アナザーエナジー展

2 0 21 年 4 月 21 日

プ レ ス リ リ ー ス VO L . 2《 開幕 》アナザーエナジー展：

挑戦しつづける力 ― 世界の女性アーティスト16 人
2021 年 4 月 22 日（ 木 ）ー9 月 26 日（ 日 ） 森美術館（ 六本木ヒルズ森タワー53 階 ）71 歳から 105 歳まで、全員現役！
森美術館は、2021 年 4 月 22 日（ 木 ）から 9 月 26 日（ 日 ）まで、
「アナザーエナジー展： 挑戦しつづける力― 世界の女性アーティスト 16 人 」を開催します。
近年、ジェンダー、人種、民族、信条など多様なアイデンティティの不均衡を正し、ダイバーシティ（ 多様性 ）を重視する動きが世界各地に広がっています。現代アートにおいてもこの 10 年ほどの間、1950 年代から 70 年代に活動を始め今日まで継続してきた女性アーティストたちに注目が集まっています。
「アナザーエナジー展 」では、今なお世界各地で挑戦を続ける 70 代以上の女性アーティスト 16 名に注目し、その活動に光を当てます。16 名の年齢は 71 歳から 105 歳まで、全員が 50 年以上のキャリアを誇ります。
また、出身地は世界 14 カ国におよび、現在の活動拠点も多岐にわたります。彼女たちは、それぞれが置かれた環境や時代が激しく変化し、美術館やアート・マーケットの評価や流行が移り変わるなか、それらにとらわれることなく独自の創作活動を続けてきました。
本 展では、絵 画、映 像、彫 刻、大 規 模インスタレーションにパフォーマンスなどの多 彩で力 強い作 品
約 130 点を通して、彼女たちを突き動かす特別な力、「アナザーエナジー」とは何かを考えます。世界が未曾有の事態にある今、これら 16 名のアーティストたちが確固たる自らの信念を貫き生涯をかけて歩み続けている姿は、私たちに困難を乗り越え、未来に向けて挑戦するための力を与えてくれることでしょう。

カルメン・ヘレラ

ヌヌン WS《ディプティク》《 Verzon 2 番 》

1978 年

2020 年

アクリル絵具、キャンバス

アクリル絵具、キャンバス

127.6 × 254 × 5.7 cm

150 × 125 cm

所蔵：エル・ムセオ・デル・バリオ（ニューヨーク）トニー・ベチャラ寄贈

プレ ス リ リ ー ス

お問い合わせ森 美 術 館 広 報 事 務 局（ 共 同ピーアール内 ）：日 比、松 川、伊 藤、花 上

Tel: 03-3571-5258 E-mail: mam-pr@kyodo-pr.co.jp

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プ レ ス リ リ ー ス VO L . 2

出展アーティスト

* 姓のアルファベット順

エテル・アドナン

1925 年ベイルート生まれ、パリ在住
フィリダ・バーロウ
1944 年英国、ニューカッスル・アポン・タイン生まれ、ロンドン在住
アンナ・ボギギアン
1946 年カイロ生まれ、同地在住
ミリアム・カーン
1949 年スイス、バーゼル生まれ、ブレガリア在住
リリ・デュジュリー
1941 年ベルギー、ルーセラーレ生まれ、ローフェンデゲム在住
アンナ・ベラ・ガイゲル 1933 年リオデジャネイロ生まれ、同地在住
ベアトリス・ゴンザレス 1932 年コロンビア、ブカラマンガ生まれ、ボゴタ在住
カルメン・ヘレラ
1915 年ハバナ生まれ、ニューヨーク在住
キム・スンギ1946 年韓国、扶餘（プヨ）生まれ、パリ在住
スザンヌ・レイシー
1945 年カリフォルニア州ワスコ生まれ、ロサンゼルス在住
三島喜美代
1932 年大阪府生まれ、同地および岐阜県在住
宮本和子
1942 年東京都生まれ、ニューヨーク在住
センガ・ネングディ
1943 年シカゴ生まれ、コロラド州コロラドスプリングス在住
ヌヌン WS
1948 年インドネシア、ラワン生まれ、ジョグジャカルタ在住
アルピタ・シン1937 年インド、バラナガル生まれ、ニューデリー在住
ロビン・ホワイト
1946 年ニュージーランド、テ・プケ生まれ、マスタートン在住

エテル・アドナン

フィリダ・バーロウ

アンナ・ボギギアン

ミリアム・カーン

リリ・デュジュリー

アンナ・ベラ・ガイゲル

撮影：Gilles Bassignac

撮影：Cat Garcia

撮影：Christopher Mohan

画像提供：ワコウ・ワークス・オブ・アート（ 東京 ）撮影：Rita Vereecke

撮影：Diana Tamane
画像提供：Mendes Wood
DM, São Paulo/Brussels/
New York

ベアトリス・ゴンザレス

カルメン・ヘレラ

キム・スンギスザンヌ・レイシー

三島喜美代

宮本和子

撮影：Revista Avianca

撮影：Jason Schmidt
画像提供：Lisson Gallery

撮影：Patrick Bokanowski

撮影：Brittney Valdez

撮影：飯川雄大

撮影：Christian Siekmeier

センガ・ネングディ

ヌヌン WS

アルピタ・シンロビン・ホワイト

撮影：Ron Pollard

プレ ス リ リ ー ス

撮影：Harry Culy
画像提供：McLeavey Gallery, Wellington

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開催概要
展覧会名：
「アナザーエナジー展：挑戦しつづける力 — 世界の女性アーティスト 16 人 」
主催：森美術館
助成：大和日英基金、スイス・プロ・ヘルヴェティア文化財団
後援：在日スイス大使館
協賛：トヨタ自動車株式会社、アクセンチュア株式会社、
あいおいニッセイ同和損害保険株式会社、株式会社 LIXIL、日本マクドナルド株式会社、
みずほ証券株式会社、ユニ・チャーム株式会社
協力：日本航空
企画：片岡真実（ 森美術館館長 ）、マーティン・ゲルマン（インディペンデント・キュレーター）
会期：2021 年 4 月 22 日（ 木 ）－ 9 月 26 日（ 日 ）会場：森美術館（ 東京都港区六本木 6-10-1 六本木ヒルズ森タワー53 階 ）開館時間：10:00-22:00（ 火曜日のみ 17:00 まで）＊ 新 型コロナウイルス感 染 症 対 策として東 京 都 23 区にまん延 防 止 等 重 点 措 置が適 用されたことを受け、4/22（ 木 ）－5/11（ 火 ）の期間は閉館時間が 20:00（ 火曜日は 17:00 、ただし、5/4（ 火・祝 ）のみ 20:00 ）となります。
＊入館は閉館時間の 30 分前まで ＊会期中無休＊営業時間の最新情報はウェブサイトでご確認ください。
＊当館の新型コロナウイルス感染症対策への取り組みについてはこちらをご確認ください。

https://www.mori.art.museum/jp/news/2021/04/4624/index.html
入館料：［ 平日 ］［ 土・日・休日 ］

当日窓口

オンライン

当日窓口

オンライン

一般

2,000円

1,800円

2,200円

2,000円学生（高校・大学生）

1,300円

1,200円

1,400円

1,300円子供（4歳 〜 中学生）

700円

600円

800円

700円

シニア（65歳以上）

1,700円

1,500円

1,900円

1,700円＊事前予約制（ 日時指定券 ）を導入しています。専用オンラインサイトから「 日時指定券 」の購入・予約が可能です。
＊専用オンラインサイトでのチケット購入・予約は、各日 18:30 ～19:00 の回が最終となります。19:00 以降のチケットは、当日窓口にてお買い求めください。
＊表示料金は消費税込［ 土・日・休日 ］料金＊ 4 月 30 日（ 金 ）、5 月 6 日（ 木 ）、5 月 7 日（ 金 ）は、＊本展のチケットで、同時開催の「MAM コレクション 013：さまざまな線、宇宙のぜんぶ—草間彌生、プラバヴァティ・メッ「MAM プロジェクト 029：オスカー・パイル、ツァイ・チャウエイ（蔡佳葳 ）」「MAM スクリーン 014：シプリアン・ガイヤール」
ムリーリョ」をご鑑賞いただけます。
＊東京シティビュー（屋内展望台 ）、スカイデッキ（屋上展望台 ）、森アーツセンターギャラリーへの入館は別料金になります。
一般のお問い合わせ：Tel：050-5541-8600（ハローダイヤル） 森美術館ウェブサイト www.mori.art.museum

最新のプレス画像は、こちらの URL より申請・ダウンロードいただけます。

https://bit.ly/2ZsHTID
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2 0 21 年 4 月 21 日

本展の特徴
参加アーティスト 16 人全員が 70 代以上、アーティストとしてのキャリアは 50 年以上！
戦後動乱期の 1950 年代から 1970 年代にかけて活動を始め、2021 年の現在に至るまで世界各地で制作活動を続ける女性アーティスト 16 人に光を当てます。年齢は 71 歳から 105 歳まで、彼女たちの 50 年以上におよぶキャリアを、初期作品から代表作、本展のための新作まで多角的に紹介します。

世界 14 か国出身のアーティストたちは、世界をどう見てきたのか
アーティスト 16 人の出身地、現在の活動拠点、表現方法、さらに生き方は実に多様です。各アーティストの実践や人生を通して、フェミニズム、移民の歴史など、世界の問題や数々の事象が見えてきます。

美術史のさまざまな解釈
グローバリズムが広がり、多文化主義への理解が進むなか、美術の世界でも、それまで欧米を中心に語られていたアートから脱却し、様々な地域の文化や歴史を主題にする作品や、非欧米圏出身のアーティストが注目されるようになりました。また、それまで一元的に捉えられていた美術史は、それぞれの歴史、人種、民族、ジェンダーなどに基づく多元的なものとして理解され始めました。本展の参加アーティストの活動が注目されるようになった今世紀（2000 年以降 ）に、このアートの潮流が大きく重なります。

各作家の独自性や作品の存在感を提示できる空間スケールを重視しつつ、作家同士のつながりが見えてくる多彩な展示構成
本展は、長いキャリアを誇る女性アーティストを網羅的に見せるいわゆる「サーベイショー」とは異なり、アートの国際的動向へ目を向けながらも、各アーティスト独自の作家性、文脈や作品の存在感を提示できる空間スケールを重視しています。また、全く異なる背景をもつアーティストたちの作品を併置すること
で、地域や文化圏を超越した視覚的な共通性や類似性を示しつつ、それぞれの作品の背景にある文脈や独自性を浮き彫りにすることを試みます。

展示とアーティストにさらに迫る展覧会カタログ 2 種
本展の開幕に際し、「 ガイド版 」と通常版 2 種の展覧会カタログを刊行します。展覧会鑑賞の手引きに適した「ガイド版 」は、展覧会初日の 4 月 22 日に発売。二人のキュレーターによる主論考 2 本と対談のほかに、各アーティストの解説や作品図版などを掲載します。一方、通常版には、前述の主論考 2 本に加え、各アー
ティストの個人史や作品の変容に焦点を当てた世界各地の専門家による論考 16 本、さらに本展の展示風
景図版を掲載して 6 月上旬から販売予定です。美術館における展覧会での実体験とあわせ、本カタログを通してさらにアーティストたちの「アナザーエナジー」を知ることができます。

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16 人の「アナザーエナジー展 」アーティスト *姓のアルファベット順

エテル・アドナン
エテル・アドナンは、フランス統治下のレバノン（1943 年にフランスから独立 ）に生まれ、公用語としてフランス語を、家庭内ではトルコ語とギリシャ語を話すという環境で育ちました。ベイルートの大学でフランス文学を学び、その後、パリ大学とハーバード大学、カリフォルニア
大学ロサンゼルス校で哲学を学びます。1952 年から 1972 年まで、カリフォルニア州にあるドミニカン大学で哲学を教え、1972 年に帰国後は、1976 年まで文化担当記者として新聞社で働いていました。1977 年にレバノン内戦を題材にした小説『シット・マリー・ローズ』を出版しフランス＝アラブ諸国賞を受賞。本作は 10 か国語以上に翻訳されています。アドナンの絵画は 2000 年代に改めて注目され、以降、ドクメン
タ 13（2012 年 ）、ホイットニー・ビエンナーレ（2014 年 ）、シャルジャ・ビエンナーレ 12（2015 年 ）などの主要国際展に招待されています。
近年は、サンフランシスコ近代美術館（ 2018 年 ）、パウル・クレー・センター（ベルン、2018 年 ）など世界の主要美術館で個展を開催しています。
詩人であり、小説家、哲学者、そして、アーティストであるアドナンは、既存のカテゴリーにとらわれることなく領域を横断する創作活動を続けてきました。1960 年代のアメリカでフェミニズム運動やベトナム反戦運動に触れたこと、また、ア
ルジェリア戦争（1954-1962 年 ）に感化されたことから、統治国の言語であるフランス語ではなく英語での詩作を始めます。1967 年には詩集『ベトナムはどこ』に詩が掲載されましたが、慣れない英語の不自由さから、視覚言語を用いた詩として絵画を独学で始めたといいます。
アドナンの絵画は、抽象的な図形を組み合わせて風景を描いていますが、これは空や山の実際の形を写すのではなく、その場所で感じた感覚や感情を形と色彩に置き換えたものです。絵画のサイズは原稿用紙とほぼ同じ寸法で小さく、また、1960 年代前半からは本の形態をした作品を制作していたことか
らも、絵画と詩の結びつきの強さがわかります。
一見すると牧歌的なアドナンの作品の背景には、母国で起きた戦争への思いがあります。1975 年から 15 年に及んだレバノン内戦によって、経済は衰退し、国土は荒廃し、かつて「 中東のパリ」と言われた首都ベイルートの街並みや文化遺産も破壊されました。内戦を題材にしたアドナンの代表的な詩集である『アラブの黙示録 』（1980 年 ）の最後には、「 知識、愛と平和 」と記されています。現在 96 歳になる
アドナンはより良い世界を望み、いまも創作を続けているのです。

フィリダ・バーロウ

エテル・アドナン 《 無題 》 2018 年
油彩、キャンバス

55 × 46 cm
Courtesy: Sfeir-Semler Gallery
Beirut/Hamburg

フィリダ・バーロウは、1966 年にユニバーシティ・カレッジ・ロンドンのスレード美術学校を卒業し、自身も 1960 年代から教鞭をとり後進育成に大きく貢献しました。5 人の子供を育て上げ、2009 年に定年退職後、ロンドンのサーペンタイン・ギャラリーで開催された二人展「ナイリー・バグラミアンとフィリダ・バーロウ」（ 2010 年 ）をきっかけに、国内外での注目が急激に高まりました。これまでニューヨークのニュー・ミュージアム（ 2012 年 ）、テート・ブリテン（ 2014 年 ）、ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ（2019 年 ）など 10 箇所以上で個展を開
催し、2017 年には第 57 回ベネチア・ビエンナーレに英国館の代表として出品しています。
バーロウの作品は、セメントや集合材、段ボールなど安価な工業用材料を使い、崩れ落ちそうな構造や立ち上がりそうな形状など、別の状態へ移行する間際にあるかのような造形を特徴とします。バーロウは表面や形の美しさではなく素材そのものへ関心を寄せ、また、作品と展
示空間の関係性も重要な要素として取り込んでいます。

2011 年に発表された《リグ》は、展示場所となった元銀行の建物の地下室から屋根裏、床から天井まで、建築物全体を作品が占拠し、観客がその隙間を通り抜けながら鑑賞するというものでした。カラフルな布や球体、セメントの塊、内部が剥き出しの木材の構造体などが、圧倒的な量とスケールで迫り、見るものに直感的で感情的な体験をもたらす表現
は、バーロウの他の作品にも一貫しています。
第二次世界大戦から復興を遂げようとする物資が豊かではない時代のロンドンで幼少期を過ごしたバーロウは、身のまわりのものを自身で作るようになっていたといいます。
空襲によって内部が剥き出しになった建物や瓦礫の山からも強い影響を受けています。

1960 年代から世界的に広がったコンセプチュアル・アートをはじめ、理論偏重型である
欧米の美術史、美術批評の流れの中でも、バーロウのものづくりへの情熱は冷めることはありませんでした。理論よりも素材や造形そのもの、個人の経験に重きをおき、手を動かし作るという行為の中に無限の可能性を探求する姿勢は、いまだ衰えることのないバー
ロウの創造性に繋がっています。

プレ ス リ リ ー ス

お問い合わせ2018-2019 年
コンクリート、キャンバス、ハードボード、塗料、プラスチック、
集合材、鉄、テープ、木材

サイズ可変

Courtesy: Cross Steele Collection
展示風景：「 袋小路 」
ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ（ロンドン）2019 年
撮影：Damian Griffiths ＊参考図版

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フィリダ・バーロウ 《 無題：キャンバスラック ; 2018-2019》アナザーエナジー展

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アンナ・ボギギアン
アルメニア系の両親のもとエジプトのカイロに生まれたアンナ・ボギギアンは、カイロのアメリカン大学で哲学と政治学を学び、その後、カナダのモントリオールにあるコンコーディア大学で美術と音楽を学びました。2007 年のテッサロニキ・ビエンナーレへの参加をきっかけに国際的な評価が高まります。以降、ドクメンタ 13（2012 年 ）や第 56 回ベネチア・ビエンナーレのアルメニア館（2015 年 ）など主要国際展に招待され、近年は、ニューヨークのニュー・ミュージアム（2018 年 ）やテート・セント・アイヴス（2019 年 ）など、欧米の主要美術館で個展を開催
しています。
ボギギアンはこれまで、世界各地を訪れ、その土地の文化や歴史、社会状況を題材に作品を制作してきました。抽象絵画から始まり、塩、蝋、木
材、銅、鉄、綿など多様な素材を組み合わせるダイナミックな表現を特徴とし、彫刻やインスタレーションなど幅広い作品群を発表しています。
作品には、錬金術、解読不可能な文字、スフィンクスやギリシャ神話の登場人物などミステリアスなイメージやシンボルが散見されます。
ヘーゲル、カール・マルクス、マキャベッリ、プラトンなどの哲学者や詩人を題材にした作品も多数あります。なかでも近代ギリシャ最大の詩人といわれるコンスタンディノス・ペ
トルゥ・カヴァフィス（1863-1933 年 ）を扱った作品は多く、1995 年から現在までに計300 点以上を制作しています。ボギギアンはカヴァフィスの詩における歴史性に注目し、自身の表現でも詩情と歴史的事象を重要な要素として扱ってきました。
幼少期に経験したエジプト革命（1952 年 ）とスエズ戦争（ 第二次中東戦争、1956 年 ）、
その後も続く不安定な国内情勢、そして、紛争や自然災害によって文化が破壊されてきた母国を含む中東の状況は、ボギギアンの作品に多大な影響を与え続けています。近代化やグローバリゼーションによって世界は均質化したように見えますが、ボギギアンは世界をいまだ不可解で、常に移り変わる混沌として描いています。その作品は、世界中を移動しながら複層する歴史を読み解いて編纂した壮大な人類史のようです。

アンナ・ボギギアン 《 制度 vs 大衆 》 2019 年
展示風景：「 正方形、線と定規 」
パリ国立高等美術学校 2019 年
撮影：Nicolas Brasseur ＊参考図版

ミリアム・カーン
ミリアム・カーンは、ユダヤ人の両親のもとスイスのバーゼルに生まれました。両親ともにナチス・ドイツの迫害から逃れるため、それぞれドイツとフランスからスイスに移住していました。1968 年から 1973 年までバーゼル芸術専門学校で学び、1977 年にバーゼルの主要な文化施設であったシュタンパで初の展覧会を開催、1983 年に美術館での初個展をクンストハレ・バーゼルで開き、以降、多数の展覧会に参加しています。近年も、ドクメンタ 14（2017 年 ）や第 21 回シドニー・ビエンナーレ（2018 年 ）などの主要国際展に参加し、2019 年には大規模個展を開催、ベルン美術館（スイス）、ハウス・デア・クンスト（ドイツ）、ワルシャワ近代美術館（ポーランド）の 3 館を巡回しました。
カーンの絵画の特徴である力強い木炭ドローイングや色彩豊かな油彩は、差別や暴力などの社会問題、戦争、ユダヤ人女性である自身のア
イデンティティに深く関わっています。多感な時期を過ごした 1960 年代から 70 年代は、世界各地で政治的な運動が高まりを見せた時期でもありました。スイスでは 1971 年に女性参政権が認められ、1977 年には女性のための重要な組合 OFRA が発足し、カーンも一時期参加していました。
彼女は原子力発電所建設の反対運動にも関わっていましたが、これには原爆開発に携わった科学者がナチス・ドイツに反対するユダヤ人だったことも影響しています。戦争や
原子力開発といった政治的な動向と、それに翻弄される個人の関係性は、スイスへ亡命した彼女の両親の人生とも重なります。その歴史を聞いて育ったカーンにとって、2015 年の欧州難民危機が作品に投影されるのは自然なことだったといえるでしょう。出品作《 美しいブルー》(2017 年 5 月 13 日 ) で、鮮やかな水色の画面にぼんやりと浮かび上がっているのは、大海に沈んでいく難民の姿です。
カーンの作品は、彼女自身のアイデンティティや特定の時代と場所から生み出されたものでありながら、現代の世界を貫く普遍性にも通じています。かつてカーンが OFRA の活動から離れたのは、女性であることを意識しながらも、性差を越えた地点での創作活動に意識を向けたからでした。彼女の思想には、世界の難民問題や原子力問題、ひいては動植物を含めた森羅万象など、あらゆる次元での平等性が貫かれています。世界中で融和や寛容よりも、批判や分断が人々の意識を占有しつつある今日、ミリアム・カーンの芸術はより

ミリアム・カーン 《 美しいブルー》

輝きを放つでしょう。

2017 年 5 月 13 日 油彩、キャンバス
200 × 195 cm
所蔵：ワコウ・ワークス・オブ・アート（ 東京 ）

プレ ス リ リ ー ス

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リリ・デュジュリー
リリ・デュジュリーは 1960 年代にベルギーで活動を開始し、1989 年から一年間ベルリンに滞在しますが、それ以外はベルギーを拠点としています。これまで数々の展覧会に参加してきましたが、2000 年以降、その活動が改めて注目され、ドクメンタ 12（2007 年 ）、第７回光州ビエンナーレ（2008 年 ）、シャルジャ・ビエンナーレ 9（2009 年 ）、第 21 回シドニー・ビエンナーレ（2018 年 ）などの主要国際展に招待されています。2015 年にはゲント現代美術館とミュ・ゼー（ベルギー、オーステンデ）両館で大規模な個展が同時開催されました。
多様な手法と素材を用いて制作されるデュジュリーの作品は、数少ない要素で構成する洗練された詩的表現を特徴としています。1970 年
代には写真と映像の先駆的な作品を発表し、1980 年代中頃からは、鉄、大理石、鉛、粘土、石膏などの重量のある素材を用いた立体を制作してきました。近年の彫刻作品には、強度のない粘土や張子などが用いられ、より繊細でエフェメラルな表現に変化しています。主題に関しても、政治的な内容から、文学や音楽、西洋美術史など多岐にわたり、作品タイトルは古典文学からとられたものも多く、モチーフは西洋絵画から引用されたドレープ（ 布 ）や窓、額縁、海など様々です。

1970 年代の映像や写真作品には自身の身体を用いていますが、そこにも西洋絵画史やフェミニズムなど、様々な文脈が含まれています。
伝統的な西洋美術の中では、女性のヌードは男性アーティストの欲する対象、もしくは所有物として見られてきました。また、1970 年代のブリュッセルは、女性だけでは賃貸契約を結べず、男性の署名が要求される不平等な状況があったといいます。そうした歴史的背景や現実を前に、デュジュリーは自身の身体を被写体にすることを選びました。身体はキャリアを通じて重要なモチーフとなり、そこには家庭や実存など複層的な意味が含まれていきました。
デュジュリーの作品の詩情と抽象表現は、何か特定のものを明らかにするのでも、覆い隠すのでもありません。出品作《 無題（ 均衡 ）》（1967 年 ）に見られるように複数の要素が拮抗する状態を表現することで、アーティストと被写体、動作と静止、空間と時間など、本質的な要素の関係によって作り出される何らかの中間領域に鑑賞者の意識を向けさせ、新たな発見をもたらします。それは瞑想的であり、どこか東洋的でもあります。

リリ・デュジュリー 《 無題（ 均衡 ）》 1967 年
鋼鉄、鉄平板：45 × 75 × 0.3 cm 、棒：300.6 ×φ 2.2 cm

展示風景：「 時のひだ」ミュ・ゼー（ベルギー、オーステンデ）

2015 年

撮影：Dirk Pauwels

アンナ・ベラ・ガイゲル
ポーランド系ユダヤ人の両親のもとリオデジャネイロに生まれたアンナ・ ベラ・ ガイゲルは、16 歳頃からフォイガ・ オストロヴァ（1920-

2001 年 ）のもとで絵画を学び始め、17 歳の頃には国が主催する美術展に出品、1952 年からリオデジャネイロ連邦大学で言語学と文学を学
び、1954 年にはニューヨークに留学し美術史を学びました。1961 年以降サンパウロ・ビエンナーレに 6 回出展するなど国内では 20 代の頃から注目され、1980 年には第 39 回ベネチア・ビエンナーレに参加し、以降活躍の場を世界に広げています。近年は、サーペンタイン・ギャラ
リー（ロンドン、2018 年 ）、ザヘンタ国立美術館（ワルシャワ、2018-2019 年 ）、ゲント現代美術館（2021 年 ）など、欧米の主要美術館で個展を開催し国際的な再評価が高まっています。
ガイゲルの作品は、絵画、版画、コラージュ、映像、インスタレーションなど、キャリアを通じて緩やかに拡張し続けてきました。初期の作品には情動的な抽象表現であるアンフォルメルに影響を受けた絵画があります。1964 年以降は、人間の内臓をモチーフにした「 内臓位相 」と呼ばれるシリーズをはじめ、具象的なモチーフが描かれています。

1960 年代後半からは、開発途上国やグローバル・サウスという概念に近い「 周辺国 」という政治的、地理的な自国のアイデンティティを題材とし、版画やコラージュ、アッサン
ブラージュなどを制作しています。先住民のボロロ族や日々の食事をモチーフに、自国の歴史や文化を考察した作品もあります。なかでも、地図や地形、タイポグラフィを用いた作品が多く、これには地理学者である夫のペドロ・ガイゲル（1923 年 -）と、自身が大学で
言 語 学を学んでいたことが影 響しています。 さらに、1970 年 代にはコンセプチュアル・
アートやビデオアートなど新しい表現にも取り組みました。

1987 年に美術批評家のフェルナンド・コッチアラーレ（1952 年 -）と共著で出版した『 幾何学とアンフォルメルの抽象：1950 年代のブラジル・アバンギャルド』は、ブラジル現
代美術の研究において重要な書籍となっています。地理学、地政学、そして歴史研究に裏打ちされた 60 年以上にわたるガイゲルの作品群は、現在の世界地図に隠された政治性、

アンナ・ベラ・ガイゲル 《アートの社会空間 》 1977 年
タイプライティング、フォト・シルクスクリーン印刷、紙

32.4 × 44.3 cm

紛争や搾取の歴史を、独自の視点から明らかにします。

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ベアトリス・ゴンザレス
ベアトリス・ゴンザレスは、コロンビア国立大学で建築、アンデス大学で美術を学び、1964 年にはボゴタ近代美術館で女性アーティストとして初となる個展を開催しました。以降、第 11 回サンパウロ・ビエンナーレ（ 1971 年 ）や第 38 回ベネチア・ビエンナーレ（ 1978 年 ）に出展し国際的な注目を浴びるようになった一方で、国内では長年にわたりキュレーターや美術史家としても活躍しています。2019 年から 2020 年にかけて大規模な回顧展が開催され、マイアミ・ペレス美術館、ヒューストン美術館（テキサス）、ミゲル・ウルティア美術館（ボゴタ）を巡回しました。
ゴンザレスはこれまで、新聞や雑誌などのメディアからイメージを引用することでコロンビアの政治的、社会的状況を表現してきました。
絵画では、タブローという形式にとらわれることなく、カーテンや箪笥などの日用品を支持体に用いるなど実験的な作品を発表しています。

1970 年代の代表的な作品にはレオナルド・ダ・ヴィンチなどの名画の一部を家具に描いたものがあります。これは 1960 年から 1970 年代にコロンビア国内で大量に出回るようになった質の低い名画の模造品に着想を得ており、その粗悪さが、美術の中心がヨーロッパにあり、そこから遠く離れているという自国の周辺的なアイデンティティを表しています。
それまでも自国の文化や消費社会だけでなく、国内の政治情勢などに言及した作品を制作していましたが、1978 年に大統領に就任したフリオ・セサル・トゥルバイ・アヤラ（1916-2005 年 ）による反政府主義者への抑圧、さらに1985 年に発生し多数の犠牲者を出したコロンビア最高裁占拠事件の衝撃は大きく、当時の心境についてゴンザレスは「もう笑っていられなくなった」と語っています。1980 年以
降は、より政治的な主題に向き合うようになり、トゥルバイを描いたドローイング、虐殺された死体のシルエット、悲しみに暮れる女性の姿など、新聞や雑誌から引用されたイメー
ジを用いて、もうひとつの自国の姿を描いてきました。
ゴンザレスは、消費社会や大衆メディアのイメージを通じてコロンビアの自画像を描いてきたといえます。
「アートは歴史が言えないことを伝えてくれる」というゴンザレスの言
葉通り、その作品には、メディアに氾濫する図像に隠された、自国のアイデンティティ、暴ベアトリス・ゴンザレス 《 無名のオーラ》 2007-2009 年

力、名もなき人々の声や悲哀が表現されています。

展示風景：ボゴタ中央墓地（コロンビア）2007-2009 年
撮影：Laura Jiménez

カルメン・ヘレラ
カルメン・ヘレラはハバナで建築を学び、1939 年に結婚を機にニューヨークへ移住しアート・スチューデント・リーグで絵画を学びました。

1948 年から 1953 年の間パリに居住し、その後は現在までニューヨークを拠点に活動しています。1984 年に初の回顧展をオルタナティブ・
ミュージアム（ニューヨーク、2000 年に閉館 ）で開催したものの、作品が評価されはじめたのは 90 歳を過ぎた 2005 年頃でした。以降、国内外の主要な美術館で個展を開催し、アート・マーケットでも作品価格が高騰しています。101 歳の時にニューヨークのホイットニー美術館で大規模な回顧展「カルメン・ヘレラ：視覚の直線 」（2016-2017 年 ）が開催されました。
ヘレラは 1950 年代初頭から、限られた色彩で幾何学図形を描く抽象絵画を制作してきました。1960 年代からは絵画のほかに、「 抽象に向かう建築としての彫刻 」である「エストゥルクトゥラス」（ 構造 ）シリーズも制作しています。
その表現は西洋近代美術の流れを汲み、1950 年代のニューヨークのアートシーンと呼応するもので、母国キューバやラテン・アメリカ美術との関連は薄いといえます。一方で、禅の思想に関心があったことが出品作《 京都（ 緑 ）》（1966／2016 年 ）からうかがえます。近年の評価
では、エルズワース・ケリー（1923-2015 年 ）やフランク・ステラ（1936 年 -）と並び、米国におけるミニマリズム絵画の先駆者のひとりだと考えられています。
流行が激しく移り変わるアート界で、頑なに幾何学の抽象絵画を制作してきたヘレラの活動は 70 年に及びます。精緻な線と形が織りなす作品には、長い歳月によって研ぎ澄まされた厳格さとしなやかさが共存しています。105 歳になる現在も、これまでの絵画シリーズに加え、大型のパブリック・アートを発表するなど、精力的に創作を続けています。

カルメン・ヘレラ《 赤い直角 》

2017-2018 年
塗料、アルミニウム

109.7 × 153.7 × 26.4 cm
Courtesy: Lisson Gallery

プレ ス リ リ ー ス

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キム・スンギキム・スンギは、祖父が道教の研究家であり、母親が書道家であったことから幼少期より朝鮮民族の伝統的な楽器であるタンソや弓道などの伝統文化に親しんでいました。ソウル大学美術大学大学院で絵画を学び、1971 年にフランス政府奨学生としてフランスに移住、現在まで同地を拠点としています。1972 年にニース国立装飾美術学校を卒業、その後、記号学と美学の学位も取得しています。マルセイユ高等美術学校（1974-2000 年 ）とディジョン国立高等美術学校（2001-2011 年 ）で教鞭をとりながら、数多くの展覧会に参加してきました。2019 年には韓国国立現代美術館（ソウル）で大規模な回顧展「 怠惰な雲 」が開催されました。
「マルチメディア・アート」、または自身が「オープン・メディア」と呼ぶことを好むキムの作品群には、絵画、コンセプチュアル・ドローイン
グ、写真、ビデオ、インスタレーション、パフォーマンスなどの様々なメディアが用いられてきました。本展出品作《 森林詩 》（2021 年 ）は、自身の 60 本のビデオ作品がランダムに繰り返される映像と、オンラインで開催される詩の朗読パフォーマンスを組み合わせた 3 チャンネルのビデオ・インスタレーションです。詩の朗読に参加するのは 100～200 人の詩人、アーティスト、哲学者などで、会期中の満月の日に上映され、「 森 」が名称に入るこの美術館は、詩の森へと変貌を遂げます。新型コロナウイルスが蔓延する現状下で考案された本作は、キムの創造性と哲学的探究を反映しています。
森羅万象の大いなる流動性のなかに人間の存在を捉える道教のように、キムにとって作
品は、「 環境、状況、自身 」が出会う、新たな可能性に開かれた場所なのです。それが単一のメディウムに固執するのではなく、領域横断的な手法を用いる要因でもあります。近年、ロボットや AI を使ったインスタレーションを手掛けるのも、急激にデジタル化が進む社会環
境への応答だと理解することができます。
幅広い活動とジャック・デリダ（1930-2004 年 ）とジャン＝リュック・ナンシー（1940 年-）などの哲学者、ジョン・ケージ（1912-1992 年 ）やナム・ジュン・パイク（1932-2006 年 ）などのアーティスト達との交流や意見交換を通じ、キムの作品は変容し続けてきました。
「 自分を見つけることは、自分を忘れることである」という彼女の真の独自性は、宇宙や大キム・スンギ 《 月 》

2003-2005 年
82.5 × 60 cm（ 各、12 点組 ）ゼラチン・シルバー・プリント

自然、人間社会、文化的営為などすべてを含んだ巨視的な世界観の中で、自身の変化すら恐

展示風景：「 月の満ち欠けのように」韓国国立現代美術館（ 果川 ）れずに、創作と探求を続けてきたことにあるでしょう。

2014-2015 年

スザンヌ・レイシー
スザンヌ・レイシーは、カリフォルニア州立大学フレズノ校で心理学を学び、カリフォルニア芸術大学で美術を学びました。カリフォルニア芸術大学ではフェミニズム・アートの先駆者のひとりであるジュディ・シカゴ（1939 年 -）と、「ハプニング」の創始者であるアラン・カプロー（1927-2006 年 ）に学び、自身のアートの方向性を確立しました。自身も長年にわたり教鞭をとり、現在は南カリフォルニア大学ロスキ芸術学校で教えています。フェミニズムをはじめとする社会的課題に取り組んできたレイシーは、2000 年以降、美術の文脈で注目されているソー
シャリ―・エンゲージド・アート（または、ソーシャル・プラクティス）の先駆者として注目されています。これまで、テート・モダン（ロンドン）、
ロサンゼルス現代美術館、ニューヨークのホイットニー美術館やニュー・ミュージアムなどの主要美術館に出品しており、2019 年には大規模な回顧展「 私たちはここにいる」がサンフランシスコ近代美術館とイエルバ・ブエナ・アートセンターで同時開催されました。
レイシーは作品を通して、ジェンダーや人種差別、老化、暴力などの社会問題に向き合ってきました。パフォーマンス、映像、写真、社会活動など多様な手法を用いた実践は、自身の身体についての個人的な作品から、数百人が参加する大規模プロジェクトまで、その手法もスケールも多岐にわたります。初期のパフォーマンスから一貫する特徴に、内容だけではなく、視覚的な美しさも重要視していることが挙げられます。
レイシーが活動を始めた 1970 年代の南カリフォルニアは、平等な市民権を求める社会運動が盛んだった時期で、レイシーは大学院に入学しもくよくた 1969 年に初めてフェミニズム運動に参加しています。1972 年には《 沐 浴 》という性的暴行の被害者女性たちへのインタビューを題材にしたパフォーマンスを発表しました。彼女の作品の多くは、老化を含む社会的タブーを克服する試みです。
パフォーマンス作品《 玄関と通りのあいだ》（ 2013 年 ）では、ニューヨーク市ブルック
リンの一角で、365 人の参加者が多岐にわたる女性の問題について話し合い、約 2,500人が傍聴しました。本展では 3 面プロジェクションの記録映像を作品として展示します。
参加者のひとりはその後のインタビューで、「 誰かと気持ちを通じさせながら、自分にとって重要な話を共有することは、繋がりを与えてくれた」といい、その繋がりはいまも「 身体に残っている」と表現しています。レイシーが実践する平等な社会の実現に向けた継続的なアクションは、参加者の身体に「 繋がり」を残し、それが集まった時にコミュニティが形成されるのです。レイシーの作品は、ソーシャリー・エンゲージド・アートの現代社会における有用性と、さらなる可能性を示しています。

プレ ス リ リ ー ス

お問い合わせパフォーマンス

ビルトモア・ホテル（ロサンゼルス）

撮影：Raúl Vega

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スザンヌ・レイシー 《 避けられない連合 》 1976 年

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三島喜美代
三島喜美代は、大阪市の十三で酒屋を営んでいた両親のもとに生まれました。高校卒業後、絵画に没頭するようになり、絵画教室でのちに夫となる三島茂司（1920-1985 年 ）と出会い、具体美術協会の吉原治良（1905-1972 年 ）に師事していたこともある三島茂司を通じて、先端の美術の動向に触れました。1954 年から 1969 年まで独立美術協会に出品し、1963 年に独立賞・須田賞、1965 年にシェル美術賞展で佳作賞を受賞。1970 年代からは国内外の多数の展覧会に出品しています。版画や陶を使った作品を制作していたことから、国際版画展や陶芸展などの展覧会に多く招待されてきましたが、近年は、現代美術としての評価も高まり、海外のアート・マーケットでも注目されています。
三島は 1950 年代、当時美術界を席巻していたアンフォルメルの影響を受けた抽象絵画を制作し、1960 年代からコラージュ作品の制作を始めました。コラージュの素材は海外の雑誌や新聞、チラシ、使い古した布団や衣類、蚊帳など、どれも一般的にはゴミとして見過ごされるものばかりでした。1960 年代後半からは、そこにシルクスクリーン印刷が加わり、コラージュと油彩、アクリル絵具を用いた混合技法で、独自の平面表現を追求していました。
この頃は日本が高度経済成長期を迎えようとし、社会に氾濫する情報が急速に増えていた時代でした。三島は「どんな情報も読み終わった途端に全部ゴミになる」と考え、「 現代社会に氾濫する膨大な情報に対する不安感や恐怖感 」を覚えたといいます。コラージュや印刷は、押し寄せる情報を作品に取り入れ、定着させる方法でした。1971 年には代表作といえる新聞を陶で作る立体作品の制作を始めました。新聞やチラシの情報に、陶の質量を与えることで、情報が物質として重みを増し現実空間に作用します。
三島は、自身の創作について「ゴミを一生懸命作っている」といいます。その独自性ゆえに、美術や工芸といった従来の枠組みに収まらなかったことで評価が遅れていましたが、常に社会に向き合い、その本質を捉え続けてきた意義と重要性が、いまようやく明らかにされつつあります。

三島喜美代 《 作品 92-N》 1990-1992 年
陶にシルクスクリーン印刷
撮影：小川重雄

227 × 490 × 390 cm

画像提供：美術資料センター（ 東京 ）宮本和子
宮本和子は現代美術研究所（ 東京 ）を卒業後、1964 年に渡米しニューヨークのアート・スチューデント・リーグで学びました。以降、ニューヨークを拠点に活動しています。1968 年に同じビルにスタジオを構えていたソル・ルウィット（1928-2007 年 ）に出会い、最初のアシスタントとなります。1974 年から 1983 年まで女性アーティストによる非営利団体である A.I.R. ギャラリーに所属していました。1986 年には自身のギャラリー「ワントゥエンティエイト」を立ち上げ、現在も運営しています。1970 年代から現在まで、ニューヨークを中心に数々の展
覧会に出品してきましたが、近年はインドの第 2 回コチ = ムジリス・ビエンナーレ（2014 年 ）やマニフェスタ 12（2018 年 ）などの国際展に招待されるなど、その活動が改めて注目されています。
平面から立体、インスタレーション、そしてパフォーマンスなど多岐にわたる宮本の表現は、1970 年代までの作品群と 1980 年代以降のけしものに大きく分けられます。1970 年代には、出品作《 黒い芥 子 》（1979 年 ）や《 車輪 》
（1976 年 ）のような、幾何学図形や直線で構築された、ミニマリズムの影響がみられる作品を発表していました。糸と釘だけで構築される立体空間は、観る側の視点によって見え方が変化し、作品において鑑賞者の参加や身体性が重要であることがわかります。
「 日本人であることは、ミニマリストということ」だというように、宮本は無駄を削ぎ落す日
本的な表現と接点を見出し、ミニマリズムを独自の観点から考察しました。

1980 年代以降は、出産をきっかけに自然や社会との関係性などに関心が移り、機械的で無機質な表現から離れ、木の枝や葉、縄などの自然素材を用いた有機的なインスタレーションを発表しています。また、パフォー
マンスも積極的に発表し、自身がニューヨークの街頭で宇宙飛行士やホームレス、売春婦に扮装する作品などがあります。職業的、人種的マイノリティなど、社会から疎外された存在をモチーフに、身体を通して個人と社会の関係性を表現してきました。
日本を離れ、白人男性中心のニューヨークの美術界において、宮本は独自の表現を追求してきました。自ら運営するワントゥエンティエイトでは、多様な人種、民族、ジェンダーのアーティストたちへ積極的に機会を与え、有名無名を問わず平等に作品を展示してきたといいます。宮本の幅広い作品群や活動は、彼女の社会への応答であり、戦いの軌跡だといえます。

プレ ス リ リ ー ス

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けし宮本和子 《 黒い芥子 》

1979 年 糸、釘 サイズ可変
Courtesy: EXILE, Vienna;
Take Ninagawa, Tokyo
展示風景：「 新作展 」
A.I.R. ギャラリー（ニューヨーク）1979 年

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センガ・ネングディ
カリフォルニア州パサデナとロサンゼルスで育ったセンガ・ネングディは、カリフォルニア州立大学でダンスと彫刻を学び、非欧米圏である
日本の文化とミシェル・タピエの『 日本のアヴァンギャルド・アート』（1962 年 ）で知った具体美術協会に興味を持ったことから 1966 年に一年間早稲田大学に留学します。日本では、歌舞伎や能、雅楽などの伝統的な舞台芸術に触れました。1970 年代前半には、ブラック・アーツ・
ムーブメント（1965-1975 年 ）の重要なアーティストとなります。以降、アメリカ国内では数多くの展覧会に参加してきましたが、近年、国際的にも評価が高まり、2017 年には第 57 回ベネチア・ビエンナーレに出展、2019 年から 2021 年にかけて大規模な個展がミュンヘンのレン
バッハハウス美術館（2019-2020 年 ）を皮切りに、サンパウロ美術館（2020 年 ）、デンバー美術館（2020-2021 年 ）、フィラデルフィア美術館（2021 年 ）を巡回しています。
彫刻とパフォーマンスを融合したネングディの作品は、舞台芸術、西アフリカの儀式、ジャズなどの現代音楽、また、1960 年代半ばにピークを迎えた公民権運動などの影響がみられます。しかしネングディは、文化的、政治的な内容を直接表現するのではなく、コンセプチュアルな手法で即興性や演劇性を探求し、独自の抽象表現を確立しました。

1970 年代中頃からは、代表作であるストッキングを用いた「R.S.V.P.」シリーズの制作を始めます。自身が妊娠と出産を経験したことで、身体の弾性に興味を抱いたことがきっかけとなっています。砂が入れられ、引き伸ばされたストッキングは、具体的な身体の部位を表現したものではありませんが、その有機的な形は人間の身体を連想させます。
ネングディは自身の作品について、「 黒人であること、女性であること、自分の年齢への応答 」であり、「 子供を持ち、母親の世話をし、人生が与えてくれるその他多くのことを経験した人間 」を表しているといいます。また、「 私の作品は、大多数（ 社会 ）に『ノー』と言われたす

センガ・ネングディ

べての人たちに『イエス』と言う」ものであると述べています。彼女の作品はしばしばフェミ《 R.S.V.P. でのスタジオ・パフォーマンス》 1976 年

ニズムやポスト・ミニマリズム、ブラック・アーツ・ムーブメントと関連付けられますが、厳ゼラチン・シルバー・プリント
撮影：Ken Peterson

密にはそのどれにも当てはまりません。それは、作品が個人の経験に深く根差しており、ま

画像提供： Sprüth Magers; Thomas Erben Gallery;

た常に多くの人に開かれたものだからなのです。

Lévy Gorvy

ヌヌン WS

ヌヌン WS は、敬虔なイスラム教徒の家庭に生まれ、幼い頃からスポーツや厳格な宗教儀式を日々実践していたことが強い自立心を形成し、高校を卒業する頃にはアーティストになることを決心していました。その後、スラバヤ美術アカデミーで学び、当時は数少なかったインドネ
シアの女性アーティストのひとりであるカルティカ・アファンディ（1934 年 -）や、抽象的な風景画で知られていたナシャー（1948-1994 年 ）の影響を受けます。1970 年代からインドネシア国内で数々の展覧会に出品し、1990 年代からはヨーロッパでの展覧会にも参加しています。
くけいヌヌンは、限られた色彩と矩 形で構成された抽象絵画を通して、色彩表現の無限の可能性を探究しています。インスピレーションの源泉は
ジャワ島の日常や建築、自然環境であり、その背景には、ボロブドゥール遺跡をはじめとする様々な寺院や地域社会の風習、織物、ソンケット（ 生地 ）、バティックなどの伝統工芸に関する 20 年以上にわたる独自の研究があります。
ヌヌンの表現は、1960 年代に欧米で始まったミニマリズム絵画に親和性が見られますが、感情表現やイリュージョンを否定し純粋な色彩だけを追求するミニマリズムに対して、彼女の絵画はモチーフの色彩を導入として、豊かな情感や深い精神世界を描いているところに独自性があります。ヌヌンは色彩の中に「スピリチュアル・バリュー」という値を見出しています。彼女にとってスマトラ島西部のミナンカバウの織物の赤と、スマトラ島北部のアチェの織物の赤は、スピリチュアル・バリューにおいて全く異なるものだといいます。出品作《 織物の次元 1番》（2019 年 ）は、織物の色の持つ多様なスピリチュアル・バリューを表したものなのです。
ヌヌンは絵画を描くことを「スピリチュアルな旅路 」であると言い、人生を「 魂の風景 」だと表現します。彼女は、日々の生活、長い時間をかけて人々が築いてきた豊かな文化、そして壮大な自然などを起点として、人間の内面に広がる精神世界を洗練された色と形で捉えてきました。それらは彼女自身の人生であり、また、ひとりひとりの人生に秘められた無限の広がりを示しているようです。

ヌヌン WS《 織物の次元 1 番 》

2019 年
アクリル絵具、キャンバス

425 × 180 cm（5 点組 ）プレ ス リ リ ー ス

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アルピタ・シンアルピタ・シンは、西ベンガルのバラナガルに生まれ、幼い時にデリーに移り住みました。イギリスからの独立間もない 1950 年代に、デリー・
ポリテクニック芸術学部でアートを学び、卒業後、政府が運営する織物工房で働きテキスタイルに関する知識と技術を習得しました。1972
年に初個展をニューデリーで開催し、以降は、国内外の数多くの展覧会に参加しています。海外では、ロンドンのロイヤル・アカデミー・オブ・
アーツ（1982 年 ）、ポンピドゥー・センター（パリ、1986 年 ）、ニュー・サウス・ウェールズ州立美術館（1993 年 ）などに出品し、2019 年には大規模な回顧展がニューデリーのキラン・ナダール美術館で開催されました。2011 年にインドにおける高位勲章のひとつであるパドマ・ブー
シャン勲章を受章、まさに国民的アーティストといえます。
シンの絵画は、断片的に描かれた様々な要素が織りなす、象徴的な物語性を特徴としています。神話や歴史的題材から、急激に発展するイ
ンド現代社会の諸問題、実娘との関係などフェミニズムを連想させる自伝的な内容まで、幅広い主題が扱われています。初期には風景画を描いていましたが、1970 年代中頃から出品作《 無題 》
（1976 年 ）にみられる抽象表現を始めました。1990 年代には抽象と具象、シンボルや文字と数字が渾然一体となった現在のスタイルへと発展します。伝統的なインドの細密画を連想させる空間構成と、ピンクと青を基調とする鮮やかな色彩が、独自の世界観を作り出しています。また、細密な描写やパターンの反復は、織物工房で働いていた時に習得した、インドの伝統的な刺繍であるカンタ刺繍の表現に重なります。
出品作《 私のロリポップ・シティ：双子の出現 》（2005 年 ）では、象徴的に描かれた双子を中心に飛行機などが上空に浮かび、デリーの地図の上には政治家のような男性達が描かれています。周囲に書かれた文字の中に「57 人の男
性と 12 人の女性（ 残りは失敗し、焼かれ、消された）」とあり、よく見ると男性達に混じって半分地面に埋まっている 17 人の女性が描かれています。さらに「この地図は間違い

従うな」とあり、本作が首都デリーを支配する権力構造やヒエラルキーへの批判であることがわかります。
同じく出品作の《 破れた紙、紙片、ラベルの中でシーターを探す》（2015 年 ）には襲われる女性たちが描かれ、画面の上部には「シーター

あなた私私たち」とあります。本作

は若い女性たちの誘拐事件や性的暴行事件が後を絶たないインドの現状への応答です。紙を繋ぎ合わせて描かれた川には「ORIGAMI」という文字が浮かび、これは平和を祈るための日本の千羽鶴に着想を得ています。豊かな想像力と卓越した色彩感覚で描かれる物語のアルピタ・シン 《 私のロリポップ・シティ：双子の出現 》

背景には、より良い社会や人間の在り方を祈る、彼女の真摯な姿勢があります。

2005 年

油彩、キャンバス

152.4 × 213.3 cm

所蔵：ヴァデラ・アート・ギャラリー（ニューデリー）

ロビン・ホワイト
ロビン・ホワイトはオークランド大学で絵画を学び、ニュージーランド（アオテアロア）を代表するモダニスト、コリン・マカーン（1919-1987
年 ）に師事、1970 年代後半にはニュージーランド地域主義の画家として注目されていました。1982 年に家族でキリバス共和国の首都タラワに移住。タラワでは地域の日用品や装飾品などの伝統工芸の手法と素材を、作品に取り入れるようになりました。1999 年にニュージーランドに帰国し、現在までマスタートンを拠点としています。2022 年にはニュージーランド国立博物館テ・パパ・トンガレワにて大規模な回顧展が予定されています。
伝統工芸の手法と素材を用いたホワイトの平面作品は、拡張された絵画空間としての意味を持っています。出品作《 大通り沿いで目にしたもの》（2015-2016 年 ）には、地域の生活には欠かせない樹皮製の布である「タパ」を用いています。タパは女性達の共同作業によって作られるため、ホワイトの作品制作にも共同作業が取り入れられるようになりました。家屋の建材や室内のインテリアなどの実用的な用途に限らず、タパには新生児や遺体を包むといった儀式的な用途もあります。ホワイトの作品でも、特別な行事の際には、制作に携わった女性達がその上に座ったり、寝転がったり、裸足で踊ったりもします。
これらの作品は絵画空間を拡張するだけでなく、ひとりのアーティストのみが作者であるという西洋近代以降の個人主義的な価値観からの解放ともいえます。ホワイトは、これまでフィジー共和国、トンガ王国、キリバス共和国、アオテアロアのほかに、日本の女性達ともコラボレーションをしています。
タラワの人々にとって海は食料の供給源であり、他の島とのコミュニケーションの手段であり、そして神聖な存在でもあります。その場所や環境への応答であり、伝統工芸や生活様式を取り入れたホワイトの作品にもまた、アイデンティティの問題や現代社会への批評的視点、環境への配慮など、複層的な意味が込められています。その根底には、ホワイトが信仰するバハーイー教の平和思想、男女平等、社会貢献の精神、そして人類への深い慈しみがあります。

プレ ス リ リ ー ス

まっすぐな道 」
シリーズより）

2015-2016 年 顔料、植物染料、樹皮布 2,400 × 380 cm
展示風景：「 大通り沿いで目にしたもの」ビクトリア国立美術館（メルボルン）2016 年

お問い合わせ森 美 術 館 広 報 事 務 局（ 共 同ピーアール内 ）：日 比、松 川、伊 藤、花 上

Tel: 03-3571-5258 E-mail: mam-pr@kyodo-pr.co.jp

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ロビン・ホワイト & ルハ・フィフィタ《 大通り沿いで目にしたもの》（「コ・エ・ハラ・ハンガトゥヌ：

撮影：Michael Fudakowski

アナザーエナジー展

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2 0 21 年 4 月 21 日

展覧会関連プログラム■ キュレータートーク※オンライン配信、日英同時通訳付

本展の企 画を担 当したキュレーターが、展覧会のコンセプトや企 画のプロセスなどについて語ります。
出演：マーティン・ゲルマン（インディペンデント・キュレーター）、片岡真実（ 森美術館館長 ）モデレーター：德山拓一（ 森美術館アソシエイト・キュレーター）
日時：2021 年 4 月 22 日（ 木 ）17:00～18:30（ライブストリーミング） 料金：無料 お申し込み：不要■ アーティストトーク ※オンライン配信、日英同時通訳付
本展での作 品を含め、これまでの活 動についてアーティスト自身が語ります。
出演：フィリダ・バーロウ（「アナザーエナジー展 」アーティスト） 聞き手：マーティン・ゲルマン、片岡真実
日時：2021 年 5 月 28 日（ 金 ）18:00-19:30（ライブストリーミング） 料金：無料 お申し込み：不要■ Meet the Artists

山本高之「イクトゥス」

本プロジェクトでは、魚の世 界の「 性 」の多 様なあり方を学び、アーティストの山 本 高 之がミュージシャンや子どもたちと共に表現します。ワークショップ形 式で歌や衣 装、大 道 具などを制 作し、最 後にはミュージカルとして上 演。その上 演の様 子を、映 像 作
品として公 開します。
出演：山本高之（アーティスト）
日時：2021 年 6 月～8 月（ 予定 ） 会場：森美術館、東京ドイツ文化センター ほか
対象：6 歳～10 歳
主催：株式会社 precog、森美術館
企画：田中みゆき（インディペンデント・キュレーター）、株式会社 precog、森美術館ラーニング
企画協力：日本財団 DIVERSITY IN THE ARTS
助成：公益財団法人東京都歴史文化財団 アーツカウンシル東京、日本財団
協力：東京ドイツ文化センター

まちと美術館のプログラム「アート・キャンプ for under 22 Vol. 6 IN/BETWEEN：美術館をつなぐ」※日本語のみ
本プログラムでは、熊 本 県 小 国 町にある坂 本 善 三 美 術 館と森 美 術 館をオンラインでつなぎます。ふたつの美 術 館をつなぐ主 人
公は、双 方の美 術 館で募ったユース世 代の参 加 者たち。それぞれの美 術 館のキュレーターやアーティストたちとオンラインで出会い、アートの実践の場を目の当たりにし、「アートって何？」という問いを自分の言葉で語り合います。地域を越え、アートをとおして出 会う人と人とのつながりを体 験してみませんか。
出演：んまつーポス（コンテンポラリー・ダンスカンパニー）、岡山直之（アーティスト）、坂﨑隆一（アーティスト）、山下弘子（ 坂本善三美
術館学芸員 ）、德山拓一（ 森美術館アソシエイト・キュレーター）、白木栄世（ 森美術館アソシエイト・ラーニング・キュレーター）ほか

実施期間：2021 年 5 月～7 月（ 予定 ）対象：13 歳～22 歳
会場：Zoom を使用したオンライン・プログラムとして実施します。
主催：森ビル株式会社、森美術館、坂本善三美術館

プレ ス リ リ ー ス

お問い合わせ森 美 術 館 広 報 事 務 局（ 共 同ピーアール内 ）：日 比、松 川、伊 藤、花 上

Tel: 03-3571-5258 E-mail: mam-pr@kyodo-pr.co.jp

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アナザーエナジー展

2 0 21 年 4 月 21 日

プ レ ス リ リ ー ス VO L . 2

まちと美術館のプログラム「アート・キャンプ for under 22 Vol. 7
ヒューマン・ビギン：アシタナニスル?」
未 来を一 緒に担っていく世 代のみなさんと、これまで当たり前だと考えられていた「 性 」の規 範を更 新するようなメッセージを考え、身 体をつかって表 現します。ダンスを通して自 分らしく生きること =「 性 」にまつわる価 値 観を探ってみませんか ? ここで生まれたダンスは SNS のプラットフォームなどで広く配 信し、ワークショップ後にも、多くの方々と共 有することを目指します。
出演：辻本知彦（ダンサー・振付家 ）、菅原小春（ダンサー・振付家 ）実施期間：2021 年 6 月～8 月（予定 ）対象：15 歳～22 歳
会場：森美術館 ほか、プログラム過程で Zoom を使用したオンラインでの対話を行う場合もあります。
主催：株式会社 precog、森美術館、森ビル株式会社
企画：株式会社 precog、森ビル株式会社、森美術館ラーニング
助成：公益財団法人東京都歴史文化財団 アーツカウンシル東京、日本財団
企画協力：日本財団 DIVERSITY IN THE ARTS

＊出演者は予告なく変更になる場合があります。予めご了承下さい。
＊他にもアーティストトークや専 門 家によるトークセッション、スクールプログラム、アクセスプログラムなど、さまざまな企 画を予定しています。プログラムの詳 細や最新情報は森 美 術 館ウェブサイトをご覧ください。

www.mori.art.museum
プログラムに関するお問い合わせ：森美術館 ラーニング担当

Tel:03-6406-6101（ 月～金：11:00-17:00 ） Fax: 03-6406-9351 E-mail: mam-learning@mori.co.jp

関連情報

挑戦しつづける力──世界の女性アーティスト 人

アナザーエナジー 挑戦しつづける力──世界の女性アーティスト 人

Etel Adnan
エテル・アドナン
本展の開催に際し、「ガイド版 」と通常版、2 種の展覧会カタログをご用意しました。展覧会の手引
フィリダ・バーロウ Phyllida Barlow
アンナ・ボギギアン Anna Boghiguian
きとして最適な「ガイド版 」は展覧会初日に販売を開始します。
Miriam Cahn
ミリアム・カーン
Lili Dujourie
リリ・デュジュリー・・Anna
Bella Geiger
アンナ ベラ ガイゲル
【ガイド版 】
ベアトリス・ゴンザレスBeatriz González
カルメン・ヘレラ Carmen Herrera
本 展を企 画したキュレーター 2 名（ 片 岡 真 実、マーティン・ゲルマン）による主 論 考キ2
ム・本と対
スンギ 談 Kim Soun-Gui
スザンヌ・レイシー Suzanne Lacyや、作 品 図 版ページでの 16 名のアーティストの解 説、作品リストを掲 載。
Mishima Kimiyo
三島喜美代
Miyamoto Kazuko
宮本和子
サイズ：A4 変 形（ 28.2 × 21 cm ） ページ数：168 言語：日・英バイリンガル センガ・ネングディ Senga Nengudi
Nunung WS
ヌヌンWS
制作・発行：森 美 術 館／フィルムアート社 発売日：2021 年 4 月 22 日（ 展 覧 会 初日
）タ・シン
Arpita Singh
アルピ
Robin White 16
ロビン・ホワイト
定価：1,870 円（ 税込 ）16

Another Energy Power to Continue Challenging 16 Women Artists from around the World

フィルムアート社

アナザーエナジー■ 展覧会カタログ

Another
EnergyPower toContinue Challenging
16 Women Artists
from around the World

フィルムアート社【 通常版 】
本 展を企 画したキュレーター 2 名（ 片 岡 真 実、マーティン・ゲルマン）による主 論 考 2 本や、各 出 展アーティストの 個 人 史や作 品の変 容に焦 点を当てた世 界 各 地の専 門 家による論 考 16 本、本 展の展 示 風 景 図 版と作 品リスト、さらにアーティスト略 歴と参考
文献リストを掲 載。
サイズ：A4 変 形（ 28.2 × 21 cm ）ページ数：368

制作・発行：森 美 術 館／フィルムアート社

言語：日・英バイリンガル

発売日：2021 年 6 月中 旬（ 予 定 ）

定価：5,500 円（ 税込 ）プレ ス リ リ ー ス

お問い合わせ森 美 術 館 広 報 事 務 局（ 共 同ピーアール内 ）：日 比、松 川、伊 藤、花 上

Tel: 03-3571-5258 E-mail: mam-pr@kyodo-pr.co.jp

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アナザーエナジー展

2 0 21 年 4 月 21 日

プ レ ス リ リ ー ス VO L . 2■ 展覧会オリジナルグッズ

アナザーエナジー展

ロゴグッズ

T シャツ
サコッシュ意し館 内の「 森 美 術 館 ショップ 53 」では、本 展のロゴをデザインした
T シャツやサコッシュなど、展 覧 会オリジナルグッズをご用ています。また、展覧 会カタログ「ガイド版 」とサコッシュを大 変お得なセットとして、2,500 円で販 売します。
・T シャツ（ 2 色：白、シルバーグレー） 2,640 円（ 各 ）・サコッシュ
・缶バッジ
アナザーエナジー展

1,100 円
550 円
540 円

アナザーエナジー展

ロゴグッズ

・ブドウ糖ラムネ

缶バッジ

ロゴグッズ

T シャツ

サコッシュ

（ T全て税
込価格 ）
シャツ
ホワイト

シルバーグレー

缶バッジ

缶バッジ

ラムネ

ラムネ

お問い合わせ：森美術館 ショップ 53

Tel： 03-6406-6118

営業時間：10:00-22:00（ 祝日を除く火曜日は 17:00 まで） ※美術館の開館時間に準ずる

お得な学生・子供応援キャンペーン
「 今だけ学生・子供ワンコイン」
展覧 会 初日の 2021 年 4 月 22 日（木 ）から5 月 31 日（月 ）までの期 間 限 定で、通 常、学 生 料 金が平日 1,300 円、土・日・休日 1,400円、および子 供 料 金が平日 700 円、土・日・休日 800 円のところ、一 律、ワンコインの 500 円で入 館できる「 今だけ学 生・子 供ワンコイン」を実 施します。今、新 型コロナウイルス感 染 症の影 響を受けている多くの学 生さんやお子さんに向けてフィジカルな
学びや体 験の機 会を提 供する、森美術館の学生・子供 応 援キャンペーンです。
期間：2021 年 4 月 22 日（ 木 ）～ 5 月 31 日（ 月 ）料金：学 生・子 供

一 律 500 円［ 通常の学 生 料 金は土・日・休日 1,400 円（ 平日 1,300 円 ）、子 供 料 金は土・日・休日 800 円（ 平日 700 円 ）］＊ 学生：高 校、大 学、大学院、短大、専門学校に通学する方が対 象
子供：4 歳から中 学 生までが対象

プレ ス リ リ ー ス

お問い合わせ森 美 術 館 広 報 事 務 局（ 共 同ピーアール内 ）：日 比、松 川、伊 藤、花 上

Tel: 03-3571-5258 E-mail: mam-pr@kyodo-pr.co.jp

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2 0 21 年 4 月 21 日

プ レ ス リ リ ー ス VO L . 2

森美術館「アナザーエナジー展 」同時開催小プログラムのご案内
会期：2021 年 4 月 22 日（ 木 ）－ 9 月 26 日（ 日 ） 会場：森美術館（ 六本木ヒルズ森タワー53 階 ）MAM コレ クションは、森 美 術 館 の 収 蔵 品を、多 様 なテ ーマに 沿って順 次 紹 介 する展 覧 会シリーズです。

MAM コレクション 013：

さまざまな線、宇 宙のぜんぶ― 草 間 彌 生、プラバヴァティ・メッパイル、ツァイ・チャウエイ（ 蔡 佳 葳 ）主催：森美術館
企画：熊倉晴子（ 森美術館アシスタント・キュレーター）

https://www.mori.art.museum/jp/exhibitions/mamcollection013/index.html

ツァイ・チャウエイ（ 蔡佳葳 ）《 円Ⅱ 》

2011 年
ビデオ、カラー、サイレント

56 秒

MAM スクリーンは、世 界 の 多 様 な 映 像 作 品 のなかから選りすぐりのシングル・チャンネル 作 品を上 映するプログラムです。

MAM スクリーン 014：

シプリアン・ガイヤール

シプリアン・ガイヤール

主催：森美術館
企画：椿 玲子（ 森美術館キュレーター）

https://www.mori.art.museum/jp/exhibitions/mamscreen014/index.html《 海から海へ（オーシャン 2 オーシャン）》2019 年
ハイビジョン・ビデオ、サウンド

10 分 56 秒
Courtesy: Sprüth Magers, Berlin, London and Los
Angeles; Gladstone Gallery, New York and Brussels

MAM プロジェクトは森 美 術 館が世界各 地のアーティストと実 験 的なプロジェクトを行うシリーズです。

MAM プロジェクト 029：
オスカー・ムリーリョ
主催：森美術館
企画：矢作 学（ 森美術館アシスタント・キュレーター）、森美術館ラーニング
後援：駐日コロンビア共和国大使館

https://www.mori.art.museum/jp/exhibitions/mamproject029/index.html

オスカー・ムリーリョ《 攪乱された周波（トルコ、コロンビア、ドイツ）》

2013-2019 年
ボールペン、万年筆、鉛筆、サインペン、蛍光ペン、
油性マーカー、絵具、クレヨン、ホッチキス、天然顔料、ごみ、油彩、オイルスティック、キャンバス ほか

170 × 185 cm
撮影：Tony Prikryl
画像提供：アスペン美術館

プレ ス リ リ ー ス

お問い合わせ森 美 術 館 広 報 事 務 局（ 共 同ピーアール内 ）：日 比、松 川、伊 藤、花 上

Tel: 03-3571-5258 E-mail: mam-pr@kyodo-pr.co.jp

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