ベートーヴェンのピアノ・ソナタ第 30 番の演奏解釈*
野 平

一 郎

藤本 一子〔編〕
Op.109 のソナタの特徴：対位法とソナタ形式
前回の講座ではピアノ・ソナタ第 21 番《ヴァルトシュタイン》（Op.53）を扱った。このソナタ以降の経験、あるいはさらにさかのぼり、「Op.1」以降のベートーヴェンの作曲家としての全体験が、はたしてこの Op.109 にどのように現れているだろうか。まずそのことを考えてみたい。
Op.109 のソナタは、1820 年頃に成立している。この時期のベートーヴェン作品に現れる大きい特徴といえば、音楽史上はじめて J.S.バッハ（1685−1750）の遺産を再び問題にしたことだろう。この頃にベートーヴェンがバッハを研究していたかどうかは、わからない。だが、Op.109 の第３楽章には《ゴルトベルク変奏曲》なしには生まれなかったと思われる個所が、数多くみられる。ベートーヴェンが《ゴルトベルク変奏曲》を知っていたかどうかはともかく、彼が作曲家として生きてきた軌跡の最後にバッハと同じ地点に到達したことは、きわめて意味深い。
19 世紀を通じて、マタイ受難曲再演などの出来事があったにもかかわらず、バッハの特に最後期の遺産、つまり調性音楽を基盤とする対位法的な技術の厳格な適用は、幾分忘却されてしまったようだ。例
えばシューマン(1810−1856)のように、楽想が常に対位法的に進展する作曲家でさえ、その書法はバッハと比較できるような純粋なそれではなかった。ベートーヴェンはこうしたロマン派に移行する境に位置し、彼の先にも後にもあり得なかった独自な対位法書式を築いた。
ベートーヴェンが J.ハイドン（1732−1809）やアルブレヒツベルガー（1736−1809）に師事して厳格対位法を習ったことは、よく知られている。しかし最初期の作品での対位法的な試みは和声的な語法との間に齟齬（そご）が生じて、不器用であるという感を否めない。ところが後期に至って、この齟齬が一言では形容できない衝突やドラマを生み、それが幾つかの作品に独特の風貌を与えることとなった。
私は Op.109 のソナタを弾くたびに、このことを考えざるをえない。
もうひとつ、形式の問題に注目しておきたい。一般に「ソナタ」の第 1 楽章はソナタ形式で構成されている。ところがベートーヴェンは中期の《ヴァルトシュタイン》以降になると、ほとんどの楽章をソナタ形式で書くようになり、《ラズモフスキー弦楽四重奏曲》（Op.59）のように４楽章すべてがソナタ形式という例すら、生まれてくる。この Op.109 のソナタの場合は、３楽章のうち、第１楽章と第２楽章がソナタ形式で書かれるのだが、もはやソナタ形式という観点からだけでは、問題の本質が見えてこなくなっている。このことを認識しておきたい。
*本稿は当部門主催「野平一郎ピアノ講座」（2002 年 6 月 4 日）の内容を記録に基づいて編集し、講演者に加筆・修正いただ
いたものである。作曲家・ピアニスト 野平氏ならではの講座内容の一端をお伝えできれば幸いである。なお新全集（ヘンレ版 1976 年）により、譜例と小節番号を補わせていただいた。
（編者）

指揮者としても有名な作曲家ブーレーズが語った言葉の中に、「中心かつ不在」というものがある。
中心にあるけれど、最早存在しない。例えば、化石には当時生きていた生物の跡が残っている。
「不在」
であるとは、そのような意味である。つまりソナタ形式は、ベートーヴェンの音楽を生み出す原動力としての中心的存在ではあるが、いったん音楽が完成されると、ソナタ形式という言葉で想起される大ざっぱな構造は跡形もなく、すべて異なった形をしている。
このソナタの場合、最も大きい特徴といえば、全体にわたって非常にコンパクトにまとまっていることだろう。ベートーヴェンの後期は、一方ではピアノ・ソナタ第 29 番《ハンマークラヴィーア》（Op.106）のように肥大したものになっていくが、他方で、余計なものをすべて削ぎ落としたコンパクトな形がつくられるようになる。曲によっては肥大化と縮小化と、その両方が同時に起こっている例もある。作品
109 は、そのコンパクトな面が最もよく現れたソナタである。言い直しや形式のために置いた無駄なパッセージなど、一つとしてない。どこをとっても本質といった作品に仕上がっている。かつて、東京芸術大学で作曲を師事した矢代秋雄先生が 1961 年に書かれたソナタについて、こう述べておられた。自分は作品 109 に精神的な影響を強く受けた。なぜなら、作品 109 はベートーヴェンの作品の中で、最もコンパクトにその精神・その技術を集中させた作品だからである、と。このソナタは何世紀も後の作曲家にも、こうしてその無駄のない構成が影響を与えているのである。

第１楽章

提示部

第１楽章からすすめよう。
まず、ここでコンパクトと形容した、その様相はどのようになっているのだろうか。

この楽章には対照的という以上に異なっている二つの主題がある。一方はヴィヴァーチェ、一方はアダージョで現れる。第１主題の４小節がクレッシェンドで反復され、それが推移して第 9 小節のアダー
ジョ・エスプレッシーヴォになると、もう第２主題である。そして第２主題の主要部分は３小節しかな
く、この３小節の反復の後、即興風に音階が上下行すると、もう展開部に入る。このように第１楽章全体が極限まで切り詰められている。
楽章全体の構成という点で整理するなら、第１主題（第 1−8 小節）
・第２主題と推移部（第 9−15 小節）
・展開部（第 16−48 小節第 1 拍）
・第１主題の再現（第 48 小節第２拍−第 57 小節）
・第２主題の再現と推移部（第 58−65 小節）となり、このあと第１主題の形に戻り（第 66 小節〜）
、最後は終結部である。この全体をテンポの観点から大きくみれば、Ａ−Ｂ−Ａ−Ｂ−Ａと捉えることもできる。
第１主題：主題は右手先行で、１拍ごとにアルペジオにされている〔譜例１〕。

〔譜例１〕

これを平板に弾かないためにはどうすればよいだろうか。まず右手の４分音符に注目したい。これが、この主題の４声体和声の最上声部である。例えば冒頭を例に取ると、物理的には４分音符ソ（gis１）よりシ（h１）の方が高いが、シ（h１）は「影の」声部にすぎない。各拍の２番目の音（付点８分音符）が、４分音符の「真の」最上声部より上にきたり下にきたり、互い違いに置かれていることを楽しめると、響きはより重層的になるだろう。
もう一つ注意したいのは、同じ形の和音進行が２拍１組で、段階的に反復していくことである。最初の１拍はアルペジオとして上向きだが、右手先行なのでジグザグである。次の１拍は下向きになっていて、上から下への直線的なアルペジオである。こういった方向性をしっかり意識したい。展開
部に入ると、同じ向きが続いたり、 上向き

に対して

下向き

が半拍遅れたりと、方向性がいっそう意識されるようになる。凡庸な作曲家であれば、全部上向きで書くかも知れないと考えれば、ベートーヴェンの閃きがわかるだろう。また、これと全く同じ反復進行を持つ op.79 の第３楽章が第１拍
からはじまるのに対して、op.109 はアウフタクトから出ることも意識したい。
ところで、こうした幾何学的とも言えるアイディアを彼が使うのは、1820 年代に始まったことではない。例えばソナタ第 16 番（Op.31−1）第１楽章をごらんいただきたい〔譜例２〕。
〔譜例２〕

このソナタの冒頭は、少し聴いただけで、誰でもリズムが奇妙だと感じるに違いない。16 分音符が一つ、ずらされているのだ。さらに進むと、ずらされていたもののあとで、揃うものが対比させられる（譜例２：第 10−11 小節↑）。ロマン派になると、特にシューマン以降、表現のためにリズムがずらされる例が多数出てくるが、こういったことをはじめて作曲の問題として意識化し、音楽の流れの一要素にしたのがベートーヴェンだった。
やはり幾何学的といえるアイディアの唯一無比の例として、ソナタ第 18 番（Op.31−3）のメヌエッ
トをあげよう。ここでは、２番目と４番目の音（２分音符↓）が１オクターヴ上に移行させられるが、ただそれだけで、非常に豊かな音楽が生み出されている〔譜例３〕。
〔譜例３〕

第２主題：第 9 小節でいきなり減七和音が現れ、第２主題に進む〔譜例４〕。
第２主題は第１主題の流れの中に位置しているのではあるが、ここで拍子も、テンポもキャラクター
も、すっかり変わる。演奏に関してまず注意したいのは、装飾音である。
〔譜例４〕

古典派の作品を弾くときは、装飾音を拍の上に弾くのか、拍の外に出すのかという問題がいつも起こる。例
えば[譜例 4]のアルペジオは、どこに強拍を感じるだ
ろうか。私はアルペジオの下の音だと思うが、この場
合アルペジオそれ自体も表情的なので、上の音（a2）に向かって軽いクレッシェンドを感じたほうがよいと思う。

そう捉える根拠のひとつは、このパッセージが反復されるときに、アルペジオを開始するオクターヴの下の音が強拍から始まるという点にある（第 12 小節）。
装飾音に関して、もう一つ例をあげておこう。第２主題第 3 小節（第 11 小節）に５連音符が現れる〔譜例５↓〕。これは明らかに従来の「ターン」にあたる。
↓〔譜例５〕

ベートーヴェンも後期になると、トリル以外の装飾音は記号で示されることはなくなり、記号が表していた音型が、実音符で書かれるようになる。しかし重要なことは、それが装飾音だとわかることだろう。そうすれば、その音型がバロック時代にはどんな記号だったのかと考え、それがになう音楽の実態もわかってくる。後期のソナタは、そういったことを考えさせる一つの事例だろう。
さて、第２主題は非常にエスプレッシーヴォで、さまざまなアーティキュレーションが考えられる。
例えば第 9 小節第２拍上段のソ-ファ-ミ（gis2-fis2-e2）というレガート・スタッカートは切り過ぎないよ
うに、声で歌うように弾く。アーティキュレーションや和声の推移を捉えながら、いかにエスプレッシ

ーヴォに弾けるかが重要である。
第２主題の冒頭は、音の密度についても考えさせられる。ベートーヴェンのピアノ書法は、密度に関してきわめて敏感だ。10 本の指で和音を表すか、単音で表すか。その問題をこれほど敏感に、作曲の中に取りこんだ人はいなかったし、以後、何十年も現れなかった。第 9 小節冒頭は、９個の音からなるか
なり厚い和音である。ところが第２拍目から第 10 小節の頭あたりは、４声や５声の和音になり、急激に密度が変転する。そして次に、また密度が変わり、第 11 小節では突然、３声の旋律と伴奏の形になる〔譜例５〕。

このようにたえず変化する密度を的確に捉え、その違いを楽しんだり、そこにある均衡を与えることができるようになれば、この部分が生きてくるだろう。
さて、第 12 小節からは何が起こっているだろうか。
その前、第２主題の提示ではきちんと和声がつけられていた〔譜例４〕。またあとの第 14 小節では再びエスプレッシーヴォと書かれており、主題 3 小節目（第 11 小節）の反復であることは一目瞭然である。
その間に挟まれた第 12−13 小節は一種の音響的な展開と考えたい。
〔譜例６〕

この第 12 小節は非常に不思議な印象を与える個所で、20 世紀の作品ではないかと思わせられる。32
分音符で始まって６連符になり、64 分音符の８連符になる。これを４・６・８と、くっきり弾きわけるのは自然ではないが、ベートーヴェンは左右のわずかなズレを 16 分音符ひとつで人工的に処理する作曲家であるから、４・６・８の段階を曖昧にするのは、賛成できない。ある程度、単位を残しながら、
しかし流れが自然になるようにしたい。
この和音が１小節続き、次のアルペジオにすすむところ（第 12 小節最後の二つの 16 分音符）
、これ

は、もはや和音連結といったものではなく、一種の音宇宙の転換とでもいいたいほどだ。ある音響がぐ
いっと押されて、まったく別の所に移動した印象を受ける。１世紀後に、ドビュッシーが平行和音のようなものを書くのだが、そうした現象に匹敵するといえるだろう。このために、第 14 小節で普通の和声体系に戻ってきたときに、そのエスプレッシーヴォがいっそう、際立ってきこえるのである。ちなみに第 14 小節の左手は、 後打ちを明白に感じさせ、第２主題冒頭との関連を際立たせれば、非常に効果的だろう。

展開部
やがて音階の上下行が現れ、展開部に入る（第 16−48 小節）。さきほど、第１主題開始から展開部まで一つの流れにあると述べたが、展開部も切れ目がない。もちろんそのあとに再現部がくるという意識は明確に持たなくてはならないが、全体の流れを失わないように演奏しなくてはならない。
〔譜例７〕

展開部最初の部分〔譜例７〕は、基本的には第１主題の転回と捉えてよいのだが、面白いのは、表情豊
かな第２主題を経過したことで、アルペジオの動きの中にアポジャトゥーラとその解決が、少しずつ入ってくることだ。
第 17 小節からのバス、さらに第 21 小節からのソプラノの進行を考えてみると〔譜例８〕、〔譜例８〕

たとえば後者の右手４分音符の刺繍音の動きレ-ド-シ-ラ-シ（dis2-cis2-h1-ais1-h1）は、第２主題の音型〔譜例４〕に関係していることがわかる。一般にソナタ形式では、第１主題の展開部分、第２主題の展開部分というように、明確に分かれることが多い。
しかしこの場合は、第１主題の展開の中に第２主題の動きが含まれ、すべてが凝縮されている。ここにもコンパクトな様相がみられるのである。

このあとは非常に長い表情的なレガート・スラーが書かれ、さらにセンプレ・レガートと記されて切れ目がない。しかしその中にも、ある程度のアーティキュレーションを意識しなくてはならない。長いフレーズの最初は、第 21 小節から第 25 小節第１拍まで、次は第 25 小節第２拍から第 37 小節までとなる。
後者はレガートでありながら、後拍のスフォルツァンドも出さなくてはならない。その進行は４拍ごとに、地から這い上がってくるように上行し、第 31 小節第２拍−33 小節第１拍の段落で一旦終わる。
しかしここが到達点というわけではない。第 32 小節第２拍−33 小節第１拍は、属和音→主和音であり、安定した感じが与えられるが、じつは来たるべきもの（第 33 小節第２拍−36 小節第１拍）〔譜例９〕へのドミナントに過ぎない。

〔譜例９〕

そして第 36 小節第２拍目以降の長いパッセージも、さらに来るべきもの（再現部）へのドミナン
トに過ぎず、第 48 小節ではじめて到達点にゆきつく。したがって、ある地点が次へのステップになっていることを考慮しながら、この長い道程をひとつの曲線で描ききらなくてはならない。
なお、ここにも上下の向き に対するアイディアが数多くみられるが、最後の瞬間ではバスと右手の中間声部に隠された三度の平行を意識しておきたい（第 42−48 小節）〔譜例 10 ○印〕。
〔譜例 10〕

ここで音の密度と音域の観点からまとめてみよう。
第 16−21 小節では、左手の旋律は単音で、限られたスペース内で音楽が展開した〔譜例７〕。ところが、旋律が右手に移って厚みが出るや（第 21 小節第２拍−25 小節第１拍）、次第に密度が増し、音空間が広がっていく〔譜例８〕。これがクレッシェンドの原動力になっている。その見方からすれば、第 42 小節は中音域が空洞になるわけだが〔譜例 10〕、これが穴が開いた感じにならないように、豊かな響きをつくら
なくてはならない。

再現部
48 小節後半から主題の再現になる〔譜例 11〕。
〔譜例 11〕

再現部では、ベートーヴェンが幾何学的に仕掛けた罠のようなものを考えていきたい。つまり、音型
としては、提示部や展開部の冒頭とさほど変わらないが、再現の瞬間に掛留音が現れ、バスはすべて 上向きで、順次進行でタイを用いてつながっていく。しかし、第 52 小節では、転回され上声部に置かれた動きは切れ切れ、すなわち必ず８分休符で分断される。ところが第 54 小節後半、クレッシェンドが始まると同時に再びつながり（バス）、また第 56 小節後半で切れる（バス）。こういう、 つながると切れるを対比づけて弾かないと、面白さが出てこない。この観点から、第１楽章冒頭を振り返ってみると、じつはそこではバスが切れ切れだったことがわかる。このバスの違いを大切にしたい。
ちなみに再現部は、真ん中にほとんど和声がない。つまり右手が主題を弾き、左手はバスだけである（第 48 小節〜）
。その直前も空洞であったとはいえ（第 42−48 小節目１拍）、一応和声が聞こえる。したがってここでは、空洞化を感じさせないように主題を弾きたい。第 52 小節のピアノは、正に「負の音域」、すなわちフォルテのパッセージで空洞となり、使われていなかった音域から立ち上がってくる
ように意識する。
テンポ・プリモ以降もまず、４分音符を意識し、音響の綾を作ることが重要である。４分音符の流れ
はテンポ・プリモの瞬間では、未だ第１主題のように右手の三度進行に置かれている。しかし第 67 小
節で右手と左手の役割が交代するやいなや、バスの順次進行に重点が移動し、展開していく〔譜例 12〕。

〔譜例 12〕〔左手〕ラ-ソ-ファ-ミ（a1-gis1-fis1-e1）（第 67 小節第２拍−第 69 小節第１拍）、〔右手〕ファ-ソ-ラ-シ（fis2-gis2-a2-h2）（第 69 小節第２拍−第 71 小節第１拍）、〔左手〕レ-ミ-ファ-ソ（dis2-e2-fis2-gis2）（第 71
小節第２拍−第 73 小節第１拍）、〔右手〕ファ-ソ-ラ（fis2-gis2-a2）（第 73 小節第２拍−第 74 小節）と順
次進行が続き、最後に〔右手〕ファ-ソ-ラ（fis2-gis2-a2）がアルペジオではなく和音で響く（第 73 小節第２拍−第 74 小節）。アルペジオにされたものが同時に鳴って和音になる、という意識を持ってみれば、これまでとは違った意味で、この個所を捉えることができるのではないだろうか。こういった継時的なものと同時的なものの扱いは、このあと第３楽章で、きわめて重要な意味を持ってくる。
ここでベートーヴェンは、シンコペーションの効果を狙っているわけだが、しかし、さほど 後打ちの感覚は出さない方がよいと思う。それは、まず第 73 小節第２拍から第 74 小節の拍節感が〔譜例 12〕、第 75 小節から第 77 小節になると休符が挟まれて２倍になること。主題全体がアウフタクトから生まれていること。またこの後打ちは、第 14 小節〔譜例６〕と呼応しているわけだが、第 14 小節では、頭で和声が変わることが明白であるから、後打ちを明示しなくてはならなかったが、第 73 小節では、これまで目立たなかった半音階的進行が多く含まれており、むしろその動きを美しく響かせることを中心に考えたい。これらの理由による。先ほど、第１主題の展開における刺繍音の動きは第２主題に関係付けられると述べたが、その点でも半音階進行や和声に気をつけなくてはならない。
ただしもう一点注意しておきたいのは、ファ-ソ-ラ（fis-gis-a）、ラ-シ-ド-シ（Ais-H-C-H）（第 81 小節
第２拍下段）、ミ-ファ-ソ（e1-fis1-gis1）（第 83 小節上段）、あるいはファ-ソ-ラ-シ（Fis-Gis-A-H）（第 84
小節第２拍−第 85 小節下段）といった上行する順次進行は、和音の内部に必ずそれと反行するような動きを伴っている。これは和声だが対位法でもあり、両者は一緒に存在していながら、相互に侵食しあっている。したがって、コラールを形成している各声部が、互いに侵食しあっているように弾くことが重要で、これによって、ある種の広がりが出るだろう。
コーダ
第 86 小節以降がコーダとなる。ベートーヴェンは普通の位置の音符とオクターヴ跳躍の音符を対比づけることによって、幾何学的な音響イメージを生み出していると述べたが、第 86−89 小節の４分音符で書かれた音も、オクターヴで上下していることに注目しておきたい〔譜例 13○印〕。
〔譜例 13〕４分音符の音はソ-ラ、ファ-ソ・・・というように二度音程で移動しているが、これはきわめて重要である。このことは、最後の瞬間（第 90−97 小節）を見れば明らかで、そこではド-シ、ラ-ソ、と二度下行が強調されているからである〔譜例 14○印〕。
〔譜例 14〕

もう一度、さきほどの〔譜例 13〕に戻ってみよう。じつは最初の部分（第 86−89 小節）は、ソ（gis1）
が単純にラ（a1）に行ったのではなく、ソ-シ-ラ-ラ（gis1-h-a-a1）と旋回した結果の形なのである。このことによって音響空間が豊かにされ、一種の音響の綾が生み出されていると、私は考える。
ところで、アルペジオ、順次進行、音程モティーフなどが、３つの楽章においてどのように関係づけられているのだろうか。もちろん、ベートーヴェンがどこまで、こういった関係を意識的に捉えて作曲したのか、それはわからない。ある作曲家の頭にあることは、意識的なレベルから無意識的なレベルまで、さまざまであって、それを演奏家がどのように意識的に捉えていくかは、個人の問題だろう。しかし、例えば第１楽章冒頭の三度音程は、第２楽章のプレスティッシモ冒頭において重要な役割をはたし〔譜例 15〕、第３楽章の冒頭においても表情豊かに歌われる〔譜例 30〕。私が第１主題のうちで、ソ-シ、ミ-

ソ、ド-ミを主要なものとして考える根拠のひとつは、じつはそういったところにもある。したがって、視野を広くして考えていくことが大切だろう。

第２楽章

提示部

第２楽章もまた、ソナタ形式で書かれている。第１主題は第 32 小節まで〔譜例 15〕、そのあと属調（h moll）にすすむと第２主題になり、２つの主題は明確である。しかし両主題の間に、じつは大きい違いはなく、
アイディアは同一といってよい。
第１主題はどうなっているだろうか。
〔譜例 15〕

これは主題と対旋律で書かれた２声対位法、ないしインヴェンションと捉えられる。バスは和声のバスであり、たしかに第３小節第２拍でソプラノのソ（g2）音を、あるいは第 4 小節のミ（e2）音を倚音にして表現豊かに響かせるが、じつは ben marcato と書かれたこのバスは、２声対位法の対旋律であり、あるいは定旋律のようなものでもある。そしてこの対旋律は展開部に入ると主要な展開の要素となる。
例えば、展開部冒頭では、主題が原調の属調（h moll）で変形されて現れ、対旋律も左手に現れてはいるが、やがて主題は姿を消して、対旋律のみによって展開される〔譜例 16〕。
〔譜例 16〕

第２楽章は、第１主題（第 1−8 小節）、続行部分（第 9−16 小節）、後半の反復部分（第 17−24 小節）と、規則的に８小節単位で進んでいく。ただし、これらが常に対位法的に書かれている事に注意したい。例えば第 9−12 小節は純粋な対位法とは言えないが、それでも左手のファ-ソ-ラ（fis-g-a）と右手のラ-ソ-ファ（a１-g１-fis１）の動きは、対位法のように響かせたいし、第 17 小節以後になると、書法はいっそう複雑になる〔譜例 17〕。まとめると、この楽章は２声ではじまり、それが３声に（第 9 小節）、
さらには４声になる（第 17 小節）。
〔譜例 17〕

第 19−20 小節では、ロマン的な演奏で必ず起こる左右の手のズレも様式化されているので、これも意識して表したい。
第２主題への推移部（第 25−32 小節）：ここで e moll から h moll にすすむ。ベートーヴェンの後期では、低音でただ１声部がユニゾンで出てくる例が数多くあるが（Op.111 第１楽章：第 18−23 小節、第９交響曲第４楽章など）、この主題もそういった一つで、この個所に記されたスラーは弦楽器のボーイ
ングのそれを想起させる。第 25−28 小節左手のソ-ファ-レ-ミ（G-Fis-Dis-E）のスラー、そして続くシ-シ-シ / シ-ラ-シ（H-H-H / H-A-H）の個所では、弦楽器で弓を返すか否か、というような、微妙な違いを考えながら表現したい〔譜例 18〕。
〔譜例 18〕すなわち、この４小節はスラーのないところで音が切れることはないが、かといってダラダラと続くのではなくボーイングが生み出すニュアンスを考慮に入れる。もちろん、スラーはいつもボーイングを想起させるとは限らない。第１楽章の展開部あるいは最後の個所のような長いフレーズは、弦のフレー
ズを表すスラーではなく、明らかにフレージング・スラーである〔譜例 12〕。この時代は種々の書き方が錯綜しているから、よく理解して演奏することが重要である。

第２主題（第 33 小節〜）
：ここで、第２主題の冒頭（第 33−36 小節）と第１主題の第 9 小節を比較していただきたい。バッハの舞曲において、前半の旋律が後半では反行形にされるが、この個所はそういったことを想起させる。もちろん厳密な反行形ではないが、そうした感覚は、古いものから来ているのではないだろうか。ちなみに第１楽章の提示部冒頭と展開部冒頭も同じ関係にある。
ところで、第 32−33 小節における掛留音シ（h１）だが、これを演奏で示すことは非常に難しい。テ
ンポが速いため、掛留に聞こえるかどうかの瀬戸際だが、上声部のド（cis2）とぶつかる響きをきちんと作りたい。さらに第 33 小節以降の左手にも注目しておこう〔譜例 19〕。
〔譜例 19〕２声書法が２小節（第 33−34 小節）続いた後に、ピアニスティックな伴奏音型が現れる（第 35−36
小節目下段）。これは二人分を一人用に書いているというか、本来は２声部（fis と cis-d）のものであると捉え、つまり左手で二人分弾く形だと捉え、これを平板にならないように弾きわけることが重要だろう。
このあとは第１部の終止に向かって推移していき、明快な２小節単位の反復進行となる〔譜例 20〕。
〔譜例 20〕この個所では、同じリズムを反復しながら順次下行していくバスが重要である。というのは、上で述べたように、この後の展開部で活躍する対旋律は、バスの順次進行の音型だからである。
さて、最後の８小節も２声対位法で書かれている。この楽章には、こういった転回対位法が溢れていることを述べておこう。

展開部
展開部にはいったあとも第 70−79 小節では対旋律が相互に重なり、その後、これが変化する（第 83−88 小節）〔譜例 21〕。
この個所の右手は、バスの上行ド-レ-ミ-ファ（C-D-E-Fis）に対して、反行形になっている。

〔譜例 21〕

第 66 小節のバス、すなわち主題の対旋律シ-ラ-ソ-ミ-ファ〔譜例 22〕は、還元するとシ-ラ-ソ-ファ、
すなわち第 83 小節バスの反行形となる。先の譜例でみられるように、対旋律の頭部ド-シ（c2-h1）は、変形してシンコペーションでつながれている。一方で、内声にはミ-ラ-ファ（e1-as1-f1）という、非常に意味深い旋律が響く。

〔譜例 22〕

これら右手の２声は、いずれも、上で述べたバスの旋律からきている。すなわちバス旋律が、シ-ラと、
ソ-ミ-ファの２小節に分かれ、それが上下に組み合わせられたのである。バスのソ-ミ-ファを反行させるとミ-ラ-ソ（e１-as１-g１）となるが、第 84 小節の第２拍にソを置くと全体が四六の和音となり和声的に不可能なので、例外的にベートーヴェンはファを置いている。そしてそれが対旋律の頭部のシンコペーシ
ョンと一緒に組み合わされているのである。
第 85−86 小節では、この第 83−84 小節のド-シ（c2-h１）が内声になり、ミ-ラ-ファにあたる動きが上にきて転回可能対位法になっている。第 87−88 小節になるとより複雑になり、そこではレ-ドという対旋律のシンコペーション（アルト）と、三度を含んだ動きが合体する。

先に進もう。
今度は対旋律全体が、ソプラノとバスで反行していく（第 89−92 小節）〔譜例 23〕。
〔譜例 23〕

さらに先ほど現れたさまざまな形も反行され、反行形と本来の形の両方がみられる。それが続き（第93−96 小節）
、そこに対旋律の頭部がシンコペーションされた形がからんでくる（第 92−94 小節上段の内声）。したがって、図らずも和声が並んでいる、というようにではなく、和声の綾をよく分析し、対位法的に弾かなくてはならない。そうすることによって、主題が戻ってきた時に、そのコントラストの意味も大きくなると思う。

第３楽章
第３楽章はこのソナタの中で最も重要である。
まず述べておきたいことは、この楽章はバッハの《ゴルトベルク変奏曲》なしに生まれなかっただろう、ということである。
例えば《ゴルトベルク変奏曲》第３変奏をみてみよう〔譜例 24〕。
これはバスの上に、フルートとヴァイオリンといった二つの旋律が重なった、いわゆる「トリオ・ソナタ」を鍵盤に移したものだが、この変奏と、Op.109 の第４変奏とは、 文字通りそのまま印象をうける〔譜例 25〕。

〔譜例 24:

ゴルトベルク変奏曲・第３変奏〕〔譜例 25: Op.109・第４変奏〕といったあるいは《ゴルトベルク変奏曲》第 22 変奏〔譜例 26〕と、Op.109 第５変奏〔譜例 27〕も、ほとんど同じ
音形といってよい。
〔譜例 26: ゴルトベルク変奏曲・第２2 変奏〕〔譜例 27: Op.109・第 5 変奏〕

また《ゴルトベルク変奏曲》第 28 変奏ではたえずトリルがみられるが〔譜例 28〕、これは Op.109 の第６変奏そのものである〔譜例 29〕。

〔譜例 28: ゴルトベルク変奏曲・第 28 変奏〕〔譜例 29: Op.109・第 5 変奏〕

そして、Op.109 において、さまざまな変奏を経たのちに主題が戻ってきたとき、もちろんベートーヴ
ェンの変奏曲のうち、最後に主題が戻ってくる作品がほかに無いわけではないが、やはり私は《ゴルトベルク変奏曲》を想起せずにいられない。これ以上の比較は控えるが、このように Op.109 の中に《ゴルトベルク》と非常に似た個所が多々みられることは、私にはミステリアスにさえ思われる。ベートーヴ
ェンが歩んできた道程の果てに、バッハと同じ所に到達したことは興味深い。ベートーヴェンは《ゴルトベルク》を良く研究していたのではないかと、私は想像するのであるが。
ところで、この変奏曲ほど過去と未来を凝縮した瞬間も無いだろう。変奏が進むにつれて主題が細分化されていく装飾変奏の手法が残っているかと思えば、一方で、主題との関連を残しながらキャラクタ
ーが異なるいわゆる性格変奏によって、ロマン派の変奏曲を予言してもいる。あるいはまた、主題に
Gesangvoll,mit innigster Empfindung と記され、ベートーヴェンには珍しいほど単純でロマンティックな旋律と伴奏が書かれていて、第１変奏などはショパン的といってもよいエスプレッシーヴォなものも表現している。さらに、《ゴルトベルク》のような対位法の機知を取り入れ、１世紀前からのパースペ
クティヴも織り交ぜるといったように、じつに多様な形をみせているのである。

主題：まず冒頭の主題に関していえば、装飾音に関してどのように弾けばよいかを理解することが重要である。
例えば、第 5 小節はどこに拍の頭があるのだろうか。第 5 小節の小音符シ-ミ-ソ（h-e1-gis1）は、前の時代であれば波形で示される音だろう。したがって、一つの和音をばらした形であるように弾きたい。
私の手元にあるヘンレ版によればクレッシェンドが、シミソ（h- e1-gis1）音からシ（h１）音を越えてミ（e１）までかかっている〔譜例 30〕。
〔譜例 30〕

ただし初版譜ではこの個所のクレッシェンドは、少し異なっている〔譜例 31〕。私にはシ（h１）にクレッ
シェンドの山が来るほうが自然に思われる。（ちなみにヘンレ版も原典版と称しながら、じつは出版年に異同がある。ベートーヴェンの自筆譜をどのように解読するかは研究者の努力であるが、そうした解釈を知った上で楽譜を使うことが重要だろう。
）〔譜例 31：初版譜〕

さて、主題は自然にうまく、８小節に納まっているが、その内実は同じ２小節が４回繰りかえされていると言っても過言ではない。後半（第 5−6 小節）のメロディは、冒頭２小節が変形したものに過ぎない。それから第 7−8 小節は和声が違うものの、比較してみると第 3−4 小節との関係が明瞭に捉えられる。gis１-e1（第 3 小節）のかわりに、gis-e１が置かれ、さらに ais-h で半終止する（第 7 小節:譜例 30）。
なお第 6 小節の表情豊かなターンは、さほど 16 分音符と 32 分音符の区別を意識しなくてもいい。
第１変奏：冒頭の装飾音は、やはり小音符シ（h１）音とバスを同時に弾きたくなる〔譜例 32〕。
〔譜例 32〕だが、この音は古典時代の短前打音のようには扱えない。モルト・エスプレッシーヴォであって、先ほど私はショパンのようだと述べたが、やはりオクターヴを十分歌って弾きたい。しかし、第 19 小節の５連音符は、ターンとみなしていい〔譜例 32↓〕。ここでも、ベートーヴェンはレガート・スタッカー
トとレガートをうまく書き分けており（第 21−22 小節など）、モルト・エスプレッシーヴォであっても、弦楽器的なアーティキュレーションについて感覚を鋭敏にすることが重要だ。
第２変奏：第２変奏がすすんで第 41 小節になると、突然、対位法的になる〔譜例 33〕。よく耳にする演、ファ→ミ（fis1→e1）が響いてこない〔譜例 33
奏は、単純に段階的に上行するだけで、ミ→レ（e１→dis１）○印〕。２声部が、互い違いに登っていくことを意識すべきだろう。
〔譜例 33〕

ところで、この個所には テネラメンテ teneramente と書かれている。この言葉は非常に重要だ。辞書をひくと、「愛をもって」とあるが、ベートーヴェンがテネラメンテと書くことはあまりなかった。この語を理解しようとすれば、ブラームス後期のインテルメッゾ集を眺めるとよいだろう。ほとん
どの緩やかな《インテルメッゾ》はテネラメントだ。また室内楽にも、例えばヴァイオリン・ソナタ第２番の第２主題のように、 テネラメンテが出てくる。こうした音楽の表情を捉えてこの変奏を演奏

するとよいだろう。ちなみにこの楽想も《ゴルトベルク変奏曲》なしに出てこなかったアイディアではないかと言われていることを、付け加えておく。
第３変奏：ここでさらに２声の転回可能対位法が出てくる。第 65−68 小節が、第 69−72 小節と全く同じで、以降４小節毎に上下段に同じ音型が交互にあらわれる〔譜例 34〕。
〔譜例 34〕

これ以前の変奏曲は、８小節単位であった。しかし、この第３変奏に至って初めて、主題の８小節が対になった二つの４小節であることを利用して、同じものが上下逆のパターンに変換される。最初は、転回する４小節と４小節がフォルテで演奏されるが（第 65−72 小節）、ダイナミックスはフレーズごとに異なる。次のフレーズではピアノから始まり、クレッシェンド、そしてフォルテに進む（第 73−80
小節）。第 81 小節からの後半は、やはりピアノから始まるが、ある程度ピアノを保持してからクレッシ
ェンドしてフォルテになる（第 81−96 小節）。こうして、厚みのある響きに到達するのである。このよ
うな２声の転回対位法の、幾何学的ともいいたいダイナミクスを、敏感に演奏してほしい。

第４変奏：第４変奏は非常に複雑である〔譜例 35〕。
まず付点４分音符と８分音符を用いる主要な音型と、16 分音符からなる副次的音型とからなる。前者は、主和音から属和音ミ-ソ-ファ-ミ-レ（e1-gis1-fis1-e- １ dis １ ）、属和音から主和音ラ-ド-シ-ラ-ソ（a1-cis2-h1-a1-gis1）の模倣で一組。この一組がもう一度高音域で（第 99−101 小節）繰り返され、さらに低音域でも繰り返され（第 101−103 小節）、ここに副次的な対位法が絡んでいく。あたかも 20 世紀
後半のリゲティのエチュードを想起させる書法だ。すなわち、見かけは４声部でできているようでありながら、音響空間のあちらこちらから声部が現出する、といった感じだ。
〔譜例 35〕

さて、副次的な 16 分音符の音型に３対２の一種のヘミオラ風、つまり３拍子の中に２拍子があり、そのたゆたうような対比が面白い。すでに音型自体、８分音符３個（16 分音符２個ずつ）ではなく、付点８分音符２個（16 分音符３個ずつ）でできていて、３拍子と２拍子の交錯が存在する。さらに大きい
単位で見ると、この 16 分音符の音型は第 98 小節以降、付点４分音符で数えて２拍ごとにその入りが行われている〔譜例 35↑〕。主要な音型の明確な３拍子の時間や音響を、この副次的な音型が混濁させることで、実に豊かな重層的時間が展開する。これは非常に重要なことだが、純粋に対位法的に書かれているが、４声が明確に空間の中に位置しているのではない。それが第４変奏の意味なのだ。こういっ
たきわめて対位法的な書法が一番カッコで解消してひとつの流れになり、突然１・２・３の拍節が明確になる〔譜例 36〕。

〔譜例 36〕後半に入ると、いろいろなところに種々の時間が浮遊し、こうして対位法的なものから解放される。
、ド-シ（cis2-h1）とゆったりした時解放された結果、非常に和声的になるのだが、全体をレ-ド（d2-cis2）間で考えてほしい。二度下行するモチーフとしては、前半部分でミ-レ（第 98 小節右手第１−２拍）と、短いスタンスだったものが、ここで時間的に引ばされ、その中に面白い半音階的なモチーフ〔★〕が含〔譜例 37〕。
まれるのである（第 105−106 小節）〔譜例 37〕

〔

★

〕

〔

★

〕

この音型を私はド-レ（cis3-d3）と捉える（第 105 小節目第２拍）〔譜例 37〔★〕〕。ド（cis）が８分音符
で、レ（d）が４分音符である。ドにはアポッジャトゥーラが付随し（his２-cis３）、レには刺繍音（d３-cis３-d３）がつく。なぜそう言えるのかといえば、１番および２番カッコ 104 小節目の最後の拍を見ていた

だきたい。このラ-シ（ais２-h２）が問題となっている音型の原型なのだ。そうやって理解しなければ和声的に意味が捉えられない。また Sf のダイナミクスを明確に表したい（第 107 小節以下）。言わずもがなであるが、普段は自然な音楽の流れとしてはみられない個所に Sf がつけられている。それがベートー
ヴェンなのだろう。

第５変奏：この変奏も非常に対位法的に書かれているが、これは一体、何声だろうか〔譜例 38〕。
〔譜例 38〕

最初の個所は３声であるが、すぐに第４変奏と同じように、ベートーヴェン独自の音響空間の中に声部が浮遊する。
最初の８小節では、主題に対する下段の対旋律が忘れ難い。これは８小節のちにも（第 121 小節から）続き、８分音符に変形されて最後まで主題に付随していく。言ってみればフーガ主題に付随する対主題のような形である。先ほど、バッハの組曲で、最初の部分と繰り返し後の部分が反行の関係になっている例をあげたが、これも、最初は三度下行（第 113−114 小節）、後半は六度下行（第 129−130 小節）。
つまり六度下行ということは、出だしに対して逆になっているということである。
〔譜例 39〕このように、きわめて対位法的に弾きたいと思うのだが、後半はなぜか８小節多い。第 129 小節から
２番目の部分には、シ-レ-ド-シ-ラ-ファ（h-d-cis-h-a-fis）（第 129−130 小節）、ソ-ソ（gis1-gis）
・・・（第、そして最後シ-シ（H-H1）（第 135 小節）
・・と、
131−132 小節）、ラ-ド（a2-cis2）･･（第 133−134 小節）
主題の入りが六度オクターヴで交代に出てくる。とくに第 133 小節は、主題の三度平行が音響に厚みを与えはじめる。それは第 135 小節以降の８分音符の六度や三度の平行となって続いていくが、これがひ
いては、その後の和音での主題の入り（第 141 小節以降）を導く。
第 137 小節からは、いっそう複雑になり、シ-レ-ド-シ-ラ（h2-d2-cis2-h1-a1）の中にカノンがある〔譜例40〕。

〔譜例 40〕

ここには何も無かったのが、反復の個所では、レ-ド-シ-ラのところにソ-ドと、また違う入りがある。
この二つ目の入りは、主題の二つ目の２分音符が六度を形成する二つの４分音符（cis-a）に分断され、その六度自体、主題頭部の反行のような様相を呈しているのである。このあと第 141−142 小節も、今まで単音だったものがいきなり厚みを持ち、対位法的書き方と和声的な書き方が相互浸透している。
ところで、８小節あるから、ここで終わってもよかった。ところがなぜか、さらに８小節あり、ピアノに戻って「影の」反復を行う。８小節多い構造の意味は何だろうか。私は、これについては、とても

均衡がとれているし、気まぐれと考えていいのではないかと思っている。

第６変奏：こうして最後の第６変奏に進んでいく。
これはまた面白い。この第６変奏は装飾変奏の歴史を、一挙に二つの次元で表している。一つは主題である（第 153−156 小節メゾ・ソプラノ声部とバス）。
行方を追ってみよう（第 157−160 小節上声部とバス）〔譜例 41〕。
〔譜例 41〕

最初は４分音符だが、やがて８分音符になり、次は３連符、そして第 169−170 小節になると、アルペジオに解消されて 32 音符の動きになってしまう。
一方でトリルがある。ベートーヴェンの後期ほど、トリルが音楽的に重要な意味を持つ例は無い。属音のトリルと主音のトリルがあるが、属音のトリルの推移を最初から見てみたい。最初は単なる同音反復で４分音符（第 153−154 小節ソプラノとテナー・パート）〔譜例 39〕。それが８分音符になり、８分音符の３連符になり、16 分音符等々と推移して、最終的にトリルになる。つまり、トリルを弾くのに、最初を目立たせるために少しゆっくりから始めたりするが、そういったことをここで意識的に行っているのである。
例えばグレン・グールドの演奏するバッハの《平均律クラヴィーア曲集第１巻》g-moll 冒頭のトリル。
普通は、あれほど意識的に、16 分音符、16 分音符の３連符、32 分音符などと弾かないのだが、それをグールドは様式化してしまった。しかし、グールドの解釈は奇異などではなく、ベートーヴェンのようなアイディアではないかと私は思っている。もちろん表現の目的は違うが、考え方としては、いわゆる自然なものと人工的なものを芸術の中で対比させているわけで、グールドの考え方は、きわめてベートーヴェン的だと思う。彼の《ゴルトベルク変奏曲》の最初の録音はまさしく、そういった演奏のアイデ
ィアを様式化した個所がいっぱいある。じつはベートーヴェンがやっているのは、そういったことなのである。
私は第６変奏を弾くたびに、息を吸いながら同時に吐いているといった印象、なにか二重の生物が生きているような印象を持つ。上に記した主題とトリルの二つの動きをよく追ってほしい。ベートーヴェ
ンは、１拍が二つに分かれた後、三つに分かれ、さらに４・６・８と細かく分かれていく装飾変奏曲の
歴史そのものを、ひとつの変奏の中でやってしまった。このトリルの最後では、第 188 小節において、主題の再現（第 180−188 小節）、つまり最後を導く、ある程度自由な表現が許されるだろう。ただ、極端なリタルダンドは避けたほうがよい。

ちなみに、第 184 小節から第 187 小節までずっとラ-ファ-レ-ラ-ファ-レ（a2-fis2-dis2-a2-fis2-dis2）ときているにもかかわらず、第 187 小節でラ（a１）音で終わっているが、私には最後もラ-ファ-レと影で続いていると考えながら弾く。テンポをキープするためで、そのように考えれば不必要なリタルダンドもしなくてすむ〔譜例 42〕。
〔譜例 42〕

パウル・バドゥーラ＝スコダはこのラ（a１）音が変奏主題のソ（gis１）音に解決するといっているが、これはきわめて妥当な解釈だと思う。第 187 小節のシ（h1）音のトリルが、そのあとオクターヴ下がって内声に解決するのである。
***
以上で、重要なことは述べたつもりである。さらに述べれば際限がないが、作品 109 の豊かな世界を
１回の講義で明らかにすることはできないだろう。