目次

INDEX

004 はじめに Message
006 ロゴマーク Logo Mark008 ミッションと活動 Missions & Activities
012

施設案内

General Information

CREATOR INTERVIEWS

PART

1

クリエーター・インタビュー
凡例
・人名をフルネームで記載する場合の姓・名の順は、特に指定がない場合は各言語における標記の順に従った。
・アーティスト、クリエーター、委員、講師の名前は敬称を省略し、委員、講師の肩書きは事業開催当時のものを記載した。
・アーティスト、クリエーターのプロフィールは、2018 年 3月時点の情報を記載した。

0 16

鎌田友介

022

西原 尚 NISHIHARA Nao

028

長谷川 新

・プロフィールは、アーティスト、クリエーターより提供のあった資料に基づき編集・作成した。ただし、アーティスト・コレク
ティブの情報は事業開催当時のものを記載した。
・作品名は≪≫、プロジェクト名・展覧会名・曲名は「」、書名・映画タイトルは『』で示した。

KAMATA Yusuke

HASEGAWA Arata

・作品情報は、作家名、作品名、制作年の順に記載した。
・展覧会風景、公演風景はキャプションを省略した。
（Part1をのぞく）

PROGRAMS

政令指定都市などにおいては、都道府県名を省略した。海外での展覧会は会場名、都市名、国名、開催年の順とし、首都や世界都市においては国名を省略した。
・受賞歴については会場名を省略し、賞名に開催年の無いものについては、最後に開催年を記した。
・展示風景、活動風景、およびポートレートの撮影者は奥付にまとめた。アーティスト、クリエーターから提供された写真には、

036

TWS-Emerging 2017046

渋谷自在―無限、あるいは自己の領域

054

ワンダーシード2018

・展覧会情報は、「展覧会名」（会場名、都市名、都道府県名／国名、開催年）の順。ただし、会場名に都市の名が含まれるものは、都市名を省略した。また、展覧会名に開催年が含まれるものは、開催年を省略した。日本での展覧会は、都市名が県庁所在地、

クレジットを記載した。
・特に記載のない場合、著作権はすべてトーキョーアーツアンドスペースに帰属する。

PART

2

プログラム

Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory

WONDER SEEDS 2018060 クリエーター・イン・レジデンス・プログラム Creator-in-Residence Program
1 1 4 トーキョーワンダーサイト レジデンス2016-2017 TWS Creator-in-Residence 2016-2017

Explanatory Notes
・ When listing full names, they are listed in the appropriate order for each language, except when specific requests stateotherwise.
・ Honorific titles for artists, creators, jury members, and lecturers have been omitted. Job titles for jury members andlecturers were current at the time of each event.
・ Artist and creator profiles are current as of March 2018.
・ Profiles are based on documents provided by the artists and creators. However, the information provided by the artists andcreators is from the time they participated in our programs/events.
・ Titles of artworks, musical compositions, publications and film works are given in italics. Quotation marks are used for
exhibition and project titles.
・ Information on the artworks is listed in the following order: name of artist, title of work, and year of production.
・ Captions are omitted for installation views and the performance views (except in Part 1)
・ Information about exhibitions is written in order of: Exhibition title (venue name, city name, prefecture name/country
name, year of exhibition). In cases where the exhibition name includes the year the exhibition was held, the year is omitted
at the end. Exhibitions held overseas are written in order of venue name, city name, country name, and year of exhibition,
though country names of capitals and major international cities have been omitted. For exhibitions in Japan, the names ofprefectures are omitted when the city is a prefectural capital or government ordinance-designated city, etc.
・ In award histories, venue names are omitted, and when award names do not contain the year of the award, the last year it
was presented is listed.
・ References to “in 2017-18” reflect Japan's fiscal year of April 1, 2017 to March 31, 2018.
・ Photo credits for exhibition views, activities, and portraits are listed in the colophon. Credits for photos provided by theartists and creators appear next to each picture.
・ All rights reserved by Tokyo Arts and Space unless otherwise specified.

C/Sensor-ed Scape
1 24

7 つのトランスフォニー

1 32

オープンサイト2017-2018

140

教育普及事業

7 trans-phonies
OPEN SITE 2017-2018

Educational Programs and Arts Promotion

REVIEWS

PART

3

レビュー
146｜16 1

TWS-Emerging 2017150｜165

渋谷自在―無限、あるいは自己の領域

Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory

15 1 ｜166 トーキョーワンダーサイト レジデンス2016-2017 TWS Creator-in-Residence 2016-2017

C/Sensor-ed Scape154｜168

7 つのトランスフォニー

155｜17 1

OPEN SITE 2017-2018

7 trans-phonies

はじめにMessage

トーキョーアーツアンドスペース（ TOKAS ）は、東京都が実施する若手アーティストの育Tokyo Arts and Space (TOKAS) is an organization established under the auspices of the

成支援機関、トーキョーワンダーサイト（ TWS ）として2001年に創設され、以来作品発表

Tokyo Metropolitan Government for the purpose of nurturing and providing support forをはじめ、実験的な取り組みを行うアートセンターとしてさまざまな事業を実施しています。
2006 年からは、国内外の幅広いジャンルのクリエーターを対象にしたレジデンス・プログラ
ムを開始し、海外クリエーターの受け入れと国内クリエーターの派遣を行っています。

young artists. Since the founding of its predecessor, Tokyo Wonder Site (TWS) in 2001 , it
has served as an arts center implementing a variety of programs aimed at presenting theworks and initiating cutting-edge and experimental projects. Furthermore, from 2006 it
has conducted residence programs for Japanese and overseas creators active in a broad
range of artistic genres, inviting overseas creators to Tokyo for residencies and sending

2017 年度は TOKAS/TWSにとって、大きな変化の年となりました。4月の組織改正によりTWSは東京都現代美術館育成支援課（ 2018 年 4 月よりトーキョーアーツアンドスペー
ス事業課に変更）として事業運営を行うこととなり、10 月には 16 年間親しまれてきた名称をトーキョーアーツアンドスペースに変更、ロゴも一新しました。新しいロゴは、その活動を象Japanese creators abroad for residencies with our affiliated overseas organizations.
The 2017-18 fiscal year was a time of major change for TOKAS/TWS. In organizational
restructuring that went into effect in April 2017, TWS became part of the Arts Program andResidency Division of the Museum of Contemporary Art Tokyo (name changed to Tokyo

徴するよう、35 歳以下の若いデザイナーからの公募により選ばれました。また9 月末にはArts and Space Division as of April 2018) and in October 2017 the Tokyo Wonder Site name2005 年にTWSの２館目として開館したTWS 渋谷が、東京都現代美術館文化共生課が運営

that it had been known by for 16 years was changed to Tokyo Arts and Space and a new

する新施設として再整備されるため、閉館しました。

Logo design was adopted. True to the orientation of TOKAS, the new Logo was chosenfrom an open call competition for young designers up to the age of 35 . In another move at

TOKASとしての拠点数は減りましたが、引き続き「アーティストの継続的支援」、「創造的な
国際文化交流の促進」、「実験的な創造活動の支援」をミッションとし、さまざまな事業を行っていきます。さらに変化に伴い事業を再編成し、継続事業に加え、今後は作家支援をより充実させるべく、新進アーティストに加え、中堅アーティストへの継続的支援を視野に入れた活動を行っていきます。これまでの活動を引き継ぎながら、新たなステージに向けて着実に歩を進め、現在進行形のさまざまな芸術文化活動とともに、世界の多様性に寄与できることを願っています。これまで同様、皆様のご支援・ご協力をいただければ幸いです。

the end of September, TWS Shibuya, which opened as Tokyo Wonder Siteʼs second facility
in 2005 , was closed and renovations begun for it to re-open as a new facility to be run by
the Inclusion in the Arts Division of the Museum of Contemporary Art Tokyo.
Although this has meant a reduction in TOKAS facilities, we will continue to conduct
a variety of programs that provide ongoing support for artists, promote creativeinternational exchange in the arts and offer support for cutting-edge and experimental
creative projects, as pledged in our mission as an arts organization. Furthermore, toenrich our programs in keeping with the changes of the times, we will add new ones
focused not only on emerging artists but also long-term support for mid-career artists.

トーキョーアーツアンドスペース

While continuing our existing programs, we will make steady progress in initiatives toenter new fields with a present-progressive approach to arts and cultural activities, andalways with hopes of contributing to diversity throughout the world. In these efforts, we
ask for your ongoing support and cooperation.
Tokyo Arts and Space

4

5

ロゴマーク
Logo Mark

2001 - 2017.9

トーキョーアーツアンドスペースのシンボルマークを一般公募し、応募作品 82 点より最優秀作品として梅澤昂弘氏の作品が選出されました。このシンボルマークに合わせてロゴタイプを作成し、組み合わせたものをロゴマークとして決定しました。
An open-call contest was held to choose a Symbol Mark for Tokyo Arts and Space, andof the 82 proposals were submitted during the open call period, the design of Umezawa
Takahiro was selected as the most outstanding. To go with this Symbol Mark a Logo Type
font was designed and its combination with the Symbol Mark was officially accepted as
the new Logo Mark.

デザイナー

2017.10 -Designer
・Symbol Mark: UMEZAWA Takahiro
・Logo type font and VI design:room-composite Co., Ltd.

・シンボルマーク：梅澤昂弘
・ロゴタイプ及び VI設計：
株式会社ルームコンポジット
シンボルマーク・コンセプト

Symbol Mark concept
The design expresses the activities and environmentof Tokyo Arts and Space that brings together the「アーティストが作品に込めたビジョン」と「オーディエンスの鑑賞・批評する視線」が交錯し、相“visions embodied in the artists works” and “theappreciative and critical eyes of the audience” in aprocess of mutual stimulation.

互に刺激を与え合うTokyo Arts and Space の活動・環境を表現しました。
シンボルマーク公募概要

Overview of the Open Call
Application period: June 7 – July 7, 2017
Qualification: Under 35 years of age

募集期間：2017 年 6 月7日から7 月7日まで
応募資格：35 歳以下

Number of the applications: 82 works
Members of the Tokyo Arts and Space Logo
Selection Committee:

応募総数：82 作品
Tokyo Arts and SpaceKASHIWAGI Hiroshi (Professor Emeritus,
Musashino Art University)【Chairperson】
SHIKATA Sachiko (Curator)

シンボルマーク選定委員会委員：
柏木 博（武蔵野美術大学名誉教授）【委員長】

TANAKA Yoshihisa (Graphic designer)
Executive Head Office Manager,

四方幸子（キュレーター）
田中義久（グラフィックデザイナー）

Tokyo Metropolitan Foundation for History andCulture

公益財団法人東京都歴史文化財団 事務局長

6

受賞者･梅澤昂弘氏のコメント

Comment by open call winner Umezawa Takahiro

東京でデザイナーとして就職し11年。いつか多くの人が訪

I have been working as a designer in Tokyo now for 11 years.
In my daily work, I often wish that I could have my designs
used in a place or facility where lots of people gather.
Winning this opportunity encourages me to work evenmore seriously in my design work -- with gratitude.

れる場所、施設に自分のデザインを掲げたいと思い、日々の仕事に取り組んでいました。この入選を励みに、今まで以上にデザインに真摯に取り組んでいく所存です。

7

Mission

ミッションと活動

1

Missions & Activities

新進・中堅アーティストの継続的支援

Ongoing Support of Emerging and Mid-career Artists
トーキョーアーツアンドスペース（ TOKAS ）は、アート、音楽、建築、キュレーションなど幅広いジャンルの活動や領域横断的･実験的な試みを支援し、同時代の表現を東京から創造 ･発信するアートセンターです。発表の場としての「TOKAS 本郷」と滞在制作やリサーチ活動の拠点となる「TOKASレジデンシー」の2館を中心に、展覧会、公演･パフォーマンスの実施、レジデンス･プログラムや教育普及事業などを行っています。

展覧会を通じて段階的・継続的な活動をサポート
新進アーティストに発表の機会を提供する「Emerging」、TOKASの事業に参加し、経験を積み上げたアーティストを中心としたグループ展、小作品を展示販売する「ワンダーシード」など、さまざまな機会をとおしてアーティストへの継続的な支援を行っています。

Tokyo Arts and Space (TOKAS) is an arts center dedicated to supporting creative workin genres ranging from the visual arts and music to architecture and curation, including
creation of interdisciplinary and experimental work. Its aim is to be a hub in Tokyo for

Exhibitions Providing Progressive and Ongoing Artist Support

contemporary artistic creation and communication. With two main venues, TOKAS

We provide a variety of opportunities for artists to benefit from ongoing support through

Hongo as a facility for presentation of works and the TOKAS Residency facility wheresuch programs as our “Emerging” program that gives emerging artists opportunities

resident creators can create works or conduct research, TOKAS holds exhibitions andto show their work, group exhibitions primarily for artists who have participated in our

performances and runs creator-in-residence programs, educational programs and more.

TOKAS programs and gained experience in their fields, and our WONDER SEEDS programthat offers opportunities for artists to show and sell their smaller works in exhibits.

教育普及事業PROGRAMS

Educational Programs
TWS-Emerging 2017

MissionMission

3

1

実験的創造
の支援

アーティストの継続的支援

Supporting experimental
creative activities

Ongoing supportof artists

若手アーティストの登竜門として始まった公募展「トーキョーワンダーウォール」（〜 2016 年）の入選者から希望者を募り、審査を経たアーティストの個展を開催するプログラムです。
This program is for artists previously selected for participation in our open-call “Tokyo Wonder
Wall” (ended 2016) group exhibitions, which were started as a proving ground for young
artists. It offers them the opportunity to apply for support in the form of a solo exhibition,
based on jury selection.

渋谷自在―無限、あるいは自己の領域 Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory
TOKAS 事業に参加歴のあるアーティストによるグループ展。自身の身体を起点に世界を測り、美術の枠に囚われず表現領域を拡張する大野茉莉、西原尚、潘逸舟が参加しました。

Mission2

国際文化交流Promoting international
cultural exchangeThis group exhibition is for artists who have participated in TOKAS programs in the past.
Featured in the exhibition were three artists, Ohno Mari, Nishihara Nao and Han Ishu, all ofwhom take their own body as their working base for surveying the world around them, without
confining themselves to the existing genres of art but expanding into new realms of creation.

ワンダーシード2018 WONDER SEEDS 2018
“BUY=SUPPORT”（作品購入による若手アーティストの支援）を目的に、公募による入選作品
を展示・販売するプログラム。美術愛好家が若手の良作に触れる機会を提供しています。
WONDER SEEDS is a program aimed at supporting young artists by providing opportunities
for their works to be sold. Works are selected on an open call basis and displayed in
exhibits that offer art lovers a chance to see the works and support the young artists bypurchasing them.

89

Mission

Mission2

3

創造的な国際文化交流の促進

実験的な創造活動の支援

Promoting Creative International Cultural Exchange

クリエーターの派遣・招聘で世界と東京をつなぐ

Supporting Cutting-edge and Experimental Creative Activities

ジャンルを問わず、あらゆる表現に創造の機会を開く

才能あるクリエーターを世界に派遣し、また各国から東京へと迎え入れ、リサーチや創作の機観る人にも表現する人にもオープンで創造的な場（＝サイト）を目指し、アート、映像、ダンス、会を提供するレジデンス事業を展開。その成果を展覧会やオープン・スタジオで紹介し、幅広

音楽など、あらゆる表現に門戸を開いた公募プログラム「オープンサイト」をとおして、多様ないジャンルの才能が交差する拠点を目指します。

価値観が表現される場を作り上げていきます。

Creator Exchanges Connecting Tokyo and the World

Opening the Doors To Diverse Artistic Expression in All Genres

Our residence programs send talented creators to residence destinations around theThrough our OPEN SITE program we seek to create a site that welcomes diversity inworld and provide opportunities for international creators to do research or creativevalues and creates opportunities for artistic expression in all genres, from visual art

work in residence in Tokyo. The results of their work in residence are then presented in

and video/film to performing arts like dance and music. Run on an open-call basis, thisexhibitions or in our open studio program, all with the aim of making TOKAS a hub inprogramʼs aim is to open the door to all kinds of expression in an environment that is open

Tokyo for meeting and exchange with creators in diverse genres.

to viewers and creators alike.

PROGRAMSPROGRAMS
クリエーター・イン・レジデンス Creator-in-Residence

オープンサイト2017-2018 OPEN SITE 2017-2018

年齢、国籍、ジャンルを問わず幅広い層を対象に多彩なレジデンス・プログラムを展開。世界各国からクリエーターを迎え、日本人クリエーターを海外の提携機関に派遣しています。

全てのジャンルを対象に、新しい表現を創造し、社会へと開いていく意欲的な企画を公募するプログラム。2017年度は審査で選出された6企画と当館が推奨する1 企画を実施しました。

TOKAS offers a variety of residence programs open to a diverse cross-section of creators,
ranging broadly in demographic, nationality and artistic genres. Our residence programs
welcome creators from various countries overseas and send Japanese creators abroad forresidencies at our affiliated overseas organizations.

This program aims to encourage the creation of new forms of expression in all genres of artistic
endeavor and to be open to ambitious new projects solicited from society at large on an open
call basis. Six projects were selected by jury from open call applications, and an additional one
by TOKAS recommendation, to be implemented in the 2017-18 fiscal year.

TWSクリエーター・イン・レジデンス2016-2017 成果展 C/Sensor-ed Scape2016 年度に海外の提携機関に派遣され、滞在制作を行った日本人クリエーター8 名による成果

教育普及事業

発表展です。現代社会に漂う空気を敏感に感じ取り、それぞれが独自に表現しました。
This was an exhibition to show the results of creative activities by eight Japanese creators
during their overseas residencies at our affiliated organizations in our 2016 -17 fiscal year. With
their sharp sensitivity to the atmosphere of contemporary society around them, the artists
created works with their unique individual styles of expression.

7 つのトランスフォニー 7 trans-phonies
トーキョーワンダーサイトレジデンスに滞在した7 名の海外アーティストによる展示。東京での体験を通じて、文化間を越える新たな声／音「トランスフォニー」を生み出しました。
Displayed in this exhibition were works by seven overseas artists created during theirresidencies at Tokyo Wonder Site Residency. Their cross-cultural experiences in residence inTokyo gave birth to trans-phonies of new voices/sounds.

10

Educational Programs and Arts Promotion
創造の喜びを年齢問わず共有できるプログラム

As Educational Programs that share the joys ofcreating things, we organized Summer Kids Workshop

として「夏のこどもワークショップ」や「ワンダーexperiences, held WONDER SEEDS 2018 Workshop
events and, with the aim of opening our programs toa broader audience we held a TWS Shibuya Closing

シード2018関連企画ワークショップ」、幅広い観客へのプログラム普及を目的とした「TWS 渋谷示のほか、年間のプログラムを紹介する事業報告

Event and exhibited artworks at TWS Art Cafe 24/7
coffee & roaster. In addition, we publish our Annual
Report introducing all the programs and projects on

書を発行しました。

the TOKAS yearly calendar.

クロージング ･イベント」やアートカフェでの展

11

施設案内

General Information

トーキョーアーツアンドスペース本郷

トーキョーアーツアンドスペースレジデンシー〒 113-0033
東京都文京区本郷 2-4-16〒 130-0023
東京都墨田区立川2-14-7-1F（オフィス501）

TEL: 03-5689-5331 / FAX: 03-5689-7501
開館時間：11:00-19:00（入場は閉館 30 分前まで）
休館日：月曜日（祝日の場合は翌平日）、展示替期間、年末年始

TEL: 03-5625-4433 / FAX: 03-5625-4434※イベント開催時のみ一般公開
Tokyo Arts and Space Residency

Tokyo Arts and Space Hongo

1F, 2-14-7 Tatekawa, Sumida-ku, Tokyo 130-0023
TEL: +81-(0)3-5625-4433 / FAX: +81-(0)3-5625-4434*Open to the public only when events are held.

2-4-16 Hongo, Bunkyo-ku, Tokyo 113-0033
TEL: +81-(0)3-5689-5331 / FAX: +81-(0)3-5689-7501
OPEN: 11:00-19:00 (Last Entry: 18:30)
CLOSED: Mondays (When Monday falls on a national
holiday, closed on the following weekday), Exhibition
preparation periods, and Year-end and New Year Holiday.

トーキョーアーツアンドスペースオフィス

Tokyo Arts and Space Office〒 135-0016

7-3-5 Toyo, Koto-ku, Tokyo 135-0016(Located in MOT Temporary Office３F)
TEL: +81-(0)3-5633-6373 / FAX: +81-(0)3-5633-6374

東京都江東区東陽 7-3-5
東京都現代美術館リニューアル準備室３F
TEL: 03-5633-6373 / FAX: 03-5633-6374

12トーキョーワンダーサイト渋谷

TWSアートカフェ 24/7 coffee & roaster〒 150-0041
東京都渋谷区神南 1-19-8 渋谷区立勤労福祉会館 1F※TWS 渋谷併設※2017 年 9 月末閉館

TWS Art Cafe 24/7 coffee & roaster*Located in the same building as TWS Shibuya.

Tokyo Wonder Site Shibuya
Shibuya Workers' Welfare Hall 1F,
1-19-8 Jinnan Shibuya-ku Tokyo 150-0041*Closed from October 201713

TOKAS ANNUAL REPORT 2017

PART 1

CREATOR INTERVIEWS
クリエーター・インタビュー

鎌田友介

KAMATA Yusuke

西原 尚

NISHIHARA Nao

長谷川 新

HASEGAWA Arata2017 年度のプログラムに参加したクリエーターの中から、新進・中堅アーティストの継続的支援、創造的な国際文化交流の促進、実験的な創造活動の支援という3 つのミッションに基づき、3 名のクリエー
ターのインタビューを行いました。創作や活動のスタイルが異なる3 名に、TOKASを通じて得られた経験から創作活動の背景にある思考、そして今後の展望についてお話しいただきました。

In three Creator Interviews, we spoke with three artists who took part in TOKAS programs inthe 2017-18 fiscal year conducted in line with our three ideals of providing ongoing support
for emerging and mid-career artists, promoting creative international cultural exchange andsupporting cutting-edge and experimental creative activities. These three creators with theirdifferent styles of creative activity talk about the experience they gained through the TOKAS
programs, the backgrounds and philosophies behind their work and their visions going forward.

TOKAS ANNUAL REPORT 2017

CREATOR INTERVIEWS 01
鎌田友介

KAMATA Yusuke

建築が語る歴史とは何か？ 3 カ国をめぐるアーティストの軌跡と実践
建築の骨組みを想起させる素材で、幾何学的かつ建築的なインスタレーションを手がけてきた鎌田友介。韓国国立現代美術館（MMCA ）でのグループ展「How little you know aboutme」に参加中の彼は、この数年で歴史や記憶をめぐるさまざまなリサーチを続けてきた。そこには東日本大震災をひとつの契機として起こった、アーティストとしての意識の変化が強く関係していると言う。韓国、アメリカ、そしてブラジルへ。旅の途上にいる鎌田に話を聞いた。

日本の庶民住宅から考える近代
僕はいま、韓国・光州のアジア・カルチャー・センターのレジデンスに滞在しています。
2018 年 4 月から始まるアジア作家によるグループ展のための新作を制作中なのですが、そのきっかけになったのは、2017年に参加したトーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）の「二国間交流事業プログラム」でのソウル滞在でした。
2015 年頃から継続してきた建築にまつわるプロジェクトがあります。それは、室町時代あたりから次第に形成されてきた日本の庶民住宅のリサーチで、その様式は 1900 年代から戦後あたりまでの約 40 年間、日本だけでなくさまざまな国で活かされてきました。例えば韓国や台湾などでは、植民地時代に各国に渡った日本人用の住居として建てられました。また
アメリカでは、太平洋戦争における、焼夷弾を用いた空爆実験のために日本家屋が建造され、破壊されていたんです。これらを戦争期の加害と被害の関係としてだけで見るつもりはないですが、近代化の中で生じる政治的・社会的関係において、同じストラクチャーの庶民住宅が同時多発的に存在していた事実に興味を持ったわけです。
ソウルでは TOKAS から紹介された当時の日本建築（韓国では「敵産家屋」と呼ばれる）の研究者の案内で、相当数の住宅を見て回りました。現在の韓国では植民地時代の建築を観光産業にするのが流行で、行政主導のもとカフェやゲストハウスにリノベーションされた日本家屋が多くあります。また、それらを残すために韓国に住んでいる日本人の歴史家の方もいたりして、現在の日本よりも建築や建築のある風景と、歴史や政治の距離がとても近く、さまざまな議論が起こっています。一方日本の、特に首都圏では、関東大震災と東京大空襲でほとんど家屋が残っておらず、家にまつわる記憶・記録はどんどん失われている。このギャップを考えることも、プロジェクトを進める動機になっているように思います。
3 つの家屋を衝突させる
アメリカの公文書資料館には実験用家屋の図面がきちんと残されていて、MMCA で展示する作品ではそれをもとに庶民住宅の骨組みを実寸で再現します。当初は日本、韓国、アメリカの3つの歴史・記憶をひとつの構造体で表現することを考えていたのですが、もっと体感的・

17

INTERVIEW: KAMATA Yusuke

物理的にそれらが関わり合う状況を見せたいと思いました。
そこで、3 つの同じかたちの家屋をそれぞれの国に見立て、トライアングルを形成して衝突・同化するような構造体を考えました。中央部には、日本古来の工法「ホゾ組み」を用い、3 つの構造体が完璧な対称関係で組み上がっているのがわかるような空間があります。また、そWhat Does Architecture Tell Us in a Historical Perspective?
The Results of One Artistʼs Research in Three Countries
Kamata Yusuke is known for his installations of geometric architecture-like constructions
made of materials that appear to be for the frameworks of buildings. While participating

れぞれの窓に相当する開口部にはスクリーンを設置して、3カ国でのリサーチに基づいた抽象

in the group exhibition “How little you know about me” at South Koreaʼs National

的なドキュメンタリーのような映像を投影します。そうすることで、内側では物質的な衝突をMuseum of Modern and Contemporary Art (MMCA), he continued the research that

体感する、外側では歴史の知識を得るというような、異なる経験を提供したいと考えています。

he has been conducting on history and memories for several years. He says that this is

このプロジェクトは今後も継続予定で、韓国でのレジデンスと展示の搬入終了後は、アメリカに 6ヶ月間のリサーチに向かいます。アジアン・カルチュラル・カウンシルの助成によるものですが、母体であるロックフェラー財団は日本建築との関わりが深く、面白い発見があrelated to a major change in his consciousness as an artist following the 2011 Great East
Japan Earthquake and Tsunami. Since then he has gone to S. Korea and will soon travel to
the United States and Brazil. We talked with Kamata in the course of his ongoing journey.

るのではないかと思っています。また、その後はブラジルに行くのですが、ジャングルの中にかつての日系移民が住んだ日本家屋が残っているんです。そこで何をするかは未定なのですが、プロジェクトの広がりを感じる事例として、とても楽しみにしています。

Thoughts on Modern Times Informed by Common Japanese Homes
I am currently working residence at the Asian Culture Center in Kwangju, Republic of Korea.

たくさんの「運命」に恵まれて

I am now working on a new work to display in a group exhibition by Asian artists that will
begin in April 2018, and this is a result of my participation in the Tokyo Arts and Space (TOKAS)

TOKASには、トーキョーワンダーサイト時代の 2009 年から約 10 年にわたって、折に触れサポートをしていただきました。ソウルでのリサーチが今回の展示につながっているだけでなく、
2011年の東日本大震災を契機として、作品のスタイルを変えなければいけないと思っていた
自分にとっては、不思議なことにTOKASに関わる出会いや発表が、その次のアクションを生

Exchange Residency Program in 2017, doing a residency in Seoul, ROK.
Since around 2015 , I have been working on a project that centers on architecture. I havebeen researching the development of the architecture of traditional Japanese common
dwellings since around the Muromachi Period ( 1336 – 1573 ), and this includes homes
adopting the Japanese style that were built in countries other than Japan in a period ofんできました。現在のプロジェクトのように大きな規模の作品は、1人だけではオーガナイズ

roughly four decades from the beginning of the 20 th century until the end of World Warするのは困難ですし、そこでさまざまな外的な視点を導入する必要があります。

II. Among these examples are homes built for Japanese residents in Korea and Taiwan

2016 年に東京都美術館で開催された「TWS-NEXT @tobikan『クレアボヤンス』」への参加も、終わりの見えないリサーチにハマりかけていた自分に、再度作品を具体化するタイミ
ングを与えてくれたと思っています。それは意識して起こしたものではないので、僕にとっては「運命」としか言いようがないんですけどね（笑）
。
（ 2018 年 2 月7日、韓国・光州にてインタビュー）

during the period when these countries were colonized by Japan. There were also cases
in which Japanese style homes were built in the United States for tests of incendiarybombing on WWII. Regarding this, it is not my intention to simply explore the relationshipsof perpetration and victimization during the War, but rather my interest in the fact thatpolitical and social forces in the modern era caused homes of the same structure to bebuilt and exist at the same time in these different places.
Through an introduction from TOKAS to a researcher of Japanese style homes built
in Korea (which are called “enemy-built homes,” or juksan gaok in Korean), I was shownquite a number of examples. In the ROK, it is currently popular for these Japanese-stylehomes built during the colonial period to be used in the tourist industry, and under local
government programs, many of these extant structures have been renovated as cafes or
tourist guest houses. And, to help in the preservation of these structures, there are also
Japanese historians living and working in Korea today, and as a result, there is even morediscussion going on about the buildings or the buildings in their landscape/garden settings
than in Japan, and there is little distance between it and historical and political debate.
Furthermore, since very few examples of Japanese homes of this era have survived in

左：二国間交流事業プログラムでのプレゼンテーションの様子 2017 left: Presentation at MMCA Seoul, 2017.
右：MMCA での展示予定作品の模型 right: The model of artwork for the exhibition at MMCA Seoul.

INTERVIEW: KAMATA Yusuke

18

Japan, particularly in the Tokyo metropolitan area, due to the disasters of the Great Kanto
Earthquake of 1923 and bombing in WWII, especially the Great Tokyo Air Raids of March

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INTERVIEW: KAMATA Yusuke

to May 1945 , memories of and records concerning these homes are being rapidly lost.

exhibition that gave me the right opportunity to once again to create works in a concrete

Realization of this gap, I feel, has further motivated me to pursue this project.

form at a time when otherwise I was about to become absorbed research with noA “Collision” of Three Homes

can only attribute it to “fate”.

foreseeable end in sight. And, since it was not something that I did with conscious intent, I(From a Feb. 7, 2018 interview in Kwangju, ROK)

Among archived public documents in the U.S., there remain well-preserved architectural
plans of the Japanese-style homes that were built for incendiary bombing tests, and for my
exhibit at the MMCA exhibition I have used those plans to design the wooden framework ofa home in the actual size indicated on the plans. At first I was thinking of creating a single
structure that would include the three different historical contexts of the Japanese-stylehomes in Japan, Korea and the U.S., but then I decided that I wanted to show the conditionof the interrelationship between the three in a more tangible and physical form.
Then I conceived of a structure that could have the frameworks of the three Japanesestyle homes representing the three countries, with each having the same shape andbrought together in a triangular form that could represent the “collisions” and subsequent“unified agreement” between the three countries. In the center where the three structures
meet, the traditional Japanese wooden building hozo-gumi construction method is used
and a space is created where the viewer can see how the three perfectly symmetricalstructures connect together. Also, the outer opening that would normally be for a windowof each of the three structuresʼ frameworks is covered with a screen where documentary
type films of research results from the three respective countries are projected. In thisway, the physical “collision” can be experienced at the center, while from the outside-wallscreens viewers can get a different experience by learning about the history involved in
the three countries.
My plans are to continue this project in the future, and after finishing my residency in
Korea and installing the exhibit at the MMCA exhibition, I will go for six months of researchin the U.S. This will be dependent on a grant from the Asian Cultural Council, and since
its parent organization, the Rockefeller Foundation, has a deep involvement in Japanesearchitecture, I believe it should lead to some interesting discoveries. After that I will begoing to Brazil, where in the jungle some houses that were formerly the dwellings ofJapanese immigrants still exist. I still havenʼt decided what I will do there, but I am looking
forward to the further expansion of the projects that will be possible.
Blessed by Many Instances of “Fate”
For almost ten years since 2009, when TOKAS was Tokyo Wonder Site, I have gratefullyreceived its support on various occasions. Not only has my research residency led tothis exhibition, but at the time I realized I had to change my style of artistic pursuit after
the Great East Japan Earthquake and Tsunami of 2011, it was strangely by chance that anencounter led me to TOKAS and an opportunity to show my work, which then led to a

かまた・ゆうすけ

KAMATA Yusuke

succession of other actions. It is difficult to organize a project on the scale of my present

1984 年神奈 川県生まれ。神奈 川を拠 点に活動。2013

one by working alone, so it becomes necessary for me to get a variety of external input

年東京藝術大学大学院美術研究科先端芸術表現専攻修了。TOKAS の参加プログラムに「平成 29 年度二国間交

Born in Kanagawa in 1984 . Lives and works in Kanagawa.
Graduated with an MFA from Tokyo University of theArts in 2013 . Participated in TOKAS programs : “TokyoSeoul Exchange Residency Program 2017 ,” “TWS-NEXT @tobikan ʻclairvoyanceʼ” Tokyo Metropolitan Art Museum,2016 and more.

and insights.
I also believe that it was participating in the 2016 “TWS-NEXT @tobikan ʻclairvoyanceʼ”

INTERVIEW: KAMATA Yusuke

20

流事業プログラム〈ソウル〉」（ 2017 ）、「TWS-NEXT @tobikan『クレアボヤンス』」（東京都美術館、2016 ）など。

PROGRAM

P.67

21

INTERVIEW: KAMATA Yusuke

TOKAS ANNUAL REPORT 2017

CREATOR INTERVIEWS 02
西原 尚

NISHIHARA Nao

音が導く人とアートとの出会い。音楽家の旅はどこへ向かうのか ?
木や金属などを素材に、シンプルな機構で豊かな音を生み出す楽器のようなインスタレーショ
ンを制作する西原尚。彼は同時に、中世の大道芸人にあこがれ、見習ったというパフォーマ
ンスや、参加者とともに演奏を行うワークショップなども手がけている。そこには、音を通じた人々との出会いと、マージナルな集い、コミュニティへの意識があるという。音と戯れ、音を生み出すアーティストに話を聞いた。

昆虫と音が好きだった子供時代
トーキョーワンダーサイト（ TWS ）に最初に関わったのは、2013 年の「トーキョー・エク
スペリメンタル・フェスティバル Vol. 8」です。機械仕掛けでスーパーボールが日本軍のヘルメットをこすり続けてうなり声のような音を発生させる《反戦気分のココロ》と、ピアノの弦とボディを機械で叩き続けて豊かな倍音を響かせる《音の間隙》を発表しました。
僕は 2011 年に東京藝術大学大学院先端芸術表現学科を修了して以来、「音」をテーマに、動いて鳴る機械を作り、それらを用いたパフォーマンスを行ってきましたが、本格的にアートの道を選んだのがだいぶ遅いんです。こども時代を振り返ると、自転車の音をキーキー鳴ら
すのが好きだったこと、雪解けする雨だれの音の面白さを親兄弟に伝えたことなどを思い出します。人並みにカセットテープやレコード盤でも遊んでいました。一方で、毎日野山を駆け回り、昆虫や小動物を捕まえていたので、高校までは昆虫の研究者や獣医になりたいと思っていました。でも獣医学部には入学できず、別の大学に行ったのですが、学内の映画サークルには熱心に通ったものの学校は中途退学。その後、数年のフリーター生活を経て、28 歳で東京藝大の音楽環境創造科に入学しました。音響技術専攻だったのですが、窓のない無菌室のようなスタジオから外へ出たくなって音の鳴る機械を作り始めました。それが現在につながるスタート地点と言えるかもしれません。
物と人の中間で鳴らす音
アメリカ出身の音楽家・美術家にフィル・ニブロックという人がいます。現在 80 歳を超える彼は、1960 年代以来、ニューヨークの実験音楽シーンで活躍してきた伝説的な人物です。
彼の代表作は、大音量の持続音の中で、世界中の肉体労働者の姿を投影するものです。非常に緻密な楽譜に基づいて録音された楽器音を近接させて並置・累積させることで複雑な倍音のパターンを作り出し、圧倒的な音の洪水の中で、働く人間の姿を目の当たりにさせる、力強い作品です。彼は僕の心の師匠でもあり、ニューヨークに滞在した 2016 年の半年間は毎日彼のスタジオに通いました。藝大先端の修了制作展では、壊れたピアノ9 台を素材に、合計で 2 千本以上の弦をすべて B フラットにチューニングして鳴動させる《ピアノのための

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23

INTERVIEW: NISHIHARA Nao

習作》を出品したのですが、これはフィルさんからの影響も受けて作った作品でした。
現在も自動で音が鳴る作品の制作を続けていますが、動くシステムを使うことは、物に従属しなければ実現できません。ギヤや機械の機嫌を窺い、観察と調整を繰り返してやっと動
いてもらうのです。また素材を加工することも、物の状態に従うことが必要です。古来、鍛冶屋や木地師は、物の世界と人間の世界を行き来する特殊な技能が認められていましたが、それは、この人と物との橋渡し役ということに由来するものではないかと思います。僕も制
作中にこうした状態を実感することもあります。また、現代の日常レベルでもこの 2 つの世
界間の移動は常に起こっているようにも思います。例えば、大きな木を切ることとパソコン

Sound that Leads to Encounters with Art,
Where Does the Musicianʼs Journey Lead?
Nishihara Nao is known for his installations that use wood and metal to create simple
structures that produce rich sound like a musical instrument. His love of Medievalstyle street performance has also led him to study its techniques and use them in
performances, and he also does things like workshops where he gets the participants toperform with him. He also speaks of his interest in meeting people through sound/music,
interdisciplinary encounters and community awareness.

のスイッチを入れることは同じかもしれません。
また、このような考えから、僕は人と物の中間としての人形に興味があります。パフォー
マンスで太鼓を背負うのは、僕が太鼓を叩いているのではなく、太鼓が僕を操っているとも言えるからです。太鼓にこそ制御の中枢があり、自分が操り人形になっているというわけです。
僕の制作はいつも音を起点としていますが、主体は自分の中にはなく、さまざまな事象へと乗り移り、音楽・美術・芸能・自然・社会へと導いてくれます。

A Childhood Love of Insects and Music
The first time I was involved in a Tokyo Wonder Site (TWS) program was the 2013 “TOKYOEXPERIMENTAL FESTIVAL Vol. 8.” I presented a work that used mechanical means to haveJapanese army helmets continuously rubbed by a superball to produce a howling sound in
my installation Anti-War Feeling of Mind and another device titled Study for Piano. that

人と話すためにアートはある

continuously tapped the strings and body of a piano to produce a rich harmonic overtone.
In 2011, I completed a degree in Intermedia Art from the graduate school of TokyoTWS で得たものの中で一番大きいと思っているのは、人とのつながりです。TWS 渋谷の最後の展示になった「渋谷自在―無限、あるいは自己の領域」に参加した潘逸舟くんは、University of the Arts, and since then I have created machines that produce sound withmoving parts which I then use in performances, but I was rather late in deciding to pursue
arts. From my childhood, I remember liking to make a squeaking sound with my bicycle as I

先端芸術表現科の同じゼミの出身で、学生時代に最初に僕の作品を「いいじゃん !」と言って

rode and telling my family what an interesting sound droplets of water from melting snow

勇気をくれた友人。そして大野茉莉さんは在籍年こそ違いますが同じ音楽環境創造科の出

made. I also played with tape recorders and records. And, I spent much time roaming the身です。自分のこれまでの活動においてキーポイントになった時間や場所に関わった人達

fields and hills catching all kinds of insects and small animals, so until high school I thoughtと一緒に展示できたのは素直に嬉しいことです。
また、展示を見に来てくれた人とも交流が続いています。そういえば、TWSレジデンスに滞在参加していたベルギーのアーティスト、アレクサンドラ・ディメンティーヴァさんとは、
最初はフィルさんにアレンジしてもらって東京で出会い、その後も世界のいろんな場所で再that I wanted be an insect researcher or a veterinarian, but I wasnʼt able to get into auniversity course become a vet, so I went to a different university. And although I found aninterest in movies and diligently attended the meetings of the college film club, I eventually
dropped out of college. I supported myself doing part-time jobs for a few years before

会しています。
僕はアートの究極的な目的は “コミュニケーション ” だと考えていて、いつも人と話したいと思っています。2014 年の「二国間交流事業プログラム」で訪れたベルリンで、本当の実験をし続けている少数派のアーティスト達に出会いましたが、そのコミュニティ内での交流はとても心地のよいものでした。伝統芸能における旅芸人のあり方、交流する回路に僕は強く共感していますが、TOKAS はその機会を与えてくれている気がします。
（ 2018 年 1 月17日、横浜市内・西原氏スタジオにてインタビュー）

左：《反戦気分のココロ》2013「トーキョー・エクスペリメンタル・フェスティバル Vol.8」（ TWS 本郷）展示風景
left: Anti-War Feeling of Mind, 2013, Installation View at “TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.8,” TWS Hongo.

右：《ピアノのための修作》2011 right: Study for Piano, 2011.

INTERVIEW: NISHIHARA Nao

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INTERVIEW: NISHIHARA Nao

entering the course of Musical Creativity and the Environment at Tokyo University of theMusical Creativity and the Environment course. I was really happy to exhibit with people

Arts at the age of 28. My major was in acoustics technology, but soon I wanted to get out

like them who were there sharing the same time and places that were turning points in myof the windowless sound lab like a sterile room, and I started making sound-producing

career.

machines, as I am doing now.

Furthermore, I have had ongoing exchanges with people who came to the exhibition.
And Belgian artist Alexandra Dementieva, who did a TWS residency and I first met when

Making Sound Between Objects and People

Phill did an arrangement for me, is one I have met again on several occasions around theworld.

There is an American musician/artist named Phill Niblock. He is now over 80, and he has

My ultimate aim in art is “communication.” I always want to meet and talk with people.

been a legendary figure in New Yorkʼs experimental music scene since the 1960 s. His

When I visited Berlin in 2014 on the TWS Exchange Residency Program, I met a number offamous works use soundtracks of continuous high-volume sound while projecting images

artists who are continuing to pursue truly experimental projects in their artistic fields, andof manual laborers from around the world. With the superimposition and juxtaposition

exchanges I had within that community have been very rewarding for me. I have a strongof sustained sounds that are obtained from reprocessing acoustic instruments sounds,

affinity for the circuits of communication and exchange that existed among travelingand through slow accumulation of microtones that are very close together, Phill creates

performers in the traditional arts, and I feel that TOKAS has given me the chance to pursue

complex overtone patterns. These recordings are then used to create an overwhelmingthat kind of communication.

flood of sound, which makes the resulting works very powerful. I consider Phill my mentor,(From a Jan. 17, 2018 interview at Nishiharaʼs studio)

and during the six months that I stayed in New York in 2016, I visited his studio every day.
For my presentation at the end of my graduate course, I got nine broken pianos and tuned
a total of 2 ,000 piano strings all to B-flat and then struck them to make a rumbling sound.
It was a work influenced by Phill.
I continue to create works that make sound automatically, but this involves being subject
to the temperament of the materials used. The gears and mechanical devices finally moveright only after I listen to their moods and make adjustments. I have to be aware of thematerialsʼ condition and obey their physical dictates. In olden days, blacksmiths and wood
craftsmen were recognized for their ability to commune with their materials when they
worked and then return to daily life̶which was in effect a process of going back and forth
between the materialʼs world and the human world and bridging the two. When I work,
I sense this transition. And, I believe this shifting takes place in contemporary life also. In
this definition, the act of cutting down a tree may be essentially the same as turning on
your computer.
Also, as an extension of this line of thought, I am interested in puppets as entities thatexist between the human world and the world of objects. The reason that I strap a drum on
my back when I perform is not because I am playing the drum but because then the drum
can be seen as manipulating me. The drum that is in control, and I am being manipulated byit like a puppet. My work is always based in sound, but the guiding initiative is not within me
alone, it is transitional, always shifting to lead me to music, art, performance, and to natureand society.
Doing Art to Communicate with People
I feel the biggest thing I have gained through my relationship with TWS is valuable
connections to people. In the final exhibition for TWS Shibuya, the “Shibuya Jizai­Infinity,or Self-Territory” exhibition, I was exhibiting with Han Ishu, who is a friend that attended thesame Intermedia Art course as me and was the first to encouraged me by saying my work
was good when we were students. Also, there was Ohno Mari, who majored in the same

INTERVIEW: NISHIHARA Nao

26にしはら・なおNISHIHARA Nao

1976 年広島県生まれ。神奈川を拠点に活動。2011年東Born in Hiroshima in 1976 . Lives and works in Kanagawa.
Graduated with an MFA in Intermedia Art from Tokyo
University of the Arts in 2011. Participated in TOKAS programs:“Shibuya Jizai­Infinity, or Self-Territory,” TWS Shibuya, 2017,“Tokyo-Berlin Exchange Residency Program 2014” and more.

京藝術大学大学院美術研究科先端芸術表現専攻修了。
TOKAS の参加プログラムに「渋谷自在―無限、あるいは自己の領域」（ TWS 渋谷、2017 ）、「平成 26 年度二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉」（ 2014 ）など。

PROGRAM

P.48

27

INTERVIEW: NISHIHARA Nao

TOKAS ANNUAL REPORT 2017

CREATOR INTERVIEWS 03
長谷川 新

HASEGAWA Arata

インディペンデントであることの流儀。いま、展覧会は何を訴える？
「パレ・ド・キョート / 現実のたてる音」「クロニクル、クロニクル！」など、実験精神溢れる展
覧会を数多く企画してきた長谷川新は、2017 年、トーキョーアーツアンドスペース本郷で「不純物と免疫」を開催した。東京に続き沖縄へと巡回する構想で企画された本展には、これまで同様にさまざまな仕掛けと思惑が張り巡らされている。インディペンデントで活動することとは？ 展覧会の意義とは何か？ 長谷川の思考／試行の一端に触れた。

展覧会を「使い切ること」が自分の仕事
トーキョーワンダーサイトの公募プログラム「OPEN SITE 2017- 2018」に採択されて、2017 年 10 月から「不純物と免疫」を企画・開催しました。
組織に属さずキュレーティング／キュラトリアルの実践をするということは、「展覧会」が
必ずしも唯一の選択肢ではないということです。展覧会をすることが公立美術館のように法的に明文化されているわけでもない中、あえて「展覧会」をするのであれば、そこには「展覧会」の「内部」を通過しながらアップデートする技術が求められると思います。
今回で言えば、「免疫」という概念を起点に、社会と美術を同時に思考することが求められました。であれば、展覧会においても、そこで作用している「純化」や「境界画定」のダイナ
ミクスは厳しく再考される必要がありました。言い換えれば、「展覧会」がつねに抱える、「純
粋に作品だけを鑑賞できる状況」と「多種多様な関係者が関わり、多くの鑑賞者が多様な経
験をする状況」のあいだの折り合いの悪さから始める、ということです。
例えばオーディオガイドを採用すること。網守将平さんと岡田拓郎さんが制作したタイアッ
プチューン「デカダン・ユートピア」を導入すること。ロゴを作りステッカーにすること。スマー
トフォンに特化したウェブサイトを作ること。カタログを複数作ること。学術研究者や学芸員を招いて自身の研究や実践について語ってもらうこと。こうして展覧会に関わるフレーム全体を見直す試行が、今回の展覧会であり、また僕自身の活動を貫く大きなテーマでもあるんです。
いくつもの鑑賞者の視点が、展覧会を多角形にする
これまでずっとインディペンデントに展覧会企画をしてきて、「面白いことをしたい」ということと「公共性や社会性」とをいかに両立させるかが基本的な行動理念なのですが、「不純物と免疫」を企画するにあたっての契機のような経験がありました。香港を拠点とするアー
トジャーナル誌『ArtAsiaPacific』に、2016 年に「クロニクル、クロニクル！」展がポスト・フ
クシマ的状況下の展覧会として取り上げられたんです。僕自身は何か大きな事象に直接的に言及するまでもなく、同時代に生きていれば大なり小なり影響を受けるのは当然で、社会的な動向は作品や企画に必ず内在しているという考えなので、その記事には驚いたのですが、

29

INTERVIEW: HASEGAWA Arata一方でそれは当然なことでもあるわけです。事実、僕はいまも日本に暮らしているし、震災

The Style of Being Independent

以後という歴史的拘束を受けているのですから。今回はその自覚を強く意識しながら、どうWhat Messages Can Exhibitions Deliver Today?

抽象的で普遍的な問いに転換するかを考えました。
展覧会は、会期と、入口と出口が必ずあるけれど、それ以外は来るたびに異なるダンジョンみたいになっていればいいなと思っていて。そこにはもちろん輪郭や骨格はあるんですが、

Hasegawa Arata is known for the planning and curating of numerous stimulatingexhibitions full of cutting-edge and experimental artistic spirit, such as “NOTHING BUT
SOUNDS / PALAIS DE KYOTO” and “Chronicle, Chronicle!” and in 2017 he organized the

つねに動いたり濡れたりしている。だから複数回来たくなる展覧会を目指したい。
「クロニクル、

exhibition “Impurity / Immunity” at TOKAS Hongo. After the Tokyo run, there are plans

クロニクル！」は 1 年間をかけて同じ展覧会を 2 回開催したし、展覧会中は毎日必ずイベント

for this exhibition to tour to Okinawa, and as with Hasegawaʼs exhibitions in the past, it isをしましたが、今回はもう少し精査している。おかげさまで約 1600 人が東京展に来場しま
したが、TOKAS 本郷は海外のリサーチャーも頻繁に訪れる場所ですから、いろんな人の目に触れられたのが嬉しかったです。
実践の場として生きていく

full of devices and speculations. What does it mean to be an independent curator today?
What were the intentions behind the exhibition? Here we seek out Hasegawaʼs thoughts
and keys to what he sought to explore.

Completely Exhausting the Possibilities of the Exhibition Is My Jobとはいえ TOKAS に不満がないわけではないです（苦笑）。空間が狭い、エレベーターがない（公共施設なのに）、広報が弱い、とか。あとはやっぱり予算が少ないですよね。30 万円の制作支援金が出て、そこから税金が引かれるから 26 万 9000 円が予算になるけれど、
それで展覧会をするのはとても痛みを伴うんじゃないでしょうか。

I planned and organized the “Impurity / Immunity” exhibition that opened in October of2017 after being selected in the open call Tokyo Wonder Site program OPEN SITE 2017 2018.
If one does not associate oneself with any particular organization, oneʼs curation/「不純物と免疫」
はトーキョーワンダーサイトがTOKASに名称が変わって最初の公募企画でした。
だからこそ
「展覧会」
をとおして、このプログラムのポテンシャルをギリギリまで拡張したかった。
インディペンデント・キュレーターとして、僕は自分自身を「実践の場」として、いろんなことを試していきたいと思っています。学芸員資格をひとまず取らずにいるのも、それでど

curatorial activities are no longer limited solely to the medium of an exhibition. When achoice to hold an exhibition is made outside of a public museum venue for example̶wheresuch events may not be clearly outlined under the law̶I believe that if the exhibition
format is chosen, some skillful techniques are required to update or renew the exhibition
format from its innermost aspects.

こまでいけるかという実験だったりする。そうすることでキュレーションの限界を探って、

In terms of this particular exhibition, it was required that I reflect both on art and on

もっと面白くしていきたいんです。でも一方で、作家達との共闘はもちろんですが、このプ

society, while taking the concept of “immunity” as a focal point. The necessity followed

ロジェクトには多くの方が協力してくださっています。その意味で、キュレーターはもっともケアされている存在なのかもしれません。
（ 2018 年 1 月12日、TOKAS 本郷にてインタビュー）that I consider carefully the “purifying” quality of the exhibition as well as the element of“demarcation” as it relates to the exhibition. It meant starting with the gap, inherent in
the exhibition format, between the two facets of being a “pure place where the viewer
can focus solely on the works of art” and being “a place where members of diverse
backgrounds collaborate, and a situation in which a large audience gathers and haveunique experiences.”
For example, the decision was made to use an audio guide, featuring the “tie-up tune”
Decadent Utopia, which is a collaboration between Amimori Shohei and Okada Takuro.
It was also decided to design a logo for the exhibition and print stickers; to construct a
smartphone-friendly website; to make several versions of catalogue; and to arrange tohave academics and professionals come and share information about their research andprojects. I see this exhibition as concerned with all these types of things, and this is atheme that always pervades my work.

左：遠藤 薫《無題》2017「クロニクル、クロニクル！」（ Creative Center Osaka ）展示風景

left: ENDO Kaori, Untitled,2017 Installation view at “Chronicle, Chronicle!,” Creative Center Osaka. Photo: KUMAGAI Atsushi

右：仲本拡史《水際からの訪問者》2017「不純物と免疫」（BARRAK 1、沖縄）展示風景 right: NAKAMOTO Hirofumi,

Viewers Bringing Unique Perspectives Give the Exhibition Multi-dimensionality

Visitors from the Riverside, 2017 Installation view at “Impurity / Immunity,” BARRAK 1, Okinawa. Photo: KUMAGAI Atsushi

A basic approach that I have toward my work̶the exhibitions that I have planned as an

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INTERVIEW: HASEGAWA Arata

INTERVIEW: HASEGAWA Arataindependent curator̶is an effort to merge the instinct to do “things that are interesting”
with things that are “valuable and relevant to society.” The inspiration for “Impurity /Immunity” came from the following experience: the Hong Kong based art periodical ArtAsia
Pacific covered my 2015 exhibition “Chronicle, Chronicle!” as a “post-Fukushima” exhibition.
Since I am of the disposition that, where it concerns social changes, social movements
and the like, social elements will invariably make their way into projects to some degree
regardless of whether any overt social statements have been made, but I was honestly
surprised by the article. At the same time, however, there is no doubt that influences ofthis kind are naturally involved in exhibitions. As a point of fact, I still live in Japan, andspeaking historically, that places me in a post-Fukushima context. This time I was especiallyconscious of that fact as I thought about how I can translate that into abstract anduniversal questions.
An exhibition will always has a duration as well as an entrance and an exit, but beyond
that, my hope is that something new is there to be discovered each time you visit theexhibition, like changing levels and going to a different dungeon in a video game. While
there are, of necessity, basic ideas delineating exhibitions and a framework, I envisiondifferences along the lines of things always moving around, things oozing moisture. The
goal then becomes to create an exhibition that one is inclined to visit several times. While“Chronicle, Chronicle!” was held twice over the course of a year, with one specific event
held every day, this time I approached the exhibition with a more focused energy. I am
grateful that around 1,600 people visited this Tokyo showing of “Impurity / Immunity.”
I greatly appreciated the opportunity to curate for TOKAS Hongo, because it is a
destination for researchers from abroad, and for the diversity of the people that visited
the show.
Being a “Working Space”
That is not to say that I do not have misgivings towards TOKAS. The space is not as large
as I would have liked, it has no elevator (despite being a public venue,) its PR capabilities
are limited, etc. And then there is the issue of the budget. 300 , 000 yen of budget isallotted toward the project, and after taxes, that gives 269 , 000 yen, a rather grim figure
when you are talking about an exhibition.
“Impurity / Immunity” was Tokyo Arts and Spaceʼs first open call program after its
rebranding from TWS, and because of this, I had the desire to push the limits of the“exhibition” as far as they would go.
As an independent curator I hope to continue to use myself as a “working space,” andcontinue to take risks and be creative in my endeavors. One ongoing experiment for me isthat I have intentionally not acquired certification as a curator, as a means of seeing how
far I can go without it. In this way I want to push the limits as a curator, and make curation
more interesting and inspiring. At the same time, there is the good fight to be fought
alongside the artists. And I have received so much support in realizing this project. Perhaps
a curator is given more than their fair share of attention and care.
(From a Jan. 12, 2018 interview at TOKAS Hongo)

INTERVIEW: HASEGAWA Arata

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はせがわ・あらた

HASEGAWA Arata

イン デ ィペン デ ント・キュレ ーター。1988 年 生まれ。

Independent curator. Born in 1988 . Participated in TOKAS
program: OPEN SITE 2017 - 2018 “Impurity / Immunity,”
TOKAS Hongo, 2017.

TOKASの参加プログラムに「OPEN SITE 2017-2018『不純物と免疫』」（ TOKAS 本郷、2017 ）。

PROGRAM

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INTERVIEW: HASEGAWA Arata

TOKAS ANNUAL REPORT 2017

PART 2PROGRAMS
プログラム

TWS-Emerging 2017
渋谷自在―無限、あるいは自己の領域
Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory

ワンダーシード 2018
WONDER SEEDS 2018

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム
Creator-in-Residence Program

トーキョーワンダーサイト レジデンス 2016-2017
TWS Creator-in-Residence 2016-2017

C/Sensor-ed Scape
7 つのトランスフォニー
7 trans-phonies

オープンサイト 2017-2018
OPEN SITE 2017-2018

教育普及事業

Educational Programs and Arts Promotion

若手・中堅アーティストの展覧会をはじめ、クリエーターを派遣・招聘し、現地滞在型の制作やリサーチを行う「クリエーター・イン・レジデンス」、国内外で公募した実験的な企画の実施、ワークショップ
やカフェ展示など、TOKASは多彩なプログラムを展開しています。2 部では、参加クリエーターとともにプログラムを紹介します。

TOKAS is involved in a wide range of programs from holding exhibitions of young and midcareer artists, running Creator in Residence programs that send Japanese creators abroad andinvite foreign creators from abroad for creative work or research and organizing projects forsupporting cutting-edge and experimental creative activities from Japan and abroad based on
open call applications. In Part 2 we introduce these programs and the participating creators.

TWS-Emerging 2017

黒石美奈子

日常の風景や肖像画に、苔や石の表面など小さなモ
チーフを細かく詰め込むように描いた銅版画の作品

KUROISHI Minako

が ん ぴ しを展示しました。銅版は雁 皮紙に重ねて刷ることで独特の深みと柔らかさを生み、作品の密度と銅版画そ

静かなのにうるさいのものが持つ静けさを調和させています。外光が差silent but noisy

し込むスペースに作品を配置することにより、黒のインクのみで写し出された画面が生き生きと見え、生命が吹き込まれたかのような効果を生み出しました。

黒石美奈子 KUROISHI Minako

Part 1 : 2017.6.10-7.9

黒田恭章 KURODA Yasuaki

Part 2 : 2017.7.22-8.20

神 祥子 JIN SachikoPart 3 : 2017.9.2-10.1

Minutely detailed motifs such as the surfaces of mossa n d s t o n e a r e wo r k e d i n t o e ve r y d ay s c e n e s a n dportraits in the copperplate prints exhibited here.
Layered printings on traditional Japanese ganpi shi
paper create a unique depth and softness, achieving

山内祥太 YAMAUCHI Shota
伊藤夏実 ITO Natsumi

a harmony in the works between their density and thestillness of the copperplate engraving itself. Positioningof the pieces in places where exterior light enters the

鹿野洋平 SHIKANO Yohei
渡部仁美 WATANABE Hitomi

gallery gives these pictures created only with black
ink a more vivid brilliance, in an effect that seems to

林 菜穂 HAYASHI Nao
石井佑果 ISHII Yuuka

breathe life into them.

公募展入選者の個展開催を支援「TWS-Emerging」は、公募展「トーキョーワンダーウォール」の入選者から希望者を募り、審査を経て選出された若手アーティストの個展開催を支援するプログラムです。2017 年
度はトーキョーワンダーサイト本郷を会場に 3 会期にわたり9 名を紹介しました。アーティ
ストは作品制作に加え、展覧会開催にいたるまでのさまざまな事柄に挑戦しました。また、展覧会初日に行うトークでは、ゲストとともに作品や制作背景などを自身の言葉で伝えました。
本プログラムの参加作家は、トーキョーアーツアンドスペースの他事業への参加など、その後も活動の幅を広げています。

Support for Solo Exhibitions Based on Open-call Selections
Winners of the open call “Tokyo Wonder Wall” exhibition were invited to participate

in “TWS-Emerging,” a program that supports the holding of solo exhibitions by young
artists chosen after judging. In 2017- 18 , Tokyo Wonder Site Hongo was the venue forthe work of nine artists to be introduced in three exhibition periods. In addition to the
production of their works, the artists also undertook various activities leading up to
the opening of the exhibitions. On opening day, the artists gave talks about their works
as well as communicating directly with guests about the backgrounds behind theircreations. Artists participating in this program are thus able to broaden the range of
their future activities to things like other Tokyo Arts and Space programs.

PROFILE

DATA

コース卒業。2004 年武蔵野美術学園メディア表現科版画コー
ス研究課程修了。主な展覧会に「黒石美奈子」個展（銀座ギャラ
リーフォレスト、2015、2013、2011、2009、2007）、「LOOP」（アー

1982 年山形県生まれ。2002 年女子美術大学短期大学部絵画

会場：トーキョーワンダーサイト本郷
Venue: Tokyo Wonder Site Hongo36

146-149 頁にオープニング・トークのゲストによるレビューを収録しています。
See pages 161 to 165 for reviewsby Opening Talk guests.

Born in Yamagata in 1982. Graduated from Musashino Art Schoolin 2004, and Joshibi University of Art and Design Junior College
in 2002 . Recent exhibitions: “Minako Kuroishi Exhibition,” Ginza
Gallery Forest, 2015 , 2013 , 2011 , 2009 , 2007 , “LOOP,” ARTSPACE 201, Hokkaido, 2015. Awards: “Tokyo Wonder Wall 2016,”
Jury Prize (KONOIKE Tomoko) and “Awagami International
Miniature Print Exhibition,” Jury Prize, 2015.

トスペース201、北海道、2015 ）など。受賞歴に「トーキョーワン
ダーウォール公募2016」
トーキョーワンダーウォール審査員賞
（鴻
池朋子）
、
「アワガミ国際ミニプリント展」審査員賞（ 2015 ）。

37

TWS-Emerging 2017: Part 1

黒田恭章

text
（文章）の語源がtexere（織物）であることに着目し、context（文脈）によって意味が決定される言葉や文章

KURODA Yasuakiのように糸と布の在り方が決定されていく作品を展開しました。色糸の選択にはサイコロを使用し、そこでcontextile

神 祥子

神は、鏡や写真、人の身体やまばたきなどをモチーフに、絵画や映像、
ドローイングやぬり絵などを用いて「みJIN Sachiko

得られた配色によってほかの作品が定義されていきま

まばたき / あらわれす。自身を表現主体とするのではなく定められた規則

blink / vision

ること」をテーマに制作しています。ドローイングのプロセスをコマ撮りした映像をそのドローイングに重ねて投影した作品では、イメージと物質、あるいは「見ること／見えること／見えないこと」と「ものがある」の行為者として機能させることで、糸が主体としてそことの間に横たわる隔たりや、イメージのあらわれのの色を主張する世界を構築しました。

揺らぎを可視化しています。

Noticing the fact that the etymology of text is texere(tex tile,) Kuroda presented work s in which the

Jin produces works under the theme of “seeing” by
employing motifs such as mirrors and photographs,

state of the thread and textile determines how the
work develops in the same way that ʻcontextʼ often
determines the meaning of a word or sentence. The

peopleʼs bodies and blinks, using paintings or video,
drawings or color-in pictures. The drawing process
employed single-frame images that were projectedcolor of the thread was determined by rolling dice andthe color scheme achieved defined that of the otherworks. The artist constructed a world not determined

onto the drawing in layer s, then visualizing thefluctuations in the gap of the image and object, orsomewhere between “seeing/being able to see/unable

by expression of self but by functioning as the actuatorof predetermined rules, a world where thread plays theto see” and there being “something there.”principal role and asserts itself through its colors.

PROFILEPROFILE1986 年新潟県出身。東京を拠点に活動。2012年武蔵野美術大Raised in Nigata in 1986. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith an MA in Industrial, Interior and Craft Design from Musashino
Art University in 2012. Recent exhibitions: “Tokyo Wonder Wall
2016,” Tokyo Wonder Site Shibuya, “ 1st TERRADA ART AWARD
Exhibition,” T-Art Gallery, Tokyo, 2014. Awards: “Tokyo Wonder
Wall 2016,” Grand Prix, “ 1st TERRADA ART AWARD,” 2014.

学大学院造形研究科デザイン専攻工芸工業デザインコース修了。主な展覧会に「トーキョーワンダーウォール公募 2016」（トー
キョーワンダーサイト渋谷）、「1st TERRADA ART AWARD

入選者展」（T-Art Gallery、東京、2014）など。受賞歴に「トーキョーワンダーウォール公募 2016」大賞、「1st TERRADA ART
AWARD」入選（ 2014 ）。
TWS-Emerging 2017: Part 1

381988 年生まれ。2016 年武蔵野美術大学造形研究科美術専攻

油絵コース修了。主な展覧会に「シークレット・ドア」（ティル・ナ・
ノーグギャラリー、東京、2016 ）、「トーキョーワンダーウォール
公募 2016 入選作品展」（トーキョーワンダーサイト渋谷）
、
「他人
の夢」
（ YOYOGI ART GALLERY、東京、2015 ）。受賞歴に「第49回神奈川県美術展」平面立体部門 近代美術館賞（ 2013 ）。

39

Born in 1988. Graduated with an MA in Oil Painting from Musashino
Art University in 2016. Recent exhibitions: “Secret Door,” Tir
Na Nog Gallery, Tokyo, 2016, “Tokyo Wonder Wall 2016,” Tokyo
Wonder Site Shibuya, “Dreams of others,” YOYOGI ART GALLERY,Tokyo, 2015. Award: “The 49 th Kanagawa Art Exhibition 2013 ,”The Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama award.

TWS-Emerging 2017: Part 1

山内祥太

古典的な撮影技法「スクリーン・プロセス」に着想を得て、リア・スクリーンとフロント･スクリーンの2面構成

YAMAUCHI Shotaの映像インスタレーションとして展示を行いました。リ
ア・スクリーンでは自宅の車庫で撮影されたロードムー

恐怖の回り道ビー的シークエンスが映し出され、フロント･スクリー
ンでは山内が眠りについた先の物語が映し出されました。

DETOUR

リアとフロントという構造とすれ違うナラティブが融解し、展示空間を不気味の谷へ変様させました。
Yamauchi exhibited a dual screen video installation
configured with one screen in the front and the other

天動説をはじめとした、世界に存在するさまざまな事
象の「中心軸」に焦点を当てた伊藤は、空間と大地の

ITO Natsumi

ような 2 つの相反する力から生み出されるものや、それらによって作り出される境界線の可視化を試みま動くものと動かないものとの境界も、力の中心も、無数にあるのではないか。

した。ベニヤ板、竹、角材など簡素な素材を用いて、地球や宇宙といった世界を構成する要素を抽象的に表現した作品群によるインスタレーションを作り上げました。

Innumerable Boundary Lines between
Movable Things and Immovable Things,
and the Centers of Powers.

Ito employs the Ptolematic (geocentric) system (theory)
to put her focus on the “central axis,” where various

in the back, taking an idea from the classic “screen
process” filming/projection technique. On the rears c re e n h e p ro j e c te d a s e qu e n ce o f a ro a d m ov i ephenomena exist in this world, such as in space and on
earth̶two forces opposed to each other̶that create
something, and then she attempted to make visible thescenes shot in his home garage; on the front screen
the following story is shown after Yamauchi has fallen
asleep. The structure of the rear and front and theboundary line between them. Using simple materials
such as plywood, bamboo and lumber, she has createdan installation composed of a group of works thatfusing of the narrative as they pass by each othertransform the exhibition space into an eerie valley.

abstractly express the elements in the structure of theworlds we call earth and space.

《恐怖の回り道》2017

DETOUR, 2017

PROFILEPROFILE

1992 年岐阜県生まれ。東京を拠点に活動。2016 年東京藝術Born in Gifu in 1992. Lives and Works in Tokyo. Graduated with
an MA in Film and New Media from Tokyo University of the Arts
in 2016. Recent exhibitions: “WRO 2017 BIENNALE,” WRO Art
Center, Poland, “Reborn-Art Festival 2017,” Ishinomaki, Miyagi,“Critical Selfies - Potemkin,” gallery to plus, Tokyo, 2017. Awards:
MEC Award 2 0 15, Grand Prize, TAK AMATSU MEDIA AR T
FESTIVAL, Jury Prize, 2015, Hirayama Ikuo Award, 2016.

大学大学院映像研究科メディア映像専攻修了。主な展覧会に「WROビエンナーレ2017」（ヴロツワフ、ポーランド）、「RebornArt Festival 2017」（石巻、宮城）、「Critical Selfies - ポチョム

キン」
（ gallery to plus、東京、2017 ）など。主な受賞歴に「MECAward 2015」大賞、高松メディアアート祭審査委員特別賞（ 2015 ）、平山郁夫文化芸術賞（ 2016 ）。
TWS-Emerging 2017: Part 2

伊藤夏実

40

1993年生まれ。女子美術大学大学院博士前期課程洋画領域在籍。

主な展覧会に「平成 28 年度・第 40回東京五美術大学連合卒業・修了制作展」（国立新美術館、東京、2017 ）、「第 52回神奈川県立
美術展」（神奈川県民ホールギャラリー、2016 ）など。受賞歴に「ターナーアワード2016」、「第 52回神奈川県美術展」美術奨学会記念賞（ 2016 ）、「トーキョーワンダーウォール公募 2016」
トー
キョーワンダーウォール審査員賞（今村有策）など。

41

Born in 1993. Enrolled in an MA in Oil Painting from Joshibi
Univer sit y o f Ar t and De sign. Re cent exhibitions: “ Joint
graduation exhibition of 5 art universities in Tokyo,” The National
Ar t Center Tokyo, 20 17, “The 52 th Kanagawa ar t award,”
Kanagawa Kenmin Hall Gallery, 2016. Awards: “TURNER AWARD
2016 ,” “The 52 th Kanagawa art award,” Memorial Prize, 2016,“Tokyo Wonder Wall 2016,” Jury Prize (IMAMURA Yusaku).

TWS-Emerging 2017: Part 2鹿野洋平

人間の声が個々のアイデンティティを持ちながらも、言語体系によって矯正されやすい脆い存在であること

SHIKANO Yoheiに着目した鹿野は、自身の母に贈られた、1970 年当時のオープン･リールに記録されている親戚からの「声」

すべてはよその声をもとに、映像インスタレーションを展開。時間や場所、
身体といった枠を越えて現代に再生される誰かの「声」

The Ghost of Voices

を、他者にシャドーイングさせることによって、「声」そのものが持つ固有性や身体性を浮かび上がらせました。

渡部仁美「その場にいるような風景画」を制作の重要なテーマとする渡部は、猫とともに身近な景色や日常の風景をWATANABE Hitomi

描いた作品を展示しました。
風景画の中でたたずむ猫は、鑑賞者が画面にそれを見つけることにより、作品世界

その場にいるような風景画―風景の中の猫―へ介入しやすくするための装置として配置されています。
渡部が体験した日常を独特の鮮やかな色使いで表現することで、作品をとおしてその風景を鑑賞者と共有

Landscape as if it were seen
-Cat in the scenery-

しました。

While each human voice has its own individual identity,
Shikano focuses on the ease with which the fragility ofAn essential theme for Watanabe in her painting is
to create a sense that the viewer is right there in theits existence can be regulated by the language system.
The development of this video installation is based ona reel-to-reel recording made in 1970 of “voices” thatlandscape. In this exhibition she displayed work s
depicting familiar everyday scenes with cats. Finding
the cats lingering in the landscapes is a device towas given to his mother by her relatives. Playing backsomebodyʼs voice in the present day goes beyond theframeworks of time, place, and body; the characteristics

enable the viewer to easily enter the world depictedin the paintings. Watanabe shares her experiencesof everyday life with the viewer by expressing themand physical presence of that voice itself are brought
to the surface by shadowing it with others.

through her uniquely vivid coloration.

《すべてはよその声》2016 The Ghost of Voices, 2016

PROFILEPROFILE

1992 年神奈川県生まれ。2017 年東京藝術大学大学院映像研

Born in Kanagawa in 1992. Graduated with an MA in Film and
New Media from Tokyo University of the Arts in 2017. Recent
exhibitions: “2016 Asian Digital Art Awards Exhibition FUKUOKA,”
Fukuoka Asian Art Museum, 2017, “MEDIA PRACTICE 16 - 17
Graduate School of Film and New Media at Tokyo University of
the Arts, Graduation Works Exhibitions,” BankART Studio NYK,
Kanagawa, 2017. Awards: “ 14th NHK Mini Movie Awards,” GrandPrix Special Award, 2016, “MEC Award 2016,” Selected.

究科メディア映像専攻修了。主な展覧会に「2016アジアデジ
タルアート大賞展 FUKUOKA 受賞作品展」（福岡アジア美術
館、2017 ）、「MEDIA PRACTICE 16 -17 東京藝術大学大学院映像研究科メディア映像専攻修士課程修了制作展」（ BankART
Studio NYK、神奈川、2017 ）など。受賞歴に「14th NHKミニミ
ニ映像大賞」特別賞（ 2016 ）、「MEC Award 2016」入選など。
TWS-Emerging 2017: Part 2《待ち合わせ》2016 an appointment to meet, 2016421991 年東京都生まれ。2016 年日本大学大学院芸術学研究科

造形芸術専攻絵画分野修了。主な展覧会に「第 41回土日会展」（国立新美術館、東京、2016 ）、「Next Art 展」（松屋銀座、東京、2015 ）など。受賞歴に「トーキョーワンダーウォール公募 2016」
トーキョーワンダーウォール審査員賞（杉戸洋）、「日本大学生産工学部賞」作品買上（ 2016 ）、「第一回金谷美術館コンクール」優秀賞（ 2013 ）など。

43

Born in Tokyo in 1991. Graduated with an MA in Painting from
Nihon University Graduate School of Art, Fine Art and Designin 2016. Recent exhibitions: “41 th Donichikai Exhibition,”
The National Art Center, Tokyo, 2016, “Next Art Exhibition,”
Matsuya Ginza, Tokyo, 2015. Awards: “Tokyo Wonder Wall
2016,” Jury Prize (SUGITO Hiroshi), “Nihon University College ofIndustrial Technology Prize,” 2016, “The first Kanaya Art Museum
competition,” award for excellence, 2013.

TWS-Emerging 2017: Part 3

林 菜穂

林は、鑑賞者の作品鑑賞における「誤読」に着目し、和歌や俳句など、制限的な環境下で生じる作品を誤HAYASHI Nao

読する面白さや、そこから生まれる喜びを表現するため、

石井佑果

世阿弥『風姿花伝』の「秘すれば花」より名付けられた展覧会。石井にとって、絵を描く行為そのものが「謎ISHII Yuuka

めいたもの」であり、だからこそ生まれる絵画の魅力

み そ ひ と も じ

短歌を構成する三十一文字になぞらえた 31 点の作品

見ている人を見ている人を展示室に配置しました。平面作品や立体作品に加え、ファウンド・オブジェクトなどをスペース全体に展開

The person looks at the person
who looks at.

し、鑑賞者を含めた空間全体をひとつのインスタレー

を提示しました。自身の設定した意図的な画面の中に、秘すればフラワー

予期せぬ偶然や事故をあえて受け入れることで作家が持ちうる想像力を捨て、その破綻を絵画によって

If it is hidden, it is the Flower;
if it is not hidden, it is not the Flower

克服することで新しい調和を生み出すことを試みまションとして構成しました。
Hayashi focuses her attention on the “misreading” ofThe exhibition was named after Zeamiʼs “If it is hidden;

viewers when appreciating her works. For instance,
finding something of interest in the misreading of awork produced under the restrictive conventions of

it is the flower” from The Flowering Spirit. For Ishii,
the act of painting itself is an “enigmatic thing,” andtherefore she wants to show the charm of the paintings

Waka and Haiku poetry and expressing the joy that itgives rise to. She placed 31 works and objects in the
exhibition space, taking the number from the 31 syllables

born from the painting process. In the creation ofher works, Ishii discarded the conventional functionof a painterʼs creative imagination by accepting anyof a tanka poem. In addition to two-dimensional andunforeseen occurrences or accidents that occur on

three-dimensional works that develop the space, there
are found objects as well as the inclusion of the viewers
themselves in the structure of her installation.

the support contrary to her intentions, and then she
attempts to overcome the failure to bring about a new
harmony in the paintings.

PROFILEPROFILE

1992 年千葉県生まれ。東京藝術大学美術学部絵画科油画専攻

Born in Chiba in 1992. Enrolled in Oil Painting at Tokyo Universityof the Arts. Recent exhibitions: “ʻmuni muniʼ an exhibition by 3 rdYear Students of Oil Painting, Tokyo University of the Arts,” 3331
Arts Chiyoda, Tokyo, 2017, “Tokyo Wonder Wall 2016,” Tokyo
Wonder Site Shibuya. Award: “Tokyo Wonder Wall 2016 ,” Jury
Prize (MARUYAMA Naofumi).

在籍。主な展覧会に「東京藝術大学油画専攻 3年生展覧会『無二無二』」（アーツ千代田 3331、東京、2017）、「トーキョーワンダー
ウォール公募 2016 入選作品展」（トーキョーワンダーサイト渋谷）。受賞歴に「トーキョーワンダーウォール公募」トーキョー
ワンダーウォール審査員賞（丸山直文）。

TWS-Emerging 2017: Part 3

した。

44

1995 年香川県生まれ。多摩美術大学美術学部絵画学科油画専

攻在籍。主な展覧会に「ターナーアワード2017 入賞・入選作品展」（ターナーギャラリー、東京、2018 ）、「トーキョーワンダーウォー
ル公募 2016」（トーキョーワンダーサイト渋谷）、「第 3回うたづ

アートアワード2016 入賞・入選作品展覧会」（ユープラザうたづ、香川）など。受賞歴に「清須市第 9回はるひ絵画トリエンナーレ」
入選（2018）、「ターナーアワード2017 ファインアート部門」入選。

45

Born in Kagawa in 1995. Enrolled in Oil Painting at Tama Art
University. Recent exhibitions: “TURNER AWARD 2017,” TURNERGALLERY, Tokyo, 2018, “Tokyo Wonder Wall 2016,” Tokyo Wonder
Site Shibuya, “Utazu Art Award 2016,” Art center U-Plaza Utazu,
Kagawa. Awards: “THE 9TH KIYOSU CITY HARUHI PAINTINGTRIENNALE,” Selected, 2018, “TURNER AWARD 2017,” Selected.

TWS-Emerging 2017: Part 3

渋谷自在 ― 無限、あるいは自己の領域
Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory大野茉莉

大野は、自然と人工の時間スケールを考察するインスタ
レーションを発表。
《transition [systemic]》は、分裂とOHNO Mari

融合により進化する原始的な生命サイクルの軌跡をフォトグラムによってCDに転写し、人工のメカニズムへ変換。

トーキョー・エクスペリメンタル・
フェスティバル Vol.8
─ TEF サウンドインスタレーション部門《transition [characteristic]》は、塩の結晶化に伴い音響が変化するビーカーに、金属の棒が触れることで音を奏でるシステム。本作は、時間と空間を使った作曲であTOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.8― TEF Sound Installation

り、自然のメカニズムへの変換を表しています。

2013大野茉莉 OHNO Mari

Ohno presented two installations designed to consider
the time scale between the natural and the artificial. In
transition [systemic], she traces the primitive life cycle ofevolution through fission and fusion and transfers it to CDs in2017.7.29-9.17

photogram form, thus converting it to an artificial mechanism.
In transition [characteristic], she creates a system by whichsound is made by metal rods coming in contact with beakers

西原 尚 NISHIHARA Nao
潘 逸舟 HAN Ishu

whose acoustic characteristics are constantly changing
due to the crystallization process in the salt solution they
contain. These works use time and space to compose
music and show transitions of natural mechanisms.

美術の領域を拡張し、越えていく
トーキョーワンダーサイト（ TWS ）の事業に参加したアーティストを継続的に紹介するプ
ログラムとして、音楽やパフォーマンス、バイオロジーなど、領域横断的な活動を国内外で続ける 3 名が展示をしました。身分や職業、人種、国境のように、時に他者との間に境界線を引くことで、私たちは自己の存在を守っています。美術の領域を拡張し、越えていこうとする彼らの作品は、他者との境界をますます強固にしている現代社会において、その不自由さを明らかにするものでした。2005 年から既存の美術館やギャラリーの枠組みを超えたスペースとして活動してきた TWS 渋谷の最後の展覧会では、社会に対峙する私たちの在り方を三様の作品から思考しました。

Expanding and Transcending the Realms of Art
In this program dedicated to the continued presentation of the works/activities of artists
who have participated in the Tokyo Wonder Site (TWS) programs, three artists fromJapan and abroad known for their cross-disciplinary work, spanning music, performance,
biology, etc., were featured. In life we protect ourselves by creating boundaries, national
borders, by race, by profession or economic class as situations present themselves.
As todayʼs society further defines these boundaries, these three artists have shown
the debilitating restrictiveness of this phenomenon through their works, which try to
expand and transcend the artistic realm. TWS Shibuya, which has continued to present
a space that goes beyond the venue of the museum or the gallery since first opening《transition [characteristic]》2017 transition [characteristic], 2017

in 2005, presented as itʼs final exhibition of works of three artists that speak about theexperiences of dealing with society.

PROFILE

DATA

博士課程在籍。主な展覧会に「Fluid Matter, Liquid and Lifein Motion」（MU、アイントホーフェン、オランダ、2016 -2017 ）、「アートと音楽―新たな共感覚をもとめて」（東京都現代美術館、

1984 年東京都生まれ。ロンドン大学ゴールドスミス・カレッジ

会場：トーキョーワンダーサイト渋谷 協力：URANO 制作協力：株式会社けんちく工房邑
Venue: Tokyo Wonder Site Shibuya Cooperation: URANO Production Cooperation: Architecture Atelier Yu

46

2012）
など。受賞歴に「Sound and Music Embedded」（ 2015）、「第 17 回文化庁メディア芸術祭」アート部門審査委員会推薦作
品（ 2014 ）。

47

Born in Tokyo in 1984. Enrolled in a PhD at Goldsmiths, Universityof London. Recent exhibitions: “Fluid Matter, Liquid and Life in
Motion,” MU, Eindhoven, Netherlands, 2016 - 2017, “Art & Music―Search for New Synesthesia,” The Museum of Contemporary
Art, Tokyo, 2012 . Awards: “Sound and Music Embedded,” 2015 ,“17th Japan Media Arts Festival,” Jury selection, 2014.

Shibuya Jizai −Infinity, or Self-Territory

西原 尚

西原は、
《音の生活》と題された本作で、1階のスペースに古いトタンや木材を使った家を、2階にはテントを建て、

NISHIHARA Nao

音の出る作品を設置。タイマーで制御された20 種類を超える音が環境音のように重なることで、会場では二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

常に新しい音の状況が生み出されました。鑑賞者は家Tokyo-Berlin
Exchange Residency Program

を一軒ずつ訪ねながら、多様に変化する音に耳を傾けました。また、テントには木彫作品を使った影絵が投2014.12-2015.1 滞在

影され、未来への警鐘のようにサイレンが鳴り響きました。

トーキョー・エクスペリメンタル・
フェスティバル Vol.8
─ TEF サウンドインスタレーション部門
特別賞受賞

In a work titled S ou nd Li f e, Nishihara created two
sound-generating installations, one on the 1st floor
space that uses old corrugated sheets of metal andlumber, and tents on the 2nd floor. As the sound wasTOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.8― Special prize for TEF Sound Installation
2013

潘は、ロダンの彫刻《考える人》のポーズをしながら作
家自身が海を浮遊する映像作品《海で考える人》のほHAN Ishu

か、イタリアの画家フォンタナへのオマージュである
平面作品《囚われた海、降り注ぐ雨》を発表。本作では二国間交流事業プログラム〈メルボルン〉

Google Earthが映し出す海を描いたキャンバスに、フォTokyo-Melbourne
Exchange Residency Program

ンタナが用いた切り裂く行為を加えました。作品が内包する作家の身体性に焦点を当てながら、社会における2013.8-10 滞在

境界とそこで揺らぐアイデンティティを示しました。

国内クリエーター制作交流プログラム

Han created a video work titled The Thinker f loat s

Local Creator Residence Programon the sea in which he himself assumed the pose ofAuguste Rodinʼs famous sculpture The Thinker andalso created a piece Captured ocean, Pouring rain, a2012.4-2013.3 滞在

timer-controlled and made up of over 20 separatesounds, constantly changing sound filled the space,giving the impression of natural ambient sound. The

two-dimensional work inspired by Italian artist Lucio
Fontana. Painting a Google Earth image of the sea on
a canvas, the second work was made using the cutting

viewers visited each of the houses as the works onmotions of Fontana. These works embody boundaries

display and listened to the changing sounds. Shadowsfrom wood carvings were shown in the tents, and asiren went off, as if to warn of what the future may hold.

within societies and the struggle that the individual
has with them, through the artistʼs physicality that isinherent in them.

《音の生活》2017 Sound Life, 2017

左：《海で考える人》2016 left: The Thinker floats on the sea, 2016 右：《囚われた海、降り注ぐ雨》2017 right: Captured ocean, Pouring rain, 2017

PROFILEPROFILE

1976 年広島県生まれ。2011 年東京藝術大学大学院美術研究科先端芸術表現専攻修了。主な展覧会に「CYFEST 10」（ St.
Petersburg Stieglitz State Academy of Art and Design、
サンクトペテルブルク、2017 ）、「六本木クロッシング 2016 展：

僕の身体、あなたの声」（森美術館、東京）。主なパフォーマンス
に「Destination of the Stone（石の行方）」（プラハ・アルカ・シ
アター、2016 ）など。受賞歴にACCグランティ（ 2014 ）など。
Shibuya Jizai −Infinity, or Self-Territory

潘 逸舟

48

Born in Hiroshima in 1976. Graduated with an MA in Intermedia
Art from Tokyo University of the Arts in 2011. Recent exhibitions:“CYFEST 10,” St. Petersburg Stieglitz State Academy of Art and
Design, 2017, “Roppongi Crossing 2016 : My Body, Your Voice,”
Mori Art Museum, Tokyo. Recent performance: “Destination of theStone,” Archa Theatre, Praha, 2016. Award: ACC Grantee, 2014.

INTERVIEW

P.22-27

1987 年上海生まれ。2012 年東京藝術大学大学院美術研究科先端芸術表現専攻修了。主な展覧会に「The Drifting Thinker」（MoCA パビリオン、上海、2017 ）、「ESCAPE from the SEA」
（ National Visual Arts Gallery、クアラルンプール、2017 ）、「Sights and Sounds: Highlights」（ジューイッシュ・ミュージアム、ニューヨーク、2016）など。
受賞歴にACCグランティ（2014）、「在地未来」新鋭賞（ 2013 ）。

49

Born in Shanghai in 1987. Graduated with an MA in Intermedia Art
from Tokyo University of the Arts in 2012. Recent exhibitions: “The
Drifting Thinker,” MoCA Pavilion, Shanghai, 2017, “ESCAPE fromthe SEA,” National Visual Arts Gallery, Kuala Lumpur, 2017, “Sights
and Sounds: Highlights,” The Jewish Museum, New York, 2016.
Awards: ACC Grantee, 2014, “Local Futures,” New Talent Award,
2013.

Shibuya Jizai −Infinity, or Self-Territory

TWS 渋谷 クロージング・イベント

1

3

TWS Shibuya Closing Event2

オル太＋開放回路 OLTA+OPEN CIRCUIT

2017.9.17

西原 尚 NISHIHARA Nao
潘 逸舟 HAN Ishu

トーキョーワンダーサイト（ TWS ）の2 館目として2005 年に開館したTWS 渋谷は、2017 年
1：オル太＋開放回路《伝承 Pang Pang ν（ニュー）》 OLTA+OPEN CIRCUIT Transmission Pang Pang ν (nu)2：潘 逸舟《搬出》 HAN Ishu Carrying out
3：西原 尚 パフォーマンス NISHIHARA Nao Performance

9月末に運営を終了しました。最後の開館日には、「渋谷自在―無限、あるいは自己の領域」の会場を舞台に3 組が出演し、クロージング・イベントを開催。西原は、縦笛や太鼓などの楽器に加え、作品の素材であるトタンを使いパフォーマンスを披露しました。潘は、作家自身が彫刻となって梱包、搬出されるパフォーマンス《搬出》を映像作品とともに発表。オル太＋開放回路は、現代における伝承のあり方をリサーチするプロジェクト《伝承 Pang Pang ν（ニュー）》を上演し、日本と韓国の祭りや民謡、風習を取り入れたパフォーマンスを行いました。

Opened in 2005 as the second facility of Tokyo Wonder Site (TWS), TWS Shibuya

オル太

OLTA

finished operations and closed in September of 2017 . On the last day it was open to the

1983〜1988年生まれの6名からなる表現集団。
メンバーは、井上徹、
川村和秀、斉藤隆文、長谷川義朗、メグ忍者、Jang-Chi。主な展

Artist group made up of 6 persons born between 1983 to 1988.
Member: INOUE Toru, KAWAMURA Kazuhide, SAITO Takafumi,
HASEGAWA Yoshiro, MEGUNINJA, Jang-Chi. Recent exhibitions:“Hybridizing Earth Discussing Multitude,” Busan Biennale 2016,
Korea, “Visceral Sensation ̶ Voices So Far, So Near,” 21st Century
Museum of Contemporary Art Kanazawa, Ishikawa, 2013, “TOKYOSTORY 2013 PART 1 ʻNow. Hereʼ,” TWS Hongo, Award: “The 14th Taro
Okamoto Award for Contemporary Art,” Taro Okamoto Award, 2011.

public, a closing event was held in the space where the “Shibuya Jizai−Infinity, or SelfTerritory” exhibition was held, with presentations by three artists/groups. Nishihara gavea performance using a recorder and drums and the corrugated galvanized iron plate that
was a primary material in his installation. Han presented a performance titled Carrying out
in which he himself is carried out as a packaged sculpture along with a video work. The unit

覧会に「Hybridizing Earth Discussing Multitude」（釜山ビエ
ンナーレ2016、韓国）、「内臓感覚―遠クテ近イ生ノ声」（金沢 21世紀美術館、石川、2013 ）、「トーキョー・ストーリー2013 第一章『今、此処』」（トーキョーワンダーサイト本郷）など。受賞歴に「第14回岡本太郎現代芸術賞」岡本太郎賞（ 2011）など。

OLTA + OPEN CIRCUIT engaged in a research project about what role tradition is playing
in the contemporary world and did a performance titled Transmission Pang Pang ν (nu)that dealt with various Japanese and Korean festivals and folk songs and customs.

開放回路

OPEN CIRCUIT

DATA

ソウルに拠点を置くインディペンデントアートスペース及びキュ
レーティングコレクティブ。メンバーはイ・ヒョンイン、チョ・グナ、
パク・イヒョン。アートの実践やクリエイティブなアイデアのたIndependent art space based in Seoul and curating collective
group. Member: LEE Hyunin, CHO Keunha, IAN Bahc. OPEN
CIRCUIT aims to provide a platform for various artistic practiceand creative ideas. SEWOON COMPLEX BUILDING where OPEN
CIRCUIT is located is the first complex building in South Korea andit has been well known as electronics and subculture district as wellfrom 1960s. Since 2014, OPEN CIRCUIT has accompanied various
programs including exhibition, screening, performance and etc.

めのプラットフォームを目指し、1960 年代から電子機器やサブカルチャーの街として知られている韓国最初の複合施設「世運商街」

会場：トーキョーワンダーサイト渋谷
Venue: Tokyo Wonder Site Shibuya

50

西原尚、潘逸舟のプロフィールは48頁、49 頁を参照ください。
See profiles for NISHIHARA Naoand HAN Ishu on pages 48, 49.

の一角にて、2014 年から展覧会や上映会、パフォーマンスなど
さまざまなプログラムを開催している。

51

TWS Shibuya Closing EventThaw

牡丹 靖佳 BOTAN Yasuyoshi

2017.7.29-9.18

トーキョーワンダーサイト渋谷（ TWS 渋谷）の閉館を機に、2005 年の開館展「フロム・ス
クラッチ」に参加した牡丹靖佳の個展を開催しました。牡丹は人や物の間にある関係性を注意深く観察し、独自の感性とルールによって、絵画世界に再構築しています。タイトルの「Thaw」（雪解け）は、雪に覆われていたことに気が付くこと、無くなることで見えてくる新しい始まりを示唆しています。開館と閉館を飾ることになった牡丹の展示とその作品をとおして、12 年間続いた TWS 渋谷の終わりと始まりについて考察する機会となりました。

For the closing of Tokyo Wonder Site Shibuya (TWS Shibuya) a solo exhibition was held
for Botan Yasuyoshi, who had participated in its opening exhibition “From Scratch” in
2005. Botan is a close observer of the relationships between people and objects, and withhis own aesthetic sense and rules he recreates them in his art. The title “Thaw” suggeststhat when the snow that had covered things is found to have disappeared, it marks a
new beginning. Botanʼs works from the opening and closing exhibitions of TWS Shibuya
provided an opportunity to think about the 12 years between its end and beginning.

DATA
会場：トーキョーワンダーサイト アートカフェ 24/7 coffee & roaster 協力：アートコートギャラリー
Venue: Tokyo Wonder Site Art Cafe 24/7 Coffee & roaster Cooperation: ARTCOURT Gallery

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牡丹靖佳

BOTAN Yasuyoshi

1971年大阪府生まれ。東京を拠点に活動。1997年スクール・オブ・

Born in Osaka in 1971. Lives and works in Tokyo. Graduated witha BFA in Fine Arts from School of Visual Arts, New York in 1997.
Recent exhibitions: “Collection 1 Emerging Images,” Itami City
Museum of Art, Hyogo, 2017, “gone before flower,” ARTCOURT
Gallery, Osaka, 2016. Award: The Pollock-Krasner Foundation,
Grant, 2012.

ヴィジュアル・アーツ（NY ）卒業。主な展覧会に「コレクション1
イメージの庭」（伊丹市立美術館、兵庫、2017 ）、「gone before

flower」（アートコートギャラリー、大阪、2016 ）など。受賞歴に
ポロック･クラズナー財団助成（ 2012 ）など。

53

Thaw

ワンダーシード 2018
WONDER SEEDS 20182018.2.24-3.25

展示・販売を通じて若手アーティストの作品に出合う
ワンダーシードは、“BUY=SUPPORT”（作品購入による若手アーティストの支援）をコン
セプトに、作品と多くの美術愛好家が出合える場を作ることを目的として 2003 年から実施している公募プログラムです。16 回目となる 2017 年度は、16 歳から 35 歳までの作家による80 点の作品が審査員により選ばれ、TOKAS 本郷とギャラリー WALLS TOKYO のウェ
ブサイトで展示・販売されました。オンラインで作品の購入機会を設けることで、より多くの方に作品をご覧いただけるようにしました。また、応募作品のサイズを S10号以下とし、作品を購入して家に飾ることをより身近に感じてもらうことも本展のねらいのひとつです。

An Opportunity to See Displays of and Purchase Works by Young Artists
Begun in 2003 , WONDER SEEDS is an open call program based on a “BUY = SUPPORT”
concept (in other words, helping young artists sell their works is a good form of
support), and it is designed to offer for sale artistsʼ work at a venue where lots of artlovers gather. In its 16th holding in 2017, 80 works by artists ranging in age from 16 to 35
were selected by jury members and displayed at the TOKAS Hongo gallery and shownon WALLS TOKYO website for display and sale. By making the works available for sale
online, many more people were able to see the artworks. Also, by limiting the size of theworks to S 10 size (under 53 cm

53 cm), the program intended to provide works thatthe buyers could hang and enjoy more easily in their homes.

DATA
会場：トーキョーアーツアンドスペース本郷

審査員：小山登美夫（小山登美夫ギャラリー代表）、杉戸 洋（美術家、東京藝術大学准教授）、吉野誠一（コレクター）、
近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）
Venue: Tokyo Arts and Space Hongo
Jury Members: KOYAMA Tomio (Director, Tomio Koyama Gallery), SUGITO Hiroshi (Artist), YOSHINO Seiichi (Collector),
KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)

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55

WONDER SEEDS 2018

ワンダーシード 2018 関連企画ワークショップ
WONDER SEEDS 2018 Workshop

種から咲かそう！ワンダーフラワー

今村 文 IMAMURA Fumi

2018.3.10① 10:30-12:30 こども対象 For Kids
② 14:30-16:30 大人対象 For Adults「ワンダーシード2018」の関連企画として、「ワンダーシード2010、2013」に参加した今村文を講師に迎えたワークショップを開催しました。今村は、クラフト紙に水彩絵具で描いた
小さな花を切り抜き、空間に構成するなど、植物をモチーフとした作品を制作しています。
ワークショップでは、一粒の種といくつかのヒントから自由にイメージした花を制作。鉛筆で下書きし、水彩絵具で色を塗った後、はさみやカッターで切り抜き、花の名前や花言葉を添えて、それぞれの個性豊かなオリジナルの花を作りました。参加者の作品は、「ワンダーシード2018」最終日まで種と花言葉を書いたワークシートとともに展示し、会場を彩りました。

As a peripheral event of the WONDER SEEDS 2018 program, participant in the WONDERSEEDS 2010 and 2013 program, Imamura Fumi, served as the instructor for a workshop.
Imamura creates works with plant motifs arranging things like small flowers she paints
with watercolor on craft paper in cutout compositions. In the workshop, she gave theparticipants a variety of seeds as hints to guide them in creating flowers in freeform
images. After doing a preliminary drawing in pencil and coloring it in with watercolor,the participants then cut out their images with scissors or a cutter knife and, guided bya flower name or symbolic flower phrase, each one proceeded to create richly uniqueflowers. The participant's works were then displayed along with a worksheet showing
the seeds and the flower phrase until the final day of the WONDER SEEDS 2018 exhibit,
adding a bright touch to the venue.

DATA

今村 文

IMAMURA Fumi

1982年愛知県生まれ。愛知を拠点に活動。2008年金沢美術工芸大学大学院美術工芸研究科絵画専攻油画コース修了。主な展
覧会に「花と蛞蝓」（彗星倶楽部、石川、2018）、「CONTACT」（黒Born in Aichi in 1982. Lives and works in Aichi. Graduated withan MFA in Oil Painting from Kanazawa College of Art in 2008.
Recent exhibitions: “flower and slugs,” SUISEI CLUB, Ishikawa,
2018, “CONTACT,” Kurobe City Art Museum, Toyama, 2018, “Plants
Planet,” Hajimari Art Center, Fukushima, 2017, “Aichi Triennale 2016,”
Choja-machi Site [Yagihyo Nishiki 6th Building, Coffee Shop Crown],
Aichi, “Between Botany and Art,” Aichi Prefectural Museum of Art,
2015, “WONDER SEEDS 2010,2013,” Tokyo Wonder Site Shibuya.

部市美術館、富山、2018）、「Plants Planet」（はじまりの美術館、福
島、
2017）
「
、あいちトリエンナーレ2016」（長者町会場［八木兵6号館、

会場：トーキョーアーツアンドスペース本郷
Venue: Tokyo Arts and Space Hongo

喫茶クラウン］、愛知）、「芸術植物園」（愛知県美術館、2015）、「ワ
ンダーシード2010、2013」（トーキョーワンダーサイト渋谷）

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57

WONDER SEEDS 2018

WONDER SEEDS 2018 入選作家

3331 ART FAIR 2018

WONDER SEEDS 2018 Selected Artists

あおいうに AOI UNI

櫻井友見 SAKURAI Tomomi

あおきさとこ AOKI Satoko

笹久保 忠 SASAKUBO Atsushi

秋山早紀 AKIYAMA Saki

白熊いずみ SHIROKUMA Izumi

Akiyo椙山奈津子 SUGIYAMA Natsuko

麻倉 赤 ASAKURA Red

寿司みどり SUSHI Midori

芦田いずみ ASHIDA Izumi

鈴木フィオナ知子 SUZUKI Fiona Tomoko

今村 文 IMAMURA Fumi

厚芝ひろみ ATSUSHIBA Hiromi

鈴木マヤ子 SUZUKI Mayako

熊野 海 KUMANO Umi

渥美詩子 ATSUMI Utako

田岡智美 TAOKA Tomomi

水口鉄人 MIZUGUCHI Tetsuto

荒木智江 ARAKI Chie

髙橋美乃里 TAKAHASHI Minori

ジャンフランコ・フォスキーノ

粟田ちひろ AWATA Chihiro

田口友香 TAGUCHI Yuka

Gianfranco FOSCHINO

飯田翔之介 IIDA Shonosuke

田中義隆 TANAKA Yoshitaka

アヌーク・ミラディノヴィッチ
Anuk MILADINOVIĆ

石川佳奈 ISHIKAWA Kana

茅根賢二 CHINONE Kenji

伊藤みどり ITO Midori

塚田光示 TSUKADA Koji

Giovanni INNELLA

津川奈菜 TSUGAWA Nana

井上真友子 INOUE Mayuko

辻野絵美利 TSUJINO Emiri

植田陽貴 UEDA Haruki

角田圭史 TSUNODA Yoshifumi

上野あづさ UENO Azusa

坪坂 萌 TSUBOSAKA Moe

牛山由美 USHIYAMA Yumi

冨江 亮 TOMIE Ryo

江角奈美 EZUMI Nami

豊田玉之介 TOYODA Tamanosuke

大杉好弘 OSUGI Takahiro

中里 晋 NAKAZATO Shin大髙 杏 OTAKA Ann

西垣肇也樹 NISHIGAKI Hayaki

大槻拓矢 OTSUKI Takuya

長谷川七海 HASEGAWA Nanami

大森弘之 OMORI Hiroyuki

林 亮佑 HAYASHI Ryosuke

大八木祥太 OOYAGI Shota

久末 楓 HISASUE Kaede

岡田菜美 OKADA Nami

平林 梢 HIRABAYASHI Kozue

岡村よるこ OKAMURA Yoruko

深田桃子 FUKADA Momoko

2018.3.7- 3.11

アーツ千代田3331で開催された「3331 ART FAIR 2018」に出展しました。同時期にTOKAS
本郷で開催の「ワンダーシード
2018」に関連し、過去に入選した今村文、熊野海、水口鉄人の平面作品や、TOKASレジデン
シーで開催の「オープン・スタジオ2017-2018」よりジャンフランコ・フォスキーノ、アヌーク・
ミラディノヴィッチの映像作品を展示。そのほか、施設紹介パネルやカタログを展示するなど、2017 年 10 月からの新名称や若手支援活動の実績を紹介しました。

岡本 秀 OKAMOTO Shu

福田絵理 FUKUDA Eri

小山維子 OYAMA Yukiko

伏見茂樹 FUSHIMI Shigeki

葛西明子 KASAI Akiko

星 きさら HOSHI Kisara

鹿島理佳子 KASHIMA Rikako

道広明日香 MICHIHIRO Asuka

at TOKAS Hongo featuring 2-dimensional works by former selected artists Imamura

柏倉風馬 KASHIWAGURA Fuma

Makiko Minamoto

Fumi, Kumano Umi and Mizuguchi Tetsuto, and video works by Gianfranco Foschino and片江公紀 KATAE Hironori

宮崎浩太 MIYAZAKI Kota

加藤貴大 KATO Takahiro

村松佑樹 MURAMATSU Yuki

金森満理奈 KANAMORI Marina

めろっこめろこ MEROCCO MEROCO

川村 景 KAWAMURA Kei

森下 光 MORISHITA Hikaru

菊池彩加 KIKUCHI Ayaka

森田可子 MORITA Kako

北原裕理 KITAHARA Yuri

やましたあつこ YAMASHITA Atsuko

小池正典 KOIKE Masanori

山本三花 YAMAMOTO Mika

肥沼義幸 KOINUMA Yoshiyuki

遊 YOU

斉木駿介 SAIKI Shunsuke

渡辺 渚 WATANABE Nagisa

WONDER SEEDS 2018

58

TOKAS participated in the “3331 ART FAIR 2018” held at 3331 Arts Chiyoda in Tokyo.
This was linked to the “WONDER SEEDS 2018” exhibition being held at the same time

Anuk Miladinović from the “OPEN STUDIO 2017-2018” exhibit at TOKAS Residency were
exhibited. In addition, with displays of items like panels and catalogues introducing thefacilities, the organizationʼs new name since its change in October 2017, and the activities
we have conducted in support of young creators were introduced.

DATA
会場：アーツ千代田3331
Venue: 3331 Arts Chiyoda

593331 ART FAIR 2018

Creator-in-Residence Program

二国間交流事業プログラム（派遣・招聘）

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム

Exchange Residency Program

各分野で活躍するクリエーターの育成・支援や各都市と東京間の国際文化交流の促進を目的に、提携を結んだ海外のアートスペースやレジデンス機関と、国内外のクリエーターの派遣・招聘を相互に行うプログラム。クリエーターは約 1 〜 3ヶ月間の滞在期間の中で、制作やリサーチ活動を行います。2017 年度は、前年度のバーゼル、ベルリン、ロンドン、マドリー
ド、ソウル、台北の 6 都市に、ヘルシンキ、ケベック、メルボルンの 3 都市を加えた計 9 都市と提携し、11 名の日本のクリエーターを提携先機関に派遣し、9 名の海外のクリエーターを
TOKASレジデンシーに招聘しました。

国内外のクリエーターによる現地滞在型プログラム
2017年度は、「海外クリエーター招聘」「二国間交流事業」「芸術文化・国際機関推薦」「リサーチ・In order to nurture and provide support for creators working in the various genres andencourage international exchange between Tokyo and cities around the world, we conduct
our Exchange Residency Program with overseas arts spaces and residency organizations
that we have formed tie-ups with, by which we exchange creators from Japan and abroad.

レジデンス」の4プログラムを実施。公募制の「海外クリエーター招聘」と「リサーチ・レジデンス」

The creators spend residency periods of roughly one to three months creating works orへの応募者数は、前年度よりも65 名増え386 名となり、5 月〜 7 月、9 月〜 11月、1月〜 3 月のdoing research. In 2017-18 , we sent a total of 11 Japanese creators on residencies at our

3 期のレジデンス期間内に、59 組の滞在者を迎えました。また、滞在クリエーターが互いの活動を共有するランチ・ミーティングでは、レジデント以外の国内外のアーティストやアート関
係者が参加するなど、活発な交流が生まれました。さらに、「二国間交流事業」では、新たにヘルシンキ、ケベック、メルボルンを加えた9 都市に 11名の日本人クリエーターを派遣しました。

Local Residencies for Creators from Japan and Abroad
Four residency programs were conducted in the 2017-18 fiscal year, the “International

Creator Residency Program,” the “Exchange Residency Program,” the “Institutional

Recommendation Program” and the “Research Residency Program.” The total number

of applications for the open-call International Creator Residency Program and Reserch
Residency program was 386, exceeding last yearʼs total by 65 applications, and ofthem 59 individuals/groups were selected for residencies in one of the three residency
periods of May to July, Sept. to Nov. and Jan. to March. And, with other Japanese andforeign artists and arts professionals also attending the lunch meetings designed for thecreators-in-residence to share information about their work, there was active exchange
going on throughout the programs. Furthermore, for the Exchange Residency Program,the number of residency destinations for the 11 selected Japanese creators wasincreased to nine cities this time with the addition of Helsinki, Quebec and Melbourne.

affiliated organizations overseas in nine cities, which included the previous yearʼs Basel,
Berlin, London, Madrid, Seoul and Taipei, plus three additional cities of Helsinki, Quebec andMelbourne, and we received nine foreign creators for residencies at our TOKAS Residency.

サポート内容Support Contents〈派遣〉渡航費、滞在費、制作費を提供

Japanese creators sent abroad: Airfare, living expenses,
fee for creative work/project
Invited creators from abroad: Living space, shared studio
space〈招聘〉居室、シェアスタジオを提供

滞在期間〈派遣〉提携機関先により異なる〈 招聘 〉5月〜7月、9月〜 11月、1月〜3月の間の約1ヶ月〜3ヶ月間

Residency Periods
Japanese creators sent abroad : Differs by affiliatedorganization
Invited creators from abroad: Approx. 1 - to 3 - month
periods in May to July, Sept. to Nov., Jan. to Mar.

提携機関
アトリエ・モンディアル（スイス、バーゼル）、クンストラウム・

クロイツベルク/ ベタニエン、ベルリン市（ドイツ、ベルリン）、
マタデッロ・マドリード（スペイン、マドリード）、MMCAレジデンシー・コヤン（韓国、ソウル）、トレジャーヒル・アーティ

スト・ヴィレッジ、アーツ・イン・レジデンス台北（台湾、台北）、HIAP[ヘルシンキ･インターナショナル･アーティスト･プ
ログラム]、フィンランド文化財団（フィンランド、ヘルシンキ）、センター・クラーク、ケベック・アーツカウンシル
（カナダ、
ケベック）
、RMIT 大学[ロイヤルメルボルン工科大学 ]、アジアリンク（オーストラリア、メルボルン）、ロンドン芸術大学 チェルシー・カレッジ・オブ・アーツ（イギリス、
ロンドン）

61

Partner Institutions
Atelier Mondial (Basel, Switzerland,) Kunstraum Kreuzberg/
Bethanien, Berlin City (Berlin, Germany,) Matadero Madrid(Madrid, Spain,) MMCA Residency Goyang (Seoul, South
Korea,) Treasure Hill Artist Village, Arts-in-Residence
Taipei (Taipei, Taiwan,) HIAP [Helsinki International Artist
Programme], The Finish Cultural Foundation (Helsinki,
Finland,) Centre Clark, Conseil des arts et des lettres duQuébec (Quebec (Montreal,) Canada,) RMIT University[Royal Melbourne Institute of Technology University],
Asialink (Melbourne, Australia,) Chelsea College of Arts,
University of the Arts, London (London, England)

CiR: Exchange Residency Program金井 学

人間と物質の結節点に生じる「技術」や「発明」における哲学的概念を探究し、そこから芸術実践のための固KANAI Manabu

有の方法論の創出に取り組んできた金井。ケベックでは空間における幾何形態の線と面の振る舞いの潜在的

二国間交流事業プログラム〈ケベック〉

可能性に着目し、芸術実践の手法を拡張。さまざまな
メディウムの物質性を検討するための「リサーチ&ディ
ベロップメント」をとおして、新しい芸術形式を組織し、Tokyo-Quebec
Exchange Residency Program

MDF 材と塗料を用いた新作を制作、発表しました。
Kanai is involved in the study of philosophical concepts

2017.4.1-6.29 滞在

related to the technology and inventions that constitutethe connecting point between human beings and inorganic
mat ter, and from there he seek s to create his own

写真というメディアを再考する金は、「都市の記憶」をテーマに、複雑な状況に置かれたベルリンの3 つの空

KIN Mizuki

港を、それぞれ現在・過去・未来のメタファーとして捉えた写真作品を発表し、展覧会「PORTRAIT OF

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉THE CITY ― Berliner Airports」を開催。また、クンストラウム・ベタニエンをモチーフに建築内を毎日写真に収める作品を制作し、現地のオープン･スタジオ

Tokyo-Berlin
Exchange Residency Program

で過去の作品とともに公開しました。
Focusing on the theme of rethinking the photographic

2017.4.5-6.28 滞在

medium, with a special interest in the collective memory ofcities, Kin has created an exhibition titled “PORTRAIT OF
THE CITY ― Berliner Airports” consisting of photographic

methodologies for doing art. In Quebec, he has eyed thepotential possibilities in the behavior of lines and surfaces
in geometric forms to expand his creative methods.

works that explore the present, past and future of Berlin's
three airports, which have been affected by complex
circumstances in their histories. Also, with the Kunstraum

Through ʻresearch and developmentʼ into the materiality

Bethanien arts space as her sub ject, she has takenof various mediums, he attempts to systematize newforms of art, and this time he created new works using
MDF material and paint that explore these possibilities.

photographs every day in the complex to create works
that she exhibits along with past works at an open studio.

PROFILEPROFILE

1983 年東京都生まれ。東京を拠点に活動。2015 年東京藝術大

Born in Tokyo in 1983. Lives and works in Tokyo. Earned his PhDfrom Tokyo University of the Arts in 2015. Recent exhibitions:“Parataxis, Everyday Life,” Fremantle Arts Centre, Fremantle,
Australia, 2016 , “TRANSPRESENTNESS: Inventions and Time of
the Androgynous,” VCA Student Gallery, Melbourne, 2016 , “Astandard for several things,” A-things, Tokyo, 2014.

学大学院美術研究科博士後期課程美術専攻修了。主な展覧会に「Parataxis, Everyday Life」（Fremantle Arts Centre、フリーマントル、オーストラリア、2016）、「TRANSPRESENTNESS:
Inve n t i o n s an d Tim e o f t h e A n dr o g y n o u s」
（ VC A
Student Gallery、メルボルン、2016 ）、「A standard forseveral things」（ A-things、東京、2014 ）など。
CiR: Exchange Residency Program

金 瑞姫

62

1987 年東京都生まれ。ベルリンを拠点に活動。2013 年東京藝術大学大学院美術研究科修士課程修了。主な展覧会に「第 18回メディア芸術祭受賞作品展」（国立新美術館、東京、2015 ）、「ether」（ガーディアン・ガーデン、東京、2011）、「conditioned
air 調律された写真」（アキバタマビ 21、東京、2011）、「第三回写真 1_wall 展」（ガーディアン・ガーデン、東京、2010 ）など。

63

Born in Tokyo in 1987. Lives and works in Berlin. Graduatedwith an MFA from Tokyo University of the Arts in 2013. Recent
exhibitions: “ 18 th Japan Media Arts Festival Exhibition of Awardwinning Works,” The National Art Center, Tokyo, 2015, “ether,”
Guardian Garden, Tokyo, 2011, “conditioned air,” AKIBATAMABI21,
Tokyo, 2011, “ 3rd 1 _wall Photography Exhibition,” Guardian
Garden, Tokyo, 2010.

CiR: Exchange Residency Program

岩城京子

現代を「フォビア（不安恐怖症）」の時代と捉える岩城は、ベルリンの劇場における「西欧の他者」の表現を調IWAKI Kyoko

査。観劇や研究会、演劇関係者へのインタビューをとおして、
ドイツ国内の他者表象演劇は、中東諸国の難民、二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

イスラエル・パレスチナ、脱植民地化の問題が中心で、観客の9 割が白人中上流層によって占められるドイツの劇場文化が、歴史的罪悪感の払拭、国民意識の形成

Tokyo-Berlin
Exchange Residency Programを目指すものである現状を視察研究しました。
A believer that ours is an age of phobias, Iwaki conducted2017.10.1- 12.20 滞在

research on changes in how 'Others' are expressed in theWest, as seen in the Berlin theater scene. Viewing plays,attending study groups and interviewing figures in the theater

リサーチと作品制作をとおして人々が共有し得る「共通言語」を探る武田は、ベルリンで蒐集した花と家具

TAKEDA Tatsuma

をモチーフに、17 世紀の静物画を想起させる作品を制作。多様化した現在のベルリンの姿を反映させました。

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

滞在の最後には個展「Death Becomes Her」を開催
し、《Skin Deep Beauty》シリーズを発展させた作品

Tokyo-Berlin
Exchange Residency Programと、新しいシリーズ《Death Becomes Her》を発表し2018.1.5-3.30 滞在

Takeda is an artist who conducts research and creation

ました。

with the aim of investigating the types of “common
expressive language” that different peoples can share.
In his residency in Berlin he used collected flowers andworld, Iwaki studied representations of ʻOthersʼ in German
theater, where 90 % of the audiences are mid- to upper-classwhites and the works deal largely with issues of Middle Eastfurniture as motifs to paint works reminiscent of 17th
century still life paintings. His works also reflected thediversity of people in Berlin. At the end of the residency,

immigrants, the Israel-Palestine problem and emergence fromhe held a solo exhibition titled “Death Becomes Her”

colonial societies, while also examining the German theater
as a platform for alleviating anxieties and building a soundnational character among the countryʼs citizens.

that included works developing on his ongoing Skin
Deep Beaut y series and new works from his Deat h
Becomes Her series.

シュピラート演劇祭でレクチャーの様子 Conducting a lecture at Spielart Festival, Munich.

《Skin Deep Beauty》2018 Skin Deep Beauty, 2018

PROFILEPROFILE

東京都生まれ。2017 年ロンドン大学ゴールドスミス・カレッジ
博士課程修了。ニューヨーク市立大学客員研究員。主な著書に『東京演劇現在形：八人の新進作家たちとの対話』（ HubletPublishing、2011、単著）、「フクシマ以後の日本演劇：岡田利規

の
『現在地』
」
『New Theatre Quarterly』（ケンブリッジ大学出版、
2015、単著論文）など。

CiR: Exchange Residency Program

武田竜真

64

Born in Tokyo. Earned her PhD from Goldsmiths, University of
London in 2017. Visiting scholar Graduate Center of the City
University of New York. Selected publications: Tokyo Theatre
Today: Conver sat ions with Eight Emerging Theatre Artists,
Hublet Publishing, London, 2011, J a pane se T heat r e af t er
Fukushima: Okada Toshiki's Current Location, New Theatre
Quarterly, Cambridge University Press, Cambridge, 2015.

1988 年熊本県生まれ。ベルリンを拠点に活動。2017 年ドレスデン美術大学修了。主な展覧会に「Diplomausstellung」（Oktogon、ドレスデン、2017）、「PHYSIS mostra collettiva」（Ex
Convento del Ritiro、シチリア、2015 ）、「empty」（ Bambinart
Gallery、東京、2015 ）、「PHYSIS Berlin 2014」（ベルリン日独センター）など。

65

Born in Kumamoto in 1988 . Lives and works in Berlin. Graduatedfrom Dresden Academy of Fine Arts in 2017. Recent exhibitions:“Diplomausstellung,” Oktogon, Dresden, 2017, “PHYSIS mostra
colle t tiva,” Ex Convento del Ritiro, Sicily, 20 15 , “empt y,”
Bambinart Gallery, Tokyo, 2015 , “PHYSIS Berlin 2014 ,” Japanese
German Center Berlin.

CiR: Exchange Residency Program田中英行

自己の存在と空間を、太陽の光と撮影行為によって結び付ける写真作品シリーズ《Solgrafitti》の制作と、

TANAKA Eikoh

現地の歴史・土着文化の調査を行いました。
「国境」
をテーマに、スイスが接するライン川沿いのドイツと二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉の国境やフランスとの国境付近に点在する森で撮影を実施。また、キリスト教化以前の山岳信仰の痕跡が残る地域（ルツェルン／ツェルマット）でリサーチとTokyo-Basel
Exchange Residency Program

撮影を行いました。
In Basel, Tanaka has created a photographic series titled2017.5.1-7.25 滞在

Solgrafitti that seeks to connect his own existence andspaces using solar light and the act of photographing,and he has done research on the local histor y and韓国、アメリカ、日本に残る日本家屋が、時代や場所を越え、さまざまな意味合いを内包して存在してきた

KAMATA Yusuke

ことに注目し、これらの歴史を重ね合わせ、建築が表象する意味の多面性を問いかけるプロジェクトを実

二国間交流事業プログラム〈ソウル〉

施。ソウル、仁川、群山、金堤に現存する日本家屋のリサーチや撮影を行いました。制作した映像作品はMMCA コヤンでの成果発表展に出品。また、イルミ

Tokyo-Seoul
Exchange Residency Program

ン美術館のグループ展に参加しました。
Noticing how the Japanese-style homes that remain in Korea,

2017.6.1-8.29 滞在

the United States and Japan have continued to embody avariety of meanings that transcend the era and place where
they stand, Kamata undertook projects that ask questions

culture. Under the theme of ʻnational border sʼ, he
has taken photographs at Switzerlandʼs border withGermany along the Rhine, and in forests that dot theabout this diversity of meaning they have as architecture
while comparing their histories. This time, Kamata did
research and photographed Japanese homes that remainborder with France. Also, he has done research andin Seoul, Incheon, Gunsan and Gimje. He then presented thephotographing in the region of Lucerne/Zermatt on theremnants of pre-Christian era mountain worship.

video work he created with these images at the MMCA
Residency in Goyang to show the results of his residency. He
also participated in a group exhibition at Ilmin Museum of Art.

《Paramita》2017

Paramita, 2017

PROFILEPROFILE

1981年京都府生まれ。京都、東京を拠点に活動。2007 年京都

市立芸術大学大学院美術研究科修了。主な展覧会に「わたしの中のわたしたち」（奈義町現代美術館、岡山、2014）、「International
Videoart Festival Magmart VII」
（ Casoria Contemporary
Art Museum、ナポリ、2013 ）、「88 ソウルオリンピック開催
25 周年記念 力, 美はどこにあるのか？」（ソマ美術館、ソウル、2013）、「文化庁メディア芸術祭香港展 2012 “PARADE”」など。
CiR: Exchange Residency Program

鎌田友介

66

Born in Kyoto in 1981 . Lives and works in Tokyo and Kyoto.
Graduated with an MFA from Kyoto City University of Arts in2007 . Recent exhibitions: “Ourself inside Myself,” Nagi Museum
Of Contemporary Art, Okayama, 2014, “International VideoArt Festival Magmart VII,” Casoria Contemporary Art Museum,
Napoli, 2013, “Power, Where Does the Beauty Lie,” SOMA, Seoul,
2013, “Japan Media Arts Festival ʻPARADEʼ,” Hong Kong, 2012.

1984 年神奈川県生まれ。神奈川を拠点に活動。2013 年東京藝

Born in Kanagawa in 198 4. Lives and work s in Kanagawa.
Graduated with an MFA from Tokyo University of the Arts in
2013. Recent exhibitions: “Urban Ritornello: The Archives on
Community,” Ilmin Museum of Art, Seoul, 2017, “MOT Satellite
2017 Fall-Connecting Scapes,” MOT Space, Tokyo, 2017, “TheWorld Through the Window,” Spiral Garden, Tokyo, 20 17,“Kaetemiru―Time For A Change,” Aomori Contemporary Art
Centre, 2016.

術大学大学院美術研究科先端芸術表現専攻修了。主な展覧会に「«Urban Ritornello» The Archives on Community」（イ
ルミン美術館、ソウル、2017 ）、「MOT サテライト 2017 秋 むすぶ
風景」（MOT スペース、東京、2017 ）、「窓学展―窓から見える世界―」（スパイラルガーデン、東京、2017 ）、「カエテミル」（国際
芸術センター青森、2016 ）など。
INTERVIEW

P.16-21

67

CiR: Exchange Residency Programミヤギフトシ2012 年に始めた《American Boyfriend》の手法やナラティブの枠組みを用いて、ゲイでありスパイとし

MIYAGI Futoshiて活動した小説家サマセット・モームや美術史家アントニー・ブラントをリサーチ。彼らにゆかりのあるウィ

二国間交流事業プログラム〈ロンドン〉

スタブル、ケンブリッジ、グレンコー、ジュネーヴ、南仏そしてパリを訪れ、フィルムカメラで撮影を行いまTokyo-London
Exchange Residency Program

した。スパイを主人公にしたミステリアスな物語を構

2017.8.1-9.3 滞在

Using the same methods and narrative framework

築し、写真作品として発表する予定です。

applied in his American Boyf riend project begun in2012, in Britain Miyagi has done research on author
Somerset Maugham, who was gay and also served as a

身体と都市空間の関係を探究するためメルボルンを歩いた水木は、人と町が接触した痕跡であるグラフィ

MIZUKI Rui

ティやストリートパフォーマンスの調査を行いました。
「角を曲がる」「通りに入る」ことを別の領域に踏み込

二国間交流事業プログラム〈メルボルン〉

む所作、文化への接触行為と捉え、角があり、通路を持ち、内と外といった異なった領域の経験をもたらす

Tokyo-Melbourne
Exchange Residency Program

作品を制作。滞在先のプロジェクトスペースでの個

2017.8.1-10.10 滞在

To reconstruct the relationship between urban spaces

展「Cʼs」で成果を発表しました。

and the body, Mizuki has walked the city of Melbourne
to research the graffiti and street performance thatare the traces of peopleʼs contact with the city. Seeing

spy, and on art historian Anthony Blunt. For this, he has
visited places that were important in their lives, including
Whitstable, Cambridge, Glencoe, Geneva, southern

the acts of turning a corner or entering a street as theact of stepping into a new realm and encountering a
new culture, he creates works that have corners andFrance and Paris, to take images with a film camera. He

passageways and give people an experience of different

has then created a mysterious story with a spy as themain character and plans to present it as a photographic
work.

realms, such as interior and exterior. Mizuki presented
the results of his work in residence in the form of an
exhibition title “Cʼs”.

PROFILEPROFILE

1981年沖縄県生まれ。東京を拠点に活動。2015 年ニューヨー

ク市立大学シティ・カレッジ卒業（美術）。主な展覧会に「HowMany Nights」（ ギ ャラリー 小 柳、東 京、2017 ）、「AlmostThere」（ヴァルガス美術館、ケソン、フィリピン、2017 ）、「あいち
トリエンナーレ2016: 虹のキャラヴァンサライ 創造する人間の旅」（愛知芸術文化センター他）、「六本木クロッシング 2016 展：僕の身体、あなたの声」（森美術館、東京）など。
CiR: Exchange Residency Program

水木 塁

68

Born in Okinawa in 1981. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith a BA in Art from the City College of New York in 2015.
Recent exhibitions: “How Many Nights,” Gallery Koyanagi, Tokyo,
2017, “Almost There,” Vargas Museum, Quezon, Philippines, 2017,“Homo Faber : A Rainbow Caravan,” (Aichi Triennale 2016), Aichi
Arts Center, “Roppongi Crossing 2016 : My Body, Your Voice,”
Mori Art Museum, Tokyo.

1983 年京都府生まれ。京都を拠点に活動。2016 年京都市立芸術大学大学院美術研究科後期博士課程メディアアート領域博士号取得。主な展覧会に「鏡と穴―彫刻と写真の界面 vol. 3 水木塁」
（ gallery αM、東京、2017 ）、「NEO-EDEN」（蘇州金鶏湖美術館、中国、2016 ）、「PARASOPHIA：京都国際現代芸術祭 特別連携プログラム／京芸 Transmit Program #6 still moving」（元・崇仁小学校、京都、2015 ）など。

69

Born in Kyoto in 1983. Lives and works in Kyoto. Earned his PhD
in Media Arts from Kyoto City University of Arts in 2016. Recent
exhibitions: “Mirror Behind Hole: Photography into Sculpture
vol.3 Rui MIZUKI,” gallery αM, Tokyo, 2017, “NEO-EDEN,” Suzhou
Jinji Lake Art Museum, China, 2016, “PARASOPHIA / Special plan
exhibition of the 6th anniversary of the Kyoto City University ofArts Art Gallery still moving,” Former Suujin Elementary School,
Kyoto, 2015.

CiR: Exchange Residency Program臼井仁美

人類がものを作ることの原点を問う臼井は、自然享受権が認められ、森への行き来を生活の一部とする人が

USUI Hitomi

多く暮らすヘルシンキで、人々と森の関わりをリサーチしました。先史に木器時代が存在したことを想像しな

二国間交流事業プログラム〈ヘルシンキ〉

がら、森で見つけた枝や苔などの素材と手道具を用いて作品を制作し、発表後にそれらを森へ還すプロジェ
クトを実施。自然をテーマにするアーティスト達とのTokyo-Helsinki
Exchange Residency Program

交流を深め、作品を発展させる手がかりを掴みました。

2017.10.3- 12.30 滞在

異言語間や異文化間の交流、さらに非言語的、身体的Qenji Yoshida

な対話の可能性を探究するYoshidaは、エル・グレコの作品《寓話》と狂言『靭猿』という、文化背景は異な二国間交流事業プログラム〈マドリード〉るが表層は類似している2 つの作品を参照し、言葉がTokyo-Madrid
Exchange Residency Programました。異言語話者間／異人種間、異動物間という2通じない 2 人の人間と1 匹の猿の対話を映像作品にしつの異なるレベルの分からなさを同時に扱い、2 つの世界観を結ぶ新たな寓話のあり方を考えました。

2017.10.16-11.26 滞在

Usui is an artist who asks questions about the origins of the

Yoshida explores exchanges between people of different

human act of making things. In her residency in Helsinki, where
many people exercise the Finnish Everymanʼs Right to freely
access to the countryʼs forests regularly as a part of their life,

languages and cultures as well as the possibilities of nonverbal physical ʻconversationsʼ. Referencing El Grecoʼspainting Fable and the Japanese Kyogen piece Utsubozaru

she researched the peopleʼs relationship with the forests. Whileimagining a “Wood Age” of the past, she undertook a project
to create works using materials like branches and moss from

(The Monkey-skin Quiver) as two works from different
cultural backgrounds that have similarities on certain levels,
he created a video work about a conversation between two

the forests and simple tools she made. And after displaying

people and a monkey. By simultaneously using two levels ofthem, she returned the materials to the forest. Usui alsointeracted with artists working with nature and environmental
themes and searched for new ideas to develop her work.

misunderstanding, between people of different languages
and between humans and animals, he explores the possibilityof a new type of fable connecting two different worldviews.

《寓話》2016-2017 FABLES, 2016-2017

PROFILEPROFILE

1980 年東京都生まれ。東京を拠点に活動。2010 年東京藝術大

Born in Tokyo 1980. Lives and works in Tokyo. Graduated with an
MFA in Woodworking from Tokyo University of the Arts in 2010.
Recent exhibitions: “Letters from Craft Artists,” Tourindou Aoyama,
Tokyo, 2017, “Kinkakuji | Ginkakuji Tea Box Exhibition,” Ginza Mitsukoshi,
Tokyo, 2016, “The Second New Fueled Crafts International Young
Artisans Exhibition –Flame,” Chinretsukan Gallery, Tokyo Universityof the Arts, Tokyo, 2016, “EXHIBITION MATERIAL SYMPHYSIS,” theCrafts Study Centre and the Foyer Gallery, London, 2016.

学大学院美術研究科木工芸研究室修了。主な展覧会に「Letters
from Craft Artists」（桃林堂 青山店、東京、2017 ）、「金閣寺 銀閣寺 茶箱展」（銀座三越、東京、2016 ）､「若手工芸作家国際展

第 2回薪技藝」（東京藝術大学陳列館、2016 ）、「EXHIBITION
MATERIAL SYMPHYSIS」（ the Crafts Study Centre、theFoyer Gallery、ロンドン、2016 ）など。
CiR: Exchange Residency Program70

1982年大阪府生まれ。大阪を拠点に活動。2006年シティ＆ギルズ・
オブ・ロンドン・アート・スクールファインアート科ポストグラデュ
エート・ディプロマ中途退学。主な展覧会に「incomprensibleが理解できない」（ QUINTA DEL SORDO、マドリード、2016 ）、「The Arts of Translation」（BUG Rangsit、バンコク、2016 ）、「Vague Distance」（ plan.d. produzentengalerie e.v.、デュッセルドルフ、2016 ）など。

71

Born in Osaka in 1982. Lives and works in Osaka. Studied a
Post Graduate Diploma in Fine Art from City and Guilds of
London Art School in 2006. Recent exhibitions: “ 理解出来な
い is incomprehensible,” QUINTA DEL SORDO, Madrid, 2016,“The Arts of Translation,” BUG Rangsit, Bangkok, 2016, “Vague
Distance,” plan.d. produzentengalerie e.v., Dusseldorf, 2016.

CiR: Exchange Residency Program中島伽耶子コントロールできない変化を受け入れながら生活する人間の姿に興味を持つ中島は、これまで島や山中の

NAKASHIMA Kayako

集落に滞在し作品を制作してきた経験を生かし、トレジャーヒル・アーティスト・ヴィレッジの歴史、住民の二国間交流事業プログラム〈台北〉

生活、建物をリサーチ。敷地内に残る拳銃保管倉庫
や銃痕から得た着想と、コントロールできない光の要Tokyo-Taipei
Exchange Residency Program

素を繋げ、瓦解した建物に立てた壁面に小さな穴を2017.10.19- 12.29 滞在

Nakashima is interested in the ways people accept

膨大に開けたインスタレーション作品を制作しました。

uncontrollable change into their lives, and leveraging her
experiences until now of observed effects of the forces ofchange while staying in villages on islands or in the mountains

ジェローム・ブシャール

地図製作データや環境データの抽象化や描写を切り絵の手法で試みるブシャールは、日本の伝統的な型紙にJérôme BOUCHARD

ついて専門家に会い調査を行いました。また、東京湾岸の埋立地における境界線の成り立ちについて、現場

二国間交流事業プログラム〈ケベック〉

での撮影や取材を行い、データを収集。さらに色度計で、東京の黄昏時の空の色度データを採集してCIELAB
データに変換し、型紙製作に使う日本の伝統的な道具

Quebec-Tokyo
Exchange Residency Programとカッティング用の機械を用いて作品を制作しました。
As an artist who uses paper-cutting to create works
based on abstractions or depictions of cartographic

2017.5.1 -7.26 滞在

and environmental data, Bouchard met with experts on
traditional Japanese katagami paper stencils for dyeing toresearch its art. He also collected data on the changes in theand creating works, she focused this time on the history andlives of residents around the Treasure Hill Artist Village andthe architecture of the regionʼs homes. Referencing a nearby

shoreline of Tokyo Bay caused long years of landfill projects
by taking on-site photographs and doing interviews.
Furthermore, he used a colorimeter to gather data on colorsafe-storage building for handguns and the bullet holes in
the walls, she connected these to the uncontrollable elementof light and created an installation with many small holes insome walls set up in a collapsed building.

temperature of the sky over Tokyo in evening twilight andconvert it to CIELAB data to create cut-paper stencil works《Make some holes to get new wind》2017 Make some holes to get new wind, 2017

制作過程の記録 Process documentation: rest remains

PROFILEPROFILE

1990 年京都府生まれ。東京を拠点に活動。2015 年東京藝術Born in Kyoto in 1990. Lives and works in Tokyo. Graduated with
an MA in Intermedia Art from Tokyo University of the Arts in2015. Recent exhibitions: “Rokko Meets Art,” Rokko mountain,
Hyogo, 2017, “Sculpture by the sea 2017,” Perth, Australia, 2017,“Open call for art project ideas 2016,” Hiroshima city museum ofcontemporary art, “Setouchi Triennale 2016,” Kagawa, “EchigoTsumari Art Triennale 2015,” Niigata.

大学大学院美術研究科修士課程美術専攻修了。主な展覧会に「六甲ミーツ・アート芸術散歩」（六甲山、兵庫、2017 ）、「スカルプチャー・バイ・ザ・シー」（パース、オーストラリア、2017 ）、「ゲンビ

どこでも企画公募」（広島市現代美術館、2016 ）、「瀬戸内国際芸術祭」（高見島、香川、2016 ）、「越後妻有アートトリエンナーレ
大地の芸術祭」（枯木又集落、新潟、2015 ）など。
CiR: Exchange Residency Programusing traditional Japanese tools and a cutting device.

72

1977 年カナダ生まれ。リエージュとブリュッセルを拠点に活動。

2010 年ケベック大学モントリオール校（ヴィジュアル＆メディアアート）修了。主な展覧会に「Près des lignes」（ Galeries
Roger Bellemare et Christian Lambert、モントリオール、

2016 ）、「Art Toronto」（トロント、2016 ）、「Papier 16」（モント
リオール、2016 ）など。

73

Born in Canada in 1977. Lives and works in Liege and Brussels.
Graduated with an MA in Visual and Media Ar t s f rom the
Université du Québec à Montréal in 2010 . Recent exhibitions:“Près des lignes,” Galeries Roger Bellemare et Christian Lambert,
Montreal, 2016, “Art Toronto,” 2016, “Papier16,” Montreal, 2016.

CiR: Exchange Residency Programイ・スヨンシャーマニズムや占術を研究するイは、韓国における日本の統治時代に、戦争が両国にもたらした影響に

LEE Sooyoung

ついて調査。韓国の娼館にいる着物姿の幽霊を題材とするフォーラム形式のパフォーマンスを構想しまし

二国間交流事業プログラム〈ソウル〉

た。吉原の遊女たち、1920 年代に活動した詩人、戦時中の慰安婦や、昭和の愛国者あるいはアナーキスト達の霊から声を聴取するパフォーマンス・フォーラム

Seoul-Tokyo
Exchange Residency Programの台本を執筆しました。
An artist and researcher of shamanism and fortune-telling2017.5.1 -7.26 滞在

arts, Lee did a survey this time on the effects of war on
Korea and Japan during the era of Japanʼs colonizationof the Korean Peninsula. Lee conceived of a forum-

映画制作におけるリサーチ素材の再利用、繰り返しや再生とナラティブ構築の関連について研究するアディ

Gill ADDISON

ソンは、マルグリット・デュラスの『ヒロシマ・モナムール』の脚本とリサーチ素材に関するプロジェクト「シー・

二国間交流事業プログラム〈ロンドン〉

る広島を訪問してリサーチを行い、東京に戻り制作を

London-Tokyo
Exchange Residency Program

を試み、その「振付」ともいえる方法論を展開しました。

2017.7.3 -7.29 滞在

In her filmmaking, Addison is involved in the ʻnarrativization”

イズ・ザ・ワーク」に取り組みました。映画の舞台であすることでリサーチ素材の場所性、記憶、歴史の転置of her research processes and exploring the potential for
fresh narratives to emerge through repeated use. Taking
Marguerite Durasʼ screenplay for Hiroshima, My Love andtype performance that took as its subject a kimonowearing ghost that appears in a Korean brothel. She
wrote a script for a forum/performance that involved

research material, she undertook a project titled “She Is theWork.” She visited the city of Hiroshima that is the settingof the movie to do research and then returned to Tokyo

recording the voices of the ghosts of prostitutes of theto begin her creative process, in an attempt to achieve aold pleasure district of Yoshiwara, a poet active in the
1920s, the Japanese armyʼs wartime “comfort women,”and nationalists and anarchists of Japanʼs Showa Period.

transposition of the site-orientation, memory and historicalorientation of the research material, in a process thatmight be called a ʻchoreographingʼ of her working method.

《The Sprirts of the place》2017 The Sprirts of the place, 2017

《レッドアウト》2017 Red Out, 2017

PROFILEPROFILE

1967 年韓国生まれ。韓国を拠点に活動。2002 年ニューヨーク

Born in Korea in 1967. Lives and works in Korea. Graduated with
an MA in Sculpture and Installation from the City University of
New York Queens College in 2002. Recent exhibitions: “Saying,
Activists outside of Sentence,” Bongsan Art Center, Daegu,
Korea, 2016, “Voice of Arrows,” Incheon Art Platform Theater,
Korea, 2014.

市立大学クイーンズ校（彫刻、インスタレーション）修了。主な展覧会に「Saying, Activists outside of Sentence」（BongsanArt Center、大邱、韓国、2016 ）、「Voice of Arrows」（ Incheon
Art Platform Theater、仁川、韓国、2014 ）など。

CiR: Exchange Residency Program

ジル・アディソン

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リヴァプール（イギリス）生まれ。ロンドンを拠点に活動。2000

年ロンドン芸術大学（インディペンデント・フィルム）、1991年ロイヤル・カレッジ・オブ・アート（ファインアート）修了。主な展覧会に「Virtu」（ The Hunt Museum、リムリック、アイルランド、
2017 ）、「Panoptic」（ Chongquin Creative Festival, ADC
Art Square、重慶、中国、2016 ）など。

75

Born in Liverpool (UK). Lives and works in London. Graduatedwith an MA in Independent Film from University of the Arts,
London in 2000 and an MA in Fine Art from Royal College of Arts
in 1991. Recent exhibitions: “Virtu,” The Hunt Museum, Limerick,
Eire, 2017, “Panoptic,” Chongquing Creative Festival, ADC Art
Square, Chongquing, China, 2016.

CiR: Exchange Residency Programマーティン・エブナー

公共空間と私的空間の境界に関心を抱くエブナーは、
日本社会に遍在するイメージやサイン、キャラクター

Martin EBNERに注目し、ダダの精神を反映するコスチューム作品を制作。それを身にまとい、ジェスチャーのみでコミュ

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

ニケーションを図るパフォーマンスを行い、映像化しました。また大阪や京都など各地で日本のモダニズム、Berlin-Tokyo
Exchange Residency Program

前衛芸術、建築への理解を深め、その成果を自身が発2017.9.4-11.29 滞在

Interested in the intersections between public and

行する雑誌『STARSHIP』に掲載する予定です。

private spaces, Ebner took a variety of images, signs
and characters in Japanese society that have caught
his interest and has used them in creating a costume in

シモ・ケロクンプ

振付家のケロクンプは、舞台や実験的映像を制作する
ヴァンサン・ルーマニャック、漫画家の谷沢直とのコラ

Simo KELLOKUMPU

ボレーション作品《ポンポン》を制作。都内 5ヶ所で場の「動き」を読み取り、身体と漫画という異なる媒体

二国間交流事業プログラム〈ヘルシンキ〉

で表現するインスタレーションとして今後展示予定です。
大都市・東京における動き、場所、物質間の関係の探Helsinki-Tokyo
Exchange Residency Program

究は、人間、機械、動物が交わり異なる存在が生成さ

2017.9.4-11.29 滞在

The choreographer Kellokumpu has collaborated with stage

れる未来の、ポストヒューマンの視覚を暗示しています。

and theatre/visual artist Vincent Roumagnac and manga
artist Yazawa Nao to create a work titled pompom. At fivesites around Tokyo, he reads the ʻmovementʼ he finds therea Dada-like spirit. Then, wearing the costume, he hasdone a performance in which he uses only the costume
and gestures to communicate, and he has recorded thisand using the two differing expressive media of the bodyand manga, he plans to create and display an installation.
He examines the relationship between movements, spaces,on video. He has also studied the Japanese modernism,and materiality in the megalopolis of Tokyo and searches

avant-garde art and architecture he has found in Osakaand Tokyo and plans to incorporate what he has foundin his own magazine Starship.

for signs of the visual world that will exist in a post-human
era where humans, machines and animals interact andproduce a different life environment in the future.

《無題（東京）》2017 Untitled (Tokyo), 2017 (Martin EBNER with Ariane MÜLLER)PROFILE

pompom, 2017 © Vincent Roumagnac

PROFILE

1965 年レオーベン（オーストリア）生まれ。ベルリンを拠点に活動。1993 年ウィーン応用美術大学卒業（ヴィジュアルメディア）。
主な展覧会に「SHADOW PROJECTOR」（ Espace dʼArt
Contemporain 14 N 61 W、フォール＝ド＝フランス、2017 ）、「SWISS CHEESE PLANT」（ Kunstverein Göttingen、ゲッ
ティンゲン、ドイツ、2017 ）など。

CiR: Exchange Residency Program《ポンポン》2017

76

Born in Leoben (Austria) in 1965. Lives and works in Berlin.
Graduated with a BA in Visual Media from University of Applied
Arts in 1993. Recent exhibitions: “SHADOW PROJECTOR,”
Espace dʼArt Contemporain 14 N 61 W, Fort-de-France, 2017,“SWISS CHEESE PLANT,” Kunstverein Göttingen, Germany, 2017.

1972年ケミヤルヴィ（フィンランド）生まれ。ヘルシンキを拠点に

Born in Kemijärvi (Finland) in 1972. Lives and works in Helsinki.
Graduated with an MA in Choreography from Theatre Academy,
Helsinki in 2003. Recent activities: “#CHARP,” Research Pavilion,
Venice, 2017, “Seasons as Choreographers: Where Over theWorld is Astronaut Scott Kelly?,” Theatre Academy, Helsinki,2016.

活動。2003年ヘルシンキ・シアター・アカデミー修了（コレオグラフィ）。主な活動に「#CHARP」（Research Pavilion、ヴェネ
ツィア、2017）、「Seasons as Choreographers: Where Overthe World is Astronaut Scott Kelly?」（ヘルシンキ・シアター・アカデミー、2016 ）など。

77

CiR: Exchange Residency Programヒュー・デイヴィーズ

アート、産業、学問の分野を横断し、ゲームとそれにまつわる文化を探究するデイヴィーズは、日本のゲームの歴

Hugh DAVIES

史やゲーム・アーティストをリサーチ。現代の日本のゲームと古くから行われてきた昆虫採集のような遊び、そし

二国間交流事業プログラム〈メルボルン〉て仏教や神道の慣習との関連性に注目し、おみくじから着想を得たゲーム作品を発表しました。またキュレー

Melbourne-Tokyo
Exchange Residency Program

ターとして、日本とオーストラリアでそれぞれのゲーム・2017.9.4-11.29 滞在

Active in the worlds of art, industry and research, Davies
is especially interested in games and the culture that

アートを紹介する展覧会を企画し、調査を進めました。

surrounds them, and in this residency he is researching
the history of Japanese games and artists. Focusing
on the connections between todayʼs games and old

レオノール・セラーノ・
リーヴァス

は、西欧の劇場と歌舞伎の舞台の相違に注目し、花道

Leonor SERRANO RIVASなどの舞台を構成する要素をリサーチしました。また

二国間交流事業プログラム〈マドリード〉関係を、観客と舞台美術の関係に置き換えました。さ

道具帳を研究し、歌舞伎の舞台における「図と地」のらに墨流しや神酒口、江戸切子の制作を体験し、それらを用いて「図と地」の転換の表現を試みました。

Madrid-Tokyo
Exchange Residency Program

Exploring the connections between art, architecture andtheatre, Serrano Rivas searches for new forms and media.
Eyeing the differences between European theaters and
Kabuki theaters, she has researched the elements of thestage, like the hanamichi runway in a Kabuki theater. She also

2017.10.9-11.19 滞在

avocations like insect collecting and with Buddhist andShinto customs, he has created a game informed by thecustomary o-miku ji written fortunes drawn at Shinto

studied the dogucho slanted stage prop used in Kabuki andits meaning in the relationship between ʻfigure and groundʼand translated that into the relationship between the audienceshrines and Buddhist temples. Also, as a curator, he
undertook research toward an exhibition of the differingand the stage art. Also, she has made sumi nagashi marbling
prints, mikiguchi Shinto ornaments and edokiriko cut glass

game art of Japan and Australia.

to help her experiment with conversions of figure and ground.

左：《おみくじ棚ゲーム》2017 left: Omikuji Cabinet Game, 2017
右：おみくじ棚で遊ぶ人 right: Player Interaction with Omikuji Cabinet

PROFILE

御神酒口ワークショップの記録 Archive images from Omikiguchi workshop. Work in progress

PROFILEダーウィン（オーストラリア）生まれ。メルボルンを拠点に活動。

2014 年モナシュ大学より博士号取得（トランスメディア・デザイン）。主な展覧会に「Fanology」（ Studio Kura、福岡、2017 ）、「XonKon」（International Symposium of Electronic Art、
Innovation Tower、香港、2016 ）、「Mythopotamia」（Libraryat the Dock、メルボルン、2016 ）など。

CiR: Exchange Residency Program

芸術、建築、劇場における交差を探りながら、さまざ
まな形式や媒体を探究しているセラーノ・リーヴァス

78

Born in Darwin (Australia). Lives and works in Melbourne.
Earned his PhD in Transmedia Design from Monash University
in 2014 . Recent exhibitions: “Fanology,” Studio Kura, Fukuoka,
2017 , “XonKon,” International Symposium of Electronic Art,
Innovation Tower, Hong Kong, 2016 , “Mythopotamia,” Library at
the Dock, Melbourne, 2016.

1986 年マラガ（スペイン）生まれ。ロンドンを拠点に活動。2015

Born in Malaga (Spain) in 1986. Lives and works in London.
Graduated with an MFA from Goldsmiths, University of London
in 2015. Recent exhibitions: “New Contemporaries 2016 ,” ICA
and Bluecoat Gallery, London and Liverpool, 2016-17, “Recurrent
Patterns,” Sala exposiciones Santa Inés, Seville, Spain, 2016.

年ロンドン大学ゴールドスミス・カレッジ修了。主な展覧会に「New
Contemporaries 2016」（ICA and Bluecoat Gallery、ロンド
ン、リヴァプール、2016 〜 2017 ）、「Recurrent Patterns」（ Salaexposiciones Santa Inés、セビリア、スペイン、2016 ）など。

79

CiR: Exchange Residency Programリー･イーファン

彫刻とプロジェクション・マッピングを組み合わせた
インスタレーションを制作するリーは、厚紙や粘土でLI Yi-Fan

作られた造形物やパペットに動画を投影し、性や死を主題としたナラティブを創り出しています。滞在中は、二国間交流事業プログラム〈台北〉

熱海秘宝館や伊豆極楽苑をはじめ、性や宗教に関するB 級スポットをリサーチし、これらの場所で着想を得たドローイングやインスタレーションの制作を構想

Taipei-Tokyo
Exchange Residency Program

しました。
Using a combination of sculptures and pro jection
mapping, Li makes installations in which moving images

2018.1.5-3.31 滞在

are projected onto animation props made of cardboard
and clay, etc., to create a narrative on themes like lifeand death. During his residency he visited the Atami

アヌーク・
ミラディノヴィッチ

日本の現代や伝統的な文化、芸術、神話に関するリサーチを行ったミラディノヴィッチは、コラボレーターのパーヴレ・ヨヴォヴィッチと、初めてバーチャル・リア

Anuk MILADINOVIĆ

リティを用いた作品を制作しました。その作品は、狼

二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉を引き寄せ、仮想の自己に身を置きながら外側の世界や蛇、魚が象徴的に登場する環状型の風景で、鑑賞者を眺めることを促しました。

Basel-Tokyo
Exchange Residency Program

Researching on the contemporar y and traditional
Japanese culture, art and mythology, Miladinović andher collaborator Pavle Jovović created their very first
virtual reality landscape. The landscape is built withcircular layers and contains symbolic parts of the wolf,

2018.1.5-3.31 滞在

Adult Museum and the Izu Gokurakuen “death trip theme
park” to research these B-class spots themed on sex andreligion and created drawings and an installation based

the snake and the fish. Other than in a mandala, whichdraws us towards its center, the Self, in the virtual reality
landscape we look outwards, being already placed in aon the ideas he got from them.

virtual Self.

鬼怒川秘宝館から着想を得た作品 Work inspired by the losting model of Kinugawa adult museum

PROFILEPROFILE

1989 年台北生まれ。台北を拠点に活動。2016 年国立台湾芸Born in Taipei in 1989. Lives and works in Taipei. Graduated with
an MA in New Media Art from National Taiwan University of Art
in 2016. Recent exhibitions: “Next Art Tainan,” Asir Art Museum,Tainan, 2017, “Rhetoric of Shame,” Kuandu Museum of Fine
Arts, Taipei, 2017, “Ghost in the Box,” YIRI ARTS Taipei space,
Taipei, 2016, “Expanded Experimental Animation Festival III ─
Endocrine,” MOCA Taipei, 2016.

術大学修了（ニューメディア・アート）。主な展覧会に「NextArt Tainan」（甘樂阿舍美術館、台南、2017 ）、「Rhetoric of
Shame」（関渡美術館、台北、2017 ）、「Ghost in the Box」
（伊

日藝術台北空間、台北、2016 ）、「Expanded Experimental
Animation Festival III」
（台北当代芸術館、2016 ）など。

CiR: Exchange Residency Program80

1984年バーゼル生まれ。バーゼルとミュンヘンを拠点に活動。主な展覧会に「Deep Water Cultures」（ゲーテ・インスティトゥート、
モントリオール、2017 ）、「Espacio Enter」（ Tenerife Espaciode las Artes、カナリア諸 島、2017 ）、「Borderland esc」

（ City Gallery、ウジツェ、セルビア、2017 ）、「ICH NICHT ICH」
（Kunsthaus Zofingen、ツォフィンゲン、スイス、2017 ）など。

81

Born in Basel in 1984. Lives and works in Basel and Munich.
Recent exhibitions: “Deep Water Cultures,” Goethe-Institut,
Montreal, 2017, “Espacio Enter,” Tenerife Espacio de las Artes,
Canarias, 2017, “Borderland esc,” City Gallery, Uzice, Serbia,
2017, “ICH NICHT ICH,” Kunsthaus Zofingen, Switzerland, 2017.

CiR: Exchange Residency Program

海外クリエーター招聘プログラム
International Creator Residency Program

チュム・チャンヴェスナ

キュレーターとして活動するチュムは、カンボジア王立美術大学の近代絵画の教員として、戦後カンボジア

CHUM Chanveasnaの絵画教育に大きな影響を与えた日本人画家スズキ・
シゲナリについて調査・研究を行い、日本統治時代に

海外クリエーター招聘プログラム

おける美術分野での日本とカンボジアの関係をリサーチしました。滞在中は多くの美術館や画廊、大学を訪れ、International Creator
Residency Program

研究者や専門家とカンボジアにおける近代絵画の教育と発展について議論を深めました。

2017.5.1-7.26 滞在
Active as a curator, Chum has done surveys and researchon the Japanese painter Suzuki Shigenari, who in hisrole as a teacher of modern art at Cambodiaʼs Royal
University of the Fine Arts had a big influence on postwar Cambodian art education, and has done research on
the historical relationship between Japan and Cambodia
during the Japanese occupation of the country in WWII.
During her residency, Chum visited many museums,
galleries and universities and exchanged opinions withresearchers and specialists about modern painting
education and development in Cambodia.

ヴィジュアル・アート、建築、デザイン、キュレーション、アドミニストレーションなどの分野において、実績ある海外の中堅クリエーターに、新たな作品やアイデアの創造、新しいプロジェクトの展開に向けた創作活動の機会を提供する公募プログラム。クリエーターは、渡航費や滞在費を含めた経済的支援を得て約 3ヶ月間東京に滞在し、制作やリサーチ活動を行います。2017 年度は、ドイツ、カンボジア、タイ、チリといった国を拠点に活動するアー
ティスト2 名とキュレーター、アドミニストレーター、映画監督の計 5 名を TOKASレジデン
シーに招聘しました。

This open call program is designed to provide international mid-career creators witha record of achievement in the visual arts, architecture, design, curation and arts
administration the opportunity to create new works or ideas or engage in other creative
activities aimed at implementing new projects. The chosen creators are given financial
support including airfare and living expenses for a roughly three-month residency
in Tokyo to conduct artistic creation or research. In 2017 - 18 , we invited five creators
based in countries like Germany, Cambodia, Thailand and Chile for residencies at TOKAS
Residency, two of whom were artists, curator, administrator and film creator.

サポート内容Support Contents
Airfare, living expenses, fees for creative work/project,living space and shared studio space

渡航費、滞在費、制作費、居室、シェアスタジオを提供

滞在期間

Residency Periods

5 月〜 7 月、9月〜 11月、1月〜 3月の間の約 3ヶ月間

Approx. 3 - month periods in May to July, Sept. to Nov.,
Jan. to Mar.

82

PROFILE
1982 年プノンペン生まれ。プノンペンを拠点に活動。2004

年国立経営大学（カンボジア）卒業。2013 〜 2017 年 SA SABASSAC のギャラリーマネージャーを務める。主な展覧会に「Mutual Unknown」（National Gallery of Indonesia、ジャカ

ルタ、2017 ）、「Futurographies: Cambodia - USA - France」（ SA SA BASSAC、プノンペン、2016 ）など。

83

Born in Phnom Penh in 1982. Lives and works in Phnom Penh.
Graduated from National University of Management in Cambodia
in 2004. Worked as a gallery manager at SA SA BASSAC, 2013 17. Recent exhibitions: “Mutual Unknown,” National Gallery ofIndonesia, Jakarta, 2017, “Futurographies: Cambodia - USA France,” SA SA BASSAC, Phnom Penh, 2016.

CiR: International Creator Residency Programカアン・ミュジデジ

映画監督のミュジデジは、長編第 2 作となる『イグアナ東京』の舞台である東京の住居空間や建築をリサー

Kaan MÜJDECI

チしました。東京の核家族を舞台とするこの作品では、あるゲームの勝者がより広い部屋を手に入れ、敗者に

海外クリエーター招聘プログラム

は狭い部屋が与えられるというルールにより、日常生
活と家族内での力関係に決定的な変化がもたらされInternational Creator
Residency Programます。また、このゲームがもたらす空間概念を身体的プラパット・ジワランサン

ジワランサンは日本に暮らすタイ人労働者のリサーチを行う中で、長年不法滞在者として働いていた母を持Prapat JIWARANGSAN

つ、日本で生まれ育った青年について知りました。彼の母はすでにタイへ強制送還されており、裁判所はこの

海外クリエーター招聘プログラム

青年にも強制送還を命じましたが、彼は自身にとって唯一の故郷である日本に残る権利を得るために闘ってInternational Creator
Residency Program

いました。この青年にインタビューを行い、映像作品に体験するインスタレーションの構想も練りました。
2017.5.5-7.31 滞在《Destination Nowhere》と写真シリーズを制作しました。
2017.9.4-11.29 滞在

A film director, Müjdeci researched the Japanese homes
and architecture that were the setting for his second

In the process of doing research on Thai laborers living
in Japan, Jiwarangsan learned about a young man who

full-length movie titled IGUANA TOKYO. The setting
is a nuclear family in Tokyo that plays a game with therule that the winner gets to occupy the largest room

was born and raised in Japan to a Thai mother who
had long been working here as an illegal immigrant. His
mother has already been forcibly deported to Thailand

in the house and the losers get the smaller rooms. This
causes definitive changes in the familyʼs daily life andthe power status of its members. Also, an installationand the courts have ordered that the son be forcibly
deported too, but he is fighting for the right to remain in
Japan, the only home he has ever known. Jiwarangsan

concept was created that would give viewers a physicalexperience of the spatial concepts involved in thisinterviewed the son and made a video work titled
Destination Nowhere as well as a photograph series on

game.

him.

左：
『イグアナ東京』2016（ポスター） left：IGUANA TOKYO, 2016 (Film Poster)
右：ルーム2825（ガラス模型） right：Room 2825 (A model of the glass cube)

PROFILEPROFILE

1980 年イェコイ（トルコ）生まれ。ベルリンとイスタンブールを拠点に活動。2002年パムッカレ大学卒業。主な作品に『Fathers
and Sons』（ショート・ドキュメンタリー・フィルム、2012）、『Jerry』（ショート・フィクション・フィルム、2010）など。2014年『SIVAS』
にて第 71回ヴェネツィア国際映画祭審査員特別賞受賞。

CiR: International Creator Residency Program《Destination Nowhere no.1》2017 Destination Nowhere no.1, 201784

Born in Yerkoy (Turkey) in 1980. Lives and works in Berlin and
Istanbul. Graduated with a BA in Physics from Pamukkale
University in 2002. Recent activities: Fathers and Sons, short
documentary film, “Krakow Film Festival,” 2012, Jerr y, shortfiction film, 2010. Award: SIVAS, Feature Debut, 71st Venice Film
Festival, Main Competition, Special Jury Prize, 2014.

1979年バンコク生まれ。バンコクを拠点に活動。2011年ロイヤル・

カレッジ・オブ・アート修了。主な展覧会に「Asylum seeker:
the pond and the fireflies」（ The Jam Factory、バンコク、
2016 ）、「黄金町バザール 2016 アジア的生活」（神奈川）など。

85

Born in Bangkok in 1979. Lives and works in Bangkok. Graduatedwith an MA in Fine Arts from Royal College of Art, London in 2011.
Recent exhibitions: “Asylum seeker: the pond and the fireflies,”
The Jam Factory, Bangkok, 2016, “Life-World of Asia,” Koganecho
Bazaar, Kanagawa, 2016.

CiR: International Creator Residency Programパトリツィア・ダンダー

日本におけるアートとテクノロジーの関係について、
1970 年の大阪万博で掲げられた「テクノ・ユートピア

Patrizia DANDER思想」を起点にリサーチを行いました。さまざまな世
代のアーティストのスタジオ訪問やキュレーター、ラ海外クリエーター招聘プログラム

イター、研究者とのミーティングをとおして、大阪万博によって提唱された芸術とアートの融合というユー

International Creator
Residency Program

トピアが、その後の急速な経済発展や社会の変化の中ジャンフランコ・フォスキーノや孤立した風景を映した「活人画」を思い起こさせる

Gianfranco FOSCHINO

ビデオ・インスタレーション作品によって国際的な評

海外クリエーター招聘プログラム

現代の日本の風景を観察するプラットフォームとし価を得ています。滞在中は葛飾北斎の構図を学び、て新幹線から撮影したマルチチャンネルのビデオ・イ

でどのように受容／拒絶されたのかを考察しました。

International Creator
Residency Program

ンスタレーションを制作しました。

Dander conducted research on the relationship between
art and technology in Japan, focusing particularly on the2018.1.5-3.28 滞在

Working between photography, documentary film andvideo art, Foschino has been internationally recognized2018.1.5-3.27 滞在"techno-utopia" that was propagated at the Osaka Expoʼ 70. From the results of visits to the studios of artists ofvarious generations and meetings with curators, writers

by creating video installations like “tableau vivant” which
portrait ordinary situations in urban environments andisolated landscapes. During the residency he referenced

and researchers, she thought about how the utopia oftechnology and art propagated by the Osaka Expo ʼ 70
was embraced or rejected amidst the rapid economic

Hokusai's compositions and used the Shinkansen bullet
trains as a platform to observe and record the current
Japanese landscape, in order to produce a new multiple

growth and social changes that ensued.

channel video installation.

《新幹線》インスタレーション（制作中） installation (work in progress) SHINKANSEN

Expoʼ70の模型 Model of Expoʼ70 at the Expoʼ70 Pavilion (former Steel Pavilion)

PROFILEPROFILE

1978年ミュンヘン生まれ。
ミュンヘンを拠点に活動。
2002年ライン・フリードリヒ・ヴィルヘルム大学ボン卒業（心理学）。2010 〜2015 年ハウス・デア・クンスト、2015 年よりブランドホルスト美術館のキュレーターを務める。主な展覧会に「Kerstin Brätsch.

Innovation」（ブランドホルスト美術館、
ミュンヘン、2017）、「Mark
Leckey: As If」（ハウス・デア・クンスト、
ミュンヘン、2015 ）など。

CiR: International Creator Residency Program

写真、ドキュメンタリー映像、ビデオ・アートの領域を横断するフォスキーノは、都市の中の日常的な空間

86

Born in Munich in 1978. Lives and works in Munich. Graduatedwith a BA in Psychology from Rheinische Friedrich-WilhelmsUniversität Bonn in 2002. Has worked as a curator at Haus der
Kunst, 2010 - 2015 and at the Museum Brandhorst since 2015.
Recent exhibitions: “Kerstin Brätsch. Innovation,” Museum
Brandhorst, Munich, 2017, “Mark Leckey: As If,” Haus der Kunst,
Munich, 2015.

1983 年サンティアゴ 生まれ。サンティアゴ を拠 点に活 動。

2008 年 UNIACC 大 学 卒 業（ 映 画 ）。主 な 展 覧 会 に「13 th
Cuenca Biennial」（Pumapungo Museum、クエンカ、エクア
ドル、2016 ）、「9th SITE Santa Fe Biennial」（ニューメキシコ、
アメリカ、2014 ）「第 54回ヴェネツィア・ビエンナーレ」（ラテン
アメリカパビリオン、イタリア、2011）など。

87

Born in Santiago in 1983. Lives and works in Santiago. Graduatedwith a BA in Cinema from UNIACC University of Santiago in 2008.
Recent exhibitions: “ 13 th Cuenca Biennial,” Pumapungo Museum,
Cuenca, Ecuador, 2016. “9th SITE Santa Fe Biennial,” New México,USA, 2014, “54th La Biennale di Venezia,” Latin-American Pavilion,
Italy, 2011.

CiR: International Creator Residency Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム
Institutional
Recommendation Program

ミシェル・ユノー

2012 年から東北で活動をしてきたユノーは、東日本
大震災による津波で被害を受けた場所での調査、協Michel HUNEAULT

働活動を継続して行ったほか、現代における日本の都市景観と自然との関係についてリサーチしました。

芸術文化・国際機関推薦プログラム

さらに現実を表現する視覚的手法として、日本画の様式にみられる風景や日常生活の描写、技法に関するInstitutional
Recommendation Program

探究を新たに開始しました。今回の活動の成果は、写真や VR 映像を用いた作品として発表されました。

2017.9.11-12.8 滞在
Since 2012 , Huneault has continued to be active inJapanʼs northeastern Tohoku Region doing surveys
and cooperative projects in the areas struck by theGreat East Japan Earthquake and Tsunami, and at thesame time he has researched the relationship between
Japanese cityscapes and the natural environment. Also,
he has begun a study of the methods and techniques
used for depicting landscapes and daily life in traditional
Japanese ar t as a means of expressing realit y. He
presented the results of his residency this time withphotographs and video works.

大使館や芸術機関など国内外の公的機関や大学、民間の芸術文化学術団体の推薦などにより、将来的な展覧会、コンサートなどのためのリサーチ、あるいは、学術研究を目的として滞在するプログラム。クリエーターは、数週間から3ヶ月間の滞在をとおしてリサーチ活動を行うほか、TOKASレジデンシーに滞在する作家と活発に交流します。2017 年度は、世界10 カ国から、国際的に活動するアーティスト、キュレーター、建築家、デザイナー、ライターなど計 13 名が TOKASレジデンシーに滞在し、活動を行いました。

This program solicits recommendations from domestic and foreign public institutions suchas embassies, arts agencies, public and private universities and private-sector institutions
like arts and culture organizations for residency proposals for the purpose of research
for future exhibitions or concerts and the like, or academic research. The recommended
creators spend residencies of between several weeks and three months doing research
and meeting and interacting with the other artists/creators in residence at TOKAS
Residency. In 2017 , 13 artists, curators, architects, designers and writers, etc., from ten
左：《東名駅 01》2015 left: Tona Station 01, 2015
右：《ビデオ俳句》（部分 01）2017 right: Video haikus - details 01, 2017

countries did residencies at TOKAS Residency under this program.
PROFILE
サポート内容Support Contents
Living space provided

居室を提供

Residency Periods

滞在期間

Approx. 1 - to 3 - month periods in May to July, Sept. toNov., Jan. to Mar.

5月〜 7月、9月〜 11月、1月〜 3月の間の約 1ヶ月〜 3ヶ月間

88

1976 年ルパンティニー（カナダ）生まれ。モントリオールを拠点に活動。2004 年カリフォルニア大学バークレー校ラテンア
メリカ研究修了（ロータリー平和フェロー奨学生）。主な展覧会に「Intersection」（ Circuit Gallery、トロント、2017 ）、「Post

Tohoku」（ Rencontre photographique du Kamouraska、
カムラスカ、カナダ、2017 ）など。

89

Born in Repentigny (C anada) in 1976. Live s and work s inMontreal. Graduated with an MA in Latin American Studies,
as a Rotary World Peace Fellow, from University of California
at Berkeley in 2004. Recent exhibitions: “Intersection,” Circuit
Gallery, Toronto, 2017, “Post Tohoku,” Rencontre photographiquedu Kamouraska, Canada, 2017.

CiR: Institutional Recommendation Programヴィンセント・ブロー

これまで 2 冊の小説や数編の短編作品、アートに関す

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

るエッセイを出版しているブローは、生と死、現実と超Vincent BRAULT

自然、ユーモアとホラー、あるいは伝統と前衛といった2つの世界の境界を探究しています。日本滞在中は、芸術文化・国際機関推薦プログラム

生と死の境界に存在する日本の妖怪にまつわる話や体験談を、出会った多くの人々に取材し、また京都やInstitutional
Recommendation Program

高野山を訪問して、文化と妖怪の話が生み出された土地のリサーチを行い、次作の構想を練りました。

ヴィクター・ワン

キュレーターのワンは、ハイレッド・センターやゼロ次元など、1960 〜 70 年代の前衛芸術活動をとおして、Victor WANG

日本のパフォーマンス・アートを調査。多くの関係機関、
大学、画廊の調査・研究を行い、東アジア全体のパフ

2017.5.1-5.31 滞在ォーマンス・アートの歴史を考察しました。

2018.1.5-3.31滞在

As a curator, Wang has studied Japanese performance

As a writer who has published two novels, editions ofshort stories and essays about art, Brault has consistently

art through the activities of artist groups like Hi-Red
Center and Zero Jigen of the 1960 s and ʼ 70 s. He hasdone surveys and research at many related institutions

explored the boundaries between two worlds, such as
life and death, reality and the surreal, humor and horror.
During his residency in Japan, he interviewed manyand galleries from the perspective of the history of
performance arts in East Asia as a whole.

people concerning Japanese stories about yokai (ghosts
and monsters) that exist on the border between lifeand death and their related experiences. He also visited

PROFILE

Kyoto and the temple of Mt. Koya to research the places
where the culture and yokai stories originated in order to1983 年カナダ生まれ。上海、ロンドンを拠点に活動。2014 年ロ
イヤル・カレッジ・オブ・アート修了（コンテンポラリー・アート・gather material for his next novel.

キュレーティング）。主な展覧会に「Jac Leirner: Borders Are
Drawn By Hand」（上海当代芸術館、2016 ）など。

Born in C anada in 198 3. Lives and work s in Shanghai and
London. Graduated with an MA in Curating Contemporary
Art from the Royal College of Art, London in 2014. Recent
exhibition: “Jac Leirner: Borders Are Drawn By Hand,” Museumof Contemporary Art, Shanghai, 2016.

カリ・コンテアーティスト・イン・レジデンス機関ISCP のディレク
ターのコンテは、自身のキュレーターとしての活動につKari CONTE

いて、レクチャーを実施。また、滞在中のレジデントや日本のアーティストとの面談や、レジデンス機関の視2017.5.25-5.29 滞在

察を行いました。
The artistic director of the artist-in-residence institution
ISCP, Conte, gave a lecture about her activities as a
curator. During her residency she also had discussions
with the other residents and Japanese artists and toured
residence facilities.

PROFILE
アメリカ生まれ。
アメリカを拠点に活動。2009年ロイヤル・カレッジ・《From ghost to ghost》2018 From ghost to ghost, 2018

オブ・アート修了（コンテンポラリー・アート・キュレーティング）、
2014 年クレアモント大学院大学 Getty Leadership Institute修了。

PROFILE
1978 年モントリオール生まれ。モントリオールを拠 点に活動。2011 年ケベック大学モントリオール校卒業。主な著書に『La chair de Clémentine』（ Éditions Héliotrope、2017 ）、『Cape Town』（Revue Les écrits、2017 ）、『Le cadavre de
Kowalski』（ Éditions Héliotrope、2015 ）など。

CiR: Institutional Recommendation Program

90

Born in Montreal in 1978. Lives and works in Montreal. Graduatedf rom Uni ver sité du Québ e c à Mon tré al in 2 0 1 1. S ele c te dpublications: La chai r d e C lément i ne, Éditions Héliotrope,
Montreal, 2017, Cape Town, Revue Les écrits, Montreal, 2017, Le
cadavre de Kowalski, Éditions Héliotrope, Montreal, 2015.

Born in USA. Lives and works in USA. Graduated with an MA
in Curating Contemporar y Ar t from the Royal College ofArt, London in 2009 and from Getty Leadership Institute at
Claremont Graduate University in 2014.

91

CiR: Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

クゥワイ・サムナン

ヘザー・B・スワン

クゥワイは近年、カンボジアにおける植民地主義やグ
ローバル化による人道的、環境的影響について、自身のKHVAY Samnang
2017.7.15-7.26 滞在

身体を用いたパフォーマンス映像を発表。東京滞在中は、「ドクメンタ14」で発表した最新作を含め、作品制作のアプローチや手法についてレクチャーを行いました。

スワンは、彫刻をパフォーマンス・ツールとし、ダンサーとのコラボレーションを展開。近年は作曲家や音楽家

Heather B. SWANN

とも協働し、滞在中は、2018 年 10月に東京で開催するパフォーマンスを中心とした展覧会の構想を発展させ2017.9.1-9.28 滞在

ました。

Khvay is known for his video works of his performances

Using sculpture as a performance tool, Swann madeusing his own physicality to address issues in Cambodia
concerning with humanitarian and ecological impacts ofcolonialism and globalization. During his Tokyo residency

collaborative work with a dancer. In recent years she
has also collaborated with composers and musicians
and during the residency she developed her plans forperiod he gave a lecture about his creative approachand methods for his latest works, including the work hea performance centred exhibition to be presented inTokyo in October 2018.

showed at “documenta 14.”

PROFILEPROFILE

ホバート（オーストラリア）生まれ。キャンベラを拠点に活動。

1982 年カンボジア生まれ。2006 年Royal University of Fine
Arts 卒業。主な展覧会に「ドクメンタ14」（アテネ、カッセル、

2003 年タスマニア大学修了（ファインアート）。主な展覧会に「Lullaby Suite」（ Spring 1883、シドニー、2017 ）、「Nervous」（オーストラリア国立美術館、キャンベラ、2016 ）など。

2017 ）、「Enjoy My Sand」（ Tomio Koyama Gallery、東京、2015 ）など。

Born in Hobar t (Australia). Live s and work s in C anberra.
Graduated with an MA in Fine Art at the University of Tasmania

Born in Cambodia in 1982 . Graduated from Royal University ofFine Arts in 2006 . Recent exhibitions: “documenta 14 ,” Athens,
Kassel, 2017, “Enjoy My Sand,” Tomio Koyama Gallery, Tokyo, 2015.

バーバック・
ハシェミ＝ネジャド

前回の東京訪問で、500 年以上続くものづくりの伝統が残る墨田について知ったハシェミ＝ネジャドは、墨田区役所の支援のもと、伝統的な職人技術と工業生産、Bahbak HASHEMI-NEZHAD

デザインを融合させた地域生産の新たな協働モデルを提案する腕時計シリーズの開発を進めました。

2017.9.1-9.13 滞在

in 2003. Recent exhibitions: “Lullaby Suite,” Spring 1883, Sydney,
2017, “Nervous,” National Gallery of Australia, Canberra, 2016.

《ユア･ナーバス･システム》2017 Your Nervous System, 2017

リス・ビヤルバ

アトリエ・ワンによる『メイド・イン・トーキョー』（ 2001
年刊行）に掲載された建築物のその後を調査するため

Lys VILLALBA

2 年前にも来日したビヤルバ。今回は、これらの建物の建築的な展開と、2001年以降の東京における社会的、

2017.9.1-9.30 滞在

技術的、経済的な変化との相関を調査しました。

On a previous visit to Tokyo, Hashemi-Nezhad stumbled

Villalba also visited Tokyo two years earlier to do aupon Sumida city and itʼs rich heritage of making datingback over 500 years. Since then, Hashemi-Nezhad withthe support of Sumida City Office has been developing

follow-up survey on buildings introduced in Atelier BowWowʼs book Made in Tokyo (published in 2001 ). This
time she did a survey of the architectural developments

a series of wristwatches that propose new collaborativemodels of local manufacturing that combine traditional
craft skills, industrial production and design.

of these buildings and the relationship with the social,technical and economical changes in Tokyo since 2001.

PROFILEPROFILE

1981年マドリード生まれ。マドリードを拠点に活動。2008 年マ

1979年イギリス生まれ。ロンドンを拠点に活動。2008 年ロイヤ

ドリード工科大学建築高等技術学校卒業。主なプロジェクトに「Delirious New York: 40th Year Update」（コロンビア大学
建築学科大学院、ニューヨーク、2017 ）など。

ル・カレッジ・オブ・アート修了（プロダクト・デザイン）。主なプロ
ジェクトに「Changing Play」（サーペンタイン・ギャラリー、ロン
ドン、2017 ）など。

Born in Madrid in 1981. Lives and works in Madrid. Graduated from

Born in UK in 1979. Lives and works in London. Graduated with an

Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid in 2008 .
Recent project: “Delirious New York: 40th Year Update,” research,developed as a Visiting Scholar, Columbia GSAPP, NY, 2017.

MA in Design Products from Royal College of Art in 2008. Recent
project: “Changing Play,” Serpentine Galleries, London 2017.
《メイド・イン・トーキョー：15 年後》2017
Made in Tokyo: 15th Year Update, 2017

Photo: ITAMI Go

CiR: Institutional Recommendation Program92

93

CiR: Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

アブデルカデール・ベンチャマ

モハメド・アラム

洞窟壁画や天体物理学における空間や現象表象に関心を抱くベンチャマは、墨と筆で場そのものを転換させ

Abdelkader BENCHAMMA

るドローイング作品を制作。日本では鈴木ヒラクと協働し、オープン・スタジオでの「Drawing Tube」や、ア2017.10.22-11.16 滞在

ニエス・ベー銀座店での壁画プロジェクトを実施しました。

日常的な環境におけるジャンルや様式の越境を、映像
メディアを用いて表現するアラムは、2015 年のレジデ

Mohamed ALLAM

ンス滞在時に取り組んだプロジェクトの延長として、日本人ダンサー等が出演する、2 つの場面から構成され2018.2.20-3.16 滞在

た新たな映像作品を撮影しました。

Benchammaʼs interests lie in the spaces and phenomena

Allam is a creator who uses an interdisciplinary mix ofin cave wall paintings and astrophysics and he createsdrawings with sumi ink and brushes that transform
places themselves. In a collaboration with Suzuki Hiraku,

genres and styles to explore behavior in situations in
the everyday environment, and he uses video/film in
his creative process. As an extension of the project hehe executed a drawing titled “Drawing Tube” at the
TOKAS Open Studio and did a mural project at agnès b.

undertook in his 2015 residency, he created a video workby filming Japanese dancers and other artists reacting in

Ginza.

two different scene situations.

PROFILEPROFILEマザメ（フランス）生まれ。パリを拠点に活動。2003 年国立高等美術学校卒業。主な展覧会に「Tamawuj」（シャルジャ・ビエ
ンナーレ13、アラブ首長国連邦、2017 ）、「The Great Invisible

アグア・チョウ

Battle」（Blueproject Foundation、バルセロナ、2016 ）など。
Born in Mazamet (France). Lives and works in Paris. Graduatedfrom École nationale supérieur des Beaux Arts de Paris in 2003 .

Born in Egypt in 1984. Lives and works in Cairo. Graduated witha BA in Art Education from Helwan university in 2008. Recent

Recent exhibitions: “Tamawuj,” Sharjah Biennal 13, UAE, 2017, “TheGreat Invisible Battle,” Blueproject Foundation, Barcelona, 2016.

activities: “ZAWYA SHORT FILM FESTIVAL II,” Cairo, 2017, “Thecontents of the grocery bag,” CIC, Cairo, 2016.

環境デザインやプロダクトデザイン、またそれらをとおした教育活動を行うアグアは、公共空間の看板やサAgua CHOU

インを調査。また墨田区と台湾デザインセンターによる「ものづくりコラボレーション」に携わり、区内の革2018.1.5-1.31滞在

1984 年エジプト生まれ。カイロを拠点に活動。2008 年へル

ワン大学芸術教育学部卒業。主な活動に「ZAWYA SHORTFILM FESTIVAL II」（カイロ、2017 ）、「The contents of thegrocery bag」
（ CIC、カイロ、2016 ）など。

メーカーと協働でカードケースをデザインしました。

マルク・カエラス

演劇ディレクター、執筆家、文学と演劇と現代アートを融合するプロジェクトのキュレーターであるカエラスは、Marc CAELLAS

街中を舞台とする演劇を実践しています。日本滞在中、谷口ジローの『歩くひと』に着想を得たウォーキング・2018.3.1-3.31滞在

プロジェクトを構想しました。

Chou is involved in environment and product design

Caellas is a theater director, writer and a curator ofand related educational activities. In this residency she
researched billboards and signs in public spaces. Also,in the “Monozukuri Collaboration” program of Sumida

cultural proposals that bring together literature, stage
and contemporary art. He is particularly interested increating site-specific theater plays set in the streets

city, Tokyo and the Taiwan Design Center, she designed
a card case with a local leather maker.

of cities. For his residency in Tokyo, his idea was toconduct a walking project informed by Taniguchi Jiroʼs
The Walking Man.

PROFILEPROFILE

1970 年台北生まれ。台北を拠点に活動。1993 年國立中央大學卒業。
主なプロジェクトに「Wanhua 1709 Project」（万華区、台湾、

1974 年バルセロナ生まれ。バルセロナを拠点に活動。主な活動に「Robert Walserʼs walk」（ Museo Universitario delChopo、メキシコシティ、2018）、「Juego de Cartas」（ CCEMX、
メキシコシティ、2018 ）、「Drogotá」（コロンビア、2017 ）など。

2017 ）、「Action for Education Project」（宜蘭、台湾、2017 ）、「Parent-child Market Project」（台北、2015-2017 ）など。
Born in Taipei in 1970. Lives and works in Taipei. Graduated from
Département de Français, National Central University in 1993.

Born in Barcelona in 1974. Lives and works in Barcelona. Recent

Recent projects: “Wanhua 1709 Project,” Wanhua, Taiwan, 2017,“Action for Education Project,” Yilan, Taiwan, 2017, “Parent-childMarket Project,” Taipei, 2015-2017.

CiR: Institutional Recommendation Program

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activities: “Robert Walserʼs walk,” Museo Universitario delChopo, Mexico City, 2018, “Juego de Cartas,” CCEMX, Mexico
City, 2018, “Drogotá,” Colombia, 2017.

95

CiR: Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム ｜ Institutional Recommendation Program

ブレンダ・ロサノ

ロサノは、1900 年に来日したメキシコの詩人ホセ・

リサーチ・レジデンス・プログラム
Research Residency Program

ファン・タブラーダの詩に基づいた小説の執筆のため、

Brenda LOZANO

タブラーダの足跡をリサーチ。この物語では、現在を生きる主人公の女性と、タブラーダとその研究を行っ2018.3.1-3.31滞在

た主人公の母親の過去が重ねられています。
In her residency, Lozano did research for a novel she iswriting about a poem by early 20 th century Mexican poet
Juan José Tablada about his travels in Japan in 1900. In
Tokyo, she did the research while visiting places mentioned
in Tabladaʼs work. The story is about a woman living in thepresent who is tracing the footsteps of Tablada and thoseof her own mother, who did research on the poet.

PROFILE
1981年メキシコシティ生まれ。メキシコシティを拠点に活動。
2015年ニューヨーク大学卒業。主な著書に『Cuaderno ideal』（ Alfaguara、2014）など。受賞歴にAMONG THE BEST LATIN
AMERICAN WRITERS UNDER 39（BOGOTA 39、2017）など。

Born in Mexico City in 1981. Lives and works in Mexico City.
Graduated from New York University in 2015 . Selected publication:
Cuaderno ideal, Alfaguara, 2014. Award： AMONG THE BESTLATIN AMERICAN WRITERS UNDER 39 (BOGOTA 39, 2017).

東京を舞台とした文化芸術の研究、新しい創作に向けたリサーチを行う国内外のアーティス
ト、キュレーター、アドミニストレーター、建築家、デザイナー、作曲家、ライターなど、さまざまなジャンルのクリエーターを対象とした公募プログラム。クリエーターは、（ 1 ）5 月〜 7
月、（ 2 ）9 月〜 11 月、（ 3 ）1 月〜 3 月の各期間に 5 〜 6 組が約 1 〜 2ヶ月間滞在し、リサーチ活動を行います。2017 年度は、16 組 21 名を TOKASレジデンシーに招聘し、関係者へのインタビューや現地調査のほか、自身のネットワークを用いて大使館や芸術機関、民間芸術団体
で発表を行うなど、幅広く活動しました。

This is an open call program for creators from Japan and abroad in the various genres,
including artists, curators, arts administrators, architects, designers, composers, writers,
etc., to conduct research on arts and culture in the Tokyo area or do research for thecreation of new works. Five or six creators/groups are selected to pursue their researchin roughly one- to two-month residencies in one of the three periods of May - July, Sept.
- Nov. or Jan. - Mar. In 2017 - 18, 16 groups totaling 21 creators were invited for residencies
at TOKAS Residency, where they conducted research through interviews and on-site
surveys, as well as utilizing their own networks to give presentations at embassies, arts
agencies and private-sector arts organizations.

サポート内容Support Contents
Living space provided

居室を提供

Residency Periods

滞在期間

Approx. 6 - week periods in May to July, Sept. to Nov., Jan.
to Mar.

5 月〜 7 月、9月〜 11月、1月〜 3月の間の約6 週間

CiR: Institutional Recommendation Program96

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リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

ハカン・トパル

メタシトゥ

トパルは、東日本大震災後の日本で、震災と復興に向き合い続けるアーティストや支援団体関係者と会い、

Hakan TOPAL調査を実施。自然災害がもたらす環境的、社会的影響を、生態学や都市計画、文化生活などの視点から調査・2017.5.1-5.29 滞在

研究し、トルコやアメリカの状況と比較しました。

メタシトゥは、「エキュムペノポリス」の概念が体現される都市として、「拡張する家庭生活」と題するリサーチ・（エドゥアルド・カッシーナ＆リヴァ・デュダレヴァ）

プロジェクトを実施。食事や睡眠などの行為や習慣を家の外でも可能にしているオブジェクトを街中で探索し、METASITU

YouTube 動画の脚本として発表しました。

(Eduardo CASSINA & Liva DUDAREVA)METASITU conducted a research project titled “Expanded

Topal surveyed artists whose work deal with natural
disasters and recovery af ter the Great East Japan
Earthquake and Tsunami. He specifically researchedenvironmental and social impac ts of c atastrophe

Domesticity” that is based on the concept of Ecumpenopolis,
which understands the whole world as one continuous
urban fabric. Searching for objects that enable the daily

2017.6.7-7.27 滞在

regarding ecology, urbanism and cultural life while
comparing them to situations in Turkey and the USA.

acts and habits of life such as eating and sleeping to be
conducted outside the home, they presented them as
scripts for YouTube tutorials.

PROFILEPROFILE1972 年トルコ生まれ。ニューヨークを拠 点に活動。2012 年

エドゥアルド・カッシーナ：1986 年スペイン生まれ。2012 年ロ

ニュースクール大学にて博士号取得（社会学）。主な展覧会に「Untitled(Ocean)」（International Center of Photography
Museum、ニューヨーク、2017 ）など。

ンドン大学ゴールドスミス・カレッジ卒業。リヴァ・デュダレヴァ：
1984 年ラトヴィア生まれ。2009 年エジンバラ・カレッジ・オブ・
アート卒業。ともにギリシャとウクライナを拠点に活動。

Born in Turkey in 1972. Lives and works in New York. Earned his
PhD in Sociology from New School of Social Research in 2012.

Eduardo CASSINA: Born in Spain in 1986. Graduated fromGoldsmiths in 2012. Liva DUDAREVA: Born in Latvia in 1984.

Recent exhibition: “Untitled(Ocean),” International Center of
Photography Museum, New York, 2017.

Graduated from Edinburgh College of Art in 2009. Live andwork in Greece and Ukraine.

広瀬菜々 ＆ 永谷一馬

広瀬と永谷は、日々の暮らしから得られる素材を用いて、自宅アパートの縮小模型を毎日1点制作する「365の家」

HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma

を東京でも展開。また、滞在中にアキバタマビ 21の展
覧会に参加し、日用品や食品を、特殊な成分配合を施

2017.5.16-6.15 滞在した磁土で鋳造した彫刻を展示しました。

ダニエル・シュワルツ

保険のリスク関連証券「カタストロフィ・ボンド」から着想を得て、スイス、日本、トルコが舞台のマルチメディ

Daniel SCHWARTZ

ア作品「キャット・ボンド」を構想。金融、生態学、感情におけるテーマをつなぐネットワークを創り出し、リス2017.6.28-7.31 滞在

クに対処する個人や社会を描きました。

Hirose and Nagatani use materials from daily life in their work

Taking inspiration from the insurance industry's ʻcatastropheand create a small-scale model of their apartment each day ina project titled “365 Appartments,” which they conducted inTokyo as well. In residency they also participated in the AKiBA

bondsʼ, Schwartz conceived of a multimedia work titled
Cat Bonds staged in Switzerland, Japan, and Turkey.
Using a fictional network to connect financial, ecological,

TAMABi 21 exhibition, showing sculptures cast from everyday
items and foods with specially formulated porcelain clay.

and emotional themes, Cat Bonds tells a story about
how individuals and societies strive to manage risk.

PROFILE
広瀬菜々：1980年大阪府生まれ。永谷一馬：1982年兵庫県生まれ。
デュッセルドルフを拠点に活動。2014年ブレーメン芸術大学美術学

PROFILE

部マイスターシューラー修了。主な展覧会に「Still Life」（JohannFriedrich-Danneil-Museum、ザルツヴェーデル、2017 ）など。

1987 年ケニア生まれ。チューリッヒを拠点に活動。2010 年ペン
シルベニア大学卒業。主な展覧会に「Radically Simple」（ピナ

HIROSE Nana: Born in Osaka in 1980. NAGATANI Kazuma:
Born in Hyogo in 1982. Live and work in Dusseldorf. Graduated

コテーク・デア・モデルネ、ミュンヘン、2016 ）など。

with a BA from University of the Arts Bremen in 2014. Recent
exhibition: “Still Life,” Johann-Friedrich-Danneil-Museum,Salzwedel, Germany, 2017.

Born in Kenya in 1987. Lives and works in Zurich. Graduated from
University of Pennsylvania in 2010. Recent exhibition: “Radically
Simple,” Pinakothek der Moderne, Munich, 2016.

《365の家》2017 365 Apartments, 2017

CiR: Research Residency Program98

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CiR: Research Residency Programリサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

ホ・テウォンバルバラ・クエト

HEO Taewon
2017.7.3-7.31 滞在

アートとコミュニティの関係を探究するホは、「NPO 法人 向島学会」をリサーチしました。江戸時代に造園され、学び、遊び、創造の場であった向島百花園。その継承されたコミュニティとしての向島学会に、自身の庭
園プロジェクトとの類似性を見出しました。

Barbara CUETO
2017.9.1-10.1 滞在

滞在中に実施した「不確かな未来のアトラス」は、現在の危機感を覆すことを目的に世界各地の芸術活動を調査する研究プロジェクト。これらの手段によって、現代アートのもつ解放のための潜在力と社会的生産の新たな方法を可能にする包括力を探求しています。

He o f o c us e s on the relation ship b e t we en ar t and“Atlas for uncertain Futures” by Cueto is a researchcommunities, and in this residency he did research on
the Association of Mukojima Studies. In the process, hediscovered points in common between his own garden

project that investigates artistic practices around theworld aimed at overturning the current feeling of crisis.
By these means, she explores the emancipatory potential

projects and the efforts of the Association of Mukojima
Studies to preserve the spirit of the Mukojima-Hyakkaen

contemporary art, and its capacity of enabling new waysof social production.

Gardens, which were created in the early 19th century inJapanʼs Edo Period as a place for learning, enjoyment and

PROFILE

creativity.

オビエド（スペイン）
出身。ベルリンを拠点に活動。2015年De Appel
美術館キュレーション・プログラム参加。2013年マーストリヒト大学

PROFILE
1976年釜山（韓国）生まれ。ソウルを拠点に活動。2006年シカゴ美術館附属美術大学修了（ペインティング、
ドローイング）。主な展
覧会に「May I plant flowers here?」（Seoul City Hall、2017）など。

修了（アートマネージメント）。主な展覧会に「The Dutch Savannah」（Museum De Domijnen、シッタルト、オランダ、2018 ）。
Born in Oviedo (Spain). Lives and works in Berlin. Student ofBorn in Busan (Kore a) in 1976 . Live s and work s in Seoul.
Graduated with a MFA in Painting and Drawing from School of

the Curatorial Programme of De Appel in Amsterdam in 2015
and graduated with an MA in Arts Management from Maastricht

the Art Institute of Chicago in 2006 . Recent exhibition: “May I
plant flowers here?,” Seoul, 2017.

University in 2013. Recent Exhibition: “The Dutch Savannah,”Museum De Domijnen, Sittard, The Netherlands, 2018.

《向島百花園》2017 Mukojima Hyakkaen, 2017

マリエット・オヴレMariette AUVRAY
2017.7.4-7.31 滞在

オヴレは、自身と同じ世代の母親、DJ、映画監督、芸者といった女性たちに会い、日本社会における女性の立場、性別による苦労などについて取材。さらに、1980 年代の日本の地方の春祭りに参加する女性とこどもの動きを写した映像作品を編集し、作品を制作しました。

セイット・バタル・クルト
Seyit Battal KURT
2017.9.1-10.16 滞在

クルトは日本におけるクルド人コミュニティのリサーチを実施。難民として生活する多くのクルド人が従事する建設・解体業の現場を映像や写真で記録し、家屋の残骸や廃棄物といった素材を収集しました。リサーチの成果は、2018 年に東京での展覧会で発表予定です。

In this residency, Auvray met with Japanese women of

During his residency period, The Dutch Kurdish artist Kurt

her own generation in various walks of life, from mothers
to a DJ, a film director and a geisha, to explore theposition of women in Japanese society, and the specificworked on his ongoing research about the Kurdish community
in Japan. He made video and photographic documentationof the construction and demolition sites where many of the

difficulties they encounter in relation to gender andsocial norms.

Kurds living in Japan as asylum seekers work, and he gathereddiscarded materials, items and debris from demolished houses
to include in his upcoming solo exhibition in Tokyo in 2018.

PROFILEPROFILE1986 年マコン（フランス）生まれ。パリを拠点に活動。2012

ィフ、ブルガリア、2016 ）など。

Born in Macon (France) in 1986. Lives and work s in Paris.

Born in Turkey in 1978. Lives and works in Dordrecht (Netherlands).

Graduated from École nationale supérieure des Arts Décoratifs
in 2012. Recent exhibition: “Les sept demons,” H 2M - ESPACE
D'ART CONTEMPORAIN, Bourg en Bresse, France, 2017.

Graduated with an MA in Fine Arts from Sandberg Institute in2010 . Recent exhibition: “In front of the convenience store,”《成華さん》2017 Seika-san, 2017

CiR: Research Residency Program

1978 年トルコ出身。ドルトレヒト（オランダ ）を拠点に活動。

年 国 立 高 等 装 飾 美 術 学 校 卒 業。主 な 展 覧 会 に「Les septdémons」（H2 M - ESPACE D'ART CONTEMPORAIN、ブール＝カン＝ブレス、フランス、2017 ）など。

2010 年 Sandberg Institute 修了。主な展覧会に「In front of
the convenience store」（Façade Video Festival, プロヴデ

Façade Video Festival, Plovdiv, Bulgaria, 2016.
《無題》2017 Untitled, 2017

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CiR: Research Residency Programリサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

ステファニー・ガウス＆
ヤナ・エスクローワン・ゲッディス

Stefanie GAUS & Jana ESKE2017.9.1-9.30 滞在

ガウスとエスクは、「米」を日本社会の近代的変化を示
す記号とみなすプロジェクトを実施。今和次郎の調査や京都のHAPSでのイベント「space shifting」
を行い、建築物をとおした、また映像や展覧会で表現される地域の発展や日々の進歩などを議論しました。

Rowan GEDDIS
2017.10.4-11.27 滞在

プロセスとパフォーマンス、展示の関係を探求するキュレーターのゲッディスは、戦後日本の参加型コレクティ
ヴィズムと後世のパフォーマンスへの影響についてのアーカイブをリサーチ。その成果を色やタグで分類し、マインド・マップを用いて視覚化しました。

Gaus and Eske conducted a project based on the idea of

A curator who explores the relation between artistic

questioning “rice” as a signifier of the changes in modern
Japanese society. Conducting archive research on thearchitect and designer Kon Wajiro (1888 - 1973), meeting

process and performance/display, Geddis conductedarchive research regarding participatory collectivism
in p o s t w a r J a p a n a n d i t ' s s ub s e q u e n t in f l e c t i o nwith artists and curators from Japan and abroad, andcreating the event "space shifting" for the format ouron per f ormance prac tice. He then te sted ways tovisually repre s ent complex conne c tions , diver s eschool at HAPS, Kyoto, they discussed topics such as
regional development, every day life improvement throughactivities, practices and concepts in thought, throughsuch strategies as 'mind-maps' and tagging/color coding.

architecture and its context in films and exhibitions.

PROFILEPROFILEステファニー・ガウス：映像作家。 ウルム（ドイツ）生まれ。ベ

ンドンを拠点に活動。2016 年コンストファック（スウェーデン国
立美術デザイン大学）キュレーターラボ修了。

Stefanie GAUS: Filmmaker. Born in Ulm (Germany). Lives andBorn in Barnstaple (UK) in 1980 . Lives and works in Stockholm

works in Berlin. Jana ESKE: Curator. Born in Marburg (Germany).
Lives and works in Basel.

and London. Graduate d f rom CuratorL ab-p o stgraduate
reserarch programme, Konstfack Stockholm in 2016.
リサーチ・マインド・マップ（部分）2017 Research Mind-map -detail, 2017

今 和次郎 工学院大学図書館所蔵
Kon Wajiro © Kon Wajiro Archive at the Library of Kogakuin University

ワン・チョン
WANG Chong2017.10.3-11.30 滞在

1980 年バーンスタプル（イギリス）生まれ。ストックホルムとロルリンを拠点に活動。ヤナ・エスク：キュレーター。マールブルク（ドイツ）生まれ。バーゼルを拠点に活動。

中国の実験的演劇界を牽引するディレクターのワン
は、滞在中に東京で上演された『雀去冬来 チュエ チュ
イ ドン ライ すずめさりてふゆきたる』と『Kiss Kiss
Bang Bang 2 .0 』の制作に携わるとともに、近松門左衛門による人形浄瑠璃についてリサーチしました。

マリオ・リッツィ
Mario RIZZI
2018.1.5-2.19 滞在

グローバリゼーションの影響下で、社会から取り残されてきた人々についてリサーチを行い、世界各地で映像、写真、インスタレーションを制作してきたリッツィ
は、東京では移民やホームレス、引きこもりや孤独死といった日本の社会問題について調査をしました。

A leading director in Chinaʼs experimental theater

Based on research on social outsiders alienated fromscene, Wang worked during his Tokyo residency on two
productions to be performed in Tokyo, the puppetry
video work As the Sparrows Wended in a Windlesssociety in the wake of globalization, Rizzi creates films,
photographs and installations in cities around the world,
and in Tokyo he researched issues in Tokyo regarding

Winter and a performance titled Kiss Kiss Bang Bang 2.0.
In addition, he did research on Chikamatsu Monzaemonʼ
s plays for puppet joruri theater.

immigrants, and the homeless as well as reclusive stayat-homes and the elderly who die alone.

PROFILEPROFILE

1982年北京生まれ。北京を拠点に活動。2007年ハワイ大学卒業。

1962 年バルレッタ（イタリア）生まれ。ベルリンを拠点に活動。
主な展覧会に「Beautiful Distress」（ Nieuw Dakota、アムス
テルダム、2017 ）、「Videoart at Midnight」（BABYLON、ベル

主な公演に「The Teahouse 2 .0」（北京、2017 ）、「Lu Xun」（杭
州市、紹興市、上海、2016 ）、「The Warfare of Landmine 2.0」
（東京、2013 ）など。

リン、2017 ）など。

Born in Beijing in 1982. Lives and Works in Beijing. Graduated from
University of Hawaii in 2007. Recent activities: “The Teahouse 2.0,”
Beijing, 2017, “Lu Xun,” Hangzhou, Shaoxing, Shanghai, 2016, “TheWarfare of Landmine 2.0,” Tokyo, 2013.

Born in Barletta (Italy) in 1962 . Lives and works in Berlin. Recent
exhibitions: “Beautiful Distress,” Nieuw Dakota, Amsterdam,
2017, “Videoart at Midnight”, BABYLON, Berlin, 2017.
《無題＃1 》（
「不安の叡智」より）2018
Untitled #1 from “The Wisdom of Insecurity,” 2018

CiR: Research Residency Program

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CiR: Research Residency Programリサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム ｜ Research Residency Program

ティボー・カペラン &クロエ・フリク

ジャン＝マキシム・
デュフレーヌ＆ヴィルジニー・ラガニエール

Thibault CAPÉRAN & Chloé FRICOUT
2018.1.6-1.26 滞在

建物の解体と建設が繰り返される東京では、街のイメー
ジやアイデンティティがどのように構築されるのか、
建築、美術史、都市学の観点から探究。今回の滞在では中銀カプセルタワービルに焦点を当てて調査し、その成果をアンスティテュ・フランセ東京で発表しました。
The work of these two art professionals was investigatingfrom architectural, artistic and urbanology perspectives
how the image and identity of Tokyo is built amid theconstant tearing down and reconstructing of its buildings.

Jean-Maxime DUFRESNE &Virginie LAGANIÈRE
2018.2.9-3.31滞在

デュフレーヌとラガニエールは、現代の都市で起こる盛衰について、社会的、政治的、文化人類学的観点か
らリサーチを行い、写真、映像、音声などを用いて作品を制作。今回は東京における社会の変容や未来の姿を、
テクノロジー、信仰、建築的観点から探究しました。
Duf re sne and L aganière conduc t re se arch on thetransmutations occurring in contemporary cities fromthe perspectives of sociology, politics and cultural
anthropology and use photography, video and soundIn their residency, they took the Nakagin Capsule Toweras the focal point for their study and later gave a lecture

to create works reflecting their findings. This time, they
investigated the social transformations taking place inat The Institut Français Tokyo introduce their results.

Tokyo from the standpoints of technology, beliefs/faithand architecture.

PROFILE
ティボー・カペラン：1981年パリ生まれ。2004年リール大学修了（カル
チャーエンジニア）。クロエ・フリク：1983年パリ生まれ。2008年パリ第1大学修了（アートマネージメント、
公共政策）。ともにパリを拠点に活動。

PROFILE
モントリオ ー ル を 拠 点 に 活 動。 主 な 展 覧 会 に「Olympic
Afterlife」（Maison de la culture Côte-des-Neiges、モント

Thibault CAPÉRAN: Born in Paris in 1981 . Graduated with an MA in
Cultural Engineer from University of Lille, 2004. Chloé FRICOUT：
Born in Paris in 1983. Graduated with an MA in Art History from

リオール、2017 ）など。

Université Sorbonne and an MA in Public Policies from Science Po
Grenoble. Live and work in Paris.

Live and work in Montreal. Recent exhibition: “Olympic Afterlife,”
Maison de la culture Côte-des-Neiges, Montreal, 2017.

《中銀カプセルタワービルの影響》2018 The Nakagin effect, 2018

クラウディオ・ゼッキ
Claudio ZECCHI2018.2.6-3.31滞在

文化的ノマドの状況が作り出したアートと公共圏の関係をリサーチするゼッキは、これまでミラノ、ニュー
ヨーク、ノッティンガム、サンパウロでプロジェクトを実施。東京では第 5 章に当たる「参加」をテーマに
Chim↑Pom、加藤翼、潘逸舟、狩野哲郎と協働しました。

ケルスティン・ブレチュ
Kerstin BRÄTSCH
2018.2.13-3.31滞在と捉えています。滞在中はUNITED BROTHERSとの作品制作のため、いわきと京都を訪れ、また青森のね
ぶた制作の調査も行いました。

As a researcher focusing on the relationship between

Brätsch is an artist seeking to expand the realm ofart and the public sphere in a state of cultural nomadism,
Zecchi has conducted a research project in Milano, New
York, Nottingham and São Paulo. Tokyo represents thepainting by bringing bo th ar tisanal prac tice s andcollaborative projects into the equation of painting
history. In this residency she collaborated with UNITED

fifth chapter in this project and adopting a theme of“participation” he collaborated here with Chim↑Pom,
Kato Tsubasa, Han Ishu and Kano Tetsuro.

BROTHERS (Ei and Tomoo Arakawa) and visited Iwaki
and Kyoto to create works. She also did research on thecreation of the nebuta festival floats of Aomori.

PROFILEPROFILE

1978年プリヴェルノ（イタリア）生まれ。ローマとリスボンを拠点に活動。2003年Università degli Studi della Tuscia卒業。主ハンブルク生まれ。ニューヨークを拠点に活動。2007 年コロンビア大学、2008 年ベルリン芸術大学修了（MFA ）。主な展覧会に「Kerstin Brätsch. Innovation」（ブランドホルスト美術館、
ミュンヘン、2017 ）など。

な活動に
「Sino alla fine del mare」（ワークショップ、Lastation/
Ramdom、ガリアーノ・デル・カーポ、イタリア、2017 ）など。

Born in Priverno (Italy) in 1978. Lives and works in Rome andLisbon. Graduated from Università degli Studi della Tuscia

Born in Hamburg. Lives and works in New York. Graduated withan MFA from Columbia University in the City of New York in 2007
and University of the Arts Berlin in 2008. Recent exhibition: “Kerstin
Brätsch. Innovation,” Museum Brandhorst, Munich, 2017.

in 2003. Recent activity: “Sino alla fine del mare,” workshop,
Lastation/Ramdom, Gagliano del Cap, Italy, 2017.
《Supereality, SuperMa》2018 Supereality, SuperMa, 2018

CiR: Research Residency Program

絵画の作用や領域の拡張を探究するブレチュは、職人的な技法や協働プロジェクトを絵画史の諸要素である《M△ XM △ GM△ L △▽△》2018 M △ XM △ GM △ L △▽△ , 2018

104

105

CiR: Research Residency Program

二国間交流事業プログラム
Exchange Residency Program［SEOUL-TOKYO］
イ・スヨン LEE Sooyoung
2017.5.1-7.26

芸術文化・国際機関推薦プログラム
Institutional Recommendation Program［LONDON-TOKYO］

派遣クリエーター

ジル・アディソン Gill ADDISONJapanese Creators sent abroad2017.7.3-7.29［BERLIN-TOKYO］［TOKYO-QUEBEC］

マーティン・エブナー Martin EBNER

金井 学 KANAI Manabu
2017.4.1-6.29［TOKYO-BERLIN］

2017.9.4-11.29［HELSINKI-TOKYO］
シモ・ケロクンプ Simo KELLOKUMPU

金 瑞姫 KIN Mizuki
2017.4.5-6.28
岩城京子 IWAKI Kyoko

2017.9.4-11.29［MELBOURNE-TOKYO］
ヒュー・デイヴィーズ Hugh DAVIES

2017.10.1-12.20
武田竜真 TAKEDA Tatsuma
2017.1.5-3.30［TOKYO-BASEL］

2017.9.4-11.29［MADRID-TOKYO］
レオノール・セラーノ・リーヴァス
Leonor SERRANO RIVAS

田中英行 TANAKA Eikoh2017.5.1-7.25［TOKYO-SEOUL］

2017.10.9-11.19

2017.6.1-8.29

2018.1.5-3.31
アヌーク・ミラディノヴィッチ
Anuk MILADINOVIĆ

2017.8.1-9.3

2018.1.5-3.31［TOKYO-MELBOURNE］

海外クリエーター招聘プログラム
International Creator Residency Program

2017.10.19-12.29

2017.5.5-7.31
プラパット・ジワランサン

2017.9.1-9.13
ヘザー・B・スワン Heather B. SWANN

2017.9.1-10.1
セイット・バタル・クルト Seyit Battal KURT

2017.9.1-9.28
リス・ビヤルバ Lys VILLALBA
2017.9.1-9.30

2017.9.1-10.16
ステファニー・ガウス＆ヤナ・エスク
Stefanie GAUS＆Jana ESKE

ミシェル・ユノー Michel HUNEAULT
2017.9.11-12.8

2017.9.1-9.30
ワン・チョン WANG Chong2017.10.3-11.30
ローワン・ゲッディス Rowan GEDDIS

2017.10.22-11.16
ヴィンセント・ブロー Vincent BRAULT

2017.10.4-11.27
マリオ・リッツィ Mario RIZZI

2018.1.5-3.31
アグア・チョウ Agua CHOU
2018.1.5-1.31

2018.1.5-2.19
ティボー・カペラン＆クロエ・フリク
Thibault CAPÉRAN＆Chloé FRICOUT
2018.1.6-1.26
クラウディオ・ゼッキ Claudio ZECCHI

マルク・カエラス Marc CAELLAS
2018.3.1-3.31
ブレンダ・ロサノ Brenda LOZANO

2018.2.6-3.31
ジャン＝マキシム・デュフレーヌ＆ヴィルジニー・ラガニエール
Jean-Maxime DUFRESNE＆Virginie LAGANIÈRE
2018.2.9-3.31

リサーチ・レジデンス・プログラム

ケルスティン・ブレチュ Kerstin BRÄTSCH
2018.2.13-3.31

Research Residency Program

Prapat JIWARANGSAN
パトリツィア・ダンダー Patrizia DANDER

Invited Creators from abroad

2018.1.5-3.27
ジャンフランコ・フォスキーノ［QUEBEC-TOKYO］

2017.7.4-7.31
バルバラ・クエト Barbara CUETO

2017.5.1-7.26
カアン・ミュジデジ Kaan MÜJDECI

2017.9.4-11.29

招聘クリエーター

2017.7.3-7.31
マリエット・オヴレ Mariette AUVRAY

バーバック・ハシェミ＝ネジャド
Bahbak HASHEMI ｰ NEZHAD

チュム・チャンヴェスナ CHUM Chanveasna［TOKYO-TAIPEI］
中島伽耶子 NAKASHIMA Kayako

2017.7.15-7.26

2018.3.1-3.31

Qenji Yoshida2017.10.16-11.26

2017.6.28-7.31
ホ・テウォン HEO Taewon

クゥワイ・サムナン KHVAY Samnang

2018.2.20-3.16

2017.10.3-12.30［TOKYO-MADRID］

2017.5.25-5.29

モハメド・アラム Mohamed ALLAM

水木 塁 MIZUKI Rui

臼井仁美 USUI Hitomi

2017.6.7-7.27
ダニエル・シュワルツ Daniel SCHWARTZ

カリ・コンテ Kari CONTE

Abdelkader BENCHAMMA

ミヤギフトシ MIYAGI Futoshi

2017.8.1-10.10

2017.5.1-5.31

アブデルカデール・ベンチャマ［TOKYO-LONDON］［TOKYO-HELSINKI］(Eduardo CASSINA & Liva DUDAREVA)

リー･イーファン LI Yi-Fan［BASEL-TOKYO］

METASITU

ヴィクター・ワン Victor WANG

［TAIPEI-TOKYO］

鎌田友介 KAMATA Yusuke

メタシトゥ（エデュアルド・カッシーナ＆リヴァ・ドゥダリーヴァ）

Gianfranco FOSCHINO

ジェローム・ブシャール Jérôme BOUCHARD

ハカン・トパル Hakan TOPAL
2017.5.1-5.29
広瀬菜々＆永谷一馬
HIROSE Nana＆ NAGATANI Kazuma
2017.5.16-6.15

2018.1.5-3.28

2017.5.1-7.26

106

107

オープン・スタジオ 2017-2018

参加作家
Creators

OPEN STUDIO 2017-2018

7月／July2017.7.21 -7.23

チュム・チャンヴェスナ CHUM Chanveasna

メタシトゥ（エドゥアルド・カッシーナ＆リヴァ・デュダレヴァ）

カアン・ミュジデジ Kaan MÜJDECIMETASITU (Eduardo CASSINA & Liva DUDAREVA)

ジル・アディソン Gill ADDISON

ダニエル・シュワルツ Daniel SCHWARTZ

ジェローム・ブシャール Jérôme BOUCHARD

広瀬菜々＆永谷一馬*

イ・スヨン LEE Sooyoung

HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma*

クゥワイ・サムナン KHVAY Samnang

ハカン・トパル*マリエット・オヴレ Mariette AUVRAY

ヴィクター・ワン*

Hakan TOPAL*
Victor WANG*

ホ・テウォン HEO Taewon

アートやデザイン、建築、キュレーションといった創造的分野で活躍する世界中のクリエーターが来日して制作やリサーチ活動を行うTOKASレジデンシー。そこに滞在するクリエー
ター達の普段はなかなか見ることのできない制作過程を展示・公開しました。3 期に分かれた各レジデンス期間の最終月にあたる7 月、11 月、3 月に 3日間開催し、滞在クリエーターによる作品や活動の発表、さまざまな分野のゲストを招いたスペシャル・トークを行いました。
また、宿泊室や共有スペースの施設見学ツアーや、「二国間交流事業プログラム」の海外提携機関の資料も展示し、広く一般にレジデンス事業への理解を深める場となりました。

The Tokyo Arts and Space Residency program invites creators from around the world

11月／November

2017.11.10 -11.12

プラパット・ジワランサン Prapat JIWARANGSAN

ミシェル・ユノー Michel HUNEAULT

ヒュー・デイヴィーズ

ローワン・ゲッディス Rowan GEDDISHugh DAVIESマーティン・エブナー Martin EBNER

ワン・チョン WANG Chong

シモ・ケロクンプ Simo KELLOKUMPU

ステファニー・ガウス＆ヤナ・エスク*

レオノール・セラーノ・リーヴァス

Stefanie GAUS & Jana ESKE*

Leonor SERRANO RIVAS

セイット・バタル・クルト*

アブデルカデール・ベンチャマ

Seyit Battal KURT*

Abdelkader BENCHAMMA

ヘザー・B・スワン*

Heather B. SWANN*

working in the genres from art and design to architecture and curation, etc., to create
works and/or do research in Japan. The creators doing residencies in the 2017- 18 season
did exhibits and presentations on their creative processes on this special occasion.
During the final month of the three residency periods, July, November and March, thecreators-in-residence gave presentations of their works and activities in three-day “open3月／March2018.3.9 -3.11

studio” exhibits, and guest speakers from a variety of genres were invited to give special

パトリツィア・ダンダー Patrizia DANDER

ケルスティン・ブレチュ Kerstin BRÄTSCH

talks. Also, tours of the residence rooms and shared spaces in the TOKAS Residency

ジャンフランコ・フォスキーノ

ジャン＝マキシム・デュフレーヌ＆facility were given, and information introducing the affiliated overseas residency

Gianfranco FOSCHINO

organizations that Japanese creators are sent to in the TOKAS Exchange Residency

ヴィルジニー・ラガニエール

リー・イーファン LI Yi-Fan

Jean-Maxime DUFRESNE & Virginie LAGANIÈRE

アヌーク・ミラディノヴィッチ

クラウディオ・ゼッキ Claudio ZECCHI

Anuk MILADINOVIĆ

アグア・チョウ*ヴィンセント・ブロー Vincent BRAULT

ティボー・カペラン＆クロエ・フリク*

Program was provided to help deepen understanding of the residency programs amonga wider audience.

DATA
会場：トーキョーワンダーサイトレジデンス、トーキョーアーツアンドスペースレジデンシー

Agua CHOU*

マルク・カエラス Marc CAELLAS

Thibault CAPÉRAN & Chloé FRICOUT*

ブレンダ・ロサノ Brenda LOZANO

マリオ・リッツィ*

Mario RIZZI*

Venue: Tokyo Wonder Site Residency, Tokyo Arts and Space Residency

108* 展示のみ参加*Exhibits Only109

CiR: OPEN STUDIO 2017-2018

オープン・スタジオ
2017-2018 / 7月

13 組 15 名のクリエーターが参加し、7 月22日（土）には、滞在中の 9 組のクリエーターが東京での制作やリサーチ活動について発表。7 月23日（日）には、カンボジアを代表する若手アーティストのクゥワイ・サム

OPEN STUDIO
2017-2018/July

ナンが、「ドクメンタ14」の出品作をはじめ、さまざまな場や土地における、身体を用いた作品制作について

もに東京での制作やリサーチ活動について発表。11月

OPEN STUDIO
2017-2018/November

開催したアブデルカデール・ベンチャマが、ドローイ

12組 13名のクリエーターが参加し、11月11日（土）には、滞在中の8 名のクリエーターが自身の作品の紹介とと12日（日）には、アニエスベー銀座で同時期に個展をングの領域の拡張を試みる鈴木ヒラク氏とともに、ドトークを行い、ゲストの上村未来氏が、近年のカンボ

ローイングをとおした実験的対話「Drawing Tube

ジアの土地問題やその背景についてレクチャーしました。

vol.3」を行いました。

会期：2017.7.21-7.23

Thirteen groups totaling 15 creators took part in the

Twelve groups and totaling 13 creators took part in thethree-day event. On July 22 (Sat), nine groups/creatorspresented the results of their creative and research
activities during their residence in Tokyo. On July 23

event, and on November 11 (Sat), eight of them presented
their works and talked about their creative and research
activities during their residences in Tokyo. On November(Sun), one of Cambodiaʼs leading young artists, Khvay
Samnang, gave a talk on the work he presented at“documenta 14 ” in addition to strategies for creating

12 (Sun), the special event “Drawing Tube vol.3 ” was heldwith Abdelkader Benchamma, a well-known figure in
the contemporary drawing scene who was also holding

work utilizing the body in various places and locations.

a wall art project at agnès b. in Ginza at the same time,

Our guest, Ms. Kamimura Miku, delivered a lectureo n l an d i s s u e s in p r e s e n t - d ay C amb o di a an d t h ebackground behind them.

and Suzuki Hiraku, an artist who is attempting to expand
the realm of drawing. Together they conducted anexperimental drawing dialogue titled Drawing Tube vol. 3.

DATA

会期：2017.11.10-11.12

DATA

トーク・イベント：7.22 滞在クリエーターによるトーク

Talk Event: 7.22 Talks by residing creators
7.23 KHVAY Samnang “The Body, The Space & The Strategy”
Guest: KAMIMURA Miku (Collaborative Fellow, Institute of Asian,African, and Middle Eastern Studies, Sophia University / Parttime Lecturer, J.F. Oberlin University)

7.23クゥワイ・サムナン「身体と場のストラテジー」
ゲスト：上村未来（上智大学アジア文化研究所共同研究所員、
桜美林大学非常勤講師）

CiR: OPEN STUDIO 2017-2018

オープン・スタジオ2017-2018 / 11月

110

トーク・イベント：11.11 滞在クリエーターによるトーク

Talk Event: 11.11 Talks by residing creators
11.12 Drawing + Talk
“Drawing Tube vol.3” Abdelkader BENCHAMMA

11.12ドローイング＋トーク「Drawing Tube vol.3」
アブデルカデール・ベンチャマ 鈴木ヒラク

111

SUZUKI Hiraku

CiR: OPEN STUDIO 2017-2018

オープン・スタジオ
2017-2018 / 3月

とともに東京での制作やリサーチ活動について写真やOPEN STUDIO
2017-2018/March

ランドホルスト美術館のキュレーター、パトリツィア・ダ

13組 15名のクリエーターが参加し、3月10日（土）には、滞在中の9組 10名のクリエーターが自身の作品の紹介
映像を用いて発表。3月11日（日）にはミュンヘンのブ
ンダーがゲストに井口壽乃氏（埼玉大学大学院人文社
会科学研究科教授）を迎え、大阪万博後のアートとテクノロジーの関係についてディスカッションを行いました。
Thirteen groups totaling 15 creators took part in theevent, and on March 10 (Sat), nine group/ 10 creators
made presentations with photographs and video of theresults of their creative and research activities during
their residencies in Tokyo. On March 11 (Sun), Patrizia
Dander, curator at the Museum Brandhorst in Munich,Germany, hosted a talk with Iguchi Toshino, Professorof Graduate School of Humanities and Social Sciences,
Saitama University, as guest speaker for a discussion
about the relationship between art and technology
since the Osaka Expo ʼ70.

会期：2018.3.9-3.11

DATA
トーク・イベント：3.10 滞在クリエーターによるトーク

Talk Event: 3.10 Talks by residing creators
3.11 Patrizia DANDER IGUCHI Toshino “Art and Technology after
the Osaka Expo 1970”
Guest: IGUCHI Toshino (Prof essor of Graduate School of
Humanities and Social Sciences, Saitama University)

3 .11 パトリツィア・ダンダー 井口壽乃「1970 年大阪万博、その後のアート＆テクノロジー」
ゲスト：井口壽乃（埼玉大学大学院人文社会科学研究科教授）

CiR: OPEN STUDIO 2017-2018

112

113

トーキョーワンダーサイト レジデンス 2016 - 2017
TWS Creator-in-Residence 2016-2017

瀧 健太郎

壁 1 枚隔てた裏側の見知らぬ隣人を感じつつ、互いに干渉しない生活が都市空間では日常となっています。

TAKI Kentaro

こうした個々のコミュニケーション不全が、共同体や世界規模での齟齬を引き起こすのではないかと考え

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

C/Sensor-ed Scape

Tokyo-Berlin Exchange Residency Program
2016.7-9 滞在

る瀧は、展示室 3 箇所に、等身大の人物像を複数投影し、それらが隣接しながらも、直接の接触がないやりとりを繰り広げる様子をビデオ・インスタレーションとして発表しました。
It is normal in the urban environment today for people
to live with no neighborly interaction with the strangers
living on the other side of your apartment wall. Basedon his belief that this deficiency of communication

瀧 健太郎 TAKI Kentaro

児嶋サコ

KOJIMA Sako

山田健二

YAMADA Kenji

丸山美紀

MARUYAMA Miki

DATA

between individuals causes discord in communities
and globally, Taki created a video installation in which
lif e - size image s o f p e ople are pro je c te d at thre e

山本高之

YAMAMOTO Takayuki

村上華子

MURAKAMI Hanako

出演：飯森沙百合、金野泰史、碧衣スイミング、中嶋 興、

positions around the gallery to play out roles with no

持田敦子

MOCHIDA Atsuko

梅本尚弥、おくやまあかね、前田博雅、瀧 隼人
協力：カイロ・ヴィデオアートフェスティバル 2017、

direct interaction with each other despite their close
proximity.

大和田 俊 OWADA Shun2017.4.15-5.28

武蔵野美術大学映像学科

海外で滞在制作を行ったクリエーターによる成果発表展
2016 年度トーキョーワンダーサイトの〈二国間交流事業プログラム〉に参加し、海外各地の提携機関で滞在制作を行った 8 名の日本人クリエーターによる成果発表展。各展示室でインスタレーションを展開した 3 名のクリエーターのほか、5 名はレジデンス滞在の経験を報告形式で発表しました。今回参加したクリエーターは、それぞれの派遣先での活動において、現代社会に漂う空気を敏感に感じ取り、既存の認識や価値観が絶対ではないということを示唆に富んだメッセージで表現しました。

Exhibition of Work by Overseas Residency Creators
In this exhibition, the eight participating creators in the Tokyo Wonder Site 2016
Exchange Residency Program presented the results of their creative activities inoverseas residencies at the programʼs affiliated organizations. Of them, three createdinstallations in the gallery spaces and five gave reports of their experiences in residence
overseas. In their activities, all of the creators were sensitive to the contemporary social
atmospheres of the respective countries and used a rich variety of expressive means toconvey messages about the new types of awareness and values they encountered.

《隣人らしからぬ》2017 unNeighborly, 2017

DATA
会場：トーキョーワンダーサイト本郷
協力：ベルリン市／クンストラウム・クロイツベルク／ベタニエン（ドイツ・ベルリン）、アトリエ・モンディアル（スイス・バーゼル）、

MMCAレジデンシー・コヤン（韓国・ソウル）、アーツ・イン・レジデンス台北／トレジャーヒル・アーティスト・ヴィレッジ（台湾・台北）、ロンドン芸術大学（イギリス・ロンドン）
Venue: Tokyo Wonder Site Hongo
Cooperation: Berlin City/Kunstraum Kreuzberg/Bethanien (Berlin, Germany), Atelier Mondial (Basel, Switzerland), MMCA
Residency Goyang (Seoul, South Korea), Taipei Artist Village, Treasure Hill Artist Village (Taipei, Taiwan), University of theArts, London (London, England)

114

PROFILE
1973 年大阪府生まれ。東京を拠点に活動。1998 年武蔵野美術

Born in Osaka in 1973. Lives and Works in Tokyo. Graduated with an
MFA in Imaging Arts and Sciences from Musashino Art University in
1998. Recent exhibitions: “Visual Materialism,” MORI YU GALLERY,
Kyoto, 2018, “Very Sustainable̶Environmental Revelation,” Moca
Yinchuan, China, 2017, “Regeneration Movement: Rethinking
Technology in the Digital Age,” Taiwan National Museum of Fine
Arts, Taichung, 2016, “Les Instant Video: 50 ANS D'ARTS VIDEO,”
Marseille, France, 2013, “Koganecho Bazaar,” Kanagawa, 2011.

大学大学院造形研究科映像コース修了。主な展覧会に「Visual
Materialism」（ MORI YU GALLERY、京都、2018 ）、「非常持续̶̶环保启示录」（銀川現代美術館、中国、2017 ）、「再生運動―數位時代的科技反思」（台湾国立美術館、台中、2016 ）、「レザ
ンスタン・ヴィデオ / ヴィデオアート50 周年」（マルセイユ、フランス、2013 ）、「黄金町バザール 2011」（神奈川）など。

115

C/Sensor-ed Scape山田健二

山田はロンドン滞在中、旧ミルバンク刑務所地下に現存する遺構に設置された監視カメラをハッキングし、市民

YAMADA Kenji

会議によって地下空間を占拠するイベントを開催しました。
本展では両面スクリーン壁にイベントの様子を投影する

二国間交流事業プログラム〈ロンドン〉と同時に、仕切られた2つの空間に監視カメラと監視モ

Tokyo-London Exchange Residency Program

ニターを設置。映像を鑑賞する間も鑑賞者自身がカメ

2016.6-7 滞在

ラに捉えられ、無差別に記録される現代の大量監視と相ソウル五輪に着目した山本は、この出来事の民話化を主題に活動を展開。韓国の民話に登場する虎や小説家・中YAMAMOTO Takayuki

島敦の『山月記』に結び付け、ソウル五輪の公式マスコッ
ト「ホドリ」を模した被り物を制作。それを被った人達が二国間交流事業プログラム〈ソウル〉

五輪と同年に開店したアメリカのファストフードの韓国Tokyo-Seoul Exchange Residency Program

一号店へ向かうと、日本のファストファッションの大型店

2016.5-7 滞在となっていた、という短編映像を発表。近過去となった

互監視社会のサイクルを示唆する作品として発表しました。

約30年前が民話化された象徴的な作品となりました。

During his residency in London, Yamada hacked into the

Focusing on the 1988 Seoul Olympics, Yamamoto aimed

surveillance cameras in the underground remains of theold Millbank Prison and organized an event to have theremains occupied by a civil council. For this exhibition,

to create folklore about that event. Connecting this to
Nakajima Atsushiʼs short novel Sangetsu-ki (The Moon
over the Mountain) about a poet turned tiger, and tigers

he created an installation with the video record ofthis event projected on both sides of a two-sided wall
screen, while also placing surveillance cameras andthat appear in Korean folklore, he made headpieces
modeled after Seoulʼs official Olympic mascot, Hodori.
He then created a short movie where people wearing thissmall TV monitors in the gallery so that the viewers

headpiece go to visit the first American fast food restaurant

would also be recorded on video at random, thus
replicating the cycle of mutual surveillance playing out
in todayʼs cities on a large scale.

opened in Seoul in 1988 , but found it replaced by a large
Japanese fast-clothes chain store. Thus it symbolizes newʻfolklore' of the Olympics some 30 years ago.

《Smurfed remain》2016 Smurfed remain, 2016

《山月記》2017 The Moon over the Mountain, 2017

PROFILEPROFILE

1983年東京都生まれ。東京とロンドンを拠点に活動。2008年東京藝術大学先端芸術表現科卒業。主な展覧会に「Rebel Cities」（央美術館、北京、2017 ）、「Socially Engaged Art」
（アーツ千代田3331 、東京、2017 ）、「Smurf remain」（チェルシー・カレッ
ジ・オブ・アーツ、ロンドン、2016 ）、「Shanghai Project」（上海
喜瑪拉雅美術館、中国、2016 ）、「越後妻有アートトリエンナーレ
2009」（十日町、新潟）など。
C/Sensor-ed Scape

山本高之

116

Born in Tokyo in 1983. Lives and works in Tokyo and London.
Graduated with a BA in Intermedia Art from Tokyo Universityof the Arts in 2008. Recent exhibitions: “Rebel Cities,” YANG
ART MUSEUM, Beijing, 2017, “Socially Engaged Art,” 3331 Arts
Chiyoda, Tokyo, 2017, “Smurf remain,” Chelsea College of Arts,
London, 2016, “Shanghai Project,” Shanghai Himarayas Museum,
China, 2016, “Echigo-Tsumari Art Triennale 2009,” Tokamachi,
Niigata.

1974年愛知県生まれ。愛知を拠点に活動。2002年チェルシー・
カレッジ・オブ・アート・アンド・デザイン（MA ）修了。主な展覧会に「コチ＝ムジリス・ビエンナーレ2016」（インド、2016 〜 2017 ）、「物語のかたち」（せんだいメディアテーク、宮城、2015 ）、「未見の星座〈コンステレーション〉−つながり/ 発見のプラクティス」（東京都現代美術館、2015 ）、「ゴー･ビトゥイーンズ展：こどもを通して見る世界」（森美術館、東京、2015 ）など。

117

Born in Aichi in 1974. Lives and works in Aichi. Graduated with
an MA from Chelsea College of Art and Design in 2002. Recent
exhibitions: “Kochi-Muziris Biennale 2016 ,” India, 2016 -17, “Formof narrative,” Sendai Mediatheque, Miyagi, 2015, “Constellations,”
Museum of Contemporary Art Tokyo, 2015, “Go-Betweens: The
World Seen through Children,” Mori Art Museum, Tokyo, 2015.

C/Sensor-ed Scape大和田 俊近年、石灰岩を素材としたサウンド・インスタレーションの制作に取り組む大和田は、ベルリン郊外にある採石場

OWADA Shun

でリサーチを行いました。収集した石を帰国前日にスタジオ周辺に遺棄し、帰国後、現地にいる知人に電話をかけ、二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

その石を探すように依頼。その会話は一方ずつレコード

Tokyo-Berlin Exchange Residency Programの表裏に録音され、鑑賞者はレコードを返しながら音声

2016.10-12 滞在を聞くことができました。また、鑑賞者が再生する過程

児嶋サコ

KOJIMA Sako

労働を行いました。ハムスターの着ぐるみを纏いながらの労働は、部屋の掃除や作品のモデル、アーティストの指二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

示に従い湖に飛び込むなど多岐に渡り、本展では、そのTokyo-Berlin Exchange Residency Program

過程をスライドショーで展示。資本主義社会で、時に金2016.4-6 滞在

銭と同様に扱われる美術作品を、非現金取引行為とともで付く傷などにより、録音された音自体も変化しました。

に見せることで、社会とアートの関係の再考を促しました。

Having created sound installations in recent years using

During her stay in Berlin, Kojima made contracts withlimestone as a main material, Owada conducted researchat a quarry on the outskirts of Berlin. On the day before
returning to Japan, he abandoned the rock samples henine artists/groups based there to work for them inorder to own an artwork from each for one month. The
work she did-while wearing a hamster costume-ranged

had gathered near his studio. After returning to Japanhe phoned a friend in Berlin and asked her to look forthe rocks. The two sides (his voice and his friendʼs voicefrom cleaning rooms to serving as a model and doing
whatever the artists instructed, including jumping in alake. For this exhibition she set up a slide show showing

separately) of the phone conversation were recorded on

DATA

the work she did. The result offered a rethinking of thea record that visitors to the exhibition could play. Also, thescratches and such that the record received in the repeatedplays gradually changed the sound of the recording.

協賛：公益財団法人テルモ生命科学芸術財団

role of art in society in a capitalist world where artworks
can at times be equivalent to money, while also showing
an alternative non-monetary exchange.

Cooperation: Terumo Foundation for Life and Sciences
and Arts《背中あわせに（横切れ）》2017 back to back (Intersect), 2017

PROFILE《ハムスターコレクション ―ハムスター働いてアートを収集する》2016 Hamster collection ―A hamster works and collects art― , 2016

PROFILE

1985 年栃木県生まれ。東京を拠点に活動。2011 年東京藝術大学大学院美術研究科先端芸術表現専攻修了。主な展覧会に「マルフォームド・オブジェクツ」（山本現代、東京、2017 ）、「Paleo-Pacific」（トーキョーワンダ ーサイト本 郷、2016 ）、「Sound Reasons Festival」（ 1 shantiRoad、バンガロール、イ
ンド、2016 ）など。主な活動に「OSMOSIS Audiovisual Media
festival」（高雄駁二芸術特区、台湾、2016 ）など。
C/Sensor-ed Scape

児嶋は、滞在中にベルリン在住のアーティスト9組と契約を結び、彼らの作品を1ヶ月所有することを対価とした

118

Born in Tochigi in 1985. Lives and works in Tokyo. Graduatedwith an MFA in Intermedia Art from Tokyo University of the Arts
in 2011 . Recent exhibitions: “Malformed Objects – Bricolage for
myriads of other bodies,” YAMAMOTO GENDAI, Tokyo, 2017,“Paleo-Pacific,” Tokyo Wonder Site Hongo, 2016. Recent activity:
OSMOSIS Audiovisual Media festival, Kaohsiung PIER-2 art center,
Taiwan, 2016.

1976 年東京都生まれ。2009 年よりベルリンを拠点に活動。
2001年京都市立芸術大学大学院美術研究科絵画専攻修士課程修了。主な展覧会に、「THE ECHO−spreading of light−」（ケ
ルン日本文化会館、
ドイツ、2013）、「第14回『DOMANI・明日展』」（国立新美術館、東京、2012 ）、「Orphan and the Old Single」（山本現代、東京、2008 ）、「The gloaming」（山本現代、東京、2007 ）など。

119

Born in Tokyo in 1976. Lives and works in Berlin since 2009.
Graduated with an MFA in Painting from Kyoto City University ofArts in 2001. Recent exhibitions: “The Echo: spread of light,” theJapan Cultural Institute, Cologne, Germany, 2013, “ 14th DOMANI:ʻThe Art of Tomorrow',” The National Art Center, Tokyo, 2012.

C/Sensor-ed Scape丸山美紀

建築家の丸山は、台北市内の寺院や街並み、台湾伝統建築や民族工芸などをリサーチしました。台湾の伝統的な

MARUYAMA Miki

糊紙工芸を参考に、竹の骨組みをベースに、市内で収集した包装紙や、現地の樹木で染めた布を使った茶室を制

二国間交流事業プログラム〈台北〉

作し、茶道のパフォーマンスも実施。本展では、その記Tokyo-Taipei Exchange Residency Program

録画像や実際の布、包装紙をコラージュした1枚のパネ

2016.11-2017.2 滞在

ルを展示しました。素材の独特の色使いや、特徴的な紙

村上華子

言葉やイメージの複製技術をテーマにプロジェクトを展開する村上は、バーゼル製紙印刷博物館の協力のもMURAKAMI Hanakoと、活版印刷技術を取り入れた作品を制作。本展では、金融都市バーゼルを表す「金融」とライン川の水運で二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉

栄えた「流通」が同じ「カレンシー」（通貨）で表現されTokyo-Basel Exchange Residency Program

ること、またこの単語が端的にこの町を示すと感じた村

2016.4-6 滞在

上の「インプレッション」が、活版の鋳造機で「インプの質感が交錯し合い、現地の雰囲気が醸し出されました。

レス」
されるまでを視覚化した映像作品を発表しました。

Architect Maruyama did research on traditional Taiwanese

Murakami does projects related to techniques for thearchitecture seen in temples and shrines and in buildingsof Taipei, as well as traditional folk crafts. Referencing
traditional Taiwanese wallpaper and bamboo frameworks,

reproduction of words and images, and in cooperation
with the Basler Papiermühle (Paper Mill) Museum she hascreated work using typographic printing techniques. For

she used wrapping paper that she collected in the cityand fabric dyed with local plant/tree pigment to makea tea room where she performed tea ceremonies. In thethis exhibition she has focused on the concept of ʻcurrencyʼ
as representative of Basel as a center of finance which
is historically related to the ʻcurrentʼ of the Rhine river

exhibition she showed a single panel with a collage of theactual fabric and wrapping papers she used. The uniquecolors of the materials and the qualities of the papers
combined to produce an image of the local atmosphere.

as a mean of water transport that brought wealth to theDATAcity. Here she has created a video work, ʻimprintingʼ witha typographic casting machine, the ʻimpressionʼ of her
séjour.

協力：バーゼル製紙印刷博物館
Cooperation: Basler Papiermühle《寶藏庵》2017 Treasure Hut, 2017

PROFILEPROFILE

1973年長野県生まれ。神奈川を拠点に活動。2000 年東京工業大学大学院社会理工学研究科修士課程修了。2004 年一級建築士事務所「マチデザイン」共同設立。主な活動に「美波町空き家活用プロジェクト」（徳島、2014 〜）、「水と土の芸術祭 2015」

メイン会場構成（新潟、2015 ）、「本棟の家」（長野、2014 ）など。

C/Sensor-ed Scape《Current Impression》2016-2017 Current Impression, 2016-2017

Born in Nagano in 1973. Lives and works in Kanagawa. Graduatedwith an MEng from Tokyo Institute of Technology in 2000. Cofounded architect studio, matidesign in 2004. Recent activities:
Regional Revitalization Project in Minamicho, Tokushima, 2014-,“New Catalogue,” Water and Land Niigata Art Festival, 2015,“Honmune House,” Nagano, 2014.

120

1984 年 東 京 都 生まれ。パリを拠 点に活 動。2012 年 東 京 藝
術 大 学 大 学院 映 像 研 究 科 修 士 課 程 修 了 後、渡 欧。2014 年
ル・フレノワ国 立 現 代アートスタジ オ修 了。主 な展 覧 会に
「ANTICAMERA(OF THE EYE)」（タカイシイギャラリー、東京、2016 ）、「ザ・パーフェクト」（パリ日本文化会館、2016 ）など。受賞歴に「VOCA 展 2017」佳作。

121

Born in Tokyo in 1984. Lives and works in Paris. Graduated withan MFA in New Media from Tokyo University of the Arts in 2012.
Earned her postgraduate diploma from Fresnoy National Studioof Contemporary Art in 2014. Recent exhibitions: “ANTICAMERA(OF THE EYE),” Taka Ishii Gallery, Tokyo, 2016, “La Parfaite,”
Maison du la culture du Japon à Paris, 2016. Award: “Vision ofContemporary Art (VOCA) 2017,” Prize for Excellence.

C/Sensor-ed Scape持田敦子

滞在に際して持田は、現地の建築に介入する大規模な作品の構築を計画し、リサーチや数々のプロジェクトを

MOCHIDA Atsuko

遂行しました。しかし、計画は実現までたどり着かず、持田はそのプロセスをまとめた1冊の書籍を滞在の成果

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

として発表。その書籍は密封され、持田の3ヶ月の経験

Tokyo-Berlin Exchange Residency Programに価値を信じる人のみが、所有、開封する権利を持ちます。

2017.1-3 滞在

滞在制作で得た経験が、今後の制作の要因となることには違いなく、その貴重な時間と過程を作品化しました。
For her residency in Berlin, Mochida planned a largescale work to go into an arbitrary architectural spaceand conducted research and a number of projects
toward t h a t e n d. Howeve r, h e r pl an co uld n o t b erealized, so she recorded her work process in a book.
The book was enclosed in an envelope and can only be
owned and opened by people who believe in the valueof her three months of work. In this way she createdDATA

a work about her residency and the experience she
gained in that valuable time and process, which willundoubtedly be of value in her future work.

製本：小関佐季Book binding: OZEQUI Saqui《How I failed in Berlin》2017 How I failed in Berlin, 2017

PROFILE
1989 年東京都生まれ。ドイツと東京を拠点に活動。2013 年武
蔵野美術大学日本画学科卒業。2014 年より東京藝術大学大学
院先端芸術表現学科、2015 年よりワイマール・バウハウス大学
在籍。主な展覧会に「Das Glücksprinzip」（旧刑務所、Galerie

Eigenheim、ワイマール、
ドイツ、2015 ）。主な活動に「Universe
69」（イェラヌヒ・マリアム・アスラマチアン美術館、ギュムリ、ア
ルメニア、2015 / co-ume lab、東京、2016 ）。
C/Sensor-ed Scape

Born in Tokyo in 1989. Lives and works in Germany and Tokyo.
Enrolled in an MFA course at Tokyo University of the Arts in 2014
and an MFA course (Public Art and New Artistic Strategies)
at Bauhaus-Universität Weimar in 2015. Recent exhibition:“The Principle of Happiness,” former prison in Weimar, Galerie
Eigenheim, Kunstfest Weimar, 2015. Recent Activity: “Universe
69,” The Gallery of Mariam and Eranuhi Aslamazyan Sisters,
Gyumri, Armenia, 2015, co-ume lab., Tokyo, 2016.

122

123

アンドレアス・グライナー

7 つのトランスフォニー《Dragonfly》は、グライナーと物理学者ヤン・フィリップ・
バルタザール・ミューラーが協働し、テクノロジーと自Andreas GREINER

7 trans -phonies

然をひとつの文脈上で対話させた作品。展示室内でドローンを飛ばして植物などを撮影し、その映像を多

海外クリエーター招聘プログラム

数の動物の画像を含むデータベースに組み込まれたInternational Creator Residency Program

ニューラル・ネットワークのアルゴリズムを用いて変2016.4-7 滞在

換しました。人工的な幻影が時間を経るごとに増幅され、新たな映像が生み出されました。

アンドレアス・グライナー Andreas GREINER

The work Dr agonf l y , executed by Greiner with the2017.4.22-7.9

cooperation of the physicist Jan Philipp Balthasar Müeller,
creates a contextual dialogue between technology
and nature. In it, a drone is flown in the gallery to takeミルナ・バーミア Mirna BAMIEH
リギョン Ligyung
ラウル・ワルヒ Raul WALCH

DATA

シリン・サバヒ Shirin SABAHI

協力 /Cooperation：Dr. Xinghui YIN,
Dr. Einar BÚI MAGNÚSSON,

エリック・シュミット Erik SCHMIDT

images of plants and the like that are fed into a database
containing images of numerous different animals. Then
neural network algorithms are used to affect changes
in the images. The resulting artificially created visions

David CHARLES WOOD, Arnar LÁRUSSON,
Juan CARLOS MORALES,

ホウ・イーティン HOU I-Ting

multiply over time to create new images.

Catherine ISHITANI, TSUKAMOTO Takafumi

東京での滞在制作で生まれた新たな声／音トーキョーアーツアンドスペース（ TOKAS ）では、世界中のクリエーターが滞在制作を行うプ
ログラム「クリエーター・イン・レジデンス」を2006年に開始し、アート、映像、音楽、建築など多彩なクリエーターが、東京を舞台に制作を行っています。本展では、2015年から2016年にTWSレジデンスに滞在した7 名による作品を発表。ボーダーレスな都市・東京は、そこで暮らし出会う一人ひとりの声が集まり重なってさまざまな協和音、不協和音を奏でています。海外から来た彼らは、異文化の声、異国での隣人の声、東京で出会ったクリエーター達の声を聞き、自らの声と合わせて文化間を越える新たな声／音による「トランスフォニー」を生み出しました。

New Voices / Sounds Created in Residency in Tokyo
Tokyo Arts and Space (TOKAS) began its Creator-in-Residence in 2006 as a program
to enable creative work in Tokyo for a diverse variety of creators from around the world
working in genres ranging from visual art and film/video to music, architecture and otherdisciplines. This exhibition presents the work of seven creators done in residence at TWS
Residency in 2015 and ʼ16 . The voices of the people living and meeting in the borderless
metropolis of Tokyo come together and resonate, at times with harmonious accord andat other times with discord. The artists from overseas have listened to the voices ofdifferent cultures and the voices of their neighbor in this foreign land, and those of the《Dragonfly》2017 Dragonfly, 2017

creators they have met in Tokyo, and when they come together with their own, the mixof voices and sounds gives birth to what one might call cross-cultural “trans-phonies.”

PROFILE

DATA

年ベルリン芸術大学空間実験研究所（オラファー・エリアソン・クラス）修了。主な展覧会に「GASAG Kunstpreis」（ Berlinische
Galerie、ベルリン、2016 ）、「六本木アートナイト2016」（東京、

1979 年アーヘン（ドイツ）生まれ。ベルリンを拠点に活動。2013

会場：トーキョーワンダーサイト渋谷2016 ）、「CCK- 4」
（ Hessel Museum of Art、ニューヨーク、2015 ）など。

Venue: Tokyo Wonder Site Shibuya

124

Born in Aachen (Germany) in 1979. Lives and works in Berlin.
Graduated from University of the Arts Berlin, Institute for Spatial
Experiments (Olafur ELIASSON) in 2013. Recent exhibitions:“GASAG Kunstpreis,” Berlinische Galerie, Berlin, 2016, “Roppongi
Art Night 2016 ,” Tokyo, 2016 , “CCK- 4,” Hessel Museum of Art,
New York, 2015.

125

7 trans-phonies

ミルナ・バーミア

バーミアは、世界が意味をなさないと感じたとき、自分にとって慰めとなり、心に平穏をもたらすメロディ

Mirna BAMIEH

を知人にハミングしてもらい、その様子をフィルムに収め、録音しました。また、作曲家の平山晴花に、東京、

海外クリエーター招聘プログラム

カイロ、パレスチナで収集したハミングをもとに作曲

International Creator Residency Programを依頼。それはハミングという行為の超越性を反映す2016.5-7 滞在

るもので、常に災難と隣り合わせにあるこの世界におリギョンは常に、「見えるものを信じる」という信念の不完全性について、光をモチーフとした作品を通じてLigyung

問い続けてきました。レジデンス滞在中は、日本建築をリサーチし、特に伝統的な居住空間と襖の関係に興

海外クリエーター招聘プログラム

味を持ちました。襖に風景を描くことによって外界をInternational Creator Residency Program

室内に取り込むことは、日常空間を崇高な体験の場に

2016.9-11滞在

変化させるリギョンの取り組みに通じ、この経験からいて、隠れ家ともシェルターとも言える曲になりました。

本展で発表したレンチキュラーの作品は生まれました。

Bamieh had a people hum a melody that brings peace

Ligyung is constantly questioning the imperfection of

to the soul and consoles them at moments when theworld seemed to lose meaning for them, and she madefilm and audio recordings of these moments. Bamieh

the assumption that ʻseeing is believingʼ through works
that use light as the central motif. During her TWS
residence, she has researched Japanese architecture, withthen asked composer Hirayama Haruka to compose
music based on recordings of this humming made inTokyo, Cairo and Palestine. This resulted in music thatspecial interest in traditional residential spaces and theirrelationship to f usuma room-dividing papered sliding
panels. The tradition of painting landscapes on the fusuma

reflects the transcendental nature of humming and canbrings the outside world into the everyday interior living

serve as a hide-away or a shelter in this world where
we are living constantly in the shadow of misfortune ordisaster.

space and creates a lofty atmosphere in a way that issimilar to Ligyunʼs work. From this point of departure, shecreated the works in this exhibition using lenticular optics.

《(dis)concert: ハミング・プロジェクト》2017 (dis)concert: a humming project, 2017

《ベル・エポック #04》2017 Belle Epoque #04, 2017

DATA
協力 /Cooperation：Goethe-Institut,
Al Maʼmal Foundation for Contemporary Art

PROFILEPROFILE

1983 年エルサレム生まれ。ラマッラー（パレスチナ）を拠点に活動。2013 年ベツァルエル美術デザイン学院修了。主な展覧会に「ディアスポラ・ナウ！」（岐阜県美術館、2017 〜 2018 ）、「Afterwardsness」（ al Hoash Gallery、エルサレム、2016 ）など。主な活動に「Potato Talks Performance」（Maroc Artist
meeting (MAM 16 ) and Marrakech Biennial、マラケシュ、
2016 ）など。
7 trans-phonies

リギョン

Born in Jerusalem in 1983. Lives and works in Ramallah (Palestine).
Graduated with an MFA from Bezalel Academy for Arts andDesign, Tel Aviv in 2013. Recent exhibitions: “Diaspora Now!,”
The Museum of Fine Arts, Gifu, 2017- 18, “Afterwardsness,” alHoash Gallery, Jerusalem, 2016, “I spy with my little eye,” Mosaic
Rooms and Casa Arabe, London, Madrid, Cordoba, 2015. Recent
activity: “Potato Talks Performance,” Maroc Artist meeting(MAM16) and Marrakech Biennial, 2016.

126

1969年全州（韓国）生まれ。ソウルを拠点に活動。1998年チェル
シー・カレッジ・オブ・アート・アンド・デザイン修了。主な展覧会に「Belle Epoque」（Art Space Ben、ソウル、2017）、「Supernatural」（国立現代美術館、
ソウル、2014 〜 2015）、「逆転移」（銀座メゾンエルメス・フォーラム、東京、2014 ）など。

Born in Jeonju (Korea) in 1969 . Lives and works in Seoul.
Graduated with an MFA from Chelsea College of Art and Designin 1998. Recent exhibitions: “Belle Epoque,” Art Space Ben,
Seoul, 2017, “Supernatural,” National Museum of Modern andContemporary Art, Seoul, 2014-15, “Countertransference,” Ginza
Maison Hermes Le Forum, Tokyo, 2014.

127

7 trans-phonies

ラウル・ワルヒ

ワルヒは、レジデンス滞在中、日本の移民問題や国内にいる抑留者の状況についてリサーチ。拘置所や入Raul WALCH

国管理センターを訪れ、不法滞在者、難民、未成年の外国籍のパスポート保有者といった問題に関わる人々

海外クリエーター招聘プログラムと会い、話を聞き、写真作品を発表しました。またエInternational Creator Residency Program

チオピアのマラソンランナー、アベベ・ビキラを巡り日本、

2015.9-11滞在

エチオピア、ギリシャで制作した作品と、色と形の実

シリン・サバヒ

テヘラン現代美術館の常設作品である原口典之《物質と精神（オイル・プール）》は、1977 年の開館以来、来Shirin SABAHI

館者にとってある種の儀礼の対象となり、親しまれています。サバヒはこの作品を手がかりに、原口のスタ

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

ジオを訪れました。作家へのインタビューはその作品

Berlin-Tokyo Exchange Residency Programを読み解くいわば「借景」のようなもので、庭の構成に

2016.9-11滞在

周囲の風景を取り入れることと同様、原口へのインタ験を施した和紙製の喧嘩凧を展示しました。
During his residency, Walch did research on the issues of

The work M atter and M i nd ( Oi l Pool ) by Haraguchi

immigration and conditions for detainees in Japan. He
visited foreigners in detention facilities and detainees
in the immigration centers and interviewed people

Noriyuki that was installed as a permanent display of the
Tehran Museum of Contemporary Art when it opened in1977 has remained a familiar symbol of the museum for

involved with the issues of illegal (overstay) residents,
refugees and minors possessing foreign passports.
From this research he put together a photographvisitors. Taking this work as a point of departure, Sabahi
visited Haraguchiʼs studio. Her interview with Haraguchi
proved to be a sort of “shakkei” (the borrowed surrounding

exhibit. He also exhibited a work he created in Japan,

landscape that provides the ʻcontextʼ for the creation of

Ethiopia and Greece about the marathon runner Abebe
Bikila and ʻdueling kitesʼ constructed with Japanese
handmade paper as a study in color and form.

a Japanese garden) for understanding Haraguchiʼs work.
And based on this interview, she sought to discover the
background context from which the work was created.

《In The Loneliness of the Long-Distance Runner (Marking Triangles)》2017
In The Loneliness of the Long-Distance Runner (Marking Triangles), 2017《借景》2017 Borrowed Scenery, 2017

PROFILEPROFILE

1980 年フランクフルト生まれ。ベルリンを拠点に活動。2012

年ベルリン芸術大学空間実験研究所（オラファー・エリアソン・クラス）修了。主な展覧会に「Cinema Lada」（アディスアベバ
近代美術館、2015 ）、「Festival of Future Nows」（新ナショナルギャラリー、ベルリン、2014 ）、「Treffpunkte」（ Hebbel am
Ufer、ベルリン、2014 ）など。

7 trans-phonies

ビューを通じて作品の背景を解き明かそうとしました。

Born in Frankfurt in 1980 . Lives and works in Berlin. Graduatedf r o m Uni ve r s i t y o f t h e A r t s B e r lin , In s t i t u t e f o r S p a t i al
Experiments (Olafur ELIASSON) in 2012 . Recent exhibitions:“Cinema Lada,” Modern Art Museum of Addis Ababa, 2015 ,“Festival of Future Nows,” Neue Nationalgalerie, Berlin, 2014 ,“Treffpunkte,” Hebbel am Ufer, Berlin, 2014.

128

1984 年テヘラン生まれ。2009 年マルメ美術アカデミー修了、2016 年 The Mountain School of Arts 卒業。主な展覧会に「Video Playback」（現代写真美術館、シカゴ、2016 ）、「Open
Source」（ Stamford Works、ロンドン、2015 ）、「The Hot

Show」（ Galleri Nicolai Wallner、コペンハーゲン、2015 ）など。

Born in Tehran in 1984 . Graduated with an MFA from Malmo Art
Academy in 2009 and The Mountain School of Arts in 2016 .
Recent exhibitions: “Video Playback,” Museum of Contemporary
P h o to graphy, C hic a go, 2 0 16 , “ Op e n S o urc e , ” S t am f ord
Works, London, 2015 , “The Hot Show,” Galleri Nicolai Wallner,
Copenhagen, 2015.

129

7 trans-phonies

エリック・シュミット

映像作品《Cut/Uncut》では、ビジネス・スーツを着たシュミットが東京の街を目的もなく歩き、立ち食い蕎Erik SCHMIDT

麦屋に入ったり、パチンコをしたりしています。そして日本の伝統的な室内で、シュミットはスーツを切り裂き、

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉

着物のような形の服へ変容させ、今度は都市ではなくBerlin-Tokyo Exchange Residency Program

自然の中を彷徨います。環境や文化に順応する一方で、2015.5-7 滞在

違和感や疎外感を覚えながら日常生活を送る姿は、作DATA
協力 /Cooperation：Goethe-Institut

ホウ・イーティン《White uniform》は、こどものお弁当作りなど日本の女性が家庭の中で日常的に行っていることに着想

HOU I-Tingを得た映像作品です。日常の行為をアートに転換することで、労働をとおした制作活動と日々の活動の関二国間交流事業プログラム〈台北〉係について考察しています。今回は台湾の駅弁工場

Taipei-Tokyo Exchange Residency Programを取材し、日本と台湾の個人史、労働者の集団的記憶、

2016.1-3 滞在

そしてこの日の駅弁の製造過程を追ったドキュメン

家自身が体験した東京での生活を反映しています。

タリーとして作品を制作しました。

In the video work Cut/Uncut, Schmidt walked aimlessly

The idea for Houʼs video work W hite uni f or m camearound Tok yo in a busine ss suit , doing things likestopping to eat at a stand-up buckwheat noodle shop
or playing pachinko. Then, in a traditional Japanesefrom the daily tasks that Japanese women perform in
the home, such as making box lunches for their children.
By transforming daily actions like this into art, the laborroom, he cut up the suit and made a costume resembling
the Japanese kimono. Wearing this, instead of the city,
he roamed in nature in the countryside. In addition to

involved in the creatorʼs activities provides insights
about its relationship to daily life. This time, Hou visiteda Taiwanese train station box lunch factory to create agetting accustomed to the environment and culture in

DATA

these ways, the sense of discomfort and estrangement
he experienced were also direct reflections of the artistʼslife in Tokyo.

協力 /Cooperation：Department of Cultural Affairs,
Taipei City Government /documentary work that explored the personal histories
of people in Japan and Taiwan and uncover collective
memories of the two countriesʼ worker groups, and record
the process by which that dayʼs lunch box was produced.

Taiwan Railways Administration《Cut/Uncut》2016 Cut/Uncut, 2016

PROFILEPROFILE

1968 年ヘルフォルト（ドイツ）生まれ。ベルリンを拠点に活動。

2000 年ベルリン芸術大学修了。主な展覧会に「Rays aroundyou, carlier」（ gebauer、ベルリン、2016 ）、「Cut/Uncut」（ Galerie Krinzinger、ウィーン、2016 ）、「IN SITU」（ JasonMccoy Gallery、ニューヨーク、2015 ）など。

7 trans-phonies《White uniform》2017 White uniform, 2017

Born in Herford (Germany) in 1968. Lives and works in Berlin.
Graduated from University of the Arts Berlin in 2000. Recent
exhibitions: “Rays around you, carlier,” gebauer, Berlin, 2016, “Cut/
Uncut,” Galerie Krinzinger, Vienna, 2016, “IN SITU,” Jason Mccoy
Gallery, New York, 2015.

130

1979 年高雄（台湾）生まれ。台北を拠点に活動。2008 年国Born in Kaohsiung (Taiwan) in 1979. Lives and works in Taipei.
Graduated from Tainan National University of the Arts in 2008.
Recent exhibitions: “Meet Taiwan Contemporary Art at Twin
Oaks,” Twin Oaks Estate, Washington D.C., 2018 , “Citation From
Craft-Contemporary Textile Art,” 21st Century Museum ofContemporary Art, Kanazawa, 2017, “Faint Light, Dark Shadows,”
Taipei Fine Arts Museum, 2017.

立台南芸術大学大学院 修了。主な展覧会に「Meet Taiwan
Contemporary Art at Twin Oaks」（ Twin Oaks Estate、ワシントンD.C.、2018 ）、「テキスタイルアートへのいざない」（金沢
21世紀美術館、2017 ）、「Faint Light, Dark Shadows」（台北市
立美術館、2017 ）など。

131

7 trans-phonies

OPEN SITE 2017-2018
キム・ウジン KIM Woojin

Part 1 : 2017.10.14-11.26

長谷川 新 HASEGAWA Arata

Part 2: 2017.12.9-2018.1.28

リ＝コンバート・プロジェクト reConvert project

キム・ウジン

アジア各地で行われている集団体操をリサーチし、現代のアジア諸国に依然として影響を与える近代化に

KIM Woojin

ついて考察するプロジェクト。日本、韓国、台湾で集めた集団体操にまつわる身体化された記憶を巡る映ブレイブ・ニュー・エクササイズ：
記憶された運動像作品のほか、書籍やインターネットの情報を参照して描いたドローイングを展示しました。アーティスト・
トークでは、作家が社会問題をどのように認識し、作Brave New Exercise:
Memorized Movements

品制作に結び付けているのかを参加者と共有しました。

会期：2017.10.14-11.26

クリスチャン・ディンカー Christian DIMPKER

Kim did a research project on group exercising, which is

黒田大祐 KURODA Daisukecommonplace around Asia, in order to think about themodernization process that continues to be a relevant
issue in Asian countries today. Video works that explore

イップ・ユック＝ユー IP Yuk-Yiu
マージナル・コンソート Marginal Consort

the group exercises of Japan, Korea and Taiwan thatare embedded in the collective physical memory, as
well as graphic works made based on printed books
and the internet were shown. In the Artist Talk, there

DATA

世界に開かれた、新たな表現を探る場

was discussion on how Kim views social issues, andintegrates them into her creative process.

関連イベント：11.25 アーティスト・トーク

ジャンルに囚われない新しい表現を展開する場として 2016 年度より開始した「OPEN「キュレーションの方法学」

SITE」。2 回目となる今回は、初回の応募数を超える合計 283 件が国内外から集まりました。
書類審査と面接審査を経て選出された展示 4 企画とパフォーマンス 3 企画に、トーキョー
アーツアンドスペース（ TOKAS ）が推奨する 1 企画を加え、7 企画 * を 2 会期にわたり実施しました。展覧会の構造そのものを考察したキュレーション企画や、アーティストによるセルフプロデュース企画のほか、現代音楽を多角的に解釈した海外ミュージシャンによる公演企画など、TOKAS だからこそ実現可能な、多様性に満ちたプログラムを提供しました。
* パフォーマンスの 1 企画は企画者の都合により中止となりました。

A Place Open to the World, for Seeking New Expression“OPEN SITE” was started in 2016 to provide opportunities for new expression from all
genres. In its second holding, OPEN SITE gathered more applications, with 283 in all, both
domestic and foreign. With four exhibition projects and three performance works, chosen
by document application screening and interview, as well as one work recommended
by the Tokyo Arts and Space (TOKAS), seven projects* were presented in two separate
periods. The program featured such varied works as a curatorial project reflecting on the
structure of an exhibition and a multidirectional interpretation of contemporary music,
with diversity only TOKAS could realize.
* One of the performance projects was canceled by the participants due to unavoidable circumstances.

上：《記憶された運動》2015-2017 top: Memorized Movements, 2015-2017
下：《ブレイブ・ニュー・エクササイズの記憶》2015-2017 bottom: Memories of Brave New Exercise, 2015-2017

DATA
会場：トーキョーアーツアンドスペース本郷 審査員：遠藤水城（キュレーター）、畠中 実（NTT インターコミュニケーション・

センター[ICC]主任学芸員）、三輪眞弘（作曲家、メディア・アーティスト、情報科学芸術大学院大学[IAMAS]学長）、近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター） 後援：ブリティッシュ・カウンシル、セルバンテス文化センター、
駐日韓国大使館 韓国文化院
Venue: Tokyo Arts and Space Hongo Jury Members: ENDO Mizuki (Curator), HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT
InterCommunication Center [ICC]), MIWA Masahiro (Composer, Media Artist / Professor, Institute of Advanced Media Arts
and Sciences), KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space) Support: British Council, Instituto Cervantes Tokio,
Korean Cultural Center Korean Embassy in Japan132

155 - 159 頁に審査員によるレビューを収録しています。
See pages 17 1 to 174 forreviews by jury members.

PROFILE
1976 年韓国生まれ。2012 年ロンドン大学ゴールドスミス・カレ

ッジMFA 修了。主な展覧会に「Hidden Frame」（城南アートセ
ンター・キューブ美術館、韓国、2016 ）、「黄金町バザール 2015
―まちとともにあるアート」（神奈川）、「Created Space」（DSA
Gallery、ダニーデン、ニュージーランド、2014 ）など。

Born in Korea in 1976. Graduated with an MFA from Goldsmiths,
University of London in 2012. Recent exhibitions: “Hidden
Frame,” Seongnam Art Center Cube Art Museum, Korea, 2016,“Koganecho Bazaar 2015 ―Art Together with the Town―,”
Kanagawa, 2015, “Created Space,” DSA Gallery, Dunedin, New
Zealand, 2014.

133

OPEN SITE 2017-2018: Part 1

長谷川 新長谷川は、哲学者エスポジトが「免疫」によって説明している概念を展覧会に援用し、自分たちの固有性や純HASEGAWA Arata粋性を守ろうとする反面、いかなるものも「不純物」として免疫システムに抵触し得ることを提示しました。現

不純物と免疫代社会における共生のあり方を考えるために、6名の作

Impurity / Immunity

家を取りあげ、両義的な意味を持つ作品や展示構造そ

会期：2017.10.14-11.26のものに緊張関係を持たせる展示を展開。カタログやオーディオ・ガイドを作成、イベントも多数開催しました。

DATA
参加作家：大和田 俊、佐々木 健、谷中佑輔、仲本拡史、百頭たけし、迎 英里子
協賛：アイ・オー・データ機器、ERIKA MATSUSHIMA、gigei 10
協力： 青山|目黒、スタジオ常世、This and That、tochka | 特火点、PARADISE AIR 関連イベント：10.14 谷中佑輔パフォーマンス、迎 英
里子パフォーマンス、キュレーターによるガイドツアー／トーク、10.15
谷中佑輔パフォーマンス、迎 英里子パフォーマンス、10. 21 Curatorial
Conversation #1 ゲスト：成相 肇（東京ステーションギャラリー学芸員）、
11 . 3 Lecture # 1 ゲスト：加藤有佳織（北米文学、慶應義塾大学助教）、
11 .11 Curatorial Conversation # 2 ゲスト：副田一穂（愛知県美術館学芸員）、11 .25 迎 英里子パフォーマンス、Lecture #2 ゲスト：木村周平（文化人類学、筑波大学助教）、11.26 迎 英里子パフォーマンス

リ＝コンバート・
プロジェクト

打楽器の可能性を追求するスペイン出身のデュオによる公 演。彼らと同世 代の作曲家による打楽 器のための演奏曲を披露しました。暗闇の中、スネア
ドラムを叩く音に合わせ強力な光を発する「Ritual

reConvert project

I::Commitment::BiiM」から始まり、映像と完全にシンクロして奏でる「Hello」、さまざまな道具を用いて

reC_TECH

ヴィブラフォンから新しい音を出す「oOo」など、創公演日：2017.10.27&28 19:15開演

造性あふれるパフォーマンスを繰り広げました。

Hasegawa took philosopher Roberto Espositoʼs concept

A performance was given by the Spanish duo thatof “Immunity” as the theme of his exhibition, whichassumes that while trying to protect our individuality
or our purity as a group, we are capable of deeming

explores the potentials of percussion instruments. The
percussion pieces were written by composers of theirsame generation. The works that were involved included

all things “impure” and foreign to our immune systems.
He selected six artists in order to explore the idea of
coexistence in the modern age, selecting works withdual meanings as well as creating tension by means of
the structure of the exhibition itself. Catalogues andaudio guides were made for the exhibition, and several
events were held as well.

DATA
出演：ロベルト・マケダ、ヴィクター・バルセロ 制作協

Ritual I::Commitment::BiiM, accompanied by bright
light that shines with the sound of the snare drum; Hello,
which is synchronized with a visual piece and oOo,

OTTANDER)、Table Talk (Andreas E. FRANK)、
Crayons (Víctor BARCELÓ)、oOo (Jorge SÁNCHEZ-

make new sounds, all for a very creative performance.

力 : Instituto Cervantes Tokio 演奏曲目（作曲家）：
Ritual I :: Commitment :: BiiM (Jessie MARINO)、
Hello (Alexander SCHUBERT)、Lazer Hook (Niklas

where the vibraphone is played using various objects to

CHIONG)《ブレイブ・ニュー・エクササイズの記憶》2015-2017 Memories of Brave New Exercise, 2015-2017《記憶された運動》2015-2017 Memorized Movements, 2015-2017

PROFILEPROFILE

インディペンデント・キュレーター。1988 年生まれ。京都大学

総合人間学部卒業。主な企画に「クロニクル、クロニクル！」（ク
リエイティブセンター大阪、2016 - 2017 ）、「パレ・ド・キョート/
現実のたてる音」（ ARTZONE、京都、2015 ）、「無人島にて―「80年代」の彫刻 / 立体 / インスタレーション」（京都造形芸術大学
ギャルリ・オーブ、2014 ）など。松戸市のアーティスト・イン・レ
ジデンス「PARADISE AIR」2017 年度ゲストキュレーター。
OPEN SITE 2017-2018: Part 1

Independent curator. Born in 1988. Graduated with a BA in
Social Anthropologies from Kyoto University. Recent curated
exhibitions: “Chronicle, Chronicle!,” Creative Center Osaka, 20162017, “PALAIS DE KYOTO- NOTHING BUT SOUNDS,” ARTZONE,
Kyoto, 2015, “On The Desert Islands: Sculptures, 3D-Works andInstallations in the 1980 s,” Kyoto University of Art and Design,
Galerie Aube, 2014. Guest curator of PARADISE AIR (Matsudo,
Chiba, 2017).

134

INTERVIEW

P.28-33

スペイン出身のロベルト・マケダとヴィクター・バルセロによるデュオ。自らが求めるステージを自問しながら、パフォーマンス、音 楽、
エレクトロニクス、映像などを融合したライブを行う。

reConvert, Roberto MAQUEDA and Víctor BARCELÓ, is a groupcoming from the tradition of percussion and arriving to thepost-percussion scene. Their concerts mix performance, music,
electronic, video; asking ourselves what we would like to see ona stage.

135

OPEN SITE 2017-2018: Part 1

クリスチャン・ディンカー

世界初演の「ヴァーレンヴィルトシャフト」は、音楽劇
やサウンド・アート、メディア・アートといったジャンル

Christian DIMPKERを超越した作品です。生活家電を「楽器」として用い、
ラジオ・インスタレーションや別室で行われたパフォー

ヴァーレンヴィルトシャフト
Warenwirtschaft
公演日：2017.11.17&18 19:15開演

黒田大祐

彫刻家・橋本平八を長年研究している黒田は、自身と橋本の間の彫刻史の空白を「不在」（あるはずなのに

KURODA Daisuke

無い歴史）とし、橋本の作品や近代日本彫刻史における特異性へのリサーチから生まれた映像作品と立体

マンス映像に電子音響処理を施して演奏しました。電

不在の彫刻史子音響作品「シンセシス」は、スピーカーで音が拡散さ

The Absent History of Sculptureに設置された作品《風》は、その空白を可視化したもれる作品。両作品とも、楽譜を通じて視覚的な鑑賞を

会期：2017.12.9-2018.1.28

ので、戦前／戦後のそれぞれの時間を生きる作家同作品による展示を行いました。なかでも、展示室中央可能にするという、記譜に対する考察を表現しました。

士をつなぐ「不在」を明示しました。

DATA

Dimpkerʼs N. 21 Warenwirtschaft, which had its world

Kuroda has studied the sculptor Hashimoto Heihachi for

出演：ロベルト・シュヴァルツ（サウンド・ディレクション）、

premiere here, transcends the boundaries of media art,
sound art and music theater. In this work, a percussionist
plays common devices, but also a tam-tam, a radio

years, and for this exhibition he displayed video works
and 3-dimensional works that emerged from this research,focusing on the time gap̶which he calls “absence”̶in the

installation is set up and a performance transmitted froman external room to a TV on stage. Additionally, a sounddirector transforms the sounds electronically. Moreover,history of sculpture between his and Hashimotoʼs work andhis study of the unique life and work of Hashimoto in thecontext of modern Japanese sculpture. In this exhibition, he

野尻小矢佳（打楽器） 協力：JaDe Foundation、Innogy
Foundation 演奏曲目（作曲家）：N. 10 Sýnthesis: Forring and amplitude modulated oscillators (Christian
DIMPKER)、FSK (Robert SCHWARZ)、PLW (Robert
SCHWARZ)、N. 21 Warenwirtschaft: For 2 -3 players,
inf ormation and communic ation technology,

consumer electronics, home appliances, household
items, microphones, loudspeakers, harmonicas andtam-tams (Christian DIMPKER)

the electroacoustic piece N. 10 Synthesis was diffused

DATA

through loudspeakers. Both pieces outline Dimpkerʼsabsolute focus on notation as all elements of both works
can be accessed visually through musical scores.

関連イベント：12.10 トーク・イベント1「橋本平八について」
ゲスト：加治屋健司（美術史家） 1 .28 トーク・イベント2

positioned in the center of the space a large-scale sculpture
titled Wind, an installation that gives visual representation
to this historical gap and serves to connect the two
sculptors and their times before and after World War II.

「黒田大祐によるアーティスト・トーク」《風》2017 Wind, 2017

PROFILEPROFILE

作曲家、音楽理論家。1982 年ハンブルク（ドイツ）生まれ。ベルリン在住。2013 年プリマス大学（イギリス）にて音楽学・作曲理論における博士号取得。主な著書に『Extended Notation（拡張記譜法）：The Depiction of the Unconventional（非定型的な描写）』（ LIT Verlag 出版社）。

OPEN SITE 2017-2018: Part 1

Composer and music theorist. Born in Hamburg (Germany) in
1982. Lives and works in Berlin. Earned his PhD in Musicology/
Composition in University of Plymouth in 2013. Recent publication:
Extended Notation: The Depiction of the Unconventional, LIT
Verlag publishers.

136

1982年京都府生まれ。2013年広島市立大学大学院芸術学研
究科総合造形芸術専攻彫刻領域修了。主な展覧会に「まちとsynergism『ハイパーゴースト』（」アートラボあいち長者町、
2017）
「西
、
をむいている 東にかたむいている」（高松市中央卸売市場、2017）、「東アジア文化都市2016古都祝奈良ならまちアートプロジェクト『地風』」（東城戸町会所、奈良）、「瀬戸内国際芸術祭 2016『チョウジガマズミについて』」（小豆島、香川）など。チームやめよう主宰。

Born in Kyoto in 1982. Earned his PhD in Fine Arts and Art Theory
from Hiroshima City University in 2013. Recent exhibitions: “Townand synergism ʻHyper Ghost,ʼ” Art Lab Aichi Chojamachi, 2017, “Facing
west, Leaning to the east,” Takamatsu City Central Wholesale
Market, 2017, “Culture City of East Asia 2016 Naramachi Art Projectʻwind in the ground,ʼ” Higashijodo-cho Kaisho, Nara, “Setouchi
Triennale 2016 ʻCyou-ji Gamazumi (Viburnum carlesii var. bitchiuense)
Project,ʼ” Shodoshima, Kagawa. Supervision: Team Yameyo.

137

OPEN SITE 2017-2018: Part 2

イップ・ユック＝ユー

近年、単なる娯楽だけではなく、アートの素材としても注目されているビデオゲームを、さまざまな角度かIP Yuk-Yiu

ら解釈、展開し、スクリーン（映像）とゲーム実践を融合した表現方法を探究する4 人の香港のアーティス

マージナル・コンソート

20年にわたり活動している集団即興プロジェクト、マー
ジナル・コンソート。4名の演奏者が四隅に置かれたMarginal Consort

テーブルで、既成の楽器のほか、日常品や手作りの楽器、
エレクトロニクスなどを使って即興的に音を生み出し、

PLAY.GROUND:
香港のビデオゲームアートの展望

トによる作品を紹介しました。自身の記憶や経験を〈TOKAS 推奨企画〉

ゲーム世界に構築した作品や、市販されている有名

会期：2018.1.27 18:30開演

PLAY.GROUND:
video game art from Hong Kong

なゲームをハッキングして制作されたマシニマなど、演者の近くや会場の中央など、場所によって音の聞こゲームがもつメディアとしての可能性を提示しました。

え方や体感の違いを体験しました。

In recent years, increasing attention is focused on video

Marginal Consort is a group improvisational project that hasgames not only as entertainment but as subjects or
media for art. Introduced here were works by four Hong
Kong artists who approach video games from varied

been continuing for 20 years. The four performers set tablesin the four corners of the performance room on which they
set their musical instruments as well as household items,

perspectives with new interpretations and different
forms of development in pur suit of new means ofexpression that unite the screen and the game in action.

their handmade musical instruments and electronics tomake improvisational sound with. Taking turns, they filled
the room with unique worlds of sound. During the 3-hour-

By working aspects of their personal experience into thelong performance, the members of the audience were free

それぞれが交錯してひとつの空間を埋め尽くしました。
3時間におよぶ演奏の間、観客は会場内を自由に移動し、会期：2017.12.9-2018.1.28

DATA
参加作家：フイ・ワイ＝キョン、アラン・クワン、エドウィン・
ロウ、イップ・ユック＝ユー 助成：Arts Development
Fund of the Home Affairs Bureau、the Governmentof the Hong Kong Special Administrative Region、
New Action Express Scheme、Hong Kong Arts
Centre 謝辞：word and sentence、WARE

gameʼs world or hacking into famous commercialized
g am e s to c re a te n ew m a c hinim a , t h ey s h ow n ew
possibilities of games as a media.

関連イベント：1.20 アーティスト・トーク

PROFILEター。1974 年生まれ。1998 年マサチューセッツ芸術大学芸術修士修了。香港城市大学クリエイティブメディア学部准教授。
近年は、コンピューターと現代メディアアートに基づき、映画様

OPEN SITE 2017-2018: Part 2

出演者：今井和雄、越川 T、椎 啓、多田正美

PROFILE

映像作家、メディア・アーティスト、インディペンデント・キュレー

式と実験的ビデオゲームを融合させた作品を制作している。

to move around the room and experience the changes in
how the sound sounded and felt in different places, such asnear the performers or in the middle of the room, etc.

DATA

Filmmaker, media artist, independent curator. Born in 1974.
Graduated with an MFA from Massachusetts College of Art in
1998. Associate professor at School of Creative media, City
University of Hong Kong. IP Yuk-Yiuʼs recent works explore
hybrid forms of cinema and experimental video game that are
informed by computational media and contemporary media art
practices.

138

1997 年結成。集団即興のためのプロジェクト。小杉武久音楽教場出身の異なるバックグラウンドのメンバー（今井和雄、越川T、
椎啓、多田正美）が、「音」と「音楽」の境界でさまざまな素材を鳴らし、空間的・時間的に展開する。近年ヨーロッパをはじめ国際的に活躍している。

Marginal Consort is a project for group improvisation started
from 1997. The members (IMAI Kazuo, KOSHIKAWA T, SHII Kei
and TADA Masami) from different backgrounds got to knoweach other at KOSUGI Takehisa's workshop. They produce
sonic phenomena that develops spatially and temporally using
anything available, whether instruments or objects.

139

OPEN SITE 2017-2018: Part 2

教育普及事業

1

2

3

4

5

6

Educational Programs andArts Promotion

参加型プログラムによる創造現場の共有
トーキョーアーツアンドスペース（ TOKAS ）は、創造の喜びを年齢問わず共有できるワー
クショップや講座などによる教育プログラムをはじめ、幅広い観客への普及を目的とした展覧会関連イベントや小展示、年間に実施したプログラムを収録する事業報告書（アニュアル）を発行する出版事業などを行っています。2017 年度は、トーキョーワンダーサイト
アートカフェ 24/7 coffee & roaster での展示やトーキョーワンダーサイト渋谷のクロー
ジング・イベント、トーキョーワンダーサイトレジデンスや TOKAS 本郷でのワークショッ
プを実施。TOKAS のネットワークや地域性を生かした活動をとおして、より多くの人々との創造の現場の共有を試みています。

1：TWS 渋谷クロージング・イベント TWS Shibuya Closing Event 2：Thaw
3、4：夏のこどもワークショップ Summer Kids Workshop

Participation Type Programs for Sharing Creative Space5、6：ワンダーシード2018関連企画ワークショップ WONDER SEEDS 2018 Workshop

In order to spread awareness among a larger audience of the educational programs
conducted by Tokyo Art and Space (TOKAS), such as workshops and seminars aimed atsharing the joys of creative work with people of all ages, we engage in activities such as
events related to exhibitions, presenting small exhibits and publishing a report (Annual)
recording the yearʼs programs. In 2017, we held exhibits at Tokyo Wonder Site Art Cafe
24 / 7 coffee & roaster, organized events for the closing of Tokyo Wonder Site Shibuya
and held workshops at Tokyo Wonder Site Residency and TOKAS Hongo. Through the
TOKAS network and activities with the local communities, we attempt to share thecreative workplace with a greater number of people.

140

教育普及事業の各プログラムの詳細は以下を参照ください。
「TWS
渋谷クロージング・イベント」50 -51 頁、「Thaw」52-53 頁、「ワ

For details about the Educational Programs and Arts Promotion,refer to the following pages. “TWS Shibuya Closing Event”: pp.
50 - 51; “Thaw”: pp. 52 - 53; “WONDER SEEDS 2018 Workshops”:
pp. 56 - 57, “Summer Kids Workshop”: pp. 142 - 143.

ンダーシード2018関連ワークショップ」56 - 57 頁、「夏のこどもワークショップ」142 - 143 頁。

141

Educational Programs and Arts Promotion

夏のこどもワークショップ
Summer Kids Workshop

青くて青く、青い青い、山と川のみえる、
ふしぎなまちをつくろう
Paramodel Workshop

中野裕介／パラモデル NAKANO Yusuke / Paramodel2017.8.20① 10:00-12:30② 14:30-17:00

鉄道玩具「プラレール」を使ったインスタレーションや、絵画、立体などさまざまな作品を制作するアートユニット・パラモデルの中野裕介を講師に迎え、夏のこどもワークショップを開催しました。トーキョーワンダーサイトレジデンスがある墨田区で生まれた絵師・葛飾北斎の藍絵や青を用いた美術作品について学んだ後、第 1 部「えがく時間」では青い画材を使ったドローイングを、第 2 部「つくる時間」では青い素材を用いた立体物を制作。スタジオ全体に制作した絵画や立体物を並べ、山と川の見える町に見立てました。アーティストとの交流を通じて創作の楽しさを経験したこども達。そのアイデアにあふれた不思議な町は、ワー
クショップ終了後も展示しました。
A Summer Kids Workshop was held instructed by Nakano Yusuke of “Paramodel,” anart unit that creates a variety of works, from installations using the railroad toy series
Plarail to paintings and sculptures and the like. After learning about the artist Katsushika
Hokusai, who was born in the same Sumida-ku area where Tokyo Wonder Site Residency
is located and became famous for his ukiyo-e prints and paintings using blue pigment,a “Drawing Time” session was held where the children made drawings with the color

blue. Then came a “Making Time” session where they used blue materials to build
3 -dimensional objects. Then, the paintings and objects were lined up in the image of a
town with a view of a mountain and a river. Through this interaction with the artist, thechildren experienced the joy of creating things. That town full of their creative ideas
stayed on display after the workshop ended.

中野裕介／パラモデル

NAKANO Yusuke / Paramodel

DATA

1976年大阪府生まれ。大阪と京都を拠点に活動。2002年京都市立芸術大学大学院美術研究科絵画専攻日本画修了。2003年
より、林泰彦と共にアート・ユニット「パラモデル」として活動。京Born in Osaka in 1976. Lives and works in Osaka and Kyoto.
Graduated with an MFA in Japanese Painting from Kyoto City
University of Arts. Started art unit ʻparamodelʼ with HAYASHI
Yasuhiko in 2003. Recent exhibitions: “para-modeling / Chimerical
Scheme of Paramodellia: paramodel,” Ginza Maison Hermes,
Tokyo, 2013, “the world according to paramodel,” Otani Memorial
Art Museum, Nishinomiya, Hyogo, 2010, “Diorama of the City:
Between Site & Space,” TWS Shibuya, 2008.

都精華大学芸術学部特任准教授。主な展覧会に「パラの模型／
ぼくらの空中楼閣」（銀座メゾンエルメス、東京、2013）、「パラモデ

会場：トーキョーワンダーサイトレジデンス
Venue: Tokyo Wonder Site Residency

ルの世界はプラモデル」（西宮市大谷記念美術館、兵庫、2010）「、都市のディオラマ：Between Site & Space」（ TWS渋谷、2008 ）
。

142

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Summer Kids Workshop

TOKAS ANNUAL REPORT 2017

PART 3

REVIEWS
レビュー

TWS-Emerging 2017
渋谷自在―無限、あるいは自己の領域
Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory

トーキョーワンダーサイト レジデンス 2016-2017
TWS Creator-in-Residence 2016-2017

C/Sensor-ed Scape
7 つのトランスフォニー
7 trans-phonies

OPEN SITE 2017-2018

144

145

かつて、ニーチェは「力への意志」において、世界には絶対的な意志は存在せず、すべて個別のものが主張し、せめぎ合い、その多様な関係性があるだけだと説いた。こういったニーチェの思考を、黒田の作品に重ね合わせて見たくなる。

レビュー：TWS-Emerging 2017

P. 38

神 祥子「まばたき ／ あらわれ」
絵画、映像から、塗り絵のコーナーまで、多様な形式で構成された神祥子の展示は、批評することの難しさを痛感させられる内容であった。オープニング・トークの際、初めて作品を目にした筆者は、鑑賞の糸口になりそうな鏡などのモチーフを幾つか見出だすのが精一杯で、展示について語ることはできなかった。それは、決して表現
第1期

平野 到（埼玉県立近代美術館 学芸員）

形式が多様であるからではない。作者が触れようとしているものが、語ることが不可能な、極めて感性的な世界であるからに他ならない。しかし、作者の制作に対する志向は決して感覚的に散漫なわけではなく、むしろある関黒石美奈子「静かなのにうるさい」

心事に収斂しているように思えた。
その関心事をあえて言葉にするならば、視覚、知覚、記憶を巡る境界のようなものではなかろうか。それは、「ま

黒石美奈子は腐蝕銅版画の作家である。腐蝕銅版画は、銅板を化学的に腐刻し、物理的な力でプレス機にかけ

ばたき／あらわれ」という展覧会名や、映像を用いてまばたきを主題にした作品からも推察できる。例えば、まばることによって、はじめてイメージが生成される。描画が即時に確認できる油彩画などの絵画とは異なり、最終的

たきは見ているものを一旦、遮断するが、見ていたものは残像として断片的に持続する。視覚を巡る「見える／見な表現を得るためには多くの労力がかかる。だが、時間を要する繊細な作業に従事する過程があるからこそ、意えない／見る／見ない」の境界は不確定であり、鑑賞の状況や個人によっても差異がある。境界の不確定な揺ら識的にせよ、無意識的にせよ、作り手の様々な夢想が作品に投影されていくのが銅版画なのだ。19 世紀半ばに腐ぎは知覚や記憶に関しても常に生じており、イメージのあらわれや消失はこれらの境界の揺らぎの過程で起きるのだ。

蝕銅版画の復興を唱えたボードレールが、その特質について、芸術家の最も内密な個人的性格が現れると指摘し不確定な境界への関心は、部分的な塗り残しを取り入れた神の絵画からも読み取れる。視野に入るすべてのものは眼に映ってはいても、人はその一部しか見ていない。受動的に「見えている」世界と意識的に「見る」世界はた点も、同様の見地からに他ならない。
黒石の作品は決して奇を衒ったものではなく、こういった銅版画の根源的な特質を引き出そうとしている。描かれているものは、自画像を連想させる人物であったり、日常の風景や事物だったりするのだが、しばしば苔や微生

異なり、両者の境界は揺れ動く。描かれた部分と塗り残され部分で構成された絵画は、こういった意識の流れを象徴的に示しているかのようだ。

P. 39

物のような有機的イメージがそのモチーフを覆いつくす。内密で個人的な物語性を感じさせる一方、有機的イメー
ジが刻印された画面からは、腐刻、傷痕された銅板の物質性が生理的に強く喚起される。イメージの内向性とメディアの即物的な物質性とのアンビバレントな相互作用に、作者の興味が向かっていることを窺わせる。それは作者による逆説的な展覧会名「静かなのにうるさい」にも繋がっているし、また銅版画を単なる心象的なイメージ
として眺めるだけでなく、手に取って、物体として鑑賞させる展示の試みにも通じていたといえる。
こういった逆説性を、黒石が今後どう自覚的に展開していくかが楽しみである。

P. 37

第 2 期 中野仁詞（公益財団法人神奈川芸術文化財団／ヨコハマトリエンナーレ 2017 キュレーター）

山内祥太「恐怖の回り道」
山内祥太は、1945 年のアメリカ映画でエドガー・G・ウルマー監督による『恐怖のまわり道』（原題 : Detour ）と黒田恭章「contextile」

いう作品に着想を得て、同名の映像作品（映像インスタレーション、20 分）を今回発表した。映画では、車が前進するシーンにクロマキー（映像の合成）が使われている。この映画で山内は、車に乗った役者の演技と背景で車が構築的に展開された、黒田恭章の連作を鑑賞する際、ソル・ルウィットなどのコンセプチュアル・アートとの比動いているように見せる屋外のシーンの合成が、「早く恋人に会いたい」という役者の心象を鮮明に表していると較を思いつく人もいるであろう。確かに、グリッド状に紡がれたテキスタイル作品の色糸の配列は、主観的ではな考えた。山内の作品制作のテーマは、「本物とは何か」である。
「本物」の対義は「偽物」か。山内の命題だ。真とく、作者がルールを定め機械的に決定されている。条件を設定し、ヴァリエイションと展開のプロセスを提示して偽と二局の対峙することはなく、もっと複雑で単純ではないと山内は考える。今回の展示は、約 40 平米の展示室

いる点では、黒田の作品はコンセプチュアル・アートの系譜に位置づけられるかもしれない。しかし、両者には決に二つのスクリーンを配置している。登場人物は、山内本人と友人だ。ともにプロの俳優ではないがゆえに演技定的な相違があり、そこに作家の独自性を読み取るべきであろう。

がユーモラスであり返って、映像の中という偽の世界を新鮮に表しているように感じられる。山内と友人が車を運では、その独自性は何か。黒田は、草木で絹糸を染め、それを手織りする工程をすべて自ら行う。仕上がりが驚転しながらドラマが展開する。東急線の線路の上を、山内が運転する車が進んでいるシーンもあり、ここでも映像

くほど完璧であるため、結果として人為的痕跡を全く感じさせない表情になる。手仕事を重視しないコンセプチュ

ならではである、ありえない光景が展開する。二つのスクリーンに、山内らの演技という実際の肉体によるシーン、

アル・アートとは全く異なる、アルチザン的欲望が制作の根底に潜在しているのだ。個々の作品が放つ近寄りが合成される背景、そして3Dで作られた人工の世界という3つの要素が組み合わされている。

たいクールな品格も、実は黒田の完璧な「手」を介して生まれてくるのである。

最後に、住宅街の道をカメラが進み何の変哲もない日常の光景が映し出される。この映像が行き着くところ。それは、もうひとつの独自性は、黒田が芸術をこえる哲学的な問いを設定している点だ。織物（ textile ）／言語（ text ）／山内らが乗っていたガレージに納められた車である。20 分という時間のなかで映像に映し出された山内の世界。

文脈（ context ）の語源の共通性に着眼する黒田は、言語が綴られ世界の文脈が語られるように、織られた糸と糸しかし、移動する車のなかで展開した世界は、実は車庫から全く動いていない車の中で繰り広げられていたというの関係のなかに世界の構造をなぞらえる。作品を構成する個々の糸にはヒエラルキーはなく、自／他や主／従とことになる。ここに山内のテーマ「真と偽」の対峙が見て取れる。実際には山内は、車が運転できな

いった二元論的関係もない。作品は一本一本の色糸が表現（主張）するものと、それらの関係性だけで成立するいという事実も、彼のテーマがこの作品のなかで効いているのだ。

P. 40

わけだが、そこに黒田は世界を解釈する糸口を見出そうとする。
REVIEW: TWS-Emerging 2017

146

147

REVIEW: TWS-Emerging 2017

すとおり、樹木も草、電柱、門扉も日常的な色彩が再現されるのではなく、色面を自立的に成立させる。

伊藤夏実「動くものと動かないものとの境界も、力の中心も、無数にあるのではないか。
」
哲学のアリストテレスと天文学、数学のプトレマイオスという巨星が提唱した天動説。地球は宇宙の中心で静このように風景は三次元の実在空間の二次元平面への色彩による写像ではもとよりなく、自立した色彩相互の響宴を成立させる口実である。猫が添景として機能して私たちの目を優しく引きつけるように、ここには色彩の象徴主義が成立している。

止しており、全ての天体が地球の周りを公転しているとする説で、人間を中心として世界が動いているというもの

色彩の象徴主義とは、この風景画はエルスワース・ケリーやゲルハルト・リヒターが試みたカラー・チャート絵だ。伊藤夏実は、この壮大かつ重厚な天動説をテーマとしている。彼女が名付けた展覧会のタイトル「動くもの画の変奏でもあるという意味だ。両者のストイックな色面マトリックスは、ルービック・キューブの色面を完全展と動かないものとの境界も、力の中心も無数にあるのではないか。
」彼女が本展に先がけ記した展示のコンセプト。

開したかのように各色面の磁場を等価に分散させている。しかし、この魅力を堪能できるのは、絵画論に通じた

ここには、大地の上方を空が滑り、動くものと動かないものの相対から導かれる「運動」が天動説をもとに示されわずかな美術通のみである。もし、渡部仁美の水辺や路上や街並に偽装した色面が、キューブの色面を平面上でている。その動かざる大地にいるわれわれ人間は、世界の中心軸となる存在であり運動を測る力の主のことであ展開し、再構成したものと見るならば、それはより多くの人々の目を引きつける色彩のキュビスム的

ると、伊藤は考えているのだ。

絵具箱となる。

P. 43

ここで、本展で出品された作品のタイトルを、彼女の展示思想を如実に表すとても重要な要素と捉え、あえて記してみたい。展示室では、《天動説、動作の中心を捉える》、《世界の中心軸を選ぶ》、《層を成す、中心のない広がり》、《大気の作動》、《地上を這う船》という5 つの作品が点在したインスタレーション的展示となっており、まさに天と地と人間、宇宙と地球そしてわれわれの 3 要素が成す構造を構築しようと試みている。展示室に入り込んだ鑑賞
者は、作品との距離を測る上での立ち位置（基点・地球上に立つ存在）にいる存在として、伊藤が作り上げたミク
ロコスモスと対峙することになる。それは、展示室を構成し創り上げた、彼女の身体にある、内的コスモスとの対話でもあるのだ。

林 菜穂「見ている人を見ている人」
ストイックに抑制されながらも縦横に奔走する筆触が作り出す画面は、絵画の外界から持ち込まれた何者かではなく、絵画の内界においてのみ成立する絵画固有の要素のみによって、極めて良質の絵画を作り出している。

P. 41

ペインタリーな筆致のみで構成された絵画は、過去の優れた絵画をあざ笑うかのように、熟成された絵画の質を湛えている。
絵具の滴り、太い幅の筆触は曖昧な輪郭とともに絵画の表面をかすれながら走る。筆触の境目と色彩の境目も鹿野洋平「すべてはよその声」

また曖昧で、形象と色彩が等価に解け合っている。時おり小さな人物や植物も画面に描き込まれるのだが、曖昧な形象と色面と不都合なく融合している。こうして私たちの眼差しにもたらされる心地よさは、画面以外のどこ

海外に住む親戚から送られてきた 1 本のテープ。1970 年に録音されたこのテープには、その親戚の声が録音

かへと眼差しや意識を連れ出すことのない強固な絵画的質によってもたらされるものだ。

されていた。当時、テープに音を録音することは希少な機会であり、今回の作品制作の基点となったその「声」はだが林菜穂自身はこの絵画の強度に満足することなく、廃棄された日用品などによって絵画の外部に別の世界

緊張からか、とてもぎこちなく、ある種のユーモアが感じられる、と鹿野洋平はトークで語っていた。今回、鹿野を作り出しながらも、絵画と日用品との異質さを微塵も感じさせない統合された空間を醸成してしまう。それは描が「すべてはよその声」と題し試みたのは、声を媒介に記録の再現を通して過去にある身体性を現代に蘇らせる

かれたオブジェクトとオブジェクトそのものが時おり一致しているからではない。絵画の中に生成された絵画的質と展示空間内に絶妙な間をとって配置されたオブジェクトたちの作り出すコンステレーション（星座）が、二次実験といえる。
展示室は 2 つに分かれており、前室は導入部分として女性がヘッドホンをつけ、シャドウイングにより英語を勉強している映像があり、他者の声を自分の発話として再現している様子を観ることになる。また、今回の展覧会

元と三次元の次元の違いを超えて共振しているからだ。オブジェたちのほどよいくたびれ感は物質
感のそぎ落とされた絵具のかすれた肌理にこそ共振している。

P. 44の発端である、親戚の声の納まったテープもケースに納まった状態で展示してある。奥の部屋にはいってみよう。
ここでは、3 つのスクリーンによる映像インスタレーションが展示されている。様々な人の口が正面と側面から写し出されていて、親戚の声をシャドウイングしているシーンがわれわれを取り囲む。時折、点滅する光の中で動く
口は不気味さをも感じさせる。映像が進むにつれ、もともとの声の所有者の存在がどんどん不透明になっていき、様々な声にいわば妨害された本体の声が、空間の奥底に隠されていくのだ。

石井佑果の絵画は一言で包括する言葉を拒絶する。それは主題や形象や色彩が、ある構想のもとに選ばれるの声という個性的、個別的なコミュニケーションの手段に、多重的、多層的な仕掛けをすることによって、鹿野は、本来の声の持ち主の身体を逆説的にわれわれに意識させるよう働きかけ、そこにはない実像を鮮明に想像させようとする。

石井佑果「秘すればフラワー」
ではなく、一種のオートマティスムのように描かれる瞬間毎に任意に選択されているからだ。よって各作品に共通する主題や形象や色彩、さらには筆のストロークも線の種類もまた一人の作者の手によるとは思えないほど多様だ。

P. 42

こうして生まれた作品は混沌としており、統一性がない。だが統一性のなさは弱点ではなく、従来の絵画が持っていた画家と絵画の因果律を崩壊させるインパクトを持っている。この因果律とは、画家と彼女／彼特有のスタ
イルとの刻印のように不可分なものだ。つまり画家たちは絵画に他の誰でもない自己を刻印してきた。その刻印

第 3 期 山本和弘（美術評論化連盟［AICA］常任委員長、栃木県立美術館 シニア・キュレーター）

渡部仁美「その場にいるような風景画 ─風景の中の猫─」
猫のいる風景、と画家自身が形容する絵画は、その実カラー・フィールド・ペインティングの巧みな 21 世紀的変が強ければ強いほど、近代的自我の表出としてそのような絵画は高く評価されてきた。ゴッホ、ダリ、オキーフ、
ルイス……ほとんどすべての画家はその強烈な個性によって絵画を成立させてきた。それは近代の複製技術によってはけっして複製されることを許さない唯一性を刻印するからだ。
しかし石井佑果の作品は、これらすべてを拒絶し、かつすべてを包括する絵画を目指しているように思われる。
それは絵画という現実を超克するという意味において、絵画の概念そのものをオートマティスムの中に投げ込む

容である。スカイラインのない風景は中景と前景のみで構成されており、ほぼ正確なパースペクティブとその消行為といってもよい。かつての精神分析を応用して、いまだなかったイメージを創出するためのオートマティス

失点をマジカルに錯綜させるアイ・キャッチャーとしての猫が、風景を対象としてではなく、色面を構築するため

ムではなく、それは絵画の生成そのものをオートマティスムに全権委任するような制作行為である。

の口実として機能させ、絵画をそこに成立させているからだ。単色の色面として描かれ、絵の重心となる猫が示
REVIEW: TWS-Emerging 2017

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P. 45

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REVIEW: TWS-Emerging 2017

3名の作家は社会の中で見過ごされていることや目に見えないもの、わかりにくくなっているものに対して耳を傾け、作品をとおしてそれらをすくい上げた。鑑賞者は展示室からいつもの「渋谷」の喧騒へと戻ると、作品によってもレビュー：渋谷自在―無限、あるいは自己の領域たらされた気づきでそれまでとは違う「自」己の「在」り方を感じたに違いない。
* 鷲田清一『「聴く」ことの力 ─臨床哲学試論』TBSブリタニカ、1999 年、P.11

P. 46 - 49

鬼頭早季子（トーキョーアーツアンドスペース 事業係）
レビュー：C/Sensor-ed Scape

渋谷で自らの在り方を問いかける
ひら「聴くことが、ことばを受け止めることが、他者の自分理解の場を劈くということであろう。
」（鷲田清一）*
私たちが生活する中でさまざまな音やことばが環境を取り巻き、私たちの身体も絶えずなにかしらの音を発している。
日々のささやかな音にも注意深く耳を傾け、受け止め、気づくことによって世界を変様させることができるのではないか。トーキョーワンダーサイト渋谷最後の展覧会は自己の身体を起点として世界の在り方や境界を測る3 名の展示となった。
《音の生活》で西原尚は、1階では拾ってきたトタンや古い木材などを使って 4 つの小屋の中に音の出る作品を
ほこら

仕掛け、小屋の間には音の出る祠を、2 階のテントには影絵の装置とサイレンを置いた。観る者は小屋から発せられる音から住人の生活や思考を想像することも可能だ。例えばある小屋では錆びたヘルメットが回転している。
戦争で使われるはずのヘルメットが車輪になり、コンクリートの床上を転がることで反戦の色を帯びるように、それを小屋の住人の姿として捉えることもできる。

近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）

世界を俯瞰する制作者の生活者としての視点
それぞれのキャリアの中で培った独自の関心事や手法を探求しながらも、二国間交流事業プログラムで海外のレジデンス施設等に派遣された8 名による作品・報告からは、滞在制作ならではの特質も伺える。滞在地の歴史

また小屋という形態に目を向けると、それは住まいの最小単位であり、人の暮らしの原形ともいえる。展示された小屋はバラックのようだが、廃材を使い自分たちで何かを作りあげるDIY 精神の表れと読める。小屋を作ることは近年見直される手仕事の復権、物質的な豊かさだけではない暮らしへの希求をも示唆する。

的、社会的な問題の言及は、作家の社会的存在としてのあり方と関わっているが、実感を伴って反映された事象は、個別性をつなぐ普遍的な視点を作家に与えているようにもみえる。
壁や地下壕といった戦争の遺構が残るベルリンで、イギリスのEU 離脱やテロなど、人々の大いなる分断を目の大野茉莉は、自然と人工物の感覚的に得られる境界を、2 つの音に関する作品を通して探求した。
《transition

当たりにした瀧健太郎は、成果作品として《unNeighborly（隣人らしからぬ）》を発表した。作品の登場人物たち[characteristic]》では、無生物である塩が有機的な動きで結晶化する過程で、ビーカーの内部空間が変化し、生は、騒音問題を軸にした寸劇を演じているのだが、ここでは日常的な問題を通じて、個人の閉鎖空間の中で矮小み出される音が変わる。故にこの作品は普段意識しない空間の変質を、音の反応によって意識化させようとする化していく人々の行動や思考が象徴的に表され、政治的イデオロギーの根底にある人間の普遍的な闘争の構造が試みである。

批判的に示されている。

《transition [systemic]》は、科学物質を使って再現した生命らしいものの生から消滅へと推移する軌跡を記

歴史的遺構に翻訳しきれない歴史の多様性を探り、それらを掘り起こすことで、歴史と公共の問題を探ってき録した作品である。生物研究さながら電子顕微鏡で鮮明に撮影するのではなく、フォトグラムという技法でカメた山田健二は、19 世紀に流刑者を収容していた旧ミルバンク刑務所を取り上げた。ロンドンで行ったトーク・イベ

ラを使用せずにモノに直接光を当てて露光し、イメージを定着させ、光学メデイアであるCDに光で形と音を焼きント映像で語られる出席者の専門分野からのプレゼンテーションは、刑務所についての非直接的な言及でもあり、付けた。CDに落ちた鮮明ではないイメージが却って自然の捕らえがたさや不確実さを露わにしている。

論点を敢えて分散させることで、観客に総体の出現を委ねるように仕組まれている。インスタレーションに用い潘逸舟は自身の身体をパフォーマンスのかたちで作品に登場させる。大きなスクリーンに映し出された《海でられた監視カメラで観客の姿を作品画面上に映し出す構造は、刑務所のパノプティコンとマスメディアのシノプ

考える人》も潘自身であり、ロダンの彫刻から引用した「考える人」のポーズをしながら、海中を浮遊し続ける。海ティコン、そして互いに監視しあう現代のオムニプティコン的な状況を重ねており、歴史化された物語によって現には境界がなくどこにでも行けるようだが、実際にはいくつもの線が引かれ、国境も存在している。
「考える人」の在の問題を問い直している。

イメージ自体が一般に流布し、簡単に国境を越えるように、身体が境界を自由に行き来することを夢想しているのか。

歴史と過去を一つの流れとして映像で示した村上華子は、滞在地である世界有数の金融都市であり、ライン川

一方《囚われた海、降り注ぐ雨》は Google Earth で捉えた海をキャンバスに写し取り、カッターで切り込みをが中心に流れるバーゼルと「カレンシー（流れ／通貨／流通）」の関係を可視化した。制作にまつわるメディアや入れて雨を表した。青く塗られた画面には PC スクリーンで見るそれのように衛星写真のクレジットとソフトのロ

技術、生み出されたものを巡る市場、経済といった様々な位相を土地の特徴を活かしながらも、過去と現在、人類

ゴのみ描かれ、位置情報はなく、どこが描かれたのかは定かではない。宇宙と海の政治的な領域に雨を降らせるの歴史と自身の場所を普遍的な視点でつないでいる。

ことにより、あらゆる境界に縛られ不自由な存在に抗っているのだろうか。静寂な空間の中で潘の身体を捉えた

近年続けている各地方に残る民話のリサーチをソウルで行った山本高之は、ソウルの経済成長に大きな役割を映像と、身体行為の痕跡である絵画が鑑賞者によっていかようにも解釈され意味付けされ拡がっていくことを積果たしたオリンピックのマスコットキャラクター、虎の「ホドリ」を用いた映像作品を発表した。現代のソウルを、極的に受け入れる。

今風の「キャラクター」がユーモラスに歩き回る様子は、昔話の冒頭に語られる民話的システムの象徴である「虎」

REVIEW: Shibuya Jizai−Infinity, or Self Territory

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REVIEW: C/Sensor-ed Scapeの現代的な援用であり、近過去を民話化し、その社会的な構造を引き出そうとする試みといえるだろう。
一方滞在地の特色を取り入れながらも、同時に見られる自己観察的、内観的な現われは、日常から切り離された
時間が作家にもたらしたのだろうか。
化石を含んだ石灰石を溶かし、それを太古の音／空気として用いる大和田俊は、ジュラ紀の動物化石群の産地として名高いゾルンホーフェンで採取した石を用いたサウンドインスタレーションを現地で発表した。本展では報告物としてベルリンにいる友人と日本にいる自分の会話をそれぞれの面に録音したレコード盤を提示している。
両面を同時に聞くことができないこの記録媒体は、同じ時間に会話をしている人物の距離的、時間的、身体的な隔たりを示している。それは大和田の作品における化石／石灰岩のように、継続する時間の蓄積物を内包しながらも、その存在自体は時間的にも空間的にもある一点にしか存在できないという存在の在り様を別の形で置き換えるものであり、アーティスト独自のその転換は、次の作品への萌芽を感じさせる。
建築家の丸山美紀も報告という形で、台湾で発表した茶室の紹介を行った。現地で集めた様々な紙や布、伝統的な素材を用い、台湾の多様性と丸山が感じた多幸感にあふれた国民性を反映させたという作品は、台湾文化の反映というよりはむしろ、滞在制作での作家の自由な創造性の発露を垣間みせる。
一方で見ず知らずの土地での滞在制作が思い通りに進むとは限らない。ベルリンでの大規模な作品制作の計画が頓挫した持田敦子は、それをレジデンスの「失敗」と捉えた。そしてその過程や記録を本にまとめ、共有する権利を三ヶ月の労働の対価として滞在スタジオの家賃相場から割り出した金額で明け渡す「契約書」を作品として提示した。レジデンスが短期的な成果のためにあるのではなく、継続していく作家の活動を支援するものであれば、この作品は、不本意な結果を肯定的に捉えることで失敗を昇華する試みとしてだけではなく、メタ・レジデ
ンス的な作品としてもみることができる。同時にここにはアーティストの制作と労働、賃金と生活の問題がその根底に示されている。
同じ場所で滞在制作を行った児島サコも自らの活動を労働と捉え、その対価として他のアーティストの作品を借用するというプロジェクトを行っている。児島の場合その労働／対価は、作品としてのパフォーマンスである。
児島はこの作品によって、作品と作品の取引を美術作品の資本主義的商取引のアンチテーゼとして「非現金取引行為」として提示することを目論んでおり*、その所有すら否定する。財貨を得ず、消費もしない経済活動としての作品のやり取りは、持田が自らの制作時間に値段をつけて売りに出している作品とあわせることで芸術作品と制作、そしてその対価についての考察を促す。
本稿では成果物と滞在制作での一部の体験を結び付けてはいるが、実際のところそれらが本当の意味でその活動に反映されるのはずっと先のことであろう。しかし大和田がオープニングで語ったように自らの内に体験として「負債のように」溜まっていったそれらをいつかは孵す時が来ることを作家は知っている。そういった意味においてここで提示されたのは、変化の可能性を内に秘めた作品であるともいえる。
* 展覧会リーフレット『トーキョーワンダーサイトレジデンス 2016− 2017 C/Sensor-ed Scape』に児島サコが寄せた文章より。

REVIEW: C/Sensor-ed Scape152

P.114 - 122

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REVIEW: C/Sensor-ed Scape人間の脳を模倣したアルゴリズムを用いた画像化に挑戦した。人工知能の解釈による幻覚をとおして人間の知覚を探究し、自然と科学とテクノロジーの領域横断を試みた。

レビュー：7 つのトランスフォニー

常に新しい領域を開拓しているリギョンも、レジデンス中に調査を行った日本建築における襖の空間的、芸術的、機能的役割について、新たな手法を用いて視覚化を試みた。日本家屋では空間が何層もの襖で仕切られ、そこに描かれた風景画などによって室内の光景が変化する。この空間的、美学的体験をレンチキュラー作品に変換した。
幅 1800 mmと2000 mmの作品の前を水平に移動しながら鑑賞すると、幾層もの奥行きを持つ光景が展開される新鮮な視覚体験をもたらした。
本展タイトルの「トランスフォニー」に最も呼応したのが、ミルナ・バーミアの《(dis)concert: a humming
project》であろう。パレスチナ出身のバーミアは、繰り返される紛争や戦争によって体に刻み付けられたトラウ
マを題材に作品を制作している。レジデンス周辺でハミングをする女性とすれ違い、その行為が人に平穏をもた鈴木祐子（トーキョーアーツアンドスペース レジデンス係長）

らすことに気づいたバーミアは、東京、カイロ、パレスチナでハミングを収集し、作曲家平山晴花との協働により一つの曲を作り、3 面ビデオ・サウンドインスタレーションを制作した。再訪したというコメントも寄せられるなど、境界を越え奏でられる「トランスフォニー」

来館者に記憶の喚起や共鳴をもたらし、展示空間では「沈黙のことば」が共有された。

「7 つのトランスフォニー」展では、2015 年、2016 年にレジデンスに滞在し、文化や分野を超越する活動を試み

それを超越するためには、まず非言語的な生活の側面の内にかくされている、いくつもの次元を（中略）受け入れ

エドワード・ホールは「未来は、個々の文化がもつ限界性を、人間が超越できるか否かにかかっている。そしてた7 名のアーティストによる作品が展示された。ボーダーレスな都市東京では様々な声が交差し、多様な協和音、なければならない」と語っている**。世界各地のクリエーターが自身のテーマを追究しながら、様々な人や文化

不協和音が奏でられている。海外から来たアーティストたちは、異文化や異質な隣人の声をどのように取り入れ、と出会い変容していくレジデンスでは、自らの文化を超越する創造「トランスフォニー」が日々生まれている。そ文化間、分野間を越える新たな声／音、つまり「トランスフォニー」と呼ぶべき作品を創造したのだろうか。
文化とは耕され (cultivate)、時間をかけて形成、習得されていくものであり、一つの集団に固有の非言語体系である。

れらは今日私たちの行動を制限する見えない境界を乗り越えるコミュニケーション、共存のひとつのあり方、姿を示唆している。

異文化間コミュニケーション学の礎を築いたエドワード・ホールによると、「人間を人間たらしめているもの（中略）それは人間の文化、言い換えれば、コミュニケーション構造全体」である*。また「沈黙のことば」とは、私たちが日々
無意識に用いている行動言語であり、人間はこうした当たり前となった日常の様々な事柄に意識的に関わることで、* エドワード・T・ホール『文化を超えて』、岩田慶治、谷泰訳、TBSブリタニカ、1993 年、P.57**同上、P.13

P.124 - 131

異文化間のコミュニケーション、さらには自身の文化の理解を深めるという。
このことを作品で実践しているのがエリック・シュミットである。シュミットは世界各地で、ある文化的慣習や文脈、
社会的現象に潜入してそれを題材に絵画と自ら出演する映像を制作し、その現象に新たな視点を与えている。東京で制作した《Cut/Uncut》では日本のサラリーマンに扮し、地下鉄や喫煙所、居酒屋などで東京の街に見事に溶け込んでいる。しかし後半では一転、舞台は日本的なファンタジーへと変換し、シュミット自身の文化的アイデ
ンティティが見え隠れし、誤訳し葛藤する姿が描かれる。
シリン・サバヒは、故郷イランでの日本文化の受容を独自の視点から探究した。幼少期に日本のアニメに親しん

レビュー：オープンサイト 2017-2018

だサバヒは、キャラクターの簡略化された一見「カワイイ」フォルムに、日本が重んじる忍耐などの価値が付加される構造に関心を抱いてきた。本展で出品された映像作品《Borrowed Scenery》では、テヘラン現代美術館に設置されている原口典之の《オイル・プール》に人々が願いを込めて硬貨を投げ入れるなど、そのシンプルな形に付加されてきた意味や役割を考察し、滞在中に原口に取材を行った。その後、イランでは原口を招いた《オイル・プール》の修復が行われ、両国の交流を新たにした。
ホウ・イーティンは、日本の統治時代に台湾にもたらされた弁当文化をリサーチし、《White Uniform》を制作した。

Part 1

この映像作品は弁当を通した台湾と日本の歴史的な考察と、現代社会における労働、特に女性の労働という二つのテーマを扱っている。長年弁当工場の仕事に関わり、誇りをもって仕事を語る台湾鉄道弁当工場主任のインタ
ビューと、厨房で黙々と作業に従事する白衣の女性たちの姿が交互に描き出された。
人権や難民、労働問題をテーマに作品を発表してきたラウル・ワルヒは、2015 年のレジデンスで行った日本の移民の調査成果とともに、同時期にレジデンスを行ったエチオピアと日本を結ぶ映像作品を展示した。この作品は、日本の茶道とエチオピアのコーヒーセレモニーという静的な儀式を対比させた第一部と、エチオピアの伝説的マ
ラソンランナー、アベべ・ビキラの記憶を軸に東京とアディスアベバでジョギングをする人々を描いた動的な第二部から成る。茶碗に注がれる水の音や、コーヒー豆を煎る音による対話も聞かれる展示空間となった。

近藤由紀（トーキョーアーツアンドスペース プログラムディレクター）

キム・ウジン「ブレイブ・ニュー・エクササイズ：記憶された運動」
韓国、台湾、日本における集団体操の導入、浸透の過程と、アジアにおける近代化の輸入、普及、定着の過程の類似に着目したキム・ウジンは、リサーチに基づいて集めた集団体操にまつわる記憶（内部記憶／インタビューとアンドレアス・グライナーは、生物そのものを彫刻作品とすることで、自然のプロセスを作品に取り入れてきた。

体操の実践、および外部記憶／写真や映像）によってインスタレーションを構成した。人々が行う、幼少期からのこれまで日本では夜光虫やホタルイカといった発光生物を使った作品を発表してきたが、本展では物理学者のJ.P.バ

繰り返しによって体が記憶している集団体操（ラジオ体操）
は、各国ごとの違いがあり、それを発見するのは楽しい。

ルタザール・ミューラーとの協働で、ドローンに取り付けたカメラで撮影した植物の映像を巨大データベースに転送し、しかし編集によって一体の運動にまとめられた体操をする人々の映像は、単調なメトロノームが刻むリズムに支

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REVIEW: 7 trans-phonies

REVIEW: OPEN SITE 2017-2018

配され、個々人が語る思い出は、ひとまとめに翻訳されて均質な機械音声で読み上げられることで個人差が消去されている。

彼らの演奏が「普通」と異なるのは、多くの場合、その演奏に使われるものが打「楽器」ではないからだろう。つまり、指でたたくドラムパッドはもとより、様々なタイプのスイッチなど電子デバイスによる音源や映像、照明のコ

このプロジェクトでは、原点にあるドイツの身体表現におけるモダニズムの問題や集団体操としての政治的・

ントロールが「楽譜に書かれた打楽器作品」の精度で行われるのである。つまり、確かにこれらは作品の解釈も含

社会的側面、アメリカのラジオ体操における普及の戦略等については、配布物といくつかのイメージでわずかにめ、楽器演奏の訓練を受けた音楽家にしかできないことに違いない。しかし、それが可能なことも、身近にあふれ示唆されるだけで、それらの意図や背景、この３カ国の共通性を生んだであろう日本の国民精神総動員との関係る様々な電子デバイスを前提とした新しい作品が生まれ得ることにも、何の不思議もない。

などは明らかにされていない。だが第二次世界大戦の記憶とともに通奏低音としてあるそれらは、第一層の運動する人々の楽しげな様子や、その個人的でノスタルジックな思い出との間に白々とした溝を作ることで、緩やかな以前の審査講評でぼくは書いた。
「もし、このような挑戦がオープンサイトでしか聴けないのだとしたら、同時代に生きる作曲家としてそれを喜ぶべきか、悲しむべきなのか、とても複雑な気持ちにもなった。
」と。

支配や洗脳的教育を感覚的に呼び起こさせる。展覧会のタイトルがハクスリーの小説『すばらしい新世界（ブレP.135

イブ・ニュー・ワールド）』から引用されていることから、それが意図された構造であることは明らかである。
ラジオ体操という身体化された記憶と、個人的な思い出を表面にまとわせながら、その背後の全体主義的な力の存在を感じさせるこの展示では、個々人が権力や力が規定した「社会」の一員としてまとめ上げられるその過程が視覚化されており、隠された力を巧みに浮かび上がらせている。

P.133

三輪眞弘（作曲家、メディア・アーティスト、情報科学芸術大学院大学学長）

クリスチャン・ディンカー「ヴァーレンヴィルトシャフト」「Warenwirtschaft」（訳は「商品経済」？）と題されたこのコンサートでは、作曲家のクリスチャン・ディンカー

遠藤水城（キュレーター）とサウンド・ディレクション（？）のロベルト・シュヴァルツの作品が「演奏」された。
「演奏」にカッコを付けたの

長谷川 新「不純物と免疫」

は、「Warenwirtschaft」を除く3 作品は電子音響音楽でシュヴァルツが音響オペレーションを担当したものの、その場で音響を創り出していたわけではなかったからだ。興味深いのはディンカーの電子音響音楽に対する主張

気鋭のキュレーター、長谷川新による企画展である。タイトルにある「不純物と免疫」を文字通りに受け取るなで、副題の「リング及び振幅変調されたオシレーターのための」からも伺えるように、それは書かれた「楽譜のリらば、ここで問いに付されているのは、明瞭なる外郭、認識主体と客体の二分化、あるいは内と外を隔てる境界線

アライゼーション」として制作されたものである点だ。そこで当然生まれる疑問、「電子音響作品になぜ楽譜が必の設定だろうか。不純物にも役割があり、免疫が個体を殺すこともある。善悪や美醜を分ける判断基準を人の側要なのか？」について、彼はプログラムノートで解説している。そしてその「演奏」も含め、そこからイデアとしてに与えるのではなく、物質ないし素材レベルでのインタラクションにのみ着目することで開かれる、さっぱりとしの「音楽」のために「すべてを楽器として扱う」ことへの強い意思を感じた。そして、その姿勢は最後に演奏された

た自然＝自然の領域の希求。

「Warenwirtschaft」においても一貫しており、長い副題の「２〜３人の演奏者、情報通信機器、家電製品、日用品、

しぜん

じねん

しかし展示自体は普通である。ただ、この普通さは夏目漱石の、あるいは村上春樹の小説が我々の普通＝スタンダードであるという程度に屈折している。つまり展示の外観は、欧米的な洗練を湛えながら、それと矛盾せず

マイク、スピーカー、ハーモニカ、タムタムのための」で示された「楽器」による演奏でも同様だった。
ニュース番組の音声や会場外の異空間で行われる「演奏」と目の前で鳴らされる音（とその電子エフェクト処理）が極めて日本的な志向が内在している。
「欧米」なるものとの「しがらみ」がいまだに強いトラウマないしアポリアと混じり合い、最初それらをどう受け止めれば良いのか、ぼくは少し混乱した。しかし、この作品には精なっている日本美術において、この両立は特筆すべきものがある。惜しまれるのは、意識的だったであろう作品

緻に記された楽譜があったことを思い出し、すぐに正しい聴き方がわかった。
「目を閉じて聴く」
である。

P.136

の多さと小ささが、それほど効果的ではなかった点か。
展覧会全体の構成としては調査、設営、オーディオガイド、カタログ、広報、イベントなど、本来展示の背景な
いし付加物とみなされるものに、展示と同等の価値を与えるという方法が採られている。鑑賞者と展覧会全体のインタラクションの角度・度合い・手段・目的によって、発生する意味が複合的に変化するように設定されている。

Part 2

これもまたテーマに合致しており、キュレーションにおける優れた技術の開発を見て取ることがで
きた。

P.134

遠藤水城（キュレーター）

三輪眞弘（作曲家、メディア・アーティスト、情報科学芸術大学院大学学長）

リ＝コンバート・プロジェクト「reC_TECH」
今さら、「新しい」などという形容などしたくはないが、バーゼルから来日したロベルト・マケダとヴィクター・バ
ルセロによるパーカッショニスト二人組の公演はぼくにとって、とても新鮮なものだった。一見それは、よくある

黒田大祐「不在の彫刻史」
当初は彫刻家・橋本平八を再考する分析的な展覧会を想定していた。しかし実際は、芸術家である黒田大祐当
人のごく個人的な内省を一般化する表徴として橋本平八が導入されていた。彼の内省とは一言で言えば「彫刻が歴史的な現在を獲得するために、いま彫刻家と自認している自分ができることは何か」というものである。このアプローチは失敗すると、自己擁護の弁明機能が前景化してしまう。そして、実際部分的にはそのようになってしまっていた。

ような映像や言葉、電子デバイス、電子楽器、あるいは身近にある日常品を寄せ集めた自由な即興演奏のように見展示が示している彼による彫刻、いくつかの原資料、彼によるリサーチのドキュメント、彼による創作的な映像えるのだが、それらはどれも、国籍の異なる６人の若手作曲家たちが作曲したパーカッションのための作品であり、等の混淆に現代性が宿っていると言えなくもないが、問題は、それぞれの事物の内容を離れて、あるいはそれらが二人はあくまで「演奏家」である（バルセロの「Crayons」を除いて）。

吟味されうる条件の提示を怠ったがゆえに、展示全体が一つのパフォーマティヴなメッセージを獲得してしまっ

REVIEW: OPEN SITE 2017-2018

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REVIEW: OPEN SITE 2017-2018

ている点にある。そのメッセージとは「作家である自分は、制作とリサーチを通して、複数のメディウムの使い分

央の空間は空いていて、移動しながら演奏を体験することも可能である。上演されたのは、既存の楽器や自作のけを通して、より適切に歴史性・社会性を構成しうる」という構成的権力の保有者としてのアーティストの有用性

楽器、木の枝やゴム、紙、日用品、電子回路、エフェクターで変調された電子音、などを使用した集団即興演奏でのアピールに他ならない。重要なのは、それを有していることを示すのではなく、それをどう使うかである。

ある。ゆえに演奏時間は決められているが、あらかじめなにをどう演奏するのかは決められていない。4 人の演とは言え、書籍ないしpdf の形で配布された彼による論考集によって、この展覧会は一命を取り留めている。
「学者でもない自分がなぜこれをしなければならないのか」という彼の言葉のリアリティのみが唯一、
内容と形式の必然的な一致としてこの展覧会が開催される意義を救出している。

奏家は、集団としての演奏というよりは、同一空間に存在している4 人がただ同時に音を出している、という方が正しいだろう。各演奏家は、思いつくままに次々に楽器や装置を繰り、外部の状況と無関係であるような個として

P.137の演奏行為を行なっている。
彼らの演奏は、行為とそれによって生じる音の持続の中で、さらに観客が能動的に聴取状態の変化を生じさせ、演奏と同時に観客の聴くことの創造性を発動させもする。各演奏者の中で突発的に起こるある種のアクシデントやもりあがり、空間の中でさまざまな出来事が、その演奏時間の中で生起する。

P.139

畠中 実（ NTT インターコミュニケーション・センター [ICC] 主任学芸員）

イップ・ユック＝ユー「PLAY.GROUND: 香港のビデオゲームアートの展望」
どの扉を開けても元の部屋に戻ってしまう出口のないゲーム。アヴァターがひたすら立方体を押して移動させるだけのゲーム。起伏の激しい土地や狭い急な階段を移動しようとしても、なかなか先に進めないゲーム。聴こえてくる音をたよりに宗教的儀式空間を徘徊していくゲーム。これらの作品は「ビデオゲーム」をモチーフにしたもので、コンピュータ・グラフィックスによる映像空間を舞台に、一般のゲームコントローラーを使って操作する
ものではあるが、いわゆる「ビデオゲーム」とはかなり趣を異にするものである。プレーヤーはある行為をただ続けるだけであり、これらの作品には、「ビデオゲーム」をゲームたらしめている勝敗や得点、それらによって得られる達成感といったものがない。むしろ、同じ行為を繰り返すこと、どうしても先に進めないシナリオをひたすら続けることを、このゲーム内のアヴァターのように、ある種の苦行であるかのように楽しむことはできるかもしれない。
イップ・ユック＝ユーがキュレーションを担当し、フイ・ワイ＝キョン、アラン・クワン、エドウィン・ロウ、そしてイップ自身の、香港からのアーティスト4 名によるショーケースである本展は、ヴィデオアートが映画やテレビのオルタナティヴであったのと同じように、「ビデオゲーム」のオルタナティヴとして「ビデオゲームアート」を展開する。展覧会タイトルにあるように、ゲームというプラットフォームを、まさにプレイグラウンドとしてさまざまな視点から捉え直し、そこから「ビデオゲームアート」と言うべき表現語法を導き出している。
さらには、まったく聴衆に理解されず、しまいには袋叩きに会ってしまうヨーゼフ・ボイスのアヴァター。プレー
ヤーとしてのアヴァターが消失してしまったシューティングゲームの舞台である香港の街だけが映し出される映像。
これら既存のゲームをハッキングした、プレイすることのできない作品では、ゲーム空間を舞台にした新たな映像表現と言うべきものが立ち現れていた。

P.138

畠中 実（ NTT インターコミュニケーション・センター [ICC] 主任学芸員）

Marginal Consort
ソロ・アーティストとしても活動し、その演奏スタイルを確立した音楽家である、今井和雄、越川T、椎啓、多田
正美の 4 人からなる、マージナル・コンソートは活動開始以来 20 年にわたって、こうした実験的な即興音楽に取り組み、音の生起する場を作り続けている。
ギャラリーにはすでに4 人の演奏者が、それぞれの使用する楽器、そして楽器ではない音を発するものをセットアップしたテーブルについている。ギャラリーの中央を取り囲むように、互いが正面にならないように、ギャラリー内に均等に離れて 4 人のテーブルが配置されている。楽器、音具、装置、もの、などなどは、それがいつどのように使われるのかは、事前に決められていないままに用意されて、テーブルの上に、またいくつかははみだしている。演奏時間は 3時間、演奏中の入退出は自由で、また、椅子が置かれているが決められた客席はなく、演奏家たちのいる領域以外は自由に移動することができる。ギャラリーの周囲の壁沿いには椅子が置かれているが、中REVIEW: OPEN SITE 2017-2018

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Part 1 HIRANO Itaru (Curator, The Museum of Modern art, Saitama)

KUROISHI Minako “silent but noisy”
Kuroishi Minako is an artist who creates etchings. An etching is made by chemically incising a design into
a copperplate using acid, which is then pressed by physical power to print the respective image. Different
from oil and other paintings that can be examined immediately, an etching requires a great amount of labor
in order to create the final image. However just because of this process that involves delicate and timeconsuming operations, an etching is a work that eventually projects its creatorʼs various dreams and visions,be it consciously or unconsciously. Quite certainly this must have been also Baudelaireʼs point of view when
he advocated a renaissance of the etching in the mid- 19 th century, characterizing it as an art form that
illustrates an artistʼs private personal character most graphically.
Far from being eccentric, Kuroishiʼs works are attempts to bring out this primordial character of theetching. The works show human faces that suggest interpretation as the artistʼs self-portraits, or daily life
sceneries and events, all of which are frequently covered with organic images such as moss or microbes.
While making the viewer feel their private, personal narrativity, the incised organic motifs suggest at oncevery strongly and physiologically the material quality of the etched copperplate. From this one can guess
how the artistʼs interest focuses on the ambivalent interaction between the introversive nature of the images
and the mediumʼs practical materiality. This is also connected to the paradoxical title “silent but noisy” thatthe artist chose for her exhibition, and the exhibition style that allows visitors to pick up the works on display
and view them as objects, rather than showcasing copperplate prints as merely “mental” kinds of images. Iʼmvery much looking forward to seeing Kuroishi focus on this paradoxical notion and develop it

p. 37

further in the future.

KURODA Yasuaki “contextile”
I suppose that looking at the strictly constructed works of Kuroda Yasuaki inspires some people to comparethem to those of such conceptual artists as Sol Lewitt. Indeed, the colored threads in his grid patterned
textile works are not arranged based on subjective ideas, but mechanically follow rules preset by the artist.
Regarding the setting of conditions, and the presentation of the process of developing different variations,
Kurodaʼs works may in fact be put in the category of conceptual art. However, there is one crucial difference,and thatʼs what certainly defines Kurodaʼs individual character.
So what exactly is it that distinguishes Kurodaʼs work? Kuroda Yasuaki does all the processing by himself,from dyeing silk threads using plants, to weaving them by hand. As he works on an amazing level ofperfection, the results show no traces of artificial creation whatsoever. Completely different from conceptual
art that attaches no importance to the aspect of manual labor, the production of these works is characterized
by an underlying artisan kind of desire. Even the unapproachable coolness that each of his works radiates isin fact a product realized with Kurodaʼs “impeccable hand.”Another unique aspect is Kurodaʼs philosophical questioning beyond the limits of art. Focusing on thecommon roots of such words as “textile,” “text” and “context,” and the way language is “spun” to express
all kinds of contexts, Kuroda aims to trace the structure of the world through the relationship between theindividual threads that he spins in the creation of his works. Between his threads exists no hierarchical order,
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REVIEW: TWS-Emerging 2017and no such dualistic relationship as self/other or principal/subordinate applies. As every single thread has itsof Yamauchiʼs work expresses itself, the effect of which is enhanced by the additional fact thatplace as an expressive (predicative) element, each work is defined through the relationships between them,

Yamauchi canʼt even drive a car in real life.

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and this is where Kuroda aims to find clues for his own interpretation of the world.
In Will to Power, Nietzsche once proclaimed that there exists no such thing as absolute will in the world,but only claims and struggles in a variety of relationships between individual elements. Kurodaʼsworks make me feel like trying and overlapping their concepts with this idea of Nietzscheʼs.

p. 38

ITO Natsumi “Innumerable Boundary Lines between Movable Things and ImmovableThings, and the Centers of Powers”
Aristotle and Ptolemy, two great masters of philosophy and astronomy/mathematics respectively, proposed theJIN Sachiko “blink / vision”

geocentric theory. According to this theory, the Earth stands still in the center of the universe, and all celestialbodies revolve around it, which means that the world moves around man as its very center. Ito Natsumi has chosen

Combining a variety of styles ranging from paintings and videos to a coloring corner, Jin Sachikoʼs exhibition

this colossal idea as a central theme for her work. The exhibition title “The Ptolemaic System Theory – Finding themade me keenly realize the difficulty of evaluation. As I had just seen Jinʼs work for the first time, spotting

Center of Movement,” and the concept behind it that Ito had written down previously, highlight the “movement”

several mirrors that could possibly serve as clues for understanding the works alone required so muchgenerated through the relation between things that move and those that donʼt – the sky that slides above theeffort that I wasnʼt able to talk about the exhibition itself at the opening talk session. That is not because

earth that itself stands still – according to the geocentric theory. Itoʼs idea is that we humans on the motionlessof the variety of artistic styles though, but it must have something to do with the fact that these works areearth are elements that constitute the central axis of the world, and that have the ability to measure motion.

supposed to depict an extremely sensitive world that is impossible to discuss in words. However, the artistʼs

At this point Iʼd like to mention the titles of the individual works shown here, because I consider them to be

attitude toward her creative work is anything but loosely sensitive, but rather seems to be converging in one

essential aspects that vividly express the idea behind the exhibition. The installation-like display consists ofspecific subject of her interest.

the five pieces The Ptolemaic System Theory – Finding the Center of Movement, Determining the Central

Now if you ask me to name that subject, Iʼd say it must be something like boundaries in terms of human

Axis of the World, Layered World Without a Center, Atmospheric Operation and Ships Crawling on thevision, perception and memory. This we can also guess from such things as the exhibition title “blink/vision”

Ground, through which the artist precisely aims to build a structure that is composed of the three elements,and video-based works themed on blinking. For example, blinking temporarily intercepts our perception

space/heaven, earth, and humans. Upon entering the venue, the visitor faced the microcosm that Ito hasof things, but the sceneries that the eye has seen immediately before the blinking fragmentarily remain

built, as a central element that measures the distance between its own position and the work on display. This

as afterimages. Regarding the sense of vision, the boundaries between “visible/invisible/looking/not

was at once a dialogue with the inner cosmos of the artistʼs body that is reflected in the very

looking” are indeterminate, and vary also depending on viewers and viewing conditions. Such indeterminate

structure of the exhibited work.

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fluctuation of boundaries constantly occurs also in regard to perception and memory, whereas it is in thefluctuation process of these boundaries that images appear and disappear.
The interest in indeterminate boundaries can be guessed from the way Jin partially incorporates unfinishedparts in her paintings. Even if the eye does see all things that enter the field of vision, we consciously perceive

SHIKANO Yohei “The Ghost of Voices”

only a part of that. The passively “visible” world and the world that we actively “see” are two different things,

An audio tape that the artist received from a relative living abroad contained that relativesʼ voices, recorded

the boundary between which is swaying. Pictures made up of parts that were painted andin 1970 . At the time it was still an uncommon practice to record sounds on tape, and the “voices” on said

others that were left unfinished appear to symbolically indicate such stream of consciousness.

p. 39

tape that this work is based on Shikano described in his talk session as being very clumsy and in a way
funny, which is probably also due to the speakersʼ tension. This exhibition titled “The Ghost of Voices” can beunderstood as an experiment revolving around the “revival of physical existences through voices recorded in
the past and played back in the present.”

Part 2 NAKANO Hitoshi (Curator, Kanagawa Arts Foundation, Yokohama Triennale 2017)

The exhibition space was divided into two rooms. The “introduction” video in the first room contained
an English text delivered by way of speech shadowing by an “English learning” woman with headphones,

YAMAUCHI Shota “DETOUR”

to demonstrate how the playback of another personʼs voice can appear to express oneʼs own speech. The
exhibition included also a display of the tape with the relativeʼs voice that inspired this work, stored in a

Inspired by American filmmaker Edgar G. Ulmerʼs 1945 movie Detour, Yamauchi Shota unveiled at thiscase. Set up in the second room was a video installation made up of three screens, onto which frontal andexhibition a 20 -minute video work (installation) with the same title. The original movie contains chroma-

profile views of various peopleʼs mouths were projected. Within this setup, the visitor was surrounded

key scenes of car rides, which – made to look as if the car was moving through a combination of acting andby the relativesʼ voices in images based on the same speech shadowing technology. At times the mouths

moving background footage – Yamauchi interpreted as vividly expressing the protagonistʼs desire to see hislook somewhat eerie as they move in flickering light. In the course of the playback, the original voices are

loved one as soon as possible. The central theme of Yamauchiʼs creative work at large is the question, “Whatgradually obscured, while the main voices seem to be pushed back into the depth of the space through theis real?” Is “real” the opposite of “fake”? Yamauchi proposes that the relationship between real and fake is notapparent interference of various other voices.

that simple, but it is in fact much more complex than simply expressing two polar opposites. In this exhibition,

By combining the voice as a very personal, individual means of communication, with multilayered

two screens were set up within a space of about 40㎡. The people appearing in the footage shown on thesemechanisms, Shikano aims to make us in a paradoxical manner aware of the respective voicesʼ

screens are the artist himself and a friend. As neither of them is a professional actor, their performances comeoriginal ownersʼ bodies, and clearly imagine real images that are not there.

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across as humorously fresh expressions of the fake world in a movie. The screenplay unfurls as Yamauchi andhis friend continue to drive, including scenes of Yamauchi driving his car on the tracks of the Tokyu Line thatlook as unreal as movie scenes can get. The images on the two screens combine footage of Yamauchiʼs andhis friendsʼ actual physical performance with composite backgrounds and artificial 3D environments.

Part 3 YAMAMOTO Kazuhiro (Chairman, Standing Committee of the International Association of Art Critics (AICA) Japanese Section / Senior Curator, Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts)

The movie ends with a perfectly ordinary everyday life scenery, shot with a camera while driving througha residential area, before eventually arriving at Yamauchiʼs car parked in a garage. Yamauchiʼs world iscondensed within the 20 minutes of this movie, whereas all scenes of the car on the road were created in the

WATANABE Hitomi “Landscape as if it were seen -Cat in the scenery–”car that has in fact never left the garage. This is where the opposition of “real and fake” as a central theme

These sceneries with cats, as the artist herself describes her paintings, are in fact exquisite 21st century

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REVIEW: TWS-Emerging 2017

REVIEW: TWS-Emerging 2017versions of the color field painting style. That is because the sceneries are solely composed of mid- andthe foundation of such strong individuality, branding their works with genuine uniqueness that even modern

foregrounds without a skyline, whereas the cats – eye-catchers that magically complicate the largely real

replication technology fails to reproduce.

perspectives and their respective vanishing points – make the pictures work based on the landscapesʼ

However Ishii Yuukaʼs works suggest that the artist pursues a form of painting that rejects yet at once

functions as excuses for constructing color fields rather than as subjects. Like the cats, painted asembraces all these things. Considering the meaning of overcoming the reality of painting, this may be

monochromatic color fields that at once define the respective pictureʼs center of gravity, other elements

understood as an act of casting the idea of painting altogether into the realm of automatism. Rather

such as trees, grass, telegraph poles and gates are not colored like in the real world as well, but standthan a form of automatism for the purpose of generating totally new images through the application ofautonomously as individual color fields.

psychoanalytical methods, this is a creative process in which the generation of actual paintings

Not being colored representations of actually existing three-dimensional spaces on two-dimensionalp. 45

is entirely entrusted to the workings of automatism.

surface in the first place, they rather work as excuses for orchestrating a concert of interacting independentcolors. The way the cats in their role as staffage gently attract the viewerʼs attention hints at the symbolismof colors that works in these paintings.
I use the term “symbolism of colors” here to suggest that these landscape paintings are at once variationsof the color field painting as proposed by the likes of Ellsworth Kelly and Gerhard Richter. In their stoic color
field matrixes, the magnetic fields of each color are evenly dispersed like on the faces of a fully resolved
Rubicʼs Cube. However, only a few art experts versed in painting theory can truly appreciate the appealof such works. If we look at Watanabe Hitomiʼs color fields, disguised as waterfront, roadside or urban
sceneries, as colored faces of a cube unfurled and reconstructed on flat surfaces, they become
cubist style paint boxes of colors that will surely continue to attract greater audiences.

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REVIEW：Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory

HAYASHI Nao “The person looks at the person who looks at.”Created through stoically suppressed yet freewheeling brushwork, these paintings of very high quality
consist exclusively of specific elements that work only in the paintingsʼ respective own inner spheres, rather
than some alien elements brought into them from the outside. Composed with painterly strokes only, theworks exhibit a quality of matured painting that makes them look almost as if ridiculing past masterpieces.

KITO Sakiko (Arts Program Section, Tokyo Arts and Space)

Dribbles of paint and broad strokes of the brush crack as they run, alongside vaguely outlined silhouettes,
across the paintingsʼ surfaces. The borderlines of both brushstrokes and color fields are blurred as well, sothat shapes and colors blend into each other on an equal footing. There are small human figures or plants

Confronting Self and Being in Shibuya

included here and there in the pictures, but even they merge without any inconvenience with the ambiguous“It is through listening̶opening to the words of others̶that in others a space for self-understanding isshapes and colors around them. The pleasant feeling in those who look at them is the product of a solid

opened.” –Washida Kiyokazu*

painterly quality that never directs the viewerʼs gaze or attention to anything other than the pictures
Going about our daily lives, we are immersed in an environment of all kinds of sounds and words, and sothemselves.
Not satisfied with the strength of his paintings alone, however, Hayashi Nao additionally sets up separate

too our bodies constantly emit sound. Opening our ears to the smallest of sounds found in our day-to-day

worlds outside them using discarded daily necessities. The resulting sceneries appear so consistent that theylife, accepting and recognizing them, might act to change the world. As Tokyo Wonder Site Shibuyaʼs final

donʼt make the viewer feel at all the heterogeneity between paintings and commodities. This is not because

exhibition, works by three artists were presented that take the human body, our ʻselves,ʼ to gauge the world

the painted objects are sometimes identical with the actual objects around them. It is because the painterly

as we find it and its borders.

quality that was generated inside the paintings, and the constellations of objects arranged in exquisite

In Sound Life Nishihara Nao created on the first floor four shacks, made of old lumber and salvaged

intervals in the exhibition space, resonate beyond the difference between two- and three-dimensional. The

corrugated steel plates, into which works of sound were built, and between the shacks small shrines withsounds were placed. In tents on the second floor, a siren and shadow were positioned. Observing the sheds

objectsʼ moderately worn-out condition is what particularly resonates with the scraped-off

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material feel of the paintʼs cracked grain.

and the noises that come from within them, a viewer may speculate on the lifestyles of their imaginary
residents. For example, one shed houses a revolving, rusty helmet. A helmet, a tool of war, placed on theconcrete floor and rotating as a wheel, inspires an anti-war sentiment, and one is free to make the association

ISHII Yuuka “If it is hidden, it is the Flower; if it is not hidden, it is not the Flower”

of the resident as a pacifist.

Ishii Yuukaʼs work refuses to be summed up in a single phrase. Rather than choosing subjects, shapes and colors

the origins of the human lifestyle. The shacks shown may appear run-down, but from a different point of

When the shack is considered as a medium, it can be qualified as the smallest basic unit of shelter, and asbased on certain concepts, there is a sort of automatism in the way such elements are selected arbitrarily andview they can be seen as an epitome of the Do It Yourself spirit in the way they are built out of reclaimed

instantaneously in the painting process. As a result, there are so many different subjects, shapes, colors, types

materials. The building of the shacks may be an allusion to the modern resurgence of handiwork̶things builtof brushwork and lines that it is hard to believe that these works were all made by the same artist.

by the human hand̶and is suggestive of a desire for more in life than material wealth.

In Ishiiʼs body of work created this way, there is no order or coherence whatsoever. This lack of coherence

Ohno Mari attempted to capture the subjective ʻborderʼ that exists between the animate and the inanimate in

is not a deficit though, as the impact of these works is strong enough to disrupt the traditional causality that

two works of art focusing on sound. In transition [characteristic], salt, an inanimate substance, crystallizes in a

has existed between the painter and his/her painting. This causality is inseparably engraved in a painting as away that appears life-like, changing the amount of free space inside a beaker and causing it to produce a different

painterʼs distinctive style, which means that painters have been leaving their own personal marks in each ofsound in the process. It is therefore an attempt to illuminate spatial changes, which we may not ordinarily perceive.

their works. The stronger these mark are, the higher the paintings have been evaluated as modern forms of

The work transition [systemic] traces the birth and death of a chemically engineered substance that

self-expression. Van Gogh, Dali, O'Keeffe, Louis, and most other painters have established their own styles on

appears life-like. Instead of using an electron microscope, as one might in a biology experiment to get the

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REVIEW: TWS-Emerging 2017

REVIEW: Shibuya Jizai−Infinity, or Self-Territory

best possible image, the images were created by photogram method: using no camera but exposing objects

thoughts of others trivialize an individual in an enclosed space. It takes a critical look at the structure of theto direct light to create images, and fixing the shapes̶and sounds̶onto CDs, an optical medium. The

universal human struggle at the foundation of political ideology.

fact that the resulting images on the CDs are unclear, conversely serves to show the elusiveness and theunpredictability of nature itself.

Digging into the diverse history of historical relics that defy interpretation, Yamada Kenji seeks to probe
the problems of history and community. He uses as his subject the former Millbank Prison that held convicts

Han Ishu is known to place his own body in his works in the form of a performance. The image projected on(before exile) in the 19th century. A video recording of a talk event held in London in which attendee

the large screen in The Thinker floats on the sea is Han himself, and the figure takes the pose of Rodinʼs famous

specialists gave presentations in their fields while indirectly referencing the prison and intentionally scatteredsculpture The Thinker, as he floats in the sea. Although one may feel that the ocean is a limitless place, inpoints of contention as a mechanism to leave the totality to emerge for the viewer. The installation employedactuality there are boundaries that have been drawn and even national borders that exist in it. The work

a surveillance camera to project images of the viewers onto the screen of the work, layering a panopticon of

may be dreaming of a world where physically we are free to cross boundaries, as it can be thought that The

the prison, the synopticon of the mass media, and the omnipticon of present-day society where we watch

Thinker, the image that Rodin created, crosses borders with ease.

and are watched, to create a historical narrative that gives us the opportunity to reexamine todayʼs problems.

In Captured ocean, Pouring rain, on the other hand, Han transferred an image of the sea from Google Earth

Murakami Hanako shows history as a single flow in her video work. She visualized the connection between

onto a canvas, and made incisions with a cutter to express rainfall. The canvas is blue, and observable are

the Rhine River that runs through the center of Basel, one of the main financial centers of the world where

the credits for the satellite image and the software logo just as it would appear on a computer screen, andshe spent her residency, and currency, with its meanings of flow, money and distribution, in her work entitledbecause no coordinates are given, it is unclear what is being shown. Maybe the artist is rebelling against theCurrent Impression. Adopting a universal perspective to connect the past and the present, the history of

restrictiveness of being bound by borders of all sorts by pouring rain on the politics involved in outer space andmankind and her sense of place, she created a work that made use of various elements such as the media

the ocean. The image of Hanʼs body floating in a sea of tranquility, and the physical markings that mar the workand technology involved in her creative process and the market and economy surrounding the production of

on the canvas invite a myriad of interpretations and ascriptions of meaning to them by the viewer.

products, while also keep alive the sense of place.

The three artists expressed the things that are overlooked in society, opened their ears to those things that

Yamamoto Takayuki, who spent his residency in Seoul, has been doing research into local folklore in recent

are hard to understand, and attempted to capture them in their work. Leaving the exhibition space to returnyears. He presented a video work using the mascot character, the tiger “Hodori,” of the 1988 Olympics thatto the hustle and bustle of ʻShibuyaʼ, it is certain that viewers experienced a new way of ʻbeingʼ them ʻselfʼ

played such a large role in the economic development of Seoul. By showing modern versions of the character

through the insights that they received from the presented works.

walking humorously around contemporary Seoul in his work, it can possibly be seen as an attempt to create
a new folktale from the recent past by invoking in a contemporary context the “tiger” that appeared at the* Washida Kiyokazu. Kiku Koto no Chikara̶Rinsho Tetsugaku Shiron (An Attempt to Explore the Power of
Listening̶A Clinical Philosophy), TBS-Britanica, 1999. p. 11.

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beginning of folk tales as a symbol of the old folklore system, and by doing so bring out that social structure.
On the other hand, while creators are in residence absorbing the characteristics of the place, itʼs a time tolook inward, a time for introspection that may bring a chance to separate oneself from everyday life.
Owada Shun presented a sound installation in Germany using ancient sounds and air made by dissolving
limestone containing fossils taken from Solnhofen, an area in Germany known for its large number of Jurassic
Period specimens. For this exhibition, he presented an LP record with recordings of a conversation between
a friend in Berlin and himself in Japan on respective sides. Since both sides of the recorded material cannot
be heard at the same time, it shows the gaps in distance, time, and physical space. In this same way Owadaʼswork is like that fossil, able to continue to store up time inside itself, able to exist only at one point in time andspace, but also able to convert into a different form. That conversion in the artist himself plants the seed of

REVIEW：C/Sensor-ed Scape

his next work in our minds.
Architect Maruyama Miki introduced a tearoom she presented in Taiwan as her report of her residency.
Using various kinds of paper and cloth and traditional materials she collected, the work reflected the cultural
diversity of Taiwan and the overflowing of joy she felt in its national character. However, it was a work that,
more than simply reflecting Taiwanese culture, also showed glimpses of the creative freedom of expression
an artist has working in residence.
On the other hand, producing new works during a residency in an unfamiliar place does not always go as
expected. Mochida Atsuko had planned to produce a large-scale work during her stay in Berlin but failed. She
thought of her residency as a “failure.” She recorded the work process in a book, and for her presentation

KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)exhibited a contract giving the right to share it only to those who saw the value in her three months oflabor and agreed to pay a share of the equivalent market value of the studio rent. If the residency is not for

Creators looking out at the world from the viewpoint of residents

producing short-term results, it becomes a source of continuing support for the creators. This work does

While each of the creators continued to pursue the unique vision and methods cultivated during theirresidency. And at the same time, it points out the problems artists face with production and their labor, andcareers, the works and reports presented by these eight artists in their residencies at overseas facilities

the problems at the root of money and living.

not simply look at an unwanted result in a positive way to sublimate failure, it can be seen as a work of meta

in the Exchange Residency Program show characteristics that can come about by living abroad. All bring

Kojima Sako also did her residency in Berlin and dealt with the labor of her own activity, assessing its value

up historical and social issues of their places of residency; it concerns their place in society as creators. It

to undertake a project of borrowing works of other artists. In Kojimaʼs case, the labor, its equivalent value wereappears that the living abroad has given the artists a more universal point of view with regard to individuality

shown as a performance work. With this piece, Kojima aimed to show how negotiating the exchange of one

due to actual experiences they had of things they saw around them.

piece for another, a “non-monetary transaction,” is the antithesis of capitalistic transactions,* even denying

Taki Kentaro saw the major fragmentation of people, the British withdrawal from the EU and terrorism, withthe possibility of ownership. The exchange of a work without the transfer of property or consumption in thehis own eyes in Berlin, where there are still relics of the War, such as the Berlin Wall and underground bunkers.

economic sense runs counter to the work of Mochida. She put a price on her production time and sold it.

This became the subject of unNeighborly, the work he presented. The characters appearing in the work are

These two works seen side-by-side encourage a reconsideration of the idea of value.

in a skit centering on noise pollution, and itʼs this everyday problem that symbolizes how the actions and

The results and works produced during residency are connected with one part of the experience in this

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REVIEW: C/Sensor-ed Scape

REVIEW: C/Sensor-ed Scapemanuscript, but in fact, their actual meaning will not be reflected in their activities for some time to come.

about the way the simple form of the installation Matter and Mind (Oil Pool) by Haraguchi Noriyuki in the

Like Owada mentioned at the opening, the artists know that someday the time will come for that internalized

Tehran Museum of Contemporary Art has induced people to add their own meaning to it by doing things

experience accumulating like a debt to hatch. In that sense, I would say the works presented here contain thelike throwing coins in the pool and making wishes, and during her residency in Tokyo she went to interview

possibility of change hidden within.

Haraguchi and take images of the occasion. After that, Haraguchi was invited to Iran and restoration work
was done on his installation there that resulted in new exchange between the two countries.

* From the essay submitted by Kojima for the exhibition leaflet “Tokyo Wonder Site Residence 2016 – 2017
C/Sensor-ed Scape”

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Hou I-Ting did research on the Japanese culture of train station box lunches that was transplanted to
Taiwan during Japanʼs occupation of the country, and based on that she created a work titled W hite
uniform. This video work involved consideration of the historical relationship between Taiwan and Japan
involved in this box lunch culture, and of the and labor culture in contemporary society, particularly female
labor practices that both countries deal with. Her work included alternating images of an interview with aproduction supervisor who has made station box lunches in the company in Taiwan for many years and talks
about the great pride he takes in his profession and the women in white uniforms who toil diligently in thecompanyʼs kitchens.
Raul Walch is an artist who has continued to focus on issues involving human rights, refugees and labor
practices. In this exhibition, in addition to results of the research he did on the issues of immigrants in Japan

REVIEW：7 trans-phonies

during his residency in Tokyo in 2015 , he presented a video work he did concurrently connecting Ethiopia, where
he formerly did a residency, and Japan. This work included a first part that compares the Japanese tea ceremony
and the Ethiopian coffee ceremony, and in contrast to these silent, static ceremonies, the second half of thework dealt with the kinetic subject the memories of the legendary Ethiopian marathon runner Abebe Bikila andscenes showing people jogging in Tokyo and Addis Ababa. In the display venue could also be heard the dialogue
of sounds of the hot water being poured into a tea bowl and the sound of coffee beans being broiled.
Andreas Greiner presents living organisms as sculptures in themselves and introduces processes of thenatural world into his works. In Japan until now, he has presented works dealing with photogenic organisms
like noctiluca and firefly squid, but for this exhibition he created a work with the cooperation of the physicist

SUZUKI Yuko (Manager of Residency Program Section, Tokyo Arts and Space)

J. P. Balthasar Müeller, that attached a camera to a drone to take images of plants and that are fed into a
database in an attempt to create visual images using algorithms that imitate the human brain. It is a cross-“Trans-phonies” of Cross-cultural Communication

over work straddling the realms of nature, science and technology that experiments with the new pursuit ofunderstanding human sensibilities based on an interpretation of artificial intelligence.

The “ 7 trans-phonies” exhibition presented the work of seven creators done in residence at TWS Residency

As a creator always attempting to pioneer new realms of expression, Ligyung researched the spatial,

in 2015 and ʼ 16 , where they attempted creative activities that were cross-cultural and interdisciplinary. The

artistic and functional roles of fusuma (room-dividing papered sliding panels) in Japanese architecture in her

voices of the people living and meeting in the borderless metropolis of Tokyo come together and resonate,residence and sought ways to give visual form to the results. In traditional style Japanese homes, rooms are

at times with harmonious accord and at other times with discord. How did the voices of people of different

divided by numerous layers of fusuma panels and their atmosphere of the interior is changed by landscapes

cultures and the voices of their neighbors of different backgrounds from their own sound to these creatorsand the like that are painted/printed on the panels. She then expressed this artistic experience by translatingfrom overseas? And what kinds of works did they create as a result of the mix of cross-cultural, cross-genre

it into lenticular optics. In this way she created a fresh new visual experience of layers of depth that appear

voices and sounds they heard, this “trans-phony” they experienced.

when viewing her 180 cm and 200 cm panels while moving past them horizontally.

Culture is something that is cultivated and shaped over time to then be learned and acquired by a people

One of the works that dealt most directly with the “trans-phonies” theme of this exhibition was probably

as the groupʼs unique non-verbal system of knowledge and identity. The anthropologist and cross-cultural

Mirna Bamiehʼs creation (dis)concert: a humming project. A native of Palestine, Bamieh creates works that

researcher who pioneered the study of cross-cultural communication, Edward Hall, said that what makes adeal with the trauma ingrained in the bodies of this countryʼs inhabitants due to the endless repetitions ofhuman being human is human culture, in other words, the overall structure of communication.* He also speaks

conflict and war. The experience of passing by a woman who was humming as she walked near the residency,of a silent vocabulary made up of the language of behavior and actions that we use unconsciously in daily

she realized that humming was something that brought peace to the soul. This prompted her to makelife, and he says that it is through the involvement of conscious awareness of these things we do automaticrecordings of people humming in Tokyo, Cairo and Palestine, and with the cooperation of composer Hirayama

in daily life that cross-cultural communication becomes possible and also enables us to understand our own

Haruka these recordings were used to compose a piece of music that then went into creating a 3 -screen

culture more deeply.

video sound installation. Comments from visitors who said they had returned to the exhibit several time were

Erik Schmidt is an artist who puts these principles in practice in his works. In various locations aroundthe world, Schmidt has chosen as his subjects local customs, cultural contexts or societal phenomenon, ofevidence that the installation had evoked memories, recollections and positive resonance among its visitors
as a result of what it communicated to them in unspoken words.

which he creates paintings or video works, in which he takes on the role of main character to give a new

Edward Hall said that the future depends on whether people can transcend the limitations of theirperspective to the chosen subject. In the work Cut /Uncut that he created in residence in Tokyo, he began

individual cultures. And he says that in order to transcend them, we have to be able to be aware of andby dressing in a suit like a typical Japanese white-collar worker and blended in beautifully into the Tokyo

accept the various dimensions existing in the non-verbal aspects of daily life. ** In these residencies where

cityscape in places like the subways, smoking areas, Japanese-style pubs and the like. But for the second half

creators from different parts of the world encounter a variety of people and different cultures and undergo

of the work he changed the stage to a Japanese-style fantasy, revealing at times his own cultural identity andchanges as they pursue their artistic subjects, new works are being born all the time in creative “trans-phonies”

showing occasions of miss-translation and conflict.

that involve transcending oneʼs own culture. And their works show us new ways of being and new forms of

Shirin Sabahi chose to focus on the unique perspective found in her native Iranʼs reception of Japanesecommunication and coexistence that crosses the unseen borders that constrain our actions in our lives today.

culture. Having an affinity for Japanese anime since childhood, she became interested in the mechanism
by which the characters that are Kawaii (cute) in form or appearance are also given the Japanese value* Edward T. Hall, Beyond Culture, translated by Iwata Keiji, Tani Yutaka, TBS Britanica, 1993, p. 57

of self-control. In the video work Borrowed Scenery that she presented in this exhibition, Sabahi thought** Ibid, p. 13

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p.1 24 - 131

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Part 1KONDO Yuki (Program Director, Tokyo Arts and Space)

KIM Woojin “Brave New Exercise: Memorized Movements”
This installation by Kim Woojin focuses on similarities between the process by which collective gymnastics
were introduced to and penetrated Korea, Taiwan, and Japan, and the process by which modernization
was imported into, penetrated, and became rooted in Asia. It is composed of memories about collective
gymnastics (internal memories/ interviews and the practice of gymnastics, as well as external memories/
photographs and videos) that Kim collected through research. These collective gymnastics (radio
exercises)̶which people repeated over and over from a young age, until the movements became physicalmemories stored in their bodies̶vary between the three countries, and it is quite interesting to discover thedifferences. However, images of people performing gymnastics have been integrated into a single activity
through the editing of the film footage, and are dominated by the monotonous rhythm of a metronome,
while the memories shared by various individuals have been translated as a group and read out in a uniform,
synthetic voice, thereby stripping away individual differences.
German modernism, which formed the starting point for collective gymnastics, as well as the politicaland social aspects of collective gymnastics and the American strategy for popularizing radio exercise are
only faintly hinted at in the handouts and some of the images. Neither the intent nor the context of these
exercises, nor their relationship to Japanʼs National Spiritual Mobilization Movement, which likely gave rise to
the commonality between the three countries, is made clear. However, while these contextual elements are
not explicitly presented, they, together with memories of World War Ⅱ, form a consistent undercurrent in the
exhibit. The gulf between this undercurrent and the external appearance of people doing exercises and theirseemingly happy individual memories is evident, and prompts the viewer to intuitively sense soft control andbrain-washing. It is clear from the fact that the title is taken from Aldous Huxleyʼs novel Brave New World
that this structure is intentional.
Although the exhibit is cloaked in the somatized memories and personal recollections of radio exercise,it evokes a sense of the totalitarian power that existed in the background. By making visible the process bywhich individuals are brought together as members of a “society” whose form is defined byauthority and power, Kim skillfully brings to the surface hidden power.

p.133

ENDO Mizuki (Curator)

HASEGAWA Arata “Impurity / Immunity”
This exhibit by spirited curator Hasegawa Arata is entitled “Impurity / Immunity.” If one takes that title literally,
then most likely the issues being examined relate to the existence of clear outer borders, the bifurcationof perceiving subject and perceived object, and the establishment of boundaries separating interior fromexterior. Impurities, too, serve a purpose, and immunity sometimes kills the individual it is supposed to protect.
The title expresses a longing for a simple realm in which the Western concept of nature (which stands in
opposition to humans) is equivalent to the Buddhist concept of naturalness, or jinen (which, in Japanese, iswritten using the same characters as “nature”)̶a realm that opens up when we focus on interactions at the
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level of matter or materials, rather than applying human standards for separating good from bad, beautiful

consumer electronics, home appliances, household items, microphones, loudspeakers, harmonicas and tam-from ugly. The aim of the exhibit is to create a condition that achieves this seemingly impossible unification.

tams.”The exhibit itself, however, is ordinary. But it is ordinary only in the way that some people refer to theAt first, I was slightly confused as to how I should respond to the fusion of news announcers and othernovels of Natsume Soseki or Murakami Haruki as ordinary. While the exhibit is on its surface brimming with“performances” from various spaces outside the concert venue with sounds (and their electronic effectWestern refinement, it also has an inherent but not contradictory Japanese orientation. This coexistence isprocessing) being created before my eyes. But then I recalled that this piece had a detailed

worth noting in the world of Japanese art, which is still experiencing a powerful trauma or aporia caused byscore, and I quickly realized the right approach: close my eyes and listen.

p.136

its ties to the West. What is regrettable, perhaps, is that the likely intentional abundance and small scale ofthe exhibited pieces is not particularly effective.
Elements that are normally treated as background or add-ons to the overall structure of an exhibit, suchas surveys, construction, audio guides, catalogues, advertisements, and events, are here accorded equalvalue as the exhibit itself. It is designed so that depending on the angle, degree, method, and goals of thePart 2interaction between the viewer and the exhibit overall, the meanings that are generated change in complex
ways. This is consistent with the theme of the exhibit, and demonstrates an outstanding

p.134

advancement of curatorial skills.

ENDO Mizuki (Curator)

KURODA Daisuke “The Absent History of Sculpture”
MIWA Masahiro (Composer, Media Artist / President, Institute of Advanced Media Arts and Sciences [IAMAS])I at first expected this to be an analytical exhibition reconsidering the work of sculptor Hashimoto Heihachi.
In fact, however, Hashimoto was introduced as a symbol of the generalization of artist Kuroda Daisukeʼs

reConvert project “reC_TECH”

extremely personal self-examination. Put briefly, this self-examination consists of the question, “What can I,
who view myself as a sculptor, do so that sculpture captures the current moment in a historical context?” If

I hate to use the term “new” in this day and age, but the performance by percussionist duo Robert Maqueda

this approach fails, then opportunities for self-justification are foregrounded. This, unfortunately, is the partial

and Víctor Barceló, visiting Japan from Basel, Switzerland, was for me extremely fresh. At first listen theoutcome of this exhibit.

pieces seemed to be free improvisational performances using common images, words, electronic devices,

It is true that the jumble of Kurodaʼs sculptures, source materials, research documents, and creative videos

electronic instruments, and everyday objects, but in fact they were percussion pieces by six youngthat are on display here contain some trace of modernity. The problem is that the entire exhibit is reduced

composers of different nationalities, with the role of Maqueda and Barceló limited to “performers,” except in

to a single performative message without any relation to the content of each object, perhaps because theBarcelóʼs piece Crayons.

artist has neglected to indicate the conditions for closely examining them. That message is none other thanI suspect what set their performance aside from the ordinary was the fact that in many cases they did

an appeal for the usefulness of the artist as possessor of a structural power, which we might summarize as

not use percussion instruments. Instead, they tapped on drum pads with their fingers and controlled sound“I, the artist, through creation, research, and the use of various media, can construct a more appropriate

sources, images, and lights by operating various switches on electronic devices in accordance with thehistoricity and sociality.” What is important, however, is not simply to express that one possesses this power,

written percussion scores. Without a doubt, this work̶including the interpretation of the pieces̶could only

but rather how one uses it.

be accomplished by musicians trained in instrumental performance. However, there is nothing strange in the

Nevertheless, the exhibit is rescued by the collection of essays by Kuroda that was distributed in both

fact that this is possible, or that new pieces can be created based on the diverse electronic devices that are

paper and PDF format. “Why must I, who am no scholar, do this work?” he asks in one. It is the realness

now so easily accessible.

of the se words alone that brings the content and f orm of the exhibit into inevitable

I will repeat what I wrote in a previous OPEN SITE critique. “If it is only possibly to hear this type of

p.137

correspondence and gives it meaning.

innovative work at OPEN SITE, then, as a composer living in the same era, I am unsure whether
to rejoice or mourn, and am left with very mixed feelings.”

p.135

HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])MIWA Masahiro (Composer, Media Artist / President, Institute of Advanced Media Arts and Sciences [IAMAS])

Christian DIMPKER “Warenwirtschaft”

IP Yuk-Yiu “PLAY.GROUND: video game art from Hong Kong”
In one game, no matter which door the player opens, he or she always returns to the same room; there is
no exit. In another, the playerʼs avatar does nothing but push a cube forward. In a third, the player attempts

At the concert titled Warenwirtschaft (which may translate as “commodity economy”?), several pieces of

to move through a dramatically hilly landscape or a steep, narrow set of stairs, but is unable to make any

work by composer Christian Dimpker and sound director Robert Schwarz were “performed.” I place the term

meaningful progress. In yet another, the player wanders about in a ceremonial religious space, guided by“performed” in quotation marks because aside from “Warenwirtschaft,” the other three pieces consisted ofsounds. These works of art take video games as their motif, unfold in pictorial spaces generated by computerelectroacoustic music played with Schwarz acting as sound technician, but not created live at the concert.

graphics, and are manipulated using ordinary game controllers, yet they differ significantly from what we

What was interesting was the argument Dimpker advanced regarding electroacoustic music. As suggested

typically consider to be “video games.” In these pieces, the player simply continues a certain action; theby the subtitle of one of the pieces, “For ring and amplitude modulated oscillators,” this music was createdelements that typically give such games their “game-like” quality̶the possibility of victory or defeat, theas a realization of written scores. Dimpker provided his response to the obvious question that arises̶why

accumulation of points, and the consequent sense of achievement̶do not exist. However, the process of

is a score needed for a piece of electroacoustic music?̶ in the program notes. These notes as well as the

single-mindedly repeating the same action or scenario which never allows for progress may give players a“performance” revealed his strong commitment to “handle everything as an instrument” for producing “music”

certain type of ascetic, penance-like pleasure.

as an idea. He carried this position through to the final piece, “Warenwirtschaft,” which was performed on

This exhibit curated by IP Yuk-Yiu showcases work by four artists from Hong Kong̶Hui Wai Keung, Alanthe “instruments” indicated in its long subtitle, “For 2 - 3 players, information and communication technology,

Kwan, Edwin Lo, and IP himself̶and presents video game art as an alternative to video games, in the same

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way that video art has functioned as an alternative to films and television. As the title suggests, these artists
use diverse perspectives to reinterpret the video game platform as playground, eliciting an expressivegrammar rightly called “video game art.”
The exhibit also includes a piece in which an avatar of Joseph Beuys is completely misunderstood by his
audience, and in the end is savagely beaten, and another in which the avatar-as-player vanishes entirely,
leaving only images of Hong Kong as the setting for a shooting game. These pieces, which were created byhacking existing games and do not allow the viewer to “play” them, represent a new form ofvisual expression that takes as its stage the realm of video games.

p.138

HATANAKA Minoru (Chief Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])

Marginal Consort
Marginal Consort is made up of Imai Kazuo, Koshikawa T, Shii Kei, and Tada Masami, all of whom also perform
as solo artists and are musicians with established performance styles. During the twenty years that they havebeen performing together as an ensemble, they have continued to push the boundaries of experimental,
improvisational music and create spaces in which sound happens.
When the performance began, the four performers were already sitting or standing at tables that had been
set up in advance. The four tables surrounded the center of the gallery space, arranged at even intervals
such that the performers were not directly facing one another. An assortment of musical instruments, soundapparatus, devices, objects, and other items had been set on the tables (and in some cases protruding
off the tables), but the performers had not decided in advance how or when they would use these items.
During the three-hour performance, audience members were allowed to enter and leave as they pleased.
Chairs were provided, but seating was not predetermined, and the audience was able to move freely
anywhere outside the area occupied by the performers. While chairs were arranged around the perimeterof the gallery, the central space was open, so the audience could experience the performance while movingaround. The performance consisted of a group improvisational piece played on regular instruments or thosethe performers had made themselves, as well as tree branches, rubber, paper, everyday objects, electronic
circuits, electronic sounds modulated with effects units, and other items. In other words, the length of theperformance was set, but its content was not. It would perhaps be more accurate to say that four performers
in a shared space produced sounds at the same time, than to say that they performed as a group. Each
performer handled various instruments and devices as the whim struck him and without relation to outside
circumstances, as individual performative acts.
Against the context of these actions and the sounds they produced, the spectators actively changed theways in which they were listening, so that the ensemble not only produced the performance itself but also
drew out the creativity of the spectatorsʼ listening methods. A range of events thus took place in the space
during the course of the performance, including the “accidents” and swells in energy thatp.139

occurred unexpectedly within each performer.

トーキョーアーツアンドスペース

Tokyo Arts and Space

プログラムディレクター

Program Director
KONDO Yuki

近藤由紀
TOKAS 本郷鬼頭早季子、大島彩子、小野洵子
関 朝子、西村聡美

TOKAS Hongo
KITO Sakiko, OSHIMA Ayako, ONO Junko
SEKI Asako, NISHIMURA Satomi

TOKASレジデンシー
鈴木祐子､ 内山史子、宇野 歩

TOKAS Residency
SUZUKI Yuko, UCHIYAMA Fumiko, UNO Ayumi
TAKECHI Asagi, ARAI Wakana

武智あさぎ､ 新井稚菜
広報・教育普及伊藤まゆみ、市川亜木子、荻田果林
渡辺俊夫、藤井宏水

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Public Relations and Educational Program
ITO Mayumi, ICHIKAWA Akiko, OGITA Karin
WATANABE Toshio, FUJII Hiromi

トーキョーアーツアンドスペース アニュアル 2017
編集
杉本勝彦
トーキョーアーツアンドスペース（伊藤まゆみ、市川亜木子、荻田果林、渡辺俊夫）
インタビュー
島貫泰介
翻訳ロバート・リード（P.004-011、P.014-032、P.036-143、P.165-169（プロフィールを除く））
アンドレアス・シュトゥールマン（P.161-165 ）、株式会社オフィス宮崎（P.171-174 ）表紙・インタビュー撮影後藤武浩
撮影
加藤 健、須田俊哉、千賀玲奈、髙橋健治、中川 周、トーキョーアーツアンドスペース
デザイン
漆原悠一（ tento ）印刷株式会社 シナノ パブリッシング プレス
発行
公益財団法人東京都歴史文化財団東京都現代美術館トーキョーアーツアンドスペース事業課
東京都江東区東陽 7-3-5 東京都現代美術館リニューアル準備室 3F
発行日2018 年 5 月24日

Tokyo Arts and Space Annual Report 2017
Editorial Staff
SUGIMOTO KatsuhikoTokyo Arts and Space (ITO Mayumi, ICHIKAWA Akiko, OGITA Karin, WATANABE Toshio)
Interview
SHIMANUKI Taisuke
Translation
Robert REED (pp.004-011, pp.014-032, pp.036-143, pp.165-169, except artist profiles)
Andreas STUHLMANN (pp.161-165,) OFFICE MIYAZAKI, Inc. (pp.171-174)
Cover & Interview Photo
GOTO Takehiro
Photo
KATO Ken, SUDA Toshiya, SENGA Reina, TAKAHASHI Kenji, NAKAGAWA Shu
Tokyo Arts and Space
Design
URUSHIHARA Yuichi (tento)
Printing
SHINANO PUBLISHING PRESS CO., LTD
Published by
Tokyo Arts and Space, Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
7-3-5 Toyo, Koto-ku, Tokyo 135-0016 (Located in MOT Temporary Office 3F)
Publication Date
May 24, 2018©2018 Tokyo Arts and Space
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