e t s TWSe
M
トーキョーワンダーサイトで開く
可能性の扉
トーキョーワンダーサイト（T WS）の活動をご存知でしょうか？
公募による展覧会、初個展、クリエーター・イン・レジデンス、実験的な企画……。
東京を拠点に、さまざまな活動の場をつくり、アーティストを支援してきた T WS。
ここでは、実際に活動してきたアーティストの声をとおしてその活動をご紹介します。
T WSとの出会いをきっかけに、ステップアップしていったアーティストたち。
T WS は、彼らのように、無限の可能性を秘めたアーティストたちに活動の場を提供し、創造と実験の場を生み出して観客の皆さんと共に共有していきます。
Based in Japan’s capital city, Tokyo Wonder Site (TWS) creates platforms
for a wide range of activities and supports artists by organizing open-call exhibitions,artists’ first solo exhibitions, residency programs, and other experimental projects.
Through the voices of artists who have worked with TWS,
this publication presents the diverse activities that take place at TWS.
Many of the artists have since successfully advanced their career after participating in these programs.
TWS continues to provide opportunities for artists with unlimited potential,
and share platforms for creativity and experimentation with audiences.

アーティストインタビュー Ar tist Interview

vol.1

佐藤 翠 M idor i SATO
川久保ジョイ Yoi K AWAKUBO

vol.2

vol.3 ラウル・ワルヒ Raul WALCH
鈴木ヒラク Hiraku SUZUKI
vol.5

vol.4

宮内康乃 Yasuno MIYAUCHIディン・Q・リー Dinh Q. LÊトーキョーワンダーサイトのミッションと活動
Tok yo Wonder Site Miss ion & Act ivity

Special!

Me.1Midori
SATO

vo l

e

はじめの一歩を後 押し

TWS
ts
佐藤
翠

公 募から個展、そしてその先へ
Support for the first step:
From an open-call exhibition
to solo shows, and beyond

服が並んだクローゼット、高いヒールが並ぶ棚、鮮やかに彩られた花々など、女性らしいモチーフと大胆なタッチで見るものを引き込む作品を描く、佐藤翠。近年ではギャラリー
での展示のほかに、本の挿画や映画への絵画協力などにも活躍の場を広げる彼女に、トーキョーワンダー
サイトのプログラムはどのようなきっかけをもたらしたのだろう。

｜
Meets TWS vol.1

自身の個展「Secret Garden」（8/Art Gallery/ Tomio Koyama Gallery、東京、2016）
にてCourtesy of Koyama Art Projects

Midori Sato’s work depicts feminine motifs with a bold touch,from closets full of clothes toshelves lined with high heels orvividly colored flowers. In addition to exhibiting at galleries, shealso works widely in other fields,such as creating art for books
and films. What kind of opportunities did the Tokyo Wonder Siteprogram give her?

003

トーキョーワンダーウォールから
TWS-Emergingへ
大学院に入学して、学外でも発表してみたいと思ったのが、「トーキョーワンダーウォー
ル」（以下、TWW）にチャレンジしたきっかけです。初めて応募したのは1年生のときですが、そのときは選考に通りませんでした。でもそれも、厳しい世界であることを知れたのと作品をより良くしようというモチベーショ「TWS-Emerging: Blissful moment」をきっかけに行った、TWS 渋谷に併設するカフェでの 展示「Pont Marie」（TWS Art cafe kurage、2011）

ンになったので、良い経験になりました。その翌年の2009年に入選し、東京都現代美術館

初めての個展「TWS-Emerging: Blissful moment」（TWS 本郷、2010）
でのアーティスト・トークにて。左はゲストのキュレーター・ 窪田
研二氏という憧れの美術館で、自分の作品が展示できるのが嬉しかったのを今でも覚えています。

Continuing Suppor t for Ar tists’ Growth

TWW 入選者は次のステップとしてトーキョー

I was in my first year of graduate school

ワンダーサイト（以下、TWS）での個展「TWSEmerging（以下、Emerging）」の機会が得られるというので応募しました。プレゼンをするときには、会場となる TWS 本郷の一番広い部屋でやりたい、と意気込んでいたのですが、当時の TWS のプログラム・ディレクターに「TWS-Emerging: Blissful moment」（TWS 本郷、2010）
展示風景「小さい奥の部屋の方がやりたいことに合って

something rare for young artists to focus onwhen they are searching for the next step

Wall (TWW). I wasn’t selected, but I suc-after university. It offers continual support

ceeded the following year, in 2009. Even

for artists’ growth through solo exhibitions

now, I remember how happy I was to haveand overseas activities. Personally, I wouldn’t

my work displayed in the Museum of Contemporary Art Tokyo. I then applied to To-

have built up the career I have today if I

kyo Wonder Site (TWS) for a solo exhibition

special place that provided support for myin TWS-Emerging. Although it was my first

big first step. I hope that people who partic-

solo show, I was able to achieve what I

ipate in TWS programs will actively try new

wanted. People who came to the show approached me afterwards, including a galler-

things. I try to keep tackling new challenges
even now, and I have my sights set on par-ist, which led to some surprising develop-

ticipating in an overseas residency program

ments. I think the TWS program provides

in the future.

いると思う」とアドバイスしていただいたのアーティストの成長を継続的に応援

は勉強になりました。実際そのとおりで、プ

TWS のプログラムは大学を出て、次の一歩をライベートな部屋のような空間を生かして、絵

どう踏み出していこうか迷っている若手アー

画と立体を使ったインスタレーションをつく

ティストに、焦点をあててくれている数少なることができました。

いプログラムではないかと思います。公募を「Emerging」は自由度が高くて、基本的にアー窓口に個展へのステップがあったり、また海

ティストの側に任せてもらえました。これが外のレジデンスで滞在制作をするチャンスが

私にとって初めての個展でしたが、やりたい得られたりと、アーティストの成長を持続的なことをやって、自分が形にしたいものを実現目で応援してくれているんだなと感じています。

できたのが良かったですね。また、ギャラリ

私自身、あのときに TWW に挑戦していなかっストの小山登美夫さんをはじめ、見てくださっ

たら、今のような自分はいなかったかもしれた方から後に声を掛けていただくなど、次にないと思うので、TWS は最初の一歩を後押し

つながる驚きの展開が生まれたのもこの個展してくれた大切な場所です。

1984年愛知県生まれ。2010年東京造形大学大学院修士課程修了。主な個展に「Secret Garden」（8/ART GALLERY/Tomio
Koyama Gallery、東京、2016）、「TWS-Emerging: Blissful
moment」（ TWS 本郷、2010）など、グループ展に「コレクション
テーマ展40 VOCA 大原美術館賞の10年」（ 大原美術館、岡山、
2016）、「絵画を抱きしめて Embracing for Painting」（ 資生
堂ギャラリー、東京、2015）
など。

でした。

これから TWS のプログラムへ参加される方はMidori SATO

2011年には、「Emerging」参加アーティスト

多くの方に見てもらえる機会なので、積極的として、TWS Art Cafe kurage で作品を展示に挑戦していただきたいです。私も新しいこしました。その展示で私の作品を見た方が後とに取り組む姿勢というのは今でも大切にしに作品を購入してくださるなど、ひとりの作ているので、今後は海外のレジデンス・プロ

家として世の中に発表できている、という実グラムなども視野に入れて活動していきたい

Born in Aichi in 1984. Graduated with an MA in Art Studies, Art
and Design from Tokyo Zokei University in 2010. Solo exhibitions: “Secret Garden”（8/ ART GALLERY/ Tomio Koyama Gallery, Tokyo, 2016）, “TWS-Emerging: Brissful moments” (TWS
Hongo, Tokyo, 2010). Group exhibitions: “Collection Theme Exhibition 40 10 Years of Ohara Museum of Art Prize of Exhibition
VOCA” (Ohara Museum of Art, Okayama, 2016), “Embracing for
Painting” (Shiseido Gallery, Tokyo, 2015).

感を得ることができました。

と思っています。

さとう・みどり

hadn’t applied to TWW, so for me TWS is a

New Work!

個展「Secret Garden」（8/Art Gallery/ Tomio Koyama
Gallery、東京、2016）
Photo: Kenji Takahashi©Midori Sato, Courtesy of Koyama Art Projects｜
Meets TWS vol.1｜
Meets TWS vol.1
004

when I applied to take part in Tokyo Wonder005

制作に影響を与えた
Yoi
K AWAKUBO

川久保
ジョイ

.2

Me

レジデンスでのアーティストとの交流

TWS
vo l

s
et

Influenced by interactions
with other residency artists
前職は金融トレーダーという、異色の経歴を持つ川久保ジョイ。写真
作品をはじめ、近年ではさまざまなメディアを扱うインスタレーションまで、制作の幅を広げている。海外での活動を視野に入れて参加した
トーキョーワンダーサイトのプログラ
ムからどのようにステップアップを経てきたのだろうか。
Yoi Kawakubo’s unconventional
background includes previous occupation as a ﬁnancial trader. His
work as an artist is always expanding, from photography to recent
installations involving a wide rangeof diﬀerent media. Having participated in Tokyo Wonder Site programs with the future aspiration ofworking overseas, how has his career been subsequently boosted?

｜
Meets TWS vol.2「OPEN STUDIO 2013」（TWS 青山：クリエーター・イン・レジデンス、2013）
にて。
他の参加アーティストとの交流の様子

007

「トーキョー・ストーリー2014｜第1期」（ TWS 渋谷、2014）に出展した作品《When the mist takes off the suns》「TWS-Emerging 2012」（TWS 本郷、2012）に出展した作品《Speak the Unspeakable》

海外のレジデンスを目指して

アーティストとのコミュニケーションを通し、トーキョーワンダーサイト（以下、TWS）のさまざまな考え方や視点に気づきました。こプログラムで最初に参加したのは2011年のこで自分の考えもかなり変わった気がします。

「トーキョーワンダーウォール」（以下、TWW）

ジャンルや手法にこだわらずに表現していくです。次に参加した2012年の「TWS-Emerg-

こと、またアーティストにとって作品が売れing」は、表現の幅をひろげようと考えていたることだけが第一ではなく、考え方や生き方、頃でした。本当は海外のレジデンスに行きたいかに面白い表現ができるかの方が重要だといと思い、TWW の前に「二国間交流事業プ

思うようになりました。

ログラム」（以下、二国間）に応募したのです

A Step Up for Expanding Fields
The ﬁrst Tokyo Wonder Site (TWS) program

forming my way of thinking. I came to believethat I participated in was Tokyo Wonder Wallin 2011. I was then able to participate inthat it is critical to create work without sticking to a certain genre or method. For an art-

TWS-Emerging. The experiences I gained

ist, the way he or she thinks and lives has athrough the Local Creator Residency Pro-

big impact on the level of their art.

gram were especially signiﬁcant. At the residency site, located at that time in Aoyama,

These experiences helped me expand mythere were three other artists from the same2016. Though this is through the support of aprogram, as well as several overseas artists

diﬀerent grant, the opportunity came about

who were either part of exchange programs

precisely because of my past experiences

or invited artists. We all lived and worked to-and network. For artists such as myself who

gether. Through communicating with bothwish to explore diﬀerent ﬁelds, TWS programs are very useful.

が、TWS のプログラムに参加することなく、活動場所を東京からロンドンへ

いきなり挑戦するのは難しかったようです。

国内クリエーターでの経験は、結果的にネッ

二国間の帰国報告会を聞きに行った際に、トワークを広げることにもつながりました。そTWS のプログラムが TWW など公募展からのの後「二国間交流事業プログラム」（2014）

ステップアップを想定した構成になっているの派遣クリエーターでロンドン芸術大学にレことを理解しました。

ジデンスをしましたが、そこでの出会いも他

その帰国報告会では、略歴やポートフォリオの展示やレジデンスなど次のステップにつなの掲載順、応募書類や計画書の書き方、推薦

がったり、他国の知人が増えたり。ロンドン

かわくぼ・じょい者の選び方など、応募に関するコツやアドバ

は日本よりもコミュニティの母体も大きいのイスがあり、他のレジデンス・プログラムにでたくさんのアーティストやコレクター、キュ

応募する際も参考にさせてもらいました。

レーターに出会うことができました。

いま振り返ってみると、2013年の「国内クリ2016年3月から、ポーラ美術振興財団や文化

1979年トレド（スペイン）生まれ。2003年筑波大学第二学群人間学類卒業。主な個展に「To tell a (hi)story」（ Husk gallery、
ロンドン、2 015）など、グループ展に「トーキョー・ストーリー2015」（TWS 本郷、2015）、「VOCA2015」（ 上野の森美術館、大原美術館賞受賞、2 015）、「内臓感覚」（オル太×川久保ジョイにて出展、金沢21世紀美術館、石川、2013）など。

エーター制作交流プログラム」（以下、国内ク庁の制度を活用してまたロンドンに滞在しま

Yoi KAWAKUBO

リエーター）の経験は大きかったです。当時、すが、これまでの経験やつながりが切り開い青山にあったレジデンス施設には国内クリてくれた機会だと感じています。私のように、エーターのアーティストが自分のほかに3人、さまざまなフィールドへ出ていくことを希望

ほかにも交流事業や推薦プログラムなどで滞するアーティストにとって、TWS のプログラ在している海外のアーティストも常に複数いムは有効だと思います。

Born in Toledo (Spain) in 1979. Graduated with a BA in Human
Sciences from the University of Tsukuba in 2003. Solo exhibition: “To tell a (hi)story” (Husk gallery, London, 2015). Groupexhibitions: “TOKYO STORY 2015” (TWS Hongo, Tokyo, 2015),“VOCA2015” (The Ueno Royal Museum, awarded the Ohara Museum of Art Prize, Tokyo, 2015), “Organella and the sound of thesinglar point” (Collaboration work with Olta, 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Ishikawa, 2013).

て、寝食を共にしました。こうした国内外のlocal and international artists, I came to per-network. I will start living in London fromceive diﬀerent perspectives, radically trans-

New Work!

「第10回 shiseido art egg『川久保ジョイ展』」（資生堂ギャラ
リー、東京、2016）
でのインスタレーション《Fall/フォール》｜
Meets TWS vol.2｜
Meets TWS vol.2
0
0
8

アーティストのグスタヴォ・チリアコ企画の展示「A room of wonder |Tokyo」（「トーキョー・エクスペリメンタル・フェスティバル Vol.8」内、
TWS 渋谷、2013）
にて行ったインスタレーション

009

T WSレジデンスにて、「Fabric&Space」と題した布を用いたプロジェクトのための作品《Ganbatte(Three Variaions)》を制作しているところ

Me

ラウル・
ワルヒ

でも活動経験のある田村友一郎とは2017年にケル

サーチ・レジデンス・プログラム」に参加したの

ン日本文化会館で一緒に展覧会をする予定です。

は2013年。原発事故に焦点をあてた作品を制作し海外でプロジェクトを行うには、現地での仲間やました。実際に、福島第一原子力発電所のある福繋がりを見つけることはとても大事です。TWS の島県双葉町や、地震や津波の被害を受けた宮城県レジデンス・プログラムは東京の街やそのアートを訪れ、伊東豊雄の「みんなの家」や宮城県石巻

シーンを知り、プロジェクトを実現するのに適し市の復興プロジェクトなど、現地で行われているているだけではありません。現地の日本人アー重要なプロジェクトをリサーチしました。

ティストと出会い、関係を構築する素晴らしい機

2015年には「海外クリエーター招聘プログラム」

会となると思います。

に参加しています。この期間中は、建築空間におる人々についてリサーチを行いました。ドイツでExploring Social Issues
through Local Researchは2011年以降、国内の原発の稼働が徐々に停止さ

I ﬁrst participated in Tokyo Wonder Site (TWS)

ける布の使用について、また不法長期滞在とされ原発事故から移 民問 題まで
日本の社会に向き合う
From Nuclear Disaster to Immigration:
Confronting Issues in Japanese Society
彫刻からパフォーマンスまで、ジャンルを越えて社会的なアプローチを試みるドイツ人
アーティスト、ラウル・ワルヒ。これまでにも世界の様々な場所で、その土地の課題が浮き彫りになるような作品を発表してきた。二度にわたる日本での滞在制作で、彼は何を感じたのだろうか。

れ、2022年末にはすべての原子力発電の廃止を目指していますが、この決断は福島の出来事に影響を受けていました。そこで反対に、二度目のレジデンスの際にドイツで難民を受け入れる決断がされたことに対し、日本ではどのような政治的な反応があるのか知りたいと考えました。それで移民に焦点をあて、茨城県にある入国管理センターを

Raul WALCH

1980年フランクフルト生まれ。現在、ドイツとエチオピアにて活動。2012年、ベルリン芸術大学附属空間実験研究所修了。近年の主な活動に「海外クリエーター招聘プ
ログラム」にて滞在（TWSレジデンス、2015）など、主な個展に「Azimut」（ Lichthaus Arnsberg、アルンスベル
グ、ドイツ、2016）など、主なグループ 展に、「Cinema
Lada」（ Modern Art Museum、アディスアベバ、エチオ
ピア、2015）、「Festival of Future Nows」（新ナショナルギャラリー、ベルリン、2014）など。

Born in Frankfurt in 1980. Lives and works in Berlin and Addis
Ababa. Graduated with a BFA in sculpture from Kunsthochschule
Berlin-Weisensee. Graduated from Universitat der Kunste Berlin/ Institut fur Raumexperimente in 2012. Recent main activity:“International Creator Residency Program” (TWS Residency, Tokyo, 2015). Solo exhibition: “Azimut” (Lichthaus Arnsberg, Arnsberg, Germany, 2016). Group exhibitions: “Cinema Lada” (Modern Art Museum, Addis Ababa, Ethiopia, 2015), “Festival of
Future Nows” (Neue Nationalgalerie, Berlin, Germany, 2014).

focusing on the Fukushima nuclear disaster.
During my second residency at TWS in 2015, I
conducted research on immigrants who are
overstaying in Japan. Germany aims to shut
down all its nuclear power plants by 2022, inﬂuenced by the Fukushima disaster. When Germany decided to take in refugees in 2015, I thenwanted to learn about the political response to

民や国内の災害を受けた避難住民などに、どのよ

this decision in Japan. From a German perspec-

うな政策を行っているのか、大きな関心を寄せています。

日本人アーティストとの出会い

レジデンス・プログラムに参加することで、日本
人アーティストとの良い出会いもありました。最久保ジョイとは、アート全般についての対話、とりわけアーティストがどのように社会の現実や社

tive, I have a great interest in Japan’s policies
toward evacuees from natural disasters and immigrants, so I visited an immigration center aspart of my research. The residency gave me agood chance to meet Japanese artists. In thissense, TWS program is not only ideal for getting
to know Tokyo and its art scene, or for realizing a
project, but it also helps participants connect
with local Japanese artists and build relationships.

会そのものと向き合うかについて話をしました。ま｜Meets TWS vol.3｜
Meets TWS vol.3

ラウル・ワルヒ

residency program in 2013, when I created work

訪れたのです。ドイツ人の視点から、日本では移初のレジデンス期間中に一緒に双葉町を訪れた川From sculpture to performance, German artist Raul Walch transcends media
categories in his explorations of social issues. His work uncovers the challenges faced by many different places around the world. What was his impressionof participating twice in Tokyo Wonder Site’s residency program?

0
10

た、ベルリンの空間実験研究所で知り合い、TWS

初めてトーキョーワンダーサイト（TWS）の「リふた ば まち

.3

Raul
WALCH

vo l

e

TWS
ts

福島、石巻、東京でのリサーチから2013年のレジデンスの際、福島でのリサーチをもとに制作した映像作品《Jusqu’ici tout va bien》（2013）「OPEN STUDIO 2015 -2016」（TWSレジデンス、2015）
にて、作品を前に来場者と交流の様子

01
1

「Glyphs of the Light 2011」（WIMBLEDON space、ロンドン、2011）
にて、オープニングに行ったライブ・ドローイング

振り返ればきっかけになっていた
新しいことに挑戦できる環境が力にレーション、映像、彫刻など多岐に

HirakuSUZUKI鈴木
ヒラク

わたる制作活動を展開する、鈴木ヒラク。国内外での展覧会のみならず、音楽家とのセッションによるライ
ブ・ドローイングパフォーマンスや、
アニエス・ベーやコム・デ・ギャル
ソンといったファッションの分野とのコラボレーションも行うなど、ドロー
イングの可能性を拡張し続けている。
トーキョーワンダーサイトでの経験が彼の制作にどんな影響を与えたのか、振り返ってもらった。

｜
Meets TWS vol.4

Hiraku Suzuki creates murals, installations, video art, and sculpturein addition to 2D work. He strives
to expand the possibilities of drawing, collaborating with fashion
brands such as agnès b. and Comme des Garçons, and producing
live drawing performances withmusicians. He looked back on theimpact his experiences with Tokyo
Wonder Site have had on him.

012「Glyphs of the Light 2011」(WIMBLEDON space、ロンドン、2011)。
二国間交流事業プログラムにて、ロンドンで制作した作品.4

平面作品のほか、壁画、インスタ

TWS
vo l

s
et

Me

In retrospect, it was always the catalyst:
Helped by an environment with the freedom
to try new thingsキーワードを手に入れた個展

制作の方向性の変化

ちょうど大学院を修了するタイミングで参加

2008年と2009年に開催されたグループ展「都した、2007年末から2008年にかけてのトー

市のディオラマ：Between Site & Space」

キョーワンダーサイト（以下、TWS）青山：（TWS 渋谷 / ARTSPACE、シドニー）では、クリエーター・イン・レジデンスでの2ヶ月2ヶ月間シドニーに滞在しました。海外の長期間のレジデンス、そしてその後の TWS 渋谷でレジデンスは初めてだったので、まっさらなの個展「TEAM 11/NEW CAVE」。この時期の気持ちで、その場所との偶然の出会いを期待

一連の経験は、自分がアーティストとして生して、ほぼ手ぶらで行きました。

きていく一歩を踏み出す大きなきっかけにな

2011年の「二国間交流事業プログラム」でロりました。

ンドンに行ったときは、シドニーの時とは全少し遡れば、今も継続している土と葉脈をくアプローチが違いました。この滞在が東日使った作品シリーズは20歳の頃から制作して

本大震災の直後であったということも大きくいましたし、バックパッカーをやったり、実影響していたのですが、自分の興味が目の前

験的な音楽やストリートアートのシーンなどの物質性や場所性よりも、考古学などの学問と関わりながら、ずっと独自に動いてきましや、「人間とは何か」といった根源的な思考へた。そんな中で、アニエス・ベーさんとの出と変化していたんです。そのため、ロンドン

会いを始め、理解者や海外で発表する機会を

滞在では自分がやりたいことへのフォーカス

少しずつ得てはいたのですが、自分がアーティがしぼれていて、「光と文字の関係性」というストだと自覚したり、アーティストになろう

テーマで制作と発表を行うことができました。

と思ったことは特になかったんです。それよりその後も海外滞在の機会が増えるのですが、も、色々なことを区別せずにひたすら行動し考

ローカルな文脈との偶然の出会いに直接影響えて、とにかく前に進もうとしていました。

を受けるだけでなく、普遍的な「ドローイン

ただ、ちょうど TWS での個展の前に、自分のグ」という自分の研究を進めるように制作の中で「ドローイング」という言葉が新たな意

方向性が変化してきたと感じます。

味を持って浮上してくる瞬間があった。自分

こうして振り返ってみると、自分の作品がぐの全ての仕事に通底する一本の線を「ドローんと伸びる時期に TWS のプログラムが重なっイング」というキーワードで表すことで、作ていたと思います。自由に新しい挑戦をさせ品自体も、生き方としても、ピントが合って、てもらえた、ということが僕にとっては大き可能性が広がったと思います。

かったので、TWSのプログラムへ参加して、のびのびとやりたいことができる環境を得るこ

個展「TEAM 11/NEW CAVE」（TWS 渋谷、2008)。壁に掛かるのは葉脈によるドローイング「bacteria sign」シリーズ、中央はアスファルト片による作品《road sign - spiral》
Photo: Ooki Jinguとが、これから参加する人にとっても作品の可能性を広げる突破口になるかもしれません。

「Glyphs of the Light 2011」（WIMBLEDON space、ロンドン、2011） 「都市のディオラマ：Between Site & Space」（ARTSPACE Visualにて、オープニングに行ったライブ・ドローイング
Arts Centre、シドニー、2009）。TWS 渋谷での展覧会の巡回展、オーストラリア人作家3名と日本人作家3組が参加した

Breakthrough and Milestone as an Artist
My two-month residency at Tokyo Wonder

The fact that my stay in London came directly

Site (TWS) Aoyama at the end of 2007 was a
critical juncture for me as an artist. The possi-

after the Tohoku earthquake was also key, but
my interests changed from the materiality andbilities for my later work then expanded fol-

locality around me to academic ﬁelds such as

lowing my solo exhibition, “TEAM 11/NEW-archaeology and fundamental questions such

CAVE,” at TWS. A major aspect was how I
newly acquired drawing as a way to approachas “What is humanity?” Looking back, I see

my work. I was able to capture the artistic

cided with the period when I was participating

context for what I wanted to do, and gainedin TWS programs. Being able freely to try new

an awareness of the structure of my process.

things helped a lot, and I think future TWS

I also made the decision to live as an artist at

program participants will also be able to ex-

this time. It was through a TWS program thatpand the possibilities of their work in such anenvironment.

I could experience residency programs over-that the time my work developed most coin-seas in locations such as Sydney and London.

すずき・ひらく1978年宮城県生まれ、神奈川県出身。2008年東京藝術大学
大学院美術研究科修了。主な個展に、「かなたの記号」（ 国際
芸術センター青森、2015）、「NEW CAVE」（ TWS 渋谷、2008）など、主なグループ展に「日産アートアワード2013」（ BankART
Studio NYK、神奈川、2013）、「ソンエリュミエール、そして叡智」（金沢21世紀美術館、2012）、「六本木クロッシング2010展」（森美術館、東京、2010）など。

New Work!

Born in Miyagi in 1978. Graduated with an MFA from Tokyo
University of the Arts in 2008. Solo exhibitions: “Signs of Faraway” (Aomori Contemporary Art Centre, 2015), “NEW CAVE”(TWS Shibuya, Tokyo, 2008). Group exhibition: “NISSAN ART
AWARD 2013” (BankART, Kanagawa, 2013), “Son et Lumière, etsagesse profonde” (21st Century Museum of Contemporary Art,
Kanazawa, Ishikawa, 2013), “Roppongi Crossing 2010” (Mori Art
Museum, Tokyo, 2013).

《歩く言語》（個展「かなたの記号」、国際芸術センター青森、2015）
Photo: Kuniya Oyamada ©Hiraku Suzuki｜
Meets TWS vol.4

Hiraku SUZUKI

0
1
5Environment receptive to interdisciplinary
challenges
Two shows that shaped the framework of ourperformance

Me

TWS

YasunoMIYAUCHI.5

ボーダレスな挑 戦

s
et

vo l

パフォーマンスの骨格になった、

宮内
康乃

女性たちを中心とした音楽パフォー
マンスグループ「つむぎね」を主宰
する、作曲家の宮内康乃。「つむぎね」では声や空間を使った独自のパフォーマンスを展開し、個人の活動でも長年さまざまなジャンルの表
現とのコラボレーションを試みてきた。実験的な表現に挑戦し続ける宮内にとって、トーキョーワンダーサ
イトはどんな場所だったのだろうか。

｜
Meets TWS vol.5
0
1
6

The composer Yasuno Miyauchi
leads the musical performancegroup Tsumugine, which centerson female performers. With Tsumugine, Miyauchi has developed
a unique style of performanceusing voice and space, and in her
solo work, she has also collaborated with a wide range of diﬀerent ﬁelds for many years. Whatkind of place was Tokyo Wonder
Site for a continually experimental
artist like Miyauchi?

つむぎねによる公演「そう」（「EXPERIMENTAL SOUND, ART & PERFORMANCE FESTIVAL
̶2008年度受賞記念公演̶」内、TWS 渋谷、2009）

「つむぎね」の骨格ができた

納得いく形で実現できたのが、この TWS での

私がトーキョーワンダーサイト（以下、TWS）

二回目の公演「そう」でした。

の「トーキョー・エクスペリメンタル・フェ
スティバル（以下、TEF）」に応募したのは、発信力とネットワーク

大学院を卒業して「つむぎね」を立ち上げた

つむぎねの骨格をこれらの公演を通して作るばかりで、活動について模索していた頃です。

ことができたのは、色々とやってみたいと思っ

音楽の公募というと、西洋楽器を用いたコンていたことに挑戦させてもらえたからだと思っ

クールがほとんどだった当時、ジャンルを超ています。それから、まだ駆け出しのつむぎ

えたパフォーマンスを募集している場というねにとって、TWS の発信力を借りることがでのは貴重でした。また審査員も一柳慧さんやきたというのも、大きなことでした。自主公

山下洋輔さんなど錚々たる方々で、こうした演、という形でやっていたら届かなかったよ

音楽の世界の第一人者にパフォーマンスを見うな、音楽家やアーティストの方々にも見てThe Performance that Shaped Tsumugineてもらえる、というのも大きな魅力でした。

いただく機会が持てました。

I submitted my proposal to Tokyo Experimen-

ing in the round. However, I didn’t then be-

そうして参加した2009年1月の TEF で作品

これから TWS のプログラムへの参加を検討しtal Festival (TEF), which is run by Tokyo Won-

lieve it had gone well and felt our lack of abil-「ね、」を発表しました。ここで、つむぎねのている方にも、既成のものにとらわれず、どder Site (TWS), around the time that I ﬁnishedベースとなる、白い衣装で、電球があって、客んどん挑戦していただけたらと思っています。

graduate school and had just formed Tsu-

ity was evident in that performance. It took us
by complete surprise when we were awarded

席が周りを囲んでいて、声をメインにしたパ

また、私も審査員の方とのつながりや他ジャmugine. Given that open-call music contests

the ﬁrst prize. The reason we could build our

フォーマンスというスタイルができあがったンルのアーティストとの出会いなど、TWS で

were then only open to western musical in-framework thanks to TEF is that we were giv-のです。ただ実は、この公演は力不足を実感

さまざまなご縁をいただいてきたので、積極

struments, TEF was rare in the sense that it
was open to performances that transcenden the opportunity to try our creative aspira-

して、全くうまくいった印象がありませんで的にプログラムに参加するほど、人との出会

genres. And since the jury included such

we were able to utilize TWS’s status in the

した。なので、最優秀賞というお話をいただ

いがあり、良いネットワークをつくるチャン

well-established artists as Toshi Ichiyanagi

industry. We presented our work to musicians

いたときには本当にびっくりしましたね。

スになるのではないかと思います。

and Yosuke Yamashita, to be able to show myand artists whom we never could have

その連絡をいただいたのが3月の末で、それ今後の活動としては、これまではアウトプッ

work to these pioneering musicians was one

reached if we had just organized a show byから5月末の「受賞記念公演」に向けて2ヶ月

トに追われてきたので、インプットに時間をof the appeals of TEF to me.

間、集中してつくりました。それまではメン

かけたいと考えています。TWS に初めて参加

From this, the current basis for Tsumugine’s

ourselves. It has been nine years since weparticipated in TWS for the ﬁrst time, so now

work came about: a focus on voice, and using

is a good time for us to close that chapter and

バー間でもパフォーマンスに対しての認識にしてから既に9年ほどの月日が経っているの

white costumes and light bulbs, and perform-

open a new one.

食い違いがあったのですが、それもこの期間で、ここで一区切りつけて、もう一度新しいに話し合いを持つことで解消することができスタートを切りたいです。

て、つむぎねのパフォーマンスを自分たちの「スクエアわいど」（アサヒ・アートスクエア、
東京、2 015）
にてワークショップを行う宮内

つむぎねによる公演「音、粒、立ち昇り、昇れ」（「NEXT - TWS10年！」内、TWS 渋谷、2011）「EXPERIMENTAL SOUND, ART & PERFORMANCE FESTIVAL」 「トーキョーワンダーサイト× N 響 共同企画『NEW PIONEERS―次（TWS 本郷、2008）
にて公演終了時、つむぎねのメンバーと世代の開拓者たち』」でのトーク（藤倉大×宮内康乃×山根明季子／モデレーター：岡部真一郎〈音楽学者、明治学院大学教授〉、TWS
渋谷、2010）

みやうち・やすの
1980年神奈川県生まれ。情報科学芸術大学院大学メディア表現学科修了。2008年、音楽パフォーマンスグループ「つむぎね」
を立ち上げる。主な活動に、「宮内康乃 わ・つむぎプロジェクト～声を聴くワークショップ～」（アサヒ・アートスクエア、東京、2015）、「フェスティバル／トーキョー2014『春の祭典』」（ 音楽担当、東京
芸 術 劇 場、東 京、2014）、主 な 受 賞 に、JFC 作 曲 賞（2011）、「EXPERIMENTAL SOUND & ART FESTIVAL」（2008）
にて最優秀賞など。

tions. Another point worthy of mention is that

New Work!

Born in Kanagawa in 1980. Graduated with an MA in MediaCreation from International Academy of Media Arts and Science(IAMAS). Started up a music performance group “tsumugine” in2008. Recent main activities: “Yasuno Miyauchi WA-Tsumugi
Project” (Asahi Art Square, Tokyo, 2015), “Festival/Tokyo 2014
The Rite of Spring” (Composer, Tokyo Metropolitan Theatre, Tokyo, 2014), Awarded “JFC Composers Award” (2011), “EXPERIMENTAL SOUND & ART FESTIVAL” Grand Prize (2008).

Photo: KENJI KAGAWA

独自の作曲法「つむぎねメソッド」をコミュニケーションツール
になる可能性を発展させる取り組み「わ・つむぎプロジェクト」の最終発表パフォーマンス『灯音会』（アサヒ・アートスクエア
Grow Up!! Artist Project 2015、東京、2015)
Photo: KENJI KAGAWA｜
Meets TWS vol.5

Yasuno MIYAUCHI

0
1
9

グループ展「in the AIR」
（TWS 本郷、2 012）
では、東北の被災地を扱った作品をはじめ、戦争、被災と記憶をめぐる
テーマの新作を発表。

Arti st’ message

私にとっての特別な場所
ディン・Q・リー
私は数年にわたり何度かトーキョーワン
ダーサイト（以下、TWS）に滞在できたことを大変嬉しく思っています。一度目のワンダーサイト滞在記

t

Me e

Dinh Q. L

ム・ディレクターやスタッフのおかげで、パ
ワフルに、そして心動かされながら作品を

i al!

アーティストの

WS S
sT

pec

アジアを代表する

2009年には3ヶ月滞在し、当時のプログラ

ディン・Q・
リーの百里基地近くに住む平和活動をしている
農家の方々についての作品です。その後もンダーサイトに4回ほど滞在している。新進の作家に限らずキャリアを積んだアーティ
ストにも出会えるのが T WSの魅力の一つだ。

ワークショップや展覧会開催のために幾度か滞在をしました。これらの長期にわたる
滞在により、日本のアートのコミュニティー
作品を紹介する機会もできました。その成開催された展覧会「ディン・Q・レ：明日への記憶」です。
TWS は私にとって特別なところです。ここを訪れるアーティスト、キュレーター、ダンサー、作曲家、演奏家、パフォーマーはを始めて日本で本格的に紹介する機会となりでの個展（2010年）やドクメンタへの参加ました。アメリカから故郷ベトナムに戻って（2012年）、そして2015年は森美術館で個展

からの激動の10年間の後、ぜひ東京でエア・を行うなど、アジアを代表するアーティスト

ポケットのような時間のなかでいろいろと考として国際的に活躍しています。自分と社会える時間を持ってもらいたいと招待しました。

ります。そしてここではトーク、ワークの過去であるベトナム戦争と真摯に向かい合2009年から、プロジェクトをベースに継続しショップ、スクリーニング、展覧会と、いい、同時に人間への温かな視線で歴史を見つて滞在、東日本大震災後の2011年にも滞在し、つも何かが起こっているのです。

める作品は多くの人々の共感を生んでいます。

ベトナムと日本の両方から、戦争や被災がど

1997年に拠点をベトナムに移して10年後ののように伝えられるかという大きなテーマに

2007年、ベトナム初のアートセンター「サ取り組みました。滞在中には、日本とアジア

ン・アート（プラットフォームの意味）」をの若手アーティストへのメンタリングやワー

アーティストたちと共同設立するなどアジア

クショップを開催。私たちそして次世代に大のアートのキーマンとして活躍しています。

きな影響を残してくれました。ディンさんのトーキョーワンダーサイト（以下、TWS）とようにすでに国際的に活躍するアーティスト

ディンさんの出会いは2005年。TWS も当時、たちのレジデンスは、そのアーティストの成

アジアのアートシーンとの連携を積極的に進果だけでなく、同時に TWS レジデンスに滞在めていました。ディンさんを TWS レジデンス

する若手、中堅のアーティストたちへ大きなにお誘いしたのは、そのような時。これがディ影響を与えてくれるのです。

レジデンスとなり、同時にディンさんの活動

文＝今村有策［いまむら・ゆうさく／トーキョーワンダーサイト館長］

皆素晴らしい人たちばかり。ここはアーティストにとってネットワークをつくるに

ベトナム戦争をどのように語るかを考え続け、TWSレジデンス滞在
中には靖国神社も訪れた（2011）

は天国とも言える場所で、お互いの活動を知り、将来のコラボレーションにもつながTWS は ネ ッ ト ワ ー ク と 交 流 の プ ラ ッ ト
フォームを提供し、特に日本の若手アーティ
ストにとっては非常に有意義な場所です。
私が TWS で出会った若手アーティストたちは今、国際的に活躍しています。TWS での経験が成功の大きなカギとなっているのです。TWS は、世界のなかでも最も先端的な考えを持つレジデンスだと言えるでしょう。

TWSレジデンス滞在中にはアジアの若手アーティストたちへのメンタリングやワークショップも行われた（2011）

ディン・キュー・リー
1968年ハーティエン（ベトナム）生まれ。ホーチミン在住。1978年家族とともにアメリカへ移住。1989年カリフォルニア大学サンタバーバラ校にて美術学士課程修了、1992年ニューヨーク視覚芸術学校美術修士課程修了。近年、森美術館（東京、2015）、
シャーマン現代美術基金（シドニー、2011）などで個展を開催。また「メディアシティ・ソウル2014」（ソウル市立美術館、2014）、「ヴェネチア・ビエンナーレ イタリア館」（2003）などの国際展にも多数参加。

｜
Meets TWS Special!

｜
Meets TWS Special!

ディン・Q・リーはニューヨーク近代美術館

ンさんにとって初めてのアーティスト・イン・

茨城県の航空自衛隊百里基地に隣接されている百里平和公園でリサーチ中の様子（2009）

果の一つが、2015年に森美術館を皮切りに国際的に活躍するベトナムのアーティスト、ディン・Q・リーは、これまでトーキョーワ

020

制作することができました。それは茨城県

021

トーキョーワンダーサイトのミッションと活 動
Tok yo Wonder S ite Mission & Activity
トーキョーワンダーサイト（TWS）
は、東京から新しい芸術文化を創造・発信するアートセンターです。
「TWS 本郷」、「TWS 渋谷」、「TWSレジデンス」の3館を拠点に、若手クリエーターの発掘・育成・支援や、さまざまなジャンル、ステージのアーティストによる国際文化交流を目的とした展覧会やレジデンス・プログラム、教育普及事業など、「世界創造都市東京」のプラッ

東京・各国で年間約50名のクリエーターが制作・交流！

2
M i s s ion

トフォームとしての活動を展開しています。

国際 文化交流
才能あるアーティスト・クリエーターを世界に派遣し、また東京へも迎え入れ、リサー
チや創作の機会を提供するレジデンス事業を展開。その成果を展覧会やオープン・スタジオで紹介しています。これまでの活動をとおして、世界的なアートセンターとのネットワークを構築しています。
TWS organizes vibrant creator-in-residency programs, sending Japanese artists abroad aswell as hosting overseas artists in Tokyo who want to conduct research and create new
projects. In order to showcase the results of their research and work, TWS also organizes
exhibitions as well as open studio events, developing its activities by utilizing aninternational network of art centers across the globe.

OS -XX ～都市未来のオペレーション・システムへの序章～

段階的・継続的なサポートでステップアップ！

1
Mi s s i o n

OS-XX -Prelude to the operation systems of the future city

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム
Creator-in-Residence Program

若手クリエーターの発 掘・育 成・支 援

トーキョー・ストーリー2015

若手アーティストの登竜門として公募展「トーキョーワンダーウォール」
を開催。
「TWS-

TOKYO STORY 2015

Emerging」「 TWS-NEXT」など次のステップの場も提供しています。また、作品を展示 ･ 販売する「ワンダーシード」、渋谷にある TWS アートカフェでの展示、子供向けワークショップなどさまざまな機会を通して若手クリエーターの活動を支援しています。
Along with Tokyo Wonder Wall, an open-call program that is a steppingstone to success foryoung artists, TWS also organizes TWS-Emerging and TWS-NEXT as platforms for emerging

伝統芸能、音楽、美術、ダンス、あらゆる表現が出合う！

artists to move on to the next stages in their careers. In addition, TWS supports young
artists through presenting a wide range of opportunities such as Wonder Seeds, which
exhibits and sells artworks, as well as exhibiting works at TWS Art Cafe in Shibuya, andorganizing workshops for children.

トーキョーワンダーウォール
Tokyo Wonder Wall

T WS-Emerging 2015
ワンダーシード 2016
WONDER SEEDS 2016

M i s s ion

既存のジャンルにとどまらない実験的なプロジェクトを紹介する「トーキョー・エク
スペリメンタル・フェスティバル」、表現を社会に届ける企画力を養う現代音楽企画ゼミや展覧会企画公募などをとおして、創造における実験の機会を提供しています。
TWS offers opportunities for creative experimentation through Tokyo Experimental Festival,
which introduces projects that transcend conventional categories and fields, the Seminaron Planning Contemporary Music for Emerging Artists, which cultivates abilities todisseminate creativity, and the Emerging Artists Support Program.

T WS -NEXT @tobikan「クレアボヤンス」

トーキョー・エクスペリメンタル・フェスティバル

Tokyo Wonder Site Art Cafe WINDOWS

若手のための現代音楽企画ゼミ

夏のこどもワークショップ

展覧会企画公募

TWS-NEXT @tobikan “clairvoyance”

Summer Kids Workshop

TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance

Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists

Emerging Artists Support Program｜
Meets TWS｜
Meets TWS0223

創造における実験を応援

02
3

T OK YOWONDER S ITE
Annual Report 2015
凡例
Explanatory Notes
人名をフルネームで記載する場合の姓・名の順は、特に指定がない場合は各言語における標記の順に従った。
Names are written in the order for names used in each respective language with the exception of Japanese names,
which are written in the Western order (first name, surname).

アーティスト、
クリエーター、委員、講師の名前は敬称を省略し、委員、講師の肩書きは事業開催当時のものを記載した。
Honorific titles of artists, creators, jury members and lecturers have been omitted.
Titles of jury members and lecturers appear as they were at the time of each respective event.

アーティスト、
クリエーターのプロフィールは、2016年3月現在の情報を記載した。

The profiles of artists and creators appearing in this publication are current as of March 2016.

プロフィールは、
アーティスト、
クリエーターより提供のあった資料に基づき編集・作成した。
Profiles have been created and edited based on documents provided by the artists and creators.

作品情報は、作家名、作品名、制作年の順に記載した。

Information about artworks is listed in the following order: artist name, title of artwork and year of production.

展覧会情報は、「展覧会名」（会場名、都市名、年）の順。
ただし、海外での展覧会は会場名、都市名、国名の順とし、首都や世界都市においては国名を省略した。
Information about exhibitions is written in order of exhibition title (venue name, city name, year). However, exhibitions held overseas are written inorder of venue name, city name, and country name, though country names of capitals and major international cities have been omitted.

作品は《 》、展覧会名は「」、書名、映画タイトル名は『』で示した。

Artwork and publication titles are written in italic font. Quotation marks are used for exhibition titles.

｜
0
2
4

写真クレジット：展示風景、活動風景、およびポートレートの撮影者は奥付にまとめた。
アーティスト、
クリエーターから提供された写真には、クレジットを記載した。
Photo credits: Credits for photographers who took photos of exhibition views, activities and portraits are summarized in the colophon.
Credits are included for photos provided by the artists and creators.

著作権：特に記載のない場合、著作権はすべてトーキョーワンダーサイトに帰属する。
Copyright: All rights reserved by Tokyo Wonder Site unless otherwise specified.

はじめにIntroduct ion

トーキョーワンダーサイト（T WS）は東京から新しい芸術文化を創造・Tokyo Wonder Site (TWS) has organized a wide range of programs since

発信する先駆的なアートセンターとして、2001年の開館以来、多様な

its opening in 2001 as a pioneer of art centers, creating and presenting

プログラムを実施してきました。2015年度は前年に青山から墨田区へ移転した T WSレジデンスが年間を通して稼働し、41組のクリエーター
が東京で滞在制作やリサーチなどの活動を行いました。また、公募プ
ログラムには海外からも多数の応募があり、T WSは東京そして世界の

ma to Sumida City in the year before, TWS Residency carried on a fullscale operation with 41 creators/groups coming from around the world,
who created works and conducted a research in Tokyo. We received agreat number of applications to our open-call residency programs, indicat-

アートの拠点として、認知されています。

ing a wide recognition of TWS as a hub of art in Tokyo and in the world.

「トーキョーワンダーサイト アニュアル 2015」では、2015年度のプAlong with the introduction of 315 artists/groups who took part in TWS

ログラムや参加クリエーター315組の紹介に加え、TWS のプログラム

programs in 2015, Tokyo Wonder Site Annual Report features inter-に参加し、活動の場を広げている30代のアーティストへのインタビューを掲載しています。また、T WS 青山：クリエーター・イン・レジデン
スに複数回滞在し、一緒にプロジェクトを行った世界的なアーティスト、

views with artists, who are in their thirties and have successfully built
their career after participating in TWS programs. Also included is themessage by the internationally recognized artist Dinh Q. Lê, who has
participated in several residency programs at TWS Aoyama: Cre-

ディン・Q・リーからのメッセージや2015年度のプログラムにご協力ator-in-Residence and developed projects with us. We are pleased toをいただいた審査員やクリエーターにご寄稿いただき、事業報告書のpresent the text contributed by jury members and creators as well, who

域を超えた T WS の生きた活動を伝えるツールとなるよう、作成・発

cooperated and supported our programs in 2015. The publication is

行いたしました。T WS のプログラムに挑戦したことで活躍の場が広がったクリエーターたちや、公募展、海外派遣など段階的・継続的なT WS の育成プログラムに、ぜひ注目していただきたいと思います。

more than a mere annual report and introduces vibrant activities thatTWS conducted in Tokyo. We hope that the readers will find it interesting to learn about the episodes of the creators who developed their artistic practices by participating in TWS programs and the ideas of the

TWS では、これからも若手アーティストやアーティストを目指す若step-by-step programs that TWS offers, including open-call exhibitions

い世代が飛躍していく上での有効な場となり、また、中堅のクリエー

and international residency.

ターが TWS の持つ国際的なネットワークを通じて、更なる活動を進Tokyo Wonder Site will further enhance programs for young and emerg-

めていけるよう、プログラムの充実を図っていきます。T WS が掲げている3つのミッション、「若手クリエーターの発掘・育成・支援」「国際文化交流」「創造における実験を応援」を着実に継続していくことが、
日本の創造力を発信し、芸術文化によって世界に貢献していくことでing artists to cultivate their artistic talents and for established artists tofurther expand their activities through the international network wehave. We wish to continue advancing our three missions to discover,nurture, and promote emerging creators, to promote international cultural exchange, and to encourage creative experiments, and believe that

あると信じ、活動を続けて参ります。今後もこれまで同様皆様にご支

our continued efforts in supporting creativity and cultural activities in

援をいただきますようお願い申し上げます。

Japan will contribute to the world.
トーキョーワンダーサイト館長

今村有策

Yusaku Imamura
Director, Tokyo Wonder Site｜
Introduction｜
Introduction
02
6

new art and culture from Tokyo. Last year, after its relocation from Aoya-

027トーキョーワンダーサイト アニュアル 2015：ドキュメント

トーキョーワンダーサイト
アニュアル 2015
目次

0 01

Meets T WS
029

ドキュメント105

レビュー

Tokyo Wonder Site Annual Report 2015：Document

トーキョーワンダーウォール（2015入選作品展、T W W 都庁2014 ･2 015）

p.030

Tokyo Wonder Wall

T WS-Emerg ing 2015

p.036

ワンダーシード 2016

p.044

TWS -NEXT @tobikan「クレアボヤンス」

p.046

Tokyo Wonder Site Art Cafe WINDOWS

p.050

夏のこどもワークショップ

p.051

OS-XX ～都市未来のオペレーション・システムへの序章～

p.052

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム

p.057

トーキョーワンダーサイト レジデンス成果発表展

p.081

TWS-Emerging 2015

WONDER SEEDS 2016

TWS-NEXT @tobikan “clairvoyance”

Tokyo Wonder Site Art Cafe WINDOWS
156

施設案内

Tok yo Wonder Site
Annual Report 2015
INDEX

001

Meets T WS
029

Document

Summer Kids Workshop

OS-XX- Prelude to the operation systems of the future city

Creator-in-Residence Program「トーキョー・ストーリー2015」

TWS Creator-in-Residence Exhibition “TOKYO STORY 2015“

トーキョー・エクスペリメンタル・フェスティバル Vol.10
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL

p.087‒ Sound, Art & Performance Vol.10

105

Reviews

若手のための現代音楽企画ゼミ

p.098

第9回展覧会企画公募

p.100

Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists

156

General information

The 9th Emerging Artists Support Programトーキョーワンダーウォール公募2015 入選作品展

トーキョーワンダーウォール
Tokyo Wonder Wall

Tokyo Wonder Wall 2015

2000年から始まった若手アーティストの登竜門 16 年目の開催

2015.6.6（土）～6.28（日）「トーキョーワンダーウォール（TWW）」は全国の若手アーティストの育成・支援を目的とし、

会場：東京都現代美術館 企画展示室3階

作品発表の機会を提供する公募プログラムです。東京都とトーキョーワンダーサイトが連携

主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 トーキョーワンダーサイト

して実施しています。2015年度は、683名の応募者の中から89名が入選し、東京都現代美術

協力：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館館で開催する入選作品展で作品を発表。入選者の中から TWW 賞に選ばれた12名が、東京都庁で実施する「TWW 都庁2015」で展示の機会を得ました。さらに、入選者には個展形式の展覧会「TWS-Emerging」への参加のチャンスなど、更なるステップアップのプログラムを用意しています。

｢トーキョーワンダーウォール（TWW）公募2015｣ では、応募総数683名から入選した89名のアーティストによる作品を約1ヶ月にわたって東京都現代美術館で展示しました。入選作
品から TWW 賞に選ばれた平面作品部門10名と立体・映像・インスタレーション作品部門2

The 16th iteration of this gateway to success for young artists since 2000

名には、東京都庁での展示の機会が提供されました。

Tokyo Wonder Wall (TWW) is an open-call program whose aim is to nurture and support young artists fromIn Tokyo Wonder Wall (TWW) 2015, the work of 89 artists selected from 683 applicants was exhibited for a

all over the country by oﬀering opportunities to present work. It is organized in partnership between Tokyo

one-month period at the Museum of Contemporary Art Tokyo. From these ﬁnalists winners were then select-

Metropolitan Government and Tokyo Wonder Site. In ﬁscal year 2015, 89 artists were selected from among

ed for the TWW Award. These 10 artists from the 2D section and two artists from the 3D, video and instal-

683 applicants to present their work in an exhibition held at the Museum of Contemporary Art Tokyo. The

lation section were given the opportunity to present their work in an exhibition held at the Tokyo Metropoli-

12 artists subsequently selected from among the 89 participants for the TWW Award were then given thetan Government Building.

opportunity to participate in an exhibition at the Tokyo Metropolitan Government Building. In addition, thewinners also had the chance to participate in TWS-Emerging, a series of solo-show exhibitions oﬀered by
TWS as one of a number of career development programs for artists.

〈審査員〉
石原慎太郎
（作家）
大巻伸嗣
（美術家、東京藝術大学准教授）
鴻池朋子
（美術家）
杉戸 洋
（美術家、東京藝術大学准教授）
丸山直文（美術家、武蔵野美術大学教授）
山村浩二（アニメーション作家、東京藝術大学教授）
今村有策（トーキョーワンダーサイト館長）｜
Tokyo Wonder Wall｜
Tokyo Wonder Wall030

トーキョーワンダーウォール公募2015 入選作品展
Tokyo Wonder Wall 20150
3
1

トーキョーワンダーウォール賞〈平面作品部門〉
稲川江梨

香月美菜

庄司朝美

タナカヤスオ

千原真実

中尾慶一郎

中野奈々恵

水上愛美

村上 早

吉田裕亮

〈立体・映像・インスタレーション作品部門〉
片貝葉月

トーキョーワンダーウォール審査員賞〈平面作品部門〉〈立体・映像・インスタレーション作品部門〉

赤池千怜

鴻池朋子賞

片貝葉月

山村浩二賞

小川潤也

今村有策賞

長沢優希

大巻伸嗣賞

中尾慶一郎

丸山直文賞

中野奈々恵

杉戸 洋賞

渡部未乃

石原慎太郎賞｜
Tokyo Wonder Wall｜
Tokyo Wonder Wall
0
3
2

桜間級子

0
3
3

トーキョーワンダーウォール都庁2014

トーキョーワンダーウォール都庁2015

Tokyo Wonder Wall 2014 at Tokyo Metropolitan Government Building

Tokyo Wonder Wall 2015 at Tokyo Metropolitan Government Building〈平面作品部門〉〈平面作品部門〉

2015.4.9（木）～4.30（木）福本健一郎

2015.5.8（金）～5.28（木）黒宮菜菜

2015.10.8（木）～10.29（木）千原真実

2015.11.5（木）～11.26（木）中野奈々恵

2015.6.4（木）～6.25（木）白田一馬

2015.7.2（木）～7.23（木）大人倫菜

2015.12.3（木）～12.24（木）稲川江梨

2016.1.7（木）～1.28（木）庄司朝美

2015.8.6（木）～8.27（木）須藤晋平

2015.9.3（木）～9.24（木）飯田美穂

2016.2.4（木）～2.18（木）吉田裕亮

2016.2.25（木）～3.10（木）中尾慶一郎

2016.3.15（火）～3.29（火）水上愛美

会場：東京都庁第一本庁舎3階 南側空中歩廊

会場：東京都庁第一本庁舎3階 南側空中歩廊
主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 トーキョーワンダーサイト「トーキョーワンダーウォール（TWW）都庁」は、「TWW 公募」で TWW 賞に選出されたアーティストが東京都庁で作品を発表する展覧会です。
「TWW 公募2014」平面作品部門で入賞した12名のうち、6名が展示しました。
Tokyo Wonder Wall (TWW) is an exhibition held at the Tokyo Metropolitan Government Building showcasing
the work of artists selected for the TWW Award following the TWW. The participants were 6 artists fromamong 12 who had won the award in the 2D section of the TWW 2014.

〈立体・映像・インスタレーション作品部門〉
2016.1.15（金）～1.28（木）片貝葉月、桜間級子

会場：都議会議事堂1階 都政ギャラリー

主催：東京都、公益財団法人東京都歴史文化財団 トーキョーワンダーサイト

2015年度の「トーキョーワンダーウォール（TWW）都庁2015」では、「TWW 公募2015」に入賞した平面作品部門7名、立体・映像・インスタレーション作品部門2名の作品を展示しました。
In Tokyo Wonder Wall (TWW) 2015, the work of seven artists who won awards in the 2D section and two
artists from the 3D, video and installation section of TWW 2015 was exhibited.

福本健一郎《オシャレな君に贈る花》2014

白田一馬《 ！クロバっト？》2014

黒宮菜菜《see-through boy》2014
千原真実《Untitled》2015

中野奈々恵《二時間半の永遠》2015

稲川江梨《階段》2015

庄司朝美《うしろ》2015

吉田裕亮《神さまの存在》2015

中尾慶一郎《部屋》2015

水上愛美《vision 4》2014

片貝葉月《感情纏身装身具／見世棚》2015

桜間級子《バラ色の人生 La Vie En Rose》2014

大人倫菜《絵画における私の45日間の冒険》2013｜
Tokyo Wonder Wall｜
Tokyo Wonder Wall0
3
4

須藤晋平《INON》2014

飯田美穂《2＝1》2014

0
3
5

TWS-Emerging 2015 第1期 (Part 1)

TWS -Emerging 2015

2015.4.11（土）～5.10（日）会場：トーキョーワンダーサイト渋谷

トーキョーワンダーウォール入選者のステップアップ・プログラム「TWS-Emerging」は、公募展「トーキョーワンダーウォール」の入選者の中から希望者を募
り、審査を経て選出されたアーティストの個展の開催を支援するプログラムです。2015年度

協力：キヤノン株式会社（村上賀子）

長田堅二郎 Kenjiro NAGATA
In between

は21名が選ばれ、トーキョーワンダーサイト渋谷を会場に7期にわたって展覧会を開催。各

1979年大分県生まれ。2005年東京藝術大学大学院修士課
程彫刻専攻修了。主な展覧会に「Where Threads Lead」（Frantic Gallery、東京、2015）、「長田堅二郎 平戸貢児 2
人展『俯瞰の形象』」（潺画廊、東京、2014）。
「第12回大分ア
ジア彫刻展」大賞（朝倉文夫記念館、大分、2014）など。

アーティストは作品の制作に加え、作品解説、展覧会タイトルの決定、展示レイアウトや照明にいたるまで、個展に向けたさまざまな事柄に挑戦しました。また、展覧会初日に行うゲストを招いたアーティスト・トークでは、作品や制作背景などを自分の言葉で伝えました。このようなプロセスを経ることで、今後の活動に必要となる基本的スキルを身につけていきます。

Born in Oita in 1979. Graduated with an MA in Sculpture from Tokyo University of the Arts in 2005.

※ P.131～141にアーティスト・トークのゲストによる講評文を収録しています

A program for the winners of Tokyo Wonder Wall to take the next step
TWS-Emerging is a program oﬀering support to artists in the form of solo exhibitions. Participants are screened
and selected from applicants among the ﬁnalists of the open-call exhibition Tokyo Wonder Wall. In ﬁscal year
2015, 21 artists were selected to participate in exhibitions held at TWS Shibuya over seven terms. In addition
to producing their work, the respective artists were challenged to consider various aspects of holding a solo
exhibition, such as providing commentary about their work, deciding the exhibition title, and considering thelayout and lighting. On the opening day, an artist talk was also held for inviting guest, where the artists conveyed
in their own words about their work and the background behind its creation. By going through such a process,the participants are able to acquire basic skills fundamental to future activities as artists.
※ P.131～141 Reviews by the guests at artist talks.

大山紗智子 Sachico OYAMA
ない（ある）場所 There are no memories
1986年愛知県生まれ。愛知県立芸術大学大学院美術研究科油画専攻在籍。主な展覧会に「エミリーのなすがまま」（Photo & Art Gallery プシュケ、愛知、2012）、「きょくせんアワ―」（青樺画廊、東京、2007）など。
Born in Aichi in 1986. Enrolled in an MA in Oil Painting
at Aichi University of the Arts in 2014.

村上賀子 Iwauko MURAKAMIHOME works 2015

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Born in Miyagi in 1986. Graduated with an MA in Photography from Musashino Art University in 2012.

第6期アーティスト・トークの様子｜
TWS-Emerging 2015｜
TWS-Emerging 2015

1986年宮城県生まれ。2012年武蔵野美術大学大学院造形研究科デザイン専攻写真コース修了。主な展覧会に「写真新世紀2012東京展 」（ 東京都写真美術館、2012）、「HOME
works 2011」（Gallery NIW、東京、2012）。
「第59回朝日広告賞」準朝日広告賞（東京、2011）
など。

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TWS-Emerging 2015 第2期 (Part 2)

TWS-Emerging 2015 第3期 (Part 3)

2015.5.23（土）～6.21（日）会場：トーキョーワンダーサイト渋谷2015.7.4（土）～8.2（日）会場：トーキョーワンダーサイト渋谷

謝花翔陽 Shoyo JAHANA

阿部友美 Tomomi ABE

Magical Heteronomy

records
1987年沖縄県生まれ。2013年東京藝術大学美術研究科修士課程修了。主な展覧会に「女、彫刻家、音楽、５、好運と蕩尽」（bambinart gallery、東京、2014）、「アメジスト/ 月に向かって吠え立てる犬 /そして僕は橋を焼く」（bambinart gallery、
東京、2013）。
「アートアワードトーキョー丸の内2013」グラン
プリ、（行幸地下ギャラリー、東京、2013）など。

1989年茨城県生まれ。東北芸術工科大学芸術学部美術科
日本画コース在籍。主な展覧会に「七人展」（こんぱる前室、東京、2014）、「 上野の森美術館大賞展 」（ 上野の森美術館、
2013）、「きんぎょのかい」（フリュウギャラリー、東京、2012）
など。
Born in Ibaraki in 1989. Enrolled in an MA in Japanese
Painting at Tohoku University of Art and Design.

Born in Okinawa in 1987. Graduated with an MFA in Intermedia Art from Tokyo University of the Arts in 2013.

大﨑土夢 Tomu OSAKI

須藤美沙 Misa SUDO

さいしんみどうとさんしん The New Temple and Sanshin

フォールスカラー False color
1982年群馬県生まれ。2007年埼玉大学大学院教育学研究
科教科教育専攻美術教育専修修了。主な展覧会に「ワンダー
シード2014」（TWS 渋谷、2014）、「ワンダーシード2011」（TWS 渋谷、2011）など。

1984年福岡県生まれ。2007年宝塚造形芸術大学造形学部卒業。主な展覧会に「OPEN tHE Door」（D&DEPARTMENT、
大阪 / 東京、2005）、「OMOMA Subway」（AD&A gallery、
大阪、2008）。
「ブルームバーグ・パヴィリオン プロジェクト」入賞（2012）、「トーキョーワンダーウォール公募2014」
トーキョー
ワンダーウォール賞（東京都現代美術館、2014）など。

Born in Gunma in 1982. Graduated with an MFA from
Saitama University in 2007.

Born in Fukuoka in 1984. Graduated with a BA fromTakarazuka University of Art and Design in 2007.

笹本明日香 Asuka SASAMOTO

雄嗣 Yuushi SUGA

かけらと浮かぶ Floating with my pieces
1984年アラスカ州（アメリカ）生まれ。2008年多摩美術大学絵画学科油画科卒業。主な展覧会に「ワンダーシード2014」（TWS 渋谷、2014）、「ワンダーシード2013」（TWS 本郷、2013）、「ホルベインPANPASTEL 展」（白木屋ギャラリー、栃木、2011）など。
Born in Alaska in 1984. Graduated with a BFA in Oil
Painting from Tama Art University in 2008.

1988年長崎県生まれ。東京藝術大学大学院美術研究科絵画科油画専攻在籍。主な展覧会に「東京藝術大学卒業作品
展」（ 東京都美術館、2014）、「GEISAI#19」（ 東京都立産業
貿易センター台東館、2013）。
「トーキョーワンダーウォール公
募2014」
トーキョーワンダーウォール賞（東京都現代美術館、
2014）。
Born in Nagasaki in 1988. Enrolled in an MFA in Oil
Painting at Tokyo University of the Arts.

｜TWS-Emerging 2015｜
TWS-Emerging 201503
8Enter the 2.5D -No paint no form-

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TWS-Emerging 2015 第4期 (Part 4)

TWS-Emerging 2015 第5期 (Part 5)

2015.8.15（土）～9.13（日）会場：トーキョーワンダーサイト渋谷2015.9.26（土）～10.25（日）会場：トーキョーワンダーサイト渋谷江藤佑一 Yuichi ETO

大人倫菜 Rina OHITO

漂流シマ Drift

ドローイングルーム Drawing room

協賛：株式会社リアークスファインド（大人倫菜）

1989年東京都生まれ。東京藝術大学大学院美術研究科彫刻専攻在籍。主な展覧会に「東京藝術大学卒業・修了作品
展」（ 東京都美術館、2015）、「アート・コミュニケーション
＠3331」（アーツ千代田3331、東京、2014）など。

1987年鹿児島県生まれ。東京藝術大学美術学部絵画科油画専攻在籍。主な展覧会に「東京藝術大学美術学部絵画科
油画専攻3年一二展」（アーツ千代田 3331、東京、2014）。
「トーキョーワンダーウォール公募2014」
トーキョーワンダーウォール賞（東京都現代美術館、2014）など。

Born in Tokyo in 1989. Enrolled in an MA in Sculpture
at Tokyo University of the Arts.

豊田奈緒 Nao TOYODA

木浦奈津子 Natsuko KIURAMISS SCOROPIUS

過ぎゆく景色 The passed landscapes

1990年東京都生まれ。東京藝術大学大学院美術研究科絵画専攻在籍。主な展覧会に「Mercury」（練馬区立美術館 企
画展示室Ⅰ , Ⅱ、東京、2012）、「親愛なる果実」（ローワー・
アキハバラ、東京、2012）。
「2012年度 東京造形大学卒業研
究・卒業制作展」Zokei 賞（東京造形大学、2013）。

1985年鹿児島県生まれ。2010年尾道大学大学院美術研究科油画専攻修了。主な展覧会に「今日を過ごす方法」（高松市
塩江美術館、2014）、「ある日の景色」（White Gallery、鹿児島、2014）、「切り取る風景」（Takashi Somemiya Gallery、東京、2014）。

Born in Tokyo in 1990. Enrolled in an MFA in Oil Painting at Tokyo University of the Arts.

Born in Kagoshima in 1985. Graduated with an MA in
Oil Painting from Onomichi University in 2010.

石川里美 Satomi ISHIKAWA

野島良太 Ryota NOJIMA

錯覚の生 A perceptual illusion of Life

絵くんと絵さんが絵しても絵はできない
1987年東京都生まれ。2011年東京藝術大学美術学部建築科卒業。主な展覧会に「SYC 東京1企画展」（ZOOMAN、東京、2014）、「日本フラワーデザイン大賞2014」（パシフィコ横浜、2014）など。
Born in Tokyo in 1987. Graduated with a BFA in Architecture from Tokyo University of the Arts in 2011.

If a painting gathers another painting, it can’t become the painting
1987年東京都生まれ。2012年武蔵野美術大学造形学部油絵学科油絵専攻卒業。
「平成23年度 武蔵野美術大学卒業・修了制作
展」卒業制作優秀賞（武蔵野美術大学、東京、2012）など。
Born in Tokyo in 1987. Graduated with a BA in Oil Painting
from Musashino Art University in 2012.

｜
TWS-Emerging 2015｜
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Born in Kagoshima in 1987. Enrolled in an MFA in Oil
Painting at Tokyo University of the Arts.

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TWS-Emerging 2015 第6期 (Part 6)

TWS-Emerging 2015 第7期 (Part 7)

2015.11.7（土）～12.6（日）
会場：トーキョーワンダーサイト渋谷2015.12.19（土）～2016.1.24（日）会場：トーキョーワンダーサイト渋谷

渡邊拓也 Takuya WATANABE

朴 ジヘ Jihye PARK

作った（られた）ものから考える。 To Think: Once it’s Made (by)Freezing love

1990年東京都生まれ。東京藝術大学大学院美術研究科修士課程先端芸術表現専攻在籍。主な展覧会に「多摩美術大
学卒業制作展・大学院修了展2013」（ 多摩美術大学、東京、
2014）、「ニチジョウノサケメ」（トキ・アートスペース、東京、
2014）。
「 多摩美術大学卒業制作展・ 大学院修了制作展
2013」卒業制作優秀作品（多摩美術大学、東京、2014）など。

1985年ソウル生まれ。東京藝術大学大学院美術研究科絵画専攻在籍。主な展覧会に「東京藝術大学留学生展」（取手市
役所アートギャラリーきらり、茨城、2015）、「Challenge Art inJapan 2015」（韓国文化院ギャラリーMI、東京、2015）。
「群馬
青年ビエンナーレ2015」奨励賞（ 群馬県立近代美術館、
2015）
など。

Born in Tokyo in 1990. Enrolled in an MFA in Intermedia Art from Tokyo University of the Arts.

Born in Seoul (Korea) in 1985. Enrolled in a Ph.D in Oil
Painting at Tokyo University of the Arts.

北村拓之 Hiroyuki KITAMURA

福本健一郎 Kenichiro FUKUMOTO

Desire / Fixation

夢の中へ Into the dream

1989年広島県生まれ。2013年多摩美術大学美術学部グラフィックデザイン学科卒業。

1986年広島県生まれ。2014年東京藝術大学大学院美術研
究科絵画科油画専攻修了。主な展覧会に「3331 ART FAIR
2015」
（アーツ千代田3331、東京、2015）など。
「アートアワー
ドトーキョー丸の内2014」今村有策賞（行幸地下ギャラリー、東京、2014）、「トーキョーワンダーウォール公募2014」
トーキョー
ワンダーウォール賞（東京都現代美術館、2014）など。

Born in Hiroshima in 1989. Graduated with a BFA in
Graphic Design from Tama Art University in 2013.

Born in Hiroshima in 1986. Graduated with an MFA in
Oil Painting from Tokyo University of the Arts in 2014.

大岩雄典 Euske OIWA

畳からの眺め The view from a tatami

わたしはこれらを展示できてうれしいし、あなたはこれらを見てうれしく、これらは展示されてうれしい
1990年愛媛県生まれ。2015年武蔵野美術大学大学院造形研究科美術専攻油絵コース修了。主な展覧会に「シェル美術
賞展2014」（国立新美術館、東京、2014）、「平成24年度 武
蔵野美術大学造形学科卒業制作優秀作品展」（ 武蔵野美術
大学美術館、東京、2013）など。
Born in Ehime in 1990. Graduated with an MFA in Oil
Painting from Musashino Art University in 2015.

Pleasure

1993年埼玉県生まれ。東京藝術大学美術学部デザイン科在籍。主な展覧会に「シェル美術賞展2014」（国立新美術館、東京、2014）、「ルールーブルブル」（ORANGE GALLERY、東京、2014）など。
Born in Saitama in 1993. Enrolled in Design at Tokyo University of the Arts.

｜TWS-Emerging 2015｜
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黒河 希 Nozomi KUROKAWA

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432016.2.13（土）～3.20（日・祝）

ワンダーシード 2016

会場：トーキョーワンダーサイト渋谷

WONDER SEEDS 2016

応募者：435名

BUY=SUPPORT 若手アーティストの作品を展示 ･ 販売する企画「ワンダーシード」は、“BUY=SUPPORT”（作品購入が支援となる）をコンセプトに、若手
アーティストを対象に公募を行い、入選作品を展示・販売する展覧会です。S10号以下の作

入選者：83名
販売点数：50点

品を通して、多くの美術愛好家に若手アーティストの良作に触れていただく場をつくること〈審査員〉を目的としています。2015年度は、過去のワンダーシード参加アーティストとキュレーター

石原慎太郎（作家）を招いた関連トーク・イベントを実施。ワンダーシードに応募する若い世代にむけて、公募

浦野むつみ（アラタニウラノ代表）の利用を含めた公的支援の重要性、アーティストとキュレーターの協働、アーティストに必

鴻池朋子（美術家）

要な発信力といった３つのトピックのもと、充実した制作活動を行うためのヒントを伝える場となりました。
A program exhibiting and selling the work of young artists to support them ﬁnancially
Wonder Seeds is an exhibition that takes as its concept the purchase of artwork as a form of support for the

小山登美夫（小山登美夫ギャラリー代表）
吉野誠一（コレクター）
今村有策（トーキョーワンダーサイト館長）

artist. It starts with an open call targeting young artists, and selected work is exhibited and oﬀered for sale.
Its objective is to create a platform where a great many art lovers can appriciate the excellent work of young
artists, made more accessible due to the small size of presented works. In ﬁscal year 2015, talks were held,bringing together curators and participants of previous Wonder Seeds exhibitions. As the message towards
the younger generation, the talks became a juncture for learning about how to lead a fulﬁlling career as an
artist with the topic of the importance of public support, such as open-call exhibitions, as well as cooperation
between artists and curators, and the necessity for artists to be able to convey their ideas.

2016.3.6（日）
会場：トーキョーワンダーサイト渋谷ワンダーシード 2016
WONDER SEEDS 2016

ゲストアーティスト：川村麻純（ワンダーシード2009出品）、近藤恵介（ワンダーシード2006出品）、
平川恒太（ワンダーシード2007, 2008出品）、平子雄一（ワンダーシード2009出品）
モデレーター：中野仁詞（神奈川芸術文化財団 キュレーター）｜
WONDER SEEDS 2016｜
WONDER SEEDS 201604
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〈関連トーク・イベント〉

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鎌田友介 Yusuke KAMATA

TWS-NEXT @tobikan「クレアボヤンス」
TWS -NEXT @tobikan “clairvoyance”

石油産業とそれに関わる建築家のリサーチから見出した「垂直性」を軸として、設計用のドT WSプログラム参加アーティストのネクスト・ステップを支援する企画展「TWS-NEXT@tobikan」は、TWS-Emerging やレジデンス・プログラム等、トーキョーワン
ダーサイトの事業に参加した若手アーティストを継続的に支援するために東京都美術館で開催しました。5組の作家が、透視、千里眼、優れた洞察力という意味を持つ言葉「クレアボヤンス」をテーマに、私たちの身の回りに存在しながらも目には見えない事象の可視化を試みました。それぞれのアーティストは2011年に起きた東日本大震災を経験し、今まで気づいていなかったことや、多くの見過ごされてきたことに、これまで以上に高い意識をもって制作活動を行っています。会期中は本展のために新たに制作された作品に対して多くの来場者
から質問が寄せられ、作品をとおしてアーティストと来場者との間で双方向の対話がもたらされました。
An exhibition surpporting participants in TWS programs
to reach the next stage in their careers
TWS-NEXT @tobikan is an exhibition held at Tokyo Metropolitan Art Museum to provide continuing support tothe young artists who participated in TWS-Emerging, the residence program and other such programs run by

ラフターや図面収納棚など、建築家の部屋を彷彿とさせるインスタレーションを発表。置か
れたものを観る人が読み解き、ある建築家の思考を探る展示となりました。
With its drafter for designs and storage shelves for blueprints, this installation was reminiscent of an architect’s room and pivoted on the theme of “verticality,” which was discovered through research into the oil
industry and the architects who work within it.
1984年神奈川県生まれ。2013年東京
藝術大学大学院美術研究科修士課程
先端芸術表現専攻修了。主な展覧会に「D Construction Atlas」（京都芸術センター、2014）、「D Construction」（児玉
画廊、京都、2013）、「TWS-Emerging
2010: Other Perspectives」（TWS
本郷、2010）など。
Born in Kanagawa in 1984. Graduated with an MFA in Intermedia Art
from Tokyo University of the Arts
in 2013.

Tokyo Wonder Site. Taking the theme of ‘clairvoyance’, which signiﬁes extrasensory perception or profoundinsight, ﬁve artists attempted to visualize phenomena existing around us that are invisible to the eye. Having
each experienced the Great East Japan Earthquake that occurred in 2011, the participating artists are producing works with a keen awareness of things that had previously gone unnoticed or had been overlooked until《Y軸の消失点/建築家の部屋》2016
Vanishing point of Y-axis,
Room of the Architect, 2016

now. During the event, questions from a great many visitors were received in relation to the works newly produced for this exhibition, leading to a reciprocal dialogue between the artists and visitors through the artwork.

2016.2.19（金）～3.6（日）three
福島で活動を続けるアーティストグループ。彼らの身近で拾ったものを詰めた大量の試験管

会場：東京都美術館 ギャラリー Bを、円を描くように並べました。それを鑑賞者が検知器によって1本ずつ調べるインタラク

協力：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都美術館

ティブな作品。東日本大震災から5年が経つなかで、人々の心に潜む福島に対する先入観な

参加アーティスト：鎌田友介、three、平川ヒロ、増本泰斗、三原聡一郎

どの可視化を試みました。
This interactive work used a large number of test tubes ﬁlled with familiar objects collected by the artist
andas well as detectors. The work was an attempt to give visible form to preconceptions held about Fukushima following the Great East Japan Earthquake.

Born in Fukushima in 1986. Activity started in 2009.

TWS-NEXT @tobikan「クレアボヤンス」
TWS-NEXT @tobikan“clairvoyance”《CAUTION Not Contaminated Do not Care》
2016｜
TWS-NEXT @tobikan “clairvoyance”｜
TWS-NEXT @tobikan “clairvoyance”
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1986年福島県生まれ。2009年に結成された3人のグループ。主な展覧会に「three is a magic number 11」（ 西武渋谷店、東京、2015）、「TWS-Emerging 2011: three is a magic
number 3」（TWS 本 郷、2011）など。
「トー
キョーワンダーウォール公募2010」立体・イン
スタレーション作品部門にて大賞受賞。

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平川ヒロ Hiro HIRAKAWA

三原聡一郎 Soichiro MIHARA

ベルリンで出会ったウイグル人との対話や、彼の故郷である新疆ウイグル自治区を巡り採集

微生物を用いた未来の発電システムの可能性を考え、エネルギーの概念を生命の観点から捉したものによるインスタレーション。現地に関し聞き調べた情報と実際に体験して認識する

え直すプロジェクト。台の上に5つの素材を使った装置が置かれ、近い未来に起こりえる「自ことの違いを提示し、日常が極私的な物語のようなものであることを示唆しました。

然としての人工物」のスタディを提示しました。

This installation depicted a dialogue between the artist and someone from Uyghur whom the artist met inThis project considered the possibilities for future systems of power generation using microbes, conceived

Berlin, in addition to various things collected during a tour of Xinjiang Uyghur Autonomous Region, theas a re-evaluation of the concept of energy from the viewpoint of life.

hometown of the person the artist encountered.
1980年東京都生まれ。2006年情報科学芸術大学院大学修了。主な展覧会に「札幌国際芸術祭 2014」（ 札 幌 芸 術 の 森 美 術 館、北 海 道、
2014）、
「空白に満ちた世界」（クンス
トラウム・クロイツベルク／ベタニエ
ン、ベルリン、2013）など。
「第18回
文化庁メディア芸術祭」にて優秀賞受賞（国立新美術館、東京、2015）。

1984年佐賀県生まれ。2009年愛知県立芸術大学美術学部油画科卒業。ベルリン芸術
大学造形芸術専攻在籍。主な展覧会に「楽園創造（パラダイス）―芸術と日常の新地平―
Vol.1」（ Gallery α M、東京、2013）。
「トー
キョーワンダーウォール公募2009」平面作品
部門にて大賞受賞。
Born in Saga in 1984. Graduated with an
MA in Oil Painting from Aichi Universityof the Arts in 2009. Enrolled at Berlin
University of the Arts.

Born in Tokyo in 1980. Graduated with an MA in Media Expression from International Academyof Media Arts and Science in2006.

《私は水が好き》2016（プロジェクト「N.W.の部屋の白い壁」の部分）
I like water (one of the project“white wall paper of N.W.’s room”), 2016

《空白のプロジェクト#3 コスモス》2016
blank project #3 cosmos, 2016

増本泰斗 Yasuto MASUMOTO
美術館の館内や備品を撮影し、写し出されたものの名前を、いつもとは異なる読み方で読み上げた映像作品として展示室に設置。日常に使う言葉を少し変化させるだけで、社会の制度や私達の常識が解きほぐれ、新しいものの見方が生まれることを問い掛けました。
This video installation uses made use of various locations in the exhibition space, in which the names ofequipment and other objects that were ﬁlmed inside the art museum appeared on screen read diﬀerently to
how they would normally.

Born in Hiroshima in 1981. Graduatedwith an MFA in Media Art from Tokyo
Polytechnic University in 2006.

《第四名詞》2016
Fourth Noun, 2016｜
TWS-NEXT @tobikan “clairvoyance”｜
TWS-NEXT @tobikan “clairvoyance”
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1981年広島県生まれ。2006年東京工芸大学
大学院芸術学研究科メディアアート専攻修了。
主な展覧会に「Positive Space」（時代美術館、
広州、中国、2014）、「クリテリオム 83」（水戸芸術館、茨城、2012）など。2010年 La Chambre Blanche（ケベック）
レジデンス・プログラ
ム推薦。

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夏のこどもワークショップ

Tokyo Wonder Site Art Cafe WINDOWS

Summer Kids Workshop

渋谷のアートカフェで若手アーティストの活動を紹介

若手アーティストとアートの制作を行う夏の体験プログラム

トーキョーワンダーサイト（TWS）渋谷に併設するアートカフェ24/7 coﬀee & roaster は、

ギャラリーの四方の壁面に模造紙を貼り、全身を使って色鉛筆1本を使い切るまで自由に線

コーヒーとともに気軽にアートにふれることができる空間です。これまでに TWS のプログラを描くワークショップを実施しました。大きな画面に思いきり描くというシンプルなテーマ

ムに参加したアーティストの作品展示をとおして、TWS の活動を紹介しています。2015年

をとおして、子供たちが、もの（物質）と自分の間に生まれる時間について体感し、講師の度は TWS 渋谷で同時期に開催している事業と連携した展示を8回にわたって実施しました。

アーティストとの交流を通して創作の楽しさを経験しました。

Presenting the work of young artists at an venue in Shibuya

A summer workshop for children to create artwork together with young artists

Housed in Tokyo Wonder Site (TWS) Shibuya, Art Cafe 24/7 Coﬀee & Roaster is a space in which one canIn this workshop, synthetic paper was ﬁxed to all four walls of the gallery before the participants were invited

freely encounter art while enjoying coﬀee. It introduces the activities of TWS through exhibitions of theto make full use of their bodies and colored pencils, drawing lines freely until the pencils were used up.

artists who have previously participated in TWS programs. In 2015, a total of eight exhibitions were organizedThrough the simple theme of drawing with abandon on a large surface, the participating children were able

to coincide with programs at TWS Shibuya.

to experience a unique sense of time arising between the self and objects (physical materials), in addition to
the joy of creation through interaction with the artist instructor.

Vol.16

高松明日香

2015.5.23（土）～6.22（月）Vol.17安藤 充

2015.6.25（木）～8.3（月）Vol.18

福田紗也佳

2015.8.6（木）～9.14（月）Vol.19林田 健

2015.9.17（木）～10.26（月）Vol.20小林あずさ

2015.10.29（木）～12.7（月）Vol.21酒井龍一

2015.12.10（木）～2016.1.25（月）Vol.22関山 草

2016.1.28（木）～2.29（月）Vol.23

尾花賢一

2016.3.3（木）～3.30（水）2 015.8.29（土）、30（日）（13:00～14:00、14:30～15:30、16:00～17:00）計6回
会場：トーキョーワンダーサイト渋谷
提携：ワークショップコレクション 11 in シブヤ※ Vol.16 ～21は「TWS-Emerging 2015」サテライト企画。Vol.22, 23は「ワンダーシード 2016」サテライト企画。

会場：TWSアートカフェ 24/7 coffee & roaster（TWS 渋谷併設）｜
Tokyo Wonder Site Art Cafe WINDOWS

Vol.20 小林あずさ

1976年大阪府生まれ。2001年金沢美術工
芸大学美術学部デザイン科視覚デザイン専攻卒業。トーキョーワンダーサイト2008年度二国間交流プログラム〈ソウル〉派遣クリエーター。
2010年ポーラ美術振興財団在外研修生としてオーストラリアに滞在。主な展覧会に「FourSongs」（ベルナール・ビュフェ美術館、静岡、
2014）、「Invisible scape」（Toi O Poneke Art
Centre、ニュージーランド、2008）、「VOCA展」（上野の森美術館、2007）など。

Ai SASAKI
Vol.23 尾花賢一

Born in Osaka in 1976. Graduated with a
BFA in Visual Communication Designfrom Kanazawa College of Art in 2001.

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Summer Kids Workshop

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佐々木 愛

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OS-XX

ペドロ・イノウエ Pedro INOUE～都市未来のオペレーション・システムへの序章～

OS-XX -Prelude to the operation systems of the future city

資本主義の限界とネットワーク社会への期待、グローバルな問題と私たちとの関係性といった、ニューメディア社会の未来を問う作品。“kawaii” 文化を象徴する仮想店舗空間では「ANTI

都市の未来を形づくるオペレーション ･ システムを考える展覧会「OS-XX」では、都市の未来についてさまざまな角度から検証しました。アート、デザイン、
建築、文化イベント等の各側面から、都市生活の基盤となる OS（オペレーションシステム）について、今後どの様なあり方が求められていくのか、インスタレーションや研究成果のプ
レゼンテーション形式で紹介しました。会期中は、展覧会に合わせてテーマ毎にセレクショ
ンした約50冊の本を閲覧できるカフェスペース《純喫茶ほん》をオープンし、来場者がより深い理解や関心をもてるような空間を設けました。また、展覧会のテーマについて、来場者から広くアンケートを集め会場に公開し、自由な意見交換を行いました。
An exhibition inquiring into the “operation system” for shaping cities in the future“OS-XX” investigated the future of cities from various viewpoints. Ideas relating to the future of “operating
systems” that are the basis of urban life were introduced from the perspectives of art, design, architecture
and cultural events in the form of installations and presentations of research. During the exhibition, the cafe
space Junkissahon was open, providing visitors with a space to deepen their understanding of and interest

SUPER SILENT」を商標とし、自己主張の少ない日本人の性質に対して問題提起しました。
Taking the form of a virtual store signifying a “kawaii” (cute) culture and with the trademark “ANTI SUPERSILENT,” this work raised a question about the submissive character of the Japanese with humor .
ブラジル、サンパウロを拠点として活動するグラフィック・デザイナー。
日本、韓国、フランス、
イギリスなどで作品を発表。2001年～2007
年ロンドンのバーンブルック・デザインに所属。現在はカナダの雑誌『アドバスターズ』のクリエイティ
ブ・ディレクターを勤める。
Graphic artist & designer basedin Sao Paulo, Brazil. Currently
Adbusters Magazine creative
director.

in the theme of the exhibition through approximately 50 specially selected books. In addition, questionnaires
relating to the exhibition theme collected through the website and directly from visitors were on view in thevenue, actively encouraging the free exchange of opinions.

第1期：2015.8.8（土）～9.23（水・祝）
第2期：2015.10.3（土）～11.8（日）照屋勇賢 Yuken TERUYA

参加クリエーター：九冨美香、ペドロ・イノウエ、照屋勇賢、ジャン＝フランソワ・プロスト、幅 允孝、
小渕祐介研究室、田中功起、SCI-Arc ジョン･N･ ボーン

多言語で切り文字した新聞、版画や紙幣の作品、日本各地の地方新聞の集積による作品で構成。日本で今起きている政治的問題はグローバルな文脈で理解されるべきこと、表象として通貨がもつ芸術性、地域による情報の遅延と遮断の存在などを表現しました。
Yuken Teruya created an installation consisting of words cut out of newspapers in various languages, suggesting that issues occurring today are shared by all peoples.
1973年沖縄県生まれ。多摩美術
大学油絵科卒業。スクールオブビ
ジュアルアーツMFA 修了。主な展
覧会にThe Simple Truth: Josée
Bienvenu Gallery, New York（2015）、「ゴー・ビトウィーンズ
展：こどもを通して見る世界」森美術館（東京、2014）など。
Born in Okinawa in 1973. Graduated with a BFA in Oil Painting from Tama Art University,and an MFA from School of
Visual Arts, NY.

《純喫茶ほん》｜
OS-XX -Prelude to the operation systems of the future city｜
OS-XX -Prelude to the operation systems of the future city
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会場：トーキョーワンダーサイト本郷

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ジャン＝フランソワ・プロスト Jean-François PROST田中功起 Koki TANAKA

2012年ロンドンオリンピックの際に、行政がオリンピック会場の敷地予定地を囲った青い壁

アーティストが1杯ずつ丁寧に入れたコーヒーと共に、テーブルを囲んでオリンピック開催

や、華やかな都市生活とは真逆に地下で働く人々など、都市政策において、強制的に変化するに向けて起こる変化について、自由に語る場が企画されました。多数の参加者が「文化政策」

状況に対する人々の受容と適応過程をリサーチした「ADAPTIVE ACTIONS」を紹介しました。

「ジェントリフィケーション」「体育と体操」「宗教やジェンダー」等をテーマに、活発な議論

Jean-François Prost introduced Adaptive Actions, a body of research conducted into the processes of recep-を展開しました。

tion and adaptation by people whose circumstances are forcibly changed by urban policy-making.

While the artist carefully served coﬀee for each of the participants, everyone sat around tables and talked
freely about the changes that would be brought as the Olympics draw nearer , resulting in a lively discussion.

カールトン大学（オタワ）
で建築を、
ケベック大学（モントリオール）
で環境デザインを専攻。芸術の介入がほとんどされない都市研究の分野の境界に興味を持ち、建築、街、都市に対して、ビジュアルアートから飛躍する様な新たな考え方を模索している。

1975年栃木県生まれ。ロサンゼルス在住。アーティスト、ARTISTS’ GUILD、基礎芸術。主な著書に『Precarious Practice』（Hatje Cantz、2015
年）、『必然的にばらばらなものが生まれてくる』（武蔵野美術大学出版局、2014年）、
『質問する
その１
（2009-2013）』（ ART iT、2013年）など。
Born in Tochigi in 1975; lives and works in
Los Angeles. Tanaka takes part in and collaborates with ARTIST‘S GUILD and Contemporary Art Think-tank.

Jean-Francois PROST: artist,
researcher, educator, founderand director of Adaptive Actions platform based in Canada and founded in London in2007.

《一時的なスタディ：オープン・ディスカッション#3
東京オリンピック1940 1964 2020》2015
Proisional Studies: Open discussion #3 Tokyo
Olympic 1940 1964 2020, 2015
Photo: Koki Tanaka

小渕祐介研究室 Yusuke OBUCHI Lab「サステナビリティ＝持続可能性」という概念を改めて考え直し、これまでの建築や建築資材

最新のシミュレーション技術によって熱力学（エネルギー）的に空間をつくり出すという、新の常識に捉われない研究成果を発表しました。都市と地方との循環、建物と人々・環境の関しい建築概念を提案しました。そのコンセプトは、モネ、ゴッホ、北斎が描いた風景にも通係などについて新しいあり方を提示し、既存の概念に問いを投げかけました。

じ、エネルギーを優先とした視点で都市と共存する未来の建築のあり方を注目しました。

Yusuke Obuchi Lab presented the results of research that reconsidered the concept of sustainability, going

A new architectural concept was proposed for the creation of a thermodynamic (energy) space based on the

beyond common sense notions of architecture and building materials in the past.

latest simulation technology.

小渕祐介：1969年千葉県生まれ。
南カリフォルニア建築大学卒業、プリンストン大学大学院修士課程修了。RUR Architects 勤務後、
ケン
タッキー州立大学助教、プリンストン
大学客員准教授、AAスクール・デザインリサーチラボ ディレクターなどを歴任。東京大学工学部建築学科准教授。
Yusuke OBUCHI: Associate Professor in Architecture at the
University of Tokyo. Researcher,designer and educator.

《CYBERNETIC URBANINSM》
2015

JBohn アソシエイツ代表。バージニア大学にて学位、オハイオ州立大学
にて建築修士を取得。ロサンゼルス在住。幾何学、構造、表面、空間における複雑性を読解するための伝統的、近代的、そして最新の建築資材や技術、システムを探求することに焦点を当てている。
President of JBohn Associates,
Inc. Graduated with a B.S. in Architecture from the University ofVirginia and an M. Arch from
Ohio State University.

《0th house》2015｜
OS-XX -Prelude to the operation systems of the future city｜
OS-XX -Prelude to the operation systems of the future city
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SCI-Arc ジョン・N・ボーン SCI-Arc John N. BOHN

055

九冨美香 Mika KUTOMI

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム

2012年ロンドンオリンピックの文化プログラムで重要な役割を果たした人物や、芸術祭の開催地に住む人々へのインタビュー成果を公開しました。文化に関わるプログラムは何を目指すべきなのか、多くの人々が議論に参加できる場として「Tokyo Cultural Open Platform」を提唱しました。
Mika Kutomi gave a presentation sharing the results of interviews she made with people who played import-

Creator-in-Residence Program

日本最大規模のアーティスト・イン・レジデンス事業 年間約50名が滞在・派遣
2014年秋に墨田区立川に移転した TWS レジデンスで、2015年度より本格的にレジデンス・プログラムを再開しました。二国間交流事業、海外クリエーター招聘、芸術文化・国際機関

ant roles in the cultural program of the 2012 London Olympics as well as with those who live in the cities

推薦、リサーチ・レジデンスの4つのプログラムを実施し、30組32名のクリエーターが TWS

hosting art festivals.

レジデンスに滞在し、活動、交流を行いました。滞在期間は、5月～7月、9月～11月、1月～3月の3期とし、それぞれの期間の最終月にオープン・スタジオを開催し、成果発表を行いま

1980年香川県小豆島生まれ。2006年東京藝術大学大学院美術研究科壁画専攻修了。
2014年文化庁新進芸術家海外研修制度（短期研修）にてイギリス・ロンドンに滞在。帰国後、アート・リサーチャーとしての活動を開始。

した。また、二国間交流事業プログラムでは、バーゼル、ソウル、ロンドン、台北、マドリー
ド、ベルリンの６都市に11名の日本人クリエーターを派遣しました。その他、TWS レジデン
スでは事業に関わるクリエーターの滞在も受け入れました。
The largest artist-in-residence program in Japan,
featuring around 50 participants annually in Tokyo or overseas

Born in Shodoshima (Kagawa) in 1980.
Graduated with an MFA from Tokyo University of the Arts in 2006.

Tokyo Wonder Site residency program resumed in 2015 after relocating to Tatekawa in Sumida City in autumn 2014. In ﬁscal 2015, a number of programs were organized: the Exchange Residency Program, International Creator Residency Program, Institutional Recommendation Program, and Research Residency Program. A total of 30 groups and 32 artists stayed, worked and engaged in exchange at the facility. Residencies
were organized into three terms: May to July, September to November, and January to March. At the end of《2012年ロンドンオリンピック
文化プログラムについての調査研究》2015
Tokyo Cultural Open Platform, 2015

each period, an open studio was organized to show the resulting work. For the Exchange Residency Program,
TWS sent 11 Japanese artists to 6 cities (Basel, Seoul, London, Taipei, Madrid, and Berlin).

幅 允孝 Yoshitaka HABAに「コミュニティー」「メディア」「芸術」「建築」「政治」の5つのテーマで絵本から専門書まで約50冊が揃い、大人から子供まで楽しめる空間となりました。
Junkissahon was a cafe opened during the exhibition, oﬀering a menu of approximately 50 books related tothe ﬁve themes of community, media, art, architecture, and politics.
1976年愛知県生まれ。有限会社
BACH（バッハ）代表。ブックディレク
ター。未知なる本を手にしてもらう
機会をつくるため、本屋と異業種を結びつけたり、病院や企業ライブラ
リーの制作をしている。愛知県立芸術大学非常勤講師。

｜
Creator-in-Residence Program｜
OS-XX -Prelude to the operation systems of the future city0
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本がメニューというコンセプトの《純喫茶ほん》が開店しました。都市の未来を考えるため

Born in Aichi in 1976. Book director President, BACH Itd.
Lecturer, Aichi University of theArts.

《純喫茶ほん》2015
Junkissahon, 2015

ランチ・ミーティングの様子

057

二国間交流事業プログラム（派遣）

芸術文化・国際機関推薦プログラム

田村友一郎｜ Yuichiro TAMURA

2015.4.3～6.30

バーゼル

マリー＝ジョゼ・シマール｜ Marie-Josée SIMARD（カナダ） 2015.10.1～12.20

播磨みどり｜ Midori HARIMA

2015.5.1～7.29

ソウル

ジョゼ・ペドノー｜ Josée PEDNEAULT（カナダ）

2016.1.8～3.31

大山エンリコイサム｜ Enrico Isamu YAMA

2015.8.1～10.25

ロンドン

カミーユ・ボワテル｜ Camille BOITEL（フランス）

2015.7.4～7.13

花崎 草｜ Kaya HANASAKI2015.9.23～12.20

台北

アントニ・ムンタダス｜

地主麻衣子｜ Maiko JINUSHI

2015.10.19～11.29

マドリード

伊東宣明｜ Nobuaki ITOH

2015.10.19～11.29

マドリード

石井麻希｜ Maki ISHII

2015.4.6～6.30

ベルリン

中野 岳｜ Gaku NAKANO

2015.4.6～6.30

ベルリン

谷中佑輔｜ Yusuke TANINAKA

2015.7.6～9.28

ベルリン（キュンチョメ）｜ Eri HOMMA（KYUN-CHOME）
ホンマエリ

2015.10.8～2016.1.3 ベルリン

VERMEIR & HEIREMANS（ベルギー）

シンゴヨシダ｜ Shingo YOSHIDA

2016.1.5～3.31

ハディン・シャーベル｜ Hadin CHARBEL（アメリカ／日本）
デボラ・ロペス｜ Deborah LOPEZ（スペイン／日本）

2015.9.1. ～9.27

チャン・ホンソン｜ JANG Hong Seon（韓国／アメリカ）

2015.9.2～9.26

アレックス・デイヴィーズ｜ Alex DAVIES（オーストラリア）

2015.9.5～9.30

ナタリ・アドニョ｜ Natale ADGNOT（アメリカ／日本）

2015.10.5～11.26

ベルリン

二国間交流事業プログラム（招聘）2015.5.1～7.29

ベルリン

チョン・ジヒョン｜ JUNG Ji-Hyun（韓国）2015.5.10～7.29

ソウル

ローナ・バーチャム｜ Lorna BIRCHAM（イギリス）

2015.6.23～7.19

ロンドンウィリアム・コビング｜ William COBBING（イギリス）

2015.7.2～8.9

ロンドン

リス・ビヤルバ｜ Lys VILLALBA（スペイン）

2015.10.16～11.27

マドリード

アレイシュ・プラデムント｜ Aleix PLADEMUNT（スペイン）

2015.10.16～11.27

マドリード

ホウ・イーティン｜ HOU I-Ting（台湾）2016.1.6～3.31

台北

フランツィスカ・フルター｜ Franziska FURTER（スイス）2016.1.8～3.31

バーゼル

ケルヴィン・アトマディブラタ｜Kelvin ATMADIBRATA（インドネシア）

ラウル・ワルヒ｜ Raul WALCH（ドイツ）
コビール・アフメッド・マスム・チスティー｜

Kabir Ahmed MASUM CHISTY（バングラデシュ）

アディティア・ノヴァリ｜ Aditya NOVALI（インドネシア）

オリバー・ビア｜ Oliver BEER（イギリス）

2015.10.28～11.25

ビョルン・メルフス｜ Bjørn MELHUS（ドイツ）

2016.3.11～3.16

リサーチ・レジデンス・プログラム
フェルメール & ヘイルマンス｜

ヴァレリオ・サニカンドロ｜

Valerio SANNICANDRO（イタリア／フランス）

バーバック・ハシェミ＝ネジャド｜

Bahbak HASHEMI-NEZHAD（イギリス）

ミーシャ・クラニックスフェルト｜Micha KRANIXFELD（ドイツ）

ジョシュア・D・ゴンサルヴェス｜

Joshua D. GONSALVES（カナダ／レバノン）

イサベル・デ・セナ｜ Isabel DE SENA（ドイツ）

海外クリエーター招聘プログラム

2015.7.10～7.30

2015.9.1～9.28

2015.10.7～11.28

2015.10.15～11.15

2016.1.6～2.2

2016.1.7～2.2
2016.2.7～3.31

マヌエル・シルヒャー｜ Manuel SCHILCHER（オーストリア） 2016.2.9～3.31
2015.9.1～11.25
2015.9.1～11.25
2016.1.6～3.31
2016.1.6～3.31

インガ・ザイドラー｜ Inga SEIDLER（ドイツ）

2016.2.13～3.31｜
Creator-in-Residence Program｜
Creator-in-Residence Program
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エリック・シュミット｜ Erik SCHMIDT（ドイツ）

Antoni MUNTADAS（スペイン／アメリカ）

059

二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉 Tokyo-Basel Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈ロンドン〉 Tokyo-London Exchange Residency Program

田村友一郎 Yuichiro TAMURA

大山エンリコイサム Enrico Isamu ŌYAMA

滞在期間：2015.4.3～6.30

滞在期間：2015.8.1～10.25

活動拠点：アトリエ・モンディアル Atelier Mondial

活動拠点：ロンドン芸術大学 University of the Arts London

バーゼルの地理や歴史、また、世界有数の製チェルシー・カレッジ・オブ・アーツ内

薬会社が本社を置く産業都市としての特徴をで大規模なインスタレーションを制作し、綿密に調査して作品を制作。
「Café Predawn」

即興的で、躍動感のある作品を生み出し「Kalte Füsse bekommen」「Basel Nightmare」

ました。また会場内で、アート・レビューと題する3つのパフォーマンス／インスタレー

誌編集長のマーク・ラポルト氏を交えたション作品を発表しました。
Yuichiro Tamura conducted comprehensive researchon Basel’s geography, history, and characteristics as an
Basel Nightmare, 2015

industrial city where global pharmaceutical companies
are headquartered. Tamura then created three performances and installations titled “Café Predawn”, “Kalte

トーク・イベント（国際交流基金ロンド
Improvised Mural, 2015 Artwork © Enrico Isamu ŌYAMA
Photo © Tom Carterンの主催）も実施しました。
Enrico Isamu Ōyama created an enormous, im-provised and vibrant installation on the campus of Chelsea College of Arts. An artist talk with Mark Rappolt,
editor in chief of ArtReview magazine, was held at the exhibition site, organized by the Japan Foundation London.

Füsse bekommen”, and “Basel Nightmare”.
1977年富山県生まれ。2010年東京藝術大学大学院映像研究科修士課程修了。東京藝術大学大学院博士後期課程在籍。東京を拠点に活動。主な展覧会に「アート・バーゼル香港2013」（YUKA TSURUNOGALLERY、香港、2013）、「メディアシティ・ソウル2014」（ソウル市立美術館、2014）など。

1983年東京都生まれ。2009年東京藝術大学大学院美術研究科修士課程先端芸術表現専攻修了。ニューヨークを拠点に活動。主な展覧会に「Like A Prime Number」（大和日英基金ジャパンハウスギャラリー、ロンドン、2016年）、「 Concrete to Data」（ロ
ング・アイランド大学スタインバーグ美術館、ニューヨーク、2015年）など。
「VOCA 展2016」
佳作賞受賞（上野の森美術館、東京、2015年）。

Born in Tokyo in 1983. Graduated with an MFA in Intermedia
Art from Tokyo University of
the Arts in 2009. Lives andworks in New York.

二国間交流事業プログラム〈ソウル〉 Tokyo-Seoul Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈台北〉 Tokyo-Taipei Exchange Residency Program

播磨みどり Midori HARIMA

花崎 草 Kaya HANASAKI

滞在期間：2015.5.1～7.29

滞在期間：2015.9.23～12.20

活動拠点：MMCAレジデンシー・コヤン MMCA Residency Goyang

活動拠点：トレジャーヒル・アーティスト・ヴィレッジ Treasure Hill Artist Village

滞在期間を通し、日々出るゴミを使って毎日ひとつ

消えゆく文化や風習、可視化されない都市の側面

ずつオブジェを制作。それをインスタントカメラでについて調査を行い、地元のアーティストや住民記録する「Democracy Demonstrate」を展開し、現とも積極的に交流しました。個展「My Home, Our

代社会の消費行為の背後にあるイデオロギーを探究

Treasure」では、独特な歴史的経緯を辿った台北しました。また、済州島を訪れてシャーマニズムを調

市内の３つの村を取材し、それぞれの住人にとっ査し、アジアに通底する価値体系を再認識しました。

ての「村の宝」を問う映像作品を制作しました。

Midori Harima created a sculpture out of waste materials ev-

Conducting research on disappearing cultures and cus-

ery day throughout her residency period. Documenting eachsculpture with an instant camera, she made “Democracy
Demonstrates”, which investigates the ideology behind consumption in a contemporary society. Additionally, Harima《Democracy Demonstrates-90日間韓国で私は何を消費したか》2015
Democracy Demonstrates‒What I have consumed in 90 days in Korea, 2015

toms, and unseen aspects of a city, Kaya Hanasaki actively
engaged with local artists as well as residents. After re-《反射しあうわたしたち》2015
I am your past, You are my future, 2015

searching three villages in Taipei with very particular histories, Hanasaki created a video work for a solo exhibition, “My Home, Our Treasure,” that explored what each resident regarded as the “treasure” of their village.

visited Jejudo Island to research shamanism and rediscovered universal values in Asia.
1976年神奈川県生まれ。2000年女子美術大学芸術学部絵画科版画コース卒業。 Born in Yokohama in 1976. Graduated2005年よりニューヨーク在住。主な展覧会に「Roadside Picnic」（FLYNNDOG、 with a BFA in Oil Painting (Printmaking)バーモント、アメリカ、2014）、「Ridden」（Des Lee Gallery、セントルイス、アメリカ、 from Joshibi University of Art and Designin 2000. Based in New York since 2005.
2013）、「日常ワケあり」（神奈川県民ホールギャラリー、2011）など。

1987年東京都生まれ。2012年東京藝術大学大学院美術研究科修士課程先端芸術 Born in Tokyo in 1987. Graduat表現専攻修了。東京を拠点に活動。主なパフォーマンスに「蚊帳の外」（台北市美術館、 ed with an MFA in Intermedia Art
台湾、2015年）、「Woman Path」（M.F.フセインアートギャラリー、ニューデリー、2014 from Tokyo University of the Arts年）など。展覧会に「花崎 草／2007-2012」（（ ）藝文展演空間、台北、2013年）、「Art in 2012. Based in Tokyo.
Action in UK」（素人の乱12号店、東京、2012年）など。

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Born in Toyama in 1977. Graduated with an
MFA in Film and New Media in 2010, and Enrolled in a Ph.D in Film and New Media at
Tokyo University of the Arts. Lives and works
in Tokyo.

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二国間交流事業プログラム〈マドリード〉 Tokyo-Madrid Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉在住 Tokyo-Berlin Exchange Residency Program

地主麻衣子 Maiko JINUSHI

石井麻希 Maki ISHII

滞在期間：2015.10.19～11.29

滞在期間：2015.4.6～6.30

活動拠点：マタデッロ・マドリード Matadero Madrid

活動拠点：クンストラウム・クロイツベルク／ベタニエン Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien

スペインに移住した、チリの小説家・詩人のロコミック『トムとジェリー』をとおして、1940

ベルト・ボラーニョをテーマに活動。かねてよ～50年代のアメリカの生活様式やインテリア、り関心を抱いていた作家の足跡を辿り、文献を

時代背景をリサーチしました。ベタニエン内の調べ、現地の人々にインタビューをするなど、多メディアラボの協力を得て、映像からトムとジェ

面的なリサーチを展開し、社会や自己の「内外」

リーを取り除いたアニメーションを制作。存在を映し出す映像作品を制作しました。

と不在をテーマとした立体・映像作品を発表しました。

Maiko Jinushi focused on Roberto Bolaño Ávalos, the《遠いデュエット》2015
A Distant Duet, 2015

Chilean novelist and poet who relocated to Spain. Interested in Bolano’s life, Jinushi conducted comprehen-sive research that included tracing the novelist’s footprints, studying his literature, and interviewing peoplein Spain. Jinushi then created a video work reﬂecting the inside and outside of society and the self.
1984年神奈川県生まれ。2010年多摩美術大学大学院美術研究科絵画専攻修了。 Born in Kanagawa in 1984. Grad東京を拠点に活動。主な展覧会に「おおきな口、ちいさな手 もしくは ちいさな口、お uated with an MFA in Painting
おきな手」（Art Center Ongoing、東京、2015）、「仮想のコミュニティ・アジア―黄金 from Tama Art University in
町バザール2014」（神奈川、2014）。パフォーマンスに「馬が近づいてくる音」（blanClass、 2010. Lives and works in Tokyo.
神奈川、2014）など。

Maki Ishii conducted research on 1950s‒60s American

lifestyle, interior design and historical background through the comic Tom and Jerry. With the cooperation of amedia lab located inside Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien, Ishii created an animation with the images of Tom andJerry removed. Ishii exhibited sculpture and video work based on the concept of presence and absence.
1982年広島県生まれ。2014年フランクフルト芸術大学シュテーデル・マイスターシュー Born in Hiroshima in 1982. Earnedラー修了。現在、ベルリンを拠点に活動。主な展覧会に「Logis du Paradis」（The Tip、 her Meisterschuler from Staatliche
ドイツ、2015）、「FALL」（Jochen Hempel Gallery, ドイツ、2014）など。また、高山明 Hochschule fur Bildende Kunste（Port B）
による演劇プロジェクト「完全避難マニュアル フランクフルト版」にアーティスト schtädelschüle in 2014. Lives andworks in Berlin.
として参加（2014）。

二国間交流事業プログラム〈マドリード〉 Tokyo-Madrid Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉在住 Tokyo-Berlin Exchange Residency Program伊東宣明 Nobuaki ITOH

中野 岳 Gaku NAKANO

滞在期間：2015.10.19～11.29

滞在期間：2015.4.6～6.30

活動拠点：マタデッロ・マドリード Matadero Madrid

活動拠点：クンストラウム・クロイツベルク／ベタニエン Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien「本当のアートとは何か」という問いを、美術史上重要

スポーツのような身体表現や道具の創造によって生な作品を巡りながら探究する映像作品《アート》のス

活の中の身近な問題と向き合い、日常に変化をもたペイン版を制作しました。スペイン各地の主要な美術

らす可能性を探りました。ベルリンでは犬の糞を移館から許可を得て、自撮りによる撮影を敢行。日本版

動させる遊びを通し、ただ楽しむことを目的としたと並べて展示することで、アートを取り巻く両国の歴

個人の活動が、ゆくゆくは社会に影響を与えるかも

史や状況の差異を浮かび上がらせました。

しれないことを提示しました。

Nobuaki Itoh created a Spanish version of a video work titledGaku Nakano explored the possibility of bringing aboutchanges to challenging problems in sociery by engaging inĀto that explored the question of what real art is through important masterpieces from art history. Obtaining permissions
from major art museums across Spain, Itoh ﬁlmed artworks in《アート（日本/スペインVer.）》2015
Āto(Japan/Spain Ver.), 2015

《ベルリナーズ犬糞ゴルフ》2015
Berliner's Dog Feces Golf, 2015

tools. Through a game of moving dog poop around Berlin,
the project aimed to anticipate and share the idea how individual activities with the purpose of simply having

selﬁe. By exhibiting the images next to the Japanese version,
the diﬀerent histories and conditions surrounding art in both countries were brought into relief.
1981年奈良県生まれ。2016年京都市立芸術大学大学院美術研究科博士課程修了（メディアアート）。京都を拠点に活動。主な展覧会に「アート」（APMoAプロジェクト・アー
チ、愛知県美術館、2015）、「牛窓・亜細亜藝術交流祭」（ 牛窓シーサイドホール・瀬戸
内市美術館、岡山、2014）「 おおがきビエンナーレ2013」（ 情報科学芸術大学院大学［IAMAS]、岐阜、2013）など。

activities involving physical expression of sports and creating

Born in Nara in 1981. Earned
his Ph.D in Media Art from Kyoto City University of Arts in
2016. Lives and works in Kyoto.

fun can be vehicles for potentially changing society in the future.
1987年愛知県生まれ。2014年東京藝術大学美術研究科彫刻専攻修士課程修了。シュ
トゥットガルドを拠点に活動。主な展覧会に「Somehow the mosaic looks nice.」（児玉
画廊、京都、2015）、「非の無い処に煙を立てる。」（拝借景、茨城、2014）など。
「Und wasmachen wir morgen?」（Hohenloher Kunstverein、キュンツェルザウ、
ドイツ、2013）
オーディエンス賞受賞。

Born in Aichi in 1987. Graduated with an MFA in Sculpture
from Tokyo University of theArts in 2014. Lives and works
in Stuttgart.

｜
Creator-in-Residence Program｜
Creator-in-Residence Program
0
6
2

Nobody room, 2015063

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉 Tokyo-Berlin Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉在住 Berlin-Tokyo Exchange Residency Program

谷中佑輔 Yusuke TANINAKA

シンゴヨシダ Shingo YOSHIDA

滞在期間：2015.7.6～9.28

滞在期間：2016.1.5～3.31

活動拠点：クンストラウム・クロイツベルク／ベタニエン Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien

活動拠点：クンストラウム・クロイツベルク／ベタニエン Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien

In/Flesh/Out, 2015 Photo : Aisuke Kondo

彫刻とパフォーマンスの要素を合わせ持つ Galatea

ゾンネンアレー駅で拾ったクマのぬいぐるみを、忘シリーズの新作《In/Flesh/Out》を発表。スタジ

却されつつある都市ベルリンに重ね、ぬいぐるみ

オで制作したパーツをベタニエン前広場に運んでを拾った日から滞在の最終日までの毎日、日々の組み立て、彫刻に埋め込まれたトマトをかじるパ

情景を写真や映像で日常を記録。大きく引き伸ば

フォーマンスを通して、パブリックスカルプチャー

した写真の上にフラッシュバックのように投影すの新たなモデルを提示しました。

る映像インスタレーションを制作、発表しました。

Yusuke Taninaka exhibited his sculptural and perfor-

Shingo Yoshida took a photograph of a teddy bear hemance work “In/Flesh/Out”, the latest in the Galatea se-picked up at Sonnenallee Station, as he felt it represented

ries. Bringing the various parts created in his studio to theBerlin being lost in oblivion, and photographed everyday

square in front of Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien, Taninaka assembled them and then performed biting thelife in Berlin daily until the last day of his residency. He created and exhibited an installation, projecting video

tomatoes embedded in the sculpture to present an alternative model of public sculpture.

images of Berlin superimposed onto an enlarged photograph of the teddy bear as if they were memory ﬂash-

1988年大阪府生まれ。2014年京都市立芸術大学大学院美術研究科彫刻専攻修了。京都を拠点に活動。主な展覧会に「Galatea」（京都市立芸術大学ギャラリー @KCUA、2014）、「クロ
ニクル、クロニクル！」（Creative Center Osaka［名村造船所跡］、大阪、2016）、「京芸 Transmit Program #6『still moving』」（元・崇仁小学校／崇仁地域周辺、京都、2015）など。
「アー
トアワードトーキョー丸の内2014」グランプリ受賞（行幸地下ギャラリー、東京、2014）。

1974年東京都生まれ。2007年にパリ国立高等美術学校大学院プログラム ラ・ セーヌ修了。主な展覧会に「オリバー・ビア｜シンゴ ヨシダ」
（フランス国立現代美術センター・ヴィラ・アルソン、ニース、2013）、「BYOB」（パレ・ド・トーキョー、パリ、2012）、「Zona
Común」（チリ国立現代美術館、サンティアゴ、2012）など。
「POLARIZED! Vision」短編映画コンペティショングランプリ受賞（ロヴァニエミ、
フィンランド、2015）。

backs.
Born in Osaka in 1988.
Graduated with an MFA in
Sculpt ure f rom Ky ot oCity University of Arts.
Lives and works in Kyoto.

Born in Tokyo in 1974. Yoshida earned
his Post-graduate diploma -Research
Program La Seine from Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts deParis. Lives and works in Berlin.

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉 Tokyo-Berlin Exchange Residency Program（キュンチョメ） Eri HOMMA(KYUN-CHOME)
ホンマエリ
滞在期間：2015.10.8～2016.1.3
活動拠点：クンストラウム・クロイツベルク／ベタニエン Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien

欧州社会が直面したシリア難民に着目。ベルリ
ンでの受け入れから生活の実態まで、さまざまな手段を駆使してリサーチし、彼らと直接関わりを持ちながら映像作品を制作しました。「生き矛盾、共に幸せを築く可能性、アートの役割などを探究しました。
Focusing on the Syrian refugee crisis in faced by Euro-

Challenge of Making Smile, 2015

pean society and researching through a wide range of means how refugees were accepted and lived in Berlin,
Kyun-Chome created a video work collaborating directly with refugees. Pursing the theme of people who
escape to survive, the art unit explored the contradictions latent in contemporary society, the possibilities forcollectively building happiness, and the role of art.
ホンマエリとナブチの男女ユニット。2011年に結成。東京を拠点に活動。主な展覧会に「もう一度 太陽の下でうまれたい」（岡本太郎記念館、東京、2015）、「なにかにつながっている」（新宿
眼科画廊、東京、2014）、「SHIBUKARU MATSURI Goes to BANGKOK」（The Jam Factory、バンコク、2015）など。第17回岡本太郎現代芸術賞受賞（2014）。

Art unit formed in 2011,
consisting of Eri Homma
and Nabuchi. Lives andworks in Tokyo.

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Creator-in-Residence Program
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るために逃げる人々」をテーマに、現代社会の0
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二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉 Berlin-Tokyo Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈ロンドン〉 London-Tokyo Exchange Residency Program

エリック・シュミット Erik SCHMIDT

ローナ・バーチャム Lorna BIRCHAM

滞在期間：2015.5.1～2016.7.29

滞在期間：2015.6.23～7.19

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

Photo：Yuichiori Otsuka

その土地特有の社会習慣や文化をテーマに、絵画

テキスタイルのサステナブル・デザインと自らが出演する映像作品を制作するシュミットを研究するバーチャムは、天然素材を使は、東京では、通勤電車や立ち食いそばなど、サ用する日本の伝統的な藍染技法や、使いラリーマンの日常的な光景と、それと隣り合わせ

古された布を継ぎ接ぎしてつくられた、東のホームレスの姿などを観察。日本社会の一面を北の山村の衣服、ボロを調査。伝統を受切り取り、絵画と映像作品に描きました。

け継ぐ人々との交流を通して、真に持続Based on local and site speciﬁc social customs and cul-

可能なテキスタイルを探究しました。

tures, Erik Schmidt creates paintings as well as video

works in which he stars. In Tokyo, Schmidt observed daily scenes of businessman including commuter trains
and standing soba noodle restaurants as well as homeless people who live side by side with them. Capturing
a particular aspect of Japanese society, he created a painting and video.

Lorna Bircham researches sustainable textile
design. During her residency in Tokyo, she investigated traditional Japanese indigo dye techniques and“boro,” a type of clothing in mountain villages in northeast Japan made from old fabrics patched together.
Through interacting with people who pass on these traditions, Bircham searched for textiles that are truly
sustainable.

ヘルフォルト（ドイツ）生まれ、ベルリンを拠点に活動。主な展覧会に「Cut/Uncut」 Born in Herford (Germany). Lives（Galerie Krinzinger、ウィーン、2016）、「Downtown」（レオポルド・ホーシュ美術館、 and works in Berlin. Selected exhiデューレン、
ドイツ、2014）、「In Situ」（Jason Maccoy Gallery、ニューヨーク、2015）、 bition: Cut/Uncut (Solo exhibi「PAINTING FOREVER! KEILRAHMEN」（クンスト・ヴェルケ現代美術館、ベルリン、 tion), Galerie Krinzinger, Vienna,
2016.
2013）
など。

Lives and works in London. Graduatedwith an MA in Textile Design from Royal
College of Art in 1978. Course director
for MA Textile Design at Chelsea Collage of Arts.

二国間交流事業プログラム〈ソウル〉 Seoul-Tokyo Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈ロンドン〉 London-Tokyo Exchange Residency Program

チョン・ジヒョン JUNG Ji-Hyun

ウィリアム・コビング William COBBING

滞在期間：2015.5.10～7.29

滞在期間：2015.7.2～8.9

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

急速な開発による都市の移り変わりを写真を

安倍公房原作・勅使河原宏監督の映画『砂通じて表現するチョンは、2020年のオリンピッの女』に素材と質感の着想を得て、彫刻的クに向けて開発が進む湾岸エリアに注目し、な感覚を起点としたインスタレーションと移りゆく景観をゆりかもめの車窓から撮影し映像を発表しました。また、『砂の女』の撮た新作「Transit」シリーズを制作しました。

影地である鳥取砂丘で、本格的な作品制作

Known for photography depicting how cities changeのためのリサーチと撮影を行いました。

as a result of rapid urban development, Jung Ji-Hyun

William Cobbing created an installation and video

focused on Tokyo’s Bay Area that had been devel-

work that took its sculptural inspiration for its ma-

oped for 2020 Summer Olympics. Jung photo-terial and texture from the ﬁlm Woman in the Dunes, directed by Hiroshi Teshigahara based on Kobo Abe’sgraphed the shifting landscape from a train window

novel. Cobbing conducted research and a shoot at the Tottori Sand Dunes, where the ﬁlm was made.

of the Yurikamome railway and created new works inthe series “Transit”.
1983年ソウル生まれ、在住。主な展覧会に「Site」（GoEun 写真美術館 BMW
フォトスペース、釜山、2015）、「System planning: Dabang Dabang Project」（KT&G Sangsangmadang、
ソウル、2015）、「Scotiabank CONTACT Photography Festival」MoCCA、
トロント、2015）など。

Born in Seoul in 1983. Lives and works
in Seoul. Selected exhibition: Site (soloexhibition), GoEun Museum of Photography BMW Photo Space, Korea, 2015.

ロンドンを拠点に活動。2010年にミドルセックス大学にて博士号（美術）取得。 Lives and works in London. Earned his
ロンドン芸術大学ウィンブルドン・カレッジ・オブ・アート彫刻科講師。主な展 Ph.D in Fine Arts from Middlesex Univer覧会に「Transactions of Duddo Field Culb」（Hatton Gallery, ニューカッ sity in 2010. Selected exhibition: Transスル、イギリス、2014）、「What’s Love Got to Do」（ヘイワード・ギャラリー・ actions of Duddo Field Culb (solo exhibition), Hatton Gallery, England, 2014.
プロジェクト・スペース、ロンドン、2014）など。

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Creator-in-Residence Program｜
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ロンドンを拠点に活動。1978年にロイヤル・カレッジ・オブ・アート修了（テキスタイルデザイン）を取得。ロンドン芸術大学チェルシー・カレッジ・オブ・アーツ講師で、修士課程テキスタイルデザイン専攻のコース・ディレクターを務める。
主な展覧会に「One:Place:Ten 2015」（チェルシー・カレッジ・オブ・アーツ
The Cookhouse Gallery、ロンドン、2015）
など。

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二国間交流事業プログラム〈マドリード〉 Madrid-Tokyo Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈台北〉 Taipei-Tokyo Exchange Residency Program

リス・ビヤルバ Lys VILLALBA

ホウ・イーティン HOU I-Ting

滞在期間：2015.10.16～11.27

滞在期間：2016.1.6～3.31

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

2001年に出版された、アトリエ・ワンによる『メ近現代社会における「女性」と「労働」をテーマ

イド・イン・トーキョー』で取り上げられた70件のに作品を制作しているホウは、「弁当」を通して建築を実際に訪れ、リサーチを展開。東京という都

日本社会での女性の役割をリサーチ。また、弁当

市の特性を反映した建築物の15年後の姿や役割の変づくりを社会現象、日台間の歴史を考察し、ワー

容を、写真・ドローイング・文章で記録しました。

クショップを通して「行為によるアート」への転

Lys Villalba visited 70 architectural sites featured in Ate-

換を試みました。

lier Bow-Wow’s book “Made in Tokyo” (2001). ThroughHou I-Ting, whose work is based on the concepts ofphotography, drawing, and text, Villalba documented
these architectural sites that reﬂected the unique characteristics of Tokyo, capturing their forms and changes in
Instagram: @madeintokyoupdaterole 15 years after the book’s publication.

マドリード生まれ、在住。2008年マドリード工科大学建築高等技術学校卒業。複数の建築事務所に勤務の後、独立。建築、デザイン、リサーチの領域に跨るような活動を個人、あるいはコレクティブのメンバーとして行っている。主な展覧会に「Uneven Growth: Tactical Urbanism for Expanding Megacities」（ニューヨーク近代美術館、ニューヨーク、20142015）など。

to-making as a social phenomenon as well as the history of Taiwan and Japan, Hou attempted to transform
her insights into “art by action” through workshops.
高雄生まれ。台北を拠点に活動。2008年国立台南芸術大学大学院修 Born in Kaoshiung (Taiwan). Lives and works in了。主な展覧会に「Sewing Fields」（TKG+、台北、2015）、「食物箴言 Taipei. Graduated with an MFA in Institute of
The Testimony of Food: Ideas and Food」（台北市立美術館、2015）、 Plastic Arts from Tainan National University of「Wonder Women」（ミネソタ大学 Katherine E. Nash Gallery、
ミネアポ the Arts. Selected exhibition: Sewing Fields(solo exhibition), TKG+, Taiwan, 2015
リス、2015）など。

二国間交流事業プログラム〈マドリード〉 Madrid-Tokyo Exchange Residency Program

二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉 Basel-Tokyo Exchange Residency Program

アレイシュ・プラデムント Aleix PLADEMUNT

フランツィスカ・フルター Franziska FURTER

滞在期間：2015.10.16～11.27

滞在期間：2016.1.8～3.31

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

近年「Matter」と題するシリーズで、モノ・生命・

音、動き、幻覚など、とらえどころのないものをド宇宙の起源、誕生などをテーマに写真作品を制作、ローイングによって視覚化するフルターは、マンガ、その一環として、東京滞在中、火山活動や地殻変

墨流し、いけばなといった日本文化にも影響を受け

動の研究機関、ロボット技術をリサーチし、大判ています。東京では、日本の折り紙やスタンプを使っカメラによる撮影を行いました。

て作品を制作。今後の制作に向けて着物の型紙や水In recent years Aleix Plademunt has been working on a

墨画、日本建築などのリサーチも行いました。

photography series called “Matter” themed around birthFranziska Furter, whose work visualizes what we consider

and the origins of things, life and the universe. As part ofelusive̶sound, movement, and hallucinations̶throughthis, he researched institutions specialized in volcanic activity and crustal movements as well as robotic technology,

Photo : Aleix Plademunt

and then shot photographs with a large-format camera.
ジローナ（スペイン）生まれ。バルセロナを拠点に活動。2003年バルセロナのカタ Born in Girona (Spain). Lives and works
ルーニャ工科大学写真学科卒業。2013年、写真集『Almost There』（MACK、 in Barcelona. Co-Founder of the pubCa l’Isidret Edicions）
を発表。主な展覧会に「Almost There」（CFC Bilbao、 lishing house, Ca l’Isidret Edicions.
ビルバオ、2015）、「Photography Now! Vol.2 ‒Spanish Horizon」（IMA CON- Publication: Almost There (MACK and
CEPT STORE、東京、2015）、Premio Revelación PHotoEspaña 2015受賞 Ca l’Isidret Edicions, 2013)（2015）など。

drawing, has been inﬂuenced by Japanese culture such as
manga, paper marbling, and ikebana (ﬂower arrangement). While in Tokyo, Furter created workｓ using origami and stamps as well as conducting research into kimono pattern, Japanese ink painting, and Japanese architecture for future work.
チューリッヒ生まれ。バーゼルとベルリンを拠点に活動。主な展覧会に「Turbulance」（SCHLEICHER/LANGE、ベルリン、2014）、「Shapes, Traps
and Spells」（Lullin + Ferrari, チューリッヒ、2014）、「Dimensione Disegno」（Museo Civico Villa dei Cedri, ベリンゾーナ、2016）、「Trinkets for
the Rich」（nationalmuseum、ベルリン、2015）など。

Born in Zurich. Lives and works in Baseland Berlin. Selected exhibitions: Dimensione Disegno, Museo Civico Villa dei Cedri,
Switzerland, 2016, Trinkets for the Rich,
nationalmuseum, Germany, 2015｜
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Creator-in-Residence Program
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Born in Madrid. Lives and works in Madrid.
Graduated from Escuela Tecnica Superior deArquitectura de Madrid in 2008. Selectedexhibition: Uneven Growth: Tactical Urbanism
for Expanding Megacities, MoMA, America,
2014-2015

women and labor in contemporary society, conducted
research on female roles in Japanese society through the custom of “bento” (lunchboxes). Exploring ben-0
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海外クリエーター招聘プログラム International Creator Residency Program

海外クリエーター招聘プログラム International Creator Residency Program

ケルヴィン・アトマディブラタ Kelvin ATMADIBRATA

コビール・アフメッド・マスム・チスティー Kabir Ahmed MASUM CHISTY

滞在期間：2015.9.1～11.25

滞在期間：2016.1.6～3.31

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

Their Destiny Was Foreordained (work in progress), 2015

人間の存在、生死、ジェンダーなどについて、詩的

日本のお化け（妖怪・幽霊）について調査・研究

なパフォーマンスやインスタレーションをとおしてし、近隣の保育園児や地域の大人を対象に、それ問いを投げかけています。滞在中は、『GANTZ』な

ぞれワークショップを開催。それをもとにストー

どのマンガや日本の少年犯罪を調査し、「必然」「偶リーを構成し、アニメーションと人形劇を含むイ

然」「運命」「死」について考察を深めました。

ンスタレーション作品を制作しました。

Kelvin Atmadibrata raises questions about human exis-

Kabir Ahmed Masum Chisty researched and studied Japa-

tence, birth and death, and gender through poetic perfor-

nese supernatural creatures (ghosts and apparitions), andmances and installations. While in Japan, Atmadibrataheld workshops for pre-school children and adults in the

conducted research on manga including Gantz and Japa-

neighborhood. He then composed a story based on thatnese juvenile crime, deepening his interest in the themes

experience and made a performative installation of anima-of necessity, coincidence, fate, and death.

tion and puppet.

1988年ジャカルタ生まれ、在住。2012年シンガポール南洋理工大学 Born in Jakarta in 1988. Works and lives in
スクール・オブ・アート・デザイン・メディア卒業。主な活動に、「Car- Jakarta. Graduated with a BFA in School of Art
buncle」（SPACE Galeri Pasar、ジャカルタ、2015）、「たけくらべ」（国 Design and Media from Nanyang Technologi際交流基金ジャカルタ日本文化センター、2014）、「マラッカ・アート＆ cal University, Singapore in 2012. Selected
パフォーマンス・フェスティバル」（St. Paul’s Hill, マラッカ、2015）など。 activity: Carbuncle (solo exhibition), SPACE
Galeri Pasar, Indonesia, 2015

ナラヤンガンジ（バングラデシュ）生まれ、在住。ダッカを拠点に活動。ダッカ大学大学院修了（彫刻）。主な展覧会に「第5回福岡アジア美術トリエン
ナーレ」（福岡アジア美術館、2014）、「Readymade, Contemporary Art
from Bangladesh」（Aicon Gallery、ニューヨーク、2014）、「第54回ヴェネツィア・ビエンナーレ」（バングラデシュ館、ヴェネツィア、2011）。

海外クリエーター招聘プログラム International Creator Residency Program

海外クリエーター招聘プログラム International Creator Residency Program

ラウル・ワルヒ Raul WALCH

アディティア・ノヴァリ Aditya NOVALI

滞在期間：2015.9.1～11.25
活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency「Fabric & Space」と題する、布による空間の創出

滞在期間：2016.1.6～3.31
活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

日本特有の茶の湯と煎茶に感銘を受け、茶道の哲や建築における布の使用をテーマとしたプロジェ

学、歴史について調査。中国系のインドネシア人クトを展開し、大判の布や陶を用いた一連の作品

として、中国、インドネシア、日本の3つの喫茶を制作。また、日本における難民政策、不法滞在文化を比較考察し、「境界」「アイデンティティ」

者の人権問題についてもリサーチを行いました。

「国家」という概念を問い直しました。

Raul Walch developed his project Fabric and Space, which

Inspired by Japanese tea ceremony, Chanoyu and Sencha,

is themed around the creation of space with fabric and theAditya Novali researched the philosophy and history of theuse of fabric in architectural spaces, into a body of work

tea ceremony in Japan. As a Chinese Indonesian, Novalithat employed large pieces of fabric. Walch also conducted research on Japanese immigration policies as

did comparative studies on tea culture in China, Indone-

well as the human rights of immigrants who overstayed in Japan.

sia, and Japan to reconﬁgure the concepts of boundaries,
identity, and nation.

1980年フランクフルト生まれ。ベルリンを拠点に活動。ベルリン・ Born in Frankfurt in 1980. Lives and works in Berlin
ヴァイセンゼー美術大学彫刻科卒業。2012年ベルリン芸術大学 and Addis Ababa. Graduated with a BFA in sculp附属空間実験研究所修了。主な展覧会に「Azimut」（ Lichthaus ture from Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Arnsberg,ドイツ、2016）、「Cinema Lada」（近代美術館、エチオ Graduated from Universität der Künste Berlin / Inピア、2015）、「Festival of Future Nows」（新ナショナルギャラリー、 stitut für Raumexperimente in 2012. Selected exhibition: Azimut, Lichthaus Arnsberg, Germany, 2016ドイツ、2014）
など。

スラカルタ
（インドネシア）生まれ、在住。デザイン・アカデミー・アイ
ントホーフェン
（オランダ）修了。主な展覧会に「プルデンシャル・ア
イ・アワード展 」（ArtScience Musuem、シンガポール、2016）、「Shout!」（ローマ現代美術館［MACRO］、ローマ、2014）、「堂島リ
バービエンナーレ2013」（堂島リバーフォーラム、大阪、2013）

Born, lives and works in Surakarta (Indonesia).
Graduated with an MFA in IM course from Design
Academy Eindhoven (Netherland). Selected exhibition: The Order (solo exhibition), Cemeti Art
House, Indonesia, 2014｜
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Illegal(Immigrant Detention in Japan), 2015©Raul Walch

Born and lives in Narayanganj(Bangladesh).
Works in Dhaka. Graduated with an MFA in
Sculpture from University of Dhaka. Selected
activity: The 5th Fukuoka Asian Triennale,
Fukuoka Asian Art Museum, Japan, 20140
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芸術文化・国際機関推薦プログラム Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム Institutional Recommendation Program

マリー＝ジョゼ・シマール Marie-Josée SIMARD

カミーユ・ボワテル Camille BOITEL

滞在期間：2015.10.1～12.20

滞在期間：2015.7.4～7.13

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

打楽器奏者として、桐朋学園大学でマリンバ奏者

日本人パフォーマーを対象に、フランス現代サーの安倍圭子氏と共同作業を行ったほか、ガムランカスの手法を用いたワークショップを四国で開催

合奏や鼓に挑戦するなど、積極的に活動を展開。

後、TWSレジデンスに滞在。新作に向けたリサー

東京近郊で行われたさまざまな演奏会に足を運び、チやリハーサルを行い、東京のクリエーターとの日本人演奏家との交流を広げました。

交流を深めました。

As a percussionist, Marie-Josée Simard collaborated

Camille Boitel stayed at TWS Residency after holding awith Keiko Abe, a marimba player at Toho Gakuen Col-workshop using French contemporary circus methods

lege, and furthermore expanded her musical activities

with Japanese performers in the Shikoku region. While

trying gamelan and taiko. Visiting a number of music©Jonathan Goulet

events in Tokyo, Simard engaged in broad exchange

researching and rehearsing new work, Boitel also culti©Shinsuke Inouevated relationships with artists in Tokyo.

with Japanese musicians.

サグネ（ケベック）生まれ。モントリオールを拠点に活動。1979年モントリ
オール音楽院卒業。楽器のディプロマを取得したカナダ初の女性演奏家となる。2003年ケベック議会よりメダルを授与されたほか、2014年にトリオEn trois couleursとしてPrix Opus 2013ジャズ部門ベスト・コンサートに選出。これまでに8枚のアルバムを発表している。

トラヴェルセール（フランス）生まれ。パリを拠点に活動。フランスの名門サーカス学校、アカデミー・フラテリーニで学び、ジェームズ・ティエレのもとでプロとして活動を開始。2002年に第１回「サーカスの若き才能」コンクールで優勝し、自身のカンパニーを立ち上げる。2009年初演の「リメディア～いま、ここで」で Mimos 賞を受賞（2010）。

Born in Traverseres (France). Lives andworks in Paris. Boitel trained at an early age
at Ecole de Cirque Annie Fratellini. “L’immédiat” was premiered in 2009. It wasawarded Prix Mimos in 2010.

芸術文化・国際機関推薦プログラム Institutional Recommendation Program

芸術文化・国際機関推薦プログラム Institutional Recommendation Program

ジョゼ・ペドノー Josée PEDNEAULT

アントニ・ムンタダス Antoni MUNTADAS

滞在期間：2016.1.8～3.31

滞在期間：2015.7.10～7.30

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

写真を中心に、自己の内面を見つめた詩的な作品

コンセプチュアル・アート、メディア・アー

を制作。紙を日光に長時間さらして感光させる

トの先駆者。日・中・韓3ヶ国の「約束事」「フォトグラム」という手法に取り組み、紙皿なを比較調査する展覧会プロジェクト「アジアどの些細な日用品と雄大な太陽が形成する、さま

ン・プロトコル」に向けて、日本の韓国人街、ざまな構成の作品を生み出しました。

チャイナタウンの調査・研究・撮影を行いまJosée Pedneault creates poetic and self-reﬂective works

した。

using photography and mix media. By fading colour paper

Antoni Muntadas is a pioneer in conceptual art andunder sunlight using various objects and shapes, she realized a series of compositions reﬂecting on the perception

Photo : Josée Pedneaultof time, the process of photography and our relation to theresearch for “Asian Protocols,” an upcoming exhibition project that compares protocols in Japan, China,

cosmos.
ケベック生まれ、モントリオールを拠点に活動。2005年にコンコルディア大学大学院修了。主な展覧会に「Nævus」（ CONTACT gallery、
トロント、2015）、「The New Gods」（TYPOLOGY、カナダ、2015）、「Festival les Nuits Photographiques: Where does money go?」（Pavillon Carré de Baudouin、
パリ、2015）、「Horror en el Trópico」（チョポ大学美術館、メキシコシティ、
2014）
など。

media art. He stayed at TWS Residency to conduct

and Korea, through investigations of Koreatown and
Born in Haute-Rive, Quebec. Lives andworks in Montreal. Graduated with an
MFA in Studio Arts from Concordia University in 2005. Selected exhibition:Nævus (solo exhibition), CONTACT gallery, Canada, 2015

Chinatown in Japan.

Antoni Muntadas
Dialog: Redeﬁning Asian Protocols, 2015-2016
Asian Protocols, 20163331 Arts Chiyoda, 2016
©Muntadas Photo：Keizo Kioku

バルセロナ生まれ。ニューヨークを拠点に活動。マサチューセッツ工科大学教授（1990～2014）、ヴェネツィア建築大学客員教授（2004～）。2009年、スペイン
文化省よりベラスケス造形芸術賞を授与される。主な展覧会に「Untitled(History)」（第12回イスタンブール・ビエンナーレ、2011）など。

Born in Barcelona. Lives and works in
New York. Professor of the Practice atMIT (1990-2014), and visiting professor at the IUAV in Venice (2004-).

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Born in Saguenay, Quaebec. Lives and works
in Montreal. Graduated from Conservatoire demusique de Montréal in 1979. Simard was received Prix Opus 2013 for the Best concert ‒Jazz, with the En trois couleurs trio in 2014.

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芸術文化・国際機関推薦プログラム Institutional Recommendation Program

オリバー・ビア Oliver BEER

リサーチ・レジデンス・プログラム Research Residency Program

フェルメール & ヘイルマンス VERMEIR & HEIREMANS

滞在期間：2015.10.28～11.25

滞在期間：2015.9.1～9.28

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

アート、建築、金融の受動する相互関係に着目し、経済の取引と2015年度大和日英基金アートプライズを受賞

アートの価値形成の関係を映像や雑誌のかたちで作品にしていまし来日。東京では青山｜目黒と ASAKUSA です。滞在中には、日本の経済と株式市場、不動産、アートマーケッ
トの関係について専門家に取材をしました。

個展、TWS レジデンスでは、作曲家でもある
自身の作品のコンセプトにふれ、テーマとしている建築空間と音の関係についてトークを行いました。
Winner of the Daiwa Foundation Art Prize in 2015,
Oliver Beer came to Japan and held solo shows at
Aoyama Meguro and Asakusa galleries, and also preSilence is Golden, 2013
installation view, AOYAMA MEGURO

sented a talk at TWS Residency. He conveyed theconcept of his work as an artist as well as a composer and discussed the relationship between architectural space and sound.

1985年ケント（イギリス）生まれ。ロンドンとパリを拠点に活動。主な展覧会に「Life, Death and Tennis」（青山｜目黒、
東京、
2015）「、Deconstructing Sound」（ASAKUSA、東京、2015）、「Rabbit Hole」（リヨン現代美術館、2014）、「Composition for New Museum」（Fondation Louis Vuitton、パリ、2014）など。

Born in Kent in 1985. Lives and works
in London and Paris. Selected exhibition: Rabbit Hole (solo exhibition), MAC
Lyon, Lyon, 2014

芸術文化・国際機関推薦プログラム Institutional Recommendation Program

ビョルン・メルフス Bjørn MELHUS
滞在期間：2016.3.11～3.16
活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

1960～70年代のベトナムと日本を舞台とした新作《MOON OVER DA NANG》のリサーチと撮影を行いました。また、同時期に滞在したレジデン
トや日本人アーティストとのコラボレーションで、

Images for In-Residence Magazine 03(scheduled 2017)

Focusing on the correlation between art, architecture, and ﬁnance, the artist
duo Vermeir & Heiremans create videos and magazines reﬂecting the relationship between economic transactions and the formation of a value system in art.
While in Japan, the artist duo interviewed experts about the relations between
the Japanese economy and the stock market, real estate, and art market.

カトリーン・フェルメールとロナルド・ヘイルマンスによるアーティスト・ユニット。2006
年に結成。ブリュッセルを拠点に活動。主な展覧会に、「transmediale 2016」（世界文化の家、ベルリン、2016）、「堂島リバービエンナーレ2015」（堂島リバー
フォーラム、大阪、2015）など。

The artist unit formed in 2006, consisting of Katleen Vermeer and Ronny Heirmans. Lives and works in Brussels.
Selected exhibition: Transmediale 2016, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2016

ハディン・シャーベル Hadin CHARBEL デボラ・ロペス Deborah LOPEZ
滞在期間：2016.9.1～9.27

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

建築家の視点から、住宅前の沿道に置かれた鉢植えや、ホームのベンチで読書や飲食をする人々を観察し、東京における公共とプライベート空間の境界を探究。また、家の中の私物を外に快適に持ち出すためのキットを構想しました。
Hadin Charbel and Deborah Lopez investigated the boundary between public
and private spaces in Tokyo from an architectural perspective. Referring toToyo Ito’s 1985 Nomad Woman Project, the research and ﬁeld studies sought
to re-interpret what the pre-furniture’s are and who they serve today, 30 years
later, in a city able to supply its inhabitants with virtually everything.
シャーベル：ロサンゼルス（アメリカ）生まれ。2012年カリフォルニア大学ロサンゼルス校
芸術・建築学部卒業。ロペス：カカベーロス（スペイン）生まれ。2012年マドリードヨー
ロッパ大学卒業。
（専攻：建築と応用美術）2015年、デザイン・リサーチ・スタジオ（n)approximationsを共同設立。

Local Intelligence 3

Hadin CHARBEL：Graduated from UCLA School ofArts and Architecture in 2012.
Déborah LÓPEZ：Graduated from European University of Madrid in 2012.

ホンソン・チャン JANG Hong Seon
滞在期間：2015.9.2～9.26

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

Bjørn Melhus conducted research and ﬁlming for his latest

活動拠点のニューヨークで体験した同時多発テロ、それにより喚起

work “Moon Over Da Nang”, which is set in Vietnam and

された母国・韓国での兵役や北朝鮮に対する警戒感を常に意識してJapan in the 1960s/70s. Additionally, Melhus held video活動を展開。滞在中は、日本のアーティストと東日本大震災後の活

projections and relates to the streets of Tokyo in collaboration with a fellow participant in the residency and Japanese artists.
キルヒハイム・ウンター・テック（ドイツ）生まれ。ベルリンを拠点に活 Born in Kirchheim/Teck, Germany. Lives and動。カッセル芸術大学美術学部教授（2003年～）。主な展覧会に、 works in Berlin. Professor for fine arts (virtual「The Theory of Freedom」（クンストハル美術館、オランダ、2015）、 realities) at Kunsthochschule Kassel (2003-).
「アーティスト・ファイル2011－現代の作家たち」（ 国立新美術館、東 Selected exhibition: The Theory of Freedom
京、2011）、「第54回ヴェネツィア・ビエンナーレ」（ラテンアメリカ館、 (solo exhibition), Kunsthal Rotterdam, Netherlands, 2015
2011）
など。

動について対話し、問題意識を共有しました。
Experiencing the September 11th attacks in New York where he is based, Hong
Seon Jang’s works always imply his consciousness of Korea’s compulsory military service and an alarming feeling toward North Korea.
Jang engaged in dialogues with Japanese artists about activities after the 2011
Great East Japan Earthquake and tsunami and shared related issues.
ソウル生まれ。ニューヨークを拠点に活動。2003年ロチェスター工科大学大学院修 Born in Seoul. Lives and working in New York. Graduated士課程修了。主な展覧会に「Waxed/Waned」（David B. Smith Gallery、アメリカ、 with an MFA from Rochester Institute of Technology in2014)、「TXT: art, language, media」（Sugar Hill Children’s Museum of Art & 2003. Selected exhibition: Waxed/Waned (solo exhibition), David B. Smith Gallery, America, 2014
Storytelling, アメリカ、2015)など。

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Creator-in-Residence Program｜
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東京の街中に映像作品を投影しました。

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

075

リサーチ・レジデンス・プログラム Research Residency Program

リサーチ・レジデンス・プログラム Research Residency Program

アレックス・デイヴィーズ Alex DAVIES

バーバック・ハシェミ＝ネジャド Bahbak HASHEMI-NEZHAD

滞在期間：2015.9.5～9.30

滞在期間：2015.10.15～11.15

Fututre Robotics Technology Center (fuRo)
Photo : Alex Davies

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

メディア・アーティストとして、社会におけるロボットの存在や墨田区の協力を得ながら、区内の革職人や江戸切子の工場、時ロボットが生み出す文化を研究し、人とテクノロジーの関わりを

計会社などと連携して、「地域プロダクト」の在り方を追究。職考察しています。今回の日本滞在では複数のロボット工学者と話し合いを重ね、コラボレーションの可能性を探りました。

人、文化機関、コミュニティに働きかけて、工芸とデザインの新たな関係を摸索しました。

As a media artist, Alex Davies investigates the presence of robots in society and culture created by them and researches the relationship between people and technology. In this residency, Davies had a series of
conversations with several researchers specialized in robotics and explored possibilities for future collaboration.

In cooperation with Sumida City, Bahbak Hashemi-Nezhad collaborated
with local leather craftsmen, workshops specialized in Edo cut glass, andwatch manufacturers to explore the concept of local product. Engaging
with artisans, cultural institutions, and communities, Hashemi-Nezhad
searched for a new relationship between crafts and design.

シドニー生まれ、在住。2013年ニューサウスウェールズ大学大学院にて博士課程修了（メディアアート）。主な展覧会に「Cosmic Love Wonder Lust」（Campbelltown Art Centre, オーストラリア、2015）、「Sydney Festival」（Artspace, オーストラリア、2014）など。

Born and lives in Sydney. Earned his Ph.D in Media Arts from
College of Fine Arts, the University of New South Wales. Selected exhibition: Cosmic Love Wonder Lust, Campbelltown
Art Centre, Australia, 2015

バーミンガム生まれ。ロンドンを拠点に活動。2008年ロイヤル・カレッジ・オブ・アー
トにて修了（プロダクト・デザイン）。主な活動に「Mapping Mapusa Market」（British Council、AHRC、イ ンド、2014）、「Edgware Road Project」（Serpentine
Gallery、ロンドン、2014）など。

Born in Birmingham lives and works in London. Graduated with an MA in Design Products from Royal College of
Art in 2008. Selected activity: Mapping Mapusa Market,
British Council, AHRC, India, 2014

ナタリ・アドニョ Natale ADGNOT

ミーシャ・クラニックスフェルト Micha KRANIXFELD

滞在期間：2015.10.5～11.26

滞在期間：2016.1.6～2.2

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

鉱物学の用語と、人の性格を表す言葉を結びつけた絵画シリーズ「ミ東京ジャーミィ・トルコ文化センターを通じて、イスラム教徒に

ネラル（鉱物）」の日本版を制作。日本人が鉱物を指す言葉から連想す

改宗した日本人女性を取材し、社会における選別や人種的分離のる歴史上の人物や、政治家、芸能人などを選ぶためのリサーチを進め問題を考察しました。また、ヒジャブで顔を覆う習慣を研究し、日ました。

本のマスクにも調査の対象を広げました。

Natale Adgnot worked on a Japanese version of “Mineral”, a series of paintings
that combine terms in mineralogy with words describing personality traits. Adgnot
researched about historical ﬁgures, politicians, and entertainers whom people
associate with terms related to minerals.

With the assistance of Tokyo Camii Center, Micha Kranixfeld interviewed
Japanese women who have converted to Islam to examine issues of social
classiﬁcation and racial segregation. He also researched the custom of wearing the hijab to hide the face and extended his study to include Japanese
surgical masks.

カリフォルニア生まれ。2015年より東京を拠点に活動。ニューヨーク州立ファッション工科大学（20092010）などで教鞭を取る。主な展覧会に、「Perceptions」（ロジャー・スミス・ホテル、ニューヨーク、
2015）、「True Colors」（Littleﬁeld Art Space、ニューヨーク、2015）
ほか。

Chalcopyrite Ⅱ

Born in California. Lives and works in Tokyo since 2015. Selected exhibition: Perceptions, Roger
Smith Hotel, New York, 2015

1988年ギーセン（ドイツ）生まれ。ハンブルクを拠点に活動。2015年ハンブルク・
ハーフェンシティ大学大学院にて修了（都市計画）。主なプロジェクトに「Schleier
Mayer」（Schwankhalle Bremen、ZZZ、Explosive Festival、ドイツ、2015）「Club of Peccadillos」（EXPLOSIVE Festival、
ドイツ、2015）など。

Born in Giessen, Germany in 1988. Graduated in urban design from HafenCity University Hamburg in 2015. Selected
project: Schleier Mayer, Schwankhalle Bremen, ZZZ and
Explosive Festival, Germany, 2015

ヴァレリオ・サニカンドロ Valerio SANNICANDRO

ジョシュア・D・ゴンサルヴェス Joshua D. GONSALVES

滞在期間：2015.10.7～11.28

滞在期間：2016.1.7～2.2

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

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日米の映像メディアにおけるプロパガンダを比較研究し、日本のい、さまざまな日本文化の体験を通して創作のインスピレー

戦時下や戦後の映画を調査しました。ワークショップを実施し、当ションを得ました。また、日本の演奏家らの協力を得て、両時の映画に描かれた戦後日本の社会状況、倫理観について参加者

国門天ホールで作品を発表しました。

と議論を交わしました。

Conducting research on the spatialization of music, Valerio Sannicandro gained creative inspiration as a composer through his experiencesin various aspects of Japanese culture. Sannicandro also presented his
works at Ryogoku Monten Hall in partnership with Japanese musicians.

Joshua D. Gonsalves compared Japanese and American propaganda ﬁlms toresearch cinema produced during and after World War II. In the workshop
Gonsalves held, he engaged in a lively discussion with participants about the
postwar social conditions and ethical values depicted in the ﬁlms.
モントリオール生まれ、ベイルート在住。2002年ニューヨーク大学博士課程修了（英文学）。現在、ベイルート・アメリカン大学（レバノン）
にて助教を務め、映像
文化や美術に見られる、政治や軍事の歴史とロマン主義の系譜を比較研究している。

Born in Montreal. Earned his Ph.D in English literature fromNew York University in 2002. Publication: Bio-Politicizing
Cary Grant: Pressing Race, Ethnicity and Class into Service in“Amerika,” Zero Books, 2015｜
Creator-in-Residence Program｜
Creator-in-Residence Program

A Book of clouds, 2015

イタリア生まれ。パリを拠点に活動。2014年ベルリン工科大学博士課程修了（音楽学）。 Born in Italy. Lives and works in Paris. Earned his Ph.D
ダルムシュタットやヴェネツィア・ビエンナーレ、
ドナウエッシンゲン音楽祭、バイエルン国 in Musicology from TU-Berlin in 2014. Sannicandro
立管弦楽団など、委嘱多数。2014年クラウディオ・アバド作曲コンクールにて第1位受賞。 was awarded the Claudio-Abbado-Kompositionspreis.

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

作曲家として、音の空間配置・立体化についてリサーチを行

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リサーチ・レジデンス・プログラム Research Residency Program

イサベル・デ・セナ Isabel DE SENA
滞在期間：2016.2.7～3.31

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency
1954～72年に活動した「具体美術協会」が今日の東京にもたらした影響を調査。領土主義的な美術史からの脱却を目指し、オリジナル性とその延長としての「中心―辺境」モデルに疑問を投げかけるキュレーションを探究しました。
Isabel de Sena conducted research on Gutai Group, which was active
between 1954 and 1972, and examined its legacy in present-day Tokyo. Working towards a deterritorialized art history, de Sena sought
artistic and curatorial strategies that question originality and in extension the center-periphery model.

ビーゴ（スペイン）
生まれ。ベルリン在住。2015年ライデン大学修士課程修了（美術史）。 Born in Vigo (Spain), de Sena is an independent cu現在フリーランスのキュレーター、アート・ライターとして活動。主な活動にCTM（ベルリ rator and writer currently based in Berlin. She graduン）とCalArts & Caltech（ロサンジェルス）の共同プロジェクト「Time after Time」 ated with an M.A. (Hons.) in Art History from Leiden
University in 2015.
（2016-2017）
ほか。

OPEN STUDIO 2015 -2016
TWS レジデンスに滞在したクリエーターが、制作やリサーチの過程を公開するイベントを3回開催しました。展示のほか、クリエーターによるプレゼンテーションを毎回実施しました。第
1回は、青森公立大学国際芸術センター青森（ACAC）の服部浩之氏をゲストに招き、クリエー
ターとのトークを行ったほか、アントニ・ムンタダスがプレゼンテーションを開催。第2回、第3回では、各クリエーターが自身の作品や活動について発表し、多くの来場者と交流しました。
Three open studio events were held to present the work and research processes of the residency artists. In
addition to exhibiting works, talks were also held during each open studio.

第1回：2015.7.18（土）第2回：2015.11.14（土）第3回：2016.3.12（土）会場：TWSレジデンス

マヌエル・シルヒャー Manuel SCHILCHER
滞在期間：2016.2.9～3.31

活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

展示デザイナー、キュレーターとして、明治～昭和30年頃までの日本における視覚文化を研究。東京近郊や韓国のさまざまな博物館、美術館を訪問し、戦争記憶の伝え方、それぞれの館が語るストーリーの差異を調査しました。
As an exhibition designer and curator, Manuel Schilcher investigated visual culture in Japan between 1868 and 1955. Visiting museums in Tokyoand Korea, Schilcher researched how each museum conveys the memoryof war and the diﬀerences that emerged in the museums’ stories.

オーストリア生まれ。リンツを拠点に展示デザイナー、キュレーター、アーティストとして活動。主な活動に、 Born in Austria. Lives and works in
マウトハウゼン・メモリアル・サイト（マウトハウゼン強制収容所跡）の常設展示の企画、展示デザイン Linz as exhibition designer, curator
and artist.
（2013）など。

インガ・ザイドラー Inga SEIDLER
滞在期間：2016.2.13～3.31

メディアアートフェスティバルのプログラムマネジャーを務め、東京のアートシーンにおけるアートとアクティビズムの関係を探究。
東京のオルタナティブシーンで活動するアーティストや活動家を中心に、多くのインタビューを行いました。

Photo by GetHiroshima.com
CHIM↑POM “HIROSHIMA!!!!!” EXHIBITION- “without SAY GOODBYE” CC BY-NC 2.0

Working as a programmer at transmediale festival for arts and digital culture,
Inga Seidler investigated the relationships between arts and activism in Tokyo’s cultural scene. During the research residency she conducted a numberof interviews with local artists, activists and theorists working at this intersection.

ドイツ生まれ。ベルリンを拠点に活動。2008年にハンブルク音楽演劇大学修士課程修了。後、 Born in Germany. Lives in Berlin. Enrolled in the
ライプチヒの美術アカデミーの大学院にてキュレーションを学ぶ。現在「トランスメディアーレ」 postgraduate study program Cultures of the Curatorial at the Academy of Visual Arts in Leipzig.
（アートとデジタル文化のフェスティバル）のプログラム・マネジャーを務めている。

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活動拠点：TWSレジデンス TWS Residency

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プレ・オープン・スタジオ・トーク Pre-Open Studio Talk
TWS レジデンスに滞在中のオリバー・ビアが、自身の作品と制作について解説し、トークの後半では、ゲストに2015年度大和日英基金アートプライズの審査員であるジョナサン・ワト
キンス氏（IKON ギャラリー、ディレクター）と片岡真実氏（森美術館チーフキュレーター）
を迎え、日英のアートシーンの今を紹介しました。
TWS Residency participant Oliver Beer gave a presentation on his work and his artistic practices. In the

TWS クリエーター・イン・レジデンス成果発表展 トーキョー・ストーリー2015
TWS Creator-in-Residence Exhibition TOK YO STORY 2015

東京や世界で滞在制作したアーティストの成果展「トーキョー・ストーリー2015」は、二国間交流事業プログラムで各都市に派遣された日本
人クリエーターと、海外クリエーター招聘プログラムでトーキョーワンダーサイトレジデン

second half of the presentation, he was joined by two jury members for the Daiwa Foundation Art Prize 2015,

スに滞在した海外クリエーターの計8名によるレジデンス成果発表展です。滞在都市に住む

Jonathan Watkins (Director, Ikon Gallery) and Mami Kataoka (Chief Curator, Mori Art Museum), to discuss

人々と接しながら、その街の歴史や文化に触れ、その多様性を体験するなかで、クリエーター

their views on the contemporary art scenes in Japan and Britain.

2015.11.12（木）会場：TWSレジデンス

は制作に向けて綿密なリサーチを重ねます。クリエーターが収集した「素材」は、滞在終了
後により磨きをかけられ、プログラム参加の集大成として結実した作品が TWS 本郷で展開されました。
Exhibiting the results of residency artists in Tokyo and overseas
Tokyo Story 2015 was an exhibition of the work of eight artists who were either Japanese artists sent todiﬀerent cities as part of the Exchange Residency Program or invited overseas artists who stayed at Tokyo
Wonder Site. The artists advanced their in-depth research while engaging with people in the respective cities, learning the history and culture, and experiencing this diversity. The “materials” collected by the participants were further reﬁned after ﬁnishing the residencies and then exhibited at TWS Hongo as the culmination of each program.

第1期 ：2015.4.18（土）～2015.5.31（日）第２期：2015.6.13（土）～2015.7.26（日）ラモン・ピアグァへ トーク・イベント Ramón Piaguaje Talk Event

会場：トーキョーワンダーサイト本郷

セルバンテス文化センターで開催された展覧会の関連イベントとして、アマゾン熱帯雨林の施しました。トーク終了後は、作品の制作からアマゾンでの暮らしや社会にいたるまで、参加者との間で交流が深められました。
A talk by Ramón Piaguaje, a painter from the Secoya tribe in the Amazon rainforest, was organized in cooperation with the Embassy of Ecuador as a satellite event for an exhibition at Instituto Cervantes. After thetalk, Piaguaje had further dialogues with participants about his creative process as well as life and society in
the Amazon.

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2015.11.4（水）会場：TWSレジデンス｜
TWS Creator-in-Residence Exhibition TOKYO STORY 2015

先住民、セコヤ族の画家、ラモン・ピアグァヘ氏のトークをエクアドル大使館との共催で実

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参加アーティスト

第1期：伊藤久也 Hisaya ITO
二国間交流事業プログラム〈ソウル〉、2014.10～12滞在

〈第1期〉
伊藤久也

Hisaya ITO

久野 梓

Azusa KUNO

鈴木紗也香

Sayaka SUZUKI

安野太郎

Taro YASUNO

ソウルと日本の類似点や相違点を見出し、特に韓国の日常に入り込む「兵役」に着目。「父」「母」「兵役中の男性」「それを待つ彼女」というテーマで制作された4作品は緩やかにリンク
し、韓国の一般家庭を俯瞰したようなインスタレーションになりました。
Finding both similarities and diﬀerences between Seoul and Japan, Hisaya Ito focused on the compulsory
military service that is a signiﬁcant part of everyday life in Korea. The artist created an installation of four
loosely interrelated works about a father, a mother, a man doing military service, and his girlfriend who iswaiting for him, presenting an overview of a typical Korean family.

〈第2期〉
川久保ジョイYoi KAWAKUBO

下平千夏

Chinatsu SHIMODAIRA

西原 尚

Nao NISHIHARA

モハメド・アラム

Mohamed ALLAM

提携機関（都市）
アトリエ・モンディアル（スイス・バーゼル）、ベルリン市／クンストラウム・クロイツベルク/ ベタニエン

1987年東京都生まれ。2014年東京藝術大学大学院
美術研究科修士課程先端芸術表現専攻修了。弟の死をきっかけに人の存在や認識を問いかけた彫刻作品や、祖母の洋裁の技術をテーマに作成した映像インスタレー
ションなど、自身の身近な関係から制作を進めている。
Born in Tokyo in 1987. Graduated with an MFA in
Intermedia Art from Tokyo University of the Arts
in 2014. Since the death of his brother, Ito has
been creating works inspired by relationships thatare familiar to him, including a sculptural workthat questions human existence and awareness,
and a video installation on the theme of his
grandmother’s dressmaking skills.

（ドイツ・ベルリン）、ロンドン芸術大学（イギリス・ロンドン）、韓国国立現代美術館／ MMCAレジデ《隣のおふくろの味》2014

ンシー・コヤン（韓国・ソウル）、アーツ・イン・レジデンス台北／トレジャーヒル・アーティスト・ヴィ
レッジ（台湾・台北）

第1期：久野 梓 Azusa KUNOATELIER MONDIAL, Berlin City, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, University of the Arts

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉在住、2014.7～10滞在

London, Taipei Artist Village, Treasure Hill Artist Village, National Museum of Modern
and Contemporary Art, Korea / MMCA Residency Goyang

他者性の探求をテーマに、人毛を用いた作品を制作し、レジデンス滞在時には巨大なインス
タレーションを制作。本展では対照的に、個人的視点、視覚的思考に重点を置き、自身の毛髪のみで立方体状に編み上げた、繊細な作品を中心に展示を行いました。
Azusa Kuno uses human hair to create her work themed around the search for otherness. During her residency she made a large installation, but for this exhibition she focused on a personal perspective and visual
way of thinking, presenting a delicate work featuring her own hair woven into a cubic shape.

1980年愛知県生まれ。2013年ベルリン芸術大学マイス
ター課程修了。身体、人、社会の相互関係への関心を起点とし、近年は特に、多岐にわたる個人情報を内包する髪の毛を媒体として使用した立体作品を制作している。
Born in Aichi in 1980. Finished Meister Course Fine
Art at The Berlin University of the Arts in 2013. Kuno’s starting point is her interest in the interrelationships between the human body, the individual
and society. In recent years Kuno has been creating
three-dimensional works using the medium of human hair, which contains a great deal of information
about individuals.
《Scaﬀolding》2014｜
TWS Creator-in-Residence Exhibition TOKYO STORY 2015｜
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The taste of neigbor mom’s home cooking, 2014

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第1期：鈴木紗也香 Sayaka SUZUKI

第2期：川久保ジョイ Yoi KAWAKUBO

二国間交流事業プログラム〈バーゼル〉、2014.5～7滞在

二国間交流事業プログラム〈ロンドン〉、2014.9～10滞在

部屋の風景をモチーフとし、「内」と「外」の境界線を捉えなおすことで、絵画の持つ平面性

視覚、聴覚など身体感覚に直接的に訴える作品を展開。生まれ育ったトレドと、滞在したロを追求。本展では、部屋全体を作品とみなし、絵画的思考を基に、鑑賞者自身を「内」とンドンの経験を基に、時間の解釈を通して歴史と存在を問う作品に挑戦しました。

「外」の狭間に誘う効果を狙いました。

Yoi Kawakubo’s work directly appeals to the physical senses such as visual and hearing. Based on his expe-

Using the scenery of a room as her motif, Sayaka Suzuki investigates the two dimensionality of painting byriences in Toledo, where he grew up, as well as London, Kawakubo questions history and existence throughre-conﬁguring the boundary between inside and outside. For this exhibition, the artist considered a whole

his interpretation of time.

room as an artwork in its own right in an attempt based on pictorial concepts to create the eﬀect of leading
viewers to the gap between inside and outside.

1979年トレド（スペイン）生まれ。2003年筑波大学
人間学類卒業。形而上学性を作品の中心的なテー
マとして制作活動を行う。風景の普遍性や写真行為の形而上学性を追求した平面作品、偶然性やメタ認知を主題・媒体としたインスタレーション、サウンド作品を制作。2012年以降は原子力の問題や東北の被災地に関連した活動も行っている。

1988年ロンドン生まれ。2014年多摩美術大学大学
院絵画科油画専攻修了。自己と外の関係性を、屋内・屋外や有機・無機など相反するものに置き換え、窓や鏡を介して入れ子状になる世界を描く。
Born in London in 1988. Graduated with an
MFA in Oil Painting from Tama Art University
in 2014. Suzuki transposes the relationship between herself and the external world to opposing phenomena like interior/exterior and organic/inorganic, and paint worlds that nest
within one another through the use of windows
and mirrors.

《二百万年の孤独》2015
Two Million Years of Solitude, 2015

第1期：安野太郎 Taro YASUNO

第2期：下平千夏 Chinatsu SHIMODAIRA

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉、2015.2～3滞在

二国間交流事業プログラム〈台北〉、2014.9～12滞在

数年来自身が提唱する「ゾンビ音楽」を追求し、ゾンビ音楽演奏器として細工した自動掃除

台北滞在時には、滞在先施設の屋外で建築用の水糸を用いたインスタレーションを発表。本機ロボットを、笛吹き男の伝説で知られるハーメルンの街で走らせ演奏したパフォーマンス

展では同じ素材を用い、展示室を縦断する作品を制作し、規則的な配置に内包された見えなの記録と、滞在中のリサーチ及び制作過程を綴った日記を発表しました。

い力の可視化を試みました。

Developing the “Zombie Music” that he has advocated for several years, Taro Yasuno presented the docu-

While staying in Taipei, Chinatsu Shimodaira exhibited an installation outside the residential facility, utilizing

mentation of the performance of a robotic electronic vacuum cleaner converted into a zombie music instru-

a string level like the kind used in architecture. She employed the same material for this exhibition, making ament he created in Hameln, the town in Germany known for the Pied Piper legend.

work that vertically cut the exhibition room in an attempt to visualize the invisible power latent in systematically arranged string.

1979年東京都生まれ。2004年情報科学芸術大学
院大学修了。自ら提唱する非－人間指向の、自作のロボットによる自動演奏音楽『ゾンビ音楽』の制作、発表を中心とした活動を行う。
Born in Tokyo in 1979. Graduated with an MA
in Media Creation from International Academyof Media Arts and Science in 2004. Yasuno’s
activity focuses on the creation and presentation of “Zombie Music,” the non-human-oriented automatic performance music that hehas put forward, made by robots that he buildby himeself.
《SEXTET》2015

1983年長野県生まれ。2010年東京藝術大学大学院美術研究科修士課程先端芸術表現専攻修了。日常生活の中で、無意識に支配されている行動や認識など、自身をとりまく「境界」について考察し、サイトスペシフィックなインス
タレーション作品を主に制作、発表している。
Born in Nagano in 1983. Graduated with an MFA in
Intermedia Art from Tokyo University of the Arts in2010. Shimodaira thinks about the “boundaries”
that surround us in daily life, such as unconsciously
controlled behaviors and awareness. Her creationand expression focus on site-specific installation
works.
《Photon》2015｜
TWS Creator-in-Residence Exhibition TOKYO STORY 2015｜
TWS Creator-in-Residence Exhibition TOKYO STORY 2015
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Born in Toledo (Spain) in 1979. Graduated with a
BA in Human Sciences from the University ofTsukuba in 2003. A central theme in his works is
the metaphysical nature of reality. He creates
two-dimensional works exploring the universalityof landscape and the metaphysical nature ofphotographic actions, as well as installations andsound works with contingency and metacognition as subject and medium.

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第2期：西原 尚 Nao NISHIHARA

トーキョー・エクスペリメンタル・フェスティバル Vol.10
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10

二国間交流事業プログラム〈ベルリン〉、2014.11～2015.1滞在
自動車のボンネットをスーパーボールで擦ることによって、コントラバスのような地を這う重低音を発生させるインスタレーション。本展では、床面のみならず壁面にも設置し、より重層的に音が重なり合う音空間へと展示を発展させました。
Nao Nishihara exhibited an installation where bouncy balls rubbed against the hood of a car, creating a deep,

既存のジャンルにとどまらない実験的なプロジェクトを紹介するフェスティバル
音楽やサウンドをテーマに、国内外から多くの実験的な公演・展示企画が集まる「トーキョー・
エクスペリメンタル・フェスティバル（TEF）」は、既存のジャンルや領域にとどまらない実

low sound like that of a double bass. Exhibits were placed not only on the ﬂoor but also on the wall in order験的な挑戦のプラットフォームとして、今回で10回目を迎えました。「TEF パフォーマンス」

to develop the space into a multiple layered soundscape.

では、過去最多となる応募の中から厳しい選考を経て選出された公募プログラム12企画に加え、前回の受賞企画など、推奨プログラム3企画を加えた15企画を上演。「TEF サウンド・イ

1976年広島県生まれ。2011年東京藝術大学
大学院美術研究科修士課程先端芸術表現専攻修了。聞いたことのない音を鳴らすことで、人が生来持っている聞く力と好奇心の再認識を促すことをテーマに、展示やパフォーマンスなどを中心に活動している。

ンスタレーション」では、様々なアプローチで空間にサウンドを配置するアーティスト4組による作品を展示しました。フェスティバル終了後には公募企画を対象に最終審査が行われ、最優秀賞、特別賞、奨励賞が選出されました。
A festival presenting experimental projects that transcend existing categories

Born in Hiroshima in 1976. Graduated withan MFA in Intermedia Art from Tokyo University of the Arts in 2011. Using sound,Nishihara mainly creates exhibitions andperformances on the theme of encouraging people’s re-recognition of their inborn
power of hearing and curiosity.

Tokyo Experimental Festival (TEF) is a music and sound festival, bringing together many experimental performances and exhibitions by Japanese and international artists. Providing a platform for experimentationthat transcends conventional categories and disciplines, TEF this year marked its 10th edition. “TEF Performance” showcased 15 performances; 12 of which were selected from a record number of applications
through a rigorous selection process and three other works as the Recommendation Program including
previous year’s prize-winning performances. “TEF Sound Installation” exhibited works by four artists who
employed a range of approaches to install sound in space. After the festival, the ﬁnal jury selection was made《耳のみち》2015

to select the Grand Prize, the Special Prize, and the Encouragement Prize from the Open Call Program.

第2期：モハメド・アラム Mohamed ALLAM

2 015.11.21（土）～2016.2.7（日）海外クリエーター招聘プログラム〈エジプト〉、2015.1～3滞在

協力：一般社団法人もんてん（両国門天ホール）

稼働中の工場で行われたダンスパフォーマンスを東京とカイロの両都市で撮影し、ビデオイ
ンスタレーションとして発表。工場内の日常的な機械音の中で繰り広げられる非日常的なダ

会場：トーキョーワンダーサイト本郷、両国門天ホール〈審査員〉 一柳 慧（作曲家、ピアニスト）

ンサーの動きは、作品中で語られるテキストと相まって、物語性と場所性を示唆しました。

畠中 実（NTTインターコミュニケーション・センター［ICC］主任学芸員）

Mohamed Allam exhibited his ﬁlms of dance performance in operational factories in Tokyo and Cairo as a

沼野雄司（音楽学者、桐朋学園大学教授）

video installation. The unordinary movements of the dancers in the factories ﬁlled with the ordinary sound ofmachinery was combined with spoken text to imply a sense of narrative and locale
1984年生まれ。2008年ヘルワン大学芸術教育学部卒業。カイロ在住。社会や政治など自身を取り巻く環境を映像やパフォーマンスといった様々なメディアを用いて表現している。自身の作品に内在する皮肉さの根源に焦点をあてることにより、作品の文脈や枠組みを構成する。これらの要素を自身の文化的本質と結びつけ、
より広大なネットワークに関連づけることを試みている。
Born in 1984. Lives in Cairo. Graduated from Faculty of art education, Helwan University in 2008.
Allam uses diﬀerent mediums such as video, performance and sound. Usually the surrounding environment with its social and political constituents
provides the context and framework form which
he focuses on the derivation of irony in his work.
《Let’s talk about secrets》2015

毛利嘉孝（社会学者、東京藝術大学准教授）
黒田みのり（トーキョーワンダーサイト事業課長）

TEFパフォーマンス 素我螺部「SELL OUR BODYTEF Performance Scarabe「SELL OUR BODY

exp.」
exp.」

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TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10｜
TWS Creator-in-Residence Exhibition TOKYO STORY 2015
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Journey Ear, 2015

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TEFパフォーマンス「Secret Room Vol.2 －布と箱」 TEF Performance「Secret Room Vol.2 -Cloth and Box」

TEFパフォーマンス「[re]BO[u]NDS - expanded media」TEF Performance「[re]BO[u]NDS - expanded media」

工藤あかね Akane KUDO

ジュリオ・コランジェロ＋ヴァレリオ・デ・ボニス Giulio COLANGELO + Valerio De BONIS

2015.11.27（金）、28（土）19:30開演

会場：トーキョーワンダーサイト本郷2015.12.11（金）、12（土）19:15開演

結合（ボンド）と拡散（リバウンド）を意味と箱の孕む無限のイメージを駆使し、ケージ、するタイトルが付けられたインターメディア・シュトックハウゼン、湯浅譲二の無伴奏声楽作

インスタレーション／パフォーマンス。3本品をモノオペラのように縒り合わせました。新のガラス製シリンダーに滴下装置から水滴が作初演となった松平頼暁「Trio for One Player」

落下すると、その落下音をトリガーに、プロ

では、独立した3パート（歌、ギター、踊り）

グラムがリアルタイムでサウンドを生成、音を奏者1人で行いました。

響の広がりと照明をコントロールしました。

Creating a minimal space without a large-scale set,

Triggered by drops of water, inﬁnite sound and light

Akane Kudo made use of the inﬁnite imagery generated

were rebounded into the space. Giulio Colangelo andwith cloth and box, and interwove the work of Johnand performance using a “computing architecture” that processed sound and light in real time.

Matsudaira in the form of a monopera.

CON IL SOSTEGNO DEL PROGETTO (with the support of the project)
DE.MO./MOVIN?UP I s essione 2015

Soprano singer. Born in Chiba. Graduated from Tokyo University of the Arts (vocal music). Besides
the traditional repertoires, she has performed many
contemporary works such as K. Stockhausen, E.
Satie, A. Schönberg, L. Vierne etc.

TEF パフォーマンス「Drink Sky On Rabbit’s Field（Funeral Song for Nothing）」
TEF Performance「Drink Sky On Rabbit's Field (Funeral Song for Nothing)」

アーノント・ノンヤオ Arnont NONGYAO
会場：トーキョーワンダーサイト本郷

アナログの映像システムとサウンド・ジェ

ジュリオ・コランジェロ：フロジオーネ音楽院（イタリア）修士課程修了。作曲家、インターメ
ディア・アーティスト。ヴァレリオ・デ・ボニ
ス：1981年イタリア生まれ。作曲家、インターメディア・アーティスト。

Giulio COLANGELO: Composer, Intermedia artist. Graduated with an
MA degree cum laude in Electronic Music Composition from the Conservatory of Frosinone (Italy). Valerio De BONIS: Composer, Intermedia artist. Born in 1981 in Italy. He works in the ﬁeld of Electroacoustic
Music, Sound Installation, Video Art and Creative Writing.

TEF パフォーマンス「2015.8.30-9.1」 TEF Performance「30 Aug-1 Sep, 2015」

宝栄美希×山田 岳 Miki HOEI × Gaku YAMADA
2015.12.20（日）15:00開演

会場：両国門天ホール

ダンスと音楽、異なるキャリアを持ちながらも、ダンサーが歌を語り弾き、演奏家が身体表現をネレーターが一体となったオーディオ・ヴィ

行う、専門性の融和を目標とした制作を行う

ジュアル・パフォーマンス。会場は虹色のデュオ。公演では私生活の表出、個人的な空間

光とアンビエント・サウンドで満たされ、祝（プライバシー）をキーワードに、互いの専門分

祭の明るさと葬送の暗がりが、時に分離不野を侵食しあいながら、音と身体をめぐる新し能なほどに混じりあい、客席を包み込みまい関係の構築を試みました。

した。

The dancer Miki Hoei and the guitarist Gaku Yamada

Using a visual analog system along with a soundstaged a performance in which they intervened into

generator, Arnont Nongyao staged a highly uniqueeach other’s specialty on the theme of revealing private

audiovisual performance, combining rainbow lights

life. They attempted to construct a new relationship be-

and ambient sound which orbited around the venue.

tween music and the body.

1979年バンコク生まれ。チェンマイ大学美術学部卒業。サウンド・アー
ティスト、実験映像作家。サウンド、ビデオ、インスタレーション、サイトスペ
シフィックアート、パブリックアートなど、多様な形態のメディアと手法で作品制作を行う。チェンマイ・コレクティブ共同代表。

Sound artist and experimental video director.
Born in Bangkok in 1979. Graduated from
Chiang Mai University (ﬁne arts, painting). He
is also Co-Director of Chiang Mai Collective.

宝栄美希：石川県生まれ。日本女子体育大学卒業。ダンサー、振付家として活躍するほか、ダンスと音楽、映像、美術分野とのコラボ
レーション活動も積極的に展開している。山田 岳：ギタリスト。現
代音楽の演奏を活動の主軸に、他分野とのコラボレーションによる新しい表現へのアプローチにも意欲的に取り組んでいる。

Miki HOEI: Dancer, Choreographer. Born in Ishikawa. She graduated from Japan Women’s College ofPhysical Education. Gaku YAMADA: Guitarist. He
has performed a lot in the field of contemporary
music and collaborative works with other disciplines.

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TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10｜
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10088Valerio De Bonis created this intermedia installation

Cage, Karlheinz Stockhausen, Joji Yuasa, and Yoriaki

千葉県出身。東京藝術大学音楽学部声楽科ソプラノ専攻卒業。
2011年ソロリサイタル「Secret Room」、2015年サントリー芸術財
団「サマーフェスティバル」に出演。藤田朗子とのデュオ「タマユラ」
では、サティ
「ソクラテス」、シェーンベルク「架空庭園の書」、ヴィエ
ルヌ「憂鬱と絶望」などを手がけている。

2015.12.4（金）、5（土）19:15開演

会場：トーキョーワンダーサイト本郷

大掛かりな舞台装置のないシンプルな空間、布089TEF パフォーマンス「V ゔ I ぃD で E お O@ 両国門天」

TEF パフォーマンス「Tunnel Ensemble」 TEF Performance「Tunnel Ensemble」

TEF Performance「Vゔ IぃD で E お O at Ryougoku Monten」

VゔIぃDでE おO（トマツタカヒロ＋東 弘基）VゔIぃDでEおO [Takahiro TOMATSU + Hiroki AZUMA]
2015.12.21（月）19:30開演

会場：両国門天ホール

トンネル・アンサンブル（マーク・ヴィラノヴァ＆ペーター・ブライテンバッハ）
Tunnel Ensemble (Marc VILANOVA and Peter BREITENBACH)

2015.12.23（水・祝）19:00開演

会場：両国門天ホール

トマツタカヒロの肉態、東弘基のヴィデオ、ウーエレクトロニクスの可能性を用いた多様なサック

ドとピアノの演奏で、日常生活を取り囲む映像メ

ス・サウンドの実現と、新しい音空間の創造を目

ディアの本質に迫る実験的セッション。「Video」

指して創作活動を行うデュオ、トンネル・アンサのラテン語での語源「わたしはみる／わたしをみンブル。今回は4つの言語で「トンネル」を意味

る」をテーマに、虚構と現実、主観と客観、見るするタイトルがつけられた4曲を演奏、サックス

ものと見られるもの、相反する物事が複雑に絡みとエレクトロニクスによる魅惑的なサウンドが、観あい、両国門天ホールの時空間に投影されました。

客を音楽のトンネルへと誘いました。

Based on the etymology of the term “video” in Latin-“I see/am seen”-Takahiro Tomatsu and Hiroki Azuma

This was a concert by Tunnel Ensemble, who explores

staged an experimental performance involving body, video, and music that entwined ﬁction and reality, andnew relations between saxophone and electronics creat-

the subjective and the objective.

ing pieces. Their perfectly matched musical performance led audiences into the dazzling sound of the en-

出演：トマツタカヒロ（肉態表現）、東 弘基（ヴィデオアート）、Paul N. Dorosh（ウード）、大和田千弘（ピアノ）semble. The duo received the Encouragement Prize in the TEF Vol.10 Open Call Program.

トマツタカヒロ：東京都出身。約20年間、精神医療に関わり Takahiro TOMATSU: Corporeal performing artist. Born inながら格闘技修行を続け、日常から魂と身体の融解を「肉 Tokyo. He has performed in various ﬁelds of art and ex態」と称し、様々な表現を試みる。東弘基：神奈川県出身。 perimentation. Hiroki AZUMA: Video artist. Born in
ヴィデオアーティスト。ビル・ヴィオラに感銘を受け、「VIDEO Kanagawa. He was impressed by Bill Viola’s artworks andstarted his career as an artist.
／私は見る」をテーマに作品制作を行う。

サックス奏者マーク・ヴィラノヴァ
（1991年スペ Tunnel Ensemble was founded in 2013 at the Sibelius Academy inイン生まれ）とエレクトロニクス奏者ペーター・ Helsinki (FI). Saxophonist Marc VILANOVA (born in Spain in 1991)
ブライテンバッハ（1987年ドイツ生まれ）
により、 and electronic musician Peter BREITENBACH (born in Germany in2013年、シベリウス音楽院（フィンランド）
にて 1987) are trying to open up new sound spaces with pieces composedin the tension between improvisation and research.
結成されたデュオ。

TEF パフォーマンス「into the ether...」 TEF Performance「into the ether...」TEF パフォーマンス「関島岳郎と世界」 TEF Performance「Takero Sekijima and The World」

TEF10最優秀賞授賞

バイナリー（リナ・アンドノヴスカ＆ジャネット・マッケイ） BINARY(Lina ANDONOVSKA and Janet MCKAY)

世界（勅使河原一雅＋石田多朗） The World (Kazumasa TESHIGAWARA + Taro ISHIDA)

2015.12.22（火）19:30開演

2015.12.24（木）19:30開演

会場：両国門天ホール

会場：両国門天ホール

オーストラリアを拠点に活動するフルー

ピアノ、銅鑼、フルート、チューバ。即興ト奏者2名によるコンサート。ヘビメタの演奏を感知して、プログラムで自動生成の影響が感じられるデ・レオン、繊細なされた抽象的なイメージをスクリーンに映輝きを放つ金子仁美の「雅」、オーストラし出すパフォーマンス。映像の変化が演奏

リア在住のカルスキ、シュロモヴィッツの変化をもたらし、またそれが映像に変化の作品が続き、最後はフィリップ・グラを与える―映像によって生じた心のさざ波

スの「Piece in the Shape of a Square」。

に寄り添う演奏に浸りながら、自身の内面

パワフルでエキサイティングな演奏が会と向き合うような、不思議な体験がもたら場を満たしました。

されました。

This contemporary music concert was performed by BINARY, a ﬂute duo based in Australia. Their ambitious

As the work detects improvised music, abstract images were generated automatically and projected onto aplaylist and superb musical performance exhilarated the audience and the duo received the Grand Prize inscreen. The World created a meditative space that led the audience to a journey of the mind.

the TEF Vol.10 Open Call Program.

出演：勅使河原一雅（映像）、石田多朗（作曲）、関島岳郎（チューバ、
リコーダー）、伊藤寛武（フルート）

リナ・アンドノヴスカ：1987年生まれ。オーストラリア国 Lina ANDONOVSKA: Flutist. Born in 1987. Graduated from立大学（音楽）卒業。フルート奏者として、国内外で演奏 Australian National University (music). She has performed in
活動を行っている。ジャネット・マッケイ：1973年ブリ concert halls at home and abroad. Janet MCKAY: Flutist. Born
スベン生まれ。クイーンズランド大学博士号（音楽）取得。 in Brisbane in 1973. She received Ph.D in Music Performancefrom the University of Queensland.
フルート奏者。

「世界」は勅使河原一雅（アート・ディレクター、映像作家／ qubibi）
と石田多朗
（作曲家）
により2015年3月から活動を開始。抽象的な映像と即興演奏等による独自の表現を用い、美術館を中心にコンサートを行っている。

“The World” consists of Kazumasa TESHIGAWARA (art director, video artist/ qubibi) and Taro ISHIDA (composer).
Started from March 2015, using abstract images and improvised music, they have held concerts mainly in museums.

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TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10｜
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10
090TEF10奨励賞授賞

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TEF パフォーマンス「山本和智エレクトロニクス作品展」

TEF Performance「Concert for ﬁxed media and live-electronics of Kazutomo Yamamoto」

TEF10推奨プログラム

山本和智 Kazutomo YAMAMOTO
2015.12.25（金）19:00開演、26（土）15:00開演

会場：両国門天ホール

TEF パフォーマンス「Doline」 TEF Performance「Doline」

TEF10推奨プログラム

デルフィーヌ・デプレ Delphine DEPRES
2016.1.10（日）、11（月・祝）19:15開演

会場：トーキョーワンダーサイト本郷

砂同士、あるいは砂と他の物質との衝突に

作曲家、山本和智による初のエレクトロニクス作品

よって生じる小さなノイズをキャプチャーし、展。40歳（不惑）を前に「思う存分、惑う」ことをリアルタイムで音と映像をコントロールするテーマにした “Roaming liquid set”、超自然と我々をオーディオ・ヴィジュアル・パフォーマンス。

繋ぐ役割を持つ巫女（＝媒介者）をモチーフにした

前年度の受賞企画を発展させ、「砂」という極“Trance-media”、オノマトペとギターのための作品

小の世界にフォーカスした、美しいステージなど、初演3曲を含むプログラムで、特異な才能をが広がりました。

持つ山本の世界観が観客を魅了しました。

“Doline” is a performance using the staging of sandThis was the ﬁrst concert of the electronic works composed solely by Kazutomo Yamamoto, whose works

on diﬀerent states, points of view and ways of listen-

have attracted attention for his unique worldview. The playlist included three world premieres, performed bying. Every sound and images were produced by capturing tiny noises and movements made by frictions ofguitar, marimba, shakuhachi, shamisen, biwa and electronics.

sand, and manipulated in real time. TEF Vol.9 Special Prize-winning project.

出演：有馬純寿（エレクトロニクス）
、山田 岳
（ギター）
、黒田鈴尊
（尺八）
、篠田浩美
（マリンバ）、久保田晶子（琵琶）、守 啓伊子（三味線）

Supported by Swiss Arts Council Prohelvetia

山本和智：作曲家。山口県出身。独学で作曲を学ぶ。オーケスト
ラ、室内楽、アンサンブル、合唱、独奏曲、映画音楽など作曲活動は広範にわたる。2009 年度武満徹作曲賞第2 位（審査員：H.
ラッヘンマン）、2010 年第5 回 JFC 作曲賞（審査員：近藤譲）
など国内外問わず高い評価を得ている。

ヴィジュアル・アーティスト、
ビデオ・ディレクター、パフォーマー。 Visual artist, video director and performer. Born in
1982年フランス生まれ。ジュネーブ造形芸術大学卒業。投影 France in 1982. Graduated from the Geneva University
されたイメージの中のドラマ性に着目したリサーチ、実験を行 of Art and Design - HEAD Genève. Her research and exい、映像機器を用いて様々なレベル間で緊張感のある「リアル perimentations are focused on exploring the question oftheatricality in projected image.
タイム」の体験を創造している。

Kazutomo YAMAMOTO: Composer. Born in Yamaguchi in 1975. He won the 2nd Prize in the Toru
Takemitsu Composition Award in 2009 (Japan/
Judge: Helmut Lachenmann), The 6th International
Jurgenson Competition in 2011 (Russia).

TEF パフォーマンス「フェミミュージック－音楽の女子力」

TEF Performance「femmimusic - fascinating of female composers」

渡邉理恵 Rie WATANABE
2015.12.27（日）17:00開演

TEF パフォーマンス「ダンス・プロジェクト『DP1』」 TEF Performance「DP1 (Dehumanized Project Nr.1)」

イザベラ・フレヴィンスカ＆トメク・ベルグマン

TEF10推奨プログラム

Izabela CHLEWI SKA and Tomek BERGMANN

会場：両国門天ホール

2016.1.15
（金）
、16
（土）
19:15開演

会場：トーキョーワンダーサイト本郷1940年代から90年代まで、それぞれの年代に生ポーランド人のダンサーとミュージシャンのデュまれた7名の女性作曲家の作品を取り上げたコオによる、人間性の喪失とメカニズム化されたンサート。女性という共通の性別をもっていて社会を描いた寓話的パフォーマンス。
『1984』

も、全く異なる興味や関心から生み出された音『すばらしき新世界』などの SF 名著に着想を得

楽を、多様な楽器や道具を用いて演奏し、作曲ており、私たちが現代社会の抱える課題にどの家たちの生き方やセンスの結晶を表現した、意ように向き合うかを示唆するメッセージに富ん

欲的なプログラムになりました。

だステージが展開されました。

This challenging concert focused on the work of sevenThis performance depicted dehumanization and thefemale composers, born in each decade from the 1940s to the 1990s. The wide range of percussion instruments and unique performance entertained the audience.
出演：渡邉理恵（打楽器・P）
、大田智美
（P）
、角銅真美
（P）
、浅井隆之
（P）
、金巻 勲
（P）
、美山良夫
（P）
、有馬純寿
（エレクトロニクス）※ P= パフォーマンス
渡邉理恵：打楽器奏者。1979 年生まれ。ケルン市在住。東
京藝術大学、カールスルーエ音楽大学卒業。20／21世紀の作曲家による音楽・パフォーマンス作品を中心に演奏活動を行っている。2014 年より「TRAVEL MUSICA」を主宰。

Rie WATANABE: Percussionist. Born in 1979 and lives
in Cologne. Graduated from Tokyo University of theArts and Hochschule für Musik in Karlsruhe, Germany.
In 2014, she started project “TRAVEL MUSICA”.

powerful mechanism that aﬀects our societies as a funny, scary, grotesque, abstract and surrealistic fairy-tale.
Social issues and people who confront them were portrayed in dance, music, video and installation.
Supported by Polish Institute in Tokyo（ポーランド広報文化センター）、Adam Mickiewicz Institute、Centrum w Ruchu
イザベラ・フレヴィンスカ：ダンサー、振付家。1980 年ポーラ
ンド生まれ。トメク・ベルグマン：ミュージシャン、写真家、アーティスト。1972 年ポーランド生まれ。二人は2013年、
トーキョー
ワンダーサイトのレジデンス・プログラムに参加し、ダンスプロ
ジェクト「DP1」を制作、発表した。

Izabela CHLEWI SKA: Dancer, choreographer. Born in
Poland in 1980. Tomek BERGMANN: Musician, photographer, and visual artist. Born in Poland in 1972.
They participated in the TWS Residency program in2013 and created DP1 (Dehumanized Project Nr. 1).

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TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10｜
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10
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TEF9特別賞授賞

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TEF パフォーマンス「展示『死の祝祭』」 TEF Performance「exhibition “festival of death”」

TEF パフォーマンス「SELL OUR BODY

ヒューマナムー humanamuh

素我螺部 Scarabe

2016.1.22（金）、23（土）19:30開演

会場：トーキョーワンダーサイト本郷TEF10特別賞授賞

会場：トーキョーワンダーサイト本郷

主観／客観の非分離をテーマに、理論生命科学という静的なフォーマットの取り込みを試みた者の西山雄大とのコラボレーションに挑んだ実

意欲的な実験作。人生で最もエネルギーを発す

験的パフォーマンス。他者の視線に接続されたる「死」という出来事を、前後の文脈から切りヘッドマウントディスプレイを装着、主客が混離し、単なる行為として陳列・展示していくこ

じり合った世界に落とされたダンサーが、そことで、「死」の祝祭的輝き、「生」の儚さがあぶ

から新しい身体／主体を立ち上げてゆく過程を、りだされました。

独特の世界観で描き出しました。

Using the form of a static exhibition, this experimental

This dance performance integrated experimentation

theater performance exhibited the moment of deathwith VR equipment, focusing on the theme of the in-when people emit the most energy, expressing the fes-

separability of subjectivity and objectivity. From Scarabe’s unique worldview, it depicted the process in whichtive spark embodied in death and the transience of life.

a new body emerges. They received the Special Prize in the TEF Vol.10 Open Call Program.

出演：栗原隆幸（役者）、コースケ・リートフェルト（役者）、俵谷友子（役者）演出：吉永輪太郎（作家・演出家）

出演：藤井 b 泉（ダンス）、宮原由紀夫（ダンス）、篠原未起子（ダンス）、原大介（ギター）、西山雄大（実験）Founded in 2012, theatrical company humanamuh has
shown "curious and scary" progressive-horror theater
works, inspired by ideas and elements from ghost story,
comedy skit, underground theatre, dance, butoh, mass
games, Japanese traditional comic storytelling and theatre.

TEF10奨励賞授賞

アイゼンタンツ EISENTANZ
会場：トーキョーワンダーサイト本郷

身の回りに溢れる日用品や金属スクラップなどを組み合わせた自作楽器を自在に操り、どことなくレトロモダンな懐かしさを感じるノイズ・サウンドを奏でるユニークなパ
フォーマンス。既存の音楽ジャンルとは一線を画したその演奏は、言葉では形容し難い浮遊感と開放感を伴い、エキゾチックな空間を生み出しました。
Freely manipulating the instruments that the artist
made out of the everyday items and metal scraps,
EISENTANZ created a noise sound performance nostalgically reminiscent of retro sentiments. He received
the Encouragement Prize in the TEF Vol.10 Open Call Program.
作曲家、パフォーマー。1971年チューリッヒ生まれ。日用品
や金属、木材、石などを用いた自作楽器が生み出す様々なノイズを操り、壮観なパフォーマンスを生み出す。ベルリ
ン、ダラス、サンクトペテルブルク、デリーなど、世界各地で演奏を行っている。

Composer, performer. Born in Zurich in 1971. A variety ofnoises Eisentanz plays by using his original instruments
made from everyday items is truly spectacular. He has performed his challenging music at important locations aroundthe world.

2014年夏結成。劇場専属舞踊団 Noismでの活動を共にした仲間である
藤井 b 泉＋宮原由紀夫＋篠原未起子とギタリスト原大介によるダンスグ
ループ。
『SELL OUR BODY』京都単独公演を皮切りに全国各地で上演を重ね、PARASOPHIA にて石橋義正氏作品『憧れのボディ/ bodhi』に映像出演するなど、ジャンルを超えた幅広い活動を展開中。

Scarabe was founded in 2014, by Fujii b.
Izumi, Yukio Miyahara and Mikiko Shinohara,
the three former members of the theater
resident dance company Noism, and also
Daisuke Hara joined as a guitarist.

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TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10｜
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10「サウンド・パフォーマンス」TEF Performance「Sound-Performance」
TEFパフォーマンス

2016.1.29（金）、30（土）19:15開演

exp.」

演劇という動的なフォーマットの表現に、展示

2012年立ち上げ。思考をそのまま吐き出したかのような膨大な量の台詞、変速変拍子の台詞回し、瞬間瞬間の為に酷使される身体性を武器に、怪談、コント、アングラ、ダンス、舞踏、マスゲーム、落語、狂言等、あらゆる要素を雑食した「おもしろくて、こわい」プログレッシヴホラー演劇を上演する。

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2016.2.5（金）、6（土）19:30開演

exp.」 TEF Performance「SELL OUR BODY095

TEF サウンド・インスタレーション「Are You Experienced Ⅱ」

TEF サウンド・インスタレーション「Paleo-Pacific」 TEF Sound Installation「Paleo-Pacific」

TEF Sound Installation「Are You Experienced II」

大和田 俊 Shun OWADA

木本圭祐 Keisuke KIMOTO
2015.11.21（土）～12.20（日）会場：トーキョーワンダーサイト本郷 スペースB

2016.1.9（土）～2.7（日）古代生物フズリナ（ペルム紀の海洋に繁栄し、2
億5千万年前、史上最大の大量絶滅で滅んだ）化に震えており、それを電気的に増幅することで物石を素材に、生物―物質間の非連続な隔たりに理的な接触なく弦を発音させる機構を持つ楽器をフォーカスした作品。知覚不能なほどの長い年月制作。ジミ・ヘンドリクスが使用した Fender ストを経て石灰岩化したフズリナから取り出された音

ラトキャスターの全音域が発音可能なようには、その隔たりを保存しているのか。そしてそのチューニングした46台の自作楽器により、彼のデ音を聴取することは、隔たりを知覚することといビューアルバム「Are You Experienced」を演奏《Paleo-Paciﬁc》2016

器と楽曲、両者の再構築を試みました。

ada examined on a grand scale the distance between living species and matter produced over a period oftic drone, Keisuke Kimoto “played” Are You Experienced by Jimi Hendrix without a musician in an attempt toreconstruct the relationship between instruments and songs.
Born in Hiroshima in 1989. Graduated with a BFA in Music from Tokyo
University of the Arts and enrolled in an MFA in Music from Tokyo
University of the Arts. Kimoto uses self-build instruments for his performance and installation.

Using long-extinct and calciﬁed fusulina fossils, Shun Ow-

time that humans cannot even sense, and our relationship with perception. TEF Vol.9 Grand Prize-winning
project.
サウンド・アーティスト。1985年栃木県生まれ。 Sound artist. Born in Tochigi in 1985. Graduated with an MFA in In東京藝術大学音楽学部卒業、同大学院美術研 termedia Art from Tokyo University of the Arts. Having an interest in究科修了。音響と、生物としてのヒトの身体や知 physical/ physiological aspects of sound, Owada explores relations
覚、環境との関わりに関心を持ちながら、電子音 between sound and perceptions of (living) things. His works vary
響作品やインスタレーションの制作を行っている。 from live improvisation using computers to sound installation.

TEF サウンド・インスタレーション「スタンダード・サプレッサー」

TEF サウンド・インスタレーション「リアルタイム・オペレーター」

山形一生 Issei YAMAGATA

メラニー・ヴィンドル Melanie WINDLTEF Sound Installation「Standard Suppressor」

2015.11.21（土）～12.20（日）TEF Sound Installation「real-time operator」

会場：トーキョーワンダーサイト本郷 スペースC/D

2016.1.9（土）～2.7（日）会場：トーキョーワンダーサイト本郷 スペースC/D

人は物体に対する破壊的な衝動を実行することで観客自身が作品の最後のピースを埋めることで、イ

精神的な昇華を覚えることがあります。山形は、そンタラクティブな音空間が立ち上がるオーディオ・のとき人は物体の形状的変化を視覚的によりも、ビジュアル・インスタレーション。室内に設置さ聴覚的に認識することによって、多くの快楽を得

れた6つの巨大な風船に、スピーカーを構成するていると仮定しました。本展では、落下する物体

重要なデバイスであるエキサイター（電気信号をから当然聞こえるはずの衝突音を消音し、劇的な音声信号に変換する装置）を取りつけることで、来効果音を再生することで、視覚と聴覚のズレを前場者が発した音がマイクを介して風船の膜に伝達景化し、知覚するという行為を問いかけました。
Omitting the sound of collision heard when an object hits aﬂoor and instead playing dramatic sound eﬀects, Issei Ya-

され、室内を満たしました。
《スタンダード・サプレッサー》2015
Standard Suppressor, 2015

magata shed light on the disparity between our senses of sightThrough the devices called “exciter,” which transferred electrical signal to acoustic signal and were attached to six gigantic
balloons, the sounds made by visitors ﬁlled the exhibition《リアルタイム・オペレーター》2016
real-time operator, 2016and hearing, and questioned the very human act of perception.

room. Thus visitors themselves formed the ﬁnal piece of the sound composition, creating an interactive soundscape.

1989年生まれ。東京藝術大学美術研究科絵画専攻修了。主な展示、発表としてDigital Humanize（東京藝術大学陳列館、2015）、SPVI（Turner Gallery、2014）など。

1973年ドイツ生まれ。ザール美術大学修士課程、 Born in Germany in 1973. Graduated from master course in Acadマインツ音楽大学修士課程修了。サウンド、ビデオ、 emy of Fine Arts and Design Saar (HBK Saar) and School of Mu彫刻、空間の領域を様々なレベルで組み合わせ、 sic, Johannes Gutenberg-University Mainz. Windl works on theオーディオ・ビジュアル・インスタレーションを制作 edges of the media sound, video, sculpture, space and merges
these various levels to complex audiovisual environment.
している。

Born in 1989. Graduated with an MFA in Oil Painting from Tokyo University of the Arts. Yamagata lives and works in Tokyo.
Recent exhibitions are Digital Humanize (2015/ Tokyo University of the Arts), SPVI (2014/ Turner Gallery).

｜TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10｜
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL ‒ Sound, Art & Performance Vol.10096

えるのか、壮大なスケールで問いかけました。

者不在のアコースティックドローンとして演奏、楽Using 46 instruments that make sound without any physical contact and operating them to generate acous-

1989年広島県生まれ。東京藝術大学音楽学部卒業、同大学院音楽研究科在籍。自作
楽器を用いたパフォーマンスやインスタレーショ
ンの制作を行っている。

TEF10推奨プログラム

会場：トーキョーワンダーサイト本郷 スペースB

弦は無音の状態でも地面から伝わる振動で細やか《Are You Experienced Ⅱ》2015

TEF9最優秀賞授賞

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若手のための現代音楽企画ゼミ

Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists

音楽の企画力とは。言葉を用いて社会に発信する力を養うプログラム「若手のための現代音楽企画ゼミ」は、現代音楽を扱う企画を発表する意欲のある若手アー
ティストを対象に、より多くの人に鑑賞してもらうための企画力や発信力の向上を目的とする育成プログラムです。受講生は、企画を実現するために必要な「音楽を伝える言葉」を自ら考え、識者の知見を得ながらワークショップとコンサートが連動した企画を考案。審査員やほかの受講生の前で行われた公開プレゼンテーションでは、楽器、作曲家、演奏家などに焦点をあてたもの、特殊奏法を補助する装置、会場の特性に着眼したものなど、多様な企画が発表されました。最終的に審査員から高い評価を得た 1企画が選出され、成果発表の機会

審査会（公開プレゼンテーション）
2015.4.19（日）会場：東京芸術劇場 シンフォニースペース
審査員：中川賢一（ピアニスト、指揮者）、沼野雄司（音楽学者、
桐朋学園大学教授）、楠瀬寿賀子（（公財）せたがや文化財団音楽事業部）、梶 奈生子（東京文化会館事業企画課長）

ブラッシュアップ講座
2015.7.29（水）、8.25（火）、9.21（月）、10.15（木）会場：東京芸術劇場 ミーティングルーム
講師：楠瀬寿賀子、中川賢一を得ました。
Cultivating abilities to disseminate music through language
and exploring the significance of music-planning skills

ワークショップ（成果発表）

Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists was an educational program whose objective

2015.11.21（土）was to improve the organizational and communicative ability of young artists who are motivated to present
projects involving contemporary music, in order that such performances reach wider audiences. The participants considered words with the capacity to convey music that are essential to the realization of their

会場：東京芸術劇場 シンフォニースペース
出演者：薬師寺典子

projects, devising proposals for a workshop and concert while gaining the knowledge of experts. The presentations given by the participants to the other students and the jury were diverse, focusing respectively on themusical instruments, composers, musicians, devices for special performance techniques, or drawing attention to the character of the venue. To conclude the program, the proposal that received the highest praisefrom the jury was selected, and the winner was given an opportunity to make a workshop and concert.

生誕90周年

A.C. -After Cathy- 「声の逆襲」̶声楽家キャシー・バーベリアンの革命̶

2015.4.19（日）～12.19（土）2015.12.19（土）会場：東京芸術劇場 シンフォニースペース・ミーティングルーム、東京文化会館 小ホール

会場：東京文化会館 小ホール

協力：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京文化会館、東京芸術劇場

出演者：薬師寺典子（企画／ソプラノ）、渡辺秋香（ピアノ）、丹野恵美子（フルート、バス・フルート）、秋山幸生（テオルボ）、久野幹史（バロック・ギター、テオルボ）、Concerto Sotto l’Albero［中村康紀（テノール）、鈴木秀和（テノール）、
目黒知史（バス）］、ワークショップ参加者

既存の「声楽」という概念を超越して声の可能性を追求した声楽家キャシー・バーベリアンの生誕90周年を記念した企画。バーベリアンの自作曲やレパートリー、声や言葉の持つ響きや表現力を引き出した作品、オノマトペが持つ表現に注目し、ワークショップ参加者と創作した作品などを披露しました。
The 90th anniversary of birth A.C. -After Cathy-“The voice strikes back”－ The Revolution According to Cathy Berberian －This event concert commemorated the 90th birthday of
Cathy Berberian, a vocalist who has transcended theexisting notion of “vocals” in pursuit of the possibilities
for the human voice. Berberian’s fascinating work was
introduced, including pieces in which she sought thesonorous and expressive power of human vocal chords
and words, and workshops that pushed the possibilities
of expression through onomatopoeia.

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Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists｜
Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists
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コンサート
（成果発表）

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門馬美喜〈Route ／59ヶ月〉

第 9回展覧会企画公募

The 9th Emerging Artists Support Program

Miki MOMMA〈Route / 59 months〉

新しい才能の発掘の場を目指し、｢展覧会を公募する」プログラム「展覧会企画公募」は展覧会を企画・開催する意欲をもった若手の支援・育成を目的とした公募プログラムです。選ばれた企画は、各審査員のアドバイスやトーキョーワンダーサイトの支援を受けながら、展覧会コンセプト、展示構成、イベント、予算など具体的な実施計画に

福島県相馬市にアトリエを構える門馬は、東日本大震災を機に再び絵筆をとり、寸断された鉄道以外のルートで、相馬―東京間を何十往復もしながら目にした風景を、数百枚に及ぶキャンバスに描き続けてきました。本展では、自身の視線だけでなく、震災の混乱の最中に生まれ、もうすぐ5歳になる知人の子供の視線も加え展示を構成。その景色ひとつひとつを描き

磨きをかけ、最終的に展覧会として実現されます。今回は「なぜ、今ここで、その展覧会を出すことで、東京では実感できない福島沿岸部の現状を真に伝えようとしました。

行うのか」という問いに応えていると審査で認められた3企画が選ばれました。企画者は展Based out of an atelier in Soma City, Fukushima Prefecture, Miki Momma started painting again after the

示だけでなく、ゲストを招いたトーク・イベントや来場者との対話をとおして、企画開催の緊急性や批判性を訴えるなど、展覧会をさらに充実させるさまざまな試みを行いました。
An open-call program for exhibition ideas, aiming to discover new talent

Great East Japan Earthquake. Her exhibits comprised art depicting the landscapes she saw while travelingmultiple times between Tokyo and Soma using an alternate route to the railroad that was cut oﬀ by the disaster. Her work asks viewers to consider the present-day situation for the coastal region of Fukushima, fromwhich people in distant Tokyo feel disconnected.

The Emerging Artists Support Program is an open-call development program that aims to help ambitious
young artists and curators organize exhibitions. The selected proposals are advised by the juries and assistedby Tokyo Wonder Site in honing the concrete planning for the concept, layout, events, and budget until ﬁnally the exhibitions can be realized. This year, three proposals were selected, all of those were considered torespond to our question; why this exhibition needs to realize in here and now. In addition to exhibiting artworks, the organizers also included a wide range of endeavors to enhance their exhibitions, such as exploring
the urgency and criticality of organizing the show through talks and other related events with guests as well
as dialogue with visitors.

2016.2.27（土）～3.27（日）会場：トーキョーワンダーサイト本郷
審査員：遠藤水城（インディペンデント・キュレーター、HAPS エグゼクティブ・ディレクター）、
高嶺 格（現代美術家、秋田公立美術大学准教授、國立台北藝術大学客員教授）、
高山 明（演出家、Port B 主宰）、黒田みのり（トーキョーワンダーサイト事業課長）※ HAPS ＝東山アーティスツ・プレイスメント・サービス

企画者：門馬美喜、エ☆ミリー吉元、高川和也

オープニング・トークの様子

Born in Fukushima in 1981. Graduated with a BFA in Painting from Tokyo Zokei University in 2005.

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The 9th Emerging Artists Support Program｜
The 9th Emerging Artists Support Program100

1981年福島県生まれ。2005年東京造形大学造形学部美術学科絵画専攻領域概念コース卒業。翌年中国へ留学し、中国美術学院書大学法班（書道）、2007年中央美術学院中国画系山水班（水墨画）
で学ぶ。水彩、油彩、写真、水墨画など多様な手法を用いて制作をする他、パフォーマンスも行う。

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エ☆ミリー吉元〈バロン吉元の脈脈脈〉

高川和也〈ASK THE SELF〉

E☆mily YOSHIMOTO〈Baron Yoshimoto: Pulse! Pulse! Pulse!〉

Kazuya TAKAGAWA〈ASK THE SELF〉

エ☆ミリー吉元が、2014年に実父・バロン吉元の数百点にも及ぶ初見の作品を倉庫で見つけ高川は自身の行為が複数の自己に委ねられていることに気づき、その存在を確かめようと「自た時の衝撃が本企画のきっかけでした。漫画家であり、また、画家・龍まんじとしても活動身に問う」や「自身を呼び起こす」という意味をもつ「ASK THE SELF」をテーマとしまし

し続けるバロン吉元が描き出す漫画と絵画をつなぐ “ 脈（パルス）” を、展覧会企画者の視点た。分身（オルターエゴ）をとおして、自己の「救い」が実現される可能性を問う試みを心から見出しました。会期中には、バロン吉元による公開制作やゲストを招いたトーク・イベ

理学的なアプローチから映像インスタレーションとして表現。自己を外在化し、真の自己をントも開催し、バロン吉元の魅力を最大限に引き出しました。

追求すると同時に、その存在が曖昧であることを私たちに提示しました。

E☆mily YOSHIMOTO’s plan for this exhibition started from the her shock at discovering hundreds of her

Conscious that our actions are entrusted to multiple selves, Kazuya Takagawa expressed an attempt to ques-

father’s artworks for the ﬁrst time in a warehouse in 2014. Also known by the name Ryu Manji, Baron

tion the possibility that salvation could be realized through the alter ego as a video installation created from

Yoshimoto is a manga artist and painter whose distinctive “pulse” that beats through all his works was re-a psychological approach.

vealed in this exhibition from the perspective of the organizer.

1986年熊本県生まれ。2012年東京藝術大学大学院美術学科修士課程修了。これまでに、ソウルなど国内外のレジデンスプ
ログラムに参加。主な展覧会に「screen」（HIGURE 17-15cas、東京、2014）、「Kazuya Takagawa solo show」（3331 Arts
Chiyoda、東京、2012）、「Reﬂection of an outsider on outsider」（Seoul Art space GEUMCHEON、ソウル、2011）、「BEDAHVIDEO & KOPI SORE」（ S-14、インドネシア、2011）など。

Born in Tokyo in 1993. Graduated with a BFA in Oil Painting from Joshibi University of Art and Design in 2015.

Born in Kumamoto in 1986. Graduated with an MFA in Painting from Tokyo University of the Arts in 2012.

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The 9th Emerging Artists Support Program1
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1993年東京都生まれ。2015年女子美術大学芸術学部美術学科洋画専攻卒業。2010年よりアート団体「愉鳴呼社」のメンバーとして国内外で作品を発表。近年は、「シブカル祭。2014」（渋谷パルコ、東京）、「TRANS ARTS TOKYO」（東京、2012、
2013）、「六本木アートナイト2013」（ 東京）などに参加。

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エ☆ミリー吉元 関連イベント
E☆mily YOSHIMOTO Events
バロン吉元による公開制作

Tok yo Wonder Site Annual Report 2 015：Rev iews

2016.3.5（土）、20（日・祝）

T WS-Emerging 2015

トークイベント：バロンの解剖学会

TWS-Emerging 2015

2016.3.3（木）北出智恵子／野口玲一／小野寛子／
米田尚輝／椿 玲子／安田篤生（アーティスト・トーク ゲスト）

出演：荒俣 宏（作家、博物学者）×バロン吉元
聞き手：エ☆ミリー吉元

2016.3.5（土）出演：都築響一（編集者、写真家）×バロン吉元

OS -XX

OS -XX -Prelude to the operation systems of the future city

2016.3.13（日）小渕祐介／田中功起（参加クリエーター）

聞き手：エ☆ミリー吉元

2016.3.20（日・祝）出演：山田参助（漫画家）×バロン吉元
聞き手：エ☆ミリー吉元

高川和也 関連イベント
Kazuya TAKAGAWA Events
ダイアローグ＃1

p.106

p.117

～都市未来のオペレーション・システムへの序章～

聞き手：エ☆ミリー吉元
出演：山下裕二（美術評論家、明治学院大学教授）
×バロン吉元｜The 9th Emerging Artists Support Program
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トーキョーワンダーサイト アニュアル 2 015：レビュー

クリエーター・イン・レジデンス・プログラム

p.119

Creator-in-Residence Program
建畠 晢／小沢 剛／杉田 敦（レジデンス運営諮問委員）

トーキョー・エクスペリメンタル・
フェスティバル Vol.10

p.122

TOK YO E X PER I M EN TAL FESTIVAL‒ Sound, Art & Performance Vol.10

一柳 慧／沼野雄司／畠中 実／毛利嘉孝（審査員）

2016.3.13（日）若手のための現代音楽企画ゼミ

出演：大澤真幸（社会学者）×高川和也

Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Art ists

ダイアローグ＃2

楠瀬寿賀子／中川賢一（講師・企画講評者）

出演：高川和也×高川和也

第9回展覧会企画公募

2016.3.26（土）The 9th Emerging Art ists Support Program
遠藤水城／高嶺 格／高山 明（審査員）

p.126

p.128

REVI EW

RE V I E W

TWS-Emerging 2015 第1期 文＝北出智恵子［きたで・ちえこ／金沢21世紀美術館学芸員］
長田堅二郎「In between」

村上賀子「HOME works 2015」

p.037

p.037

長田堅二郎は彫刻という表現行為を通して、事物を認識し、縫うという手業や触感を想起させる糸そして彫刻という出来事に常に付帯する構造やボさらには照明とそれによりできる影をとらえるのの普遍性、存在の本質を模索している作家である。
リューム（質量）、対象とその関係性について考察を続けているようである。本展示では展示場所を意識した 2 作品《Floating Two Surface》と《be-tween》を発表していた。いずれも糸を両壁面にピンと張り、その行為の反復により、かたちが浮
かび上がるものである。一方は面を、もう一方は円筒を成す。

このかたちの在り方は、軽やかで無機質なもののように見え聞こえるだろう。長田自身、糸という素材を用いた理由として量感を削除することを意図し、糸同士の間隔を十数センチ程開けて配列することにより空間に解け込むあるいは消えいくよ
うなイメージも持っていたようだ。しかし、作品
は観るものの前に確かな存在として立ちはだかっていた。鑑賞者の目は線の繰り返しが示すかたち

3 つの写真シリーズで構成された村上賀子の展示とする村上の試みは、その手法とプロセスのひと（2015）は、宮城県の実家の室内を撮影したもの。

写真は現前する事象をとらえる記録媒体としてのという存在、それらのかたちを成り立たせる位置、「HOME works 2015」。
《HOME works “Modality”》である。

何気なく置かれている家具や日用品は作家による線、関係性、さらに動的平衡という言葉が本人にしばしば用いられる彼の表現は、そのアウトライ
ン＝線とその線を境にあちら側とこちら側をどのように現前させていくかという試みであろう。素材の多様さ、芸術行為の場の多様化とともに彫刻という表現領域が広がる一方、その境界自体が曖昧となっている。「在る」ということ、三次元の立体が認識されるということ、そうたらしめている
物質と周囲の関係の考察が作品であるべきだ。今回の展示では、建築、つまり、展示場所への意識は強かったものの、作品が置かれることによる効果と役割、特に物質的な側面への意識とのバランスは疑問であり、今後の課題であろう。

セッティングとのことだ。「Unity」と名付けられた 3 点の写真（2015）は、プリズムのような、光が交錯するような淡い色調の写真。これまで作家が住んできた家からの庭の眺めを、作家曰く、自身と「結びつきの深い」カメラを場に応じて選択し、撮影した写真が幾重に重ねられ出来上がったイメージとのこと。《Authentic》（2014）は、村上が高校で使用していた学習帳で成形された折り紙を写したもの。折り紙の背景は自宅の壁紙や床で、補正、加工により意図的に細部が消され、前景と背景が均質化されている。

記憶と経験について、意識と無意識、つまり、見えるものと見えていないものの両極を複合的に写真という手段と行為によりイメージに映し出そう

つひとつの意図に説得力があった。

機能が突出している。そのため、記録されたイメー

ジは客観的な事実として受け入れられがちである。
アナログからデジタル化、さらに技術が更新されていく中、村上は写真の主観性を根底におく。本
展覧会において発表された写真作品は、いずれにおいても、ものの物質性とカメラという装置、そして現像や加工というプロセスにより、不在のもの、見えないものの存在あるいは空気感を映し出そうとしていた。そして村上にとって身近な存在である住環境、生きてきた経験やその記憶を素材とし、歴史という命題（への問い）を意識して制作している。単なるプライベート・フォトに収まらないよう、今後の制作方向性をしっかり見据えて活動してほしい。

第2期 文＝野口玲一［のぐち・れいいち／三菱一号館美術館学芸グループ長］
大山紗智子「ない（ある）場所」

謝花翔陽「Magical Heteronomy」

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大山紗智子の絵画は、主題、モチーフ、手法、構きなもの、目の前に迫ってくるかの如く描かれて1 階の中央では回転する人体像、その周囲にはバな決定を信じない。作家自身のインスピレーショ

散して在るように感じた。彼女の近作では、自身ていない。いずれの場面にも、シャンデリア、提明滅や扇風機の風、動画なども含みダイナミック

魔術や宗教を援用してそこに意味を与えている。

図のいずれもが絵画という一面上に在りながら、分の経験から、死と愛の両方を象徴するものとしてミリタリープラモデルを核としたものが主要のようだ。今展示では、いずれの絵画にもプラモデルの戦闘機が、レストラン、夜店、クラブ、銭湯、披

露宴、リビング・スペース、バスルームのシーンといった彼女の記憶や経験した日常のシーンと並置されて描かれていた。幅が 1 メートル弱から大きいもので 2 メートル強となる絵画 9 点と別室にドローイング群で今回の展示は構成されていた。
大山の言葉から、日常に潜む死や異世界、それに伴う恐怖を日常空間に顕在させ、滑稽視する試み
が絵を制作のテーマであると理解した。淡々とした絵画である。この絵画の強みは何か。絵画はいずれも、くすんだ淡いピンク、パープルの色調である。上述の日常の場面に、戦闘機が、とても大いる。一方、場面の中にいる人物の表情は描かれ灯、ミラーボールなど、光を想起させるものが添えられる。感情を抑制し、死、恐怖、愛といった感情の錯綜状態、そのことによる不安を、光により照射し肯定し、日常に新たな眼差しを向けようとする。彼女が散りばめた記号、構造から読み取るとしたらこのようなことであろうか。大山の絵
画には、アンバランスな要素が多くある。それが強みなのかもしれないが、そのことを補強するためにも、絵画という領域、手法、色など、描くということひとつひとつに在る事柄や要素と自身の対話を深めてほしい。

イクやペイントを施した日用品等が並ぶ。灯りのだ。2 階では中央に、黒いテーブルの上に端正に並ぶ品々。周囲にはギターやペインティング、塑
像など階下に比べると静かな展示となっている。
取り上げられたオブジェは殆ど日用品であり、そこに施された彩色や加工もラフで精緻というのではない。キッチュと言っても良い。しかし作家によると、そのオブジェが採用された意味、置かれた位置、与えられた色彩などには根拠があるのだという。そう言いながら引き合いに出したのは、フランスの神秘主義思想家エリファス・レヴィ（Eliphas Levi, 1810-75）による『高等魔術の教理と祭儀』だった。それらは黒魔術、錬金術、カバラ、陰陽道といった神秘思想に基づいて配列、配色されているのだと。

彼は制作のプロセスにおいて、作家による自律的ンによって対象、構図や色彩を決定するのでなく、その手法を彼は「魔術的他律性（Magical Heteronomy）」と呼ぶ。これは芸術家の主体の否定である。しかし考えてみれば、このような制作の方法
は、美術が宗教から自律する中世以前であれば当たり前だった。彼はこれによって、近代的な芸術家像を相対化しようと試みている。

興味深かったのは、このような制作を通して語ろうとしているのは「愛」だと作家が述べたことだった。中世であればそれは神への愛に通じただろう。
神無き世にあって、制作のインセンティブとしての愛と他律性、それがどれ程の豊かさを産み出す事が出来るのか、事の成否はそこにかかっていると思う。

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RE V I E W

第3期 文＝中野仁詞［なかの・ひとし／キュレーター、神奈川芸術文化財団］
大﨑土夢「さいしんみどうとさんしん」

阿部友美「records」

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三方の壁にペインティングが並ぶ。残る一方の壁描かれるという。

阿部友美の作品から現代における人と人の関係はの中で、阿部は自画像ではなくモデルの使うこと

紙のドローイングが貼られている。その右下にはうに描くことには興味がないとも語っていた。自思想家、ミヒャエル・バフチン（1895-1975 年）

モデルは、絵画の中において彼を取り囲む草原やには一本の赤い線が引かれ、そこに沿って水平に
ペインティングの前に神棚のようなインスタレーション。彼のペインティングは異なるモードの描法を混在させているが、正面性やシンメトリーが強調され、端正なコンポジションにより、どことなく祭壇のような宗教的な印象がある。作家自身
は平野のような広がりを出したいと語っていた。
一方でドローイングは同じイメージをモードを替えて描いたり、紙を貼り合わせたり、より実験的である。これらのドローイングはペインティングの前段となる準備的な素描ではなく、さらに下描
きがあり、それ自体完成作として描かれているという。彼にとってペインティングとドローイングに主従関係があるのでなく、それぞれにしか出来

また彼は上手くなることを拒否したいと、同じよ分が変わっていくことに関心があるのだ。だから別の表現方法に対しても貪欲なのだろう。もうひとつの会場では、実際に赴いた土地からの触覚的な知覚を表現するため、刺繍の作品を展示していは、ドフトエフスキーの小説などをもとに、ポリフォニー（多声）論、ダイアログ（対話）論、モノローグ（独白）を展開した。本展の阿部の作品

では、常に一人の人物がその画面に登場する。

る。トークの最後には、どこかノスタルジックな《far》は、草原の彼方を傍観する少年を背景から披露してくれた。メディアがどれ程多岐に渉ってを背景に何かことを終えて帰路に着くような寂しイメージと過剰さを散りばめた自身の詩の朗読をも、どれほど多くの実験を繰り返しても、観る側はそこに大崎土夢らしさを読み取ろうとする。それをどこまで欺き続けることができるだろうか。それは困難な遁走に違いないが、見極めてみたい気がする。

ないことを探究するメディアなのだ。ドローイン

描いている。《table land》には、雪景色と暗い森
げに力なく歩く男が描かれている。バフチンは、小説の中でも一人しか登場しない状況をもってしても対話は生まれていると論じる。私としての個は、によって、まず他者と会話をする。そして、その降り積もった雪という他者（自然）と向き合い語

りあう。《ﬂight》や《a reat》に登場する青年は、消失した背景にある日常空間であるがゆえにより対話をする相手を求めている様が強調されている。
これら、阿部友美の世界には、日本画という画材の使用方法などに反映される決まった規律の世界への疑問とそこからの逃避、そして新たな世界を見つけ出しそこに実現の場を見出したいという強い願望をも読み取ることができる。

他者の存在なしに語れない。他者と自分の対比関

係、お互いを反映しあうことによってわれわれは、
具体的な個を見出す。この他者は、必ずしも人でなくともよい。絵画という、四角く切り取られた

グは意識的に描き、ペインティングは前意識的にキャンバスに独自の世界を思い描き構築する表現

笹本明日香「かけらと浮かぶ」

須藤美沙「フォールスカラー」

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壁にはペインティングの間に、カラフルな発泡ス

とつひとつにその感情を託し、自分の精神空間とNASA（アメリカ航空宇宙局）が開発し現在も宇白、2 枚のケント紙に穴をあけ天の川銀河の星群

ターが一台、断片的な動画を流す。正面に見える

床 の 映 像 は 何 を 意 味 す る の だ ろ う。 ラ ジ オ を望遠鏡。須藤美沙は、この望遠鏡が撮影した鮮明の光が穴を貫通し漏れて出していることで立体的チロールの立体が散りばめられている。床にモニ文字「わたしだけが異星人」というのは、作家が構想したアニメのタイトルだという。人間関係における疎外感から抱かれた被害妄想にまつわる作品で、実際の製作には至らなかったが、実現した
際のタイトルロゴとして用意したものだという。文

字はその一点のみで、他は爆発によって生じた瓦
礫が飛び散り、浮遊している様をアニメのタッチで描いたもの。立体はその瓦礫が形象化したもののようだ。ザクザクとした削り跡が露わで、中には平仮名の一部のような形もある。ペインティン
グと立体が繋がって空間を形作る。

作家によると、この空間は自らの頭の中を再現したものなのだという。自己嫌悪や後悔、執着といった負の感情こそ自分がここにいる根拠であって、そのことを受け容れるために、呈示したパーツのひして作品を提示したのだと。

チューニングしている際に、受信しようとせずに
思いがけず入ってくるノイズ的な放送のようなものだという。「図らずも受け取ったものがリアルになる」のだと。壁に囲まれた空間が脳内を意味す
るなら、外からランダムに受け取る情報を投影す
るモニターは外界を示すのだろう。

正直に言えば、この作家の資料を事前に見たとき、アニメ好きのフェティシズムか、妄想の産物に付き合わされるのかと思っていた。しかし壁の展示と床の映像をトータルに観たとき、その予断は裏切られた。この作家は壁の内面と床の外界と、両者を扱うことでバランスをとっている。それらをどのように共存させるのか、それが作品の今後のあり方を左右することになるのだと思う。

宙空間を浮遊しながら観測を続けるハッブル宇宙
な宇宙の写真が切欠となり、宇宙をテーマに作品を制作する。撮影された宇宙の写真は、実は研究者の手により着色されることによって見えにくい部分が事実より、鮮明に描き出されているそうだ。
須藤は、この加工を知ることによって「目に見えている世界だけが唯一の真実ではない」と認識する。宇宙開発という、世界の科学技術の粋を結集する最先端の研究においても、画像に着色をするというアナログな手法が用いられていることはとても興味深い。
《Hubble Telescope》は、須藤が宇宙に関わる事物のなかで最も関心を寄せる望遠鏡を鉛筆で描いたものだ。漆黒の宇宙に見立てた黒い壁面に掛けられたこの絵画は、超高速で宇宙の軌道を移動している望遠鏡が、あたかもゆったりと定点に浮かんでいるような印象をあたえる。黒を描く《Milky Way Galaxy》。展示室では、照明な宇宙様相が空間に浮かび上がっている。これまで多くの研究がなされるも、未だ夥しい不確定、不鮮明、そして不思議が潜む宇宙。われわれは、空を見上げ天空へのロマンを思い描く。展示室に広がる須藤の宇宙を体感することをもって、われわれの宇宙はより身近になり、より大きなロマンとして広がっていく。

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どのように読み取れるのか、と考えた。ロシアの

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雄嗣「Enter the 2.5D -No paint noform-」
p.039

豊田奈緒「MISS SCOROPIUS」
p.040

自らの思想を表そうとする時、建築家は図面をも作家は語る。菅は、作品に取り入れる対象を型取

豊田奈緒は、物語を描く。過去には北欧神話など受けたりすることはあっても、根本的に自らの抱ロ、または集合体の演奏でそれを実現する。菅雄放する。大恐慌時代の実在の銀行強盗、ボニーと在の彼女にとって物語とはテクストのあるものでそのイメージ世界が決壊することのないよう、よとに建築物として、作曲家は譜面を書き楽器のソ嗣は、画家である。ゆえに、まずはキャンバスという平面が自らの思想の実現の場といえる。彼とのトークの際に、筆者は、彼の表現を劇場に例えた。菅は、まず「塗り絵」というあるフォーマッ
トで区画された平面上の域に、様々な着色をする
ことで世界を構築する。劇場がもつ機構の巧みな活用によって、舞台上では、時に赤毛のアンの家
庭にある、穏やかで慎ましやかな「居間」が出来上がり、時に、R. ワーグナーの楽劇《神々の黄昏》に観る、天上界で繰り広げられる荘厳な神々の世界が創られる。展覧会のタイトル「2.5D」は、2
次元と 3 次元の間にある、「半立体」という概念ではなく、奥行きにある現実感から導かれる 3 次元とアニメ、漫画などのモニター上にある 2 次元のりフレーム化されることにより一旦イメージを解
クライドの半生描いた映画「俺たちに明日はない」に登場するこの男女の姿を型取り 3 パターンの異なる着色をした《Couple》。解放されたイメージに、青を基本にその濃さのバランスを微妙にずら

す、赤・青・グリーンの関係を巧緻に関係させる、
黒とオレンジを背景に紫と青を対比させる、など

菅の巧みな色のバランスにより 2 人の人物の存在は、全く異なる相となる。そこで、菅は、われわ
れに、イメージの曖昧さをも問いかけるのだ。展示空間の 3 つの壁に 1 点ずつ掛けられた作品。部

屋をステージに見立てるならば菅は、その中心に立ち 3 重唱を歌い上げる 3 人の歌手を的確に導く、指揮者なのかもしれない。

狭にある世界に自らの作品を位置付けること、と

第4期よりインスピレーションを得ていたようだが、現はなく、視覚的に気に入ったモティーフを組み合わせて作り上げる世界である。モティーフは、映画や舞台など様々なものから集められる。
《Buildcreature》においても、映画から得たインスピレー

ションを脚というひとつのモティーフで表現している。豊田自身がインスピレーションを得たもの

くイメージの世界を覆すことはないだろう。

り広い視野で様々な物を見て欲しいと思う。彼女の制作活動において、自身のイメージ世界ほど重要なものはなく、それは描く動機とも直結している。他者の目など気になるはずもないが、頑固なまでの物語世界を貫いてもらいたい。

から、モティーフは選ばれるのだ。コラージュするかのようにモティーフとモティーフが重なり合い、形を作り上げていく。色彩においても同様で、カンヴァスの白を意識しつつ、色彩の重なりによって独自の色を導き出そうとする。彼女の作品は、選ばれたモティーフと色彩の重なり、白、余白に対する意識が組み合わさることで、ひとつの世界を築いている。豊田のもつ世界観は一貫していて、強靭である。外部のものに影響されたり、刺激を

文＝小野寛子［おの・ひろこ／練馬区立美術館学芸員］

江藤佑一「漂流シマ」

石川里美「錯覚の生」

p.040

p.040

江藤佑一の作品には、彫刻が内在している。江藤で、本質的に存在することになるのか。映像作品

石川里美の問題意識は、あまりにも明確である。

力となっている問題意識の厚みである。都市にお映像制作に到る動機は、彫るという行為から得らなるステップへと思考を進めて欲しいと思う。江に意識し、自然を通して社会における人間の有り

題は、これまで様々な分野で繰り返し取り上げらの主たる作品は映像であるが、彫刻科出身の彼がれるという。
「彫ることで培ってきた彫刻的感覚」
が、人間や物の物質的な存在に対する疑問と関心を 呼 び 起 こ し た。 今 回 の 出 品 作 品 の ひ と つ、《Moving Park》では公園にいた自分が公園の土と共に TWS 渋谷に移動することで、移動した時点に
おいてもまだ公園に存在するという。実際に自らの足がその土地と結びついている限りそこに存在していると断定するならば、移動した時点で TWS
渋谷にいるとするのか、また公園の土の上に立っている限りは移動をしていてもまだ公園にいるとするのか。つまりは、存在するということに対する不確かさと事実の狭間で、江藤は存在するということそのものについて考えているのだろう。

しかし、本来、存在に対する疑問はもっと複雑であるべきだ。実際に、人がそこにいるというだけの制作における動機を彫刻からもらったとして、次藤が彫刻を通して得た「気づき」は、新しい映像作品を生み出す可能性を秘めている。作品制作において新しい表現方法を求めるのは困難であっても、自らの思考を深めることは独自性を追求する
ことに直結するはずである。

都市における植物や自然と人工物の関係などを常方を問いたいと言う。今回の「錯覚の生」では、植物に輸血がなされる設定で作品が組まれている。
擬人化された植物に、赤い水溶液が血液に見立てられることで「生かされている生命」を表現している。それをあくまでも主体的に生きていると錯覚する我々人間のイメージと重ねることで、大都市の中で、この植物のように我々は生かされているのだとメッセージを送る。石川の創作のベースになっているのは草月流の生け花で、その技量に裏打ちされた作品はきちんとした形になっていて完成度が高い。視覚的にも印象的であるし、わか
りやすいメッセージというのは芸術分野に留まらず、彼女に広く活躍の場を与えることになるだろう。

しかし、やはり気になるのが、石川の制作の原動

ける人間の生や都市と自然との関係などという問れてきた。このようなテーマから展開する問題意
識は、作品にわかりやすいメッセージを付与する
が、同時に堅固な考察に裏付けられていないと表面的で薄っぺらな印象を与えかねない。社会、自然、都市、人工、人間、生命について問題意識を持つのであれば、それらをより深く考察する必要がある。技術があり、そこに思考が伴えば、問題意識をもった作品はますます力強いものになるはずである。

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第5期 文＝米田尚輝［よねだ・なおき／国立新美術館研究員］
大人倫菜「ドローイングルーム」

野島良太「絵くんと絵さんが絵しても絵はできない」

p.041

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《Drawing Room》と題された大人倫菜のインスタのコラージュは、大人の「世界地図」を構築して野島良太の絵画には、しばしば人物形象が現れる。

いう点においてはピカソが取り組んだ問題、すなトによって構成され、一階と二階のフロアを跨いりの地理的（＝現実的）な地図を指し示すこともが進められるのではなく、むしろそれらは絵画に題を野島も引き継いでいる。非＝形象化の不可能

レーションは、主としてファウンド・オブジェクで展示された。Drawing Room、すなわちそこは応接間でありドローイングを行う部屋でもある。
そこは客人（＝鑑賞者）を迎え入れるための歓待と、主人（＝作家）がドローイングを行う創造とを兼ね備えた場である。インスタレーションの構造は、大人の言葉に従えば、一階が作家本人の「外いる。これらイメージが想起する地図は、文字通
あれば、作家の内面の地図を描く（＝ Drawing）
こともある。総じて、作品の構想はうまく体現されていたように思うが、イメージにせよリアリティにせよこれら二つの概念はきわめて多義的で深淵なものなので、さらなる追求が可能であろう。

面」として、そして二階の部分は「内面」として写実的な人物形象をラディカルに歪曲して抽象化

わち顔として認識しないことの不可能性という問

あらかじめ与えられた要素であるかのようだ。野性とでもいうべきこの課題それ自体はきわめて興島は「男と女」というクラシックなモティーフを味深いもので、意識的であれ無意識的であれ画家採用しているが、アンリ・マチスやパブロ・ピカには引き受け続けて欲しい。この問題機制は、何ソがしばしば取り上げた同様のモティーフにおいらかのエッセンスを引き出す（＝抽象）という抽てに現れる、見る者と見られる者、描く者と描か

象絵画における本源的な営みを問い直す際にいまれる者といった、二項的権力構造は見いだされな

なお有効なものとしてあり続けているだろう。

い。《男と女》は主として二色の色面で構成されて設計されている。確かに、建物の一階の展示室のおり、画面にはしばしば二つの黒い点が置かれて入り口に掛けられた小ぶりなサイズの風景画は、あいる。今回の展示ではそれらを複数同時に見せる

たかも玄関口に飾られる家を想起させる。また、室という方法が採用されているが、空間の使用法と内と室外の境界に存在する物質である洗濯物が、してではなく、この方法が「複数性」を暗示して一階（＝外面）と二階（＝内面）を繋ぐ階段に設いることのほうが興味深い。野島の抽象的カン

置されていることは、作品の構想をよく体現してヴァスにしばしば置かれる二つ黒い点は、観者にいるだろう。他方、文学的テキストの断片、ある避けがたく顔貌性を想起させるものだ。このシいは大人が訪れた場所のドローイングによる壁面

リーズに顕著に見いだされるように、顔の表象と第6期 文＝椿 玲子［つばき・れいこ／森美術館アソシエイト・キュレーター］
木浦奈津子「過ぎゆく景色」

渡邊拓也「作った（られた）ものから考える。」

p.041

鹿児島を基盤に活動する木浦奈津子が選択する風法を破壊するような仕方で色面が平坦に塗られて《道具と作ることのインスタレーション -case1-》

レーの粘土と潰れた空き缶によって再現されていした写真に基づいて描かれた絵画群は、風景の細景（＝写真に切り取られたイメージ）を精緻に描ような赤茶けた陶土で再現され、考古学的遺物の変換され、かつ実際に圧力を掛けられて凹んだ空景は、きわめて日常的で平凡なものだ。自ら撮影部を緻密に描写するのではなく、風景の瞬間を切断したかのような画面に仕上げられている。写真を基に絵を描くという営みは決して珍しいものではないが、木浦は写真におけるスナップショットに近い仕方を絵画において探求しているようだ。
何ら特別な要素を含まない凡庸な風景は、写真から絵画へ翻訳されるに際して、絵具のマチエールと色彩の自律化によって新たな相貌を示して立ち現れる。木浦自身が言うように、絵具の物質性と色彩体系の解放という点において、彼女の絵画は

19 世紀フランスの印象派の画家たちを想起させるかもしれない。しかし印象派とは異なって、画面には自然の力動感や生命力というよりも、静寂な雰囲気を醸し出している。これは、人物形象が一色で塗りつぶされていることや、風景描写の遠近いることに起因する。こうすることで、目前の風き上げるというよりも、イメージを圧縮（＝抽象）することに成功している。こうした圧縮の方法は、ジョルジョ・モランディやリチャード・ディーベ
ンコーンの営みと通底するかもしれない。こうした先例の作品群を分析することで、同じ方法で描いて行くにせよ、結果として作品にさらなる幅がでてくるのではないかと思う。

では、渡邊の回りのありとあらゆる道具が土器のように並んでいる。人間が作るものは土偶も含めて全て道具であることは、同時に日本的なアニミ
ズムにも繋がるだろう。同時に、近未来には、現代の道具類も遺物として博物館に収蔵され得るかもしれないことを想起させる。

《ノベルティ（防護服）》では、1930 年代から瀬戸でアメリカへの輸出目的のためにマイセン人形を模して製造されていたセト・ノベルティの歴史と、
アメリカとの関係の中で建てられた 54 基もの原子力発電所の存在が重ねられている。防御服の大変精巧にできたノベルティ・ドール達は、不釣り合
いに装飾された台上で危うい均衡を保ち、私たちに警鐘を鳴らすようだ。

《グレーシリーズ「事故現場画像」》では、テレビやネット上の様々な交通事故現場の模型がグる。事故というイメージは、物質的なオブジェにき缶という現実と重なり合い、様々なレベルの現実を提示する。

このように、渡邊拓也の作品には、人間の表現手法の中でも古くから存在する「陶」というメディ
アへの問い掛けが伺えるが、同時にその問い掛け
が文化人類学的、社会学的な視点を持つことで、現代社会への問い掛けとなる。すでに社会に疑問を呈するやり方を確立しつつある故に、今後は「陶」にこだわらずに表現の幅を広げても良いのではないか。

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第7期 文＝安田篤生［やすだ・あつお／原美術館副館長、学芸統括］
北村拓之「Desire/Fixation」

朴 ジヘ「Freezing love」

p.042

p.043

北村拓之の木炭画では、裸の人間から不思議な生やぶくぶくと太った胴体と二本脚からなる《抱擁》吹き抜け二層の展示空間を埋め尽くすインスタ

作は北村にとって自らのアイデンティティを探求が擬人化された《Eye Fist Tongue》は、「私」がえるほどである（作品のよしあしとは別に、もう物までが、時には部分のみで描き出されている。制し、それを形として残す作業として行われているという。

作家のアイデンティティとの格闘を感じさせるのは、自らの顔型を石膏で取っている《Desire》、仮
面を被った《Breath》、仮面を抱えた《見る男》、横

顔を見せる《地に対する》、顔を布で隠した人間が光と向かい合う《丘の上》などであろう。顔が巨大な手鏡と化したような《面影》は、人の存在が記憶とリンクすることを暗示する。

一見して人間ではないものの、その筋肉や肉の質である。目と拳と舌、すなわち視覚、触覚、味覚
現実を捉えるために必要な最小限の感覚を象徴する。

あくまでも「自分」から出発した作品群でありながら、荒唐無稽でありつつ独特の因果関係を示す
ストーリーは、神話的な要素をも感じさせるのが印象的である。ただし、「自分」をよりよく把握するためにも、現代社会において表現する意味について、もう少し考えてみてもよいのではないかと感じた。

感によって身体性や生命をより強く表現している

れ、あるいは置かれている。しかも頭部はなく、中にはトルソ（胴体のみ）もある。女性型もあれば男性型もある。まさに精肉工場を思わせる光景。
グロテスクさが感じられないのは、人型が空気で富み、同時に、風景と言うよりも舞台装置を思わ

郎は、4 年前のシンガポール留学と東南アジア体

頭の画家が戸惑いながらも西洋油彩画の手法を取り入れて行ったことに共感を覚えるのであれば、現代のグローバルな現代美術界における絵画の手法についてもっと学び、考えてみても良いのではないだろうかと感じた。

せる、いわばレイヤーが重なったような絵画空間である。あわせて配置されるのは、対照的に小さな絵（しばしば粗いジュート布に描かれる）の数々と、素朴な（と敢えて言う）木彫や陶芸の小品がこれも多数。福本健一郎は「景色」というキーワー

ドを挙げているが、与えられた決して広くはない
展示スペースを埋める大小様々な作品が作り出す《景色》には、どこか心地よさが漂う。それは、アー

腰を折り曲げて地面に手を付いている。
《ウェイト

き合っているからだろうか。絵画から出発しなが緑色の人物は宇宙人にしか見えないシュールさを醸し出している。また《個室》、《滑り台》、《左右に架かる橋》などは、油彩の皮膚としての物質感

こ か も ど か し さ が つ き ま と う 一 方 で、 題 名 の「Freezing」とはうらはらに、混沌の中に熱量を感

日常から世界を眺める視点が伺える。黒河が、敬雨林の風景なのか、色彩豊かで象徴性と比喩性に

例えば、《洗濯》では、黄緑色の屋根のようにも見たそうだが、デフォルメされて首が折れたようながらその内容を見られないディスクのように、どようにでも作ることができる。だからこそ、自分愛する海老原喜之助、小出楢重といった 20 世紀初

レス》は面白いポーズをする友人をモデルに描いいないのだろうか。
《生と死》
《記憶》
《欲望》─

様々な言葉が鑑賞者の頭をよぎる。そこにありな

美術館スケールの 2 点の巨大な絵画。それは熱帯

ジや記憶の中に立ちあがるイメージという「現実える洗濯物の下に不思議に長い身体を持つ人物が型の記憶であろうか。あるいは何も書き込まれてティストが表現行為としての《造形》の根本に向ら《門外》の陶芸にも手を伸ばし、画材・素材と触れることを通して─まさに素材を《メディア＝媒介》として自分と他者・個と世界の関係を確認しようとしている。21 世紀になった今、絵画はどのようにでも描くことができるし、彫刻はどのの《造形》を手に入れることは難しい。福本健一
験がその意味で大きいと語るが、単にトロピカルなモチーフと色彩を選ぶというのではない。むしろ今回の新作絵画には日本的な《かたち》の参照
さえうかがえる。おそらく、《美術》
《工芸》
《民

芸》
《装飾》の様々な《造形》の中から自分の《かたち》《イメージ》を見つけようとしているのだろう─事実、小品の中には花瓶といった《用の形》もある。この次はどのような《景色》が創り出されるのか、興味を引かれるところである。

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フレームとともに、たくさんの人型が吊り下げらのだろうか。書き込まれているとすれば、この人のみが現実であるほどに、抽象化されている。

「畳からの眺め」というタイトルには、日本社会ののに最適だと感じたからだという。

肉工場のそれであろう。階下では、単管で組んだ

p.043

名を観ても判然としない、その構図と色彩の奔放のある皮膚に近い素材が、リアリティを表現する

さっている。ディスクには何が書き込まれているジ」と言うことだが、家庭用のそれではなく、精頭部には刃物のようにディスクが何枚も突き刺

福本健一郎「夢の中へ」

p.042に因る。油彩を選んだ理由として、半透明で滑り

ションは、朴ジヘ自身の言葉では「冷蔵庫のイメーう）。「Freezing Love」と題されたインスタレーされる。チューブは連続あるいは循環しているの

黒河 希「畳からの眺め」

一つのリアリティ」と呼べるものを作り出すこと「Love」なのだから愛の巣なのかと思えば、その転車の車輪や、ディスク（CD）があちこちに配置

筋肉》、三本指のある掌が擬人化された《トルソ》

ル」に表現するために形を選び、色を重ね、「もうかれ、その中でついに人型の頭部と遭遇する。

少し鑑賞者が入りやすいようにするべきだとは思ランダムに這い回り、デュシャンを想起させる自踏みとどまる人体》、空洞を孕んだ肉塊の《寂しい（リアリティ）」を出発点に、それらをより「リア上がると、カラフルなテントが隠れ家のように置その中に、空調ダクトのような銀色のチューブがを捩りつつ不均衡な四肢を持つ怪物《四本の足でさであろう。それは、作家自身が実際に観たイメー

か、チューブの後を辿るように螺旋階段で階上に膨らませるタイプで無機的な質感だからだろうか。 じる作品である。

のは、肉の塊のような《置き土産》、角の生えた頭黒河希の絵画の特徴は、何が描かれているのか題

レーション。それは鑑賞者の進入を拒むのかと思

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OS-XX ～都市未来のオペレーション・システムへの序章～

大岩雄典「わたしはこれらを展示できてうれしいし、あなたはこれらを見てうれしく、これらは展示されてうれしい」
p.43
長い饒舌な題名の印象とはやや違い、大岩雄典のターは、展示されているモノたちである。モノたれ、朴ジヘのインスタレーションとは好対照であモアに富んでいて一気に読んでしまう。あるいはインスタレーションは様々な小さな断片で構成さる。構成要素は雑多である。水槽と電球。英語で書かれた注意の標識。ビデオをループするモニ
ター。扇風機。ゴディバの包み紙、等々。ひとつひとつを確認していくうちに、壁や床の随所に貼られた黄色いマスキングテープの断片に気づく。
職業柄、それは作品の設置位置を決めるための目

RE V I E W

ちが人間のように会話することも面白いが、ユー
アーティストが事前に提出した展示計画資料では《犯行現場》という表現もあったのだが、これはひ

とつの探偵小説的な《ゲーム》の場でもあるのだ
ろうか。鑑賞者は、インスタレーションの多様なピース＝証拠から犯行＝作者の物語を再構成する

サイバネティック・アーバニズム
文＝小渕祐介［おぶち・ゆうすけ／東京大学准教授］

2015 年の「OS-XX」展では、東京大学建築

えることであり、「素材」が変換され、循環小渕研究室で 5 年間にわたって行った研究でした。私たち T_ADS では、建築のデザイ

学専攻 Advanced Design Studies（T_ADS）
課題「サイバネティック・アーバニズム
Cybernetic Urbanism」で作成した 15 のプ

ように仕向けられているのだろうか。このインスロジェクトを紹介しました。

というと、ピースのひとつである《戯曲》の面白的は、「都市」における「建築」「ゴミ」「資の《舞台》（あるいは犯行現場？）に期待したい。

です。通常のリサイクルの目的は、｢ゴミ｣タレーションが探偵小説的（？）に優れているか

サイバネティック・アーバニズムの主な目終わったら剥がしてしまうものである。もちろん、 さに比べれば、いささかもどかしいものはある。次源」のあり方と可能性について考えること

印のテープだと理解するのだが（演劇などでは「バミる」と言うのだろうか）、普通なら作品の展示が意図的にテープは残されている。ここでは《展示》の空間が、作者と鑑賞者による《演劇＝ Play ＝遊戯》の空間として意図されているのだろうか。実際のところ、インスタレーションの構成要素のひとつとして、壁にプリントされた短い《戯曲》が貼られている。その中で寸劇を演じるキャラク

p.052

し続けるデザインの可能性を紹介することンを単体の箱でなく、都市のエコシステム
である素材循環の一環と考えることによって、持続性のある都市システムのアイディアを議論していきたいと思っています。

を効果的に ｢資源｣ に戻し再利用することですが、私たちの研究では、「ゴミ」と「資源」を単に循環させることではなく、その二極端の間にたくさんの「消費／生産」の関係性を作り出すことを目標にしました。
これまでの「スクラップ＆ビルド」によって建築が最終的に都市のゴミ、または単なる資源になるのではなく、都市を流通する
続けるネットワークをデザインすることを目指しました。

展示した 15 のプロジェクトは生活の中で消費されるモノの頻度を軸にして、
「日」
、
「月」
、

「年」の 3 つのカテゴリーに構成しました。
「日」のプロジェクトの素材はリサイクル割
り箸、使用済みコーヒー、下水、「月」の素｜
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材は汚染された土壌、美容室で集められた
髪の毛、段ボール、「年」の素材は竹、汚染116

イルをどのようにネットワークするかを考された川、海に漏れた原油でした。各プロ
ジェクトの素材の新しい使い方をポスターにまとめ、論文、模型そしてビデオとともに紹介しました。この展示の目標は、都市が生み出す「素材」と私たちのライフスタ｜
OS-XX -Prelude to the operating systems of the future city

素材の循環の一部として、素材が変換され

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クリエーター・イン・レジデンス・プログラム
別の社会のためにスリリングなノマドたち

文＝田中功起［たなか・こおき／アーティスト］

文＝建畠 晢［たてはた・あきら／詩人、美術評論家、多摩美術大学学長、埼玉県立近代美術館館長］

もしこの社会がクリエイティブであらねばならないという要請のもとに隅々まで管理されたとしたらどうなるだろうか。

ぼくたちの日常は消費の欲望に満ちている。
目にするこの世界はどこまで行っても洗練されたデザインに覆われ、ぼくたちは常にそのデザインされたものに見合った何かを購入し身につけ行動するようにその欲望さ
えも方向付けられている。この社会では、ひとはまず消費者として生まれる。

新しい社会の仕組みが考えられはじめている。消費者としてのぼくたちは、2020 年の東京オリンピックに向けて、さらにもうひとつの役割を与えられようとしている。ぼくたちが担うべき役割はクリエーター（創造者もしくはアーティスト＝芸術家）であるということ。東京都による「東京文化ビであると同時に「芸術家（創造者）」として存在するように求められている。「東京は、一人ひとりが芸術家であり鑑賞者＝消費者でもあるという歴史を持っている。
」（「東京

文化ビジョン」概要版より。またその節には、明治期以降の華道や茶道を行う人口の増加、市民の創作活動が活発であること、ア
ニメや漫画が庶民の生活から生まれたもの
であることが、その理由として上げられているが、それは理由になるだろうか）。ぼくような社会。

しかし消費者と鑑賞者と芸術家を同じ位置に置く、この世界観は少しおかしい。創造性のカニバリズム。自己完結的な創作活動。
ここで目指されている世界観には、批評の原理が消されている。創造者、芸術家のもっとも過酷な部分のひとつは、批評にさらされるということである。賞賛されることに比してより多くの場合、むしろ作品はあら探しをされ、批判され、否定されるだろう。作られたものが、作った人びとによって消費されるとすれば、そこに批評の入り日本における美術館制度のひな型がまがりしたアーティストによる「リターン・トゥ」

アーティスト・イン・レジデンス（AIR）

花崎 草）のように海外での成果を紹介する

なりにも 1950 年代に整えられたのに対し、の方は 40 年程も遅れて登場しきてきた。私も企画に関わった多摩地区の「TAMA らい
こう し

ふ 21」
（1993 年）は東京における嚆矢となる試みのはずだったが、恒常的な施設であったにもかかわらず存続することはできなかった。1 年後にスタートした茨城県のアーカ

ススタジオがきちんとした活動を維持しえていることと比較するなら、専門的な関心とスキルをもったスタッフが常駐することが絶対条件であるに違いない。

込む余地はない。そうやってできあがった

その点でいえば 21 世紀になってスタートし

そもクリエイティビティとは無縁の、自己も活動内容においても、きわめて充実してものがいくら増えていったとしても、そも完結した「ビジョン」しか提示しないだろう。ウロボロスの蛇のように、自らを自らで食べ尽くすような社会。他者の批評／意見を排除し、自閉した世界。批評され、解体され、それでも再び作られるような、そんな厳しいプロセスは、オリンピックに向けたこの日本においてもはや必要ないのだ
ろうか。

たトーキョーワンダーサイトは、規模的にいるといいうる。それも AIR の標準的なありかたではなく、むしろかなりユニークなバイタリティーにあふれた施設なのである。
都心にスペースを持ち企画力に富んだイベントを開催し続けていることもあるが、なによりも評価されるべきなのはスタッフの方々が海外各地の AIR との緊密な情報網を構築し、幾つもの二国間プロジェクト、つまり受け入ればかりではなく派遣をも含めたアーティストの相互交流事業を展開していることであろう。

たちは鑑賞し（消費し）、作る。作り、鑑賞

ここ 2 年、私は海外への派遣と受け入れの数のアノニマスな創作活動とその消費に満のアーティストの注目度は高いが、それは（消費）する。確かにぼくたちの社会は、無ちている。インターネットが無名の創作活
動を可視化したように。そこにはもちろん理想主義的な響きがある。すべての人びと

アーティストの選定に携わってきた。若手登竜門として注目されていることに加えて、この春にトーキョーワンダーサイト本郷で開催されたベルリンやマドリードから帰還

展（キュンチョメ、地主麻衣子、谷中祐輔、機会が設けられていることもある。

2016 年度、派遣アーティストに選ばれたのは 8 人で、たとえば山田健二は新潟の豪雪地帯で法外な大きさの「雪室宿」や、別府の進駐軍が残した古代遺跡のような地下道を調査した「別府地熱学消化器美術館」な

ど不思議なプロジェクトを実現してきたが、今回はロンドンの元刑務所の地下道を探査するという。ノマド的といいうるそのスタ
ンスは、まさに AIR の申し子というべきであろう。

大和田俊はベルリンで「フズリナ石灰化石岩」なるものを素材にした音のインスタレー
ションを企画している。おびただしい量の太古の生物の化石を床に配し、そこに薬剤を垂らし二酸化炭素が発生する化学反応で、
2 億 5 千年前の音を聞かせるというプロジェ
クトである。

今回も、こうしたスリリングな挑戦をする
アーティストたちを見い出せたことを喜びたい。

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Creator-in-Residence Program｜
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8ジョン」概要版によればぼくたちは消費者がクリエイティブで、アーティストである

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レジデンスでの体験

どちらのものでもなく、どちらのものでもある

文＝小沢 剛［おざわ・つよし／美術家、東京藝術大学准教授］

文＝杉田 敦［すぎた・あつし／美術評論家、女子美術大学教授］

私は 2013年の 8～ 9月にトーキョーワンダー

アトリエを与えられ、連日孤独と向かい合

複雑な想いに囚われている。レジデンスの一方、審査する側の一方的な期待も、ある芸術大学に滞在し、制作をした。過去の経務局に頼る必要もなく、画材屋で手に入る解消できない想いを抱いている。もちろん、しろそれをはなから放棄するようなアーティ

サイトのレジデンスプログラムでロンドン
験から考えるとアーティスト・イン・レジ
デンス（以下、AIR）は比較的若い作家を対象にしている印象だ。すでに若くもなく作家としてのキャリアを重ねてしまった自分としては、いささか気が引けなくもなかった。しかし、私には 2 つの明確な目的があった。一つは美術学校内のレジデンスが興味深かったこと。もう一つは日本から遠く離れたヨーロッパで制作する必要があったからだ。

2012 年から大学の教員となったこともあり、多くの有名作家を生み出した海外の美術大学のシステムや環境をじっくり体験してみたいと思った。特に、学校の構造だが、町との融合を図る開放的な広場を中心に設計されつつも、安全な環境に大変配慮できた
セキュリティーシステムだった。ちょうど卒業展の時期だったので、学生の作品を見るだけでなく、その運営のシステムを教授らから聞くことが出来た。

一方、今回の滞在制作内容はペインティン
グと写真撮影で、エルフリーデ・イェリネ
クというオーストリアの作家の戯曲『光のない。
』を元に制作するものだった。家からもほとんど出ることのない彼女が福島の震災をテーマに描き上げたものだ。私は今回の作品のために切実なほどに日本と距離を置いて作品を作る必要があった。震災からわずか 2 年後の心の落ち着かないあの頃には、自分が制作するためにはとても必要なことだったと思っていた。程よい大きさのいながら制作に集中できた。必要な物は事し、レジデンスの施設やスタジオの不具合があれば設備の担当者が迅速に解決してく
れ、ストレスの溜まることもなかった。卒
業展のツアーに参加し、担当教官による作品解説を他のゲストと共に聞いた。それは僕と同様海外から一時滞在の作家やキュレーターや、批評家や企業の人達だった。
教員が自分の言葉で責任をもって直接言葉で語りかける態度は、まさに学校という場と社会をつなぐ役割をしている。

また、レジデンス作家のミッションとして講義室でトークをした。その後、数人にス
タジオに来てもらい、作品解説をして、意見交換をした。帰国が迫った頃、一人ぐら
いはロンドンのアート関係者にスタジオ訪問してもらおうと思い、旧知のキュレーター
に声をかけてみた。なんと今は学校の隣の美術館、テート・ブリテンにいることがわかった。

こうして長くもない滞在を終えた。自分に果たした目標はおおむね達成でき、満足の行く結果となった。なかなか思うように時
間やりくりが出来ない自分には、この非日常のような日常を送れるシステムは大変重要と思っている。現在世界中たいへん多くの国に様々な AIR がある。日本の作家たちは意欲的に参加し、アートを介しての交流をして文化の交換をしてもらいたいと思う。
それはどんな政治家にも商人にも出来ないことだからだ。

審査に関わるようになってから、どうにもこれまでにもレジデンスのプログラムに関連する発表や報告に接する機会はあったし、レジデンスの機会を得た知り合いのアー
ティストから、終了後に意見を聞くこともあった。しかしそのとき、特別な違和感を抱くということはほとんどなかったと記憶している。ただ、いまになって思い返してみると、そうした折に、レジデンスの実施地に対して、そこでなくてはというある種の必然性や、そこならではという固有性を、
そもそもそう強く期待することがなく、ある種の方便としてそうした体をなしていたとしても、実態としてそのような意識に基づくものと出合うこともまたほとんどなかった。レジデンスを終えたアーティストが、心意味ではきわめて常識的なものに過ぎず、むストの姿勢に、欺瞞や怠惰を認めることも難しいことではない。しかしおそらくこれ
は、どちらか一方を矯正するべきだというような解決に収束させてはならない問題なのだ。選考する側は社会資本の提供に対して一種の責任を求め、一方アーティストは、制度化に抗うために既存の基準を裏切り続ける。レジデンスプログラムは、実施する側のものでもなければ、それを利用する側のものでもない。それが両者のものであり続けることに健全さを見るならば、この隔たりと、そしてそれがもたらす複雑な想いに向き合うことこそに、レジデンスが秘める本来の意味があるのかもしれないのだ。

情を漏らすような場合、必然性や固有性について言及するようなことがあればむしろ特殊なことだった。もちろんそこでの経験が、得難いものとして、彼女や彼のその後に大きく影響することがあったとしても、それは滞在中の生活による場合が多く、かの地での芸術表現の実践過程における相互作
用が何かをもたらすということはきわめて稀なことだ。しかし一方、審査においては、
そのいわばほとんど顕現することのない作
用への意識を強く求めることになる。この
埋めようのない隔たりは、一体どこからくるものなのだろうか。アーティストたちの声を正直な心情の吐露だと考えれば、当然、審査する側の期待は分が悪い。硬直した、紋切り型の、表面を取り繕ったものだと感じられるのは仕方のないことだ。けれども｜Creator-in-Residence Program｜
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トーキョー・エクスペリメンタル・フェスティバル Vol.10

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p.087「実験的な場」の創造へ期待することコンセプトは「いいもの」か「わるもの」か？ ―T EF の10年間―

一柳 慧［いちやなぎ・とし／作曲家、ピアニスト］「トーキョー・エクスペリメンタル・フェス

な力を持つこと、何かに寄りかかるのでは

この 10 年間、トーキョー・エクスペリメンではない。しかしコンセプトが語れないのは翌年度の第 2 回から審査員を務めている。

判精神を期待している。そういった意味でいう立場から見てきたわけだが、このフェ

どうも音楽界においては、コンセプト、とティバル（TEF）」は 2006 年度に始まり、私TEF は当初、若い音楽家たちが現代音楽を発表する場であったが、やがて「実験的な場の創出」を掲げ、あらゆるサウンドを扱う表現全般に門戸を広げるようになった。
それまで日本にはなかった価値ある事業だ

なく、社会と相互浸透するような表現と批も、TEF の審査をするなかで興味を惹かれたのは、洗練された表現技術の卓越性よりも、内在する哲学的、思考的な部分であり、その具体的な行動だった筈である。

と言える。

これまでトーキョーワンダーサイト（TWS）

また 1960 年代の日本でも、音楽や美術と由な環境を提供してきたと思う。多分野の

かつて私が経験した 1950 年代のアメリカ、
いった分野を超えた、多様な実験が試みられていた。それは現在の若手アーティスト、そこに集う観客を含め、半世紀前とは当然異なる。それらを比較してみると一言では表せないが、当時のアーティストはハング
リー精神や夢にあふれ、勇気をもって先の社会を見据えた実験的な挑戦を行っていた。
またそうした公演に足を運ぶ観客は参加意識が高く、公演後に意見を述べたり、出演者と議論したりする活発さがあった。戦時の苛酷な精神的抑圧から開放され、自由や理想への渇望が強かったからであろう。

対して現在の社会では、文化芸術を取り巻く状況が大きく変化し科学技術の進歩や情報ネットワークの向上に、芸術は拮抗する

はどの事業もさまざまな分野に開かれた、自専門家によるトーク・イベントなどの取り

組みは、ぜひ続けていくべきだろう。また、
かつて TEF はレジデンス事業や「インターナショナル・アンサンブル・モデルン & トー
キョーワンダーサイト アカデミー」など他の音楽事業とも連携していた。国内外のアーティストが交流したり、海外からの参加者がイベントに集まるような状況は半世紀前には見られなかった点であり、このよ
うな状況が TWS ならではの良い環境をつく

り出してきた。これからも、アーティストに刺激や影響を与えるような事業が展開し続けることを期待している。（構成＝佐藤恵美）

タル・フェスティバル（TEF）を審査員とスティバルはまさにトーキョーワンダーサ
イト（TWS）の理念である「若手育成」「国際交流」「実験支援」をそのまま凝縮したよ

言葉で音楽を説明すること自体が不純だとン、あるいは身体を張ったパフォーマンス
等が、かなりデジタルに分離してしまった

覚えがある。しかし、回を重ねるにつれて、これらは徐々に接近・融合して TEF でしか触れることのできない作品が産みだされたように思う。

また、これに比例するようにしてヨーロッパ、アジア、南北アメリカを含む幅広い国から応募が来るようになった。全く異なったバックグラウンドを持つ人々のプロポー
ザルを英語で読み、スカイプで面接をするのは難儀だったが、優秀な TWS スタッフが助けてくれたおかげで、毎回新鮮な感覚で審査に臨むことができた。日本において、これくらい開かれたコンペティションはほと

んどないはずで、この点でも TEF はその実績を誇ってよいはずだ。

わる日本のアーティストの言葉が、少なかたる思いもあった。というのも、音楽に関らぬ確率で貧しいように感じられたからだ。

がある。社会の組織化が一層強まるなか、「音楽」寄りになればなるほど、その傾向はのではないだろうか。アーティスト個々人

ンのようにプレゼンが見事だったり、科学にはそれらを打ち破っていくだけの内在的

実際、「コンセプトばかりでは仕方ない」

現代音楽の演奏会、音響インスタレーショ

開始当初はこちらも応募者も手探り状態で、の運営側をはじめ、社会全体としての自由

個人の行動範囲も、より制約を受けているいつき」のように捉えられがちな気がする。
「コンセプトではなく音が大事」みたいなこ

一方、音楽学者、音楽批評家としては忸怩

度や許容度が低くなっていると感じるこというとマーケティングあるいは外付けの「思うな感があった。

立場を確立するよりも、むしろ追いつめられてきている。さらにアーティストや事業では審査はできない。

強かったように思う。もちろんセールスマ者のように論理的でなければいけないわけとをあちこちで聞いたりするし、そもそも思われているふしさえある。

しかしそれは間違っている。実験的であろ
うとすれば、先進的であろうとすれば、独創的であろうとすれば、自分の営みを客観的に眺めて、この世界の中に位置づける必要がある。単なる意志ではなく、感情でもなく、惰性でもなく冷静に自分を定位すること。それこそがコンセプトに他ならない。
そして幸か不幸か、おそらく、それは言葉の力を借りないとできないことなのだ。

このことに気づいてから、審査に際しても応募者の言葉に格別の注意を払ってきたつ

もりだが、まだまだこの点では悔いが残る。
今後も、音楽界に身を置く一人として、コンセプトと言葉の必要性をさらに訴えていかなければならない。

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文＝沼野雄司［ぬまの・ゆうじ／音楽学者、桐朋学園大学教授］

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新しい表現のための試行としての実験

まだ見ぬ新しい芸術の「かたち」のために

文＝畠中 実［はたなか・みのる／ NTTインターコミュニケーション・センター［ICC］主任学芸員］

文＝毛利嘉孝［もうり・よしたか／社会学者、東京藝術大学准教授］

もともと現代音楽を対象にした公募企画と自とする音楽家たち、音や映像を駆使した

たとえば「音楽」というカテゴリーは、そとりわけ、パフォーマンス部門において「音の企画名）が、これまでの現代音楽を対象

応募者の傾向は劇的に変化したように思い知っている音楽の形式、たとえばコンサー

じ込めず、広い意味での時間芸術として位して実施されていた「音楽企画公募」（当時とした公演だけではなく、即興音楽、民族音楽、電子音楽、ノイズ、サウンド・アー
トといった隣接するジャンルへも、その対象領域を拡張することになったということで審査員の話をいただきました。私は第 3回からの参加になります。この公募企画に美術を出自とするパフォーマンスなどへと、ます。第 8 回目以降は、サウンド・インス
タレーション部門を新設、これまでを引き継ぎつつ、パフォーマンス部門には演劇やダンス、メディア・アートなどの多様なジャンルから応募されるようになりました。

ついては第 1 回から知っていて、でも現代

このように、フレームを逸脱してしまう、ゆワンダーサイトで現代音楽の企画をやってのための試行としての実験を、国内だけで美術の施設という印象があったトーキョー
いたということで印象に残っていました。
その入選公演のラインナップを見て感じた
ことは、企画者たちの応募するいくつかの意欲的な企画は、取り上げる作品を現代音楽という枠の中に収めてしまうことの物足
りなさ、現代音楽というジャンル自体を閉じたものとしてしまうことへのリアクショ

ンのようなものに思えたということでした。
現代音楽は、その手法をひとつの理念のよ
うに研ぎすませ構築してきた表現である一方、芸術にとどまらない同時代の出来事から影響を受けて多様に変化・解体してきた表現でもあります。第 4 回目以降の「EX-PERIMENTAL SOUND, ART & PERFOR-

MANCE FESTIVAL」という命名は、そうしたことから必然的に、音楽やその周辺の音を扱った表現を出発点とした同時代の実験的な表現を並列的に対象とすることを表していました。それによって、まだ名付けられていないような、あるジャンルに分類できないがゆえに発表する機会のなかったような音楽や、コンサートホールのような場所を飛び出してきたような現代音楽を出えに居場所のない、あるいは、新しい表現はなく国外も対象に支援してきたことは、これほど自明のものではない。現在私たちがトやライブ、CD やデータなどの音源など
は、私たちの属している時代の社会的、経済的、技術的条件の制限の下で歴史的に形成されてきたものだ。21 世紀に入り、政治

経済、社会、そしてメディアテクノロジー

す。そして、企画名に冠された「実験」という言葉が、ずっとこの企画の大きな指標となっていたと思います。それは、オルタ
ナティヴであることでもあり、この道以外の可能性を選択できる方法をつねに持っていられるかということだと思います。それは、これからもっと重要なことになっていくような気がしています。

評価すべきだろう。

国内だけではなく国際的なネットワークのく再編成されているのだ。

もその変化をなんとかして捉えようという可能性としては残されているように思いま

間的な実践を導入しようとしたことは高くい。「芸術」と呼ばれた営為すべてが今大き

応募者同士の横断的なシーン形成や、入選
トへとどうつなげるかといったことはまだ部門において「音楽」の領域に積極的に空まだ形をとってない未来の芸術を作り出し変容している。これは、「音楽」だけではな

トーキョー・エクスペリメンタル・フェス

公演以降の機会の提供など、活動のサポー

置づけ直した一方で、インスタレーションが劇的に変化する中で、音楽もまた大きくの企画の独自性だと言えます。その上で、応募作品のヴァリエーションの増加に伴う楽」を単なる作曲や演奏など狭い意味に閉

ティバル（以下、TEF）の意義は、何より試みだったことだろう。それは、しばしば自明とされていた「音楽」や「芸術」という枠組みを再検討し、時に解体し、新しい芸術の「かたち」を生み出そうとしたプロジェクトだったのだ。

TEF の公募企画の審査員として興味深かったのは、公募作品の多様性であり、領域横断性である。その中には、音楽ともインス
タレーションとも演劇ともパフォーマンス
ともつかない混然とした企画が多く含まれていたが、このメディウム（媒体）の領域

横断性は何よりも 21 世紀の芸術の一つの特徴である。TEF は、依然としてメディウム
によって分断されがちな芸術の領域において、現在の芸術の分類ではどのジャンルにも属さないかもしれないが、未来の芸術においては主流となるかもしれない新しい形式を生み出そうとしていた貴重な実験だった。

ているアーティストにとって、TEF は日本ハブだった。特に優秀作品に選ばれた作家が、その翌年さらにそのプロジェクトを進化させ、作品を発表するという仕組みは、審査員としてはプロジェクトの継続性と浸透を実感させる幸運な体験だった。10 年間の間に蓄積されたアーティスト、演奏家、パフォーマーたちの作品とそのネットワーク

は、トーキョーワンダーサイトはもちろん、東京という都市の貴重な財産である。この財産を元手としながら、これから新しい芸術の「かたち」が生成することを期待している。

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若手のための現代音楽企画ゼミ

p.098

他者への想像力が現代音楽をおもしろくする

なぜ今現代音楽企画ゼミが必要なのか

文＝楠瀬寿賀子［くすのせ・すがこ／公益財団法人せたがや文化財団音楽事業部］

文＝中川賢一［なかがわ・けんいち／ピアニスト、指揮者］「若手のための現代音楽企画ゼミ」の話を聞

受講者がけっこう多かったことも惜しまれ

私の活動の中で現代音楽の演奏も大きな部ているのだと思うからです。鳥のさえずり、

代音楽を含むクラシック音楽をより深く聴で考えたことを表現していくという意味で山の方に素晴らしい曲を聴いていただける

それが音楽かどうかは別として、耳がそのいてたいへん関心をもった。なぜなら、現き味わうためには、ワークショップなどによって音楽そのものを解きほぐしていくことが、聴き手にとってとても有効な手段だと、これまでの自身の経験をとおして考えるからだ。とくに現代音楽においては、その体験を経ることによって、単なる分析に留まらぬ、より「自由に」味わうための感覚が磨かれると実感している。

これは聴き手だけの効果ではない。演奏家
が作品を分析し、その魅力がどこにあるのかを、感覚的にだけではなく、言語化していくことは、演奏自体の説得力を増していく。

とはいえ、そう簡単ではない。今回、受講者の企画書を拝見してまず思ったのは、行なってみたいことはあっても、実際に行なっている状態を具体的に想像できていないということだった。たしかに、経験がなければそれらに意識がいかないのもしかたないが、再提出された企画書ではより実際を意識して改善されたものが増えたことからも、受け手への想像力の重要性が理解されたことがわかる。どのような人が体験し、どのような発見をして意識が変化していくのか、などを想像しながら企画を考えていくことを大いに楽しむ。これは演奏家自らのワー
クショップ体験と言ってもよいかもしれな

た。しかし、プレゼンテーションも頭の中は、ワークショップを行うこととまったく同じであり、それほどむずかしいことなのだということが実感できたと思う。お互いの企画書やプレゼンテーションを見合ったことも大いに参考になったと思うし、今後
もぜひ、ほかの演奏家や音楽以外のジャンルのワークショップに関心をもってほしい。
選考によってワークショップとコンサートを実施した企画、薬師寺典子の「『声の逆襲』̶声楽家キャシー・バーベリアンの革命̶」は、そういった中で抜きん出て可能性を感じさせるコンセプトと実効性をもったものであった。ワークショップの 4 回のブラッシュアップでは、回を追うごとに要素が整理され、密度の濃いものになり、より体験者側への想像力が深まり、実施への自信も高まって、その成長ぶりは期待以上であった。

また、今回は「現代音楽企画ゼミ」ではあ分を占めますが、常々どのようにしたら沢かを考えておりました。「現代音楽」の中でも特に 20 世紀半ばから後に作曲された作品

は、なかなか一般に広まることが難しいと言わざるをえません。

その中で特に後世に伝えたい曲を、現代音楽を聴く機会がない方々にどのようにお伝えすれば良いかを考えるのは、少なくとも現代音楽が好きで演奏している私にとって深く考えなくてはならない内容だと認識しておりました。

ベートーベンやワーグナー、マーラーなどの現在これぞクラシック音楽と言われている作曲家も、その時代では発想が先を行った過激なものであったので、当時の聴衆に奏を続けていくだけで良いのかと言うと、そ
また、現代音楽を聴くには、各々の作曲家の音楽的な言語を一から学ばなくてはならず、相当の時間と忍耐力が必要になると思われますが、言語と音楽では、多少事情が違うと私は思います。例えば、言語ではい。

「赤」と言ってしまうとかなり意味が特定さ

練り直された企画書をもとに行われた企画に基づいた空気の振動の集合体ではあるけ

プレゼンテーションでは、せっかくの企画
内容を効果的に魅力的に表現できていない段を使って沢山の方にご紹介していく、これがまさに今の現代音楽を演奏する人に必要となってくる能力ではないかと、私の活動の中で思うに至りました。

若い音楽家が、今という時代を深く見つめ、
今作られている、ないし我々に近い時代の作曲家の曲と深く語り合い、その言語を沢山の方に理解してもらえる様に咀嚼し、提示する、それがどれ位大変かという事も今回のゼミで少しは気づいて頂けたのではな
いでしょうか。

奏するのではなく、それがどの様な意味をことによって、後世に残って参りました。

ういうわけでもないと、私は感じています。

願っている。

その様な事を様々な手いながらも忍耐強き演奏家が度々演奏する

現代に至るまでのさまざまな音楽についてて自身の極める道を見つけてくださるようないでしょうか？

現在行っている、ないし行おうとしているした。それにも関わらず、その時代の少な

さて、では現代の音楽も同様に忍耐強く演も知見を深めながら、今回の経験も踏まえ中に心地よさを感じとったということではは受け入れてもらえなかったものがありまるが、これからの若手演奏家には、ひとつ
現代音楽の探求ばかりに向かうことなく、そよぐ風の音を心地よいと言う人がいたら、れてしまいますが、音楽はある程度の秩序
れども、その意味をそれなりに特定化、意味化させるのは聴衆各々にかなり委ねられ現代音楽の企画が、ただ演奏したいから演持って何を聴衆に伝えたいことなのか、言語化して他人に理解してもらわなくてはな
らない事が、非常にスキルを要することであり、また企画を受け入れてもらうためのプレゼンテーションの仕方如何で、その内容も全く正反対に受け取られる可能性もある事を気づけたのならば、今回のゼミに関わらせて頂いた私としては本望です。

若いからこそフレキシブルな発想で素晴ら
しいアイディアを持った現代音楽の企画が今回のゼミをきっかけに沢山出てくることをとても楽しみにしております。

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Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists｜
Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists
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第9回展覧会企画公募
高川和也「ASK THE SELF」講評

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p.100

p.103

エ☆ミリー吉元「バロン吉元の脈脈脈」講評「自分探し」ではなく「自己を問う」
こと

p.102

トーキョーワンダーサイト本郷で体験した外

文＝遠藤水城［えんどう・みずき／インディペンデント・キュレーター、HAPSエグゼクティブ・ディレクター］

文＝高山 明［たかやま・あきら／演出家、Port B 主宰］「自分探し」という言葉の中には、いつも不毛なこと。

エ☆ミリー吉元が企画した「バロン吉元の脈脈よく機能して、展示全体が持つパフォーマティ

を通じて、最適の「自己実現」に至ることを目

己の物語を強化し、結果的には「ソーシャル」

ン吉元氏の巨大な絵がところ狭しと並べられてそれで思い出すのが 2014 年度の「第 8 回 展覧会

響きが含まれている。自分の本性や特性の理解的としているそれは、実際のところ効率的に「社会」と「自分」に折り合いをつけるための経済行動でしかない。それは、この社会を所与の前提とした上で、自分の利益を最大化するような心性に支えられている。しかし、社会は変わり
うるし、変えうる。それに伴って自己は変わり
うるし、変えうる。そして社会と自己の間には不断の闘争と和解が続いていく。

高川和也の「ASK THE SELF」では、自己の拡散、転移、飽和状態が示されている。自己の外殻が崩壊し、多くの孔が穿たれ、そこに他者が侵入してくる。自己ならざるものの言葉が溢れ、その言葉が自己を満たしていく。自己が外へ流ツイッターのようなソーシャルメディアは、自の中に「自分」を受益者として位置付けていく。
現行の情報環境において「自分探し」は微分化されている。一見するとあまりにも使い古された「自己」というテーマを持っていながら、高川の作品が現代性を有していると感じられるのは、この情報環境への鋭い批判性が作品に備わっているからである。

私が発する言葉は、私のものではない。私を誰よりも理解しているのは、私ではない。私は私にだけ属しているのではない。この認識を前提とした時に現れるのは、新しい自己像ではない。
それはもはや新しい社会像である。

れ出していく。この状況を積極的に引き受ける
門馬美喜「Route / 59ヶ月」講評

目撃した者の責任脈」では、父親であり漫画家／画家であるバロいた。氏が考案した体操の映像が小さくプロ
ジェクションされ、漫画本も展示されていた。エ☆ミリーがこの企画をやろうと思ったきっかけ

は、倉庫で大量の絵を発見したことだそうで、これを何としても展覧せねばと決意したという。
その時のエ☆ミリーの思いを、そして絵との出会いを、私は会場で追体験することになった。倉庫に眠っていた絵と時間が、トーキョーワンダー

サイト（TWS）本郷の 2 階に持ち込まれたのだ。
一般に美術と呼ばれるものからははみ出しているような外部が、美術を成立させるための展示スペースに体当たりしている。あまり美術館では見かけないような鑑賞者や、お祝いの花や、ブな性質をさらに強くしていた。

企画公募」で見た田中沙季・三上亮の企画「FindDefault and Rename It - 幻 談 -」（TWS 本 郷、
2015）で、あの展示にはここで触れない訳にはいかない面白さがあった。二人は会場に入れ子状の部屋を作った。その部屋には二重に外部があり、一つは部屋の外（同じ空間内に作られた廊下と隣室）、もう一つはかつてそこにいたのに今はそこにいない人や声。現実と幻の境界をずらし、揺さぶるような時空間を実現し、外部を来場者に体験させたことを高く評価したい。

今後も、意欲的な若手企画者の展覧会を期待している。

オープニングでなされたバロン氏のスピーチもp.101

文＝高嶺 格［たかみね・ただす／現代美術家、秋田公立美術大学准教授、國立台北藝術大学客員教授］

以前パレスチナのガザに行ったときに、人々にえ、対話を続ける作者の眼差し。穏やかな筆致をしたことがある 。お前が美術家だろうがなん

持って南へ、首都へと向かっている。

取り囲まれ生活の困窮を訴えられるという経験伝えてくれと。それほどこの場所は世界から無視されているのだと。

作品「Route/59 ヶ月」とガザの経験は私にとって同じである。ガザを訪れた時には「ガザを訪れ た 者 の 責 任 」 と い う 言 葉 を 思 っ た し、「Route/59 ヶ月」を目撃した時にも見た者の責任について思った。

「Route/59 ヶ月」は、鑑賞に覚悟を必要とする作品なのだ。ただの風景画？という最初の印象

はくつがえされ、「告発」の風景であることを知らされるのは時間の問題だ。犯され、見捨てられた土地。さらに新たな開発の対象として爪を立てられる土地。破壊された故郷をじっと見据作品がそういうモノとして機能することを、この風景画はあらためて思い出させてくれる。作者は油彩という時間のかかるメディアをあえて選び、それは見事に成功している。作者が風景に対峙した時間を観客が追体験する時、その尨
大な時間が胸に突き刺さるように感じるのである。

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The 9th Emerging Artists Support Program｜
The 9th Emerging Artists Support Program
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8だろうが構わない、とにかくこの現状を世界にに込められた告発の意図は、明らかな意思を

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TWS-Emerging 2015
キュレーションの擁護に向けて
文＝遠藤水城［えんどう・みずき／インディペンデント・キュレーター、HAPSエグゼクティブ・キュレーター］

今回の応募で問題なのは、やはりと言うべ

レーションの技術分析が導入されているプ

分で提示するという体裁のものが大半を占ションなどイベント性・時間性が導入され

きか、普通の「展覧会」の企画を作家が自めていたことである。もちろん、作家は展
覧会をやりたい。作品を見て欲しい。自分の作品が見られるべき展示空間への意識も高い。従ってそれらのプランには澱みがない。ある意味、シンプルである。

しかし、そのシンプルさは、この企画公募のフレームを前提としたものである。つまり、予算、期間、空間が決まっている。トー

キョーワンダーサイト本郷という公共機関
が持つ特性も、なぜかある限界を伴って理解されている。これらの前提あってのシンプルさである。

このシンプルさは、結果的に「まあまあ」の展覧会に収斂してしまうし、さらに言えば、この「まあまあ」は容易に「なあなあ」に転化する。企画の中に、数万人の集客が見込めてしまう展覧会はなかった。展示の派生的効果によってかなりの収益が見込めそうな企画もなかった。展覧会場が壊れてを超えて、学術的に大きな貢献をしてしまいそうなものもなかった。政治の領域に大きな影響を与えるメッセージを持ったものもなかった。実はすでに終わっているもの
や、始められているものはなかった。全体
として、公募要項に展覧会を適合させるかたちで展示プランが作成されており、作家たちが萎縮しているように感じられてしまったが、その萎縮は「前提」の設定ミスによるものだと思う。

作家たちの自選以外で着目したのは、キュているもの、カタログやキャプションがコ
ンセプチュアルに設計されているもの、など。もっと言えば、照明、壁や台座、導線、監視員の振る舞い、広報のコントロールなど、キュレーションの技術を細かく分析す
れば展覧会の形を従来とは一風異なるものにすることはできる。しかし、僕個人はこの方向性に先はないと思っている。今の段階で必要なのは制度批判の精緻化ではなくて、もっと大きな「問題」を芸術制度に接合させることができるかどうかだと思うからだ。

Kenjiro NAGATA [In between]
p.037
Kenjiro Nagata is an artist who explores the universality ofthings and the essence of existence through sculpture as ameans of expression. It seems that he is continuously examining the aspects of structure and volume that are always incidental to the event of sculpting, as well as the object and his relationship with it. The two works hepresented at this exhibition – “Floating Two Surface” and“between” – were both made in consideration of the venue.
Both works gradually took on shape through a repetitive
process in which the artist put up threads between two opposing walls by pinning them to the walls one by one. In
the one case, the threads formed a flat surface, in the other,a cylinder.
These shapes may look/sound like light, inorganic structures. Nagata himself explains his reason for using threads
with his intention to create works devoid of volume, andthe idea that keeping spaces of just over 10 centimeters between the threads would make the works blend into theirenvironment, or disappear altogether. However, the works
were towering with a doubtless presence in front of those
who came to look at them. The visitors’ eyes could recog-

nize the shapes rendered by the repeated straight lines; thepresence and positions of threads as materials that bring tomind the manual work and feel of sewing; and in addition,
the lighting, along with the shadows it produced.
In his works, which he often uses such terms as lines, relationships, and dynamic equilibrium, Nagata is perhaps
experimenting with ways of utilizing such lines and outlines as borderlines to separate “this side” from “that side.”
While the field of sculpture as a genre of artistic expression
keeps expanding with the growing variety of materials andthe diversification of the creative process itself, its boundaries are becoming increasingly obscure. The very consideration of matter and the relationship with the environmentthat make a work one that “exists,” one that is perceived asa three-dimensional object, is what is supposed to be theactual work. Although this exhibition was realized with astrong awareness of architecture, or more precisely, of theexhibition venue, the artist’s awareness especially in material terms of the function and effect achieved by installingthe works seemed somewhat off-balance, which is something that Nagata will have to work on in the future.

今回選考された作家たちは、上記二つの問
題を回避しており、そこにある種の風通しの良さが感じられる。外部性との交通があること。「問題」と「制度」の新しい組み合わせであること。こういったことが自然に示されている。望むらくは、企画者である
以上そこに意識を集中してほしい。

この「企画公募」というフレームはまだまだ先に行ける。今回審査をして強くそう感じることができた。広く、深い反省性を有し、実践と実現への高い意識を持ち、世界的な問題に対して適切な技術をもってアプ
ローチする。そういった企画をするインディペンデント・キュレーター（この際、肩書きはどうでもいいのだが）が、いま、必要だ。トーキョーワンダーサイトのような公的機関は、そういった企画こそ積極的に採用できるだろう。この公募の枠組みが、日本の「キュレーション・ヒストリー」の大きな部分となることを強く期待してやまない。

Sachico OYAMA [There are no memories]
p.037
In each of Sachico Oyama’s paintings, the aspects ofsubject, motif, technique and composition all exist
together within a single frame, but appeared to me tobe scattered apart. Based on her own experience, Oyama’s recent works are revolving around a core of military type plastic models as personifications of bothlove and death. Shown at this exhibition were paintings in each of which plastic fighter plane models are
depicted alongside scenes at restaurants, night stalls,
clubs, public baths, banquets, living spaces, bathrooms and other settings of everyday life, drawn fromthe artist’s own memory or experience. In addition tothese nine paintings ranging from just under 1 meterto over 2 meters in width, several drawings were on
display in a separate exhibition space.
From Oyama’s comments I understood that the central idea behind her works is an attempt to place aspects of death and the otherworldly that lurk in theeveryday, together with the sense of fear they evoke,
into settings of daily life in comical ways. Her paintings are matter-of-fact affairs. So what exactly is theirforte? All of Oyama’s paintings are kept in subdued
shades of pale pink and purple. Within theabove-mentioned everyday life situations, fighter
planes – and very big ones at that – are painted in amanner as if attacking the viewer directly, while human figures are depicted without facial expressions.
Appearing in all of these scenes are chandeliers, lanterns, mirror balls or other objects that conjure images of light. Guessing from their compositions and interspersed symbols, these paintings seem to represent
the artist’s fresh approach to daily life using light toaffirm and irradiate the state of insecurity of constrained emotions and complicated affections caused
by death, fear and love. Oyama’s paintings are full of
imbalanced elements. This may actually be one of
their strong points, and in order to reinforce this, I
would recommend the artist to intensify her dialogue
with the realm of painting, its techniques and colors,
and the matters and factors behind every single act ofdrawing.

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The 9th Emerging Artists Support Program1
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しまいそうなものもなかった。美術の範囲ランである。パフォーマンスやディスカッ

21st Century Museum of)Part.1 Text: Chieko KITADE ( Curator,
Contemporary Art, Kanazawa

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Iwauko MURAKAMI [HOME works 2015]
p.037
The “HOME works 2015” exhibition of works by Iwauko Murakami combined three series of photographs. The
pictures in “HOME works ‘Modality’” (2015) were taken inside the artist’s family home in Miyagi, whereas theseemingly casually placed furniture and commodities arein fact parts of settings arranged by the artist. The three
items titled “Unity” (2015) are softly colored photographs in which rays of light intersect like in a prism.
According to the artist, these are images made by overlapping several photographs of gardens seen from thehouses she has previously lived in, shot using cameras
with a “close relation to [herself ]” chosen according to
the situation. For “Authentic” (2014), Murakami photographed origami made from the sheets of her old highschool notebook. The objects are set off against the wallpapers and floors of her home, but foreground andbackground were eventually homogenized by deliberately removing details in a subsequent revision process.
Murakami’s attempts to capture in compound images
such polar opposites as conscious and unconscious, visible and invisible in terms of memory and experience

RE V I E WTomu OSAKI [The New Temple and Sanshin]p.038
through the act and means of photography, were executed in persuasive ways regarding the artist’s intentions
behind her respective methods and processes.
The function of photography as a medium for recording
real occurrences is most prominent, which is why recorded images tend to be understood as reflecting objective facts. Against the backdrop of technology evolvingfrom analogue to digital and further, Murakami builds
her work upon the subjective quality of photography as
an underlying element. In each of the items presented inthis exhibition, she aims to highlight the presence andatmosphere of absent and invisible things through themateriality of objects, the mechanism of the camera, andthe processes of developing and processing. The works
were made in consideration of (and questioning) the
proposition of history, using the artist’s living environment, previous life experience and memories as familiar
elements. I hope that Murakami will keep the directionof her work firmly in mind, so that her photographs
never end up being merely private snaps.

Paintings are lined up on three of the exhibition
space’s walls. Onto the remaining wall the artist has
drawn a red horizontal line, along which he mounted
a number of paper drawings. On the lower right infront of the drawings is a shrine-like installation.
Osaki’s paintings are drawn in a mixture of different
technical modes, whereas their neat composition with
an emphasis on frontality and symmetry creates a religious kind of atmosphere comparable to that of altars.
The artist himself states that he is trying to create thesense of expanse of open fields.
The drawings on the other hand are of a rather experimental nature, showing the same images depicted bydifferent modes, or drawn onto pieces of paper thatare glued together. Rather than being preparatory
sketches as preliminary steps toward the realization ofpaintings, these drawings are made as full works intheir own right for which further sketches are being
made beforehand. Without seeing a subordinate-superior relationship between paintings and drawings,
Osaki explores things that are only possible in either

one of the two different formats. He explains that thedrawings are being made consciously, while paintings
are realized in a preconscious state.
Osaki further claims that he is not interested in improving technical skills or painting things always inthe same way. His interest focuses on how the artist
himself gradually changes, which probably explains
his hunger for different means of expression. At thesecond exhibition space, Osaki displayed an embroidered work, with the aim to express the tactile perception of a place he actually visited. The talk session
ended with Osaki’s recital of a self-made poem studded with expressions of nostalgia and excess. No matter how broad the range of media, and how varied theartist’s experimentation, the viewer always ends up
trying to find that characteristic quality of Osaki’s
work in the result. I wonder how long the artist will
be able to carry on with this, and even though it must
be a rather difficult flight, I think I’m going to keep
an eye on this artist.

Part.2 Text: Reiichi NOGUCHI (Chief Curator, Mitsubishi Ichigokan Museum, Tokyo)
Shoyo JAHANA [Magical Heteronomy]
p.038
phy.
In his creative process, Jahana does not believe insuch things as autonomous determination. Accordingly, it is not inspiration that makes him determinematerials, colors and compositions, but the meaningsof his works stem from the elements of magic and religion they incorporate. This method Jahana calls”Magical Heteronomy”. It is a method that negates theartist’s independence. However, come to think about it,in pre-medieval times, before art liberated itself fromreligion, such creative methods were perfectly common. What Jahana tries to do here is to relativize theimage of the modern artist.
What I found rather curious was the fact that the artist himself claimed that it was matters of “love” that
he aims to discuss through his creative endeavors. In
medieval times it would probably pass as “love ofgod”. I guess the point of success is connected to thequestion how love and heteronomy can inspire creative work, and how much richness this can generate,
in a world without god.

Various colorful Styrofoam objects were scattered between the paintings on the wall, while fragmentary videos were played back on a monitor on the floor. Lettersin the foreground spell the phrase “Watashi dake ga iseijin (Only I am an alien)”, the title of a fictional animated film plotted by the artist herself. The piece isabout the paranoia caused by a sense of estrangement in
human relationships, and although it wasn’t actually
produced, the artist created this title logo just in case. It
is the only work involving letters, while all other items
depict in an anime kind of style debris floating aroundafter an explosion. The objects, with traces of chopping
and parts of hiragana characters visible, seem to be representing such debris. Paintings and three-dimensional
objects are interconnected to create one scenery.
According to Sasamoto, this scenery is supposed to be areconstruction of the things on the artist’s mind. Negative feelings of self-disgust, regret or fixation are thevery grounds for her being here and now, and in order
to be able to accept this, the artist charged every single
part of the display with such emotions, and exhibited

the whole thing as a reflection of her own mental
world.
I wondered what the visuals on the floor were supposed
to mean. The artist described them as being “like thenoisy transmissions one involuntarily receives while
trying to tune a radio to a station,” after which “thethings one unwittingly received become real.” If thisspace surrounded by walls represents the space of her
mind, the monitor onto which information received ina random fashion from the outside is projected must be
showing the world outside.
Frankly speaking, when browsing through materials on
this artist beforehand, I expected to be confronted withthe fetishistic creations of an anime freak, or productsof delusion, but experiencing the combination of displays on the walls and on the floor proved me wrong.
The artist achieves an exquisite balance using the walls
to mirror her inner world, and the floor to represent theoutside. I guess it is the way she juxtaposes these elements that will define the further direction of Sasamoto’s work.

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Displayed in the center of the ground floor space wasa rotating human-shaped body, and around it, a motorbike and various painted commodities. Together
with blinking lights, wind from fans, and videos, it
was quite a dynamic affair. Set up in the middle ofthe 1st floor space was a black table, on which a variety of objects were arranged neatly. With things likeguitars, paintings and figures placed around the table,
it was a much more quiet scenery compared to that
downstairs.
Objects used were mostly articles of daily use, thecoloration and other processing of which was roughand anything but sophisticated. It would be fair tosum it up flatly as kitsch. However, the artist claims
that there are reasonable grounds for the use, positioning and coloration of those objects, and cites assuch the “Transcendental Magic, its Doctrine andRitual” by French occultist Eliphas Levi (1810-75).
According to his explanation, the objects were arranged and colored according to the mystical ideas of
black magic, alchemy, cabala and yin-yang philoso-

Asuka SASAMOTO [Floating with my pieces]
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Part.3 Text: Hitoshi NAKANO (Curator, Kanagawa Arts Foundation)
Tomomi ABE [records]
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Looking at Tomomi Abe’s works, I thought about
what they tell the viewer about human relationships
in the present age. Russian philosopher Mikhail
Bakhtine (1895-1975) developed his discourse about
polyphony, dialogue and monologue based on Dostoevsky’s novels etc. In Abe’s works shown at this exhibition, there is always one character appearing in each
picture. In “far,” the artist depicts a boy from behindas he gazes across a grassland, and in “Tableland,” it isa somewhat lonely and exhausted looking man who
seems to be on his way home through a dark, snowy
forest. According to Bakhtine, a dialogue can be established even when there is only a single character
appearing in a novel. Every individual can only be
discussed in consideration of the existence of others.
Through the contrasts and mutual reflections between
ourselves and others, we discover our concrete individual features. These others don’t necessarily have tobe human beings. In her work orchestrating her own
original narratives within the confines of square canvases, Abe engages in dialogues with others by por-Yuushi SUGA [Enter the 2.5D - No paint no form -]p.039
traying models rather than herself. In the paintings,
those models face and talk to the “other” – here in theform of nature such as grasslands and snowy landscapes that surround the artist. The everyday kinds ofsettings with vanished backgrounds in which the boys
in “flight” and “a rest” appear seem to emphasize theirlonging for conversational partners. These depictionsof Abe’s own personal world communicate the artist’s
doubts about a world with fixed disciplinary rules asreflected in the usage of materials in Japanese-style
painting, and her strong desire to escape from it andfind a new world with new creative possibilities.

The architect expresses his ideas in the form of plans
for a building, the composer in a score for an instrumental solo or orchestral performance. Yuushi Suga isa painter, and thus it is primarily the planar surface ofthe canvas on which he casts his ideas into shape. In
our talk session, I likened his art to that of a theater
performance. He takes the flat surface and divides it
into areas that are to be colored with different colors,
which is the next step in the composition process ofSuga’s paintings. Through the elaborate application of
the theater’s mechanism, the stage turns into the calm
and modest living room in “Anne of Green Gables”,
or into the unworldly empyrean realm of gods in
Wagner’s “Gotterdammerung.” “2.5D” in the exhibition title does not refer to a “semi-plastic” sort ofconcept somewhere between two- and three-dimensional, but the artist himself positions his work between the realistic sense of depth that characterizes
the three-dimensional, and the format of anime or
manga on two-dimensional displays. By casting andframing the objects he incorporates in his works, Suga

temporarily liberates images. “Couple” is made up of
three differently colored patterns showing the protagonists in “Bonnie and Clyde,” a movie that portrays
the famous gangster couple in the days of the Great
Depression. In the liberated images, the two characters take on completely different aspects thanks to
Suga’s elaborate color balancing – slightly shifting thebalance of different shades of blue; artfully connecting red, blue and green; or counterpointing purple
and blue against a background of black and orange,
etc. Here Suga reminds us of the vagueness of images.
One work each was put up on each of three walls inside the exhibition space. If we look at the exhibition
room as a stage, Suga is perhaps the conductor who
stands right in the center and unerringly conducts thethree singers’ terzetto.

Part.4 Text: Hiroko ONO (Curator, Nerima Art Museum)
Misa SUDO [False color]p.039
of Kent paper. The lighting in the exhibition room
penetrates the holes, and represents in a three-dimensional space the stars that make up the Milky Way. In
spite of all the various studies being conducted, there
still remain countless uncertainties, obscurities andmysteries out there in space. We look up to the sky
and dream of the roof of heaven, and by experiencing
the cosmic world of Misa Sudo in this exhibition,
space turns into a rather familiar place, while our
dream of it further inflates.

The works of Yuichi Eto apparently contain an inherent aspect of sculpture. While video is the medium heprimarily works with, it is the act of sculpting thatprovides an incentive for him to create artworks in thefirst place. Through sculpting he has developed something like a “sculptural sensibility,” which has aroused
his interest and questions regarding the physical presence of humans and objects. In “Moving Park,” one of
the works on display here, the artist stands in a park,from where he moves to TWS Shibuya. As he does sotogether with the ground he stands on, he hasn’t really left the park even through he is at once somewhere
else. Given that we consider someone to be at a place
as long as his or her feet touch that place’s ground,
does this mean in this case that the artist is now at
TWS Shibuya, or is he still in the park as long as hestands on the park’s soil? Somewhere between reality
and our uncertain perception of “being present” at aplace, Eto’s thoughts seem to be revolving around thequestion of “presence” itself.
But if we question presence, that should be a much

more complex affair. When we say that someone isthere, does this automatically mean that the person isin fact physically present? Assuming that his sculpting
work inspires the artist to create video pieces, I’d liketo see him take his thoughts a step further from there.
The “awareness” that Eto obtained through sculpture
does hold the promise to create new video works.
Even if it’s difficult to seek new means of expression
in creative work, to deepen one’s thoughts is something that should be possible for anyone.
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The NASA developed Hubble Telescope continues its
observations while floating in outer space. The vivid
photographs shot by this telescope inspired Misa
Sudo to create artworks themed on cosmic space. The
pictures taken in space were in fact subsequently colored by scientists in order to highlight details andmake them better visible than they are in reality, andwhen learning about this process, Sudo realized that“there is more to the truth than just the visible
world.” The fact that the analogue method of coloring
images is being applied even in the realm of space exploration, a field of research that sums of the leadingedge of science and technology in the world, is quite
intriguing. “Hubble Telescope” is a pencil drawing ofa telescope – the one object that Sudo’s interest inthings related to space focuses on in particular. In thisdrawing, put up on a pitch-black wall that represents
outer space, the telescope that travels on its orbit at
ultrahigh speed appears almost as if hovering at a
fixed point up there in space. For “Milky Way Galaxy” the artist cut holes into a black and a white sheet

Yuichi ETO [Drift]
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Part.5 Text: Naoki YONEDA (Curator, The National Art Center, Tokyo)
Nao TOYODA [MISS SCOROPIUS]
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Nao Toyoda illustrates narratives. While her previous
works were apparently inspired by such things as
Scandinavian myth, today Toyoda defines narratives
not as something in a text format, but she assembles
her own narrative worlds out of visual motifs that appeal to her. Such motifs she collects from cinema,
theater, and various other genres. In “Build creature,”
she translates the inspiration drawn from movies inthe single motif of legs. Toyoda selects motifs fromthe things she finds inspiration in, and creates shapesby layering them on top of each other in a collage-like style. This goes also for the aspect of coloration, where Toyoda applies colors in layers with theaim to create original hues – always aware also of thewhite color of the canvas. In her works, the artist
constructs a singular world by combining layers of selected motifs and colors with her awareness of whiteand blank space. Toyoda’s world-view is consistentand strong. Even when there is some influence or
stimulation from the outside, it generally doesn’t happen that those things overturn the artist’s own ideas.

I would suggest her to look at a variety of things withan even broader vision to ensure that her own imagined world can never collapse. In her creative work,
there is nothing more important than the world ofher own imagination, which is directly connected also
to her motivation to paint in the first place. Without
really needing to care about the eyes of others, I hopethat Nao Toyoda will thoroughly carry through her
almost stubborn own narrative world.

Consisting mainly of found objects, Rina Ohito’s installation “Drawing Room” was exhibited across thegallery’s ground and first floor spaces. “Drawing
Room” is a term that has been used to refer to a livingroom – or “room for withdrawing” – and that at thesame time means “room for drawing.” Here it is aspace for receiving guests (gallery visitors in this case),
and at once a room in which the host (the artist)makes drawings. According to Ohito, the structure of
the installation was designed to represent the artist’s“exterior” in the part installed on the ground floor,
and her “interior” in the first floor part. The smallsized landscape painting in the entrance area of theground floor space was indeed reminiscent of a typical picture that people decorate their entrance with.
The laundry that was put up in the staircase connecting the ground floor (exterior) with the first floor(interior) as a material borderline between interior
and exterior embodied the work’s concept very well.
On the walls, the collages of fragments of literarytexts and drawings of places the artist had visited

made up Ohito’s own “map of the world.” The maps
these images recalled are sometimes indicating literally geographical (=real) maps, and sometimes drawing
maps of the artist’s interior. As a whole, I think the
installation was a skillful realization of the conceptbehind the work, and as the above two concepts are
extremely ambiguous and profound in both imagination and reality, there certainly is room for further
exploration.

Satomi ISHIKAWA [A percepual illusion of Life]
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Natsuko KIURA [The passed landscapes]
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Satomi Ishikawa’s problem consciousness is perfectly
clear. Constantly aware of the relationship between
artifacts and plants or other forms of nature in urban
environments, she claims to be exploring through nature the position of human individuals within society.
This time’s “perceptual illusion of life” features a setof works in which plants are being given blood transfusions. Using a red water solution to resemble blood,
the artist expresses how these personified plants are”kept alive,” and superimposes this onto our human
idea/illusion of independent life, in order to convey
her message suggesting that we are being kept alive inthe city just like the plants. Based on the Sogetsu
school of ikebana, and backed by such workmanship,
Ishikawa’s works are manifested in proper shapes andwith a high degree of perfection. They are quite striking also visually, and her clear message is surely goingto broaden the scope of Ishikawa’s activity also beyond the realm of art.
However what keeps bothering me is the depth of the
problem consciousness that is the driving force be-

The objects that Kagoshima-based artist Natsuko Kiura chooses to depict are perfectly ordinary, commonplace sceneries. Rather than detailed descriptions, theworks based on photographs taken by the artist herself are painted in a way that makes them look likesnapshots capturing brief moments. While painting
from photographs is not an unusual practice, here theartist seems to be pursuing in her paintings that same
snapshot-like style of her photos. When translating
the photographs into paintings, the material of paintand the autonomy of colors highlight completely new
aspects in these otherwise perfectly ordinary sceneries
devoid of noteworthy elements. As the artist puts it,
regarding the materiality of paint and the liberationof color systems, her paintings are perhaps reminiscent of the French impressionists of the 19th century.
However, what distinguishes her work from the impressionists is that her pictures are charged with atranquil kind of mood rather than sensations of dynamic or vital energy. The artist achieves this bypainting human figures all in a single color, and ap-

hind Ishikawa’s work. Issues such as human life in thecity, and the relationships between urban and natural
surroundings, have been repeatedly addressed in various artistic fields in the past. While charging her
works with clear-cut messages, the problem consciousness that develops from such subjects can atonce appear superficial and shallow if it isn’t supported by sound consideration. Given that she is conscious about issues related to society, nature, cities,
artifacts, humans and life, Satomi Ishikawa needs tolook at those in greater depth. She possesses the technical skills, so if only that is coupled with proper
thinking, the works in which she addresses such problems will no doubt become even more powerful.

plying colors evenly, and thus destroying the perspective of landscape depictions. By adopting this style,she succeeds in compressing (abstracting) rather than
precisely reproducing the sceneries in front of her eyes(=the clipped images in the photographs). This method of compression is an approach that Kiura may be
sharing with the likes of Giorgio Morandi and Richard Diebenkorn, whereas I suppose that, even thoughemploying the same methods, the artist’s analyses ofsuch precedent examples will result in an even broader variety in her own work.

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Rina OHITO [Drawing room]
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Ryota NOJIMA [If a painting gathers another painting, it can’t become the painting]p.041

Hiroyuki KITAMURA [Desire / Fixation]
p.042

Human figures frequently appear in Ryota Nojima’s
paintings. Rather than depicted through a process ofabstraction in which realistically depicted humanbodies are radically deformed, here it seems as if theseelements had been added to the canvases beforehand.
Nojima addresses the classical topic of “man andwoman,” but in his works such dual power structures
as “viewer and viewed” or “painter and painted,” asincorporated in the subjects that repeatedly appear in
the works of Henri Matisse and Pablo Picasso, are absent. Mainly composed of two colors, many of the“Man and Woman” paintings include two black dots.
For this exhibition the artist chose the method ofshowing several of them at once, whereas the interesting point is that this method is not about how to utilize the exhibition space, but that it is used to indicate ”pluralism”. The two black dots that frequently
appear on Nojima’s abstract canvases are elements that
inevitably remind the viewer of faces. As is prominently visible in this series, regarding the representation of faces Nojima deals with the same problem as

Characters appearing – sometimes only partly – inHiroyuki Kitamura’s charcoal drawings range fromnude human figures to strange, non-human creatures.
The artist explains that painting is for him an act ofseeking his own identity, and visualizing that in the
shapes he draws.
Works that particularly reflect the artist’s struggle
with his identity include “Desire” incorporating aplaster cast of his own face; the masked face in“Breath”; “The Gaze,” in which he holds a mask; theprofile view in “Facing Ground”; and “On the Hill”,
in which a human figure faces a light source while
hiding its face under a piece of cloth. “The Monument”, in which the face seems to turn into a giant
hand mirror, hints at the link between human existence and memory.
Other works emphasize through the texture of flesh
and muscles aspects of life and corporeality even of
figures that don’t look human, such as what looks likea hunk of meat in “The Residue”; the monster withdisproportionate limbs and a twisted horned head in

Picasso did: the impossibility of not recognizing
things as faces. This task – one may call it the impossibility of non-figurative perception – itself is a very
interesting one, and I hope that Nojima continues to
accept it in his work, consciously or unconsciously.
When re-evaluating the practice of extracting somekind of essence (or in other words, abstracting) as a
primary act in abstract painting, the mechanism of
this problem certainly retains its validity still today.

“Hold On”; the cavernous fleshy mass in “Alone Muscle”; the personified three-fingered hand in “A Torso”;
or “A Hug,” consisting of a chubby body and a pair oflegs. A personification of the senses of vision, touchand taste, “Eye Fist Tongue” symbolizes the minimumof senses necessary for the individual to grasp reality.
These works that are first and foremost stories stemming from the artist’s “self,” yet depicting preposterously odd casual connections, are most impressive
whenever they seem to contain mythical elements.
However, in order to gain a better understanding of
his “self,” Kitamura should perhaps reflect a little
deeper on the meaning of creating art within the environment of contemporary society.

Part.6 Text: Reiko TSUBAKI (Associate curator, Mori Art Museum)Nozomi KUROKAWA [The view from a tatami]
p.042

In “Installation on Tools and the Act of Making –case 1”, Watanabe reproduced all kinds of tools fromhis direct environment in the form of ceramic pieces
made from reddish clay, and lined those up like archaeological remains. The idea that all things manmade, including clay dolls, are tools, is connected toJapanese native forms of animism, while at once suggesting that tools we use today will perhaps be collected as remains in museums in the future.
“Novelty (protective suits)” juxtaposes the history of“Seto Novelty” ceramic Meissen figures produced in
Seto for export to the USA since the 1930s, with thefact that Japanese-American relationships resulted in
the construction of a total of 54 nuclear power plants.
The highly sophisticated Novelty dolls wearing protective suits seem to sound a warning to us whilebarely maintaining their balance on disproportionallyfinished sockets.
In “The Series of Grey: Traffic Accidents, Pictures,”the artist uses grey clay and crushed cans to reproduce
scenes of traffic accidents as seen on TV or on the In-

One characteristic of Nozomi Kurokawa’s paintings is
how the artist recklessly combines aspects of composition and coloration in a way that one cannot guessfrom their respective titles. This is because the “reality” they originate from is a reality of ideas thatemerge from the artist’s own recollections of things
she has seen, whereas she chooses shapes and colors,and creates what may be called “an alternative reality”
to express them in an even more “realistic” way. The
reason why she chose oil, the artist explains with thefact that its translucent, silky skin-like texture makes
this material most suited for depicting reality.
In “Washing,” for example, a bizarrely tall human figure bends over to touch the ground with its hands
under laundry that looks a bit like yellowish green
roofs. “Waitress” apparently depicts the artist’s friend
in a funny pose, whereas the green figure with a distorted body and seemingly broken neck projects thesurreal sensation of an alien from space. Finally, “Private Room,” “Slide” and “A Bridge Crosses over Rightand Left” are so abstract that the texture of the oil’s

ternet. The idea of a traffic accident is translated into
physical objects, and overlaps with the real existenceof squeezed and flattened cans, resulting in sceneries
with different levels of reality.
In such ways, Takuya Watanabe’s works apparently
question the medium of ceramic that has existed forages also as a means of human expression, and by doing so from anthropological and sociological points ofview, they question at once aspects of contemporarysociety. As he is somehow already establishing a wayof questioning society, I’d suggest the artist try otherways of creative work without sticking to ceramic toomuch in the future.

skin seems to be their only reality.
The title “The view from a tatami” suggests the perspective of viewing the world from within Japanese
everyday life. Given that Kurokawa sympathizes withthe way her favorite early 20th century painters Kinosuke Ebihara and Narashige Koide hesitantly yet thoroughly incorporated techniques of Western style oilpainting in their works, it might be a good idea forthe artist to study and think a bit more about painting styles in global contemporary art today.
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Takuya WATANABE [To Think: Once it’s Made (by)]
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Part.7 Text: Atsuo YASUDA (Deputy director and Curator, Hara Museum of Contemporary Art)
Jihye PARK [Freezing love]
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This installation makes use of the entire 2-floor exhibition space including the open ceiling part (and –unrelated to the quality of the work – I would have
liked the artist to make it a bit easier for visitors toenter the venue). According to the artist’s comment,
the work titled “Freezing Love” was inspired by the“image of a refrigerator,” alas in this case it’s obviously
not an ordinary fridge, but a refrigerated chamber at ameat factor y. On the ground floor, lots of human-sized dolls are hung or otherwise placed in a single-pipe frame construction. The dolls don’t haveheads, and in some cases they are just torsos. There
are male dolls and female ones. It all looks indeed
very much like in a meat factory, whereas it is perhaps
the inflatable dolls’ inorganic quality that makes thescenery feel not even grotesque. Silver tubes resembling air conditioning ducts are crisscrossing the roomin a random fashion, with disks (CDs) and bicycle
wheels reminiscent of Duchamp scattered here andthere. When following the tubes and climbing up the
spiral staircase to the first floor in order to find out

Euske OIWA [Pleasure]p.043
how they are connected or perhaps circulate, the visitor is greeted by a colorful tent like a hide-out, filledwith all the missing dolls’ heads. The exhibition isabout “love,” so this has to be the love nest one is
tempted to think, just to discover that disks stick likeblades in all of these heads. If there is anything stored
on the disks, that’s probably the dolls’ memories. Or
maybe there is nothing on them at all. All kinds ofwords begin to flash across the visitor’s mind. “Lifeand death,” “memory,” “desire”… Along with thatsame sense of frustration one feels at the sight of disksthat are physically there but the contents of which areinvisible, there is a certain amount of heat radiatingfrom the chaos that creates an intriguing contrast
with the “Freezing” part in the title.

Somewhat different from the impression one getsfrom the original long-winded Japanese title, Euske
Oiwa’s installation is composed of various small pieces, and forms a nice contrast to that of Jihye Park.
Component elements are varied. There are watertanks and light bulbs. Warning signs written in English. A looped video on a monitor. Fans. Godiva
wrapping paper, and lots more. While checking out
each single part, the visitor notices pieces of yellow
masking tape at various places on the walls and floor.
Due to the nature of my job, I interpret this to betapes marking the positions for artworks to be installed (or, as theater people would probably say, indicating positions of actors on the stage), which arenormally removed once the setup is done. In this case,the tape was of course left there intentionally, suggesting that here the exhibition space is intended tofunction as a “play” (in both senses of the word) space
for the artist and the viewer. Items that make up the
installation include in fact a script for a short “drama”
pinned to the wall. The characters that perform theplay are the exhibited objects. To imagine how theseobjects communicate like humans is so entertaining
and funny to read that one is tempted to read the entire script in one go. The exhibition plans the artist
supplied beforehand contained the expression “sceneof a crime,” suggesting that the whole thing is perhaps
also to be understood as a “detective game” of sorts.
Could it be that it is made so that the viewer reconstructs the crime as plotted by the artist from the various pieces (of evidence) contained in the installation?
As far as the work’s quality as a detective story (?) isconcerned, however, I must admit I’m slightly disappointed compared to the appeal of the “drama” that is
one of the installation’s components. Anyway, I’mlooking forward to witnessing the next scene of aplay, a crime, or whatever the artist is up to.

Kenichiro FUKUMOTO [Into the dream]
p.043
tion as “media” here. Today, in the 21st century, people can paint any kind of painting, and make any
kind of sculpture, and that’s exactly why defining
one’s own distinctive “shape” is so difficult. Kenichiro
Fukumoto explains that in this sense his experience inSoutheast Asia, studying in Singapore four years ago,
was elemental. He doesn’t just simply choose tropicalmotifs and colors though, and these new paintingseven seem to be referring to “shapes” of a rather Japanese nature. I suppose he is trying to pinpoint his
own “form” and “image” among the various “shapes”
found in the realms of fine art, industrial art, folk
craft and decorative art. As a matter of fact, the small
items here include such “functional shapes” as vases.
I’m quite curious to see what kinds of “sceneries” theartist is going to create next.

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TWS-Emerging 2015｜
TWS-Emerging 2015
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The exhibition contains two paintings of a scale aslarge as works shown at art museums. Richly coloredand highly symbolical/metaphorical, they seem to be
depicting landscapes of tropical rainforests, while atthe same time, the layered pictorial space they create
has perhaps more of a stage set than of a landscape.
Displayed next to them in a contrasting fashion areseveral small pictures (often painted onto coarse jutefabric), and a number of homespun (as I would venture to call them) small ceramic and wood-carved
items. Kenichiro Fukumoto mentions “scenery” as a
keyword for this exhibition, and in the “scenery”
these variously sized works create as they fill the notexactly large available space, one somehow feels
strangely at home. That’s probably because the artist
is approaching his creative work from the basics of“shaping.” Departing from painting, he steps out of
his domain and into the realm of ceramic art in order
to examine his relationship to others – or the individual’s relationship to the world – through the directcontact with paints and materials that literally func-

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OS-XX -Prelude to the operating systems of the future city

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Cybernetic Urbanism

For an Alternate Society

Text: Yusuke OBUCHI (Associate Professor, University of Tokyo)

Text: Koki TANAKA (Artist)

The 2015 Tokyo Wonder Site exhibition“OS-XX” shared 15 projects from Obuchi
Laboratory, one of three laboratories in T_
ADS (Advanced Design Studies, Departmentof Architecture, The University of Tokyo).
These projects were representative of the “cybernetic urbanism” agenda pursued by thelaboratory from 2010 to 2015.
The primary focus of the cybernetic urbanism
agenda was an examination of the understandings of “architecture,” “waste” and “resource,”
in the urban context. Sustainability practices
have largely focused on reducing use of materials, re-using materials, or recycling them.
Our research, however, is not simply to circulate materials between states of “waste” and“resource,” but to explore the many consumption and production possibilities of material
flows. Our aim was not to continue in the“scrap and build” model, where in its final
stage architecture becomes waste, or simple
components for re-use, but to design a network for material transformation and flow as apart of the urban context.
The 15 projects included in the exhibition
were organized into three categories in accordance with how frequently the materials featured in the project could be understood tolink with the life of an everyday Tokyo dweller. The three categories were “daily” “monthly”
and “yearly” projects. The “daily” category included projects using materials such as chopsticks, coffee, and water. In the “monthly” usecategory, projects examined toxic soil, hair,and cardboard. Finally, “yearly” projects included materials such as bamboo, brackish
water, and oil spills. A poster for each project
helped visitors understand how the material

was being re-networked and applied in a newway. Student thesis books, and models produced by the students were also included toserve as visual and textual aids for the projects.
Thesis projects from 2015 also included
The aim of this exhibition was to consider
how materials available in the city and ourlifestyles can be networked, how materials canbe transformed, and to introduce new possibilities for sustainable design. At T_ADS, instead of thinking of the design of architecture
as a simple box, we consider links to materials
circulating in the ecosystem of a city as a system idea for sustainable cities.

What would it be like to live in a society
where, in response to the demand that weshould all be creative, everything was controlled down to the last detail?
Our daily lives are filled with consumer desires. Everywhere we go, the superficial worldis covered in sophisticated designs, and we are
driven by such desires to constantly buy andpossess things that complement those designs.
In this society, we are born as consumers before anything else.
A plan for a new society is now under consideration. In anticipation of the 2020 Tokyo
Olympics, this plan seeks to provide us, theconsumers, with a new role. We must become
creators (artists). According to the abridged
version of the Tokyo Metropolitan Government’s “Tokyo Vision for Arts and Culture,”
we are required to exist as both consumers and“artists (creators)”: “There is a history in Tokyo of individuals being both artists and spectators/consumers.” (The same passage cites as
the basis for this statement the increasing
number of people practicing flower arrangement and tea ceremony from the Meiji era
onwards, the vitality of the citizens’ creative
practices, and the emergence of anime andmanga from the lives of the ordinary people,
but this logic seems questionable.) We look(consume) and make. We make and look(consume). Certainly our society is full ofcountless anonymous creative practices andtheir consumers – as has been made evident by
the Internet. And of course there is a ring ofidealism to this: a society where everyone iscreative, and everyone an artist.
But there is something off about this worldview that would put the consumer, the specta-

tor and the artist all in the same position. A
kind of creative cannibalism. A self-containing
creative practice. The principle of critique has
been left out of the worldview aspired to here.
One of the cruelest parts of being a creator or
artist is the experience of being criticized.
Compared to the times it is praised, a work is
far more likely to be nitpicked, criticized, disparaged.
If the things being made are consumed bytheir makers, there is no place for critique toenter the equation. And no matter how manythings are produced in this way, they will never be able to present anything more than aself-contained “vision” that has nothing to dowith creativity. It will result in an ouroboros-like society that continuously consumes
itself. An isolated world, devoid of the criticisms/opinions of others. But I suppose there
is no longer any need in our Olympics-oriented Japan for the difficult process of continuing
to make works even after they have been critiqued and broken down.

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OS-XX -Prelude to the operating systems of the future city｜
OS-XX -Prelude to the operating systems of the future city
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Creator-in-Residence Program

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Thrilling Nomads

My Residency Experience

Text: Akira TATEHATA (Poet/ Art Critic/ President, Tama Art University/ Director, The Museum of Modern Art, Saitama-)

Text: Tsuyoshi OZAWA (Artist/ Associate Professor, Tokyo University of the Arts)

Although the template of the art museum system in Japan was more or less in place by the
1950s, artist residencies/AIR programs would
not appear until some 40 years later. In 1993,
the Tama area launched the first attempt at an
AIR program in Tokyo, TAMA Life 21 – aproject with which I was involved. But the
project could not be sustained, even though it
had permanent facilities. In comparison, thesuccess of Ibaraki Prefecture’s ARCUS Project,which was launched a year later and has kept
going all this time, shows that the full-timeengagement of professional staff with specialized interests and skills is essential for any AIR
program.
In this regard, it could be said that Tokyo
Wonder Site (TWS) – established at the startof the 21st century – is quite substantial interms of both scale and program. It is a uniqueinstitution brimming with vitality that goesbeyond standard AIR practices. With its spacesin the heart of Tokyo, TWS keeps hosting
events that are full of initiative, but what ismost remarkable is the staff’s effort to build atight-knit information network with other artist residencies across the world, and their development of reciprocal programs that are notlimited to hosting artists from overseas but also
extend to sending Japanese artists abroad.
Over the past two years, I have been involvedin the selection of both the artists for hosting
and those for sending abroad. The program
attracts a great deal of attention from young
artists – not only because they see it as a pathto success, but also because it provides opportunities for participants to present the resultsof their residencies in exhibitions like “ReturnTo” (Kyun-chome; Maiko Jinushi; Yusuke

Taninaka; and Kaya Hanasaki), held thisspring at TWS Hongo, which featured artists
who had returned from places like Berlin andMadrid.
Among the eight artists selected for overseas
residencies in 2016 is Kenji Yamada, who hascreated such unusual projects as the absurdly
large Booking Void Inn MATSUNOYAMA(YUKIMUROYADO), utilizing a deserted
snow storehouse in the heavy snowfall zone of
Niigata, and BSIM (The BEPPU Subterranean Innards Museum), exploring the underground tunnels left in the city of Beppu following the US military occupation. On his
residency, Yamada will explore the tunnels beneath the former Millbank Prison in London.
His nomadic stance, as it were, is truly emblematic of the AIR movement.
Also, Shun Owada is planning a sound installation in Berlin using fusulinid fossils preserved in limestone as his material. In thisproject, Owada will attempt to reproduce
sounds from 250 million years ago throughthe CO2 reactions generated by pouring acidsolution over scores of these fossilized, ancientcreatures arranged on the floor.
This time, too, it has been a great pleasure to
discover such thrilling and challenging artists.

In August-September 2013, I spent a month making work at the University of the Arts London aspart of the Tokyo Wonder Site residency program.
Based on previous experience, my impression wasthat Artist in Residence (AIR) programs are meant
for relatively young artists. As someone who was
no longer so young and had already built a career,
I was not without reservations. However, I had
two clear goals. One was that I was deeply interested in the chance to do a residency at an art
school. The other was that I felt the need to makeworks in Europe, far away from Japan.
I had become a faculty member at university in2012, and I wanted to fully experience the administration and environment of the kind of
foreign art school that has produced so many
famous artists. I was particularly impressed by
the school infrastructure and its security system.
The infrastructure was designed with the utmost
concern for the safety of the environment, while
placing at its center an open plaza to facilitate
the school’s integration with the surrounding
neighborhood. It was right at the time of thegraduation exhibition, so in addition to seeing
the students’ works, I was able to ask the teaching staff about the management system.
On the other hand, my work during the residency, using painting and photography, was basedon the Austrian author and playwright Elfriede
Jelinek’s play “Kein Licht (No Light)”. An agoraphobic who rarely leaves her home, Jelinek wrote
the play in response to the Great East Japan
Earthquake and Fukushima nuclear disaster ofMarch 11, 2011. For this project, I felt an almost acute need to distance myself from Japan in
making the works. I think this was absolutely
necessary for my practice at a tense moment still
only two years removed from the disaster.

Given a suitably large studio space, I got
through my daily isolation by concentrating on
the work. There was no need to rely on theschool administration for necessities, which I
could buy at an art supply store, and the maintenance staff would immediately take care ofany problems in the residence facility or studio.
There was nothing to stress over.
Along with the other guests, I joined a tour ofthe graduation exhibition and listened to the
instructors’ explanations of the works. Like me,there were artists and curators, critics and businesspeople who had come from elsewhere forshort-term stays. The bearing of the instructors,
who took responsibility in their own words tospeak directly to us, was truly instrumental inconnecting the site of the school with society. As
part of my obligations as a resident artist, I also
gave a talk in one of the lecture halls. Afterward,
I had some people over to the studio, where I
discussed my work and we exchanged ideas.
When it was almost time to return home, I
thought I should at least have someone from theLondon art scene come to visit my studio, andlooked up a curator who was an old acquaintance. It turned out the curator was now working
at the museum next to the school, Tate Britain.
And so my brief stay ended. I was more or lessable to achieve the goals I had set for myself, andcame away satisfied with the results. I am not always able to manage time the way I would like,so this system for providing a kind of extraordinary routine was incredibly important for me.
Now there are AIR programs all across the world.
I hope that Japanese artists can take advantage ofthem to make cultural exchanges through interactions based on art – because that is somethingthat no politician or businessperson can do.

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Creator-in-Residence Program｜
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RE V I E WTOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.10
Hope for the Creation of a “Site for Experimentation”

Text: Atsushi SUGITA (Art Critic/ Professor, Joshibi University of Art and Design)

Text: Toshi ICHIYANAGI (Composer/ Pianist)

I am struggling with complex feelings – irresolvable feelings with which I have been dealing ever since getting involved in the selection
process of the residency program.� Of course I
had previously seen presentations and reportson the residency program, and asked artist acquaintances who did the residency to share
their reflections once it was over. I rememberthat on such occasions there was nothing I
found particularly frustrating. But looking
back now, I did not have strong expectations
regarding the location of the residency, such as
the necessity of it having to be in one placeover another, or the specificity of that particular place. Nor had I ever encountered a workthat was actually based on such an intention,even if it appeared that way only as a kind of
expedient.
When they expressed their true feelings about
the experience, it was highly unusual for artists who had completed the residency to makereference to the necessity or specificity of thelocation at all. Even where the unique opportunity of the residency has some lasting impact on the artists, in most cases it comes fromthe experience of daily life during the stay, and
it is rare for anything to result from the interactions that occur in the process of practicing
art in that particular place.
On the other hand, I realize that in the selection of the artists I had a strong desire for thislargely unrealistic effect. So where does thisunbridgeable gap come from? If we think of
the artist’s voice as the expression of honest
feeling, then naturally the expectations of theselection panel are irrelevant. They inevitably
come across as rigid, conventional, and superficial. On the other hand, the one-sided ex-

pectations of the selection panel are actuallyquite reasonable, and it’s not such a stretch torecognize an element of deception and lazinessin the attitudes of artists who reject such expectations outright.
But I believe this is a problem that should not
be resolved by saying one side or the other iswrong. Those who select the artists expect
some kind of responsibility in exchange for thesocial capital they provide, while the artists
continue to subvert preexisting criteria in resistance to systemization. If the residency program does not belong to those who organize
it, neither does it belong to those who use it.
Perhaps if we can see the desirability of it continuing to belong to both sides, then we canalso discover the original significance behind
the residency in our confrontations with thosegaps and the complex feelings they engender.

Tokyo Experimental Festival (TEF) began in
2006, and I have served as a jury member
since the following year’s second edition. Initially, TEF was conceived as a place for young
musicians to present works of contemporary
music, but gradually, under the banner of“creating a site for experimentation,” it expanded to include all forms of expression incorporating sound. It is a valuable project –one that is unprecedented in Japan.
During my time in the United States in the
1950s, as well as in Japan in the 1960s, there
were attempts at all kinds of experiments thattranscended the fields of music and art. The
young artists of today, as well as the audiences
who come to see them, are of course different
from those of a half-century earlier. These differences cannot be easily summed up, but theartists of 50 years ago were full of dreams anda hungry spirit, bravely carrying out experimental challenges that anticipated the societyof the future. The audiences at those performances also had a strong sense of participation, and energetically shared their opinions
and debated with the performers afterwards.
No doubt this was because people then had apowerful yearning for freedom and idealism
after being liberated from the harsh psychological oppression of the war years.
In contrast, the situation surrounding art andculture in contemporary society has changed
dramatically, and instead of establishing a position for contending with technological advances and the rise of information networks,
art is being swept along by such developments. On top of this I feel there is now lessfreedom and tolerance among not just artists
and project organizers but in society as awhole. As the systematization of society
strengthens, the scope of individual action also
seems increasingly restricted. But I believe thateach individual artist has the latent power tobreak down these restrictions, and can achievea voice and critical spirit that can influencesociety without relying on anything. In thissense, more than the excellence of refinedtechniques, it was the inherent philosophicaland conceptual aspects of the proposals, andtheir concrete enactment, that most attracted
me during the screening process for TEF.
I think that in all its projects to date Tokyo
Wonder Site (TWS) has successfully createdan open and free environment for a wide variety of disciplines. It should definitely continue
holding programs such as talk events by specialists from diverse fields. Previously, TEF has
also linked up with residency programs andother musical projects like International Ensemble Modern & Tokyo Wonder Site Academy. This situation where local and international artists interact with each other, andparticipants come from around the world forevents here in Tokyo, is something that did
not exist 50 years ago, and it is the kind of
positive environment that only TWS could
create. I have confidence that TWS will continue developing projects that stimulate andinfluence artists in the future. (As told to Emi Sato)｜TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.10｜
Creator-in-Residence Program
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Neither One nor the Other, but Both

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REVI EWIs the Concept “Good” or “Bad”? A Decade of TEF

An Experiment in New Forms of Expression

Text: Yuji NUMANO (Musicologist/ Professor, Toho Gakuen School of Music)

Text: Minoru HATANAKA (Senior Curator, NTT InterCommunication Center [ICC])

Having closely observed the Tokyo Experimental Festival (TEF) over the past decade in
my role as a jury member, I feel that the festival is the crystallization of the mission of Tokyo Wonder Site (TWS) to “foster new talent,” pursue “international exchange” and“support experimentation.”
I remember how in the beginning both organizers and participants had to feel their way
through, and there was quite a “digital” divide
between the performances of contemporary
music and the sound installations or bodybased performances. However, I think thatwith each new edition of the festival, these divisions have gradually converged and fused to
produce works that can be encountered nowhere else but at TEF.
In relation to this development there has also
been an increase in the number of applicantsfrom countries spanning regions like Asia,
Europe and North and South America. It wasa challenge to read in English the proposals bypeople from such completely different backgrounds, and conduct interviews over Skype,but thanks to the help of the excellent TWS
staff I was able to approach the screening process with a fresh sensibility every time. There issurely no other competition in Japan that is as
open as TEF, and this achievement should be apoint of pride for the festival.
However, there are also things that have been
shameful to me as a musicologist and music
critic. I feel that the vocabulary of the Japanese artists working with music has a tendency
to be deficient, and this tendency is all themore pronounced the more “musical” the artist. Of course this doesn’t mean the presentations need be as polished as a salesman’s pitch,or reflect the logic of a scientist. But if theartists can’t explain their concepts, then it’s
impossible to assess their proposals.
I have the sense that in Japan’s music scene,
the word “concept” gets interpreted as a kindof marketing-style “gimmick,” something extraneous to the work. In fact, I often hearthings like “the concept shouldn’t come before
the work,” or, “it’s the music that’s important,
not the concept,” such that even the act of using language to explain music itself seems to
be considered impure.
But this is wrong. Regardless of whether it’smeant to be experimental or advanced or original, you must be able to look objectively at
your work and position it in relation to theworld. It’s not about intent or passion or custom, but coolly orienting oneself. This is precisely what the concept is about. And, for better or worse, it can only be achieved throughthe use of language.
Following this realization it was my intent to
pay attention to the particularities of language
when screening the applicants, but I still havesome regrets on this point. As someone who isactively involved in the music scene, I must go
even further in appealing for the necessity of
the concept and language in the future.

I was asked to be a jury member for the Tokyo
Experimental Festival (then known as the On
Site Lab Emerging Artist Support Program
Music) when the event, originally established
as an open-call program for contemporary
music, was expanded to include not just performances of contemporary music but also
those in related genres like improvisationalmusic, ethnic music, electronic music, noisemusic and sound art. This was the third edition. I had been aware of the open-call program from its inaugural edition, and it impressed me that Tokyo Wonder Site, which
always seemed to be an institution for contemporary art, should be doing a project oncontemporary music. When I saw the lineup
of selected performances, I felt that the ambitious proposals with which the applicants had
responded were a rebuke against turning contemporary music into a closed genre and theinadequacy of compartmentalizing the chosen
works into the frame of contemporary music.
Even as it is a form of expression that has been
built up through the refinement of its techniques according to a set of given principles,
contemporary music has also evolved/fractured in diverse ways under the influence ofcontemporaneous events, not limited to thearts alone. The title in use since the fourth
edition, “Experimental Sound, Art & Performance Festival,” was a necessary reflection ofthis parallel expansion of the festival’s scope toinclude contemporary forms of experimental
expression that take music and its related
sound-based art forms as a departure point. As
a result I think there has been a dramatic shift
in the tendencies of the respondents to include more musicians who originate from thekind of contemporary music that has left behind the concert hall, or the kind of music
which does not get to be presented because it
does not have a name or genre to which it belongs, as well as performances that emerge
from sound- and video-based visual art. Th e“Sound Installation Section” was introduced
starting with the eighth edition, and, whilebuilding upon what has come so far, entries in
the Performance Section are now acceptedfrom such diverse genres as theatre, dance andmedia art.
It could be said that the uniqueness of thisopen-call program lies in its support, not only
domestically but also internationally, for experiments that attempt to create new forms ofexpression – forms of expression that breakthrough existing frames so that they do notbelong to any genre. I think there is still potential to further develop the links between
the festival and its support for artists’ activities, whether through the creation of a moreinterdisciplinary scene among participants, intandem with the increase in variety among theentries, or through providing additional opportunities to participating artists even after
their chosen performances.
The “experimental” in its title has always beena major guideline for the open-call program. It
is also about being “alternative,” and the challenge of always having the means for choosing
possibilities outside a given path. I have thesense that this will only become all the more
important in the future.

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TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.10｜
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.10
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RE V I E W

Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists
The Imagination of Others Makes Contemporary Music Interesting

Text: Yoshitaka MOURI (Sociologist/ Associate Professor, Tokyo University of the Arts)

Text: Sugako KUSUNOSE (Setagaya Arts Foundation Music Project Department)

The category of “music” is not as self-evident
as it may appear. The forms of music that wecurrently know, such as the sounds at concerts
and live shows or on CDs and in digital files,
were formed historically under the social, economic and technological conditions of theeras to which they belonged. Amid dramaticchanges in political economy, society and media technology, music has also been undergoing major transformation since entering the
21st century. Nor is it “music” alone. All thepractices that are generally referred to as “thearts” are currently undergoing major reconstitution. More than anything, the significanceof the Tokyo Experimental Festival (TEF) lies
in its attempt to somehow capture thesechanges. That is, it is a project that seeks toreevaluate and even deconstruct frames like“music” and “art” that are so often presumed
to be self-evident, and give birth to new“forms” of art.
What was most interesting to me as a jury
member of TEF’s open-call program was thediversity and interdisciplinarity of the entries.
Many of the entries were mixed proposals thatbelonged to neither music nor installation,
nor theatre or performance, reflecting themulti-media interdisciplinarity that is one of
the main characteristics of art in the 21st century. In a field that still tends to be divided bymedium, TEF is an important experiment for
producing new forms of art – forms that may
not belong to any genre among the current
categories, but which may some day become
the mainstream of the art of the future.
Especially commendable were the repositioning of “music” in the performance section in
the broad sense of time-based art, rather than

the narrow definition of composition and performance only, and the initiative to actively
introduce spatial practice into the field of“music” in the installation section. Not only inJapan but internationally, too, TEF has become a network hub for artists who are creating an art of the future that has yet to be formalized. In particular, the program forprize-winning artists to further develop andpresent their works at the following year’s festival was a beneficial experience for me as ajury member, convincing me of the program’ssustainability and reach.
The works by artists, musicians and performers that have accumulated over the past decade, and the network constituted by the festival’s participants, are a valuable asset not only
for Tokyo Wonder Site but also for the city ofTokyo itself. Building on this capital, we canlook forward to what even newer “forms” ofart will generate.

I was greatly intrigued when I heard about the“Seminar on Planning Contemporary Music
for Emerging Artists.” This is because I havecome to believe from my own experiences that
unpacking the music through workshops is ahighly effective method for listeners to gain adeeper appreciation of classical music, including contemporary music. With contemporary
music in particular, I am convinced that it isthrough such experiences that we can refine
our sensibilities for not just analyzing the music but also for more freely enjoying it. And
this is not only effective for listeners. In using
not only the senses but also language to analyze a work and articulate what makes it sointeresting, performers, too, can increase thepersuasiveness of their performances.
But it is not always so simple. My first thought
upon reviewing the proposals of the seminar
participants this time was that even though
they had things they wanted to try doing, they
were not concretely imagining how theywould work in practice. Certainly, this lack ofawareness in part boils down to a lack of experience, and I could also tell that the participants understood the importance of imagining the audience from the number of revised
proposals that showed improvements throughbetter practical considerations. It is such a joy
to think up a proposal while imagining things
like the kind of people who will experience it,
and what kinds of discoveries might lead tochanges in their thinking. Perhaps we could
even say that this is the performers’ own workshop experience.
It was unfortunate that so many seminar participants were unable to effectively and engagingly realize the contents of their reworked

proposals in the presentations that followed
the revision process, but I think they cameaway with the understanding that, in the sensethat it is also about expressing one’s thoughts,
a presentation is exactly the same as holding aworkshop, and just as challenging. I think that
reviewing each other’s proposals and presentations was a major learning experience for theparticipants, and sincerely hope that in future
they continue to show an interest in workshops with other performers and people fromgenres beyond music.
Among the proposals, the workshop and concert program chosen by the jury, Noriko
Yakushiji’s “the voice strikes back” – The Revolution According to Cathy Berberian, showed
outstanding potential in concept and efficacy.
By the fourth brush-up of the workshop,
Yakushiji’s growth had exceeded expectations,as with each turn she had reorganized the contents of her proposal so that it was richer,showed a deeper understanding of the audience experience, and displayed better confidence in execution.
Even though it was a “seminar on planning
contemporary music,” my hope is that thisexperience will help young performers to findtheir own paths while deepening their knowledge of all kinds of music from past to present, rather than single-mindedly pursuingcontemporary music only.

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Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists｜
TOKYO EXPERIMENTAL FESTIVAL Vol.10
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For the Sake of As Yet Unseen New “Forms” of Art

p.098

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Why the Seminar on Planning Contemporary Music for
Emerging Artists is Necessary Now
Text: Kenichi NAKAGAWA (Pianist/ Conductor)

The 9th Emerging Artists Support Program

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Instead of “Finding” the Self, “Asking” the Self
Kazuya TAKAGAWA「ASK THE SELF」Essay

Text: Mizuki ENDO (Independent curator/ Executive Director of HAPS)

aside whether it is music or not, if someone
says the chirping of the birds or the rustling of
the wind is pleasant, isn’t it the ears that perceive the pleasantness in these sounds?
Through my experiences I have come to believe that using all kinds of methods to introduce these things to as many people as possible will be an essential skill for the people who
perform today’s contemporary music.
I think the young musicians were able to realize through this seminar just how challenging
it is to look deeply at the current era, engage
deeply with works that are being made now aswell as those made by composers in the recent
past, and think about and present them insuch a way that those languages can be understood by many people. I will be satisfied withmy involvement if they were able to realizethat the kind of contemporary music programs that are being organized now, or whichpeople are attempting to organize now, are notjust performances for performance’s sake. It
actually requires an extraordinary amount ofskill to obtain the understanding of others byusing language to express to them the significance of the proposal and what it is meant tocommunicate; depending on how the proposal
is presented, there is also the potential for thecontents to be taken in the complete oppositeway.
I look forward to many new contemporary
music programs emerging as a result of thisseminar – programs that will possess flexible
thinking and wonderful ideas precisely because of the youth of their organizers.

There is always an air of futility to the phrase“finding one’s self.” Attempting to achieve optimal“self realization” through the understanding of one’s
true character and specialness, “finding one’s self ”
is in fact nothing more than a rationalistic behavior
for effectively reaching a compromise between the“self ” and “society.” With society as the given precondition, this behavior is sustained by the kind of
mentality that seeks to maximize individual benefits. But society changes, and can be changed. It
follows that the self also changes, and can bechanged. Between society and self there is an endless cycle of struggle and reconciliation.
Kazuya Takagawa’s “ASK THE SELF” shows theself in a state of diffusion, transference and saturation. The outer shell of the self breaks down andgaps open through which the other infiltrates.
Words that are not one’s own permeate and fill theself. The self is flushed out. The proactive embraceof this condition.
Miki Monma“Route / 59 months” Essay

The Responsibility of the Witness

Social media sites like Twitter strengthen the narrative of the self, and ultimately position the “self ” asthe beneficiary in the “social.” In the current media
environment, “finding the self ” is becoming differentiated. While it initially appears to address theexhausted theme of the “self,” what communicatesthe contemporariness of Takagawa’s work is the
sharp criticality it directs at this media environment.
The words I speak are not my own. The one who
understands me better than anyone else is not myself. I do not belong only to myself. What emerges
when this consciousness becomes the starting point
is not a new image of the self. It is a new image ofsociety.

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Text: Tadasu TAKAMINE (Artist/ Associate professor Akita University of Art / Guest Professor, National Taipei University of Art)
Once, when I visited Gaza in Palestine, I had theexperience of being surrounded by people appealing to me about the desperation of their lives. We
don’t care whether you’re an artist or whatever, justtell the world about what’s happening here, theysaid. That’s how badly this place is being ignoredby the rest of the world.
For me, the work Route/59 Months is similar to
my experience in Gaza. In Gaza, I thought about
the idea of “the responsibility of someone who has
seen the situation in Gaza,” and when I saw“Route/59 Months,” I also thought of the responsibility of the “witness” of the work.
“Route/59 Months” is a series of works that requires determination in its viewing. It is only amatter of time before the first impression that theseare just normal landscape paintings is upended, andone realizes that these landscapes are meant as “accusations.” A land that has been destroyed and forsaken; a land that is under threat as the object of

new development. The gaze of the artist who continues the dialogue while unwaveringly staring at
this devastated homeland. The accusatory intent
behind these placid brushstrokes is directed to thesouth, to the capital, Tokyo, with a clear purpose inmind.
This series of landscape paintings is a fresh reminder that artworks can function like this. The artist
has achieved a great success in intentionally choosing the time-intensive medium of oil paint. As theviewers relive the time the artist spent facing thislandscape, they can feel that massive accumulationof time piercing their breasts.

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The 9th Emerging Artists Support Program｜
Seminar on Planning Contemporary Music for Emerging Artists
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Performing contemporary music is a big partof my practice, and I have always thought
about how to get as many people as possible
to listen to its wonderful works. But it mustbe said that even within the field of “contemporary music,” it is quite difficult for works
composed from the latter half of the 20th
century onwards to find a broad audience. I
have come to realize that thinking about how
best to share the works that should be passed
down to later generations with people who do
not usually listen to contemporary music is asubject that requires deep consideration – atleast for myself, as someone who enjoys andperforms contemporary music.
As their ideas were quite advanced and radical
for their own time, even the composers who
have come to define classical music, like Beethoven, Wagner and Mahler, were not always
embraced by contemporaneous audiences.
And yet, their works were saved for posterityby those few yet committed musicians who
continued to perform them. Now, if you saythat the same holds for contemporary music –that all we have to do is to keep playing it –then I feel this is not necessarily true. And although people think they must devote a
substantial amount of time and commitment
to comprehensively studying each composer’s
musical language in order to listen to contemporary music, I feel there are some differences
between language and music. For example, in
language the moment you say “red” the meaning is already quite determined. But with music, which is an aggregation of acoustic vibrations based on a certain order, the determinationand the interpretation of the meaning, such as
it is, are largely left to the listener. Setting

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An Experience of the Outside at Tokyo Wonder Site Hongo

In Defense of Curation

Text: Akira TAKAYAMA (Leader of the Theater Port B, Director)

Text: Mizuki ENDO (Independent curator/ Executive Director of HAPS)

E☆mily Yoshimoto “Baron Yoshimoto: Pulse! Pulse! Pulse!” Essay

Massive drawings by the manga and visual artist
Baron Yoshimoto overflowed the venue in “Baron
Yoshimoto: Pulse! Pulse! Pulse!” – the exhibitiono r g a n i ze d by t h e a r t i s t’s d a u g h t e r, E ☆ m i l y
Yoshimoto. Also on display were Yoshimoto’s manga publications, and the physical fitness video hehad created, which was projected at small scale. E☆
mily says she was inspired to organize this project
when she discovered a huge collection of works in
her family’s storage space, and resolved to exhibit
them at all costs.
As I walked through the exhibition, I was able torelive E☆mily’s encounter with the works and herfeelings in that moment. Both the works and thetime they spent slumbering in storage had beenbrought into the second-floor space of Tokyo Wonder Site (TWS) Hongo. It was an attempt to bring
into an exhibition space for realizing art somethingthat is outside the conventions of what is generally
called “art.” The visitors, who were not the kindusually seen at museums, and the congratulatory
flower arrangements and even Baron Yoshimoto’s

speech at the opening reception were all effective,
reinforcing the performative qualities of the overall
exhibition.
Another thing I recall is Saki Tanaka and Ryo Mikami’s “Find Default and Rename It – visionary
tales – ”(TWS Hongo, 2015), presented as part of
the 8th Emerging Artists Support Program, which
was so compelling I must mention it here. The artists created two rooms within the room of the venue. Each room had a double-exterior: one being thephysical surroundings of the room (the corridors
and the neighboring room that had been built inthe same space), and the other being the people
and voices who had previously been there but wereno longer present. I have high praise for Tanaka
and Mikami’s realization of a space-time that shifted and disturbed the boundaries between realityand “vision” to give visitors an experience of theoutside.
I look forward to more such exhibitions by ambitious young organizers in the future.

The problem with the open-call project, it mustbe said, comes down mainly to the formal issueof having artists present a normal “exhibition”
proposal on their own. Of course artists wantto make their own exhibitions, and want theirworks to be seen. They also have a high awareness of the kind of environment in which theirworks should be viewed. So there is no falteringin their plans. In a sense, it is simple.
But that simplicity is predetermined by theframework of the open-call project. The “budget, time and space” are all fixed. The specificityof the public institution of Tokyo Wonder Site
Hongo is also understood somehow in accordance with its limitations. The simplicity is afunction of these preconditions.
This simplicity ends up getting reduced to a“so-so” exhibition, and, moreover, that “so-so”
can easily turn into “whatever.” Among the exhibition proposals, there was none that could
be expected to draw tens of thousands of visitors. Nor was there any from which significant
returns could be expected from the secondary
effect of the exhibition; or any in which the exhibition venue would be destroyed; or any that
could go beyond the scope of art to provide
some major academic contribution; or any withthe kind of message that could have a significant effect on politics; nor even any that had
actually been finished or started with the venue
in mind. Overall, I felt that the proposals were
designed to make the exhibitions conform to
the open-call guidelines, and that the artists areatrophying as a result of the misguided “preconditions” of the project.
Aside from the artists’ self-selections, what I focused on were the proposals that included analysis of the practice of curation itself: things thatincorporated the performativity and ephemerality of performances and discussions, or thosein which the catalog and work information
were conceived as conceptual elements. To go
further, careful analysis of the technical aspectsof curation, like the use of lighting, partitions
and pedestals, the flow of the space and the deployment of the invigilators or the management of publicity, makes it possible to create
something that completely departs from theconventional form of the exhibition. But I personally think there is no point to this approach.
What is essential now is not an elaboration of
institutional critique, but rather seeing whether
it is possible to connect larger “issues” to theinstitution of art.
I sense a kind of “openness” in the avoidance ofthe two above-mentioned problems by the artists who were selected this time. An interaction
with externality. A new combination of “issues”
and “institution.” These things appeared naturally. What I hope is that the artists will continue to focus attention on them beyond their capacity as exhibition organizers.
In reviewing the proposals this time, I got astrong sense that there is still a future for theEmerging Artists Support Program. An approach with a broad and deep reflexivity, a highawareness of practice and realization, and theappropriate tools for dealing with global issues.
Independent curators (although the label
doesn’t really matter here) who can make such
exhibitions are what we need right now. Theseare exactly the kind of proposals that a public
institution like Tokyo Wonder Site should be
able to proactively use. I have high expectations
that this open-call scheme will become a majorpart of Japan’s “history of curation.”｜
The 9th Emerging Artists Support Program｜
The 9th Emerging Artists Support Program
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施設案内

General Information〒113 -0033 東京都文京区本郷2- 4 -16
TEL: 03-5689-5331 / FAX: 03-5689-7501
開館時間：11:00～19:00（入場は閉館30分前まで）
休館日：月曜日（祝日の場合は翌平日）、年末年始

2-4 -16 Hongo, Bunkyo-ku, Tokyo 113-0033
TEL: +81-(0)3-5689-5331 / FAX: +81-(0)3-5689-7501
OPEN: 11:00-19:00 (Last Entry: 18:30)
CLOSED: Mondays (When Monday falls on a national holiday,
closed on the following weekday), Year-end and New Year Holiday〒130-0023 東京都墨田区立川2-14 -7
アーツ菊川1F（オフィス501）
TEL: 03-5625-4433 / FAX: 03-5625-4434〒150 - 0041 東京都渋谷区神南1-19-8
渋谷区立勤労福祉会館1F
TEL: 03 -3463 -0603 / FAX: 03-3463 -0605
開館時間：11:00～19:00（入場は閉館30分前まで）
休館日：月曜日（祝日の場合は翌平日）、年末年始

Shibuya Workers’ Welfare Hall 1F
1-19-8 Jinnan Shibuya-ku Tokyo 150-0041
TEL: +81-(0)3-3463-0603 / FAX: +81-(0)3-3463-0605
OPEN: 11:00 -19:00 (Last Entry: 18:30)
CLOSED: Mondays (When Monday falls on a national holiday,
closed on the following weekday), Year-end and New Year Holiday〒135 -0022 東京都江東区三好4 -1-1
東京都現代美術館内
TEL: 03-5602-9881/ FAX: 03-5602-9882

TWSアートカフェ 24/7 coﬀee & roaster ※ TWS 渋谷併設
TEL: 03-6455-0920
営業時間：10:00～23:30（ラストオーダー 23:00）
定休日：年中無休（1月1日除く）

4 -1-1 Miyoshi, Koto-ku, Tokyo 135-0022 (Located in MOT)
TEL: +81-(0)3-5602-9881/ FAX: +81-(0)3-5602-9882

TWS Art Cafe “24/7 coﬀee & roaster”*Located in the same building as TWS Shibuya.

TEL： +81-(0)3-6455-0920
OPEN： 10:00-23:30(Last order 23:00)
CLOSED: January 1［お問い合わせ / Inquiry］
contact@tokyo-ws.org
http://www.tokyo-ws.org｜
General Information｜
General Information
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6※イベント開催時のみ一般公開

Arts Kikukawa 1F
2-14 -7 Tatekawa, Sumida-ku, Tokyo 130-0023
TEL: +81-(0)3-5625-4433 / FAX: +81-(0)3-5625-4434
Open to the public when events are held.

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レジデンス運営諮問委員会
大巻伸嗣（東京藝術大学 准教授）

Shinji OHMAKI (Associate Professor, Tokyo University of the Arts)

小沢 剛（東京藝術大学 准教授）

Tsuyoshi OZAWA (Associate Professor, Tokyo University of the Arts)

金井 直（信州大学 准教授）

Tadashi KANAI (Associate Professor, Shinshu University)

神谷幸江（ジャパン・ソサエティー・ギャラリー・ディレクター）

Yukie KAMIYA (Director, the Japan Society Gallery)

杉田 敦（女子美術大学 教授）

Atsushi SUGITA (Professor, Joshibi University of Art and Design)

相馬千秋（アートプロデューサー、特定非営利活動法人 芸術公社 代表理事）

Chiaki SOMA (Art producer/Representative Director, Arts Commons Tokyo)

建畠 晢（多摩美術大学 学長、埼玉県立近代美術館 館長）

Akira TATEHATA (President, Tama Art University/Director, The Museum of Modern Art, Saitama)

津村耕佑（武蔵野美術大学 教授）

Kosuke TSUMURA (Professor, Musashino Art University)

沼野雄司（桐朋学園大学 教授）

Yuji NUMANO (Professor, Toho Gakuen School of Music)※任期：平成27年 6月1日から平成29年5月31日まで

外 部評価委員会
天野太郎（公益財団法人横浜市芸術文化振興財団 横浜市民ギャラリーあざみ野 主席学芸員）

Taro AMANO (Chief Curator, Program Director, Yokohama Civic Art Gallery Azamino)

伊東正伸（独立行政法人国際交流基金 文化事業部長）

Masanobu ITO (Program Director, Visual Arts, Arts and Culture Department, The Japan Foundation, Tokyo)

片山正夫（公益財団法人セゾン文化財団 常務理事）

Masao KATAYAMA (Executive Director, The Saison Foundation)

川上典李子（デザインジャーナリスト、21_ 21 DESIGN SIGHT アソシエイトディレクター）

Noriko KAWAKAMI (Design Journalist/Associate Director, 21_21 DESIGN SIGHT)

藤幡正樹（アーティスト）

Masaki FUJIHATA (Artist)※任期：平成26年11月1日から平成29年10月31日まで

トーキョーワンダーサイト
館長

今村有策

Director

Yusaku IMAMURA

副館長

馬神祥子

Vice Director

Sachiko UMAGAMI

事業課長

黒田みのり

Director of Arts Program and Residency Division

Minori KURODA※平成28年3月時点

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トーキョーワンダーサイト アニュアル 2 015
発行日2016 年 7月14日

監修

今村有策（トーキョーワンダーサイト館長）

編集

一般社団法人ノマドプロダクション（橋本 誠｜及位友美｜佐藤恵美｜高橋尚子）（伊藤まゆみ｜市川亜木子｜藤井宏水）
トーキョーワンダーサイト

翻訳
撮影

アンドレアス・シュトゥールマン（pp.131-141）、アンドリュー・マークル（pp.143 -155）
加藤 健、川久保ジョイ、河田浩明、近藤愛助、須田俊哉（bloomy）、髙橋健治、ただ（ゆかい）、
一般社団法人ノマドプロダクション、
トーキョーワンダーサイトデザイン

岡部正裕（株式会社ボイズ）

印刷株式会社 シナノ パブリッシング プレス

発行

公益財団法人東京都歴史文化財団トーキョーワンダーサイト
東京都江東区三好4 -1-1

東京都現代美術館内

Tok yo Wonder Site Annual Report 2015
Publication Date

July 14, 2016

Editorial Supervisor

Yusaku IMAMURA (Director, Tokyo Wonder Site)

Editorial Staff

Nomad Production(Makoto HASHIMOTO | Yumi NOZOKI | Emi SATO | Naoko TAKAHASHI)
Tokyo Wonder Site (Mayumi ITO | Akiko ICHIKAWA | Hiromi FUJII)

Translation

Andreas STUHLMANN（pp.131-141）, Andrew MAERKLE（pp.143 -155）

Photo

Ken KATO, Yoi KAWAKUBO, Hiroaki KAWATA, Aisuke KONDO, Toshiya SUDA (bloomy),
Kenji TAKAHASHI, TADA（YUKAI）, Nomad Production, Tokyo Wonder Site

DesignMasahiro OKABE（voids）

Printing

SHINANO PUBLISHING PRESS CO.,LTD

Published by

Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture, Tokyo Wonder Site
4 -1-1 Miyoshi, Koto-ku Tokyo 135 -0022(Located in MOT)

©2 016 Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture, Tokyo Wonder Site