Foreword
はじめにトーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）では、これまで公募展や企画展、海外派遣

Tokyo Arts and Space (TOKAS) is dedicated to the stepwise, continuous supportなどを通じて、アーティストを段階的、継続的に支援し、またその活動を紹介してきまand promotion of artists, through programs that include overseas residencies andした。2018年度より開始したシリーズ「ACT（Artists Contemporary TOKAS）」
では、

exhibitions of works submitted from the general public. Focusing mainly on artists

TOKASのプログラムに参加経験のある作家を中心に、注目すべき活動を行っているアー

who have previously participated in other TOKAS programs, the “ACT (Artists

ティストの企画展を開催しています。

Contemporary TOKAS)” series of exhibitions was launched in 2019 with the aim to

第3回となる2020年度は、新型コロナウイルスの影響により開始直後に中止となった
ACT Vol. 2「停滞フィールド」の参加作家である田中秀介、
広瀬菜々＆永谷一馬、
渡辺

showcase particularly remarkable activities.
This third edition features once again Tanaka Shusuke, Hirose Nana & Nagatani

豪の3組を再び迎え開催しました。

Kazuma, and Watanabe Go, all of whom had participated in last year’s ACT Vol. 2「停滞フィールド」とは、時間が停滞した領域のことを指します。SF 小説やゲームに登COVID-19.

場するこの領域は、
しばしば装置を起動させることによって作り出され、時間が止まる、あるいは極度に遅延することで、その領域では内部の物体の動きが停止しているように見えます。グローバル化が進み、世界中を自由に移動してきた人々の活動は今、ウイルスという厄介な装置によって制限され、一年ものあいだ、時間の流れは滞ったままです。

“Stasis Field,” which had to close shortly after its opening due to the spread of“Stasis Field” is a term that refers to an area in which time seems to stand still.
Frequently appearing in science fiction novels and games, stasis fields are triggeredby activating devices, whereas the state of stagnation or significant delay in thesezones creates the impression of all objects within them being motionless. At a point
where the effects of globalization have increasingly enabled us to travel freely around

昨年の展覧会以降、参加アーティストの3組は、一年後に引き伸ばされた時間に対峙しthe world, our mobility was suddenly limited by a troublesome apparatus in the form ofながら作品制作を続けてきました。本展 ACT Vol. 3「停滞フィールド2020→2021」

a virus, giving us a feeling as if time has been standing still for an entire year.

では、
あらゆる行いに制限がなされ、これまでの日常が大きく変わった社会を、
アーティ

Following the previous exhibition, the three participating (pairs of) artists continued to

ストがそれぞれの地点から捉えようと試みました。表現の形式は三者三様でありながら、いずれの作品にも前回の痕跡が残されており、同時に停滞した時間を反芻した現在のcreate new works in the time that they had until the restart one year later. Unveiled now
at ACT Vol. 3 “Stasis Field 2020→2021,” these works represent the artists’ attempts

眼差しが反映されていました。本誌では、展示作品やコロナ禍での変化について聞いた、

to communicate their thoughts on how social life has changed due to the various

3組のアーティストのインタビューも収録しています。展示の記録とともにぜひご一restrictions, from their own individual perspectives. While presented in completely

読ください。

different formats, all of the works contain traces of last year’s displays, and reflect
トーキョーアーツアンドスペース

from the viewpoint of the present situation on the time that has been standing stillaround the world. In addition to descriptions of the displays, this booklet also includes
interviews in which the participating artists talk about their respective works, andabout how each of them been affected by COVID-19.
Tokyo Arts and SpaceHIROSE Nana & NAGATANI Kazuma
広瀬菜々＆永谷一馬

Artist statement

アーティスト・ステートメント

部屋の中心に置かれた長いテーブルの上には、無数の白いオブジェクトが配置されている。野菜や果物、
ビスケット、電球、ガラスの小瓶や使い捨てコップ。それら大小さまざまな身近にあふれるオブジェクトは、
傾き、倒れ、ぐにゃりと奇妙に変形している。
柔らかそうに見えるこれらの物体は、ひとつひとつ実物から型取られ、特別に配合された磁器によって成形されている。素材として使用されている磁器は、最も硬い素材のひとつでありながらも、同時に衝撃に弱く、もろい性質を併せ持っている。
通常の磁器の配合を意図的に、熱に大きく反応するように変化させることによって起こるこれらの変形は、制作プロセスの最終段階である焼成による熱作用によってもたらされる。見慣れた日常の輪郭の異化を通じて、物事の新しい見方の可能性を問いかける。

Arranged on a long table in the center of the room are countless white objects of various sizes andfamiliar shapes, including vegetables, fruits, biscuits, lightbulbs, glass bottles and disposable cups.

What all of them have in common are deformations that make them appear soft as they are oddly bent,
warped or tilted.

All of these objects were made one by one from a special kind of porcelain compound, using molds ofthe respective real thing. Porcelain is one of the most solid materials, yet it is at once also very shock
sensitive and therefore fragile.

The deformations resulted from intentionally modifying the composition of conventional porcelain sothat it strongly reacts to the heat it is exposed to during the firing, which in this case represents the final
stage of the creative process. By distorting the familiar shapes of daily commodities, the artists aim tosuggest possibilities of looking at things in new ways.

《Still life》
2013 年からの継続作品
Ongoing series since 2013

Interview

HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma
広瀬菜々＆永谷一馬

インタビュー──今回の出展作品についてお聞かせください― Please tell us about the work on display this time.

「私たちは一体何を見ているのか？どこに今立っているのか？」という問いをテーマに、立体物やイ

We are creating mainly sculptures and installations themed around the question, “Where are weright now, and what are we seeing?” Still Life, which is exhibited this time, is part of a series that westarted back in 2013. It features various motifs that we are familiar with from everyday life. Placed ona temporarily installed long table are all kinds of objects, the shapes of which seem to be distorted or
melting. All of them are things that you have seen before, but at the same time, they may be things thatyou have never seen.
Everyday life, a central theme that our creative work revolves around, we perceive as somethingthat is continuously repeated in a certain rhythm, but that is at once also temporary, and constantly
subject to sudden changes. While being perfectly familiar, these things appear to be passing by before
we even have a chance to grasp them.

ンスタレーションを中心に制作しています。今回出展している《Still Life》は、2013年から発表を始めたシリーズです。ここでは、日常生活のなかで見慣れたものがモチーフとなっています。仮設的に組み立てられた長いテーブルの上で、さまざまな物の形が溶けたり、変形したりしています。それらはすべて見たことのあるものでありながら、見たことのないものかもしれません。
私たちが制作のテーマやモチーフとしている日常とは、一定のリズムで繰り返されながらも、常に突然に変化しうる、一時的なものであると感じています。それらはごく身近にありながら、決して捉えることのできないうちに、過ぎ去っていってしまうものではないでしょうか。

―Did COVID-19 affect your creative work?

──新型コロナウイルスによって、作品制作に変化はありましたか？
前回の展示から一年が経ち、これまでの生活が大きく変わりました。本展では、社会の変化に伴う鑑
賞者の知覚の揺らぎに焦点をあて、あえて昨年と全く同じ空間に、同じ構成の展示を再現しました。
拠点としているドイツでは、2020年11月から2回目のロックダウンとなり、今も多くの店舗や美術館などが閉まっている状態です。これまで私たちは移動や、それによる出会いをとおして制作を進めてきましたが、
この一年間は移動制限が厳しくなり、主に自宅での制作を進めてきました。
これまでの日常が変わり、普通という価値観そのものが大きく揺さぶられる経験を経て、私たちは作り手としてだけでなく、鑑賞者としても、世界をこれまでとは違った地点から知覚しているのではない
かと思います。この展覧会を通じて、普段の日常や、固定された価値観をもう一度見直すきっかけになればと考えています。
2021年2月21日にインタビュー

In the year that has passed since the previous exhibition, our life has changed significantly. For thisexhibition, we decided to focus on the fluctuations in people’s perception resulting from the changes insocial life, and reconstruct last year’s display in exactly the same space and configuration.
Germany, where we are based, went into lockdown for the second time starting in November
2020, and many shops and museums are still closed. Up to now, we used to create works inspiredby our travels and things and people we met along the way, but due to the restrictions of movement
during the past year, we mostly worked at home.
Our daily life has changed significantly, which has also shaken our conception of what is “normal”
quite heavily. As a result of this experience, I think we have come to perceive the world from a different
point of view – not only as creators, but also as spectators. We hope that this exhibition will be an
occasion that inspires people to reconsider their usual way of life, and their fixed values.
This interview was conducted on February 21, 2021.

WATANABE Go
渡辺 豪

Artist statement
Artiststatement

アーティスト・ステートメント
アーティスト・ステートメント《自分の成分》2020年2月末に一度閉じられた展覧会がおよそ一年後に再開催されると聞いた時、この展覧会が期せずして抱えることになった「停滞フィールド」と呼応する作品を展示しようと考えた。ちょうど、外に出ることが躊躇われる状況のため、アトリエと家との行き来を繰り返す普段の生活へ意識が向かっていたことも重なって、生活に潜む通常とは異なる時間と空間を探すことにした。
改めてアトリエを見渡すと部屋の隅に集め置かれた昔の作品や、引っ越してきたきり開梱せずに積まれた段ボールが目につく。それらは作家としての活動と、二つの拠点を往復する暮らしの中で消化されず澱となって溜まっていったものである。だが、すでに過去のものとなったわけではない。それらはい
つでも時間を超えて今ここにやってくる。
アトリエと家はそれぞれが独立したものではなく、どちらかでの出来事が一方の在り方に影響を及ぼして互いが干渉し合っている。ただし二つの場所の性質があまりにもかけ離れているので、それらを繋ぐためには場所と場所の間に超 - 空間を必要とする。それがアトリエと家の移動に要する33分49秒の空間である。
作品を構成する二つのチャンネルは、片方がアトリエから家への経路、もう一方が家からアトリエへの経路を辿っている。曲がり角に合わせて左右に回転しつつ、アトリエと家での視点を180度変える／反転させるために、スタートからゴール（アトリエ－家または家－アトリエ）へ向かう中でカメラが縦と横方向に大きく180度回転している。

What I am consisted ofWhen I heard about the reopening of this exhibition about a year after it had to close in late February
2020, I decided to show a work that corresponds with the “stasis field” kind of situation that thisexhibition was put in quite unexpectedly. It happened to be a time at which, hesitating to go outside
due to the general situation, I was focusing my attention on my usual daily routine of traveling frommy home to my atelier and back, which inspired me to explore the extraordinary temporal and spatial
situations that lurk in everyday life.
Looking across my atelier, I notice a number of old works of mine piled up in a corner, and a numberof as-yet unopened boxes that have been sitting there since I moved here. These are the sedimentsthat have been deposited in the digestion process of living and working as an artist while commuting
between two places. However this doesn’t mean that they are already matters of the past, as they havebeen transcending the boundaries of time, and are once again revisiting me here and now.
My home and my atelier aren’t two completely separate spaces, but they are mutually interfering
environments, as everything that happens in either one of them always affects the other. Nonetheless,they are by nature totally different places, so connecting them requires some sort of hyperspace
between them. Such is the space of 33 minutes and 49 seconds – the exact time it takes for me totravel between my home and my atelier.
The work is composed of two channels, one of which traces the route from the atelier to my home, theother one the route from my home to the atelier. Every time I make a right or left turn along the way, theimages rotate accordingly, and in order to reflect the 180-degree turns/inversions of angles (from theatelier and from my home respectively), the camera itself makes horizontal and vertical 180-degree
turns on its way from start to finish – either from the atelier to my home, or the other way around.

《自分の成分》

What I am consisted of2020

Artist statement

アーティスト・ステートメント《停滞フィールド》
TOKAS 本郷2階のスペース B に入ってすぐ右手にある窓が、昨年の「停滞フィールド」展に出品した《積み上げられた本》の光によって浮かび上がるアニメーション作品。
《積み上げられた本》は、上下に分離できる2チャンネルのアニメーションで、窓の手前に下のチャンネル、窓の向こう側に上のチャンネ
ルという具合に窓を挟む形で配置されている。そして手前からの光は窓周りの壁を照らし、外からの光は窓を含む壁に切り抜かれた矩形の中を照らしている。
この作品では、窓を昨年と今年の「停滞フィールド」展を繋ぐ界面として捉え、二つの展覧会の間に生じた持続と分断―本来は一つの展覧会であることから無 - 時間的（超 - 時間的？）に持続しているが、それでも実時間の中では二つの展覧会として分断されている―の様相を見せている。

Stasis Field
The window that visitors find on their right upon entering SPACE B on the second floor of the TOKAS
Hongo building, is an animated work that is illuminated by the light emitted by the towers (lights
are books), which was part of last year’s “Stasis Field” exhibition. the towers (lights are books) is a2-channel animation that can be split up vertically.

For this exhibition, it is divided and set up with the lower channel in front of the window, and theupper channel behind it. Thus the light from the front part illuminates the wall around the window,
while the light from the back (outside) illuminates the inside of the rectangular cut-out in the wall thatframes the window. The work takes the window as an interface that connects this year’s “Stasis Field”
exhibition with last year’s, to illustrate the aspects of continuation and division that occurred between
the two exhibitions ―originally designed as one, and eventually continuing in a nontemporal (orhypertemporal?) fashion, but in reality divided into two separate events.

Interview

インタビューWATANABE Go渡辺 豪──今回の出展作品についてお聞かせください《自分の成分》アトリエに昔作った作品を置いている一角があって、その作品の箱をモチーフにしています。普段は主にアトリエと家を往復する生活をしていて、その片道の移動にかかる平均時間―34分弱を作品の尺にしています。
生活の中の色々な場所や時間から採取した光があり、作品の箱の面ごとに違う光を割り当てて一つのイメージに組み立てました。光は主にアトリエや家、それらを行き来する間に採取したもので、例えば昼間アトリエに注ぎ込む陽の光や、夜中に部屋を浮かび上がらせるモニターの光、家のダイニングテー
ブルを照らす電球色の照明、
朝アトリエに向かう道すがらの青空などです。
アニメーションが速くなったり遅くなったりするタイミングがありますが、それは家とアトリエを歩いて行き来する時の身体の動きを反映しています。例えば、曲がり角を左に90度曲がるならアニメー
ションも同じ向きに90度回転し、右に30度曲がるなら同じように回転しています。回転の速度は、ある
曲がり角から次の曲がり角までの距離＝時間に基づいているので、次に道を曲がるタイミングが早いと回転が速くなります。遠いとゆっくり動いていきます。
《停滞フィールド》
この展覧会がコロナの影響で一年後に再開催されることを受けて制作しました。前回の展覧会が一週間ほどですぐに終わってしまったのですが、その時展示した作品《積み上げられた本》を光源にしています。
《積み上げられた本》は上と下に分離する2チャンネルのアニメーション作品で、僕が実際に展示したスペース B の中にある窓をモチーフに、この窓を照らしています。
展示室内の窓をモチーフにした理由は二つあります。一つは「窓」をこちらと向こう側の二つの領域《停滞フィールド》

Stasis Field
2020-2021を繋ぐものとして、今回の展覧会と一年前の展覧会とを接続するためです。そしてもう一つは、それらが場所的にも繋がっていること（というよりも同じ場所での出来事）なので、前回と今回展示している
同じスペース B の要素として選んでいます。

― Please tell us about the work on display this time.

──新型コロナウイルスによって、作品制作に変化はありましたか？
もともとあまり出歩かないので、ほぼ家とアトリエにいるという意味では変わってないのですが、閉塞感みたいなものは感じています。日々時間は経っているけれど同じ場所にずっといるような感覚はありますね。この展覧会も一年前に開催したけれど途中で終わってしまって、今またやっているという。
「一年後」と実時間で見れば進んではいるのですが、実際は時間が動いていないような、この展覧会のタ
イトルに通じるような状況のまま繋がってきたという感覚があります。今回展示している《停滞フィールド》
はそういうことを感じて作ったところはあります。
あと、出歩きにくい状況によって、自分の身近なところをずっと見続けなければいけないというか、見ざるを得ないような状態がありました。そういうニュアンスを感じることが、モチーフが身近なもの（とりわけ自分自身の現在の状況をあらわにするもの）だったり、家とアトリエを行き来する時間であることに影響しています。
2021年2月22日にインタビュー

What I am consisted of
There is a corner in my atelier where I keep works that I made several years ago, in boxes, and thoseboxes I’m now using as subjects. I normally spend my day traveling back and forth between my homeand my atelier, and the 34 minutes on average that one trip normally takes, is at once the duration that I
have set for my works.

There are lights that I gathered from various times and places in my daily life, and for the boxes(containing my older works), I assigned different types of light to each of their sides, to create one

image. The lights I picked up mainly at my home, at the atelier, and on the way from one place to theother, including for example the sunlight that falls into my atelier at noon, the light of my computer
monitor that illuminates my room at night, the electric bulb light above my dining table, and the light ofthe blue sky in the morning when I walk to the atelier.

The work is an animation that is sped up or slowed down, to reflect the movements of my bodywhen walking between my home and my atelier. When I make a 90-degree left turn, for example, theanimation is rotated by 90 degrees in the same direction, and when I make a 30-degree right turn, theanimation is accordingly rotated to the right. The speed of rotation is calculated based on the distance/time from one corner to the next, so the closer the next turn is, the faster the rotation gets. When it’s
still a long way, the rotation is slower.
Stasis Field
This work I made upon hearing that the exhibition was going to reopen one year later due to COVID-19.
The previous exhibition had to close after just a week, and the work the towers (lights are books) thatwas on display there, I used as a light source. the towers (lights are books) is a two-channel animationthat is divided into an upper and a lower part, and the motif that its light is illuminating this time is awindow in Space B, the venue where my work was in fact exhibited.
There are two reasons why I chose to use the window of the exhibition space as a motif for mywork. Firstly, a window is something that connects “this side” and the “other side,” and here I used it toconnect this exhibition and the other one from last year. The second reason is that, as both events areconnected also spatially (or rather, take place at the same location), I chose the window as an elementthat represents Space B as the venue for this and the previous exhibition alike.

《積み上げられた本》 the towers (lights are books )2019-2020― Did COVID-19 affect your creative work?
As I normally don’t walk around much, but mostly spend my time at home or at the atelier, in thisrespect my work wasn’t really affected, however I do feel kind of cooped up. Even though time
passes as usual, I have a feeling as if being stuck in the same place. The exhibition opened one year
ago but soon had to close, only to be held at the same place once again. So even though “one year
later” indicates that one year has actually passed, it feels to me as if time was standing still, and as
if this exhibition and the previous one were hooked up in a situation that is perfectly described in the
exhibition title itself. This sensation is partly what inspired me to make the work Stasis Field that I am
exhibiting this time.
Another thing that I felt is that, now that it is difficult to walk around outside, I am left with nochoice but to look only at the familiar things in my living environment. The fact that the motifs in mywork are familiar objects (especially those that expose myself and my current situation), or the time I
spend walking between my home and my atelier, also stems from this kind of sensation.

This interview was conducted on February 22, 2021.

《突貫昼勤景》

Instant daytime work scenery
2021

TANAKA Shusuke

田中秀介

Artist statement

アーティスト・ステートメント

今、喫茶店に入りこの文章を記しているが、外気0度の中、店内では扇風機が回り、出入り口が開きっぱな
しなので凍えている。以前の普段の行いが、禁忌を伴う厄介な事として受け入れざるを得ない状況は、
これまでに経験した事がない。こうした状況下においての普段とは何なのかと考える時、以前の普段を引き合いに出してしまう私は、未だ以前の普段の中にいる事を自覚する。
私はこれまで、暮らしの中の光景から与えられる、漠然としたわからなさや違和感、それに伴う驚きを、描くことによって何かを指し示すものへと転換し、絵画としてきた。これは意図せず漠然と繰り広げられる
普段の事象に、私なりの折り合いをつける行いである。
今回は、前回の展覧会で発表した作品を踏襲したものや、作品を2020年から2021年制作のものに限定した。
それらは、現在の状況下における普段や、前回を引き継ぐ展覧会の意味合いを探っている。以前の普段が今一度訪れる、
或いは現在の状況が普段となる前に、現時点に描く事で折り合いをつけたいと思う。

I am sitting in a coffee shop as I write this. I am freezing, because the shop’s electric fans are running,
and the doors are open all the time, even though the outside temperature is around zero degrees.
Never before have I experienced a situation in which we have to accept that doing things that used tobe perfectly normal is now difficult, if not tabooed. When pondering the question how to define “normal”
in a situation like this, I caught myself referring to how things used to be, which only shows that I am
still stuck in the modus operandi of my old routine.
In my work to date, I have been using the medium of painting to translate the vague sense of
uncertainty, discomfort, and eventually also amazement, that I’m getting from all kinds of everyday life
situations, into something tangible. This is at once an act through which I add my own interpretation tothe ordinary things in life that we do quite unconsciously and unintentionally.
On display this time are works that follow from those unveiled in the previous exhibition, and otheritems made exclusively in 2020 and 2021, assembled with the aim to explore the meaning of “normal”
in the present situation, and the implications of this exhibition as a sequel to the previous one. It is mydesire to present my own interpretations by way of painting under the current circumstances, before
either the old normal returns, or we settle for what we have now as a new “normal.”《代替ひとからげ》Overlapping choices
2021

《天秤》

Balance2021

Interview

インタビューTANAKA Shusuke
田中秀介《こ》 Grilled fish shape

2017《横風情》 Horizontal emotion

2020《化門》 Mysterious gate

2018

―What kinds of works are you showing this time?

──今回の出展作品についてお聞かせください
前回の展覧会がなくなってしまって、自分が抱える他の展覧会も中止になるかもしれない中、描く動機が一つ失われた感覚を抱いたのは、今までにない状況でした。自分の目の前に繰り広げられる事象に対する、まなざしや見方は変わりました。世の中の在り方が変わったからという直接的な理由ではなくて、自分の中で何か変わってしまったものがありました。感覚的にわかるんですけど、それが「何か」がわからなくて、やっぱり描いて確認するしかないと思いました。
今回は2020年から2021年に作られた作品をとおして、「絵とはどういうことか」というのを、作る側も見ていただく方にも考えてもらいたいと思っています。また、モチーフや展示構成にも、前回の展示との繋がりをもたせています。
──前回の展示から展開した作品について教えてください
焼き鯖を描いた《こ》という作品が頭に残っていて、この鯖を展開したいという思いがありました。お皿の上に焼き鯖がのっている絵なのですが、これをどういう風にしたらいいかと、その絵のことばかり考えていました。引き出しからお皿を出しておかずをのせている時に、お皿を描けばいいのかと気付いて。今回は、台所の引き出しの中にあるお皿の上に、お皿がのった《代替ひとからげ》を、前回と同じ交流
室の壁に展示しています。
また、昨年の TV 番組の取材の際に《横風情》という作品を撮影していたのを、私は後ろから眺めていたのですが、《一部始終中》ではその現場を描いています。絵の中には《横風情》や撮影している方も描かれていて、その絵をまた昨年と同じ場所に展示しています。
《独立発破》
では、養生されたガラスをモチーフにした作品《化門》を受けて、割れた鏡を描きました。
──新型コロナウイルスによって、作品制作に変化はありましたか？

When the previous exhibition was discountinued, and there was a chance that other exhibitions that I
was going to participate in were going to get canceled as well, I felt that one of the things that motivate

me to paint had fallen away. It was a situation that I had never experienced before, and that caused
a change in the way that I look at and reflect on things that happen before my eyes. Rather than theimmediate reason that something was happening to the world around me, there was something inside

me that had changed. I couldn’t put my finger on it, and I felt that painting was the only way for me tofind out what exactly that was.
This time I show works made in 2020 and 2021, hoping that they will inspire both myself from thecreator’s position, as well as others who look at them, to think about what it means to create paintings.
In terms of motifs and the composition of displays, there are certain connections to the previous
exhibition.
―Please tell us about how some of your works have developed since the previous exhibition.
I had the work Grilled fish shape, a painting of a grilled mackerel, which I couldn’t get out of my mind.
Once I had developed the desire to do something with this mackerel, I couldn’t think about anything
but the painting – showing a grilled mackerel on a plate – and what I could possibly make out of it. One
day, when I took a plate from the drawer and arranged some side dishes on it, it appeared to me that I
could paint the plate. Exhibited this time is Overlapping choices, depicting a stack of plates in a kitchen
drawer, on the same wall in the same room as last time.
During an interview for TV last year, I was watching from the back how they filmed a work titled
Horizontal emotion, and that scenery is depicted in Still going on. The painting includes Horizontal
emotion and the people filming it, and this one too is exhibited at the same place as last year. Picking
up on the recuperated glass motif in Mysterious gate, in Torn and Independent I painted a broken
mirror.
―Did COVID-19 affect your creative work?

作品制作にあたってはほとんど変化がないです。それが少し違和感でもあります。今は表に出たらマスクをして、アルコール、手洗い、その他もろもろをしますが、絵を描くという作業はそういうものが介入し得ない状況です。変わってしまったといえばやっぱり私自身だと感じます。たとえ絵を描く現場が変わっていなくても、作者が変わってしまったので何かしらの変化はあります。でもそれはまだ描いてみないとわからないので、描いて確認することを繰り返しています。
2021年2月20日にインタビュー

Regarding the creation of my works, nothing has changed much – which actually also feels a little
disturbing. When I go outside, I do the whole set of mask wearing, hand washing and disinfecting,etc., but when I paint, I’m in an environment that these things won’t enter. I feel that, the thing that haschanged, is probably myself. Even if the working environment remains the same, as soon as the one
who works in it changes in some way, that necessarily results in some kind of transformation. I’m notsure about that before I paint again though, so I’m going to keep painting in order to find out.
This interview was conducted on February 20, 2021.

PROFILE プロフィール

LIST OF WORKS 作品リスト

田中秀介 TANAKA Shusuke

田中秀介 TANAK A Shusuke

1986年和歌山県生まれ。大阪府を拠点に活動。

2.《からから箱》 Dry house

1.《持てるいきさつ》 Background of grasping

主な展覧会に「なつやすみの美術館10：あまたの先日ひしめいて今日」（和歌山県立近代美術館、2020）、「忘れよう

3.《いささかな始末》 Lots of small time

としても思い出せない」（ボーダレス・アートミュージアム NO-MA、滋賀、2019）、「TWS-Emerging 2016『円転の4.《そっぽ役》 Unfriendly role

節』」
（TWS 渋谷、
東京）
など。
受賞歴に
「はるひ絵画トリエンナーレ」準大賞（2018）「トーキョーワンダーウォール公募2016」、
トーキョーワンダー
ウォール賞など。
Born in Wakayama in 1986. Lives and works in Osaka.

Recent exhibitions: “MOMAW Summer Museum Project #10: A Lot of Other Days Loaded in Today,” The

Museum of Modern Art, Wakayama, 2020, “I try to forget, but I can't remember,” Borderless Art Museum NO-

2021 53×43.5cm

2021 31×24.5cm

5.《ここまでの先》 From now on2020 145×110cm

6.《寸前に我なし》 I disappear just before

2020 67×60cm

7.《只中のしらしめ》 Posting in the middle

2020 31×25cm

8.《突貫昼勤景》 Instant daytime work scenery
9.《空っぽ保持》 Have an empty
10.《天秤》 Balance2021 250×147cm

2021 59.5×72cm

2021 120×105cm

11.《凡々揚々》 Usual momentum

2021 120×105cm

12.《そぞろ》 Without thinking of anything

MA, Shiga, 2019, “TWS-Emerging 2016 ‘Section of the circle’,” TWS Shibuya, Tokyo.

13.《慈善形》 Shape of kindness

Wall 2016.

15.《幽頭》 Empty headAwards: Second Prize at Kiyosu City Haruhi Painting Triennale, 2018, Tokyo Wonder Wall Prize at Tokyo Wonder

2021 26×19cm

2021 30×34.5cm

2021 30×34.5cm

2021 45×38cm

14.《独立発破》 Torn and independent

2021 130.3×162cm

2021 31×24.5cm

16.《豪邸のまつわり》 Reason for home2021 194×162cm

17.《異訳ぺらり》 Meaning other than letters

2021 33.5×46.5cm

広瀬菜々＆永谷一馬 HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma

18.《一部始終中》 Still going on

1980年大阪府生まれ（広瀬）。1982年兵庫県生まれ（永谷）。デュッセルドルフを拠点に活動。

すべてキャンバスに油彩 All works: Oil on canvas

主な展覧会に「Out of the Ordinary」（ウルム芸術財団、
ドイツ、
2019）
「
、Why don’t cats wear shoes?」（クンストラー

2021 90×70cm

19.《代替ひとからげ》 Overlapping choices

2021 130.3×162cm

ハウス・ゲッティンゲン、ドイツ、2019）、「大地の芸術祭 越後妻有アートトリエンナーレ」
（新潟、
2018）
など。
受賞・助成歴にベルギッシュ・アートアワード観客賞（ゾーリンゲン美術館、ドイツ、2017）、ポーラ美術振興財団在外研修（ドイツ、2015）など。平成29年度リサーチ・レジデンス・プログラム（TWS、
2017）
参加。
Born in Osaka in 1980 (Hirose), born in Hyogo in 1982 (Nagatani). Live and work in Düsseldorf.

Recent exhibitions: “Out of the Ordinary,” Ulm Art Foundation, Germany, 2019, “Why don’t cats wear shoes?,”

広瀬菜々＆永谷一馬 HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma
1.《Still life》
2013年からの継続作品
磁器

Ongoing series since 2013

Porcelain

サイズ可変 Dimensions variable

Künstlerhaus Göttingen, Germany, 2019, “Echigo-Tsumari Art Triennale,” Niigata, 2018.

Awards and grants: Audience Award at Bergisch Art Award, Solingen Museum, Germany, 2017, Overseas
research Grant of Pola Art Foundation, Germany, 2015. Participated in Research Residency Program 2017, TWS.

渡辺 豪 WATANABE Go
1.《自分の成分》 What I am consisted of2020

渡辺 豪 WATANABE Go
1975年兵庫県生まれ。東京都を拠点に活動。
主な展覧会に「第13回恵比寿映像祭『映像の気持ち』（」2021）「あざみ野コンテンポラリー vol.8 渡辺豪 ディスロケー
、ション／ dislocation」（横浜市民ギャラリーあざみ野、2017）、「光差 - 境面 III -」（URANO、
東京、
2017）
「創立50
、
周年記念展示 芸術は森からはじまる」（愛知県立芸術大学構内全域、2016）など。
受賞歴に「第24回五島記念文化賞」美術新人賞受賞（2013）。
Born in Hyogo in 1975. Lives and works in Tokyo.

Recent exhibitions: “Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions 2021: E-MOTION GRAPHICS,”“Azamino Contemporary vol. 8: Go Watanabe / dislocation,” Yokohama Civic Art Gallery Azamino, 2017,“light difference -face III-,” URANO, Tokyo, 2017, 50th Anniversary Exhibition “Arts Begin From Forest,” Aichi
University of Arts, 2016.

Award: Newcomer’s Prize of Art at the 24th Gotoh Memorial Cultural Award, 2013.

アニメーション
（ダブルチャンネル） Animation (double channel)
33'49''
2.《停滞フィールド》 Stasis Field
2020-2021
アニメーション
30'

Animation

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 3

停滞フィールド 2020 → 2021

アーティスト：田中秀介、広瀬菜々＆永谷一馬、渡辺 豪
会期：2021 年 2 月 20 日（土）– 3 月 21 日（ 日）
会場：トーキョーアーツアンドスペース本郷
主催：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 トーキョーアーツアンドスペース
協力：ANOMALY
展覧会施工：HIGURE 17-15 cas
展示協力：伊佐治雄悟（広瀬菜々＆永谷一馬 ）翻訳：アンドレアス・シュトゥールマン
撮影：加藤 健広報物デザイン：溝端 貢（株式会社 ikaruga. ）印刷： 株式会社ライズファクトリー
編集・発行：トーキョーアーツアンドスペース
発行日：2021 年 4 月 15 日

ACT (Artists Contemporary TOKAS) Vol. 3
Stasis Field 2020 → 2021
Artists: TANAKA Shusuke, HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma, WATANABE Go
Date: 2021/2/20 (Sat.) – 3/21 (Sun.)
Venue: Tokyo Arts and Space Hongo
Organizer: Tokyo Arts and Space(Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture)
Cooperation: ANOMALY
Exhibition installation: HIGURE 17-15 cas
Installation cooperation: ISAJI Yugo (HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma)
Translation: Andreas STUHLMANN
Photograph: KATO Ken
Publication design: MIZOBATA Mitsugu (ikaruga.)
Printing: Rise Factory Co., Ltd.
Edited and Published by: Tokyo Arts and Space
Publication date: 2021/4/15