ごあいさつ

Foreword

東京都渋谷公園通りギャラリーは、このたび、Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery is pleased

展覧会「線のしぐさ」を開催いたします。

to present Gesture of Lines.

本展では、1974 年の設立以来、アメリカのThis exhibition features Japanese artists along

障害のある人々の創作活動を牽引し、with artists of Californiaʼs Creative Growth Art

多くのすぐれた作家を輩出してきた

Center (CGAC), which has served American

クリエイティブ・グロウス・アート・センター

artists with disabilities and fostered numerous（Creative Growth Art Center）の作家とoutstanding artists since its founding in 1974.

ともに、日本の作家をご紹介いたします。

A line at times divides a plane and at times

一本の線は、あるときはひとつの範囲を分け、

connects distant things. Having two contrary

またあるときは離れたものどうしをつなげます。

functions, lines transform themselves endlessly

そうした相反する機能をもつ線は、空間の中で

in a space, create shapes, and sometimes

自らをさまざまに変化させ、かたちをつくり、

express things having no shape.

ときには、かたちにならない何ものかを表します。

In works of Art Brut, lines are often viewed as「アール・ブリュット」の作品における線は、

a spontaneous or coincidental departure from

しばしば意図や計画とはかけ離れた、即興や

plan or intention. Yet, the lines are strongly

偶然の結果とみなされます。反面、それは、

tied to the artistʼs irrepressible impulses and

作家の抑えがたい衝動や愛着、それに応じた

emotional attachments, and the pleasure

身体の心地よい動きと離れがたく強く

afforded by the physical movement they

結びついています。そのため、作家のからだと

involve. Therefore, when the artistʼs physical

心のしぐさは線にのりうつり、線はしぐさを

and emotional being fills the lines, gesture is

生むのです。本展では、10 人の作家が

manifest. This exhibition examines gesture of

つむぎ出す線のしぐさをなぞります。

lines in the work of ten artists.

最後になりましたが、貴重な作品をWe are grateful to the artists for generously

ご出品くださいました作家の皆様、本展のallowing us to display their invaluable works

実現のためにご助言とご協力を

in this exhibition. We also thank everyone

賜りましたすべての皆様に、心から

who contributed advice and cooperation

お礼申し上げます。

toward its realization.

会場：東京都渋谷公園通りギャラリー 展示室 1 、22022 年 4 月

Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery,

特別協力：クリエイティブ・グロウス・アート・センター（公財）東京都歴史文化財団

Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

会期：2022年4月23日（土）─ 6月26日（日）主催：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 東京都渋谷公園通りギャラリー
後援：アメリカ大使館

Exhibition Period: Saturday, 23 April 2022 – Sunday, 26 June 2022
Venue: Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery, Galleries 1 and 2
Organizer: Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
Specially cooperated by Creative Growth Art Center
Supported by Embassy of the United States of America

東京都現代美術館

東京都渋谷公園通りギャラリー

Museum of Contemporary Art Tokyo,

April 2022

展

覧会「線のしぐさ」は、もっとも身近な表現要素である「線」に焦点をあて、アール・ブリュットの作家 10 名の「線」をなぞる展覧会である。
鉛筆やペンをもてば、ごく簡単に線を引くことができる。道具をもたな

くとも、宙で指を動かせば、そこにみえない線を引くことができる。そして、人類学
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者のティム・インゴルドが「あらゆるモノはラインが集ったものである」と強調する
ように 1、人とモノとの営みはすべて線でつなぎ合わせられるものである。人類の長
い歴史において、無数の線が書かれ、描かれ、刻まれ、織られて、線で世界が捉えられてきた。特に、美術では、多くのつくり手がまず線でもののかたちを捉えることから学ぶ。そして、素描習作やエスキースなどを通して、着想源や構想、作品の細部や全体構成にいたるまで、完成形となる前のかたちや、自身のうちにあるかたちにならないものを、線をたよりに表してきた。もっとも身近な表現である線は、引く目的や意図、使う技法などによってある程度のコントロールが効いたとしても、線を引く人の身体や心のしぐさが無意識のうちに表れてしまう。それゆえ、線は人を直接に映し出す表現媒体といえる。
アール・ブリュットの作家は、しばしば専門的な美術教育を受けずに独学で制作を始めることから、できあがったものは構想や計画とはかけ離れていて、単なる即興や偶然の結果にすぎないとみなされる傾向が強い。それにより、特に日本のアール・ブ
リュットとメインストリームの美術との間には、言葉による区別のみならず、みえない線が引かれている。たしかに、つくり手自身が言葉や文章でテーマやコンセプトをはっきりと説明することが少ないため、アール・ブリュットを即興や偶然の産物とみなすのもやむを得ないだろう。しかし、細かな構想や計画、意図的な戦略や計算がみ

線のしぐさ――アール・ブリュットの線をよむ

佐藤 真実子（東京都渋谷公園通りギャラリー 学芸員）

線のしぐさ――アール・ブリュットの線をよむ

佐藤 真実子15

えづらい代わりに、アール・ブリュットでは、つくる者の抑えがたい衝動やどうしよも必要な作業であろう。

うもない愛着、我を忘れるほどのこだわり、逃れられない執着といったものが、自然

今回は、アメリカはもとより国内外において注目すべき施設の活動も紹介するべく、と作品にあふれ出る。人を直接に映しやすい線だからこそ、アール・ブリュットの作

クリエイティブ・グロウス・アート・センター（Creative Growth Art Center、以下、CGAC）

家の線は、他の作家のそれ以上に、言葉にならないものをありありと表出させてしまから 5 名の作家を選んだ。CGAC は、アメリカ、カリフォルニア州オークランドにあう。つまり、線こそが、アール・ブリュットそれ自体の強みを色濃く表すものである。

る非営利のアート・センターで、1974 年、アーティストのフローレンス・ルディンス

そして、その線の強さが、アール・ブリュットとその他のものとの間に引かれた境界゠カッツ（Florence Ludins‒KATZ）と、夫で心理学者のエリアス・カッツ（Elias KATZ）

線さえも揺るがす可能性をもっているのだ。

によって設立された。アートは人間の表現行為の基本であり、人種や性別、障害や学これらを踏まえ、本展では、もっともなじみある線の表現のドローイングや絵画は歴の有無を超えて、すべての人がそのコミュニケーションツールを用いる権利がある

もちろん、針金を用いた立体作品や木彫、糸や布といった繊維素材を用いたファイバという方針を掲げ、CGAC はアートと障害のある人とを結ぶ活動を長く牽引してきた。

ー・アートなどの多様な表現にみられるアール・ブリュットの「線」をよむことを試

運営には専門教育を受けたアーティストが携わり、絵画、彫刻、陶芸、版画、テキス

みた。

タイルやその他のファイバー・アート、さらには、写真や映像など、幅広い表現メデ

本展でのもう一つの目的は、日本とアメリカのアール・ブリュットの作家の作品を

ィアによる制作が可能な設備、環境が整えられている。1980 年にはギャラリーを併

同一空間に並べることである。特に、2000 年代半ば以降の日本におけるアール・ブリ

設し、展示やアートフェアへの出展、国内外の主要な美術館などへの収蔵を通して、

ュットの盛り上がりのなかでは、ヘンリー・ダーガーの大規模な回顧展が 2 回も開催

アーティストのプロモーションに努め、多くのすぐれた作家を世に送り出している 5。

されるなど 、アメリカの作家が大きく取り上げられることもあった。しかし、日本

今回は、この CGAC を代表するジュディス・スコットやダン・ミラーに加えて、日本

では、スイス、ローザンヌのアール・ブリュット・コレクションとの連携事業が展開

初展示となるスーザン・ジャノウのほか、ドワイト・マッキントッシュ、トニー・ペ

され、全国規模の動きとして大きな影響が及んでいたこともあり 3、この約 20 年の間デモンテを紹介する。

2に海外から紹介されてきたのは、やはりヨーロッパの作家が中心であったといえる 。
4

そのような背景から、市場形成も含めて、セルフトート・アートの独自の歴史を築い

では、日本の 5 名の作家、齋藤裕一、坂上チユキ、西村一成、東恩納侑、松浦繁を合わせた出展作家 10 名を、展示の順に「線」でつないでみたい。

てきたアメリカに改めて目を向け、作家や施設の活動などを日本で紹介することが重展示室で来場者を出迎えるのは、坂上チユキの青や水色を基調としたドローイング

要だと思われた。また、その際、単なる比較として日米の作家における創作の類似やである。坂上の描線は、水彩、色鉛筆、油彩と技法により印象が異なるが、細く短い相違を明らかにするだけでなく、各作家の制作の特徴をより詳しく、かつ、相対的に線をつなげて少しずつ着実に増殖していく。その上に、白の点が重ねられることで線みる機会をつくるべく、ほぼ同じ数の日本の作家とともに取り上げた。それは、は一時的に分断され、違ったリズムを刻むようになるが、次第に点が密度を高めて連2020 年東京オリンピック・パラリンピック競技大会のレガシーとして、今後も活動がなり、また線と化す。遺作の《辺境にて》（2017 年、cat. no. 6）をみればよくわかるよう

拡大していくであろう日本のアール・ブリュットを、より広い視点で捉え直すためにに、坂上の画面では、線と点とがその間を繰り返し行き来する。本展の入口で、みる

線のしぐさ――アール・ブリュットの線をよむ

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佐藤 真実子17く。齋藤と同じく、線はもとの意味やかたちから解き放たれるが、ミラーは齋藤のよ

者はまず「線」のありようを問われることとなる。
その問いを受け止めて進むと、坂上と同じく青の糸が表面を覆うトニー・ペデモン

うに余白をつくらず、画面いっぱいにその線を敷き詰める。一見、平面的にみえるミテの作品（cat. no. 9）と目が合う。青に限らず色鮮やかなペデモンテの線は、細い糸がラーの画面だが、異なる特徴をもつ線の水平方向の連なりが、さらに垂直方向にも層つくる。規則的に巻きつけることで、糸はそれぞれやわらかで滑らかな直線の層をな状に重なることで、みる者を画面の奥深くまで誘い込む。

し、骨組みのかたちやペデモンテの気分によって、全体のフォルムは時に驚くべき大齋藤とミラーの線の比較を堪能して振り返ると、ドワイト・マッキントッシュのド胆な輪郭線を描き出す。まっすぐな線の束に紛れ込んだ糸のねじれやまとまらなさも

ローイングと向き合うことになる。マッキントッシュは、乗り物、少年など、自身の含めて、ペデモンテの線の細かな機微がみてとれる。

経験に由来するモチーフをすべて、線で透けたように捉え、本人だけが読むことのでペデモンテの向かいには、スーザン・ジャノウの手描きのグリッドとクロスハッチ

きるテキストも記す。没頭するように手を動かす力やリズムが線にうつり、互いに絡ングからなるドローイングが並ぶ。フリーハンドで繰り返し直線を引き交差させるが、み合い、画面を占拠する。線が消えてしまうことに不安を覚えるほど線に固執し、そ所々に生じる線の継ぎ目や重なり、揺れや湾曲には、自ずとジャノウの手の跡が残されを手放さなかったマッキントッシュの線には、消すことのできない身体の跡が宿っれる。直線らしさと、そこにおさまりきらずにわずかに現れ出てしまうジャノウの線ている。
マッキントッシュのドローイングの隣に並ぶスケッチブックでは、西村一成の線がらしさとの拮抗が、独自の線の身ぶりをつくっている。
ペデモンテとジャノウの間を抜けると、東恩納侑の機関車たちが迫ってくる。色と待ち構える。西村が日々筆やペンを走らせて生み出すのは、自身が「肉体の延長」とりどりの針金は、東恩納の手のわずかな動きを受け止めながら、ゆがみを表情に変えする線である 6。それは、西村の身体の一部となって画面にのび、人物や愛する猫なて、かたちを捉える。宙に描かれる線は、みる角度に応じて異なる密度で重なり合い、ど、描くもののかたちを瞬時に迷いなくつかむ。特定の対象を表しているようにみえ

まったく別の線描となる。そこにさらに影の線が加わって、光の当たり具合により濃ない線描にさえ、西村が感受したかたちにならない世界が映る。紙の上を迷いなく進

淡や伸縮をみせながら、作品から幾重もの線の世界を広げる。

む線は、西村の生きた記録をたしかに刻んでいる。

東恩納の作品を見終えて広いスペースに出ると、そこには同じ文字をモチーフとす西村の線に囲まれる細い空間を抜けて次の展示室に進むと、松浦繁の木彫が立ち並る齋藤裕一とダン・ミラーが並ぶ。齋藤は言葉から特定の文字を抽出して描く。しばぶ。松浦の線は、左手のみで扱うノコギリや電動ノミなどから生まれる。特に、木をしばある部分に集中して重ねるため、線は文字やその意味はもちろん、しまいには線割る目安という当初の役割から装飾的な要素へと育まれたノコギリの線は、鋭さをもそれ自体からも離れて面との境界を超えようとする。しかし、たとえ色の塊のなかにちながらも、手の跡を感じる絵具の色や、表面のけば立ちにさえも穏やかに呼応して、現れる刻線となってもなお、齋藤の線のしぐさが消えることはない。それらは次第にう

木肌に豊かな表情を生んでいる。

ねりや乱れを増しながら、その都度かたちを変える余白とのせめぎ合いを続けている。

そして、松浦ととなり合うジュディス・スコットのファイバー・アートが、本展をミラーは、言葉に由来するアルファベットや数字、イメージを描き、自ら打つタイ

しめくくる。スコットは、巻きつけた糸に別の糸を引っかけてはつなぎ、結んで、余プライターの印字、細く密集した線、太くダイナミックで色のある線などを重ねていりを切ることをくり返す。そのため、同じファイバーを用いるペデモンテの長い直線

線のしぐさ――アール・ブリュットの線をよむ

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佐藤 真実子19

とは異なり、スコットの線はさまざまな長さや太さ、テクスチャーで、好きな方向を向いて別の糸に絡みながら網を張り巡らせ、最後には自分のつむぐあらゆる線をも取り込んで「繭」をつくる。

T

HE exhibition Gesture of Lines looks at “line”, the most basic and familiar expressive element, and examines the lines of ten Art Brut artists.
A line can be drawn with wonderful ease if you simply have a pen or pencil. Even

このように、異なる素材や道具を用いる 10 人の作品は、当然のことだがじつに多without such an implement, you can draw an invisible line in space by moving your finger.

様である。しかし、ひとたび「線」でむすぶと、混沌としていながらも壮大で豊かな“Every thing is a parliament of lines”, observes anthropologist Tim INGOLD,1 and truly, all

世界が目の前に現れる。他方、「線」という共通項を土台にそれぞれの作品を比較する

behavior of people and things is connected by lines. In humanity’s long history, countlessと、違いが鮮明になる。たとえば、齋藤とミラー、ペデモンテとスコットのように、

lines have been written, drawn, inscribed, and woven. The world has been grasped and un-

類似点が多ければ多いほど、文字の重ね合わせ方や糸を巻く方法の小さな異なりから

derstood by means of lines. Students of art, in particular, begin learning by drawing forms

生まれるそれぞれの線のしぐさが際立つ。そのため、同じ空間に並んでいても、それらの間にはみえない新たな線が引かれることとなり、個々の特徴が明らかになることで、作家やその作品の分類やさらなる考察へとつながる。
線は、あるときは離れたものどうしをつなげ、またあるときはひとつの範囲や空間を分ける。自らをさまざまに変化させ、つないだり、分断したり、かたちをつくった
り、ときには、かたちにならないものを表したりする。そうした定まらなさをあわせもつものである。
展示室を出た後、もしかしたら、目に映るすべてのものに線をよみ取ったり、みえる線に限らず、自分がどこかに引いたみえない線を意識したりするかもしれない。さらには、単純で明快な機能をもちながらも不確かさをもつ線を介して、アール・ブリ
ュットにおける作家や作品の分類や、アール・ブリュットとメインストリームとの境界への再考にも意識が及ぶかもしれない。そうして、坂上の作品から受けた最初の問い――線とはいったい何なのか――の答えを考え始めたとしたら、10 人の線のしぐ
さにとらわれた証拠である。アール・ブリュットの線をきっかけに、自分の身近にあusing lines. Then, in sketches and drawings, they rely on lines to express the elements ofthe form their finished work will take (the work’s inspiration, concept, and details andoverall composition) and things they feel inside that evade form. Being the most familiar
element of expression, lines subconsciously express the drawer’s gesture of body and mind.
This is true even if a degree of control is exerted over the line, whether by intent or method.
Line, we can say, is an expressive medium that frankly reveals the drawer’s personality.
Art Brut artists are often self–taught with no formal art training. Hence, there is a strong
tendency to view their creations as spontaneous or a product of coincidence, lacking a conception or plan. As a result, particularly in Japan, a verbal distinction is made and invisibleline drawn between Art Brut and mainstream art. The artists themselves rarely can explain
their theme or concept clearly in words, so perceptions of Art Brut works as unpremeditatedare perhaps hard to avoid. Yet, if showing scant evidence of a solid concept or plan, conscious
strategy, or calculated process, Art Brut overflows naturally with the artist’s irrepressible
impulses, unrestrainable affection, blind attachment, and inescapable obsessions. Because

る線のしぐさに目を向け、ただ一本の線がもつかもしれない大きな意味に思いを巡らせてほしい。

Gesture of Lines:
Discovering the Art Brut “Line”
注1

ティム・インゴルド、工藤晋訳『ラインズ 線の文化史』左右社、2014年、23頁。

2

2007年に原美術館、2011年にラフォーレミュージアム原宿（いずれも東京）にて開催された。

3

2006年からボーダレス・アートミュージアム NO‒MA（滋賀県近江八幡市）が連携を始め、特に、パリでの「Art Brut Japonais」（2010‒2011年）とその後、日本全国で展開した凱旋巡回展（2011‒2014年）は国内の動向に大きな影響を及ぼした。

NO‒MA の連携については以下を参照。ボーダレス・アートミュージアム NO‒MA「NO‒MA について」（https://www.no-ma.jp/about/index.html、最終閲覧：2022年6月20日）。

4

大規模展としては、「解剖と変容：プルニー＆ゼマーンコヴァー チェコ、アール・ブリュットの巨匠」展（兵庫県立美術館他、2012年）、「アドルフ・ヴェルフリ 二萬五千頁の王国」展（兵庫県立美術館他、2017年）などが挙げられる。

5

CGAC の活動については、以下に詳しくまとめられている。

6

西村一成「描くことについて」「第六回 西村一成個展 Sixth Sense」（ギャルリー宮脇、京都、2018年）案内チラシ。

SATO Mamiko(Curator, Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery)

Tom DI MARIA, Shifting Focus, a Brief History of Disability Art in Global Contexts”, in Lisa SLOMINSKI,, New Haven: Yale University Press, 2022, pp. 251‒255.

線のしぐさ――アール・ブリュットの線をよむ

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佐藤 真実子Gesture of Lines: Discovering the Art Brut “Line” SATO Mamiko21

a line so readily reflects the drawer’s personality, the line made by Art Brut artists vividly

husband, psychologist Elias KATZ. CGAC has long worked to connect art and people withexpresses what is hard to verbalize, even more so than the line of other artists. Line, in otherdisabilities, under the principle that art is fundamental to human expression and all people

words, is the element revealing the strength of Art Brut most powerfully. That line’s strength

are entitled to its tools of communication regardless of race, gender, disability, or educa-

has capability to dispel the boundary line drawn between Art Brut and other art.

tion. The studio is staffed with professionally trained artists and equipped to provide artis-

On this footing, this exhibition examines the Art Brut “line” in wide–ranging artworks,

tic support for a wide array of media such as painting, sculpture, ceramics, printmaking,not only in line drawings and paintings, as will be most familiar to viewers, but also in sculp-

textiles and other fiber art, photography, and digital media. After adding a gallery annex

tural works employing wire, wood sculpture, and fiber art using thread, cloth, and otherin 1980, CGAC began actively promoting its artists, showing their artwork in exhibitions

textile materials.

and art fairs and placing their work in major collections, nationally and internationally.

Another aim of this exhibition is to show works by Japanese and American Art BrutIn this way, CGAC has launched the careers of many outstanding artists.5 Featured thisartists in the same space. With Art Brut’s rise in Japan since the mid–2000s, American

time are two CGAC artists representative of this success, Judith SCOTT and Dan MILLER,

artists have also been closely examined in this country, as demonstrated by two large–scalealong with Susan JANOW—who will be exhibited in Japan for the first time, Dwight2

Henry DARGER retrospectives. Nevertheless, a collaborative project with the Collection

MACKINTOSH, and Tony PEDEMONTE.

de l’Art Brut (Lausanne, Switzerland) sparked nationwide interest in Art Brut,3 and for the

Including the five Japanese artists exhibited—SAITO Yuichi, SAKAGAMI Chiyuki,

most part, European artists have been invited from abroad these some 20 years.4 Consider-

NISHIMURA Issei, HIGASHIONNA Tasuku, and MATSUURA Shigeru—a total ten artists

ing this state of affairs, we thought it important this time to turn our attention to the USA,are displayed. In this writing, I will connect them using “line” in the order in which they

which has built its own history of self–taught art, including the development of a commer-are exhibited.

cial market, and to introduce the activities of American artists and organizations. To thisGreeting visitors at the exhibition entrance are Sakagami Chiyuki’s dominantly blue

end, the exhibition features an equal number of American artists and Japanese artists, notor light blue drawings. While differing in impression depending on her use of watercolor,

simply to show similarities and differences between the two nation’s artists but to enable

colored pencil, or oils, Sakagami’s works are accumulations of fine, short lines that steadily

detailed, objective examination of the characteristics of each individual artist’s work. Suchmultiply in number. Initially, she placed tiny white dots on the lines that functioned to di-examination is needed to allow a broader perspective on Japanese Art Brut, which is ex-vide and impart varying rhythms to them, but in time, her rows of dots grew in density andpected to expand its activities, hereafter, as a legacy of the Olympic and Paralympic Games

turned into lines. As can be seen in her posthumous work, On the Edge of the World (2017,

Tokyo 2020.

cat. no. 6), the figures shift in appearance between dots and lines under our gaze. Viewers,

This time, we chose five artists from Creative Growth Art Center (CGAC) to show theas the exhibition begins, are compelled to wonder: What are lines?

activities of a facility remarkable in the USA but also in the world. CGAC is a non–profit art

With that query in mind, they move on to a Tony Pedemonte work (cat. no. 9), wrapped

center in Oakland, California, founded in 1974 by artist Florence Ludins–KATZ and her

in thread of the same blue as in Sakagami’s drawings. Pedemonte’s lines, which display ma-

Gesture of Lines: Discovering the Art Brut “Line” SATO Mamiko

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ny bright colors besides blue, are created using slender threads. Wound repeatedly in a reg-lines. Like Saito, his lines are not bound to their original meaning, yet Miller does not form

ular manner, they form smooth, pliant layers of straight lines. Depending on Pedemonte’s

a margin, preferring to fill his entire picture with lines. Miller’s pictures appear flat at amood and the framework he employs in a piece, his overall form may obtain surprisingly

glance, yet by drawing lines of varying character horizontally and layering lines vertically,bold contours. Loose threads and the unruly ends of threads occasionally slip into thehe creates an illusion of depth and invites viewers deep into his picture.

bunches of straight lines to produce subtle, contrasting effects.

Turning around, after comparing Saito’s and Miller’s lines, viewers face DwightDisplayed opposite Pedemonte’s objects are Susan Janow’s works formed of hand–

Mackintosh’s drawings. Mackintosh depicts vehicles, boys, and other motifs reflecting his

drawn grids with crosshatching. Working freehand, Janow draws straight, intersecting lines

past experiences as if transparent using fine lines. The figures are often accompanied byrepeatedly. Here and there, she leaves traces of her natural hand where lines run together,text that only he himself could read. His lines, whose dynamism expresses the energy andrun over, waver, or curve. The rivalry between her intended straight lines and characteristic

rhythm of his hand moving in rapt absorption, entwine and occupy the entire picture.

Janow lines, which tend to slightly run over, produces a unique gesture of line.

Mackintosh clung tenaciously to his lines, to the degree of feeling anxious about themMoving onward from Pedemonte and Janow, we encounter Higashionna Tasuku’s locomotives. The colorful wires, rendered wavy by slight natural movements of his hand,disappearing, and never let go of them. His works display a gesture of lines that is uniquely
his, lasting and unerasable.

convert their wavy bends to expression in the process of taking a form. Suspended in space,

Awaiting viewers in sketchbooks displayed next to Mackintosh’s drawings are Nishimura

his lines coincide in varying densities depending on angle of view to display entirely differ-

Issei’s lines. Using a brush or pen, Nishimura works passionately, day after day, producing

ent linear configurations. In response to the lighting, linear shadows also come into play, solines that he calls “a physical extension of myself”.6 The lines flow without hesitation ontothat the lines display contrasting values—light and dark, and expansion and contraction. A

the paper, as if it were a part of his body, instantly forming figures of people, his beloved

multifaceted world of lines unfolds.

cats, and other such things. Even line drawings apparently expressing no particular subject

Leaving Higashionna’s works, visitors enter a wide space displaying Saito Yuichi and
Dan Miller, who use written characters as their motif. Saito selects a particular character

evoke the formless world he deeply senses within. The lines, moving confidently on thepaper, inscribe a firm record of his living each day.

from a word and draws it repeatedly. Because his lines tend to gather and overlap in one

Leaving the narrow space arrayed with Nishimura’s lines, viewers continue to the next

portion of the paper, they digress from his chosen character’s form and meaning and hover

gallery where Matsuura Shigeru’s wood sculptures stand. Matsuura’s lines are born from ain appearance between lines and a color field. Yet, even on becoming dark lines in a dense

saw and electric chisel, tools he manipulates with his left hand only. The saw–cut lines inmass, the artist’s gesture is not lost. Swirling chaotically with increasing intensity, the lines

particular—originally cut as a guide for splitting the wood but which evolved into a decorate

fight with the margin, which continually transforms under their onslaught.

element—are sharp–edged, yet they blend well with the warmth of his hand–applied paintMiller draws letters taken from words, numbers, and images, repeating them in dense
layers formed of self–typed letters, masses of fine lines, and thick, dynamically colorful

colors and the fiber fuzz on the surface, for a rich appearance on the wood.
Neighboring Matsuura’s works is the fiber art of Judith Scott, which concludes the exhi-

Gesture of Lines: Discovering the Art Brut “Line” SATO Mamiko

24

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bition. Hooking another thread to her wrapped threads, Scott arranges it, ties it, and clips off
the surplus. This she does repeatedly. Unlike the long, straight lines of Pedemonte’s fiber art,
Scott’s lines wind this way and that, entwining with other threads, much as if the artist werestretching a net. The end result is a “cocoon” woven of all the varying lines she assembles.
The works by ten artists using dissimilar materials and tools are highly diverse, needlessto say. When bundled as “line” artworks, however, a rich and magnificent, if chaotic, world appears before us. On the other hand, if we compare them individually with “line” as a common
denominator, their differences grow clear. When comparing Saito with Miller, or Pedemontewith Scott, for example, the more similarities we find, the more distinctly individual their gesture of line appears in the small differences between them, such as how they overlay written
characters or wrap threads. For this reason, when displayed together in the same space, newinvisible lines are drawn between them, and the revelation of individual characteristics leads
to categorization of the artists and their works, and to further considerations.
As demonstrated by the varied works, lines connect distant points at times, and at others, they divide a range or space. Transforming themselves, lines connect, divide, define
shapes and, on occasion, express things having no shape. This variability is also a characteristic of lines.
After leaving the exhibition, you may begin discovering lines in everything you see.
You may even grow conscious of the invisible lines you yourself draw. Your experience oflines, which are unfixed and variable while possessing simple, clear functions, might makeyou aware of different classifications of Art Brut artists and artworks. Ultimately, you may
begin to question the boundary line dividing Art Brut from mainstream art. Then, if you
find yourself pondering the query posed by Sakagami’s art—What exactly is a line?—it will
be evidence that you have fallen captive to the gestures of the ten artists’ lines. I hope theirlines will open your eyes wide to the gesture of lines around you and cause you to wonder at
the meaning and expressive power that even a single line may possess.

関連イベント「トークイベント」

Related Event: Talk Event
出演：トム・ディ・マリア（クリエイティブ・グロウス・アート・センター 名誉ディレクター）

Notes:
1

Tim INGOLD, Lines: A Brief History, Oxon–New York: Routledge, 2007, p. 5.

2

Held at Hara Museum of Contemporary Art in 2007 and at Laforet Museum Harajuku in 2011 (both in Tokyo).

3

Borderless Art Museum NO–MA (Omihachiman, Shiga) embarked on such collaborations in 2006.
Of particular note is Art Brut Japonais in Paris (2010–2011). Touring exhibitions held nationwide thereafter (2011–2014)
aroused strong interest in Art Brut in Japan. For more about NO–MA’s collaborations,
see Borderless Art Museum NO–MA, “About NO–MA” (https://www.no-ma.jp/english/about.html, accessed 6–20–2022).

4

Large–scale exhibitions include Anatomia Metamorphosis: Luboš Plný & Anna Zemánková—Works fromthe abcd Collection (Hyogo Prefectural Museum of Art, etc., 2012) and
Adolf Wölfli: A Kingdom of 25,000 Pages (Hyogo Prefectural Museum of Art, etc., 2017).

5

For detailed discussion of CGAC’s activities see Tom DI MARIA, “Shifting Focus,
a Brief History of Disability Art in Global Contexts”, in Lisa SLOMINSKI, Nonconformers: A New Historyof Self–Taught Artists, New Haven: Yale University Press, 2022, pp. 251–255.

6

NISHIMURA Issei, “About Drawing”,
The Sixth Solo Exhibition: Sixth Sense (Galerie Miyawaki, Kyoto, 2018), exhibition pamphlet.
Gesture of Lines: Discovering the Art Brut “Line” SATO Mamiko

26

司会：佐藤 真実子（東京都渋谷公園通りギャラリー 学芸員）
通訳・翻訳：池田 哲
Guest: Tom DI MARIA (Director Emeritus of Creative Growth Art Center)
Host: SATO Mamiko (Curator of Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery)
Interpretation and translation: IKEDA Satoshi
図版 /Figs
上 /Top「施設の外でポーズをとるクリエイティブ・グロウスのアーティストとスタッフ」 2018年

Creative Growth artists and staff pose outside of building, 2018. Courtesy of Creative Growth Art Center.
下 /Above 「クリエイティブ・グロウスのスタジオ」 2017年

Creative Growth studio, 2017. Photo: Diana Rothery. Courtesy of Creative Growth Art Center.
関連イベント「トークイベント」

Related Event: Talk Event

27

その後、約 60 年間の入院を経て、72 歳の時に解tal for about 60 years before being released and本展の関連イベントとして、アメリカの 5 名の作家がAs a related event of this exhibition, an online

放され、CGAC に来ました。つまり彼は、世界とcoming to CGAC at age 72. So he’s the generation

所属するクリエイティブ・グロウス・アート・センター

talk with Tom DI MARIA, Director Emeritus ofの接点がほとんど許されなかった世代の障害者なof people with disabilities that were almost not al-（CGAC）の名誉ディレクターであるトム・ディ・マリ

Creative Growth Art Center (CGAC), was recordedのです。そして、あの時に見た X 線写真と、それ

lowed to be a part of the world. And that X–ray

ア氏を迎え、オンラインでのトークイベントを収録し、and broadcast at a later date. Tom di Maria spokeについて約 60 年間考えてきたことが、彼の作品にthat he saw and thought about for around 60 years

後日、配信を行った。CGAC の設立の経緯や現in detail concerning how CGAC came to be es-

多大な影響を与えています。身体や人物のドローイ

influenced his work very much. So if you look at

在までに至る活動の内容、また、5 名の作家の制

tablished, its activities until today, and 5 artists’

ング、すべての線を集合として見ると、彼は本質的

the drawings of the bodies and the figures and all

作について詳しくきいた。ここでは、そのなかでも、approach to art production. Provided below areに、若い頃に見た自分の身体の X 線写真を描こう

the lines together, he’s essentially trying to draw

ドワイト・マッキントッシュとダン・ミラー、そして、ジexcerpts from the talk in which Di Maria discussesとしていることがわかります。つまり、指や手の骨がthe X–ray that he saw of his own body when heュディス・スコットとトニー・ペデモンテという、それ

Dwight MACKINTOSH and Dan MILLER, andどのように組み合わさり、重なり合っているか〔を描was young; how the bones in the fingers and the

ぞれ共通点をもつ 2 組、4 名の作家に関する部分

Judith SCOTT and Tony PEDEMONTE, two pairs

こうとしているの〕です。

hands come together and overlay.

を抜粋して記す。

of artists whose work shares similarities.

マッキントッシュの作品に表れているものは、72 歳

So what we see in Dwight Mackintosh’s work is

で病院を出て、私たちのところに来るまで、クリエイ

the fact that he waited until the age of 72 before

ティブになることを抑圧されてきたという事実です。

he was allowed to be creative. That’s when he got

つまり、人間がいかに切実にクリエイティブでありた

out of the hospital and came to us. So it speaks● ドワイト・マッキントッシュと● Dwight MACKINTOSH

いか、コミュニケーションをしたいかということを物

to how urgently human beings want to be creative

ダン・ミラーについてand Dan MILLER

語っているのです。彼の作品にある線を見ると、自and want to communicate. And I think if you look

分の物語を語り、歴史を描き、X 線写真を想い起

at the lines in his work, you see how urgent it is forSince I set the theme

し、身の回りのものを描くということが、いかに彼

him to tell his story, to draw his history, to remem-of “lines”, Dwight MACKINTOSH and Dan

にとって切実なことなのかがわかります。彼の表現

ber his X–ray, to draw the things around him. Very

テーマを設定したので、それに関わる作家といえ

MILLER are the first two artists that come to

は、とても本質的で、力強いものです。彼の制作

essential and very powerful, to see his expression.

ば、というので最 初に思い浮かんだのが、ドワイ

mind when thinking of this theme. And so, firstへの道筋は、ダン・ミラーとそれほど変わりません。

And so his path to making art is not so different

ト・マッキントッシュとダン・ミラーの二人でした。

I’d like to talk in more detail about them. I believe

ダンはドワイトよりも若く、少年時代には障害のある

than Dan Miller’s.

ですので、最初にこの二人について詳しく伺っていwhat they share in common is the use of lines, but

人のための学校に通っていたので、世間との接点

Dan is younger and as a boy he went to schools for

こうと思います。二人に共通するのは、まずは線と、

also letters. I’d like to hear from you about theirがドワイトよりもありました。ただ、ダンは自閉症で、

people with disabilities, so he was a little bit more

あとは文字だと思っています。この二人について、

activities at CGAC, their productive methods, and言葉を使って話しません。子供の頃、彼の母親はin the world. But Dan is autistic and doesn’t real-

トムさんからCGAC での活動、制作の様子、あとthe characteristics of their motifs, including the

彼と一緒に単語のスペルを書くことで、言葉を教え

ly use words to speak. So when he was a boy, hisは文字を含めたモチーフの特徴など、まずはそのuse of letters.

ようとしたそうです。母親は、彼がその言葉を話す

mother would try to teach him to speak by spelling佐藤真実子（以下、佐藤）̶

今回、作家を選

ぶのに非常に悩んだのですが、やはり「線」という

SATO Mamiko (Sato) ̶あたりについてお聞かせいただきたいと思います。
トム・ディ・マリア（以下、ディ・マリア）̶

Tom DI MARIA (Di Maria) ̶

ことを願っていましたが、ダンがそれらの言葉を口

the words with him. She hoped that he would try

Yes. Well, to com-にすることはありませんでした。しかしCGAC に来to speak those words. And Dan never spoke thoseそpare Dwight Mackintosh and Dan Miller is inter-

るようになって、母親に教わった言葉を描き始めた

words, but when he came to CGAC he started toうですね。ドワイト・マッキントッシュとダン・ミラー

esting because there are many similarities, butのです。つまり、彼は言葉を学んでいたけれども、draw the words that she was teaching him. So heを比較するのは興味深いことで、似ているところもdifferences. Dwight Mackintosh was very much a

違うやり方 で 話そうとしていた ので す。そして、

was learning and wanting to speak, but in a differ-

多くありますが、違いもあります。ドワイト・マッキン

part of the old era where people with disabilities

CGAC に来たことで、彼なりの話し方を見つけるこ

ent way. And CGAC allowed him to find that way.

トッシュは、障害のある人が病院での隔離生活を

would immediately go to live in hospitals. So heとができたのです。

So what we see between these two men are essen-

強いられた時代に生まれたアーティストです。彼はwent to live in a hospital when he was 16 years

生涯にわたって私たちに語りかけることを求められ

tially people that have been asked not to speak to

16 歳から病院での生活を始めました。病院での生

old. And Dwight Mackintosh, when he was goingてこなかったこの二人のアーティストは、アートの力

us for their whole lives, but yet through the power活が始まるタイミングで扁桃腺の手術をしなければinto the hospital, he had an X–ray of his throat

によって話す術を身につけたのです。

of art, they are now able to.

ならず、そこで喉の X 線写真を撮ることになったの

because they had to do surgery on his tonsils. Andです。そして、そこでその X 線写真を見たのです。

he saw that X–ray. And then he sat in the hospi-（中略）(Omitted)

関連イベント「トークイベント」

28

Related Event: Talk Event

29

佐藤 ̶

X 線に非常に関心を持っていたマッキン

Sato ̶

The fact that Mackintosh was very in-

れたように、タイプライターの文字があるものも含め

this development in Dan Miller’s work can be seen

トッシュは、本当にそのとおりだというのが、作品

terested in X–rays is clearly evident in his work,

たのですが、すごく違いがわかるので、ダン・ミラ

in the four pieces selected for the exhibition, in-を見たらよくわかり、人体も透けて描かれているの

and while the human body is also depicted as trans-ーが成長している、作風の変遷が生まれていると

cluding the work you mentioned involving the use

ですが、実際にマッキントッシュにはそう見えていparent, there are drawings that make you wonder

いうのは、そのとおりだと思います。

of a typewriter, and that we can understand the

るのかなと思わせるような作品がありますよね。そif that is how Mackintosh actually saw the world.

れは若い頃の、手術の経験があってのことなんだ

It is all the more compelling and convincing to

なというのは、非常に説得力のある、納得できる

learn that it is based on an episode in his youth

differences and that he is growing, or that a transi● ジュディス・スコットとtion in style is taking place.

トニー・ペデモンテについてエピソードでした。あとミラーについて言えば、や

when he experienced having surgery. Also, speak-

はり文字を教えてもらっていたことがわかるといい

ing about Miller, I could understand that he was佐藤 ̶

ますか、単語のようなものが見えるので、それがおbeing taught letters, or rather I could see motifs

いる、ジュディス・スコットとトニー・ペデモンテについてお話を伺いたいと思います。

母様から習った言葉であったということで、意味のresembling words, but after understanding theirない言葉だけではなく、言葉になっているものが見background as words he learned from his mother,

られるところに、そういった背景があることを知るこI see that they are not only words without meaning,とができました。

but words with a significance for him.

● Judith SCOTT
次に、同じファイバー・アートをつくってSato ̶

そうですね。ダン・ミラーの初期

Di Maria ̶

I’d like to ask you about the next two

artists, Judith SCOTT and Tony PEDEMONTE,（中略）

who both make fiber art.

この二人に関しては、同じ CGAC に所属していて、同じファイバー・アートということから、よくその影響

ディ・マリア ̶

and Tony PEDEMONTE(Omitted)

Yes. And in the work of Dan Miller,

関係を聞かれることも多いのかなと思うのですが、Since both artists practice at CGAC and share theの作品で興味深いのは、描いた文字や言葉が認

it’s important to note that early in his work, you

そのあたりも含めて、CGAC での制作活動の様子

same fiber art background, I imagine you are often

識できるということであり、そして、後期の作品に

could see the letters and the words that he was

や作品の特徴、あるいは違いなどについて少しおasked about their similarities and whether or not

なるにつれ、それがどんどん抽象化されていく点でwriting. And as his work advanced, it becomes

聞かせいただけますでしょうか？

they influence one another. Can you tell us about

す。つまり、変化しているのです。これは重要な点

more and more abstract. So it changes. And that’s

で、アカデミックなトレーニングを受けたアーティスト

important for me because sometimes I hear people

ディ・マリア ̶に比べて、障害のあるアーティストは発展や成長を

say that artists with disabilities don’t evolve or grow

デモンテを比較するのは、とても興味深いことです。

遂げることはない、と指摘されることがありますが、

in the same way that an academically trained artist

ジュディス・スコットは、ご存知の方もいらっしゃる

これに対し、「ダン・ミラーの初期のドローイングか

would. And I answer by saying, look at Dan Miller’s

かもしれませんが、おそらくもっとも有名な CGAC

question to compare Judith Scott with Tony

ら、完全に抽象化された最近のペインティングまで

work from his early drawings to his very large paint-のアーティストであり、ジュディスの作品は、世界中

Pedemonte. Judith Scott, some people may know,

を見てください」と答えるようにしています。セラミッ

ings now that are completely abstract. And even theの美術館に所蔵されています。ジュディスは、双子

is probably the most well–known or famous CGAC

クを使った作品や、タイプライターで文字を書いた

works he makes in ceramics or works he makes onの姉と引き離され、施設で暮らすという、とても悲artist, and her work is in museum collections

作品など、とても抽象的に見える作品もあります。

the typewriter with the words that look very ab-

惨な幼少期を送りました。施設の人たちはジュディ

around the world. And she had a very compelling

彼はとても著しく発展／成長しているアーティストな

stract. So he is a very evolved and growing artist.

スに聴覚障害があることを知らず、そのため言語を

childhood, terrible, where she was separated from

獲得することもありませんでした。そして、ジュディ

her twin sister and lived in an institution. Theyのです。

Sato ̶

this and their production activities at CGAC, or
ジュディス・スコットとトニー・ペ

the characteristics and differences in their work?
Di Maria ̶

Yes, this is such an interestingI strongly empathize with you. Someスは 人 生のかなり後 半に、トラウマを抱えたまま

didn’t know she was deaf and she never acquired

私も非常に共感するところです。やはり

people may have the impression that artists in

CGAC にやってきて、ファイバー・スカルプチャー

language. And she came to CGAC very late in life,

このジャンルの作家は、同じものばかりをずっと描

this genre are always depicting the same things,（繊維素材を用いた彫刻）とオブジェを包むというtraumatized about her life, and began to make the

いている、つくっているというような印象を持たれor creating the same way, but if one looks closely

方法での制作を始めたのです。ジュディスの作品に

work by picking up fiber sculptures and wrapping

る方もいるかもしれないですが、つくり手、作家のat the work of the artist, and sees its transition,

は、病院や施設で育った人の人生が反映されていobjects. So Judith’s practice reflected the life of

作品をよく見て、変遷を見てみると、やはり変わる。

one realizes it does change. And, sure enough, it

ます。スタジオを歩き回ることから始まり、何かを見

someone that grew up in a hospital, in an insti-

それも、その作家がたくさんつくることによって、描is common to see that as the artist makes more

つけては集め、ファイバーで包んで守るということを

tution. She would start to go around the studio

き方など、関心を持つことの少しずつの変化、展

work, their drawing style, interests and other as-

していました。そして、夜になると、盗まれることを

and take things, gather things and bury them and開が、描写に表れることはよく見られるんですね。

pects develop, and these changes are often clearly

恐れて、テーブルの下に隠すのです。また、何かを

protect them in fiber. And at night, she would beですので、今回選んだ 4 点のなかでも、おっしゃらvisible in the work. So I think it is very true that

つくっては、それを所有しようともしていました。ジvery afraid they’d be stolen, so she’d hide them un-

佐藤 ̶

関連イベント「トークイベント」

30

Related Event: Talk Event31ュディスは自分の物を持つことがありませんでした。

der her table. And she tried to build and possess

ー・ペデモンテの作品に最初に興味を示した人た

other artists and conceptual artists, because theyですので、物を所有し、それを安全に確保しておthings. Her whole life, she never had anything. So

ちは、作品のビジュアルの美しさに本当に惚れ込ん

loved the idea that there was something hidden

きたかったのでしょう。病院では盗まれてしまいま

I think she wanted to own things and she wantedでいたのだと思います。ですから、確かにどちらもinside and we would never know what it was. And

すから、隠しておきたかったのでしょう。彼女のア

to make them safe. And she wanted to hide them

線を使うのですが、その使い方が違うのです。視I think the first people that responded to Tonyーティストとしての活動は、そのような人生経験から

because things in the hospital would be stolen.

覚的に似ているところはありますが、作品の意味

Pedemonte’s work were just really in love with

きているのだと思います。

And I think her practice as an artist comes fromは異なると思います。

the visual beauty of the pieces. So they certainly

CGAC に来るようになってから亡くなるまでの約 20

her life experience.

年間、彼女は作品をつくり続けました。彼女の作

So she continued making work for almost 20 years

佐藤 ̶

品は非常に高く評価され、世界中の美術館に収蔵

until she died, and her work became quite respect-さんのお話を聞いて、二つの点で、より一層違いされています。そして、それから数年後、トニー・

ed and is in museum collections around the world.

の部分がよくわかりました。やはり同じくトムさんがペデモンテが CGAC にやってきて、 似たような作

And about a few years after that, Tony Pedemonte

おっしゃるように、一見、似ていると思われる理由

品をつくり始めるのです。トニーはジュディス・スコッ

comes to CGAC and starts to make work that looksというのは、ファイバーの立体という点で目立つ二spects, your comments help me understand theトの作品を見たこともなく、彼女のことも知りません

similar. And Tony had never seen Judith Scott’s

人であるということと、それから、かたちが決まっ

differences more clearly. As you said, the reasonでした。当然、私もいろいろと疑問が湧きました。

work or never knew her. And of course, it raised a

たかたちではなくて、その時々で変形し、不定形な、

why people think their work looks alike at first

最初は、「どうしたら同じ作品になるのか」「どう違

lot of questions for me. So at first I thought, how is

でも非常に興味深いかたちを形成するというところ、

glance is because they stand as three–dimension-

うのか」と、その違いや共通点を理解するのにとて

the work the same? How is it different? I was very

そういう点で一見似ていると思われるのだと思いま

al forms made using fiber, but also because their

も戸惑いましたが、それはおそらくファイバー・スカ

confused about understanding the differences or

した。そして、やはり違う点は、私も今回、展示す

shapes are not fixed, yet very compelling shapes.

ルプチャーという形態が、あまり一般的ではないか

the similarities between the two. And then I think

るために、じっくりと二人の作品を見て、改めてわIn terms of the differences between their work,

らだと理解しました。要するに、二人の抽象画家

probably it was because the forms that they use

かったことなのですが、見た目の上での違いも非and this is also something I noticed after careful-がいることと、さほど違いがないということに思いwith the fiber sculpture are not so common. And

常にありまして、ジュディス・スコットの 場 合 は、

ly viewing their works for this exhibition, there

至ったのです。似たようなスタイルで制作している

then it occurred to me that it’s not so different

元々巻きつけるというイメージがあったのですが、

are clear visual differences between them. In the

けれど、作品そのものはまったく違います。この視from having two abstract painters. They’re work-

実際は巻きつけているわけではなくて、毛糸や糸、

case of Judith Scott, I originally had the image of

点で考え始めると、本当にこの二人の作品の違い

ing in a style that is similar, but the work itself

布を引っ掛けて繋いでいく、まるで網をつくるようwrapping in her work, but it isn’t actually wrap-

がよくわかります。ジュディス・スコットの作品は、ほis very different. So I started to think about that.

な、網を張っていくような感じで繋いで包んでいくとping. What makes her work so distinctive is that

とんどコンセプチュアルです。ジュディスは何かを隠And if we look at their work, it’s really quite differ-

ころが非常に特徴的だと思っています。

she connects and wraps woolen yarn, thread, and

し、守り、束ね、繭や安全網のようなものをつくろ

ent. Judith Scott’s work is actually almost concep-

うとしています。一方、トニーの作品は、より形式

tual. The way she’s hiding things and protecting

ディ・マリア ̶的です。作品に表れる色であり、線であり、表面

things and bundling things and trying to build a

糸をとって線を動かしていく織物に近いもので、作が重要なのです。その点から、トニー・ペデモンテ

kind of cocoon or a sort of safety net around her.

品をつくるときは、糸をとって通して、引っ張り、角はより形式（フォーム）のアーティストと言えるでしょ

And I think Tony’s work is much more formal.

度をつけて、切っていくのです。だから、本当にま

almost woven where she takes the threads andう。トニーの作品のフォルムはとても美しく、コンテ

It’s about color and line and surfaces. So I would

ったく違うプロセスなのです。トニー・ペデモンテのmoves the lines and when she made the work,

ンポラリーであり、モダンでもある。そして色彩豊

say that Tony Pedemonte is a much more formal

場合は、巻きつけるような動きを何度も繰り返すだ

she would take the thread and put it through and

かで、抽象画のような表現力を持っていると思いま

artist. The form of his works are very beautiful

けですが、ジュディスの場合は、もっと複雑な網のmake tensions and angles and cut it. So it’s really

す。ジュディス・スコットの作品は、彼女の人生や

and contemporary and modern and colorful, and

目や巣のようになっています。

a very different process. Tony Pedemonte would

経験を力強く訴えかけていると思います。ジュディ

I think that they’re expressive that way, almost in

ス・スコットの作品に最初に肯定的な反応を示した

the way an abstract painting would be expressive.

佐藤 ̶のは、コンセプチュアル・アーティストのような人た

And I think that Judith Scott’s work is much more

ンテのほうは、本当に巻きつけるという感じでつくちでした。というのも、作品のなかに何か隠されてof a powerful statement about her life and her ex-

られていると思います。そういったつくり方の違いをいるけれど、私たちにはそれが何かを知ることはで

periences. And really, some of the first people that

見てみると、ペデモンテのほうはどちらかというと、きない、という着 想が 気に入ったからです。トニ

responded positively to Judith Scott’s work were

線が直線的で、柔らかな直線ですけれども、直線

both use line, but they use it in different ways.

関連イベント「トークイベント」

32

ありがとうございます。そうですね。トム

And I think the meaning of the work is different,
although visually there are similarities.
Sato ̶

Thank you. Yes, I agree. In two re-

cloth by hooking them together as if she were
そうですね。ジュディスの作品は、making or stretching a net.
Di Maria ̶Yes. Judith’s work is very muchoften just do a kind of wrapping motion again andそうですね。おっしゃるとおり、ペデモ

Related Event: Talk Event

33

again, whereas hers is more a complicated network or web.
Sato ̶

Yes, I agree. As you said, I think

Pedemonte’s work is really made in the sense of

で包まれているというような感じがしますし、一方

wrapping. When you look at the differences in the

で、ジュディス・スコットの場合は、編んでいる、引way they are made, Pedemonte’s lines are rather

っ掛けているというのもありますが、いろいろな方

more straight and gentle, enveloped in straight

謝辞

Acknowledgments

向に、いろいろな長さの線が増えていく、増殖してlines. Judith Scott’s work, in contrast, also in-

いくように広がっていくという点では、線の表現とし

本展覧会の開催にあたり、

volves weaving and hooking, but in the sense that

ご協力を賜りましたすべての関係者の皆様に、て見たときにも、違いがわかって、それぞれにおもthe lines increase in various directions and are of

しろい点があるなと思っています。

various lengths that spread out as if multiplying,

心よりお礼申し上げます。

we can notice the differences when observing the
ディ・マリア ̶

そうです。ジュディス・スコットはさまざまな素材を使っています。トニー・ペデモンテ

thread as an expression of line, so each has its own

ックやロープなどを使うことがあるので、そこに違い（順不同／敬称略）(In no particular order, titles omitted.)

齋藤 裕一

SAITO Yuichi
NISHIMURA Issei
HIGASHIONNA Tasuku
MATSUURA Shigeru
Susan JANOWDan MILLER
Tony PEDEMONTE

西村 一成

interesting points.

東恩納 侑
松浦 繁

が極細の糸を使うのに対して、ジュディスはプラスチ

Di Maria ̶

スーザン・ジャノウ

Yes. Judith Scott uses a lot of differ-

ダン・ミラーがあると思います。編み物や毛糸を扱う人はご存

ent materials. Sometimes she uses plastic or rope

知かもしれませんが、ファイバー・アーティストからor other things where Tony Pedemonte usually

聞いたところによると、毛糸に触れたり、手のひら

uses very fine threads. So that helps. One thing

で毛糸を伸ばしたりする行為が、とても瞑想的でリthat fiber artists have said to me, and maybe you

ラックスできるものだ、ということがあります。そして、ックスできるものだ、ということがあります

know somebody who knits or works with yarn, that松浦 由美子

それはトニー・ペデモンテもジュディス・スコットも同

the act of touching the yarn and pulling it throughじで、糸に触れ、そこから立体作品をつくるという小出 達也

your hands and using it is very meditative and re-

行為の繰り返しが、彼らにとってはとても心に穏や

laxing. And I think that is the same for both Tony

かさと平穏をもたらすことだったのだと思います。

Pedemonte and Judith Scott, that the act and the

トニー・ペデモンテ
齋藤 克樹

それはこのジャンルのアーティストにおい佐藤 友香

Sato ̶

ライアン・ウェラン
エレン・ヨーク

I wonder if this is relatively common

自身にとって一番フィットするというか、そういった

movement or touch, attachment or obsession with

ものだからこそ、制作方法としてやり続けるというsuch materials, it seems they are the best fit for the

側面もあるのかなと思っています。

artist, or rather, I think that is why there is an as-

CGAC に長く携わってこられて、間近で作家の様

赤羽 幸治
石田 克哉
高橋 瑞穂

pect of continuing to do such actions as a method(Omitted)

子を見てきたトムさんから、たくさんのお話を聞くこThis talk today has been a short but valuable op-とができて、大変貴重な機会になったと思います。

portunity to hear in depth about artists from Tom,

ありがとうございました。

who has been involved in CGAC for many years

翁 ひろみ

宮本 恵美

渡邊 早葉

足立 収一

小山内 宏央柿島 貴志

of production.

朝妻 彰

宮脇 豊

ギャルリー宮脇小出由紀子事務所

社会福祉法人みぬま福祉会
川口太陽の家 工房集

障害者芸術活動支援センター
＠宮城（SOUP）

34

OSANAI Hirohisa

Art Camp 2001 Organizing Committee
Atelier So
MEM
Galerie Iguregu Yatsugatake
Galerie Miyawaki
Yukiko Koide Presents
Minuma Social Services Corporation
Kawaguchitaiyonoie KOBO SYUMinuma Social Services Corporation HaleSupport Center for Arts and Culture Activities
of Persons with Disabilities in Miyagi (SOUP)

MEM

謝辞

ADACHI Shuichi
KAKISHIMA Takashi

アートキャンプ2001実行委員会

社会福祉法人みぬま福祉会 はれ

関連イベント「トークイベント」

ASATSUMA Akira
OKINA Hiromi
MIYAMOTO Megumi
WATANABE SayoCreative Growth Art Center

ギャルリ イグレグ 八が岳

hand. Thank you very much.

AKAHANE Koji
ISHIDA Katsuya
TAKAHASHI Mizuho
MIYAWAKI Yutaka

クリエイティブ・グロウス・アート・センター
アトリエ創and has observed the artists’ activities close at

KOIDE Yukiko
HAYASHIDA Yukiko

Tom DI MARIA
Sarah Galender MEYER
Ryan WHELAN
Ellen YORK
Leena JOSHI

リーナ・ジョシ

たものへの愛着、あるいは執着とか、それが自分

今日は短い時間でしたが、作家の皆さんについて、KOIDE Tatsuya
SATOH Yuka

林田 由起子

サラ・ガレンダー・マイヤー

sculpture was very calm and peaceful for them.

among artists in this genre. Each action, physical（中略）

小出 由紀子

トム・ディ・マリアては、わりと共通することのように思います。各行
為、体の動きだったり、手触りだったり、そういっ

SAITO Katsuki
HIGASHIONNA Kazue
MATSUURA Yumiko

東恩納 和江repetition of touching the yarn and making the
佐藤 ̶

We are sincerely grateful to everyone
who gave their support and cooperation
toward this exhibitionʼs realization.

Acknowledgments

35

凡例

Explanatory Notes

・ 本書は、東京都渋谷公園通りギャラリー 展覧会「線のしぐさ」の出品作品を掲載している。
・ 編集にあたり、各作家ページに図版を掲載し、図版キャプション
は作家、各所蔵機関等より提供のデータを参照し、「図版番号」「作品名」「制作年」の順に和英で記載した。
・ 出品作品リスト（ pp. 113–115 ）では、「図版番号」
「作家名」

「作品名」
「制作年」
「技法・材質」「サイズ（ cm ）」「所蔵先」の順に和英で記載した。サイズは、平面作品は縦×横（×厚み）、
立体作品は高さ×横×奥行の順に記した。

・ 出品作品リストに記載した作品には、図版が掲載されていないものも含まれている。当該作品は、リストに * を付した。

・ 主要参考文献リストは、「展覧会カタログ」「 その他図書」に分類
し、項目ごとに出版年が早い順に並べた。
・ コピーライト／写真クレジットは、巻末にまとめて掲載し、項目ごとに主にページ順に記した。

・ This catalogue contains artworks displayed in the

exhibition, Gesture of Lines, at the Tokyo Shibuya Koen–
dori Gallery.

・ Plates are printed on each artistʼ s page with captions

that reference data provided by the artist and collector.
Captions are given in Japanese and English in order ofCatalogue Number, Title and Date.

・ List of exhibited works data (pp. 113–115) is given inorder of Catalogue Number, Artist Name, Title, Date,Media, Size (cm), and Collection. Size is indicated byheight x width x depth.

・ The list of exhibited works includes works not featured inthis catalogue. Those works are marked by an asterisk *.

・ The bibliography list contains principle references,categorized as Exhibition Catalogue and Other Books andlisted by item in order of year of publication.

・ Copyrights and photo credits appear at the back of thecatalogue, where they are listed for each item principally inpage order.

凡例

36

Explanatory Notes

坂上 チユキ

SAKAGAMI Chiyuki

1961 年兵庫県生まれ、2017 年没。
生前は、「約 5 億 9000 万年前プレカン
ブリアの海にて生を授かる」から始まる文章で自身を表した。洋の東西を問わず、神話や物語、音楽などに着想を得て、その登場人物をはじめ、太古から自然をいきる植物や魚などの生物、
特に自ら愛でた鳥をたびたび描く。
用いる技法の違いこそあれ、いずれにも線が緻密に配される。息づかいでリズムをとるかのように、細く短い線を引きつなげて、慎重に確実に線を増殖させ、そこに無数の点を携える。そうして深海を想起させる青や水色を基調としたドローイングを多く手がけた。
坂上の画面は線と点との変化を絶えず宿し、「線」のありようを見せつける。
1993 年に「日本のアウトサイダー・アート」展（「パラレル・ヴィジョン 20 世
紀美術とアウトサイダー・アート」展同時開
催、世田谷美術館、東京） 以降、「現代美術への視点 6 エモーショナル・ドロー
イング」展（東京国立近代美術館他、2008‒09 年） など出展は多数。作品はローザ

ンヌのアール・ブリュット・コレクシ
ョン、東京国立近代美術館などに収蔵。

坂上 チユキSAKAGAMI Chiyuki

41

Born in Hyogo Prefecture in 1961; died in2017. In her lifetime, SAKAGAMI Chiyuki
wrote her own artist profile, which begins,“I was born in the Precambrian Sea some
590 million years ago”. Finding inspirationin many cultures’ myths, legends, and music, Sakagami often depicted mythical characters and creatures such as plants and fish
inhabiting the earth since ancient times,
particularly birds, which she loved deeply.
Her techniques varied, yet the lines arealways minutely arranged. Seemingly inrhythm with her breathing, Sakagami drew
and connected fine, short lines, one after
another, ever with great care and certainty,
accompanying them with countless dots.
Using this approach, she created numerous
works of basic blue or light blue tone calling to mind images of the deep sea. With
their endlessly transforming lines and dots,
Sakagami’s pictures show us what lines are.
Subsequent to Japanese Outsider Art: Inhabitants of Another World (held simultaneously with Parallel Visions: Modern Artists
and Outsider Art, Setagaya Art Museum,
Tokyo) in 1993, Sakagami displayed herwork in many exhibitions, including A Perspective on Contemporary Art 6: Emotional
Drawing (The National Museum of Modern Art, Tokyo, and other venues, 2008–09). Her works are collected by Collection
de l’Art Brut in Lausanne and the National
Museum of Modern Art, Tokyo, among many other museums.

1.

露李 飴と戯れる事 是 纏足を愛撫するかの如し 2015年

2.

まなこも閉ぢよ宦官の恋 2015年

Laurie Playing with Candy as Though Fondling Bound Feet, 2015.

The Eunuch’s Love –– Her Eyes Closed to Open No More, 2015.

坂上 チユキ42

3.

もしも両翼を捥がれたとすれば 2007年

4.

水葬 2009年

If the Butterfly’s Wings Are Torn off, 2007.

Water Burial, 2009.

SAKAGAMI Chiyuki

43

5.

鳥投林 1980年代

Bird Abandoned in the Woods, 1980s.

坂上 チユキ44

6.

辺境にて 2017年

7.

父は鳥、母は魚（故郷はパプアニューギニア） 1980年代
Father Is a Bird, Mother Is a Fish (Hometown, Papua New Guinea), 1980s.

On the Edge of the World, 2017.

SAKAGAMI Chiyuki

45トニー・ペデモンテ

Tony PEDEMONTE

1954年カリフォルニア州オークランド生まれ。2009年より CGAC に参加する。初期にドローイングを制作していた頃から、身のまわりにあるものを集めては取り入れた。アトリエにある木材や廃品などを組み合わせて骨組みをつくり、それがほとんど見えなくなるまで、糸や毛糸をしばしば一色ずつ執拗に巻きつける。糸が重なり合わない部分からは奥の層が見え隠れして、色の種類とグラデーションが広がる。
身体の動きと呼応しながら一定のリズムで繰り返し巻かれる糸は直線の集積となり、滑らかな質感を伴う幾何学的なフォルムをつくり出す。時折、直線の束の中にゆるんだ糸やまとまらない
糸の端などが軽やかな曲線として滑り込み、細かな表情の対比を生んでいる。
主な出展歴として、「Inter‒Avant‒Garde:Contemporary Art from Creative Growth
Art Center and Live Yes Studios」（ネブ
ラスカ・ウェズリアン大学エルダー・ギャラ
リー、リンカーン、2020 年）などがある。

2020 ウィン・ニューハウス賞を受賞。

トニー・ペデモンテ

Tony PEDEMONTE

47

Born in Oakland, California in 1954.
Has practiced at CGAC since 2009. Tony
PEDEMONTE has collected and employedobjects found in his surroundings since his
early period, when he was making drawings. Constructing a framework using woodand recycled materials from the studio, hesingle–mindedly wraps it with thread andyarn, often one color at a time, until thestructure is nearly concealed. Inner layers
can be glimpsed where the threads do not
overlap, producing an impression of pervading color contrasts and gradations.
The threads, repeatedly wound with afixed rhythm adapted to his bodily movement, become accumulations of straightlines engendering a smoothly textured geometric form. Loose threads and ends of unruly
threads occasionally slip into the bunchesof straight lines to produce subtle, contrasting effects.
Pedemonte’s exhibitions include Inter–
Avant–Garde: Contemporary Art from Creative Growth Art Center and Live Yes Studios(Elder Gallery, Nebraska Wesleyan University, Lincoln, 2020). Recipient of the 2020
Wynn Newhouse Award.

8.

無題 2020年

9.

Untitled, 2020.

トニー・ペデモンテ48

無題 2017年

Untitled, 2017.

Tony PEDEMONTE

49

10.

無題 2020年

11.

Untitled, 2020.

トニー・ペデモンテ

50

無題 2018年

Untitled, 2018.

Tony PEDEMONTE

51

スーザン・ジャノウ

Susan JANOW

1980年カリフォルニア州サンフラン
シスコ生まれ。2003年より CGAC に参加する。グリッドを描き、その中を細い線のクロスハッチングで念入りに埋めるドローイングを多く制作する。近年は、フレームにあたる格子を小さくし、枠内の色づけや色面の配置によって、さまざまなパターンを構成するな
ど、新しい変化をみせる。
直線を引き交差させるという行為を、
フリーハンドでひたすらに繰り返す。
線を描く順番や「息つぎ」はジャノウの裁量で自由に行われる。線には所々に継ぎ目や重なり、揺れや湾曲が生じ、その微かな動きに呼応して、線どうしのすき間や余白がわずかにかたちを変えていく。ともすれば単調な作業の結
実にもみえる画面には、ジャノウのルールとリズムが確かに色濃く現れ出ている。
ドローイングにとどまらず、《Questions?》（2018 年）をはじめとした映像作品でも注目を集めている。主な出展歴に、「Art
on the Stoop: Sunset Screenings」（ブルックリン美術館、ニューヨーク、2020年）などがある。作品は、同館のほか、パリのポンピドゥー・センターに収蔵されている。

スーザン・ジャノウ

Susan JANOW

53

Born in 1980 in San Francisco, California.
Has practiced at CGAC since 2003. Beginning with a hand–drawn grid, Susan JANOW
meticulously fills in the squares with finecrosshatching. In recent years, a change has
appeared in her works. Making the squaresof her grid smaller, she has begun applying
color to the squares and arranging color
blocks to compose diverse patterns.
When drawing straight intersecting lines,
Janow draws freehand, one line after another, over and over. This she does working freely and intuitively, varying the lines’
order and stopping to pause at her own
discretion. In places, overlaps appear in thelines along with slight curves and undulations. In response to these slight movements,
variance appears in the distances betweenlines, and the picture’s margin changes
shape. Janow’s pictures might appear to be
products of a monotonous process, but her
rules and rhythms are evident in them.
Janow is also widely recognized for her
video pieces, such as Questions? (2018).
Her exhibitions include Art on the Stoop:
Sunset Screenings (Brooklyn Museum, New
York, 2020). Her works are collected by the
Brooklyn Museum and Centre Pompidou.

12.

無題 2020年

13.

Untitled, 2020.

スーザン・ジャノウ

54

無題 2020年

Untitled, 2020.

Susan JANOW

55

14.

無題 2017年

Untitled, 2017.

スーザン・ジャノウ

56

15.

無題 2018年

Untitled, 2018.

16.

無題 2018年

Untitled, 2018.

Susan JANOW

57

東恩納 侑HIGASHIONNA Tasuku

1987 年沖縄県生まれ。幼少期から、粘土やアルミホイルを用いて海の生物や恐竜などを表した立体物をつくる。
12 歳頃から針金を用い、10 代の後半に集中して機関車をモチーフとした作品を制作した。その多くは、さまざまな書籍から得て記憶した情報やイメージに基づいている。ボタンやビニルタ
イ、ペンのキャップといった家族が使う身近な素材を自宅の中で見つけては、車輪や煙突など、つくるものの一部に見立てた。
銀に限らず黒や赤、青、緑など色とりどりの針金は、手の揺れなどわずかな動きも読み取りながら、そのゆがみを表情に変えて、宙にかたちを描く。
対象の輪郭や構造をなぞって進む針金
は、空中で重なり合い、みる角度によってまったく異なる線描を表す。それらの線はまた、光に応じて影をつくり、作品の足元から水平に広がる豊かな線の集合体を生む。
「アートキャンプ 2006 素朴の大砲」
展（浦添市美術館、沖縄、2006 年）、「アー
ル・ブリュット☆アート☆日本２」展（ボーダレス ･ アートミュージアム NO‒MA他、滋賀、2015 年）のほか、主に沖縄県

内での発表を重ねる。

東恩納 侑

HIGASHIONNA Tasuku

59

Born in Okinawa Prefecture in 1987. Atan early age, HIGASHIONNA Tasuku
used clay and aluminum foil to form three–dimensional objects representing sea creatures, dinosaurs, and such. From around
twelve, he began using wire, and in his lateteens, came to focus on works of locomotive motif. Many of Higashionna’s works
are based on information and images hememorizes from varied books. Finding buttons, vinyl ties, pen caps, and other household objects in his home, he employs themto represent wheels, smokestacks, and other parts.
The colorful wires, not only silver but also black, red, blue, and green, are wavy andundulating in response to his movements,
even slight tremors of his hand. Transforming the undulations to creative expression,
he draws three–dimensional forms in space.
While tracing the outline and structure of
the object, the wires overlap in space toform congregations of lines that differ depending on the angle of view. The congregated lines also form shadows under light,
casting a rich variety of dark lines horizontally from the base of the work.
Higashionna’s major exhibitions include
Art Camp 2006: Naive Cannon (Urasoe Art
Museum, Okinawa, 2006) and no–r–malization: The World of Art Brut in Japan 2(Borderless Art Museum NO–MA and other venues, Shiga, 2015), along with otherexhibitions in Okinawa.

17.

無題 2005年頃

Untitled, ca. 2005.

18.

無題 2021年

19.

無題 2005年頃

Untitled, ca. 2005.

20.

無題 2005年頃

21.

無題 2021年

Untitled, 2021.

無題 2005年頃

Untitled, ca. 2005.

23.

無題 2005年頃

Untitled, ca. 2005.

Untitled, ca. 2005.

Untitled, 2021.

東恩納 侑

60

22.

24.

HIGASHIONNA Tasuku

61

無題 2005年頃

Untitled, ca. 2005.

25.

無題 2005年頃

Untitled, ca. 2005.

東恩納 侑

62

HIGASHIONNA Tasuku

63ドワイト・マッキントッシュ

Dwight MACKINTOSH

1906年カリフォルニア州ヘイワード
生まれ、1999 年没。56 年間に及ぶ病院での生活を経て、70歳を超えた1979年
から晩年まで CGAC に参加した。若い頃に受けた扁桃腺の手術の際に撮影した X 線透過画像に、長年にわたりマッ
キントッシュはとらえられた。スクー
ルバスなどの乗り物、少年たち、建物や楽器など、自身の経験に由来するモチーフは、透けたように線で描かれる。
そのそばには、しばしば本人だけが読むことのできるテキストが連なる。
没頭するように手を動かす、その力やリズムを映し出すかのように、線は絡み合い増殖する。年齢をさらに重ねてからは、しばしば目や鼻、手や足の指などを際立たせて入念に描き込み、限られた主題とそのバリエーションを繰り返した。制作を始めた頃から、線が消えてしまうことに不安を覚え、常に線に固執しそれを手放さなかったマ
ッキントッシュの画面には、消すことのできないしぐさが現れ出ている。
個展「Dwight Mackintosh: The Boy
Who Time Forgot」（アール・ブリュット・
コ レ ク ション、 ローザ ン ヌ、 他、1992‒93
年）以降、
「d

」
（イントゥイット、シカゴ、2015‒16 年） など出展多数。作品

は、 ローザ ン ヌ の アール・ ブ リュット・コレクション、パリのポンピドゥ
ー・センターなどに収蔵されている。

ドワイト・マッキントッシュ

Dwight MACKINTOSH

65

Born in Hayward, California in 1906; diedin 1999. Joined CGAC in 1979. Dwight
MACKINTOSH was in his early seventies
when he entered CGAC after fifty–six yearsof living in institutions. Long fascinated by
the X–ray images of his tonsils taken forsurgery in his youth, he depicted subjects
reflecting his experiences as if transparent,
using fine lines. The motifs—vehicles suchas school buses, boys, buildings, and musicalinstruments—are often accompanied by textthat only Mackintosh himself could read.
His lines entwine and propagate, seemingly in tune with the strength and rhythmof his hand, which he moved as if raptly
absorbed. In later years, when drawing his
limited number of subjects in many variations, he often drew eyes, nose, fingers, andtoes in a pronounced manner. Early on,
when first taking up drawing, Mackintosh
came to feel anxious about the lines disappearing. Lines were an obsession for him,
and he never let go of them to the end. His
pictures display a gesture of lines that are
uniquely his, lasting and unerasable.
Subsequent to Dwight Mackintosh: The
Boy Who Time Forgot (Collection de l’Art
Brut, Lausanne, and other venue, 1992–93), Mackintosh’s work has appeared innumerous exhibitions including “dRAW”(Intuit, Chicago, 2015–16). His works arecollected by Collection de l’Art Brut in
Lausanne and the Centre Pompidou in Parisamong many other museums.

26.

無題 1992年

27.

Untitled, 1992.

ドワイト・マッキントッシュ

66

無題 1980年

Untitled, 1980.

Dwight MACKINTOSH

67

28.

無題 1995年

Untitled, 1995.

ドワイト・マッキントッシュ

68

29.

無題 1993年

Untitled, 1993.

30.

無題 1994年

Untitled, 1994.

Dwight MACKINTOSH

69

齋藤 裕一SAITO Yuichi

1983 年埼玉県生まれ。2002 年より2019 年まで川口市の「工房集」で活動した。齋藤は、初めは筆を持ち、その後、色鉛筆やボールペンへと道具を変えて、新聞のテレビ欄をたよりに好きな番組名などを連ねるドローイングを展開させる。「ドラえもん」の「も」のように、多くの場合、言葉から特定の文字が抽出され、ひたすらに書き重ねられていく。
文字を構成する線は次第に文字やその意味から離れて、ただの線として画面を走り、時にうねりを生み、確かな跡を残して線と面との間を漂う。画面左にあることの多い余白はかたちを変え、絶えず濃淡ある線の量塊とせめぎ合っている。余白にかすかにみえる手の跡や紙の折れには、しばしば上半身を紙の上に横たえて集中したり離れたりを繰り返しながら描く齋藤の様子が映し出されている。
主な出展歴として、「ライフ」展（水戸芸術館現代美術ギャラリー、茨城、2006
年）、「Art Brut Japonais」（アル・サン・ピエール、パリ、2010‒11 年）などがある。

また、近年、作品がパリのポンピドゥ
ー・センターに収蔵された。

齋藤 裕一

SAITO Yuichi

71

Born in Saitama Prefecture in 1983. Practiced at “KOBO SYU” in Kawaguchi City
from 2002 to 2019. After initially using a
brush, SAITO Yuichi shifted to colored pencils and ball–point pens. He develops his
drawings by repeatedly writing the names of
TV programs he likes while referring to the
TV program listings in the newspaper. In
many cases, he selects a particular characterin a name—such as the character も (“mo”)
in “Doraemon”—and repeats it endlessly.
Gradually, the lines digress from thecharacter they form and its meaning, becoming only lines on the paper—lines thatswell broadly or leave a strong mark andhover between lines and color fields. The
empty margin, usually on the picture’s left
side, changes shape in endless rivalry withthe masses of lines creating a range of lightand dark values. Faint hand marks and folds
seen in the paper’s margin suggest how
Saito repeatedly rests his upper body on thepaper to draw intently, sometimes raisinghimself or moving back from his picture.
Saito’s exhibitions include LIFE (Contemporary Art Gallery, Art Tower Mito,
Ibaraki, 2006) and Art Brut Japonais (Halle Saint Pierre, Paris, 2010–11). In recent
years, his work has also been collected by
the Centre Pompidou in Paris.

31.

無題（歌謡コンサート） 2014年

33.

無題（ドラえもん） 2002–2005年

Untitled (Kayo Concert), 2014.

34.

Untitled (Doraemon), 2002–2005.

無題（浦和レッズ） 2002–2005年

Untitled (Urawa Reds), 2002–2005.

齋藤 裕一

72

32.

無題（ドラえもん） 2014年

35.

無題（はみだし刑事） 2002–2005年

Untitled (Doraemon), 2014.
Untitled (Hamidashi Keiji), 2002–2005.

SAITO Yuichi

73

36.

無題（ドラえもん） 2005–2006年

Untitled (Doraemon), 2005–2006.

齋藤 裕一

74

SAITO Yuichi

75

77

ダン・ミラーDan MILLER

ターなどに収蔵されている。

ヨーク近代美術館、パリのポンピドゥー・セン

レ企画展、2017 年）などがある。作品は、ニュー「Viva Arte Viva」（第 57 回ヴェネチア・ビエンナー

of Drawing」（ニューヨーク近代美術館、2008 年）、

主な出展歴として、「Glossolalia: Languages

をつくり出している。

ありながら奥行きを感じさせる三次元的な空間

解き放たれ、レイヤーの効果により、平面的ではない。さまざまな方法で描かれた線は画面にも、それらを構成する線が意味に縛られること（電球）などミラーの好む単語が見え隠れしつつこともある。
「PAINTS」（絵具）や「LIGHTBULBS」に自ら打つタイプライターの印字が潜んでいるックで色を放つ線などが層をなし、時にはそこ

ペンの細く密集した線、絵具の太くダイナミ

ジを重ねる。

たちに由来するアルファベット、数字、イメー

身近なものや関心を持つものに関わる言葉やからった単語を、話す代わりに描くようになる。

持たないミラーは、幼少期に母親から教えてもまれ。1992 年より CGAC に参加する。言葉を1961 年カリフォルニア州カストロバレー生

Dan MILLER

ダン・ミラー

Born in 1961 in Castro Valley, California. Has practiced at CGAC since 1992. Largely nonverbal, Dan
MILLER learned words in childhood under his mother’s instruction and came not to speak but draw them.
His artwork is composed of dense overlays of letters,
numbers, and imagery sourced in words and shapes
connected with his interests and objects around him.
Miller’s works are distinguished by layers of dense
pen lines and thick, dynamic, and colorful lines ofpaint. Print letters, typed by Miller, sometimes lurk
among the layers. Words that he enjoys, such as“PAINTS” and “LIGHTBULBS”, float partially into
view, yet the lines forming them are not bound tomeaning. Rendered in rich variety on the paper, thelayered lines create an illusion of three–dimensional
space that appears flat while evoking depth.
Miller’s exhibitions include Glossolalia: Languages of Drawing (Museum of Modern Art, New York,
2008) and Viva Arte Viva (57th Venice Biennale,2017). His works are in the collections of the Museum of Modern Art in New York and Centre Pompidou
in Paris among many other museums.

79

78

ダン・ミラーDan MILLER

37.
無題 2014年
Untitled, 2014.

38.
無題 2010年
Untitled, 2010.

81

80

ダン・ミラーDan MILLER

40.

39.

無題 2014年

無題 2014年

Untitled, 2014.

Untitled, 2014.

83

西村 一成

NISHIMURA Issei

ブリュット・コレクション、京都市美術館に収蔵。

21 年）などがある。作品はローザンヌのアール・（クレアシオン・フランシュ美術館、ベーグル、2020‒

ンヌ、2018‒19年）、「Visions et Créations Dissidentes」

regard」（アール・ブリュット・コレクション、ローザ

主な出展歴として、「Art Brut du Japon, un autre

西村の描くことへの渇望がみえる。

がのびる画面には、ひたすらの祈りにも似た、に迷いなくつかみとる。身体の一部となった線

るで自身の鼓動に呼応させるかのように、瞬時音楽に着想を得たイメージなどのかたちを、ま自画像などの肖像をはじめ、裸体や愛する猫、する世界をより直截に映し出す。

の延長」の線が露わになり、身体の動きと感受も多く手がける。後者では、西村が言う「肉体印象が強い一方で、ペンを用いたドローイング

ージェッソなどをたっぷりと塗りつけた絵画の筆やペンを握り走らせる。アクリル絵具やカラ楽を傍らに、生きた記録を刻むように、日々、

1978 年愛知県生まれ。10 代から傾倒する音

NISHIMURA Issei

西村 一成

Born in Aichi Prefecture in 1978. With music, his
passion since his teenage years, playing nearby,
NISHIMURA Issei wields a brush or pen devotedly,
as if creating a living diary. His paintings thickly
brushed with acrylic paint or colored gesso strike astrong impression, but he also undertakes drawingsin pen. The latter, featuring the distinctive line
Nishimura calls an “extension of my body”, capture
his bodily movements and his perceptions of theworld more directly.
When depicting self–portraits and other figures,
nudes, his beloved cats, and music–inspired images,
he produces the forms instantly without hesitation,
as if in time with the beat of his heart. The artist’s
craving to paint, an emotion akin to earnest prayer,
radiates from his lines flowing from his physical being.
Nishimura’s major exhibitions include Art Brutdu Japon, un autre regard (Collection de l’Art Brut,
Lausanne, 2018–19) and Visions et Créations Dissidentes (Musée de la Création Franche, Bégles, 2020–
21). His works are collected by the Collection de l’Art
Brut in Lausanne and Kyoto City Museum of Art.

85

84

西村 一成

NISHIMURA Issei

43.

41.

自画像（ 20130618 ）「スケッチブック（ 20130428–20130622 ）」より 2013年
Self–Portrait (20130618) from “Sketchbook (20130428–20130622)”, 2013.

自画像（ 20130909 ）「スケッチブック（ 20130909–20130914 ）」より 2013年
Self–Portrait (20130909) from “Sketchbook (20130909–20130914)”, 2013.

44.

45.

HARUNOBU (20160508) 2016年

JUNKO (20160508), 2016.
HARUNOBU (20160508), 2016.

無題「スケッチブック（ 20111229–20120106 ）」より 2011–2012年
Untitled from “Sketchbook (20111229–20120106)”, 2011–2012.

JUNKO (20160508) 2016年

42.

87

86

西村 一成

NISHIMURA Issei

58.

47.

46.
YOSHIHUMI (20160508), 2016.

no title no. 1 (20190912), 2019.

HANA (20160508), 2016.

no title no. 1 (20190912) 2019年

HANA (20160508) 2016年

YOSHIHUMI (20160508) 2016年

59.

no title no. 2 (20171204 pm 115), 2017.

no title no. 1 (20171204 pm 110), 2017.

no title no. 1 (20191217), 2019.

no title no. 2 (20171204 pm 115) 2017年

no title no. 1 (20171204 pm 110) 2017年

no title no. 1 (20191217) 2019年

57.

56.

松浦 繁

MATSUURA Shigeru

1971年宮城県生まれ。彫刻家の翁ひろみが仙台市で主宰する「アトリエ創」
で、1994 年から木彫を本格的に始める。ナタやノコギリ、電動ノミなどの道具を左手のみで扱う。木を割る目安の線をノコギリでひいたのが契機となり、当初の役割を解いた装飾的な線を表面に入れるようになる。ノコギリの鋭い線と、仕上げに指や手の平で塗り込める水彩絵具の柔らかい色彩は、対照的な特徴を持ちながらも木肌の上で見事に調和している。
松浦が「ポキン」と呼ぶ予想外の割れ方、それによってできた木片を、新たな材料として活かしたり、一度完成した作品から部分を抽出して別の作品として再構成したりするなど、変化に順応し、自ら変化をつくって新しい展
開を見出す。近年は水彩にアクリル絵
具が加わり、激しさと鮮やかさが一層増している。
主な展示に「木々の生命」展（もうひとつの美術館、栃木、2017 年）、「立ち上がりの技術 vol. 02 つくる手 さぐる手 かきわけて」展（東北リサーチとアートセンター（TRAC）、宮城、2018 年）などがある。平成 29 年度宮城県芸術選奨新人賞受賞。

松浦 繁

MATSUURA Shigeru

89

Born in Miyagi Prefecture in 1971. Began
carving wood sculptures in 1994 at “Atelier So” run by sculptor OKINA Hiromi in
Sendai City. MATSUURA Shigeru sculpts
wood using an axe, saw, and electric chiselwith his left hand only. The sharp lines in
his sculptures were occasioned by his carving a line in the wood as a guide for splitting it. Shedding that function, the carvedlines became an important decorative element. The sharp lines cut with a saw andthe work’s finish of soft color tones appliedwith fingers or a palm, while contrasting
features, obtain a splendid harmony on thewood grain.
When a sculpture unexpectedly splits (or“pokin”, as he calls it), Matsuura utilizes
the broken fragments as material for new
creation. Seizing change as an opportunity
to go in a new direction, he will extract a
portion of the completed piece and recompose it as a new work. In recent years, he
has introduced acrylic paint, thereby further increasing the visual intensity andvibrancy of his sculptures.
Matsuura’s exhibitions include Life ofTrees (MOB museum of Alternative Art,
Tochigi, 2017) and Skills for Standing Up
Again vol. 02 “Hands That Create, Hands
That Search” (TRAC / Tohoku Research–based Art Center, Miyagi, 2018). Received
the 2017 Miyagi Prefecture Art Award for
New Artists.

60.

島 制作年不詳

Isle, Date unknown.

松浦 繁

90

MATSUURA Shigeru

91

61.

植物 2015年

Plant, 2015.

松浦 繁

92

MATSUURA Shigeru

93

62.

太陽 2001年

63.

守り神 2008年

The Sun, 2001.
Guardian God, 2008.

ジュディス・スコット

Judith SCOTT

1943年オハイオ州コロンバス生まれ、
2005 年没。1987 年より晩年まで CGACに参加した。テキスタイルのワークシ
ョップを契機に、ファイバー・アートに移行する。アトリエで自ら見つけたものを中に収めて、糸や毛糸、端切れなどを丹念に巻きつけた「繭」のような立体作品を制作するようになる。長く離れて暮らした双子の姉を想起させるような、二つのものを一つに束ねた作品も、特に初期につくられた。
巻きつけた糸に別の糸を引っかけてはつなぎ、あるところで結んで余りを切る。網を編むようにさまざまな方向に線を這わせて、「自分のもの」を包み込んだ。年を経るにしたがい、素材と巻きの強さが変化し、作品は新たなテクスチャーを得て、より自由な輪郭線を描いた。
出展歴として、「ジュディス・スコッ
ト メタモルフォーシス」展（資生堂ギ
ャラリー、東京、他、2001‒02年）をはじめ、没後初の大規模回顧展「Judith Scott:Bound and Unbound」（ブルックリン美術館、ニューヨーク、2014‒15 年） など多数。作品は、ニューヨーク近代美術館、パリのポンピドゥー・センターなどに収蔵。

ジュディス・スコット

Judith SCOTT

95

Born in Columbus, Ohio in 1943; died in
2005. Practiced at CGAC from 1987 until
her final years. A textile workshop motivated Judith SCOTT to shift to fiber art. Using
objects she found at the studio as a core, shebegan carefully wrapping them with thread,yarn, and fabric pieces to make cocoon–like
sculptures. Among her early sculptures are
pieces in which two objects are bound together as one—works evocative of her andher twin sister from whom she was separated for long years.
Lacing a thread end between the alreadywrapped threads, she would arrange thethread, tie it at some point, and clip off
the surplus. Winding threads in this way,
in different directions as if weaving a net,
she would entirely wrap an object that she
desired as “her own”. As time passed, Scottobtained new textures and freer contours
by varying her materials and the tension of
their wrapping.
Her exhibitions include Metamorphosis:
The Fiber Art of Judith Scott (Shiseido
Gallery, Tokyo, and other venue, 2001–02) and a large–scale retrospective exhibition Judith Scott: Bound and Unbound(Brooklyn Museum, New York, 2014–15).
Scott’s works are collected by the Museum of Modern Art, New York, and Centre
Pompidou among many other museums.

64.

無題 1993年

Untitled, 1993.

ジュディス・スコット

96

Judith SCOTT

97

65.

無題 1993年

Untitled, 1993.

ジュディス・スコット

98

Judith SCOTT

99

66.

無題 2004年

Untitled, 2004.

ジュディス・スコットが紡いだ糸の秘密小出 由紀子（小出由紀子事務所 主宰）

ジュディス・スコットが紡いだ糸の秘密

100

小出 由紀子101

はじめてクリエイティブ・グロウス・アート・センター
を訪ねたのは、1998 年だったと思う。当時、日本語の翻訳を手がけていた『ヘンリー・ダーガー

マグレガー博士は、ここでジュディス・スコット（1943‒2005）と非現実いうダウン症の女性に出会い、恋に落ちた。男女の恋愛ではないの王国で』の著者である、ジョン・マグレガー博士をサンフラン

けれど、芸術的な視点からその人をよく知りたいという思いに囚シスコに訪ねた折、連れて行ってもらったのだ。

われたのである。そして、今自分の前に存在する生身の人を得て、

マグレガー博士は 10 年に及ぶヘンリー・ダーガーの調査と研究をまとめ――と一言でいうのはたやすいが、ダーガーが 40 年も博士自身が生に向き合う喜びを取り戻しているようだった。（ダーガーの研究はどう見ても死と向き合う仕事だった。）の長い間引きこもって暮らしたシカゴの下宿、まさしくゴミ屋敷

ジュディスはダウン症に加えろうのため、言葉によるコミュニと化した部屋を考古学的発掘をするように掘り起こし、ダーガー

ケーションを持たなかった。マグレガー博士は足繁くセンターにの孤独な人生と奇想天外な遺作を調べ上げ、720 ページもの大著

通い、ジュディスの行為をある時は間近から、ある時は物陰からにまとめあげたばかりで、重い責務から解放されてほっとしたよ

観察し続けた。博士のこのつきまとい――知的好奇心からくるス

うすだった。

トーキングとも言える――をジュディスははじめ嫌がっていたが、連れて行きたいところがあると言われ、サンフランシスコからだんだん面白がって受け入れたと聞く。

バートに乗りオークランドへ向かった。オークランドといえば、

20 世紀後半、アメリカの美術界ではさまざまなムーブメント

1960 年代以来、全米でも屈指の犯罪都市として知られ、暴力事が起こり、素材、主題、コンセプトなどを巡り、多くのイズムや件や強盗、車の窃盗は日常茶飯事という街だ。しかし殺伐としたスタイルが目まぐるしく展開したが、ジュディスが行う奇妙な行

ストリートとは対照的に、クリエイティブ・グロウス・アート・

為は、どこにも類を見ないものだった。マグレガー博士はただ本センターがある一角は場違いに多幸的な輝きを放っていた。そこ

人と向き合うことで、彼女の行為が、その特異な生い立ち、生きは障害がある大人が通うアートセンターで、自動車修理工場を改る傷み、救出、そして再生へと連続する芸術的行為だと洞察した。
私たちが訪問したその日も、ジュディスは自分の机に陣取り造しただだっ広いワークショップだった。

ジュディス・スコットが紡いだ糸の秘密

102

小出 由紀子103

（机の下には彼女だけの宝物が隠されている）巨大な繭のような謎の物体にば収容所、プライバシーもなく私物を持つことも許されない劣悪

糸を巻きつけていた。

な環境だった。ここを出て、自分が欲するもの、つまり宝物を所持したり隠し持つ喜びを生まれてはじめて味わった。

ジュディス・スコットがセンターにやってきたのは、1987 年だ

なかでも、ジュディスが何より強く求めたものは姉の存在だっった。彼女は双子で、ジョイスという姉がおり、幼い頃はいつもた。７歳になるまで同じベッドで眠っていた半身が失われてしま一緒だった。しかし就学期になると、知的障害があるジュディス

った時の不安はどれほどだったろう。その喪失感や絶望を埋め合はオハイオ州立の施設へ預けられ、その後 40 年近くをそこで過わせるかのように、ジュディスの初期の作品には揺り籠のようなごすことになる。双子の絆は強いと聞くが、7 歳で離別した妹の器に眠る二人の赤ん坊を想起させるものがある。そしてふわふわ

存在、正確に言うなら不在は、姉の心の底深くに潜み続け、ジョの毛糸が二人を柔らかく巻き包む。ジュディスは時々それらを腕イスはジュディスを施設から取り戻し、1986 年、自分が暮らすに抱いて、赤ん坊をあやすようなしぐさをしていたと聞く。

カリフォルニアへ引き取った。そしてジュディスはクリエイティ

やがてジュディスの作風は大胆不敵になってくる。自分では持ブ・グロウス・アート・センターに通い始め、長らく停止していち上げられないほど大きな繭玉をいくつも作り、もはや中に何がた人生を巻き直し、紡ぎ始めた。

入っているのかわからない 1。私には、この行為が、都会のカラセンターにはテキスタイルの工房があり、さまざまな毛糸や布スがハンガーやビニール袋を集めて巣作りをしているのに似ていが用意されていた。ところがジュディスは織ったり編んだりする

るように思えてならなかった。営巣行為というのだろうか。ジュのではなく、道で拾った木の枝やワイヤー、誰かが落としたアクディスはある種の巣作り、自分の「身の置き所」作りをしていた

セサリーやボタンなどを糸で巻き巻きしていくのだ。時にはスタのかもしれない。柔らかなファイバーに幾重にも包まれたコクーッフの車のキーがのみ込まれそうになったこともあり、マグレガ

ン、胎内のような安全空間だ。

ー博士はこれを「創作的窃盗」と呼んで、愉快がっていた。
ジュディスが 40 年近くを過ごした当時の州立施設は悪く言えジュディス・スコットが紡いだ糸の秘密

104

ひとつの立体が完成すると、子供の背中をぽんぽんと叩くように愛撫して、あっちへ下げてと合図した。そして翌日からは次の小出 由紀子105

ものに取り掛かる。そういう日々が穏やかに 18 年続き、ジュデセンターに待望のアール・ブリュット部門が新設されるのに伴い、ィスは約 100 体の作品を遺して、2005 年に亡くなった。

ジュディスの作品も収蔵された。

40 年近く暗闇を生き、人生を停止していたジュディスは、姉

作者亡き後も、遺された作品が、彼女の創作行為の独創性や先によって救出され、カリフォルニアの光の中で生まれ変わった。

駆性を実証し続けているわけだ。そして今年、ジュディスの作品

彼女の人生と創作を、マグレガー博士は「メタモルフォーシス」

が再び東京にやってきたことを嬉しく思う。
人が表現するという行為は、その動機が切実であればあるほど、と喩えた 。
2

痛みに満ち、粗々しく、同時に喜びに溢れ、たとえどんなに奇妙
ろうのジュディスは言葉にはしなかったけれど、センターを利異形であったとしても、必然的に優美な形に結実することを、ジ

用 す る み ん な が 言 う よ う に、 ク リ エ イ ティブ・ グ ロ ウ ス は

ュディスは教えてくれた。そしてそれを可能にしたのは、双子のBlessing ――祝福だった。仕事の場では厳しい顔をしているマグ絆であり、クリエイティブ・グロウスという場所だった。そして、レガー博士もここでは笑顔がこぼれ、子供に戻ったようだった。

当時はまだ誰も見向きもしなかった、ダウン症者の創作に “ ガ

この時の訪問は更なる祝福をもたらし、2001 年、マグレガー博チ ” に取り組んだ、マグレガー博士の学究心が、ジュディスの創士の監修により、ジュディス・スコットの個展が日本とスイスで作をアール・ブリュットや障害者アートといった枠を越えて、コ実現した 。

ンテンポラリー・アートに接続し、同時にアートの領域を拡張し

3

その後、ジュディスの作品への関心と評価は徐々に高まり、2014たのである。

年にはブルックリン美術館で回顧展「Judith Scott: Bound andジュディスが紡いだ糸は今も私たちを巻き込んで、人がこの世

Unbound」が開かれ、2017 年には第 57 回ヴェネチア・ビエンナーにあることについて、そして表現することについて、多くのこと

レ「Viva Arte Viva」に選出された。2021 年には、ポンピドゥー・に気づかせてくれる。

図版
pp. 97, 102, 110 「ジュディス・スコット メタモルフォーシス」展（資生堂ギャラリー、東京、2001年） 展示風景

p. 105Courtesy of Yukiko Koide Presents.

Portrait of Judith Scott by Leon A. Borensztein.

Courtesy of Creative Growth Art Center and Yukiko Koide Presents.

注1

2011年にロンドンで開催された個展に際し、BBC が製作した映像「The Culture Show」には姉ジョイスのインタビューとともに、作品をエックス線で透視する場面があり興味深い。
BBC TWO, “Episode12, 2011/2012”,, Broadcast on 14 October, 2011(https://www.bbc.co.uk/programmes/b016117f, accessed 10‒8‒2022).

2 John M. MACGREGOR,, Creative Growth Art Center, 1999.

3 「ジュディス・スコット メタモルフォーシス」展は、2001年6月、資生堂ギャラリー（東京）で開催された後、アール・ブリュット・コレクション（スイス、ローザンヌ）へ巡回した。マグレガー博士によって監修された初の個展で、1988年から1998年にかけて制作された初期の代表作40点を展示した。

ジュディス・スコットが紡いだ糸の秘密

106

小出 由紀子107

追記
本稿では、クリエイティブ・グロウス・アート・センターをはじめて訪ねた時の想い出を勢いにまかせて綴ったが、大切なことに触れていないことに気づいたので、追記させていただきたい。
リーダーシップについてである。この頃はちょうど、クリエイティブ・グロウスのディレクターが交代する時期だった。初代のイレーネ・ワード・ブライドンが引退し、
トム・ディ・マリアが就任する直前だった。イレーネがクリエイティブ・グロウスの基礎作りに貢献したとしたら、トムはクリエイティブ・グロウスとその作家の存在を、アートを通して世界に知らしめることに尽力した。
センターの中にギャラリーを設け、企画展を開き作品の販売を行う。外部の作家を招いて、障害の有無や種類、美術教育の有無や学歴にかかわらず、アーティスト同士の交流の場を作る。商業画廊や美術館と協働したり、国内外のアートフェアに参加したりして、作品の普及を行う。
アートの業界では当たり前のことだけれど、当時障害者の施設でこんなことをする人は皆無だった。トムは着任当初から「自分たちはアートをやっている」という強い自覚を持ち、その線上に目標を設定し、一つひとつ実現した。20 年を超える積み重
ねによって、クリエイティブ・グロウスは世界でも無比のアートセンターとして知られるようになった。
彼自身は映像の出身で、ストーリーを紡ぐのが上手い。毎日一緒に過ごす作家たち
を細やかに観察し、本人には語ることのできない創作の動機や、背後に隠された不安や切望を洞察して、言葉にすることを恐れない。
このことは、今回の展覧会のトークでも発揮されている。ドワイト・マッキントッ
シュとダン・ミラー、スーザン・ジャノウ、トニー・ペデモンテとジュディス・スコ
ットについて語るトムの話をぜひ聞いて欲しい。
トム・ディ・マリアという伴走者を得て、クリエイティブ・グロウスの作家たちは気遅れすることなく堂々とアーティストとして振る舞っている。
1950 年代から 70 年代にかけて、カリフォルニアのベイエリア――サンフランシスコ、オークランド、バークレイといった町では公民権運動が激しく繰り広げられた。

The Secrets Bound in
Judith SCOTT’s
Fiber Art

肌の色や人種、性別、性的指向、障害などをめぐり、少数派の人々が自分が当然受けられる権利を求めて主張した。その精神は今もクリエイティブ・グロウスに息づいている。この 23 年間、それを支えたのはトム・ディ・マリアだった。

KOIDE Yukiko(Director, Yukiko Koide Presents)

ジュディス・スコットが紡いだ糸の秘密

108

小出 由紀子The Secrets Bound in Judith SCOTTʼs Fiber Art KOIDE Yukiko

109

I

T was 1998 when I first visited the Creative Growth Art Center.
Dr. John MACGREGOR took me there when I called on him in
San Francisco. Dr. MacGregor is the author of Henry Darger:
In the Realms of the Unreal, a book I was engaged in translating into
Japanese.
Dr. MacGregor had just finished compiling ten years of researchon Henry DARGER. Which is easy to say, but digging through the
Chicago boarding house room (a veritable trash hoarder’s den) whereDarger lived reclusively for forty long years, Dr. MacGregor had investigated Darger’s solitary life and strange illustrations with an archeologist’s tenacity and compiled his findings in a voluminous bookof 720 pages. He was clearly relieved to be liberated from the heavy
responsibility involved.
Telling me there was someplace he wanted to take me, we boarded BART in San Francisco and headed for Oakland. In the 1960s,
Oakland was known as one of the most dangerous cities in the USA,a community where violent crime, robbery, and car theft were everyday occurrences. In sharp contrast to the image of brutal streets,
however, the corner where Creative Growth Art Center stood radiated a euphoric glow and seemed out of place. In its large workshop in
a converted auto body repair shop, adults with disabilities gathered
daily to create art.

Here, Dr. MacGregor encountered Judith SCOTT (1943–2005), a
woman with Down syndrome, and fell in love. Although not the romantic love of a man for a woman, he fixated on her, wanting to know
her from an artistic perspective. Having obtained a living human being, present here and now, as a subject, he had fully regained the joyof living, it seemed. (His research on Darger had been an absorption
with death.)
Besides having Down syndrome, Judith was also deaf, so verbal
communication was impossible for her. Frequently visiting the center, Dr. MacGregor continually observed Judith’s actions, sometimes
from nearby and other times from a concealed position. Judith at firstdisliked his hovering about her—a kind of stalking due to intellectual
curiosity, we can say—but eventually accepted it, amused.
In the latter half of the 20th century, diverse movements arosein the American art world, and isms and styles pertaining to media,
subjects, and concepts came and went at a dizzying speed, yet Judith’s
odd actions were unparalleled. Dr. MacGregor, purely by observing
her, understood that her actions were creative actions sequential toher unusual upbringing, her pain, her salvation, and her rebirth.
On the day we visited, Judith was camped at her desk (below which
she had hidden treasures that were hers and hers only), wrapping a

The Secrets Bound in Judith SCOTTʼs Fiber Art KOIDE Yukiko

110

111

large, mysterious cocoon–like object with thread.
Judith Scott came to the center in 1987. She had a twin sister, Joyce,from whom she had been inseparable as a child. When it came time toattend school, however, Judith was sent to an institution in Ohio due
to her intellectual disability, and resided there for nearly forty years.
Bonds between twins are strong, I hear, and Joyce continually mourned the absence of the sister she was torn apart from at the age ofseven. Eventually she was able to release Judith from the institution
and in 1986 brought her to live with her in California. Judith began
commuting to Creative Growth Art Center and—restarting her life,
frozen for forty long years—began living it in her own way.
The Center has a textile studio where varied yarns and fabrics
were on hand. Judith did not commence to weave or knit but rather
began wrapping thread around found objects, a tree branch or wire
tossed on the road, for instance, or an accessory or button someone
had dropped. Occasionally a staff member’s car key would be in danger of being wrapped, an event MacGregor gleefully described as “creative theft”.
The state institution where Judith spent nearly forty years was,to put it badly, a detention camp, that is, an appalling environment
where residents had no privacy and were not allowed to keep personal

belongings. On leaving the institution, she for the first time experienced the joy of possessing and hiding away something she desired,something she could regard as her treasure.
What Judith desired the most strongly of all was her sister. We canonly wonder how deep her insecurity was when she lost her other half,
the sister who shared her bed until seven years old. As if to compensate for that loss and despair, one of the first pieces Judith produced
was a twin–like form suggestive of two babies in a crib. I hear thatshe sometimes cradled the piece in her arms, making motions as if to
comfort it.
In time, Judith’s style became fearless. She created cocoon balls
so large she herself could not lift them and staff could no longer judge
what they contained.1 This action struck me as closely resembling
the behavior of urban crows constructing nests from hangers andplastic bags. Nesting behavior it might perhaps be called. Judith may
have been creating her own “place to put herself”. Cocoons of layered
wrappings of soft fiber … a safe and secure place like the womb.
On finishing a sculpture, she would caress it as if patting a childon the back, and signal someone to hang it over there. And she would
start a new work, the next day. Days of this passed quietly for 18 years,
and then Judith died in 2005, leaving some one hundred artworks.
After living forty years in darkness, her life on hold, Judith

The Secrets Bound in Judith SCOTTʼs Fiber Art KOIDE Yukiko

112

113

was rescued by her sister and reborn in the California sunlight. Dr.
MacGregor compares her life and art to a “metamorphosis”.2
Being deaf, Judith herself could not express it in words, but as everyone using the Center always says, Creative Growth was a real blessing.
Even Dr. MacGregor, who wears a severe expression at the workplace,here would smile and seemingly become a child again. Our visit thattime occasioned an additional blessing—a solo exhibition of Judith
Scott, realized in Japan under Dr. MacGregor’s supervision in 2001.3
Interest in and acclaim for Judith’s work steadily grew thereafter,
and in 2014, the retrospective exhibition Judith Scott: Bound andUnbound was held at the Brooklyn Museum. In 2017, she was selected for the 57th Venice Biennale “Viva Arte Viva”. In 2021, withthe long–awaited establishment of an Art Brut section at the Centre
Pompidou, Judith’s works were collected.
Even after the artist’s passing, her artworks have continued toattest to the originality and ground–breaking character of her art.
And this year, to my profound pleasure, her works once again havereturned to Tokyo.

The more urgent the motivation is, the coarser, the more pain–
filled, and the more overflowingly joyful the human act of expression
is. No matter how strange the form it takes, it inevitably bears fruit ina graceful shape—this, Judith taught us. In her case, this was enabled
by her bond with her twin, and the place, Creative Growth. The spiritof academic inquiry with which Dr. MacGregor “fixated” on the art ofpeople with Down syndrome—art that no one deigned to even noticeat the time—elevated Judith’s work beyond Art Brut or art by people
with disabilities to contemporary art and simultaneously expanded
art’s capacity.
Judith spun a thread that even now enwraps us, opening our eyes
to facets of our existence in this world and the act of expression.

Figs:
pp. 97, 102, 110

Installation view of Metamorphosis: The Fiber Art of Judith Scott (Shiseido Gallery, Tokyo, 2001).
Courtesy of Yukiko Koide Presents.

p. 105 Portrait of Judith Scott by Leon A. Borensztein.
Courtesy of Creative Growth Art Center and Yukiko Koide Presents.
notes
1

A BBC–produced video of “The Culture Show” broadcast during a solo exhibitionin London in 2011 features a fascinating interview with her sister Joyce as well as X–rays of Judith’s artworks.
BBC TWO, “Episode 12, 2011/2012”, The Culture Show, Broadcast on 14 October, 2011(https://www.bbc.co.uk/programmes/b016117f, accessed 10–8–2022).

2

John M. MACGREGOR, Metamorphosis: The Fiber Art of Judith Scott, Creative Growth Art Center, 1999.

3

After opening at Shiseido Gallery (Tokyo) in June 2001,
Metamorphosis: The Fiber Art of Judith Scott traveled to the Collection de l’Art Brut (Lausanne, Switzerland).
Her first solo exhibition (supervised by Dr. MacGregor), it featured forty major works produced from 1988 to 1998.

The Secrets Bound in Judith SCOTTʼs Fiber Art KOIDE Yukiko

114

115

Postscript

出品作品リスト

List of Exhibited Works

After writing this article about my first visit to Creative Growth Art Center, I realized I had
overlooked something important. I would like to append it here.
It concerns leadership. My visit occurred shortly before Irene Ward BRYDON’s retirement as Creative Growth’s first director and Tom DI MARIA’s appointment as her successor. If Irene helped lay the foundation for Creative Growth, Tom devoted himself to making
Creative Growth and its artists known to the world through their art.

坂上 チユキSAKAGAMI Chiyuki
1

Tom established a gallery in the heart of the Art Center for holding special exhibitions○ 2015年○水彩・雁皮紙○ 15.0 x 23.0
○個人蔵

and selling works. Outside artists were invited to participate, thereby creating a place forexchange among fellow artists regardless of their having or not having a disability, their
type of disability, or their academic or art education background. The gallery actively collaborated with commercial art galleries and museums and participated in art fairs at home

露李 飴と戯れる事
是 纏足を愛撫する
かの如し

2

まなこも閉ぢよ
宦官の恋○ 2015年○水彩・雁皮紙○ 15.0 x 23.0
○個人蔵

and abroad to disseminate their works.
Such practices are common in the art world. At that time, however, no one was doing
them at facilities for people with disabilities. From the very outset of his tenure, Tom took
a clear stance that “we are doing art”, and on that basis, he set goals and realized them one
by one. Due to the accumulated efforts of over twenty years under his leadership, Creative

3

Growth has become known as an art center unrivaled in the world.

○ 2007年○色鉛筆・紙○ 19.0 x 25.0
○個人蔵

Tom himself comes from a film background and is a skilled storyteller. Closely observing
the artists with whom he spends his days, he is not afraid to put words to what they are
feeling but unable to verbalize, their anxieties and longings as well as their motives.

4

portunity to hear Tom speak about Dwight MACKINTOSH, Dan MILLER, Susan JANOW,With Tom di Maria’s support as their partner, the artists of Creative Growth carry them-5

From the 1950s to the ’70s, the civil rights movement raged in the California Bay Area—cities like San Francisco, Oakland, and Berkeley. Minorities, discriminated against on
the basis of skin color, race, gender, sexual orientation, and disability, fought for their fun-6

Tom di Maria has promoted it.
7

The Secrets Bound in Judith SCOTTʼs Fiber Art KOIDE Yukiko

父は鳥、母は魚（故郷はパプアニューギニア）

116

On the Edge of theWorld○ 2017○ Oil, lapis lazuli,
azurite, crystal andturquoise on canvas○ 22.7 x 16.0 x 2.0○ Private collection

Father Is a Bird,
Mother Is a Fish
(Hometown,
Papua New Guinea)○ 1980s○ Watercolor on paper○ 33.2 x 23.4
○ Private collection

List of Exhibited Works

117

無題

Untitled○ 2020年 ○ミクストメディア○ 2020 ○ Mixed media○ 61.0 x 22.9 x 25.4
○ 61.0 x 22.9 x 25.4
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland
9

無題○ 2017年 ○糸、木○ 17.5 x 19.5 x 9.5
○個人蔵

10

無題

Untitled○ 2017 ○ Thread and wood
○ 17.5 x 19.5 x 9.5○ Private collection

Untitled○ 2020年 ○ミクストメディア○ 2020 ○ Mixed media○ 43.2 x 50.8 x 20.4
○ 43.2 x 50.8 x 20.4
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland
11

無題

Untitled○ 2018年 ○ミクストメディア○ 2018 ○ Mixed media○ 73.7 x 55.9 x 17.8
○ 73.7 x 55.9 x 17.8
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland

スーザン・ジャノウ
Susan JANOW
12

無題

Untitled○ 2020年 ○インク・紙○ 2020 ○ Ink on paper○ 28.0 x 43.2
○ 28.0 x 43.2
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland
13

無題

Untitled○ 2020年 ○インク・紙○ 2020 ○ Ink on paper○ 28.0 x 43.2
○ 28.0 x 43.2
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland○ 1980s○ Watercolor on paper○ 16.2 x 21.8
○ Private collection

辺境にて

出品作品リスト8

If the Butterflyʼs
Wings Are Torn off

Bird Abandonedin the Woods

鳥投林○ 1980年代○水彩・紙○ 33.2 x 23.4
○個人蔵

○ 2015○ Watercolor
on ganpi paper○ 15.0 x 23.0
○ Private collection○ 2009○ Watercolor on paper○ 15.5 x 24.0
○ Private collection○ 2017年○油彩、ラピスラズリ、
アズライト、クリスタル、
ターコイズ・カンヴァス○ 22.7 x 16.0 x 2.0○個人蔵

damental rights as citizens. That spirit still lives at Creative Growth. For the past 23 years,

The EunuchʼsLove –– Her Eyes
Closed to OpenNo MoreWater Burial

水葬○ 1980年代○水彩・紙○ 16.2 x 21.8
○個人蔵

selves like artists confidently, without hesitation.

○ 2015○ Watercolor
on ganpi paper○ 15.0 x 23.0
○ Private collection○ 2007○ Colored pencil on paper○ 19.0 x 25.0
○ Private collection○ 2009年○水彩・紙○ 15.5 x 24.0
○個人蔵This will be demonstrated in his talk for the exhibition, this time. I hope you have opTony PEDEMONTE, and Judith SCOTT.

もしも両翼を捥がれたとすればLaurie Playing with
Candy as Though
Fondling Bound Feet

トニー・ペデモンテ
Tony PEDEMONTE

14

無題

Untitled○ 2017年 ○インク・紙○ 2017 ○ Ink on paper○ 38.1 x 55.9
○ 38.1 x 55.9
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland
15

無題

Untitled○ 2018年 ○インク・紙○ 2018 ○ Ink on paper○ 38.1 x 57.2
○ 38.1 x 57.2
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland
16

無題

Untitled○ 2018年 ○インク・紙○ 2018 ○ Ink on paper○ 38.1 x 56.6
○ 38.1 x 56.6
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland

東恩納 侑HIGASHIONNA Tasuku
17

無題○ 2005年頃 ○針金、ボタン○ 8.0 x 6.0 x 15.0
○ 作家蔵
18

無題
○ 2021年○ 針金、ビニールタイ、ボタン○ 9.5 x 7.5 x 17.5
○ 作家蔵

19

無題
○ 2005年頃 ○針金○ 8.0 x 6.5 x 22.5
○ 作家蔵

20

無題
○ 2005年頃○ 針金、ビニールタイ、ボタン○ 10.5 x 7.5 x 15.5
○ 作家蔵

21

無題
○ 2021年○ 針金、ビニールタイ、ボタン○ 10.0 x 6.0 x 15.5
○ 作家蔵

22

無題
○ 2005年頃○ 針金、ビニールタイ○ 15.0 x 11.0 x 61.0
○ 作家蔵

23

無題
○ 2005年頃○ 針金、ビニールタイ、ボタン○ 8.0 x 5.5 x 14.5
○ 作家蔵

24

無題
○ 2005年頃○ 針金、ビニールタイ、ボタン○ 8.5 x 6.5 x 14.5
○ 作家蔵

25

無題
○ 2005年頃○ 針金、ビニールタイ、ボタン○ 10.0 x 8.5 x 53.0
○ 作家蔵

28

○ 1995年 ○インク・紙○ 1995 ○ Ink on paper○ 55.9 x 38.1
○ 55.9 x 38.1
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland

Untitled○ ca. 2005 ○Wire and button○ 8.0 x 6.0 x 15.0
○ Collection of the artist

29

30

Untitled○ ca. 2005
○ Wire, vinyl tie and button○ 10.5 x 7.5 x 15.5
○ Collection of the artist

齋藤 裕一
SAITO Yuichi
31

32

33

34

35

36

無題

Untitled○ 1992年 ○インク・紙○ 1992 ○ Ink on paper○ 48.3 x 63.5
○ 48.3 x 63.5
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland
27

無題○ 1980年○テンペラ、インク・紙○ 58.0 x 73.5
○ 個人蔵

Untitled○ 1980○ Tempera and ink on paper○ 58.0 x 73.5
○ Private collection

無題（ドラえもん）○ 2005–2006年○ 色鉛筆・紙○ 38.0 x 54.0
○ 作家蔵

ドワイト・マッキントッシュ
Dwight MACKINTOSH
26

無題（はみだし刑事）○ 2002–2005年○ 色鉛筆・紙○ 38.0 x 54.0
○ 作家蔵

Untitled○ ca. 2005
○ Wire, vinyl tie and button○ 10.0 x 8.5 x 53.0
○ Collection of the artist

無題（浦和レッズ）○ 2002–2005年○インク・紙○ 38.0 x 54.0
○ 作家蔵

Untitled○ ca. 2005
○ Wire, vinyl tie and button○ 8.5 x 6.5 x 14.5
○ Collection of the artist

無題（ドラえもん）○ 2002–2005年○インク・紙○ 38.0 x 54.0
○ 作家蔵

Untitled○ ca. 2005
○ Wire, vinyl tie and button○ 8.0 x 5.5 x 14.5
○ Collection of the artist

無題（ドラえもん）○ 2014年○ 色鉛筆・紙○ 38.0 x 54.0
○ 作家蔵

Untitled○ ca. 2005
○ Wire and vinyl tie○ 15.0 x 11.0 x 61.0
○ Collection of the artist

無題（歌謡コンサート）○ 2014年○ 色鉛筆・紙○ 38.0 x 54.0
○ 作家蔵

Untitled○ 2021○ Wire, vinyl tie and button○ 10.0 x 6.0 x 15.5
○ Collection of the artist

Untitled

無題○ 1994年 ○インク・紙○ 1994 ○ Ink on paper○ 38.1 x 55.9
○ 38.1 x 55.9
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland

Untitled○ ca. 2005 ○ Wire
○ 8.0 x 6.5 x 22.5
○ Collection of the artist

Untitled

無題○ 1993年 ○インク・紙○ 1993 ○ Ink on paper○ 38.1 x 55.9
○ 38.1 x 55.9
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland

Untitled○ 2021○ Wire, vinyl tie and button○ 9.5 x 7.5 x 17.5
○ Collection of the artist

38

Untitled

無題

ダン・ミラーDan MILLER
37

無題○ 2014年○タイプライター、水彩、
インク・紙○ 76.1 x 28.4
○ 個人蔵

Untitled (Kayo Concert)○ 2014○ Colored pencil on paper○ 38.0 x 54.0
○ Collection of the artist39○ 2002–2005○ Ink on paper○ 38.0 x 54.0
○ Collection of the artist

40

西村 一成
NISHIMURA Issei
41

Untitled (Doraemon)○ 2005–2006○ Colored pencil on paper○ 38.0 x 54.0
○ Collection of the artist

Untitled○ 2014○ Typewriter, watercolorand ink on paper○ 76.1 x 28.4
○ Private collection

自画像（ 20130909 ）「スケッチブック（ 20130909–20130914 ）
」より

42

43

○ 2014○ Acrylic and ink on paper○ 76.2 x 113.0○ Private collection

Self–Portrait (20130909)
from “Sketchbook(20130909–20130914)”

自画像（ 20130618 ）「スケッチブック

Self–Portrait (20130618)
from “Sketchbook(20130428–20130622)”○ 2013○ Ink on paper○ 45.2 x 38.6
○ Collection of the artist

JUNKO（ 20160508 ）JUNKO (20160508)
HARUNOBU（ 20160508 ） HARUNOBU (20160508)

YOSHIHUMI（ 20160508 ）HANA（ 20160508 ）48* YUMEMI（ 20160508 ）49* YUKA（ 20160508 ）50* HANA（ 20160508 ）51* SYUNZEI（ 20160508 ）52* USAO（ 20160508 ）53* JUNKO（ 20160508 ）54* KURUMI（ 20160508 ）55* CHIHARU（ 20160508 ）○ 2016年 ○インク・紙○ 10.0 x 14.8
○作家蔵

no title no. 1

no title no. 2

no title no. 2（ 20171204 pm 115 ）59○ 2019年○インク・紙○ 54.0 x 38.0
○作家蔵

60

○ 2016 ○ Ink on paper○ 10.0 x 14.8
○ Collection of the artist

List of Exhibited Works

119

植物○ 2015年○木、彩色○ 124.5 x 60.0 x 57.5
○作家蔵

62

太陽
○ 2001年 ○木、彩色○ 59.0 x 22.0 x 26.5
○作家蔵

63

守り神
○ 2008年 ○木、彩色○ 27.5 x 36.0 x 9.5○作家蔵

ジュディス・スコット
Judith SCOTT
64(20171204 pm 115)

○ 2017○ Ink on paper○ 25.8 x 36.4
○ Collection of the artist

無題○ 2019○ Ink on paper○ 54.0 x 38.0
○ Collection of the artist

Isle○ Date unknown○ Painted wood
○ 31.0 x 17.0 x 9.0○ Collection of the artist

Plant○ 2015○ Painted wood
○ 124.5 x 60.0 x 57.5
○ Collection of the artist

The Sun○ 2001 ○ Painted wood
○ 59.0 x 22.0 x 26.5
○ Collection of the artist

Guardian God○ 2008 ○ Painted wood
○ 27.5 x 36.0 x 9.5○ Collection of the artist

Untitled○ 1993年○ 1993○毛糸、○ Yarn and found objects
ファウンド・オブジェクト○ 25.4 x 91.5 x 50.8
○ 25.4 x 91.5 x 50.8
○ Creative Growth
Art Center, Oakland○オークランド、クリエイティブ・
グロウス・アート・センター○ 2016○ Ink on paper○ 14.8 x 10.0
○ Collection of the artist

YOSHIHUMI (20160508)
HANA (20160508)
YUMEMI (20160508)
YUKA (20160508)
HANA (20160508)
SYUNZEI (20160508)
USAO (20160508)
JUNKO (20160508)
KURUMI (20160508)
CHIHARU (20160508)

島○制作年不詳○木、彩色○ 31.0 x 17.0 x 9.0○作家蔵
61(20171204 pm 110)

no title no. 1（ 20190912 ） no title no. 1 (20190912)
no title no. 1（ 20191217 ） no title no. 1 (20191217)

松浦 繁
MATSUURA Shigeru○ 2011–2012○ Pencil on paper○ 45.2 x 38.0
○ Collection of the artist47

58○ 2014○ Acrylic and ink on paper○ 76.2 x 113.0○ Private collection○ 2011–2012年○鉛筆・紙○ 45.2 x 38.0
○作家蔵

46

no title no. 1（ 20171204 pm 110 ）○ 2017年○インク・紙○ 25.8 x 36.4
○作家蔵

Untitled

Untitledfrom “Sketchbook(20111229–20120106)”○ 2016年○インク・紙○ 14.8 x 10.0
○作家蔵

57

Untitled

無題「スケッチブック○ 2013年○インク・紙○ 45.2 x 38.6
○作家蔵

45

○ 2010○ Typewriter and ink on paper○ 76.0 x 17.0
○ Private collection○ 2013○ Ink on paper○ 14.5 x 18.5
○ Collection of the artist（ 20130428–20130622 ）
」より

44

56

Untitled○ 2013年○インク・紙○ 14.5 x 18.5
○作家蔵

（ 20111229–20120106 ）」より○ 2002–2005○ Ink on paper○ 38.0 x 54.0
○ Collection of the artist○ 2002–2005○ Colored pencil on paper○ 38.0 x 54.0
○ Collection of the artist

無題○ 2014年○アクリル、インク・紙○ 76.2 x 113.0○個人蔵

Untitled (Urawa Reds)

Untitled (Hamidashi Keiji)

無題○ 2014年○アクリル、インク・紙○ 76.2 x 113.0○個人蔵

Untitled (Doraemon)

出品作品リスト118○ 2010年○タイプライター、インク・紙○ 76.0 x 17.0
○個人蔵

Untitled (Doraemon)○ 2014○ Colored pencil on paper○ 38.0 x 54.0
○ Collection of the artist

無題

65

無題

Untitled○ 1993年○ 1993○毛糸、○ Yarn and found objects
ファウンド・オブジェクト○ 16.6 x 119.4 x 45.8
○ 16.6 x 119.4 x 45.8
○ Creative Growth
Art Center, Oakland○オークランド、クリエイティブ・
グロウス・アート・センター
66

無題

Untitled○ 2004年○ 2004○毛糸、布、紙、○ Yarn, fabric, paper
ファウンド・オブジェクト
and found objects○ 25.4 x 43.2 x 38.1
○ 25.4 x 43.2 x 38.1
○オークランド、クリエイティブ・ ○ Creative Growth
グロウス・アート・センター
Art Center, Oakland主要参考文献

Selected Bibliography

関連イベント［展覧会カタログ］

Related Events
Talk Event［ Online streaming ］

トークイベント［オンライン配信］

モーリス・タックマン、キャロル・S・エリエル編『パラレル・ヴィジョン 20世紀美術とアウトサイダー・アート』展カタログ、世田谷美術館他、1993年。

出演：
トム・ディ・マリア『パラレル・ヴィジョン 20世紀美術とアウトサイダー・アート
日本のアウトサイダー・アート』展カタログ、世田谷美術館、1993年。

（クリエイティブ・グロウス・
アート・センター 名誉ディレクター）『このアートで元気になる エイブル・アート ʼ99 』展カタログ、東京都美術館、1999年。
『いま、話そう 日韓現代美術展』カタログ、国立国際美術館他、2002年。

※トーク動画はギャラリー YouTube アカウントで視聴できる。

『ライフ』展カタログ、水戸芸術館現代美術センター、2006年。

『現代美術への視点6 エモーショナル・ドローイング』展カタログ（本編／別冊）、東京国立近代美術館他、2008年。

●日本語字幕版『アール・ブリュット・ジャポネ』展カタログ、埼玉県立近代美術館他、2011年。

https://www.youtube.com/watch?v=
ahYRQzSo868『アートキャンプ2013展 素朴の大砲』カタログ、浦添市美術館、2013年。

『アートキャンプ2015 in 宮古島 アール・ブリュットとの出会い』展カタログ、宮古島市中央公民館、2015年。

Speaker:
Tom DI MARIA(Director Emeritus of Creative Growth Art Center)*The talk video can be seenon the Galleryʼs YouTube Account.
● Japanese subtitles version:

https://www.youtube.com/watch?v=
ahYRQzSo868『齋藤裕一／ mamoru 音楽をつかまえて』展記録冊子、藁工ミュージアム、2015年。
『沖縄県障害者社会参加支援事業 アートキャンプ2016
in 八重山 アール・ブリュットとの出会い』展カタログ、石垣市民会館、2016年。

●英語字幕版『沖縄県障害者社会参加支援事業 ART CAMP 2018
in 名護 アール・ブリュットとの出会い』展カタログ、沖縄県名護市民会館、2018年。

https://www.youtube.com/watch?v=
hW-SSpW2y_8『第六回 西村一成個展 Sixth Sense 』案内チラシ、ギャルリー宮脇、2018年。

● English subtitles version:

https://www.youtube.com/watch?v=
hW-SSpW2y_8『立ち上がりの技術 vol. 02「つくる手 さぐる手 かきわけて」』展 ZINE 、TRAC / 東北リサーチとアートセンター、2018年。
『沖縄県障害者社会参加支援事業 アートキャンプ2021 素朴の大砲』展カタログ、浦添市美術館、2021年。

Écriture en Délire, exh. cat., Collection de lʼArt Brut, Milan: 5 Continents Éditions, 2004.

Catherine MORRIS and Matthew HIGGS, eds., Judith Scott: Bound & UnboundUnbound,exh. cat., Brooklyn Museum, Munich–London–New York: Prestel, 2014.
dRAW, exh. cat., Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 2015.
dRAW
Art Brut du Japon, un autre regard
regard, exh. cat., Collection de lʼArt Brut, Milan: 5 Continents Éditions, 2018.
（アール・ブリュット・コレクション編『日本のアール・ブリュット もうひとつの眼差し』展カタログ、国書刊行会、2018年。）
Do the Write Thing: Read Between the Lines #2, exh. cat., christian berst art brut, 2018.
Outliers and American Vanguard Art, exh. cat., National Gallery of Art, Washington, et al.,
Chicago: The University of Chicago Press, 2018.
Andrea BELLINI and Sarah LOMBARDI, eds.,
Writing by Drawing: When Language Seeks Its Other
Other, exh. cat. (English edition),Centre dʼArt Contemporain Genève, Milan–Paris–Geneva: Skira Editore, 2020.

Artist Talk

アーティストトーク① 2022年5月28日（土）14：00〜14：30
出演：松浦 繁（出展作家）
松浦 由美子（出展作家の家族）② 2022年6月18日（土）14：00〜14：30
出演：

齋藤 裕一
（出展作家）
赤羽 幸治（社会福祉法人みぬま福祉会 はれ 職員）［その他図書など］

渡邊 早葉（社会福祉法人みぬま福祉会
川口太陽の家 工房集 職員）

ジュヌヴィエーヴ・ルーラン監修『アウトサイダー・アート』求龍堂、2000年。

小出 由紀子『パッション・アンド・アクション アール・ブリュット』求龍堂、2008年。

宮本 恵美（社会福祉法人みぬま福祉会
川口太陽の家 工房集 管理者）

『工房集コレクション 齋藤裕一 作品集』社会福祉法人みぬま福祉会 川口太陽の家 工房集、2010年。
ティム・インゴルド、工藤晋訳『ラインズ 線の文化史』左右社、2014年。

『坂上チユキ 鳥の写本』MEM 、2017年。

一般社団法人 NOOK 編『立ち上がりの技術01 語り野をゆけば／つくる手 さぐる手 かきわけて』野尾久舎、2019年。

2022年6月6日（月）15：30〜17：00（休館日のため、イベント参加者のみ入場可）

John MACGREGOR, Dwight Mackintosh: The Boy Who Time Forgot
Forgot, Oakland: Creative Growth Art Center, 1992.
Tim INGOLD, Lines: A Brief History
History, Oxon–New York: Routledge, 2007.
Scott, Boston: Beacon Press, 2016.
Joyce Wallace SCOTT, Entwined: Sisters and Secrets in the Silent World of Artist Judith Scott
Lisa SLOMINSKI, Nonconformers: A New History of Self–Taught Artists, New Haven: Yale University Press, 2022.

対象：50歳以上② 2022年 5月 19日（木）17：30〜18：00（手話通訳付）＊上記文献のほか、各作家、関係者へ行ったインタビュー内容も参考にした。

120

Selected Bibliography

関連イベント

15:30–17:00, Monday, 6 June, 2022
Participants: People of age 50 and older*Participants only were admitted,
the gallery being closed that day.
Curatorʼs Gallery Talk

学芸員によるギャラリートーク① 2022年 4月 29日（金・祝）14：00〜14：30

主要参考文献2. 14:00–14:30, Saturday, 18 June, 2022
Speakers:
SAITO Yuichi (Artist)
AKAHANE Koji
(Staff Member of
Minuma Social Services Corporation Hale)WATANABE Sayo
(Staff Member of Minuma Social Services
Corporation Kawaguchitaiyonoie KOBO SYU)MIYAMOTO Megumi(Manager of Minuma Social Services
Corporation Kawaguchitaiyonoie KOBO SYU)
Sit and Look Well: A Special Viewing for “Adults”

じっくり座って、「おとな」の鑑賞会

神保 京子「 WEB 特別寄稿 西村一成・・・獰猛な野生と繊細なエロスの共存」、
ギャルリー宮脇「第８回個展 西村一成 新作展 AT A CROSSROADS 」2020年（ https://www.galerie-miyawaki.com/IsseiNishimuraGalerieMiyawaki.htm 、最終閲覧：2022年6月20日）。

1. 14:00–14:30, Saturday, 28 May, 2022
Speakers:
MATSUURA Shigeru (Artist)
MATSUURA Yumiko (Artistʼs Parent)

Related Events

121

1. 14:00–14:30, Friday, 29 April, 2022
2. 17:30–18:00, Thursday, 19 May, 2022(with sign language interpretation)コピーライト／写真クレジット

Copyrights/Photo Credits©SAKAGAMI Chiyuki（ pp. 36, 38–41 ）©Creative Growth Art Center（ pp. 42, 44–48, 50–53, 60, 62–65, 72, 74–77, 90, 92–96 ）©SAKAGAMI Chiyuki (pp. 36, 38–41)©Creative Growth Art Center (pp. 42, 44–48, 50–53, 60, 62–65, 72, 74–77, 90, 92–96 ）写真撮影・提供

Photographer and Courtesy

柿島 達郎 （ pp. 1–7, 10, 34–36, 39–42, 45, 54, 56–59, 63, 66, 68–72, 74–78, 80–84, 86–87 ）KAKISHIMA Tatsuro (pp. 1–7, 10, 34–36, 39–42, 45, 54, 56–59, 63, 66, 68–72, 74–78, 80–84, 86–87)
MIURA Haruko (pp. 88–89)

三浦 晴子 （ pp. 88–89 ）クリエイティブ・グロウス・アート・センター （ pp. 44, 46–48, 50–53, 60, 62, 64–65, 90, 92–96 ）MEM （ p. 38 ）MEM (p. 38)
Creative Growth Art Center (pp. 44, 46–48, 50–53, 60, 62, 64–65, 90, 92–96)
Support Center for Arts and Culture Activities of Persons with Disabilities in Miyagi (SOUP) (pp. 88–89)

東京都渋谷公園通りギャラリー

Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery

障害者芸術活動支援センター＠宮城（ SOUP ） （ pp. 88–89 ）展覧会「線のしぐさ」
展覧会

Exhibition:

Gesture of Lines

Exhibition

企画・運営：佐藤 真実子、𠮷田 有里（東京都渋谷公園通りギャラリー）会場施工：HIGURE 17–15 cas 株式会社

Venue Construction: HIGURE 17–15 cas Co., Ltd.

Transportation and Installation: Yamato Transportation Co., Ltd.

作品輸送・展示：ヤマト運輸株式会社

Lighting: byThree Lighting Studio

照明：有限会社バイ・スリー
額装：POETIC SCAPE

Framing: POETIC SCAPE

Publication Design: KOBAYASHI Ikki

広報物デザイン：小林 一毅

Publication Printing: Kanto Tosho Co., Ltd.

広報物印刷：関東図書株式会社

Photo: KAKISHIMA Tatsuro

撮影：柿島 達郎

Video Shooting and Editing (Related Events): KAJIYAMA Koji

関連イベント等動画撮影・編集：梶山 紘二

カタログ

Curators: SATO Mamiko, YOSHIDA Yuri (Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery)

Catalogue

企画・編集：佐藤 真実子
執筆：小出 由紀子、佐藤 真実子

Texts: KOIDE Yukiko, SATO Mamiko
Editorial Direction: OHASHI Minoru
Editing: SATO Mamiko

編集統括：大橋 穣

Translation: Brian AMSTUTZ (Brian Amstutz Communications), IKEDA Satoshi

翻訳：ブライアン・アムスタッツ（アムスタッツ・コミュニケーションズ）、池田 哲

Book Design: KOBAYASHI Ikki + Akitsu Sekkei

書籍設計：小林 一毅 ＋ 明津設計

Printed by: Yamada Photo Process Co., Ltd.

印刷：株式会社山田写真製版所

Published by: Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery, Museum of Contemporary Art Tokyo,
Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

発行：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館 東京都渋谷公園通りギャラリー
発行日：2022年12月26日

Publication Date: 26 December 2022

Artwork Ⓒ The ArtistⒸ 2022 Tokyo Shibuya Koen–dori Gallery,

Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

コピーライト／写真クレジット

122

奥付

Copyrights/Photo Credits

Colophon123