Tokyo Arts and Space
Annual Report
2018

目次

INDEX

004

はじめに Message

006

ミッションと活動 Missions & Activities

ARTIST INTERVIEWS│アーティスト・インタビュー
01 2

西村 有 NISHIMURA Yu

020

コンタクトゴンゾ やんツー contact Gonzo030

曽谷朝絵 SOYA Asae

凡例

048

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1 霞はじめてたなびく First Lingering Mist of Spring052

3331 ART FAIR 2019・アーティスト、クリエーターのプロフィールは、2019 年 3月時点の情報を記載した。
・プロフィールは、アーティスト、クリエーターより提供のあった資料に基づき編集・作成した。

054

Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021

056

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム Creator-in-Residence Program102

pompom：シモ・ケロクンプによるコレオグラフィック・インスタレーション

2―ヴァンサン・ルーマニャック、谷沢直とのコラボレーション

・展覧会風景、公演風景はキャプションを省略した。
（Part.1をのぞく）
・展覧会情報は、「展覧会名」（会場名、都市名、都道府県名／国名、開催年）の順に記載した。ただし、会場名に都市の名が含

pompom: A choreographic installation by Simo KELLOKUMPU in collaboration

まれるものは、都市名を省略した。また、展覧会名に開催年が含まれるものは、開催年を省略した。日本での展覧会は、都市
名が県庁所在地、政令指定都市などにおいては、都道府県名を省略した。海外での展覧会は会場名、都市名、国名、開催年の順とし、首都や世界都市においては国名を省略した。

104

・受賞歴については会場名を省略し、賞名に開催年の無いものについては、最後に開催年を記した。
・写真クレジット：展示風景、活動風景およびポートレートの撮影者は奥付にまとめた。アーティスト、クリエーターから提供

116

された写真には、クレジットを記載した。
・著作権：特に記載のない場合、著作権はすべてトーキョーアーツアンドスペースに帰属する。

PART

Emerging 2018

・人名をフルネームで記載する場合の姓・名の順は、特に指定がない場合は各言語における標記の順に従った。
・アーティスト、クリエーター、委員、講師の名前は敬称を省略し、委員、講師の肩書きは事業開催当時のものを記載した。

・作品名は《》、プロジェクト名・展覧会名・曲名は「」、書名・映画タイトルは『』で示した。
・作品情報は、作家名、作品名、制作年の順に記載した。

1

yang02PROGRAMS│プログラム
040

PART

with Vincent ROUMAGNAC and Nao Yazawa

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス2018 成果発表展 行為の編纂
TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition Compiling behaviors, digesting actions
TOKAS Project Vol. 1 Institute of Asian Performance Art: Tokyo日 / 中 / 韓 パフォーマンスとメディア 70ʼs - 90ʼs
120OPEN SITE 2018-2019

1 32

教育普及事業 Educational Programs and Arts Promotion

1 36

トーキョーアーツアンドスペース本郷 ガイドマップ Tokyo Arts and Space Hongo Guide map

Explanatory Notes
・ When listing full names, they are listed in the appropriate order for each language, except when specific requests stateotherwise.
・ Honorific titles for artists, creators, jury members, and lecturers have been omitted. Job titles for jury members and lecturers
were current at the time of each event.
・ Artist and creator profiles are current as of March 2019.
・ Profiles are based on documents provided by the artists and creators.
・ Titles of artworks, musical compositions, publications and film works are given in italics. Quotation marks are used for
exhibition and project titles.
・ Information on the artworks is listed in the following order: name of artist, title of work, and year of creation/production.
・ Captions are omitted for exhibition/installation gallery/venue photos and performance photos (except in Part 1).
・ Information about exhibitions is written in order of: Exhibition title (venue, city, prefecture /country, year of exhibition). In
cases where the exhibition title includes the year the exhibition was held, the year is omitted at the end. Exhibitions held
overseas are written in order of venue, city, country, and year of exhibition, though the country name is omitted in the case ofcountry capitals and major international cities. For exhibitions in Japan, the names of prefectures are omitted when the city isa prefectural capital or government ordinance-designated city, etc.
・ In award histories, venue names are omitted, and when award names do not contain the year of the award, the year it waspresented is listed at the end.
・ References to “in 2018-19” reflects Japanʼs fiscal year of April 1st, 2018 to March 31st, 2019.
・ Photo credits for exhibition gallery/venue photos, activities, and portraits are listed in the colophon. Credits for photos
provided by the artists and creators appear next to each picture.
・ All rights reserved by Tokyo Arts and Space unless otherwise specified.

REVIEWS│レビュー
140｜158

PART

3

Emerging 2018142 ｜160

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1 霞はじめてたなびく First Lingering Mist of Spring

144｜162

pompom：シモ・ケロクンプによるコレオグラフィック・インスタレーション―ヴァンサン・ルーマニャック、谷沢直とのコラボレーション
pompom: A choreographic installation by Simo KELLOKUMPU in collaboration
with Vincent ROUMAGNAC and Nao Yazawa

146｜164

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス2018 成果発表展 行為の編纂
TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition Compiling behaviors, digesting actions

150｜168

TOKAS Project Vol. 1 Institute of Asian Performance Art: Tokyo日 / 中 / 韓 パフォーマンスとメディア 70ʼs - 90ʼs

152｜170

OPEN SITE 2018-2019176

施設情報 General Information

はじめにMessage

トーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）
は、2001年の開館以来（旧名称トーキョーワンダー
サイト）、「新進・中堅アーティストの継続的支援」「創造的な国際文化交流の促進」「実験的な創造活動の支援」をミッションとし、さまざまな事業を展開してきました。

Since its inception in 2001, Tokyo Arts and Space (TOKAS, formerly Tokyo Wonder Site)
has been responsible for many projects geared toward realizing its stated missions of “ongoingsupport for emerging and mid-career creators,” “promoting creative international cultural
exchange,” and “supporting cutting-edge and experimental creative activities.”

現在は、展示・発表の場としての「TOKAS 本郷」と、レジデンス・プログラムを行う「TOKAS

Centered around two venues, TOKAS Hongo, as a facility for presentation of works; andレジデンシー」の 2 拠点を中心に、若手作家の作品発表や、国内外の幅広いジャンルのクリエー

the TOKAS Residency, where resident creators can create works, the current activities of

ターの受け入れと国内クリエーターの海外派遣を中心としたレジデンス・プログラム、あらゆるジャンルに門戸を開いた企画公募など、東京における新たな創造の種を発芽させ、それを育む場を目指した活動を行っています。

TOKAS include presenting works by young artists, operating artists-in-residence programs
open to diverse international and local creators and open call programs that take into
account a wide range of artistic approaches, all with the ultimate aims of allowing for theflourishing of new artistic ideas in metropolitan Tokyo, and providing spaces where suchideas may find further nourishment.

拠点数が 2ヶ所となり、新名称のもと活動を本格化させた2018 年度は、TOKAS の各事業においても新たなスタートを切った年でした。中堅作家への継続的支援を目指した「Tokyo
Contemporary Art Award（ TCAA ）」の創設や、海外の文化機関やキュレーターと協働して展覧会を実施する「TOKAS Project」および TOKAS での活動経験のある若手アーティス
トの次の発表の場を提供するグループ展「ACT（ Artists Contemporary TOKAS ）」の開始、

With the number of its affiliated facilities now decreased to two, 2018 served as a fresh
start for the various TOKAS programs, as well as a year in which TOKAS made its firstconcrete efforts under a new name. With the establishment of the Tokyo Contemporary
Art Award (TCAA) aimed at a continuing support of mid-career artists, and the TOKAS
Project for the establishment of exhibitions held in collaboration with foreign cultural

TOKASレジデンシーのスタジオを活用した展覧会プログラムの試行、TOKASらしい教育普organizations and curators as well as beginning the Artists Contemporary TOKAS (ACT)及事業の展開など、次のタームに向けての一歩を踏み出しました。まだまだ試行錯誤ではあり

group exhibitions that offer further opportunities for young artists that have been

ますが、引き続きご支援、ご協力をいただければ幸いです。

previously involved in TOKAS programs, exhibition programs that utilized the TOKAS
Residency studio space, and the development of educational programs that reflect the

トーキョーアーツアンドスペース

merits of TOKAS, we have taken positive steps into the next term. While we are still largely
in a development stage, we hope that everyone will give TOKAS your continued support
and cooperation.
Tokyo Arts and Space

4

5

Mission1

ミッションと活動
Missions & Activities

新進・中堅アーティストの継続的支援

Ongoing support of emerging and mid-career artists

トーキョーアーツアンドスペース（ TOKAS ）は、アート、音楽、建築、キュレーションなど幅広いジャンルの活動や領域横断的･実験的な試みを支援し、同時代の表現を東京から創造･発信するアートセンターです。発表の場としての「TOKAS 本郷」と滞在制作やリサーチ活動の拠点となる「TOKASレジデンシー」を中心に、展覧会、公演、レジデンス･プログラムや教育普及事
業、東京都と共催で現代美術の賞などを行っています。
Tokyo Arts and Space (TOKAS) is a Tokyo-based arts center dedicated to the support of

作品発表の機会を通じて段階的・継続的に活動をサポート
新進アーティストに発表の機会を提供する「TOKAS-Emerging」、TOKAS事業に参加経験のある作家を中心としたグループ展「ACT (Artists Contemporary TOKAS)」、中堅アーティストを対象とした「Tokyo Contemporary Art Award」など、アーティストへの継続的な支援を行います。

Progressive and continuous arts support through opportunities to present works

creation and presentation of contemporary art in a wide range of genres, from the fine

TOKAS provides creators with continuous support through opportunities to present works

arts, music and architecture, to curation and inter-disciplinary creative activities. Operatingin our TOKAS-Emerging exhibitions for emerging artists, our Artists Contemporary TOKAS

mainly from our TOKAS Hongo as a venue for arts presentation and our TOKAS Residency(ACT) group exhibitions for creators who have taken part in TOKAS programs and ourfacility for artists and researchers to work in residence, our activities include exhibitions,Tokyo Contemporary Art Award for mid-career artists.

performances, residency and educational programs as well as contemporary arts awards
programs in collaboration the Tokyo Metropolitan government.

PROGRAMS
Emerging 2018

教育普及事業Mission

Educational Programs
and Arts Promotion

Mission3

1

創造の喜びを年齢問わず共有で

実験的創造
の支援

アーティストの継続的支援

Supporting experimental
creative activities

Ongoing supportof artists

年間のプログラムを紹介する事
業報告書の発行など、アーティ
ストと社会や地域の交流を促進
Through the holding of workshops

2

in which participants of all ages
can share in the joy of creating,and through the publishing o f

国際文化交流Promoting international
cultural exchange

our Annual Report introducing
the yearʼs programs, we seek topromote exchange between artists
and the communities and create
places where creativity flourishes.

6

This exhibition series provides desiring artists under the age of 35 who were chosen for our
open-call Tokyo Wonder Wall exhibitions ( 2013 to 16 ) the opportunity to hold solo exhibitions.
Six artists participated in this program in 2018.

きる参加型のワークショップやし、創造の現場を育みます。

Mission

公募展「トーキョーワンダーウォール 2013-2016」の入選者から希望を募り、審査を経て選出された35 歳以下のアーティストが個展を行うプログラム。2018 年度は 6 名が参加しました。

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1

霞はじめてたなびく First Lingering Mist of Spring
TOKASプログラムに参加し、活動を継続･展開しているアーティストや、注目すべき活動を行っている同時代のアーティストによる企画展。2018 年度は 3 名のアーティストを紹介しました。
This exhibition is for artists who have participated in TOKAS programs and are continuing theirartistic activities as well as other contemporary artists noted for their achievements. In 2018 it
presented three artists.

Tokyo Contemporary Art Award
東京都と共催で創設した現代美術の賞。海外での活動支援や東京都現代美術館での成果･受賞
展開催など、継続的な支援を行います。2018年度は選考会を実施し、2名の受賞者を決定しました。
This contemporary arts award is conducted in collaboration with the Tokyo Metropolitan
government. The program provides ongoing support for artists through opportunities like showing
their work at the Museum of Contemporary Art Tokyo in the exhibition for the winning artists andopportunities for overseas activities. In 2018, two artists were selected by jury for participation.

7

Mission

Mission

創造的な国際文化交流の促進

実験的な創造活動の支援

2

Promoting creative international cultural exchange

3

Supporting cutting-edge and experimental creative activities

クリエーターの派遣・招聘を通じて世界と東京をつなぐ

多様な価値観を生み出す場を創出

レジデンス事業を中心に、国内外の才能あるクリエーターにリサーチや創作活動を行う機会を提供。

ジャンルを問わず、領域横断的、実験的な企画の実現に向けた公募プログラム「OPEN SITE」やその成果を展覧会やオープン・スタジオ、トーク・イベントなどで紹介し、幅広いジャンルの才能

海外のアーティストやキュレーター、文化機関と協働して行う「TOKAS Project」をとおして、が交差する拠点を目指します。

多様な価値観が表現される場を作り上げていきます。

Connecting Tokyo to the world by sending out and inviting in international creators

Creating spaces for expression with diversity in values

Primarily through artist-in-residence programs, talented Japanese and international

Through the open-call program OPEN SITE for a wide range inter-disciplinary andcreators are given the opportunity to create works or do research. The results of their work

experimental projects in all genres, and the TOKAS Project program held in collaboration

are shown in our Open Studio program or through talk events, as we strive to be a hub for awith overseas artists, curators and culture organizations, we seek to provide venues forwide range of talents meet.

work reflecting diversity in values.

PROGRAMSPROGRAMS
クリエーター・イン・レジデンス Creator-in-Residence
年齢、国籍、ジャンルを超えた幅広い層を対象に多彩なレジデンス・プログラムを展開。世界各国
からアーティストを迎え、日本人アーティストを7 つの海外提携機関に派遣しています。
A range of residence programs are offered for creators varying in age, nationality and artistic
genre. Artists from around the world are welcomed for residencies in Japan and Japanesecreators are sent to seven affiliated overseas arts/culture organizations.

TOKASレジデンス成果発表展 2018 TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition

行為の編纂 Compiling behaviors, digesting actions

OPEN SITE 2018-2019
ジャンルを問わず、新しい表現を創造し、社会へと開いていく意欲的な企画を公募するプログラム。
2018年度は審査で選出された9企画、TOKASによる推奨企画、教育普及プログラムを実施しました。
This open-call program aims to provide a platform to encourage ambitious projects for thecreation of new forms of expression regardless of genre that is open to the society at large. In
2018, nine projects were selected by jury, as well as a TOKAS recommendation program andeducational program were carried out.

TOKAS Project Vol. 1 Institute of Asian Performance Art: Tokyo日 / 中 / 韓 パフォーマンスとメディア 70ʼs - 90ʼs

TOKASレジデンシーや海外の提携機関で滞在制作を行った国内外のクリエーターによる成果発

アートや社会など、さまざまなトピックを多文化的な視点で思考するプログラム。2017 年度のレ

表の展覧会。2017 年にプログラムに参加した11組のアーティストが作品を発表しました。

ジデンス参加者とともに東アジアにおけるメディア・アートについて考察した展覧会を行いました。

This is an exhibition for Japanese and international creators to show the results of work done inresidence at TOKAS Residency or overseas. Eleven artist individuals or groups who participatedin the 2017 residency programs showed their work.

This program seeks to explore a variety of issues in the arts and society and other fields frommulti-cultural perspectives. An exhibition was held to explore questions related to Asian media
art together with participants in the 2017 residence program.

89TOKAS ANNUAL REPORT 2018

PART 1ARTIST INTERVIEWS
アーティスト・インタビュー

西村 有

NISHIMURA Yu

コンタクトゴンゾ やんツー
contact Gonzo yang02

曽谷朝絵

SOYA Asae

2018 年度のプログラムに参加したクリエーターの中から、継続的な活動の支援、国際文化交流、実験的な創造という3 つのミッションに基づき、4 組のアーティストのインタビューを行いました。創作のスタイ
ルが異なる4 組に、現在のアーティスト活動に至る経緯をはじめ、創作の背景、そしてトーキョーアーツア
ンドスペース（ TOKAS ）や前身のトーキョーワンダーサイト（ TWS ）でのプログラムを通じて得られた経験についてお話しいただきました。

From among the participants in 2018 TOKAS programs, four creators/groups selected for the three
missions of ongoing support for creative activities, international cultural exchange and experimental
creative projects were subsequently interviewed about their work. All four, with their differing
creative styles, spoke to us about the history and background leading up to their current artistic
activities and the experiences they gained from participating in Tokyo Arts and Space (TOKAS)
programs and those the former Tokyo Wonder Site (TWS) programs.

アトリエの内と外、それぞれで紡いだ「絵画の奥行き」
一見すると親しみやすい人物や風景を繊細なタッチで描き、見る者を多様な絵画的リアリティへ誘う作品で注目される西村有。身近で具象的な主題から出発しつつ、折り重なる複数の時間や意識を感じさせる彼の創作は、美術館での若手作家向けの個展や多くのグループ展など発表の場を広げている。その実践をめぐる内的な経緯と、転機や支えになったものを聞いた。

「ひとりで打ち込めるもの」としての絵画から、作家として外界へ
父が画家で、小さなころから絵は身近でしたが、自分で真剣に描き始めたのは美大進学を決めてからです。高校までは陸上の長距離走をしていました。個人競技的なものが自分には合う気がして、当初は「絵描きになるぞ」というより、自分ひとりで打ち込めて、それが成立する
ものに取り組みたいと思っての選択でした。
美大での 4 年間は、大学にいる間にこそ学べることをしようと、モデルさんに来てもらって描くことや、写実的な描写など、アカデミックに制作していたように思います。ただ、卒業後にそれまで描いてきたものを見直したとき、人に見せるために描いた作品ではないと感じました。
作家としてやっていくなら、見たものの再現に留まらない何かが必要だと思った。そこから試行錯誤し、やがて特定の対象や静止した対象ではなく、動きのあるものや、変化の中にあるものを描くことに取り組むようになりました。
卒業してから数年は、まず 1 点 1 点、自分の絵をまったく知らない人たちに見てもらうことを考え、年に 3、4 件、主に展示のチャンスもあるコンクールへの応募を続けました。そのひとつが若手作家を対象にした「トーキョーワンダーウォール」です（ 2000 年に東京都主催で開始、後に TOKAS の前身、トーキョーワンダーサイト主催で 2016 年まで実施）。自分の絵が入選作
品として、東京都現代美術館で展示されました。

ARTIST
INTERVIEWS 01
西村 有

NISHIMURA Yu

風景が折り重なり、つながる展覧会空間
自分にとってさらに良かったなと思うのは、トーキョーワンダーウォールの入選者が応募できる個展プログラム「TWS-Emerging」に、審査の結果選出されたことです。ちなみに僕の初個展は、やはり公募展を機に実現したものでした（「はるひ絵画トリエンナーレ アーティス
トシリーズ Vol. 65 西村有展」、清須市はるひ美術館、愛知県、2010 ）。続く2 回目の個展が、2013 年の TWS-Emergingにおける「運ばれる景色」となります。
会場は、古い建物をリノベーションしたトーキョーワンダーサイト本郷（現・TOKAS 本郷）。
当時は、とにかく展示できる絵を描くことに一所懸命で、複数作品の展示の仕方までは十分に頭が回らないところもありました。ただ、この空間でどう展示するかを試行錯誤した結果、見ていただいた方から「絵画群が時系列につながって見えてくる」などの評価をいただいたのは、自分にとっても印象的でした。

13

INTERVIEW: NISHIMURA Yu

人間の意識もふだんから、ほうぼうへ跳び、移ろっていると思うのです。例えば玄関を開け

複数の時間軸がたなびく中でて最初に見る景色から、電車に乗って流れている景色へ、といったふうに。自分の個々の絵の中にもそれに近い流れがあると考えていて、展示においては作品同士の間にもそれがあると思2019 年 2 月には、かつての TWS-Emerging での個展と同じ場所、TOKAS 本郷でのグルーいます。ですから、見る人を誘導こそしませんが、そうした流れを作っていくことは意識して

プ展「ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1『霞はじめてたなびく』」に参加します（こいます。

の取材は同展開催直前に行われた）。TOKAS 関連のプログラムに参加経験のあるアーティス

振り返るとこの時期は、展覧会で作品をさまざまな人に見てもらうことや、その際に試行錯誤したことが次の活動につながっていく、そうした実感を得られた最初の時期でした。そして、
それは今の自分にもつながっています。

トを軸にした新たな企画展シリーズです。かなり作風の異なる3 人展ですが、共通点を感じる部分もあります。
例えば今回、季節の移ろいをひとつの主題にした美術展ということから言えば、僕は作家というのは世の中の流れとは別の時間軸を持っている気がしています。同じ風景を見ても全然描きながら、絵画的リアリティの「出現」を待つ

違うことを感じていると思うし、でもそれは作品をとおしてしか伝えられない。だからその制作行為が、作家の中にあるものを刻印していくのだと思います。今回は 3 人それぞれの時間が

僕の絵は物語を連想させると言われることがありますが、自分ではその言葉はあまり使っていません。ただ、人物も風景も、特定の対象の描写で生まれるリアリティだけでは、自分の世界作品としてどのように組み合わさっていくのかが楽しみです。自分はいつもどおり、とにかくやれることをやって良い展覧会にしたいです。

の範疇を超えない気がしていて、それとは少し違うことを考えています。描くものはどれも、視描くことは変わらずひとりでやっているし、今後はより大きな作品でじっくり一枚の絵に向覚に限らずに自分が経験したものから来ているとは思いますが、自分にとってのリアリティとは、

き合いたい思いもあります。しかし活動の中で、TOKAS のように芸術や芸術家を支援する組

描いていく中で「現れる」ようなものです。こう描きたいというものと、画面の中にあるものを織やギャラリー、美術館との関わりも生まれました。そうした人たちとの展覧会をはじめとす比べたとき、明確な意味付けや定義ができない形や色が出現することがあります。でも、それる共同作業は、皆でワイワイ考えたり、手を動かしたりする時間もとても楽しいものです。

は絵画空間の中では十分に位置付けられ、存在している。そういう部分が何ヶ所かあれば、自分の絵は成立するのかなと考えています。

一方、完成した作品はある意味、少し突き放した感じでそうした人々に扱ってもらっている感覚もあります。こういう言葉で良いのかどうかわかりませんが、そのことで作家としての営だから、例えば人や動物、車や風景のような具体的なものがモチーフでも、描きながら何かのみは、とてもやりやすくなってきました。例えば、自分の作品や活動を紹介するのはギャラリー

出現を待っている感覚です。何点かを並行して進めることもよくあり、そういうときは、隣にあや展覧会関係者の方々が努力してくださっていて、だからこそ、僕は描くことに集中できている。

る進行中の絵を見ているとイメージが湧くこともあります。突き詰めれば自分の絵画への取り

それは今の自分にとって周囲のサポートがすごく大きいということであり、同時に、やはり絵を組みには、具体的なものの形など要らないのかもしれません。そのアクションのきっかけとして、描くことが自分の仕事だろう、ということです。

自分のよく知る対象から始めて、目指すところへたどり着こうとしているとも言えそうです。

（ 2019 年 1 月17日、神奈川県横須賀市内・西村氏アトリエにてインタビュー）

同世代の作家たちから受けとるもの
そうした試行錯誤も基本的にひとりで行うものですが、活動を続ける中では、人との出会いもあります。TWS-Emerging では、同時期に同じ建物の中で、僕以外にも3 名の作家さんが個展をしていました。大学を卒業後、展覧会を通じて他の作家さんとつながりを持てる機会がほぼ初めてだったこともあり、とても刺激になりました。絵画や立体など、扱うメディアもアプロー
チもさまざまで、皆さん既にしっかりした考えを持っていたのが印象に残っています。
また、この個展の後には、美大の同窓生の福永大介くんからの誘いで、大野智史さんのオー
プンスタジオ（2014）で、一緒に作品を展示させてもらう機会がありました。作家としてのスター
トが遅かった自分に比べ、早くから活躍していた彼らは尊敬できる存在です。大学時代の知人で今も描き続けている人はやはり少なく、それぞれ事情もあると思う。それだけに、同世代のアー
ティストの存在は、励みにもなっています。そしてこの展示は、それまで縁のなかったギャラリー
や美術館の人たちにも作品を見てもらえる良い機会になりました。

INTERVIEW: NISHIMURA Yu

14

左：「TWS-Emerging『運ばれる景色』」（ TWS 本郷、2013 ）展示風景 右：《通りすがりの風景》2013
left: Installation view at “TWS-Emerging ʻThe Scenery Carriedʼ,” TWS Hongo, 2013 right: Scenery on the way, 201315

INTERVIEW: NISHIMURA Yu

Depth in Painting – Woven In and Outside the Studio
Nishimura Yu is noted for his paintings of seemingly familiar figures and landscapes painted
with a delicate touch in works that draw the viewer into many-faceted worlds of pictorial
realities. His working method may begin from subjects of things around him and thenadds layers of time and things he perceives in the process. His work is now seen in solo
exhibitions for young artists and group shows at museums. We asked him about the internal
processes of his method and the turning points and inspirational support in his career.

From Painting as a Solitary Pursuit to a Creator who Looks Outward
My father is a painter, so paintings were a part of my childhood. But I didnʼt start painting
seriously until I decided to go to an art university. Until high school, I had been a longdistance runner. I felt that solitary endeavors suited my nature, and when I decided to study
painting, it was more from that desire to pursue something I could on my own than any real
determination to become a painter.
At art university I decided to take a serious academic approach to learning the art ofpainting, working from a model or learning to paint with figurative realism. However, after
graduation I felt that they were not paintings that I intended to show to others. A period ofsearching led me beyond painting things in a static state. Instead I attempted to painting
things in motion or a state of transition.
A few years after graduation, I decided to begin showing my works publicly, primarily inopen call competitions three or four times a year. One was the Tokyo Wonder Wall (TWW)
competition.
Layered Landscapes Interconnect in the Exhibition Space
Fortunately, I was subsequently chosen to participate in the “TWS-Emerging” program for
TWW artists. My first solo exhibition was an open-call show (“Kiyosu City Haruhi Painting
Triennale Artist Series Vol. 65 – Nishimura
Yu Exhibition,” Kiyosu City Haruhi Art
Museum, Aichi, 2010). Then my second, “TheScenery Carried,” was “TWS-Emerging”
in 2013.
It was hung in an old building renovatedas Tokyo Wonder Site Hongo (currently
Tokyo Arts and Space Hongo). Then, I wasjust trying my best to create paintings
that I could show. I wasnʼt yet thinking
sufficiently about how I should plan a solo
exhibition. But, comments from viewers《Scenery passing (out of town) 》2018

like, “There seems to be a time sequence

Scenery passing (out of town), 2018

to the group of paintings,” started me

INTERVIEW: NISHIMURA Yu

16

Courtesy of KAYOKOYUKI

17

INTERVIEW: NISHIMURA Yu

thinking.

For example, with the exhibition theme of the progression of the seasons, I feel that an artist

I think itʼs normal for peopleʼs thoughts to jump from one thing to another, like the shift fromhas a different time base than the normal flow of the world. When they look at the samethe first scene you see when you open your front door to the scenery passing by on the train.

landscape, each will feel different things, and that is communicated through their works. Their

I believe there is a similar flow of consciousness within the individual paintings and between.

working process must imprint something in them over time. Iʼm looking forward to how ourI feel that was the first time I thought about the significance of having other people see myworks, with our different time bases, will fit together.

works, and that what I was learning began to influence my later work.

Painting continues to be a solitary pursuit, and now I want to do larger paintings and spend
a lot of time working on them. But, I have also been fortunate to become involved with

Waiting for the Emergence of Pictorial Reality as I Paint

organizations like TOKAS, galleries and museums that support art and the artists. The time I
have spent with these people thinking and working together on exhibitions and collaborative

I am sometimes told that my paintings bring associations with stories, but that is not usually

projects has been great.

the wording I use. I feel that the reality born of depicting a given person or landscape is not

There is some measure of detachment in turning over my finished paintings to theseenough to transcend the bounds of my world. Anything I paint comes from not only thepeople. I must say, it has made my work as an artist easier. The gallery people and exhibition

visual aspect but also from things I experience. In that sense, reality for me is somethingorganizers make considerable efforts to introduce my works and activities, which allows methat reveals itself in the process of painting. When I compare how I want to paint and what is

to concentrate more on my painting. That is important to me at this point in my career. Also,

actually there on the canvas, there will sometimes appear forms and colors that I canʼt giveit gives me more assurance of the fact that painting is my true vocation.

clear meaning or definition to, even though they have a significant presence in the pictorial(This interview was conducted at Nishimuraʼs studio in Yokosuka, Kanagawa on Jan.17, 2019.)

space. I think such elements can have validity in my paintings, even if I canʼt explain them.
Even if I have specific motifs, like people or animals, cars or landscapes, I feel I am waiting
for something to appear. Often when I look at the painting in progress next to the one I am
working on, a new image may come to mind. Maybe I donʼt even need specific forms to deal
with in my paintings. Maybe the impetus for the act of painting begins from things that I know
well and that are striving to reach a new destination.
Things I Have Gained from Artists of My Generation
This search may be a path that I pursue alone, but there are also encounters along the way.
In “TWS-Emerging,” there were three other artists in the same building working on solo
exhibitions concurrently with me. As this was basically my first opportunity to connect withother artists since graduating from art university, it was very stimulating for me. Though they
were working in different media and with different approaches, I was impressed that they
already had solid philosophies behind their work.
After my solo exhibition, I had the opportunity to show my work together with Ohno
Satoshi at his Open Studio ( 2014 ) thanks to a friend from art university, Fukunaga Daisuke.
I came to respect them for having started artistic activities earlier than myself. Due tocircumstances, few that I knew from art university were still painting. Their presence as artists
was encouraging for me. And our exhibit became an opportunity to have my works seen bygallery and museum people I had no relationship with before.
Within the Flow of Different Time Bases
In February of 2019, I will show my work in the Artists Contemporary TOKAS (ACT) Vol. 1 “First
Lingering Mist of Spring” exhibition at the same TOKAS Hongo space as my “TWS-Emerging”
exhibition. This new exhibition series is for artists who have participated in the TOKAS
programs. There will be three artists who work in quite different styles, but we also havethings in common.

INTERVIEW: NISHIMURA Yu

18にしむら・ゆうNISHIMURA Yu

1982 年神奈川県生まれ。神奈川県を拠点に活動。2004
年多摩美術大学美術学部絵画学科油画専攻卒業。TOKAS
参加プログラムに「ACT Vol. 1『霞はじめてたなびく』」（TOKAS 本郷、2019）、「TWS-Emerging『運ばれる景色』」（TWS本郷、2013）、「トーキョーワンダーウォール2012」（東京都現代美術館）。

Born in Kanagawa in 1982. Lives and works in Kanagawa.
Graduated with a BFA in Painting from Tama Art University
in 2004. Participated in TOKAS Programs: “ACT Vol. 1 ʻFirst
Lingering Mist of Springʼ,” TOKAS Hongo, 2019, “TWSEmerging ʻThe Scenery Carriedʼ,” TWS Hongo, 2013, “Tokyo
Wonder Wall 2012,” Museum of Coctemporary Art Tokyo.

PROGRAM

P.50

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INTERVIEW: NISHIMURA Yu

身体と機械・プログラムの接触でさぐる、世界のかたち
殴り合い、ぶつかり合いの中から生まれる即興をベースに、痛みと驚きをもたらす身体表現を繰り広げるアーティストコレクティヴ、コンタクトゴンゾ（塚原悠也、三ヶ尻敬悟、松見拓也、
NAZE ）。デジタルメディアを軸にした自律的な装置作品などで、表現や認識の本質に迫るやARTIST
INTERVIEWS 02
コンタクトゴンゾ
contact Gonzo

やんツー

yang02んツー。TOKAS の企画公募プログラム「OPEN SITE 2018 – 2019」における推奨企画（招聘企画）で協働した2 組が、実験的な創造活動の切り拓きかたを語る。

肉体のぶつかり合いと、そこに介入する機械の競演
塚原：今回「OPEN SITE 2018 – 2019」の推奨企画で声をかけてもらった際、「誰かと協働してみないか」と提案され、やんツー君を誘いました。出会ったのは2013年、山口情報芸術センター（ YCAM ）でのプロジェクト用に、特殊な自動撮影カメラを作ってくれたのがきっかけ。以降、会うたびに面白い新テクノロジーを教えてくれて、たびたび協働もしてくれる関係です。
やんツー： 今回はゴンゾの皆さんが、僕の用意したセグウェイ（電動立ち乗り二輪車）と一緒にパフォーマンスしてくれました。この無人セグウェイは、自身やパフォーマーの位置をある程度把握しながら自律的に動き回ります。また、搭載カメラによる外界の映像を静止画として解釈し、「スノーボーダーが跳んでいます」のような状況説明を発話します。これはディープラー
ニング（深層学習）の AIプログラムを活用したものです。もうひとつ、さまざまな日常品が並
ぶミニテーブルを背負ったラジコンカーも、やはり同じ空間で自律的に動き回ります。
三ヶ尻：一緒にやっていると、だんだん親近感が湧いてくる感じがありました。ヘンに人間に似せた形にするよりも、こうした外見の方がいろいろ考えさせられるな、とも思った。
松見：パフォーマンス冒頭はセグウェイとラジコンカーだけのやりとりで、これも新鮮でした。
後に僕らが入っていくと、意外と攻撃的な動きや、「あ、今よけた ?」と思わせる動きもあって。
実際は偶然でも、人間はどんどん解釈するというか。最後に観客全員に隣の人と木の枝でつながる動きをしてもらった際も、セグウェイは後ろで体を揺らしていたのが印象的です。
NAZE：自分の好きなビデオゲームに出てくるロボットの姿とも重なり、一緒にやってる感がすごくありました。接触して倒れたところを三ヶ尻さんが起こしたら、シャンとしたり。近づいたり離れたり、はまさにゴンゾ的だし、自分はいつもその中で「すごく考えつつ、何も考えない」
感じで動いています。だからセグウェイがレギュラーメンバーのような気さえしました。
定義付けされることから逃げ続けたい
塚原：僕らは、定義付けられることから逃げ続ける「遊び」を 10 年以上やっている感覚。その点でも、今回の組み合わせはぴったりという気がしました。というのは、「実況」と言ってもAIは結構間違えてくれるからです。なぜか「テニスプレイヤーが跳びました」とか言われたり、一方で「そうか、俺はテニスプレイヤーか」とこちら側の考えが撹乱されたりもする。

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INTERVIEW: contact Gonzo

yang02

同時に「人のモノ化」も僕がゴンゾを始めたころから意識していたことで、そこも改めて考すが、その後につながる経験や人脈もできた滞在でした。3ヶ月というのは海外レジデンスのえさせられました。ダンスの世界では意味や物語的なものがまずあり、身体はそれを表象する

初心者にはおすすめです。僕はそれで感じをつかみ、以降、より長期の滞在助成も経験しました。

という前提が強いように思います。そうではなく、例えばモノが地面に落ちるのと、僕らの体

三ヶ尻：僕らは全員揃って助成を受けてのレジデンスというのはほとんどないのですが、劇場が落ちるのをできるだけ同等に捉えたい。そんな考えがゴンゾを始めた根底にあったんです。

などに招かれて滞在制作と発表をすることはあります。また、公募プロジェクトでいうと、最

今回やんツー君が持ち込んでくれたものが、そこをより明確にしてくれた気もします。

初に大阪府の「吉原治良賞記念アート・プロジェクト2008」で大賞をいただいたのはひとつ

やんツー：僕としては仕込むプログラムもいつもと違ってくるし、皆さんと話す中で組み込んの契機でした。戦略というより、もしここで自分たちが選ばれたら面白いなと思って。

だ機能もあり、もう得るものしかなかった。ゴンゾは一緒にやるたびにアップデートされていて、

塚原：もともとゴンゾはダンサーの垣尾優と僕とが、公園でコンタクト・インプロビゼーション（重原点のコンセプトから多様な展開をしていると感じます。初期はよく屋外でやっていましたよね。

力を意識しつつ身体的接触を続ける即興パフォーマンス）のようなものを試してみたのが始ま

僕がゴンゾを知ったのはそうしたパフォーマンスの YouTube 映像。自分がグラフィティの研りです。ただ当初、これをコンテンポラリー・ダンスの文脈でやるのはどうなのだろうという究もしていたので、新しいストリートの表現なのかなという点でも気になったんです。

気持ちもあった。ダンスの世界はフレームが強くて、そこを解体したい人はあまりいないよう

三ヶ尻：僕らは基本「こういう場でやりたい」というのもない。屋外でも劇場でもやるし、満員に感じたから。一方、吉原賞プロジェクトは領域としては現代美術で、より開けた対話ができのクラブでお客さんの体を押してスペースを作りながらパフォーマンスしたこともあります。

るかもと思いました。結果、実際にそうしたことが起きたので、良かったと思います。

いつも、決まったらそこの場所でやれることを考える。そういうやり方ですね。

ニューヨーク近代美術館（ MoMA ）でのパフォーマンス（ 2013 ）も、意外な流れから実現しました。森美術館の「六本木クロッシング 2010」参加がきっかけで MoMA のキュレーターとジャンルも枠組も超えていくコラボレーション

知り合ったのですが、その後、僕らがブラジルツアーの飛行機移動でアメリカを経由することになって。そこで彼に「ニューヨークに寄るから、パフォーマンスができそうなギャラリーなど

塚原：これまでも音楽家や写真家などと協働してきて、どちらかというとパフォーマンス表現を紹介してもらえますか」と連絡したら「うちでやる ?」となった。ちょうど同館がパフォーマとは違うエリアに足場があり、そこから一緒に動けるような相手が多い。その方が学ぶこともンス・アートの歴史を扱う展覧会中だったことなど、タイミングの良さも重なったようです。

大きいように思います。やんツー君も、作り方、考え方、全てが新鮮。だから、そちらの世界で

やんツー：例えば広い美術シーンや、自分の将来を大局的に見通して戦略的に動ける人は、すは何が起きているのか教わりつつ、どういう「接触」ができるかという挑戦です。そこで偶然ごいなとも思う。ただ、今のところ自分はまず「作ること」が先にある感じです。新しい作品が起きたことも、持ち帰ることでアイデアが強くなり、かつ広がる。それが気持ちいいです。

できるたび、文化庁のメディア芸術祭に応募するなどして、発表の機会を得てきました。

三ヶ尻：僕はやんツー君とは、お互いグラフィティ好きというのが最初の共通点としてあった。

塚原：戦略ということでは、僕はすぐ巨大すぎる話をします（笑）
。ゴンゾを始めてすぐ、彼の作品はデジタルを起点にする一方で、アナログっぽいところもあるのが面白いと思う。

NASA やダライ・ラマ事務所など、いろんなところにメールしました。
「僕らはこういうことを

塚原：現実の力学や身体的なものが入ってくる。自律生成型のドローイングマシーンもそうで、しています。ご一緒できることがあれば」みたいな内容。NASA から返事はないけれど、宇宙

二重振り子の動きを使って装置が壁に絵を描いていく。プログラムで全制御するだけじゃなくて、飛行士の訓練プログラムにゴンゾは貢献できると、今も本気で思っています。本気だけど、ちょっときにそこを放棄して、物理学に委ねるような試みも窺えるのが共感できます。

とファンタジーな目標を持つ。自分に対して、そういうドライブの仕方をしています。

やんツー：僕も以前は、自分の体を使ってパフォーマティブな要素のある表現をしていたんで（ 2019 年 1 月19日、TOKAS 本郷にてインタビュー）

す。GPSを積んだ自転車で街を走り、その軌跡でフォントを作る作品などをやっていて。その後、
形としては表現から人間を排除する方向に行くのですが、だからこそゴンゾには親近感も感じるし、一方で、やっていることの対比が際立つ点でも相性がいいのかなと感じます。
明日の実験的表現を切り拓くために
やんツー：僕は TOKASとの関連では、2011 年にこの同じ建物（ TOKAS 本郷）で展覧会をした思い出があります。前年にトーキョーワンダーサイト（ TOKAS の前身）のレジデンス・プロ
グラムでバルセロナに 3ヶ月滞在し、その成果発表展でした。当時バルセロナはデジタルファ
ブリケーションによるもの作りが進んでいて、一方ではストリートアートも盛ん。ユニークな表現者たちとも知り合えました。作家として一度とにかく海外に出たい気持ちで応募したのでINTERVIEW: contact Gonzo

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左：コンタクトゴンゾ「Performing Histories: Live Artworks Examining the Past」（ MoMA、2013）パフォーマンス風景
右：やんツー《「落書き」のための装置》2011「TWSレジデンス成果展『トーキョー・ストーリー 2010』」（ TWS 本郷）展示風景
left: contact Gonzo Performance at “Performing Histories: Live Artworks Examining the Past,” MoMA, New York, 2013. Photo: Choy KAFAI
right: yang02 A Device for “Graffiti,” 2011 at “CiR Exhibition ʻTokyo Story 2010ʼ,” TWS Hongo, 2011.

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INTERVIEW: contact Gonzo

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A World Explored by Contact Between Bodies and Machines and Programs
The artist collective contact Gonzo (Tsukahara Yuya, Mikajiri Keigo, Matsumi Takuya
and NAZE) do improvisational performance inspired by the pain and astonishment bornof their contact style that involves hitting each other and collisions. The artist yang02
works in digital media to create self-directed works using autonomous devices to explore
fundamental questions of autonomy of expression and awareness. The artists talked about
the experimental work they collaborated to create as a Recommendation Program for the
TOKAS program OPEN SITE 2018-2019.

Colliding Bodies and the Accompanying Devices They Orchestrate
Tsukahara: When asked to participate in OPEN SITE 2018-2019 with some collaborator, we invited
yang02. We first met in 2013 when he created special cameras for our project at the YCAM. After
that, he introduced us to fascinating new technologies each time we met or worked together.
yang02: This time, the Gonzo members performed with the Segway I outfitted to recognize
the presence of people and move in response to their presence. It also had a “deep learning”
AI program to interpret its surroundings as still images and make statements like, “Asnowboarder flew by.” I also set a mini-table filled daily commodities on a remote control
model car and had it move around autonomously.
Mikajiri: Performing with these devices, I began to feel an affinity toward them. It made me
realize that, rather than trying to make them look semi-human in form, showing them as they
are provoked more thought.
Matsumi: The performance began with just the Segway and the remote controlled car
responding to each other, which was interesting. Then, after we came on it began to makeunexpectedly violent movements and near collisions, with a natural process of mutual recognition
at work. At the end, when we had the audience move around connected to each other by sticks,
I was impressed at how the Segway stayed behind moving with a swaying motion.
NAZE: I was reminded of a robot in a favorite video game as we performed with the Segway,
and when a collision knocked it over and Mikajiri stood it back up, it stood straight andthen began approaching and retreating in a Gonzo-like way, as if thinking and then moving
thoughtlessly, like I do. It felt a regular Gonzo member.
Working to Defy Definition
Tsukahara: For ten years we have been trying to avoid letting our style be defined andkeeping the playful element alive. I think this collaboration was a perfect example of that.
Because the AI element makes a lot of mistakes in reading the actual situations. The systemonce said, “A tennis player jumped.” Is that what I was mistaken for?
Ever since I started contact Gonzo, I have been aware of people as objects, and thisreminded me of that. Dance involves questions of meaning and narrative, and people tend tosee physicality in terms of that precept. Rather, I want to treat an object falling to the groundand our bodies hitting the ground as equal values. That was part of the original contact

INTERVIEW: contact Gonzo

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INTERVIEW: contact Gonzo

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左から：NAZE、塚原悠也、松見拓也、
やんツー、
三ヶ尻敬悟
L to R: NAZE, TSUKAHARA Yuya, MATSUMI Takuya, yang02, and MIKAJIRI Keigo

INTERVIEW: contact Gonzo

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INTERVIEW: contact Gonzo

yang02Gonzo concept. I think the mechanical devices yang02 made that aspect even clearer.

MoMA through participation in the Exhibition at Mori Art Museum. Later, we were to makeyang02: The programs for my devices were different this time, and I added new functions

a stopover in New York on our way to Brazil, so I wrote to the curator asking if he could

after talks with contact Gonzo. Every time I work with Gonzo they have updated theirintroduce us to a gallery to perform in there, and the reply was, “Why not do it at MoMA?”

concepts and added more diverse concepts. Early on, a lot of their performances were

yang02: Iʼm impressed by people who take a strategic approach to the arts scene at large

outdoors. I first saw them on YouTube. I was also studying graffiti, so their work struck me as

and their position in it. But I feel my top priority now is on creating works. When I finish aa potentially new form of street expression.

new work I do things like applying to Japan Media Arts Festival to get chance to display it.

Mikajiri: Basically, we have no concept of where we want to perform. We have performed

Tsukahara: When it comes to strategic approaches, I tend to start out too ambitiously!

outdoors, in theaters and even in crowded clubs where we push the audience out of the way

When we first started activities as contact Gonzo, I sent emails to places like NASA and The

to perform. We figure out how we will use a space after we see it.

Office of His Holiness the Dalai Lama. NASA never answered, but I still believe Gonzo could
somehow contribute to their astronaut training program. That shows the kind of drive I have.

Collaboration that Transcends Genre and Framework(This interview was conducted at TOKAS Hongo on Jan.19, 2019.)

Tsukahara: We have often worked with people like musicians and photographers who are
not into performance, and we get them to move with us. With yang02, everything about his
working method and thinking is fresh and new to us. We learn about new worlds by working
with people like him, and that “contact” becomes the challenge for us. These discoveries
become the source of stronger new ideas. That is a joy.
Mikajiri: I like graffiti too, so yang02 and I have that in common. Itʼs interesting that his work
is based in digital media but also has an analog aspect.
Tsukahara: He creates a mix of mechanical and physical movement. His autonomous drawing
machine is a good example, using a double pendulum device to paint drawings graffiti on
walls. The motion is not controlled completely by the program. It also permits intervals of
deviation. I like how it leaves some things up to the laws of physics.
yang02: I too used to include “performative” elements in my works by using my body. I did
works that used GPS to trace the movement of a bicycle through the streets to make fonts, forexample. After that I tried to eliminate the human presence from my work, and that is anotherreason I like Gonzo performance. And I like the appeal that comes from our seemingly opposite
approaches.
Pioneering Tomorrowʼs Forms of Expression「OPEN SITE 2018-2019『untitled session』」（TOKAS本郷、
2019）
パフォーマンス風景
Performance at “OPEN SITE 2018-2019 ʻuntitled sessionʼ,” TOKAS Hongo, 2019.

yang02: My relationship with TOKAS goes back to the exhibition I did here at TOKAS Hongo
in 2011 . It was to show the results of a 3 -month Tokyo Wonder Site program residency I did
in Barcelona the year before. Barcelona was a leader in digital fabrication, and it also had avibrant street art scene. It also led to new connections for my future development. Those
three months also prepared me for longer residencies afterwards.
Mikajiri: Seldom are there residency chances for us all, but we work in residence whenコンタクトゴンゾ

contact Gonzo

2006年に垣尾優と塚原悠也で結成、変遷を経て現メンバーとなる。肉体の衝突を起点とする即興的パフォーマンスや、映像、写真作品で知られる。TOKAS の参加プログラムにFounded in 2006 by Kakio Masaru and Tsukahara Yuya, after
which several changes have brought the unit to its present
members. They are known for improvisational performance
deriving from collisions between their bodies, and for video
and photographic works. Participated in TOKAS Program:“OPEN SITE 2018 - 2019 TOKAS Recommendation Program
contact Gonzo ʻuntitled sessionʼ,” TOKAS Hongo, 2019.

「OPEN SITE 2018 - 2019 TOKAS 推奨企画 コンタクトゴ
ンゾ『untitled session』」（ TOKAS 本郷、2019 ）。

commissioned by theaters, etc. Our first grand prize in an open-call project was Yoshihara
Jiro Memorial Art Project 2008 in Osaka, which was very interesting for us.
Tsukahara: Gonzo started from me and Kakio Masaru doing “contact improvisation” (physicalcontact with a focus on the effects of gravity) in parks. But I was uneasy about doing it in
the context of contemporary dance. The dance world was built on established genres thatfew wanted to break down. The Yoshihara project was done in the context of contemporaryart, so it offered an opportunity for a broader discourse, which brought good results.
Our performance at MoMA in 2013 came after we made the acquaintance of a curator of

INTERVIEW: contact Gonzo

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やんツー

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1984年神奈川県生まれ。2009年多摩美術大学大学院デザイン専攻情報デザイン研究領域修了。デジタルメディアなどを介して表現の主体性を問う。TOKASの参加プログラムに「OPEN SITE 2018-2019 TOKAS推奨企画 コンタクトゴン
ゾ『untitled session』」（ TOKAS 本郷、2019 ）、「平成 22年
度二国間交流事業プログラム〈バルセロナ〉」（ 2010 ）など。

Born in Kanagawa in 1984. Graduated with an MA in Information
design from Tama Art University in 2009. Using digital
media, etc., his work explores the questions of autonomy inexpression. Participated in TOKAS Programs: “OPEN SITE
2018 -2019 TOKAS Recommendation Program contact Gonzo
ʻuntitled sessionʼ,” TOKAS Hongo, 2019, “Tokyo-Barcelona
Exchange Residency Program 2010,” and more.

PROGRAM

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INTERVIEW: contact Gonzo

yang02

海外制作で、アーティストが現地と「交換」できるもの
光と色彩、そして視覚を超えたリズムや身体感覚を想起させる表現で知られる曽谷朝絵は、絵画、映像、インスタレーション表現を横断して活動を続けている。TOKAS の2018 年度二国間交流事業プログラムでは、スイスのバーゼルに滞在。作家のための居住・制作・展示施設「アトリエ・モンディアル」で人々と交流しながら、バーゼルの光にインスパイアされた制作と個展を実現した。滞在を通じて現地とexchange（交換）したものについて聞く。

光と色彩を追い求める旅
TOKAS の 2018 年度二国間交流事業プログラムに応募し、スイスのバーゼルに 3ヶ月滞在しました。滞在先のアトリエ・モンディアルは、アーティストのためのスタジオ兼住居と展示空間を備えた施設。常にスイス国内外の作家たちがレジデンスし、制作・交流しています。
バーゼルへの派遣には、「光採集」というテーマで応募しました。小さな頃から光に強い興味があり、また 6 歳くらいで色彩を使った絵本を自作するなど、色にも強い関心がありました。
後に進んだ芸術大学でも、例えば課題で「30 cm 角の箱で何か作りなさい」と言われると、紅葉が美しい当時の構内で黒ビロードを貼った箱を地面に埋め、小さな闇を作ることで周囲の光を浮かび上がらせるなどしていました。光の存在そのものや、そこに身体がどう関わるか、また光をとおして浮かび上がる法則性のようなものに、私は興味があります。また私にとって色やその組み合わせは、音のように捉えられるという共感覚的なところもあります。
スイス、バーゼルの街でみつけた新しい光
初春に訪れたバーゼルの光はカラッとしていて、ものの輪郭がくっきりしてくるような透明感がありました。街の色はシックにまとめられている印象もあり、東京のように派手な色の看板などはほとんど見当たりません。街を歩くと、通りでときどき鮮やかな花々や、水の風景と出会います。水が豊かで、建物の脇に自然な佇まいで水盤が置いてあるのも印象的でした。
アトリエ・モンディアルでは、私のような比較的短期の滞在者から、長期に渡って利用してARTIST
INTERVIEWS 03
曽谷朝絵
SOYA Asaeいる人まで、また世代や国籍もさまざまなアーティストたちがいました。共用の大きなキッチ
ンと食堂をきっかけに、たくさんの良い出会いがありました。隣にはギャラリーもあり、展示作
家も食堂を利用します。あるドイツ人アーティストは個展の直前まで設営に苦労していました
が、夕食時には蝋燭まで立てて食卓をセッティングし、トラブル時にもユーモアを忘れないなど、各国のアーティストの姿にも学ぶものが多くありました。美術関係者が訪れることや、近隣に住む地域の人々を招待制で施設に迎え、アーティストが作った料理を囲んで交流するランチ・イベントなどもあり、私も一度ホストとして牛丼を作るなどしました。
バーゼルにはヘルツォーク＆ド・ムーロンの建築設計事務所もあり、彼らの設計したアーティ
ストのアトリエ、美術大学、集合住宅などが一種の文化コロニーを形成する中で、アトリエ・モンディ

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INTERVIEW: SOYA Asae

アルもその一翼を担っています。かつて誰も近寄らなかったという工場跡地が今や大人気で、ものと自分の表現との結び付きに気づくこともあります。作品化する際のスケールの大きさに見学や入居希望者が殺到していました。アーティストがいることで地域の魅力が増す現象はニューついて考えさせられたり、一方で、小さなものの集まりでもスケールは生まれると気づいたり。

ヨークのチェルシーなどが有名ですが、ここでもそれが仕掛けられていました。職業や世代をそうした経験を通じて、自分がより柔軟であれたらと思うようにもなりました。

超えたコミュニティも生まれつつあり、私もさまざまな方との交流で現地社会の一端を知るこ

アーティスト・イン・レジデンスは、訪ねて行く作家だけが何かを得るのではなく、迎え入れとができました。また、滞在中には世界最大級のアートフェア「アート・バーゼル」が開催される施設や地域にも得られる価値がある。このことがヨーロッパでは当たり前に認識されていました。世界中から関係者が集い、多くのフェアや展示が同時に開かれ、昼は展覧会、夜はパーティ

るからこそ、アトリエ・モンディアルは市域の再開発プロジェクトに含まれています。それがと盛り上がります。展示内容はもちろん、ふだん素朴な街が様変わりするのも興味深かったです。

exchange（交換）ということですね。私自身、以前滞在したニューヨークでも今回のバーゼル
でも、助けてもらうことや得たものが本当に多かった一方で、そこでのコミュニケーションや開かれた交流の場となった現地での個展

作品を通じて、訪ねて行った先の人々に何かしらの影響を与えた部分はあったと思います。特にバーゼルでは、「日常を人と違った視点で捉えること」や「自分で自分が何を作るか決める」

滞在終盤には個展「Broken Rainbow」を開き、この地にインスパイアされて制作した作品もことを常に意識しているアーティストの存在は、コミュニティにある種の風穴を開けることを出展しました。色とりどりに着彩した紙のカットワークを円形の台に重ねたインスタレーション

改めて感じました。日本の文化に興味を持っている人も想像以上に多いし、現地でアートに関です。5 点ほど作りましたが、例えばそのひとつはバーゼル近郊への小旅行に出かけた際、船のわる人、そうした仕事を目指している人などとも、互いに学び、刺激し合えたと感じます。

天井に反射した湖面の形から着想しました。色彩に関しては、夜明けの空、昼の空、夜の空……

現在は、TOKASレジデンス 2019 成果発表展「予兆の輪郭」への出展準備をしています（取と、5 点とも異なる時間帯の空をイメージしています。いわばこの地の光のスケッチですね。夜材は2019年4〜5月の会期前に行われた）。滞在をきっかけに生まれた表現を自分の中で整理・は稲妻が光るなど、高地のせいか予想外に変化の激しいバーゼルの空と、カットアウトという形反映しつつ、また新しい試みになりそうです。具体的には、細長い支持体に光の投影と反射が式のスピード感がマッチし、ある種の臨場感のあるものになったと思います。

作り出す色と形を描き、音楽でいうコード（和音）の様な色彩のモジュールをたくさん作って組

個展の反応は予想以上に良く、オープニングでは施設の方が「ここにこの人数を呼び込むのみ合わせ「その空間の持つ音」を空間に立ち上がらせるような展示を考えています。自分の持は簡単ではない」と言ってくれたほど、多くの方々に来てもらえたのも嬉しい結果でした。美術

つ光と色の共感覚と、色彩の仕組みを顕在化する作品です。バーゼルでも感じましたが、一般関係者に限らず開かれた場所で、色々な人が見てくれて、かつ誰もがその人ならではの意見を的には色彩表現よりモノクロの表現のほうが、知性やクールさと結び付けられやすい傾向があくれるのも印象的でした。例えば建築系の人が私の表現を物理学と結び付けた感想をくれましると思います。でも私は、色彩は深く豊かで、かつ法則性があり知的なものだと改めて感じていて、たし、私の作品とカラーセラピーの関係を尋ねてきた観客もいました（バーゼルは心理学研究

今回、少し分析的な表現を取ることでそれがより浮かび上がればと思っています。ヨーロッパ

やカウンセリングに用いられる「リュッシャー・カラーテスト」考案者の出身地でもある）。私のでの体験が、いま新しい創作のトリガーになっているのかもしれません。

表現は特定の用途を掲げるものではありませんが、そうした意見は新鮮でした。

（ 2019 年 1 月21日、神奈川県横浜市内・曽谷氏のアトリエにてインタビュー）

ちなみに展示の際は「寿司パーティ」も企画しました。これは現地で知り合った日本の方に協力してもらったものです。私が街で迷ってスーパーに入った際、その一角のお寿司売り場で仕事をしていた人です。彼女自身もアーティストだというので交流が始まり、パーティではお寿
司作りで協力してくれました。制作や設営でもアトリエのスタッフやアーティスト、そして近隣の集合住宅の友人には、本当に良く助けてもらいました。地元のバーゼル美術館の公式写真家
だという人もいて、展示や撮影で協力してくれました。
与え合い、学び合うアーティスト・イン・レジデンス
海外に滞在して制作や交流を行うことには、大きな意味があると思います。
アーティストとしても、人間としても貴重な経験になります。もちろん、短期間の滞在中に新しい作品が作れるとは限りません。でも、そこで得た新しい「ものの見方」などには、以降につながる大切なものがある。
例えば私は制作に水をたくさん使うのですが、アフリカやエジプトの作家はそうではなかったり、日本にいるときは目に付かないことが文化や環境の背景が違えば異質に見え、思いもよらない

INTERVIEW: SOYA Asae

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個展「Broken Rainbow」展示風景 サロン・モンディアル、バーゼル、2018

Photo: Julian SALINASInstallation view at solo exhibition “Broken Rainbow,” Salon Mondial, Basel, 201833

INTERVIEW: SOYA Asae

What Can Be “Exchanged” Between Artists andthe Locality in Overseas Creation?
Soya Asae uses light and color to achieve rhythms that transcend the visual and induce
physical sensations. As a participant in the TOKAS Exchange Residency Program in
2018, Soya stayed in Basel, Switzerland. At Atelier Mondial, she had the opportunity forexchanges with people there while creating works inspired by the unique qualities of light
she found in Basel and eventually showing them in a solo exhibition. In this interview she
spoke about the valuable exchanges that resulted from this residency experience.

A Journey in Search of Light and Color
The purpose I gave in applying for the residency in Basel was a continuation of my “Light
Collection Project.” From the time I was little, I always had a strong interest in light, and fromthe age of six I began doing color paintings by myself because of a similarly strong interestin color. Eventually, I went to art college and, for example, when was assigned a project ofmaking something using 30cm-square boxes, it happened to be at the season when theautumn colors on campus were beautiful, so I did things like covering a box in black velvet
and putting it in the ground to create a space of darkness that would make the surrounding
light on the ground stand out even more in contrast. My interest is not only in light itself,
but in the way it interacts with the body, and things like the rules governing light that are
revealed by working with it. For me, there is also an aspect of synesthesia when color and its
combinations create effects that I perceive in a way similar to sound.
New Light Found in the Swiss City of Basel
When I arrived in Basel in early spring, the light seemed especially bright and clear to myeyes, and the clear air made the outlines of things seem especially sharp. I also had theimpression that their was a chic look to the colors of the townʼs buildings, and I saw almost
none of the flashy colored billboards that we see inTokyo. Walking through the streets of the city I saw
brightly colored flowers and scenes with abundant
water, and the natural way that so many buildings
had water basins beside them also stood out for me.
In Basel, there is a sort of cultural community blockstudios for artists, an art college and residentialbuildings design by the architectural firm Herzog &de Meuron, and Atelier Mondial was also located inthat community. Thanks to this, the area that used to
be full of deserted factory building has now becomea very popular place for people to visit, and many
want to move there. There are places like Chelsea
in New York City where the presence of an artist

INTERVIEW: SOYA Asae

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《Broken Rainbow – Midnight》2018
Broken Rainbow – Midnight, 2018
Photo: Julian SALINASINTERVIEW: SOYA Asaecommunity adds appeal to a neighborhood, and that is what has happened in this part ofunderstood in Europe, and Atelier Mondial is considered part of the local community

Basel. It is becoming a community of diversity in terms of occupations and demographic,

development program. Its contribution is in “exchange.” Personally, I was helped and gained soand the exchanges that enabled gave me a good picture of the local society. Also, one ofmuch from my residency in Basel this time and from my previous stay in New York, and I think

the worldʼs largest art fairs, Art Basel, was held while I was there. It gathers art professionals

I was also able to give something the people their through our communication. And especiallyfrom around the world to see the numerous art fairs, in a lively atmosphere of visitingin Basel, I felt anew how the presence of artists who saw things from a different perspective

exhibitions in the day and partying at night. It was interesting to see how these highly varied

from the everyday and who were constantly thinking by themselves about what they should

exhibitions changed the face of this normally quiet city.

be creating brought breaths of fresh air and ideas to the community. I also found that more

The Solo Exhibition Becomes a Venue for Exchange

in art there or were seeking to were able to learn from and stimulate each other.

At the end of the residency, I held a solo exhibition titled “Broken Rainbow,” in which I

Exhibition 2019 “Foreshadows” (April-May, 2019). It will surely be a new challenge for me

people than I expected were interested in Japanese culture, and I felt that the people involved
At present, I am making preparations to participate in the TOKAS Creator-in-Residence
also displayed works I had done inspired by other things. These were works of paper thatto digest and bring to light new expression in my art inspired by my Basel experience.

I colored in many colors, cut into shapes that I then piled on to round platforms as anSpecifically, I am painting colors and shapes derived from projecting light on long horizontal

installation. I made about five of them, and the idea for one, for example, came from the

supports (paper or canvas) in compositions consisting of many modules of various colors

shapes of the lake reflecting onto the ceiling of the boatʼs cabin on a short trip I made to thethat can be likened to “chords” in music, in hopes of creating an exhibit space that embodies

outskirts of Basel. In terms of colors, each of the five works was based on the colors of the“the sound of the space.” It will be works that represent the synesthesia of my light and color

sky at a different time, in the morning, daytime and night. You could call them sketched ofand make clear the workings of color I see. Seeing many artistsʼ work in Basel, I felt thatperipheral light. At night it might be the light of lightning. Perhaps because of the elevation,

my work in color is different from the intellectual or cool expressions of works in black andthe skies of Basel change dramatically and the cut-out process seemed well matched withwhite. But I also felt that my colors have a depth and richness as well as rules that constitutethe speed of the changes. I think that gave the works a sense of being there in real-time.

an intellectual essence, which is why I have chosen a somewhat analytical approach to

The reaction to my exhibitions was better that I expected, and at the opening the facilityʼs
director told me it wasnʼt easy to get such a large draw; I was very gratified by the size

expression this time in hopes of showing that. It may be that my experiences in Europe havetriggered a new direction for expression in me.

of the crowd. There were not only art professionals present but a variety of people, and I(This interview was conducted at Soyaʼs studio in Yokohama, Kanagawa on Jan. 21, 2019.)

was impressed by the number of different comments I got. For example, a person in thearchitecture industry connected my working method to physics. One person asked if there
was a connection to color therapy in my work (It was in Basel that Max Lüscher formulated
the Lüscher color test). Since my art is not intended for any such purpose, such comments
were new and fresh for me.
I was helped so much by many people like the Atelier staff in my work and installation
and by friends I made in the nearby residential complex. I also got the help of the official
photographer of the local Kunstmuseum Basel art museum in photographing my exhibition.
The Sharing and Mutual Learning of an Artist-in-Residence Program
I think there is great meaning in the work and exchange done in an overseas residency. It
was a precious experience for me as an artist and as a person. Of course there is a limit to
the number of new works you can create in short residency, but the things like new ways ofseeing it offers will be important in the future. For example, I use a lot of water in my work,
but the artists from Africa and Egypt didnʼt, and there were other things like that connected
to my work which I would not notice in Japan but look strange to people from other culturaland environmental backgrounds. I was newly aware of the scale of works I saw, but at thesame time had revelations about groups of small things also achieving great scale. Things
like this made me realize I could be more flexible in my thinking.
The gains of an artist-in-residence program are not only for the participating artists;
there are also benefits for the residency facility and the local community. This fact is well

INTERVIEW: SOYA Asae

36

そや・あさえSOYA Asae

神奈川県を拠点に活動。東京藝術大学大学院博士課程にて博士（美術）取得。TOKAS 参加プログラムに「平成 30年度
二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉」（ 2018 ）。

Lives and works in Kanagawa. Earned her PhD in fine art
from the Tokyo National University of Fine Arts and Music.
Participated in TOKAS Program: “Tokyo-Basel Exchange
Residency Program 2018.”

PROGRAM

P.62

37

INTERVIEW: SOYA Asae

TOKAS ANNUAL REPORT 2018

PART 2PROGRAMS
プログラム

Emerging 2018
ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス 2018 成果発表展

行為の編纂

TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition

霞はじめてたなびく

Compiling behaviors, digesting actions

3331 ART FAIR 2019

Institute of Asian Performance Art: Tokyo

First Lingering Mist of Spring

Tokyo Contemporary Art Award2019-2021
クリエーター・イン・レジデンス・プログラム
Creator-in-Residence Program

pompom

シモ・ケロクンプによるコレオグラフィック・
インスタレーション―ヴァンサン・ルーマニャック、谷沢直とのコラボレーション

TOKAS Project Vol. 1

日 / 中 / 韓 パフォーマンスとメディア 70ʼs - 90ʼs
OPEN SITE 2018-2019
教育普及事業

Educational Programs and Arts promotion

トーキョーアーツアンドスペース本郷
ガイドマップTokyo Arts and Space Hongo Guide map

pompom
A choreographic installation by Simo KELLOKUMPU
in collaboration with Vincent ROUMAGNAC
and Nao Yazawa

若手・中堅アーティストによる展覧会や国内外のクリエーターを派遣・招聘する「クリエーター・イン・レ
ジデンス」など、従来実施してきたプログラムに加え、2018 年度から「TOKAS Project」「ACT (Artists
Contemporary TOKAS)」や「Tokyo Contemporary Art Award」といった新企画が始まりました。
2 部では、より充実したプログラムとともに参加クリエーターを紹介します。

From 2018, new programs including TOKAS Project, Artists Contemporary TOKAS (ACT) and Tokyo
Contemporary Art Award have been added to the existing programs, such as our exhibitions foryoung and mid career artists and our Creator-in-Residence programs sending Japanese creators
abroad and receiving international creators in Tokyo. In Part 2, we introduce the further developed
programs and their participants.

千原真実

Emerging 2018

こどもの頃に慣れ親しんだ通学路の風景が、長い時間を経て変わったことに着想を得て、日々の生活の中で起こ

CHIHARA Mami

る小さな変化を主題とした作品を展示しました。キャン
バスやパネルの周囲に枠や余白のような部分を構成し、Oscillate/deviate

また、パーツによって組み替え可能な作品を制作することにより、変化そのものを可視化させるだけでなく、分け隔てられた風景が境界とともに変わり続けていくさまを表現しました。
Conceived from the realization of the changes that haveoccurred over the years in the streets she walked to

第 1期／Part 1

第 2 期／Part 2

Part 1 : 2018.7.14-8.12

千原真実 CHIHARA Mami

堀 園実 HORI Sonomi

Part 2 : 2018.8.25-9.24

清水総二 SHIMIZU Soji

福田絵理 FUKUDA Eri

中野由紀子 NAKANO Yukiko

平田尚也 HIRATA Naoya

若手アーティストの継続的な育成支援プログラム

school on as a child, Chihara presented work focusing on
the small changes that occur in our life environment. By
creating canvases or panels with frames and/or empty
spaces around them, or by creating works with parts that
could be rearranged, she was able not only to show visible
manifestations of small changes themselves but also toshow the changes that occur around the boundaries ofseparate scenes.

DATA
協力：山根一晃、木間絵理奈
Cooperation: YAMANE Kazuaki, KONOMA Erina「Emerging」は、若手アーティストを対象とした公募展「トーキョーワンダーウォール（ TWW ）」（ 2000 年〜 2016 年実施）と連携して開始したプログラムです。2018 年度は、
「TWW2013 〜2016」の入賞者の中から、個展開催希望者を募り、審査によって選出された6 名の個展を2 期にわたり実施しました。参加アーティストは、会場の特性を生かした展示コンセプトを設定し、オー
プニング・トークではゲストとともに作品解説を行いました。会期終了後には、アーティストの
今後の活動の一助となるよう、ゲストによる作家評を日本語、英語で掲載した記録集を作成し、継続的な活動支援につなげています。

A Program of Ongoing Mentoring and Support for Young Artists
The Emerging program has run in connection with the Tokyo Wonder Wall exhibitions (TWW)(held from 2000 to 2016). TWW participating artists can apply for a solo exhibition. For
2018, six artists were chosen for each of two Emerging exhibitions by jury from among
the applying TWW artists of 2013 to 2016. The artists chose display concepts that fit thedisplay spaces, and at the opening talk event they spoke about their works and creative
process together with guest speakers/critics. After the exhibition period ended, a report
was published in Japanese and English with critiques of the artistsʼ work by the guest
critics in order to serve as an objective evaluation to hopefully aid in the artists' future
activities and development.

DATA《風景 1》2018

会場：TOKAS 本郷
オープニング・トーク ゲスト：
第 1期：米田尚輝（国立新美術館 主任研究員）

PROFILE

Venue: TOKAS Hongo
Opening talk guest:
Part 1 : YONEDA Naoki (Curator, The National Art Center, Tokyo)
Part 2: MASUDA Tomohiro (Curator, The National Museum of Modern Art, Tokyo)

大学造形学部美術学科絵画専攻卒業。2011-2013 年シュテーデル
シューレゲストスチューデント
（フランクフルト）。主な展覧会に「ち
いさいおうち」（ CRISPY EGG GALLERY、神奈川、2017 ）、｢Art
area project 2016、2017『SUPER OPEN STUDIO』｣（REV、神奈川）など。

1985 年熊本県生まれ。東京都を拠点に活動。2008 年東京造形

第2期：桝田倫広（東京国立近代美術館 研究員）

40

Landscape 1, 2018

Born in Kumamoto in 1985. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith a BA in Painting course from Tokyo Zokei University in 2008.
Guest student of Städelshule-Frankfurt Christa Näher class in2011 - 2013. Recent exhibitions: “The Little House,” CRISPY EGGGALLERY, Kanagawa, 2017, “Art area project 2016, 2017, ʻSUPEROPEN STUDIOʼ,” REV, Kanagawa.

41

Emerging 2018: Part 1

清水総二

ジョージ・オーウェルの小説『1984 年』から、相反する矛
盾した信念を持ち、その両方を受け入れる「二重思考」と

SHIMIZU Soji

いう概念を参照して展示を構成。作品の展示や鑑賞における一般的な態度から逸脱するように、実際に使用する

Doublethinkwise

中野由紀子

ゴミ捨て場に設置されたネットや工事用のバリケードなど、
日常生活の中で気になったモチーフや風景に焦点を当て

NAKANO Yukiko

た中野は、日々の記録としてのドローイングを輪郭に沿って切り抜き、浮き上がって見えるよう展示空間全体に配置。

には不便な家具類、低位置に配置された絵画、用をなさ見すごしているもの

また、ドローイングと同じモチーフを抽象化し、心象風景ない壁掛けフック、互いに矛盾した内容の2 つのテキス

What I overlookedとして描いたペインティングを2 つのスペースに分けてトなどを展示することで、作品と鑑賞者との関係に自らの展示することで、記憶の中で変容する景色を表現しました。

疑問を提示しました。

Choosing to focus on things that catch the eye in everyday
life, like the nets spread over piles of garbage put out on

Shimizu exhibited a work informed by the kind of “doublethink”

collection day or construction site barricade frameworks,
Nakano cut out the objects she draws as a daily record of

appearing in George Orwellʼs novel 1984, by which a person
can hold and believe in two contradictory thoughts

her life along their outlines and displayed them throughout
the exhibition space in ways that made them stand out.

simultaneously. By displaying and viewing things thatdeviate from normal modes of behavior or use, suchas furniture that would be inconvenient to actually use,

Also, in a separate second space she displayed paintings
that depicted abstract forms of the same objects appearing

paintings hung too low for proper viewing, dysfunctional
wall hooks and texts with contents that contradict eachin her drawings to create imagined scenes or landscapes.

other, he showed his own doubts about the relationshipbetween the viewer and works of art in exhibit spaces.

PROFILEPROFILE

1983年三重県生まれ。ベルリン、東京都を拠点に活動。2012年筑
波大学芸術専門学群美術専攻卒業。主な展覧会に「The violent
silence of a new beginning」（ Studio Khana for Contemporary
Art、カイロ、2017）、「Bebop」（ XYZ collective、東京、2016）、「世
田谷区芸術アワード“飛翔” 受賞記念発表『清水総二展』」（世田谷美術館区民ギャラリー、東京、2015）「、Itch」（みどり荘、東京、2015）「、オー
プンスタジオ」（ Warehouse Project、神奈川、2012）など。
Emerging 2018: Part 1

Born in Mie in 1983. Lives and works in Berlin and Tokyo. Graduatedwith a BFA in School of Art and Design from University of Tsukuba
in 2012. Recent exhibitions: “The violent silence of a new beginning,”
Studio Khana for Contemporary Art, Cairo, 2017, “Bebop,” XYZcollective, Tokyo, 2016, “Setagaya Art Award ʻSo ji Shimizuʼ,”
Setagaya Art Museum, Tokyo, 2015, “Itch,” Midori.so, Tokyo, 2015,“Open Studio,” Warehouse Project, Kanagawa, 2012.

42

1989 年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2015 年多摩美術大

学大学院美術研究科絵画専攻油画研究領域修了。主な展覧会に「−画廊からの発言−新世代への視点 2017『近くの空き地、遠くの景色』」（藍画廊、東京）、「昔の日記、通勤と散歩」（ circle [gallery &books]、東京、2017）。受賞・助成歴に「アクリルガッシュビエンナー
レ2016」佳作、「第 31回ホルベイン・スカラシップ」奨学生（ 2016 ）。

43

Born in Tokyo in 1989. Lives and works in Tokyo. Graduated with
an MA in Oil Painting from Tama Art University Graduate School ofFine Arts in 2015. Recent exhibitions: “Nearby vacant land, Distantlandscape,” Ai gallery, Tokyo, 2017, “An old diary, Commuting andwalking,” circle [gallery & books], Tokyo, 2017. Awards: “TURNERACRYL GOUACHE BIENNALE 2016 ,” honorable mention, “The 31 th
HOLBEIN Scholarship,” 2016

Emerging 2018: Part 1

堀 園実

浜辺の漂着物を粘土でかたどり、波打ち際を展示室内に再現。未焼成の粘土で作られた石や流木は、堀自身がそHORI Sonomiの一部を踏みつけ、砕くパフォーマンスにより、作品から素材の状態に戻されていきました。インスタレーション

福田絵理

自身が制作した立体をもとに、虚実が入り混じった室内
空間を油彩画で表現しました。閉じられた空間は、無慈

FUKUDA Eri

なみうちぎわの協和音と空間、海と陸といった境界の曖昧さを表現することで、その世界に触れたとき、それゆえ、Consonance

定義することの不確かさを可視化し、物事を識別する行

When touched the field, therefore,

悲な現実から身を守るように描かれ、灰色の色面は、制作時期によってわずかに色調を変えています。キャンバ
スに塗り重ねられたグレーの豊かなグラデーションは光をはらみ、窓から差し込む光や物体が画面の奥から浮か為が持つ危うさと、現実をありのまま受容していくことのび上がるような効果を生んでいます。

可能性を提示しました。

The subjects for the oil paintings are interior spaces thathave as their constituents both reality and fiction, these in

Using clay molds to recreate articles found washed up on aturn painted from three-dimensional works that are also of
the artistʼs making. The interior spaces that are depictedbeach, the exhibition space was developed into an artificial
shoreline. The unfired clay took the forms of stones andgive the impression of sheltering one from the harsher
realities of the outside world, while the gray paint of thedriftwood, which Hori herself stepped on and broke in a
performance; a reversion from the created artwork backto raw material. This highlighted the ambiguity that exists

surfaces that are used differ slightly in tone based onwhen they were made. Rich variation in tone in the layered

in distinctions, such as the border between installationand exhibition space, the sea and land, suggestive of thegrays captures light, expressing sunlight from a window orallowing objects to emerge from the depth of the canvas.

inherent dangers that lie in classification, as well as toserve as an invitation for accepting reality as itself.

《続きの部屋》2018 another room nearby, 2018

PROFILEPROFILE

1985 年静岡県生まれ。静岡県を拠点に活動。2009 年沖縄県立芸術大学大学院彫刻専修修了。主な展覧会に「ファルマコン―医療とエコロジーのアートによる芸術的感化」（ターミナル京都／CAS、大阪、2017 ）、「オープンスタジオ」（パリ国際芸術都市、2017 ）など。受賞・助成歴に平成 28 年度文化庁新進芸術家海外研修制度 1
年研修（パリ国際芸術都市レジデンス、2016 ）、「グランシップアー
トコンペ 2011」グランシップ賞など。
Emerging 2018: Part 2

44

Born in Shizuoka in 1985. Lives and works in Shizuoka. Graduatedwith an MFA in Sculpture Major from Okinawa prefectural Universityof Arts in 2009. Recent exhibitions: “Pharmakon: Medical-ecologicalapproaches for artistic sensibilization,” The Terminal Kyoto/ CAS,
Osaka, 2017, “Open studio,” Cité international des arts, Paris, 2017.
Awards: Program of Overseas Study for Upcoming Artists, Agency
for cultural affairs, Cité international des arts, Paris, 2016, “GranshipArt compe 2011,” Granship Prize.

1988 年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2015 年武蔵野美術大学大学院造形研究科美術専攻油絵コース修了。主な展覧会に「BankART LifeⅤ 観光」（BankART Studio NYK、神奈川、
2017）、「群馬青年ビエンナーレ2017」（群馬県立近代美術館）、「そこ、」（櫻木画廊、東京、2016 ）、「FACE 展 2016 損保ジャパン日本興亜
美術賞展」（損保ジャパン日本興亜美術館、東京）。助成歴に「第 32回ホルベイン・スカラシップ」奨学生（ 2017 ）など。

45

Born in Tokyo in 1988. Lives and works in Tokyo. Graduated withan MFA in painting course from Musashino Art University in2015. Recent exhibitions: “BankART Life Ⅴ KANKO,” BankART
Studio NYK, Kanagawa, 2017, “Gunma Youth Biennale 2017,” The
Museum of Modern Art Gunma, “here,” Sakuragi Gallery, Tokyo,
2016, “FACE 2016 : Sompo Japan Nipponkoa Art Award Exhibition,”
Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art, Tokyo. Award: “The 32 th
HOLBEIN Scholarship,” 2017.

Emerging 2018: Part 2

平田尚也

仮想空間で彫刻を作るように、インターネット上で収集した3D素材をアッサンブラージュによって画面上に構築。

HIRATA Naoya

空間、時間、物理性をテーマに、現実の物理性から解放された動きや新たな秩序が与えられた映像作品を発表しま∃, Parallels, Invulnerability

した。インスタレーションではスクリーンを展示室内に立てかけるように設置することで、画面を展示空間から切り出し、「映像」に物質性をもたらすような効果を生みました。
Internet-derived 3D models were collected as materials forconstructing computer-based assemblages, as if ʻsculptingʼin the virtual realm. With space, time, and a physical takeon the world as themes, the exhibited video works were
given motion and a new order unconstrained by actual
materials as we experience them in real life. With the aimof giving these “images” their own respective identities
in the physical realm, these works were projected onto
screens within the exhibition space that were propped up
against walls, making the video images effectively distinct
from the exhibition space.

PROFILE
1991年長野県生まれ。東京都を拠点に活動。2014 年武蔵野美術

大学造形学部彫刻学科卒業。主な展覧会に「不完全な監獄」（ガー
ディアン・ガーデン、東京、2019 ）、「TOKYO CANAL LINKS #10」
（B&C HALL、東京、2018 ）、「第 18回グラフィック『1 _WALL 展』」（ガーディアン・ガーデン、東京、2018 ）。受賞歴に「第 21回文化庁
メディア芸術祭」アート部門審査委員会推薦作品選出（ 2018 ）、「第18回グラフィック『1_WALL 展』」グランプリ（ 2018 ）など。
Emerging 2018: Part 2

46

Born in Nagano in 1991. Lives and works in Tokyo. Graduated indepartment of sculpture from Musashino Art University in 2014.
Recent exhibitions: “Incomplete Prison,” Guardian Garden, Tokyo,
2019, “TOKYO CANAL LINKS # 10,” B&C HALL, 2018, “The 18 thGraphics ʻ 1 _WALLʼ,” Guardian Garden, Tokyo, 2018. Awards: “ 21 st
JAPAN MEDIA ARTS FESTIVAL,” Judging Committee selected,
2018, “The 18th Graphics ʻ1_WALLʼ,” Grand Prize, 2018.

清水総二《Untitled (Front)》（部分）2018
SHIMIZU Soji, Untitled (Front) (detail) 2018

佐藤雅晴

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1

実際の風景を撮影した映像の一部を1コマずつパソコン
上でトレースし、アニメーションにした《福島尾行》は、SATO Masaharu

福島の日常を捉えようとした作品です。映像に収めた風霞はじめてたなびく景を何千枚もなぞることで、癌に侵された自身の身体と風景を同化させ、身体に取り込みました。展示室には自動演奏ピアノがドビュッシーの「月の光」を消音で奏で、First Lingering Mist of Spring

静かな福島の風景を象徴的に表しました。闘病しながら制作を続けた本作は、未完の作品として発表されました。
Sato creates animations by tracing the individual framesof actual scenery he has filmed. His work fukushima trace,
presented as a new video installation in this exhibitionshows thousands of frames of daily scenery he took
Fukushima (where he has traveled after the earthquake
and nuclear power plant disaster) and superimposed

佐藤雅晴 SATO Masaharu

2019.2.23-3.24

西村 有 NISHIMURA Yu

them on his own body during his fight with cancer. In the
installation, a muffled version of an automatic piano playing
Debussyʼs Clair de lune symbolically represented the now

DATAquiet Fukushima scenery. Created during Satoʼs battle with

制作協力：スガナミ楽器経堂店、鐘ヶ江織代（ adNote ）吉開菜央 YOSHIGAI Naocancer, the piece was presented as an incomplete work.

Production Support: SUGANAMI Musical Instruments Co.,
Ltd., KANEGAE Oriyo (adNote)

今注目すべきアーティストを紹介する企画展
2018年度より、TOKASのプログラムに参加経験のある作家を中心に、今注目すべき活動を行っているアーティストを紹介する企画展シリーズ「ACT」（ Artists Contemporary TOKAS ）かすみはじめてたなびくを開始しました。
「霞始靆」は暦の七十二候で、冷たく乾燥した空気が徐々に湿気を帯び、遠くの景色が霞んでいるように見える2 月下旬の時季を指します。本展では、季節の移り変わりや
日常のささやかな変化を感覚的に感じ取り、その経験をとおして世界を捉え直し、今まで見えていなかった風景を映像や絵画によって浮かび上がらせている作家を紹介しました。作家ごとの展示に加え、それぞれの作品同士の有機的なつながりを展示で示しました。

An Exhibition for Artists Worthy of Note Today
The Artists Contemporary TOKAS (ACT) exhibition series launched in 2018 introduces
artists who are worthy of attention now, centered on those with experience in TOKAS
programs. The exhibitionʼs title “Kasumi Hajimete Tanabiku” (First Lingering Mist of
Spring) is one of the 72 divisions of the traditional solar calendar for the season in late
February when the cold, dry air steadily becomes moister, and distant scenery appears
hazy. This exhibition showcases artists who reinterpret the world through intuitive
perception of the changing seasons and subtle changes in daily life, thus creating images
and paintings that evoke scenery or images that have never been visible before. In《福島尾行》2018 fukushima trace, 2018

addition to the individual displays of works by the three artists, the exhibition seeks toreveal an organic connection between individual works.

PROFILE
1973 年大分県生まれ。1999 年東京藝術大学大学院美術科絵画専

DATA
会場：TOKAS 本郷 協力：大垣美穂子、杉原洲志、イムラアートギャラリー、カヨコユウキ
Venue: TOKAS Hongo Cooperation: OGAKI Mihoko, SUGIHARA Shuji, imura art gallery, KAYOKOYUKI

48

攻修了。2000-2002 年国立デュッセルドルフクンストアカデミー
研究生として在籍。2019年3月9日逝去。主な展覧会に「六本木クロッシング 2019 展：つないでみる」（森美術館、東京）、「死神先生」（ KEN
NAKAHASHI、東京、2019 ）、「THEドラえもん展」（森アーツセンターギャラリー、東京／高岡市美術館、富山／松坂屋美術館、愛知、
2017-2018 巡回）など。

49

Born in Oita in 1973. Graduated with an MFA in Painting fromthe Tokyo National University of Fine Arts and Music in 1999.
Studied sculpture at the Kunstakademie Düsseldorf, Germany in2000 - 2002. Passed away on March 9, 2019. Recent exhibitions:“Roppongi Crossing 2019 : Connexions,” Mori Art Museum, Tokyo,“Dr. Reaper,” KEN NAKAHASHI, Tokyo, 2019, “THE Doraemon ten,”Mori Arts Center Gallery, Tokyo / Takaoka Art Museum, Toyama /Matsuzakaya Museum, Aichi, 2017-2018.

First Lingering Mist of Spring西村 有

西村の絵画は、日常生活を切り取っているように見えま
すが、それは単なる風景や行為の再現ではなく、動きや

NISHIMURA Yu

変化の中にあるものとして描かれています。
《stop the吉開菜央

吉開は、大正期に流行した健康法を京都で展開していた建物が取り壊される直前に撮影した《静坐社》を発表。

YOSHIGAI Nao

定められた呼吸と姿勢を保ち、下腹部に力を込めて静か

bicycle》では自転車に乗る人物が、一休みしているように座る岡田式静坐法の実践にリンクさせ、呼吸のリズムにも、走り出そうとしているようにも見え、周りの流れるや生活音を丁寧に掬い取りました。また自転車シリーズ

すく景色を並置することで静と動の状況を同時に生み出しての新作《wheel music》では、動いている人の時間の中います。本展では、吉開の新作とのコラボレーション展

ですれ違うものや、止まったときに見えてくる周囲の動き示も行いました。

や音を捉えようとしました。

Nishimuraʼs paintings may seem to depict scenes fromdaily life, but rather than simply reproducing actual scenery,

Yoshigaiʼs work Breathing House was shot just before thedestruction of the building in Kyoto where the Okada Seiza

he layers in things to show movement and changed overtime. In stop the bicycle, the person on the bicycle mayhealth method popular in the Taishō period was promoted.
The film carefully linked in ambient sounds and the sounds

be seen to be stopped for a rest, or may appear to be justabout to start out riding. And by juxtaposing the figureof the physical movements involved when practicing the
Okada breathing method and posture while sitting quietly

with a surrounding flow of scenery, he succeeds in creatinga union of stillness and motion in one painting. In thisexhibition, Nishimura also did a collaborative exhibit with

with the stomach held taut. Yoshigai also presented a newwork wheel music of her bicycle series attempting tocapture things passing by when a person is in motion, andnew works by Yoshigai Nao.

DATA

things they see and sounds of motion around them when

音響設計：堤田祐史 協力：栗田英彦、本間智希

they come to a stop.

Sound Technician: TSUTSUMIDA Yuji
Cooperation: KURITA Hidehiko, HOMMA Tomoki《静坐社》2017 Breathing House, 2017

PROFILEPROFILE

1982年神奈川県生まれ。2004年多摩美術大学美術学部絵画学科油画専攻卒業。主な展覧会に「VOCA 展 2019 現代美術の展望─
新しい平面の作家たち」（上野の森美術館、東京）「、アペルト09 西村有」
（金沢21世紀美術館、石川、2018-2019）「、あざみ野コンテンポラリー
vol.9 今もゆれている」（横浜市民ギャラリーあざみ野、2018）「、projectN 61 西村有」（東京オペラシティーアートギャラリー、2015 ）。

First Lingering Mist of Spring

50

Born in Kanagawa in 1982. Graduated with a BFA in Painting fromTama Art University in 2004. Recent exhibitions: “VOCA-THE VISION
OF CONTEMPORARY ART 2019,” The Royal Museum, Tokyo, “Aperto
09 Nishimura Yu,” Kanazawa 21st Century Museum, Ishikawa, 2018 2019, “Azamino Contemporary vol. 9,” Yokohama Civic Art Gallery
Azamino, 2018, “project N 61 Nishimura Yu,” Tokyo Opera City Art
Gallery, 2015.

INTERVIEW

pp.12-19

1987 年山口県生まれ。日本女子体育大学舞踊学専攻卒業、東京藝

Born in Yamaguchi in 1987. Graduated with a BA in Dance Studies
from Japan Womenʼs College of Physical Education and with an
MFA from Graduate School of Film and New Media, Tokyo Universityof the Arts. Recent exhibitions: “Open Space 2018 in Transition,”
NTT Intercommunication Center[ICC], Tokyo, 2018 - 2019, “Primal
Water,” Bellagio Gallery of Fine Art, Las Vegas, USA, 2018, “BreathingRoom,” AI KOWADA GALLERY, Tokyo, 2017.

術大学大学院映像研究科修了。主な展覧会に「オープン・スペース2018 イン・トランジション」（NTTインターコミュニケーションセンター[ICC]、東京、2018 -2019 ）、「Primal Water」（Bellagio Galleryof Fine Art、ラスベガス、アメリカ、2018 ）、「呼吸する部屋」（ AI
KOWADA GALLERY、東京、2017 ）など。

51

First Lingering Mist of Spring3331 ART FAIR 2019

平田尚也 HIRATA Naoya

2019.3.6-3.10

福田絵理 FUKUDA Eri
堀 園実 HORI Sonomi
牧園憲二 MAKIZONO Kenji
迎 英里子 MUKAI Eriko

アートフェアで TOKAS の活動を紹介
2017 年度に続き、アーツ千代田 3331で開催された「3331 ART FAIR 2019」に出展しました。
TOKAS本郷で開催した「Emerging 2018」に関連し、平田尚也の映像や写真、福田絵理の絵画、
堀園実の立体作品や、レジデンス・プログラムに参加し、2019年4月から開催の「トーキョーアー
ツアンドスペースレジデンス 2019 成果発表展『予兆の輪郭』」に出展する牧園憲二と迎英里
子の作品を展示しました。そのほか、施設紹介資料やカタログを展示するなど、TOKAS の若手作家支援活動を中心に紹介しました。
TOKAS exhibited at the “3331 ART FAIR 2019” held at 3331 Arts Chiyoda again this year as

in 2017. In way of introducing the “Emerging 2018” program held at TOKAS Hongo, video
and photographs by Hirata Naoya, paintings by Fukuda Eri, and a three-dimensional pieceby Hori Sonomi were displayed. Work by Makizono Kenji and Mukai Eriko, who took partin the TOKAS residency program and will participate in the TOKAS Creator-in-Residence
2019 Exhibition “Foreshadows” in April, 2019, were also exhibited. In addition, to further
introduce TOKAS programs aimed at supporting the activities of young artists, things likematerials introducing the facility, resource literature and catalogs were also on display.

DATA
主催・会場：アーツ千代田3331
Organizer & Venue: 3331 Arts Chiyoda

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3331 ART FAIR 2019

Tokyo Contemporary Art Award2019-2021

海外発信も含めたアーティストの継続的支援「Tokyo Contemporary Art Award」は中堅作家を対象に、海外での展開も含め、更なる飛躍を促すことを目的に創設した新たな現代美術の賞です。作家のキャリアにとって最適な時期に最善の支援内容を提供する必要性を重視し、選考は国内外で活躍する選考委員によるリサーチ
やスタジオ訪問により、作家の思考や作品表現、キャリアステージへの理解を深めた上で行い、2018年度は、公募・推薦の136組の中から、風間サチコと下道基行を選出しました。受賞者には、2019 年度に海外での活動支援のほか、2020 年度に東京都現代美術館での展覧会およびモノグラフの作成など、継続的な支援を行います。

Continuing Artist Support, Including Promotion Overseas
The Tokyo Contemporary Art Award is a new award aimed at promoting the activities
of mid-career contemporary artists who show promise of further breakthroughs,
including activities abroad. Recognizing how valuable the best possible support canbe at optimal times in their careers, the selection process includes research on theartists and visits to their studios by members of the international selection committee
to deepen understanding of the artistsʼ thinking, style and career stage. Kazama
Sachiko and Shitamachi Motoyuki were selected from the 136 open-call applicants andrecommendation individuals/groups for 2018. Continuous support will be provided to thewinners, and in addition to funding for overseas activities in 2019, they will exhibit at theMuseum of Contemporary Art Tokyo and be given a monograph in 2020.

DATA
選考委員：神谷幸江（ジャパン・ソサエティー、ニューヨーク ギャラリー・ディレクター）、住友文彦（アーツ前橋 館長／東京藝術大学大学院 准教授）、
ドリュン・チョン（M＋ 副館長、チーフ・キュレーター）、マリア・リンド（キュレーター、
ライター、エデュケーター）、

キャロル・インハ・ルー（北京インサイドアウト美術館 ディレクター）、近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラム・ディ
レクター） 主催：東京都、トーキョーアーツアンドスペース（公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館）
International Selection Committee: KAMIYA Yukie (Gallery Director, Japan Society, New York), SUMITOMO Fumihiko (Director,
Arts Maebashi / Associate Professor, Graduate School of Tokyo University of the Arts), Doryun CHONG (Deputy Director,
Curatorial and Chief Curator, M+), Maria LIND (Curator, Writer and Educator), Carol Yinghua LU (Director, Beijing Inside-Out Art
Museum), KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space) Organizer: The Tokyo Metropolitan Government and Tokyo
Arts and Space, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

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Tokyo Contemporary Art Award 2019-2021

Creator-in-Residence Program

二国間交流事業プログラム（派遣・招聘）

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム

Exchange Residency Program

海外の都市や芸術文化機関と提携し、各分野で活躍するクリエーターの育成・支援や各都市と東京間の国際文化交流を促進するため、相互にクリエーターを派遣・招聘するレジデンス・プログラム。クリエーターは約 1ヶ月〜 3ヶ月間の滞在期間に、制作やリサーチ活動を行います。2018 年度は、バーゼル、ベルリン、マドリード、ソウル、台北、ヘルシンキ、ケベックの全7 都市の提携機関に、公募により選出された 9 名の国内や海外在住の日本人を派遣し、7 名の海外のクリエーターを TOKASレジデンシーに招聘。一部の派遣クリエーターは、翌年以降
TOKAS 本郷で開催されるレジデンス成果発表展で活動の成果を報告する予定です。

クリエーターが滞在する創造拠点2018 年度は、「 海外クリエーター招聘」「 二国間交流事業」「 芸術文化・国際機関推薦」「リサー
チ・レジデンス」の 4 プログラムを実施。
「海外クリエーター招聘」と「リサーチ・レジデンス」
への応募者数は 441 名にのぼり、5 月〜 7 月、9 月〜 11 月、1 月〜 3 月の 3 期のレジデンス期間
内の滞在者は、47 組となりました。レジデンス休止期間の12月には、シェアスタジオを活用し、過去の滞在クリエーターの展覧会を開催する「スタジオ・プログラム」を実施。
「二国間交流事業」では、応募総数 100 名の中から選ばれた 9 名の日本人クリエーターを、バーゼル、ベルリン、マドリード、ソウル、台北、ヘルシンキ、ケベックに派遣しました。

A creative residency space for artists
In 2018 – 2019, TOKAS implemented four residency programs, the “International

Creator Residency Program,” the “Exchange Residency Program,” the “Institutional

Recommendation Program” and the “Research Residency Program.” Applicants forthe “International Creator Residency” and “Research Residency” programs totaled
441, and 47 individuals/groups were selected for residencies or projects in one of thethree residency periods of May to July, September to November and January to March.

During the December down-time, the shared studio space was used to host an additional
Studio Program, in which an exhibition of works from past participants in the residency
programs was held. Nine Japanese creators were chosen for the “Exchange Residency
Program” from a total of 100 applicants, for residencies in Basel, Berlin, Madrid, Seoul,
Taipei, Helsinki and Quebec.

This residence program for creators from Japan and abroad involves two-way exchanges
with affiliated municipalities and arts organizations overseas, with the aims of nurturing
and supporting the individual growth of creators in different fields and encouraging
international cultural exchange between the various cities and Tokyo. During their one
to three month residencies, the creators may engage in creative work or research.
Nine Japanese creators residing both domestically and abroad were chosen by open
application in 2018 - 2019 to stay at a total of seven cities, including Basel, Berlin, Madrid,
Seoul, Taiwan, Helsinki and Quebec. TOKAS, in turn, received seven foreign creators.
Some of the Japanese creators will display their work in the TOKAS Creator-in-Residence
Exhibition, in 2019 or later at TOKAS Hongo.

サポート内容Support Contents〈派遣〉渡航費、滞在費、制作費を提供〈招聘〉居室、シェアスタジオを提供

Japanese creators sent abroad: Airfare, living expenses,
fee for creative work/project
Invited creators from abroad: Living space,shared studio space

滞在期間〈派遣〉提携機関先により異なる〈招聘〉5月〜 7 月、9月〜 11月、1月〜 3月の間の約 1ヶ月〜3ヶ月間

Residency Periods
Japanese creators sent abroad: Differs byaffiliated organization
Invited creators from abroad: Approx. 1- to 3- month periods
in May to July, Sept. to Nov., Jan. to Mar.

提携機関（ 2018 年実績）
アトリエ・モンディアル（スイス、バーゼル）、クンストラウム・

クロイツベルク／ベタニエン、ベルリン市（ドイツ、ベルリン）、
マタデッロ・マドリード（スペイン、マドリード）、MMCAレジデンシー・コヤン（韓国、
ソウル）、
トレジャーヒル・アーティスト・ヴィ

レッジ、アーツ・イン・レジデンス台北（台湾、台北）、HIAP[ヘルシンキ･インターナショナル･アーティスト･プログラム]、フィ
ンランド文化財団（フィンランド、ヘルシンキ）、センター・クラー
ク、ケベック・アーツカウンシル（カナダ、ケベック）

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Partner Institutions
Atelier Mondial (Basel, Switzerland), Kunstraum Kreuzberg/
Bethanien, Berlin City (Berlin, Germany), Matadero Madrid(Madrid, Spain), MMCA Residency Goyang (Seoul, Korea),
Treasure Hill Artist Village, Arts-in-Residence Taipei (Taipei,
Taiwan), HIAP [Helsinki International Artist Programme], The
Finnish Cultural Foundation (Helsinki, Finland), Centre Clark,
Conseil des arts et des lettres du Québec (Quebec (Montreal),
Canada)松田朕佳

ナショナリティの定義のプロセスや、独立運動が続くケベッ
クにおける個人のアイデンティティの認識に関心を持つ

MATSUDA Chika

松田は、地域の人々との交流やインタビューをとおして、東洋思想の言語領域で思考する自身との差異についてリ

二国間交流事業プログラム〈ケベック〉

まぶた

サーチ。瞼部分を拡大した写真を貼ったギロチンを用いたキネティック（動く）彫刻《視覚依存者への戒め》の制作と発表を通じて、現地の人々の反応を考察しました。

Tokyo-Quebec
Exchange Residency Program

Matsuda is concerned with the processes that underlie
the definitions of national identities, and on the continuing

2018.4.2-6.29 滞在

independence movement that exists in Quebec, Canada.
She conducted research into the difference between

福永 敦

近年、擬音語、擬態語、擬声語であるオノマトペを中心に、他者の「参与」と「言葉」に関連するテーマを扱う福永は、

FUKUNAGA Atsushi

レジデンス施設周辺で目にするグラフィティやポスターなど、さまざまなメッセージ性を秘めた言葉やイメージ

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

をリサーチ。スタジオの窓を用いたコラージュ作品では、
混沌としながらも個人、そして表現の自由が保持されてTokyo-Berlin
Exchange Residency Program

いるクロイツベルク地区から、現在の日本の社会的な問2018.4.1-6.28 滞在

Focusing on the genre of words known as onomatopoeia
in recent years, Fukunaga deals with themes related to the

題を考えました。

“participation” of others, and “language.” During his timein Berlin, he conducted research on various words andQuebecois and herself, as an individual whose thoughtprocesses are mandated by the language of East Asian
thought, based on interactions with and interviews ofimages that contained messages, including graffiti andposters found in the area surrounding the residency site.

people in Quebec. Matsuda further pursued her reflections
through observations of their reactions to her kinetic

In a collage work using the studio window, he searched for
insight into the social issues faced by Japanese society in
Kreuzberg, where chaos and the individual and their rightsculpture, which included a guillotine that had an enlarged
photo of an eyebrow placed onto it, entitled Penalization

to freedom of expression may be thought to coincide.

for sight dependency.

《視覚依存者への戒め》2018 Penalization for sight dependency, 2018

PROFILEPROFILE

1983 年愛知県生まれ。長野県を拠点に活動。2010 年アリゾナ大学大学院（ファインアート）修了。主な展覧会に「Timeshare:
Reframed」（ ZAHA HADID Building、ニューヨーク、2017 ）、「清流の国ぎふ芸術祭 Art Award IN THE CUBE 2017」（岐阜県美術館）、「箱のなかに入っているのはどちらか ?」（アーツ千代田3331、
東京、2016 ）など。

CiR: Exchange Residency Program《Kreuzberg bleibt unhöflich》2018 Kreuzberg bleibt unhöflich, 2018

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Born in Aichi in 1983. Lives and works in Nagano. Graduated withan MFA from University of Arizona School of Arts in 2010. Recent
exhibitions: “Timeshare: Reframed,” ZAHA HADID Building, New
York, 2017, “Gifu Land of Clear Water Art Festival Art Award IN
THE CUBE 2017,” The Museum of Fine Arts Gifu, “Which one is in
the box?,” 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, 2016.

1980 年広島県生まれ。ベルリンを拠点に活動。2007 年広島市立大学大学院芸術学研究科博士後期課程満期退学。主な展覧会に「ikóynu」（ Gallery t、東京、2017 ）、「s（ k ）now」（さっぽろ天神山アートスタジオ、2017 ）、「kritischer Moment」（ Galerie AG
für zeitgenössische Kunst、バート・ドベラン、
ドイツ、2016）など。

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Born in Hiroshima in 1980. Lives and works in Berlin. Completed thedoctoral program without a doctoral degree in Graduate School ofArts, Hiroshima City University in 2007. Recent exhibitions: “ikóynu,”
Gallery t, Tokyo, 2017, “s(k)now,” Sapporo Tenjinyama Art Studio,
2017, “kritischer Moment,” Galerie AG für zeitgenössische Kunst,
Bad Doberan, Germany, 2016.

CiR: Exchange Residency Program

杉藤良江

制作のプロセスの中で生じるイメージのズレに焦点を当てる杉藤は、コーヒー殻が作り出す模様から図像を読みSUGITO Yoshie

取るトルコ式コーヒー占いを中心にリサーチを実施。偶
発的に生まれる視覚イメージが持つ物語を、フィールドワー

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

クやドローイングをとおして考察したほか、滞在施設内の工房を利用して版画やインスタレーションを組み合わせたコラージュ作品を制作。その成果を個展で発表しました。

Tokyo-Berlin
Exchange Residency Program

Inspired by her interest in the discrepancies in image
perception that occur during the creative process, Sugito

2019.1.3-3.31滞在

did research primarily on the Turkish coffee fortune-telling
practice based on the reading of patterns that appear

三上 亮

偶然や人の無意識の創造性を作品の題材とする三上は、ヴァルター・ベンヤミンのエッセー『一九〇〇年頃のベ

MIKAMI Ryo

ルリンの幼年時代』とヴィム・ヴェンダースの映画『ベルリン・天使の詩』を手掛かりに街を探索。同映画へのベン

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

ヤミンの影響や時代背景について調べるとともに、ベルリンで暮らす人々に自身にとっての「故郷」
をインタビュー

Tokyo-Berlin
Exchange Residency Program

するなど、新しい映像インスタレーション作品の素材を

2018.10.2-12.28 滞在

Mikami is known for taking the creativity of the serendipitousand of the human subconscious as themes for his works.

集めました。

In his residency in Berlin he explored the city through thelenses of Walter Benjaminʼs essay Berlin Childhood Aroundin the coffee grinds remaining in the cup. In addition to
fieldwork and drawings related to the reading of stories

1900: Hope in the Past and the Wim Wenders film Wings ofDesire. He researched the historical settings that promptedthat appear in visual images occurring in remaining coffee
grinds, Sugito used the workshop of the residence toWings of Desire and the influences of Benjaminʼs work on
the film in addition to collecting interviews of the citizens of
Berlin on their conceptions of their homeland as materials

create prints and collage works combining prints andelements from the installation. She then presented theseresults in a solo exhibition.

for his video installation.

《Coffee Reading》2019 Coffee Reading, 2019

PROFILEPROFILE

1985 年愛知県生まれ。ベルリンを拠点に活動。2013 年ブラウン
シュヴァイク美術大学マイスターシューラー課程修了。主な展覧会に「people!people!」（ MOM ART SPACE、ハンブルク、
ドイツ、
2018）
「
、Glas Herz Fenster」（Il Caminetto、ハンブルク、2018）「、綱
渡り師の目の埃」（ Galerie 21、ハンブルク、2018 ）など。

CiR: Exchange Residency Program《向こう側》2018 It is beyond, 201860

Born in Aichi in 1985. Lives and works in Berlin. Completed the
Meisterschüler in Braunschweig University of Art in 2013. Recent
exhibitions: “people!people!,” MOM ART SPACE, Hamburg, Germany,
2018, “Glas Herz Fenster,” Il Caminetto, Hamburg, 2018, “STAUB IN
DEN AUGEN EINES SEILTÄNZERS,” Galerie 21, Hamburg, 2018.

1983 年神奈川県生まれ。神奈川県を拠点に活動。2011年東京藝Born in Kanagawa in 1983. Lives and works in Kanagawa. Graduatedwith an MA in New Media from Tokyo University of the Arts in 2011.
Recent exhibitions: “Under Her Skin,” Nakacho House, Tokyo, 2018,“Saitama Triennial 2016,” Ceremony Art Village, “BankART AIR Open
Studio 2016,” BankART Studio NYK, Kanagawa, “The 8 th Emerging
Artists Support Program ʻFind Default and Rename It ― visionary
tales ―ʼ,” TWS Hongo, 2015.

術大学大学院映像研究科メディア映像専攻修了。主な展覧会に「Under Her Skin」（仲町の家、東京、2018）、「さいたまトリエンナー
レ2016」（セレモニーアートビレッジ）、「BankART AIR Open
Studio 2016」（ BankART Studio NYK、神奈川）、「第 8回展覧会企画公募『Find Default and Rename It ―幻談―』」（ TWS 本郷、2015 ）など。

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CiR: Exchange Residency Program曽谷朝絵

光と色彩や身体感覚をテーマに、絵画やインスタレーショ
ンを制作する曽谷は、バーゼルの強い光線と、ライン川やSOYA Asae

噴水といった光の反射板となる水に恵まれている環境に着目。光を色彩で繊細に表現した油彩絵画、カットアウ

二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉

トのインスタレーション作品を現地で制作し、サロン・モ
ンディアルでの個展「Broken Rainbow」にて発表しまTokyo-Basel
Exchange Residency Program

した。色や光に対する解釈について現地の人々と意見を2018.4.2-6.30 滞在

Creating paintings and installation works with light and

交わしました。

color and with physical sensations as their themes, Soya
focused on the strong sunlight and rich water resources

牧園憲二

個と社会、エネルギーと生活の関係性を考察し、そこから生まれる表現の可能性を探求する牧園は、ソウルで現地

MAKIZONO Kenjiの人たちとバンドを組むプロジェクトを実施。韓国の脱原発宣言、日本の原子力政策についてソウルの人々にイ

二国間交流事業プログラム〈ソウル〉

ンタビューを行い、それをもとにメンバーで楽曲を制作しパフォーマンスを実施。エネルギーと表現の関係性を2ヶ国にまたがる恊働を通じて探究しました。

Tokyo-Seoul
Exchange Residency Program

Makizono contemplates the relationship between our lives
and the role of energy, and the possibility for expression

2018.6.4-8.31滞在

lying therein. He conducted interviews with the citizens
of Seoul on South Koreaʼs stated commitment to nuclear
non-proliferation and on Japanʼs policy on nuclear power,using these to create musical works. He presented theof Basel, where with its proximity to the Rhine River andits many fountains, water serves as a reflective surface.
She created oil paintings that employed delicate use of

resulting work that spanned two nations in a performancewith South Korean band members, in which part of thecolor to express light and paper cutout installation works
during her residency in Basel, and held a solo exhibitionenergy requirements for the performance were met bygenerating them by hand. The work was a reflection on
the relationship of energy and expression.

titled “Broken Rainbow” at the Salon Mondial, where she
engaged Basel natives in a discourse about color and light.

個展「Broken Rainbow」展示風景 2018 Installation view at Solo Exhibition “Broken Rainbow,” 2018

PROFILEPROFILE

東京藝術大学大学院博士課程にて博士（美術）取得。主な展覧会に「高松市美術館コレク ション+」(高松市美術館、香川、2018)、「虹」(Aki Gallery、台北、2015 )、「宙色（そらいろ）」（水戸芸術館、茨城、2013 ）など。受賞歴に「VOCA 展 2002 現代美術の展望­新しい平面の作家たち」VOCA 賞、「昭和シェル石油現代美術賞」グラン
プリ（ 2001）など。

CiR: Exchange Residency Program《The Use of Energy》2018 The Use of Energy, 201862

Earned her PhD in fine art from the Tokyo National University ofFine Arts and Music. Recent exhibitions: “The Collection of the
Takamatsu Art Museum +,” Takamatsu Art Museum, Kagawa, 2018,“Rainbow,” Aki Gallery, Taipei, 2015, “sora iro (color of the air),”
Contemporary Art Center, Art Tower Mito, Ibaraki, 2013. Awards:“VOCA -THE VISION OF CONTENPORARY ART 2002,” VOCA Prize,“SHELL ART AWARD,” Grand Prize, 2001.

INTERVIEW

pp.30-37

1983 年福岡県生まれ。福岡県を拠点に活動。2008 年東京藝術大

Born in Fukuoka in 1983. Lives and works in Fukuoka. Graduatedwith an MFA in Film and New Media from Tokyo University of
the Arts in 2008. Recent exhibitions: “18 th ASIAN ART Biennale
Bangladesh 2018” Bangladesh Shilpakala Academy, Dhaka,“Exchange” Taitung Art and Culture Center, Tokyo, 2018.

学大学院映像研究科メディア映像専攻修了。主な展覧会に「第 18回アジアン・アート・ビエンナーレ・バングラデシュ2018」（バング
ラデシュ・シルパカラ・アカデミー、ダッカ）、「交換」（台東アートア
ンドカルチャーセンター、東京、2018 ）など。

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CiR: Exchange Residency Program迎 英里子石油の採掘や国債の仕組みなど、社会や自然に存在する対象物のメカニズムの解体、再構成に焦点を当てる迎は、

MUKAI Erikoフィンランドの林業の流通システムについて調査。森林を管理する林業協会のオフィスや機械による木の伐採と二国間交流事業プログラム〈ヘルシンキ〉

集材の現場、切られた木材のストッカーを見学し、これらのリサーチに基づき制作した装置を用いてパフォーマン
ス《アプローチ9.0》をオープン･スタジオで発表しました。

Tokyo-Helsinki
Exchange Residency Program

Mukai focuses on deconstructing and then reassembling
the mechanisms of social institutions and environmental

2018.9.3-11.29 滞在

resources, such topics as the drilling for oil and nations
issuing government bonds. During her stay in Helsinki

ルシアナ・ハナキ

ひとつの場所についての他者の記憶を解体し、自身の身体をとおして再現する制作方法に関心を抱くハナキは、Luciana JANAQUI

他者の巡礼日記を再演しながらサンティアゴ・デ・コンポ
ステーラまで歩き、ズレや差異を含め自分と他者の経験

二国間交流事業プログラム〈マドリード〉が混ざった日記を制作。滞在中に行われたオープン・ス
タジオでは、別の他者であるマドリード在住の日本人女
性がスペイン語に訳してこの日記を朗読し、自他が入れTokyo-Madrid
Exchange Residency Program

子構造となる作品発表を行いました。
Janaquiʼs work is concerned with dissembling the memories
of others as they pertain to places, and recreating them using

2018.10.29-12.9 滞在

her body as medium. She kept a diary of her experiences
acting out the pilgrimage diaries of others en route toshe studied the countryʼs native lumber industry. Basedon research from visiting the of fices of the forestry
organization that oversees the nationʼs lumber resources,

Santiago de Compostela, resulting in a mixture, with
contradictions and inconsistencies, of both her experiences

observations of mechanized logging and the mannerin which felled trees are then stocked, Mukai presented

and theirs. In a performance given at the Open Studio event
she further had a third-person Japanese resident of Madridtranslate and read her diary in Spanish, for a performancea performance piece with a self-constructed machine
entitled Approach 9.0 at an Open Studio program event.

formulated by both she and others, like a nesting doll motif.

《アプローチ9.0》2018 approach 9.0, 2018

《mi El Camino》プレゼンテーションでの展示風景 2018
mi El Camino installation view, 2018

PROFILEPROFILE

1990 年兵庫県生まれ。秋田県、京都府を拠点に活動。2015 年
京都市立芸術大学大学院美術研究科彫刻専攻修了。主な展覧会に「OPEN SITE 2017 - 2018『不純物と免疫』」（ TOKAS 本郷、
2017）、「日々のたくわえ」（ HAPS、京都、2017）、「新しいルーブ・ゴー
ルドバーグ・マシーン」（ KAYOKOYUKI、駒込倉庫、東京、2016）、「対馬アートファンタジア2016」（長崎県対馬市内各所）など。

CiR: Exchange Residency Program

64

Born in Hyogo in 1990. Lives and works in Akita and Kyoto. Graduatedwith an MFA from Kyoto City University of Arts in 2015. Recent
exhibitions: “OPEN SITE 2017 - 2018 ʻImpurity / Immunityʼ,” TOKAS
Hongo, 2017, “Allnight HAPS # 3 ,” HAPS, Kyoto, 2017, “New Rube
Goldberg Machine,” KAYOKOYUKI, Komagome SOKO, Tokyo, 2016 ,“TSUSHIMA ART FANTASIA 2016,” Tsushima, Nagasaki.

1987 年生まれ。東京都、リマを拠点に活動。2016 年 Centro de

Born in 1987 . Lives and works in Tokyo and Lima. Graduated with
an MA in Contemporary Photography from Centro de la Imagen
in 2016 . Recent exhibition: “/jama/,” Shirakoyama, Yakushima,
Kagoshima, 2017.

la Imagen（現代写真）修了。主な展覧会に「/jama/」（白川山、屋久島、鹿児島、2017 ）。

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CiR: Exchange Residency Program武田雄介

イメージが認識される前の知覚を「気体状の知覚」と捉え、その湿度を探究しながら制作を行う武田は、台北に生息

TAKEDA Yusuke

する大型のカタツムリや、台湾の風景に残る歴史や変化の痕跡をリサーチ。日本の面影を感じつつも全く異なる

二国間交流事業プログラム〈台北〉

都市で生活する中で生まれた非現実性や、人々が持つ南国への憧れと過去の侵略の地理的重なりへの気づきをとおし、フィクションと現実を往還するインスタレーション

Tokyo-Taipei
Exchange Residency Programを制作しました。
Takeda believes that sensory information exists in “agaseous state” prior to perception and creates works while

2018.10.8-12.28 滞在

アリソン・ムーア

視覚的なストーリーテリングとしてのパノラマの様式を探究するムーアは、人々の記憶や口述で伝わる歴史、自Allison MOORE身が訪れた場所などをもとに、架空の風景を描いています。
滞在中は、伝統的な絵巻物と吹抜屋台の構図の技法につ

二国間交流事業プログラム〈ケベック〉

いてのリサーチを行い、プロジェクションマッピングの手法で写真やフィールド・レコーディングを用いたジオラマ
映像作品を制作。建築に刻まれた日常生活と歴史の残像

Quebec-Tokyo
Exchange Residency Programを映し出しました。
Moore is interested in the panorama format as a modeo f stor y telling, and her moving image inst allations

2018.5.17-7.31滞在

monitoring the “image humidity” of this foment. During his
residency, he studied a large type of snail found in Taipei,

depict surreal landscapes that are informed by personal
memories, oral histories as well as the places that she

as well as the traces left on the landscapes of Taiwan byhistorical events and the changing times. His installation

has visited. While at TOKAS, her research focused on
traditional emakimono illustrative scroll paintings and thestraddled the line between fiction and reality, built aroundhis surreal experiences of living in a city closely resembling
those of Japan yet sharply different, and discoveries ofuse of fukinuki-yatai (birdʼs-eye views into roofless houses)
compositional techniques. Mooreʼs resulting video diorama
works were made using projection mapping software

the geographical overlap between the appeal of tropicalonto paper model houses and using photographs and fieldcountries and past invasion.

recordings collected on location. The works rediscovered
the daily-life and historical resonance in local architecture.

《Taipei perception》2018 Taipei perception, 2018

PROFILEPROFILE

1985 年広島県生まれ。石川県を拠点に活動。2014 年金沢美術工芸大学大学院博士後期課程満期退学。主な展覧会に「アペルト06
武田雄介」（金沢 21世紀美術館、石川、2017 ）、「すくなくともいまは、
目の前の街が利用するためにある」（ waitingroom、東京、2015 ）、「VOCA 展 2015 現代美術の展望─新しい平面の作家たち」（上野の森美術館、東京）など。

CiR: Exchange Residency Program《Sumida Diorama》2018 Sumida Diorama, 2018

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Born in Hiroshima in 1985. Lives and works in Ishikawa. Withdrew atthe end of the second term of the doctoral program of Kanazawa
College of Art in 2014. Recent exhibitions: “Aperuto 06 Yusuke
Takeda,” 21 st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa,
Ishikawa, 2017, “AT LEAST FOR NOW, THE CITY IS THERE TO BE
EXPLOITED,” waitingroom, Tokyo, 2015, “VOCA -THE VISION OF
CONTENPORARY ART 2015,” The Ueno Royal Museum, Tokyo.

1981年ビクトリア（カナダ）生まれ。モントリオールを拠点に活動。2005 年コンコルディア大学卒業。主な展覧会に「39アート in 向島 2019」（東京）、「Wunderkammer」（Place des Arts、
モントリオール、2018 ）、「PHOS Festival Photo and Art」
（Quartier General、マタン、カナダ、2017）、「Mois-Multi」（ Centre
Regart、レヴィ、カナダ、2016 ）、「Ao Norte do Norte」（MuseoDos Artes do Belem、ベレン、ブラジル、2014 ）。

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Born in Victoria (Canada) in 1981. Lives and works in Montreal.
Graduated from Concordia University in 2005. Recent exhibitions:“Mukojima Diorama,” 39 art Festival in Mukojima 2019, Tokyo,“Wunderkammer,” Place des Arts, Montreal, 2018, “PHOS Festival
Photo and Art,” Quartier General, Matane, Canada, 2017, “Mois-Multi,”
Centre Regart, Levis, Canada, 2016, “Ao Norte do Norte,” Museo
Dos Artes do Belem, Brazil, 2014.

CiR: Exchange Residency Programキム・ドヒ

麻痺や消滅の不安に抵抗し、身体的な衝動を作品に反映するキムは、体の中心にあるへそを、空虚、喪失の状態、

KIM Dohee

あるいは人生の始まりに起きた非物質から物質への転換の痕跡と捉え、滞在中に出会った30 人以上のへそ型を

二国間交流事業プログラム〈ソウル〉

取りお灸を作成。それらを自らの体に据えるパフォーマ
ンスを写真作品として発表しました。背骨のようにも見Seoul-Tokyo
Exchange Residency Program

える本作では、人々はへそ型のお灸をとおして煙や熱と2018.5.21-8.7 滞在

Inspired by the impulses of the body that resist the anxiety
of paralysis and extinction, Kim conceives of the navel,

なり、キムの身体的な記憶として刻まれました。

ヤラ・ユクマンYala JUCHMANN

体的手法）を通じた解剖学的構造への知見をもとに作品を具現化。滞在中は、舞踏、合気道のクラスや公共空間

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

で人の動きを観察することで人体を新たな視点で捉え直し、作品《Body in Stages: liquid／solid（ボディー・イ

Berlin-Tokyo
Exchange Residency Program

ン・ステージ：流動／固定）》において土方巽の舞踏譜を2018.9.4-11.30 滞在

Juchmannʼs artistic approach is characterized by an
exploration of the space that exists between sensory

制作と結び付けました。

located at the center of the body, as symbolic of emptiness,
futility and a state of loss; and the transformation from non-perception and physical requirements of the body.
Her artwork is infused with her knowledge of humanmatter to matter as life begins. In her TOKAS Residency,
she cast the navels of some 30 people she met, from theseanatomy, informed by the Somatic Methods. In Japan, sheparticipated in Butoh and Aikido classes as well as making

creating moxa, which she in turn burned on her body, andphotographed. In this work, the navels resemble a spine,
turning people into smoke and heat, and imprinting them inobservations in public spaces in order to gain additional
per spectives on the human body; in Body in Stages:
liquid /solid, Juchmannʼs work relates to Hijikata Tatsumiʼs

her physical memory.

notational system, Butoh-fu.

《Navel cast》2018 Navel cast, 2018

PROFILE《Body in Stages: liquid/solid (PART ONE)》2018 Body in Stages: liquid/solid (PART ONE), 2018

PROFILE

1979 年釜山生まれ。ソウルを拠点に活動。2006 年弘益大学修了（ファインアート）。主な展覧会に「The Arrival of New Woman」（国立現代美術館、ソウル、2017 ）、「Root of Tongue」（ JeanArt Gallery、ソウル、2017 ）、「Made In Korea」（ Centre dʼart
contemporain de Meymac、フランス、2016 ）、「REAL DMZ
Dong Song Sewol」（アートソンジェセンター、ソウル、2015 ）。

CiR: Exchange Residency Program

芸術的なアプローチとして、人の知覚と身体的欲求の間にある領域を探索するユクマンは、ソマティックメソッド（身68

Born in Busan in 1979. Lives and works in Seoul. Graduated with an
MA in Fine Arts from Hongik University in 2006. Recent exhibitions:“The Arrival of New Woman,” MMCA, Seoul, 2017, “Root of Tongue,”Jean Ar t Galler y, Seoul, 2017, “Made In Korea,” Centre dʼar t
contemporain de Meymac, France, 2016, “REAL DMZ Dong Song
Sewol,” Art Sonje Center, Seoul, 2015.

1984 年ハーゲン（ドイツ）生まれ。ベルリンを拠点に活動。ベルリン芸術大学修了（ヴィジュアル・アート）。主な展覧会に「A Kiss isjust a Kiss」（Meppener Kunstkreis、メッペン、ドイツ、2018 ）、「OTOLITH-inside out」
（Kaskl、ベルリン、2017 ）、「Garderobe」（ Grand Palais、ベルン、2016 ）など。

69

Born in Hagen (Germany) in 1984. Lives and works in Berlin.
Graduated with an MA from Universität der Künste Berlin. Recent
exhibitions: “A Kiss is just a Kiss,” Meppener Kunstkreis, Meppen,
Germany, 2018, “OTOLITH-inside out,” Kaskl, Berlin, 2017, “Garderobe,”
Grand Palais, Bern, 2016.

CiR: Exchange Residency Programヨンナ・キナ

音、言語、イメージが交わる作品を制作し、領域横断的な活動を行うキナは、近年の作品シリーズ《Somnivm（夢）》

Jonna KINAに関する調査を実施。同時に、古来の劇場、現代の家屋にまつわる現象、そしてモノや言語、人間が持つ無常性を二国間交流事業プログラム〈ヘルシンキ〉

歌の形式を用いて探究する、新しい映像作品のためのリサー
チと制作を行いました。

Helsinki-Tokyo
Exchange Residency Program

Kina is a multidisciplinary artist whose works often liesat the junction of sound, language and image. During
her stay in TOKAS Residency she has continued working

2018.9.4-11.23 滞在

with her recent series of work Somnivm. In addition, she
has worked on the research and creation of a new film

アルムデナ・ロベラ

目に見えるものを異なる形で提示する手段や、イメージのさまざまな非物質的性質を探究し、視覚対象から一段

Almudena LOBERA

階離れたものの見方を示唆するロベラは、近年のプロジェ
クト《What is Lost
（失われるもの）》を東京でも展開。誤っ

二国間交流事業プログラム〈マドリード〉てプリントされたASCII コードをグーグル翻訳で読み込み、強制的に英単語を認識させて翻訳した日本語を収集。それとともに伝統的な書道や版画についてもリサーチを行

Madrid-Tokyo
Exchange Residency Program

いました。
Exploring a presentation of the visual world using alternatemeans, as well as various immaterial properties that are an

2018.10.17-11.29 滞在

inherent part of the images, Lobera proposes a mindset
that is once removed from subjects that we are viewing.

piece, exploring the oldest existing form of theater andcircumstances surrounding current housing phenomenon,
as well as delving into the transience of objects, language

While in Tokyo she continued her work on her recent
project, W hat i s Lost. This included a sampling of theand people through the lens of song.

Japanese language, created by using Google Translate toforcibly identify mistaken prints of ASCII code as English.
Lobera additionally conducted research on traditional
Japanese Shodo calligraphy and woodblock printing.

What is Lostプロジェクト 2018-2019（進行中）《Somnivm》2017-2018 Somnivm, 2017-2018

Continuation of What is Lost project (ongoing project 2018-2019)

PROFILEPROFILE

1984 年ヘルシンキ生まれ。ヘルシンキを拠点に活動。2013 年美
術アカデミー（ヘルシンキ）修了（ファイン・アート）。主な展覧会に「6th Moscow International Biennale for Young Art」
（モスクワ、
2018 ）、「 15th Experimental Film and Video Festival」（ソウル、2018 ）、「第 10回恵比寿映像祭」（東京都写真美術館、2018 ）など。

CiR: Exchange Residency Program70

Born in Helsinki in 1984. Lives and works in Helsinki. Graduatedwith an MFA from Finnish Academy of Fine Arts in 2013. Recent
exhibitions: “ 6th Moscow International Biennale for Young Art,”
2018, “ 15th Experimental Film and Video Festival,” Seoul, 2018,“Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions,” Tokyo
Photographic Art Museum, 2018.

1984年マドリード生まれ。マドリードを拠点に活動。2016年HISK―Higher Institute for Fine Arts卒業。主な展覧会に「Véaseibid.」（ Arróniz、メキシコシティ、2018 ）、「Mystic Properties」（アート・ブリュッセル、2018 ）、「What is Lost」（Island, ブリュッセル、
2017 ）、「A Latent Revelation」（ Max Estrella、マドリード、2016 ）など。

71Born in Madrid in 1984. Lives and works in Madrid. Graduated fromHISK―Higher Institute for Fine Arts in 2016. Recent exhibitions: “Véaseibíd.,” Arróniz, México City, 2018, “Mystic Properties,” Art Brussels,
2018, “What is Lost,” Island, Brussels, 2017, “A Latent Revelation,” Max
Estrella, Madrid 2016.

CiR: Exchange Residency Programスザンナ・ヘアトリッヒ

アートと科学が交わる領域で活動し、人々とテクノロジーとの関係について探究するヘアトリッヒは、古典的な怪

Susanna HERTRICH

談や妖怪についてのさまざまな記述を出発点に、メディアテクノロジーが超自然的な世界との交流にあたってど

二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉のように利用されてきたかを、東洋と西洋の視点から調査を行いました。オープン・スタジオでは、さまざまなレ
ベルで超自然的な世界と関わり、探究するための「studiolo

Basel-Tokyo
Exchange Residency Program（研究室）」を制作しました。
Hertrich works at the intersection of art and scienceand explores our relationship with technologies. Taking

2019.1.4-3.31滞在

ワン・リエンチェン

インタラクティブな装置やリアルタイムのサウンドを作品に用いるワンは、中古のドットマトリクスプリンターを

WANG Lien-Cheng

集め、その機械的な音を使用した「シンフォニーオーケ
ストラ」を制作。印刷機能が取り除かれ動作音のみを鳴

二国間交流事業プログラム〈台北〉

らし続けるプリンターを、本来人間が持つはずの意志を失い、単調な作業を続ける工場労働者の姿と重ね合わせ、
長年世界の工場であったアジアのグローバリゼーション、

Taipei-Tokyo
Exchange Residency Program

電子製品の大量生産と廃棄物の問題を提起しました。
Wang creates works using interactive devices and realtime sound. This time he gathered old dot matrix printers2019.1.5-2.14 滞在

various ghost stories and traditional descriptions of spirits
as a starting point, she researched how media technology

and used their mechanical sound to create a “symphonyorchestra.” He used the continuous mechanical sound ofhas been used to communicate with the world of thesupernatural which she examined from Eastern andthe printers removed from the printing function to evoke
the image of factory workers stripped of their inherent

Western perspectives. In the Open Studio she created a“studiolo” (laboratory) as a space to explore and engage
with the technological supernatural on various levels.

consciousness amid the monotony of mundane work andraise questions about the globalization of Asia and its
emergence from long years of serving as the worldʼs factory,
as well as issues of the mass production of electronic
products and the wasted involved in their disposal.

《The super supernatural》2019 The super supernatural, 2019

PROFILEPROFILE

1973 年パリ生まれ。バーゼル、ベルリンを拠点に活動。2008 年
ロイヤル・カレッジ・オブ・アート修了。主な展覧会に「On thedependence of our world view on the duration of ourmoment」（Mannheimer Kunstverein e.V., マンハイム、ドイツ、
2018 ）、「ウィーン・ビエンナーレ2017」など。主な活動に「Artistic
research project funding」（スイス国立科学財団、バーゼル、
2016-2018 ）など。
CiR: Exchange Residency Program

72

Born in Paris in 1973. Lives and works in Basel and Berlin. Graduatedwith an MA from Royal College of Art in 2008. Recent exhibitions:“On the dependence of our world view on the duration of ourmoment,” Mannheimer Kunstverein e.V., Germany, 2018, “Vienna
Biennale 2017.” Recent activity: Artistic research project funding,
Swiss National Science Foundation, Basel, 2016-2018.

1985 年台北生まれ。台北を拠点に活動。2012 年国立台北芸術大学修了（メディア・アート）。主な展覧会に「第12回国際アルテ・ラグー
ナ国際美術賞展」（ Nappe Arsenale Nord、ヴェネチア、2018）「、ア
ルスエレクトロニカ・フェスティバル2017」（ Post City、
リンツ、オー
ストリア）
など。
受賞歴に
「ルーメン賞：3D／Sculpture award」（2017）など。

73

Born in Taipei in 1985. Lives and works in Taipei. Graduated withan MFA in New Media Art from Taipei National University of theArts in 2012. Recent exhibitions: “ 12th Arte Laguna Prize,” Nappe
Arsenale Nord, Venice, 2018, “Ars Electronica Festival 2017,”
Post City, Linz, Austria. Award: “Lumen Prize, The winner of 3D/
Sculpture award,” 2017.

CiR: Exchange Residency Program

海外クリエーター招聘プログラム
International Creator Residency Program

エリサ･カルダナ &長坂有希

カルダナと長坂は、バブル経済以降長期の経済停滞下にある東京の街や、そこで暮らす人々の様子、ロストジェネ
レーションや人々の将来の夢といった抽象的な概念を捉えるため、環境や歴史的背景、性質が異なる東京湾沿岸

Elisa CALDANA &NAGASAKA Akiの地域や多摩ニュータウン、丸の内、八丈島などを訪問。
リサーチや対話から受けた印象や遭遇した物語を、写真やオブジェ、テキストを用いてインスタレーションとして海外クリエーター招聘プログラム

発表しました。

International
Creator Residency Program

Caldana and Nagasaka visited diverse locations such as areas
alongside Tokyo Bay, the Tama New Town development,
Marunouchi and Hachijo Island to get a grasp of abstract
concepts such as the effects of the long period of economic

2018.5.7-7.31滞在

stagnation after the bursting of the economic bubble
on the lives of Tokyoites and the city itself, the Lost
Generation and peoplesʼ dreams for the future against an
environmental and historical backdrop. In this installation
they utilize photographs, art objects and text to present
their impressions and stories they encountered as they
conducted their research and interviews.

ヴィジュアル・アート、建築、デザイン、キュレーション、アドミニストレーションの分野で、実績を積む中堅クリエーターに、新たな作品やアイデアの創造、新しいプロジェクトの展開に向けた創作活動の機会を提供する公募プログラム。クリエーターは、渡航費や滞在費を含めた支援を受け、約 3ヶ月間東京に滞在。滞在期間終盤に行われるオープン･スタジオでは、制作やリサーチ活動のプロセスを発表します。2018 年度は、ドイツ、イタリア、カンボジア、タイなどで活動するヴィジュアル・アーティスト5 組 6 名を TOKASレジデンシーに招聘しました。

This open-call program is designed to provide mid-career international creatorswith a record of achievement in the visual arts, architecture, design, curation or arts
administration the opportunity to create new works or ideas or engage in other creative
activities aimed at implementing new projects. The chosen creators are given financial
support including airfare and living expenses for a roughly three-month residency inTokyo. The creators are also involved in an Open Studio event toward the end of theirstay, as an opportunity to reflect upon and share the processes that have characterized
their creative and research projects. To the TOKAS Residency in 2018 - 2019, we invited
six creators (constituting five projects) based in countries including Germany, Italy,
Cambodia and Thailand.
《Portrait of Objects》2018 Portrait of Objects, 2018

サポート内容Support Contents
Airfare, living expenses, fees for creative work/project,living space and shared studio space.

渡航費、滞在費、制作費、居室、シェアスタジオを提供

滞在期間

Residency Periods

5 月〜 7 月、9月〜 11月、1月〜 3月の間の約 3ヶ月間

Approx. 3 - month periods in May to July, Sept. to Nov., Jan.
to Mar.

74

PROFILE
エリサ・カルダナ：1986 年イタリア生まれ。アムステルダムを拠点

Elisa CALDANA: Born in Italy in 1986 . Lives and works in Amsterdam.
Earned her Meisterschüler from Staatliche Hochschule für Bildende
Künste Städelschule, Frankfurt in 2013.
NAGASAKA Aki: Born in Osaka in 1980. Lives and works in Osaka.
Earned her Meisterschüler from Staatliche Hochschule für Bildende
Künste Städelschule, Frankfurt in 2012.

に活動。2013 年国立造形美術大学シュテーデルシューレ・フランクフルト（ファインアーツ）よりマイスターシューラー取得。
長坂有希：1980 年大阪府生まれ。大阪府を拠点に活動。2012 年
国立造形美術大学シュテーデルシューレ・フランクフルト（ファインアーツ）よりマイスターシューラー取得。

75

CiR: International Creator Residency Programヘンリケ・ナウマン

ドイツ再統一の過程を体験し、急進化のメカニズムやデザイン、ファッションに表れる時代や地域の政治的見解

Henrike NAUMANNの摩擦に関心を抱くナウマンは、コンゴ民主共和国キンシャ
サと東京のファッションのつながりを探究。サプールを

海外クリエーター招聘プログラム

魅了する日本のデザイナーズブランドのイッセイミヤケ
やヨウジヤマモト、1980 年代のバブル経済下の人々のInternational
Creator Residency Program

生活やその後の社会の変化についてリサーチを行い、写ソーンチャイ・ポングサ

タイのモン族として、アニミズムや民族性、見えないものに関心を抱くポングサは、現代人と先祖の関係性や日本

Sornchai PHONGSA

う ら ぼ ん えのアニミズムについて、盂蘭盆会に着目しリサーチを実施。
現在も先祖を供養する戦災者や戦争遺族と出会い、彼ら

海外クリエーター招聘プログラムのインタビューに基づき命名したプロジェクト「I Do not

International
Creator Residency Program

Believe in God Anymore」を展開。先祖の魂を現世に迎え、来世に送り出す迎え火や送り火をモチーフにイン

真や映像、インスタレーションで描き出しました。

スタレーションを制作しました。
2018.8.11-10.10 & 10.20-11.15 滞在

2018.5.7-7.31滞在
Naumann, who experienced the reunification process inGermany, investigates the mechanisms of radicalization andPhongsa, a member of the Thai-Mon ethnic group, isinterested in animism, ethnicity and the invisible, which

how design and fashion reflect the times and the friction
in local political views. She explored the connections

brought him to research Japanʼs Ura Bon Festival, especiallythe relationship between modern people and their ancestors

between fashion in Kinshasa in the Democratic Republicof the Congo and Tokyo. Her photographic and video

and animism in Japan. The project he developed entitled
I Do Not Believe in God Anymore is based on interviews

installation presented her research into the “sapeurs” whoare obsessed with Japanese designer brands such as Issey
Miyake and Yohji Yamamoto, the lifestyles of people duringconducted with war bereaved families and victims of thewar who still hold memorial services for their ancestors. He
created an installation utilizing the fire motif to welcome

the economic bubble years of the 1980s and the changes

ancestral spirits to this world and then send them back.

in society that took place after the bursting of that bubble.

《Comme des Kinois I》2018 Comme des Kinois I, 2018

PROFILEPROFILE

1984年ドイツ生まれ。ベルリンを拠点に活動。2012年コンラート・ヴォ
ルフ・ポツダム＝バーベルスベルク映画・テレビ大学卒業。主な展
覧会に「釜山ビエンナーレ2018」、「2000」（アプタイベルク美術館、
メンヒェングラートバッハ、ドイツ、2018 ）、「第 1回リガ国際ビエンナーレ」（ Residence of Kristaps Morbergs、2018 ）、「第 5回ゲッ
トー・ビエンナーレ」（ Grand Rue、ポルトープランス、ハイチ共和国、
2017 ）。
CiR: International Creator Residency Program

76

Born in Germany in 1984. Lives and works in Berlin. Graduatedfrom Film University Babelsberg KONRAD WOLF in 2012. Recent
exhibitions: “Busan Biennale 2018,” “ 2000,” Museum Abteiberg,
Mönchengladbach, Germany, 2018, “ 1st Riga International Biennialof Contemporary Art,” Residence of Kristaps Morbergs, 2018, “ 5thGhetto Biennale,” Grand Rue, Port-au-Prince, Haiti, 2017.

1991年カンチャナブリー（タイ）生まれ。シラパコーン大学ペインティ

ング・彫刻・グラフィックアート学部修了。主な展覧会に「バンコクアートビエンナーレ2018」、「HATOHANO Ancestral Gatherings」（ LHONG 1919、バンコク、2018 ）、「Le Flash」（パリ国立高等美術学校、2018）、「MONTOPIA」（パリ国際芸術都市、2018）、「MonʼsSpirirts Totem」（バンコク・アート& カルチャー・センター、2017 ）など。

77Born in Kanchanaburi (Thailand) in 1991. Graduated with an MFA
in Faculty of Painting Sculpture and Graphic Art from Silpakorn
University. Recent exhibitions: “Bangkok Art Biennale 2018,”“HATOHANO Ancestral Gatherings,” LHONG 1919, Bangkok, 2018,“Le Flash,” École nationale supérieure des Beaux-Arts, Paris, 2018,“MONTOPIA,” Cité Internationale des Arts, Paris, 2018, “Monʼs
Spirirts Totem,” Bangkok Art & Culture Centre, 2017.

CiR: International Creator Residency Programアンドレアス・ハルトマン

観察から得られた新たなリアリティの創造をテーマに作品を制作する映像作家のハルトマンは、跡形もなく消えAndreas HARTMANNて新たな人生を始めるという、誰もが抱く幻想についてのドキュメンタリー・プロジェクトとして、「蒸発」に焦点

海外クリエーター招聘プログラム

を当て、共同制作者の森あらたとともに、蒸発した側と残された側、双方の観点から取材や撮影を行いました。本International
Creator Residency Program

作は、複数チャンネルによる映像と音のインスタレーショ

リム・ソクチャンリナ

世界との関係の中でカンボジアにもたらされる社会的、
政治的、地政学的、文化的、経済的、環境的変化について

LIM Sokchanlina

探究するリムは、2015 年より、シンガポール、日本、タイ、マレーシア、韓国、香港のアジア6カ国におけるカンボジ

海外クリエーター招聘プログラム

ア人出稼ぎ労働者について調査を行っています。東京ではこのテーマのもと、カンボジア移民労働者のコミュニティ

International
Creator Residency Program

や東京に住むカンボジア人政治亡命者にインタビューをンとして発表する予定です。

行い、新たな映像作品を制作しました。

2018.9.17-11.19 滞在

2018.9.3-11.29 滞在
Hartmann is a filmmaker whose theme is the creation ofa new reality obtained through observation. This time he

Lim uses a variety of strategies to explore the social,political, geopolitical, cultural, economic and environmental

created a documentary video installation in collaboration
with Mori Arata that focuses on the commonly held fantasy

changes in Cambodia brought about by its relationshipto the outside world. Since 2015, he has been conductingof disappearing without a trace to start a new life, calledjohatsu in Japanese. To tell the story from the viewpoint ofresearches of Cambodian migrant workers in the six Asian
countries of Singapore, Japan, Thailand, Malaysia, Southboth those who have themselves disappeared and those
who were left behind, they conducted interviews andfilmed the results. This work is to be presented as a 3-channel

Korea and the Special Administrative Region of Hong Kong.
The new video piece he produced furthers this themein Tokyo through interviews with Cambodian workers invideo 6-channel audio installation.

immigrant communities and also with Cambodians who areliving in Tokyo and seeking political asylum.

《蒸発》2019 Johatsu, 2019

《Cambodia Migrant Worker in Aisa (A Conversation)》2018
Cambodia Migrant Worker in Aisa (A Conversation), 2018

PROFILEPROFILE

1983 年パーダーボルン（ドイツ）生まれ。ベルリンを拠点に活動。
2011年コンラート・ヴォルフ・ポツダム＝バーベルスベルク映画・
テレビ大学卒業。主な作品に《A Free Man》
（第 22回プサン国際映画祭／第 60回DOKライプツィヒ国際映画祭、2017 ）、《Freier
Mensch》（ドイツ TVドキュメンタリー、ZDF ／ 3 satにて放映、
2016）、《My Buddha is Punk》（第56回Festival du Popoli、フィレンツェ、2015 ）など。
CiR: International Creator Residency Program

78

Born in Paderborn (Germany) in 1983. Lives and works in Berlin.
Graduated from Film University Babelsberg KONRAD WOLF in
2011. Recent activities: A Free Man, 22nd BUSAN International Film
Festival/ 60th DOK Leipzig International Film Festival, 2017, FreierMensch, German TV documentary, broadcasted on ZDF/ 3 sat,
2016, My Buddha is Punk, 56th Festival du Popoli, Florence, 2015.

1987 年プレイベン州（カンボジア）生まれ。プノンペンを拠点に活Bron in Preveng Province (Cambodia) in 1987. Lives and works
in Phnom Penh. Graduated with a BA in Economics from Norton
University in 2010. Co-founder of artists run space called Sa Sa
Art Project, Cambodia. Recent exhibitions: “Bangkok Art Biennale
2018 ,” “Biennale of Sydney,” 2018, “Sunshower: Contemporary Art
from Southeast Asia 1980s to Now,” Mori Art Museum, Tokyo/
Fukuoka Asian Art Museum, 2017.

動。2010 年ノートン大学（経済）卒業。カンボジアのアーティスト・
ラン・スペースSa Sa Art Project設立メンバー。主な展覧会に「バ
ンコクアートビエンナーレ2018」、「シドニービエンナーレ2018」、「サ
ンシャワー：東南アジアの現代美術展 1980 年代から現在まで」（森
美術館、東京／福岡アジア美術館、2017 ）など。

79

CiR: International Creator Residency Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム
Institutional Recommendation Program

アレッサンドロ・リブリオ

アーティスト／作曲家／音楽家のリブリオは、自然の関係をテーマとしたサウンドスケープやアート・プロジェクト

Alessandro LIBRIO

を実践し、領域の境界を越える新しい可能性を探究しています。滞在中は、2014年からパレルモのアートセンター

芸術文化・国際機関推薦プログラム「N38E13」と協働している人間と生物（ミツバチ）とのユニー

Institutional
Recommendation Program

クな対話を試みるプロジェクト「Music for the Queen」の東京での実現に向けて、施設や文化機関、企業を訪問し、調査を行いました。

2018.5.3-6.4 滞在
Artist, composer and musician Librio is known for hissoundscaping project that takes the relationship withnature as its theme, while exploring new possibilities thatarise from the crossing of the boundaries of existing fields
of art. During his TOKAS residency, he took various steps
toward actualizing the Music for the Queen project, his
collaboration with the Palermo art space N38 E13 begun in2014 that promotes a unique dialogue between humans
and bees. In Tokyo, he made various visits to venues,
cultural organizations and corporations to this end.

大使館や国内外の公的機関、美術館、アートセンター、大学、民間の芸術文化団体の推薦により、展覧会、コンサートといった将来的な発表のためのリサーチや学術研究を目的として滞在するプログラム。クリエーターは、数週間から3ヶ月間の滞在の中で、TOKASレジデンシーに滞在するほかの作家と活発に交流し、新しい作品やプロジェクトに向けたリサーチ活動を行います。2018 年度は、6ヶ国から国際的に活動する映像作家、ペインター、作曲家、サウンド・
アーティストなど計 7 名が TOKASレジデンシーに滞在し、自身の制作活動を展開させました。

This program solicits recommendations from embassies, domestic and foreign public
institutions, museums, arts centers, public and private universities and private-sector artsand culture organizations for residency proposals for the purpose of research for future
exhibitions or concerts and the like, as well as academic research. During their residencies
of between several weeks and three months, the recommended creators frequently meetand interact with the other creators in residence at TOKAS Residency while conducting
research on new works and projects. In 2018 - 2019, seven creators including video artists,
painters, composers and sound artists, etc., from six countries undertook their artistic
endeavors at TOKAS Residency under this program.

《Music for the Queen - Studio N. 1》2017 Music for the Queen - Studio N. 1, 2017

PROFILE

サポート内容Support Contents
Living space provided

居室を提供

Residency Periods

滞在期間

Approx. 1 - to 3 - month periods in May to July, Sept. to Nov.,
Jan. to Mar.

5 月〜 7 月、9月〜 11月、1月〜 3月の間の約 1ヶ月〜 3ヶ月間

80

1982 年エリチェ（ イタリア ）生まれ。パレルモを拠 点に活 動。

2008 年パレルモ音 楽 学 校 卒業。主な展覧 会に「Palermo in
Palermo」（ The historic center of Palermo、パレルモ、2017 ）、「MFTQ Studio n 2」
（ボルゲーゼ公園、
ローマ、2015）、「PLACES」（ 400 MQ、アンコーナ、イタリア、2012 ）、「第 54回ヴェネチア・ビ
エンナーレ」（イタリア館、2011）。

81

Born in Erice (Italy) in 1982. Lives and works in Palermo. Graduatedfrom Conservatory of music, Palermo in 2008. Recent exhibitions:“Palermo in Palermo,” The historic center of Palermo, 2017, “MFTQ
Studio n 2,” Villa Borghese, Rome, 2015, “PLACES,” 400 MQ,
Ancona, Italy, 2012, “54th Venice Biennale,” Italian Pavilion, 2011.

CiR: Institutional Recommendation Programフェリックス＝アントワーヌ・モラン

サウンド・アーティスト／作曲家のモランは、日本を拠点

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Programに活動する作曲家と、東京のさまざまな場所に12 個のス
テレオマイクを設置し、音と知覚、またUbiquity（遍在）Félix-Antoine MORINという現象を考察する「Coextensive Ubiquity」
を実施。

芸術文化・国際機関推薦プログラム

として、レジデンス近隣に設置したマイクが捉える環境

オープン・スタジオでは、本プロジェクトのプロトタイプ
音を用いて鑑賞者自身がミキシングできる装置を作り上Institutional
Recommendation Program

げました。

2019.1.5-3.31滞在

A s a sound ar tist and composer, Morin conduc ted a“Coextensive Ubiquity” project that explored sound,アントニオ・チャコン

絵画を主な媒体として活動してきたチャコンは、近年、雪などを用いた彫刻や、ビデオアートの制作を探究。ビデ

Antonio CHACÓN

オアーティストのマツモトノリヒトとともに映像作品を制作し、意図的に構築したシークエンスからなる新作を展

2018.7.9-7.25 滞在

覧会で発表しました。
Having been primarily a painter for many years, Chacón has
in recent years begun to explore video art and sculptingfrom materials such as snow. During his residency, hecollaborated with video artist Matsumoto Norihito inperception and phenomena of ubiquity by working with
Tokyo-based composers and placing 12 stereo microphones
at various loc ations in Tok yo. In OPEN STUDIO, as aprototype of this project he used environmental soundfilming new work and finally gave an exhibition of works
created by intentionally piecing together sequences of the《Mediterráneo》2018 Mediterráneo, 2018

new video footage.

gathered from microphones set in the vicinity of the
TOKAS Residency and created a system that made it
possible for visitors to mix their own sound/music from it.

PROFILE
1976 年メキシコシティ生まれ。ブリアナ（スペイン）を拠点に活動。

1991年ラ・エスメラルダ美術学校卒業。主な展覧会に「空間88」（イ
ンスティトゥト・セルバンテス東京、2018 ）など。
Born in Mexico City in 1976. Lives and works in Burriana (Spain).
Graduated with a BA from La Esmeralda National School of
Painting Sculpture and Printmaking in Mexico city in 1991. Recent
exhibition: “Espacio 88,” Instituto Cervantes Tokyo, 2018.

グラハム・エラード

ドローイングや模型制作から、職人や庭師の仕事まで、手仕事と素材や物理的なオブジェとの関わりにおける「知

Graham ELLARD

性」を探究するエラードは、東京藝術大学の客員研究員
として工芸のリサーチを実施。また、日本人の木工芸作

2018.7.8-8.7 滞在

家による継手制作を撮影しました。
The processes and pleasures of making were Ellardʼscentral concerns – the work of the hand and its ʻintelligenceʼin its interaction with materials and physical objects, fromdrawing and model making, to the work of a musician,craftsperson or gardener. In Tokyo Ellard was a Visiting《Join》2018

Scholar at Tokyo University of the Arts researchingapproaches to craft, and, with Shiroki Asako, shot a 16mm
film of a Japanese wood jointing process.

Join, 2018

PROFILE
1977 年ケベック（カナダ ）生まれ。モントリオールを拠点に活動。2009 年モントリオール音楽院卒業。主な公演に《Generate
Function》（「MUTEK festival」、モントリオール、2018 ）、《Alwaysmind your surroundings》（Black box CMM、モントリオール、
2018 ）、主な展覧会に「EIAO」（ Eastern Bloc、モントリオール、
2018 ）、「FolkinStock」（Phi center、モントリオール、2018 ）。

CiR: Institutional Recommendation Program

82

PROFILE
Born in Quebec (Canada) in 1977. Lives and works in Montreal.
Graduated from Conservatoire de musique de Montréal 2009.
Recent performances: Generate Function, “MUTEK Festival,”
Montreal, 2018, Always mind your surroundings, Black box CMM,
Montreal, 2018. Recent exhibitions: “EIAO,” Eastern Bloc, Montreal,
2018, “FolkinStock,” Phi center, Montreal, 2018.

1960年イギリス生まれ。ロンドンを拠点に活動。主な展覧会に「The

Pavilion」（フォークストーン・トライエニアル2017、イギリス）。

Born in UK in 1960. Lives and works in London. Recent exhibition: “The
Pavilion,” Folkestone Triennial, UK, 2017.

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CiR: Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

プラパット・ジワランサン

ジェローム･ブシャール

2017 年滞在時のタイ人労働者に関するリサーチを発展させ、シンガポール、日本、ミャンマーの移民労働者につPrapat JIWARANGSAN

いて調査するジワランサンは、東京で生活するビルマ人に祖国を離れた過程や日本で暮らし始めた当初の様子な2018.9.1-9.30 滞在

どについてインタビューを行いました。

Jerome BOUCHARD

制作の手法と機械によるカッティングを組み合わせる制
作方法を発展させた作品を、カナダ大使館内高円宮記念

2018.9.5-9.18 滞在

ギャラリーで発表しました。

Jiwarangsan expanded on the research he conducted
originally on Thai workers during his 2017 residency

Bouchard creates works using geoinformation data.
During his residency in Tokyo in 2017, the artist developed

to encompass migrant workers of Singapore, Japanand Myanmar. During his stay in Tokyo, he conducted

works through combined processes of traditional methods
used in making Japanese katagami dyeing stencils andinterviews with Myanmar nationals on such topics as thecircumstances under which they left their home country《Kyaw Kyaw Soe》2018 Kyaw Kyaw Soe, 2018

地理学や環境学のデータを用いて作品を制作するブシャー
ルは、2017 年の東京滞在で行った、日本の伝統的な型紙

mechanized cutting methods. He presented the new workby this combined method at the Prince Takamado Gallery

カナダ大使館高円宮記念ギャラリーでの展示風景 2018
Installation View at Prince Takamado Gallery, 2018

and their experiences upon first arriving in Japan.

located in the Canadian Embassy.

PROFILE
1977年ケベック
（カナダ）
生まれ。
リエージュ
（ベルギー）
を拠点に活動。

PROFILE2010年ケベック大学モントリオール校（ヴィジュアル＆メディアアート）

1979 年バンコク生まれ。バンコクを拠点に活動。2011 年ロイヤ

ル・カレッジ・オブ・アート（ファイン・アート）修了。主な展覧会に修了。
主な展覧会に「Cʼest ainsi quʼentre la lumière: Tableau(x) dʼ
une exposition」（モントリオール現代美術館、2018 ）など。

Born in Bangkok in 1979. Lives and works in Bangkok. Graduatedwith an MA in Fine Arts from Royal College of Art in 2011. Recent
exhibition: “Destination Nowhere,” Gallery Ver, Bangkok, 2019.

Born in Quebec (Canada) in 1977. Lives and works in Liege (Belgium).
Graduated with an MA in Visual and Media Arts from the Universitédu Québec à Montréal in 2010. Recent exhibition “Cʼest ainsi quʼentre
la lumière: Tableau(x) dʼune exposition,” Musée d'art contemporain
de Montreal, 2018.

「Destination Nowhere」（ Gallery Ver、バンコク、2019 ）など。

パリ東京文化タンデム 2018 ｜ Tandem Paris-Tokyo 2018 ※東京都共催事業

ケイト・グルービー

絵画制作やパフォーマンスを行い、女性作家初の大和日英基金アートプライズを受賞したグルービーは、美術史

Kate GROOBEY

をフェミニストの視点から捉え、映像や服を纏ったマネキンなどで構成した作品をミヅマアートギャラリーで展示。

2018.9.5-10.10 滞在

日本文化のリサーチのため直島や京都を訪れました。

アンヌ・クシラダキス

食べ物と食器の相互作用や、食器がどのようにシェフの創造性を刺激できるかに関心を抱くクシラダキスは、「パAnne XIRADAKIS

リ東京文化タンデム2018」の事業である現代工芸品展
覧会に参加するため滞在。オープン･スタジオでは作品

2018.11.8-11.12 滞在の一部とそのコンセプトを紹介しました。

A painter and performance artist, Groobey became thefirst woman ever to win the Daiwa Foundation Art Prize.

ミヅマアートギャラリーでの展示風景 2018

research on Japanese culture, she visited Naoshima, Kyoto
and Nara.

Installation View at Mizuma Art Gallery, 2018

CiR: Institutional Recommendation Program

Xiradakis is interested in the interplay between food andtableware and how tableware stimulates the creativity ofa chef. She did her residency in order to participate in the

The artist exhibited works consisting of video, dressedm ann e quin an d p ain t in g , in f o r m e d by h e r f e mini s tobservations of art history, at Mizuma Art Gallery. To do

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modern crafts exhibition that was part of the “Tandem
Paris-Tokyo 2018 ” program. One part of her work and its《Vaisselle à cuisiner》2010 Vaisselle à cuisiner, 2010

concept were introduced at the Open Studio.

PROFILEPROFILE

1979年リーズ（イギリス）生まれ。
2010年ロイヤル・カレッジ・オブ・アート（絵画）修了。主な展覧会に「Played」（Ebensperger Galerie、
ザルツブルク、2018 ）、「Pure Pleasure」（Ikon Gallery、バーミン
ガム、イギリス、2018 ）など。

フランス生まれ。フランスを拠点に活動。1998 年ボルドー高等美術教育学院卒業。主な展覧会に「響き合う創造：日本とつながる
28 人のフランス人クリエーター」（東京都美術館／堀川御池ギャラ
リー、京都、2018 ）など。

Born in Leeds (UK) in 1979. Graduatetd with an MA in Painting
from the Royal College of Art in 2010. Recent exhibitions: “Played,”
Ebensperger Galerie, Salzburg, 2018, “Pure Pleasure,” Ikon Gallery,
Birmingham, UK, 2018.

Born in France. Lives and works in France. Graduated from Écoledʼenseignement supérieur dʼart de Bordeaux in 1998. Recent exhibition“Création sous influence: 28 créateurs français en lien avec le Japon,”Tokyo Metropolitan Art Museum/ Horikawa Oike Gallery, Kyoto, 2018.

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CiR: Institutional Recommendation Program /Tandem Paris-Tokyo 2018

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム
Research Residency Program

イップ・ユック＝ユー

ハイブリッドな創造の形態に関心を抱くイップは、日本のアート産業におけるビデオゲームに着目し、この分野に

IP Yuk-Yiu

携わるギャラリーなどを訪問。アーティストやキュレーター
とネットワークを構築し、2 種類の実験的ビデオゲーム・

2018.5.1-6.14 滞在

プロジェクトの完成を目指しました。
As a media artist who is interested in hybrid creative forms,
IP focused and researched on video game art practices inJapan. He networked with artists, curators and scholars
working in the field, and completed two video gameprojects during his residency stay.

《To Call A Horse A Deer》2018 To Call A Horse A Deer, 2018

PROFILE
1974年香港生まれ。香港を拠点に活動。1998年マサチューセッツ・

カレッジ・オブ・アート・アンド・デザイン（ファインアート）修了。主な展覧会に「OPEN SITE 2017-2018『PLAY.GROUND』」（ TOKAS
本郷、2017 ）など。

B orn in Hong Kong in 1974. Live s and work s in Hong Kong.
Graduated with an MFA from Massachusetts College of Art in1998 . Recent exhibition: “OPEN SITE 2017 - 2018 ʻPLAY.GROUND,ʼ ”
TOKAS Hongo, 2017.

東京を舞台とした文化芸術の研究、新しい創作に向けたリサーチを行う国内外のアーティスト、キュレーター、アドミニストレーター、建築家、デザイナー、作曲家、ライターなど、さまざまなジャン
ルのクリエーターを対象とした公募プログラム。クリエーターは、5 月〜 7 月、9 月〜 11月、1月〜 3 月の各期間に5 〜 6 組が約 6 週間〜 2ヶ月間滞在し、関心を持つテーマについてリサーチ活動を行います。2018 年度は、14 組 15 名が TOKASレジデンシーに滞在し、リサーチ内容に関わ山本浩貴

東アジア地域における「（複数形の）近代」の様相に関心を持つ山本は、1945 〜 1952 年の占領期東京についてイ

YAMAMOTO Hiroki

る人々へのインタビュー、現地調査や撮影のほか、大学での講演など、幅広い活動を行いました。

2018.5.8-6.14 滞在

This is an open-call program for creators from Japan and abroad in various arts genres,

新作のための素材 2018 Material for a new work, 2018

ンタビュー、文献調査などによる集中的なリサーチを実施。
また1950 年代に製造されたカメラで現存する占領期に接収された建物を撮影しました。
Interested in the forms and modalities of the (plural)ʻmodernitiesʼ that have existed in East Asia, Yamamoto

including artists, curators, arts administrators, architects, designers, composers, writers,

conducted interviews about Tokyo during the Allied
occupation from 1945 to 1952 and did research on surveys.
He also used a camera from the 1950s to photograph theetc., to conduct research on arts and culture in the Tokyo area or do research for thecreation of new works. Five or six creators/groups are selected to pursue research on theirbuildings still standing in Tokyo that were taken over in theoccupation period.

topics of interest from between six-week to two-month residencies in one of the three
periods of May - July, September - November or January – March. In 2018 - 2019, 15 creators(constituting 14 projects) made stays with TOKAS Residency, where they engaged in awide range of activities including interviewing people in accordance with their research

PROFILE

topics, conducting on-site surveys, taking photographs and giving talks at universities.

サポート内容1986 年千葉県生まれ。ロンドン、香港を拠点に活動。2018 年ロン
ドン芸術大学博士課程修了。主な展覧会に「当惑の領域」（ソウル
市立美術館蘭芝ギャラリー、2016）など。

Support Contents
Living space provided

居室を提供

Born in Chiba in 1986. Lives and works in London and Hong Kong.
Earned his PhD from University of the Arts London in 2018. Recent
exhibition: “Zones of Discomfort,” Seoul Museum of Art Nanji
Exhibition Hall, 2016.

Residency Periods

滞在期間

Approx. 6- week to 3- month periods in May to July,
Sept. to Nov., Jan. to Mar.

5月〜 7月、9月〜 11月、1月〜 3月の間の約6 週間〜 2ヶ月間

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87

CiR: Research Residency Programリサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

フェデリカ･ブッツィ

チャン・ホンソン

文化全般との関係性によって現代アートや建築の分野をリサーチするキュレーターのブッツィは、服飾の前衛的

Federica BUZZI

マニフェスト「Dressing is Easy」と現代の実践について調査。架空のファッション誌『Fashionably Late』を

2018.5.1-6.14 滞在

制作しました。

力や死の概念を探究するチャンは、特注の人工骨を製造する3 Dプリント技術についてリサーチを実施。死の不JANG Hong Seon

可避性や生の有限性を象徴的に喚起させる表現に、新しい技術を用いるための調査を行いました。

2018.6.26-7.30 滞在

As an artist particularly concerned with the notions of
power and death, Jang researched new 3 D printing

Buzzi is a curator interested in the relationship between
contemporary art, architecture and general culture. She《Fashionably Late》2018 Fashionably Late, 2018technology that can create custom-made artificial bones.
To create [bones] as a symbol to give expression to thepresented her research on the avant-garde manifesto“Dressing is Easy” by Archizoom and contemporary fashion
practices in Japan in a fictional fashion magazine titled
Fashionably Late.

inevitability of death and the finiteness of life, he exploredthe possibilities of new technology in the field.
《Good Question》2018 Good Question, 2018

PROFILEPROFILE

1991年フィレンツェ生まれ。フィレンツェを拠点に活動。2016年ロ
イヤル・カレッジ・オブ・アート（キュレーティング・コンテンポラリー・アー

モク・ホンギュン

スター工科大学大学院修士課程修了。
主な展覧会に「motherfather」（ Tiger Strikes Asteroid gallery、ニューヨーク、2018 ）など。

Born in Florence in 1991. Lives and works in Florence. Graduatedwith an MA in Curating Contemporary Art from Royal College of
Art in 2016. Recent exhibition: “When The Light Glows Through
The Window,” Cello Factory, London, 2018.

Born in Seoul in 1972. Lives and works in New York. Graduated withan MFA from Rochester Institute of Technology in 2003. Recent
exhibition: “motherfather,” Tiger Strikes Asteroid gallery, New
York, 2018.

社会政治的な作品やその変化に関心を抱くキュレーター
のモクは、多様な視点を用いてユーモラスに政治的主題

MOK Honggyun

を扱うアーティストについてリサーチ。キュレーターやギャ
ラリストともミーティングを行い、コラボレーションの実2018.5.1-6.14 滞在

1972年ソウル生まれ。ニューヨークを拠点に活動。2003年ロチェト）修了。主な展覧会に「When The Light Glows Through The
Window」（ Cello Factory、ロンドン、2018 ）など。

現を目指しました。

ティーガン・ムーア

物質や建築空間に焦点を当てるムーアは、東京の気候、不安定な地殻活動、エネルギー、建設の慣例という文脈

Tegan MOORE

において、空気と空調、節電、復旧と適応、デザインに関する調査を実施。その成果を映像や空気を調整する機

2018.6.18-7.31 滞在

能を持つオブジェなどで発表しました。

Mok is a curator who is interested in socio-political artworks

Moore is concerned with materials of built space andconducted research regarding air and air conditioning,and how they have changed in the contemporary era. She
did research on artists who are politically engaged andhave diverse perspectives, such as sense of humor. She
also has held meetings with curators and gallerists with theaim of realizing collaborative projects.

saving electricity, application, and design in built spacesin Tokyo considering its climate, tectonic instability,
energy concerns, and building practices. Her results were
presented in the form of video work and the production of

Research Image, 2018

sculptural objects which also function to modify the air.

PROFILE
1973 年ソウル生まれ。ソウルを拠点に活動。2006 年成均館大学

CiR: Research Residency Program

PROFILE

校修了（美学）。2012 年〜 2015 年にCulture Factory Osanにてキュレーターとして勤務。主な展覧会に「The City of Homeless」（ Arko Art Center、ソウル、2016 ）など。

1985 年トロント生まれ。ロンドン（カナダ）を拠点に活動。2014 年
ウェスタンオンタリオ大学（ファインアート）修了。主な展覧会に「Variations」（ Zalucky Contemporary、トロント、2018 ）など。

Born in Seoul in 1973. Lives and works in Seoul. Graduated with an
MA in Aesthetics from SungKyunKwan Universtiy in 2006. Worked
as a curator at Culture Factory Osan, 2012-15. Recent exhibition: “TheCity of Homeless,” Arko Art Center, Seoul, 2016.

Born in Toronto in 1985. Lives and works in London (Canada).
Graduated with an MFA from University of Western Ontario,
London, Canada in 2014. Recent exhibition: “Variations,” Zalucky
Contemporary, Toronto, 2018.

88

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CiR: Research Residency Programリサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

シェリー･シルバーサラ・ウォール

さまざまな立場の女性にインタビューを実施したシルバー
は、映像作品《触れにくいささやかな場所》を制作。東京

Shelly SILVER

で少子化を研究するアメリカ人女性とその通訳者である
日本人女性を主人公とし、幻想的な暗さを抱く東京の近2018.6.18-7.31 滞在

未来の物語によって遮られるラブストーリーを創り上げ

ニュージーランドにあるゴベット・ブリュースター美術館のキュレーターのウォールは、動画や彫刻、サウンドが交Sarah WALL差する作品を展開するアーティストに注目。将来開催する展覧会に向けて、レン・ライのレガシーと結び付く実験

2019.1.5-2.13 滞在的な映像作家や彫刻家を調査しました。

ました。

As a curator at New Zealandʼs Govett-Brewster Art Gallery,
Wall focuses on artists creating multimedia work involving

Silver interviewed women of different ages and circumstances.
The research was used to create a film, a tiny place that isfilm, sculpture and sound. This time she did research on
artists of experimental film and kinetic sculpture that canhard to touch, a love story set on the Tatekawa river, between
an American woman in Tokyo to study declining birthrate, andbe linked to the legacy of Len Lye in an exhibition to beheld in the future.

the Japanese woman is her translator. This story is interrupted
by fantastically dark tales of Tokyoʼs near future.

《Tatekawa Summer》(work-in-progress) 2018
Tatekawa Summer (work-in-progress), 2018

PROFILE

ダオ・タンフン& パム・プオンタオ

PROFILE

1981年アデレード（オーストラリア）生まれ。ニュージーランドを拠

ニューヨークを拠点に活動。コロンビア大学芸術学部ヴィジュアル・
アート・プログラム映像部門准教授およびディレクター。

点に活動。2015年メルボルン大学にて博士号取得。2014年よりゴベッ
ト・ブリュースター美術館のキュレーターを務める。

Lives and works in New York. Associate Professor and Director ofMoving Image, Visual Arts Program, School of the Arts, Columbia
University.

Born in Adelaide (Australia) in 1981. Lives and works in New Zealand.
Earned her PhD from University of Melbourne in 2015 . Has worked
as a curator at Govett-Brewster Art Gallery from 2014.

映像作家のダオとパムは、日本における性風俗産業や、伝統的な考え方と反する日本人女性の性への意識に関心

DAO Thanh Hung & PHAM Phuong Thaoを持ち、成人漫画家と現代日本人女性の生活に関する新
たなドキュメンタリー・プロジェクトに向けたリサーチを

2018.9.3-10.16 滞在実施しました。

ガブリエラ・ロペス・デナ

都市における人と空間の関係性に焦点を当て、幅広いメ
ディアを用いて制作を行う建築家、アーティストのデナ

Gabriela López DENA

は、東京の銭湯についてリサーチを実施。公衆浴場の空間的構造に加え、日本の都市生活者が日常において果たす、

2019.1.4-2.11滞在

儀式的かつ社会的役割を探究しました。

Film makers Dao and Pham were interested in learning the

Dena is an architect and artist who works with a variety
of media to explore the relationship between people andJapanese sex industry and the attitudes of todayʼs Japanesewomen toward sex and traditional values. They did research
for a documentary on the subject by interviewing an erotic
adult comic artist and contemporary Japanese women

spaces in the urban environment. During the residency she
did research on Tokyoʼs public baths, and focused on their
spatial structure while also studying the ritual and socialrole they have served in Japanese daily urban life.

about their lives and thoughts.

PROFILE
ハノイを拠点に活動。主な活動に「E 910 - The Class Among

Clouds」（ Telefilm 2017、ホーチミン、2017 ）、「Singing From
Behind The Bars」（ Docs Port Incheon、仁川、韓国、2016）など。

PROFILE
1983年メキシコシティ生まれ。ニューヨークを拠点に活動。2008年にイベロアメリカーナ大学卒業。主な活動に「Feminist Manifestos」（ヴェラ・リスト美術・政治学センター、ニューヨーク、2018）など。
Born in Mexico City in 1983. Lives and works in New York. Graduatedfrom Universidad Iberoamericana in 2008. Recent activity: “Feminist
Manifestos,” The Vera List Center for Art and Politics, New York,2018.

Live and work in Hanoi. Recent activities: “E 910 - The Class Among
Clouds,” Telefilm 2017, Ho Chi Minh, 2017, “Singing From Behind The
Bars,” Docs port Incheon, Korea, 2016.

CiR: Research Residency Program90

91

CiR: Research Residency Programリサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

ク・ミンジャ

レナータ・クルツ

日常の行動への観察に基づいたパフォーマティブな作品を制作するクは、食べ物の文化的意義への関心から、日GU Minja

本に渡ってきたカレーが日本固有の料理として確立された過程をリサーチ。カレーにまつわる経験や 1900 年代

2019.1.4-2.14 滞在の新聞や雑誌記事などの調査を行いました。

2019.2.18-3.30 滞在

並べたインスタレーション作品を展示しました。

unique developments of curry since it entered Japanas a foreign food. Her research traced curry-related

researched books and documents concerning Japanese artsand literature. For OPEN STUDIO she created an installation
work of primarily large numbers of drawings, as a catalog ofsubjects to be explored during the residence.

《The Hokusai neighborhood》2019
The Hokusai neighborhood, 2019

PROFILEPROFILE

1977 年ソウル生まれ。ソウル、ヘント（ベルギー）を拠点に活動。
2008 年韓国芸術総合学校卒業。主な展覧会に「Korean Artist

1964 年アラサトゥバ（ブラジル）生まれ。サンパウロを拠点に活動。
1983年サンパウロ州立パウリスタ大学卒業（ヴィジュアル・コミュニケー

Prize 2018」（国立現 代美術 館、ソウル）、「Seoul Mediacity
Biennale : Eu Zên１」（ソウル市立北ソウル美術館、2018 ）など。

ション）
。主な展覧会に「Forever and a day」
（ Blau Projects、サンパウロ、2017 ）など。

Born in Seoul in 1977. Lives and works in Seoul and Ghent (Belgium).
Graduated from Korea National University of Arts in 2008. Recent
exhibitions: “Korean Artist Prize 2018,”MMCA, Seoul, “Seoul
Mediacity Biennale : Eu Zên,” Seoul Museum of Art, 2018.

Born in Araçatuba (Brazil) in 1964. Lives and works in São Paulo.
Graduated with a BA in Visual Communication from Universidade
Estadual Paulista in 1983. Recent exhibition: “Forever and a day,”Blau Projects, São Paulo, 2017.

原始的な電気回路を用いて、テクノロジーの内側に隠さ
東日本大震災後に作られた自作放射能測定器をリサーチ。
また、東京におけるDIYキットのような文化的人工物の2019.2.18-3.30 滞在

籍をリサーチ。オープン・スタジオでは、滞在中の印象を描いた無数のドローイングをカタログのように構成してUsing media including collage, painting and photography andexploring the relationship between text and images, Cruzれた構造を視覚化するハイダーは、DIY文化への関心から、

Gottfried HAIDER

関係を探究するクルツは、日本の芸術や文学に関する書

Renata CRUZ

Gu is an artist who creates performative works basedon daily activities, and she did research this time on theexperiences and covered things like newspaper andmagazine references to curry in the 1900s.

ゴットフリート・ハイダー

コラージュや絵画、写真を用いて、テキストとイメージの共創や販売についても調査を行いました。

ステファニー･ローゼンバーグ

人間が設計した経済、政治的システムと生態系との関係性を探究するローゼンバーグは、日本のメタボリズム建Stephanie ROTHENBERG

築に触発された新プロジェクトを実施。バイオテクノロ
ジー、ロボット工学、人工生命の革新に関連して、福島な2019.2.4-3.16 滞在

どの被災した景観の復興についてリサーチを行いました。

Using primitive electric circuits, Haider seeks to give visual

Rothenberg researches the relationships between manmade economic and political systems and biologicalexpression to structures hidden within technology, andfrom his interest in do-it-yourself (DIY) culture he didresearch on self-made radiation detectors in the wake of
the Great East Japan Earthquake and Tsunami disaster. He
also researched the culture surrounding the co-production
and sales of bespoke DIY kits in Tokyo.

Materials used as part of Open Studio, 2019

ecosystems. In her residency, she conducted a new project
inspired by Japanʼs Metabolism architecture. Taking into
consideration innovations like biotechnology, robotic
engineering and artificial life, she researched scenes ofdisaster recovery in places like Fukushima.

《 (mechanisms of control for) denotating human vitality》2019(mechanisms of control for) denotating human vitality, 2019

PROFILEPROFILE

CiR: Research Residency Program92

1967年ニュージャージー（アメリカ）
生まれ。
ニューヨークを拠点に活動。

1985年ウィーン生まれ。ロサンゼルスを拠点に活動。2013年カリフォ
ルニア大学ロサンゼルス校修了。
主な展覧会に「Stream Capture」（ミ

ネアポリス・カレッジオブアート＆デザイン、アメリカ、2018 ）など。

2003年シカゴ美術館附属美術大学修了。主な展覧会に「Material
Resources: Intersections of Art and the Environment」（Bowdoin College Museum of Art、
メイン、
アメリカ、2019）など。

Born in Vienna in 1985. Lives and works in Los Angeles. Graduatedwith an MFA from University of California, Los Angeles in 2013.
Recent exhibition: “Stream Capture,” the Minneapolis College of
Art and Design, USA, 2018.

Born in New Jersey (USA) in 1967. Lives and works in New York.
Graduated with an MFA from School of The Art Institute of Chicago in
2003. Recent exhibition: “Material Resources: Intersections of Art andthe Environment,” Bowdoin College Museum of Art, Maine, USA, 2019.

93

CiR: Research Residency Program

二国間交流事業プログラム［MADRID-TOKYO］
アルムデナ・ロベラ Almudena LOBERA

Exchange Residency Program

2018.10.17-11.29［QUEBEC-TOKYO］

派遣クリエーター

アリソン･ムーア Allison MOORE

Japanese Creators sent abroad

2018.5.17-7.31

ジェローム･ブシャール Jerome BOUCHARD

ダオ・タンフン＆パム・プオンタオ

2018.9.5-9.18

DAO Thanh Hung & PHAM Phuong Thao

ケイト・グルービー Kate GROOBEY

2018.9.3-10.16
ガブリエラ・ロペス・デナ

2018.9.5-10.10
フェリックス＝アントワーヌ・モラン Félix-Antoine MORIN

Gabriela López DENA

2019.1.5-3.31

2019.1.4-2.11［SEOUL-TOKYO］［TOKYO-BASEL］

キム・ドヒ KIM Dohee

曽谷朝絵 SOYA Asae
2018.4.2-6.30

ク・ミンジャ GU Minja
2019.1.4-2.14
サラ・ウォール Sarah WALL

2018.5.21-8.7［TAIPEI-TOKYO］［TOKYO-BERLIN］

ワン・リエンチェン WANG Lien-Cheng

福永 敦 FUKUNAGA Atsushi

2019.1.5-2.14

リサーチ・レジデンス・プログラム

2019.1.5-2.13

Research Residency Program

ステファニー・ローゼンバーグ

フェデリカ･ブッツィ Federica BUZZI

レナータ・クルツ Renata CRUZ

Stephanie ROTHENBERG

2018.4.1-6.28

2019.2.4-3.16

三上 亮 MIKAMI Ryo
2018.10.2-12.28

2018.5.1-6.14

海外クリエーター招聘プログラム

杉藤良江 SUGITO Yoshie
2019.1.3-3.31

International Creator Residency Program［TOKYO-HELSINKI］
迎 英里子 MUKAI Eriko2019.2.18-3.30

イップ・ユック＝ユー IP Yuk-Yiu

ゴットフリート・ハイダー

2018.5.1-6.14

Gottfried HAIDER

モク・ホンギュン MOK Honggyun

2019.2.18-3.30

2018.5.1-6.14
ヘンリケ・ナウマン Henrike NAUMANN

2018.9.3-11.29［TOKYO-MADRID］

2018.5.7-7.31
エリサ･カルダナ＆長坂有希

ルシアナ・ハナキ Luciana JANAQUI

Elisa CALDANA & NAGASAKA Aki

2018.10.29-12.9［TOKYO-QUEBEC］

2018.5.7-7.31
ソーンチャイ･ポングサ Sornchai PHONGSA松田朕佳 MATSUDA Chika

2018.8.11-10.10＆10.20-11.15

2018.4.2-6.29［TOKYO-SEOUL］

リム・ソクチャンリナ LIM Sokchanlina

牧園憲二 MAKIZONO Kenji

山本浩貴 YAMAMOTO Hiroki
2018.5.8-6.14

パリ東京文化タンデム2018 ※東京都主催事業

ティーガン･ムーア Tegan MOORE
2018.6.18-7.31

Tandem Paris-Tokyo 2018

シェリー･シルバー Shelly SILVER
2018.6.18-7.31
チャン・ホンソン JANG Hong Seon

アンヌ・クシラダキス Anne XIRADAKIS

2018.6.26-7.30

2018.11.8-11.12

2018.9.3-11.29
アンドレアス・ハルトマン Andreas HARTMANN

2018.6.4-8.31［TOKYO-TAIPEI］

2018.9.17-11.19

武田雄介 TAKEDA Yusuke

ランチ交流会 Lunch Gathering

2018.10.8-12.28

芸術文化・国際機関推薦プログラム

招聘クリエーター
Invited Creators from abroad

Institutional Recommendation Program［BASEL-TOKYO］
スザンナ・ヘアトリッヒ Susanna HERTRICH

アレッサンドロ・リブリオ Alessandro LIBRIO

2019.1.4-3.31

2018.5.3-6.4［BERLIN-TOKYO］

アントニオ・チャコン Antonio CHACÓN

ヤラ・ユクマン Yala JUCHMANN

2018.7.9-7.25
グラハム・エラード Graham ELLARD

2018.9.4-11.30［HELSINKI-TOKYO］

2018.7.8-8.7

ヨンナ・キナ Jonna KINA

プラパット・ジワランサン

2018.9.4-11.23

Prapat JIWARANGSAN
2018.9.1-9.30

9495

オープン・スタジオ 2018-2019

参加作家
Creators

OPEN STUDIO 2018-2019

７月／ July

2018.7.20-7.22

エリサ・カルダナ＆長坂有希

ティーガン・ムーア Tegan MOORE
シェリー・シルバー Shelly SILVER

Elisa CALDANA & NAGASAKA Aki
ヘンリケ・ナウマン Henrike NAUMANN

フェデリカ・ブッツィ*

Federica BUZZI*

キム・ドヒ KIM Dohee

イップ・ユック＝ユー*

IP Yuk-Yiu*

アリソン･ムーア Allison MOORE

アレッサンドロ・リブリオ*

グラハム・エラード Graham ELLARD

オープン･スタジオでは、アート、デザイン、建築、キュレーションといった創造的分野で活躍する世界中のクリエーターが、TOKASレジデンシー滞在中に行った制作やリサーチ活動のプ

Alessandro LIBRIO*

アントニオ・チャコン Antonio CHACÓN

モク・ホンギュン*チャン・ホンソン JANG Hong Seon

山本浩貴 *MOK Honggyun*

YAMAMOTO Hiroki*

ロセスを展示・公開しました。レジデンス期間の最終月にあたる7 月、11月、3 月に3日間開催。
各 2日目には滞在クリエーターが作品や活動について発表し、3日目にはクリエーターとさまざ
まな分野で活躍するゲストによるスペシャルトークを行いました。宿泊室や共有スペースを紹介する施設見学ツアーのほか、「二国間交流事業プログラム」の海外提携機関の資料を展示するなど、レジデンス事業への理解を深める場となりました。

OPEN STUDIO is a program for presenting the creations and research processes ofinternational creators who work or do research at TOKAS Residency in fields like art, design,architecture and curation. The OPEN STUDIO events are held over three days at the end of

11 月／November

2018.11.9-11.11

アンドレアス・ハルトマン

ヨンナ・キナ Jonna KINA
アルムデナ・ロベラ Almudena LOBERA

Andreas HARTMANN
リム・ソクチャンリナ LIM Sokchanlina

アンヌ・クシラダキス Anne XIRADAKIS

ソーンチャイ・ポングサ Sornchai PHONGSA

ダオ・タンフン＆パム・プオンタオ*

ヤラ・ユクマン Yala JUCHMANNDAO Thanh Hung & PHAM Phuong Thao*

the residency periods July, November and March. On the second day of each OPEN STUDIO,
the creators presented their works or projects, and on the third day they participated in
special talks with guest speakers from various fields. In addition to observation tours of
the residence rooms and shared spaces of the facility, there are also displays of things likematerials about the overseas organizations that host residencies in our Exchange Residency
Program to spread understanding of our residency programs.

3 月／March2019.3.8-3.10

スザンナ・ヘアトリッヒ Susanna HERTRICH

ゴットフリート・ハイダー Gottfried HAIDER

ワン・リエンチェン WANG Lien-Cheng

ステファニー・ローゼンバーグ

フェリックス＝アントワーヌ・モラン

Stephanie ROTHENBERG
ガブリエラ・ロペス・デナ*

Félix-Antoine MORIN

DATA
会場：TOKASレジデンシー

レナータ・クルツ Renata CRUZ

Venue: TOKAS Residency96* 展示のみ参加*Exhibits Only

ク・ミンジャ*97

Gabriela López DENA*

GU Minja*

OPEN STUDIO 2018-2019

オープン・スタジオ
2018-2019／ 7 月

14 組 15 名のクリエーターが参加。7月21日（土）には、7組のクリエーターが自身の活動について発表。7月22日（日）には、1980 年代の日本のデザイナーズブランドを纏うキンシャサ（コンゴ民主共和国）の「サプール」の美学をリサー

OPEN STUDIO
2018-2019/ July

チするヘンリケ・ナウマン、バブル崩壊という危機の結果、形成されたアイデンティティや生き抜く戦略を調査する

オープン・スタジオ2018-2019／ 11 月

8 組 9 名が参加。11月10日（土）には、6 組のクリエーター
が東京での制作やリサーチ活動について発表。11月11日（日）には、日本の「蒸発」の現象から、新たな人生を始めるという人間の夢想や願望、恐怖に焦点を当て、リサーチ

OPEN STUDIO
2018-2019/ Novemberと制作を行った映画監督のアンドレアス・ハルトマンと、写真家として日本全国、また世界各地を訪れ、さまざまな

エリサ･カルダナと長坂有希が、ゲストの毛利嘉孝氏とス

人の生活について取材をしてきた都築響一氏によるトーク・

ペシャルトークを行いました。

イベントを行いました。

A total of fifteen creators working on 14 projects participated.
On July 21 (Sat), presentations were given by the creators

A total of nine creators working on eight projects participated.
On November 10 (Sat), presentations were given by thethemselves on seven projects. On July 22 (Sun), a special
talk session was held with Henrike Naumann, who researchedcreators themselves on six projects. On November 11 (Sun),
there was a talk/discussion event featuring film director

the aesthetics of the sapeurs in Kinshasa in the Democratic
Republic of the Congo who are obsessed with Japanese

Andreas Hartmann, who did research and created a film on theJapanese phenomenon of johatsu, or people disappearing todesigner brands from the 1980s and Elisa Caldana andNagasaka Aki, who researched the effects of the economiccrisis after the bursting of Japanʼs economic bubble, thestart a new life, and the fantasies, wishes and fears associatedwith it, and photographer Tsuzuki Kyoichi, who has traveled all
around Japan and many parts of the world to interview andidentities it has shaped and Tokyoitesʼ survival strategies.

photograph the lives of a great variety of different peoples.

Joining them as guest speaker was sociologist Mouri Yoshitaka.
会期：2018.7.20-7.22

会期：2018.11.9-11.11

DATA

DATA

トーク・イベント：7.21滞在クリエーターによるトーク
7.22「平成時代クライシス―1989 年以前／以後の美学」
ヘンリケ・ナウマン、エリサ･カルダナ& 長坂有希
ゲスト：毛利嘉孝（社会学者／東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科 教授）OPEN STUDIO 2018-2019

Talk Event: 7.21 Talks by residing creators
7.22 “Heisei Era Crisis - Aesthetics before and after 1989”
Henrike NAUMANN, Elisa CALDANA & NAGASAKA Aki
Guest: MOURI Yoshitaka (Sociologist / Professor, Graduate Schoolof Global Arts, Tokyo University of the Arts)

98

トーク・イベント：11.10 滞在クリエーターによるトーク
11.11「東京モビリティ&フリーダム」
アンドレアス・ハルトマン
ゲスト：都築響一

Talk Event: 11.10 Talks by residing creators
11.11 “Tokyo Mobility & Freedom”
Andreas HARTMANN
Guest: TSUZUKI Kyoichi

99

OPEN STUDIO 2018-2019

オープン・スタジオ
2018-2019／ 3 月

8 名が参加し、3月9日（土）には、5 名のクリエーターが滞在中の制作やリサーチについて発表。3月10日（日）には、
超自然的世界の物語とメディアテクノロジーの関係性を調査したスザンナ・ヘアトリッヒが、第 58回ヴェネチア・

OPEN STUDIO
2018-2019/ March

ビエンナーレで日本館のキュレーターを務める服部浩之
氏をゲストにスペシャルトークを実施。リサーチ内容を作品や展示空間として視覚化するプロセス、キュレーショ
ンの方向性や手法について話しました。
There were eight participants in the OPEN STUDIO of
March 9 (Sat), where five creators made presentations on
their works or research done in residence. On March 10(Sun), there was a special talk with Susanna Hertrich, who
explores the world of Japanese ghost stories and talesof the supernatural and how they link to recent media
technologies, and guest Hattori Hiroyuki, the curator of
the Japan Pavilion at the 58th International Art Exhibitionat the Venice Biennale. Hertrich talked about the process
involved in giving visual form to the results of her researchin the display space, while Hattori his direction and methods
in curation.

会期：2019.3.8-3.10

DATA
トーク・イベント：3.9 滞在クリエーターによるトーク
3.10「未来に続く物語」
スザンナ・ヘアトリッヒ
ゲスト：服部浩之（インディペンデント・キュレーター／秋田公立美術大学大学院 准教授）

OPEN STUDIO 2018-2019

Talk Event: 3.9 Talks by residing creators
3.10 “Stories leading to the Future”
Susanna HERTRICH
Guest: HATTORI Hiroyuki (Curator / Associate Professor, Akita
University of Art)100

pompom
シモ・ケロクンプによるコレオグラフィック・インスタレーション―ヴァンサン・ルーマニャック、谷沢直とのコラボレーション
A choreographic installation by Simo KELLOKUMPU
in collaboration with Vincent ROUMAGNAC and Nao Yazawa

シモ・ケロクンプ Simo KELLOKUMPU

2018.12.7-12.22

ヴァンサン・ルーマニャック Vincent ROUMAGNAC
谷沢 直 Nao Yazawa

東京からインスピレーションを得たプロジェクト
2017 年にTOKASレジデンシーに滞在したフィンランドの振付家シモ・ケロクンプが、東京からインスピレーションを得て創作したプロジェクト《pompom》を発表。ケロクンプは振付を環
境の動きを読み取る行為と捉えており、慌ただしい都市東京で 5 つの場所を選び、場の動きや物質間の関係をコレオグラフィとして具現化しました。フランスの舞台美術家ヴァンサン・ルーマニャックとの協働制作による映像、日本の漫画家谷沢直とのコラボレーションによって生まれた漫画という2 つのメディアによる作品をコレオグラフィック・インスタレーションとして展示。フィンラ
ンドのHIAPに続き日本で初公開となりました。

A Project Inspired by the City of Tokyo
The Finnish choreographer Simo Kellokumpu, who resided and worked at TOKAS
Residency in 2017, presented a work titled pompom inspired by the city of Tokyo.
Approaching choreography as the process of reading the surrounding movements in oneʼs
environment and integrating them into a work of art, Kellokumpu chose five locations
around the bustling city of Tokyo and turned the surrounding movement and material
spaces into choreography. He then created a choreographic installation consisting of the

シモ・ケロクンプ

Simo KELLOKUMPU

ヘルシンキを拠点に活動。主な活動に「＃CHARP」（ Research
Pavilion、ヴェネチア、2017 ）など。

Lives and works in Helsinki. Recent activity: “#CHARP,” Research
Pavilion, Venice, 2017.

two media of video, created with French theater-artist Vincent Roumagnac and manga
scenes created in collaboration with Japanese manga artist NaoYazawa. The installation
was shown for the first time in Japan following its debut in HIAP in Finland.

ヴァンサン・ルーマニャック

Vincent ROUMAGNAC

パリ、ヘルシンキを拠点に活動。主な活動に「Backdrop」（ ResearchLives and works in Paris and Helsinki. Recent activity: “Backdrop,”
Research Pavilion, Venice, 2017.

Pavilion, ヴェネチア、2017 ）。

DATA
会場：TOKASレジデンシー 協力：フィンランド文化財団／HIAP（ヘルシンキ･インターナショナル･アーティスト･プログラム）、
アーツ・プロモーション・センター・フィンランド
Venue: TOKAS Residency Cooperation: The Finnish Cultural Foundation, HIAP (Helsinki International Artist Programme), Arts
Promotion Centre Finland

102

谷沢 直

Nao Yazawa

神奈川県を拠点に活動。主な作品に『愛天使伝説ウェディングピーチ』（原作：富田祐弘、1994-1996年）、『真空地帯』(1988-2011年)など。

Lives and works in Kanagawa. Works: Wedding Peach, Concept
by Tomita Sukehiro, 1994 - 1996, Shinku Chitai / The IsolatedZone, 1988 - 2011.

103

pompomトーキョーアーツアンドスペースレジデンス 2018 成果発表展

行為の編纂
TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition

Compiling behaviors, digesting actions

臼井仁美

工芸家としても活動する臼井は、人間の生活に不可欠な木（＝森と人との関係）に着目。先史に木器時代が存在し

USUI Hitomi

たと想定して、人と自然や素材との関係をリサーチしました。人がものを作ることの原点に、素材の観察があるこ

二国間交流事業プログラム〈ヘルシンキ〉とに注目し、フィンランドと日本の工芸に共通する樹皮を制作に取り入れ、白樺や、外皮を一部剥いた山桜の枝なTokyo-Helsinki
Exchange Residency Program

どでインスタレーションを構成。人類が関わってきた悠

2017.10-12 滞在

While also working as a craft artisan, Usui has an artistic
interest in wood as a material indispensible to human

久の自然と時間の流れを表現しました。

progress (the relationship between people and forests).
Assuming that humanity had a “Wood Age,” she has
researched the relationship between people, natureand materials. Focusing on the origins of human craftand observation of materials, she has use of tree bark,
as a material common to both Finnish and Japanese
craft, and created an installation using birch bark and第 1期／Part 1

第 2 期／Part 2

Part 1 :臼井仁美 USUI Hitomi

金井 学 KANAI Manabu

2018.4.14-5.13

水木 塁 MIZUKI Rui

鎌田友介 KAMATA Yusuke

Part 2 :peeled sections of the outer bark of Wild cherry trees. It

Qenji Yoshida

田中英行 TANAKA Eikoh2018.6.2-7.1

expressed everlasting nature and the flow of time.

カアン・ミュジデジ
Kaan MÜJDECI
グリッサゴーン・ティンタップタイ
Krissakorn THINTHUPTHAI

中島伽耶子 NAKASHIMA Kayako
プラパット・ジワランサン
Prapat JIWARANGSAN
トビアス・ツィローニィ Tobias ZIELONY

滞在制作を行ったクリエーターによる成果発表
2017年度にTOKASレジデンス・プログラムに参加し、海外の提携機関やTOKASレジデンシー
で滞在制作を行った 11 組のクリエーターによる成果発表展。レジデンス滞在という日常とは異なる環境での生活をとおして、自身の物事に対する見方や態度への理解を深めた各クリエー
ターが、独自の表現で纏め上げた成果を作品として発表しました。

Creators Present the Results of Work in Residence
Eleven creators who took part in the 2017 TOKAS Residency Program, doing residencies
and creating works at our affiliated residency facilities overseas or the TOKAS Residency
exhibited their works in these exhibitions. These creators, who deepened their personalunderstanding of their ways of viewing things and their approaches to them by a foreign
environment, exhibited works woven from the threads of their individual forms of expression.

DATA《Tree he cut down in Japanese forest.》（部分）2018

会場：TOKAS本郷 提携都市／機関：アーツ・イン・レジデンス台北／トレジャーヒル・アーティスト・ヴィレッジ（台湾・台北）、アジ
アリンク／RMIT大学〔ロイヤルメルボルン工科大学〕（オーストラリア・メルボルン）、
アトリエ・モンディアル（スイス・バーゼル）、
ケベッ

ク・アーツカウンシル（カナダ・ケベック）、
HIAP[ヘルシンキ・インターナショナル・アーティスト・プログラム]（フィンランド・ヘルシンキ）、
マタデッロ・マドリード（スペイン・マドリード）、MMCAレジデンシー・コヤン（韓国・ソウル） 協力：黄金町エリアマネジメントセンター
Venue: TOKAS Hongo Partner Institutions: Artist-in-Residence Taipei/Treasure Hill Artist Village (Taipei, Taiwan), Asialink/
RMIT University (Melbourne, Australia), Atelier Mondial (Basel, Switzland), Conseil des arts et des lettres du Québec (Quebec,
Canada), HIAP [Helsinki International Artist Programme] (Helsinki, Finland), Matadero Madrid (Madrid, Spain), MMCA Residency
Goyang (Seoul, Korea) Cooperation: Koganecho Area Management Center.

104

Tree he cut down in Japanese forest.(detail) 2018

PROFILE
1980 年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2010 年東京藝術大学大学院美術研究科木工芸研究室修了。主な展覧会に「ここに 暮らす木、通う人」（旧平櫛田中邸、東京、2019 ）、「Make Art
Political | Make Art Public」(HIAP Gallery Augusta、ヘルシ
ンキ、2017)、「若手工芸作家国際展第 2 回薪技藝」（東京藝術大学
陳列館、2016 ）など。

Born in Tokyo in 1980. Lives and works in Tokyo. Completed a masterʼscourse in fine arts, majoring in woodworking at Tokyo University of
the Arts in 2010. Recent exhibitions: “where trees grow, where people
come,” Denchu Hirakushi house and atelier, Tokyo, 2019, “Make Art
Political | Make Art Public,” HIAP Gallery Augusta, Helsinki, 2017, “The
Second New Fueled Crafts International Young Artisans ExhibitionFlame,” Chinretsukan Gallery, Tokyo University of the Arts, 2016.

105

Compiling behaviors, digesting actions: Part 1

水木 塁

都市環境と人の慣習的な関係をサブカルチャーの美学的観点から解体／再編し、美術や社会制度の枠組みを探求

MIZUKI Rui

する水木は、メルボルン市街地で、市民が街の構造に順応しながら都合よく街を利用している様から着想した作

二国間交流事業プログラム〈メルボルン〉

品を発表。空間を歪ませる鏡面作品、ファストフード店に侵入する雀を捉えた映像、雨宿りに用いられた公共彫
刻の写真など、文化的、構造的な意図を超えて暮らしのTokyo-Melbourne
Exchange Residency Program

一部となっている都市の様子を象徴的に表現しました。

2017.8-10 滞在

DATA
制作協力：有限会社山口製作所
Production Cooperation: Yamaguchi Inc.

異言語や異文化の交流、意味を伝える手段としての言葉

Qenji Yoshida

ではなく、意図や意味を超えて伝わる非言語的、身体的な対話の可能性を探求するYoshidaは、類似する構成要

二国間交流事業プログラム〈マドリード〉うつぼざる

素（猿と人）をもつエル・グレコ《寓話》と狂言『靱猿』を参照して映像インスタレーションを制作し、無関係の二Tokyo-Madrid
Exchange Residency Program

者から対話を導きました。映像は、鑑賞者の立つ位置に
より映像や字幕のみが見えるように配置され、鑑賞者も作品の構造に取り込む仕組みを施しました。

2017.10-11 滞在

Mizuki dissects and reassembles the habitual relationshipbetween people and the urban environment from the

An artist interested not in words but the possibilities of
non-verbal, physical discourse to communicate intentions

standpoint of subculture aesthetics in search of artistic
insights and societal frameworks. He presented works

and meaning in exchanges with people of other languages
and cultures, Yoshida referenced El Grecoʼs allegoricalconceived from observation of citizens of Melbourne
acclimating to the structures of the urban environment

painting The Fable and the traditional Japanese Kyogen
Utsubozaru as works using similar species (humans andin convenient ways, using things like mirror surfaces that
distort spaces, video of sparrows being caught afterstraying into a fast food restaurant, photos of people using

monkeys) in their composition, to create a video installation
drawing discourse out from unrelated characters. The
video is placed so only the video image or the subtitles isa public sculpture as shelter from the rain and others,

seen by the viewer depending on their position, so that thethus showing symbolic scenes of urban life going beyond
intended cultural or structural functions.

viewer effectively takes part in the workʼs composition.

《寓話》2016-2017 FABLES, 2016-2017

PROFILEPROFILE

1983 年京都府生まれ。京都府を拠点に活動。京都市立芸術大学
美術学部漆工科卒業、同大学院美術研究科メディアアート領域博士号取得。主な展覧会に「Cʼs」（RMIT PROJECT SPACE、メル
ボルン、2017）、「鏡と穴−彫刻と写真の界面 vol.3 水木塁」
（ gallery
αM、東京、2017 ）、「NEO-EDEN」（蘇州金鶏湖美術館、中国、
2016 ）など。

Compiling behaviors, digesting actions: Part 1

Born in Kyoto in 1983. Lives and works in Kyoto. Received anundergraduate degree from the Urushi lacquering, the Departmentof Craft at Kyoto City University of Arts, and a doctoral degreefrom the same schoolʼs media art department. Recent exhibitions:“Cʼs,” RMIT PROJECT SPACE, Melbourne, 2017, “Mirror Behind Hole:Photography into Sculpture vol. 3 Rui Mizuki,” gallery αM, Tokyo,
2017, “NEO-EDEN,” Suzhou Jinji Lake Art Museum, China, 2016.

106

1982 年大阪府生まれ。イギリス、ドイツなどで修学、遊学後に国内

่ ว」
外で活動。主な展覧会に「インターセクション ก ั บด ั กน ั กท่องเท ี ย（ギャラリー wks.、大阪／Cartel Artspace、バンコク、2017 ）、「Delik ado Peligro so」（ マ タ デ ッロ・マドリード、20 17 ）、「incomprensible」（ QUINTA DEL SORDO、マドリード、2016 ）、「Vague Distance」（ plan.d. galerie、デュッセルドルフ、ドイツ、
2016 ）など。

Born in Osaka in 1982. After studying abroad in countries like UK
and Germany, Yoshida is active both in and outside of Japan.
Recent exhibitions: “Intersection ก ั บด ั กน ั กท่อ งเท ี ่ยว,” Gallery wks.,
Osaka / Cartel Artspace, Bangkok, 2017, “Delikado Peligroso,”
Matadero Madrid, 2017 , “incomprensible,” QUINTA DEL SORDO,
Madrid, 2016 , “Vague Distance,” plan.d. galerie, Düsseldorf,
Germany, 2016.

107

Compiling behaviors, digesting actions: Part 1

カアン・ミュジデジ

ミュジデジは、劇場環境の外で展開する映画（エクスパンデット・シネマ）の制作を目指し、東京の一般的な居住

Kaan MÜJDECI

空間に暮らす核家族を焦点に、新作『イグアナ・トーキョー』の脚本を執筆しました。映画の序章として、ゲームの勝

海外クリエーター招聘プログラム

敗によって室内の壁が移動し、部屋のサイズが変化する
ことで家族のパワーバランスを見て取れるような小さなInternational Creator
Residency Program

装置と、高速道路の音、そして映画の脚本からなるイン

制作協力：ゲーテ・インスティトゥート・ヴィラ鴨川、
コナー・カーク [Kyoto Makers Garage]、ザック・エイクマン

牧歌的かつ神秘的な映像作品を多く制作するグリッサゴー
ンは、2011年以来、定期的に来日し、人々と交流しながら、言語だけに頼らないコミュニケーションを築いてきました。
日本で感じた安心感や温もりを、自身がこどもの頃、蚊帳

Krissakorn THINTHUPTHAIの中で感じた世界観になぞらえ新作を発表。蚊帳の中で歌う女性、銃を構える老人、興味深げに覗き込む少年など、

海外クリエーター招聘プログラム

蚊帳越しに撮影された世界が独特の柔らかさと不可思議

スタレーションを提示しました。

International Creator
Residency Program

さ、懐かしさを表しています。

As a filmmaker who pursues film that plays out outsideof the usual movie theater (Expanded cinema), Müjdeci

2017.1-3 滞在

Creator of many video works that are both pastoral andmystical, Thinthupthai has visited Japan repeatedly since2017.5-7 滞在

DATA

グリッサゴーン・
ティンタップタイ

chose as his subject a nuclear family living in a common
Japanese residence to write a new script titled Iguana

2011, having exchanges with people that do not rely solely
on words for communication. The new work he createdTokyo. As an introduction to the film, an installation was
created with a small device that shows how the power

likens the assurance and warmth that he feels in Japan tothe safe world he knew inside of a mosquito net as a child.

balance within the family is revealed by moving the wallsof the house interior to change the relative size of thefamily membersʼ respective rooms based on who wins in

The video images he has filmed through a mosquito net,like scenes with a woman singing inside, or an old man
clutching a gun, or a boy peering curiously have a special

the videogames they play. The installation also displays

softness, and feelings of mystery and nostalgia.

the filmʼs script.

Production Cooperation: Goethe-Institut Villa Kamogawa,
Connor KIRK [Kyoto Makers Garage], Zach AIKMAN《IGUANA TOKYO Prologue》2018 IGUANA TOKYO Prologue, 2018

PROFILEPROFILE

1980 年イェコイ（トルコ）生まれ。ベルリン、イスタンブールを拠点に活動。映画監督、プロデューサー。主な映画に『SIVAS』（第71 回ヴェネチア映画祭、2014、審査員特別賞受賞）、『Babalar ve
Ogullari (Fathers and Sons)』（ 2012 ）、『Jerry』（ 2011）、『Tag
der Deutschen Einheit (Day of the German )』（ 2010 ）など。

Compiling behaviors, digesting actions: Part 1《NET》2018 NET, 2018

Born in Yerkoy (Turkey) in 1980. Lives and works in Berlin and
Istanbul. Film director and producer. Recent films: SIVAS ( 71 st
Venice Film Festival, Main Competition, 2014), Fathers and Sons
( 2012), Jerr y ( 2011), Tag der Deutschen E inheit ( Day of theGerman) (2010).

108

1979 年スリン（タイ）生まれ。幼少期にバンコクに移住し僧となり、以来寺での生活を続けている。サオワパ美術学校とポッチャン美
術アカデミーを卒業。主な展覧会に「Now Showing」（ URANO、東京、2013 ）、「トーキョー・ストーリー2011」（ TWS 渋谷、2012 ）など。

Born in Surin (Thailand) in 1979. Thinthupthai came to Bangkok andentered the monkhood when he was young, and has been living in
the temple since then. Graduated from Saowapa School of Art andPohchang Academy of Arts. Recent exhibitions: “Now Showing,”
URANO, Tokyo, 2013, “TOKYO STORY 2011,” TWS Shibuya, 2012.

109

Compiling behaviors, digesting actions: Part 1

金井 学

KANAI Manabu
二国間交流事業プログラム〈ケベック〉
Tokyo-Quebec
Exchange Residency Program

世界を記述するための言語として、固有の芸術形式の生成を探求している金井は、《_____ またはフランケンシュ
タインのデウカリオーン》と題した5点の作品を発表。枝、段ボール、プリント綿布などによって構成され、展示スペー
スの建築空間の一部も作品の要素として包括した本作品
は、素材や空間の形や色、重さや振る舞いが相互的に作
シンタクス

用し交錯する、スペシフィックな統辞法として組み立てられています。
Kanai, an artist who strives toward actualizing a unique
art form as a language for describing the world, displayed

2017.4-6 滞在

鎌田友介

建築史や近代産業史のリサーチをもとに、複数の視座や次元が交差する作品を制作している鎌田は、20 世紀前

KAMATA Yusuke

半に日本、韓国、アメリカに異なる理由で建てられた同じ形の日本家屋に関する作品を発表。韓国では日本人のた

二国間交流事業プログラム〈ソウル〉めの住居として、アメリカでは焼夷弾の空爆実験のための模型として建設され、日本ではその多くが空襲によって消失しました。各国における日本家屋の記憶を辿りなTokyo-Seoul
Exchange Residency Program

がら、現代につながる歴史を複層的に捉えました。
Based on research in architectural and modern industrial
hi s tor y, K am at a pro duce s multidimen sion al wor k s

2017.6-8 滞在

five works entitled _____ : or Frankensteinʼs Deucalion.
Taking as materials sticks, cardboard and printed cotton

affording multiple perspectives. Kamataʼs work this timefeatured the same style Japanese house from the firstcloth, as well as part of the architecture of the exhibition
space proper, Kanaiʼs works were suggestive of specifichalf of the 20 th century constructed respectively inJapan, South Korea and the United States for different

syntaxes that were composed of the shapes and colors, aswell as the weight and demeanor, of the materials and of
the space, which acted upon and in conjunction with eachreasons. The houses were made in Korea as residencesfor Japanese, in America as subjects for trials of aerial
bombings using firebombs, and many homes of this typeother.

in Japan were lost to air-raids. The work provided a multilayered historical approach to traditional Japanese houses
and memories of them leading to the present.

《The House》2018 The House, 2018

PROFILEPROFILE

1983 年東京都生まれ。2015 年東京藝術大学大学院美術研究科
博士課程美術専攻修了。主な展覧会に「インターフェイスとしての映像と身体」（愛知県立芸術大学芸術資料館、2017 ）、「Parataxis,
Everyday Life」（Fremantle Arts Centre、フリーマントル、オー
ストラリア、2016 ）、「TRANSPRESENTNESS: Inventions andTime of the Androgynous」（ VCA Student Gallery、メルボル
ン、2016 ）など。
Compiling behaviors, digesting actions: Part 2

Born in Tokyo in 1983. Earned his PhD from Tokyo University of theArts in 2015. Recent exhibitions: “Images and Body as Interfaces,”
University Art Museum, Aichi University of the Arts, 2017, “Parataxis,
Everyday Life,” Fremantle Arts Centre, Fremantle, Australia, 2016,“TRANSPRESENTNESS: Inventions and Time of the Androgynous,”
VCA Student Gallery, Melbourne, 2016.

110

1984 年神奈川県生まれ。2013 年東京藝術大学大学院美術研究科

先端芸術表現専攻修了。主な展覧会に「How Little You Know
About Me」
（国立現代美術館［MMCA］、ソウル、2018 ）、「《UrbanRitornello》The Archives on Community」（イルミン美術館、
ソウル、2017）、「MOTサテライト2017秋 むすぶ風景」（ MOTスペー
ス、東京、2017 ）など。

111

Born in Kanagawa in 1984. Graduated with an MFA from Tokyo
University of the Arts in 2013. Recent exhibitions: “How Little
You Know About Me,” MMCA, Seoul, 2018, “Urban Ritornello: The
Archives on Community,” Ilmin Museum of Art, Seoul, 2017, “MOT
Satellite 2017 Fall-Connecting Scapes,” MOT Space, Tokyo, 2017.

Compiling behaviors, digesting actions: Part 2

田中英行

人間と環境の間にある目に見えない関係性の物質化を試みる田中は、スイスの国境のあり方に関心を持ち、境TANAKA Eikoh

界をテーマにした作品を制作しました。国境沿いの森を歩き、その軌跡をピンホールカメラによって定着させた

二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉《Solgraffiti》シリーズや、国境を両サイドから撮影し、森や河川で過ごす人々をひとつのレイヤー上にオーバーTokyo-Basel
Exchange Residency Program

ラップさせた映像作品を発表。自然の中に人間が作り出2017.5-7 滞在

Tanaka works to materialize the intangible ties that exist
between humans and nature through art. Tanaka took

す境界を視覚的に表現しました。

中島伽耶子

コントロールできない変化を受け入れ、生活する人々に関心を持つ中島は、日本や中国の軍隊、台湾の反政府軍

NAKASHIMA Kayakoなど、時代とともに異なる思想を持つ人々が生活してきた地域に滞在。本展では、生活や価値観の変化に伴って二国間交流事業プログラム〈台北〉

生まれる勢いや暴力性に着目し、変化の象徴として自然光を取り入れたインスタレーションを発表。アクリル板

Tokyo-Taipei
Exchange Residency Programを通過した光が時間の経過とともに移り変わることによっ2017.10-12 滞在

Nakashima is concerned with the manner in which people
live in acceptance of changes that lie beyond their control.

て、意図とは関係なく起きる変化を表現しました。

an interest in the Swiss national border during his Basel
Residency and presented works that take this as their

Her residency in Taiwan geographically represented
a place whose residents have historically held diverse

theme. The works included the Solgraffiti series, in which
he captured a forest on the Swiss border using a pinhole

belief s, originating from the Japanese and Chinese
militaries to the rebel forces of Chiang Kai-shek. In thiscamera as he traversed it on foot, and a video art work inwhich he overlays footage of people spending time in thewoods and rivers; the works gave visual expression to theexhibition, Nakashima focused on the products of changes
in lifestyle or values that could be seen as invigorating or
violent, creating an installation piece incorporating natural

boundaries that people create within nature.

light as a motif for change. The light, passed through anacrylic board, shifting with time, which expressed changes
incognizant of human intentions.

《Transition》2018 Transition, 2018

PROFILEPROFILE

1981年京都府生まれ。2007 年京都市立芸術大学大学院美術研究科修了。主な展覧会に「わたしの中のわたしたち」（奈義町現代美術館、
岡山、2014 ）、「International Videoart Festival Magmart VII」
（Casoria Contemporary Art Museum、ナポリ、2013）、「Power,
Where Does the Beauty Lie」
（ SOMA 美術館、ソウル、2013 ）など。

Compiling behaviors, digesting actions: Part 2

112

Born in Kyoto in 1981. Graduated with an MFA from Kyoto City
University of Arts in 2007. Recent exhibitions: “Ourself inside
Myself,” Nagi Museum of Contemporary Art, Okayama, 2014,“International Videoart Festival Magmart VII,” Casoria Contemporary
Art Museum, Napoli, 2013, “Power, Where Does the Beauty Lie,”
SOMA, Seoul, 2013.

1990 年京都府生まれ。2015 年東京藝術大学美術研究科先端Born in Kyoto in 1990. Graduated with an MFA from Tokyo Universityof the Arts in 2015. Recent exhibitions: “Sculpture by the sea 2017,”
Perth, Australia, “Setouchi Triennale 2016,” Kagawa, “Echigo Tsumari
Art Triennale 2015,” Niigata.

芸術表現専攻修士課程修了。主な展覧会に「Sculpture by thesea 2017」（パース、オーストラリア）、「瀬戸内国際芸術祭2016」（高
見島、香川）、「越後妻有アートトリエンナーレ大地の芸術祭」（枯木
又集落、新潟、2015 ）など。

113

Compiling behaviors, digesting actions: Part 2

プラパット・ジワランサン

移民に関する歴史や記憶をテーマにするジワランサンは、日本で働くタイ人労働者のリサーチを行い、不法滞在者

Prapat JIWARANGSANとして働いていた母親を持つ青年の映像作品を制作。日
本で暮らす権利を得るために闘う青年の心情を、カッター

海外クリエーター招聘プログラム

によって削られていく彼の写真とともに描写しました。本展では、かつて横浜で「ママさん」として働いていたタイInternational Creator
Residency Program

人女性へのインタビューに基づいた映像作品や、当時のトビアス・ツィローニィ

社会・政治問題に焦点を当てた写真や映像作品を制作しているツィローニィは、滞在中に愛知県豊田市と茨城県

Tobias ZIELONY

常総市にある日系ブラジル人コミュニティを取材しました。
1920 年代以降にブラジルに渡った日本人の子孫に当た海外クリエーター招聘プログラム

る彼らは、経済的にも社会的にも孤立しており、本展では、日本であまり関心が持たれていない移民やマイノリティ

International Creator
Residency Programの問題に着目し、彼らが置かれている状況を捉えた写真

面影を植物に託した写真作品も発表しました。
Concerned with historical backgrounds and the memoriesof immigrants, Jiwarangsan conducted research on Thai

During his residency, Zielony, whose photography andvideo art works focus on social and political issues, visitedlaborers in Japan, creating a video work on a young malewhose mother worked and lived as an illegal alien. The

Japanese-Brazilian communities located respectively inthe cities of Toyota, Aichi prefecture and Joso, Ibaraki

piece depicted the youth as he struggled for his rightto live in Japan, paired with the motif of his photographprefecture. These individuals, whose roots trace back tomigrations of Japanese populations to Brazil that began inbeing scraped on the surface with a boxcutter. The current
exhibition also featured a video work of an interview witha former Thai “mama-san” in Yokohama, and a series of

the 1920ʼs, currently reside in relative financial and social
isolation. In this exhibition, Zeilonyʼs photographic works
focused on the issues of immigration and minorities,

photographs of plants still evoking the period of the red-

documenting the realities faced by these communities,

light district.

which have not made any significant emergence into thesocial conscience of the Japanese.

PROFILEPROFILE

1979 年バンコク生まれ。バンコクを拠点に活動。2011年ロイヤル・
カレッジ・オブ・アート修了。主な活動・展覧会に「Blackout」（ロッ
テルダム国際映画祭、2019 ）、「Destination Nowhere」（ Gallery
Ver、バンコク、2019 ）、「黄金町バザール2016―アジア的生活」（神奈川）、「Here, There and Everywhere: Eurasian Cities」（ The
Asia Culture Center、光州、韓国、2015 ）など。

Compiling behaviors, digesting actions: Part 2

作品を発表しました。
2017.1-3 滞在2017.9-11滞在

114

Born in Bangkok in 1979. Lives and works in Bangkok. Graduatedwith an MA in Fine Arts from Royal College of Art in 2011. Recent
activities and exhibitions: Blackout, International Film Festival
Rotterdam, 2019, “Destination Nowhere,” Gallery Ver, Bangkok,
2019, “Koganecho Bazaar 2016 ʻLife - World of Asiaʼ,” Kanagawa,“Here, There and Everywhere: Eurasian Cities,” The Asia Culture
Center, Kwangju, Korea, 2015.

1973 年ヴッパータール（ドイツ）生まれ。ベルリンを拠点に活動。2004 年ライプツィヒ視覚芸術アカデミーよりMFA 取得。主な展覧会に「Warten」（ハンブルク市立美術館、ドイツ、2017 ）、「Maskirovka」（フォン・デア・ハイト美術館、ヴッパータール、
ドイツ、
2017 ）、「第 56回ヴェネチア・ビエンナーレ」（ドイツ館、2015 ）
など。

115

Born in Wuppertal (Germany) in 1973. Lives and works in Berlin.
Earned his MFA from Hochschule für Grafik und Buchkunst(HGB) Leipzig in 2004 . Recent exhibitions: “Warten,” Kunsthalle
Hamburg, Germany, 2017 , “Maskirovka,” Von der Heydt-Museum
Wuppertal, 2017, “56th Venice Biennale,” German Pavilion, 2015.

Compiling behaviors, digesting actions: Part 2出光真子

TOKAS Project Vol. 1

出光は、アメリカ留学中に出合った映像表現を用いて、フェミニズムの観点から、家庭における親と子、表現者として

IDEMITSU Makoの女性が直面する社会的摩擦を問い続け、女性の自由とInstitute of Asian Performance Art: Tokyo

自立を基盤とする作品を多数制作。作品の構成要素のひとつとしてテレビモニターを取り入れたビデオ映像作品

日／中／韓 パフォーマンスとメディア
70ʼs - 90ʼs

《主婦の一日》と《Make Up》、また、初期のフィルム映像
作品《Womanʼs House》をデジタル処理し、展示しました。
Using the media of video that she encountered while
studying in the U.S., Idemitsu has created many works
based on issues of womenʼs freedom and independence,
while exploring subjects such as parents and children

出光真子 IDEMITSU Makoin the home from the standpoint of feminism, and theongoing issues of friction in the social context that female

2018.10.13-11.11

ジャン・ペイリー ZHANG Peili

artists face. Her presentation this time consisted of her
video works Another Day of a Housewife and Make Up,

パク・ヒョンギ PARK Hyunki

in which TV sets appeared, as well as the digitalization of
one of her early film works, Womanʼs House.

60 年代以降の東アジアのパフォーマンス・アートを辿る
2001 年の開館以来実施してきた、海外の文化機関やアーティストとの協働事業の新たな展開を視野に入れ、2018 年度から「TOKAS Project」を開始しました。初回は 2017 年度にレジデンス・プログラムに参加したキュレーター、ヴィクター・ワンの企画による展覧会を実施。
ワンの研究分野である 60 年代以降の東アジアのパフォーマンス・アートについて、当時は革新的な技術であったビデオや映像機器を制作活動に取り入れた日本、中国、韓国の 3 名のアー
ティストの作品を紹介しました。それぞれ独自の方法でメディアと向き合い、身体の動きとの融合を図った作品など、現代の表現へつながる潮流を辿りました。

Retracing Asian Performing Arts After the 1960s
Looking to explore new possibilities in our collaborative projects with overseas artists
and organizations since our founding in 2001, we launched the new “TOKAS Project” in2018. For the first year, an exhibition was organized on a proposal by curator Victor Wang,
a participant in the 2017 TOKAS Residency Program. Taking Wangʼs research subjectof Asian performing arts after the 1960 s, the exhibition introduced the work of threeartists from Japan, China and South Korea who were working with what at the time was
the latest video and motion picture technology. The exhibition that explored the uniquemethodologies of the three artistsʼ approach to the media that involved a fusion withmovement of the human body that connects to contemporary performance art today.

DATA
会場：TOKAS 本郷
協力：Boers-Li Gallery、Gallery Hyundai、The Estate of Park Hyunki、東京藝術大学、David Roberts Art Foundation（DRAF ）関連イベント：10.9「IAPA キュレーター・トーク」 会場：東京藝術大学
出演：ヴィクター・ワン モデレーター：毛利嘉孝（社会学者／東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科 教授）
主催：トーキョーアーツアンドスペース（公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館）、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科
Venue: TOKAS Hongo Cooperation: Boers-Li Gallery, Gallery Hyundai, The Estate of Park Hyunki,
Tokyo University of the Arts, David Roberts Art Foundation (DRAF)
Event: 10. 9 “IAPA Curator Talk” Speaker: Victor WANG Moderator: MOURI Yoshitaka (Sociologist / Professor, Graduate School of Global Arts, Tokyo
University of the Arts) Venue: Tokyo University of the Arts Organizer: Tokyo Arts and Space, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan
Foundation for History and Culture, Tokyo University of the Arts Graduate School of Global Arts, Department of Arts Studies and Curatorial Practices

116

PROFILE
1940 年東京生まれ。早稲田大学卒業後ニューヨークに留学。主な展覧会に「日本のビデオアート JAPANSK VIDEOKONST」（レク
サンド市文化会館、スウェーデン、2018 ）、「恵比寿映像祭インヴィ
ジブル」（東京都写真美術館、2018 ）、「MOMATコレクション展」（東京国立近代美術館、2017 ）、「The EY Exhibition: The World
Goes Pop」（テート・モダン、ロンドン、2016 ）など。

117

Born in Tokyo in 1940. After graduating from Waseda University,
Idemitsu went to study in New York. Recent exhibitions: “JapaneseVideo Ar t,” Lek sands kulturhus, Sweden, 20 18, “The Yebisu
International Festival for Art & Alternative Visions 2018, Mapping theInvisible,” Tokyo Photographic Art Museum, “MOMAT Collection,”
National Museum of Modern Art, Tokyo, 2017, “The EY Exhibition: The
World Goes Pop,” Tate Modern, London, 2016.

Institute of Asian Performance Art: Tokyoジャン・ペイリー

中国のコンセプチュアル・アートのパイオニアとして知られるペイリーは、中国でビデオを扱った最初の作品といZHANG Peili

われる《30 30》など3 作品を発表当時に近い見せ方でパク・ヒョンギ

ナム・ジュン・パイクと同時期に韓国で活躍したヒョンギ
は、映像のみならず映像機器を素材とした作品を多く発PARK Hyunki

表。本展では、水面が映し出されたブラウン管モニター展示。これらに共通するのは、鏡を割り、貼り戻す、身体を作家自身が角度を変えながら持つことで、ブラウン管の一部を掻く、髭を剃るという単調で倦怠的な反復動作

が水で満たされていると錯覚するような記録作品《Video

の記録であり、その映像が内包するパフォーマンス要素や、Inclining Water》などを紹介。発表当時新しかったメディ

映像を鑑賞することで生じる時間の経過を提示するとと

アを取り入れ、自然とテクノロジーとの流動性についてもに、当時の社会的、政治的抑圧を示唆しています。

考察しました。

Known as a pioneer of conceptual art in China, Zhang
showed three video works̶including the work 30 x 30

Active In South Korea in the same period as Nam June
Paik, the late Park Hyunki created many works using not

said to be Chinaʼs first-ever art video. A common elementin these works is the filming of simple and dull repetitive

only film but also film/video equipment as materials in
his works. Among the works shown in this exhibition was

motions such as putting back together a cracked mirror,
scratching a part of the body or shaving hair. The result

Video Inclining Water, in which the artist himself held a
TV monitor playing images of a water surface and tilted

not only shows the hidden performance elements of theacts and the passage of time while watching them but alsosuggestions of the socio-political suppression of the time.

it at different angles to create the illusion that the TV wasfull of water. Using media that were new at the time, Parkʼswork posed questions about fluidity between nature andtechnology.

PROFILEPROFILE

1957 年杭州（中国）生まれ。杭州、上海を拠点に活動。主な展覧会に「ジャン・ペイリー: Record. Repeat」（シカゴ美術館、2017 ）、「ア
ジアにめざめたら:アートが変わる、世界が変わる1960-1990年代」（東京国立近代美術館、2018 ）、「芸術と中国 1989 年以降 : 世界の劇場」（グッゲンハイム美術館、ニューヨーク、2017-2018 ）など。

Institute of Asian Performance Art: Tokyo

118

Born in Hangzhou (China) in 1957. Lives and works in Hangzhou
and Shanghai. Recent exhibitions: “Zhang Peili: Record. Repeat,”
The Art Institute Chicago, 2017, “Awakenings: Art in Society in
Asia 1960s – 1990s,” National Museum of Modern Art, Tokyo, 2018,“Art and China after 1989 : Theater of the World,” Solomon R.
Guggenheim Museum, New York, 2017-2018.

1942 年大阪府生まれ。1945 年に韓国・大邱に移住。2000 年没。

主な展覧会に「アジアにめざめたら:アートが変わる、世界が変わる
1960−1990 年代」（東京国立近代美術館、2018 ）、「パク・ヒョン
ギ 1942−2000 曼荼羅」
（国立現代美術館 果川館、韓国、2015 ）、「韓国ビデオアートの開拓者:パク・ヒョンギ:回顧展」（ギャラリーヒュ
ンダイ、ソウル、2010 ）など。

119

Born in Osaka in 1942. Moved to Daegu, Korea in 1945. Passed awayin 2000. Recent exhibitions: “Awakenings: Art in Society in Asia
1960s- 1990 s,” National Museum of Modern Art, Tokyo, 2018, “ParkHyun-Ki 1942 - 2000 MANDALA,” National Museum of Modern andContemporary Art, Gwacheon, Korea, 2015, “The pioneer of Korean
Video Art Hyun-Ki Park: A Retrospective,” Gallery HYUNDAI, Seoul,
2010.

Institute of Asian Performance Art: Tokyo

OPEN SITE 2018-2019
第 1期／Part 1〈展示部門／Exhibition 〉

インドネシア語、中国標準語、日本語を第一言語として使本間メイ

う3 作家が、言葉に焦点を当てた展示を行いました。各

本間メイ HOMMA Mei

玉木晶子 TAMAKI Akiko

2018.11.24-12.24

Patching Words(zi, kotoba, kata, eweawea)

現像（キオ・グリフィス＋細淵太麻紀）

MUTEK.JPPart 2 :会期：2018.11.24-12.24

コンタクトゴンゾ

2019.1.12-2.11

GENZOU (Kio GRIFFITH +神里雄大（岡崎藝術座）
KAMISATO Yudai (Okazaki Art Theatre)

Part 1 :contact Gonzo
宮田 篤 MIYATA Atsushi
ハイドロブラスト（太田信吾）

小沢裕子 OZAWA Yuko

デンティティ、歴史を巡り、ひとつの共通言語ではなく、多数の言葉を介したコミュニケーションのあり方につい

つぎはぎの “言葉”
（字 ことば kata eweawea ）第 2 期／Part 2

HOSOBUCHI Tamaki ）作家が多民族・多言語国家での経験をもとに、文化、アイ

HOMMA Mei

Hydro Blast (OTA Shingo)

根本しゅん平 NEMOTO Shumpeiて作品をとおして提示。言葉にまつわるワークショップ
やトーク・イベントを開催し、展覧会そのものがさまざま

樋口鉄平 HIGUCHI Teppei

These three artists whose first languages are Indonesian,Standard Chinese and Japanese put together an exhibition
with its focus on words. Based on each of their experiencesin multiethnic and multilingual countries, they sought to

DATAshow through their work they exhibited how communication
involving culture, identity and history could be achieved

参加作家：本間メイ、オクイ・ララ、シャイフル・ガリバルディ
関連イベント：12.1トーク「Translating Ourselves（私たち自身を翻訳する）」
オクイ・ララ 12.8 ワークショップ「Words Exercise」ファシリテーター：
滝 朝子 12 .22 ワークショップ「Making New Letters」シャイフル・ガリ
バルディ

not through a single common language but through amultiplicity of words and languages. Workshops and talkevents related to language were held, and the exhibition

Artist: HOMMA Mei, Okui Lala, Syaiful Garibaldi
Event: 12.1 Talk “Translating Ourselves” by Okui Lala,12.8 Workshop “Words Exercise” Facilitator: TAKI Asako,
12.22 Workshop “Making New Letters” by Syaiful Garibaldi

Théâtre Musical Tokyo (TMT)な人との共生を模索する場となりました。

itself became an opportunity to explore symbiosis withdiverse individuals.

世界に開かれた、あらゆる表現を探る場
OPEN SITEは、あらゆる表現活動が集まるプラットフォームの構築を目指し、2016年より始まった企画公募プログラムです。第 3回となる2018 年度は、これまでの展示企画、パフォーマンス
企画に加え、小規模ながらも実験的な企画を対象とした「OPEN SITE dot」部門を新設しました。
公募では285企画が国内外から集まり、書類審査と面接審査を経て9企画を選出し、トーキョーアーツアンドスペース推奨企画、教育普及プログラムを合わせた11企画を実施しました。参加型公開制作やレクチャーパフォーマンス、演劇、ワークショップなど、多岐にわたる試みを展開しました。

A place for artist of the world to explore all forms of expression
Launched in 2016 as an open-call program for arts-related projects, OPEN SITE aims tocreate a platform that gathers all forms of activities in artistic expression. In its third termin 2018, the scope expanded from the existing exhibition and performance projects toinclude the newly established “OPEN SITE dot” division for small but highly innovative
experimental projects. Some 285 open-call applicant projects came in from Japan andabroad, and after written application judging and interview judging, nine projects wereselected. Added to these were a Tokyo Arts and Space Recommendation Program and an
Educational Program, for a total of 11 projects initiated.

DATA
会場：TOKAS 本郷 審査員：畠中 実（NTT インターコミュニケーション・センター[ICC] 主任学芸員）、久野敦子（公益財団法人セゾン文化財団 プログラム・ディレクター）、毛利嘉孝（社会学者／東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科 教授）、近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラム・ディレクター）
Venue: TOKAS Hongo Jury Members: HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC]), HISANOAtsuko (Program Director, The Saison Foundation), MOURI Yoshitaka (Sociologist / Professor, Graduate School of Global Arts,
Tokyo University of the Arts), KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)120

P. 152-157に審査員によるレビューを収録しています。
See pages 170 - 175 for reviewsby jury members.

PROFILE
1985 年生まれ。バンドン（インドネシア）、東京都を拠点に活動。
2011年チェルシー芸術大学大学院ファインアーツ科修了。主な展
覧会に「Quiet Dialogue：インビジブルな存在と私たち」（東京都美術館、2018）、「忘れかけた言葉と、新しいアクセント（訛り）」（ S.Y.P
art space、東京、2018 ）、「マイコの国に関する私のノート」（ OMNI
space、バンドン、2017 ）など。

121

Born in 1985. Lives and works in Bandung (Indonesia) and Tokyo.
Graduated with an MA Fine Art from Chelsea College of Arts
in 2011. Recent exhibitions: “Quiet Dialogue: Invisible Existencesand Us,” Tokyo Metropolitan Art Museum, 2018, “Words are being
forgotten and new accents.,” S.Y.P art space, Tokyo, 2017, “My note
about Maikoʼs country,” OMNI space, Bandung, 2017.

OPEN SITE 2018-2019: Part 1

〈展示部門／Exhibition 〉

photopia（明所視）／scotopia（暗所視）という視覚現象〈展示部門／Exhibition 〉「見る」行為から物事の認知を問い直すことを制作のテー

現像をタイトルに、表現が浮かび上がるまでのあらゆる行為を
「現像」

玉木晶子

マとする玉木が、等身大に投影された自分自身の映像とと捉え、2020年に向け加速的に変化を続ける「東京」の見（キオ・グリフィス＋細淵太麻紀）
GENZOU

実物大で空間に構成。パフォーマンスで用いられている

更新し、もうひとつの都市のイメージマッピングを顕在化さブレイクタイム No.6

る作家のみが唯一形をもたない映像として出現し、虚像せました。会期終了後、
写真冊子現像4号として出版しました。

Break Time No.6と実像が混ざる複数構造からなるインスタレーションを

会期：2019.1.12-2.11

展開しました。

2000枚もの東京の写真を公開編集しながら展示空間を日々(Kio GRIFFITH + HOSOBUCHI Tamaki)「photopia/scotopia−東京」
現像 Vol. 4

The phenomenal affect of “photopia/scotopia” (day/nightvision), Genzouʼs project title for TOKASʼ Open Site, is in“photopia/scotopia−Tokyo” GENZOU Vol. 4

小物や家具が展示室内に存在する中、パフォーマーであTamaki is an artist who makes the theme of her work there-questioning of the perception of things from the act

the aggregating of unseen human-photo-synthesis woven
into the metropolitan landscapes of Tokyo shared from

会期：2018.11.24-12.24

of “seeing.” In this work she projected life-size images ofherself and interacting with them in a performance format,

personal histories of the localites. The gathered photodocumentation are commentaries about the acceleration
towards 2020 , the Olympics, and counter-point to the cityʼsdevelopment. Over 2000 photographic contributions werereceived through social media and other forms of electronic
correspondence. These daily feeds of photographs became
the structure to manifest a new form of city mapping within

DATA
関連イベント：12.15トーク・イベント ゲスト：笠原美智子（石橋財団ブリヂストン美術館 副館長）

the gallery installation. GENZOU Volume 4 is the cataloguingof this exhibit published in 2019.

Event: 12.15 Talk Event Guest: KASAHARA Michiko (Vicedirector, Bridgestone Museum of Art)PROFILE

then she fill the installation space with a video recordingof the entirety, again configured in life-size. Thus, theDATA
協力：コ本や honkbooks、時里 充（ TOKISATO PLAYER ）、藤田至一 関連イベント：2. 2トーク・イベント 玉木晶子 伊installation consists of multiple structures deploying virtualand real images. While the performance utilizes small
objects and furniture that exist in the exhibition space, the

村靖子（情報科学芸術大学院大学[IAMAS] 講師）

Cooperation: honkbooks, TOKISATO Mitsuru (TOKISATO
PLAYER), FUJITA Yoshikazu
Event: 2.2 Talk Event TAMAKI Akiko IMURA Yasuko (Lecturer,
Institute of Advanced Media Arts and Sciences [IAMAS])artist as performer is the one and only projected presence
that has no form.

PROFILE

現代写真の可能性とバーチャル化した暗室から浮かぶグローカル論を思慮した主宰者、細淵太麻紀とキオ・グリフィスにより2017 年に結成。100 部限定の写真冊子として現像創刊号（ 2017 ）、現像 2号『再開発』（ 2017 ）、現像 3 号『光合成』（ 2019 ）を発刊。国内外の書店やギャラリー、アートブックフェアなどで紹介されている。

OPEN SITE 2018-2019: Part 1

掛け合うパフォーマンスを行い、その記録映像をさらに

TAMAKI Akiko

えない意思を表出させる試み。SNSなどをとおして集めた

GENZOU was founded in 2017 by Hosobuchi Tamaki and Kio
Griffith from an apperceptive glocal understanding of combining
possibilities of photography and the status quo of the virtualized“dark room.” Independently published in limited editions of one
hundred copies, GENZOU has launched the Inaugural Issue (2017),
Vol. 2 “Gentrification” (2017), and Vol. 3 “Photosynthesis” (2019 ).
GENZOU is available at local and international bookshops.

122

1983 年生まれ。東京都を拠点に活動。2016 年東京藝術大学大学

院映像研究科修了。主な活動に「ビヨンド・マテリアライジング」（多摩美術大学、東京、2018 ）、「記録係 vol. 新しい洞窟」（コ本や
honkbooks、東京、2017）など。受賞歴に「北九州デジタルクリエー
ターコンテスト」審査員賞［宝珠山徹］（ 2017 ）、「第 22回学生 CG
コンテスト Campus Genius Award Silver」審査員賞［水江未来］（ 2016 ）など。

Born in 1983. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MA in
Film and New Media from Tokyo University of the Arts in 2016.
Recent exhibitions and performances: “Beyond Materializing,”
Tama Art University, Tokyo, 2018, “KIROKUGAKARI vol. Parallax
Cave,” honkbooks, Tokyo, 2017. Awards: “Kitakyushu Digital
Creator Contest,” Toru Hoshuyama Prize, 2017, “ 22 nd Campus
Genius Award Silver,” Mirai Mizue Prize, 2016.

123

OPEN SITE 2018-2019: Part 2

〈展示部門／Exhibition 〉

世界的に活躍するアーティスト7 組によるヴァーチャル・〈パフォーマンス部門／Performance 〉

戯曲を執筆するために神里がこれまで取材をしてきた南

MUTEK.JP

リアリティ（ VR ）を用いた作品とともに、MUTEK.JP の神里雄大（岡崎藝術座）

米や日本各地について、外部からの訪問者として報告す活動を紹介。来場者はヘッドセットを装着し、立体的か
つ奥行きがあるVRシネマや、視線の向きによって映像

VR Salon：イマーシブ・リアリティーズの展開が変わるインタラクティブな作品など、没入型のVR Salon: Immersive Realities

仮想現実を体験しました。会期中には出展作家によるトー

会期：2019.1.12-2.11

ク・イベントを開催し、新たな表現形式としてデジタルメディ
アを用いた作品の可能性を探りました。

DATA

The VR Salon exhibition hosted by MUTEK.JP showcased
the Virtual Reality (VR) works of seven artists / artistic

参加作家：梅田宏明、山本信一・瀬賀誠一・Intercity-Express、
カン・ブユクベーバー、フェリックス＆ポール、フライトスクール、

groups from around the world. Through the VR headsets
the visitors were able to experience a wide-variety of

マシュマロ・レーザー・フィースト、テオドル・ウシェフ
協力：Phi Centre（モントリオール） 助成：アンスティチュ・フランセ日本
関連イベント：1.26トーク・イベント 出演：山本信一（メディア・アーティスト）、
瀬賀誠一（デジタル・アーティスト）、Intercity-Express 大野哲二（音楽家）
モデレーター：小林桂子（日本芸術文化振興会 プログラムオフィサー）人移住地やボリビアのオキナワ移住地、アメリカ占領下(Okazaki Art Theatre)に英語が島内言語になっていた小笠原諸島・父島など、現代につながる移民の歴史を軸に、滞在先で出会った人々

レクチャーパフォーマンス「報告、について、パラグアイ、ボリビアと小笠原」やその土地の暮らしについて、写真やパフォーマンスを交えて紹介しました。

Lecture Performance “Reports
about Paraguay, Bolivia and Ogasawara”

Kamisato gave a lecture type performance reporting on
his experiences as visitor from the outside world based

公演日：2018. 11.30（パラグアイのこと）、12.1（ボリビアのこと）、
12.2（小笠原のこと）

on travels in South America and Japan to gather material
for writing plays. Using the media of photographs andnon-gaming VR content ranging from 360 videos, to
3D animations, to abstract immersive experiences andinteractive storytelling. Within the timeframe of theexhibition people were invited to join an artist talk, which
explored the capabilities of digital media to discover new

Artists: UMEDA Hiroaki, YAMAMOTO Synichi/SEGA Seiichi/IntercityExpress, Can BÜYÜKBERBER, Felix & Paul, Flight School, Marshmallow
Laser Feast, Theodore USHEV
Cooperation: Phi Centre (Montréal) Support: Institut français du Japon
Event: 1. 26 Talk Event Speakers: YAMAMOTO Synichi (Media artist),
SEGA Seiichi (Digital artist), Intercity-Express OHNO Tetsuji (Musician)Moderator: KOBAYASHI Keiko (Japan Arts Council Program Officer)

forms of expression.

PROFILE

performance, Kamisato introduced mainly what remains
today of the histor y of immigrants in places like theJapanese immigrant community of Paraguay, the Okinawan
immigrant community of Bolivia, the islands of archipelago
Ogasawara and Chichijima where English became the

DATA
構成・出演：神里雄大 振付：白神ももこ ドラマトゥルク：野村政之
製作：岡崎藝術座 協力：株式会社precog、
シバイエンジン

spoken language during the postwar Allied occupation, as

Playwright/Performer: KAMISATO Yudai Choreographer: SHIRAGA
Momoko Dramaturge: NOMURA Masashi Production: Okazaki Art
Theatre Cooperation: precog co., LTD., SHIBAI ENGINE

revealed by the people he met and the lives of the people
in those locations today.

PROFILE

デジタル・クリエイティビティ、電子音楽、オーディオ・ビジュアルアー
トなどの開発・普及を行うMUTEK のアジア初の拠点として2016年に設立。主な活動に「デジタル・ショック MUTEK.JP」（ WWW、
東京、2019）、「MUTEK.JP - Edition 3」（日本科学未来館ほか、東京、
2018）、「Digi Salon」（ UltraSuperNew Gallery、東京、2018）など。

OPEN SITE 2018-2019: Part 2

るレクチャー形式のパフォーマンス。パラグアイの日本

KAMISATO Yudai

Founded in 2016 as the first Asian hub of the MUTEK network,
MUTEK.JP is a cultural association that is dedicated to thedissemination and development of digital creativity in sound,music, and audio-visual art. Recent activities: “DIGITAL CHOC
MUTEK.JP,” WWW, Tokyo, 2019, “MUTEK.JP - Edition 3,” Miraikan
etc, Tokyo, 2018, “Digi Salon,” UltraSuperNew Gallery, Tokyo, 2018.

124

作家、舞台演出家。1982 年ペルー生まれ。東京都、神奈川県を拠点に活動。2005 年早稲田大学第一文学部卒業。主な作品に『バルパライソの長い坂をくだる話』（ 2017 ）、『+ 51 アビアシオン, サン
ボルハ』（ 2015 ）、『イスラ！ イスラ！ イスラ！』（ 2015 ）、『（飲めない
人のための）ブラックコーヒー』（ 2013 ）など。受賞歴に岸田國士
戯曲賞（ 2018 ）、利賀演出家コンクール最優秀演出家賞（ 2006 ）。

Director and Playwright. Born in Peru in 1982. Lives and works
in Tokyo and Kanagawa. Graduated from Waseda University in
2005. Recent works: “The Story of Descending the Long Slopes of
Valparaíso,” 2017, “+51 Aviación, San Borja,” 2015, “ISLA! ISLA! ISLA!,”
2015, “black coffee(not for drink),” 2013. Awards: “Kishida Kunio
Drama Award,” 2018, “TOGA Directors Competition,” 1st Prize, 2006.

125

OPEN SITE 2018-2019: Part 1

〈パフォーマンス部門／Performance 〉

ジョン・ケージと生没年を同じにし、独特の観点で詩や音〈パフォーマンス部門／Performance 〉

東日本大震災の被災地である宮城県石巻市を訪れ、取材・

Théâtre Musical Tokyo

楽に向き合ってきたとされる米田恵子という存在に焦点

ハイドロブラスト（太田信吾）

想像・対話のプロセスを経て執筆した脚本と映像によっ

(TMT)
樋口鉄平

を当てた、彼女の生涯と作品についてのレクチャーパフォー
マンス。詩人、作曲家がそれぞれの考察を述べる中、ピ
アノとチューバの実演に加え、サウンドアートや映像作

HIGUCHI Teppei

米田恵子（ 1912-1992 ）の作品と生涯について
Keiko YONEDA (1912-1992): Her Works and Life

幽霊が乗るタクシー

戦前のプロパガンダやジェンダーの問題を提示するとと

Ghosts take a taxi

アフタートークでは、死者との向き合い方や、災害を作品

もに、彼女の秘密を解明する演出を施しました。

公演日：2019.2.9-2.11

で扱うことの当事者性について議論を深めました。

DATA

Ota and actors visited Ishinomaki City in Miyagi Prefecture,
an area struck by the Great East Japan Earthquake andThis lecture type performance dealt with the life andworks of a fictional presence named Yoneda Keiko, who

DATA

supposedly died in the same year as John Cage after
spending a creative life focused on a unique perceptionof poetry and music. With thoughts expressed fromthe viewpoint of both the poet and composer andperformances on piano and tuba, and use of sound art
and video work, the work takes a comprehensive view
into the character that is Yoneda and explores her secrets,者）、灰街 令（作曲家、批評家）、馬場武蔵（指揮者）
、樋口鉄平
（作曲家）
、布施琳太郎（美術家）関連イベント：12.22アフタートーク ゲスト：佐々木 敦（批評家／HEADZ主宰）

informed by wartime propaganda and gender issues.

Piano: INOUE Satoko Sound artist: OKA Chiho Director: ONO Ryuichi Poet:
KONO Satoko Tuba: SAKAMOTO Kota Composer, Critic: HAIMACHI Rei
Conductor: BABA Musashi Composer: HIGUCHI Teppei Artist: FUSE Rintaro
Event: 12.22 After Talk Guest: SASAKI Atsushi (Critic / Leader of HEADZ)PROFILEに対峙することで、生者と死者の境界を問い直しました。

出演者：森 準人、昇 良樹、あゆ子、小宮一葉

Tsunami, to write a script and produce a video throughthe process of reporting, imagining and interviewing to

協力：エムマッティーナ、空間企画、チェルフィッチュ、デューズ、岡本あきこ、
酒井 清、Residency PACT Zollverein 助成：アーツコミッション・ヨコ
ハマ、公益財団法人セゾン文化財団 関連イベント：アフタートーク① 2.9
ゲスト：溝口孝英（株式会社三和交通統轄本部 広報部長）② 2 .10ゲスト：
常光 徹（民俗学者／文筆家）③ 2.10ゲスト：大島てる（「大島てる」管理人）④ 2.11ゲスト：佐々木俊尚（ジャーナリスト）

produce a work that combines documentary elements
into theater. The artist redefines ghosts not as nouns,
but the act of “thinking about people who have died,” toquestion the boundaries between the living and the deadby facing dead people living in the memories of those left

Actor: MORI Hayato, NOBORI Yoshiki, Ayuko, KOMIYA Kazuha
Cooperation: M.Mattina, kuukankikaku, chelfitsch, DUDES, OKAMOTO
Akiko, SAKAI Kiyoshi, Residency PACT Zollverein Subsidize: Arts
Commission Yokohama, The Saison Foundation Event: After Talk ① 2.9
Guest: MIZOGUCHI Takafusa (Sanwa Kotsu) ② 2.10 Guest: TSUNEMITSU
Toru (Folklorist / Writer) ③ 2.10 Guest: OSHIMA Teru (Manager of theOshimaland) ④ 2.11 Guest: SASAKI Toshinao (Journalist)

behind. In the discussion that follows, the artist deepens
the questions of dealing with death and disaster.

PROFILE2016年 10月、坂本光太、馬場武蔵、樋口鉄平の3人の音楽家がベルリンで出会い結成。主な活動に小田翔平・河野聡子・坂本・馬場・樋口共同作品《米田恵子（ 1912 - 1992 ）の作品と生涯について》ドイツ初演（ダルムシュタット夏季現代音楽講習、2018 ）、世界初演（国立音楽大学、東京、2018 ）、坂本・樋口共同作品《Unnarrative
Narration》再演（現代音楽セミナー 秋吉台の夏、山口、2017 ）、世界初演（東京、2017 ）など。
OPEN SITE 2018-2019: Part 1

作品。幽霊を名詞ではなく「死者に想いを馳せる」行為として再定義し、残された人々の記憶の中で生きる死者品なども交えた複合的な視点から、米田の人物像に迫り、

公演日：2018.12.21-12.24

出演者：井上郷子（ピアニスト）、岡 千穂（サウンドアーティスト）、
小野龍一（演出家）、河野聡子（詩人）、坂本光太（チューバ奏て構成し、演劇にドキュメンタリーの要素を融合させた

Hydro Blast (OTA Shingo)

Formed in October 2016 by Sakamoto Kota, Baba Musashi and
Higuchi Teppei, three musicians who met in Berlin. The current
members work in a variety of different fields such as poetry, fineart, and theater, pursuing new forms of expression through their
theater pieces. They have held performances up to now in Berlin,
Darmstadt, and Tokyo.

126

映画監督、テレビディレクター、俳優。1985 年長野県生まれ。神
奈川県を拠点に活動。2010 年早稲田大学文学部哲学専修卒業。
2018年演劇ユニット・ハイドロブラスト設立。主な作品に『解放区』（東京国際映画祭、2014 ）、『わたしたちに許された特別な時間の終わり』（山形国際ドキュメンタリー映画祭ほか、2013 ）など。受賞歴に「岩槻映画祭」優秀監督賞受賞（映画『Candle For Minority』、
2017 ）。

Film and television director, actor. Born in Nagano in 1985. Lives
and works in Kanagawa. Graduated from Waseda University in2010. Established Theatre Company Hydro Blast in 2018. Mainworks: “Fragile,” Tokyo International Film Festival, 2014, “The Endof the Special Time We Were Allowed,” Yamagata International
Documentary Film Festival, 2013. Award: “Iwatsuki Movie Festival,”
Best Director Award, 2017.

127

OPEN SITE 2018-2019: Part 2

〈OPEN SITE dot〉

3台のビデオカメラによって記録される根本の振付映像を、〈OPEN SITE dot〉

4 ページの物語を発端に、次の展開を想像し、間に物語

根本しゅん平

ディレイなどの映像効果を加えて2 枚のスクリーンにリ

宮田 篤をつなぎ合わせていくことで、新たな物語を生み出すワー

アルタイムで投影し、身体をその映像に重ねてパフォー

NEMOTO Shumpei

マンスを行いました。また、公演後には作品の解説に加え、観客とディスカッションを実施。空間構成や映像のプロ

It captures me,
It moves me and Itʼs gone

グラミングをも「振付」の一部と定義する根本は、その全てを自身で手がけることにより、3日間の公演をとおして多角的なアプローチを試みました。

公演日：2018.12.14-12.16

出演者：根本しゅん平（振付家）
協力：城崎国際アートセンター（豊岡）、Choreographisches Centrum
Heidelberg（ハイデルベルク、ドイツ）

スを展開しました。ゲスト書店員として、連句・詩人や朗“BIBUN-BOOKS PUBLISHING:
A Bookstore Dealing In Divisional Documents”

読ユニットを迎え、微分帖の持つ詩的な瞬間や共同文芸とのつながりについて考えました。

会期：2019.1.24-1.27

with three video cameras and pro jected in real-time
o n t w o s c r e e n s, an d t h e n h a v in g t h e hi s o w n b o d ystory in a workshop format producing what he calls a bibun book, Miyata opened a “bookstore” with a four-day

over lap th e im age s. A ls o, a f ter th e p er f or m an c e, a
discussion was held with the audience. As an artist who

limit to its existence. In it, he displayed several hundredof these bi-bun books and gave the “bookstore” a space

to his creative activity over the three days of performances.

PROFILE

DATA

where visitors could try creating their own bi-bun books.
As guest bookstore “proprietors” he invited a ren-ku (linked
verse) artist, a poet and a recitation unit to think about

関連イベント：1.25 ゲスト書店員：高松 霞（連句人）、1.26ゲスト書店員：向坂くじら（詩人）、特別ワークショップ ゲスト：
ATTA（詩の朗読ユニット）

poetic moments in bi-bun books and collective artistic

Events: 1. 25 Guest artist: TAKAMATSU Kasumi (Poet) 1. 26
Guest artist: SAKISAKA Kujira (Poet) Workshop Guest:
ATTA (Poetry Unit)

activities.

PROFILE

振付家。日本、ヨーロッパを拠点に活動。イングリッシュ・ナショナ
ル・バレエスクールに留学。主な振付作品に「It captures me, It
moves me and Itʼs gone」（ UnterwegsTheater、
ドイツ、2018 ）、「I I I I」（ de Theaterschool、オランダ、2016 ）、「Untitled #1」（フォアポンメルン劇場、ドイツ、2015 ）、「Land」（ケルン大学、ドイツ、
2014）
。
受賞歴に
「ソロ・デュオ国際振付コンクール」審査員賞（2015）、「No Ballet 国際振付コンクール」第 2 位（ 2011）など。
OPEN SITE 2018-2019: Part 1

百点を展示、来場者も微分帖に取り組むことができるスペー「びぶんブックス」ことばの店：微分帖

An artist who takes a four-page story and then imagines
its next development and how to connect it into a newhimself, Nemoto attempted to try a multi-faceted approach

Performer: NEMOTO Shumpei Cooperation: Kinosaki International
Arts Center (Toyooka, Japan), Choreographisches Centrum Heidelberg（Heidelberg, Germany ）限定の「書店」を開店。これまでの微分帖から選んだ数

A performance was created by pro jecting images of
Nemoto performing his own choreography recorded

considers the composition of the performance space
and the programming of the videos to all be part of his“choreography,” and by doing all of these components by

DATA

クショップ型作品《微分帖》の制作を行う宮田は、4日間

MIYATA Atsushi

Choreographer. Lives and works in Japan and Europe. Nemoto
went on to study at English National Ballet School. Recent works:“It captures me It moves me and Itʼs gone,” UnterwegsTheater,
Germany, 2018, “I I I I,” de Theaterschool, The Netherlands, 2016 ,“Untitled #1,” Theater Vorpommern, Germany, 2015, “Land,” Universityof Cologne, Germany, 2014. Awards: “SoloDuo International Dance
Festival,” Jury prize, 2015, “No Ballet International Choreography
Competition,” 2nd prize, 2011.

128

美術家。1984 年生まれ。東京都を拠点に活動。2009 年愛知県立芸術大学大学院美術研究科美術専攻修了。おとなもこどももあそ
べるぶんがく《微分帖》など、ワークショップやドローイングによって他者との関わりの中にある差異を見つめることを制作の契機にしている。主な活動に「ことば市」（アーツ千代田3331、東京、2017 ）など。受賞歴に「ポコラート全国公募展vol. 6」ポコラートワークショッ
プ賞（ 2016 ）。

Artist. Born in 1984. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MFAfrom Aichi University of the Arts in 2009. Including creating divisional
publications “Bibun-cho,” a kind of literature that people of allages can take part in, creates works that deal with the differences
between one and the other through workshops and drawings.

129

OPEN SITE 2018-2019: Part 2

〈TOKAS 推奨企画／TOKAS Recommendation Program〉

肉体の衝突を起点とするパフォーマンスを行うコンタク〈TOKAS教育普及プログラム／TOKAS Educational Program〉

映像や言葉を使った作品を制作する小沢裕子をファシリ

コンタクトゴンゾ

トゴンゾ。ゲスト・アーティストのやんツーがプログラミ

小沢裕子

テーターに迎えたワークショップ。一階の会場と中二階ングした、自動認識装置が装着されたセグウェイが会場

contact Gonzo

内を自走。そのカメラが捉えた図像が音声で説明される中、コンタクトゴンゾの4 人が絡み合い、殴り合い、終盤にはuntitled session

観客全員を巻き込んだパフォーマンスを繰り広げました。

公演日：2019.1.19

アフタートークでは、身体的接触や AIの進化がもたらす
これからの芸術の可能性について語られました。
The work of contact Gonzo takes physical collision as
its starting point. With programming provided by guest
artist yang02, a Segway equipped with an automatic
recognition device moves around the space. While theDATA
出演者：コンタクトゴンゾ、やんツー
制作協力：稲福孝信（株式会社HAUS） 関連イベント: 1.19アフタートーク
ゲスト：阿部一直（キュレーター／アートプロデューサー）Performer: contact Gonzo, yang02
Production support: INAFUKU Takanobu (HAUS) Event: 1.19
After Talk Guest: ABE Kazunao (Curator / Art producer)者」、「スピーカー」、「回答者」を順番に体験。他者の身体を介して参加者と会話をしたり、他者の言葉をただ発す

SPEAKERS
言葉の乗り物になった私たちが、そのとき身体で目撃することるだけの「スピーカー」になるなど、言葉と身体の関係性をずらすことをとおして、「私」の場所がゆらぎ、違和感を孕んだ非日常的な感覚を共有しました。

SPEAKERS: what we physically witness
having become vehicles for words

This workshop series was held with Ozawa Yuko, a creatorof works utilizing video and words, serving as facilitator.

開催日：2018. 12.8 ① 13:00-15:00 ② 17:00-19:00
12.9 ① 13:00-15:00 ② 17:00-19:00

The f ir st f loor hall and the 2nd-f loor me e ting room
where connected for broadcast and the five workshop

images captured by the onboard camera were given
vocal explanations, the four members of contact Gonzo,

participants, including Ozawa, took turns experiencing
the roles of question askers, speakers and answerers. By

interacted physically, hit each other and eventually unfold
a performance that brought in all the audience at the end.
In the talk session that followed, the artistic possibilities

devices like conversing with each other through a thirdperson “speaker” who simply relayed the other personsʼwords, a gap was created between the body and thebrought about by physical contact and the evolution of AI

words spoken that resulted in a shared extra-ordinary

were discussed.

experience that brought the possibility of feeling a
resulting shake in oneʼs position and accustomed identity.

PROFILEPROFILE2006年に垣尾優と塚原悠也により結成。即興的なパフォーマンス
作品や、映像、写真作品を制作、マガジン編集なども行う。現メンバー
は塚原悠也、三ヶ尻敬悟、松見拓也、NAZE の4名。メンバーは個々においてもそれぞれの分野で作品を発表している。主な展覧会に「コンタクト・ゴンゾ フィジカトピア展」（ワタリウム美術館、東京、2017 ）、「Reborn-Art Festival 2017」（宮城県石巻市）など。

OPEN SITE 2018-2019: Part 2の交流室を中継し、小沢を含めた5 名の参加者が、「質問

OZAWA Yuko

Formed in 2006 by Kakio Yu and Tsukahara Yuya. Chasing the idyllic
sublime characteristic of the moment when flesh collides, the group is
engaged in improvised performance pieces as well as creating video
and photographic works and editing magazines. Present members
include Tsukahara Yuya, Mikajiri Keigo, Matsumi Takuya, and NAZE.
Each member also pursues their own works in their own respective
fields. Major exhibitions: “contact Gonzo Physicatopia,” Watarium
Museum, Tokyo, 2017, “Reborn-Art Festival 2017,” Ishinomaki, Miyagi.

130

INTERVIEW

pp.20-29

1984 年生まれ。東京都を拠点に活動。2009 年武蔵野美術大学

大学院造形研究科美術専攻油絵コース修了。主な展覧会に「PullOut」（ BLOCK HOUSE、東京、2018 ）､「art trip vol. 02 この世界の在り方 思考／芸術」（芦屋市美術博物館、兵庫、2016 ）､「トラン
ス／リアル―非実体的美術の可能性」（ gallery αM、東京、2016 ）
など。

131

Born in 1984. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MA in Oil
painting from Musashino Art University in 2009. Recent exhibitions:“Pull Out,” BLOCK HOUSE, Tokyo, 2018 , “art trip vol. 02 ʻThe Stateof this World: Thought and the Artsʼ,” Ashiya City Museum of Art
and History, Hyogo, 2016, “Trans / Real: The Potential of Intangible
Art,” gallery αM, Tokyo, 2016.

OPEN SITE 2018-2019: Part 1

教育普及事業

1

2

3

4

5

6

Educational Programs andArts Promotion

アートと観客をつなぎ、TOKAS の活動を普及
2018年度の教育普及事業は、TOKASレジデンシーを会場とした「夏のこどもワークショップ」
や、TOKAS 本郷にて「OPEN SITE 2018-2019」の教育普及プログラムと推奨公演のアフタートークを実施。こどもから大人まで幅広い世代がプログラムに参加しました。また、TOKAS
本郷の建物の魅力に注目したマップを日本語と英語表記で作成し、配布。展覧会やイベント
だけではない TOKAS 本郷の楽しみ方を提案しました。これらをとおして、TOKAS の活動
を広く普及し、アートと観客をつなぐさまざまな機会を提供しました。

Connecting Art and the Audience, Promoting TOKAS Programs

1、2：夏のこどもワークショップ Summer Kids Workshop
3、4：「OPEN SITE 2018-2019」教育普及プログラム OPEN SITE 2018-2019 Educational Programs
5：「OPEN SITE 2018-2019」推奨公演アフタートーク OPEN SITE 2018-2019 Recommendation Program After Talk
6：トーキョーアーツアンドスペース本郷 ガイドマップ Tokyo Arts and Space Hongo Guide map

The educational programs for 2018 included a Summer Kids Workshop at TOKAS
Residency, and the OPEN SITE 2018–2019 educational program and after-performance
discussions consisting of recommended performances at TOKAS Hongo. A wide rangeof age groups from children to adults participated in these programs. A map introducing
the appeal of the TOKAS Hongo building was also produced in Japanese and English
and distributed. It proposed ways to enjoy the fun programs at TOKAS Hongo. In theseways, the TOKAS programs were promoted widely and provided lots of opportunities toconnect art and the public audience.

132

教育普及事業の各プログラムの詳細は以下を参照ください。
「OPEN SITE 2018-2019 TOKAS 教育普及プログラム」P.131「夏のこどもワークショップ」P.134-135「トーキョーアーツアンドスペース本郷 ガイドマップ」P.136-137

Refer to the following for details on the educational programs.
For “OPEN SITE 2018-2019 TOKAS Educational Programs” see page131. For the “Summer Kids Workshop” see pages 134 - 135. For the“Tokyo Arts and Space Hongo Guide map” see pages 136-137.

133

Educational Programs and Arts Promotion

夏のこどもワークショップ
Summer Kids Workshop

LITTLE FINGERS BIG ART2018

遠山 敦 TOYAMA Atsushi

Workshop
2018.8.19① 10:30-12:30② 14:30-16:30
Exhibition
2018.8.21-8.28

イラストレーターの遠山敦を迎え、TOKASレジデンシーのスタジオで夏休みのこども向けワー
クショップを開催しました。スタジオの窓全面を覆うサイズの画用紙を床一面に広げ、遠山のナビゲートのもと、緑色、黄色、空色などの絵具を用いて、指先や手のひら、足を使って参加者全員で巨大な森の絵を描きました。それを窓面に展示した後は、ガラス窓に鳥、ネズミ、猫など
お気に入りの動物の絵を白い絵の具で描いて作品が完成。ビルやマンションが立ち並ぶ街の日
常風景に彩りを与えました。アーティストと対話しながら制作することで、体全体を使って大きな絵を描くことの面白さや他者と協働して作品を作り上げる楽しさを学ぶ機会となりました。

A Summer Kidʼs Workshop was held at the TOKAS Residency with illustrator Toyama
Atsushi as instructor. A sheet of paper large enough to cover the Studioʼs windows was
spread on the floor for all the children to paint a huge forest scene using their fingers,
palms and feet, using mainly green, yellow and sky blue. This painting was then mounted
on the windows and finally completed by having the children paint their animals of choice,like birds, mice, cats, on the window sections with white paint. It gave a bright new lookneighborhood. It was wonderful for the children to talk with the artists and experience using
their whole body to paint and the fun of working together with the others on the painting.

DATA
会場：TOKASレジデンシー 協賛：ターナー色彩株式会社
Venue: TOKAS Residency Co-sponsor: Turner Colour Works Ltd.

134

遠山 敦

TOYAMA Atsushi

1970年岐阜県生まれ。兵庫県を拠点に活動。デザイン事務所勤務後、独学で絵を描き始める。主なワークショップに「こどもピカソ」（世田
谷ものづくり学校ほか、東京、2014 〜）、「でっかぁーーい窓ガラスにみんなで絵を描こう」（神戸アートビレッジセンター、兵庫、2013〜）「、土と足で遊ぶアート体験」（INAXライブミュージアム、愛知、2012）など。

Born in Gifu in 1970. Lives and works in Hyogo. After working ina design studio, started career as a self taught painter. Recent
workshops: “Children Picasso,” Setagaya Manufacturing School,
Tokyo, 2014, “Letʼs painting a picture on the huge window glass witheveryone,” Kobe Art Village Center, Hyogo, 2013, “Art Experience toplay with the soil and feet,” INAX museum, Aichi, 2012.

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Summer Kids Workshop

トーキョーアーツアンドスペース本郷
ガイドマップTokyo Arts and Space Hongo Guide map

戦前の建物をリノベーションした TOKAS 本郷をマップで解説
TOKAS本郷の建物について調査し、意匠などの見どころを解説するガイドマップを作成しました。
関東大震災後の 1928 年に耐火性の向上を目指した鉄筋コンクリート造りによって竣工した
建物は、職業紹介所として東京市が設計、小田組が施工しました。2001 年にアートセンター
として改修した際、既存の梁や壁のデザインを生かした仕上げをし、随所に戦前の建物の名残を見ることができます。また、左官職人の久住章が手掛けた壁や床、アーティストのマーティ
ン・シュミットが制作した作品も紹介しています。建物全体を鑑賞の対象とし、このマップを手にしながら館内を巡ることで、来館者の滞在がより充実したものになるよう構成しました。

A map introducing TOKAS Hongo, a facility renovated from a pre-war building
We researched the design of the TOKAS Hongo building to make this guide map thatshows some of its highlights. After the Great Kanto Earthquake, the Tokyo city government
sought improved fire resistance in this reinforced concrete building built in 1928 by the Oda
Construction Company to be used as a public employment agency. When it was renovatedinto an art center in 2001, good use was made of its existing crossbeams and wall designs,
so remnants of the pre-war building can be seen throughout the space. Be sure to noticethe craftsmanship in the walls and floors of plasterer Kusumi Akira and the works of artist
Martin Schmidt. Walk around the building with this guide in hand for an even more fulfilling

イラスト：イスナデザイン デザイン：富岡克朗
Illustration: isna design Design: TOMIOKA Yoshiaki

visit to the center.

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Tokyo Arts and Space Hongo Guide map

TOKAS ANNUAL REPORT 2018

文京ミューズフェスタ 2018

PART 3

REVIEWS

Bunkyo Muse Festa 2018宮田 篤 MIYATA Atsushi

レビュー

2018.12.20

Emerging 2018
ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1

霞はじめてたなびくFirst Lingering Mist of Spring

pompom

シモ・ケロクンプによるコレオグラフィック・インスタレーション―ヴァンサン・ルーマニャック、谷沢直とのコラボレーション

pompom
A choreographic installation by Simo KELLOKUMPU in collaboration
with Vincent ROUMAGNAC and Nao Yazawa
トーキョーアーツアンドスペースレジデンス 2018 成果発表展

TOKAS 本郷は、文京区内の博物館・美術館が出展する「文京ミューズフェスタ」に 2007 年度から参加しています。2018 年度は、事業紹介に加え、「OPEN SITE 2018-2019」参加作家、
宮田篤の「微分帖」を展示。作品を手に取り観てもらうことで、美術館に足を運ばない方にもアートを身近に感じてもらう機会となりました。また、アンケートに回答した方にノベルティを進呈し、PRと地域の交流を深めました。

行為の編纂

TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition

Compiling behaviors, digesting actions
TOKAS Project Vol. 1

Institute of Asian Performance Art: Tokyo日 / 中 / 韓 パフォーマンスとメディア 70ʼs - 90ʼs
OPEN SITE 2018-2019

Since 2007, TOKAS Hongo participates in Bunkyo Muse Festa organized by the museums inTokyoʼs Bunkyo Ward. In 2018, in addition to introducing the programs at TOKAS, a display
was made of the OPEN SITE 2018 -2019 participating artist Miyata Atsushiʼs “Bibun-books.”
Making the books available for visitors to pick up and look at, it provided even people who
donʼt normally go to art museums an encounter with art. And for people who cooperated
by filling out a questionnaire, novelty items were prepared as giveaways, thus promoting
TOKAS and encouraging exchanges with the local community.

DATA
会場：文京シビックセンターギャラリーシビック 主催：文京区
Venue: Gallery Civic, Bunkyo Civic Center Organizer: Bunkyo Ward

Bunkyo Muse Festa 2018138

レビュー：

Emerging 2018小野洵子（トーキョーアーツアンドスペース 事業係）

変容する形式Emergingは、35才以下の若手アーティストを対象とした公募展「トーキョーワンダーウォール（TWW）」（ 2000〜2016 年実施）との連携プログラムである。TWW の入選者から希望を募り、審査を経て選ばれたアーティストの個設置された。モチーフそのものを抽出することにより、形の特徴が顕著にあらわれ、空間全体を支持体としたコラージュ
作品のように展開した。

展開催を支援している。2018 年度は 2013 年から2016 年の入選者から選出された6 名が展示を行った。TWWと彫刻家の堀園実は、波打ち際の風景を展示室内に再現した。床に配された無数の石や木片は、実際に海で拾っては異なり、企画構成力も問われる本プログラムでは、各作家のこれまでの取り組みや彼らの問題意識が反映された展

きたものを型取りした後、粘土を用いて成形、乾燥させて制作している。自然光を取り入れた空間は、照明の数を最示となった。

小限にすることで、時間の経過とともに大きく印象を変えた。粘土で作られた流木や石、空き缶などのごみは、一見す千原真実の展覧会タイトル「Oscillate/deviate」は、日本語に訳すと「振り子のように揺れる／それる」という意

るとまるで本物のようだ。しかし、すべてが同じ色と質感であることに鑑賞者は違和感を覚え、所どころに入った亀裂味になる。振り子のように同じ場所を行き来する日々の中で、当たり前だと思っていた風景がある日変わっていた、とから、これらが彫刻作品であることが判る。石や木だと思っていたものは、石や木の形をした粘土であり、目に見えるいう千原の実体験をもとに本展のコンセプトは考えられた。展示作品はいずれも複数のキャンバスによって構成され、ものを認識する際の手掛かりが揺さぶられる。粘土は焼成されていないため、水を混ぜれば元に戻り、土に還るとい中心に描かれた絵だけでなくまわりの部分を作ることにより、図像とその背景との関係を探るような試みが行われている。

う。会期中に行ったパフォーマンスでは、堀が作品の上を歩き、ときに小石を手に取りながら割っていった。一時的に窓際に設置された作品ではアクリル板を使用し、窓から見える風景を作品に取り込んでいる。通行人や車、日差しの形作られた石や木片の存在は不確かなものとなり、波打ち際という陸と海の境界が曖昧な場所で、存在の偶然性が暗移り変わりによって、画面上はイメージが固定することなく、常に小さな変化が起こっていた。千原が影響を受けたと示されている。

いうドイツ人画家ブルーノ・ゴラー（ Bruno GOLLER, 1901 〜 1998 ）は、大きく余白をとった風景画や、画面の中に福田絵理は、家の中の出来事をモチーフに、現実と虚構を織り交ぜた絵画を描いている。壁や人のようなオブジェ

額縁のような枠を描いた絵画を制作している。千原の作品では、さらに複数の素材を組み合わせることによって、構が、ブルーグレイの絵の具で一筆一筆、何層にもわたって丁寧に重ねられており、部屋の壁に取り付けられた窓からは、成要素の組み替えを可能とし、絶えず変化する社会を表現した。

仄かに光が放たれているように見える。絵画を描き始めたきっかけを「自分を癒し、守ること」と語る福田は、制作の展覧会の構造や形式に関心を持つ清水総二は、ステートメントの仕組みに着目し、2 つの展示スペースでインスタ

始めに紙粘土で立体を作り、自由に空想できる箱庭の世界をもとに、室内空間を描く。たびたび登場する人のようなレーションを展開した。いずれの部屋も、絵画、テーブル、スツール、壁掛けフック、そして紙に書かれたテキストによっオブジェは、その家の住人のように、空虚な表情でひっそりと佇んでいる。静かな部屋の中で、印象的なのは窓の存て作品が構成されている。テキストでは、手脚が長く胴が極端に短い架空の人物を設定し、作品はその彼の身長に合在だ。窓は外界との接続であり、家の中に差し込む光は、希望のようでもある。絵を描くことによって内に籠もるのでわせてかなり高い場所に、テーブルの横では胴の長さに合わせて低い位置に展示された。清水は、家具などの鑑賞以はなく、社会とつながろうとする福田の心情が映し出されている。

外の機能を持つオブジェを絵画と並置することによって、アートの定義を再考するとともに、展覧会というシステムでは、

空間、時間、物理性などをテーマに作品制作をしている平田尚也は、「∃, Parallels, Invulnerability」と題し、映像作品の配置によって鑑賞者を選別していることを示唆している。また、2 つのスペースのテキストを比べてみると、絵作品を発表した。∃（イグジスト）は、数学で存在を証明するときに使われる記号だ。Parallels（平行）は作品の状態、画に描かれた車やスニーカーなどのモチーフについて異なる説明をしていることが分かる。清水は、ジョージ・オーウェ

Invulnerability（不死身）
は作品の特性を示している。平田は、インターネット上で集めた既成の3Dモデルをコンピュールの小説『1984 年』で支配者が実践している思考能力「二重思考（ Doublethink ）」を引用し、展示において2 つの矛

タ上で組み合わせて彫刻作品を制作、そこに重力や摩擦を数値化して設定し、自ら作曲した音楽をのせている。仮想盾する考えが共存する状態を作り上げ、展覧会のステートメントを頼りに作品を受容するのではなく、鑑賞者による空間で構築した彫刻は次々に破壊されていき、その様子はまるで素材の実験のようである。デジタルネイティブであ多様な解釈の可能性を提示している。

る平田にとって、仮想空間での制作は、現実と同じようにリアリティがあるという。展覧会のステートメントで映画『マ

朝、家を出て会社に向かう道、電車の中、あるいは休日の散歩道、どのような景色が記憶に残っているだろうか。
「見

トリックス』の台詞を引用し、現実の定義について疑問を投げかけているが、デジタルメディアが溢れる現代において、すごしているもの」と題した展覧会で、中野由紀子は、過去のドローイングや携帯電話のカメラロールを辿り、自らの現実とヴァーチャルを二項対立で考えるのは無意味なのかもしれない。私達の思考に密接につながっている点では、無意識ともいえる記憶に向き合い制作に臨んだ。2 つのスペースには、キャンバスに油彩で描いたペインティングと、どちらもリアルな世界なのだろう。

ドローイングを切り取った紙の作品がそれぞれ展示された。中野がモチーフに選んだのは、ごみ置き場のネットやブロッ

Emergingは、2019 年度より「TOKAS-Emerging」として日本国内の若手アーティストを対象とした公募プログ

ク塀、植木鉢など、ありふれているが故に見過ごされるものばかりである。全体に青みがかった色彩で描かれたペイラムとなる。TWWとの連携プログラムとしては2018年度が最後となるが、これまでにEmergingに参加してきたアーンティングは、ネットの網やブロック塀の規則的な連なりが強調されている。画用紙とトレーシングペーパーに水彩

ティストも含め、今後の活動を継続して支援していきたい。

で描いたドローイングの作品は、モチーフ部分を切り取り、壁に点在させたり、アクリルに挟んで床に自立するように
REVIEW: Emerging 2018140

P.40-47

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REVIEW: Emerging 2018

レビュー：

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 1

霞はじめてたなびく

鬼頭早季子（トーキョーアーツアンドスペース 事業係長）

霞たなびきはじめる頃にTOKASのプログラムに過去に参加したアーティストを中心に構成されるシリーズ展、ACT（ Artists Contemporary

吉開菜央の《静坐社》（ 2017 ）は、建築史を研究している友人から、京都にある「静坐社」の建物が取り壊されるの

TOKAS ）
。第一回目の今回は「霞はじめてたなびく」と題し、佐藤雅晴、西村有、吉開菜央の 3 作家をグループ展形式

で撮影を依頼されたのが制作の始まりであった。大正期に岡田虎二郎という人が広め流行した、30 分間静坐をしなで紹介した。本展では企画段階や記録冊子を作成するのに際し、作家へのインタビューを複数回実施している。本

がら呼吸を整えるという健康法（岡田式静坐法）を京都で小林信子が展開していたのが「静坐社」だ。その建物は、「静稿はそれら作家の言葉をまとめる形で構成する。*1

坐社」が入る前の住人が、息子 4 人を近くにある京都大学に入学させるために建てた家で、1階は洋風、2 階は 4 部屋

佐藤雅晴は 8 年ほど癌を患い、2017 年末にこれ以上手術をしても完治しないと医者に告げられた。あとどのくらの均等な間取りになっていた。

い生きることができるかわからないと考えたときに、もう少し福島を見てみたいと思ったことが、《福島尾行》（ 2018 ）撮影は引っ越し作業を手伝うところから入り、押入れの中に隠されていた沢山のプライベートなものを見ては作業を制作する動機となっている。福島を見たいと思ったきっかけは、常磐線が富岡駅まで開通したという毎日新聞の記を中断し、3日間かけて行われた。実際に静坐をしていた場所でモデルにも30 分間静坐をしてもらい、部屋の中に入っ事の写真であった。佐藤は、人が日常生活で使う場所である駅の横にフレコンバッグが積み上げられている光景を見てくる光の移り変わる様子も含めてタイムラプスで撮影した。モデルがいないときに窓の光だけを撮っているシーンて驚いた。今後もフレコンバッグの山はモニュメントのように残るだろうが、福島の状況について時間をかけて作品もあるが、それは吉開にとっての家の体感時間になり、光の動きが家の呼吸を表している。
吉開の呼吸の音と声以外は、全て現場で録った音で、家の前を通り過ぎた人達の声であったり、家の床がきしんだの中で見せることができればと思い記録したという。
《福島尾行》の前作である《東京尾行》（ 2015 - 2016 ）では、制作していくうちに「花」が作品の軸になっていった。

りする音など、背景に埋もれがちな音を掬い取っている。それを展示空間で再生したときに、また静坐社が現れたよ

東京にある花は、植木鉢に入っていたり、切花だったりと自然と切り離された形で存在する。
《福島尾行》では、そのうな気持ちになったという。

ような軸がまだ見つけられず、迷いが見られる。福島へは、富岡といわき、南相馬などに半年かけて 4、5 回取材に行っ

吉開は、この撮影の 1年後に改めて映像素材を見返したとき、チラシの裏を使ったメモを発見した。そこには「私のたが、震災、原発事故のため、立ち入り禁止区域になった場所に、佐藤自身がどこまで近づけるかわからないと戸惑っような名もない、学もない、金もないような者をご親切に思ってくださっていてありがとうございます。いついつまでていたようだ。

もお願いします。涙が出ても書けません。ありがとうございます。
」と書いてあった。誰が書いたのか分からないが、それでも佐藤は、福島で親和性を感じる場所もあった。ある日、取材中に座って休み、ふと振り返ったら後ろに草むらが広がっていた。遠くに小屋があり、そこを車が走っているだけなのに、大きな風景の中で人間が生きているこ

静坐のような気持ちを落ち着けるための健康法を広めていた家に住んでいた人が、切実に何かを求めてそのメモを書いていたかもしれないと思った。そしてその言葉が作品の編集を始めるきっかけとなる。

とを実感し、とても愛おしくなったという。通り過ぎるだけでは気づかなかったことが、立ち止まることで見えてくる

展覧会に向けた最初の打ち合わせには、佐藤は体調が優れずに参加できなかった。それでも3 作家は互いに制作こともある。そのような場所や出来事に出合うためにはもっと時間が必要だったため、今回は未完の作品を展示した。

態度や視点をリンクさせた。西村と吉開が自転車をテーマにした新作を作ることを決め、作家同士でやり取りをしな

佐藤は病に打ち克って再び取材に行くことを信じていたが、展示会期中の 3 月9日に帰らぬ人となった。
西村有が描くモチーフは、西村が実際に見て経験したことに由来している。日常の風景の中で色々な変化を感覚的がら吉開は自転車シリーズの第 3 作目となる《wheel music》（ 2019 ）を制作し、二人の共通するモチーフやよく取材に行く河川敷などの場所を取り上げ、ひとつの展示空間を作った。また吉開は《wheel music》で、町で見つけた自に捉え、現れたり消えたりすることを描き、描きながら考え、色を塗り、そこにまた何を見るのかということを繰り返して、転車に乗る人を「尾行」し、町を巡って作品を作った。それは佐藤が福島の風景をまるで「尾行」するようにモチーフ

ひとつの舞台を作っていくという。西村は今回、展覧会名の「霞はじめてたなびく」から、言葉が持っている気持ち悪を探り、トレースし、見定めたことと方向性は違うものの、ある人物や風景をなぞることで身体化し、その経験を作品

さや、湿っぽさのような複雑なものを感じとった。出品された新作は、形をなさずに霧散しているものや、空気中に湿としていくという点において、その起点は同じである。さらに西村は佐藤のことを想って絵を描いたが、大きな自然の気が増して形がみえないようになっているなどのおぼろげなイメージから着想が得られている。
例えば、本展に出展した《stop the bicycle》（ 2019 ）は、自転車でスピードにのっていた人が急に止まって降りよ

中で人間が慎ましく生きることへの謙虚な気持ちも、二人には共通している。結果として展示は、展覧会名を出発点に作家が互いに影響し合い、作品に発展させ、「霞」のように有機的なつながりを生んだ。展覧会が始まり、佐藤も会

うとしているとも、これから乗りだそうとしているとも見え、風景を動きがあるものとして描いているようだが、実際に場を訪れることができ、それを確かに見届けた。鑑賞者もそれぞれの展示空間を巡ることで、作品にある共通の視点

は風景ではなく西村自身が動いている。流れている風景と同時に動いている自身が重なってひとつに収まるイメージを見出しただろう。

だ。
《waiting for the shooting star》（ 2019 ）では、ひとりの男性が寝転んで夜空を見上げ、星を見ている。西村

展示会場に作品を搬入した日、空には霞がかかり、春の訪れを感じた。

は幼少の頃、天体キットなどで月や星を眺め、宇宙に浸る一方で、宇宙のことを考えると自分がすごく小さな存在に感じたという。この作品は、そうした自分の体験と、同じ展覧会に出展し、そして病と闘っている佐藤が星を見たときにきっ*1 本展覧会記録冊子『ACT Vol. 1 霞はじめてたなびく』も合わせてご参照いただきたい。

P.48-51と何か思っただろうという想像が重ねられている。
REVIEW: First Lingering Mist of Spring

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REVIEW: First Lingering Mist of Springレビュー：

pompom
シモ・ケロクンプによるコレオグラフィック・インスタレーション―ヴァンサン・ルーマニャック、谷沢直とのコラボレーション

鈴木祐子（トーキョーアーツアンドスペース レジデンス係長）

拡張する振付のサイト・スペシフィック性
シモ・ケロクンプは、2017 年度に開始したヘルシンキとの「二国間交流事業プログラム」でフィンランドからるという並行時空を思わせる没入型の空間が作り出された。

TOKASへ派遣された最初のクリエーターである。2017年9月から11月にかけて、舞台美術家でコラボレーターのヴァ

この 3 面スクリーンに向かい合うように、谷沢直による漫画のデジタル・スライドが展示され、2 つのメディアによンサン・ルーマニャックとTOKASレジデンシーに滞在し、作品《pompom》に取り組んだ。ケロクンプにとって初来る対話空間が生まれた。またその間に漫画の冊子が彫刻的なオブジェとして展示された。さらに、会期中の金曜日と日となり、身体は異文化をどのように体験するか、というコレオグラファー（振付家）としての関心を追究するレジデ

土曜日の各日2 回、会場内の窓辺でケロクンプによるパフォーマンスが行われた。パフォーマンスが行われていない

ンスとなった。その成果を2018 年 10 月にフィンランドの提携先であるHIAP（ヘルシンキ・インターナショナル・アー

ときはその場に青いウィッグが置かれ、展示要素のひとつに加えられた。まるでショーウィンドーにキャラクターが降

ティスト・プログラム）で展示し、続いて東京でのレジデンスの約 1年後となる2018 年 12 月、TOKASレジデンシーのり立ったように、実在とフィクションを行き来するパフォーマンスが展開され、鑑賞者を引き込んだ。
映像作品の中の主人公は、「超高速の都市東京」というイメージから大きく異なる、むしろゆっくりとした瞑想的なスタジオを展覧会場として発表することになった。
日本での作品制作においては、2つの異なる種類の対話が試みられた。ひとつ目は、異邦者としてのケロクンプの身体と、東京の街で知覚される動きとの対話である。ケロクンプはコレオグラフィー（振付）を、踊るための動きの習得ではなく、環境を読み取る行為と捉えている。
《pompom》は、東京のさまざまな場所における動きとコレオグラフィーとの関係、
また異文化との出合いが振付家の身体に与える影響や変化について探究するプロジェクトであり、作品となった。
この出合いの体験はコラボレーターのルーマニャックによって準備が進められた。すでに4回日本に滞在し、アーティストとしての活動を経験していたルーマニャックは、ケロクンプが東京や日本の文化と直感的に出合えるよう配慮しながら、動きを紡ぎ出す。ケロクンプが読み取ろうとする場の動きの概念は、地上の場所を越えた地球外の空間や、地球の自転や公転といった地球の惑星としての動きも含んでいる。
ケロクンプは、人間の活動が宇宙空間にまで及んだとき、サイト・スペシフィック性とはどのようなものかを問う。
「場」や「地」が宇宙空間となるサイト・スペシフィックなアートやランド・アートはどのようなものか。この問いへの探究は、現代美術の文脈では行われているが、コレオグラフィーではまだ少ない。さらに、そのような過程で、身体はどのように鍛えられ、変わるのか関心を抱いている。

特定の場所を指定することなく、興味を持ちそうなルートを設定してともに歩き回った。その中でケロクンプが「よし、また、ケロクンプは月の重力や日照時間、気象など、私達の身体や精神、体験に影響を与える要素にも目を向け、ここだ」と反応する場所で撮影を行った。ケロクンプが取り組むのは、場に呼応する動きを振付にするサイト・スペシ

2015 年に《振付としての季節：宇宙飛行士スコット・ケリーは世界のどこにいるのか》を発表している。この作品でフィックな作品である。

は 1年をかけて、北欧のさまざまな季節が身体の動き、振付をどのように変えるかを調査した。日々自身の動きを記録

ケロクンプとルーマニャックは作品を制作するにあたり、東京で撮影をした10ヶ所から、最終的に秋葉原、渋谷、新宿、する中で、ケロクンプは夏と冬では自分の体の動き方が違うことに気付いた。このプロジェクトを始めたころ、NASA

台場、上野の 5ヶ所を選んだ。そしてそれぞれの場所で、青い髪をした地球外生命体という設定の主人公ポンポンが、の宇宙飛行士スコット・ケリーが国際宇宙ステーションでの1年間の滞在を開始した。地球が太陽の周りを回り、ケリー

場との対話あるいは交信ともいうべきコレオグラフィーを展開する。

が地球を 1日16 周する間、ケロクンプはヘルシンキ・シアター・アカデミーの周りをゆっくりと歩き、この動きをもとに

2 つ目の対話は、ジャンルを越えた日本の漫画とのコラボレーションである。ケロクンプとルーマニャックは『愛天振付を制作した。作品では地球に留まる運命となった宇宙飛行士を演じ、このキャラクターを通じて地球上のさまざ使伝説ウェディングピーチ』『真空地帯』などの作品で海外でも知られる漫画家の谷沢直にアプローチし、コラボレー

まな季節を身体で感じた。地球の季節が作品に影響し、それがさらに惑星のレベルでの動きを考える土台となった。

ションを依頼した。ケロクンプとルーマニャックによるサイエンス・フィクションのシナリオをもとに谷沢が漫画を構想。

惑星の運動への関心はサイエンス・フィクション、サイバーパンク、アストロフューチャリズム、アフロフューチャリ

キャラクター作りや描写に関する細かい話し合いを経て、各場所につき数ページの漫画が生まれた。漫画版ではポン

ズム、ソーラーパンクといった領域への興味にもつながっている。ケロクンプはまた、地球外生命や人間が地球外のポンが「よし、ここだ」という場所から宇宙空間へワープし、また地上に戻ってくるという動きがダイナミックな描写で惑星に居住する可能性についてもリサーチを行っている。それは境界線のない世界であり、また同時にポストヒュー

描かれている。映像ではポンポンは画面中央に留まり、振付も静的であるのに対し、漫画の描写は動的である。

マンの時代を暗示するものである。自分の人生の時間軸を超越する、このような動きへの問いは今後のプロジェクト、東京で撮影された5 編の映像作品は、後ろ姿のケロクンプの上半身が中央に配されるという共通の画面構成となっている。また、背景のピントが少しずれていることで、主人公が周囲の環境に直接触れていない、環境との微妙な距離感が表現されている。このような手法で、人が異文化に初めて触れるときの複雑なプロセスを見せた。また、展示

作品へと継続していく。
東京で生まれた《pompom》は、異国あるいは異星の地での異文化との出合いと適応の過程、
また地球規模の共通言語を探究する物語でもある。

P.102-103

はケロクンプの姿をほぼ等身大で見せる3 面のマルチスクリーンとすることで、主人公が複数の場所に同時に存在す
REVIEW: pompom

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REVIEW: pompom

レビュー：

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス 2018 成果発表展

行為の編纂【第 1 期】

鬼頭早季子（トーキョーアーツアンドスペース 事業係長）

身体を介在し、新しい関係性を生み出す
レジデンス・プログラムで、東京や海外の都市に滞在した5 名の作家は、その場所の社会問題や社会のあり方などりつつある都市の姿に抗う。

同時代の問題意識に照らし合わせながら、各都市に滞在あるいは行き来することによって得た情報を身体の中に取りQenji Yoshidaは共通言語のない対話あるいはミスコミュニケーションの中に、可能性を見出そうとして作品を制込み、咀嚼して他者との新たな関係性を築く方法を模索した。本展で展示された作品では、世界で起きていることに作している。マドリードには 2 年連続で滞在することになり、ビデオ・インスタレーション《寓話》は日本とスペイン目を向け、批評的な眼差しを持つことにより凝り固まった事象を解きほぐすことが試みられていた。

を行き来することによって生み出された。エル・グレコのピエロと外国人と猿を描いた《寓話》と、狂言の猿使い、男
うつぼざる

都市環境と身体の関係にストリートカルチャーの視点を加え、作品制作をしている水木塁は、都市に身体を積極的性そして猿が登場する『靭猿』を主題にして、外見は似ているが内容の異なる寓話を参照することで、対話の可能性に介入させることにより都市を別の観点から見直し、場所や空間の概念を再解釈しようとしている。メルボルンに滞在し、と不可能性を考察した。日本語とスペイン語ないし英語、そして猿の言語によりナンセンスな会話が続くが、行為を公共彫刻と人との関係性において、彫刻の構造を自由に読み取った市民を捉えた《通り雨が彫刻を傘に変える》や、カフェ

続けることによって相互の中になんらかの認識や理解が生まれる。その煩わしく思える対話は、他者を理解しようと文化が盛んな彼の地で一時的に路地にテーブルと椅子を出して営業し、場所を不法占拠（スクワット）することからいう意識なしには続行できないやり取りであり、途中で諦めないからこそ鑑賞者は救われ、希望を持つことができる。

インスピレーションを得た《Dubbing lesson》、鑑賞者が湾曲した鏡面に対峙することにより、空間が今までとは異そこには民族や国境を越えてどのように人が生きることができるかという問いが内包されている。

なるボリュームを持って知覚される作品など、ひとつひとつの作品がインスタレーションの部分であり、単独して存

カアン・ミュジデジは TOKAS 滞在中に映画『イグアナ東京』の脚本執筆を始めた。東京に暮らす核家族をテーマ

在もし、それぞれが結び付いてもいた。それは都市の構造を分解して新たに別の空間で再構築するような展示となった。

とし、ゲームに勝てば部屋が広くなり、負ければ狭くなる設定は領土問題のメタファーでもあり、日本のように島国で木工芸を学んだ臼井仁美は、道具を使用して木材を加工し、工芸品を制作するだけではなく、木が材料になる以前

安定して生活し国の規模が変わらないという幻想も想起させる。またインターネットカフェのような狭い空間で過ごの時間にも注目して滞在を始め、ヘルシンキでは森に入り、森を観察し、必要なだけの素材を取って使い、自然と人間す生活は、非現実的なゲームの世界そのものにも見えた。さらに 1960 年代日本建築におけるメタボリズムの運動がが共存しながら生活することを意識した。日本とフィンランドでは古来より樹皮を用いたものが作られている共通点

社会の変化や人口増加に合わせて有機的に成長する都市や建築を提唱し、将来的に実現されると考えられていた構もあり、展示では日本の山で採った山桜の皮を剥いだ作品やヘルシンキで拾った木の作品などを発表すると同時に、想にも影響を受けている。ゲームで部屋が狭くなるような暮らしは、現在は実現不可能かもしれないが、未来ではあインスタレーションの制作やパフォーマンスといった新たな作品展開への糸口も掴んだ。展示終了後ヘルシンキへ

りうるかもしれないあり方を提示した。今回のインスタレーションは映画のプロローグとして発表され、映画の構想

再びレジデンス滞在する機会を得て、前回滞在中に森で見つけた素材を森へ返し、自然のサイクルに戻すことにより、をエクスパンデッド・シネマとして具現化したものであり、今後は映画とエピローグを制作予定である。

ひとつの循環を作り出した。そして現在、東京でも森を訪れて自然と人を知ろうとする試みを継続している。

水木は滞在前に京都市美術館で起きた野外彫刻が了解なく撤去された問題で公共空間と人との関係性を案じ、臼グリッサゴーン・ティンタップタイは、2011年に続きTOKASでは2度目のレジデンス滞在で、東京に着くと家に戻っ

井は自身が扱う素材の原点である森に立ち返り、木器時代があったと仮定することにより、現代の自然と人との関係てきたような感覚になったことから、タイ東北部で過ごした幼少期の部屋に吊るされた蚊帳に思いを巡らせた。蚊帳

を想像した。Qenji Yoshidaは滞在中のスペインでカタルーニャ独立運動のデモや、市民によって街中に掲げられは中と外を隔てる膜のようなものであり強固なものではないはずなのに、なぜか中は安全な場所で危険から身を守るたカタルーニャ州旗とスペイン国旗を目にし、民族や国の定義を考えることになった。ミュジデジは東京のまるで仮と感じ、空想の世界にも浸ることができた。タイへ戻り、撮影された映像作品《Net》では、それぞれ部屋は暗いが、想現実のような街のあり方を特異なものとして描き出し、その都市像について映画から人々に問い掛け、ティンタッ

窓から光が差し込み、色とりどりの蚊帳に暮らす人々のシーンが続く。蚊帳の中でたばこを燻らせ、長銃を手に持つ

プタイも故郷のタイで撮影することによって、東京の都市と変わらないもの／変わるものを対比させる視点を生み出がリラックスしている様子の老人や近くに佇む少年、複数の竹でできた笙のような楽器ケーンを吹く男性、独特な節した。作家はそのような社会の出来事や事象に反応し、作品にも反映している。鑑賞者も作品をとおしてさまざまな回しで謡う女性が映し出される。その音楽はラオスやタイ東北部の伝統音楽であるモーラムのようで、謡われている

事象に出合い、無関心でいることができないだろう。

内容はわからないが、ノスタルジックな雰囲気を纏う。それら失われゆく風景を描くことにより、近代化し、均一にな
REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

146

P.104-109

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REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

レビュー：

トーキョーアーツアンドスペースレジデンス 2018 成果発表展

行為の編纂【第 2 期】

小野洵子（トーキョーアーツアンドスペース 事業係）

場所に接続するということ「行為の編纂」第 2 期では、2017 年に TOKAS から海外各地の提携機関へ派遣されたアーティストと、海外から
TOKASに招聘されたアーティスト計 6 名が滞在制作の成果を発表した。
「コントロールできない変化」をテーマに作品制作をしている中島伽耶子は、台北の歴史に呼応したインスタレーショ

じているが、金井の作品では光や空間の諸要素を形式に加え、スペシフィックなひとつの言語として組み立てている。
展示作品にはそれぞれ、《_____ またはフランケンシュタインのデウカリオーン》という同じタイトルが冠せられている。
これは、メアリー・シェリーの小説『フランケンシュタイン』（原題：フランケンシュタイン、あるいは現代のプロメテン作品《Transition》を展示。自然光が透過することによってアクリル板の縁が暗闇の中で光り、時間の経過や天候によっウス）が舞台化された際に、名前のない怪物の役名を「_____」と表記したことに由来している。デウカリオーンはギて作品の明度が変化する空間となった。

リシャ神話の登場人物で、プロメテウスの息子である。名前のない怪物を示す作品タイトルによって、主体を切り離し、中島が滞在した台北のトレジャーヒル・アーティスト・ヴィレッジは、日本軍や中国国民党軍、台湾の反政府軍など、内在する物質性を強調している。

時代とともに異なる思想を持つ人々が生活し、その度に住居が壊されたり建て増しされ街が形成された。中島は、生

プラパット・ジワランサンは、日本で働くタイの労働者についてリサーチを行い、映像作品と写真作品を発表した。

活や価値観の変化に伴って生まれる勢いや暴力性に着目し、本作品では自身の意図とは関係なく起きる変化の象徴と不法滞在者として働いていた母親を持つタイ人の青年は、ジワランサンが出会ったときには強制送還の手続きの最中して自然光を用いている。透過した光は自然光とは思えないほど力強く、アクリル板の鋭い形や床に散りばめられただった。日本で生まれ育ち、現地の言葉を話すことができない青年がタイでの生活を始めるのは想像もできないことで、破片からは、抗うことのできない時代の潮流が読み取れる。刻々と移り変わる光によって、変化を受容しながら生きる人々

彼は唯一の故郷である日本で暮らし続ける権利を得るために戦っていた。映像では、青年の後ろ姿を捉えた写真がカッの存在を暗示している。

ターによって削られていき、規則的な音とともに彼の存在が消されていった。

鎌田友介は、20 世紀前半に日本、韓国、アメリカで異なる背景のもと建てられた同じ様式の日本家屋についてリサー

横浜でかつて「ママさん」として働いていた女性が街を案内する映像作品は、画面全体にピンク色のレイヤーが施チを行い、映像作品とドローイングを展示した。

されており、変化を遂げようとする街が内包する過去を映し出しているようだ。彼女が当時働いていた場所に今も残《The House (Japan) 》は、東京大空襲によって消失した長屋について、当時住んでいた人々へのインタビューをる植物の写真は、花びらや葉の表面が削られ、忘れ去られていく過去の記憶を示唆している。

中心に構成。
《The House (Korea) 》では、日本統治時代に韓国で建てられた日本人のための住居が、戦後に敵産ドイツを拠点に活動するトビアス・ツィローニィは、これまでヨーロッパの難民に関する作品を制作してきた。今回家屋として使用され、過去を想起させる身体化された記憶として描写されている。
《The House (United States) 》の滞在では、愛知県豊田市と茨城県常総市にある日系ブラジル人コミュニティを取材し、彼らの生活を撮影した写真

は、建築家のアントニン・レーモンドの手記を軸として、焼夷弾の空爆実験のためにアメリカで建てられた木造家屋に作品を発表した。

ついて焦点を当てた。また、韓国国立現代美術館（ MMCA ）で制作した立体作品のドローイングでは、3 つの同じ形

バブル期に深刻な人手不足だった日本では、1990年に入管法を改正・施工し、多くのブラジル移民の子孫が来日した。

の家屋を各国に見立て、トライアングルを形成し衝突・同化させた。複数の視点から日本家屋の記憶を辿ることにより、法改正から30 年近く経つ今、ツィローニィが訪れたコミュニティでは、住人達は主にポルトガル語を話し、十分な社

単独の線が面となり、国家のアイデンティティが複雑に交わりながら形成される歴史を表出させている。
田中英行が滞在したスイスのバーゼルは、空港からスイス・フランス・ドイツの各都市へアクセスができ、森や河川会保障が受けられない状況を抱えていた。彼らが住む巨大な団地を捉えた写真では、人々の存在を訴えるようにひとつひとつの部屋の灯りが強く光り、住人を被写体とした作品では、社会的周縁を生きる人々のありのままの姿を映しでは自由に国境を行き来することができる。田中は、日本とは異なるスイスの国境のあり方に関心を持ち、境界をテー出した。2019 年 4 月から施工される改正入管法も、国内の労働力不足を補うという点で 1990 年の法改正と共通してマにした作品を発表した。

いる。自国の利益だけでなく、ツィローニィが見つめた外国人労働者が置かれている状況を真摯に受け止めることが自己の存在を太陽の光によって空間に結びつける「Solgraffiti」シリーズでは、フランスの国境にある森を歩き、そ求められる。

の軌跡をピンホールカメラによってフィルムに定着させた。映像作品《Green Border》では、ドイツとフランスに接レジデンス・プログラムに参加したアーティストは、普段とは異なる場所に滞在し、異なる言語に触れ、新鮮な思考によっするライン川沿いを自転車で巡りながら、田畑や河川、そこで過ごす人々を撮影した。本展では、リアスクリーンに投て作品制作に取り組んだ。滞在場所の歴史や文化、社会に対して、滞在者としての視点をもたらし、また翻って自ら影することで両側からの鑑賞が可能となり、自由に往来できる国境の様子を暗示させる。日光浴やジョギング、犬のが所属する共同体を再考する契機ともなった。今回の滞在制作を経て、プロジェクトの更なる展開や、新たな作品制

散歩をして過ごす人々の様子は、隣国と領土問題を抱える日本とは対照的であり、国境とは自然の中に人間が作った作への取り組みが期待される。

ものであることを鑑賞者に再認識させた。
金井学は、建物の一部、枝、段ボール、プラスチック段ボール、MDF、プリント綿布、アクリル絵具を用いた構造物
5 作品を展示した。マイケル・フリードは「芸術と客体性」* 1 の中で、アンソニー・カロの作品を「各々の要素のアイデ*1 マイケル・フリード「芸術と客体性」『モダニズムのハード・コア―現代美術批評の地平 批評空間 第2期臨時増刊号』
太田出版、1995 年、P.79。

P.110 - 115

ンティティよりもむしろ、ひとつの要素が別の要素との相互関係から屈折変化することが重要なことなのである」と論
REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

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REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

レビュー：TOKAS Project Vol. 1

Institute of Asian Performance Art: Tokyo日 / 中 / 韓 パフォーマンスとメディア 70ʼs - 90ʼs

大島彩子（トーキョーアーツアンドスペース 事業係）

方法論としてのアジア
上海とロンドンを拠点に活動するキュレーターのヴィクター・ワンは、東アジアの、特に 1960 年代から90 年
代にかけてのパフォーマンス・アートについて研究している。2017 年度に TOKASレジデンシーに滞在した際には、ゼロ次元やハイレッドセンターなどの前衛芸術活動を中心にリサーチを重ね、その成果を「Institute of Asian
Performance Art」のシリーズ名で、ロンドンのデイヴィッド・ロバーツ・アート・ファウンデーション（ DRAF ）と時代遅れとなり、物理的に再現が困難な作品が増えていく一方で、出光の《Womanʼs House》は、制作当時の16ミリフィ
ルムを新たにデジタル処理でデータ化し、より肌理の細かい画質と鮮やかな色彩を蘇らせることができた。
さて、1960 年代以降、平面や彫刻に限らずパフォーマンスや映像表現がアートとして成立するようになり、表現は美術館を飛び出し公の空間でも頻繁に行われ始めた。

TOKAS 本郷の2ヶ所で展覧会を開催した。DRAF では高松次郎、平田実、キム・クリムを中心にパフォーマンス・アー

パク・ヒョンギの作品はその典型である。
《Media as Translators》は、室内で利用するための家電製品（テレビ）をトを考察し、本展「Institute of Asian Performance Art: Tokyo」では、ビデオ・アートの黎明期に活躍し始めた日

屋外に持ち出し、それを自然の一部と融合させることで、映像を映し出すだけの箱だったテレビを、作品自体を構成す

中韓の作家、出光真子、ジャン・ペイリー、パク・ヒョンギに焦点を当てた。

る要素のひとつとして確立させた。
《Video Inclining Water》は水面を映す映像機器としてのテレビを作家自身がビデオ・アートが芸術の分野に取り入れられるまで、アートの歴史は西洋美術を中心に語られ、参照されてきており、抱え（テレビ＝オブジェクト）、それを傾かせることでパフォーマンス的要素を加え、さらにその記録を写真作品にするこ

欧米以外の芸術はエキゾチックな眼差しをもって鑑賞され、西洋的背景と比較されることが多かった。しかし、1960とで、複数の表現方法を同時に提示している。
《Passing Through the City》は、鏡が取り付けられた人工岩がトレー

年後半にSONY から一般向けのビデオ機器が登場すると、アーティスト達が新しい素材としてこのメディアを制作にラーに積まれ、大邱の繁華街を走行しながら最終的にギャラリー内に搬入されるまでの様子を多視点で映像に収めた取り込み始め、とりわけアジアのアーティスト達も、西洋美術史的文脈とは切り離された独自の表現を確立していっ作品である。岩の実物とそれを捉えた映像を同時に鑑賞者に示すことで、目の前に存在する対象が果たして何なのかたのである。

を問いかけ、モノとイメージの関係に揺さぶりをかけようとした * 5。本展ではその記録映像が展示され、3 つの映像をジャン・ペイリーは、中国で最初のビデオ・アート作品《30 30》を発表した作家として知られ、現在も中国現代美

それぞれ壁面、スクリーン、ブラウン管モニターという異なるフォーマットで映し出すことで、視点の違いを表現した。

術界の重鎮とされる。本作品は、作家自身が鏡の板を床に落として割り、それを貼り直してはまた壊す、といった作業

表題に掲げた「方法論としてのアジア」
は、展覧会に先駆けて開催したトークイベント *6 でワンが述べたフレーズで、を当時のビデオテープ 1 本分＝180 分にわたり延々と記録した映像作品である * 1。鑑賞者がこの作品と対峙するため

地理的概念ではなくイデオロギーとしてアジアを用い、ヨーロッパ中心主義の脱構築と新しい概念の構築を目指すもに拘束される時間の流れを意識的に強調することで、ビデオとパフォーマンスを融合させたアプローチとなっている *2。

のである。本展では、そもそも言葉自体が西洋の概念であったパフォーマンスを、当時の技術と融合して現れてきた同様に《Personal Hygiene》や《Uncertain Pleasure II》においても、映像に映る身体動作が、鑑賞者の身体にも介新しい解釈と表現をとおして、その再構築を試みている。本展で紹介した3 名は、いわゆる辞書的な意味でのパフォー入するような効果を生んでいる。なお、この 2 点については、できるだけ発表当時に近い状態でのインスタレーショ

マンス（演技・行為）の作品化ではなく、作品を構成する過程において、鑑賞者の存在や、展示される空間そのものとのンを試みた。両作品の重要な構成要素のひとつである箱型テレビモニターを積み重ねたり、ランダムに床に配置した関係性を体現させるという新たな方法論を提示することで、ワンの追究するパフォーマンス・アートの側面を示唆しりすることで、映像とオブジェクトとしての物質感を再現した。
ポータブルのビデオカメラの登場はまた、日常的、個人的な空間での制作を可能にし、内省的な作品が多く誕生する要因となった。さらに、男性社会であった絵画や彫刻などの伝統的ファイン・アートに比べ、歴史がないメディア・アー

ている。つまりそれは、パフォーマンスの記録を別のメディア形態に転換して発表したり、鑑賞者の時間を共有させたりすることで、一過性の身体の動作や行為に留まらず、身体行為とそれに付随する周りの状況さえも作品化でき得る可能性の証左となっているのである。

トは女性が比較的参入しやすい分野でもあった *3。
出光真子の自伝 *4 にあるように、典型的な家父長制度の中で育った出光は、父への反発もあり実家を出て渡米した。
そこでアート界との交流を持ち、アーティストとしての自我を感じながらも、引き続き家や子供を守るべきとされる母性との葛藤の狭間で、彼女が出合い、表現の幅を広げたのもビデオカメラであった。本展で紹介した作品《主婦の一日》
や《Make Up》は、女性の日常的な風景を捉えている。しかし、前者では画面内に配置されるモニターに映る眼が常に女性の行動を見つめ、後者ではモニターが鏡として用いられているが、映像ゆえに図像が反転していることで、それぞれの情景にある種の違和感が生じ、見るものと見られるものの関係性を暗示しているようである。
先述のように、本展では発表当時に基づく展示を試みているが、技術革新が加速し、当時の機材や手法は文字通り
REVIEW: Institute of Asian Performance Art: Tokyo

150*1 本展では 32 分の編集版を展示した。
（ 1988）（展覧会リーフレット）*2 ヴィクター・ワン「30x30」、『INSITUTE OF ASIAN PERFORMANCE ART: TOKYO』、株式会社アミット訳、
2018 年、P.7。
*3 クリス・メイ＝アンドリューズ『ヴィデオ・アートの歴史 その形式と機能の変遷』、伊奈新祐訳、三元社、2013 年、P. 303-304。
*4 出光真子『ホワット・ア・うーまんめいど ある映像作家の自伝』、岩波書店、2003 年（展覧会リーフレット）、*5 パク・ヘヨン「岩に目があったら、何が見えるのか？」、『INSITUTE OF ASIAN PERFORMANCE ART: TOKYO』
株式会社アミット訳、2018 年、P.23。
P.116 - 119*6 IAPAキュレーター・トーク、2018 年 10 月9日（火）、東京藝術大学、モデレーター：毛利嘉孝。

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REVIEW: Institute of Asian Performance Art: Tokyo

毛利嘉孝（社会学者／東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科 教授）

レビュー：

OPEN SITE 2018-2019

公募プログラム【展示部門】

現像（キオ・グリフィス＋細淵太麻紀）「photopia/scotopia−東京」現像 Vol. 4
現像（キオ・グリフィス＋細淵太麻紀）のプロジェクトは、インターネットを通じて不特定多数の人々に東京の風景の撮影を依頼し、メールや SNS を介して彼らに送られた写真群を会場でプリントアウト、展示していくというもの。
現像は、自ら作品を撮影するのではなく、写真展示および写真冊子作成のための編集のプロセスを会期中に「展示」した。
今回のプロジェクトでなにより興味深いのは、TOKASという空間の使い方の新しい提案でもあったことである。
TOKASは、ある種のオルタナティヴスペースであるにもかかわらず、これまで展覧会のような展示空間か演奏やパフォー
マンス、上映のような一時的なイベント空間の2 つの使い方に集約される傾向にあったと思う。今回の彼らのプロジェ
クトは、与えられた2 つの部屋のうちひとつを事務所のような編集作業の場として使うことで、ある種のコミュナルな交錯点に変えようとしたプロジェクトだったと言える。
私も二度訪れたが、日々刻刻と送られた写真群によって構成される空間に対する二人の雑談とも解説ともつかぬコ
メントが、この空間を特異な場へと変容させていた。展覧会が終わり、集められた写真はいったん現像のコンピュー
タの中のハードディスクに戻ったが、オリンピックの前に集められた匿名の（といっても、実は中には有名な写真家もこっ
そりと含まれているのだが）、将来貴重な記録として再びどこかで展示されることになるのだろう。
P.122

近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラム・ディレクター）

畠中 実（ NTT インターコミュニケーション・センター [ICC] 主任学芸員）

公募プログラム【展示部門】

公募プログラム【展示部門】

本間メイ「つぎはぎの “言葉 ”（字 ことば kata eweawea ）」玉木晶子「ブレイクタイム No.6」

本展は、企画者を含む 3 名のアーティストによる「言葉」をテーマとした作品によって構成された企画展示である。

ボーダーのＴシャツを着た作家本人が、おなじ服装であらかじめ撮影された映像の作家と、同一の空間で共演するそれぞれ母国語、あるいは使用言語の異なるインドネシアのシャイフル・ガリバルディ、マレーシアのオクイ・ララ、日映像パフォーマンス《ブレイクタイムNo. 3》（ 2016 ）を発展させたインスタレーション作品。テーブル越しに投影さ本の本間メイは、複数の言語を日常的に用いる環境で生活をしており、互いのコミュニケーションには、英語にそれぞれる映像の作家と現実の作家が隣り合って座り対話（のようなもの）を繰り広げるシリーズの前作（No.4と5はまだない）れの言葉を混ぜた「つぎはぎの言葉」を用いているという。展示では、こうした作家達の経験や関心から、ひとつの共から、映像ソースを増やし、ソファやテーブルや鏡などが配置された室内を模した空間に、異なる時間軸の映像によ

通言語では捉えることのできないコミュニケーションのあり方や、言語とアイデンティティの関係が問われている。

る作家が、プロジェクターをまたいで対話する（ように見える）、マルチ・チャンネルの映像インスタレーションへと拡

これら3 作家の作品には「言葉」をとおしたある種の分断をみることができる。ガルバルディが生物の変化する姿

張されている。インスタレーションでは、現実の作家のレイヤーがないが、映像の中で異なる時間に撮影された作家から作り出した「言葉」は、個々の知覚と言語のつながりを切り離し、オクイ作品の肉体化された複数の言語とその発を出会わせることで時間の多層性を感じさせている。また映像からセンサーを作動させて現実の湯を沸かしたり、スマー

話は、一人の人間のうちのアイデンティティを切り分ける。さらに本間が作品で示した継ぎ接ぎすらできない言葉とトフォンの映像が会場のモニターに映し出されたりなど、現実の空間とインタラクトさせるアイデアによって、映像空

言葉の断絶は、ときに社会と歴史、社会と個人を切り離す深い溝となって現れる。だが彼らはこうした分断に目をむ

間のみに完結しない展示空間が作られていた。一方、ソファに投影される作家の映像が平面的にソファに張り付いてけることで、それぞれの差異と独自性を可能な限り保持したままそっとつなぎ、言葉の分断から新たなコミュニケーショ

いるように見えてしまうのは、作家が映像化してしまったことを強調するようでユーモラスである。特筆すべきは、自ンの可能性と未知／既知の交点の発見を試みる。取りこぼされた差異に対する注意深い観察と想像力は、言葉それ分が映像であることを意識した作家が自分を鏡に映そうとしてみたり（でも鏡に顔は映らないという、マグリットのオ自体を「つぎはぎ」にし、コミュニケーションツールとしてだけではなく、世界を知るためのツールとしマージュでもある）、自画像を描こうとしたりするなど、さまざまなレイヤーが多層的に結びつき、異なての役割を提示してみせた。

REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

P.121

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る時間と現実と映像の空間を共有することを可能にする映像表現の妙を楽しむことができた。

153

P.123

REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

畠中 実（ NTT インターコミュニケーション・センター [ICC] 主任学芸員）

毛利嘉孝（社会学者／東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科 教授）

公募プログラム【展示部門】

公募プログラム【パフォーマンス部門】

MUTEK.JP「VR Salon：イマーシブ・リアリティーズ」

Théâtre Musical Tokyo (TMT)「米田恵子（ 1912-1992 ）の作品と生涯について」

MUTEK は、2000 年にカナダ・モントリオールで開始された、電子音楽とデジタル・アートのフェスティヴァルを

今回のOPEN SITE の中の公演作品としては最大の〈怪作〉だったのではないか。もう公演が終了したのでネタバ運営する非営利団体。現在では、メキシコやスペイン、そして2016 年からは日本でも開催されている。この展示は、レさせてもらうが、ジョン・ケージと同じ年に生まれ、同じ年に亡くなったとされる〈米田恵子〉は、企画者樋口鉄平に

MUTEK.JP のフェスティヴァルに付随して企画された、ヴァーチュアル・リアリティ作品のショーケースである。梅

よる想像上の人物である（この発想はコメダ珈琲で練られたらしい。ちなみに、恵子はケージの当て字でもある）。

田宏明（日本）、山本信一、瀬賀誠一、Intercity-Express（日本）、カン・ブユクベーバー（トルコ）、フェリックス＆ポール（カナダ）、フライトスクール（アメリカ）、マシュマロ・レーザー・フィースト（イギリス）、テオドル・ウシェフ（カナダ／フランス）の7 組のアーティストが参加している。

しかし、このことが事前に告知されず、レクチャーパフォーマンスにおいても一切言及がないために、聴衆はあたか
も実在の人物として樋口と詩人の河野聡子によるレクチャーと米田恵子の作品を聴くことになる。
最後のパンフレットの配布によって、その事実を聴衆は知る。けれども、歴史的な考察や演奏があまりにも巧妙に

会場手前の部屋には、それぞれの作品概要がパネル展示され、奥の部屋は体験エリアといった趣。1作品につき1台のヘッ

練られているので、聴衆はにわかにこの事実を受け入れることができない。もちろん、「ベートーベンの楽曲のドミソ

ド・マウント・ディスプレイを装着して体験する。日本科学未来館で開催されたフェスティヴァルでのドーム・シアターの和音だけを抜き出して作曲する」などを考えると、奇妙なところも改めて考えると少なくない。けれども、それ以上やジオコスモスのような巨大なスクリーンやディスプレイによる、視野全体を覆う映像体験を、ヴァーチュアル・リアに日本の音楽史にありえたかもしれない重要な女性の現代音楽作曲家としてリアルに生み出されていたのだ。

リティによって体験することができる。VR では、体験者の体の向きに伴い視点も移動することによって、より没入感

この作品を単なるエンターテイメント、〈オモシロ〉作品として理解すべきではないだろう。むしろ、樋口鉄平によを高めることができる。
「インテンショナルな（内包する）フォース」を仮想空間に可視化した梅田や、森に住む生物たる日本音楽史、作曲史に対する徹底的な批評（その中にはフェミニスト的批評やポスト植民地的な批評など現代的視

ちの視覚を体験できるマシュマロ・レーザー・フィーストの作品など、メディアの特徴を生かした作品が体験できた。

点も含まれている）として受け止めるべきだ。そして、その批評自体が、日本の作曲史のミッシングリンクを探る挑発
P.124

的な作品となっている。樋口のこの挑発に対して、それを支える演奏家、アーティスト、そして河野聡子の素晴らしい
レクチャーパフォーマンスが交錯した。この奇跡的な〈快作〉の誕生に立ち会えたことを嬉しく思う。
P.126

久野敦子（公益財団法人セゾン文化財団 プログラム・ディレクター）

久野敦子（公益財団法人セゾン文化財団 プログラム・ディレクター）

公募プログラム【パフォーマンス部門】

公募プログラム【パフォーマンス部門】

神里雄大（岡崎藝術座）レクチャーパフォーマンス「報告、について、パラグアイ、ボリビアと小笠原」ハイドロブラスト（太田信吾）「幽霊が乗るタクシー」

レクチャーパフォーマンス「報告、について、パラグアイ、ボリビアと小笠原」は、作家／舞台演出家の神里雄大の作・演出の太田信吾は、ドキュメンタリー映像作家、俳優としても活躍している多才な人物だ。今回の作品は彼自旅の報告会だ。自身が観客の前でガイドとなり、地図や年表を開き、写真を見せ、音楽やダンスなどを交えながら熱身の劇団「ハイドロブラスト」の第一回公演になる。この公演は、宮城県石巻市で、彼と出演する俳優が一緒に現地演による解説をし、観客を旅に誘う。

の人たちに取材したインタビュー映像とその俳優による舞台上でのパフォーマンスを用いて、ドキュメンタリーとドラ

もちろん、ただのガイドではない。現地の人との出会いとその後の繋がりから生まれた物語に神里自身の冒険譚が加わり、マを往還する意欲的な作品であった。

旅の報告は、彼ならではの特別なものとなる。観客は、レクチャーパフォーマンスを通じて彼の旅を追体験するのだ。

公演では、まず「幽霊」を「死者に想いを馳せる」という意味に再定義する試みであることが告げられる。そして、筆者は小笠原編に参加した。神里の旅の道中が、そこに住む人々との対話、19 世紀から現在にいたる近現代史に幽霊を乗車させたタクシー運転手の話、被災地で亡くなった方々の残された家族への三つのインタビュー映像、亡くなっ翻弄された数奇な歴史、捕鯨航路の要所であったことから様々な歴史上の人物たちがこの地に関係していたことなどを交えて語られた。ミクロネシア風の「南洋踊り」にも驚かされたし、小笠原の旅から生まれた演劇作品『イスラ！イスラ！イスラ！』の一部分も上映され、自身の知っていた小笠原が刷新された。

どの挿話も胸を打たれるものだったが、その中のひとつは、不慮の事故で亡くなったとされる住職と残された妻と障害のある子の物語で特に異彩を放つものだった。パフォーマンスで描かれる母と子の孤独は衝撃的と言っても良い。

小笠原に関する知識だけではない。この地に係る人々の移動の歴史や旅の話を聞くことで、地図上に様々な場所との繋がりと航路が浮かび上がり、新たな地図を発見した。

その描き方の是非については、観客の評価の分かれるところであったと思うが、作家の創作に対する姿勢や立場に関する葛藤が垣間見える部分でもあった。

パラグアイ、ボリビア編は、神里の移民の歴史を持つルーツを巡る旅についての報告だったとのことで、参加できなかったことが悔やまれる。

本作は、死者をどのように受け止めるのか、何をどう伝えるのか、どこまで対象に踏み込むのか、という様々な問題に、
作家と俳優が共に真摯に挑んだ作品であったことは間違いない。一方で、本作の内容がインタビューに協力してくれ

神里は、今回の発表で今後の新たな上演形式を展開するヒントを得たという。OPEN SITE での経験が新作に活かされ、観客を新たな旅と経験に誘う新作が誕生することを期待している。

REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

た方の幽霊が舞台上で家族に語りかけるパフォーマンスで構成されている。

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た現地の人々と、どこまで共有されているのかが気になった。深い思考を重ねながら作品を創作する
P.125

作家ゆえ、今後の活動に期待したい。

P.127

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REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラム・ディレクター）

畠中 実（ NTT インターコミュニケーション・センター [ICC] 主任学芸員）

公募プログラム【OPEN SITE dot】

TOKAS 推奨企画

根本しゅん平「It captures me, It moves me and Itʼs gone」

コンタクトゴンゾ「untitled session」

日本とヨーロッパを拠点に活動する振付家の根本は、今回 OPEN SITE dotにおいて、自らが構築したシステムをコンタクトゴンゾは、これまで身体表現の拡張として、映像作品やサウンド・インスタレーションを制作するなど、メディ含む振付作品の上演と上演後の対話によって、制作過程の公開／公演を試みた。作品の構造としては、3 台のビデオ

ア・アート領域での活動も活発に行なっている。今回は、メディア・アーティストのやんツーをコラボレーターに迎え

カメラによって撮影されたパフォーマンスをする根本のライブ映像が、プログラミングによってディレイなどの加工たパフォーマンスとなった。

が施され、舞台上のスクリーンに投影される。根本は、その場において、自らの影や加工された動きとそのズレをフィードバックしながら次の動きを作っていく。

客席が会場の壁にそって空間を取り囲むように配置され、その内側が演技空間になっており、セグウェイ（電動立
ち乗り二輪車）、台座のような箱を載せ自走する子供用自動車玩具、集められた木の枝などがある。セグウェイにはカ

ライブの動きを取り込むこのシステムの導入には、根本の偶然性への関心がある。スティーヴ・ライヒとアルヴィン・メラが搭載されており、会場をゆっくり動き回りながら観客を撮影し、それに伴って何か意味をなさない言葉を発す

ルシエにインスパイアされたというこの作品は、作曲技法であるフェーズ・シフティングを使った振付の試みであるが、る。それは、ニューラルネットワークを使って、カメラに映ったものが何かをテキストで出力し、それを読み上げていその背景には、自身から何かを生み出すこと、自らの体験が反映された身体の記憶から距離を置いて振付を行うこと

るのだという。コンタクトゴンゾのメンバーが登場すると、4 人の演者が、床に足がつかないように体の上に乗り、つが目論まれている。本作で根本は、非身体的、非ダンス的な要素を用いながら振付の機能やその可能性を問うており、ぎつぎと体を渡りながら会場を一巡していく。そして、演者同士の身体的衝突による、激しい格闘を思わせるコンタ

ライブ映像は偶然性を取り込む契機として、プログラミングは場の時間と空間を構成する振付の一部として機能してクト・インプロヴィゼーションが繰り広げられる。それはまるで無為に見えながら、どこかある種厳しいディシプリン

いる。

とも思える崇高性を湛えてもいるように感じられる。その間、セグウェイと子供用自動車玩具は、演技空間内をぎこ根本が構築したというシステムは不安定で、4 回の上演すべてに何らかのトラブルがあったが、観客が見ていたのは決して練習風景ではなかったし、後半の根本の解説や観客との質疑応答には、専門的な議論も含まれ、いわゆる「公ちなく動き回る。最後は観客を導き入れ、観客の体どうしで枝を落とさないようにはさみ、身体の連結体が完成したのだった。

P.130

開制作」とは異なる緊張感があった。それは観客の前で行われる創作の実践であり、パフォーマンス・プラクティスとして、作品が生成されていく過程を来場者と共有する実験的な場となっていた。

P.128

毛利嘉孝（社会学者／東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科 教授）

伊藤まゆみ（トーキョーアーツアンドスペース 企画調整係長）

公募プログラム【OPEN SITE dot】

TOKAS 教育普及プログラム

宮田篤「びぶんブックス」ことばの店：微分帖

小沢裕子「SPEAKERS 言葉の乗り物になった私たちが、そのとき身体で目撃すること」

びぶんブックスは、その会場に居合わせた人とグループになって物語を作り出し、「本」を作っていくという参加型のワー
クショップ。このように紹介すると子供向けのワークショップと思われるかもしれないが、実際に参加すると大人でも十分に楽しい。
「物語」を自分で作り出すという作業がこんなにも楽しかったのかということを、改めて思い出させ

本ワークショップはこれまで小沢がトーク形式で行ってきた他者を介して会話を行う試み「SPEAKERS」を教育
普及プログラムとしてワークショップ形式にしたものである。
参加者は小沢を含め各回 5 名。中学生から50 代まで幅広い世代が参加した。参加者は、「質問者」、「スピーカー」、「回答者」という3 つの役割を順番に体験し、回答者となった人は、別室でモニターに映るスピーカー役をとおして質られた。
自分以外の人とひとつの物語を作る作業は、決して合意形成の作業ではない。与えられた物語をさらに面白いもの

問者からの質問に回答する。スピーカーはトランシーバーから聞こえてくる回答を聞こえたままに伝える。スピーカーに変えようという作業は、むしろ戦闘的なゲームに近い。ばらばらになったページの間に別の物語を挟み込んで物語が自分の意志を持つことは許されず、小沢いわく「自分が電話機になったようなイメージ」となることが求められる。

自体を変容させるという作業は、パズルにも似ていろいろと考えさせられるが、その一方でちゃらんぽらんな解を出
本屋を模したインスタレーションと、宮田篤の適切なインストラクションは、気軽な参加を促し、会場はほっこりしなことが間接的に言えてしまったり、若い女性と中年男性の組合せでは、お互いの日常で使っている言葉が異なるせいで、意味は分からないけれどそのまま発音してみたら、質問者には伝わったというような興味深い状況が生まれていた。

た雰囲気に包まれていた。こうした試みが美術の場だけではなく、図書館や児童館、老人ホームや病院など年代を越えた公共的な空間に広がっていくことを期待したい。

といっても完璧に自我を捨ててスピーカーに徹するのは難しく、戸惑いながら回答の合間に我に戻ってしまう瞬間が何度も見受けられた。また、母と娘、上司と部下など、すでに関係性のある間柄の組合せでは、普段は言えないようしても、それなりに練り上げられたように読むことができるのが不思議だ。

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身体と言葉のズレがもたらす非日常的な感覚を共有すること。私たちが無意識に背負っている社会的な役割や立場を、束の間解放し、普段の自分の場所にゆらぎを起こす新しいコミュニケーションの装置として、「SPEAKERS」という仕組みの可能性を感じた。

REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

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REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

REVIEW：

Emerging 2018

ONO Junko (Arts Program Section, Tokyo Arts and Space)

Transitional Forms
The Emerging exhibitions have been a project tied to the open-call Tokyo Wonder Wall (TWW) exhibitions

cut out and hung randomly on the walls or sandwiched in acrylic sheets and placed independently on the floor. In

of 2000 to 2016 for young artists under 35 . Participants in the TWW exhibitions who wished to apply forthis way, they stand out more noticeably and appear like collages utilizing the entire display space.

support afterwards for a solo exhibition were subsequently selected by jury for Emerging exhibitions. For the

Sculptor Hori Sonomi recreated a beach scene in the exhibit room. On the floor she lay countless stones and2018 exhibition, six artists who participated in TWW between 2013 and 2016 were selected. Unlike with TWW,

pieces of driftwood created by making molds from things she picked up on the beach and filling them withhowever, Emerging program artists were given the opportunity to participate in the planning and make-up ofclay and then leaving them to dry. Using clay molds to recreate things found washed up on a beach turned thetheir exhibitions in ways that reflected their artistic activities and creative philosophies.

exhibition space into an artificial shoreline. And, by letting in natural light and reducing the lighting to a bare

The title of Chihara Mamiʼs exhibition “Oscillate/deviate” implies a swinging or sheering like that of a pendulum.

minimum, the appearance of the installation changed greatly over time. The molded clay driftwood, rocks andThis concept derived from her experience of suddenly discovering a change in the familiar scenery she usedtrash like empty cans looked almost real at first glance, except for the fact that they all had the same color andto walk the same way every day like the repeated swings of a pendulum. All of her displayed works consisted

texture and had cracks in places, revealing that they were in fact sculptures. This realization that the rocks andof multiple canvases, and by constructing them to include not only painted images in the center but also

wood were actually clay models shakes the assumption that what we see is real. Because the clay is not fired,surrounding spaces she explored the relationship between her images and their surroundings. In the works she

adding water returns it to clay that can return to soil. In her performance during the exhibition Hori walked overdisplayed in front of a window, Chihara used acrylic sheets to bring the scenery outside the window into theand crushed the pieces, at times picking up the supposed rocks and cracking them in her hands. Seeing theworks themselves. Thus, there were always small changes taking place with the movement of the people, cars

uncertainty of what had appeared to be rock and wood highlighted the ambiguity that exists in distinctions, suchand sunlight outside that kept the works from remaining static. The German painter Bruno Goller(1901-1998) thatas beaches as the border between the sea and land, plus the randomness of existence.

influenced Chihara painted landscapes with large empty margins around them, and sometimes painted frames

Fukuda Eri takes as subjects for her paintings things that happen in the house, using a mixture of reality andlike picture frames within the paintings. Chihara goes on to use a variety of materials that make it possible tofiction. Objects that may be walls or people are painted with blue-grey paint carefully layered stroke after stroke,change the composition, thus expressing the constant changes in society.

and from a window painted on a wall seems to enter dim light. Fukuda says she began to paint to “comfort andDue to his interest in the composition and forms of exhibitions, Shimizu Soji focused on the devices of theprotect herself.” Her work began by making three-dimensional pieces with paper-mache and then painting freely

exhibitionʼs message and created installations in his two exhibition spaces. His installations consisted of things

imagined interiors in the mode of miniature gardens. The people-like objects that often appear in the paintings

like paintings, tables, stools, wall hanging hooks and text written on paper. In the text, he proposed a fictional

hang around with empty expressions like the homeʼs occupant. What stands out in these quiet rooms are thehuman with very long limbs and very short trunk, and he hung them very high, at the proposed characterʼs bodywindows. Windows are a connection to the outside world, and the light that comes in from them is like hope.

height, while next to the table he displayed them very low, like the short trunk height. Objects like tables with

They reflect Fukudaʼs feeling that painting is not a means of seclusion but one of connecting to society.

functions other than just being viewed Shimizu displayed in juxtaposition with paintings on the wall in a way that

Hirata Naoya creates works around the themes of space, time and physical properties. He presented video

proposed a new definition of art. Concerning the system of exhibitions, his placement of the works suggested

works in an exhibition titled “∃, Parallels, Invulnerability”. ∃ (exist) is a symbol that is used in mathematics asthat the exhibition chooses its viewers. When comparing the texts in the two rooms, we find contrasting

proof that something exists. Parallels is the condition of works, and Invulnerability stands for the character of

explanations of the subjects like cars and sneakers in the paintings. Shimizu cites the cogitative capacity ofa work. Hirata collects existing 3 D models from the Internet, rearranges them on the computer into works of“doublethink” that the despot in George Orwellʼs novel 1984 uses to create a state where two contradictory

sculpture. To them he attaches values for gravity and friction and sets them to music he composes himself. The

thoughts can exist simultaneously, thus proposing that the viewer not depend on the exhibition statement but

sculptures he constructs in the virtual space are destroyed one after the other in something akin to experiments

leave things open to different possible interpretations.

on materials. As a digital native, Hirata says that creating works in virtual spaces is as real as doing it in the real

What kinds of scenery do we remember when leave home for work in the morning, in the train or on a weekend

world. In his statement for the exhibition, he quoted from the movie Matrix to question the definition of “reality,”

walk? In her exhibition titled “What I overlooked,” Nakano Yukiko undertook an examination of what could be

but in todayʼs world overflowing with digital media, it may be meaningless to think about the real and the virtual

called unconscious memories by going back through her old drawings and her smartphone camera roll. In her two

as mutually opposed. Both may be real worlds in that they connect directly to our thoughts.

exhibition rooms Nakano displayed oil paintings and cut-out drawings of objects on paper. The objects Nakano

From 2019 , Emerging will become an open-call program for young artists in Japan called “TOKAS-Emerging.”chooses as motifs are everyday things that we tend to overlook, like the nets spread over piles of garbage or

Its role as a tie-up program with TWW ended in 2018 , but we intend to continue ongoingflower pots. Her paintings are done in colors with an overall bluish tint that accentuates the meshwork of theactivities in support of artists including the Emerging participants until now.

pp. 40- 47

nets or the regularity of concrete blocks in a wall. The motifs of her drawings done on paper with watercolors are

REVIEW: Emerging 2018

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REVIEW: Emerging 2018

REVIEW：ACT Vol. 1

First Lingering Mist of Spring

KITO Sakiko (Manger, Arts Program Section, Tokyo Arts and Space)

The Season when the Mist Begins to Linger“Artists Contemporary TOKAS” (ACT) is an exhibition series primarily for artists who have participated in TOKAS

Sato, who was fighting cancer, would be thinking when he looked at the stars.

programs. For this first holding of the series the title was “First Lingering Mist of Spring,” and it was organized as

Yoshigai Naoʼs work Breathing House originated from the request of a friend researching architectural history

a 3 person group exhibition featuring artists Sato Masaharu, Nishimura Yu, and Yoshigai Nao. During the planningto film a record of the Seizasha building in Kyoto that was scheduled to be torn down. There, a woman named

stages and for the production of the exhibition catalog, the artists were interviewed several times. The following

Kobayashi Nobuko taught the Okada Seiza health method popularly spread in the Taishō period by a man named

review essay was composed based on the artistsʼ own words.*1

Okada Torajiro. It involved sitting in the seiza position for 30 minutes concentrating on the breathing. Originally,

Sato Masaharu suffered from cancer for about eight years, and in 2017 his physician said no further operations
could completely cure his illness. Not knowing how much longer he would live, Sato decided he wanted to see

the building was built by a man for his four sons attending nearby Kyoto University, and it had Western-style firstfloor and four second floor rooms of equal size.

Fukushima again, and that inspired him to create his 2018 work fukushima trace. What sparked him to want toYoshigaiʼs filming of Seizasha began with helping the occupants move out, but each time a lot of private

see Fukushima again was a photo in a Mainichi Newspaper article announcing the reopening of the Joban train line

belongings were found, the work was delayed so the move eventually took three days. In the room where theto Tomioka Station (which had been destroyed by the 2011 tsunami). Sato was surprised to see remaining piles of

seiza health method was practiced, Yoshigai had a model sit for the 30 -minute seiza session, and it was filmed

flexible container bags in the photo of the station, which people would now be using daily. Knowing that the bag

in time lapse to capture the movement of the light entering the room. Without the model, film was also taken ofpiles may remain as a monument to the tsunamiʼs destruction (and the radioactive contamination from the nearby

the movement of light in the windows, which Yoshigai equated with the buildingʼs sense of time, and took as an

nuclear power plant disaster), Sato said he wanted to take time to document the state of Fukushima in a work.

expression of the homeʼs breathing.

In the work Tokyo trace ( 2015 - 16 ) Sato made prior to fukushima trace, flowers had become the central theme

All of the sounds, except Yoshigaiʼs breathing and voice, were recorded in Seizasha, and included ambient soundwhile working on it. Flowers in Tokyo are often separated from nature as potted plants of florist cut flowers. With

that usually escapes us, like voices of people passing by outside and the sound of the buildingʼs floorboards

fukushima trace there seems to be an unfinished aspect because such a theme was never found. Over half a year,

creaking. When she played it all in the exhibition space, she felt as if the Seizasha had reappeared.

Sato visited places like Tomioka, Iwaki and Minami Soma four or five times, but there was hesitation because many

As she looked back over her films of Seizasha a year later, Yoshigai found something written by someone on

disaster areas were off limits to visitors because of the earthquake/tsunami and the nuclear disaster.

the back of a leaflet. It read: “I thank you for thinking kindly of someone like me with no name, no education, no

Still, Fukushima is a place that Sato feels an affinity for. One day, sitting down to rest, he happened to see a shackmoney. I hope you will continue to. Even when tears come to my eyes, I canʼt write of it. Thank you.” Reading theseacross a wide open field and a lone car driving by. Simple though it was, that gave him a strong sense of people

words of an unknown writer, Yoshigai thought it might have been the sincere wish for of someone living in thistrying to live on in such a desolate place and filled him with love for it. Having stopped there had shown him

house where the calming health method was taught. And it was these words that inspired Yoshigai to start editing

something he would have otherwise missed. Realizing he needed more time to find such scenes, he decided to

the films into a work.

present fukushima trace as an unfinished work. Sato hoped to return to Fukushima to work more on it, but sadly,

Sato missed the exhibitionʼs preparatory planning meeting due to illness. Still, the three artists were able to link
together their working approaches and perspectives. Nishimura and Yoshigai communicated and decided tohe passed away on March 9, 2019.
The motifs in Nishimura Yuʼs paintings are things he has actually seen and experienced. In everyday scenery, hecreate new works on the theme of bicycles. Yoshigai created the third in her series of bicycle pieces, titled wheel

perceives various transitions and paints things that appear and disappear, changing things as he goes, applying

music ( 2019 ), thus the two were able to create an exhibit with that shared theme and motifs of similar riversidecolors, all of which leads to new discoveries that eventually create one stage. From the title “First Lingering Mist

riding courses. Her work wheel music involved exploring towns by following cyclists she happened to find on theof Spring,” Nishimura felt something complex and disturbing inherent in the words and a complex moistness. In his

streets. Thus she linked to Satoʼs motif of virtually “tracing” the scenery of Fukushima to embody things moving in

new works this time, he took as his point of departure the image of a dimness where scattered elements that donʼtdifferent directions or people moving through landscapes, and to work those experiences into their art.

come together as forms and increasing humidity in the air hides the outlines of the shapes of things.

Also, Nishimura did a painting thinking of Sato, as both artists shared a love of the unassuming spirit of people

In his painting stop the bicycle ( 2019 ), the person on the bicycle may appear to have just come to a stop after

living modestly in the vastness of nature. Thus, after setting out with a shared exhibition title, the artists influenced

riding at speed, or may appear to be about to start out riding. The landscape is painted as if moving, but it may

each other and developed their works with an organic bond like mist. And Sato was able to visit the exhibition

actually be Nishimura who is in motion. The image seems to be a combination of the moving self superimposedand verify this bond. Surely many of the viewers who saw the three artistʼs work were able to sense their common

on the flow of the scenery. In the painting waiting for the shooting star ( 2019 ), a man is lying down looking up

vision.

at the stars. Nishimura says when he was young he had a star-watching set and became immersed in watching

There was mist in the air the day the exhibition was hung hailing the start of spring.

the moon and stars, but at the same time he remembers that thinking about outer space made him feel small andinsignificant. Besides those experiences of his own, there may also be the thought of what his fellow exhibiter

REVIEW: First Lingering Mist of Spring160* 1 Also, please refer to the catalog of this “ACT Vol. 1 First Lingering Mist of Spring” exhibition.

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pp. 48- 51

REVIEW: First Lingering Mist of SpringREVIEW：

pompom
A choreographic installation by Simo KELLOKUMPU in collaboration
with Vincent ROUMAGNAC and Nao Yazawa

SUZUKI Yuko (Manager, Residency Program Section, Tokyo Arts and Space)

Expanding Site Specificity in Choreography
The Finnish choreographer Simo Kellokumpu became the first creator to be sent on the Exchange Residency

video installation in the exhibit, it creates an immersive type space in which the main character appears to exist

Program established with Helsinki In 2017. From September to November of that year, he resided at TOKAS

in parallel spaces at the same time.

Residency with his collaborator, French theater-artist Vincent Roumagnac, and worked on a project titled

Facing the three-screen video installation, digital slides of Yazawaʼs manga images were displayed, thus

“pompom.” For Kellokumpu, it was his first visit to Japan and it became a residency that focused on how hecreating a two-media dialogue space. Also in the room were manga booklets displayed in a sculpture-like manner.

would react to this encounter with a foreign culture as a choreographer. The resulting work debuted in HIAP (Helsinki

Furthermore, twice on Friday and Saturday, Kellokumpu did a performance in front of the studioʼs window. WhenInternational Artist Programme), the TOKAS program affiliate in Finland in October 2018 . Then it was shown inthere was no performance, the blue wig was placed as another element of the display. Like a character appearing

Japan at TOKAS Residency studio in December 2018, roughly one year after his residency there.

in a show window, the effect of a performance shifting between fiction and reality drew the viewers in.

The creation of work in Japan experimented with two different types of dialogues. The first was the dialogue

Differing greatly from the image of Tokyo as a top-speed city, the main character in the video works moves

between Kellokumpuʼs body as a non-Japanese and the movement that he perceived in the city of Tokyo.

rather in a slow, meditative manner. The concept of the movement of the sites that Kellokumpu attempts to read

Kellokumpu sees choreography not as mastering movements in order to dance, but as the process of reading

goes beyond the site on earth and includes an extraterrestrial space, the planetary autorotation or revolution of

the surrounding environment. Pompom was a project to focus on the relationship between movements found in

the Earth.

various parts of Tokyo and choreography, and also to explore the influences or changes a foreign culture evokesin the choreographerʼs body, and then create a new work based on it.
The process for this encounter was worked on in with his collaborator, Roumagnac. Having already visited

Kellokumpu asks the question of what the quality of site specificity would be when human activity extends
into outer space. What will site-specific art or land art be like when the “site” or the “ground” is in the realm ofouter space? Exploration of this question is being conducted in the context of contemporary art, but it is rare in

Japan on four occasions and experienced working with artists, Roumagnac served as facilitator to help

the realm of choreography. Whatʼs more, he is interested in how the body will be trained or change in this kind of

Kellokumpu have intuitive encounters with Tokyo and Japanese culture. Without pre-deciding specific sites,

process.

Roumagnac led Kellokumpu on routes that he thought might be stimulating for encounters and walked themFurthermore, Kellokumpu looks into elements like the Moonʼs gravitational pull, daylight hours and climate,with him. In the process, Kellokumpu chose spots he had a positive reaction to and began to film there. His aim

etc., that affect our bodies, minds and experiences. In 2015 , he presented the work Seasons as Choreography –was to create a site-specific work by making choreography based on movement felt in response to the sites.

Where Over the World Is Astronaut Scott Kelly? In this project, he spent a year researching how the different

As they worked toward the new work, of the ten locations where they had filmed, Kellokumpu and Roumagnac
narrowed their choices down to five finally, which were Akihabara, Shibuya, Shinjuku Daiba and Ueno. In each ofthese sites, they had a blue-haired extraterrestrial being, their main character pompom, engage in dialogue, orcommunication with the site becomes a form of choreography.

seasons of Scandinavia affect the body and choreography. While recording his bodyʼs movement daily, herealized that the way his body moves differs between summer and winter.
At the time Kellokumpu began this project, NASA astronaut Scott Kelly was beginning a yearʼs stay on theinternational space station. As the Earth revolves around the sun and the space station circles the Earth 16

The second form of dialogue was a collaboration involving Japanese manga. Kellokumpu and Roumagnac

times a day, Kellokumpu walked slowly around the perimeter of the Theatre Academy of Helsinki and createdapproached the Japanese manga artist Nao Yazawa, who is well known abroad for works like Wedding Peacha choreographic work based on this movement. In this work, he played the part of an astronaut whose fate it

and Shinku Chitai (The Isolated Zone) and asked her to collaborate with them. Thus, Yazawa composed a

had become to stay within the confines of the Earth, and through this character he physically experienced themanga based on a science-fiction scenario by Kellokumpu and Roumagnac. After detail talks about the creating

various seasons of the Earth. The work was affected by the Earthʼs seasons and served as a platform for thinking

the characters and depicting them, several-page manga were created for each of the five sites. In the mangas,

about physicality on a planetary level.

pompom chooses a site, saying, “This is it,” and then warps into outer space. This action and the subsequentThis interest in planetary movement then connected to interest in the realms of science fiction, cyber punk,return to earth are depicted with great dynamism. In the film, pompom remains still in the center and with static

astrofuturism, Afrofuturism and solar punk. Kellokumpu has also conducted research on extraterrestrial life andchoreography, while the manga depictions are dynamic.
The five video works that were filmed in Tokyo all share the same basic composition with the back of
Kellokumpuʼs upper body in the center of the image. Also, the background is slightly out of focus, so the main

the possibilities of humans moving to other planets. It is a world without boundaries as well as something thatsuggests a post-human era. Questioning of kind of development that transcends the timeframe of oneʼs own lifeand movement will continue in Kellokumpuʼs projects and works in the future.

character is not actually in direct contact with the surrounding environment, thus expressing a slight sense

The work pompom born in Tokyo dealt with encounters with other cultures in foreign countries or other planetsof distance with the environment. Devices like this show the complex process through which a person first

and the response to it, and it is also a story of the quest for a common global language.

pp.102-103

encounters a new culture. Furthermore, since Kellokumpuʼs image is shown in roughly life size in a three-screen

REVIEW: pompom

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REVIEW: pompom

REVIEW：TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition

Compiling behaviors, digesting actions [Part 1]

KITO Sakiko (Manger, Arts Program Section, Tokyo Arts and Space)

Using Physicality to Create New Relationships
Five artists who took part in TOKAS Residence Programs in Tokyo and abroad had the opportunity to look at the

Qenji Yoshida creates works that attempt to find possibilities in communication or miss-communicationsocietal issues and social character of a new locality, to examine them through the filter of contemporary values,

between people who donʼt share a common language. Yoshida was able to do residencies in Madrid in two

and to absorb new information in their city of residence or in their travels with their minds and bodies, to digest

consecutive years, and the video installation Fables that he created was born of his travels between Japan andit and search for new ways of being and communicating. Their works in this exhibition were attempts to look at

Spain. His theme was El Grecoʼs allegorical painting The Fable showing a clown, a foreigner and a monkey, andthings happening in the world today and, with a critical eye, to see past phenomenon into the essences within.

the traditional Japanese Kyogen play Utsubo-zaru (The Monkey-skin Quiver), in which a man and a monkey

Mizuki Rui creates works by bringing the perspective of street culture to the relationship between urban

appear. By referencing these two fables that appear similar but are in fact different in content, he sought toenvironments and the body. By actively intervening in the urban environment with the body, he seeks new

explore the possibilities and impossibilities of communication. Though there is initially a stream of nonsensicalperspectives to view cities and reinterpret the concepts of place and space. In Melbourne he looked at theconversation in Japanese, Spanish and English as well as the language of the monkeys, the continuing act ofrelationship of people with public sculpture and saw them freely interpreting the sculpturesʼ structures in atrying to communicate eventually leads to the birth of mutual understanding of the othersʼ intentions. This

photographic work he titled A passing rain changes the public sculpture into an umbrella. In another workseemingly bothersome discourse is only possible to continue because of a desire to understand the other, andtitled Dubbing lesson inspired by the concept of squatting, he used the experience from a place with a rich café

it is seeing this unwillingness to give up the attempt to communicate that inspires the viewers and gives themculture to squat by setting up table and chairs on a street and doing business illegally. In another work he used

hope. In it all lies potential answers to the question of how people of different cultures and nationalities can crossa curved aluminum mirror surface to give viewers a new sensation of perceiving a different sense of volume inthose boundaries and live together.

a space. These works were connected in that they had an installation aspect and yet stood independently. They

Kaan Müjdeci began writing the script for his movie Iguana Tokyo while in residence at TOKAS. His subject iswere displayed to give an impression of taking apart the structures of the city and reconstructing them as new,a nuclear family living in Tokyo and he adopts the device of having the family members change the relative sizeof their respective rooms based on who wins in the computer games they play, which serves as a metaphor fordifferent spaces.
Having trained in wood-working, Usui Hitomi not only creates craft works by using tools to process wood but

border and territorial disputes and also evokes the illusion that, as an island nation, Japan can live secure within

also has an interest in trees before they become the material wood. During her residency in Helsinki she went

its own borders without fear of its lands being taken away. He also saw the lifestyle spent in the small confines

out to observe forests and take only the material she would use, while focusing on living in harmony with nature.

of spaces like in an Internet café as an embodiment of the virtual worlds in the computer games. The work

Japan and Finland share a long history of making things from tree bark, and in this exhibition she made works

also shows the influence of the “metabolism movement” in Japanese architecture that emerged in the 1960s,

using bark peeled from wild cherry trees in Japan and works she made from wood picked up in Finnish forests.

proposing the realization of cities and architecture that could grow organically as the society changed and theIn the process she also found inspiration to venture into the media of installation and performance. After the

population grew. There is also the proposition that although it seems unrealistic now, the kind of life in which oneʼs

exhibition, Usui got the opportunity to do another residency in Finland, where she returned the wood she hadliving space could grow smaller based on performance in games might in fact be possible in the future. Müjdeciʼstaken from the forest, and thus to natureʼs cycle. Currently, she visits forests near Tokyo and continues efforts to

installation for this exhibition was intended as a prologue for the movie and it proposed an embodiment of

deepen her knowledge of the nature-human relationship.
When Krissakorn Thinthapthai came to Japan for his second residency at TOKAS following one in 2011 , hethe filmʼs concept of “expanded cinema,” and Müjdeci now plans to engage in production of the movie and an
epilogue.

arrived in Tokyo and felt like he had returned home; it reminded him of the feeling of being in the room with a

Prior to his residency, Mizuki became concerned about the relationship between people and their public

mosquito net hung in his childhood home in northeastern Thailand. The net is like a film separating the inside andspaces when an outdoor sculpture was removed without consent at the Kyoto Municiple Museum of Art, while

outside and it is not a strong barrier, but for some reason it felt safe inside the net, as if being protected from

Usui returned to concern for forests as the origin of the material wood we use and proposed that besides

danger, and it was like being immersed in an imaginary world. In the video work Net that he filmed after returninga Stone Age, we also have a Wood Age in our history to think anew about our relationship with nature. The

to Thailand, the rooms are dimly lit by light from the windows and we see scenes of people living within thedemonstrations for Catalonian independence and the Catalonian state flag he saw the people there raisedifferent colored nets. In one net we see an old man relaxed, smoking tobacco but holding a rifle, while a boy sits

along with the Spanish flag during his residence, made Qenji Yoshida think about the definitions of ethnicity

nearby. Then there is a man playing the bamboo pan pipe-like Thai instrument known as the khene, and there isand nations. Müjdeci depicted the unique aspects of seeming virtual reality he found in Tokyo and proposeda woman singing with a unique intonation. The music appears to be the traditional Molam music of northeasternquestions to its people about this urban vision through a movie, while Thinthapthai used film he later made in

Thailand and Laos, and although we donʼt know the meaning of the song, it creates a nostalgic air. By depicting

Thailand to compare the similarities and differences he found in Tokyo and Thailand. In these ways the artists

these things that are being lost, the artist questions the rampant modernization and homogenization of todayʼsreacted to the social issues and phenomena they observes in the works they created. And

cities.

surely the audiences who see their works will be unable to ignore these visions.

REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

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pp.104-109

REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

REVIEW：TOKAS Creator-in-Residence 2018 Exhibition

Compiling behaviors, digesting actions [Part 2]

ONO Junko (Arts Program Section, Tokyo Arts and Space)

Connecting to Places
Six artists who participated in Tokyo Arts and Space (TOKAS) creator residency programs in 2017, including Japanese

Objecthood, he referred to Anthony Caroʼs work saying: “The mutual inflection of one clement by another, rather

artists sent to our affiliated overseas organizations and international artists invited by TOKAS for residencies inthan the identity of each, is what is crucial.”* 1 However, Kanaiʼs work adds the elements of light and space into theTokyo, displayed results of their residency work in the exhibition “Compiling behaviors, digesting actions.”

format to create one specific language.

Nakashima Kayako is an artist whose theme is the way people accept changes beyond their control. Her installation

The works Kanai displayed were each titled with the lead _____ : or Frankensteinʼs Deucalion. This comes fromwork in this exhibition titled Transition was in response to her study of the history of Taipei. Using rays of natural

Mary Shelleyʼs novel Frankenstein (originally Frankenstein: or, The Modern Prometheus) which used a blank line (outdoor light directed in through holes onto acrylic sheets so their edges shown as light in the darkened gallery_____ ) to signify the nameless monster when it was adapted for the stage. Deucalion is the son of Prometheus fromspace, the brightness of this transmitted light changed naturally with the outdoor light over the course of the day andGreek mythology. By using a title with a nameless monster for his works, it removes the subject and stresses insteadwith changes in weather.

the “objecthood” of the content.

Nakashima did her residency in the Treasure Hill Taipei artist village in Taipei, a city shaped by the differing beliefs

Prapat Jiwarangsan conducted research on Thai migrant workers in Japan and displayed video works andof the colonial Japanese army, then the Chinese Peoplesʼ Army and finally the rebel forces of Chiang Kai-shek. Eachphotographs based on that research in this exhibition. When he met a young man whose mother was formerly anchange in regime brought new waves of destruction and rebuilding of the peoplesʼ homes to create todayʼs city ofillegal overstayer from Thailand, the youth was in the middle of going through the process for forcible repatriation

Taipei. In this exhibition, Nakashima focused on the impetus or even violent nature of these changes in lifestyle orto Thailand. Having been born and raised in Japan, it was hard to imagine how the youth could begin life in Thailand

values, and in the installation she used changes in natural light as a metaphor such changes beyond her control. The

not knowing how to speak Thai, so he was fighting for his right to stay in Japan, the only home he had ever known. In

light passing into the installation had a strength unexpected for natural light, and the sharp shapes of the acrylic

Jiwarangsanʼs work, a photograph of the youth shown from behind was cut up with a cutter, and the regular intervals

sheets and the debris scattered on the floor expressed the indelible realities of the trends of our times.

of the cutting sound marked the elimination of the youthʼs identity.

In his residency, Kamata Yusuke researched traditional Japanese homes of the same style built for different reasons

In a video work that has a Thai woman who used to work as a “Mama-san” in Yokohama showing the viewer aroundin Japan, Korea and the United States in the first half of the 20 th century, and from this he creates video works andthe town, there is a layer of pink across the entire image that invokes the past that lives on in the rapidly changing

drawings for this exhibition.

neighborhood, and in Jiwarangsanʼs photographs of the potted plants that still remain where the woman used to

The video work The House (Japan) is about the traditional nagaya style houses that were mostly destroyed in
the devastating Allied incendiary air raid on Tokyo in World War II and consists largely of interviews of people whowork, he has scraped away the surfaces of the flower petals and leaves, suggesting that memories of the past aregradually fading away.

lived in them. The House (Korea) is about the houses built for Japanese in Korea during the period of Japanese rule,

Germany-based Tobias Zielonyʼs works until now have dealt with the lives of immigrants in Europe. In his Japanand they are depicted as physical embodiments of that period that were called “enemy-built houses” after the War.

residency this time, he did reporting and research among the Japanese-Brazilian immigrant communities in Toyota

The House (United States) is based mainly on the notes of the architect Antonin Raymond concerning the wooden

City, Aichi Prefecture and Joso City, Ibaraki prefecture and displayed photographs documenting their lives in thisJapanese style houses built in America during the War for trials of incendiary airstrikes.

exhibition.

The drawings Kamata showed are of a 3 -dimensional work he created at the National Museum of Modern andThanks to the relaxation of immigration laws in 1990 during the Buddle Economy when industry suffered from aContemporary Art, Korea that brought together frameworks representing the houses of the same style from thecritical labor shortage, many descendants of Brazilian immigrants were able to enter Japan. Nearly 30 years after thethree countries as if forced together into a single triangular construction. By exploring the memories of the Japaneselaws changed, the residents of these communities that Zielony visited still spoke mostly Portuguese, and they werehouse from these different perspectives, separate lines become a plane that paints a picture of the complex histories

not getting sufficient welfare services. In the photographs Zielony took of the giant housing projects where theyof their national identities.

lived, and in the photographs he took of people, strong lighting was use in each room to emphasize their presence,

From the city of Basel where Tanaka Eikoh did his residency, the major cities of Switzerland, France and Germany

and it showed them as they were, people living on the fringe of society. The revised immigration laws that go intoare easily accessed from the airport, and in the woods and from the rivers around the city you can pass back andeffect in April, 2019 are similar to those enacted in 1990 in that they are intended to help alleviate Japanʼs labor

forth freely across the countryʼs borders. Tanaka became interested in the Swiss national borders, being so different

shortage. The images Zielony presents in his works are a reminder to think seriously not simply about Japanʼs laborin these ways from Japanʼs, and he created works on that theme.

needs but also about the lives the workers are subjected to.

In his “Solgraffiti” series, Tanaka connects to spaces through the medium of sunlight. He recorded his walks in

These artists who have participated in our residence programs have been exposed to foreign environments andthe forests along the French border as images on film using a pinhole camera. For his video work Green Border,

foreign language, which enabled them to work with fresh eyes and thoughts. This experience as foreign residents

he bicycled along the Rhine River separating Germany and France and filmed the fields and rivers and the peoplemeans they are able to look at the history, culture and society of their place of residency with a different perspective,

spending time there. For this exhibition, he used a rear-projection screen so the film could be viewed from both sides,

and conversely, it has given them the opportunity to reconsider the community that they originally belong to. Having

thus creating a metaphor for a border that can be freely crossed and re-crossed by the viewers. His images of people

now seen the works resulting from their residencies, we look forward to seeing what further developments and newsunbathing, jogging or walking their dogs, painted a picture very different from the borders of Japan, where territorial

works they will be undertaking in their ensuing artistic activities.

disputes still exist with its neighboring countries. This invited viewers to re-consider the meaning of the borders we* 1 Michael Fried, Art and Objecthood “Hard Core Modernism – Critical Horizons of Contemporary Art, Part 2 Extra

artificially create in nature.
Kanai Manabu used part of the architecture of the exhibition space and materials such as sticks, cardboard, plastic

Edition,” Ota Publishers, 1995, p.79.

pp.110 - 115

cardboard, MDF, printed cotton cloth and acrylic paints to create and display five works. In Michael Friedʼs Art and

REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

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REVIEW: Compiling behaviors, digesting actions

REVIEW：TOKAS Project Vol. 1

Institute of Asian Performance Art: Tokyo

OSHIMA Ayako (Arts Program Section, Tokyo Arts and Space)

Asia as a methodology
Victor Wang is an independent curator working from bases in Shanghai and London with a specialization

the time they were created, but with ever-accelerating advance in technology, equipment of those days haveprimarily in East Asian performance arts from the 1960s to the ʼ90s. In 2017, he participated in the TOKAS

become literally outdated, making many it physically infeasible to play some of the older works. In the case of

Residency program and did research primarily on avant-garde activities of artist groups like Zero Jigen (Zero

Idemitsuʼs Womanʼs House, originally filmed in 16 mm film format, it was necessary to digitalize it, which resulted

Dimension) and Hi-Red Center. He then presented the results of his research as exhibitions under the Institutein a finer grained image quality and returned the brightness of the colors.

of Asian Performance Art program series at the David Roberts Art Foundation (DRAF) in London and TOKAS

Since the 1960s, as art medias expanded beyond the painting and sculpture to include performance and video

Hongo in Tokyo. At DRAF he concentrated primarily on the performance art of Takamatsu Jiro, Hirata Minoru andworks as viable art forms, artistic expression increasingly broke out of the confines of museum spaces into

Kim Kulim. For this “Institute of Asian Performance Art: Tokyo” exhibition he focused on three artists from Japan,

venues in public spaces.

China and South Korea, Idemitsu Mako, Zhang Peili and Park Hyunki, who were all active in the early period of

The works of Park Hyunki were representative examples of this trend. In the work Media as Translator,
what was originally a home electronics product (the television) was taken outdoors and placed in a way thatvideo art.
Before video art emerged as a new art genre, the history of art was mostly talked about in the context ofintegrated it into the natural environment, thus making it no longer just a box for showing motion pictures

Western art and referenced in terms of it, while art from non-Western cultures was look on as something exotic

but also a compositional element in the work at large. In the work Video Inclining Water, Park himself held aand critiqued from the perspective of Western art. However, when video cameras and players became available

television (equivalent to an object) displaying images of a water surface and added a performance element by

from Sony in the latter years of the 1960s, artists began to use this equipment to create in a new medium,tipping it from side to side. And, by then documenting that action/performance in photographs, he succeeded inand especially among artists from Asia this new medium became a means to create their own new works

integrating multiple modes of expression simultaneously. The work Passing Through the City consisted of video

independent from the Western art context.

recordings taken from a number of perspectives as a trailer carrying an artificial boulder fitted with a mirror that

Zhang Peili is known as the creator of the work 30 x 30 that is said to be the first work of video art by a

was driven through a commercial district of the city of Daegu and finally installed in a gallery.*5 By showing both

Chinese artist, and he is still considered a prominent figure in Chinese contemporary art today. In this video work,

the boulder and the video images of it, the artist poses the question of what the object before our eyes actually

the artist himself repeated the act of dropping a mirror on the floor to break it and then gluing it back together

is and seems to reveal the unstable relationship between object and image. In this exhibition, the documentary

before dropping it again. He did this on and on for the duration of a 180-min. video tape.* 1 By intentionallyfootage is shown was three different formats, on the gallery walls, on screen and in the televisions, thus showing

stressing the amount of time it takes for viewers to watch this video, Zhangʼs approach became a sort of fusion

three different perspectives.

between video and performance.* 2 In the same way, his works Personal Hygiene and Uncertain Pleasure II used

The subject of “Asia as a methodology” came from a phrase Wang used in a talk before the exhibition took

images of motion involving parts of the human body that had the effect of involving the bodies of the viewers

place*6 while talking about the goal of creating a new concept of using Asia not as a geographical concept but asin the viewing experience. With regard to these two works, efforts were made in the installation to show them in

an ideology to de-construct Euro-centrism. In this exhibition, there is an attempt to reconstruct the admittedly

as close a way as possible to how they were seen at the time. One of the important compositional aspects of theWestern term “performance” by integrating the technology at the time when the displayed works were createdinstallation was to stack the old box-type televisions used to show the video or place them randomly around theand come up with new interpretations and forms of expression. The three artists introduced in this exhibition

floor of the space in order to give them an element of materiality as well as video.

were not trying to create works of performance in its dictionary definition (acts of performing) but to use a

The eventual appearance of portable video cameras made it possible to film in everyday and private spaces,

new methodology that involved the presence of the viewers and the experience of the relationship with thewhich led to the creation on many works with an internal perspective. Furthermore, compared to the male-creative space itself in the creative process. In this way, their works suggest the new aspect of performance art

dominated worlds of film and traditional fine arts like sculpture, it became relatively easy for women tothat Wang seeks. In other words, it serves as evidence that by transforming performance documentation into

participate in the creation of media art, which lacked any substantive burden of history.*3

a separate form of media and showing it as such, and by sharing in the time the viewers invest in the work, it is

In her autobiography,*4 Idemitsu Mako says she grew up in a typical patriarchal family environment and, partly inpossible to take the transitory movements of the body into a new realm and create a work of art that includes

rebellion against her father, she left home and moved to the U.S. There she became involved in the art scene and,not only the physical actions but the subordinate elements of its surroundings.

subsequently, it was her encounter with the video camera and use of it to expand her modes of expression that
fostered her consciousness of self as an artist amidst her ongoing struggle with the preconceptions of womenas keepers of the home and children. Her works exhibited in this show, Another Day of a Housewife and Make
Up deal with scenes of the daily lives of women. However, the fact that the eye in TV screen that appears in theformer is watching the actions of the woman and the fact that the TV screen in the latter serves as a mirror, andbecause the images are naturally reversed, creates a disturbing aspect and suggests the relationship between
the watcher and the watched.

* 2 Victor Wang, ʻ30x30 (1988),ʼ INSITUTE OF ASIAN PERFORMANCE ART: TOKYO (exhibition leaflet), Amitt Co., Ltd., translation, 2018, p.7.
* 3 Chris Maigh-Andrews, A History of Video Arts: The Development of Form and Function, INA Shinsuke translation, Sangensha, 2013 ,pp. 303-304.
* 4 Idemitsu Mako, What a Woman Made (a video artistʼs autobiography), Iwanami Shoten, Publishers, 2003.
* 5 Park Haeyun, ʻIf a Rock had Eye, What would it See?,ʼ INSITUTE OF ASIAN PERFORMANCE ART: TOKYO(exhibition leaflet), Amitt Co., Ltd., translation, 2018, p.23.

As mentioned earlier, this exhibition tried to display the works in conditions as close to possible to those at

REVIEW: Institute of Asian Performance Art: Tokyo* 1 In this exhibition a version edited down to 32 minute was shown.

168* 6 IAPA Curator Talk, Oct. 9 (Tue.), 2018, Tokyo University of the Arts, moderator: Mouri Yoshitaka.

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pp.116 - 119

REVIEW: Institute of Asian Performance Art: Tokyo

REVIEW：

MOURI Yoshitaka (Sociologist / Professor, Graduate School of Global Arts, Tokyo University of the Arts)

OPEN SITE 2018-2019

Open Call Program【Exhibition】

GENZOU (Kio GRIFFITH + HOSOBUCHI Tamaki) “Photopia/scotopia – Tokyo” GENZOU Vol. 4
The GENZOU (Kio Griffith + Hosobuchi Tamaki) Project involves sets of photographs being printed out in the
exhibition space and displayed, having used the internet to request photography of scenes around Tokyo froman unspecified large number of people, that are then sent by them via email or SNS etc. GENZOU does notphotograph its own pieces, but “displays” in the exhibition space the editing process that goes into creating aphotographic exhibition or photo album.
The most intriguing point about this project is the new motion proposed on the use of space called TOKAS.
Despite TOKAS being a type of alternative space, I think up till now it tended to concentrate on two usages:
a display space such as an exhibition, and an ephemeral event space like a concert, performance or film. Theirproject on this occasion, by using one room of the two provided like an office - as a place for editing work – could
be called an attempt to shift to a type of communal crossing point.
I made two visits; the space composed from sets of photographs sent in a steady stream over the days, and thepairʼs comments – a cross between light chat and commentary – in relation to it, transformed the space into a
unique venue. When the exhibition finished, the collected photographs returned, for the time being, to the harddisk of GENZOUʼs computer, but they will surely be displayed again somewhere as a valuable future anonymousrecord (although in fact some famous photographers were secretly included) gathered from before

p.1 22the Olympics.

KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)

HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])Open Call Program【Exhibition】

Open Call Program【Exhibition】

HOMMA Mei “Patching Words (zi, kotoba, kata, eweawea)”

TAMAKI Akiko “Break Time No.6”

This exhibition was a project composed of works by three different artists including the eventʼs planner featuring

An installation work developed from the moving image performance Break Time No. 3 ( 2016), jointly performed,

works with the theme of “language.” Each of the three artists, Syaiful Garibaldi of Indonesia, Okui Lala ofin the same space, by the artist herself wearing a horizontal striped T-shirt and a moving image of the artist, taken

Malaysia, and Homma Mei of Japan, all with different native languages – or rather, working languages – live in an

in advance, wearing the same attire. Since the previous piece in the series (there are no No. 4 or 5 yet) in which

environment where multiple different languages are used on a daily basis, wherein for the three to communicate,the image of the artist projected across a table sits next to the real artist and they converse (of sorts), the work

each utilizes a kind of “patching words” that mixes English with each of their own native tongues. The exhibition

has increased its sources of image and expanded into a multi-channel image installation in which images of thepresents the state of their communication that could not be achieved through a single shared language from theartist in different time axes and in a space imitating a room furnished with a sofa, table and mirror, (appear to)artistsʼ experiences and interests while questioning the relationship between language and identity.

converse across the projector. The installation does not feature the layer of the real artist, but having the artist

Through the works of these three artists, one can see a kind of division that pierces through “language.” Themeet within the image in footage taken at different times gives the sense of a multi-layered nature of time. Also,“language” that Garibaldi creates from the transformation of a living creature detaches itself from any connection

sensors, made to work from the image, boil real water, and smartphone images are relayed on the monitor into the individual perception and language while Okuiʼs piece focusing on incarnations of multiple words andthe exhibition space; through the idea of having it interact with the real world, a display space is created that istheir utterances isolates itself from the identity of individual human beings. Going even further, Hommaʼs work

incomplete with only the image space. On the other hand, the image of the artist projected on the sofa looks likethat shows the divide between words that cannot even fathom being patched together appears at points as

it is stuck to the surface of the sofa, stressing the fact that the artist has become “imagined” and is amusing. Of

the deep gulf that separates society from history and society from the individual. Still, by these artists having

particular note is how the artist is conscious of the fact that she is an image, and tries to reflect herself in a mirror

turned their gaze toward these kinds of divisions, each are able to discreetly connect these divisions while(but no face reflects in the mirror – an additional homage to Magritte), and also tries painting a self-portrait, etc.;

maintaining their differences and identities to the utmost ability while trying to explore the possibilities of new

various layers are thus linked in multi-tiered fashion, enabling enjoyment of the excellence of expression through aforms of communication and the point of intersection between that of the known and unknown. The observation

moving image that allows a common sharing of different time, reality and image space.

and imagination carefully afforded toward any loss of disparity forms the “patchwork” between those very

p.1 23words wherein the artists present these as tools that function not as simply ones with which tocommunicate but rather tools to learn about the world.

REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

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REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])

MOURI Yoshitaka (Sociologist / Professor, Graduate School of Global Arts, Tokyo University of the Arts)

Open Call Program【Exhibition】

Open Call Program【Performance】

MUTEK.JP “VR Salon: Immersive Realities”

Théâtre Musical Tokyo (TMT) “Keiko YONEDA (1912-1992): Her Works and Life”

MUTEK is a not-for-profit organization that organizes the MUTEK electronic music and digital art festival, which

This must have been the greatest “mysterious production” out of all performance works at OPENSITE 2018 - 2019 .

was first held in 2000 in Montreal, Canada. At present, international editions of the festival are held in Mexico,

The performance has now ended so I may commit a spoiler: having the same date of birth and death as John

Spain, and in Japan as well since 2016. This exhibition was designed as a part of the MUTEK.JP festival to showcase

Cage, “Yoneda Keiko” is an imaginary character thought up by the organizer Higuchi Teppei (the idea apparently

a collection of virtual reality productions from seven participating artists/groups: Umeda Hiroaki (Japan),came from Komeda Coffee. Incidentally, “Keiko” is written with Chinese characters phonetically equivalent to “Cage”).

Yamamoto Synichi and Sega Seiichi of Intercity-Express (Japan), Can Büyükberber (Turkey), Felix & Paul (Canada),

However, this fact was not announced beforehand, nor was there any hint at all during the lecture performance,

Flight School (US), Marshmallow Laser Feast (UK), and Theodore Ushev (Canada/France).

and the audience listened to the lecture by Higuchi and poet Kono Satoko, and to Yoneda Keikoʼs work, as

An overview of each production is presented on exhibition panels in a room toward the front of the venue, while

though she had been a real person.

an interactive area can be found in another room further inside the venue. Each production has a dedicated head-

The audience found out the truth in the pamphlet distributed at the end. Even so, since the historical analysis

mounted display that can be worn to experience the creation. Audiovisual experiences that have been presented

and performance had been so cleverly devised, the audience could not accept the truth immediately. Of course,

on massive screens and displays such as dome theater festival installations and the Miraikan Geo-Cosmos span

if you think about “composing around only the doh-mi-soh harmonies taken from Beethovenʼs music” etc., there

the full field of vision via virtual reality. VR presents a more immersive experience since the perspective changes

are several elements that are, on reconsideration, odd. Nevertheless, she was so convincingly sculpted as anin accordance with the bodily movements of the viewer. The productions take full advantage of the unique media

important female composer of modern music that she may well have existed within Japanese music history.
This work should not be understood as mere entertainment, a “funny” work. Rather, it should be grasped asformat: Umeda visualizes “intensional force” as a virtual space, while Marshmallow Laser Feastʼs
creation allows one to experience what is seen by organisms living in the forest.

p.1 24a thorough critique by Higuchi Teppei on the history of Japanese music and composing (it included modern
viewpoints such as feminist and post-colonial critique). Also, the critique itself turned into a provocative workin search of the missing link in Japanese composing history. Its supporting musicians, artists and Kono Satokoʼssplendid lecture performance combined in response to this provocation set by Higuchi. I am glad I
was able to witness the birth of this miraculous “mysterious production.”HISANO Atsuko (Program Director, The Saison Foundation)

p.1 26HISANO Atsuko (Program Director, The Saison Foundation)

Open Call Program【Performance】KAMISATO Yudai (Okazaki Art Theatre)
Lecture Performance “Reports about Paraguay, Bolivia and Ogasawara”

Open Call Program【Performance】

Hydro Blast (OTA Shingo) “Ghosts take a taxi”

The lecture performance Reports about Paraguay, Bolivia and Ogasawara is a debriefing session on the journey

Writer and director Ota Shingo is a multitalented artist known for his work both as a documentary filmmakertaken by author and theatrical director Kamisato Yudai. In the lecture, Kamisato takes on the role of a guideand actor. His newest creation comes in the form of the first performance delivered by his own theatre company,

standing before his audience, presenting maps and chronological tables; showing photos; combines this with

Hydro Blast. It is an ambitious piece that alternates back and forth between documentary and drama in a mixture

music and dance to elucidate passionately, thereby inviting the audience on a journey.

of on-stage performance and filmed interviews with locals from Ishinomaki, Miyagi, which were conducted by Ota

Of course, he is no simple tour guide; in addition to the stories of Kamisatoʼs own adventures about the people

and the actors.

he met while on his journey and the stories that were born of those connections he formed, his report on his

The performance begins with an announcement stating that it is an experiment in redefining the concept of “ghosts”

travels becomes something special that only the man himself could provide. The audience vicariously experiences

as the act of “recalling the deceased.” It then goes on to tell the story of a taxi driver who picked up a ghost andhis journey through his lecture performance.

present three filmed interviews of surviving family members of people who passed away in the disaster area,

The author of this review was present for the Ogasawara portion of the performance. Much was said about

while the ghosts of the deceased appear on-stage and speak to the family members.

conversations Kamisato had with locals he met over the course of his travels, the checkered history spanning

All of the performanceʼs episodes are moving, but the story of the chief priest of a Buddhist temple who died infrom the 19 th century up through the contemporary wherein the local people were strung along and trifled with,an accident, his widow, and their disabled child was particularly striking. The performance paints a picture of theand how many historical figures shared connections with the islands due to its importance as part of the sea routewidow and childʼs loneliness that could be described as shocking. The audience likely had differing opinions on

for whaling vessels. I was also surprised to learn about the “South Seas Dance (Nanyo Odori)” resembling what

whether the way it was presented was good or bad, but the story also serves to offer a glimpse into the writerʼs

you might see in Micronesia, and this along with part of the theatrical production born of the authorʼs travels in

struggle with his attitude and approach regarding his creation.

Ogasawara, ISLA! ISLA! ISLA! that was screened changed my understanding of what Ogasawara is.

It was clearly with great sincerity that the writer and actors both tackled a number of issues in this piece: How

But it wasnʼt all just knowledge about the archipelago; by hearing about the histories of the people related to

do we come to terms with those who have passed away? What should the performance communicate and how?

these islands and how they moved, the connections to various locations and routes would appear on the map,

Where should the limits be set? At the same time, I couldnʼt help but wonder how much about the content of theallowing the audience to discover a whole new map before their eyes.

performance had been shared with the locals who took part in the interviews. A lot of thought clearly went into

The Paraguay and Bolivia portions of the performance takes a trip through Kamisatoʼs own roots as an immigrant

the creation of the piece, and I look forward to seeing what else Ota brings us in the future.

p.1 27

himself and a report on that, and I regret not being able to take part in these parts of the lecture performance.
Kamisato apparently has, through this performance, found some hints at a new type of presentation. I hope that
he is able to utilize the experience heʼs gained here at OPEN SITE and to give birth to a new workthat invites the audience on a journey to experience new things.

REVIEW: OPEN SITE 2018-2019

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KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)

HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])Open Call Program【OPEN SITE dot】

TOKAS Recommendation Program

NEMOTO Shumpei “It captures me, It moves me and Itʼs gone”

contact Gonzo “untitled session”

Working in Japan and Europe, choreographer Nemoto recently attempted a performance of his production

As an extension of the physical expression performed up till now, contact Gonzo is carrying out extensive

process via staging of a choreographed piece that includes a system arranged by the artist himself as well asactivities in the realm of media art, producing works of video and sound installation. On this occasion it was

dialogue following the performance at OPEN SITE dot. The structure of the work features a screening of a live

a performance engaging media artist yang02 as collaborator. The audience seats were positioned around theperformance by Nemoto – performed in real time – shot with three video cameras whose output is programmed

walls of the gallery to surround a space, and that inner space became the performance space, where there wasto delays and other effects. Nemoto would then create the next movement based on feedback from the video

a Segway (a two-wheeled electric vehicle), a childʼs toy car that ran by itself on a pedestal-like box, and someand his own shadow.

gathered branches etc. A camera had been mounted on the Segway, shooting the audience while it slowly

In implementing a system that adopts live moments into itself, it is Nemotoʼs interest in improvisation that spurned

circuited the space, accompanied by the emission of unintelligible words. It was explained that a neural network

this decision. The work – inspired by composers such as Steve Reich and Alvin Lucier – is an attempt at choreography

was being used to put what had been shot into some kind of text, and this was read out. Four performers, thethat uses the musical composition technique of phase shifting, but behind that lies an intention to create something

members of contact Gonzo, appeared, riding on each other so as not to touch the floor with their feet, and didout of oneʼs self, to choreograph a work that distances itself from the memories of the dancerʼs flesh that reflecta round of the space passing from one body to another. They also performed a contact improvisation, a severe-

his own experiences. With this piece, Nemoto utilizes non-physical and non-terpsichorean elements whilelooking struggle involving physical collision between performers. Although it looked as if it were unconditional,

questioning the functions and possibilities of choreography; the live video functions to imbue the work withthere was a sense that a sublime-like strict discipline of sorts was being expressed. Meanwhile, the Segway

the chance for improvisation, while the programming performed upon the video functions as a part of theand childʼs toy car clumsily moved around inside the performance space. Finally, the audience was brought inand branches were squeezed between their bodies so as not to drop, thus creating a complete

choreography that organizes the time and space of the scene.
The system that Nemoto has constructed is unstable and while each of the 4 performances met with trouble

p.1 30connected form of human bodies.

of some nature, what the audience was shown was certainly not that of a practice session, and the explanation
and Q&A portion in the latter half of the piece included a technical discussion, affording it sense of tension thatdiffers from that of a public production. It was a creative implementation performed before a live audience, andas a performance practice, creating an experimental space shared with an audience made privy to

p.1 28the mechanism from which a piece of work is created.

MOURI Yoshitaka (Sociologist / Professor, Graduate School of Global Arts, Tokyo University of the Arts)

ITO Mayumi (Manger, Planning and Public Program Section, Tokyo Arts and Space)Open Call Program【OPEN SITE dot】

TOKAS Educational Program

MIYATA Atsushi “BIBUN-BOOKS PUBLISHING: A Bookstore Dealing In Divisional Documents”

OZAWA Yuko “SPEAKERS: what we physically witness having become vehicles for words”

Bibun Books run participatory-style workshops in which the people who come together in the venue form

This workshop series now part of our Educational Program originated as the “SPEAKERS” talk show style discussions

groups and create stories that are made into “books.” Introduced like that, you might think they are workshopsthat Ozawa held with invited guests.

for children, but in fact they are as enjoyable for the adults who participate. They are reminded how much fun it
is to go about making up your own “stories.”

Five people, including Ozawa, participated in each workshop. The participants have ranged widely in age frommiddle schoolers to people in their 50s. The participants took turns experiencing the roles of question askers,

The task of making up a story with someone else is by no means consensus-building. The job of changing a

speakers and answerers. The person acting as the answerer sits in another room in front of a TV monitor showing the

given story to make it even more interesting is, rather, closer to a game of combat. Inserting a different story inspeaker in real-time, and when the question asker asks of the speaker a question, the answerer answers through thebetween mixed-up pages and making alterations to the story itself is similar to a puzzle, and there are various

speaker. The speaker listens to that answer via transceiver and repeats it to the question asker, while the speaker isways you can think of doing it, yet, on the other hand, it is strange how even a flippant solution can be read as if

forbidden to express his/her own thoughts. In Ozawaʼs words, the speaker is expected to act like a telephone.

it has been designed that way.

That said, it is very difficult for the speaker to completely suppress his/her own thoughts, which resulted in

An installation imitating a bookstore, and Miyata Atsushiʼs suitable instruction encourage casual participation

numerous occasions when the speaker can be seen to reveal personal doubts while returning the answer. Also, in

and is enveloped in a warm atmosphere. It does not just attempt to be a place of art, but hopes to expand into

cases there the question asker, speaker and answerer are related in such ways as mother and daughter or seniors andshared, public spaces that transcend generation, such as libraries, childrenʼs centers, homes for thejuniors in a company hierarchy, etc., they may find themselves saying things indirectly that they would not say to eachp.1 29aged and hospitals.

other normally. Whatʼs more, since in cases like a conversation between a young female and a middle-aged man, whonormally speak with very different vocabularies, there were interesting cases where the speaker would be told by theanswerer to deliver an answer that he/she didnʼt understand the meaning of but, nonetheless, it was understood by
the question asker.
As a result, the participants share a wholly unfamiliar experience of this gap between oneʼs everyday physicalpresence and the words they are speaking and hearing. Through this new communication device of SPEAKERS, we
who participated were given the opportunity to experience moments of being freed of our accustomed social roles
and positions and given the possibility of feeling a resulting shake in our position and accustomed

p.1 31

identity.

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トーキョーアーツアンドスペース本郷

トーキョーアーツアンドスペースレジデンシー〒 113-0033
東京都文京区本郷 2-4-16〒 130-0023
東京都墨田区立川2-14-7-1F（オフィス501）

TEL: 03-5689-5331 / FAX: 03-5689-7501
開館時間：11:00-19:00（入場は閉館 30 分前まで）

TEL: 03-5625-4433 / FAX: 03-5625-4434※イベント開催時のみ一般公開

休館日：月曜日（祝日の場合は翌平日）、展示替期間、年末年始

Tokyo Arts and Space Residency
Tokyo Arts and Space Hongo
2-4-16 Hongo, Bunkyo-ku, Tokyo 113-0033
TEL: +81-(0)3-5689-5331 / FAX: +81-(0)3-5689-7501
OPEN: 11:00-19:00 (Last Entry: 18:30)
CLOSED: Mondays (When Monday falls on a national
holiday, closed on the following weekday), Exhibition
preparation periods, and Year-end and New Year Holiday.

トーキョーアーツアンドスペースオフィス〒135-0022 東京都江東区三好 4-1-1 東京都現代美術館内
TEL: 03-5245-1142 / FAX: 03-5245-1154※ 2018 年 10月に移転

1F, 2-14-7 Tatekawa, Sumida-ku, Tokyo 130-0023
TEL: +81-(0)3-5625-4433 / FAX: +81-(0)3-5625-4434*Open to the public only when events are held.

トーキョーアーツアンドスペース

Tokyo Arts and Space

プログラム・ディレクター：近藤由紀

Program Director: KONDO Yuki

TOKAS 本郷：鬼頭早季子､ 大島彩子､ 小野洵子､
関 朝子､ 西村聡美

TOKAS Hongo: KITO Sakiko, OSHIMA Ayako, ONO Junko,
SEKI Asako, NISHIMURA Satomi

TOKASレジデンシー：鈴木祐子、内山史子、宇野 歩、

TOKAS Residency: SUZUKI Yuko, UCHIYAMA Fumiko,
UNO Ayumi, TAKECHI Asagi, AZUMA Yuko, SAKAI Kaori

武智あさぎ、東 優子、坂井香織

Tokyo Arts and Space Office
4-1-1 Miyoshi, Koto-ku, Tokyo 135-0022 (Located in MOT)
TEL: +81-(0)3-5245-1142 / FAX: +81-(0)3-5245-1154* Relocated on October 1, 2018

広報・教育普及：伊藤まゆみ、市川亜木子、竹野如花、
中村菜美、渡辺俊夫、荻田果林、内村 彩

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Public Relations and Educational Program: ITO Mayumi,
ICHIKAWA Akiko, TAKENO Yukika, NAKAMURA Nami,
WATANABE Toshio, OGITA Karin, UCHIMURA Aya

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トーキョーアーツアンドスペース アニュアル 2018
編集
杉本勝彦
トーキョーアーツアンドスペース（伊藤まゆみ、市川亜木子、竹野如花、渡辺俊夫）（ 2019 年 3月）
インタビュー
内田伸一
翻訳ロバート・リード（P.002-138［プロフィールを除く］、P.158-169、P.175 下段）、株式会社アミット（P.170-175 上段）
インタビュー撮影嶋本麻利沙（ THYMON Inc. ）撮影加藤 健、佐藤 基、髙橋健治、中川 周、永田雅裕（スタジオさる）、盛 孝大（スタジオさる）、トーキョーアーツアンドスペース
デザイン
漆原悠一、栗田茉奈（ tento ）印刷株式会社 シナノ パブリッシング プレス
発行
公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 トーキョーアーツアンドスペース事業課
東京都江東区三好 4-1-1 東京都現代美術館
発行日
2019 年 5 月29日

Tokyo Arts and Space Annual Report 2018
Editors
SUGIMOTO KatsuhikoTokyo Arts and Space (ITO Mayumi, ICHIKAWA Akiko, TAKENO Yukika, WATANABE Toshio)
Interview
UCHIDA Shinichi
Translation
Robert REED (pp.002-138, pp.158-169, p.175 (lower,) except artist profiles,) Amitt Co., Ltd. (pp.170-175 (upper))Interview Photos
SHIMAMOTO Marisa（ THYMON Inc.）
Photos
KATO Ken, SATO Motoi, TAKAHASHI Kenji, NAKAGAWA Shu,
NAGATA Masahiro (Studio Sarrut,) MORI Takahiro (Studio Sarrut,) Tokyo Arts and Space
Design
URUSHIHARA Yuichi, KURITA Mana (tento)
Printing
SHINANO PUBLISHING PRESS CO., LTD
Published byArts Program and Residency Division, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
4-1-1 Miyoshi, Koto-ku, Tokyo
Publication Date
May 29, 2019©2019 Arts Program and Residency Division,
Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
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