――アントワーヌ・ペヴスナー《コンポジション》を巡って“キュビスムの転換点”
手製の、ややもすればプリミティヴな印象を名古屋市美術館には、彫刻家アントワーヌ・
受ける金色に彩色された額縁まで立ち上がる
ペヴスナー（1884-1962）
の
「絵画」
作品が寄託
白色に塗られた周縁部は、肖像を求心的に強されている。
ロシア出身のペヴスナーは、
1915
調するばかりではなく、イコンに見られる聖年に絵画から彫刻に「転向」
し、その後、抽象
人の証である後光を象徴していることになる。
的な形態によって、彫刻の持つ空間概念を拡
裏面に署名と1915年の年記を持つこの作品大させた、ヨーロッパの構成主義の代表的作
は、後に彫刻へと転身するペヴスナーの初期家として高い評価を得ている。同じく彫刻家の数少ない「絵画」であると同時に彼自身がのナウム・ガボ（本名ナウム・ボリソヴィッチ・
ペヴスナー;1890-1977）
は、彼の実弟でもある。 キュビスムをどのように解釈したか、さらには彼が滞在した1912-13年の、パリでの「絵
作品《コンポジション》
は、金泥が塗られた画」の動向を物語る貴重な作例でもある。
真四角（44.5×44.5cm）の額縁に直径43.5cmの開口部を持ち、額縁から絵が描かれている
円形の底部まではおよそ5.2cmの深さがあ
1913年、パリ・モンマルトル
る。画面の直径は38.1cmあり、その支持体
キエフとサンクトペテルブルグのアカデである板には麻布が張られ、その上に油絵のミーで学んだ後、ペヴスナーは1911年に初め具によって像が描かれている。額縁を含めたてパリを訪れ、翌1912年には再訪し、およそその形態からポートレートであることを、さ二年間滞在している。この年、パリで開催さらには彼の祖国ロシアの伝統的なイコン（聖れた展覧会〈サロン・デ・ザンデパンダン〉や像画）を連想することはさほど困難ではない。 〈サロン・ドートンヌ〉の会場には、キュビスム
実際、その構造と制作過程はイコン製作の伝絵画が“氾濫”していた。ただ、そのなかでブ統的技法に則ったものである。ペヴスナー自ラックとピカソの二人だけは、彼らの“追随身、アカデミーで絵画を学んでいた時期に最者”とは袂を分かつかのように展覧会への出も影響を受けたのは、
ノブゴロド派によって描品を控え、専ら分析的キュビスムの画面構築
かれた15世紀半ばのイコンであったという。
へと邁進していた。
そしてそのことが、キュビ彫刻とも見まがう深さを持つその底部から、スムの展開に大きな影響を与えることになる。

解体に潜む生成の芽 ❷美術評論家 中村 英樹「朝日新聞」（名古屋本社版、1968年₆月15日付夕刊、文化面）のコラム「土曜の手帳」には、「一層幅広い参加を 現代美術シン
ポジウムの試み」という記事が司会者の美術家・久野真の顔写真とともに載っている。
同年₉月14日の「土曜の手帳」の見出しは「「スカット」へ転換 現代美術の動向展」
で、掲載写真には「白い布を使って表現した
庄司達氏の作品」と付されている。
私が「火」という一字署名で寄稿し始めた最初である。
1968年と言えば、パリの学生運動に端を発する社会変革運動がフランス全土に広がった五月革命に象徴される歴史の大きな節目の年であり、美術の領域でも
「前衛美
術」
から
「現代美術」へ、「○○○イズム」から「○○○・アート」
へと基本的な枠組みが移り変わる時期であった。鋼鉄によるレリーフ状の作品を海外で発表していた久野真や、京都国立近代美術館の「現代美術の動向展」に《白い布の空間’68－7》を出品した庄司達らは、当然、その状況を敏感に受け止めていたに違いない。
当時の桜画廊（名古屋市中区錦１）に集まったシンポジウムの参加者たちの発言には、「統一的な個我の意識の高み」に安住す
る美術の在り方を捨て、新しい価値の可能性を「没個性的な作品」
に見出し、
「個我の

前回に引き続き、震災の話です。
災害の度に思うことは、「美術って、何のお役に立てるのだろう？」ということ。
今回の震災が起こった
直後、水や食料を求める人々の姿を見ていると、こんな時には美術は出る幕もないな、
と思
いました。
しかし、
徐々に生活が始まり、少し落
ち着きを取り戻しつつある現在、美術は何かができるのかもしれない、と思い始めています。

破産」
を救おうとする共通の方向性が認められた。だが、自己超克の厳密な方法論がなければ、機械文明の所産とも言うべき「没
個性的なフォルムの体系」
は、「再び自我の意識を安住させる危険性」
をはらむ。
「現代美術の動向展」の多くの出品作品に感じられた「スカットサワヤカ」な雰囲気
は、「ドロドロ」した情念を表出する従来の美術の克服のようだが、実は、「生命力の幻影から空想の自由への変化」に過ぎない。
いわば「現代都市空間」の「受動的反映」であり、「自らの生んだ世界に一粒子として組み込まれていく人間主体の姿」
を垣間見させる。
欧米現代美術の諸傾向に追従するだけでは、真の「スカット」＝解放感は実現しない。
これが私の意見であった。
近代的自我を超克しようとして非個性化する欧米の美術。
その文脈に属さずもともと没個性的であり、自我否定の契機のない日本美術が非個性化の傾向を様式的に模倣することへの危惧。
今思
えば、それが心中でわだかまっていた。
欧米に学びつつ、
日本の内発的契機に基づいて精神構造を立ち上げることが、以後、
私の主な関心事になる。庄司達の近作もその道を行く。
庄司達《白い布による空間’68－7》200×200×214cm
現代美術の動向展（京都国立近代美術館）

津波で多くのものが押し流され、場所によってはまさに、何もなくなってしまった東北地方。しかし、そこから新たな生活が始まるにあたっては、本当の意味で豊かな生活が創り出されていくことが望まれると思います。では、本当の豊かさとは、何でしょうか。今回の震災を通じて、そのことに思いを馳せた方は沢山いらっしゃるのではないでしょうか。当たり前にあると思っていた電気も、本当は私たちを脅かす危険と引き換えに提供されていたもの。そして、日々の何でもない暮らし。
落ち着いた食卓で家族とともに、アントワーヌ・ペヴスナー《コンポジション》1915年
油彩、 麻布、 木 名古屋市美術館 寄託作品

当時、ペヴスナーは未だ絵画を目指していたのだが、展覧会場に氾濫するキュビスムの絵画表現よりも、エッフェ
ル塔に魅せられたという。二度目のパリ滞在中、ペヴス
ナーは画家アメデオ・モディ
リアーニ（1884-1920）と彫刻
家アーキペンコ（1887-1964）と知り合うことになる。ウクライナ出身のアーキペンコ
は、1902年から1905年にかけ
参考図版《聖顔》14世紀末
アメデオ・モディリアーニ
《立てる裸婦（カリアティードのための習作）》てキエフのアカデミーで学ん
c.1911-12 名古屋市美術館蔵
だ（同 校 に は ペ ヴ ス ナ ー が1902年まで在学していた）後、二十歳の時にピカソ；ギターの変容
パリに到着、1909年にはモンパルナスにあっ1912年夏、パブロ・ピカソ（1881-1973）
は、た彫刻家レジデンス〈シテ・ファルギエール〉 盟友ジョルジュ・ブラック（1882-1963）と南に於いて、モディリアーニらとともに彫刻の
仏のソルグに滞在し、キュビスムの更なる深制作に励んでいた。1913年₄月、アーキペン化を模索した。彼らはそこでキャンヴァスのコは彫刻を教えるアカデミーを開校するが、平面のみならず、紙による彫刻を組み立て始
そこには東欧出身の若き彫刻家たちが集った。 めた。同年10月にパリに戻ったピカソは、そ一方、1906年にパリにやってきたモディリの後彼の絵画作品に度々描かれることになる
アーニは、彫刻家ブランクーシと知り合い、 「ギター」をモチーフとしてその実験を展開しこの時期、アフリカ美術とクメールの彫刻にていく。画面の上で「ギター」
は分解され、さ影響を受け、やがて《カリアティード》と呼ばらには人物と組み合わされた。その実験は表れる女性像をかたどった柱彫刻の制作に向現ばかりでなく、画面を構成する素材にまでかった。キュビスムの絵画が氾濫する中で、及んだ。ブラックとともに模索した“分析的モンパルナスで出会った三人は、絵画と彫刻
キュビスム”
によるひとつの成果である、新を巡り、自らの表現志向を模索することにな
聞紙やラベル、さらには壁紙など、“パピエ・る。だが、そうした中にあって、ペヴスナー
コレ”と呼ばれるキャンヴァスの表面に直接が頻繁に訪問したであろうモンパルナスの数
素材を貼り付ける技法は、
「ギター」
というモ
多くの私塾やアーキペンコのスタジオ、さらティーフを獲得することによって、ピカソのには春と秋に開催される展覧会とは別に、い中で飛躍的に発展することになる。
やむしろそれ以上に彼らを刺戟し、鼓舞し続古来、描かれた楽器が、絵画にはない要素、つけた場所が存在した。1913年₆月、静養のた
まり目には見えない音や旋律を観る者に呼びめに滞在していたリヴォルノからパリに戻っ起こす効果や機能を担わされたものであるこたモディリアーニがアトリエを構え、《カリとに違いはないが、ピカソにとってギターは、
アティード》の素描連作を始めたモンパルナ
パリのカフェ文化とともに、生まれ故郷の情熱
スのラスパイユ大通り216の、正しく“眼と鼻的なフラメンコ音楽、さらにはジプシーを髣
の先”にはピカソのアトリエがあった。
髴とさせる象徴という両義的な意味を秘めた
格好のモティーフであった。
言わばキュビスム
おいしいご飯を食べること、柔らかい布団で眠ること、お風呂に入ってくつろぐこと・・・。
それらのことが、いかに貴重なものであった
かを、しみじみと感じたわけです。私たちが求めているものは、本当はそういったごくさ
さやかなことなのではないでしょうか。
そしてさらに、そういったささやかな生活の中に、気に入った絵画や器、家具などがあれ
ば、私たちの心はとても豊かになるのではない
かと思います。
美術作品は、敷居の高い、
近づきがたいものと考えられがちですが、もっと自分たちの生活の中に美術作品やそれを見たことによる感動が取り入れられていったら、と思うのです。
といっても高額な美術品を所有するの
は難しい。
ならば、
例えば、
美術館で展覧会を見た後に気に入った絵のポストカードを一枚買って帰って、部屋に飾っている、
それだけのことでも、
私たちの心は、満たされたり豊かになったりすると思います。
美術館は、
そういった
感動を提供できる場でありたいと思うのです。
震災に遭われた方々の心が少しでも明るく穏やかになることを願って、そして、美術が微力ながらそのお役にたつことを願って、この文章を終わりたいと思います。
（akko）

リンの作品ばかりでなく、その後の抽象彫刻導入して見せた。
翌1915年には、自らの表現をに引き継がれていくことになる。
〈Sculpo-Painting〉と称して、絵画と彫刻の
ピカソのアトリエとは正しくコンポジショ
綜合を目指した彩色彫刻を展開する。いみじ
くも同時期に表れた、タトリンの〈Painterlyン（構図）
からコンストラクション（構成）
へと
Relief〉とアーキペンコの〈Sculpo-Painting〉 移行する、最前線の“実験場”でもあった。だとは、単なるレリーフではなく、三次元の「構が、それと同時に平面と立体の複合によるイ成」を目指したものであった。
ンスタレーションという“未来”の展示空間を
それとは対照的に、モディリアーニは1909
示唆しながらも、キュビスムを通じて「解体」
年頃から構想していた石彫による
《逸楽の神
から
「再構築」
あるいは空間の拡張へと向かっ殿》の制作をあきらめ、彫刻を断念する。だた彫刻と、画面における
「分割」
から
「再統合」
が絵画に戻った彼が描く肖像画には《カリアに向かう過程で「装飾化」へと陥ってしまったティード》のための素描で培われた独自の様
絵画との
“分水嶺”
でもあった。そしてその境式が確立されて行く。一方、ペヴスナーはパ界にこそ、ペヴスナーの絵画作品《コンポジ
リを離れ、1914年には弟のナウム・ガボととション》
は位置していた。
アレクサンダー・アーキペンコ
ウラジーミル・タトリン
アントワーヌ・ペヴスナー《曲芸師》1912年、
現存せず 《コーナー・カウンター・レリーフ》 1915年、現存せず《展開する表面》1939年
もにオスロに滞在し、やがて兄弟は彫刻に専
さて最後に、その“起点”に立ったピカソについて。余談ではあるが、だが興味深いこと
は、後に“エコール・ド・パリ”と呼ばれること
1914年、絵画と彫刻のインターフェース 念していくことになる。
1915年、タトリンはペテルブルグで開催さに、ピカソはギターを弾けなかった。それどになる異邦人画家たちに“画面構成の実験”
ば
そして、このピカソのアトリエには様々なれた『最後の未来派絵画展 ₀・10』に《コー
ころか、音楽そのものに関してさほど興味がかりでなく、その主題に作家自身のアイデン
画家や画商が訪れていた。後にロシア構成主
ナー・カウンター・レリーフ（複合コーナー・
無かったらしい。
（JT）
ティティーを覚醒させることとなった。同様
義を牽引することになるウラジーミル・タト
レリーフ）》を出品していに《アヴィニョンの娘たち》（1906-07年）に象リン（1885-1953）は、1914年の₂月から₄月る。はじめての抽象彫刻
徴されるように、パリのギャラリーや博物館
にかけてパリを来訪した際にピカソのアトリで展示・公開された未開と原始、あるいは異文エを訪ねている。果たして、タトリンは翌月、 とされる同作品は、前年にピカソのアトリエを訪明は、モディリアーニにクメール文明を、
ロシ
つまり1914年₅月、モスクワに於いて、絵画彫れたタトリンの衝撃を伝
ア出身作家にイコンの伝統を思い起こさせた。 刻（Painterly Relief）による個展を開催してえるに十分なものであっキュビスムからの新たな展開は、〈サロン・いるが、そこでは金属片や木片を画面にアッデ・ザンデパンダン〉などの展覧会場ではな
サンブラージュした作品が制作・発表された。 た。
ピカソによって解体さ
く、モンパルナスのラスパイユ大通り242にタトリンがパリに滞在していた1914年₃月
れた
「ギター」
の部分、例
あったピカソのアトリエで提示された。1912に開催された〈サロン・デ・ザンパンダン展〉にえば、奏でた音を共鳴さ
年の12月、アトリエの壁にはペーパー・ボー
は、相変わらずキュビスムと未来派が様式化・せるサウンド・ホール
ドによって制作されたギターの「彫刻」が掲げ装飾化された絵画が会場を埋めていた。
そのなは平面に穿たれた穴
られ、その周囲には描かれた“分析された”ギ
かで注目を浴びたのがアーキペンコの彫刻作 （孔）として強調され、またそ
ターのドローイングが順次ピンで止められ品であった。
アーキペンコは、
木と金属板、
ガラのストリング（弦）は作品た。翌1913年の遅くとも₃月には、実物のギス、針金に彩色を施したアッサンブラージュにと空間に拮抗を与える
ターを画面に取り込んだ作品の制作が始めら
よる《曲芸師》
をはじめ₄点の彫刻作品を出品が拡張された。それ、以後ピカソのキャンヴァスは、均質なそするが、キュビスム的視点による造型を見せな “機能”
してその
“機能”
は、タト 撮影者不詳 《ラスパイユ大通り242、ピカソのアトリエ内部、1912年12月₉日、もしくは14日以後》の平面性から大きく逸脱していくことになる。 がらも、
それまでとは全く異なる素材を彫刻にを提示するわけですが、鑑賞者はその解釈を一つの材料としながら決して盲従することなく、
自分なりの解釈を作品から引き出す、とい作品の運搬と展示9 順路  う成熟した大人同士の関係が構築されている

からです。
それは順路だけでなく、
例えばキャ 「写真家・東松照明 全仕事」

プションや解説パネルといった補助的な展示
備品についても同様です。日本の展示を見慣
展覧会をご覧になったお客様からの意見で
戦後日本を代表する写真家東松照明の回顧れた目には、いかにも小さすぎるキャプショ
よくあるのが「順路が分かりづらい」という声展。東松が写真を始めたのは、50年代。シュンや素っ気ないと感じるほどに簡略化されたです。会場の入口から作品に沿って見ていっルレアリスムの影響を受けた造形写真からス
パネル類など、海外の美術館における解説は、 タートし、敗戦後の日本の現実、長崎で被爆たところ、途中で順路が分からなくなり、まご
展示する美術品の邪魔にならぬよう最低限のついてしまったという意見です。この意見の者とともに流れる時間を撮り続け、現在に至ものにとどめるという意識が貫かれています。 るまで基地問題等で揺れている沖縄の持つ背後にあるのは、①順路通りに見ていかない
対する日本の美術館での展示はといえば、と展覧会の意図を充分に理解できないのでは
様々な側面を写し出す。かと思えば、人々のの例に見られるように、観客をぶないか、という心配と、②途中で大切な作品を 「順路表示」
営みと自然が形作る地面の造形を見つけ画面
れることのない一つの解釈へと導くような展
見逃してしまったのではないか、という心配に残す。とにかく、この写真の巨人とも言え示方法こそが最良であるという信憑がいまだの二つではないかと推測されます。海外の美る東松の幅広い活動はとても一言で表すことに優位を占めているように感じられます。順
術館でもこのような意見が頻繁に寄せられるはできません。それを「全仕事」と銘打ち、で路など一つの目安に過ぎないのですから、自かどうか、調べたことはありませんが、少なくきるだけその全貌を見せようと試みた訳です
由にご鑑賞ください、などと告げられると、
突とも展覧会場を歩いている限りでは、恐らくから、感想ノートに「あまりの作品の多さにほとんど無いだろうと思います。
というのは、 き放されたように感じる観客と、説明不足とびっくり！！」とありましたが、そう感じられたの誹りを恐れる臆病な美術館の対応が一体に
日本の展覧会場では数多く見かける、矢印な方はきっとたくさんいらっしゃったでしょう。
なって、過剰ともいえる説明的な展示が生まどを使った「順路表示」
を海外では滅多に見な写真に映し出されているのは、その時その電車内で連呼される、停車駅の告いからです。
「順路表示」が無いということは、 れています。
場所でリアルに生きた人々とその世界。
「何知にはじまり、忘れ物をするな、
携帯はマナー
そんなものは必要無いという認識が、展覧会のが写っていても、すべて歴史の証人となるこ
モードにせよ、
席は詰めて座れ、等々のかまび
主催者側と観客との間に共有されている証拠とが改めて解った。
「」知っているのに知らな
すしいまでの放送を、
日本的なきめ細かなサーです。
「順路表示」
がまったく必要ないほど、会
い世界。
」
敗戦後の日本が歩んできた歴史につビスと取るか、客を子供扱いした要らぬお節
場が迷う余地の無い完璧な導線と空間によっいて、私たちは歴史的な事実として認識はし介と取るか、人によって意見の分かれるとこて構成されているというケースが皆無とはいているものの、視覚的に写真の中に生きるろでしょうが、美術館の展示に関していえばいませんが、むしろ主催者と観客が互いの自人々の現実に圧倒されます。
「この写真展を解釈を一方向に誘導しかねない過剰な説明は、 見た人はこれからの日本がどうあるべきか考由を充分に尊重しているからこそ、そのようそろそろ再検討した方がよさそうです。美術なものは不要であるという共通理解がそこにえるヒントになると思う。
」
私自身も、戦後の品の豊かな解釈は、自由と責任に裏打ちされは横たわっていると思われます。主催者は展
日本の時間の流れによって忘れ去られようとた大人のみに許された特権でしょうから。
（F） していたことをしみじみと思い起こさせられ示することによって作品に対する一つの解釈「日本画壇の風雲児 中村正義
新たなる全貌」
展
2011年11月₁日㈫～12月25日㈰中村正義というと、名古屋市美術館の常設展示室で、蛍光塗料のようなサイケデリックな色彩だけで、激しく叫ぶ男と女を描いた作
品を思い浮かべる皆さんも多いのではないでしょうか。この作品だけを見ると、中村正義
が日本画家だったとは思いもよらないことかもしれません。しかし、実は36歳という若さで日展の審査員に抜擢されるほど、将来を期（白い舞妓）》など）が出品されるだけで待された画家だったのです。ところが、生来 《舞子なく、鮮烈な色彩が炸裂した
《男と女》
シリー
の批判精神と日本画壇の因襲への反発心かズの代表作、その先駆となったカラフルなら、翌年には日展を脱退して、画題的にも画のシリーズ、またロンドンでの個展のた材的にも、日本画の既成概念を遥かに超越し 《花》
めに、イギリス風のポップ・アートの華麗なた絵画を描いて、「日本画壇の風雲児」と呼ば色彩を駆使した《舞妓とピエロ》
シリーズ、当れたのです。
代髄一の人気の日本画家・東山魁夷にも比肩
今回の展覧会では、このように多様多彩なされる《太陽と月》
シリーズの風景画、
雑誌『20
中村正義の芸術を、最初期から早過ぎる晩年世紀』の表紙のために、当時の有名人（福田赳まで、できる限り幅広く集めて、その芸術のを極彩色で描「新たなる全貌」を紹介したいと考えています。 夫、三島由紀夫、堤清二など）いた肖像画、第₂回人人展の壁面を埋め尽くし
これまでの地道な調査・研究を踏まえて、近年になって新たに発見された驚くべき作品
た
《顔》
シリーズ
（48点）
の再現展示など、所蔵をはじめとして、制作・発表された当時から先も不明な個人蔵のために、なかなか借用す
40年近くも公開されることのなかった幻の作ることのできなかった作品を加えて、総計
品（例えば最後の日展出品作となった話題作
230点余の大規模な展覧会になります。どう《太郎と花子》や舞妓三部作の中央に位置する
ぞ、ご期待ください。
（sy）

た気がします。
また、最初の作品集『水害と日本人』に掲載された作品や、長崎の原爆被害者をとり続けた作品を、₃月11日に東日本を襲った大震災と津波、そして福島の原発事故を経験した後に見ることの意味について考えられた方がた
くさんいらっしゃいました。
「
（原発が）
絶対
安全と信じていた人とそれに追従する人は、見ようともしなかった現実ではないか。
「」大災害後の今こそ、東松先生の写真が必要です。
「」原発を比較的安易に容認してきたのは
みんな豊かさを求めすぎたからでしょう。日本のエネルギー問題を広島や長崎を思い出して検討しなおして欲しい。今からでも遅くないから原発抜きの国作りについて国民投票をして、どう幸せを求めるか覚悟しないと。
」
そして、体調の不調で来名できなかった東松さんへ「少しでも早く東松照明先生のお身体がよくなりますように。いつかお目にかかれる日を楽しみにしています。
」
体調のご回復を心からお祈りするとともに、今後のさらなるご活躍を楽しみにしております。
（hina）

会場風景

中村正義《舞妓（白い舞妓）》1958年 荒井神社
（高砂）蔵

柔らかなかたちが、
白いキャンバスにくっきりと描き出される。
伸びやかで優しいその色とかたちは、見ている私たちの心まで清々しくしてくれる。
アクリル絵具の鮮やかで濁りのない色
彩と有機的なかたちは、この世の中にある葛久米 亮子（くめ りょうこ）
藤から解き放たれたかのような、純粋な世界を創り出している。
絵画には、葛藤を見据える久米亮子は現在愛知県知多郡に在住する画
ものもあれば、葛藤のない透明な何かを表そう家である。
本人によれば小学校₆年生の写生大とするものもある。
後者である久米の絵画は、会の時に、「絵は最後にやる。
」
と思い、
それ以
見ている私たちに幸せな時を与えてくれる。
来、
描くのをやめていたという。
音楽やバレエ
ごく自然に人生の選択をしてきた結果、画など芸術に親しみながら、女子大に進学。
その家としての今がある、と久米は語る。そこに、後、誰もが知っているような大手の企業に勤め迷いというものはなかったという。
「絵は最た。
しかしその頃、
ふと子どもの頃に考えたこ
後にやる。
」と思った子どものころの気持ちをとを思い出し、「絵をやらなくちゃ」と、方向転根底に持ち続けながら、自分の気持ちに忠実換することとなる。
上原欽二氏の主宰する名古に歩んで来た、屋アートスクールに入学し、絵画を学ぶ。
1988
その道筋には年、春陽会奨励賞を受賞。
1992年には中日展佳
様々なことが作賞を受賞している。
1993年、春陽会会員に推あったであろう挙されるが、1995年に退会し、独自の道を歩みが、それを超え始める。
その後、名古屋画廊をはじめ、
多くの画
廊で個展、
グループ展を開催している。
1997年、 て、彼女の作品には絵を愛する
上野の森美術館で開催される絵画展「VOCA
素直な気持ちの展」に出品。2002年にはArt Scholarship2001
現代美術賞（本江邦夫部門）を受賞した。
また、 みが溢れ出ているようである。
1996年からはハートリー絵画教室を主宰し、（akko）
指導者としても才能を発揮している。
彼女の作品の中では、植物を思わせるような
久米亮子《flower》2011年

今回の「どこがおもしろい？」は、八島正明（1936− ）の作品《夏の日》（1985年）に寄せられたコメントを紹介します。
「夏、あそんでいると、あっという間に日がくれてしまう。お兄ちゃんが夜道をリードしてくれる、頼もしい背中。まわりの大人のかげは₂人を心配している大人なのかな。あと少し₂人で歩けば、あたたかいお家に帰れるんだろうな。
（」ゆかりさん、31歳）「おはかにいくかんじ。おとうさんは何かごようがあって、
ひまがあるから、
おじいちゃんとおばあちゃんのおはかまいりに行く。
あついけど、がんばっていく。
（」ゆいさん、
₈さい）「あつそうでした。でもさみしそうなさくひんです。はだしでもだいじょうぶなのかなぁと思います。夏の日にむぎわらぼうしかぶってかわいいです。ふちっこにかげがあって、なにかなぁと思います。
（」りおさん、₈さい）「“夏の日”という題名なのだから、にぎやかで、
楽しいイメージがありました。
けれど、
この兄
妹はさみしそーです。
大人の人はみんなかげでうつされていて、
つめたい感じです。
男の子と
女の子は、
しっかり手をつないでいました。
遠
くの方に光が見えますね。
でも彼らは、
その光…希望にみたされている、という感じではな
く、しかたがないからその遠くの小さな光に向いて歩いているようです。
まわりには家も何
もなく、
まさに
“こどく”
でした。
この絵は戦争
のこどく、つめたさ、さびしさをあらわしているのかな？と思いました。
（」里帆さん、11歳）「なんだか、こわい絵だと思いました。₂人の先につづく道は、土のようなもので止められているような感じで、周りの大人の人たち
はすごく怖い感じでした。
私の思ったところ、戦争が関係あるんじゃないかと思います。何もない所で兄が妹をつれ、恐ふにかられながらこわごわ歩いているのを感じました。
」（Ms.男さん、12歳）「だれもいない広い道を子ども₂人で歩いていく。まわりには人の影なのか、ただの絵なのか、おおよそ動きもしないような不思議なものが₂人を見ている。暗がりがどうしようもなく心細い気持ちにさせるけれど、₂人の前には、道の先にはぼんやりと明るい光が見える。遠いような近いようなこの光に向かって、₂人はどんな気持ちで歩いているんだろう、と。光の先には何があるんだろう、と考えました。
（」Rieさん、25歳）

加藤 延三（かとう のぶぞう／1891−1970）
加藤延三は、
1891年₅月₂日に岐阜県駄知町の陶磁器に文様を転写するための銅版彫りの家
業を営む塚本家の次男に生まれ、幼い頃より家業を手伝って、20歳のときに同業の加藤家の婿養子に入り、銅版彫りの仕事を続けていたが、1913
年頃から絵画の独習をはじめた。1914年₉月に岸田劉生に初めて手紙を出して、文通を通して自作の批評を受けるようになった。翌1915年に草土社
を結成した劉生の細密描写による画風に影響を受けて、
1916年には《自画像》の連作を制作した。
1917年₂月には、
草土社名古屋展が愛知懸賞品陳列館で開催され、《道路と土手と塀（切通之写生）》《古屋君の肖像（草持てる男の肖像）》《壺の上に林檎が載って在る》などの劉生の代表作を実見して以降、
仕事の合間に、《橋のある風景（駄知
西灶橋）》（1917年）などの身近な風景を描くとともに、
妻ふみや娘喜代をモデルに肖像画を制作した。
1921年₁月には、再び草土社が名古屋栄町の十字屋呉服店で開催され、₁月28日に劉生と初めて会った。劉生日記には「永年手紙や画で知ってゐた岐阜の加藤延三君に今日はじめて会った。宿をたづねてくれたのだ」と記されている。この後も1922年₄月₉日には鵠
沼の劉生宅に宿泊し、1923年10月₂日には関東大震災の名古屋の避難先で再会して、劉生のペン素描の《自画像》を譲り受け、また1924
年には₄月₁日と11月₁日、1925年₆月15日には京都の劉生宅を訪問している。
この間も断続的に絵画制作を続けて、1924年の第₂回春陽会展に
《風景㈠》
《風景㈡》
が初入選、
1926年の第₄回展には《新緑》、1928年の第₆回展には《蕪》が入選した。
また1927年の第₁回大調和美術展に日本画《桃》が初入選して、第₂回展には《茄子と枇杷》《茄子と椒》
が連続入選した。
戦後は、1947年に自宅に窯を開いて陶芸をはじめ、また油彩画の制作も再開した。
劉生譲りの細密描写による独特な雰囲気を持った静物画を得意として、
1959年には、
岸田劉生の友人たちが集まった杉林会五人展に、武者小路実篤、
岸田麗子、
高須光治、
松本長十郎とともに出品するなど、晩年まで活動したが、1970年に死去した。
2009年には初の回顧展「加藤延三とやき
もの」が岐阜県陶磁資料館で開催された。
（sy）

加藤延三《茄子と椒》1928年

うにドキドキしながら楽しもう」と考えていた。だが、東松氏が来名できないことが判明すると、すかさず倉石さんから舞台に上がるように求められた。
「写真家・東松照明 全仕事」
記念鼎談
今回の鼎談のメインとなる二人の写真家・
無言の存在、降りてくる声
東松照明と中平卓馬は、写真について度々語り合ってきた。雑誌『現代の眼』の編集者とし展覧会の初日、₄月23日土曜日、生憎の雨て同誌ではじめてグラビア頁を設け、その最初にもかかわらず、会場となった中区役所ホーの写真家として東松照明を起用した編集者・
ルには、開場を待つ人々の列ができるほどで中平卓馬と、中平の結婚祝いにカメラを贈っあった。展覧会開催を前に体調を崩された東
八島正明《夏の日》1985年
た東松が、雑誌の企画で特別対談を行ったの
松照明氏は、すでに電話による参加が決定し「この作品はまわりの影の人が子どもを囲ん
1977年、
中平がこん睡状態に陥る数ヶ月前ていた。
東松照明氏が対談の相手に指名した、 が、でいる感じをうけました。道は時間を表してのことであった。それから四半世紀が過ぎた
一方の写真家・中平卓馬（1938〜 ）氏は、前いて、先にいくほどに人の影はゆがんでいく。 日の夜に名古屋入りし、遅めの夕食をとりな
2002年、「東松照明展覧会・沖縄マンダラ」の記
その中で子ども達がどんな先を歩いていくの
念シンポジウムで両者は再び同じ壇上で合間がら今回の展覧会カタログに目をとおし、気かが、今の人達にどうすればいいかを考えさ見えることになる。
だが、その時、中平はすでにになる写真の頁を折り込んでいた。1977年にせているようでおもしろかったです。
（」げん
記憶でもなく、ドキュ
こん睡状態に陥り、記憶障害が残った（と言 「写真は創造ではなく、ちょさん、19歳）
メントである｣と言う境地に達していた。森われる）
中平氏については、東松氏から対談
山大道、
荒木経惟らとともに出席し、前後の文相手としてその名を受けた時から少し不安を「まどのようなひとのかげが、かみがかぜで脈から逸脱するかのように唐突に発せられた感じていたのだが、そこでかみ合わない（か
とんでいるみたいでした。ひっかくときのか
中平の発言は、そのシンポジウムのテーマにもしれない）
話をつなげるためにさらに指名
んかくはどうなんだろう。いろいろなかんが冠された「写真の記憶 写真の創造—東松照されたのが、かつて、横浜美術館の学芸員（＝
えがでてくるので、作品は好きです。
（
」りん
明と沖縄」
に対抗し、
どこか
「東松批判」
とも捉
同業者）であった倉石信乃さんであった。
ごさん、11歳）
えられるものであった。写真（あるいは自己）
2003年に展覧会『中平卓馬 原点復帰—横を否定するにあたり、中平にとって東松は、浜』を企画担当した倉石さんは、一筋縄では「現代をあらわした絵だと思います。子ども
何を措いてもまず乗り越えなければならない
いきそうにない（であろう）
鼎談を進行するに₂人が歩いていても（裸足で）、大人は見て見存在であったことは想像に難くない。そしてはうってつけの人物であり、当初は三人の鼎ぬふり、関わりたくない、自分が守られていそのことを感じた東松が中平を迎え、“返り談を舞台の袖あるいは客席から「他人事のよ
ればいい、という薄っぺらい身勝手さが紙一討ち”にすべく、対談の相手に指名したと考
枚に表情もなくあらわされているよう。子どえたとしてもあながち読みすぎではあるまい。
も₂人は手をつないでまっすぐ歩いていく。
だが、その極度の緊張と仄かな期待は、
見事
子どもへの虐待事件を思い出させる作品となに空かされた。
写真家欠席のため、
かみ合わな
りました。
（
」Cさん、32歳）
いどころか、
議論すら生まれなかった。
電話を通した写真家の自作解説は、
天から降りてくる「“夏の日”といえば遠い子どものころの記憶。
声のように観衆を魅了し、一方で一言も発し
お盆も夏の日。道ばたの草むらや木立ちの中ない、だがそこにいる写真家は、
空虚な言葉をには逝った人々の霊気が漂っている。白昼の超えた現実として我々の前に存在した。
（J.T.）
はずなのに薄明のような画面。彼方のうす明
かりに向かって二人の兄妹は歩む。
この道は、○記念琵琶演奏
前途には何が待ち受けているかわからない人
日時：11月26日㈯・27日㈰、12月10日㈯・11
生そのもの。二人の後ろ姿に、無限の共感を日㈰午後₂時〜・₃時〜覚えます。
（」瑠璃夫さん、59歳）
内容：｢平家物語｣から「壇ノ浦」の段（約15分）■特別展「日本画壇の風雲児 中村正義 新
演奏者：北川鶴昇(琵琶演奏家)
たなる全貌」「二人を見守っているのはご先祖様？人は誰
場所：常設展示室₃（要入場券、定員50名、各時期の代表作をはじめ、初公開となる初期でも生まれたらその時から死に向かって進ん先着順）
作、長い間所在不明であった日展出品作などでいくしかない。ただその道のりにおいて、■常設展 名品コレクション展Ⅱにこれまであまり出品されることのなかった先に行った人たちは必ず見守っていてくれる
会期：11月₈日㈫〜₁月₉日（月・祝）
分野の作品も加え、総数230点余により紹介のだし、決して₁人だけで歩んでゆくもので
エコール・ド・パリ：The Woman
します。
もない。この夏の日の₁コマは長い人生から
メキシコ・ルネサンス：ティナ・モドッティの写真
会期：11月₁日㈫〜12月25日㈰すれば一瞬の出来事だけど、人生そのもので現代の美術：痕跡／行為
料金：一般1,100円・高大生700円・小中生400円
もある…。
（」Y.I.さん、54歳）
郷土の美術：ひと・人・人人{関連催事}（ひとひと）○記念対談■コレクション解析学
ちょうど一年前の夏休み、記録的な暑さの日時：11月23日（水・祝）午後₂時〜
日時：11月27日（日）
午後₂時〜
なか来館した多くの方が
《夏の日》
に対して長
内容：
「父をめぐる旅−異才の日本画家・中作品：ベルント／ヒラ・ベッヒャー《巻き上げ機》
文のコメントを寄せてくださいました。解説
村正義の生涯−」講師：笠木日南子（名古屋市美術館館・学芸員）
パネルで作品の制作方法も紹介したので、画
講師：中村倫子（中村正義の美術館・館長）
場所：2F講堂（無料、定員180名、先着順）
面を木綿針で丹念にひっかいて陰影の細かい
武重邦夫（映画監督）
美術館の定休日は月曜（祝休日の場合は翌日）
調子を表現していることに驚いた方も多かっ
司会：山田諭（名古屋市美術館館・学芸員）※当館ホームページ（http://www.art-museum.
city.nagoya.jp/）
を、ご覧ください。
たようです。
（3）
場所：₂F講堂（無料、定員180名、先着順）（ナ）

2011年4月23日㈯～8月28日㈰名古屋ボストン美術館

ジム・ダイン
主題と変奏：版画制作の半世紀
1960年代のアメリカでポップ・アーティス
トとして認められることから活躍をはじめた
ジム・ダイン(1935－ )の表現手法は、絵画や素描にとどまらず、彫刻やパフォーマンスなど多岐にわたっています。版画もまた欠くことのできない手法として、作家の創作活動の主要な一部を構成しています。
ダインは、絵筆やパレット、ハート、バス
ローブといった作家の代名詞ともいえるモチーフを長年にわたって取り上げ、それらを手段として、対象を観察し、記憶し、解釈する自分自身の心の動きを作品にしています。
このような創作の姿勢は、版画制作においても変わりがなく、一枚の版から、そこに変更を加えることで、いくつもの変化に富む作品を作り出しています。
一枚の版を加工し、複数の作品を作り出すこと。複数の版を加工し、組み合わせて、新しい作品を作り出すこと。独自の新しい版画技法を生み出すこと。こうしたダインの版画制作の手法と姿勢は、版画制作者としてもダインを独創性のある優れた作家としています。
アメリカのボストン美術館のコレクション
から｢主題と変奏｣というダインを象徴する₂つの切り口のもとに選ばれた152点の版画作品
2011年5月28日㈯One Day Cafe #2

水野勝規《island》
One Day Cafeとは、あいちトリエンナー
レサポーターズクラブが、「あいちトリエン
ナーレ2010」の終了後、月に₁度開催してきたイベントの名称です。トリエンナーレ長者町会場の展示スペースの₁つであった、万勝S館をつかって、作品展示やワークショップなどを₁日限定で行っていました。水野勝規
さんの映像作品はその₃階に展示され、1フロアに《island》
ほか₄点の映像が、それぞれ独立したプロジェクターからスクリーン（あ
るいは壁や床）に投影されていました。
水野さんは、昨年のトリエンナーレの出品
作家ではありませんが、その前座的なプロジェクトだった「あいちアートの森」（2010年₃月）に、「楽園をイメージして、緑のある風景で構成した」
映像作品である《garden》
を出品しています。このとき、《garden》
はたしか天井に配管などがむき出しになっているような
殺風景なフロアの一画に展示されていたように記憶しています。自然の色彩に溢れ、移ろう陽の光や風のそよぎが感じられる心地よい風景がスクリーンに投影されていて、フロアの雰囲気とのギャップが一層
「楽園」
のイメー
ジを鮮烈に印象づけていたように思います。
今回は、白い壁に囲まれたニュートラルな空間に大きなスクリーンが置かれ、桂川の岸は、イメージの豊かさ、技法の多様さにおいて、十分に見応えのあるものでした。
一方でシリー
ズごとに選出された作品点数が少なかったことが惜しまれます。
₁つでも変奏の過程を通しかそれに近いかたちで見ることができたならば、｢自分の本当の姿を描く｣というダインが自己の創作を通して行おうとしていることがらが、作品を通してより良く理解できたのではな
いでしょうか。
《( 屋外にいる₇月のナンシー》
シ
リーズは25点が解説映像で紹介されています。
)
愛知県美術館のコレクションである初期の
代表作
《芝刈機》
(1962年制作)₁点が出品作品に加えられたことは、この展覧会が版画だ
けでなく、ダインの創作活動一般を理解する
機会にもなり得たことを示しているように思えます。本展が、この地域では岐阜県美術館
で開催されて以来14年ぶりの個展であるだけに、なお更に惜しまれました。
(み。
）

ジム・ダイン《自画像：風景》1969年 ボストン美術館蔵©Jim Dine. Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston

辺の竹林を₇分撮影した《island》
がそこに投影されました。
風景の定点撮影のため、映像に大きな変化はありません。
むしろ、
翳る太陽や
さざなみをたてる風といった、静かでゆっくりとした変化が見る人の心を捉えます。水野さんは自然が生来持っている色彩の美しさ、「ゆらぎ」のような不定形な美しさを引き出してみせるのがうまい作家で、やや脱中心的なフレーミング（どこか日本画を彷彿とさせる）により、いつまでも眺めていたくなるような映像を作り出します。刻一刻と移り変わる様
相をたのしむという点ではミニマリスティッ
クな作品ですが、自然の要因
（光、
水、
大気）
を
扱っているので、論理的に割り切れない奥深さが備わっているようです。
《island》
を眺めていると、
途中鳥がやってきたり、アメンボが水面を横切ったりと、予期せぬ光景に出会いますが、この偶然性も面白さの₁つでしょう。
今年の冬（11月11日−2012年₁月22日）、愛
知県美術館で水野さんの小企画展が予定されていますので、期待しましょう。
（nori）

island／ビデオインスタレーション（DVDループ、7分）「都市型狩猟採集生活」というものが紹介されています。
路上生活者と呼ばれる都市で自給自足の生活をされている人々の知恵を紹介したものです。
この本を読むと、
私たちの生活があ『ゼロから始める都市型狩猟採集生活』 りとあらゆる面で「身の丈」に比して過剰であるということに気付かされます。
自分の生活に
坂口恭平著、太田出版、2010年
何がどれだけ必要なのかということが分からなくなってしまっています。よく分からない
まだ₆月だというのに猛ままに社会の歯車のひとつとなって、そこか暑日が続いています。暑いら逃れることは転落を意味すると思いこみ、ですが、私も節電のために不必要なものへの欲望とそれを作りだしてい
エアコン使用を最小限に抑るシステムにがんじがらめです。
坂口さんは、えるなど、自分の生活を見
雨水を再利用し、
太陽光パネルで自家発電、
自直し始めました。毎日目に分の排泄物まで再利用するようなある意味「エ
する福島の原発事故のコ」
な生活も紹介していますが、「環境に優しニュースは、今後はそんなゼロい生活」
を推進している訳ではありません。
０
大変なものとともに生きることから逃れたいという気持ちになるとともに、コンセントを円で手に入れられる「都市の幸」の多くは「エ
させば簡単に得ることができる電気についてコ」
な生活にはほど遠い大量消費の現代資本主
これまでいかに無関心であったことか思い知義社会から生まれているのです。
この矛盾に満らされました。最近は、電気不足と原発ととちた社会…。
でも、「生きるための必要最小限のもにある生活におびええることなく、もっと
エネルギー量を考える」という視点からこれシンプルに生きたいと思うようになりました。 までの自分の生活についての価値観が揺らぎ
坂口さんの本の中では、現代都市の中でのます。読後、
なんだか元気が出ました。
(hina)
古紙パルプを含む再生紙を使用しています。

2011年4月9日㈯～5月22日㈰岡崎市美術博物館
桃源万歳！－東アジア理想郷の系譜
2011年4月9日㈯～5月22日㈰masayoshi suzuki gallery
TOUGEN現代作家による桃源郷へのアプローチ

夢見ることは、現実を考えること
近年、運営上の予算と集客のバランスなど
様々な事情により、時代やジャンルを超えた総合的な展覧会が開催されることは珍しくなっている。そんな中、岡崎市美術博物館で開催された「桃源万歳」
展は、古くは16世紀のものから現代作家の作品に至るまで、ジャンルも美術作品のみならず、小説や漫画なども含めた幅広い展示品にて、私たちの文化に息づいている理想郷のイメージの系譜を紹介するという、美術博物館ならではとも言えるク
ロスオーバーな視点が生かされた好企画だった。展示会場も随所に工夫が凝らされ、桃源郷を感じさせんとばかりに長閑な鳥の声が流されていた。
桃源郷図と聞けば、寡聞にして無知の私にとっては、仙人のような老爺が長閑な山奥に住む図というイメージだったのだが、多くの桃源郷図には子どもが一緒に描かれていた。
カタログのテキストでは、アジアにおける桃源郷と西欧における桃源郷ともいうべきアルカディアとの比較があり、西欧の理想郷が、若者が安らぐ図や、若い男女が平和裡に愛を語らうことができる場所として描かれていることに対し、前者は年寄りと子どもが幸せに生きる場所として描かれているのだという。
また、近代日本においては、社会主義思想のユートピアと相俟って理想郷となった田園農
村での労働場面が、小川芋銭の素朴な画面はじめ多く描かれた。特に、私にとって興味深フランチェスコ・トリスターノ
ピアノ・リサイタル
2011年₆月10日㈮電気文化会館 ザ・コンサートホール

フランチェスコ・トリスターノは1981年ル
クセンブルク生まれのピアニスト。名門ジュリアード音楽院で修士号をとり、2004年のオルレアン20世紀音楽国際ピアノコンクールで優勝した経歴を持ちます。今年の₃月にリリースされた最新アルバムのタイトルは
バ ッ ハ ケ ー ジ『bachCage』。
その名のとおり、“音楽の父”、
J.S.バッハ（1685−1750）と、実験音楽のパイ
オニア、ジョン・ケージ（1912−1992）の曲を交互に収録したピアノ・ソロ・アルバムです。
クラシック・レーベルの名門、ドイツ・グラ
モフォンからリリースする初めてのアルバム
であるにもかかわらず、この異色のとり合わ

かったのは、この系譜を現代にまでひろげていたことであった。吉本作次や三瀬夏之介、横内賢太郎、今村哲の作品がこの系譜に置かれることで、彼らの作品の見え方に広がりを感じ、また彼らが理想的な場所に現実味を与えず、純粋に心的なあり方として理想郷を見ている感覚に共感した。過去におけるある種の理想が叶った現代に生きている私たちの現実の中では、
日常に追われる生活の中での「今
ここではないどこか」を夢見る桃源憧憬的な
欲望の行き場は想像の中だけなのだろうか。
しかし、現実をよくしたいと何かを変えようと思ってもその相手が見えにくい今だって、表現することそのものが、現実逃避とは大きく一線を画しているのだ。
また、今回の展覧会に合わせて、現代作家による「TOUGEN現代作家による桃源郷へのアプローチ」（masayoshi suzuki gallery）が開催されていた。
第二会場的なこちらの展覧会
では、志賀理恵子や山田純嗣などの見応えのある質の高い作品が展示されていた。
（hina）

会場風景：今村哲《最初

の

言葉》
（左上）
ほか

せはなんと大胆なのだろうと思いますが、さイントロイトインターリュード
らにここへ自作の《Introit》、《Interludes》を組み入れたところには、フランチェスコの自信もうかがえます。
来日公演は、この『bachCage』をベースにした曲目。オープニングの即興から、バッハの《パルティータ第一番》
、ケージの
《ある風
景の中で》
まで、演奏は切れ目なく続き、ク
ラシック／モダンの境界を感じさせない構成でした。正確にプログラミングされたような指の運びで、歯切れのよい音を奏でている印
象を受けましたが、彼の演奏には不思議と機械的な冷たさがあまり感じられません。妙に味をつけたり、
自分の演奏に酔うこともない、適度に抑制の効いた《パルティータ第一番》
は、本人のルックスどおり非常にスマート。
演奏そのものに加え、曲間の残響やステージ
上の振る舞いなど、すべてに神経が行き届いたパフォーマンスに、聴衆は息を呑んだと思います。
「宮廷舞曲形式を用いたバッハの音楽は、
要するに300年前に書かれたダンスミュー
ジック」。このように話すフランチェスコは、
実はクラブミュージックの分野でも非凡な才能を発揮している人物。テクノの名曲をピアノでカバーした《Strings of life》、粒子感ただようピアノ高音の旋律が美しい《Fragrance de fraga》など、この分野にして最高に品のある音楽を聴かせてくれます。
さらに、彼が参加するトリオAufgangは、センターにドラムをおき、脇を₂台のグランドピアノが固めるという前代未聞の構成。期待を裏切らないエネルギッシュな演奏で、こちらもおすすめです。
（nori）【編集後記】
このところ開催中の第₄回目の横浜トリエンナーレが話題です。
今回は初めて横浜美術館がメイン会場となり、「Our Magic Hour
世界はどこまで知ることができるか？」というテーマのもと、現代の先端的な作家に混じり美術館の所蔵品も展示されるなど、これま
でとはまた違った試みを見せていました。トリエンナーレは、毎回新しく決まる芸術監督とともに、テーマや内容、横浜の場合は会場も変わります。それは毎回新しく立ち上げるという苦労も伴いますが、毎回新たに先端的あるいは実験的な試みができるといういい面もあります。さて愛知では、2013年に開催される次回のあいちトリ
エンナーレのテーマが五十嵐太郎芸術監督によって発表されました。
「揺れる大地－われわれはどこに立っているのか：場所、記憶、そして復活」。
東日本大震災をダイレクトに思い浮かべてしまうテーマではありますが、「私たち人間がいったい何をすることができるのか」ということを考えさせるものでもあります。人間として生きることについて希望を持てるような展覧会になるといいなあととても楽しみになりました。
（hina）

アートペーパー第87号 発行日：2011年11月1日

発行 名古屋市美術館［白川公園内］
http://www.art-museum.city.nagoya.jp/〒460-0008
名古屋市中区栄二丁目17番25号
地下鉄《伏見駅・大須観音駅・矢場町駅》下車
Tel.052-212-0001 Fax.052-212-0005
休館日：毎週月曜（祝日の場合は直後の平日）
開館時間：午前₉時30分～午後₅時
祝日を除く金曜日は午後₈時まで※入場は閉館の30分前まで

執筆者／深谷克典（F）、山田諭（sy）、中野毅（ナ）、竹葉丈（J.T.）、角田美奈子（み。
）、原沢暁子（akko）、笠木日南子（hina）
、清家三智
（3）
、保崎裕徳
（nori）