―世代的にはバブルの頃ですよね。

Ｅｘｈｉｂｉｔｉｏｎ #10

ちょうどバブルがはじけた頃ですね。
1994年に橋本 トモコ卒業したので。
でも今思うと、全然景気良かった

川を歩くですよね。今ははじけているから就職するより大学院に行った方がいいってバイト先で言われた2022年4月29日-7月24日

りもしました。
でもその後も景気は落ちる一方だったですけど。
大学院のときに李禹煥さんが先生でいらしたんです。講義のときに、絵が売れなくなった、と言っていたことをすごく覚えていますね。

油絵は本来、薄塗り用なんですよ古典技法はいちばん美しい色が出る―就職することは考えなかったんですね。

そうなんです。全然頭になかったですね。就職

千葉県の公立高校で美術部に入って。美術の先生が若くて熱心だったんです。
美大に入った先輩が夏休みに遊びに来たりもして、それもちょっといや、親が4人いるような感じでみんなうるさいんですよ。
姉は女だからって我慢を強いられて短大に行ったのに、私は浪人して美大に行ったの格好良かったんですね。

で、かなり長年言われました。

―美大に行く先輩は多かったんですか？

―1浪ですか？

3人くらい来て、女の方はデザインで、おしゃれで格好良かった。あとは武蔵野美大に行った男の方とか。
それで美大があるって知って、行こうかなって……まあ、すごい反対されました（笑）
。
―そうですか（笑）
。

そんなとこ行ってどうするみたいな感じですけ

ど、それを押し切って。
だいたい親の言うことは聞いていない（笑）
。

―とはいえ、反対されるとたいへんですよね。

でも何も聞かないし、相談したことも1回もなくて、みんな事後承諾で。申し訳ないことに。私、末っ子なんですよ。
上に姉と兄がいて。

2浪です。
2浪して多摩美大に行って。
大学がすごく面白かったので、そこから大学院に。

―美大は好きなことができるし、それが学業になるから。
でも、その後がたいへんじゃないですか（笑）
。

落差がね（笑）。
そのあと就職しなかったから、ずっとバイト生活でたいへんですよ。
そうすると結局、みんな辞めていっちゃうんですよね。
―生活が成り立たない。

優先順位を自分で上にあげていけないと、やっぱり、辞めちゃいますね。卒業するときは、まわりもほとんど就職しないで、私のクラスは26人くらいいて、就職したのは3人くらい。

えたので、それは本当に良かったですね。
―それはいつ頃ですか。

2001年からかな。2005年の3月までいた。2人部屋なんですけど、片側の人はほとんど描かな借りて。日がまったく当たらない、床が傾いたア

らめきは舞い降りる》という大きなリンゴの絵があそこに結局10年くらいいました。

く使えて、描けたんですよ。

パートだったんですけど、破格に安かったので。

―じゃあ、好きなことをしても……

そうですね。
あんなに日の当たらないところで。

でも大学に助手で呼ばれて、広いアトリエがもらしたら描けないと思って。卒業して、でも家にも戻りたくなくて、すごく古い四畳半と六畳の部屋を―どんなきっかけで絵を描く道を選んだんですか？

―若いからできたところもありますよね。

―バイトしながら。
すごいですね。

たいへんでしたね。卒業して5年たってから多摩美の助手を4年間するんですけど、最初はビデかったので。
東京都現代美術館に収蔵された《ひるんですけど、隣の人がいないからアトリエを広―助手になって、制作環境が良くなった。

2002年にホルベインのスカラシップがとれたのも大きかった。
それまではずっとテンペラで描オ屋でバイトして、そのあとはずっと派遣の仕事いていたんです。私は油絵科だったんですけど、になると辞めたりして。
当時はとにかく眠かったでつまり感情が表れているのが好きじゃなくて。
もっをやって。派遣だと定時に帰れるし、展覧会の前すね。
仕事から帰ってきて、ごはん食べて、眠すぎてちょっと寝て、夜中に起きて絵を描いて、という生活で……眠さとのたたかいでした。

油絵のテカテカした感じとか、盛り上がった感じ、とフラットにやりたいと思ってテンペラをやっていたんですけど、助手になったときに、油絵の古典技法を教えに来ていた外部の先生の担当になって、先生の見本用の絵が本当にきれいで。
あ、油絵ってこんなふうに使えるんだって思って。油絵

具は使っている人が多いから開発されているんですよね。色数も多いし。
テンペラは色の数も少ないし、自分で混ぜて作ると彩度が落ちていくので、色味的に限界もある。重ね方も油絵に比べると幅がないんです。
そう思っていたときに古典技法の担当になったので、先生に油絵とテンペラの混合技法を教わって、試してみたんですよ。

―混合技法ですか。

油彩の上には基本的に水彩は乗らない。水彩の上には油彩が乗るんですけど、テンペラはエマルジョンといって、中間なんです。マヨネーズみ―技術が必要。

そういうのを知らないとできないですね。
―油絵は厚塗りができてしまうだけに、それが油絵の特性のように思ってしまうけれども。

たいな感じ。
どっちも乗るんです。混合技法は、
テ

みんな、印象派のイメージが強すぎるんですよ

明な油絵具で層を作って色をつけていくというやですか。
でも実際に観ると、ゴッホだって別に厚くンペラ絵具でハッチングとかで形を起こして、透り方なんですよね。油絵って厚塗りのイメージがあるじゃないですか。でも実際は、メーカーの人が言うには、油絵具は薄塗り用に開発してあるんです。
厚塗りに耐えられるようには作っていない。

ね。
日本の人って油絵っていうと印象派じゃないないですからね。

―ゴッホはタッチを残しているから。

そうなんです。
タッチが立っているところは厚いですけど、でも全体的に厚いかって言うと、そんな―厚塗りはヒビが入ったり、絵具が落ちたりしますに厚くはない。

ね。
もともと無理があるんですね。

―古い油絵は薄塗りで、同じ素材とは思えない。

本来の使い方とは違う。油絵って、酸化重合とそうそう。

いって、酸素と結合して化学反応で乾いていくん―それを自分の技法として取り入れていこうと。

プされているみたいに、いつまでも乾かない。

ホルベインのスカラシップがとれて。ホルベインですよ。
厚塗りだと表面だけが固まって、中はラッ―乾かないんですか。

白髪一雄さんの足で描いた油絵なんかは、まだ乾いていないらしいです（笑）。あんな厚い膜になっていると、中は永遠に乾かない。

―そういうことですよね。
中は新鮮な油絵具。

薄塗りを重ねていくっていう本来の使い方をすると、油絵の特性が生かされて、いちばん美しい色が出るんだなぁと……。

―でも、今はあまり薄塗りはやらないですよね。

その技法を習っていないと、できないと思います。
薄塗りって言っても、ぱしゃぱしゃに塗るんじゃないんです。
ねっとりしたやつを薄く広げていく。

技法を教わって展開していこうと思ったときに、の画材が50万円分もらえるんですよ。3本ずつ箱に入った油絵具を全色とれたんですね。
それで油絵に本格的に移行できて、それからずっと油絵になっていくんです。助成がとれなかったら、違っていたかもしれないですね。

川を歩く：ビルスリバー 油彩、白亜地、綿布、パネル 2022年

絵画の技法も空間の構成も基本は絵画をどう見せるかということ―彫刻の考え方に近いですよね。

―その頃から、画面から絵の断片が抜け出ていくような特徴的な空間を構成されていた。

絵の要素を考えたとき、モチーフを描くことで周りの空間ができるんですね。予備校のときに、ジャコメッティの油絵を観て。空間があって人が描いてあるんですけど、人は目鼻立ちとかをきっちり描かずに、人としての塊が描いてある。

―ジャコメッティと言われて、橋本さんがおっしゃる感じがわかる気がしました。
ものをかたどることで外側の空間ができていく。

そうなんです。
たぶんそれを最初にわかったのが、浪人時代に観たジャコメッティの画集で。

1818×2273mm―ありふれたものや意味を持たないものをモチー

形を描くことで周りの空間を作るというか、周りフに選ぶ理由がよく分かります。

こそが大事で。四角い画面の中に形を入れて周チーフばっかり言われちゃう。

切りとって周りの絵画空間がないものとを、現実るじゃないですか。
でも橋本さんは二次元で、画面の何もないところを見せるというか。余白の空間りの絵画空間を作ったものと、その対比で、形をただ、それが割と逆にとられて（笑）……モ―空間に関心があると三次元の立体を考えたくなの三次元空間に入れて、空間の重なりを見せる。

から抜け出しても二次元であることは変わらない。

やっぱり花を描くと、「花を描いている」
っていうふ

技法も空間も、形を切りとったり、部屋を作ったり―モチーフに引っ張られてしまうんですね。ているんです。

ただ、観ている人にはなかなか伝わらなくて。

うにしか見られないんですね。

図像、イメージしか伝わっていなくて。技法が好きなのは、実際にあるものだということも大きいですね。
テクスチャとか絵具は、存在を生で見るということに直結している気がするんですよ。

基本は絵画なんですよ。絵画をどう見せるか。

するのも、絵画をどう見せるかというところでやっ―絵画をはみ出しているようにも見えます。

そうですかね。
でも技法はすごく忠実（笑）
。
―古典技法を忠実に受け継ぎながら、枠の中で完結するという絵画の約束から抜け出している。

絵画を観るときに、まわりの空間が見えてない状況は絶対にないじゃないですか。
画像と違って絵画は生で見るために作ってあるから、パネルの模型を作るのは、入ってきた人がどこから観るのか、視線と動線をまず考えたいから。

―空間にあわせて作品を考えている。
でも別の場厚みがあって、テクスチャがあって。自分が空間所で展示する機会もありますよね？

もあるわけです。
だから絵画を展示するということなので、あるひとつの見せ方なんですよね。与えにいて。絵を観ている状況は、どんな絵画を観てそれはあります。
ひとつひとつが独立した絵画は、インスタレーションの要素を抜いて語れないられた空間の中で、どう見せるかっていうことないるかということで絵の見え方は全然違う。

―今回は、空間と絵画が成立しているところに、飲と思うんですよ。
どういう状況で、どう展示されて―彫刻とインスタレーションの関係のようですね。

インスタレーションという概念ができている時んです。

食や会話という別の要素が入ってきます。

普通の展覧会より滞在時間が長いですよね。

代に生きているから、絵画だって、それをなかった

もともと展示のときは、観る人と景色を共有したい―それはよくわかります。

アノがあって、テーブルがあって、柱があるということにはできないですよね。

見えるものというか、自分ができるところまではという気持ちがあるんです。NANAWATAは、ピ空間で、そこにどういうふうにすると場が作れる全部やりたいんですよね。
コントロールできないかを考えます。今までは絵画空間を構造的にどう物の構造だったり、観る人の気分は変えられなは、そこに時間の流れも表したい。
それは、滞在方は全然変わるから。
ひとりで来たのか、友だちと思いますね。

こともいっぱいあるじゃないですか。たとえば建い。
その人がどういう気分で来たかによって、見えと楽しく来たのか、晴れている日に来たのか、雨の日なのか。
でも、それは私にはどうしようもないから、自分のできるところは全部引き受けて、手を抜かずにやろうと思っています。

作るかというところに重きを置いていました。
今回時間の長いNANAWATAの空間には合っている―正面の壁面は余白を多く設定していますね。

そうですね。
入口からはほとんど作品が見えないですね。

―壁に隠れていて。

良いんじゃないかと（笑）
。

滞在時間の長いNANAWATAでは時間の流れを表したいのかなと思いました。

―そのため模型を作って展示を考えるんですね。

らね。
もし机がない真っ白な空間なら、それはそ―テーブルがあることを計算して空間を作っているそうですね。
この空間の持っている要素ですかれで考えますけど。

―NANAWATAをやっていて面白いと思ったのは、3か月に一度空間が変わることだったんですよ。美
術館は展示が変わるのは当然と思っていたんですが、ここはカフェの機能が変わらないだけに、変化が新鮮に感じます。お客さんにとっても、来るたびに空間が変わるというお店は良いなと思って。
ですから、インスタレーションという意識をもった作家さんが展示してくださることは、嬉しいですね。

川を歩く：ビルスリバー（部分） 油彩、白亜地、パネル 2022年 サイズ可変・26点組

スイスの川を歩いて実際の空間をそのまま描こうと思った―今回の展示は、スイスのバーゼルに滞在した成果ですね。

2019年11月1日から2020年1月29日まで。観ときに「3.11」があったんですよね。当時、水を描いていいのかな、と思ったのはよく覚えています。
―なぜ水を描こうと思ったんですか。

そのモチーフ自体が描きたいというより、絵を描くためにモチーフを使っていたので、絵の作り方も構図から入るんです。私、アイディアスケッチ

光用の滞在許可が90日なので、90日ぴったりなをしないんですよ。
丸木夫妻も下絵を描いていな思っていて、取れなくて帰ってきたんですけど。

だと思うんです。頭の中でできるんですよ。私も頭んですよ。バーゼルで長期滞在許可を取ろうと―結果的に、コロナぎりぎりでしたね。

ちょうど中国で変異ウイルスの話が出ていて。

かったという話があるじゃないですか。
あれ本当の中で繰り返し考えて作っていくんです。最初に浮かんだイメージはあまり変わっていかなくて、帰ってくるときは空港でマスクをしている人がいそれを具体的にどういうモチーフで、どうやってらいいたんですが、2月に全員帰国したそうです。

ね。
どういう形にして絵に落とし込むかとか。

ました。私がいたレジデンス施設には当時4人く―滞在中は自転車で川に行って、小径を歩いて。
川をテーマにするということは決めていたんですか。

もともと江戸川や隅田川の川面を描いていて。
―それは「3.11」の頃でしたか。

ちょうど水を描こうかなと思って、描きはじめた絵具で表すかということを考えていくんですよ―空間は最初からあって。
方法論の問題ですね。

花の絵の場合は、赤いものを描きたいというときに、そこに何をもってくるか。あとは散歩をしていて、これ描きたいと思ったときにマッチングしてできていくとか。―現実にあるものというより、要素の組み合わせなんですね。

何で川を描こうかと思ったのかというと、絵の要素として、形がなくても、流動的なものも同じようにできるんじゃないかと思って。最初は水の絵を色分解みたいにして描きはじめたんですよ。
それを長々とやってみて、これだとできないなと思って、途中でやめて変えていったんですよね。花の絵も川の絵も、意識的にはあまり変わらなくて。
絵の要素として、どこかを部分的に切りとって絵にし直前になってそれがわかって……。
もともと滞在先に川があることは知っていて、水面を見るつもりだったんですけど、実際に行ったら真冬だったから枯木があって、その向こうにきれいな緑色の川が見えた。
何日も行っているうちに、この木ごと描いた方が良いんじゃないかと途中で思って。
写真も木ごと撮るようにして。

―木という要素は初めてなんですか。

初めてですね。
―木はレイヤーのようになって、手前と奥の空間をているんですよね。
でも今回の川の絵は、風景の際立たせますね。

―風景も切りとることに違いはないのでは？

―毎回ドローイングをしてから絵を描くんですか？

空間を素直に描こうという感じなんですよ。

絵画の構造として使っていくんじゃなくて、実際にある空間をそのまま描こうと。

―ああ、そうか。でも、それって普通の絵というか。
それを初めて試みたということですか。

そうです、そうです。戻ってきたというか。普通に空間を絵に描いて、時間の流れを作っていく。
―初期の頃もやったことはないんですか。

ないです。
スイスでは油絵がなかったので、色鉛筆と水彩絵具でドローイングを描いたんです。
―滞在時間も限られていたので、スイスでは大きい作品は作らなかった。

もともとは1年いるつもりだったから描こうと思ったんですけど。油絵具が送れなかったんです。油が危険物だから、送っちゃいけないものだったんですね。

―そうなんですか。

そうですね。
それも初めてなんです。
ドローイングをやったのは大きかったですね。
これをそのまま油絵でやってもいいかなという感じになったんですね。

感情があふれるのは自然なことだから受け入れていこうと思ったんですよね―川を描くことになったのは、何かきっかけがあったんですか？

川を描くと少し情緒的になる気もしたんですけ

ど、もう絵に感情が出てしまうのはしょうがないなと思うようになったこともありますね。最近思うんですけど、心の痛みって消えないじゃないですか。脳科学者が言っていたんですけど、年をとると涙もろくなるのは、経験が増えていって共感できることが増えていくから当然のことだと。相手の立場がよりわかるようになるというか。
―感情って経験に伴いますよね。

生きていくって痛みが増えていくことだから。
楽

しいことは結構忘れちゃう。
でも痛みを覚えているのは、生存本能だと思うんですよね。

―回避するものごとが増えていくわけですね。

まあ実際には回避できないけど（笑）。痛みは重なって、増えて、残っていて。常に痛みに支配されているわけじゃないけど、ほかに楽しいことも、川を歩く：ビルスリバー
油彩、白亜地、綿布、パネル 2022年

1120×1455ｍm

川を歩く：ビルスリバー
油彩、白亜地、綿布、パネル 2022年

455×530ｍm

川を歩く：岸辺の花実
スライド動画、iPad 2021-22年

橋本 トモコ

明日の幻想：ツバキ
2016年 サイズ可変・3点組
油彩、白亜地、パネル

もちろんいろいろあって。
でも戦争体験者の方も、と描いている人がいて、技法もひとりが開発する

アルに存在している痛みは変わらないから、そこな人が改良して、それが積み重なってできてきた80年近くたっても思い出して、ぱっと泣かれる。
リに触れるとすぐに涙が出るんだと思うんです。

最初は絵画構造に関心があったし、感情が前面に出ていたり、物語性が強いのは好きじゃなんじゃなくて、壁画からはじまって少しずついろんじゃないですか。
絵の内容もそうだし。
―感情も絵画の歴史も積み重なる。

美術は、今まで誰も考えたことのない新しいもかったけど、感情があふれているのは自然なことのをやる側面もあると思うんですけど、それって―それが川のモチーフとつながっている。

うやり方だと思うんです。

だから受け入れていこうかなと思ったんですね。
絵を描くことにしても、もうちょっと抵抗しないで、自然に時間の流れとか……自分の短い人生じゃなくて、もっと長いものを表したいなあって。
―それで風景に近づいてきている。

香月泰男さんのシベリア・シリーズも、戦後長く描かれていますよね。
あれも痛みがあって、直後は描けないと思うんですよ。
痛すぎるし、リアルすぎるから。
もう少し離れて、俯瞰して自分の痛みを見るときに表現されていくのかなと思って。年を重ねていくことによって。
―なるほど、そうですね。

それって絵画の歴史とも似ていると思うんですよね。絵画って積み重ねだと思うんですよ。
もとも横軸なんですよ。
横にスライドして考えていくとい―可能性を広げていくんですよね。

でも絵画は、むしろ縦に積んでいく要素が強いと思うんですよ。
先人がやってきたことがあってこその次の絵っていうか。
そういうことだと思うんですよね。

―過去に積み重ねられてきたものへのリスペクトの上に橋本さんの絵があると考えているんですね。

そこで突飛なことをしたくないんですよね。
それよりは自分が何ができるかということを考えて。

まあ、自分ができることは限定されているけど、できることを限界までやりたいですね。

（2022年4月4日、アトリエにて）
聞き手：岡村幸宣

１９６９
１９９６
２００２
２００３
２０１９

はしもと ともこ

千葉に生まれる
多摩美術大学大学院美術研究科修了
第17回ホルベイン・スカラシップ奨学生
第6回資生堂ADSP選出
アーティスト・イン・レジデンス Atelier Mondial, スイス・バーゼル

個展
１９９５ ギャラリー現／東京
１９９７ オレゴンムーンギャラリー／東京
１９９９ 富士銀行ストリートギャラリー（富士銀行数寄屋橋支店）／東京
なびす画廊／東京
２００１ GINZA SQUARE MUSEUM（銀座文具）／東京
２００３ なびす画廊／東京
２００４ 「ストロベリーフィールズ」ギャラリー山口／東京
２００６ 「ツバキ赤く」藍画廊／東京「私はどこから来たのか」Bunkamura GALLERY+ ／東京
Bunkamura Arts & Crafts ／東京
２００８ 亀山画廊／静岡
２０１２ 「透明な土」STORE FRONT／東京
２０１３ 「Flat ⇄ Baroque －絵画があらわすもの－」ギャラリーサザ／茨城
２０１４ 「白い光、落ちる闇」千葉市民ギャラリー・いなげ
２０１８ 「昼の眠り、夜の瞬き」ギャラリーカメリア／東京
おもなグループ展
１９９４ 「第23回現代日本美術展」東京都美術館、京都市美術館
１９９５ 「第2回別府現代絵画展」別府市美術館／大分
２００３ 「アミューズランド2004 ガリバー美術探検記」北海道立近代美術館
２００５ 「ふなばし現代美術交流展 '05 物語が生まれる所」船橋市民ギャラリー／千葉
２００６ 「第25回損保ジャパン美術財団 選抜奨励展」損保ジャパン東郷青児美術館／東京
２００７ 「第7回前田寛治大賞展」日本橋髙島屋／東京、倉吉博物館／鳥取
２００９ 「VOCA展2009 現代美術の展望 －新しい平面の作家たち」上野の森美術館／東京「絵画 花－blossom」ギャラリー山口／東京「KOMAZAWA MUSEUM × ART」駒沢公園ハウジングギャラリー／東京
２０１０ 「はないばら －秘められた美へ－」千葉市民ギャラリー・いなげ, 旧神谷伝兵衛別荘／千葉
２０１４ 「ワンダフル ワールド」東京都現代美術館
２０１７ 「クインテットⅢ －五つ星の作家たち」東郷青児記念 損保ジャパン日本興亜美術館／東京
２０１９ 「ヒカリアレト2」旧石井県令邸／岩手
２０２１ 「Mother Earth Calling」Salon Mondial／スイス・バーゼル
２０２２ 「Horizons」Galerie Katapult／スイス・バーゼル
作品収蔵
東京都現代美術館, 慶友整形外科病院, 九段坂病院, 京葉銀行, ザ・ウエストミンスター六本木,
公立昭和病院, 黒姫ライジングサンホテル, 自治医科大学附属病院 など