再び「日本画」について
田渕俊夫の
「日本画」
から
日本の近代絵画の展覧会では、日本画の展
覧会の方が洋画の展覧会よりも入場者が多い
ように見受けられます。日本人にとって日本画の方が親しみを持たれる存在なのでしょうか。とはいえ、普通に花鳥風月を描くだけの日本画に魅力を感じないのは決してわたしだ
けではないと思われます。
明治になって、日本の伝統的絵画に西洋の大波が押し寄せたことにより、「日本画｣の概念が誕生し、「洋画」に対抗すべく伝統的絵画の変革が始まりました。しかし、それはあくまで日本の伝統的な絵画技法の中での変革であり、枠組みを大きく踏み出すことはありませんでした。伝統的技法による表現は、描かれるものの再現性という点で油絵に到底かな
わず、多くは花鳥風月の興趣を表出することにとどまっていました。ただ、写実性を強めていくことや、人事や歴史に題材をとることなど、変化ももちろん見られました。
一方、
太平洋戦争での敗戦は、日本画をより激しくゆさぶりました。
いくつかの芸術分野に（彫刻家・名古屋市美術館参与）

石黒 鏘二

寡黙の時 第一話

アトリエの中の孤独な戦い

画家や彫刻家には、パブロ・ピカソやサルバドール・ダリのように、自己のエネル
ギーが迸るままに、手当たりしだいに作品を量産するタイプと、反対に生涯に数点しか残さないで、美術史上に燦然たる存在を示す寡作なタイプとがある。
また、白いキャンバスを前にして、描けば描くほど白いままになる画家がいる。これは、現代美術の中で、白い何も描かれていないキャンバスをそのまま美術館に持ち込んで、絵画の意味を問うといった、批評
性を振り撒く姿勢とは当然ことを異とする。描こうとするのだが、格闘すればするほど形象は消え、キャンバスはいつまでも白いままなのだ。
針金のような人体像で知られるアルベル
ト・ジャコメッティ（スイス）
も、矢内原伊作氏の体験（「モデルをした話」
発行・現代
彫刻センター）
が語るように、寡作な彫刻家の一人であろう。一つの人体像を作ろうとする時、眼の前にはモデルがいる。そこには確かに、頭があり胴があり腰があり手があり足がある。頭には、目もあり鼻もあ

昨年の暮れから新年にかけて仕事机のまわりを整理しました。学芸員のあいだでは、机や棚などの配置や座席を換えることをときど
きしてきました。その度に少しずつ、また日頃も折々に身辺を見直してきましたが、納まりがつかなくなり、思い切った整理を試みてみました。
私ごとですが、今年の３月末で学芸員になって20年になります。整理をしつついろい
ろなことが思い出されて、さまざまな意味合
いで背中を少しばかり押してもらった心持ちがしました。

おいて、
日本の伝統的なものを否定することから再出発することとなったのです。
桑原武夫の《第二芸術論》
は俳句の世界に大きな衝撃を与え、日本画では《パンリアル宣言》
で、これまた衝撃的な見直しが始まりました。
「脱日本画」とでもいえる動きであり、
きれいごとを描くのではなく、苦悩や悩みなどの感情を表現した
り、社会的メッセージを持つことが期待されました。このことはその後の日本画家に危機意識を長い間持たせることとなったのです。
江戸時代にもまれに社会的メッセージをもつ絵画作品はありました。が、すぐに思い出させるのはせいぜい浮世絵の風刺画程度でしょう。当局の施策を茶化しつつ戯画風に処理した歌川国芳の作品は、庶民の喝采を浴びたもので、統制・規制の対象となって弾圧は受けはしましたが、決して深刻な様相を帯びたものではありませんでした。
しかし、生活感情を表現したり、社会的メッ
セージを持つばかりが絵画ではないでしょう。そうでなくても心を打つ作品は厳としてり口もあり耳もある。しかし、それらの一つひとつを説明するのが、彼の人体像づくりではない。彼の眼の前には人間がいる。
大地にしっかりと起立する人間がいる。それを見極めようとするのが、彼の制作のすべてであり、それは対象との長い孤独な戦いでもある。
作家の眼が対象を見詰めるとき、無駄がどんどん削り取られる。執拗な彫刻家の眼による頑固なまでの探求が、形象を凝視し量としての肉付けを許さない。それは現実を放棄したのではなく、より確かにそれに接近しようとする最も過酷な芸術家の葛藤の構図である。
彼の、大地に起立して立つ人体像は、時にその上半身は針のように肉付けを拒否
し、逆に下半身は明らかにそのバランスを無視するように、惜しげもなく膨大な量を肥大させる。それが彼が見た人間であり、彼の知る人体である。そして見落としてはならないのは、その針のように見える部分
でも、細部の一つひとつを決して無視していないことだ。それは、所有された長い時間の中の、現実確認のための執拗な格闘の証しにも見える。もしそれらが見えないとすれば、それはわれわれの眼が、それを知ろうとしないだけだ。
ここにも、前述の白いキャンバスに似た姿がある。画家や彫刻家は、それぞれのア
トリエの中で自己の形象を求めて、寡黙な
長い孤独な戦いを繰り広げているのだ。

名古屋市美術館は1988年の４月に開館しました。満開の桜に牡丹雪が降り落ちるなか、
開館記念展の作品集荷をしたことが思い出されます。来春、
名市美も開館20年となります。
人ならば成人です。
美術館の20年は、
ひよっ
このようなもの。まだまだです。それでも、
名市美があったことが、意味や価値のないものと思われることはないと信じています。
１月末に国立新美術館が東京に開館しました。新美術館のある六本木には、六本木ヒルズに森美術館があり、まもなく開業する東京
ミッドタウンにはサントリー美術館が移転します。３館は連携して、｢アート・トライア
ングル｣と称して活動するそうです。東京の美術文化の拠点といえば上野が筆頭でした

田渕俊夫《ヨルバの花》1968年

存在しています。
「飾り」
は日本美術の大きな特質であり、日本美術は1000年以上これで生きてきたといっても過言ではありません。
「それがそう簡単に崩れてたまるか」という思いがわたしにはあります。
愛知県立芸術大学で長く教鞭をとり、現在
東京藝術大学副学長を務める日本画家、田渕俊夫は、上品な風景画や写生を基礎にした草花を描いて人気があります。彼の作品には、
戦後の日本画につきまとっていた「脱日本画」的な時代の影はほとんど感じられません。日
本画という表現形式を素直に受け入れ、伝統的な技法によっていながらむしろ新しく見える田渕俊夫の作品を参考に、日本画について考えてみようと思います。
田渕俊夫は1941年、東京に生まれました。
1961年東京藝術大学美術学部絵画科日本画専
攻に入学し、さらに大学院に進みました。この頃は、装飾性と具象性とを排した暗い心象
絵画を描いていました。それはその時代の新
しい日本画のあり方におおむね沿ったものでした。大学院修了直後に誘われてアフリカのナイジェリアに行くことになります。
ナイジェリア滞在は、1967年５月から翌年２月にまでおよびました。当時のナイジェリ
アは内戦中であり、次第に状況は悪化していったようですが、彼の地では植物デッサンが、六本木になる日も近いかもしれません。
国立の５館目となる新美術館は、先行４館とは異なり、コレクション（所蔵作品）を持たず、展覧会事業を専らとします。名称の英語表記は「The National Art Center, Tokyo」
で、他館のように「Museum」は使われていません。同様にコレクションを持たない森美
術館は「Mori Art Museum」ですが、六本木ヒルズに複合展開する文化施設の総称は「森
アーツセンター（Mori Arts Center）
」
です。
アート
（ツ）
センターも各地に大小さまざまできましたが、美術館同様、地域や人々のあいだにどのように根づいていくのか、興味が持たれます。というのも、名市美が開館した前後から今日まで、東京だけでも多くの美術館が開館し、
一部は残念ながら閉館しました。

名古屋市美術館蔵

三昧の毎日を過ごしたとのことです。雑草のたくましい生命力に感じ入り、草木、野草を集中的にデッサンをしていたのでした。
帰国後は、《ヨルバの花》
（図版）
、
《ヨルバ
の神々》
（いずれも1968年）など、滞在地で出会ったものを主題とした作品を生み出していきます。
1970年には、愛知県立芸術大学
（美術学部
絵画専攻）
に助手として着任しました。のち1985年に東京藝術大学に移るまでの15年間、名古屋東部の長久手にあるこの大学に籍を置くこととなります。ここは、2005年「愛・地球博」のメイン会場のすぐ近くであり、開催
地の自然保護をめぐって大きな議論が起きた
ように、当時、このあたりには豊かな自然が残されていました。周囲には低い山々が列なり、少し開けたところには田圃がありました。
この愛知県立芸術大学時代、田渕はナイジェ
リア滞在時と同じように大学や住まいのまわ
りにある草木を描き続け、草木画を自身の主
要な作画域として確立しました。また、長久手そして奈良、飛鳥の自然に取材した風景画も加えていきます。田渕のこの時期の充実ぶ
りは、各種の美術賞受賞が物語っているとおりです。
1985年、東京藝術大学に移ってからは、毎年のように海外に出かけ、訪問する全ての土
地の風物が田渕の取材対象となりました。中
その多くはコレクションを持たない百貨店の展覧会場としてのものです。新しい美術館ができるとともに話題となる展覧会の開催がその館へ移り、人の流れも変わりました。
今、多くの美術館は、展覧会以外の活動にこれまで以上に力を入れ、日常に根ざした存在になろうとしています。その館の魅力ではなく、展覧会に応じて人が動く。それはそれで良いとして、見せ物として消費されるだけのものとは違う、多彩な美術の在り方とその受け入れ方を大切にしたいものです。｢美術館」というひとつの言葉にイメージが様々に浮かぶ。必要なのはそれかもしれません。評
価の在り方もそれに見合って多様であって欲しいものです。
（み。
）

田渕芸術の大き作品がありますが、これも同様、月そのものな特色として、抑に感じ入るのではなく、かつての人々と同じ制された装飾性が月を見ていることに感銘しているのです。
あげられます。学
しかし、より重要なことは、草木画における
生時代は装飾性とそれにあるでしょう。
同一画面に、白、黒、金、
は無縁の作品でし緑と描き分けられた四季のススキが同居させたが、ナイジェリられた作品があります（《流転》1982年）。四
アから帰ってから季の姿に応じて色も変えられ、まるで虚と実
の作品
《ヨルバの
の関係にも見えるススキは、実は時間の経過
花》では装飾性がを表すものでしょうし、同時にその季節のス
一気に前面に押しスキの生命力を表しているように見えます。
出されてきます。 虚と実を、過去と現在に置き換えてみると、日本では見られな作家が草木画に織り込んでいる生と死の繰りい原色の花が、中返しや生命の連鎖というテーマにたどり着く
央に寄せられ、重でしょう。
この、一画面に春夏秋冬を描き込む
ねられて、大きく手法は、日本絵画では当たり前のようにおこ描かれます。背景
なわれてきたものです。四季花鳥図、四季山
は、下半分がくす
水図の存在を指摘するだけで十分でしょう。
田渕俊夫《「樹影」のためのデッサン》1971年 名古屋市美術館蔵
んだグレー、上方「僕の場合、絵を描く根本は感動なんです。
」
国、インドの各地、また在外日本美術保存修は三角形の金と銀の幾何学模様になっていま （アート・トップ叢書：同時代の画家集成『田復調査ではアメリカやヨーロッパの美術館をす。金銀の造形は、滞在地ナイジェリア独特
渕俊夫』
1993年 芸術新聞社）。このように訪問します。ベトナムにも写生旅行で出かけのものでしょうが、日本的でもあります。こ
語る田渕の
「感動」
は決して大げさなものではました。こうして、取材したものは、全て作のきわめて装飾的な画面は、田渕芸術の中でありません。
何気ない景の中に、感動を見つけ品に反映されています。長久手時代が、ジャは異色の存在に見えますが、こうした装飾性
ることがほとんどです。彼は春になって一斉ンルを広げずに質的に充実していった時期とは、のち、巧みに抑制されつつも、田渕芸術に木々が芽吹く様子を見て感動します。それすれば、東京藝大に移ってからは、ジャンルの根幹をなす性格となっていくものです。こは単なる感傷ではなく、生命の連鎖の偉大さを拡大していった時期といえるでしょう。
の装飾性が日本美術の大きな特色であることにまでおよぶスケールの大きなものですが、また近年は、寺社の障壁画も手がけていまはいうまでもありません。
良質の俳句の世界に通じるものでもあります。
すでに、福井県の永平寺、鎌倉の鶴岡八幡
田渕の作品のもう一つの大きな特色としす。近世以前の日本絵画では、歌川広重が最宮に襖絵を奉納しており、さらに現在は、京て、「時間性」、画家自身語るところによる「歴も親しい特質を持った画家かもしれません。
都の智積院の障壁画の制作も進んでいます。
史性」を指摘することができます。
その風景画
このように、日本に伝統的であった美質をは歴史性をもっていると指摘されていますし、 田渕芸術は備えているのです。もちろん、伝こうして、変遷してきた田渕作品の主要な自身も語っています。
長久手で描いた風景は、 統的絵画とは異なった面もあります。田渕のジャンルは、草木と風景です。草木を描く作
実は天正12年（1584年）、羽柴秀吉（豊臣）陣
場合デフォルメはほとんどおこなわず、あく
品は、野にある草や木を丹念に写生をするも営と織田信雄・徳川家康陣営の間でおこなわまで写生を基礎にしたものであること。日本
ので、風景を描く作品は、印象的な景を一気れた「小牧長久手の戦い」の場だったのです。
の伝統的絵画では、輪郭線は色面を区画するに仕上げる感じのものです。彼の二つのジャ
その時代に刀や火縄銃を持った雑兵たちが走ンルいずれにも、実は伝統的な日本の絵画にり回った土地であり、月を見ても、田渕は時あった特質が通奏低音のように流れているの代を隔てて秀吉が見ていたと感じたと語ってです。
います。名古屋の繁華街の夜に満月が浮かぶ

カタログ 6
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雑誌を読んでいると、どの雑誌にもたいてい作家のエッセーが載っています。著名な作
家、人気作家が、身辺の雑事を見開き２ペー
ジ程度の長さにまとめて、面白おかしく読ませるというあれです。扱うテーマは作家に
よって様々ですが、どんな作家のエッセーにも一度は必ず登場するという、いわば定番のテーマというやつがあります。エッセーとは
基本的に身辺の雑事を扱うものですが、作家にとって最も身近なその定番のテーマといえば、それは原稿を書くことです。もちろん書くといっても、素晴らしいアイデアが次々と湧いて、あっという間に原稿ができあがり、
夕暮れに染まる書斎で揺り椅子に身を沈め、モーツァルトを聴きながら芳醇なワインを楽しんでいた、というような話ではなく、締め
切りはとうの昔に過ぎているのにまだ一文字も書いておらず、編集部から届く矢の催促を右へ左へとかわしながら、真っさらな原稿用紙（パソコンのモニター）の前で、苦吟しながらペンを動かす（キーボードを叩く）という、あれです。人の不幸は蜜の味、ではありませんが、読者を楽しませようとするサービス精神のなせる技か、あるいは本当に筆が遅いのか、この手のエッセーは作家と編集者との丁々発止の駆け引きと、入稿までの綱渡りのようなやりとり、というあたりが読みどころ

中村宏・図画事件1953−2007展
東京都現代美術館での開会式に出席して中村宏・図画事件1953−2007展は、1950年
代から現在まで、現代美術の流行に惑わされることなく、一貫して独自の
「図画」
を探究し
てきた
「事件」画家・中村宏（1932 ～）の半世紀を越える創作活動の全貌を紹介する初めてと相場が決まっています。日常的に原稿を書くという経験をお持ちでない方々は、この種のエッセーを笑いながら読み飛ばすと思いま
すが、同じような境遇に何度も陥った人間はそうもいきません。
以前この欄で「まったくカタログさえなけ
れば展覧会の仕事もどれだけ楽か知れないと思うことが一再ならずあった」と書いたことがありますが、カタログの苦労とは、その大半はすなわち原稿の苦労であり、名もない学芸員も締め切りに追いまくられて脂汗を浮かべるという点では、人気作家と何ら変わるところはありません。カタログ作りを一度でも経験した学芸員で、胃が痛くなるような思いも、電話のベルの音に怯えたこともないなどという人物は恐らく皆無でしょう。私自身、
もはやこれまで、と思ったことが一度や二度
ではありません。山登りをしていると、一日の行程を振り返って、よくぞここまでたどり着いたものだと感慨にふけることがしばしばありますが、カタログ作りもどうしてあの難局を切り抜けたのかと、不思議にさえ思うことが時にあります。火事場の馬鹿力とはよく言ったもので、人間お尻に火がつくと思わぬ力を発揮するものですが、困ったことにそれを繰り返していると、火がつかないうちは一向に走り出さぬという悪習が身についてしま
います。そしてさらに症状が悪化すると、今
度は火がついても、それが全身に回らぬうちは大したことはないなどと、妙な自信を持ち始めます。
全く人間の愚かさには限りがない、と思い知らされるのはこんな時です。
（Ｆ）の本格的な回顧展です。
油彩画、
イラストレーション、立体作品など約200点に、資料・文献を加えた約300点を時代順に展示する規模・内容ともに充実したものです。
この展覧会は名古屋市美術館では７月21日に開幕しますが、それに先立って、４月１日まで東京都現代美術館で開催されています。
先日１月19日に東京都現代美術館での開会式に出席してきましたので、そのときの模様を報告します。
展覧会の開会式というのは、美術館によってそれぞれ挙行の手順が違いますが、今回体働きを持つものでしたが、中年期以降の田渕作品では、輪郭線をはみ出して色が施されること。さらに品良く仕上げられた画面に込められた、大げさではないメッセージを読み取ることもできます。自然を描き続けるのは、その自然が現代人によって壊されていくことへの彼なりの訴えでしょうし、また、草花を凝視してその生命を描き続けるのは、生命の連鎖の偉大さや、命の大切さを訴えることにもつながることでしょう。などなど、伝統的でありながら、かつ新しさを加えたところに
田渕作品は位置しているのです。
日本画の新生面を開いた画家のひとりに横山操（1920−1973）がいます。川端龍子の青龍社に属した横山は、日本画がそれまで取り上げることのなかった炭坑や工場、あるいは都市の近代的な光景を、圧倒的な大きな画面に大胆に描きました。
これだけでも、日本画の新生面を開いたといえるのですが、青龍社脱退
後に描きはじめた水墨画は、表面上はより日本画的でありながら、
従来にはなかった新水墨画と評価できるものです。
《越路十景》《瀟湘八景》などがそれにあたります。
横山の
「黒」
は実
は墨だけではなく、顔料を焼いたものも使っていたようですが、黒と白の鮮烈な画面はきわめて印象的です。
「墨」
は、穏やかさから強さま
で、さまざまな表現に対応してきましたが、筆を操る画家の能力によって新たな表現がなお可能になることを横山は示してくれています。
ことほどさように、日本画はまだまだ発展する可能性を秘めているとわたしは期待しています。ただ明治以後使ってきた「日本画」に変わる何か別の名称があるといいとも思っています。日本人の心の琴線に触れる作品を総称する何かが。
（hhk）

藤本由紀夫展―ここ、そして、そこ
2006年９月16日～ 11月５日｢バニラビーンズのにおいを感知したのは、やはり私の気のせいなのでしょうか。
｣
藤本由紀夫の作品は想像力をくすぐり、自身を拡張させる体験を私たちにもたらします。封したガラス瓶の、バニラビーンズが薫る余白を、彫刻として示した作品からの感想です。バニラの香りは、展示室をも彫刻としたことでしょう。
｢予想外です。作品を初めて見、聴きました。
作品を見て、考え、目を閉じて、さらに多くの事を感じました。発想、考え、すばらしいです。良い時間をありがとう。
｣『｢ やられたっ！』
っていう感じ。うん、
よかっ
たヨ。
」
｢不思議だ。この展覧会、おもしろい！｣｢理屈ではなく、感覚で心地良かったです。
｣
藤本の作品は、日常の営みに気づかれた、
いたってシンプルなものです。が、虚をつく、例のないものです。
｢３回目ですが、よく分かりません。
｣
これは、70才の女性から。対して、｢でもよく３回も来館されましたね。
｣｢70才の方も、３回来られる行動力がすばらしいです。理解するとかなんとかでなく、その方にとって何か得るものがあるといいです験した東京都現代美術館の開会式は面白いものでした。名古屋市美術館の場合には、開会式のテープ・カットの後に、出席者は展覧会を鑑賞しますが、東京都現代美術館の場合には、出席者は先に展覧会を鑑賞して、式典の開始時間に会場の一室に集まって、美術館の挨拶、来賓の挨拶（今回は兵庫県立美術館館長で美術評論家の中原佑介氏でしたが、中村氏とは旧知の間柄で、昔話を交えた面白い内
容でした）、そして最後に作家の挨拶（中村氏
は初めての回顧展の開催に感慨深かったのか、とても短いけれども心のこもった謝辞で

撮影：高嶋清俊ね。
｣
同感です。よく分からなくても３回来てくださった訳。とても気になります。
「藤本作
品の魔力」
、でしょうか。
｢この美術館での展示（自然光が入り、音が響
く大きな箱）
すごく良い適した場に思いました。この展示室（美術館）の中で場として魅力的な1F ～ 2Fへの階段、ここでデュシャンと出会えるとは‼ 隠されたリズムへの驚きとデュシャンの声を初めて耳にする嬉しさ、
この魅力的な場がまた新たな印象で記憶に残りそうです。
作品に添えられた文章も程良く導いてくれ
楽しく読みました。2Fの展示室、こんなに美術館の展示室をゴキブリのようにかべに添って歩いたのは初めてです。ゆっくりゆっ
くり移動しながら聴こえてくる”
音”
は本当に美しかった。
｣
展覧会はコミュニケーションのツールです。
そこには作家と美術館の思いがあります。
投げかけにエコーのように応えてくださるありがたさ。
冷静に自分を見つめる、溺れることのない
ナルシスが、
私をかすめて行きました。
（み。
）
した）
を聴くというものでした。
私が驚いたのは、それに引き続いて、
中村宏
展と同時に開催される「MOTアニュアル 等
身大の約束」
展の開会式がロビーで行われ、その後に合同でのレセプションになったことでした。
やはり東京ということもあって、ふたつの展覧会の開会式の出席者のなかには、日本を代表する美術家や評論家だけでなく、
MOT
アニュアルの出品作家をはじめとした若い美術家やデザイナー、
美術館学芸員、そして芸能人（若手の美術家と結婚した女優）などの姿も見られて、とても賑やかなものでした。
（sy）今回はフリーデンスライヒ・フンデルト
ワッサー（1928−2000）の《 837 郷愁の紫色の屋根Ⅱ》（1982年）をご覧になった皆さんの感想を紹介します。
「ぐるぐるぐるぐる…見てると体がゆれてきます！赤がまぶしい。
（」M.Tさん、19歳）「みどりで きみどりで まどがいっぱい
あって こげちゃがあって ちゃいろでから
ふるな かーてんと えんとつと からふる
なまど。もし こんなからふるないえがあったら すみたいなー あと きれいなおつき
さま○」（A.Kさん、７歳）「目を近づけると、上空から撮った写真のようにも見えます。緑のラインは宇宙人の血管にも見えます。未知の生物にシンショクされているかぶと虫。かえるのたまごを葉っぱの上に並べた造形遊び。いろいろな具をきゅう
りやのりで四角く巻いた、具だけの巻き寿司。
（」H.Rさん、53歳）「縦縞のカーテンの前に置かれたX’
masツ
リーに見えます。四角の窓のようなオーナメ
ントは、実はプレゼントが入った小箱。中に入っている物を想像するとワクワクしてきます。
（」A.Kさん、37歳）「描かれている、緑色でまどがたくさんある
建物の側面は、よく見ていると緑色がぐるぐ
るしていて、複雑に作られた地形を上から見ているようにも見えてくる。地形として見出
すと、真ん中の赤いのが血の池のようにも見え、黒い窓は恐ろしい落とし穴のようだ。そ平成19年度の常設展について
昨年度常設展の展示方法を大きく変更した
ことは、一年前のこのアートペーパーの紙上
でご案内をしました。いつもの馴染みの作品に出会える場所でもある常設展示室は、同時に新たな作品との出会いの場所でもあるべきでは、との思いから、コレクションの中でもこれまで紹介されることの少なかった作品
や、作家をできるだけまとめて展示する機会を昨年度は設けるように努力いたしました。
たとえば９月から11月にかけて紹介した田渕俊夫の素描の特集展示は、現在の日本画壇を米倉壽仁（よねくらひさひと／ 1905−1994）
1905年、山梨県甲府市の旧本陣甲陽館の次男として生まれる。1922年、甲府中学校を卒業後、翌1923年、名古屋高等商業学校（現名
古屋大学、経済学部、法学部の前身）に入学。
在学中に、ヨーロッパ留学から帰国したばかりの村山知義が出版した『意識的構成派』を読み、美術に強い関心を抱く。タトリンやリシ
ツキーなど、ロシア構成主義を中心に据え、芸術のさらなる自由を訴える村山の本に
「目
が洗われ」
、
「全身が震え出すような感動」
を覚えた米倉は、以後美術の道を歩むことを決意する。1928年、伯母が経営する伊藤学園甲府女子高等商業学校および甲府湯田高等女学校で教職に就く
（1936年まで）。1930年、甲府市にて美術集団
「六人社」
（後に
「皓人会」
と
改名）
を結成し、甲府商工会議所で第一回展を開催。1935年、独立美術協会展に初入選。
以後同展を中心に作品を発表する。1936年、教職を辞して上京し、絵画制作に専念する。
すでにこの頃の作品にはダリを中心とする
シュルレアリスムの影響が顕著に表れているが、戦争への予感を孕んだ《ヨーロッパの危機》（1936年）に見られるように、個人の内面

うなるとなんだか怖い…
そう思ってまた見直すと今度はただの建物の緑色の側面だ。この人は大阪のかわったごみ処理場を作った人でしょうか…」（M.Eさん、44歳）「まどの形が香水のびんの形に見えた。ひとつひとつのまどは小さいコミュニティーのようで、お互いのにおいが混ざり合ってひとつの大きな家をつくっている。そんなふうにみえました。
（」N.Yさん、29歳）

遠近法を用いて描かれた絵画に慣れた目には、この作品に描かれている
建物の構造は捉えにく
く、屋根の部分が背景のように見えてしまうのも無理はありません。クリ
スマスを連想された方は、作品の展示時期（9～12月）を 意 識 し た の でしょうか。
オーストリアのウィーンで生まれたフンデルト
ワッサーは、その独特な色使いと曲線や渦巻きを多用した絵画作品で知られる芸術家です。自分の外側にあって自分を取り巻いているものを五つの“皮膚”にたとえ、それぞれについての深い考察とフンデルトワッサー《 837 郷愁の紫色の屋根Ⅱ》、混合技法、1982年
創作への応用を繰り返し
Copyright is: Hundertwasser Archive, Vienna
ました。1961年に東京で初個展を開いて以来、日本との関わりは深く、 始生物と家の融合に見える。
つまり、
“始まり”
名古屋市美術館でも1999年に展覧会を開催し
と
“終わり”
（終着点）
のように感じた。大小さています。ご指摘にある大阪市・舞洲にある
まざま色とりどりの窓は、人種の境、世界地
ゴミ焼却施設や下水汚泥集中処理センター
図を広げたようだ。
右半分が上部の線も含め、は、そのデザインに彼独自の思想が強く表れ細々としている点も面白い。この家のエントています。
ツからサンタは入れるのだろうか？」（shitoさん、19歳）「全てを飲み込むミトコンドリアの親分。原
代表するこの作家の力量を余すところなく感じていただける、またとない機会となったと思います。完成作ではなく、素描であったた
めに、作家の技量はよりストレートに観るものに伝わり、この展示で日本画の持つ魅力をあらためて感じたという方も少なくなかったと思います。あるいは年度末にご紹介した、メキシコと満州に取材した写真の比較展示も大変興味深いものがあったのではないかと思います。アメリカと中国という大国の隣に位置し、その影響を常に受けながら独自の文化を発展させてきたこの二つの地域を撮影した
写真には、異邦人としての作家の視点が色濃く映し出されており、逆にその地域の特徴が鮮明に浮かび上がっていたのではないかと思います。さらに「巴里憧憬展」にあわせて常設
企画展の一つとして開催した「フランスに学んだ画家たち」も、当館のコレクションの中だけでもフランスに憧れ、その地を踏んだ作
家がこれほど存在したのかと、あらためて日本人にとってパリという都市が持っていた意
味の重さを認識させられる展示となりました。
平成19年度の常設展は、前年度の方針を踏襲し、明確なテーマを設けながらコレクショ
ンの新たな魅力の発掘を目指したいと考えています。常設展＝いつも同じ展示＝いつでも行ける＝あわてて行く必要はない、という皆さんの常識を打ち破り、今回だけのテーマ＝
期間限定の展示＝見逃すと次はない＝すぐに美術館へ！ という新しい流れを作り出した
いと思います。久しぶりの展示、初めての展
示といった、新鮮な作品の紹介ももちろんですが、いつも見慣れたあの作品が、見せ方次
第でこんなに変わる、という意外性、驚きこだけでなく、社会全般への問題意識が常に感じられる点が米倉の作品の特徴となっている。1939年、福沢一郎を中心に結成された美術文化協会の創立に参加し会員となり、以後1951年に脱会するまで同会を中心に活動を展開する。同会のメンバーの多くは米倉をはじめ、シュルレアリスムをその作風の基礎に据えていたが、結成の主旨はイズムのいかんを問わず芸術の総合を目指すというものであった。1952年、「流行をいたずらに追わず、陳腐とアカデミズムをきらい、常に新しさを要求する」
美術家集団サロン・ド・ジュワンを結成。以後晩年まで同会を中心に作品を発表した。シュルレアリスムを「自我を超える否定の精神」と捉えた米倉は、没するまでその精神の在り方を守り続けた。
（Ｆ）

山本悍右（やまもとかんすけ／1914−1987）

米倉壽仁《山を想ふ》
1952年

窓があることで、建物の内と外を行き来できるものは数え切れません。フンデルトワッ
サーは「建築は窓から作られなければならな
い、窓は内の世界と外の世界をつなぐ架け橋である」との言葉を残しています。
「砂に指で描いたみたい。ぐるぐるぐるぐる
指を動かしたらできちゃったみたいにみえる。人工的じゃなくて、自然の一部としての活動の結果みたい。
（」匿名、？歳）「家がどんどん溶けていくみたい。なんか怖い。
（」Taishiさん、12歳）「緑の部分を見ているとグワーンってなります。
“郷愁の”って書いてありますが、何かもっとごちゃごちゃした“混乱”
みたいなものを感じます。
（」Aさん、18歳）「この家は、
血液が流れているようで、人と自然と同じように、息をしているような感じがします。
窓が人の体の内臓にも見えます。
とても面白い絵だと思いました。
（」H.Iさん、24歳）
作家が人間の三番目の皮膚と定義した、住まい。人間を風雨から守るための建物としてだけでなく、そこに暮らす人々の体温やさま
ざまな感情などが交差する空間として、またそれ自体がひとつの生命体・運動体として存在していることを、この作品は気づかせようとしているのかもしれません。今回もたくさんのご意見をお寄せいただき、ありがとうご
ざいました。
（3）
そが展示担当者の腕の見せ所となります。要は作品に潜む魅力を、展示によってどれだけ引き出せるかということなのですが、19年度
ではたとえば常設展示室の２で、
「静物」
や
「自
画像」
といった同じテーマによる作品を特集して紹介することにより、個々の作家の表現の違いをより鮮明に浮かび上がらせる、という企画があります。
あるいは常設展示室３で、特別展のダリ展にあわせて、コレクションの中のシュール的な傾向の作品を、絵画と写真の２部構成でまとめて展示するという企画もあります。美術館活動の中核はコレクション
であり、そのコレクションの魅力を味わい尽
くすことこそが鑑賞の醍醐味といえるでしょう。皆さんにその醍醐味を存分に味わっていただけるよう、平成19年度も様々な工夫を凝らしていきます。どうぞ、お楽しみに。
（Ｆ）

る。また、1939（昭和14）
年２月には〈ナゴヤ・フォトアヴァンガルド〉の結成に参加する一
1930年代後半、画学生や若き芸術家たちの方で、北園克衛らの詩人グループ〈VOUクラ間で巻き起こった超現実主義への接近の背景
ブ〉に参加する等、
悍右の活動は、当時シュルには、全体主義へと向かう時代の中で、個人
レアリスム運動の“磁場”と目されつつあったの夢想と抒情性を表現するシュルレアリスム
名古屋そのものを象徴するものでもあった。
の機能への期待があった。そして、それだか
名古屋の“フォト・アヴァンギャルド（前衛
らこそ、シュルレアリスム本来が目指した感写真）”の特質は、超現実主義と抽象美術との性の解放は展開されることなく、ある“スタ 「ハイブリット」
な形で展開した坂田稔と、詩イル”として流行したのも事実である。
的映像として表現した山本悍右の両極で展開
山本勘助（1936年に悍右とする）
は、戦前・したところにある。
自然の形態を接写した“オ
戦後を通じ、名古屋に居ながら、一貫してシュ
ブジェ写真”により「写真のオートマチズム
ルレアリスムの詩的実験を展開し得た、稀有 （自動筆記）」を主張した坂田に対して、悍右な詩人であり、写真家でもある。
は偶然性を排し、モティーフに意味を読み込
悍右の父・山本五郎は、〈愛友写真倶楽部〉 んだレディ・メイドを組み合わせたオブジェの創立同人でもあり、彼が経営していた名古とイメージによる構成を撮影した。
屋栄町の写真機械材料店は、名古屋に於けるだが、同年末、〈ナゴヤ・フォトアヴァンガルド〉
写真の推進拠点でもあった。1931年、悍右はが時代の荒波のそこで結成された〈独立写真研究会〉に参加
中で、分裂解散
し、本格的に写真を始める。この時期、フォすると、その後
ト・コラージュによる完成度の高い、極めて
悍右は
〈 VOU
批評的な作品を発表するも、17歳のその存クラブ〉の同人
在と才能が広く知られることはなかった。
として終生シュ
No Image
名古屋の“前衛”
がその台頭を見せるのは、 ルレアリスムを
1937（昭和12）
年7月、名古屋丸善画廊での「海標榜した独自で外超現実主義作品展」
開催を契機とする。会
孤高の表現を展場に日参していた悍右は、そこで山中散生を開して行くこと知り、その出会いが翌1938（昭和13）
年にシュルになる。
（J.T.）
レアリスム詩誌『夜の噴水』の発行へとつなが2007年３月10日㈯～３月21日㈬松坂屋美術館

2007両洋の眼（名古屋展）「日本絵画において
『日本画』
『洋画』
をひと
つの眼差しでみる展覧会」という企画であり、今回で18回目。第一線を行く実力のある画家の最新の意欲作、実験作を紹介すべく、数人の委員それぞれが推薦した作家の作品74点が出品されています。
油絵でありながら、日本画に見える作品もあり、その逆もあります。具象あり、抽象あ
り、流派・会派もさまざまです。カタログには作品が作家名の五十音順に掲載されています。図版キャプションも「麻紙・岩絵具・墨・金箔」「パネル・アクリル絵具」「絹布・岩絵具・
墨・金」「キャンバス・油絵具」と、日本画洋画の別を特に意識しないようにされています。
創立時には、日本画と洋画を区別しないで見るということは、
とても新鮮な発想でした。
今日では、そうしたことは、当たり前のようになってきており、所期の目的の一つは達成

鷲田清一著

『
「聴く」
ことの力—臨床哲学試論』「話がつうじないとき、
ふつう内容をもっと細かく、ていねいに話そうとする。が、皮肉なことに、内容が細かくなればなるほどこころが離れているようにおもわれてくる。
「」ことばが途切れたとき、そしてどちらからもとっさにその不在を埋めることばがでてこな
いときの気まずい沈黙（…）
ひとはこういう空虚に耐えられず、どうにかしてことばを紡ぎだそうとする。だれが話しているのかじぶん
でもよくわからないようなことばが、次から次へと虚空に向かって打ち放たれる。
」
もっとうまく話せたらいいのに、と思う気持ちとはうらはらに、相手のことばを
「聴く
力」
や
「待つ力」
が本当は求められている、という場面は意外と多いのかもしれない。そんなことを考えさせられるのが本書
『
「聴く」
こと
の力』
です。
「相手がどう思おうと、言いっぱなし、という場合が多いのは、からだが他人（他者）にむかって劈いていないのだ。
（」竹内敏晴『ことばが劈かれるとき』）この引用文は、妙に的をえている気がします。
病院や介護の現場などで「傾聴スキル」
がときどき話題になります。美術館でもまた、美術鑑賞にきたこどもたちが思い思いにしゃべる感想をどのようにうけとめるか、ということに関して、学芸員の質が問われる場面があります。しかしながら、聴く力がもっと必要になるのは、絵から何かを感じているけれど
も、それが何かわからない、それを言い当てることばがみつからないこどもに何かしゃべってもらって、心の動きに気づいてもらいたいときだったりします。
一般的にいえば、聴く力とは、なんらかの困難のために、よりよく自分のことを語れな
ひら

大エルミタージュ美術館展記念

東儀秀樹トーク＆ミニコンサート
世界有数のコレクションとともに専属のオーケストラを有するエルミタージュ美術館。
2007年の幕開けとともに始まる大規模な展覧会にあわせ、音楽に親しむ機会も提供したいと考えていたところ、ふとしたことから雅楽師の東儀秀樹さんとエルミタージュ美術館との接点を知り、協力をお願いしました。
ご本人
も美術に大変興味があるとのことでご快諾いただき、コンサート開催の運びとなりました。
１月19日㈮の夕方、美術館の地階ロビーはそれまで味わったことのない空気に包まれました。
事前に申し込んだ椅子席整理券で参加された方、立ち見を承知で駆けつけた方、展覧会を訪れて初めてコンサートを知った方、それぞれ
古紙配合率 100％再生紙を使用しています。

されてきているといえるでしょう。実力作家の最新作に親しむことのできる機会であり、鑑賞者の質の底上げの為というその狙いも、納得できるところです。
しかし、今日、日本の絵画は「飾る」という使命から離れてずいぶん経過しています。会
場では、この作家は何を表現しているのだろうか、という思いが私の脳裏から離れることがありませんでした。色と形の純粋に美しいハーモニーを見せる作品もあれば、内省的な作品、作家の感興にもとづく作品と、それぞれに楽しめましたが、「今」を表現する作品がもっとあってほしいと思うのは私だけではな
いでしょう。
米倉委員の言うように、
「両洋」
の
「両｣には
多くの意味が認められます。より広い「両」の紹介によって、いっそう刺激的な展覧会になると期待したいものです。若い世代の刺激的な作品などもあるでしょうし。図録で、委員の一人が「一時流行した”社会主義リアリズム”とは一線を画したヒューマニズム絵画が、そろそろ新しい感受性を伴って生まれてきても良さそうだが…。
（」藤慶之）
が記しているのが気にかかります。
（hhk）

2007年２月10日㈯～３月25日㈰岡崎市美術博物館「「森」としての絵画：「絵」のなかで考える」
岡崎市美術博物館は森の中にあります。
「美術博物館前」というバス停で降りるとあたりは霧に煙っていて、ほんのりと森の香りがしていました。森の中にある美術館で開催された“「森」
としての絵画”と題された展覧会。そこには、本当に豊かな森が出現していました。
19人の画家たちの描き出す作品にはそれぞれの心情に基づいた現代が映し出されるのですが、そこには現代を肯定的に捉える姿があるような気がします。
展示は「システムとしての絵画」、「ドロー
イングから紡ぐ」、「イメージの湧出力」
、
「影
像的」
、
「器としての絵画」、「絵を立ち上げる」の六つのセクションに分かれています。その中で最も気になったのが、
「影像的」
と題され
たセクションです。岩熊力也の作品は、非常に印象的でした。薄いポリエステルに描かれた不可思議な模様。それは、夢の中を漂うかのようであり、そして何よりも、軽い。なぜかその軽さに惹きつけられてしまいました。
そして同じセクションのもう１人の作家、横内賢太郎の作品もまた、サテンに描き出された、軽く現実の重みを感じさせないものでした。オークションカタログの写真を元に描い

い人々にことばをこぼしてもらうための力でもあり、聞こえてきたことばからその人の内情を理解するための力だと思いますが、そうすると、聴くことはかなりむずかしいのだと改めて思います。よく聴くためには、相手をうらまず、なおかつ自分もくさらない忍耐や寛容が必要になってきます。受動的な行為であるために、ふだんは「話すこと」
よりも簡単に思われる「聴くこと」
ですが、このように考■特別展「生誕100年記念 ダリ展
えると人格にかかわってきてどうしようもな
創造する多面体」
5/12
（土）
―7/11
（水）
い気になります。
夢と現実が白昼夢のように融合した独特の世
本書は、
「聴く」
ことの力について論じてい界で、多くの人々を魅了し続けてきた、20るので、単なる聴く力についての分析以上に世紀を代表する画家サルバドール・ダリ
豊かな内容が含まれています。
「そのつどの現。
「ダ リ 生 誕100年 記 念」プ ロ
実の会話において、その『だれか』がだれであ （1904−1989）
ジェクトの一環として、スペインのガラ＝サ
るかは、それぞれの『だれか』にとって決定的
ルバドール・ダリ財団およびアメリカのサルな意味をもつといってよい。
」
美術鑑賞はよくバドール・ダリ美術館の全面的な協力のもと、比喩的に「作品とのダイアローグ
（対話）
」
と言
182点の作品を展示して、ダリの多面的な世われますが、聴くことでひとはだれかの前に界をご紹介します。
立つ存在として特定の意味をあたえられる、○作品解説会 6/3（日）、7/1（日）14:00−という示唆は、私たちがなぜ（だれかの）
美術
講師：深谷克典（当館学芸係長） 無料・先着に魅かれてしまうのか、という疑問にも答え180名うる可能性があるように思えます。
○映画上映会「白い恐怖」 5/20㈰、6/2㈯・9㈯本書は刊行からしばらく経っていますが、続編にあたる『「待つ」ということ』（角川選書）
が昨年刊行されましたので、今回紹介させていただきました。
（nori）●●

た絵柄ははっきりとした像を結ばず、やはり、起きたらすぐに忘れ去ってどこかへ消えてゆく夢に似ています。
現代の絵画を「コンピュー
ターのウィンドウのような薄い平面がいくつも重なったレイヤーとしての姿」と主催者は喩えているのですが、液晶の薄い平面に映し出される、現実の重みを伴わない情報の流れの中にある現代という時代を、二人の作品はその中に取り込んでしまったのではないか。
そんな感じも受けます。
現代に対する問いかけのひとつに、目に見えない情報が奔流となって流れることにより、失われるものは何か、そして肯定的に捉えるべきものは何かということがあると思います。この展覧会を通じてそんなことも少し考えさせられました。
（akko）

会場風景

14:00−
本編中、夢の場面の装置をダリが担当
監督：アルフレッド・ヒッチコック 111分
英語
（日本語字幕つき） 無料・先着180名■コレクション解析学2007−2008

名古屋市美術館所蔵の美術作品の中から、特定の作品を詳しく紹介する講座です。当館の学芸員が講師をつとめ、最新の研究結果もあ
わせてお話しします。
第１回 5/27（日）14:00−15:30
田渕俊夫《ヨルバの花》（1968年）について
演題：「アフリカの地で得たもの」
講師：神谷浩（当館学芸課長） 申込不要・無料・先着180名
第２回 7/29（日）14:00−15:30
ティナ・モドッティ《アステカの赤子》（1926−27年頃）について
演題：「愛に、芸術に、そして革命に生きた
女性写真家のまなざし」
講師：笠木日南子（当館学芸員） 申込不要・無料・先着180名■フライデー・ナイト・シアター

6/8（金）18:00−
毎月第二金曜日の夜間開館時に開催。アート
に関する貴重なフィルムを上映します。作品
は決定次第ホームページでご案内します。
無料・先着180名

鷲田清一『「聴く」ことの力—臨床哲学試論』（1999年、阪急コミュニケーションズ）

が生で聴く機会の少ない篳篥（ひちりき）の独特な音色の魅力に引き込まれ、東儀さんのオリジナル曲をはじめ、
ジャズの名曲《枯葉》
をアレンジした楽曲などの演奏に聞き入っていました。
曲間には、サンクトペテルブルグの街の印
象やエルミタージュ美術館内での演奏エピ
ソードについてお話しいただいたのですが、その後も雅楽の紹介から昨今の日本語の乱
れ、教育問題、日本人が日本文化を理解する
ことの大切さについてなど話題が尽きることはなく、さらには、なかなか鳴りやまない拍
手に予定時間を超過してジョン・レノンの
《イ
マジン》
の弾き語り
（熱唱！）
で応えるなど、サービス精神旺盛な一面も見せてくださいました。
最後の《ふるさと》
では、目を閉じて音の響きに耳を傾ける来館者の姿が印象的でした。
今後も展覧会活動と並行して、さまざまな形で美術館を楽しんでいただけるよう努めていきます。寒い中ご来場いただき、ありがとうございました。
（3）

ダリのポートレイト
Image rights of Salvador Dalí reserved. Fundació GalaSalvador Dalí, Figueres, Spain, 2007＊名古屋市美術館は、7/12（木）−7/20（金）の期間、休館いたします。

◆美術館の「キッズの日」円 おとな（高校生以上）400円 定員：各回10組 申込〆切：5/31（木）

休みの日は、美術館へあそびにきませんか？
美術の楽しさを発見するこども向け講座です。

○アート･ウォッチング

6/24
（日）
10:00−12:00
家族や友達といっしょに美術館にある絵や彫刻を見てまわるプログラムです。絵を見てクイズやゲームをしたり、彫刻をまねして作ったり、ちょっとした遊びをしながら楽しくす
ごしましょう。
対象：こども（小中学生）とおとな（保護者）とのグループ 参加費：こども（小中学生）
100★申し込み方法
官製はがきに①住所、②参加者全員の氏名（ふりがな）、③こどもの学年（さしつかえなければ年齢も）、④電話番号、⑤希望のプログラ
ム名と日時を記入し、名古屋市美術館「キッズの日」
係までお申し込みください。はがき
１枚で１プログラム１グループの申し込みとさせていただきます。申し込みが多いときは抽選し、当選の方にはプログラム実施日の10日前までに参加証をお送りします。詳しくはホームページをご覧ください。

【編集後記】
アートペーパーの最初のページに掲載されるコラムを、６年間24回にわたって馬場駿吉さんにご執筆いただきました。
「現代美術への接近法」と題して、馬場さん自身の現代美術との関わりという大変豊かな体験に根ざした文
章をお寄せいただいたのですが、前回で終了ということになりました。この場を借りて、馬場さんに心からお礼を申し上げたいと思います。そして、今回からは、彫刻家で名古屋市美術館参与の石黒鏘二が執筆を担当することになりました。
「アートの旅『過去・現在・未来』」という題で、作家の視点から見た美術について、また、これまで歩んできた中でのエピソードなど、美術に関わる様々な事柄についての内容となるものと思います。どうぞご期待く
ださい。新たな執筆者を迎え、学芸スタッフもまた新たな気持ちで原稿執筆に取り組みたいと思っておりますので、今後ともどうぞよろしくお願いいたします。
（akko）

アートペーパー第73号 発行日：2007年4月1日

発行 名古屋市美術館［白川公園内］
http://www.art-museum.city.nagoya.jp/〒460-0008
名古屋市中区栄二丁目 17 番 25 号
地下鉄
《伏見駅・大須観音駅》
下車
Tel.052-212-0001 Fax.052-212-0005
休館日：毎週月曜（祝日の場合は翌日）

執筆者／神谷浩（hhk）、深谷克典（F）、山田諭（sy）、竹葉丈（J.T.）、角田美奈子（み。
）、原沢暁子（akko）、笠木日南子（hina）
、清家三智
（3）
、保崎裕徳
（nori）