ÉDITO

A priori, quelle musique est plutôt encline à porter des revendications politiques ou sociales ?
A chanter la révolte et l’insurrection ? Le rockbien sûr ! Peut-être parce qu’historiquement
le rock est d’abord perçu comme une musiqueamorale, «la musique du diable» ; parce qu’elle
est la bande son de la jeunesse de l’après guerrequi revendique une certaine liberté. Parce queles hippies qui rejetaient le modèle de sociétéde l’époque préféraient prendre du LSD en écoutant Hendrix plutôt que de la musique trad. Et
parce que pour crier «no future», les Sex Pistols
ont choisi de se mettre à la guitare électrique/basse/batterie, plutôt qu’au violon. D’ailleurs, lamajeure partie des styles musicaux ont un sujet
de prédilection. La pop traite souvent d’amour,de rupture sentimentale. Le hip-hop c’est «me,myself and I» et egotrip congratulatoire. Pourla dance music, ça se résume en 3 mots qui
doivent obligatoirement faire partie de l’éventuelrefrain : «dance», «tonight», et «party» (avec«summer» en option pour les tubes de l’été). Et
on pourrait jouer à ce petit jeu longtemps.
Pour revenir au rock, c’est bien joli de hurler à larévolution, mais est-ce que cela a un effet surles masses ? Ou comme le résume Bad Religion«This is just a punk rock song» ? Même si Les
Béruriers Noirs (et bien d’autres groupes depuis), faisaient (font) reprendre en chœur, lorsde leurs concerts «la jeunesse emmerde le front
national», cela n’a pas empêché Le Pen et compagnie d’afficher des gros scores depuis plus
de 20 ans à chaque élection. De même, quand
Rage Against The Machine improvise un concert
devant le New York Stock Exchange en l’an 2000,
obligeant la bourse de New York à fermer plus tôt
que prévu, il n’y a pas un trader qui s’est écrié
«putain, ils ont raison, le libéralisme c’est dela merde, je vais aller cultiver des betteraves
en biodynamie dans une ferme dans l’Oregon!». Donc, les lyrics ont beau être raccords avec
la musique, les revendications disparaissent
quand on éteint l’ampli. La preuve, Leonard Peltier est toujours en prison.
Pourtant, de manière totalement fortuite, durant
l’année 2018, une chanson a influé sur les relations internationales, le contexte politique desÉtats-Unis, et a même entraîné involontairement la tenue d’une réunion tout à fait sérieuse
entre les députés du congrès et un représentant
des GAFAM. Tout commence en 2004, lorsque
Green Day écrit «American idiot», avant toutpour protester contre l’invasion de l’Irak par lestroupes américaines décidée par Georges W

2Bush. 14 ans plus tard, contre la venue de Trump
à Londres, un groupe d’anglais, au sacré sens del’humour, souhaite que cette chanson de GreenDay se retrouve en tête des charts, pile le jourde la venue de Donald. A coups d’achats sur lesplateformes, de streams, d’écoutes, «American
idiot» est numéro 1, ce jeudi 12 juillet 2018.
Superbe ! Quelques temps après ce coup decom, à force d’associer cette chanson à Trump,
le moteur de recherche d’images de Google fait
apparaître en premier choix, un paquet de photos du président des States, quand on tape lemot «idiot». Et ce 11 décembre 2018, Sundar
Pichai, patron de Google, est obligé de justifier
devant une commission d’enquête du congrès
américain, que son moteur de recherche est
totalement apolitique, ne se base que sur desalgorithmes complexes prenant en compte lesrecherches précédemment effectuées et qu’iln’a aucunement lié volontairement ces deux
termes. Au final, une bonne blague des Anglais,un épithète Homérique sympathique, un hymne
anti-Trump, et des gens haut placés qui ramentpour proposer une explication plausible. Le punkrock de Green Day a fait bouger les lignes !
Il faut quand même relativiser les conséquencesde cette anecdote qui reste un épiphénomène
dans la vie des personnalités incriminées. Et
puis à part Kanye West et quelques groupes deCountry, tous les artistes sont contre Trump,donc ce n’est pas non plus une prise de position
si courageuse. Et puis Trump se fout comme deson premier hamburger de cette histoire.
Et Leonard Peltier est toujours en prison.
«Et même si la chanson et ben elle sert à rien
j’crois qu’ça fera du bien de gueuler ce refrain» Stupeflip «A bas la hiérarchie»

Eric
Bande son : Adolescents «Can’t change theworld with a song»

SOMMAIRE
06 MAOTFA
10 DAUGHTERS
16 ØLTEN
18 SMASHING PUMPKINS
19 L’ESPRIT DU CLAN
20 POGO CAR CRASH CONTROLTHRICE

26 LES TAMBOURS DU BRONX
28 DOG EAT DOG
29 BLACK BOMB A
37 PORN
THRICE
38 SHUFFLE
43 DAYTONA

THE FRIGHTS

44 THE YOUNG GODS
46 PALEM CANDILLIER
53 VOLBEAT
56 INTERVI OU : LENINE RENAUD
60 EN BREF
76 LIVE IN FRANCEALELA DIANE

102 IL Y A 10 ANS
104 DANS L’OMBRE
Ont participé à la rédaction de ce numéro :Oli, Ted, Éric, Julien, Rémiii, Mic
Maquette couverture :Guillaume / Studio Paradise Now
Photo couverture :Reid Haithcock

OLTEN
3

TOP NEWSLES INFOS QU’IL NE FALLAIT
PAS RATER EN DECEMBRELes Deftones confirment qu’un nouvel album est prévu pour 2019.
Le festival monté par Slipknot, le KnotFest,se tiendra exceptionnellement en France
en 2019 à la veille du Hellfest (le 20 juindonc), en partenariat avec l’orga du festival clissonnais. Seront à l’affiche : Slipknot,
Rob Zombie, Papa Roach, Ministry, Sick Of
It All, Sabaton, Amon Amarth, Powerwolf,
Behemoth et Amaranthe.
Dave McClain, l’ancien batteur de Machine
Head, marque son retour derrière les fûtsde Sacred Reich. Il avait assuré le poste
dans le groupe de 1991 à 1995.

Pierre, a.k.a. Pit Samprass, chanteur, guitariste et co-fondateur des Burning Heads
quitte le quatuor pour diverses raisons.
Parmi celles-ci, l’envie de s’investir au
maximum dans Monde De Merde dont ledeuxième album est dispo depuis fin janvier.
La Ruda a confirmé par le biais d’un post
Facebook son retour officiel aux affaires(en tournée en tout cas) ! Ils seront notamment au festival Les Feux de l’Eté à StProuant les 28 et 29 juin avec Ultra Vomit,
Volfoni, Nashville Pussy, Elmer Food Beat,
No One Is Innocent, Tagada Jones, Les
Sales Majestés...

LES INFOS QU’IL NE FALLAIT
PAS RATER EN JANVIER
Cave In devrait sortir un nouvel album dansle courant de l’année.

Il semblerait que The Ghost Inside soit deretour en studio.

Comity a déclaré qu’il splitterait à l’issue dequelques dates prévues sur 2019.

La sortie du prochain Tool serait planifiéeà la mi-avril selon une révélation de Danny
Carey. MJK calmera nos espoirs quelques
jours plus tard, donnant une fourchette
entre mai et juillet pour la sortie de l’album.

Un documentaire pour fêter les 20 ans
d’existence d’AmenRa sortira cet été,AmenRa XX.

4

EXTRAITS

MAIS QUI A DIT ?...
«J’ai déjà décommandé un concert la veille pour le lendemain.»
A. Pogo Car Crash Control
B. Black Bomb A
C. Daughters
D. Lenine Renaud«Nous n’avons jamais un message politique.»A. Black Bomb A
B. Shuffle
C. Pogo Car Crash Control
D. Lenine Renaud«Je pense qu’on manque d’icônes rock féminines et qu’il est temps que ça change.»
A. Palem Candillier
B. Daughters
C. Pogo Car Crash Control
D. Lenine Renaud«Sans cette campagne nous aurions dû faire un prêt ou quelque chose comme ça...»A. Shuffle
B. Black Bomb A
C. Pogo Car Crash Control
D. Lenine Renaud«Quand tu annonces la disparition d’un ami, y’en a qui t’envoient maintenant un smiley qui pleure.»
A. Lenine Renaud
B. Palem Candillier
C. Pogo Car Crash Control
D. Black Bomb A«J’aime la musique minimaliste, le goth et les musiques de films.»
A. Daughters
B. Shuffle
C. Pogo Car Crash Control
D. Black Bomb A

5

MAOTFA

MAOTFA 2018
B E S T O F D U M E I L L E U R D E 2018 M A I S A U S S I D U P I R E E T D U R E S T E . E T C ’ E S T A U M O M E N T
DU BILAN QU’ON SE REND COMPTE QUE LES GROUPES FRANCAIS NOUS ONT GATES.
VOILA DONC NOS MUSIC AND OTHER TRUC FENEC AWARDS !

MAOTFA de nos albums préférés cette année dans l’ordre alphabétique :Alice In Chains - Rainier fog
Daughters - You won’t get what you want
Eryn Non Dae - Abandon of the self
Halo Maud - Je suis une île
Here Lies Man - You will know nothing
Lofofora - Simple appareil
Mass Hysteria - Maniac
Miegeville - Longue distance
Oh Sees - Smote reverser
Vola - Applause of a distant crowd
MAOTFA du groupe qui chiade ses clips :Thrice et parmi d’autres mention spéciale
pour «The grey»
MAOTFA des vieux pots qui font toujours debonnes confitures pour No One Is Innocent,
Mass Hysteria, Black Bomb A, Lofofora, ...
MAOTFA de la cover réussie et pourtantc’était casse-gueule : «Hey you» de Pink
Floyd par Seeds of Mary

MAOTFA du «rendez vous en terre inconnue» : le Hellfest, avec l’intégralité despass pour l’édition 2019, vendus en moinsde 2 heures, en ne connaissant que 5groupes
Promesse du MAOTFA d’or 2020 à Ben Barbaud, si pour se marrer, vu que tous lespass 2020 seront vendus en moins d’une
heure cette année, il programmait pourl’édition 2020 sur la Mainstage en têtes
d’affiche : Pascal Obispo le vendredi, Calogero le samedi et Indochine le dimanche.
MAOTFA du groupe du dernier millénaireque ne s’est pas reformé et que ça nous ferait bien plaisir : Rage Against The Machine
MAOTFA du nom d’album avec du caca
d’alien dedans : Headgearalienpoo

MAOTFA de la reprise pour laquelle on n’a
pas compris pourquoi ils ont changé letitre et dit que c’était un de leurs morceaux... : «New noise» de Refused par Shaka
Ponk

MAOTFA de l’artwork qui joue entre l’ombre
et la lumière : celui d’Unswabbed

MAOTFA du groupe qui a fini de convaincre
toute la France sur scène : Pogo Car Crash
Control

MAOTFA de l’artwork qui représente bien lenom du groupe : celui de Madame Robert

MAOTFA de l’autre groupe qu’il ne fallait pas
manquer sur scène en 2018 mais qui sera
encore là en 2019 : Ultra Vomit
MAOTFA du groupe du dernier millénaireque ne s’est pas reformé et que ça nous en
touche une sans faire bouger l’autre : Oasis
6

MAOTFA du groupe qu’on aime bien leur taper dessus, mais faut dire que même si on
voulait pas, ben on est obligé : Muse avec
leur trip 80’s revival

MAOTFA de l’artwork qui représente une
Banlieue triste : Hangman’s Chair

MAOTFA de l’artwork qui fait passer un message, reste à savoir lequel : Cleave de Therapy?
MAOTFA de la meilleure chaine TV pourla bonne musique : Arte (arte concert,
Tracks,...)

MAOTFA

7

MAOTFA

MAOTFA de la meilleure émission métal dela télévision française : personne et c’est
bien dommage !
MAOTFA du groupe dont on ne rate pas une
occasion de partager une info : Five Finger
Death Punch
MAOTFA de l’album de sciences politi-comiques : Marx attack de Soviet Suprem
MAOTFA du clip qui enquille les références :«Evier metal» par Ultra Vomit
MAOTFA ciné : Solo: A Star Wars Story, c’est
dire si c’est une année pauvre pour le cinéma
8

Meilleures séries 2018 : La Vérité sur l’affaire Harry Quebert, Mayans M.C.,
MAOTFA «plus c’est gros plus ça passe» :Who Is America?
MAOTFA du groupe qu’on a adoré retrouvermême si tout le monde s’na fout : Dysfunctional by Choice
MAOTFA du festoche qui réussit à réunir
Ariana Grande et Aphex Twin : Coachella
MAOTFA de la fausse bonne idée sauf s’il fallait couler le festoche : faire venir les Guns
N Roses au Download

MAOTFA

MAOTFA du festival dont la prog’ fait peur àl’heure de ne pas imprimer ces pages : euh,non, il y en a trop et il est vraiment pasévident de les départager !
MAOTFA de la meilleure pub pour le logiciel Logic Pro d’Apple : Christine and theQueens
MAOTFA du clip «nu et culotté» : «Hypersects» de Bison Bisou
MAOTFA du chiffre qui fait peur : -18,2%
soit la baisse de la vente d’albums dans lemonde en 2018, par contre les plate-forme
de streaming explosent et accaparent désormais 77% des écoutes.
MAOTFA du gars qui faisait moins parler delui en 2017 alors qu’il était encore vivant :Johnny Hallyday
MAOTFA 2018 du MAOTFA 2015 «MAOTFA
du groupe qui a intérêt de sortir un nouvel
album en 2016 parce qu’on en a marre delui refourguer ce MAOTFA chaque année :Tool.»
MAOTFA 2018 du MAOTFA 2013 «MAOTFA
du groupe qui a intérêt à sortir son nouvel
album en 2014 sinon on brûle sa famille :Tool.»
MAOTFA 2018 du MAOTFA 2010 «MAOTFA
2010 des nouveaux albums attendus / espérés pour 2011 : Tool»

MAOTFA de l’album le plus attendu : Gojira.
Non, on déconne, Tool. Mais le Gojira vaudra certainement le détour aussi !
Merci à toi de nous lire encore malgré
notre grand âge... Merci aux labels,
agences promo, salles de concerts etgroupes qui nous font confiance !
Team W-Fenec

9

INTERVIEWDAUGHTERSSI VOUS N’AVEZ PAS ENCORE JETÉ VOS DEUX OREILLES SUR YOU WON’T GET WHAT YOU
WANT, LE NOUVEL ALBUM TORTUEUX ET MAGIQUE DE DAUGHTERS, C’EST LE MOMENTDE LE FAIRE. LES AMÉRICAINS SONT À L’HONNEUR DANS CE NOUVEAU NUMÉRO ET
ON NE POUVAIT PAS NE PAS TIRER QUELQUES MOTS À LEUR GUITARISTE NICHOLAS
ANDREW SADLER QUI EST UN HOMME QUI SAIT AUTANT TRANCHER DANS SES IDÉES
POUR COMPOSER QUE DANS SES RÉPONSES.

10

INTERVIEWPour commencer, j’aimerais savoir exactement pourquoi le groupe a splitté après la sortie de votre album éponyme en 2010 ? Un ras
le bol général ?
Nous nous sommes séparés en 2009 avant lasortie de l’album éponyme parce qu’il y avait
des problèmes d’ordre personnel entre nous,
mais aussi des choses liées à nos styles devies qui n’étaient pas propices au bon fonctionnement d’un groupe.
Le groupe s’est réuni à nouveau quelques années après alors que c’était presque impensable. Vous étiez tous occupé et situé à desendroits différents, c’est ça ?

Tout à fait. En ce qui me concerne, j’ai sorti desalbums avec les formations Way Out et Mythless, mais aussi composé pour des films et desbandes sons pour des supports commerciaux.
Durant cette période, j’ai également été ingéson live et je gère un studio d’enregistrement.
Et pour finir, je suis retourné à l’école. Jon, lebatteur, est devenu tour manager à temps
complet pour plusieurs groupes. Lex, le chanteur, a sorti des albums avec son groupe dehardcore, Fucking Invicible, et enfin, Sam, lebassiste, est devenu maître-brasseur pour unebière locale qui s’appelle Revival.
Est-ce qu’on peut dire qu’il s’agit d’un nouveau

11

INTERVIEW

groupe ?
Non, du tout.
Est-ce que vous avez pensé à un moment donné à changer de nom de groupe vu l’évolution devotre style qui est passé de quelque chose degrind-punk-mathcore à une formule qui pourrait se présenter comme étant la rencontre
entre David Yow et les Swans avec Suicide ?
Absolument pas, ça ne nous a pas traversé l’esprit de changer de nom.
Comment on aborde l’écriture d’un album
quand on n’en a pas sorti depuis 8 ans ?
Il est faux de dire que nous n’avons rien écrit enhuit ans. J’ai commencé à composer les instrus
de ce disque vers 2012, soit trois ans après
notre pause. En raison de tous les changements
de nos modes de vie depuis notre absence, qui
comprend le travail, la famille par exemple,

12

cela a pris six ans pour nous comprendre et se
mettre d’accord sur ce que nous voulions faire,
le mettre en place et finaliser cette création.
Est-ce que ce nouvel album fut autant un combat que le précèdent ?
Non, ça n’a certes pas été évident cette fois-ci,
mais pas au degré de l’album éponyme qui luiétait un vrai combat (NDLR : Comme disait Nicholas, le groupe avait splitté pendant l’enregistrement de Daughters).
Ce titre d’album, You won’t get what you want, àqui il s’adresse ? A vous-même ? Ou aux fans ?
Très bonne question ! Je préfère qu’il soit adressé à moi-même.
Cet album est un risque pris à double titre,d’une part pour vous, car vous avez tenté deredéfinir sans limite la musique de Daughters,INTERVIEW

d’autre part pour les fans qui ne s’attendaient
surement pas à ce résultat. Est-ce que vous
avez pensé à tout ça en le composant ou vousêtes plutôt du genre «advienne que pourra» ?
J’ai surtout beaucoup réfléchi à la voie qu’allait
essayer de prendre notre groupe musicalement, tout en étant conscient que ça va rarement dans le sens des auditeurs. C’est en touteconscience que nous avons abouti là où nous
en sommes, mais tu as raison de te questionner sur le fait qu’il y ait au moins un certain air
de nonchalance de notre part vis à vis des fansà ce sujet. Cette aspect-là s’illustre probablement quand, par exemple, on prend soin denos propres besoins créatifs qui, au-delà de la
notion de carrière par exemple, constitue quandmême l’étape numéro un de la création d’unalbum de Daughters. Tu sais, pour beaucoup deformations et de musiciens, il y a une notion decarrière derrière, que ça marche ou pas. Précisé-ment, notre nonchalance se trouve-là.
C’est assez curieux de voir que votre album
sort chez Ipecac Recordings, on s’attendant à
ce qu’Hydra Head Records s’en occupe. Finalement, ça n’a pas été tant galère que ça de trouver un label ?
Considérant toutes les sorties d’albums sur lesquelles a travaillé Ipecac, on comprend que son
fonctionnement très intelligent est totalement
approprié pour Daughters. Nous sommes entre
de bonnes mains compte tenu de la difficultéde trouver un bon label de nos jours. Je parle enconnaissance de cause puisqu’on s’est fait rejeter par un paquet de compagnies pour la sortie
de ce nouvel album.
«Less sex» est un de mes morceaux préférés, et bizarrement il fait partie de ceux qui sedétachent le plus des autres. Le considères-13

LES DISQUES DU MOMENT

tu comme une pièce servant de respiration àl’album ?
Je n’ai pas du tout pensé à ça quand je l’ai écrit,
car il a été composé trop tôt dans le processus. Je n’avais pas la moindre idée de la gueulequ’allait avoir l’album à ce moment-là quand jel’ai fini. C’est marrant, j’ai reçu pas mal de commentaires disant que c’était, comme tu dis,une sorte de respiration.
Globalement, le disque se base beaucoup
sur des trames répétitives, quelles sont les
influences qui ont pu vous aider à formaliser
les idées de ce nouvel album ? Fait curieux,
le disque se termine même par de la musiqueclassique et orchestrale !
J’aime la musique minimaliste, le goth et les
musiques de films. J’ai essayé de moins écrirepour ce projet cette fois-ci et laissez plus detemps à mes propres sensibilités, celles que
j’avais en tête. Je me suis demandé comment Daughters sonnerait si nous créions
des chansons avec moins d’éléments, en les14

décomposant en blocs, en se focalisant sur la
dynamique du volume, sur des moments derespirations, en contrôlant les humeurs et les
tons des chansons.
Ce nouvel album est tellement génial qu’on nes’imagine pas une seule seconde ne pas avoir
une suite. Est-ce que votre visibilité sur l’avenir du groupe est court-termiste ?
Seul le temps le dira. En tout cas, je suis déjà
en train d’écrire de nouveaux morceaux actuellement.
Vous jouez en Europe bientôt, ne ressentezvous pas un peu de pression au moment deprendre la route ?
Jamais !
Merci à Lauren de Rarely Unable
Ted
Photos : Reid Haithcock

LES DISQUES DU MOMENTDAUGHTERS

You won’t get what you want (Ipecac Recordings)

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur
la noirceur et ses degrés de profondeur et denuances, le sale et sombre nouvel album de
Daughters va vous l’apprendre à coups de décibels dans la face. You won’t get what you want
est le fruit de la renaissance d’un groupe dont
personne n’aurait parié sur leur reformation il ya de cela cinq ans. On a bien fait d’attendre visiblement, d’autant plus que l’objet en questiona été, d’après son guitariste, difficile à accoucher, car en plus d’être nourri de doutes sur leprocessus de création, ses membres étaientsurtout compliqués à réunir car éparpillés aux
quatre coins des States. Dans le même temps(et heureusement), l’idée de refaire cette bouillabaisse de «mathcore grind punk» à la Dillinger Escape Plan n’était pas dans leurs plans, au
contraire, la formation a redessiné les contoursde leur musique et ce nouvel album en est laplus belle preuve. «Tu n’auras pas ce que tu
veux», le message est clair.
Le disque est inauguré par un «City song»étrange, entre bourdonnements et cris dedouleur, de colère et d’euphorie, le chanteur
Alexis S.F. Marshall geint comme pour annoncer en partie l’univers et la couleur de l’album.
«Long road, no turns» joue la carte du tourbillon sonore, un maelstrom dirigé par une voix

parlée, scandée voire hurlée qui tiendra de filrouge dans cette œuvre «punk as fuck». «Satan in the wait» calme un tantinet les ardeurs
avec une rythmique cyclique noisy, un peu
comme l’aurait fait volontiers un Jessica93
sans le côté malsain, pour ouvrir par intermittence le champ de la mélodie par le biais d’unclavier. «The flammable man» et «The lordssong» portent la caution brutale de ce disqueet renouent avec les velléités hardcore ducombo, rappelant le style de certains titresdu précédent disque éponyme. Les fans de lapremière heure aimeront sans aucun doute, enrevanche, il n’est pas dit qu’ils adhèrent à l’OVNI
du disque, «Less sex». Ce dernier, d’une beauté magique et céleste, dans l’état d’esprit d’un
Suicide en mode Nine Inch Nails, s’offre commel’exemple absolu de la respiration parfaite en
milieu d’œuvre et de la base de la transformation d’un groupe en plein renouveau. Le rythme
bossa-nova de «Daughter» n’est pas vraimentlà pour nous faire danser mais plutôt pour nous
engloutir dans son marasme émotionnel, tout
comme le yo-yo de tensions qu’est «Oceansong» avec son côté math-rock en plus.
Daughters sait aussi pondre des tubes comme«The reason they hate me», direct, simple, et
efficace, comme peuvent le faire les Queens Of
The Stone Age dans un atout autre style.
You won’t get what you want se termine par«Guest house», histoire d’achever définitivement le débat. Une pièce chaotique pleine demaîtrise, à l’image d’un album dont l’aspect
cinématographique revendiqué est à peine
décelable mais qui délivre ses atouts au fur età mesure de son écoute. Une pièce maîtresse
dans la discographie des Daughters, dans laquelle le travail des ambiances est proportionnel au ralentissement de son tempo. Intense,
fou et complètement indispensable.
Ted

15

LES DISQUES DU MOMENTØLTENAmbiance (Hummus Records)

Où sommes-nous ? Des couleurs criardes qu’on
ne mettrait pas chez soi, un mobilier épuré, différents objets, sacrée ambiance... Jeu de piste? Indices volontairement laissés là ? Aucune
indication précise, j’enlève le CD blanc de latable, le met dans le lecteur et commence monenquête.

16

Par où ? Bonne question. D’abord par ce qui se
rapproche de l’humain, à savoir ce sandwichà peine entamé et ce gobelet en plastique,quelqu’un était ici il y a quelques instants mais
a disparu, est-ce lui qu’on cherche ? La musique est sourde, je crois distinguer des bruits
de pas sans savoir s’ils s’éloignent ou se rapprochent.

Un salon ? Non. Une salle d’attente ? Peut-être.
Cette immonde ligne de chaises en plastiqueressemble à un faux banc pour s’asseoir et attendre dans une gare, personne ne mettrait ça
chez lui. On attend donc dans cette salle. Le sablier conforte cette hypothèse, il faut faire son
temps avant de passer à l’étape suivante. Qui l’aretourné ? Au vu de la quantité de sable, ça fait
peu de temps. «Igelkott» s’est énervé commesi la réflexion n’avançait pas assez vite. Il fautde la patience, savoir profiter de chaque instant avant de se délecter de son moment. Chezle médecin ? Ce corps humain qui laisse entrevoir des organes et ses vaisseaux sanguins,
c’est bien le genre de trucs qu’on trouve chezle docteur... C’est vrai qu’il y a quelque chosede viscéral dans ce «Raus», un son rampantqui ronge l’intérieur de l’estomac, qui remontel’œsophage et termine en éructation saturée.
Pour autant, pas de trace de magazines de l’andernier ni d’affiche sur l’hygiène corporelle.
Mais un ballon de basket comme celui qui
rebondit sur la caisse claire et les tomes de«Klark» ? Mais Persson pour jouer avec et cen’est clairement pas le lieu pour. Le riff tourne
en boucle, la rythmique et les habillages fontle reste, nous hypnotisent, détournent l’attention. Me suis-je trop rapproché de ce pot vide à
côté ? Le plafond s’effondre-t-il ? Non, ce n’est
que le titre qui se termine de façon sourde.
Un frisson dans le dos avec ce son clair qui
introduit «Lied», contrebalancé par des éléments sombres, j’ai besoin d’un peu de confort
et le trouve près de ce radiateur démesuréqui monte jusque tout là-haut, c’est tellement
plus simple à purger... Utile mais énigmatiquecomme cet autre bout de plastoc sur la table.
Une table carrée, noire, simple, design mais
qui ne semble pas solide et jolie. Je suis perdu.
Comme au milieu de «Gover» qui fait tomber
les repères avant d’envoyer un gros riff. Quandon cherche sans trouver, il faut revenir aux
basiques, «Sludge» porte bien son nom, là, onsait de quoi on parle. Avec «Popoutro» aussi

LES DISQUES DU MOMENT

Qui était là ? Pourquoi ? Pourquoi n’est-il pluslà ?

même si ce n’est pas vraiment pop et pas vraiment une outro puisqu’il y a encore du mondederrière.
«Pope» qui déploie sa rythmique et ses
phrases guitaristiques pour nous ceinturer,
à l’image de cette plante envahissante qui
chatouille celui qui patiente et semble vouloir
quitter son espace. Le débordement, voilà un
mot qui colle bien à cette musique qui nous
emplit de sentiments jusqu’à un trop plein qui
se transforme en gestes incontrôlés comme sielle prenait possession de nos membres. Il me
faut revenir à une réalité cartésienne.
En bas à gauche transpire un monde cultivé,oui, le Scrabble est un jeu qui ressemble à une
punition pour certains tandis que d’autres s’endélectent (n’hésite pas à défier Ted ou Oli), on
trouve aussi différents ouvrages dont le «Bad
bonn songbook» un bouquin édité par le café
Bad Bonn de Fribourg pour fêter ses 25 ans quia demandé à quelques bons groupes de présenter leurs chansons de différentes façons.
On est donc en Suisse...
Je sais ! Nous sommes chez Ølten, la preuve
avec la photo qui sert d’artwork à Mode accroché au mur et avec ce choix si particulier depochette où le zèbre s’étale comme une tendance manichéenne, partagée entre le noir etle blanc, rayée, hachurée, forcément différent
et attachant. Bienvenue.
Oli

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LES DISQUES DU MOMENTSMASHING PUMPKINS

Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun.
(Napalm Records)

elegy (2014). Avec son titre à rallonge, Shinyand oh so bright, vol. 1 / LP: No past. No future.
No sun. vient tout juste de sortir (2018).

Chanteur et guitariste de sa formation, Billy
Corgan est le liant de The Smashing Pumpkins
depuis 1987. Avec de multiples remaniementsde musiciens et quelques coups d’arrêt, cegroupe signe pas moins de onze albums studio.
Trop occupé à me passer du Nirvana dans lesoreilles et en boucle, j’ai rien entendu de Gish
(1991) et même de Siamese dream (1993)
pendant des années. Mellon collie and the infinite sadness (1995) et de son faussement
féerique «Tonight tonight» aura su me fairetendre les esgourdes pour un découvrir l’univers de ce groupe de rock alternatif. L’histoire
aurait pu tourner court un soir où claviériste etbatteur prennent un poil trop d’héroïne : l’un
est incarcéré, l’autre est mort. The Smashing
Pumpkins tient debout et sort un remarquable
Adore (1998). Machina/The machines of God
signe tout de même la séparation de la formation (2000). Dans la même année Machina
II/The friends and enemies of modern music
est distribué librement sur le site internet dugroupe. Après quelques années de silence, The
Smashing Pumpkins revient rouge écarlate,brandissant la statue de la liberté sur la pochette du colérique Zeitgeist (2007). Avec 44
morceaux publiés en téléchargement, la routese poursuit avec Teargarden by kaleidyscope(2009), Océania (2012) et Monuments to an

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En guise de première amorce, The Smashing
Pumpkins a présenté en juin le titre «Solara».
Rien de lumineux dans le clip. C’est en fait
une atmosphère froide et tordue qui habitentdes images travaillées dans le souci de l’esthétique et de la perfection. Billy Corgan est
interné dans un hôpital psychiatrique bourréde clowns complètement azimutés. Il parvientà s’en échapper mais la folie semble s’agiterdevant ses yeux jusqu’à ce qu’une porte le ramène proche de ses infirmières pas tout à fait
saines non plus. Et pendant ce temps, le morceau monte sous tension. La batterie lâche leschevaux avec ses roulements fracassants. Reconnaissable parmi mille autres, la voix de Billy
Corgan emmène le morceau dans la tempête.
En matière de rythme, c’est pourtant «Marchin’on» qui atteindra des sommets qu’aucun
des morceaux de l’album n’égale.
En septembre, «Silvery sometimes (Ghosts)»
laissait transparaître que The Smashing Pumpkins conserve aussi ses touches rêveuses etnostalgiques. Assez posé «Travels» conservela même idée, tout comme «Alienation».
«Knight of Malta» choisit comme première
piste du disque révèle en live un manque dedynamisme évident. Les parties instrumentales ne possèdent que peu de relief. Grosso
modo, c’est le style de Billy Corgan qui sauve
la baraque (enfin sa voix pas ses costumes !).
Avec plus de beauté qu’il n’en faut, Shiny andoh so bright, vol. 1 / LP: No past. No future. No
sun. se termine sur «Seek and you shall destroy» nerveux et saccadé. Trente-deux annéesde vie, c’est pas rien. Pourtant The Smashing
Pumpkins en ont encore sous la pédale. Preuve
en est avec ce dernier album dont seul le titre
est trop long.
JulienLES DISQUES DU MOMENTL’ESPRIT DU CLAN / CHERISH
Split EP (Paradise Regained Records / NERDS Records)

moins bon que sur leur démo), ici, de nouveaul’écart de production est gigantesque et rend
difficile l’appréciation des 3 titres débridés.
Beaucoup trop sourd, l’enregistrement ne faithonneur qu’au chant (et encore) donnant l’impression d’écouter un groupe métal amateur
des années 90’ ! Musicalement peu inspirés(«Lost request» repose sur 2 riffs) et peu tranchants (on tourne toujours en rond mais sansle circle pit), leurs morceaux ne font pas devague et ne donnent pas spécialement enviede les connaître davantage. Tant pis pour nous,tant mieux pour les Franciliens qui vont mettre
une grosse claque à l’archipel.

Les albums partagés sont souvent l’occasion
pour chacun des groupes d’y trouver leurscomptes... L’idée étant souvent de partager
son public et pourquoi pas de l’élargir en rencontrant celui du (ou des) autre(s) combo(s).
Quand on reste sur du local ou national, c’estégalement un moyen de montrer ses affinités et de construire un projet avec des potes
croisés sur la route ou du même coin. Quandc’est un split international, c’est un bon cheval de Troyes pour passer outre les frontières,L’esprit Du Clan a déjà fait le coup en 2006
avec les Polonais de Schizma, un format court
où ils plaçaient 3 titres extraits de leur Chapitre
2 : révérence. En ce début 2019, c’est vers le
Japon que nos oreilles se tournent avec trois
morceaux inédits et un nouveau compagnon
de jeu en la personne de Cherish.
Sans même écouter l’EP, on sait tout ce quepeut gagner l’EDC à charmer le pays du soleil
levant. Car si on est marqué par leurs textes,
on n’oublie pas la puissance de leurs compos
et l’universalité de leur musique. L’écoute duskeud laisse par contre très dubitatif sur l’intérêt des Nippons... Malgré ses 8 ans, Cherish n’ajusqu’ici sorti qu’une démo (2012) et un split(2013) avec Primal Age et xMostomaltax, split
sur lequel leur son était déjà très moyen (etNos Tontons Flingueurs donnent un avertissement «Faut reconnaître... C’est du brutal!» mais pas certain qu’il soit compris par lesJaponais qui prennent cher dès «Bomaye»(encouragement scandé pour Mohamed Ali qui
signifie «tue-le»), L’esprit Du Clan continue
son histoire, rappelant «L’esprit reste haut /Le clan évolue / Depuis Chapitre 0...», sans quel’on sache si le remplacement de Ben (guitariste) par Fabio (As They Burn) était déjà connu
au moment de l’écriture ou si le clin d’œil n’est
adressé qu’à Nicolas (batteur parti chez Dagoba) remplacé par Vincent (Darkness Dynamite)après la sortie de Chapitre VI. Le titre est (up)percutant mais mon préféré n’arrive qu’après,c’est «Atlas» et ses paroles coups de poingqui contrastent avec les mesures qui alternent
passages ultra speed et moments posés propices au headbang et au déchirement des guitares. Titanesque. Jouant aussi sur tous lesregistres, «Asphalte» est très bon aussi sanspour autant me hérisser les poils comme son
prédécesseur à qui il ressemble un peu dans laconstruction.
Bonne nouvelle, L’esprit Du Clan a réussi à sereconstruire et compose toujours des morceaux de très haut niveau. Mauvaise nouvelle,ce témoignage n’est tiré qu’à 100 exemplaires,
il n’y en aura donc pas pour tout le monde...
Oli

19

INTERVIEWPOGO CAR CRASH CONTROLUN AN APRÈS, ON PREND LE MÊME ET ON RECOMMENCE ! VU LEUR ASCENSIONFULGURANTE ET LEUR TALENT, ON ÉTAIT OBLIGÉ DE REVENIR AVEC OLIVIER(CHANTEUR ET GUITARISTE) SUR CETTE ANNÉE FORMIDABLE VÉCUE PAR LES POGOCAR CRASH CONTROL MAIS CETTE FOIS-CI UN PEU PLUS LONGUEMENT QUE JUSTE AVECUNE INTERVIEW FERMÉE. GO.

20

INTERVIEW

L’année 2018 a été riche en émotions, qu’est-ce
qui a vous a le plus excité, la sortie de l’album ou
les grosses dates ?
Les deux. On était très excité de sortir notre 1er
album, c’était la première fois pour nous tous, donc
une découverte à tous les niveaux. Et quand le planning de tournée s’est calé, on était pressé d’attaquer ! En réalité je pense que l’on a ressenti le dur
du «travail» pendant la production du disque et letournage des clips. Mais quand le disque est sorti,
on n’avait plus qu’à faire des concerts et se laisser
porter par le mouvement, ce qui était très agréable.
Et bien sûr l’été 2018 a été très intense en termede concerts et de festivités avec le Download, leHellfest, le Cabaret Vert entre autres. Je n’arrive pasà réaliser qu’on a réussi toute cette tournée sansaucun gros problème. J’en profite pour remercier leprofessionnalisme de notre équipe technique qui
assure grave. Même si notre EP a fait un peu de bruitje pense que l’on a gagné notre public cette année
2018 avec la tournée autour de ce premier album.
Et étrangement c’est toujours «Conseil» le tube denotre EP qui déchaîne les foules pendant nos lives !
Pour reprendre une question que j’avais posée
il y a un an, vous avez préféré le Hellfest ou le
Download ?
Difficile à dire puisque tu te doutes bien qu’on aime21

INTERVIEW

rait rejouer aux deux ! (Rires) Mais parce qu’on est
des punks je vais être sincère. En tant que spectateur, j’admets avoir beaucoup apprécié le Downloadmais le Hellfest c’est très impressionnant. On a surtout squatté la Warzone qui est plus intime et c’était
vraiment extraordinaire.
Jouer sur de grandes scènes, c’est pas un peu
perturbant, vous qui êtes habitués à être trèsproches ?
Si carrément. Mais on s’habitue vite. Ce qui est difficile c’est d’ouvrir la journée sur un grosse scène à
moitié vide. Mais quand il y a du monde ça devient
vite fantastique. Le son massif d’un gros systèmeet la marée humaine qui se déchaîne c’est hyper
stimulant et finalement tu peux très bien avoir unrapport de proximité avec le public même sur desgrosses scènes.
Et jouer aussi peu de temps à l’heure de l’apéro(Hellfest) ou du goûter (Download), c’est pas frustrant ?
22

Oh bah c’était déjà un honneur pour nous d’y êtreprogrammé ! Mais pour la suite en effet j’espèrequ’on aura un créneau un peu level up !
Vous êtes un des rares groupes «vénér» à accéderaux festivals «grand public», c’est votre réputation «live» qui fait la différence ?
Alors tu as tout à fait raison de la remarquer parcequ’étonnamment on a partagé la scène avec desgroupe comme les Négresses Vertes ou bien Stéphane Eicher. Surprenant ? Et bien on n’a aucune
réponse claire ! Que veux-tu, on nous appelle, onvient, on joue... voilà (rires). Parfois on a eu le sentiment d’être le groupe qui défoule dans ce genre defestival. Tout monde vient s’éclater la tête devant
nous, et le résultat est souvent très nerveux. Et ce
qui fait plaisir c’est de toucher un public qui n’a pas
l’habitude de voir des concerts de hard et souvent
on nous dit «J’écoute pas de rock mais vous, j’ai
aimé».
Il y a des dates que vous pourriez refuser ?

INTERVIEW

J’ai déjà décommandé un concert la veille pourle lendemain. C’était il y a bien longtemps, nous
avions gagné un tremplin musical dont les épreuves
se déroulaient dans plusieurs villes de France. Al’époque on tournait avec la Fiat Panda de Louis,c’était très précaire ! Bref, on gagne ce concours etnous sommes donc invités à nous produire dans
un festival en Suisse. Sauf qu’on nous prévient que
finalement nous jouerons la veille de l’ouverture dufestival devant l’équipe technique et quelques personnes extérieures. En gros c’était le petit kiff del’orga. On a tout simplement dit «Non, la flemme»,ce à quoi le programmateur m’a répondu «Vous allez venir, ça ne va pas se passer comme ça». Franchement je ne regrette pas du tout. Je considère
qu’en tant que groupe, personne n’est en mesurede te donner un ordre.
2018 a apporté beaucoup de bonnes choses, ça vaêtre dur de trouver des sujets de paroles «déprimants»...
Tu te doutes bien que si le simple fait de faire desconcerts et d’être aimé pouvait guérir cette déprime
hostile que l’on a en nous, la question serait réglée
depuis bien longtemps ! Cependant sur nos nouvelles compositions il y a une dimension que l’onn’avait jamais explorée auparavant maintenant,mais je ne puis en dire plus...
Côté vidéos, c’était plus calme en 2018, pourquoi
moins de frénésie de ce côté-là ?
On a fait deux clips en effet c’est beaucoup moinsque les cinq vidéos tournées pour l’EP. Ça a beaucoup payé au début et on a pris beaucoup de plaisir mais on reste un groupe de musique et l’aspectvisuel ne devait pas arriver au même niveau que ledisque. C’est en tout cas ce qu’on voulait puisquel’aspect scénique était désormais plus pertinent
pour faire parler de nous. Du coup on a eu des vidéos
live assez efficaces comme celle avec Stupeflip,
notre passage au Hellfest et Arte concert au Cabaret
Vert. Ça nous a beaucoup aidé.
Vous avez conscience d’avoir vécu un tas de trucs
23

INTERVIEW

beaucoup plus rapidement que la normale ?
Eh bien sincèrement oui et non. Oui parce qu’en effet quand on regarde les 2 années derrière nous, on
se dit qu’on a fait beaucoup de choses ! Mais quandon pense à nos premiers concerts c’était il y a déjà 7
ans. Tu te rends compte que dans 3 ans seulement
ça fera 10 ans qu’on supporte nos tronches ensemble ! (rires) Certains groupes «marchent» tout
de suite. Nous ça a pris du temps je pense, mais
c’est un temps qui a été nécessaire pour construire
l’identité de PCCC. On a la sensation d’être solide.
Vous vous attendiez à un tel début de carrière ?
Eh bien non. Jamais on a espéré quoi que ce soit decarrière avec la musique, on n’y croyait absolument
pas. Par contre on croyait très fort aux avantages dejouer dans un groupe : sortir, s’amuser, avoir de labière gratos, rencontrer des gens, voyager un peu
en voiture... Donc on a toujours fait ça de manière
assez sérieuse parce qu’on a toujours cru dans laréalité de notre musique. Mais pour nous, être dansune maison de disque, jouer au Hellfest, c’était dudomaine du fantasme.
Qu’est-ce qui peut l’expliquer ?
Je pense que depuis la génération No One Is Innocent, Lofofora, Tagada Jones il n’y a plus eu degroupe de metal alternatif qui chante en français.
Nous sommes donc un peu seuls dans cette nicheet je pense que les Français aiment bien leur rocken français. Donc on est venus combler un vide générationnel. Ensuite je crois que les gens s’éclatentpendant nos concerts et se sont passés le mot.
Vous chantez en français mais ça pourrait êtredans n’importe quelle langue, vous avez des retours de l’étranger ?
Canada oui ! On y est allé en 2017 pour deux
concerts. Ça a bien fonctionné. Les Canadiensadorent la langue française.
Si vous gardez le rythme dans votre progression,vous mettez les États-Unis à genoux d’ici deux ans,
c’est dans les plans ?
Je pense que nous sommes un groupe profondément européen et encore plus «français». C’est sûrque l’on a l’énergie nécessaire pour faire de bonsconcerts partout dans le monde. Mais je me demande si ça prendrait aux States. C’est comme si tu
leur montrais «Les bronzés fond du ski» je ne suis
pas sûr qu’ils puissent bien comprendre le film. En
24

tout cas on aimerait aller aux USA.
Ce genre de questions un peu suce-boules, ça nevous dérange pas trop ?
Point du tout.
Votre musique est une somme d’inspirations
assez importantes, laquelle est pour vous la plus
fondamentale ?
BB Brunes et Slayer.
Sur scène, il y a une grosse débauche d’énergie,
c’est pareil en studio ou vous êtes beaucoup plus
posés ?
En studio il y a souvent cette inquiétude quand on
perd ses repères après avoir beaucoup travaillé :est-ce qu’on fait le bon choix ? Les directions sontinfinies et donc il faut être sûr de soi et arrêter de se
poser des questions à un moment. En live y’a pas
d’autres choix que de jouer fort et bien ce qui est
assez confortable je trouve ! C’est la vrai différence.
Mais le plaisir que tu ressens quand tu as enregistré
la prise parfaite avec l’arrangement parfait et que çate fait sauter de ta chaise pour danser, ça c’est letruc magique qui n’arrive qu’en studio et c’est jouissif.
Vous avez commencé à composer de nouveauxtitres, vous allez les tester sur scène ?
Exactement !
Quand vous vous retrouvez en répét’, vous discutez de la «direction artistique» des morceaux ou
tout est instinctif ?
On parle beaucoup !
Y’a déjà une date importante de cochée pour cettenouvelle année ?
Jeudi prochain à Petit Bain à Paris.
C’est aussi l’époque des bonnes résolutions, vous
en avez pris ?
Oui un certain nombre, notamment faire un joli
merch.
Merci Olivier et Pogo Car Crash Control et merci Virginie.
Oli
Photos : Ted

INTERVIEW

25

LES DISQUES DU MOMENTLES TAMBOURS DU BRONX
Weapons of mass percussion (At(h)home)«... ils ont demandé aux 18 tambours du Bronx,qui sont des gars de Nevers comme leur nom l’indique», bégayait le speaker avec sa voix chevrotante à la Léon Zitrone, lors de la présentation duconcert des Garçons Bouchers à la fête de l’Huma
en 1989. 30 ans ont passé et les martyriseursde fûts sont toujours présents dans le paysage
musical français et mondial. Si par le passé, ils ont
fricoté avec tous les styles musicaux existants,
du classique, du rock (notamment Jaz Coleman(Killing Joke)), de l’indus (The Young Gods), voirede l’electro et de la chanson française, cela fait
quelques temps qu’ils tournent autour de la planète metal, multipliant les contributions pour assurer les premières parties (Korn, Metallica, AliceIn Chains...) ou pour développer un projet commun
scénique avec Sepultura sur une série de concerts
qui aboutira à la sortie d’un live enregistré au Rockin Rio en 2014 Metal veins. Quoi de plus normald’ailleurs de retrouver des percus dans le métal. Si
Slipknot ou Mushroomhead complètent la section
rythmique avec tambours et grosses caisses cen’est pas que pour le show. Donc à force de tournerautour du pot, les Tambours Du Bronx sont tombés
dedans, et sortent un album metal en mode solo,
renforcé par de très belles et respectables collaborations.
A la genèse de cet album, c’est à un batteur que

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les Tambours Du Bronx viennent proposer une
collaboration : Franky Costanza (ex-Dagoba, Blazing War Machine). L’ébauche d’un projet commun
se dessine mais comme ça va être compliqué defaire autre chose qu’un LP conceptuel si on ne rassemble que des types qui jouent des baguettes,
deux membres des Tambours Du Bronx troquent
leurs bidons pour une guitare et une basse, et on
invite deux pointures pour le chant, et pas desmoindres : Reuno Lofo, et Stéphane Buriez (Sinseanum, Loudblast). Rajoutons un clavier et latroupe est complète pour un album 100 % metal,
à la gloire des défonceurs de bidons. Et il y a là unsavoureux mélange qui arrive à donner un rendu
métal classique méchamment boosté par les percussions, rajoutant une atmosphère encore plus
lourde et assommante. Il y a des sonorités indus
à croire tâter du Ministry, plus thrash avec un petit
côté Sepultura, mais on a aussi une cover du «Requiem pour un con» de Sieur Gainsbourg. En tout,
une bonne quinzaine de tracks coups de burinparfois entrecoupées de nappes de synthé solitaires. J’aurais d’ailleurs préféré à la place de cesdernières, entendre les tambours en mode solo,
mais ils ont peut-être souhaité reposer les orifices
auditifs entre 2 salves sonores. En conclusion, unalbum symbiotique parfaitement équilibré. Cette
joyeuse équipe a réussi avec brio, à mettre du métal dans les percus, et non l’inverse. On sent bienque les TDB sont les meneurs de cet album, et enbons chefs d’orchestre ce sont eux qui tiennent lamailloche (...la baguette, pardon).
EricLES DISQUES DU MOMENTTHRICE

Palms (Epitaph)

Dixième (voire douzième si on compte les doubles)
album de Thrice, groupe en perpétuelle évolution
qui se réinvente en permanence réussissant à gagner des fans malgré des compositions toujours
ambitieuses. Difficile de présenter cet album «enrésumé» si ce n’est pour dire qu’il est très bon !
J’ai l’impression que Dustin Kensrue a été poussé
plus loin dans ses retranchements, chargeant son
chant davantage en émotions, montant légèrement dans les aiguës par moment pour toucher
davantage les cordes sensibles et montrer une
relative fragilité. Les Californiens se rapprochentainsi d’un grand Cave In.
L’opus s’ouvre avec une intro qui ressemble un peu
au générique de «Stranger things», idée renforcée
avec la vison du clip véritable court-métrage qui
met en scène des enfants étudiés à leur insu dans
un camp de vacances, l’occasion de signaler que legroupe soigne ses vidéos et que ça fait du bien devoir telles productions ! Surtout que ce «Only us»
est un petit bijou, la boucle qui hante le morceau
et la débauche d’émotions qui passent tant par les
guitares que par la voix forment une sorte de brouillard qui se détache du sol et s’élève lentement.
Bis repetita avec «The grey», sur une musiquesuperbe, les lascars ont collé des images en noiret blanc pour le clip, encore un vrai court-métrage,
il traite de la manipulation mentale, de l’impossi-

bilité d’une autre voix que le noir ou le blanc, c’est
une autre petite merveille. On passe du côté obscur avec «The dark» même si le découpage de lavoix sur la batterie reste assez clair et lumineux etqu’il faut attendre la fin du titre pour sentir tout lepoids des guitares. Un poids contrebalancé par unchœur composé de fans qui ont enregistré la petite mélodie et l’ont envoyée au groupe. Les sonsclairs de la guitare se font plus entendre sur «Just
breathe» où Emma Ruth Rundle (Red Sparowes
entre autres) est invitée et se signale sur un pont
tout en délicatesse. La première petite déception
de l’album c’est «Everything belongs», cinquième
morceau, le chant est un peu dissimulé et ça ne
décolle pas vraiment. «My soul» est bien plus
chaleureux mais la tension des premières compositions ne refait surface que brutalement avec
«A branch in the river», titre écorché vif. Rock plus
basique, «Hold up a light» est l’autre moment demoins bien de l’opus, peut-être parce que le reste
vole très haut... On reprend la balade avec «Bloodon blood» et ses sonorités sorties d’un rêve qui
ont le don de décontenancer l’auditeur non averti.
C’est avec gravité et un «Beyond the pines» quivous tire les larmes que Thrice prend congé nonsans y avoir mis toute sa classe.
Un paquet de titres sublimes, deux clips somptueux, un artwork intrigant, 20 années après ses
débuts, Thrice démontre qu’ils ont encore desidées et le talent pour les exploiter au mieux. Au
passage, on peut noter l’excellent flair des recruteurs de chez Epitaph qui par leurs dernières
signatures ont prouvé que le label était plus que
jamais un poids lourd de la production alternative
et non plus seulement cantonné au skate-core(Architects, Converge, The Frights, Touché Amoré,
Quicksand...).
Oli

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LES DISQUES DU MOMENTDOG EAT DOG

Brand new breed (Metalville)en version électrique. Les deux anciens morceauxperdent ici toute substance. L’unplugged ne colle
pas au style de la formation. Dog Eat Dog relève
finalement la tête en finissant Brand new breedcomme il a commencé. C’est à dire avec un «XXV»
explosif en live.
L’avantage d’un EP comme Brand new breed, c’est
de souffler la poussière sur les disques de Dog Eat
Dog. Ressortir un All boro kings (1994) ou un Playgames des débuts, c’est toujours bon.
JulienFormé en 1990, Dog Eat Dog est un groupe depunk hardcore. Il est composé de Dave Neaboreà la basse, John Connor au chant, Brandon Finleyà la batterie et Roger Haemmerli à la guitare. Avec
le soutien de Roadrunner Records puis de Nuclear
Blast/Wanted, les Américains sortiront un Ep etquatre albums studios de 1993 à 2006. Après 12
années d’absence, Dog Eat Dog revient avec un
nouvel EP : Brand new breed.
Les zicos de Dog Eat Dog tiennent à montrer qu’ils
ont toujours les crocs en attaquant avec «XXV»
qui fait le plein d’énergie. On pourrait pogoter tout
feu tout flamme. Du punk au bord de la fusion, voilà
ce que nous promet Dog Eat Dog dès les premiers
instants. L’histoire de marquer le coup, quelquesaboiement en fin de morceau. «Vibe cartel» continue de faire démonstration d’une énergie trèsintense. «Lumpy dog» bascule un peu dans lereggae et se révèle moins aguichante. Virage à
180 degrés et les gros riffs partent de nouveauxsoutenus des cuivres. Impossible de la louper, la
troupe des chiens enragés traînent dans le coin.
Un retour court mais intéressant pour les musiciens originaires de New Jersey.
La suite sent un peu le réchauffé. D’abord trois
titres unplugged : «Isms», «Rocky» (1996 - Playgames) et «Lympy dog» qui est déjà sur l’album

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LES DISQUES DU MOMENTBLACK BOMB ABlack Bomb A (Verycords)

douce. D’ailleurs avec une moyenne de 180 secondes par titre, ça ne perd pas de temps, aucun
riff n’est posé, tout gicle avec une frénésie parfois
old school («Greed», «Wake up»), parce que c’està ce prix qu’on accède à la liberté et à un mondemeilleur («My last resort» qui n’a rien à avoir avec
une cover de Papa Roach). Autre arme déployéepar BBA, celle qui fait son identité depuis toujours,
son double chant hurlé/growlé, c’est toujours un
régal, Poun et Arno jouent avec nos sensations
auditives («Kill yourself», «Fight the system»)se répondant, mixant leurs voix et agressant nos
oreilles de façon quasi constante. Pas la peine dete faire un dessin, tu sais déjà ce que ça va donner en live... Et comme les rythmiques sont bien
lourdes et les riffs assez tranchés et tranchants,
ça promet de sacrés pits.

Il aura fallu attendre plus de 20 ans et ce septième
album pour que Black Bomb A nous sorte deux LPs
consécutifs avec le même line-up ! Et ne pas réussir à trouver un titre plus explicite que le nom dugroupe ou un artwork plus marquant qu’un album
noir, en même temps, un black album pour Black
Bomb A, ça semble logique. Qu’il soit produit parle duo Francis Caste/Stéphane Buriez est une évidence et qu’il claque sa race n’étonnera personne.

KO on est donc, au moment de faire les comptes,
arrivé à 10, on ne se relève pas car même si on n’a
pas un morceau de l’ampleur de «Mary» (faudra
qu’on aille tâter la réponse de la fosse sur «Bulletproof» pour être sûr), cet album noir réunit etsublime toutes les potentialités de Black Bomb A
pour en faire ce qui restera peut-être comme leurmeilleur album après Human bomb (indéboulonnable tant il a marqué nos esprits et son époque).
Oli

Les forces de Black Bomb A sont connues, ellessont ici presque toutes présentes. En effet, legroupe a laissé de côté le pouvoir de certaines
mélodies ultra puissantes qui donnent des frissons au public (genre celles entraperçues sur«Bulletproof», «Brainwashed» ou «No time to say
goodbye») pour ne concentrer dans cet opus quedes parties plus ou moins brutes et brutales. Lessecondes de calme sont rares et appréciables autant qu’appréciées comme ces différents breaksde «Civil war» (avec le sample puis avec la gratteen boucle), titre qui pourrait bien devenir un standard du groupe et dont le message résonne particulièrement en cet automne 2018 (si on traduit
quelques paroles ça donne «Quand les politiciensbouffent du caviar et se moquent de ta misère (...)
On apporte le chaos, des soldats en civil contre
un pouvoir établi.» Un thème récurrent que celuide la révolte qui ne permet pas de se la couler

29

BLACK BOMB A
C’EST LA VOIX LA PLUS LOURDE DE BLACK BOMB A QUI RÉPOND À NOS QUESTIONS SUR CE
NOUVEL ALBUM ET ARRONDIT QUELQUES ANGLES, RENFORÇANT L’IDÉE QUE CES GARS SONTVRAIMENT DES CRÈMES.
Ca modifie quelque chose de composer etd’entrer en studio pour un nouvel album avec
un line-up inchangé ?
Disons que ça crée une situation de confort
car on est dans une dynamique positive. On seconnaît tous très bien, on a nos automatismes
on va dire !!! On va tous dans la même direction
donc c’est plutôt cool !

30

Travailler sur le son avec des amis de longue
date, c’est une solution de facilité ou c’est
aussi parce que leur talent et leur avis
compte ?
Alors en premier lieu, il est bien évident que
c’est pour leurs talents et compétences. Après
il est vrai que l’amitié que l’on entretient avec
Stéphane Buriez est un sacré avantage pour

TWEET’INTERVIEWINTERVIEW

nous. Il nous connaît très bien, il sait nous
emmener là où ça va matcher. Il est à notreécoute, il fera tout pour que nous soyons efficaces et constructifs. Lui même apporte sa
touche. Nous connaissions Francis Castemais n’avions jamais travaillé avec lui. Nous
sommes très fans de son travail. Son approche
du studio était ce qu’il nous fallait pour faire un
pur album. En définitive, nous avions tous leséléments en main pour que ça se passe à merveille et c’est exactement ce qu’il s’est passé !!!
Si on vous propose un gros producteur
américain qui ne vous connaît pas mais moinscher ?
On a déjà travaillé avec un producteur américain, Logan Mader. Ce fut une belle expériencemais nous voulions revenir aux fondamentaux
et surtout, nous avons, en France, des mecs
très talentueux qui n’ont absolument rien à en-vier aux producteurs américains donc autant
bosser avec eux !!!
Ce genre de questions se pose au sein dugroupe ou c’est une évidence ?
Quand nous avons parlé de préparer le nouvel
album, nous nous sommes posés la question
oui... mais nous avons préféré faire comme ça.
Et celle de faire du «pur BBA», c’est là encore
une évidence quand vous composez ou alorscertains titres plus aventureux sont mis decôté ?
Quand nous avons commencé à travailler sur
des nouvelles compositions, nous avons pris
une direction qui n’était pas la bonne. Nous
avions 4 morceaux mais qui ne nous ont pas
convaincus donc on a tout jeté à la poubelle etnous nous sommes remis en question musicalement. Nous avions tous envie d’un album qui
31

TWEET’INTERVIEW

casse tout, qui soit le reflet parfait de ce qu’est
BBA en live. Plus «in your face», sans fioritures.
Et c’est ce que nous avons fait.
D’ailleurs, ce nouvel opus est un peu moins
mélodique que les précédents, c’est une volonté ou c’est juste tombé comme ça ?
Comme je te disais, on voulait un album plus
direct mais avec cette violence maîtrisée qui
nous caractérise. Poun est vraiment très bondans le mélodique, c’est clair mais il sait aussi
très bien faire dans le violent. Preuve en est !!!
D’après moi, c’est clairement votre meilleur
album depuis le tout premier, vous êtes d’accord ou vous pensez qu’il n’est pas si différent
des autres ?
Oui nous sommes assez d’accord avec ça. Nous
sommes très fiers de cet album. Il y a tous lesingrédients du meilleur de Black Bomb A !!
Vous n’avez pas trouvé de titre ? Les albumséponymes sont souvent ceux des débuts... Etoui, il y a des exceptions très connues...
Alors oui il y a plein d’exemples qui te feront
dire le contraire concernant cette théorie desalbums éponymes !!! Non c’est Hervé qui a eu
l’idée. Nous n’avions jamais fait un album éponyme justement et il s’est avéré que nommer
cette album «Black Bomb A» est devenu uneévidence, compte tenu de la teneur des morceaux.
Vous vouliez faire un «black album» ou il n’yavait pas d’idée pour un artwork ?
Justement l’idée d’Hervé était de faire un blackalbum éponyme.
La signature BBA est un argument de vente
suffisant, la musique est plus importante que
les images ou le choix de quelques mots ?
Black Bomb A a une réputation scénique qui
n’est plus à prouver. La musique est ce qu’il ya de plus important dans le groupe. Nous nesommes pas là pour donner une image qui nenous correspond pas. Nous faisons de la musique pour nous éclater sur scène avec notre
public. C’est la seule chose qui nous intéresse.
Les textes reflètent encore plus une réalité sociale avec le mouvement des gilets jaunes, lefait que ça résonne différemment aujourd’huichange quelque chose dans le rapport avec lepublic ?
Nous n’avons jamais un message politique.
Cet album est peut-être le plus engagé, c’est
clair mais on voit plutôt ça comme un constat
du monde dans lequel on vit. Non je ne pense
pas que ça change quoi que ce soit vis à vis de32

notre public.
Faut-il nécessairement passer par la violence
pour faire évoluer les choses ?
L’histoire de notre civilisation nous montre que
toutes les évolutions sociétales ont eu une partde violence. Malheureusement, la violence est
inhérente chez l’homme. Certains problèmes
se règlent souvent dans la violence. Mais lesystème dans lequel nous évoluons est violent
par essence. Homo homini lupus est !!! Nousavons tendance à être violents et dangereux
avec nous-mêmes !!!
«Bullet proof» est un des titres mis en avant
pour la promo de l’album, c’est un très bon
choix, il s’imposait naturellement ou il y a eu
un grand débat ?
Oui nous aimons beaucoup ce morceau aussi.
En fait, nous aimons et sommes très fiers detous les morceaux de cet album. Disons que
pas mal de personnes de notre entourageétaient d’accord pour dire que ce morceau était
propice au clip. Donc on a acté en ce sens.
Comme «Greed» ou «Wake up» le clip est
essentiellement composé d’images du groupequi fait semblant de jouer, refaire des courts
métrages dans le genre de «Tears of hate»coûte trop cher ?
Oui c’est une configuration de clip assez
conventionnelle. Disons que pour le cas d’un
clip scénarisé, le truc est plus conséquent etplus onéreux, c’est évident. Il y a aussi la qualité du scénario qui est très importante. Si c’est
pour faire une bouse, ça ne peut que desservir
le groupe. Mais nous préparons justement un
nouveau clip type «court métrage» qui devrait
sortir d’ici peu de temps. Nous te tiendrons au
courant...
BBA est avant tout un groupe de scène, sur ce
début de tournée, quelle date vous a le plus
marquée ?
Alors il y a eu énormément de bons moments
sur cette première partie de tournée. Le
concert du Hellfest est sans aucun doute vraiment magique. La soirée du Trabendo est juste
une tuerie. La date de Lyon, au Transbordeur,avec Ultra Vomit et Tagada Jones était monstrueuse aussi !!! Il y a eu aussi le Rock In Hell àColmar, qui fut une soirée des plus folles.
Sur celles à venir, quelle est celle qui est particulièrement attendue ?
On a hâte d’être au Festival «On n’a plus 20
ans» avec les Tagada Jones, Le Bal des Enragés, Sick Of It All, No One Is Innocent, Ultra
Vomit, Les Sheriff et plein d’autres qui risqueEt les pays non francophones, qu’en est-il ?
Nous avons pas mal bougé dans le passé déjà
en Europe ainsi qu’au Canada. Nous sommes
en train de travailler sur une tournée européenne pour 2019. Là aussi, on te tiendra, évidemment, au courant.
La période l’exige, quels sont vos vœux et ré-

solutions pour 2019 ?
(Rires) Les vœux et résolutions !!! Je souhaiteque ce monde aille mieux, qu’il soit plus juste.
Sinon pour les résolutions, et bien on a décidé
de continuer à tout casser en live !!!

TWEET’INTERVIEWd’être juste épique !

Merci à Elodie, à Arno et aux Black Bomb A
Oli
Photos : Mathieu Ezan

33

34

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LES DISQUES DU MOMENTTHE FRIGHTS

Hypochondriac (Epitaph)

Inspiration punk, natifs de Californie, accrocheurs, on peut les décrire comme des rejetons de Green Day. Mélodies puissantes etsens inné de la chanson pop, ils peuvent êtrecomparés à des combos venus de l’autre côtéde l’Atlantique comme The Fratellis ou Supergrass. Distorsions soignées et voix douce assez
sucrée capable de t’embarquer en quelques
secondes, tu peux les comparer à Radish ou
Weezer. Album rempli de tubes immédiats àl’écriture en prise avec les soucis de teenager
et un sens certain du clin d’œil («I used to like
Fidlar» entâme «Whatever») et les voilà comparables à Ash. La liste pourrait se poursuivre
à condition de trouver d’autres combos qui
ont été capables de marquer durablement les
esprits avec des titres simples mais ô combien
efficaces sans pour autant ne pas être dénués
d’honnêteté.
Mikey Carnevale (chant, guitare), Richard
Dotson (basse) et Adam Lomnitzer (batterie)montent un groupe début 2012 alors qu’ils
sont au lycée, un groupe qu’ils pensent sanslendemain car la fac va les séparer. Lors desvacances de Noël, ils remettent ça pour un petit concert. Un show auquel assiste un mec quileur demande de signer sur son petit label local
Postmark Records. Le trio bosse donc bien davantage et enchaîne 2 EPs et un LP éponyme
dans l’année 2013, la suivante, ils partagent
un split avec Death Lens, enregistrent deux
nouveaux morceaux et se font remarquer parDangerbird Records, un label un peu plus grosoù l’on trouve Minus the Bear. Ils enregistrent
alors avec le chanteur de Fidlar un You aregoing to hate this qui reste cantonné à la Californie. Changement de batteur avec l’arrivée deMarc Finn et changement de dimension avec lasignature chez Epitaph qui va propulser le trio
à la conquête du monde, l’occasion pour eux deprendre en renfort un autre guitariste à temps
complet en la personne de Jordan Clark. C’est
donc à quatre qu’ils peaufinent Hypochondriac(de nouveau avec Zac Carper), un album depunk rock sans prise de tête qui pourrait êtreun nouvel étalon tant certaines compositions
sont tubesques.

Seul bémol à cette avalanche de louanges, latoute relative faiblesse de la fin de l’album oùl’on trouve «No place like (not being) home»
avec une influence ska qui sonne comme unpetit hommage à Rancid et «Alone» une ballade sympa mais sans plus que Mikey Carnevale aurait pu garder pour ses shows en solo.
Si ces titres apparaissent «faibles» c’est
qu’auparavant The Frights a sorti l’artillerielourde avec une série de compositions aussi
excellentes les unes que les autres : «Crutch»(et son clip déliro-crado), «Whatever» (et son
refrain entêtant), «Over it» (et son clip déliro-mantique), «Me and we and I» (et son clip
déliro-sanglant), «Goodbyes» (et son orgue).
Pas moins de 5 hits absolus, accompagnésde titres bien cools («Broken brain», «Pills»,«Hold me down»), ça donne un album de rock
rempli d’énergie et de bonnes ondes. Ça fait dubien et ça vaut donc un bon paquet de médocs !
Oli

35

LES DISQUES DU MOMENTALELA DIANE

The pirate’s gospel (Allpoints)

Il arrive parfois que l’on rate l’immanquable.
Sûrement qu’en 2004, tu étais occupé(e) àfaire tourner American idiot de Green Day ettu as raté la sortie de The pirate’s gospel, ce
deuxième album autoproduit d’Alela Diane,
enregistré sur CD-R avec confection D.I.Y. dela pochette. Mais pour ce coup-là, c’est un peu
normal, tant la distribution a dû être cantonnée à la Californie et les alentours de la villenatale d’Alela, à savoir Nevada City. Et puis
en 2006, rebelote, Tool vient de sortir 10 000
days, et tu es tellement obnubilé(e) par cettetoujours attendue production de la MJK teamque tu zappes complètement la réédition de
The pirate’s gospel, cette fois distribué parle label Holocen Music. Si c’est quand mêmepas dommage ça ! Heureusement, Alela Dianepense aux distraits et ressort en 2018 une édition deluxe de ce chef d’œuvre folk, accompagné de 10 nouveaux titres, inédits ou versions
alternatives. Et cette fois, il n’y a plus aucune
raison de passer à côté. Aucune raison de fairel’impasse, car cette réédition étant agrémentée de 10 titres supplémentaires, nouveautés
ou réorchestrations, si tu n’avais pas raté lespremières sorties de The pirate’s gospel, tu nerateras pas non plus ce supplément d’âme.
Alors sur le papier, cet album d’Alela Diane ne36semble pas révolutionner le folk puisqu’elle enreprend les sacro-saint principes : une voix et
une guitare acoustique. En tendant l’oreille,on pourra certes discerner un banjo, quelques
percus très légères et tout autant de chœurs
diffus et légers, mais la base est là : juste unechanteuse et sa guitare. Et si cet album est
aussi réussi, cela tient évidemment dans lesmusiques, subtiles et diaphanes, mais surtout
dans la voix d’Alela Diane. Une voix très personnelle, douce mais de caractère, libre et shamanique. J’ai lu quelque part qu’à ses débuts,
Alela n’était pas du genre à écouter beaucoupd’autres artistes (même si elle a depuis participé en 2008, à un album de reprises (Nick Cave,
I Am Kloot), imaginé par les producteurs Eddie
Bezalel et Hugo Nicolson). Cela se ressent tantson interprétation est personnelle et dénuée
de tics et autres gimmiks d’autres artistes. Pas
influençable pour un sous, Alela Diane balanceses sentiments comme un orage sur un paysage d’automne. Ni trop sucré ou trop amer, on
est dans le parfait dosage. Une chansonnettedélicate sur «Piece of string», une ballade fédératrice sur «The pirate’s gospel», une complainte sur «heavy walls». Alela Diane a capté
des instants simples de beauté et les a insufflés dans cet album qui est simplement une
merveille de poésie et de mélodie Folk.
Après, si tu penses que je suis un peu trop dithyrambique, ...c’est que tu dois avoir raté latroisième édition de The pirate’s gospel et que
tu t’es focalisé(e) sur la sortie du dernier Museen cette année 2018. Alors là, tant pis pour toi !
EricLES DISQUES DU MOMENTPORNThe darkest of human desires - Act II (Echozone)

Musicalement, la patte Porn est toujours aussi
aisément identifiable, leur style garde le cap
de l’indus-métal-goth-rock avec des morceaux
plus rapides en début d’album (les excellents«Choose your last words» et «Here for love»mais aussi «My rotten realm») et beaucoup detitres assez atmosphériques, comme si l’ambiance méritait qu’on s’appesantisse davantage encore et prenne le temps de disséquer
nos âmes («Evil six evil», «Eternally in me»)et notamment une fin d’opus assez «cool»(sic) avec deux pièces un peu plus gothique(«The radiance of all that shines», «Abstinent
killer») et un ultime «The last of million» à lafois doux et mélodieux. Le combo a surveillé
le rythme cardiaque de son bébé et a soigné
le track-listing pour que l’ensemble se tienne
et se vive du début à la fin sans permettre une
lecture aléatoire.
Si Porn nous a habitués à patienter entre deux
sorties (en moyenne un LP tous les 5 ans ...),
le groupe démontre ici qu’il peut enchaîner desalbums de qualité et tenir ses engagements
puisque The ogre inside (2017) n’était quele début d’une histoire bien plus vaste. Il fautdire que le concept central, les déviances del’homme, permet de creuser jusque l’infini pourtrouver des idées... Peur, torture, mort, domination, manipulation, perversion, la liste de nosdésirs les plus sombres est longue, pas sûr que
ce deuxième acte suffise à en faire le tour maisPhilippe Deschemin s’en donne à cœur joie
pour nous plonger dans ses ténèbres et nous
donner un rôle à jouer puisque tous les textes
sont écrits à la première personne. Le «je» est
responsable des angoisses et de la souffrance
et parfois il s’en délecte. Si tu veux éviter la sensation de malaise, ne te penche donc pas trop
près des paroles. Histoire de rajouter du gravier
sur les plaies, quand le micro est coupé comme
sur le bel instrumental «Remorse for what»(une sorte d’outro au clair et planant «Tonight,
forever bound» vu qu’ils partagent un sample),une voix se fait entendre au travers d’un enregistrement... et c’est celle de Charles Manson,
un des plus célèbres psychopathes américains.

Dernier point mais non des moindres, si leson est encore de très très bonne qualité, lesLyonnais ont confié le mastering à un maître
du genre, en l’occurrence Tom Baker. Expert
quand il s’agit de donner le son juste à ceux quimêlent machines et guitares (Danzig, Marilyn
Manson, Rob Zombie, Ministry, Static X, Nine
Inch Nails, Disturbed...) mais aussi à la planèterock/métal en général (30 Seconds to Mars,
Deftones, Helmet, Stone Temple Pilots...), legrand nom qu’il porte pourrait certainement
aider Porn à se faire remarquer davantage surla scène internationale.
Oli

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SHUFFLE
C’EST SANS DÉTOUR QUE JORDAN, GUITARISTE, RÉPOND À NOS QUESTIONS SUR LEUR CAMPAGNE
DE CROWDFUNDING, LA DIRECTION DU NOUVEL ALBUM, LES CONCERTS ACOUSTIQUES, LES CLIPSET LE FUTUR PROCHE D’UN GROUPE QUI CONTINUE SON ASCENSION.
La campagne de crowdfunding a failli ne pas
réussir, vous étiez stressés ?
C’était la deuxième fois que nous tentions une
campagne de crowdfunding, nous savions que
beaucoup de personnes attendent la fin pourparticiper, la période de «flottement» en milieu
de campagne est stressante en effet ! Au final,
nous avons reçu énormément de soutien, descentaines de messages durant toute la campagne, des relais des médias, des personnes
qui ont parlé de notre projet à tous leurs amis,
de nouveaux «fans», des albums envoyés enEurope et au Canada. Que du positif !
Il y avait un plan B ou vous comptiez laisser
tomber tous ces trucs «bonus» ?
Sans ces 6 000 €, ça aurait été très compliqué
pour nous, il n’y avait pas vraiment de «trucs
bonus» tout a été mûrement réfléchi ! Nous
sommes autoproduits, nous avons tout avan38

cé de notre poche. Lors d’une réunion cet été,nous avons refait les budgets et nous nous
sommes aperçus qu’il nous manquait des sous,clairement sans cette campagne nous aurions
dû faire un prêt ou quelque chose comme ça,c’était ça le plan B.
Pensez-vous que le fait que cela ne serve pas
directement à financer l’album qui sortait detoute façon ait pu calmer quelques financeurspotentiels ?
Aucune idée, nous avons essayé d’expliquer au
mieux notre démarche. Vu que nous avons enregistré, mixé et masterisé nous-mêmes, il n’yavait pas besoin de «financer l’album», maissans promotion avec attaché de presse etclips, on ne fait pas de tournée ! Nous sommes
avant tout un groupe live, notre but maintenant
est d’aller jouer partout où nous avons envoyédes albums et bien plus loin on espère !

Le Hashtag dans le titre, c’est un signe de modernité alors que votre musique puise plutôtdans le passé... Pourquoi ce choix ?
Le hashtag a pris une ampleur énorme depuis
quelques années, c’est un nouveau langage
pour communiquer dans tous les domaines,
ça nous a marqués ! Nous avons trouvé intéressant le fait de mettre le titre de l’album souscette forme, il y a une référence à certaineschansons, dont les textes parlent du mondetrop moderne.
#WontTheyFade? est davantage métallisé
que le précédent, c’est une évolution naturelle
ou réfléchie ?
L’objectif n’était pas de faire un album plus métal, je pense que nos inspirations évoluent eton est sans doute plus énervé qu’avant (rires).
Le métal est un moyen fort d’expression. Nospèlerinages au Hellfest nous auraient-ils influencés ?

Les deux clips sont sortis à quelques moisd’écart mais «Faded chalk lines» a dépasséles 60 000 vues beaucoup plus vite, une explication ?
Notre attaché de presse a réussi à avoir desexclusivités sur une dizaine de webzines internationaux, le clip était disponible sur leur site
avant la sortie, ça a très bien marché !

INTERVIEW

La pochette est superbe, elle est signée Lucie
Cros, vous pouvez nous la présenter et expliquer comment on en arrive à ce résultat ?
Lucie est une amie de longue date qui est venue
faire ses études d’art au Mans. Au tout début,nous étions partis sur totalement autre chose,elle devait retravailler dessus mais finalement
elle a fait quelques dessins complémentaires
autour de l’idée de départ et nous a envoyé
ça, nous sommes tombés amoureux de l’und’entre eux, c’était exactement ce qu’on voulait ! Nous l’avons appelée juste après : «Euhhh
en fait laisse tomber, on a notre pochette là!». Chaque membre du groupe voyait quelquechose de différent, l’idée nous a plu !

Laisser un titre instrumental est devenu unsigne de reconnaissance, vous décidez de lecomposer dans cette optique ou c’est un peu
au hasard de la composition que vous mettez
ou pas du chant ?
Rien n’était décidé à l’avance. Nous avons composé plus de 50 morceaux, certains étaientsans chant et nous avons fait nos choix. Lesdeux morceaux instrumentaux ont été réalisésavant l’enregistrement de l’album, nous voulions utiliser les prises des pré-prods pour garder un son plus «authentique».
Vous allez jouer en mode duo acoustique,cette idée est-elle liée à la version acoustiquede Klone avec qui vous partagerez les dates ?
Nous jouons depuis longtemps en acoustique,en showcase par exemple ou dans les petits
lieux, mais il est vrai que la version duo acoustique est plus récente. C’est un super exercice,ça rend vraiment bien et c’est super pratique,une guitare, un clavier, 2 micros et hop ! Cette
version est plus adaptée aux premières parties et vu que Klone tournait en acoustique,cela coulait de source. Ça reste tout de mêmeexceptionnel et nous avons hâte de rebrancher
les guitares !

«Switch to the otherside» a des aspects néométal à la Incubus très marqués, pourquoi
l’avoir choisi parmi les «singles» ?
C’est extrêmement dur de choisir un single,
surtout pour cet album ! Elle est simple et efficace, on voulait s’en servir comme un bon coupde marteau, un peu comme la suite de «Crazy»
la dernière du premier album. Et c’est la seulechanson qui fait moins de 5 minutes, c’est
peut-être pour ça aussi ! (rires)
On retrouve des idées similaires entre les deux
derniers clips, «Faded chalk lines» présentant lui aussi le groupe jouant avec des spots
horizontaux dans le dos, c’est un hasard ou
une marque de fabrique ?
(Rires) On verra dans les prochains ! Ces deux
clips ont été tournés pendant la même période,nous avons mutualisé pas mal de choses effectivement !

39

INTERVIEW

Rebosser les morceaux pour des versions piano/guitare, c’est beaucoup de travail ?
Eh bien pour être franc ... pas tant que ça. Nousavons la chance de faire une musique très
riche en harmonie. On repart de la compo debase, piano/voix ou guitare/voix on réarrange
un peu et le tour est joué, sur certains morceaux ça marche direct, sur d’autres c’est plus
long, il faut un peu d’imagination mais ça vauttoujours le coup !
Jouer en acoustique ouvre sur un autre public
ou ce sont des gens qui vous connaissentdéjà ?
Certains nous ont découverts lors de concerts
40

acoustiques oui ! Nous avons fait quelquesbelles premières parties en config acoustiquecomme Dirty Loops, Lonely The Brave, Alex
Clare... et grâce à ces différentes formules nous
pouvons jouer partout et à tout volume sonore !
Nous avons également eu de très bons retours
du public qui connaissait déjà le Shuffle version
électrique.
Vous allez aussi jouer en Allemagne, il y a unvrai enjeu hors de France ?
C’est un véritable plaisir de partir en tournéeà l’étranger, à l’aventure dans d’autres pays !
L’Allemagne est un pays très rock / métal, nous
avons un très bon public là-bas et au fil des an-INTERVIEW

nées nous nous sommes liés d’amitié avec des«fans» et des pros. En plus on adore la bière !
(Rires)C’est l’époque des vœux, qu’est-ce qu’on peutvous souhaiter pour 2019 ?
De jouer partout !!! Faire le maximum deconcerts en France, en Europe, en Russie,
puis poursuivre l’aventure en terrain inconnu,
USA, Japon, Canada, Australie, Amérique latine,Inde, Mars, Neptune...

Merci à Jordan et à tout Shuffle, merci aussi àPat et la Klonosphère.
Oli
Photos : Waap!

C’est aussi l’époque des bonnes résolutions,vous en avez pris ?
Euh je ne crois pas ! (Rires)
41

LES DISQUES DU MOMENTDEAD BONES BUNNY

What’s up rock (Autoproduction)

Le titre de ce premier album des Dead Bones Bunnya beau s’intituler What’s up rock ?, (en référence
au «what’s up doc ?» de Bugs Bunny pour ceux qui
n’ont été biberonnés dans leur enfance qu’avec dukamehameha et du pikachu) on est loin de l’univers cartoonesque et enfantin de Looney Tunes.
Au regard du style musical de ce groupe, on se rapprocherait plus du fameux lapin de la caverne de
Caerbannog dans «Monty Python, Sacré Graal !».
Car derrière un artwork plutôt gentillet, se cache
un groupe Dead Bones Bunny plutôt chaud bouillant. Mais après tout, pourquoi partir dans de hypothèses farfelues alors que sur la page facebook dugroupe, celui-ci a imaginé (et joliment illustré) une
sympathique histoire romancée : celle de Bunny
Bones, une danseuse londonienne décédée en
1975 qui réapparaît en 2017 à Paris Bastille, et qui,souhaitant trouver un mix entre ses 2 amours, lerockabilly et le métal, fonde le groupe Dead Bones
Bunny. L’univers y est donc très travaillé, que cesoit sur les réseaux sociaux, au sein du digipak richement enjolivé ou même sur scène. Mais assez
parlé de l’emballage, et passons au son, parce qued’un part, on est quand même plutôt sur une chronique musicale, mais surtout, ce serait bien dommage de s’arrêter au visuel, tant la bande originalede la biographie de Bunny Bones est savoureuse.
Donc, si je reprends la biographie de la bunny girl,42

elle a souhaité combiner rockabilly et métal. Ehbien, elle y est arrivée. On n’est pas du tout dans une
improbable fusion où Dead Bones Bunny reprendrait les tics des deux styles pour en sortir une caricature comique et bancale, un mashup improbableet finalement inaudible. Le talent de cette troupe de11 personnes (si j’inclus le staff pour la scène et laconception graphique) est d’avoir placé le curseurlà où il fallait, une fusion entre les Motorhead et les
Stray Cats. Motorhead car on a retrouvé le fils deLemmy tellement la tessiture de Tim, se rapprochede feu M. Kilmister. Mais aussi parce que l’on a beauretrouver quelques orchestrations rock 60’s, la guitare de Steve pose des gros riffs grassouillets ets’envole dans des solos hard rock, Savi à la batterie a viré ses balais pour empoigner des baguettes
incassables et Gab à la contrebasse doit avoir descordes grosses comme des câbles de grue de chantier. Pour poser sur cette fureur quelques nuances,
Isa et Fafa aux chœurs interviennent avec justesse,sans casser la rythmique effrénée des 12 titres del’album.
En conclusion, même si l’imaginaire et le style métallo rockabilly pourrait laisser croire que l’on est
dans une volonté parodique, les Dead Bones Bunny
envoient un bon gros son de tout ce qu’il y a de plus
sérieux et de plus métal. D’ailleurs, s’ils ont fait lepremières parties de Bukowski et le Motocultor,c’était pas pour y planter des carottes, mais bien
pour planter le chapiteau de leur délire.
EricLES DISQUES DU MOMENTDAYTONA

L’allégresse (Tekini Records)(comme «Les promesses» qui ne sont pas tenues).
Le rock français n’est jamais franchement joyeux,
les drames, les problèmes de la société, les relations compliquées, c’est aussi ce qui le nourrit et qui
le différencie d’une brit pop plus guillerette. «J’emmerde», «Ma seule héroïne», «Sois belle» ou «Desétoiles en bandoulière» ne font dans l’allégresse depar leurs textes tandis que les instrumentaux «Malmö» et «...» ont des parties suffisamment saturées
pour exprimer autre chose qu’un enthousiasme
débordant quand bien même la sensation procuréeest proche du titre choisi par les Lyonnais.

Changements de line-up, changements de labels,séparations, retours en grâce, la vie d’un groupen’est pas toujours un long fleuve tranquille. Cellede DaYTona commence sur les bords du Rhône etcontinue de se construire aujourd’hui autour de JL
et Sylvain. Les deux compositeurs principaux sontentourés de quelques amis qui gravitent autour duprojet depuis quelques années. Ils ont trouvé une
forme d’équilibre qui leur permet de sortir un nouvel
album soigné dont l’écriture s’étale sur une longue
période puisqu’on y retrouve deux titres parus en
2014 sur l’EP Morceaux de lune (même si «Kasserine» a été un peu retravaillé). Les comparses delongue date sont l’indispensable Nikko (producteur et clavier ici -encore-, mais guitariste de Dolly
ou de Eiffel) et quelques renforts comme Valentin(aux cuivres chez Babylon Circus), Leelou ou Gilles,
sans oublier ceux qui ont participé aux deux «vieux
titres» comme Bayrem (ex-guitariste de Manu ou
Luke, Les Hurlements d’Léo) et Nicolas (batteur deEiffel qui prête ses talents à d’autres comme The
Married Monk ou Laetitia Shérif)...

Longtemps relégué au rang d’espoir ou de bongroupe de deuxième division face à une concurrence dans la lumière (Dolly, Mickey 3D, Luke, Kaolin ou Déportivo ont tour à tour eu leur moment),
DaYTona sont encore là et pourraient enfin recevoir
les acclamations qu’ils méritent, non pas pour leurténacité mais pour leur musique dont ils peuventêtre fiers.
Oli

Basse ronde, sonorités travaillées (les claires
comme les distordues), mots choisis, chant accrocheur, rythme calé sur les pulsations cardiaques,
L’allégresse sait ce que c’est que la légèreté mêmesi derrière une envie évidente de partager de la joie
restent quelques pointes de tension et d’amertume

43

LES DISQUES DU MOMENTTHE YOUNG GODS
Data mirage tangram (Two Gentlemen)que le titre inaugural va quelque part, une mélodie nous prend par la main et nous guide jusqu’à
quelques mots doux qui captent notre attention,là où la dernière piste cherche plutôt à nous perdre
faute de repères. Quant à «All my skin standing»,
je lui reproche un aspect «non terminé», le jeu surles percussions, les textes, la gratte qui déchire letruc, jusqu’à mi-parcours, c’est le kiffe mais ensuitela guitare s’égare dans un solo distordu durant trop
longtemps. Alors que «Moon above», construit surla même base mais avec un saxo sur la fin, réussit àéviter cette sensation en s’achevant avant l’ennui.

Rares sont les groupes à faire des albums toujours
différents malgré un style reconnaissable en une
fraction de seconde, The Young Gods est de ceuxlà. Et si neuf années nous séparent de Everybody
knows, on a l’impression que ce son et ces ambiances ne nous ont jamais quittés, comme si lesSuisses étaient perpétuellement présents dansnos esprits même si on ne les écoute pas quotidiennement. Excellent par moments, ce nouvel album
qu’est Data mirage tangram a également amené
quelques déceptions. Pas sur l’artwork et le titre,très fidèles à l’image des Jeunes Dieux puisque lacover est aussi colorée qu’éclatée et puisque le titre
peut servir de mots-clés pour définir leur musique :«data» pour les données et le côté ultra numériquede leur travail, «mirage» pour les illusions qu’ils
sont capables de créer et «tangram» pour cettefacilité avec laquelle ils agencent des pièces identiques de multiples manières pour créer quelquechose de toujours différent.
Si je suis un tout petit peu déçu par cet opus, c’est
que deux morceaux sont à la fois très lents et trèsélectroniques, le quasi instrumental final «Everythem» et le torturé et allongé «All my skin standing». «Everythem» clôt l’album, c’est un retour àla vie normale, une porte de sortie comme «Entreen matière» permet de s’introduire dans le mondede Data mirage tangram, à cette différence près44

En revanche, «Tear up the red sky» peut devenir un
marqueur important pour The Young Gods, rythme
enlevé, sons lumineux, chant en anglais très mélodieux, basse envoûtante, le titre est excellent debout en bout. On est loin de l’univers métal-indus
du «TV sky» qui était trop bleu avec ce ciel rouge
qu’il faut déchirer mais les chaudes saturations
apportent un beau contrepoids aux bidouillages
froids. L’ambiance du morceau m’a donné envie deréécouter «Cancer» qui est mon titre préféré de Filter (et pendant qu’on y est tout l’album Title of record), le mélange d’organique et de mécanique, dedouceur et de rugosité étant juste parfait. «Figuresans nom» se défend pas mal lui aussi bien que lesguitares ne s’énervent pas, là, c’est le tempo qui
procure le plaisir. Beaucoup plus électro, «You gave
me a name» propose un voyage qui fait monter l’excitation progressivement. Tout l’inverse de «Moon
above» qui semble ne pas pouvoir tenir la mesure
et tituber alors que tout y est maîtrisé.
Comme d’habitude The Young Gods a pris son
temps, comme d’habitude, ils ont fait les choses
sérieusement (au mixage, tu trouves le boss Alan
Moulder pour lequel je réduis les travaux à 10 noms
pour ne pas être trop long : Foals, Depeche Mode,
U2, Placebo, Nine Inch Nails, A Perfect Circle, The
Smashing Pumpkins, Death Cab for Cutie, Puscifer,
Foo Fighters...) et comme d’habitude, ils ne laissent
pas indifférents. Si tu apprécies, tu écouteras forcément, si tu hésites, écoute au moins «Tear up thered sky».
Oli

LES DISQUES DU MOMENTEMMA RUTH RUNDLE

On dark horses (Sargent House)l’inaugurale «Fever dreams» est capable de proposer des mues progressives intéressantes.
Mélancolie et langueur sont au programme de ce
nouveau disque signé par la merveilleuse voix doucemais franche d’Emma qui sait aussi jouer avec ladualité homme-femme sur l’intense «Light son»
avec Evan. Un bijou que le fenec vous recommandesi vous aimez autant Chelsea Wolfe que Marriages
ou autant Shannon Wright que Alanis Morissette.
Ted

La guitariste du quintette heavy post-rock Red Sparowes et de Marriages (et accessoirement fondatrice de The Nocturnes) a présenté en septembre
dernier son quatrième album solo, On dark horses,
disque signé chez l’excellent label Sargent House(Chelsea Wolfe, Deafheaven, Earth...). Emma Ruth
Rundle a décidé d’enregistrer pour la première fois
avec un groupe dont la plupart des membres sontissus de Jaye Jayle, formation également signée
sur le même label et dont le guitariste n’est autreque son mari, Evan Patterson, et a su faire confiance
au producteur Kevin Ratterman (My Morning Jacket, Ray LaMontagne, Andrew Bird...) du studio La
La Land pour un résultat simplement sensationnel
et atmosphérique.
Bâti par des prises majoritairement live, On darkhorses est une combinaison astucieuse de sonorités rock très US - «Darkhorse» aurait très bienpu être un titre d’A Perfect Circle et le refrain de«Dead set eyes» fait penser à Alanis Morissette- frisant facilement avec le post-rock («Control»,«Light song») voire le goth-rock/darkwave («Fever
dreams»), avec des éléments de folk americana
au charme capiteux («Races», «You don’t have tocry»). Cette oeuvre pleine de candeur et autobiographique est remplie de nuages révélant sporadiquement différents degrés de lumières et d’ombres
en fonction de l’intensité des morceaux. À ce titre,45

INTERVIEW

PALEM CANDILLIER
SI LE BOUQUIN DE PALEM SUR UN DES ALBUMS CULTES DE NIRVANA EST ARRIVÉ SUR
MA TABLE DE NUIT, C’EST BIEN PARCE QUE L’ON A SUIVI QUELQUES UNES DE SESPRÉCÉDENTES AVENTURES EN TANT QUE MUSICIEN (SO WAS THE SUN, THE BREE VAN
D E K A M P ’ S ). L À , C ’ E S T D A N S L A P E A U D ’ U N A U T E U R Q U ’ I L R É P O N D À N O S Q U E S T I O N S . . .
D’abord, comment t’es-tu retrouvé dans ce projet ?
J’ai découvert par hasard le «OK computer» de Michel
Delville dans la collection Discogonie en furetant chezmon libraire. J’ai beaucoup aimé le concept de consacrer un livre à un album, mais en allant à fond dansl’analyse, comme ce qui se fait depuis un moment chez
les anglo-saxons avec l’excellente série «33 1/3» .
J’aime lire et écrire sur la musique en général, je surveille tout ce qui se fait chez les éditeurs à ce niveau-là
et j’attendais la bonne occasion de me lancer dans unprojet. Quand j’ai vu qu’on pouvait proposer un disque,je n’ai pas hésité à contacter Hugues, qui fournit un travail de dingue pour que la collection existe, et on a commencé à discuter de l’album que j’aborderais. J’avais
beaucoup d’idées, nous sommes tombés d’accord sur

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un Nirvana, «mais n’importe lequel» !
Le fait d’être musicien est un plus ou un pré-requis ?
Je dirais plutôt que «le fait d’être un musicien profondément influencé par Nirvana» est un plus, parce que
j’ai eu envie de rentrer au cœur de cet album écoutédes millions de fois pour comprendre ce qui a pu autant
me marquer, comment et dans quel esprit ces chansons ont été faites. Je ne voulais pas me prétendre
musicologue mais approcher la création de ce disqued’un point de vue d’artisan, car c’est l’image que j’ai deKurt Cobain. Le côté «compo» des titres m’intéresse
vraiment, j’espère avoir transmis cette fascination
dans le livre.

INTERVIEW

47

INTERVIEW

Pourquoi In utero plutôt que Nevermind ? Le plus cultedes deux est certainement l’autre...
C’est ça ! Il y a une phrase qui m’a définitivement poussé à parler de ce disque, celle d’un journaliste américain qui avait écrit : «Mes chansons préférées de Nirvana sont dans Nevermind mais mon album préféré est
In utero». Je trouvais que ça résumait parfaitement lerapport qu’on a presque tous à la discographie de Nirvana et que pour résoudre ce paradoxe il était temps dese pencher sur ce disque hostile et tellement différent
de Nevermind. Et puis In utero évoque aussi des noms
du rock indépendant qui sont devenus mythiques :Steve Albini, le producteur, Pat Smear, le second guitariste de tournée qui deviendra un Foo Fighters avec
Dave Grohl, sans parler des chansons elles-mêmes :«Rape me», «Heart-shaped box», «Pennyroyal tea»...
Autant de raisons de raconter l’histoire de ce douzetitres aux relents tragiques mais extrêmement sincère
dans la démarche artistique du groupe.
Je trouve l’écriture assez «clinique» comme si tu
cherchais à ne pas t’impliquer émotionnellement
dans le livre, c’est une volonté de l’éditeur ?
C’est plutôt ma façon d’écrire. J’avais envie d’être
neutre, de ne pas trop supposer, je pense que le traite-

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ment du disque en avait besoin car on peut vite devenir
trop passionné, on peut avoir tendance à imposer son
regard, et Kurt Cobain est un cas d’école en la matière
car j’ai lu trop de choses où on voulait parler à sa placealors qu’il n’est plus là pour confirmer. Il taggait luimême sur ses murs à la fin «Aucun d’entre vous neconnaîtra réellement mes intentions», c’est dire. J’en
ai beaucoup parlé avec Hugues, qui m’incitait à êtremoins objectif, plus personnel. Mais ma façon d’être
personnel dans l’écriture, c’est justement d’emmener
le lecteur à travers une galaxie de détails, d’anecdotes,
sans perdre de vue l’album dans sa globalité. Et après
tout, pour analyser un disque qui a un titre aussi médical, l’écriture clinique n’est pas une mauvaise idée !
Dans les gros bouquins parus sur Nirvana, les auteurs
racontent aussi un peu leur vie, parmi ces «bibles»,laquelle préfères-tu ?
Ce dont tu parles me fait surtout penser à «The True
story» du journaliste Everett True qui était un vrai
proche de Cobain et de Courtney Love, et sa bio est
une mine d’infos fiables parce qu’il ne cache rien de sa
proximité avec le groupe ni de ses réflexions sur l’évolution de Kurt. C’est assez rare pour être signalé, il n’ya ni voyeurisme ni angélisme dans sa démarche, etDu coup, on ne connaît pas ton histoire personnelle
avec Nirvana et In utero, quels souvenirs t’évoque cet
album ?
In utero a peut-être bien été mon premier album derock contemporain, trouvé dans une brocante avec leUnplugged. C’est devenu au fil du temps un compagnon
de route vers lequel je revenais souvent. Mais je penseque je ne prenais pas encore la mesure de l’importancede ce disque, qui s’est beaucoup résumé à «Rape me»et «Tourette’s» dans mes premières années de fan. Un
ami musicien très connaisseur, le collègue de groupe
Pedro, m’a fait entrer davantage dans l’album bien plus
tard, en me parlant des mix originaux de Steve Albini,du processus d’enregistrement fou de ce producteur
intransigeant et de la qualité de chaque composition.
J’ai complètement plongé depuis et je suis content depouvoir parler de cette véritable épopée indépendante
dans le détail aujourd’hui.
Quel est ton morceau préféré de Nirvana ?
Je suis progressivement tombé amoureux de «Radiofriendly unit shifter», au point d’être obsédé par ce
morceau, qui est pour moi la quintessence du punkqu’a toujours voulu jouer Kurt, du moins je pense. Ce
côté cavalcade obstinée et funèbre est merveilleux.
J’aime aussi énormément «Pennyroyal tea» et ses
choeurs sur le refrain, «Aneurysm» bien sûr et les versions live de «Scentless apprentice».
Les anecdotes sont légions, comment as-tu fait lasélection ?
Les anecdotes c’est un piège, on voudrait toutes lesmettre par envie d’être exhaustif mais beaucoup
d’entre elles n’apportent rien de spécial pour faireavancer l’histoire. Celles qui sont restées aident à raconter quelque chose sur le processus créatif de Nirvana : les nombreux titres alternatifs de «Tourette’s»qui amènent jusqu’au titre final sont passionnants,

tout comme les petits comportements des uns et desautres pendant l’enregistrement du disque, qui sontéloquents sur les rapports entre le groupe, Albini etle reste du monde. Savoir que Dave Grohl s’est offert
des petites récréations créatives entre deux prises, çapermet de souligner que les Foo Fighters sont déjà engestation et que chaque membre a son identité malgrél’aura écrasante de Kurt. Le tri se fait au fur et à mesure
que le récit se dessine en fait !

INTERVIEW

pour cette raison c’est une de mes sources préférées.
J’ai beaucoup aimé aussi «Nirvana : une fin de siècle
américaine» de Stan Cuesta qui a le mérite de replacer le trio dans l’Histoire, ce qui manque trop souvent
dans d’autres livres. J’avais souvent l’impression que
Nirvana était traité comme une sorte d’îlot détachéde son entourage et de son époque. Parler du groupesans mentionner les Melvins, Sonic Youth, les Pixies,
Black Flag, le déclin de MTV et le contexte de désillusion sociale dans les zones défavorisées et rurales desÉtats-Unis, c’est passer à côté de trop de choses qui
expliquent le phénomène.

Tu évites aussi de faire des interprétations au regard
de la suite de l’histoire, ça n’a pas été trop difficile ?
Il faut complètement oublier les derniers jours de Nirvana et de Kurt quand on parle de In utero, et en mêmetemps on ne peut pas ne pas y penser ! D’ailleurs ledisque reflète un mal-être évident, alarmant, mais pas
obligatoirement tragique. J’ai préféré mettre en avantl’évolution musicale du groupe, les partis pris sonoreset textuels, les ouvertures vers l’Unplugged, David
Bowie et les expérimentations. Quand on regarde ça
on est peut-être encore plus choqué que tout se soit
terminé aussi violemment, mais ça laisse aussi un peurêver : et si... ? Je préfère partir de ce principe.
Attaquer le livre par «Sperme», c’était pour tester ta
liberté d’écriture ?
C’était pour tester... tout court ! Ce n’était pas voulu
comme un gag mais ça tenait le coup à la relecture,alors pourquoi pas ?
Tu es trop jeune pour avoir vécu pleinement le «moment» Nirvana, tu aurais apprécié ou si tu pouvais
vivre une époque, ce ne serait pas celle-là ?
Peut-être bien, mais en touriste via la DeLorean alors.
Vivre l’époque actuelle est déjà un challenge, il y abeaucoup à faire !
Si on te demande une liste de prétendants au titred’icone rock d’aujourd’hui comme l’a été Kurt Cobain,
tu mets qui ?
Difficile d’y répondre, surtout que Ian Curtis, Kurt Cobain ou John Lennon sont devenus des icônes une foismorts et ce statut dépend de tellement de paramètres
différents et discutables. Il est même un peu trop ancré
XXème siècle, je crois que la célébrité du futur prendra
d’autres formes. Mais pour rester dans l’esprit de Kurt,
je pense qu’on manque d’icônes rock féminines etqu’il est temps que ça change. Des artistes comme St
Vincent ou Shannon Wright le mériteraient bien. L’ancienne Slits qui est devenue autrice, Viv Albertine, en
impose beaucoup aussi. En France, on a des musiciens

49

INTERVIEW

formidables qui n’ont rien à envier aux Anglais, comme
La Féline. Sinon, pour moi, il y a sans aucune discussion possible Thurston Moore de Sonic Youth, qui est unmonument de mélodicité et d’expérimental mélangés.
Avec Les Reines du Baal, vous allez jouer In utero en
live en intégralité, c’est juste pour un concert ou il yaura une suite ?
Ce sera pour fêter en différé la sortie du livre, d’autresmusiciens joueront du Nirvana au Supersonic à Parisce soir-là et il y aura un stand pour se procurer destitres de chez Discogonie. Mais j’aimerais bien exporterce show dans d’autres villes, ne serait-ce que pour leplaisir de jouer cet album et de lui redonner une vie surscène. Je suis assez amateur de concepts scéniquesde ce genre !
Qu’est-ce qu’on peut te souhaiter pour 2019 ?
Terminer mon projet sur John Lennon et continuerd’écrire sur des sujets qui m’éclatent, faire des scènes

50

encore, et que l’un continue de nourrir l’autre constamment !
Merci à toi !!
Merci à toi et longue vie à W-Fenec bien sûr, qui me suit
depuis l’aventure So Was The Sun.
Merci Palem et merci Hugues chez Discogonie.
Oli
Photo couleur : Jordan DoreyINTERVIEW

51

LES LIVRES DU MOMENTPALEM CANDILLIER

Nirvana In utero (Editions densité)

Pour ce genre de travail, le choix de l’auteur a de l’importance, ici, il s’agit de Palem Candillier, musicien bien
connu de nos services puisqu’on l’a vu à l’œuvre dansdifférents groupes (So Was The Sun, The Bree Van deKamp’s...) et en solo, il sait donc ce qu’est une pédale dedistorsion, un ampli à lampes et le mastering. Il est fan
de grunge depuis toujours mais a quand même bosséet relu ses classiques (Michael Azerrad, Everett True,le journal de Cobain...) pour nous livrer moults détails
sur chacun des titres de l’album. Quand ont-ils écrit,de quoi traitent les paroles, comment peuvent-ellesêtre interprétées en fonction de la vie de Kurt, faut-il
y voir des signes annonciateurs de la suite, quel a été
l’apport d’Albini, pourquoi autant de frictions après lesprises de son, à quels autres morceaux peut-on lescomparer, existe-t-il une anecdote sympa à raconter,que dit le clip ou la pochette du single... chaque piste
est décortiquée en plusieurs pages (et c’est écrit petit!) et nous plonge au plus près de la musique. C’est très
détaillé, très précis, pas trop technique (ou alors bien
expliqué), ça se lit assez vite et on a forcément enviede réécouter l’opus en même temps.

Parce qu’une chronique de disque (même celle de In
utero [Réédition]) ne permet jamais d’aller aussi loinqu’un bouquin, les éditions Densité ont créé la collection Discogonie qui permet de revivre des albums
cultes par la lecture plutôt que par l’écoute, dans cettesérie qui compte déjà de jolis noms comme The Cure
(Pornography), Radiohead (OK computer) ou Rage
Against the Machine (éponyme), tu peux ajouter le In
utero de Nirvana. Pourquoi pas Nevermind plus emblématique ? Question qu’il faudrait poser à l’auteur qui
présente le dernier album du combo de Seattle comme
une synthèse de tout ce qu’ils savaient faire.

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Seul petit reproche, mais c’est peut-être une volontéde l’éditeur, c’est le premier livret de cette collectionque je lis, c’est le côté un peu clinique de l’opération,
Palem Candillier s’efface totalement derrière Nirvana,j’aurais apprécié qu’il mette davantage de lui-même,qu’il transmette ses émotions, qu’il nous narre un peu
de sa vie au travers de souvenirs ou d’expériences liées
à ces morceaux. La nostalgie d’une époque fait qu’on atous des choses à partager en rapport avec la musique,en particulier celle-là. Mais les aventures de Palemn’étaient pas le sujet, cet ouvrage ne se concentre que
sur In utero et lui ouvre le ventre de fort belle manière.
Oli

LES DISQUES DU MOMENTVOLBEAT

Let’s boogie (Vertigo)

Rock heavy/hard, Volbeat n’est pas tout à fait métalmême s’il en reprend beaucoup de codes et a longtemps dû se contenter d’être un sous-MetallicA vu lapropension des Danois à sortir de belles mélodies etdes solos. Avec le temps et les années, on s’est habitué à leur présence et ils ont patiemment gravi leséchelons pour désormais s’inviter parmi les plus grosgroupes européens à convaincre de par le monde. Enaoût 2017, ils ont rempli leur Telia Parken, le stade qui
est un peu l’équivalent du «Stade de France» pour leDanemark, c’est le gros stade de la capitale, celui del’équipe nationale et d’un des meilleurs clubs du pays
(le FC Copenhague), ils y ont presque mis 50.000 personnes ce qui est juste énorme. Le Danemark dans son
ensemble comptant moins de moitié moins la population de l’Ile-de-France. Pour pouvoir comparer, faudrait
que Loudblast ou Gojira enquillent au moins deux Stadede France sold out en tête d’affiche...

liday»- pour un non converti comme moi), le combo ainvité plein d’amis. Dans la liste, on passe rapidement
sur une chanteuse danoise inconnue (Mia Maja qui fait
quelques chœurs sur deux titres), un guitariste local(Rod Sinclair sur deux titres aussi), un chanteur (Johan
Olsen sur ... deux titres) ou encore un boxeur (Mikkel
Kessler qui ne s’en prend pas aux gars de la sécu) pours’appesantir un peu sur la présence de Mille Petrozza(Kreator) venu adouber les voisins sur «7 shots», cellede Mark «Barney» Greenway (Napalm Death) pour sefaire «Evelyn» en mode gras, celle de Danko Jones
pour un «Black rose» tonitruant mais surtout par celle
du boss Lars Ulrich (MetallicA mais danois d’origine !)qui tâte des fûts pour «Guitar gangsters and cadillac
blood» et pour la seule reprise du set, à savoir son «Enter sandman» ! La boucle est bouclée, on peut remballer et aller se coucher ? Non, parce qu’il y a encore«Pool of booze, booze, booza» et évidemment «Stillcounting».
Son impeccable, gros contact avec le public, d’ailleurs,
heureusement qu’il ne parle que peu de temps le danois, sinon, ça aurait très vite pénible, en anglais, c’est
mieux pour nous même si je peux comprendre la déception des nordiques qui connaissent tout de même bienles paroles en anglais (n’est-ce pas «Lola Montez»?). Il est certain que l’objet vaut certainement plus ledétour en DVD mais on a dû se contenter de la version
double CD pour cette chronique. Si tu apprécies un tantsoit peu Volbeat, rajoute un peu de monnaie pour avoir
les images, c’est encore mieux.
Oli

La bande de Michael Poulsen joue donc à domicile
devant un public comblé et qui va en avoir pour sonargent. Volbeat va en effet délivrer un gros concert
de plus de 2h avec 26 morceaux au menu, des hits enveux-tu en voilà et histoire de rompre un peu la monotonie (oui, y’a un paquet de longueurs -genre «Doc hol-53

LES DISQUES DU MOMENTNOTRE RAGE N’EST PAS PERDUE
Compilation (General Strike)rement compliquée depuis que la Justice s’est intéressée à leurs activités et tout simplement à leurs vies.
Pourquoi un si long préambule ? Parce que ce qui était
dénoncé hier et passait pour être hérétique est en train
de devenir la réalité de demain, parce que certainséléments méritent d’être remis dans leur contexte etparce que cet objet est une compilation de soutien, àl’image de la précurseure Enragez vous !, de l’anti-carcérale In the spirit of total resistance ou de l’internationaliste El libertario.

Le cauchemar du nucléaire, énergie décriée depuis ses
débuts par une poignée de philosophes mais promue
unilatéralement par l’establishment étatique, industriel et militaire, combattue ensuite par des militants
chevronnés, continue de s’abattre telle une fatalité surl’ensemble du globe et plus intensivement à certains
endroits de celui-ci.
Parmi ces endroits, se trouve Bure, paisible village du
sud du département de la Meuse, justement choisi parsa faible population et par ses couches géologiques
prometteuses aux yeux (non éborgnés) des autorités de gestion des déchets nucléaires, l’ANDRA. Des
couches géologiques sondées et étudiées afin d’y enfouir des déchets issus des centrales nucléaires, chose
dont la collectivité ne sait que faire. Pour l’anecdote, il
se dit que les strates d’argilite présentes dans le soussol meusien sont semblables à celles présentes sousle siège de l’ANDRA en banlieue parisienne. Contre toutcela, des activistes mais aussi de simples citoyens
et même des élus locaux se sont levés en Meuse ou
ailleurs. Mais qui se lève prend le risque de se fairebousculer ou de tomber. Et c’est bel et bien ce qui est
arrivé à nombre d’entre eux -bien avant que la Francen’attrape la jaunisse- pour qui l’existence s’est derniè-

54

Afin d’apporter un « soutien aux inculpés de Bure »,pas moins de 25 groupes différents, signe de générosité et de diversité, ont donc répondus présents àl’appel de deux collectifs (Blast et ALHM) et d’un label(General Strike : Cartouche, Nevrotic Explosion, Brigitte
Pop, ...). Ainsi, les 76 minutes de la galette sont investies aussi bien par des vétérans du mouvement punkrock (Heyoka avec une version acoustique, Bérurier
Noir avec un remix, Ludwig Von 88 avec le bien nommé«Fire» et même Psycho Squatt qui s’étire durant 6 minutes avec «Déforester» ou encore Attentat Sonore)que par des formations habituées de la scène alternative (Los Tres Puntos et son ska-punk, 22 Longs Riffs
et son punk à tendance street, 8°6 Crew et sa sauce
ska, Les Ramoneurs de Menhirs et leur formule punkbretonne, Banane Metalik et son original gore ‘n’roll ou
Les Clébards et leur authentique punk-musette).
En plus des revenants nés au milieu des 1990’s que
sont ZSK et Les Partisans, on notera la présence degroupes ayant dernièrement mis un terme à leurs activités (les excellents The Decline! et Edouard Nenez et
les Princes de Bretagne avec son caustique «Quechua
on a ?») ainsi que celle du trio de potes constitué par
Guerilla Poubelle, Diego Pallavas et Justin(e) (les deux
derniers ont partagé un split sur le label tenu par lespremiers, vous suivez ?).
Parmi les formations plus confidentielles se trouventdes «débutantes», même si la plupart d’entre-elles a

LES DISQUES DU MOMENT

déjà au moins un album au compteur : il s’agit des Langrois de The Black Peppers (punk-hardcore), Stéphanois de Zone Infinie (punk-rock), Messins de Recidive(speedpunk) et Dijonnais de The Berbiseyans (reggae). En guise de (très bonnes) découvertes, on soulignera les performances de Radiocrimen et d’Accidente,
combos respectivement Bilbayens et Madrilènes, qui
insufflent un punk chaleureux en provenance d’outrePyrénées. Enfin, la mission d’achever la tracklist de cet
explosif objet sonore a été confiée aux énigmatiquesBlack Birds qui (se) font plaisir avec un «92451»
certes rudimentaire mais entraînant.

Près de 35 ans après que l’individuelle rage du «malheureux renard» des Bérus ait été chantée pour la première fois (sur Concerto pour détraqués), cette rage
devenue collective sur la pochette de cette compilations’allie désormais à tous les anti-nuke qui se sont mis àscander un peu partout et en toutes circonstances qu’«On ne nous atomisera jamais !».
Rémiii55

INTERVI OU

INTERVI OU :LENINE RENAUDC’EST AVEC FRANK, LE LEADER CHARISMATIQUE (MÊME S’IL DIRAIT QU’IL NE L’EST
PAS, LEADER) DE LENINE RENAUD (MAIS AUSSI DE MARCEL ET SON ORCHESTRE) QUE
L’ON S’ENTRETIENT AUTOUR DE LEUR ACTUALITÉ (AVEC BIEN SÛR LEUR NOUVEL ALBUM) SOUS LA FORME DES QUESTIONS FERMÉES À CHOIX PAS VRAIMENT MULTIPLE.

Marx ou Engels ?
C’est un peu con comme procédé, c’est comme si tu demandais à un skateur de choisir entre la planche et lesroulettes. Certains binômes sont une association absolument indispensable pour l’existence du projet comme
Laurel et Hardy, Pink et Floyd. J’aime toutefois beaucoup
la carrière solo de Karl Lagerfeld.

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Staline ou Mao ?
Les deux sont fascinants. C’est pas facile de trancher.
Ils débutent au poste de libérateurs et terminent bourreaux. Toutefois, je pense pas pour autant que tous les
totalitarismes se valent. Je ne mettrai jamais dans lemême sac Fascisme et Communisme. Dans le Communisme, le Stalinisme est une lourde erreur de parcours
alors que dans le fascisme c’est tout le parcours qui est

INTERVIINTERVIEWOU

une erreur. Bref. Je dirais Mao pour la chanson de Nino
Ferrer.
Docteur Renaud ou Mister Renard ?
Tristesse. Mais là, y’a pas photo. Choisir entre Docteur
Jerry ou Mister Love, c’est impossible, mais là... Encoreque je ne suis pas dans ses souffrances. J’ai tellementd’affection pour lui.
«La demoiselle from Armentières» ou la mère d’Antoine
Bailleul ?
J’adore les meneuses de revue. C’est tellement glamour
darling. Ma préférée reste toutefois Annie Cordy. Dans La
Route fleurie, une opérette assez marrante, elle chante
le titre «Subitiste». Elle y a un swing incroyable. En cequi nous concerne, c’est donc la demoiselle from Armentières. Line Renaud est une bonne comédienne et, je
pense, une femme bien, c’est dommage qu’elle soit dedroite. J’ai pas envie de défoncer «Bienvenue chez les
Ch’tis» y’a plein de bonnes choses dans cette comédie.
Les Nonnes Troppo ou les Suprêmes Dindes ?
Difficile de choisir, deux très bons groupes, mais connais-

sant bien un des membres de ces deux formations, jevous conseille Les Nonnes Troppo, car voir Cyril danser
en sandalettes, est un grand spectacle. Il a les mêmes
jambes que la mère de Jeannie Longo, sans aucun poil.
Les Blaireaux ou Les Fatals Picards ?
Tu veux vraiment m’obliger à renoncer à l’hypocrisie ; La
faculté indispensable pour tenir dans le showbiz ? Je
dirais Les Blaireaux car on est mieux assis dans leursgalas et y’a davantage de femmes mûres.
Marcel ou Son Orchestre ?
Je ne connais pas mais on m’a dit que c’était super. Je
vais écouter.
Petites histoires ou chansons ?
J’aime bien qu’on me raconte des petites histoires dansles chansons.
Badge Acid ou Pin’s ?
Pin’s orange uniquement, ceux à la framboise sont moinsbons. Je recherche un beau pin’s Suze pour un copain.

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INTERVIEW

Smiley ou émoticône ?
C’est pas la même chose, le badge Acid avait une signification. L’émoticône est devenu un moyen pour répondre
ou plutôt réagir à des messages en supprimant toutepersonnalité. Quand tu annonces la disparition d’un ami,y’en a qui t’envoient maintenant un smiley qui pleure.
C’est devenu une appli pour répondre à notre place defaçon très stéréotypée. Sur la pochette, on a joué sur ladénonciation du Smiley devenu émotion conne.
Gueule de bois ou gueule noire ?
L’alcool et le charbon, ça donne pas le même cancer.
Perso je fais avec la gueule de bois. L’histoire de la mine
est une grande tragédie romantique. L’alcool aussi tout
compte fait.
ANPE ou Pole Emploi ?
À l’ANPE, on s’attaquait au chômage pas aux chômeurs.
J’ai peur de ce qu’on est en train de demander aux salariés de pôle emploi.
Boulogne-sur-Mer ou Lille ?
Sans hésitation, le bord de mer, car mon chien préfère.
Mets tes faux-cils, deviens marteau ! ou 6, rue Brûle

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Maison ?
Demande pas à une mère de choisir entre ses amants.
Clip ou scopitone ?
Les scopitones de David Vallet. La série Scopitone is notdead est mortelle. Les clips de Ben’ Mister Bi sont terribles. Alors Joker de rockeur comme dirait Julien Clerc.
Concert perso ou festival ?
Pour la musique, les concerts perso, pour le folklore, lesfestivals.
Vœu ou résolution ?
La Révolution mon camarade. La fin de la misère donc la
fin de l’exploitation de l’homme par l’homme. On démarre
et on termine donc avec tonton Karl : «Le capitalisme
produit ses propres fossoyeurs»
Merci à Frank et aux Lenine Renaud, merci égalementà At(h)ome.
Oli
Photos : François Bodart

LES DISQUES DU MOMENTLENINE RENAUD

La gueule de l’emploi (At(h)ome)

on dirait du Cabrel !), dans ces cas-là, on écoute,on suit les histoires de ces héros de l’ordinaire, ons’attache et on arrive même à être déçu pour eux
lors du sappy end («Marre»).
Plus grave que ses prédécesseurs, La gueule del’emploi n’est pas l’album le plus facile d’accès
pour pénétrer le monde de Lenine Renaud, surtout pour celui qui déboule en pensant trouver une
alternative à Marcel Et Son Orchestre... D’ailleurspeut-être que le retour de ces derniers (au moins
sur scène) a capté un peu trop de bonne humeur
ou alors, c’est simplement que le groupe est ancré
dans la vie réelle et que celle-ci n’est pas toujours
réjouissante. Enfin, tout ça, c’est juste mon petit
doigt qui me l’a dit, à peine aidé par mon oreilledroite...
Oli
Conservant leur style, les Lenine Renaud semblent
un peu moins portés sur la rigolade en cette année
2018. En phase avec la société, ce sont plutôt lesdifficultés et les accrocs qui nous sont contés,même le «déconneur» a des vagues à l’âme et«Ma copine narcoleptique» ne peut s’empêcher
de se terminer par un tacle sur nos députés.
L’équipe n’a pourtant presque pas changé, pas decrise de ce côté-là, il y a même eu un recrutement
puisque après avoir travaillé pour Alain Chamfort
ou Graeme Allwright, Sonia Rekis a pris possession
de l’accordéon des Lillois, c’est donc bien le climatsocial qui a porté le groupe vers des textes et desambiances qui flirtent entre nostalgie et mélancolie («Louloute», «Woodstock»).
Le décalage reste une de leurs armes favorites
pour dérider et oublier ce qui nous entoure, nous
plongeant pourquoi pas un siècle plus tôt avec lesimages du livret ornées de smileys jaunes pourcasser l’esprit, dommage car certains collages(ceux de «Les limaces» ou «Libre» par exemple)
méritaient mieux que ce photoshopage rapide(comme l’immonde double effet négatif / miroir
au dos de l’opus, des graphistes ont connu le goulag pour moins que ça). Des décalages mais aussi
des tranches de vie comme celle de la voisine d’enface, celle du gars qui va chercher du «Concentréde tomates» ou du petit «Émile» (putain, celle-là

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EN BREF
PLATANESPETE SPIBY

THE BREATH

Platanes(Autoproduction)

Failed magician(Cargo records)

Let the cards fall
(Real World Records)

Quand on découvre un musicien detalent, on le suit dans tous ses projets et même si avant d’écouter son
nouveau groupe, on se dit que cesera forcément bien, on pourrait êtredéçu... Avec Sébastien Abat, ce n’est
toujours pas le cas, que ce soit avec
Tokyo/Overtones ou Adieu Papillon, ce
garçon nous a toujours charmé, c’est
encore le cas avec Platanes, un trio
formé avec Clémence et Matthieu, uncombo plus axé vers l’électro et une
forme avancée de trip-hop, le chantféminin peut ainsi se faire très aérien
comme très punchy, on est alors partagé entre Bristol et l’Islande, commesi Portishead, Gus Gus et la Björk desdébuts s’associaient dans un projet
servi par des boucles moins contemplatives et des rythmiques plus percussives. Signe de la complexité à
cerner le groupe, le titre éponyme«Platanes» se veut certainement
dansant (le sample directeur et lebeat permettent les déhanchements)
mais reste doux avec des éléments
lounge qui brouillent la piste et nous
invitent à la retenue. Les Caennais
ont donc quelque chose de mystérieux, leur musique incite à creuser lespassages, à chercher des influences,
des inspirations tout en étant assez
immersive pour celui qui voudrait
juste en profiter et se détendre enla laissant couler, au calme, zen.

Les araignées noires se sont faitesécraser mais il y en a encore une qui
continue de chanter : Pete Spiby, leader des Black Spiders (groupe de Sheffield qui avait sorti 2 LP entre 2011 et2013, avant de splitter en 2016), sela joue donc solo pour ce Failed magician. Après tout, c’est compréhensible, l’araignée n’est pas une espèce
qui vit bien en groupe. Même tout seul,
on est dans le même registre de hardrock stoner US, ... pardon UK. Ce rock
au gros son bien puissant, avec son
flot de guitares en mode riff assommants et solos enivrants. Un espècede mix entre les seventies avec unson et un tempo un peu plus contemporains. Mais tout seul, Pete Spiby a
un petit peu moins de mordant, avec
des tendances plus bluesy, voiremême jazzy comme le sympathique«Mary Lou’s dwag» et sa base rythmique qui donne envie de claquer desdoigts. Il y aussi pas mal de balladesrock US comme «Why not let themcome» ou «We used to be friends».
Pourtant, le gugusse sait quand mêmenous rappeler au bon souvenir deson ancienne formation («Wrap me
round your little finger»). En résumé,sans renier son passé, Pete Spiby
propose une partition plus posée, pas
trop osée, mais dans la continuité.

Rioghnach Connolly et Stuart McCallum sont... Britanniques, et ouais,
Irlandaise pour la première et sa voix
translucide, de Manchester pour leguitariste (aussi à l’œuvre dans The
Cinematic Orchestra) qui économise
ses notes pour ne délivrer que lesplus douces. Comme pour son premieralbum il y a 2 ans, le duo s’est entouréd’amis musiciens pour donner davantage de reliefs à leurs compositions,
un batteur et un bassiste tout en discrétion et un pianiste tout en légèreté.
Tu l’auras compris, The Breath est un
souffle, une bise, une respiration. Touten retenue et en délicatesse, le groupe
explore la beauté des molécules d’air
en piochant dans ses origines (le côté
celtique de «Hide out»), en usant desa tessiture (quelle voix !!!) et polissant chaque seconde pour la transformer en coussin ouatée. Au passage, si
tu aimes ce genre de sucrerie éthérée,plonge-toi également dans la discographie de Priscilla Ahn. L’hiver est
déjà là (quel brouillard !), il faut rester
au chaud sous la couette et la douceurde Let the cards fall n’incite pas à quitter son cocon, on est plus tenté parune simple contemplation béate, unedégustation sonore... et tant pis si on
se rendort.

Oli
60

Oli
Eric

EN BREF

SNATCH
Trilemma(Atomixity Productions)

THE MAGPIE SALUTE

CRYPT TRIPHigh water(Mascot Record)

Rootstock(Heavy Psych Sounds)

Snatch, film culte de Guy Ritchie n’apas qu’influencé quelques réalisateurs (Martin McDonagh ?) puisquec’est le nom de plusieurs groupes dontcelui qui nous intéresse, formé en2015 en Belgique, il marque le retouraux affaires pour quelques gars de La
Louvière (notamment deux ex-NonU qui enchaînent un deuxième EP àl’été 2018). Rock/métal clairement
branché sur la vague alternative, lesgaillards ressuscitent de bons vieux
souvenirs des années 90’ de par leurscompositions et la façon de traiterle son, les inspirations sont nombreuses mais suffisamment diffusespour ne pas enfermer le groupe dansla case de la «pâle copie de ...» Sont
ainsi conviés à la fête avec un poil denostalgie quelques échos lointains
piochés chez Helmet, Therapy?, Tool
avec un léger goût de stoner massif
de temps à autre. Snatch aime donc
les plans soignés, les surprises, lescontre-pieds, les stars qui ne fontque passer, entremêlent ses idées
pour donner davantage de densité etprouvent ainsi qu’il a bien choisi sonnom. A moins que ce ne soit que pourson sens premier qui est «arracher»auquel cas, c’est pas mal non plus... Et
pas besoin d’une troisième possibilité
pour avoir un trilemme car c’est le titre
de l’EP...

A voir le groupe The Magpie Salute
poser fièrement sur la pochette dansce qui semble être un marais, dans un
dress code un peu cow-boy, on imagine rapidement que ces gugusses
viennent du Sud des States et qu’ils
vont nous proposer du southern rockmatiné de blues. Mais ces cinq-là qui
posent fièrement, les guiboles marinant dans les hautes eaux du bayou,
viennent d’une feu référence en matière de rock à l’ancienne qui a surtout
sévi dans les années 90’s, à savoir lesBlack Crowes. Sauf que les frangins
Chris et Rich Robinson qui étaient
aux manettes dudit corbeau sombres’étant chamaillés, voilà que le groupea splitté, et que Rich Robinson est reparti pour un autre volatile, troquant lecorbeau pour la pie. Et si on ose un parallèle entre le règne animal et le style
musical, disons que la pie reste trèsproche du corbeau, mais que sa robe
est moins sombre. The Magpie Saluteest donc dans la continuité musicale
de Black Crowes, avec un peu moinsde noirceur, de riffs brûlants et d’audace. Un album qui sera néanmoinsapprécié par tout ornithologue adepte
des espèces musicales endémiquesdes Etats du Sud Est Américain.

En quelques années, le label italien
Heavy Psych Sounds est devenu unspécialiste du stoner, de la fuzz etd’un rock ensoleillé et granuleux. Ilsviennent de nous dénicher Crypt Trip
qui joue bien entendu dans cette veinemais avec un côté «math» (ou jazzy)en bonus. C’est un trio texan qui n’aque 5 ans mais délivre déjà un deuxième album très abouti avec de longues parties instrumentales où la guitare s’exprime très librement autant
dans l’enchaînement des riffs/notes
que celui des effets. La basse tientun rôle prépondérant car elle occupe
beaucoup d’espace sonore et attire régulièrement l’oreille de par ses petites
trouvailles. Les roulements et autres
caprices rythmiques démontrent lavolonté des Américains d’être plus
qu’un énième groupe de stoner et devarier les plaisirs (la respiration «Mabon song») et d’expérimenter un tas
de trucs sans pour autant que cela
se réduise à une influence psychédélique. Très porté sur les instrus, la musique profite également de la beautéd’un chant souvent dénué d’effet ettrès pur. Ajoute une petite référence auplus grand festoche de tous les temps(et du coup Hendrix) et tu as là un fort
bel opus garni de rayons de soleil.

Eric
Oli

Oli

61

EN BREF
IT IT ANITATHE SOBERS

FAST FRIENDS

Laurent(Vicious Circle)

IV (Crapoulet Records / Bad Mood
Asso / Panda Records...)Unknown homes(Les Disques Pavillon)

Laurent n’est surement pas l’album
de l’année, quoiqu’en toute objectivité(terme qui n’a pas vraiment de valeur
en journalisme, soit dit en passant), il
aurait pu facilement s’y placer. En effet, ce nouveau disque des très bons
Belges It It Anita passe comme une
lettre à la Poste, ce rock qui brasse plusieurs univers bien connu chez nous
et que l’on apprécie fortement (indierock, post-rock, noise-rock, alterno90’s) s’avale facilement et se digère
instantanément. Tout simplement
parce qu’on bouffe aussi pas mal à ce
râtelier et que la musique d’It It Anita
reste ancrée dans des classiques degenres. Ils sont très loin d’être lesseuls, et si la réussite de ce disquese trouve indiscutablement dans laqualité d’écriture et sa production(les enregistrements ont été assuréspar Laurent qui est représenté sur lapochette, un bel hommage), il semble
avoir été davantage conçu comme unavant-goût d’un live (là où le groupe
excelle), plutôt que de se présenter
comme une œuvre ambitieuse à l’écriture trop fouillée et moins directe. Par
conséquent, il n’est pas certain que
Laurent reste dans les annales (letemps le dira), en revanche, ses nouvelles chansons seront sans conteste
des matières combustibles sur scène.

Quand on se prénomme The Sobers(«Les Sobres» si tu n’es pas trop langues étrangères ou que tu es nul(le)en anagrammes), et que l’on fait dupunk rock, c’est soit pour appuyer son
allégeance à la mouvance straightedge, soit que l’on a un bon sens del’humour. Pour ce trio marseillais(composé de Paul, JC et plus récemment Tom), c’est clairement la deuxième option qui est retenue. Dix années d’existence et c’est toujours unflot de punk rock bien serré, en mode
coups de batte à répétition dans lecabestron qui nous est proposé. Leur
quatrième LP, sobrement intitulé IV,
ne déroge pas à leur ligne de conduite,
enchaînant 13 titres en moins de
30 minutes. Dans un style classiquemais loin d’être monotone, à l’instar
des NOFX ou autres Unco, The Sobers
ne fait pas dans la demie mesure. Le
chant en anglais de Paul, chanteur etbassiste, est renforcé par les participations vocales de JC à la batterie et Tom
à la guitare. Un trio pour une force defrappe punchy pour traiter des thèmesassez personnels et d’actualité. En
conclusion, ne soyons pas sobres
en compliments pour The Sobers qui
méritent largement leur place dans lefameux guide du punk-rock français.

10 années d’amitié valent bien un
petit EP, c’est ce qu’ont dû se dire Jim
et Julien au moment de se lancer danscette aventure, parce que composer,échanger des bouts de morceau, c’est
sympa mais les graver pour l’éternité,
c’est autre chose. Même quand on fait
confiance à des Nord-Américains derenom pour mixer et masteriser son
bébé. Le duo s’est donc lancé, leur pop
n’est pas aussi minimaliste qu’attendu, de jolis enrobages et quelques renforts (une disto et des voix féminines
sur «Eureka» par exemple) donnent
davantage de corps à leurs mélodies.
Ces dernières s’expriment autant àtravers les guitares qu’à travers lechant qui n’est pas sans me rappeler celui de Simon chez Exsonvaldes(«Enchantment», l’entêtant «An
unstoppable fire»), son apparente fragilité donne envie de se rapprocher etde soutenir le morceau. Quand on descend vers plus de gravité («A sad John
Lennon tune»), on retrouve la qualité pop lo-fi à l’américaine (Wilco, The
Decemberists...), celle qui réchauffe
les cœurs quand ça gèle dehors.
Après ce premier 5 titres très réussi,
on ne peut qu’encourager les Parisiens à poursuivre leurs aventures...
Oli

Ted
Ted

62

EN BREFADRIAN VANDENBERG’SMOONKINGS
Rugged and unplugged(Mascot Records)
Le Rock est un petit monde, Adrian
Vandenberg a été guitariste deWhitesnake, le groupe formé par David
Coverdale après son départ de Deep
Purple et avant de se lancer dans une
brillante carrière en solo ou avec desamis (genre Jimmy Page de Led Zeppelin), le Batave évolue lui aussi en
solo à travers différents projets. Le
dernier en date, Adrian Vandenberg’s
Moonkings, a livré deux efforts studioavant de tout débrancher pour revoir
quelques-uns de ses morceaux enacoustique, à part «Burning heart»
issu d’un album solo de l’époque Vandenberg (1982), ils sont soit (et surtout) issus de son éponyme ou de
MK II. Des relectures en douceur où
le charme de la voix agit autant que lachaleur des cordes. Et alors qu’en version électrique, on pourrait qualifier sa
musique de très radiophoniquement
correcte voire de «sans âme», ici, ledénuement met en valeur le travail surles mélodies et les harmonies et on selaisse toucher par le chevelu. Rugged
and unplugged arrive donc à sublimer
des morceaux rendus quelconques
par des arrangements et des choix
de production, si Adrian Vandenberg
composait désormais directementsans électricité, il gagnerait certainement des fans, moi le premier...

THE DENIRO’S

THE LIMIÑANAS

Are you surfin’ to me ?
(Autoproduction)

I’ve got trouble in mind Vol.2(Because Music)

Le lien entre Robert de Niro et la surfmusic ? Aucun ! Ah ben si, voilà Are
you surfin’ to me ? de The Deniro’s.
le premier EP d’un groupe toulousain
qui combine ces deux thèmes avecla même aisance que si Kelly Slater,
rendait la réplique à Joe Pesci dans
Les Affranchis. Démarrant comme unebonne blague, ce projet finit pourtantcomme un vrai bon album de surf rock,avec ce qu’il faut de guitare prédominante, de rythme simple et quelqueschœurs qui chantent leur amour pourle surf (plus 2-3 samples de Robert
en introduction des morceaux). On
atteint la quatrième dimension de lavague quand le thème du Parrain est
utilisé dans «Welcome to Corleone’s
beach». Rafraîchissant, dans tous
les sens du terme, The Deniro’s a del’humour mais aussi du talent, et nebase pas son projet que sur l’objectif d’un mix improbable. Il y a un réel
intérêt musical si on aime le style surfmusic. Après ce premier essai réussi,
on attend donc la fin d’année 2019
pour entendre leur nouveau projet.
Pourquoi pas, The Clint Eastwood’s
avec «Go ahead, make my rock» ou
The Schwarzies avec «I’ll be punk» ?

Même sans la reconnaissance de laFrance, le duo de Perpignan travaillesans cesse, après avoir compilé de«vieilles» raretés, le volume deuxs’attaque aux dernières rencontres
et covers dont le groupe est friand.
Pour combler le fan ou faire découvrir
leur univers (assez vaste), 17 titressont au menu. Côté collaboration leurami Pascal Comelade (assez présent
mais ils ont sorti un album ensemble),
Kirk Lake, Peter Hook (Joy Division),
Anton Newcombe (The Brian Jonestown Massacre) sont de la partie pourdu live, du rare ou de la reprise. Avec
ce dernier, c’est le «Two sisters» desKinks, pour le couple c’est aussi «La
cavalerie» (de Julien Clerc histoired’avoir un peu de français dans l’air
en plus d’une «Nuit fantôme» ou de«The gift» dans un nouveau mixage),«Russian roulette» (de Lords Of The
New Church), «Time will tell» (de Polnareff et Keith Reed), «Angels and devils» (de Echo And The Bunnymen) età chaque fois, le son, le style, la patte
psyché-fuzzy sont identifiables, aussi
touche à tout soient-ils The Limiñanas conservent ce pouvoir d’assimilation qui fait de cette compil’ bien plus
qu’un assemblage de pièces éparses.

Eric
Oli

Oli

63

EN BREF
YANN ARMELLINO & EL BUTCHODIRTY DEEP

ANNA SAGE

17 (Xplose Music)

Tillandsia(Deaf Rock Records)

Downward motion(Autoproduction)

Nouvelle salve de titres hard rock/hard blues/classic rock pour la paire
Yann Armellino & El Butcho toujours
appuyée par Erick Benzi et Alban
Armellino (le frère de Yann) pour lesbatteries. Better way en 2016 avait
démontré qu’on pouvait associer un
guitar hero pédagogue et un chanteur
charismatique touche à tout (Watcha, Rednekk Rampage, Hellectrokuters, Pleasure Addiction...), quelquesconcerts plus tard (avec les potesde Jesus Volt en renfort), le duo s’est
remis au boulot mais cette fois-ci, ils
ont davantage bossé ensemble (pourle premier opus, Yann avait déjà beaucoup de compos «en stock») pourlivrer ces titres à la facture très ... classique. Les gaillards connaissent leursgammes et déroulent leur talent sansle forcer, les solos et les trouvailles
rythmiques s’enchaînent, la voix se
fait tour à tour accrocheuse, gouailleuse, mélodieuse, douce ou puissante, Yann laisse de l’espace à El Butcho pour que chacun trouve son plaisir
et rende hommage aux vénérés pères
fondateurs d’un genre indémodable(Van Halen, Def Leppard, Thin Lizzy,Blue Oyster Cult, Lynyrd Skynyrd...).
Nombre de ces groupes qui sonnent«comme dans le temps» écument
les bars, rares sont ceux qui cumulent
autant de qualités que celui-ci.

Alors si tu penses que le blues c’est
juste un gugusse en salopette poussiéreuse qui gratte sa guitare sèche
déglinguée avec une voix rocailleuseà croire qu’il n’a bouffé que du gravier
dans sa jeunesse, en hurlant son désespoir comme un chien sauvage quia paumé son os, hé ben tu n’as jamaisécouté Tillandsia de Dirty Deep. Voilà
un album qui suinte le blues par tous
les pores, tout en titillant avec délice
une palette de styles et sonorités multiples : stoner, country, rock garage,
folk, avec même du gospel, des interludes instrumentales d’harmonica et
un brass band. Ce trio strasbourgeois(Depuis que Victor, l’originel one-man
band, a été rejoint par Geoffroy etAdam), a usé ses mélodies en Europe
et aux states pendant 3 années, avant
de mettre en boîte cet album. Et cettelongue tournée ne les a pas fatigués,
car ce Tillandsia déborde d’intensité
et d’énergie. Peut-être que le fait qu’ils
aient demandé à Jim Jones (The Jim
Jones Revue) de prendre les commandes y est pour quelque chose,mais je pense qu’il a juste servi à lesfaire rentrer en studio, sinon ils tourneraient encore, et on aurait raté cettepépite. Puis si tu veux un résumé dela genèse de ce LP, mate l’excellent
single «I want to miss you» sur Youtube.

Anna Sage aime très certainement
autant Dillinger Escape Plan que John
Dillinger appréciait Anna Sage, la Roumaine qui l’a trahi en espérant avoir ledroit de rester aux États-Unis. L’amie
de l’ennemi public N°1 savait user deses atours pour obtenir ce qu’elle voulait, le groupe parisien a pour principal
atout un sens certain de la destruction
et il cherche a priori à créer le chaos etla désolation partout où il pose ses
riffs, ses rythmes et ses textes. Pource deuxième EP, ils repoussent leslimites du métal, jouant autant avec
des codes post hardcore que desplans matheux ultra speeds ou une
tendance screamo éraillée. Les variations de tempo et donc d’ambiancessont légions et qu’on soit dans la lourdeur ou le pilonnage, le résultat est
le même, les tympans en prennent
pour leur grade. Pas sage et à l’aisedans toutes les positions, Anna Sage
flingue tout sur son passage et met
mal à l’aise celui qui voudrait l’épingler quelque part. Jean-Jacques
Rousseau a écrit «La violence de lafemme est dans ses charmes», onpeut le remixer et dire «Le charmed’Anna Sage est dans sa violence».
PS : Anna Sage a été expulsée des EtatsUnis et une maladie l’a rongée jusquela mort quelques années plus tard.
Oli

Oli

64

Eric

EN BREFWE HATE YOU PLEASE DIE
Kids are lo-fi(Kids are lo-fi Records)

KINGCROWKILLBODY TUNING

The persistence(The Laser’s Edge Group)

Pictorial(Hummus Records)

Rouen, deux garçons, deux filles, unamour pour Scott Pilgrim, le punk, lanoise, les mélodies, les distorsions,
mettez-moi tout ça dans un garage,
filez leurs des instruments et ça
donne We Hate You Please Die. Basse
pugnace, batterie carrée, guitareéchevelée et double chant masculin/
féminin passé au filtre de saturations,voilà un peu à quoi ça ressemble deloin. De plus près, le groupe tire sonépingle du jeu grâce à une 4 cordes
vraiment excitante (et pas que sur«Hortense»), des parties vocales plus
folles les unes que les autres (quelle
entrée en matière avec «Rita baston») grâce une sacrée maîtrise («Gotthe manchu» offre un bel éventail) qui
permet de frôler l’overdose de n’importe quoi sans passer du côté obscur(«True men don’t drink milk»). Et alors
qu’elle prend beaucoup d’espace, la
guitare et ses effets disparaissent peu
à peu en temps qu’entité pour devenir
la trame générale, la toile de fond, lecadre de ce joyeux bazar comme sicette débauche de bidouillages dansles pédales était «normale». Si lesnoms de Big Black, Swans, Thee Oh
Sees ou Metz évoquent quelque chosepour toi, alors penche-toi sur ce qui
pourrait devenir un phénomène. Et
si tu n’es pas convaincu du potentiel bordélique du combo, va doncmater le clip de «Melancholic rain» !

Inspiré du poème «Le corbeau» d’Edgar Allan Poe, ce quintet italien en a
puisé évidemment le nom, mais également la noirceur du volatile d’ébène,
et la majestuosité de son vol. Plus de
20 ans d’existence pour ce groupe deRome qui présente ce quatrième LP,dans un ligne de rock progressif à postrock. On s’élève avec eux, emmené parle chant mélancolique et mélodieux
de Diego Marchesi, enveloppé d’une
musique prégnante, composée de 2
guitares, basse, claviers, batterie. Le
roi des corbeau a l’art de distiller une
atmosphère sombre et intense maisqui caresse l’esprit sans violence ni
agressivité. Les 10 titres, s’étirent
souvent au delà de 6 minutes, permettant de varier les effets et les
rythmes, de monter en puissance, etde mieux faire connaissance avec ce
corbeau. «...et ses yeux ont toute lasemblance des yeux d’un démon quirêve ; et la lumière de la lampe, enruisselant sur lui, projette son ombre
sur le plancher ; et mon âme, hors ducercle de cette ombre qui gît flottante
sur le plancher, ne pourra plus s’élever, - jamais plus ! « (Edgar Allan Poe).

Lors des Etranges Nuits du Cinémade 2017, Killbody Tuning s’est prêté
au jeu du ciné-concert avec le «Pi»de Darren Aronofsky (auteur par ailleurs des excellents «Requiem for a
dream» et «Black swan» mais aussi
des plus dérangeants «Noé» et «Mother!») et n’a pas voulu s’en tenir à
une performance live prolongeant leplaisir en retravaillant ses compositions pour un album intitulé Pictorial. Double clin d’œil (donc tu ne vois
plus rien) puisque sa musique est
très «visuelle» et ce mot commence
par la magique lettre grecque. Pas lapeine pour autant de voir (ou revoir)
le film pour profiter de la musique desSuisses toujours aussi démonstratifs et enclins à balancer de grandes
nappes progressives et de tout déchirer au larsen. Les plages de folie saturée sont un peu «classiques» (pour dupost rock s’entend), c’est donc avec
les parties plus douces que Killbody
Tuning fait la différence («When I was
6 I did», «No... I saw everything», «Our
fingerprints» eh oui, chaque morceau
reprend une phrase prononcée dansle film). Des sonorités inattendues,
une architecture moins évidente,
des sensations plus nuancées et une
approche plus mentale que physiquequi s’étend jusqu’à ce que les distorsions reprennent du service et assurent elles aussi. Comme le nombre,
cet album est donc transcendant.
Oli

Oli

Eric

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EN BREFMERMONTECADILLACFOREST IN BLOOD

Mouvement(Room Records)

Originul(l’autre distribution)

Pirates(Autoproduction)

Quel meilleur titre pour cet album quecelui choisi par Ghislain ? Mouvement
est un terme qui caractérise Mermonte de par sa forme, de projet solo,
il est devenu une œuvre collective qui
associe près de 20 musiciens sur cet
album et en met 8 sur le devant de lascène. Mouvement va aussi comme ungant à ses élans que sont les compositions de ce troisième album, jamais
immobiles, toujours dans la volontéd’aller de l’avant sans profiter de labeauté instantanée alors que parfois,
on aimerait qu’ils délient un peu plus
le propos pour s’en délecter encore(«Acroamatic», «Atma») même si
certains sons font échos à d’autres(«Lude» à l’intro de «Motorique» par
exemple). Indie-post-pop orchestraled’envergure, la musique de Mermontes’ouvre à tous les horizons et se paye
le luxe de multiplier les invités sans
perdre son homogénéité, on sautilled’un titre à l’autre sans que les changements de chant ne perturbent notre
voyage sur ce petit nuage. Devin deDelta Sleep («Time travel»), Lætitia
de Stereolab («Le cri de l’appelant»),
Dominique A («Les forces de l’ailleurs») ou Stuart de TTNG («X3_X13»)
se fondent ainsi dans un paysage
mouvementé mais jamais accidenté.

Comme disait Ben-Hur à propos de sonchar : «Ouais ben ça marche moinsbien avec un seul cheval». C’est un
peu l’impression que donne ce premieralbum de Cadillac membre de Stupeflip, ce fameux groupe qui mélange,
rap rock et ritournelles de variété. Car
Stupeflip a beau être un OVNI dansl’univers hip-hop, il n’échappe pas
aux albums solo. En mode autonome,
Cadillac sort le grand jeu avec 21
titres (dont quelques interludes instrumentaux). Musicalement, c’est encontinuité avec le son du Crou, synthébasique, boîte à rythme déglinguos
et sonorités 80’s. Vocalement, c’est
du pur Cadillac, un individu à la voix
improbable, entre crise psychotiqueet délire syndrome de la Tourette. Textuellement, c’est la même sauce denon-sens, de Raymond Devos sous
LSD et de recherche de la rime à toutprix («j’aime pas, j’aime pas marcher sur les limaces, j’ai l’impression
d’tomber dans une crevasse»). En
conclusion, les lapins fans de Stupeflip vont jubiler, les disciples moins
illuminés trouveront leur bonheur
sur quelques titres («Coca cola»,«Game over»), surtout quand KingJu ou MC Salo débarquent («Débile»,«Arkboot»). Alors c’est du Stup, mais
Ben-Hur a raison, ça défouraille mieux
quand tous les chevaux sont lâchés.

Alors que le groupe était mis de côté
depuis 2005 (à part la reformation de2010-2011), Forest In Blood revientfêter ses 20 ans avec son esprit originel, celui d’un brutal hardcore avec
des fioritures et un nouveau bassisteen la personne de Pierre (ex-The Arrs).
Ce Pirates ne devait être qu’un EP mais
en y ajoutant des titres instrumentaux
qui pour certains sont plus que des interludes (le «Seul au large» introductif ou «1518») et un titre acoustiquequi tranche («James» qui sent bonla fiesta au Saint rhum après un raid
sur un galion espagnol) on arrive à 11
pistes et l’allure d’un vrai LP. Parmi les
six compos «classiques», on en a 4 quibourrinent pas mal (lignée Hatebreed,
Sick Of It All) et 2 où le tempo ralentit
pour prendre le temps de poser de jolies notes de gratte en délié comme enplein («The code») ou pour bien viser
avant de mettre une grosse claque(«Path of the Dead» taillé pour faireplaisir au public qui voudrait gueuler
avec le groupe). Très riche instrumentalement, Pirates a de quoi enchanter
les amateurs d’un HardCore pas enfermé dans certains codes et même desgens comme moi qui sont plutôt difficiles dans ce genre. Je trouve justedommage que le chant d’Elie n’aillepas chercher davantage ailleurs que
les sempiternelles lignes HxC, quand
il met plus de variation comme sur«My dues», on y gagne clairement.
Oli

Oli

Eric

66

EN BREF

EXCEPT ONE
Fallen(Autoproduction)

ALMOST HUMANMETEOCLUBXS2XTC(fastball music)

Latex high quality(Autoproduction)

Avoir un tel niveau et une telle puissance vocale n’est pas donné à tout lemonde, bon nombre de gars bien velus
n’arrivent pas à la cheville d’Estelle qui
est encore plus impressionnante surcette nouvelle production d’Except
One. Depuis Haunted humanity, il y a
une place à prendre sur la scène (inter)nationale puisque Eths et Noeinl’ont quittée, à l’écoute de ce Fallen, il
est évident qu’on a trouvé la relève. A
l’aise avec les growls, le hurlé, les harmonies (plus discrètes qu’auparavant
ce qui a fait disparaître les éventuelles
touches métalcore), toujours dansla bonne dose d’agressivité, le chantporte le groupe qui musicalement
fait aussi un bon death métal assez
moderne avec ce qu’il faut de brutalité et de touches mélodiques pourne pas s’ennuyer (et pas juste sur les
instrumentaux «Interlude» et «Blackwater»). Parmi mes titres préférés tu
trouves «Until the world burns» (ettrop peu de spoken words pourtant géniaux en break), «Monster» (pour son
intro), «Nothing» (dispo en clip et qui
est une bonne synthèse des talents
du combo) et «Swansong» (pour sabasse, son ambiance, ses guitares déchirantes). Except One confirme tout
le bien qu’on pensait d’eux, en mieux.

Je ne sais pas si les membres d’Almost
Human croient au Samsara, le cycle dela renaissance chez les hindouistes,
mais leur parcours tout comme leurmusique tendent à démontrer l’existence de celui-ci. Historiquement, carce groupe suisse né dans les années
90, disparaît des ondes pour renaître
en 2008 avec un line-up modifié etrajeuni : Ben Plüss au Chant, Olivier
Perdriziat et Chris Matthey aux guitares, Jan Peyer à la basse et Rosario
Fullone à la batterie. Artistiquement,
car Almost Human s’interroge sur laplace de l’être humain dans la civilisation actuelle, dans notre écosystème, la vie, la mort. Musicalement,
Almost Human peut se ranger dansla catégorie du métal bien massif.
Un chant au growl puissant avec
quelques variations subtiles, des guitares qui plombent avec des sonorités
heavy ou thrash, et une batterie qui
multiplie les breaks. Almost Human
respecte les codes mais rajoute en
technicité et virtuosité. Pour leurpremier LP,XS2XTC, soit «Excess toextasy», cela sera effectivement
un trop plein d’extase (et non d’ecstasy) pour les fans de métal certes
classique, mais réellement abouti.

Sens de l’esthétique autant que dugroove rock, Meteoclub met dans l’embarras le chroniqueur par la multiplicité des influences qu’on peut retrouverdans ce premier album au nom évocateur (Latex high quality, mots tirés destextes du morceau «Aphrodite song»).
L’origine doit remonter aux années
60/70, années où les distorsions fontleur classe sans occuper tout l’espaceet où la rythmique a encore vocation à faire danser (ou tout au moins
se remuer le cul). Même quand letempo ralentit, le trio laisse donc une
place de choix aux rythmes («Old bull
Lee»), base solide sur laquelle peut sedéchaîner une guitare en mode noiserock/garage. Si on fait abstraction duchant, on peut penser à Sonic Youthmais il y a cette voix, plutôt sourde etgrave, dans le genre de celle de Mark
Lanegan mais avec moins de grain etd’aspérité. Mélange tout ça, ajoute desidées venues du blues, du boogie, dustoner et tu auras une vague idée dece qu’est Meteoclub, un groupe de rockgarage, endroit où on peut caser à peu
près tout ce qu’on veut et où sont déjà
rangés JC Satàn, Johnny Mafia, Sobornost, The Black Keys ou The Hives.
Oli

Eric
Oli

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EN BREFÔ LAKEAS A NEW REVOLTQUENTIN SAUVÉ

Refuge(Patchrock / Night-Night Records)

Txrx(Sandmusic)

Whatever it takes(Ideal Crash)Du piano, du piano, encore du piano et
un peu d’arrangements à cordes voire
quelques touches électroniques, unstyle appelé «Néo-classique», tu l’ascompris, c’est absolument ... ni notre
cible ni un rayon dans lequel on se sent
légitime pour le décrire. C’est pourtant ce que livre Ô Lake et c’est avec
la promenade sur ces touches noireset blanches que je me suis fait totalement embarquer dans le nouveau
projet de Sylvain Texier (ex-Fragments
et de nombreux autres groupes pop,folk). Le multi-instrumentiste rennais
délaisse donc ses outils plus rock(guitare, batterie...) pour se consacrer
à son clavier et entre deux skeuds depost-métal et un autre de noisy-core,putain que ça fait du bien, pour une fois
ma fille de 6 ans m’a dit «elle est belle
ta musique» et elle a raison, Refuge,
c’est simplement de la belle musique,tout(e) en douceur, quasi monochromatique (un blanc ouaté), contemplative. Quelques rythmiques à l’arrièreplan viennent parfois mettre un peu
de nerf et de tension («Holocene»,«Epilogue») tandis que le gimmick de«Conversation» me renvoie à du Clint
Mansell (son «Lux aeterna», une desrares références que je peux citer).
Dans l’ensemble cristallin et limpide, ÔLake mérite largement d’être sur nos
ondes.

As A New Revolt. Voilà, tout est dit.
Thèse, antithèse, synthèse. Pas besoin d’en faire une tartine quand lenom de ce duo made in Grenoble (Manu
Barrero au chant et instruments et Julien Lhuillier à la batterie) est un parfait résumé de leur projet musical. Unerévolte parce que Manu scande, hurle,éructe, et plaque son rap agressif etviolemment superbe. Un flow offensif et vociférant à l’image de celui deZach De La Rocha. Une révolte parce
As A New Revolt n’est pas venu pourparler histoire d’amour ou reproduction des koalas. Musicalement, c’est
le monde des machines et c’est dulourd. De l’électro complexe et très travaillée, foisonnante et dissonante. La
partition n’est en rien linéaire, entre
indus, hip-hip et techno hardcore Et
la batterie de Julien vient rajouter undose de puissance et d’humanité.
Oui, d’humanité, car on le sent faire
face aux sonorités métalliques et stridentes des synthés et autres boites
à sons, pour mieux les canaliser. As A
New Revolt plante son drapeau au milieu du carrefour, à la croisée des chemins d’H9rr9r, de Urban Dance Squad
ou One Day As A Lion. Un étendard pourlequel on lève le poing, on hurle deplaisir et on applaudit des deux mains.

Quentin Sauvé est le frontman deBirds In Row (mais a aussi officié
dans autres groupes comme As We
Draw, ## Calvaiire) alors quand il seretrouve seul, il met de côté le screampunk noise saturé-core pour ne garderque l’essence même du rock : guitare
et une voix. Sa guitare, sèche et pure,sa voix, chaude et limpide, jouent ensemble sur les émotions, la douceur,la tendresse. Le Lavallois nous désarme tant il est touchant, nombreux
sont les gars à ne s’exprimer qu’avec
une gratte acoustique en mode folk
(Forest Pooky (ex-The Pookies),
Federal, Jonah Matranga (Far, OneLineDrawing...)) mais rares sont ceuxà se livrer autant et ouvrir leur cœurcomme Quentin Sauvé le fait sur Whatever it takes. C’est donc un projet bienplus personnel que son précédent travail en solo (Throw Me Off The Bridge),un travail plus épuré (seuls quelques
ajouts viennent enrichir certains titres
comme sur «Love is home» où il étoffe
la guitare ou sur «Riddled» où descuivres viennent titiller les oreilles),une œuvre intime qu’il partage avec
nous comme si nous étions frères(we care for each other / we sharethe same mother), un album aussi
exceptionnel pour son écriture quepour les sentiments qui en émanent.

Eric
Oli

Oli

68

EN BREF

ARCHITECTS
Holy hell(Epitaph)

JIMM

CORTEZ

Distorsion cérébrale(Juste Une Trace)

No more conqueror(Basement Apes Industries)

Pas évident d’écouter ce nouvel opusd’Architects sans sentir le poidsqui pèse sur chacun des membres
du groupe (et encore plus sur lesépaules de Dan) un peu plus de deuxannées après le décès de Tom, guitariste de toujours, emporté par un
cancer. L’habillage est noir, le titre
est sombre (Holy hell), le nom desmorceaux est explicite («Death is
not defeat», «Hereafter», «Mortal
after all», «Damnation», «Dying toheal», «Doomsday»...) et dans tous
les textes, on sent le manque et lasouffrance («Can you feel the empty
space (...) Can you live a life worth
dying for ?» sur «A wasted hymn»).
C’est triste mais la souffrance sublime souvent le travail des artistes
et comme au rayon metalcore Architects était déjà une référence (si cen’est «la» référence), ce nouvel opus
est aussi violent que touchant, aussi
brutal que cathartique, aussi porteurde douleurs que de signes de combat
pour la survie. Plus qu’un hommage,c’est un témoignage poignant de laforce du combo anglais qui montrer
qu’il continue d’exister pour continuer
de faire vivre Tom et ses œuvres, Holyhell démontre aussi que la musiquepeut soulager, accompagner, exorciser, transformer de la putain de merde
en de l’énergie positive. Respect.

Bière ambrée ou triple fermentation ?
Uppercut ou high kick ? Beurre doux
ou demi sel ? Rock ou metal ? Lavie est une question de choix, qu’ilssoient futiles ou primordiaux. Pourson troisième LP, Jimm avait le choix
entre faire album de rock français
ou de metal. Eh bien il a préféré n’enfaire qu’un, en empruntant au rockfrançais, la tessiture vocale d’un Bernie Beauvoisin ou d’un Mouss pourbalancer des textes plus («Big brother») ou moins («Ton blues dansla peau») rageux ; et pour la bande
musicale, c’est du bon riff métal, à la
Therapy? ou à la Papa Roach, deuxgroupes que Jimm cite comme inspiration. La langue française n’est pas
facile à électriser et peu de groupes
nationaux s’y tentent. Et c’est dommage, car pourquoi ne pas essayerd’accorder la puissance de l’écritureà la française avec celle du rock et dumétal ? En reprenant «La chansonde Prévert» en version punk rock etpar extension à l’écoute de Distorsion
cérébrale, Jimm en fait l’indéniable
démonstration. Une preuve ? Check
donc «La haine» sur le bandcamp
de l’artiste, et on en reparle après.

Un peu comme les éclipses de soleil,
un nouvel opus de Cortez n’arrive
pas super souvent et il vaut mieux
s’y préparer pour ne pas se bousiller
les oreilles parce quand ils apportent
leur dose de noir dans ta vie colorée,
ils ne le font pas à moitié. Enregistrésen 2016, mixés en 2017, sortis en
2019, les titres de ce nouvel album
ont pris leur temps (penser à placer
une vanne sur la lenteur suisse) maisn’en perdent pas pour t’agresser, leurpost-hard-noise-core qui dérouilleenvoyant grosses mandales surméga-torgnoles en mode presquegrind (c’est comme ça qu’ils aiment, cf«Seven past forever» ou «Abodes ofhail season»). Quand les instruments
baissent un peu leur niveau de sauvagerie, c’est le chant qui prend la relève
comme sur «According to Claude
Bernard» ou «Tristan Da Cunha» (avecquelques dédoublements savoureux).
Aussi expéditif que brutal, No moreconqueror ne fait pas de prisonnier,n’accorde pas de pitié, se contentant
juste de réduire en bouillie tous ceux
qui s’y frotteront (l’apocalyptique«Hemigraphic» au son un poil plus
clair qui n’est pas sans rappeler Unfold). Contrairement aux éclipses, onpeut se faire mal tous les jours avec
ce nouveau Cortez explosif et corrosif.

Eric

Oli
Oli

69

EN BREF
BRAZILIERSTANTRUM

P.O.D.

421(A tant rêver du roi)

Twisted in anguish(Supine Records / Head Records)

Circles(Mascot records)

Braziliers est le résultat de la réunion
du duo Ropoporose et de Marceau
Boré alias Piano Chat à la guitare et auchant, dont le point commun est au
moins la pop rock bricolée et DIY. Sans
trop de surprise, ce qui a découlé pendant ces deux années de collaboration
musicale (composée à l’été 2016,
enregistrée en juin 2017, sortie en
octobre 2018) est une savante alchimie de douces et fleuries mélodies, derythmes chaloupés et rock n’ roll, letout clamés par des voix pimpantes àla fois en langue française et anglaise.
Inutile de vous dire, si évidemment
vous connaissez bien les deux entités,que les six titres de ce 421 sentent bonl’été et le soleil, la douceur et la vigueur
à la fois, et comporte de véritables
petits bijoux pop comme le morceautête de gondole «Choukès» ou bien
un esprit plus garage-punk sur «Merci
beaucoup bonsoir». Mais le trio sait
aussi surprendre par «Veaux doux»,
titre fleuve de plus de 10 minutes
dans lequel les percussions tribales
accompagnent un air mystique, maisaussi par sa reprise personnelle etréussie de «C’est comme ça» des Rita
Mitsouko. Comme dans le jeu de désportant le même nom, cet album fait
preuve d’une série de belles combinaisons. Entêtant et très accessible, cet
EP est à posséder en cas de déprime.

Si Tantrum n’est plus actif depuis unpetit bout de temps (aucune trace discographique depuis 2003 et The frontier bursts into view), on ne pouvait lesoublier comme en témoignent le tribute sorti en 2011 ou cette rééditionde leur deuxième opus initialement
sorti en 1997. Un peu plus de 20 ans
après (en ‘’18), ce Twisted in anguishsonne toujours aussi actuel (certes
David Weber a retravaillé le son) carmême si on est loin de la fin des années
90, la noise sous toutes ses formes a
toujours ses adeptes ; rien que dansce numéro, tu peux difficilement rater
Daughters mais tu trouves aussi Cortez ou We Hate You Please Die. Moinsbarrés que les Ricains, moins sombres
que les Suisses, plus métalliques que
les Rouennais, Tantrum menait sa
barque entre hargne contrôlée, rythmiques énergiques, passages syncopés et distorsions saignantes. Bien
dans son époque (celle du Aftertasted’Helmet, du Subconscious nocturnal
activity des Sleeppers ou du Hormade Portobello Bones), la galette n’apas vieilli et si on la réécoute dans 20
ans, on pourra certainement encore
lui trouver de l’intérêt. En attendant,tu peux en (re)profiter (et en vinyles’il te plaît !) même si on t’en déconseille l’écoute en cas de mal de crâne...

Tiens, le train des années 90 rentre
en gare, ça faisait longtemps qu’on nel’avait pas vu. Et puis c’est marrant,
y’a toujours le wagon fusion. Et il y aqui dedans ? Ah ben dans celui-ci ony retrouve encore Shootyz Groove,
Sugar Ray ou Dub War. Mais qui voilà
dans le fond ! Ils sont toujours là !
P.O.D. ! Plus de 25 ans de carrière etvoici leur 10ème album. Et toujours
la même recette, un peu de funk, denu-metal, avec quelques phrasés
hip-hop, ragga ou rock. Bref, le wagon
résonne de ce mélange des genres
qui a explosé à la fin du dernier millénaire, quand les murs de chaquechapelle musicale s’écroulaient pourmieux varier les plaisirs. Et presque
30 ans plus tard, ça donne quoi ? Pourles nostalgiques, c’est reprendre letrain pour une plongée dans les souvenirs. Pour la génération millenium,
c’est écouter le son d’antan, celui
dont parle le tonton hardos aux repas
de famille. Et Circles dans tout ça ?
Ah ben il a sa place réservée dans lewagon. Un gros mélange des styles
avec des bonnes surprises quandla guitare sature, et des beaucoup
moins bonnes quand ça la joue ballade hip-pop. Alors, tu peux rester surle quai mais tu peux aussi monter voir.
Eric

Oli
Ted

70

EN BREF

SAINTSENECA
Pillar of na(Anti- Records)

NO VALE NADABUÑUEL

Alter ego (Coups De Couteau / Bad
Wolf / Vox Project)

The easy way out(La Tempesta)

Derrière cette grosse fraise en formede cœur qui semble présenter le dernier album des Bisounours ou la compil des Miss France que «la guerre
c’est pas bien» et que «je voudrais
travailler dans l’humanitaire», secache en réalité un groupe de l’Ohio
qu’il serait dommage de rater sousprétexte que l’on est allergique aux
fruits rouges ou à l’excès de bons sentiments niais. Parce qu’en plus, c’est
pas du tout ça. Déjà 10 ans de vie commune et un paquet d’EPs et de LPs (8en tout), pour ce groupe qui évolue
essentiellement autour de Zac Little,
auteur-compositeur et leader de Saintseneca. Musicalement, on est dans unalbum folk de qualité, naviguant parfois vers des rivages tantôt pop, parfois psyché ou rock mais sans jamais
tomber dans la facilité. A l’image de lamusique de P.J. Harvey, cela semble
juste simple et beau, parfois classiquemais jamais facile, souvent novateur.
Vocalement, Zac Little pose sa voix
légèrement cassée et gorgée d’émotion. Globalement, c’est un album defolk inventive, aventureuse, qui casse
un peu les codes, sans toutefois
renverser la table. Et cette étrange
fraise se laisse croquer aisément.

A leur noir et blanc, les No Vale Nada
ajoutent une couleur, celle du sang,
un rouge dégoulinant qui se déverse
depuis toutes les écorchures provoquées par Alter ego. Le groupe a calmé
quelques-unes de ses (h)ardeurs pourbaisser le rythme («Alter», «Heureuse
perspective») ou la jouer plus rock nroll («Un toi(t) sans nous») mais n’arien perdu ni de son tranchant ni desa capacité à créer le malaise avec
des instrumentaux glaçants («Intro»,«2»). Sombre et sourd, l’opus, encore
enregistré avec Amaury Sauvé (Bison
Bisou, Calvaiire, Robot Orchestra ou
Drawers pour ne pas toujours citer lesmêmes références...), joue avec nos
nerfs et nos corps, alternant pièces
ultra violentes et moments de déchirements («Ego», «Une poignée derien») usant des effets sur les guitares et d’attaques hurlées, nous laissant toujours un peu de temps pournous remettre avant d’enchaîner sur
une nouvelle rafale de riffs. L’excellent«Plutôt crever que mourir» signe la fin
du parcours avec un premier jet qui
sonne comme un très bon morceau
et une deuxième partie construite
avec d’interminables larsens. C’est
donc confirmé, on peut compter sur
No Vale Nada pour nous faire mal.

Le clin d’œil au sulfureux et anticonformiste réalisateur et scénariste espagnol est bien trouvé. Et même si l’art
n’est pas tout à fait le même, la libertéd’agir et de penser y est totale. Provoquer des réactions, c’est sûrement ce
que la bande de musiciens italiens qui
entoure Eugene S. Robinson d’Oxbow asouhaité en donnant naissance à cesonze compositions noise-rock expérimentales aussi déstructurées que
sauvages. En tout cas, ce deuxième
album de Buñuel intitulé The easy way
out est une éblouissante démonstration d’un méli-mélo électriqueassourdissant où se mêlent riffs deguitares punk n’ roll, effets à faire sauter les plombs, basse bourdonnante etrythmes déjantés de bûcheron. Pourautant, ce fracas orchestral est relativement minimaliste, nul besoin en
effet de rajouter des couches et descouches pour se faire entendre. Surtout quand tu as Robinson dans tongroupe, un bonhomme qui tient une
place importante (autant physiquement que vocalement) et qui depuis
30 ans s’est fait spécialiste dans l’art
de parler, de beugler et de crier. Au
final, la question ici n’est pas de savoir
si cet album est bon ou pas, mais plutôt si ça fait mal ou pas.

Oli

Ted

Eric

71

EN BREF
NO MONEY KIDSWITH CONFIDENCE

BLACK BOX REVELATION

Trouble(Roy Music)

Love and loathing(Hopeless records)

Tattooed smiles(Universal Music / Irascible)

Qui arrêtera No Money Kids sur sa lancée ? Le duo électro-blues enchaîne
les albums comme si composer despépites était un jeu d’enfants. Ils sontpassés à la couleur et à des titres unpeu plus pop-rock, s’éloignant unpeu de leurs racines et se donnant
ainsi davantage d’envergure s’évadant du cadre qu’ils avaient créé.
Étrangement, c’est quand ils invitent
un rappeur américain (Charles X sur«Chains») que leur côté blues ressort
le plus, avec l’autre guest (le DJ The
Toxic Avenger), les entêtants sonssynthétiques sont à la fête et me fontaimer l’électro. La revue d’effectif mériterait certainement un décorticage
en règle de chacun des titres pourcomprendre comment et pourquoi
tous fonctionnent aussi bien en étant
différents mais faute de temps, je nem’arrête que sur la reprise du «Crazy»de Gnarls Barkley pour dire que legroupe aurait pu aller plus loin dansson travail et la jouer à la «See melaughing» ou à la «Blue shadow», lesplages qui correspondent plus à l’idéequ’on se faisait d’eux. Trouble étend lechamp des possibles en gardant une
qualité hors du commun, finalement
la question n’est pas de savoir qui lesarrêtera mais qui voudrait les arrêter...

Dans le clip de «That something», lesingle issu de ce deuxième album dugroupe australien With Confidence,le chanteur Jayden Seeley arbore lamême coupe de cheveux que Javier
Bardem dans l’excellent «No country
for old men» des frères Coen. Avec
un tel attribut de guedin, j’en déduis
que With Confidence qui se réclame
du courant punk rock va nous proposer une galette bien débridée, marquée au fer rouge, épicée au mélange
wasabi y Carolina Reaper. Ah ben non,la coupe Mireille Mathieu tribute, c’est
juste que le coiffeur devait préférer G
G Allin ou même Nofx quand on lui parlait de punk rock et il a pas vraimentapprécié Love and loathing. Beaucoup
plus pop que punk, ce deuxième LP
de With Confidence est encore plus
gentil que les Sum 41, Tonight Alive
ou Good Charlotte réunis. Un album
à offrir pour l’anniversaire de tonpetit cousin de 5 ans pour pas qu’il
ne tombe dans la soupe mainstream
et que ses oreilles commencent àêtre habituées au fabuleux monde durock. Mais vu la douceur du chant etla légère saturation de la guitare, çapeut même l’aider à faire sa sieste.

Belge. C’est le meilleur adjectif pourqualifier la pop rock des Black Box
Revelation qui en sont déjà à leur cinquième opus et continuent de réjouir
les anglo-saxons et les flamands davantage que les francophones (tantpis pour toi). Accrocheur bien qu’aventurier des sons, le duo ne donne jamais dans la facilité même si le plaisird’écoute est immédiat. Derrière desmélodies évidentes, le travail passe
par des arrangements d’une grandefinesse et l’apport d’instrumentsjoués par des amis (violons, viole, violoncelle) et s’ils montrent qu’on peutdéjà beaucoup ouvrir sa musique enn’étant que deux (entre rock saturépour l’éponyme «Tattooed smiles» et
pop lascive pour «Yellow belly»), Jan
et Dries ont convaincu Seasick Steevede réchauffer l’atmosphère de «Built
to last» et Elvis Roméo de charmer lesamateurs de la langue française prouvant du même coup que leurs instruments pouvaient sublimer un phrasé
assez quelconque. C’est donc derrière
cette immonde pochette (en course
pour la pire de l’année et peut-êtremême du siècle) qu’il faut aller chercher des titres parmi les plus riches etsympathiques de l’année (après ceuxde The Married Monk qui restent mes
chouchous).

Eric

Oli
Oli

72

EN BREF

MELATONINE
Stances(We Are Unique ! Records)

MISTY BLISS

ARABELLA

Misty Bliss(Black Market Music)

Arabella(Autoproduction)

Douze années que l’histoire de Melatonine s’écrivait au conditionnel, legroupe n’était pas vraiment au point
mort (ciné-concert, compil anniversaire...) mais pas des plus audibles
non plus, à moins d’habiter juste à
côté de leur local de répèt’... Stances
remet les compteurs à zéro et pointe
de nouveau la lumière sur ce projetde rock instrumental aux influences
multiples et pour la plupart éloignées du simple «post rock». Prochedes math («Deux mille cinq»), dela noise («John Walsh», «[g]») ou
du rock tout simplement («T.M.»,«Stances»), les Lorrains ne jouent
que rarement sur l’étirement desséquences et la reprise d’un mêmegimmick sous d’autres formes mêmesi lorsqu’ils le font (quand mêmeun peu), c’est assez réussi (aussi)
comme sur «Post scriptum». Avec
ce retour discographique, Melatonine
s’est fait plaisir, piochant dans tout ce
que le trio aime et allant chercher Bob
Weston pour le mastering, autant pourson CV de musicien (bassiste de Shellac) et donc sa sensibilité que pourcelui de son studio (qui a travaillé avec
Andrew Bird, Deerhunter, Fugazi...).
Un plaisir partagé par celui qui leurprêtera une oreille et se laissera malmener par leurs riffs et leurs rythmes.

Mina est le cœur de Misty Bliss, pas
seulement parce qu’elle tient le micro(et la basse quand elle compose) maisaussi parce que c’est elle qui est à l’origine du groupe et qui a convaincu Dr
Gab d’y apporter sa guitare avant detrouver deux autres comparses genevois pour enregistrer ce premier EP.
Si c’est la voix de la miss qui marqueprincipalement l’auditeur, une voix
enlevée, poignante, claire et forte, il
faut aussi noter le soin apporté aux
sonorités de la guitare qui varie leseffets et n’hésite pas à accélérer letempo («Take on the world») ainsi
qu’une rythmique mise en avant au
travers de la 4 cordes («Deep desire»). Musicalement, l’ensemble est
simplement «rock», on peut trouver
quelques idées venues du blues etd’autres issues d’un hard rock oldschool datée des seventies et ces
deux influences cohabitent sans mal,liées par le chant repérable de Mina.
Sympathique mais pas révolutionnaire, Misty Bliss aurait pu ne pas retenir notre attention mais un petit trucnous dit que le futur proche pourrait
faire du groupe une très bonne surprise, ils ont en effet programmé une
session studio pour un album sous lahoulette de Steve Albini, le genre detruc qui peut changer une carrière...

Entre le morceau des Arctic Monkeys,
le vôtre et les nombreux artistes qui
s’appellent déjà Arabella, ça fait trop,
les gars, changez de nom ! Le groupen’a pas encore 3 ans et ceci n’est qu’unpremier EP, vous avez le temps avant
les emmerdes. Parce qu’avec une
musique aussi universelle, touchante
et efficace, elles risquent d’arriver...
à moins de vouloir se cantonner aux
bars du quartier et de ne pas être trèspartageur. A l’heure d’internet, c’est
peine perdue et il semble assuré que
nos voisins anglais vont fondre pourles tubes que sont «You know» et«Arabella» (quel refrain !) même si lesquatre autres titres ne sont pas mals
non plus, d’ailleurs c’est «Summertime
again» que le combo a choisi de cliper,
petits chœurs, distorsion soignée,solo à l’arrière-plan, breaks pour mieux
relancer la machine, Arabella maîtrisel’art de la chanson pop-rock. Ce qui
leur donne un supplément d’âme c’est
le ton de Rémi (chanteur et guitaristeégalement au Quai D’Orsay), entre détachement et proximité, il est super à
l’aise et provoque un attachement immédiat. Allez, pour vraiment prendre
son envol, il va falloir sortir de l’ombred’Arctic Monkeys, on y croit, let’s go !

Oli

Oli

Oli

73

EN BREFOUI OUI OUIYOUTH KILLED IT

THE LOST MERIDIAN

Ok ok !
(Autoproduction)

What’s so great, Britain ?
(Rude records)

Incomplete puzzle(Autoproduction)

Enfin ! Enfin on va pouvoir penser à
autre chose que les savoureux dialogues d’un film porno, les délicieuses
paroles du tube de Francky Vincent«Tu veux mon zizi» ou les excitations
d’un commentateur de foot quandon entendra «Oui Oui Oui». Car c’estdésormais dans mon esprit associé à
un trio électro indie pop venu de Lyon
qui sort avec Ok ok ! un premier album
coloré. Ça fait quelques années qu’ils
tournent dans leur région grâce à deux
EPs mais ils n’étaient jamais remontés
jusqu’à mes oreilles, c’est chose faite.
S’ils aiment doubler ou tripler les noms,jouer avec les images (va voir leursclips), les gimmicks et les plans sesuccèdent sur des bases simples qui
font le grand écart entre plans blues etrythmes électroniques, mais ils réussissent très bien à marier les sons(venus de samples étranges ou d’unvioloncelle plus charnel) comme lesvoix (celles de Manon et des garçonset en particulier celle très délicated’Arthur), amalgamant des ambiances
assez diverses (l’enchaînement«Sweety» / «Lost») pour créer un univers qui leur est propre et clairementpas dénué d’intérêt. Alors, qu’est-cequ’on dit ? «Oui» ! Trois fois «oui» !!!

Quand Cousin Avi définissait Londres
par : «fish, chips, tasse de thé, bouffe
dégueu, temps de merde, Mary Poppins de mes deux» dans l’excellent
Snatch de Guy Ritchie, on se disaitque ça devait pas être facile d’avoir lapatate quand on habitait dans la capitale britannique. Et à voir les visages
un brin désabusés des autochtones
sur la pochette de What’s so great,
Britain ?, on se dit que Youth Killed
It va nous mettre une ambiance bien
plombante, à concourir pour le Darwin
Awards, histoire de mettre un pointd’orgue à notre propre dépression.
Musicalement, c’est tout le contraire! Ce quintet londonien propose 12
tracks d’indie rock rythmée et positive, dans la lignée des Arctic Monkeys
ou Blur (quand ces derniers veulent lajouer plus pop rock). Textuellement,en revanche, on est bien dans la description des difficultés sociales, declasse, générationnelles, du peuple
anglais. Mais globalement, à l’instar dutrès ironique «Great british summer»,c’est un album dynamique et punchy,
aux sonorités un peu 90’s (funk, punk,dub, ska), sans agressivité mais avec
beaucoup d’envie et de plaisir. Ça me donne même enviedeprendrel’Eurostar.

Bristol et Bordeaux, toutes deux villes
d’estuaires ouvertes sur l’Atlantiquene partagent pas qu’une situation
géographique, un art de vivre et uncentre ville partagé entre le passé etl’avenir, elles sont désormais reliées
par le trip hop, Portishead et Massive
Attack côté severnien pour l’invention du genre, The Lost Meridian côtégirondin pour l’influence majeure. Tu
peux ajouter d’autres combos citéspar les Français (The XX, Morcheeba)et même Tricky histoire d’avoir un tourd’horizon un peu plus large mais tu
ne trouveras pas pour autant tout ce
qui a fait ce Incomplete puzzle porté
par la voix limpide de Laety qui n’est
pas sans rappeler la pureté venue dufroid (Bjork à ses débuts ?). Autourd’elle, les quatre musiciens créentdes ambiances délicates et éthérées, isolant les notes et les repères
rythmiques pour ne pas obstruer lechamp d’audition. Avec des harmonies
vocales enlevées, on se retrouve donc
davantage dans un registre «poplounge» loin des tensions latentes
que pouvaient créer certains chefs defile du trip hop. Et comme on n’a pasde phrasé rap, il faut forcément aller
voir ailleurs que dans ce simple raccourci pour résumer The Lost Meridian
et les situer quelque part sur la carte.
Oli

Oli
Eric

74

EN BREF

ADG
Schizophrenic conversations(NB Records)
Musicien montpelliérain qui a souvent
travaillé dans l’ombre, Adrien DoranGirard se livre totalement aujourd’hui
avec Schizophrenic conversations. 14
dialogues avec lui-même, treize pistes
en anglais (et «Paris brûle») où il met
en scène ses inspirations. Qu’elles
soient pop, blues, folk, électro, hip-hop
ou rock, elles trouvent toutes leursplaces grâce à des mélodies simples
et des orchestrations soignées. Oùqu’on aille, on se raccroche à sa voix,
pénétrante, douce, puissante, elle est
un atout de taille pour faire tomber lesbarrières qui nous séparent de sonunivers. Et si le nom te dit quelquechose, c’est que tu n’as pas forcément
été convaincu par «Rockstar» ou letitre éponyme, ritournelles hybridesélectro-pop un peu trop faciles d’accès
qui se sont frayées un chemin jusqueles grandes ondes. L’album vaut mieuxque ces singles, creuse un peu du côtéde «Me & the Devil», «The man with noname» (et son ambiance Woven Hand)ou «50 shades of leather» pour flairer
l’esprit rock, tâte du relief de «Familytree» pour écouter autre chose qu’une
guitare ou alors plonge la tête la première dans les bidouillages d’»Underpressure» même si ces derniers sontmoins révélateurs du potentiel d’ADG.

FABULOUS SHEEPQUENTIN SIRJACQ

Fabulous Sheep(Differ-ant / Bitter noise)

Companion(Schole Records)

Ce fabuleux mouton est un tout jeuneovin qui vient d’un terroir du sud de laFrance, plus connu pour le rugby ou
son maire, à savoir Béziers (mais justement, grâce à Fabulous Sheep, on va
enfin en parler en bien). Ce fabuleux
mouton est plutôt nomade, puisqu’il adéjà parcouru la France et l’Allemagne
avec notamment un passage aux festivals des TransMusicales ou de ThisIs Not A Love Song. L’éleveur fait dansl’indie rock, et ce fabuleux mouton adû être gardé par plusieurs bergers qui
pourraient s’appeler The Pixies, The
Libertines ou Sonic Youth. De biens
belles références pour ce mouton à
5 pattes (Piero à la guitare et chant,
Timothée à la guitare, Gabriel au saxophone et clavier, Charles à la basse et
Jack à la batterie), qui sait alternerplaisir punk, sucrettes pop et rockénergique ou nonchalant. Ça en fait
une palette de style, mais comme ce
Fabulous Sheep est bien gras, il nous
gratifie généreusement de 14 vrais
titres qui permettent de couvrir toutela gamme. Pour un premier album,
Fabulous Sheep démontre sa maîtrise dans un rock qui sait filer la rage,
titiller la mélodie, et travailler la belledissonance. Un mouton d’exception.

Revoilà Quentin Sirjacq en solo, après
un travail remarquable avec Dakota
Suite (Wintersong) où on regrettait lepeu de moments uniquement portéspar les instruments, pour son quatrième album, nos vœux sont exaucés
puisque c’est surtout accompagné deson piano qu’il nous livre ses états
d’âme. Un clavier délicat qui correspond davantage à un format «pop»
que classique, jazz, lounge ou je nesais quel courant plus habitué aux
exercices de style avec des touches
noires et blanches. Et pourquoi pas«post-pop» étant donné qu’on est
souvent emmené à la découverte depaysages assez mélancoliques oùviennent se greffer des ajouts plus
ou moins discrets mais tous indispensables (batterie, marimba, vibraphone, glockenspiel, conga, sifflotis,
synthés... joués par des compagnonsde passage). Les humeurs se promènent donc, alternant entre vibrante
zénitude («Carol», «Harmonium»),énergie électronique («Variations»ou «Organum» qui peuvent rappeler
le travail du Chapelier Fou) et chaleur percussive («Choral»), elles
colorent l’opus, lui donnent du relief
et proposent quelque chose de très
différent du Refuge d’Ô Lake (chroniqué par ailleurs) alors que les deuxmusiciens partent d’une même base.

Eric
Oli

Oli

75

LIVE

BEAUCOUP DE BRUITDANS L’HEXAGONE :RETOURS DE SCENES
76

Mais il ne fallait pas trop traîner chez soi avant de rejoindre le théâtre des festivités, puisque l’ouverturedes portes était initialement prévue à 19h. Un horairedéjà bien prématuré, plutôt pour les poules que pourles renards, mais bon, en ce début de week-end, ça
ne tombait pas si mal de commencer celui-ci si tôt.
Mais arrivé à 19h20 dans la salle, c’est avec la fin duconcert de Madam que je suis accueilli. C’est quoi ce
travail ? Une première partie prévue nulle part, sauf
sur la page événement sur Facebook, et un début deconcert vers 18h30 pour ce jeune groupe rock deTarbes. J’aurais d’ailleurs bien aimé les voir un peu
plus que 5 minutes puisque j’avais souvenir avoir lu
dans un très bon e-zine l’interview d’un groupe qui
avait été scotché par leur prestation. Si tu veux savoir
de quel groupe il s’agit, recherche toi-même dansle MAG n°33 du Fenec à la page 41, pour savoir quec’étaient les No One Is Innocent. On comprend alors
mieux pourquoi on les retrouve quand la tournée «Dubruit dans l’hexagone» passe dans le sud, puisqu’elles
feront également la date à Marseille, le lendemain.

T A G A D A
J O N E S

Annoncé et attendu, Tagada Jones vient apporter sa
contribution de bruit dans l’hexagone, et de fort belle
manière. Avec autant de concerts au compteur, la mécanique est bien rodée et Niko, Stef, Job et Waner, enbons chefs de meute (d’émeute ?), savent en un claquement de doigt, réchauffer l’atmosphère et captiver
la foule. Honneur est fait au dernier LP La Peste et leLIVEÇA ALLAIT ASSURÉMENT CHAUFFER SOUS LE MOTEUR DE LA CADILLAC DU ROCKSTOREE N C E V E N D R E D I 23 N O V E M B R E A V E C 2 G R O S S E S F O R M A T I O N S A D E P T E S D E L A M O N T É E
DE TEMPÉRATURE EN MILIEU CLOS, À SAVOIR TAGADA JONES ET NO ONE IS INNOCENT,DEUX POINTURES EN MATIÈRE DE RETOURNEMENT DE SALLE ET DE CERVELET.
choléra, avec pas mal de titres qui nous sont offerts(«Envers et contre tous», «Je suis démocratie», «Pas
de futur», « La Peste et le choléra»,...) et quelques
tracks des précédents albums («Zéro de conduite»,«Cargo», «Vendetta»), sans aller trop loin dans leurdiscographie. En ces temps de contestation sociale où
la mode automne-hiver de cette fin d’année 2018 est au
gilet jaune, les Bretons nous offrent une parfaite bande
originale. Pas de grands discours, entre les morceaux,mais toujours quelques mots à destination du public.
De toute façon, pour savoir quels messages les Tagada
Jones souhaitent passer, il suffit d’écouter les paroles.
A ce titre, mention spéciale pour «Vendredi 13», enhommage aux victimes du Bataclan. Une chanson d’autant plus intense, quand elle est jouée en live, et quel’on imagine avec effroi dans quelles circonstances aeu lieu cette tuerie infâme. En plein concert, en pleine
fusion des individualités vers des instants de partage
et de plaisir, spectateurs comme musiciens, tout cela
broyé par la barbarie. «Debout, nous ne céderons pas»
hurle Niko, non nous ne céderons pas. Et pour terminerce set impeccable, les No One Is Innocent rejoignent
Tagada Jones pour partager ce qui est devenu l’hymne
des Rennais, le très chantant «Mort aux cons». Devant
une salle toujours plus chaude, bien garnie et qui fait
plaisir à voir, les slams s’enchaînent gentiment (trèsgentiment même pour une des musiciennes de Madamqui entame son stage diving en «s’asseyant» délicatement sur la foule). En attendant le changement dedécor, c’est dégustation de diverses boissons rafraîchissantes à base de malte et de houblon, l’obligationde réhydratation en périodes caniculaires étant recommandé par le ministère de la santé.

77

LIVE

NO ONE IS
INNOCENT

Et ça fait plaisir de retrouver les No One Is Innocent,groupe tout aussi emblématique que les Tagada Jones.
Près de 25 ans de carrière mais le feu est toujours là.
Et le dernier LP Frankenstein étant encore tout chaud,il va tourner pas mal ce soir. Kemar reste toujours unmaître de cérémonie efficace et charismatique. Il fait
ce qu’il veut du public : tenter un mini wall of death sur
une surface de 200 m², faire monter les filles sur lascène tout en refoulant gentiment un gazier qui voulaitêtre de la fête. Mais les autres membres de No One Is
Innocent font aussi le show : Poppy avec son éternelbonnet en mode hyperactif et Shanka qui tripote sa
guitare dans tous les sens, prennent bien possession
de la scène. Thunder B a la basse est un peu en retrait,que ce soit dans le jeu et au niveau de la scène. Gael àla batterie, est lui aussi plus statique, mais bon, c’est
normal quand on est batteur, pas facile de sillonner lascène avec les fûts sous les bras. Mais qu’importe, çagigote dans les coins et ça envoie du feu sacré, celui
qui chauffe les cœurs, la couenne et la voix. Shanka,d’ailleurs, nous offre un petit solo sympathique avec
sa guitare mutante équipée d’un espèce de talkbox. Digression individuelle sur scène, et de nous rappeler le78

fondement du rock : «blues is the teacher, punk is theprayer». Autre moment notable, le stage diving totalement impromptu de Kemar en plein set et qui atterrit(en partie) sur la tête de mon voisin. Une fois le chanteur remis sur les planches, celui-ci se frotte la nuqueendolorie, la tête à moitié rentrée dans les épaules
et me sort, amusé, un «il aurait pu prévenir ce con».
Méfie-toi donc, cher lecteur du saut du Kemar si tu enviens à les croiser à l’avenir. Côté playlist, c’est tout
comme les Tagada Jones, quand on a une discographie
longue comme un manche de basse, on peut piocher
les meilleurs titres des précédents LP («Nomenklatura», «Charlie», «La peau»,...) et se concentrer sur
Frankenstein. Et preuve que No One Is Innocent est prêtpour le Bal des enragés, ils nous gratifient de quelques
covers bien senties, de Rage Against The Machine à
Nirvana. Enfin, le single «What the fuck» est évidemment l’occasion de finir la soirée en beauté avec les Tagada Jones qui les rejoignent pour refoutre le oaï dansle Rockstore suintant de sueur, de rock et de métal.
En bref, à part une soirée qui débute à 18h30, mais c’est
loin d’être de la responsabilité des groupes (et je suissûr que Madam aurait préféré jouer devant une salle
comble que parsemée), il n’y a eu que du bon, du bonheurde bruit dans l’hexagone porté par des bêtes de scènes.
Eric

UNSWABBED

Ouvrir pour Ultra Vomit c’est l’assurance d’avoir unpublic prêt à répondre aux sollicitations, connaisseur
et surtout nombreux car partout où les Nantais posent
leurs amplis, on se presse pour passer du bon temps
avec eux. Les régionaux de leur étape ont donc profitéd’un Centre Culturel Gérard Philippe plein à craquer
pour dire au revoir à 2018 (c’est leur dernier concert
de l’année) avec un beau pogo, un gros wall of death,une heure de gros son et douze titres qui mixent nouvel
album et vieux tubes. Un équilibre atteint mathématiquement (six titres pour les deux camps) pour un ensemble homogène même si le vieux fan que je suis aurait aimé entendre d’autres morceaux «cultes» comme«Encore sourire», «Si souvent», «Jusqu’à l’aube» ou«Addict» et pourquoi pas «Sans lendemain» ou «Al’envers» du dernier opus, bref, il aurait fallu que legroupe joue 30 minutes de plus... Il leur aurait aussi
fallu garder de l’énergie parce qu’ils ont balancé tout ceLIVE

E N M O I N S D E 24 H E U R E S ( L E S 7 E T 8 D É C E M B R E ), E N T R E C A L A I S E T L I É V I N , J ’ A I
P U A S S I S T E R À D E U X S O I R É E S M É T A L Q U I A F F I C H E N T « C O M P L E T ». Ç A F A I T D U B I E N ,D’AUTANT QUE CES SALLES SONT GRANDES ET QUE POUR L’UNE DES DEUX (L’ARC-ENCIEL), LES BÉNÉFICES SONT DES JOUETS POUR LES ENFANTS. LES TROIS PRESTATIONSSONT L’ŒUVRE DE TROIS GROUPES QUE J’AI DÉJÀ VUS EN LIVE, DONT JE CONNAIS LESALBUMS PAR CŒUR ET QUI NE DÉÇOIVENT QU’ULTRA RAREMENT SUR SCÈNE. RETOUR
EN MOTS ET EN PHOTOS SUR CETTE DISTRIBUTION D’ONDES POSITIVES.
qu’ils avaient en ce vendredi soir, arpentant la scène
de long en large, se frottant au bouillant public, Séb’ etles siens n’ont pas laissé beaucoup de temps morts etconvaincu les quelques sceptiques qui pensaient qu’ils
auraient du mal à s’éclater avant leurs chouchous Ultra
Vomit.
Setlist :D’amour et d’ivresse
La chute
L’équilibre
Sans faire de bruit
Paranoïaque
L’étincelleDans le chaos
Les nerfs à vif
De l’ombre à la lumière
Ma place
Sur la brèche
Si

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LIVE

U L T R A
V O M I T

Les Ultra putains de Vomit sont des tarés. Leur show
est millimétré du début à la fin, et même avant le débutet carrément après la fin. Rien n’est laissé au hasard
dans ce qui semble n’être qu’un joyeux bordel. Tout
est prévu, certaines vannes ont été moisies en fûtsde chêne pendant 18 ans pour être aussi contre-performantes et donc excellentes. Attention, y’a du spoiler si tu n’as jamais assisté à une de leurs messes !
Avant le début, y’a le line-check, la vérification que les
instruments sont bien branchés et accordés, basse
besogne laissée aux roadies, ceux d’Ultra Vomit ont
de la chance, ils ont un sweat floqué qui claque et deslunettes de soleil, des vraies stars qui font bien leurboulot même s’ils cherchent un peu à s’accaparer lagloire du groupe en jouant quelques morceaux bidons(«J’ai du bon tabac» quoi), ça doit être leurs potes carje ne comprends pas qu’on puisse laisser des mecs autant piquer la lumière au groupe qui en mérite tant. Le
temps d’accorder (pour de faux) la gratte et la basse, legroupe monte enfin sur scène pour y enchaîner méga-

80

tubes, blagues et conneries en tout genre poussantle souci du détail et de la carritude à éviter les pains(malgré une excellente «Boulangerie pâtisserie») età multiplier les ambiances métalliques. Les gars sontvraiment doués car passer d’un style à l’autre avec unetelle aisance, c’est pas évident. Et puis il y a tous ces
petits trucs qui font que c’est encore mieux que suralbum (le micro plus haut pour «Quand j’étais petit» etle clin d’œil à Lemmy, les images projetées comme lebatsignal sur «Batman vs Predator», la prononciationde «dollar» à la mode de Québec...). A Calais, il paraît
que c’était la centième date, Fetus s’est senti pousser
des ailes et a carrément demandé l’impensable à Flockos, ouais, à brûle-pourpoint il a réclamé, histoire defêter ça dignement et un peu en mode «t’es pas cap»parce que bon, voilà quoi, c’était la putain de centièmedate, bref, le leader charismatique aux longs cheveux
qui ne joue pas de batterie a défié son guitariste à crête
et, l’impensable se produisit, le défi fut relevé, haut lamain. Le public a lui aussi répondu présent quand il afallu chanter «Une souris verte», faire «La ch’nille»,
organiser un wall of death scatologique sans écraser
le mec sceptique au cœur de la fosse et a même eu
le droit à «Je collectionne des canards (vivants)», untitre d’un vieil album qu’un gars a réclamé parce qu’ilpensait que les Nantais ne rejoueraient pas ce vieux
morceau. Et quand on croyait que c’était terminé, bahc’était pas tout à fait fini avec une ultime pitrerie quiétait bien rigolote. Ahah, je m’en marre encore.

LIVE

Ultra Vomit Setlist :Darry Cowl Chamber
Les bonnes manières
Un chien géantE-tron (digital caca)
Mechanical chiwawa
Je ne t’es jamait autans aimer
Mountains of maths
Calojira
Takoyaki
Boulangerie pâtisserie
Super sexe

Hyper sexe
Batman vs Predator
Une souris verte
Phoned to death
La ch’nille
La bouillie IV
Keken
Anthracte
Je possède un cousin
Like to vomit
Pipi vs caca
Outro
Je collectionne des canards (vivants)
Kammthaar
Quand j’étais petit
Evier metal

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LIVE

LIVE

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LIVE

M A S SHYSTERIA
Il se passe toujours quelque chose à un concert deMass Hysteria. Ici, outre l’énorme prestation qui aamalgamé vieux titres et nouvelles bombes, je retiendrais qu’un certain Alexis a remplacé Yann sur untitre... Dès le début du concert (parti sur des bases
plus que massives avec «Reprendre mes esprits» et«Vae soli»), Mouss repère un grand carton et surtout
le message qu’il véhicule, un mec a appris «Plus que
du metal» et voudrait le jouer avec eux. Fred et Yannsont chauds, c’est donc ok, mais ce sera pour plus tard,
le suppléant d’un soir aura le temps de voir monter lapression... Pression qu’on trouve au bar mais la bière
se boit aussi en bouteilles et alors que le vigile voulait
faire son job en ôtant une canette à un spectateur,
Mouss intervient «t’inquiète, c’est un public gentil, il
les ramène sur scène quand elles sont vides, y’en aura
une ou deux seulement ce soir», bon, en vérité, il y en
aura plutôt 5-6 mais elles seront ramenées sur scène.
Bon esprit, bonne ambiance, le vigile n’aura plus rien àfaire ce soir, à part profiter du show... Parmi les vieux

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morceaux, on sent que l’actualité influe sur la setlist,«World on fire» permet déjà de placer un petit mot sur
les gilets jaunes pacifistes et sur les révoltés, les sansdents, les citoyens qui se bougent sans attendre lespolitiques ou les syndicats, les «Chiens de la casse»qui sont eux aussi de la partie ce soir. «Se brûler sûrement» et son break final était attendu, c’est désormais
vérifié, on décolle grâce aux vibrations exceptionnellesde ce titre. «Chaman acide» enquillé derrière se défend
bien aussi avant de provoquer, provoquer, la «Contraddiction», un peu plus un de mes titres préférés depuis
ce samedi soir. Pour «P4», seul Mouss descend dans lafosse, le circle pit est gros, ça va vite, «Tout est poison»
ralentit un peu le tempo mais c’est «L’Enfer des Dieux»
qui permet un peu de repos et de recueillement. Grosse
baffe avec «Nerf de bœuf», gros bisou avec «Derrière
la foudre» et on se rend compte que le temps passevite alors que les Mass quittent la scène. Pas de «Wecame to hold up your mind» en ouverture, pas plus entransition pour le rappel, on ne l’aura pas ce soir maisje me console avec un de mes nouveaux titres préférésà savoir «Arômes complexes», grandiose sur scène. Et
c’est l’heure de gloire ou de malaise pour Alexis, Yann luilaisse sa guitare (il prend du coup des baguettes pourfiler un coup de main à Raph) et le sample de «Plus queSetlist :Reprendre mes esprits
Vae soli
Une somme de détails
Positif à bloc
World on Fire

Failles
Se brûler sûrement
Chaman acide
Contraddiction
P4
Tout est poison
L’Enfer des Dieux
Chiens de la casse
Nerf de boeuf
Derrière la foudre
Arômes complexes
Plus que du metal
Donnez-vous la peine
Respect to the dance floor
Furia

LIVE

du metal» lance le morceau, le Cambrésien assure etprofite de l’instant au maximum. On risque de le revoir
le 13 avril au BetizFest... Pour la suite, rien de nouveau,
les garçons et les filles peuvent danser et finir en fusion avec le combo qui aura quasiment joué 2 heures,
distillant un max d’énergie et de sourires autour d’eux,
offrant également plus de 1000 cadeaux à des enfantsqui en ont besoin. Bravo aussi donc à l’organisation qui
chaque année apporte du bonheur pour un soir à ceux
qui sont au concert et pour de longues heures à ceuxqui joueront avec les jouets offerts à la place d’un ticket
d’entrée.

Merci à Elodie et Manon, merci à Verycords.

Oli

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LIVE

LIVE

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TANG
LIVE

Oli (Carré Sam, Boulogne/Mer)

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LIVE

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LOFOFORALIVE

Dernier concert de la tournée acoustique à Echo System (Scey-Sur-Saône - 70)
Ted

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LIVE

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LIVE

LIVE

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BIRDS IN ROWLIVE

Pooly (The Macbeth, Shoreditch, Londres)

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LIVE

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KEN MODELIVE

Pooly (The Macbeth, Shoreditch, Londres)

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LIVE

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COILGUNSLIVE

Pooly (The Macbeth, Shoreditch, Londres)

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LIVE

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IL Y A 10 ANS

FIRECRACKERS

Firecrackers (Un Dimanche)

présent puisqu’ils ont invité les Decibelles à
faire les choeurs sur «The dance is over», letrio féminin donne par ses voix une ambiancetrès ricaine qui ne déplairait pas au derniercombo en date de Jon Spencer (Heavy Trash).
Est également de la partie Robert Dahlqvist
guitariste et chanteur des Hellacopters (et deThunder Express), il lâche son solo sur «Giveaway» et se fond dans le collectif isérois très
facilement. Entre passé et modernité, ce sont
The Chameleon’s Day qui assurent la liaison
puisque leur «Out of gazoline» extrait de Tiredof the old world paru en 1988 est repris par lequatuor.

Rock’n’Roll baby ! Les Firecrackers sont denouveau dans les bacs avec un Long Play !
S’ils ont toujours le sens du groove, des riff etdes mélodies qui accrochent, ils ont en plus
réalisé un gros travail sur les sonorités de leurs
instruments, quittant les rivages scandinaves
modernes pour voguer davantage vers lessources du rock qui défrise : les sixties et lesseventies. Ca sonne donc désormais plus àl’ancienne que «garage» et on peut imaginerque s’il avait 40 ans de moins le groupe pourrait partir en tournée avec des potes en «The»(Who, Animals, Kinks, Yardbirds, Shadows...),
ou qui portent un nom en deux mots (Status
Quo, Canned Heat, Led Zeppelin, Deep Purple,
Black Sabbath...) et je passe forcément sur pas
mal de références de l’époque bénie des tubes
rock qui demeurent indémodables.
Parmi les titres de la rondelle, on pourra trouver quelques clins d’oeil plus ou moins évidentà d’autres stars de l’époque, qui entendra ici
un son à la Jimi Hendrix, qui se remémorera là
un plan de Creedence Clearwater Revival, quireconnaîtra le «Darling be home soon» desLovin’Sponful à la fin du 33 tours (cette reprisebonus n’est dispo que sur la version vinyle). Si
les allusions au passé sont nombreuses, lesGrenoblois sont également bien dans le temps
102

Voilà pour le ton d’ensemble, pour ce qui est
de mon avis personnel, c’est simple «Wasteman», «Still alive», «I must protect my soul»,«Go right on and shoot me» et «I start a fire»sont des bombes et j’aime beaucoup l’orgue
Hammond du morceau caché intitulé «Flashback». Ceux qui pensent que le Rock est mort
ferait bien de se caler le disque dans les oreilles
et de se raviser...
Oli

W(ho’s next)-FENECNOSTROMOKLONEMEMBRANEDIRTY SHIRTRESCUE RANGERS
BEARTOOTH
AM SAMSTAG
OFF MODELSPROJET KO
DEVOTCHKA
BIRDSTONEGRAND MONOIDKHOW
THIS IS DADDY LONG LEGS...
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INTERVIEWDANS L’OMBRE : AURELIOAURELIO A LONGTEMPS ÉTÉ UN MEMBRE DU W-FENEC MAIS ÇA NE NOURRIT PAS SON
HOMME ALORS IL A MONTÉ SA PETITE ENTREPRISE : DOMINO MEDIA GROUP QUI AIDELES GROUPES À SE FAIRE CONNAÎTRE ET À FAIRE LES BONS CHOIX, UN ACTEUR DE
L ’ O M B R E T R È S P R É C I E U X P O U R C E U X Q U I C H E R C H E N T L A L U M I È R E ...

Quelle est ta formation ?
Je viens du marketing digital et j’ai dans le mêmetemps fait un peu de droit puis de sciences politiques.
Quel est ton métier ?
«Startuper» dans les industries culturelles etaudiovisuelles.
Quelles sont tes activités dans le monde de lamusique ?
Je pilote une structure de développement musical (Domino Media Group) qui fait pas mal dechoses, lesquelles vont de la communication/
promotion à une forme de management, enforme consulting. C’est un truc que j’ai voulu
au fil des années pas mal hybride, parce que
je pense qu’on ne peut plus travailler en 2019
comme on le faisait en 2005 ... ou même 2011...
et qu’il faut donc «inventer» de nouvelles
choses, des approches un peu novatrices etc.
Parce que l’attaché de presse classique ou laboîte de promo tradi’, ça me semble un peu finidans le rock. Sinon j’ai aussi un jouet éditorial
digital : Score A/V. Qui me permet de m’extraire
du cirque musical habituel pour m’amuser à

104parler des trucs qui me plaisent sans aucune
contrainte ni limite, ni guerre d’ego, ni label
brise-chose.
Ca rapporte ?
Difficile de faire fortune mais si on fait bien leschoses, de manière pertinente et adaptée aumarché actuel, oui, raisonnablement.
Comment es-tu entré dans le monde du rock ?
Je devais être pré-ado. Parcours assez classique de ce point de vue là : Oasis puis Radiohead entre 10 et 13 ans. Pour des raisons personnelles, «Creep» est ma chanson de chevet
à vie. Puis ensuite, RATM/Sepultura/Machine
Head époque Burn my eyes à fond parce que les
Red Hot, Metallica et Nirvana me les brisaientsévère et que j’avais envie d’écouter un truc qui
avait un peu plus de burnes. Parallèlement, je
me suis calmé avec Porcupine Tree découvert à
mes vingt ans... sur le tard quoi... et c’est en explorant un peu les voies des musiques plus ou
moins prog’, post-truc et disons aventureusesque j’ai un jour tapé à la porte du W-Fenec. C’était
il y a quoi ? 16 ans non ? Un truc dans le genre.

INTERVIEW

Une anecdote sympa à nous raconter ?
Un jour alors que je plaçais des vannes dansdes articles de types chroniques et autres, onm’informe qu’un des mecs de Converge reposte
sur Instagram ce que je balançais. Je me suisalors dit qu’il fallait que je fasse attention quandmême à ne pas aller trop loin, parce que la magie des réseaux sociaux faisait qu’accidentellement des gens commençaient à vraiment liremes conneries.
Ton coup de cœur musical du moment ?
The Armed : leur nouvel album, sorti l’an dernier,fesse bien sa mère quand même.
Es-tu accro au web ?
Clairement oui. Du coup, parfois c’est vraimentsalvateur de couper un peu. Quelques heures....
A part le rock, tu as d’autres passions ?
La bouffe !
Tu t’imagines dans 15 ans ?
Pas trop. Je planifie à 3 ans mais 15... arf ça faitloin quand même.
Team W-Fenec
Photo : DR

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TEXTE