停滞フィールドForeword
はじめにトーキョーアーツアンドスペース（TOKAS）
は、
2018年度より展覧会シリーズ「ACT（Artists Contemporary TOKAS）」を開始し、TOKAS プログラムに参加経験のある
アーティストを中心に、今注目すべき活動を行っているアーティストを企画展で紹介しています。
2回目となる本展のタイトル「停滞フィールド」とは、SF 小説やゲームなどで使用される言葉で、時間の停止や極度の遅延により、物体が静止しているように見える領域を指します。ここでは、結晶化された時間の中で物質が凝視できる状態になったり、あ
るいは時間の流れの鈍化により物質自体が歪んでいるように見えたりします。そうした特殊な場所での体験は、既存の考えやこれまでの感覚を変化させる転機となるかもしれません。
本展で紹介する田中秀介、広瀬菜々＆永谷一馬、渡辺豪の3組は、それぞれの時間の流れを変化させることで起きる時空の停滞と、そこに生じる差異やズレ、歪みを提示し、見る者に対象を注視させます。あらゆる事象が高速化し、処理されていく現代社会において、「停滞フィールド」をとおして空間や認識を変容させることを試みます。
トーキョーアーツアンドスペース“ACT (Artists Contemporary TOKAS)” is an exhibition series launched in 2018, that
focuses on artists that have participated in previous TOKAS programs. Introduced at
this second installment, titled “Stasis Field,” are works by three artists/pairs, who areworthy of attention now.
“Stasis field” is a term that has been used in science fiction novels and games,
to refer to an area in which time seemingly stands still or is significantly delayed, andcontents appear motionless. Due to the standstill and crystallization of time in a stasis
field, objects in that area are in a state where they can be closely observed, or slowed
down to such an extent that their shapes appear distorted.
In their works, the three artists featured in this exhibition stop or delay time inorder to make it observable from their own respective points of view, and produce
works of art in which they actively respond to and creatively express the differences,
shifts and distortions that result from such temporal stagnation. In times when social
life is increasingly dominated by the acceleration and quick processing of all kinds ofmatters. Experiences we make in such special kinds of situations “stasis fields” mayfunction as turning points that changes existing ideas and previous perceptions.
Tokyo Arts and Space滞る時間の中でトーキョーアーツアンドスペース
鬼頭早季子

「停滞」
とは物事がはかどらず滞ることを意味する。本展覧会のタイトル「停滞フィールド」
は、を与えているからだろう。それは渡辺が観察者のように対象に接近し見続けることにより、そSF 小説やゲームにおいて、時間が停止しているか、極度に遅延され、物体が停止しているようのモノが何であるのか、また目に見えているものは何なのかを探求する眼差しから生み出さに見える領域を指す。私たちが日々当たり前に見ていることは、実際はとても曖昧で不確かでれている。見慣れているはずのモノが、一見見慣れている姿のまま、周囲の環境や生活音が取ある。その状況を見定めるために、「停滞フィールド」を導入し、現実に流れる時間を操作してり除かれ、実際にあった空間と時間から切り離され、再度異なる縮尺で複雑な時間の中に置きいるように見える作品によって、特殊な場を生み出してみようと思う。そこでの思索は、既存換えられる。このことから現実の再現のように見えながら現実とは何かが違う風景が目の前の価値観を転倒させたり、これまでの感覚を変化させたりする転機となるかもしれない。

に現れることで見る者の認識を滞らせ、宙吊りの状態にする。そうして対象を注視させてそれが何であるか、あるいは何を認識しているのかを根源から問うことを試みている。

広瀬菜々＆永谷一馬の《Still life》は、野菜、菓子、洗剤などの日用品を原寸大で型取りし、白い磁器にしている。しかしオブジェクトは原形を留めず、外から力を加えたように変形してい田中秀介は、広瀬＆永谷や渡辺のような対象を型取りや撮影したものから精巧に再現するる。それはオブジェクトの素材の配合を熱に反応するよう意図的に調整したことが、焼成時に方法と違い、自身が生活の中で違和感を覚えたものや脳裏に焼きついた印象などを抽出し再不可測に作用したためだ。型を使用した鋳込みの製法は同じ形のものを大量生産するのに適現しようとする。例えば《平和》では、大阪市にあるショッピングモールを描写しているが、画しているが、《Still life》
は同じ型を使用していながら、同じ形のモノを制作することが難しい。

面右にはイベントのために準備されたであろう黒い球体があり、その大きく誇張して描かれ加えて原形の色や文字の情報が取り除かれているオブジェクトは、歪んだ形や大きさから元た球は今にも手前に転がり落ちそうだ。この球から逃れるために走っているかのような人物が何であったかを推測するしかないが、台上にある無数の白いオブジェクトから、ある者は醤は大きく描かれ、その他の人は何事もなく方々に歩き去っているように見える。また《横風情》

油容器を、別の者は東ドイツの製品を見つけ出す。それは観る者が事前に持っている情報からでは準備運動をしているような体勢の彫像と、ランニングで疲れたのか、公園で半裸になり寝導かれる差異であり、見つけ出されたオブジェクトをとおして観る者の背景にある社会の差転んでいる男が並置されることで、彫像と寝ている男との不思議な連続性が生まれ、ある人物

異に気づかされるのだ。さらに、熱によって曲がったり、溶けたり、あるいは歪な形のまま垂直の始まりと終わりを想起してしまう状況を作り上げている。このように作家が目にした光景に立ち続ける無機物一つ一つが意思を持って活動する個のようにも見え、作品全体を集合体のある部分が取り出され、デフォルメや消去を加えながら構成された風景は、鑑賞者が実際にとして捉えると都市のダイナミックな営みにも見える。ここでは身の回りにあるものを磁器目にしている景色とは異なるが、奇妙な現実感がある。それは田中が絶えず移り変わりゆく日々に変えて、変容の瞬間を結晶化し、見る者がその偶然生み出された多様な在り方をどのようの営みを自身の身体をとおして掴み、内在化しているからこそ得られた視点であり、見る者はに認識するのかを問い掛ける。

絵の中に田中が目にした一瞬の驚きを発見する。

渡辺豪は、床に積まれた本と洗濯物の山を捉え、高解像度の3DCG 映像で再現している。
《積

作家それぞれの視点で日々の出来事からモチーフを選び、時間の流れを結晶化させたり遅み上げられた本》は、カメラが下から上に向かってスローモーションで視点を移動しながらサ延させたり複雑化して形に表すことにより、観る者の認識を宙吊りにし、現実を捉え直す視点イレントで積み上げられた本を、展示室いっぱいに設置された2つのスクリーンに映し出してをもたらした。しかし、新型コロナウィルスの影響により、いま、世界は「停滞フィールド」
そのいく。映像は高精細でありながら本の表紙や背の文字は映されていないので、何の本であるかもので、人々の生活が滞り、時間の流れがこれまでと変わってしまった。ではそのような状況で、はわからない。ただこのように現実にあるかのような光景に対峙して鑑賞者が違和感を覚え

今度はどのように作品に思い巡らすことができるのだろうか。私たちが思う「当たり前のこと」

るのは、何よりも1日の時間の流れや光を操作することで、再現した対象に新しい時間の秩序を二重の意味で考え直すきっかけをもたらしたのではないだろうか。

In Suspended TimeTokyo Arts and Space
KITO Sakiko

The term “stasis” refers to a state in which things are suspended in limbo. “Stasis Field,” thetitle of this exhibition, was borrowed from the realms of science fiction novels and video games,
where it is used to describe areas in which time seems to stand still or to be significantly
delayed, and objects appear motionless. The things that we are taking for granted in daily life
are in fact very ambiguous and uncertain. This “Statis Field” was set up with the aim to examine
the circumstances, and try and create special kinds of situations through works that seemingly
manipulate the flow of time in the real world. Such thinking may lead us to a turning point where
established values are reversed, and previous perceptions are transformed.

the perspective that Watanabe implements in his approach to, and continued observation of, his
objects, with the aim to find out what those objects actually are, and what the eye is perceiving.
Seemingly looking as they always do, things that are supposedly familiar sights are strippedof their usual environments and surrounding noises, and disconnected from real temporaland spatial settings, only to be rescaled and rearranged on new and complicated timelines.
Seemingly visual reproductions of reality, there is something in this scenery that is different fromreality, and those who look at it find themselves and their senses put in a state of suspension.
This is how Watanabe attempts to make people watch things closely, and fundamentally think
about what exactly those things are, or what they are seeing in them.

For their work Still life, Hirose Nana & Nagatani Kazuma used white porcelain to reproduce
vegetables, fruit, detergent, and other articles of daily use from actual-sized molds. The objects,
however, are not presented in their original shapes, but appear to be distorted due to exposure
to some external force. Their deformations are the unforeseen results of how the material, which
was intentionally mixed for this purpose, responded to the heat at the firing stage. While casting
molds are generally good for mass-producing identically shaped items, in the case of Still life,
creating uniformly shaped objects was difficult even when using the same mold. In addition, theelimination of such information as original colors or inscriptions made some of the objects sohard to identify that one could only guess from their distorted shapes and sizes what they weremodeled after. Arranged on a long table, the countless white objects reminded some visitors ofsoy sauce bottles, while others seemed to recognize products made in former East Germany.
These different interpretations are based on the respective preliminary information that each
visitor applies when looking at the exhibits, and the variety in the visitors’ discoveries reflects
the differences in their social backgrounds. Bent, melted or distorted, the objects continue tostand upright on the table in whatever shape the heat has put them. Every single one of these
inorganic items begins to look like an independent subject that behaves with its own will, andwhen overlooking the installation as a whole, it is reminiscent of the dynamic workings of a city.
Collected familiar objects translated into porcelain that seems frozen in the moment of theirtransformation process, this work challenges the viewer as to how to interpret the accidentallycreated variety from his or her own point of view.

Different from the methods of Hirose & Nagatani and Watanabe, who elaborately reproduce
objects by way of molds or filmed footage, Tanaka Shusuke extracts and reconstructs thingsfrom his own experience that caused his discomfort or left other lasting impressions on him.
Peace, for example, depicts a shopping mall in central Osaka. On the right one can see a big
black balloon that was perhaps installed for an event. Depicted with an exaggerated emphasis,
the balloon looks as if it could break loose and roll toward the viewer at any moment. In theforeground, a man seems to be trying to run away from it, while other figures walk away indifferent directions as if nothing happened. Horizontal emotion juxtaposes a sculpture of awarm-up exercising human figure in a park, and a half-naked man lying on the ground in front ofit, probably to recover from his exhaustion from running. There is a strange kind of connection
created between the statue and the man on the ground, which puts the viewer in a frame ofmind where he or she remembers the beginning and the end of a certain person’s life. Tanaka
takes parts of sceneries that he witnessed first-hand, and composes from this new scenerywith the additional elements of deformation and elimination. They are different from the actual
scenery that the observer has experienced, but nonetheless, they are charged with an odd
sense of reality. This is a viewpoint that Tanaka has arrived at just because he uses his own
body to capture and internalize the incessantly changing activities of daily human life, to create
paintings for the viewer to discover the moments of surprise that once unfurled before theartist’s eyes.

Watanabe Go works with high resolution 3D computer graphics to reproduce scenery ofbooks and laundry piled up on the floor. In the towers (lights are books), he lets the “camera”
move slowly upward from a low position, and projects the resulting silent images of stacks ofbooks onto two screens that fill out the entire exhibition space. These are highly detailed, highdefinition images, but they do not reveal the books’ covers or spines, so there is no information
regarding their contents. Standing in front of the projections that look so real that one feels likegrabbing at them, the viewer begins to feel confused, which is primarily due to the sensationthat an entirely different time scheme is at work in these images, realized by applying the
progression of time and light over the course of a day in a modified form. All this is a product of

The artists featured in this exhibition picked their motifs from daily occurrences, and reflect
them in complex shapes that freeze, delay, or otherwise modify the flow of time, each according
to their own points of view. Through these works, they suspend the viewers’ senses, andthereby put them in a position from where they can take a new look at reality. Due to the spreadof COVID-19, the entire world has become very much a “stasis field” in which daily life itself isin a state of limbo, and time passes differently from how it used to. Under circumstances likethese, how are we supposed to reflect on works of art in the future? This exhibition was certainly
an occasion that encouraged visitors to try and examine supposedly “obvious” things from dual
perspectives.

HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma
広瀬菜々＆永谷一馬

Where exactly do we stand? What kinds of things do we perceive from there, and how?

Since relocating to Germany in 2007, we have been traveling from one city to another,moving from Berlin to Bremen, Düsseldorf and Ulm. During that time, both Japan andGermany, as well as a lot of other places around the world were shaken by all sorts ofdisasters and conflicts that have been depriving us of our daily routine. Countless refugees

are surging into Europe, and while facilities for accommodating them are built in theneighborhood, nationalist sentiments are growing at an increasing speed, and the EU’s dreamof a unified Europe is gradually deflating. With all these irritations of our everyday lives andvalues, we are confronted with a reality that is much more complicated than it seems, andwith matters that are impossible to simplify or discuss from one single perspective. Against
such kind of backdrop, it is our intention to look again at our own situation – where exactly westand, what kinds of things we perceive from there, and how – and question existing values

and views of familiar things, by consciously incorporating such topics into the works wecreate.

About Still life

Arranged on a long table in the middle of the room are numerous white objects, including

fruits and vegetables, biscuits, light bulbs, small glass bottles, and disposable cups. Allof these objects we know all too well from everyday life are in a tilted, collapsed, or oddly
deformed state. Every single one of these soft looking items was molded after the respective
私たちはどのような地点に立ち、いったい何をどのように知覚しているのか。
2007年にドイツに渡り、ベルリンからブレーメン、デュッセルドルフ、ウルムなど都市を移動しながら制作してきました。その間には、
日独のみならず世界各地で様々な災害や紛争が起こり、人々の日常が失われ続けています。ヨーロッパにも多くの難民が押し寄せ、家のすぐ近くにreal thing from a special kind of porcelain compound. Porcelain is generally one of the hardest
materials, but it is at the same time also a very shock sensitive and therefore fragile material.
The deformations were achieved by intentionally modifying the composition of conventional

porcelain so that it greatly responds to the heat it is exposed to during the firing – in this casethe final state of the creative process.

受け入れ施設が建ち始める一方で、ナショナリズムの台頭は加速し、EU による欧州統合の幻想もほころびを見せています。人々の日常や価値観が揺るがされる中、現実は思うよりも複雑で、それらを単純化したり、一つの視点から語ることの不可能性を、
私たちは今、目の当たりにしています。そのような状況のなか、改めて自らの足元を見つめ直し、
私たちはいったいどのような地点に立ち、何をどのように知覚しているのか、
それらを意識的に主題とし制作することで、私た
ちは慣れ親しんだ物事への視点や、既存の価値観を問いたいと考えています。
《Still life》
について
部屋の中心に置かれた長いテーブルの上には無数の白いオブジェクトが配置されている。野菜や果物、ビスケット、電球、ガラスの小瓶や使い捨てコップ。それら身近にあふれるオブジェ
クトは、傾き、倒れ、ぐにゃりと奇妙に変形している。柔らかそうに見えるこれらの物体はひとつひとつ実物から型取られ、特別に配合された磁器によって成形されている。素材として使用されている磁器とは、最も硬い素材のひとつでありながら、衝撃に弱く、もろい性質を併せ持っている。通常の磁器の配合を、熱に大きく反応するように意図的に変化させることによって起こるこれらの変形は、制作の最終段階である焼成による熱作用によってもたらされる。

Artist statement
アーティスト・ステートメントWATANABE Go
渡辺 豪

I’m sitting on a sofa, from where I look across the room. Slightly right from the center is aheap of laundry that has been taken in and piled up on a rocking chair, while on the left,

books have been stacked up on the floor to form two towers that lean toward each other.
Both of these piles – laundry and books – are pointing vertically upward, and just likegeological layers indicate temporal accumulation and locational succession, they create

timelines that represent the spatial and temporal continuity of this particular place. The
continuity of these timelines is maintained through the light that fills the room, and defines
their shapes and how they are related.

My idea was to try and interchange the ways the light falls onto each of these piles.

For the laundry, I rearranged the order of light as it normally changes over the course ofa day, while the books I illuminated in a random fashion with light cut out from several

different times and places. What do we see once the relationship between time and space
as defined by light is suspended?

ソファーに腰を落として部屋をみわたす。正面より少し右手には取り込まれた洗濯物が揺り椅子の上に積まれている。左手には床から積み上げられた本の塔が二つ、寄り添うように立っている。洗濯物と本のどちらも上へ上へと線的に重なっていて、地層が時間の蓄積と場所の連なりを示すように、その場所の時間と空間的な連続性を表わすタイムラインを作り出しているが、タイムラインの連続性は部屋を満たす光がそれらの形と関係を明らかにすることによって保たれている。
その光をそれぞれ、重なりごとに取り替えてみようと思う。洗濯物では一日という時の流れを生み出す光の順序を入れ替え、積まれた本ではいくつかの場所と時間から切り取った光を

Artist statement

無作為にあてがうことで。光による時間と空間の関係性が失われたとき、何が見えるだろうか。

アーティスト・ステートメントTANAKA Shusuke
田中秀介

When taking a look around, I see a jumble of myriad things that, while each maintaining
its own individual directivity, make up the scenery that eventually appears before myeyes. This process is continuously updated, and it never happens that the same scene
is repeated. Without even understanding what exactly these clear yet vaguely endlesssceneries show, I observe them closely and rapidly in order to find clues for grasping

what I see. What I get, however, is only the sum of shapes, colors and depth, whichmakes me aware of my inability to understand, and the discrepancies between theanswers that I seek and those offered by the sceneries I look at. The original scenery is
continuously updated, leaving me with the information I have of its previous appearance

while transforming itself into something new. The same scene will never repeat itself,

and of course I don’t have the necessary skills for reproducing it as it was. The logicalconsequence of this is the attempt to “become” the respective scenery. For myself, theact of painting represents my own approach to this “embodiment.” Painting is somethingthat I do with all of my body, from which signs of my own clumsiness such as shaky hands
and drawing errors emerge in the process. It is through the act of forcibly squeezing theobjects – those clear yet vaguely endless sceneries – into the limited space of a canvas
that discordances emerge.

These discordances correspond with the clumsiness and the discrepancies that I

become conscious of when facing a scenery in front of me, and ultimately demand theact of embodiment. The embodied scenery eventually comes to terms with the scenery ofwhich I don’t even know what it shows me, and only then it is updated into a scenery thatindicates something intelligible.

ふと辺りを見渡せば、あらゆる事物が乱立し、それらは各々固有の方向性を保ちながら重なり合い、一挙に光景として眼前に立ち現れる。それはやがて更新され、同一の光景が繰り返される事はない。この明瞭かつ漠然と際限なく続く、何を指し示すかもわからない光景に、把握への糸口を見出そうと、矢継ぎ早に注視する。得られるものは総体としての、形、色、奥行きだけであり、この光景が与える返答と自身の求める返答の齟齬や、理解に及ばない自身の拙さを自覚する事となる。依然対象の光景は更新を続け、以前の姿の情報を携える私を残し、別の光景へと成り代わる。同一の光景が繰り返される事もなく、無論それをそのまま再現する術も持ち合わせていない。結果、光景の体現へと帰結する。この体現への取り組みが私にとって、描く事となる。描く事は自身の身体をもって成す事で、震えや描き損じなど身体から拙さが生じる。そして対象となる明瞭かつ漠然と際限なく続く光景を、
この限られた枠の中に強引に収める事により、齟齬が生じる。
これらの描く事で生じる拙さや齟齬が、光景と対峙し自覚した拙さや齟齬と支持体上で重なり合い、体現の要となる。よって体現された光景は、何を指し示すかもわからない光景に折り合いをつけ、何かを指し示す光景へと更新される。

Artist statement
アーティスト・ステートメント

左 left: 《化門》Mysterious gate 2018右上 upper right：《無縁はおあいこ》Unrelated to each other 2019
右下 lower right：《横風情》Horizontal emotion 2020

《平和》

Peace 2020

Artists’ Talk 2020.2.22
アーティスト・トーク 2020年2月22日

HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma
広瀬菜々＆永谷一馬《Still life》
生活の中で、自分たちが、普段見慣れているけれども、実はしっかりとは見ていない日用品
や日常生活そのものなどをテーマに作品制作を続けています。普段色々な素材を使って作品を作っていますが、全ての根底にあるのは、自分たちは一体どこにいるのだろう、何を見てい化していきます。それから、繰り返されるオブジェクトと、それらが載った大きなテーブルのまわりを歩きながら見る必要がでてくるので、そのあたりと日常のリズムが混ざったりリン
クしたりすればいいかなと思っています。
展示をするたびに多数のものを1つのテーブルに置いて見せたときに、
いつも自分たちの中るのだろうという問いです。

で初めての驚きがあります。一つ一つの変化もそれなりに面白いのですが、やはり全てを並べ《Still life》は、2013年に初めて作り出したシリーズで、素材は磁器を使っています。例えばた時にどのような意味が出るのかが一番大きいですね。実際自分たちが普段慣れ親しんでいスーパーで見かけるような普通のものを型取りして、少し配合を変えた土を使うことによって、るものを疑うということが、この作品によって少しでも知覚ができたらいいなと思っています。

焼いている途中で偶然変形していくという手法を用いています。通常だと「鋳込み」という大量生産で何百個もできるような技法の1つであるのですが、その特別な配合の土を使うことで、結果として全て異なるものが意図せずに出てくるという作品シリーズになっています。

ドイツでの制作活動
ドイツに行けば、自分たちが外国人として、いつも見られる側で、ちょっと浮いた存在とい今回展示しているのは90から100種類の型から取ったもので、今ここには300個並んでいうので、自分は何者なのだろう、ということを常に自分に問いかけながら生きていると思います。

ます。1つのオブジェクトについて1つの型から成型していますが、焼くときの熱の力によっ言葉も文化も、根本的には同じなはずですが、やっぱりそこに差異がある。その中で自分はどて形が変化するので、同じ型から取ったものでも違う形になります。2013年から少しずつ作っのように歩いていくかという考えが常にあります。その他には、やはり難民問題がヨーロッパているので、それぞれの個体に少しずつ時間の差もあるかもしれません。

では大きな社会問題です。難民として人々がたくさん来る。ただそれは、明日の自分かもしれ

それぞれのオブジェクトについては、焼成中にたまたまそこで形が止まったものです。このコンポジションも展示会場によって異なります。その時たまたま隣り合うもの、たまたま作らないですし。今は難民／自分たち、という風に区別されていますが、それは場所や状況で変化し続けます。そういう曖昧な部分が作品を作る上では大きいです。

れたもので構成しています。私たちが当たり前に過ぎていると感じる生活も、
それはたまたま
その日が流れているのであって、その瞬間の一つ一つをあまり疑わない中で繰り返されるのだと思います。その偶然性、瞬間性、必然性みたいなものを、この毎回異なる、固定されていな
いコンポジションで表そうとしています。
題名の《Still life》は、日本語で言うと「静物画」なのですが、それ自体はクラシックなモチー
フで、自分たちが見ているものを一回留めておくというか、記録するという面もありつつ、変《Kartoffel》
ブロンズは、彫刻的にはいわゆる高い位置にあたる素材ですが、そのような素材を使いつつ、いわば日常生活で一番低いと言える、身近にあふれる、そんなに意味もないようなじゃがいもをモチーフにして対比させています。いつも見ているじゃがいもが研磨したブロンズによって反対に見られてしまうという対比も示しています。

WATANABE Go
渡辺 豪《積み上げられた本》＊本は光源となる画像が貼られた多面体の中に置かれていて、この多面体からの光を受けています

自分が見ているものは何だろうか、という興味が根本にあります。例えば積まれている本で《積み上げられた本》は、家の床にたまたま積まれていた本をモチーフにしています。積み上いえば、一番下に最初の本があってその上に次の本が重なり、さらにその上に、という構造の中げられた本の全てのサイズを測って3DCG ソフトでモデリングし、その表面にカメラで撮ったでひとまとまりのものとして現れています。同様に生活している中でも、自分が立っているとそれぞれの本の画像を貼り付けています。そしてこれらのモデルをもう一度3DCG ソフトの中いうことは足元に地面があって ─ 普段そんなことを意識せずに ─ 少なくとも足元に地面があで実際の状態と同じように積み直しているのですが、この作品では個々の本が受ける / 放つ光るということを信用して、その先に続く目の前に見える世界を生きている自分がいます。けれのパターンと発生するタイミングが異なっていて、色や明るさがバラバラに変わっています。

ども果たしてそれはどこまで信用できるのか、
本当にそうなのか、という疑問というか、実感に光のパターンは4つあります。本が実際に置かれていた部屋の一日の光の流れを任意の時間

近い疑念があります。

で切り出したもの、全く関係のない部屋で採取した光を割り当てたもの、生活する中で採取し今回の展示作品は、
ひとつの光の中ではひとまとまりのものとして見える積み上げられた本

た屋内外いろいろな場所の光、そして本そのものの表面の色を光源として本を照らしたものでや洗濯物の山について、光を各々の部分に分け、異なる捉え方で見せるとどういうものになるのか、す（＊右頁図参照）。また、ふたつのスクリーンは上下で繋がっていますが、今回は展示スペースのということを意識して制作しています。複数の場所や時間の光を並置したり、光の当たる時間

関係で敢えて上半分を斜めに立てかけるかたちで投影しています。

を入れ替えたりするのは、光の対比を視覚的効果として表わすためではなく、ひとつの積み重なりに見えるものを光の作用で一旦ほぐすことで、異なる領域に持っていくことができるかを《まぜこぜの山》《まぜこぜの山》
も《積み上げられた本》同様3DCG で作られた、光が関わる作品です。
《積み上考えるためです。見るために必要な光を、時間や場所を取り替えていくことで、線的なものの並び方、重なり方を違う状態にしてみようとしています。

げられた本》
が4パターンの光の入れ替わりで構成されているのに対して、この作品は部屋を満

作品では生活している中でのサイズ感とは異なるスケールでモチーフを使用することが多たす一日の光を素材としてキャプチャーしたものを、個々の洗濯物ごとに時間の順序を変えていのですが、それは単純に見慣れているものに対する違和感を表わし、距離感を変えることを割り当て直しています。それぞれの洗濯物に当たる光が明るくなったり暗くなったり移り変わ目指しています。

るタイミングは、洗濯物ごとに異なっています。

本と洗濯物というモチーフは、
自分の身の回りにあるものという意味ではそれほど差はなく、洗濯物では使った人の痕跡が残っているということ、本ではチョイスやそれらが積み重っている状態に、すごく私的な気配を感じます。この気配を取っ掛かりにして制作しているので、違いをもって見ているというよりは、
共通のニュアンスで捉えています。

TANAKA Shusuke《意未然》

Just before it makes sense

田中秀介

描くこと
私は基本的に、自分が日常生活で不意に出会ったり、目撃したりして体感した驚きを軸に、その驚きが何だったのか、
再度自分の中で考えたりするために描いています。

2020

《化門》
《化門》は、ガラスを替えるために養生されている扉を描いたものです。実際に地下街を歩いていたときに、なんとなくパッと見たらこういう扉がありました。このマスキングテープが文

普段町を歩いていても、分からないことだらけです。例えば、《意未然》では、何か「丸いもの」

字にも見えるし、何かに見えたというか。それに駆り立てられて、その驚きを絵にしようとしまを持っている情景です。実はこれは、
誰かがゴミを出しにきているところです。全体的にこの光した。例えば、
このモチーフとなっている扉を小さくして、同じ構図内に人を描くことも可能で景を見れば、マンションから人が降りてきてゴミを出しているから、それがゴミと認識できるしたが、それをすると、私のなかで体感した驚きというものが軽減してしまいます。私が見た驚

のですが、
例えばこの
「丸いもの」の部分だけをぱっと目撃すると、一瞬理解が追い付かない。何きを、そのままの感覚を描くための必要なサイズと必要な構図として、この画角に収めました。

のことか分からないもの、何を指し示しているのか分からないものを描くことによって、何かを指し示すものへと変換しています。結局何かは分からないですけど。

《こ》《平和》で描いている場所は、大阪市にあるショッピングセンターです。私はたまにそこへ行

交流室に展示している《こ》は、焼きサバを描いています。実際食卓に並んだサバに箸を入れくのですが、
一見ありきたりな場所で、だからこそ描いてみようと思いました。この大きな丸いて身を開いた瞬間に、
一瞬焼きサバに見えなくなって、
ひらがなの
「こ」
の字に見えました。そこ

ものは、おそらく催事で準備されたものに防雨シートを被せたもので、実際はこんなに大きいに驚いて、これを描いてみようと思いました。最初に実寸で描いたところ、
まだ焼きサバに見える。

ものではないです。でも、見た時の印象で、すごく巨大と感じたので、単純に大きく描きました。

もう少し大きくして描いても、まだ魚に見える。そこで、100号のサイズまで大きくすると、一見このように、私がここに立って目撃して体感したことを、モチーフのサイズを変えたり色味をもう魚なのか分からなくなりました。実際、私が食卓の焼きサバから得た感情はこのくらいの調整したりすることで表現しています。

大きさのインパクトだったわけです。

実は自分が見たり出会ったりしているものが、本当はそうじゃないかもしれないとか、自分の解釈によってそうやって見えているだけ、感じているだけかもしれない、ということで、それ作品タイトルを絵画に表していきます。絵画は自分が感じた違和感や驚きを、描くことでその時に留めるこ

最初にお話しした、「何か分からないものを、何かを指し示すもの」
へ表したいとなった時に、とができる。実際に感じた感覚を例えば強調したり、意図的にその他の箇所を無くしたりとかすごく分かりやすいタイトルにすると、それを指し示すことになってしまいます。すごくシンすることで、見せることができます。

プルなタイトルをつけたとしても、それに似つかわない絵という可能性も起こりえます。これは《平和》というタイトルですが、自分の中では完全に理解された上でついたタイトルですが、観る方によってはその微妙な感覚を体感してもらいたく、
分かりそうで分からないタイトルをつけています。

PROFILE プロフィール

LIST OF WORKS 作品リスト

田中秀介 TANAKA Shusuke

田中秀介 TANAKA Shusuke

1986年和歌山県生まれ。大阪府を拠点に活動。2009年大阪芸術大学美術学科油画コース卒業。
主な展覧会に「なつやすみの美術館 10：あまたの先日ひしめいて今日」（和歌山県立近代美術館、2020）「忘れようとしても思い出せない」、（ボーダレス・アートミュージアム NO-MA、滋賀、2019）「清須市はるひ絵画トリエンナーレアーティストシリーズ Vol.87 田中秀介展 〜カウンターライフ〜」、（清
須市はるひ美術館、愛知、2018）、「アーカイブをアーカイブする」（みずのき美術館、京都、2018）、「ふて寝に晴天、平常の炸裂。」（Gallery PARC、京都、2017）「アンキャッチャブル・ストーリー」、（瑞雲庵、京都、2017）「TWS- Emerging 2016『円転の節』、（」TWS 渋谷、東京）「トーキョーワンダー、
ウォール 2016 入選作品展」（TWS 渋谷、東京）、「FACE2015 損保ジャパン日本興亜美術賞展」（損保ジャパン日本興亜美術館、東京）など。主な受賞や助成歴にはるひ絵画トリエンナーレ準大賞受賞（2018）、「第 24 回ホルベイン・スカラシップ」（2011）など。
Born in Wakayama in 1986. Lives and works in Osaka. Graduated from Osaka University of Arts, Art department of oil painting course in 2009.

1.《昼隈》Part of the day 2020
2.《マツミ》Matsumi 2020
3.《確固中》Checking 2020
4.《あまたの一つ》One of the many 2018
5.《抜き打ち車》Sudden car 2020
6.《一望で顕著まみれ》The scenery where each stands out 2020
7.《二人の一人》One in two people 2018
8.《無縁はおあいこ》Unrelated to each other 2019
9.《思惑の受け入れ先》Acceptance destination 2018

Recent exhibitions: “MOMAW Summer Museum Project #10: A Lot of Other Days Loaded in Today,” Museum of Modern Art, Wakayama, 2020,

10.《ついつい配す》Place involuntarily 2019

“I try to forget, but I can’t remember,” Borderless Art Museum NO-MA, Shiga, 2019, “Kiyosu City Haruhi Painting Triennale Artist Series Vol. 87

11.《前向き迷子》Positive hesitation 2019

Tanaka Shusuke,” Kiyosu City Haruhi Art Museum, Aichi, 2018, “Recreating The Archives,” Mizunoki Museum of Art, Kyoto, 2018, “futeneniseiten,
heijonosakuretsu,” Gallery PARC, Kyoto, 2017, “Uncatchable Story,” Zuiun-an, Kyoto, 2017, “TWS-Emerging 2016: Section of the circle,” TWS
Shibuya, Tokyo, “TOKYO WONDER WALL 2016,” TWS Shibuya, Tokyo, “FACE 2015: Sompo Japan Art Award Exhibition,” Sompo Japan Nipponkoa
Museum of Art. Awards: Kiyosu City Haruhi Painting Triennale Second Prize, 2018, The 24th HOLBEIN Scholarship, 2011.

12.《突貫風情》Instant culture 2018
13.《化門》Mysterious gate 2018
14.《ちょいと》Small amount 2015
15.《意未然》Just before it makes sense 2020
16.《問答のよりどころ》Question and answer results 2020

広瀬菜々＆永谷一馬 HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma

17.《備蓄遊び》Play with stockpile 2020
18.《平和》Peace 20201980年大阪府生まれ（広瀬）、1982年兵庫県生まれ（永谷）。ドイツを拠点に活動。両者ともに2014年ブレーメン芸術大学美術学部マイスターシュー

19.《今粒》Now grain 2020

ラー課程修了。2005年京都精華大学大学院芸術研究科博士前期課程修了（広瀬）。2004 年京都精華大学芸術学部造形学科陶芸分野卒業（永谷）。

20.《横風情》Horizontal emotion 2020

主な展覧会に「Out of the Ordinary」（ウルム芸術財団、
ドイツ、2019）「Why don’、t cats wear shoes?」（クンストラーハウス・ゲッティンゲン、
ドイツ、

21.《こ》Grilled fish shape 20172019）
「Why don’t cats wear shoes?」、（クンストフェライン・クックスハーフェン、
ドイツ、2019）「Another Place」、
Anna Bart との対話展（国

すべてキャンバスに油彩 All works: Oil on canvas

際交流基金ケルン、
ドイツ、2018）「大地の芸術祭 越後妻有アートトリエンナーレ」、（新潟、2018）「Still Life」(ヨハン・フリードリヒ・ダナイル美術館、、
ザルツヴェーデル、ドイツ、2017）、「Of the Universe」（ヴェーザーブルク現代美術館、ブレーメン、ドイツ、2014）など。主な受賞や助成歴にベル
ギッシュ・アートアワード観客賞（ゾーリンゲン美術館、
ドイツ、2017）、
ポーラ美術振興財団在外研修（ドイツ、2015）、
エアスターフェルクリンガー・

広瀬菜々＆永谷一馬 HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma

アートアワード観客賞（ザール造形芸術大学、2013）、芸術大学最優秀賞（ブレーメン芸術大学、2012）。2018年より LBBW 財団、ポーラ美術振興財

1.《Still life》2013 年からの継続作品、
磁器、
サイズ可変

団、野村財団他の助成を受けドイツ、ウルムでの2年間のレジデンスプログラムに参加。

Still life , ongoing series since 2013, Porcelain, dimensions variable

Born in Osaka in 1980 (Hirose), Born in Hyogo in 1982 (Nagatani). Live and work in Germany. Both graduated with a Meisterschüler from
University of the Arts Bremen in 2014. Graduated with a BFA from Kyoto Seika University in 2005 (Hirose). Graduated with a BFA from Kyoto

2.《Kartoffel》2015、
ブロンズ 鏡面仕上げ

Kartoffel 2015 High polished bronze, dimensions variable

Seika University in 2004 (Nagatani).
Recent exhibitions: “Out of the Ordinary,” Ulm Art Foundation, Germany, 2019, “Why don’t cats wear shoes?,” Künstlerhaus Göttingen,Germany, 2019, “Why don’t cats wear shoes?,” Cuxhavener Kunstverein, Germany, 2019, “Another Place” with Anna Bart, Japan Foundation
Cologne, Germany, 2018,“Echigo-Tsumari Art Triennale,” Niigata, 2018, “Still Life,” Johann-Friedrich-Danneil-Museum, Salzwedel, 2017, “Of The
Universe,” Weserburg Museum, Bremen,Germany, 2014, etc.

渡辺 豪 WATANABE Go
1.《積み上げられた本》2019-2020、アニメーション
（ダブルチャンネル）（30'）

the towers (lights are books) 2019-2020 Animation, double channel video (30')

Awards and grants: Audience Award at Bergisch Art Award, Solingen Museum, Germany, 2017, Overseas research Grant of Pola Art Foundation,

2.《まぜこぜの山》2016 アニメーション (24')

Germany, 2015, Audience Award at the Erster Voelkling Art Award, HBKsaar, 2013, 1st Prize of University Award, University of Fine Arts Bremen,jumbled mountain 2016 Animation (24')

2012. Since 2018, they have participated in a two-year residence program in Ulm, Germany, with grants from the LBBW Foundation, Pola Art
Promotion Foundation, Nomura Foundation and others.

渡辺 豪 WATANABE Go
1975年兵庫県生まれ。東京都を拠点に活動。2002年愛知県立芸術大学美術研究科油画専攻修了。
主な展覧会に「あざみ野コンテンポラリー vol.8 渡辺豪 ディスロケーション /dislocation」（横浜市民ギャラリーあざみ野、
2017）「、光差 - 境面 III -」（URANO、東京、2017）、「創立50周年記念展示芸術は森からはじまる」（愛知県立芸術大学構内全域、2016）、「places」（ARATANIURANO、東京、
2015）「ロジカル・エモーションー日本現代美術」、（ハウス・コンストラクティブ美術館、
チューリッヒ、
スイス、
クラクフ美術館、
クラクフ、
ポーランド、
ザクセンアンハルト州立美術館、ザクセン = アンハルト、ドイツ巡回、2014-2015）、「The APB Foundation Signature Art Prize」（シンガポール
美術館、2014）、「あいちトリエンナーレ 2013」（愛知県内各所、2013）、「Asia Code: ZERO」（SOMA 美術館、ソウル、2013）など。受賞歴に第24回五島記念文化賞美術新人賞受賞（2013）。
Born in Hyogo in 1975. Lives and works in Tokyo. Graduated with a BA in Fine Art from Aichi University of the Arts.
Recent exhibitions: “Azamino Contemporary vol. 8 “Go Watanabe / dislocation,” Yokohama Civic Art Gallery Azamino, 2017, “light difference-face III-,” URANO, Tokyo, 2017, 50th Anniversary Exhibition “Arts Begin From Forest,” Aichi University of Arts, 2016, “places,” ARATANIURANO,Tokyo, 2015, “Logical Emotion,” Haus Konstructive, Zurich, Switzerland / Museum of Contemporary Art in Krakow, Poland / Kunstmuseum
Moritzburg Halle, Land SachsenAnhalt, Germany, 2014-2015, “The APB Foundation Signature Art Prize,” The Singapore Art Museum, 2014, “Aichi
Triennale 2013,” Aichi Prefectural Museum of Art, 2013, “Asia Code: ZERO,” SOMA, Seoul, 2013, etc. Award: Newcomer's Prize of Art at the24th Gotoh Memorial Cultural Award, 2013.

左下 lower left: 広瀬菜々＆永谷一馬《Kartoffel》2015 HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma Kartoffel 2015
右上 upper right: 田中秀介
《こ》2017 TANAKA Shusuke Grilled fish shape 2017

ACT（Artists Contemporary TOKAS ）Vol. 2

停滞フィールド
Stasis Field

アーティスト：田中秀介、広瀬菜々＆永谷一馬、渡辺 豪
会期：2020 年 2 月 22 日（土）– 3 月 22 日（ 日）
会場：トーキョーアーツアンドスペース本郷
主催：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館トーキョーアーツアンドスペース
協力：ANOMALY
Artists: TANAKA Shusuke, HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma, WATANABE Go
Date: 2020/2/22 (Sat.) – 3/22 (Sun.)
Venue: Tokyo Arts and Space Hongo
Organizer: Tokyo Arts and Space(Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture)
Cooperation: ANOMALY● 関連イベント：Related Event
アーティスト・トーク：Artists’Talk

日時：2020 年 2 月 22 日（ 土）16:30 – 18:00
作家：田中秀介、広瀬菜々＆永谷一馬、渡辺 豪
Date: 2020/2/22 (Sat.) 16:30 – 18:00
Artist: TANAKA Shusuke, HIROSE Nana & NAGATANI Kazuma, WATANABE Go
翻訳：アンドレアス・シュトゥールマン
撮影：加藤 健広報物デザイン：溝端 貢（株式会社 ikaruga. ）印刷：株式会社山田写真製版所
編集・発行：トーキョーアーツアンドスペース
発行日：2020 年 8 月 30 日
Translation: Andreas STUHLMANN
Photograph: KATO Ken
Publication design: MIZOBATA Mitsugu (ikaruga.)
Printing: Yamada Photo Process co.,ltd
Edited and Published by: Tokyo Arts and Space
Published on 30 August, 2020