KOGEI Next 2022

KOGEI Next Exhibition 2022
2022.11.18（金）・11.19（土）1目次

KOGEI Next 2022〈Vision〉循環
1. David Bielander《Crucifix》
2. Pick up project 04: David Bielander《Digital watch》
3. 鈴木祥太《牡丹 ―都市の養分―》
4. 鈴木祥太《都市の養分 ―白花蒲公英―》
5. 塩見亮介《白銀角鴟面附白絲縅兜袖》
6. 壽堂《自在黄泉蛙》
7. Pick up project 05: 蜷川べに（和楽器バンド）× 彦十蒔絵《Lycoris》
8. 彦十蒔絵《Ultraviolet canvas》
9. Pick up project 06: 織田隼生《Imperfect》
10. 野田朗子《Re-born from broken Baccarat ―蓮葉―》
11. 松本涼《輪廻》12. Pick up project 07: 前原冬樹《一刻・縄文土器》
13. 前原冬樹《一刻 コカコーラ》
14. 大竹亮峯《Innocent》（未完）
15. 本郷真也《龍自在》（未完）
KOGEI Next とは何なのか
あとがき

前﨑信也

主催者

＊本書中の無記名の解説は全て鐘ヶ江英夫による

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Table of Contents

KOGEI Next 2022〈Vision〉Circulation
1. David Bielander: Crucifix
2. Pick up project 04: David Bielander: Digital Watch –Silver–
3. Shota Suzuki: Peony –Urban Nourishment–
4. Shota Suzuki: White Dandelion –Urban Nourishment–
5. Ryosuke Shiomi: Silver owl kabuto mask and sleeves
6. Kotobukido: Jizai Okimono Yomigaeru Rebirth
7. Pick up project 05: Beni Ninagawa & Hikoju Makie: Lycoris
8. Hikoju Makie: Ultraviolet canvas
9. Pick up project 06: Toshiki Oda: Imperfect
10. Akiko Noda: Re-born from broken Baccarat –Lotus Leaf–
11. Ryo Matsumoto: The cycle of reincarnation
12. Pick up project 07: Fuyuki Maehara: One Moment on Jomon Pottery <re–born>
13. Fuyuki Maehara: One Moment –Coca-Cola–
14. Ryoho Otake: Innocent *Production in progress
15. Shinya Hongo: Jizai Okimono Dragon –Circulation– *Production in progress
What is KOGEI Next?: Shinya Maezaki
Afterword: Organizer*All the text in this book is written by Hideo Kanegae unless itherwise noted.

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工芸家たちは 1 から 10 までを自らの手で作品を作り上げる。
しかし、0 から 10 ではない。

0 から 1 は自然、環境、社会が生み出した材、思想、伝統。
これを見極め、作品へと変えていく。
巡り、巡り、無自覚の中であっても、私たちはこの世界と呼応している。
私たちは、輪の中にいる。
それはとても大きな輪だから、自らの目線だけでは直線の様に感じる。
その為、時に俯瞰し遠い未来を想像してみる。
丹念に 10 まで創り上げた作品も、9 となり、8 となり、やがて 1 や 0 に還るだろう。

0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 9 8 7 6 5 4 3 2 1 0
輪は回り続ける。

Craftspeople create their works from one to ten with their own hands.
But it is not from zero to ten.
Zero to one is the ideas, traditions, natural resources andmaterials that our environment and society created.
Craftspeople identify these elements and transform them into works of art.
Going round and round, we are all connected in this world
without even being aware of it.
We are in a loop.
But because it is a huge loop, we perceive it as a straight line.
That is why we sometimes try to take a bird's eye view andimagine the distant future.
Even a carefully created artwork that has reached ten will turn into
nine, then eight, and eventually return to one or zero.
0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 9 8 7 6 5 4 3 2 1 0
We keep going around the loop.

501David Bielander《Crucifix》
David Bielander: Crucifix

欧州で回収・リサイクルされた特別な銀から制作した。David はこの銀の再生をキリストの復活に重ねと共に、再生を繰り返すダンボールに見立てて表現する。2015 年から制作をはじめた cardboard シリーズ。
その中でも侘びた佇まいでありながら、特に存在感のある作品である。

Crafted from special silver collected and recycled in Europe. David Bielander overlaps the rebirth of this silver withthe resurrection of Jesus, likening it to cardboard that can be recycled repeatedly. His production of the cardboard
series began in 2015. Among the works in this series, this work has a particularly strong presence, despite its
transient appearance.
Public collection: The collection of Artothek (Germany), Art Gallery of Western Australia
Material: Silver (Responsible Jewellery Council certified)Size: W15.5cm × D5cm × H28cm

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Pick upproject 04：都市鉱山×デジタル世界

都市鉱山

デジタル世界この時計に使われているのは小型家電などから再資源化された特別な銀である。
一般的に銀はジュエリーなどの装飾品になるが、デジタルの世界ではその導電性と加工のしやすさという性質が重宝されて使用される。
この作品を形成する銀は、
私たちの目には見えないところで社会やデジタル世界を支えてきた。
この時計の針は動かない。
しかし、社会の奥底で現代のデジタル社会を動かしてきた銀は、この作品によって初めて顕在化し、今も内在する大きな力を示すのである。

Special silver recycled from home appliances was used in this watch.
Silver is generally used for jewelry and accessories, but in the digital world, it is valued for its highconductivity and ease of fabrication. The silver that forms this work once supported the digital world
and our society in a way that was invisible to our eyes.
The hands of this watch do not move. But, the silver that once powered the modern digitalsociety behind the scenes has become visible through this artwork and continues
demonstrating the great power inherent in it.

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02David Bielander《Digital Watch ―Silver―》David Bielander: Digital Watch –Silver–1970 年代に日本から始まったクオーツ式時計の普及により、

In the 1970s, the Swiss mechanical watch industry was hit hard by the

スイスの機械時計業界は大きな打撃を受けた。しかし、スイspread of quartz watches, which originated in Japan. However, the Swiss

スの時計業界はラグジュアリー戦略によって再生し、腕時計

watch industry was revitalized by its luxury watch marketing strategy, which

を「時を知る道具」から「持つ喜び」に転換させた。職人がtransformed watches from a “tool for telling time” into a “pleasure-to-own

一つ一つ手作りし、工芸品の様な完璧な美しい時計たちは世

personal item”. Indeed, beautiful and flawless Swiss watches, handcrafted

界中のセレブリティを魅了するものとして生まれ変わったの

by artisans one by one, were reborn to attract celebrities all over the world.

である。この見事な戦略により、スイス時計の海外市場規模

Thanks to this brilliant strategy, the overseas market share of Swiss watchesはこの 30 年あまりで約 4 倍にまで成長したが、この半世紀

quadrupled in the past 30 years, but the half-century-long battle continues

にわたる、時計の国スイスと精密機器の国日本の争いは、今

between Switzerland, the country of watches, and Japan, the country ofもなお続いている。

precision machinery.

《Digital Watch》は、そんなライバル関係の歴史を持つ日‘Digital Watch’ is a joint work between Japan and Switzerland, which have

本とスイス間の共同作品である。日本のデジタル世界を動been in such a competitive relationship. Gold and silver that once powered

かしていた金や銀を再資源化し、スイス人の彫刻家 DavidJapan’s digital world were recycled, and Swiss sculptor David Bielander

Bielander が制作。その銀の性質になぞらえ日本人チームがused them to create this work. Inspired by the nature of silver, the Japanese

AR 技術を使いデジタル上で命を演出する。アナログやデジ

team applied augmented reality (AR) technology to bring it to life in a

タル、工業や工芸、国境といった概念を超えて、現代アート

digital form. Beyond the concepts of analog and digital, industry and craft,

として新たな時代の価値の提示を試みた作品である。

and national borders, this is a piece of contemporary art that attempts topresent the values of a new age.

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Digital Watch AR image

時刻を抽象化した円環が空中に 3 つ現れる。

12 時間で一周、1 時間で一周、1 分で一周するそれぞれの球体。
中心部には都市鉱山を抽象化した物体が浮かぶ。
そこから金が降り注ぎ、この時計を形成している。
Three circles that represent different time scales appear in the air.
One sphere goes round in 12 hours, another one in an hour, and thethird one in a minute.
In the center, an object representing an urban mine floats.
Gold pours down from it and forms this watch.

Technical partner: KEISUUGIKEN / Dentsu Craft Tokyo / Cai inc.
AR Art director: Naoto Nakamura
Concept & design: David Bielander & Hideo Kanegae

Materials: Silver from KOGEI Next urban mines (smoked silver finish), platinum
AR application (digital application work)
Size: Customized work9

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鈴木祥太《牡丹−都市の養分−》
Shota Suzuki: Peony –Urban Nourishment–「立てば芍薬、座れば牡丹、歩く姿は百合の花」とあるように、昔からその美しさが称えられてきた牡丹（ぼたん）。この美しさを表現する為に、鈴木は 800 時間以上をかけてひたすら花弁の鑽打ちだけに励んだ。
鈴木が花弁の再現に果てしない労力が必要であるのと同じように、美しい牡丹の花を毎年咲かせ続けるためには手間暇がかかるという。開花後にそのまま放っておくと株が疲れきってしまう。来年に新たな花を咲かせる為には花柄を摘まなければならない。鈴木はこの牡丹の手入れに都市鉱山資源の循環システムを重ねた。
この牡丹はリサイクルされた小型家電由来の金や銀を使用して制作した。言わば、都市に眠っていた養分を吸い上げ開花した牡丹なのである。

Peonies have been admired for their beauty since long ago in Japan, and there is a saying that refers to beautiful
women as, “tateba shakuyaku suwareba botan aruku sugata wa yuri no hana (standing like a garden peony, sitting
like a tree peony, and walking like a lily)”. To express this beauty, Suzuki spent more than 800 hours hammering
metal pieces to make petals. Just as Suzuki made endless efforts
to reproduce the petals, much time and effort are required to keep
the beautiful peony flowers blooming every year. The plant gets
exhausted if it is left untreated after flowering, so we have to pickflower stalks to produce new flowers the next year.
Suzuki overlapped this care for peonies with the urban mines’
circulation system. This peony was created using gold and silver
recycled from home appliances. This peony plant absorbed thenutrients lying in the city to blossom, so to speak.

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鈴木祥太《白花蒲公英−都市の養分−》
Shota Suzuki: White Dandelion –Urban Nourishment–

関係者の皆様にご尽力いただき KOGEI Next の「都市鉱山Thanks to the dedication of everyone involved in KOGEI Next, in

プロジェクト」では、今年から「金」に加えて、小型家電か

addition to ‘gold’, the Urban Mine Project this year can use ‘silver’

ら再資源化した「銀」も使用することが可能となった。環recycled from home appliances. According to data published by

境省の公表しているデータによると、パソコンには平均でthe Ministry of the Environment, on average, 0.3g of gold and 0.84g

金 0.3g、銀 0.84g が使用されている。これはちょうど鈴木

of silver are used in a personal computer. This is the same amountの作る白花蒲公英（シロバナタンポポ）の花一輪の量である。

used in the single white dandelion (Taraxacum Albidum) of Suzuki’s

この花は使用されなくなった家電の奥に確かにある都市鉱山

craftwork. This flower reminds us of the urban mines that surelyの存在を感じさせる。

exist behind discarded appliances. With ‘Urban Nourishment’

本作は、2021 年作の《都市の養分》がきっかけとなり、あwhich Suzuki created in 2021 being the trigger, a family entrusted

る方からご家庭に眠るパソコンを託された。７年前に他界

us with an unused computer they had in their home. She explained

されたご令弟様の持ち物だと説明された。このパソコン内

that it belonged to her brother who passed away seven yearsにあった金や銀は電気信号の受渡しを行いながら、故人のago. The gold and silver contained inside this computer would

様々な活動を支えてきたのであろう。白花蒲公英の花言葉はhave supported various tasks of the deceased while passing and「私を探して、そして見つけて」。活動を終えたこの金と銀は、

receiving electrical signals.

その生来の美しさを持って、ご家族の前に一輪の花として再The flower language of the white dandelion is “Look for me, and生した。

find me”. Having completed their original role, this gold and silver,with its natural beauty, was reborn as a single flower dedicated to
the family.Materials: Silver from KOGEI Next urban mines, Gold
from KOGEI Next urban mines, copper, nickel silver,

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※金は 0.3g そのほとんどがこのパソコン由来、銀は他の小型家電と合同で再資源化し、その中の 0.84g を使用した。

* For this work, most of the gold was collected from this computer, and the silver
was recycled jointly with other home appliances, of which 0.84 g was used.

Materials: Silver from KOGEI Next urban mines, Gold from
KOGEI Next urban mines, copper, nickel silver, aerugo
Size: W32.5cm×D22.5cm×H22cm

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塩見亮介 《白銀角鴟面附白絲縅兜袖》
Ryosuke Shiomi: Silver owl kabuto mask and sleeves

銀は古くから主に装飾と造形性の高い用途に用いられ、その美観をもって人々に感動を与えてきた。しかし
今回使用した銀はその存在感を消し、錆びつかない均質な歯車として、現代社会に内在していた。その役割はとても無機質な響きに感じられるが、例えばメール、写真、映像など、人々の感情が封入されているものも多い。この銀は電気信号の受渡しを行いながら、人々の営みを陰から見続けている。
フクロウという鳥は、森の監視者である。暗闇でもどこまでも見通す大きな目や優れた聴覚、音も立てずに
静かに森の中を飛び交う様。そういったイメージが銀の電子部品の素材としての役割に重なった。都市という情報の森の中で、音もなくそこかしこに佇みながら、ただ人々の営みをじっと見つめるフクロウ。都市鉱山の化身として、本来持つ比類なき美観をもって表舞台に解放させようと決意して制作に臨んだ。〈塩見〉Silver has long been used mainly for decorative and figurative purposes, and its beauty has impressed many people.
However, the silver that was used in this work erased its presence and served as one of the rust-free homogeneous
cogwheels in modern society. This role sounds very inorganic, but through e-mails, photos, and videos, many ofthem enclose people’s emotions. This type of silver continues to watch people’s activities from behind the scenes
while passing and receiving electrical signals.
Owls are the watchers of the forest. They have large eyes—great to see in the dark, excellent hearing, and the ability
to fly silently in the forest. This image of owls overlaps with silver’s role as a material for electronic components. In
the forest called city, where information flies around, the owl stands there quietly and stares at people’s activities.
As the embodiment of urban mines, I have decided to bring this type of silver to the center stage, with its inherent
exceptional beauty.
Ryosuke Shiomi

面は一枚の銀を絞り（叩き）制作。羽は一枚一枚が別々に作られており、タガネを細かくずらしながら細かい線を刻むように打ち込んでいる。フクロウの羽のふわりとした質感を表現するため、全ての羽に下処理として表面を荒らし、薄く見せるためにヤスリで面取りをし、糸ノコで全ての輪郭に細かな刻みを入れている。
本作はこの他にも、ここには書き切ることのできない複雑で繊細で根気の必要な作業を経て完成した。

The mask was made by hammering a single piece of silver. Each feather was made separately and was hammered
while moving a chisel bit by bit at a time to engrave fine lines. To express the fluffy texture of owl feathers, he firstly
roughened the surface of all feathers, chamfered them with sandpaper to make them look thinner, and made finecuts on all contours with a jigsaw. This work was completed through countless other complex and delicate tasks that
required a great deal of patience.

Materials: Silver from KOGEI Next urban mines, Traditional Japanese copper/silver alloy (Shibuichi), iron, brass, urushi lacquer,
leather, pure silk braided cordSize: W65cm×D40cm×H100cm

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壽堂《自在黄泉蛙》
Kotobukido: Jizai Okimono Yomigaeru Rebirth
無事に還る。お金が返る。

Safe return. Money is returned.

日本人は、蛙に様々な願いを込める。

Japanese make various wishes with frogs (kaeru=return).

この蛙は都市鉱山から再生した銀で製作した。

This frog was made from silver which has been recycled from urban

スクラップ工場から蘇った「黄泉蛙」。

mines.

自由自在に飛び跳ねる。

‘Yomigaeru’ that has come back from a scrap factory.
The frog jumps around enjoying its freedom.

眼は 18 金と赤銅。腹部に強力なネオジム磁石が入っており

The eyes are 18K gold and red copper. The abdomen contains a

鉄製品に吸着させることができる。現代へのアップデートを

powerful neodymium magnet so that it can be attached to iron

行いながらも、自在置物の歴史研究者という側面を持つ壽堂

objects. While updating the details to reflect the modern age,

らしい、随所に玄人好みの演出を行った一作に仕上げられてKotobukido, a historian of Jizai Okimono, also added special

いる。

touches that satisfy the taste of connoisseurs

今回、壽堂はジョウロのシャワーの部分に作品を展示した。

This time, he displays his work on the showerhead of a watering

この部分を蓮の花托に見立てることで、再生した素材を用い

can. By likening this showerhead to a lotus seed pod, he overlaps

た作品と仏教の転生のイメージを重ねているのである。

the image of Buddhist reincarnation with the work made out ofrecycled materials.
Materials: silver (from KOGEI Next urban mines), 18K gold, red copper,
brass, bronze, neodymium magnet
Size：L36 × W35 × H20 (mm）18 | KOGEI Next

Pick upproject 05：工芸 for ミュージック
蜷川べに（和楽器バンド）×彦十蒔絵《Lycoris》

工芸

ミュージック

工芸に足りないのは若いファン。
よくある工房体験や博物館での鑑賞ではなく、工芸をかっこいいモノとして見せたい。
そんな想いをもって KOGEI Next のサポーターである京都女子大学の学生が提案したのが音楽アーティストと工芸のコラボレーションでした。
職人の高齢化や伝統的な素材の入手が年々困難になるなど、和楽器も工芸も抱えている課題は共通しています。
特に三味線は伝統的に象牙や鼈甲、動物の皮といった素材を使うため、時代に合わせた在り方を問われてもいます。
新しい素材を使用し、漆芸の技術を使って三味線の全面を装飾するという試み。
細心の注意を払い、楽器工房（東京都荒川区）と漆芸工房（石川県輪島市）の間を何度も行き来して完成しました。
完成後に「音が良い」と評された本作はライブで使用されます。

KOGEI Next による、新しい和楽器のカタチの提案です。

What is missing in the world of crafts today is young fans.
We want people to view crafts as something cool, not as typical workshop experiences or museum exhibits.
Based on this thought, students from Kyoto Women's University, supporters of KOGEI Next,
proposed a collaboration between a music artist and craftwork.
Traditional Japanese musical instruments and craftworks both share the same challenges,
such as the aging of craftsmen and the increasing difficulty of obtaining traditional materials year by year.
In particular, shamisen uses traditional materials such as ivory, tortoiseshell, and animal skins, so a style intune with the current times is now needed.
This was an attempt to use new materials and decorate the entire surface of the shamisenusing urushi lacquering techniques.
With the utmost care and attention, we completed the shamisen after making many trips
between the musical instrument studio (Arakawa-ku, Tokyo) andthe urushi lacquer craft studio (Wajima City, Ishikawa Prefecture).
This work has been praised for its “audio quality”
and will be used as a musical instrument in live performances after the exhibition.
It was a proposal for a new form of Japanese musical instrument by KOGEI Next.

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蜷川べに ( 和楽器バンド ) × 彦十蒔絵《Lycoris》
Beni Ninagawa & Hikoju Makie: Lycoris

KOGEI Next では三味線文化の次世代への普及と新しい在り方を提案するため蜷川べに（和楽器バンド）とのコラボレーション・プロジェクトを進めてきた。津軽三味線の装飾は KOGEI Next に参画する漆芸職人集団・彦十蒔絵が担当した。デザインは、KOGEI Next のアドバイザーである京都女子大学生活造形学科の前崎信也氏のゼミ生と蜷川との共創。素材は小型家電などからリサイクルした「都市鉱山」由来の金箔や、京セラ株式会社が開発した装飾用素材である京都オパールを使用し、伝統的な漆芸技術と環境に配慮した素材の融合を実現した。
また、情報を保存するためこの三味線に NFT を発行、本プロジェクトの概要を記録しています。楽器の内部に NFT と紐づく NFC タグが仕込まれており、スマホをかざすと NFT の情報が表示されます。この NFTの情報は半永久的に保存されるため、未来の所有者も、かつて和楽器バンドの蜷川べに専用の津軽三味線であったことを知ることができる。

KOGEI Next carried out a collaboration project with Beni Ninagawa (Wagakki Band) to promote shamisen
culture to the next generation, as well as to propose a new way of presenting shamisen. This Tsugarushamisen was decorated by HIKOJU MAKIE, a group of urushi lacquer craftsmen, who are also members of
the KOGEI Next. The design was co-created by Ninagawa and professor Shinya Maezaki's seminar students
from Kyoto Women's University, the Department of Apparel and Space Design. Professor Maezaki has been
serving as KOGEI Next's project advisor.
The materials include urban mine-derived gold leaf that was recycled from home appliances as well as Kyoto
Opal, a decoration material developed by KYOCERA Corporation, achieving a fusion of traditional urushi
lacquer and environmentally friendly materials.
In addition, we issued an NFT for this shamisen to preserve information and keep a record of this project.
An NFC tag linked to NFT was embedded inside the instrument, and when a smartphone is held over the
instrument, NFT information will be displayed. Because the information on this NFT has been stored semipermanently, future owners will be able to find out that the Tsugaru shamisen was once dedicated to andowned by Beni Ninagawa of Wagakki Band.

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今回貴重なプロジェクトに参加させて頂いてとても光栄に思っています。
前々から自分の中でこういったデザインのオリジナル三味線を作ってみたいという思いがあったので、唯一無二の職人さんたちの手によって環境にも配慮された素材を使い、手間暇をかけて世界で一丁の津軽三味線を作る事が実現出来ました。
デザイン案をあげて実際それが楽器として実用可能なのかもリモートで学生さんや職人さんと何度も話し合
いつつ進めてきました。
能登半島の漆塗りの工房にもお邪魔させて頂いて一から工程を見学させて頂きお話を伺い体験もさせて頂きました。これからライブや活動の中でこの作品を使い、少しでも多くの方の目に留まり私達のコラボレーショ
ンを知って頂ければ幸いです。
蜷川べに（和楽器バンド）
I was honored to be a part of this valuable project.
For a long time, I had the desire to create an original shamisen with my own design. With a great deal oftime and effort spent by exceptional craftsmen, this one-of-a-kind Tsugaru shamisen was created using
environmentally friendly materials.
I proposed a design, and then remotely discussed if the design was actually practical as a musical instrumentwith those students and craftsmen over and over again.
I also visited the urushi lacquer studio located on the Noto Peninsula, Ishikawa Prefecture, where I was able
to see the creation process from start to finish, listen to their stories, and have a hands-on experience. WhenI use this work in my future live performances and activities, I hope to attract the attention of as many people
as possible and let them know about our collaboration project.
Beni Ninagawa (Wagakki Band)22 | KOGEI Next

津軽三味線：三味線かとう
装飾：彦十蒔絵
デザイン：蜷川べに（和楽器バンド）＋ 田畑絵梨奈・高原木綿（京都女子大学）
撮影：中河原理英監修：KOGEI Next、京都女子大学 前﨑研究室
スタッフ：入江真利奈・酒巻玲香・下村こゆき・田中さくら・田畑絵梨奈・中村桃菜・井澤杏実・岩崎真央・
川上千乃・川向美緒・高原木綿・中野真緒・松原ちあき
協力：ユニバーサルミュージック合同会社、京セラ株式会社、スタートバーン株式会社、株式会社堤淺吉漆店
装飾素材：朱漆、黒漆、白漆、砥粉、金箔（都市鉱山由来）、螺鈿、京都オパール

Size：L 1,033mm x W 260 mm x D 105 mm

Shamisen by Shamisen Katoh
Lacquer work by Hikoju Makie
Design work by Beni Ninagawa (Wagakki Band), Erina Tabata & Yu Takahara (Kyoto Women’s University)
Photo by Riei Nakagawara
This project is organized by KOGEI Next and Shinya Maezaki Laboratory of Kyoto Women’s University
Staff: Marina Irie, Reika Sakamaki, Koyuki Shimomura, Sakura Tanaka, Erina Tabata, Momona Nakamura, Ami Izawa,
Mao Iwasaki, Yukino Kawakami, Mio Kawamukai, Mao Nakano, Chiaki Matsubara
This project is supported by Universal Music LLC, Startbahn, Inc., KYOCERA Cooperation and Tsutsumi Asakichi
Urushiten
Tsugaru Shamisen: Red Sanders (rod), quince (body), artificial leather, acrylic resin and ebony (tuning pegs)
Decoration: Red lacquer, black lacquer, white lacquer, clay powder, gold (urban mine), abalone shell, Kyoto Opal
Size:L 1,033mm x W 260 mm x D 105 mm

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08

彦十蒔絵《Ultraviolet canvas》
この作品は漆で描かれている。そして紫外線に当たることによって、この作品は徐々に変化していく。漆は紫外線を浴びる事によって、段々と消滅していくのだ。その性質を良く知る彦十蒔絵の職人たちは、朱漆で細密な血管を描き、それを黒い漆で覆った。紫外線を浴びる事でその黒い漆が透け、繊細に描かれた血管が徐々に私たちの眼前に現れてくるのである。漆芸家は歴史的にも紫外線による漆の劣化と戦い続けてきた。
この作品は、漆が紫外線に分解されるという性質を逆手にとった新たな漆芸表現の誕生と言える。
オゾン層は、現在も少しずつ減り続けており、100 年前よりも確実に地球に降り注ぐ紫外線量が増えている。
かつて人間が排出したガスで壊されたオゾン層の回復にはまだ時間がかかるようだ。そして、漆と同じように人の肌も紫外線でダメージを受ける。
工芸家の立場だからこそ、社会へ発せられるメッセージがある。作品の美しさだけではなく、この時代で工芸に携わる私たちが、社会問題を受け、どう振る舞うか、その必要性を感じている。

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1 mounth later＊日の当たる窓際での一ヵ月の実験後

HIKOJU MAKIE: Ultraviolet canvas

This work was painted in urushi, Japanese lacquer, which gradually changes as it is exposed to UV rays. Urushi
lacquer vanishes in stages through exposure to UV. Knowing its nature well, HIKOJU MAKIE used urushi lacquer todraw shadows and fine blood vessels underneath them. Exposure to UV makes this superb underpainting graduallyappear before our eyes. Urushi artists have a long history of fighting against the deterioration of lacquer caused by
UV. This work can be described as the emergence of a new urushi art expression, taking advantage of the fact thaturushi lacquer decomposes under UV.
The ozone layer continues to deplete little by little and now the amount of UV that falls on the earth is certainly
higher than it was a hundred years ago. The ozone layer, which was once destroyed by gases emitted by humans,
seems to take a long time to recover. Similar to urushi lacquer, human skin is also damaged by UV. From thestandpoint of craftspeople, certain messages can be sent out to our society. What matters is not only the beauty ofartworks, but also the need for those of us who are involved in crafts in this era to take on board social issues andhow we behave.

Materials: natural urushi lacquer, vermilion pigment, mirror-finished aluminum
Size: Aluminum 600mm (width) x 700mm (length) x 1mm (thickness)25

黒い漆の下には緻密な血管の漆絵職人二人が二ヶ月間、描き続けた。

26 | KOGEI Next

京都女子大学で行った作品の照射実験の様子。
今回は日光の良く当たる南向きの窓際に向けて、展示会前の約一ヶ月間、実験を行った。

表面の朱合漆が消滅した、数年、数十年後のイメージ。展示環境によってそのスピードは異なる。

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Pick upproject 06：工芸 ×数列

工芸数列

植物の生育プロセスにはルールがある。
葉がつき、枝が伸び、そして花が咲く一連のプロセスを観察していると、植物の形は数学的な規則性に基づいていることが分かる。
私はそのような規則性を昇華させて作品を制作している。
今回の作品は、植物、自然から見られる代表的な数式である。
フィボナッチ数列をテーマに制作を行った。
作品パーツの大きさ、形態を構成するパーツ、それぞれをフィボナッチ数列に従って制作した。
〈織田隼生〉The plant growth process has rules. Observing a sequence of steps in which plants get leaves,branches, and flowers, we see that it is based on a mathematical regularity.
I create my works by elevating such regularities to a higher dimension.
This work was created on the theme of Fibonacci numbers,
a typical mathematical sequence found in plants and other living beings.
The size of each part and the parts that make up the form are a ratio of consecutive Fibonacci
numbers (consisting of up to the 6th term of the Fibonacci number).
<commented by Toshiki Oda>

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織田隼生 《Imperfect》
Toshiki Oda: Imperfect

超絶技巧作家が共通で持っている能力に「類まれな観察眼」がある。彼らは物事を深く観察し探求することによって、私たちが気付かないディテールまで描写・再現ができるのだ。しかし、織田は他の作家と少し毛色が違う。彼は視覚で捉えたモノの再現だけに頼らず、この時代にしかできない、視覚の向こう側にある世界を表現しようとする。植物の形の成り立ちを探求し、その形が持つ原理原則を抽出して、数学的に彫刻を形成していく。導き出されたルールに沿って織田は繰り返しステンレスを叩き続ける。本作は私たちの目には見えぬ領域までも表現した「超・具象作品」と言えるのではないか。今回は作品を成り立たせている数式も公開する。

All Superhuman Craftwork artists have in common an ‘exceptional observational eye’. By observing and exploring
things deeply, they can depict and reproduce details that we usually do not recognize. Oda, however, is a little
different from other artists. He does not rely solely on reproducing what he sees with his eyes, but tries to express
the world beyond sight–something that he can only do because he is in this era. He explores the origins of plant
forms, turns the phenomenon into an algorithm, and mathematically forms the sculpture. Following the rules that hehas discovered, he continues hammering on the stainless steel. I think his works can be described as ‘super-figurative
artworks’ that express even the areas that are invisible to our eyes.

30 | KOGEI Next

F(1) = F(2) = 1
F(n) = F(n-1) + F(n-2)

PS
m1

m6

m6

m2

m5

ps

m4

m6

69

m6

m5
m1

m3

m3
m4
m5 m4
m5
m2

m6

m5
m3

m4

m6

m6
m6

43

26

m5
17
9
8

F
1

2

3

4

5

6

m6

m1 = {8}m2 = {5, 8}
m3 = {3, 5, 8}
m4 = {2 , 3, 5, 8}
m5 = {1, 2, 3, 5, 8}
m6 = {1, 1, 2, 3, 5, 8}

Materials: Stainless steel
Size: W83cm×D83cm×H37cm

31

10

野田朗子《Re-born from broken Baccarat ―蓮葉―》
Tomoko Noda: Re-born from broken Baccarat -Lotus leaf-

割れたガラスは修復して元の形に戻すことは極めて困難であるため廃棄されるのが一般的である。本作に利用したのは破損して廃棄以外に方法のなかったバカラ社製の花瓶。フルレッドクリスタルと呼ばれるこのガラスは酸化鉛の含有率が 30% 以上で、特徴は弾いたときの音色が素晴らしく、色は透明に限りなく近い。
高品質なこのガラスであれば繊細で技巧的な作品の材料としてリサイクルできることが、野田による実験の結果わかった。
今回は難易度の高い大きな作品に挑戦した。壊れた花瓶が形を変え、瑞々しい蓮の葉に生まれ変わった。割れてしまったその先にも、まだ美しい物語の可能性があることをこの作品から感じて頂きたい。

Because repairing broken glass back to its original condition is extremely difficult, it is usually discarded. What Noda
has used for this work is a broken Baccarat follower vase that was destined to be thrown away. This type of glass iscalled ‘full lead crystal’ which contains more than 30% lead oxide. When we flick it, we hear a wonderful sound, andthe color is close as to being transparent. Noda’s experiment showed us that we can recycle high-quality glass as amaterial for sophisticated and technical artworks. This time she tackled a larger work, which was more challenging
for her. The broken vase’s shape was changed and it was re-born as a fresh lotus leaf. From this work, I hope you cansense the potential for a beautiful story that continues even after being broken.

Materials: Broken Baccarat vase <after 1990>
Size：W63cm × D49cm × H13cm

32 | KOGEI Next

33

11

松本涼《輪廻》Ryo Matsumoto: The cycle of reincarnation

松本は木の命を感じ、生と死の境界を連想できる形態になる

Matsumoto feels the life of the tree and keeps carving to the limit,

ように限界まで彫り込む。かたちが決まった後は、木の年輪

so that the shape becomes reminiscent of the boundary between

を浮き上がらせるように彫る。一本一本の年輪に時を感じ、

life and death. Once the shape is determined, he then carves the

境界を超えて甦る様に祈り、彫り進める。死から生を生み出

tree’s growth rings so that they stand out. Feeling the passage of

す作業である。

time in each growth ring, he continues carving, while praying that

本作は、一本の木から継ぎ目なく風車が風で回るように制作

the tree will come back to life beyond the boundary. It is a task that

した。風車の回る姿は輪廻転生を連想させる。揃った木目のcreates life from death.

境界線が、風の力を借りて、揺らいでいく。境界が崩れ、廻He seamlessly created this windmill to spin in the wind from a

り、また繋がる。風車と松本特有の木目表現が一致し、見事

single piece of wood. The appearance of the spinning windmill is

な輪廻の表現となった。

reminiscent of reincarnation. With the help of the wind, the wellaligned wood grain borders sway and collapse once but rotate
and align again. The windmill and Matsumoto’s unique woodgrain expression perfectly match together, creating a magnificent
expression of reincarnation.

Materials: Camphor
Size: W6.5cm×D12cm×H36cm

34 | KOGEI Next

Pick upproject 07：超絶技巧×修復
縄文土器 《re-born》

修復

超絶技巧

例えば、
クラシックカーの市場などではレストアが当然の様に受け入れられています。
時に現代のテクノロジーを注入しながら、当時のスタイルやその個性をどのように現代に受け継いでいくか、皆が自然に考えています。
しかし美術品市場では特に傷や修復のある作品を好まない現状があります。
これによって、傷ついた作品の行き場がなくなっています。
私たちが制作した作品も事故や災害によって、いつの日か傷ついてしまうのでしょう。
その未来を見据え、今から修復の在り方について真剣に考えておく必要があります。

For example, in the classic car market, the “restoration” of cars has been taken for granted.
They are not only restored to their original state, but also infused with modern technologies andthe style and uniqueness of those days are passed on to the next generation.
However, the art market does not favor works that have been damaged or restored,
and many of them are left with nowhere to go.
KOGEI Next has been presenting many works featuring superhuman craft skills.
But one day they might be damaged by accident, disaster, or by the carelessness of the owner.
With this future in mind, I think we need to start thinking seriously
about how the “restoration” of craftworks should be carried out from now on.

12

前原冬樹《一刻》縄文土器〈re-born〉

Fuyuki Maehara: <One Moment>on Jomon Pottery <re-born >土器 : 千葉県加曽利貝塚（加曽利 E 式）紀元前 3000 年頃
この縄文土器は残念ながら象徴的な一部が欠損している。前原の力があれば限りなく元通りに修復する事も可能だろう。しかしそれでは面白くない。茶碗には「呼び継ぎ」や「金継ぎ」のように傷を生かし、作品の個性として愛でる文化がある。彫刻にはその様な文化はなく、常に完璧な状態であることが求められる。その為、傷を負った作品は価値が下がり、傷を隠す様な修理が施されることになる。
本作において前原は新たな修復の在り方を示した。持ち前の技術力と想像力でこの欠損部分を一本の木から彫り出し、欠けた土器の断面にピタリと合わせた。しかし、接着はしたくなかった。この土器が元の姿にも戻せるように。その為、どの様に固定するか考え抜いた。その結果として、土器にかかる負荷を考慮し、固定具として 29 ものパーツを新たに彫った。この飛び出した釘は単なる意匠ではない。全てに意味がある機
能美なのである。
この土器は傷つき、時代を経て、前原に出会った。そして連歌の様に思いがけない次の句が始まった。この作品は単なる修復と言うよりも、マイナスをプラスに変える時代を超えたコラボレーションと言える。それを成し得たのは、前原が持つ探究心と先人への敬意であろう。
Pottery: Kasori Shell Mounds, Chiba Prefecture (Kasori E style), approx. 3000 BC.
This pottery from the Jomon period (13,000 BC to 400 BC) unfortunately lost a part of its iconic feature. With
Maehara’s help, it would’ve been no problem restoring it to nearly its original state. But there’s no fun in that. If it is adamaged tea bowl, there is the art of repairing the damage, called “yobitsugi” or “kintsugi,” and the repaired bowl
can be appreciated as a work with a unique feature. But in sculpturing, there is no such culture, and perfect condition
is required at all times. That is why damaged works lose value and repairs are usually made to cover up the damage.
With this work, Maehara demonstrated a new way of repairing. With his inherent skills and creativity, he carved themissing part out of a single piece of wood and perfectly matched it to the broken surface. But he did not want toglue it to the pottery so that it could return to its original form anytime. So he had to think of a way to fix the part.
After much thought, he carved as many as 29 new parts as fixtures, considering the load placed on the pottery.
These protruding nails are not mere design, but functional beauty that has a specific meaning.
This pottery was damaged and after a very long time, it encountered him. Then, like renga (Japanese linked verses),
the following phrase began. This work is a timeless collaboration that transforms a negative into a positive, rather
than a mere restoration. What made this possible was Maehara’s inquisitive mind and respect for his predecessors.

Materials: Magnolia, box wood, oil painting and charcoal.
Size: 43cm×36.5cm ×54.4cm(H)

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13

前原冬樹 《一刻》−コカコーラ−
Fuyuki Maehara: One Moment –Coca-Cola–

遠い夏の日。

Summer days long ago.

眩しくて断片しか上手く思い出せない。

It’s so bright that I can only recall fragments of those days.

ただその日を生きた。

I lived for the moment, wasting every day.

毎日無駄にしながら今を生きた。

There was no yesterday and tomorrow, lived only for the moment.

昨日も明日もない、今だけを生きる。

Never thought that the summer would come to an end.

その夏に終わりが来ることなど考えもせず。

Fuyuki Maehara

前原冬樹

2013
Materials: oil painting on magnolia
Size: 89.0cm×30.7cm×6.5cm

38 | KOGEI Next

2013 年に発表した本作は、前原が最も手を掛け続けた作品の一つであろう。〆切など設けず、傍らに置き続け、発表作品の合間をみて手を入れ続けた。
今作で特筆する点は、コーラの鉄板と下地の木材の間にある空間であろう。薄い鉄板が醸し出す朽ちゆく気
配を表現する為に、前原はこの隙間を自作の刃でひたすら奥まで彫り進めた。その執念とも言える前原の姿
勢が、独特の緊張感と一刻の余情を生んでいる。
昨年出品の《一刻 ―スルメに茶碗―》に続き、作品に添える文章を前原に依頼した。この文章が前原作品の深奥につながる道となり、皆様が前原作品の奥にある物語に触れるきっかけになれば嬉しい。

This work, released in 2013, is probably one of Maehara’s most extensive works. He did not set a deadline, but kept
the work always by his side and continued to work on it in between his other work.
A notable feature is a space between the coke’s steel plate and the wood base. To express the atmosphere of
the decaying thin steel plate, he carved this gap with a self-made knife to the depth as far as he could. Maehara’s
stance, which can be described as an obsession, generates a unique sense of tension and a lingering feeling of the
moment.
Following by ‘Nostalgic moment -dried squid and rice bow-’ exhibited last year, I asked him to write a text toaccompany the work. I hope that the text serves as a path leading to the profoundness of his work, helping you tofeel the story behind the work.

39

14

大竹亮峯 《Innocent》（未完）
Ryoho Otake: Innocent *Work in progress

竹の水仙 （2017）では過去の逸話に挑み、 月光 （2021）では現代における彫刻の可能性を探究した。
そして今作で大竹は遂に未来と対峙した。
「人類は自分達が老いゆく様に、ロボットたちにも永遠は求めないのではないか。」
そう大竹は想像した。共に歳をとり、やがて朽ち果て、土に還る。その方が寂しくない。そう考えると木彫でロボットが彫りたくなった。エネルギーは人が体を潤すのと同様に、水が良い。人間の創意は際限ない。
遠くない未来、自然エネルギーだけで人間と同じ運動性能をもった AI が開発されるかもしれない。
大竹がイメージしたのは、そんなロボットの腕が一つ、荒野に取り残された未来の風景。このアームは発展し過ぎたが故に滅びた文明の遺物なのか。それとも、単に持ち主を失っただけなのか。雨が降ると、再び命が吹き込まれ、指はまだ動く。そんな日を何度も繰り返す。救いは、それが永遠ではないこと。このロボッ
トは土に還り、また違う誰かになる夢を見ているかもしれない。

With ‘Bamboo Daffodil’ (2017), Otake challenged an anecdote from the past, and with ‘Moonlight’ (2021), he
explored the potential of sculpturing in the modern age. With this work, he finally faced the future.
“Just like humans get older, perhaps we don’t expect robots to last forever” he imagined. If we both age together
and eventually decay and return to the soil, it would be less lonely. For energy, water is good, just as we, humans,
moisturize our bodies. This thought made him feel like carving a robot out of wood. Human ingenuity knows nobounds. In the not-too-distant future, we may develop an AI robot with the same mobility as humans using only
natural energy.
What he envisioned was a future landscape where one such robot hand was left behind in the wilderness. Is thishand a relic of civilization that died because it was overdeveloped? Or has it simply lost its owner? When it rains,
the hand comes to life again and the fingers still move. Such days are repeated over and over again. But the saving
grace is that this won’t keep going forever. This robot may be dreaming of turning into someone different again.

Materials: Boxwood, Maple, stag-horn and TiNi wire

※ 2023 年 2 月より開催される超絶技巧展で完成作品披露予定。

Size: w185

*The completed work is scheduled to be presented at theSuperhuman Craftwork Exhibition starting in February 2023.

41

15

本郷真也《円相》（未完）
Shinya Hongo: Jizai Okimono Dragon –Circulation– *Production in progress

自在置物とは平和が生んだ美術である。江戸時代の中頃、戦乱が絶えて日本社会の気風が太平になると武具類の需要が減少。これを受け、甲冑師の一部が技術伝承と収入源を兼ねて、本業である甲冑とは別に自在置物を制作し始めた。しかし、自在置物の終わりもやはり戦争であった。昭和の戦争で職人の技術伝承が途絶え、平成の終わりまで謎の工芸品とされていた。
我々の時代の才能ある鍛金家は、人を傷つける刃や自衛の為の武具を作るのではなく、人々の心の支えとなる作品を制作して欲しい。再び、世界が戦争の渦に取り込まれようとする中、技術の進化、現代の社会の在り方を受け、やがて宇宙にも達する人類の未来を夢想した。
もう一体の龍が完成し、条件が整った時、更なる本郷のメッセージが発動する。とはいえ、この制作は試行
錯誤の連続で、残念ながら本展に完成品は間に合わなかった。今回はまず、本郷真也の自在龍のクオリティ
をシンプルにご覧頂ければと思う。

Jizai Okimono is an art that was born out of peace. In the middle of the Edo period (1603–1868), when
warfare ceased and Japanese society became more peaceful, the demand for armor decreased. Accordingly,
as a way of passing on their skills and as a source of income, some armorers began to produce Jizai
Okimono in addition to their main business of making armor. However, the end of Jizai Okimono was also
warfare. War in the Showa era (1926–1989) interrupted the handing down of craftspeople's skills, and until
the end of the Heisei era (1989–2019), Jizai Okimono was considered a mysterious craft.
In our era, talented metal smiths can create pieces that support people's hearts and minds, instead of making
weapons that hurt people and amour for self-defense. Given technological evolution and the current state ofour society, I dream up a future of mankind that will eventually reach outer space.
When the other dragon is completed and all conditions are met, a further message from Hongo will be
revealed. However, after much trial and error, unfortunately, he could not make the completed work in time
for this exhibition. But I hope that you can simply enjoy seeing the quality of Shinya Hongo's realisticallyshaped dragon this time.

Materials: Iron and gold

※ 2023 年 2 月より開催される超絶技巧展で完成作品披露予定。

Size: L 205cm*The completed work is scheduled to be presented at theSuperhuman Craftwork Exhibition starting in February 2023.

43

44 | KOGEI Next

作品制作パートナー：令和工藝
協力：中村ローソク
Artwork production partner: Reiwa Kogei
Cooperation: Nakamura Candles

45

KOGEI Next とは何なのか

What is KOGEI Next?

前﨑信也（京都女子大学教授）

Shinya Maezaki, Professor, Kyoto Women’s University

私は KOGEI Next のアドバイザーとして、2020 年の秋

I have been supporting KOGEI Next’s operation as an advisor

頃から私のゼミの学生と共に運営のサポートをしている。認with my seminar students since the fall of 2020. As KOGEI Next

知度が高まると共に「KOGEI Next とは何なのか？」とい

has gained greater recognition, I have started to receive more

う質問を受けることが増えた。そこで第 2 回展が公開されquestions asking “What is KOGEI Next?” So, at this time when

たこのタイミングで、少し詳しく背景と理念を説明してみた

the second exhibition was held, I thought I would explain the

くなった。

background and philosophy of the project in some detail.

この活動の発起人であり主催者は、京都で工芸を中心に扱

The initiator and host of this project is Hideo Kanegae, an antique art

う古美術商を営む鐘ヶ江英夫という人である。長年、彼の心

dealer in Kyoto who mainly handles craftworks. For many years, one

から離れない悩みに「100 年後の古美術商ははたして令和question has been sticking in his mind, “In 100 years from now, willの工芸を売って生活ができるのか」ということがあった。現

antique dealers be able to make a living by selling craftworks from

在の彼の本業は明治から昭和初期に日本でつくられた工芸品

the present days in Reiwa period?” His main business is the buyingの売買である。この仕事が成り立つのは、当時の万国博覧

and selling of craftworks made during the Meiji to early Showa

会などで日本の工芸品が世界中から評価をされたから。それ

periods in Japan. The reason this job can exist now is that Japaneseに比べて、現代の日本の工芸は海外で全く認知されていない。

crafts were highly regarded around the world at world expositions

100 年後の未来に、現代の工芸の存在はなかったことになっand other events at that time. Compared to that time, the Japaneseているかもしれないというのである。

craftworks of today are not recognized abroad at all, and he says that

彼は「未来を変えるなら今しかない。過去を賛美するので

100 years from now, they may be considered not to have ever existed.

はなく、未来のために新しい工芸を創造することこそが、過He thought, “If we are to change the future, it must be now. Instead

去・現在・未来の工芸に携わるすべての人々を幸せにする唯of praising the past, we must create new craftworks for the future.

一の方法であるに違いない」と、仲間を探した。そして、そThis must be the only way to make all people invol-ved in past,の情熱に共感した（株）クロステック・マネジメントの江口

present, and future crafts happy,” and he looked for like-minded

哲平氏と 2 人で KOGEI Next を始めた。鐘ヶ江がアイデア

peers. Then, he started KOGEI Next with Mr. Teppei Eguchi fromを出し、プロジェクトに応じて多様な分野のスペシャリスト

X-tech Management Ltd, who shared the same passion. Kanegae

を江口が集めるというスタイル。上下関係はなく、みんな面

proposes the ideas, and Eguchi gathers specialists in diverse fields

白そうだから参加する。関わっている全員がお互いをリスペ

according to each project. This has been their style. There is no

クトすることでプロジェクトが前に進んでいくこのスタイル

hierarchical relationship, and everyone joins in because it looks

を江口は「芸術運動」と呼んでいる。

interesting. Eguchi calls this style an “artistic movement,” in which

確かに我々がしようとしていることは既存の政府や自治体

everyone respects each other and the project moves forward.

の工芸家支援策とはかなり違う。伝統的であることにはこだ

Certainly what we are trying to do is quite different from the

わらず、素材や道具を刷新し、若く優れた人材を厳選し、彼

conventional measures of the national and local governments

らの生活基盤を整えるためのお金について真剣に考えている。

to support craftspeople. We do not insist on being traditional,

この 2 年間で、企業スポンサーからの支援、デジタル技術

and instead, we are serious about innovating new materialsと手仕事の融合、都市鉱山由来の金属やリサイクルガラスのand tools, selecting young and talented people carefully, and

工芸素材としての実用化、音楽アーティストとのコラボレー

securing money to help them build a strong foundation for theirションなどを実現した。そのどれもが日本文化としての工芸

lives. Over the past two years, we have achieved many things,の 100 年後の姿を創造する道だと信じ、挑戦してみた結果だ。

including receiving support from corporate sponsors, combining

始める時に「まずは 5 年間やってみる」と決めた KOGEI

digital technology with handcrafts, utilizing urban mines-derived

Next。残りはあと 3 年。次は何に取り組み、どうやって実

metals/recycled glasses as craft materials, and collaborating

現するのか。それは本当に工芸家のためになるのか。そんなwith music artists. All of these are the outcomes of our efforts to

ことばかりを考える、辛く楽しいこの運動にご賛同いただけ

challenge ourselves, believing that this is the way to create the

る方は是非ご支援・ご協力をお願いします。

future of crafts as a part of Japanese culture in 100 years’ time.
When we started KOGEI Next, we decided at first to give ita try for five years. There are three more years to go. What
will we work on next and how will we make it happen? Will
it really help the craftspeople? Thinking about all thesethings...this is a painful but enjoyable project. We would
appreciate your support and cooperation if you agree with us.

46 | KOGEI Next

あとがき

Afterword

主催者

Project organizer

100 年後、現代の工芸が古美術品となった時、

One hundred years later, when contemporary craft works

令和の空気を伝えられる作品とはどのような作品でしょうか？

have become antiquities, what kind of works could
convey the atmosphere of the Reiwa era (2019–present)?

現在の日本で「工芸家」と呼ばれるアーティストたちは、社会とはかけ離れた陸の孤島にいる様に思えます。

In Japan today, artists who are called "craftspeople" seem to be on
an isolated island, far away from the rest of society. They are bound

伝統に縛られ、進化を続ける社会との距離は日に日に広by tradition and the distance between the craftspeople and the

がっております。このプロジェクトの目的は、その距離を縮

ever-evolving society is widening day by day. The aim of

め、時に「超絶技巧」とも称される現代の工芸家の作品を現

this project is to close the gap and connect the works of

代社会とつなげることにあります。

contemporary craftspeople, sometimes referred to as artists

KOGEI Next では様々な専門家や企業との協働を進めてwith the’transcendental skill’, with contemporary society.

います。現在では、高度に成長した企業が利益追求だけでは

KOGEi Next promotes collaborations with various experts andなく、積極的に社会問題に取り組む世の中となりました。そcompanies. Today, we live in a society where highly developedの中には崇高な思想を用いたプロジェクトが多々あります。

companies are not only pursuing profits but are also actively

アーティストと企業とが出会い、多角的な議論と実験を行い、tackling social issues. Magnificent ideas are brought into

最高の手仕事に現代的思考を取り込む。スポーツ界と同じよmany of their projects. Artists encounter companies, engage

うに工芸作家たちの創造力に科学的なサポートを提供するこin multifaceted discussions and experiments, and incorporateとにより進化を生む。環境にやさしい、持続可能な工芸の在

modern thoughts into the best handiwork. As in the sports

り方を提案する。そうすることによって 100 年、200 年後に、world, evolution occurs when companies offer scientific support「日本工芸のターニングポイント」として、この令和というfor the creativity of craftspeople. Proposing environmentally

時代を美術の歴史に遺したいのです。

friendly and sustainable ways of crafting - by doing so, I want

現代人と未来人、その両方が共感し感動できるアートを想to leave the legacy of the Reiwa era in the history of art, as a

像するために、私達は作家たちの制作の場に現代的進化を取

turning point in apanese arts and crafts, in 100 or 200 years.

り入れ、更なる人間業の高みを目指す実験を行ってまいります。

To create art forms that both contemporary and future generations

末筆ではございますが、このプロジェクトにご協賛頂きま

can sympathize with and feel inspired by, we continue to be

した株式会社ゴールドウイン社を初め、パートナーの企業様

engaged in experiments that incorporate contemporary evolution

方や教育機関様、様々なアドバイスと多大なるご協力を頂き

in the artists’production and push the human work to a greater level.

ましたアドバイザーの広瀬麻美様、前﨑信也様、山下裕二様

Lastly, I would like to thank Goldwin Inc. for sponsoringに御礼申し上げます。

this project, as well as partner companies and educational
i n s t i t u t i o n s , a n d a d v i s e r s M a m i H i ro s e , S h i n y a M a e z a k i ,and Yuji Yamashita for all their advice and great support.

47

KOGEI Next Exhibition 2022
2022 年 11 月 18 日（金）・11 月 19 日（土）場所

六本木ヒルズ「Hills Cafe / Space」

著者（五十音順）
大竹亮峯、織田隼生、壽堂、塩見亮介、鈴木祥太、野田朗子、
彦十蒔絵、本郷真也、前原冬樹、松本涼、David Bielander主催

古美術 鐘ヶ江、株式会社クロステック・マネジメント
協賛

協力

株式会社ゴールドウイン

京都女子大学、京都芸術大学、一般社団法人アートハブ・アソシエーション

DESIGNART TOKYO 2021、ONBEAT、startbahn、ArtSticker™
KOGEI Next Exhibition 2022 図録（2022 年 11 月 15 日）
監修

鐘ヶ江英夫・前﨑信也（京都女子大学教授）
編集

発行

48 | KOGEI Next

上田ひより・二瓶晃

古美術鐘ヶ江・株式会社クロステック・マネジメント