Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

（1）

5

Vol.

ANNUALREPORT

京都造形芸術大学 共同利用・共同研究拠点 2017 年度 アニュアルレポート

模索から新たな模索へ―拠点活動のこれまでとこれから―「舞台芸術作品の創造・受容のための領域横断的・実践的研究拠点」代表
京都造形芸術大学舞台芸術研究センター所長／能楽研究天野文雄

気になっていた荒天の予報が外れ、思いがけず朝から好天に恵ま座で試演し、一昨年 12 月の、舞台芸術研究センター主催による 2

れたさる 6 月 7 日、静岡から新幹線で大阪にもどろうと、人影のほ

回の全曲公演にこぎつけたのである。それを承け、こんどはこの

とんどない夜 9 時近くの道を東静岡駅に向かっていた筆者は、見終

SPAC 公演が実現したわけである。

わったばかりの『繻子の靴』のいくつかの場面を反芻しながら、あ

これ以外にも、本拠点のプロセス重視の活動が、結果として公演

る感慨にとらわれていた。いうまでもなく、「四日間のスペイン芝居」という成果に結実したケースは、コンテンポラリーダンスの分野なという指定がある『繻子の靴』は、全体の上演は優に 10 時間を超

ど、2、3 にとどまらない。しかし、このプロセス重視の活動は、

える、ポール・クローデル畢生の大作であり、一昨年、われわれのその成果を公演というような形で明確に示すことがむずかしいこと

京都芸術劇場 春秋座において、正味 8 時間 30 分を要しての、本邦もあって、この 5 年あまりの活動は文字通り模索の連続だった。
「劇

初の全曲公演が実現したのだが、その『繻子の靴』がそれから 2 年

場実験」「創造と研究の連携」という面でも、なお多くの課題を残もたたないうちに、静岡県舞台芸術センター（SPAC）で再演されしている。一方、この間の活動を通じて、多くのアーティストと研ることとなり、その日は、朝 11 時からのゲネプロを観てきたのだっ

究者が拠点の活動に関わったことで、本拠点がまさに舞台芸術の創た。感慨というのは、ここにいたるまでの 5 年あまりの時間と、そ造と研究の「拠点」になりつつあるという手ごたえも確かに感じての間に費やされた関係者の膨大なエネルギーと、それに伴う試行錯いる。6 年の拠点認定期間は 2018 年度で終わるが、2019 年度からは、誤を思ったためだが、その試行錯誤の多くが、本拠点がかかげる「創本拠点が置かれている舞台芸術研究センターの教育研究系の事業と造のプロセス」あるいは「劇場実験」を重視した、「創造」と「研究」の連携のもと、舞台芸術研究の拠点として新たな模索に挑戦してゆの連携という、言うは易く、行うは（きわめて）難い活動の一環とくつもりである。

して実践され、それがこうした公演として結実したという思いからだった。
しかし、われわれの活動は、当初からこのような形での「成果」
をかならずしも目的としてきたわけではない。結果は大事だが、それ以上に、そこにいたるまでのプロセスを重視する。プロセスとは、
要するに新しい舞台芸術の創造に向けた試行錯誤にほかならず、そこにはアーティストの試行錯誤だけでなく、研究者の試行錯誤も加わる。
『繻子の靴』でいえば、詩的フランス語で書かれた戯曲の香りを損なわずに邦訳されているこの大作の、ほとんど夢と思われていた上演を想定して、まだ実現されていない近代日本の「劇言語と目 次◆模索から新たな模索へ―拠点活動のこれまでとこれから―

p.1■テーマ研究Ⅰ
ダンスの創造的行為を巡って

p.2-3■テーマ研究Ⅱ
サミュエル・ベケットを〈展示〉する―もうひとつの劇場空間に向けて

p.4-5□公募研究Ⅰ「ダンス 2.0」の環境構築を通して
今日的教育という課題へとダンスをつなぐ試み

p.6-7

しての日本語」の獲得という、
きわめて「助走」的な作業からスター□公募研究Ⅱ
老いを巡るダンスドラマトゥルギー

トしたのであった。拠点の研究活動がはじまった平成 25 年秋のこ

◆ 6 年間の総括

p.10-13とである。このプロジェクトは同時にスタートした「マルチメディ◆「劇場実験」の研究成果

p.14-17

アシアター」を再考しようとする別のプロジェクトにおける、音と◆「創造のプロセス」の現在―国内施設の現地調査を通じて

p.18-23

映像についての活動にも刺激され、『繻子の靴』のごく一部を春秋※「研究組織」欄の肩書は、2017 年度当時に統一した。

p.8-9

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

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テーマ研究

Ⅰ

ダンスの創造的行為を巡って

概要
2017 年度テーマ研究Ⅰ『ダンスの創造的行為を巡って』は、「言葉」と「身体」を軸に研究会を進めた。
過去 3 回のダンスゼミ＆ラボ（2012−14 年度、本学舞台芸術
研究センター主催）や、「振付」を取り上げた昨年のテーマ研究を通し「他者の言葉はどのように身体に関わるか」「ダンサー
は他者の言葉からどのようにダンスを見つけ出すことができるか」などの視点が残ったが、言葉が生む「イメージ」はあるときは身体におおきな働きかけをし、あるときは身体そのものを縛り閉塞させることもある。
「言葉」と「イメージ」があまり
4 4 4 4に短い距離で関係を結んでいるかにも見える時もある。そのことは、ダンスを定型化したムーブメントや、再現（再生）可能
な作品創りの枠に留める要因にもなる。
「言葉」と「イメージ」
がより微細に、より自在な関係を結ぶことがダンスにとって必要ではないか。作品創りの過程で作家は身体に向かう言葉を見つけ出す、ダンサー自身も言葉から身体を耕す相互作業が必要だと考えた。こうした結果作品が生まれることをめざし、この研究会を次年度、舞台芸術研究センター主催で予定しているダンス上演作品のラボラトリーとして位置付けた。共同研究者として演劇集団 dracom の演出家筒井潤氏を招き、同時に次年度の公演作品も委嘱した。
筒井氏は身体性、空間性、発語に対するユニークな作業を続けている演出家であり、ダンサーとの共同作業も多い。研究協
力者のダンサー（福岡まな実、野田まどか、松尾恵美、倉田翠）
は、それぞれ異なったダンスの出自で、過去におこなったダン
スゼミ＆ラボにも参加をして意欲的にダンスの場を拡げている。
更に研究の過程で出て来た問題を共有できる、演劇、哲学、
舞踊批評などの研究者を招き、研究会、上演実験に至った。研
究の軸を立てながら、随時研究内容を検証していく過程は、思いがけない発見を生んだ。ただ、劇場実験に向かうにつれ、劇場という枠、作品という枠に飲み込まれて行くような空気が生まれたのは事実であり、そうした状態から距離を作る意識の強度が必要であった。固定した劇場意識や作品意識は外界からの力だけでなく、我々の意識の中で作り上げられているということをあらためて認識し、次年度にむけて更に微細な問いを積み重ね、具体的な実験が更に必要であると考えた。

活動報告

ダンサー／コレオグラファー／
京都造形芸術大学舞台芸術研究センター主任研究員

山田 せつ子

参 加：山田せつ子、筒井潤、倉田翠、野田まどか、福岡まな実、松尾恵美、増澤珠美（26、27 日）、古後奈緒
子（28 日）、荒井洋文（29 日）
踊る以前のからだの状態を見つめる。知覚（触覚・視覚・聴覚）で自分のからだを意識していく作業、イメージとして知覚を捉えるのではなく、知覚を意識したときにおきる身体の反応、動きを観察した。
慣れた動きを分解し微細な動きを見つけ出していく。動きと動きの間にどういう感覚を見つけ出すことができるか、体感自体を動きとして取り上げて行った。からだの状態を観察し続け、ダンサーがそれを言葉にする作業もして、あらた視点を体験した。後半、筒井潤氏から行っていることが「中動態」という概念と繋がるのではないかという発言があり、言葉を媒介にして、ダンサーの身体の状態を観察し、言葉が持つ断定性と曖昧性を身体に移し替える作業などもおこなった。
●第 2 回研究会（非公開）「演出家の仕事」
日 時：2017 年 8 月 22 日（火）18：00 − 20：00
会 場：京都芸術劇場 楽屋 1
ゲスト：西尾佳織
参加者：山田せつ子、筒井潤
演劇ユニット『鳥公園』（東京拠点）主宰の西尾佳織氏を招いて、演出家はどのような仕事をするのか、俳優との関係を中心に話した。あらかじめ用意した戯曲やテキストでなく、目の前にいる俳優の存在と向かいあい生まれてくる発見を作品の中で育てる可能性について話した。このことは、今回の企画と大きく通じて演劇に留まることなく、集団で行う舞台芸術の課題を探ることにもなった。
●第 3 回研究会（非公開）「中動態を考える」
日 時：2017 年 8 月 23 日（水）10：30 − 12：00
会 場：京都芸術劇場 楽屋 1
ゲスト：森田亜紀
参加者：山田せつ子、筒井潤、西尾佳織、白石徳浩、倉田翠、
福岡まな実、野田まどか、松尾恵美
山田せつ子のワークショップの後半で、筒井潤氏から提案された「中動態」という概念が、創作の過程で、具体的にテキストとして生きてくるか、研究会を持つことにした。ゲストとして『芸術の中動態：受容／制作の基層』の著者である森田亜紀
氏を招きレクチャーを受けた。

●プレ研究会（非公開）山田せつ子から筒井潤氏と 4 名のダンサーへのインタヴュー
演出家が何を手がかりに演出をしているのか、実際に舞台を作っていく上で、空間、時間、言葉、身体についてどう捉えているか、近作の『ソコナイ図』（2015 −）『
、今日の判定』（2016 −）
をテキストにして聞いた。ダンサーには、作品に参加する時の意識、筒井氏の仕事についてどのような感想を持っているかを尋ね、これらのインタヴューを記録して全員で共有した。
●第 1 回研究会（非公開）山田せつ子ワークショップ「知覚を通してからだを観る 踊る」
日 時：2017 年 6 月 26 日（月）− 30 日（金）会 場：京都芸術劇場 楽屋 2、左京東部いきいき市民活動センター（学外施設）

第 3 回研究会風景

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report●第 4 回研究会（非公開）「劇場を考える」
日 時：2017 年 11 月 20 日（月）− 30 日（木）※ 22 日、25 日除
会 場：京都芸術劇場 春秋座、
左京東部いきいき市民活動センター（学外施設）
参 加：山田せつ子、筒井潤、倉田翠、野田まどか、福岡まな実、松尾恵美、大田和司、藤原康弘、甲田徹、南野詩恵
劇場実験の上演空間を春秋座の舞台上に、左右 14m、幅 3mで区切ったアクティング・エリアを白幕で作った。
（幕の裾は30㎝の隙間があるので、ダンサーは幕の外＝春秋座全体ともリンクしながら動くことができる）。幕の中には各列 5 席 5 段（25席）の観客席 2 つを対面で設置した。こうした空間で、ダンサーに幾つかのテキストが渡され、言葉とムーブメントの関係を探る実験を行った。
●第 5 回研究会（非公開）「武藤大祐振付作品『来る きっと来る』をテキストに」
日 時：2017 年 11 月 27 日（月）9：30 − 14：00
会 場：京都造形芸術大学 人間館 NB201 教室、京都芸術劇場 楽屋 2
ゲスト：武藤大祐
参 加：山田せつ子、筒井潤、倉田翠、福岡まな実、野田ま
どか、松尾恵美
ダンス批評家、武藤大祐氏のダンス作品『来る、きっと来る』
を作品テキストにした。最初に簡単なレクチャーをする武藤大祐氏自身と、据え置かれたカメラのみでダンサーは全く出ない。
カメラの顔認証機能が、無人の空間に、あるはずのない顔を認識して自動シャッターがおりるかという「時間」を、観客たちが観続けるが、武藤氏は、その状態を振付け作品としている。
「観
るということ」はどういうことか、「観客」とはどういう存在
なのかという批評的な動機を重ねているもので、こうした武藤氏の「問い」を軸に、ダンス作品について議論した。
●劇場実験（公開）「ゆるやかに振動する思想と劇場〜筒井潤と 4 人のダンサーにためよる験しごと」日 時：2017 年 12 月 23 日（祝・土）14：00 − 15：20
場 所：京都芸術劇場 春秋座
演 出：筒井潤
ダンス：倉田翠、福岡まな実、野田まどか、松尾恵美
舞台監督：大田和司／照明：藤原康弘／音響：甲田徹／衣装：
南野詩恵
一般参加者：58 名『劇場を考える』で踏まえた空間設計と、テキストによって構成した上演実験を行った。
テキストシーン〜アナウンス・オープニング／バイキング／男（竹）／議論（出入りの演出について）議論 （衣装について）
・議論（菊池について）／雪（カフカ）／どてかましについて／
子守唄 ／葬式／盆踊り

劇場実験の様子 写真：松見拓也（3）

劇場実験の様子 写真：松見拓也●劇場実験振り返って（非公開）
日 時：2017 年 12 月 23 日（祝・土）15：30 − 17：00
会 場：京都造形芸術大学 人間館 NA207 教室
参 加：山田せつ子、筒井潤、森山直人、倉田翠、福岡まな実、
野田まどか、松尾恵美、古後奈緒子、内野儀、久野敦子、荒井洋文、川原美保
劇場実験を終え、次年度への課題について話した。筒井氏の演出方法は、具体性と抽象性の両方を危うい綱渡りのように渡り作品を作り出す。そのような場でダンサーが提示される言葉を身体化し、応答していくことは、演出家との共同作業として場を動かしていくだろうと想像する。研究会の試行錯誤や実験、生まれてきた新たな混沌、こうした過程そのものが作品を生み出すことをめざし、2018 年 12 月春秋座でダンス作品の上演を
おこなう。

研究組織
研究代表者：
山田せつ子（ダンサー／コレオグラファー／京都造形芸術大学舞台芸術研究センター主任研究員）
共同研究者：
森山直人（京都造形芸術大学舞台芸術学科教授）
筒井 潤（演出家／劇作家／公演芸術集団 dracom リーダー）
研究協力者：
倉田 翠（振付家／ダンサー／ akakilike 主宰）
野田まどか（ダンサー）
福岡まな実（ダンサー）
松尾恵美（ダンサー）
古後奈緒子（大阪大学文学研究科 アート・メディア論コース／舞踊史研究、舞踊批評）
内野 儀（学習院女子大学教授／パフォーマンス研究・演劇
批評）
森田亜紀（美学研究者）
白井徳浩（編集者）
武藤大祐（ダンス批評家、群馬県立女子大学准教授、振付家）
久野敦子（公益財団法人セゾン文化財団プログラム・ディレ
クター）
荒井洋文（上田市犀の角デイレクター）
増澤珠美（ナノグラフィカ代表／演劇プロデューサー）西尾佳織（演出家／鳥公園主宰）
藤原康弘（舞台照明家）
甲田 徹（舞台音響家）
南野詩恵（舞台衣裳家）
大田和司（京都造形芸術大学舞台芸術研究センター技術監督）
川原美保（京都造形芸術大学舞台芸術研究センター）
竹宮華美（京都造形芸術大学舞台芸術研究センター）※本研究会は JSPS 科研費 JP17H00910 の助成を受けたものです。

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テーマ研究

Ⅱ

サミュエル・ベケットを〈展示〉する―もうひとつの劇場空間に向けて
REALKYOTO 発行人兼編集長／
京都造形芸術大学舞台芸術研究センター主任研究員

概要を含めた報告
20 世紀を代表する劇作家サミュエル・ベケットの演劇的射程を検証／再構成する可能性を探る研究プロジェクト。
アイルランドの劇団マウス・
オン・ファイアによるベケット作『ゴドーを待ちながら』の上演（2017 年
9 月 9 日、10 日。京都芸術劇場 春秋座）を機に企画・開催された。
展示とレクチャーの総合タイトルは「サミュエル・ベケットを〈読む〉」。
1906 年に生まれ、80 年以上に及ぶベケットの人生は、20 世紀とほぼ重なる。没年の 1989 年は、冷戦構造が終結し、現代史のターニン
グポイントとなった年であった。それ以降、戦争、テロ、災害が相次ぎ、格差が広がる一方のディストピア化する現代社会において、ベケット作品の意義は年を追うごとに重要性を増している。文学や演劇ばかりでなく、アート、音楽、映画、ダンスなど、諸芸術に与える影響も、特に西洋諸国においては非常に大きい。作品の受け止められ方は以前とは決定的に変わってきている。

小崎 哲哉

ミュエル・ベケットのために』（1987）を書いた。クルターグ・ジェルジュ（1926− ）、フィリップ・グラス（1937− ）、ギャヴィン・ブライアーズ（1943−）
、
ハイナー・ゲッベルス（1952− ）らもベケットに想を得た曲を作曲。
ダンスにおいては、
イリ・キリアン（1947− ）、ウィリアム・フォーサイス（1949−）
、マギー・マラン（1951− ）ら、錚々たる振付家がベケット作品にインスパイアされた作品を創作している（本展で展示したペーター・
ヴェルツの作品集は、フォーサイスと協働して創作したビデオインスタ
レーションの記録。踊るフォーサイスが中空に記す作品タイトル「whenever on on on nohow on」は、ベケットの『いざ最悪の方へ』に由来する）。

展示の様子

春秋座入口の様子©Takumi Irie

現代アートにおいては、
1950 年代の終わりから 70 年代にかけて「ベケット・ブーム」が起きた。マックス・エルンスト（1891−1976）、ジャス
パー・ジョーンズ（1930− ）、ロバート・ライマン（同）らがベケットの文章を作品集に引用・掲載。ソル・ルウィット（1928−2007）、ロバート・
モリス（1931− ）、エヴァ・ヘス（1936−1970）、
ロバート・スミッソン（1938−1973）、リチャード・セラ（1938− ）、ブルース・ナウマン（1941− ）、ダン・グレアム（1942− ）ら、1960 年代に一世を風靡したミニマリズ
ムやコンセプチュアリズムの巨匠たちも、ベケットの影響を色濃く受けている。ただしその多くが、冷戦構造下における緊迫した社会状況を直接反映すると言うより、ベケットの実存主義的思想や死生観・言語観に共鳴し、作品に間接的に取り入れるというものであった。
ところが 1989 年以降、第 2 のベケット・ブームとでも呼ぶべき事態が生じている。当展において作品集を展示したアーティストら、第 2次大戦中や戦後に生まれた世代が続々とベケットの影響を公言し、影響が見て取れる作品を発表し、あるいはベケットの戯曲を演出している（ポール・チャンは 2007 年に、前々年にハリケーン「カトリーナ」に襲われたニューオーリンズで『ゴドーを待ちながら』を上演した。デミアン・
ハーストは史上最短と言われるベケットの戯曲『息』を映像化している）。それらのほとんどが「ディストピア化する現代社会」に対応するものと考えられ得る。
映画では、ジャン＝リュック・ゴダール（1930− ）やアトム・エゴヤン（1960− ）らがベケットへの偏愛を隠さない。音楽家では、
モートン・フェルドマン（1926−1987）が存命中のベケットに気に入られ、管弦楽曲『サ

UMA/design farm

展示とレクチャーによって、海外の事情に明るくない日本人来場者に、こうした状況・情報を共有することを試みた。4 日間という短い開催期間であったが、各種メディアを含め他に類例を見ない企画であったため、来場者に対しては一定の訴求力があったと思われる。

展示（公開）
会 期：2017 年 9 月 8 日（金）− 11 日（月）11：00 − 20：00
会 場：京都芸術劇場 春秋座ロビー
会場構成：多木陽介＋小崎哲哉＋原田祐馬（UMA / design farm）
一般来場者数：延べ 475 名
展示は以下の 4 要素で構成した。
1 ：現代アートの作品集や芸術祭のカタログを中心とした書籍

展示の様子©Takumi Irie

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report（5）

ベケットの作品や思想にインスパイアされた現代アーティストの作品集を中心に、下記の計 40 冊。来場者には白手袋着用の上、UMA/ design farm がデザインしたオリジナルの書見台で閲覧してもらった。
【作品集】- クリスチャン・ボルタンスキー（4 冊）- ジェラード・バーン（1 冊）- ダンカン・キャンベル（1 冊）- ポール・チャン（1 冊）- エルムグリーン＆ドラッグセット（1 冊）- ヤン・ファーブル（2 冊）-ドミニク・ゴンザレス＝フォルステル（1 冊）- ダグラス・ゴードン（1 冊）- アントニー・ゴームリー（1 冊）- デミアン・ハースト（2 冊）- ジェニー・ホルツァー（2 冊）- ウィリアム・ケントリッジ（2 冊）- ジョセフ・コスース（2 冊）- スティーヴ・マックイーン（1 冊）-トニー・アウスラー（1 冊）- レイモンド・ペティボン（1 冊）- ウーゴ・ロンディノーネ（2 冊）-ドリス・サルセド（2 冊）- ペーター・ヴェルツ（1 冊）【アートフェスティバルカタログ】-ドクメンタX- ヴェネツィア・ビエンナーレ 2007
【その他】
- アイルランド国立美術館- ポンピドゥー・センター- ランス・デュアファート

映像展示の様子©Takumi Irie

4 ：モートン・フェルドマン作曲『サミュエル・ベケットのために』CD、プレイヤー、スピーカーを用意し、ループで再生演奏した。
●レクチャー（公開）日 時：2017 年 9 月 8 日（金）17：00 − 20：00
会 場：京都造形芸術大学 人間館 NA412 教室
司 会：森山直人
講 師：多木陽介、小崎哲哉
一般参加者数：58 名
展覧会を観た、あるいはこれから観る来場者のために、前半では多木が、1989 年の没後以降、ベケット受容がいかに変わったかを多くの画像を見せながら解説した。ヨーロッパなどにおける監獄での上演についても触れられ、現代社会の監獄化（ディストピア化）が強く示唆された。
後半では小崎が、ベケット作品の視覚性の強さや現代アートに与えた影響について話した。
レクチャーの採録は、2018 年 3月にウェブマガジン『REALKYOTO』に掲載された。
http://realkyoto.jp/article/samuel-beckett̲1/
http://realkyoto.jp/article/samuel-beckett̲2/- デイヴィッド・トゥール- magazine littéraire- スーザン・ソンタグ『サラエボで、ゴドーを待ちながら』
（富山太佳
夫訳）
- ジャン＝リュック・ゴダール『映画史』I, II（奥村昭夫訳）-『ゴダール 映画史 テクスト』（郡淳一郎編集）- 多木陽介『（不）可視の監獄 サミュエル・ベケットの芸術と歴史』
2：ベケットの演劇と、その受容の変遷についての映像（編集・解説：多木陽介）
約 12 分と約 3 分、2 種類のビデオをループ上演。前者は『ゴドーを待ちながら』以降の主要演劇作品を「監獄」というキーワードの下に紹介・分析するもの。後者は、1990 年代以降のベケット受容について解説するもの。後者には、サラエボ包囲戦のさなかに、地元の演劇人と『ゴドー』を制作・上演したスーザン・ソンタグの肉声も含まれていた。
3 ：ベケットが書いたテクストのプロジェクション
小説、戯曲、散文、詩など、様々な著作からの引用。29 作から抜粋した計 92の原文（英語）＋和訳を3 台のプロジェクターで連続ループ投影した。

レクチャーの様子©Takumi Irie

研究組織
研究代表者：
小崎哲哉（REALKYOTO 発行人兼編集長／京都造形芸術大学舞台芸術研究センター主任研究員）
共同研究者：
多木陽介（演出家・批評家）
森山直人（演劇批評家／京都造形芸術大学舞台芸術学科教授／同大学舞台芸術研究センター主任研究員）
川原美保（京都造形芸術大学舞台芸術研究センター）
研究協力者：
原田祐馬（UMA / design farm）※本研究は JSPS 科研費 JP17H00910 の助成を受けたものです。

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公募研究

Ⅰ

「ダンス 2.0」の環境構築を通して今日的教育という課題へとダンスをつなぐ試み
日本女子大学准教授／ BONUS ディレクター

木村 覚

ここでは、上記三人の作家らと高知県土佐郡大川村で行った

概要

リサーチの報告と OiBokkeShi 主宰の菅原直樹氏を招いた「老これは、〈ダンスを教え学ぶ仕組み〉〈創作に集団的に参加す

いと演劇のワークショップ」が実施された。当時、直接民主制

る仕組み〉に応える今日的な方途を探すことを主たる目的としへの移行が検討されていた高知県大川村へのリサーチは、小劇

たプロジェクトである。より具体的には、
ダンス表現の場で、（専

場の観客数に近い 400 人程の人口の村民がいかにして意見を出門家であり一般市民である）振付家・ダンサーを今日の社会的し合い、それを集約し、政治を進めているか知ることで、劇場課題へと向き合わせ、その課題とダンスを掛け合わせる方法のにおける作り手と観客との民主的な関係構築のモデルを得るこ

探究へ主体的に取り組むよう促す、教育の場を創造することでとができるのではとの期待のもと行われた。また菅原氏のワーあり、より端的に言えば、ワークショップの可能性を考えるもクショップでは、認知症の老人（役）を一人含んだグループでのである。

の会話の実践などのレッスンを通して、社会的包摂の可能性をワークショップにおいて、教える振付家・ダンサーと学ぶ受

演劇を通して見つめる方法を学んだ。研究会の後半、作家の一講生とは、しばしば主従の関係を構築しがちである。上演とい人が不意にワークショップのアイディアを話し、その一つをこう形式は一層そうであり、観客は暗闇で身を小さくして、明るの場で実践したいと提案した。それに対する抵抗の意思が参加

い部隊の躍動する身体を見つめる。そうした固定化された能動者から発せられ、いつの間にか、参加者全員に意見を述べても／受動の関係性を解き放ち、受講生（＝舞台芸術における観客）

らう場となった。まさに、教える／学ぶという主従の関係が反の能動的で創造的な側面を促進することが、その場を豊かな創

転し、図らずも、まるで地域の集会のような空間が生まれた。

造空間へと変貌させはしないか、そしてそうした場を作り出せることが、振付家やダンサーの創作能力として評価される社会へと社会を変貌させることにならないか。そうした思いのもと、
砂連尾理、神村恵、篠田千明の三人の作家に研究協力を依頼した。

第 2 回の研究会（公開研究会）

サバイバー／媒介者／誘惑者を作るためのトーク & ワー
クショップ 「トリオ A」と「ワークショップ」を研究して次の世界を生きる
日 時：2017 年 12 月 23 日（祝・土）24 日（日）第 1 回研究会（公開）

両日 13：00 − 18：00「未来のワークショップを創作する」ための研究会
日 時：2017 年 7 月 9 日（日）13：00 − 18：00

会 場：日本女子大学 新泉山館
一般参加者数：50 名程度

会 場：京都造形芸術大学 楽心荘
一般参加者数：26 名

第 2 回研究会での佐久間新氏との WS の様子

これは四つのパートからなり、パート 1 は「映像にはダンスの何が写っている／いないのか？濱口竜介と考える映像とダン
第 1 回研究会での菅原直樹氏の WS の様子

スの関係・映像／身体を媒体に生まれる社会の形」というトー
ク・ディスカッションが行われた。ゲストに映画監督の濱口竜Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report（7）

介氏を招き、彼の映画に参加・協力してきた砂連尾理や映像研トが、最終場面に至って、上演を行っていたのである。筆者は究が専門の日本女子大学専任講師である川崎公平氏とともに映研究会の内容面にはほとんど口を挟まず、三人の作家に任せて像とダンスの関係について議論した。

おり、また当日は参加者の一人に徹すると決めていたので、気パート 2 は「『トリオ A』を研究してあなたのダンスを創作

づかず、迂闊といえば迂闊であった。ただし、このことで色々してみよう」と題し、
神村恵と木村が講師役となり、イヴォンヌ・と考えさせられた。その一つとして、舞台作家というものは、

レイナーのダンス作品『トリオ A』について受講生たちと研究

やはり、最終的なまとめを行おうとすると、上演という形態をし、その成果を生かす形で 4−5 名のグループごとにダンスの選択するものなのかもしれないと考えた。上演という形態はま小作品が創作された。ちなみに「老いを巡るダンスドラマトゥとめの機能としてはある程度有効であるのかもしれない。しかルギー」（研究代表者 : 中島那奈子）プロジェクトに協力を仰ぎ、し、まとめず整えずここで起きた微細な価値をなるべくそのま

神村の「トリオ A」の振付習得とその上演参加の機会を頂戴しま保存するのには、別の形態が必要であろう。私が最も尊敬すた。この場を借りてお礼申し上げたい。

る作家たちの三人が出した結論がそうである限り、それが今のパート 3 は「中野民夫さんと観客×ワークショップの可能性を考えてみよう」と題したワークショップを実施した。ワーク

日本の舞台芸術のエッジなのであろうと筆者は結論づけている。

ショップの専門家である中野民夫（東京工業大学教授）から、

第 2 回の研究会でも感じたことなのだが、準備していたプロ

ワークショップとは何であるかのレクチャーを受けた後、「えグラムが終わり、立場が入れ替わり、参加者が感想や意見を述んたくん」という名称のディスカッションを活性化させる装置

べる時間を作ったのであるが、この時が何よりも密度の濃い充を用いて、実際にグループごとにディスカッションを行った。

実した時間であった。普段、上演芸術では黙って暗い客席で観パート 4「不安と欠乏から「民主主義」を構想する」では、客はじっとしている。しかし当然だが、彼らには、個々、感じ三人の作家を中心に、彼らが発案したワークショップで行うこていること考えていることがあるはずである。日々の暮らしととのアイディアを実際に参加者と行ってみた。クリップなど異照らし合わせるなどしながら、各自の中で鑑賞の質が高められ物を口に入れてみることや、隣人を噛んでみるなど、いわゆるても、しかし、それは観客個々人の内部で生まれて消えてしま

ダンスが生まれる手前の、基礎となる身体のあり方を確認し、う状況にある。この部分の豊かさを上演芸術はどのように掬い開いていく試みを多く含むものであった。大阪在住のダンサー

あげることができるのだろうか。ワークショップという形式に

佐久間新氏にスカイプで加わってもらい、スカイプ越しの指導

限らず、今後の上演芸術の発展可能性を私はそういうところにのもと、参加者と音楽を創作する時間も設けられた。最後は、見ている。

残り時間を延長して、参加者たちから感想や意見を募る時間を設けた。
この研究会を通して、参加者は作家のアイディアを、上演を鑑賞するのとは異なる仕方で、つまり、実際の自分の身体を差し出し、身をもって行い体験するという仕方で受け取ることができるのが、ワークショップの可能性であることを痛感させられた。参加者はプレイしながら、感じそして考える。そうした体験の質の高さを伴った一種の実践＝鑑賞が、上演のオルタナティヴとして浮き彫りになったように思われた。

研究組織
研究代表者：
木村 覚（日本女子大学准教授、BONUS ディレクター）
共同研究者：
伊藤亜紗（東京工業大学准教授）
研究協力者：
神村 恵（振付家／ダンサー）
篠田千明（演出家／作家）

第 3 回の研究会

サバイバー／媒介 者／誘惑者／観察者を作るワークショップ

砂連尾理（振付家／ダンサー）
小沢康夫（一般社団法人日本パフォーマンス／アート研究所）
菅原直樹（OiBokkeShi 主宰）
森ゆうな（BONUS スタッフ）

日 時：2018 年 1 月 28 日 12：00 − 18：00

内田 圭（フライヤー制作）

会 場：京都造形芸術大学 京都芸術劇場 studio21

河内 崇（舞台監督）

一般参加者数：25 名

佐久間新（舞踊家）

6 時間のワークショップという長丁場で、三人の作家が編み加藤 至（イベント撮影・映像編集、hyslom）

出した多数のアイディアを実践した。また、大川村の村民の方とスカイプをつないで、スカイプ越しに村に伝わる太刀踊りをレクチャーしてもらうという時間を設けた。そこで習得したこと、またこの日のワークショップで得たものを、三つのグルー
プに分かれ、大川村の村民の皆さんに向けて上演した。ゲスト
アーティストとして佐久間新氏に協力してもらった。また、記録撮影に hyslom の加藤至氏を中心としたスタッフに依頼した。
驚くべきことに、この日の研究会が終わる瞬間まで気づけずにいたことなのだが、上演という形態とは異なる観客とのコ
ミュニケーションの仕方を模索していたはずのこのプロジェク

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（8）

公募研究

Ⅱ

老いを巡るダンスドラマトゥルギー
ダンス研究／ダンスドラマトゥルク研究会概要・報告
この研究プロジェクトでは、老いのドラマトゥルギーという視点から、
ポストモダンダンスの歴史を作り、コンテンポラリーダンス界で影響力をもつニューヨーク、ジャドソン教会派を代表する振付家・ダンサー・映画監督であるイヴォンヌ・レイナー氏の作品とポストモダンダンスについて研究を進めました。今年度は、一回の劇場実験と、その中のプログラムとして同時に公開研究会を開催しました。
近年の各国のコンテンポラリーダンスで老いの問題に注目が集まっているのは、1960 年代に活躍したポストモダンダンスのアーティストが、高齢になってもなおダンス作品を作り続けていることに、一因があります。このようなダンサーの老いのテーマと共に、歴史的な意義を持つ
ダンス作品をどう残し、再構成するかというダンスアーカイブやリ・エン
アクトメントの議論も活発化しています。これは、身体を用いる Time
Based Art とされるダンスやパフォーマンスが、美術館において展示される機会が、近年欧米を中心に増えていることと並行します。
こうしたダンス作品とダンサーの関係を探る試みは、欧米でダンスが美術館において展示される機会が増えてきている近年の状況において、劇場と美術館の機能を、踊る身体の側面から検討することと捉えることもできます。踊る身体をホワイトキューブという純粋空間に管理し、アーカイブし永遠にコレクション化するのが美術館的発想であるとすれば、劇場的思
考は、踊る身体を場の時間枠で蘇生させます。
イヴォンヌ・
レイナー
を中心としたポストモダンダンスの作品を、日本の伝統演劇の祝祭空間である春秋座で展示することは、現在おきているダンスの美術館化の流れをひっくり返し、もう一度ダンスを美術館から劇場
研究会チラシ チラシデザイン：松見拓也に戻すことでした。

中島 那奈子しました。
舞台上には、『Trio A』がその中で初めて上演された作品『心は筋肉である（The Mind is a Muscle）』の舞台装置の一部を再構成し、レイナー氏によるスコアに記されている照明や映像、音声の段取りをループさせました。ブラックボックスとは異なり、花道や鳥屋の設備を備えて日本演劇の歴史を体現する春秋座において、これはポスト
モダンダンスの歴史をパフォーマティヴに再現させる試みでした。この展示では、花道を来場者に開放し、花道上部に吊るされたブランコ
は定期的に昇降し、それに加えて、本舞台のブランコやマット、階段
も来場者が座れる条件でしつらえました。
そして、展示期間中プログラムとして、1、ダンサーのワークショップ、
WS ショーイングの展示、2．映像上映、3、レクチャーというタイトルの公開研究会を、実施しました。こういった素材全てを、芝居小屋の空間に置き展示したのですが、それはレイナー氏の作品が複合的な要素から成り立っていたことに、起因しています。

展示風景 写真：前谷開展示期間中プログラム
1．イヴォンヌ・レイナー『Trio A』『Chair/Pillow』ショーイング
日 時：2017 年 10 月 12 日（木）、14 日（土）
16：30 − 17：00
出 演 ：『Trio A』ショーイング出演者（五十音順）
桂勘、神村恵、髙林白牛口二、寺田みさこ、西岡樹里、
ボヴェ太郎
出 演 ：『Chair/Pillow』ショーイング出演者（五十音順）

活動報告
劇場実験（公開）
イヴォンヌ・レイナーを巡るパフォーマティヴ・エクシビジョン
日 時：2017 年 10 月 11 日（水）− 15 日（日）12：00 − 18：00
会 場：京都芸術劇場 春秋座、ロビー（以降、全て同会場）
一般来場者数：延べ 184 名
ここでは春秋座の空間に、ロサンゼルス・ゲッティー美術館所蔵イヴォンヌ・レイナー・コレクション内の『Trio A』と『Chair/Pillow』の二作品を巡る記録資料、スコア、公演ポスター、レイナーによる振付メモ、
1971 年に初演された『グランドユニオンドリームズ』の四谷アート・ステュ
ディウムによる 2010 年再演記録資料、ポストモダンダンス関連書籍、『心は筋肉である』の舞台再構成など資料 34 点を、継続展示上演『Chair/Pillow』ショーイング 写真：前谷開Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

大谷悠、小野彩加、川瀬亜衣、きたまり、杉本昂直、
砂原うり、竹之内芙美、出村弘美、寺岡千尋、
西村寛子、捩子ぴじん、畑中良太、益田さち、松本奈々子
1960 年代の代表作『Trio A』及び『Chair/Pillow』を、2010
年よりレイナー氏と共に活動するエマニュエル・プウン氏をコーチングに迎え、ショーイング上演しました。初期作品で代表作の『Trio A』と、
『Chair/Pillow』の二作品を、20 代から 80 代までのコンテンポラリー
ダンス、
バレエ、
舞踏、
能楽などからの出演者が上演し、10 月 11 日（水）にはワークショップも展示空間で開催しました。
2．映像上映日 時：2017 年 10 月 13 日（金）ここでは展示空間の中で、レイナー自身の監督作品と、他作家によるレイナーについての映像作品の上映を行いました。まず、老いに関連したイヴォンヌ・レイナー振付・監督による映像 2 作品、①ミハイル・バリシニコフの「ホワイト・オーク・ダンス・プロジェクト」のために振り付けた『After Many a Summer Dies the Swan: Hybrid』と ②『心は筋肉である』の作品中でも上映された『Five Easy Pieces』、昨
年の本研究会で日本初公開を迎えたジャック・ウォルシュ監督によるイ
ヴォンヌ・レイナーのドキュメンタリー映画 ③『フィーリングス・アー・ファ
クツ 〜イヴォンヌ・
レイナーの生涯〜』の字幕付上映、そして ④デヴィッ
ド・マイカレック監督によるパット・カターソンのアシストによるイヴォンヌ・
レイナーのパフォーマンス『Trio A（老いぼれバージョン）』を上映しました。この老いぼれバージョンは 2017 年に撮影され、この時点でレイナー氏は 82 歳になっています。
3．レクチャー
日 時：2017 年 10 月 15 日（日）15：00 − 18：00
登壇者・発表内容：
越智雄磨『Trio A』の経年変化
̶ ダンスの終焉、あるいは終焉しなかったダンスについて
外山紀久子《トリオ A》、アタラクシアーの妙薬
三輪健仁「展示的（exhibitionlike）」：1960 年代の美術／ダンス
この公開研究会ではこの『Trio A』を踏まえて、まず越智雄磨氏がフランスでのコンテンポラリーダンスの興隆と『Trio A』の受容史について、次に外山紀久子氏がエネルギーアートや内なる音楽としての『Trio A』の解釈を披露し、最後に三輪健仁氏が展示と上演という対比項を、ロバート・モリスとレイナーの関係に当てはめて検討し、老いをテーマに私たちの時代のダンスの「レクチャー」とは何か問いかけました。

『Trio A』ショーイングでの寺田みさこと高林白牛口二 写真：前谷開（9）〈同時開催〉
劇場実験の同時開催企画として、2017 年 10 月 12 日（木）18：30 から同志社大学寒梅館において、イヴォンヌ・レイナー監督映画作
品 16mm『特権』の特別上映を行い、上映後は研究代表者とアーティストのやなぎみわ氏によるトークを開催しました。
〈提携と協力〉
今回は本劇場実験を、ポストモダンダンスを紹介してきた京都国際
舞台芸術祭 KYOTO EXPERIMENT の提携プログラムと位置付けて相互連携を図りました。加えて、木村覚氏による共同研究プロジェ
クト
Ⅰのメンバー神村恵氏の参加により、共同研究プロジェクト相互での協力関係が実現しました。

まとめと展望報告ウェブサイト：http://www.nanakonakajima.com/rainer/
こちらでは、2017 年 3 月に古後奈緒子氏と岡﨑乾二郎氏を迎えて行った第一回研究会の記録に加え、2017 年の劇場実験に参加した
ダンサー及び研究者によるテクスト、竹田真理氏によるダンサーインタ
ビューを掲載し、ショーイング映像や記録写真も公開しています。
今回春秋座で行った「イヴォンヌ・レイナーをめぐるパフォーマティヴ・
エクシビジョン」に関して、ベルリン自由大学国際研究センターの書籍（エリカ・フィッシャー＝リヒテ編、2019 年）への寄稿に加え、『老いと踊り』（外山紀久子、中島那奈子編著、勁
草書房、2018 年）の刊行を予定しています。加えて、表象文化論
学会発行の『表象』12 号での共同討議「越境するパフォーマンス
−美術館と劇場の狭間で」で、この劇場実験を取り上げています。

研究組織研究代表者：
中島那奈子（ダンス研究、ダンスドラマトゥルク）
共同研究者：
外山紀久子（美学・舞踊論、埼玉大学大学院人文社会科学研
究科教授）
研究協力者：
川崎陽子（舞台芸術制作）
イヴォンヌ・レイナー（振付家、パフォーマー、映画監督）
越智雄磨（早稲田大学演劇博物館招聘研究員）
三輪健仁（東京国立近代美術館主任研究員）
エマニュエル・プウン（ダンサー、振付家）
桂勘（舞踏家、振付家，office PARADIX K. 芸術監督）
神村 恵（振付家、ダンサー）
髙林白牛口二（喜多流能楽師）
寺田みさこ（ダンサー、振付家）
西岡樹里（ダンサー）
ボヴェ太郎（舞踊家、振付家）
夏目雅也（舞台監督）
中山佐代（舞台企画制作）
青嶋 絢（アート・コーディネーター、大阪大学大学院文学研究
科博士後期課程）
宮北裕美（ダンサー、アーティスト）
門林岳史（関西大学文学部准教授）
竹田真理（ダンス批評）
岡元ひかる（ダンス研究）

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

（10）

6年
年間の総括
―京都造形芸術大学 共同利用・共同研究拠点の第Ⅰ期の終わりに―2013 年度に、文部科学省により認定を受けた本研究拠点の研た研究活動を行うことを特色としている。本研究拠点における究活動は、本年度で、最初の 6 年間の認定期間（以下、第Ⅰ期研究事業の総体は、「総合的な舞台芸術学」もしくは「総合的と呼んでおく）を終えようとしている。本研究拠点は、文部科な劇場学」という新しい研究分野を切り拓くことを長期的な目

学省ウェブサイト※ 1 の当該ページを見ていただければわかるよ

標とした、これまで試みられたことのない研究事業である。

うに、圧倒的に理科系の研究機関が中心であり、舞台芸術に関連する研究拠点は、野上記念法政大学能楽研究所、早稲田大学
演劇博物館と本学の 3 拠点しか存在しない。しかも芸術系大学

2

研究組織

が「劇場」を使用して、「舞台創造」を視野に入れた研究活動を行っ

本学舞台芸術研究センターは、本研究拠点の研究設備であるてきたのは、本学のみである。過去にも前例のない、このユニー「京都芸術劇場」全体の運営を統括しており、本研究拠点の「劇クな研究プロジェクトは、2001 年にスタートした本学舞台芸術

場を活用した研究」もまた、本研究センターの年間研究計画全

研究センターによる継続的な研究活動なしには、絶対にありえ体のなかに位置づけられている。本研究拠点の拠点リーダーは、ないものであったが※ 2、同時にまた、新たな枠組みのなかでの本研究拠点の研究内容が、同研究センターとの密接な協力関係

研究活動は、ある意味では認定当初から今日まで、試行錯誤ののもとで実施される必要があるため、過去 6 年間、同研究セン連続でもあった。多くの方々の助力がなければ、到底ここまで

ター所長が兼務している（2013 年度は渡邊守章、2014 年度以乗り切ることはできなかったであろう。そうした経緯をいま思降は天野文雄）。

い返すとき、やはり冒頭で、本研究拠点の活動に関わっていた本研究拠点の運営委員会は、文部科学省の規程に基づき、委だいたすべての関係者の方々に、心から感謝を申し上げたい。

員の半数以上を学外者に委嘱している。2018 年度時点で 21 名

本研究拠点は、現在（2018 年 11 月）文部科学省に、継続認定が委員として名を連ねているが、そのうち本研究センター主任

を申請中である。もしも継続認定を受けることができれば、2019研究員が 9 名（うち学内教職員 5 名）
、学外の研究者・芸術家

年度から、さらに 6 年間の継続的な研究活動が可能となる（以下、が 12 名である。年間 3−4 回の定例会議を持ち、本研究拠点の第Ⅱ期と呼んでおく）。
本稿では、
本研究拠点のこれまでを総括し、研究目的に関連するさまざまな意見交換を行うだけでなく、「公

今後の新たなヴィジョンについて記述していきたい。

募研究」の審査も運営委員全員で行っている。

※ 1 文部科学省 共同利用・共同研究拠点ウェブページ

運営委員は、本研究拠点の研究プロジェクトが、できるだけwww.mext.go.jp/a̲menu/kyoten/

多角的な検証可能性のもとで実施されていく必要性を鑑みて、※ 2 たとえば、本研究センターが 2006−2008 年度にかけて実施した「『恋理論面・実践面における研究・創造の「現在」に熟知しているする虜』ダンスプロジェクト』（企画：山田せつ子、通称「ジャン・ジュ

学外者を、多く任命している。すでに述べたように、本研究拠

ネ企画」）は、本研究拠点の基本的コンセプトのモデルとなった。

点においては運営委員全員が公募研究課題の審査にあたるた
め、「研究」「創造」の両面における研究者コミュニティ（学会等）

1

拠点の設置目的

や芸術諸団体における最新の動向は、特に公募審査に関わる議論の場で最も強く反映される形となっている。

本研究拠点は、舞台芸術作品の創造・受容の多様なプロセス
を、「劇場を用いた研究」という手法を通じて実践的に探究していくことを目的として、2013 年に設置された。本学研究者が中心となって行う「テーマ研究」と、学外の研究者に広く公募
する「公募研究」からなる各研究プロジェクトが、本学が所有する本格的な劇場施設である「京都芸術劇場」を何らかの形で活用した「劇場実験」を核として、上記目的を達成し、その成果を広く公開していこうとするものであった。
芸術系大学のアイデンティティは、何よりも芸術作品の「創造」にある。本学舞台芸術研究センターでは、芸術系大学における「作品創造」の役割を〈ファクトリー機能〉、「創造のための研究や実験」の役割を〈ラボラトリー機能〉と定義し、本研究拠点を、もっぱら後者の機能を担うものとして位置づけてきた。日本における舞台芸術の「創造」と「研究」の有機的な結びつきを目標とする本研究拠点の各研究プロジェクトは、研究者とアーティストが共同で研究チームを組み、京都芸術劇場における「劇場実験」を、それぞれの研究プロセスの中心に据え

運 営 委 員会（2018 年度）
天野 文雄：委 員 長（舞台芸術研究センター所長、教授／能楽研究）★
渡邊 守章：研究担当（舞台芸術研究センター主任研究員／演出家）★
竹本 幹夫：研究担当（早稲田大学文学学術院教授／能楽研究）森山 直人：会計担当（京都造形芸術大学舞台芸術学科教授／演劇批評）★
相内 啓司（京都精華大学 大学院芸術研究科教授／映像作家・映像論、表象文化論）
浅田彰（京都造形芸術大学 大学院学術研究センター所長、教授／批評家）★
岩村 原太（京都造形芸術大学舞台芸術学科教授／舞台照明デザイナー）★
内野儀（学習院女子大学教授／パフォーミングアーツ研究・批評）
岡田 温司（京都大学大学院人間・環境研究科教授／イタリア美学・芸術学）
小崎 哲哉（舞台芸術研究センター主任研究員／ REALKYOTO 編集長）★
川村毅（舞台芸術研究センター主任研究員／劇作家・演出家）★
竹内 孝宏（青山学院大学総合文化政策学部教授／表象文化論）
長島確（東京藝術大学音楽環境創造科招聘教授／ドラマトゥルク、翻訳家）
根岸 徹郎（専修大学教授／フランス演劇）
服部基（照明デザイナー）
松田 正隆（立教大学現代心理学部映像身体学科教授／劇作家・演出家）
山田せつ子（舞台芸術研究センター主任研究員／舞踊家）★
大田 和司（舞台芸術研究センター技術監督／舞台監督）★
相馬 千秋（立教大学現代心理学部映像身体学科特任准教授／NPO法人芸術公社代表）
星野太（金沢美術工芸大学美術科芸術学専攻講師／美学・表象文化論）
吉野さつき（愛知大学文学部現代文化コースメディア芸術専攻教授）★京都造形芸術大学舞台芸術研究センター主任研究員

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report3

これまでの研究成果（1）領域横断的な研究の展開（11）● 2014 年度公募研究Ⅰ（研究代表者：中島那奈子）において上演された、ライムント・ホーゲによる振付作品『AnEvening with Judy』（＝日本初演）。

第Ⅰ期においては、「テーマ研究課題」「公募研究課題」をあわ● 2015 年度テーマ研究Ⅱ（研究代表者：山田せつ子）におせ、延べ 31 件の研究プロジェクトが多様な形で展開されたが、いて上演された、川口隆夫のソロ作品『大野一雄について』。

これらにおいては、伝統芸能、現代演劇、コンテンポラリーダンス、山田は川口と協議し、すでに上演されていた同作を、京都芸

現代美術、現代音楽、メディアアート、実験映画等の異なる領域

術劇場 春秋座ヴァージョンとして再構築することで、舞踊を横断する多様な創造・受容のプロセスが探究され、多くの研究家・大野一雄の舞踏における新たな側面に光をあてることが成果を得ることができた。こうした新たな手法による舞台芸術研
究は、美学・芸術哲学研究、文学研究、社会学研究、民俗学研究

できた。
（5）
「研究」から「作品」へ

等や、LED 照明やモーションキャプチャー技術の先端的な応用

従来の文献中心の舞台芸術研究においては、部分的な分析対研究、さらには「障碍者との共生」のような社会課題等とも部分

象にとどまっていた「舞台演技」「舞台照明」「舞台音響」「舞的に接続されることで、舞台芸術の創造・受容を、現代における台美術（セノグラフィー）」「舞台衣裳」といった各要素を研究

社会的な視野のなかで多角的に考察することが可能となった。

対象とすることにより、理論・実践の両面から、「総合芸術」（2）アーティスト×研究者による共同研究の実現としての「舞台芸術」を分析するための基盤的研究を遂行する

第Ⅰ期の研究プロジェクトは、全てアーティストと研究者にことができた。

よる「共同研究チーム」により実施された。各研究プロジェク● 2014−16 年度、及び 2018 年度の 4 年間にわたってテーマ

トは、「京都芸術劇場」を研究目的に応じて効果的に活用した「劇研究として実施された「アジアの大学における演劇教育―劇場実験」を実施し、その多くは一般公開がなされた。国際的な場を活用した舞台教育の方法論的探究」（研究代表者：平井協働作業としては、アメリカ、フランス、ドイツ、イタリア、

愛子）。国立韓国芸術総合大学校（韓国）、
国立台湾芸術大学（台

スウェーデン、韓国、台湾、シンガポール等のアーティスト、湾）、ラサール芸術大学（シンガポール）とともに探求し、研究者の参加を得た。毎年平均約 100 名のアーティスト、
技術者、

大きな成果を得た。

研究者が本研究拠点の研究活動に参加しており、将来的には、● 2013−15 年度の 3 年間にわたってテーマ研究として実践

それ自体が、新たな研究コミュニティに近い実質を備えることされた「舞台照明」「舞台美術（セノグラフィー）」「舞台衣裳」も考えられるかもしれない。複数の既存の研究・創造のコミュ
ニティを横断的に結ぶ場が誕生しつつあり、アーティストと研究者の共同的なコミュニティの成立基盤ができたことは、日本に関する一連のテーマ研究（研究代表者：岩村原太）。
（6）劇場という制度の歴史的読み直し「劇場実験」という手法が、「劇場」という制度的な場を再検の舞台芸術学にとって画期的な一歩であったと考えている。

証し、その歴史的構造と可能性を読み直す実践的な「劇場学」「ド（3）ラボラトリー機能の基盤的モデル

ラマトゥルク研究」の新たな方法を開発したことは、予想外の「ファクトリー機能」／「ラボラトリー機能」という概念の収穫であった。

有効性は、3 年目終了時点で実施した外部評価レポート、及び● 2016−17 年度公募研究Ⅱ（研究代表者：中島那奈子）は、学外者として参加している運営委員による内部評価においてもアメリカの代表的な舞踊家イヴォンヌ・レイナーをテーマと高い評価を得て、いまや定着しつつある。これに関連して、本する研究プロジェクトにおいて、京都芸術劇場 春秋座を、研究拠点リーダーが中心となり、「ラボラトリー機能の構築」

巨大な〈展示空間〉として読み直し、5 日間にわたってレイに特化したテーマを掲げた大型研究プロジェクトは、科学研究

ナ―の過去作品のドキュメントや映像記録の展示、及び代表

費・基盤研究（A）に採択されている（※）
。

的なダンス作品の再創作上演を展開した。この試みは、近年※「「大学の劇場」による「ラボラトリー機能」の構築―芸術系大学の現代美術の現場において、パフォーマンス作品のアーカイヴ

実践的研究モデル」（研究課題／領域番号：17H00910、研究代表者：天野

化が世界的になされつつある潮流に対する、「劇場」という

文雄、2017−19 年度）を指す。

視点からの学術的応答という意味をもち、最終日には公開シ

また、近年発展しつつある「ドラマトゥルク研究」と「アーンポジウムも開催された。

トマネジメント研究」を、「ラボラトリー機能」を通じて、創● 2017 年度テーマ研究Ⅱ（研究代表者：小崎哲哉）は、20造の現場と接続された実践的研究にまで深化させることができ

世紀を代表する劇作家サミュエル・ベケット（1906−89）のたことも収穫であった。過去 6 年間の本事業を通じて、公募研

新たな芸術的可能性に光を当てるために、京都芸術劇場 春

究にそれぞれ 2 度採択された木村覚、中島那奈子、横堀応彦の秋座ロビーを〈展示空間〉として活用する「劇場実験」を実

3 名は、いずれも「ドラマトゥルク」的なアプローチから創造施した。ベケットは文学研究、演劇研究の場ではすでに多く現場に関わる新しいタイプの舞台芸術研究者であり、彼らの研の研究がなされてきたが、1960 年代以降の数多くの現代美術究活動を通じて、本研究拠点の特色を活かした研究モデルの基作家に多大な影響を与えてきたことは、あまり取り上げられ盤的構築が可能となった。

てこなかった。
『現代アートとは何か』の著者である小崎は、（4）「作品」から「研究」へ

イタリア・ローマ在住のベケット研究者・演出家である多木「劇場実験」という新たな研究手法によって、既存の舞台作

陽介がローマで開催したベケットをめぐる展覧会をベース

品を「実験」としてまず上演し、それをきっかけに「研究」のに、多木と協働で新たな展示空間を作り上げ、狭義の「文学」

新たな地平を拓くという舞台芸術学のプロセスが、初めて本格「演劇」にはおさまらない領域横断的なベケットの芸術性を的に可能となった。

明らかにすることに成功した。

（12）Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report（7）「創造」と「研究」の融合
本研究拠点が目的とする「創造」と「研究」の融合、及び両4

第Ⅱ期に向けた今後の課題

者の相互作用という点で、2014−15 年度のテーマ研究Ⅰにおけ

本研究拠点の研究活動（＝ラボラトリー機能）は、本研究拠る劇作家ポール・クローデル（1868-1955）の戯曲『繻子の靴』

点の研究成果に基づく本格的な舞台芸術作品の制作（＝ファクの研究プロジェクトは、ひとつのモデルとなる成果を収めた。

トリー機能）に結びつくものであることを基本的な前提として

20 世紀を代表するフランスの前衛劇詩人クローデルの同作は、いる。過去 6 年間を通じて、「ラボラトリーからファクトリーへ」

日本ではほぼ上演不可能と思われるほどの大作であったが、フ「ファクトリーからラボラトリーへ」という舞台創造と研究の

ランス文学・演劇研究の第一人者で同作の翻訳者（岩波文庫）

融合による創造のプロセスをめぐるサイクルがほぼ確立されたであり、かつ演出家としてもこれまでクローデル作品の上演をというこれまでの研究成果を受け、今後はこのサイクルを持続手掛けてきた渡邊守章が研究代表者を務めた上記の研究プロ

可能なものとして定着・普及をはかる新たな段階にさしかかっ

ジェクトは、日本を代表するメディア・アーティストの高谷史ている。本格的な作品を立ち上げるファクトリー機能の展開に郎、舞台照明家の服部基との 2 年間にわたる領域横断的な劇場

ついては、母体である本学舞台芸術研究センター本体との連携実験を重ね、研究終了後の 2016 年 12 月に、上演時間約 8 時間を一層強化する必要がある。本研究拠点の拠点設備である「京の本格的な演劇作品を創作し、本邦初演を果たした。この上演

都芸術劇場」がオープン 20 周年を迎える 2021 年度（認定が更は、最先端のテクノロジーだけでなく、狂言師の野村萬斎、能

新されれば第Ⅱ期 3 年目）を目途に、こうした再編作業を進め管の藤田六郎兵衛も参加することで、「伝統」と「現代」の架ていく（現時点で、この再編構想を、「オープンラボラトリー

橋にも成功し、高い評価を得て、2018 年 6 月に、国際的に評価構想」と仮称している）。

の高い SPAC 静岡県舞台芸術センター（芸術総監督：宮城聰）との共催よる再演も果たした。

過去 6 年間を通じて、日本の第一線で活躍する舞台芸術研究者だけでなく、第一線で活躍する舞台芸術プロデューサーの多さらに重要なのは、この作品の映像記録を制作したことであくが、本研究拠点の運営委員会に参加する体制が整備された。

る。2018 年度は、クローデル生誕 150 周年にあたり、日仏で数こうしたプロデューサーは、舞台創造に関する国際的なネット

多くのクローデル関連の国際シンポジウムが開催されたが、渡ワークを持っているが、過去 6 年間で、そうしたネットワーク

邊はそうした場で、映像記録の上映と研究発表を国内外で複数を充分に活用するまでには至らなかった。したがって、認定更回にわたって行い、国際的なクローデル研究、及びフランス文

新後は、特にアジア圏のアーティストや批評家・研究者とのあ

学・演劇研究の場において、新たな研究の地平を切り拓くこと

いだに、継続的なネットワークを構築し、本研究拠点の研究成ができた。こうした一連の成果は、
本研究拠点による 2 年間の「ラ

果や、それらに基づいた舞台芸術作品が、諸外国に巡回できる

ボラトリー機能」を最大限に活用した実験プロセスなしにはあシステムを構築することが課題となる。前半の 3 年間でネット

り得なかったと言える。

ワークを構築し、後半の 3 年間で研究成果や作品巡回のサイク（8）〈ラボラトリー〉から〈ファクトリー〉へ―作品創造への接続ルを構築していく。

本研究拠点の研究成果がベースとなり、本研究拠点における過去 6 年間を通じて、多数の若手アーティストや研究者を育研究活動の終了後に、本格的な舞台芸術作品 7 本が一般の劇場

成できたことはすでに述べたが、こうした成果は、今後も継続

において創作・発表されたことは、「作品創造を視野に入れたしていく。今後は、過去 6 年間で本研究拠点に参加したそうし

創造プロセスの研究」を特色とする本研究拠点にとっての大きたアーティストや研究者とのあいだに効果的な連携を維持しつな成果であった。そうした研究事業に、20 代後半から 30 代前

つ、20 代後半から 30 代前半の世代が、より多様な形で本研究半の、主として京都・関西圏を基盤とする若手アーティストや拠点に参画できる仕組みを構築する必要がある。それについて

技術者の多くの参加を得たことも研究の意義であった。

は、本研究拠点の運営委員会で過去 2 年間にわたって活発な議①『葵上／二重の影』（渡邊守章構成・演出／ 2014 年 3 月、②『ゼロ・アワー：東京ローズ最後のテープ』（やなぎみわ作・演出／ 2015 年 7 月、京都芸術劇場 春秋座）③『原色衝動』（白井剛、キム・ソンヨン共同振付・演出／
2015 年 9 月、京都芸術劇場

春秋座、2016 年 2 月世田谷パブリックシアター（東京））④『ミステリア・ブッフ』（マヤコフスキー作、三浦基演出／ 2015 年 11 月、フェスティバル／トーキョー 2015）⑤『三人の女』（伊藤高志監督、2016 年 8 月、あいちトリエンナーレ 2016）⑥『繻子の靴』（クローデル作、渡邊守章訳・演出／ 2016 年
12 月、京都芸術劇場 春秋座／ 2018 年 6 月、静岡芸術劇場）⑦『破壊の子ら』（筒井潤構成・演出／ 2018 年 12 月、京都
芸術劇場 春秋座）

論を行っており、公募研究課題の募集方法の多様化を進めていく方向で計画の策定を行っている。具体的には、現行の「劇場

京都芸術劇場 春秋座）

実験型」
（1 件あたりの予算上限 250 万円）に加えて、「リサー
チ支援型」の公募枠を新たに設置することとしたい。後者は、上記のような世代の若手アーティストや研究者が、本格的な劇場を実験場として使用するまでの準備段階としてのリサーチ（文献研究やフィールドワーク等）を行う上で効果的に活用してもらいやすい予算・内容としていく予定である。
（文責：森山直人）

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

6 年間の研究テーマ・研究代表者名データ（13）

研究代表者：平井愛子□公募研究Ⅰ：「「ダンス 2.0」の環境構築を通して今日的課題へ【2013 年度】とダンスをつなぐ試み」■テーマ研究Ⅰ：近代日本語における〈声〉と〈語り〉研究代表者：木村覚（日本女子大学人間社会学部文化学科准教

研究代表者：渡邊守章（京都造形芸術大学舞台芸術研究センター

授／美学・ダンス研究）所長・教授／演出家）□公募研究Ⅱ：「マヤコフスキー研究 詩人の仕事の解明と新し■テーマ研究Ⅱ：舞台芸術における音／リズム／ドラマトゥル

い演劇言語の開発」

ギーをめぐるジャンル横断的研究

研究代表者：三浦基（劇団「地点」代表／演出家／京都造形芸研究代表者：森山直人（本学舞台芸術学科教授／現代演劇研究）

術大学映画学科客員教授）■テーマ研究Ⅲ：〈マルチメディア・シアターの再定義〉をめ□公募研究Ⅲ：「想起の空間としての劇場」（2016 年 1 月開催）

ぐる実践的研究研究代表者：横堀応彦

研究代表者：渡邊守章■テーマ研究Ⅳ：現代の舞台芸術における照明技法ならびに照【2016 年度】

明美学の問題■テーマ研究Ⅰ：太田省吾を〈読む〉―「未来」の上演のために研究代表者：岩村原太（京都造形芸術大学舞台芸術学科教授／

研究代表者：森山直人

舞台照明家）■テーマ研究Ⅱ：アジアの大学における演劇教育―劇場を活用（※公募研究課題については、2014 年度採択分の公募を、2013

した舞台教育の方法論的探究

年 11 月− 2014 年 1 月にかけて実施）研究代表者：平井愛子□公募研究Ⅰ：「ダンス 2.0」の環境構築を通 して今日的教育と【2014 年度】

いう課題へとダンスをつなぐ試み■テーマ研究Ⅰ：近代日本語における〈声〉と〈語り〉―「クロー研究代表者：木村覚デル『繻子の靴』上演のための実践的研究」□公募研究Ⅱ：老いを巡るダンスドラマトゥルギー

研究代表者：渡邊守章

研究代表者：中島那奈子■テーマ研究Ⅱ：コンテンポラリーダンスの創造性と方法論を（※公募研究課題 2 件は、いずれも 2016 年度後半− 2017 の「1.5めぐる実践的研究

年間」を条件に採択された）研究代表者：山田せつ子（京都造形芸術大学舞台芸術研究セン
ター主任研究員／ダンサー、コレオグラファー）【2017 年度】

■テーマ研究Ⅲ：「マルチメディア・シアターの再定義」をめ■テーマ研究Ⅰ：ダンスの創造的行為を巡ってぐる実践的研究研究代表者：山田せつ子

研究代表者：森山直人■テーマ研究Ⅱ：サミュエル・ベケットを〈展示〉する―もう■テーマ研究Ⅳ：舞台衣裳のモダニティに関する実践的研究

ひとつの演劇空間に向けて研究代表者：岩村原太研究代表者：小崎哲哉（京都造形芸術大学舞台芸術研究センター■テーマ研究Ⅴ：アジアの大学における演劇教育―劇場を活用

主任研究員／『REALKYOTO』編集長）

した舞台教育の方法論的探究□公募研究Ⅰ：「ダンス 2.0」の環境構築を通して今日的教育と研究代表者：平井愛子（京都造形芸術大学舞台芸術学科教授／

いう課題へとダンスをつなぐ試み

舞台演技論）

研究代表者：木村覚□公募研究Ⅰ「老いを巡るダンスドラマトゥルギー」□公募研究Ⅱ：老いを巡るダンスドラマトゥルギー

研究代表者：中島那奈子（ダンス研究／ダンスドラマトゥルク）

研究代表者：中島那奈子□公募研究Ⅱ「舞台芸術における LED 照明の可能性ならびに、（※公募研究課題 2 件は、いずれも 2016 年度後半− 2017 の「1.5デジタルプログラミングとの連動」

年間」を条件に採択された）研究代表者：藤本隆行（舞台照明家）□公募研究Ⅲ「想起の空間としての劇場」【2018 年度】

研究代表者：横堀応彦（ドラマトゥルク／立教大学・跡見学園■テーマ研究Ⅰ：身体と言葉の創造的行為を巡って―インド／女子大学 兼任講師）

京都による国際共同研究
研究代表者：山田せつ子【2015 年度】

■テーマ研究Ⅱ：アジアの大学における演劇教育―劇場を活用■テーマ研究Ⅰ：クローデル『繻子の靴』上演のための実践的した舞台教育の方法論的探究

研究

研究代表者：平井愛子

研究代表者：渡邊守章□公募研究Ⅰ：「モーション・クオリア」研究―自由落下によ■テーマ研究Ⅱ：ダンスの創造的行為をめぐってる必然的な動きと表現研究代表者：山田せつ子

研究代表者：関典子（神戸大学大学院 人間発達環境学研究科■テーマ研究Ⅲ：セノグラフィーの歴史アーカイブ構想

人間発達専攻（表現系）准教授／舞踊家）

研究代表者：岩村原太□公募研究Ⅱ：秋元松代研究〜台詞の音楽性と新たな「語り」■テーマ研究Ⅳ：アジアの大学における演劇教育―劇場を活用研究代表者：三浦基した舞台教育の方法論的探究

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report（14）◆ 6 年間の検証①「劇場実験」の研究成果「劇場
本研究拠点は本年度で 6 年目となり、2013 年度からスタートした第Ⅰ期の認定期間の最終年を迎えることとなった。現在、
本研究拠点は、次年度以降の第Ⅱ期を目指して、さまざまな研究計画を策定しつつ、6 年間の報告書作成と、文部科学省による再認定の申請準備を行っている。そこで、本誌では、6 年間の研究活動の検証作業の一環として、「劇場実験」と「創造のプロ
セス」という、本研究拠点を特徴づける 2 つのキーコンセプトを取り上げ、あらためてこれまでの活動を振り返ってみたい。
本項では、過去 6 年間の主な「劇場実験」を取り上げ、その成果について振り返る。

研究施設＝劇場について
本研究拠点は「京都芸術劇場」（春秋座・studio21）を活用しながら独自の研究活動を展開している。

②客席（舞台上から撮影）

春秋座（概略図、花道あり）③場内（2 階から撮影）①ホワイエ

京都芸術劇場 春秋座（大劇場）〈客席数：花道なし 807 席、花道あり 732 席〉
観客席・舞台ともに本格的な歌舞伎スタイルを基本としながら、現代劇などの上演にも対応できる。プロセニアム舞台の他に、花道、回り舞台、せり（大小）、すっぽん（＝花道上のせり）、
鳥屋などを設置している。花道は演目に応じて撤去し、客席とすることも可能である他、正面客席 4 列は撤去して小規模なオー
ケストラピットを設置することもできる。ホワイエ（写真①）
は、客席前のロビー空間、写真②は舞台上から客席を、写真③は、劇場 2 階席上手から舞台上を撮影したものである。バックヤード（写真④）は、通常は舞台上への舞台装置等の搬入に用いるスペースで、劇場外と直結している。

④劇場バックヤード

studio21（概略図）⑤ studio21

京都芸術劇場 studio21（小劇場）〈客席数：約 100 席（組み方によって可変）〉
ブラックボックス型の劇場（写真⑤）で、客席ユニットは解体
して組み直しが可能な可動式である。照明・音響等はすべてプロ仕様の設備を備えた「小劇場」で、演技エリアと客席スペー
スを自由に組み換えることができることから、現代演劇やコン
テンポラリーダンス等のさまざまな実験的公演が可能な劇場空間である。

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

1

（15）

春秋座 劇場空間全体を用いた実験例①『大野一雄について』 写真：松見拓也

川口隆夫ダンスソロ『大野一雄について』

イヴォンヌ・レイナーを巡る
パフォーマティブ・エクシビジョン②イヴォンヌ・レイナー劇場展示、パフォーマンス風景
写真：前谷開（1）〔ダンス〕川口隆夫ダンスソロ『大野一雄について』〈コンセプト・演出・出演〉川口隆夫〈研究タイトル〉ダンスの創造的行為を巡って〈研究代表者〉山田せつ子〈劇場実験日〉2015 年 11 月 28 日（土）●ホワイエに展示エリア A（舞踊家・大野一雄の舞台映像、
書籍、
パネル等）
。川口のパフォーマンスは、
エリア B と C で行われた。
開演時間になると、観客はまず、A の受付付近に集合し、矢印に沿って一旦屋外を通り、B（バックヤード）に案内される。
B で第一部のパフォーマンスが上演された後（観客は立ち見で移動可能）、C に移って第二部のパフォーマンスが上演される。
写真①は、第二部のパフォーマンスを仮設客席の側から撮影したもので、演じ手は、空の通常客席を背景に踊っている。B はコンクリート打ちっぱなしの作業場を劇場空間として使用し、C は通常の劇場空間をいわば反転して使用することで、全く異なる芸術的効果が得られる。なお、川口の同作品が、B のような形で上演されたのは初めての試みとなった。

2（2）〔展示・パフォーマンス〕イヴォンヌ・レイナーを巡るパ
フォーマティブ・エクシビジョン〈全体構成〉中島那奈子〈研究タイトル〉老いを巡るダンスドラマトゥルギー〈研究代表者〉中島那奈子〈劇場実験日〉2017 年 10 月 11 日（水）〜 15 日（日）●「劇場空間」全体を、ひとつの大きな「展示空間」に見立てた。
劇場内に「仮設の美術館」をインサートすることで、現代アメリカを代表する領域横断的な舞踊家レイナーの、多面的な側面を批評的にプレゼンテーションしようとする試み。エリア A には、レイナーの代表作の舞台装置を再現し、期間中にパフォー
マンスも数回実施した。エリア B は、オーケストラ・ピットの小空間を演技エリアに見立て、別作品の上演を実施。エリア C・
D・E には、レイナーの貴重な作品記録・資料を客席空間を活用しながら展示し、ホワイエのエリア F にはパネル、エリア Gには映像記録を展示した。観客は基本的に自由に回遊しながら見ていくことになる。花道を開放し、花道を一種のプロムナー
ドとして活用する試みがなされた。

春秋座 舞台上のみを用いた実験例

舞台上特設客席（円形）（1）〔演劇〕マヤコフスキー研究／劇場実験〈演出〉三浦基〈研究会タイトル〉マヤコフスキー研究−詩人の仕事の解明と新しい演劇言語の開発〈研究代表者〉三浦基（劇団「地点」代表、演出家／京都造形芸術大学映画学科客員教授）〈劇場実験日〉2015 年 9 月 7 日（月）●ロシア・アヴァンギャルド作家マヤコフスキーは、サーカスなどからも強いインスピレーションを受けた劇詩人である。演
出家の三浦基は、さながらサーカス・テントのような閉じた空①円形舞台②舞台上俯瞰 ①、②写真：松見拓也

間における祝祭性を劇場空間で表現すべく、春秋座舞台上だけを用い、円形舞台（＝お立ち台）＋円形客席を仮設した。写真①は円形舞台、写真②は舞台上からの俯瞰である。円形舞台は
木製の 2 段組みで、椅子が重要な小道具として使用された。数か月後には、本実験を基にした演劇作品『ミステリヤ・ブッフ』
が一般に向けて上演された。この実験を通じて、劇場の垂直軸をどのように活用するかが課題として見出されたことが収穫となり、東京での上演は、ロープを使った空中パフォーマンスが積極的に活用された。

（16）Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report（2）〔ダンス〕ゆるやかに振動する思想と劇場〜筒井潤と 4 人のダンサーによる験しごと〈演出〉筒井潤〈研究会タイトル〉ダンスの創造的行為を巡って〈研究代表者〉山田せつ子〈劇場実験〉2017 年 12 月 23 日（祝・土）●春秋座の舞台上に、白い幕で区切った長方形の細長い空間をつくり、両端に各 25 席ほどの観客席を設置。白い幕の裾は床との間が少しだけ空いており、ダンサーが這って演技エリアの3

写真：松見拓也

内外を行き来することが可能となっている。両端に客席を設置することで、舞台は 2 つの正面を持つことになり、実験上演の内容においても、この点が意識された構成となった。
「異常に間口が狭くて高さがある」という特異な空間には、たしかな手応えがあり、本格的な作品化に向けた基盤が演出家・出演者のあいだで共有された実験となった。

ジャンル横断的な作品の構想例〔演劇〕『繻子の靴』〈演出〉渡邊守章
〈研究会タイトル〉ポール・クローデル『繻子の靴』上演のための実践的研究〈研究代表者〉渡邊守章（演出家／京都造形芸術大学舞台芸術
研究センター主任研究員）〈劇場実験〉2014 年 10 月 5 日（日）、2015 年 11 月 1 日（日）『繻子の靴』をめぐる一連の劇場実験は、直接的には 2014 〜
15 年度の 2 年間にわたってなされ、最終的に上演時間 8 時間を越える大作へと結実した。ここでは 2014 年度と 2015 年度の実験にわけて紹介する。

① 2014 年度② 2015 年度①、②写真：清水俊洋（1）2014 年度の実験
プロセニアム舞台を基礎としつつ花道を利用した空間構成となった。長編戯曲全体のごく一部の場面（約 50 分）をスター
トアップ的な実験材料とした。舞台上に縦長のスクリーンを設置し、映像と生身の俳優の関係性と、スクリーンを中心とした本舞台と花道のあいだにおける「対角線」上のドラマの力線が展開する。終幕には「柝」を用いるなど、「歌舞伎劇場」としての特性をどこまで活用できるかも試みられた。
『繻子の靴』とアーティスト高谷史郎の映像の関係性については、一定の手応えを得た。なお、花道の使用は、本作品の上演には適さない
こともこの実験を通じて結論づけられた。

（2）2015 年度
全曲上演を 1 年後にひかえ、長大な上演時間を支える基盤となる舞台空間をどのような構成にするかが最大の課題だった。
劇場実験では、舞台上に、三段組の巨大な白い階段舞台を設置した。垂直方向に展開する 3 段の演技エリアとなるだけでなく、
1 〜 3 つの巨大なスクリーンにもなる基本構造（写真②参照）は、
2016 年度の本公演でも採用されることとなった。スクリーンの使用が、複数の場面転換に対してどの程度芸術的に機能し得る
かを、時間をかけて試すことができた実験であった。

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

4

（17）

studio21 を用いた実験例（1）〔パフォーマンス〕荒木優光・音響上演『パブリックアドレス ‐ 音場 2』〈録音・構成・音響〉荒木優光〈研究タイトル〉想起の空間としての劇場〈研究代表者〉横堀応彦（ドラマトゥルク／立教大学・跡見学園女子大学 兼任講師）〈劇場実験日〉2014 年 8 月 10 日（日）写真：加納俊輔

studio21 の客席ユニットはそのまま
残し、ユニット上手側に仮設客席を設置して、図の矢印方向に演技エリアを設置した。この実験作品は、アーティストの荒木氏が採取した録音素材を、複数のスピーカーを台車等に載せて移動式とし、「なにもない空間」における「音の場」が上演の進行にしたがって変化していくことを核としていた。
そのため、空間はできるだけ装飾の少ないシンプルでコンパクトなサイズが必要となった。
「音の場」の変化に焦点をあてた舞台作品は、芸術的にはいまなお未開拓の分野であり、実験の意
義は大きかったといえる。

『パブリックアドレス−音場 2』（2）〔演劇〕太田省吾を〈読む〉―「未来」の上演のために①和田ながら作品『裸足のフーガ』

和田ながら演出作品④相模友士郎作品『読む』〈上演作品〉和田ながら演出『裸足のフーガ』、
村川拓也演出『記憶のない場所』、相模友士郎演出『読む』〈研究タイトル〉太田省吾を〈読む〉−「未来」の上演のために〈研究代表者〉森山直人〈劇場実験〉2017 年 2 月 18 日（土）3 人の演出家が 3 つの実験作品を次々に上演していく形式でおこなわれた。最初の演出家・和田ながらが、studio21 の客席ユニットをそのまま残した、シンプルな客席対面型の舞台空間
で約 2 時間の上演を行う（写真①）。すると、次の演出家・村川拓也は、和田作品の終演後、図の「客席エリア（椅子なし）」に観客を誘導し、休憩後、ついさきほどまで観客が座っていた②③村川拓也作品『場所のない記憶』

村川拓也、相模友士郎 演出作品①〜④写真：守屋友樹

客席空間を、観客の目前でひらすら解体し、「何もない空間」（あるいは太田省吾の劇作品のタイトルを借りれば「更地」）に戻すだけのパフォーマンスを行っていく（約 50 分、
写真②及び③）。
最後に相模友士郎が、更地になった「元客席ユニット」の場で、太田のテキストをユニークな仕方で「発語」するパフォーマン
スを展開する（約 30 分、写真④）。ひとつの劇場空間を、多面的に解析する実験ともなった。

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report（18）◆ 6 年間の検証②「創造のプロセス」の現在 ―国内施設の現地調査を通じて「創造
本研究拠点は「ラボラトリー機能」―すなわち芸術系大学の研究機関にふさわしい「創造のプロセス」の構築
本をミッションとしてかかげてきた。次年度以降の第Ⅱ期を迎えるにあたり、こうした取り組みを、今後どのように発展させていくべきか。そうした検証作業のためには、外国の研究機関のリサーチも重要であるが、本研究拠点の成果の上に発信されていく舞台作品の多くが国内から発信させることを考慮し、本年度はひとまず 2 つの国
内施設を選び、それぞれにおける「創造のプロセス」の現地調査を行うこととした。以下は、その報告である（それぞれの機関の一般的な概要の詳細は、当該機関の HP を参照されたい）。
1

山口情報芸術センター（山口市）◆現地調査日：2018 年 8 月 1 日（水）パフォーミングアーツ・プロデューサー竹下暁子氏（2）調査報告山口情報芸術センター外観（1）調査の経緯と目的
山 口 情 報 芸 術 セ ン タ ー［YCAM］（Yamaguchi Center for
Arts and Media［YCAM］以下、YCAM）は、2003 年に開館後、これまで 15 年間に渡って、坂本龍一や大友良英、安藤洋子、
エキソニモなど、国際的に活動するアーティストが作品を創作・発表する拠点となってきた。近年では様々な分野を横断し、コラボレーションすることで新たな作品創作を実現するプロジェ
クトを数多く実現させている。アートや教育など多様な切り口から、バイオ・テクノロジーの新たな応用可能性を模索する「YCAM バイオ・リサーチ」や、テクノロジーとダンスの専門家が集い、ツールの研究開発から作品創作まで行った「Reactor
for Awareness in Motion（RAM）」がその代表例だろう。
そうした活動の中核を担っているのは「YCAM InterLab（インターラボ）」である。同ラボは、作品創作に関する研究開発の拠点として設置され、作品創造から発信までを一貫して行っている。
「R&D（研究開発：Research & Development）」と呼ばれる過程で、作品創作に向けて実験が繰り返される。組織全体のそうしたコンセプトは、まさに本研究拠点が掲げる「ラボラト
リー機能」に近い取り組みだといえる。現地調査では、
YCAM が、多様なアーティストや研究者が有機的な協働作業を通じて新たな作品を生み出す「土壌」となっている点に注目し、「創造のプロセス」がいかに構築されているのかを主に調査した。現地調査を行った時期は、ちょうど 15 周年に関連するさまざまな企画が進行しているタイミングだった。また、国際的な注目を集め
るコンテンポラリーダンスの振付家ブルーノ・ベルトラオ（ブラジル）のダンス公演が、私たちの訪問の約 1 か月後に予定されており、同じく振付家のイスラエル・ガルバン（スペイン）や演出家のマーク・テ（マレーシア）との共同プロジェクトも進行中であった。調査は、パフォーミングアーツ・プロデューサーの竹下暁子氏に開催中の展示や施設の案内をいただいた後、氏へのインタヴューを行う形で実施した。

現地調査での発見は多岐にわたったが、ここでは、以下の 3
つのポイントを中心に、竹下氏のインタヴューの関連部分を、まずは紹介する。
①ラボ・スタッフの充実②「プロセス」の柔軟な組織化③「社会」との接点①ラボ・スタッフの充実
竹下 YCAM の自主事業を担う研究開発チームは「YCAM
InterLab（以下、インターラボ）」と呼ばれており、現在 20 数
名 の常駐スタッフが所属しています。その中でパフォーミング・
アーツを担当するプロデューサーは私 1 人です。他に映画のキュレーターが 1 人、展示のキュレーターが 2 人、教育普及部門に関しては 5 人のエデュケーターが所属しています。エデュケー
ターは基本的に YCAM の全ての企画に関わりながら動いています。
―YCAM に勤めている全員がインターラボに所属しているのでしょうか。
竹下 施設管理や事務、経理、チケット配券などの施設運営に関わるスタッフ以外、企画やテクニカルなどプロダクション
チームのメンバーは全員インターラボのスタッフとして所属
し、活動しています。その他、山口市からの出向職員が 4 人程
度います。舞台照明のスタッフとして入ってきたスタッフや、私のように前職からパフォーミング・アーツの企画制作に関わってきた人もいます。展示のキュレーターの中には東京都現代美術館の学芸員だった人もいます。特に初期の頃は、大学卒
業後すぐに YCAM に来て研鑽を積んでいく人が多かったように思いますが、最近はある程度の経験値を積んでからスタッフとして入ってくるケースが多いですね。ただ、前職でやって来た こ と を そ の ま ま YCAM で 継 続 し て い く わ け で は な く、
YCAM にくることで、もともと持っていたバックグラウンドと専門性を超えて、携わるフィールドを拡張させていく人が多くいます。たとえば、
もともと照明スタッフとして入ったスタッ
フが、バイオ・リサーチや地域のリサーチに加わったりするよKyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

うになったりもしています。
―今年度展開されているマーク・テやイスラエル・ガルバンのようなアーティストは、YCAM 側から声をかけたのでしょうか。
竹下 そうです。
―こうした YCAM 側からの呼びかけで始まるプロジェクト
は年に何本ぐらいあるのでしょうか。
竹下 今年度は 15 周年で特別な事例がありますが、展覧会が 2本。パフォーミング・アーツ公演は 1、2 年につき 1 本のペースでオリジナル作品の創作に取り組んでいます。映画は、現在のキュレーターが映画を創ることにも注力していることもあり、
現時点では年 1 本 YCAM が製作した映画を発表しています。
オリジナルのワークショップは年間 1 本程度作っていますが、これまでの蓄積でワークショップのレパートリーが溜まっているので、ここ数年は蓄積したワークショップを公開していくプ
ラットフォームを整備しています。このようなセンターの中心的な事業であるオリジナルプロジェクトを、領域横断的に展開する際には、インターラボのスタッフがコラボレーターである
多様な専門性を持つアーティストや地域コミュニティの間に入って、意思疎通を図りアイデアをまとめる「通訳者」になっていきます。様々なことに興味を持ち、専門性を広げていくス
タッフ、その存在自体が結節点になっているようにも思います。
②「プロセス」の柔軟な組織化―専門性の交差が日常的に起こっている環境の中で、それぞれのスタンスの違いが故に起こる摩擦や行き違いなどはどのよ
うに乗り越えていますか。
竹下 特に多分野から人材が参加するコラボレーションでプロジェクトを進めていく際、オープンマインドで物事に取り組む
ことを楽しめる態度は大切だと感じています。確固たる専門性を持っているのは大前提ですが、そもそも他の分野の人と積極的に取り組んでみたいと思う人でないと、一緒にやるのはきっと辛いだろうと思います。
たとえば、いま私たちは、スペインを拠点に活動するダンサー・振付家のイスラエル・ガルバン（以下、ガルバン）と共同プロジェクトを行っています。今年（＝ 2018 年）1 月に製作過程を公開する「オープンスタジオ」を行い、年明けに新作を発表します。
2 年間の創作期間を経ていくプロジェクトです。ガルバンはフラ
メンコをベースにした舞踊家ですが、たとえば彼のようなアー
ティストと、テクノロジーの応用を得意とするインターラボが関わろうとする場合、最初は作品創作の「前提」があまりに違うという現実にも直面します。
「靴につけたセンサーでフラメン
コのステップを計測するので、靴を履いて踊ったデータを日本に送ってください」と言っても、そのような作業はガルバンの創作プロセスにとっては自明ではないので、なぜ必要なのか、
どのような効果が得られるのかをわかりやすくプレゼンする必要があります。また作業初日に、YCAM 側が用意したモーショ
ンキャプチャーを装着して踊ってもらったところ、ガルバンの踏むステップが想定以上に強くかつ速くて、踊った瞬間に足の部分のセンサーが故障したこともありました。インターラボが予想するよりもっと強固なセンサーが必要だったのです。こうしたトライ＆エラー、つまり「小さな実験」を繰り返すことで、そうした認識の違いや未知のことについてはだんだん歩み寄れるようになっていけるのでは、と期待しています。
―「小さな実験」を繰り返す時に意識していることは具体的に何かありますか。
竹下 私が YCAM に来て学んだことの 1 つは、作品を作る時の「リズム」
を大事にすることです。例えば、テクノロジーを使った作品の場合、「公演日直前の 1 ヶ月間連続で準備する」とい
うのと、「その 1 ヶ月間を数日ずつに細切れにして 1 年間かけて準備する」のとでは、後者の方がより良くクリエイションで（19）きます。技術やアイデアで行き詰まってもダメだったら次の解決方法を試せばいいというマインドで早くから準備すること
で、小さい失敗を作品の中にいい形で生かしていけるからです。
逆に、本番一ヶ月前に重大なエラーを発見してしまうと、それはもう取り返しのつかない失敗になる場合があります。ちなみに YCAM の建築を設計した建築家の磯崎新さんは、通常の文化施設の劇場やギャラリーの機能を担う場所にあえて「スタジオ」と名前を付けています。YCAM は構想された時から「実験の場所」という理念が根底にあります。
プロジェクトの始め方も重要です。初めて協働作業をする
アーティストといきなり大規模な成果を出すことを目指してプ
ロジェクトを始めてしまうと、噛み合わない場合苦労すると思うので、最小単位から少しずつ協働していくことも意識しています。例えば、最初は視察に来てもらって話をしたり、逆にYCAM のスタッフが相手先に赴いて話をするとか、そういうレベルから始めます。あとは「オープンスタジオ」もですが、
公開、非公開を問わず、まずは何をやっているのか話してもらったり、イベントに登壇してもらうこともあります。その上で、次の段階として、市民向けのワークショップをやってもらうとか、海外の機関との人材のエクスチェンジなどがあったりしま
す。スタートの仕方は多様ですが、小さく始めた方が、リスク・テイキングが楽ですね。舞台芸術の場合、まずは公演を呼んでみて、そこから様子を見てコラボレーションを初めていくということもあります。
―「1 年間を細切れに…」のやり方の場合、実験をしながらも、発表の場はいくつか設定されるのでしょうか。
竹下 ガルバンに関しては、「こういうテクノロジーがあるけ
ど使ってみないか」と YCAM 側から打診した後、お互いの方
向性やコンセプトについての話し合いや、何回か実験に取り組
みながらお互いの感触を探り合いました。そして今年 1 月、本人が来日して、YCAM で滞在制作をしてみて、その間に「オープンスタジオ」を行いました。オープンスタジオは完成された「作品」ではなく、作品創作に取り組む中で、その時取り組ん
でいる ことを観客に見せるものです。こうした小規模な公開の機会を持つことは、
私は「関所」のようなものだと思っています。
これまで YCAM が手がけた作品やプロジェクトの中で何回も設けてきました。実験していることの一旦の締切りを設定することになり、うまく行けば作品のクオリティやスタッフのモチ
ベーションを上げることに繋がります。もちろん、創作の局面
によっては、下手に緊張感を煽るより、内部スタッフだけの共有に留め、創作に集中した方がいい場合もあります。ただ、長期にわたるプロジェクトになればなるほど、観客に対して最終的な成果物としての「本公演」だけを公開するだけでは、「責任」
が果たせないのではないかと思うのです。
ですから、途中段階であったとしても、実験そのものを何らかの形で観客に見せることは重要です。アーティスト側にとっても、考えるターニングポイントになってくるので、関所は双方にとって良い機会になるようにセッティングできればと思っています。
R&D を大切にしていますが、基本的に YCAM の中で研究や開発をしっぱなしでアウトプットのないプロジェクトというのはありません。途中経過であっても、何らかの形で公開していきます。
長期にわたって作品を作る、ということは、既に出来上がった作
品をコンスタントに上演することに比べ、一般の観客や地域に対して活動を見せない期間が長くなる。ここに関しては何か手を打たなくてはならないと考えていて、恒常的に見てもらえることを意識した企画も検討しています。例えば今年は、バックステージを観てもらうツアーの回数を増や す、などです。
―そうした長期的な創造のプロセスを、YCAM のような公立文化施設が公的にサポートすることは、「芸術の公的助成」という考え方がいまなお十分に根付いていない日本では正当化（20）Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

することは簡単ではないと想像します。15 年間という時間をかけて、「実験」や「失敗」が許される環境を作ってきた、とも言えますね。ところで、個々のプロジェクトの期間設定は、どのように決まるのでしょうか。
竹下 プロジェクトにもよりますが、RAM のように続けているうちに、さまざまな企画の根幹として継続していったプロ
ジェクトもあります。実際には 2010 年から集中的には 5 年間
やっています。プロジェクトのアウトプットが何でありうるのかは、常に考えて実施しています。しかし RAM が立ち上がった当初は、それが舞台作品になるべきなのか展示作品になるべ
きなのか、全く見えなかったんですね。ひとまずインスタレー
ションを作ろう、という話になって 1 年目で早々とそれが実現した後、ここにはそれだけに止まらない知見がある、という感触がありました。そこで、それらを発展させた研究や開発を行い、折に触れて効果的な形でプレゼンテーションを行っていきました。本来は、きちんとプロジェクト全体を完全にデザインして進めて行くべきかもしれませんが、最初のゴールに達した
時点で新たな知見が出てきたことで、そこからさらに別の新しいプロジェクトに発展したものも多くあります。RAM の場合
は、次第にプロジェクト自体の汎用性の高くなっていったので、成果をオープンソース化し、アイディアを公開し、テクノロジーとダンスそれぞれの専門家が出会って創作を行うワークショッ
プにまで発展させたことはプロジェクトとして画期的でした。
広く表現に貢献できるアウトプットの形を形成できたことの意
義は大きかったと思います。
③「社会」との接点―近年の YCAM のプログラムは、多様化しているように思います。
「アート」と「サイエンス」「テクノロジー」を横断す
る志向は設立当初からありましたが、アウトプットが必ずしも「作品」という形をとらないものも、いまでは少なくないようにも見えます。
竹下 その節目の一つは、開館 10 周年のプログラムだったよ
うに感じています。10 周年記念事業は芸術監督に音楽家の坂本龍一さんを迎え、「環境・アート・ライフ」をテーマに年間プ
ログラムが進みました。たとえば、私たちの周りにある自然環
境から何を学ぶのか、あるいは、アートが次の未来の環境への提案にもなりうるのではないか、など、そうしたテーマに踏み込んでいくことになるきっかけとなりました。さらに「メディアアート」という概念だけでは括れない表現や活動が出て来たことも大きかったように思います。
舞台芸術の事業にしても、例えば「ダンス」や「演劇」という従来型のカテゴリーを徐々に「身体とテクノロジー」という広義のテーマに読み替えることで、社会との接地面を多く取るようになりました。より幅広い方の関心が向くようなテーマ設
定にすることで、多彩な専門性を持ったコラボレーターとプロジェクトを進められるようになった、と言えると思います。
―そういった方向性は「インターラボ」のスタッフから自発的に出てきたものですか。
竹下 山口市の歴史や文化といった地域が持つ特徴をテーマにした企画や、住民と YCAM で立ち上げるプロジェクトなど―
YCAM の活動の中で、「地域」をどのように取り上げていこう
かと考え始めたことも、こうした方向性に向かうもう一つのきっかけだったように思います。
―地域との関係でいえば、今日見学させていただいた「コロガル公園コモンズ」もまさにそうでした。従来のメディアアー
トの文脈だけでは、まるで冒険に満ちた児童公園のようなこのアウトプットも、いまおっしゃったような地域との関わりを考える新たな舵取りの中で誕生してきたわけですね。
竹下 「コロガル公園」シリーズのスタートは 2012 年なので、すでに 10 周年の前年から始まっています。学校と家庭、そして YCAM、というふうに、いわば子供にとっての 3 つ目の場所になれるのかどうか。そういう話はスタッフ間でかなり初期からしていましたし、地域との接地面を考える上でも、教育普及プログラムのやり方はたえず議論されてきました。とはいえ、学校に積極的に出張授業に出ていくとか、施設見学を受け入れていくことに関しては、近年特に活発に行われるようになってきていますね。

開催中だった「コロガル公園コモンズ」の様子（3）総括
YCAM は、多様な専門性を持つラボ・スタッフが主導しな
がら、多様なアーティストとの間に、たえず領域横断的なプロジェクトを立ち上げてきたことが、あらためて実感された。特に、時には年限などにこだわらず、きわめて柔軟に「創造のプロセス」を織り上げようとしてきた点には驚かされた。
「芸術と科学」というテーマに特化しつつ、アウトプットの方法さえ「作品」という枠組みをこえて多岐にわたることもある（ワークショップ・キットや論文までも）。山口市の予算も、いまのところ、YCAM に継続的に投入されている。もちろん、そうした活動を持続可能なものとしていくためには、納税者である「地域」との実り豊かな関係性を構築していく作業も、「説明責任」の一環として、きわめて重視されてきていることがうかがわれた。
とりわけ「生産的な失敗」をも許容するきめ細やかで柔軟な「プロセス」の構築のためには、充実したインターラボ・スタッ
フの存在が何より重要である点は、本研究拠点にとっての重要な示唆ともなった。同時にまた、
YCAM にとっての「地域」は、
本研究拠点における「大学」なのかもしれない。研究や教育の
公共的な価値と、本研究拠点の研究活動がより一層緊密な関係を結ぶ必要性が、あらためて感じられた調査ともなった。

ラボラトリーでの VR 体験の様子（現地調査：森山直人、竹宮華美、野澤美希）

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城崎国際アートセンター（豊岡市）◆現地調査日：2018 年 8 月 17 日、18 日（21）

近畿最古とされる木造の芝居小屋そのものの魅力と、地域の観光資源としての役割を身をもって理解することができた。また、「豊岡市民プラザ」
を指定管理者として運営する NPO 法人プラッ
ツは、KIAC の初年度の運営を担った重要な存在であるが、演劇やダンスの多様な地域プログラムのあり方に関して、代表理事の岩崎孔二氏から詳細なレクチャーをうかがえた。
多岐にわたる調査のすべてをここで紹介することはできないので、ここでは「創造のプロセス」構築に直接かかわる KIACのプログラム・ディレクターである吉田氏のインタヴューを中心に、以下に報告する。

城崎国際アートセンター外観 撮影：西山円茄

（1）調査の経緯と目的
城崎国際アートセンター（Kinosaki International Arts Center、
以下、KIAC）は、兵庫県豊岡市の温泉街に位置する舞台芸術を中心とした国内最大規模のアーティスト・イン・レジデンス（AIR）の拠点として、2014 年にオープンした。施設はホールに加え、6 つのスタジオ、22 人まで滞在できる宿泊可能なレジデンスで構成されているほか、エントランスホールやダイニン
グ・ルームなどが自由に使用できる。年 1 回の公募によって選考されたアーティストは、最短 3 日〜 3 カ月まで滞在可能で、24 時間、施設を無料で利用できる。もうひとつの大きな特徴は、採択されたアーティストに対して、「作品」の完成などの短期的成果を求めないというところである。初年度は豊岡市の NPO
法人コミュニティアートセンタープラッツが指定管理者となっていたが、2015 年度からは市が直接運営している。運営スタッ
フは、館長、プログラム・ディレクター、アート・コーディネー
ター、テクニカル 2 名を含めた 8 人体制で、テクニカルスタッ
フは上記 NPO 法人からの派遣である。
現地調査は、主として、KIAC のきわめてユニークな「創造のプロセス」の支援制度に注目し、それらがどのような理念と方法に基づいて実現可能となっているのかを中心になされた。
具体的には、一日目に KIAC の田口幹也館長による包括的なレクチャーと施設案内を受け、次いでプログラム・ディレクター
の吉田雄一郎氏にインタヴュー取材を行った。また、同施設が、豊岡市全体の長期的な文化政策と密接に関連しながら運営されているため、二日目には、①豊岡市内でユニークな活動をしている映画館「豊岡劇場」、②豊岡市出石町の「永楽館」、③豊岡
駅前に位置する「豊岡市民プラザ」、の 3 つの劇場施設を視察することができた。なお、調査時に、KIAC に滞在していたレジデント・アーティストである増田美佳、山田晋平の両氏（本学映像・舞台芸術学科の卒業生でもある）には、進行中のプロ
ジェクト『Kawalala-rhapsody』の、本番を一週間後に控えた段階での準備作業の一部を見学させていただくなど、かなり具体的な話を聞くこともできた。
（2）調査報告田口館長からは、田口氏個人がこの施設にかかわることになった経緯や問題意識から始めて、豊岡市全体の「地方創生」
戦略と、アートセンターの理念がどのようなロジカルで構築されているのかを、明快に説明していただいた。二日目に訪れた映画館「豊岡劇場」は、芸術文化に強い情熱を傾けている人が民間にも多く存在することを知ることができ、「永楽館」では、プログラム・ディレクターの吉田雄一郎氏①特徴ある「創造のプロセス」支援
吉田 KIAC のメイン事業であるアーティスト・イン・レジデ
ンス（AIR）の公募では、年間 20 組程度のアーティストを受け入れています。スタッフのマンパワーとのバランスからいえば、
現状ではこのくらいが上限だと思っています。
公募の選考基準は、①城崎や豊岡の地域から発信していける
ような「波及力」をもっていること、②複数の国・地域による共同制作の活動を行っている「国際性」、③豊岡・城崎に着目した制作という意味での「地域性」、④そして芸術的な「革新性」
や、⑤「将来性」のある若いアーティストというものです。選考委員は平田オリザさん、佐東範一さん、木ノ下智恵子さん、
相馬千秋さんと田口館長、私、KIAC の職員もふくめたメンバー
で選考しています。
選ばれたアーティストやカンパニーは、無料でセンターに滞在することができます。唯一の条件は、滞在期間中に、試演会
やワークショップといった市民を対象にした「地域交流プログラム」を実施してもらうことです。豊岡にいながら、市民が芸術活動に触れることができる環境を創出することと、アーティストが作品を通して、「豊岡」を外部に発信してくれる―そうした状況を、経済的にはできるだけローコストで、ギブ・アンド・
テイクの関係性の上に成り立たせているのが、KIAC だと言えるでしょう。
ただし、それだけだと「アートセンター」の自主性の点で弱い部分もあるので、その中で年間 3 本程度を主催公演として実施しています。今年度のそのうちの 1 本が、来週末に行われる
ツアー・パフォーマンス『Kawalala-rhapsody』で、さきほど見学していただいたホールで劇場実験していたのがそうです。主催公演は、我々のほうからアーティストに直接お声掛けをする
場合もあれば、公募に応募してきたプロジェクトの中から、豊岡市内で実施するのにふさわしいものを選ぶこともあります。
昨年度まで実施された主催公演のなかには、他の地域での再演に至ったものもあります。そういった「創作→発信」の流れができることも、KIAC が目指していることでもあります。
―今回見せていただいて、KIAC が、地域全体で「創造のプロセス」をサポートする中心的な役割を担っていることがよく分かりました。同時にまた、KIAC の支援の特徴として、公募

（22）Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report

審査に通ってここを使用するアーティストやカンパニーが、「創
造のプロセス」におけるどんな段階であっても構わないということがありますね。
吉田 たしかにその点はこの施設の大きな特徴になっています。作品発表が間近なところまで詰められたものでなくても、まだスタート地点のリサーチ段階のようなプロジェクトであってもかまわないわけで、その意味では、アーティスト側の要望に、できるかぎり寄り添おうとする方法論だといえますね。
「環境を提供するからには、
結果（＝作品）を出してくれ」といった、よくある制約は、この施設には一切ないです。ここで何かを完成させる必要はないので、自分たちのそれぞれの段階で、思う存分にやってください、という環境を提供しています。
―市民向けの「地域交流プログラム」の具体的な内容は、どのように決まっていくのでしょうか。
吉田 アーティスト側との話し合いの中で決定していきます。
アーティスト側の提案が、より良い形で地域の方々に受け入れられるよう、プロジェクトがより良い方向に発展していけるよ
う、内容によっては別の方法や形を再提案したり、一般市民向けのトークを付け加えたりと、より良い形で観客と交流する場を設ける工夫をしています。その意味では、KIAC スタッフのコーディネーターとしての仕事は少なくないですね。もっとも、そのことで予想外の出会いが生まれたり、プロジェクトが発展するきっかけになったりすることもあるので、そこがやりがいでもあります。
―『Kawalala-rhapsody』のチームは、ホール内にかなり大掛かりな仮舞台を組んでいましたね。使用者側からの技術的なリクエストも少なくないでしょうし、そちらに対応していくマンパワーも必要になるのではないですか。

ホールでの実験の様子

吉田 彼らは、今回の公演を行う豊岡劇場の舞台と同サイズの仮設舞台を組んで、本番を想定したリハーサルを行っているところです。KIAC には 2 名のテクニカルスタッフが常駐していて、カンパニー側が照明家や音響家を連れてくる場合は、主にそのサポートを行います。ただ、施設は 24 時間使用可能ですが、われわれの側の管理スタッフがびっしり張り付くのではなく、使う側にある程度任せ、自分たちでスケジュールや使用方法を決めていただき、我々はそれに寄り添うという考え方です。
―素晴らしい仕組みですが、施設管理の視点から見ると、けっ
こう冒険ですね。それとも、「そういう風に任せても大丈夫な芸術家」ということ自体が、そもそもの選考基準に含まれているということでしょうか。
吉田 その通りです。KIAC のレジデンスの肝心な点として、「創作」と「生活」を一緒に行うということがあります。都会の稽古場だったら、一日の稽古が終わったら帰宅し、翌日また顔を合わせるというのが普通のサイクルにならざるをえませんが、その点では、KIAC で「同じ釜の飯を食う」環境のなかで稽古ができるのは、クリエイションにとってかなり良い影響をもたらすようです。
「創作」と「生活」が地続きのまま、しかも城崎温泉街の外湯が町民と同価格の 100 円で利用できるのでリラックスもできます。
「クリエイションのスピードが 2 倍、3 倍になる」と言ってくれるアーティストも結構いらっしゃいます。
―なるほど。スポーツ競技だったら、チームワークにとって「合宿」は不可欠というのは常識ですが、同じチームワークであるはずのプロの舞台芸術に関して、そういうコンセンサスがあまりないのは、考えてみると不思議ですね。その意味で、KIAC は未開拓の領域に挑戦しているように思えます。
②「城崎」という特殊性―ところで、いまお話しいただいたようなユニークなプログ
ラムが、なぜ KIAC では可能なのか、ということがとても気になっていました。この施設はいまは豊岡市の直営ということですが、普通は、これだけアーティストに寄り添ったプログラム
は、なかなか行政には理解されない場合が、日本ではほとんどだと思うからです。けれども、実際にこの場所にきて、城崎駅
から温泉街を通って KIAC まで歩いてみてはじめて分かったのですが、やはりここに温泉街がある、ということは、特別な意
味をもっているように思えました。もともとこの施設の前身は、バブル期にできた団体客を誘致するための会議館だったとうかがっています。バブル崩壊後に大きく会議施設としての稼働率が下がり、どのように活用しようかと思案した末に、こういう文化芸術施設として再生したということは、さきほど田口館長
からもうかがったばかりです。でも、こうしてみると、温泉街はやはり盤石という印象を受けます。逆に言えば、あまり大きく足を引っ張らないかぎりは、文化芸術で、一定の経済的利益を得る必要はない、というコンセンサスが成立しやすい状況ができあがっているのではないでしょうか。
吉田 観光地という要素はとても大きいと思います。だからこ
そ、この地域の方々も、この施設自体のあり方に対して好意的に感じてくださっています。つまり、城崎にこのような芸術文
化施設があるということ自体が、観光の一つの目的にもなりう
るし、観光地に利益をもたらすことにも繋がって行くというイ
メージが共有できているのだと思います。たとえば、ここで上演する作品を他の地域の人が見に来てくれたりすることも地域の方から評価されていますね。
―この建物ができた 1980 年代は、地方も含めて右肩上がりの時代だったのが、いまは「人口減少社会」が声高に叫ばれる時代です。アクチュアルな地方の危機感を、市とこの施設が共有できているところも、うまくいっている要因なのではないかと思います。
吉田 豊岡市の中で、KIAC が地方創生の戦略的な拠点として位置づけられている点はとても大きいです。行政の中で芸術施設がここまで重要な役割を担うことは多くあることではないのかな、と思います。
―KIAC で重要なのが、たんに「城崎アートセンター」ではなく、「国際アートセンター」を掲げていることです。
吉田 私個人は立ち上げのときにいなかったのですが、当初は市の内部でも「ほんとに国際をつけるのか？」という意見があったようです。ただ、これもさきほど館長からお聞きになったかと思いますが、豊岡市全体が、人口規模は小さくても多様な価値観に触れることの出来る街と言う意味で、「小さな世界都市」という目標を立てています。
「国際アートセンター」というコンセプトは、そういう市がもっている方針ともうまくリンクしています。城崎の街が外国人観光客を広く受け入れているように、海外のアーティストも出来るだけ多く受け入れて行くということが城崎、豊岡の街が目指しているところでもあるので、そういう方向性を、この施設としても体現して行かなければい
けないところかなと思っています。

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report―そのあたりの豊岡市の地方創生戦略は、とてもよくできていますね。さきほど館長に、豊岡市のシンボル的な存在となっているコウノトリのことを詳しく話していただきました。絶滅寸前までいったコウノトリを、市全体が力を合わせて守りぬいた豊岡市は、「コウノトリが住める街」として知られるようになった。いま、「地方創生」が叫ばれるなか、今度は芸術と観光をうまくリンクさせながら、「アーティストも住める街」を目指しているとおっしゃっていました。このあたりが、やはりKIAC のミッションである「アーティストの創造のプロセスを、できるかぎりアーティストの側に寄り添って考えていく」というきわめてユニークなプログラムを支えている大きな原動力になっていることを実感しました。
③豊岡市全体でのバックアップ体制―これもさきほど館長からうかがった話ですが、現在の豊岡市は、平成の市町村合併でできあがった行政区分で、東京 23区とほぼ同じ広さがある、と。KIAC がある城崎だけでなく、いくつかの地域が混在しているなかで、場合によっては他地域を地盤にしている政治家から横槍が入るようなリスクもあると思うんですが、KIAC と豊岡市全体との橋渡しのようなことはなにか必要になってくるのでしょうか。
吉田 時には議員の方から厳しい意見をいただくこともありますが、いまのところは、市長の強いリーダーシップに導かれている部分は大きいですね。ただ、そういった状況の中で現在、力を入れて取り組んでいるのは、この施設はあくまでも「創造する拠点である」ということを前提として掲げた上で、ここを一つの拠点にして、市内の他の地域にこちらから出向いていく
ような活動です。たとえば、出石地域にある木造の芝居小屋である「永楽館」を使って公演するなど、地域の資源を活用しプ
ログラムの中で展開していくといった。一種の文化センターですね。現在、クリエーションを行っている『Kawalala-rhapsody』
も、まさにそのような意図で企画しています。
―その場合、
今以上にマンパワーが必要になりますね。スタッ
フとしては、現状だけでは不足なのではないですか。

（23）

たいことですね。
文化庁から助成金をいただいて、3 年前から実施している「豊岡アートシーズン」という企画も、そのことと関係しています。
豊岡市内にある文化会館や美術館などがそれぞれ個別に行っている文化事業の広報を、ひとつのシーズンという期間で括ってプレ
ゼンテーションする、という企画です。まだそれぞれが個別に企画した事業をまとめて紹介しているという段階で、共通のテーマをもって連動させるようなところまではまだ行けていません。
―文化施設ごとに、豊岡市内での行政的な管轄が異なる場合もあるようですね。
吉田 はい。複雑なのが、豊岡市民会館は「文化振興課」、豊
岡市民プラザは「生涯学習課」の管轄で、NPO 法人が指定管理で運営をしています。他方、KIAC は「大交流課」という観光系の部署が管轄していて、足並みをそろえるのが難しい縦割り
情勢もたしかにあります。もっとも、まさにそういうことを打破していくためにも、市全体でアートシーズンに取組んでいるといった状況です。
―いま、豊岡市では、芸術と観光に特化した新しい大学構想が準備されつつあるとうかがっています。もともと KIAC の立ち上げに関しては、「芸術でペイする必要はない」という市長の強いリーダーシップがあり、平田オリザさんや JCDN（NPO
法人 Japan Contemporary Dance Network）
も強力にバックアッ
プする、という体制ができて成立した。そうした流れの延長上に、2021 年に開校を目指している専門職大学の構想も現実化している。そのことで、KIAC の位置づけが変わったり、それによってスタッフや予算規模が少し増えたりという可能性もあるかもしれませんね。
吉田 あり得ると思います。平田オリザさんは、劇団青年団の拠点も移して、ご自身も豊岡に移住していらっしゃるだけでなく、国際芸術祭も主導して開催しようという動きもあります。そうなった場合、決して大きくない自治体ですので、大学、芸術祭、KIAC といった組織が効果的に連携する形を整え、舞台芸術と地域の双方に利益をもたらすような仕組み作りが重要になってくるのではいかと考えています。
（3）総括

Kawalala-rhapsody 豊岡市内での映写実験の様子

吉田 実感としては、コーディネートスタッフがあと一人いてくれれば、とは思いますね。現在、制作的なスタッフは、私を含めた 2 人で年間約 20 組のアーティストに対応しているのですが、それにプラスして、先ほど話したようなアウトリーチ的な取組みを進めてくれるスタッフがもう一人いてくれるだけ
で、KIAC の活動が市全体に広がっていくだろうなと思います。
市の他の地域では「アートセンターって、城崎地域だけでやっていることでしょ」という声もまだあることもたしかなので、将来的なことを考えれば、城崎以外の地域にとっても、ここが必要な施設だと思ってもらわない限り、豊岡市の施設として存続するということは難しいと思っています。いま自分が考えている次の課題というか、今後さらに力を入れて取り組んでいき

上記に触れたとおり KIAC は、その成立の経緯も含め、きわめてユニークな特色をもっている。AIR という方法を通じて、「アーティストのクリエイションにできるかぎり寄り添った支援」を実現している独特のプログラムは、豊岡市全体の地方創生戦略のなかで、明確なロジックに基づいて運営されているが、プログラムの特性自体が、「城崎」という、国際的にも通用しう
る伝統的な観光地を有しているこの地域全体の風土のなかに溶け込んで存在していることも、大きな力となっているように思われる。
同時にまた、上記のなかで将来的な課題とされている「より広範な地域市民に開かれた施設である」ことは、公共施設として、当然要請されることとなろう。公立施設ではない本研究拠点の場合、本研究拠点における「創造のプロセス支援」は、むしろ「大学」という教育機関そのものの公共性とリンクされるべきものとして課題設定されるべきかもしれない。どのような大学（院）であれ、高等教育自体が公共的な性格をもつことは論を待たないが、今日における「大学の公共性」というテーマは、
地域社会との関係等も含め、以前よりも幅広い。それでは、KIAC のような公共施設が構築すべき地域との関係性と、大学が果たすべきそれとの間には、どのような違いがあるのだろうか。本研究拠点の今後のミッションを考える上で、多角的に考慮されるべきテーマとなるのではないか。
（現地調査：森山直人、竹宮華美）

Kyoto University of Art and Design / Interdisciplinary Research Center for Performing Arts / Annual Report（24）

拠点ホームページ
日本語：www.k-pac.org/kyoten/
英 語：www.k-pac.org/kyoten/en/
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今後の劇場実験 ― 2018 年度■テーマ研究プロジェクトⅠ
身体と言葉の創造的行為を巡って―インド／京都による国際共同研究研究代表：山田せつ子（ダンサー、コレオグラファー／
京都造形芸術大学舞台芸術研究センター主任研究員）
2019 年 1 月 13 日（日）、14 日（祝・月）15：00 開始
会場：京都芸術劇場 studio21
2016 年度『水の駅』（太田省吾作）を春秋座で上演し、多くの共感を得たインド出身の演出家シャンカル・ヴェンカ
テーシュワラン氏を共同研究者として招き、身体と言葉・劇
空間、そして社会と舞台表現の「現在」を、国際的な視点から見直します。公開研究会では、シャンカル氏が昨年発表した『犯罪部族法』を上演し、その後、公開トークをおこないます。
公開トーク出演者：
13 日 シャンカル・ヴェンカテーシュワラン、
三浦基、森山直人
14 日 シャンカル・ヴェンカテーシュワラン、
あごうさとし、内野儀□公募研究プロジェクトⅠ「モーション・クオリア」研究〜自由落下による必然的な動
きと表現〜
研究代表：関典子（舞踊家／神戸大学大学院人間発達環
境学研究科人間発達専攻〈表現系〉准教授）

2019 年 2 月 3 日（日）14：00 開始（3 〜 4 時間を予定｜途中入退場可）
会場：京都芸術劇場 春秋座「モーション・クオリア」とは、不安定なバランスを誘発し、それに対し反射的に起こる動きをダンスにしていくメソッドです。考案者はスウェーデン在住の振付家、工藤聡。
「劇場実験」では、作品の上演、各分野の研究者によるパネルトー
ク、体験ワークショップ、そして、研究代表者、関典子による成果発表を通して、実践的／理論的な解明を試みます。
□公募研究プロジェクトⅡ
秋元松代研究〜台詞の音楽性と新たな「語り」
研究代表：三浦基（劇団「地点」代表／演出家／京都造形芸術大学映画学科客員教授）
2019 年 3 月 9 日（土）会場：京都芸術劇場 studio21
秋元松代（1911-2001 年）は昭和期の数少ない女性劇作家です。代表作『常陸坊海尊』や『かさぶた式部考』などで一種独特な造語とも言うべき方言が使われていることは当初か
ら指摘されてきたものの、あえて人工的に構築された方言を使う必要性に着目した研究および演出はこれまでありませんでした。
本研究では、実際に秋元の戯曲を発声することで、台詞の音の側面に注目し、演劇における言葉と意味の関係を再考する手掛かりとして研究を行います。

発行／編集

京都造形芸術大学
共同利用・共同研究拠点事務局（舞台芸術研究センター内）〒606-8271

京都市左京区北白川瓜生山2-116

京都造形芸術大学内

TEL．
075-791-9144（平日10：00−17：00）

拠点へのアクセス■JR・近鉄京都駅、京阪三条駅、阪急河原町駅から京都市バス5番「岩倉」行き乗車、「上終町・京都造形芸大前」下車（京都駅から約50分、三条駅・河原町駅から約30分）■京都市営地下鉄丸太町駅・北大路駅から京都市バス204号系統銀閣寺行きに乗車（約15分）、「上終町・京都造形芸大前」下車■京阪電車出町柳駅から叡山電車に乗換え、茶山駅下車（徒歩約10分）※駐車場はございませんので、ご留意ください。

事務局

竹宮華美、野澤美希

京都造形芸術大学 共同利用・共同研究拠点 アニュアルレポート vol.5 発行日 2018 年 12 月 5 日
表紙写真：京都芸術劇場 春秋座