004

新しいかたちの共同体へ

006

Toward a New Form of Community008

展覧会にむけて｜コブラ

010

For the exhibition ｜COBRA

012

Tokyo

XYZ collective
エックスワイジー・コレクティブ｜東京

044

Tokyo

4649

フォー・シックス・フォー・ナイン｜東京

058

Detroit

What Pipeline

ワット・パイプライン｜デトロイト

074

BerlinSchiefe Zähne

シーフェ・ツェーネ｜ベルリン

097

ディレクターズ・
トーク｜Directors’ Talk

120

作品リスト｜List of Works127

謝辞｜Acknowledgments

Foreword

新しいかたちの共同体へ

トーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）
では 2018 年より海外のアーティスト

最後に、パンデミックという困難な状況にもかかわらず、本展を開催するにあやキュレーター、文化機関と協働で国際文化交流を試みる展覧会プロジェクト

たり、多大なご協力いただきました参加作家、ディレクター及び関係各位に、心「TOKAS Project」を実施しています。 第 3 回となる2020 年は、2010 年にトーより感謝申し上げます。

（TWS、現 TOKAS）のレジデンス・プログラムでメルボルンへ派
キョーワンダーサイト
遣され、東京とは異なるアート・コミュニティの在り方を体験したことを契機にアーティスト・ラン・スペースXYZ collectiveを立ち上げた作家のコブラを共同企画者として迎えました。
本展では、美術館や公的な機関ではなく、自律的なアート・スペースやアーティ
スト・ラン・スペースなどのアート
・コミュニティが行う国際交流に注目して、東京、デトロイト、ベルリンから4 つのアート・スペースを招聘し、アート・コミュニティの現在の姿を紹介しました。本来、作家やディレクターが来日し、日本の作家や美術関係者との直接対話を予定していましたが、新型コロナウイルスの影響で、国をまたぐ人の移動が制限され海外から入国できず、作品のみの輸送を進め、リモー
トにて設営を行いました。またオンラインで各都市を繋ぎ、ディレクターとアートの現状と展望について意見を交換し相互理解を深めるなど、オンラインを活用したこともコロナ禍ならではの新しい取り組みとなりました。
ディスカッションで明らかになったのは、それぞれの都市状況や課題は異なりますが、作家がアーティスト・ラン・スペースを立ち上げた理由に、既存のシステムに満足せずに自らがその環境や社会を変えるための新たな思索が共通点としてあります。その方法は、長期的に目標を立てて達成するよりも、DIY 精神で実行
しながら試行錯誤を重ねて共同体のかたちを変え、挑戦を続けていくことです。
この挑戦によってディレクターは、作家活動だけでは知り得なかったアート・マー
ケットやその仕組みなども理解でき、さらにネットワークを国際的に拡大することで視野も広がり、そこで得た知見を自身の活動や他のアーティストに還元していくことができます。加えてその動きはウェブや SNSを介して世界中に共有され、次の活動のチャンスに繋がっていきます。今後もこのようなかたちで新しい共同体が営まれ、他者とアイデアや意見を交換し、交流を活性化させ、新たな関係性へ
004 005と発展することでしょう。

トーキョーアーツアンドスペース

Foreword

Toward a New Form of Community

Since 2018, we at Tokyo Arts and Space have conducted the TOKAS Project,approach and engaging in a trial-and-error process. Through these efforts,

an exhibition designed to promote international cultural exchange throughthe directors came to understand the art market and its mechanisms in a way

collaborations with oversea artists, curators, and cultural facilities. In 2020,

that they never would have through their artistic activities alone. Moreover,for the third edition of the project, we engaged in a collaboration with theby expanding their network internationally, they broadened their perspective,

artist COBRA, the director of the artist-run space XYZ collective, as co-enabling them to apply the knowledge they had gained to their own activities

organizer. COBRA was originally inspired to launch the collective after taking

and those of other artists. In addition, they were able to share their workpart in a residency program arranged by Tokyo Wonder Site (TWS, now

with people all over the world by means of the web and social media, which

TOKAS) in Melbourne in 2010, and having an opportunity to experience anpromised to provide them with more opportunities in the future. From hereart community that differed from that of Tokyo.

on out, one can imagine that similar approaches will be taken to oversee newcommunities, exchange ideas and opinions with others, activate exchanges,

In this exhibition, we focused on international exchange efforts undertaken

and develop new relationships.

by art communities, such as autonomous art spaces and artist-run spaces,
rather than museums and public institutions. We invited four art spaces,

In closing, we would like to express our heartfelt gratitude to the participating

located in Tokyo, Detroit, and Berlin, to introduce the current state of theirartists, directors, and the many others who provided us with their unstinting

respective art community. Originally, the artists and directors were scheduled

cooperation in realizing this exhibition despite the difficult conditions related

to visit Japan, and engage in a direct dialogue with Japanese artists and others

to the pandemic.

working in the art world. However, due to the effects of the COVID-19,
people were prohibited from moving between countries, preventing foreign
visitors from entering Japan. This made it necessary to simply ship the works,
and set the exhibition up remotely. Spurred on by the health crisis, we also
made use of the new approach of online technology. This enabled us to fostera deeper understanding with the directors by exchanging opinions on thecurrent state and future prospects for art in each city.
What emerged through these discussions was the fact that the circumstances
and issues differed from city to city. Yet, all of the artists who had createdthese self-run spaces had something in common: they were all looking fora way to change their environment or society because they were unsatisfied
with the existing system. Rather than trying to accomplish this by establishing006 007long-term goals, they chose a method in which they have continually tried tochallenge and change the form of their community by implementing a DIY

Tokyo Arts and SpaceFor the exhibition｜COBRA

展覧会にむけてコブラ

アーティストが個人の活動をとおして、日本に住みながら国際的なネットワーク

加費もとても安価である。その情報を得て、私たちは参加を決意した。 NADAと繋がること、近い将来に国内外問わず、より多くの展覧会を実現させていく機MIAMIアート・フェアへの出展を機に、国内に留まらずその活動の輪を海外にも会を得るためにはどのようなことが必要なのか。

広げ始めた。

私が初めてアーティスト・ラン・スペースを知ったのは 2010 年の 2 月。その2010 年頃に国内で感じていた疎外感は多少なりとも解消されたが、活動の頃、私は東京でアーティスト活動をしていたけれど、自宅をスタジオとし部屋に輪や視野を海外に広げると、同じような状況が広がっていた。そして今は、それ

閉じこもりなんとなく手を動かすのみであった。海外の情報はインターネットでを解消するために模索している。国内のアートシーンにおいて足りていないもの「Contemporary Art Daily」をググって見たりするだけで、アルバイトが休みのは「キュレーションの輸出入」だと思う。確かに美術館や国際展ではそれが達成日には知っているギャラリーや友人の展覧会に行くくらいであった。キュレーター

されているが、それらより小規模な場合は大変限られた機会しかないのが現状

やギャラリストの知人もいなかった。東京のアートシーンに参加しているような実「場」を通じてスペースだ。私にとって XYZ collective は実験的な試みであり、感などはゼロで、国内がそうであれば海外の美術関係者の知人など皆無だ。そや個人単位でのキュレーションを輸出入し、活動の輪を広げる方法だ。その試の当時は、美術大学を卒業して作品を作っていた人のほとんどが似たような状みで、今後より多くの日本人アーティストが活動の場を広げることや、または海外況であったのではないかと思う。そうでない人もいたとは思うが。

のアーティストやスペースが日本で展覧会する機会が増えることの、何かしらのそんな時、運よくトーキョーワンダーサイトのプログラムで海外のレジデンスに足がかりになればと考えている。

3ヶ月滞在する機会を得た。場所はオーストラリアのメルボルンであった。初め

本展覧会では、海外から国際的にすでに注目をされている2 つのギャラリーをて海外で生活する機会を得て、大変緊張していたのを今でも覚えている。あわ・ツェーネ、デトロイトよりワット・パイプライン。ベ
紹介する。ベルリンよりシーフェ

よくば現地の女性と付き合えることを期待していた。しかし、英語もままならず結

ルリンは東京よりも多くのアーティストが活動し、コマーシャルギャラリーやオフス

局は滞在先の施設に籠りがちであった。そんなある日、現地在住の日本人アー・ツェーネは注目されているギャラ
ペースも活気をみせている。その中でもシーフェ

ティストの誘いで、ある展覧会のオープニングに行くことになった。それが私にリーである。またワット・パイプラインはデトロイトではすでに有名なギャラリーで、とって素晴らしい機会となったのである。そこは、HELL GALLERYという名前ディレクターは若いながらも、国内外問わず有名なアーティストのプログラムを紹のアーティスト・ラン・スペースであった。普通の家のガレージを展覧会の会場と介している。両ギャラリーとも先進的な展覧会をいくつも開催しており、本プロ

し、その横の部屋ではバンドのライブ、そして中庭ではバーベキューが行われてジェクトにこれらのギャラリーを含めることで、ヨーロッパとアメリカの現状が紹介さいた。客は 100 人いたと思う。私にとってその状況はとてもキラキラして見え、れ、また東京で活動しているXYZ collectiveと4649を加えた国際交流展となる

胸を躍らせた。

ことを期待している。

その後帰国し、自身の周りにどんなアーティストがいて、だれが美術関係者なのかを知り、東京のアートシーンやアートのネットワークに参加するために、とりあ
えず XYZ collectiveを立ち上げた。そして2013 年、NADA MIAMIアート・フェ
アにはプロジェクトブースというものがあるのを知った。それは大変小さいブー
008 009スであるが、若手ギャラリーやノンプロフィットスペースに用意されたもので、参2020.8.11

For the exhibition｜COBRA

For the exhibition
COBRA

After I returned to Japan, I wanted to find out what kind of artists were in thearea and who was involved in the art world. I wanted to be a part of the art
scene in Tokyo and network with other artists, so I created the XYZ collective.
Then, in 2013, I found out about project booths at the NADA MIAMI Art
Fair. The booths were tiny and they were meant for newer galleries and non-What needs to be done to allow artists to use their own individual artistic

profit spaces, so the booth fees were cheap. When we found out about theactivity to network internationally while living in Japan and give them morebooths, we decided the collective would rent one. After exhibiting at theopportunities to exhibit, both domestically and abroad, in the near future?

NADA MIAMI Art Fair, our scope of activity began to expand not only
within Japan but internationally, as well.

I first learned about artist-run spaces in February 2010. Although I was
active as an artist in Tokyo at the time, I was using my home as a studio and

The sense of being cut off while in Japan that I had felt in 2010 had morebasically just going through the motions while cooped up in my room. My

or less faded, but with the expanded scope of activity and broadening of our

only source for information about the international scene was what I foundhorizons to the international scene, that sense of isolation returned. So now

online by searching for “Contemporary Art Daily” and other than that I

I’m searching for a way to address that. I think what the art scene in Japanmight go visit familiar galleries or friends’ exhibition when I had a day offis lacking is the import and export of curation. It’s true that such curation isfrom my part-time job. I didn’t know any curators or gallerists. I had zero

happening at art museums and international exhibitions, but it’s incredibly

sense of being a part of the art scene in Tokyo, and I didn’t know anyone

limited when it comes to anything on a smaller scale. For me, the XYZ collective

involved in the art world within Japan, much less internationally. My guess is

is an experimental attempt to provide a platform for importing and exporting

that, back then, most of the people who had graduated from an art university

curation at smaller spaces and on the individual level as a way of expanding

and began creating art were in a similar situation. I’m sure there were

our scope of activity. It’s my hope that this experiment will help broaden the

exceptions, of course.

stage for more and more Japanese artists and create more opportunities forinternational artists and spaces to exhibit here in Japan too.

And then I was fortunate enough to have the opportunity to spend threemonths abroad as an artist-in-residence as part of the Tokyo Wonder Site

This exhibition will feature two galleries from abroad which are already inprogram. That was in Melbourne, Australia. It was my first time to live

the international spotlight. One is Schiefe Zähne from Berlin, and the other

010 011

somewhere outside of Japan, and I can still remember how incredibly nervous

is What Pipeline from Detroit. Berlin is home to even more active artists

I felt. I remember hoping I would get lucky and end up dating an Australianthan Tokyo, with many thriving commercial galleries and alternative spaces.

girl. But my English was poor and I ended up just spending most of my time

Among those galleries, Schiefe Zähne has garnered a great deal of attention.

at the place where I was staying. One day, a Japanese artist who lived there

What Pipeline is a gallery which has already made a name for itself in Detroit,

invited me to go to the opening of an exhibition, and I accepted the offer.

and despite their young ages, the two co-directors have already managed toThat turned out to be an incredible opportunity for me. The exhibition was

create an exhibition program featuring well-known artists from around theat an artist-run space called HELL GALLERY. The exhibition venue was theworld. Both of these galleries have held numerous innovative exhibitions, andgarage of a regular house, and there was a band playing live in the next room

by including them in this project, visitors will be able to get an idea of the art

and they were barbecuing in the courtyard. I think there were at least 100

scene in Europe and the US, as well as here in Tokyo via the activities of thepeople there. The whole situation felt magical to me and I was filled with

XYZ collective and 4649, making it a true international exchange exhibition.

excitement.

2020.8.11

Tokyoエックスワイジー・コレクティブ｜東京
http://xyzcollective.org

XYZ collective
ディレクター

コブラ、ミヤギフトシ
Directors

COBRA, MIYAGI Futoshi

2011 年、世田谷の倉庫を改装し、ディレクターとしてコブラ、松原壮志朗（アーティスト）と服部円（ エディター）の 3名でアーティスト・ラン・スペース XYZcollective の運営を開始。2013年には NADA Miami Beach に出展し、海外のギャラリーやプロジェクトスペースと交流が始まる。近年では、それらで得た関係性をもとにネットワークを構築し、国際交流展などを開催している。

展示作家

バス・ヤン・アデル
トレヴァー・シミズ
中野浩二
堀ななみ
チャドウィック・ランタネン

現在は巣鴨を拠点に、共同ディレクターに同じく TWS レジデンス・プログラム

コブラに参加経験のあるミヤギフトシ（アーティスト）を迎え、活動を行っている。

Artists

In 2011, XYZ collective co-directors COBRA, Matsubara Soshiro (Artist), and Hattori
Madoka (Editor) began operating the XYZ collective artist-run space in a warehousethey remodeled in Setagaya, Tokyo. In 2013, the collective exhibited at NADA Miami
Beach, marking the beginning of its interaction with international galleries and project
spaces. In recent years, the collective has been actively building a network based on therelationships formed during those interactions and organizing international exchange
exhibitions, etc. Currently based in Sugamo, Tokyo, the collective has welcomed a
new co-director, Miyagi Futoshi (Artist), who also participated in the TWS Residency
program.
―
本展について｜「ユーモア」とはときに滑稽さを含んでいるが、しかし滑稽さとは必ずしも人を笑わせるものではない。そしてそれは人を惑わすこともある。これは笑って良いことなのか、そうではないことなのか？
？恐怖のような感覚や状況の瞬間に、ふと笑ってしまうこともある。本展はそんなユーモアとそうでない感
覚を行き来するような展示を目指した。
The director’s comment ｜ Although humor can include elements of the absurd, the absurd is
not necessarily guaranteed to make us laugh. In fact, it can perplex us at times. Is itokay to laugh at this? Or is it not? When we feel fear or find ourselves being at a scary
situation, we sometimes inadvertently laugh. We explored the border of humor andother emotions at this exhibition.

Bas Jan ADER
Trevor SHIMIZU
NAKANO Koji
HORI Nanami
Chadwick RANTANEN
COBRA

012 013TokyoXYZ collective

014 015

TokyoXYZ collective
016 017《スタディ・フォー・フェアウェル・トゥ
・ファラウェイ・フレンズ》 Study for Farewell to faraway friends ｜ 1971

TokyoXYZ collective

018 019

TokyoXYZ collective

バス・ヤン
・アデル

Bas Jan ADER
020 021《スタディ・フォー・フェアウェル・トゥ
・ファラウェイ・フレンズ》Study for Farewell to faraway friends ｜ 1971

TokyoXYZ collective
Bas Jan ADER
022 023《無題（ティーパーティー）》Untitled (Tea party) ｜ 1972

TokyoXYZ collective

トレヴァー・シミズ

Trevor SHIMIZU
024 025《サンセット・スルー・ツリー》Sunset through tree ｜ 2020

《サンセット・スルー・ツリーズ》Sunset through trees ｜ 2020

TokyoXYZ collective

Trevor SHIMIZU

026 027

TokyoXYZ collective

中野浩二

NAKANO Koji
028 029《ヨ》Hi! ｜ 2020《「立つ」
もしくは「大」》"Tatsu" or "Dai" ｜ 2016–2020

TokyoXYZ collective

NAKANO Koji

030 031《正座（大）》Seiza（Large）｜ 2020TokyoXYZ collective

堀ななみ

HORI Nanami
032 033《先祖の顔 1》Ancestral face 1 ｜ 2020

《先祖の顔 2》Ancestral face 2 ｜ 2020

TokyoXYZ collective
HORI Nanami
034 035《去勢後の穴》The hole after castration ｜ 2020

《甲子園延長戦》Extra innings at Koshien ｜ 2020

TokyoXYZ collective

チャドウィック・ランタネン

Chadwick RANTANEN
036 037

上 top ｜《キャンドル / バラ》Candle / Roses ｜ 2020
中 center ｜《バック・オブ・ハンド》Back of Hand ｜ 2020
下 bottom ｜《ブロック》Blocks ｜ 2020

TokyoXYZ collective

Chadwick RANTANEN

038 039《クラックス・シンプレックス》Crux Simplex ｜ 2019

TokyoXYZ collective

コブラ

COBRA
040 041《ストーリー・オブ・エッグ（バードギャラリー・フォー・バード）》Story of egg（bird gallery for bird）｜ 2020TokyoXYZ collective
COBRA
042 043《ストーリー・オブ・エッグ（バードギャラリー・フォー・バード）》Story of egg (bird gallery for bird) ｜ 2020

Tokyoフォー・シックス・フォー・ナイン｜東京
http://www. 4 - 6 - 4 - 9 .jp/4649
ディレクター

小林優平、清水将吾、高見澤ゆう
Directors

KOBAYASHI Yuhei, SHIMIZU Shogo, TAKAMIZAWA Yuu

4649は小林優平、清水将吾、高見澤ゆうによるキュラトリアルプロジェクト。
海外のアートシーンを展覧会によって紹介すると同時に、海外のアートフェア
やギャラリーで東京の若手作家展を企画している。またアーティストとしての研究や関心にもとづいたキュレーション・出版等を行なっている。2018年より同名称で運営する巣鴨のアーティスト・ラン・スペースは、XYZ collective と共同で運営している。
4649 is a curatorial project by Kobayashi Yuhei, Shimizu Shogo, and Takamizawa Yuu.
In addition to introducing the international art scene via exhibitions, the project is also
working to exhibit young artists from Tokyo at art fairs and galleries overseas. 4649 also
engages in curation, publication, etc. based on the three members’ own research andinterests as artists. Since 2018, the project has jointly operated an artist-run space, also
called 4649, in Sugamo, Tokyo together with the XYZ collective.
―
本展について｜アーティストであるディレクターの3名がなんとなく考えているテーマに関連するアーティスト、ケロッグ（清水）、村田（小林）、デラクルス（高見澤）をそれぞれ選んだ。本展では、90年前後生まれの同世代の作家が、離れた場所で生活しながらも見えてくる共通の視点をとおして、自分たちのアーティスト・ラン・ス
ペースとしての方向性を紹介した。
The director’s comment ｜ Each director chose a fellow artist who is connected in some way

to our own respective artistic research theme as three pairings: Shimizu and Kellogg,
Kobayashi and Murata, and Takamizawa and Delacruz. We introduced common
perspectives among the artist who were born around 1990 and had been living indifferent places with great distance. We also showed our the direction of our own artistrun space.

展示作家

ベンジャミン・アサム・ケロッグ
ラファエル・デラクルス
村田冬実
Artists

Benjamin Asam KELLOGG
Rafael DELACRUZ
MURATA Fuyumi

044 045

Tokyo4649

046 047

Tokyo4649

048 049

Tokyo4649

ベンジャミン・アサム・ケロッグ
Benjamin Asam KELLOGG《無題》Untitled ｜ 2020
050 051《無題》Untitled ｜ 2020

Tokyo4649

ラファエル・デラクルス

Rafael DELACRUZ
052 053

上 top ｜《ライト・トラッシュ》Light trash ｜ 2020
中 center ｜《エッグ -アクトリー・エモ》Egg-actly emo ｜ 2020
下 bottom ｜《アイ・サバイブド hwy 1》I survived hwy 1 ｜ 2020

《無題》Untitled ｜ 2020

Tokyo4649

村田冬実
MURATA Fuyumi

Rafael DELACRUZ《ワンダーランド》Wonderland ｜ 2020
054 055《無題》Untitled ｜ 2020

Tokyo4649

MURATA Fuyumi

056 057《ワンダーランド》Wonderland ｜ 2020

Detroit

ワット・パイプライン｜デトロイト
http://whatpipeline.com/

What Pipeline
ディレクター

ダニエル・スペリー、アリビア・ジビッチ
Directors

Daniel SPERRY, Alivia ZIVICH

2013年にデトロイトで設立されたアーティスト・ラン・スペース。これまでデトロ
イトをはじめ、ニューヨーク、シカゴ、ロサンゼルス、フランクフルト、ベルリ
ン、ロンドン、サンパウロ、ノルウェーの作家やアーティスト・コレクティブをオ
フ・サイトのキュレトリアル・プロジェクトで紹介してきた。

Artadia NADA NYC 2014では作家賞を、Knight Foundation による Detroit
Arts Challenge 賞を2度受賞している。
What Pipeline is an artist-run gallery, founded in Detroit in 2013, bringing new
perspectives in contemporary art to Detroit. What Pipeline has presented artists andcollectives from Detroit, Chicago, Los Angeles, Frankfurt, Berlin, London, Sao Paolo,
Norway and New York, while introducing Detroit artists to audiences outside of the city
through off-site curatorial projects.
What Pipeline received the Artadia NADA NYC 2014 Artist Award and is also a twotime recipient of Knight Foundation Detroit Arts Challenge awards.
―
本展について｜物事を独自の目線で見ようとする精神と、ユーモアや不安、喜びというフィルターをとおした視点を共通して持つ3名の作家を紹介した。
The director’s comment ｜ What Pipeline presented three artists. The work of these artists wastied together by the spirit of individual looking, and a perspective filtered by humor,
anxiety, and even joy.

展示作家

マリー・アン・エイトケン
マイケル・E・スミス
クインテッサ・マトランガ
Artists

Mary Ann AITKEN
Michael E. SMITH
Quintessa MATRANGA

058 059

Detroit
What Pipeline

バス・ヤン・アデル
060 061《◯◯◯◯◯◯◯◯◯◯》Study for Farewell to faraway friends ｜ 1971

Detroit

What Pipeline

062 063

Detroit

What Pipeline

064 065

Detroit
What Pipeline

マリー・アン・エイトケン

Mary Ann AITKEN
066 067《テクスチュアル・ランドスケープ》Textural Landscape ｜ 2010

《無題》Untitled ｜ 1989

Detroit
What Pipeline
Mary Ann AITKEN
068 069《無題》Untitled ｜ 1989

《無題（天使）》Untitled (Angel) ｜ 1989

Detroit

What Pipeline

マイケル・ ・スミス
Michael E. SMITH

E《無題》Untitled ｜ 2020
070 071《無題》Untitled ｜ 2016

Detroit
What Pipeline

クインテッサ・マトランガ

Quintessa MATRANGA
072 073《チェリー・ボム》Cherry Bomb ｜ 2020

《スウィート・シルバー》Sweet Silver ｜ 2020

Berlin

シーフェ・ツェーネ｜ベルリン
http://www.schiefe-zaehne.com/

Schiefe Zähne
ディレクター

ハネス・シュミット
Director

Hannes SCHMIDT

シーフェ・ツェーネはベルリン、プレンツラウアー・ベルクにある住居ビルの裏手に位置する、元工場の1階を利用したアート・スペース。とりとめのないことの可能性やアーティスト活動のパラメーターとして実験的な活動を中心に、主に個展や2人展を開催している。ドイツ語で「不揃いの歯」を意味するシー
フェ・ツェーネは、社会政治的な側面をもつプログラムの性格を表している。
最適化が求められる現代社会において、シーフェ・ツェーネは知名度や成功の追求とは別の方向性を持った展覧会を開催することが重要だと考える。

展示作家

ルーカス・キッチュ
リチャード・サイズ
フィリップ・サイモン
トム・ハンフリーズ
エレーヌ・フォケ
アリアン・ミューラー
ヨナス・リップス
ソフィー・ラインホルト

Schiefe Zähne is an art space located on the ground level of a former workshop behinda residential building in Prenzlauer Berg, Berlin. The program focuses primarily on solo
and two-person exhibitions with a central interest in discursive potential and enthusiasm
for experiments as parameters for artistic activities. Schiefe Zähne, which means “crookedteeth” in German, is a program that includes a socio-political dimension. In a reality
increasingly focused on optimization, Schiefe Zähne considers it important to formulate
an exhibition program that asserts the space beyond motivations like visibility andsuccess.
―
本展について｜本展では、介在するイメージを通じて、自己認識、自己の確立や互いの関係性、あるいは目まぐるしく変化する政治的・経済的環境に対する主観への内省から、自他における多様な視点を発展させる作品を紹介した。
The director’s comment ｜ The exhibited works developed various perspectives on the self

and the other(s), between self-perception, constructions and relations of self(s) inthe context of mediated images, as much as reflections on subjectivity in a rapidlychanging political and economic environment.

Artists

Lukas QUIETZSCH
Richard SIDES
Philipp SIMONTom HUMPHREYS
Hélène FAUQUET
Ariane MÜLLERJonas LIPPS
Sophie REINHOLD

074 075

BerlinSchiefe Zähne

076 077

BerlinSchiefe Zähne

078 079

BerlinSchiefe Zähne

ハネス・シュミット
080 081《◯◯◯◯◯◯◯◯◯◯》Study for Farewell to faraway friends ｜ 1971

BerlinSchiefe Zähne

082 083

BerlinSchiefe Zähne

リチャード・サイズ
Richard SIDES

ルーカス
・キッチュ
Lukas QUIETZSCH《ライク・ア・ピッグ・イン・シット》Like a Pig in Shit ｜ 2019084 085《無題》Untitled ｜ 2017

BerlinSchiefe Zähne

フィリップ・サイモン

Philipp SIMON

上 top ｜《イメージ、中生代、前奏曲、メルトダウン、自然、瞬間、克服、生物学、緑黄》

image, mesozoic, prelude, meltdown, nature, moment, overcome, biology, green-yellow ｜ 2019

中 center ｜《イメージ、幼少期、気づき、勇者のみ、グレー、ホームシック、付録》
image, childhood, awareness, only the brave, gray, homesick, appendix ｜ 2019086 087

下 bottom ｜《イメージ、抵抗、解体、ウィスコンシン・ポンペイ、沈黙》
image, resistance, dismantle, wisconsin-pom-peii, silence ｜ 2019

上 top ｜《イメージ、希望、触覚、ゆがみ、双極性、パフォーマンス、代謝、清潔》
image, hope, touch, distortion, bipolar, performance, metabolism, clean ｜ 2019
中 center ｜《イメージ、対話、所有、A5、接続、拒絶、隔離、舞台》
image, dialogue, property, A5, connect, reject, isolation, stage ｜ 2019
下 bottom ｜《イメージ、続編、#1111、#6996、#2002、差異、都会的、肌、悲痛に、カルト》
image, sequel, #1111, #6996, #2002, diﬀerence, urban, skin, painfully, kalt ｜ 2019

BerlinSchiefe Zähne

トム・ハンフリーズ
Tom HUMPHREYS

088 089《無題》Untitled ｜ 2013–2018

BerlinSchiefe Zähne

エレーヌ
・フォケ

Hélène FAUQUET
090 091《クローム》Chrome ｜ 2020

上 top ｜《パラノイアック・ビュー》Paranoiac View ｜ 2020
下 bottom ｜《ハウス・オブ・ファン》House of fun ｜ 2020

BerlinSchiefe Zähne

アリアン・ミューラー
Ariane MÜLLER

092 093《ロマンス・スカム》Romance Scam ｜ 2019

BerlinSchiefe Zähne

ヨナス・リップス

Jonas LIPPS
094 095《無題（18–05–19）》Untitled (18–05–19) ｜ 2019

《UHR 2》, 《UHR 3》｜ 2017

BerlinDirectors’ Talk

Schiefe Zähne

ソフィー・ラインホルト

Sophie REINHOLD

COBRA
―

XYZ collective

KOBAYASHI Yuhei
SHIMIZU Shogo
TAKAMIZAWA Yuu

Daniel SPERRY
Alivia ZIVICH――

Schiefe Zähne―

What Pipeline4649

096 097《マッシュルーム？》Mushroom? ｜ 2019

Hannes SCHMIDT

Directors’ Talk

出演

新型コロナウイルスの影響でディレクターが来日できなくなったため、各地をつないでオンライ

ハネス・シュミット
（シーフェ・ツェーネ）

ン・
トークを開催し、それぞれの環境やアート・スペースの成り立ちについて意見交換を行った。

（ワット・パイプライン）
ダニエル・スペリー、アリビア・ジビッチ
コブラ（XYZ collective）―

小林優平、清水将吾、高見澤ゆう（4649）
コブラ｜ XYZ collective（以下、XYZ）
は 2011 年に立ち上げて、もうすぐ10 年が経ちます。日本で、日時若い作家や年上のギャラリーとコミュニケーションを取りながら展開してきました。最近は若い

2020 年 10 月11日

・ラン・スペースでの面白い展示も増えてきましたが、美術館に比べ「キュレー世代のアーティスト
といった活動があまりないのが現状です。本来であれば、ワット・パイプライン
ションの輸出入」
とシーフェ
・ツェーネ
（以下 SZ）にも来てもらって、日本の若いアーティスト・ラン・スペース（以下、WP）

Participants

やギャラリーとつながり、また将来的に、作家の交換やお互いのスペースで展示も考えていま

Hannes SCHMIDT（Schiefe Zähne）

す。でもこの展示をスタートとして、ここからまた関係を構築し、そのきっかけとなるような展示

Daniel SPERRY, Alivia ZIVICH（What Pipeline）

をトーキョーアーツアンドスペースでできたらいいなと思っています。

COBRA（XYZ collective）
KOBAYASHI Yuhei, SHIMIZU Shogo, and TAKAMIZAWA Yuu（4649）

清水｜早速ですが、WPとSZ から、デトロイ
トやベルリンのアートシーンについて紹介ください。

日本では、東京オリンピック・パラリンピックを前に、政府から文化事業に対する助成金が出されDateていますが、僕らのような小さな規模の団体は、その恩恵を受けられていないのが現状です。

October 11, 2020（JST）

また、地方都市では芸術祭が増え、ここ10 年で作家がスペースを運営するケースも、少しずつ増えてきています。

スペリー｜デトロイ
トも、過去 10年くらいで、アーティスト
・
ラン・スペースは確かに増えてきています。

インディペンデントや緩い感じのスペースですね。ただやはり閉塞感があり、まさにそれはコブラさんがプレスリリースで書かれていたように｜1｜東京の状況に近いと思っています。先程話があった「キュレーションの輸出入」を私たちも目指したいです。
ジビッチ｜ WP がオープンした 2013 年当時のデトロイ
トには、既にアーティスト・ランのスペースがありましたが、全体的に DIY 的でアンダーグラウンドな雰囲気があり、さらにデトロイトの作家という言葉をあまり考えず、自分たちで細々とにしか興味がない様子でした。
「コマーシャル」
やっていました。現在私たちはインディペンデントでアーティスト・ランという形でありながら、コマーシャルを意識してギャラリーを運営することも大事だと考えています。最近は私たちと同じ・ランが増えてきている傾向にあります。
ように、デトロイト以外のアートを紹介するアーティスト

コブラ｜デトロイトはアーティストが多いですか。
098 099

Directors’ Talk

ジビッチ｜アーティストは大勢いると思います。私たちも少し携わったことがあるCAVE ギャラリー｜2｜

スペースでも受けることができます。それは良いことで、もちろん助成金というのは大事です

は、スタジオであり、ギャラリーであり、作家が制作して展示するというように、多目的に使えが、実際突き詰めて考えていくと、助成金ごとにスキームや条件が個別にあるわけです。おるスペースです。 WP は、スタジオ利用や、レンタルギャラリーとしての貸し出しは考えず、金を貰うために、自分のスキームを変えなくてはいけないことに疑問を抱きはじめました。

あくまでもギャラリーとして展開していくように意識しています。

何度も助成金に申し込んで、貰えなかったら別の助成金に申し込んで、ということをひたす
ら繰り返すというパターンが、ベルリンにはよくあります。そういった形でアーティストが生きシュミット｜ベルリンも同じように、スペースは増えてきています。とはいえ、他の都市と少し違ていかなければいけないのが現実です。このような助成金に依存せざるを得ない経済モデ

うのは、ご存知の通り、ベルリンには巨大なアートシーンがあります。何百ものギャラリーがルに疑問を持ち、それならアートマーケットに依存したほうがいいのではないかと気づきましありますが、購買層は主にベルリンの外にいるため、国際レベルで活躍しているベルリンのた。 長期的に見れば、作品を売って生計が立てられるほうが、作家活動という意味では安作家は、基本的に外を見ています。そのような状況に対して、自分たちでアーティスト・ラン・

定すると思います。

スペースを作らなければ、という考えに至りました。そういう場所が増えている一方で、アーティスト・ランとして運営しながら、徐々にコマーシャルも意識しはじめるようなスペースは、た

ジビッチ｜デトロイ
トもまさに同じです。行政や非営利団体から貰えるお金、助成金、補助金など

ぶん 4 ヶ所くらいしかないでしょう。私自身、もともと作家として、プロジェクト・ベースのアーがある一方で、作品販売からの収益というのがデトロイトにはほとんどありません。さらに、コティスト・ラン・スペースを6 年間運営してきて、あまりプランもないまま、キュレーター的な仕事

レクターもいません。ベルリンと同じように、作品を買ってもらうにはデトロイトの外を見ていかを経て、コマーシャル・ギャラリーに移行しました。また、政治的、経済的な仕組みが複雑でないといけない。それが、私たちがアートフェアに参加し始めた理由です。

難しいところがありますが、コマーシャルと言いつつも、特定のアーティストの利益を求めるよ
うな仕組みを考えるのではなくて、何か面白いことを実践するためのスペースとして考えてスペリー｜やはりそういった背景が、自分たちでギャラリーを始めるきっかけにもなっています。助いきたいです。

成金に依存するということは、そのモデルに依存しないといけないし、そのモデルに依存するということは、逆にその助成金ありきで作れるような作品になってしまう。その助成金を前提とジビッチ｜その点に関しては、デトロイトで私たちが WP を運営していく上での共通点が多いでしてやろうとすると、運営に制限が出てしまう。そのような環境に疑問を持ち、デトロイトでアーすね。

トを使って街を良くしていこうと考えるようになりました。

清水｜ WPとSZ、ご自身たちがスペースを立ち上げた時はどのようなモチベーションでしたか。

高見澤｜今 3 人の話を聞いてすごく共感したし、感動しました。東京の状況とすごく重なるところがあります。僕も、大きい団体だとか、国だとかから助成金貰いながらアートやるというのはす
ジビッチ｜ダニエルと私自身はご近所同士で帰宅時間も似ていたので、共有のバルコニーでマごく不健全なことだと思います。

リファナを吸いながら、デトロイトのアートシーンに対する愚痴を言っていました。その時は、NPO が参入して、色々とアートシーンが変化している時期でした。ただ特定のレベルの団

シュミット｜助成を得るということは、ある種の自由を失うことに繋がると考えています。助成を得る

体以下では、助成を受けられませんでした。より多くの作家が、このような恩恵を受けられるために、自分たちのスペースとしてのアジェンダを確認しなければいけないのです。助成金をべきで、作家の声をもう少し広められるような環境を作らなければいけない。さらに、コマー

受給したら、プロジェクトや展覧会に対しては運営資金が賄えるかもしれないが、それに関わっ

シャル・ギャラリーがほとんど無い中で愚痴っていても仕方がないから、やるしかないという感じている自分の給料は入ってきません。助成金で、プロジェクトや展覧会を行って、生活できるかで始めました。あと、私自身もトム・ハンフリーズ｜3｜のスペースなど、いくつかのアーティスト・というと、それは否です。今まで行ってきたプロジェクトでも、週の半分ぐらいは別の仕事をしランで展示をしたことがあり、自分でスペースを持ったら、そこに作家を呼べるのではないかて、それで何とか生計を立てているような状態でした。そんなことをやりながら、自分が取り組と思いました。

んでいることで何とかお金を生んで、生き残っていくということが大事だと思い、ギャラリーを始めました。可能な限り、自立して自分たちでお金が回るというサイクルを作っていく。それは自100 101シュミット｜ベルリンではアートに対する助成金が豊富で、アーティスト
・ラン・スペースや、個人の分だけではなく、そのプロジェクトに参加している他の作家も、それである種の収益が発生する

Directors’ Talk

ようになることを目指しています。この話をすると、色んな人たちから夢を見ているとか、ちょっ

一緒に仕事する時に初めに説明します。所属を作らないのは僕のわがままで、アーティスト・ラ

と頭がおかしいのではないかと思われたりしますが、だからこそ敢えてやらなければいけない

ン・ギャラリーというものを継続したいから、と。

と思っています。
ジビッチ｜同感です。やはり所属作家がいない分、より一層もっと頑張る。
コブラ｜日本とは違ってドイツは隣に国があり、アメリカはロサンゼルス、ニューヨークなどの大都市がある。日本は島国で、自国内にコレクターがいたり、アジアからも来たりしています。

シュミット｜常に所属作家や、同じ人を扱って展示をするということに対して、常に同じエネルギー

美術館以外で開催される海外作家の展覧会というのは、ヨーロッパやアメリカと比べると規模を注ぎ込めるのか、ということに実は疑問を持っています。常に同じ人相手に、同じ情熱で向は小さく、面白みは少ないので、やはり自分の好きな海外の作家を身近で見られる機会を作

き合い続けるのは難しくなるのではないかと思いながらも、コレクターのことを考えると、やはりたいと考えています。

り所属作家を持ったほうがいいのかもしれない。

清水｜昨今オフスペースやプロジェクト・スペース、アートセンター、アーティスト・ラン・スペースな

コブラ｜恋愛みたいですね。好きという気持ちをずっと継続できるかなって。

ど色々ありますが、皆さんは自身のスペースをどのようなスペースだと考えていますか。
シュミット｜ XYZ で同じ作家さんの展示を複数回やったことはありますか。
高見澤｜アーティスト
・ラン・スペースとか、ギャラリーとか言いますけど、最近自分たちはアーティス

トだというのを強く意識しているから、アーティスト・ラン・スペースと言ったりしますけど、正直、

コブラ｜あります。基本的には一度個展したりして、作家と話し合って、所属じゃないけど所属ぐ

気にしてないです。

らい頑張るよという愛情を伝えます。それから二年くらい経った後に、またやることはあります。
僕は、ほぼコマーシャル・ギャラリーみたいな考えだから、若いギャラリーは、若い作家と一緒にシュミット｜ SZ を何と定義するかは、少し難しいです。ドイツでは、その呼び方によって、助成成長するのがいいと思うのですよね。作品の価格を上げていくことや、マーケットに近いけどの対象になったり外れたりするからです。例えば、コマーシャル・ギャラリーと名乗ってしまう

ギャラリーも、美術や文化のひとつだから、良いギャラリーはあったほうがいいし、良い作家がと、特定の助成金は得られません。どう呼ぶかは、センシティブな問題で、なかなか定義でいたほうがいい。そうなると一緒に成長していくのが一番健全で、やはり所属して一緒に進んきないのです。例えばスイスでは、プロジェクト・スペースの形でスタートして、助成金を貰でいくほうがいいかなと思います。

いながら、途中でスペースのあり方をシフトさせ、別の経済モデルに入っていく、という形態でも構わないそうです。自分のスペースをギャラリーと呼ぶのか、プロジェクト・スペースと呼スペリー｜所属作家を持つことに対して補足すると、ギャラリーとして仕事をするときに、契約書な

ぶのか、ずっと悩んでいますが、最近はアーティスト・ラン・ギャラリーと呼ぶようにしています。

どの事務的な手続きが必要になると思います。私たちWP が一緒に仕事する作家たちは、個

理由は、やはり人に買ってほしいから、売るということを意識しています。ギャラリーとアー

人的な繋がりがある人たちばかりです。だから、雇用主と被雇用者という関係ではなくて、主ティスト・ラン・ギャラリーの違いを問われるとよく分からないのですが、やっぱりアーティスト・ラ

に友人同士の関係みたいな形で進んでいます。そのような関係の中で、ギャラリーとして、こン・ギャラリーと名乗っています。

の作家に対して責任を持ってどうこうするのは少し変です。私たちは、お互いが尊重できるような関係性を基盤にしています。もちろん、何人かの作家をよりフォーマルに扱わないといけコブラ｜ XYZ は、アーティスト
・ラン・ギャラリーですが、そもそもはアーティスト
・ラン・スペースと呼んない場合もありますが、作家を、土地とか不動産とかと同じように扱うのには違和感がありま・ラン・スペースというものがあでいました。なぜかというと、僕の認識では、日本にアーティスト

す。さらに、所属作家を持つことで、売る責任が発生して、売ることで自分たちがお金を得る

まりないので、目立つためにそれを謳っていました。だけど、アーティスト・ラン・ギャラリーに変というのは、今は少し違うと考えています。

えたのは、やはり販売です。同じ理由だけど販売していくから、そういう名前にしてある。コ102 103

マーシャルとアーティスト・ランの違いは、所属作家がいるかいないかだと思っている。 XYZ にジビッチ｜ちょっと夢みたいなことを言っているようですが、最終的には WP の運営だけで成り立て

は所属作家はいないけれど、コマーシャル・ギャラリーぐらい販売を頑張る。だから作家には、ばいいなとは思います。でもそれは今ではない。他にも色々仕事をしているので、その中でDirectors’ Talk

自分の時間を大量に割いて、作品を売らなきゃいけないとなると疲れ果てるし、アーティストがありません。それはアメリカという国の姿勢になっている考えで、本当に何でもいい。それもアスペースをやるのなら、楽しく、面白くなければいけないと思います。また、お金が関係する

ドバンテージです。何でもいいって言われたから、何でもやっちゃえという感じでスタートしましと、うんざりするというよくあるパターンになってしまうかもしれません。たくさんお金を貰える｜4｜が良いと思います。小規模で行うビジネス
た。アメリカで始めるのならLLC（有限責任会社）

ならやってもいいけど、たくさん貰ったこともないですし。

だと、行政からアート系の助成金は何も貰えないので、実際はコマーシャルの世界から助けられたことが多いです。ですから、非営利の運営で助成金で活動することを考えて始めるのか、

コブラ｜東京はコマーシャル・ギャラリーができてからまだそんなに時間が経ってない印象がありま

それともビジネスとして始めて、そこから先のことを考えるのかは、最初に考えたほうが良いとす。若いギャラリーも少ないし、作家自体に、作品を販売することについての知識があまりな思います。

・ラン・ギャ
い。楽しみや面白さも大事だけど、今は若いギャラリーが少ない分、僕はアーティスト
ラリーとして、コマーシャルな仕事をしながら学んで、若い世代の作家にも教えたりして、割とスペリー｜さらに補足すると、アートスペースを運営していくのに助成金は不要だと思います。必大きいお金が動くマーケットの中でしっかり勉強しているところです。

要なのは、駐車場だったり裏庭だったりクローゼットだったりとか、何でもいいからスペースを確保して、そこから始めればいい。そこから先は自分がどれだけやりたいかが重要だから、とりジビッチ｜アーティスト
・ラン・スペースを運営することで、非常に色々なことを学んでいます。常にあえず始めることが絶対に大事。始めてみてから、どうすればよいかを考えればいい。私たち

流動的に変わる社会で、何かを始め、学びを繰り返すことがとても興味深いです。特に、作が始めた時は、ビジネスプランとか、継続性計画などは全くありませんでした。

品を作るだけでなく、作品を取り巻くあらゆる状況を学ぶことに面白みを感じています。アー・ラン・スペースを運営して、大規模な美術館やインスティテューションと仕事をしたり、他
ティスト

ジビッチ｜ノープランで、
とりあえず 3 つ展覧会やろうかな、というくらいの勢いで始めました。さのギャラリーの売る側＝ビジネスの世界を学んだりすることで、その業界の中でしか知りえないらに助成金を得ないで、経費を一生懸命抑えて自由にやるということを考えていました。私は情報が身についていくのは非常に大きなことだと思います。こういった段階を踏んでいくと、自ヨーロッパで結構展示をしていたので、当初は、ヨーロッパで会った作家を呼びたいと考えて分も含め、サポートした作家たちに、知らなかった世界を教えられる。そうやって情報を提供するいました。ヨーロッパでは、アーティストが助成金を取れるから、そこで渡航費を賄ってもらい、ことで、友人の作家のキャリアをサポートができる点は素晴らしいことです。作家としてだけだ

自分たちのスペースで展覧会に参加しもらうことができました。

と、スタジオに籠って制作するだけになってしまうけど、作家にはある種のサポートが必要で、そ・ラン・スペーのサポートの仕組みを作ることで、所属作家という形になるわけです。アーティスト

清水｜ SZ は？

スをとおして、一作家からもっと大きな存在になれる。つまり、他のスペースと繋がり、そのネットワークの中で、実際にマーケットがどう動いているのかを理解することができる。私自身は未だシュミット｜いまの話に全面的に同意です。追加するとすれば、
アーティスト・ラン・スペースやプロジェ

・ラン・スペーに自分は作家だと思っているので、作家としてのやりたいことと、自分がアーティスト

クト・スペースを運営している大半の人たちは、最初はすごい情熱をもって始めています。運営

スを運営することで得た知識がプラスされることで、やることが増えました。

するためには、もちろんお金も必要ですけど、根幹にあるのは、資金がないながらもどうにかして、ニーズに駆られて、即興的に新しいフォーマットを作っていくという熱意です。それが結清水｜4649も同様に、友人繋がりやインスタグラム、ウェブで作家と知り合って、展示してもらう

果としてアーティスト・ラン・スペースだったりプロジェクト・スペースだったりという形になっていることが多いので、共通する点がありました。では、運営にかかる資金や調達方法についておと思います。ベルリンでプロジェクト・スペースを運営するには、少なくとも2 年間はアートシー

話しいただけますか。

ンで生き残ってないと助成の対象になれません。私としては、お金がなくても展覧会をやりた
い、クリエイティブなことをしたいという人たちが考えて、そのスペースを作り上げていくという、

ジビッチ｜ WP は非営利ではないので、助成金を貰っていません。非営利として助成金を得るに

その情熱みたいなものによって、アートシーンの景色が変わっていくことはやはり面白いです。

は、事務作業が大量に必要で、さらにボードメンバーを設置しなければなりません。外部の人たちがあれやこれや言ってくるのは嫌だなと。他人の言うことは聞きたくないので、WP は
104 105

スモールビジネスという形で始めました。スモールビジネスというのは、基本的に制限は何もコブラ｜将来的にどのくらいの規模でギャラリーを持つのが理想ですか。

Directors’ Talk

シュミット｜ SZ をできるだけ続けていきたいです。今この状況を何とか維持し生計を立てていい

清水｜皆さんに明るい未来がくることを、心よりお祈りいたします。本日は長い時間ありがとうご

きたい、自分が関わるアーティストにとってもベストな環境を提供できるようなスペースでありざいました。すごく、大変貴重な情報交換ができました。今後とも皆さんとの関係が継続するたいと考えています。もちろんコマーシャル・ギャラリー、普通のギャラリーとは違うというところことを願っています。

を維持しないといけないですし、そのためには実験的な要素や場所を保たなければならないと思います。あと政治的でありたい。これは、政治的な作品とかいうことではなくて、運営の―あり方が、今の政治情勢に飲み込まれずに、うまく回っていくような、という意味で政治的でありたいです。新しいアイデアを実現し、常に開かれた環境でありたいし、マーケットに完全に｜1｜ プレスリリースのテキストは本冊子 P.8–P.9 に掲載。

飲み込まれないようにしたい。

｜2｜ CAVE ギャラリーは、デトロイ
トにある2007 年設立された非営利のアーティスト
・ラン・スペース。

スペリー｜10 年続いたらいいと漠然と思い、とりあえず来月を乗り越えるというくらいです。極端ですが、明日のことしか考えてない。

http://www.cavedetroit.com/｜3｜トム・ハンフリーズ（Tom Humphreys）
は1972年生まれ、ロンドンを拠点に活動している作家。本展にも出展している。
｜4｜ LLC は「Limited Liability Company」の略。
｜5｜ セセッション（Association of Visual Artists Vienna Secession）
は、ウィーンにある世界で最も古い独立した現代美術の機関。作家がボードメンバーを務め、展覧会企画を行っている。

https://www.secession.at/en/association-of-visual-artists-vienna-secession/
ジビッチ｜他の人にはお勧めしないですけど、基本的にはノープランです。ハネスが言うとおり、

基本的に継続していくことと、自分たちにとって面白いという点を維持しなければいけないと思います。あと既存の意味でのコマーシャル・ギャラリーとの違いを出していかなければなりません。将来、ミシガンの森の中でレジデンスを始めようと思っているので、いつか来てほしいですね。熊が出るかもしれないですけれども。

高見澤｜僕たち3人は全員作家で、考えていることが違うかもしれないですが、俺はノープラン派というか、あまり考えたくないですね。でも小林は続けたいと言っています。

コブラ｜僕は選択肢が 2 種類くらいあります。まず非営利としての 10 年後はアーティスト
・ランのインスティテュートを作ること。そもそも日本にインスティテュートみたいな、小さい美術館みたいの・ランのそういったものは作られたことがありません。オーストリアのセが少ないのと、アーティスト
セッション｜5｜に近いかな。コマーシャル側の10年後としては、ラジオパーソナリティになりたい。
あと僕らが XYZを作った時に憧れていたプロ・チョイス｜6｜というギャラリーがあって。プロ・チョイ
スみたく、すごく変な場所にウィンドウギャラリーを作って、内容はマシュー・マークス・ギャラリー｜7｜が取り扱っているような、エロティックな作品やシュールな作品を展示したいです。

ジビッチ｜実は私、プロ・チョイスのウェブサイトを手伝っていたことがあり、プロ・チョイスがやったいく

つかの展示はコンテンポラリー・アート
・デイリーで見られます。プロ・チョイスには、知人が何人かいて、私たちWP のテンプレートのようです。自分が持っているアーティストのネットワークや、自分はどういった作家から影響を受けたのか、場を運営しながら紹介することを目指しています。

｜6｜ プロ・チョイス（Pro Choice）
は 2008 年から2014 年まで活動していたウィーンのギャラリー。

http://prochoice.at/｜7｜ マシュー・マークス・ギャラリー（Matthew Marks Gallery）
は1991年に設立された、ニューヨークとロサンゼルスにあるギャラリー。

https://www.matthewmarks.com/

106 107

Directors’ Talk

As the directors were unable to come to Japan due to the coronavirus pandemic, we held

artists from outside Detroit as well, as we’ve been doing.

an online talk among participants across the globe. Everyone shared their insights on theformation of art environments and spaces.
―

COBRA ｜ So, it sounds like there are a lot of artists in Detroit.

Alivia ｜ There are a lot of artists, absolutely. We have had a bit of involvement with CAVE

Gallery ｜2｜ , a studio, gallery, and multi-purpose space that artists can use both to produce
COBRA ｜ It’s been almost 10 years since the XYZ collective [referred to below as “XYZ”] wasand to exhibit work. At WP we’re not thinking about providing studio space or renting out

launched in 2011. Here in Japan, we’ve been communicating with both younger artists

gallery space, though––we think of ourselves strictly as a gallery.

and older galleries as we pursue our vision. Recently there have been a growing numberof interesting shows by younger artists at artist-run spaces, but right now, compared toHannes ｜ In Berlin, too, we’re seeing the number of spaces increasing. What makes it a little

museums, there’s not a lot going on at galleries in terms of what you might call “importing

different from some other cities is that, as you know, Berlin has a massive art scene. Thereand exporting of curation.” If it weren’t for the pandemic, we would have been welcoming

are hundreds of galleries, but buyers are mostly outside Berlin, so Berlin-based artists who

What Pipeline [referred to below as “WP”] and Schiefe Zähne [referred to below as “SZ”]

are internationally active are basically looking outside the city. Faced with this reality, we

here to connect with young Japanese artist-run spaces and galleries, and in the future, we

decided we need to create artist-run spaces on our own. While the number of places likehope to carry out artist exchanges and hold exhibitions in one another’s spaces. In any

this is growing, there are probably only about four spaces that are both artist-operated

case, we see this exhibition as a starting point, and we hope it helps to build relationships

and also gradually starting to think of themselves as commercial enterprises. I’m originallyand lay the groundwork for future exhibitions at Tokyo Arts and Space moving forward.

an artist myself, and I ran a project-based, artist-run space for six years, but I didn’t havemuch of a game plan. After doing curatorial work for a while, I moved to a commercial

Shogo ｜ So, we’d like to hear from WP and SZ about the art scenes in Detroit and Berlin.

gallery. The political and economic system here is complex and difficult in some ways, but

In Japan, the government has been giving out grants for cultural projects ahead of thein any case, while I say our gallery is commercial, I try to think of it as a space for putting

Tokyo Olympics and Paralympics, but under current circumstances, small organizations

interesting ideas into practice, rather than one that functions to generate profits for specificlike ours are not benefiting from these. Another trend is that in cities outside Tokyo,

artists.

the number of art festivals is growing, and we’ve been seeing a gradual increase in artists
running spaces over the last 10 years.

Alivia ｜ In that respect, there’s a lot in common with how we try to run WP in Detroit.

Daniel ｜ In Detroit, too, there’s certainly been a rise in the number of artist-run spaces over

Shogo ｜ WP and SZ, can you tell us about what motivated you when you launched yourthe last decade or so. These are independent or loosely organized spaces. At the same time,

spaces?

there is a sense of stagnation, which seems similar to what you have in Tokyo, as COBRA
wrote about in the press release. ｜1｜ We are also looking for more of the “importing andexporting of curation” that was just mentioned.

Alivia ｜ Daniel and I were neighbors and used to get home from work around the same time,

so we were hanging out on our shared balcony, smoking weed and complaining about the
Detroit art scene. At that time NPOs had just gotten into the market, and the art scene

108 109

Alivia ｜ In 2013 when WP opened, Detroit already had artist-run spaces, but overall there

was changing in various ways. However, organizations below a certain size weren’t eligible

was a DIY, underground kind of feel to things, and it seemed like venues were only

for grants. We thought more artists ought to be able to benefit from the aid that was out

interested in showing Detroit-based artists. The word “commercial” wasn’t really in ourthere, and we needed to create an environment where artists could reach a bit wider of an

vocabulary, and people were doing things themselves on a shoestring. Today we remain

audience. So when we launched the space, it was with the feeling that we had no choice

independent and artist-run, but we also feel it’s important to run a gallery in a way that’s

but to do it ourselves, because there was no point in complaining about the situation whencommercially viable. Recently there’s been a trend toward more artist-run spaces featuringcommercial galleries were so scarce. Also, I’ve shown at several artist-run spaces myself, like

Directors’ Talk

Tom Humphreys’s space, ｜3｜ and I thought it would be great to have my own space andI really believed in, so I started the gallery. We’re trying to create a cycle where we’re as

get other artists involved.

independent and financially self-supporting as possible. This means generating not justenough cash to keep the place running, but also to share with other artists involved in ourHannes ｜ In Berlin there are a lot of art grants, and they’re available to artist-run spaces

projects. When I say this, a lot of people think I’m a dreamer or maybe just nuts, but thisand spaces run by individuals as well. That’s a good thing, and of course funding is

makes me more motivated to do it.

important, but when you look into the details, each of these grants has its own scheme
and conditions. I began to wonder if I had to change my own scheme in order to obtain

COBRA ｜ Unlike Japan, Germany has countries that border on it, and the United Statesmoney. It’s common practice in Berlin to apply for grants many times, and if you don’t

has multiple major cities including Los Angeles and New York. Japan is an island nation,

get one you apply for another, you repeat this over and over. That’s the reality of what

and in general collectors of Japanese art are in the country or somewhere else in Asia.

artists have to do to make a living. I had my doubts about this kind of dependence on

Exhibitions of overseas artists at venues other than museums are smaller and less exciting

grants as an economic model, and realized that it would be better to be able to rely onthan in Europe and the US, so one thing I want to do is create opportunities to see work

the art market. In the long run, I think artists can have more stable careers if they make a

by my favorite artists from overseas.

living by selling works.
Shogo ｜ Recently we’ve seen the diversification of venues such as alternative spaces, project
Alivia ｜ It’s exactly the same situation in Detroit. While there is money out there like grants

spaces, art centers, and artist-run spaces. How do each of you categorize your own spaces?

and subsidies from the government and nonprofits, there is little revenue to be had by
selling art in Detroit, and there are no collectors. Like in Berlin, you have to look outside

Yuu ｜ We call it an artist-run space or a gallery. Recently I think we often identify it as an

Detroit to find a buyer for your work. That’s why we started participating in art fairs.

“artist-run space” out of a strong awareness that we are artists ourselves, but honestly we

don’t think about it too much.
Daniel ｜ And that situation was also our reason for starting our own gallery. Relying on

grants means you’re dependent on that model, and depending on that model means

Hannes ｜ SZ is a bit tricky to define. In Germany, you may or may not be eligible forthat as an artist you can only make the kind of work that gets grants. If that funding is afunding depending on what you call yourself. For example, there are certain grants you

prerequisite, there are restrictions on all your operations. I had doubts about this whole

can’t get if you call yourself a commercial gallery. So what you call yourself is a sensitiveenvironment, and I began to think about ways of using art in Detroit, to improve the city.

issue, and defining a space can be quite a challenge. In Switzerland, for example, it’s
possible to start out in the form of a project space, get a grant, then repurpose the space

Yuu ｜ Listening to the three of you, I really relate to your stories and respond to themand shift to another economic model. We kept going back and forth about whether to callemotionally. There is a lot in common with the situation in Tokyo. I agree that trying

my place a gallery or a project space, but recently we’ve been calling it an artist-run gallery.

to make art while accepting grants from large organizations or the government is reallyThat’s because, of course, we want people to buy work and we are conscious of sales as partunhealthy and problematic.

of what we do. When asked about the difference between a gallery and an artist-run gallery,it’s hard to know what to say, but anyway an artist-run gallery is what we call ourselves.

Hannes ｜ I believe that when you get funding, you give up something in return, in termsof loss of freedom. To obtain funding, you need ensure your space has the right agenda.

COBRA ｜ XYZ is also an artist-run gallery, but in the beginning we called it an artist-run

If you get a grant, you may be able to fund your projects and exhibitions, but it doesn’t

space. I think the reason for that is that there aren’t many artist-run spaces in Japan, andcover your own income. It would be nice if you could fund projects and shows with grants

we wanted to stand out by using that label. And it was sales of work that caused the change

and still have money to live on, but that’s not how it works. With my own projects, too,

to “artist-run gallery,” like Hannes said just now. I think the difference between commercial

110 111

I’ve spent about half of each week doing other jobs and managed to scrape by that way.

and artist-run is whether or not you have a stable of artists. XYZ doesn’t represent any

All the while, I was thinking I needed to earn money and survive by doing somethingartists on an ongoing basis, although we work as hard as a commercial gallery to sell things.

Directors’ Talk

So when we first start working with artists, we explain this to them. Not having artists weyou money.

officially represent is the result of my own stubborn insistence, of wanting to remain an
artist-run gallery.

Alivia ｜ This may sound like kind of a pipe dream, but I hope that running WP will

Alivia ｜ I know what you mean. Not having a roster of artists also means you try that muchso it’s exhausting when I have to use a lot of my own time to sell works of art, and that’s notharder on the commercial side of things.

it should be when an artist operates a space––it ought to be fun and exciting. And I think weeventually be a full-time job. That’s not the way things are now. I’m doing a lot of other jobs,

often see people getting burned out when money comes into the picture. It’s a different story if
Hannes ｜ Actually, I have doubts about whether I could bring the same level of energy to

you’re making tons of money, but I’ve certainly never been in that position.

just showing the artists we represent, or repeatedly showing the same artists. I think it
would be difficult to maintain the same degree of passion if we were dealing with the

COBRA ｜ In Tokyo, it seems like commercial galleries are fairly new on the scene. Theresame people all the time, although from the perspective of collectors it might be better toaren’t many up-and-coming galleries, and the artists themselves don’t know much about

represent a particular group of artists.

selling their work. Fun and excitement are important, but because there aren’t many new
galleries here, I feel that as an artist-run gallery we need to learn about commercial dealings

COBRA ｜ It’s like romance, isn’t it? You wonder if you can stay in love with the same person

as we go and teach younger artists what we’ve learned, and right now we’re doing our best

forever.

to gain expertise in this market where there’s really a lot of cash moving around.

Hannes ｜ Has XYZ ever shown the same artist multiple times?

Alivia ｜ While managing an artist-run space, I’ve been learning all kinds of things. As society

COBRA ｜ Yes, we have. Basically we organize one solo show, talk with the artist, and letinteresting to not only make works of art, but also learn about all the various circumstancesthem know that we care about them and we’ll do everything we can, just as if we weresurrounding them. Being at an artist-run space, working with major museums andrepresenting them, even though we’re not. Then two years later or so, we work with theminstitutions, and learning about the business side of the art world, in other words about

constantly changes, it’s fascinating to start something and keep on learning. It’s particularly

again. Our mentality isn’t far from that of a commercial gallery, in the sense that a newish

people selling art at other galleries, you can get inside industry information that you can’t

gallery and youngish artists should join forces and grow together. Part of this is raising the

get anywhere else, and I think that’s really important. Through this process I learn about

prices of works, while recognizing that even if a gallery is closely tied to the market it’sa world I didn’t know, and that both benefits me and lets me pass along knowledge to thestill part of the cultural sphere, so the quality of the gallery and the artists is crucial. That

artists we support. It’s really wonderful to be able to support your artist friends’ careersmeans, I think, the healthiest way is for gallery and artist to grow together, and for artists

by delivering that information. If you are only an artist, you will only be working in yourto be affiliated with a gallery on an ongoing basis.

studio, but every artist needs some kind of support, and when you build mechanisms todeliver that support, then you end up having ongoing relationships with artists. An artist-

Daniel ｜ On the topic of artists being affiliated with galleries, I think that part of arun space enables you to be more than just a single, solitary artist, in the sense that you cancommercial gallery’s job is carrying out administrative procedures like drawing up

connect with other spaces and understand how the market actually functions within that

contracts. The artists we work with at WP are all people we have personal connections

network. I still think of myself as an artist, so I have more on my plate now that I’m doing

with, so it’s not an employer-employee relationship, it’s mainly a relationship between

my art while also building on the knowledge I’ve acquired while running a space.

friends. In a relationship like that, it’s a little bit weird for a gallery to take responsibility
for a particular artist. We have ties based on mutual respect. Of course there are times

Shogo ｜ There are similarities with 4649, where I often get to know artists on Instagram andwhen you have to deal with some artists more formally, but it doesn’t feel right to treat

the web and end up showing their work. So, can you tell us something about funding andthem as if they were land or real estate. Also, I think things change when you represent

how you procure funds for operation?

112 113artists, when you have a responsibility to sell their work, and those sales are also making

Directors’ Talk

Alivia ｜ WP isn’t a nonprofit, so we’re not eligible for grants. To get grants as a nonprofit

exhibitions or do creative things even if they don’t have money, and to create spaces forrequires doing a lot of administrative work and having board members. I don’t wantthat purpose.

to have people coming in and saying this or that, I don’t want to have to follow otherpeople’s instructions, so we launched WP in the form of a small business. There are

COBRA ｜ What is your ideal for running a gallery in the future, in terms of scale?

basically no restrictions on small businesses. That’s a basic principle in the US, this lackof limitations, and it ended up being an advantage––hearing that we could do whatever

Hannes ｜ I want to keep doing SZ as long as possible. I want to somehow keep doing

we want emboldened us when we started out. If you want to start a space in the US,

what I’m doing and make a living at it, and I want to offer a space that provides the bestit’s a good idea to make it an LLC [limited liability company]. If you’re running a small

possible environment for the artists I work with. Of course we have to keep it different

business, you can’t get any art-related grants from the government, so in effect you’re often

from commercial or conventional galleries, and to do that we need to keep experimental

leaning on the commercial world. So, I think it’s best to think first of all about whether

elements in the mix or do things in unusual places. Also, I want to be political. I don’t

you’re starting a nonprofit operation and planning to be funded by grants, or starting amean making political art, I mean political in the sense of maintaining ethical and effective

business and thinking about that kind of future.

practices without being swept up in the current political climate. I want to realize newideas, always keep an open environment, and not be completely swallowed up by theDaniel ｜ To add to that, I would say I don’t think you need a lot of funding to run an art

market.

space. All you need is a parking lot, a backyard, a closet or whatever, just find some roomand start from there. After that it’s important to decide how far you want to pursue things,

Daniel ｜ I had the vague sense that it would be good to keep going for 10 years, so for thebut the most important thing is to get it started. After that you can think about wheretime being that means getting through next month. To put it in extreme terms, I’m only

you want to take it. When we started out, we didn't have any business plans or continuity

thinking about tomorrow.

plans or anything like that.
Alivia ｜ I don’t recommend this to others, but we basically operate with no plan. As Hannes
Alivia ｜ Right, we had no game plan, and at first we only had about three exhibitions on thesays, I think the most important thing is to keep going and keep doing things we feel areagenda. We were thinking about how to keep costs to a minimum and having freedom tointeresting. Also, we have to differentiate ourselves from commercial galleries as they exist

do what we wanted without getting any grants. I had done quite a few shows in Europe,

now. We’re thinking of launching a residency in the Michigan woods in the future, and we

so in the beginning I made it a priority to invite artists I’d met in Europe. Artists inhope to see you there someday. There may be bears around there, though!

Europe can obtain grants, so they were able to cover their travel expenses and participate
in shows in our spaces.

Yuu ｜ The three of us are all artists, and we may all think differently, but I also belong to theno-plan school, and I don’t want to think too hard about the future. I know Yuhei wants

114 115

Shogo ｜ And how about SZ?

to keep going, though.

Hannes ｜ I totally agree with what was just said. If I were going to add to it, I would say

COBRA ｜ Personally I feel like there are two options. One is to operate as a nonprofit

that most people who run artist-run spaces or project spaces have an enormous amountfor 10 years or so and then launch an artist-run institute. There are not many placesof passion when they start out. Of course it takes money to run it, but the enthusiasm

like that in Japan in the first place – institutes that are something like small museums

to improvise new formats, compelled by the needs at a given time, even when there’s no– and there has never been one that was artist-run. This idea might be something likebudget––that’s the most crucial thing and I think that’s what motivates people to start

the Secession ｜4｜ in Austria. Or, if I were to go the commercial route, then after 10 years

artist-run spaces or project spaces. To run a project space in Berlin, you need to survive in

I’d like to become a radio personality. When we were launching XYZ, there was a gallery

the art scene for at least two years before you can be eligible for funding. For me, though,called Pro Choice ｜5｜ that we admired. I’d like to do something like Pro Choice, create

it’s fascinating to see the landscape of the art scene changed by people’s passion to holda window gallery in a really bizarre place, and also to display erotic and surreal works

Directors’ Talk

like those handled by Matthew Marks Gallery. ｜6｜
Alivia ｜ Actually, I helped out with the Pro Choice website. Some of the exhibitions that

Pro Choice did can still be viewed on Contemporary Art Daily. I know a few people at
Pro Choice, and it’s kind of a template for us at WP. Our aim, as we keep running thevenue, is to introduce people to our network of artists and also let people know about
artists that influenced us.
Shogo ｜ Thank all of you, and my most heartfelt wishes for a bright future. Thank you

for sharing so much with us today. I think we learned so much from each other in thisconversation. We look forward to building relationships with all of you in the future.
―｜1｜ The text of the press release is reprinted on P.10–P.11 in this booklet.
｜2｜ CAVE Gallery is a non-profit artist-run space in Detroit, established in 2007.
｜3｜ Tom Humphreys is a London-based artist born in 1972. His work is also featured in this exhibition.
｜4｜ The Association of Visual Artists Vienna Secession is the world’s oldest independent exhibition institution

dedicated to contemporary art. Artists serve as board members and organize exhibitions.
｜5｜ Pro Choice was a gallery that operated in Vienna from 2008 to 2014.
｜6｜ Matthew Marks Gallery was founded in 1991 and is located in New York and Los Angeles.

116 117

List of Works

堀ななみ

XYZ collective

1995 年生まれ。東京都を拠点に活動。

エックスワイジー・コレクティブ

バス・ヤン・アデル
1942 – 1975――

HORI Nanami
Born in 1995 . Lives and works in Tokyo.

―《去勢後の穴》

The hole after castration

2020

Bas Jan ADER

油彩、キャンバス

1942 – 1975

60.6 × 45.5cm

2020
Oil on canvas
60.6 × 45.5cm

―

―

《スタディ
・フォー・フェアウェル・トゥ
・ファラウェイ・フレンズ》

Study for Farewell to faraway friends《先祖の顔 1 》

Ancestral face 1

1971

2020

8.9 × 8.9cm

1971
Color vintage print
8.9 × 8.9cm

38 × 45.5cm

2020
Oil on canvas
38 × 45.5cm

―

―

―

―

《無題（ティーパーティー）》

Untitled (Tea party)《先祖の顔 2 》

Ancestral face 2

1972

1972
Video
1' 51"

2020
53 × 45.5cm

2020
Oil on canvas
53 × 45.5cm

カラービンテージプリント

映像

1' 51"―

油彩、キャンバス

油彩、キャンバス――《甲子園延長戦》

Extra innings at Koshien

60.6 × 45.5cm

2020
Oil on canvas
60.6 × 45.5cm

チャドウィック・ランタネン

Chadwick RANTANEN

トレヴァー・シミズ

Trevor SHIMIZU

2020

1978 年生まれ。ニューヨークを拠点に活動。

Born in 1978 . Lives and works in New York.

油彩、キャンバス――《サンセット・スルー・ツリー》

Sunset through tree

2020
193 × 204cm

2020
Oil on canvas
193 × 204cm――《サンセット・スルー・ツリーズ》

Sunset through trees《ブロック》

Blocks2020

2020
Oil on canvas
193 × 198cm

2020
11.6 × 17.5cm

2020
Photograph11.6 × 17.5cm

油彩、キャンバス

油彩、キャンバス

193 × 198cm

1981 年生まれ。ロサンゼルスを拠点に活動。

―

写真

Born in 1981 . Lives and works in Los Angeles.

―

―

―

《バック・オブ・ハンド》

Back of Hand

中野浩二

NAKANO Koji

2020

1977 年生まれ。神奈川県を拠点に活動。

Born in 1977 . Lives and works in Kanagawa.

写真16.3 × 10.8cm

2020
Photograph16.3 × 10.8cm

《ヨ》

Hi!

―

―

2020

《キャンドル / バラ》

Candle / Roses

2020

70 × 32 × 24cm

2020
Plaster, bamboo, paper
70 × 32 × 24cm

―

―

―

―

11.1 × 17.5cm

2020
Photograph11.1 × 17.5cm《「立つ」
もしくは「大」》“Tatsu” or “Dai”――

2016-2020《クラックス・シンプレックス》

Crux Simplex

2019

62 × 67 × 35cm

2016-2020
Plaster, paper, etc.
62 × 67 × 35cm

石膏、竹、紙写真――

15.2 × 5 × 8.9cm

2019
Aluminium cutoffs, steel
15.2 × 5 × 8.9cm《正座（大）》

Seiza (Large)

―

―

2020

2020
Plaster, paper
100 × 50 × 60cm

《クラックス・シンプレックス》

Crux Simplex

2019

2019
Wood cutoffs, steel
15.2 × 3.8 × 53.3cm

石膏、竹、ほか

石膏、紙100 × 50 × 60cm

アルミニウム片、スチール

木片、スチール

15.2 × 3.8 × 53.3cm

120 121

List of Works《クラックス・シンプレックス》

Crux Simplex

2020

4649

33 × 14 × 9cm

2020
Aluminium cutoffs, steel
33 × 14 × 9cm――《クラックス・シンプレックス》

Crux Simplex

ベンジャミン・アサム・ケロッグ

2019

1991 年生まれ。ニューヨークを拠点に活動。

99.1 × 3.8 × 50.8cm

2019
Wood cutoffs, steel
99.1 × 3.8 × 50.8cm《無題》

Untitled

―

―

2020

《クラックス・シンプレックス》

Crux Simplex

紙に鉛筆

2020

76.2 × 56cm――

103 × 12 × 4cm

2020
Aluminium cutoffs, steel
103 × 12 × 4cm

2020
Pencil on paper
76.2 × 56cm

《無題》

Untitled

―

―

2020

《クラックス・シンプレックス》

Crux Simplex

紙に鉛筆

2019

2019
Aluminium cutoffs, steel
22.9 × 21.6 × 7.6cm

76.2 × 56cm

2020
Pencil on paper
76.2 × 56cm

ラファエル・デラクルス

Rafael DELACRUZ

アルミニウム片、スチール

木片、スチール

アルミニウム片、スチール

アルミニウム片、スチール

22.9 × 21.6 × 7.6cm

フォーシックス フォーナイン

―1989 年生まれ。ニューヨークを拠点に活動。

コブラ
1981 年生まれ。東京都を拠点に活動。

COBRA
Born in 1981 . Lives and works in Tokyo.

―

Benjamin Asam KELLOGG
Born in 1991 . Lives and works in New York.

―

Born in 1989 . Lives and works in New York.

―《ライト・トラッシュ》

Light trash

2020《ストーリー・オブ・エッグ（バードギャラリー・フォー・バード）》

Story of egg (bird gallery for bird)

紙に水彩、色鉛筆、パステル

2020

35.6 × 28cm――

52 × 30 × 30cm

2020
Bird cage, acrylic on canvas, lemon
52 × 30 × 30cm

2020
Watercolor, color pencil, pastel on mixed media paper
35.6 × 28cm

《エッグ -アクトリー・エモ》

Egg-actly emo

―

―

2020

《セサミストリート》

Sesame Street
2020
Sesame0.2cm

紙に水彩、色鉛筆、パステル―

鳥かご、アクリル、キャンバス、レモン

2020
ごま

0.2cm

―

35.6 × 28cm

2020
Watercolor, color pencil, pastel on mixed media paper
35.6 × 28cm――

《アイ・サバイブド hwy 1 》

I survived hwy 1

2020
35.6 × 28cm

2020
Watercolor, color pencil, pastel on mixed media paper
35.6 × 28cm

紙に水彩、色鉛筆、パステル
―

―

《無題》

Untitled

2020
76.2 × 101.6cm

2020
Oil on canvas
76.2 × 101.6cm

油彩、キャンバス
―

―

《無題》

Untitled

2020
76.2 × 101.6cm

2020
Oil on canvas
76.2 × 101.6cm

村田冬実

MURATA Fuyumi

油彩、キャンバス

1990 年生まれ。東京都を拠点に活動。

―

Born in 1990 . Lives and works in Tokyo.

―《ワンダーランド》

Wonderland

2020

2020
Print on paper
20 × 20 × 10cm

紙にプリント122 123

20 × 20 × 10cm

List of Works

What Pipeline

Schiefe Zähne

ワット・パイプライン

シーフェ・ツェーネ

マリー・アン・エイトケン

Mary Ann AITKEN

ルーカス・キッチュ

1960 – 2012

1960 – 2012

1985 年生まれ。ベルリンを拠点に活動。

―

―

―

Lukas QUIETZSCH
Born in 1985 . Lives and works in Berlin.

―

《無題》

Untitled《無題》

Untitled

1989

2017

14.6 × 14.6cm

1989
Marker on paper
14.6 × 14.6cm

73 × 85cm

2017
Gouache on canvas
73 × 85cm

―

―

《無題》

Untitled

1989

リチャード・サイズ

Richard SIDES

13.3 × 13.9cm

1989
Marker on paper
13.3 × 13.9cm

マーカー、紙マーカー、紙ガッシュ、キャンバス

1985 年生まれ。ベルリンを拠点に活動。

―

Born in 1985 . Lives and works in Berlin.

―

―

―

《ライク・ア・ピッグ・イン・シット》

Like a Pig in Shit

《テクスチュアル・ランドスケープ》

Textural Landscape

2010

2019
HD video
18'50"

13.3 × 13.9cm

2010
Oil on canvas
13.3 × 13.9cm

2019
HDビデオ
18'50"

Philipp SIMON

油彩、キャンバス――《無題（天使）》

Untitled (Angel)フィリップ・サイモン

1989

1989
Watercolor and marker on paper
22.9 × 52.1cm

1987 年生まれ。ベルリンを拠点に活動。

水彩、マーカー、紙

22.9 × 52.1cm―

Born in 1987 . Lives and works in Berlin.

―

克服、生物学、緑黄》

image, mesozoic, prelude, meltdown, nature, moment,
overcome, biology, green-yellow《イメージ、中生代、前奏曲、メルトダウン、自然、瞬間、――

マイケル・E・スミス

Michael E. SMITH《イメージ、幼少期、気づき、勇者のみ、グレー、

1977 年生まれ。ロードアイランドを拠点に活動

Born in 1977 . Lives and works in Rhode Island.

ホームシック、付録》

image, childhood, awareness, only the brave, gray,homesick, appendix

―

―

《無題》

Untitled《イメージ、抵抗、解体、ウィスコンシン・ポンペイ、沈黙》

image, resistance, dismantle, wisconsin-pom-peii, silence

2020

―

―

シングルチャンネル HDビデオ、ループ

2020
Single channel HD video on loop

《イメージ、希望、触覚、ゆがみ、双極性、――パフォーマンス、代謝、清潔》

image, hope, touch, distortion, bipolar, performance,
metabolism, clean《無題》

Untitled

―

―

2016

2016
Hat
15.2 × 29.2cm《イメージ、対話、所有、A5、接続、拒絶、隔離、舞台》

image, dialogue, property, A5, connect, reject, isolation, stage――《イメージ、続編、#1111、#6996、#2002、差異、
都会的、肌、悲痛に、カルト》

image, sequel, #1111, #6996, #2002, diﬀerence,urban, skin, painfully, kalt―

帽子

15.2 × 29.2cm

―

―

―

クインテッサ・マトランガ

Quintessa MATRANGA

すべて2019

1989 年生まれ。ニューヨークを拠点に活動

Born in 1989 . Lives and works in New York.

鉛筆、紙40 × 50cm

All works 2019
Pencil on paper
40 × 50cm

トム・ハンフリーズ

Tom HUMPHREYS――《スウィート・シルバー》

Sweet Silver2020
154.2 × 122cm

2020
Oil on canvas
154.2 × 122cm――《チェリー・ボム》

Cherry Bomb《無題》

Untitled

2020

2020
Oil and acrylic on canvas
154.2 × 122cm

2013–2018

2013–2018
Glazed ceramics, ceramic transfer
21–32cm (11 pieces)

油彩、キャンバス

アクリル、油彩、キャンバス

154.2 × 122cm

1972 年生まれ。ロンドンを拠点に活動。

―

釉薬、セラミック、転写

21–32cm (11 点 )Born in 1972 . Lives and works in London.

―

124 125

List of Works

エレーヌ・フォケ

Hélène FAUQUET

1989 年生まれ。ウィーンを拠点に活動。

Born in 1989 . Lives and works in Vienna.

――《クローム》

Chrome2020
UV プリント、パネル
90 × 46cm

2020
UV print on wood
90 × 46cm――《パラノイアック・ビュー》

Paranoiac View

2020
UV プリント、パネル
45 × 45cm

2020
UV print on wood
45 × 45cm――《ハウス・オブ・ファン》

House of Fun

2020
UV プリント、パネル
45 × 45cm

2020
UV print on wood
45 × 45cm

アリアン・ミューラー
ベルリンを拠点に活動。

―

Ariane MÜLLER
Lives and works in Berlin.

―《ロマンス・スカム》

Romance Scam2019
60 × 40cm（7 点）2019
Print, pastel
60 × 40cm（7 pieces）

ヨナス・リップス

Jonas LIPPS

1979 年生まれ。ベルリンを拠点に活動。

Born in 1979 . Lives and works in Berlin.

プリント、パステル――

謝辞
本展覧会実施に際し、ご協力いただきました参加作家及び関係各位に、深く感謝の意を表し、心より御礼申し上げます。（順不同、敬称略）
コブラ

ラファエル・デラクルス

ハネス・シュミット

村田冬実

ダニエル・スペリー

マリー・アン・エイトケン

アリビア・ジビッチ

マイケル・E・スミス

小林優平

クインテッサ・マトランガ

清水将吾

ルーカス・キッチュ

高見澤ゆうリチャード・サイズ

バス・ヤン・アデルフィリップ・サイモン

トレヴァー・シミズ

トム・ハンフリーズ

中野浩二

エレーヌ・フォケ

堀ななみ

アリアン・ミューラー

チャドウィック・ランタネン

ヨナス・リップス

ベンジャミン・アサム・ケロッグ

ソフィー・ラインホルト

ミサコ＆ローゼン

Meliksetian | Briggs
ジェフリー・ローゼン

METRO PICTURES

Acknowledgments
TOKAS would like to express our gratitude to all participating artists and to《無題 (18-05-19)》

Untitled (18-05-19)

2019
31.4 × 40cm

2019
Watercolor, pencil and drawing ink on paper
31.4 × 40cm

COBRA

Rafael DELACRUZ――

Hannes SCHMIDTMURATA Fuyumi《UHR 2》, 《UHR 3》

UHR 2, UHR 3
2017
Casein paint on paper
19 × 38cm

Daniel SPERRY

Mary Ann AITKEN

Alivia ZIVICH

Michael E. SMITH

KOBAYASHI Yuhei

Quintessa MATRANGASHIMIZU Shogo

Lukas QUIETZSCHTAKAMIZAWA Yuu

Richard SIDESBas Jan ADER

Philipp SIMON

Trevor SHIMIZUTom HUMPHREYS

NAKANO Koji

Hélène FAUQUET
Ariane MÜLLER

水彩、鉛筆、インク、紙

2017
カゼイン塗料、紙19 × 38cm

ソフィー・ラインホルト

Sophie REINHOLD

1981 年生まれ。ベルリンを拠点に活動。

Born in 1981 . Lives and works in Berlin.

――

all others involved in this exhibition.

《マッシュルーム？》

Mushroom?

HORI Nanami

2019

2019
Graphite and pigmented marble powder on linen
50 × 60cm

Chadwick RANTANEN

Jonas LIPPS

Benjamin Asam KELLOGG

Sophie REINHOLD

グラファイト、着色した大理石粉、麻50 × 60cm

MISAKO&ROSEN
Meliksetian | Briggs
Jeffrey ROSEN
126 127

METRO PICTURES

TOKAS Project Vol. 3
東京デトロイトベルリン
参加ギャラリー（ベルリン）
シーフェ・ツェーネ｜Schiefe Zähne（デトロイト）ワット・パイプライン｜What Pipeline

XYZ collective（東京）4649（東京）
共同企画｜コブラ
会期｜2020年10月10日［土］̶ 11月8日［日］
会場｜トーキョーアーツアンドスペース本郷主催｜公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 トーキョーアーツアンドスペース
協力｜ミサコ＆ローゼン、Meliksetian | Briggs
関連イベントトーク（非公開、オンラインにて開催）
ディレクター・（日本時間）
日時｜2020年10月11日［日］
出演｜ハネス・シュミット、ダニエル・スペリー、アリビア・ジビッチ、コブラ、小林優平、清水将吾、高見澤ゆう
同時通訳｜池田哲、ジェイミー・ハンフリーズ
翻訳｜ アンドレアス・シュトゥールマン、クリストファー・スティヴンズ
撮影｜田中和人、加治枝里子、トーキョーアーツアンドスペース（Printed Union）
広報物デザイン｜ 原田光丞
印刷｜株式会社歩プロセス
編集・発行｜トーキョーアーツアンドスペース
発行日｜2021年3月5日

TOKAS Project Vol. 3
Tokyo Detroit Berlin
Galleries
Schiefe Zähne（Berlin）
What Pipeline（Detroit）
XYZ collective（Tokyo）
4649（Tokyo）
Co-planner ｜ COBRA
Organizer ｜ Tokyo Arts and Space（Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture, Museum of Contemporary Art Tokyo）
Cooperation ｜ MISAKO&ROSEN, Meliksetian | Briggs
Related events
Directors’ Talk（Private, Online）
Date ｜ 2020/10/11［Sun］（ JST）
Participants ｜ Hannes SCHMIDT, Daniel SPERRY, Alivia ZIVICH,COBRA, KOBAYASHI Yuhei, SHIMIZU Shogo, and TAKAMIZAWA Yuu
Simultaneous interpreter ｜ IKEDA Satoshi, Jaime HUMPHREYS
Translation ｜ Andreas STUHLMANN, Christopher STEPHENS
Photograph ｜ TANAKA Kazuhito, KAJI Eriko, Tokyo Arts and Space
Publication design ｜ HARADA Kosuke（Printed Union）
Printing ｜ Ayumi Process Ltd.
Edited and Published by ｜ Tokyo Arts and Space
Published on March 5th, 2021.
©2021 Tokyo Arts and Space