アーティストによる美術史講座
第１回

ゲスト：眞島竜男編

レポート2021 年 10 月 2 日 （土） 14:00-16:00
オンライン実施

ラーニングプログラムの一つ 「愛知を知るためのリ可能性を持ちますが、 この無限の可能性は 「その日のサーチプロジェクト」 協働アーティストでもある眞島竜男さん

日付を描く」 というシンプルな一文に圧縮することができをゲストに迎え、 河原温を中心としたアーティストの作品ます。 この日付絵画のあり方が、 河原温の死によって画像や、 眞島さんが制作した 「ダイアグラム （図表、変質したのだと眞島さんは言います。

見取り図）」 を参照し、 「窓」 と 「イリュージョン」 をキーワード

河原温が存命のとき、 あるいは河原温が 「死なない」に、 コンセプチュアルアートやアート全般について考えてと仮定されているとき、 日付絵画は可能性としての無限いきました。

を表しています。 そしてこの無限が、 河原温の死という現実的な出来事とともに変質します。 眞島さんは、 この今回のレクチャーの中心となったのは、 コンセプチュアル

ことを 「一点透視図法的なダイアグラムに四角い枠をアーティストである河原温です。 国際芸術祭 「あいち重ね、 さらに地平線の上に可能性を表現する面を置いた」

2022」 のテーマである 「STILL ALIVE」 は、 河原温のダイアグラム （図 2） で説明しました。 この四角い枠は、作品タイトルにも含まれるキーとなる言葉です。 河原温は地平線まで続くいていく日付絵画を手前と向こうに切り2014 年に亡くなりましたが、 その存在が 「なくなる」分けるものとして働きます。 それはまるで 「窓」 のようという出来事を受けて改めてコンセプチュアルアートにですが、 この 「窓」 があることによって捉え方や思考について考えることになったと眞島さんは言います。

変化が生じることになります。 その変化を眞島さんはこれまでも河原温についてレクチャーを行ったり、 関連する作品を 発 表 し て き た 眞 島 さ ん で す が 、 研 究 者 で「イリュージョン」 と呼び、 コンセプチュアルアートひいてはアートにとっての重要な点であると指摘しました。

はないアーティストという立場と視点で掘り下げてきたことについて、 レクチャーで語っていただきました。
はじめに河原温の 「Today シリーズ」 から紹介していきました。 日付絵画と呼ばれるこのシリーズは、 例えば「MAY 13.1971」 のように年月日だけがキャンバスに描かれている作品です。 作品を制作しているときに滞在している国の表記で記し、その日のうちに（24:00 までに）描きあげるなどのインストラクション （指示） に沿って制作されます。 制作された日付絵画は数千点にのぼりますが、図 1（動画よりキャプチャ）

この日付絵画を眞島さんは一点透視図法的なダイアグラム （図 1） で表現しました。
地平線にある一つの消失点に向かって表現される空間に日付絵画をあてはめると 「たくさんの日付絵画が積み重なって、 その消失点に向かっていく」 と考えることができます。 消失点は無限の彼方にあるので、 この積み重ねはどこまでも続いていきます。 明日がやってくるかぎり、時間が終わらないかぎり、 日付絵画は無限に続いていく
図 2（動画よりキャプチャ）1/3

「窓」 を河原温の死とすると、 それより手前が河原温が歴史の同時的現前としての歴史」 を表していると言って存命中の世界であり、 そこで描かれた数千点の日付絵画います。 過去と未来をあわせて 200 万年分になる西暦は現実的で実体的な全体を構成しています。 これに対しのなかには、 この先人類史としてあり得るかどうかて 「窓」 の向こうには、 河原温が亡くなったために実現わからない年数も含まれていますが、 事実としてありしなかった想像的で非実体的な全体が現れます。 「窓」

得るか、 あり得ないかどうかは問題ではありません。

を置くことによって、 切り分けられつつも関係しあう二つの100 万年を一つのまとまりとして、 過去も未来も現在も全体があることを、私たちは認識できるようになるのです。

全てが一緒に現前するということを示していると言います。

そして、 「現実的 ・ 実体的な全体」 と 「想像的 ・ 非実体

ここにも、 日付絵画のダイアグラムでみてきた全体性、的な全体」 のどちらも含んだ、 より大きな全体性に気づそれを立ち上げるイリュージョンと同じものが見出せます。

くことこそが 「イリュージョンが生じている状態」 なのだとさらに、 「密室絵画」 と呼ばれるシリーズではまた違った眞島さんは言います。 河原温の死という 「窓」 は、 日付空間感覚によってイリュージョンが生まれています。 この絵画をより大きな全体性において意識させることになり一連のシリーズでは、 一様に浴室の様子が描かれます。

ました。 この全体性は、 ダイアグラム （図 2） の 「地平最初のうちは壁と床と天井にタイルが貼られた浴室と線の上にある面」 にあたります。

して、 6 つの壁に囲まれた （ようにみえる） 四角い空間が「窓」 「イリュージョン」 「全体性」 がコンセプチュアル描かれていますが、 シリーズがすすむごとに空間は歪み、アートやアート全般について考える時のキーポイントになる

浴室内にいる人の描写も不穏なものに変わっていきます。

ことが見えてきましたが、 それらについてパノフスキーのこの作品は 1953 年から 1954 年にかけて制作され、言葉を参考にさらに考えていきました。

一般的に戦後日本の社会的閉塞感をあらわしていると

エルヴィン・パノフスキー （美術史家） は 『〈象徴形式〉見做されています。 しかし、 眞島さんはこの一連のシリーズとしての遠近法』 （1927 年） のなかで、 「一つ一つのの空間の歪みについて 「方眼紙を折り畳んでから広げものが個別にリアル （遠近法的） に描かれていることが、たらこうなるのではないか」 と考えました。

その空間全体を遠近的に感じさせるのではなく、 空間全密室ではなく、 開かれた無限の面として存在していた体が窓のようになっている場合に、 遠近的に空間全体をものが折り畳まれて閉ざされた状態になり、 それが再び直感できる」 と述べています。 これも日付絵画にあて開いていく過程としてみることもできるのではないか、 とはめてみると、 実際に制作された一つ一つの日付絵画言います。 終戦後の閉塞感に対して、 1952 年以降、だけをみるのではなく、 一つの 「窓」 （それは例えば河原日本は再び国際社会に復帰していきます。 そうした日本

温の死） を置くことによって、 実際には描かれなかったの変化を併せて考えると、 密室絵画は必ずしも 「社会の日付を含む、 現実的であると同時に想像的でもある全体閉塞感」 をあらわしたと言い切ることはできず、 むしろ性を思い描くことができる、 と言えるのです。

「あっちからこっちへ」 そして 「こっちからあっちへ」 というここで参加者から河原温の 《One Million Years（100 万年）》 シリーズについてはどう考えるか、 という変化をあらわしていると考えることができるのではないでしょうか。

質問が出てきました。 この作品は、 ある地点から 100 万年分の過去と、 100 万年分の未来に分けられています。

河原温の作品からコンセプチュアルアートとアートに西暦をタイプした紙は本として綴じられていますが、ついて考えてきましたが、 ここで、 二人の別のアーティストまるで百科事典のような分厚さです。 こうした物量にが紹介されました。 ソル ・ ルウィットとジョセフ ・ コスース

よっても、 簡単に把握できない時間の長さ、 100 万年との二人です。 彼らは、 2 つの異なる態度を持ったコンいうまとまりを実体的に考えることができると言えます。

セプチュアルアーティストとして紹介されました。

そのことが 「全体性としてのリアリティ」 を感じさせ、 眞島いささか乱暴に言い切ってしまうとしながら、 この二人をさん自身の日付絵画の理解を変えるきっかけにもなった「限定的なアート」 か、 「非限定的なアート」 かで対比と言います。

して考えていきました。 日付絵画のダイアグラムで考え

1998 年に東京都美術館で開催された 「河原温 全体と部分」 展の寄稿文で、 ジャン＝リュック ・ ナンシーはると、 「窓の手前のみで考える」 か 「窓の向こうも含めた全体性で考えるか」 ということになります。

《One Million Years （100 万年）》 について 「無数の2/3ソル ・ ルウィットは 「限定的なアート」 として考えてみ河原温やコスース、 そしてルウィットにも共通するのが、ます。 「今ここにあることが全てである」 という前提で、「反復」 と 「継続」 です。 ただ同じことを繰り返すのでは限定された条件のなかでインストラクションを実現させてなく、 前の作品や自分の行為を 「復習」 することで、いきます。 《不完全な開けた立方体》 （1974 年） の変化を加えた 「反復」 を繰り返していくことが、 その制作

シリーズは、 立方体を構成する 12 辺のうちの 1 辺以上態度に通じています。 以前の作品に対しての批評的なが欠けているが、 立方体として捉えることができるものを行為とも言えますが、 復習し、 反復し、 継続していくこと全て考える、 というインストラクションに沿って制作されによって、 イリュージョンを生じさせる 「窓」 をつくる

ま す。 閉じられていない立方体を考えていくということチャンスが生まれると言います。

ですが、 そのバリエーションには限界があり、 それ以上も参加者からの質問としてあがったうちの一つ、 荒川以下も存在することはできません。 「今ここ」 に限定する

修作＋マドリン ・ ギンズ 《養老天命反転地》 （1995 年）

ことによって、 現実の世界とできるだけ関わりその複雑性は、 まさに復習、 反復、 継続することによって 「窓」 がを見出すことにはつながります。 それもまたコンセプチュ開かれた例であると言います。 作品のもつ全体性をアルアートの一つの態度です。

前もって見取り図的に示すのではなく、 生々しい物質性に一方で、 ジョセフ ・ コスースでは全体性を考えることがよって直接的に身体に働きかけ、 来場者たちのなかにできます。 《1 つの椅子と 3 つの椅子》 （1965 年） では、現実的な気づきを実体的に重ねていくことで、 それらがどんな椅子でも良いが、 正面から撮影した原寸大の写真「窓」 の役割を果たし、 その結果イリュージョンを生じと、 実際の椅子と、 椅子の定義 （言葉） という 「3 つのさせていると考えることができます。

椅子」 を展示する、 ということがインストラクションになります。 椅子という 1 つの概念を 3 つの表象に分けて提示

約 2 時間ほどのレクチャーでしたが、 それが短く感じるする、 と言い換えることもできますが、 これらはたまたまほど濃密な機会となりました。 作品画像やダイアグラムそのように現れた表象にすぎないとも言えます。 別のを行ったり来たりし、 眞島さんというアーティストの思考をかたちで現れる可能性はつねにあり、 そう考えると 「今たどりながら、 コンセプチュアルアート、 あるいはアート

ここ」 には存在していない表象も含んだ、 より大きな全体性そのものに対しての考え方や見方 （見え方） はどのようにを見出すイリュージョンが生じていると捉えることが変わったでしょうか。

できます。

（レポート松村淳子）「アート」 は （生きている） 人の行為であるために、「今ここ」 （生者がいる世界） に限定されると考えるのが、一見普通に思えます。 しかし、 「今ここ」 だけではない想像的な可能性を含めた 「全体性」 に気づき、 それを体感する 「イリュージョン」 を生じさせるための 「窓」 をどこにどのようにつくるのか、 を考えるのがコンセプ
チャルアートであり、 アートではないかと眞島さんは言います。
河原温とルウィット、コスースらの作品から 「イリュージョン」 について考えてきたことを踏まえ、 これまでの 「あいちトリエンナーレ」 に出品された作品から眞島さんが気になったものを 5 つ紹介していただきました。
なかでもとくに眞島さんが気になったと言うのが、「あいちトリエンナーレ 2013」 で紹介された彦坂尚嘉の《木の城郭》 （2013 年） です。 周囲にいろいろな文字や言葉が描かれていましたが、 そのなかの 「復習」 という言葉にハッとしたと言います。
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