謝辞

本展開催にあたり、以下の皆様のご協力を得ました。厚くお礼申し上げますとともに、ここに記載することのできなかった関係者の方々へも併せて感謝申し上げます。(敬称略、順不同)
ムニール・ファトゥミ
ラリッサ・サンスール、ゾーレン・リンド
アクラム・アル=ハラビ
ランダ・マッダ
ミルナ・バーミア
キュンチョメ(ホンマエリ、ナブチ)
岡 真理
岡﨑 弘樹

後援
朝日新聞社
岐阜新聞・ぎふチャン
NHK岐阜放送局
岐阜県教育委員会

協力
中東現代文学研究会
科学研究費補助金基盤研究（B)「現代中東の「ワタン（祖国）」的心性をめぐる表象文化の発展的研究」
公益財団法人 岐阜県国際交流センター
グリーンリメイク株式会社
東建テクロード株式会社
ラ・タイヤーズ イマージン
助成
公益信託タカシマヤ文化基金
公益財団法人朝日新聞文化財団
Acknowledgments

We would like to express our gratitude to the following
artists, scholars, organizations, foundations and those who
made other contribution to this exhibition.
mounir fatmi
Larissa Sansour and Søren Lind
Akram Al Halabi
Randa Maddah
Mirna Bamieh
KYUN-CHOME (Eri Honma and Nabuchi)
Mari Oka
Hiroki Okazaki

Supported by:
The Asahi Shimbun Company
Gifu Shimbun / Gifu Broadcasting System, Inc.
NHK (Japan Broadcasting Corporation) Gifu Station
Gifu Prefectural Board of Education

With the cooperation of:Modern Middle Eastern Literature Studies Association
KAKENHI Scientific Research (B) "Expansive Research on
the Disposition of "Watan"(Homeland) in the Cultural
Representation in the Middle East"
Gifu International Center
GREEN REMAKE Co., Ltd.
TOKEN TECHROAD Co., Ltd.
L’A TIRE’S IMA-GIN Co., Ltd.
With the sponsorship of:
Takashimaya Cultural Foundation
The Asahi Shimbun Foundation

はじめに｜FOREWORD

目次｜Contents

古代ギリシャ語に由来する「ディアスポラ」という言葉は、種など「まき散らされたもの」を意味し、離れた地で芽吹きをもたらすことも含意していたが、大戦後、ユダヤ人の「民族離散」の歴史を表現するようになった。その大戦では、ナチスの迫害から逃れて、リトアニアを経由し、カウナス領事館で岐阜県出身の杉原千畝からビザを受けたおよそ６０００の命があったことも心にとどめておかねばならない。
現在に目を移せば、中東情勢は泥沼化する地域

22を彼らに引き寄せることができるのだろうか。さらに、そうしたアーティストの中には、故郷に戻れず、新たミルナ・バーミア｜Mirna Bamieh

12

スポラの問題は、国家の枠組みを超えて、故郷をすでに看過できない現状で、アートは、世界の視線

ラリッサ・サンスール｜Larissa Sansour

1016で、自らの存在を認めてもらうことすらかなわない。

ムニール・ファトゥミ｜mounir fatmi

08

追われ、離散し、それぞれの地に移り住みながら問い直すことへとつながる。彼らは、生まれた土地

ランダ・マッダ｜Randa Maddah

06

14

も、同じ地への帰属意識を持ち続けている。ディア

アクラム・アル=ハラビ｜Akram Al Halabi

04を生み出し、世界各地で巨大な天災がおこっている。戦争や災害によって避難民は、彼らは故郷を作家+作品｜Artists and Works

02

キュンチョメ｜KYUN-CHOME

オープニング・シンポジウム｜The Opening Symposium
概要｜Outline

発表｜Presentations

発表１ キュンチョメ｜KYUN-CHOME

18

発表２ アクラム・アル＝ハラビ｜Akram Al Halabi

20

発表３ ミルナ・バーミア｜Mirna Bamieh
発表４ 岡﨑弘樹｜Hiroki Okazaki

24

発表５ 岡真理｜Mari Oka

26

全体討議｜Discussion30

関連事業等｜Related programsな地で、自らの表現をつづけている人たちもいる。

彼らにとって作品は、自ら置かれた立場の表明であり、それはまた現代を映す鏡になっている。

Today a great many people around theworld ﬁnd themselves caught up in wars or

disasters. Some have no option but to stay

凡例

ワタン

1. この出版物は、「ディアスポラ・ナウ！～故郷をめぐる現代美術」
展（平成29年11月10日－平成30年1月８日、岐阜県美術館）出

品の作家作品解説とシンポジウム及びその他関連企画についての報告書である。

there and remain trapped there while others

2. 作家・作品解説ページの順番は展示室内の順とする。

their homeland impossible. These problems are

4. 作家・作品解説は西山恒彦が執筆した。

are driven away from their homes, a return toendemic around the globe and rock the entire
world. In today’s contemporary art, someartists seek means of expression in new lands,
gathering artistic subjects and standing

alongside refugees, and they showcase theirworks in an eﬀort to draw the world’s attention.

3. 作品図版のキャプションは、作家名、作品名、素材、寸法〔高さ×
横幅（×奥行き）〕、制作年の順に記す。

5. シンポジウムの節の文章は、各発表者が執筆した概要から編集さ
れている。

Notes

1. This publication is a report for artists and their works in the
exhibition “Diaspora Now! ‒ Contemporary Arts around theHomeland” (November 10, 2017 — January 8, 2018, at theMuseum of Fine Arts, Gifu), the symposium and otherrelated programs.

It is our pleasure to showcase these art works -2. The order of the Artists and Works' page is the order ofprefecture, the birthplace of Chiune Sugihara

order: artist, title, material, size [height×width(×depth)],responding to the state of aﬀairs today - in Gifu
who helped to save so many displaced persons
during the Second World War.

exhibition in the gallery.

3. Plate captions provide the following information in the thatyear of production.

4. Commentaries / expository texts are written by Tsunehiko
Nishiyama.

5. Texts in a section for the symposium are edited from thesummaries written by each speaker.

アクラム・アル=ハラビ｜Akram Al Halabi
1981年マジャル・シャムス（ゴラン高原）生まれのシリア人。現在
オーストリアのウィーンを拠点として活動。シリアで絵画の専門教育を受けた後、アフロ・アジアン・インスティチュートで海外派
遣奨学金をとり、2008年からウィーン美術アカデミーで学び2012
年に修了、その間、スウェーデンのウメオ大学ファインアート学院の交換留学を経験。2015年からウィーンにある映像アカデミーのデジタル・アート・コンポジションで学ぶ。2006年ゴラン高原にあるムダリス芸術文化センターで個展「パペット」、2016年フランスのメスにあるメゾン・ド・ラ・クルチュール・エ・デ・ロワジ ール（MCL）
で個展「HEY」を開催。その他、数多くの国際的なグループ
展、映像祭に出品。

彼の展開する作品シリーズは多岐にわたる。絵画においては、具象から抽象まで、そのテクニックとスタイルはひとつの枠に収まらない。ウィーン表現主義を思わせる具象画もあれば、ストロークによる筆跡の作品やカンヴァスにそれぞれ傷や穴や紐を通した抽象画もある。また、2009年から12年まで「スノーフレイクス・プロ
ジェクト」
を展開し、カーボン紙のついた送り状に、幾何学的な形態を持ちながら様々な姿をする雪の結晶を、プロジェクト参加者に描いてもらった。所在地とアイデンティティの問題をたくさんの参加者と共に制作した。2010年には自分の故郷ゴラン高原にあるマジャル・シャムスのサッカー場で200人ほどの協力によって、
アラビア語で「Love Comes First」を意味する人文字を作った。彼の作品はしばしば、自分の生まれ故郷を、その外からもたらされるアイデンティティをめぐって表している。

❶《チーク》映像（1分33秒）2015年「チーク（頬）」は、シリアから届いた、民衆とその物語のイメージのシリーズ。メディアで広められている大虐殺の、残酷な写真と映像。2011年から作家は、写真の上に文字を書いていくシリーズを始めた。当初作品は、そうした写真とその上に書かれた言葉によって構成されていたが、やがて見るに耐えないイメージの数々は取り去られ、言葉だけが残った。写っていたそれぞれのものを、それらの名前で呼ぶことで、それらがそこに存在していたことを
私たちの心に刻み付ける。そこにあったはずの、目、鼻、口、手、
指・・・文字通り、「ほお」
をなでるように、丁寧に、いつくしみながら、テキストによって存在としての根源へと遡行しつつ、心に留める作業をおこなっている。画面の上の縁にこう記されている。
「私たちは決してあなたたちシリアの子どもたちのことを忘れない
2012年1月30日」❷ 本展では、「チーク」のビジュアル・テキストのシリーズも10点展示した。右から左に、《母の髪》、《子どものアゴ》、《私には夢がある》、《焼け跡》、《子どものまゆ毛》、《パンと血》、《舞台》、《私は生きていたいAkrab Massacre》、《のどの奥からの叫び》、《ラジオ局》の順。インクジェット印刷、各29×29cm、額:各42×42cm 、
2013-2017年（全10点）
Syrian, born in 1981 in the Madjal-Shams area of the Golan
Heights. He is currently based in Vienna. After receiving a
specialist education in painting in Syria, he received anoverseas scholarship through the Afro-Asian Institute andfrom 2007 to 2012 studied at the Vienna Academy of Fine
Arts, during which time he also had experience as an
exchange student at the Academy of Fine Arts at UmeåUniversity in Sweden. From 2015 he has been studying
Digital Art Composing at the Film Academy Vienna. In 2006
he held the solo exhibition ‘Puppets’ at the Art Culture
Centre in the Golan Heights and in 2016 another solo
exhibition ‘HEY’ at the Maison de la Culture et des Loisirs(MCL) in Metz in France. Aside from that, he has been
involved in many international group exhibitions and has
exhibited at film festivals.

❶ Cheek [video 1’ 35”, 2015]“Cheek” is a series of images of people and their stories asreceived from Syria ‒ disturbing pictures and videos of theatrocites being depicted in the media. From 2011, the artist
has started to write up the things that he has seen amongst
the images. At first it was composed of those images andthe words written over them. Many of those unbearable
images have since been removed, leaving only the words.
By calling the things that had been depicted by their name,it reaffirms their existence in our minds. The eyes, noses,
mouths, hands, fingers that were supposed to be there... asif patting the ‘cheek’, it works to fix them in our hearts,
becoming an anchor for their existence while expressing
affection for them. Above the pictures, it is written: “We will
never forget you, Children of Syria 30/01/2012”.

❷ Visual text
In this exhibition, 10 items from visual text series of the“Cheek” were lined up. From the right to the left, these are“Mother Hair”, “Child Chin”, “I Have a Dream”, “Burns”,“Child Eyebrow”, “Bread and Blood”, “Stage”, “Akrab
Massacre ‒ I want to be alive”, “Larynx Voice” and “Radio
Station”. [(ink-jet print on cardboard, 29×29cm, frame:
42×42cm, 2013-2017 (10 pieces each)]

His exhibited works span a wide variety of themes. In his
painting, he has ranged from the representative to theabstract, with technique and style that refuses to be defined
simply. For some of his paintings that clearly bring to mind
Viennese expressionism, there is another which shows anabstract image through tears and holes in the canvas, or
wild brush strokes. From 2009 to 2012 he opened the‘Snowflakes Project’, having the project’s participants
depict the crystallisation of snowflakes (with their various
scientific shapes) upon invoices with carbon paper. A lot ofcollaborators participated in the art project on the theme of
the whereabouts and the identity. In 2010, in a soccer
stadium in his hometown of Madjal-Shams in the Golan
Heights, he formed 200 participants into the phrase ‘Love
comes first’ written in Arabic.
His works suggest frequently his homeland over the
problem of identity brought from the outside.

❶

❷

02

｜ アクラム・アル = ハラビ

03｜

Akram Al Halabiランダ・マッダ｜Randa Maddah
1983年ゴラン高原にあるマジャル・シャムス生まれのシリア人。
エルサレムでエッチングを学び、ダマスカス大学の彫刻科を卒業。
その後、生まれ故郷に戻って制作を続ける。滞在制作で世界各地を訪れ、また各国で開催される映像プログラムに出品し各種受賞歴があり、フランスのマルセイユで開催されているAﬂame映画祭でジャーナリスト特別賞を受賞。2015年にパリにあるユーロピア・
プロダクションのギャラリーで個展開催。彼女は２つのアーティス
トグループに関わっている。一つは展覧会とワークショップを組織するオープンスタジオのグループであり、パレスチナ地域の芸術に焦点を当てている。もう一つはファテ・アル＝ムダリス芸術文化センターで、子どもたちの美術教育と、社会的な芸術イベントを行い、ゴラン高原の芸術をシリアの芸術の一部として伝えている。
❶《ライト・ホライズン》映像（7分22秒）2012年
地中海性気候を思わせるさわやかな景色が眼下に広がる、大きくあるじ
窓のあいた家。壁には無数の銃弾の跡が、主を失って風化してゆ
く時間を刻んでいる。1967年の侵攻によって破壊された、ゴラン
高原のシリア占領地域にあるアイン村で、女性は、その朽ち果てた部屋を入念に掃除する。友人を招き入れるために掃除し部屋をしつらえるという当たり前の行為が、この世界では、まるで儀式のような非現実的な行為になる。日常的で家庭的な視点で制作される彼女の作品は、ユーモアと暖かみがある一方で、非日常化
しんらつされた現実世界への辛辣なメッセージにもなっている。
❷《グレイ》映像（7分7秒）2017年
近年のゴラン高原で撮影、編集した作品。砕けた鏡を何枚も吊るして、万華鏡のような輝きが画面いっぱいに広がる。その土地特有の空気と美しい風景をはらんで、光が乱反射している。しかしそれは、その場所に散らばっていたものであっても不思議ではない。割れた鏡というモチーフは、スナイパーが自分の背後を警戒するように全方位を捉えているイメージをも生み出す。武力による争いのあった二つの国の境界、どちらのものとも言えないグレ
イゾーンで、風に揺れながら、丘の上の監視塔や砲台のようなものも映し出す。鏡は輝きであると同時に監視の道具でもある。軽やかに揺らめき陽光を反射しながら、戦場の傷跡と支配の重圧を映し取っている。

❸《アンクレット》19×13×22cm、《眠気》36×17×17cm（図版
上段）／《馬の背》19×13×14cm、《家》40×11×8.5cm、《サティ
スファクション》60×17×11cm、ブロンズ 2016年（全5点）❹《無題》テラコッタ、各28×19cm、額：各53×43cm、2016年（全7点）
ランダ・マッダは、映像以外にもドローイング作品や、ブロンズやテラコッタの彫刻作品を多く制作している。そのテーマは、ゴラン高原であった身の回りの出来事、子どもたちの遊戯、秘密警察の拷問の様子、近年のシリアの状況と多様であるが、どれも素朴なつくりをしている。出品作品は2016年9月にパレスチナのヨルダ
ン川西岸地域のラマラのギャラリーで開催された個展「A Hair
Tie」にあわせて制作されたもの。故郷を想い、自らの手で土を使って形作っていくことで、そこに世界の縮図を見るとともに、彼
女の生立ちの記録による、自画像にもなっている。
Syrian, born in 1983 in Majdal Shams located in the Golan
Heights. She studied etching in Jerusalem and graduatedfrom the Sculpture Department of Damascus University.
Since returning to her home town, she has continued toengage in art activities. While she has created her works
during her stay in other countries, she has received many
awards from a variety of movie programs hosted in various
countries, including award the journalist specialized incinema at Aﬂam festival in Marseille. She hosted her
personal exhibition at the gallery, europia production in
Paris in 2015. She participates in two artist groups. One ofthem is the Open Studio Group that organizes exhibitions
and workshops, focusing on art in the area of Palestine. The
other one is the Fateh Al Mudarris Center of Art and Culture,
which focuses on the education of art for children as well associal art events to covey arts in the Golan Heights as a partof the art in Syria.
❶ Light Horizon [video 7’ 22”, 2012]
A wide open window of the house overlooks the refreshing
scenery below which reminds us of the Mediterranean climate.
The countless bullet holes on the wall mark the passage oftime where the house without the host has gradually been
weathered. A woman meticulously tidies up the room of theruined house in the village of Ain in the occupied Syrian Golan
Heights, which was destroyed by the Israeli forces in 1967.
Even an ordinary act of cleaning up a room for an invited
friend can be seen as an unrealistic act of ceremony in the

midst of the world of tragedy and destruction. Created with an
ordinal and homey point of view, her works express a sense ofhumor and warmness on the one hand, and deliver harshmessages towards the real world which has been turned into
the extraordinary, on the other.

❷ Gray [video 7’ 7”, 2017]
This work, ﬁlmed and edited recently in the Golan Heights,
spreads kaleidoscopic shines full in the screen with thediﬀused reﬂections of broken mirrors hung in a peculiar yet
beautiful air of the local scenery. The broken mirrors which
could be scattered around piece by piece on the groundnearby form a sense of alertness for every direction in a way
where a skillful sniper would pay close attention to hisbehind. Being placed at a gray zone created on the border
between the two countries in military conﬂict, which belong
to nowhere, the mirrors project, while ﬂuttered by breeze,some structures on the hill, which resemble a watch tower,
gun batteries or something else. A mirror reﬂects shines,
but, at the same time, it can be used as a tool to monitor.
While ﬂickering gently and reﬂecting sun shines, they mirror
and capture scars of battleﬁelds as well as a sense of
oppression by occupation.

❷❸ Anklet [19×13×22cm], Drowsiness [36×17×17cm] (upper)/Horseback [19×13×14cm], House [40×11×8.5cm], Satisfaction[60×17×11cm] (lower) [bronze, 2016 (5 pieces each)]❹ Untitled [terracotta, 29×19cm, frame: 53×43cm, 2016
(7 pieces each)]
Other than ﬁlms, Randa Maddah has created many types ofwork such as drawings and sculptures made of bronze andterracotta materials. The themes of her works varies
ranging from personal events occurred in the Golan
Heights, children’s plays, torture by the secret police andthe situation in recent Syria, but they share thecharacteristic of simplicity in common. These works werecreated for her solo exhibition “a Hair Tie” held in
September, 2016 at a gallery located in Ramallah in WestBank of Jordan River in Palestine. With memories of herhome town, she uses her hands to shape clay into theepitome of the world, resulted in creating her self-portrait
to tell the history of her life.

❸

❶

04

｜ ランダ・マッダ

❹

05

｜

Randa Maddahムニール・ファトゥミ｜mounir fatmi
1970年モロッコのタンジェに生まれる。パリ在住。ローマの美術学院で学び、映像、インスタレーション、絵画、彫刻等を手がける
かたわ
マルチメディア作家。個展、グループ展に参加する傍ら、世界各地のビエンナーレ、
トリエンナーレに出品。2006年ダカール・ビエン
ナーレにてサンゴール賞を受賞。2010年カイロ・ビエンナーレにてグランプリ受賞。2013年第3回ジャミール賞を受賞。日本でもこれまでに作品は紹介されており、2006年「アフリカ・リミックス」
展
しょうへい（森美術館、東京）に出品。2016年には瀬戸内国際芸術祭に招聘
あわしま
され粟島の廃校でインスタレーション作品《過ぎ去った子供達の歌》を展示した。また、本展と同時期に、東京で個展を開催する。

❶《風はどこから吹いてくる？》映像（13分17秒）タイヤ、服、床材
2002年－ 新規制作2017年
2002年からフランスのマント=ラ=ジョリーにあるマルチメディア文化スペースで展開していた展示プロジェクト。ムニールの作品にいんゆ
しんらつ
特有の、アラブ世界の状況を詩的な隠喩に、あるいは辛辣なメッ
セージにして伝えるプロジェクトの一つだった。2016年に新たなプロジェクト「亡命館」
を開始、作家自ら難民をテーマに展覧会を組織し開催した。彼は作家自身を移民労働者と位置づけ、移民問題や人々の移動の自由を問いかける作品へと展開した。今年、ヴェネチア・ビエンナーレにチュニジアが1958年以来の参加となり、「アブセンス・オブ・パス」と名付けたヴェネチア島内各所での展を行った。その中で、チュニジアの作家とは別に選ばれたム
ニールは「亡命館（エグザイル・パビリオン）」
を作った。作家自身の移動と制作の軌跡となっている。

❷《失われた春》箒、旗 2011年
ほうき
シリアを含むアラブ連盟の22の国旗と3本の箒でできた、ミニマル
で、メッセージに富む作品。チュニジア、エジプト、リビアの旗は、

introduced ‒ in 2006 his work was exhibited on the
exhibition ‘Africa Remix’ at the Mori Art Museum in Tokyo. In
2016 he was invited to the Setouchi Triennale and createdan installation using an abandoned school in Awajima. At
the same time of this exhibition, he held a solo exhibition inTokyo.

旗竿がブラシにとって代わっている。これは、長期独裁政権を失墜に追いやった民衆蜂起などを示している。この抵抗は、北アフ
リカとアラブ世界全体の、家父長的な権力に立ち向かったものであった。箒はコミュニティを構成する家庭の象徴であり、独裁者の一掃を示唆している。竿のない旗は「箒＝家事をする人」のいないことを意味し、それに対しての疑念を思わせる。

❸《アーケオロジー》箒、黒い旗、骨の複製 2016年
２体分の骸骨と黒の旗でできていて、鑑賞者の目を地面へと導く
インスタレーション作品。黒い旗が取り付けられた3メートルのブラシによって骨は壁際に掃き寄せられている。ミシェル・フーコーの『知の考古学』（1969年）は、各時代で区別される認識や知性のあり方が存在し、それぞれ異なって成立していたことを明確にした。そして考古学的な地層に堆積するように、現代の知性と思われていた状況もまた、端へと掃き寄せられ、埋もれていく。ムニー
ル・ファトゥミが用いる旗と箒による表象は、熱狂の中で消えようとする現代世界を捉え、留めようとする行為なのかもしれない。

❶ From Where Comes the Wind? [tires, clothes, flooring,
video 13’ 17”, 2002- (new ver. 2017)]
From 2002, this exhibition project was developed at theMultimedia Culture Space in Mantes-le-Jolie in France.
mounir’s project shows the state of the Arab world throughpoetic metaphor and bitter messages. In 2016 he began his
new project ‘Exile Pavilion’ and the artist by himself
organized and held the exhibition on the theme of the exile.
Placing the artist himself close to immigrant workers, heheld an exhibition which questioned immigration problems
and the freedom of movement of peoples. This year, he also
exhibited his work in Venice Biennale, in the planning ofTunisia, the ‘Absence of Path’ in various places on the islandof Venice. This movie also shows his trail to move and to
work.

Born in Tangiers, Morocco in 1970 and currently working in
Paris. Having studied at a fine arts graduate school in Rome,
he is an artist whose work covers a great deal of different
media, including film, illustration, painting and carving
amongst others. He held his solo exhibitions, participated ingroup exhibitions and also exhibited his works at various
biennales around the world. In 2006, his work received the
Senghor prize at the Dakar biennale. In 2010 he received the
grand prize at the Cairo Biennale. In 2013 he received the
3rd Jameel prize. Even in Japan his works have been｜

ムニール・ファトゥミ❸ Archaeology [broom, black flag, fake bones, 2016]
Composed of the skeletons of two bodies and a black flag,
this installation draws the attention of the viewer to theground. Through a three-metre brush with the black flag
attached, the bones are swept close to the wall. In Michel
Foucault’s “Archaeology of Knowledge” (1969), he clarified
how there existed a different awareness and forms ofintelligence and different forms were able to be achieved.
Just as things get piled up in an archaeological excavation,
the current forms of intelligence will be swept to the sideand buried. mounir fatmi’s use of brushes and flags could
be interpreted as an effort to stop the craziness which
seems ready to end this present world.

❷ The Lost Springs [brooms, flags, 2011]
A minimalistic work incorporating the flags of 22 countriesof the Arab League and 3 brooms with a powerful message.
The flags of Tunisia, Egypt and Libya have different
flagpoles through the brushes. This symbolizes therevolution of these peoples who had been oppressed by❶
06

long-term dictatorships. This resistance was when North
Africa and the entirety of the Arab world stood up against
patriarchal authority. Brooms are a symbol of homes whichmake up communities and hint at a clean sweep up of
dictatorships. The flags without flagpoles hint that there isno one to do this housework and brings forth misgivings
about this fact.

❷

❸
07

｜

mounir fatmiラリッサ・サンスール｜Larissa Sansour
1973年東エルサレムでパレスチナ人の父とロシア人の母との間に生まれる。ロンドン在住。コペンハーゲン、ニューヨーク、ロン
ドンで美術を学ぶ。映像、写真、本、インターネット等を用い、ポピュラーな映画やSF等の要素を参照しながら、パレスチナ問題をモチーフにした作品をいくつも発表してきた。2011年には、映像作品《ネイション・エステイト》
が賞のコンペで最終選考候補となったが、そこでスポンサーによりコンペ自体が中止に追い込まれた。
2009年に第11回イスタンブール・ビエンナーレ、2010年にはリバ
プール・ビエンナーレに参加、ほかにも多数のグループ展に参加している。またニューヨーク、コペンハーゲン、ストックホルム、イスタンブール、パリなどで精力的に個展を開催。2016年ロンドンのギャラリー、モザイク・ルームでの個展は『アート・レヴュー』誌
でその夏にあった「最も見るべき展覧会のひとつ」と評された。
2017年もイギリスで個展が開かれ、議論が巻き起こった。
❶《スペース・エクソダス》映像（5分24秒）2009年
宇宙飛行士の女性（ラリッサ本人）の宇宙服にはパレスチナの国旗が縫い付けられている。彼女の宇宙船が月に着陸、「パレスチ
ナ人にとっては小さな一歩だが、人類にとっては大きな一歩である」と無線で交信、月にパレスチナ国旗を打ち立てる。しかし、ほどなくして彼女は無重力の宇宙に放り出され、「エルサレム、エルサレム・・・」と交信を呼びかけ続ける。第二次世界大戦後パレス
チナ人のたどった悲劇において、土地が奪われ、避難場所に身を寄せてもそこが戦禍に巻き込まれ、いつまでも安住の地を得られないでいる状況を、SF映画あるいはアームストロング船長の逸話のパロディーにすることで、痛切な皮肉となって伝えられる。
❷《パレスチノウト》硬質塩化ビニル樹脂による宇宙飛行士の人
形、各29×24×17cm 2009年（全25点）❸《未来では、彼らは最高級磁器で食事していたことになる》映像（28分37秒）2016年
はざま
本作は、SFと考古学と政治学の間に位置する。歴史の神話と事実、民族のアイデンティティの役割を解き明かしている。語りによるレジスタンスグループは、精巧に出来た皿を地層に埋め、まったくの虚構の文明を作ろうとする。彼らの目的は、自分たちの失われた土地には豊かな歴史があり、将来その存在を確かめてもらうことである。未来に掘り出されれば、この食器は太古からの民族の存在を証明することになるだろう。自分たちの行いが歴史的な介入となり、国家の礎を創造することになる。古来、民族の歴史が掲げられ、各々が自らの歴史の正統性を訴えて国家を樹立してきた。その一方で、支配された民族は、支配者から民族としての体を持っていないとみなされてきた。支配者の論理をひっくり返して抵抗することで、国家に値する歴史文化を有する民族であることを証明する。それほど壮大な創造力を本作は示している。
❹《欠乏の考古学》ブロンズ、鉄、20×10×10cm 2016年❺《歴史修正主義の皿》磁器、各Φ26cm 2015年（全20点）
Palestinian, born in the East Jerusalem in 1973 to a
Palestinian father and a Russian mother, she currently
based in London and studied ﬁne arts in Copenhagen, NewYork & London. Using media such as ﬁlms, photography,
books & the internet, and making references to popularﬁlms and science-ﬁction amongst other themes, she haspresented many works using the problems in Palestine as amotif. In 2011, her ﬁlm “Nation Estate” which made her tobe one of the ﬁnalists of a prize-competition but thesponsor cancelled the competition. She took part in the08｜

ラリッサ・サンスール

11th Istanbul Biennale in 2009 as well as the Liverpool
Biennale in 2010 and has also taken part in numerous othergroup exhibitions. She has also held exhibitions in places
such as New York, Copenhagen, Stockholm, Istanbul andParis. Her 2016 individual exhibition in London ‘Mosaic
Room’ was featured in the magazine Art Review as one ofthat summer’s must-see exhibitions. Again in 2017 an
individual exhibition was opened in the UK and is the topic
of discussion.
❶ A Space Exodus [video 5’ 24”, 2009]
A female astronaut, Larissa herself, with a Palestinian ﬂag
emblazoned on her spacesuit touches down on the moon,proclaiming ‘That’s one small step for Palestinian, one giant
leap for a mankind’ through her wireless communications
and plants down a Palestinian ﬂag. However, she is shortly
cast oﬀ to drift in gravity-free space, calling out ‘Jerusalem… Jerusalem …’ over her communications. The work is a
bitter parody of a science-ﬁction movie or the actual
recordings of Neil Armstrong’s moon landing, using it toconvey the circumstances of the Palestinian people since
being robbed of their homeland after the Second World
War, with even refugee camps being embroiled in conﬂict
zones.

❶❷ Palestinaut [astronaut ﬁgure made from hard vinyl,
29×24×17cm, 2009 (25 pieces each)]❸ In the Future, They Ate from the Finest Porcelain [video
28’ 37”, 2016]
This work lies in a gap between science ﬁction, archaeology
and politics. It explores the various history, legend and truththat form the identity of a people. In the story a resistancegroup attempts to create a fake civilization by burying theﬁnest porcelain plates in the Earth. Their intention is toaﬃrm the long and rich history of the land and make certainof its existence in the future. One day, when the porcelain isexhumed it will prove the existence of this people from longago. This act will become a historical intervention, creatinga cornerstone of the nation state. Since before the war, thehistory of the people has been published and diﬀerent
peoples have asserted the correctness of their view ofhistory and established their nation states. A people whohave been oppressed, have had their recognition as apeople denied by those in power over them. By thoroughly
and consistently upsetting the arguments made by theiroppressors and proving that the people has a history
equivalent to a nation-state, the work shows such a great
deal of creativity.

❸❹ Archaeology in Absentia [bronze, metal, 20×10×10cm, 2016]❺ Revisionist Plate [porcelain, Φ26cm, 2015 (20 pieces each)]

❷ ❹❺
09

｜

Larissa Sansourミルナ・バーミア｜Mirna Bamieh
1983年東エルサレムに生まれたパレスチナ人。ラマラ（パレスチ
ナ、西岸地域）などパレスチナを拠点に活動している。2013年ベ
ツァルエル美術デザイン学院修了。ベイルートのアシュカル・アル
ワン・レバノン 現 代 芸 術 協 会 ホ ー ム・ワ ー クス・プ ロ グラム
2013/2014に参加。土地や領域、アイデンティティの問題と常に直面しながら活動している。紛争地を写す画像や映像にあふれる
現代社会において、それらを加工することで身体に刻印された苦悩やトラウマを浮き彫りにする。2016年トーキョーワンダーサイト
で「クリエーター・イン・レジデンス」に参加、日本でも滞在制作を行った。

❶《中断された伝記》映像インスタレーション（10分40秒）2014年
映像と写真で構成されたミクスト・メディアによるインスタレーション作品。映像は、ベイルートとエルサレムと他の場所でアー
ティストの家族にあった出来事を捉えている。簡単に隣国の親戚宅に旅行できないこと、安全な地に娘を嫁がせること。政治的変動に合わせて可能なこと不可能なことが決められると、自分たちのためにおこなう選択も変わる。
《中断された伝記》は個人的な物語を通して、歴史のほぼ忘れられた時代に脚光を当てようとするものである。この映像は、1996年ベイルートで撮影されたホー
ムビデオからできている。一方、今回の展示のために、アーティス
ト自らが持ち込んだ家族の手紙と写真も展示した。

❷《どの旗も風になびかない》ミクスト・メディア 2015年「どの旗も風になびかない／どの馬も風にただよわない／どの太鼓もなり出さずにうねりは止んで／今日悲劇の中で何も起こらない（以下略）」
パレスチナ独立宣言の起草者で詩人のマフムード・
ダルウィーシュ（1941 ― 2008）の詩から、作品のタイトルがとられている。銀色の旗が整然と並び、首を振る扇風機に煽られて一斉にはためく。モノトーンの世界に生じるざわめきは、何事かを表し
しょうそうているというよりは、何事も表せないために生じる焦燥や憤りのようである。その様子は、弱々しく白旗を振っているようでもあり、
あるいは勢いを増した勇壮な姿にも見えるが、交互に延々と両者の様子が見られる。本作品は解決を見いだせない個々人にとっていかんての悲劇に対して無関心となってしまったことへの諦観なのかもしれない。
❸《チュートリアル：どのように消えて、イメージとなるか》動画
共有サービス上の映像（5分16秒）2015年
コンピュータのモニター上にはインターネット世界の発達によっておなじみとなった、動画共有サービスによるメーキャップのチュートリアル（個人レッスン）動画が流れている。登場するのはアーティスト本人で、彼女は自分の顔と体を緑色で塗り、緑色のスクリーンの前で次第にその姿を消していく。画像を合成するために使われるこのシステムによって、大量に消費され消失する著名人や報道やコマーシャルなどのイメージ画像に、アーティスト
自らが埋没する。

❶ Interrupted Biography [video installation 10’ 40”, 2014]
This is an installation work consisting of mixed media, amovie and photographs. The movie captures the event
occurred among the family of the artist who traveled in
Beirut, Jerusalem, and other places. Now they can’t visit
relatives living in those countries and let their daughter
marry into a family in safe country. Our own way of choicedepends on a political change which determines what is
possible and what is not. The work is an attempt to light up
a nearly forgotten age of history through a personal
storytelling. This movie is created using footage of home
videos shot in Beirut in 1996. Meanwhile, the letters andpictures of her family brought by herself were also exhibited.

❷ No Flag Flutters in the Wind [mixed media, 2015]
This art work was titled from the phases of a poem by
Mahmoud Darwish (1941-2008), who was a poet and aprincipal author of the Palestinian Declaration of
Independence, stating ‘No ﬂag ﬂutters in the wind, no horse
ﬂoats in the wind, no drums accompany the rise and fall ofwaves … Nothing happens in tragedies today … [the rest isomitted].’ Orderly placed silver ﬂags are ﬂuttering at onceby the head-swinging fan. Murmurs heard in a mono-toneworld seem to represent a state of irritation or anger due toinability to represent anything rather they represent
something. They look as though waving a white ﬂag, butyet, seem to be brave with increasing intensity, and it
endlessly goes on and on. This work may express a sense of
resignation arising out of indiﬀerence to tragedies forindividuals, which cannot be solved.

❸ Tutorial: How to Disappear, Become an Image [uploaded
video onto a video hosting service 5’16”, 2015]
A movie of a tutorial, private lesson, for make-up plays on
the monitor of the computer through video share services,which is now common to be seen due to the developmentof internet technology. The artist appeared on the movie,
however, gradually disappears while she paints her faceand body green with the green screen in the background.
With a system used for combining images, the artist herself
is buried under the tremendous amount of the consumed
images of celebrities, news and CM.

❶❷

Palestinian, born in East Jerusalem in 1983. She is based inPalestine including Ramallah and other cities. Graduatedfrom the Bezalel Academy for Fine Arts in 2013 andparticipated in the Ashkal Alwan Home Works study
Program in Beirut 2013/2014, she engages in her activities
focusing on the issues of lands, territories and identity. In acontemporary society where images and movies capturing
disputed areas are overﬂown, the artist highlights anguishand trauma marked on the bodies by processing theseimages and movies. She participated in the ‘Creator in
Residence’ at the Tokyo Wonder Site in 2016, she created
her work during her stay in Japan.

10｜

ミルナ・バーミア❸

11｜

Mirna Bamiehキュンチョメ｜KYUN-CHOME
2011年から活動している二人組のアーティストユニット。ホンマ
エリ（1987年横浜生まれ）とナブチ（1984年水戸生まれ）。2009
年、東京・池袋にある創形美術学校で知り合う。彼らの制作は、現代社会において問題視され、報道で取り上げられながらも、実態として見えにくく関わりづらくなるような現場にあえて踏み込むものである。そのため近年では当事者たちと関わり、対話を重ねることで出来上がる作品が多い。2014年第17回岡本太郎現代芸術賞で太郎賞受賞。2015年東京の岡本太郎記念館、同年ベルリ
ンのクンストカルチエ・ベタニアンで個展を開催、2016年には駒込倉庫で個展「暗闇でこんにちは」を開催。2017年石巻に滞在制
作し、石巻リボーンアートフェスティヴァル2017で発表した。

❶《ウソをつくった話》映像（23分48秒）2015年
東日本大震災後、福島の仮設住宅に住む帰還困難者と一緒に、バリケードで封鎖された住居や故郷へと続く道の写真を、画像編集ソフトで消していく映像作品。帰還困難者が不慣れな手つきで操作している様子がモニターに映る映像から伝えられる一方、その作業の最中に交わされる会話の中で、参加者それぞれが自分の町に抱く率直な思いが語られていく。作業を通して写真の中のバリケードが消えていくと同時に、それぞれの「越えられたもの/
越えられぬもの」
が立ち上がる。

❷《ここで作る新しい顔》映像インスタレーション 2016年
本作品は、2015年制作の《新しい顔》
を、日本国内で展開したもの。
《新しい顔》は、ベルリンに滞在し、現地でシリア人難民の協力を得て制作された。福笑いは日本の伝統的な遊びで、目隠しした1人が一つの顔に顔のパーツを置いていく。しかし《新しい顔》
では二人とも目隠しして、一緒に一つの顔をつくる。記録映像では、なかなか完成へといたらず、まるで相互理解と笑顔を作るのには長い長い対話が必要であることを思い起こさせる。帰国後、キュンチョメは、日本にある難民支援施設を訪ね、そこに通う難民に制作協力を依頼し、自分たちの個展会場に訪れる来場者と「一つの顔を作ること」を依頼した。この映像は個展会場を訪れ、難民とともに一つの顔を作り上げた700人分の記録であり、そこ
で難民たちは次第に腕前が上達していく。来場者が歪んだ顔を作っているのを察知して、目隠しのままアシストしていた。
❸《星達は夜明けを目指す》映像（1分47秒）2016年
イギリス在住の７人の移民・難民の人たちの協力によって制作した映像作品。人種もバックグラウンドも違う７人が各自、ライトを口にくわえ、7人8脚で暗闇からこちらへと近づいて来る。彼らがく
わえた光は太古より旅の目印となってきた「北斗七星」を暗闇に浮かび上がらせ、その光は目的地の方向を示す指標のように輝きながら、鑑賞者の方へと迫って来る。
今回は丸いスクリーンに合わせて画面を編集し、望遠鏡でのぞいた星のように映像を見せている。また壁に投影する映像と一緒に制作風景が上映される。一見、運動会の種目のような、その目的のわからない競技を前に、和気あいあいとした雰囲気の中、逃げるための準備運動が行われる。
An artist unit consisting of two, Eri Honma, born in 1987 in
Yokohama, and Nabuchi, born in 1984 in Mito, having
started its career since 2011. They met at the Sokei
Academy of Fine Art & Design located in Ikebukuro, Tokyo in
2009. Their style of creation is a hands-on approach,challenging to focus on problematic issues in acontemporary society which are reported in the media, yetintentionally avoided to ﬁnd the reality of them. Many of
their recent works have been created in the course of
dialogue with the concerned party of the issues. In 2014,
they were awarded for the Taro Prize in the 17th Taro
12｜

キュンチョメ

Okamoto Contemporary Art Award. They held their solo
exhibitions at the Taro Okamoto Memorial Museum inTokyo and in Kunstquartier Bethanien in Berlin in 2015, andin 2016 held their solo exhibition titled ‘Say hello in the
dark’ at the Komagome Soko. In 2017 they created theirworks while staying in Ishinomaki and exhibited them in the
Ishimaki Reborn Art Festival 2017.
❶ The Story of Making Lies [video 23’ 48”, 2015]
In this video work, photos, which depict the houses
blockaded by a barricade or the roads connected to ahometown after the Great East Japan Earthquake, aredeleted by using a picture editing software operated with
one of the quake stranded suﬀers who lives in temporary
housing in Fukushima. While the quake stranded suﬀerers
clumsily operates to delete the photos as seen in themonitor, this work reveals a straightforward feeling of thesuﬀerers about their home town, told during the editing
operation. When the barricades in the photo arediminished, ‘Things Which Has Been Overcome and Not
Overcome’ for each person stands up at the same time.

❷ “New Faces” Made Here [video installation, 2016]
This work was developed within Japan by using “NewFaces” created in 2015. “New Faces” was created in Berlinwith a cooperation of Syrian refugees. Fukuwarai is aJapanese traditional game, and there the one player withbeing blindfold put parts of the face onto a blank face. But
at the “New Faces” two people were blindfold and madeone face together. In the recording video, the process
seems to be diﬃcult to be ﬁnally achieved, which reminds
us of a so long conversation necessary to understand eachother and to make a smile. After coming back to Japan,
KYUN-CHOME visited a support center for refugees in Japanand they ask there the refugees for their cooperation to act
as host at the KYUN-CHOME’s solo exhibition to ‘make one
face’ with the visitors. In the work which recorded the‘making one face’ process conducted by refugee, the totalof 700 faces, the refugees gradually improve their skills. The
refugees with a blindfold keenly noticed that a face wasdistorted, and helped the visitor to achieve.

❸ Running at Night [video 1’ 47”, 2016]
This video work was created in cooperation with seven
immigrants and refugees who lived in England at that time.
The seven people, who are diﬀerent in race andbackground, put lights in their mouths one by one, coming
toward from the dark, in an eight-legged competition.
Lights put in their mouths highlight the ‘Big Dipper’ of theGreat Bear in the dark, which has been the mark for
travelers from the olden times. The light shines as if it
directs the destination, coming towards the viewers.
In this work, the image is shown through a round screen sothat the viewers might feel that they are looking up the stars
in the sky by a telescope. Combined with the images
projected on the wall, the viewers can also see a production
process. While being in a friendly atmosphere of thecompetition with no particular purpose, which is commonly
seen in a sports meeting, a preparation for escape is indeed
in process.

❶

❷

❸
13

｜

KYUN-CHOME

オープニング・シンポジウム｜The Opening Symposium
ワタン「ディアスポラ・ナウ！～故郷をめぐる現代美術」展関連企画として展覧会開場翌日の11月11日（日）にシンポジウムをおこなった。本展に出品した日本人アーティス

ト１組と海外からの招聘アーティスト2人、シリアとパレ
スチナについての日本人専門家2人が登壇した。

シンポジウムは13:00に開始、担当学芸員の挨拶の後、１人（１組）20分から30分程度の発表を順々におこなった。その後、休憩を挟み、全員が登壇して、それぞれへの意見と会場からの質疑応答をおこなった。なお、

当シンポジウムは日・英同時通訳でおこなわれた。

シンポジウムの費用の一部にはタカシマヤ文化基金

による「シンポジウム開催団体への助成」が充てられた。

また、中東現代文学研究会、及び、科学研究費補助金

基盤研究（B）「現代中東の『ワタン（祖国）』的心性をめぐる表象文化の発展的研究」（代表：岡真理）の協力により開催した。

発表者（発表順、敬称略）
キュンチョメ（出品作家、日本）p.12
アクラム・アル＝ハラビ（出品作家、シリア）p.2
ミルナ・バーミア（出品作家、パレスチナ）p.10

The symposium was held as the related event of theexhibition “Diaspora Now! ‒ Contemporary Arts around theHomeland” on November 11th, the following day of the
opening. The Japanese artists and two artists from overseas
invited for the exhibition and two Japanese experts on Syria
and on Palestine took part in the symposium.
It began at 13:00 from opening address by the curator whoorganized this exhibition. The each speaker made apresentation in 30 minutes. After the presentations, the all
speakers took the platform and they gave their views oneach presentation and had a question and answer session
from the audience. In the symposium all the talks weretranslated between Japanese and English at the same time.

A portion of the expenses for this symposium was allottedfrom ‘the grant for a group to hold a symposium’ by
Takashimaya Cultural Foundation, and it was held incooperation with ‘Modern Middle Eastern Literature Studies
Association’ and KAKENHI for Scientific Research(B)‘Expansive Research on the Disposition of “Watan”(Homeland) in the Cultural Representation in the Middle
East’.

Speakers (in order of taking the platform, honorific titles
omitted):KYUN-CHOME (Artists, Japan) p.12
Akram Al Halabi (Artist, Syria) p.2
Mirna Bamieh (Artist, Palesitine) p.10

Hiroki Okazaki
Born in 1975. Visited at Damascus as a researcher from an
Institute in France and as a parliamentary secretary of theembassy of Japan in Syria from 2003 to 2009. Received aPh.D in sociology from University of Paris III in 2016. His
Specialty: Arabic political thoughts, recently Syrian politicalthought and literature, especially prison literature andpolitical theater, and documentary film. Organized a film
screening and talk of “A Memory in Khaki” (Syrian director
Alfoz Tanjour, 2016) in Japan, which received the Mayor’s
Prize for the International Competition in the Yamagata
International Documentary Film Festival 2017.

SYMPOSIUM
岡﨑弘樹
1975年生まれ。2003年から2009年までフランス研究所研究員や在シリア日本大使館政務担当官としてダマスカスに滞在、2016
年パリ第３大学アラブ研究科で社会学博士号取得。専門はアラブ政治思想。近年はシリアの政治思想や文学（特に監獄文学や政治演劇）、ドキュメンタリー映画を対象にする。日本での上映会とトークイベントを企画した『カーキ色の記憶』（シリア人監督アルフォーズ・タンジュール作品、2016年）が山形国際ドキュメンタ
リー映画祭2017のインターナショナル・コンペティション部門上映作品で山形市長賞受賞。

岡真理
1960年生まれ。1988年東京外国語大学大学院修士課程修了、1982年から1983年までエジプトのカイロ大学留学。1988年から1991年まで在モロッコ日本国大使館専門調査員、2009年以降京都大学大学院人間・環境学研究科教授。専門は近代アラブ文学、
パレスチナ問題、第三世界フェミニズム思想。訳書に、『シャヒー
ド、100の命―パレスチナで生きて死ぬこと』（著アーディラ・ラー
イディ、写真イザベル・ド・ラ・クルーズ、共訳中野真紀子・岸田直子、「シャヒード、100の命」展実行委員会、2003年）、他。著書に『アラブ、祈りとしての文学』（みすず書房、2008年）、他。
司会
西山恒彦

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｜

オープニング・シンポジウム

Mari Oka
Born in 1960. Completed a master's degree at Tokyo
University of Foreign Studies in 1988, special assistant ofJapanese embassy in Morocco from 1988 to 1991, Professorof Graduate School of Human and Environmental Studies,
Kyoto University from 2009. Her specialty: modern Arabic
literature, Palestine problem and the third world feminism.
Her translation: “100 Shaheed ‒ 100 Lives | A Memorial”
Text: Adila Laïdi, Photos: Isabel de la Cruz, Co-translator:
Makiko Nakano and Naoko Kishida, published by thecommittee of the exhibition “100 Shaheed ‒ 100 Lives”. Herbooks: “Arab, Inori to shite no Bungaku ‒ Arab, literature asa prayer” published by Misuzu Shobo, 2008), and so on.
Moderator:
Tsunehiko Nishiyama

15｜

The Opening Symposium発表１ キュンチョメ
（ホンマエリ、ナブチ）｜KYUN-CHOME

ホンマ：ギャラリートークでは難民についてお話ししたので、今回は日本での避難と逃げて生きることについて話します。

わるような。もう疲れたからやめてほしいと言われ、まずいと思いました。そこでまず福島県庁に電話して上の人と話をしました。そこで好意的な返事をもらったことを仮設住宅に伝えた
ところ許可がでました。いわき市ではその方法でもダメで、もっと田舎の、アーティストがまだ行っていない土地まで行く必要がありました。

ホンマ：そこで 3.11をきっかけに辞職し、アートを始めました。
作 品 は 震 災 に関するものが 多 いです。
《ここにいた 誰 か》（2013年）（Fig.1）は2011年の震災後、立入禁止区域に少しずつ入れるようになった頃に制作された作品です。

ナブチ：まとめに入りますが、私たちは2つの準備運動が必要だと考えています。1つ目は逃げるための準備運動です。明日、逃げざるを得なくなる可能性があることを常に意識するべきです。2つ目は逃げてきた人を受け入れるための準備運動です。受け入れる側がないと逃げられません。福島の3.11の時にうまくいかなかったと思うのは受け入れです。

ナブチ：私たちの作家としての活動のきっかけは東日本大震災でした。当時ホンマは東京で勤務していましたが、震災が起きて原発がメルトダウンしているにもかかわらず、平常通り業務をこなすことを求められ、恐怖を感じたそうです。つまり有事が起きても逃げることができなかった。

ナブチ：2年間放置された状態の場所が少しだけ入れることになったので、行くしかないとなったわけです。私たちはそこで指紋を探して採取しました。津波で流された車の窓ガラスやドア、色々なところに脱出しようとした際の指紋が残されており、何でもないものには思えませんでした。誰もいない避難済みの場所にいかに向かい合うのか、その場所を見つめたかったのだと思います。

ホンマ：これは2014－15年に制作した《海の時間》、《街の時間》(Fig.2)です。この頃になると、周りからまだ震災を扱っているのかと呆れた印象で作品が語られました。放射能は半減期までに何万年、何億年とかかるのに、風化の速さに衝撃を受けました。しかし理解はできました。放射能は見えませんし、半減期は長すぎて想像できません。その時間を可視化するた
めに《海の時間》
を制作しました。この写真は福島第一原発の近くの海です（Fig.3）。

ナブチ：津波で町が飲み込まれたので、海中が気になって潜りました。本当はいけないですが。海中には様々な瓦礫が散乱していて、そこからワカメが生えだしていました。そのワカメが再生の象徴に思えたので採取し、すりつぶして砂時計にしました。
ホンマ：左側の砂時計です。放射能の半減期までこの小さな砂時計が回り続けます。

ナブチ：その後《街の時間》の制作のためにチェルノブイリにも行きました。残念ながら原発がある以上、この作品はこれからも増えていくと思います。震災直後は自然や概念的なものと対峙するしかありませんでしたが、このころから避難者に会いに行ったり、一緒に制作したりするようになりました。

ホンマ：2015年頃からです。それが今展示している
《嘘を作っ
た話》
（p.12-p.13❶参照）という映像作品です。いまだに放射能が強いところは防柵が張ってあり、住民は仮設住宅に住んでいます。仮設住宅の住民たちに防柵の写真を持っていき、一緒に画像加工ソフトで消すことを持ちかけました。パソコンを操作しているのは70～80代の高齢者です。みなさん操作をしていく中でテンションが上がり、報道されないようなことをお話ししながらバリケードを消していきました。
ナブチ：重要なのは仮設住宅への入りこみ方です。はじめは仮設住宅に直接電話をしていましたが、望んでいないと断られました。

ホンマ：疲れたんだと思います。アート疲れです。アートやワー
クショップ、ボランティア…

ナブチ：シンガーソングライターが来て、CD置いて帰ったり、よ
くわからないワークショップをやったりで、みんなが疲れて終16｜

キュンチョメ

ホンマ：この状況は現在も継続しています。

Nabuchi: We dived there where the tsunami had engulfed
whole parts of towns, because we were keen to find out
what was below, although this was really prohibited. Allsorts of debris could be found scattered below water,
harboring seaweed. We ground and turned the seaweed
into hourglass filling, because they seemed to symbolize
rebirth.

ホンマ：その準備体操をしたい。普通の啓蒙活動ではうまくいかないと思います。明日地震が来ると言われてもピンときませんから。私たちはアートという手段を使って、シリアスもユー
モアもある色々な感情をもった変化球を投げて、自分たちが生きていく方法を考えるべきだと思います。

Nabuchi: When we made this work, we also visited
Chernobyl, where we also made another hourglass “Time ofTown.” Unfortunately as long as there are nuclear power
plants on this planet, we are to make more and more ofthese hourglasses. Around this time we started creating
more work directly informed by meetings with evacuees,
and in partnership with them, in contrast to the immediate
aftermath of the earthquake, when our work was more

Honma: In the gallery talk we discussed refugees, so thistime we would like to talk about evacuation and living as anevacuee in Japan.
Nabuchi: The 2011 Tohoku earthquake and tsunami (3/11)
was what prompted us to take up art as a profession. At thetime of the earthquake, she was an employee in Tokyo, andwas horrified by the fact that we were expected to carry on
business as usual in the face of a major earthquake disasterand nuclear power plant meltdown. In other words, anemergency was not accepted as a reason for seeking refuge.
Honma: 3/11 made me decide to quit my job, and I began
making genuine efforts to produce art. So, much of my work
concerns the earthquake. “Somebody Here” (2013, Fig. 1)
was created at a time when public access bans were
gradually being lifted.
Nabuchi: Limited areas of places abandoned for nearly two
years were accessible once again, which intrigued us
deeply. We went to such locations and collected
fingerprints. Fingerprints felt very poignant because they
could be found everywhere where people had struggled toescape, such as windows and doors of cars washed away by
the tsunami. I suppose we wanted to be on site in order tocontemplate places emptied by evacuation.

Honma: These are “Time of Ocean” and “Time of Town” (Fig.
2) created in 2014 and 2015, respectively. It was generally
regarded as dealing with an already outdated subject. I was
stunned by how fast these things lose currency, even thoughradioactive substances have half-lives of hundreds ofmillions of years. This general attitude was quite
understandable, though, given that radiation is invisible, andthe notion of half-life for some substances too long to evenimagine. “Time of Ocean” was created to give visual form tothat length of time. The photo is of the sea near Fukushima
Daiichi Nuclear Power Plant (Fig. 3).

Honma: I am talking about the hourglass on the left. This
little hourglass will keep turning until the end of allradioactive half-lives.

Honma: Which is why warm-up exercises are needed.
Ordinary awareness-raising would never work, I think,because none of us can take the warning of an imminentearthquake to heart. We believe art, with its “breaking ballpitches” laden with emotions both serious and humorous,
is a medium capable of encouraging us to contemplateways of living.

about nature and abstract notions.

Honma: We are talking about 2015 or thereabouts. An
example is “The Story of Making Lies” (cf. p.12-p.13❶) onshow. It is a video work. Places recording high doses ofradiation are still out of bounds and the residents are still
living in temporary housing. We showed photos of thesebarriers to people living in temporary housing, and invitedthem to join us in deleting the barriers with photo-editingFig.1《ここにいた誰か》2013年／“Somebody Here” 2013

software. The people working with computers are in their
70s and 80s, and they became excited by the work andshared stories not published by the media as they erased
the barriers.
Nabuchi: The crucial thing is to gain access to theseresidents to begin with. We initially phoned the residents
directly, only to be told that they didn’t want any part of it.

Honma: I think they were tired. . . tired of art, workshops,
volunteers, and all the rest.

Nabuchi: Singer-songwriters coming and leaving stacks of
their CDs behind; people doing dubious workshops thatwould leave everyone drained. I was asked to please stopand leave them alone because they were all fed up, whichalarmed me. So I changed tack and phoned a higher ranked
person at the Fukushima prefectural government. I received
a positive response, and got back to the temporary housing
residents with this backing, which led to their approval. This
did not work in Iwaki City, though, and we had to seek
participants in more rural places, where artists had notbeen before.

Fig.2《海の時間》2014年、《街の時間》2015年／“Time of Ocean” 2014,“Time of Town” 2015

Honma: The situation remains the same today.

Nabuchi: To wrap up, we think we need two kinds ofwarm-up exercises. One is for evacuating. We should
constantly be aware of the possibility of something forcing
us to flee, which could be tomorrow. The second is for
accepting people who come fleeing. They cannot flee justanywhere unless we accept them, and this is what we did
not do well in the wake of the 3/11 Fukushima disaster.

Fig.3 福島の海／Fukushima’s sea

17｜

KYUN-CHOME

発表２ アクラム・アル＝ハラビ｜Akram Al Halabi

これからお話しするのは作品の制作時に頭を占めている考えについて、つまり内容と概念との関係性の形を理解するのに役立っている考え方についてです。それは種類の異なる内容を組み合わせるというもので、それによりその関係性がひとつの概念へと変容します。
例えばイメージや言葉といった表象を組み合わせると、それぞれの表象に解釈の幅を拡げる作用が生じ、そこから両者が個別では獲得できない、より幅広い第3の姿が生まれます。そこに両者の関係性を概念として見出すことができると考えています。この統合という行為は美術作品の解釈を形式的な状態からより深く、視覚的な形に関してだけではない認知的なレベルで行われるものに変えるために必要です。
この見方が過去に私が実施してきたアートプロジェクト全体を通じての主要テーマであることを紹介します。
2000年から2005年までのダマスカス大学在学中に、私は素描と油彩画、彫刻を学びました。その時は、人々と特定の出来事や物語との関係から生まれる、ある構図で人体を表すことに関心がありました。これにより日々の現実の様々な要素、中でも家族、独裁、犠牲、抑圧に関わる側面を組み合わせて表すことができました。こうして観察したことは、ダマスカスで過ごした5年間で見聞きした壊れやすい人形のような人体を描いた
油 彩 画のシリーズから成る「パペット」というプロ ジェクト
（Fig.1）
で実現しました。
ダマスカス大学卒業後は、ゴラン高原に移ってムダリス芸術
文化センターを共同で設立しました。ここは村で美術を教える場を提供し、地域のコミュニティで文化的・芸術的意識を広めることを目的とする多くの芸術および社会活動のプラットフォームとなりました。この時期に私は“Love Comes First”（Fig.2）というパフォーマンスの場を設け、村のサッカー場に約200人を集めてアラビア語で「愛が第一」と人文字で描いてもらいました。
2008年にウィーンに移りましたが、それはウィーン美術アカ
デミーで学業の仕上げを行うためで、修士課程で抽象絵画を学びました。
「スノーフレイクス（雪片）」(Fig.3)が私の最後のプ
ロジェクトです。これはアイデンティティについての問いを提起するコンセプチュアルな作品です。占領されたゴラン高原の紛争地帯で、不確定で国籍のない人間として生まれた私は、
アイデンティティについての様々な概念を組み合わせて、一つの芸術としての形でまとめることに関心がありました。
2011年から2013年まで取り組んだのは、「チーク」（Fig.4）というシリアの戦争犠牲者の写真を記録したプロジェクトです。
この作品もやはり先に述べた他の例と同様、映像と言葉を組み合わせることへの関心を表しており、両者の関係性の概念を示すために残酷な映像内容とその映像を描写した単語の内容を関連づけています。
最初に述べたとおり、この手法は私の作品構想の中心的テーマであり、人間と自然との有機的な関係に焦点を当てた
近作でも用いています。
With the presentation held at the Museum of Fine Art, Gifu, myIn the combination of symbols such as image and word, I see a
process of enlarging the reading-space for each symbol, thus
producing a third, broader form of both which they would not

attain individually. Here, I believe, we can find the concept of
the relationship between them. This act of integration is anecessity to change the reading of the artwork from a formal
mode to a more profound one, happening on the level ofperception and not only in the visual form itself.

In my presentation, I showed that this vision was a leading
theme throughout the art projects I have done in the past:

During my studies at Damascus University from 2000 to 2005, I

studied drawing, oil painting and sculpture. There, I focused on
showing human bodies in the light of a specific composition

resulting from their relationship to a particular event or story.

This allowed me to show aspects of this synthesis that wereconnected to different dimensions of everyday reality: family,
dictatorship, sacrifice and suppression among the manyothers. These observations found their expression in a project
named ‘Puppets’ (Fig.1), a collection of oil paintings showing
my five years in Damascus.

After graduating from Damascus University, I moved to theGolan Heights to co-found the Mudarris Center of Arts andCulture. This space offered the possibility to teach art in thevillage and was the platform for many artistic and social

activities aimed at spreading culture and artistic awareness in
the local community. During this period, I staged aperformance called ‘Love Comes First’ (Fig.2), bringing together
about 200 people who I asked to use their bodies to write thewords Love Comes First on the villages football-pitch.

In 2008, I moved to Vienna to complete my studies at the

Academy of Fine Arts in Vienna, working in the master-class for

abstract painting. My final project was called ‘Snowflakes’(Fig.3), a conceptual work which raises the question of identity.
Being myself born as an undefined person, stateless, in a

conflict zone in the occupied Golan Heights, I was interested inworking on synthesising different concepts of identity andFrom 2011 through to 2013, I worked on a project named‘Cheek’ (Fig.4), documenting photos of war victims in Syria.

Again, as in the other examples I mentioned, this work reflects
my interest in the synthesis between the image and the word,
contextualising the content of the harsh images and thecontent of the words used to describe them to introduce theconcept of their relationship.

understand the form of the relationship between content andworks in which I focus on the organic relation between humantransforms said relationship into a concept.

18｜

アクラム・アル＝ハラビ

Fig.3 プロジェクト「スノーフレイクス（雪片）」（2009年－2012年）
より／in project ‘Snowﬂakes’, 2009-2012bringing them together in an artistic form.

This approach, as I pointed out initially, is the leading theme forconcept. It is the synthesis of different kinds of contents which

Fig.2 プロジェクト「Love Comes First」（2010年）
より／in project ‘Love Comes First’, 2010

the fragile and doll-like human form that I experienced during

aim was to illustrate the central thoughts that occupy me

during the production of my works of art: Ideas that help me

Fig.1《1p》（2005年）
プロジェクト「パペット」
より／“1p”, 2005, in project ‘Puppets’

my artistic vision and thus also can be found in the more recent
and nature.

Fig.4《決して忘れない・・・シリアの子どもたち》（2012年）
プロジェクト「チーク」
より／“We Will Never Forget You… Children of Syria”, 2012, in project ‘Cheek’

19｜

Akram Al Halabi

発表３ ミルナ・バーミア｜Mirna Bamieh

まずは自己紹介から始めたいと思います。私はパレスチナで生まれ、今も暮らしています。これまで心理学、視覚芸術に加えて、調理師となる勉強をしました。
それでは、過去の作品と、現在も継続している制作中のプ
ロジェクト、計5つのプロジェクトをご紹介します。
初期のビデオ作品《地雷の埋まった私たちの土地》（Fig.1）は2012年に制作しました。抗議者たちのストップモーション映像を何もない真っ白な背景の上に映し出し、場所の具体性を完全に取り去っていますが、実際には彼らは民族浄化の行われた場所に命がけで帰ろうとしています。
公開パフォーマンスのプロジェクトである「ポテトトーク」（Fig.2）は2015年から現在も継続して行っています。さまざまな国と街で、毎回新しいテーマの下、新たな10名を迎えて実施しています。
トーキョーワンダーサイトで制作・発表した「(dis)concert:
次は、
a humming project（声をそろえ（ないで）：ハミングプロジェク
ト）」（2016年から継続中）（Fig.3）です。私が東京、カイロ、パ
レスチナで集めたハミングを使い、日本人の作曲家である平山晴花さんに作曲してもらいました。インスタレーション用に作られたこの曲は、ハミングという行為が持つ、その場所を避難場所へ、つまり絶えず厄災と隣り合わせにあるかのような世界における隠れ家へと変える超越的な特性を反映しています。この「ハミングプロジェクト」は今後も別の都市で、新たなハミングと作曲家を得て継続していきます。
私は今、食の習慣についてリサーチと、食に関わる場所や
歴史、社会、政策との関係の構築と再構築について関心があります。そこで私は「パレスチナ・ホスティング協会」（Fig.4）を2017年に立ち上げました。これは美食家や料理人、アーティス
ト、研究者、その他食文化に関心を持つ人々から成る団体です。
パレスチナのさまざまな街で開催している「Food Walks（フードウォーク）」の紹介で締めくくりたいと思います。食材とそれにまつわる物語に焦点を当て、旧市街にあるタヒニ（胡麻ペースト）工場の歴史を見て歩くツアーを行いました。また昨日はオレンジ・ブロッサムとカルダモンのアイスクリームに胡麻のクランブルを添え、タヒニでできたハルワというお菓子とピスタチオをトッピングしたデザートを作りました。ギャラリー
トーク後の温かな雰囲気の場で、リサーチの一端と、日本の皆さんには馴染みが薄いかもしれない味と香りを知って欲しかったためです。

Then I presented ‘Potato Talks’ (Fig.2), a public performanceproject that is staged in different cities and countries(2015-ongoing) every time with a new different theme andnew 10 people.

Then I presented a work that I produced and showed at Tokyo
Wonder Site, called ‘(dis)concert: Humming Project’(2016-ongoing) (Fig.3), in which I invited Japanese composer

Haruka Hirayama, to create a composition from the hums I
collected from Tokyo, Cairo and Palestine. The piece of musicthat is created for the installation reflects the transcendence
quality of the act of humming: an action that transforms intoa refuge, a shelter, in a world that feels constantly on the edgeof disaster. The humming project is ongoing, with new cities,
hums and composers.

I followed that by presenting my current interest in

researching food practices and their way of constructing andreconstructing relations with place, history, society andFig.1《地雷の埋まった私たちの土地》2012年／“This Minded Land of Ours”, 2012

politics over food. I focused on a collective that I started apublic program called ‘Palestine Hosting Society’ (Fig.4) in
2017, a collective of food enthusiasts, cooks, artists,
researchers and those interested in the culture of food.

I then concluded by presenting, ‘Food Walks’ that I organize in

different cities in Palestine, in which I focus on ingredientsand their story, I presented a walk that looks at the history of

Tahini Factories in the old city. I made an orange blossom andcardamom ice-cream with sesame crumble, and topped with
Tahini Halva and pistachio, this dessert intended to give theJapanese audience a taste of the research and a taste of andflavors that might not be familiar to them in a warm gathering
after the gallery talk.

Fig.2 プロジェクト「ポテトトーク」（2015年-）
より／in project ‘Potato Talks’, 2015-

In the artist talk that I presented at The Museum of Fine Arts,
Gifu, I started by giving an introduction on myself and mybackground being born and based in Palestine, and myeducational background in psychology, visual arts andprofessional cooking.

During the talk, I walked the audience through 5 projects,
previous works, ongoing and some project in production.

I started with one of my first videos that I made in 2012: “This

Mined Land of Ours” (Fig.1). A stop motion video of images ofprotesters are presented on a blank white background,creating the effect of total dislocation while in fact they arerisking their lives to return to where they were ethnicallycleansed from.

20｜

ミルナ・バーミア

Fig.4
パブリックプログラム「パレスチナ・ホスティング協会」（2017年－）
より／
in public program ‘Palestine Hosting Society’, 2017-

Fig.3 プロジェクト「ハミングプロジェクト」（2016年-）
より／in project ‘Humming Project’, 2016-21｜

Mirna Bamieh発表４ 岡﨑弘樹｜Hiroki Okazaki

シリアの絵画・映像表現にみるディアスポラ経験の表象｜
The Diaspora Experience as Expressed in Syrian Painting and Film
6年以上にわたって戦乱が続くシリアでは、既に人口の4分の1以上にあたる500万人が国外に脱出し、その多くは難民となりました。まさに離散です。しかし、1970年より続くアサド体
制の下で、既に一世代前にはこの離散は始まっていました。特に70年代後半から80年代前半の大弾圧時代には、作家や芸術家も含め自由を求める多数の人々が、体制に追われました。当時の収監経験者は実に1万7千人。ハマ事件（1982）などで虐殺された者は数万人と言われますが、正確な統計はありません。ユーセフ・アブデルキーも、こうした暗黒時代を生き抜いた一世代前の画家です。
アブデルキーは、2年間の収監を経て、1980年にパリに亡命しました。静物画を得意とします。作品に明確に現れているモチーフとは、一言で言えば、断絶の経験です。無残にも首下から切り落とされ、目を見開いた一匹の魚。肘下から見事に切り落とされた怒りの握り拳。突き刺さった包丁の横で、仰向けで息絶えた一匹の小鳥。泳いで、握りしめて、飛ぼうとした者らがあまりに無残な政治の暴力によって、愛した故郷から、家族
から、仲間から切り離され、「難死」
していくのです。
（Fig.1）
その一方で、2011年以降、シリアの若手画家が描く戦時下の祖国の情景は、アブデルキーの作品と比べれば、いっそう直情的と言えるでしょう。ドイツのワイマールで活躍するハーリ
ド・アルフェは、政府軍の戦闘機が自国民を爆撃し、市民がもだえ苦しむ阿鼻叫喚の光景を、飛び散る血しぶきを連想させる赤色の色調で描き出します。まともに目を向けることなどできない凄惨な虐殺の情景は、やはり抽象画によってしか表現し得ないでしょう。
（Fig.2）
離散経験を描く上で、絵画美術にみられた
「静」
から
「動」へ
の転換は、映像作品でも同様にみられました。ハーラ・アブドゥッラー監督の『彼女の墓にお花をそえるのは私』（2006）という記録映画では、亡命生活の苦悩が静かに語られます。
2005年に25年ぶりに帰国を許され、ダマスカス空港でかつての仲間から大歓迎を受けるアブデルキーも登場します。涙なしには語り合えない宴の後、再びシーンは墓地へと移ります。
亡命の最中に亡くなった家族の墓の側で、自らの不孝を静かに省みる姿が印象的です。
戦乱の最中で、新たな離散経験を描いた映像作品も登場しました。アルフォーズ・タンジュール監督の『カーキ色の記憶』（2016）（Fig.3）です。2017年山形国際ドキュメンタリー祭で最優秀賞を獲得した同作品では4人の語り手が、「カーキ色の軍服」に象徴化される体制による弾圧の記憶を語ります。映画の後半部では、近隣諸国や欧州各地に離散していく難民が映し出されながら、祖国を日々襲う爆撃音が囂々とこだまします。
地獄を逃れながらも地獄を引きずっています。祖国を追われてからというもの、全てはかりそめの宿であり、逃げる場所、
安住の地などどこにもありません。監督自身も祖国を追われ、冬のオーストリアの凍てつく寒さの中で心も体もずたずたに打ちのめされました。それでも、監督は言います。
「自分が製作する映画を通じて人生に立ち向かい、痛みに、苛酷さに、疎外感に、おそらく郷愁にも立ち向かわなければなりませんでした。つまり、映画は抵抗するための行動となったのです」。
中東地域では古代のユダヤ人、1948年以降のパレスチナ

22

｜

岡﨑弘樹

人、21世紀のイラク人と「離散の連鎖」
が続いてきましたが、現在まさにその嵐の最中に置かれたのがシリア人です。
『カーキ
色の記憶』
の登場人物の一人は、「祖国を離れた瞬間、安堵感と同時に深い喪失感に襲われる。抱きしめた両腕の中で胎児が死んでいくような感覚」と語りつつも、「少なくともこの痛みを声に出し、表現し、他人を分かち合っていくことが大切だ」と強調します。作家らは、切り離そうとも切り離せない故郷を想いつつ、分裂の意識を、生々しい苦悩を、深まるアイデンティ
ティの危機を、作品を通して観る者と共有しようと闘っているのです。
Over six years of ongoing armed conflict in Syria has caused
five million people, over a quarter of the population, to flee
the country, often to become refugees. They literally
dispersed model case of diaspora. However, this diaspora
had in fact begun a generation ago, under the Hafez al-Assadregime, which took power in the 1970s. Authors, artists, andmany others advocating freedom were persecuted by theregime, especially during the period of major suppression in
the late 70s and early 80s. As many as 17,000 people were
imprisoned. Tens of thousands are thought to have beenslaughtered in the 1982 Hama Massacre, though exact
numbers are not known. Youssef Abdelke is among the older
generations of artists who survived these dark times.
Abdelke fled to Paris in 1980 after two years’
imprisonment. Still life is his forte. His most recurring motifs—
a ghastly chopped head of a fish, its eye wide open; angry
fists, severed cleanly from the elbow; a little bird, dead on its
back beside a knife impaling the ground—convey theexperience of severance; severance from one’ s beloved
homeland, family, and friends; and meaningless andabsurd-death at the hand of ruthless political violence, met
by those who tried to swim, clench fists, or take flight (Fig.1).
In comparison to Abdelke’ s works, representations of
Syria under war, made in or after 2011 by the country’ s
younger artists are often more impulsive. Khaled Arfeh, whoworks in Weimar, Germany, employed a red palettesuggestive of splattered blood to represent the agonizing
scene of air-raids on citizens by their own government.
Abstraction, arguably, comes into its own when representing
scenes of carnage like this, which are almost too harrowing tobehold (Fig.2).
This shift from ‘still’ to ‘dynamic’ in paintings dealing withthe diaspora experience is also evident in film works. In his
2006 documentary movie, “I Am the One Who Brings Flowers
to Her Grave” , director Hala Abdallah adopts a subdued
narrative to convey the pain of life in exile. The
aforementioned Abdelke also appears in the film as he arrives
at Damascus International Airport in 2005, after being
allowed back home for the first time in 25 years to a hearty

welcome by old friends. After scenes of tearful reunions andfeasting, the camera moves back into the cemetery,
capturing the poignant scene in which Abdelke solemnly
reflects on what he could have done differently as he stands
by the grave of a family member who had died during his
exile.
Another development has appeared on a film portraying
new types of diaspora experiences that have emerged during
the war. It is “A Memory in Khaki” (2016) (Fig.3), directed by
Alfoz Tanjour. This film, which received the Mayor’ s Prize at
the Yamagata International Documentary Film Festival,features four narrators who recount memories of oppression
suffered under a regime symbolized by a khaki military outfit.
The second half of the film contains footage of refugees
dispersing to neighboring countries and various parts ofEurope against the background noise of the relentlessbombardment their homeland is subjected to day in and dayout. These refugees drag hell along with them, even as theyflee hell. Every place they go after banishment is but
temporary: there is no safe haven, no place to live in peace.
Tanjour himself is also a member of the diaspora, who had
experienced being completely worn out both physically andmentally in the bitter cold of Austria in winter. Yet the director
says: ‘Through my own film, I had to face life, pain, harshness,alienation, and probably also nostalgia. In other words, thefilm became an act of defiance.’
Like the ancient Jews, the Palestinians from 1948 onward,
and the Iraqis in the 21st century, Syrians are today in the
midst of a storm that is the diaspora ongoing in the Middle
East since time immemorial. One of the protagonists of “A
Memory in Khaki” says, ‘The moment you leave your country,
you are struck by both relief and a deep sense of loss, as if anunborn child is dying in your embrace.’ And she reiterates: ‘It
is crucial for us to at least voice, express, and share this pain.’
Through their works, artists are battling to share with viewers
their sense of split, raw anguish, and ever-deepening identity
crisis, while remembering a homeland they can never cut off.

Fig.3 アルフォーズ・タンジュール監督『カーキ色の記憶』（2016年）
より／directed by Alfoz Tanjour, “A Memory in Khaki”, 2016

Fig.1 ユーセフ・アブデルキー《ナイフと小鳥》2013年／Youssef Abdelke, “Knife and bird”, 2013

Fig.2 ハーリド・アルフェ《デリゾール》2015年（2015年
12月講演者撮影）／Khaled Arfeh, “Deir ez-Zor”, 2015,
photographed by Hiroki OKAZAKI in December 2015

23｜

Hiroki Okazaki発表５ 岡 真理｜Mari Oka

「離散」
を希望の
「散種」
に変換するアート｜
Art for Transforming the Diaspora Experience into a Dissemination of Hope
パレスチナを中心にディアスポラとアートについてお話しいディアスポラ
たします。
「離散」と同じく、一つ所から四方に飛散するという意味で「散種」という言葉がありますが、両者は決定的に違います。
「散種」は自ら飛び散ることです。そこには喜びがありますが、「離散」には悲しみや痛みが伴います。自らの意思に反して故郷を追われ、去らねばならないからです。離散とはエグ
ザエル（追放、流浪）です。離散には常に「ワタン」（アラビア語で「故郷、祖国」の意）
からの追放とその喪失があります。ワタンとエグザエルは離散の本質をなす対概念ですが、逆に考えれば離散には常にワタンへの帰還の夢が孕まれているとも言えます。
パレスチナ人の離散をもたらしたのは、1948年のイスラエ
ル建国です。人々は状況が落ち着けば村に戻るつもりでした
が、ひとたび国境を超え難民となった者たちは今日まで故郷に戻ることができないでいます。イスラエル建国に伴うこの民族浄化で75万人以上が難民となり、70年後の現在、国連に登録されている難民だけで500万人以上です。この民族浄化と難民化の悲劇をアラビア語でナクバ（大破局）といいます。
異邦に生きる難民は、自国で国民として生きる者たちが当然のごとく享受している権利を奪われています。一方、占領下の人々もあるべきワタンを奪われているという点で、難民とは別の形でエグザエルを生きています。つまり占領も離散の一部だということです。ナクバから70年、東エルサレムを含む西岸とガザの占領から50年が過ぎ、パレスチナ人が生きるエグザエルの形も多様化しました。ナクバで難民となり国外に離散した者たちは当初、ヨルダンやレバノンなど周辺国の難民キャンプにいましたが、今では世界中に広がり、パレスチナ人の離散はグローバルに拡大しています。また、故国にとどまりながら、「ユダヤ国家」の異邦人として生きる者たちもいます。
パレスチナ人が生きるこうした離散の多様性を、パレスチナ人作家エミリー・ジャーシルは《私たちが来たるところ》という作品に表しました。ジャーシルは様々なディアスポラ・パレス
チナ人から自分の代わりに叶えてほしい願いを聞いて、それを実行します。たとえばハイファの通りで最初に会った男の子とサッカーをしてほしいとか（Fig.1）、両親の故郷の村で水を飲んでほしいなど。なぜ彼らがそんなことを願うかといえば、彼ら自身は自分たちの故郷へ行きたくても行けないからです。
作品には、これらパレスチナ人一人ひとりが置かれている離散の今日的諸相と、彼らから何が奪われているのかが民族的な大きな物語ではなく個人的で私的な物語として表現され、さらに彼らが託す願いを通じて離散パレスチナ人のワタンへの帰還の希求が描かれています。離散の悲しみ、痛みの物語ではあるけれど、作品には別の誰かがその願いを叶えたというある種の喜びがあり、さらにそれが帰還の夢として、作品を観る者たちへ散種されていく作品となっています。
「離散」の経験を出会いと希望の「散種」の経験に変換するアートの例として、ヨルダン川西岸地区で開催されるカラン
ディヤ・インターナショナル（Fig.2）というビエンナーレ形式のアートイベントの試みがあります。西岸分断の象徴として悪名高い検問所の名を冠したこのビエンナーレは2012年に始まり、パレスチナを中心に世界のアーティストが参加して行われ

24

｜

岡 真理

ています。分断の象徴が、世界中がつながり出会う希望の象徴へと変換され、分断なき未来を希求する希望の散種となっているのです。
パレスチナ以外では、1976年のモロッコによる西サハラ占領で故郷を追われたサハラウィ（西サハラの民）が、アルジェリ
アの砂漠の中にある難民キャンプの近くでアーティファリティ（ARTiFariti）（Fig.3）というイベントを行っています。ティファリ
ティは、サハラウィの難民たちが暮らす集落の名前です。世界中から色々なアーティストが訪れ、砂漠の村で作品制作やワー
クショップを行います。離散の経験がアートを通して出会いの経験に変換され、それがディアスポラを生きる人々の魂の栄養となると同時に、サハラウィのワタンへの帰還の夢が、参加したアーティストを通して世界に散種されます。
この「ディアスポラ・ナウ！」展も、離散を希望の散種へと変換するアートによる試みと考えたとき、どのようなものが見えてくるでしょうか。
I would like to discuss art and diaspora, especially pertaining
to Palestine. Another word, which like ‘diaspora’ denotes

spreading out in all directions, is ‘dissemination,’ but the twoare significantly different. In ‘dissemination’ the act of
spreading is voluntary and upbeat, while ‘diaspora’ isaccompanied by the sorrow and pain of involuntary removal

stayed at refugee camps in neighboring Jordan or Lebanon.

But today they have spread to many corners of the world,

continuing the global expansion of the Palestinian diaspora.

There are also those who remain in their homeland, living as‘foreigners’ in a Jewish state.

The diverse forms of diaspora lived by Palestinians weremade into an artwork titled, “Where We Come From” byPalestinian artist Emily Jacir. In this work, Jacir listened toand fulfilled on their behalf the wishes of various members of

the Palestinian diaspora. These included, ‘play soccer withthe first [Palestinian] boy you meet in the streets of Haifa,’(Fig.1) and ‘drink water in my parents’ home village.’ The

Palestinians would not be making such wishes had they not
been denied access to their homeland. “Where We ComeFrom” shows as individual, private stories—as opposed to a
grand epic—the many and varied states of diaspora

Palestinians today find themselves in, as well as what has

been taken away from them. Through their wishes, the work
also conveys the Palestinian diaspora’ s desire for a return totheir homeland. Although the grief and suffering of diaspora
are the subject, the work’ s wish-fulfillment by proxy is notwithout a sense of joyfulness, which disseminates the hope of
returning home to viewers.

Another example of art transforming the diaspora

from one’ s homeland. ‘Diaspora,’ in its original sense, is exile;

experience into a hopeful experience of dissemination is

Arabic. ‘Homeland’ and ‘exile’ are the pair of concepts at theevent held in the West Bank. Named after the notorious

banishment from and loss of one’ s homeland, ‘Watan’ incore of ‘diaspora,’ but conversely, one can also say that‘diaspora’ is never without the hope of one day returninghome.

The diaspora of Palestinians was caused by the 1948

founding of Israel. People were initially optimistic about

returning to their villages once things settled down. But tothis day, those who crossed the border and became refugees

Qalandiya International (Fig.2), an experimental biannual art
checkpoint that came to symbolize the division of the West

Bank, this biennale was born in 2012 with the participation ofPalestinian and international artists. A symbol of division has

bringing together the whole world, disseminating the dreamof an undivided future.

If we look beyond Palestine, there is also an art event

named ARTifariti (Fig.3), held near a refugee camp in the

more than 750,000 people as refugees. Today, 70 years on,

displaced by the 1976 Moroccan occupation of Western

there are more than 5 million refugees on the UN register
alone. This tragic combination of ethnic cleansing andrefugees is referred to as the ‘Nakba’ (The great catastrophe)
in Arabic.

Refugees living in foreign lands are stripped of the kinds ofrights that citizens in homelands take for granted. In thesense that their homeland as it should be is taken away,

people under occupation are also living in exile, though not in
the same way as refugees. Life under occupation is therefore

another form of diaspora. Seventy years from the Nakba, and50 years from the occupation of the Gaza Strip and the West

Fig.2 第1回のカランディヤ・インターナショナルの広報画像（2012年）／
publicity of the 1st Qalandiya International, 2012

been transformed into a symbol of hope for connecting andremain unable to return to their homeland. The ethnic

cleansing accompanying the establishment of Israel displaced

Fig.1 エミリー・ジャーシル《私たちが来たるところ》2001-2003年、
部分「ハナ」／Emily Jacir, “Where We Come From”, 2001-2003 detail (Hana)
American passport, 30 texts, 32 c-prints and 1 video, photo: Bill Orcutt,© Emily Jacir, courtesy Alexander and Bonin, New York

Algerian desert by Sahrawi, peoples of Western Sahara,

Sahara. Tifariti is the name of a town where many Sahrawi
refugees now live. Artists from all over the world visit thissmall desert town to produce artworks or hold workshops. Art
transforms the experiences of diaspora into experiences ofencounter, which nourish the mind of the diaspora. At thesame time, participating artists disseminate the Sahrawi
dream of returning home to the world.

As another attempt by art to transform ‘diaspora’ into

‘dissemination,’ I look forward to discovering what thisexhibition, Diaspora Now! will show us.

Fig.3 ルッジェーロ・ロペス・クエンカによる 2007年 アーティファリティ
でのパブリックアートについてのフォーラムの様子／scene of a debate
forum on public art in ARTifariti 2007 by Rogelio López Cuenca

Bank including East Jerusalem, the forms of exile endured byPalestinians have diversified significantly. Those who were
expelled by the Nakba and fled outside the country initially25｜

Mari Oka

全体討議｜Discussion
司会：ここからはアートの現場について、まずはカランディア・イン
ターナショナル（Qi）のことから聞かせていただきたいと思います。

ミルナ：ご覧いただいた《地雷の埋まった私たちの土地》
は2012年に開催された第1回目のQiのために制作しました。パレスチナにおける最大の支援団体の１つであるA.M.カタン財団が開催している「本年の若手作家賞（The Young Artist of The Year）」
もおこな
われており、アクラムさんが2008年に受賞したのに続き、私は
2012年に受賞しました。
2012年に初めて開催されたQiは、パレスチナのエルサレム、ラマ
1
ラ、48エリア とゴラン高原の比較的古い団体が共催する初の試みです。芸術・文化に対する支援をおこなっていたEUやアメリカの団体から支援が受けられない時期に生み出されました。また、政府の援助もほとんど無い状態でした。パレスチナで文化・芸術を生み出し牽引しているのは団体やNGOなのです。2012年には、文化支
援から教育支援への方針の転換によって、若手アーティストをプ
ロデュースしていたEUやアメリカからのお金は全て止められました。そこで全ての組織はお金を自ら作り、協力してお互いに支出し合えるようにビエンナーレを作り上げました。昨年3回目のQiがお
こなわれました。2018年には地元の団体に加えて海外の団体にも公募をかけており、地元と海外のアーティストの両方から応募がある予定です。ですから次回のビエンナーレは過去最大規模となるでしょう。
私は第1回目のQiの際にはアーティストと同時にキュレーターとして参加しました。エルサレムのギャラリーに勤務していたのですが、エルサレムで会場となった組織はアル＝ホーシュ（Al Hoash）とアル＝ママル（Al Ma'mal）の2つしかありません。ラマラにはいくつかありますがとても少ないです。48エリアには2、3あるでしょうか。
数はとても少ないですが、パレスチナの文化やアートの現場を本当の意味で牽引しており、政府にはできないことを行っています。
そういった意味でもこのビエンナーレにはとても大きな意義があ
りますし、今後さらに充実して成果を生み出すものと期待を寄せています。

司会：アートによって地域や人がつながります。岡先生の発表では異なる地域の人が出会う西サハラのアーティファリティでおこな
われたアーティスト・ミーティングについての言及がありました。規
模や方向は違いますが、アクラムさんはマジャル・シャムスにアートによって人が集まる場所を作り、シリア文化が継承できるようにしていました。アクラムさんからもゴラン高原で展開されているアートの施設や事業について補足説明をいただけますか。

アクラム：先ほど少し触れたようにゴラン高原には2004年に創設したファテ・アル＝ムダリス芸術文化センターがあります。立ち上げたのは私の先生でもあるアーティストのワエル・タラベです。小さなグループでランダ・マッダなど他の友達とともに学びました。
私たちはセンターに8年間勤めました。基金はなく、財政支援も長
らくありませんでした。ですから私たちはワークショップなどの活動で働き、人々に支援を募りました。また子ども向けに芸術を教えるアトリエを作りました。全ての業務は興味を持った人たちによってボランティアでおこなわれました。私たちは機関を維持し、働きたいと思っていました。ここ数年はカタン財団とパレスチナとのつながりができ、共に多くのプロジェクトを手掛けました。しかし、シリアでの内戦を受け、ゴラン高原では社会にも人々の間にも亀裂ができてしまいました。政権への支持者と対立者がいる状況
はゴラン高原に様々な変化をもたらしました。そして最初にその影響は私たちの機関に及びました。
ピザを出す小さなカフェテリアをやっており、そこでは私たちの機関の家賃を払うだけの収入を得ていました。しかしシリアで戦争がはじまると、ゴラン高原でも対立的になって好戦的な機運が高まり、私たちのセンターも影響を受けてうまくいかなくなり、支援がなくなってしまいました。これが私たちの機関の終わりへの始まりです。私たちは支援を求めていたのですが、状況は悪くなるばかりでついに支援がなくなりました。私たちは8年間ここでボランティ
アとして働きました。多くのプロジェクトが中断されました。
しかし先月、友人たちから再開を希望していると聞きました。彼ら
は、「私たちは現にここにいるのだし、続けたいと思っている」と言っていました。他にもゴラン高原には文化活動をおこなうグループがマサダ、ブカタ、マジャル・シャムスにもあります。

司会：ここからはこれまでの感想をそれぞれお話しいただけますか。

ナブチ：私たちがいつも考えているのは当事者性についてです。
今日来てくれている外国からのアーティストは当事者ですが、私た
ちは避難民でもなく、難民でもなく当事者ではないためスタンスに隔たりがあります。外部の人間が何かをするときには、それがどういうことかもう一度考えるべきだと思います。当事者以外が何かをするときには危ういと思う瞬間があります。当事者でないがゆえに悲惨なものをより悲惨に見せてしまったり…

ホンマ：当事者でないからこそ、その悲しみや苦しみを想像以上に、もしくは過剰に自分に憑依させてしまうことがあります。私たちは当事者ではないからこそ、そこに気を付けて制作し、その事象への距離感を大事に思っています。離散という言葉が持つ悲しみや苦しみについて共感しましたが、私たちは距離があるからこそその悲しみや苦しみとはちょっとずれた、急に出てきた人間味や、少しファニーに見えるものを探すことを重要視しています。
ミルナ：今回の私の発表は聴衆を考慮して、ある程度背景についてお話しすることで、何が起きて何が続いているのかを認識していただこうと考えました。私たちの作品は不安を与えるかもしれま
せんが、発表をとおして何とかその不安に文脈を与えたかったのです。なぜなら、私たちはアーティストとして痛みに対処する際に距離を置いて見ようとします。それは個人的な痛みだけでなく、集団としての痛みでも同様であり、しばしば集団としての痛みは個
人的な痛みよりも深く心に影響します。今回の展示作品は素晴らしい構成で、難民の目隠しされた作品や、その傍らにはパレスチ
ナ、シリア、さらにモロッコの作品が並んでいます。
作品は広い文脈をとらえています。そのとらえた文脈の入口がアートで良かったと思います。講義やシンポジウム、論文、学問の世界ではなく、とても個人的なエピソードで、例えば私たちは体験したけれども多くの聴衆は体験していない、しかし感じることができるものでした。自身を結び付けることもできるでしょう。昨日もお話ししましたが、そのような取り組みや活動は、政府と政府が断絶を生んでいる今日にあって、つながりを生み出し、人間に光を当てるために世界のどこでも必要だと思います。
アクラム：発表はご自身について個人的な興味や経歴などと共にお話しくださったので興味深かったです。展覧会と共にとても興味
深くて良い発表だったと思います。シリアやパレスチナの背景についての発表もとても重要だったと思います。お話しくださった歴史的背景は私たちに広い視野を与え、作品を文脈に組み込んでくれます。この発表によって、私の作品を受け入れる背景があったのだと感じました。

岡﨑：先ほど紹介した『カーキ色の記憶』という映画作品が重要だと思い、日本で放映してほしいと思いましたが、配給元が簡単には見つかりませんでした。当事者が関わっているということは、半分関わっている人がもっと頑張らないと普及しないということがわ
かりました。
今日アーティストによる発表で面白いと思ったのが、私的なかけがえのない一人ひとりの物語、たとえばキュンチョメさんの指紋や、

1 1948年のナクバ（イスラエル独立戦争）後イスラエル領となったパレスチナ自治区外の地域

26

｜

全体討議

ミルナさんのジャガイモ、アクラムさんの現地からの写真によるアートです。唯一のもの、かけがえのないものをアートにしていこうという共通するテーマだと思います。
今日いらした方はデジタル世代だなと思いました。最新技術を使ってできるアートは本当にたくさんあると。それと同時にそれぞれのアーティストが伝統的な芸術と新しい芸術をどのようにつなげていくのか、新しい技術で何ができると思っているのかということに興味があります。

岡：当事者性に関して言えば、当事者とはなんだろうと。エミリー・ジャーシルの話をしましたが、彼女はパレスチナ人ですが、彼女にリクエストを寄せたそれぞれのパレスチナ人たちと立場が異なります。当事者性というのはグラデーションだと思います。そうすると、
当事者性というのは何を持って当事者性というかが問題です。共通するのはアーティストとして今起きている社会、世界に応答した
いという気持ちを持って制作しておられるということだと思います。そういう意味で、アーティストとして地球上で起きている何らかの出来事に向き合っているという当事者性を感じました。距離感を大切にするという点が直接的に描くジャーナリズムとは異なります。ディアスポラに生きている者たちの痛みや悲しみを直接的に表現するのではないそのアート表現を行ったのが当事者でも当事者でなくても、アート表現自体がその距離感を要請しているのではないかと思いました。
司会：キュンチョメさんは飛行機のお時間がありますので、ここで退室されます。

ホンマ：最後に一言。まさにアートは今起こっていることの応答だと思います。応答でもあり、予告だと思います。私たちがやっていることは未来予想になって行く可能性があります。だから応答にとどまらず予告として動けるようにしたいと思います。
[キュンチョメ
（ホンマ、ナブチ）
退席]

岡：アクラムさんの《チーク》を私は見ることができませんでした。
ガザ攻撃で痛ましくも殺された子供の写真を扱っているので、そのような写真に鈍感になっていると思っていました。リアルに撮られたものだと一つのイメージとしてとらえてしまいますが、アクラムさんの作品では亡骸の上に打たれた点、ほっぺた、あご、鼻、口、目、髪といったようにドットをなぞってしまうのです。それで思い出したのが、ジャン・ジュネが1982年にサブラ・シャティーラの虐殺の後にシャティーラキャンプに入り、4時間さまよった後に書いたエッセイです。文学者のジュネらしくそこで書かれているのは亡骸との対話です。繊細に少女の亡骸がどのようなものか、見開いた瞳の色やスカートのチェック柄の色など。けして遺体の悲惨さを描いたものではありません。愛情をこめてまさに視線によって愛撫するよ
うに描いているのでのどが締め付けられるようになってきます。ア
クラムさんの作品はまさに視線で愛撫するように表現されていて、普通の人が撮影した携帯の写真とは違うアートの力だと感じました。最後にパレスチナに関わるものとして申し上げたいのが、ガザ地区はイスラエルによって2007年に封鎖されて今年で11年目になりますが、今でもほとんど誰も入ることも出ることもできません。
しかしそのような状況でもガザのアーティストたちは作品を制作し続け、インターネットで写真を公開しています。しかし作品が世界を旅して実際に美術館で見て、アーティストに生で出会うことで、
私たちはインスピレーションを得ます。それ自体がガザでは禁じられており、アーティストも作品もガザへは自由に出入りができません。アートに携わる者として、アートの本来のありようが禁じられているガザについて考えていかなければならないと思います。
司会：今回の展覧会はワタンをテーマにしましたが、そこには故郷へ出入りできない人に対する問題がはらんでいます。作家選定については、ディアスポラやワタンへの関わり方、当事者と部外者は何ができるのか、どのようにアプローチできるのかという点を考えました。私が最初に関わりを持ったのはラリッサ・サンスールの作品でしたが、ラリッサの作品はパレスチナの作家として想起されるものとは異なりました。戦争を直接的に想起させるモチーフではなく、パレスチナの外からSFに置き換えて作品にしたというすごさがあります。アーティストは表現を更新させ、世界を広げていけます。出られないでいるところへ、何らかの形でアプローチしようとします。また、自分自身でアートの環境そのものを作っていける力があります。キュンチョメで言うなら準備運動をして自分たちで動いていけること。そのような作家に出品を依頼しました。
それでは会場から質問をお受けしたいと思います。
質問者：ミルナさんに質問です。難民やディアスポラ二世といっても千差万別だと思いますが、パレスチナにいるミルナさんご自身にとって「帰還」とはどのようなものですか。

ミルナ：他の国の方も同様なのかは分かりませんが、私たちの出身地では、自分がいつも疎外されているように感じ、常に住んでいる場所に馴染もうとしながら育つのです。離れたことがないのに、帰りたいと。離れたことはないのに、より故郷らしい場所に帰りた
いと思い続けるのです。なぜならすべてが混乱している空虚な深淵に住んでいるからです。将来は予測不能で、現在は不確実です。
足元に地面がないように感じ、ただ安らげる場所を求めるのです。
故郷とはすなわち安らぎです。常に私はくつろげ、家があり、息のつける心的空間を求めています。ですから「帰還」とは私にとっては恒久的な不安であり、必要であり、死ぬまで叶わないかもしれない切望なのです。生きているうちには叶わないかもしれない、とても個人的な問題だと思います。物理的に故郷を離れたかどうかにかかわらず、私と同世代、上の世代、若い世代のとても多くの人々がこの状況下でずっと暮らし続けるのかもしれません。

Discussion

Facilitator: Next I’d like to hear about the art scene on the
ground, starting with Qalandiya International (Qi).

Mirna: The piece that I showed “This Mined Land of Ours”
was produced for the first edition of Qi in 2012 withcompetition that is held since 2012 with A.M.Qattan
Foundation, one of the biggest supporting our foundation in
Palestine. And the competition is called Young Artist of theYear Award. Akram was in the competition in 2008 and I wasin 2012.
So, Qi started in 2012, and it was the first attempt for older
institutions in Jerusalem, Ramallah, the 48th area and Golan
Heights to work together. It was a product of the time when
there was no support from the EU and the American
institutions that usually fund the art and culture, and it was abank. There was no money or there was little money comingfrom the government to art and to institutions. Institutions
and NGOs are actually the ones who are making andmobilizing culture and arts in Palestine. In 2012, the EU, theAmerican money, all this money that was funding young
artists to produce stopped because agendas changed toeducation instead of culture. So all the institutions foundthemselves and worked together to create a biennial where
each channel must create something and put money on topof each other to create another. The third edition was lastyear, and in 2018 the biennial is making an open call for

27｜

Discussion

institutions, international and local institutions, to participate
in the biennial, and then they will open the call for artists,
international and local both. So it will be the biggest.
At the first Qi, I was working as a curator and I was working as
an artist. I was working in a gallery in Jerusalem, and there
are only two galleries in Jerusalem, art institutions, Al Hoash
and Al Ma'mal. In Ramallah, there are a few more but they
very-very few, and in the 48th area there are maybe two or
three. They are very few but they really mobilize the whole
culture of art scene in Palestine, and they do what
governments cannot do. So it’s very important to have thisbiennial and I keep hoping that it will improve more andmore, and I’m very hopeful about this coming to fruition.

Facilitator: Different people and regions become connected
through art. In the presentation of Professor Oka, she madereference to the West Saharan ARTifariti artists’ gathering,where people and artists from various regions come together.
The scale and orientation of the project is different, but in
Majdal Shams, Akram has also been a part of creating a spacefor people to come together through art, thus ensure that
Syrian culture is handed down and preserved. Akram, would
you be able to talk further about the development of art
facilities and projects in Golan Heights?

Akram: In Golan Heights, I talked before little bit about Fateh
Al Mudarris Center of Art and Culture, which started in 2004.
Actually, it started by the artists, Wael Tarabeh, my teacher,we were a small group of people, Randa Maddah and me, we
study together with the other friends. We’ve worked 8 years in
the center. We didn’t have funding. There was no financial
support for a long time. So we were working like making
workshops and asking people also if they wish to support us.
We built a small studio to teach fine art courses for children.
So, all the work was volunteer work, done by people who
were interested. We just want to keep going and work. In thelast few years, we connected with the Qattan Foundation in
Palestine, together we made many projects, but what
happened now after the war in Syria is that in Golan Heights,
the society, the people, they are separated, because somepeople support the regime, and some people are against theregime, and this situation also changed so many things in
Golan Heights, and the first thing that was affected by thiswas our institute.
What happened is that we have a small cafeteria for pizza. We
have got a little bit money just to pay the rent of the space of
our institute, and when the war started in Syria, started to be
like a conflict in the Golan, aggressive time in Golan Heights,
this affected us as an institute, the cafeteria doesn’t work
good, and there is no support. So this was the beginning of
the end of the institute. We were looking for support and thenit was worse and worse and it stopped. We worked 8 years asvolunteers in this institute. Many projects had been stopped.
Actually last month, I heard from friends that we want tostart again. They just said, we are here and we want tocontinue. There are other groups in Golan Heights who justmake cultural activities in Masada, in Buq'ata, also in Majdal
Shams.
Facilitator: Could you each share your thoughts and feelings
so far?

28

｜

全体討議

Nabuchi: We are always thinking about the issue of whether
or not the artist has direct experience with their subject
matter. The artists from overseas here with us today have thisdirect experience. We, on the other hand, are not displaced
people or refugees. We are not insiders, and as a result westand at a distance. Whenever people who are not insiders doanything, they should think carefully about what it is that they
are doing. When outsiders want to do something, there is a
moment of risk. Because they do not have direct experience
with their subject matter, they may show something tragic aseven more tragic…

Honma: Precisely because certain people do not have thisdirect experience, they may depict tragedy and suffering in an
over-the-top way, or make it too much about themselves.
Because we are not insiders, we are very careful of this when
we create, and make sure we remain aware of our distancefrom our subject matter. I felt sympathy hearing about thetragedy and suffering that the word ‘dispersion’ holds. At thesame time, precisely because we are at a distance, we try tolook at these tragic situations from a slightly different
perspective and search for the humanity which can suddenly
materialize, or for a bit of humor.
Mirna: The way I worked on my presentation is slightly
different than I usually work on my presentations because I
kept in mind the audience, and it was very useful to have thepresentations that give kind of a background and I presented
awareness of what happened and what’s still happening, andmaybe we invented a lots of insights through our works andit’s good for having such presentations, somehow to give
context for those anxieties because we as artists, wesometimes try to take distance to process to handle pain andto handle not only our own personal pain but the collective
pain that sometimes affects even more deeply, and seeing all
the works in the exhibition, I really think it’s an amazing
choice of having the artworks that they did with the refugees
with the hands of the blind, blindfolded faces and next to
artworks from Palestine, from Syria, from Morocco.
Somehow, it spoke a wider sentence, and it’s good that the
gateway for this sentence was art, and it was not long talks, it
was not symposiums, it was not papers, it was not academia,
but very personal stories, things like we lived and theaudience most of them did not live it but they can feel it. They
can still relate to it, and as I mentioned yesterday after our
session, I think such initiations and such efforts are reallyneeded everywhere to shed light on the human and to createconnections in a time that disconnections are what
governments are doing.

Akram: I think it’s nice for me to hear everybody comes fromhis or her environment, with his or her individual interest andpersonal stories. That’s interesting. I think it’s nice and very
interesting presentations with the exhibition. I like that theygive us a historical idea about Syria and Palestine, it’s very
important. This historical background gives a wide view for allof us, and puts the art works in their context. I felt after thepresentation like there is a background hosting my work.

Okazaki: I wanted the film I introduced earlier, “A Memory in
Khaki”, to be shown in Japan, as I felt that it was important.

However, finding a distributor was not easy. From thisexperience, I understood that the fact that those with direct
experience with the subject matter were involved meant thatthose half-involved would have to work harder if the film wereto reach a wider audience.
What I found interesting about the artists’ presentations
today was the common theme of turning unique personal
stories into art. For example, KYUN-CHOME’s fingerprints,
Mirna’s potatoes, and Akram’s art made from local
photographs.
I felt that those who are here today are the digital generation,and that there is so much art, which can be created using thelatest technologies. At the same time, I am interested in howeach of these artists connects traditional art and new art, andin what they think can be done with new technologies.
Oka: With regards to the issue of insiders and outsiders, what
exactly is an insider? I spoke earlier about Emily Jacir. She is
Palestinian, but her position is different from that of thePalestinians who gave her their requests. I think that this issueof an artist being an insider is a spectrum, whereupon it
becomes a question of how we define an insider. The
common thread is that these artists all create out of a desire
to respond to the society and world of today. In this sense, I
feel that they all have this ‘insider quality’, that as artists they
confront the events taking place in the world. The value
placed upon a sense of distance is different from journalism,
where the subject matter is depicted in a direct way. I thinkthat regardless of whether the artist in question is an insider
or an outsider, when depicting the pain and sadness of thoseliving as part of a diaspora, perhaps the art itself, as a form of
expression, demands such a distance.
Facilitator: KYUN-CHOME has a plane to catch, so will beleaving now.

Honma: One final thought. I think that art is precisely a
response to what is happening now. It responds and it
foreshadows. There is a chance that what we are doing may
become a prediction of the future. Therefore, we want to notstop at a response, but go further and make art, which
foreshadows what is to come.
[KYUN-CHOME (Honma and Nabuchi) left]

Oka: I was not able to look at Akram’s “Cheek”. Because I deal
with photos of children tragically killed in the Gaza conflict, I
thought that I had become desensitized to such photos. Whensomething is photographed realistically, we tend to see it asjust an image, but in Akram’s piece, he traces over the cheeks,
chins, noses, mouths, eyes, and hair of the dead bodies. This
reminded me of the essay which Jean Genet wrote after
spending 4 hours wandering in the Shatila camp after the
Sabra and Shatila massacre of 1982. What Genet writes, in his
literary way, is a dialogue between himself and a dead body.
He delicately portrays a young girl’s dead body, from the colorof her open eyes to the check pattern of her skirt. It is in no
way a portrayal of the tragedy of the dead body. He writes ofher in a way that is full of love, as though he is caressing her
with his eyes, and so it gives you a lump in your throat. In hispiece, Akram expresses this same caress with his eyes, so that
I feel that the images have a different power from ordinary

photographs taken on a phone. Finally, I would like to say alittle as someone who is involved with Palestine. It is 11 years
this year since Israel imposed a blockade on the Gaza Strip in
2007, and even now hardly anyone is allowed to go in or outof the territory. Despite these circumstances, Gaza’s artists
continue to create art and share their work through photos
online. However, it is as artwork travels the world and we see
it in museums with our own eyes and meet artists in real lifethat we gain inspiration. This very thing is forbidden in Gaza,and neither artists nor their artwork can go in and out of Gaza
freely. As people who are involved in the art world, I think it isimportant for us to think about how in Gaza, art is forbiddenfrom being as it should be.

Facilitator: This exhibition’s theme was ‘watan’, which
encompasses the issue of those who cannot go in and out of
their homeland. When choosing which artists to feature, wethought about their relationship to the concepts of ‘diaspora’and ‘watan’, as well as what insiders and outsiders can eachdo, how they can approach these issues. The artist whose
work I first encountered was Larissa Sansour. Her artwork was
different from what you might expect from a Palestinian
artist. Instead of motifs which evoke the conflict directly, she
incredibly transplants the situation to a science fiction settingfrom outside of Palestine. Artists breathe new life into formsof expression, and in doing so open up the world. They
approach the place from which they cannot leave in whatevermanner they can. Furthermore, they have the strength tocreate the very environment of their art themselves. As
KYUN-CHOME would put it, they do warm-up exercises andcan act on their own. I chose to request to exhibit the work ofsuch artists.
I would now like to take any questions from the audience.
Audience member: This is a question for Mirna. I’m sure thatthe range of experiences among refugees and thesecond-generation diaspora varies enormously, but I would
like to ask what ‘Return’ means to you personally as someone
living in Palestine.

Mirna: I don’t know whether or not it is the same for people
from other countries, but where I am from, we grow up with aconstant sense of alienation, and are always trying to become
familiar with the place where we live. Even though we havenever left, we want to go back. Even though we have neverleft, we keep wanting to go back to a place which feels more
like home. It is because we live in an empty abyss where
everything is in confusion. Our future is unpredictable and ourpresent is uncertain. We feel as though there is no groundbeneath our feet, and are just seeking a place where we canrest. Home is just that, rest. I am constantly seeking an
emotional space where I can be at ease, where I have a home,where I can catch my breath. Therefore, for me, ‘Return’ is aperpetual anxiety, a necessity, and a desire which may not be
fulfilled until my death. That it may not be fulfilled while I am
alive is, I think, a very personal issue.
Regardless of whether or not we have physically left ourhomes, it may be that a great number of people of mygeneration, the generations above me, and the generations
below me will continue to live under these circumstances
forever.

29｜

Discussion

関連事業等｜Related programs

ギャラリーツアー 11月10日(金)ギャラリーツアー
日時：11月10日（金）14:00－15:00、11月17日（金）、12月15日（金）18:30－19:30
担当：西山恒彦（発表順）
招聘アーティスト
ミルナ・バーミア
アクラム・アル=ハラビ
キュンチョメ＊11月10日（金）の詳細はp.31へ

オープニング・シンポジウム
日時：11月11日（土）13:00－16:30
講演：アクラム・アル＝ハラビ（本展出品作家）
岡﨑弘樹（パリ第3大学アラブ研究科博士）
岡真理（京都大学教授）
キュンチョメ（本展出品作家）
ミルナ・バーミア（本展出品作家）＊詳細はp.14へプログラム
ギャラリーツアー（場所：岐阜県美術館展示室3）（場所：カフェ Ruru -流々- のテラス）
ミルナ・バーミアのもてなし❶

中東の民族舞踊「ダブケ」
パフォーマンス
日時：12月2日（土）14:00－15:30
出演：チーム・ダブケ・ジャパン
担当：國枝彩帆＊詳細はp.32へ

ナンヤローネアートツアー
日時：12月9日（土）13:30－14:30
担当：教育普及係

Artists’ Talk, Nov. 10❷

海を渡った故郷の味 ❷日時：会期中 ランチタイム11:00－13:30
提供：レストラン「Cafe Ruru ―流々―」

｜

関連事業等

Invited Artists (in order of speaking)Mirna Bamieh
Akram Al Halabi
KYUN-CHOME

ProgramGallery talks (at the Gallery 3)
Mirna’s entertainment (on the terrace outside the Cafe Ruru)

We had three times for galley talks about the exhibition‘Diaspora Now!’ The first started just after the opening
ceremony, from 2 p.m. November 10, with the two artists
from overseas, Mirna Bamieh and Akram Al Halabi, andJapanese Artists KYUN-CHOME. They talked about their art
works by themselves. Akram talked about the works of his
friend, Randa Maddah, too.
At the end of the talking, participants moved outside to theterrace of the Café Ruru attached to the museum and wereentertained with a cup of ‘orange blossom halwa ice-cream’,
made by Mirna Bamieh. She brought some foodstuffs:
halwa; any of various sweet confections served across the
Arabic world, which is made from tahini (sesame paste) orother nut butters with sugar, orange blossom extract,
cardamom and sesame cookies. While serving the dessert,
she was talking about the stories of the foodstuffs inPalestine. The cooking dessert was a fruit of her public
program ‘Palestine Hosting Society’ and a result of her
researches ‘Food Walks’ organized in Palestine.

難民支援グッズ販売 ❶日時：会期中
場所：ナンヤローネSHOP

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会期中、展示室で作品を前にして解説をおこなうギャラリーツ
アーを3回おこなった。そのうち、11月10日（金）午後2時、開場式後最初のギャラリーツアーでは、海外招聘作家の2人、ミルナ・バーミアとアクラム・アル=ハラビ、日本人出品作家キュンチョメ
の2人が参加し、自らの出品作品について解説した。アクラムには、友人のランダ・マッダの作品も解説してもらった。
ギャラリーツアーの最後に、参加者は展示室から美術館併設のカフェ Ruru-流々-のテラスへ誘導され、ミルナ・バーミアの準備した「オレンジブロッサム・ハルワ・アイスクリーム」が振る舞われた。
ミルナはパレスチナからハルワ（ゴマなどの穀物から出来る油脂に果物や砂糖を加えて作られるアラブ地域の菓子）、オレンジブ
ロッサムのエッセンス、カルダモン、ごまのクッキーを持参してデザート作りをおこなった。彼女はそのデザートを振る舞う際に、パレスチナでのその材料の物語について語った。そのデザート作り
は、彼女が現在おこなっているパブリックプログラム「パレスチナ・ホスティング協会」の成果であり、パレスチナでおこなわれた彼女の「フード・ウォーク」という調査の結果であった。

❷

31｜ ギャラリーツアー

中東の民族舞踊 Dabkeh（ダブケ）パフォーマンス

出演｜チーム・ダブケ・ジャパン（ダンサー：Sadia、Salma、Ayez、
Farhana、Hanady、Maryam）
ダブケを専門とする、日本で初めて結成されたダンスチーム。現在
24名が在籍。専門家であるSadia先生とパレスチナ駐日大使令嬢から国内で直接指導を受け、2014年に結成、以降数々の国際交流イベントに出演。

プログラム
Sadia先生によるスライドを使ったレクチャー／通訳 Salma（ 場
所：多目的ホール）
ダブケ・ワークショップ（場所：多目的ホール）
ダブケ3作品公演（場所：講堂）

ダブケについてダブケとはレバント地域発祥のアラブの民族舞踊のことである。
レ
バントとは地中海東部沿岸地域、シリア、
レバノン、
ヨルダン、
パレ
スチナ地域などを含む一帯をさす地理用語のようになっており、その言葉は東から太陽が昇ることを含意するフランス語の「上る（Levant）」の英語発音による。ダブケでは参加者全員が列を作り、あるいは輪になり、結婚式などのお祝い事の際に頻繁におこワタン
なわれる。一番右側の人物がダブケのリーダーとなり、参加者た
ちは手をつないで左へと列を作っていく。
「ダブケ」という言葉は足を踏み鳴らすことを意味するアラビア語に由来する。パレスチ
ナで現在活動しているダブケのグループは多い。
たいていの学校にダブケのクラブがあり、各市町村が運営する青少年クラブや難民キャンプの中で運営される文化団体にも存在し、中東や諸外国に移り住んだコミュニティーの中にもダブケのグループが形成されている。
ダブケのステップが染み付いている彼らは、故郷を離れて様々な土地に移り住むことになっても、ダブケの音楽が流れると、手を取り合って踊ることが出来る。

Middle Eastern folk dance, Dabkeh, performance
Performance｜Team Dabkeh Japan (dancer: Sadia, Salma,Ayez, Farhana, Hanady, Maryam)
Specializing in dabkeh, organized by the dance team inJapan for the first time. Currently 24 people enrolled. They
received the instruction from the expert Ms. Salma and thePalestine ambassador’s daughter in Japan and they formed
the team in 2014. After that, they appeared in a number ofinternational exchange events.

Program
Sadia’s lecture about Dabkeh with the slide show. Interpretedby Salma (at the Multi-Purpose Hall)
Workshop (at the Multi-Purpose Hall)
Performance of three works (at the Auditorium)

About Dabkeh
Dabkeh is an Arab folk dance native to the Levant. Levant is
an approximate geographical term referring to a large areain the Eastern Mediterranean, Syria, Lebanon, Jordan andPalestine region. The term in English derives from Levant in
French, meaning ‘rising’, implying the rising of the sun in
the east. Dabkeh combines line dancing and circle dance
and is frequently performed at weddings and other joyous
occasions. The leader of the dabkeh heads the line, whichforms from right to left, hand in hand. The word ‘Dabkeh’
derives from the Arabic word meaning stamping of the feet.
Now many group of dabkeh perform in Palestine. Most of
schools have the club activities and refugee camps there,
there are at youth clubs run by each municipality. Even if
the people who are ingrained step of dabkeh, moved awayfrom home to a variety of land, they can dance hand in
hand, once the dabkeh music flows.
32｜

中東の民族舞踊（Dabkeh）

ワタン

ディアスポラ・ナウ！ ～故郷をめぐる現代美術
出品作家｜ムニール・ファトゥミ、ラリッサ・サンスール、アクラム・アル=ハラビ、
ランダ・マッダ、ミルナ・バーミア、キュンチョメ
主催｜岐阜県美術館
会期｜2017年11月10日から2018年1月8日
会場｜岐阜県美術館展示室３［展覧会］
企画｜西山恒彦
スタッフ｜芝涼香（学芸員）、有元まなか（学芸業務専門職）、國枝彩帆（普及業務専門職）［カタログ／報告書］
編集｜西山恒彦、有元まなか
デザイン｜作石敏達＋マクガフィンデザイン事務所
印刷製本｜日本印刷株式会社
翻訳｜株式会社インターグループ（p.16-p.29）
公益財団法人 岐阜県国際交流センター
岐阜県美術館2018年2月28日発行

Diaspora Now! – Contemporary Arts around the Homeland
Artists｜mounir fatmi, Larissa Sansour, Akram Al Halabi, Randa Maddah,
Mirna Bamieh, KYUN-CHOME
The Museum of Fine Arts, Gifu
Period｜November 10, 2017 – January 8, 2018
Venue｜Gallery 3 in The Museum of Fine Arts, Gifu
［Exhibition］
Curator｜Tsunehiko Nishiyama
Exhibition Staff｜Suzuka Shiba, Manaka Arimoto, Ayaho Kunieda［Catalogue/Report］
Editors｜Tsunehiko Nishiyama, Manaka Arimoto
Book Designer｜3914+MacGuffin. Design
Book Printer｜Nippon Printing Co.,Ltd.
Translation｜Inter Group Co.,Ltd. (p.16-p.29)
Gifu International Center
Publication Date｜February 28, 2018
© 2018 The Museum of Fine Arts, Gifu