Von realer Gegenwart
Marcel Broodthaers heute
11. September 2010 – 16. Januar 2011
Kunsthalle Düsseldorf und Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen
Die gemeinsame Ausstellung der Kunsthalle Düsseldorf und des Kunstvereins für die Rheinlande undWestfalen zeigt ausgewählte Werke internationaler Künstlerinnen und Künstler, die sich explizit auf Marcel
Broodthaers beziehen oder im Sinne einer Weiterentwicklung Motive seines Œuvres aufgreifen. Schon zu
Lebzeiten ein überaus einflussreicher Künstler seiner Generation, wird Broodthaers auch von heutigen
Künstlern produktiv rezipiert. Die ungebrochene Aktualität seines Werkes macht dieses zur Referenz
zahlreicher zeitgenössischer Arbeiten, die sich mit seiner Bildtheorie und den Themen seines Œuvresauseinandersetzen: der Hinterfragung der Institution Museum, der Beschäftigung mit Imagination undSchein als Demontage des Kinobildes, dem Verhältnis von Sprache, Schrift und Bild. Auch Überlegungen,die viel später unter dem Thema der Institutionskritik verhandelt wurden, finden sich in Broodthaers' Werk,
dessen radikale wie wegweisende Qualität ungebrochen ist.
Zeitgenossenschaft vermittelt sich bei dieser Ausstellung im Sinne des Quadriennale-Themas„Kunstgegenwärtig“ als Genealogie der Gegenwart und in Werken, die sich in ihren Referenzen zu ihrem
historischen Impulsgeber bekennen und diesen dadurch selbst in seiner Abwesenheit aktualisieren.
Tacita Deans Arbeit Parrot zeigt einen Papagei unter Palmen vor dem Atomium. Das Foto, das dieKünstlerin auf einem Brüsseler Flohmarkt gefunden hat, erscheint wie ein Bilderrätsel, dessen Lösung
aufgrund des Motivs nur „Broodthaers“ lauten kann. Deans Interesse gilt dem Verborgenen und Sichtbaren,insbesondere außergewöhnlichen Orten, deren Geschichte und Gegenwart. Ihre malerischen Filmereflektieren mit verstörender Intensität Abwesenheit und Verschwinden und befragen das Medium
gleichzeitig selbst.
Die Installationen von Rirkrit Tiravanija sind geprägt von einem Austausch mit dem Publikum. Dabei
stellen sie nicht nur die gesellschaftliche Relevanz von Kunst und die Art und Weise ihrer Präsentation,sondern die Ausstellung als Format an sich in Frage und knüpfen somit an Broodthaers’
institutionskritischen Ansatz an.
Der Missbrauch geschlechtsspezifischer und kultureller Unterschiede sowie die Konstruktion von Identität
sind Themen in Susanne M. Winterlings Fotografien, Filmen und Collagen, die insbesondere auf
bedeutende weibliche Persönlichkeiten referieren. Literatur, Filmgeschichte, Architektur und Musik, aberauch Alltagsgegenstände dienen ihr als künstlerisches Material, das sie zu komplexen, zwischen
Authentizität und Fiktion oszillierenden Geschichten verknüpft und in atmosphärischen Installationen
inszeniert.
Was ist Sprache, ein Bild oder die Zeit, und wie konstituiert sich Bedeutung? Diese Fragen untersucht JoëlleTuerlinckx in ihren Werken und Rauminstallationen. Sie operiert an der offenen Struktur der Sprache, dieauch Bild ist – eingedenk der Thematik einer avantgardistischen Poesie, wie sie Broodthaers subversiv
einsetzte. Die Realität darf und kann nur rätselhaft bleiben, und ein leerer Raum kann voller Begriffe undneuer Ideen sein.
Die Werke und Installationen von Stephen Prina hingegen beziehen sich auf Vorhandenes, dem sie einewiederholende Variation an die Seite stellen. Retrospection Under Duress, Reprise beispielsweise nimmt
Elemente aus Marcel Broodthaers’ Adlermuseum von 1972 auf, überlagert sie und unterzieht sie in ihrer
Geschichtlichkeit wie ihrer aktualisierten Wahrnehmung einem Transfer in die Gegenwart.

Auch Olivier Foulons künstlerische Arbeit findet ihre Form in Installationen, in denen er sich unter
Einbeziehung der Kunstgeschichte fremde Werke, Dokumente sowie theoretische und literarische Bezüge
aneignet. Dabei unterstreicht, hinterfragt und verschiebt Foulon insbesondere das Verhältnis von Original,Kopie und Reproduktion und beschäftigt sich mit der Präsentation und Rezeption von Kunstwerken.
Bei Cerith Wyn Evans steht indessen die zitathafte Verschränkung verschiedener Genres im Mittelpunkt.
Referenzen auf Werke anderer Künstler, Filmgeschichte und moderne Naturwissenschaften verbindet er mit
formalen Anspielungen an konzeptuelle Werkentwürfe der 1960er Jahre. Seine hochästhetischen Werke
betonen dabei den unabschließbaren Prozess der subjektiven und assoziativen Wahrnehmung, die an dieStelle von Eindeutigkeit und Transparenz tritt.
Kirsten Pieroths Interesse gilt wiederum den Möglichkeiten, mit denen sich Alltagsobjekte, Ereignisse undMythen kultureller Produktion anders repräsentieren lassen, als unsere Erfahrung oder Gewohnheit es lehrt.
Durch Aneignung, Umwidmung und Dislokation, aber auch durch das bloße „Wörtlichnehmen“ vonfeststehenden Bezeichnungen, offenbart Pieroth unterschiedliche Lesarten dessen, was wir gemeinhin nicht
hinterfragen und überprüft unsere Ordnungssysteme auf deren Sinnhaftigkeit.
Auch Henrik Olesen verwendet konzeptuelle Strategien um die Konstruktion von Wirklichkeit,
insbesondere von Geschichtsschreibung offen zu legen. Seine Collagen, Installationen und architektonischenInterventionen sind kontinuierliche Untersuchungen von Geschlechts- und Identitätskonstruktionen wie sievon (Kunst-)Institutionen fortgeschrieben werden. Sie enthüllen gesellschaftliche Konventionen als Folge
von politisch motivierten Kategorisierungen und Ausschlussmechanismen.
Im Gegensatz dazu geht es bei Andy Hope 1930 (Andreas Hofer) um Super-Fantasy und Science Fiction.
Batman und Superman sind seine Helden, aber vor allem Referenzfiguren wie Hedy Lamarr, Veronica Lake,J.G. Ballard oder Jack Smith. Die Umformung von Populärkultur, aber auch Fundstücken in Kunstobjekte ist
Thema seiner Arbeit Un Voyage en mer du nord, die das gleichnamige Werk von Broodthaers zitiert undZeugnis verschiedenster referentieller Beziehungsformen ist.

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