井村一登 個展『折衷案がもたらすNレンマ』開催記念トークイベント「鏡としてのアート」
日 時： 2024年4月13日（土）17:00〜
会 場： KANA KAWANISHI GALLERY
登壇者： 井村 一登（アーティスト） × 菅 実花（アーティスト）× 岩垂なつき（美術批評）〈作品紹介：井村一登 編〉〈作品紹介：菅実花 編〉〈光学装置がもたらす「自己認識」のアップデート〉〈鏡としての黒曜石〉〈「鏡の歴史」を網羅したその先〉〈対照的な二人の「鏡と図像」へのアプローチ〉〈質疑応答１：「図像に対する意識」と「美学・哲学的アプローチ」〉〈質疑応答２：井村・菅の間の「レンマ性」〉〈「具体性」と「注目を浴びること」への抵抗感〉〈質疑応答３：作品セレクトの判断基準〉〈作品紹介：井村一登 編〉
岩垂：

井村一登さんの個展「折衷案がもたらすNレンマ」のトークイベント「鏡としてのアート」を開催いたします。今回モデレーターを務めさせていただきます、トーキョーアーツアンドスペース・学芸員の岩垂なつきと申します。私は個人の活動として美術批評も行っておりまして、今回は美術史などの視点からも作品にアプローチしていければと思います。どうぞよろしくお願いいたします。

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今日は井村一登さんに加えて、アーティストの菅実花さんともご一緒にお話をさせていただきます。まずは皆さんに井村さん・
菅さんそれぞれの作品について知っていただければと思いますので、はじめに井村さんから自己紹介と作品の紹介をお願いできますでしょうか。
井村：

井村一登です。私は2017年に東京藝術大学大学院の先端芸術表現専攻（以下：先端）を修了した後、コロナ禍の2021年にMITSUKOSHI CONTEMPORARY GALLERYにて初個展「mirrorrim」を開催しました。それまでは鏡に限らず様々な素材や現象を扱いながら作品を作っていたのですが、この初個展に際してテーマを「鏡」に絞っていこうと決め、鏡の作品の制作を本格的にスタートしました。例えばこの〈wall-ordered〉という合わせ鏡を使ったシリーズは、初個展から継続して制作している作品です。

《wall-ordered horizon》
2023 | photo by Kenryou Gu

最初は「鏡を使って作品を作る」というアプローチだったのですが、そこからだんだんと「鏡自体を作る」という方向性に変化していき、例えば魔鏡をモチーフにした〈invisible layer〉や、今回の個展でも発表している、ガラスの塊を用いていびつな鏡像をつくる〈mirror in the rough〉など、様々な鏡の作品を制作してきました。

《invisible layer》
2022 | photo by Kenryou Gu《mirror in the rough 5611g》
2022 | photo by Kenryou Gu

今回の個展「折衷案がもたらすNレンマ」で発表している新作〈tele portrait〉は、私自身が〈mirror in the rough〉の前に立って写真を撮ることで、自分の姿が映っていないセルフポートレートを作るという作品です。セルフポートレートを用いた作品はこれまでにも発表してきたのですが、一番最初は写真を紙にプリントしたものを制作していました。その後アルミやガラスの鏡に印刷したり、モノクロ写真を用いてエンボス印刷できる透明なシートに出力して鏡に貼るなど色々な手法で試みていたのですが、そこから発展して、ガラスを加工してから鏡にし、セルフポートレートを作るという手法で生まれたのが今回の〈teleportrait〉です。このように、一貫して鏡にまつわる作品を制作してきました。

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平面作品：〈tele portrait〉シリーズ ｜立体作品：〈mirror in the rough〉シリーズ
個展「折衷案がもたらすNレンマ」展示風景

岩垂：

ありがとうございます。では、今回の個展のコンセプトについても詳しく教えていただけますでしょうか。

井村：

これまでの展覧会で発表してきた作品は鏡の歴史を参照しながら制作したものが多く、ステートメントは歴史的事実を羅列したような書き方のものがほとんどだったのですが、今回は初のコマーシャルギャラリーでの個展ということもあり、展示におけるコンセプトをより明確にしようと決めて、ステートメントには私が普段から考えていることを前面に押し出しています。
今回の展覧会タイトル「折衷案がもたらすNレンマ」がまさしくコンセプトを体現しているのですが、今の社会の中で満足した生活を送ろうと思うと、国の制度など社会的な状況にうまく向き合うことの難しさを感じることがあります。その中でどう折り合いをつけて「折衷案」を見出せるだろうかと考えたときに出てくる悩みは、2つの選択肢の中で決断しかねる「ジレンマ」よりも、より多くの選択肢の中で揺れる悩みであり、（不特定の自然数を意味するNを用いて）「Nレンマ」へと派生していくのではないだろう
かと考え、展示タイトルを決めました。「色々な悩みを抱える中で何ができるだろうか」ということを作品のコンセプトに置きつ
つ、自分が普段取り組んでいる素材・手法の中で「鏡の写真」が一番向いているのではと考えて生まれたのが今回の作品群
です。

岩垂：

コミュニケーションにおける複合的な葛藤が今回の作品に反映されているのですね。ありがとうございます。それでは次に菅さんから自己紹介とご自身の作品についての紹介をお願いします。

〈作品紹介：菅実花 編〉
菅：

菅実花と申します。私は井村くんと同じく東京藝術大学大学院の先端を修了していて、学年としては井村くんより2年上にあたるのですが、在学中は特に接点はなく井村くんのことも知りませんでした。井村くんの作品のことはその後SNS上で知ったのですが、プロフィールに先端修了と書いてはあったものの、まったく見覚えがなかったので私よりもずっと年上の作家なのかなと勝手に思っていました。
私の作品についての紹介をすると、2022年10月にトーキョーアーツアンドスペース本郷（以下：TOKAS）で「鏡の国」1という個展を開催したのですが、そこで12枚の鏡を屏風のように並べた作品《非反転劇場鏡》を発表しました。この作品では鏡同士の角度が90°になっており、鏡像がさらに反転した姿が鑑賞者を囲うように浮かび上がる仕組みになっています。ちょうどこの
個展の会期中に井村くんからTwitter経由で「自分も個展を開催中なので、よろしければ来ていただけませんか」と連絡が来
たんです。

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トーキョーアーツアンドスペースによる公募プログラム「OPEN SITE 7」展示部門で採択、実施。

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《非反転劇場鏡》
菅実花個展「鏡の国」展示風景（2022年、トーキョーアーツアンドスペース本郷）

井村：

元々僕は菅さんのことは作品も含めて知っていたのですが、菅さんが鏡の作品を作り始めた時に「鏡の作品を作るべく人が作ったな」という印象がありました。TOKASでの菅さんの個展を見に行った時に、とても良い展示だったので本人に連絡してしまおうと思ったんです。

菅：《非反転劇場鏡》では表面鏡を使うことにこだわりました。一般的な鏡は裏面鏡（りめんきょう）2といい、ガラス板の裏側に付着させた金属部分が反射して像が映るので、ガラスの厚み分だけ距離ができてしまいます。ですが、表面鏡であればその距離をなくすことができます。井村くんはそのこだわりの部分を見抜いてくれたんです。

井村：

この作品を観て、表面鏡で作っていることが分かったと同時に「菅さんは鏡の構造を理解しているんだな」と思いました。

岩垂：

裏面鏡で発生してしまうガラスの歪みや表面の傷といった物質的なノイズが表面鏡では避けられるということでしょうか？

菅：そうです。裏面鏡の場合、ガラスの表面が傷ついていたらその傷が反射して二重に目立ってしまうので、それを避けたかった
んです。

井村：

加えて、直角の合わせ鏡にしたときに裏面鏡では鏡同士の継ぎ目にガラスの厚み分の隙間ができてしまうのですが、表面鏡にすることでその隙間をなくしたんだろうな、というのを作品を見て気づきました。

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表面鏡・裏面鏡の解説：AGC株式会社ウェブサイト

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菅：

裏面鏡の場合、合わせ鏡の継ぎ目の真正面に鑑賞者が立った時に、顔の真ん中にガラスの厚みによって隙間ができてしまうんです。それを避けたかったので工夫をしながら制作したのですが、その工夫を見抜いてくれたのが井村くんが初めてだったんです。「この人は何者だ」と思いましたね（笑）。

井村：

この個展で同時に発表していた《インフィニティ・エレクトリック・ドローイング》も合わせ鏡になっている作品でしたよね。

《インフィニティ・エレクトリック・ドローイング》
菅実花個展「鏡の国」展示風景（2022年、トーキョーアーツアンドスペース本郷）

井村：

この作品も他のアーティストたちが作ってきた合わせ鏡の作品とは少し異なり、光源であるLEDのワイヤーを合わせ鏡の外側に出していますよね。

菅：このような形で作ったのは、合わせ鏡の「外側」と「内側」でそれぞれ光を映したかったからなんです。合わせ鏡の作品の内側だけに光源を仕込むのはよくある手法ですが、光が内外を飛び越えるようにしたかったので、あえてLEDが鏡を貫通するように作りました。これがけっこう難しかったですね。

井村：

LEDワイヤーで鏡を縫い合わせているような作りですよね。

岩垂：なるほど。布を縫ったときの縫い目のようなものが、合わせ鏡の内側・外側に表れているということですね。

菅：この作品のすごさは理解されず素通りされてしまうことが多かったのですが、井村くんが初めて気づいてくれたんですよね。

岩垂：内側・外側の両方で縫い目のように見せるというのは、どのような意味があるのでしょうか？

菅：

既存の合わせ鏡の作品はすべて内側だけで完結してしまっている印象があり、あまり面白さを見出せずにいました。そこでもっと踏み込んだ表現ができるのではないかと思い、この作品ではあえて内外両方を見せるようにしました。

岩垂：鏡の中に鑑賞者が入り込むだけではない表現ということですよね。

菅：そうです。内側だけで完結していると、単純に鏡像を扱っているだけの作品になってしまうのですが、鏡の先の空間もあるんだということを伝えた方が、作品の構造がより複雑に、より面白くなるだろうと考えました。そうしてわざわざ難しい手法で作っていた部分を井村くんが見抜いてくれたんです。

井村：

いわゆる鏡を扱うアーティストは絵画や彫刻出身の人が多く、例えば彫刻家ならば普段制作している立体作品に銀の塗装をあわせて鏡面にしているとか、画家であれば鏡の上に絵を描くというのがよくある手法なのですが、菅さんの場合は、これまでの美術史の中で鏡を使った作品を研究した上で、それらと同じにならないように工夫をしている姿勢が作品に見えて、分かりやすく言うならばその点にシンパシーを感じましたね。
菅さんと僕では良い意味でも「鏡」ということしか共通項がないんです。例えば、菅さんがLEDを使って鏡に変化を加えているのに対して、僕は鏡自体に凸面を与えるなどして鏡像に変化をつけていて、アプローチがまったく異なるんですよね。

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実をいうとそれまでは有名な先輩アーティストが鏡の作品を作り始めることに対して「自分の居場所がなくなってしまうのでは」という不安を抱いていたのですが、菅さんの場合は僕のやっていることと何もかぶることはないんだろうなと思うんですよね。
岩垂：

菅さんは井村さんとはまったく異なる領域にアプローチしているということですよね。

菅：

井村くんも言っていたように、私の作品では鏡そのものではなく光源に手を加えています。鏡はそのまま使い、その周りにある光源や鏡の角度を変えることで現象を作っていくというアプローチです。それに対して井村くんは「鏡自体を作る」というまっ
たく異なる手法をとっていて、私が手を出せる領域ではないなと思っています。鏡そのものを作る人は工芸系の出身であったり、わりと素材の側面にアプローチする人が多い印象ですが、井村くんが工芸出身ではないということにかなり驚きました。
井村くんは写真や鏡の歴史をよく知っているし、「なぜその素材を使い、なぜその作品を作るのか」がすべて歴史に紐づいているところが良いなと思っています。

井村一登個展「Æ/æ」展示風景（2022年、MA5 GALLERY）
photo by Kenryou Gu

初めて井村くんの個展（上記画像）に行った時、その場では本人には会えなかったのですが「個展に行きましたよ」と連絡した
らわざわざ会場に戻ってきてくれて、そこでめちゃくちゃ喋りましたね。
岩垂：

その前から井村さんの作品はご存じだったんですよね？

菅：

Instagram上で作品画像は見ていましたが実物を見たことがなく、作品の大きさや展示でのインスタレーションの様子、そしてどんな鑑賞体験なのかは画像だけでは分からなかったので、「実際どんな作品なんだろう」という疑問はありました。作品
のビジュアルがとてもきれいなので、工芸的なアプローチで作っていて、仕上げをすごくきっちりとするというスタンスの人なのかなと想像していました。ただ、実際の井村くんは仕上げをきっちりしているだけではなくて、「なぜこれを作るのか」を徹底して考える人なのだと分かって、良い意味でかなりびっくりしました。作品がきれいすぎて逆に損しているんだなと思いました
ね。

一同：

（笑）

井村：

それはありますね（笑）。

岩垂：

井村さんはかなり多岐にわたる文脈から鏡にアプローチして作品を制作されていますよね。例えば歴史を遡ってのアプローチであったり、〈wall-ordered〉のように数列の可視化に取り組んだ作品、そして銅鏡を再現した作品などもありますよね。そうした作品を一通り制作されてきた上で今回の個展があるというのが興味深いポイントなのかなと思います。

井村：「鏡の国」の作品紹介で盛り上がってしまいましたが、菅さんの他の作品の話もしていきましょうか（笑）。

〈光学装置がもたらす「自己認識」のアップデート〉
菅：

TOKASでの個展の前年（2021年）に資生堂ギャラリーで個展「仮想の嘘か｜かそうのうそか」を開催したのですが、その時に初めてインスタレーションの中に鏡を取り入れました。

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《パラダイス シフト》菅実花個展「仮想の嘘か｜かそうのうそか」展示風景（2021年、資生堂ギャラリー）

それまでは人形を撮った写真作品を制作していて、私自身をかたどった人形と一緒にセルフポートレートを撮影するという手法をとっていました。こうした写真作品には鏡を写り込ませるという手法をよく用いているのですが（下記画像参照）、最初はただ「鏡があった方が面白いだろう」という程度で取り入れていました。そのうち鏡が私の取り組んできたテーマ自体に強い結びつきがありそうだということに気がつき、資生堂ギャラリーでの個展では鏡自体を作品として発表しました。

《ステイ パラダイス 02》
2021 | inkjet print | 1101 × 1544 mm

井村：

菅さんというと、写真作品の印象が強いですよね。

岩垂：

そうですよね。菅さんをご存じの方は「人形を写した写真」というイメージがあるかと思います。

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菅：

例えば《ステイ パラダイス 02》では前面に長方形、そして奥に楕円形の鏡が写り込んでいます。作品に写っているカメラで実際に撮影しているのですが、実はカメラを構えているのは人形で、私自身は座っている方の人物で、リモコンを使ってシャッ
ターを押しています。

岩垂：

この個展では写真作品が壁に並んでいて、空間の中央にモビールが吊り下がっていましたよね。

《注意深く見るための機械 05》
2021 | fresnel lens, iron
菅実花個展「仮想の嘘か｜かそうのうそか」展示風景（2021年、資生堂ギャラリー）菅：

このモビール作品にはフレネルレンズを使っています。フレネルレンズとはごく薄いプラスチック製のレンズで、最近ではプロジェクターなどに使用されていますが、元々は灯台の明かりを遠くに届けるために発明されました。フレネルレンズの発明は鏡やガラス製品の発展と同時期に起こっていたのですが、こうして光学装置が発展していった時代と、その発展によってものの見え方が変わっていったことをメインのテーマとしてこの展覧会を構成しています。

岩垂：

菅さんは鏡やフレネルレンズの発展によって人々の自己認識が変わっていった点にご興味があると思うのですが、その理由を詳しく教えていただけますでしょうか。

菅：作品の被写体として自分そっくりの人形を作り始めたことによって、そのうち「自分とは何か」という問題に興味を持ち始めました。鏡の歴史を調べると、現代で一般的に使われているような大きく平滑な鏡を安価に作ることができる製法は1835年のドイツで発明されました。それまでは平滑な鏡を作るのが難しく高価であったため、平滑な鏡は王侯貴族たちのみが持ち得るもので、庶民は歪んだ金属鏡を磨いて使っており、こうした格差が全世界にありました。王侯貴族たちは自分たちがどういう姿をしているのかを見ることができる一方で、一般市民は歪んだ鏡しか持っていないために、自分の顔をよく知らないという状況があったわけです。

岩垂：

経済格差が自己認識にも格差を生んでいたんですね。

菅：

そうなんです。そしてその当時、ガラスや鏡と並行して写真の技術も発展していきました。フランスで写真館を経営していた人物が書いた回想録の中で1850年代から60年代の写真館を取り巻く状況を記しているのですが、そこには「人々は自分自身の顔を知らない」と書かれていました。写真館で撮影し、後日完成させた写真のプリントを客に渡すと「こんなの私じゃない」と言われてしまったり、たくさん写真が並んでいる中で他人の写真を自分のものと勘違いして取っていってしまうという事態が頻発していたそうで、そんなことが起きるほど当時の一般市民たちは自分の顔を知らなかったわけです。
このような時代を経た現代ではどこにでも鏡があるので自分の姿をきちんと認識できているのですが、それは実は人類史の中ではすごく珍しいことなのではと思うんです。こうした気づきをきっかけに鏡の作品の制作へと発展していきました。

岩垂：

TOKASでの個展では鑑賞者の姿をリアルタイムでスクリーンに映し出し、AIが生成した架空の風景写真に重ねる作品《あな
たの知らない場所にいる》があり、さらに屏風形の《非反転劇場鏡》では鑑賞者に作品の前でスマホでの自撮りを推奨していましたよね。「自撮り」を通してそれまでも扱ってきた「自己認識」というテーマをさらに別の階層へと発展させた印象を持ちま
した。

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菅：

1835年の発明からつい最近まで、鏡によって自己を認識できるという人類史の中でごく短い時代が生まれましたが、そのうちスマートフォンが登場しました。スマートフォンにはインカメラが標準装備されていて、画面で自分の姿を確認しながら自撮りができますよね。現代人であれば大体が自撮りを撮ったことがあると思うのですが、最近の自撮りアプリでは目の大きさや顎の形を修正されるように画像が自動で加工されるものもあります。これによって、若者の中にはアプリを通して加工された姿が「自分の本来の姿」であると認識する人もいるようです。写真館を経営されている方に話を伺った際、「成人式の撮影をするのが嫌なんだよね」とおっしゃっていました。というのも、出来上がった写真を見て「こんなの私じゃない」と言って、スマホで撮影し加工された写真を見せて「これが私です」と主張してくることがあるそうなんです。また、ある大学の先生は「学生証の写真を見ても、本人かどうかの判別ができない」とおっしゃっていたのも印象的でした。学生証の写真が加工された自撮り画像なので、学生本人と顔が一致していなくて、何の証明にもならないことがあるそうなんです（笑）。

一同：

（笑）

菅：

「そういう時代が来たんだな。真実の鏡の時代はとても短かったな」と思いつつ、「これからは自撮りの世界なんじゃないか」ということを示すためにTOKASでの個展では自撮りを推奨しました。

岩垂：《非反転劇場鏡》では鑑賞者が作品の前に立った時に反転した鏡像ではなく、客観的に見たそのままの自分の姿に真正面から向き合わされる構造になっていて、加工された自撮り画像などのバーチャル化された自分の姿に慣れている世代の人々にとってはドキッとさせられるような作品なのではないかと思います。

菅：実はこの作品と同じような直角の合わせ鏡がリバーサルミラーという商品名で販売されているのですが、SNSを見るとリバー
サルミラーの画像とともに、キャプションで「自分の顔の歪みに気づいて病むから使わない方がいい」という投稿もありました
（笑）。

井村：

最近はSNSで自分の写真をアップする際に左右反転した画像を使う人も多いですよね。やはり鏡に映る姿の方が見慣れているからなのか、反転している姿の方が「盛れている」という認識になっているんでしょうね。美大受験の課題で描いた絵画やデッサンを、形状をチェックするために鏡判定するとすごく歪んでいるというのも、よくある話ですよね。

岩垂：

自分自身の理想の姿を想像するだけではなくて、バーチャルな姿としてSNS等を通じて外部に共有できるというのも現代社
会の特徴的な側面なのかなと思います。

菅：

次にお見せするのが、直近に開催した個展「シスターフッド」（2023年、Gallery10[TOH]）で発表した作品です。この〈Happy
Dinner Party〉シリーズは人形を使用するという手法から発展した作品で、写っている3人が全員人形で、彼女らが女子会でおしゃべりをしているシーンを撮影した写真作品です。この作品にも鏡が写っていて、その鏡には撮影している私自身も映り込んでいるのですが、女子会に混ざれなくて、少し離れたところから傍観しているような距離感ですね。

岩垂：

ここに登場する人形すべてが菅さんを模しているのでしょうか？

菅：

真ん中に座っている人形だけが私を模したもので、他の2体は既製品を使っています。私自身が女子会に参加することはな
く、鏡に小さく映り込んでいるくらいの方が、自己認識的に私が女子会に対して感じている距離感を示せるかなと思ってこのような構図にしました。

〈Happy Dinner Party〉より（2023）

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岩垂：

展示タイトルの「シスターフッド（＝女性同士の連帯）」に対する菅さんご自身の感覚を示しているのでしょうか？

菅：

そうですね。作者である私はあくまで引いた立場にいて、「あなたたちの友情はあなたたちのものである」ということを示してい
ます。

岩垂：

菅さんご自身と人形が同等の距離感で写っていたそれまでの写真作品から発展されていますね。

菅：

そうですね。私自身は一歩引いて他者同士の関係性を眺めるという方向に変化しています。

井村：

実はこの資生堂ギャラリーでの個展と同時期に、僕はそのすぐ近くのサルヴァトーレ フェラガモ 銀座本店のウィンドウのプロジェクトをやっていたのですが、ちょうどこの頃から僕は菅さんのことを脅威として認識していました。

菅：

そうだったね。ちょうど井村くんも近くで展示していたんだよね。

井村：

僕の初個展では鏡の作品にかけて「mirrorrim」（mirror [鏡] ＋ rim [縁]）という造語の回文をタイトルにしていたのですが、菅さんの資生堂ギャラリーでの展覧会タイトルも「かそうのうそか」という回文にされていて、このタイトルを見た時に僕はもうビビっていました。僕は「mirrorrim」の真ん中の「o」を、菅さんは「かそうのうそか」の真ん中の「の」をそれぞれ円い鏡に見立てて前後を反射させるという、まったく同じような発想で展示タイトルをつけていたんです。

一同：

（笑）

岩垂：

その時からお二人は共鳴し始めていたんですね。

井村：

そうなんです。その後、先ほども話したようにTOKASでの菅さんの個展のタイミングでようやくご本人にも会うことができました。

菅：

この頃から私の作品が急に鏡に寄っていったから、きっと怖かったですよね？（笑）

井村：

最初はめちゃくちゃ怖かったですよ。ただ、実際に資生堂ギャラリーとTOKASでの二つの展示を見てからはその恐怖心が尊敬へと変わっていきました。菅さんは「僕はこの部分を気にして作っている」というこだわりのポイントに気づいてくれる理解者でもあるなと思っています。鏡というものを知っている人にしか分かり得ない微細な部分での気づきを誰かと共有できるようになったことが嬉しかったですね。
今回の個展を開催するにあたってギャラリーディレクターの河西さん、スタッフの折笠さんのお二人に作品についての説明をして、僕が在廊していないときはお二人がお客様にその内容をご説明してくれるわけですが、作品の説明をするためにはまず「そもそも鏡とは何か」を説明しなければいけないという状況があるんです。例えば油画や日本画、木や鉄などの単一素材で制作された彫刻作品を制作する作家であれば、わざわざ「この素材とは」という話はしなくても作品の説明が成り立ちます。
一方で、鏡は一般的なはずなのに美術作品としてはニッチな領域であるがゆえに、まずは「鏡とは」を説明しなくてはならな
い。前提をすっ飛ばして会話が成り立つ絵画や彫刻と比べると、作品について話すときにタイムラグが生じてしまうもどかしさがあるのですが、菅さんとはそんな説明も省いていきなり作品の中身の話ができるので、貴重な仲ですね。
先ほど菅さんがおっしゃっていた1835年のドイツでガラス鏡が生まれたという話を知った時は僕は個人的にすごく感動しました。また表面と裏面（りめん）の話に戻ってしまいますが、それまでは金属の表面を磨いて鏡を作っていたところから、ガラスと金属のそれぞれの役割を組み合わせて作り上げるようになったことがすごく面白いなと思っています。ガラスはもっとも平らな形状を作ることができる上に透明であることから、ごく薄い金属であってもガラスの裏につけることで鏡面を保つことができるようになったわけです。このように、鏡にとってはガラスと金属の役割分担が非常に大事なんですよね。

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岩垂：

ガラスと金属は奇跡の出会いだったわけですね。

井村：

そうなんです。これってすごい発明なんですよ。それまでは金属の鏡をいかに平らに作るかということを全て職人技に頼っていましたが、作るのも難しい上に劣化もしやすい、大きいサイズも作れないといった難点が多かったため、特権階級のためのものでした。金属の鏡面にガラスを組み合わせるというのは一見遠回りにも思えるプロセスですが、実は一番制作しやすい方法だったわけで、別の素材を一枚挟んで鏡を完成させるという発想が素晴らしいなと感じています。こうした部分を感動し合えるのが菅さんとの仲ですね。未だに僕は鏡を「マテリアル」として認識できない部分があるのですが、それは鏡自体がミ
クストメディアとして完成されたものとして認識しているからであると思っています。

岩垂：

すでに鏡自体が金属とガラスが複合されているので、鏡を「素材」と呼ぶことに抵抗感があるということですね。

井村：

鏡自体が作品なのではないかと思っているところがあります。

菅：

井村くんの言っていることがすごく分かりますね。大きく平滑な鏡を作れるようになったのが1830年代で、その時代を起点に写真も発展していきます。元々写真はフィルムではなく金属板やガラスに焼き付けるものだったので、ガラスがなければ写真も発明されませんでした。この点で鏡と写真のそれぞれの歴史は並行して進んでいくわけです。私は元々現代アートとしては
写真作品を制作していて古典技法にも取り組んでいたこともあったので、写真と鏡のつながりを見出し、すんなりと鏡の領域にも侵食していきました（笑）。

井村：

自分の領域が侵されているとは思ってないですよ（笑）。

菅：

井村くんが同世代であることをまったく知らなかったので、勝手に40〜50代の作家さんなのかと思っていました。

岩垂：

なぜ年上だと思っていたんですか？

菅：

私は東京藝大での在学が長く、博士課程まで修了しているので上の世代の方々は知っていました。35〜36歳くらいで先端の人であれば大体知っていたので、「井村くんは自分よりも若い現役の学生世代か先輩の世代だろう」となったときに、学生では井村くんのような作品は到底作れないだろうと思い、すごく年上の人なんだろうと想像してました。人柄と見た目は、職人
的で山籠りしてるような人か、もしくは作品に関わるものすべてを外注しているチャラチャラしたホスト系のどちらかだろうなと思ってました（笑）。

一同：

（笑）

井村：

自分のような作風の人がまさか関西弁をしゃべるとは思わなかったでしょうね。

菅：

たしかに、思ってませんでした！

岩垂：

私にとっては関西出身の方が鏡を扱った作品を作ることに違和感はありませんでしたね。関西はスピリチュアルな場所であるイメージがあり、鏡もスピリチュアルな存在なので京都出身の井村さんが鏡に興味を持つというのもごく自然なことのように
思います。

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井村：

もちろん神社に鏡があったりしますが、先ほどもあったように鏡はお金持ちのものだったのでどちらかというと都会文化で、もう少し僕に対しても都会人のイメージを持たれるのかなと思っていました。

菅：

井村くんの作品は仕上げがあまりにきれいなので、全部外注しているのかと思っていました。見た目もスタイリッシュなので、尖った靴を履いたホスト風の人物を勝手に想像していました（笑）。

岩垂：

ビジネス的に取り組んでいる印象だったのでしょうか？

菅：そうです。外注せずに全部自分で制作しているのだと本人に会う前に知り、逆にすごくゴツい山男のような人なんだろうと思ってましたが、実際に会ってみたらだいぶほっそりした人でびっくりしました（笑）。

井村：〈wall-ordered〉も自分で配線等の構造を考えたり、額装も自らしていたり、どの作品も自分で制作する部分が多いです。〈wall-ordered〉は数列の可視化がテーマとなっていて、今回の個展でも一番奥で新作を展示しているのでご覧いただきたいのですが、この作品は菅さんのライトを加工するアプローチとは対照的に、鏡に可変を与えています。ひし形の鏡の中心部分が凸状に膨らんでいて、平らな部分は同じサイズの数列で反射が奥側に続いていくのですが、中心の円形部分の中ではだんだん反射が小さくなっていき、一つの作品の中に勾配と収縮の2つの数列が込められています。

《wall-ordered 360°》
2024 | glass, aluminum, LED, frame | 500 × 500 × 100 mm
個展「折衷案がもたらすNレンマ」展示風景 | photo by Yuki Kawanishi

このシリーズは数年に渡って取り組んできたのですが、初期は既製の鏡を組み合わせて制作していました。そんな中で「鏡自体を作れたら面白いだろうな」と思い、鏡とはそもそも何なのかを調べてみたところ、膨大な鏡の歴史に行き着きました。そこで「歴史上のあらゆる鏡を作ってみよう」という意識での作品制作がスタートしました。例えば水を回転させることで水面を平らにして鏡に見立てた作品（左下）や、銅鏡などが登場する以前にトルコでは黒曜石を磨いて鏡にしていたという事実を参照し、黒曜石を溶かして制作した作品もあります。

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《narcissus telescope》
2021 | photo by Kenryou Gu《obsidian buck》
2021 | photo by Kenryou Gu〈鏡としての黒曜石〉
井村：

黒曜石の初期作品ではなかなか溶かすのが難しく発泡していたりもするのですが、無理矢理ガラスと組み合わせて鏡の形にしていこうと制作したのが《obsidian buck》です。この作品を起点に少しずつ黒曜石を溶かせるようになっていったのですが、完全に溶かせるようになるとなぜか黒ではなく緑色になり、磨いていくと宝石のようになるのですが、先ほどお話した歴史に習うとこれも鏡と定義できるのではないかということで制作しました。
僕は学部は京都市立芸術大学で美学を専攻していたのですが、リサーチする方法として実際に自分でも手を動かした方が分かることが多いのではないかと思い、その頃から作品制作をしていました。そしてコロナ禍真っ只中に開催した初個展では、それまで制作してきた鏡の作品を網羅的に発表しました。

井村一登個展「mirrorrim」展示風景（2021年、MITSUKOSHI CONTEMPORARY GALLERY）
photo by Kenryou Gu

この展示には、鏡の歴史についての論文を書くような意識で取り組みました。自分が鏡について知りたいことの全てを満足す
るまでとことん突き詰めてみようという感覚で作り上げた展示ですね。
岩垂：

一貫して様々な手法を通して鏡が持つ可能性を研究されていたのですね。黒曜石は磨けば本当に鏡になるのでしょうか？

井村：

なりますよ。5時間くらい磨き続けると、スマホの画面がオフになっているときに自分の姿が映るような形で反射するようになります。とはいえ、実際に黒曜石を鏡として使っていた時代にはそこまで高い研磨技術があったわけではないと思うので、どちらかというと太陽光を反射させて遠くに光を届ける手段として使っていたのかなと思います。銅鏡が歴史の中であまりに認知されているがゆえに、黒曜石が鏡の役割を担っていたことはあまり知られていません。実際日本では黒曜石を鏡として使うというのは伝わっていなかったようです。

菅：

黒曜石自体は日本でも出土はしているんだよね？

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井村：

そうですね。ただ、いずれも磨かれてはいなかったそうです。
黒曜石は火山の噴火によってできたガラス質の石であり、トルコで出土した黒曜石の鏡は紀元前6200年頃に制作されたといわれています。先ほど話に挙がったように金属鏡の時代は一時期ありましたが、黒曜石の鏡の時代から約8千年経った現代でも当時と同じガラスという素材で鏡を作っているということ自体が面白いなと思ったこともあり、作品に黒曜石を取り入れました。
今回の個展でも展示している立体作品〈mirror in the rough〉はガラスが水色ですが、調色しているわけではありません。このガラスは様々な土地で集めた砂を溶かすことでできているのですが、色は制作段階で自然にできたものです。

《mirror in the rough 3928g》
2024 | glass, aluminum | H150 × W204 × D105 mm
個展「折衷案がもたらすNレンマ」展示風景｜写真：タイラ キントキ

一般的には窓や鏡に使われているタイプのガラスで、実は平面の〈tele portrait〉にも同じガラスを使っていますが、薄い板状の場合は無色に見え、分厚くなってくると色が見えてきます。このガラスは、砂を溶かして制作していくなかで、砂が採集された土地によって成分が変わっていきます。黒曜石も同様で、例えば北海道のある山で採った石でも山頂か麓では成分の違いにより、黒色だけでなく赤色の石も採掘されています。ブラジルでは緑色の黒曜石が採れたこともあったそうで、その話を聞いた時「緑色の黒曜石なんて偽物だろう」と思っていたのですが、実際に作品制作で同様の色の黒曜石（下記画像）が出来上がったことで、「こんなことも起こり得るんだ」という気づきがありました。

「マツモト建築芸術祭」展示風景（2023年、信毎メディアガーデン）
写真：宮川悠之介

岩垂：

これらの作品では割ったり磨くだけではなくて、黒曜石自体を作っているのですか？

井村：

そうなんです。群馬県の岩宿遺跡という日本国内で初めて石器が出土した場所があり、そこにある岩宿博物館の石器サーク
ルで僕は石器作りを習っています。それまで日本では縄文時代が最古の時代だとされていたのですが、岩宿遺跡で打製石器が見つかったことにより旧石器時代が日本にも存在していたことが証明され、それをきっかけに岩宿博物館が生まれました。

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この博物館の元館長である小菅将夫さんが僕の師匠なのですが、小菅さんは資料用に石器を割られているんです。というのも、石器そのものだけでなく石器を作る際にできる破片も資料になるので、新たに黒曜石を割る必要があります。そうして小菅さんは30年ほど黒曜石を割って石器作りをされていて、僕はその方に習っています。
実は2021年に初個展をすると決まった時点でまだ鏡の作品にフォーカスするとは決めていませんでした。黒曜石を作品に使い始めたのも、それまでの作品が無彩色のものが多かったのと、ものづくりの起源でもある黒曜石を使ってみようという意
識で岩宿遺跡に行き石器作りを習い始めたのがきっかけで、その時は黒曜石が鏡であったことは知りませんでした。石器サークルの方々と石器を作りながらふと「石を割ったときに出てくる破片がもったいないですよね。これをもう一度溶かして作品にしたら面白いですよね」という話になったところから黒曜石の作品が生まれたのですが、実はそれが鏡につながっていくとはその当時は想定していませんでした。それもあって、その後の鏡の歴史との出会いに何か運命的なものを感じたんですよね。
河西：

黒曜石を使った作品は、色々な土地から採掘された石の破片を溶かして作られているのでしょうか？

井村：

そうです。石器サークルのメンバーたちが全国様々な土地で採れた黒曜石を持ち寄って、それらの破片を使っているんです。例えばこの《tooloop》も黒曜石を用いた作品で、TOKYO MIDTOWN AWARD 2022の展覧会で発表しました。この作
品は色々な土地から集まって一つの塊になった黒曜石を展示会場で割って石器を作り、その破片も含めてすべて作品にするというものです。展示会場が六本木という土地で、その中でも特に多くの人が行き交う東京ミッドタウンの地下という公共空間だったので、「全国各地から石が集まり、溶けて一つになり、割られ、石器になっていく」という一連の流れによって「記憶を共有し合う破片」が生まれる様子が、展示会場のような公共空間に人々が出会い、会話をして、各人が持ち寄った情報を共有し、散っていくことに重なるなと感じています。

《tooloop》「TOKYO MIDTOWN AWARD 2022 EXHIBITION」展示風景（2022年、東京ミッドタウン）

ただ、そうしたコンセプトの面よりも石器を割るということ自体が面白すぎたのか、そちらの行為の方にばかり注目されてしまいましたね。
岩垂：

どういう文脈をもってこの行為に行き着いているのかがなかなか伝わりづらかったのかもしれませんね。

井村：「黒曜石が鏡だった」ということをまずは前提として説明しなくてはならないんですよね。黒曜石に限らずどの素材を使うにしても鏡の作品を発表する際、やはり「そもそも鏡とは」を説明する必要があって、そこにジレンマを感じてしまいますね。

菅：

打製石器は、人間が生み出してきたものの中で一番古いもので、ホモ・サピエンスが生まれる前から存在していたネアンデ
ルタール人3の時代から作られていたといわれています。実は私はネアンデルタール人の化石をクリーニングするというアルバイトをやっていたことがあったんです（笑）。

（一同驚く）

3

ネアンデルタール人：約4万年前までユーラシアに住んでいた旧人類の絶滅種または亜種である。ネアンデルタール人がいつ登場したかは明らかではない。ネアンデルタール人がその祖先であるホモ・ハイデルベルゲンシスから分岐した時期が明らかになっていない。諸研究では、31万5000年前から80万年以上前までの様々な時期が示されている。（Wikipedia参照）

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菅：

なので、井村くんが打製石器の話をし始めた時に「私、7万年前の化石のクリーニングしてたんだよね」という話で盛り上がりました。そのバイトで打製石器で切った骨とかも扱っていました。打製石器はけっこう切れ味が良いんですよ（笑）。

井村：

そうなんですよ。何度怪我したことか（笑）。

菅：

石器を作っているという話を聞いて「井村くんはこんなに人間の根源的なことまでやっているんだ」とめちゃくちゃ感動したんです。「黒曜石を溶かして素材を作り出すところから自分でできるんだ」と。

井村：

素材から自分で作るというプロセスを選ぶ理由につながるかなと思うのですが、僕は作品を作ることを目的に既製の鏡を割ることに抵抗があります。僕は鏡を作ることに感動しているような人間なので、他の作家が鏡を割って作った作品を見ても「大変な思いをして作ったものを割るなよ」と思ってしまうんですよね。なので、僕の作品制作のプロセスに破壊行為を含む場合は、破壊するもの自体を自分の手で作らないと気が済まないんです。これは作品のコンセプトというよりは、鏡を作ってきた人々に対する礼儀だと思いますね。こういう理由もあって原始的な手法を扱うようになったのだと思います。また、実際に自分でやってみないとわからないことが多いので、もともとは研究の一環としてやっていたことがスピンオフ的に作品になっている感覚がありますね。

岩垂：

鏡と人間の歴史的な関係の根源に立ち返ってみよう、という試みが黒曜石の作品に表れているんですね。

菅：

私は鏡の歴史はヴェネツィアングラスが使われていた時代以降のことしかあまり詳しくなかったので、自然物を磨いて鏡として使われていたことは知らず、石器作りが鏡につながっていくのは驚きでしたね。

〈「鏡の歴史」を網羅したその先〉
岩垂：

黒曜石の作品で石器時代まで時を遡られ、鏡の歴史に関しては一通りやり切って、次のステップに踏み込んで生まれたのが今回の新作と考えてよいのでしょうか。

井村：

そうですね。研究のような感覚で作品制作に取り組んでいるがゆえに、制作して改善すべき点と解決策が分かってしまった
時点で満足してしまい、いざ実際に改良版を作る前に制作をやめてしまう癖があります。とはいえ、側から見るとある程度は作品が仕上がっているようにも見えてしまうので「きれいな仕上がりの作品を作りたい人」として認識されてしまうこともありました。これまでの展覧会ではあらゆる鏡にまつわる素材を使って制作した作品を網羅的に発表して「僕はこんなことを考えて作品を作っています」ということを紹介する形をとっていました。そのため、やや資料的な見せ方になっていたのですが、一通り鏡の歴史を網羅し、自分の中で満足できるところまでやり終えたので、ようやく「一つのコンセプトを突き詰めよう」という意
識で取り組めた初めての展覧会が今回の個展なんです。
「折衷案がもたらすNレンマ」は常日頃から感じていたことを体現しているタイトルであり、今回の展覧会でそうした概念をいかに作品として視覚化するかをクリアできたと思っています。今までで自分の主張が一番分かりやすく表現されている展覧会かなと感じています。

菅：作品の背景にある作者としての井村くんの意図が今回の展示では明確に見えてきますよね。これまでは素材や現象に傾倒していて、作者の痕跡があまり見えないタイプの作品が多かった印象があります。何を使ってどうやって作っているのかが見えづらく、とはいえ作品そのものは質の高いものであることは分かるからこそ「一体この人は何者なんだろう」と私も感じたのだと思います。

岩垂：

菅さんが今回の展示をご覧になって「これまでとは違うな」という印象がありましたか？

菅：

まず最初に感じたのは「映る鏡だな」ということです（笑）。次に思ったのが、レーザー加工機を使って作られている図像が何なのかが読み取りづらいなということ。普通は何らかの図像であれば記号的に受け取れば良いんのですが、そのような受け取り方ができないので、鑑賞者に「これはどういうことなんだろう」という疑問を誘う作品なんだなという印象を持ちました。

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個展「折衷案がもたらすNレンマ」展示風景

井村：

実は図像のモチーフを決めるまでにだいぶ迷いがありました。今回のステートメントの末尾に「折衷が生んだその鏡は、鏡としての主張もまともにできない静かな鏡である」とありますが、現代はコミュニケーションにおける齟齬がとても起きやすい時代だなと思うんです。例えば誰かが「Aです」と言い切ったときに、別の人が「いや、Bとも言えますよね」とか「Cとも言い切れませんよね」と無限に反論できてしまう世の中だなと。なので、何を言うにしてもその主張すべてに一つ一つ注釈をつけなけ
ればいけない。誰かが発言したことに対して、それを受け取る側が全部の文脈を読み取らずに一部だけをみて本来の狙いとは異なる受け取り方をしてしまう状況があって、主張すること自体が怖くなってしまうことがありました。そこで、〈tele portrait〉
は写真を基に図像が作られていますが、具象的なモチーフではない方が良いと考え、これまで僕が作ってきた「映らない鏡」を撮影することにしました。そうすれば、姿形自体は映っていないながらも、自分自身をモチーフにしたポートレートが出来上がり、今までで一番「何も主張しない」に近い状態を作れるのではと思ったんです。
仮に自分の姿が完全に作品に写っていれば「ルッキズムやナルシシズムに言及しているのかな」と読み取ることができると思いますし、もしどこか特定の風景が写っていたら、その場所を起点に思考を巡らせると思います。もしくは完全に鑑賞者を映し出す鏡であった場合は反射させることに意味を見出そうとするのではないかと思います。そんないくつもの可能性がある中で、一番中途半端なことをやりたかったんです。
いや、「やりたかった」というよりは「そういうものしか作れない」という、まさしく「折衷案」ですね。ステートメントに「途方に暮れた結果」とありますが、何を発言しても意図通りに受け止めてもらえないような気がしていました。「折衷が生んだその鏡は、鏡としての主張もまともにできない静かな鏡である」とは、途方に暮れながらも自分自身をモチーフにすることで、1の主張に満たない「0.4くらいの主張」をする姿勢を示しています。全く主張がないわけではない、でも人によっては主張として受け止めずに四捨五入して切り捨ててしまうくらいの静かな声で主張しているイメージです。菅さんが先ほど今回の展示作品について「いつもより映る」とおっしゃっていましたが、何も意識していなかった、もしくはできなかった結果なのかなと思っています。
今回作品を作ってみて久しぶりに「そういえば鏡って映るんだった」と思い出したんです（笑）。

一同：

（笑）

井村：

普通は鏡の作品を展示する際はもっと映り込みを考慮して配置構成を考えると思うのですが、これまでは展示空間の中で作品同士が映り込むことがなかったので、そこをまったく意識せずに設営していましたが、ある意味自分の中にあるリアルな感情を見せられているなと思います。このギャラリーは窓が広いため日の当たり方が時間によって大きく変わるので、昼間に設営を始め、夜になって展示が完成して初めて映り込みのことに気がつきました。「何年アーティストとして活動しているんだ」とツッコまれそうですが（笑）。

岩垂：

鏡を使う現代美術作品には、菅さんがTOKASで展示した《非反転劇場鏡》も含め、鑑賞者が映り込むことで作品が完成するものが多くあると思うのですが、井村さんはその方向性ではないですよね。

井村：

もともと僕は鏡の構造に面白さを見出していました。鏡は歴史の中で素材が変わっていきながらも同じ「鏡」として作られてきましたが、例えば椅子や机が様々な素材で作られてきたことと同じようで、何かが違うと思うんです。とはいえその違いが何なのかというと、それは未だに言語化できずにいますが、そこに面白さを感じていますね。だからこそ「鏡が映るもの」ということをまったく意識していなかったのだと思います（笑）。

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岩垂：

菅さんは「鏡に映る像が自己認識を構成する要素の一つである」と捉えているのに対して、井村さんは対照的に「映らない」
ことに焦点を当てているというのが興味深いですよね。鏡はそもそも本当の自分を映し出すものではないと思います。ガラスのノイズが反射に映り込んでしまったり、自分の姿が反射するまで、そしてその光が目に届くまでにわずかなタイムラグが生じているために厳密には鏡に映っているのは過去の自分であるとも言えます。「現在の本当の自分」はいかなる方法でも見ることができない。これもジレンマですよね。

井村：

鏡に映る姿は実像には劣るけれども、鏡を使うことでしか自分自身のことを知る手段がないからこそ、「しゃあないから」使っているのだと思うんです。像は2Dですし、先ほど岩垂さんがおっしゃったように視覚情報として目に届くまでに光のスピードのタイムラグもあります。

菅：

自分の目が顔に固定されている以上、鏡像を見る目線の角度も固定されてしまうので、鏡を二枚以上使うなどしなければ別の角度から自分の姿を見ることもできませんよね。

井村：

それに、一般的な鏡は反射率が90%ほどなので、10%ほど暗い自分の姿しか見えない。そういう意味で、鏡を使ったとしても劣化した自分の像しか見ることができない。けれど、自分の姿を見る術が他にないので仕方なく鏡を使っているのだと思うんです。
「ドラえもん」で「もしもボックス」というひみつ道具を使って「鏡がなくなった世界」を作る回があります。この話の中では水面もガラスも反射しなくなっていて、カメラの技術も存在しないため、自分自身の姿を見るためには「描く」しかないんです。そこ
で、スネ夫が色々な人の似顔絵を描いて、「これがあなたの顔ですよ」と教えてあげるんです。例えばジャイアンには怒られないように実物よりもイケメンに描いていたり。先ほど菅さんから挙がった自撮りアプリの話にも通じますが、実物からは再現度の低い像が生まれているわけです。
例えば〈wall-ordered〉は合わせ鏡で延々と反射しているように見えますが、その像も実は無限ではなくて、同じ方向にだん
だんと劣っていきながら反射しているだけです。そんな「鏡が持つ再現の有限性」も作品を制作する上で考えていることの一つですね。

〈対照的な二人の「鏡と図像」へのアプローチ〉
井村：

今回のトークで菅さんに登壇いただきたかった大きな理由の一つでもあるのですが、僕の〈tele portrait〉と菅さんの作品は「鏡と図像の関係性」という観点でいうと、対照的であると思うんです。菅さんの作品に写るのは自身を模した人形という具象的なモチーフでありながら、菅さん本人ではありません。それに対して僕の〈tele portrait〉では、モチーフは抽象的でありながらもセルフポートレートを通して僕自身を映し出しています。こうして菅さんの作品と対比関係が生まれているのではと思い、
トークイベントでじっくりお話をしてみたいなと思って今回お誘いさせていただきました。

菅：作品の中で何か具象的なモチーフを使って視覚的な記号を見せてしまうと、本来の意図とは異なる文脈として受け止められてしまう可能性があることを強く感じています。例えば私の作品では服や髪型を決めなければなりませんが、どんな格好をするかについては特にこだわりはありません。とはいえ鑑賞者からは「なぜこの人はロングヘアなんですか？」「なぜこの人はこの色の服を着ているんですか？」と尋ねられることがあるのですが、そんなことを聞かれても「そこにあったから」としか言いようがないんですよね。あえて理由をいうならば、人形は首に継ぎ目があるためにその部分を隠す必要あったり、ウィッグを使っているため、おでこを出す髪型は生え際が見えてしまうので前髪をおろさなくてはならない、というような制約のもとに服

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装や髪型を選んでいます。ですが、「この髪型／服装にしたということは、こういう文脈があるに違いない」と勝手に推測され、本来とは異なるイメージや意味合いが作品に生まれてしまうことがあります。実際、展覧会で私自身が会場にいるタイミング
で、それに気が付かずに来場者が「モデルの顔がイマイチだよね」と言っていたこともありました（苦笑）。そうした事態が自分にとってはどうしてもノイズになってしまうので、どうすれば阻止できるんだろうかと思っていたのですが、井村くんの〈teleportrait〉はある意味一つの解決策なのかなと感じました。自分自身は映っていますが、像が抽象的なために私の作品で起こる事態は発生しませんよね。
岩垂：

人の顔はどうしてもアイコンとして強い存在になってしまうので、菅さんのような考えが出てくるのも自然ですよね。

菅：

もし井村くんの作品に彼自身の姿が像として映っていたとしたら、私が思っていたみたいに「彼本人はホスト風なのか、山男風なのか」という議論になってしまう可能性もありますよね（笑）。

井村：

僕は普段メディア等でも顔を出していないので、もし自分自身を像として作品に出してしまったとすると、「この人物は作家本
人なのか、それとも他人なのか」「なぜこの人物なのか」という議論になる可能性が尚更高いかもしれないですね。

菅：そういった意味でも〈tele portrait〉のアプローチは良いなと思いますね。

井村：

ありがとうございます。
人間の内面は張本人にしかわからず、他者が理解しようと思うと本人から発せられる情報でしか知り得ません。その一方で、人間の外見は他者からしか見ることができず、鏡を使って自分自身を見ようとしても、その姿は鏡の反射のような再現された姿でしかない。ということは、外見と内面を両方とも知っている人間はどこにもいないということになりますよね。〈teleportrait〉には「僕の内面」と「鑑賞者の外見」の両方がどちらも再現ではありながらも映っていて、ある意味、自己理解と他者理解を取り巻くこの状況を提示していると思うんです。

岩垂：

レーザーでガラスに彫られた像が井村さんの内面であり、像が彫られていない部分に鑑賞者の外見が映り込み、二つの要素が同居するということですね。

菅：こういう作品ってあまりなかったと思うんですよね。ダゲレオタイプという写真の手法がありますが、これは銀メッキをした銅板の表面に図像を定着させるため、銀の面が鏡のように反射して鑑賞者が映り込んでしまいます。例えばダゲレオタイプのポートレートを正面から見ようとすると、被写体と自分の顔が重なって見えるため写真作品としては見づらくはあるのですが、「過去の人物の顔」と「現在の自分の顔」が重なり合うことで不思議な鑑賞体験が生まれます。井村くんの〈tele portrait〉の構
造はこのダゲレオタイプに近いなと思いつつも、モチーフが顔ではないので、鑑賞者は「何が写っているんだろう」と作品を読み取ろうとすると思うのですが、作品を見ようとすればするほど鑑賞者自身の姿ばかりが見えてしまいます。こうした点ではダゲレオタイプとはまた違った鑑賞体験ですよね。

井村：

これまでも（映らない鏡を撮った）セルフポートレートを扱った作品は発表してきましたが、鏡に手を加えるアプローチだとダゲ
レオタイプ的な作品になってしまうのではと思っていました。そこで生まれたのが〈tele portrait〉なわけですが、作品の構造を説明すると、まずは透明なガラス板にレーザーでエッチングを施し、エッチングした面にアルミメッキをすることで鏡に仕上げています。そのためガラスのツルツルな面が作品表面にそのまま残っています。やはり僕は「鏡を作る人間」なので、既成の鏡に手を加えるのではなく、ガラスという素材を加工するところから自分でやることで「写真としての鏡を作る」という意識をこれまでよりも強く持って制作した作品ですね。
実はこの展示に向けて僕はものすごく大きなレーザー加工機を購入し、総務省の許可を取った上で自分のアトリエで制作しました。レーザーを使うため、鏡の表面を彫ろうと思ってもレーザー自体が反射してしまうのですが、実はこの制約が今回の作品制作のヒントになっています。以前に制作していた鏡の上に印刷した作品では、印刷面を剥いでしまえば元の鏡の姿に戻ってしまうのに対して、〈tele portrait〉ではガラスの裏面に像が彫られているので、表面をいくら削っても像として僕が残した痕跡が消えることはありません。

岩垂：

例えばSNSが発達した現代では、一度発してしまった主張を消すことはできないと思います。それも一種のジレンマであり、そんなことを〈tele portrait〉にも見てとれるなと思いました。

井村：

このトークをしている中で挙がった「ジレンマ」の数だけでも分かるように、どうしたってこの世の中には葛藤が無数に溢れているわけですよね。

岩垂：

それでは、そろそろ質疑応答に移りましょうか。

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〈質疑応答１：「図像に対する意識」と「美学・哲学的アプローチ」〉
客A：

井村さんは「実像を捉える手段が他にないために、再現度は低いけれど仕方なく鏡を扱っている」とおっしゃっていましたが、鏡を希望のように捉えられているのでしょうか？ また、大学の学部時代は美学を学ばれていたとのことでしたが、現在の制
作活動の中で美学や哲学の側面についてはどのようなことを考えていらっしゃるのかを教えていただきたいです。

井村：

特定の具象的なモチーフを扱うと、その視覚情報が特定の言語情報を生み出してしまうなと思っています。個人的な性格の話にはなりますが、僕自身が昔から写真に写ることに対して抵抗感を持っていて、例えば小さい頃の写真ではあえて変な顔をして写っていたり、今でも自分の顔を隠すために前髪も長くしているのも、注目を浴びることが怖いからなんです。常に人からの注目を浴びずに第三者的な立ち位置で生きていきたいという願望があるものの、アーティストである限り、ひいては社会人である限り、自分に注目が集まる機会をどうしても避けられません。こうした状況が自分自身に迫ってきたときに、僕は発言を抽象化してしまう癖があるなと感じていて、その傾向が作品にも表れているのだと感じています。
二つ目のご質問に対する答えですが、今は内面的な自己認識の面よりも、社会的なルッキズムを分析哲学的に紐解いていくことに興味があります。科学哲学者であり京都大学の宇宙総合学研究ユニットに所属されている清水雄也さんに協力を得てブレインストーミングをしているのですが、それを通して「分析的にものをみる」ことを学んでいます。それまで「哲学は詩的なもの」という印象を勝手に持っていたのですが、清水さんとお話することで「哲学とは分析するためのツールである」ということを知りました。具体例を出すのが本当に億劫になってしまうのですが、例えば2023年に公開した実写版『リトル・マーメイド』では主役のアリエルを黒人の役者が演じましたが、オーディエンスからは「ポリティカル・コレクトネス4なのでは」「白人の方が原作に忠実なのでは」といった意見が飛び交いました。その一方で、仮にその俳優があなたの近しい友人であったとしたら、「アリエルを演じたい」という彼女の人権を侵害してまでそのキャスティングに反対する権利はオーディエンスにはないと思います。このように、その事象をどの目線で捉えるかによってまったく答えが変わってくると思うのですが、こうした事象を一つ一つの角度から分析していくという特訓を清水さんとやってきました。

河西：

京都での個展では清水さんとの対談も行われるんですよね？

井村：

そうなんです。「明晰鏡」というタイトルで、京都 蔦屋書店のギャラリーで4月27日 〜 5月14日まで開催される個展なのですが、初日に清水さんをお招きしてトークイベントも行います。「明晰夢（めいせきむ）」という夢を見ているときに自分が夢の中にいることを認識している状況を表す単語を基に「明晰鏡」というワードを今回の展示タイトルにしていて、私たち自身が鏡の世界の中にいるのではないかと自覚させる展示を予定しています。

個展「折衷案がもたらすNレンマ」展示風景｜写真：タイラ キントキ

このコンセプトは、僕は何を見ても鏡であると思ってしまうことから生まれました。例えばKANA KAWANISHI GALLERYは前面がガラス窓で、中央にある引き戸はアルミ製なのですが、引き戸を開けるとガラス窓の後ろに重なるので、ガラス鏡と同じ構造になるわけです。このように、私たちが生きている現実世界は鏡がそこかしこにあるということをテーマにしたのが「明晰鏡」という展示です。

〈質疑応答２：井村・菅の間の「レンマ性」〉

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ポリティカル・コレクトネス（英: political correctness、略称：PC、ポリコレ）：社会の特定のグループのメンバーに不快感や不利益を与えないように意図された政策（または対策）などを表す言葉の総称 （Wikipedia参照）

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河西：

他にご質問はありますでしょうか？

客B：

鏡というテーマに取り組まれる中で「自己の内面」と「他者から見た外見」のお話がありましたが、今日この場で井村さんと菅さんがお話をされる中で、まさにお二人が自己を互いの内面に発見されているように感じました。お二人が鏡の作品が並んだこの空間で今話される中で、例えばどんなことに「レンマ性」を感じたのかをお伺いしたいです。もしくはすでにレンマを乗り越えられている状態なのだとしたら、そこに至るまでにどのような具体的なプロセスがあったのか、そしてそのプロセスが今回の作品にどう反映されているのかをお伺いしたいです。

井村：

菅さんとの関係性でいうと、やはりはじめは僕からすると菅さんが「怖い」という印象でした（笑）。僕が学生の時から菅さんはすでに名前が知られている存在だったので、僕が一方的に菅さんのことを知っている状態でした。当時はまだ僕のアートに対する理解もそこまで深くなく、ひたすら現象を追って制作していた頃なので、菅さんがコンセプチュアルな作品を作っているというだけで少し怖いなという印象がありましたね。

一同：

（笑）

井村：

その当時はアートに対するアレルギーのようなものを持っていたのですが、今では菅さんが鏡の作品を作ってくれたことをありがたいと思えるようになりました。菅さんが鏡の作品を作ってくれたことで、これまで制作されていた作品でも、テーマとしている問題について菅さんがいかに深く考えていたかがわかるようになりました。悪い例を挙げるとわかりやすいかと思うのですが、例えばある作家が鏡や現象を扱った作品を作っていたとします。その人は普段面白いインスタレーションを作っている
ものの、例えばアートフェアなど販売が目的の場で普段のインスタレーションと比較するとすごく簡略化された現象を扱った作品を出してしまったときに、「いつもこんな姿勢でインスタレーションも作っていたのかな」と疑問に感じることがあるわけです。販売する作品であったとしても深く物事を考えて作っているものであると信じたかったけれど、「そんな安易に商品化のようにしてしまうんだ」と考え、悩んだりしました。
それに対して、菅さんが鏡の作品を作っていることを知った時はまったく逆で、感動したんです。「ということは、菅さんはここまで物事を深く考えていつも作品を作っているんだ」と知り、鏡の作品を入口にしてこれまで菅さんが作られてきた作品の理
解も深められたんです。

菅：

え、じゃあそれまでは全然私の作品のことが伝わってなかったってことじゃん（笑）。

井村：

だって、その当時はアートにアレルギーがあったんですもん。僕はこの展覧会で初めて羅列の発表以外のいわゆる現代美術作家らしい展示をやっているんですから（笑）。

岩垂：

菅さんの作品のコンセプトを知った時に、そこから影響を受けた部分は何かあったのでしょうか？

井村：

先輩作家として、菅さんが制作に対する姿勢は見ていて勉強になるところがたくさんあります。実は今回の展示に向けたス
テートメントも一度菅さんにお見せしているんです。

岩垂：

そうだったんですね。何かアドバイスはあったのでしょうか？

井村：

印象的だったのは、「これってすごく優しいよね」という感想でした。

菅：ステートメントを読んで、「性格が優しい人が書いている文章だね」と伝えました。色々な方面にすごく配慮している人なんだ
なということが伝わったんですよね。

井村：

作家として影響力が出てきた場合に、自分の発言によって扇動が起きてしまうのが怖いので絶対に有名にはなりたくないと思っています。例えば政治の問題に対して「僕はこう思う」と意見を呈した場合に、僕の意見に賛同する人間が出てきてほしいわけではありません。その意見がきっかけで各々がその問題について考えてくれるのなら嬉しいのですが、僕に従う必要はまったくありません。そもそも僕の発言はあくまで主観でしかなく、客観的に物事を見れるほど自意識過剰ではありません。サラリーマンの経験もあるので、ある役割を持った一ポジションとして「社内ではこういう対応が求められるのか」ということを学ぶ一方で、アーティスト活動を通して「アーティストもまた違った形で大変なんだな」と感じることもあります。

岩垂：

今のお話を聞くと「自意識過剰ではない」とはおっしゃるものの、井村さんご自身の自意識を感じます。外から見た自分自身を意識した上で言動を選ばれているような印象ですね。

井村：

先ほど言った髪型であったり写真に写らないようにするというのは防衛本能のようなものかもしれませんね。それが今までの展覧会の見せ方に表れていると思うんです。これまでの展示に向けたステートメントには事実の羅列と分析的な言葉しか書いておらず、今回のように自我を出したステートメントは初めてですね。

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菅：

だからこそこれまでの展示では井村くんが実際にどんな人物なのかが見えてこなかったのだと思います。

客B：

おそらく井村さんと菅さんの初期の関係性にはレンマ性が存在していて、井村さんが先ほどおっしゃっていたように「菅さんが鏡の作品を作ってくれた」と思われたタイミングで何らかのレンマの解消が起きていたのではと思うんですよね。

井村：

マーケットの視点で考えると見た目のきれいなものが売れるとは思いますが、立体の表面が艶のあるシルバーというだけで「これは鏡の作品だ」と言われても、僕はどうしても納得できません。「鏡が周囲を映す機能を持っていること」があまりに当た
り前なこととして認識されているからこそ、僕はこれまで「映らない鏡」という方向性に走っていたのだと思います。なので、菅さんの作品を見た時に「この人こそ鏡の作品を作る意味がある人だ」と思ったんです。それが僕側の解釈ですね。

菅：私からすると、知り合った頃は井村くんのことをきちんと知らず「本当にすみませんでした」と感じていました（笑）。展覧会で発表し始めたのがわりと最近だというのも聞いて「こんなに完成された作品をいきなり出してきたんだ」とかなり驚いていました。
井村くんの活動を知った今では、彼のことをとても尊敬しています。どんな作品に取り組むときもずっと研究し続けているような姿勢で、「自分の考えていることがどうしたら実現できるか」を突き止めるために、自分の手を動かしながら色々な手法を試しているのがすごいなと思っています。会う前は「外注に頼ってるホストみたいな人」という印象だったのに、むしろ私の方が外注に頼ってしまっているのではと思えるくらい、井村くんは自分自身で作っている人であり、それがアーティストのあるべき姿だなと感じます。

〈「具体性」と「注目を浴びること」への抵抗感〉
菅：

もう一つ思うのは、井村くんは図像に対して恐れがありますよね。「この形が好きだから」とか「自分の手ぐせによってこの形が生まれた」というように自分で図像を作ることはなくて、使用した素材によって自然のなりゆきで作り出した形であったり、「一番スマートな形を突き詰めた結果、こうなりました」というのがすごく多いと思うんです。アーティストの美学としてそのスタンスをとっているのも感じられるけれど、その一方で図像を恐れているというようにも感じられました。

岩垂：

先ほどもおっしゃっていましたが、具体性を持たせることに抵抗を持たれていることに通じますよね。

菅：

私も元々は写真に写ることが苦手で、今でこそセルフポートレートを作品として撮っていますが、子どもの頃の写真が一枚もないんです。最初は人形のみを撮影した写真を作品としていましたが、そのうち「セルフポートレートにしたほうが作品としてより面白い」と気づきながらも、「けれど写真に写るのは苦手だからどうしよう」と思いましたが、自分で撮影するのであれば「自分自身が他人に見せることを許せる写真だけを作品として発表すればいい」と思うようにしたことでセルフポートレートを撮れるようになりました。私のようなきっかけがあれば、井村くんもいつか図像をつくる方向に展開していく可能性もあるのではと思うんですよね。

岩垂：

お二人とも写真に写るのが苦手なんですね。

菅：「自分のことを気にしてくれるな」というのが本音だと思います。アーティストになった理由も、作者が前に出ていかなくても成立するのがアートであると思っていたからです。現実にはそうでもないことがアーティストになってからわかったんですけどね。

井村：

アーティストは純粋に作品で評価されるものと思っていたのですが、現実はアーティスト自身の評価がわりと強いなと思います。「そんなにアーティスト自身の姿をアイコンとして求めるんだ」というのは感じました。某メディアの取材依頼を受けた時に顔出しをリクエストされ、その理由が「作品だけではなく作家の内面も見せたいから」というものだったのですが、僕からすると「撮られたくない」というのが僕の内面なので、顔出しNGを貫いていたのですが、取材自体がなくなりました。「撮られたくない」というのも僕の内面の一部であるのにそれを尊重されないことに違和感がありましたね。

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《tele portrait error》
2024 | glass, aluminum, frame | 698 × 407 mm
photo by Yuki Kawanishi

河西：

今回の展示のメインビジュアルにもなっている《tele portrait error》は、初めて図像性を持たせるきっかけとなった作品なのではと思います。この作品はガラス板をレーザーで加工する際に機械が「ガガッ」と音を鳴らしながらエラーを起こしてしまい、
意図していない縦線が強烈に出てしまったものです。今回展示している〈tele portrait〉10点が完成するまでにその5倍以上もの失敗作を経ているそうなのですが、《tele portrait error》に関しては「error」と名付けながらも展示構成に作品として加えた
かったんですよね。そしてこの作品以降は、あえて縦線を出すように制作したものもありますよね。この「画づくりの要素として縦線を入れる」というのは、図像性を持たせるということに近いのではと思います。

菅：

私は元々は日本画を学んでいましたが、絵画の場合は筆のストロークが作品として残ります。井村くんの場合は、そのような作り手の痕跡が作品に見られないですよね。

井村：

美大受験に向けて通っていた予備校の課題でよく紙立体を作っていて、講評をすると僕の作ったものが毎回一位だったので
すが、自分の手で作る造形に限界をその頃から感じていました。その考え方が受験前の2011年当時から10年以上経った今でも続いています。

菅：例えば「型から作品を外す際に自分の手で削った跡がつくのが嫌」と言っていたこともあるよね。

岩垂：

生身の自分が作品に映し出されてしまうのが嫌ということなんでしょうか。

井村：

そうですね。

河西：

KANA KAWANISHI GALLERYで扱っている作家の皆さんは、井村さんと同じようなスタンスの方が多いですね。

〈質疑応答３：作品セレクトの判断基準〉
客C：

制作されるときに作品の出来・不出来を判断し、展示を組む上で作品をセレクトされると思うのですが、その判断基準はあったのでしょうか？ 自分自身の痕跡を残さないとはいえ、最後のところは自分の意志で判断しなければならないと思うので、どんなことを考えて選定されたのかなと思いまして。

井村：

額装している〈tele portrait〉は、大・中・小の長方形（すべて16:9の縦横比）と、正方形のフォーマットで制作していますが、よく見ると、それぞれ「縦線が入っているもの」「縦線が入っていないもの」の2パターンあります。先ほど河西さんがおっしゃっていたように、エラーが起きてできた《tele portrait error》をきっかけに、「あえて画づくりとして縦線を入れた作品」と「画づくりをしていない作品」の2種類があるわけです。この両パターンを見せるという点に、これまでの展示のように研究成果のような形
式で自分が作ってきたものを羅列する意識が少し残っているのかもしれません。

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左：《tele portrait 666 #1》（縦線あり）｜中：《tele portrait 666 #2》（縦線なし）｜右：《tele portrait error》
2024 | glass, aluminum, frame | 666 × 375 mm

作品としてセレクトする際は「自分が望んだ図像に対して再現度が近いもの」が最終的に残るので、どうしても自分の好みの図像が判断基準になりますね。また、作品に使用しているのは撮影した画像から一部をトリミングした像なので、より自分の意図が反映されています。ただ、具体的にどんな図像を選んでいるのかという基準は、自分でもよくわからないですね。
河西：

そこを言語化するのは難しいですよね。「直感」と答えるのが一番誠実なのかなと思います。

井村：

そうですね。直感なのかもしれないです。

菅：

私は、「らしさ」みたいなのがポイントなのではと思うんですよね。井村くんは「自分がこういうものを作りたい」という考え方で作品を作るというよりは、「この素材にこの手法をかけ合わせるとこうなる」というのを作品で表現するスタンスだと思うんです。ただし、なぜその姿勢をとるのかと聞かれると、たしかに難しいですね。

井村：

例えば今回の〈tele portrait〉でいうと、元はいびつな形をしたガラスの〈mirror in the rough〉を使っているのだから、ガラスのヒビの部分など、その素材らしいところにフォーカスして図像のセレクトをしている部分はありますね。

菅：とはいえ、ある特定の図像を作りたいがために造形を意図的に変えたりはしないよね。

岩垂：

今回の展示を経て今後井村さんの作品がどう発展していくのかが楽しみですね。

井村：

正直〈tele portrait〉がこれ以上は発展していくことはないと思いますが、次はまた別のテーマを見つけて取り組もうと思っています。一つのテーマが気になり出したらとことん突き詰めて疑問が解決するまで取り組みますが、満足するまで突き詰めて気持ちの余裕ができてきたタイミングでまた作品を見返したら何か発展するかもしれないですね。

岩垂：

今回の展示タイトルにある「Nレンマ」を切り口に今後も鏡にアプローチしていくというわけではないのでしょうか？ 何か別のテーマに取り組まれていくのですか？

井村：「Nレンマ」という考え方と鏡の関係性については今後も一貫して取り組んでいくかなと思います。その中で具体的な表現方法についてはそのタイミングで自分が持っている感情に対してしっくりくる素材・手法を選んで作るのだと思います。「Nレンマ」は大きなテーマなので、まだこれから細分化して取り組んでいく余地があるかなと考えています。
今具体的に持っているアイデアとしては、先ほど反射率というワードが話題に挙がりましたが、「鏡が持つ100%ではない反射率」と「無意識に失われている自分自身の一部」みたいなものを比較するような展開の仕方も考えています。そういう意味
で、一つのテーマを深掘りしていくのも僕のやり方ではありますが、テーマを細分化していくというアプローチが今後の展開になりそうです。

岩垂：

今後の活動も楽しみにしています。それではトークはこれにて終了とさせていただきます。井村さん、菅さん、ありがとうござ
いました。

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文・編集／折笠純 (KANA KAWANISHI ART OFFICE LLC.)
文責／河西香奈 (KANA KAWANISHI ART OFFICE LLC.)

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