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ART PAPER

名古屋市美術館ニュース 2018年春号

特集

メキシコ美術の衝撃

1955年の「メキシコ美術展」と芥川紗織

芥川（間所）紗織《古事記より》1957年 染色・木綿 172. 0 ×660. 0 ㎝ 名古屋市美術館蔵

1980年代の彫刻と私都市空間と木の造形展に参加して（前編）
造形作家

庄司

達

私は「やろまいか’76」への参加以来、久しぶりに大型企画に参加することになった。
1988年の ３ 月、名古屋市主催の緑花フェ
ア行事の一環として、野外彫刻展をやりま
せんか、と祭の実行委員会より要請されたのがきっかけであった。
もっとも、当時の私は建設された若宮大通りの高速高架下、白川公園に沿った敷地
数百メートルにわたって、彫刻広場を含む造園の設計に参加していて、完成後は近い将来、野外美術展の企画もイメージしていた。又、この時代、名古屋市美術館の開館とそれに連動して、白川公園の一部を市民広場としての再整備が進められていたこともあり、このあたり一帯での何らかのイ
ヴェントの開催の機運が膨らんでいた。
私は先ず、日頃親交のある若手美術家の
久野利博さんと美術、演劇関係にも明るい
建築家の酒井宣さんとの ３ 人で、どの様な企画が可能か、の話し合いを進めた。1980
年代後半には復興後の都市の再整備が完了しようとしており、私たちはその環境を考慮した都市型のアートプロジェクトに意欲があった。私たちは取り敢えず ３ 人で企画委員会を立ち上げて動き始めた。具体的には都市型空間の要素として名古屋市美術館
を屋内空間、白川公園の広場や樹林を屋外空間、そして高速道路高架下の広場を軒下空間と位置付けた。そこで開館間もない名
古屋市美術館に展示への協力や白川公園の使用を申し出た。さらに市民の文化行事として名古屋市文化振興事業団の年間のアー

トイヴェント事業に組み入れてもらうことが出来て、緑花フェアの協賛行事に加えて、企画に一定の予算の目途が立った。
展のテーマを「都市空間と木の造形」としたが、大自然を背景にした地方都市でもない大都市としては異例のテーマであった。しかし都市形成の現状やあるべき都市の姿をアートを通して考え直す方法として、あえて大自然の代表である「木」をメインの素材とした。出品者は企画の ３ 名を含む15名としたが、市美術館の山脇一夫さんより、館内展示のテーマを「都市への提案」の依頼があり、私たちは数名の建築家を含んだ、作家選考を進めることになった。
出品依頼をした作家からのプランが企画委員会に次々と届き始めた。希望している
木の原木、間伐材、製材や廃材などは、足助の木材協同組合を始め、名古屋市農政緑地局の協力や市内の木材会社からの木の手配、お寺の解体による廃材の提供などで、安価に受けることが可能になった。
建築家を含む ３ 名の作家に「都市への提案」のテーマの取り組みを依頼し、他の12名の作家には各プランの内容に沿って美術
館の庭、白川公園、高架下の広場空間に振り分けて、展示の依頼をした。この秋、 ９月30日オープンで11月 ３ 日までの会期、35日間を確定した。

若宮大通高架下の彫刻広場
展示作業中の酒井宣さんの作品（1988年）

当館が所蔵する芥川（間所）紗織の《古事記より》は、縦172㎝、横660㎝の大きな作品である。同じ1957年に制作されたもう １ 点の《古事記より》（世田谷美術館蔵）はさらに大きく、縦176㎝、横1346㎝と約 ２ 倍の長さがある。作者はなぜこのような大きさの作品に挑んだのか？その理由は、作者が当時メキ
シコ美術、とりわけ壁画に惹かれていたことにある。1950年代、メキシコ美術に魅了されたのは実は芥川だけではない。福沢一郎や岡本太郎のほか、浜田知明や当時若手の吉仲太造〔 １ 〕、実際にメキシコに渡った利根山光人、
そして意外にも「Todayシリーズ」で有名になる河原温も、メキシコ美術に少なからぬ関
心を持っていたと考えられる〔 ２ 〕。
メキシコ美術への注目は、ヨーロッパが先行した。まず、1950年の第25回ヴェネツィア・
ビエンナーレに、ホセ・クレメンテ・オロス
コ、ディエゴ・リベラ、ダビッド・アルファ
ロ・シケイロス、ルフィーノ・タマヨの作品が出品される。つづいて1952年、パリで「メキシコ美術展」が開催されると、その評判は日本にも伝わった。例えば『みづゑ』1952年
８ 月号では、実際にパリで「メキシコ美術展」を見た土方定一が、その驚きを自分で撮影した会場写真とともに
報 告 し て い る。「 メキシコ美術展」はア
ルカイック時代から現代までを網羅した大展覧会であったが、土方はとりわけ現代美術に関心を持
ち、オロスコ、リベ
ラ、シケイロス、タ
マヨについては図版付きで、各作家の作
風と魅力について解説した〔 ３ 〕。『美術批評』1953年 ２ 月号
では北川民次が「新しい神様−壁画とタブローに就て−」を寄稿して、当時の日本で流行していたカフェのサロンやホテルのロビーに描かれるような壁画と、メキシコのそれとの根本的な違いを論じているし〔 ４ 〕、翌 ３ 月号では富永惣一
が海老原喜之助との対談の中で、メキシコ的なものが今日本では「非常に必要ですね」と答えるなど〔 ５ 〕、日本の美術の今後を考える上で、メキシコ美術が造形面でも思想面でも示唆に富んだものであるという認識が、
1953年にはすでに作家や批評家の間で共有されはじめたとみられる。『美術批評』1954年
７ 月号では「メキシコの現代美術−位置とその特殊性−」というテーマで、福沢一郎、植村鷹千代、瀬木慎一の ３ 名による座談会が組
まれ、「大分いまメキシコの絵が関心を集めているようですが、実際には、日本にはオリジナルなものは殆んどといっていゝくらい来ていないですね。この前の国際展の時に二、三来た程度でしょう」と、当時の状況が語られている〔 ６ 〕。
日本の美術家たちが、本物のメキシコ美術をまとめて目にすることのできる機会は1955年に訪れた。まず ５ 月20日から ６ 月12日まで
東京都美術館で開かれた「第 ３ 回日本国際美術展」のメキシコ室に、オロスコ、リベラ、

必要ありません。現実的な生活の中でも、すでにコンビニエンスストアなどで買い物をする際には、様々な方法で支払いをすることができます。ビットコインで支払うことができるお店もかなり増えているようです。中国など海外においてはすでにキャッシュレス化がかなり進み、現金を持ち歩く必要はほとんどないそうです。何かを得るための手段がお金でなくてもよくなると、これまでお金で物事を測っていた世界が大きく変わっていきそうです。しかも、最近は、IoTやAIといったテクノロジーの進化が社会にもたらす影響についての議論も活発です。これまで培われてきた資本主義をはじめとする社会の構造そのものが大きな転機を迎えているのかもしれません。
ということは、今こそ新しい価値を創出するということを最重要視してきた美術の分野が活躍する時代が到来するのではないでしょうか。新しい時代の新しい社会の中で、美術館も、ますます時代の新しいものに目を向けていく感性がより重要になりそうです。美術
館でも仮想通貨を作成して独自のトークン
エコノミーを持つ時代も近い将来やってくる！？なんてことも遠い未来ではないのかもしれません。
（hina）

ホセ・クレメンテ・オロスコ《白い神々》1947年頃

最近、「仮想通貨」という言葉が脚光を浴びています。 １ 月末に起こった仮想通貨取引所から約580億円分の仮想通貨「NEM」が流出したという事件のインパクトは大きく、私自身はただただポカーンとニュースを見ていました。ところが、そんな負のニュースにも関わらず、ますます注目されている仮想通貨の技術を使ったサービスはこれからさらに伸
びていきそうな勢いです。
そもそもお金は物やサービスを得るための交換手段であり、それらの価値を測る基準になっているものです。名古屋市美術館では、赤瀬川原平の作品《零円札と両替された現金の瓶詰》という作品を所蔵しています。瓶につめられた現金（制作当時に流通していたもの）は、お金としての価値はないはずの「零円札」が、実際に流通しているお金と両替された（＝対価として支払われた）ものです。
この作品は、まさに「お金」の役割とその価値について示唆を与えてくれるものだと思います。
「お金」は流通の手段であって、生きていくということのためだけには「お金」自体は名古屋市美術館蔵

シケイロス、タマヨ、フリーダ・カーロらの絵画が一点ずつ出品された〔 ７ 〕。そして ９月10日から10月20日まで、東京国立博物館で大規模な「メキシコ美術展」が開催される。
同展カタログによれば展覧会は ３ 部構成であった。第 １ 部「古代美術」は紀元前1500年頃からスペインに征服される1521年までの約3000年の美術を扱っており、古拙文明の土偶やマヤ文明の石像や陶器、アステカ文明の仮面などを含んでいる。第 ２ 部「現代美術」
は、
スペイン植民地時代（1521年−1821年）の絵画も含んでいるが、ほとんどは独立（1821年）後の作品、とりわけ革命（1910年）後の作品が多数を占めている。オロスコ、リベラ、シケイロス、タマヨの ４ 巨匠については、それ
ぞれ10点以上の作品が出品されており、別格の扱いとなっている。また、民衆版画家ホ
セ・ガダルーペ・ポサダの版画が18点出品されているほか、フリーダ・カーロとマリア・イスキエルド、野外美術学校で北川民次の指導を受けたアマドール・ルーゴ、マヌエル・
エチャウリ、フェリシアーノ・ペーニヤの作品も含まれている。第 ３ 部「民俗芸術」はスペイン征服後から現代にまで伝わる民芸品を扱っており、陶器、漆器、金属製品、染織品のほか、玩具、仮面などを含んでいる。カタ
ログのリストから数字を拾うと、出品作品は第 １ 部「古代美術」で175点、第 ２ 部「現代美術」で426点、第 ３ 部「民俗芸術」で581点に及んでおり、総数が1000点を優に超える驚
くべき規模の展覧会であった〔 ８ 〕。
『母と子タイムス』（1955年 ９ 月10日）の取材に対し、芥川紗織は「フランス、フランスとそのあとばかり追っているのには反対です。メキシコは日本と同じに近代絵画の伝統がないんですが、民族的な絵で、それを学びたいと思います」、「メキシコではビル一つ建てば必ず壁画を描くんです。日本にはそれが展覧会の舞台裏
外編 AAAAAAAAAA

AAAAAA 番

AAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

再びキャプションについて
今から ６ 年ほど前に、この欄でキャプショ
ンの話題を取り上げたことがあります。近年
キャプションや解説パネルなどの、展示の補助的な手段に対する関心がかなり高まってきていることをご紹介したものです。今回このキャプションについて、再度取り上げたいのですが、それは外国語表記について考えてみたいと思うからです。作家名、作品名、制作
年など、作品の基本情報を鑑賞者に伝える媒体としてのキャプションですが、近年は和英の二か国語で表記されることが多くなりました。二か国語での表記そのものはかなり以前
から多くの美術館で実践されていたのですが、かつては英語以外の言語と日本語との併記がかなりありました。例えばイタリア・
ルネサンスの展覧会であれば、日伊の二か国
語、フランス印象派であれば日仏の二か国語といった具合に、作品が誕生した母国の言語と日本語とを併記する方法です。当たり前と言えば当たり前の方法なのですが、これが近年どんどん英語に一本化されるようになっています。取り上げる対象がドイツ、スペイン、
ロシア、あるいは韓国であっても、表記する
際はすべて和英の二か国語という例が圧倒的に多くなっています。なぜ日本語以外でも表記するのかと言えば、海外からの来館者への配慮という意味が強く、であれば圧倒的最大

展覧会 現 在 進 行 形
ビュールレ・コレクション展

2018年 ７ 月28日㈯〜 ９ 月24日
（月・休）
ビュールレ・コレクションと聞いても、すぐにピンとくる方はあまり多くないかもしれません。しかし、作品を見れば「え！ これも、
あれも、ビュールレ・コレクションだったのか」と驚かれる方は少なくないはずです。それほどこのコレクションは名作ぞろい。セザ

ないから発展していかないのではないでしょうか」と答えている。この取材を受けたのは「メキシコ美術展」を見る前であろう。「メキシコ美術展」を見て、芥川は次のような感想を述べている。
前にタマヨの絵を美術雑誌の原色版で見てそのまか不思議な色彩にひどく惹かれました。それ以来私は何が何でもタマヨのファンになってしまいました。［略］
今度のメキシコ展で民芸品の部屋に足をふみ入れると私は“これだ。タマヨの色は”と思いました。民芸品の切り紙も人形も皆タマヨのあの魅力的な紫色や桃色なのでした。これはメキシコの現代絵
画のすべてに云えることなのですが、何千年も昔の土偶の形態も民芸品のネンドの人形の色も皆現代絵画の中にそのまま生きていて彼等の激しい力と情熱を語る
強力な言葉になって居るのです。［略］
私はメキシコの作家達が大きなビルの外側の巨大な壁面に思い切り腕をふるって壁画を描いていることを心からうらやま
しく思います。国と国民の生活と作家がこんなに密接につながっている国を素晴しいと思いました。日本の現代絵画は日
本の国や日本の多くの人々とは何の関係もないところで描かれているということが、私には間違ったことに思えるのです。
〔９〕
1955年10月の村松画廊での個展、つづいて12月から翌年 １ 月の「今日の新人・1955年展」（神奈川県立近代美術館）で、それまで「女」を主題にしてきた芥川が日本の神話や民話に取材した作品を発表した〔10〕。神話や民話への関心は以前からあったようだが、「メキ
シコ美術展」でタマヨやシケイロスの作品を公約数である英語での表記が当然ということになります。昨年当館で開催した「ランス美術館展」は、和仏の二か国語表記だったのですが、英語にしてほしかったという来館者からのご意見が複数寄せられたと報告がありました。また、日本語のみでの表記をした展覧会に対しても同様の意見がいくつか寄せられたことがあり、思った以上に海外からの来館者が増えていることを実感させられています。このような状況は、美術館に限ったことではなく、また日本に限ったことでもなく、世界中で急速に進行しつつあるグローバル化の現れの一つなのでしょう。英語さえある程
度マスターすれば、どんな国や地域の人たち
とも意思の疎通が図れるというのは、大変便利なことには違いありません。
しかし、一方で本当にそれでいいのかという漠然とした疑問を抱く方も少なくないのではないでしょうか。イタリア語やフランス語で作品名を表記するのは、その作品を生んだ国の文化に対する敬意の表明でもあり、便利だからといって英語に置き換えてそれで済むことなのか、という疑問です。利便性を追求することによって失われてしまうもの、最大公約数を目指すことによって消えてしまう微妙な差異。本来美術というものは、経済性や効率性とは無縁のものであり、一見無駄なもの、訳のわからないものの中に面白さや喜びを見出すもののはずです。それが個性であり文化であるはずなのですが、現在のあらゆる流れは、グローバル化の名のもとに均一化へと向かいつつあります。たかがキャプショ
ン、されどキャプション。小さなものの中にも美術館が目指すべき方向の指針がありそうです。
（Ｆ）
ンヌの《赤いチョッキの少年》やルノワールの《イレーヌ・カーン・ダンヴェール嬢（可愛いイレーヌ）》、ファン・ゴッホの《日没を背に種まく人》などなど、美術ファン、とりわけ印象派好きの方なら、まさに垂涎の傑作ばかりがずらりと並んでいます。スイス、チューリヒの実業家、エミール・ビュールレ
がこのコレクションを作り上げたのは1930年
代後半から亡くなる1956年までの20年ほどの間。この短い期間に彼は600点余りのコレクションを作り上げましたが、注目すべきはその数よりも質です。印象派を中心とするこの実際に見ることによって、芥川は主題ないしは造形において、国民のアイデンティティに関与することの重要性や必然性への確信を深めたであろう。特にタマヨは、スペイン征服
以前の古代彫刻や民俗芸術から形や色彩のヒントを得ており、メキシコの造形的な伝統を現代絵画の中に息づかせていた。
古いもの、プリミティーフなものは何でも大好きで、よく博物館に土偶や仏像を見に出かけます。又ピカソやシケイロスや宗達や北斎の仕事に、それぞれひどく感動して、そんな仕事がしたいと考えています。〔11〕
1957年 １ 月の村松画廊の個展で、芥川はイ
ザナギノミコトの物語を主題とし、「村松画廊の壁の寸法をはかり、壁一杯に、きつちり制作」〔12〕した《古事記より》（世田谷美術館蔵）を発表、また同年 ３ 月には、アマテラ
スオオミカミとスサノオノミコトの争いを主題とした、別の《古事記より》（名古屋市美術館蔵）を向井良吉との二人展（風月堂画廊）で発表している〔13〕。芥川は「今まで描きたいと熱望しておりました絵巻物の形式で、思い切り大作を描いてみたいという願望を達し、その点では一応満足致しました」〔14〕と述べている。針生一郎や佐々木基一は、1955年に「メキシコ美術展」が開催された当初から、その安易な模倣が日本の画壇にはびこることを懸念しており、メキシコはメキシ
コ独自の古い文化・伝統を汲み取って現代に継承している点を強調していた〔15〕。芥川
はそうした批判を真摯に受け止めていたのであろう。メキシコの画家たちが壁画の主題を
アステカの神話やスペイン侵略から独立、革命に至る歴史に求めたように、芥川は日本人が表現すべき主題として古事記のような神話を選択し、形式においても壁画に匹敵するス
ケールを単なるタブローの拡大によって得ようとするのではなく、右から左へと場面が連

ランス美術館展

2017年10月 ７ 日㈯〜12月 ３ 日㈰フランス、シャンパーニュ地方の町ランスは、人口20万人ほどの小さな町ですが、歴代のフランス国王がこの町の大聖堂で戴冠式を行ったことで知られる、歴史と伝統を誇る古都です。名古屋市美術館とランス美術館は2013年に友好提携の覚え書を交わし、2016年
春にはその最初の交流事業として「藤田嗣治展」を開催しましたが、二つ目の企画展として開催されたのが「ランス美術館展」です。
会期中の10月20日にはランス市長をお迎えして、名古屋市とランス市との間で姉妹都市提携の調印式も行われ、美術館の枠を超えて、今後一層幅広い交流を行っていくことも確認されました。こういった事情もあり、展覧会には大勢の来館者の方がお見えになりました。71点の出品作の内、最も注目を集めたのは《マラーの死》で、感想ノートにもこの作品に触れたものが圧倒的でした。「すごく感動しました。！《マラーの死》は強烈でした
ね」「《マラーの死》は思っていたより強烈だった。ずっと見てみたかった作品だったので、感動もひとしおだった」「パンフレットの《マラーの死》に一目ぼれして来ました。
美しかった」。ポスターやチラシのデザインに使用したこともあって《マラーの死》への関心がとても強かったようですが、それ以前にも歴史
コレクションには、上記の ３ 点をはじめ、各作家の代表作と呼ぶにふさわしい優れた作品が、これでもかというばかりに詰め込まれており唖然とするほどです。
ビュールレ亡き後、そのコレクションは、自宅に隣接する建物を美術館として公開されていましたが、2008年に武装した強盗団に襲われ、 ４ 点の名作が奪われました。幸いすべての作品がその後無事に回収されましたが、保安上の理由から美術館は閉鎖。そして2020年に開館予定のチュー
リヒ美術館の新館にコレクションは移管されることになりました。恐らく日本でまとめて続する横長の絵巻物に倣って、日本美術の伝統を強く意識したのであった〔16〕。
（nori）
註〔 １ 〕浜田知明、河原温、山中春雄、池田龍雄、木内岬、吉仲太造、（司会）針生一郎「座談会 新しい人間像にむかって」『美術批評』1955年 ７ 月号、p. 57。
〔 ２ 〕先 行研究に山田諭「メキシコ・ルネサンスと日本−1950年代の動向を中心として−」（『メキシコ・
ルネサンス展 オロスコ・リベラ・シケイロス』展
覧会カタログ、名古屋市美術館、1989年、pp. 234235）、
山田諭「ルフィーノ・タマヨと日本」（『ルフィー
ノ・タマヨ展』展覧会カタログ、名古屋市美術館、1993年、pp. 118-121）、仲野泰生「岡本太郎・メキ
シコへのまなざし」（『岡本太郎とメキシコ−熱いまなざし』展覧会カタログ、川崎市岡本太郎美術館、2002年、pp. 60-62）がある。
〔 ３ 〕土方定一「メキシコの現代美術 近代美術館のメキ
シコ美術展」『みづゑ』1952年 ８ 月号、pp. 53-59。
また、福沢一郎はパリから「メキシコ美術展」の素晴らしさを『美術批評』誌に報告している。
「ニュー
ス：メキシコ美術展、二十世紀傑作展など」『美術批評』1952年 ７ 月号、p. 45。
〔 ４ 〕北川民次「新しい神様−壁画とタブローに就て−」『美術批評』1953年 ２ 月号、pp. 22-26。
〔 ５ 〕海老原喜之助、富永惣一「対談 庶民芸術ということから」『美術批評』1953年 ３ 月号、p. 19。
〔 ６ 〕福沢一郎、植村鷹千代、瀬木慎一「座談会 メキシ
コの現代美術−位置とその特殊性−」『美術批評』
1954年 ７ 月号、p. 15。
〔７〕『美術手帖』
1955年 ７ 月号
（第三回日本美術展特集）。
〔 ８ 〕
『メキシコ美術展』
展覧会カタログ、
東京国立博物館、
1955年。
〔 ９ 〕
「アンケート メキシコ美術展をみて 新進作家27
氏の意見」『美術批評』1955年10月号、p. 39。
〔10〕宇 佐美英治「展覧会評 芥川紗織個展（10・13-18
村松画廊）」『美術批評』1955年11月号、p. 58。
〔11〕芥川紗織「絵が出来上がるまで」『美術手帖』1956
年 ３ 月号、pp. 60-61。
〔12〕
『芥川紗織展』展覧会カタログ、横須賀美術館、一宮市三岸節子記念美術館、2009年、pp. 100-101より引用。原典は『新鋭作家展出品目録』、富山市郷土博物館、1957年。
〔13〕瀬木慎一「画筆に生きた女のドラマ」『芸術生活』
1973年 ９ 月号、p. 19。
〔14〕前出『芥川紗織展』展覧会カタログ、p. 100。
〔15〕滝口修造、花田清輝、佐々木基一、末松正樹、安部公房、針生一郎「座談会 メキシコ美術展をめぐって」『美術批評』1955年10月号、p. 10。
〔16〕1950年代は、岡本太郎やイサム・ノグチらの影響もあって、一部の前衛芸術家たちの間で伝統への意識が高まっていたという背景もある。アレキサンド
ラ・モンロー「環：モダニズムと伝統」『戦後日本の前衛美術』展覧会カタログ、
横浜美術館、1994年、
pp. 53-55。

の教科書などでこの絵をご存知だった方が少なくないようでした。会場の出口には昨年流
行語にもなった「インスタ映え」を狙って「なりきりマラー」のコーナーも設けましたが、こちらも好評。「まさかマラーになれるなんて… やっちゃった」「最後のなりきり体験、
やってしまいました。それが意外と一番楽しかったかもしれません（笑）
」「マラーの死をやりたかったけど、恥ずかしくてできなかった。子供になりたい。無邪気さが欲しい」。
人目など気にせず、次回はどうぞ挑戦してください。
こういうのは楽しんだもの勝ちです。
次いで人気を集めたのが藤田嗣治。「藤田の卓越したデッサン力。木炭画の下絵に圧倒されました」「藤田画伯の絵に感動しました。
日本にこんな凄い人がいたんですね」。姉妹
提携のきっかけにもなった藤田の作品。名古屋の皆さん、
どうぞ今度はランスを訪問して、大聖堂や藤田チャペルを体験してみてください。
（Ｆ）「なりきりマラー」のコーナー

公開されるのは、今回が最後の機会になるでしょう。このコレクション、1990年に一度だ
け日本で公開されたことがありますが、その時とは作品がかなり変わっています。今回出品される64点の作品のほぼ半数は日本初公開です。その中には ４ メートルを超えるモネ最晩年の《睡蓮》の大作も含まれていますが、この作品は、日本はおろか、スイス国外に出るのも初めてという幻の傑作です。これぞ名作、これぞ印象派という珠玉の作品の数々と出会うこの展覧会。
どうぞお見逃しなく。
（Ｆ）

郷土の作家たち
大澤 鉦一郎（おおさわ せいいちろう／1893－1973）
大澤鉦一郎は1893年（明治26）に名古屋市に生まれた。愛知県立第一中学校（現・愛知
県立旭丘高等学校）に入学。水彩画に熱中し、画家を目指すようになり、1912年、東京高等工業高校（現・東京工業大学）工業図案科に入学した。そこで、図案科長だった松岡寿からデッサンの指導を受け、観察力、デッサン力を身に着けた。しかし、1914年初めに病気のため高等工業を中退し、知多で療養。快復後も在住し、美術雑誌『現代の洋画』や文芸
雑誌『白樺』に掲載されたゴッホ、セザンヌ
ら後期印象派（ポスト印象派）の画家やロダンの作品に触発されながら、独学で画家の道を歩み続けた。
1917年 ２ 月、岸田劉生、木村荘八らによる
草土社名古屋展が開催され、大澤は開催期間の ３ 日間を通い詰め、作品を熟覧している。
そして、その年に地元の「美を愛する」若い
画家たち山田睦三郎、宮脇晴らと愛美社を結成した。大澤は、対象物を丹念に観察し、細密な写実表現による作品を描いていく。1919
年には、愛美社油絵素描展覧会を開催し、《田舎の少年》《りんご三つ》（いずれも名古屋市

元永定正《あかいしかくのなかはいろぬり》1981年
アクリル・キャンヴァス

182. 0 ×227. 0 ㎝

今回ご紹介するのは、元永定正《あかいしかくのなかはいろぬり》（1981年）へ寄せられた来館者からのコメントです。三重県出身の元永（1922−2011）は、自己流で制作を続けていたところを吉原治良に認められ、1955
年から具体美術協会に参加し、日本画のたらし込み技法に着想を得た抽象絵画やオブジェ、パフォーマンスで頭角を現しました。
1966年ニューヨークに招聘されたのをきっかけにエアブラシを使い始め、本作に見られるようなユーモラスな形や色が登場するようになります。当館には《作品》（1961年）と併せ ２ 点が収蔵されていますが、コメントにもあるように、元永が手がけた絵本『もこもこもこ』や『ころころころ』、『もけらもけら』などに見られる形との類似から、特に懐かしさや親近感を覚えるのかもしれません。
（３）「パソコンのペイントツールで描いたかのよ
うな絵が、36年前に描かれていること。
」（もろみさん、23歳）「赤の色がきれい。もけらもけらみたい。ころころみたい。
」（静花さん、10歳）「ぼくは、だれかの頭の中のゆめのえだと思いました。
」（かずきさん、？歳）「昔見た絵本を思い出すなあ、と思っていたら同じ作者でした。理解しがたいのに嫌な感じが何一つせず、気の抜ける雰囲気が好きです。」（honoさん、20歳）「『あかいしかくのなか』を『いろぬり』するように、と自分で自分に指示して描いているように感じました。楽しそう。子どものあそびっぽく見えるのに、書いてるサインはバリバリ大人が書くそれだったので、なんかニ
クいなあと思った。
」（海月さん、20歳）「ぱあっ、という擬音が似合い、あっけらかんとした雰囲気が魅力的。
」（春待飽子さん、18歳）「格子と赤枠からカメラを連想しました。カ

美術館所蔵）、《自画像》《大曽根風景》（いずれも愛知県美術館所蔵）を含む19点を出品した。1928年には春陽会展に初入選し、以後出品し続けた。その後、細密な写実の作品は減っていくが、子どもや身近にいる人々の姿や日常生活をモチーフに、丹念な観察に基づき描く姿勢は失わなかった。1950年代以降は、輪郭線が生み出すシンプルな画面構成の作品へと変化を見せる。画家の徹底した観察がとら
えたモチーフの本質が、柔らかな色づかいで表現されている。
画家として活躍する一方、常滑町立常滑実
業女学校（現・愛知県立常滑高等学校）、愛知県立横須賀高等女学校（現・愛知県立横須賀高等学校）に美術科講師として勤め、美術教育にも貢献した。1973年（昭和48） １ 月、自宅で倒れ、帰らぬ人となった。（I.）

真島 直子（まじま なおこ／1944−）

真島直子は、名古屋においてシュルレアリ
スムを土台にして独自の抽象表現を試みた作家である眞島建三（まじまけんぞう／1916−1994）の第一子長女として生まれた。愛知県
立旭丘高等学校美術科を経て東京藝術大学美術学部油画科を卒業している。大学進学のために上京して以降は東京を主な拠点として作品の制作と発表を行っている。
絵画作品に加えてオブジェやインスタレー
ションによる立体作品の制作を初期から行っており、それらは主題と形式や素材について
既成概念にとらわれない柔軟な発想による個性的な創作となっている。1990年から作品名に「地ごく楽」が用いられるようになる。
「地ごく楽」は、「地獄」と「極楽」を重ね合わせて一語にした作家の造語で、作家の創作における境涯を表すとともに、この世にある私たちの「生」の状況を表す。2000年頃か
らは紙やキャンヴァスに鉛筆で細密描写を行う「鉛筆画」の制作が始められており、「地ごく楽」と「鉛筆画」はともに作家の代名詞ともいえるものとなっている。
真島が広く知られるようになったのは絵画と立体からなる一連の「地ごく楽」
作品によっ大澤鉦一郎《紫陽花と少女》1971年
名古屋市美術館蔵

メラのピントに合わせ、そこには色づいて世界が見える、そのようなイメージを抱きました。
」（Chibaさん、21歳）「赤い四角が周囲の物をよせつけない感じ。
恐怖？心の壁？偏見？何か分からないが、内と外は別の世界、決して交わることがない。
赤は暖かな色なのに少し不安になる。子供はそんなふうには思わないんだろうか？それとも大人だから、そんなふうに感じるんだろう
か…」（匿名、？歳）「あかいしかくの中にだけ、色がついていて、実際に見るとうきでているように見える。
他のところにこの“あかいしかく”がうごいたら、いったい灰色はどんな色になるんだろう
か？とわくわくする絵です。あと一緒に何か音がきこえてきそうな…パクッ、ニョロニョ
ロ、ぐにゅーん。」（Sakiさん、30代）「私には風呂場のタイルに見えました。タイ
ルの壁にタオル掛けと鏡ないしモニターがついているように見えました。何でも自分の生
活圏のなかのモノに置き換えて解釈してしまう、悪いクセです。」（クラーさん、22歳）「人がバンザイをしている、ささやかな幸せを手に入れた絵にみえます。ぬり絵の完成も、またささやかな日常の幸せのひとつのようです。
」（さくらさん、35歳）「所々に散らばるモンスター（と自分は呼んでいます。灰色の物体）たちが軽やかで、動く様子がすぐに思い浮かべられた。奴らはます
目なんか無視して動き回るが、赤い四角の中には入れなくて、もがいているようでもある。
いや、奴らが入れないように、赤い四角で囲った空間ができたのかもしれないのだ。どこか抑圧された自由…。俺は考え過ぎている。
『感じる』ことは重要だ。
」（やきそばさん、21歳）「題名からしても、見る人の想像力をかきたてますね。ひねくれた感想として…青いしかくや黄色いしかくを想像し、『青いしかくのなかはうごく』、『黄色いしかくのなかは点滅する』など、自分で作って楽しみました。線
や形に動きが見えたので、上記のような想像をしてしまったのかもしれません。」（みかんさん、28歳）「いい人っぽい絵です。難しいことを言うのがはずかしくなるような絵です。それがこの絵の価値なんだろうと思います。この建物にすこしにています。ぺこんと折れたのがおもしろい。」（K.Sさん、54歳）「一服の清涼剤のように心がほぐれて、すごく良かった。ずっと真剣な仕事をされてきたであろう作家さん（周りのしつらえや技術が高い点から察しているだけですが…）だろうに、人間味のようなものが窺えてとても良かったです。質の高いもの、選ばれし方々の選ばれし作品…という印象だけだと、アートの意義とか生活に本当にいるの…？と疲れてしまうことがあるので、元永さんの作品はとても救われました。」（匿名、？歳）

サイエンス＆アートフェスティバル
アート大会
2017年11月 ３ 日（金・祝）、 ４ 日㈯11月 ３ 日、 ４ 日の二日間、白川公園一帯を会場としたイベント「サイエンス＆アート
フェスティバル」が開催されました。美術館
では「アート大会」と称し、作家の山口百子さんをお迎えしてのイベントを行いました。
山口さんの提案で三つのプログラムが用意され、白川公園を訪れた方々が一日楽しんで帰られました。
まず、メインとなったプログラムは、「はじけるパウダーで大きな地上絵をかこう！」というもので、 ５ 色のパウダーを付けたスポ
ンジをポーンと飛ばして囲いの中に落下させ、それで付いた色が絵のようになるという仕組み。スポンジは渡された竿でそれぞれが釣りをするかのように回収します。このプ
ログラムは、特に子どもたちがとても楽しんでいました。スポンジを飛ばすのも面白いのですが、それを回収する時のゲーム感覚も、
子どもたちをわくわくさせたようです。出来上がった地上絵は・・・というと、正直、期待したような出来栄えとはなりませんでしたが、皆さんに楽しんでいただけたことは、とてもよかったと思います。
さて、もうひとつのプログラムは、「魔法ペンとミラーカードでキラキラ・サンクン
ガーデン！」というもの。暗闇で光る特別なペンを渡された子どもたちは、ミラーカード

イ ベ ント ガ イド
■特別展
名古屋市美術館開館30周年記念
モネ それからの100年
会期：2018年 ４ 月25日㈬〜 ７ 月 １ 日㈰料金：一 般 1 ,400円、高大生 1 ,000円、中学生以下無料「睡蓮」で知られる印象派の巨匠、モネの芸術の深みと広がりを、彼の精神を受け継ぐ現代美術の作家たちと比較することにより明らかにしていきます。モネの作品に加え、ウォー
ホル、福田美蘭といった現代美術を代表する
国内外の作家の作品約90点を展示します。
【関連催事】●記念講演会
日時： ５ 月20日㈰ 午後 ２ 時から
演題：「モネの色彩と光」
講師：松本陽子（画家・本展出品作家）●作品解説会①日時： ５ 月12日㈯ 午後 ２ 時〜 ３ 時30分
②日時： ６ 月17日㈰ 午後 ２ 時〜 ３ 時30分
講師：深谷克典（名古屋市美術館副館長）※記念講演会・作品解説会いずれも会場は ２てであり、グランプリを受賞した2002年の第10回バングラデッシュ・アジア・ビエンナー
レに出品した鉛筆画 ４ 点もこのシリーズに含まれる。
作家は2010年代に入って以降、久しく制作を止めていた油彩画の制作に再び取り組み始めている。「脳内麻薬」と題されたそれらの作品は、立体作品と同様に豊かな色彩を持ち、脳や腸などの図柄を伴いながら有機的な存在としての人間の来し方行く末を見通すような画面となっている。
2018年には名古屋市美術館と足利市立美術館で公立美術館では初となる大規模な個展が開催される。準備の過程で、本名の表記である「眞島」ではなく、作家名としては「真島」とすることが明らかにされた。名古屋市美術館においてはこれまで「眞島」としてきたが、これにより以後は「真島」を用いる。
（み。
）

真島直子《密林にて》2009年

名古屋市美術館蔵に思い思いの絵を描き、美術館ロビーの一角に設えられた暗室に入って、光る絵を見ることができました。出来上がった作品は、美術館のサンガーデンの植え込みの中に飾りました。
そして、「ラインをたどって、なぞをとこう！」というプログラムは、お馴染みのスタ
ンプラリー。美術館の周りにある黒いラインをたどって、ポイントごとに設置されたなぞを解きます。
アート大会では、沢山の方に美術館や白川公園を訪れていただきました。
子どもたちも、美術館のイベントに参加して絵を描いて楽しむという経験をし、楽しいひとときを過ごすと同時に、もしかすると人生の中で美術というものと少し関わりを持つきっかけが出来たかもしれません。
美術館としてはこのアート大会は一年に一回のイベントということで、毎年どんなプログラムにするか頭をひねっておりますが、毎回新しい発見もあり、反省もあり、次の年に向けていろいろと思うところもあります。いずれにせよ、皆様に少しでも美術館を楽しんでいただけるように楽しいイベントを開催出来ればと考えています。このイベントをきっかけに、皆様に美術館や白川公園を訪れていただければ大変嬉しく思います。
（AN）

階講堂、入場無料（聴講には本展チケット（観覧済み半券可）が必要）、先着180名■常設展
名品コレクション展Ⅰ（前期）会期： ４ 月25日㈬〜 ７ 月 １ 日㈰名古屋市美術館のコレクションから次のテーマに沿って作品を紹介します。
エコール・ド・パリ：フランスで描く
メキシコ・ルネサンス：ガイコツたちの饗宴−ポサダの芸術
現代の美術：収集熱−集めて、分類して、見せる
郷土の美術：名古屋のパフォーマンス－追悼
岩田信市と岸本清子■コレクション解析学
日時： ５ 月27日㈰ 午後 ２ 時から
演題：
「マリオネット、メキシコを行く」
会場は ２ 階講堂、無料、先着180名
作品：ティナ・モドッティ《操り人形としてのルネ・ダルノンクール》1929年
講師：竹葉丈（名古屋市美術館学芸員）
生

操

り

人

け

る

屍

形

休館日は月曜日（祝休日の場合は翌平日、ただし ４ 月30日
は開館）
、 ４ 月17日㈫〜 ４ 月24日㈫、 ７ 月 ３ 日㈫〜 ７ 月27日㈮です。詳しくは、美術館ウェブサイト
http://www.art-museum.city.nagoya.jp/をご覧ください。

（う）

展評

2017年12月 ９ 日㈯〜2018年 １ 月25日㈭ケンジタキギャラリー

田中信行 展
1959年生まれの田中信行は漆を素材にした立体作品を制作しています。麻布や和紙を漆で貼り重ねたり、木粉を漆に混ぜて固めるという手法で形を作り出す乾漆という技法で生み出された作品は、漆を用いた工芸作品のイメージを超えるものとして美術の分野でも注目され、高い評価を得ています。東京に生まれ、現在は金沢に在住し、金沢や東京などで多くの展覧会に出品しています。愛知では2013年に豊田市美術館で開催された「黒田辰秋・田中信行−漆という力−」展が記憶に新しいところです。
作家は、生命の根源や生成に関わる原初的な記憶を呼び起こす力を漆に感じており、漆の質感から触発された波打ちたわむ表面を持った作品を制作しています。漆は、塗ることと研ぐことを基本の技法としています。塗展評2018年 ２ 月10日㈯〜 ３ 月17日㈯ケンジタキギャラリー

横山奈美展 「自立」
DMに掲載された作品写真からは、ネオン管を使ったインスタレーションであるように思われたのだが、実際は精巧に描かれた油絵だった。麻布のキャンヴァスを丹念に塗り重ね、丁寧に、しかもかなり精密に描かれている。「Love（愛）」、「Story（物語）」という文字を象ったものや、窓の形などを象ったネオン管とその装置が描かれている。一番大掛かりだったのは、西洋美術の歴史で重要な地名
や芸術運動の名前の文字を象ったもの。大画面であることに加え、これらの装置を想像で描くのではなく、対象となるネオン管の装置を実際に発注して、それをモデルに描いているというから、作品作りの準備もかなり大掛かりだ。とにかく「絵画」という物体としての存在感の強さは圧倒的である。
描き方に関しては、岸田劉生を強く意識しているのだという。この国では、西洋から導入された油絵を学ぶことが美術を学ぶこととなってきた歴史背景とともに、洗脳に近い形で植え付けられた西洋文化へのコンプレック
スはまだ根強く文化の底辺にしっかりと這いつくばっている。その中で、じわりじわりと感じる違和感のようなものが、彼女の制作のモティベーションの一つになっているらしい。
しかし、彼女自身は、
よくも悪くも「伝統」となっているその土壌がまさに崩れゆくものであることを強く感じてもいるのだろう。街BOOK『アァルトの椅子と小さな家』（堀井和子著

河出書房新社2013年）

著者の堀井和子さんは、上智大学フランス語学科卒業後、料理スタイリストになり、その後、暮らしのこと、食のことなどを軽妙に綴ったエッセイでも知られるようになる。この本も、北欧・フィンランドの建築家アルヴァ・アァルトの名前をタイトルに入れ、表紙にも彼の椅子のイラストが描かれているものの、内容はアァルトのことばかりではな
古紙パルプを含む再生紙を使用しています。

ることで得られる質感と研ぐことによって得られる質感には違いがあり、平滑に研ぎ出されることによって光沢を宿す表面には漆に固有のなまめかしさがもたらされ、極薄の被膜というような皮膚感をも見るものに感じさせます。実在する何ものかの形を再現するのではなく、また実用に供するための器物としてでもなく形作られた田中の作品は、それを支える厚みを内在させつつ表面において何ものかを表出しています。その何ものかは、作家が漆に感じた生命の根源や生成に関わる原初的な記憶に相似するものなのでしょう。
この度の展示では「Imaginary Skin（イメージの皮膚）」と題された作品が含まれていました。研かれた黒漆の表面は、相対する外界をその曲面にあわせて幾重にも反射し、空間展評

2018年 １ 月 ４ 日㈭〜 ３ 月 ４ 日㈰三重県立美術館

モダニストの日本－石元泰博「桂」の系譜田中信行《Imaginary Skin Ⅱ》2016年
写真提供：ケンジタキギャラリーの中ではすでにLEDの看板が主流をなしていてネオン管は消えつつあるが、そのネオン管に西洋絵画の在り方を象徴する窓や、歴史的な芸術運動の名前を象り、これまでの美術の「物語」の終焉をうたっているようにも思われる。フロッピーディスクなど「消えゆく物たち」（タイトルは「最初の物体」となっている。）が立てられて描かれた、 ２ Ｆに展示されていた油彩もこの作品シリーズに呼応しているのだろうか。
また興味深かったのは、わざとどんくさそ
うなむっちりとした姿で（ぴっちりとしたＴ
シャツがそれをさらに強調している）、「Make
America Great Again」という文字が書かれた帽子を被った女の子が描かれたドローイン
グのシリーズである。情報をしっかり吟味できずに流されていく、わたしたち大衆の姿を象徴するようで、ほのぼのとした外見の女の子が、平凡なまま何か大変なことをしでかそうとしているようでもあり、どこか空恐ろし
く感じられるものであった。（hina）

本展覧会は、1960年に出版された写真集『桂
日本建築に於ける伝統と創造』を“到達点”
として、西洋近代の美意識（モダニズム）によって、日本の伝統美を発見、再評価した摸
索とその過程を作品と文献資料によって辿る。
建築家の岸田日出刀やブルーノ・タウトによって再評価された「日本の美」は、画家の長谷川三郎、彫刻家のイサム・ノグチ、デザ
イナーの剣持勇の制作等、桂離宮を巡るモダ
ニストの表象の連鎖として提示され、その成果がヴァルター・グロピウスと丹下健三、写真家の石元泰博による写真集『桂』に結実したことを展覧会は教えてくれる。
桂離宮の発見にモダニズムの美意識を探る本展覧会の“起点”に立つ写真家・石元泰博（1921-2012）には、もう一つの
「系譜」
がある。
石元が学んだシカゴの〈インスティテュート・オブ・デザイン〉とは、ラースロ・モホ
イ＝ナジ（1895-1946）による〈ニュー・バウ
ハウス〉をその前身とし、1939年に〈スクール・オブ・デザイン〉として再建されたものであった。この年、詩人でシュルレアリスムの紹介者であった瀧口修造（1903-1979）は、
シカゴのモホイ＝ナジの許に日本の写真家たちの作品を送っている。同年 ４ 月に〈写真造型研究会〉を結成した瀧口が唱道した「造型CULTURE,MOVIE, DRAMA&MUSIC
映画『リメンバー・ミー』

同時上映『アナと雪の女王/家族の思い出』
公開中 上映時間 ２ 時間07分

会場風景 ©Nami Yokoyama 写真提供：ケンジタキギャラリー

く、彼女が旅行先で体験したこと、食べたもの、見たものを、ごく個人的な好みに従ってエッセイにしたようなものだ。しかし、それぞれの描写から彼女の静かな感動が伝わって来て、ふつうの「暮らし」というものを大切にする姿勢に惹きつけられる。
目次を見ると、「暮らしの中のデザイン」
とか「カゴを編む本」、「スウェーデンのテキスタイル」、「アルテックのブルーの椅子とア
フリカのカゴ」、「Corbusierの小さな家」といった項目のあたりが、デザインや建築、そしてテキスタイルやカゴなどのクラフト系のものへの関心の強さを物語る。しかし、どの項目に関しても、実にさらりと肩の力の抜けたエッセイとして記されており、難しく芸術を語るようなところは感じられない。
このような本を読むと、私たちの暮らしと芸術的なものとの関係について考えさせられる。生活とかけ離れた芸術もあり、それはそれで鑑賞するのは楽しいものであるが、私たちにとって身近な生活の中にある芸術や、暮らしそのものが芸術であるということも、また、大切なことだと感じる。
この本は「美術書」のジャンルには入れがたい本かと思うのだが、こういった本のページを気楽にめくるのは心楽しいものである
し、それもひとつの芸術的な体験かもしれな
いと考えたりもする。生活や芸術を、時には気楽にのびのびと楽しみたいものだと思う。
（AN）

現在大ヒット公開中のディズニー/ピクサーによる映画『リメンバー・ミー』は、メキシコの〈死者の日〉をモティーフに、
ミュー
ジシャンを目指す少年が、自らの先祖を訪ねる冒険を描きます。これまでメキシコと言えば、「西部劇」だったような印象がありますが、本作品では、メキシコの人々の生活や伝統を深く取材し、その場面設定や背景も細部に至るまで丁寧に描かれています。
例えば、この世とあの世を繋ぐ黄金に輝く
橋は、「死者の日」に先祖を招くために蒔かれるマリゴールドの花びらで表現されます。
また、ミゲルの住む町は、どこかノスタル
ジックで夕暮れが似合う小さな町として設定される一方、彼が迷い込んだ「死者の国」は、マヤ文明から現代までの高層建築が林立する「巨大都市」として描かれます。
「死者の日」に爆竹を鳴らして祝う都市の喧騒と、静かに祖先の霊を迎える地方の対比
は、映画では「死者の国」と「現世」に置き換えて表現されていました。
「死者の日」に関して、
メキシコでは近年、「北」から国境を越えて入ってきた「ハロウィン」のイベントが定着しつつあるそうです。

のみならず時間をも重ねながら伸縮させているかのように見えました。作家の意図するところではないはずですが、想像上の皮膚である透明な漆の層の表面に捉えられた映像は、眼球に映じた写像や絵画について思いを到らせました。造形の美しさはもとより、気づきと思索を誘うもののある展示でした。
（み。
）
写真」は、対象のフォルムに注目し、画面を白と黒の構図として見せる抽象表現を展開した。写真の機能と時勢を意識した写真家たち
は、やがて民俗学に近づき、農民家屋の土壁に「モンドリアンを見る」ことになる。
モホイ＝ナジの死の翌年（1947年）に出版された『Vision in Motion』には果たして、日本から送られた作品が掲載されていた。同書を瀧口は、日比谷にあったGHQの図書館で閲覧しているが、その後1954年に石元の日本でのはじめての個展を企画した瀧口は、彼の作品に戦前の「造型写真」の系譜を見たのだろうか？モホイ＝ナジと石元の直接的な出会いはなかったようだが、モホイ＝ナジをシカゴへと招いた人物がグロピウスであったことを考えると、写真集『桂』は、正しく“モダニスト”たちの出会いとすれ違いの末に結実した“必然”であったような気がする。
［J.T.］

石元泰博《桂離宮 新御殿外観南面部分》
1981, 82年 国際交流基金蔵©Kochi Prefecture, Ishimoto Yasuhiro Photo Center

10月31日にはハロウィンと「死者の日」が一体となり、先祖を慕う本来の意識が希薄になることが懸念されています。アメリカからの脅威は、何も大統領ばかりではないようです。
ただ、「死者の日」に爆竹を括り付けられ、街頭に吊るされ、燃やされる人形のモデルとして現在のアメリカ大統領は、抜群の人気があるそうです。
この映画には唯一現存した人物として、メ
キシコの女性画家フリーダ・カーロ（1907−
1954）が登場します。メキシコ美術のコレクションを誇り、国内で唯一フリーダ・カーロの作品を所蔵する名古屋市美術館では、新年度の常設展に於いて、「ガイコツたちの饗宴−ポサダの芸術」と題して、ホセ・ガダルー
ペ・ポサダ（1852−1913）の版画作品を紹介いたします。勿論、フリーダ・カーロ《死の仮面を被った少女》も展示いたします。映画『リメンバー・ミー』を見た後でご覧いただ
くと、作品の理解もより深まるものと思います。
［J.T.］©2018 Disney/Pixar. All Rights Reserved.

【編集後記】
長く、寒い冬が終わり、ようやく暖かくなってきました。最近、我が家ではAI

アートペーパー第107号 発行日：2018年 ４ 月 １ 日
発行 名古屋市美術館化が進んでいます。照明やテレビ、ラジオ、エアコンなどをネットでつなげて、 ［芸術と科学の杜・白川公園内］
AIスピーカーに作動させるようにしてみたら、「照明をつけて」というだけで、電 http://www.art-museum.city.nagoya.jp/〒460-0008
気がつくのでなんだか魔法使いになった気分です。たった数千円の機械でこん 名古屋市中区栄二丁目17番25号
なに変わるのかと最近のテクノロジーの進化に驚きます。 最近、少子高齢化 地下鉄《伏見駅・大須観音駅・矢場町駅》下車
Tel.052-212-0001 Fax.052-212-0005
や人口減少によるわたしたちの社会の将来の危機が叫ばれていますが、テクノ 休館日：毎週月曜日（祝休日の場合は翌平日）

ロジーを導入しながら、社会の構造改革を進めて行けば、乗り切れるような気になってきました。 年を取って動けなくなってもベッドにいながらヴァーチャル美術館で作品を楽しめるようになるかもしれなせん。我が家のAIスピーカーは導入

年末年始
開館時間：午前 ９ 時30分〜午後 ５ 時
祝日を除く金曜日は午後 ８ 時まで※入場は閉館の30分前までしたばかりで、今はまだ「ちょっとわかりません。もう少し勉強します。」と答えることも多いですが、少しずつ学習して進化していくようです。その進化を日々感じながら、ドラえもんみたいな家族（友だち）ロボットが家庭に入る日も意外に近いのかもしれないと思い、ワクワクしています。（hina）

執筆者／深谷克典（F）、井口智子（I.）
、保崎裕徳（nori）、竹葉丈（J.T.）、角田美奈子（み。
）、中村暁子（AN）、笠木日南子（hina）
、清家三智
（3）
、植田直子
（う）