地域⽂化施設におけるアウトリーチ・ワークショップの成果や効果にもとづく今後の展開に関する調査研究

別冊資料②アーティスト、コーディネーター、
調査協⼒館担当者へのグループインタビュー調査の結果

令和６年３⽉
⼀般財団法⼈地域創造

⽬次

調査の実施要領 ................................................................................... 1
アーティストのグループインタビュー （１回⽬） ........................... 3〃（２回⽬） ......................... 17〃（３回⽬） ......................... 35〃（４回⽬） ......................... 51

コーディネーターのグループインタビュー ..................................... 67
調査協⼒館担当者のグループインタビュー ..................................... 81

調査の実施要領
1. 調査の⽬的
地域創造の事業に協力するアーティスト、コーディネーターに加え、2022年度調査の調査協力館（６館）のホール職員へのグループインタビュー調査を実施し、アウトリーチやワークショップの成果や効果、問題点や課題、
今後の展望等に関してインタビューを行なった。

2. 調査実施期間2023年６月27日（第１回調査研究委員会でのインタビュー）、９月25日、10月２〜４日

3. 調査対象• アーティスト

…４回・ 16名• コーディネーター

…１回・ 4名• 調査協力館のホール職員 …１回・ 7名
合計 …６回・ 27名

4. 調査内容◎アーティスト・コーディネーター
• これまでのアウトリーチやワークショップの実績• アウトリーチやワークショップの成果・効果• 問題点・課題、今後の活動の展開◎調査協力館• 2022年度調査の振り返り• これまでのアウトリーチやワークショップの課題• 今後のアウトリーチやワークショップの展開• 提言の作成に向けた視点やご意見・

1アーティストのグループインタビュー（１回⽬）【出席者】
⽥村 緑（ピアニスト）
隅地 茉歩(ダンスカンパニー セレノグラフィカ)
岩崎 正裕（劇作家・演出家）【進⾏】
⼤澤 寅雄（合同会社⽂化コモンズ研究所）
2023 年 6 ⽉ 27 ⽇（⽕）10：00〜12：00 地域創造会議室3

アーティスト（１回目）
2023 年 6 ⽉ 27 ⽇（⽕）10：00〜12：00＠地域創造会議室

田村 緑（ピアニスト）
隅地 茉歩(ダンスカンパニー セレノグラフィカ)
岩崎 正裕（劇作家・演出家）

1. これまでのアウトリーチやワークショップの実績
⼤澤：これまでのアウトリーチやワークショップの実績について。いつから、どのような形でアウトリーチやワークショップが始まっていったのか、活動の頻度、アーティストとして活動に占める、どのくらいのバランスがワークショップやアウトリーチなのか。参加の対象、プログラムの内容、過去の代表的な事例など、⾃由で構わないが、聞かせていただきたい。⽥村さん、お願いする。

―― 自分はアウトリーチでできていると思う（田村）⽥村：20 年以上関わっているアウトリーチ。どの事業も思い出深く、どれもお伝えしたく、うまく伝えられるかわからないが、要約すると、多分、⾃分はアウトリーチでできていると思う。
ロンドンと⽇本の⾏き来が増えた 2000 年頃、クロマティック・ハーモニカ奏者の⼩林史真さん（おんかつ第 2 期登録アーティスト）に誘われて、初めて公共ホール⾳楽活性化事業に参加した。その現場で、聴き⼿と弾き⼿の関係がフラットに思える体験をしたことが、⽇本でアウトリーチ活動に⽬覚
めるきっかけとなるが、それはイギリスのサロンコンサートで体験した感覚に近かったことが⼤きい。イギリス留学時代から素晴らしい邸宅で開かれるサロンコンサートで演奏させて頂くたび、聴き⼿が弾き⼿よりも⾳楽を楽しんでいるかのように⾒えるイギリス⼈たちの姿に感銘を覚えた。終了後には必ずパーティー。皆ワインなど飲んでいるからかとても活発なフィードバックになる。
「乾杯！
Lovely！」の⼀⾔から深い⾳楽談義まで、皆さんに励まされると同時に“聴き⼿と弾き⼿の間にある
⾳楽とは何か”を楽しく総括できる場であった。帰国して、今度は⼦ども達に演奏する⾝となった時、⼦ども達にはサロンコンサートの聴き⼿のように存分に⾳楽を楽しんでもらいたいと思った。続ける
うちに“⼦ども達には何が残るのか”、“⼦ども達にとって⾳楽とは何か”という興味が湧いてきた。その為に、どのようなプログラムやアプローチができるかを考えてきた 20 年間だったことが、⾃分はアウトリーチでできていると思う所以だ。ワークショップも同じことだと考える。
もう 1 つには、⾃分がやってきたことは結局、何なのか？ということだ。例えば、⾳楽を⾒えない⼭に例えるが、みんなで⾒えない⼭の存在を知り、感じる、という事だったのかなと。⾒えないからこ
そ、私たちの⼼や体に⼊ってくるものではないのか？そして⾒えない⼭に対峙している⼦ども達が、⾃ら、どのようにすれば様々なことに気付けるのか？それらを多分ずっと追及している。プログラミ
ングをする上では、「今⽇は⾒えない⼭を⾒える⼭にしてみよう！」という提案や、「今⽇は⾒えない
⼭に⼀緒に登ってみよう！」というアプローチでは、ルートの選択肢が広がる。“⼭を登る過程”に着⽬しても楽しいと思うし、“⼭に登った後の景⾊を楽しむ”こともできる。その意味で、アウトリーチのプログラミングは⾃分にとって無限⼤だ。実際、クラシック⾳楽の場合は作品があるので、それを媒体にして、どう実践するか。私は、私にとってのクラシック⾳楽という⼭に登っているが、⼦どもには⼦どもが感じたクラシック⾳楽の⼭に⾃分の⼒で登ってきてほしい。⼦どもが⾃ら登るための働
き掛けを考えるようになったのがおんかつ事業。何もわからないところから始めて、⼦どもの反応、
喜ぶ顔や飽きた顔を⾒て、感想⽂を読み、学校の先⽣たちや関係者の⽅々からのフィードバックを頂き、本当にトライ＆エラーでやってきたと思う。

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―― ダンスの道に進むきっかけになった女子中学生とのワークショップ（隅地）
隅地：ダンスのワークショップを始めたのが、ちょうど 2000 年代の初めくらい。2001 年に⼤阪市とNPO 法⼈ DANCE BOX の依頼で、ダンスを仕事にしていない⼈が仕事の後に集まって、何か⼀緒に踊って作品を作ろうというものをやらせてもらったのが、初めての市⺠参加だったと思う。
そのころに少しずつダンスのワークショップなどが増え始めたと記憶している。そのようなことをやりつつ、数年後の 2004 年に「トヨタ・⼦どもとアーティストの出会い」という事業で、中学⽣の⼥の⼦たちに半年間ダンスの授業として、最終的に⽂化祭の出し物を作ろうということを体験したのだが、それが⾃分にとって本当に地殻変動だった。それまでワークショップに来る
⽅々は、何らかの動機がきちんと⾃分の中にある⼈たち、例えば動いてみたい、あるいは⾃分を再発⾒したい、演劇をするのにダンスをやっておきたいという⽅が多かった中で、彼⼥たちは、
安室奈美恵にあらずんばダンスにあらずという美意識だった。私やカンパニーのパートナーの阿⽐留が何かやっても、格好悪い、気持ち悪い、ダサいというような感じで、そのようなものは絶対やらないと。
しかし、半年後に⽂化祭で発表するということは決まっていた。まるでスクールウォーズのようにと⾔うか、でも、その学校にいるすてきな熟年の男性の先⽣の⾔うことは⼥の⼦たちは聞く状況だった。
その先⽣は「君たち、⾷わず嫌いは駄⽬だよ」と⾔い、「⾷べてみてからおいしいかどうか決めたらいい。それは君たちが決めることだ」と⾔ってくださったので、その⾔葉をきっかけに距離が縮まっていき、最終⽇にはハグして別れたというか、持ち時間の 30 分を 15 分ずつ分けて彼⼥たちのやりたいダンス、私たちが提案するダンスの⼆つをドッキングし発表した。
その⽇の夜、家でお⾵呂に⼊っている時に、来年もし仮にこのような依頼が来たら、今年は⾼ 3 の古典だけが⽊曜⽇の 1 時間⽬にあったので受けることができたけれど、これがもし授業とかぶっていたら⾏けないと思い、次の⽇に国語科の主任に、「⻑い間お世話になりました」と伝えて、その年度いっぱいで辞職した。私に教師という仕事を辞めさせてくれた体験がまさにその⼥⼦中学⽣ 13 ⼈との出会いで、今も本当に感謝している。それがなければ、⾃分の仕事をダンスに絞ることはなかっただろうと思っている。これは⾮常に⼤きなことで、⾃分の活動全体に占める時間的な⽐重は、ワークショップが、作品作りや上演活動と⽐べても⼤きいと⾔える。⼼理的には両⽅ウエイトがあるが、かけている⽇数としては、そちらのほうが⼤きいという事実がある。
対象者、プログラム内容、過去の代表的な事例というものは、なかなか短く⾔うことが難しいけれど
も、幼稚園の年少さん、3 歳児くらいから⾼齢者 80 歳超え、90 歳になろうとする⼥性や男性まで、
あとは、障害をお持ちの⽅、それから就労しづらい若者、引きこもりをしている若者と、児童養護施設に⼊所している⼦どもたち、⺟⼦⽀援施設に⼊所している⼦どもたち、少年院に⼊所している少⼥たち。⼀⽅で、振付家やダンサーになりたいという⼈たちへのワークショップの経験も持っている。
あるいは、ファシリテーターを⽬指している⼈たち対象のスクール（JCDN が⼆年おきくらいのスパ
ンで開催）に講師として携わったりしている。また、⺠間企業（⾳響機材の会社 TOA）の CSR への参加経験もあり、コロナ前まで韓国伝統⾳楽を演奏する 4 ⼈組と、Music Workshop という２ジャンルのコラボレーションワークショップの形で 10 年間全国ツアーをした。

―― 演劇の力を実感したアルコール依存症の方との演劇ワークショップ（岩崎）岩崎：アウトリーチやワークショップ、1990 年代の終わりごろから関⻄にはプロの俳優というものはいなかったので、俳優向けのワークショップというものは、やっていた。その流れで、⼩学校へのアウトリーチをやってみないかということで、これは伊丹市の⽂化振興財団からお話をいただいて、できるような気がしていたのですが、⾏ってみたら、初めてで、全く勝⼿が違った。まず担任の先⽣が「何かお⼿伝いすることはありますか」とお聞きになって、私はその時⽣意気だった
5

ので「ないです」と⾔った。教室に⼊っていったら、関⻄の⼦たちは、レスポンスがいいので、
これこれのワークについて、では好きなものをここへ出て、皆、順番に⾔ってみようかと⾔ったら、やってくれる。ところが、その⼦たちは「そんなことを⾔うのであれば、⾃分でやって」と⾔った。私は、それがまず最初の洗礼だった。
これは、まずい、俳優がいないと思って、私も⼦どもたちの前に⽴って、何とかなど⾔ったのだが、とても⾃分で違和感があった。こちらのグループを⾒ている時に、違うグループが騒いでしまって、学級崩壊になり、担任の先⽣は廊下からほらみたことかという薄笑いを浮かべながら私を⾒ていて、私は帰り道で泣いたことを覚えている。それが私のアウトリーチの始まりだった。
それから、アシスタントを必ず連れていくようにし「やって」と⾔われたら、私はできないけれども、この⼈がやりますとやってもらうようにしたら、場が収まるようになり、それからブラッシュアップの⽇々を体験し、地域創造さんの派遣アーティストにもしていただいたことで、経験を積んでいった。
なので、始まりは⾒よう⾒まね、⼤失敗から始まっているので、いまだに危機に陥った時はその光景がよみがえる。でも、その後経験を積んでいるから⼤丈夫だと思うようになっているのだけれども、
いつから、どこでという始まりに関しては、そのようなことだった。
頻度は、私は劇団で作っているものといわゆるアウトリーチ、ワークショップ、作品作りが最後に発表が付いている分に関しては、あまり違いを感じていない。地続きで、⾃然に作品になっていくことが⼀番いいと思っていて。そう考えると少し何パーセント何パーセントという分け⽅は、私にとっては難しいという感覚で毎回やっている。単発のアウトリーチ、ワークショップで、作品を作れそうだと思うところで終わるような感覚でいつも取り組んでいる。
過去の代表的な事例は、⼤阪府の障害者施設から依頼があり、これもまた初めてでどうしようと思い、⾏ったら、障害の種別に関係なく集められている障害者の⽅たちがいた。脳性まひの⽅、聴覚障害で⾔葉が発せられない⽅、知的障害の⽅。これも最初、途⽅に暮れたが、演劇⼈の中には、特別⽀援学校で教員をやっている⼈も結構いて、そのような⼈たちと連携を組んで、それぞれの障害に合わせた
適当なプログラムをやり、体験していただくということをやった。その時に、私が考えたことは、障害者の⽅たちは、われわれが⾔うところの⽂化芸術から遠ざけられている⼈たちだということを、その時に初めて認識をした。ある意味、マイノリティーに対する視点を持たないと、私がやっている、
もしかしたら世間からアートと呼ばれるものは、意味を持たないのではないかという疑問があり、そしてこれも 1 つの事例では、アルコール依存症者の⽅と連携して、ワークショップから作品作りということをやったことがある。
これは、関⻄にこころネットという NPO 法⼈がある。それは、アルコール依存症の当事者の⽅、それから、精神保健福祉⼠、いわゆるワーカーと呼ばれる⽅、⼤学で教鞭（きょうべん）を執っている⽅、いろいろな⼈たちがいますが、依存について考えようという団体だ。私に依頼があり、では、作品作りをするのだったら、当事者の⽅の体験談を聞かせてくださいということから作品作りをした。
やはり依存症者の⽅は、⾮常に明るく体験談を話されるが、その周りにいる家族の⽅たちが抱えている問題の⼤きさというものに気付いて、オムニバスで 3 話作った。
3 話⽬が世代間のアルコール依存は連鎖するという話で、これも体験談で聞いたのですが、アルコー
ル依存で死んだ⽗親がいて、そのお葬式の席で親戚がもう 1 滴も飲んではいけないということを知らず、その息⼦に対してお酒を勧めるというシーン。最後のシーンで、ここに置かれている⽇本酒を、その当事者で今、禁酒をしている⼈が⼿にかけた時に、客席に 100 ⼈くらいいたのだが、ほぼ 50 ⼈から、⼤衆演劇のように「あかん」と声が聞こえた。なので、家族と当事者の⽅にこれほど影響⼒を演劇が持つのだ。それもワークショップの積み重ねから始まっているのだが、帰りには、俳優と私に向かって、家族の⽅、当事者の⽅が、ありがとう、ありがとうと階段を下りていかれるというような6

体験。⾮常に直接的に作品作り、ワークショップとその問題を抱える⽅がつながっているのだという
貴重な体験をしたのが、私の代表的な事例としてお話しさせていただけるところかと思う。
⼤澤：ありがとうございます。ここのパートの話で、お互いに何か聞いてみたいことなどないか。私、去年の調査で驚いたのが、隅地さんの功績が⼤きいと思うのだが、学校の特別⽀援学級、学校でのワークショップがとても事例として多かったということだ。それは、やはりニーズとして変わってきている感じはあるのだろうか。
隅地：ニーズとして変わってきている感じはやはり実感している。いわゆる通常学級と⾔われるところに⾏ってくださいという依頼から、学校内の⽀援学級や、さらに⽀援が必要な⼦たちだけが集まって通っている⽀援学校に⾏くという率はやはり年々上がってきているように思う。それも、重度の。先ほど岩崎さんがおっしゃっていたような、脳性まひの⽅などがいて、要するに⾃⽴歩⾏が困難な、⾞椅⼦やバギーから降りるにも介助者がいるという⼦どもたちの体育の時間に⾏くことが増えてきた。
⼤澤：⽥村さんも⻑いことアウトリーチに取り組んでこられて何かアウトリーチの傾向の変化のようなものはあるか。
⽥村：クラシック⾳楽においては、アウトリーチの対象者はあまり変わっていないように感じる。昨年
度も教育機関でのアウトリーチに沢⼭出演したが、このほとんどが⼩学校。時々、⽀援学級で⾏うこともあるが、通常級のアウトリーチに⽀援の⼦ども達が参加するケースの⽅が多い。これはもしかしてクラシック⾳楽を扱うアウトリーチやワークショップの課題でもあるかもしれないが、例えば重度の障害の⽅とクラシック⾳楽は何ができるのかについては、まだまだ未開拓ということも感じている。
⼤澤：岩崎さん、⻑い間で変わってきている傾向というものは、いかがか。
岩崎：確かに、⽀援学校からの要請が多いとは聞きますが、演劇はやはりどこまで⾏っても最終的には⾔語的なものなので、なかなか難しいと思ったりしている。なので、セレノグラフィカさんを⾒ていると、最終的には⾮⾔語で成り⽴つので、うらやましいと思う。⾔語を介さずとも受け取れるものが、⾳楽もそうだと思うが、演劇の場合は、あるルールを設定して、⾔語的な関わりを持
つということは、私のプログラミングの特徴だったりするので、そのような意味では、障害をお持ちの⽅には少し難しいというか、あまり⾃分でこうすればという、演劇的なアプローチができていないということが正直なところだ。

2. アウトリーチやワークショップの成果・効果
⼤澤：ありがとうございます。次のテーマは、アウトリーチやワークショップの成果や効果。今、事例の話を具体的にいろいろとエピソードを交えて聞かせてもらったが、少し抽象化し、ご⾃⾝のプログラムでこのようなことが⽬的、このような変化が起きることを期待しているというようなこと、⼦ども、あるいは学校の先⽣、ホールの職員がどのように変化していくことが垣間⾒えるのか、それとご⾃⾝の表現活動にどのような影響があるのかなど。単発の企画と継続している企画
でどのように効果は変わってくるのかといったような話を聞きたいが、今度は岩崎さんからお聞きかせ願う。

―― 直接的に地域コミュニティーとつながって作品作りがあるということが最も市民参加型ワー
クショップの意義なのではないか（岩崎）岩崎：⾃⾝のプログラムの特徴は⼩学⽣から⾼齢者までいろいろ多岐にわたる⽅たちに対してアウトリーチをやっているが、主軸としているのは、合意形成をどう作るかということだと思っている。
⽇本⼈は、やはり空気に流されやすいというか、声の⼤きいというか、主張の強い⼈の意⾒に流7

れやすい。少⼈数でやった場合でも、できるだけ活発にしゃべって、例えば A という意⾒が出て、B という意⾒が出たら、どちらかを否定するのではなくて、そこに C という考えをつくろうとい
うことをやる。私が⽬的としているのは、それぞれが⾃⼰判断すればいいということだ。間違いというものはないということが、やはり学校教育の中で、今はそのあたりも改善されていると聞
くが、どうしても異物として私が⼊った時に、この⼈は何か答えを持っているのではないか、否定してくるのではないかというような恐怖感がまずあり、でもそうではありません。何を⾔っても⼤丈夫。⽬的でこれができたから偉いなどということはないと⾔いながら、仮に演劇という⽬的に向かうということを中⼼にしている。それが特徴。
なので、そのようなアウトリーチやワークショップを⼀つ終えると、私がこれまでやってきた演劇観そのものが間違ってはいないともう⼀度⾃分に返せるというか、そのような感覚がある。やはりここでもこの⼈たちはコミュニティーとして機能し始めたということを⾒ると、やはり演劇そのものが持つ機能のようなものを再確認できる。そうすると、⾃分の演劇⼈としての活動にもそのような効果があるという感じだ。あまりアウトリーチなどばかりやっていると、劇団に帰りたいと思うが、劇団でやっていると、また外に出たいという、そのような⾏ったり来たりの感覚が⾃分の中で何⼗年も続いているような感じがある。単発と⻑期の継続企画。これは、やはり演劇の場合は、⻑期間のワークシ
ョップをやり、公演につながるということが⾮常に多い。圧倒的に技術、スキルもアップするし、作品としてのクオリティーも上がるが、それはあまり⽬的ではないと私⾃⾝は考えている。そこに集まった⽅々のエピソードで、やはり新しいコミュニティーのようなものがそこにできているということがあるが、例えば、⻑崎市でワークショップから作品につなげる。
町でとても有名な開業医の先⽣がおり、その⽅が参加される。なぜかと聞くと、離婚して、娘も⼤き
くなり、家で 1 ⼈だからここに来たという意⾒があったり、あるいは⼩学⽣のきょうだいで参加しているのだが、親が離婚してお姉ちゃんと弟が今、別々の家に住んでいるが、このワークショップ、作
品作りに来ると、きょうだいとしての関係もそこでもう 1 回確認できるというエピソードがあった
りする。それこそ、直接的に地域コミュニティーとつながって作品作りがあるということが最もこの市⺠参加の意義なのかということを再確認するような機会があった。そこでは、新しい関係性のようなこともたくさんの⼈の中で培われていく。ある⽅は孤独からの避難所であるというようなことが実証されている、そのような流れがある。⻑期の場合はそのようなことが可能になるので、それもすてきなことだと感じる。

―― 「好き・嫌い」の前に音楽と出会った時に感じること、子どもに音楽を獲得してもらうこと（田村）
⽥村：⾃分のプログラムの特徴は何かというと、それは⼦どもに⾳楽を獲得してもらうことだと思っている。もう⼀つは、よくホールの⽅々とどんなアウトリーチにするかを話すと、当たり前のことかもしれないが、⾳楽を好きになって帰ってもらいたいと仰るが、アーティストとしての⾃分の⽬的はそこにないと思っている。このことで、⻑くお世話になっている、とあるホールの⽅と激論になったこともある。情報交換会で、私は“好きになってもらいたいとは思っていない”と⾔ったら、“今まで⼀緒にやってきたけれど、そう思っているとは全く知らなかった”と。私は、嫌いになってもらってもいいのだけれども、好きや嫌いの前の、感じるというか、⾳楽というものに出会った時に感じる体験がまずあると思う。そこから、これは好き、これは嫌いなど、取捨選択していくものだと思う。逆に、もし好きになるがアウトリーチの⽬標になると、多分私のプログ
ラムは選曲から何から全て変えなければならなくなると思う。⼦どもが“⾃分にとっての⾳楽とはこういうもの”と思うに⾄る、そのきっかけになるようなプログラムができたら成功だと思っている。好きか嫌いかを決めるのは本⼈の⾃由なのではないだろうか。
少し具体的な話になるが、アウトリーチを始めた頃に⾏っていた『動物の謝⾁祭クイズ』について。
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⼦どもに題名を伏せて曲を聞いてもらい、⾳に似合う動物を探してもらうのだが、サン＝サーンスが「⽩⿃」など題名とともに作曲しているので、当然正解がある。でも「ロバ」を聞いて「⽩⿃」だと思う⼦どもは実は多かったりする。
「そうなのね、あなたは○○〇から⽩⿃だと思ったのね」と⼦どもの意⾒に頷きながらも、結局正解は「ロバ」と⾔うと、「⽩⿃」と思った⼦どもは「ちぇっ」となる。その様⼦をご覧になったプロデューサーの⽅から「⼦どもに思ったことを⾔ってもらったら、それを否定しないようなことを考えてみたら」とアドバイスを頂いた。それがとても難しく、⼀時期『動物の謝⾁祭クイズ』をやめてしまった。その後、2009―2010 年度、地域創造の応⽤プログラム（2 ヵ
年継続プロジェクト）が、福岡県直⽅市・ユメニティのおがたで実施されピアノソロで関わることになる。まだクラシック⾳楽で同じ対象への連続アウトリーチがあまりなかった時のことである。全体の内容は、初年度に「種まきコンサート」と題したホール公演を実施。次年度に、２つの⼩学校（A校と B 校）の違う学年の⼦ども達に同じ内容の連続アウトリーチを実施し、⼦どもたちの受け取り⽅の違いなどを検証。並⾏してホールでの連続ワークショップを実施し、「収穫コンサート」と題した最終公演に繋げる内容にする。アクティビティ全体を２つの本公演でサンドする規模の⼤きな企画
で、チーム⼀丸となって創り上げる事業となった。
連続アウトリーチを実施した A 校では、初回アウトリーチで、⽤意した連続プログラムが⾏えない
状況がわかる。急遽、チームに助けられながら全く違う内容を考え、全てを変更して連続アウトリー
チを⾏うことになった。B 校では、⼦どもを 1 ⼈も取りこぼさないことを⽬標にしている担任の先⽣と、明るい⼦ども達に出会う。実施時期がずれたことで先⽣⽅へのインリーチや事前打ち合わせが叶
い、⾃分がやりたいと思っているプログラムを先⽣のご意⾒を聞きながら進めることとなった。
「サン＝サーンスの『動物の謝⾁祭』を取り上げたいが、⼦どもの意⾒を否定しないクイズが作れず悩んでいます」と話したら、先⽣が「でも、これはサン＝サーンスが書いたもの。そのサン＝サーンスがどの動物だと思って曲を書いたかを当てっこするのであれば、不正解でも、サン＝サーンスが持っているイメージを当てているので、サン＝サーンスは違う⾵に考えたのだと、⼦どもは⾃分が否定されたとまでは思わないのではないか」と。なるほどそうであれば成⽴するかもとクイズは復活することになった。クイズの形をとりながらも、⼦ども達は曲を通してサン＝サーンスの感性に触れ、教養としての知識も⾝につけながら、⾳楽から感じた⾃由なイメージを⾔葉にし始めた。その姿に私からは拍⼿を送る。納得する形が現れるまで 10 年くらいかかったが、ここに辿り着けたのは、様々な⽅との対話はもちろん、これが単発アウトリーチではなく、連続アウトリーチだったことが⼤きいと思っている。

―― 演奏家として求められていることをどう反映していくのか、相手の期待にどう応えるのか。
単発と長期で全く考えることが違う（田村）⽥村：2016〜2018 年度、福島県いわき市のいわき芸術⽂化交流館アリオスのアウトリーチ部⾨の⾊々を任され“おでかけアリオス・アソシエート・アーティスト”のお役⽬を頂いた。チーフ・プログラムオフ
ィサーであった児⽟真⽒が去られるタイミングのことだった。３年事業に関わるのは初めて。３年ならではの事を試したくなった。ホールからは３年かけて市内の各地域に順番におでかけするご提案を頂いたが、「私に 1 つの地域を下さい。同じ場所・同じ対象に通い続け、特にコミュニティに⼊っていく継続プログラムを実施してみたい」と申し出た。ホールとして⼩学校プログラムは外せなかった
ため、結果的に⼀つの地区限定で「３年間継続・地域プログラム＆⼩学校での教育プログラム」の実施となった。通い続けることで、⾃分がどう変わるのか、関わる⽅々やコミュニティはどうなってい
くのか、とても興味があった。
やはり単期と中⻑期では、そのスパンや考えることは全く違った。ホールの中⻑期的ミッションのレールに⼀緒に乗り、本当に数限りない対話や議論を共にしたことは、⾃分にとってとても⼤きなことだった。どうやって、求められていることを演奏家として反映していくのか。相⼿の期待にどう応え
9

るのかについては、⾃分の引き出しを増やさざるを得なくなる。結果的には鍛錬の末、⾃分の演奏家としての能⼒の部分について、苦⼿なことも含めて出来ることが少しずつ増えていった。それは継続的な企画においての⾃分にとっての波及効果、好影響だった。

―― ダンスは目的ではなくて結果。
「失敗だ」と思った現場も結果をどの時点で切ってみるのかで変わる（隅地）
隅地：私⾃⾝のプログラムで⼤切にしていることは、ダンス経験があってもなくても、幾つであっても、年代にもかかわらず、仮に⾃分の⾝体が動かしにくい状態であっても、広く取り組めるプログラムであればいいと思い、実践している。時々⾔うことなのですが、ダンスは⽬的ではなくて、結果だと思っている。気が付いたら踊っていたというように、ある何かシンプルな提案に従って動いていくと、それが⾳楽と合わさって、これはダンスだ、という瞬間をその場にいる⼈たちが共有できるということをやりたい。そのようなことができるメニューを考えている。
⼩学校などに⾏くと、たとえ⼩学校の 4 年⽣くらいであっても、もう既にそのクラスにはパワーシフ
トが敷かれていて、どの⼦がしっかり者で、どの⼦が体育が得意なのかということが、その⽇⾏ったばかりの私たちにでも「ああ」と分かったりする。ダンスを⼩さい頃から習っている⼦はよく前に来て「⾒て、⾒て、⾒て」と⾒せてくれるし、それはかわいいけれども、普段は体育も苦⼿、⾝体を動かすことは嫌いかもしれない⼦が、ぽんぽんと跳んだ時に、クラスで笑いが、揶揄を含まない明るい
笑いがふわっと起きるというような瞬間によって、クラスの景⾊が変わるのではないかと思っている。⼈間関係の固定化された、ある種閉じた状態を、ある瞬間何か意外なことをみんなが体験することによって、友達のことをこう思っていたけれども、違うかなというような、クラスの景⾊が変わる
ことがその場で起きて欲しい。そしてそのことはすぐに⾔語化されなくてもいいとも思っている。⼤⼈の⽅々にも、動くことを通して⾝体が童⼼に返るようなことを体験してもらえればということをいつも願っている。⼦どもの笑顔を⾒ることが好きではない先⽣は多分いないと思うが、その笑顔の変化の仕⽅や笑顔の出所を、先⽣も⾃分たちも⼀緒に⾒て、それを冷静に分析するよりも、丸ごと肯定したいという感じがある。
現場では、⼦どもがすることを否定もしないし、他の⼈と⽐べる必要もないし、上達を⽬標にしなくてもよい。私が先ほど申し上げた、クラスの景⾊が変わるというような、すぐには⾔葉にできないよ
うな、そのような瞬間を体験すると、その授業を担当してくれている先⽣もどこか変わるような感じがするし、実際にそのような先⽣の変化を何度か体験した覚えもある。⾝体の動きを通した共感がその場にいた⼈を変えていくケースだと思う。
⾃分の活動への波及効果について。私が最初に⼩学校に⾏ったのは、地域創造の現代ダンス活性化事
業で、奈良での開催だった。岩崎さんが先ほどいみじくもおっしゃってくださったように、本当に⼤失敗で、収拾不可能のような感じになった。⼦どもは⾔うことを聞いてくれるものだと思っていたのに⾔うことを聞かない。ただもうこの現場を何とかしなければと思い、振り向いたら、カンパニーのパートナーは、ぱくぱくと泡が吹いている状態でフリーズしてしまっていて、そこをどうやって切り抜けたのかも記憶にないくらいだった。その週の週末に公演があり、そこの⼩学校の、⾔うことを聞かなかった⼦たちがなぜかたくさん⾒に来てくれて、最前列に座って、そのカンパニーのパートナーの阿⽐留が踊っているのを指さして「あびちゃん今⽇は固まらずに動いている。
」と笑ったのを⾒た
時、「禍福は糾える（あざなえる）縄のごとし」ではないが、成功、失敗などの結果をどの時点で切って⾒るのか、慌てなくていいというようなことを初めて体験させてもらえたような感じがした。
そのようなもろもろの体験を経て、ダンスも、前提を共有できる相⼿、専⾨的にダンスをやる⼈たちに届けるものだという感覚が、どうしてもカンパニー結成当初にはあったのだが、そうではない⼈たちと踊る瞬間を共有するということが、どれだけ深くて、豊かであるかと⾔うことを本当に少しずつ
10でも気づき始めると、作品創作の傾向も変わってきたように思う。ワークショップの期間が単発なのか⻑期なのかについては、単発は単発での成果というものももちろん要求されるだろうし、⻑期は⻑期で⾒えてくる成果があると思う。例えば JCDN さんとやっている『こちかぜキッズダンス』という事業は、東⼭区の三条学童保育所というところが基本地で、スタートから 10 年になる。⼩学校 1年の時に初めて来た⼦が中 3 になり、彼⼥が「ワークショップをやってみたい。
」と⾔ってくれるよ
うになったことも、この事業を始めた時の夢だったので、⼩学校卒業後もワークショップに続けて来てくれるのは実に嬉しい。⽥村さんや岩崎さんのアウトリーチを体験した⼦が、いずれファシリテー
ターになっていくというような時期、そんな時代を⾒届けたいと思うし、今後どんどんそうなっていけばいいだろうなということを夢⾒ている。
⼤澤：ありがとうございます。成果や課題などを聞いていると、⾳楽、演劇、ダンスでやはり全然形態が違うなということが、⾯⽩い。

3. 問題点・課題、今後の活動の展開
⼤澤：多分、次の問題点や課題についても、違う部分や共通する点があると思うが、問題点、課題、この 3 年間のコロナ禍のことも少し触れていただき、活動への影響、アウトリーチやワークショッ
プがコロナ禍になって初めて気付いたことを聞かせていただきたい。活動現場で直⾯している問
題点や課題、ホール、地域の公共ホールなどに対しての期待や要望、逆に⾔うと、このようなところがどうしてもいつもやりにくいと思っているというようなことがあれば、聞かせていただきたい。それから、この 3 ⼈はもう経験がとても豊富なので、これからアーティストに求められる資質や、このような経験を積んでアーティストがワークショップやアウトリーチに向き合ってほしいというようなことや、そのような⼈材をどう育成すればいいのかについての意⾒を聞かせていただきたい。それでは、岩崎さんから。
岩崎：コロナ禍による影響。私⾃⾝の観点になるけれども、やはり演劇にとってはマスクというものがとても弊害になるということは、コロナ初期から感じた。もちろん発語ができるし、演技も触れなければやれるのだが、私が演出をしている時に、つらかったことは、ワークショップファシリ
テートをしている時に、果たしてこちらの出した案件について、オーケーなのかどうなのか、⽬だけだと分からない。⼈間にとって、この⿐から下の表情がいかに⼈に対して発信するものかということをコロナになって初めて気付いた。もう⼀つは、コロナも、憂いてばかりいても仕⽅がないので、2 年くらいたったころから⾏く先々で、学⽣にもいろいろな授業で話したりするのだ
けれども、コロナが終わってもマスクを着けていたほうがいいと思う⼈と聞くと、だいたい 3 分の 1 の⼈はそのままがいいと⾔う。
このほうが、もちろんお化粧もしなくていいと、⼥性は⾔う。それから、便利という⾔葉で⾔うが、それは⾃分から発信しなくてもいいという、マスクというものは、そのようなものになっているようだ。われわれは、私も昭和の⽣まれですけれども、昭和の⼈たちは、早く取りたい、取りたいと思うのだが、今、18、19 歳の⼦たちは、⼀番⼤事な 3 年間をマスクのまま⾼校⽣で過ごしているわけではないか。それがスタンダードになってしまって、取りたくないという⼦が⼀定数いる。⾮常にこれは、危険なことだと、私⾃⾝は思っている。かといって、では今⽇は取ってやりましょうとまだ⾔える時期でもない。例えば、その⼈たちが中⻑期的なワークショップを経て、作品を発表する時に、どのタイミングで取るのか、取らないのかが⼤問題になる。これも個⼈の問題だし、それについては、個⼈の意⾒でしかないとは思うが、その合意のようなものが、今後逆差別になってきそうな気もする。
皆取っているのに、なぜあの⼈だけ取らないのかという問題が、夏前にして起こりそうな予感がひしひしとしている。なぜ、着けないのかという問題が起こったことの真逆の問題で、このコロナ禍がどう収束に向かうのかという⼀つの問題点がまた出てくるのかということを、コロナについては思っているところだ。
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―― どのように市民に説明するのかによって、劇場文化が根付き、存続していくことに直結する（岩崎）
次は問題点。いろいろな地域に出かけていくと、翌年度になると担当者が代わる。これはもう当然なので、そのことは⾔うまいと今、思っている。皆さん、ご存じだと思うけれども、伊丹市の演劇ホールで私はディレクターをやっていたのだが、存続廃⽌の問題が起こり、それはいわゆる市政の問題だ
った。たくさん劇場、ホールがあるので、それを統廃合しなくてはいけない。それから修繕費⽤がかかる。これも⼀般的に⾔えば、納得できるが、その時に私は市⺠の⽅たちや議員の⽅たちとたくさん話をした。
そうしたら、私たちがやっている⾳楽、ダンス、演劇というものが、全く市⺠に理解されていないということがよく分かった。それは、だいたい関⻄の劇団は、⾦、⼟、⽇で本番、上演というものが多い。多くて⽊、⾦、⼟、⽇。市⺠の⽅と話していたら、⽉、⽕、⽔、⽊、はなぜ閉めているのかと⾔うのだ。いや、⼀⽣懸命私たちは中で、照明を作って、舞台を作って、作り込みをやっているのだと。
ずっと閉めているからやる気がないホールだと思っていたと⾔うのだ。そうですか。私の劇団太陽族の本番前に、では少し、今、どのように仕込んで、リハーサルをやっているか⾒てくださいと市⺠を招待して、やっと分かったと⾔われた。いかに⼿がかかるものかということが実は市⺠に届いていない。ということは、その部分をどのように説明していくのかが劇場⽂化が根付いていく、存続していくことに直結するのかということをとても感じた 1 年であった。アーティストに求められる質や経験。これは考え続ける⼈しか無理だろうと思う。⾃分がそこで完結していると思ったら、そこでもうアーティストは終わりだ。⽇々更新されていっているものがアーティストと呼ばれる⼈たちだろうと思う。あぐらをかいている⼈は駄⽬だ。

―― 新しいアーティストとある程度中堅以上の世代が、人間として話し合える場所が担保されているたまり場機能が必要（岩崎）
⼈材育成に関しては、それは今のアイホールの問題とつながるが、劇場、もしくは NPO 法⼈でもいいので、アーティストたちの、私は⼀番重要なことは、拠点と⾔われるけれども、たまり場機能ではないかと思っている。いろいろなアーティストが集まってきて、実は作品を作っていなくても、ああでもない、こうでもない、といつでもお話ができるような環境がどこかにない限り、新しい⼈材というものは多分出てこないと思う。それが、劇場であり、⽂化拠点としての機能であろうと思う。利害ではなくて関われる場所のような、新しいアーティストとある程度中堅以上の世代が、別に作品はこうだでなくてもいいけれども、⼈間として話し合える場所が担保されている。それをたまり場機能と⾔うのだと思うのだが、そういったことが新しい⼈材をつくっていくには必要なことではないかと思っている。
隅地：コロナについてだが、ダンスのワークショップやアウトリーチをやる上において、⼀番⼤きかっ
たのは、⾝体接触を忌避するということだった。ダンスでは、触れたり、相⼿に触れてもらった
りということで、⾏きかうもの、もらえる情報がとても多いので、「これはどうしたものか」と困惑した。接触の伴うメニューを、最初は全部カットしていたのだが、でも、ある時、本当は触れていたものを⼨⽌めでやるように少し変えてみた。そうしたら、ある⼦が、⼿のひらから何か出ていると⾔った。温かいものが出ているというような。なるほど触れていたのでは分からなかったことが、触れないことによって浮かび上がることもあるのだという体験をした。だから、何か少し違う側から⾒たり、感じたりすることによって、別のものももらえたりすることもあるのかということ実感した。それにしても、マスクは確かに表情が読みにくいので、⽬の様⼦の変化で⼝元が笑っているのかどうかを想像するというようなことをほぼ 3 年間続けていた。

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―― 学校の先生の過剰な期待、「ダンスは万能ではないので保障はできません」（隅地）
活動現場で直⾯する問題点、課題点に関して。まれだが、学校の先⽣の過剰な期待というか、「アウ
トリーチに来てくれたらいじめがなくなる」や、「登校拒否気味の⼦は、登校拒否気味でなくなるよね」というようなことを、先⽣が本当に真っすぐにおっしゃることがある。その期待の⾼さというものが、先⽣独⾃のものか、つなぎ⼿になってくださる⽅もそのような効果がありますというようにお話しくださっていたりということもあるのかと想像せざるを得ない。そのような時に、「ダンスは万能ではないので、保障はできません」と伝える。だけれども、そのような奇跡が起こらないとは⾔い切れない。では、あす、どうなるか、⼀緒に⾒てみましょうと⾔って、現場に臨むことになる。事前にアウトリーチ内容を先⽣たちに体験してもらう、インリーチということをよくやられていると思うが、そのことの⼤切さも痛感した次第である。

―― アーティストに求められる資質や経験とは、ノウハウに頼らないことではないか（隅地）
アーティストに求められる資質や経験。ノウハウに頼らないことではないか。やはりワークショップのファシリテーターになりたいという⼈が増えてきたということもあり、このような⼿順に従えばプログラムをプランできるという⼿引きもある。それを否定するという意味ではなく、「チェックイン
して、アイスブレイクして、ウォームアップして、マテリアルメイクして、振付をして」という、その⼿順に従っていけば、恐らく岩崎さんや私がやったような⼤失敗は起こらないのだと思う。でも、⼤失敗をすることはとても⼤事なことのように思える。泣いて帰ったという、そのこと⾃体が。
私⾃⾝も、泣きがその⽇に終わらなかったが、それでもやはりやりたい、続けたい、別なやり⽅で試したいというようなことが、その⼈の中に⽣まれるかどうかということは⼤事で、あらかじめ失敗しないようなプログラムを知っていて、場に臨むということとは違うことだと思う。やり⽅は全く知らないけれども、⼩学⽣に何とかこれを伝えたいという⼈がアウトリーチ現場に⾏くことになったら、何がなんでもやり⽅を考えるのではないか。初めは失敗してもありなのではないかと思ったりもする。次世代のアーティストの⼈材育成については、ノウハウに頼らないと⾔いつつも、理論的なことを学ぶということと、現場に⾏って、オン・ザ・ジョブトレーニングの形で現場体験を重ねるということは、両⽅あることが⼤事だと思う。そのたびに、やはり何⼈かの⼈が⾒てあげて、後で⾔葉にするというようなところまで付き合ってあげる。放ったらかしということは丁寧さに⽋けるのではないかと思っている。
ワークの現場にアシスタントの⼈が付いてくれることも多いが、アシスタント経験を重ねた⼈には、ワークの中で、1 プログラム 1 メニューをきちんと任せてみて、主たるナビゲートをやってもらう。
それにはプラン段階から話を聞いて、⼀緒に現場に臨んでみて、どのような予想外のことが、プラス
⾯マイナス⾯の両⽅で起きたのか。それをやはり何⼈か現場を⾒守っている⼈でフィードバックすることが⼤事だと思う。とはいえ、ファシリテーター養成スクールでも、受講者によって育成効果は本当に万別だ。中には、私はアシスタントがいいという⼈もいる。ファシリテーターの⼈に付いて現場にいくことが⼤好きで、やりたいのだが、その場の全責任を負うのは少し負担で、ずっとアシスタン
ト希望という感覚をお持ちの⽅もいるのだということを最近知って驚いた。

―― ソーシャル・ディスタンスの確保は、クラッシック鑑賞に必要なパーソナルスペースの確保につながった（田村）⽥村：コロナ禍において、⼤変なことは沢⼭あったが、アウトリーチにおいての“ピアノ”は意外にも幸
運な⽴ち位置にあったと思う。聴き⼿からは横向き、演奏中の⾶沫問題とも無縁。現場では歌も、吹く楽器もダメ、学校の授業で合奏も合唱もダメとなった時、むしろピアノだったら安⼼と「⾳楽の授業ができなくて困っています！すぐ来て下さい！」という切実なお声も届くようになった。

13その意味では、“ピアノ”はコロナ禍をくぐりぬけてこられたのかなと思っている。
また、地域創造のアウトリーチの考え⽅に「3S」がある。⼩空間、少⼈数、短時間。私も、いかに⼦どもに近づいていくか。⼦どもと⾳楽を近づかせるか。物理的な距離も縮めるために⼤屋根を取り、⼦どもにピアノの中をのぞいてもらうが、逆にそれができない。⼦どもと奏者の距離は 2.5 メートル。
それでは⾜りないので 5 メートル離す学校もあって、会場は体育館へ。体育館でのアウトリーチは本
当に久しぶりだった。
これまで、体育館で実施したいと⾔われたら、○○○な理由で⾳楽室をお勧めしますとお伝えし、可
能な限り⼩空間に徹してきた。体育館でのアウトリーチはもうしないだろうと思っていたが、コロナ
禍、体育館アウトリーチのレイアウトを⾒た時に、⼦どもたち⼀⼈⼀⼈にパーソナルスペースが出来ていることに新鮮な驚きを覚えた。奏者とだけでなく、⼦ども達同⼠もお互いに近づいてはいけませんとなると、そこに円というか、⾒えないバリアができる。それは逆に⾔えば、⼦どもが持てたスペース。実はこのスペースはクラシック⾳楽の鑑賞にはとても必要なスペースだったのではないか。
普段、学校での演奏は、たぶん機会平等という観点からか、体育館全校⽣徒公演のご希望が根強い。
代わりに⾳楽室実施をご提案する際の落としどころも様々。こちらとしてはクラス単位実施が希望だ
が、妥協点として、⾳楽室実施を受け⼊れて下さるのであれば、そこに何⼈⼊れるかは先⽣⽅のご希望に沿う時もある。結果、90 ⼈〜100 ⼈、⾳楽室が寿司詰め状態になる時もあった。そうなると隣のお友達が気になって、⾳楽と向き合うことはかなり難しくなる。もちろん⾳楽には⼆⾯性があり、個々のための⾳楽であると同時に、全員で楽しめて共有できるものでもある。コロナ禍中、パーソナ
ルスペースが確保された体育館で、⽐較的少⼈数での実施に“体育館アウトリーチもありかも！”と初めて思った。スペースを広く使えたことで、これまでとは真逆の発想でスペースを広く使うプログラ
ムを、またパーソナルスペースの活⽤を新たに考えるなど、⾳楽室では考えなかったことが新たに⽣まれ、これらは感謝すべき発⾒となった。
2020 年、様々な本番が中⽌になっていった頃、三重県⽂化会館から連絡が⼊る。
「⽥村さんを呼びた
かったが、今、東京からアーティストを呼べない。代わりに地域アーティストを起⽤し、⽥村さんのオリジナル企画をやらせてもらえないか」。相談の結果、企画の提供・監修で関わらせて頂くことになる。これも初めてのことだ。オンラインを活⽤しながら、ホール＆地域アーティスト＆私のチームで企画実施へ前進。お野菜の地産地消ではないが、地域の⼈材がその地域のために活動することは理
想的なことだと思っていたが、元来「アーティストは旅⼈なり」と⾔われる中、頼れる地域アーティ
ストの真価に私たち皆が改めて気付いた時だったと思っている。
他にも、先が⾒えない時に思ったことがある。“家から⼀歩も出られなくなっても⾳楽は届け続けたい”と。早速、⾃宅からオンライン配信にトライした。そしてこんなにも⼿軽に世界と繋がれることに驚嘆した。イギリスに⻑く住んでいたが、イギリスの友達に、私が⽇本でやっていることをリアル
タイムで⾒てもらう機会はこれまで皆無だった。でも時差さえクリアすれば、配信コンサートを⾒てもらうことができ、チャット機能でリアルにやりとりもできる。これは魔法！なぜ今まで使わなかったのだろうと思う程だった。また、⾳楽仲間やダンスカンパニー・セレノグラフィカさんとも様々な作品を作り続けた。限られた中で⾃分たちができることは何だろうと考えながら、⾳楽に向き合わせてもらえた貴重な時間になった。コロナ禍が改めて教えてくれた忘れられない⾔葉がある。おんかつ
第２期の先輩ピアニスト・⽩⽯光隆さんは“幸せ”だと。これほどたくさん練習できる時はないだろうから。好きな時にいつまででも練習できることが幸せと。私たち演奏者は普段⼈のために演奏するが、しかし⾳楽と１対１で向き合い、⾳楽と対話できるということ。これがアーティストの強さだと思った。

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―― トライ＆エラーを繰り返し、自分でしか生み出せないプログラムを考えてきた（田村）⼤澤：あと、⼈材育成のことはぜひ、⽥村さんに。
⽥村：⼈材育成は 2008 年頃から。児⽟⽒にお声がけ頂き、熊本県⽴劇場での地域アーティスト育成研
修にて“演奏家による“模擬アウトリーチ”や“プログラミングのお話”だったと思う。徐々に⾳楽⼤学での講座やプロジェクト、ホール職員研修でのアウトリーチ関連の登壇が増えていく。地域アーティスト育成を始めるホールも増え、オーディション審査や研修、アウトリーチデビューの⾒届けからフォローアップ研修まで多種多様なご依頼を頂くようになった。
2013 年度以降、⼀貫して 1 ⼈だけの外部講師として関わっているアウトリーチ事業に、千葉県浦安市・うらやす財団の“うらやすミュージック・デリバリー”がある。財団では先⽴って地域創造のおん
かつ＆おんかつ⽀援を実施。その⽀援事業最終年にピアノソロでお招き頂いた。その後、登録アーテ
ィストによる市内⼩学校アウトリーチ事業の着⼿にあたり、オーディションや研修の仕組み作り、ア
ウトリーチの実施・継続・フォローアップに⾄るまで、ホールの⽅々と活発に話し合った。育成枠は１期につき最⼤２組とし、現在は第１期〜6 期の計 11 組アーティストが活躍している。
育成研修は試⾏錯誤の連続だが、私が始めた頃のアウトリーチ現場も、前例がなかったため⾃分で考える他なかった。トライ＆エラーを繰り返し、⾃分にしか⽣み出すことができないプログラムを考えてきた。私は早い段階から⼦どもを巻き込みながら⾳楽を共に楽しむ参加型がやりたくて、2003 年に「トルコ⾏進曲参加型」、その後「ハンドベルと奏でるパッヘルベルのカノン」を始め、様々な参加型を考案し実践してきた。参加型とは⼦どもを動かすこと。今こそ鉄板レパートリーだが、初めてハンドベルを使った時は、⾃分のシミュレーション不⾜から⼦どもが円滑に動けず、思い描いた様にならず、つまらないと⾔われ、⾃分はアウトリーチに向いてないのではと涙した。そんな時「終わってしまったことは仕⽅がない。あまり気にしないで次に挽回するつもりでまたやったらよいのでは」との⾔葉に勇気を得て、“次は良くする”ことで、何とかつながってこられたと思っている。
今は前例が沢⼭ある時代。オーディションの時から、“これは〇〇さんのネタだ。
。
。”とお顔が浮かび、⽬の前にいるアーティストのオリジナリティが⾒えない事もある。様々な考え⽅があると思うが、それは残念な事だと私は思う。何故ならアウトリーチのキャンバスは真っ⽩だからだ。もちろん、研修で私が模擬アウトリーチを⾏う時には全部やって⾒せる。その際「これは研修。何かを真似したくなるような素敵な事があったら、では⾃分だったら何をどうできるか。⾃分ならではのものを⽣み出す
機会に、この研修を使って下さい」と伝えている。私も、その⼈ならではの良さや個性が出るようなプログラムを⼀緒に作ることを⽬標に、研修に関わり続けている。

―― 地域アーティスト研修で、その人ならではのプログラムを作る意義／アウトリーチの質の保証が私たちの理想の共有にかかっている／求められる強い仕組み作り（田村）うらやす財団第 5 期アーティストに、ソプラノ歌⼿＆吉本芸⼈の栗林美智瑠さんがいる。オーディシ
ョンでは、歌⼿なのか芸⼈なのか、その⽴ち位置の確認から始まった。育成研修では彼⼥のオペラ「カルメン」への情熱に個性と特性をプラスし、参加型を取り⼊れるプログラム作りを⾏い、2021 年に“⼦ども参加型カルメンアウトリーチ”が⽣まれた。出演者はオーケストラ・パート担当のピアニスト
1 ⼈と歌⼿ 1 ⼈の 2 ⼈のみ。歌⼿は得意の早着替えをしながら 1 ⼈３役：カルメン、ミカエラ、エス
カミーリョを演じ歌う。⼦ども達を⼤きく動かし、先⽣もホセ役で巻き込み、皆でオペラ「カルメン」
ダイジェスト版を即席で作り上げる。多少こぼれるが 1 コマ完結。正に怒濤の 45 分間。
このことを、ピアノソロ・アウトリーチで宮城県のえずこホール（仙南芸術⽂化センター）滞在中に、ふと話す機会があった。
「それ絶対⾯⽩い。うちでやりましょう！⽥村さん、連れてきて下さい」とのお⾔葉は⻘天の霹靂。私⾃⾝、どこかで市内限定プログラムと思い込んでいたかもしれない。確か15

に周りを⾒渡しても、このプログラムを⾏っている⼈は私が知る限りまだいない（いないからこそ作っていることもあるのだが）。うらやす財団チームにご報告すると、喜んで送り出して下さり、共にえずこホールへ。初回はお試し回とさせて頂き、代わりに丁寧なフィードバックを頂く。更なる進化のためだ。その後、全国でご活躍の様々なジャンルのアーティストが往来するえずこホールから再演のお誘いを頂き、ちょうど来週⼀緒に⾏くところ。地域アーティスト研修で、その⼈ならではのプログラムを作る意味と意義をはっきり⾃覚した出来事となった。
育成研修でプログラムを作るとは、⾊んな⼈の⼿が⼊りプログラムが作られていく事。理想は、研修後、同じプログラムを続けるにしてもご本⼈がどんどんブラッシュアップし、新たなプログラムも作っていく事だが、10 年経ってマンネリ化を感じさせるケースもある。もちろんマンネリ化は地域アーティストに限ったことではなく、私を含めてアウトリーチに関わる全ての関係者の問題だが。地域
アーティスト事業を継続するうちに様々な課題を感じたホールから、フォローアップ研修のご依頼やご相談を受けることもある。これまでに何かが上⼿くいかなくなり、アウトリーチ事業が終わってしまった悲しいケースを聞いたこともある。アウトリーチの質の保証が、いつのまにか“私たちが理想をどれだけ共有できるか”にかかってきてしまっていることに課題を感じている。上質を保つためには何が必要なのか。⾒守る側には審美眼が、アーティスト側には毎回レベルアップのためのチャレンジがあってもよいのかもしれない。ただ、チャレンジには必ずリスクが伴う。そのリスクを共に背負
い、チームとして皆が成⻑できる仕組みを作っていけたら、上質が保証された強いアウトリーチ事業になるのかなと思っている。

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・・ メールによるアンケート調査の協力依頼、web アンケートのフォームからの入力による回収。なお、アーティストの連絡先がマネジメント事務所の場合は、協力依頼メールを事務所から所属アーティストに転送していただいた。
・ 調査実施期間：2023年８月25日～９月17日

アーティストのグループインタビュー（２回⽬）【出席者】
中川 賢⼀（ピアニスト）
神⾕ 未穂（ヴァイオリニスト）
吉澤 延隆（筝曲奏者）
有⾨ 正太郎（俳優・演出家）
野尻 ⼩⽮佳（打楽器奏者）【進⾏】
⼤澤 寅雄（合同会社⽂化コモンズ研究所）
2023 年 9 ⽉ 25 ⽇（⽉）10：00〜12：00 地域創造会議室

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アーティスト（２回目）
2023 年 9 ⽉ 25 ⽇（⽉）10：00〜12：00＠地域創造会議室
中川 賢⼀（ピアニスト）
神⾕ 未穂（ヴァイオリニスト）
吉澤 延隆（筝曲奏者）
有⾨ 正太郎（俳優・演出家）
野尻 ⼩⽮佳（打楽器奏者）

1．これまでのアウトリーチやワークショップの実績
⼤澤：これまでのアウトリーチやワークショップの実績をお聞きしたい。地域創造での活動のみならず、公⽴⽂化施設以外での場所も含めて、アウトリーチやワークショップの経験を、いつから、どこで始められたか。また、創作発表以外の、アウトリーチやワークショップといった活動が、どのぐらいの活動頻度のバランスなのか。どういう相⼿に、どんな内容で、これまで活動されてきたのか。過去の代表的なアウトリーチやワークショップがあれば、お聞きしたい。

―― 多文化交流を目的とした演劇のアウトリーチの活動が多くなってきている（有門）有⾨：何年かは、定かではないが、2003 年、2004 年、北九州芸術劇場の準備局の頃から、こういうア
ウトリーチ活動を、地元のアーティストの育成も含めて仕掛けていこうということで、最初は劇団扉座がきて、当時はまだ体育館で学年ごとのアウトリーチをやっていて⾒学に⾏くところから始めた。２、３年ぐらい来てもらい、初年度は⾒学。２年⽬はアシスタントで⼊ってみる。
３年を経て、今度は⾃分たちでプログラムを作って回していこう、みたいなのが、きっかけだ
ったと思う。
今思うと、知らない、分からない。もっと⾔うと、何のためにやるのかが分からない中、皆さんやっているので、すごく苦労したし、結局、僕らで考えたプログラムも「パクリ」というか、構造が⼀緒で。それからの発展、発想が湧かない感じで、そこを悩んでたのが 5 年ぐらいあった。どうやったら次に⾏けるかを、⼀度劇場側にも相談したことがある。育ててくれているのは分かるが、僕たち⾃⾝が、そのプログラムの作り⽅が分からない。何をもって考えていいのかが分からないから、そこに何かリーチできるような企画を、もし可能だったら企画してくれ
ないかと⾔ったのを覚えている。
今は、各公共施設からの依頼で、⼩中学校、⾼校も⾏く。少し変わったところで⾔うと、最近、福祉系が多くなってきて、引きこもり⽀援の施設に⾏って、⻑期的に 1 本作品を作る。愛媛県の松⼭市では統合失調症、幻覚、幻聴が⾒える⽅々にリサーチをしながら、だんだんと作品作りをするとか。今年始まりそうなのが、外国⼈留学⽣と地域の⽅々と交流させるプログラムを作ろうという話もある。そうやって、だんだんと町の⼈たちに向けて演劇を使った活動が、最近の僕の中では多くなってきていると感じている。
活動に占める⽐重は、稽古して公演をすると稽古時間が⻑いから、アウトリーチは 1 ⽇と考えると、3 割ぐらいという気がする。過去の代表的な事例では、韓国の仁川市で⽇本の⼦どもたち 20
⼈と韓国の⼦どもたち 10 ⼈で、⾔葉がしゃべれないが、⼀緒の場所に泊まらせて、1 週間かけて演劇を作った。⼦どもたちは、⾔葉通じなくても勝⼿に仲良くなる。韓国語と⽇本語が混じりながらの作品を作って公演したのが、すごく僕にとって残っているというか、楽しかった。
すごく⼤変だったのが、良かった。

18

―― 学生時代に先輩の紹介から始まったアウトリーチ活動、今では演奏とアウトリーチ活動が両輪に（吉澤）
吉澤：僕がアウトリーチをするようになったきっかけは、学⽣の頃の先輩で、⾳楽教員になられた先輩だった。学習指導要領が変わって、邦楽を取り⼊れなきゃいけないってことになり、⾃分⾃⾝では教えられないので、来てもらえないかということで、学⽣の時に、遊び半分の感じで中学校とかに⾏くようになったのが、僕のアウトリーチのスタート。20 歳だったので、中学⽣、
⾼校⽣とすごく年が近かった。僕は演奏している⾳楽のお話をしながら、たくさんある箏の奏法を「じゃあ、誰かやってみたい⼈」って⾔って、やらせたりして。その 20 年ほど前の経験が、僕のアウトリーチを始めたきっかけになっている。
2014 年の時に、邦楽活性化事業で富⼭県に伺わせてもらった。それまでにも横浜の財団から頼まれたりいろんなところでアウトリーチを⾏っていた。ただ、曲を演奏してお話をするという作り⽅が、割と同じというか。他の⽅法とかがないのかなと思っていた時に、ちょうどこの邦楽活性化事業で、アウトリーチとかの⼿法もやったりするっていうのも経験した。その後、中川さんがトーキョー・ワンダーサイトのプログラムで⾏ったメシアンから武満までのプログラ
ムのピアノのアウトリーチを僕が受けた時に、「メシアンをこんなふうに紹介したら、それで引き込まれる⼈たちも絶対いる」と思った。普段僕は、割と新しい現代作品をやることが多いが、邦楽愛好家の⽅にも遠い存在というか、分かりにくいと⾔われて。それを、こういう伝え⽅をするとまた違う⾒え⽅で、近寄ってもらえるんだなという経験をした。
その次の年に、東京⽂化会館のワークショップリーダー育成プログラムを受けたら、そのまま
ワークショップリーダーに選ばれた。今、僕は東京⽂化会館のワークショップリーダーもやっているが、⾃分がやってきた経験のまま、⾃然とやっている。なので、活動の頻度は、演奏活
動と、ワークショップやアウトリーチ活動が半々という感じ。東京⽂化会館のワークショップ
リーダーになる前は、サブというか、演奏の仕事の本業に、頼まれてボランティアみたいな感
じでやっている部分もあったが、2016 年から東京⽂化会館のワークショップリーダーになって、今年で７年になるが、両輪みたいな感じになってきた。⾃分がやっていることを違う⽅法で、東京⽂化会館では、未就学児と⾼齢者というすごく幅広い⽅たちに、違う⽅法で、また⾃分のやりたいこと、思っていることを伝える形でやるようになったので、半々という感じの⽐重でやっている。
参加対象者は未就学児のお⼦さんの親⼦、特別⽀援学校の障害のある⽅、⾼齢者、ウクライナからの避難している⽅たちと東京の団地の⽅たちが、地域のコミュニティをつなぐためにやるっていうワークショップをやったりとか。僕がやっているワークショップは、邦楽のために最初はやっていたが、社会の中で箏もすごく遠い存在になってきているので、だんだんと邦楽といろんなものが組み合わさり、どうやったら結び付いて、かつ、そこに参加している⼈たちが充実した時間になるのか模索する感じのことをやるようになってきている。

――音楽だけではなく人間の知恵がつまった楽器を紹介するのが私のアウトリーチの特徴（中川）中川：私は 2002 年からこのおんかつに参加させてもらっている。その前の 1999 年から 2000 年あたりに、宮城県で、宮城⼤学の先⽣が⽂化活動を盛り上げようという⼤⼈のクラブ活動のような活動があって、そこで知り合いからある幼稚園で、何か弾いてくれと⾔われたことから始まった。
それで「これは⾯⽩い」と思ったのと、⽗親が県職員で、⾝障者のための施設の計画もやっていたので、何かできればと思っていた。そこで、私が当時所属していた⾳楽事務所のマネージ
ャーに、地域創造のおんかつのオーディションとプレゼンを勧められた。そこが、このアウトリーチを積極的にやるきっかけだった。だから、はじめは私も全然分からなかった。いろんな19コーディネーターの⽅に、いろいろ教えていただいて、それで始めたということだと思う。
活動の頻度やアーティストとしての活動に占める⽐重だが、実は、今まで数えたら、アウトリーチとかを 1,000 回以上やっている。
参加対象は、⼩学⽣、中学⽣、⾼校⽣、⼤学⽣もある。⼤学⽣は、授業の中に取り込ませてもらったこともある。0 歳児やマタニティ対象、幼稚園や⽼⼈ホームなど全ての年代を対象にやった。不登校の児童⽣徒、特別⽀援学級・学校も結構やった。2020 年はオンラインのアウトリー
チも⾏った。メキシコでアンサンブルノマドのメンバーとしてアウトリーチを⾏ったこともある。
プログラムの内容は、⾳楽だけではなく、⼀つのことを頑張れば何かできる、夢を与えるとか。
格好よく⾔うと、⼤⼈の⼀⼈ひとりの⽣きざまを⾒せたいということもある。そういう交流というか、演奏だけではなく、⾃分のやっていることを⾒せたいというのがある。あとは、なるべくお互い体験してもらう。楽器には⼈間の知恵が詰まっている。アクションを引き出して、ハンマーが弦を打つときの感覚をわかってもらうためにハンマーが打つ位置まで⼦どもたちの⼿をとって持ってくるのだが、それは⼦どもたち⼀⼈ひとりと握⼿することになる。⾳を出す
仕組みを触るような⼯芸品の交流。過去との交流、作曲家の学習としての交流とか。学びもあるし、聴覚だけではなくて触覚の快感もあること。
あとは、男の⼦には⾳楽が本当に嫌いな⼈もいる。そうすると、アクションが好きであれば、そこから⾳楽に⼊ってもらって、いろんな⾓度から⾳楽に何か興味持ってもらうきっかけ作り。
時間があれば、調律師を呼んでキャリア教育。違う舞台、舞台に出ない⼈、その⼈が、こんなにすごいことやっている。いろんな仕事があることを、包括的にアウトリーチできたらいいと思っている。

―― 小学校 5 年生にむけての活動がメインのアウトリーチ活動（神谷）神⾕：体育館にオーケストラが来たのが⾃分⾃⾝のアウトリーチの最初の出会いだった。そういうのをしてみたいと思って地域創造のおんかつに参加した。地域創造での活動が、⾃分⾃⾝のアウトリーチの最初だった。それが 2004 年で、偶然にも宮城県内がすごく多くて、その活動が仙台
フィルの⼊団にもつながったと思う。
活動の頻度は、年間 100 本以上は公演活動があり、そのうちの 24 本ぐらいがアウトリーチなので、だいたい 5 分の 1、5 分の 2 ぐらいがアウトリーチ活動となっている。参加対象は、三鷹市内の全部の学校の⼩学校５年⽣を回るという活動を、何⼈かのグループで分けてやっていて、それがもう⼗何年なるだろう。
中川：その事業を始めたのは 2005 年で、神⾕さんは途中から⼊ったにしても、それに近いはず。だから 18 年、19 年ぐらい。
神⾕：同じ場所でのアウトリーチで⼀番⻑いのは、三鷹市内の⼩学校５年⽣を対象にした活動。あとは、仙台フィルに⼊ってから仙台市内の⼩学校５年⽣を対象にした。今まではホールに来てもらうことが多かったが、コロナ禍では学校に出向いて、そこで弦楽四重奏などをしてアウトリーチをする活動に今シフトしている。それが、ホールにまた変えていく⽅向にだんだんなってきている。仙台市内の⼩学校５年⽣対象がとても多い。
プログラムの内容は、私も中川さんご⼀緒することがあるので、ピアニストと⼀緒に組むことが多い。なので、それぞれの楽器の解体ショーみたいに、ヴァイオリンの内部が⾒えるように切ったものとか、中に魂柱っていう⼤切な柱が１本だけ建っているのを⾒せて、ヴァイオリン
20

がどう響き、どうしてこんな⼩さな楽器がホールで響くのかを、解体して紹介したりする。あと、曲⽬で⾔えば、⼦どもたちの想像⼒を短い時間にどんどん活性化させてほしいので、⼦どもたちがイメージしやすい曲。よく弾くのは、ディニークの『ひばり』という曲や、サン＝サーンスの『死の舞踏』という曲の中に、ニワトリとかヒバリの鳴き声が出てくるとこがある。
これは、⿃がどう鳴いているのか。どうすればこのヴァイオリンが、その⿃の鳴き声ができるのかといった秘密まで紹介する。⼦どもたちは、初めてヴァイオリンに接することがあるので、『愛の挨拶』という曲で、⼦どもたち全員のところを練り歩いて、楽器⾃体をよく⾒せながら演奏するっていうことをやっている。

―― 演奏の場を求めて始まったアウトリーチ活動、自分の経験から対象との適切な距離感を意識（野尻）
野尻：いつからというところだが、幼い頃の師匠の国際親善の時に、⾳楽だけではなく、現地の⼦どもたちや⼤⼈も含めて、⽂化交流のワークショップの⼀員として参加させてもらっていたのは、今から考えると経験の下地になっている気がする。⾃分⾃⾝が主体的に始めたところだと、⼤学卒業前後ぐらいから、演奏の場を求めて始まったのが、⼀番強い。美術館でのコンサートとか地域の中での演奏もしていて、美術館であれば展⽰作品とリンクさせたりしていたが、いわゆるリサイタルほどではないにしても、打楽器の現代⾳楽の作品も⾝近に感じてもらえたらなというような思いも強かったので、今と⽐べると対象となる⽅よりも、⾃分に主体があるアプ
ローチのほうが強かった気がしている。学校に伺うようになったのは、今のような形のアウト
リーチのスタイルよりも、吹奏楽のクリニックとか、いわゆる芸術鑑賞会としての打楽器アン
サンブルで呼ばれたりしたことが先にあって、その後に、⼤学の掲⽰板で⾒つけたおんかつのオーディションを受けて仲間に⼊ったのが、今のような形のアウトリーチのスタートと思っている。
現在のアウトリーチの⽐重は、半々から、いろいろ含めると重なっている部分もあったりする
ので３分の２ぐらいかなと思っている。参加対象については、⼤⼈の⽅もあるが、基本的には⼦どもたちが多いと思う。⼦どもたちの年齢も、打楽器という楽器性からもあると思うが、⼦育て⽀援的な⾚ちゃんプログラムもある。学校は、⼩学校、中学校、⾼校、それぞれで対応しているような感じ。
プログラムの内容的には、幾つか核になる構成の軸は持っているが、その決めたものを持ちまわる感じではなく、そこから選んで、その都度フィットさせてアプローチをしていくところは⼤事にしている。おんかつに受かったことをきっかけに、普通級だけではなく特別⽀援学級や適応指導教室も含めて、頼んでいただくホールや学校の信頼度も上がったこともあってそうい
う機会を頂くことが多くなったイメージがある。この下地になっているのも、幼い頃の経験の中に⼀つある。何年かまたいで携わっていた師匠の先⽣⽅が、障がいを持った⽅たちのマリン
バアンサンブルのレッスンなども積極的にされていた。⼦どもたちも、普段から交流するようにというようなスタンスだったのだが、そのアンサンブルのサポートに⼊るように⾔われた。
その当時、⼩学校４年⽣ぐらいで、成⼈した男の⼈とかだとやっぱり体格差もあったりして、急に近くに来た時とかに、どうしてもひるんでしまったりするところの記憶がある。最初の出会いの時が、私⾃⾝も忘れられなくて。今でも、そのアウトリーチに伺う時に、そういう距離感にならないっていうことは、⼀番強く思っていることでもある。
そのことと、おんかつの活動が増えたことで、⼼理学の勉強もし直して、認定⼼理⼠の資格を取ったりもした。それもあって、今ではユニバーサル公演に携わらせてもらうことも増えた。
あとは、アウトリーチの講師や地域の演奏家とか⼤学⽣たちとの企画制作のワークショップか21

ら実演までを⼀緒にするような研修もさせてもらっている。
打楽器っていう楽器の特性上、プログラムの中で⼤事にしていることは、⾳楽になる前、⾳そのものの時代から⼈の暮らしの中でずっと育まれてきた楽器でもあるので、なぜ⾳楽が⽣まれたとか。そこに、ずっと⼈が携わっていて、その時代その時代に⼤切にされていて、今のように育っているというような、⼈の温度感がずっと伝わるような感じをシェアするようにしている。それもあって、⼦どもたちとの距離感や温度感についても、曲的に何かを媚びることはしたくないので、気持ちの上で寄り添うというような形で取り組んでいる。
アプローチとしては、中川さん、神⾕さんと同じよう、振動の体験、イメージや発想の⾶ばし⽅、ストーリー性をつけることで、普段苦⼿意識がある⼦も、⾃然と中に⼊っていけるようなところを⼤事にしている。あとは、楽器的にも、オリジナルの作品は現代⾳楽になる。それでもジャンル分けをせずに、いろんなものを組むプログラムということで、聴きにくい、聴きにくくないというような分け⽅をしないような形でのアプローチに気を付けているところだ。

2．アウトリーチやワークショップの成果・効果
⼤澤：ありがとうございます。次の項⽬はアウトリーチやワークショップの成果や効果ということで、個⼈的な経験や体験を少し抽象化し、アウトリーチやワークショップから、どんな成果や効果が⽣まれているのかを少し聞きたい。⼦どもや教員、ホール職員が、どのように変化していくのか。⾃分⾃⾝の表現活動にどんな影響が、フィードバックがあったか。⻑期の継続企画での経験がある場合は、単発での企画とどのように差が⽣まれているのか。経験の中で、単発とは少し違うことがあれば、聞かせていただきたい。そうした中で、印象に残っているエピソードなどがあれば、ぜひ聞かせていただきたいと思う。

―― 「楽器は 1 つの生きもの」ということを伝えたい（中川）中川：ピアノソロのアウトリーチは、ムソルグスキーが作った『展覧会の絵』という曲の最初の曲「プロムナード」で始まり、⾊々⾏ったあと、最後はこの組曲の最後の曲で終わる。それはそれで⼦どもには楽しんでほしいけど、⼤⼈としてマニアックに⾒たら、その 45 分間がしっかりした枠構造が強固にあることを⾒せたい。つまり、知的な⾯⽩さを、実は後で先⽣が感じてもらえばいいと思う。その、いろんな⾳楽の展覧会の絵、私の⼈⽣の展覧会の絵、いろんな意味が実は含まれていることをみせたい。⼦ども対象、⼤⼈たち、どっちも同時にやりたいと思っている。初めは⾳を普通に聴く。近くで聴く。仲良しになる。あとは、寝ながら横になって聴く。普通聴けないことをやると。そういうようなリラックスして聴くのを 15 分間やって、その後にピアノのいろんなアクションの説明をする。それで質問をしたり、近くで⾒てもらったり、近くだから仲良くなる。そうやって、⼤⼈と⼦供が仲良くなる。ピアノのアクションは、すごい⼯芸品で、⼈間のいろんな英知が詰まっている。それを分かってもらって、そこからピアノの周りを囲んでもらうのが、重要なこと。囲んでもらって、みんなと近くでみんな 1 対 1、⾃分は 1 対 36 だけれども、1 対 36 じゃなくて、「1 対 1」かける 36 にしたいので、時間があればアクション引き出して、そのアクションでみんなの⼿を触るのも握⼿。それで、みんなの視線を⾒ながらいろいろやる。弦にピンポン⽟を置いたら跳ねる。それを⽬の前で⾒て体験する。それは、普通に弦が震えるだけではなくて、物理的に、内部がどうなっているかと⾔うことも同時に視覚的に分かってもらう。あと、⼀番低い⾳を私が弾いて、そのときにその⾳の弦を⽣徒⼀⼈⼀⼈に触ってもらい、弦の振動を体験してもらう。弦は触ると基本的には錆びてしまうが、そこに調律師がいればあとでベンジンで弦を拭いていただくことで弦が錆びるのを防ぐことが22

できる。次に響板に鳴っているオルゴールを直接付けるとオルゴールの⾳が⼤きくなるので響板の凄さを⽿と⽬を持って体験してもらう。そのあとは私がムソルグスキー作曲の組曲「展覧会の絵」より「キエフの⼤⾨」の最後の部分のような⾳が⼤きく鳴る曲を演奏して、演奏している間、響板、ピアノの周りの板、下に潜って響板をしたからなどいろんな場所を触ってもらい、響板、ピアノ全体が震えることで⾳が⼤きくなることを体験してもらう。それは、楽器という⼈間みたいな⽣き物を触ること。だから、そういう⼈間というか、⽊も⼀つの⽣き物で、そういう⽣き物を触ってもらう。⼈間の英知が積もっていることを肌で感じる。それは楽器の「展覧会の絵」。最後にピアノの中の弦の上にピンポン⽟ 150 個⼊れて、私がそのピンポン⽟が乗っている部分の⾳を連打するとピンポン⽟が⼀気に沢⼭弾け⾶ぶ。それはエンターテイメン
ト、アトラクションだが、物理的なものだということが後で分かってもらえばいい。時間があれば、⼦どもたちがその時歌っている歌を共演する。これもコミュニケーション。常にコミュ
ニケーションをとることを意識している。私は、元々書いてある譜⾯通りに演奏するのではな
く、その楽譜をアレンジして結構派⼿な伴奏をするので、喜んでもらったら盛り上げる。最後に１曲、５分半くらい弾くが、どれくらい真剣に聴いてもらうかが⼀番重要。それは、ガチで聴いてもらう。どうやったら真剣に聴いてもらえるか。そこにどうやって持っていくか、それが⾮常に重要。45 分間で⽣徒の⼼の中などいろんなものは変化してそこまで持っていきたい。
いろんな時間の、学校のドラマの展覧会の絵を作りたい。それが基本のソロのアウトリーチ。
上記が普段のピアノソロのアウトリーチですが、他のちょっと変わったアウトリーチも紹介させてください。
私は⾳楽を演奏しているときに⾃由に絵を描いてもらいアウトリーチもしております。絵を描いてもらうアウトリーチは、基本的にムソルグスキーの組曲『展覧会の絵』を弾くことが多いです。約 10 曲ある組曲の中で１クラス 3 曲ぐらい演奏するのだが、それを演奏している間にそれをイメージした⾃由な絵を描く。普通はいきなり⾳楽を聴いて絵を描いてと⾔われてもなかなか描けないので、そこに⾄るまでにみんなが本当に⾃由に描いてもらうために私の⼿法があって、バーンって何か断⽚的なメロディーにならないちょっと抽象的な⾳を弾いて、3 秒という⼀瞬でとにかく何か描いてもらう。それがとても抽象的で⼈それぞれ違う。次は 5 秒、今度は10 秒と、3 枚ぐらい描いてもらう。そうするとさらに素敵な絵を、みんな描くようになる。これは 90 分プログラムで、後半のほうは先ほど話したように、10 曲ある組曲『展覧会の絵』から3 曲選んだのを弾いて、そのイメージを描く。後⽇、それが全部そろったらプロジェクターの投影を準備して、例えば、ある曲に対して 10 枚の絵が出来上がっていたら、その曲を私が⽣演奏をして、その間に 10 枚を順番に投影して⽣徒などが各々の⽣徒がどのようにその曲を感じたかを⾒ることができる。もし時間があって組曲全ての 10 曲の絵を描くことができるワークショッ
プができたり、⾊々なクラスで⾏った絵が結果的に組曲全ての曲、10 曲の絵を網羅している場
合、組曲全てを私⽣演奏をしてそれに対して、各々に対して描いた絵を投影して、それをコンサートとして⾏うと 36 分くらいの組曲「展覧会の絵」全てを聴くことができてしまう。それは、アウトリーチでも、インリーチでもやる。ホールの主催で公募でもやることはある。アートとアートは全部つながっているんだと。あとは、みんなと感想を共有する。絵になることで、いい意味のもやもやに出てくる。つまり、⽂章⼒が強くない⼈も⾃由にできるってことをやりたい。
最後に他の活動も紹介させてください。
あとアウトリーチではないがバリアフリーのコンサートも⾏っている。これはあるプロダクシ
ョンで⾏っているのだが、弾いている時に、⼿話もいて、UD トークもある。UD トークで、し23

ゃべってないのに全部映しながらやる。⾻伝導聴器を付けてもらうこともある。⽿が聞こえない⼈にも楽しんでもうらうことなど⾏っています。なるべく普段できないことを、皆さんにやってもらうのが、基本的に特徴。

―― 市民の理解にささえられる公共ホールでの活動（中川）⽊管五重奏、ピアノとヴァイオリン、ソプラノとヴァイオリンという⾵に三つのグループに分けられているのですが、その三つのグループで 15 校の三鷹市内の全⼩学校でアウトリーチを⾏っている。これは神⾕さんも⾏っている。
私はなるべくアウトリーチでもアクションモデルを⾒せたり、様々な⽤語を⽰すためのパネルを⾒せたり、様々なことをホール職員に⼿伝ってもらう。それによって仲良しになり、コンサートのプランがもっと充実する。例えば、おんかつの場合は 4 回のアクティビティーがあり、1回のコンサートがあり、その間に仲良くなる。照明から何から兼ねている⼈もいる。それは普通にあるので、そこで関係がいいとコンサートの照明も⾳響もうまくいく。そういう意味でホール職員が変化する。
⾃分の表現活動への影響としては、アウトリーチは⽣徒とも、ホール職員ともあらゆる意味で距離が近いので、⼈とのコミュニケーションが、肌で分かることです。これはアウトリーチをしていて私が得ることの中ではこのことが⾮常に⼤きくて、演奏の時にどれだけ⾃分がリラッ
クスして表現できるかと⾔うことを伸ばすおおきなきっかけとなります。
⼈が何を考えているかが、演奏だけしているよりも、⽣徒やホール職員と間近でコミュニケー
ションをとるのでさらによくわかる。アウトリーチに参加した⼦がコンサートにいると、その⼦に「ホールはこんなにいいんだよ、楽器はこんなにいいんだって分かってるよね、じゃあ今やるよ」ということを、⾔葉でしゃべるように実際の演奏会で演奏できることは、相当⼤きい。
どうしても舞台上のステージと聴衆の間には壁がある。クラシックの場合は敷居がやっぱり⾼い。クラシックのコンサート中に、「これ、触ってみて」とは⾔えないが、アウトリーチの最中で⽣徒と接するような⼼持ち、態度の演奏⽅法を、実際の演奏会においてできることはとても⼤きかったと思う。
⻑期の継続企画について、三鷹の場合は、⾳楽家もホール職員も関わる。三鷹フィルはプロのオーケストラで、もう⼀つ、ジュニアフィルがある。これが現在⽇本の⽂化予算の⼤変な中で続けていけるのは市から理解を受けているからである。市内の全ての公⽴学校では毎年だいたい⼩学５年⽣を中⼼として 4 年⽣ないし 6 年⽣が間近でアウトリーチを受けることができる。そうすると親にも市が⾏っている活動のことが伝わる。これだけ三鷹市はやっていると分かると、オーケストラやジュニアオーケストラなど他の予算にもオンブズマンから批判が出てきたことがないと聴いている。18 年くらい巨⼤な予算が維持されているのは、⽂化芸術に対する市⺠理解が重要だと思う。
あともう⼀つ、北海道の深川市は市⺠合唱団との⾳楽物語「わが街深川」、またそのあと 3 年計
画の「異⾊のコラボ」と⾔うのも⾏った。⼤分県の豊後⼤野市では神楽と⼀緒に共演する「神楽オペラ」を⻑期間かけて作った。
豊後⼤野市では、６週間毎週、私、ピアニストの⽩⽯光隆さん、ソプラノの⼤森智⼦さんが⾏って、市⺠合唱や私が指揮をして、⽩⽯さんがピアノ弾いてリハーサル、最後には現地の神楽と共演して神楽オペラの上演をした。
深川の「異⾊コラボ」では、３年間かけて⼤きい舞台を作った。１年⽬はダンス、2 年⽬は展⽰、
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3 年⽬はそれら全部を合わせて戯曲をみんなで書いて、それを上演。地域のつながりの全ての総合が３年⽬にくる。このことによってどのような良いことが起きるかというと、ホールに⾏くと「こんにちは」ってみんなから⾔われるつながりができて、そうやって地域住⺠とすごく仲良くなって３年⽬に持ってくることができる。やっぱり効果はすごくあった。

―― 東日本大震災被災地での活動：「音楽ってすげぇ」（中川）
印象に残っていることで、東⽇本⼤震災は今でも忘れられない。神⾕さんと⼀緒に本当にあち
こちの被災地に⾏った。聴きたい⼈が⾏くのがコンサートだが、アウトリーチは、聴きたくな
いかもしれない⼈もいる。慰問演奏はお⾦なんてもらわない。こちらから⾏って、相⼿が聴きたくないかもしれないけれども⾏く。⾏った時に、最初の⾳が出た時に涙を流す⼈がいる。それで感情がある。⽯巻では「みんながきつい状況だから、わたしだけなんて泣けない」と⾔われた。⾳を出すと、それをきっかけに感情が溢れる。「こんなことがあるんだ、⾳楽って、すげえな」と思って。
神⾕：震災の後に⽯巻や名取など本当にいろんなところで、復興コンサートのような形で、こちらが出向いて⾏く演奏を数多くした。⽯巻に⾏った時には、避難所で寝ていらっしゃる⽅もいらしたので、「おじいちゃんが起きちゃうじゃないか」と演奏前は怒られたりした。でも弾き始めたら、私たちの演奏に合わせて⼀緒に歌ったり、「この演歌を歌いたいから弾いて」とリクエストもきたり。私たちは、いかに⼼を震わせるような演奏をしたいか⼼掛けて、楽器も、どうやったら遠くまで⾳が⾶ぶように、⾳を震わせるように、リラックスしていけるかを常に考えていたと思う。私たち⾃⾝も、何かその涙や感動、⾃然に歌い始めたことを経験して、すごく思い出に残っているエピソードだ。あちこちで怒られたけれども、弾き始めたらその怒っていた家族が「本当にありがとう」と握⼿を求めてきてくれた。まるで演歌歌⼿になったみたいにみん
なから握⼿求められて去っていくようなことがあった。

―― 長期で関わることで楽器のことをスタッフに理解してもらえることが演奏環境に好影響（神谷）⻑期の継続企画と単発の企画の違いですが、上⽥市で私もレジデンスアーティストで３回関わらせていただいて、滞在すると、毎⽇のようにスタッフとコンタクトができる。そのことで、
どんどんスタッフが楽器の扱いや楽器の特徴を理解していった。ヴァイオリンは⽊が素材で繊細な楽器なので、どういう場所で演奏が可能か、どういう環境だと温度や湿度で楽器が壊れな
いか、そういうことを理解してもらえた。⼀⽅、単発の企画でスタッフが楽器のことをお分かりにならないところで演奏すると、いきなり野外演奏のような、屋根がなくて直射⽇光が当たって、もしかしたら楽器にすごく危ないところで「弾いてほしい」と急に⾔われたりすることがある。やはり継続して、何⽇も関わっているスタッフでないと、楽器の扱いはよく知らないのではないかと思う。

―― 口伝の曲を取り入れたアプローチでつながりをつくる（野尻）野尻：アウトリーチのプログラムとしては、打楽器は⼤昔から受け継がれてきたもので、⼝伝（くでん）の曲などをなるべく取り⼊れるようにしている。そうすることで、⽇本でも伝わっている
和太⿎とか、その地域ごとの⼦どもたちなりに「あれも⼀緒だ」ということも感じてもらえる。
やはり、⾳があった時に⼈が集まって何かを共有する時に、⾳楽がいろんなところで⽣まれたのを、肌感覚で分かってもらうというアプローチの⼀つでもある。振動体験もして、⾳の仕組
みとか、触覚的にも視覚的にも⾒てもらう。あと、打楽器独特のところでは、⽣まれる前から出会う⾳ということで、胎内の、お⺟さんのお腹の中にいた時から⾳には囲まれているという25

ことで、オーシャンドラムを使ったアプローチをすることもある。同じく体の⾳から発⽣するという意味で、ボディーパーカッションでの共演をする。そのボディーパーカッションでの共演で喜んだ先⽣もいた学校では、朝のあいさつの⼀部に取り⼊れられたような学校もある。
アウトリーチやワークショップの参加者の、⾃分⾃⾝の気持ちの変化や、⾒えている景⾊が違ってくるような、ちょっとした変化に気付いてもらうところもプログラムで⼤事にしているところ。なので、⾊や景⾊、その⼟地の⽂化とリンクできるようなアプローチと曲⽬を選ぶ。他には、とにかく⾳を浴びてもらいたいような曲でアプローチをする場合もある。中川さんとのデュオの時には、アウトリーチとしては⻑い曲ではあるが、８、９分ぐらいは、マトルス・ダンスなどのデュオの曲も必ず⼊れる。⼦どもたち的には、その中で圧倒されながらも何かを感じてくれていたり、より深めてくれたりすることもあるのかなと思う。
別パターンのアウトリーチで、前半にワークショップ、後半に公演というようなイメージのア
ウトリーチをすることもある。これは、ユニバーサル系の特別⽀援学校・学級に⾏く時が割と多い。最初に、太⿎系かヒーリング系か、それをミックスしたものか、即興アンサンブル的な形で組み⽴てていく。この時に使う楽器は、聴覚過敏の⼦でも楽に取り組めるようなサウンド
感の楽器とか。あと、コロナ禍でも、消毒ができる打楽器も揃えている。先⽇、その派⽣版的な形で、ホールのワークショップとして開演ベル作りというのもあった。あとは、そのアプローチで、先⽇、ろう学校に伺った時には、アンサンブルに持っていく時に、「⾳の概念、リズムの概念が、もう少しみんなで共有できたらうれしい」という先⽣⽅からの意⾒を伺っていた。
⼀番はまったのが、⼝伝の⽅法だった。⼝の動きを⾒る⼦、板書した⽂字を⾒る⼦、⼿の動きを⾒る⼦などがいて、それを頭で理解して、かみ砕いて理解したものをアウトプットする⼦もいれば、みんなと同じ動きをそろえることが、とにかく楽しいという⼦もいた。その⼝伝でのアンサンブルが、いいグルーブを⽣み出してくれてみんなでシェアしていく。古代から伝わってきた楽曲以外の⽅法でもあったので、私⾃⾝も⼝伝の⼒を、改めて感じた瞬間でもあった。
そのような形で、できるだけワークショップは寄り添う形にしている。事前情報で、ある１⼈の男の⼦で「⾳楽が⼀番嫌い」と⾔い切っている⼦がいるということで、その⼦を含めた２⼈への⼩規模のワークショップから前後の公演につなげることもあった。その伺った時に、粒状のモノにすごくこだわりのある⼦がいるということで、オーシャンドラムやシェーカーのような、中に粒の⽟が動く楽器とか、それをちょっとずつ⼤きくしたら、その楽器を合わせてみたら、というようなことを、もう１⼈の⼦と⼀緒にやってみると、ほんとに⼀番嫌だと⾔ってた⼦が、１時間ずっと参加してくれた。最終的には、その普通級の⼦たちも⼀緒に、⾳で迎え⼊れるとことも⼀緒にできて、最後まで楽しめた。
アプローチの⽅法は、その時々でいろいろだが、⾳楽を好きになってくれれば本当にうれしい。
⼀緒に過ごした中で、教室を出て帰り道に「ちょっと空が違う⾊に⾒えたな」とか、「今⽇は⾵が気持ちいいな」とか、⾃分の⼼が動いた瞬間を思い出してくれて、そういう⾃分に気付くき
っかけやヒントをシェアする時間になるといいなと思って取り組んでいる。

―― 継続的・長期的な事業は参加者が自分自身で経験を落とし込むことにつながる（野尻）⻑期的に関わることでのホールの変化という部分で、同じ対象の⼦に演劇とダンスと⾳楽を３回、何⽇か置いて連続で実施する取り組みがあった時に、⾳楽が⼀番最後だった。最後なので、⼦どもたちと振り返りもしながら、３つの違いや共通点とか、感想や意⾒をまとめていくと、最後にみんなで導いたのが「全部コミュニケーションだった」とか「全部受け取ることが楽しかった」とか。すごく本質的なところに⼦どもたち⾃⾝で到達できて、それを⾔葉にもできた
ところもあった。単発のアウトリーチだと、感想もたくさん頂けるが、まだ⾔葉にならないと
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か、まだ友達同⼠の中でシェアするところまで⾏き切らなかったところを、時間をかけること
で、深められるのかなと思う。
逆に、同じ地域に⻑期で伺う時に、２回⽬以降に伺うと、その⼟地の⼈々、地域性、⽂化を、
私たち⾃⾝も深く理解できたりするので、それをより反映した内容でアウトリーチも公演もできるのは、とても⼤事なところだと思う。新しい地域に伺って、新しいことをするような時も、出会う楽しさは、お互いにあるけれども、そこでどこまで寄り添えるのかを考えると、２回⽬以降のほうが、⼦どもたちの空気感やテンポ感も分かりながら、強くできるのかなと思っている。あとは、会館同⼠の地域のつながりも作っていくことができるのは、強みだ。今ちょうど岩⼿で、Music Program IWATE 星巡りプロジェクトという企画が今⽇からスタートして、沿岸と内陸のホールと、あとは１団体で、５館と１団体が連携する形でプロデュースさせてもらっている。それのベースも、おんかつで 2011 年に岩⼿の前沢地区に伺う予定が３⽉に震災があり、その後、春から夏にかけて、チャリティーを会館の⽅と⼀緒に回らせていただき、⾸都圏から楽器を持ち込んでプレゼントしながら演奏もして置いて回るみたいなことを⼀緒にしていた。
そのご縁がきっかけで 10 年以上のお付き合いのホールが幾つかある。コロナ禍をきっかけに、
もう１回つながり作りもやってみようと、まずは沿岸からスタートして、内陸チームでも別枠での連携もしていたので、徐々に広がって今が３年⽬となっている。そうすると、普段からち
ょっとした困りごとを相談してくれたり、地域内で共有したり、１つのホールではできないこ
とも、つながると⼒は⼤きくなる。そのようなことがいろいろ波及していくといいと思う。

―― 街歩きから構想した小学校でのプログラムで、小学生の発想力から刺激を受ける（有門）有⾨：⾃分のプログラムの特徴は、今、メインでやっているプログラムは、街歩きがきっかけでできたプログラムだ。元々街歩きのワークショップをやりたいと思っていて、異年齢の交流をやりたかった。おじいちゃんやおばあちゃんと、幼い⼦どもたちが⼀緒になって街を歩くような企
画を、ずっとやりたかった。簡単に説明すると、グループに分かれて、何か気になった写真をシェアしながら撮って、その写真の⾒⽅を変えたり、何かに⾒⽴てたりして、写真から少し違った視点を持つような絵を描いて、それをシェアして「私だけの世界遺産」や「新しい観光地を⾒つけた」と⾔う。それをやることで、⾃分たちだけの宝物が、街を歩いた場所にたくさん
ちりばめられる、というようなプログラムが最初にあった。
それを⼩学校でやってほしいというオーダーが来た。⼦どもたちにはその前の段階で、いろんな写真を⾒せながら、いろんな視点で想像する遊びをした。３時間という時間制限で抽象的な写真にして、最後は１⼈１枚ずつ、５種類ぐらいの写真を配って、次は１⼈で考えて絵を描いて、最後は発表する。発表した時に、もともと５種類しかないのに、30 ⼈の絵が全部違う。
「これって⾯⽩いよね」と。この写真はこの教室で撮ったもので、教室の中にあるから探してみよう、みたいなプログラムに落とし込んだのが僕のプログラムになっている。なので、⼩学校⽤に考えたというよりも、どうやったら街歩きを⼩学校でできるのかが、僕の中の特徴的なところと思っている。
どうしても理解度の差がお⼦さんにあるので、僕の中で「ここまでいきたい」と思いはあるが、いけるとこまでいけたらいい。⾏かなければまずいとか、⾏けたからすごいということではな
く、逆に⾔うと、⾏ければ、どんどん先が作れるプログラムにはしている。できるだけ、⼀番理解度の乏しいお⼦さんに合わせたいと⼼掛けているところではある。
次に、⼦どもたちや教員、ホールの変化や影響だが、先⽣に関しては、響く先⽣もいれば響かない先⽣もいる。それは「やらされている」と思っている先⽣と、好きな先⽣が違うように、
ただ、はまれば転校しても違う学校に⾏ってもまた呼んでくれる、その布教活動がすごかった。
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⼦どもの変化を⽬の当たりにした時に、学校の先⽣ではできないと思った瞬間に、「⼦どもにとって、こういう活動は絶対あるべきだ」という先⽣とどう出会うか。だから回数をやれば、そ
ういう先⽣が時々いらっしゃるので、そういう先⽣を⼤切にしたい。ホールの職員も同じで、何か⾃分の殻が開いた瞬間に出会えるのは、僕もやっていて楽しいと思う。
やはり僕⾃⾝が想像⼒を刺激される。僕が写真を撮っている時にはどう⾒えるかよく分からず撮っているのに、⼦どもたちの発想には⾃分の想像が及ばない敗北感のようなものを感じる。
でも、それが「楽しい、もっとやりたい」とか「もっと出会いたい」という気持ちにつながり、
いい循環になっている。だから逆に⾔うと、循環できるようなプログラムを⼼掛けているところはある。
継続と単発に関しては、特に福祉系で、⾼齢者や引きこもりなど、丁寧に時間かけるべき対象
は、やはり継続したからこそだんだんと⼼の扉を開いてくれる。関係性が密になる。気付いたら喋ってくれて、気付いたら⽬が合うのは、単発では⽬指せないのでそういう効果はあると思う。あとは、僕も今、創造事業で３年間継続する事業をやっているが、そのホールの職員が、１年⽬をやって「だったら、こういうこともできるんですか」とアイデアがホールの側から出てきた時に、「できますよ」、「そういうの、やりましょうよ」というふうに、⼀緒に作っていく関係性が、２年、３年と増えていく。⼀緒に作る楽しさというか、こちらから仕掛けるだけではないのは継続事業の良さだと思う。
印象に残っているエピソードとしては、アウトリーチに参加したお⼦さんが市⺠参加のワークショップや作品作りに参加してくれたのが忘れられない。やはり⼦どもにとってすごくいいき
っかけになっていると感じるし、その作品作りを⼀緒にやることで、本⼈が好きで来ているのでモチベーションが⾼い。でも、そういうお⼦さんほど、学校でお⼦さん同⼠の価値観が、な
かなか合わなかったりとかするので、そういう⼦たちを救う何かが芸術にはあるなと思う。学校でない価値観を、こういう芸術体験を持ってできるっていうのは、先⽣にとっても、すごくいいことなのかなっていうのは感じている。あとは⼀緒の共演者が「実は、⼩学校の時にアウトリーチを受けていました」と⾔われると、「悪い事はできないな」と思う。そういう経験を積み重ねて続けると、気付いたらそういう⼦たちが表現者になっているのを⽬の当たりにすると、うれしいと感じる。

―― 箏は古い楽器だというステレオタイプを解体していく（吉澤）吉澤：僕のプログラムの特徴やスタイルは特に決めておらず、参加対象や環境によってプログラムを変えている。⼀番⼤切にしているのは、⾃分がそれまで勉強し、演奏してきた楽器を、いかに参加される⽅の⽇常⽣活の中で魅⼒的なものとしてアピールするか。例えば、学校の教育現場に⼊ってアウトリーチする時に、僕が部外者だからっていうのも前提にあるが、先⽣は「みんな、静かに聴きなさい」と場を整えてくださるが、あえてそれを⼦どものナチュラルな状態に戻したいので、わざと爆弾を投げ⼊れるような質問を投げかけて収拾がつかなくなってしまう
ようなことをする。でも次に「じゃあこれを演奏してみよう」と⾔って演奏すると、急に静かになって集中して聞いてくれる。⼤きい声で「静かにしなさい」と⾔って集中させるのではな
く、先⽣にとっても、⾳楽の持っている本来の⼒に気づいてほしい。そういうことを教育現場ではやっている。
邦楽は⼝三味線というのがあって、昔は楽譜がなかったので、メロディーなどを⾔葉に置き換
えて記憶していた。その⼝三味線を使って、ボディーパーカッションと組み合わせる。邦楽の歴史や背景を学ぶレクチャー形式よりも、⾃分たちが基本的に使っている要素を、アクティビ
ティーやワークショップの内容に組み⼊れて、今、⽣きている中で共有する⽅法を考えている。
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コロナ禍はなかなかできなかったが、⼦どもたちと⼝三味線を唱えて、そこにボディービート
を組み⼊れて、僕は楽器を演奏して、⼀緒にその場でセッションすることをやっている。単に聞いてもらうのではなく、そこでインタラクティブな時間を作って、静かにじっと聞いてなきゃいけないという状況をわざと壊す。それは、ホールのコンサートのような、アウトリーチよりも⼤きな規模の場所でも、今は積極的に使っている⼿法。その⼿法を他の邦楽家の中にも広めたいと思っている。多くの⼈が演奏して、曲紹介して、楽器紹介するだけの同じ⽅法をずっとやっているので、そうではなくて⾃分たちが専⾨的にやってきたものを、どうすれば今の⼈たちに楽しんでもらったり、魅⼒的だと思ってもらえたりするのかを考えてやっている。⼦どもたちも発⾒することもあると思う。⼤⼈は、割と古いものというイメージを持っているが、⼦どもたちはあまり時代性の先⼊観を持ってない。「あ、箏だ」という⼀⾔で教室に⼊ってくる。
こういう感覚を持ってそのまま⼤⼈になってもらいたいと思っている。それがどこで失われるのか分からないが、どんどん年を追うごとにステレオタイプ的な考えになってしまうのか、その理由は分からない。そういう固定観念を作らないように、どうしたらいいのかと思いながら、⼦どもの変化を⾒ている。

―― 長期的なプログラムをとおして 、子どもたちが楽器を気軽に接するようになる（吉澤）⻑期プログラムで４年間、同じ学校に⾏っているプログラムがある。4 年⽣から担当して毎年やっていて、今、６年⽣の⼦が４年⽣の頃に受けていた。４年間もやっていると、箏という楽器が、最初の頃は先⽣に⾔われて正座でみんな体験しなければという感じで受けているが、わりとピア
ニカやリコーダーと同じ感覚になる。そこは学校に箏があるので、毎年の地域発表会で演奏することを⽬標に約３ヶ⽉間触っていくと、何か箍（たが）みたいなものが⾃然と外れていくのは、⻑期プログラムを通して感じていること。
単発だと、学校の先⽣や、例えばホールで担当しているコーディネーターの⽅とかも、成果を⾔葉にしなければいけない。今⽇、この 1 時間でこうやって、⼦どもたちにこういう反応があったというフィードバックが欲しいという欲求が現われる。でも、たった 45 分のプログラムの中で、もちろん普段から接している親御さんや先⽣に⾒える変化をフィードバックしてくださるが、それは、ほんの⼀瞬の反応であって、本当に⼼の中で起こっていることは、多分なかなか⾒えづらい。それが 10 年後にどうつながるかは、もっと⻑期のことで考えてやらないと、⾒えてこないと思う。
印象に残っているエピソードは、最初に邦楽活性化事業で⾏った時のアウトリーチで、クラスに馴染めない学習障害がある⼦だったのかもしれないが、その⼦がふざけたりした時に教室から出されたことがあった。やっているこちら側と、受け⼊れる（先⽣の）側との間の差とか溝とかを感じたのが、⼀番印象に残っているエピソード。ある意味、アウトリーチに⾏くのは訪問客のような⽴場で、その場によそ⾏きのものを⽤意しなければいけないという気持ちも、⼤⼈にあるのかもしれない。
⼦どもたちも、そういうのを感じて「嫌だな」と反発する⼦も、もちろんいる。こちらの都合でやるのではなくて、⾃分たちがやる⾳楽や、アウトリーチの中で使う⾔葉や、⼦どもたちや参加者の⽅の反応を汲み取って、できるだけそこを埋めるのがアーティストとかの役割だ。

3. 問題点・課題、今後の活動の展望
⼤澤：最後に問題点や課題、今後の活動の展開をお聞きしたい。ホールに対する期待や要望、東京からアーティストを派遣するだけではなく、地域の中でそういう⼈材をどう育てればいいのか。
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それから、こうした活動をするアーティストに求められる資質や経験はどういうものか。今後、必要と思われるような教育や研修の内容など、アイデアやご意⾒があれば、ぜひ聞かせていただきたい。
神⾕：活動現場で直⾯する問題として、スタッフが公務員の⽅だと、短期間で異動されてしまうことがある。だから⼀から作り直さなければいけないことが⼤変だ。何回か⾏って作り上げた演奏
家とスタッフのコミュニケーションが、そこで変わってしまうのが、すごく惜しいと思うことが何度もある。
地域のアーティストの⼈材育成は富⼭でやっていて、数⽇間、数回に分けて、富⼭の出⾝の演
奏家たちの弦楽四重奏が作り上げるアウトリーチでのプログラム作りを⾃分たちで考えさせて、今までの経験からのアドバイスをしている。それが結構、彼らが成⻑しているのを⾒て、うまくいっているのではないかと思う。
アーティストに求められる資質や経験は、やはり、⼈とのコミュニケーションが好きな⼈でなければ、このアウトリーチは難しいと思う。あと、マイクを使えればいいが、声の⼤きさが結構⼤事だ。何⼈かと⼀緒に、あまりアウトリーチの経験がないピアニストと回った時に、すごくいいことを⾔っているのに声が⼩さくて、⼦どもたちにあまり伝わっていなかったのがすごく残念だったことが、何回かあった。声の⼤きさも、意外と重要。
アーティストに必要と思われる教育・研修の内容は、⾃分たちがやはり実践や経験でどんどん育っていったと思うので、同じように、⼦どもたちに向けた活動の前にも、コーディネーター
の⽅やアウトリーチ経験者がアドバイスする機会が何回かあるといいと思う。

―― 今後、ホール同士の連携や他分野のコラボレーションにより多様な視点を提供することに期
待（野尻）野尻：現場での問題点として、学校の打ち合わせがしっかりできてないことがたまにある。そのような状態でスタッフの異動で引き継がれてない時に⾏くと、やはりミスマッチが起きたり、ちょっとしたずれが出てきたりする時がある。短期での評価を急がれる場合や⽂字化しないといけない時も悩ましい。あとは、⾃治体によって、特に市や県の直営館に継続して伺う時に、ホールの⽅は同じ演奏家できて、地域のことも分かっている状態で⼀緒にやりたい場合でも、それが同じ演奏家だと、癒着のような感じで⾔われることもあるというのを、何回か聞いたことがある。その辺は難しいところ。
これからの展望や課題は、コロナ明けだからこそ、⼤変な時、乗り越えた時に⼒を合わせられたら、もっと何かできたという必要性を感じやすい時期だと思っているので、ホール同⼠の連携が⽣まれやすい⼟台作りができたらいいなと思う。これは、演奏家サイドからの働き掛けも必要かもしれない。あとは、おんかつの形⾃体も、2011 年に私⾃⾝もお世話になったおんかつの市町村連携事業があったが、そのような形で、アウトリーチを連携しながら地域の会館が結び付いていくことも復活できたらうれしいと思う。
あと、今⽇も皆さんで集まっている状態だが、分野をまたいでコラボレーションするおんかつの⽀援もできたらと前々から思っている。これは、⼦どもたちにもいろんな意味で多様性にもつながり、さまざまな違う⾓度から⾒てみるきっかけになるのではないかと思う。
アーティストの⼈材育成については、私たちが 2010 年に参加させていただいてから、アウトリ
ーチカフェなどお話を聞いたりする機会がたくさんあり、先輩⽅と具体的な事例を話し、参考にすることがあった。特に、活動に向かう姿勢を受け継いでいかなければいけないと思ったこ
30

とも⼤きかったと思っている。コロナ禍で難しかったところもあると思うが、そのあたりも復活できるといいと思っている。それが、地域の演奏家のほうにも波及していくという意味で、現地で⼀緒にその時間を過ごせなくても、Zoom でも地域のアーティストも参加できるような、間⼝が広がったような拡⼤版ができるといいと思う。
資質については、コミュニケーションと、向き合う鍛錬さやフラットさ。⼦どもたちの前に⽴つので、総合的な⼈間⼒なのかなと思っている。⾳楽を届けるというより「こんな⼈なんだよ」ということを分かってもらうような時間も⼤きいと思う。地域のアーティストと関わる中で、
アーティスト側からは演奏の機会が欲しいという声が多いが、ホールからの声を聞くと、それよりも先にすることの要望もあるという。私⾃⾝も、地域のアーティストとお話しする中で、演奏のスキル以外にも、普段からもう少し幅広い引き出しや、⾳楽以外のことも⽇常⽣活で視野が広がって、いろんな⾒⽅、もう少し広い意味のところをシェアできるような取り組みの話ができると、少しずつ⾊合いが変わってくると思ったことがある。

―― 若手が育つ現場不足、他分野からも学び取る姿勢（有門）有⾨：直⾯する問題点は、演劇のアウトリーチやワークショップのイメージが、いまだに「ライオンになれ」とか「ゾウはどう歩く？」といった様⼦を連想されるようだ。そこから⼊られると、僕らがやっているプログラムは「これ、演劇なんですか？」になる。ホールの⽅も、その説明や伝え⽅が難しい。学校側の先⽣も、やると分かるけれども、やるまでの⼀歩が難しいのが問題点。皆さん、そこで苦慮されている。そこの突破⼝。僕の中では「演劇イコール⽣活」とか「⽣きる」というイメージ。それぐらい広くて⾝近だということを感じてもらえると、うれしいと思う。
地域、⽂化施設に対する期待や要望について、僕は九州でやっているので、どうしてもホールの予算状況によって、アウトリーチに⾏く学校数が限られてくる。だから、学校に⾏くと「当たりました」と⾔われる。「３年ずっと出し続けてやっと当たりました」と聞くと、やはり学校側は望んでいる。けれども、ホールや劇場が要望に対応できないところが問題だ。そういう意
味では、⽂化庁には学校側が申請すれば⾏ける制度はあるけれども、学校側はそこまでリーチできていない。
九州で、⼀回り下の世代などが、何とかワークショップやアウトリーチをやりたい⼈もいるが、まず、現場がないのが地域の問題。結局、アーティストは定年がない仕事がゆえに諸先輩⽅が居座る以上、やりたくても現場が回ってこないので育ちようもない。そこは若い⼦からすごく聞かれる。今までやっていた⽼舗の劇団の代表がやっていて、呼ばれても結局アシスタントですごく安いお⾦で、何歳になってもその⾦額は変わらない。劇団にとっては、それが活動資源になるから必要だけど、育てることにつなげるとなると、劇団頼みではなくて公共施設などが育てるのを意識するのも必要と感じている。僕もいろいろ⾏っていると、育てるのを諦めたというホールも何館かあった。簡単なものではない。僕⾃⾝が思うのは、すごく継続的な、⻑期的な⽀援を視野に⼊れておかないと、育てるには、資質やタイミングもあると思うので、簡単に育つものではないことを分かった上で、継続的に付き合える余裕のあるホールが、九州ではなかなか存在しにくいのが現状。
若い⼦たちには、アーティストを育てるためのファシリテータ養成講座などがあるけれども、悲しいけど単発で終わると本当に意味がない。それを各地で単発でやられているのが現状なので、もどかしい。県外を超えて参加するアーティストもいる。でもそこが続かない。もっと⾔うと、学校にはアーティストを売り込めないというか、そこのハードルはあるので、その関係
性でもかわいそうだと感じている。
31アーティストに必要と思われる教育や研修について、僕⾃⾝が今やっているプログラムは、ク
ラシック⾳楽の中川さんのプログラムや、いろいろと影響を受けている。すごいと思うのと同時に、演劇⼈は卑屈で「演劇は体⼀つなのに、楽器はずるい」と思う。最初の５分間で１曲を弾いた時の、⼦どものあの⽬の⾊が変わる様⼦が悔しくて、今、⼝上という、外郎売（ういろううり）の⼝上を最初の５分やる。それはクラシック⾳楽のアウトリーチを⾒てパクっている
けれど、俳優として１回勝負して、そこで⽬の⾊が変わったらどうなるか実験してみると、意外とその効果はあって、今、それをやっている。そういう具合に、異ジャンルでもいいから、
アーティストがアウトリーチを⾒に⾏く機会はなかなかないので、ジャンルを超えて⾒に⾏く。
あとは、クロストークすることで、今⽇もすごく「たしかに」と思うこと、「そのアイデアもらった」ということがある。そういう刺激する時間をたくさん作ることで、何かたくましいアー
ティストが育つのではないかと感じる。

――アーティストの研修時に芸術・文化外の専門家などから学ぶ必要があるのではないか（吉澤）吉澤：僕は、スタッフの任期が切れてしまって（蓄積が）ゼロになるということは、もちろんあると思うが、ホールによっては、すごく慣れているスタッフが「毎回こういう感じでやっています」というひな型も出してくることがある。それこそ地域創造が作られたと思われる、アウトリーチの概要や教室の配置など。それがかえって「お仕事をした」という気持ちになってしまうホールの⽅が時々いるのが、僕は少し嫌だなと思っている。でもそれは、効率的に業務を引き継いで事項をアーティストに伝えれば、それでアーティストは対応してくれるマニュアルのようなプロセスが成り⽴っているからだと思うが、そこを、もう⼀声欲しいなというのを僕は感じる時がある。もちろん、全く⽩紙になってしまって、まるっきり何を伝えればいいか分からない状況や、アーティストが何を求めているのかも分からない場合もある。でもそれは、アウトリーチをしようと思う⽅たちは、それこそコミュニケーションが素晴らしいので、多分、そこはアーティストの図々しさとコミュニケーション能⼒の⾼さで、⽂句を⾔いながらでも成⽴するようになっていくのではないかと思っている。むしろ、何か業務化されることに引っ掛かる。
それこそ、ホールなどが開催する単発のトレーニングプログラム、育成プログラムは⽅々で出てきているが、邦楽は結構少ない。だから、それをやっている充実感なのか、経験を作ってい
るのか、これが本当に（育成に）つながっているか、僕も有⾨さんのおっしゃるようにもう 1 回
⾒るべきだとは思う。今は検証できないと思うが、後の世代になってどうなったのか。
次世代のアーティストの育成も、僕は、基本的には呼ばれていろんなとこに⾏くことが多く、僕の仕事にとってはありがたいことだが、そこで⽣活している（アーティストの）⽅がこういうことをやってくれるのが、本当は⼀番いいと思っている。どういう研修内容が必要かという話につながるが、「パクリ」をしていいと思う。僕も今までに、それこそ演劇のアウトリーチやワークショップのトレーニングに参加したりして、写真を撮ってきて「これをみんなで想像して」とか、中川さんがなさってるピアノの構造紹介のような感じで、僕も楽器の原⽊を出した
りとか、いろいろやる。そういうアイデアは、もうパクり合っていいと思っている。その中で、もっと⾶び抜けたアイデアが出てきた時に「何かもう⼀声」が出てくると思う。みんなが、このアイデアをやっていて⾯⽩そうだったから、やってみて成果が出た。「これはいいね」と定着してくと思う。さらにそこを⾶び越えるようなアイデアが必要だなと思っている。
有⾨：パクっても⾃分の⾔葉になっていく。
吉澤：そうなんです。絶対に。⾏き当たりばったりでもいいと思っている。例えば、もう ICT が教育現場に普及しているから「プロジェクターを使って⼿元を映してください」でもいいと思うが、32

何か決まり切ったものから、違う視点を持ったものを⽣み出すのが、アウトリーチやワークシ
ョップだと思う。
あとは、その研修の中で、もちろん演劇、邦楽、⻄洋⾳楽、ダンス、そういう他分野の交わり、
お互いのアウトリーチやワークショップを⾒学するのももちろん有効。でも、今、本当に邦楽に必要だと思うのは、もっと遠い分野で⽇本の中で発展している、例えば⾦融、化学、IT、社
会⼼理など、全然違う最先端の分野の⼈たちが関わってもらえるようにするために、こういう研修で、その⽅たちを僕たちがゲストに呼んで、例えば IT の⽅が、こういう業務を普段やっていて、デジタルとアナログを組み合わせるのにはどういう接点があるか。こういうアイデアもあるかもしれないと披露するだけでも、また違うと思う。そこで、アーティストとは全然違う、
⽇常⽣活の⽅たちが結び付いた時に、多分、効果がもっと発揮されると思う。なので、研修の時は芸術や⽂化の分野ではない⽅を呼んでみるのはどうだろうか。そんな感じの⼤⾵呂敷を広げて研修をしたら⾯⽩いと思っている。

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アーティストのグループインタビュー（３回⽬）【出席者】
⽩⽯ 光隆（ピアニスト）
⿇植 理恵⼦（筝曲奏者）
⽥村 ⼀⾏（舞踏⼿・振付家）【進⾏】
吉本 光宏（合同会社⽂化コモンズ研究所）
2023 年 10 ⽉ 2 ⽇（⽉）12：00〜14：00 地域創造会議室35

アーティスト（３回目）
2023 年 10 ⽉ 2 ⽇（⽉）12：00〜14：00＠地域創造会議室
⽩⽯ 光隆（ピアニスト）
⿇植 理恵⼦（筝奏者）⽥村 ⼀⾏（舞踏⼿・振付家）

1．これまでのアウトリーチやワークショップの実績
吉本：アウトリーチについて、いつからどう始まったか、演奏会などの活動との⽐重はどのくらいか、参加対象やプログラムの内容、過去のアウトリーチで印象に残っているものなどを聞かせてほしい。

―― アウトリーチ活動初期に経験した音楽分野以外の人たちとつくる破格なアウトリーチの経験（白石）
⽩⽯：アウトリーチは学校へ⾏くことが最初から定番だった。ただ学校に⾏くにしても、その学校がどういうことを求めているのかはそれぞれ違う。そこで内容を全部変えるわけではなく、８割は揺るがないプログラムがあって、リクエストによって少し変化させる。やっぱり⾃分たちのプログ
ラムは、もちろん今でも柔軟に動かしているが始めて４、５年たった頃に固まった気がする。
そもそも 2001 年に登録期間の終わった段階では、今の「おんかつ⽀援事業」がなかった。2004
年ぐらいに２年⽬からも⽀援したいという話がでてきて、⽀援事業ができて OB 登録制度ができた。⾳楽家は何かがあったら半年で崩れることがあるから、今の⾳を聴かせないと使ってくれても現場で⾳が出なかったら仕⽅がない。それで⾒本市をやろうとなったのが今の地域創造フェス
ティバルに発展していると思う。今の⾳がこれだけ出せるんだということを各⽅⾯の⼈たちやマ
ネジメントの⼈たちにアピールできるということが⼤変ありがたく、フェスティバルに参加させてもらっている。
アウトリーチで⾃分たちが現役だった頃、特に２年⽬の 2001 年度だと全 15 ホールぐらいの７ホールぐらい僕が担当した。１件も⾏けなかったアーティストの友達もいて申し訳なかったと思うが、それぞれのホールが抱えている問題は違っていて、それに対応していくのが⾯⽩くもあり⼤変でもあった。フィリピンの移⺠の⽅が多い静岡県⼤東町に、吉本さんも⼀緒に来ていただいて、⼯場の⾷堂でコンサートをした。⽥中靖⼈君と２⼈でサックスとピアノで⾏った時に、われわれとしても勝ちパターンのプログラム組んでいたが、なかなか盛り上がってくれなかった。しばら
くして休憩時間があったので話に⾏ったら、⽇本語が通じてないことが発覚した。その後トーク
を全部英語にしたら⼤盛り上がりになり、帰してくれなくなった。⾷堂の向かいに５⼈部屋に集合してみんなで暮らしているところで、そのベランダにパジャマ姿でフィリピン⼈が、「I loveyou!」と⾔ってくることもあった。その⼤東町で、⼩学校６年⽣の学校に⾏った時に僕たちが演奏したら、誰が指⽰したわけじゃないのに、１⼈ですごく踊り出した⼦がいた。先⽣も⽌められないほどだった。でもその⼦の、⾳楽を聴いて⾏動に出るという反応がすごく忘れられない。終わってから「良かったよ」ではなくて、演奏中にもう⾏動に出るというあの現象は、なかなか僕らにとっては刺激的だった。
当時はホールの⼈も何をやっていいのか分かっていないので、コーディネーターと話ししながらだとは思うが、いろいろやった。⽥んぼでやったのも登録期間中だった。とにかくおんかつは、
４つのアウトリーチと本公演 1 個がパッケージになっているけれども、４つも要らない、本公演は⽥んぼでの１回でいいというホールが登録されていた。⽥んぼでやったホールは２年後に担当

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者が代わってもう⼀回僕らを呼んだ時には、⽥んぼを越えようという情熱だけで呼んでいるから、
アーティストと⽥舎体験アウトリーチというとんでもないアイデアがあった。突然⼭奥連れてかれて、おばあさんにイモ掘りを教えてもらいギンナンを拾って、そのままホールに持っていって実費で荷造りして事務所に送ったりした。
要するにアーティストの⾔うことをホールの⼈が聞いて「そうだそうだ」という仕事ではなく、ホールの⼈の⾔うことをアーティストが聞いて「はいはい」という現場が⾒たいという話だった。
お客さまと⼭登りをして最後に空港でチェックインの前にロビーでコンサートしたこともある。
これ多分、全部今やるのは NG なこと。破格なアウトリーチが多かったけど、何かが学べたことは事実だった。その⼈たちが多少なりとも例えば吹奏楽部出⾝など⾳楽の経験があったら絶対あり得なかった企画だった。ピアノ業者を呼ばないで、ホールにあったアップライトを男 3 ⼈が軽トラックに載せたり、そういう知らぬが仏の⾏いが逆に⾒られたのが、あの当時の⾯⽩さだった気がする。公共ホール以外では、企業と公共ホールが⼿を結んでやったこともあるし、本当に主婦がやっていることもある。熱い思いの主婦が全国に 80 ⼈ぐらいいて、何とかこの町を明るくしたいという思いで、ご主⼈に内緒で通帳⼀本⾶ばして町のためにお⾦を使って、僕らにギャラを払ってくれた経験もある。そういうことでいろんな形でアウトリーチがある。とにかく学校の先⽣が熱⼼なところもあれば、PTA が本当に熱⼼なところもあれば、寺の住職が熱⼼だったり、
本当にいろんな⼈が⼀⼈で旗を揚げているところも結構ある。
吉本：そういうところの⽅は、事務所に連絡があるのか、それとも⽩⽯さんに。
⽩⽯：事務所にくることもあるし、僕に直接来ることもある。話し合って、⾏って弾くだけだったら簡単だが、いろんなことが⾯倒くさそうだとなったら事務所に投げる。
吉本：⽩⽯さんの演奏家、ピアニストっていうのは実際の活動を 100％ぐらいだとすると、アウトリー
チはどれぐらいか。半分ぐらいはあるのか。
⽩⽯：いや、１割も⾏かないと思う。何⽇か続けてやったりするので、⽇数的にはひょっとしたら多いと思うが、アウトリーチっていうカテゴリーとしては１割ぐらい。

―― 真剣に話をしに来た人として生徒と出会うことで見られる生徒の新たな一面（麻植）
⿇植：いつからどこでアウトリーチを始めたかというのは、⺟のアシスタントで、今、⺟は福井⼤学の教育学部で⾳楽の授業をする時に、先⽣たちがお箏の実習もして、邦楽の知識を持って卒業しな
いといけないので、その講義を担当している。市の教育委員とかやってもいる。⺟は昔から⼦どもたちにすごく情熱を向けている⼈だったので、ワークショップという感じで最初は学校に⼊っていることも多かったし、地域ともすごく密接に関わりたい⼈だったので、⾃治体や⽂化振興事
業団、NPO など、いろんなところでアウトリーチはしていた。アウトリーチという⾔葉も当時はなかった。
「⾏きます、楽器は持っていきます、体験できます、このお箏だったら弾いてもいいですよ」ぐらいの感じで⾏っていたのが最初だった。
私個⼈では、今は統合されたが、滋賀県の⽶原に滋賀県⽂化振興事業団のファーストリサイタル
オーディション（初めてリサイタルをする若⼿のオーディションで、それに合格するとリサイタ
ルを開いてもらえるオーディション）に、なかなかないが邦楽も⼊れてくれて、そこに応募して合格したのが演奏家としての活動のスタートだった。たまたまファーストリサイタルオーディシ
ョンの担当者が⺟校に教えに⾏く企画を考えてくれて、それが１⼈でアウトリーチをする最初の体験だった。多分 2018 年ぐらい。
その翌年から滋賀県次世代⽂化振興事業で、県内の⼩中学校の希望を募って演奏家を派遣すると37いう取り組みをされて、そこに⼊ったのが 1 ⼈でワークショップやアウトリーチをたくさんするきっかけになった。当時まだ 20 代で、「こんなに若い⼦が⼀⼈で来て何ができるのか」みたいな顔をした先⽣もいた。でも、⼀⽣懸命やって、私は教育学部に⾏っていたので、先⽣たちの年間指導計画や授業の達成⽬標とか、どういう時間配分で和楽器の授業をしようとされているかが同じ⽴場でお話しできたので、現場に溶け込むという意味ではすごく⼤きかった。滋賀県⽂化振興事業団のアウトリーチは、担当者とアーティストが必ず現場に⾏って、３者の打ち合わせを組み込んでくれていた。それがやっぱり⼀番⼤きかった。⺟も対話をしていたのを⾒て肌で感じていたので、やはり⼈と⼈とがつながらないと、誰にプログラムを届けるか実現できないことが分かっていたので、その打ち合わせを⼀⽣懸命したのは、私の出発のラッキーなところだったと思う。
活動としては、事業団と、私が教育学部に⾏っていたので学校の先⽣をしている友⼈から依頼があったりする。滋賀県の先⽣たちは滋賀⼤学の教育学部の先⽣が多いので、私が滋賀⼤教育学部の卒業だと⾔えば、校⻑先⽣から、例えば道徳の授業に指導講師で来てくれないかというようなこともある。やはり学校が多かったが、地域にも⾏っていたので、そこに⾏くと逆に孫のようにかわいがってもらったり、⼦どものようによくしてもらったり、学校だと近い将来のイメージ像のような、20 代は近い⼤⼈で距離は近かったので、体当たり的な感じでやっていけた。
活動の頻度でいうと、アウトリーチが主ではなかったが、学校の時期は１⽉、２⽉に固まるから、何年かその時期に「今⽉は学校しか⾏っていない」というような時はあった。多分、登録アーテ
ィストが増えて、いろんな分野の⽅がいて、アーティスト派遣の紹介冊⼦ができる頃には分散して少し楽にはなった。ちょうど学習指導要領に和楽器が記載された辺りの年で、タイミングも良く、先⽣も困っていたので、この時期は集中してやっていた。今は私⾃⾝、夫が単⾝赴任で、京都で⼦どもと２⼈で住んでいる。毎⽇⼤変で、できることを精いっぱいやるという感じ。アウト
リーチは継続的に声をかけていただいたり、私がこういうことやっていることが浸透してきたのか、コンスタントに毎年声をかけてくださるところがある。割合は結構半々ぐらいのところまで上がってきている感じ。演奏活動ももう少ししたいと思って、去年は⾃分で主催公演もした。ア
ウトリーチに⾏く時に、⾳楽を⼈⽣の中の⼤きな割合を使って現役でやっている⼈が⾏くこと⾃体にも意味があるのではないかと思っていて、だからしんどくても両⽴して⾏こうと思っている。
⽇頃の⾃分の演奏に対して⾃分のチャレンジをしている⼈が学校にアウトリーチに⾏く状況にしていこうとしている。
私は学校からスタートし、教育学部出⾝ということ、現場に⾏っている友⼈が多いので、参加対象は⼩学⽣や中学年ぐらいが⼀番多い。今、⼩学校 4 年⽣の教科書で楽器を弾いてみようというのが実際⼊ったので、特に実習のニーズは⾼まってきた感じがある。多分クラシックや舞踏とは違うところがあると思うが、依頼してくれる⽅は⼤きく分けて２パターンで、すごく情熱を持っていて「私の計画に対して実現するのに何ができるか」と、情熱がグッと来るタイプの⽅と、「本
当に分からないので助けてほしい、1 時間で何とかしてほしい」みたいなタイプの⽅が２つある。
それもよく話を聞けば、先⽣たちはとても忙しい中で、外からアーティストを呼ぼうと思うと、いろんな書類を出さないといけない。学校の予算がなく助成⾦をもらおうとすると、またそれが何⽉何⽇までに予定を出して、メンバーの分も含めて交通費は何回分、どこに住んでいるか、１年前ぐらいから動かないと実際には間に合わなかったりする。そこまで苦労して呼んでくれる先
⽣なので、「何とかしてください」と⾔いつつ、1 年間を通したら、和楽器の 1〜2 時間をつくるためにやっている労⼒とか情熱を考えると、絶対に何か思いがある。だから本当は⼦どもたちに⽣の演奏をどうしても近くで聴かせてあげたかったという純粋な気持ちから、「私ではどうしても 3 本の指でお箏を弾くことができない、⼿法のビデオ⾒たけど分からない」というような思いなどいろいろあって、そこを吸い上げていくのが８割固まった後の２割の⼤事なところと思いな38

がらやっている。
代表的な事例は、「さくらリレー⿇植⽅式」というのを考案してやっていて、最初のスタートは、
アウトリーチに⾏った学校の先⽣がリコーダーで「リレー奏」というのを⼦どもたちがしているのを教えてくれたのがきっかけ。今は学校に箏の⾯数もそろってきたので、たくさん持っている学校もあったり、周りの学区のお箏を集めて、時期をずらしてそのお箏を全部回しながら地域でやるとか、そういう⼯夫も⽣まれてきている。昔だと楽器の数が少なくて、代表者 1 名か 2 名しか弾けない学校もあり、⼦どもたちの学びに本当に効果的なのかと思ったりしていた。珍しい楽器だから、みんなに触らせてあげたいというのがあったので、学校の教材にもなって全員弾けて、しかも「さくらリレー」はチームでやるので、クラスの仲間意識や達成感とか、そういうことも全部含めてできるのでよく使っている。
究極的に⾔うと、別にお箏ではなくても、⼦どもたちが何かを受け取る、つかんでくれる経験をしてほしいと思っている。やはり⾏くとすごく⽬がキラキラしているし、40 ⼈でも 100 ⼈でも⼀対⼀でぶつかっていると、無⾔でもやりとりみたいなのが⽣まれている。私はお箏を弾いているから、もちろん聴いてくれて、良かった、私もお箏したい、プロになりたいといったことを思ってくれたら、それはそれで素晴らしいけど、別にお箏じゃなくてもいい。何を頑張っているの？
と⾔うとブラスバンドを頑張っている、サッカーを頑張っているとか。例えば、お話しをしている時に、窓の外を⾒ていた男の⼦がいた。たまたまその⼦と最後に⽬が合って、その⼦は話を聞いていなかったからとても気まずそうな顔して。
「どうしたん？」と⾔ったら、⾶⾏機が⾶んでいた、⾃衛隊の何とかという機種だというから、「⾶⾏機が好きなんや」と⾔ったら、終了後のメッセージで、「先⽣、あの時は話を聞いてなくてごめんなさい先⽣が何でも続けていたら⼒になる
し、何でもいいから頑張れと⾔ってくれたので、頑張ります」みたいなこと書いてくれた。それがまた教育学部の同期の友⼈の勤める学校で、後々聞いたら、「あの⼦はそんな素直に謝れるよ
うなタイプの⼦じゃない」と教えてくれた。だから何かを受け取ってくれたんだなと思った。真
剣に「あなたに話に来たよ、あなたと会いに来たよ」という⼈が外から来た時に感じることが、それも、呼んできてくれた⼈、⾏く⼈、⼀緒にいる⼈が全部⼀致していたら伝わることがあると思っている。

―― 対象はさまざま、ニーズや時代に合わせて自分の武器を活かしたプログラム作りを楽しむ（田村）
⽥村：アウトリーチという⾔葉をしっかり認識したのは地域創造の登録アーティストになってからで、それまではワークショップの⼀つとして捉えていた。他の団体に出向いて⾏くのがアウトリーチ
で、どこかで⼈に集まってもらって⾏うのがワークショップだとすると、地域創造に関わる前は、
パフォーマンスコースのある⾼校や⼤学のクラブなどに教えに⾏くことはあった。あとは、シル
ク・ドゥ・ソレイユに知り合いのクラウンがいて、３作品くらいの出演者にワークショップをしたこともある。そういうのもアウトリーチと呼べるかもしれない。あとは、フランスのコンセル
ヴァトワールや、神奈川県の予防医学協会など、アウトリーチと意識しないでアウトリーチをしている時期が⻑くあった。
地域創造の「公共ホール現代ダンス活性化事業」の登録アーティストになってからは、ダン活だ
けでなく、関わっているコーディネーターの⽅たちがそれぞれに活動の場をいっぱい持っていた
りして、そこから派⽣していく感じでアウトリーチのお仕事がかなり増えた。対象は本当に様々で、50 年代に舞踏が⽣まれた頃の⽅々からすると、舞踏家が教育機関に⾏って「表現とは、芸術とは」と⾔っているのは、「時代も変わったな」と感じられるんじゃないかと思う。
⼤駱駝艦は 2023 年に創⽴ 51 年⽬となり、僕⾃⾝は在籍 26 年くらいになる。実際世の中はその39

間にいろいろなことが変化してきた。踊りや⾝体は、時代・⽂化・環境などの価値観にとても影響を受ける部分が多いと思う。だからこそ影響を受けない部分が明確になるということもあるのだが。麿さんの踊りの考え⽅もこの間に少しずつかわってきたのだと思う。最初は「裸になってゴロゴロ転がっていれば⾯⽩いだろう」というようなことから始めたと聞いたこともある。そのように漠然と始まった⾯⽩さがだんだんと明確になり、⾔語化されて弟⼦に伝えられるようになった。僕が⼊った頃は⼤駱駝艦の踊りの重要なメソッドである３本柱の考えなどがハッキリとしていて、もちろん難しいけれども、分かりやすく⼤駱駝艦の踊りを学び始めることができた。とにかく僕はそういう麿さんの“考え”をたくさんメモして貯めていて、それが教える段階になってものすごい財産となっている。麿さんの⾔葉を借りることで、僕みたいな若造も「何を偉そうに」とならずワークショップをすることができるし、麿さんの⾔葉は分かりやすく、想像⼒を湧き⽴たせるような⾔葉ばかりなので、授業を受ける⼈たちにも刺激となっている。
例えばアウトリーチならその時の対象、⼈数、メニュー、時間配分、終わった後の反省点などを必ず 1 枚でシートにまとめている。かなり昔から残しているので今は相当の量になっているが、そうすることで、⾃分は何をやりたくて、何を伝えたいのかということが明確になっている。
アウトリーチ先は、幼稚園、保育園、⼩中⾼、⼤学、特別⽀援学級や特別⽀援学校、留学⽣やフリースクールなど様々で、学校関係以外でも、思い出しきれないくらいいろんなところに⾏った。
「初めて⾏くところに⾏ってほしい」ということで、ラジオ局のディスクジョッキーや、信⽤⾦庫の銀⾏員、⺠俗芸能の⼦どもたちとか、普段あまり関わらない⽅を対象だけにしたプログラムを組んでいただいたこともあったし、他にも鉄⼯所の⼯員さんとか、いろんな時がある。そういう場合、どういうプログラムを組むかを考えるのは、こちらとして⾯⽩い。
他にも、例えば「同じ財団だけどあまり交流がないので、新⼈の研修として何かやってほしい」という依頼で、劇場と埋蔵⽂化財センターとの合同ワークショップをしたりもした。その時は、皆で発掘現場に⾏って、最初の 1 時間は全員で発掘作業をさせてもらい、閉館後の埋蔵⽂化財センターにその発掘したものを散りばめて、施設内の電気を暗くしてもらって、薄暗い中を昔の⼈間たちがさまよっているような気分で歩いたり、気になるところで⽴ち⽌まって吸い込まれていったり、いろいろなことを皆で試した。その都度、アウトリーチを企画する⽅たちがいろんなア
イデアを出してくるので、極⼒それに沿いながら、⾃分の⼿法で何ができるかということを考えている。
あとコロナで Zoom が普及して、Zoom でのアウトリーチやワークショップが始まったというのも⼀つ⼤きな変化だった。宮崎県の都城市が Zoom を使おうというのがものすごく早くて、コロ
ナ禍が始まった年の５⽉、６⽉にはもう Zoom でのアウトリーチを実施した。１回⽬が幼稚園だった。幼稚園で映像ってどうなるかなとか思いながら、⼯夫するのが⾯⽩かった。映像がつくと⾵船が画⾯いっぱいにあって、僕が下からスーッと顔を出して、「こんにちは。皆の息でこの⾵船を⾶ばしてみて」と⾔うと、皆フーッ、フーッて吹いてくれて、そうすると⾵船が⼀個ずつ⾶んでいく。すると中から⽩塗りした⼈間の顔が出てきて、向こうで皆が「ギャーッ、お化けだー」って叫んだりして。
「⼤丈夫だよ。誰か顔を引っ張ってみて。
」と⾔うと、カメラの向こうで誰かが⽷を引っ張るような動きをしてくれる。それに合わせて⽩塗りの顔が引っ張られたりして動く。
するとまた皆が「ギャー」って叫んで逃げ出してしまうので、「⾒えるところに戻ってきてー！」とこっちも叫んだり。Zoom ならではの番組というか、昔、⾃分も⼦ども番組を⾒ていて向こうとこっちってつながっていると信じていたので、そういう感じで向こうとこっちでつながるようなワークショップを考えてみたりした。対⾯が良いというのは当然だけど、その時は“映像だからできること”、“映像だから⾯⽩いこと”をあれこれ考えた。コロナは落ち着いたけど、遠い場所な
ど、Zoom での実施を全て無くす必要もないのではないかと思うこともある。

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Zoom で⾯⽩かったことを挙げるとしたら、僕はついつい話がどんどんと脱線していってしまう
ところがあるのだが、Zoom だと向こうの反応が直後的でないせいか、逆にあまり脱線せずに授業を進められたりして、普段はそこまで話す時間がないような深いところまで話せることもあった。他には、⼤学の Zoom の講義で、化粧していないとか、他にもいろいろな理由でほとんどの学⽣が顔を出さないでいたことがあって、僕がいろいろしゃべった後に「じゃあ今から顔のワー
クショップをやりたいので顔を出してください」と⾔うと、横で先⽣が「それは強制できないですね」と⾔うので、「じゃあいいです」とほとんど真っ暗の画⾯を⾒ながら表情のワークショップ
をやったこともあった。それも時代が⽣み出したものだし、それはそれで⾯⽩い。“顔を出さない”という表現がそこにあって、こちらは何もない暗闇に学⽣さんたちの顔を想像する。そういったように、普遍的な部分は変わらないとしても、プログラムも時代に沿って少しずつ変わっていくのかなと思う。
⽐重というのは難しいところで、きちんとした公演となると、どうしても 1 カ⽉くらいの稽古期間があってそれからの公演となるので、年間に７、８作品も踊れば結構多いほうだと思う。なので、そう考えるとアウトリーチの⽐重は多いのかもしれない。例えば市⺠参加型の作品だと、ワークショップを 10 回とか、12 回とかやって、その先に作品発表となるから、どこまでがワークショップでどこからが作品のための稽古かと線引きすることは難しい。ただ、⾃分の中ではワークショップやアウトリーチをやることと舞台で踊ることにあまり差を感じていない。ワークショ
ップやアウトリーチでは⽩塗りもしていないし照明も浴びていないけども、⽥村⼀⾏という⼈間が、踊りを使って何らかの表現をしていることに変わりはない。⽅法が違うだけでそこに⽭盾は感じていない。

2．アウトリーチやワークショップの効果・成果
吉本：アウトリーチやワークショップでの⼦どもたちや教員の変化、ご⾃⾝の表現活動にどのような影響があるのか。それと単発で⾏うケースと、同じ参加者に何回も連続して⾏うケースの差。今までご⾃⾝でやられたアウトリーチとかで印象に残るエピソードがあれば聞かせてほしい。

―― 言葉にして教えることでその言葉が全て自分に返ってくる（田村）⽥村：まず⾃分の表現活動への影響は間違いなくある。教えること、しゃべっていることが、⾃分にそのまま返ってくる。例えばよく授業で「⾃分の意思で動くのではなく、何かに動かされる」と⾔うのだけど、これは⾔葉の意味としては⼀瞬で分かることだけど、⾝体で本当にそれをやることはとても難しい。今でも「⾃分も本当にできているのか」と思うくらいだが、⼦どもたちや、いろんなところに⾏くたびにしゃべっていると、⾃分に向かって⾔い聞かせているようになる。
「⼒を抜いて」とか、「踊るんじゃなくて踊らされる」、「表現するんじゃなくて表現をさせられる」とか、教えることで⾔語化されて分かること、教えることで気付くことはたくさんある。なのでアウトリーチが増えてから、間違いなく⾃分の踊り⽅や⽴ち⽅、⾝体への接し⽅は変わってきたと感じている。

―― 「時間かけるからこそ生まれるものっていうのはもう間違いなくある」（田村）⻑期間という点で印象に残っているエピソードでは、例えば特別⽀援学級に 12 コマくらい⾏って、最後に作品を発表するという企画で、何をやっても「俺のことはいいんだよ」みたいな⽣徒さんがいたのだけど、授業を何回も⾏うと、当然少しずつ⾔葉が届きだして、距離を縮めていくことができる。どういうことだったら踊るのかということを時間をかけて探ることができて、その時は「ひょっとして他の⼦と⼀緒のことをするのが嫌なのかな？」とか「僕らと同じ振りだっ41

たらやるのかな？」ということが何となく分かってきた。
「俺と２⼈でちょっと踊ろうよ」とか、
⼤駱駝艦の他のメンバーも⼊れて「３⼈で踊っちゃおう」とか提案してみると、「やってみる」と参加するようになってくれて、最終的には⽩塗りしたその⼦が本番前に「お前らやるぞ！」って、緞帳の中で皆に声をかけていて、その時は流⽯にグッときた。もちろん無理やり踊らそうとした
り、しつこすぎたら嫌だったと思うし、「じゃあやらなくて良いよ」と許容していたら、何の経験値も渡せなかったことになる。⼀⽇だけの爆発的な出会いを演出することもできるが、丁寧に積み上げる時間というのは確実に意味がある。授業内容も⽅向を修正していくことができるし、皆には何ができて何が良いかということを深く考えることができる。
例えば 50 ⼈くらいの⽣徒さんに対してこちらが 2 ⼈くらいしかいないと、フォローしたくてもしきれない。アウトリーチではどうしても最初は⼊れない⼦がいたり、隅っこでただ黙って⾒ている⼦がいたりもする。ダンスの授業で前に出て来て元気にワーッとやれる⼦はもちろんそれはそれでいいけど、教室の隅っこでモヤモヤしている⼦にこそ、僕はアウトリーチでの体験を⼤切にしてほしいと考えている。1 回⽬より 2 回⽬のほうが当然⼼を開いてくれるし、⼀緒に給⾷を⾷べたらもっと⼼を開いてくれる。時間をかけてコミュニケーションを取れることはとても良いことだと思う。
こういうふうに同じ⽣徒さんと⻑い時間を過ごすということもあれば、事業として継続しているものもある。例えば留学⽣を対象に毎年アウトリーチをするとか、⽣徒さんは変わるが同じ⼤学に⾏くとか、⾏く学校は変わるけど同じ⾃治体の事業だとか。その場合は今年は何とか⼩学校の何年⽣を対象にしたけど、次は何何⼩学校の特別⽀援学級に⾏きましょうとか、同じ市内の中で対象が変わっていく。継続することで、その地区のいろいろな⼈に踊りを体験してもらうことができる。1 回きりのアウトリーチだからこそ与えられるインパクトもあると思うけど、僕はでき
れば時間をかけたいと思うほうだ。最初は「誰だ？」と思われても、その次はもう少し歩み寄れる。そういう時間の積み重ねが育むものは確実にあると感じている。
吉本：⽥村さん⼀⼈で⾏くのではなく、⼤駱駝艦の他のダンサーと何⼈かで⾏く機会も結構あるのか。
⽥村：結構ある。1 ⼈で⾏くほうが少ない。⼤体 2、3 ⼈で⾏くようにしている。あと、例えば⼥⼦⽣徒が多いという時などは、なるべく⼥性のアシスタントを連れていって、⼥⼦⽣徒には⼥性ダンサーが対応するなどの配慮はしている。アシスタントには⾒本をやってもらったりする他にも、苦⼿そうな⼦にそっと声をかけてもらったり、分かりにくい⼦をケアしてもらったりする。だから普段の授業ではだいたい２、３⼈で⾏き、市⺠参加作品になると、アシスタントも 3 ⼈とか 4 ⼈
で⾏っている。

―― １コマの授業時間に先生の求めることと自分が伝えたいことを盛り込む工夫を（麻植）⿇植：プログラムの特徴は、私の場合は学校が多いので、年間指導計画と指導案を頭に置きながら組み⽴てて、「何分までにこれをして、これをここで伝えて、ここのこの時間の⽬的はこれで、まとめとしてこれを気付いて帰ってもらう」と、そういう流れの⼀つのコマを考えてプログラムを作っている。学校の先⽣が学習指導要領の中で達成⽬標まで希望されれば、それをやる。打ち合わせの時に「先⽣、年間で和楽器の授業って何コマありますか」「この前後の授業でどういうつながりを狙っていますか」「この１時間の中で和楽器の授業で⽣徒に気付いてほしいこと何ですか」ということは聞いて、最低限、それはする。さらにそこから私は、先⽣がこの年間を通じて「創作を⼦どもたちに絶対させたい」と思っているとなったら、「お箏は創作にすごく向いていますよ」
とか、アウトリーチ先では「ずっとわらべ歌を聞かせる取り組みを続けている」となったら、わらべ歌のプログラムは⼊れるとか、「絶対⾳楽の終わりの時間にはプリントに感想を書かすのがルーティンです」となったらその時間を取るとか、「絶対⼦どもたちに質問、気付いたことその場

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で質問させてあげたいんです」となったらその時間を⼊れるようにするとか、そういう⼯夫をする。
それができることに加えて、この地域創造で「８割揺るがないプログラムがある」というのを私はここで勉強させてもらった。最初に参加した全体研修会の時に、何でお箏をやっているのか、何が好きで、何が⼤事で演奏活動しているかというところから、3 ⼈のチームのテーマみたいなのをスタートしたから、その時までお箏は本当ずっと横にあって、そこまで深く考えていなかったことを考えるきっかけになった。お箏が最初にやった楽器だけど、それこそクラシックも同じだと思うが、名演奏の録⾳は死ぬほど残っていたり、邦楽は⽇本が⼀番トップなので、今の⼤師匠の先⽣たちがその辺にいて、どれだけやっても追いつけず、思っている⾳に到達できないとこ
ろが私にとってチャレンジの楽器だと気づいた。それでもくじけず、離れずにやってきたのは、
17 絃の⾳⾊はお箏よりもすごく倍⾳が豊かで、⾃分にとっては癒やしというか、どんなメンタルの時でもあっても⼤丈夫な楽器。だから私は響きが⼤好きでやっているということと、プログラ
ムを練る中でやっている中で気付いたこととして、本番前に調弦している時がすごく好きだということ。ピアノは調律師さんとの相性があると聞くが、⾃分で調弦できるお箏は、⾃分の感覚に
ピタッと来るところをつくれる。ただ弾いている間にやっぱ伸びてきて気温などの条件があるので、締まったり伸びたりして変わってくるけど、「さあこの⾳で弾くぞ」という本番前の、最後の調弦の瞬間が⼀番好きだと気付いて、それが⾃分の表現活動の影響になっていると思う。
最初に話した年間指導計画や指導案というのも、やはり私が若造なので、先⽣たちとどうやって⽬的を⼀緒に共有するか、どうすれば⼀緒に達成できるか、私も教育学部の経験もあり共通⾔語だった。⼀昨年の地域創造の時は、普通に指導案という形じゃなくて、時間と何をするか進⾏表を全部書き出して、MC も⼊れながら全部台本を作って共有した。それが必要なのは、お箏は 13
本しか弦がないから曲ごとに変えないと連続して使えないことが影響している。楽器を⼊れ替えるか調弦するか、その間をどのようにうまく効果的に使うかもアウトリーチの中ではすごく⼤事で、例えばこれが集中⼒が切れるタイミングになるとすごくもったいない。でも調弦は、お箏の特性、魅⼒でもある。例えば「これを調弦っていうんだよ」と⾔いながら変えたら、それはそれで⼀つの気付きやメッセージに使えるわけで、たった 10 秒、20 秒のタイミングや⼀⾔で全然変わる。その⼤事さは、⾃分の経験と、コーディネーターの皆さんの全然違うプロフェッショナルの⽅がいてくださるので、違う視点から指摘をくれることで気づく。
⼦どもたちの変化でいうと、積極性が変わると思う。最初に⾏って「こんにちは」と⾔ったのと、「バイバイ」という時は⼼の近さみたいなのは全く変わっている。教員の⽅も、⼼の中で予想していなかった⼦が主体性を持っていくとか、「じゃあ次こうしよう、こうしたらできたんだ」とか、例えば休み時間に「このお箏を出しておいたら⼦ども弾きに来るかもしれない」というように、⾃分が次に何かしてやれるかという視点になってくれる時があると思う。
ホールの職員でいうと、邦楽器には慣れていない職員も多いので、例えば「このスケジュールだ
ったらお箏屋さんを⼊れてほしい」とか、「5 階の教室はエレベーターがないと厳しいから何⼈ス
タッフの⽅お⼿伝いしてほしい」とか、「この学校と学校の移動時間が 10 分なのは分かるが、あいだが 1 時間だとしんどい」とか、こちらからの要望がまるでわがままのように受け取られるかもしれないが、そういうのも⼀緒にやると分かってくれる。何を苦労しているのか、やはり⼀回⼀緒に動くだけで、例えばリハーサルや練習の⽇に⼀緒に動くだけで変わる。例えばホールの⽅がチェンバロの経験があれば、⼤体チェンバロのような感じで、持って⼊って調律して、本番前に調律して⽚付けてから帰るというサイクルを共有できる。同じ場所ではピアノの調律とお箏の調律の時間はずらしてもらわないとできないということなども⼀回やったら分かるので、不要な衝突は⼀回⼀緒に動くだけでも全然変わると思う。それは Zoom だと難しかった。やはり Zoom

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では伝えにくいことが会ってちゃんとコミュニケーションを取ったらどんなことで困っているか、肌感覚、温度感が伝わって、じゃあ⼀緒にやろうとなるので、Zoom のいいところと難しい
ところはコロナ禍にすごく感じた。
短期、⻑期の場合の差については、箏の場合は学校に指導要領に⼊ったことで、ありがたいことでもあるが、逆に１コマでも⼊れたらいいので単発のほうが多くて、引き算で何を⼊れるかを考えることが多い。先⽣たちも１コマで完結させたいので、楽器の紹介で箏の歴史や構造も説明をしてほしいと⾔われると、分量がどうしても取られる。加えて体験もさせたいとなると、それこ
そ「⾃分はこれをしに来た」という揺るがないプログラムが必要になってくる。先ほども申し上
げた、「今⽣きている⼈が⼀⽣懸命やっていることをしに来た」という凄みのような、⽣⾝同⼠の出会いがやはり重要なので、私はこういうことを⼦どもたちに伝えたいし、気付いてほしい。私はここがお箏の素晴らしいところだと思っていることを⾔わないと、ピアノもお箏も素晴らしい
伝統と⻑い歴史があるので、そんなことをしゃべっていたら 1 コマじゃ全然⾜りない。何かをもって出さないとその⼈が⾏く意味、そこで出会う意味、⼀緒の空間にいる意味が全くなくなってしまう。それを意識しながら、向こうも思いを持ってきてくれているので、もし厳しい態度や⾔葉が話し合いの中で最初の時にあっても、情熱や熱⼼さの裏返しだと思って、そこを超えると「⼀緒に」というところにいける。それに気付いてからは楽になった。
だから 1 回という場合が多いので、学校の中だと例えば「さくら」なら、歌でもリコーダーでもやっているので、先⽣に前の時間に「『さくら』を思い出させておいてくれませんか？」と⾔っておくと、リコーダーでもやった導⼊を授業と関連してやってもらうことができる。あとは、アオ
バナ探検隊の学習の中に語りと邦楽器で⾳楽物語があって、授業に演奏に⾏った時に「来年お箏の授業で来る」と⾔って帰る。そしたら楽器も演者も知っていて、⽖を⾒せながら「次これ付けてやる」と⾔って帰ると、次に来たときに再会するところから始められる。どうしても 1 コマの中で⼊れてほしいものが多いので、２コマあったら発展させた内容ができる。だから義務教育なら９年間あるので、その中で何年か⾏けたらありがたいとは思っている。
印象に残っているエピソードは、雪深い所でやった時に、参加者がとても静かでピクリとも動かなく、本当に聞いてくれているのか⼼配になりながら、でも⼀⽣懸命やって進めていて、いざワ
ークショップ、体験の時間になったら、⾔ったこと全部覚えて⾃分たちでどんどんやってくれた
ことがあった。だから、分かりやすいコミュニケーションだけがアウトリーチのやりとりじゃな
いということに気付いた。あとは、「さくらリレー」をしている時に移動が必要で、⼊れ替わる交代が必要な時に、⾜に装具を着けた⼦がいて、先⽣に⼊れ替わりの配慮が必要か聞いたら、その⼦は普段から友達同⼠でやっているし、普段の授業も体育の授業も普通にしているので何もしていないと⾔われた。⽬に⾒えて分かりやすいちがいがある⼦に分かりやすい配慮をするということは、絶対的にいいことだとは⾔えないとは思った。それが学校に⾏く時に気を付けないといけないことの⼀つだと。教育の場なので、先⽣たちがその⼦たちをどうやって育てているか、その中に⼊ってやるので、そういう配慮は必要だなと思う。

―― ピアノのアウトリーチを通して芸術が人々のしかるべき行動、言動、発想ってものを導いてくれる手段だと伝えていきたい（白石）⽩⽯：⼦どもたちはアウトリーチに関しては何らかの変化を必ず起こしてくれていると信じているし、先ほど⽥村さんがいったみたいに、うつ病だった⼦やふてくされていた⼦がこちらを向いたという話は⼭ほどある。ホール職員にとっては、アウトリーチは⾏って⽬の前で初めて形になるから、上に「多分⼤丈夫だと思う」というところから始まって、アウトリーチを重ねていくうちにいい意味でふてぶてしくなり、「もちろん⼤丈夫」と⾔えるようになることが⼤きな変化。

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⾃分のアウトリーチプログラムは、ピアノという⼿段で⾏っているのだが、やはり⽂化や芸術と⾝近に暮らしていくことが、⼤きな話をすると⼈間の⼀部の細胞なので、これがなければ⼈間ではないと思っている。それが親しめたり、何かに⼿を出せたり、誰かとこの話で盛り上がったりということが⼈間の細胞の⼀つであることが教えられると、芸術が⼈々にしかるべき⾏動、⾔動、
発想を導いてくれる唯⼀の⼿段じゃないかと思い、必ず伝えるようにしている。アウトリーチの現場では、それがスペシャルなものになるために、まず何かによって⼀つになること。
ピアノの歴史は 300 年ぐらいある中で、ピアノの存在がどう変わってきたかを考えた時に、やはりバロック⾳楽、バッハなどの時代の⾳楽は、⽅向が神さまに向いている。モーツァルト、ベー
トーヴェンの時は社会に向いて、それからロマン派では個⼈に向いている。20 世紀は科学に向いている。そういう時にピアノは必ず真ん中にあって、それを全部表現してきたことを、ピアノを通して伝えようかなと思う。なので、⼤体モーツァルト、ベートーヴェンといった古典の形の美
しい曲、ピアノは近代化の象徴として⼈間が作ったすごい機械なので、この構造が⽣きる曲。それと今の⾳楽と融合した、今の⾔葉が乗る曲を混ぜながらプログラムを組もうと思う。あまり他の⼈には勧めないけれども、調律師の息⼦だったので、⽬の前でピアノを解体する。これをやると理系の頭の男の⼦は絶対離れない。
いわゆる「芸術」を、贅沢品や癒やしという部分よりも、⼈間の中に必ずなければいけないものということを教えてくれる瞬間ではないかなと思う。それが上質であるかないかはまた別として、
なくてはならないものもあると思う。そういうところもあって、何か⼈間の細胞として必要なものだということを伝えに⾏きたいのが、アウトリーチでの⾃分のプログラムの特徴かと思う。

3．問題点・課題、今後の活動の展開
吉本：最後は、活動現場で直⾯する問題点や課題、あるいは地域⽂化施設、公共ホールとかで⼀緒に仕事をすることが多いと思うので、そういう⼈たちに伝えたいこと、アーティストの⼈材の育成や資質の問題。あと、教育や研修などアウトリーチを推進するのに課題だと思うことや、他にもこの調査の報告書に織り込むべきことがあれば伺いたい。

―― 地域創造の活動初期のような情熱を再び取り戻す「シニアおんかつ」（白石）
⽩⽯：次世代アーティストに関しては全く疑問がない。今これからの育ってくるアーティストが、このまま思い切り演奏してくれればいいと思う。逆に僕らが、課題があってたくさん彼らから学んでいる。次世代アーティストは僕らよりも情報もあるし、僕らが必死になって⼿に⼊れたスキルが1 ⽇で⼊るし、
本当に今のおんかつの 12 期や 13 期を⾒ているとうらやましいぐらいの活動内容。
特におんかつ事業に来てくれたアーティストたちのそういう⼼持ちは、「少し先輩の話を聞いただけで分かりました」と、そのまま全部できる。
22 年から 23 年間の公共ホールで仕事をやってきて、⼤きな事件が 4 つある。市町村合併、指定管理者制度、東⽇本⼤震災、そして今回のコロナだ。これらを乗り越えてからも続けようという地域創造の気概に、僕は感動している。コロナ禍で、⼈間に対してすごく変化がたくさん起こっていたこと。特にコロナに関しては、いろんなものが⽌まってしまったように⾒受けられる。結局コロナ期間中、僕は、アウトリーチは⽌まらずにできた。これはやはり先ほど⾔った、主婦が頑張ったところで、地域創造⾃体は少しおとなしかった。そこら辺のところがこれからもう⼀回復活しなければいけないと思う。
この活動に関して、新たなステージへということを⾔っていたが、僕らが 2000 年に活動した時、訳も分からなくてやっていたが、今から考えると熱量が違う。熱量があった担当者はすぐに異動45させられていた。その歴史で、結局、熱量があった⼈を全く知らない世代が担当している。熱量がある⼈はもう体を壊しながらやった⼈もいる。この活動をして理解を得られないから 1 ⼈で頑張る。それを経て、それでもやっぱりその町を活性化したいとその職員は頑張っていた。体を壊すことは全く勧めないけれども、元の熱量に戻した上で、今のスキルと技術と情報量で、もっともっと⼤きなことができるような気がしている。
この間、地域創造フェスティバルの時にも皆さんと話して、ここでいい時期だから「シニアおんかつ」を始めようと思う。５期⽣ぐらいまでの初期のアーティストが⾏って、すごく印象深かったホールだけど、今は全く⽌まっているホールの担当者が、今の職員と組んでアウトリーチを⼀つやって、その時の情熱とスキルを伝授する。ホールの職員は、異動して新しい⼈が来ると、なるべく引き継がない。引き継ぐと「この⼈のおんかつ」になるから。それがあるから、何をしようがだんだんお⾦もかかるし停滞していく。かつての情熱あった⼈をもう⼀回復活させること、
要するに５期⽣ぐらいまでのアーティストの⾏った所で、「ここを復活させるといい」というホールを聞いて、例えば複数、5 ⼈以上の回答があったホールは、⼀回復活させてみるというのどうだろうか。
最初のおんかつの５⼤聖地というのがあった。新冠町レ・コード館、和⽥⼭町⽂化会館ジュピタ
ーホール、⿂沼市⼩出郷⽂化会館、⿊部市国際⽂化センター、それから尾道市瀬⼾⽥市⺠会館ベ
ル・カントホール。これは確か第１回⽬、１期⽬の時に地域創造が指名したホール。その⼈たち
で割と回していた時代があって、みんな異動してしまったけれども、「シニアおんかつ」をやればそのノウハウが新しい⼈にまず伝わって、またそこから広がっていくと期待している。10 年後にこれやった時に、またその「シニアおんかつ」が繰り返していくというのが少しできると良いと思う。今のままでは、もったいない。ある時期の⼦どもたちだけですごい芸術を聞いて成⻑して、あとは知らないままという町はいかがなものか。あとは東京都だからという理由でいつも後回しにさせられる、伊⾖諸島にも⾏くべきだ。⼋丈島以外には⾳楽がない。でも神津島には中学校の体育館に⽇⽐⾕公会堂にあったスタインウェイがある。物も⼦どももいる。そろそろそこら辺の情熱をもう⼀回戻して、もう⼀回意味のあるアウトリーチが新しくできるといいと今は感じている。

―― 若手が地域と協働しつつ自分の伝えたいことをやるプログラムをつくっていけるかを学ぶ機会があるといい（麻植）
⿇植：伊⾖諸島のお話で思い出したことが、道徳で呼んでもらった学校が、郡で⼭の中でここに⽣まれた⼦はこの村から⼀⽣出ない⼦が多い場所だった。そうなると、その⼦たちが⽣演奏を聴くのは私が⾏った 1 回だけの、⼀⽣に⼀度の体験かもしれないと思うと、責任感というか、出会えたことが光栄でうれししくて、⼀回ずつ⼤事にしようと思ったのを思い出した。
今、三重県伊賀市のほうで、地域創造の、アウトリーチの事業の後、翌年からまたホールと⾏政と組んで学校アウトリーチ事業を始めていて、市内の⼩中学校にアーティスト、⾳楽、アート、ダンス、能、全部選んでもらって派遣する事業をされている。すごく熱⼼で感動したのが、「クラ
シックのいろは」というのをやっていて、0 歳から⾏ける⺟⼦⼿帳のような「クラシック⼿帳」
があって、⼦どもの時からホールに⾏く習慣をつけておいて、クラシック⼈⼝を将来的に増やしていくという計画を３年以上やっている。お話を聞いた時に邦楽も⼊れてほしいと⾔った。するとクラシック⾳楽は伝統だという意識でやっているから、邦楽も伝統なので、これは両⽴できる
ものだと共感してくれて進んだことがあった。
学校へのアウトリーチとなると、⽂化振興審議会をされていて、その中で発⾒があったと教えてもらったことが、「⾃分の芸を披露することがアウトリーチじゃない」と。これはきっと若⼿とい46

うか、⾃分の芸を⾼めることに⼀⽣懸命になっている時代に、もし何か研修があるのならそのことを伝えることは必要だと思う。あとは、若くて⼀⽣懸命やっていることはすごくいいことで、私はまだ 40 歳だが、多分 10 代の頃とかに全⾝全霊で弾いていた、全部ぶつけた演奏は、今はしないし、多分やってみてもちょっと違うと思う。でも、若い時に⾏くエネルギーとか、完成していないけどやっていくことは、⼀⽣、死ぬまでやっても完成できるわけない。だから経過のところで出会うことは全然悪くなく、若ければ、その資質と経験を全員が温かい⽬で応援していく⽬
線で芸術や若⼿をもり⽴てていくことが⼤事だと思う。
もう⼀つ、私がやっていて⼤事だと思うのは、地域の呼んでくださる⽅にも⽬的がある。地域の⽂化振興プランのようなことについて。私は伊賀だと「邦楽のいろは」にしてほしいと⾔って、うまく⼊れたけれども、「1 ⼈で今⽇弾きに来ました」となると、⽂化振興プランには上⼿には関われていない。芸術を楽しむ⽇が 1 ⽇増えたかもしれないが、そこで継続的に、例えば邦楽なら邦楽⼈⼝を増やすとか、⾼齢化が進んでいるから若い⼦にもっと聞いてほしいとか、コロナで未就学児の⼊場が無理になったけど、当初の予定では幼稚園や保育所で 20 分ぐらいの公演を 1 ⽇
4 公演ぐらいしようか、みたいなところからスタートしたのが伊賀の事業だった。そういう地域と、どうやって継続的にプランを共有してアーティストの伝えたいことと地域がやっていきたい
ことをお互いリスペクトして⼀緒にやっていくような視点を持つことが重要。
私も最初は⼀⽣懸命なだけで全然気付いてなかったと思うので、地域創造であればコーディネー
ターたちがいらっしゃって、プログラムを⼀緒に練ってくれる⽅がいる。そういった視点を外部から気付かせてもらえると良い。⾳楽の勉強だけしていたら分からないようなことは、知らないからできないけど、知ったらすぐできるので、気付く機会があるといいのではないか。

―― 踊りを通して表現の幅を伝えたい時に、先生のふるまいが課題（田村）⽥村：例えばサッカー選⼿が来てリフティングをする姿を⾒たら、それだけでサッカーをやらない⼦だって感動すると思う。僕はボールをうまく扱えないし、楽器を奏でることもできないけど、⾝体だけで少し変な⾵に遊ぶ姿を⾒せることはできる。そういう普段はあまり⾒かけない⼈間が、新しい景⾊を持ってくるということが重要なのだと思う。授業では、デュシャンやジョン・ケージ、
イザドラ・ダンカン、アルトーの話から舞踏を作った⼟⽅巽の話に⼊って、麿さんの踊りの考え⽅や⼤駱駝艦のメソッドを話したりする。絵を描いたり、⾔葉について考えることもある。そういう話や⼀緒に⾝体を動かす時間から、もののいろんな⾒⽅や、新しい価値観をみつけるきっか
けをつくることができればと考えている。ダンサーを育てるわけではないから、踊りのテクニッ
クだけを伝えるよりも「こういうものもあるんだ」と、今までと少し違う“新しい⽬”を⼿に⼊れてもらいたい。
僕はもし⼦どもの時にダンサーが学校にアウトリーチに来て、「皆で⼿をつないで踊ってみよう」
とか⾔われても参加できない⼦どもだったと思う。でも、⼤駱駝艦の踊りを⾒た時、「⾃分が⽣きる世界はここだ！」と感じた。出会いというのはとても⼤事だと思う。でも、僕の踊りに触れて、「踊りって気持ち悪い」と思ってしまう⼦もいるかも知れない。そういうふうに、⼀つのものに触れてしまったがためにその他のものまでつまらないと思われてしまってはいけない。なので、ダンサー間でコラボするアウトリーチがあってもいいと思っている。
例えば、僕の妻はコンテンポラリーダンサーで、普段はクラシックバレエを教えているが、⼦どもたちにバレエの基礎だけでなく、いろいろな⼿法で⾝体を動かす⽅法を教えている。その様⼦を⾒ていて、⼦どもへのアプローチの仕⽅、⾝体へのアプローチの仕⽅は僕がやっていることと全然違うが興味深い。こういう異なるものをセットで体験することはできないかと思う。たくさんの体験をして選択肢が広がること、いろいろな表現や様々な⼤⼈に出会い、“同じジャンルだけ

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ど異なるもの”を⽐較して、⼀つの表現にもいろいろな⽅法やアプローチがあるということを知ることは、様々な場⾯で応⽤することができると思う。スポーツや⾳楽にもいろんなものがある
ように、踊りと⾔ってもたくさんのものがある。いろんな表現があるということを、少しでも体験する機会が増えるといいと思う。
⼈間の数だけ表現はあるが、上⼿だとか下⼿だとか、ほめられるようにやろう、怒られないようにやろう、良い点を取ろうとか、⽬⽴ちたくないとか⾺⿅にされたくないとか、⼈はそういうことを表現だけに留まらず様々な場⾯で気にしてしまい、⾃分にしかないものを逆に隠してしまおうとすることがある。⼤駱駝艦の踊りは⼀⼈⼀⼈がこの世に存在すること⾃体を⼤いなる才能だと肯定するところから始まる。だから学校で、僕は最初に必ず「今⽇は下⼿くそにやって」とか「上⼿にやろうとしないでね」、「ほめられようとしないでね」と声掛けをする。⽣徒さんは全然動けなくても、⼀⽣懸命何かを感じようと⾃分と対話していたりする。僕の動きと全然違うのが僕には⾯⽩いし、取り組む姿勢が既に踊りとなっている。
でも、そういうふうにその⼦が⾃分と向き合っている時、先⽣がその⼦なりの⾯⽩い表現を「違うでしょ！」と直してしまうことがある。それはもしかしてその⼦の表現以上の何かを潰してしまっている可能性もある。僕にとっては、僕の動きを真似することだけが授業の⽬的になっては⾯⽩くない。表⾯的な部分だけを真似させたところで意味はないし、表現には「いくら上⼿くても⾯⽩くない」ということもある。いろんな価値観があって、いろんな表現があっていいという考えを伝えて、芸術って⾯⽩いとか、⼿に⼊れた“新しい⽬”を⾃分の好きなことに活かすとか、
そういうことにつながっていけば嬉しい。そういうこともあり、先⽣⽅と⼀緒にダンスを通して芸術や表現の⾯⽩さを考えるアウトリーチがあってもいいと思う。逆に授業後に先⽣から「こういうことが普段の授業にも活かせそうだと思いながら聞いていた」とか⾔われるといろんな意味
で嬉しくなる。
⽩⽯：学校でのアウトリーチを⾏うその⽇はいいけれども、次の⽇から伝えるのはその先⽣たちだから、先⽣たちの捉え⽅は重要だ。
⿇植：邦楽だとプログラムの段階で「六段の調べ」を⼊れてほしいというリクエストがあることがあるが、アーティストの狙いによってはプログラムの中⼼に来る曲ではなかったりすることもある。
あと、地域創造はアーティストを派遣する⽴場でいるけど、学校は教育の中で何を⼦どもたちに与えるかを考えている時に、アーティストが板挟みになることがある。多分それは他の施設でもきっと⼀緒で、ホスピスに⾏ったり、いろんなところでそれぞれのニーズがあって、アーティス
トに関係なく「これをしてほしい」ということを依頼してくださる先と、どうお付き合いをすればいいか疑問がでる。皆様はどうされているのか。
⽩⽯：リクエストが１曲だけの時は、その先⽣が聞きたいだけの話が多い。
「プログラムをつくるのであれば、全プログラムを組んでください」と必ず⾔う。こういう構成で聴かせてあげたいというのがあれば対応するが、「この曲⼊れてくれ」というのは、既にできている構成に⼊れることができないので、終わってから先⽣だけを⾳楽室に呼んで弾いたことがある。リクエストに応えるのは難しい。先⽣たちの上を攻めて⾏かなければいけない。
吉本：今がアウトリーチのポイントで、赴くアーティスト⾃⾝の「⾏く意味」は何なのかが重要。
⽩⽯：コロナ禍で Zoom の時代を迎えて、「やっぱり⽣で⾏く」ということを、全員「こっちがいい」と⾔い張る。花⽕⼤会をテレビで⾒るようなものだから。
⿇植：CD と何が違うかというと、⽣⾳だから。

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⽩⽯：今、花⽕⼤会の話が出たが、この⽅法が地域創造で学んだことだ。いわゆるみんなの⾔葉のメタ
ファー、専⾨的なことを必ず分かりやすく⾔うノウハウだけは⾝に付いた。
吉本：⽩⽯さんの「熱量」という⾔葉があったが、報告書にも熱量のあるのとないのがあると思っている。熱量のある報告書を作りたい。本当に今⽇は⻑時間ありがとうございました。

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・

アーティストのグループインタビュー（4回⽬）【出席者】
加藤 直明（トロンボーン奏者）
北村 成美（ダンサー・振付家）
⽥上 豊（演出家・劇作家）
塚越 慎⼦（マリンバ奏者）
YASSY（トロンボーン奏者/ BLACK BOTTOM BRASS BAND）【進⾏】
⼤澤 寅雄（合同会社⽂化コモンズ研究所）
2023 年 10 ⽉ 3 ⽇（⽕）10：00〜12：00 地域創造会議室51

アーティスト（４回目）
2023 年 10 ⽉ 3 ⽇（⽕）10：00〜12：00＠地域創造会議室
加藤 直明（トロンボーン奏者）
北村 成美（ダンサー・振付家）
⽥上 豊（演出家・劇作家）
塚越 慎⼦（マリンバ奏者）
YASSY（トロンボーン奏者/ BLACK BOTTOM BRASS BAND）

1．これまでのアウトリーチやワークショップの実績
⼤澤：これまでのアウトリーチやワークショップの実績や、いつからどこで取り組み始めたのか、どのぐらいの頻度で活動をされているのか、例えばアーティストとしての活動でアウトリーチやワー
クショップがどのぐらいの割合か聞きたい。また、どういう対象に向けてのアウトリーチやワー
クショップが多いのか、プログラムの内容や過去の代表的な事例について教えていただきたい。

―― 地域を回るアウトリーチ活動をやればやるほどわからなくなってくる（YASSY）
YASSY：芸術鑑賞会のようなことは BLACK BOTTOM でもやってたが、やはりきっかけは 2004 年に地域創造に⼊り、初めてアウトリーチという⾔葉を知って、最初の北海道の利尻島からスタートだった。その頃は CD を作る、ツアーを回る、ロック・ジャズのフェスティバルに出るのがメインの仕事でやっていたのが、徐々に地域のホールに⾏くことが増えていった。アウトリーチでは、
⼦どもたちに会うことももちろん実りになったが、⼀番はホールの⼈とゆっくり夜にお話をすることが増えてくるたびに、素敵な⼈が多くて話が⾯⽩く、実りになった。アーティスト同⼠で集まっていると、⾳楽の話はするけどあとはくだらない話しかしなくて（笑）
、夜な夜な飲んで終わる。なので、普段⾳楽に通じていない⼈たちとお話をするのがすごく新鮮で、考えていることや⼈⽣観を聞くうちに、僕らが⾒ていた世界は全然狭くて、世の中にはいろんな⼈がいることを知るきっかけになった。
最初は⾃信を持ってやっていたのが、⾯⽩いもので１年たつと不安が少し広がってくる。様々な出会いから、また２年たって、３年たてば⾃信がついてきて、やることも決まってくる。⾃信を持って出るのに、⾏って知らない⼈に出会うたびに、知らないことが増えると、逆に不安が増えていく。アーティストとしては、もちろんフェスティバルに出て、ツアーを回ることもやらせてもらい、地域を回ることになるが、どんどん知らないほうが増えてきて、もしかしたら、もっと知らない世界があるのではないかという体験になり。もっと知らないことが増えてくると、最近のほうがよく分からなくなってきた。30 代よりも 40 代、40 代よりも 50 代のほうが、分からないことが多くなってくると、いろんなことが、いい意味でどうでもよくなってきた(笑)。真剣にやるけれども、⾃分の思っていることとは違うかもしれないと思うことがある。なので、もっといい⾳を出したいとか、⼦どもたちの⼼の扉を開きたいとか、⼼の栓を外すことに対する気持ちもすごく強いが、何かわからないけど、もっと何かを伝えたいと思う気持ちがある。
活動に占めるアウトリーチの⽐重と⾔われると分からなくて、元々が 100 だと思うと、次の年に
案外 100 ではなかった、ということもあるから、パーセンテージが分からない。いろんな⼈にどんな気持ちがあるのか興味があり、⾃分たちの観客の前では、好きな⼈たちが集まってくる時もそうだし、僕らのことを⾒たことない⼈たちの時にどうやって⼊っていくかは、今でも緊張する。
活動の⽐重は分からなくなって、ごちゃごちゃになっているのが現状だ。もしかしたらまた数年
たつと、ちゃんと答えられる時があるかもしれない。
52

参加対象は、僕らは⼩学⽣と中学⽣の児童が多かったが、最近は⾼校に⾏くことも多くなってきた。プログラムで伝えたい内容は、最初はジャズの楽しさに重点をおいていたが、ジャズは 120
年ほど前にアメリカで⽣まれた⾃由と喜びを求める⾳楽なので、だから底抜けに明るく、⾃由や喜びを探求するような内容だと思っている。僕らも分からないことだが、⼦供たちに「⾃由ってあるんじゃないか。⾃由って何なんだろう」と問いかけて、「⾃分たちはこれが⾃由だと思うよ。
体の中には、まだまだもっと⾯⽩いものが僕らもあるかもしれない」ということを⼀緒に探索する。⼼がわくわくして、⼼が躍るようになってきた時に、そこに何か⾃由な世界とくっつくとこがあるんじゃないかと思う。
「わくわくする」「笑う」、それによって体が動くところに、もしかしたら⾃由を⾒つける道が⼀つあるかもしれないと思い、今は「Swing」という⾔葉を、⾃由を求めるために使わせてもらっている。この Swing、喜びとわくわくの中に新しい世界を⾒つけるということだけにスポットをあてたプログラムを、４〜５年やらせてもらっている。

―― 相手の立場を想像して考えるアウトリーチ活動（塚越）塚越：私の活動のはじまりは、「おんかつ」の登録アーティストになる前、私が⽇本の⼤学を卒業した後から少しずつ⾏っていたのと、2010 年にアメリカから完全に帰国をしたタイミングからが、⼀番多くなってきたと思う。帰国後、真っさらな状態から活動を始めることになったときに、友⼈の伝⼿で、病院内での演奏というのを定期的に頂くことが多くなった。病院内といっても、病院に併設されているカフェでの演奏なので、通院されている⽅だけでなく、近隣の⾳楽好きでコンサートを聴きたくてお越しになるお元気な⽅もいれば、介護者が必要な⽅、おからだの不⾃由な⽅、
また年齢も⼤変幅広く、本当にさまざまな⽅がいるということと、機械⾳や病院の呼び出し⾳、ときには救急⾞のサイレンが鳴り響いたりと、さまざまな⾳が⾶び交う中での演奏なので、これはコンサートホールで⾏うようなコンサートと同じ考え⽅で作ってはいけないな、と強く思った。
曲⽬以外にも MC の内容、⾔葉の使い⽅、あと、どういうタイミングで話すか、どういう間で話すかをしっかり考えないと⼈前に⽴ってはいけないと思った。
そこから、演劇の⽅は間合いとか⾔葉のチョイスのプロフェッショナルだと思ったので、2010 年ぐらいから少しずついろいろな勉強をし始めた。地域創造の登録アーティストとしては、平成 28、
29 年度の登録で、初めて⾏ったのが 2017 年だった。それまでは本当に⾃⼰流でひたすら勉強をしていた。例えば、いろんな⼈のトーク付きコンサートを聞いて、「これは聞いていて楽しい」「これは今必要な情報ではないかもしれない」というのを全部メモして勉強し、「おんかつ」アーティ
ストになってからは、コーディネーターやいろんな⽅のご意⾒を頂いて、そこをブラッシュアッ
プして、今に⾄る。
活動の頻度やアーティストとして活動に占める⽐重を決めることは難しいが、現実的な数でいうと、アウトリーチとホールでのコンサートやコンチェルト、⾃分のリサイタル等は、半々ぐらいだと思う。しかし、頭を使うところ、気をかけるべきところ、準備にかける時間の使い⽅も⼤きく違うので、同じ「演奏」とはいえ、別物として捉えている部分もある。そう考えると 5：5 と⾔
うこともできるし、100：0 と⾔っても、0：100 とも⾔える。⾃分の演奏技術を⾼めるとか、その曲に対して向かい合う時間ではなく、アウトリーチコンサートの対象者のことを調べる、地域のことを調べる、それに合ったものをつくる際にときには⾳楽以外の作業の必要という準備期間を考えると、多くの時間が必要なので、そういう意味での⽐重は⼤きい。
プログラムの内容は対象によって全部違うが、基本的にはその⽅、ないし、周りで⾒ている⽅に良い時間を過ごしてもらうことが⼀番。いつも相⼿の⽴場に⽴って考えるようにしている。例えば⾃分がこういう状態なのにアウトリーチコンサートがあって、そこに⾏かなければならない時に、私だったらどういうものだったら少しは興味を持つか、どういうものだったらこの時間が充53

実したものになるかを考えている。なので、基本的には参加者が気軽に⼿を出せるもので、かつそれが実はすごく⾳楽の本質につながるというようなアクティビティを取り上げられるようには⼼掛けている。
対象は⼩学⽣が多いが、0 才児から⾼齢の⽅まで、肢体不⾃由者、不登校児、⾳楽に興味がないとおっしゃられている⽅々、というように幅広く⾏っている。

―― 漫才師から学んだアウトリーチのトーク術（加藤）加藤：地域創造の登録は 2004 年から。第４期の Buzz Five での登録がきっかけでアウトリーチをやってきた。でも、ここに⼊って初めてアウトリーチという⾔葉を聞いたので、それに近いことは⼤学を卒業した 2000 年の３⽉から稼ぐためにやってきた。地元の蕨で、知ってる⼈伝いに「どうですか」と⼀⽣懸命声をかけることが始まり、ホールの⼈に声を掛けたり、⾃分の⺟親が地元で先⽣をやっていたので、先⽣伝いで何か⽂化活動に強い⼈に声を掛けたり、ちょこちょこ活動していた。本当に町内会みたいな所での演奏や、公⺠館みたいなところでの演奏もした。そういう⼈たちの反応を⾒て、興味を持ってくれるところを、コンサートをやりながら考えていった。
例えばトークで「⾦管楽器って、息を⼊れただけじゃ実は鳴らないんですよ」と⾔うと、「えー、本当ですか？」って⾔われるから、「本当ですよ」と話していくというような組み⽴てが⾃分の中でできてきた。その後、地域創造に⼊って、それを学術的に戦略的に考えると、こうできるなどを当時のコーディネーターの⼈たちも苦労しながら考えてくれていたので、ありがたく⼀緒に活動させてきてもらっていた。アウトリーチに⾏くと「話が⻑い」とか、髪型や服装とか、⾳楽のこと以外のことを本当に突っ込まれた。そうやっているとだんだん悔しくなってきて、例えば、楽器は⾃分で練習するけど、「じゃあコンサートの運びはどうしようか」と MC の研究をした。
僕は綾⼩路きみまろの CD を買ってきて、ずっと聴いた。⼀番勉強になったのはライブ録⾳のCD。やっぱり本番の勢いで⾔ってはいけないことも⾔う。こうすればいいんだと思ってやった
ら、まさにそのように流れるようになってきた。独演会、漫才師があれだけの時間しゃべっていても、みんな集中して聴いてる秘訣をすごく勉強すると、流れが必要だということに気づき、⾃分のトークにも活かしていった。
参加対象は⼩学校が多いが、⼩学校、中学校、⾼校があり、強いて⾔えば⼤学がない。職場は経験したことがあって、アフターファイブコンサートのようなことをやった。⼀番強烈だったのは、
夜間の定時制⾼校でやったとき。もう絵に描いたような学校で、⾦⼋先⽣の世界のように学ランが⻑かったり短かったり、ノックもしないでいきなり楽屋を尋ねてきて、「コンチワー」って⾔わ
れて、「おお、こんちわー、どうした？」って聞くと、「おお、今⽇、楽しみにしてまーす」みた
いに⾔われ、「おおー、楽しみ、俺も楽しみー」みたいなことがあった。話す内容、プログラムは、
変わらず楽しくやると、その反応がそのままコンサートの終わりに返ってきて、⾃分たちの⾃信になってきた。そのようにやっていると、ビビっているのはこちらなんだなと思った。でも⾦管楽器のずるいところは、やはり吹けば楽しく思ってくれるところ。ここは⾃分にはどうしようもできないところでもある。

―― アウトリーチで余所者である私を子供たちに受け入れてもらえなかった経験から学んだパフ
ォーマーの核：１対１の相手と出会っていくこと（北村）
北村：2000 年からソロダンサーと振付家として活動を始めている。この頃、コンテンポラリーダンス
は、まだ世の中にあまり知られてなかったので、いきなり公演というよりは、その⼟地に⾏き、
まずはワークショップで体験してもらい、最後に舞台で実際やっている演⽬を短くデモンストレーションとして踊るという流れだった。そうした活動が、公共ホールダンス活性化事業（以下、54「ダン活」）が始まる以前はたくさんあった。関⻄拠点なので、DANCE BOX や NPO 法⼈ Japan
Contemporary Dance Network の⽅たちのコーディネートで⾏かせてもらっていた。
「ダン活」は１期の 2006 年からお世話になっている。私にとってのアウトリーチやワークショップという概念がすごく⼤きく変わる出来事が 2008 年に徳之島という離島に⾏かせてもらった時にあった。
徳之島は闘⽜が盛んな島で、当時、綱を切って本当に⽜と⽜が戦う闘⽜をやっていた。島には⼤きな闘⽜場があって、全島⺠の何割かはそこに⾒にいくぐらいの⼀⼤⾏事だった。
「ダン活」を実施するある中学校で、事前の打ち合わせの時に「島の⼦たち、すごいシャイなんで」と⾔われていていた。実際に⾏くと、待っていたのは私よりもとても体の⼤きな、いわゆる街中にいる「不良っぽい⼦」じゃなくて「本物の硬派」な中学⽣たちだった。私のワークショップのスタイルは、
どんな⼈とも踊ることを⽬指すために、まず⽬線を合わせて呼吸を合わせて、そこから動きを紡いでいくやり⽅なので、ほとんど⾔葉を使わずに始まっていく。私のリードに対して全員が⼀緒に動くということがワークショップの理想形だと、その時は思っていたので、彼らに対していつも通りにそれを始めると、「なんや、侵略者来たで」みたいな空気になり、「島には⾃分らの踊りがある、そんなの要らんねん」という感じで全く歓迎されなかった。みんなで同じ動きがやれな
くてもいい、私が近づくと離れるという反応からでも動きが⽣まれたらいいと思ってすすめていたが、ある１⼈の男⼦⽣徒に「うっとうしいんじゃ」と⾔わんとばかりに投げ⾶ばされた。完全に場として崩壊していた。
そこで初めて、⽣徒たちの気持ちに気付いて、円になって座ってもらいみんなに謝った。円陣の真ん中に⼀⼈で⽴ち、「私は間違っていた。今からは私の⾔う通りに踊らせるようなことはしません。ただ、せっかく出会ったので、⼀⼈⼀⼈と握⼿させてほしい。正⾯から向き合ってちゃんとあいさつをしたい」と伝えた。⽬が合った⽣徒の所へ歩み寄り⼿を握る。きちんと相⼿の背⾻に伝わるよう握ると、ちょっとした反応が返る。それを注意深く聞き取り私が反応する。それに対して相⼿からちょっとした動きが起こる。そのチャンスに従って私が動く。そのやりとりを⾒ていた⼦たちが次第に集中し始め、場が⽴ち上がる。ほとんどの⽣徒たちは「ガン⾶ばしてる」
睨みつけるような⽬だったが、強烈に⽬の合う⼈すなわちコミットしてる⼈から対峙していって、
45 分の授業で全員と「握⼿」した。中には意識的に「これでもついてこれるか」と荒々しく動かしてくる⼦や、やる気ない反応をする⼦もいた。そのおかげで私の動きが全ての１対１に対して変化することになった。それをみんなが⾒届けてくれた。最後に、私が円陣の中に戻って、横の⼈と⼿つなぎ、全員で⼿つないで、「ヨイショ！」と声を合わせて⽴ち上がりワークショップが終わった。その時は、何か⾸の⽪１枚つながったという感じだった。１年⽣が去っていき、５分後に、もう⼀回り⼤きい２年⽣がやってきて、さらに緊張は続いたが、同じように３年⽣までやり終えた。そんな彼らと給⾷を⼀緒に⾷べるという予定があり、教室に⾏くと、いかにも番⻑のような男⼦⽣徒に「⾃分、あれ、全員とやったん？」って聞かれた。
「うん、やったわ」と答えると、「やるなあ」と⾔って、私の⽜乳パックを畳んでくれた。
この経験を通して、ワークショップというのは、どんなに⼤⼈数であっても基本は１対１だということに気づいた。そのことが、私がソロで舞台に⽴つ時の意識をがらっと変えてくれた。舞台上にいても、１⼈が 100 ⼈に対して踊ってるんじゃなくて、⼀⼈⼀⼈の懐に⼊っていくこと、舞台であれワークショップであれ、「パフォーマーとして⽴つ」ということの厳しさと醍醐味を、その⼦たちに教えてもらった。あの⽇から私のワークショップは、全部「本番」という設定になった。私にとって「本番」は特別の⽇なので、いつもスケジュール帳の本番の⽇付に丸を付けているのだが、ワークショップ、アウトリーチの⽇も公演の本番と同様に、丸を付けている。
そこから、ご当地の企画に合わせてキャラクターをつくるようになった。別府温泉ではアフロヘ

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アで地獄の温泉から来た妖精に、⼤船渡では⼤船トリ⼦という架空のアイドルに、北九州では飲み屋でいきなり踊る出る⾚シャツダンサーズに、⼼⾝ともになりきって街の⼈々の懐に⼊らせてもらう。⾮⽇常の舞台の世界を学校や施設や町に運び、対象となる⼈たちにはその登場⼈物になってもらい遊び踊り楽しんでもらう。そういう意味で、私の活動は常に公演でありアウトリーチでありワークショップである。

―― 演劇と一番距離の遠いところにいる生徒たちとのワークショップの経験がアウトリーチやワークショップに本気で向き合うきっかけになった（田上）⽥上：僕は⼤学の 4 年の時に、今考えると先鋭的だと思うが、学校でワークショップをつくる講座があり、ここで、これからアーティストやっていく⼈はクリエーションとともに、アウトリーチができるような素養を持ってないと厳しいだろうということを⾔われ始め、⼤学の授業で登場した。
そこでプログラムを作るとか、どう⾃分の世界観を表現する、または相⼿⽅によってどう企画を進めて、どうコーディネートすべきかということをたたき込まれたところから、アウトリーチというのがあるんだなというふうに出発した。そこで勉強して⼤学を卒業したから、20 代でアウトリーチの話ができるアーティストというのが少し珍しかったようで、いろんなところで呼んでいただくことがあって、アウトリーチ活動は少しずつ進めていたけど、それで⾃分はできるんじゃないかとのぼせていたら、挫折する事件につながった。
20 代の後半で、⾮常勤講師として神奈川の⼯業地帯にある⾼校に⾏くことになって、芸術の総合
選択科⽬の枠で週１で通っていた。その演劇の授業に集まった⼦たちが尋常ではないほど不良だった。不良というか、学校に来ているのか来ていないのか分からないような⼈たちが集まった。
この芸術科⽬がヒップホップダンスか書道か演劇を⼀学年で選ぶ必要があったが、履修登録も何もしなかった、あるいはどこにも⼊れなかった 10 ⼈くらいが演劇のほうに来た。週 1 で通うよ
うになるが、3 週間ぐらい誰も来なくて、鏡の⾃分とずっと⾒つめ合って 3 週間を過ごした。先ほど話したように、アーティストを志したきっかけはあまりないが、アウトリーチを「本当にちゃんとやらないと」と思ったのは、この⾮常勤の時の経験がすごく⼤きかった。
毎週少しずつ⽣徒が現れて、何かものすごく懐疑的な⽬でこちらを⾒つめられる経験だったが、これはまさに⾃分が⾼校⽣ぐらいの時に、古い建屋から「ア、エ、イ」と聞こえてくるような、
呪いの呪⽂みたいなことをやっている⼈たちに対する⽬線だったと思う。その時、僕は⽬の前に演劇から⼀番距離の遠い⼈がいるかもしれないと思い、ここで⽣徒たちが少し興味を持つようなことができたら、ワークショップという形式以前に、アートをつなげられるのではないかと思ったことがあった。それで 1 年間通って、不良たちは頑張って、最終的にオイディプス王までやった。そうやって年間で過ごしていくよさを感じながら、「アウトリーチを頑張ろう」と不良たちに鍛えてもらったところから、しっかり勉強していこうとなった。
この⾼校はその授業がうわさで⼈気になり、１年⽬に取った⼦たちがもう１年取れるという不思議なカリキュラムだったので、連続して履修する⽣徒もいるところに、そこに何も知らない２期
⽣が⼊ってきて、抗争のようなことが起こる恐ろしい２年⽬も体験して、グループを作るとはどういうことかとか、さまざまなことを不良の皆さんに教えていただいた。今思えば、何かめちゃ
くちゃなことばかり⾔っていたと思うが、「君らはよく不良と⾔われるだろう。不良ほど感性がまっすぐな⼈たちはいない。今、君らがテレビドラマを⾒ている主役級の⼥性は、みんな不良出⾝だ。なので、君たちが今⼀番近い所にいるんだから頑張れ」というようなことを⾔って応援していたら、本当に声優になる⼦が出たりして、⼈⽣は分からないという話もあった。
20 代の頃は、アウトリーチ７でクリエーションが３の割合で、30 代に⼊ってそれが半分・半分

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ぐらいになっていった。今は⼤学の教員もやっていて、クリエーションとアウトリーチの割合というよりも、演劇をやっているか、⼤学にいるか、家にいるか、というカテゴライズに変わってきた。⼼の割合としては、もはや交ざり合って何が何だか分からない境地にいる感じ。僕は⼩中⾼、今、⼤学も勤めていて、⽥舎で拠点を置いてるので、特別養護施設やひきこもり⽀援にも⾏く。あと、商⼯会議所にワークショップを依頼されることや、地域の⼦ども会でのワークショッ
プなど、さまざまな⼊射⾓の場所でやっている。

2．アウトリーチやワークショップの成果・効果
⼤澤：アウトリーチやワークショップの成果や効果について。何を期待してアウトリーチやワークショ
ップをやるのか、⼦どもたちだけではなく、例えば学校の先⽣に、あるいはホールの職員にどんな変化があるのか、また⻑期の継続的なアウトリーチやワークショップでの効果と、単発で⾏う場合の違いを中⼼にお聞きしたい。

―― ホール職員には、なぜこのアーティストをこの地域でマッチングさせたいのかの視座を持って企画してほしい（田上）⽥上：⻑期のものと単発のものについて、⼤体、⼀⽇で終わるものから３⽇⾏くもの、２週にわたるものなど、いろいろなグラデーションがある。演劇のワークショップもいろいろあるが、⻑期のものはクリエーションに⼊っていくものが多く、単発だと、その⼊り⼝で終わると感じる。回数を重ねることで伝えたいことにも深度が出ることと、継続的に会えることで関係性がすごく強固になっていくので、⻑期のものによさを感じる。⼀⽅で、⻑いと飽きも早いので、そういう恐怖と闘いながらやることもあると思う。単発のものは、⼀⽇でやれることの限界があることと、時間によるサイズ感との闘いがあると思う。限られた時間、例えば⼀⽇で⼦どもたちが「これが終わったら全員⼿を挙げるようにしてほしい」というようなオーダーがあることもある。演劇でもダンスでも⾳楽でもそうだが、⼀⽇で終わるものは⼀⽇で終わるもののよさの説明を、アーティス
トかコーディネーターかがきちんとする必要がある。
⼦どもだけではなくて、学校の教員やホールの職員の変化については、教員の⽅からは、今、「演
劇のワークショップのやり⽅を教えてほしい」と⾔われることが増えてきた。これがプログラムとその進⾏術を教える研修型で呼ばれることが多いが、アーティストと先⽣は、教えることも違うので、メソッドだけ伝えても何か意味があるだろうかと考えてしまう。ホールの職員も、「来てやってくれればそれでいい」と⾔われてしまうことがあるが、ホールの職員とも時間そのものを⼀緒に共有したいし、そういう⽴場で⾒られると、すごく微細に起きている変容する部分を⾒逃してしまうので、残念だ。そもそもアウトリーチを組むということ⾃体が、すごくクリエイティ
ビティーの⾼いことなので、フォーマットを持ってるアーティストにそのまま投げるのではなくて、なぜこのアーティストをこの地域でマッチングさせたいのかの視座を持って企画してほしい。
話をしていくことで、分かってくれるホールの職員の⽅が出てくると、より粘度の⾼い２年⽬を提案できるようになるので、そういった広がりが⽣まれていくといいなと思う。

―― 長い期間をかけて振付を習慣化していくことでつくるダンスワークショップの経験（北村）北村：私の場合、対象となる⽅は、０歳から 99 歳の⼤先輩まで、障害のある⽅も、ない⽅も、病院で暮らしている⽅など、多岐にわたる。今、最も⻑く協働しているのが、滋賀県湖南エリアの「湖南ダンスワークショップ」。その地域に住む知的障害のある⽅たちと施設の職員、保護者、ミュージシャン、ダンサーなど、いろんな⼈たちが⼀緒に踊り舞台をつくり、毎年新作発表する活動を 2057

年継続している。
彼らとのワークショップが、現在の私のワークショップの基本形になっている。「今から始めます」といった指⽰や号令はしない。動いている⼈のところに寄り添っていって、相⼿の動きをもらって、それを増幅させていって、みんなに波及していく。ずっと座っているとか、ずっと⽴っているとか、ずっと寝ている、ずっと⾛っている、歌っているという、その⼈の⾔動をやめさせない。むしろそれを全て祝福し共存できるような場をデザインしていく。それが実際の舞台演出となり、作品になっていく。その⼈の習慣や⾏動から⽣まれてきた動きをダンスとして肯定し、振付に活かして、毎⽉ 2 回のワークショップを本番としてセッションを重ねる。やがて毎回の本番で⾏われることが習慣化され作品としてその⼈の⾝体に定着する。矯正や強制せずに共⽣する舞台づくりが信条である。
そうした⻑い年⽉の取り組みの中でいろいろな変化があった。当初、福祉施設の職員は、「僕は送迎だけで来てるので」と⾔って仁王⽴ちで監視していた。
「あなたが仁王⽴ちしていると、あなたの連れてきた⼈もずっと仁王⽴ちになる。それでもよければ仁王⽴ちでどうぞ。あなたの連れてきた⼈が、もうちょっと⾛ってほしいなと思うのなら、あなたも⾛って下さい。
」との私の⾔葉に職員からも保護者からも⼤反発を受けた。またある時は、セッションの本番中、急にお⼿洗いを要する⾞椅⼦の妙齢な⼥性に付き添っている職員が、「すいません、お⼿洗いに⾏きます！」と必死になって全員の前でトイレに⾏くと宣⾔する。私にしてみれば「舞台⼈に対してなんて失礼な！」である。お⼿洗いを察した職員がそっと彼⼥を連れ出し、⽤を⾜して、⾝⽀度を整えて、晴れやかにダンスの場に戻る、舞台で⾔えば颯爽とハケて再登場する、きれいなエスコートができればそれはダンスになり⾒せ場になる。
「全てをダンス、全てをハレの舞台にしましょう」とした。最初はなかなか分かり合えなかったが、20 年経った現在では、それが私たちのワークショッ
プの理念となり、それぞれの⽣活の中に浸透していき、職員や保護者たちは、仕事の現場や家庭の中でも活かされる場⾯があると⾔う。そして福祉の現場のエキスパートである職員、保護者との関係の中で、私は振付、演出家として不可⽋な創造⼒を育ててもらった。
もう⼀⽅は⻑期の取組で、１年に１回しか会えない⼈たちと数年間実施するパターンがある。北九州芸術劇場で⽣まれた「⾚シャツダンサーズ」の活動だ。公募で集められた市⺠ダンサーたち
が⾚い T シャツを着て、酒場の⾓打ちにやってきて、テーマダンス曲がかかるとお客様を巻き込
んで全員踊るというもの。最初に客として体験した⼈たちが、ダンスに挑戦し、⼈を驚かせたり、⽬の前で踊ってくれる⼈がいることにもの凄い達成感や気持ちよさを味わった。彼らは２年⽬、３年⽬と公募の時期になると、また帰ってくる。夏の甲⼦園や祭りのように、知⼈友⼈も引き連れて、毎年帰ってきてくれて、７年間続いた。コロナで 3 年半会えない時期を経て、劇場 20 周年記念イベントで再結集の機会には、⼤劇場の舞台に私がサプライズ登場して⼤団円が実現した。
関係が⻑く続いていくことがある。
単発企画が⻑期のものに⽐べて不⾜なのかと⾔えば、そういうことでもなくて、それを⼊り⼝に⾃分たちでやってみようと始まっていくこともある。こういうやり⽅をすればワークショップができるということを分かってくださった地域の団体、⼦育てクラブや、いろいろなサークルの⼈たちが、単発のワークショップを⾃分たちで進めていく中で、イベント的に私を呼んでくれるな
ど、その⼟地の⼈たちにとって最適な関係がつくれていることもある。

―― 単発１回完結型で金管五重奏の響きを純粋に味わってもらうプログラムを作っている（加藤）加藤：⾦管五重奏団の Buzz Five で⾔えば、やっていることの特性上、複数⼈で⼀⽷乱れぬ動きに合わせるところがプログラムの特徴だと思う。⻑期のアウトリーチは、あまり僕らのところにはなく、

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どちらかというと単発で１回完結型が多い。むしろ⻑期でやるとなると、何ができるか想像しにくい。ソロにおいても単発が多い。
特徴としては、⾦管五重奏で知られている曲があまりなく、ホール職員からはアンパンマンの曲を頼まれたりするなど、なるべく分かりやすくコンサートを進めるようになってくる。しかしBuzz Five は、それでも、なぜアニメの曲をやるのかをちゃんと説明をするようにしていて、アニメの曲を聴いてもらいたいのではなく「⾦管五重奏の響きを純粋に味わってもらおうと思って、みんなが知っているアニメの曲を⾦管五重奏で演奏したらどうなるんだろうね」というようなアプローチにしている。
⼀⽅のコンサートをやってみると、何で⾳が出るのか、曲と曲の間で話が⻑いのは疲れてしまうからということを知らないので話すようにしている。だんだんコンサートの運びもアウトリーチの運びも整ってくると、「本当にあっという間でした」みたいな感じになってきて、今では多くの⽅が受け⼊れてくれるようになった。やはりホール職員の⽅々も、「考えてみたらそうですよね。
加藤さんのソロのほうなんかは、誰も知らない曲ですもんね。誰も知らない曲をやって、よくあんなに引き付けられますね」という反応にはなってきた。だから、知っている曲をやることの安⼼感はあるけど、知らない曲に⼈は全く興味が湧かないわけでもない。むしろ⼦どもたちは普通に聴いてくれる。
初めて現代曲をアウトリーチでやった時に、⼦どもたちにとって「知っている・知らない」じゃなくて、「どう⾃分たちに⼊ってくるか」が重要だということに気づけた。だから今となっては、知っている・知らないは関係なく、曲を選ぶ時に、「これは聴かせるのは難しくないか」という曲は、「難しい曲として聴いてもらおう」と選ぶようになった。⾦管楽器はこうやって吹いていて、こうやって⾳が鳴っていて、とても楽器によって得意不得意があるという中での最後に、「全く知らない曲だけど、どうだろうねえ。4 分、我慢して聴いてみて！」って⾔うと、「最後の曲、かっこよかった」とか「迫⼒がすごかった」といった感想が帰ってきて、意外とそういうふうに聴いてくれることを発⾒する。

―― 参加対象に過度な期待を押し付けずに、何か心に触れるものがあるだけで十分だと思う（塚越）塚越：プログラムの内容でいつも⼀番根底に思っていることは、何かを与えるだけではなく、みなさまからなにかを「引き出す」ということ。あと、みんなに過度な期待を押し付けずに、何か⼼に触れるものがあるだけで⼗分だというふうに思っている。私は⻑期にわたって継続的にやっている
アウトリーチは今まで⼀度もない。今、２つの⼤学で教えているので、それを⻑期として捉えることもできるのかもしれないが、今のところ単発のみでやっていて、それにすごく充実感を覚えているし、楽しい。機会があったらもちろん⻑期も挑戦してみたい。
エピソードとしては、例えば以前に狛江市にお伺いした時に、⼩学⽣向けが圧倒的に多かったが、全員不登校の⼦向けにお願いされたことが１回あった。いつも相⼿の気持ち、相⼿の⽴場になって考えることを⼼がけているので、⾃分は不登校になったことはないが、すごくふさぎ込むことはあったので、まずコンサート会場に⾏くことすら⼤変だろうな、と思い、当⽇は会場にだれもこないことを覚悟して⾏こうと思った。幸いにも全員が来てくれて、最終的に参加してくれた⼆⼗数⼈が、⾳楽を通じて⾃分を出せるようになっていき、結果的に全員登校できるようになって、すごくありがたかったと報告が来た。その時はすごくやりがいを感じて、印象に残っている。
JA の農家の⽅々向けにお願いされた時に、「正直、⾳楽は好きじゃない」とはっきり⾔う⽅々のところに⾏ってくださいと⾔われ、これは⼤変だと思ったが、何かしらあるだろうと思って、い59

ろんな情報を頂いて考えた。その時に、農作業の最初の時に流れるチャイム的なものがあると知り、それをもじったり、農家さんが丹精込めて、⾃分の⼦どものように育ている農作物を全部調べて、そのいろんなパネルとかを⽤意して、それを⾳楽にどうつなげられるか考えたり、といっ
たプログラムをしてみた。すると、最後のコンサートにまで来てくれた⽅々がほとんどで、「よかった、楽しかったよ」と⾔ってくれた⾔葉が、とてもうれしかった。
あとは、からだがほとんど動かない⽅々がいる所へ⾏ってほしいと⾔われた時に、どのぐらいからだが動くのかは⼈それぞれだと思うので、それがわかる動画を撮ってもらい事前に⾒せてほしいとお願いをして、この⽅はどれくらい動かせるか動かせないか、どんな⽀援が必要かを調べて、
1 ⼈ 1 ⼈に合わせて全部楽器を作っていった。その⽅たちは待つことはでき、他の⼦がやっている時に⾃分が何もやってない時間があっても⼤丈夫と聞いていたので、⼀⼈ずつ、丁寧に時間を使って⾏ったら、それぞれ⾃分ができた度合いを感じてもらえたようで、後から頂いたフィード
バックがすごくありがたく、印象として残っている。

―― ホールの職員さんに進行表を共有することで安心感をつくっていく（塚越）
教員やホールの職員さんの変化としては、すごく協⼒的に頑張ろうとしてくださるところは、最初から協⼒体制が素晴らしく、特に私は、どうしても⼤型楽器なので運搬作業がついて回るが、「運搬⾞を掃除しておいたんです。ピッカピカでしょう」と⾔って、新品の⽑布まで⽤意してくれて、気合い⼗分、という⽅々もいるくらい、私は周りの⼈たちに恵まれてきたので、最初からホールの職員の⽅々とタッグを組んでできたところが多い。しかし中には、事前に伝えないと全員に情報共有できなかったところもあったので、そういうところは、私から進⾏表や資料を作り、皆さんにお渡しするようにして、⼝頭で伝えるだけではなく、それぞれが確認していただける状
態にしていた。資料を差し上げた時には、皆さんがそれぞれに動いてくれた。それをみて、⾳楽が分からないとか、楽器にどう触っていいか分からない職員も、そういうものがあると安⼼感があるということに気づけた。

―― いろんな人としゃべるのは楽しいし、面白いし、一緒にやっているその人たちがどんどん自分たちの音楽を好きになってくれるのを肌で感じれると嬉しい（YASSY）
YASSY：僕も⾳楽なので単発しかしたことがない。⾳楽的には、演奏することを 45 分の中に全てを詰めたいが、限られた時間なので難しく、この 20 年ぐらいずっと考えている。これは芸術鑑賞会
やコンサートではなく、45 分で少⼈数の⼀度しか会えない⼦どもたちのところに⼊っていってできることはなんだろうと考えた。先ほど⾔った⾃由の世界を求めるプログラムが⼀番いいかと思っている。単発だと、やった後にみんなが笑顔で帰るとか、そうでない⼦もいるとか、そうい
うことを⾒ることぐらいしかできなくて、その⼦がどうなっているかは、教員の先⽣から⼿紙頂いて、この後のことを聞くなどしかできない。僕らが 45 分をやった後、また学校⽣活は先⽣の元での⽣活が始まるので、その先⽣にとって「すごく今回のアウトリーチがよかった」という感想を頂いたら、ああ、⾏ってよかったなと思う。単発の効果は、やはりあると思う。45 分というのは、すごくエネルギーの強い時間で、これは１回やれば、継続でなくても多分⼀⽣に 1 回の 45
分でもいいと思えるような気持ちでやらせてもらっている。
継続となると、僕らはどうしてもワークショップ的な、バンドを指導するとかになる。それが１回の時もあれば、それが計 4 回になることもあるが、半年かけてバンドをつくる時に⾯⽩いのは⼈間性だと思う。どうやると⾯⽩い空間になるかを考えることが多いので、どちらかというと、⾳楽性より「⼈と⼈が何かをつくるのは⾯⽩いよね」というのを感じてもらって終わることが多い。なので、やはり時間をかければかけるほど、関係性が深くなり、感動することも多いと思う。
ワークショップで単発の時は「１回でやっちゃえ」という爆発的な楽しさはあるが、それはどち
60

らかというと⾳楽的、アート的な感じの⾯⽩さで、「あっ、こんなふうに⾳楽を感じるんだ。こんなふうにジャズって楽しくなるんだ」っていうことは感じられる時間だと思う。その中にある感動、⼈と⻑い時間を共有したからこそ感じるものは、時間をかけることがすごく⼤事なのかなと思う。ホールの職員については、僕らも単発でしか会わないので変化はよくわからないが、３⽇間ご⼀緒することがあった時に、だんだん肩の⼒が抜ける職員がいると、めったに会わないタイ
プの⼈間と会ったことがよかったのかなと思う。
あとは、昔、伊東へ⾏った時に不登校の⼦のところに⾏ったら、次の年にみんな学校に⾏けたというような経験があった。
「演奏を先にしないでください」と⾔われていたので、取りあえず「こんにちは」とドアを開けて⼊って、適当に楽器を出したり、みんなでゲームをしたり、三々五々
やって、最後に⼀曲演奏しただけで、何にもしてないけれど、最後、「⼀緒に写真を撮りましょう」と⾔われた。
「あの⼦たちがそんなことを⾔うことはない」と先⽣たちは驚いたことがあり、⾳楽には僕たちが思っている以上にすごい⼒があるんじゃないかと思ったきっかけだった。僕たちの演奏ではなく、やはり⾳楽が持っている⼒があるというのは、地域創造で⾏かせてもらった時にすごく感じて、それは今でもすごく思う。
同じ町に⻑期で継続的に⾏く時は、確かにスタッフの皆さんが、どんどんエネルギッシュになっていくのを感じる。最初の出会いがよかったこともあり、プログラムやいろんな話をするっていう中で、スタッフの皆さんが「次はこんなことをしたい、あんなことしたい、お祭りをつくりた
い、何かをしたい」といったことが出てくる。だから⼤分の豊後⼤野ミュージックフェスティバ
ルは、１年⽬に⾏かせてもらった町で今でも続いている。下⼿したら 20 年近いお付き合いになっている。本当に１つか２つしかないが、波⻑が合う、縁ができたということで続いている。もちろん、楽しかったけれども１回きりの町もある。いろんな⼈としゃべるのは楽しいし、⾯⽩い
し、⼀緒にやっている⼈たちがどんどん⾃分たちの⾳楽を好きになってくれるのを肌で感じられると、やっぱりそれがうれしい。それを楽しませていただいてる⾳楽⼈⽣だと思う。

3．問題点・課題、今後の展開
⼤澤：最後は、アウトリーチやワークショップの問題点や課題をお聞きしたい。今後の活動の展開について、活動現場で直⾯する問題点や課題、地域の⽂化施設に対する期待や要望。この調査では、地域のアーティスト、次世代のアーティスト⼈材をどうすれば育てていけるか、こういう活動を⽀えていくアーティストに求められる資質とか経験や、必要な教育、研修の内容についても伺いたい。地域創造だけではなく⼤学機関や、さまざまな教育の場でこういうことが必要ではないかという提案があれば、ぜひお願いしたい。

―― 次世代のアーティストが流動的に全国を巡って、地域に帰って活躍できるようなネットワー
クづくりが必要（田上）⽥上：各地域の状況にもよるとは思うが、その地域ごとで次世代のプレーヤーが必要なのか、コーディ
ネーターが必要なのかは⼀つの問いだと思う。僕個⼈としては、特に⽥舎に住んでいるので、東京などの都市にいるアーティストが⼊っていただくのはすごくいいことだと感じている。その時にどのように受け⼊れるかということ。そういったコーディネート能⼒の⾼い⼈がいると、アーティストは流動的に全国を巡りながら、いろんな恩恵を地域に残していける気がする。
アーティストに求められる資質は、気⾻がある⼈、冒険⼼にあふれる⼈だと思う。僕らも⽐較的
わくわくして地域に⾏くので、その⾯⽩がり⽅を共有できるというか、知識の有無とか経験にか61かわらず、⼈として出会ってみて、良識的に共犯関係になれる⼈と組めると、すごくいつも楽し
いなと思う。
地域のアーティストを育てていく研修については、まず体系的にアウトリーチのことを１回、知識として学ぶのはいいことだと思う。概論や成り⽴ち、どういう企画性になっているか、あとは、
ここにいる皆さんのような第⼀線級の⼈と出会ってみるのが、百聞は⼀⾒にしかずという感じもする。そういうところから、いろいろなものを発⾒してくれるといいと思う。時代もいろいろ変わってきているので、⼀⼝にアウトリーチといっても、いろいろリテラシーを持って臨むことが、
ここからは必要になると、最近アウトリーチの現場に⾏って課題に感じる。
最後に、公共施設に対する期待と要望は、どうしても⼈事異動があり、事業を丸々担当していた⼈が抜けて、翌年、事業だけ継続して担当者が代わることがよくある。そのことは悪いことではないけれども、こちらもそこに粘り強く付き合っていくホスピタリティを持っていくと、変わっていくと思う。いろんなところでアウトリーチを勉強して地域に帰りたいという次世代の思いも聞くので、⾳楽、ダンス、演技にかかわらず、そういった⼈たちが地域で活動できるようなネッ
トワークづくりがあるといいと思う。できつつあるが、より可視化できるような組織体ができてくるといい。
僕らも、今お話聞いていて、やはりすごく楽しいなと思ったのは、他分野のアウトリーチがこんな違うんだということを知り、すごく豊かな発⾒と刺激があるので、⼀緒に何かをすることはな
いにしても、こういったヒアリングの会、お互いの場をのぞけるような交流システムがあるいいと思うし、すごく楽しい未来があることを期待している。

―― さまざまな課題を共有していけるネットワークが必要（北村）北村：今、私が抱えてる現場で課題だと思うことは、先ほどご紹介した湖南ダンスカンパニーの活動の中で感じる壁。滋賀県湖南県域のいくつかの市町にまたがって参加者がいるが、障害のある⼈た
ちは⾃分 1 ⼈では来られないので、保護者の⽅に送っていただくか、送迎のサービスを利⽤して普段の活動場所に来てもらっている。公演本番を県⽴の劇場で⾏う場合に、「この道を⼀本越え
るとよその町なので送迎サービスが利⽤できない」ということが起こる。前⽇まで私たちの拠点で⼀緒に踊っているメンバーが本番だけ出られないという悲劇が起こってしまう。制度によって、普段の⽣活だけではなし得ない、他者と関わり楽しく踊って作品を作って、⼈⽣が豊かになっていくことが⽬標であるはずなのに、それが制度の壁によって出来なかったりする。その「壁」は、そうした事例だけでなく、もしかしたら、家庭や施設や学校など、⾄る所にあるのではないか。
⼀つ壁を越えて繋がろうとする時に起こる障壁に、最近、⽬を向け始めている。
⼀⽅で、制度があることで守られている⼈たちも当然いるので、制度をなくせばいいという話ではなく、そういうものの仕組みをきちんと知って、どうしたらこれは楽しい⽅向にできるかというアイデアを出し合えるような関係が、地域や学校という場で、実現できたらいいと思っている。
今⽇のこの機会のように、いろんな分野の⽅たちと話すと、いろんなアイデアを頂けるので、そういう開かれた場がもっとつくれたらいいなと思っている。
地域の次世代のアーティストの⼈材育成について。短期および中⻑期的な企画でも、⾃分が住んでいない⼟地に赴く時に、アシスタントを連れていくという⽅法がある。実際、「ダン活」ではア
シスタントを連れていけるようになっていて、すごくありがたい制度だが、それだけではなくて、こちらからもアシスタントを連れていくのと同時に、その地域のダンサーさんやアーティストたちも必ず交ざるようにしている。アシスタント同⼠で話すことによって、私では気付かない何かを交換でき、企画が終了し私たちが去った後、その現場でどんなことが出来るかを考えていく材

62

料になることもある。実際、何年かして再びその⼟地を訪れると、私と出会ったことのない⼈たちが⼤勢で私のダンスを踊っているという、振付家冥利（みょうり）に尽きることが起こる。その⼟地の⼈たちを巻き込みながら、何か置いていく、残していくことが必要なのかなと思っている。
アーティストが⾃分の地元で何かやろうとする時にも、やはりいろんな壁がある。アーティスト
が孤独になって疲弊してしまうと、その⼈⾃⾝が踊る演奏する気⼒を失ったり、アートの根っこや芽が根絶やしになってはいけない。孤独にならないためにも、課題や問題について話し合える場やネットワーク、アーティストが⼼⾝共に護られる体制が必要だと思う。例えば、私が住む滋賀県草津市で⾏政機関や公共ホールを尋ねていく際に、「振付家の北村成美です」「どこの誰や」「地域創造のダンス活性化事業の登録アーティストなんです」と⾔うと、それだけでも「聞いてあげようか」という感じになることがある。
「ダン活」や「おんかつ」に登録している⼈たちだけ
でなく、「アーティスト」を⽣業にしている⼈たちが、しんどくならない、孤独にならない⽅法、
後ろ盾は、アートを護る意味でとても重要ではないかと思う。

―― 文化の根源：耕すことを再考し、人材を育てるためにもお金まわりの問題を改善していかな
ければならない（加藤）加藤：いくつかある課題の中の⼀つは、もう少し⽂化庁をどうにかしてほしいという課題がある。⽂化庁の学校への芸術家派遣について、問題なのは交通⼿段と、謝礼の問題。公共交通機関しか使ってはいけないと⾔われ、午前中の現場から午後の現場にバスしか使えない。例えば、ある地域に⾏った時に、⼭道でバス酔いして、楽器を吹けるような状態ではなくなり、リハーサルをせずに、本番だけしたこともある。謝礼の振り込みは年度末で、忘れた頃に⼊ってくる。これはコロナの時に経産省がやっていた補助⾦の時も⼀体、いつを収⼊とするのかという話になった。
あとは、ホールの継続の⼒っていうところに対して、正直、もう少しサポートをしてもらいたい。
例えば、アウトリーチをやっても次、どれだけお⾦が下りてくるところに直結するのかが全然分からない。僕らの成果を数字で表せないので、どう評価しているのか、⼭ほどある書類に全部⽬通して評価しているのか。おんかつ⽀援の５カ年計画の補助についても、評価・成果をどうはかるかの問題があり、そこの仕組みを、単発でそこに⾏く僕たちとしては、もうどうにもできない。
サポートがない今の体制をそのままを続けてくのは厳しいと思う。
われわれのやっている⽂化を⽀えてく基盤がない。この⽂化という⼀つのサイクルの中にいる⼈間として、どうしていけばいいのか。⽂化を考える時に、やはり⽂化は元々カルチャーであり、元の⾔葉も cultivate という⾔葉からきている。それは「耕す」という意味で、種をまく⼈、⽔をあげる⼈、太陽の存在が必要になる。それが理解できて、初めて⽂化が回ってくような気がする。
それによって収穫祭や感謝祭ができる。その⽂化の流れはやはり⼤事で、その中の予算とは⼀体何なのか。それを回している⼈は誰なのかという話になった時に、シンプルにもっと、「⽂化ってどういうものだったのか」ということがすごく⼤きな問題だと思う。予算の管理をする⼈たちは実際にやっている⼈のことを理解しないといけないと強く感じている。
⼈材育成については、われわれは登録されてから⽴場が何も変わらずに、ベテランと⾔われるよ
うになってきて、夏の地域創造フェスティバルもいつまで出られるのだろうかという状況で、次世代のアーティストを指導できるような⽴場になっていったほうがいいと思う。これからの個⼈的な課題だというふうに思っている。

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―― 楽器に合わせたスケジューリング・他分野との交流・コロナ後のコミュニケーションを見直して次のステップに移行する時（塚越）塚越：もちろん問題点、課題とか、私も直⾯することはたくさんあり、これまでの話に共感した。私からもいくつか挙げると、ひとつめに楽器に合わせたスケジューリングになるといいと思う。例えば管楽器奏者や声楽の⼈に朝⼀番にはお願いできないけど、打楽器奏者はそれが可能かもしれな
い。⼀⽅で、打楽器奏者は運搬作業が毎回起こり得るために、セッティングが割とシビアにあるなど楽器による特徴があるので、それらを考慮してスケジューリングができるとロスが解消されていくと思う。
次に、地域、次世代のアーティストの育成で⾔うと、皆さん思っていると思うが、アウトリーチ
コンサート、特に⼩学⽣向けのコンサートは「楽だろう」みたいなイメージがすごく根強いと感じている。その印象の改善は必要だと思っていて、やはりこれだけ「おんかつ」アーティストがいて、経験豊富な⽅々が、アウトリーチ活動ではなく、アウトリーチ活動をする次世代の⽅々へのワークショップを担当していくことがあってもいいのではないかと思った。あとはせっかく「ダン活」などいろいろな⼈たちがいるので、アーティスト同⼠の交流が、「おんかつ」だけではなく「ダン活」も、さらには分野を超えて交流し、何か刺激を受け合える環境があると、私たちもブラッシュアップできるのではないかと思っていた。
資質や経験につながる話だと、どこまでいってもやはり⼈対⼈なので、⼈間⼒を磨かなければい
けない。どんなに⾃分につらいことあっても、表向き明るくいる。あとは絶対に感謝を忘れないなどの⼈間⼒がすごく⼤事だと思う。この前もいろんな⽅とお話しした時に、コロナ禍でコミュ
ニケーションを取ることができないこの 3 年間ぐらいに、今、やはり幼稚化しているということをいわれているようで、特に⼩学⽣の⼦が、どう話したらいいか、仲良くなればいいのかも分からないという⼦が増えているらしい。なので、何か今後の考えを、私たち⾃⾝も改める必要があ
るし、アウトリーチの⽅法も考えていかなければいけない時期が、そろそろ来るのではないかと思っている。コロナ禍の 3 年間ぐらいは、すごくブランクがあったと、すごく感じている。

―― 地域創造内だけでも、アーティストたちの持っている音楽や演劇やダンスの力とスタッフの知恵を共有できれば、地域に出す力・エネルギーが大きくなっていくのではないか（YASSY）
YASSY：コロナ禍があり、2020 年はほとんど活動がなく、21 年は少し活動ができて、22 年も活動できる時はできたけど、できない時はできない。今年に⼊って、ようやくできるようになってきたが、確かに僕が肌で感じていることは、前と同じような感じ。コロナということに関して、⼦どもた
ちがまだマスクをしているなかで、３年間こういう時期を過ごした⼦どもたちに対して、このアプローチでいいのか、僕たちも考えなければいけないと思っている。専⾨家の⼈たちと話をして、少しそういう知恵も頂きながら、それを丸々取り⼊れるわけではないが、ディスカッションの場
から何か⾃分の中でひらめきがあれば、それを取り⼊れることもできるかもしれない。なので、アンテナを張っていきたい。現場の先⽣の反応としては、もちろん考えてやられているが、何か前に戻そうとしている感じのところのほうが強い気がするが、「違うんだ」と考えたほうが早いこともあるのかもしれないとも考えている。
次世代アーティストについては、⽥上さんが⾔われたように、気⾻のある⼈で冒険⼼がある⼈だと思う。これまでの経験もあるが、元々持っているのは、多分、⼩学⽣や中学⽣の時に思い描いた⾳楽の世界とかがあり、やはり純粋であるとか、冒険⼼があるとかは、すごくアーティストにとって⼤事だと思う。あと、嘘がつけないというか、ホールの職員の話とかに反応できる加藤さんのような⼈が必要だと思う。

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教育とか研修で必要なことは、地域創造に限っては、夏のフェスティバルで、30 分とか枠でやらせてもらうプレゼンテーションが「ダン活」もあって、もちろん研修もあるが、ダンスと⾳楽と演劇をそれぞれやっているのを⼀つにまとまっていろんな⼈が⾒られるうまいプログラムを作れると、⾃然とそこに⾜を運んだら全てが⾒られるプログラムができればいいと思う。やっぱり百聞は⼀⾒にしかずで、本当に５分や 10 分で体験できただけで得るものは⼤きいと思う。特に地域創造のアーティストにとってその体験は⼤きいと思うので、せっかく地域創造が持っているスタッフの知恵と、アーティストの持っている⾳楽や演劇やダンスの⼒を、まずは地域創造の中だけでもみんなで共有ができれば、外に出る⼒が⼤きくなるのかもしれないと思う。今⽇の会議
でも、この会議がなければ知らなかったこと多いし、ここの中がちょっと密になることで、地域に出すエネルギーが強くなっていくのではないかと思う。
吉本：皆さん、ありがとうございました。やはりアウトリーチに取り組んでいらっしゃるアーティストの皆さんの思いが、すごく強いことを改めて認識した。今回の調査の報告書の最⼤の役割は、どうやって多くの地⽅公共団体や公⽴⽂化施設にアウトリーチを理解してもらうか、その気にさせるかということなので、アーティストの語る実感を伴った⾔葉を伝わる形で引⽤しながら報告書にしていきたいと思う。

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・・ メールによるアンケート調査の協力依頼、web アンケートのフォームからの入力による回収。なお、アーティストの連絡先がマネジメント事務所の場合は、協力依頼メールを事務所から所属アーティストに転送していただいた。
・ 調査実施期間：2023年８月25日～９月17日

コーディネーターのグループインタビュー【出席者】
⼭本 若⼦(公共ホール⾳楽活性化事業コーディネーター)
⽶澤 浩(公共ホール邦楽活性化事業コーディネーター)
中⻄ ⿇友(公共ホールダンス活性化事業コーディネーター)
仕⽥ 佳経(公共ホール⾳楽活性化事業コーディネーター・地域創造ディレクター)【進⾏】
吉本光宏（合同会社⽂化コモンズ研究所）
2023 年 10 ⽉ 4 ⽇（⽔）14：00〜16：00 地域創造会議室67

コーディネーター
2023 年 10 ⽉ 4 ⽇（⽔）14：00〜16：00＠地域創造会議室
⼭本 若⼦(公共ホール⾳楽活性化事業コーディネーター)
⽶澤 浩(公共ホール邦楽活性化事業コーディネーター)
中⻄ ⿇友(公共ホールダンス活性化事業コーディネーター)
仕⽥ 佳経(公共ホール⾳楽活性化事業コーディネーター・地域創造ディレクター)

1．これまでのアウトリーチやワークショップの実績
吉本：これまでのアウトリーチやワークショップの実績ということで、コーディネーターの仕事をいつから、どこで始めたのか、活動の頻度、他のお仕事との⽐率、さらに、アウトリーチやワー
クショップをコーディネートしているプロジェクトの参加対象、プログラム内容、過去の代表例などを伺いたい。

―― 市の財団でのアウトリーチ活動から始まったコーディネーターとしての仕事（仕田）仕⽥：町⽥市の財団に勤めている時に、財団としてアウトリーチ活動と位置付けている活動があった。
町⽥が 42 万、43 万⼈ぐらいの⾮常に⼤きい都市なので、ホールからかなり遠い地域もあり、各地域の市⺠センター、コミュニティセンターに⾳楽や落語などを届けようという活動があった。
⾃分たちで荷物を持って回り、アーティストも連れていってというアウトリーチを私が仕事として意識したのはそこでの経験から。演奏家時代も地元の⼩学校とか中学校で演奏したことがあるが、「呼ばれたから⾏く」みたいな感じで深く意識していなかった。町⽥の財団で実施していたアウトリーチ事業は、地域創造でアーティストや実施団体の⽅と考えながらやっていくほど深く突きつめられたものではないので、地域創造に出向させてもらった時に、町⽥に戻ったらどうするかとよく考えていた。今はコーディネーターという役割もありつつ、実施地域に事務局として⾏く場合もある。今年は「おんかつ」を 15 か所の内４件を担当しているので、ほかのおんかつコーディネーターに⽐べると⽐率は⾼い⽅かなと思う。邦楽活性化事業も現場にいきたいのだが、やはり「おんかつ」での仕事が忙しく、なかなか邦楽に関われていない状況。
地域創造の「おんかつ」が中⼼で参加対象は⼩学校、中学校、幼稚園、福祉施設、企業など様々。

―― 「芸術家と子どもたち」との出会いから始まったワークショップのコーディネーターとしての仕事（中西）中⻄：「芸術家と⼦どもたち」にボランティアやインターンスタッフとして関わり始めたのが、2010 年から。その後、2011 年３⽉から職員にしてもらい、ずっと今でも続けている。基本的に「芸術家と⼦どもたち」でワークショップのコーディネーターとして働いているのがメインの仕事。
「芸術家と⼦どもたち」でのワークショップの対象は、未就学児の親⼦から幼稚園、保育園、⼩学校、中学校、特別⽀援学級、特別⽀援学校。ここ７〜８年で児童養護施設、児童⾃⽴⽀援
施設等、児童福祉施設や、2022 年度からは少年院へと矯正教育の場にも⾏き始めている。地域
創造の公共ホールダンス活性化事業（以下、「ダン活」）が私の仕事の中で占める割合はおそら
く全体の５％ぐらいで、年間２〜３件を担当していて、アウトリーチがないプログラムの時もある。「ダン活」⾃体に関わり始めたのが 2017 年頃からで、もともとは「芸術家と⼦どもたち」の代表の堤が、「ダン活」⽴ち上げの時にずっとコーディネーターとしてお世話になっており、
コーディネーターの代替わりのようなことがあった時に、私が⼊った。

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「芸術家と⼦どもたち」に興味を持ったのは、学⽣の頃から私にとってのあこがれだった現代美術家の宮島達男さん、内藤礼さんや、写真家の野⼝⾥佳さんなどがワークショップをしており、なんてすてきな団体があるのかと思ったことがきっかけだった。ただ、⼊ってみるとダンスのワークショップが多かったので、団体に⼊ってからダンスを⾒るようになった。「芸術家と⼦どもたち」のワークショップはダンス、⾳楽、演劇、美術等、ジャンルはいろいろやっていて、どのジャンルも担当している。⼀⽅で、劇場での企画、制作に関する経験はあまりないが「ダン活」のコーディネーターとして働くようになった。

―― 「日本音楽集団」のプレイヤーと同時進行で担っていったコーディネーターとしての仕事（米澤）
⽶澤：⽇本⾳楽集団に 1978 年に⼊団し、80 年代から⾳楽集団のメンバーとして、他の財団が都道府県の教育委員会とコンタクトを取り、その県内の市町村教育委員会からの希望をまとめて派遣するという、いわゆる学校鑑賞会時代の活動に参加していた。若い頃はそこでプレイヤーとして先輩⽅と⼀緒に出演していたのでずいぶん鍛えられたと思う。アウトリーチとは関係ないが、その当時は団体の「坊や」のような役割もしていて、⽇本国中を⾛りまわり、先輩たちが現場に⼊ってくる前に先乗りをして、ホールの舞台技術スタッフと全部打ち合わせをして、公演もやって、また次へ⾏くということを若いころやっていた。そこでホール関係の技術のこと、照明等々も勉強させてもらった。
その当時の仕事では、⽇本⾳楽集団は 7 ⼈の編成で派遣していたが、1996 年から２⼈で派遣したいということで、集団の箏奏者の熊沢と活動するようになった。そのころはワークショップのプログラムはカップリングしてなく、鑑賞教室のみで⼀昔前の⾔ってみれば平成版だったが、お世話になったディレクターの⽅から、プログラムの中での⾔葉選びや話し⽅のアドバイスをたくさんもらい、それが今でも⾮常に役に⽴っている。今ではそのことをアーティストにアドバイスをする⽴場になった。
これまで携わってきた代表的な実績は全部で４本あり、その１本⽬が 96 年から２⼈で派遣されたもの。２本⽬は、2006 年から中央区のトリトン・アーツ・ネットワークと⽇本⾳楽集団がタイアップし、いわゆる地域活動で派遣するプログラムをつくろうと「Meet The 和楽器」という事業を⽴ち上げた。最初の５年間はトリトン・アーツ・ネットワークが助成⾦も獲得してくれて、⽇本⾳楽集団から７⼈編成を派遣していた。2012 年以降は⼈数を縮⼩することになり、それまでの経験値から熊沢と 2 ⼈で「Meet The 和楽器」を継続することになり、これを機にお箏の体験プログラムを導⼊し始めて今に⾄るが、この事業において折に触れて児⽟さんから頂いた助⾔は⼤きい。その体験プログラムは実は地域創造の事業の中で⿇植（おえ）理恵⼦さんが⾏ったプログラムで、とてもいいと思ったので、本⼈の承諾を得てアレンジして、やり始めたもの。今度それを「Meet The 和楽器」のプログラムから、また作り替え、⽇本⾳楽集団が 2011
年からやっている⽂化庁の巡回公演に導⼊して、うちの団体のプログラムにしている。これが 3本⽬。
私はプログラムの初期のころは演奏も⾏っていたが、今はプロデュースとコーディネートが主となり、4 本⽬は 2021 年からは地域創造でご⼀緒させてもらっている⾕垣内（たにがいと）さんからお声掛けいただき、アーツカウンシル東京と⽇本芸能実演家団体協議会が主催している「⼦供のための伝統⽂化・芸能体験事業」の中のアクティビティとして、⽇本⾳楽集団の違う
楽器のメンバーを３⼈ずつ集めたチームを４チームつくり派遣している。今、うちの団体のア
クティビティに、ノウハウを浸透させようとしている真っ最中で、私の仕事の⽐率も、若いころは実演と企画構成が合体していたが、今では後輩の仲間に積極的に演奏してもらうようにし69

ているので、プロデュース、コーディネートのほうに尽⼒しているような状態。
吉本：邦楽のアウトリーチに関しては、学校教育の中に邦楽が⼊ったことで、すごくニーズが⾼まったという実感はあるか。
⽶澤：ある。ただ、これは必ず学校の先⽣にはお伝えすることだが、⾳楽の授業の肩代わりのための
いわゆる知識獲得型のプログラムではないと説明し、われわれの⽬指しているところを共有するようにしている。

―― 海外でのアウトリーチの経験から日本語独特感覚を活かしたプログラムづくりに繋がっていった（米澤）
印象に残っているエピソードとして、若⼿のころベルギーで「ユーロパリア」という企画をやった。先発隊として本公演をやる前の１週間を、ブリュッセル市内の⼩学校を全部回って学校交流をやった。もちろん、通訳の⽅も付いてくれた中で、⽇本の⼦どもたちにやっているプロ
グラムと同じものをそこでやってみることにした。その時のベルギーの⼦どもたちの反応がす
ごく興味深かった。
今の個⼈的なプログラムにも影響していることだが、この時の経験から⽇本語の持っている⼒の⾯⽩さを実感した。⽇本語は、世界中の⾔語の中でいわゆる擬⾳語、擬態語が⼀番多いので、⽇本⼈は「こういう感覚で、この⾔葉で表現する」ということをベルギーの⼦どもたちに伝えると驚いていた。他にも、イタリアで⼤⼈の⽅を対象にやった時に、波⾳の「ザブザブーン、ザザザザ」というのがモチーフになってできた曲があると「春の海」を紹介し、イタリアでは
波の⾳はどう表現するかと問いかけたときに、ほとんど答えが返ってこなかった。それは、そういう感覚で捉えてないということで、例えば、セミの声はもう雑⾳でしかないとか、「やっとヒグラシが鳴くようになった」というような季節と連動した感覚がない。そういう感覚、⾔葉を持っているからこそ、そこから曲が⽣まれてくる。お箏で表現すると、ヒグラシの声に聞こえると捉えるのは⽇本⼈だけだったりする。だから、そこの感覚を 100％伝えるのは難しかったが、提⽰し、あとはどう考えるかというように、投げっぱなしっていう状態ではあるが、海外で経験したことがすごく⾯⽩かった。

―― 地域創造でのコーディネーターの仕事から、町ごとのアーティスト育成や研修の仕事の依頼がくるようになった（山本）⼭本：私は、2022 年までおんかつコーディネーターだったが、今はアウトリーチのコーディネートの活動はゼロなので、去年までの話でさせてもらうと、2004 年から「おんかつ」に関わりはじめた。2005 年に⾃分の会社を⽴ち上げたが、会社での活動が何もないような状態から始まり、初期はほぼ、地域創造の「おんかつ」に注⼒する形でスタートをした。 続けていくことで「おんかつ」事業に加えて、いろんな町から誘ってもらう活動が増えてきた。アーティストの育成や研修でお呼びが掛かることが多くあった。
みんな「おんかつ」に頼っていた時期を経て、⾃分の町でもアウトリーチ事業に取り組まなけ
ればならない時期になって地域創造の⼒や「おんかつ」のコーディネーターの経験を頼りにしてくださったのだと思う。

2．アウトリーチやワークショップの成果や効果
吉本：皆さんがコーディネートしているプログラムの特徴や期待、現場で⼦どもたちや教員の変化、あるいはホール職員の意識の変化、ご⾃⾝のほかの仕事への影響、継続的に実施するものと単70発でやるものとの差について、特に成果や効果をお聞きしたい。また、忘れられないエピソー
ドがあればお話しいただきたいと思う。

―― オノマトペに見られる日本語の面白さを入口に日本の文化の独自性に気づいてもらえるようなプログラムをつくっている（米澤）⽶澤：まず、私個⼈の尺⼋奏者としてプログラムで軸にしていることは、先ほどの⽇本語におけるオノマトペ表現の幅の広さを伝えるということ。このことは同じ感覚や価値観を瞬間的に共有できるということでもある。「⻭がズキズキ痛む」といえば、⾷べるのも⼤変だというように、⾔葉から⼈の痛みが分かるということはすごいことだと思う。⾔葉から⾳楽が⽣まれているので、⽇本語と⾔葉の感覚の奥深さを⼦どもたちに伝えたいと思い、プログラムにしている。⽇本では歴史的にも他の⽂化のものを受け⼊れ、オリジナルを越えるところまでもつくるという傾向があると思う。箏も尺⼋も中国から⼊ってきているが、今、尺⼋は中国になく、⽇本の製管師がつくった楽器が中国に輸出されていっている。逆に中国でブームになっているところもあるほど。そういうことも⼦どもたちに知ってもらう機会になればいいと思っている。それはコー
ディネートをしている時にもアーティストに求めていることで、アーティストが思っていることを把握しようとしている。
⼦どもたちや教職員の⽅、ホールの⽅への影響、アウトリーチの参加者への影響としても、⾃分が尺⼋を始めたきっかけは先輩や師匠だったように、「⼈」の存在が⼤きいと思っているので、「こんなこと⼀⽣懸命やっている若い⼈がいる」「このお兄さん、かっこいいな」「このお姉さん、かっこいいな」とか思ってもらえることが重要だと思っている。そうしないと、邦楽器の演奏者は増えていかないと思うので、個⼈的にはこの点をミッションの中核に置いている。あと、ホールの職員にとっては邦楽器って洋楽の楽器よりも知らないだけにハードルが⾼い。当
然、邦楽器奏者にどう接すればいいのかわからない。邦楽は曲ごとに転換しなくてはならず、
昔は地域創造の事業でも私⾃⾝が⿊服を着て舞台に出ていってしまった時もあったが、最近はそれを極⼒しないようにして、技術や事業の担当者に説明して任せるようにする。そうすることで、邦楽器と邦楽奏者に対してのハードルが下がってくるので、「また、邦楽の事業やってくださいね」と⾔いやすくなる。

―― 「アーティストが音楽室で立つ場所は、教壇ではなくてステージだから、教える、知識を提供するというスタンスに立っては駄目」（米澤）
アーティストに対しては、「その楽器や楽曲の解説を、あなたがすることが最適なのか」を問いかけるようにしている。興味を持った⼦がタブレットで調べたら出てくる情報ではなくて、「あなた」を伝えないと⼦どもたちには魅⼒が伝わらないと伝えている。かつて私が教えてもらい⼤切にしていることが⾔葉選びと話し⽅で、「早⼝はよくない」とか「対象の年代の⼦達が分かる⾔葉を考える」という⼤切さを、今は⾃分がアーティストに伝えている。⾳楽室でも「あなたが⽴つ場所は、教壇ではなくてステージだから、教える、知識を提供するというスタンスに⽴っちゃ駄⽬」、「⾃分を伝えないと、⾃分の思いを伝えないと」ということを重要視している。
例えば、同じ曲を演奏するにしても、「お箏で⼀番有名な『六段』という曲を演奏します」というと、有名だから演奏すると思って聞いてしまうが、アーティストが、「私が⼀番かっこいいと思っている『六段』という曲をやります」と⾔ったら、もう説得⼒以外の何物でもないと思う。
⻑期的にやって印象に残っているエピソードは、さっき話した「Meet The 和楽器」のプロジェ
クトで、中央区、江東区の４年⽣の⼦たちを対象にずっとやっていて、常連校になっているよ
うな学校もある。毎年⾏って楽器の準備をしていると上級⽣がのぞきに来て、「去年やったの、覚えてる？」と⾔うと「覚えてる、覚えてる。楽しかった」と⾔ってくれたりする⼦がいた。

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単に経験して終わりではなく、何かをこの⼦たちの中に残せたのではないかと思った。トリトン・アーツ・ネットワークのインターンが、「僕、４年⽣の時にこの箏弾きました」と⾔ってくれた⽅がいて、きっかけになれたような気がしてうれしかった。何らかの形で携わったり、始めたりする⽅が出てくれれば、すごくうれしい。

―― アウトリーチの活動を通して「見えなかったものが見えてくる」（中西）
中⻄：地域創造の「ダン活」での活動というより、「芸術家と⼦どもたち」での活動の話になるが、⽬的や達成するべきことにあまり縛られないところが、良いところだと思っている。私⾃⾝の⼼持ちとしては、⾯⽩いアーティストと⼦どもたちが出会うと、何か⾯⽩いことが起きるのではないかという期待で場を設定し、あとは基本的にお任せしている。もちろん⾯⽩いことが起こらないこともあるが、何にもならないけどいい、というような空気感を持っていたい。それでもアートのすごさとして感じるのは、アートをきっかけに今の活動を通して、⾒えなかったものが⾒えてくること。例えば、児童養護施設の現状など、実際にそうした場所に⼊っていって体感することで、そこからまた次の課題が⾒えてくる。
アートに価値があるのか、ワークショップに効果があるのか、考え⽅や捉え⽅は⼈それぞれに違っていると思うが、結局、⼀番学びを得ているのは私たち、コーディネーターだと思う。アーティストがいて、⼦どもたちと出会ったところから、私⾃⾝がもらっているものが⼤きい。
ダンスを伝えたいとか、アーティストが⾯⽩いということよりは、そこで出会った⼈たちがいろんなことを起こしていく中で、うまくいかないことや試⾏錯誤すること、特に⼤⼈である先⽣や職員が今まで当然と思っていたことの価値観が少しゆらぐようなことが起こることが重要だと思っている。そういうことのつながりで、次はこうしよう、ああしようといった展開が⽣まれていくのかなと思っている。
今は「ワークショップ」という⾔葉が広まって説明しやすいから使っているという側⾯もあるが、アーティストに「ワークショップ」をしてほしいかというとそうでもなく、⼦どもたちがいる場所に⾏った時に、アーティストに対しては「あなたがやりたいことをどうぞやってくだ
さい」という感じのスタンスでいたいと思っている。児童養護施設に通い始めた頃に、その時関わっていた、ダンスと⾳楽のアーティストが、⼦どもたちがゴールデンウィークに⻑野の⼭に合宿に⾏くのに「ついて⾏きたい」と⾔うので、職員さんにも相談して「じゃあ⾏こう」という話になり、みんなで⼭道をジャンベなどを担いで登っていった。その⼭の中に共働学舎というすてきな場所があって、共働学舎の⼈が楽器を演奏していたところで、⼦どもたちが踊ったり、アーティストがジャンベをたたいたりし始めた景⾊がとても美しく、⼼に残るものだった。⼀⽅で、⼭道を施設の⼦たちと⼀緒に歩いていた時にすれ違ったご婦⼈に「お⽗さんと⼀緒に来たの？」と聞かれ、その⼦は「僕は学園から来たの」（児童養護施設の名称が「●●学園」
だった）と返答して、コミュニケーションがうまく続かなかった。お互いに悪気はないのだが、「学園って何？」「お⽗さんって何？」と、それぞれの当たり前が通じない状況だったと思う。
この時のように、分かり合えないこと、理解し合えないこと、知らないと想像しきれないことが世の中にあるのだと、こういう活動していると⾝にもって実感する。それが、世の中がおかしいという気づきにつながって、それらの問題をアーティストのワークショップで全部解決できないとは思いつつも、どうしたらいいのだろうと考えさせられる。
児童福祉や、矯正教育の場での活動の中で、社会の様々なずれや歪みみたいなことを体感できていることは、⾃分にとってはとてもためになるが、同時にそれを解決する策を私⾃⾝はあまり持っていないことにも気づかされている。そういった様々な問題を⼀緒に考えていくのに、福祉や矯正教育の専⾨家だけではなく、アーティストの視点も持ち寄ることで、やれることが72

何かはあるのではないかと思いたい。すべてがうまくいくかどうかは分からないが、いろいろ実践してみたいと思っている。
吉本：今の話は、アウトリーチやワークショップでの活動を通して、中⻄さん⾃⾝が変化しているということもできる。
中⻄：確かにそう思う。児童養護施設や少年院に⾏くことになるとは想像もせずに「芸術家と⼦どもたち」に⼊って、導かれるままに多様な場にいる⼦どもたちに出会っていくという感じだった。
学校のワークショップは、継続したとしても年度が変われば⼦どもも⼊れ替わっていくし何年も同じ学校で継続することは難しいが、児童養護施設でのワークショップは初めて出会ってから、もう 10 年ぐらい続けてワークショップに参加してくれている⼦もいる。施設を退所して、地域の中で働いている⼦もいるが、引き続きワークショップに通って来てくれる⼦もいる。少し早く来てワークショップの準備から⼿伝ってくれることもあり、そうした姿に成⻑を実感して、若⼲泣きそうになる。児童養護施設の職員の⽅が「ワークショップを経験した⼦は仕事が⻑く続いているような気がします」と⾔ってくれたこともある。
成果というと、学習能⼒が上がることや、就労につながることで測られがちだが、例えば仕事を辞めたくなった時や何かあった時に、少し頑張れる安定した気持ちとか、つながりがある世の中であればいいなと思い、アーティストと⼦どもたちが出会う場所が、そういう場所やつながりになれないかを考えている。だから、今を切実に⽣きている⼦たちの前で、ワークショッ
プの⾄らなさに気づくと、もうどうしようもない気持ちになるし、世の中はこんなに⾒えないことが多かったのかと気づくことになる。もちろん児童養護施設にしろ少年院にしろ、⼦どもたちを守るために外に出せない情報があるのだけれど、誰しも知らないことは怖いから、知らないことや⾒えづらいことに対して偏⾒が⽣まれてしまう。知らないと、それはもう無いものとして私たちは⽣活できてしまうことの危険性を感じる。世の中おかしいと思いながら、どうしたらいいのかなということが、今⾃分⾃⾝がいるところ。

―― アウトリーチの経験を経て演奏家が多くの人に伝わる言葉や流れでコンサートを運べるようになる（仕田）仕⽥：私は、コーディネーターとしての関わりは地域創造の事業だけだが、⼼に留めていることは、やはり相⼿先、主催側の地域がまずどう思っているかを注意深く考えること。全体研修会で、初めはあまりやる気のない担当者もいて、この⼈をどうやる気にさせるかというところは注⼒する。このままだとアーティストが⾏っても地域との関係性は希薄のままだろうし、⾏く意味も分からなくなってしまうので、いかに担当者のやる気を引き出せるかが重要。⼭本さんは、やる気を引きだす、やりたいことを引きだすことがお上⼿なので、お話を伺いたいところ。アーティスト側のやりたいことと、地域がやりたいことが合致すればよいが、お互いのやりたい
ことと、やれることがイコールではないこともある。地域の⼈とうまく協⼒関係になり、皆さんが落としどころを⾒つけて、実施できる最善のところはどこだろうと、コーディネーターが調整役として関わっていければいいと思う。
あとは、はじめての担当者の方に地域創造のアウトリーチ活動で大切にしている「３つの小」、
つまり「狭い空間」で「少人数」で「短い時間」というコンセプトを説明するのに苦労している。自分自身が⼀地域で長期的、継続的に関わったことがないので、同じ対象者を何年も追い続けて、それが「こうだった」と言えることで少し説得力が生まれるのかなと思う。過去の学校の先生やお子さんのアンケートを紹介しても、百聞は一見にしかずで、実際、体験してもら
わないことにはなかなか伝わらないことも多く、そこがいつももどかしいところ。

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演奏家にいつも気を付けてもらっていることは、「自分が普段使っている言葉が全て分かってもらえると思わないように」ということ。演奏家はつい専門用語を使いがちになるので、「その言葉では伝わらない」、「伝えるためにどう表現するか」というやり取りはよくある。すべてを⾔葉にして説明するべきか、場合によっては説明せずに進めた⽅がプログラムがうまく流れるのではなど、特に⾔語化の部分は気を付けている。やはりコーディネーターであり自分の事業ではなく、あくまでも主催者がいて、アーティストがいて成り立っているので、そこがうまくお互いを理解し合って、いいものを届けられたと思える事業を⽬指している。
吉本：今、話伺って気が付いたことが、⼦どもたちや先⽣の変化だけではなく、演奏家の変化もあると思う。⾔葉を伝わるように⼯夫したり、演奏家も⼦どもたちに伝える努⼒をもっとするようになるなど、そういう変化もあると思うが、演奏家の変化はどんなものがあるか。
仕⽥：「おんかつ」のアーティストに登録したすぐ後と、２年、３年たった後は⼤きく変わる⼈もいる。
対象者の状況を如実に感じ取れるようになったり、どういう話を、どういう流れでいくと良いかという構成を考える⼒もだいぶついていっているように思う。
吉本：それは、別の⾔い⽅をすると、アウトリーチではなく普通の演奏会をコンサートホールでアンサンブルをする時に、それを⾒ようと思って来ているお客様たちがいるが、学校に⾏くと必ずしもそれを聞こうと思っているわけではない⼦どもたちがいるので、聞く準備ができてない⼈にどう届けるかという訓練ができてくるということなのだろうか。
仕⽥：そうだと思う。ただ伝えるだけではなく、お客様の反応も受けながら進められるようになる。
専⾨的な⼈には理解できる、ではなく、万⼈が共感できるような流れにより、会場の⼀体感をより強く感じる感覚がある。それが観客と演奏家双⽅にとってより満⾜度を得られるものにな
るのではないかと思う。アウトリーチの経験は演奏家にとって、スキルアップにつながると思う。

―― 「助けて」とか、そういうことをちゃんと言える、その声をちゃんと聞ける、そういう感受性の相互作用を経験できる時間にしたい（山本）⼭本：担当者のやる気を引き出すような秘策があるとすれば、私は学校の先⽣にもしつこく聞くので、下⾒に１時間かかる。話している中でその⼈の本⼼がふっと出る時がある。「実は私はこれが好き、これが嫌い」とか、その⼈の好みがふっと出てくる時をつかまえて、持ち帰り、アーティ
ストと反応させる作業が好きだ。アーティストに対してもほじくって好き嫌いをつかまえたい
し、出てこないときはずっと待つ。全然アイデアが出ないこともあるが、それは何も考えてないわけではなく、たぶん⾔語化するのが難しいから、間があるだけだと思う。アーティストは、
ほんとに努⼒を積み重ねて、いろんなことを我慢して、音楽に没頭してきている人たちなので、それをアウトリーチ先の⼈たちと反応するような引き出し、種火を見つけたいと思っている。
コーディネーターは「放火魔」のような役割だと思う。「ここに燃えるものがある」と私が火を点けに行く時もあるし、「ほら、ここ、よく燃えそうだよ」と誘導する時もある。何か燃えるものを置いて、ホール担当者とアーティストが⾃ら「じゃあ、こうしてみたい」、「こんなことできますか」と⾔える雰囲気をつくり、ボウボウと燃える様を放置するのがコーディネーターとして一番楽しい。あとは引いて見ていて火が消えそうになったら、また点けに行くという作業をしていた。
でも、19 年間やっている中で、私は何のためにアウトリーチをやっているのかわからない時もあった。2011 年に東⽇本⼤震が発⽣し、被災地となった学校に、震災前に⾏ったはずなのに、その学校でどんなプログラムをして、⼦どもたちがどんな反応をしていたかが全く思い出せな74

かった。当時は「おんかつ」の本数が多く、フォーラム事業もあって、どこの学校がどのプログラムでやるんだっけ？と⾃分の中で整理がつかない時期ではあったけれど、実際に⾏った学校のことが全く思い出せなかったことに、「おいおい、おまえは何をしているのか」と⾃問が湧いてきて、「おんかつ」でできること、「おんかつ」でやらなければならないことは何だろう、
⾳楽でできること、⾳楽で何をすべきなんだろうかと取り組み⽅を考え直す転機になった。
震災後も被災地に⾏く機会があり、「学校のグラウンドの仮設住宅に被災者の⽅々が住んでいるので、その⽅々に対して体育館でアウトリーチをしたい」と担当者の要望があった。体育館は学校の施設にもかかわらず、学校は「鍵を預けるので勝⼿に体育館を開けてアウトリーチしてほしい」と⾔われた。アウトリーチが始まる時間になると仮設住宅に住んでいる⽅たちが、隠れるように体育館に来て、聴いてくれた。同じ敷地、同じ空間にいながらも、仮設住宅の⼈は、学校にすごく遠慮をしながら⽣活していて、⼦どもたちは周りの⼤⼈たちから吹き込まれたのか「あの⼈たちがいなければ、ここで運動会できるのに」というような⽬で⾒ている状況で、誰も悪くないのに悲しい現場をみた。では「おんかつ」で何ができるのか、⾳楽で何ができるのかと考える。答えは出ていないが、やはり「助けて」とか、そういうことをちゃんと⾔える、
その声をちゃんと聞ける、そういう感受性の相互作⽤を⼀緒に過ごす中で経験ができればいいと思う。⾃分が思ったことを受け⽌めてもらうような体験、そして⼈から何かを受け取る体験
を、健康的に積み重ねていけば、いい社会ができるのかもしれないと思い始めてから、関わる⼈たちに対してほじくることをたくさんするようになった。
吉本：「コーディネーターは放⽕魔」という⾔葉は地域創造の報告書には書けないかもしれないが、「感受性の相互作⽤」はいい⾔葉かもしれない。
⽶澤：私はこの「放⽕魔」という⾔葉に、すごく共感する。⾃分の感覚としては、「焚き付け犯」だと思う。アーティストが持っているものを、「それいいじゃない」とモチベーションの種⽕にして扇いで空気をどんどん送る。ホールの担当者からホール公演はどんな感じかと聞かれたら「もしかしたらいけるかもしれないですけど、今のままのアイデアでは難しいけど、ちょっと時間をください」と⾔ってコラボレートをさせていって、そこでしかできないものを実現していく。
吉本：今、本当に重要な話が出てきていると思う。先ほど⼭本さんが⾔った、感受性の相互作⽤のこと、「助けて」と⾔える、あるいはそれを聞けるということが⾃然にできるようになるといい社
会になると⾔っていて、そこはとても重要な気がする。アウトリーチや「おんかつ」がそうやって、⼦どもたちが⾳楽を受け⼊れてくれたり、楽しんだり、やる気が出てくる先が、結局「いい社会」に繋がるといい。先ほど中⻄さんが⾔ったことも同じで、いろんな不条理なことがいっぱい世の中にあると分かってくるのを、あんまりいい社会とは思えない。アウトリーチを越えて、もう少し⼤きい話に繋がりそうだが、そのあたりのことについてちょっともし意⾒があったら、ここで聞きたい。

―― 他者を許す、認め合える、自分のままでいいと思える時間をつくれるプログラムを（仕田）仕⽥：⾳楽だと例えば「⾃由に感じていい」というようなプログラムで、他者を許す、いろんな考え⽅を認め合う⼒を養うことにつながるというメッセージを伝えられるのはすばらしいこと。それを⼦どもの時代に感じられるとか、「⾃分のままでいいんだ」と思える時間がやはり⼤切だなと思う。⾳楽を演奏して聴いてもらう、楽しんでもらうだけではなく、もう少し⼼の中に⼊っていけるものをつくれるアーティストは素敵だと思う。

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―― 子どもが「またね」って言ったことにどんな価値があるかを共有し、評価していく方法が必要（中西）中⻄：「助けて」と⾔えることが⼤切ということは、児童養護施設の⾃⽴⽀援の中でよく職員さんが仰っている。「⾃⽴」とは⼀⼈で⽴つことではないことや、「助けて」と誰に⾔っていいかも分からない⼦がいるというお話もよく聞く。私たちが、ワークショップで出会った⼦たちと、際限なく⼤⼈になるまでずっとつながり続けていくことには限界があるが、どこまでが⼦どもで、どこから⼤⼈になるのかという話もあって、そうした施設の職員の⽅々は、ずっと終わらない
⽀援に向き合っている。だから、⼦どもたちに関わる⼤⼈たちもたぶん「助けて」と⾔いたいことがあると思うし、ワークショップをして、⼦どもだけではなくて、⼤⼈も⼒を抜けるといいなと思う。出会った職員さんが昔やっていたギターをまたやり始めて、仕事の隙間に⼦どもにギターを教えるということが起きたことがあり、ワークショップで出会える時間はものすご
く限られているが、その時間で少し揺いだ価値観が、その先のいい社会につながることもあるのではないかと思う。
施設にはいろんなルールがたくさんあって、例えば⼦どもに背中は向けないとか、後ろから突
然ポンと肩はたたかないとか、そういうルールがある場所もあるけれど、ワークショップをやってみると同じ種類の場所でも施設によっては意外と⼤丈夫なこともある。学校もだが、いろんなルールを⾃分たちでゼロからつくったわけではないから、そのルールが本当に必要か考える間もなく引き継がれてしまっていることがあると思う。それを⼀つひとつ⾃分で⾒直していたらすごく時間がかかることだが、そこにアーティストのような異物が⼊ることで、「このぐらいの接触やこういう向き合い⽅なら意外とできるかもしれない」ということを⼤⼈も⼦どもも気づいて考えていけると良いと思う。それがワークショップだけではなく、⽇常のいろんなところでつながっていけば、みんなが気持ちよくいられる社会につながるのではないだろうか。
お互いが「気持ちいい」とか「安⼼できる」と感じられることが⼤切だと思うので、そこにつながるように、「こういうことをしてもいい」、「こういうふうにすると安⼼なんだ」と考えて、いろいろ⾒直していく必要があると思う。すぐ答えが出ることではないが、ワークショップの中で「⼿伝って」と声にすることができたり、「またね」と⼦どもたちが⾔ったことにどれだけの価値があるのかを、ちゃんと共有してそれを評価できるような世の中に、どうしたらできるのだろうと考えていきたい。数値では表しづらいことだが、ある⼦がまた次のワークショップに来たことや、遅刻せずに来たこと、10 回通して来られなくても⼀回でも来てそこにいたことに、どれだけの価値があるのか、いろんな場所で関わった⼈に共有したい。どう評価するかというところで対話が広がっていけばいいと思うし、こうして直接会って１対１で話せば、「この⼈とは分かり合えたような気がする」という感覚があるが、それを全ての⼈と、世の中全員でやれるのかという難しさも感じている。

3．問題点や課題、今後の展開
吉本：最後に、問題点や課題について、報告書を地⽅公共団体や地域⽂化施設の⽅に⾒てもらうことが多いので、そういう⼈たちに対する期待や要望、コーディネーターに求められる資質や今後の⼈材育成について伺いたい。

―― 成果を求めない余裕が必要、「ちょっと面白そうだからやってみよう」というような意図があればいい（中西）中⻄：アウトリーチやワークショップで、何をやっていたか分からなかったことがあってもおおらかに受け⽌めてくれたらいいなと思う。すぐに成果や結果を求めない姿勢が必要ではないかと思76

う。ホールの⼈もそうだが、何かを始める前から「これをすることがどうなるか」という成果や結果を説明しないと何も始められない状況が気になる。それは、何か苦しいことだと思う。
やってみてどうなるか分からないけど、「ちょっと⾯⽩そうだからやってみよう」というきっか
けがあればいいのではないかと思っている。もし、やってみた結果、何もなくても別に傷付いた⼈や嫌な思いをした⼈がいないならいいというくらいのリラックスした雰囲気で、あれこれ⼼配しすぎるよりもまずはやってみることができたらいいと思う。⼤⼈は先回りして、「これだと⼦どもに伝わらない」とか⾔ってくることがあるが、やってみないと分からない。意外と分
かる⼦もいるし、誰かが分かってなくても誰かが分かっていたら、⼦どもたち同⼠で伝え合って理解がどんどん広まったりする。みんなもっと⼒を抜いてやれればいいのにということはずっと思っている。ホールの⼈は担当が変わるので、短期間や年度ごとで結果を出さなくてはい
けないのも、すごくつらいだろうと思っている。⼦どもたちを⾒ていると、４⽉から始まって３⽉に終わる年度の区切りは、彼らのつながっていく⽇常には何も関係がないのに、⼤⼈の都
合や物差しで物事を計るのは、そもそも無理があると思うし、⼦どもも⼤⼈も⼀緒になって気軽に楽しむことも⼤切なのではないかと思う。
コーディネーターのような⼈材は別に要らなくなってもいいのかもしれない。私⾃⾝、コーディネーターになりたくてなっているわけではなく、アートと⼦どもで何か⾯⽩いことがしたいという思いで今の NPO に⼊ったら名刺の肩書きが「コーディネーター」だったというだけだから、ワークショップという形がベストなのかどうかにも疑問は持っている。それをいろいろ考
えて、何か別の形でもいいから⾯⽩いことをしてくれる⼈が出てきたらいいなと思っている。
また、いろんな場所に⾏くようになったことで、いわゆるオーソドックスな学校の通常級にこそ、こういう活動が必要だなということも感じている。今の⼦どもたちの抱えている⽣きづら
さや、10 年前より先⽣たちもつらそうなことがいろいろ⾒えてくる。ただ、ワークショップをすれば学級が急に良くなるというものではないし、アーティストは魔法使いではないことは常に意識している。アーティストに対しては、ワークショップをうまくやろうとか、時間内に収めようとかではなくて、その⼈として、特にダンサーなどは「そこに⽴っただけでもう空気が変わる」みたいな、その⼀瞬が⾒えれば、あとはグダグダになってもいいのではないかと思う。
うまくいかないことも楽しみながら、どういう場をつくっていけるか⼀緒にチャレンジできる
⼈と、私もまだ知らないいろんな価値観、いろんな⼿法とかを知りたいし、⾒つけていきたい。
コーディネーターの育て⽅については、そんな感じで好きなようにしてきただけなので、正直よく分からない。
吉本：短期的な成果を求めすぎるとかえって事業がうまくいかなくなることや、その可能性をつぶしてしまうこともあると思う。けれども、今の⾏政の仕事は、これをやるとどういう成果があるのかが常に問われている。みんな⼀⽣懸命ロジックモデルとかつくってやっているが、アーテ
ィストが現場に⾏ってやるアウトリーチでは、そうやらないほうがいいかもしれない。
中⻄：成果を求めすぎると、先⽣も職員も、⼦どもたちを「より良い状態」にしなくてはいけないという価値観でしか⼦どもを⾒られなくなってしまう。それは「教える、教えられる」や「指導する側、指導される側」みたいな⽴場や関係性をつくってしまう。⼦どもたちは、たぶんそれを越えた、もしくはそうなる前の⼈とのつながりを欲していると思う。その、⼈とのつながりを経験できてない、虐待を受けた⼦や犯罪に巻き込まれた⼦などに出会ったときに、そういう⼈間関係が存在することをどうやって伝えるのかということを考えると、アーティストの関係
性や場のつくり⽅にヒントがあるかもしれないと思う。

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―― コロナ禍で３年間の学生生活を過ごした子どもたちの影響は大きい、そこの肌感覚をどうアーティストに伝え、プログラムを作っていけるか（仕田）仕⽥：ちょうど先⽇「おんかつ」の現場の下⾒に⾏ってきて、⼩学校５年⽣のある⼩学校にお話を伺うと、先⽣がとにかく忙しそうで、時間がない中かろうじて話を伺えたような状況だった。５
年⽣の⼦どもたちがどういう感じかお話を伺うと、「たぶん⾃ら⾔葉を発することはあまりしません」と。「横のつながりは？」「うーん…」、「じゃあ、おとなしいんですね？」、「おとなしいということではない」、「コロナ禍の影響か…」といった話で、やはりコロナ禍の３年間に、２年⽣、３年⽣、４年⽣を過ごして、みんなで何かを⼀緒にやることが少なかったという話を聞くと、それは⼤きい影響だろうとすごく感じた。その学校に下⾒に⾏ったときの感覚をアーテ
ィストにどう伝えるか、プログラムにどうつなげてもらえるかを感じて帰ってきたところだった。この重要な３年間、中学校だったら丸々３年間をコロナの制限の中で過ごしてきた⼦ども
たちに、どうアプローチしていくかが課題だと思う。以前のような関係をつくり上げられるのだろうかと、⾳楽に限らず思う。また、学校教育でいうと、どうしても先⽣が⼦どもたちに同じことを教えて、同じ知識を持ってもらって、同じ感覚を持ってもらう教育なのは分かるが、⾃分がピアノをやってきた経験からすると、⼈と同じでは駄⽬で、個性も重要視され、個性が認められる環境にしていきたいなとは思っている。しかし、どこから⼿を付けていいのかわか
らないという感じ。
私も、コーディネーターを「よしやるぞ」と⽬指してやってきたわけではなく、いつの間にかなっているので、どう人材を育成していくか、次世代と言われても、それぞれに興味をもってもらうしかないと思っている。もちろんこちらが興味をもっている人へのアンテナを張っておいて、声を掛けていくことはできると思う。現場に行けば、経験のないこと、「自分は無知だな」と思うことがあり、それを調べて、「じゃあ、次はどうしようか」と繰り返すしかないと思うので、そういう感覚をもっている人がいいかもしれない。

―― まっさらな状態のアーティストに、「あなたは何がしたいの、何ができるの」と問い掛けな
がら、一緒に組み立てていくのがコーディネーター（山本）⼭本：関わり始めからだいぶ時間がたって、いろんなアーティストがいろんなプログラムを⽣み出して、多くの引き出しが溢れているように思う。時に借り物として、その引き出しを使っているようなアーティストを⾒受ける。「楽しそう」とか「⼦どもに受けがよさそう」とかで、組み⼊れようとするが、そのやってみたいことがプログラムの中でどういう役割や働きを及ぼすのかまで考え尽くしてくれたらな、と思うこともある。また、正解を出したいとか、コーディネー
ターに褒められるもの、ノーと⾔われないものをつくりたい意識があるのかなと感じることもあった。
「みんな違っていいんだよ」と⾔うけど、その⽂⾔は今までの流れで出る⾔葉なのかと疑問に思うプログラムも中にはあって、いい感じで締めなくちゃと無理くり整えようとするところを⾒過ごさずちゃぶ台をひっくり返すが如く崩して、腑に落としながら組み⽴てるように導く。
机の上からものをどけてゼロになった時に、「さあ、あなたは何がしたいの、何ができるの」と問い掛けながら、⼀緒に組み⽴てていくのが「おんかつ」のコーディネーターなのではないかと思う。アーティスト⾃⾝、それができる⼈たちであり、「あなた⾃⾝を出して」と⾔えばできる⼈たちだと思っている。
また被災地の話になるが、「友達は津波に流されてしまったんだけど、でも私は⽣き残っている。
それでいいんだろうか」と、⽣きることに後ろ向きな⼈に対して、アーティストの本気の演奏
や⽣き様は「⽣きたい」と思わせてくれる、⽣きる⼒を与えられる存在であると思う。「おんか78

つ」は、アーティストの⼒ありきというかアーティスト頼みなので、整えなくてはというアーティストらしからぬ意識を剥いで、素になった状態のアーティストが⾃分が納得いくものだけで⾁付けしていけると、無敵のアーティストが⽣まれ、⽣きたいと思う⼈が増えるような社会になっていくのではないかなと思っている。

――アーティストが何をやろうとしているのか、ホールの職員に理解しようとしてほしい（米澤）⽶澤：まずホールの⽅にお願いしたいのは、例えば学校がアクティビティの対象になるケースが多い
中で、学校の先⽣の「お使い」になって欲しくない。邦楽に限っての話かもしれないが、その事業担当者が邦楽のこと何も知らないことがあり、事業をやると思ったら少しでも調べてくれ
ればいいのだが。すごくかわいそうだったエピソードとしては、他のコーディネーターの⽅が担当していた三味線のチームに「六段」をやってほしいというリクエストがきて、ほんとは三味線３挺（ちょう）でやる予定だったところに、お箏を１⾯持っていかなくてはいけなくなってしまうことがあった。これはアーティストがやりたいことではないことだったのに、それをホールの⽅に提⽰されてしまうと断るわけにいかない状態になってしまう。⾮常にかわいそうだったし残念だった。私はコーディネーターとしてどうしてもホールとアーティストの中間に⽴てずに、アーティスト寄りになってしまう。なので、ホールの⽅にお願いしたいことは、アクティビティがどういうものか、漠然としていても良いのでアクティビティに⾏くアーティス
トたちが、どういうことを⼦どもたちに語りかけたいと思っているかを理解してほしいと、とにかくお願いしたい。
下⾒に⾏って学校の先⽣が「いやもう、うちの⼦たち、箏とか尺⼋とか三味線だとおとなしく最後まで聞いてくれるか⼼配で」と⾔う先⽣がいたので、登場の時にニコニコと⼿を振って出てきてもらうようにした。いわゆる邦楽に対して持っているイメージを覆して、「なんかこのお兄さんたち、お姉さんたちって優しそう」とか「うちの近所にいそう」というイメージでアプ
ローチして、そこからあとは本気の演奏を⾒せてもらった。１⼈の男の⼦が「かっこいい」と⾔ってくれたことがあったが、「よっしゃ」という感じだった。ホールの⽅にまず理解していただけるとうれしい。

―― コーディネーターの人材育成はコーチングのようなことで非常に難しいこと（米澤）コーディネーターに関しては、向き、不向きがあると思う。私もやはり若いころは、どうしても⾃分の演奏のほうにウェイトがかかるから、利他的に「この⼈たちのために」ということは考えにくい。今、アーティストに限定したが、邦楽のことを全く分かってない⼈は結構厳しいと思う。コーディネーターをやろうと志してくれる⼈がいたとしたら、邦楽に少し興味をもって、担当するアーティストが⾔ういろんな⾔葉をネット上でもいいから、少し調べてくれるとありがたいと思う。どちらかというと邦楽事業の場合、⾮常に専⾨職に近い気がしている。
コーディネーターに必要と思われる教育、研修の内容は、ないよりもあったほうがいいと思う
が、邦楽のサブコーディネーターを何回もやって、コーディネーターとして育成することを⽬的に、その⼈につくとしたら、プロデューサーやコーディネーターという感覚じゃなくてコーチになる。コーディネートの場では、「こういう時ってこういうふうにすると結構いいかもしれないけど、それはいける？」とか「これやるとこうなるけど、それ、どうなのかね」という、アーティストたちの本筋を曲げるのではなく、少し補強や軌道修正をすることがあるくらい。
どうしても正解を求めたり、やったことを褒められたいというのが若⼿のアーティストにはあったりするが、求められているのはそこではないというのを実感してもらうところからコーデ
ィネートはスタートしなければいけないと思う。ある⼈をコーディネーターとして育成しようと思うと、⽅法論を教えるのではなく、今、何を聞いて、何を感じて、それでどういうふうに

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思ったかというところからのディスカッションをしながら、それこそ１対１で進めていかなけ
ればいけない状態になるので、結構⼤変な仕事だと思う。また、コーチングできる⼈材を⾒つけるのは、これも⼤変だと思う。⾃分がコーディネートするよりも⼤変な仕事になると思う。
ないよりはあったほうがいいが、それができるのかは別の問題である。⼈によって実際のスタンスも、それに対してやっていく制作のポリシーも違うので、コーチングできる⼈材を選ぶ⽅が⼤変かもしれない。

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・・ メールによるアンケート調査の協力依頼、web アンケートのフォームからの入力による回収。なお、アーティストの連絡先がマネジメント事務所の場合は、協力依頼メールを事務所から所属アーティストに転送していただいた。
・ 調査実施期間：2023年８月25日～９月17日

調査協⼒館担当者のグループインタビュー【出席者】
榎本 広樹（りゅーとぴあ新潟市⺠芸術⽂化会館）
塩⾒ 直⼦（穂の国とよはし芸術劇場 PLAT）
千葉 真⼸（北上市⽂化交流センターさくらホール）
⽮吹 修⼀（いわき芸術⽂化交流館アリオス）
⽥澤 拓朗（上⽥市交流⽂化芸術センターサントミューゼ）
吉松 寛⼦・⼭下 璃奈（北九州芸術劇場）【進⾏】
⼤澤 寅雄（合同会社⽂化コモンズ研究所）
2023 年 9 ⽉ 25 ⽇（⽉）14：00〜16：00 地域創造会議室81調査協力館担当者
2023 年 9 ⽉ 25 ⽇（⽉）14：00〜16：00＠地域創造会議室

榎本 広樹（りゅーとぴあ新潟市民芸術文化会館）
塩見 直子（穂の国とよはし芸術劇場 PLAT）
千葉 真弓（北上市文化交流センターさくらホール）
矢吹 修一（いわき芸術文化交流館アリオス）
田澤 拓朗（上田市交流文化芸術センターサントミューゼ）
吉松 寛子・山下 璃奈（北九州芸術劇場）

1. 令和 4 年度調査の振り返り―― アウトリーチの多種多様な深まりと広がりを実感、多種多様なことが豊かさの一面（榎本）榎本：1998 年度に地域創造が⾳楽活性化事業（以後、おんかつ）をスタートした、そのおんかつの参加
館の最初の研修会が東京で⾏われた時に、吉本さんがアウトリーチのアメリカでのケースをご教授くださった。その時にアウトリーチという概念の中にものすごく多種多様なプログラム、⼯夫があり得るのだということを⽰しくれたことをとてもよく覚えている。
この報告書にまとめられたものだけを⾒ても、それから 25 年の間に、私たちの国においても公
共ホールのアウトリーチというものがこれほど多種多様な広がりと深まりを起こしている、起きてきたことが⼤変感慨深い。多種多様であるということが豊かさの⼀⾯だと思うので、ここまで
⼤きな流れがつくられてきたことを改めて感じた。単発に各地の⽅が活動してらっしゃることがさまざまなルートで聞こえてきても、こういうかたちで改めて、6 館のやっていることが網羅的にトピックとしてまとめられたのは久しくなかったと思うので、そのことによって広がりと深さというのを改めて感じたっていうのが全般の感想。

―― 他施設の活動を知ることを通して、自分たちの施設の活動の特徴を把握することができた（塩見）
塩⾒：PLAT の教育普及事業を担当することが多い 4 ⼈のスタッフで報告書全体についての意⾒交換をしてから来たが、総じて全員が感じたこととして、⼤変勉強になったということ。そして PLATのアウトリーチはまだたった 10 年しかたってないということを改めて考える良いきっかけになった。同時に他施設、他団体の活動を網羅的に教えてもらうことで、⾃分たちがやっていることもくっきり⾒えてきたことと合わせて、ぜひここはまねしたいとか、こういう⽅法でやられているのか、豊橋でやるにはこれは向いてないなということが随分整理整頓できたのを⼤きく感じた。
そして、このアウトリーチという事業を実施するにあたってどういうビジョンが必要かを考える
こと、そして数年後に何を⽬指すべきかが本当に必要だと気づいた。われわれのアウトリーチの活動は道半ばではあるが、これからも様々な⼦どもたちのところにいきたいと感じた。
PLAT では、「ワークショップファシリテーター養成講座」という、アウトリーチに出向くファシ
リテーターやコーディネーターを育成する事業をやっている。今回のヒアリング調査で養成講座の修了⽣を対象にしたインタビュー調査があったが、修了⽣の皆さんからのフィードバックを客
観的に活字化してもらえたのがありがたかった。私たちの想像の中で、「きっとこういうことを修了⽣は求めているのではないのか」と思いつつも、現場では意⾒交換しきれてなかったことに関して、彼らの不満点や、もっとこうしたいなどの考えを聞けたのは、今後の展開を検討するう
えでもありがたいことだった。
アンケート調査の各館個別集計について。PLAT のアウトリーチは学校むけに、いわゆる鑑賞型

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ワークショップではなく全て体験型ワークショップを実施している。今回、調査対象となった学校の先⽣⽅から、問８の「最も効果が⼤きいと期待されると感じたもの」のところで「⼦どもたちの⾃⼰表現が⾒られた」や、「⼦どもたちが⾃分の発⾔に⾃信を持つことができた」という点が、全国平均に⽐べて少し⾼いポイントになっていると思った。アウトリーチに⾏く際、毎回事前の打ち合わせを各学校の先⽣⽅と⾏っているが、ワークショップ時間中の先⽣の⽴ち位置について、「普段の授業では先⽣と⽣徒で向かい合っておられると思いますが、このワークショップの時間は、先⽣の役をファシリテーターがお預かりしますので、先⽣は横から⾒ていただいて、⼦どもの変化や⾏動を⾒ていてください。」ということをお伝えしている。このことで先⽣⽅は普段よりも⼦どもを客観的に⾒てもらえることもあるようで、「あの⼦、こういうことができる
んだな、実は主体的に⾏動できる⼦だな」という気付きや、あるいは、普段はもじもじしている
⼦どもは⾃由なほうがやりやすいんだな、という⼦どもの細かい部分について、この時間を通してより感じてもらえることができた結果、この項⽬のポイントが⾼くなったのではないだろうか。
教員向けの問 11 の「今回のような事業を実施する上で感じられた課題は何ですか」という項⽬に対して、アーティストやコーディネーターとの打ち合わせ、調整に時間や⼿間がかかるところ
が、全国平均は多分 14%だと思うんですけど、PLAT が 47%と 1 番⾼い。PLAT では事前打合せとして、学校にお伺いして担任や教務主任の先⽣と１時間程度の打ち合わせをしているが、他館の⽅は事前打合せをどうされているのか、先⽣⽅に負荷をかけない⽅法について教えてもらえたらと思う。今回の調査で、われわれも改善したい。

―― 一言にアウトリーチといっても言葉の選び方の多様性が勉強になった（吉松）吉松：私たちもこの報告書を拝⾒させていただいて、⼀番最初の意⾒交換会でそれぞれの館の⽅がやっていることは聞いたが、こういうふうに報告書にまとまることによって、さらに趣旨や思いも感じ取ることができ、普段なかなか北九州から出ることがない中で、まず知ることができたことが、⼤きいと思った。同じ学校のアウトリーチでも趣旨や⾔葉の選び⽅もいろいろあるんだなと思って、北九州は想像⼒や表現⼒などの⾔葉を使いながら先⽣⽅に説明をしている。「⼦どもたちのしなやかな感性」など、気付いていなかった⾔葉選びも、すごく今回勉強になった。
あと、北上のさくらホールの教育と保育というアプローチの分け⽅もあるのだなと思った。北九州は今まで教育委員会に対して、学校教育の中にどう話を持っていったらいいかと考えていたので、学童なども含めて、そちら側のやり⽅もあることを考える整理につなげることができた。その他では、医療分野は北九州では⼿を付けてないところだが、そこに対してもいろいろ活動されてらっしゃるので、参考になった。
⼭下：ヒアリング調査を受けることで得た気付きについて。普段、現場でアウトリーチやワークショッ
プを担当している職員として、グループでヒアリングをしていただくことで、スタッフ間でもどういう気持ちでアウトリーチに向かっているのか、対象への考え⽅などのすり合わせから課題まで、互いに共有することができたことが⼀つ⼤きなことだった。
今回のグループでのヒアリングを通して、⾃分たちの取り組みについて、⾔語化し、表現することで、さらに⾃分⾃⾝の考えを深める、いいきっかけを頂いたと思う。北九州では学校の先⽣⽅にグループのヒアリングをしてもらったが、普段お忙しい学校の先⽣⽅に対して、フィードバッ
クやアンケート調査を除いてしっかり話を聞く機会が今までなかったが、今回のヒアリングを通して、私たちも現場の先⽣たちと、良かったところや少し認識がずれていたこと、ニーズもより
具体的に知ることができて、すごくありがたかった。また、そのニーズを受けて、今年度、ワンステップ違うかたちでの取り組みもまた新たに挑戦することができたので、よかったと思う。
吉松：北九州は特別⽀援学校の先⽣たちに集まってもらうグループインタビューだったので、若い先⽣とベテランの先⽣といた中で、ベテランの先⽣は初めて芸術体験を担当する先⽣で、前向きでは83

あったが、どう捉えたらいいのかがまだ分からないというご意⾒ももらえた。あと、重度の障害をお持ちの⽣徒⼀⼈につき⼀⼈の先⽣が付いてプログラムをやるような学校では、いつもの授業とは違う表情を⼦どもたちがするのを、近くで⾒ている先⽣だからこその気付きがあると思うが、特にこれを保護者の⽅にも⾒てほしいというご意⾒ももらえたので、いつもは２⽇間連続したプ
ログラムを⾏っているところ、今年は、さらにもう１回、２⽇間の連続のアウトリーチを 1 カ⽉
ぐらい開けてやろうとしていて、そこは本当にグループインタビューで先⽣のご意⾒をお伺いできたことで次につながった。
アンケート調査の個別集計について、児童、⽣徒の皆さんに取っている項⽬の中の、「今回のような時間を続けていくとどうなると思いますか」という問いで、「今までよりも授業中に質問や意⾒を⾔うのが恥ずかしくなくなると思う」というのと、「今までよりも⾃分のすることや⾔うことに⾃信を持てると思う」というのが、他館に⽐べるとパーセンテージ的には北九州が少し上で30％近くあって、それは演劇のプログラムにつながっているところで、プログラムの中に正解のない問いに対してどうアプローチするか、⾃分の意⾒を伝えることで⾃⼰肯定感を育むことにつながっているのを、今回の回答から⾒ることができたと思っていて、それは学校アウトリーチを⾏う上で、北九州が演劇のジャンルをやっていることが、成果の⼀つにつながると思った。どこの館もそうだが、やはり劇場へ⾏ったことがないという数値が北九州も⾼くて、報告書に書かれているように、家庭環境に左右されずに⼦どもたちに公平に接することができる教育現場にアーティストと⾏って、直接触れ合う機会を設けることがすごく⼤切で重要だということを改めて気付くことができた。

―― 報告書を共有することで文化振興の部署との関係性につながる（田澤）⽥澤：前回の調査が平成 20 年、21 年ごろ、そこからさまざま変化があるだろうということで予想していたが、実際、こういうかたちで数値や冊⼦となって完成したってことで、⾮常にこれはありがたい。恐らく地域創造も市の⽂化振興部署とかに、この冊⼦をお送りいただいたと思うが、うちの場合、部署から転送されてきて、これはサントミューゼ関係だと思うからって、全く封を開けずにそのまま転送されてきたので、もう１回送り直して、この６館の中にどうして⼊っているかという説明もできた。そういった部分で⽂化振興の部署ともこうした活動に関する共有ができたので⾮常にありがたく思う。
信頼度、満⾜度、継続の要望が平成 20 年、21 年度と⽐べても⾮常に⾼くなっている部分を、とても興味深く⾒せてもらった。実際にそういう変化が起きていることが数値からも読み取れたのは、私たちもやっていく上で⼤切な数字ではないかと思った。ヒアリング調査を受けることで得た気付きでは、上⽥市は教員のヒアリング、先⽣⽅も熱くたくさん語ってくれて、時間が⾜りな
くなるくらいだった。教員の⽅々は、単純に⽣の芸術に触れられる機会が増えたからありがたいという感じ⽅だけではなくて、この事業によって⼦どもたちの変化をすごく感じようとしている。
それは、サントミューゼが 2014 年にスタートした頃のアウトリーチとは少し異なる変化だと。
そこまで深く、この事業による変化を、先⽣⽅ご⾃⾝が⾒ようとしているのはすごくうれしく思った。
あとは、加えて演劇のワークショップに参加してくれた⾼校⽣のグループインタビューがあった。
⾼校⽣が⾔っていた話の中では、劇場というのはやっぱり⾜を運びづらい場所で、なかなか近づきにくい場所だけども、このワークショップに参加して、どういう⼤⼈がそこで働いていて、意外と気さくな⼈もいるとか、⾯⽩い⼤⼈がいるとか、うちの演劇担当の⾯⽩いおじさんがいるが、そういった⼤⼈との関わりがすごく⾃分たちにとって貴重な経験になったということや、進路にも⼤きな影響を与えている。⾼校⽣のための実験的演劇⼯房というワークショップに参加した⾼校⽣の中で役者を⽬指す⽅、裏⽅を⽬指す⽅もいれば、実際にサントミューゼの舞台スタッフに84なった者も１名いて、⽣の声としてグループインタビューで聞けたのは⾮常に私たちにとってもありがたい気付きだったなというふうに思う。
あと、アンケート調査の個別集計は⾮常にありがたいと思った。なかなか⾃分たちではまとめきれない部分で、数値だけではなくて⾃由記述の部分、意⾒の部分も含めて送っていただいたことで、本当にいろんなことを改めて気付くことができた。特に教員に向けたアンケートの部分で、サントミューゼが他館と⽐べて数値の差があったのは、学校管理職の参加が、他館が 19％だがサントミューゼが 31％ということで、管理職の参加は、確かに私たちもできる限り、校⻑先⽣、教頭先⽣も⼀緒にご鑑賞くださいっていう呼び掛けは必ずしている。管理職の⽅々からの⾃由記述は担当の先⽣とは違う視点で、随分⼤きな部分で⼦どもたちの変化を⾒てくれていると思った。
その１つを原⽂のまま紹介すると、「各地で活躍されているアーティストが⽬の前で演奏してく
ださるあの環境は、どこのコンサートホールに出掛けても体験できるものではありません。⼦どもの⼼に種をまく素晴らしい取り組みだと思います。種が芽を出すかどうかは児童⼀⼈⼀⼈違っていてもいいと思います。種をまかなければ芽が出ることはありません。こういう取り組みを⼦どもたちに向けて⾏っていただけること、本当に感謝です」。これは校⻑先⽣からのご意⾒だが、先ほど北九州のお⼆⼈からもあったように、なかなか先⽣⽅のそういったご意⾒を聞く機会がなかったので、こういったかたちで触れることができてとてもありがたかった。
あと、「普段出会えない⼈と出会える」という項⽬の数値も⾼かったが、私たちは「芸術家ふれあい事業」で、芸術とのふれあい事業ではなく、芸術家、⼈と触れ合うことがコンセプトで、⾳楽に限らず、演劇、ダンスも、⼈という部分を⾮常に重要に考えていたところが、こういったかた
ちで数値に影響しているとしたら⾮常にうれしいと思った。あと、調整に⼿間がかからないというところの数値がサントミューゼは評価がよかった。
「調整に⼿間がかかる」が平均 14％だが、10％を切って 9.5％ということで、これは毎年継続して実施している部分と、ジャンル的な違いもあると思う。⾳楽を中⼼に⾏っていて、演劇などの細かい部分のすり合わせが必要な部分の違いはあるのかなと思った。

―― 今まで内部資料としての報告書しか作っていなかったため、市の担当職員への説明や内部の人からも活動を認めてもらう機会になった（千葉）千葉：今回の調査を実施していただいて、まず本当に基本的なことで、われわれ、内部向けの書類（⾃分たちの理事や評議員に説明するための冊⼦）しか作ってなかったが、市⺠向けにこういうことをしているのは、ホームページも薄い内容で、説明機会もなく、冊⼦も作ってこなかった経緯があるので、これを読んだ総務課⻑が私に「すごいことしてたんだね」と。うれしいけれども、ちょっと悲しくて。理解してもらえたことで、すごく感謝をしている。あとは市の担当職員にも渡すことができて、ちょうど条例と計画ができたタイミングで、そこに「アウトリーチをやっていきます」という⽂⾔が載った。北上市の計画で、「アウトリーチって何？」と⾔われたので、「こ
ういうことをやっております」、「何で６館の中に載っているの？すごいね」と⾔われた。17 年間やっていて、かなり反省して、（⾏政の施策の）どこにもひも付かなくて、財団で勝⼿にやっていたが、積み上げてきたものが、ようやく表に向けて、「じゃあこれからどうしようか」という時に、こういった研究の報告書に載せていただいたことで、先が少し開けたということがあった。本当に感謝をしている。
ヒアリング調査で初めてグループインタビューをしてもらい、その場に私も居合わせて、少ししゃべりすぎたりした部分もあったが、こういうことがグループインタビューだということを教えてもらった。そこで、特別⽀援学級の先⽣⽅と、あとは連携をしている県内のホール担当者のグ
ループインタビューで、それぞれの参加者から、緊張しながらも、いろんな分析をしながらお話しして理解することができた。ホールで主催するグループインタビューをこの後やっていきたい85

と思っていて、もちろん市にも⼊っていただいて、アウトリーチをやることが⽬的ではなくて、
アウトリーチで何を⽬的に、どこと連携してやっていくかを⾒据えながら、これまでやってきた
皆さんを対象にグループインタビューをしていきたいなと思っている。例えば教育、福祉などの皆さんに集まっていただいて、われわれと北上市と、あと芸術 NPO と⼀緒に、みんなでグループインタビューを開催して聞いてこれからを考えるのはすごく有効だということを教えていた
だいて、とてもありがたかった。
個別のアンケート調査の結果だが、本当に緊張しながら⾒せていただいて、おおむね乖離してないところにまずはほっと⼀息できたのがよかったなと思う。⼀番ありがたいなと思ったのは、⼦どもたちの調査結果のところで、問９「今回のような時間を続けるとどのようになると思います
か」っていう中で、「今までより⾳楽や美術の授業が好きになると思う」と回答してくださった⽅が多くて、これはすごく希望になったと思う。岩⼿県では⾳楽の専科の先⽣が中学校にはいるが、⼩学校には専科の先⽣がいない。美術もいないので、担任の先⽣が担当する。そうするとピアノが弾けなかったりすると「はい、歌います」と⾔って CD を再⽣して、それに合わせて歌を歌う。
そういう時間が繰り広げられている中に、アウトリーチで、いろんな⾳楽の専⾨家と⼀緒に⼦どもたちに会いに⾏くことで、「⾳楽の授業が好きになれる」と⾔ってもらえたことは、すごくやっててよかったなと思うし、これからもずっと続けていかないといけないなと思っている。

―― 担当者のスキルで地域の芸術文化が左右される（矢吹）⽮吹：読ませていただいて、すごくそれぞれの会館で⾊があることがすごくうらやましいなと思って⾒ていた。うちもできてないものがまだまだたくさんあるのはすごく感じた。それこそ、まだ演劇
やダンスは数的には少ない。学ぶところが多いのと、あとは会館によって、担当者の⼒量やスキルで地域の芸術⽂化が左右されそうだというのも感じていて、これは６館が全て集まって、６館で⼀緒に全国を回ってやるのが⼀番いいんじゃないかと勝⼿に思った。
やはり⾃分の館だけだとできないことが絶対あって、そこはどうにかして協⼒を得てでも、いわきの市⺠のためにできることを探っていきたいと感じたすごい調査だった。この調査がなければこれに気付くこともできなかったし、アリオスでやっていることが正解とは思わないが、次にどういうことが必要なのかを常に考えながらやっている中で、この調査は新たに挑戦できるものが⾒えてきたと感じた。ヒアリング調査も含めてだが、継続して今年で 16 年⽬に⼊る中で、とても信頼してくれている先⽣⽅が多くいることはすごく安⼼した。やはり始める時は、何のためにやるのか、それこそ「全校児童ではなくなぜ学級単位なのか」とすごく⾔われて始めたが、今ではすごく信頼していただいて、「ぜひうちの学校でも」、「地域でやってほしい」という声をたくさん頂けるようになったのが、この調査からもすごく感じ取られたので、やってきた意味はあったと感じている。
加えて地域連携というところに学校の先⽣⽅も視点が変わってきているところもある。それこそ新しい指導要領にも、地域連携の視点がすごく⼊っているので、そこにうまくアリオスや公共ホールがマッチングできれば、もっといろんな広がりが⾒えてくるのかなと、この調査から感じた。
⼤澤：ありがとうございます。塩⾒さんから、先⽣との打ち合わせに時間がかかるというとこの課題について、ジャンルの違いは結構あると思うが、「こういう努⼒をしている」とか、「うちもそれをよく⾔われます」など、あればぜひ共有していただきたい。北九州は演劇でやっているけれども、すごくコンパクトに打ち合わせをしていると⾔っていたが。
吉松：まずお申し込みをもらい、電話でヒアリングさせてもらうのが最初のアプローチ。そこで聞く内
容はフォーマット化していて、先⽣がお忙しいことは理解しているので、⻑くならないようにしているのと、その後、初回の打ち合わせで、はじめましてのごあいさつに⾏くときは、授業が終86

わって⼦どもたちが帰った４時から４時半ぐらいで、顔を⾒てごあいさつすることをある意味メインにする。事業の趣旨は話すが、分かっていて申し込んでくださっているとも思うし、その前にお電話もしているので、まず、会うこと。その後、もう１回アーティストと下⾒に⾏く。なので、繰り返し少しかぶせながら説明をしているところはあると思うので、⼀個⼀個にすごく時間をかけるよりも、その時のポイントを抜きながら進めていく。アーティストとの下⾒については、
少しお時間を頂戴する。
塩⾒：⼤体どのぐらいの時間か。
吉松：１時間はかからない。30 分ぐらい。ただ、プログラムの内容に関わるので先⽣から学校の情報を聞かせてもらうことはある。時間がかかっているという印象は少ない、4.8％ぐらいだったので、そんなに劇場とのやりとりが億劫には思っていらっしゃらないのかなとは思う。どのぐらいやっているのか。
塩⾒：事前打合せの⼿順としては、劇場職員がまず学校に電話して、打ち合わせの⽇取りを組む。打ち合わせ当⽇に関しては、我々も 1 時間はかけない。また打ち合わせにはアーティストは⾏かず、
劇場スタッフだけで⾏っている。
吉松：逆に学校の事務⼿続きのほうが⼤変だと。
塩⾒：PLAT の学校アウトリーチの希望調査は前年度に⾏うため、実施年である当年度の教務主任や担任の先⽣が、実施対象であることをご存じないことも時々あり、⼀から説明することも多い。
「今
年、アウトリーチのワークショップで学校に伺うことをご存知ですか？」みたいな話から始める
ときなどは、もしかしたらちょっと驚かれるのかもしれない。
吉松：前年度に（調整を）やってしまうと担任の先⽣が変わってしまうので、スケジュール的にはちょっとタイトになるけれども、４⽉の担任が決まった時点で案内が届くようにして、基本は担任の先⽣⽅から申し込んでもらうようにはしている。それでもやはり担当の先⽣たちの横のつながりがうまくいってないケースもある。

2. これまでのアウトリーチやワークショップの課題
⼤澤：次の項⽬に移りたい。アウトリーチやワークショップの課題について調査協⼒館６館で共有したい。

―― アウトリーチの社会的意義だけではなく、アーティストや地域の人にとって、個人にとってどういう意義があるのかを伝えていく必要がある（榎本）榎本：りゅーとぴあの場合、特殊な事情があって、３つの専⾨ホールがあるユニークな施設で、企画制
作が⾳楽、演劇、舞踊で個別に動いている状況なので、その難しさの原因が特殊だと思っている。
私たちの中でせっかく良きことをやっていてもベクトルがばらばらなので、新潟市役所に対しても新潟市⺠に対しても、１つの網の中に、あるいは⼤きな１つのベクトルとしてまとめて伝えきれてないところがある。
今⽇、ぜひ私からお話ししたいと思ったのは、「担い⼿となる⼈材や財源の確保」のところで、りゅーとぴあでは（ホールの外部に）ファシリテーターの育成とか全然やれてないが、ファシリテーターではなく、例えば⾳楽家の⽅もりゅーとぴあで公募している。２年に 1 回公募で応募者が10 ⼈に満たない。アウトリーチの社会的な意義はたくさん書かれているが、もう 1 回、私たちは地域の⼈たち、あるいはアーティストに対して、「あなたにとってアウトリーチが何をもたらす
可能性があるか」ということを、もう 1 回整理して伝えていく必要があるのではと思った。私ども、コンテンポラリーダンスの Noism という団体を持っている。そこには研修⽣の⼈たちもい87

て、Noism2 と呼んでいるが、彼らが⼩学校にアウトリーチに⾏く中で、体育館で⼩学⽣が⾒たことのないような時間と空間を作る。⼩学⽣に「質問ありますか」と彼らが⾔うと、⼩学⽣は「ダンサーを⽬指したのはいつですか」「どうやったらダンサーになれるんですか」「毎⽇どんなトレーニングしているのですか」と、彼らのことをダンサーとして問う。そのことで彼ら⾃⾝が、⾃分はダンサーであるというアイデンティティーを固めると思う。そういう瞬間が現場では⾒られる。これがアウトリーチをする側の⼤きな意義だと私は思う。そういうことも伝えていく必要があると思っている。

―― 担い手人材のスタッフ間の認識の差、求められる需要にこたえられないことが課題（矢吹）⽮吹：担い⼿となる⼈材の確保は、すごくアリオスにとっても課題だと思っている。私は、開館当初か
らずっとアウトリーチをやってきたが、今はどんどん若いスタッフが⼊っていて、開館当初、思い描いていたことと途中から加わったメンバーとで、少し考え⽅のずれは⽣じてきていると思う
が、彼らのやり⽅を尊重しながらやっているところではある。ただ、それでもいろいろやっていく中で、回数も外から求められる中で、働き⽅改⾰もあるけれども、応えきれていないところがたくさんあると思って、どうすれば今いるアリオスのスタッフでこの回数をこなしていけるか、
実はすごく課題だと思っている。なので、外部の⼈のコーディネーターを育てていこうという動きは少し始まっていて、アリオスだけでできることは限りがすごくあるのは実感してきているので、もっと仲間を増やすような活動を今後はしていかないといけないと感じている。加えて、⾏政や地域のまちづくりの団体からも、すごく求められるところが多いので、そこに劇場として、
アウトリーチの活動として、どう対応していけばいいのかが課題となっている。

―― プログラムの質について、共通項、優先順位を整理することでスタッフ内でのコミュニケー
ションの齟齬を解消する（千葉）千葉：頂いた 4 つの項⽬の中で何⼀つうまくいっているものはなく、全て課題。⼀番最近考えているのはプログラムの質と回数と参加者数のバランスのところで、ダンスや落語もやっているけれども、⾳楽アウトリーチが多い中で、⾸都圏から来ていただくアーティストが作るプログラムを、ほぼノータッチでアウトリーチをそのままやっている。もちろん地域創造のアーティストもここに含まれる。あとは地元のアーティストと⼀緒に作るプログラムで、これにはわれわれもプログラムに⼿を⼊れて、⼀緒に共同して作っていて、対象者に届けている。この２つの質の部分について
最近すごくいろいろ考えていて、プログラムの質には優先順位が必要だなと思う。全部が悪いわ
けでも全部が良いわけでもなくて、質が必要だと。それで共通認識を取っていこうと思っていて、まず第⼀に、そのプログラムは芸術的な価値として新しい発⾒を対象にもたらすものでなければならないという共通認識を取る。第⼆に、例えば学校の先⽣が「この⼈すごいね」と⾔った⼈とかも含めて、有名⼈、すごい⼈、偉い⼈、知っている⼈に会うとか、知っている曲を聴く喜びのような、その楽しさもあるということ。第三には、これはまだやれていないが、お伺いするその⼈や団体⾃体が美しかったり、その⼈たちがアウトリーチとして訪れること⾃体が、興奮したり、熱狂したり、ストーリーがある⼈たち、例えば⾼齢者にとってのお孫さんにアウトリーチプログ
ラムをやってもらう。まだ整理できてないけれども、第⼀、第⼆、第三ぐらいの優先順位で、ここを整理して取り組んでいけば、「それは芸術的な価値がないから駄⽬じゃないか」というような事務所内、地域内とか、いろんな⼈とのコミュニケーションで⽣まれる齟齬が少なくなり、いろんなことに取り組めるのではないか。今、そこはプログラムの質というところに優先順位が必要で、そこをわきまえてやっていく、広げていくのが必要かなと思って整理し始めたところだ。
あとは量の部分もやはり悩みはあって、伝わらなくては意味がないというところで、まさに地域創造のアウトリーチスタイルの「３つのＳ」で、少ない⼈数でやっていくが、われわれは１年に20 カ所ぐらいしか⾏けないのに、そこに 30 ⼈しかいなければおのずと少なくなってしまう。そ88

れでも伝わらなくては意味がないと⾔ってやり続けるのか。地域的な偏差があるわけで、岩⼿県は結構厳しい地域なので、0 よりは 1 がいいと思ってコンサートスタイルをやっていったほうがいいのというのは悩んでいたが、最近は、プログラムによって異なると。何を⽬的にそれをやるのかは、そこさえきちんとしていればコンサートスタイルでもよくて、そうすると量が増えていく。組み合わせ、バランス感覚だというのを、改めて最近学習した。
すごく気になっているのが、今「⼀⼈当たりの単価」という指標がすごく多い。何かを評価する時に⼀⼈当たりの単価が⾼すぎると⾔われる。
「⾼すぎる」という場合の基準は何だと⾔うが、明確な答えは出てこない。⼀体いくらならいいのかも分からないと思いつつ、⼀⼈当たりの単価をうまくバランスさせてプログラムによって組み合わせることで単価を下げて両⽅できる。⼩さな
スタイルもできるし⼤きいスタイルもできるという形でやって、何とか説明責任を果たしていくのがいいのかなと、今は考えながらやっている。

―― ホールスタッフの専門人材の確保に対する認識について市総務課とホールとの間でギャップがある、在任期間や引継ぎ等を考慮した異動が必要（田澤）⽥澤：サントミューゼが 2024 年で開館 10 周年を迎えるので、その記念の年にもなるが、アウトリー
チ、ワークショップに限らず、館として直⾯している問題として、⼈材の確保という部分。市直営館なので、避けられないこととして、事業担当としてようやく現場が分かって回せるようにな
り、専⾨家と交渉したり企画⽴案もできるようになったような段階での異動が当然避けられない。
それは財団のほうでももちろん複数施設を持っていたらそういうことはあると思うが、それがまさにサントミューゼで、この 4 ⽉に今まで担当していた 3 ⼈がいなくなり、新しい 3 ⼈が来て、当時を知っているのは私ともう１⼈の演劇担当の職員の２⼈という状態に直⾯した時に、財源があろうが何をしようが事業を動かしていくことが⾮常に困難になって、市⻑に対して、これまでの成果と現状の課題のペーパーを作って出した。その時、市⻑ではないが、⼈事をつかさどる総務課として、そこまでどうして必要なのか分からないという。アーティストをブッキングして呼んで「あとはどうぞ」と⾔えば、そのほかに何が必要なのか、どのような専⾨性が必要なのかの理解がまだまだ得られてない部分があり、私たちとしては少なくとも５年以上在任して、異動のタイミングも、⼀気に３⼈ではなくて、少しずらすような⼈事によって次の担当に引き継ぐような、そういうローテーションにできないかと依頼を実際している。専⾨⼈材というかたちで私はサントミューゼに採⽤されたが、それでも異動がありそうな場⾯があったり、演劇を担当しているもう１⼈のスタッフも、この先どういう⼈事になるかも分からないという状態で、そういった部分の理解が⾮常に必要。併設している美術館はものすごく⻑く、同じ市の職員で５年以上、⻑い⼈だと 10 年、ずっと美術館にいるのは、学芸員という資格があるからそこに⻑く置ける。私たちとしても美術館と同様にホールスタッフも専⾨性が必須な⽂化施設だということをこの５⽉に訴えた。ただ、⼈事異動があるのはまた来年で、何とか今年度は、今、計画してあるものを
計画どおりに進めていくことに精いっぱいだ。⼈材が確保できればいいということではなく、質の部分、どうしてこの事業をオープン以来続けているのかの理解とかも含めて、⽂化施設にも専⾨性が必要だという、基本的な根本的な部分の理解がうまく得られてない。その課題が⾮常に多くある。
榎本：異動をされた⽅は市役所のどこかほかの部署に⾏かれたってことか。
⽥澤：サントミューゼは基本的にはほかの部署、例えば今年来た３⼈は市⺠課から１⼈、教育委員会の学校教育課から 1 ⼈、あとは新規採⽤職員で 1 ⼈。なので、全く違う部署から来て、それまでいたスタッフは全く違う部署にまた出ていくかたち。
榎本：今年着任された⽅々は市役所の⼀般職として採⽤か。

89⽥澤：そうだ。全員⼀般職。全員⼀般職なので、⾮常に異動の可能性という危うさがあるが、それでも⼀般職であれば受ける。
榎本：今、本当にホールの現場、⼈が来ない。
⽥澤：市⻑に対するペーパーの⼀つにも、専⾨⼈材の獲得の困難さがまず⼀番にあって、採⽤というものがどれだけ難しいか。であれば、専⾨性を持った職員ではなくても異動のスパンを少し⻑くす
るとか、その職員を育成することでどうにか運営していく⽅向に今はかじ取りというか、10 周年を前にそういった⽅向に今なっている。
⽮吹：いわきアリオスは会計年度任⽤職員という⽴場なので、1 年ごとの契約専⾨職だ。

―― アーティストもコーディネーターも、育成するのにすごく時間がかかることを財団にも分かってもらいたい（吉松）吉松：うちもやはり担い⼿となる⼈材が課題だと思っている。アーティストでいうと、この事業で演劇のプログラムを実施していただいている⽅は２名、地元の⽅がいて、しかし、ダンスの分野でいうとまだ実施できる⼈材は育っていないような状態。バレエの⼈⼝は多いが、コンテンポラリー
ダンスなど、新しいものを知らない⼈もまだまだいる。なので、バレエをやっている⼈たちに向けたコンテンポラリーダンスのワークショップ（他の⾝体表現ジャンル）を今年から仕掛けていこうとしている。表現者は、次の世代がいないわけではないが、今のところ作品づくりのほうに視点がすごく向いている。まだ若い⽅々っていうところもあるだろうが、社会的な貢献をしたいと思っている⼈もいるが、ただ、そういう⼈がプログラムをできるかっていうと、そこは別問題
で、アウトリーチプログラムをする適性や⼿法を⾒極めながら進める必要があるので⾮常に難し
いとは思っている。なので、そういうアーティストにアドバイスをいただけるような⽅（各地でプログラムをされてらっしゃる⽅）を派遣していただけるとうれしい。
あと、コーディネーターの部分。うちも財団で、有期で５年という最初の縛りがあるが、今までも学校アウトリーチや、地域へのアウトリーチなどを⼀緒にやってきたスタッフが辞めてしまうと、スキルは⼈に落ちると思っているので、その⼈が辞めちゃうと途端に回らなくなってしまう
ような状況がある。今年３⼈、新しい⽅が⼊ってきたが、アウトリーチの担当として配置し、先輩職員と⼀緒に先⽣⽅との話から⼊って進めているという状況。なので、やはりアーティストもコーディネーターも、育成するのにすごく時間がかかるから、そこを財団にも分かってもらいたい。誰でもすぐできることではないという認識が薄いと思う。「じゃあこういうふうに組織を変えていこう」となるまでには、やっぱりまた年数もかかるし、難しい。決まっている１年間の事
業をきちんと実施していくことで、今はそれで精いっぱいなところ。

―― 予算の上限と職員の人手不足によりアウトリーチ開催希望にこたえられない現状が課題 (塩見)
塩⾒：豊橋は、市からの委託事業の予算でアウトリーチを⾏っており、この予算の範囲内で実施している。ここ数年の参加⼈数については、学校からの申込⼈数が約 4,000 ⼈に対して、実施できている⼈数は約半数の 2,000 ⼈程度。つまり、約半数が不採択となっている。これまで⼀番⼈数が多かった年は 3,000 ⼈近くの⽣徒数が参加していた。これはコロナ前のはなしで、学芸会を対象としたワークショップの実施回数が多かったため。学芸会を対象としたワークショップは学年単位で実施するため、1 回の参加⼈数が多く、場合によっては約 100 ⼈が参加することもあったが、最近の学校の傾向としてクラスごとの学習発表会に切り替えるなど、１回あたりのワークショッ
プに参加する⼈数が減っており、そのことにより参加者数が減少している。予算の範囲内に収めることにより、実施回数に上限があるため、申込⼈数全員の希望には応えきれていない。

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また予算的な上限とともに、劇場職員が⼀緒に学校に⾏っていることもあり、職員のマンパワーの限界もある。
例えば、市からの予算を倍にしたら 4,000 ⼈対象に実施できますかと⾔われたら、現状の職員数では不可能。というのも、教育普及事業については主に４⼈の職員で担当しているが、事業制作部職員は全員で 10 ⼈。PLAT の事業制作部は基本的には縦割り組織にしておらず、あらゆる事業をみんなで回しているので、学校アウトリーチも担当しつつ公演事業やその他の担当も⾏う。職員の⼈数的にも学校アウトリーチに専従するスタッフを作るというのは難しい。以上のように予算⾯とマンパワー⾯の課題から希望校すべてに対する実施は難しいが、そのことに対して市や学校現場から、「何で全部⾏けないのか。
」という強い声があるかというと、今のところは特にない。学校の先⽣⽅からは、「今年は残念でした。また次回お願いしますね。
」というお声を直接もらうことはある。マンパワーについての改善⽅法として、外部のコーディネーター⼈材の必要性も重要だが、そもそもの劇場の職員が直接コーディネートをし、学校アウトリーチを実施しているという状況のどの辺が限度点なのか。組織の中でも「もっとたくさんやったほうが良い」と⾔われることもないので、今のところは何とかなっているが、もしそういう声がどこかから出たら根本的なことを考え直さないといけないと感じている。
そしてアウトリーチ先への理解、協⼒について。豊橋では前年度中に申込受付を⾏うため、当年度には事情をご存知の先⽣が残っておられるとは限らず、改めて先⽣⽅に「PLAT の⾳楽アウト
リーチは鑑賞型じゃなく体験型です」と説明した時などは、いま⼀つ腑に落ちていなさそうなときがある。その後の打ち合わせで、例えば「⾃⼰表現を獲得する時間」とか、「⼦どもたちの相互理解」という⾔葉をお伝えしたときに、先⽣⽅にあまり響いてないなと感じることもある。そういう時に、⾃分たちの反省点として、われわれがもっと先⽣⽅の⾔葉や普段の授業で使われている⾔葉、そして⼦どもたちのことを勉強することが必要と感じる。また、ワークショップ後の振り返りの時間の必要性を理解してもらい、その時間を取っていただけるか。事後のアンケート調
査だけでなく、当⽇、５分でもいいから直接お話しする振り返りの時間を作りたい。アウトリー
チを１回でも経験された先⽣⽅は、振り返りの時間を取ってもらいやすいと感じているが、初めての先⽣⽅はどうしても次の授業の準備などの都合で時間が取れないことも多い。
もう⼀つ課題があって、申し込みのない学校はいくら続けても申し込まないということ。これはもしかしたら、もっと根本的な⽅法で掘り起こしをするしかない課題と思いながらも、どう改善できるだろうかという壁を感じている。

3. 今後のアウトリーチやワークショップの展開
⼤澤：次の議題は、今後のアウトリーチやワークショップをどう展開していくか。昨年度の調査の中でも参加対象者がどんどん広がって、地域の担い⼿の育成が各地で⾏われている。また、幾つかのホールではアウトリーチのような取り組みに対する協賛企業を求めるなど⽀援者を獲得する動きもあるようなので、今後のアウトリーチやワークショップの展開において、どこに⼒を⼊れていくか、お聞かせいただきたい。

――現場の質感に溺れてはいけない。継続のためには利害関係者に伝えていく必要がある（榎本）榎本：理解者を増やして、サイレントパトロン、もの⾔わぬ⽀援者、それが現実に⾏動として⽀援をしてくださる⽅々をどう獲得していくか。新潟の失敗例を申し上げると、りゅーとぴあが 1998 年にオープン以来 2017 年まで、毎年、新潟市内の⼩学校５年⽣全員をホールに招待をして、東京交響楽団から１時間の⼦ども向けのスペシャルプログラムコンサートを提供していた。その前に新潟市内の約半分の学校に東京交響楽団の楽団員が訪問をして、オーケストラのこと、⽣の⾳楽のことを伝える⼩学校訪問型のアウトリーチと、呼び込み型のアウトリーチを組み合わせた授業

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をやってきた。それは学校の先⽣⽅にとっても、⼦どもたちにとっても、⾳楽家にとっても、ホールにとっても⼤変充実感があるプログラムだった。ところが、2017 年に新潟市の財政事情が悪化したことと、当時の教育委員会が⾷育に対して⼤きく⼒を⼊れるために、何か予算を削らなけ
ればいけないといった時に、⼩学５年⽣全員招待コンサートを何の議論もなく、トップダウンで予算を切られて事業が終了してしまった。
その時にわれわれが思ったのは、現場の質感に私たちは酔ってしまっていたと。アウトリーチは⼤変危険な事業だと思う。良いアウトリーチであればあるほど、「現場は素晴らしい」で溺れてしまうリスクがある。なので、⽇本の公共ホール業界にアウトリーチを広めた⽅々は本当に罪づくりなことをされたと思う(笑)。良いアウトリーチであればあるほど現場が素晴らしい。だから、私たちはつい「それが⼤事だから、現場が⼤事だから」と、その現場に溺れてしまう。でも、その現場で起きていることを、利害関係者に対してどのように伝えていくか。⾔い⽅は悪いが、ある種のロビー活動も忘れずに取り組んでいかないと、2017 年に新潟市に起きたようなことがど
こでも起きかねない。なので、これは今後の展開を考える上で忘れてはいけないことだろうと。
新潟から申し上げたい教訓としてはこれが 1 点。

――現場でつかう言葉の精度を磨き上げる必要がある（榎本）
それからもう 1 点は、もう少しフォーカスが狭い話になるが、アウトリーチに関して、広がりも奥⾏きもすごく起きているので、今度はさらに、アウトリーチの現場で使う⾔葉の精度を磨き上げていただけるといい。⼀例を申し上げると、⾳楽アウトリーチの時に⾳楽家がよく⼦どもたちに対して、「どう思うのか、正解はないよ」と⾔ってしまう。
「正解はない」と。でも、受け取り⼿の⾝になってみると、⼦どもたちはずっと毎⽇「唯⼀の正解を⾒つけろ」という教育の中に⾝を置いているので、「正解はない」と⾔われた瞬間にどうしたらいいか分からなくなり、「答えがない」というふうに転換してしまうリスクがあると思う。そこは⾳楽家の⽅はもう少し⾔葉の精度を磨き上げて、「正解はないよ」ではなくて、「唯⼀絶対の正解はないよ」、あるいは「あなたが感じたことでオッケーなんだよ」と使う⾔葉の精度を上げていくことで、⼀個⼀個のアウトリー
チの現場がもっと良いものになるのではと、現場で感じている。

―― 一緒にいわきのことを考えてくれる外部のファシリテーターやコーディネーターの育成に力を入れていきたい（矢吹）⽮吹：今後の展開については、まず、参加者の対象者の拡⼤というのは絶対に必要。障害のある⽅とどのように活動していくかは、アリオスにとって今すごく⼤きな課題になっていて、鑑賞する側もそうだし、⼀緒に参加する側、⼀緒につくる側も、どう公共ホールのスタッフが知識を得て、どう関わっていくのかからまず始めないといけなくて、そこはすごく課題になっているし、やらなければいけないことだと思っている。今年から少しずつ始めているが、まずはスタッフのスキルをアップしてから事業に⼿を付けていこうかと思っている。
あとは、担い⼿の育成は先ほど話したが、演奏家の担い⼿も 2010 年からやってきているが、どちらかといえばファシリテーターやコーディネーターの育成は、さらに広めていきたいと思っている。市内でお願いできるフリーの制作者がいわきではいないので、例えばうちの職員が急遽休むとなった時に、今いるメンバーでギリギリ回している現場に⽳が開くと、もう回らない。そんな時に、お願いできる⼈が仲間にいないのは、すごく⼤変だと感じていて、常にいわきのことを考えてくれていて、同じ⽅向を向いている⼈たちで、制作できる⼈を仲間に増やしていきたいと感じている。
サイレントパトロンという点は、ありがたいことにいわき市の場合は⾏政の⽅々の理解がすごく
⾼くて「どんどんやってくれ」というところがあるので、それはすごくありがたいが、知らない92

市⺠の皆さんにとっては、「こんなにお⾦を使って」とか、いろんな声を頂く。それを説明しに⾏ったりするが、市直営なので、情報開⽰の時に資料だけ渡すのではなく説明も求められる。説明
しに⾏った時にすごく突っ込まれて、「この 10 年間おまえたちは何をやってきたんだ、どういう⽂化の向上があったんだ、⾔ってみろ」みたいな感じで、とがめられることがここ何年か続いていて、なかなか答えるのには難しく、数値化できていない。なので、全てプラスに働いているといいなと思っているが、理解を得られないところは確実に残っているので、その辺は理解者を広めていきたいなと思う。
先ほど榎本さんがおっしゃっていたが、溺れているわけではないけども、もしかすると周りから⾒ると溺れているように⾒えることはあるのかもしれないと、少し感じている。それこそ仲間だと思っていた市⺠の皆さんからも「アリオスってすごく良いことやっていると思っているでしょう」みたいなことを⾔われると、皆さんのためにと思っているけれども、⾔葉にして⾔われてしまうとキツいなという時がある。でも、それも理解してもらった上で私たちは進めなければいけないので、いろいろな説明している。
「同じ理解者だったんじゃないの？」とか思いつつも、このサイレントパトロンは本当に理解を深めていきたい。
あと、今年度に限っては⽂化庁の助成⾦が全て不採択となっていて、資⾦的に苦しい状況になっている。市の直営なので、⼊るお⾦と出るお⾦が別々ではあるから、出るお⾦の確保はできているので、やれないことはない。けれども、⼊ってくるお⾦がないってことで、やはり圧縮しなけ
ればいけないのを財政から⾔われていて、事業の回数を減らすなど⼯夫して、何とか今年度は乗
り切ろうと思っているが、⽂化庁の助成⾦が年度を明ける直前で結果が出るのが厳しい。
ここで⾔われても正直防ぎようがなく、うちの場合は年度末に年間計画を発表してしまうので、取り返しがつかないということがあって、その辺をカバーできる財源やシステムが欲しいとは思っている。それこそ市の直営なので、年度ごとでリセットになる。基⾦のようなものがあるわけではない。なので、ゼロスタートの時にさらに収⼊がないとなると、⾝動きがとれない。なので、報告書に書かせていただいているが、企業などとうまく連携して、外部からの協賛⾦をなるべく広げていけるようにしていきたいと思っている。

―― 補助金がなくなったらアウトリーチをやめるしかない状況で、事業内容に応じた収支バラン
ス、企業協賛を考えていきたい（千葉）千葉：事業対象者は 7 区分と決めている。教育、保育、障害、地域、⾼齢者、医療、企業ということで決めて、ここから単年度で 4 区分は必ず実施できるようにプログラムしていこうと決めている。
というのは、⼩学校⾏くのが⼀番楽だし、必ず喜んでもらえるし、⼿間がかからない、受け⼊れ態勢も整っていて希望も多い。でも、そこに⽢んじると良くない。少しでも多くの⼈に⾳楽を届
けたいという⽬的があるので、それに沿って 7 区分というふうに決めているが、どこにも⾜らない。20 コマぐらいしか⾏けないのに、いろんなところに⾏くと全然インパクトがない。⼀⽅、北上市として平等に公平に全対象にアウトリーチに⾏くことはないので、ここで計画ができたので、来年度テストで、再来年かその次ぐらいには⾏けるように、⼀⽣懸命整理したいと思っている。
規模は⼤きくないが⼩学校全クラス、例えば 4 年⽣全クラスでも、われわれ財団と NPO に⼿伝ってもらえれば、なんとか⾏ける。担い⼿としてアーティストを育成しているので、アーティス
トの中からコーディネーターのような役割ができる⽴場の⼈もできてくるので、そうした⼈と⼀緒に、共に学びながら、平等に多く実施するアウトリーチも対応していきたいと思っている。
資⾦的には、うちは利⽤料⾦制度なので絶対に特別会計は⿊字でなければいけない。われわれの給料も含めて、法⼈会計も含めてここ 20 年は⿊字。でも、⾦額が少ない。創造⽀援と呼ばれるアウトリーチとかワークショップといった事業にかける収⼊の 83％が令和４年度は補助⾦。これがなくなったら私たちはできない、やめるしかないという状況だ。３⽉ 31 ⽇に内定の通知を93

伺ってから全てをスタートするように事業を組んでいる。だから、今まで 10 年間は補助⾦を頂いているが、11 年⽬、12 年⽬になった時に、４⽉になったらアウトリーチ事業はゼロにならないように、⼤規模な鑑賞事業は共催事業に振り分けて、⾚字を出さないようにしている。⼤規模な鑑賞事業を主催して、⼤きなマイナスの収⽀を出してしまうと、そのマイナス分でアウトリー
チが何⼗回も何百回も⾶んでしまうので、⼤規模な⾚字のかかる鑑賞事業はやらないか、共催、折半でやっていく⼿法にシフトしている。
最近取り組んでいるのは、企業スポンサーを⾒つけている。すごく少額で、令和４年度は 20 万円だが、アウトリーチの団体のお⾦を頂戴できたので、ここから実績をつくって広げていきたい。
どうしても企業スポンサーが希望するのは、鑑賞事業の冠公演。⼤ホールでの華やかな公演が好きなので、そうではなく、⼦どもたちのための事業にお⾦を下さいと企業を歩いていて、そこで少しずつ頂いている。あとは企業へのアウトリーチをやっている。北上市は⼯業団地があるので企業が多く、その中である⼤きな会社の中に、設備会社、電気会社、いろんな会社が⼊って７つの会社の中から何⼈かずつ参加していただき、みんなで⼀つのダンスをつくって、それを共有して仲良くなる。そういった企業アウトリーチをやることで、そこもつなげてお⾦を頂きたい。企業にアウトリーチに⾏って、われわれが全額出すというところに⽴ち返って考えるとおかしいので、協賛をいただきながら、企業アウトリーチでダンスや演劇を活⽤していくことも⼀緒にやっていきたいと思っている。毎年、いろんな傷に⼿当てをしながら、とにかく⽅策を考えながらア
ウトリーチを続けていきたいと思う。

―― 事業のお手伝いをお願いした地域の担い手（これまで市民参加公演等で関わっていた地元の人）が、アーティストの意向をくみ取り、先を見て行動する能力が高いことが伺えた（田澤）⽥澤：これからの展開で、参加者や開催場所の拡⼤は⾮常にやっていきたいと考えているが、特に市の直営館として、さまざまな⾏政分野とそれぞれ直結している。サントミューゼで経験をしたスタッフが異動で障がい者⽀援課、保育課、⼦育て・⼦育ち⽀援課、⾼齢者介護課に異動して、サントミューゼの経験を⽣かして各部署で協⼒し合いながら考えていければということはずっと話し合われている。ただ、現在は事業の継続という部分に重点を置いていくしかない。実は先週末、来年度事業を固めていかなくてはいけないという状況の中で、そもそもこの芸術家ふれあい事業というアウトリーチ事業そのものをどうしていくかという議論にまで発展しているような状況だ。⾳楽分野がどうしても市内 25 校の全⼩学校に毎年必ず⾏くという、これ⾃体は変えずに今まできているが、ここに対するスタッフの仕事のボリュームを考えると、もしかすると⾳楽をやめて、演劇やダンスといった創る部分に⼒を注ぐという選択肢もあるのではないかと。どうしても今の状況だとアウトリーチをこなしていく、回数をとにかく終わらせるというような、本来⾃分たちがつくってやっていきたかった部分とかけ離れたものになっていく部分と、どういうかた
ちでそこを計画していけるかを、来年度に向けて９⽉末までにその⽅針を決めなければいけない。
そういった部分で、まずは障がい者、乳幼児、⾼齢者という分野、さまざま私たちも関わりたい分野で、現状としては今やっている事業を継続していきたい。
あと、地域の担い⼿については、今年度の⼤幅な⼈事異動もあり、演劇、ダンスの事業を運営するのが難しい。特に創作を伴う作品や市⺠とのダンスワークショップなど、⻑期間滞在して市⺠
とつくるかたちになった時に、スタッフがそこに 1 ⼈ずっと張り付かなければいけない状況。そんな時に、オープンからずっと市⺠参加型事業に参加してくれている主要な市⺠の⽅３名に声を掛けたら、ぜひ協⼒したいと。ピンポイントの業務委託というかたちで、もちろんそこにはお⾦をお⽀払いして事業に関わっていただくことをつい先⽇やったところ、次に何をしたらいいのか、
仕事の動き⽅が、⻑年関わってきたスタッフのように良い。あと、アーティストに対するリスペ
クトがものすごくあるという部分で、とてもうまく回った。ファシリテーターという部分になる

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かもしれないが、今はこの⽅法をダンスで実際にやってみたが、どういうかたちでできるか分からないが、⾳楽でも外部の⼒も借りるかたちで市のプロパー職員だけでできない部分もやっていけたら、という状況にある。
⽀援者の獲得という⾯では、サントミューゼパートナーズという名前で、アウトリーチ事業、芸術家ふれあい事業に対する⽀援というかたちで始めたころは４社程度だったのが、今はその３倍くらいの数の⽀援をいただいている。⾦額的には１⼝３万円、10 万円、30 万円、50 万円のコースというもので、その⽀援だけで事業を回せるものではないが、芸術家ふれあい事業に対して企業としても⽀援をしているのは、企業にとっても⾮常にメリットがある。そういった⽅々を増やしていくのがこれから必要だと思う。増えた要因の⼀つとしては、現在のうちの館⻑が企業の代表をやっているつながりで増えているのが半分以上ある。本来の意味の芸術家ふれあい事業っていうものへの理解とか、実際に企業アウトリーチ、千葉さんのところでもやられているようなかたちで、この事業に対して本当の意味での⽀援をいただけるような、⽀援者を増やしていくのは
今後絶対に必要になってくると思っている。

―― スタッフそれぞれが精一杯、手一杯の状況で、新しい事業へアプローチする難しさ(吉松)吉松：参加者対象の拡⼤でいうと、ワークショップではシニアや⼦どもたち、障害者に向けたものなど、対象やターゲットについて、いろんな場所や⼈たちに向けて実施していきたいとは思ってはいるが、地域のニーズや課題の調査ができているかというと、できていない状況。うちも公演事業や創造事業も実施しているが、スタッフはいろんな事業を担当していてそれぞれ精いっぱい、⼿いっぱいみたいなところもあり、新しい事業と結び付くところが今ストップしているのが現状。
児童養護施設へアプローチをしたいと思って、実はコロナ前から計画してリサーチも進めていたが、コロナ禍になり実施が出来なくなった。ただ、先⽣⽅もすごく熱意があって、ちょうどコロ
ナも少し落ち着いたのでチャレンジできればと思ったが、先⽣⽅の⽇々の忙しさもあって、実施に結び付かなかった。計画を⽴ててやっていこうとしても、ぎりぎりでできなくなることもある。
ただ、そこを無理やりこじ開けてしまうとお互い不幸になる場合があるので、そこは引き際も含めて精査している。
⼈材については、コーディネーターのような⼈材発掘を外に⽬を向けたいと思って、来年度から
地域コーディネーター育成プログラムをきちんと取り組んでいきたいと思っている。地域の中にも芸術に関わりたいと思っている⼈とか、町を元気にしたいと思っている⼈がいらっしゃる。なかなかそういう⽅たちと劇場としての出会いがないと思うし、今までご⼀緒にさせていただいた
⽅々の中にも、劇場の活動を応援してくださる⽅がいらっしゃると思うので、そういった⽅に向けて知るところからはじめて、⼀緒に考えたり、気付いて⾏動してくれる、本当の意味での仲間づくりをきちんとやっていきたいと思っている。
⽀援者でいうと、協賛⾦の獲得について動きを整えようと財団本部もしている。ただ、事業単位でアプローチしていく形ではないかもしれないが、そのあたりの「どのように募集するのか」といったことも含め、今から設計していく段階。事業単位になると、公演事業のほうが募りやすい
かと思うが、⼦どもたちに向けたアウトリーチに関しても、企業側のメリットをどのようにアプ
ローチしていけるのか、今後勉強しながらやっていきたいと思っている。

――劇場より少し来やすい場所で出会いの機会を創っていく（塩見）塩⾒：今後のアウトリーチの参加者、対象者と開催場所の拡⼤について。令和４年度、初めて豊橋のろう学校に出向き、ダンサーと⾳楽家によるアウトリーチワークショップを⾏った。そして今年、康本雅⼦さんと共に地域創造の⽀援プログラムの⼀つとして、豊橋のろうや聴覚に障がいのある
⼦どもたちが通う児童デイサービスを対象にアウトリーチを実施、３歳から中学⽣までが参加し95

てくれた。２年間とも会場として彼らになじみのある場所を借りて実施したことで、参加する⼦どもたちの気持ちのハードルも下がったと思うとともに、施設の⽅や先⽣⽅、デイのスタッフの⽅、保護者の⽅々の助けをもらいながら実施でき、初めての試みではあったが成果を感じた。また、劇場が主催する催しのうち、乳幼児や⼦ども対象のイベントの⼀部については、親⼦・⼦どもが利⽤する近隣施設を借りて、ワークショップを実施することもある。アウトリートとは少し違うが、⼦どもや親⼦にとって劇場に来るよりも⼀歩、来やすい場所で、劇場の取組に出会ってもらうような企画も取り組んでいる。
どこでどんなワークショップを⾏うと集まりやすく、効果的かという話はよく話題にも上っていて、例えばろうの⼦どもたちとのワークショップを計画する段階では、「講師の⽅はろう学校でのワークショップの経験はないけどダンスならできるかも」ということから始まり、翌年度は「去年、ダンスでこんな内容のことを実施できたから、今年はこの⼈と⾏けるかも」という意⾒交換をしながら拡がっていった。最近では、⾃⽴⽀援組織のスタッフさんから、⽩杖（はくじょう）の⽅の付き添いをする資格取得のコースの１コースで、演劇のワークショップができないか、というような話を伺った。そのように外に出ていくことでわれわれの活動を知ってもらえたら。これは今年度か来年度には実現できればいいなと思っている。
あと、ファシリテーター養成講座等で、舞台芸術に関わる⼈材育成事業をしているが、今のところ、彼らが仕事になるまでの現場を提供できてない。徐々に業務として依頼できる機会は増え、その際に謝礼は⽀払っているが、独り⽴ちしてそのことだけで⾷べていけるかというと、そういう状況にはない。そして、地元にどういう⼈材が存在するのかということも把握しきれていないと思う。このような機会の創出と、⼈材の掘り起こしは必要だと思う。そんな中で、⼈材育成事
業の展開として、特徴的なことがあった。数年前に PLAT に職場体験学習として来た中学⽣が、劇場に通うようになり、そして⼤⼈になりピアニストの道を選んだ。その後、PLAT の主催事業である「若⼿⾳楽家育成事業」のワンコインコンサートの出演者オーディションに挑戦してくれて、オーディションに合格。プロの⾳楽家としてコンサートを開催したということがあった。このように PLAT に継続的に関わってくれる⼈材との今後の展望として、コンサートだけでなく、様々な場所に出向くアウトリーチの事業にも⼀緒に⾏けるようになるというのが、次のわれわれの⽬標の⼀つである。

4. 提言の作成に向けた視点やご意見
⼤澤：最後に、提⾔の作成に向けた視点やご意⾒について、ぜひお伺いたい。ここでまとめようとする
提⾔は、公⽴⽂化施設や地⽅公共団体といった相⼿は⾒えているが、それ以外にメッセージを伝えることが必要な対象、何を期待して、何を求めて提⾔するのか、こうした事業の予算の確保、体制の強化、政策への位置付け、改めてどう評価するべきかという話がある。そうした提⾔に含めるべき内容やキーワードや優先順位について、何かご意⾒があったらぜひ聞かせてほしい。

―― アウトリーチにまつわる用語集で言葉の精度をあげよう（榎本）榎本：２点だけ。誰に向けての提⾔かっていうところに関して申し上げると、公⽴⽂化施設と、それから地⽅公共団体と、それからアウトリーチを実施する側で、実施する側は、対象者の前に⽴つ⼈と受け⼊れる側の両⽅だ。この４者に対して書いてほしいことは、ある意味とても簡単で、「これをやると、あなたのメリットはこれだよ」というのを訴えていただけると、われわれは現場で使わせていただけると思う。
あと、提⾔に含めるべき内容は、先ほどここで結論が出ていて、別冊がまとめられるものと想像をする。アンブローズ・ピアスの『悪魔の辞典』という本がある。ひねくれた辞典で、私が記憶96しているのは、「机」という⾔葉の意味が『悪魔の辞典』では「恋⽂を書くための台、そこで書かれるうその重さに耐えるために頑丈な 4 つの⾜を持つ」というように書かれている。なので、その逆バージョン、アウトリーチにおけるマジックワード集、地域創造編『天使の辞典』というのが別冊で付いてくるかと予想する（笑）
。

―― 教育委員会、先生に向けた提言が必要（矢吹）補助金での評価する側に向けた視点（千葉）⽮吹：誰に向けてかという意味では、やはり⾏政に向けて。でも、⾏政でも⼀般職もそうだが、教育委
員会も⽬線としては⼊れてほしいと思っている。やはり⾏き先が学校がすごく多いので、その辺は先⽣⽅への理解と、教育⻑は学校の先⽣とは限らないので、そういうところに向けて発信してほしいと思う。⾔葉は違うかもしれないし、表現を変えなければいけないかもしれないが、市⺠に対しても簡単な⾔葉で、「こういうことをやるとこういう効果があって、ほら、みんな幸せになるよ」というような、分かりやすい簡単なものを市⺠に向けてできるといいと思う。そして、評価。定性も定量もそうだが、何をもって私たちはこの事業をいいと⾔っているのか、⾃信を持ちたい。それが予算確保や⼈材育成、体制強化にもつながってくると思っている。
千葉：右に同じだが、すごく気楽な⽴場から⾮常に失礼なことを⾔うかもしれないが、どうしても補助
⾦頼みになる部分がある中で、そういった定性、定量評価をして、それを誰が⾒て、どう評価をして、いくらの予算を頂けるのか、やはり評価をする側にもこういういいことをやっているところに補助⾦を⼊れるという視点も欲しい。そちらに向けて、われわれではできないことをお願いしたい。

――政策の達成度を測る評価が必要になっている（田澤）芸術分野以外の現場から巻き込むことになればいいのでは（吉松）⽥澤：本当にそれぞれおっしゃるとおりだ。私たちは今こうして続けているのが、上⽥市の総合計画の中に政策として位置付けていることももちろんある。⼤きかったのは、平成 30 年度に開館以来続けてきた事業運営の評価調査をニッセイ基礎研究所に実施していただいて、施策の達成度を測ることがどれだけ⼤切か、⾮常に感じている。それによって今後、第２期の上⽥市の総合計画は
令和３年度から７年度で、今度は８年度からの計画を作るが、定期的にそういった評価がどれだ
け⼤切なことか、上層部でも武器にもなり、必要なことだと私たちも改めて思っている。
榎本さんからの⾔葉の精度を⾼めていくというお話、本当にそう思う。⼦どもたちが⽣の芸術を体験して、その場でものすごく開いた⼼の状況であっても、そこでの⾔葉⼀つで、例えば「今⽇のお勉強よく分かりましたか」という「お勉強」という⾔葉が⼊った途端、急に⼦どもたちは閉じてしまう。そうした本当に⼀⾔で、その 45 分か１時間の時間が残念なことにもなりかねない
ことは、改めて気付いた。そういうことをアーティストと話せる時間があればいいが、なかなか
そういったことも持てない。改めてそこを考えていきたいと思った。
吉松：皆さんと同じようなことを思いながらだが、どこかと連携、協働してやるにしても、劇場がやっている事業という認識が強い。先⽣⽅にも、教育現場がもう少し注⽬してくれたらいいのになと思う。芸術体験を受けた⼦どもたちの様⼦を⾒ている先⽣⽅は、協⼒者としてつながってくださったりするから、少しずつ広がっているとは思うが、教育現場も⼀緒になって、より⼦どもたちに活かされるような活動につながればいいと思うし、難しいことだが、芸術分野以外の、例えば障害のある⽅かもしれないが、そういうところから巻き込むことになるといいなと思った。

―― 町の中からも仲間を増やしていく（山下）⼭下：私も現場でいろいろな⽅と関わりを持つ中で、プログラムを体験した⽣徒さんや学校の先⽣が「いいな」と思ってくださることを継続するためには、教育委員会など⼤きな組織の⼒も必要だと感97じている。そこに働きかけるためには、現場担当者として、アウトリーチの良さを伝える⾔葉を持ち、市⺠やまち全体に広げていくことが⼤切だと改めて思った。仲間を増やしていくこと、私たちの地域だけではなく、いろいろな地域でも様々に取り組まれているので繋がりをもって、もっと広く仲間が増えていくことで、アウトリーチやワークショップを、ファシリテーターやアー
ティストも含めて全体を育成し、底上げをしていけるのが理想だと感じた。

―― これからやりたいと思う人の取っ掛かりになるような提言（塩見）塩⾒：誰に向けての提⾔かについて。豊橋市の近隣市町村の学校関係者や同業者の⽅から、「なぜ PLAT
は⼩学校や中学校に出向いてワークショップができるのか、どうやったらできるのか、豊橋からうちに来てくれないか」と⾔われることがある。おそらく、アウトリーチに興味を持たれた⽅が⾃分の地域でもやってみたいけれど、どこからどう始めるのがいいのかわからない状況なのかなと思う。そこで、アウトリートをやってみたいと考える⾃治体や組織の担当者の⽅が、例えばご⾃⾝の地域の教育委員会や市役所の⽂化担当課などの⽅々に対し、ただ単に「われわれもアウト
リーチをやってみませんか」と⾔うだけではなく、今回の事例や検証を⼿に、「アウトリーチをすると『こういう効果があるから』われわれもやりませんか」というアプローチできるような提⾔にする。実施したいと思った⽅の取っ掛かりとして活⽤してもらいたい。その時に、今回調査していただいた６館の実施内容だけでなく、各館がどうやってこのような実施形態に⾄ったか、その経緯も含め具体的なことが書かれていれば、「⾃分たちの組織や⾃治体の場合なら、このパターンなら実施できる可能性がある」と思えるきっかけになるのではないか。
そして実施にあってはそれなりの経費や時間、そしてアーティストやファシリテーター、コーディネーターという専⾨⼈材が必要であるということ。
計画や実施する前に、アウトリーチを何故やるのかということを理解したうえですすめるという段階を踏むこと、そしてそれには経費が必要である、ということが伝わればいいと思う。要は予算の確保や準備にかかる時間、そして専⾨⼈材の存在があってこそ実施が可能だと思う。また、継続して実施するには地域に専⾨⼈材を育てること、出会うことも必要であると考えている。

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地域⽂化施設におけるアウトリーチ・ワークショップの成果や効果にもとづく今後の展開に関する調査研究
別冊資料②アーティスト、コーディネーター、調査協⼒館担当者へのグループインタビュー調査の結果
調査・発⾏

⼀般財団法⼈地域創造〒107-0052 東京都港区⾚坂2-9-11
オリックス⾚坂2丁⽬ビル9F
tel. 03-5573-4093 fax. 03-5573-4060

調査受託

合同会社⽂化コモンズ研究所〒231-0003 神奈川県横浜市中区北仲３-33
関内フューチャーセンター#156

発⾏⽇

令和6年3⽉© ⼀般財団法⼈地域創造、合同会社⽂化コモンズ研究所