日（金）〜8月27日（日）

ろもないものあり、そこから浮かび上がるのは、山本が「子供らしさ」を特別に編集したり演出したりせず、むしろ等しく正面から向き合い、結果的に、………………………………………………………………

関連イベント ｜7月8日（土）
14:00-16:00 オープニングトーク
16:00-17:30 リサーチワークショップ公開ミーティング
18:00- オープニングレセプション

アーティスト ｜木村充伯、タン・ルイ

主催

会場｜アートラボあいち2階、3階

チラシデザイン｜濱優斗

整列した女子中学生たちが、同博覧会のテーマソ

会期｜2017年5月27日（土）〜6月25日（日）

展示記録撮影｜冨田良平

ング「まばゆい気分で」を合唱する姿が映し出され………………………………………………………………

ている。東日本大震災を経たいま、希望に満ちた

black,color

関連イベント ｜5月27日（土）
16:30-18:00
アーティストトーク
主催｜名古屋造形大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会

企画｜名古屋造形大学………………………………………………………………

は動物、人間、そして自然な色のものを作り出しています。原始的で静かな色だと感じる人もいるでしょう。
「COLOR」はタン・ルイをあらわします。彼女は当時の歌詞が虚しい響きを持つのは確かだが、とはいえそこに批判や皮肉めいたものが窺われる訳

画展第一弾は、愛知県を拠点に国内外で活躍する（人類の子供た山本高之の個展「Children of men「BLACK,COLOR」‐木村充伯 ( きむらみつのり)と単なる歴史の振り返りではなく、作品である必然としてどのような形に落とし込むことができるのか。山本ならば、という期待と共に見守りたいと思う。
千葉真知子（豊田市美術館学芸員）

プロフィール
山本高之／ YAMAMOTO Takayuki
1974年愛知県生まれ。愛知教育大学卒業後、Chelsea
College of Art and Design 大学院修了。あいちトリエン
ナーレ2010 出展作家。主な 展覧会 に、「C/Sensor-ed
Scape」（2017 年 トーキョーワンダーサイト）、「KochiMuziris Biennale 2016」（2016 年 コ チ イ ン ド ）、「Takayuki Yamamoto Exhibition 」（2016 年 JapanFoundation ニューデリー インド）、「KAAT キッズ・プログ
ラム 2016」（2016年 神奈川芸術劇場［KAAT］)、
「物語
のかたち」
（2015年 せんだいメディアテーク）
、
「未見の
星座」
（2015年 東京都現代美術館）、「ゴー・ビトゥイーンズ」（2015年 森美術館）、「そらいろユートピア」（2014年
十和田市現代美術館）、「想像しなおし」（2014年 福岡市美術館）等がある。

博覧会 '87》はどうだろう。スクリーンには、舞台にリニューアルオープンしたアートラボあいちの自主企として教育に携わった経験を生かして、子どもたち

ルです。
「BLACK」は木村充伯をあらわします。彼

本展のメインとなる《まばゆい気分で：未来の東北概要ち）」です。山本は教育大学を卒業し、小学校教師

タン・ルイが2011年に発行したミニカタログのタイト

子供たちから、自分さえも思ってもいなかったよな「素」がこぼれ出ているということである。

｜あいちトリエンナーレ実行委員会

概要

事実の羅列、他人事でもある。昨今、ドキュメント、
リサーチベースの作品がある種の流行となるなか、

山本は、早くから子供たちとのワークショップを基にした作品を制作してきたが、そこには同じく一貫し

自主事業

時の新聞記事や物、そして聞き取りから掘り起こされた記録は、出来事としては興味を惹かれるものの、を映し出しています。≪影の子供≫は、2006年にされ、お父さんに食べられそうになった娘が、兄と2より一層強く立ち現れてもくる。

………………………………………………………………

ゲスト｜赤井あずみでもあるまい、考えてみればこの設定自体可笑しく、

会場｜アートラボあいち2階

日時｜2017年7月23日（日）
15:00-16:30

たちの姿は、決して美しい訳でも何でもないにも拘経験できない特別な時間への思慕を誘いもする。

無邪気な発言や行動を通じてユーモアと批評性を

それは、今や何の有用性も持たなくなってしまった

もって提示する作品を制作してきました。本展では、時代遅れの博覧会をモチーフにすることで、進歩史

これまでの作品を網羅的に紹介するとともに、新た観に支えられた20世紀の虚しさと二重写しとなって、

34

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キュレータービジット &トーク

合唱につきものの「いかにも」な笑顔。コンクール

らず、私にもかつてあった、大人になる前の二度としています。社会の矛盾や不条理を、子どもたちの＃トークではない。何人かの生徒の目に着く癖のある動き。

思わずくすっとなるのだが、しかし一方で女子学生とのワークショップを介したプロジェクトを多数実践

自主事業̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

………………………………………………………………

概要
この企画は、現代アートの専門家がアーティストのス
タジオを訪問する機会を定期的に設けることで、アーティストと専門家の交流の場を築き、アーティストの育成に取り組むとともに、東海圏のアートシーンをよれていないようです。アートラボあいちでは、一人の見つめ、アートラボあいちで展覧会を実施しました。

ボードが子どもにぴったりの手のひらサイズだったり（はり広く伝えることで、この地域の芸術文化を成熟させ人間がこれら芸術祭についてレポートするというス

一般的には文化芸術から切り離されてしまう児童

じめて見た！）、鉛筆が幼児にも使えるように短かっていくことを目指すものとして考えられました。今回は、タイルではなく、ミーティングやディスカッションその福祉の活動を、アートを架け橋に見通した時、どんたり。この心地良さはなんだろう。いつのまにか「あ鳥取県立博物館の赤井あずみさんと共に、瀬戸市

ものを重視し、芸術祭を題材にして意見を交わすなことが見えてくるのか、実際にセンターのプログラ

そび」へと連れて行ってくれる滑らかな稜線。美術や長久手市にあるスタジオ「タネリスタジオ」「 安堂

会を実施しました。

ムも体験しながら考察する機会としました。

館で行われるワークショップや子ども向けのプログラ」TOKIOSOU」
シューター」「アトリエハウスKUMABARI「

当日は、アーティスト、キュレーター、美術館学芸員

センターの特徴的な活動と、約20年の蓄積から選ムには実装されていない雰囲気を感じたのだ。これらは、日々訪れる子どもたちからのリアクションを受「愛知県立芸術大学（大崎研究室）」を巡り、その時にアートファンと、様々な方に集まっていただき車座

んだあそび、あそびの公募事業「汗かくメディア」かの様子を本トークで紹介していきました。

を囲んで、フランクな意見交換となりました。

を紹介する展示となら2016年受賞作品《あまもり》

け取り、成長させてきたという（子どもを子ども相手

りました。

としない）
。愛知県児童総合センターが培った20年

プロフィールにわたる「いつかの子ども」たちからの叡智を見た。

赤井あずみ／ AKAI Azumi
1975 年生まれ。鳥取県立博物館美術振興課・美術館
整備準備室主任学芸員（近現代美術担当）。公益財団
法人トーキョーワンダーサイト、あいちトリエンナーレ2010
キュレトリアルチームを経て現職。2012年より鳥取市中心市街地の旧横田医院を活用したアートプロジェクト「HOSPITALE」のキュレーターとして企画運営に携わる。
2013年には旧旅館施設に「ことめや」をオープンし、コワー
キングスペースやレジデンス事業のほか、人の営みにま
つわるさまざまな事柄についての企画を実施している。

自主事業＃ディスカッション̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

自主事業̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

断している。全てに対してだ。公園へ行くか、レゴをするか、朝ごはんを食べるか、お風呂に入るか、笑う

会場｜アートラボあいち2階、3階

会期｜2017年9月16日（土）〜10月1日（日）

か、怒るか、寝るか、走るか ...。自分に向けられた「誘い」は誰のためか、自分のためか、すごく丁寧に慎重

関連イベント ｜9月16日（土）
14:00-16:00
オープニングイベント
10月1日
（日）
14:00-16:00
トークイベント｜愛知県児童総合センター、
あいちトリエンナーレ実行委員会

企画協力

｜牛田康弘

チラシデザイン｜溝田尚子………………………………………………………………

………………………………………………………………

｜青田真也、荒木由香里、飯田志保子、
伊藤仁美、徳重道朗、西田雅希、
野田智子、服部浩之、山城大督、
吉田有里、他

子どもは、日々「あそび」の誘いに乗るかどうかを判………………………………………………………………

主催………………………………………………………………

会場｜アートラボあいち2階

会期

まだ歩き始めたばかりで、言語も会得していない当｜ ALA screen 002
2017年10月6日（金）〜10月29日（日）
ALA screen 003
2017年11月3日（金）〜11月26日（日）

時の息子には、センター全体を楽しむ身体を持ち………………………………………………………………

愛知県児童総合センターには、息子が1歳に満たそれぞれのペースで「あそび」を楽しんでいる印象だ。

備えておらず、「ちょっとまだ早かったか」と感じたのを覚えている（0~1歳向けのコーナーもあるが、なん

概要というか、もっと体験してみたい面白そうなプログラ

愛知県児童総合センター（以下、センター）は1996

ムが沢山あったから、そう感じたのだろう。
）

年に開館した県立の大型児童館です。地域にある

アートとあそび展。ホームページの案内を読んだ時、会場｜アートラボあいち2階

児童館などの中核施設として、様々な児童健全育

これは「子ども」を連れていこうと思った。動かせる

日時｜2017年8月24日（木）
19:00-21:00

成活動のプログラム開発や普及、職員の研修など

身体と言語も獲得した4歳の息子を連れていくことで、構成｜19:00-19:20 ヴェネチア、
ドクメンタ、
ミュンスターについてミニレクチャー（飯田志保子）
19:30-20:50 ディスカッション
20:50-21:00 まとめを行っています。他の児童館と異なっているのは規「かつての子ども」としての私が擬似鑑賞するので模や役割だけではありません。その大きな特色のはなく、生の「子ども」でセンターのプログラムを再一つが、開館当初からアートを意識的に取り入れ、生させてみたくなったのだ。

あそびのプログラムを開発していることです。そのな

アートラボあいちに到着すると『再生装置』としての………………………………………………………………

かでは、アーティストと共にプログラムを組み立てる

息子は、あっけなく「あそび」の誘いに乗った。入口ことも積極的に行なっています。そうして提供されるから会場までの導線として、床に敷かれたシールのプログラムは、教育的に明確な方向づけをしたもの

レールに促されるようにキャッキャと展覧会場に到や、作品制作のためのワークショップとは異なり、そ。気がつけば、着する（4歳児は案外単純なものだ）の特異な活動は県内外で注目を集めています。愛全てのプログラムを1時間ほどかけて体験。あそびの知県陶磁美術館やあいちトリエンナーレでは、共同『再生装置』はとてもスムーズに PLAY された。

のプログラム開発や、センターでの作品展示など連体験を分析してみる。会場では、子どもの身体をそ携が活発に行われています。

の気にさせる「アクティベーション」が複数仕掛けら

今回、センターのこうした活動をアートの視点かられていた。アイスブレイクとしての導線レール、プログ

度のミュンスター彫刻プロジェクトなどが開催中で、重要な芸術祭が重なっています。様々なアート関係者がこれらの芸術祭をすでに訪問し、それぞれ多様な意見や感想を持っていると思います。また、これら芸術祭の報告会は様々な場所で起こっていま
すが、愛知県内ではあまり大きな規模では実施さ

ALA screen 002, 003 :田村友一郎 / Yuichiro Tamura
アーティスト ｜田村友一郎

ない頃に訪れたことがあった。わんさか子どもがいて、展示記録撮影｜藤井昌美

ラムに偶然出会うための「くじ引き」、ワークシートや

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＃上映

単純だったり、時に複雑だったり、ランダムだったり。

｜服部浩之

2017年の夏は、5年に一度のドクメンタ、10年に一自主事業̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

に観察し判断している。その判断のルールは、案外進行

概要

山城大督（アーティスト）

あそびの『再生装置』としての子ども

アートとあそび展

オープンディスカッション
ドクメンタ、
ミュンスター彫刻プロジェクト、
ヴェネチア・ビエンナーレについて話し合う
登壇者

レビュー

＃展覧会

概要
ALA screen 第2回目は、田村友一郎の作品を2ヶ月に渡り2作品上映しました。10月の上映作品《アポロンの背中》は、2016年度の愛知県美術館オリジ
ナル映像作品として委嘱制作されたもので、11月に上映する《アポロンの裏切り》はその続編的な位置付けになるものです。ボディビルディングの起源と映像の起源を結びつけることで、身体と映像表現の関係を探求する意欲的な作品となっています。
《アポロンの背中》は、肉体に言及する様々な映像を収集したファウンド・フッテージで構成されます。
田村は、映像におけるイメージの編集や接続行為
を、人の筋肉のつながりへと結びつけることで、本作の骨格を組み立てました。ボディビルディングの起源のはなし、ボディビルダーから俳優を経て政治家へと栄光の道を辿ったシュワルツェネッガー、アメリカ兵の肉体や三島由紀夫、永遠の美としてのギリ
シャ彫刻、そして裸でスタジアムを駆け抜けるストリー
キングなど、肉体にまつわるバラバラの多数の物語

を、田村が創作したシナリオによりつなげていくこと

大学企画

で構成される映像作品です。

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

《アポロンの背中》2016 Courtesy of the artist

ボーダーレス展（愛知芸術文化センター・愛知県美術館オリジナル
映像作品）
上映時間｜20分54秒（ループ上映）《アポロンの裏切り》
は、2016年に横浜美術館で発会場｜アートラボあいち3階

会期｜2017年10月7日（土）〜10月29日（日）

ビルディング、海中に沈められたバラバラの遺体、関連イベント ｜10月7日（土）18:00-20:00
オープニングレセプション
10月13日（金）
17:00-18:00
アーティストトーク

海中から引き上げられたバラバラの古代ギリシャ彫主催｜名古屋芸術大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会

企画｜名古屋芸術大学

作品化したものです。横浜を舞台にした三島由紀
夫の小説『午後の曳航えいこう』を下敷きに、ボディ

刻、そして落語の「胴切り」など分断された肉体のエピソードが、田村の創出したシナリオによって接続されていきます。
『午後の曳航』に登場する少年の「世界は単純な記号と決定で出来上がっている」という台詞の引用から、G.H.Q. に代表されるようなア

佐藤美代／ SATO Miyo
1989年愛知県名古屋市出身。東京都在住。2011年名古屋芸術大学デザイン学科メディアデザインコース卒業。
2015年東京藝術大学大学院映像研究科アニメーション専攻修了。

………………………………………………………………

アーティスト ｜原田裕貴、中田ナオト、細井博之、
田中翔貴、佐藤美代、鳥巣貴美子、松田るみ

表したインスタレーション作品『裏切りの海』を映像

田中翔貴／ TANAKA Shoki
1989年愛知県北名古屋市出身。三重県在住。2014年
名古屋芸術大学大学院デザイン研究科デザイン専攻領
域修了。

＃展覧会

鳥巣貴美子／ TORISU Kimiko
1989 年愛知県出身在住。2012 年名古屋芸術大学美術学部洋画2コース卒業。
松田るみ／ MATUDA Rumi
1980 年長野県出身。2005 年名古屋芸術大学美術学部絵画科洋画コース卒業。2007年愛知県立芸術大学
大学院美術研究科油画専攻修了。

総合プロデュース｜田中範康、津田佳紀、大崎正裕

大学企画………………………………………………………………

ルファベットを記号として解体するなど、映像における接続と解体という行為をどこか比喩的に捉えた

2017年4月、名古屋芸術大学は音楽・美術・デザイ

映像作品とも言えます。

ンが「BORDERLESS」に統合し、芸術学部芸術学科＃展覧会

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

La Guerre - 戦争………………………………………………………………

アーティスト ｜関口敦仁、松田るみ、片岡勲人

として生まれ変わりました。現代は「ボーダーレス」

会場｜アートラボあいち3階

会期｜2017年11月3日（金・祝）〜11月26日（日）

主催

した卒業生の中から、特に領域を超えた活動を展｜愛知県立芸術大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会

企画｜愛知県立芸術大学

開する作家を選出し、コラボレーション展を実施し展示記録撮影｜池田康教

ました。卒業後、これまで「点」であった作家達が………………………………………………………………

2016 Courtesy of the artis《アポロンの裏切り》

な時代、すでに名古屋芸術大学グラデュエートの（2016年度 愛知県美術館 / 愛知芸術文化センター

中には「ボーダーレス」に活躍する作家達がいます。

収蔵作品）

今回の展覧会では1990年代から2010年代に卒業

上映時間｜20分41秒（ループ上映）

プロフィール
田村友一郎／ TAMURA Yuichiro
1977 年富山県生まれ。熱海市在住。日本大学芸術学部写真学科卒業。東京藝術大学大学院映像研究科博士後期課程修了。2012年度文化庁新進芸術家海外派
遣制度によりベルリン芸術大学・空間実験研究所に在籍。既にあるイメージや自らが撮影した素材をサンプリングの手法を用いて使用し、独自の関係性を導き出し再構築することで時空を超えた新たな風景や物語を立ち上げる。GoogleStreet View のイメージのみで構成されたロードムービー『NIGHTLESS』で第14回文化庁メディア
芸術祭アート部門優秀賞受賞 (2011年 )。
近年の主な展覧会に「2or 3 Tigers」(Haus der Kulturen
der Welt、ベルリン｜2017年 )、「Mode of Liaison」( バンコク芸術文化センター [BACC] ｜ 2017 年 )、「BODY/
PLAY/POLYTICS」( 横 浜 美 術 館 ｜ 2016 年 )、KYOTO
EXPERIMENT 2016( 京都芸術センター )、「物語りのかたち」( せんだいメディアテーク｜2015年 )、メディアシティ・
ソウル2014(ソウル市美術館 )、「これからの写真」( 愛知
県美術館｜2014年 )、MOT アニュアル2012「風が吹けば桶屋が儲かる」( 東京都現代美術館 ) など。

「線」で繋がり、年代を超えて「出会い」「 共鳴」し、

関口敦仁／ SEKIGUCHI Atuhito
1958 年東京生まれ愛知県在住。東京藝術大学大学院修了。
松田るみ／ MATUDA Rumi
1980年長野県小川村生まれ愛知県在住。2005年名古屋芸術大学美術学部絵画科洋画コース卒業。2007年
愛知県立芸術大学大学院美術研究科油画専攻修了。
片岡勲人／ KATAOKA Hisato
1973年岐阜県垂井町生まれ。静岡県在住。東海大学観光学部准教授。

自主事業＃ディスカッション̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

オープンディスカッション
2017年、国内の芸術祭を振り返る

ディレクター ｜横山豊蘭

概要

プロフィール時には「融合」いたします。自らの作品世界だけで概要なく、誰がどう影響し合ったのか、作家同士の「繋都市空間での戦争の探索、物質空間に浸透したがり方」も本展の見所の一つとなりました。

………………………………………………………………

ゲスト｜武藤隆、飯田志保子、他ゲスト数名

進行

｜服部浩之

会場

｜アートラボあいち２階

日時｜2017年12月9日（土）14:00-16:00

構成｜14:00-14:30 国内の主要芸術祭をざっ
と振り返る
（武藤隆）
14:30-15:50 キーワードごとに各芸術祭を検証
15:50-16:00 質疑応答………………………………………………………………

概要
2017年も多数の芸術祭が日本各地で開催されました。横浜トリエンナーレや札幌国際芸術祭のような大規模な国際展だけでなく、中之条ビエンナーレのような独自のかたちで開催されるものまで、その溢れる情報、衝動、欲望、まなざしなどを言葉の風

形態や目指すものは様々です。今年一年を振り返景として鑑賞者は強く明滅する光によって自由に描るという意味でも、各地で開催された芸術祭をディ

プロフィール

くこの行為がル・クレジオが「LA GUERRE」で示し

スカッション参加者がいくつか選択し、「テーマ、コ原田裕樹／ HARADA Yuki
1980年愛知県豊田市出身。名古屋芸術大学大学院音楽研究科修了。

た戦争ではないだろうか。その文字は、原文のフランセプト」「国際性／地域性」「広報／デザイン」など、ンス語から中国語、日本語、英語、
ドイツ語、そしてポイントを絞って比較検証しながら、どのような芸

フランス語と Google の機械語翻訳を繰り返されて術祭が起こっているのか、その共通点や差異を探り、

中田ナオト／ NAKADA Naoto
1973 年愛知県出身。1998 年名古屋芸術大学美術学
部デザイン科卒業。2000年多摩美術大学大学院修士
課程美術研究科修了。

も、強い構造力によって、同様のイメージ、戦争を

これからつくっていくべき芸術祭のあり方を考えるひ復元し続ける。本展示では、外部都市空間と同一

とつのきっかけづくりとして実施しました。

細井博之／ HOSOI Hiroyuki
1983年静岡県浜松市出身。名古屋芸術大学音楽学部卒業。愛知県立芸術大学大学院音楽研究科修了。

の描画と繰り返される強烈な言葉の風景として、無化するピンホールカメラ内部空間に、デバイスのLED の明滅が、人の動きによって、行為としての光
意識に記憶の底に沈めるプロセスを体の現在性とともに体験させるだろう。

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自主事業

＃展覧会

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

きにこそ時間を感じさせる時針のように、各部屋とそこに置かれたものたちが基点となり、さまざまな変化を感じさせていました。もうひとつ、わたしが本展

サイト & アート01
今村遼佑 雪は積もるか、消えるかから想像したのは、〈そこにしかないものを見せるに………………………………………………………………

です。世界が可視的な限りにおいて、どこにでもあアーティスト ｜今村遼佑
会場｜アートラボあいち3階

会期｜2018年1月6日（土）〜2月18日（日）

関連イベント ｜1月6日（土）
17:00-18:30 アーティスト
トーク
18:30-19:30 オープニングレセプション
主催｜あいちトリエンナーレ実行委員会

チラシデザイン｜芝野健太
展示記録撮影｜武田陽介………………………………………………………………

概要
アートラボあいちの建物は、1933年（昭和8年）に建造され、1957年以降は愛知県庁大津橋分室として長く利用されてきたものです。威風堂々の外観、大きな作りの階段、連続する小さな丸窓など、戦前からの歴史の蓄積を感じさせる建築です。一階には「愛知・名古屋 戦争に関する資料館」が併設されています。展覧会シリーズ サイト& アートでは、この場所や建築の特性を読み解き手がかりとすることで、この場所ならではの展覧会を実施するものです。
第一回目は、京都を拠点に活動する今村遼佑さんによる新作を中心とした個展で幕が開きました。今村さんは、与えられた場所の風景に小さな違和感を生み出すように、環境音や明り、映像やオブジェなどを加え、現実空間にフィクショナルな状況を挿入します。
「雪は積もるか、消えるか」というタイトル
からは、移り変わる季節や天候の変化などの環境

は、どこにでもあるものを用いるべきだ〉という一文

動きなどに還元し再構築することで、眼前の空間を、人が奥底に仕舞い込んだ記憶や感覚を呼び覚ますための舞台へと転化させ、人と環境の根源的な関係に思いを巡らせる場へと変容させました。

レビュー
移行と重なり「流れ続ける時間の中にあっては、動かない方が時間を感じられる」。2015年の展示記録『すます』に今村さんが記した言葉です。本展でも、止まったと自主事業＃シンポジウム̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

るものとは光と影にほかなりません。どこにでもある

いま、改めてアートセンターを考える。
vol.2 - ラーニングセンターというかたち
八戸新美術館構想について

光と影がここでしか見せないさまざまな姿を浮かびあがらせること、そのための優れた検出器として各部屋を機能させること。今村さんの手になるものた
ちは、この機能を最大化するよう、ごく控えめに、た………………………………………………………………

だしあくまでロジカルに、それ以外にはありえないとゲストいう仕方で選ばれ、置かれていたと思います。
たとえば夜、iPad 上の碧く光る海が闇に浮かんで見えたのも、明るいところでは白く輝き、そうでないところでは暗く沈みこむ二重性を持つブリキのバケツがその支持体に選ばれていたから、またそうした｜西澤徹夫（建築家／西澤徹夫建築事務所主宰）
浅子佳英（建築家／タカバンスタジオ主宰）
森純平（建築家／東京藝術大学建築科
助教、PARADISE AIR ディレクター）
大澤苑美（八戸まちづくり文化スポーツ
観光部芸術環境創造専門員）

変化をわたしたちが検知するよう、頭上の照明が明

進行

｜服部浩之

滅していたからです。そこに置かれたものは、わた

日時｜2018年2月18日（日）
14:00−16:30………………………………………………………………

したちとインタラクトしながら、部屋全体にも注意を向けさせます。閾値すれすれで鳴るコツンという音も、

浅子佳英／ ASAKO Yoshihide
建築家、デザイナー。2010年 東浩紀と共にコンテックス
チュアズ設立、2012年退社。作品 =《gray（》2015）、「八戸美術館設計案」（共同設計 = 西澤徹夫）
ほか。著書に『これからの「カッコよさ」の話をしよう』（共著、角川書店、
2015）、『TOKYO インテリアツアー』（ 共著、LIXIL 出版、
2016）、『B 面が A 面にかわるとき［増補版］』（共著、鹿島出版会、2016）ほか。
森純平／ MORI Junpei
東京藝術大学建築科大学院修了。2013 年より千葉県
松戸を拠点に、アーティスト・イン・レジデンス「PARADISE
AIR」を設立。今まで100組以上のアーティストが街に滞在している。2017年より東京藝術大学美術学部建築科
助手、主な活動に遠野オフキャンパス（2015−）など。
大澤苑美／ OSAWA Sonomi
東京藝術大学音楽環境創造科大学院修了。2004−06
年「取手アートプロジェクト（茨城県取手市）」運営スタッフ。
2008−11（ 財）地域創造で勤務。2011年4月より現職。
コンテンポラリーダンスを軸に、地域の資源や人を巻き込んで行う「南郷アートプロジェクト」、八戸の工場とアートを組み合わせる「八戸工場大学」等のアートプロジェク
トの企画運営を担当するほか、八戸市美術館準備など
八戸市の文化行政に携わる。

概要

その源を求めるわたしたちをさらに彷徨わせるので2020年以降に新たに誕生する八戸市新美術館は、す。そうして各部屋をめぐるうち、気がつけばこの建

まちと芸術文化を育てるファーム「八戸ラーニングセ

物が親密でかけがえのないものになっていました。

ンター」というコンセプトを打ち立てた西澤徹夫、浅あの夜、ストーブの灯りに導かれて目を向けた壁に、

子佳英、森純平の3名の建築家の共同による設計

夜の光が昼間は見ることのない二つの窓枠の影をくっきりと映し出していたこと、また同じ壁の上で昼
間はきらめいていたパステルが息を潜めていたことを、
わたしはいつまでも忘れないでしょう。論理に基づ
くセンチメントが生み出す〈ない〉と〈ある〉の移行と………………………………………………………………

を経て、どんなかたちのものが生まれようとしているの

会場｜アートラボあいち2階

か、設計者3名と、八戸市の担当者に話を伺いました。

会期｜2018年2月24日（土）〜3月25日（日）

ムというソフトの関係などにも言及しながら、新たな学びと創造の場のあり方について考えたシンポジウ

プロフィールムとなりました。

今村遼佑／ IMAMURA Ryosuke
1982年京都生まれ。京都市立芸術大学大学院美術研
究科修士課程彫刻専攻修了。2016年よりポーラ美術振興財団在外研修員としてワルシャワに一年間滞在。日常生活のなかで何気なく耳にする音や、目に入る風景などを，よりシンプルな要素に還元し再構築することで，人と環境の関係を模索するようなインスタレーションや映像による作品を制作している。主な展覧会に、「降り落ちるものを」（2016年、アートスペース虹／京都）、「オープンシアター『KAAT 突然ミュージアム2016』」（2016年、神奈川芸術劇場 KAAT ／ 神奈川 ）。
「プリペアト・ピアノのように」（2015 年、salon cojica, 寝 床 ／ 北 海 道 ）、「SUUJIN

プロフィール
西澤徹夫／ NISHIZAWA Tetsuo
2000年に東京藝術大学美術学部美術研究科建築専攻修了。2000−5年 青木淳建築計画事務所 、2007年 より西澤徹夫建築事務所主宰。
「ヴィデオを待ちながら」（2009）、「パウル・クレー展」（2011）、「Re:play 展」（2015）（いずれも東京国立近代美術館）などの展覧会会場構成、
東京国立近代美術館ギャラリーリニューアル（2001）、京
都市美術館再整備工事（2015年−）など美術館設計に
携わる。

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ALA screen 004 :萩原健一 / Kenichi Hagihara
アーティスト ｜萩原健一

現していくのか、建築というハードとアート・プログラ

専門分野美学・芸術学）＃上映

設立準備中の新しい美術館は、どのようなプロセスられた意図や、それを建築空間としてどのように実

秋庭史典（名古屋大学大学院情報学研究科 准教授

自主事業̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

提案が最優秀賞に選出され、注目を集めています。

「エデュケーション」ではなく、「ラーニング」に込め重なり。雪は解けてもいたし、積もってもいたのです。

だけでなく、人の記憶や移り変わる場所に残る痕跡なども想起されるでしょう。何気ない要素を、光や音、MAINTENANCE CLUB」（2015 年、旧崇仁小学校学区
内／京都）
、
「
『アート・スコープ 2012-2014』−旅の後もしくは痕」（2014年、原美術館／東京）。

………………………………………………………………

概要
ALA screen 第4回目は、様々な視覚メディアを駆使
して静止画や映像による作品を制作している萩原健一により、2007 年に制作された《sight seeingを展示しました。この作品は、写真を撮影す
spot》
る時に起こる、理想のセルフイメージを得ようとする
人間の振る舞いに着目した動画ポートレートです。
有名観光地を回って「自分撮り装置 ( プリントシー
ル機のような装置 )」を設置し、そこに訪れる人々が自分自身と向き合う姿を高精細に記録しています。
《sight seeing spot》
2007
ループ上映

プロフィール

像、あるいはクリストの「梱包」のように、身体の行

萩原健一／ HAGIHARA Kenichi
1978年、山形県生まれ。2007年 情報科学芸術大学院大学修了。2005~2006年 文化庁新進芸術家国内研修員として山口情報芸術センター YCAM Interlab 滞在。カメラマンやテクニカルスタッフとして勤務しながら写真表
現を主軸に多様な映像メディアを用いて作品制作をおこなう。国際情報科学芸術アカデミー [IAMAS] 助教を経て、2012年より愛知淑徳大学にて常勤講師「メディア表
現演習（萩原ゼミ）」担当。映像メディア教材の開発と教育現場での実践を研究の軸とし学生指導をおこなう。
2017年より秋田公立美術大学複合芸術研究科准教授。
主な展覧会に、scopic measure#6（ 山口情報芸術セン
ター ,2007)、Media/Art Kitchen（東南アジア,2013)など。

展」（ 清 洲 市 は る ひ 美 術 館、 愛 知 ／ 2015 年 ）、「PARAPHRASE PART Ⅱ 磯 部 由 香 子 花 木 彰 太
森井 開次」（GALLERY VALEUR、愛知／2016年）「イタ
ズ・リトグラフィック｜蜜柑山スケッチブック」（See Saw
gallery + hibit、愛知／2017年）。

為だけでなく、その行為がいかに記され伝えられるか、メディアの存在や性質を強く意識した芸術表現は、
現在まで様々なかたちで実践・継承され、新たな表現が生まれています。
近年の社会の動向を振り返ると、2000年以降現在
まで、私たちの日常生活を取り巻くメディア環境は大学企画

トフォンを手にしている状況を15年前に想像できた

素時でしょうか？アーティストの作品は、その時代のメディ＃展覧会

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

あいちトリエンナーレ大学連携プロジェクト
批評する身体：メディアと社会と表現とAttitude for Critic : Expression Inbetween Media and Society………………………………………………………………

アーティスト ｜大﨑のぶゆき、松野真知、磯部由香子
会場｜アートラボあいち3階

会期｜2018年2月24日（土）〜3月25日（日）

関連イベント ｜2月25日（日）
17:00-18:30
アーティストトーク
主催｜あいちトリエンナーレ実行委員会、
愛知県立芸術大学、名古屋芸術大学、
名古屋造形大学

チラシデザイン｜小島邦康
展示記録撮影｜城戸保………………………………………………………………

概要
身体を用いた芸術表現は、歴史を振り返ると多様なかたちが存在します。もちろん、絵画は筆をもつ作家の腕のストロークが生み出しますし、彫刻は文
字通り「彫り」「刻む」ことで像を生み出す立体表現であり、「身体」と無関係な表現など存在しないと言えるでしょう。
一方で、戦後から現代の芸術表現に目を向けると、様々な技術やメディアの飛躍的な発達に伴い、身体を駆使しつつも、それらを取り入れた新たな表現の形式が生まれ、その時代や社会を批評的に捉え記述していくという状況も築かれているでしょう。
例えば、フルクサスに代表されるイベントやハプニン
グ、ゴードン・マッタ＝クラークの行為を記録する映SOJI

アや技術にも大きな影響と刺激を受け、ときにそれ………………………………………………………………

らに疑問を投げかけることもあります。

アーティスト ｜伊賀文香、亀倉知恵、久留島咲、
髙田実季

本展は、愛知県立芸術大学、名古屋芸術大学、名

大学連携

＃展覧会

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

たった十数年で大きく変遷しています。誰もがスマー

古屋造形大学より推薦されたアーティストを各大学より1名ずつ選出し、実施しました。

会場｜アートラボあいち3階

公開制作｜2018年4月27日（金）〜5月13日（日）

会期｜5月18日（金）〜6月17日（日）

関連イベント ｜ ARTODAYレクチャーシリーズ
5月20日
（日）
16:30-18:00
ゲスト／中村 政人
6月2日（土）
17:00-18:30
ゲスト／森 司
6月9日（土）
17:00-18:30
ゲスト／日々野 克彦

プロフィール
大﨑のぶゆき／ OSAKI Nobuyuki
1975年大阪府生まれ。2000年京都市立芸術大学大学
院美術研究科絵画（版画）専攻修了。2012年より愛知
県立芸術大学准教授。私たちをとりまく世界を知覚するべく、自身の存在を軸に思考し、溶けるように変容する絵画を用いた映像作品など、曖昧さや不確かさを探求する作品を制作する。主な展覧会に、「VOCA 2013 現代美術の展望─新しい平面の作家たち」（上野の森美術館、
東京／ 2013 年）、「未見の星座」（ 東京都現代美術館、
東京／2015年）、「となりの人びと−現代美術 in 春日井」
（ 文化フォーラム 春日井、愛知 ／ 2016 年 ）、「NoemiWeber/ Nobuyuki Osaki（」ルートヴィヒ・フォーラム美術館、
アーヘン [ドイツ ] ／2017年）
。

主催
企画

｜愛知県立芸術大学、あいちトリエンナー
レ実行委員会｜岩間賢、愛知県立芸術大学

展示記録撮影｜谷澤陽祐………………………………………………………………

概要
愛知県立芸術大学を卒業した4名のアーティストが、自主事業＃シンポジウム̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

いま、改めてアートセンターを考える。 vol.3
国際展（芸術祭）拠点としてのアートセンター：
ハバナ・ビエンナーレとキューバのアートシー
ンについて………………………………………………………………

ゲスト｜ブランカ・ビクトリア・ロペス（ウィフレド・ラ
ム現代美術センターキュレーター）

進行

｜服部浩之

会場

｜アートラボあいち2階

日時｜2018年6月16日（土）
13:00-15:30………………………………………………………………

概要「いま、改めてアートセンターを考える。
」第3弾は、
キューバから来日中のキュレーターブランカ・ビクトリ
ア・ロペス氏を招いて、1984 年から30 年以上続く
歴史ある国際展のひとつハバナ・ビエンナーレとその背景にあるキューバの現代アートシーンを紹介しました。ラテンアメリカ地域の美術を紹介する国際展としてスタートしましたが、現在では国際的なアーティストも多数参加する世界的にも注目される国際展のひとつとなっています。前回のビエンナーレが開催されたのは2015年。2019年には4年ぶりとなる第13回目のビエンナーレが開催されます。
ブランカ氏は、ウィフレド・ラム現代美術センターというハバナ・ビエンナーレの事務局機能を担う、キュー

松野真知／ MATSUNO Masatomo
1983年福岡県生まれ。2007年より休学し、約1年間就農。2010 年名古屋芸術大学美術学部絵画学科洋画コース卒業。卒業後も松野牧場にて酪農の仕事をしな
がら作家活動を続け、そこで経験している家畜や農作物に纏わる環境などをテーマに制作活動に取り組んでいる。
主な展覧会に、「" 直観 " のジオラマ - 九州・沖縄アーティ
ストファイル断章 -」( 福岡市美術館、福岡／2014年 )、「漂着」(Operation Table [Qmac]、北九州／ 2015 年 )、「かがわ・山なみ芸術祭 - 人・ 渓谷・水の流域 -」( 五郷地区
観音寺 エリア、香川 ／ 2016 年 ) 、「 宇部現代美術展
outer scape ｜外茎」( 渡辺翁記念館、山口／2017年 )、「山口盆地考 - 吹きくる風が -」( 中原中也記念館、山口／2018年 )。

「いかに生きて、いかに創り、今またどこにむかおう

バの重要な現代美術の拠点となっているアートセンとしているのか」をテーマに、空間全体をつかってターのキュレーターです。

展開する現代美術展。

キューバは2014年に米国との国交を回復し、現在

プロフィール

きく変化しています。一方で革命により社会主義を伊賀文香 ／ IGA Ayaka
1992 年愛知県知多郡 生まれ。2018 年愛知県立芸術大学美術研究科大学院博士前期過程在籍。

る政治・経済体制のもと社会が築かれています。そ亀倉知恵／ KAMEKURA Chie
1992 年新潟県南魚沼市 生まれ。2018 年東京藝術大学大学院美術研究科修士過程（保科研究室）在籍。

えて、アートセンターと国際展の関係を主題に紹介

磯部由香子／ ISOBE Yukako
1988年愛知県生まれ。2013年名古屋造形大学大学院
造形研究科修士課程修了。幾何学的で豊かな色面により画面を構成した抽象絵画を制作。主な展覧会に、「オ
バケに100 回触れてみる Touch the invisible things」（ 愛知県美術館ギャラリー、florist gallery N、愛知 ／2015年）、「清洲市第８回はるひ絵画トリエンナーレ作品

久留島咲／ KURUSHIMA Saki
1994 年香川県小豆島 生まれ。2018 年東京藝術大学
大学院美術研究科修士過程修了。

は多数の観光客を受け入れるなど、国の状況が大髙田実季／ TAKADA Miki
1995 年岐阜県岐阜市 生まれ。2017 年愛知県立芸術大学美術学部彫刻専攻卒業。

42

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実現した国で、私たちが暮らす日本とは大きく異なんなキューバでどのような国際展が実施されているのか、ウィフレド・ラム現代美術センターの活動も交していただきました。

プロフィールブランカ・ビクトリア・ロペス・ロドリゲス／
Blanca Victoria López Rodriguez
1987年生まれ。ハバナ大学で美術史を学んだのち、ウィ
フレド・ラム現代美術センター（以下、ラムセンター）にキュレーターとして約7年勤務し、様々な展覧会やプロジェク
トに関わる。2018年3月9日〜4月28日にかけてラムセン
ターにて開催された「近くへの遠回りー日本・キューバ現代美術展」にはキュレーターの一人として参加するなど、
ラムセンターにおいて海外の機関やアーティストとの共同
プロジェクトに多く従事し、ネットワークを構築している。
「ARTECUBANO」などへの寄稿多数。

このチラシを作成している時点で、まだこの巨大独られている。

れば、芸術的価値とは無関係に見える価値を求め楽は完成しておらず、本当に回るのかどうかやって本展についての斉と公平太のテキストを参照しつつ、る斉と公平太の懸命な努力は、滑稽にすら映る。

みるまでわかりません。

巨大ゴマと芸術作品の定義との関係を整理しよう。

しかしここで、斉と公平太がこれらのプロジェクトを７月６日からはじまるこの展示に来ていただければ、錯視図案よりも錯視効果が弱い絵画がすでに芸術

予め芸術作品であると公言したうえで実施している

回すことができたのかどうか、事の顛末がわかると作品と見なされているという事実から出発するならことを、改めて確認しておきたい。つまりこれらのプば、鑑賞者の経験（錯視の経験を美的経験とみな

ロジェクトは、初めから鑑賞者や批評家たちに向け思います。
』『斉と公平太（2018年５月28日に記す）

自主事業

＃展覧会

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

レビュー
自称美術作家の憂鬱、もしくは芸術作品の定義を斉と公平太
グスタフ・フェヒナーもしくはベンハムの独楽

回す
（2013
レディ・ガガ通算3枚目のアルバム『ARTPOP』
年）のアートワークを手がけたジェフ・クーンズは、………………………………………………………………

会場｜アートラボあいち3階

会期｜2018年7月6日（金）〜8月26日（日）

関連イベント ｜7月6日（金）
17:00-18：30
アーティストトーク
8月10日（金）
18:30直径4メートルの独楽を回すところをみる
主催｜あいちトリエンナーレ実行委員会

チラシデザイン｜赤羽さくら
展示記録撮影｜城戸保………………………………………………………………

CD の盤面とディスクトレイに錯視研究で知られる
北岡明佳（立命館大学）による錯視を引き起こす図案（以下「錯視図案」と呼ぶ）、CD ジャケットの裏面に Hajime Ōuchi による錯視図案をそれぞれ採用し、クレジットタイトルに彼らの名を記載した。オオウチや北岡が発見した（錯視を引き起こす）図形それ自体は著作物ではないが、オオウチや北岡によってデザインされた錯視図案は、たとえばブリジット・ライリーの錯視効果を持つ絵画がそうであるのと同様に、著作権法上の著作物として扱われる[1]。では、これ

概要

らはいずれも芸術作品であると言えるだろうか。一愛知県を拠点とし、様々な表現手法や媒体を用い般に、ライリーの絵画は芸術作品と見なされるだろて多彩な活動を展開する斉と公平太の個展を開催しました。近年では中日新聞プラスで月間連載する
少しブラックなユーモアが効いた、独自の着眼点か
ら社会を考察する記事などがあります。また、ご当地キャラとして名を馳せるオカザえもんの作者でもあります。現代美術というジャンルに囚われず、しかし物事の価値の在り処を問う現代美術だからこそ可能な広がりをもつ活動です。
今回は、タイトルからも想起されるように巨大独楽 (こま ) を作成し、展示室でその独楽を回転させるという衝撃的な作品となります。錯視の研究に迫り、入念なリサーチとスリリングな出会いの過程を追った
前作《オオウチ錯視の作者を探す旅》
を引き継ぐように、本展でも認知科学、心理物理学、そして芸術の接点を独自のユーモアを持って探求しました。
この作品は、「直径４メートルのベンハムの独楽を作って回す。」というものです。

うが、錯視図案はそうは見なされないだろう。著作
条件ではない。

結び付けられることが、真剣に意図されている。とていない。

りわけ最後の意図は、歴史説の擁護を後押しするこ

もし、フェヒナーカラーの現象を出現させることがコとになるだろう（本展と前述のデュシャンとの紐帯はンセプトであるのならば、壁掛けにしてモーターか制度説の採用という観点にとどまらず、たとえば『アなにかで、回転させただろう。それはそれで見てみネミック・シネマ』における「ロトレリーフ」の、回転たい気もするが、今回は独楽にしたかったので、そ図案による錯視への関心にも見て取ることができる）。

うはしなかった。 [2]

本展の魅力のひとつは、芸術作品の定義を巡るこ

一方、次の言葉は制度説を念頭に置いているようのような論点の提示ではあるが、だからといって斉に読める。

と公平太の目的が完全な定義を練り上げることによくよく考えたら日常物を異素材にしたり、大きくすあるわけではない。そしてまた、斉と公平太のプロジェ

るのは別に美術じゃなくても普通にやっていること

クトが複数の制度において価値付けられることを目なのである。つまり、現代美術としてやらなけりゃい論んでいるからといって、それが芸術作品と非芸術

いわけである。通常行為としての大きな独楽。 [3]

作品との境界事例になるわけでもない。というよりも、この言明を、巨大ゴマに鑑賞候補としての地位をむしろプロジェクトの持つ外見や機能といった性質

与えることの放棄と解釈すれば、芸術作品を展示

からはその両者を区別することが原理的に不可能するための施設を利用して個展を開催する行為、つであるがゆえの、芸術作品であり同時に芸術作品

まり本展のあり方とは、明らかに矛盾してしまう。しではないという緊張状態こそが、斉と公平太のプロたがって、このフレーズは次のような問いとして読み

ジェクトの最大の魅力なのである。

斉と公平太がこれまで発表してきたプロジェクトは、
大量生産の規格品としてのレディメイドとは違い、そに収斂している。すなわち、芸術作品とは何らかのれ自体がユニークな人工物として、芸術制度の外で美的経験をもたらす機能を持つものだという「美的それぞれに高い価値を与えられている。たとえばゆ機能説」、芸術作品とは芸術制度 ( アートワールド )るキャラの「オカザえもん」は「ご当地キャラ総選挙

によって鑑賞候補としての地位が与えられたものだ

2013」で全国2位を獲得し、正体不明のデザイナーとする「制度説」、そして、芸術作品とは先立って存「Hajime Ōuchi」の捜索と邂逅は錯視の研究者ら

在する芸術作品と何らかの関係をもつものだとする

によって学術誌へ投稿され[4]、本展における巨大ゴ「歴史説」の三つである。斉と公平太は、思考実験

マはギネスブックへの登録申請が検討された [5]。

ではなく実際に制作した作品を通じて、これらの定

これらのプロジェクトがそれぞれに芸術制度の外で義に対しいくつかの興味深い「反例」を提示してき有している価値は、同プロジェクトの芸術的価値とたアーティストだ。色の錯視を引き起こすおもちゃのは一見したところ関係がなさそうだ（ギネスブックにコマを直径4mまで拡大した本展「グスタフ・フェヒ

掲載されたからといって価値ある芸術作品だという

ナーもしくはベンハムの独楽」も、その一連の仕事
錯視現象に対してではなく、錯視図案がどのような事実、斉と公平太自身も、錯視効果の強さを追求し一体どうすれば良いのだろうか。

られてきた芸術作品の定義は、おおむね次の三つがついて見えるという昔からある定番の独楽です。

なり、さらには先行する数々の芸術作品と歴史的に

副田一穂（愛知県美術館学芸員）

でつくられたものを芸術制度の鑑賞候補とするには、

これまで英語圏の美学者たちを中心に盛んに論じに含まれる。したがって本展のもっぱらの関心は、て提示され、芸術的な価値付けにさらされる対象とする美的機能説の擁護は、どうやら筋が悪そうだ。

替えられる。
「通常行為」、すなわち芸術制度の外物と認められることは、芸術作品であることの十分「ベンハムの独楽」は、白黒の模様が回転すると色してよいかには議論の余地があるとはいえ）を重視ことにはならない）。デュシャンのレディメイドと同様に、芸術家が芸術作品として提示し、芸術制度の権威ある参与者がそれを認めれば事足りるのであ

条件下で芸術作品と見なされるかという点に向け44

45

註 1. ただしオオウチの錯視図案は Hajime Ōuchi, Japanese
optical and geometrical art: 746 copyright-freedesigns for artists and craftsmen, Dover
Publications, 1977（ 原 著： 大 内 朔 編『Leading
Part』アド・プランニング、1973年）に掲載されており、
同書は10点以内であれば掲載図案の無償かつ許諾なしでの商用利用を認めている。

2. 斉と公平太「直径4メートルの巨大独楽を作る（後!
編）」『中日新聞プラス：芸術は漠然だ！〜斉と公平
太のムダに考えすぎ〜』2018 年 7 月18日
（http://
chuplus.jp/blog/article/detail.php?comment_
id=7657&comment_sub_id=0&category_id=591）
3. 斉と公平太「直径4メートルの巨大独楽を作る（前!
編）」同 ウェブ サイト、2018 年 6 月25日（http://
chuplus.jp/blog/article/detail.php?comment_
id=7656&comment_sub_id=0&category_
id=591）
4. Lothar Spillmann, Koheita Saito, Hidehiko
Komatsu, "Hajime Ōuchi - a mystery resolved,"
Perception, vol. 45, 2016, pp. 371-374.

5. 斉と公平太、前掲ウェブサイト
（http://chuplus.jp/
blog/article/detail.php?comment_
id=7657&comment_sub_id=0&category_id=591）

前に服部と会田による連続対談（全3回）
を読んでおくことを応募条件の一つに添えた。

大学企画̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

対象

プロフィール斉と公平太／ SAITO Koheita
1972年生まれ。1994年頃から美術作家として活動をはじめる。絵画やインスタレーションによる作品発表の他、近年では、オカザえもんのデザインや執筆活動などもおこなっている。執筆活動に、中日新聞プラスにてコラム『芸術は漠然だ！〜斉と公平太のムダに考えすぎ〜』（2017年6月
よ り 連 載 中、http://chuplus.jp/blog/list.php?category_
id=591）
。

自主事業

＃人材育成

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

あいちトリエンナーレ×アートラボあいち
人材育成プログラム
展覧会の体験をデザインする………………………………………………………………

活動期間｜2018年9月1日（土）〜11月30日（金）………………………………………………………………

概要
あいちトリエンナーレの新しい試みとして、この地域におけるアート分野の専門家の育成に取り組んでいます。
「展覧会はどのような環境で成立し、鑑賞
者は展覧会をどのように体験するのか」を座学で学び、また本展を実践の場として位置付け、鑑賞者の体験をより能動的に促すための環境（アート・プレイ
グラウンド）
づくりをおこないました。
※アート・プレイグラウンドとは「受けとめる、深める、形にする」をキーワードに、来場者の作品への興味を掘り下げ、作品からうけた印象を表現
活動や他者との対話へと促す場として、子どもから大人まで来場者同士が相互に学びあい創造性を楽しむための「アート・プレイグラウンド」を整備します。
なお、本展で展開する「アート・プレイグラウンド」は、「あいちトリエンナーレ2019」のラーニングプログラムで本格始動するためのプロトタイプとして、人材育成プログラムの受講生と共に実践しました。
プログラム構成
美学・美術史、キュレーション、
ミュージアムエデュケーショ
ンなどをレクチャー形式で理論的に学ぶための
［理論編］
（全4回）
の受講と、展覧会の準備作業や会期中の会場などの現場で、展覧会を作っていく活動を実際に体験する［実践編］に分け活動した。また、受講希望者には、事展示記録撮影｜三浦知也＃展覧会

ポーカーフェイス／3／アフターイメージ
不可視なものの重ね描き（パランプセスト）

アートにまつわるラーニングプログラムやマネジメントを職業にしたい方
受講生（19名）
池本桃、石原琢也、遠藤周、小瀧美緒、桂川大、
神村泰代、児玉真伍、鈴木比呂子、谷口綾美、
谷口なな江、生川珠央、半澤奈波、古橋敬一、堀歩、
水野茂朋、宮田明日鹿、武藤沙智、森かん奈、森本真由………………………………………………………………

概要
アートラボあいちが入る建物は1933年に竣工し、………………………………………………………………

戦火をくぐり抜けて現在も残る名古屋では貴重なもアーティスト ｜鹿野震一郎、茶谷麻里、長瀨崇裕のです。タイルの壁面や、大きなまわり階段、そして会場｜アートラボあいち3階

会期｜2018年9月1日（土）〜9月30日（日）

関連イベント ｜9月30日（日）
13:00- アーティストトーク
主催｜名古屋造形大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会｜名古屋造形大学

建物に表情を与える窓など、個性的な意匠がよく目にとまります。階段の踊り場に穿たれた丸窓も印象的ですが、一見何でもない展示室の窓が実はとても魅力的な存在です。おそらく割れたものから徐々に取り替えられてきたためか、かつての揺らぎがあ

活動内容とスケジュール

企画

──理論編

………………………………………………………………

るガラスから近年の平滑なガラスまで、時代を経て「展覧会の体験を作るとは」
講師 ｜服部浩之、会田大也
日時 ｜9月1日（土）
16:00-18:00

プロフィール

ガラス窓に多様な表情を見出すことができます。そ鹿野震一郎／ KANO Shinichiro
1982年東京生まれ。2007年名古屋造形芸術大学芸術学部美術科洋画コース卒業。2006〜07年にドイツ・バウ
ハウス大学に留学。

んな「窓」という存在を、具体的に、そして観念的に「ミュージアムエデュケーションとは」
講師 ｜会田大也
日時 ｜9月17日（月・祝）
16:00-18:00「展覧会の設営について」
講師 ｜服部浩之、会田大也
日時 ｜10月13日（土）
16:00-18:00「こんな設計で作られてました」
講師 ｜服部浩之、会田大也
日時 ｜10月27日（土）
16:00-18:00
──実践編
（水）
〜10月26日（金）
搬入・展示作業期間｜10月3日
展示期間｜10月27日（土）〜11月25日（日）
撤収・搬出期間｜11月26日（月）〜11月30日（金）

異なったガラスが嵌め込まれているため、連続する考えてみたいと思います。 時間の積み重ねをあらわし、時に空間に揺らぎを与える窓。 向こう側とこ
ちら側をつなぎ、隔てる境界としての窓。 風景を切

茶谷麻里／ CHATANI Mari
1984年石川生まれ。2009年名古屋造形大学大学院造形研究科造形芸術専攻修了。

り取る、絵画や写真の額（フレーム）
を思わせる窓。

長瀬崇裕／ NAGASE Takahiro
1989 年静岡生まれ。2012 年名古屋造形大学造形学部卒業。

空間・時間・人の関係を描き出す展示となりました。

異なった世界への入り口としての窓。 直接に、間接に「窓」にアプローチする作家の作品を介して、レビューある作家によれば、すぐれた小説とそうでないもの

自主事業

公募について
募集人員｜10名程度（木）〜8月12日（日）
応募期間｜7月19日
応募条件｜・服部浩之、会田大也による連続対談（全3回）
を事前に読んでおくこと
・「理論編」を原則全て受講可能であること
・「実践編」の各期間に参加可能であること
・高校生以上

＃展覧会

＃人材育成

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

だ後とで、別の地点に立っているかどうか、別の人

あいちトリエンナーレ×アートラボあいち
サイト & アート02 窓から。

に成り変わっているかどうか、だという。大切なのは、………………………………………………………………

アーティスト ｜今枝大輔、大洲大作、津田道子、堀辰雄

申込方法｜応募者情報等他、作文（800〜1200字程
度、以下よりテーマを選択）
をメールにて提出。作文のテー
マは、「これまで最も感動したこと」「アートは必ず美しいのか」「人が集まって初めて起きること」の3つより選択。

を区別するのは、読者がその小説を読む前と読ん

会場｜アートラボあいち3階

会期｜2018年10月27日（土）〜11月25日（日）「感動」ではなく、そもそもの意味での「moving」か否か、である。小説に限らず、多くの芸術表現はそのことに関わっているはずである。展覧会もしかり。
その意味で、本展の末尾に配された堀辰雄の掌編『窓』を、窓と絵画を、視覚と盲目とを、現前と記憶関連イベント ｜10月27日（土）16:00-18:00 「こんな設計で作られていました」／アーティストトークとを重ね合わせながら、A だったものが B に成り変選考方法｜書類選考の後、面接

主催｜あいちトリエンナーレ実行委員会

企画・運営

プログラム企画／運営｜服部浩之、会田大也、野田智子、
近藤令子、谷薫について書かれたものとして読むこともできる。

運営｜人材育成プログラム「展覧会の体験をデザインする」受講生／池本桃、石原琢也、
遠藤周、小瀧美緒、桂川大、神村泰代、
児玉真伍、鈴木比呂子、谷口綾美、谷口なな江、生川珠央、半澤奈波、古橋敬
一、堀歩、水野茂朋、宮田明日鹿、武藤
沙智、森かん奈、森本真由

服部浩之（キュレーター、アートラボあいち ディレクター）、
会田大也（あいちトリエンナーレ2019キュレーター
［ラー
ニング］
）
、野田智子
（あいちトリエンナーレ2019 コーディ
ネーター
［ラーニング］）、谷薫（あいちトリエンナーレ2019
コーディネーター［ラーニング］）、近藤令子（あいちトリエンナーレ2019 及びアートラボあいち コーディネーター）

チラシデザイン｜森葉月

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わることについて、言うなれば「moving」そのもの
そこで《窓》と題された絵画が、本来ならアルベルティ
的な一点透視を、つまり世界の主体たる自己を定立するための見通しを確保するはずの「窓」ではなく、「その「窓」というごく簡単な表題にもかかわらず、
氏独特の線と色彩とによる異常なメタフォルのために、そこに描かれてある対象のほとんど何物をも見分けることの出来な」いものとして、物語の末尾でイコン的な「顔」として現れ、愛の兆しをほのめかしている

ことを見逃してはならない。

レーションによって大枠が定められ、そこに会田大

津田道子の作品が端的に示すように、窓は、あるい也が加わり、さらに市民からのサポーターを募って、は鏡は、そして絵画は、現実をフレーム化することに展覧会を落とし込む作業を半ば教育として、半ばよって、それをどこまでも奥へと、あるいは遠くへと送協働として行なっている。先に指摘した戸口についり出すことができる。しかし、その送り出しをそのまて、それを設定したのがこのサポーターたちである

まに無限に続けてしまうのは危険だ。それはどこかと言うから（参照：レポート｜人材育成プログラム「展で留められなくてはならない。送り返さなくてはなら

覧会の体験をデザインする」【 理論編】③「展覧会ない。

の設営について」）、やはり本展のポイントはそこだ

フレーミングと名指しの恣意性について自覚的な今ろう。作家や作品が、キュレーターやエデュケーター

枝大輔の映像作品についてもそう言えるだろう。建が、マネージメントやアドミニストレーションが、そし物の入り口の看板が促すように、階段室から窓越してサポーターがそれぞれに戸口をまたぎ越しているか、に見通す景色が歩調によって常に移ろうからといっそれがつまりは鑑賞者のまたぎ越しを、「moving」て、その移ろいの自由さをそのまま寿（ことほ）ぐわけを誘発する。本展は教育的な要素を多分に含みなにはいかない。その自由さは私たちをいつかは損な

がらも、そうしたレイヤーを表立って見せ過ぎるよううかもしれないから。

な無粋な真似をすることなく、しかしウェブサイトに

津田の不思議に動く球や、今枝の不意に灯る（フェは丁寧なアーカイヴを残すことでまた次の「moving」

イクの）炎がそうした窓の恣意性について静かに警への種を残している。合わせて参照されたい。

スタレーション、パフォーマンス作品を制作している。パフォー
マーとの共同作業などを通した、独特のスタイルの作品
群は、不思議な空間的広がりと詩的な豊かさを備えている。2019年にアジアン・カルチュラル・カウンシル（ACC）のグランティとしてニューヨークに滞在予定。主な展覧会に、「Observing Forest」( 個展 , zarya 現代美術センター／ウ
ラジオストク、2017)、「オープン・スペース2016: メディア・コン シャス 」（NTT ICC ／ 東京、2016）、「MEDIA/ART
KITCHEN（」BACC/ バンコク、2013）などがある。
堀辰雄／ HORI Tatsuo
1904年東京都生まれ。1953年長野県にて没。
小説家。室生犀星、芥川龍之介に師事。純粋な愛や生死についての作品を多く残している。フランス文学、特に心理主義的手法の影響を受け、知性と叙情の融合した独自の世界を築いた。代表作に、『聖家族』（1930年）、『風立ちぬ』（1936年―1938年）、『菜穂子』（1941年）などがある。長野県軽井沢市に「堀辰雄文学記念館」がある。

大学企画

思わせるフレームに移ろい続ける画像とも映像とも参照アーカイヴ｜人材育成プログラム「展覧会の体つかないイメージを映すモニター群はここで一つの験をデザインする」

影像（ネガ）の役割を果たしている。移ろうことについての、根本的な批判。
ところで、堀辰雄の物語中の夫人の名前はアルファ
ベット大文字の「O」だった。循環を示唆するのか、それとものぞき窓のようなものなのか、あるいは顔の原形的な記号なのか ― おそらくいずれでもあるのだろうが、この窓枠のような「O」を、ただの額縁のようなフレームにとどめることなく「moving」な仕組みへと変えるためには、これまで素描してきたような作家の選択や作品の構成、つまり狭義のキュレー
ションだけではない、さまざまな誂えこそがじつは重要だったりする。
その意味で、今回の展覧会で、三人の作家と物故の小説家である堀辰雄の展示室を仕切るにあたって、にじり口のような、地面から切り離された、かといって窓としては機能しない開口部を設けたのは重要なポイントだっただろう。窓は、鏡や絵画と同じくらい、戸口と似ている。執拗に窓と鏡が描かれたオラン
ダ絵画において戸口が反復されたことを思い出してほしい。それはやはりA から B へと移るための一つの手がかりである。堀の短編が示すように、窓を、時に不可解なそれを、顔に、そして愛の現れへと変えるのは戸口を通過するか否か、である。
本展の作家の選定やコンセプトの立案については、
あいちアートラボのディレクターである服部浩之のキュ＃展覧会̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

告を発しているとしたら、大洲大作の電車の車窓を

BORDERLESS 2018 Laundry

鈴木俊晴（豊田市美術館学芸員）………………………………………………………………

アーティスト ｜浅井雅弘、磯村輝昭、前川宗睦、
武藤勇

プロフィール
今枝大輔／ IMAEDA Daisuke
1974年愛知県生まれ。愛知県拠点。サブカルチャーとの関連を窺わせる絵画を発表していたが、近年では、ス
クリーン・プロセスの手法やスローモーション、移動撮影など、1960年代頃まで映画の世界で盛んに用いられた、
虚構性を感じさせる特殊な効果をデジタル・ヴィデオという現代の映像機器によって、意識的に取り上げる映像作
品 を 手 掛 け てい る。主 な 展 覧 会 に、「stardust」( 個展 ,YEBISU ART LABO/ 愛知、2018)、「Adbance+」(keygallery & 青 樺 画 廊 / 東 京、2016)、「APMoA Project,
ARCH vol.15 今枝大輔 interlude」( 個展 , 愛知県美術館 / 愛知、2015)

会場｜アートラボあいち3階

会期｜2018年12月7日（金）〜
2019年1月20日（日）

関連イベント ｜12月9日（日）
17:30- アーティストトーク、
オープニングレセプション
12月22日（土）
14:00- トークセッション主催｜名古屋芸術大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会

企画｜名古屋芸術大学

ディレクター ｜武藤勇
総合プロデュース｜竹本義明、田中範康、津田佳紀、
萩原周、大崎正裕………………………………………………………………

大洲大作／ OOZU Daisaku
1973年大阪府生まれ。神奈川県拠点。
写真を軸に、営為を風景にみる。列車などの車窓にうつろい滲む、営為をうつす光そして影を掬い上げる
《光のシー
クエンス》
《 遠／近》などを制作。近年は列車の「車窓」に材を取ったインスタレーションを発表している。主な展
覧会に、「めがねと旅する美術展」（ 青森県立美術館／
青森ほか、2018-2019）、「写真＋列車＝映画」（カマタ_
ソーコ／東京、2017）、「ラブラブショー2」（ 青森県立美術館／青森、2017）、「さいたまトリエンナーレ2016」（埼
玉、2016）などがある。

概要

みたいな・・・。ランドリーは洗うこと、いろんなもの
を一つの洗桶に入れること、いろんなボーダーが混
ざって、新しいとか、綺麗になったものが生まれるんじゃないかって、なんか面白いこと起こりそうじゃない？
この展覧会はたまたま集まった、名芸卒業の世代も
ジャンルも違う4人がいつものアートをもちいて そんなランドリーに挑戦します。会場に来たら いろんな五感にチャンネルを合わせて見てほしい。

プロフィール
浅井雅弘 ／ ASAI Masahiro
1985年愛知県生まれ。2012年名古屋芸術大学大学院
同時代表現研究領域修了。
磯村輝昭 ／ ISOMURA Teruaki
1990年愛知県生まれ。2013年名古屋芸術大学サウンド・メディアコース卒業。
前川宗睦 ／ MAEKAWA Munechika
1986年愛知県生まれ。2012年名古屋芸術大学大学院
同時代表現研究修了。
武藤勇 ／ MUTO Isamu
1974年愛知県生まれ。1997年名古屋芸術大学・造形実験コース卒業。2009 年情報科学芸術大学院大学（IAMAS）
メディア表現研究科修了。

大学連携

あいちトリエンナーレ大学連携プロジェクト
ユーモアの作用、あそびの効用
HUMOROUS BEHAVIOR PLAYFULACTION………………………………………………………………

アーティスト ｜秋良美有、大久保拓弥、小杉滋樹
会場｜アートラボあいち 2階、3階

会期｜2019年2月2日（土）〜3月24日（日）

トントントン、
トン野菜を切る音が聞こえる。ウィーン

関連イベント ｜2月2日（土）
16:30- アーティストトーク
18:00- オープニングレセプション

ガッガッ、ウィーン、つい洗濯機が回るのを眺めてい主催｜あいちトリエンナーレ実行委員会、
愛知県立芸術大学、名古屋芸術大学、
名古屋造形大学

企画協力｜愛知県児童総合センター（公益財団法人愛知公園協会）

る。いつもは気にしないのに突然気になったり聞こえてきたりする。誰でもそんな経験をしたことあるよね。
日常、どこかで音がでてるのに聞いてなかったり、

津田道子／ TSUDA Michiko
1980年神奈川県生まれ。東京都拠点。
映像の特性にもとづいた制作を主軸に置き、映像、イン

いつもそこにあるのに見えてなかったり、日常にそん

チラシデザイン｜白澤真生

なものが溢れているなんて思った事ないかな。

展示記録撮影｜城戸保

洗濯機の回る音に耳を澄ませてみたくなる。なんでもないと思ってた日常の風景がなんか違ってみえる

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＃展覧会

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概要“ 人間文化は遊びのなかにおいて、遊びとして発生し、展開してきた ”にあるものをモチーフにしつつ、形を簡略化した鮮やかな色彩で構成された抽象的な絵画を制作。陶器作品も絵画作品も「描く」行為として位置付けられる。

大学連携̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

あいちトリエンナーレ芸術大学連携プロジェ
クト『U27プロフェッショナル育成プログラム
夏のアカデミー2019「2052年宇宙の旅」』

ホイジンガ『ホモ・ルーデンス』（Johan Huizinga"Homo Ludens," 1938）
ホモ・ルーデンス（＝遊ぶ人）
を提唱したホイジンガ
は、同名の大著を通じて、「遊びそのものが人間文化の基礎である」という根源的命題を探求しました。
音楽、演劇、詩、そして美術など「芸術」は、わたしたちの文化をつくる必要不可欠な要素であり、ホイ

大学企画

＃展覧会

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辻琢磨によるレクチャー、ワークショップ
やなぎみわによるレクチャー、ディスカッション

8月26日「2001年宇宙の旅」を発表しました。33年後という服部浩之によるレクチャー
山城大督によるワークショップ

8月27日

津田大介によるレクチャー、ディスカッション

関連イベント ｜5月25日
（土）
、6月8日
（土）
、6月15日（土）、6月22日（土）
各日17:00-18:00
3人によるパフォーマンス

近未来を想像し描出したものでした。 2019年は、8月28日

真鍋大度によるレクチャー、ディスカッション

キューブリックの映画の誕生から50年が経過し、近──制作期間2019年8月29日（木）〜9月20日（金）

主催｜愛知県立芸術大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会ています。現在から33年後先の2052年の世界はど企画｜倉地比沙支｜アートラボあいち3階

会期｜2019年5月25日（土）〜6月23日（日）

形大学とあいちトリエンナーレ実行委員会の連携を軸とする本展では、上述のキーワードから「あそび」とそこから生まれる相互性に着目し各大学から推薦を受けたアーティスト3名が新たに制作した作品を紹介しました。そして、「あそび」をテーマにするにあたり、大型児童館としてアートを取り入れたあそびのプログラムを長年展開してきた愛知県児童総合センターに企画協力いただくことで、展覧会の枠組み自体の拡張を試みました。

プロフィール
秋良美有／ AKIRA Miyu
愛知県立芸術大学卒。現在、東京藝術大学大学院修士1年。自分以外の自然や他者など、外的な影響から作品を制作することに興味を持つ。
《MADE IN JAPAN》（2018）
では他者そのものを主役に据え、展示台の上に座った女性たちが、労働として鑑賞者に微笑みかける。
ロールプレイへの興味や、美術装置の可能性を探りながら制作を続ける。
大久保拓弥／ OKUBO Takuya
名古屋芸術大学卒。プログラミング、グラフィックデザイン、
WEB など、様々なメディアを用いた作品を手がける。
《(un)
Consciousness（》2015）
ではウェアラブル端末によって瞬きの瞬間を捉え、みることができない世界を表現。最新作《(not)find》（2018）
では、偏光フィルムを利用し、メディアの持つ面白さや不思議さを体験することを試みた。
小杉滋樹／ KOSUGI Shigeki
名古屋造形芸術大学卒。陶器による立体作品では、人間の頭部をモチーフとすることが多く、《無題》（2014）
では時間軸をテーマに、ポテトチップスを咥えた姿で表現されている。近年は、《自転車マン》（2016）など、身の回り

活動期間｜2019年8月24日（土）〜10月30日（水）………………………………………………………………

………………………………………………………………

会場

愛知県立芸術大学、名古屋芸術大学、名古屋造──集中講義2019年8月24日（土）〜8月28日（水）
10時〜17時

8月25日………………………………………………………………

Unprepared - 無交差 -とは不可能です。本展では、あそびから想起される

改めて問いなおします。

活動内容とスケジュール

受講生及びディレクター含め運営メンバー
全員参加でのプレゼン大会辻琢磨によるレクチャー、ワークショップ

アーティスト ｜倉知可英、SKANK/ スカンク、
倉地比沙支

芸術行為に内包されるあそびの可能性や拡張性を

木下雄二、小西祐矢、仙波瑞姫、園田葉月、塚田茉生、
出口慧、中田奏花、永戸栄大、林柚里、増田麻耶、三宅
海月

8月24日

ジンガの論旨に従うと、あそびと切り離して考えるこ「身体性」、「相互作用」、「行動」などをキーワードに、

＃人材育成

概要
映画監督スタンリー・キューブリックは1968 年に未来だった2001年が既に20年近く以前のこととなっのような状況になっているのでしょうか？
本プログラムは、地域の芸術文化の育成と発信を………………………………………………………………

促進することを目的に、愛知県内の３つの芸術大学

概要（愛知県立芸術大学、名古屋芸術大学、名古屋造

美術の表現も多様化した現在、方法やジャンルの形大学）との連携事業として実施するもので、芸術大学の学生、卒業生及び公募により選考された参横断や融合が盛んに行われ、新たな表現の拡散

加者が、「あいちトリエンナーレ2019」の会期中に、が展開されて久しい。その度に、オーソドキシーやジャンルの境界は溶解し、節別の液状化は加速する。
今回の3名はコンテンポラリーダンサー、音楽家、版画家という全く違うジャンルで活動する作家によりの意味で、如何に交わらないかという観点でコラ
否応なく交わる要素が掬い取れるのではないかといの境界線のズレを共有できるかもしれない。

プロフィール
倉知可英／ KURACHI Kae
コンテンポラリーダンサー。studio K.K.nagoya/seeds
dance company 主宰。

・やなぎみわ（舞台演出家、美術作家）／集中講義

対象

27歳以下で、アート、デザイン、建築などの表現活動や、キュレーション、展覧会企画、マネジメントを職業とすることを目指している者

スカンク／ SUKANK音楽家。2005年よりニブロール（振付家、映像作家、音楽家よるパフォーミングアーツカンパニー）
に参加。

受講生

16名（公募7名、愛知県立芸術大学、名古屋芸術大学、
名古屋造形大学各3名）

倉地比沙支／ KURACHI Hisashi
版画家。愛知県立芸術大学油画専攻教授。

一ノ瀬龍星、宇留野圭、大北貴志、大野高輝、加藤あん、

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・高嶺格（美術作家、秋田公立美術大学教授）／
公開講評会

くるプログラムとなります。

アーティスト、ジャーナリスト、建築家など様々なバックグラ
ウンドをもつゲストによる5日間の集中講義後、受講生16名でパビリオン制作に取り組む。制作に関しては、ディレクターの他、制作期間中にはチューターが付添い、適宜アドバイスなどを行った。また、ゲストを招いた中間発表
や公開講評会も実施した。

いう試みである。ジャンルの因果を抱えながら、互

ゲスト講師
・井高久美子（キュレーター）／中間発表

・真鍋大度（メディアアーティスト、D.J.）／集中講義

プログラム構成

ボレーションし、交わらないことを突き詰めることで、公開講評会（ゲスト｜高嶺格）

未来の都市や生活空間を創造するパヴィリオンをつ後半に展覧会として公開しました。

は準備なし、「無交差」は交わらないという言葉通

9月22日

・津田大介（「あいちトリエンナーレ2019」芸術監督）／
集中講義

出されるパヴィリオンは、あいちトリエンナーレ会期ながら、多くの実績や経験を持つ。
「Unprepared」

中間発表（ゲスト｜井高久美子）

──展示期間2019年9月21日（土）〜10月14日（月・祝）

短期集中型のワークショップを受講し、33年後の多彩な講師陣による講義と共同制作を交えて生みる展覧会である。各々がジャンルの因果を背負い9月12日

公募について
募集人数｜6名程度（金）〜7月3日（水）
募集期間｜2019年4月26日
応募条件｜・27歳以下（2019年7月3日時点）
・オリエンテーション、集中講義の全日程に参加可能であること
・制作、展示、振り返り及び撤収期間に積極的に参加可能であること
申込方法｜［申込み用紙］［作品集などのポートフォリオ］
テーマ「33年後のアートセン［作文（800〜1200字程度）
ターのかたち」］の3点を、郵送もしくは E メールにて送付
選考方法｜書類選考の後、面接プログラム企画／運営
プログラムディレクター｜服部浩之（キュレーター、アート
ラボあいちディレクター）、山城大督（美術家・映像作家）、
辻琢磨（建築家、403architecture [dajiba] 共同主宰）
チューター｜生川珠央（アーティスト）
、山下拓也
（アーティ
スト）、桂川大（アーキテクト）
コーディネーター｜近藤令子、松村淳子

大学連携

＃人材育成

＃展覧会

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企画｜名古屋造形大学………………………………………………………………

概要………………………………………………………………

「日本の絵画」といえば岩絵の具を使った日本画や

会場｜アートラボあいち3階

会期｜2019年9月21日（土）〜10月14日（月・祝）

関連イベント ｜9月22日（日）
16:00-17:30
公開講評会（ゲスト｜高嶺格）
17:30-18:30 交流会………………………………………………………………

総合プロデュース｜竹本義明 、田中範康、津田佳紀、
萩原周、大崎正裕………………………………………………………………

C Laboratory Aichi
参加メンバー｜一ノ瀬龍星、宇留野圭、大北貴志、
大野高輝、加藤あん、木下雄二、
小西祐矢、仙波瑞姫、園田葉月、
塚田茉生、出口慧、中田奏花、永戸栄
大、林柚里、増田麻耶、三宅海月

ディレクター ｜名知聡子

総合プロデュース｜三輪布巳子

概要
美術作品を観ていると、そこに不思議な「なにか」屏風絵、墨汁や顔料を使った掛け軸などが代表的

あいちトリエンナーレ芸術大学連携プロジェクト『U27
プロフェッショナル育成プログラム 夏のアカデミー

2019「2052年宇宙の旅」』に、愛知県立芸術大学、
名古屋芸術大学、名古屋造形大学から各 3 名と、一般公募から7名、27歳以下の16名が参加しました。 私たちのアカデミーの最終目標は、ひとつのパビリオンを創造することでした。 しかし、その過程
で価値観の異なる16名はパビリオンの理想像の違いに直面し、２つに分離することとなります。 この
分離は感情的に行われました。 お互いに表面上でしかコミュニケーションを取らないことで、見えない感情があり、勘違いや、すれ違いを生みました。
現代のコミュニケーションも同じ問題を抱えています。
この問題に向き合うためパビリオンでは、現代のコミュ
ニケーションから、次世代のコミュニケーションを浮ですが、一般大衆が楽しむための浮世絵も日本のたりあるいは感情だったりと様々で、作品はそれへ絵画を語る上で外せない分野です。世界的にも有のきっかけや入り口となります。私はその得体の知

名な葛飾北斎が描いた「北斎漫画」は、人物、風刺、れない「なにか」を尊敬と畏怖の念を込めて " 神さ動植物、妖怪など多彩に描かれ「気の向くままに漫

まっぽいもの "と名付けました。

然と描いた画」と作家本人がいったことから、今の「漫今回アーティスト達には、この " 神さまっぽいもの "画（マンガ）」のルーツになっています。
「マンガは芸を作ってもらいました。人は言い知れぬモノと対面術なのか」と言われた昭和時代から、マンガをはじした時、これまでの情報は取り払われ、ただの生物・めアニメ、ゲームといった子どものためのジャンルはヒトへ戻ります。大規模な災害や美しい夕日がそうであるように、無数にあった関係性は消滅し、まるはじめ大人にも愛される「日本の文化」になりました。

で鏡のように自分を見つめるのではないでしょうか。

本展のジャンルであるマンガ的なイラスト、「コミック

今やインターネットにより関係性は無数に生まれ、そイラストレーション」は幼少期に漫画本を見て育っれと同時に様々な孤独も存在します。この会場ではた世代の人からテレビや町中でコミックイラストレー

一旦ヒトへと戻り、自身を感じて頂けたらと思います。

ションを見て育ってきた若い世代の人々という幅広

そしたらきっと今夜寂しくても少しは平気になれるん

い年齢層の人々の生活の中で身近にあり進化を遂

じゃないかなぁ、と思うのです。ここで会った、化身

げた日本独自の絵画形態です。制作には、アーティに映ったその姿を思い浮かべて。

スト全員が「同じソフト」を使用しながらも、モチーフ・
色彩・テクニックなど他の芸術と同じく個性をもちそ
れぞれが秘められたメッセージを持ち表現しています。

プロフィール参加アーティストは名古屋造形大学の「コミックイラ

浅井和真／ ASAI Kazuma
1991年愛知県生まれ。2015年名古屋芸術大学美術学部卒業。

ストレーションゼミ」で制作をし、卒業後プロのイラス
トレーターとして活躍するゼミ生・現役の美大生として仕事や展示会を行うゼミ生の5名と、同大学卒業

小田智之／ ODA Tomoyuki
1998年愛知県生まれ。名古屋芸術大学芸術学部三回生。

生の指導教員1名から開催する展示会となりました。

かび上がらせるための研究所を設置し運営しました。

大学企画

高木明子／ TAKAGI Akiko
1983年大阪府生まれ。2006年名古屋芸術大学美術学
部卒業。

＃展覧会

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大学企画

＃展覧会

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TRANSCENDENCE OF HOMEOSTASIS

名知聡子／ NACHI Satoko
1982年東京都生まれ。2005年名古屋芸術大学美術学
部卒業。

化現の光
………………………………………………………………

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アーティスト ｜浅井和真、小田智之、高木明子、名知聡子、西山弘洋、吉本作次

アーティスト ｜三輪布巳子、鍵野ろい、前田奈子、鴇
太、ロジロ、藤田玲紗

会場｜アートラボあいち2階、3階

会期｜2020年1月11日（土）〜2月16日（日）

会場｜アートラボあいち3階

関連イベント ｜2月8日（土）
16:00- アーティストトーク

会期｜2019年11月13日（水）〜12月15日
（日）

主催

主催

｜名古屋造形大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会｜名古屋芸術大学、
あいちトリエンナーレ実行委員会

企画｜名古屋芸術大学

Takayuki Yamamoto
Children of men………………………………………………………………

Duration: July 7th - August 27th, 2017

Event

: Artist Talk / July 8th 14:00-16:00
Research Workshop Public Meeting /July 8th 16:00-17:30

を感じることがあります。それは空間だったり誰かだっ

今や大きな日本の産業となり、世界各国で子どもを概要̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

西山弘洋／ NISHIYAMA Hiromi
1987年熊本県生まれ。2011年名古屋芸術大学大学院
同時代表現研究終了。
吉本作次／ YOSHIMOTO Sakuji
1959年岐阜県生まれ。1984年名古屋芸術大学美術学
部卒業。-

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………………………………………………………………

Outline
The first exhibition hosted by the reopened Art Lab
Aichi was “Children of men,” showcasing works by
Takayuki Yamamoto, an internationally operating
artist based in Aichi. After graduating from ateachersʼ college, Yamamoto has been involvedin education as an elementary school teacher, andcontinues to utilize his experience in the field innumerous projects that include workshops withchildren. He has been creating works that highlight
via innocent remarks and actions of children thevarious contradictions and absurdities in social
life, in a humorous and at once critical way. While
offering a comprehensive overview of the artistʼs
previous work, this exhibition also introduces a new
project. In view of the upcoming Tokyo Olympics,
Yamamoto began to conduct research workshops
prior to the start of the exhibition, with the aim
to create works focusing on Olympic Games which
also Nagoya had an opportunity to host in the past.
His research continued throughout the exhibition
period, documents and results of which weresuccessively added to the displays.

Review
Children of men
Little things accumulated with a big vision
Referring to children “of men” is a nice idea. In
an age of increasing frictions between different
nations, ethnic or religious groups, here children
are considered as a part of mankind that exists
beyond such kinds of discrimination. Come tothink of it, Yamamoto has been creating artworks
based on workshops with children from early on,
and one can certainly say that he approaches theseprojects with a sustained attitude. This is also what
the past works that are alternately shown during
the exhibition period remind the viewer of. In frontof the camera, children act in various ways, ranging
from funny behavior informed by strange ideas
and tension, to quite impressive reactions. Not at
all staged or edited to come across as ”childlike
behavior,” but rather captured squarely and equally,all of these actions eventually communicate that
“instinct” that oozes out from things that children
do, in a way that even the artist himself hadnʼteven imagined.
Now letʼs take a look at “Mabayui kibun de: Mirai
no Tohoku Hakurankai '87,” the central work at thisexhibition. Shown on a screen is footage of a choirof junior high school girls on a stage, chanting theexpoʼs theme song “Mabayui kibun de.” Listening
to it today, after the Great East Japan Earthquake,there is certainly something slightly futile to thehopeful lyrics, however there is no notion ofcriticism or cynicism in the song. Some students
display habits that particularly catch the eye. Thereis that typical expression of “glee” in the singersʼ
faces. Not that itʼs a competition, and if you think
about it, it is definitely a strange setup to begin
with, but while chuckling about that, on the other
hand the appearance of the girls – even though
not exactly pretty – makes the viewer at once yearn
for that special time in life that we all can only
experience once before growing up. Through the
choice of an outdated expo that has today become
totally useless as a theme, this impression presents
itself with increasing intensity as it overlaps withthe sense of emptiness of a 20th century that has
been based on a progressive view of history.
I wonder if this recently launched research projecton the ”Nagoya Olympics,” which will continue
also after the end of the exhibition, is going todevelop in a similar direction. The Nagoya Olympics
were a dream for the 1988 games that remained
unfulfilled. Newspaper articles, objects and peopleʼsmemories related to the situation at the time areinteresting as documents of what happened, butfrom the perspective of the present day, when
there is nothing too promising about Olympic
Games, it all seems like a mere enumeration offacts as “someone elseʼs business” that doesnʼt
invoke empathy whatsoever. Considering thatworks based on documents and research seem torepresent some kind of trend of late, the questionis how to manifest such findings in the form ofartworks, rather than simply reviewing historicalfacts. Personally, I look forward to seeing what kindof answer Takayuki Yamamoto will come up with.
Machiko Chiba(curator, Toyota Municipal Museum of Art）

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

laughing or crying, sleeping or running around.
Those “temptations” they face, children observe
very carefully, and cautiously judge whether they
address themselves or someone else, whereas therules that apply in such judgments randomly varyfrom the surprisingly simple to the highly complex.

ART and PLAY………………………………………………………………

Duration: September 16th - October 1th, 2017

Event

: Talk / October 1th 14:00-16:00

The Aichi Childrenʼs Center I had visited oncearound the time when my son wasnʼt even a year
old. I noticed that there were lots of children thateach seemed to enjoy their own ways of “playing”
at their own pace. My son, who had just begun
to walk but couldnʼt speak, wasnʼt yet physicallydeveloped enough to be able to enjoy all of what
the Center had to offer, so I remember thinking
that it was probably a bit too early. (They did havea corner for 0 to 1-year-old toddlers, but I probably
felt that it was too early because there were a lot ofother programs that looked much more attractive.)………………………………………………………………

OutlineThe Aichi Childrenʼs Center (below “Center”), a
large institution for children operated by Aichi
Prefecture, opened in 1996. As a core facility
for children in the region, the Center has been
involved in the development and promotion of
all kinds of health educational programs, and in
the training of employees. What distinguishes theCenter from other childrenʼs facilities is not only thescale and function of its activities. One of the mostprominent characteristics the very beginning has
been the Centerʼs emphasis on the developmentof play programs that consciously incorporate art.
Many of these programs are worked out with theactive participation of artists. The programs that are
offered as a result are much different from otherprograms with a clear educational orientation, or
workshops for practical creative work, and for theseunique activities the Center has been receiving a lotof attention also from outside the prefecture. Thereis active cooperation also with the Aichi Prefectural
Ceramic Museum and Aichi Triennale, in the formof joint program development and displays ofworks at the Center.
The focus this time was on the Centerʼs work froman artistic point of view, with an exhibition held
at Art Lab Aichi. Along with the actual experienceof the Centerʼs programs, the exhibition was anopportunity to think about what we may find if we
use art as an intermediator for looking into activities
in the realm of child welfare, which usually tend to
be separated from art and culture altogether.
Designed as a general introduction to the Centerʼsdistinctive work, the exhibition featured a selectionof play programs from the past twenty-plus years,
including “Amamori” that was awarded as part of
the “Ase kaku media” public participation programin 2016.

When reading about the ART and PLAY exhibitionon their website, I thought Iʼd go and see it withmy “child.” So I went there with my 4-year-old son,
who had acquired sufficient physical and verbal
abilities at the time, and I did so not for some kindof pseudo experience of myself as a ”former child,”
but because I felt like having a real “child” play theCenterʼs program.
Upon arrival at Art Lab Aichi, my son as a“play(back) device” was immediately tempted to“play.” Guided from the entrance to the event
venue by adhesive tape with a railway design on
the floor, he was all bouncy when we arrived atthe venue (4-year-olds are more straightforward as
one may think…) At some point I realized that we
did all programs for about an hour. The play(back)device did play absolutely smoothly.
Now let me try and analyze the experience. Installedat the venue were a number of “activation”
mechanisms designed to physically animate thevisiting children, such as the aforementioned
railway tape to break the ice, a “lottery” that
randomly introduced us to various programs,
worksheets and boards perfectly sized to fit achildʼs hand (Iʼd never seen those before!), andpencils short enough for infants to use. It was all
curiously comfortable. And then there was thatsmooth ridge that slipped us into the play before
we knew it. I sensed some kind of mood thatworkshops and other programs for children at art
museums donʼt have. That was reportedly a resultof a maturation process in response to the reactionsof the children that come to the Center day byday (and not treating children like children). HereI witnessed the wisdom of “some timeʼs children”

Review
Children as “play(back) devices”
Day by day, children make decisions whenever they
face the temptation of “playing,” in just about any
kind of situation – playing at the park or playing
with LEGO, having breakfast or taking a bath,54

55

that the Aichi Childrenʼs Center has fostered overthe course of two decades.
Daisuke Yamashiro (artist)̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

Site & Art 01
Ryosuke Imamura :Will the Snow Pile Up or Melt?
………………………………………………………………

Duration: January 6th - February 18th, 2018

Event

: Artist Talk / January 6th 17:00-18:30………………………………………………………………

Outline
The building of Art Lab Aichi was built in 1933(Showa 8), and had been used as at the The
Aichi Prefectural Government Otsubashi Officesince 1957. Its architectural aspects found in themagnificent and confident exterior, and the small
continuous round windows, have been allowing
viewers to feel the history accumulated since thetime of the pre-war. The building also contains
Aichi-Nagoya War Archives built as an annex on its
first floor. For the series “Site & Art,” expressions
derived through deciphering the characteristics ofthis place are specifically featured and showcased
as a serial of exhibitions.
The first of this series started with a solo exhibition
featuring new works by Ryosuke Imamura, an artist
based in Kyoto. Imamura placed environmental
sounds, lights, videos, and objects, as thoughinserting a fictional environment within a real
space, and triggered small discomforts in thelandscapes of the suggested venue. Its title “Willthe Snow Pile Up or Melt?” may remind viewers
not only the transitioning seasons and varying
weathers, but also the swaying memories ofhumans and remaining scars of places. His
works turn usual elements into light, sound, andmovements, and reconstruct the space in front of
us into a stage where memories and senses placed
deep underneath peopleʼs layers would be recalled,
and allow viewers to imagine of the fundamental
relationship between humans and the nature.

Review
Transitioning and Layering“It is more easy to feel time when you stay still,
within the flowing time.” This was a note Imamura
made for his exhibition “Sumasu” in 2015. Inthis exhibition too, like the hour hand of a clock
speaking out its existence when it stops, eachrooms and their interior elements triggered viewers
to experience the variety of changes. Anothersentence that came to my mind from this exhibition
was “to show something that is unique to a space,
one should use a motif that exists everywhere.” Aslong as our world exists within the state of visibility,
something that exists everywhere would be nothing
but light and shadow. To use light and shadowthat exist everywhere to bring views that are solely
unique to the place; to make each exhibition rooms
function as fine detectors to enhance and facilitate
this purpose. Elements, which became the artistʼs
hands, were chosen carefully, modestly, and indeed
logically placed inside the room as though they
were no other places they could have been.
For example, the reason why the blue
sea on the iPad was glowing in the dark at night, wasbecause the tin pail with a duplicated character―it would shine white in a bright environment, orotherwise would stay dim and dark―was chosen
as its medium, and also, it was because of the lightdimming and lightning above our head, so that we
could detect such changes. These carefully placed
elements would not only interact with us, but also
allow viewers to recognize the entire exhibition
room itself. The very slight sound of a knock would
furthermore send us to the state of wandering, bymaking us wonder where the source of that soundcould be. While looking at each rooms in suchway, the whole building becomes an intimate andirreplaceable place before youʼd realize. I would
never forget that night where I looked at the wall
led by the light of the stove, and saw the two boldshadows of windows which were unseen in thedaytime, while at the same time, I knew the pastel
which were twinkling in the daytime were holding
its breath tight on the same wall. Transitions andlayerings of “existing” and “non-existing” basedon logical sentiments. The snow must have been
melting, but also accumulating, at the same time.
Fuminori Akiba( Associate Professor, Graduate School of Informatics,
Nagoya University )For his artwork for Lady Gagaʼs third album“ARTPOP” (2013), Jeff Koons used an optical illusion
image by Ritsumeikan University professor Akiyoshi
Kitaoka, who is known for his studies in the realmof optical illusion, for the CD itself and the tray,
and another one by Hajime Ouchi for the backsideof the CD case. Both artists are mentioned in thecredits. Even though the actual designs (triggering
optical illusions) that Ouchi and Kitaoka respectively
discovered are not subject to copyrights, the images
designed by Ouchi and Kitaoka, just like Bridget
Rileyʼs paintings involving optical illusion effects
for example, are treated as copyrighted material
according to copyright law [1]. So does this meanthat these pictures are works of art? Rileyʼs works
generally seem to be considered as artworks,
but optical illusion images probably arenʼt. Being
acknowledged as copyrighted material alone
doesnʼt make something a work of art.

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Saito Koheita / Gustav Theodor
Fechner or Charles Benhamʼs Top………………………………………………………………

Duration: July 6th - August 26th, 2018

Event

: Artist Talk / July 6th 17:00-18:30
Turn tops with a diameter of 4 meters /August 10th 18:30-………………………………………………………………

OutlineThis is an exhibition of works by Saito Koheita,
an Aichi-based artist who engages in a varietyof creative activities across different formats
and media. His recent work includes monthly
contributions to the Chunichi Shimbun Plus inwhich he observes society from his own uniquepoint of view with a slightly black type of humor.
He is also the creator of the famed local character
Okazaemon. He is able to engage in such diverse
activities because he is not shackled by the genre ofcontemporary art, but on the other hand also justbecause his work is about contemporary art thatquestions the values of things.
As the title suggests, this exhibition revolves arounda startling work that involved the construction
and spinning of a giant top at the exhibition
venue. Somewhat a sequel to "Ouchi sakushi
no sakusha o sagasu tabi,” Saitoʼs previous work
documenting processes of minute research andthrilling encounters in the realm of optical illusion
studies, this one again explores the contact points
between cognitive science, psychophysics and art,with a unique sense of humor.

The definition of an “artwork,” according toprevious discussions mainly among art scholars
in the Anglosphere, can roughly be summed
up as follows. Firstly, there are the “functional(mainly aesthetic) definitions,” which define a
piece of art as something that functions to bringsome kind of aesthetic experience. Then there
are the “institutional definitions” that define an
artwork as an object that has been nominatedas an appreciable work by the system of art (the“art world”). And finally, there are the “historicaldefinitions,” according to which every artwork hassome kind of relation to any previously existingpiece of art. Saito Koheita is an artist who, rather
than by way of such conceptual experimentation,
creates actual works in which he introducessome really interesting “counterexamples” to theabove-mentioned definitions. Among them is also
“Gustav Theodor Fechner or Charles BenhamʼsTop,” for which he magnified a top – originally a
toy that causes an optical illusion what rotating –to an object four meters in diameter. The focus ofattention in this exhibition was thus not so much on
the phenomenon of optical illusion, but rather on
the question what requirements an optical illusion
image needs to meet in order to be regarded as awork of art.
Let me organize my thoughts on the relationshipbetween the giant top and the definition of an
artwork, while referencing also the artistʼs own
explanatory text about the exhibition. If we startfrom the fact that a painting with a weaker effectin this regard than an optical illusion image has
previously been acknowledged as a work ofart, supporting the functional definitions that

Artist comments
The idea was to “make and spin a Benhamʼs top
four meters in diameter.”
The Benhamʼs top is an old, classic type of top witha black and white pattern that appears as if coloredwhen rotating. At the time this leaflet was made,the top wasnʼt yet completed, so we donʼt knowwhether it will really spin until we try out at theexhibition venue.
Those who visit the exhibition that opens on July 6
will find out whether I eventually manage to spin
the top. (Saito Koheita, May 28, 2018)

Review
The depression of a self-professed artists, or toying
with the definition of art

56

57

emphasize the viewerʼs experience (regardless ofthe debatable question whether the experienceof an optical illusion qualifies as an aesthetic
experience) doesnʼt seem to work. As a matter offact, Saito himself does not seek to enhance theoptical illusion effect.
If the idea behind the work was to show theFechner color effect, I could have just mounted thething to the wall and used a motor to rotate it.
While Iʼd definitely love to do something like that
too, in this case it was a different intention thatinspired me to make that spinning top.
The following remark, on the other hand, sounds
as if it was made with the institutional definitions
in mind.
When I think about it now, to make everyday
objects out of different materials, or make themlarger than life, is something one can do in any daily
life situation, and not only in the realm of art. In
other words, there is no need to make it as a pieceof contemporary art. Itʼs an extraordinarily large
top, but it was created in an ordinary operation.
Now if we interpret this statement as renouncing
the idea of proposing the giant top as anappreciable work of art, this is clearly contradictory
to the fact that the result is being shown at a placethat is normally used for exhibiting artworks – orin other words, to the event itself. So I rather thinkthat the above lines have to be read as a question,
asking what one is supposed to do in order to getsomething nominated as an appreciable work ofart even though it has been created in an “ordinary
operation,” which is to say outside the system of art.
Different from mass-produced, standardized
readymades, each of Saito Koheitaʼs previous
projects has been highly evaluated as a uniqueartifact outside the system of art. The Okazaemon
character, for example, came in second placeat the ”all-Japan local mascot election 2013,”
and the explorations of and encounters with theunidentified designer Hajime Ouchi have been
submitted to academic journals by researchers in
the field of optical illusion [2]. Saito did indeed
consider applying for inclusion in the Guinness
Book of Records for the largest spinning top that
he used in this exhibition. At a glance, the valuethat each of these projects possesses outside thesystem of art seems unrelated to the questionof the respective projectʼs artistic value (as being
included in the Guinness Book alone doesnʼtnecessarily mean being valuable as a work of art). If
it is enough to present things as artworks made by

an artist – like Duchamp did with his readymades –and win approval from an authority in the system
of art, Saito Koheitaʼs strenuous effort, pursuing
an evaluation that appears to be unrelated to suchthing as artistic value, even seems ludicrous.
However I think in this case it is necessary to stressonce again the fact that Saito Koheita is carrying
out his projects after declaring in advance thatthey are works of art. In other words, right fromthe beginning these projects are being presented
to viewers and critics, and are automatically subject
to artistic evaluation. In addition, they are madewith the serious intention to have them seen in
their historical relationships to several previously
exhibited artworks. Especially that latter intention
is certainly an aspect that additionally supports thehistorical definitions. (The connection between thisexhibition and Duchamp is not limited only to thestandpoint of adopting the institutional definitions,but it can also be guessed from the shared interestin optical illusions triggered by rotating objects,
such as Duchampʼs so-called Rotoreliefs in “Anemic
Cinema” for example.)
One of the attractions of this exhibition is certainly
the presentation of arguments regarding thedefinition of artworks, however this doesnʼt meanthat Saito Koheitaʼs purpose is to formulate aperfect definition. Likewise, the fact that Saito
Koheitaʼs projects are plotted with the aim to havethem evaluated within multiple different systems
does not mean that they represent the boundary
between art and non-art. Much rather than that,itʼs that state of tension of being and at once notbeing an artwork – as it is in principle not possible
to distinguish both based on the projectsʼ visualand functional qualities – that is the most appealing
point about Saito Koheitaʼs projects.

Koheita Saito, “Art is vague: Saito Koheita is
thinking too much,” The Chunichi Shimbun Plus,
https://chuplus.jp/blog/list.php?category_id=591

precious buildings in Nagoya that have escaped thewar fire and are still standing. With its tiled walls,
large spiral stairs, and windows that define its“face,” the building has a distinctive overall designthat catches the eye. The impressive round windows
at the landing of the stairs, but also the windows
at the exhibition space that seem perfectly ordinary
at first sight, are in fact quite fascinating elements.
Probably as a result of exchanging broken windows
one by one, there are a variety of window panes
ranging from wavy old ones to rather modern, flatglass, so one can imagine how the windows havebeen fitted with different types of glass throughthe years, which now define the buildingʼs diverse
visual appearance.
The idea was to focus on these ”windows” in both
concrete and conceptual ways. Windows reflect
the passing of time, while sometimes adding a
sense of variation to the respective space. Windows
are boundaries that separate and at once connect
the things in front and behind them. Windows
frame sceneries, just like the frames of paintingsor photographs. Windows are entranceways into
different worlds. Introducing works by artists thatapproach ”windows” directly or indirectly, theexhibition as a whole illustrated the relationshipbetween time, space and human beings.

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Aichi Triennale × Art Lab Aichi
Personnel training program“Designing the experience of an
exhibition”………………………………………………………………

Duration: September 1th -November 30th, 2018………………………………………………………………

This new project related to the Aichi Triennale
focuses on the training of regional experts inthe field of art. Focusing on ”in what kind ofenvironment an exhibition works, and how visitors
experience it,” the course took this particularexhibition as a concrete occasion for creating
environments (“Art Playgrounds”) that stimulate
the visitorʼs experience in a rather active manner.

Art Playgrounds
Inspired by the key idea of “receiving, deepening
and shaping,” the exhibition included ”Art
Playgrounds” as environments for children andgrown-ups alike to play and learn with and fromeach other, set up with the aim to deepen visitorsʼinterest in the displays, and encourage them totranslate their impressions into creative activities
and exchange with others. The ”Art Playgrounds”
in this exhibition were prototypes of what was tobecome part of the learning program at the Aichi
Triennale 2019, realized together with participantsin the personnel training program.

Review
According to a certain writer, what distinguishes agood novel from a not so good one is the question
whether or not the reader finds him or herself
standing at a different point, or being a different
person altogether after finishing reading it. What is
important is not so much the bookʼs “(emotionally)
moving” quality, but the ability to “move” people ina rather literal sense. This supposedly applies not
only to novels, but to a lot of other forms of artistic
expression as well, including also art exhibitions.
In this sense, when superimposing all those imagesof windows and paintings, vision and blindness,reality and memory, onto Tatsuo Horiʼs short story“Mado (The Window)” that was distributed at theend of this exhibition, the story can be understood
as being all about A turning into B, or about theeffect of “moving” things and people so to speak.
One should also note that the “Window” titled
painting in the novel is not a kind of windowthat establishes us as a subject that – according
to Italian Renaissance theorist and painter, Leon
Battista Alberti – looks through it “out into a
section of the visible world,” but “something that,regardless of its simple title, works as an unusual
metaphor defined by its creatorʼs unique use oflines and colors, and depicting something virtually

Kazuho Soeda(curator, Aichi Prefectural Museum of Art)̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

[1] Ouchiʼs optical illusion images were
included in Hajime Ouchi, Japanese opticaland geometrical art: 746 copyright-freedesigns for artists and craftsmen, Dover
Publications, 1977 (originally publishedin the Japanese edition edition of Hajime
Ouchi ”Leading Part,” Ad Planning, 1973).
This publication permits the uncompensatedand unauthorized commercial use of up toten optical illusion images.
[2] Lothar Spillmann, Koheita Saito, Hidehiko
Komatsu, "Hajime Ouchi – a mystery
resolved," Perception, vol. 45, 2016, pp.
371-374.

Aichi Triennale × Art Lab Aichi
Site & Art 02 From Window.
………………………………………………………………

Artist: IMAEDA Daisuke, OOZU Daisaku,
TSUDA Michiko, HORI Tatsuo

Duration: October 27th -November 25th, 2018

Event

: Artist Talk / October 27th 16:00-18:00………………………………………………………………

Outline
The building that accommodates Art Lab Aichi wascompleted in 1933, and is today one of the few

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indiscernible,” and appears again at the end of thestory as an iconic “face” that symbolizes love.
As Michiko Tsudaʼs work plainly suggests,
windows, mirrors and paintings can, by framing
reality, project it deep into the back, or far into the
distance. However, endlessly repeating that same
projection can be dangerous. At some point, it has
to be stopped, and projected back.
The same can certainly also be said about thevideo work of Daisuke Imaeda, an artist who isquite conscious about the arbitrariness of framingand naming. Prompted by the signboard at theentrance, visitors climb the staircase and observe
how the scenery they see through the windows
keeps shifting depending on the speed of their
walking, however that freedom to change is in
itself not necessarily something felicitating. Theremay be a point at which that freedom can also
cause damage.
Assuming that Tsudaʼs oddly moving ball and
Imaedaʼs suddenly burning (fake) fire quietly soundwarnings regarding that arbitrariness of windows,
the monitors showing Daisaku Ozuʼs works,
somewhere between still and moving picturesthat keep transiting in frames that look like train
windows, function as some kind of negative to this.
Itʼs a fundamentally critical take on transition.
One of the characters in Tatsuo Horiʼs story, by theway, is a lady named “O.” Whether this is to hint
at some kind of cycle, an observation window ofsorts, or the shape of a face – or, most probably,
all of these – not only the choice of artists andcomposition of exhibits as outlined above, or inother words, curation in a narrow sense, but also
various kinds of orders are in fact what can be justas necessary in order to make this “O” a “moving”
mechanism that is more than a round window,
more than a simple frame.
In this sense, when setting up the venue for thisexhibition, with separate spaces dedicated to thethree participating artists and the late Tatsuo Hori
respectively, it was undoubtedly important to makethe entrance like a nijiriguchi, the little “crawlthrough” entrance to a tea room, detached fromthe ground yet not really functioning as a window
either. Windows, just like mirrors and paintings,
are like doorways. Just remember how doorways
repeatedly appeared in the works of Dutch paintersin the 17th century that persistently drew windows
and mirrors. It is, after all, a clue for changing
from A to B. As Hori suggests in his short story,
whether one is able to transform windows – which
may at times be inscrutable – into faces, and into
expressions of love, depends on whether or notone passes through such a doorway.
Ideas regarding artists to be featured, and aconcept for the exhibition at large, were loosely
determined in the curational plan that Aichi Art
Lab director Hiroyuki Hattori had worked out.
With the addition of Daiya Aida and supporters
recruited from the general public, the exhibition
was eventually realized in a style that was half
educative and half collaborative. One can certainly
say that a doorway in the above sense was set upby the supporters, and in this respect, I think thiswas definitely what the entire exhibition revolved
around. It was all about whether the artists andthe artworks, the curators and the educators, themanagement and the administration, and finally,
the supporters, each managed to stride across theentranceway, and thereby ultimately prompted thevisitors to “move” and do so as well. The exhibition
contained a number of educational elements,
but rather than through such tactless behavior
as presenting these layers in an overly ostensible
fashion, it is through the careful construction ofan archive on the website – which I recommend
visiting as well – that seeds for further ”moving”
are being sown.
Toshiharu Suzuki(curator, Toyota Municipal Museum of Art)̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

U27 Professional Training Program
Summer Academy 2019“2052: A Space Odyssey”………………………………………………………………

Duration: August 24th -October 30th , 2019………………………………………………………………

OutlineFilm director Stanley Kubrick unveiled his movie“2001: A Space Odyssey” in 1968. The movie tells
a fictional story set in the near future, 33 years
after its release. In 2019, more than fifty years had
passed since the birth of “Space Odyssey,” and the“near future” of 2001 was an almost 20-year-old
matter of the past. Now what is the world goingto look like in the year 2052, 33 years from now?
This program is implemented as a cooperative
program with three art universities in Aichi
Prefecture (Aichi University of the Arts, Nagoya
University of the Arts, and Nagoya Zokei
University), with the aim to promote the nurturing
and communication of local art and culture. As partof the program, current art students, graduates,

Report of symposium

and participants chosen from among the generalpublic, attended a short-term intensive workshop
during the period of the Aichi Triennale 2019, withthe aim to build a pavilion in which urban sceneries
and living environments of the future, 33 years
from now, were to be created.
The pavilion that was eventually co-produced inconnection with lectures by an illustrious line-up
of instructors was presented to the public as an
exhibition in the latter half of the Aichi Triennale
program.

シンポジウム報告

シンポジウム東京にアートセンターを作ることを夢見るようになりま

いま、改めてアートセンターを考える。

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

した。そうして立ち上げた Art Center Ongoing ですが、当然のことながらお金の工面は難しく、開業に向けてのリノベーションはほぼ作家仲間と自分だけで進め、

C Laboratory Aichi

日時………………………………………………………………

Duration

を見るうちに、その環境の豊かさに惹かれるようになり、:September 21th -October 14th , 2019｜2017年5月20日（土）
13:00-18:00

カフェを併設して自ら料理をふるまって運営費を稼ぎ

登壇者 ｜小川希、相馬千秋、菅沼聖出したそうです。

進行

Art Center Ongoing では、他で取り扱えない作家を｜服部浩之

積極的に呼んで、展覧会を行っています。例えば、内………………………………………………………………

Partaking in ”U27 Professional Training Program
Summer Academy 2019 ʻ2052: A Space Odysseyʼ,”a project cooperating with art universities as partof the Aichi Triennale program, were a total of 16
participants aged 27 or below, comprising three
students each from the Aichi University of theArts, Nagoya University of the Arts and Nagoya
Zokei University, and seven participants recruitedfrom the general public. Our ultimate goal with
the Academy was to build one pavilion, but inthe process, the 16 participants representing
different views found themselves confronted
with different ideas as to what an “ideal pavilion”
would have to be like, and eventually split up in
two groups. This split was an emotionally based
process. As both parties communicated only ona superficial level, there were invisible feelings
involved, and misunderstandings that together
caused discrepancies. This is at once a general
problem of communication in the present age. In
the pavilion that was erected also with the aim to
face this problem, we worked to outline forms ofnext-generation communication based on the stateof communication today.

5月20日
（土）
に、アートラボあいちのリニューアル記念

側の歴史や内容をすべて表面が消してしまうことをコ

シンポジウム「いま、改めてアートセンターを考える。」

ンセプトにした、柴田祐輔さんの「仮定ビート」を扱っが開催されました。近年日本国内では、特に地方都た時は、Art Center Ongoing の外装をクリーニング

市を中心に新たな芸術祭が生まれ、比較的規模の小店や風俗店のような設えに変えてしまい、展覧会を観

さな美術館や劇場が設立されています。こうしたなか、に来る人ではなく、クリーニングを出したい人が多く訪

今改めて都市における文化や芸術活動の核となるアーれてしまったこともあったそうです。実施される展覧会

トセンターには、どのようなことが期待されているのか、の間隔は、会期2週間の展覧会を月に2本、年間で25

これからの都市におけるアートセンターの可能性をさ本もの展覧会を開いています。多く思えますが、展覧

ぐるため、国内外で規模やかたちにこだわらず、先鋭会に一番来場者が集まるのはオープニングとクロージ的で実験的な試みを展開しつづけるアートの実践者3ングで、作家と直接コミュニケーションがとれる時に人名をゲストにそれぞれの活動の紹介とアートセンターが集まること、長く開けていても採算がとれないことがについてのディスカッションを実施しました。

わかりこのようなスタイルになったそうです。

前半のプレゼンテーションとディスカッションを分けて、「おもしろくて人を傷つけなければ何をやってもいい」

その時の様子をレポートします。

という、挑戦的な活動を続ける Art Center Ongoingの取り組みは口コミで作家の間に広まり、今では年齢・

1. プレゼンテーション

ます。

̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

Art Center Ongoing ｜ http://www.ongoing.jp/ja/

小川希（Art Center Ongoing ディレクター）「 個人でもアートセンターは 作 れます：Art Center

Ongoingというココロミ」…………………………………………………………
自分の活動が社会とつながっていることを実感したいという思いから、展覧会プロジェクト「Ongoing」が始まり、その活動が成功して社会とのつながりの手ごたえを感じることができたため、「Ongoing」プロジェクトを5回続けた後、Art Center Ongoing を立ち上げることを決意したそうです。
小川さんは自ら、欧州各地のアートセンターを訪ね、そこに老若男女が芸術を中心に集い会話が生まれるの60

61

ジャンルを問わず様々な作家が集まる場所になってい̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶
相馬千秋（アートプロデューサー / 芸術公社代表理事）「東京に新たなシーンをつくること：芸術公社の取り組
み」…………………………………………………………
アートセンターを「アートを媒介に人や作品が集まる場所」と定義すると、相馬さんの活動は「場所無きアートセンター」、つまり、アートを媒介に人や作品が集まれるような企画をつくり、場所を持つパートナーと協力してその企画を実現していく活動と説明できるとのこと。
芸術公社では、15名のスタッフと一緒に活動しており、プロジェクトの企画や運営は、その都度、助成を受けたりして実施してきているそうです。活動地域は特定さ家が山口に滞在して制作すること。そして、つくったも話へと展開していき人間には消費をする欲望というの同じ問いかけに対しての答えは3人ともそれぞれ全く違れておらず、世界各地で拡散分散して活動を続けていのをすべてオープンソース化することです。すると、他が強くあり、運営、設計をしていく上で消費と行動は切うものであり、ひとつのものごとに対してあらゆる方向ます。

の領域の人がアート制作から生まれたものを使って、り離さないほうが良い、と自らの考えを踏まえて話した。

からの意見や考えを聞くことが出来た。同じアートセ

これまで芸術公社で相馬さんが行ってきた活動の例

制作者が予想しなかった新たなものをつくり出すことそのまま話は経済的な方向へと発展し、どのように運ンターでもそれぞれのアートセンターのカタチがあり、を 2 つ 紹 介 してもら い まし た。一 つ 目 は「r:eadがあるとのこと。次に、教育活動では、メディアリテラシー

営を続けているのかという話に移っていった。小川さ

とても興味深いディスカッションであった。

(Residence East-Asia Dialogue)」です。これは、東ア

教育や、メディア的あそびとフィジカルなあそびの融合

んや菅沼さんのように自分の場所を持って活動するス

ジア諸国のアーティストやキュレーターが参加して、互を探究しています。ここでいうメディアリテラシーとは、

タイルも、相馬さんのように自分の場所は持たずに活いが対等な立場で未来のプロジェクトを実現するためイノベーションを受ける市民が知っておくべき知識を動するスタイルも、運営のスタイルは違うがやはりそれの方法論を考える合宿だそうです。作品制作のため指し、メディアリテラシーの周辺にある身体や社会にぞれにそれぞれのお金の問題に直面するようだ。助成の合宿ではなく、対話をすることを主なコンテンツとしついて考えるワークショップを企画しているそうです。

金や行政との関わりなど、自身の経験等も交えて、シており、それぞれの考え方を対話を通して知ることで、地域との活動では、YCAM のアート制作から生まれた

ビアな部分まで話してくださった。

自分の糧にしていくという目的で行っているとのこと。

ものをどう地域社会に実装していくかを探究しています。

しかしそんな中でも、小川さんは自分が続けてこられ

そこで、合宿中はあえて対話を誘発するような、せざる力を入れている取り組みに「スポーツハッカソン」があたのは作家や周囲との関係性を大事にしてきたことを得ない場所へ行く。東京で実施した際には、韓国ります。これは、アート制作で蓄積された技術を転用しが大きく関係していると話し、相馬さんはアートを仕事や中国からの参加者がいたこともあり、靖国神社へいって、スポーツをつくろうとする取り組みです。現在、山に生きている我々が生きていく為の戦略を変えていけたそうです。このプロジェクトは、助成金が続かず1回

口市教育委員会と組んで、山口の運動会をすべて「つば良いのではないかと自身の考えを延べ、菅沼さんはで終わりそうだったところ、参加者からの発案で、参くる運動会」に変えようと進めています。

山口県でやっていくことへの希少性について話すなど、加者の出身国を巡回しながら過去4回行われています。

2つ目は「みちのくアート巡礼キャンプ」です。これは、それぞれの前向きな意見がとても印象的であった。

YCAM ｜ http://www.ycam.jp

続いて服部さんからアーカイブについての話があがった。

今後東北の太平洋側の地で制作やアートプロジェクト

アーカイブについてはそれぞれが独自の方法でカタチを行いたいと思っている人を対象に行った1か月間のに残らないものをどう残していくかということを考えてここまでのレポート｜岩崎絵里加

ワークショップです。期間中は場所をどんどん移動して、模索しているようだった。菅沼さんの YCAM では特に東北各地で、住職や陸前高田市出身の写真家などさアーカイブを重要視しているという感覚が強く、アーカ

まざまな人を訪ね、最後には各参加者が、期間中の対話から生まれたプランを発表しました。例えば、震災被害の大きかった仙台市荒浜地区にバスを走らせて思い出ツアーをする、といったプランが挙がってきたそうです。どちらの企画も、拠点を持たないけれども、アー
トを媒介として人が集まってできた企画でした。
芸術公社 | http://artscommons.asia

r:ead | http://r-ead.asia/?lang=ja

2. ディスカッション
ん、菅沼さんそれぞれに質問を投げかけるというかた

ろからみるとOngoing は誰にでも開かれた場所では「攻めの公共：YCAM の教育普及、地域プログラム」

ないのかもしれないと話していた。

…………………………………………………………

相馬さんも人数の多さよりも観客一人ひとりの経験の

YCAM の活動はアート制作、教育、地域の3本柱です。
アート制作については、R&D スタッフと作家が組んで、世界で通用するような作品をつくります。特徴は、作しをした。

小川さんはアーティストが純粋に表現できるような、パター）しいことに挑戦していくことができるとのことです。

で呼びかけをしているなどアーカイブ制作について話

おり、3人の意見もそれぞれ違うものであった。例えば

いないアートセンターと表記している。そういったとこ20名ほど常駐し、領域横断的に様々な活動に関わっ

年のアーカイブを制作しており、クラウドファンディング

どれ程の規模で開かれているかというのは全く違って

菅沼聖（山口情報芸術センター [YCAM] エデュケーていくことで、3つのキーワードが常に巡回していき新えを述べた。小川さんはちょうど今 Ongoing の10周た。
「観客」と一言で言っても場所によって誰に向けて̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶̶

発）、領域横断の3つを特徴とします。R&D スタッフがており、このようなところからアートセンターのアーカイ
ブ機能の価値や劇団についての話を中心に自身の考

初めに服部さんから「観客」ということについて問われカフェギャラリーと表記せずあえて一般的に知られてすかを探究する文化施設。創造と発信、R&D（研究開

カイブするということにまだ道筋がついていないと感じ

ちで話が展開していった。

ブリックでないアートセンターでありたいと考えており、

YCAM（山口情報芸術センター）
は、情報化社会の中劇団のようなプライベートなものをパブリックなお金でアー

後半のディスカッションは服部さんが小川さん、相馬さみちのくアート巡礼キャンプ｜ http://art-junrei.jp

でメディアテクノロジーを軸に新しい作品をどう生み出

イブ専用のスタッフがいるほどで、相馬さんは日本は最後に服部さんから今回のテーマである「アートセン
ター」について、何が最も必要なのかということが問われた。
菅沼さんが重要視しているのは仕事をつくる、ということ。そういうものがアートから生まれていけば良いと思う、と話した。

ここまでのレポート｜小川愛

シンポジウムいま、改めてアートセンターを考える。
vol.2
ラーニングセンターというかたち
八戸市新美術館構想について日時｜2018年2月18日（日）
14:00−16:30

登壇者 ｜西澤徹夫、浅子佳英、
森 純平、大澤苑美
進行

｜服部浩之

プレゼンテーション
前回アートラボあいちがリニューアルした際に第一回のトークイベントとして実施されたシンポジウム「いま、アートセンターを考える。」第2回目となる今回は「ラーニングセンターというかたち 八戸市新美術館構想について」という一つのテーマに絞り、西澤徹夫さん、浅子
佳英さん、森純平さん、大澤苑美さんをゲストに迎え、前半をプレゼンテーション、後半をディスカッションといった2部構成で実施しました。
前半のプレゼンテーションでは、はじめに八戸市の美術館建設にあたって行われたコンペで最優秀賞をとられた3名の建築家チーム（西澤さん、浅子さん、森さん）
より美術館がどのような構想になっているのかコンペの内容からお話ししていただき、その後大澤さんより八戸市の取り組みについてお話をしていただきました。

相馬さんはその場所でしか成り立たないことがそこの深さが大事だと感じており、観客それぞれが作品と関住人、市民に還元されているという循環を、つくる側もわり、その経験をいかに自分の日常や生活に持ち帰れ受ける側も実感できることが重要ではないかと話した。

るかという考えがあるようだ。相馬さんの中にはそれぐ

小川さんは Ongoing は職業にならなくてもおもしろい

らいアーティストには誰かの人生に大きな影響を与えものを追求したい、つくりたいというところでは最高峰る力があるという想いがあった。一方菅沼さんの場合、でありたいし、お金にならなくても自分の仕事に誇りをYCAMという場所に来る観客の多くは図書館利用者

もっていて、それをやめることができない、そんなアーティ

で、図書館を利用しにきたお客さんが目に入ってきた作品を気になって展示を観に来る。そういったところからすると山口県という地方 の 地域ではあるが、YCAM はひらかれた場所であるように感じた。菅沼さんは観客の話に加えて、人間の消費行動についての62

63

建築家チーム（西澤徹夫、浅子佳英、森純
平）によるゼンテーション
八戸市新美術館コンペについて
今回新しく八戸市新美術館が建てられる場所は市のストが集まる場所でありたい。と自らの意志と共に話中心地にあり、
これまで税務署として使ってきた建物で、した。

その建物の老朽化が進んできたことにより美術館とし最後に服部さんからアートラボあいちのこれからにつて新しく建て替えることになりました。これが今回のコいての話があり、ディスカッションは終了した。

ンペの始まりです。

コンペの要項には、アートセンターとエデュケーション

互に入れ替わる場所が今の八戸市にはふさわしいとかやってはいけないという考え方はとてもよくないと思センターと美術館の3つの機能が欲しいということと、思うのです。

うのです。

「エデュケーションファーム」という言葉を使い、八戸市

ラーニングセンターには先程のコンペの要項にもあっ加えてケースギャラリー、ワークショップスペースがあり、に今ある文化資源を発掘、発見し、種をまいて収穫したように、種をまくという段階と実らせるという段階があっケースギャラリーは美術館のコレクションを展示するスていこうという理念が書かれており非常に興味深く、て、種をまくというのは例えば展示をする、イベントをペースなのですが、そこで見た作品を写生したり、コレ

それをベースにどのような美術館が必要なのかというするということ。実らせるというのはそこからどういうもクションの作品をテーマにワークショップをしたりする

問いを立て八戸をリサーチしていきました。

のが発見できるか、ということを育てていく。そして成ためにケースギャラリーとワークショップスペースが隣長を促すという段階でそれをお互い学び合って、収穫接していたり、近年映像を中心とした作品が非常に増したらまた種をまく、そういったサイクルが大きく必要でえているということもあり、映像作品を展示するための八戸市について
現在八戸には、既に2011年に建てられた「ポータル
ミュージアムはっち」という施設があり、ここは言わば文化や民族、風俗のデパートのようなもので、アートや美術に関わらずおもしろいものを集めてイベントをしたり展示をしたりしています。また中心街にあるため、市内の観光案内所の役割も兼ねている市営の建物です。

2016年には同じく市営の「八戸ブックセンター」という建物が建てられました。ここは八戸市が運営する本屋さんで、ここで扱う本は本屋さんが扱わざるをえない
雑誌や売れ筋の本ではなくて、少しとんがった哲学書や美術書など普通の本屋さんでは売れないようなものを置いています。それが売れると分かった際には市内の他の本屋さんに、今どういった本が売れているかという情報を共有し、市内の本屋さんと関わっていくというスタイルをとっています。
こういった施設に加えて八戸市には、毎週日曜日に開催され大きな賑わいをみせる「館鼻朝市」や、国の名勝指定にもなっていて東山魁夷の作品のモデルにもあると考えています。

最適な音響や明るさを備え、同時にホワイトキューブ

ポータルミュージアムはっちやブックセンターからもわ

で大型展があったときに、その紹介映像を流す等のかるように八戸市からは行政が主体的になって市民使い方ができるブラックキューブという部屋があったりの文化レベルをお互いに高め合おうとする意志を強くと、専門分野に特化したスペースがいくつかあります。

感じていて、自分たちの街について学び、発信していこプロジェクトベースであることうという姿勢はとても公共性のあることだと思います。
ラーニングセンターに私たちが必要だと感じているこ

通常だと美術館が竣工した時にはこけら落としになるとは、先ほどもお伝えしたように教える人と学ぶ人が展示があり、それを建物をつくっていくことと並行して同じ場を共有すること。もうひとつは専門的に深く学学芸員さんが計画していくのですが、私たちの場合はんだり、専門性に偶然出会うということ。例えば制作しまだ組織的にもフレキシブルということもあり、どういうている人の横で研究している人がいたり、プロジェクト

ことをやっていくのかということを学芸員やアートプロジェを練っている人がいたり、それぞれ専門性の違う人がクトを既にやっている人たちと一緒に考えるということ同居しているという環境が重要なのではないかと思いをしています。コンペの要項があり、建築を提案するとます。それに対して「ジャイアントルーム」という名前をいうことを経て、実際にどういった展覧会やプロジェク

つけたものと専門性の髙い「個室ルーム」、この二つトをやったらよいのかということを考えながら、同時にの種類の空間を用意するということが建築の考え方

建物の設計にフィードバックし図面に反映するというやになっています。

り方をしています。
また、展覧会を企画するなど何かを企画するにあたっ

施設内構想てプロジェクトベースで考えていくことが必要であるとなった「種差海岸」があったり、デコトラの発祥の地でまず、教える人と学ぶ人が同じ場を共有するのに必要考えており、何かのプロジェクトの中に展示があったりあったりと、様々な文化があります。このように八戸市とされるジャイアントルームというものは、かなり大きなレジデンスがあったりという形をとっていく方が、柔軟には既にアートプロジェクトもあれば、美しい風景もあり、空間で、ここにはオフィスやライブラリーの空間が含まにその中で何をやるべきかということの組み合わせが誰も美術やアートとは認識していないけれどもおもしれつつ、全体のエントランスでもありイベントスペース

自由になるのではないかと考えていて、多分それは私

ろい風習や習慣が存在しています。また、加えて青森でもあり、仕切りのないユニバーサルな空間となっていたちが提案した建物のつくり方にも合っていると思うの

県には県立美術館、十和田市現代美術館、ACAC なます。

です。こういったことを他県のアートセンターやアーティ

どおもしろい美術館も存在しています。

一方で個室ルームは、専門的に深く学んだり専門性

ストにもリサーチをしていて、建設の途中経過でこの建そこに新しく建つ美術館として、美術館とは言わず「ラーに偶然出会うということに必要とされる部屋で各専門物だったらどういったふうに使うかと言うことを、将来

ニングセンター」と名付けました。

性に特化した小さな箱です。例えばホワイトキューブ

的に使うであろうアーティストの立場から空間について

や映像専門のブラックキューブ、アトリエなどのようなもコメントをもらうというカタチをとっています。普通はこのが個室群としていくつかあり、これを複数同時に利ういったやりとりは設計者と学芸員の人たちとでする用して、組み合わせ方によってアートセンターになっただけで、実際に使う人の意見は聞いているときりがなく「ラーニングセンター」に込められたコンセプト、構想「ラーニングセンター」という言葉には八戸市に既にある文化資源を調査、研究して、それらを繋いで新しく価値づけすることのできる専門性をもつスペースというコンセプトが込められています。
この今ある資源を調査、研究したり、展示やドキュメン
テーションしていくというプロセス自体を市民やボランティ
アスタッフの間で相互に学び合う、つまり美術館のようにエデュケーション（教育）するのではなく、本来教える立場の人も学ぶ必要があり、教える人、学ぶ人が交り美術館になったりエデュケーションセンターになった

コントロールしきれないということもあり、ほぼ取り入れ

りと、流動的な使い方ができるということが重要である

られないのですが、私たちは実際にここをどう使ってくと考え、組み立てました。

れるのかということを重要視していて、使うという意味

他にもギャラリー1,2というものがあり、これはいわゆるではアーティストも学芸員も同じであると考えています。

市民ギャラリー的な使い方をすることを想定としている

大澤苑美によるプレゼンテーション
八戸市と文化
八戸市は青森県の右端の太平洋側にあり、人口は23万人。
五穀豊穣を祈るお祭り八戸えんぶり、夏になると八戸三社大祭、B 級グルメのせんべい汁、朝6時の人口だったら名古屋駅に負けないぐらいの賑わいをみせる館
鼻朝市など、八戸市には様々な独自の文化があります。
八戸のアートシーン
施設としてはポータルミュージアムはっちという複合的な文化施設や、ブックディレクターの内沼晋太郎さん
がディレクターを努めている市営の本屋さん、八戸ブックセンターなどがあります。それに加えてアートプロジェ
クトを様々な側面で展開しているというところが八戸のアートシーンの特徴だと思います。
そしてその大本となっているのが小林市長なのです。
八戸市市長
小林市長は現在4期目の市長で、総務省出身ということもあり地域をどうしていくかということにかなり関心が高く、大学時代は演劇部の大道具をしていたということもありマネジメントの経験もあったのではないかと思います。
そもそものはじまりはポータルミュージアムはっちができるより以前、小林市長の前市長が三社大祭の山車小屋をつくりたいと言っていたことに対し、より活発な活動が生まれる場としてポータルミュージアムはっちをつ
くろうということを言い始めました。それに加えて小林市長はこれからは文化スポーツがまちづくりの中心になるんだと考え、現在私のいる部署であるまちづくり
文化スポーツ観光部をつくることを発案しました。これはかなり大きなことだと思います。
このように2005年以降、市長が就任してから様々な文化政策が行われてきており、ポータルミュージアムはっちができ、アートプロジェクトが展開されていき、その先にこの八戸市新美術館の建設に至っているのです。
まちづくり文化スポーツ観光部のこれまでの活動

1. 南郷村（なんごうむら）との合併
私のいる部署、まちづくり文化スポーツ観光部がこれまでどのような活動をしてきたかというと、まずひとつは南郷村と八戸市の間にある行政的な合併の課題のですが、市民ギャラリーと言ってしまうと市民しか使の解決です。八戸市に合併した南郷村は人口500人

わないようになってしまうので、市民はここを使えます

しかいない小さな村で、合併にあたり南郷村の方々によというだけで行政的なくくりはなく、行政的にここでし64

65

も、八戸市の方々にも利点と同時に不満に思う部分もいくつかありました。そんな八戸市と南郷村の間の溝のようなものを解消すべく、ホールで一緒になってパレード、コンテンポラリーダンス、ファッションショー、映画
制作、ジャズフェスなど、市民の人と一緒になってやる
アートプロジェクトをいくつか展開していきました。
そしてそんな各場所で行われているプロジェクトをひとつにまとめようということで今年の秋に、小さいからこ
そ丁寧に地域と向き合ったことができるようにと考え「南郷小さな芸術祭」の開催が決定したのです。

2. 工場とのアートプロジェクト
八戸は工業地帯で工場がたくさんあります。そんな街の工場を経済の拠点としてだけではなくて、景観、まちづくり、文化など様々な面でとらえ、それをアートと組み合わせることによって、工場は地域の宝としてもう一度発信してみようというプロジェクトを行っていました。

改修前の八戸市美術館
あまり知られていませんが、青森県ではじめて博物館法に基づいてつくられたのは八戸美術館です。収蔵作品は寄贈いただいたものや、地域縁の作家さんの作品を収蔵しています。その中でも一番メインとされているものは魔女の宅急便でも取り扱われた作品
で、これは中学校の美術の先生が生徒たちと一緒に彫った版画で、作者の名前のない作品として所蔵しているという点が八戸の示唆的なものであり、おもし
ろいところだと思います。先日おこなった美術館の休館直前に開催された展覧会はこの作品をメインとした展示でした。
これからの八戸市新美術館

ザル方式は今回が初めてです。

いうことを常に考えて試行錯誤しているそうです。

一方で青森県には十和田市現代美術館や青森県立

続いて西澤さんよりお話があり、10年前の青森県立美術館、国際芸術センター青森などステキな美術館

美術館の建設に関わってから今の八戸新美術館のやアートセンターが既に存在しており、そしてそこにさ建設に至までの間、建築家としての考え方の変化にらに弘前にも新しく美術館ができます。ということは、ついて話してくださいました。

建築をちゃんとつくらないとこのマーケットの中には乗っ

青森県立美術館のような大型の公立美術館は企画ていけない。なので絶対建築家は選ばなければいけ

展示室、常設展示室、市民ギャラリーをもっていて、ないと考え、そこからどういった建築家が良いかと考

展覧会をキュレーターが企画して、予算がどういうふう

えたところ、私たちはエデュケーションファームというこに分配されて使われてなど役割がハッキリしています。

とを掲げたのだから巨匠の方ではなく、これから私た

しかしその後、森美術館や国立国際美術館のようなちと一緒に話しができる若手建築家もちゃんと対象に多様性を持ち合わせた大型の都市美術館ができていなるようなプロポーザルにしようという結論に至り、今く中で、青森は辺境の地ということもあり地理的に不回のようなカタチになりました。

利なため、2005年頃から有名なコレクションをもってそして先ほどもあげたように青森県のなかで様々なアー

いたり、大型展を開催すれば人が来るという考え方はトシーンがある中で、八戸がどういったポジションをとっ崩壊し、地元のことを考えた美術館にシフトしていっていかなければならないのかということも引き続き考たそうです。

えていかなければならないと思っています。

そして今回の八戸市美術館のプレゼンテーションにつ

そのきっかけとなった事柄が、東日本大震災の時に沿建物の耐震補強が必要という結果がでたり、市民か

岸部の工場が大きな被害を受けたことにあります。震

らの声もあり、2016年に美術館新建設が決定したの災後、工場が日々復旧していくことに私たちは元気をですが、そのとき市長が言ったのが、アートセンターをもらい、このことから街の元気は工場の元気と繋がっ

つくろうということでした。

ているのではないかと考え、工場をテーマとしたアート

そこから私たちはアートセンターとは一体何なのかとプロジェクトをすることになりました。

いうことを考え、それを踏まえて今までやってきたアー

その中でなんちゃって大学として八戸工場大学をつくり、

トプロジェクトも含めてこの地域における文化芸術の

実際に工場の方に先生になってもらって講義をしたり、生態系を考えたときに、どういう美術館が良いのかと各工場から提供してもらった資材で工作をしたり、工考える必要がありました。

場の配管をテーマとして作品をつくっているアーティス

しかし、私たちは既にいろいろなアートプロジェクトのトと一緒に作品をつくったり展覧会を企画したり、工現場の経験があったため答えがはっきりとしていた部

場をテーマにしたグッズをつくってみたりなど、工場好分があります。それはクリムトやシャガールなどの名画

きな市民の方々と事務局が組んで市民運営で様々なはないし、それを買うお金もないけれど、私たちには活動をしています。

資源がたくさんあって、それを発掘するプロジェクトをやっ

また工場から出る炎や、煙と勘違いされがちな水蒸気てきたじゃないかと。その延長で「アートエデュケーショ

など、工場にとっては苦情の対象となるようなことにあンファーム」というカタチでビジョンを描き、その中でアーえてスポットを置き、その現象を良い観点でとらえプロ

トプロジェクトとエデュケーションと美術館の3つの機

ジェクト化し、工場と一緒になってエネルギーの重要能が一緒になったようなものにしましょう、ということに因みに今回の美術館コンペで提出された140程の数

性を市民に伝える活動もしています。

なったのです。

3. ポータルミュージアムはっちのアートプロジェクト

八戸市では2011年に開館したポータルミュージアムはっ

ディスカッションのプロポーザルのシートの内容の多くは、外観、建物

ポータルミュージアムはっちは南三陸のきりこのプロジェ

ちをきっかけとし、市内の様々な空間で多様な市民がはじめに服部さんより、八戸で様々なアートプロジェク

さん、浅子さん、森さんのプロポーザルシートは建物

クトなどもしている吉川由実さんがディレクターを務め、主体的な活動を展開しています。その中で八戸市が

トを展開していく中で、アーティストという存在をどのよの外観部分のイメージがとても小さく、かなり中身に地域資源を大事にしながら様々なプロジェクトを開館進めるアートのまちづくりの中核となって、これまで以うに考えているのかという問いが投げかけられました。

踏み込んだ、建築というよりもプロジェクトに近いもの

当初から行っています。どのようなことをしているかと上に八戸の地域性と人にこだわり、アートがもつ力によっ大澤さんは八戸にとってアーティストは個人の作品をだったそうです。
森さんは、どちらかというと今回の企画にはやさしい

いて服部さんより、中の構造についての話しはあった
今後の目標
このように八戸はアートのまちづくりに取り組んでいるのですが、人口が減少していく地方都市です。そのなかでどうやって地域を維持して発展していくのかと考えた場合、人口が増えないのだったら、ひとりひとりの持てる力を倍増させていく他ないでしょうという考えがベースにあります。人口23万人の八戸でできたなら他の同様の規模の地方としてもできるはず、そうしたら日
本は変わるのではないか、と大きく風呂敷を広げて、八戸の文化状況を変えていくということが、日本の文化状況の生態系を変えていくということに繋がったら良いなという想いで、今後も活動を続けていきます。
次回のレポートでは、ディスカッション部分をとりあげます。

のですが、形体、外観の話しがほぼでていなかったことに関して、形体がプロセスから導き出されていく考え方が建築というよりもプロジェクトを考えるときの考え方と似ていると感じ、建築家にとってのエゴのようなものをそれぞれどのようなところにもっているのかという問いを含めて話されました。
西澤さんや浅子さんは外観や形体については、外観の奇抜さやおもしろさを優先順位としては考えておらず、それよりも中での活動がどのように外に広がっていくのかということや、美術館がこれから先10年、20年後も稼働し続ける、というところが大事と考えていて、そのためには、中のことを考えざるを得ないし、こういうことをやるべきなんだと非常に強く打ち出しているといった意味では、エゴイスティックなんだろうと思います。と話していました。

の美をアピールするものだったそうなのですが、西澤

いうと、例えば88人の市民の方々が誰かにインタビューて感性や創造力を高める場所としての美術館運営がみせるというよりも、一緒につくるパートナーという捉をしてそれをもとに写真を撮り、その展覧会をしたり、期待されている、今、新美術館に求められていること

え方をしていて、そのためアーティストを選ぶときの視寄り添い方をしているため、浅子さんや西澤さんのジャ八戸発祥であるデコトラや、騎馬打球をテーマとしたはまさにこういったことではないかと思うのです。

点も、地域や地方を意識できたり市民の方と一緒にイアントルームの提案だったりを見ていて、八戸市にプロジェクトをしたり、八戸の寒さを生かしてスケート

これらの内容をもとに建築の設計の選定方法はプロ

話したり、つくったり、リサーチできる人ということを重対してすごくエゴイスティックな提案をしているなと感じ場をつくったりなど、ポータルミュージアムはっちができ

ポーザル方式にしましょうということになりました。

視しているそうです。そんなアーティストとの存在も重る所があるそうです。

要なのですが、間に入るコーディネーターがいるかい

続いてチームでやるということについて話しは移り、西建築のプロポーザル方式

ないかはとても大きく違い、大澤さん自身もコーディネー

澤さんは要項を見たときから、それぞれ得手不得手がターという立場でお仕事をしていく中で、アーティスト

あるようなチームで組んだ方がいいなと思っていたとの意見を市民や部署の人たちにどのように伝えるかと言います。

て以降、有名無名に限らず八戸の地域資源を再認識
してアーティストと市民が一緒に創造活動やリサーチをすることで、作品にしていくプロジェクトタイプの活動を行ってきました。

実は八戸市での一般的にひらかれた建築のプロポー

66

67

浅子さんと案を出し合う時もお互いの案をつぶし合う

いているそうです。八戸は学芸員の方も若い方が多く、設計チームの理想としては、キュレーターインレジデン

ところからはじめ、そこから何が共通して重要かといっ経験のある人がいないのが現状で、プロジェクトの経スとかリサーチャーインレジデンスみたいなことができすが、そこで開催されているハバナ・ビエンナーレはとたことが削り取られていき、そこへ森さんがソフト的な

験値は上がってきているのですが、それを美術史とつればいいなと思っています。例えば ACAC では、まだても興味深いものでした。
それがいかにユニークかを理解するために、
まずはキューんが言うように、日本から遠く離れた小国キューバで側面から意見を出すといったプロセスで進めているそ

なげていくというところでやはり今の状態では弱い部

この青森という地にふ化していないアーティストを呼び、うで、これをすることによってだんだん絞られ、やれるこ分があり、まずは専門である職員の能力をあげていく

そこでつくってもらうとするのであれば、八戸市ではそバの歴史と美術についてスライドを交えて紹介いただとが明確になっていくそうです。

必要があると感じているそうです。

の展覧会やプロジェクトをつくる人や、コーディネーター

きました。

そもそもこのプロジェクトを始める前から西澤さん、浅しかしこれは青森県立美術館のときにも同じような状を育てる人、そういった人に来てもらい、八戸市や青キューバがスペインの植民地になったのは16世紀ごろ、子さん、森さんは友人ではありましたが、一緒に仕事態だったようで、10年たった現在では癖のある展示

森県そのものをリサーチする拠点になったらおもしろそのため、キューバの美術はもっぱら当時のヨーロッをする経験はなく、そのため最初は意見も合わないこ

空間もうまく使われ、西澤さんたちが想像していた空

いのではないかと思っています。と話していました。

パの影響を受けたものでした。その後、独立戦争を経とが多くあったそうですが、話をしていく中でだんだん間の使い方以上の使い方がされていて、これを見た

これから建てられる新美術館にも八戸市自体にも、多て1902年にスペインから独立します。この頃のキュー

共通の理解ができてきたと話し、この3人でのやりとり

西澤さんはニュートラルな空間よりも、不自由だからこくの可能性を想起させるようなトークだったと思います。

を今は八戸の人たちと一緒にやっていますと仰っていその使いやすさはある種あるような気がします。と話しました。

ていました。

そのまま話は10+1d website でのインタビューへと移り、そしてトークも終盤に差し掛かり、質疑応答へと続き設計の話へとシフトしていきます。

ます。

浅子さんが教えている大学では毎年卒業設計展が行質疑応答の中ではあいちトリエンナーレのアーキテク

なわれており、そこで浅子さんは学生の作品に対して、

トで ACAC の現場で設計を担当していた武藤隆さん

建物への物語性が強すぎてカタチが疎かになってしまっより、青森はここ15年ほどで ACAC、青森県立美術館、ていることが多く、これでは本末転倒なのではないか

十和田市現代美術館のような質の高いそれぞれ役割と感じていて、きちんとカタチやプログラムをつくるとい分担したものが建てられ、青森県全体でのアートスペー

うところに力を入れ、尚かつリサーチと設計が不可分

ス化のようなことがおきていて、このアートスペース化になるような状況はつくれないのかと考え、自らは設計の最後のパズルを八戸がうめる感じがしており、このしながらリサーチしているそうです。それに加えて今回

先弘前と八戸の美術館ができたときに、そのネットワーの八戸に関しては設計行為自体をアートプロジェクト

クを生かす方法のようなものがあれば聞きたいです。

にしたいという想いがあり、単に設計図だけを出してと質問がありました。

終わりでも良いけれど、今後そういう時代ではなくなっ

大澤さんはそれに対して、そういったことをやっていかてくるのではないかという予感が設計当初からあった

なければならないと感じており、この今ある美術館のため、結果このようなやり方になりました。と自身の体生態系をどうマネージメントしていくのかということは

験も踏まえて話してくださいました。

県の文化行政がやるべきなのですが、今の青森県の西澤さんは、設計するということは未来にできるであろ

文化行政はそこまでの思考に至ってないので、逆に今うものを今計画するということだと考えており、西澤さ

度はその現場を扱っている美術館の関係者やキュレー

んの中では線を引くことだけが設計ではなくて、10年

ターがちゃんとネットワークを組んで、そういう政策提後20年後にどういう姿になっているのかということを言をしていくという段階まで持っていけると良いのでは逆算して、今必要なことを裏回しするということも、線ないかと思っていて、実際に今の段階では、あおもりアーを引くということと同じことであると言います。しかしだ

ツコミッションというネットワークがあり、2020年に八戸、からといってユニバーサルな状態で何でもできる空間

弘前の美術館が完成したら一緒に5館でなにか企画をつくるのではなく、今の考えでのベストな状態を出しをやりましょうという話しが上がっているそうです。

ていれば、10年後それが合わなくなった時にも変えや森さんは ACAC でプロジェクトやレジデンスの経験をすいのではないかと考えているそうです。

得てきたアーティスト達が県立美術館で展示、企画を森さんはアーティストインレジデンスを運営していく中で、するなど、アーティストが育ち、その間を繋ぐようになっ新しい美術館のように、一本線を引くことによって可てきていると感じていて、八戸もそのようなプロセスで、能性が増えたりする、このハードの持つ力をもし仮に自然と繋がってくるような気がします。と話していました。

普段運営しているレジデンスに持ったらどのようなこと

西澤さんは単純に展覧会やイベントなどカタチだけでが可能になるのかを今想像するチャンスなのではない

連携していくというよりは、それぞれの場所のキュレーショ

かと思っていて、それを考えることが大きな思考としてンや運営など、技術や人的なリソースをどのように流おもしろいと感じているそうです。

動的にするかが重要だと思っています。また八戸市で続いて話はジャイアントルームの話に移ります。

今やろうとしていることは、今ある文化資源をどのようジャイアントルームという巨大な空間をどう使うかといに発掘して調査してそれをプロジェクトにしていくかとうことは、大澤さん含む八戸の方の間で今も議論は続いうことです。そのことを踏まえて考えたときに、私たち

バは、独立を支援したアメリカの強い影響を受けます。
それは、アーティストたちも例外ではなく、20世紀初め

レポート｜小川愛のキューバでは抽象的な表現や考え方が主流となっていきます。

シンポジウムいま、改めてアートセンターを考える。
vol.3
国際展（芸術祭）拠点としてのアートセ
ンター：ハバナ・ビエンナーレとキューバのアートシーンについて
日時｜2018年6月16日（土）
13：00〜15：30

ゲスト ｜ブランカ・ビクトリア・ロペス
進行

｜服部浩之

「いま、改めてアートセンターを考える」も3回目をむかえました。
今回は、あまりその実情が知られることが少ない、カリブ海の島、キューバに焦点をあて、国際展（芸術祭）
拠
点としてのアートセンターの役割について、ハバナ・ビ
エンナーレを手がかりにトークが広がりました。
ゲストには、キューバからキュレーターをお招きしました。
ウィフレド・ラム現代美術館でキュレーターで、世界各地のアーティストが参加するハバナ・ビエンナーレでは
中東地域を主に担当するキュレーターとしても活躍する、ブランカ・ビクトリア・ロペスさん。モデレーターを服部浩之さん（キュレーター、アートラボあいちディレクター）がつとめ、貴重な話を聞くことができました。
シンポジウムは、ブランカさんの自己紹介にはじまり、
キューバの簡単な歴史について美術の視点からの紹介、そして実は30年以上の歴史があるハバナ・ビエン
ナーレの始まりと現在についてと、わかりやすく話が展開されました。
日本からの直線距離は12,500km ほど離れていて、飛行機でいくと、カナダで乗り換えておよそ15時間ほどかかります。
「far far far away」と何度もブランカさ68

69

この流れはおよそ50年ほど続きますが、1959年におこったキューバ革命によって、状況が一変します。反米、ソ連との密接な関係が生まれ、社会主義国としての長い時代がはじまります。これまでのアメリカの影響を排除する動きが政府主導で全国的に展開され、美術の世界でも、抽象表現ではない表現の仕方を探求していくことになります。
そうした中、1961年に政府がすべてのキューバのアー
ティストを集め「キューバにいるアーティストがどうある
べきか、どのような社会主義的な作品をつくるべきか」ということを話し合う会議が開かれました。キューバの
アーティストにとっては、自由に表現することができない時代だったようです。
多くのアーティストが国外に出て活動することを希望していましたが、1960年代のアーティストとして重要な1人である、セルヴァンド・カブレラ（Servando Cabrera）
は、キューバに残り、抽象的な表現ではなく具象的な表現を取り入れた絵画制作を行いました。キューバの美術史を語る時は10年を一区切りとして語るそうですが、1970年代、重要な女性作家としてアントニア・エリ
ス（Antonia Eiriz）がいます。革命後、女性の社会進
出に力が入れられていました。
こうした60年代、70年代の革命の余韻がまだ強く残る
ころ、革命政府に従うアーティストばかりではありませんでした。ラウル・マルティネス（Raul Martinez）
は、反米思想の中、アメリカで生まれたポップアートの表現
方法を取り入れた作品を発表し、社会の現状などを訴えました。
また、革命後に美術を学ぶ場所をつくろうとする動きがおこり、その活動に賛同したアーティストたちが教師となって後進の育成にあたったことで、70年代以降には彼らの教えを受けた新しい世代のアーティストたちが増えていきます。
表現としては、抽象的な中に農夫や日々の暮らしなどの具体的な事物がみてとれるようになっていきます。これは70年代以降、政府の方策で途方も無い量の砂た内容を持ち寄って、当該年のビエンナーレでどんなります。

ターも一緒に汗水を流して経験していくことで、より良糖を生産するため、全国民が農業に従事するというこテーマでどんな作家を招待するかを相談します。

さらに、アーティスト・イン・レジデンスのようにキューバ

い結果が生まれていきます。

とがあり、都市ではない地方の農村地帯での生活を

この編成は第3回から現在まで変わっておらず、スタッにきて、キューバのことを知って、キューバでしかできな

市民はどのように受け入れているのか？またビエンナー

強いられたことが影響しているようです。

フもほとんど変わっていないそうです。1つの専門分野

い作品を制作するために、長い時間がかかります。

レの収入は？という会場からの質問に、「いい質問で革命が起こってから30年あまりたった80年代、1982

について長い期間リサーチしていることで、変化したこ

さらっと聞いただけでも大変そうな内容で、ブランカさすね」とさらに深く話しをしてくれました。

年にウィフレド・ラム（Wifredo Lam）がなくなります。

とがすぐにわかったり、理解が深まったりということがんたちキュレーターにとって、なにも金銭的なサポート

キューバは社会主義が長く、公的なサービスはすべて1902年にキューバで生まれ、アートを学びその後ヨーあり、キューバでビエンナーレをみて触れる人々に対しができないこともあって、アーティストに参加の可能性

基本は無料です。ですので、ハバナ・ビエンナーレも、ロッパに渡り、ピカソやシュルレアリスムと邂逅し、アメてより良いアプローチができると考えられています。

をたずねる連絡をするだけでも大きなストレスになるそ

市民には入場料などが全くかかりません。

リカの抽象表現主義に影響を与えた国際的なアーティ

スペインの植民地時代から、独立、革命、冷戦終結とうです。

市民に対しては「観客」ではなく、キュレーターがアーストです。彼が亡くなった時に、その業績を記念し、海大きな歴史のうねりを超えてきたキューバでの美術の「ハバナ・ビエンナーレに参加してみませんか。ただし、ティストと協働するように、できるだけ市民も巻き込ん

外の最新の状況を紹介するなど、現代美術に焦点を流れを確認し、ハバナ・ビエンナーレの誕生までたどり

すべての費用をご自身でまかなっていただくことになりで関われるようにすることを大切に取り組んでいるとあてたウィフレド・ラム現代美術センターが誕生します。

つきました。

ます。また、インターネットがすぐにつながらないので、いいます。

あまり国外に出る機会がないキューバの人々にとって、次はより具体的に、ハバナ・ビエンナーレの進め方など反応が遅くなりますし、物資も限られているので、作品すべての人が参加できたり、すべての人に受け入れら

このセンターがあることで、キューバ以外の国のアートについて話が進みます。

制作に必要なものもすべて持ってきていただくことになれることではなく、例え6人などの少数でも関わることを知ったり、アーティストと関わりを持ったりすることが3年ごとに開催されるハバナ・ビエンナーレでは、次回ります。」

ができれば、その人たちが家族や友人、知人にその経できるようになりました。そして、第3世界（当時のアメリ

開催までの3年のうち、最初の2年がリサーチャーによといったような内容のメールを送るそうですが、ほとん験を語ったり伝えたりすることで、間接的にその体験

カなど先進国以外の発展途上国）の美術をひろく紹るそれぞれの専門地域でのリサーチにあてられます。

と答えるそうです。お金を払っ
どのアーティストが「YES」

が共有されていって巻き込まれていくことができる、という話は印象的でした。

介する目的で、1984年に第1回ハバナ・ビエンナーレ

そしてそれぞれのリサーチ内容を持ち寄り、テーマなどてでも、参加したい、と思うアーティストが多いと言うこが開催されました。

を議論します。

とですが、それはなぜか？

かなり高い注目を集めたこの第1回展は、郵送による議論の中では違いや共通の問題などが浮かび上がっ

最後に、「日々変わっていく状況の中で今後もハバナ・ビエンナーレを国際的にどう位置付けていくか、考え

正式な招待状を送られた300名ほどのアーティストがてきます。例えば第3回では、気づきとして、伝統的なブランカさんの意見としては、「キューバという国が新ていかなければならない」と、これからに向けの態度

参加する展覧会として構想されたのですが、誰かに送

美術や歴史を理解しないと、現代美術が理解できな

鮮だから」。

や決意についてお話しされ、トークは終了しました。

られた招待状がどんどんコピーされ、結果的に1000いということがみえてきたため、その両方をみせること

キューバは、インターネットが制限されていたり、電話

普段あまり聞くことのできないキューバの歴史やアート

人近くの作家（作品）
集まってしまいました。すごいとこになりました。

が通じにくかったり、停電が多かったりと、情報をすぐシーンに加えハバナ・ビエンナーレに直接関わっていろは、その1000人の作家すべてを受け入れ、展示をテーマは毎回かわり、「移民」や「コミュニケーション」、に手に入れたり発信することができる状態ではありまるブランカさんのお話は、新たな発見が多く、とても興すると決めたところです。当然、センターだけではおさ「よりよく生きる」など、実に様々ですが、目的はかわらず

せん。つまり、キューバの人が海外のことについて、あ味深いものでした。また観客の方ひとりひとりの質問

まらず、街中に会場を拡張することになります。

「キューバにいる人のために行う」ということです。美

まり情報を得ることができないわけですが、同じように、に対しても親身に考え、向きあうブランカさんの姿勢は

ヴェネチア・ビエンナーレを目指していた当初、第2回

術の世界やアーティストのためではなく、キューバにい海外の人がキューバのことについて知る機会もほとん

とても印象的で、市民やアーティストと直接関わってつまではヴェネチアと同じように審査員が作品に投票しる人、きた人、そうした謂わば普通の人々のための作

どありません。

くりあげていく今回のハバナ・ビエンナーレのお話しとどこか繋がるところがあるように感じました。

てコンペティションを行なっていました。しかし、様々品を制作し展示すると言うことです。

そうした状況は、海外のアーティストにとってまるで未な場所から集まった、社会背景や文脈が全く違うとこ

会場も、美術館やギャラリーのようなホワイトキューブ

知で、すでに名の知れたアーティストであっても、若手

ろから生まれた作品をコンペすることに疑問があがり、ではなく、まちなかに進出していくようになります。第7であっても、新しい経験をすることになります。その点

第3回以降からはコンペは開催されなくなりました。

回では、一般市民の自宅内に展示するなど、市民をが大きな魅力であるといいます。また、すでに有名になっ

ハバナ・ビエンナーレはその名の通り、2年に1回開か巻き込んでいくといったアプローチがとられました。

ているフランシス・アリス（Francis Alys）
やウィリアム・ケ

れる国際展でした。しかし、1989 年にベルリンの壁

ブランカさんが初めて関わったのは第10回から。正も、まだ無名なころにントリッジ（William Kentridge）

が崩壊し、次いで1991年にソ連が崩壊したことで社式にキュレーターチームに入ったのは、第11回からです。

ハバナ・ビエンナーレに参加したことで国際的に知ら会情勢が大きく変わり、東側社会から資金、物質など

このときには、まちなかには30以上の会場があり、市れるようになった経緯があり、彼らが若いアーティストの支援が受けられなくなったことで、ビエンナーレと呼民が積極的に関わってくれるようにもなりました。会場にそうした経験を伝えることによっても、ハバナ・ビエン

ばれながらも、3年（ときに4年）に1回開かれる国際展数が非常に多くなり、来場者数のカウントはこの頃か

ナーレへの期待が高められることがあるそうです。

として現在も続いています。また、この頃から、「なぜら意味をなさなくなり、数字的なことよりも、そこでどの

また、様々な人が参加することによって、国だけでなくキューバで国際展を開催するのか」「キューバでしかでような体験、経験が生まれたかということにフォーカス

年代や性別も多様な人と関係をつくることができます。

きないことは何か」ということが考えられるようになっされるようになりました。

こうした機会創出はキューバのアーティストにとって非ていきます。

ここで、素朴な疑問が。

常に重要なことでもあります。

ハバナ・ビエンナーレにはヨーロッパ、アフリカ、アジア、

ハバナ・ビエンナーレに参加する作家はどのような経予算も物資もないなかでは、アーティストとキュレーター

南米など様々な国のアーティストが参加しています。そ緯で参加することになるのか？

の関係も通常の国際展と同じではない？という疑問にうした多種多様な人々と協同していくために、大きなチー

ちょっと意外な答えがかえってきました。

は、「協働するんです」と答えるブランカさん。

ムの編成変革があり、リサーチャーと呼ばれる専門家

まず、作家には謝礼のほか、交通費、宿泊費、材料費

アーティストのために写真をとったり、街中を走り回っを置くことになります。彼らはそれぞれ専門の地域をなどの作品を制作展示するための諸費用の一切がたり、一緒に制作をしたり。若手から大御所まで同じ担当（ゲストのブランカさんは中東担当）
し、
リサーチし

支払われません。作家は手弁当で参加することにな

苦労をして作品を制作していきます。その過程をキュレー

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レポート｜松村淳子

アートラボあいち運営体制

ディレクター

服部浩之

コーディネーター

近藤令子
松村淳子（2019年1月〜10月）

スタッフ

岩崎絵里加（2017年4月〜2018年2月）
小川愛（2017年5月〜）
岡本涼伽（2018年12月〜）
城所豊美（2018年4月〜）

連携大学

愛知県立芸術大学
名古屋芸術大学
名古屋造形大学運営

あいちトリエンナーレ実行委員会

アートラボあいち
2017 −2019 報告書
編集

服部浩之、近藤令子

写真アートラボあいちスタッフ｜ p10(top), 11(bottom), 12(center,bottom), 14(bottom),
16, 18, 20, 22, 23(bottom), 25, 27(bottom), 28, 29(bottom), 30(center), 31(bottom)
池田康教 ｜ p11(center), 29(top)怡土鉄夫 ｜ p30(top)城戸保｜ p10(center, bottom), 23(top), 24, 27(top), 31(top)高木明子 ｜ p14(center), 30(bottom)
武田陽介 ｜ p21, 32
谷澤陽祐 ｜ p29(center)冨田良平 ｜ p17
藤井昌美 ｜ p12(top), 13(top), 14(top), 19, 31(center)三浦知也 ｜ p2, 4, 11(top), 13(center,bottom), 26

デザイン

小島邦康（ARTICAL inc. ）発行

あいちトリエンナーレ実行委員会

2020 年3月発行