天命反転は起ったのか？ －荒川修作の「死」をめぐって
2010年₅月19日、荒川修作が亡くなった。

いる人にはとても見えない溌溂とした様子か
ら、
そのときは確かに「荒川さんは本当に死なない」のかもしれないと思った。
その若々しい「死ぬことは間違っている」と熱く語り続け生命力が漲った軽快な立ち振る舞いは、大袈ていた荒川さんが、こんなにも早く逝ってし裟ではなく20歳代の若者にも見えたのである。
まうとは…。翌朝、何も知らないまま出勤しその日の午後に開催した記念イベント「荒た美術館で、突然の訃報に接して、しばらく
川修作氏に質問する」のなかでも、₂時間以
呆然と天井を見上げていた。
上に渡って、
まったく疲れを見せることなく、しばらくすると次々に新聞社から取材の電
私たちが
「解読」
できなかったことについての話が入り、詳しい事情も掴めないまま慌しくに丁寧に答えてくれた。終了後には、対応に追われた。世界的に活躍する現代美術 「質問」
サイン会まで開かれて、たくさんの来館者と家・荒川修作を郷土出身の重要作家の一人と位置づけて、その代表作品を系統的に収集して、 会話を交わしながら、著書や展覧会カタログに「天命反転」
を実現するための多彩な言葉を調査・研究を続けてきた名古屋市美術館の学芸
書き記していた。
員として、その芸術の価値や意義、世界の美術界での位置や評価、その死がもたらす影響や意味、さらにはその人柄やエピソードなどにつ荒川修作は亡くなっていないのかもしれない。
いて、矢継ぎ早の質問にできる限り対応した。
そのなかで個人的な感想も尋ねられたが、実は、私が荒川さんに直接会ったのは数える
4 4 4 4 4
4 4
そのときも、₁ヶ月以上経ったいまも、ほどしかない（もちろん講演会やシンポジウム「信じられない」というのが正直な気持ちである。 などに参加して遠くから見たことは何回もある）。
美術館学芸員という仕事柄、
これまでに何
度も会うことのできる機会はあったはずなの
荒川修作は本当に亡くなったのか。
に、なぜかいつもすれ違いであった。
荒川さんが名古屋市美術館を訪れたときには、
いつも私数年前（2005年）、
特別展「荒川修作を解読すは出張だったり休暇だったりして不在で、後る」
を名古屋市美術館で開催したとき、その開から他の学芸員の話を聞いて、私には縁がな
会式に出席するために来日した荒川さんは、
作
いのかなと諦めていた。いま思い出す限りで家からの挨拶のなかで、エネルギッシュな身振も、ゆっくり話ができたのは、
おそらく一度きりを交えながら、低音に特徴のある魅力的な声
りしかない。
それは先述した特別展「荒川修作
で、｢死なないため｣の持論を滔々と語り続けを解読する」の開催の了承を得るために、来日ていた。黒々とした頭髪、艶やかな肌、
精悍な中の東京まで会いに行ったときのことである。
容貌など、間もなく70歳代を迎えようとして

石黒 鏘二 （彫刻家・元名古屋市美術館参与）

彫刻・その発表形式の変遷 その３アートに見る「新しい波」

2008年横浜トリエンナーレでも話題を提供した、中谷芙二子氏の「霧の彫刻」とのはじめての出会いは70年大阪万博であった。
直径50メートル、高さ23メートルのペプシ
館を、霧ですっぽりと包み込んだ作品は、猛暑という環境も手伝い、われわれに大変な心地よさと驚きを与えた。
現在では、農業や工業などの様々な分野
で、世界各地で活用されている自然と同じような霧を、屋外で人工的に大量発生させる微細霧ノズルの開発は大変であった。その時、彼女のために協力したのは、アメリ
カの雲物理学者のトーマス・ミーであった。
その後、オーストラリアのシドニー・ビ
エンナーレをはじめ、川治温泉でのビル・ヴィオラとの共演によるもの、パリのラ・ヴィレットにある水の庭、立川市の昭和記
念公園こどもの森など、
この「霧の彫刻」
は、国内外を舞台に大規模に活躍した。

「美術館でまたもや盗難！」
₅月20日、パリの中心部にある市立近代美術館で、ピカソやマチスをはじめとする作品
₅点が盗難にあったとのニュースがイン
ターネット等で伝えられました。盗まれた₅点は、いずれも質の高い作品ばかり。かなり目の肥えた泥棒による計画的な犯罪と推測されますが、被害総額110億円相当というとて通常われわれは、その場の大気・風・気
温などの微気象を見ることはできない。四季の中で呼吸する地表にどっぷりと浸かりながら、それらを見る能力はないのである。
せいぜい自らの身体的触覚機能と草花の変化を見てそれを感じているに過ぎない。この「霧の彫刻」
は、人工的に霧を発生させることにより、これらの不可視の大気現象を視覚化させたはじめての彫刻と呼んでいい。自然と人工が応答し融合する未体験の領域を提供したのである。
写真の発明から百数十年が経過し、映画、テレビ、コンピュータというメディアが相次いで誕生した「映像の時代」は、なお拡大し衰えを知らない。映像作家の飯村隆彦氏
は、「ポストモダンへ向かう電子芸術」
という活動の報告書で、エレクトロニック・アー
トには、₂次元の絵画やグラフィックス、₃次元の彫刻や建築、さらに音楽や映像を含めた幅広い領域があり、最近はバーチャ
ル・リアリティ（仮想現実）にも関心を持っていると語る。
このデジタル化が日常化する時代の中で、この「新しい波」
を代表するお二人の動
きが、われわれのアイデンティティや発表
形式に、いろいろな示唆を与えてくれる。
つもない数字が、ニュースへの関心を一層高めました。この美術館を過去に何度も訪れたことのある筆者としては、金額の高さよりも、「あの美術館で！」という驚きの方が先に立ったのですが、昨今このようなニュースが頻繁に海外から聞こえてきます。日本でも神社仏閣から美術品が盗まれたというニュースは時
折耳にしますが、幸いにして美術館が被害にあった例はほとんどないようです。年々物騒になる日本の社会ですが、欧米に比べればまだまだ治安がよいとも言えますし、新しい美術館が多い日本では、欧米の歴史のある美術館よりも建物の安全設計が進んでいるとも言

開会式で挨拶する荒川修作氏（2005年₃月18日）

日、東京事務所のスタッフから美術館に電話
この展覧会は、名古屋市美術館と岐阜県美が掛かってきた。
「荒川さんに展覧会の相談
術館の所蔵作品（総計13点）による荒川修作のに来て、₅分でOKを貰った人を初めて見ま初めての回顧展になったものであるが、いつした」と、荒川さんの積極的な対応ぶりに驚も未来に向って芸術活動を展開している荒川
かされたことを率直に教えてくれた。
さんが、過去を振り返るような展覧会の開催を認めてくれるのかと、大きな不安を抱きながら新幹線に乗ったことを覚えている。滞在
荒川修作は生きているのかもしれない。
中のホテルのロビーのカフェで、東京事務所のスタッフも同席するなかで、まず最初に、ともかく、それからは展覧会とまったく関係
私から企画書を見せながら、展覧会の企画内のない話を₂時間ばかりした。
どんなことを話容と展示構成について、すなわち二つの美術
したのか、
ほとんど忘れてしまったが、なぜか館のコレクションによる回顧展であること、京都の頃の話になったことを覚えている。
そのそして「解読する」という展覧会名にもあるよ
とき初めて知ったことであるが、荒川さんにように、荒川さんの作品の綿密な調査・研究をると、
旭丘高等学校の美術課程に通っていた頃
行って、その「解読」
成果の発表を目的にして （同級生には赤瀬川原平や岩田信市が在籍していることを説明した。これまでの荒川修作論
いた）に、
結核か何かで休学したことがあって、が、その思想について美術以外の多彩な分野
一時期、京都に下宿したことがあったらしい。
（哲学、物理学、生物学など）から語ったものその頃の思い出話なのだが、近所に老舗のが多くて、その作品について美術史的に研究
和菓子屋があって、よく薯蕷
（上用）
饅頭を買
したものが少ないことに問題を感じていた私いに行ったのだという。その店先には三段のは、その作品を所蔵している美術館の学芸員
棚のあるショウ・ケースがあって、三段ともこそが、そのような専門的な研究を行うべきに同じ饅頭が大皿に盛って置いてあるのに、であると考えていたのである。
これに対して、 荒川さんが行くと、いつも必ず最下段の大皿
荒川さんは何の条件も付けることなく、直ちから饅頭を取って包んでくれるので、不思議に「OK、こんな展覧会を企画してほしかっに思って、ある日最上段の饅頭がいいと指差た」と了解してくれた。おそらく荒川さんもして言ったら、やんわりと断られたというの
私と同じ気持ちだったのではないだろうか。
である。
荒川さんは、会話の途中で、
ポケット
荒川さんとの話を終えて名古屋に帰った翌
からペンを取り出して、私が渡した企画書をえるでしょう。今回の場合、夜間に窓ガラスを割って館内に侵入したようですが、当館の場合、外に面したガラスを割っただけでは展示室内に絶対に侵入できない構造になっています。それにしても、これほど欧米で美術品の盗難が多いのは、当然その市場価値が極めて高いからに他なりません。世界全体の経済がこれほど不安定なのにもかかわらず、美術品の価値が上がり続けているのは、通貨や債権の信用が下落している反動といえるでしょう。すなわちお金持ちの人々にとって、優れた美術品は数少ない安定した投機対象なのです。そしてそれは泥棒にとっても魅力的な獲物になります。頻発する著名な美術品盗難の背後には、それを売りさばく巨大な地下市場の存在がささやかれていますが、どうやらそれはミステリーまがいのうわさ話のレベルではなさそうです。国際的な犯罪を防止する警察組織インターポールのデータベースには、₃万点を超える盗難美術品の情報が蓄積されているということですが、これは広く情報を提供することによって発見を促すのと、知らぬ間に盗品を入手してしまうことを避けることを目的としています。同組織のホームペー
ジを通じて見ることができますので、一度覗いてみてはいかがでしょう。
（F）「荒川修作を解読する」展の会場

裏返すと、そこにショウ・ケースの図面を描いて、「なぜだか、
わかるかね」と、あの独特の低音が響く声で問い掛けられた。私が戸惑っていると、「値段は同じだよ」と追い討ちを掛けられて…。私がおずおずと「作ったときが違うのでは…」と答えると、「そうなんだよ。
近所の町衆の常連さんには出来立ての饅頭を渡すんだよ」と、大きな声で笑って、ショウ・ケースの図面をペンで指しながら、いくつか→（矢印）まで描き加えて、饅頭は作った順番にだんだん下段に降りていくと言うのである。
いまから思うと、
なぜ、
こんな他愛もない話になったのかも覚えていないけれど、この話を鮮明に覚えているのは、京都人の「いけず」な話が面白かったからでは決してなく、荒川さんの会話の進め方がとても印象的だったからである。すなわち、
話し言葉だけでなく、実際に紙の上に図面を描いて、相手に対して視覚的にもわかりやすく順序立てて説明しようとするという荒川さんの仕草が、とても自然で、いつも遣り慣れている感じがしたのである。
荒作品の運搬と展示 6

前々回から作品の点検の際の問題についてご紹介しています。事前の記録には存在しない、
新たな傷が作品に見つかった場合どうするのか？ その傷が、本当に借用前には存在しな
かった新しい傷なのか？ あるいは最初からあった古い傷なのに、点検の際に見逃しただけなのか？ この難問に解答、とまでいかずとも一つの方向性を与えてくれるのが修復家の存在です。
一つの展覧会を組織するためには、美術館の学芸員はもちろんのこと、共催する新聞社やテレビ局の事業部員、運送・展示を担当する専門業者、
ディスプレイ業者、
ポスターやチラシを作る印刷業者、そしてカタログ制
作会社など、数多くのスタッフの力が必要とされますが、そのスタッフの一人に修復家が
います。
修復家は、
美術品にとってのお医者さんのような役割を果たす存在で、美術品の状態（病状）を正確に把握して、その状態に相応
しい対処方法（治療法）
を施すのが主な仕事です。
通常、修復家はそれぞれにアトリエを構えて、様々な美術館や個人コレクターなどから持ち込まれる美術品のトラブルに対処していますが、展覧会の際には主催者から依頼を受けて、展示撤収の際の作品の状態確認などを行う
ことがあります。
お医者さんにとっての往診のようなものと言えるでしょうか。
作品に責任を持ち、状態確認を行うのは学芸員の仕事では、没後120年 ゴッホ展
2011年₂月22日～₄月10日、開催予定
今から14年前の1996年、当館では最初のゴッホ展を開催しています。ゴッホの二大コレクションといわれるオランダのクレラー＝ミュラー美術館の所蔵品による「ゴッホ展」
がそれで、僅か１ヶ月の会期に27万人近い来館

川さんが何気なく描いた三段のショウ・ケースの図面は、
とても簡潔に格子状の直線で₃段に分割され、そこに幾何学的に記号化された山
盛りの饅頭が乗った大皿が描かれて、それぞれの位置関係や配列状態が表示されていた。
そして、その図面の上に、運動や移行を意味する矢印まで後から描き加えて…。
そのときは気づかなかったけれど、
いま考えると、
これは紛れもなく、
荒川修作の図式絵画の原初的な形態であることが理解できる。あの企画書の裏面に描かれたショウ・ケースの図面は、おそらくゴミ箱に丸めて捨てられてしまったことだろう。
もし、
あのとき気づいていれば、こっそり鞄に入れて持ち帰って、この追悼文の参考図版に掲載できたのに…。
まさに後悔先に立たず。

世界観についても、美術館学芸員ならば本来聞いておくべき専門的な話を聞くことができなかった（のは、そのとき私が的確な質問をするだけの知識も理解も持ち合わせていなかったからである）
。しかし、
その後、
私は
「荒
川修作を解読する」
展のために、岐阜県美術館と養老天命反転地に勤務していた二人の美術館学芸員と、ほぼ毎月₁回
（₆時間）
、研究
対象となる荒川作品（₁点）
について徹底的に検討する荒川修作研究会（私たちの通称では
荒研）
を₃年間に渡って30回以上開いて、荒
川作品の
「解読」
に取り組むなかで、作品を通して荒川さんから間接的に聞くことができた
話は膨大な質量になったと確信している。荒川作品のなかには、荒川修作が徹底的に考え抜いたことが、鑑賞者にできる限り正確に伝わるように、図式や記号、文字などを駆使して、美しく表現されているのである。思いつきや偶然による表現は画面のなかにまったくない。すべてが荒川さんの明解なメッセージなのである。
このときの展覧会カタログは、荒川さん自身が₃日間持ち歩いて熟読してくれた（と東京事務所のスタッフから聞いた）
ことが、私
たちの
「解読」
の成果を証明してくれていると思っている。また、展覧会の開会式の挨拶のなかでも、「とても良い仕事をしてくれた」とお褒めの言葉を貰ったことは、いささか自慢
したい思い出である。
荒川修作は、初期の「棺桶作品」と言われる生命体のオブジェ作品から、視覚を通して鑑賞者に伝達する図式絵画を経て、人間の身体感覚を直接刺激する建築的な作品に到るまで、その総合的な芸術活動を通して、本気で真剣に人間を変革しようと考えていた。誰もがいつか必ず死ぬという
「天命」
を
「脳」
で諦め
て生きている人間の精神を、直接的に「身体」への働きかけを通して、「死ぬことは間違っている」
ことを実感して、
「天命」
を
「反転」
さ
せて、生き生きと生きる人間へと変革するために、その生涯を掛けて取り組んできたのである。この地球という星の大地（地面）の上に立って、つねに重力の影響の下に生きている
人間、すなわち私たち一人ひとりが変わることを望んでいたのである。そして、すべての人が変わり得ることを信じていたのである。
荒川修作は生物学的には死んだけれども、作品のなかには、確かにいまも生きている。
2010年₅月19日、荒川さんには「天命反転は起った」
けれども、これから重要なことは、
私たち一人ひとりが「天命反転を起すことができるか」ということである。
（sy）

荒川修作は確かにいまも生きている。
実際に、私が荒川さんとの会話で直接的に聞いたのは、こんな笑い話のような思い出話だけだった。荒川さんの芸術論についても、とお考えの方もいらっしゃるかもしれません。
確かに、作品の所有者のもとに出かけていき、双方で状態を確認の上で記録を取り、作品を借用してくるのはほとんどの場合学芸員の仕事になります。
しかし、筆者も含む学芸員の大半
は、美術品や作者に関する知識は豊富に持っていたとしても、絵の具の成分や経年変化、
キャンヴァスや絹布の劣化状態などといった科学的知識についてはほとんど持ち合わせていないのが実状です。ですから、例えば絵画の点検を行って表面に傷があるのを発見しても、それが新しいものか古いものかを判断できたとしても、何故その傷が生じて、どのよう 「コレクションを極める」
な対処をすればよいのかといった具体的な方策を講じることはまずできません。そこで登₂月から₃月にかけて開催した「コレク場するのが修復家です。様々な借り主のもとションを極める」
は、名古屋市美術館の所蔵から集められ、美術館の展示室に運び込まれ品を常設展とは違った視点で紹介して、そのた作品を、
一点一点改めて入念に点検して、そ面白さをお伝えしようとした展覧会でした。
の状態をリポートに記録していくのが修復家
感想ノートにも多くの言葉が寄せられましたの仕事となります。借用の際に見逃されていが、最近はこのノートもかなり国際的になり、た傷が新たに発見されるのはこんな時です。
英語の他に、フランス語、イタリア語、ポル
借用の際の点検は、時間が限られていたり、個
トガル語などの感想も記されていました。そ人のお宅などの場合、照明設備が不十分だっの中に、今時キャプションや解説文が一部したりすることもあり、往々にして幾つかの傷か英訳されていないのは、けしからんとのおが見逃されることがありますが、修復家の目叱りの言葉がありました。確かに感想ノート
による入念な点検がそれを防いでくれます。
を見るまでもなく、最近は美術館を訪れる外
新たな傷の発見か？と学芸員であれば緊張す国の方がかなり増えており、バイリンガル表るところを、修復家は豊富な経験と知識によ記を真剣に検討すべき時期に来ていると感じり、その傷の発生の原因や時期などを的確に、 ています。さて、今回の感想ノートの大部分
かつ強い説得力で分析してくれます。そしてを占めたのは、作品解説に関するものでした。
大半の場合、
それは見落としがもたらした「発
今回の展示では全ての作品に300字程度の解見」であり、作品の状態に本質的な変化はない説を付けたのですが、客観的なデータの記述ことを教えてくれるのが修復家なのです。
（F） を中心とする通常の解説とは異なり、作品の見所を掘り下げる、主観的な解説にあえて踏み込みました。この解説はおおむねご好評をいただき、「作品の解説がイメージをふくらませてくれて楽しかったです」
とか「解説によ
り深く見られ、絵画に“参加”できた気がします」、あるいは「難しい専門用語が沢山書かれているより、
今回のような解説は作品を見る、楽しむためのヒントが書かれていて素晴らし
いと思いました」などなど、嬉しい感想を沢山ちょうだいしました。もちろん、一方では主観的な解説に対して「押しつけがましく、一方的な個人的見解を堂々と述べているあた
りが、かなり不愉快だった」という厳しいお言葉もありましたし、「素敵な文章です」と評価していただきながら「丁寧すぎて見る方が考える余地がありません」というご指摘もありました。あえて実験的な試みを行った今回の作品解説。
一部ご批判もいただきましたが、充分な手応えもありました。
美術館の役割は、何といっても作品と鑑賞者との橋渡しであり、作品の素晴らしさ、面白さをどれだけ伝えることができるかが、評価の基準になるものと考えています。解説に限らず、従来の枠に捕らわれない実験的な試みを今後とも重ねていきたいと思います。
（F）

すが、実は彼はたぐいまれなる努力の人でもありました。彼の作品の中には、過去の巨匠たちから同時代の前衛作家、大衆的な雑誌の挿絵から日本の浮世絵にいたるまで、ありとあらゆる要素が渾然一体となって存在しており、貪欲なまでの好奇心と必死の努力の跡をそこに見ることができます。そのため初期の作品には折衷的と呼びたくなるような表現が往々にして見られますが、やがてそれは誰にも真似することのできない、自らの生命を燃やし尽くすようなあの独特の様式へと収斂していきます。ゴッホの作品が今なお我々を揺さぶり続けるのは、造形上の強い表現力もさることながら、存在の全てを賭けた彼の熱い思いがそこに深く刻印されているからに他なりません。
ゴッホの作品を見るということは、120年の時を超えてゴッホその人と対峙するということなのです。今回の展覧会では《ア
ルルの寝室》や《種まく人》《、アイリス》といったこの画家の代表作の数々を堪能するだけでなく、最新の科学的研究の成果や、アルルの寝室の実物大再現といった多面的なアプロー
チにより、孤高の天才画家の創造の根源に迫
ります。
（F）

者をお迎えした記録的な展覧会でした。それから14年を経て開催される今回のゴッホ展
は、画家の没後120年を記念して、クレラー＝ミュラー美術館とゴッホ美術館という二大
コレクションの作品を中心に構成されるものです。サブタイトルは「こうして彼はゴッホになった」。すなわち、画家を志してから僅か10年という短い期間に、ゴッホがあの独特の作風をいかにして作り上げていったのか、
その軌跡を検証しようとするものです。その悲劇的な生涯と圧倒的に独創的な作風ゆえに、しばしば孤高の天才と称されるゴッホで「荒川修作を解読する」
展のカタログ

「この絵を見ていて最初は他の方の意見の様に人の顔のように見えたり、間違い探しをしている様な感覚になっていたのですが、この絵のタイトルを見て、率直に湖が自身に映るありのままのを映し出す心というか、存在というものであることについて描かれたのではないかという考えを持つことができました。
ちせつな文章ですみません > <;」（ユキジさん 18歳）

今回のテーマは、名古屋と知多にゆかりのある日本画家、嶋谷自然が描いた《湖心》（1978年）で す。2010年₁月₉日 −2010年₃月28日の展示期間にお寄せいただいた皆様のご意見を紹介します。

「私には“脳みそ”にも見えます。心を表すよ
うな人間の芯の部分というか…。水面が透明すぎて、緑の物体の底まで見えているのか、反射しているのか、宙に浮いているのか…。
四方八方から眺めたい作品だなぁって思いました‼不思議だからこそ十人十色の価値観で楽しめるのだと感じました （」マルさん 25歳）

「この絵はしまみたいでいろんな色がつかってあってすごいです。なんだかたのしくてふしぎな絵だな」（ゆうたさん ₈歳）「鏡に写ったようなまかふしぎの絵でグラデがとてもキレイで、心が落ち着きます、
一見、
上下対称のようにみえますが、少し違ったところがあるのでぜひ探してみてくださ～い‼
目をこらしてみればわかります！」（ひかるさん 13歳）「なんてきれいな色なんだろう。この画家さん（嶋谷自然）の絵を一度みてみたいと思っていました。今日はとても幸せな気分です。今までこの美術館の常設展に何度も来ていまし
たが、であったのははじめて‼です。心が晴れないとき、この絵を見れば、何とかなるよ…ガッカリしないで…こんなにも自然界の色はきれいなんだし…と思えますよね。
（｣ マー
シャさん 60代）「嶋谷さんの絵、日展で鑑賞していらい、な
つかしい感じがする。じ～と見ていると映画の世界"もののけ姫"のような画風。何か楽しげな絵です。
（」？さん ？歳）「陸と水の区別がしっかりとできていて近くでみると水との境界が分かるけど遠くからみると水と陸がつながって見えてとても不思

どうして“フランク・ステラ「せっきょう」”
は、とびでているだけなのに、「せっきょう」っていう題名？どうして？
フランク・ステラの《説教》
は当館の常設展
ではお馴染みの作品ですが、そのタイトルについて疑問を抱かれる方は多いのではないでしょうか。一見抽象的で、なんの物語性も感じられない作品ですが、ステラは、実はこの作品のタイトルを、アメリカの作家メルヴィ
ルの『白鯨』という小説から採っています。
『白鯨』
は、捕鯨船ピークォド号の船長であるエイハブと、彼の片足を食いちぎった白鯨モー
ビィー・ディックとの対決を描いたもので、「ちょっぴり重たい気分でいましたが、この絵に接し不思議な浮遊感…おかげさまで少し
晴れやかになれました‼」（？さん ？歳）

嶋谷自然《湖心》1978年

議。陸の空と水に映った空を見ると陸の空が暗い感じで水の空が明るい感じがする。
（」風
音さん ？歳）「横向きに見ると生き物にも見える！緑と青
で目にやさしい。湖に雲もうつっている。上
半分の空は暗くて下半分の湖にうつった空は明るい。
（」たけしさん 14歳）

「ロールシャッハ
（？）のテストを思い出すよ
うな絵ですね。人か動物か怪獣が見えるよう 「湖心という題名から人の心の裏、表を表す作品なのではないかと思った。上下対称の絵
な…住んでいるような…上下が同じ丸い島全（」T.Iさん 13歳）
体が空中に浮いているようにも見えます。
」 でもある。
（里さん 52歳）「人の心の中の様 まるで時間が経った心が水平の下で美化され洗練されている様だ。本当「動物が隠されているのですか。
（」あっすんさの時の流は短いが真理の底では長い旅をしてん 13歳）
いる気がした。
（」敦さん 40歳）
実に135章から成る長編小説です。135章に
「語
源」
、
「文献抄」
、
「エピローグ」
を加えた138の部分から構成されているのですが、ステラはこの138の部分を全て作品化することにしました。作品のそれぞれに、各章のタイトルを付すことにしたのです。
そもそも作品の中に鯨というものを取り入れようとしたのは、息子といっしょに訪れた水族館で、ゆったりと泳ぐ鯨を見たことによるそうです。そこからステラは、少年時代に
読んだ小説
『白鯨』
を思い出し、再度読み出したのです。読めば読むほど、その各章のタイトルを作品に使うことを素晴らしいと感じた
ステラは、〈白鯨シリーズ〉
または
〈波シリー
ズ〉
と呼ばれる266点にものぼるシリーズを作
り出しました。彼はそのために12年の歳月をかけたということです。
「説教」
は、小説
『白鯨』
の第₉章のタイトルです。教会での神父の説教を題材にしたこの章の内容は、しかし、作品の造形的な面には何も反映されていないように見えます。ステラはなぜ、このような抽象的な作品に、物語のタイトルを付けているのでしょうか？
ステラの初期作品は、もっとミニマルなものでした。この作品のように壁から飛び出してもいないし、うねりや動きを感じさせるものでもなく、最小限の要素によって表現しようとした絵画だったのです。そういった作品
が徐々に変化し、抽象絵画の新たな可能性を模索しながら、やがて《説教》のような作品が生まれて来ました。感情的なものを極力排した画面から、賑やかで動きがあり、感情的ともいえる画面へと変化したのです。このようなステラの制作の方向性と、タイトルに見られる具体的な表現には、何か関連があるのかもしれません。

（1881―1938）（1890―1957）
と服部有恒
松岡映丘
ー名古屋市庁貴賓室壁画『織豊両公対作』

名古屋市は、1933（昭和₈）年10月に完成したばかりの市庁舎貴賓室に掲げる絵画作品の制作を日本画家・松岡映丘（1881−1938）に依頼する。民俗学者の柳田国男を実兄にもち、10代半ばより本格的な大和絵の道に進んだ映
丘は、歴史風俗の考証を重ね、平安時代に成立した大和絵に於ける風景画の世界を近代日本画のなかに再生させた。前年1932（昭和₇）
年の第13回帝展に《右大臣実朝》を出品し、近代に於ける“歴史画”のジャンルを確立、その第一人者としての地位をゆるぎないものにした映丘は、名古屋市が依頼するに格好の人物であった。
《安土山上の信長》
は、そうした映丘の志向を如実に示すものでもある。
「癇癪らしいその人の風格を表はして、あるひらめきを見せている。しかし全体が温和な様式に統制されて表現の割に左方の松の木などは写実にすぎて些か調子が破られたようである。
「」大和絵の伝統と写実との調和に苦心の跡が見られ、殊に古実の調べの周到さは十分

松岡映丘《安土山上の信長》1934（昭和₉）年

服部有恒《東征出陣の秀吉》1934
（昭和₉）
年

に汲める。
人物と背景の調和にはまだ多少研究の余地が残されて居るやうに見受けられる。
」《安土山上の信長》には、手厳しいが的確な指摘が寄せられたが、だがそれでもなお、「映丘氏の作品は、美人画や風景でない限り、帝展には、なくてならないのだ。
」という支持を受け、さらには「日本國史畫の重要生命点だ。
」とまで評価された。そうした映丘には、早くからこの地方からも師事を仰ぐ作家が相次いで現れた。例えば、林雲鳳（1899−1969）
は、映丘に学ぶべく東京に居を移し、帝展入選を重ね、《安土山上の信長》が発表された第15回
帝展には《松の下露図》（当館所蔵）を出品している。また、名古屋出身の日本画家・服部有恒（1890−1957）は、東京美術学校の先輩でもある映丘に師事し、終生「最も忠実な映丘の

古典主義の踏襲者」とまで評された。
さて、その経緯と詳細、さらに出品歴については不詳であるものの、師・映丘の《安土
山上の信長》に合わせて、服部有恒の作品《東征出陣の秀吉》も、名古屋市からの依頼に応じて制作されたものである。
師・映丘の
「信長」
が、琵琶湖を眼下に望む山上で描かれているのに対して、弟子・有恒の
「秀吉」
は、陣幕の
なかに於かれ、「信長」に対面しながら、一段下に言わば一歩下がるかのように配される。
さらに眼下に見える琵琶湖の汀に呼応し、つながるかのように陣幕の裾は描かれる。仕える従者の手に鷹と新武器である鉄砲を描くことによって映丘が、「信長」の得意と好尚を象徴したのに対して、有恒は陣幕と「秀吉」の鎧姿、それに従者が曳く軍馬を飾り、師の大和《湖心》
を間近でご覧になった方は、とても粒子の粗い岩絵具(緑青)が、この美しい色彩を作り出していることに気づかれたと思います（白黒の画像では伝わらないのが残念です
が…）。形も色調も非常に柔らかで、日本的な美意識を感じさせる画風に魅せられた方も多いことでしょう。
「風景に向かい、その雰
囲気に没入してひたすら写生していると、雑念が払われるように風景からも余分なものが消えて、結果的には省略化された簡潔な風景画へと昇華される」と話す嶋谷自然は、64年にわたってもっぱら風景画を描き続けました。
《湖心》
は長野県野尻湖の弁天島がモチーフになっているそうです。この作品は、1979
年の第11回改組日展で文部大臣賞を受賞しています。
（nori）
単に壁から飛び出している抽象的な作品に
何故《説教》というタイトルが付いているのか、という疑問は、ステラの作品の核心に迫る
疑問ではないかと思います。
それは、
抽象絵画
とは何であるのかということを考えさせるものでもあります。
すぐに答えは出なくとも、考えてみるのは面白いことなのではないでしょうか。そして、矛盾するようですが、ステラのこの作品はまた、何も考えずに純粋に色や形を楽しむのにとても良い作品でもあるのです。
ダイナミックなうねりや動き、
色彩の鮮やかな取り合わせを楽しんでいただければと思います。
ステラの作り出した抽象の世界、
どう
ぞ心ゆくまで楽しんでみてください。
（akko）＊ご質問をとりあげさせていただいたU.Y.さんには、「ポーラ美術館コレクション展−印象派とエコール・ド・
パリ」の招待券₂枚をお送りさせていただきます。どうもありがとうございました。

絵の風景描写に対応し、思い切った装飾的処理で対照させて見せる。師・映丘の画風から脱却すべく模索を続けていた有恒は以後、線描と明るい色彩に独自性を見出して行った。
この二点が制作された翌1935（昭和10）
年、
松田文相による「帝展改組」
にあたって、松岡
映丘は東京美術学校日本画科教授の職を辞し、<国画院>を結成し、その創立に「我が民族精神の精華たる古典の素養に基きて時代に更生し、新興芸術文化の為に奉仕したい」という趣旨を掲げている。有恒は師・映丘について、「その理想は極めて高遠でその教義は非常に広汎なものである。つまり大きな意味
での國畫運動を提唱せられたのであるが、中に就きて歴史画に於ては常に第一義歴史画の絶対的な存在を高唱された。
」と絶対の信頼を寄せていた。だが、映丘が推進した新興大和
絵は日本画の洋風化と揶揄され、また彼等が信奉した歴史画は、やがて時代の趨勢のなかで美談や訓示等、別趣の意味や役割を担わされて行くことになる。
余計な事かも知れないが、この二点の作品を購入するに当たり、名古屋市は寄附金を募
集、利息を含めたその総額は三千六拾壹圓に及んだ。その報償として映丘には二千円、有恒にはその半額の壹千圓が支払われた。それにしても、どうして名古屋はこんなにも“織豊”が好きなのだろう？
（J.T.）

2010年₅月₁日㈯～₅月31日㈪伊豆高原

第18回伊豆高原アートフェスティバル
伊豆高原アートフェスティバルに行ってきた。毎年₅月に開かれるこのフェスティバル
は、伊豆高原に暮らす人々が主に自宅を開放
して様々な作品を展示しているもので、美術館で作品を観るのとはまた違った気楽な雰囲
気が楽しい。出かけた日は雨模様で、高原へと向かう道は濃い霧に包まれ、休火山の大室山の綺麗なかたちも全く見えなかったが、翌日になると嘘のように青空が広がり、清々し
い₅月の新緑が目に眩しかった。最初にこのフェスティバルを主催する谷川晃一さんの「南庭工房」を訪ねると、飄々とした谷川さんが現れて、亡くなられた奥様の宮迫千鶴さんとご自分の作品について説明してくださった。明るく楽しげな作品の数々に心が和む。
次に、谷川さんのところからほど近い田島征三さんのお宅を訪問。絵具の跡からアトリエとして使われていたことがわかる部屋に、田島さんは木の実を使った作品を展示していた。
木の実が不思議なアートに変化して、
なんだか気のようなものを発しているみたいだった。田島さんのアトリエを後にして、池田20世紀美術館に向かった。企画展として名古屋の画家、稲垣考二さんの作品がずらりと並び、圧巻であった。二日目には何人かの作家の作品を展示しているお宅に伺い、安土忠久さんの味のあるグラスなどを見せていただく。また、オールドノリタケのコレクターのお宅で凄く古いノリタケの食器を見せていただいた。ここでは、奥さんが丁寧に説明してくださった。他にも幾つかの展示を見て、お菓子屋さんで可愛いうさぎのお菓子を買い込んでから、帰路についた。
ごく普通のお宅をギャラリーのように解放して展示をしているところが、このフェス
ティバルの魅力である。皆が主体的にアートと関わり楽しんでいることが感じられ、伊豆高原の美しい自然の中で豊かな時間を過ごすことができた。アートというものの多様な在り方を知り、アートが私たちにとって身近なものとなるために、こういった試みは貴重なものだと感じた。
（akko）

実らずに殺されてしまいます。
やるせなく悲しい物語で、音楽は不気味な静寂で終わります。
音楽だけでなく、文学も同様です。シェイ
クスピアの有名な戯曲「ハムレット」「オセロ」「マクベス」「
リア王」
はいずれも悲劇です。な
ストラヴィンスキー：
ぜ、悲劇と分かっていても、お金を払って本
バレエ音楽「ペトルーシュカ」
を買い、
映画を見、
音楽を聴きにゆくのでしょ2010年７月16日㈮うか。
悲しい気持ちになりたいのでしょうか。
セントラル愛知交響楽団第107回定期演奏会
美術だってそうです。美しくこころよいもの
愛知県芸術劇場コンサートホール
だけに、引きつけられるのではありません。
藤原正彦が、読書について述べている印象
悲劇の音楽です。
的な部分を思い出しました。
「一言で言うと、当日の演奏プログラムは、ムソルグスキー
時空を越える愉しみである。知識を得る、感の交響詩「禿山の一夜」（原典版）と、ストラヴィンスキーのバレエ音楽「ペトルーシュカ」 動を得る愉しみである。人間は知識を得たい動物である｡ 脳はそのようにできている。
（1947年版）、それにリムスキー＝コルサコフ
人間は感動したい生物である｡ 脳がそのよの交響組曲「シェヘラザード」
です。
うにできている。
（」『決定版 この国のけじ
₃曲ともオーケストレーションにすぐれため』
文春文庫）。相当に極端な言い方ですが、作曲家のもので、管楽器の出番も多く、聴き本質的な点を突いているものでしょう。
応えのある好演でした。ただ、ペトルーシュ
美味しい食べ物と魅力的な異性、
これにドキ
カにはオーケストラにピアノも加えられ、重ドキするのは、生命を維持し、種を保存するた
要な役割を果たしているのですが、座席の場
めの動物としての本能でしょう。
しかし、人間は所が悪かったせいか、その効果が味わえな
これ以外にも「ドキドキ」します。
小説を読んでかったのが残念でした。
行間に涙したり、
１７文字の俳句からはイメージ
会場内で思ったのは、シェヘラザードはとが限りなく拡がります。
「間
（ま）
が素敵」
などと、
もかく、前₂曲は決して明るく快活とは言えそして絵画、ない曲で、不気味な雰囲気が漂うものなのに、 歌舞伎で無音の部分に感動します。
筆の軌跡である画面を見て、時空を越えて感動
このような音楽を人はなぜ聴きに来るのかとします。
これらすべて、人間ならではのことのいうことです。ペトルーシュカ（ピョートルようです。人間が人間である証ともいえるもの愛称）
は、おがくずの体を持つわら人形の
（hhk）
物語で、
命を吹き込まれて恋を知るのですが、 のでしょう。悲劇もおもしろいのです。

静岡県立美術館のリニューアル・オープン記念展「伊藤若冲－アナザー・ワールド－」
今年の協力会の春のツアーは、GWが終ったばかりの日曜日に催行されました。
今回は久し振りに東名高速道路を東へ、
リニューアル・オープンの記念展「伊藤若冲－アナ
ザー・ワールド－」を開催中の静岡県立美術館と天龍市（2005年に浜松市に合併編入）
が1998
年に開設した秋野不矩美術館を訪ねました。
朝から五月晴れの好天に恵まれて、心配していた渋滞もなく、予定通り開館時間の10時に最初の訪問先の静岡県立美術館に到着しました。
伊藤若冲は、江戸時代に活躍した奇想の画家で、2000年の京都国立博物館での没後200年の記念展以来、爆発的に人気が高まっています。2007年には京都の相国寺境内の承天閣
美術館において「動植綵絵」
展（全30幅を展示）が開催され、
昨年の冬には、
MIHO MUSEUM
で「若冲ワンダーランド」展も開催されました。今回の展覧会は、それに続くもので、入古紙パルプを含む再生紙を使用しています。

館まで何十分待ちの行列を覚悟していましたが、意外にも、すんなりと会場に入れて、じっくりと若冲のユーモラスな水墨画
（と濃厚な
彩色画）
の世界を堪能することができました。
昼食後には、次の訪問地である秋野不矩美術館へ。
赤瀬川原平と路上観察学会でも活動した
建築家・藤森照信の設計になる建物は、インドに滞在して制作活動を行った日本画家・秋野不矩の芸術に相応しく、インドの風土を感じさせる自然の素材を見事に生かしていました。
とても小さな落ち着いた美術館なので、秋野不矩作品だけが展示されている時期にもう一度、親しい人たちと二、三人でゆっくりと訪れたいと思いました。
（sy）

秋野不矩美術館で（2010年₅月₉日）

2010年₂月16日㈫～₃月14日㈰愛知県児童総合センター

小さい美術館
今 年 の₈月21日（土）か ら10月31日（日）まで、国際芸術祭｢あいちトリエンナーレ2010｣が開催されます。これにあわせて、教育普及事業のひとつとして、子どもに向けて『キッ
ズトリエンナーレ』が開催されます。
「小さい
美術館」
は、この
『キッズトリエンナーレ』のプレイベントとして実施されました。
愛知県児童総合センターは、1996年の開館から、アートの持つ力に着目し、アートを子どもの成長に欠かすことのできない遊びと結びつけた活動を行っています。
センターに井垣理史、丹羽誠次郎、茂登山
清文の三者が加わって実現された
「小さい美
術館」
は、文字通りに小さい、白い立方体の空間に、₁点の絵画を展示し、その場を一人ずつ体験するものでした。
この空間は、小さいながらも、慎重に考え抜かれており、その場の体験からは、企画者の良心が伝わってきました。見ようによっては、手抜きの間に合わせとも受け取られかねないほど、潔く無駄を排した空間には、企画者の覚悟のほどが仄見えるようでした。
「小さい美術館」
は、いたるところに子どもの遊びを誘う仕掛けのあるセンターの建物のなかで、₁階と₂階をひっそりとつなぐ階段の踊り場に設けられており、子どもたちは遊びの探検のなかで巣箱のように宙吊りにされたこの場を発見し、空間を体験します。その体験は、鬼ごっこをしているあいだに知らない場所に出てしまったときに味わうような、
日常とはどこか違う感覚をもたらすものです。子どもたちの多くは、そこでの体験を美術鑑賞とは思わず、何か不思議なものと出会った、あるいは何か不思議な体験をしたというように感じたことでしょう。
美術との出会いは、本来、釈然とはしない
何かをもたらすものであり、その宙吊りの不安定さを糧として私たちは内省に向かいます。
不思議を感じ、それは何かと考えた体験は、
子
どもたちが長じたとき、いつかどこかで思い出され、その人を豊かにするだろうという思いが、この企画を成り立たせているのでしょう。
純粋に絵画と向きあう空間を作り出し、絵画を見るという行為のひとつの原点を子どもたちに体験させようとする試みは、
人はなぜ美術や芸術を必要とし、それらを体験する行為へと向かうのかという問いかけをも含んでいます。
この企画に良心を感じるのは、情報として美術を取り扱い、質と量を誇ることで、₁つの作品にじっくりと向きあうことを難しくしている今日の展覧会のありように疑問を投げかけるからです。祝祭を演出するものとして芸術が扱われているように見受けられるトリ
エンナーレ本体への、問題提起でもあるのだ
ろうと感じました。
（み。
）■あいちトリエンナーレ2010 関連催事
○アーティスト・トーク■特別展
あいちトリエンナーレ2010 国際美術展

会期：2010年₈月21日㈯～10月31日㈰「トリエンナーレ」
は、₃年ごとに開催する国際芸術祭です。初回となる今年の「あいちトリエンナーレ 2010」
では、「都市の祝祭 Arts
and Cities」をテーマに、世界最先端アーティストが集い、名古屋市美術館のほか、愛知芸術文化センター・長者町地区・納屋橋地区・
中央広小路ビルなどを会場に、国際美術展始
め、パフォーミング・アーツ（舞台公演）、オペラなどの多彩な催しが繰り広げられます。
名古屋市美術館会場での特別展「あいちトリエンナーレ2010 国際美術展」には、次の１２
組のアーティストが出展しています。
◆トム・フリードマン Tom Friedman◆ジェラティン Gelitin◆クー・ジュンガ Koo Jeong A◆オー・インファン Inhwan Oh◆ラクウェル・オーメラ Raquel Ormella◆ジラユ・ルアンジャラス Jirayu Rengjaras◆ホアン・スー・チエ Huang Shin Chieh◆島袋道浩 Shimabuku◆塩田千春 Chiharu Shiota◆フランツ・ヴェスト Franz West
◆エクトール・サモラ Héctor Zamora◆ツァイ・ミンリャン Tsai Ming Liang
国際美術展チケット：一 般（当日）1,800円大学生（当日）
1,300円
高校生（当日） 700円※₁枚のチケットで全ての会場の国際美術展に入場
いただけます。
（各会場、入場当日に限り再入場可。
会場ごとに日を替えて入場可。
）※その他お得な団体割引チケット・フリーパスなどがあります。
※「あいちトリエンナーレ2010 国際美術展」のチケッ
トで、当館の常設展もご観覧いただけます。
「あいちトリエンナーレ」の詳細・お問い合せは、
あいちトリエンナーレ実行委員会事務局へ（愛知県芸術文化センター内 ＴＥＬ０５２－９７１－６１１１）
公式http://aichitriennale.jp/

講師：オー・インファン（特別展「あいちトリエンナーレ2010 国際美術展」
出展作家）
日時：10月₃日㈰14時～
場所/定員/料金：講堂 先着180名 無料○パフォーマンス「Everyone is An EARTHIST」（ナタリヤ・リボヴィッチ＋藤田央）
日時：10月24日㈰13時30分～15時
場所/料金：名古屋市美術館サンクンガーデン
入場無料（雨天の場合は₂階講堂）■常設展○名品コレクション展Ⅱ（後期）

会期：₉月22日㈬～11月23日（火・祝）
エコール・ド・パリ：パリ 1910～30年代
メキシコ・ルネサンス：メキシコ・シティ
1930～50年代
現 代 の 美 術：ニューヨーク
1970～90年代
郷 土 の 美 術：東京 1950～70年代○名品コレクション展Ⅲ

会期：12月₄日㈯～₄月10日㈰■常設企画展「ぷろだくしょん我S」

1969年から1974年の間、名古屋を主な活動場所として旧来の枠組みを問い直す新しい美術表現を試みたグループ「ぷろだくしょん我
S」の、前衛的な中でも異色であった活動を、残されていた作品と記録資料によって紹介。
会期：12月₄日㈯～2011年₂月₆日㈰場所：常設展示室₃■コレクション解析学2010−2011

学芸員が当館のコレクションから₁点の作品をとりあげ、
その魅力を紹介する講座です。
場所：講堂 先着180名 無料○第₃回 ₉月２６日㈰14時〜
講師：保崎裕徳（名古屋市美術館学芸員）
作品：マルク・シャガール《聖書》
1931−39年／1952−1956年（版画集刊行1957年）
演題：その古くても新しい魅力※当館ホームページ（http://www.art-museum.
city.nagoya.jp/）
を、ご覧ください。
10月18日㈪・10月25日㈪は、臨時開館。
（A）【編集後記】
今夏の猛暑のなか、あいちトリエンナーレという一大イベントが始まり、美術館内も連日熱気に包まれています。名古屋では、80年代あたりに多くの現代美術の画廊やICA名古屋などの活動があり、「名古屋は現代美術のメッカ」という声も聞かれたほどでした。
その後やや現代美術熱は下火になっていたようですが、
今回トリエンナーレが開催されることが、その名古屋にどのように影響するでしょうか？名古屋市美術館もトリエンナーレの一会場となり、面白い作家を多数紹介しています。彼ら、彼女らの作品が、やや停滞気味？の名古屋に何か新しい風を吹き込むかもしれません。そして、トリエンナーレを観に来てくださる観客の皆さん
も、名古屋の美術の新しいシーンを作っていく人々といえます。
このアー
トペーパーを読んでくださっている皆さんも、ぜひトリエンナーレに足を運んで、ホットな名古屋を満喫していただきたいと思います。
（akko）

アートペーパー第84号 発行日：2010年9月1日

発行 名古屋市美術館［白川公園内］
http://www.art-museum.city.nagoya.jp/〒460-0008
名古屋市中区栄二丁目17番25号
地下鉄《伏見駅・大須観音駅》
下車
Tel.052-212-0001 Fax.052-212-0005
休館日：毎週月曜（祝日の場合は直後の平日）

執筆者／神谷浩（hhk）、深谷克典（F）、山田諭（sy）、鈴木明世（A）、竹葉丈（J.T.）、角田美奈子（み。
）、原沢暁子（akko）、笠木日南子（hina）
、清家三智
（3）
、保崎裕徳
（nori）