2

千原真実

清水総二

中野由紀子

CHIHAR A Mami

SHIMIZ U Soji

NAKANO Yukiko

堀 園実

福田絵理

平田尚也

HORI Sonomi

FUKUDA Eri

HIRATA Naoya
3目次

Table of contents

はじめに

Foreword

02

千原真実

CHIHARA Mami

04

清水総二

SHIMIZU Soji

10

中野由紀子

NAKANO Yukiko

16

堀 園実

HORI Sonomi

22

福田絵理

FUKUDA Eri

28

平田尚也

HIRATA Naoya

34

作品リスト

List of works

41

第1期

第2期

4

Part 1

Part 2

5

は じめに

開催概要

Overview

トーキョーアーツアンドスペース（ TOK AS ）は 2001年 の開館以来 、公募展から個展

第 1 期｜ 2018 年 7 月 14 日（ 土 ）～ 8 月12 日（日）の開 催 、レジデンス・プログラムや企画展など、アーティストの時機に応じたプログラム

千原真実

によって、その活動の広がりを支援しています。
「 Emerging（ 旧 TWS -Emerging ）」は、

オープニング・トーク｜7 月 14 日（土）若手アーティストを対象とした公募展「トーキョーワンダーウォール（ TWW ）」（2000 ～

トーク・ゲスト｜米田尚輝（ 国立新美術館 主任研究員 ）

清水総二

中野由紀子

2016年実施 ）と連携したプログラムとして、2001年より実施しています。
今年度の Emerging では、「TWW2013 ～ 2016」の入選者及び入賞者のうち、35 歳以下

Part. 1 | 2018. 7. 14 (Sat.) - 8. 12 (Sun.)のアーティストから希望者を募り、審査によって選出された 6 名による展示を 2 期にわた

CHIHARA Mami

り開催しました。TOKAS 本郷の各階のスペースを使いアーティストが個展形式で作品をOpening Talk | 7. 14 (Sat.)

発表するこの展覧会では、作品の制作のみならず、解 説や展示構成 、会場設営に至るまで

Talk Guest | YONEDA Naoki (Curator, The National Art Center, Tokyo)

SHIMIZU Soji

NAKANO Yukiko

アーティストの様々な試みが反映されています。
トーキョーアーツアンドスペース

第 2 期｜ 2018 年 8 月 25 日（ 土 ）～ 9 月 24 日（ 月・祝 ）
堀 園実

福田絵理

平田尚也

オープニング・トーク｜ 8 月 25 日（土）Foreword
Since its initial opening in 2001, Tokyo Arts and Space (TOKAS) has been
implementing a number of continuous programs to foster and support young
artists. “Emerging” (formerly “TWS-Emerging”) was launched in 2001 as aprogram affiliated with the “Tokyo Wonder Wall (TWW)” exhibition of works
submitted by young artists from the general public (held 2000-2016). Through theselection of works for TWW, one-man shows at the exhibition space of TOKAS

トーク・ゲスト｜桝田倫広（ 東京国立近代美術館 研究員 ）Part. 2 | 2018. 8. 25 (Sat.) - 9. 24 (Mon.)HORI Sonomi

FUKUDA Eri

HIRATA Naoya

Opening Talk | 8. 25 (Sat.)
Talk Guest | MASUDA Tomohiro (Curator, The National Museum of Modern Art, Tokyo)

Hongo, TOKAS Residency Program and other programs tailored to suit artists’individual conditions, TOKAS aims to play a supporting role in the expansion of
their activities.
Held in two different periods, this year’s “Emerging” exhibitions featured a totalof six artists selected from applications by artists aged 35 and under from among
the target group of TWW 2013-2016. These exhibitions, for which each artist was

主催｜トーキョーアーツアンドスペース（公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 ）会場｜トーキョーアーツアンドスペース本郷
Organizer | Tokyo Arts and Space, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
Venue | Tokyo Arts and Space Hongo

given one floor of TOKAS Hongo to show his/her works, reflect various approaches
that in each case include next to the respective artist’s creative work also suchtasks as explanatory comments, exhibition design, and display setup at the venue.

各作家のページにオープニング・トークゲストによるレビューを掲載しています。
See pages of each artist for reviews by the Opening Talk guests.

Tokyo Arts and Space2

3

千 原 真 実 「Oscillate/deviate」
CHIHARA Mami “Oscillate/deviate”
2018. 7. 14 (Sat.) – 8. 12 (Sun.)

ステートメントStatement

私の作品は一見額縁の付いた絵に見えるが、絵と絵のまわりを一枚の絵として制作している。

まずは一枚の絵を描き、そのまわりがあるとしたらどういうものができるのか、イメージして作っていく。

今回の展示では、このような作品の構造と日常の様々な変化についてを重ね合わせた。モノはいつでも変化するということを含んでいること、そして毎日通学路を行ったり来たりするような日々の中で、何も変わらない

ようでいて、気付くと想像していなかった光景に出会うこと、変化は連なりの中にあることをかたちにしたい。
These works appear to be paintings that were subsequently framed, but in each case the painting
and the frame around it were created as a unity. After finishing the painting itself, I imagine possible
surroundings for it, and expand on that.
In the works shown at this exhibition, I have related this process to the various changes people
experience in everyday life. “Things” are constantly in a state of flux, and even in situations like thedaily walk to school, where nothing ever seems to change, there is more to discover than one might
imagine if one pays attention to the surroundings. I wanted to capture that notion of change in suchcontinuous encounters in daily life.
《風景 1》Landscape 1
プロフィール

2018

Profile

1985年熊本県生まれ。東京都を拠点に活動 。2008 年東京造形大学造形学部美術学科絵画専攻卒業。
2011- 2013 年シュテーデルシューレ（フランクフルト）ゲストスチューデント。
主な展覧会：
2017｢Art area project 2017『SUPER OPEN STUDIO』｣（ REV、神奈川）「ちいさいおうち」（CRISPY EGG GALLERY 、神 奈 川 ）2016｢Art area project 2016『SUPER OPEN STUDIO』｣（REV、神奈川）
2015「トーキョーワンダーウォール都庁 2015」（東京都庁第一本庁舎 3 階南側空中歩廊）「地への浸透を想ふ」（西荻 窪 GALLERY494 、東京 ）「こっちへ」（Gallery+PLUS、東京）
Born in Kumamoto in 1985. Lives and works in Tokyo. Graduated with a BA in Painting course from Tokyo Zokei University in2008. Guest student of Städelshule-Frankfurt Christa Näher class in 2011-2013.
Recent exhibitions:2017“Art area project 2017, ‘SUPER OPEN STUDIO’,” REV, Kanagawa“The Little House,” CRISPY EGG GALLERY, Kanagawa
2016“Art area project 2016, ‘SUPER OPEN STUDIO’,” REV, Kanagawa
2015“Tokyo Wonder Wall 2015 at Tokyo Metropolitan Government Building”“Thinking about of the field,” Nishiogikubo GALLERY 494, Tokyo“over here,” Gallery ＋ PLUS, Tokyo《風景 7》Landscape 7
協力：山根一晃、木間絵理奈
42018

Cooperation: YAMANE Kazuaki, KONOMA Erina
5

《風景 2》Landscape 2

2018《花びら》Petals
6

2018
7

Drawn onto the canvases are sceneries inspired by the changing landscapes along her way to schoolthat Chihara Mami walked countless times from her parents’ house. One day she noticed that a roadhad disappeared, and realized that she hadn’t taken that route as frequently as she used to. Suchtransformations of original landscapes Chihara incorporates as problematic mechanisms in her works,
which means that the motifs depicted here are images born from retrospection.
At the same time, Chihara is obviously also interested in exploring media. In the artistic genre ofpainting, canvas is a material that has been considered as a support medium. Mounted onto a wooden
frame, a canvas is a flat, opaque surface, on which images are produced by applying opaque paint.
Such was the idea of painting theory that has been supported by perspective drawing techniques after
the Renaissance. However the avant-garde movements in the first half of the 20th century overturnedsuch traditional principles of painting through radical changes in terms of both painting materials andsupport media. It is certainly possible to position the works of Chihara within that kind of lineage.
Chihara’s works are often made up of multiple wooden frames covered with canvas. As a result, thecanvas-covered rectangular frames are part of the paintings, yet at once serve as objects that frame
them. French philosopher Jacques Derrida questioned the distinction between “ergon” (work) and“parergon” (accompaniment), and Chihara is another artist who shakes up this problem through her
works.

YONEDA Naoki (Curator, The National Art Center, Tokyo)《雲の絵》A painting of a cloud2018

カンヴァスには、千原がかつて何度となく通った実家の通学路の変化に着想を得た風景が描かれている。ある時、ある道がなくなっていることに気づいた千原は、その道をかつてのように頻繁に通らなくなったことに気づいた。こうした原風景の変化、変わっていくことを、問題機制として作品のうちに取り入れているという。ここに描かれているモティーフは、したがって、想起に基づく像ということになる。
一方、千原の関心は、メディウムの追求にもあるだろう。絵 画という芸術ジャンルにおいて、カンヴァスは支持体とされてきた物質である。木枠に張られたカンヴァスは、不透明で平坦な表面として存在する。その上に、不透明な絵具で像を産出すること。ルネサンス以降の透視図法によって支えられてきた絵画のテーゼはこのようなものであった。しかし、このような絵画の伝統的原理は、20 世紀前半の前衛の運動において、絵具と支持体とのラディカルな改変の営みによって転覆されてきた。千原の作品群もまた、こうした系譜の上に位置づけることは可能であろう。
千原の作品は、しばしばカンヴァスによって覆われた木枠が複数組み合わさって構成されている。結果として、カンヴァスで覆われた矩形の木枠が、絵の一部でありながら額縁のような役割を果たすことになる。フランスの哲学者ジャック・デリダは、「作品＝エルゴン」とその傍にある「付随物＝ パレルゴン」という峻別の仕方を疑ったが、千原の作品もまたこの問題を揺さぶるものである。

米田尚輝（国立新美術館 主任研究員）
89

清 水 総 二 「Doublethinkwise」
SHIMIZU Soji “Doublethinkwise”
2018. 7. 14 (Sat.) – 8. 12 (Sun.)

ステートメントStatement

展覧会で美術作品を見る、といった行為やそのマナーにおいて、観客が一定の態度を保持することは可能だろうか。

形式や伝統、正しさなどをキーワードに、ジョージ・オーウェルの小説『1984 年』における「 Doublethink（二重思考）」を参照し、テキスト、テーブル、絵画 、壁掛けフック、スツールなどで展示を構成する。

「Doublethink」とは、「ふたつの相矛盾する信念を心に同時に抱き、その両方を受け入れる能力」のことで、ひとつの思考法・生存のための技術である。

Is it possible to view artworks at exhibitions while continuously adopting the same attitude in termsof behavior and manners?
In reference to the “doublethink” concept in Orwell’s novel 1984 , I constructed this exhibition fromtexts, tables, paintings, wall hooks and a stool, based on such keywords as “format,” “tradition” and“correctness.”“Doublethink” is a way of thinking and a technique to survive: “the power of holding twocontradictory beliefs in one's mind simultaneously, and accepting both of them.”

プロフィール

Profile1983 年三重県生まれ。ベルリンと東京都を拠点に活動。2012 年筑波大学芸術専門学群美術専攻卒業。
主な展覧会：
2017「The violent silence of a new beginning」（Studio Khana for Contemporary Art、カイロ）
2016「Bebop」（XYZ collective、東京）
2015「世田谷区芸術アワード “ 飛翔 ” 受賞記念発表『清水総二展』」（ 世田谷美術館区民ギャラリー、東京）「Itch」（みどり荘、東京）
2014「クロスディゾルブ」（遊工房アートスペース、東京）
2013「アラフドアートアニュアル 2013」（福島県土湯温泉町）
2012「オープンスタジオ」（Warehouse Project、神奈川）
Born in Mie in 1983. Lives and works in Berlin and Tokyo. Graduated with a BFA in School of Art and Design from University ofTsukuba in 2012.
Recent exhibitions:
2017“The violent silence of a new beginning, ” Studio Khana for Contemporary Art, Cairo
2016“Bebop,” XYZ collective, Tokyo
2015“Setagaya Art Award ‘Soji Shimizu’,” Setagaya Art Museum, Tokyo“Itch,” Midori.so, Tokyo
2014“cross dissolve,” Yukobo Art Space, Tokyo
2013“Arafudo Art Annual 2013,” Tsuchiyu-Onsen, Fukushima
2012“Open Studio,” Warehouse Project, Kanagawa

10

11

12

13

The exhibition title “Doublethinkwise” is derived from the “doublethink” concept that British writer
George Orwell introduced in his novel 1984 (1949). The idea behind “doublethink” in Orwell’s work
was to accept the contradiction between contrary opinions, and eventually support both of them.
Composed of several paintings, slightly modified pieces of furniture, and two texts, Shimizu Soji’s
exhibition is more or less based on this concept.
The position of hanged paintings is not regular height and items of furniture are not regular-sized,
but correspond with the “physical features” of a certain “he” that appears in one of the texts. “He”
has “an extremely short torso in relation to his extraordinarily long limbs,” and “his eyesight ismonochromatic.” It does in fact look as if the entire exhibition space was designed for “him.” Many ofthe paintings are painted in single colors, and seemingly adjusted to “his” body height, they are placed
rather low on the walls.
One of the texts is displayed in a room in which objects – I would call them “quasi-ready-madeobjects” – such as slightly modified tables and stools are installed. These objects direct the viewer’s
consciousness toward the connection between “works” and “non-works.” Such reasoning is also
reflected in the adverb that is used for the exhibition’s title, “Doublethinkwise,” while the cars andshoes one can see in the paintings function as motifs that suggest this very mobility of the viewer’s
consciousness.

YONEDA Naoki (Curator, The National Art Center, Tokyo)《Untitled (Front)》 2018

展示のタイトル「 Doublethinkwise」は、イギリスの作家ジョージ・オーウェルの小説『1984年 』（1949 年）で用いられる概念「二重思考 Doublethink」から派生している。オーウェルの作品において「 二重思考 」とは、相反する意見が矛盾するのを承認した上でそのどちらも支持するというものだ。清水の展示は、数点の絵画、家具に手を加えた物体、そして 2 点のテキストによって構成され、多かれ少なかれこの概念が潜在している。
絵画が吊られる位置の高さや家具類のサイズは一般的なものとは異なり、テキストのひとつに現れる「彼 」という人物の「身体的特徴」が採用されている。
「彼」は、「腕や脚が異様に長いのに対して胴が極端に短い」。そして「彼の目は」、「単色で認識する」という。実 際 、展示空間は、「彼」のために構成されているようにも見える。
数点の絵画は単色で描かれたものが多く、「 彼 」の身長に合わせられたかのように 、それらは壁面のかなり低い
位置に掛けられている。
また、テキストのひとつが置かれた部屋には、テーブルやスツールに少しだけ手を入れた「 準 - 既 製 品 」とでもいうべき物体が設置されている。これらは「 作品 」と「 作 品でないもの」との接続を観者の意識に促しており、タイトルの「 Doublethinkwise 」という副詞の様態はこのような思考の運動を示唆するものである。また、この観者の意識のモビリティは、絵画に描かれている車や靴といったモティーフによっても暗示されている。

米田尚輝（国立新美術館 主任研究員）
14

15

中 野 由 紀 子「 見すごしているもの」
NAKANO Yukiko “What I overlooked”
2018. 7. 14 (Sat.) – 8. 12 (Sun.)

ステートメントStatement

時間に追われてしまうような感覚の中、ふと自分が今まで記録していたもの、例えば携帯のカメラロール、昔の日記、しまっていたドローイングなどを振り返ることがあります。その時に、今の自分の興味はここにむかっていると当たり前に思っていたはずのことが、意外とその時だけの興味で昔の自分はこのようなことを思っていたのか、と不思議な気持ちになることがあります。

記憶を手繰り寄せて作品を制作していますが、記録を振り返ると、昔の自分は今の自分が見ていたことと違うものを見ていたのかもしれないなと思いました。

記録を振り返った時の、自分の断片を探りながら集めました。
In moments when I feel pressed for time, it happens that I suddenly look back on the things that I’ve
recorded in the past: photos on my mobile phone, old diaries, or drawings that I stored away.
In such moments it often puzzles me to find out that my current interests aren’t as connected as I
thought with the things that I apparently had in mind back then. I produce works by drawing in《うす暗い道》a dark road2018

memories, and looking back at such records, it appeared to me that I might have seen something
different in the past from what I see today.
Gathering past memories was like picking up fragments of myself.

プロフィール

Profile1989 年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2015年多摩美術大学大学院美術研究科絵画専攻油画研究領域修了。
主な展覧会：
2017「－画廊からの発言－新世代への視点 2017『近くの空き地、遠くの景色』」（ 藍画廊、東京）「昔の日記、通勤と散歩」（ circle [gallery & books]、東京）
2016「かわる景色」（藍画廊、東京 ）受賞・助成：
2016「アクリルガッシュビエンナーレ 2016」佳作「第 31 回ホルベイン・スカラシップ」奨学生
Born in Tokyo in 1989. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MA in Oil Painting from Tama Art University Graduate
School of Fine Arts in 2015.
Recent exhibitions:
2017“Nearby vacant land, Distant landscape,” Ai gallery, Tokyo“An old diary, Commuting and walking,” circle [gallery & books], Tokyo
2016“Change of landscape,” Ai gallery, Tokyo
Recent awards:
2016“TURNER ACRYL GOUACHE BIENNALE 2016,” honorable mention
The 31th HOLBEIN Scholarship

16《雪解け》snow melting

2018

17

18

19

《土のう袋（3 点セット）》sandbag (3-piece set)

《カラーコーン（5 点セット）》( 一部 )color cone (5-piece set) (detail) 2018

《モップ（毛のみ）》mop (hair only)《バリケードと土のう⑴ 、⑵ 》barricade and sandbag ⑴ , ⑵

2018

2018

2018

Titled “What I overlooked,” Nakano Yukiko’s exhibition is divided into two rooms. Displayed in one ofthem is a series of paintings, while the works shown in the other one are mainly cut-out drawings. The「見すごしているもの」と題された中野の展示は、ふたつの部屋から構成されている。ひとつは一連の絵画群が展

motifs in the works in both rooms –painted or drawn – are similarly shaped, representing sceneries in

示された部屋で、もうひとつは切り抜かれたドローイングを中心に展示された部屋である。いずれの部屋の作品

the artist’s dreams, or everyday life situations that caught her attention.

群も、絵 画であれドローイングであれ、描かれた形象のモティーフは共通しており、それは夢の中の景色や日常

When drawing, Nakano does not work on canvas or paper while carefully observing existing motifs in

生活の中で気になった風景であるという。

front of her. What she does instead is manifest imagined sceneries on the respective support medium

中野は描く際に、現前するモティーフをじっくりと眺めながら、カンヴァスないしは紙に向き合うのではなく、

from her memory. This approach is reminiscent of the technique that French painter Pierre Bonnard

記憶を頼りにして心象風景を支持体の上に形象化していくという。こうした姿勢は、フランスの画家ピエール・used to employ. Rather than projecting existing persons or landscapes as they appeared, Bonnard

ボナールの制作方法を想起させる。ボナールは、現前する人物や風景の姿をありのままに映しとるのではなく、

relied on his memories and sketches in his notebook to draw figures on his canvases. This is what

手帖に残したスケッチや記憶を頼りに、カンヴァスに形象を描いた。こうすることで、抽象絵画への一歩手前に

enabled him to always remain one step short of the realm of abstract painting.

踏みとどまることが可能となったのだ。

The figures that Nakano draws evoke in the viewer a similar feeling of suspension or stagnation in

中野の描く形象もまた、抽象化のプロセスのなかで、このような宙吊りないしは静止した感覚を観者に与えるだ

the process of abstraction, and this effect is further enhanced through such display methods as using

ろう。そして、この効果は展示方法によっても強化される。それは、形象の輪郭で切り取られた紙のドローイ

independent frames to present drawings, cut out from paper along the depicted figures’ contours, as

ングを、自立する木枠を用いて浮き上がっているかのように展示する方法だ 。
「 気になったもの」をモティーフ

if standing out from the respective background. It seems that it is this notion of “plasticity” that isとして採用する中野にとって、重要なのは、その「可塑性 plasticity」であるように思われる。

elemental for Nakano as she chooses “things that caught her attention” as motifs in her works.

米田尚輝（国立新美術館 主任研究員）
20

YONEDA Naoki (Curator, The National Art Center, Tokyo)
21

堀 園 実 「 なみうちぎわの協和音 」
HORI Sonomi “Consonance”
2018. 8. 25 (Sat.) – 9. 24 (Mon.)

ステートメントStatement

私やあなたを含むこの世界について。
わたしたちは目の前の世界に存在するものをどのように把握しうるのか。なるべく偏見を持たず、現実をありのまま受容するために。

現代の社会の（特に人権に対する）考えを反映するキーワードとして、多様性が挙げられる。多様化は、ものごとを細分化することとほぼ同じだ。しかし例えば一人の人間のアイデンティティを細分化されたカテゴリー
から語ることは無謀である。もっとも同一性の上に多様が成り立つことに注意を払わなければ、細分化は孤立を生む材料になる。

そこでわたしたちが日頃見る可視的な景色に疑いを持つことを提案したい。目の前に見えるものそれ自体の存
在は一つの事実でも、解釈は個々で異なる。自らの解釈を疑い異なった見方を試せば、わたしたちは予想を超えた（あるひとつの）ありのままの世界を発見できるだろう。

A thought on the world we live in.
How can we grasp the reality of the things we see, and accept it as it is without prejudice?
“Diversity” is a keyword in the discussion of present social conditions, especially those of humanrights. The meaning of “diversification” is more or less the same as “segmentation.” However, it
would be reckless to talk about someone’s identity based on segmentalized categories for example.
Segmentation causes isolation if we don’t pay attention to the fact that diversity is built on samenessin the first place.
My suggestion is to look at the visible landscapes of daily life with suspicion. Even though the fact
itself is unique, there are always different interpretations of its appearance. If we question our own
interpretation and try out other views, we may be able to discover a reality beyond our expectation.
プロフィール

Profile

1985年静岡県生まれ。静岡県を拠点に活動 。2009年 沖縄県立芸術大学大学院彫刻専修修了。
主な展覧会：
2017「ファルマコン - 医療とエコロジーのアートによる芸術的感化」（ターミナル京都 、京都／ CAS、大阪）「オープンスタジオ」（パリ国際芸術都市、フランス）
2015「2015 イチハナリアートプロジェクト+3」（浜比嘉島 、沖縄 ）2010「ことばとは」（ガレリア・グラフィカ bis 、東京）受賞・助成：
2016
平成 28 年度文化庁新進芸術家海外研修制度１年研修（ パリ国際芸術都市レジデンス ）2011「グランシップアートコンペ 2 011」グランシップ賞
2006「アート・ミーツ・アーキテクチャーコンペティション（ AAC ）2006 」最優秀賞
Born in Shizuoka in 1985. Lives and works in Shizuoka. Graduated with an MFA in Sculpture Major from Okinawa prefectural
University of Arts in 2009.
Recent exhibitions:2017“Pharmakon Medical-ecological approaches for artistic sensibilization,” The Terminal Kyoto, Kyoto / CAS, Osaka“Open studio,” Cité international des arts, Paris
2015“2015 Ichihanari Art Project +3,” Hamahigajima, Okinawa
2010“Kotobatoha,” galleria grafica bis, Tokyo
Recent awards:
2016
Program of Overseas Study for Upcoming Artists, Agency for cultural affairs, Cité international des arts, Paris
2011“Granship Art compe 2011,” Granship Prize
2006“Art meets Architecture Competition (AAC) 2006,” AAC Prize
22

23

24

25

どこまでが作品なのだろうか。これが堀園実の作品に初めて接した際に感じたことだ。第一にこれはインスタ“How much of this is the actual artwork?” This is what I thought to myself when I first encountered

レーションである。海岸の石や流木 、ゴミなどを粘土で作り、波打ち際の光景を展示空間に再現したものだ。彼

Hori Sonomi’s work. First of all, this is an installation. The artist used clay to recreate in the exhibition

女の当初の展示計画では、鑑賞者がそのうえを自由に歩くことも構想されていた。鑑賞者はそれを踏みながら、

space a beach landscape with rocks, driftwood and waste materials washed ashore. Her initial plan

その小石に見えるものがその実 、小石ではなく、別の素材で作られたものであることを体感する。であればこれ

was to let visitors walk around freely on the work, and while stepping on what looks like pebbles,

ら造形物に介入することが、作品鑑賞となる。しかしながらこの計画は実施されず、 鑑賞者の代わりに作家自身

realize that it’s in fact made from some other material. This would mean that visitors experience theがパフォーマンスを行なうことになった。いずれにしても、見かけによってもたらされる物の属性と、それら造

work by way of their own intervention. However this plan was not realized, and the artist decided

形物の内実との食い違いへの気づきによって、事物は私たちの固定概念から解き放たれる。

that she do a performance on her work instead of the visitors. In either case, noticing the discrepancy

見かけと内実との食い違いは、壊れた小石などを観察することで気づかされよう。だが、私が彼女の造形物を見

between the attributes of things suggested by their appearance, and the actual fact of the artificially

たのは、パフォーマンスが行なわれる前のことだった。では私の見ていた光景は、作品の未然形とも言うべき状

created objects, results in a liberation of things from our stereotyped ideas.

態だろうか。一方、堀によればここで使われた粘土は焼成していないので、再利用できるそうだ。すなわち波打

While the viewer surely becomes aware of this discrepancy between appearance and fact when

ち際の光景は、土に還り、また別の何かになる可能性を有している。作品をつねにかりそめの状態にしておくこと。

looking at the crushed pebbles, I saw the work prior to Hori’s performance, so I’m wondering whether

このようなエコノミー全体を「 作品」として明確に構造化することができれば、作品と呼ばれるものの枠組みが、

this means that I have seen it in an unfinished state… According to the artist, the clay she used was

より一層、拡張できるのではないかと感じた。

not fired, and is therefore reusable. In other words, this entire beach scenery contains the potential

桝田倫広（東京国立近代美術館 研究員）

to be reduced to clay once again, and re-emerge in a different shape. The work is all about constantly
being in a transient state, and I felt that, if one manages to clearly structure the greater economy
behind this in the form of a “work,” that would potentially expand the frame of our definition of an“artwork” to a whole new level.

MASUDA Tomohiro (Curator, The National Museum of Modern Art, Tokyo)

堀 園実によるパフォーマンス・イベント｜ 2018 年 8 月26 日（日）Performance by HORI Sonomi ｜ 2018. 8. 26 (Sun.)2627

福 田 絵 理 「その世界に触れたとき、それゆえ、」
FUKUDA Eri “When touched the field, therefore,”
2018. 8. 25 (Sat.) – 9. 24 (Mon.)

ステートメントStatement

現実と虚構が混ざった絵を描いています。
拒絶、別れ、暴力、差別。確固たる無慈悲な現実は私にとって時に恐怖の対象となります。

逆に、空想、夢想、甘い夢物語、自身の都合の良い様に作れる虚構の世界は私を豊かで、満ち足りた方向へ導きます。

しかし、その暖かで、誰にも傷つけられない嘘の世界でのみ生きることは現実世界での死を意味します。
現実と虚構の入り混じった私の絵画は、この変えようのない現実に一矢報いる手段なのかもしれません。
In my paintings, I mix elements of reality and fiction.
Rejection, division, discrimination and violence – thinking about the merciless reality of the world
we live in sometimes puts me in a dreadful mood.
On the other hand, fantasies, reveries and dreamy ideas are expedient tools for creating fictional
environments that enrich my life and give me satisfaction.

《箱庭、2 つの窓》Miniature garden, Two windows

2018

However if I only live in such a bubble, a fake world where I never get hurt, I might as well be deadin real life.
The act of melting down fiction and reality in my works may be an attempt to provoke change in thisunchangeable, inescapable reality.

プロフィール

Profile1988 年東京都生まれ。東京都を拠点に活動。2015年武蔵野美術大学大学院造形研究科美術専攻油 絵コース修了。
主な展覧会：
2018「8 月の夢」（アトリエどろっぷ 、埼玉）
「ワンダーシード 2018」（TOKAS 本郷 、東京）
2017
「BankART Life Ⅴ “観光 ”」（BankART Studio NYK 、神奈川）「群馬青年ビエンナーレ 2017」（ 群馬県立近代美術館）
2016
「そこ、」
（櫻木画廊、東京）「FACE2016 損保ジャパン日本興亜美術賞展」（ 東郷青児記念 損保ジャパン日本興亜美術館、東京 ）受賞・助成：
2017「第 32 回ホルベイン・スカラシップ」奨学生
Born in Tokyo in 1988. Lives and works in Tokyo. Graduated with an MFA in Oil Painting from Musashino Art University in 2015.
Recent exhibitions:2018“Dream in August” Atelier Drop, Saitama“WONDER SEEDS 2018,” TOKAS Hongo
2017“BankART Life Ⅴ ‘KANKO’,” BankART Studio NYK, Kanagawa“Gunma Youth Biennale” The Museum of Modern Art Gunma
2016“here,” Sakuragi Gallery, Tokyo“‘FACE 2016’ Sompo Japan Nipponkoa Art Award Exhibition,”
Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art, Tokyo
Recent award:
2017
The 32th HOLBEIN Scholarship
28《壁》Wall

201729

《すきま》Gap《続きの部屋》Another room nearby
30

2018

2018
31

なぜ作品を公に発表し、他者に見せる必要があるのか。作品を売り生計を立てるため、という現実的な答えを除けば。提出された展示コンセプトに、福田絵理は「 私は私を癒すため、守るために絵を描いていました」と記していた。ある人の実存にとっての切実な創造は、それ自体で尊重されるべきだし、作家の初発の動機がそのような切実さにあって欲しいとも思う。しかし社会における職業的作家である以上、絵を描く理由のみならず、
絵を他者へ提示することの意味も掘り下げる必要がある。
彼女は自らを守る空間を創造するべく室内空間というモチーフを選んでいるという。だが彼女の作品を見れば、それだけではないことが分かる。その空間には、あるいは、そのなかに置かれた何かには、ほとんどの場合、窓やスリットのようなものが描かれ、外側の世界が示唆されている。外部から内部空間に射し込む光は明るく、柔らかい。その光の階調は細やかに表現されていて、それゆえ空間に奥行きを感じることができるのだが、他方、その柔らかな印象ゆえに、空間は有機的な印象を見る者に与える。人によっては心地よい空間と感じるかもしれないが、私はそこはかとない居心地の悪さを覚える。というのも、彼女の作品は、スリットの配置から絵画面
全体が人の顔のように見えたり、空間に置かれた造形物が人の頭部にも見えたりするように、親しさと不気味さの両方を内包しているのだ。このような要素が、鑑賞者ひとりひとりにそれぞれの感じ方を許してくれる。

桝田倫広（東京国立近代美術館 研究員）

What is it that urges artists to show their works to the general public? Is there any explanation apartfrom the down-to-earth answer that some need to sell art to make a living? In her proposal regarding
the exhibition concept, Fukuda Eri stated that she “was painting pictures in order to comfort andprotect herself.” Earnest creative work that someone does for his or her existence should be respected
as such, and in my view it’s desirable that an artist finds motivation in such kind of earnestness inthe first place. However, in order to survive as a professional artist in today’s society, it is not only thereason why someone paints, but also the meaning behind the act of showing the results to others, thatneeds to be further explored.
The central motif that Fukuda chose for her works is that of indoor sceneries through which she
creates spaces to protect herself. But when looking at her works, one understands that this is not all.
In most cases, these painted sceneries, or things arranged in them, have openings like windows or
slits that hint at the worlds outside these spaces. The light that falls in from the outside is bright andwarm. The minute gradations of this light make the viewer sense depth in these rooms, while on theother hand, the soft impression of the light charges them with an organic kind of feeling. While thesespaces may look comfortable to some, in myself they evoked a vague feeling of uneasiness. There areworks in which slits are positioned in the picture to make the entire work appear like a human face,or objects are placed in the painted space to form what looks like a human head, which is why thesepaintings contain notions of familiarity and uncanniness at the same time. These are elements thatallow each viewer to interpret the works according to his or her own perception.
《曲がった塊》Bent lump
32

2018

MASUDA Tomohiro (Curator, The National Museum of Modern Art, Tokyo)
33

平 田 尚 也 「∃, Parallels, Invulnerability」
HIRATA Naoya “∃, Parallels, Invulnerability”
2018. 8. 25 (Sat.) – 9. 24 (Mon.)

ステートメントStatement

モーフィアス「 現実とは何だ？ 現実っていうのをどうやって定義するんだ？ 匂う、味わう、見るとか五感で感じるものを現実だと言うのなら、それは脳による電気信号の解釈にすぎない。」
ネットから集められた既成の3D モデル群。

映画『マトリックス』1999 年

それをコンピューターの中で組み換え、新しく定義し、命令する。

スクリーンを通してそれらの「モノ」がある仮想空間を見るというのは、現実とは異なる秩序を持ったユート
ピアを窓から観望すること、または「あの世」的な世界 、あるいは監獄を覗くような行為かもしれない。

《Repetition game》 2017

最近はそんなことを考えながら制作をしている。

Morpheus: “What is real? How do you define real? If you're talking about what you can feel,
what you can smell, what you can taste and see, then real is simply electrical signals interpretedby your brain.”“The Matrix,” 1999
I collect existing 3D models from the Internet, rearrange them on the computer, redefine them, andgive orders.
Watching those “objects” in a virtual space on the computer screen is like looking through a window
at a utopia with a different order from that of the real world, or perhaps like peeping into anotherworld or a prison.
プロフィール

Profile

1991年 長野県生まれ。東京都を拠点に活動。2014年武蔵野美術大学造形学部彫刻学科卒業。
主な展覧会：
2018「TOKYO CANAL LINKS #10」（B& C HALL 、東京）
「鉄工島フェス 2018」（京浜島、東京）「 第 18 回グラフィック『1_WALL 展』」（ガーディアン・ガーデン、東京）
2017「EWAAC London」（La Galleria Pall Mall 、ロンドン）
2015「PLUS ULTRA 2015」（スパイラルガーデン、東京）
2014「Art Jam 2014」（Gallery Jin 、東京）「New Artist 2014」（Gallery Jin 、東京）
受賞：
2018

《pendulum》 2016

「第 21 回文化庁メディア芸術祭」アート部門審査委員会推薦作品選出「第 18 回グラフィック『1_WALL 展 』」グランプリ

Born in Nagano in 1991. Lives and works in Tokyo. Graduated in department of sculpture from Musashino Art University in 2014.
Recent exhibitions:
2018“TOKYO CANAL LINKS #10,” B&C HALL, Tokyo“Iron Island FES 2018” Keihinjima, Tokyo“The 18th Graphics ‘1_WALL’,” Guardian Garden, Tokyo2017“EWAAC London,” La Galleria Pall Mall, London
2015“PLUS ULTRA 2015,” Spiral Garden, Tokyo
2014“Art Jam 2014,” Gallery Jin, Tokyo“New Artist 2014,” Gallery Jin, Tokyo
Recent awards:
2018“21st JAPAN MEDIA ARTS FESTIVAL,” Judging Committee selected“The 18th Graphics ‘1_WALL’,” grand prize
34《Totem》 2016
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映像のなかで 、様々なオブジェによって組み上げられた構造物が何かと衝突し、破壊される様子が繰り返され

In the video, a structure composed of various objects repeatedly collides with things, and gets broken

る。構造物は同一だが、それに衝突する何かはそのたびごとに異なるため、破壊の様子もそれぞれ違ってくる。

in the process. The structure is always the same, but as the things it collides with are different each

この映像は、実際の事物を用いたものではなく、仮想現実のできごとである。また、オブジェの塊は、
インターネッtime, the damage these collisions cause turns out differently as well. Rather than working with objects

トから渉猟してきた「ファウンド・データ」なのだ。反復される衝突に差異が生じるのは、オブジェの塊にぶつthat exist in reality, the video is all about occurrences in a virtual space, and the structure consists ofかる物が異なるだけでなく、例えば重力や事物の重さなどといった仮想現実内の条件を、作家がその都度、任“found data” from the Internet. The different outcomes of the repeated collisions not only result from

意に設定するためである。平田尚也における制作とは、仮想空間内に一定の対象領域そのものを創り出すことな

different objects bumping into the structure, but these changes also occur because the artist arbitrarilyのだ。ところでこのイメージが現実ではなくて、あくまで仮像に過ぎないことを、鑑賞者は容易に窺い知ること

modifies conditions such as weight and gravity in the virtual space. To create a certain object domainができる。そのきっかけのひとつに、画面上に不意に現れる映像のバグが、おそらく故意にそのまま残されていwithin a virtual space is exactly what creative work means in Hirata’s case. The fact that these images

ることが挙げられよう。かといって彼は仮想現実が虚構に過ぎないことを批判したいわけではないだろう。仮do not represent reality, but are always fictional, the viewer can easily figure out from the visual bugs

像を用いることで、ありえるかもしれない世界の別のヴァージョンをいくつも試す。そのことによって、現実のthat seem to be intentionally left unfixed as they occasionally appear on the screen. But it surely isn’t

事物間の関係性を問い直そうとしているのだ。その意味では、仮想現実という新しい空間を用いてはいるが、Hirata’s intention to criticize the fact that virtual reality is mere fiction. He employs virtual images

彼が試みているのは極めてオーソドックスな彫刻の問題とも言える。

in an attempt to illustrate several different versions of the world that may be possible, and thereby桝田倫広（東京国立近代美術館 研究員）

redefine relationships between things and occurrences in the real world. In that sense, even though
he does work with the new environment of virtual reality, Hirata’s work at large can be understood as
a discussion of sculpture in a very orthodox sense.

MASUDA Tomohiro (Curator, The National Museum of Modern Art, Tokyo)

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作品リストList of works

千 原 真 実 CHIHARA Mami
Title

MediumSize / duration

Year

風景１
Landscape 1

アクリル、キャンバス、木材、パテ、アク
リル板、粘土
Acrylic on canvas, wood, putty, acrylic
board, clay

980 × 1100 mm

2018

風景２
Landscape 2

アクリル、キャンバス、木材、粘土
Acrylic on canvas, wood, clay

704 × 685 mm

2018

風景 3
Landscape 3

布
Cloth

500 × 555 mm

2018

風景 4
Landscape 4

キャンバス
Canvas290 × 370 mm

2018

風景 5
Landscape 5

アクリル、油彩、キャンバス、アルミ板
Acrylic, oil on canvas, aluminum plate

425 × 455 mm

2018

風景 6
Landscape 6

アクリル、キャンバス、パテ、鉛筆、ボンド
Acrylic on canvas, putty, pencil, bond

315 × 355 mm

2018

風景 7
Landscape 7

アクリル、キャンバス、布、アクリル板
Acrylic on canvas, cloth, acrylic plate

460 × 540 mm

2018

雲の絵
A painting of a cloud

アクリル、粘土、キャンバス
Acrylic and clay on canvas

550 × 650 mm

2018

花びら
Petals

アクリル、油彩、キャンバス、木炭、粘土
Acrylic, oil, charcoal, and clay on
canvas600 × 640 mm

2018

天気
Weather

アクリル、キャンバス
Acrylic on canvas

285 × 317 mm

2018

Title

MediumSize / duration

Year

テキスト
Text

鉛筆、紙
Pencil on paper

250 × 250 mm

2018

テキスト
Text

鉛筆、紙
Pencil on paper

100 × 624 mm

2018

テーブル
Table

合板、パイプイス
Plywood, chair

2140 × 910 × 750 mm

2018

テーブル
Table

木、合板、キャスター
Wood, plywood, caster3640 × 2730 × 270 mm

2018

スツール
Stool

合板、ステンレス
Stainless steel, plywood

250 × 250 × 1520 mm

2018

壁掛けフックWall Hooks

ステンレス、鉄、ペイント、紙粘土、ほか
Stainless steel, steel, paint, paper clay
and others

可変
Dimension variable

2018

Untitled

油彩、キャンバス
Oil on canvas

272 × 164 mm

2017

Untitled

油彩、アクリルガッシュ、キャンバス
Oil, acrylic gouache on canvas

272 × 190 mm

2018

Untitled (Bottom)

油彩、キャンバス、木、油粘土、紙粘土
Oil on canvas, wood, oil clay, paperclay

470 × 340 mm

2018

Untitled (Front)

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1940 × 1303 mm

2018

Untitled (Back)

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1940 × 1620 mm

2018

Untitled (Left)

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1120 × 1620 mm

2018

Untitled (Right)

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1120 × 1620 mm2018

清 水 総 二 SHIMIZU Soji

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中 野 由 紀 子 NAKANO Yukiko

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Title

MediumSize / duration

Year

見すごしているもの（道端）what I overlooked (roadside)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー、アクリル板、木
Acrylic, drawing paper, tracing paper,
acrylic plate, wood

可変
Dimension variable2018

見すごしているもの（植え木）
what I overlooked (potted plant)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー、アクリル板、木
Acrylic, drawing paper, tracing paper,
acrylic plate, wood

可変
Dimension variable

2018

Title

MediumSize / durationYear

なみうちぎわの協和音
Consonance

粘土
Unfired clay

可変
Dimension variable

2018

Title

MediumSize / durationYear

小さな穴から
From small holes

油彩、キャンバス
Oil on canvas

158 × 227mm

2018

箱庭、夜、小さな穴
Miniature garden, night, small
holes

油彩、キャンバス
Oil on canvas

318 × 410 mm

2018

2018

可変
Dimension variable

2018

４つの光
Four glimmers

油彩、キャンバス
Oil on canvas

220 × 273 mm

2017

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

すきま
Gap

油彩、キャンバス
Oil on canvas

970 × 1303 mm

2018

モップ（柄付き）mop (with handle)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

曲がった塊
Bent lump

油彩、キャンバス
Oil on canvas

273 × 220 mm

2018

土のう袋（３点セット）
sandbag (3-piece set)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

食卓の上の門のある家
A house with a gate on the table

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1120 × 1455 mm

2018

日よけビニール（またはごみネット）
sunshade vinyl (or garbage net)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

横たわる塊
Lying lump

油彩、キャンバス
Oil on canvas

652 × 803 mm

2018

バリケードと土のう ⑴barricade and sandbag ⑴アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

箱庭、２つの窓
Miniature garden, Two windows

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1300 × 1620 mm

2018

可変
Dimension variable

2018

油彩、キャンバス
Oil on canvas

2018

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

浮いた球体、夜Floating sphere, night

242 × 333 mm

バリケードと土のう ⑵barricade and sandbag ⑵シーツ（またはふとん）
sheet (or futon)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

壁
Wall

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1303 × 1940 mm

2017

モップ（毛のみ）mop (hair only)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

塊
Lump

油彩、キャンバス
Oil on canvas

728 × 1030 mm

2017

？（電柱）
? (telephone pole)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

続きの部屋
Another room nearby

油彩、キャンバス
Oil on canvas

1300 × 1620 mm

2018

ごみネット
garbage net

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable2018

平 田 尚 也 HIRATA Naoya
Title

MediumSize / duration

Year

バリケード（大）barricade (big)アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable

2018

Repetition Game

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable2018

5 分 00 秒
5’ 00”

2017

バリケード（小）barricade (small)HD ビデオHD videoTotem

HD ビデオHD video

1 分 54 秒
1’ 54”

2016

カラーコーン（5 点セット）
color cone (5-piece set)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable2018

Pendulum

HD ビデオHD video

1 分 13 秒
1’ 13”

2016

Title

MediumSize / durationYear

ふとん ( あるいはシーツ )futon (or sheet)

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

227 × 227 mm

2018

雪解け
snow melting

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

910 × 910 mm

2018

シーツ
sheet

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

227 × 277 mm

2018

ごみ置き場
trash area

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

333 × 333 mm

2018

ごみネット
garbage net

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

227 × 227 mm

2018

バリケード
barricade

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

227 × 227 mm

2018

うす暗い道
a dark road

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

1167 × 2334 mm

2018

コンクリートの塀
concrete fence

アクリル、油彩、キャンバス
Acrylic, oil on canvas

333 × 333 mm

2018？ ( 鉄の床 )? (iron floor)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

可変Dimension variable？（網）? (net)

アクリル、画用紙、トレーシングペーパー
Acrylic, drawing paper, tracing paper

土のう袋（黒）sandbag (black)

堀 園 実 HORI Sonomi

福 田 絵 理 FUKUDA Eri

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Emer gi ng 2 0 1 8
編集：トーキョーアーツアンドスペース
翻訳：アンドレアス・シュトゥールマン
撮影：加藤 健、トーキョーアーツアンドスペース
デザイン：石黒 潤（FRASCO）
印刷：株式会社山田写真製版所
発行：トーキョーアーツアンドスペース（公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館）
発行日：2019 年 1 月 11 日

Editor: Tokyo Arts and SpaceTranslation: Andreas STUHLMANN
Photo: KATO Ken, Tokyo Arts and Space
Design: ISHIGURO Jun (FRASCO)
Printing: YAMADA PHOTO PROCESS CO., LTD.
Published: Tokyo Arts and Space, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
Publication Date: January 11, 2019©2019 Tokyo Arts and Space44

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