内倉真一郎個展『忘却の海』開催記念トークイベント
タカザワケンジ氏 × 内倉真一郎
日 時： 2022年6月3日（金）19:30〜
会 場： KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
登壇者： タカザワケンジ氏 × 内倉真一郎（進行：河西香奈）■目次■〈6タイトル連続写真集について〉〈『忘却の海』〉〈『Collection』〉〈『Collection』から『忘却の海』へ〉〈画面構成のこだわり〉〈写真家になるまで〉〈延岡での写真〉〈「命」と写真〉〈質疑応答〉〈6タイトル連続写真集について〉
河西：

本日はご来場いただきましてありがとうございます。現在開催しております内倉真一郎さんの個展『忘却の海』を記念してトークイベントを始めたいと思います。写真評論家のタカザワケンジさんにもお越しいただきました。どうぞよろしくお願いいたします。
今年の1月から毎月1冊、合計6タイトル連続で内倉さんの写真集を刊行していまして、まずはそちらの説明をさせていただきます。1月1日に1作目『Early Works 1: Street』を出版しました。こちらはタイトルにも「Street」とあるとおり、路上で撮影されたものを一冊にまとめています。こちらのシリーズの作品プリントをご覧になった方はいらっしゃいますか？
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『Early Works 1: Street』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

観客： （ちらほらと会場で手があがる）
河西： さすがですね。次に、こちらも初期の作品ですが『Early Works 2: Portrait』です。主に人物を撮影したシリーズです。その後、3月に出版されたのが『佳子』。こちらは「佳子（かこ）」という少女に和服を着せて、メイクを施し撮影しているシリーズですが、この少女が独特の雰囲気を出していて、異世界にいるようにも見えてきます。4月には『犬の戦士団』を出したのですが、こちらはどちらで展示されていましたか？

『Early Works 2: Portrait』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY『佳子』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY『犬の戦士団』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

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内倉： 今はないのですが、新宿のコニカミノルタ フォト・プレミオで1展示をしていました。ほかには、台湾で個展2と、アートフェア3に出展しました。
河西： そうでしたね。このシリーズでは、犬の野生的な目線や瞬間を撮影されていました。5月に出版したのは『十一月の星』というご自身の息子を撮影したものです。産まれたばかりの姿を写していて、それがとても強烈です。こちら
は第7回 EMON AWARDにも選出いただいていて、EMON Photo Galleryさんでも展示しています。その次に『Collection』というシリーズですが、こちらはすべて宮崎の街中に落ちていたものを撮影していたそうです。こちらをご覧になった方はいらっしゃいますか？

『十一月の星』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY『Collection』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

ﾀｶｻﾞﾜ： 昨日みてきました。品川のキヤノンギャラリー Sの上にあるオープンギャラリーで、今展示4されていますよね。
内倉： そうですね。
ﾀｶｻﾞﾜ： 東京写真月間 20225の一貫としてプログラムで選ばれて、展示しているということですよね。
河西： 今年の東京写真月刊の国内企画展のテーマが「地域との共生」で、その点でもマッチしているということで選出いただきました。今ご紹介した6冊のほかに、弊廊での個展を2年前に開催しまして、そこで展示したシリーズの写真集『私の肖像』も出ています。
これは京都の赤々舎さんから出しているポートレイトの作品集で、さまざまな方の何気ない仕草や表情を引き出すまでシャッターを切りつづけるという手法で撮影されたものですよね。どなたも普段は「見られたい自分」が自1

フォト・プレミオ：コニカミノルタ株式会社の主催による写真の賞。1999年、写真制作意欲及び写真表現技術に富む若者に対し、作品発表の機会を提供すると共にその活動を奨励することを目的に創設された。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%95%E3%82%A9%E3%83%88%E3%83
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Wonder Foto Dayキュレーター賞受賞展 「犬の戦士団」「十一月の星 」（2018年、台湾）

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Wonder Foto Day（2017年、台湾）

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内倉真一郎個展「Collection」キヤノン品川オープンギャラリー1（2022年、東京）

5「東京写真月間」(The Month of Photography, Tokyo)：写真文化の普及と発展を図るために社団法人日本写真協会が写真業界に呼びかけて催されている写真イベント3

然と表出していると思いますが、このシリーズでは連写をすることによってそれを超えた表情を捉えていて、それがなんともずっと見てしまう魅力なんだと思います。

『私の肖像』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY〈『忘却の海』〉
河西： これらの作品を発表している内倉さんですが、元々7月にポートレイトシリーズの新作で展示を予定していたのですが、4月ごろに、もっといい作品ができたからそちらでも個展をしたいと内倉さんから連絡をいただき実現したのが今回の『忘却の海』です。タカザワさんは、昨日品川でも『Collection』をご覧いただいたと思いますが、このシリーズを見て率直な感想やご質問などありましたら伺えますか？

個展『忘却の海』展示風景©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY, photo by Yoshiaki Nakamura

ﾀｶｻﾞﾜ： まずはすごく意外でしたね。僕のなかでは内倉さんはモノクロ写真の印象があるのですが、それはなぜかというと『十一月の星』という最初の展覧会がモノクロでしたし、『私の肖像』もモノクロ写真でしたので、そのようなクラシッ
クなモノクロ主義がベースにある方だと思っていたのです。もちろん『Collection』などカラーのシリーズもあります
が、でもコントラストが強い、黒みが強いモノクロ写真が多いですよね。日本の写真は伝統的に割と黒いものが多いんですよ。

4一方で、アメリカの写真はグレートーンが主流で、たとえば『ニュー・トポグラフィクス6』という1975年に行われた展
覧会に出ている写真家たち、ロバート・アダムス7や、ルイス・ボルツ8などを見ていくとだいたいグレートーンです
よね。

Robert Adams | A Farm Pond about to be Destroyed by Earth Moving
Machinery, Northglenn | Fraenkel Gallery

Lewis Baltz | East Wall, Western Carpet Mills, 1231 Warner, Tustin | The Guardian

日本の場合は、細江英公9さんですとか、土門拳10さんあたりまで遡っても、どれも黒い写真が多いんです。森山
大道11さんもそうですよね。それで、細江英公さん辺りの1950年代後半ごろに活動していた「VIVO12」という写真作家のエージェンシーがあるのですが、僕が内倉さんに抱いていたイメージというのは、そのころのクラシックで深みのあるモノクロ写真のイメージだったんです。

細江英公 | 《おとこと女 作品20》 | 美術手帖

土門拳 | 《原爆ドームと元安川》 | 土門拳記念館

ところが今回はグレートーンで、さらに物が細部まで写っていて、はじめて見たときに一瞬多重露光なのかと思うくらいでした。それまでの『Collection』シリーズでは、周りは真っ暗で、本当に写したいものだけが浮かび上がるように描いていましたが、今回は、画面全部に物が配置されていて全体を見るという、絵画の用語でいえば「オールオーバー」のような画面作りになっていることもあり、非常に意外だったんですよね。

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ニュー・トポグラフィクス：1975年にジョージ・イーストマン・ハウス国際写真美術館で開催された展覧会。

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Robert Adams：アメリカ西部の変化する風景に焦点を当ててきたアメリカの写真家。
https://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Adams_(photographer)
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Lewis Baltz：1970年代後半のニュー・トポグラフィックス運動で中心となったヴィジュアルアーティスト、写真家。
https://en.wikipedia.org/wiki/Lewis_Baltz
9細江英公：日本の写真家。清里フォトアートミュージアム館長（初代）、東京工芸大学名誉教授、鎌鼬美術館名誉館長、文化功労者。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%B4%B0%E6%B1%9F%E8%8B%B1%E5%85%AC
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土門拳：昭和時代に活躍した日本の写真家。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%9C%9F%E9%96%80%E6%8B%B3
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森山大道：日本の写真家。大阪府池田市生まれ。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%A3%AE%E5%B1%B1%E5%A4%A7%E9%81%93
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VIVO：1959年7月から1961年6月まで存在した写真に関するセルフ・エイジェンシー・写真家集団。
https://ja.wikipedia.org/wiki/VIVO_(%E5%86%99%E7%9C%9F)

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個展『忘却の海』展示風景©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY, photo by Yoshiaki Nakamura〈『Collection』〉
ﾀｶｻﾞﾜ： 今回の展示は『Collection』の発展形だということはプレスリリースで読んでいますが、どのように発展したのかをご本人からお聞きしたいなと思います。
内倉： ありがとうございます。『Collection』というシリーズですが、僕は宮崎県の延岡市というところに住んでいまして、そこは市内から車で1時間半ほどかかり、かなりの地方なんですね。綺麗な海はたくさんあるのですが、地方なので東京とは違ってさまざまなものが落ちているんです。たとえば、歌舞伎町であれば、一晩経てばタバコの吸い殻や、下手したらコンドームなんかも落ちていたりします。でも清掃業者さんがあっという間に片づけてしまいますよね。地方の場合はそういったことがまったくなく、清掃されているのは公共施設の周辺だけです。そういった場所
だけは役所がお金をかけて綺麗にするけれど、それ以外は一切手を掛けない。そういうなかで、ふと落ちている
ものを見つけたんです。
そのゴミと言われているものをどうやって撮っていこうかなと思ったときに、砂や埃などがたくさんついているので、まずはそれを綺麗に取って、黒い布の上に置いて標本のように正確に淡々と伝えていこうと思いました。僕はフィルムカメラをずっと使っていたのですが、カラーでいうとポジフィルム、リバーサルフィルム13という言い方もしますが、あそこに近い感覚を持って撮影していました。要はポジフィルムは、ネガフィルム14と違って一発勝負というのがあり、それに加えてカラーの出方は生々しさがすごく伝わっていくんです。そこに近い色彩感覚でこの「ゴミ」というものを美しく、いわゆるラストポートレートのような気持ちで撮っていったシリーズが『Collection』です。
ﾀｶｻﾞﾜ： なるほど。まず強調しておきたいのは、内倉さんは写真が上手いですよね。なぜ上手いのかというと、黒バックで撮影するのは一見簡単に見えるじゃないですか、だけど黒バックで撮影して、それをすべて同じ黒に揃えて、物がきちんと写っているというのは実は結構難しいことなんです。さらに、はじめてこの作品を見たときに、内倉さん
は写真館をやっていらっしゃるからこれはスタジオでライティングを使って撮影をしたんだと思っていたら、「自然光で撮影」と書いてあったから非常に驚きました。天気などはやはり考慮されていたんですか？

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ポジフィルム、リバーサルフィルム：現像の過程において露光・第一現像後、反転現像によってポジ画像（陽画）を得る構造をもつ写真フィルム
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%AA%E3%83%90%E3%83%BC%E3%
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ネガフィルム：被写体の明暗や色が反転した画像がつくられる写真フィルム
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%8D%E3%82%AC%E3%83%95%E3%82%A3%E3%83%AB%E3%83%A06

『Collection』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

内倉： はい、そうですね。天気は曇りの日が実はベストで、なぜかというと綺麗に晴れていて直射日光が強く当たってしま
うと、光と影ができてしまうからです。だからといってストロボを焚いて撮影すると嘘っぽくなってしまう。だから、太陽があって雲があったら、ストロボでいうとそこにディフューザー15が掛かっている状態なんです。
ﾀｶｻﾞﾜ： 光が広がってしまうんですね。
内倉： そうです。だからハイライトも影もない状態で、より鮮明にそのゴミ達が見えるという状況を選んでいました。それと、自分の写真館に持って帰れないという理由はただひとつ、お客さんが嫌がるからです。
一同： （笑）
ﾀｶｻﾞﾜ： ゴミですからね（笑）。
内倉： 死んだものなんかを持って帰ったら嫁さんにめちゃくちゃ怒られますからね（笑）。だから黒い布を持って歩いて、ピンと来たらその場で撮って、撮影を終えたら次の現場へ行くという流れでした。
ﾀｶｻﾞﾜ： 写っているものが、こんなものが落ちているのかという物ばかりですけど、よく歩いていたんですか？
内倉： 結構歩いていましたね。実は、おそらくこれが『Collection』シリーズの始まったきっかけという出来事がありまして、
それは『十一月の星』というシリーズを撮影しているときでした。『十一月の星』では、赤ん坊の写真のなかに、宇宙から命の星が降り注ぐようなイメージでたんぽぽの写真を入れ込んでいるのですが、実はたんぽぽを撮影していたときに根元に変なものがついていたんです。それは赤い肉かなにかの謎の塊だったのですが、2018年に『十一月の星』を完成させるぞと思ってたんぽぽを撮りながら、その赤い謎の塊が気になって仕方なくて、それも同時進行で撮っていたんです。それがこの『Collection』の始まりでした。
ﾀｶｻﾞﾜ： その謎の赤い物体は謎のまま撮ったんですか（笑）？
内倉： 謎のまま撮りました（笑）。
ﾀｶｻﾞﾜ： これが写真の面白いところですよね。被写体がなんなのか分からなくても撮れるんですよ。たとえば、文章で書こうとすると「赤い物体」だけだと語ったことにはならないじゃないですか。これはなんだろうと考えて、きちんと突き止めないといけないのですが、写真は写っていればいいですからね。それを見た人が写っているものについて知っている可能性もありますし、知らなかったとしても想像を膨らませる楽しみがある。非常に開かれたメディアだなと思っていて、だからまずは直感ですよね。直感で見つけて撮るという、そこから『Collection』はスタートしたということですね。

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ディフューザー：ストロボなどの前に取り付けて光を和らげることができるアクセサリー。

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内倉： そのとおりですね。

〈『Collection』から『忘却の海』へ〉
河西： 『Collection』のシリーズは海では撮らなかったんですか？
内倉： 海もあります。海や道端、近所などで撮影しました。
河西： では、そこから今回の『忘却の海』へ移行したのはどのような展開があったのでしょうか？
内倉： まず、2018年に『Collection』で、キヤノン写真新世紀16の優秀賞をいただいたんです。そのグランプリのプレゼン
テーションを東京都写真美術館で行ったのですが、目の前には300人くらいの方々がいて、僕はかなり緊張していました。そんなときに、このシリーズを優秀賞へ選んで下さった方から、思いのほか強い意見をいただいたんですよね。正直かなりショックで、それからそれらのプリントは見ていなかったんです。その後、なんともいえない
気持ちのまま次のシリーズの『私の肖像』が始まり、その延長線上でこちらで7月から始まる『浮遊の肖像』というシリーズを昨年制作していました。
そんな中で、今年の2月にキヤノンギャラリー Sでの展示についてお声がけいただきまして、そこに向けてあらた
めて『Collection』のオリジナルプリントを並べてみたのですが、そのとき初めて実は今までまともに見ていなかったことに気づきました。それらを見て、「なぜこのシリーズでは砂や周りに一緒に落ちていたゴミなどをいちいち省いていたんだろう」と思って、そこから急に始まったんです。ですから、この『忘却の海』が始まったのは本当に最近で、2月末ごろだったと思います。
河西： そうですよね。その後、個展についてご希望いただいたのも4月ごろだったと記憶しています。
ﾀｶｻﾞﾜ： これを撮るときに、背景を入れるのか、黒バックなのか、白バックなのか、いろいろと考えるじゃないですか。そこについてはどのように考えましたか？
内倉： 『Collection』のときは、図録や標本のように光さえも吸い込んでくれるような黒ということを考えていました。ただ、その黒は砂粒ひとつでも鮮明に写ってしまうので白い布に替えたんです。そういった違いですね。
ﾀｶｻﾞﾜ： なるほど。だからただの真っ白な布ではなくて、そこにゴミの周りにあったものをいろいろと配置しているんですね。

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写真新世紀：キヤノン主催による写真のコンテスト。写真の現在に注目し、写真表現の新たな可能性に挑戦する新人写真家の発掘・育成・支援を目的とした公募コンテス
トとして1991年に設立された。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%86%99%E7%9C%9F%E6%96%B0%E4%B8%96%E7%B4%80

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The Sea of Oblivion #002
2022 | archival pigment print | 1000 × 1000 mm | ©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

河西： スコップで拾って置いているんですよね。
内倉： そうですね。作業的なやり方としては、とにかくすごく汚れるので、作業現場にあるような長靴を履いて、カメラバッ
クにはカメラを１台だけ入れて、トングとスコップを持ち、軍手をしてひたすら歩いて落ちているものを探すという流れです。海水浴場ではなく、海一本に絞ろうと思っていたので、ひたすら2、3時間ほど歩きながら面白いなにかを見つけたら撮って、それが終わったらまた別の海に行って同じことを繰り返すといった動き方でした。
ﾀｶｻﾞﾜ： そうですか。『Collection』ではそのものを綺麗に見せたいし、そこに光が吸い込まれていくような感覚が欲しかったから黒バックを使っていたけど、今回の『忘却の海』では白バックの上にご自身でものを配置して画面をつくるという作業も含めて、演出し、制作したということですよね。
内倉： そうですね。白というものが光を反射するので、物の美しさが白だとより鮮明に伝えられるなと思い使用しました。それから、僕は制作をする前にカラーかモノクロかどちらで撮るのかを必ず決めてからはじめます。なのでカラーで撮って、あとからモノクロに変えるということは絶対にしません。
また、フィルムカメラで撮っている気分でいたいので、モノクロと決めたらRAWデータ17を設定せずにJPEG18一本で撮影して、取り返しがつかない作業というのも含めて、腹を決めて撮影しています。今回のシリーズでは、海藻や砂つぶ、さまざまな種類のビニールなど海に落ちているいろいろな物のディティールが美しく映り、白の背景が光を反射して、ちょっとした透過光19のように綺麗に映るのはなにかと考え、モノクロを選択しました。

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RAWデータ：デジタルカメラなどにおける完成状態にされていない画像データのこと。
https://ja.wikipedia.org/wiki/RAW%E7%94%BB%E5%83%8F
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JPEG：コンピュータなどで扱われる静止画像のデジタルデータを圧縮する方式のひとつ。
https://ja.wikipedia.org/wiki/JPEG
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透過光：物体を通過した光のこと。

9The Sea of Oblivion #001
2022 | archival pigment print | 1000 × 1000 mm©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERYThe Sea of Oblivion #007
2022 | archival pigment print | 1000 × 1000 mm©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

ﾀｶｻﾞﾜ： なぜモノクロなのか。見る側として感じたことは、物のディティールとフォルムをきちんと見せたいという考えです。
やはり色が入ってくると、色に目を奪われてしまうけれど、そのもののフォルムや存在感、質感のようなものを表現するためにモノクロを選んだんだと思ったんです。それと同時に連想したのがアーヴィング・ペン20です。
ちょうど、先日KYOTOGRAPHIEで展示していましたけど、彼のタバコのシリーズがありますよね。プラチナプリ
ント21で、とても綺麗なのですが、彼もゴミを拾って撮っていたんです。ゴミをプリントにするととても綺麗に見えるので、それがアートに変換するということをやっていました。

Irving penn | Cigarettes

その発想は内倉さんと似ていると思いますけど、やっていることはより複雑で、より情報量多く、ゴミというものの存在感を組み立てることによって表現するという「つくる写真」になっているなというのが内倉さんの今回のシリーズの特徴ですね。特にこの内臓が飛び出ているように見える組み合わせ方だったり、見ていると面白いですし、物語性があるなと思います。それぞれにストーリーが浮かびそうな気がしますね。

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Irving Penn：アメリカ合衆国の写真家。ニュージャージー州ペインフィールド出身。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%BC%E3%83%B
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プラチナプリント：プラチナを使用したモノクロ印刷技法で作成された写真プリント。
https://en.wikipedia.org/wiki/Platinum_print

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The Sea of Oblivion #006
2022 | archival pigment print | 1000 × 1000 mm©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERYThe Sea of Oblivion #017
2022 | archival pigment print | 500 × 500 mm©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

河西： このギャラリーでは、展示内容によっては壁の裏側も使用するのですが、今回も3点の作品をそちらに展示しています。その3点というのは、生きていたものの死んだあとの姿が生々しく写っているのですが、設営のときに内倉さんの方から「これらは強すぎるから展示から外そうと思っている」と聞いて、わたしとしてはすべて残したかった
ので、壁の裏側を提案しました。配置が決まると、この空間が非常に良くまとまったなと思いました。

©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY, photo by Yoshiaki Nakamura

わたしはこれらの作品を見ていて「終わりは始まりである」と感じたんです。それは、ゴミがアートにもなることもそうですし、この作品に写っているものがそのように感じさせたんですよね。そういった考えはあったのでしょうか？
11内倉： それはそのとおりです。基本的にはすべて終わったものたちですので。先ほどもお伝えしましたが、海水浴場は基
本的にボランティアの人たちや市役所の人たちが、お金を掛けてかなり綺麗に保っていますが、少し離れると誰も寄りつかないようなまったく違う場所があります。そこには、どこかから流れてくるものと、不法投棄されたものがたくさん残されています。地元のおじいちゃんおばあちゃん達は、捕まえたイノシシなんかでバーベキューをするんですけど、そのときにも全然悪気なく、いらない骨や皮などをその辺に捨てるんです。それがそのまま放置されていますが、こういったことが普通なんです。
ﾀｶｻﾞﾜ： 昔からそうだったんでしょうね（笑）。
内倉： そうですね。だから、僕からしたら海辺のそのままの姿が、それが東京だろうが延岡だろうが、これこそが現代だよなと思うんです。それを伝えたいなと思っていました。かといって、ゴミ捨て反対だとか、不法投棄反対だとか、そういったことではなくて、ただただそこにある物たちがとても美しくて、古着でいうとビンテージ物のめちゃくちゃ格
好いいものを見つけた感覚に近くて、僕はとにかく撮る瞬間は格好いいなと思ってシャッターを切っています。

〈画面構成のこだわり〉
ﾀｶｻﾞﾜ： 内倉さんの初期作品を見て考えを改めたんです。『十一月の星』や『私の肖像』は、基本的には撮りたい被写体がすでにあって、それをどう捕まえにいくかという写真だったと思いますが、初期のストリートスナップ画面のなかに被写体をどう配置するかなど、画面構成を考える時代があったんだろうなと思いました。そういう意味では、昔から画面構成のことを考えたうえで、中心となる被写体をどう表現するかということに取り組んでいたのではないかなと思ったのですが、構図ということに関してはどうお考えですか？
内倉： ありがとうございます。僕は、縦位置の写真は断定的であるという中平卓馬22さんの言葉が鮮明に頭に残っているんです。縦位置は、完全に断定されたものでそれ以上横の広がりもなにもなくて、ただそのままであるという僕のなかの定義がありまして、一方どこまでも広がっていくようなものが横位置なのですが、そこを意識しています。

©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

ﾀｶｻﾞﾜ： だから横位置に関しては構成をかなり複雑にするようなものが入っていると。では、今回は正方形だからその中間という感じですか？ 写真的にいうと、正方形というのはどうしても中心ができてしまうので、そこから放射状に伸びていくということで画面構成していく人が多いのですが、内倉さんも同じく広がっていくような構図が多いですね。正方形にしたのはなにか理由がありますか？
内倉： 実は作品を正方形にするのは今回がはじめてです。フォーマットも撮る前に必ず決めていて、最初は縦か横かと考えていたんですけど、でもよく考えたらこのシリーズはまず僕が格好いいなと思ったものを拾って、周りにある
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中平卓馬：日本の写真家、写真評論家。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%B8%AD%E5%B9%B3%E5%8D%93%E9%A6%AC

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プラスティックや割れたガラスなどの同じ仲間は気がついたら集めていて、それらを配置したときに、これには縦の断定も、横の広がりも必要ないなと思ったんです。これは正方形に収めた方が見たときにいいと思ったので、はじめて正方形を選びました。

©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY, photo by Yoshiaki Nakamura

ﾀｶｻﾞﾜ： だからユニバースというか、ひとつの世界としてですよね。曼荼羅23なども正方形のフォーマットでひとつの世界をあらわしていますから。そういう感覚で正方形なのかなと見ていて思いました。ものが配置されていて、そこから外へどう広がっていくかという想像を膨らませながら、でもやはりまとまりもある。ではグレートーンは、白の反射を意識しているからということなのでしょうか？
内倉： それもありますが、モノクロにしたときに、撮影したものをそのまま作品にするのではなく、どの部分をどのトーンにするのかの作業があります。たとえば、暗室作業でいうと、ここが焼き込み24で、ここが覆い焼き25で、ここの部分
だけコントラストを上げてということを瞬間的に暗室の台のうえでパッパッとする手作業がありますが、それとデジ
タルレタッチとはなにも変わらないんです。ですからそれらを計算して、このビニール袋はこのくらいが非常に美しいなとか、そういった感覚でトーンを決めています。
ﾀｶｻﾞﾜ： では、撮影したときから元のイメージが全体的に明るいトーンだったということですね。そこに加えて暗室作業と同じように細かく手を入れているだけなんですね。
内倉： そうですね。撮っているときに心がけているのは、要はJPEGなので、少し暗めに撮っています。そうすることによって、あとからトーンを上げたい部分を変えられるので。
ﾀｶｻﾞﾜ： デジタルだと白く飛んでしまったらもう取り返しがつかないですからね。

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曼荼羅：密教の経典にもとづき、主尊を中心に諸仏諸尊の集会(しゅうえ)する楼閣を模式的に示した図像。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%9B%BC%E8%8D%BC%E7%BE%85
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焼き込み：写真で、陰画の露出過度な部分に対し、長めの露光時間を与えることで適正露出にすること。
https://kotobank.jp/word/%E7%84%BC%E8%BE%BC%E3%81%BF-682821#E3.83.8
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覆い焼き：写真で、陰画の露出不足の部分に対し、紙などで覆って露光時間を短くすることで適正露出にすること。
https://kotobank.jp/word/%E8%A6%86%E3%81%84%E7%84%BC%E3%81%8D-449545#E

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内倉： JPEGなので絶対に無理ですね。そういった意味で少し暗めに撮って、絞りもF2226くらいまで限りなく絞って鮮明に映るように気をつけていました。
河西： オールオーバーだと、方向性がどれでも成立するものがこの中にもあると思うのですが、天地の位置は撮影したときの位置で決めていらっしゃるんですか？ それとも、作品になってからこの向きがいいなと決めているのでしょうか？
内倉： 初めから決めています。やはりそこも撮る前から決めたいので。なので、あとから右回転したら面白かったということはないです。

〈写真家になるまで〉
ﾀｶｻﾞﾜ： 内倉さんは「写真家」だなと思うんですよ。僕は「非写真家」という活動をしているんですが、写真家というのはある種ハンターで、なにかを捕まえにいく人だと思っています。そういう人達は、あとからひっくり返したり、変更するってことがあまり好きじゃない。その瞬間が大事なんです。だから内倉さんは写真家だなと思う。技術的なことも含めて、撮影することについてのこだわりがとても強いですよね。
内倉： ありますね。
ﾀｶｻﾞﾜ： ですよね。テクニック的なことを見ていてそう思います。内倉さんは家が写真館ですよね。お父さんの仕事など、子供のころから写真には触れていたんですか？
内倉： 父はもう他界していますが、父は元々土門拳さんと、秋山庄太郎27さん、特に秋山さんにとても憧れていたんです。
それで父が20歳のときに、秋山庄太郎さんの事務所の前で2日間立っていたことがあるんです。
一同： （笑）
ﾀｶｻﾞﾜ： 弟子入りだ（笑）。
内倉： 秋山庄太郎さんの《ジプシー・ローズ》というポートレートがありまして。
ﾀｶｻﾞﾜ： 有名な写真ですね。女優さんのポートレートで一世を風靡した写真家でした。
内倉： 父は女性のポートレートを撮りながら飯が食えたら最高だなと思っていたんです（笑）。でも、秋山さんの事務所の前に立ってから2日後に、僕のおばあちゃんが心配になって帰ってこいと手紙を送ったそうです。それで父は帰ったんですが、どうやったら地方で女性を撮れるんだろうと考えて、写真館だったら女性の人たちが来てくれると。それだけの理由で写真館を始めたんです。
一同： （笑）
ﾀｶｻﾞﾜ： すごく分かりやすい（笑）。
内倉： 会社を始める人って好きなことから入ってしまう方も多いですけど、父もそれだけの理由ではじめました。それで、写真館は一般の人たちが休みの土日祝日にお客さんが1番多いんですね。だから僕は父親と遊んだという経験がほとんどなくて、だからといって捻くれたなんてことも全然ないですけどね。成人式のときなんかに、父が女性のお客さんを前にして大きな声で笑って、やたらとテンションが上がっていた様子を僕は小さいころから見ていました。あとはスタンドや、ちょっとした機材なんかをおもちゃ代わりにして遊んでいましたね。

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F値：レンズの焦点距離を有効口径で割った値であり、レンズの明るさを示す指標として用いられる。
https://ja.wikipedia.org/wiki/F%E5%80%A4
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秋山庄太郎：日本の写真家。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%A7%8B%E5%B1%B1%E5%BA%84%E5%A4%AA%E9%83%8E

14©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY, photo by Yoshiaki Nakamura

ﾀｶｻﾞﾜ： 写真家になろうと思ったのは何歳くらいだったんですか？
内倉： 僕は、写真館の2代目ってだけでお坊ちゃんと言われることが多々あったんですね。実際にはお金なんてそんなにないんですけど。それで、それだけの理由で高校を卒業するときに、別の写真館に弟子入りに行きなさいと言われたんです。でもその当時、まだ父の仕事を継ぎたくなかったし、写真に全然興味なかった僕は、いろいろと調べたら写真の専門学校があることを見つけて、とにかく一回田舎を出たかったこともあり、そこに行きたいと親に伝えたんです。そのときは嘘をついて「写真館で弟子入りすることもすごくいいと思うけど、写真の学校に行け
ばいろいろな写真が好きな仲間ができる気がするんだよね」と伝えました。そうしたら親はすごく喜んでくれて、学校に行けることになりました（笑）。
一同： （笑）
内倉： 実際学校に通ったら、写真に全然興味がないまま入っているので、同期のなかでもすごく浮いていたんですよね。
ほかに来ている生徒たちに対して、田舎者が大阪に来て、洋服を買ったり遊んでいるんだと思っていたんですけど、実際蓋を開けてみると、みんなカメラを首から下げていて、とにかく写真の熱がすごいんです。それを見て「やっぱり僕は場違いなんだな」と気づきました。
それからは専門学校の2年間は遊んで、そのあとに弟子入りして父親の仕事を継ごうかなと思っていたんですけ
ど、その学校におもしろい校長先生がいまして、彼に影響されて考えが変わりました。あるとき、課題のために道頓堀を歩いていたら、そこにホームレスが倒れていたんですね。その隣にルイヴィトンかなにかのバックを持っている人がいて、掃除作業をしているおじさんが一生懸命ゴミ箱を漁っていて、なぜかわからないのですが、僕はその光景を撮ったんです。
河西： 課題はなんだったんですか？
内倉： それは全然関係ないんですけど、、「かき氷と人形をどういう風に撮るか」という課題でした（笑）。
一同： （笑）
内倉： 僕は全然写真に興味がなかったから、課題もまったくやっていなかったんですけど、もう怒られてもいいやと思ってホームレスの写真を撮って校長に見せたんですね。そうしたら校長から呼ばれてしまい、怒られるかなと思ったら「内倉いいよ」と褒めてくれたんです。
ﾀｶｻﾞﾜ： いい先生ですね。
内倉： 褒められると伸びるタイプなんですけど、見事に褒めるのが上手な先生だったので、そこから写真を撮ることが楽しくなってきました。それで、僕はあえて心斎橋から終電に乗って、帰れない状況を作って、ひたすら朝方までス
トリートスナップを撮っていました。そこから家に帰って寝て、夕方ごろになると学校にフィルムを持っていってた
くさん現像をしていました。だから授業はほとんど受けていないです。校長が夜も居るので、彼にだけ写真を見せていましたね。
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ﾀｶｻﾞﾜ： 校長先生のお名前伺えますか？
内倉： 今は退職されていますが、濱口校長です。そこから「ストリートスナップとはなんなのか」から始まって、いろんな写
真家の作品を見て、この世界はなんなんだと、めちゃくちゃ格好いいなと思い興味を持ったんです。授業に出ていないので自分で調べたのですが、森山大道の写真はもちろん格好いいですけど、彼の師匠が細江英公だということも知って、さらにカッケー！ってなりました（笑）。
一同： （笑）
内倉： その後、卒業する3ヶ月前に父親に写真館を継がないことを伝えました。写真館は僕の姉が継ぐことになり、僕は
東京のスタジオで働いて、光の勉強をしていました。その後フリーになって、週に3〜4回いい感じの仕事を貰えて、好きな作品を撮れたらいいなと当時は思っていました。

〈延岡での写真〉
ﾀｶｻﾞﾜ： それにしても精力的に作品を制作されていますよね。初期の頃からストリートスナップだけではなく、ご自身がモデルになってセルフポートレートを撮ってみたり、そういうのは次々思いついてやらずにはいられないんですか？
内倉： そうですね、環境が変化するタイミングが制作が変化するタイミングでもあるなと改めて思うのですが、父は写真を撮る僕のことが好きだったんですよね。好き勝手やれといってくれていたのですが、母からはじめて父が難しい状況だということと、姉もひとりで大変そうだということを聞かされて「作品は地元では撮れないの？」と言われました。今まで好き勝手させてもらっていたので、じゃあ戻ろうかなと思いまして、そこがきっかけです。新宿の街並みを撮っているカラーのシリーズがあるのですが、これからは二度とストリートスナップは撮らないと決めて、これを最後に撮ろうと思ったんです。要は、地元に帰ってもストリートもなにもないので。
ﾀｶｻﾞﾜ： 僕も地方出身なのでよくわかります。
内倉： 地元に帰って、はじめて写真館の仕事というものを知って、じゃあ作品はなにをしようかと考えたときに、約1年ほど
悩んだ時期がありました。そこからポートレートになっていったんですよね。
ﾀｶｻﾞﾜ：お父さんはあのポートレートのシリーズをご覧になったんですか？
内倉： もちろんです。
ﾀｶｻﾞﾜ： すごく喜んだんじゃないですか？ 内倉さんが撮っていたのは正統的なポートレートで、さらに黒バックといえば秋山庄太郎先生ですからね。きっとそういったクラシックなテイストはお父さんもうれしかったんじゃないでしょうか。
内倉： ポートレートのシリーズでは父のことも撮っているのですが、作品を見て「これいいじゃん」とは言ってましたね。喜んでくれたんだと思います。
ﾀｶｻﾞﾜ： なるほど。
内倉： 黒バックにはどこにでも売っていそうな安い布をガムテープを使って外に貼って撮影しているのですが、僕は基本的にストロボが好きではないので、太陽光で人を撮って、背景については自分にいい聞かせていたんですよね。今までずっとストリートスナップを撮っていたので、地元に戻っても背景に大きなビルだとかキャバクラ譲だとか人混みがないだけで東京と変わらないんだといい聞かせてきたんです。じゃあ、今まで自分が感じてきたのはなんなのかと考え、それをすべて被写体に入れてやろうと思って、だから背景は無地でいいんだと思い、そこから黒バックをはじめたんです。
ﾀｶｻﾞﾜ： やはりかなり正統的ですよね。アーヴィング・ペンも、リチャード・アヴェドン28も、やはり自然光を重視して撮っていますからね。僕は内倉さんは写真館に生まれて写真が好きで、きちんと学校でも写真を学んでいてという、写28

Richard Avedon：アメリカ合衆国の写真家。 ファッション写真およびアート写真の分野で大きな成功を収めた。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%AA%E3%83%81%E3%83%A3%E3%83%BC%E3%83%89%E3%83%BB%E3%82%A

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真界エリートだと思っていたんですよ。でも今お話伺った感じだと、ドロップアウトして、そのなかで作品作りに目覚めて、そこから写真館という場所が作品をつくる場として有効だと気づかれたと知って驚きました。
内倉： そうですね。気がついたら制作していました。今となっては地元に帰ってよかったなと思っています。本当にずっとスナップショットばかりを撮っていたので、スタイルを変えざるを得ない状態だったんですよね。想像しながら被写体や撮り方も試行錯誤して、そういう意味で地元に戻ってからはガラッと変わってしまいました。
ﾀｶｻﾞﾜ： ストリートスナップをつづけていた方が難しかったかも知れませんね。
河西： 本当にお話を伺っていてそう思います。その場でしかできないことをやり切ったからこそ、これらの作品がありますから。
ﾀｶｻﾞﾜ： そうですよね。ストリートスナップは僕も大好きですけど、直感的に撮影するため、個性が出しづらい。たしかに上
手い下手はあるんですけど、でもやはり東京で撮ったら東京のスナップですからね。だからどんなところで差をつけるのかというと、30年とか40年とか撮りつづけて量と質を見せつけるしかない。年を重ねたときに、何十年も前から撮り溜めていた写真をまとめて評価される。コンセプトを立てて作品をつくるのに比べると認められるまでに時間がかかる。
内倉さんの場合は、ストリートスナップが撮れなくなったときに、制約がある中で考えた結果がこれらの作品だと思います。やはり拠点を変えたことが転換点になりましたよね。

〈「命」と写真〉
ﾀｶｻﾞﾜ： 実は『十一月の星』は僕も学生たちに見せて説明するんですけど、写真作品を考えるうえで示唆的です。なぜなら誰でも自分の子供って可愛いんですよ。多分、世の中の親って子供が生まれると写真をたくさん撮ると思うんです。ただ、それを第三者が見て、子供が可愛いという以上のことを感じられるのか、そこでなにをシェアできるのかというところがやはり作家の仕事で、『十一月の星』にはそれがある。それが何かというと、「命」の問題ですよね。

『十一月の星』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

ステートメントにも「人間は産まれた瞬間から、絶対に避けられない死に向かっています。」と記載されています
し、ある種の人生論のようなこともお書きになっている。決して流れるのをやめない時の流れを塞き止めるのが写真であり、写真を見たときにそれぞれの持つ過去の記憶にアクセスできるということが写真の強みです。だから
僕はこのシリーズがまさに内倉さんの作家宣言でスタート地点だなと思っていて、そこで思い出すのが森山大道
なんですよ。

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『無言劇 パントマイム』より ©Daido Moriyama Photo Foundation
WEB 太陽森山さんの原点と言える作品はホルマリン漬けの赤ちゃんを撮ったシリーズです。ホルマリン漬けの赤ちゃんは命の象徴であり、時の流れの中で同じかたちを保ち続けるという点で写真のメタファーでもある。だから、森山さんはキャリアの始めから、写真とはなにかを問い、死のメタファーとして写真を見ているところがあると思うんです。
それに対して内倉さんはその逆で、写真というのは生きるための希望であり光であり、そこから出発すべきなんじゃないかというのが『十一月の星』なのではと思うんですよね。巨匠たちの作品を参照しつつ、それをなぞるのではなく、個性を発揮するのは簡単なことではありません。しかし、内倉さんは果敢に挑戦し、その成果を作品にしています。
内倉： ありがとうございます。

『十一月の星』より©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY〈質疑応答〉
質問者1： ステートメントの最後に「ひたすら歩く。怒りもなく、失望もない。」とありますが、人間が手放したものによって地
元の海がこのような状態になっていることについて、告発したいという気持ちはなかったのでしょうか？ どちらかというと、ありのままを撮って、見てくれる人に委ねているということなのかなと思ったのですが。先ほどグレートーンの話でもありましたが、力強くなにかを訴えようとはせず、割と淡々と提示しているので、どういう心境でこのシリーズに取り組んだのか伺いたいです。
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内倉： そうですね、ステートメントにあるその言葉は、先ほどもお話させていただきましたが、捨てられた物たちが可哀想だとか、捨てる人が悪いとか、そのまま放っておく現代社会とはなんなのかとか、それに対する怒りとか失望はな
くて、こんなところで僕は生きていくんだなどの気持ちもないです。そこに在るものがただただ美しくて格好よくて、撮っていたということです。
河西： 「格好いい」と内倉さんはよく仰いますね。格好いいと感じるとはなんだろうと漠然と疑問に思いました。わたし自身、ギャラリーをやっていると美しいとはなんなのかと考えることがあるのですが、人間でいうと一番平均的な顔がその時代の美しさであるという話もありますけど、夕日を見て美しいと感じたり、自然を見て美しいと感じるのは、人種やカルチャーなど関係なく本能レベルでみんな美しいと感じますよね。わたしが仕事をする作家さんは面白いと感じる瞬間と、美しいと感じる瞬間を判断基準として大切にしている方が多いのですが、内倉さんはここぞというときに「格好いい」を使うんですよね。だから内倉さんのなかで大切にしている格好いいとはなんだろうと
この2つの個展を通して考えています。
ﾀｶｻﾞﾜ： 現代文明のある種の歪みというのでしょうか。だけど、僕たちもそれに慣れきってしまっている。高度経済成長のいろんな公害事件があったころは、みんなでそれを止めようと大きな声でいえたけど、現代では環境保護のコストをどうするかという問題がついて回る。
正義と悪の二元論では割り切れない。そこで生まれる複雑な感情をどのように作品に織り込むかといったら、画面の中にいろいろな物が入ってくるという戦略にまさに発展したのかなという気がしましたね。『Collection』は美しすぎると感じるひともいるかも知れないし、オブジェとして見ているだけでいいのかということに対するある種のアンサーかなと思います。
ちなみに、先ほどさらっといっていましたけど、新世紀のプレゼンのときに選んでくれた人から結構きついお言葉があったとのことですが、あれは清水穣29さんですか？
河西： 澤田知子30さんですよね？
内倉： そうですね。清水さんは一番最初に宮崎で撮っていたポートレートを褒めてくださいました。
ﾀｶｻﾞﾜ： そうでしたね。その展示は京都で見ました。澤田知子さんは、選んでくれたにも関わらず厳しかった？ なんて言われたんですか？
内倉： ええと、まず、「これはピンぼけじゃないですか」と言われまして、これはピンぼけじゃないんですと思いながら聞いていました。それから、これはすべて僕が悪いのですが「言っている情熱は分かりますが、作品とステートメントが全然違いますので」と言われまして、かなり辛かったのですがとにかくちゃんと立っておこうとだけ思っていました（笑）。
一同： （笑）
内倉： でも数日後に澤田先生からメールをいただいたんです。そこには、特に海外のアーティストは、ステートメントは作
品のプレゼンテーションをするためのツールとして大切に考えていて、だから書き上げるまでにすごく勉強をしているなど、詳細について書かれていました。
河西： 優しいですね。
内倉： それから今度神戸に来ることがあれば遊びに来てくださいとも書いてありました。実際には一度も遊びに行けてないのですが。
ﾀｶｻﾞﾜ： トラウマになっているんですね（笑）。
河西： そうですね。内倉さんの作品は素晴らしいのですが、タイトルとステートメントが苦手なんだろうなと私も思っていました。

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清水穣：日本の写真研究者、同志社大学教授。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%B8%85%E6%B0%B4%E7%A9%A330

澤田知子：兵庫県神戸市出身の写真家。成安造形大学客員教授。セルフ・ポートレートの手法を用いた写真表現を行う。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%BE%A4%E7%94%B0%E7%9F%A5%E5%AD%90

19ﾀｶｻﾞﾜ： それはね、少し難しいところがあるんですよね。というのも、内倉さんは写真家じゃないですか。やはり現代美術のフィールドで写真を使っている澤田さんのような方は、学生時代から「作品をどう語るか」と常に考えているし、
コンセプトがないと作品はないけど、写真家は撮ったらそこに作品がありますから、コンセプトがなくても写真はある。すでにある写真からコンセプトを見いだすのは大変な努力が必要なんです。だからそのショックな出来事がいい機会になりましたよね。澤田さんは本当に世界で渡り合っている方ですから。
内倉： そうですね。
河西： 先ほどの話のなかで、そのショックな出来事から2年間自分のプリントを見ていなくて、今年2月に展示のお話をいただいてようやくプリントを見返したとありましたよね。その時間の蓄積があったから、客観的になぜ自分はこうしたのかと考えられたし、今回の新シリーズを制作するに至ったということを考えると、人生に無駄なものはないんだなと思いました。
内倉： なんだか人生論のような話になってしまいますが、、先ほど褒められて伸びるとはいいましたけど、いい意味でけ
ちょんけちょんにされるということは結構あるんです。
一同： （笑）
内倉： 今日はEMON Photo Galleryのディレクターの小松整司さんがいらしていて、僕いま小松さんが居るだけで緊張しているのですが、EMON AWARD31でグランプリを頂いたときも、そのような経験がありました。
当時は、まだコロナがなかったのでひとつの空間に50人くらいの人とたくさんの審査員の方がいて、距離感もとても近くて、プレゼンテーションが終わった作家たちが死んだような顔で戻ってくるんですよ（笑）。自分の番が来たときには、そこは自分なりにいろいろと工夫してプレゼンをしましたけど、そのとき僕はグランプリを獲れなくていいやと思っていたんですよね。それが、グランプリが僕に決まってからは、審査員の方からは厳しいご意見もありましたし、なによりその後、グランプリ受賞者の個展を開催するまでの期間にどれだけのものを作らないといけないのだろうと思いましたし、作品を見せる責任感などもあり、小松さんからはそういったところをスパルタ的に教えていただきました。だから決してエリートでもなんでもないんです。

©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY, photo by Yoshiaki Nakamura

河西： ほかにご質問のある方はいらっしゃいますか？
質問者2： 内倉さんはすごく精力的に作品集を刊行されていると思うのですが、作品集に載っている作品と、いま実際にある作品と、どのような違いがあるとお考えでしょうか？ それぞれの作品にどういった思いがあり、違いがあるのか、どういった捉え方で作品を提示しているのかを伺いたいです。
河西： そうですね、プリントと作品集の違いでしょうか？
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EMON AWARD：公開審査形式のフォトコンペティション。グランプリ受賞者には、副賞10万円とエギシビジョンカタログの制作、3週間の個展開催の権利が与えられる。
https://www.emoninc.com/award-1

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内倉： 僕は、エキシビジョンはライブだと思っているんですよ。ミュージシャンや劇団のライブのような、そのときしか味わ
えない究極のライブだと思っているんです。それで、ライブと並行して写真集がありますよね、だからといって写真集を軽い扱いにしている訳ではないですが、単純にその差があります。だから、生のライブで見せたいものが僕にとってはエキシビジョンで、写真集は僕にとってパスポートのようなものです。十一月の星でもいいました
が、人間はいつ死ぬか分からないじゃないですか。だからこそ、なにか残していきたいという思いが特にコロナ
禍が始まってからは強烈にありまして、今までの全シリーズを物として残そうと思ったんです。
質問者3： 内倉さんの作品ってすごく格好いいという印象があるのですが、写真館で生まれて、幼少期は写真に限らずなにかアートに触れる機会はあったのでしょうか？
内倉： 実は、僕は3歳から中学3年生まで絵画教室に通っていたんですよね。
河西： そうだったんですね。初めて知りました。
内倉： それも半分親の強制で通っていたんですけどね。そこの油絵の先生が、戦時中に宮崎で起きた延岡大空襲32についてたくさん描いていて、人間の内臓が飛び出していたり、血が飛び散っているような絵がそこら中に飾ってあったんです。その環境で「リンゴを描いてください」と言われていました。
一同： （笑）
内倉： 最初は戸惑いましたけど、毎週1回通っているので、時間が経つにつれてその環境には慣れてくるんですよね。そんななかでいちばん強烈だったのは、僕が小学4年生ごろにリンゴを描いていたときです。究極にきれいに描けたと思っていたときに、僕が見本にしていたリンゴを、先生が目の前で潰したんです。昔の人なので、タバコを吸いながら酒を呑みながら教えているんですけど、潰したリンゴを見て「これもリンゴだ、内倉！」と言われました。
それは強烈に覚えています。それくらい熱い人だったんですね。それで、これもリンゴだから描きなさいと言われました。
一同： （笑）
ﾀｶｻﾞﾜ： 小さくまとまるんじゃないという思いだったんでしょうか（笑）。
内倉： どうでしょうか。それが写真家として影響しているのかは分かりませんが、そういった経験はありました。
河西： わたしもはじめて聞くお話がたくさんありました。それだけ強烈に記憶にあるということは、なにかしら影響を受けていそうですよね。本日はEMON Photo Galleryの小松さんにもお越しいただきましたが、小松さんは内倉さんの作品を初期からずっとご覧になっていますよね。今回の作品はどのように感じましたか？
小松： そうですね、僕は2018年に『十一月の星』ではじめて内倉くんと出会ったわけですよ。そのときはモノクロームで自分の赤ちゃんが生まれたシーンを撮って、そこから数々のコレクションを出して『私の肖像』も見させてもらいましたけど、正直にいうと彼の作品は暑苦しくて嫌いだったの。
一同： （笑）
小松： なんというか、俺を見ろ感が強いんだよね。それでこの新作について内倉くんから連絡があって「小松さん、もし嫌じゃなかったら見てください」と言われたんですよ（笑）。今までは非常にコントラストが強いし、肌の質感やオブ
ジェの立体感みたいなものを強調したりだとか、命のエネルギーみたいなところだったんだけど、今回はじめて写真を心で撮ることができるようになったんだなと思ったんです。これが一皮剥けるということなのかなと思いました。上から目線な言葉ではなくて、ハートで撮るということを彼が見つけたんじゃないかなと思ったんです。だから生々しい程に美しいんだなと、すごく美しい作品を作られたなと思いました。
河西： ありがとうございました。
内倉： ありがとうございます。はじめて褒められました（笑）。
河西： それではトークはこちらで終了とさせていただきます。今回は皆さま本当にありがとうございました。
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延岡大空襲：第二次世界大戦（太平洋戦争）末期に宮崎県北部の延岡市で行われたアメリカ軍による空襲。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%BB%B6%E5%B2%A1%E5%A4%A7%E7%A9%BA%E8%A5%B2

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文・編集・ウェブアーカイブ／小林萌子 (KANA KAWANISHI ART OFFICE LLC.)
校正／折笠純・河西香奈 (KANA KAWANISHI ART OFFICE LLC.)
文責／河西香奈 (KANA KAWANISHI ART OFFICE LLC.)

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