© Yuriko Takagi

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3年ぶりの定期公演登場

色彩感と生命力にあふれた音楽づくり

井上道義が NHK 交響楽団定期公演の指揮台に2016年11月以来、約3年振りに戻ってくる。N 響定期へのデビューは1978年。その後、特別公演や国内ツアーなどを通じて信頼関係を培っていたが、久方ぶりとなった前回の定期公演登場時には、「 38年間の空白を経ての復帰」と騒がれた。

1970年代半ば、デビュー直後の井上は恩師セルジュ・チェリビダッケ譲りの厳格なリハー
サル（音階練習まで求めた！）、歯に衣を着せない言動などで全国数多くのオーケストラと衝突し続けた。ダンサーとしての教育も受け、長身
長髪の全身を大きく動かす指揮ぶりは40年前の日本楽壇で異彩を放ち、「とんでもない
指揮者が現れた」と評判に。色彩感と生命力にあふれた音楽づくりが、実は、音楽の本質を鋭く見据えた読譜の結果であることを正しく理解されるまで、かなりの時間を要した。

相対する2曲を並べたプログラムから見える
マエストロの境涯
長髪がスキンヘッドに変わり、自身のルーツの半分がアメリカ合衆国にあることを深く意識

Michiyoshi
した前後から、井上の音楽づくりには「ドラマ」の要素が強まった。藤原歌劇団主催、東敦子が最後に主役を演じた《蝶々夫人》の指揮

今月のマエストロ井上道義

Michiyoshi Inoue

文◎池田卓夫│ Takuo Ikeda

PROGRAM A

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO

5

でオペラにデビューしたのは1984年と少し遅と尋ねたら、「違う。生まれ変わるのは自分でめだが、作劇術への傾倒はやがて、自ら演出はなくて、周囲の光景や人々だった。新しいまで手がける展開をみせた。ロシア音楽の正世代や音楽との出会いを素直に喜ぶ方が、統な後継者でありながら、旧ソ連のスターリン

自分の人生も豊かにできるんだよ」と答えた。

独裁政権の荒波をかいくぐり、一筋縄ではい

今回の定期公演でもN 響の若い現役楽員た

かない人生と創作を余儀なくされた作曲家のちと正面から向き合い、「NHK ホールの音響

生涯に「人間の劇場」の深淵をみたのか、21に最適の作品」という米国の作曲家、グラス

世紀に入っての井上はショスタコーヴィチの交の協奏曲を取り上げるが、ソリストに楽員2人

響曲にとことん、のめり込んでいく。

を起用することにも、今の井上の境涯を垣間

2007年11月から12月には東京の日比谷見ることができる。

公会堂に日本とロシアの複数のオーケストラを招き、「日露友好ショスタコーヴィチ交響曲全［いけだ たくお／音楽ジャーナリスト］

曲演奏プロジェクト2007」を主催、指揮した。
と《第15番》の出来には自らそのうち《第9番》
納得できず、2016年2月に再演、全曲を収めた CD ボックスを完成させた。アートワークも井上が手がけ、「苦虫を嚙み潰した」
よりも「おちゃめ」な作曲家の写真を意図的に多く載せた。2014年の4月から11月の井上は咽 頭 がんの治療に専念し、一命をとりとめた。最初は「生き残れるだろうか？」と、元問題児も弱気だったが、復帰後は、独自の死生観を深めた。

プロフィール

井上道義は1978年に5月定期公演でN響デビュー、共演歴は40年を超えた。とりわけ2016年11月の定期公演で指揮したオール・ショスタコーヴィチ・プログラムは多くの聴衆、評論家が同年のベスト演奏会に挙げた。
井上は1990年から1998年に京都市交響楽団の音楽監督兼常任指揮者だった時期、「日本中の民間
オーケストラができないプログラムに挑戦する」との目的諧 謔と絶望、楽観が万華鏡のように織り込までショスタコーヴィチのシリーズに挑んだ。やがて「ショれ、一筋縄ではいかないショスタコーヴィチのスタコーヴィチは僕自身だ！」と公言するほどまで傾倒、スコアから、以前にも増して濃い音楽を引き出すようになった。

2006年に還暦（ 60歳）を迎えたときは、「生

2007年11月から12月にかけてショスタコーヴィチ作品の多くが日本初演された「聖地」、日比谷公会堂で交響曲の全曲演奏会を行ない、2016年に全集 CDを私財で完成させた。今回はショスタコーヴィチの《交響iyoshi Inoue
まれ変わったんだから、もう一度暴れてやる！」と赤いセーターを着て叫んでいた。古希（ 70歳）に際し「今も、そう思っているんですか？」

井上道義が指揮するプログラム詳細はこちら

6

曲第11番「 1905年」》に「米ソ冷戦時代」の相手方、アメリカ合衆国の現役作曲家グラスの作品を組み合わせ、意表を突く。
［池田卓夫］PROGRAM A ▶ P. 9

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019© Mat Hennek

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反
応

推進力も自由自在
色彩感豊かで華麗な音楽
トゥガン・ソヒエフは N 響と最も相性の良い
指揮者のひとりといえるだろう。2015/16年以
降は毎シーズン出演しており、今期で5期連続となる。
「本番ではリハーサル以上の化学反応が起こります。N 響は私のアイデアを消化して、一瞬にしてそれ以上のものを投げ返してくれる。これは特別なことなのです」─今や世界中で引っ張りだこの人気指揮者にこう言わしめる信頼関係は、東京の聴衆の財産だろう。2008年の初共演当時、ソヒエフはまだ30代に入ったばかりの若手だった。
指導者として名高いイリヤ・ムーシン、さらにユーリ・テミルカーノフに学んだ、いわばロシ
ア音楽の懐から現れた才能だ。トゥールーズ・
キャピトル劇場管弦楽団の音楽監督として、フランス音楽も幅広くレパートリーに組み込んでいる。現在はボリショイ劇場の音楽監督も兼務するが、音で情景を喚起する力はシンフォニックな作品でも十二分に発揮されている。
ソヒエフの魅力は何をおいても音楽を色彩感豊かに、華麗に響かせる技にある。スタイル
はあくまで正攻法。力業で鳴らすのでなく、ツボを摑んで引っ張っていくことで作品や楽団の持ち味を無理なく立たせていく。だからオーTugan Sokh
今月のマエストロ

ケストラも俄然積極的になる。心地よいボリュー
ム感に包まれ歌われる旋律はエレガントに上気し、サウンドは美しく香る。テンポやリズムに

トゥガン・ソヒエフ
Tugan Sokhiev

文◎江藤光紀│ Mitsunori Eto

PROGRAM B/C

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO7

対するセンスも抜群で、大地に根を張るようなだれ込むチャイコフスキーの《交響曲第4番》

安定感から体がふわっと浮かび上がるようなでは、交響楽の醍醐味を満喫したい。

軽やかさまで、推進力も自由自在だ。
［えとう みつのり／音楽評論家］

フランス音楽とロシア音楽で固めた
マエストロらしさが表れたプログラム
さて、今月の定期公演では B プロをフラン
ス物、C プロをロシア物で固めた。選曲にもソヒエフらしさが表れている。
近代フランスの管弦楽曲をたどる B プロを、
ベルリオーズ《ファウストのごう罰》からの〈鬼火のメヌエット〉〈ハンガリー行進曲〉で始めるのは、描写的な小品で聴き手を自らの世界にぐっと引き寄せるソヒエフお得意の手法。ビゼーの《交響曲第1番》では、そのテンポ感や歌い回しの妙がダイレクトに味わえるだろう。
現代への扉を開いた《牧神の午後への前奏曲》を経て、最後は再びベルリオーズのドラマチックな交響曲《ロメオとジュリエット》（抜粋）
で結ぶ。前回披露した《イタリアのハロルド》の、息の長い音楽を見通しよくまとめる手腕は
ここでも発揮されるはずだ。

C プログラムはエキゾチックで華やかな《イスラメイ》を冒頭に置き、濃厚で骨太な2曲をプロフィール

1977年北オセチアに生まれ、サンクトペテルブルク
音楽院でイリヤ・ムーシン、続いてユーリ・テミルカーノフに師事した。

2002年のウェールズ・ナショナル・オペラをはじめとして、メトロポリタン歌劇場、エクサン・プロヴァンス音楽祭と次々に国際的なデビューを果たした。2005年にはトゥールーズ・キャピトル劇場管弦楽団の首席客演
指揮者、さらに2008年には音楽監督に就任。加えて2014年からはボリショイ劇場の音楽監督兼首席指揮者の任にあり、2012年から2016年にかけてはベルリン・
ドイツ交響楽団の音楽監督も務めた。近年はベルリン・フィルハーモニー管弦楽団、
ウィーン・フィルハーモ
ニー管弦楽団をはじめ、世界各地の名門オーケストラに定期的に客演しており、21世紀になって頭角を現した世代でもっとも注目を集める指揮者である。
NHK交響楽団とは2008年に初共演して以来、たびたび客演を重ねている。2016年以降は毎シーズン
指揮台に立ち、ロシア、フランスもののレパートリーを中心に、色彩感豊かなサウンドを導き絶賛を博している。
［江藤光紀］

組み合わせた。ラフマニノフの《パガニーニの主題による狂詩曲》
ではニコラ・アンゲリッシュ

gan Sokhievの精 緻なピアニズムをどう演出するか。運命の悲劇が、哀切に満ちたメロディ、はじけるよ

うなピチカートを経て、輝かしいフィナーレとな

トゥガン・ソヒエフが指揮するプログラム詳細はこちら

8

PROGRAM B ▶ P. 13

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPROGRAM C ▶ P. 17

PHILHARMONY | OCTOBER 2019

A

第1921回ＮＨＫホール5 & 6. OCT. 2019

A
PROGRAM土 6:00pm
10/5□
日 3:00pm
10/6□│井上道義│指揮者プロフィールはp.6
ティンパニ│植松 透、
久保昌一
コンサートマスター│ライナー・キュッヒル指揮

グラス
2人のティンパニストと管弦楽のための）27′］
協奏的幻想曲（2000［ショスタコーヴィチ
交響曲 第11番ト短調 作品103「1905年」［60′］

Ⅰ ♩＝144

Ⅰ 王宮前広場

Ⅱ ♩＝96〜104

Ⅱ 1月9日Ⅲ ♩＝176

Ⅲ 永遠の追憶
Ⅳ 警鐘

─休憩
（20分）
─

Artist Profiles

植松 透（ティンパニ）
東京都出身。国立音楽大学、同大学院修了。打楽器を岡田知之、藤井むつ子、ペーター・ゾンダーマンに師事。1993年 NHK 交響楽団に入団、現在は首席ティンパニ奏者。1998年 N 響海外派遣研修員としてベルリンに留学、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団首席ティンパニ奏者
ライナー・ゼーガースに師事した。ゲーテ生誕250年記念演奏会でのベ
ルリン・ファゴット・カルテットと山本純ノ介《 Mehr Licht 》の世界初演、ギリ
シャ・パトラス国際芸術祭への参加など海外での活動も多い。N 響では武満徹《フロム・ミー・フロー
ズ・ホワット・ユー・コール・タイム》をはじめソリストとしての出演も重ねている。国立音楽大学、洗足学園音楽大学、札幌大谷大学で後進の指導を行うほか、幼児と音楽の関わりを打楽器の視点から捉える研究も長年続けており、幼稚園や特別支援学校、また被災地なども度々訪れ全国の子どもた
ちと音楽の交流を深めている。

PROGRAM A

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO9久保昌一（ティンパニ）A

鹿児島県出身。東京音楽大学卒業。在学時に野口力、菅原淳、岡田眞理子の各氏に師事。1987年よりベルリン芸術大学に留学し、オス
5 & 6. OCT. 2019ヴァルト・フォーグラー教授に師事した。ベルリン滞在時は、ベルリン・ドイ
ツ・オペラなどで活躍。1990年代初頭、N 響の招聘により来日中のドレ
スデン国立管弦楽団首席ティンパニ奏者ペーター・ゾンダーマンに指導を受ける。1993年に NHK 交響楽団に入団し、現在は首席ティンパニ奏者。2001年第3回別府アルゲリッチ音楽祭にてマルタ・アルゲリッチ、ネルソン・フレイレ両氏と共演、2010年シュトゥットガルト放送交響楽団の客員ティンパニストとしてシュヴェツィンゲン音楽祭等に出演した。2017年には、オランダ・マーストリヒト音楽院にてマスタークラスを行う。現在、東京音楽大学兼任教授、武蔵野音楽大学講師として後進の指導にも取り組んでいる。

Program Notes│千葉 潤

アメリカ・ミニマル音楽の大御所フィリップ・グラス（ 1937〜）と、激動のソ連史を音楽に刻んだドミートリ・ショスタコーヴィチ（ 1906〜1975）。対照的な2人を結びつける本日のプログラムの要は「リズム」である。インド音楽の影響を受けたグラス作品での祝祭的なティンパニの乱舞と、ロシア革命時代の緊迫した鼓動を伝えるショスタコーヴィチの交響曲。東洋的な世界観と現代史の重みをさばき分けるリズム（そして打楽器）の表現力に注目したい。
グラス

2人のティンパニストと管弦楽のための協奏的幻想曲（2000）
フィリップ・グラスは、1960年代後半のアメリカで生み出されたミニマル音楽を代表する作曲家である。限定された和音やリズムの動機を延々と反復しながら、徐々に動機どうしが多層的に重なり合い、ずらされながら、全体的音響が変化していくのがミニマリズ
ムの特徴だが、グラスの場合には、シタール奏者ラヴィ・シャンカルとの出会いがきっか
けで、インドの音楽理論や時間感覚からの影響を強く受けており、日常的な時間感覚を超越したかのように、極彩色の万華鏡のような音響が息長く持続する。
そのグラスも82歳となり、かつての異端児もいまや大御所的存在である（ 2012年には高松宮殿下記念世界文化賞を受賞）。数々の映画音楽やロック歌手デヴィッド・ボウイとのコ

ラボレーションなど、ジャンルをまたいだ創作活動はいかにもアメリカ的であり、ミニマル
音楽のもつ良い意味での大衆性を最大限に展開した点に、グラスの功績があるといえよう。
《協奏的幻想曲》は、アメリカのヴィルトゥオーゾ・ティンパニ奏者ジョナサン・ハースの

10

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

ために2000年に作曲された。クラシックのみならずジャズやロック、そして現代音楽まで

A

幅広いジャンルで活躍するハースは「ティンパニのパガニーニ」と称えられ、その超絶テク
ニックはこの曲の独奏パートに遺憾なく発揮されている。
第1楽章は拍を3＋3＋4に分割した10/8拍子と、落ち着いた3/4拍子が交差しながら5 & 6. OCT. 2019

進み、リズム優位の音楽から次第に音階状の旋律が発生していく。
第2楽章は暗い緊張感に貫かれた緩徐楽章であり、ティンパニのリズムに支えられた

息の長い旋律を背景に、小さなリズム動機が、アルペッジョから上下に動く音階へと成長しながら、じっくりと大きなクレシェンドを形成する。音楽が落ち着いた後、2人のティンパニストと打楽器群によるカデンツァがつづき、そのまま次の楽章へとつづく。
第3楽章は、第1楽章に似て4/4拍子と7/8拍子が交差しながら進むが、全体的な音

響はアジア的な祝祭感に満たされている。
作曲年代

2000年

初演

2000年11月19日、ジョナサン・ハース、スヴェトスラフ・ストヤノヴィの独奏、レオン・ボツタイン指揮、
アメリカ交響楽団、ニューヨーク

楽器編成

フルート2、ピッコロ1、オーボエ2、クラリネット2、Esクラリネット1、バス・クラリネット1、ファゴット2、ホ
ルン4、
トランペット3、トロンボーン3、テューバ1、シロフォン、グロッケンシュピール、小太鼓、中太鼓、大太鼓、トライアングル、テューブラー・ベル、ウッド・ブロック、タンブリン、シンバル、サスペンデッド・
シンバル、タムタム、マリンバ、ヴィブラフォーン、ハープ1、ピアノ1、弦楽、ティンパニ・ソロ2

ショスタコーヴィチ

交響曲 第11番ト短調 作品103「1905年」「1905年」という標題のとおり、この曲はロシア革命の発端となった1905年1月9日の「血の日曜日事件」、すなわち、皇帝の居城であるサンクトペテルブルクの冬宮殿に向かって請願行進をしていた民衆が、皇帝軍によって一斉に銃殺された事件を描く標題
交響曲である。その主題には当時の革命歌が多数引用され、各楽章の「場面」は、映画音楽に比されるほど描写的であることから、長らく「時代遅れの社会主義リアリズム」の典型と見なされてきた。
しかしながら、友人の回想によれば、ショスタコーヴィチは「この作品は《森の歌》（体制への妥協作として悪評高い）とは全く違う作品になるだろう」と語っており、単なるプロパガン

ダとは区別していた。またショスタコーヴィチの近親者たちは、1956年に発生した「ハンガリー動乱」（ハンガリーの自由化運動がソ連の軍事侵攻で弾圧された）に対する体制批判的な意図をこの作品の裏に読み取ろうとしたが、それを支持する確証は何もない。それならば一体、ショスタコーヴィチの真意はどこにあったのだろうか。

1956年の第20回共産党大会は、スターリン独裁の罪を暴露したフルシチョフの秘密
PROGRAM A

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO11

報告で有名である。これを機に国内の思想表現の自由化が進むと同時に、スターリン

A

以前の共産主義建設の理念への回帰が叫ばれた時代である。ロシア革命の息吹を今に伝える革命歌の精神に立ち返り、今一度ソ連史を振り返ろうとしたショスタコーヴィチの真意も、恐らくはこうした状況の変化と密接に関連していた。それがハンガリー動乱と5 & 6. OCT. 2019

重なったことで予期せぬ政治的な含意を示唆したのは歴史の皮肉だが、無辜の民衆に対する弾圧の歴史が続くかぎり、この作品は強いメッセージを放ち続けるだろう。
第1楽章〈王宮前広場〉 アダージョ、ト短調、4/4拍子。交響曲の導入的な楽章。凍てついたサンクトペテルブルクを表す弦楽器の虚ろなコラール、不気味なティンパニの動機、それにトランペットのもの哀しげなファンファーレは、いずれも冬宮殿のライトモチーフである。中間部では、囚人歌《聞け》《夜は暗い》が相次いで奏される。
第2楽章〈 1月9日〉 アレグロ、ト短調、9/8拍子〜4/4拍子。全体で826小節にも及ぶ

巨大な音画であり、前半ではショスタコーヴィチの無伴奏合唱曲《革命詩人による10の詩曲》の第6曲〈 1月9日〉に由来する主題で民衆の請願行進が描かれ、後半は冬宮殿のライトモチーフに基づくフガートで壮絶な悲劇が展開される。
第3楽章〈永遠の追憶〉 アダージョ、ト短調、4/4拍子。
〈永遠の追憶〉とはロシア正教の死者を弔う聖歌である。主部は革命歌《同志は倒れぬ》による葬送行進曲だが、中間部では革命歌《こんにちは、自由よ》に基づく感動的な高揚を見せ、その頂点で〈 1月9日〉の主題が回帰する。
第4楽章〈警鐘〉 アレグロ・ノン・トロッポ〜アレグロ、ロ短調〜ト短調、2/4〜3/4拍子。金管が提示する革命歌《圧制者たちよ、激怒せよ》の発展のあと、弦楽合奏が提示する革命歌《ワルシャワ労働歌》がつづき、これにスヴィリドフのオペレッタ《ともしび》の一部がファンファーレ風に加わる。やがてこれまでの主要主題が合流する怒濤のような展開部を経て、全オーケストラが〈1月9日〉の主題を歌い上げる感動的なクライマックスを迎える。哀歌を思わせるイングリッシュ・ホルンの独奏を経て、さらなる闘争を予告する決然とした音楽に戻り、ベルが長調と短調の間を揺れ動きながら、最後まで「警鐘」
を鳴ら
し続ける。
作曲年代

1957年2〜8月

初演

1957年10月30日、ナタン・ラフリン指揮、ソビエト国立交響楽団、モスクワ

楽器編成

フルート3
（ピッコロ1）、オーボエ3（イングリッシュ・ホルン1）、クラリネット3（バス・クラリネット1）、ファゴット3（コ
ントラファゴット1）、ホルン4、
トランペット3、トロンボーン3、テューバ1、ティンパニ1、シロフォン、小太鼓、シンバル、サスペンデッド・シンバル、大太鼓、トライアングル、タムタム、テューブラー・ベル、ハープ2、チェレスタ1、弦楽

12

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

第1923回

サントリーホール

B

10/23□
木 7:00pm
10/24□
水 7:00pm

23 & 24. OCT. 2019

B
PROGRAM│トゥガン・ソヒエフ│指揮者プロフィールはp.8

指揮

│篠崎史紀

コンサートマスター

ベルリオーズ
劇的物語「ファウストのごう罰」から「鬼火のメヌエット」［10′］「ハンガリー（ラコッツィ）行進曲」
ビゼー
［27′
］
交響曲 第1番 ハ長調
Ⅰ アレグロ・ヴィーヴォ
Ⅱ アダージョⅢ アレグロ・ヴィヴァーチェ─トリオ

ドビュッシー］
牧神の午後への前奏曲［10′
ベルリオーズ
劇的交響曲「ロメオとジュリエット」［35′］
作品17（抜粋）
ロメオひとり〜悲しみ〜遠くから聞こえてくる音楽会と舞踏会、キャピュレット家の宴会
愛の場面
マブ女王のスケルツォ

Ⅳ アレグロ・ヴィヴァーチェ
─休憩
（20分）
─

Program Notes│井上さつき

今回は、フランス近代音楽を代表する作曲家、エクトル・ベルリオーズ（ 1803〜
1869）、ジョルジュ・ビゼー
（ 1838〜1875）、そしてクロード・ドビュッシー（ 1862〜1918）の名曲が取り上げられている。3人はいずれもパリ音楽院で学び、新進作曲家の登竜門であるローマ大賞を得てローマに遊学した。帰国後すぐに世間に認められたわけではなかったという点も3人に共通している。
このプログラムの聴きどころはベルリオーズ、ビゼー、ドビュッシー三者三様の個性的な管弦楽法だろう。いずれも重厚なドイツ・ロマン派の管弦楽法とはひと味違った、
オー
ケストラの色彩を堪能させてくれる。

PROGRAM B

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO13

ベルリオーズ

劇的物語「ファウストのごう罰」から「鬼火のメヌエット」「ハンガリー（ラコッツィ）行進曲」

B《ファウストのごう罰》は4つの部分からなる、声楽とオーケストラのための作品で、ドイツの文豪ゲーテの代表作『ファウスト』の第1部にもとづいている。悪魔メフィストフェレスとの契約によって青年に戻ったファウスト博士とマルガレーテとの悲劇的な愛の物語
23 & 24. OCT. 2019である。ベルリオーズはこの作品をハンガリーなどへの演奏旅行の途中で書き進めた。
今回演奏される2つの管弦楽曲はいずれも演奏会のレパートリーとして知られている。
〈鬼火のメヌエット〉は《ファウストのごう罰》第3部でメフィストフェレスが火の精を呼び出して踊らせるメヌエット。
〈ハンガリー行進曲〉は同第1部で、ハンガリーの平原にいる主人公ファウストが軍隊に出会う場面で演奏される曲。もともと、
ベルリオーズが演奏旅行中に「ラコッツィ・マー
チ」の名でも知られるハンガリーの国民歌を編曲してブダペストで初演し、大成功を収めたものだった。曲は静かに始まるが、しだいに高まっていき、最後のクライマックスへと至る。作曲者のオーケストラ編曲の手腕が存分に発揮された曲である。
作曲年代

1845年11月〜1846年10月

初演

1846年12月6日、オペラ・コミック座

楽器編成

フルート2
（ピッコロ1）、ピッコロ1、オーボエ2、クラリネット2、バス・クラリネット1、ファゴット4、ホルン4、トランペット2、コルネット2、
トロンボーン3、テューバ1、ティンパニ2、シンバル、サスペンデッド・シン
バル、
トライアングル、大太鼓、小太鼓、弦楽

ビゼー

交響曲 第1番 ハ長調
ビゼーといえば《カルメン》（1875）
が有名だが、最初期の傑作がこの《交響曲第1番》である。パリ音楽院で学んだ彼は、在学中から先輩作曲家グノーにかわいがられ、小遣い稼ぎに編曲の仕事を回してもらっていた。1855年、グノーの新作の《交響曲第1番ニ長調》の4手ピアノ編曲を依頼された17歳のビゼーは、自分自身でも交響曲の作曲に挑戦し、短期間で書きあげた。できあがった作品は、流麗な美しさをもつ旋律、切れ味のよいリズム、管楽器のみごとな扱い方など、ビゼーの個性がすでに現れており、グノーをしのぐ魅力的な交響曲となっている。
ところが、ビゼーは生前、この曲を世に出すべきものとは評価せず、出版も演奏もしなかった。それが「発見」されたのは、1933年、作曲家のレナルド・アーンがパリ音楽院図書館にビゼーの手稿譜を寄贈した折のこと。それを知った指揮者ワインガルトナー

14

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

は自費でパート譜を作って初演し、この作品はようやく知られるようになった。
曲は4つの楽章からなる。
第1楽章 アレグロ・ヴィーヴォ、ハ長調、2/2拍子、ソナタ形式。歯切れのよい第1主

題と表情豊かな第2主題をもつ。

B

第2楽章 アダージョ、イ短調、9/8拍子、3部形式。オーボエの主題が美しい。
第3楽章 アレグロ・ヴィヴァーチェ、
ト長調、3/4拍子。若さにあふれたスケルツォ楽章。
第4楽章 アレグロ・ヴィヴァーチェ、ハ長調、2/4拍子、ソナタ形式。無窮動風の第1

作曲年代

1855年10月29日に着手、11月に完成

初演

1935年2月26日、フェリックス・ワインガルトナーの指揮、バーゼル

楽器編成

フルート2、オーボエ2、クラリネット2、ファゴット2、ホルン4、トランペット2、ティンパニ1、弦楽

23 & 24. OCT. 2019

主題となめらかな第2主題が軸となる。

ドビュッシー

牧神の午後への前奏曲
ドビュッシーは若いころから音楽以外の諸芸術にも深い関心をもち、文学者や画家、彫刻家たちのグループと交際していた。なかでも、象徴派の詩人として知られるステファ
ヌ・マラルメとは親しく、毎週火曜日にマラルメの家で開かれていた集いには、唯一の音楽家として参加していた。彼はマラルメの詩『牧神の午後』を「自由に絵解きした」作
曲を試み、暑くもの憂い夏の午後をバックに展開する、牧神のさまざまな欲望と夢を音のキャンバスに描いた《牧神の午後への前奏曲》が生まれた。1894年暮れに行われた初演は非常に好評で、ドビュッシーは人生初の大成功を味わった。
《牧神の午後への前奏曲》によって、ドビュッシーは伝統的な長調と短調のシステム
から自由になり、音色の価値を高め、形式的に自由で、より即興的な要素を重んじた様式を確立し、現代音楽に通じる道を開いた。
冒頭、独奏で始まるフルートの調べから、すでにドビュッシーの新しい世界が始まる。
この主題はフルートのために書かれたもので、楽器の音色と切っても切れない関係にある。この旋律は装飾され、拡大され、断片化され、そこから即興性が生まれる。
作曲年代

1891〜1894年

初演

1894年12月22日、ギュスターヴ・ドレの指揮、パリ、サル・ダルクールで開かれた国民音楽協会のコンサートにおいて

楽器編成

フルート3、オーボエ2、イングリッシュ・ホルン1、クラリネット2、ファゴット2、ホルン4、アンティーク・シ
ンバル、ハープ2、弦楽

PROGRAM B

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO15

ベルリオーズ

劇的交響曲「ロメオとジュリエット」作品17（抜粋）ベルリオーズは生涯に4曲の交響曲を残した。
《ロメオとジュリエット》はそのうちの3B曲目にあたり、オーケストラと合唱、独唱のために書かれている。原作は、イギリスの文
豪シェークスピアの代表作で、モンタギュー家のロメオとキャピュレット家の娘ジュリエット
が、両家が敵対するなかで愛し合う悲劇を描いている。
23 & 24. OCT. 2019

ベルリオーズがシェークスピアのとりこになったのは1827年、パリのオデオン座で英国劇団による公演に接したときのこと。
その折、ジュリエット役を演じていた女優ハリエッ
ト・スミッソンこそ、有名な《幻想交響曲》（ 1830）において主人公の芸術家（＝ベルリオー
ズ）が思いを寄せるも裏切られる相手として描かれ、後に彼の妻となった女性だった。

それ以来、ベルリオーズは『ロメオとジュリエット』
を音楽化する構想を温めていた。

1838年12月、名ヴァイオリニストのパガニーニから、「ベートーヴェンの後継者はあなたしかいない」という手紙とともに2万フランを贈られたベルリオーズは、勇んで《ロメオとジュリエット》の作曲に取りかかり、作品をパガニーニに献呈した。
作品は7つの部分から成り、各部分に標題がつけられ、あらすじが書かれている。
終結部だけはオペラ風だが、作曲者自身がこれは「合唱を伴った交響曲である」と強調しているように、重要な部分は管弦楽で表現されており、今回のようにコンサート・
ピースとして演奏されることも多い。
ロメオひとり〜悲しみ〜遠くから聞こえてくる音楽会と舞踏会、キャピュレット家の宴会ジュリエットに恋するロメオの姿がヴァイオリンのメランコリックな旋律によって表現された後、キャピュレット家の大舞踏会の様子が華やかに描かれる。ロメオはジュリエットの姿を求めて舞踏会に忍び込む。
愛の場面

アダージョの〈愛の場面〉は全曲の中で、もっとも重要な部分となっている。ここでは、オーケストラだけで、ロメオとジュリエットの愛が熱く歌いあげられる。
マブ女王のスケルツォ シェークスピアの原作では第1幕に登場する夢の妖精、マブ

女王をオーケストラで描いている。ベルリオーズならではの効果的かつ独創的なオーケ
ストラの扱い方がみごとである。
作曲年代

1839年1〜9月

初演

1839年11月24日、作曲者自身の指揮、パリ音楽院のホールにて

楽器編成

フルート2、
ピッコロ1、オーボエ2（イングリッシュ・ホルン1）、クラリネット2、ファゴット4、ホルン4、トランペッ
ト2、コルネット2、
トロンボーン3、ティンパニ2、大太鼓、シンバル、サスペンデッド・シンバル、
トライ
アングル、タンブリン、アンティーク・シンバル、ハープ2、弦楽

16

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019C
PROGRAM

第1922回ＮＨＫホール

金 7:00pm
10/18 □
土 3:00pm
10/19 □C

│トゥガン・ソヒエフ│
ピアノ│ニコラ・アンゲリッシュ*コンサートマスター│伊藤亮太郎
指揮

指揮者プロフィールは p.8

ラフマニノフ
パガニーニの主題による狂詩曲
作品43*
［24′
］

18 & 19. OCT. 2019

バラキレフ
（リャプノーフ編）］
東洋風の幻想曲「イスラメイ」［9 ′チャイコフスキー］交響曲 第4番 ヘ短調 作品36［43′Ⅰ アンダンテ・ソステヌート─モデラート・コン・アニマ
Ⅱ アンダンティーノ・イン・モード・ディ・カンツォーナ
Ⅲ スケルツォ：ピチカート・オスティナート：アレグロ
Ⅳ 終曲：アレグロ・コン・フオーコ

─休憩
（20分）
─

Artist Profile

ニコラ・アンゲリッシュ（ピアノ）© Jean François Leclercq / Erato

1970年、アメリカに生まれ、5歳でピアノを始める。13歳でパリ国立高等音楽院に入学し、アルド・チッコリーニ、イヴォンヌ・ロリオ、ミシェル・ベロ
フ、マリー・フランソワーズ・ビュケら名ピアニストのもとで学んだ。1994年にジーナ・バッカウアー国際ピアノ・コンクールに優勝。その後は、2003
年にレオン・フライシャーの推薦でルール・ピアノ・フェスティバルにおける新人賞を受賞したほか、2013年にはフランスのヴィクトワール・ド・ラ・ミュ

ジークより年間最優秀器楽奏者に選ばれた。世界の著名指揮者やオーケストラと共演し、ヴェルビエ音楽祭やルガーノ音楽祭にも定期的に出演。2009年には BBC プロムスへデビューを果たした。
初来日は、2004年のクルト・マズア指揮フランス国立管弦楽団の日本ツアーへの出演。NHK 交
響楽団とは今回が初共演となる。
古典派やロマン派のレパートリーの解釈に定評があり、ベートーヴェンのピアノ・ソナタ全曲や、
リス
ト《巡礼の年》全曲などの演奏会が好評を博す。20・21世紀の音楽にも関心を寄せ、ラフマニノフ、

PROGRAM C

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO17

プロコフィエフ、ショスタコーヴィチなどの作品にも取り組む。ソロや協奏曲はもちろん、室内楽も精力的に行っており、録音も多い。
［高坂はる香／音楽ライター］

Program Notes│高橋健一郎

ロシア音楽の王道を行く作曲家たち、ミリー・バラキレフ（ 1837〜1910）、セルゲイ・ラフC

マニノフ（ 1873〜1943）、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー（ 1840〜1893）
による、充実した内容を誇る3曲を聴く。東方的要素、豊かな叙情性、深いメランコリーなど、典型的なロシア音楽の特質の最上の例が盛り込まれており、ロシア音楽の多面的な魅力を味わ
18 & 19. OCT. 2019

えるだろう。
バラキレフ（リャプノーフ編）

東洋風の幻想曲「イスラメイ」
本作はピアノ独奏曲が原曲である。ロシアの民謡など伝統的な音楽を使って新しい国民音楽を創り出そうとしたバラキレフの関心は、ロシアのみならず、コーカサスなど東方の音楽にも向けられた。バラキレフは、数度訪れたコーカサスの荘厳で豊かな自然、そしてそれと調和して生きる住民の美しさに強烈な印象を受けてこの曲を作曲したという。
と呼ばれるリズミカルで勇壮な舞曲が基になっ第1主題はコーカサスの「レズギンカ」ている。中間部には優しく明るい第2主題が現れるが、これはバラキレフがモスクワでクリミア出身のアルメニア人俳優から教わったクリミア・タタールの恋歌からの引用である。

1912年、マリインスキー劇場の慈善バレエ公演に際し、東方的主題に基づく曲が必要となり、《イスラメイ》に白羽の矢が立った。当初は別の作曲家の編曲版が想定されていたが、バラキレフを師と仰ぐリャプノーフ
（ 1859〜1924）が名乗りを上げ、自身の編曲版を提案した。彼の管弦楽編曲はバラキレフのオーケストレーションの様式に倣いながら、打楽器をふんだんに使い、原色使いのような濃厚な色彩感を前面に出し、
コーカサス地方の色濃い自然や人々の陽気な踊りの姿を効果的に描き出している。
作曲年代

1869年8〜9月、1902年に改訂 ［管弦楽編曲］
1912年［ピアノ独奏用原曲］

初演［ピアノ独奏用原曲］1869年12月12日（旧ロシア暦11月30日）、ニコライ・ルビンシテインのピアノ、サンクトペテルブルクの無料音楽学校の演奏会にて ［管弦楽編曲］1912年3月23日（旧ロシア歴10日）、ニコライ・チェレプニンの指揮、マリインスキー劇場、サンクトペテルブルク

楽器編成

フルート2、ピッコロ2、オーボエ1、イングリッシュ・ホルン1、クラリネット2、Esクラリネット1、ファゴット

2、ホルン4、
トランペット4、トロンボーン3、テューバ1、ティンパニ1、大太鼓、シンバル、小太鼓、トラ
イアングル、タンブリン、ハープ2、弦楽

18

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

ラフマニノフ

パガニーニの主題による狂詩曲 作品43
ラフマニノフは1917年のロシア革命後にロシアを離れ、1918年アメリカに移住した。そこでは、演奏活動に忙殺されたほか、インスピレーションの源泉であった祖国ロ
シアの大地から切り離されてしまったことで、作曲活動は停滞しがちになった。そのよ「セナール」と名づけ、
うな中、1930年代初めにスイス・ルツェルンに別荘地を購入し、C

1934年から家族でそこに滞在する。セナールは、ロシア時代に幸せな時を過ごした別荘地イワノフカを思い起こさせる環境であり、1934年夏、この地でラフマニノフは本作の創作に集中的に取り組んだ。
18 & 19. OCT. 2019

曲は序奏と主題、24の変奏からなる変奏曲の形式をとる。主題はパガニーニのヴァ
イオリンのための《24の奇想曲》の第24番の主題であり、リストやブラームスなども使用
したおなじみの旋律である。あえて大作曲家たちによって用いられてきたこの主題を取り入れている点に、ラフマニノフの並々ならぬ創作意欲と自信のほどがうかがえる。

1937年、ラフマニノフは振付師フォーキンにこの曲のバレエ化を持ちかけた。その際、この曲の内容について、「パガニーニがヴァイオリンの超絶技巧を身につけ、女性を手に入れるために悪魔に魂を売った」という伝説の再現だと説明している。曲は切れ目なく演奏されるが、このストーリーに基づいて大きく3つの部分に分けることが可能である。序奏から第10変奏までがパガニーニと悪魔のやりとりであり、第11変奏から
第18変奏までは恋愛のエピソードと見なせる。第19変奏以降では、悪魔に魂を売り渡して手に入れたパガニーニの超絶技巧が誇示される。なお、グレゴリオ聖歌《ディエス・イレ（怒りの日）》の旋律が第7変奏以降たびたび出てくるが、これは悪魔を表す。
曲全体を通して、鋭いリズムや和声の衝突などが目立つが、それでも大衆の人気を勝ち得ているのは、主題のなじみ深さと、有名な第18変奏の極め付きの甘美な叙情性のおかげであろう。ラフマニノフが叙情的な曲調にしばしば用いた変ニ長調で書かれたこの第18変奏の旋律は、主題の旋律の上下行を逆さまにし、短調を長調に変えたものである。このアイディアについては、親友のホロヴィッツに「シューマンもブラームス
も思いつかなかったすごいアイディアが浮かんだ」「この第18変奏が曲全体を救ってくれる」と述べたというエピソードが知られている。
作曲年代

1934年7月3日〜8月18日

初演

1934年11月7日、作曲家自身のピアノ独奏、レオポルド・ストコフスキーの指揮、フィラデルフィア管
弦楽団、ボルティモア

楽器編成

フルート2、ピッコロ1、オーボエ2、イングリッシュ・ホルン1、クラリネット2、ファゴット2、ホルン4、
トラ
ンペット2、
トロンボーン3、テューバ1、ティンパニ1、グロッケンシュピール、サスペンデッド・シンバル、小太鼓、トライアングル、シンバル、大太鼓、ハープ1、弦楽、ピアノ・ソロ

PROGRAM C

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO19

チャイコフスキー

交響曲 第4番 ヘ短調 作品36
本作は1877年のほぼ1年間を費やして作曲された。
この時期は露土戦争が勃発し、チャイコフスキーは強い不安を抱いていたという。さらに、私生活においては、
ミリュコー
ヴァという女性と結婚するも、すぐに破局。精神的な危機を経験した。この交響曲の主
題は「運命」であり、運命に疲弊した状態から希望へ向かうという図式が見られるが、Cそこにこの社会的危機と精神的危機が多かれ少なかれ反映されていると考えられる。
また、この曲が生まれた背景として、ナジェジダ・フォン・メックという大富豪の未亡人がこの年にチャイコフスキーへ莫大な経済支援を申し出たことも挙げられる。経済面
18 & 19. OCT. 2019の不安から作曲家は解放され、大作の作曲に集中することが可能になったのである。
チャイコフスキーは感謝の気持ちからこの曲の楽譜に「わが最良の友に」と献辞を記した。また、メック夫人への手紙で本作を「我々の交響曲」と呼び、作品の標題内容を詳しく伝えている。以下、そこでの作曲家の言葉を引用しながら、各楽章の内容を見よう。
第1楽章

アンダンテ・ソステヌート、3/4拍子─モデラート・コン・アニマ、9/8拍子、ヘ短調、ソナタ形式。冒頭のファンファーレのモチーフは「幸福の追求を妨げる運命の力」であり、曲全体の核となる。第1主題は憂鬱な感情に満ち、第2主題は儚い夢を表す。人生が、過酷な現実と儚い幸福の夢が果てしなく交替するものとして描かれる。
第2楽章 アンダンティーノ・イン・モード・ディ・カンツォーナ、2/4拍子、変ロ短調、3部形式。
「仕事に疲れ、本を手にひとり座っているが、知らぬうちに落としてしまう、そのような晩方に感じるメランコリー」が描かれる。
第3楽章

スケルツォ：ピチカート・オスティナート：アレグロ、2/4拍子、ヘ長調、複合3部形式。この楽章は「特定の感覚を表さず」、「気まぐれなアラベスク」のよう。
第4楽章

終曲：アレグロ・コン・フオーコ、4/4拍子、ヘ長調、ロンド形式。
「自分自身の中に喜びを見出せないのなら、周りを見渡し、民衆の中に入りなさい」、「他人の喜びの中で喜びなさい。そうすれば生き続けることができる」。これが、運命に苦しむ
人間の救いに関するチャイコフスキーの答えである。旋回する力強い第1主題、ロシア
民謡《白樺は野に立てり》に基づく第2主題、陽気な民衆の踊りの第3主題、この3つの主題が繰り返し奏される。その後、第1楽章冒頭の「運命」のモチーフが威嚇するように現れるが、この陽気な3つの主題によって追い払われ、高揚して曲が閉じられる。
作曲年代

1877年初頭〜1878年1月9日（旧ロシア暦1877年12月28日）

初演

1878年2月22日（旧ロシア暦10日）、ニコライ・ルビンシテイン指揮、ロシア音楽協会モスクワ支部交響楽演奏会にて

楽器編成

フルート2、ピッコロ1、オーボエ2、クラリネット2、ファゴット2、ホルン4、トランペット2、トロンボーン3、テューバ1、ティンパニ1、トライアングル、大太鼓、シンバル、弦楽

20

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

Morihide Katayama

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無声映 画の時 代
宮沢賢治の童話『セロ弾きのゴーシュ』の書
き出しはこうである。
「ゴーシュは町の活動写真
館でセロを弾く係りでした。けれどもあんまり上手でないという評判でした。上手でないどころ
ではなく実は仲間の楽手のなかではいちばん下手でしたから、いつでも楽長にいじめられるのでした」。
「活動写真館」とは映画館。
「セロ」
はチェロ。
なぜ映画館にチェリストが雇用されているのか。無声映画の時代だったからである。
日本最初の常設映画館は東京浅草の電気館だという。1903（明治36）年にできた。その後、映画は次第に広まった。日露戦争後の1910年前後からは国産の時代劇映画も人気を博するようになった。1910年代前半、つまり大正のはじめには、東京なら浅草や神田、大阪なら道 頓 堀、神戸なら新開地などに、映画館街ができあがった。この国の映画産業は、
日露戦争前後から第1次世界大戦期にかけて飛躍的に発達し、それは、特に大都市部に、百貨店や雑誌やレコードや西洋風の新しいお芝居やヴァイオリンのような西洋楽器が根付いていく過程と、ダブっていた。富裕なブルジョワ市民層から庶民大衆にいたるまで、教養と娯楽の革命が、質と量の両面で起きていたのが、この時代だった。その花形の座に映画はいた。
映画の歴史は技術的には映像が先行した。
フィルムに映像だけでなく音も合わせて記録す
る技術はなかった。レコードとフィルムの回転を同期させる実験もなされたが、無理があった。映画は映像だけの時代が長く続いた。無声映画と呼ぶ。欧米のトーキー映画（有声映画）
が日本に輸入されるようになったのは、1929

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO

21

1896年4月、ニューヨークで行われたエジソン発明の活動写真「ヴァイタスコープ」の上映。前方の席には指揮者と音楽家たちが陣取っ｜提供：ジャパンアーカイブスて演奏している（1897年3月4日付読売新聞に掲載）（昭和4）年あたりからだろう。和製の最初の完団の生演奏を付ける。オペラやバレエの劇場

全なトーキー映画は松竹の作った『マダムと女の要領である。小さな映画館だと5、6人、大き房』。1931年の作品である。しかし、その時期

い映画館だと25〜30人程度、中くらいの映画にいっせいに無声から有声に変わったわけで館なら楽士の人数もその真ん中くらいが、大はない。徐々にである。つまり、日本のサイレン

正時代にはおよその標準になった。

ト映画の時代は約30年も続いた。別に日本が遅れていたわけではない。欧米の映画技術に連動して、そうした経過をたどったのである。
すると、およそ30年ものあいだ、映画館の映 画 館はコンサートホール

中はひたすら静かだったのか。そんなことはな

映画館は毎日やるのだから、楽士も必ず毎かった。そもそも映写機の作動音がかなりやか

日揃っていなければならない。それなりの待遇ましい。映画館内とは騒音の鳴り響く場所だっできちんと雇用して、楽士たちに責任感を持った。騒音を聴かせていては、娯楽は普通、成てもらい、アンサンブルの向上にも努めてもらり立たない。映写機の音を覆い隠すように楽わなくては、無声映画の興行は成り立たない。

しい音を別に流さなければならない。

エキストラだけというわけにはゆかない。映画

そこで、まともな映画館なら生演奏を必須と館は全国にある。大正から昭和にかけて、民した。スクリーンの前に演奏場所を設けて楽間で演奏家として生きようとしたら、大口の雇22

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

用元は映画館であった。

マンスをトータルで楽しむ、演芸場やコンサート

たとえば大正の終わり、NHK交響楽団がつホールまでを兼ねた空間だった。名のある大きいに生まれようとする頃に、無声映画館の楽士な映画館は、とてつもなくごちゃごちゃとして贅は日本全国でどのくらいいたものか。その時代

沢な場所だった。そこを仕切るツー・トップはに朝日新聞社が出していた映画年鑑には楽士

弁士と楽長であった。

の名簿が付いていて、北海道から沖縄までの映画館専属の約500人が載っている。けれど、それは氷山の一角だろう。大正末年、日本に映

宮沢 賢 治にチェロを教えた新 響 楽 員

画館は約1000館あった。楽士の人数も何千人
かでないと勘定が合わない。
とてつもない数だ。

映画館で楽長は何をするか。単に映画上映

そこには、小学校を出て、いきなり映画館で楽中に弁士と息を合わせながら指揮をしていれ器を練習させられたような、とても下手な演奏

ばよいというわけではない。そもそも映画の配家がかなり含まれていただろう。だが、陸海軍給会社はたいていの場合、フィルムだけを映画

軍楽隊、音楽学校、三越百貨店やいとう呉服館に回してくる。
たまに欧米の大作映画で、シー

店の少年音楽隊（第五回参照）、ホテルや豪華

ンごとに演奏楽曲を指定して、オリジナルの楽

客船の楽団等々の出身者、つまり当時としては譜を付けてくるものもあったが、そういうことは腕のいいプレイヤーも多く含まれていた。

例外である。普通だと、付ける音楽は映画館

そして、多めに楽士のいる映画館なら、必ずの勝手だ。楽長の権限だ。楽長は、筋書きや指揮者も要る。楽長と呼ばれた。冒頭に引用

画面の様子を考慮し、選曲する。映画館のオーした『セロ弾きのゴーシュ』の、ゴーシュは「いケストラを仕込んで既成曲のレパートリーをな

つでも楽長にいじめられるのでした」という箇

るたけ多く作り、映画に合わせてそれらを切り所の「楽長」とは、そういう人のことだ。

貼りして演奏してゆく。映画館の楽団の編成に映画館の楽長というと、真っ暗な館内で、合わせるための編曲作業も必要となる。

映画に合わせて棒を振っている地味で目立たはて、映画館で奏でられる曲はどんなものぬ姿を想像なされる向きもあるかもしれない。

だったろう？ ワルツやポルカ、オペラの序曲やだが、そうではない。有名な映画館となると、前奏曲や間奏曲。演奏時間の長すぎないクラ映画よりも楽長の人気で観客を集めることもシック音楽の名曲が基本だった。

あった。というか、人気楽長のいる映画館が、有名な映画館なのであった。

それから、演奏家の訓練もむろん、楽長の仕事だ。無声映画館の必要とする楽士は、映画のそうそう、日本独特の映画興行の文化とし発達とともにうなぎ上りとなり、どこかで訓練済みて、活動弁士のことも忘れてはいけない。落語の、いきなりよく弾けるプレイヤーばかり集めるのや講談、あるいは人形浄 瑠璃のような語り物

は、高給を保証する大映画館以外では難しかっの文化が映画と合体し、活動写真の映る銀幕た。特に地方都市だと初心者が相当混じってしの横で、筋書きを説明し、声色を使って台詞をまう。楽長は新人楽士をしごかなくてはいけなく

やり、喝采を博する。それが活動弁士だ。無声なる。楽長といえばしごく人というイメージが生ま

映画時代の映画館とは、映画と生のパフォーれる。ゴーシュが「楽長にいじめられる」という『セ

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO23

ロ弾きのゴーシュ』の設定は、宮沢賢治の独創

園館なら前田璣。この2人は東洋音楽学校（現と言うよりも、日本中の映画館で毎日のように繰

東京音楽大学）の出身。そして前田は、NHK 交

り返されている当たり前の光景だった。

響楽団が新交響楽団として結成されたときの、そうした楽団の一切合切を担う楽長の華と初代コンサートマスターである。

いえば、幕間での演奏である。映画館はのべところで、宮沢賢治はなぜ『セロ弾きのゴー

つ幕なしに上映を続けているわけではない。

シュ』を書いたのか。もちろん彼自身がクラシッ

休憩時間がある。館内は明るくなる。そこで

ク音楽の愛好家で、自らチェロを練習してもい楽長は楽団を率いて、ミニ・コンサートを開く。

たからだが、賢治は大正と昭和の元号の変わ「休憩奏楽」と呼ばれた。弁士もいない。映画り目に東京で、ごく短期間、チェロの個人レッスも映らない。映画館はそのとき演奏会場になンを受けている。習った先生は大津三郎。新り、主役はもう音楽である。そういうときに演奏交響楽団のメンバーだった。楽員表ではトロン

するのも、当然ながらクラシック音楽が中心だ。

ボーン奏者になっているが、チェロも担当して

宮沢賢治の『セロ弾きのゴーシュ』にもこんないた。大津はもともと海軍軍楽隊の隊員で、トくだりがある。
「ひるすぎみんなは楽屋に円くならロンボーンとチェロの両方を習得していた。軍

んで今度の町の音楽会へ出す第六交響曲の楽隊を除隊してからは、波多野福太郎楽長の練習をしていました」。
「休憩奏楽」ではなく「出

もとで無声映画館の楽団で弾いていた。そう張演奏」のための練習のようである。
「第六交響

いうキャリアの楽団員が初期の N 響には何人曲」とはベートーヴェンの《田園》のことだろう。無もいた。

声映画館のオーケストラのレパートリーには、ベー

とにかく『セロ弾きのゴーシュ』は N 響と縁がトーヴェンの交響曲があってもおかしくなかった。

あり、NHK 交響楽団誕生の大きな下地は、無声映画館の人気楽長や名物楽長とはど

大正時代に全国で膨 大に展開された映画館んな人々だったか。浅草だと、松竹館が島田の楽団の演奏活動があった。クラシック音楽を

晴 誉、富士館が小沢淡山、電気館が黒田周近代日本に広めた最大の功労者は無声映画

造、帝国館が遠藤三郎。みんな海軍軍楽隊であったのかもしれない。

の指揮者から転じた人だ。神田の日活館は田中豊明。田中も海軍軍楽隊の出で、軍楽隊の文｜片山杜秀（かたやま もりひで）

指導者時代には、弦楽器の訓練も行き届き交

思想史研究者、音楽評論家。慶應義塾大学法学部教響楽団化した海軍軍楽隊を指揮して、ドヴォル『音盤考現学』『 音盤博物誌』で吉田秀授。2008年、ザークの《交響曲第9番「新世界から」》を日本初演してもいる。大物だ。
銀座の金 春 館だと波多野福太郎。芝の芝

次回予告

24

和賞、サントリー学芸賞を受賞。
『クラシックの核心』『ゴ
ジラと日の丸』『 近代日本の右翼思想』『 未完のファシズム』『 見果てぬ日本』『「五箇条の誓文」で解く日本史』ほ
か著書多数。

次号では、ついに山田耕筰が登場。
大正初年に帝国劇場で公演を行った「東京フィルハーモニー会」との活動を取り上げます。

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

A
PROGRAM

Concert No.1921

October5(Sat) 6:00pm
6(Sun) 3:00pm

NHK Hall│ Michiyoshi Inouetimpani │ Toru Uematsu/ Shoichi Kubo
concertmaster │ Rainer Küchl
conductor

A

Dmitry Shostakovich
Symphony No. 11 G Minor Op. 103“The Year 1905” [ 60´]Ⅰ ♩＝144

Ⅱ Ninth of January

Ⅱ ♩＝96〜104

Ⅲ Eternal Memory

Ⅲ ♩＝176

Ⅳ The Tocsin (Alarm Bell)5 & 6. OCT. 2019

Philip Glass
Concerto Fantasy for Two
Timpanists and Orchestra (2000)[ 27´]Ⅰ Palace Square- intermisson (20 minutes) -Artist Profiles

Michiyoshi Inoue, conductor
Michiyoshi Inoue made his debut with the NHK SymphonyOrchestra by conducting the May 1978 subscription concert when
he was 31 years old. Since then he has been guest-conducting theorchestra for more than 40 years. His all-Shostakovich program of theNovember 2016 subscription series was named best concert of theyear by many audience members and music critics.
He was Music Director and Chief Conductor of the Kyoto Symphony Orchestra from1990 to 1998, during which time he took up Shostakovich series in an effort to accomplish an
achievement no other professional Japanese orchestra had ever done before. He so admired
the composer that he once said that “Shostakovich is I myself!” From November to Decemberof 2007, he performed all of Shostakovich’s symphonies at Tokyo’s Hibiya Public Hall, where
many of the composer’s works were given Japanese premiere performances in the past. In
©

高
木
ゆ
り
こ

PROGRAM A

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO

45

2016, he conducted Shostakovich Symphonies Nos. 9 and 15 at the same venue, and rerecorded them. Moreover, he made a complete CD set of Shostakovich’s symphonies at his
own expense. From April through October 2014, he took a rest in order to receive treatment
for pharyngeal cancer. When he resumed his work, he said “every scene looks fresh,” and hetook a different approach even to the works that he had often conducted, attracting audiencesmore than ever before with his more deeply defined sound. He will conduct Shostakovich
Symphony 11 “The Year 1905” and a work of Philip Glass, a modern day American composer,
an unexpected combination of composers of the superpowers in the Cold War era. He will
surely light up the audience by drawing out the very best of the NHK Symphony Orchestra
musicians who will work as soloists.

A

Toru Uematsu, timpani
5 & 6. OCT. 2019

Toru Uematsu was born in Tokyo, and graduated from KunitachiCollege of Music and its postgraduate course. He studied percussion
under Tomoyuki Okada, Mutsuko Fujii and Peter Sondermann. He
joined the NHK Symphony Orchestra in 1993, and now serves as its
principal timpanist. He went to Berlin in 1998 on the NHK SymphonyOrchestra’s overseas study program to work under the tutelage ofRainer Seegers, principal timpanist of the Berliner Philharmoniker. He often works overseas;
he worked with the Berliner Fagottquartett to give the world premiere performance of Mehr
Licht by Junnosuke Yamamoto at the concert to mark the 250th anniversary of Goethe’s birth,and also appeared at the Patras International Festival in Greece. With the NHK SymphonyOrchestra, he appears as soloist in many works including Takemitsu From me flows what you
call Time. He teaches at Kunitachi College of Music, Senzoku Gakuen College of Music, andSapporo Otani University, continues to study how percussion music influences infants, andvisits kindergartens and special needs schools as well as disaster-affected areas to encouragechildren through music.

Shoichi Kubo, timpani
Shoichi Kubo was born in Kagoshima Prefecture, and studied
under Tsutomu Noguchi, Atsushi Sugawara and Mariko Okada at
Tokyo College of Music. In 1987, he went to Berlin to study under
Oswald Vogler at the Berlin University of the Arts, and also played at
the Deutsche Oper Berlin. In the early 1990s, he received tutelage
from Peter Sondermann, principal timpanist of the Sächsische
Staatskapelle Dresden, who was in Japan at the invitation of the NHK Symphony Orchestra.
Mr. Kubo joined the NHK Symphony Orchestra in 1993, and is now its principal timpanist. He
worked with Martha Argerich and Nelson Freire at the MUSIC FESTIVAL Argerich’s Meeting
Point in Beppu in 2001, and in 2010, he appeared in the Schwetzingen Festival with RadioSinfonieorchester Stuttgart des SWR as its guest timpanist. In 2017, he held a master class at

46

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

the Maastricht Academy of Music in Holland. He is a professor at Tokyo College of Music andalso teaches at Musashino Academia Musicae.
[Michiyoshi Inoue by Takuo Ikeda, music journalist]

Program Notes│Akira Ishii
Philip Glass (1937–)

Concerto Fantasy for Two Timpanists and Orchestra (2000)
Philip Glass, born on January 31, 1937, is an American composer of modern music, often
regarded as one of the most important composers of the second half of the twentieth century.
He writes music in the style that has become known as Minimalism, a music creation concept
utilizing limited musical materials. Those compositions written with this idea exhibit in manycases figures and motifs comprising repeated notes. Glass’s works are in general no exception.
He indeed describes himself as a composer of “music with repetitive structures.” Glass has
written numerous compositions including operas, symphonies, concertos, and string quartetsand other chamber music pieces. He has also composed music for numerous films.
Glass’s Concerto Fantasy for Two Timpanists and Orchestra was written in 2000. It
was composed for the timpanist Johnathan Haas, who was one of the featured soloists at thepremiere of the work. It was commissioned jointly by the American Symphony Orchestra, thePeabody Symphony, the Milwaukee Symphony, the St. Louis Symphony, and the Phoenix
Symphony. The first performance took place on November 19, 2000 at Avery Fisher Hall at
the Lincoln Center in New York City, with Leon Botstein conducting the American SymphonyOrchestra. The piece is scored for two solo timpanists, piccolo, two flutes, two oboes, E-flatclarinet, two clarinets, bass clarinet, two bassoons, four French horns, three trumpets, threetrombones, tuba, harp, xylophone, glockenspiel, snare drum, tenor drum, bass drum, triangle,
chimes, wood blocks, tambourine, cymbal, suspended cymbal, tam-tam, marimba, vibes, pianoand strings. There is also a wind ensemble version of the piece, created by Mark Lortz in 2004.
About his Concerto Fantasy Glass has noted the following: “Jonathan Haas approached
me almost ten years ago with an invitation to write a Timpani Concerto for him. It seemed wewere in agreement to begin our project when a series of operas and symphonic commissions
led to a series of postponements. Now, years later, the work is finally completed, a threemovement concerto with cadenza. It has also grown into a “double” concerto requiring two
timpanists playing a total of nine timpani between them.”A
5 & 6. OCT. 2019

Dmitry Shostakovich (1906–1975)

Symphony No. 11 G Minor Op. 103 “The Year 1905”
Dmitry Shostakovich, one of the most important Russian (Soviet) composers of thetwentieth century, was a prolific composer. He composed, for instance, at least four operas,
three ballets, fifteen symphonies, six concertos (two each for piano, violin, and cello), a large
number of suites and other types of orchestra pieces, and many chamber music compositions,
including fifteen string quartets. He also wrote music for numerous films. Shostakovich, in

PROGRAM A

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO

47

general, follows the tonal language established in the late nineteenth-century, thus not moving
away completely from tonality (even though his compositions sometimes show elements of atonal
music). He was strongly influenced by the composers he admired, both Russians and othersfrom different regions. Among the Russian composers, Shostakovich spoke highly of Modest
Mussorgsky, Sergei Prokofiev, and Igor Stravinsky (whom Shostakovich seems to have despised ona personal level). He was also interested in the composers of the past like Bach and Beethoven.
As a result, Shostakovich reworked a number of compositions of other musicians. He reorchestrated, for instance, two operas by Mussorgsky, Boris Godunov and Khovanshchina, as
well as works by Robert Schumann, Domenico Scarlatti, and even Johann Strauss II.
Symphonies always played an important role in Shostakovich’s oeuvre. He composed
them consistently throughout his career. His Symphony No. 11 in G Minor, Op. 103 “TheYear 1905” was written in 1957. Its premiere took place on October 30 of the same year, with
Natan Rakhlin conducting the USSR Symphony Orchestra. As indicated in the subtitle ofthe symphony, the work was supposed to commemorate the tragic event of January 9 (January
22, New Style), 1905, on which government officials ordered an attack on demonstrators in St.
Petersburg, resulting in the loss of many lives. In reality, however, the symphony could havebeen Shostakovich’s reaction to the Soviet invasion of Hungary in an attempt to suppress the
Hungarian Revolution of 1956. The symphony was received very well by the public as well as
Soviet officials, ironically leading Shostakovich to earn a Lenin Prize in April, 1958. The piece isscored for three flutes (the third doubling piccolo), three oboes (the third doubling English horn), three
clarinets (the third doubling bass clarinet), three bassoons (the third doubling contrabassoon), fourFrench horns, three trumpets, three trombones, tuba, timpani, triangle, snare drum, cymbal,
suspended cymbal, bass drum, tam-tam, xylophone, tubular bells, harps, celesta, and strings.
Shostakovich’s Symphony No. 11 comprises four movements, performed without aninterruption. The slow first movement, titled “Palace Square,” depicts the morning hours of
the bloody day at the square in front of the Tsar’s Winter Palace. The music here is quiet withsomber and dark sonority that foresees the sad incident that is about to occur. This is further
emphasized by motifs played by timpani. The Allegro second movement is titled “Ninth ofJanuary” and illustrates the massacre of several hundred people. Here the composer bringsback some of the thematic materials he used in the previous movement in addition to the
melodies taken from some songs in his Ten Poems on Texts by Revolutionary Poets for Chorus
and Boys’ Chorus, Op. 88. The movement first depicts the demonstrators complaining about
the corruption of the government and then the slaughter of the crowd. The Adagio third
movement, titled “Eternal Memory,” reflects on the tragic event and incorporates the melody
of a revolutionary funeral march. The final movement is subtitled “The Tocsin”(Alarm Bell),which previses the 1917 Russian Revolution.
There is no direct evidence in the symphony itself to indicate that the piece is
Shostakovich’s response to the Soviet invasion of Hungary. According to the composer,
however, one of the main subjects of his Symphony No. 11 is “recurrence,” undoubtedlyreferring to the two events in 1905 and 1956. He also says that the symphony “deals with
contemporary themes even though it’s called ‘1905,’” hinting that the work is indeed about the
suppression of the Hungarian Revolution by the Soviet government.

A
5 & 6. OCT. 2019

Akira Ishii

Professor of Keio University. Visiting Scholar at the Free University Berlin between 2007 and 2009.
Holds a Ph.D. in Musicology from Duke University (USA).

48

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

B
PROGRAM

Concert No.1923

October
23 (Wed) 7:00pm
24(Thu) 7:00pm

Suntory Hall

│ Tugan Sokhiev
concertmaster │ Fuminori Maro Shinozaki
conductor

Hector Berlioz“La damnation de Faust,” dramaticlegend Op. 24—“Menuet des follets”“Marche hongroise”[ 10´]Ⅰ Allegro vivo
Ⅱ Adagio
Ⅲ Allegro vivace–Trio

B

Hector Berlioz“Roméo et Juliette,” dramatic
symphony Op. 17 (excerpts) [ 35´]

23 & 24. OCT. 2019

Georges Bizet
Symphony No. 1 C Major[ 27´]

Claude Debussy
Prélude à l’après-midi d’un faune[ 10´]

Roméo seul–Tristesse–Bruits lointains deconcert et de bal–Grande fête chez
CapuletScène d amour
Le reine Mab ou la Fée des Songes (Scherzo)

Ⅳ Allegro vivace- intermisson (20 minutes) -Artist Profile

Tugan Sokhiev, conductor© Mat Hennek

Tugan Sokhiev was born in North Ossetia in 1977, andstudied under Ilya Musin and Yuri Temirkanov at the St. Petersburg
Conservatory. He continually made international debuts, starting with
the Welsh National Opera in 2002, followed by the Metropolitan Opera
House and the Aix-en-Provence Festival. In 2005, he was appointed
Principal Guest Conductor of the Orchestre National du Capitole deToulouse, and assumed the position of Artistic Director in 2008. In addition, he has beenMusic Director and Principal Conductor of the Bolshoi Theatre since 2014, and concurrently

PROGRAM B

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO

49

served as Music Director of the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin (DSO) from the
2012–16 seasons. In recent years, he has made numerous guest appearances with manyof the world’s prestigious orchestras including the Berliner Philharmoniker and the Wiener
Philharmoniker, and he quickly rose to prominence in the 21st Century as a conductor who
has attracted the attention of critics and music lovers all over the world.

He has frequently worked with the NHK Symphony Orchestra since his firstcollaboration in 2008, and since 2016, he has returned to the orchestraʼs podium every
season to conduct a mainly Russian and French repertoire. He has won artistic acclaim bydrawing out colorful sounds from the orchestra.
[Tugan Sokhiev by Mitsunori Eto, music critic]

Program Notes│Akira Ishii
Hector Berlioz (1803–1869)

B“La damnation de Faust,” dramatic legend Op. 24–“Menuet des follets” “Marche hongroise”
23 & 24. OCT. 2019

The tale of Faust is based on a German legend that has been popular since the end of thesixteenth century. After Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) published the first part ofhis version of it in 1808, it instantly became an inspirational source for a countless number ofcomposers, resulting in creation of numerous types of musical compositions. Those who wrote
music utilizing the literary theme include Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Robert
Schumann, Franz Liszt, Charles Gounod, Richard Wagner, Gustav Mahler, Igor Stravinsky,
and Hector Berlioz.
Berlioz’s La damnation de Faust (The Damnation of Faust), Op. 24 is a large-scale composition
for four vocal soloists, children’s chorus, mixed chorus, and orchestra. It can be, as thecomposer calls it a dramatic legend, staged like an opera. Berlioz indeed attempted that once,but the production seriously disappointed him, making him realize that the composition should
be presented only as a concert piece rather than a theatrical work. Today, instrumental excerpts
like Menuet des follets (Will-o’-the-wisp) and Marche hongroise (Hungarian March) are often includedin the programs of orchestras.

Georges Bizet (1838–1875)

Symphony No. 1 C Major
Georges Bizet entered the Paris Conservatory in 1848 just before the age of ten. A
brilliant and promising student, he studied there piano, organ, solfège, and counterpoint andfugue, receiving numerous prizes. In 1857 he was awarded the prestigious Prix de Rome. Bizet
did not follow a career in performance but concentrated his artistic efforts on composing
music. However, it was not easy for him to gain a reputation as a composer. His incidental
music to L’Arlésienne enjoyed some degree of success, but even his last opera Carmen was notwell received at first (Bizet died well before the opera became everyone’s favorite).
Bizet’s Symphony No. 1 in C Major is an early work by the composer, written in 1855.

50

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

The piece seems to have been a student project—Bizet was still studying composition withCharles Gounod at the Paris Conservatory at that time. The piece very much follows thesymphonic writing style of the early nineteenth century. The jubilant opening movement isfollowed by the slow second movement, in which the solo oboe is featured. The third movement
is a Beethoven-like scherzo (but with fewer complex rhythmical figures) with a trio in a country-folk
style. The work concludes with a swift movement, which opens with extraordinary fast notes
played by the first violins.

Claude Debussy (1862–1918)

Prélude à l’après-midi d’un faune
Claude Debussy’s Prélude à l’après-midi d’un faune (Prelude to the Afternoon of a Faun) isa relatively short orchestral composition but is one of the most popular works by Debussy.
He composed it between 1891 and 1894. Its premiere took place in Paris on December 22,
1894. It is a symphonic poem based on Stéphane Mallarmé’s poem L’après-midi d’un faune.
According to Debussy, the piece is “a very free illustration of Mallarmé’s beautiful poem,”
depicting “a succession of scenes through which pass the desires and dreams of the faun in
the heat of the afternoon.” When Mallarmé heard that Debussy was working on a musicalcomposition inspired by his poem, he was initially skeptical about Debussy’s intentions. The
poet felt that nothing else was needed to convey the literary message of the work. Mallarmé,
however, changed his view when he heard Debussy’s piece at its premiere. After the concert,
Mallarmé wrote Debussy saying, “I press your hand admiringly.”

B
23 & 24. OCT. 2019

Hector Berlioz (1803–1869)“Roméo et Juliette,” dramatic symphony
Op. 17 (excerpts)
Like his La damnation de Faust Berlioz’s Roméo et Juliette, Op. 17 is a full-scale
composition based on a literary work. It is an adoption of William Shakespeare’s play Romeoand Juliet. Berlioz completed the piece in 1839. It was financially supported in part by
Niccolò Paganini, who had commissioned Berlioz to compose Harold en Italie, Op. 16. The
first performance of Roméo et Juliette took place at the Paris Conservatory in a series of three
concerts held on November 24 and December 1 and 15 of the same year. Richard Wagner wasat these performances and later acknowledged that Berlioz’s music inspired him when he waspreparing the score of his Tristan und Isolde. Berlioz felt that his work was received well at its
premiere, but, at the same time, he realized that much of it needed to be altered. He revised thepiece on numerous occasions and did not publish it until 1847.
Berlioz’s Roméo et Juliette comprises three parts, in which there are altogether seven
separate sections. The scenes are often depicted by the orchestra alone, making it different froman opera: Berlioz indeed calls the work a dramatic symphony. The dialogue between Romeoand Juliet in the garden and cemetery scenes, for instance, Berlioz avoided utilizing voices toexpress Romeo’s passionate feelings because “it is a symphony and not an opera.”

Akira Ishii│ For a profile of Akira Ishii, see p.48

PROGRAM B

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO51

C
PROGRAM

conductor

Concert No.1922

October
18 (Fri) 7:00pm
19(Sat) 3:00pm

NHK Hall│ Tugan Sokhiev│ for a profile of Tugan Sokhiev, see p.49

│ Nicholas Angelich*concertmaster │ Ryotaro Ito
pianoMily Balakirev/ Sergei Liapunov“Islamey,” oriental fantasia [ 9´]Sergei Rakhmaninov“Rapsodie sur un thème dePaganini,” Op. 43* [ 24´]C- intermisson (20 minutes) -Peter Ilich Tchaikovsky
Symphony No. 4 F Minor Op. 36[ 43´]Ⅰ Andante sostenuto–Moderato con anima
Ⅱ Andantino in modo di canzona
Ⅲ Scherzo: Pizzicato ostinato: Allegro
Ⅳ Finale: Allegro con fuoco

21 & 22. SEP. 2018

Artist Profile

Nicholas Angelich, piano© Jean François Leclercq Erato

American pianist Nicholas Angelich was born in 1970 and started
learning the piano at the age of 5. At the age of 13, he entered theParis Conservatory and studied under prominent pianists such as Aldo
Ciccolini, Yvonne Loriod, Michel Béroff and Marie-Françoise Bucquet.
He won the International Piano Competition Gina Bachauer in 1994,
and the Young Talent Award with the recommendation of Leon Fleischer
at the Klavier-Festival Ruhr, and he received the prize of Instrumental Soloist of the Year fromthe Victoires de la Musique Classique 2013. He has worked with world-renowned conductors
and orchestras and has regularly appeared in the Verbier Festival and the Lake Lugano Music
Festival. He made his first appearance at the BBC Proms in 2009. He first performed inJapan in 2004 in the Japan tour of the Orchestre National de France led by Kurt Masur. This
will be his debut with the NHK Symphony Orchestra. He has a reputation for his renditionsof pieces ranging from the Classic to Romantic periods, and has won artistic acclaim for his
recitals of Beethoven’s complete Piano sonatas and Liszt’s Années de pèlerinage. He also

52

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019shows a interest in 20th and 21st Century music, and has been keen in performing works by
Rakhmaninov, Prokofiev and Shostakovich. In addition to his recitals and concerto performances,
he also takes part in chamber music concerts and has made numerous recordings.
[Nicholas Angelich by Haruka Kosaka, music journalist]

Program Notes│Akira Ishii
Mily Balakirev (1837–1910)/ Sergei Liapunov (1859–1924)“Islamey,” oriental fantasia
Islamey, oriental fantasia, Op. 18 is a composition for piano by Mily Balakirev, written
in 1869 and revised in 1902. Balakirev was the leading member of the group of Russiancomposers called The Five (the others were César Cui, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov,
and Alexandr Borodin). He was strongly influenced by Mikhail Glinka, who in the first half ofthe nineteenth century made an effort to incorporate folk and indigenous elements into hismusic. Balakirev decided to compose Islamey after he traveled to the Caucasus, an area situatedbetween the Black Sea and the Caspian Sea. According to a letter he wrote in 1892, Balakirev
was impressed with “the majestic beauty of luxuriant nature” as well as that of the inhabitants.
There he was introduced to Circassian folk tunes; Islamey was one of them. In addition to this“dance-tune,” however, he also utilizes a Crimean Tatar melody that was given to him by an
Armenian actor. Balakirev’s piano piece became an inspiration for many of his contemporaries
as well as of composers of later generations, including Sergei Liapunov (1859-1924), whoarranged Balakirev’s composition for orchestra.

C
18 & 19. OCT. 2019

Sergei Rakhmaninov (1873–1943)“Rapsodie sur un thème de Paganini,” Op. 43
Sergei Rakhmaninov’s Rapsodie sur un thème de Paganini (Rhapsody on a Theme of Paganini ),Op. 43 is a concerto-like composition for piano and orchestra. It was composed in the summer
months of 1934 and premiered on November 7 of the same year in Baltimore, Maryland(USA), with Leopold Stokowski conducting the Philadelphia Orchestra and Rakhmaninov
playing the solo part. The work is a set of twenty-four variations based on a theme by Niccolò
Paganini (1782–1840), a highly reputable virtuoso violinist who also composed a large numberof compositions for violin. It is taken from the last piece of Paganini’s 24 Caprices for Solo
Violin, Op. 1. The melody has been utilized in numerous works by many different composers,
including Johannes Brahms, Frédéric Chopin, and Franz Liszt. Although Rakhmaninov’s
Rhapsody is performed without an interruption, it can be divided into three sections: The firstcomprising the first ten variations, the second, the following eight, and the third, the last six.
The three sections are sometimes regarded comparable to the three movements of traditional
concertos.
Besides Paganini’s Caprice, Rakhmaninov incorporates into his Rhapsody the Diesirae (Day of Wrath), a tune set to a Latin sequence written in the Middle Ages. Composers
in the Renaissance Era frequently adopted it in their Requiem (Mass for the Dead), thus
firmly establishing its symbolism for death. In the nineteenth and twentieth centuries, many

PROGRAM C

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYO53

composers incorporated it in their secular works to create an intense dramatic effect. They
include Hector Berlioz, who used it in the final movement of his Symphonie fantastique, Op. 14.
One of the slow variation of Rakhmaninov’s Rhapsody features an upside down version ofPaganini’s theme. This variation is constructed in a very Romantic manner, exhibiting a wealthof emotion. The sonority created here is very much similar to that of the final measures ofRakhmaninov’s Piano Concerto No. 2 in C Minor, Op. 18.

Peter Ilich Tchaikovsky (1840–1893)

Symphony No. 4 F Minor Op. 36
Tchaikovsky wrote numerous types of compositions ranging from solo piano pieces tolarge-scale theatrical works like operas and ballets. Today, many of his works are extremely
popular; even non-regular concertgoers would most likely be able to recognize his balletpieces—he wrote only three: Swan Lake, Op. 20, The Sleeping Beauty, Op. 66, and The
Nutcracker, Op. 71. A number of his orchestral pieces are also very well-known. The 1812
Overture, which depicts the Russian defeat of Napoleon’s Great Army in 1812, is frequently
included in concert programs of pop orchestras, often accompanied by a column of realcannons making a tremendous noise created by blasting gunpowder (these rather overdramatized
events are sometimes broadcast on television). Tchaikovsky’s Piano Concerto No. 1 in B-flat Minor,
Op. 23 as well as his Violin Concerto in D Major, Op. 35 remains one of the favorite pieces oftoday’s concertgoers, and so do his last three symphonies (Symphonies Nos. 4, 5, and 6).
Tchaikovsky’s Symphony No. 4 in F Minor, Op. 36 was composed between 1877 and
1878. By then Tchaikovsky was already an established composer; he had completed, forinstance, three symphonies, four operas, and Swan Lake. The premiere of the symphony took
place in Moscow on February 22, 1878 at a concert given by the Russian Musical Society. It
was conducted by one of Tchaikovsky’s close friends Nikolai Rubinstein, a well-known Russian
pianist, conductor, and composer. The composition was dedicated to Nadezhda Filaretovna
von Meck, whom the composer calls in the dedicatory words “my best friend.” Mdm. Von
Meck was indeed much more than Tchaikovsky’s acquaintance. First of all, she was his
patron—Mdm. Von Meck was a member of the high society and helped artists and musicians.
She was particularly enthusiastic about Tchaikovsky’s music and provided him with financial
support for thirteen years. Moreover, she was his spiritual friend (even though the two never met
face to face), helping him going through difficult times especially when Tchaikovsky’s marriage
ended disastrously.
The symphony consists of four movements. It begins with a fanfare played by Frenchhorns and bassoons, followed by trumpets and woodwinds repeating it in a higher register.
These opening measures sound profoundly and strongly, but they also carry the feeling ofanxiety, representing one of the main moods expressed in the work. A melancholic melody
played by the oboe initiates the slow second movement, followed by a scherzo, in which strings
play pizzicato throughout. The energetic finale starts off suddenly right after the quiet endingof the previous movement.

C
18 & 19. OCT. 2019

Akira Ishii│ For a profile of Akira Ishii, see p.48

54

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

シベリウス
《交響曲第2番》

公演報告

N響「夏」20197月19日、NHK ホール

Summer Concert 2019

今年の N響「夏」には、ロシア出身にしてフィンランドで指揮を学んだディマ・スロボデニュークが登場。
前半は名手シモン・トルプチェスキをソリストに迎え、ラフマニノフの《ピアノ協奏曲第2番》
を、
後半は、スロボデニュークが最も得意とするフィンランドの作曲家、
シベリウスの《交響曲第2番》
を詩情豊かに披露しました。
ラフマニノフ／ピアノ協奏曲 第2番 ハ短調 作品18、
シベリウス／交響曲 第2番 ニ長調 作品43

（左）指揮を務めたディマ・スロボデ
ニューク（右）ラフマニノフ《ピアノ協奏曲第2番》で独奏を務めたシモン・
トル
プチェスキ

60

NHK SYMPHONY ORCHESTRA, TOKYOPHILHARMONY | OCTOBER 2019

（左）コンサートの前後には N 響メン
バーも参加する「楽器体験工房」
が
開設された
（右）
金管・打楽器の華々しいファン
ファーレで幕開け

公演報告

夏だ！祭りだ！
！N響ほっとコンサート
8月4日、NHK ホール

NHKSO HOTTO CONCERT

夏休み恒例の「夏だ ! 祭りだ !! N響ほっとコンサート」、
今年は「世界ぐるっと名曲の旅」
をテーマに掲げ、世界各地を題材にした作品を演奏しました。

N響初登場の気鋭の指揮者原田慶太楼のリードで行われた「みんなでマエストロ」のコーナーや
今もっとも勢いのあるピアニスト反田恭平が独奏で加わった《ラプソディー・イン・ブルー》など、大きな盛り上がりのうちに、年一度の真夏の大イベントは終了しました。
ロッシーニ／歌劇「ウィリアム・テル」序曲から終曲「スイス軍隊の行進」、ブラームス／ハンガリー舞曲集から第5番、ドヴォルザーク／から「ダッタン人の踊り」、ガーシュウィン／ラプソディー・イン・ブルー、
スラヴ舞曲集 第1集から第1番、ボロディン／歌劇「イーゴリ公」
ビゼー／「アルルの女」組曲 第2番から「メヌエット」、エルガー／行進曲「威風堂々」第1番、ヒナステラ／バレエ組曲「エスタンシア」「マランボ」
作品8から（上）
ヒナステラ《バレエ組曲「エスタンシア」》（左下）
指揮を執った原田慶太楼とナビゲーターを務
めた NHK アナウンサーの林田理沙（中下）ガーシュウィン《ラプソディー・イン・ブルー》でピアノ・ソロを務めた反田恭平（右下）
指揮者体験コーナー「みんなでマエストロ」の様子。今年はケミカルライトを使って会場全体で指揮に挑戦

© K. Miura

ベートーヴェン《歌劇「フィデリオ」》。この公演のために名門オペラハウスで活躍する歌手たちが集った（8月29日）公演報告

ベートーヴェン生誕250周年記念

パーヴォ・ヤルヴィ＆N響
オペラ《フィデリオ》（演奏会形式）
8月29日、9月1日、Bunkamura オーチャードホール
L.v. Beethoven: Opera Fidelio (concert style) by Paavo Järvi & NHKSO© K. Miura

パーヴォ・ヤルヴィとN響による演奏会形式での舞台作品上演の第3弾は、ベートーヴェンのオペラ《フィデリオ》。
指揮者の十八番でもある作曲家唯一のオペラを、世界最高峰の歌手たちとともに熱演しました。
指揮：パーヴォ・ヤルヴィ、
ドン・ピツァロ：ウォルフガング・コッホ
フロレスタン：ミヒャエル・シャーデ、
レオノーレ：アドリアンヌ・
ピエチョンカロッコ：フランツ・ヨーゼフ・ゼーリヒ、
ドン・フェルナンド：大西宇宙
ヤキーノ：鈴木 准、
合唱：新国立劇場合唱団（合唱指揮：冨平恭平）（上）
指揮を務めた首席指揮者パーヴォ・ヤルヴィ（下）
拍手に応える出演者陣。左から、ウォルフガング・コッホ、大西宇宙、鈴木准、冨平恭平、パーヴォ・ヤルヴィ、モイツァ・
エルトマン、
フランツ・ヨーゼフ・ゼーリヒ、アドリアンヌ・ピエチョンカ、ミヒャエル・
シャーデ（いずれも8月29日）© K. Miura

マルツェリーネ：モイツァ・エルトマン