2020

창원
조각
비엔날레
가이드북

CHANGWON
SCULPTURE
BIENNALE 2020
GUIDE BOOK

비조각-가볍거나 유연하거나

2020. 9.17—11.1 성산아트홀, 용지공원(포정사)2020창원조각비엔날레

CHANGWON
SCULPTURE
BIENNALE목차 Contents창원조각비엔날레의 설립 목적 Purpose of Changwon Sculpture Biennale역대 비엔날레 History of Changwon Sculpture Biennale
인사말 Greetings
서문 Preface출품 작가 Participating Artists

작품 배치도 Map of the Artworks Site본전시 1_비조각으로부터 Main Exhibition 1_From Non-Sculpture본전시 2_비조각으로 Main Exhibition 2_To Non-Sculpture

6
7
8
12
18
35
30
45

특별전 1_이승택, 한국의 비조각114

특별전 2_아시아 청년 미디어 조각123

포토 앨범 Photo Album

137

Special Exhibition 1_Seoung-Taek LEE, Non-Sculpture of Korea

Special Exhibition 2_Young Asian Artist Media Sculpture후원 및 협찬 Sponsors

1422020창원조각비엔날레를 만든 사람들144

오시는 길 Guide Map

145

People who made Changwon Sculpture Biennale 2020소개 Introduction of Changwon Sculpture Biennale

6창원조각비엔날레의 설립 목적
Introduction of Changwon Sculpture Biennale조각 거장들의 고향, 창원이곳 창원은 김종영(1915~1982), 문신(1923~1995), 박종배(1935~), 박석원(1942~), 김영원(1947~)등 한국을 대표하는 조각가들을 배출한 도시입니다. 창원시는 이러한 명성을 알리기 위해 조각을 특화한 국내 유일의 조각 비엔날레 행사를2년마다 개최하고 있습니다. 조각가 문신을 기리는 ‘2010 문신국제조각심포지엄’을개최한 경험을 바탕으로 2012년 제 1회의 행사를 시작한 지 어느덧 2020년에
5회 비엔날레를 개최함으로써 10주년을 맞이하기에 이르렀습니다. 역대 비엔날레개요는 다음과 같습니다.
Changwon, the home of Korean master sculptors
Changwon-si is very well-known in the art world as the home of some of
Korea’s most notable sculptors, including Kim Chong Yung(1915~1982), Moon
Shin(1923~1995), Park Chong Bae(1935~), Park Suk Won(1942~) and Kim
Young Won(1947~). To raise awareness around the world of its ever-growing
legacy in sculpture and art, Changwon-si has been hosting a Sculpture
Biennale since 2010. Since the successful launch of the very first Changwon
Sculpture Biennale in 2012, building upon our previous experience of holding
the “Moon Shin International Sculpture Symposium” in 2010, we are delighted
to celebrate the 10 years of the Biennale with its 5th installment this year.
The past Biennales are as follows.

소개 Introduction of Changwon Sculpture Biennale역대 비엔날레

History of Changwon Sculpture Biennale

2010문신국제조각심포지엄 김영호 커미셔너20121회 창원조각비엔날레 ‘꿈꾸는 섬’ 서성록 총감독

2014
2016

Moonshin International Sculpture Symposium
Young-Ho KIM, Commissioner
2010. 8. 2 —10. 29

1st Changwon Sculpture Biennale “Dreaming Island”
Seong-Rok SEO, Artistic Director
2012. 9. 25 —11. 9

2회 창원조각비엔날레 ‘달 그림자’ 최태만 예술감독2nd Changwon Sculpture Biennale “The Shade of the Moon”
Tae-Man CHOI, Artistic Director
2014. 9. 25 —11. 9

3회 창원조각비엔날레 ‘억조창생’ 윤진섭 총감독

3rd Changwon Sculpture Biennale “Eok-Jo-Chang-Saeng”
Jin-Sup YOON, Artistic Director
2016. 9. 22 —10. 23

2018

4회 창원조각비엔날레 ‘불각의 균형’ 윤범모 총감독

2020

5회 창원조각비엔날레 ‘비조각-가볍거나 유연하거나’ 김성호 총감독

4th Changwon Sculpture Biennale “The Balance of Non Sculpting”
Bum-Mo YOUN, Artistic Director
2018. 9. 4 —10. 14

5th Changwon Sculpture Biennale “Non-Sculpture: Light or Flexible”
Sung-Ho KIM, Artistic Director
2020. 9. 17—11. 1

7인사말 Greetings

8세계적인 조각의 도시, 창원
Changwon, International city of Sculpture우리 창원시는 세계적인 조각가들을 배출한 도시입니다. 한국에 현대 추상 조각의 길을 연 거장 김종영(1915~1982) 조각가를 비롯하여, 자신만의 독창적 조형 세계를 개척한 문신(1923~1995) 조각가의 예술정신이 면면히 흐르는 곳입니다.
통합 창원시 10주년을 맞이한 매우 중요한 시기에 2020창원조각비엔날레가 열린다는 소식을 함께 나누게 됨을 기쁘게 생각합니다. 올해로 5회째를 맞이하는 이번 비엔날레 또한 통합 10주년이 되는 주요한 분기점에 자리하게 되었습니다. 자기 성찰을 도모하는 주제인 ‘비조각 - 가볍거나 유연하거나’를 통해 10년의 세월을 반추하는 이번 행사가 비엔날레의 비전과 앞으로의 방향성을 제시하는 소중한 자리가 되기를 기대합니다.
역대 최고의 참여 국가 수, 역대 최초 아프리카 대륙의 5개국 참여, 역대 최초 홍보대사 위촉, 역대 최대의 지역 작가 비율, 지역 협력 큐레이터의 발굴과 지원, 지역 공연 단체와 지역 상권과의 출품작 협업 등 올해 비엔날레는 여러 가지 훌륭한 결실을 맺었습니다. 국내외 컨퍼런스와 아티스트 워크숍, 아티스트 토크, 커뮤니티 프로그램 등 다양한 프로그램도 마련했습니다. 많은 시민들의 관심과 참여를 바랍니다.
끝으로 코로나19로 인해 어려운 상황 속에서도 비엔날레의 새로운 위상을 만들고자 힘쓴 김성호 총감독님과 황무현 추진위원장님, 그리고 추진팀의 구성원과 관계자 여러분께 감사와 축하를 드립니다.
Changwon is home to a number of world’s greatest sculptors including Chong-Yung Kim(1915-1982), father of Korea’s modern abstract sculpture, and Shin Moon (1923-1995),
a trailblazer who created his own artistic style.
It is my joy to share with you the opening of the Changwon Sculpture Biennale 2020 as the citycelebrates its 10-year anniversary of integration with neighboring cities: Masan and Jinhae.
This year, the Biennale also marks its 10th anniversary, an important turning point for its future.
I hope that the Biennale serves as a venue to reflect on the past and set the direction for the
future, with the contemplative theme of “Non-Sculpture: Light or Flexible.”
In 2020, the Biennale boasts the largest number of participating countries, especially from Africa(5 African countries), and the largest number of regional sculptors. This year’s Biennale will be thefruit of many endeavors such as appointing the first honorary ambassador, supporting regional
curators, and collaborating with performance groups and commerce of Changwon.
A host of engaging Academic Conference_Seung-Taek LEE, Non-Sculpture of Korea andInternational Academic Conference, artist workshops and Talks, and Community programs areopen to visitors.
Lastly, I would like to convey words of congratulations and appreciation to Artistic Director
Sung-Ho Kim, Steering Committee Chairperson Mu-Hyun Hwang, and staff for pushing forward
the Biennale in this time of hardship due to COVID-19.

창원시장 허성무

Sung-Moo HUH, Mayor of Changwon City인사말 Greetings

92020창원조각비엔날레를 맞이하며Greeting for Changwon Sculpture Biennale 2020한국 현대 조각 예술의 거장들인 김종영, 문신 선생의 고향인 창원시에서 세계적인 조각 예술 축제인 ‘2020창원조각비엔날레’가 열리게 된 것을 매우 뜻깊게 생각하며, 진심으로 축하를 드립니다. 이러한 예향의 도시 창원에서 김성호 총감독님의 기획으로 국내외 참여 조각가들의 멋진 작품을 만날 수 있게 되어 매우 기쁘게 생각합니다특히 올해는 ‘비조각 - 가볍거나 유연하거나’라는 특별한 주제를 통해서 10주년을 맞이하는 5회 행사를 기념한다고 하니, 매우 의미 있는 비엔날레가 된 것으로 생각합니다. 자기 성찰과 자기반성을 거쳐 비엔날레의 미래를 준비하는 주요한 행사가 되길 바랍니다.
이번 비엔날레가 창원시의 도시 브랜드를 세계에 널리 알리고, 창원 시민과 창원을 찾은 많은 관람객들에게 신선한 감동을 안겨 줄 것으로 기대합니다.
아무쪼록, 여러 가지 힘들고 어려운 여건 속에서도 ‘2020창원조각비엔날레’의 성공적인 개최를 위해 수고해 주신 황무현 추진위원장님과 추진팀 모든 분께 감사의 인사를 드립니다.

I would like to congratulate the city of Changwon on hosting one of the world’s renowned
sculpture festivals, the Changwon Sculpture Biennale 2020. It is all the more meaningful thatsuch festival is held in Changwon, home to Korea’s legendary modern sculptors Chong-Yung Kim and Shin Moon. It is a sheer delight to enjoy a collection of spectacular
artworks by ingenious sculptors at home and abroad in this city of art, thanks to the brilliant
curation of Sung-Ho Kim, Artistic Director of the Biennale.
It has been 10 years since we hosted the first Biennale in Changwon. This year, the citycelebrates the 5th Biennale under the special theme of “Non-Sculpture: Light or Flexible.”
I hope this year’s Biennale will serve as an invaluable opportunity to prepare for a better future
through self-reflection and contemplation.
I expect the Biennale will further promote the brand of the city and touch the hearts of many
Changwon citizens and visitors from outside the area.
Last but not least, I would like to express my sincere gratitude to Mu-Hyun Hwang, Chairpersonof the Changwon Sculpture Biennale 2020 Steering Committee, and his staff for making thisevent possible in this time of difficulty.

창원시의회 의장 이치우

Chi-Woo LEE, Chairperson, Changwon City Council인사말 Greetings10친근한 창원조각비엔날레

Friendly Changwon Sculpture Biennale 2020문화 예술에 대한 열정과 함께 창원문화재단을 사랑해 주시는 여러분 반갑습니다. 창원문화재단 대표이사강제규입니다.
창원시가 주최하고, 창원문화재단이 주관하는 창원조각비엔날레가 올해로 5회째를 맞이하며 10년이 되는
해입니다. 이처럼 10년을 맞이하는 뜻깊은 해에 개최되는 2020창원조각비엔날레는 우리 모두에게 소중한시간이자 새롭게 다가오는 경험이 될 것으로 생각합니다.
여러분들도 이미 잘 알고 계시듯이 김종영과 문신 선생님께서는 창원에서 나고 자라 조각 분야에서 큰 족적을 남기신 우리 창원을 대표하는 예술가입니다. 저 또한 창원에서 나고 자라면서 김종영과 문신 선생님의 창작 혼과 그 숨결을 가슴에 담고 동경하며 예술에 대한 신념을 지켜왔습니다.
이 선구자들의 예술혼을 계승해 다양한 주제로 풀어내는 창원조각비엔날레가 올해는 비조각이라는 얼핏 생소한 낱말이지만, 들여다보면 마치 일상의 영화를 보는 듯한 친근한 모습이기도 한 부분에 큰 공감이 될 것으로 생각합니다.
작가들의 손에서 태어난 작품들이 한 편의 영화로 만들어지듯 어우러지고 김성호 총감독의 조각에 대한 유연한 해석을 통해 국내 유일의 조각 비엔날레, 세계의 미술 현장에서 유의미한 비엔날레가 되는 즐거운 상상을 해봅니다. 부디 많은 분이 함께 하시어 2년을 기다려 온 이 축제를 한껏 즐겨 주시기 바랍니다.
I am Je-Gyu Kang, President of the Changwon Cultural Foundation. First and foremost, I would liketo express my gratitude to all culture and art lovers for showing a great interest in our foundation.
This year, the Changwon Sculpture Biennale hosted by Changwon-si and organized by the
Changwon Cultural Foundation marks its 10th anniversary as it welcomes the visitors to its fifth
installment. In this meaningful year, the Biennale will offer the visitors a truly memorable andexciting experience.
As you know well, Changwon is a birthplace of Chong-Yung Kim and Shin Moon, the city’s
most respected sculptors who have helped shape Korean art. Personally, the creative andpassionate mind of these two pioneers have encouraged me to explore the world of art, while
I was growing up in Changwon.
Inspired by the passion of these pioneers, this year’s Biennale is held with the theme of “NonSculpture: Light or Flexible,” which may seem a bit unfamiliar at a glance. However, if you takea closer look, you will feel as if the sculptures on display are films about everyday life. Just like afilm is directed by a director, the Biennale is orchestrated by Artistic Director Sung-Ho Kim with aflexible interpretation on sculptures.

창원문화재단 대표이사강제규Je-Gyu KANG, President, Changwon Cultural Foundation인사말 Greetings11확장된 조각의 현장
Expanded field of Sculpture2020창원조각비엔날레는 올해 10주년을 맞이하면서 기존의 조각공원 조성 프로젝트에서 벗어나 동시대실험적인 조각 예술의 경향을 소개하고 관련한 담론을 활성화시키는 미술제로 정초시키려고 합니다.
올해 비엔날레 주제는 ‘비조각 : 가볍거나 유연하거나’로 확장된 조각의 현장을 성찰하고자 합니다. 비조각이라는 개념을 통해서 이전의 비엔날레의 특성을 잘 견인하고 반성적으로 성찰하는 10주년이 되도록 행사를 잘 준비하겠습니다.
특히 김성호 총감독과 함께 조각을 특화한 국내 유일의 조각비엔날레라는 특성을 극대화하고, 동시대 미술의 흐름을 선보이는 수준 높은 전시를 만들어서 대한민국을 대표하는 비엔날레로 거듭나도록 하겠습니다.
그리고 단순히 작품을 감상만 하는 것이 아닌, 시민들이 체험할 수 있는 다양한 프로그램을 통해 함께 즐기고 함께 호흡하는 축제로 만들어 나갈 것입니다.
자연, 도시, 조각이 시민의 삶 속에 함께 어우러지고, 새로운 예술적 경험이 일상과 예술의 경계를 허물어서 도시, 예술, 사람이 한자리에서 만나는 비엔날레로 만들겠습니다. 아무쪼록 많은 관심과 참여를 부탁드립니다.

In celebration of its 10th anniversary, the Changwon Sculpture Biennale 2020 seeks totransform itself into a fresh art festival introducing emerging trends of contemporary andexperimental sculpture art and encouraging discussions on relevant topics, breaking awayfrom the existing concept of creating a sculpture park.
Under the theme of “Non-Sculpture: Light or Flexible,” this year’s Biennale takes a deep diveinto the expanded world of sculptures. Marking the 10th anniversary enables us to take a lookback into the Biennale’s history and build upon the unique characteristics of previous events
through the concept of non-sculpture.
Together with Sung-Ho Kim, Artistic Director of the Biennale, the Steering Committee isdedicated to transforming the Changwon Sculpture Biennale into Korea’s most popular artistic
festival by bringing out its special features as the country’s one and only sculpture biennale
and presenting high-quality exhibitions reflecting the contemporary trends.
Rather than being just another one-way event, the Biennale will offer a wide array ofinteractive programs for visitors to experience and enjoy.
At the Biennale, visitors will have a first-hand experience which brings together the nature,city, people and sculptures, and blurs the line between everyday life and art. See you at the
Biennale and thank you for your continued support and interest.

2020창원조각비엔날레 추진위원장

황무현

Mu-Hyun HWANG, Chairperson,
Changwon Sculpture Biennale 2020 Steering Committee서문 Preface

12비조각-가볍거나 유연하거나
Non-Sculpture : Light or Flexible
김성호 Sung-Ho KIM

2020창원조각비엔날레 총감독
Artistic Director of Changwon
Sculpture Biennale 2020

Ⅰ. 주제 ‘비조각-가볍거나 유연하거나’2020 창원조각비엔날레는 행사 주제로 ‘비조각가볍거나 유연하거나 (Non-Sculpture: Light or
Flexible)’를 제시합니다.
‘조각’비엔날레에서 ‘비(非)조각’을 선보인다고
요? 네. 맞습니다. 여기서 비조각은 이름처럼 ‘조각이 아닌 무엇’일 텐데요. 그 내용을 들여다보면, 좀어려운 감이 있지만, 조각이 시도하는 ‘자기 부정’의과정이자 결과입니다. 생각해 보세요. 자기를 부정하게 되면 자기와 다른 것들을 같은 것으로 받아들이게
됩니다. 즉 여기에는 ‘조각이 아닌 사물, 자연, 에너지, 예술’ 등 모든 개념을 다 포함하게 됩니다. 이것은 곧 우리가 익숙히 알고 있는 ‘덩치가 크고 견고한전통적 조각’의 속성 너머에서 가져온 ‘모든 조각’을의미하는 개념입니다. 주제에서 보듯이 ‘가볍거나 유연한 조각’을 포함한 ‘모든 조각’을 품는다는 것이죠.
비조각은 미술사에서 ‘탈경계의 조각’ 혹은 ‘조각의 확장’이라는 이름으로 불려왔던 ‘현대 조각’의또 다른 표현이기도 합니다. 결국 ‘비조각’의 숨은의미는 ‘다양한 조각’과 같은 개념과 유사한 것이라고 하겠습니다. 그렇군요. 쉬운 말이 있었네요. 그런데 이번 비엔날레에서는, 어떻게 보면 어렵고 또 어떻게 보면 아리송한 ‘비조각’이라는 단어를 왜 굳이주제로 내세웠을까요? 그것을 알아보기 위해 비조각이라는 용어가 뿌리를 두고 있는 세 가지 이야기를살펴보겠습니다.

Ⅱ. 주제어 ‘비조각’이 비조각이라는 주제어는 다음과 같은 세 곳으로부터 영향을 받았습니다.
첫째로, 비조각이라는 용어는 미국의 미술사가인 로잘린드 크라우스(Rosalind Krauss)가「확장된 영역에서의 조각(Sculpture in the Expanded
Field)」(1979)이라는 논문에서 풍경과 건축이 조

Ⅰ. Theme “Non-Sculpture : Light or Flexible”
The Changwon Sculpture Biennale 2020
proposes “Non-Sculpture: Light or Flexible” asthis year’s theme.
A “sculpture” Biennale to showcase “nonsculptures”? Yes, that is correct. Here, “nonsculpture” is quite self-explanatory: it means“something that is not a sculpture.” If you takea closer look at this keyword, even though it
is not so easy, you will see that this keyword
is the outcome as well as the process of asculpture’s self-denial. Think about it. If one
denies oneself, one comes to accept thatthings that used to be different from oneself
are now the same as oneself . Here , theconcept includes various objects, nature,energy, art, and many more that are “nonsculptural.” In brief, the “ non- sculpture”
encompasses “all sculptures” of any form
beyond the conventional “large-size, rigid,
and solid” sculpture with which many of us
are familiar. As hinted by the Biennale theme,
this concept embraces “ all sculptures ”
including those that are “light or flexible.”
The “ non - sculpture ” is another wayof describing the modern sculpture thathas been defined as “ sculpture at transboundary” or “expansion of sculpture” in thehistory of art. In final, the hidden meaning of
non-sculpture is similar to something like a“diverse sculpture.” There WAS a simpler word
than “non-sculpture!” Why, then, the Biennale
would make a conscious choice to use thisrather perplexing and ambiguous word todescribe this year’s theme? To understandbetter, let us now explore the three following
stories about the root of the keyword “nonsculpture.”각과 만나는 경향을 설명하기 위해서 비풍경(notlandscape), 비건축(not-architecture)이라는 이름을 만들었던 기호학적 방법론을 총감독이 변용하여 만든 것입니다. 즉 조각이 만나는 풍경과 건축을부정하기보다 조각 스스로 ‘자기 부정’을 꾀하고 ‘자기 성찰’을 꾀해보자는 제안인 셈입니다. 여기 크라우스가 만든 아래의 도표를 한 번 살펴보실까요?
조각은 풍경과 건축과는 사뭇 다른 양상입니다.
이질적인 것들을 잘 어울리게 하는 방식은 무엇이
있을까요? 풍경과 건축을 부정(not)의 방법론을 통해서 조각과 비슷한 모습으로 만들어 주는 중성화(neuter) 전략입니다. 풍경, 건축으로부터 비풍경,비건축이라는 ‘모순적 관계’를 만들어 중성화를 시도함으로써 조각과의 만남을 어렵지 않게 성취하는 것
이죠. 2020창원조각비엔날레는 이러한 방법론에 ‘조각’ 스스로 ‘자기모순을 통한 자기 부정’을 거쳐 ‘자기반성을 통한 자기 성찰’을 함유하는 ‘비조각’이 됨으로써 다른 것들과 비슷해지는 중성화를 시도합니다. 너에게 변하라고 권유하기보다 내가 먼저 변해서만남을 시도하는 착한 비엔날레인 셈입니다.
둘째로, 비조각이라는 용어는 한국 조각가 이
승택(1932~)이 「내 비조각의 근원」(1980)이라
는 에세이에서 서구의 근대 조각의 유산에 저항하면서 ‘조각을 향한 비조각적 실험’을 천명했던 ‘비조각’이라는 개념을 계승하는 것이기도 합니다. 이승택은 1950년대 말~1960년대의 앵포르멜 회화와 1970년대의 단색화가 주도하는 한국의 주류 미술 현장에서 벗어나 독자적인 예술 세계를 펼쳤던 작가입니다. 그는 당시 전통적인 조각 재료보다 새끼줄, 밧줄,어망, 헝겊, 천 조각, 머리털, 깃털, 돌멩이, 부표 등각종 비조각적인 오브제 조각의 재료로 삼아 설치의조형 언어로 ‘비조각적인 조각 실험’을 다양하게선보였습니다.

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Ⅱ. Keyword “Non-Sculpture”

The keyword “non-sculpture” was influenced
by the following three lines of thought.
Firstly, the keyword “non-sculpture” is the
Biennale Creative Director’s appropriation of
the semiotic square created by American art
historian Rosalind Krauss in her landmark 1979
essay “Sculpture in the Expanded Field” todescribe sculpture as an intersection of “notlandscape” and “not-architecture.” In otherwords, it is a proposition for a sculpture toseek self-denial and self-reflection rather than
denying the landscape or architecture that it
encounters. Let us take a look at the diagram
below that Krauss created.
A sculpture appears quite differently
from landscape or architecture. What would
bring those dissimilar things together so they
assimilate with each other? This is where theneutering strategy is employed with a “not”
methodology that denies landscape andarchitecture so they appear to be similar
to a sculpture. By creating a “paradoxicalr e l a t i o n s h i p” a m o n g l a n d s c a p e a n darchitecture which results in “not-landscape”
and “not-architecture” after being neutered,landscape and architecture can harmonize
with sculpture with more ease. Employing
such methodology, the Changwon Sculpture
Biennale 2020 attempts to neuter sculptures
to make them “non-sculptures” after “selfdenial” and “self-contemplation via selfreflection” so they become assimilated withothers around them. In this sense, the Biennale장소 구축 Site-Construction풍경건축Landscape복합ArchitectureMarkedSites

Complex

Axiomatic
Structures

비(非)건축

비(非)풍경

Not-Architecture

Not-Landscape조각 Sculpture
Rosalind Krauss, “Sculpture in the Expanded Field”(1979)

중성화Neuter14〈바람〉, 1969~2002, 헝겊, 9000 × 9168mm‘Wind’, 1969~2002, Cloths, 9000 × 9168mm

셋째로, 비조각이라는 용어는 넓게는 동양과 한국의 ‘비(非)물질의 미학’을 드러내는 방법으로 이번비엔날레에서 적극적으로 제시하는 개념이기도 합
니다. 비물질은 사전적 정의로 “물질이 아닌 것”을지칭합니다. 물리에서는 “에너지, 시간, 운동성 따위를 이르는 말”입니다. 전혀 조각적인 재료가 아니지
요. 서구의 20세기 미술에서 이러한 비물질을 적극적으로 도입하는 경향이 있었습니다. 1960~1970년대의 개념 미술, 비디오 아트, 퍼포먼스 등이 그것이
지요. 대개 물질적 요소를 비물질적인 재료로 대치해서 미술화하거나 물질을 거부하고 정신성을 지향하는 경향으로 나타난 이러한 서구의 미술 흐름은 원래 오래된 동양적 사유로부터 기원하는 것입니다. 기(氣), 도(道)와 같은 무형의 에너지뿐 아니라 무(無),공(空)과 같은 부재와 맞물린 존재론, 이(理), 화(和)와 같은 질서의 우주론은 비물질과 연동하는 주요한동양 미학입니다.

Ⅲ. 주제 구성과 의미자, 이제 2020창원조각비엔날레의 주제어 비조각의 개념을 얼추 이해할 수 있을 것 같습니다. 그렇다면 주제어 ‘가볍거나’와 ‘유연하거나’는 무엇일까요?
‘가볍거나’는 ‘비조각의 형식’을 의미하는 말로 마련되었습니다. 풀어 말하면 ‘기념비처럼 덩치가 큰 조각’이나 ‘딱딱하고 견고한 조각’과 같은 전통적 조각에 국한되지 않는 모든 조각적 형식을 아우르는 표현인 셈입니다. ‘유연하거나’는 비조각의 내용을 의미
합니다. 달리 말해, ‘결과보다는 과정 중심’의 조각,

has truly a “good” intention to proactively
change itself , rather than make other schange, to come together harmoniouslywith others.
Secondly, the use of the keyword “nonsculpture” is an act of carrying on the nonsculptural experiments toward sculpture thatwere manifested by Korean sculptor Seungtaek Lee (born in 1932) in his 1980 essay “TheOrigin of My Non-Sculpture,” in resistance tothe legacy of Western modern sculpture. Lee
developed his own distinctive style, distancing
himself from the mainstream Korean art scene
dominated by the Art Informel in the late 1950s
to the 1960s and by monochrome paintings
in the 1970s. Instead of using conventional
sculpture materials, he made use of nonsculptural objects including straw-braided
ropes, strings, fish nets, old fabric, cloth pieces,human hair, feathers, pebbles, and buoys in
his formative language for these experiments.
Thirdly, “non-sculpture” is a celebrationof the aesthetics of immateriality in the East
and Korea, which is heavily highlighted
in this year’s Biennale. Dictionaries define“immateriality” as “something that is not amaterial.” In physics, “immateriality” refers tothings like “energy, time, or motility,” which
are not at all materials for a sculpture. The
concept of immateriality was enthusiasticallyembraced by the Western art world in the20th Century – namely, by the conceptual,
video, and performance artists of the West in
the 1960s and 1970s. A lot of contemporary
Western artworks that replace material objects
with immaterial ones or explore spirituality
after denying materiality as a whole have theirroots in the East. Intangible energy such asqi(氣) and tao(道), the ontological concepts
of nothingness(無) and emptiness(空), as wellas the cosmological notions of logic(理) andharmony(和), are all at the core of Eastern
aesthetics that are linked with immateriality.

Ⅲ. Composition and Meaning of Theme

Now, the concept of “non-sculpture” - the
keyword of the Changwon Sculpture Biennale
2020 – is a lot clearer. Then, what does it
exactly mean to be “light or flexible?” Being“light” refers to the “form” of non-sculptures.
In other words, being “light” describes all‘완성을 향한 미완성’의 개념이 주요한 조각 등을 가
리킵니다. 물론 두 주제어가 뚜렷하게 형식과 내용으로 변별되는 것은 아닙니다. 서로 의미가 겹쳐지기도한다는 점에서, 이 두 용어는 관람객의 이해를 돕기위한 최소한의 길잡이라고 하겠습니다. 이것을 정리하면 아래의 표와 같습니다.
이제, 2020창원조각비엔날레는 통합 창원시 10년을 맞이하고, 비엔날레 태동 10주년을 맞이하는 5회 행사에 이르러 자기를 돌아보는 시간을 갖기로
했습니다. ‘비조각’이라는 주제를 통해서 창원조각비엔날레가 ‘자기 부정’과 ‘자기반성’을 도모하고,자신의 과거와 현재의 모습을 성찰해 봄으로써 10년을 지나는 시점의 미래를 예견하는 것입니다. 남을 탓하는 일보다 자신을 되돌아보고 성찰하니 이제“가볍거나 유연한” 조각을 어렵지 않게 만날 수 있을것 같습니다.

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sculptural forms beyond the conventional
sculptures that are large in size like monumentsor the traditional rigid and solid sculptures.
Being “flexible” refers to the content of nonsculptures: those that are process-oriented,
not result-oriented, and that employ the ideaof being incomplete toward completion.
For sure these two keywords are not always
segregated by the binary of form or content.
As their meanings sometimes overlap ,they act as a basic guide for the generalvisitors to help their understanding . The
summary is as below.
In celebration of the 10 years since theBiennale ’ s inception with this year ’ s 5th
installment as well as the 10th anniversaryof the host city Changwon’ s merger withneighboring cities, we are taking a momentto look back. We intend to practice selfdenial and self-reflection under the theme of“non-sculpture,” contemplate the past andthe present, and ultimately foresee where
we will be in 10 years down the road. Having
contemplated upon ourselves, rather thanblaming others, our encounter with the “lightor flexible ” sculptures will come mucheasier .

주제어 Keyword

구성 Content

해설 Description

비조각
Non-Sculpture주개념
Main Concept조각의 자기반성과 자기 부정중성화 전략 / 다원주의 조각의 성찰
Self-reflection and self-denial of sculpture
Neutering strategy /Reflection on the pluralistic sculpture보조 개념 1
Sub-Concept 1비조각의 형식
Anti 기념비처럼 덩치가 큰 조각 /Anti 딱딱하고 견고한 조각
Form of non-sculpture
Anti-large-size sculpture like monument /Anti-rigid-or-solid sculpture보조 개념 2
Sub-Concept 2비조각의 내용
결과보다 과정 중심 / 완성을 향한 미완성Content of non-sculpture
Focus on process rather than results /State of being in complete toward completion

가볍거나
Light

유연하거나
Flexible16

IV. 프로그램 구성올해는 본전시 1, 2, 특별전 1, 2와 같은 전시 프로그램뿐 아니라, 시민 강좌, 아티스트 워크숍과 아티스트 토크, 국제 학술 컨퍼런스 및 국내 학술 컨퍼런
스_이승택, 한국의 비조각 그리고 체험이 가득한 다양한 커뮤니티 프로그램을 마련했습니다. 여러분 모
두 2020창원조각비엔날레에서 가벼운 형식과 유연한 내용의 조각들을 둘러보시고 볼거리가 가득한 풍성한 프로그램을 만끽하시길 바랍니다. 어서 오세요.

IV. Programs
This year, the Biennale not only presents exhibitions such as the Main Exhibitions 1 & 2,
Special Exhibitions 1 & 2, but also provides
some thought-provoking programs including
Public Course Program, Artist Workshop andTalks, International Academic Conference,and Academic Conference_ Seung- Taek
LEE, Non-Sculpture of Korea as well as anarray of exciting community programs. We
encourage you to come join us to enter theworld of sculptures with light forms and flexible
content and to experience the richness of
our programs. Welcome to the Changwon
Sculpture Biennale 2020!

프로그램 Programs17

본전시 1_비조각으로부터 Main Exhibition 1_From Non-Sculpture비엔날레 주제, ‘비조각-가볍거나 유연하거나’를 시각화하는 야외 주제전으로 조각의 전형적인 볼륨과 매스를 탈피하고 조각의 다양한 차원을 비조각의 담론으로 성찰하고 실천하는 대형 야외 설치 조각을 선보인다.
자연과 풍경 그리고 건축이 조화를 이룬 ‘비조각적 조각’을 순차적인 동선이 없는 네크워크형의 전시 공간으로 연출한다.

This outdoor exhibition visualizes the Biennale’s theme, “Non-Sculpture: Light or Flexible” by showcasinglarge-size outdoor installation works that move away from the typical marriage of volume and massof a conventional sculpture but reflect upon the diverse dimensions of a sculpture in the discourseof “non-sculpture” and reinvent them for proper implementation. The exhibition takes place in a
network-like space without any pre-set order of consecutive viewing, where nature, landscape, andarchitecture are harmonized with the “non-sculptural sculptures.”본전시 2_비조각으로 Main Exhibition 2_To Non-Sculpture비엔날레 주제, ‘비조각-가볍거나 유연하거나’를 시각화하는 실내 주제전으로 다양한 양상의 설치미술과 해체적 조각, 미디어 조각, 관객 참여형 조각을 선보인다. Step 1~Step 7에 이르는 동선에 따른 ‘자연-환경-우주-인간-테크놀로지’로 이어지는 인간 문명의 거시적 내러티브와 ‘생로병사’의 미시적 내러티브로 전시 공간을 구성하고 연출한다.

This indoor exhibition visualizes the Biennale’s theme, “Non-Sculpture: Light or Flexible”
by showcasing a variety of installations and deconstructive sculptures, media sculptures,
and audience-engaging sculptures. The space is composed of a macroscopic narrative of humancivilization that flows through “Nature-Environment-Universe-Human-Technology” along the seven Stepsthat visitors follow, as well as a microscopic narrative of human’s “Birth, Aging, Sickness and Death.”특별전 1_이승택, 한국의 비조각 Special Exhibition 1_Seung-Taek LEE, Non-Sculpture of Korea

1980년 자신의 작업을 ‘비조각’이라 천명하면서 ‘비조각적인 실험 조각’을 탐구했던 선구적인 한국 조각가이승택(1932~ )의회고전 성격의 대규모 개인전이다. 새끼줄, 밧줄, 어망, 헝겊, 천 조각, 머리털, 깃털, 돌멩이, 부표 등 각종 비조각적인 오브제를 조각의 재료로 삼아 만들어 낸 ‘비조각적인 조각 실험’을 선보이는 설치 작품과 아카이브 전시이다.

This is a major solo exhibition shedding a retrospective light on a pioneering Korean sculptor SeungTaek Lee, who explored the depths of “experimental non-sculptures” ever since he declared his works
to be “non-sculptural” in 1980. This Special Exhibition features archives and installations that experimentwith “non-sculptural sculptures” by using straw-braided ropes, strings, fish nets, old fabric, cloth pieces,human hair, feathers, pebbles, and buoys as non-sculptural material.

특별전 2_아시아 청년 미디어 조각 Special Exhibition 2_Young Asian Artist Media Sculpture

경남, 부산, 울산, 서울 지역의 20-45세에 해당하는 ‘2인 이상의 한 기획팀’을 대상으로 공모를 진행하고 최종 선정된 3인 1팀의 ‘협력 큐레이터 박소희, 조수혜, 고은빈’이 20-45세에 해당하는 아시아 청년 미디어 조각가의 작품을 초대하여 기획하는 특별전이다. 이 특별전은 지역 작가 및 기획자를 발굴하고 지원하여 지역을 토대로 왕성하게 활동하도록 돕고 나아가 국제적인 인력을 육성하려는 취지로 마련되었다.
A curating contest was held for local curator teams of more than two between the ages of 20 to 45 in
Gyeongnam, Busan, Ulsan and Seoul areas. The winning team of So-Hee Park, Susan Cho, Eun-Bin
Koh invited young Asian media sculptors for this Special Exhibition. This exhibition not only showcases
compelling works of young Asian artists but also to unearth the hidden gems of local turf as well as
foster them to become international artists.

18출품 작가 Participating Artists

섹션 Section

본전시 1Main Exhibition 1

총 34개국 86팀 94명의 작가 Total 34 Countries 86 Teams 94 Artists

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14

본전시 2

Main Exhibition 2
Prologue

15
16
17
18
19

본전시 2

Main Exhibition 2
Prologue / Epilogue

20
21
22
23

본전시 2

Main Exhibition 2
Step 1

작가 Artist

No.

24
25
26
27
28
29
30
31

시몬 데커 Simone DECKER (1968~)스트라이듬 반 데르 메아브

국가 Nationality룩셈부르크 Luxembourg

Strijdom VAN DER MERWE (1961~)남아프리카 공화국성동훈 Dong-Hun SUNG (1967~)

한국 Korea니콜린 반 스타펠 Nicoline VAN STAPELE (1964~)모민 폴린 Momine PAULIN (1986~)

오상훈 Sang Hoon OH (1977~) &스기하라 유타 Yuta SUGIHARA (1986~)

제임스 토윌리스 James TOWILLIS (1973~)
모마르 색 Momar SECK (1969~)
이명호 Myoung-Ho LEE (1975~)
박봉기 Bong-Gi PARK (1965~)크리스티안 요마녜 Christian DJOMAGNI (1973~)
미카엘 요한슨 Michael JOHANSSON (1975~)
쩡 루 Lu ZHENG (1978~)제임스 텝스콧 James TAPSCOTT (1980~)

마리아 사모르체바 Maria SAMORTSEVA (1992~)
카리나 카이코넨 Kaarina KAIKKONEN (1952~)
백남준 Nam-June PAIK (1932~2006)
이인진 In-Chin LEE (1957~)

최정화 Jeong-Hwa CHOI (1961~)

미셸 블레이지 Michel BLAZY (1966~)
유정혜 Joung-Hye YOO (1960~) &정태규 Tae-Kyu JEONG (1971~)

눌란 타히리 Nurlan TAHIRLI (1988~)글랜다 리온 Glenda LEÓN (1976~)
이택근 Taek-Keun LEE (1964~)
류정민 Jungmin RYU (1979~)
양리애 Lee-Ai YANG (1970~)
리홍보 Hong-Bo LI (1974~)

신예진 Ye-Jin SHIN (1985~)

신재은 Jae-Eun SHIN (1984~)

이윤숙 Youn-Sook LEE (1961~)

금민정 MinJeong GUEM (1977~)

South Africa

벨기에 Belgium코트디부아르 Cort d’ Ivoire
한국 Korea
일본 Japan영국 UK세네갈 Senegal
한국 Korea한국 Korea카메룬 Cameroun
스웨덴 Sweden
중국 China호주 Australia
러시아 Russia

핀란드 Finland
미국 US한국 Korea한국 Korea모나코 Monaco
한국 Korea아제르바이잔 Azerbaijan
쿠바 Cuba한국 Korea한국 Korea한국 Korea

중국 China
한국 Korea한국 Korea한국 Korea한국 Korea

19

본전시 2

Main Exhibition 2
Step 2

32
33
34

본전시 2

Main Exhibition 2
Step 3

35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46

본전시 2

Main Exhibition 2
Step 4

47
48
49
50
51
52
53
54
55
56
57
58

본전시 2

Main Exhibition 2
Step 5

59
60
61
62
63

랜 홍 웨이 Hong-Wei REN (1975~)

중국 China

진달래 Dallae JIN (1972~) &박우혁 Woo-Hyuk PARK (1973~)

한국 Korea김연 Yeon KIM (1968~)

한국 Korea김길후 Gil-Hu KIM (1961~)

한국 Korea연기백 Ki-Baik YUON (1974~)

한국 Korea조경재 Kyoung-Jae CHO (1979~)
이수경 Soo-Kyung YEE (1963~)세바스찬 위커로스 Sebastian WICKEROTH (1974~)에스더 스토커 Esther STOCKER (1974~)
한영호 Young-Ho HAN (1956~)

밥티스트 데봄버그 Baptiste DEBOMBOURG (1978~)김주리 Juree KIM (1980~)

이병호 Byung-Ho LEE (1976~)리우 수이 양 Shui-Yang LIU (1974~)유세프 리무드 Youssef LIMOUD (1964~)마크 게리 Mark GARRY (1972~)

한국 Korea한국 Korea독일 Germany이탈리아 Italy한국 Korea프랑스 France한국 Korea한국 Korea

중국 China

이집트 Egypt아일랜드 Ireland카리나 스미글라-보빈스키 Karina SMIGLA-BOBINSKI (1967~) 독일 Germany
김동숙 Dong-Suk KIM (1963~)

한국 Korea정택성 Take-Sung JEUNG (1975~)

한국 Korea권순학 Soon-Hak KWON (1979~)
김채린 Chae-Lin KIM (1983~)

세인트 머신 Saint Machine (1979~)안카 레스니악 Anka LESNIAK (1978~)박용식 Yong-Sik PARK (1971~)

김동현 Dong-Hyun KIM (1974~)그린 하우스 Green House &지고르 바라야사라 Zigor BARAYAZARRA (1976~)
임창주 Chang-Ju YIM (1963~) &공연 단체 연합 Performance Group Union
조하나 Ha-Na JO (1980~)

마크 안드레 로빈슨 Marc Andre ROBINSON (1972~)
권용주 Yong-Ju KWON (1977~)

이병찬 Byung-Chan LEE (1987~)
노인우 In-Woo RHO (1986~)

한국 Korea한국 Korea루마니아 Romania
폴란드 Poland한국 Korea한국 Korea한국 Korea스페인 Spain한국 Korea한국 Korea
미국 US한국 Korea한국 Korea한국 Korea

20

본전시 2

Main Exhibition 2
Step 6

64
74
66
67
68

본전시 2

Main Exhibition 2
Step 769
70

임정은 JeoungEun LIM (1964~)

노승복 Seung-Bok ROH (1969~) &신판섭 Pan-Seop SHIN (1968~)

한국 Korea한국 Korea이탈 Tal LEE (1967~)

한국 Korea하이포매닉스 Hypomanics (2020~)

한국 Korea김윤철 Yun-Chul KIM (1970~)

최연우 Yun-Woo CHOI (1978~)손몽주 Mong-Joo SON (1978~)나나 호슈넌 홀랜드 바스트럽한국 Korea한국 Korea한국 Korea

Nana Rosenørn Holland BASTRUP (1987~)

덴마크 Denmark72

헨릭 스트롬버그 Henrik STRÖMBERG (1970~)

스웨덴 Sweden73

이승택 Seung-Taek LEE (1932~)

한국 Korea74

이천표 Cheon-Pyo LEE (1980~) &제이납 이자디야르 Zaynab IZADYAR (1983~)

한국 Korea이란 Iran밴디 라타나 Vandy RATTANA (1980~)캄보디아 Cambodia

71

특별전 1

Special
Exhibition 1

특별전 2

Special
Exhibition 2

75
76
77
78
79
80
81
82
83
84
85
86

림콕융 Kok Yoong LIM (1980~)치카이웬 Kai-Yuan CHI (1983~)

강주리 JooLee KANG (1982~) &셴셴루오 Shenshen LUO (1980~)

박경종 Kyung-Jong PARK (Shawn Park) (1979~)웨일런 제임스 디수자 Waylon James D’SOUZA (1986~)
안성석 Sung-Seok AHN (1985~)

박광수 Gwang-Soo PARK (1984~)
이현준 Hyunjoon E (1982~)

스테판 리아브첸코 Stepan RYABCHENKO (1987~)
나빌라 노르딘 Nabilah NORDIN (1991~)

키무라 미츠노리 Mitsunori KIMURA (1983~)말레이시아 Malaysia
대만 Taiwan
한국 Korea
중국 China
한국 Korea인도 India한국 Korea한국 Korea한국 Korea우크라이나 Ukraine싱가포르 Singapore
일본 Japan

21작품 배치도 Map of the Artworks Site본전시 1_비조각으로부터 Main Exhibition 1_From Non-Sculpture용지공원(포정사) Yongji Park(Pojeongsa)① 시몬 데커 Simone DECKER② 스트라이듬 반 데르 메아브
Strjidom VAN DER MERWE③ 니콜린 반 스타펠 Nicoline VAN STAPELE④ 성동훈 (영구) Dong-Hun SUNG
⑤ 모민 폴린 Momine PAULIN⑥ 오상훈 & 스기하라 유타
Sang Hoon OH & Yuta SUGIHARA⑦ 제임스 토윌리스 James TOWILLIS⑧ 모마르 색 Momar SECK⑨ 이명호 Myoung-Ho LEE⑩ 박봉기 Bong-Gi PARK
⑪ 글랜다 리온 Glenda LEÓN⑫ 크리스티안 요마녜 Christian DJOMAGNI⑬ 미카엘 요한슨 Michael JOHANSSON⑭ 쩡 루 Lu ZHENG⑮ 제임스 텝스콧 James TAPSCOTT본전시 2_비조각으로 Main Exhibition 2_ To Non-Sculpture성산아트홀 1F Seongsan Art Hall 1F

Step 2

Step 3

Prologue / Epilogue

Step 122

23

Prologue① 마리아 사모르체바 Maria SAMORTSEVA② 카리나 카이코넨 Kaarina KAIKKONEN③ 백남준 Nam-June PAIK
④ 이인진 In-Chin LEE⑤ 최정화 Jeong-Hwa CHOI
Prologue / Epilogue① 미셸 블레이지 Michel BLAZY
Step 1① 이택근 Taek-Keun LEE② 류정민 Jungmin RYU③ 양리애 Lee-Ai YANG
④ 리홍보 Hong-Bo LI⑤ 신예진 Ye-Jin SHIN
⑥ 신재은 Jae-Eun SHIN
⑦ 이윤숙 Yoon-Sook LEE⑧ 금민정 MinJeong GUEM
Step 2① 랜 홍 웨이 Hong-Wei REN② 김 연 Yeon KIM③ 진달래 & 박우혁 Dallae JIN & Woo-Hyuk PARK

Prologue

Step 3① 김길후 Gil-Hu KIM② 조경재 Kyoung-Jae CHO③ 연기백 Ki-Baik YUON
④ 이수경 Soo-Kyung YEE⑤ 세바스찬 위커로스 Sebastian WICKEROTH⑥ 에스더 스토커 Esther STOCKER⑦ 한영호 Young-Ho HAN⑧ 밥티스트 데봄버그 Baptiste DEBOMBOURG⑨ 김주리 Juree KIM⑩ 이병호 Byung-Ho LEE⑪ 리우 수이 양 Shui-Yang LIU⑫ 유세프 리무드 Youssef LIMOUD

본전시 2_비조각으로 Main Exhibition 2_To Non-Sculpture성산아트홀 2F Seongsan Art Hall 2F

24

Step 4

Prologue / Epilogue

Step 5

Step 6

25

Prologue / Epilogue① 미셸 블레이지 Michel BLAZY② 유정혜 & 정태규
Joung-Hye YOO & Tae-Kyu JEONG③ 눌란 타히리 Nurlan TAHIRLI④글랜다 리온 Glenda LEÓNStep 7

Step 4① 마크 게리 Mark GARRY② 카리나 스미글라-보빈스키
Karina SMIGLA-BOBINSKI③ 김동숙 Dong-Suk KIM④ 권순학 Soon-Hak KWON
⑤ 정택성 Take--Sung JEUNG⑥ 김채린 Chae-Lin KIM⑦ 세인트 머신 Saint Machine⑧ 안카 레스니악 Anka LESNIAK⑨ 박용식 Yong-Sik PARK
⑩ 김동현 Dong-Hyun KIM⑪ 지고르 바야사라 & 그린하우스
Zigor BARAYAZARRA & Green House⑫ 임창주 & 공연 단체 연합
Chang-Ju YIM &Performance Group Union
Step 5① 조하나 Ha-Na Jo② 마크 안드레 로빈슨 Marc Andre ROBINSON③ 권용주 Yong-Ju KWON
④ 이병찬 Byung-Chan LEE⑤ 노인우 In-Woo RHO
Step 6① 임정은 JeoungEun LIM② 노승복&신판섭
Seung-Bok ROH & Pan-Seop SHIN
③ 이탈 Tal LEE④ 김윤철 Yun-Chul KIM⑤ 하이포매닉스 Hypomanics
Step 7① 최연우 Yun-Woo CHOI
② 손몽주 Mong-Joo SON③ 나나 호슈넌 홀랜드 바스트럽Nana Rosenørn Holland BASTRUP④ 헨릭 스트롬버그 Henrik STRÖMBERG

26

특별전 1_이승택, 한국의 비조각

Special Exhibition 1_Seung-Taek LEE, Non-Sculpture of Korea성산아트홀 특별관 B1 Seongsan Art Hall B1① 벽시계(머리카락) Wall clock(Hairs)② 남근 Phallus③ 바람 Wind⑭ 신의 배설물 Excrement of God⑮ 무제 Untitled㉓ 무제 Untitled㉖ 나무종이 Paper Tree
㉗ 매어진 돌 Tied stone㊱ 꺼구로, 비미술 Side Down, Non-Art㊵ 예술가의 손 Hands of an Artist▲ 오디오 가이드 작품
Artworks introduced through an audio guide㊶ 이승택의 인터뷰 Seung-Taek Lee's interview

27특별전 2_아시아 청년 미디어 조각

Special Exhibition 2_Young Asian Artist Media Sculpture성산아트홀 특별관 B1 Seongsan Art Hall B1

28

29

① 이천표 & 제이납 이자디야르

Cheon-Pyo LEE & Zaynab IZADYAR② 림콕융 Kok Yoong LIM③ 밴디 라타나 Vandy RATTANA④ 치카이웬 Kai-Yuan CHI⑤ 박경종 Kyung-Jong PARK(Shawn PARK)⑥ 강주리 & 셴셴루오JooLee KANG & Shenshen LUO⑦ 웨일런 제임스 디수자 Waylon James D'SOUZA⑧ 안성석 Sung-Seok AHN⑨ 박광수 Gwang-Soo PARK
⑩ 이현준 Hyunjoon E⑪ 스테판 리아브첸코 Stepan RYABCHENKO⑫ 나빌라 노르딘 Nabilah NORDIN⑬ 키무라 미츠노리 Mitsunori KIMURA

본전시 1 Main Exhibition 1비조각으로부터
From
Non-Sculpture

1. 시몬 데커 Simone DECKER (1968~), 룩셈부르크 Luxembourg
2. 스트라이듬 반 데르 메아브 Strijdom VAN DER MERWE (1961~), 남아프리카 공화국 South Africa
3. 니콜린 반 스타펠 Nicoline VAN STAPELE (1964~), 벨기에 Belgium
4. 성동훈 Dong-Hun SUNG (1967~), 한국 Korea
5. 모민 폴린 Momine PAULIN (1986~), 코트디부아르 Cort d’ Ivoire
6. 오상훈 Sang-Hoon OH (1977~) & 스기하라 유타 Yuta SUGIHARA (1986~), 한국 Korea, 일본 Japan7. 제임스 토윌리스 James TOWILLIS (1973~), 영국 UK
8. 모마르 색 Momar SECK (1969~), 세네갈 Senegal
9. 이명호 Myoung-Ho LEE (1975~), 한국 Korea
10. 박봉기 Bong-Gi PARK (1965~), 한국 Korea
11. 크리스티안 요마녜 Christian DJOMAGNI (1973~), 카메룬 Cameroun
12. 미카엘 요한슨 Michael JOHANSSON (1975~), 스웨덴 Sweden
13. 쩡 루 Lu ZHENG (1978~), 중국 China
14. 제임스 텝스콧 James TAPSCOTT (1980~), 호주 Australia*야외 전시 Outdoor Exhibition

Main Exhibition 1

31버블 껌 인 창원 BUBBLE GUM IN CHANGWON관점의 전환과 특히 공공장소의 배치 방식에 대한 탐구는 시몬 데커의 작품에서 자주 등장하는 요소들이다. 작가의 모든 작품은 공공 영역을 위한 조각이나 건축적 요소를 제안하는 일련의 사진들로 구성되어 있다. 이들은 유기적인형태와 신축성 있는 표면을 지니고 있어 도시 공간 내 전통적인 조각의 반형태(anti-form)라고도 일컬어질 수 있다. 작가는 정적, 고정적이며 완성된 것의반대를 추구한다.

시몬 데커 (1968~)

The motif of perspective shifts and particularly the exploration of
the way public space is arranged are frequent elements in Simone
Decker’s work. All of these works consist of photo-graphs, mostly
series of photographs that propose sculptures or architecturalelements for the public domain. Owing to their organic shapes
and their elastic surfaces, these works can be called anti-forms ofclassical sculptures in the urban space. Here, too, Decker is looking
for the opposite of the static, the fixed, the permanent, and thefinished.

룩셈부르크 Luxembourg룩셈부르크에슈쉬르알제트 출생현, 독일 프랑크푸르트암마인거주 및 활동
Born in Esch-sur-Alzette,
Luxembourg
Lives and works inFrankfurt am Main,
Germany〈츄잉 인 베니스〉, 1999,일포크롬 클래식 프린트, 디아섹, 67 × 98cm

Simone DECKER‘Chewing in Venice’, 1999,
Ilfochrome Classic on Dibond, 67 × 98cm

Main Exhibition 1

32

지구 매듭 - 자연적으로 응축된 지구. 발견된 오브제

EARTH KNOTS - NATURAL CONDENSED EARTH. FOUND OBJECTS스트라이듬 반 데르
메아브 (1961~)

Strijdom VAN DER MERWE

남아프리카 공화국South Africa남아프리카 공화국가우텡 주 마이어턴 출생현, 남아프리카 공화국스텔렌 보쉬 거주 및 활동
Born in Meyerton,
Gauteng, South Africa
Lives and works in
Stellenbosch,South Africa스트라이듬 반 데르 메아브는 유연한 지구의 여러 구성요소를 추상적으로 형상화시키고 상호연결하여 관람객들이 이를 조각적 오브제로 경험하게끔 의도
하였다. 신비감에 쌓인 거대한 지구 구조물은 보는 이로 하여금 명상적 탐색을
자아낸다. 인체 크기와 자연적으로 형성된 오브제의 크기 간에는 활력적인 관계가존재한다. ‘인간은 자연이라는 예술의 일부이다.’The abstract formation and interlacement of different parts of aflexible earth into a knot is meant to be experienced by the viewer
as a sculptural object. The mysteriousness of these giant earthly
structures demand a meditational investigation by the onlooker.
There is an energetic relationship between the scale of the humanbody and the naturally formed sculptural objects. ‘Nature is the artof which we are a part’.

〈지구 매듭(자연적 압축 지구. 발견된 오브제.)〉, 2020, 자연석,지름 180cm‘Earth Knots(Natural condensed Earth. Found objects.)’,2020, Natural stone, Diameter 180cm

Main Exhibition 1

33

무제 (사각형을 이루는 붉은 점들)

UNTITLED (RED DOTS FORMING A SQUARE)

16개의 붉은색 원형 판으로 이루어진 이 작품은 건축물, 음악, 춤이라는 흥을돋우는 요소와 함께 어우러지며 공간과 조화를 이루고 있다. 이 작품은 1987
년 아세네드의 목초지에서 소개된 바 있다. 원형판의 붉은색은 녹색 잔디와 함께 작품 안에서 균형을 이룬다. 관람객 옆을 지나는 소떼도 흥미를 보이는 듯
했다. 거대한 사각형을 이루는 원형 판은 작가의 대표적인 작품이다. 원형판의지름은 120cm로, 60cm의 간격을 사이에 두고 배치되어 있으며, 전체 직사각형의 크기는 가로 660cm, 세로 660cm이다.
The work, sixteen red circles, points out playfully to architecture,music and dance, and aims to interact with the space. In 1987 it
has been shown in the meadows of Assenede. The red color of thecircles interacts with the green grass. Next to visitors, cows whereinterested too. I see these 'circles making a square' as a key work in
my artwork. The circles have an intersection of 120cm, the distance
between the circles is 60cm. They form together a square of 660cm
by 660cm.

〈무제(사각형을 이루는 붉은 점들)〉, 2020, 베니어 합판 위에 붉은색페인트, 지름 120cm × 1cm

니콜린 반 스타펠 (1964~)
Nicoline VAN STAPELE벨기에 Belgium네덜란드 북 브라반트겔드롭 출생
현, 벨기에 헨트 거주 및 활동
Born in Geldrop, North
Brabant, Netherlands
Lives and works in
Ghent, Belgium‘Untitled(Red dots forming a square)’, 2020, Multiplex with layersof red paint, Diameter 120cm × 1cm

Main Exhibition 1

34소리나무 2020 SOUND TREE 2020성동훈 (1967~)

Dong-Hun SUNG

한국 Korea한국 부산 출생현, 한국 안성 거주 및 활동
Born in Busan, Korea
Lives and works in
Anseong, Korea바람이 부는 강도에 따라 연주하는 작품 작가의 최근 관심 주제인 산수(山水)는 나무, 돌, 물로 어우러져 존재한다. 그 중, 나무는 바람을 만나 숲이 되고, 돌은 물을 만나 산수를 이룬다. 바람이 흐르는 숲의 울림 소리를 작품으로 표현하였다.
This work plays different music according to the intensity of thewind that blows. Shanshui (mountain and water, 山水) - SUNG’s
most recent focus – stands in the har mony between trees,stones, and water. Of those, trees encountering wind becomesa forest, and stones encountering water becomes shanshui. SUNG
illustrates with this work the echoing sound of a forest through whichwind travels.

〈소리나무 2020〉, 2020, 스테인리스 스틸, 풍경, 철,
400 × 260 × 500cm‘Sound Tree 2020’, 2020, Stainless Steel, Wind-bell, Steel,
400 × 260 × 500cm

Main Exhibition 1

35

체스트 비드 CHEST VID‘체스트 비드’는 서로 관련된 플라스틱 컵, 플라스틱 병, 종이 등 다양한 오브제로 이루어진 작품이다. 이들 오브제는 한데 모여 둥그런 형태를 만들며 생물의 삶의 터전인 지구를 나타낸다. 이러한 생물 중 하나인 인간은 예상과는 달리 환경을 파괴한다. 생태계 파괴의 주범은 재활용이 어려운 플라스틱이다. 작가가 예술을 통해 폐 플라스틱을 재활용하여 새 삶을 불어넣는 것은 바로 이러한 이유에서다. 작가는 이를 통해 인간이 환경보호의 중요성을 깨닫고, 오늘날전 세계적인 이슈로 대두되는 환경 문제 해결을 위해 지역 사회가 자체적인 방안을 모색할 것을 주문하고 있다.

‘Chest vid’ is a work that I made with plastic cups associated witheach other, plastic bottles, paper and various objects; to form a ball,a globe which represents the planet earth on which living beings
live. Unfortunately, the fact that man is a living thing damages theenvironment against all expectations. Among these damages, thereis the plastic which pollutes the planet seriously, this damage whichis due to plastic is difficult to recycle. It is for these reasons that I try torecycle these plastic objects to give them a second life, especiallythrough art. I depict through this work of the empty chest so that we,human beings, become aware of the protection of our environment,
by appealing to find endogenous community solutions. whichmaybe could help us deal with these contemporary issues comingfrom everywhere.

〈체스트 비드〉, 2020, 트럭, 플라스틱 병, 지름 2m

모민 폴린 (1986~)
Momine PAULIN

코트디부아르
Cort d’ Ivoire코트디부아르 만 출생현, 코트디부아르거주 및 활동
Born in Man,
Cort d’ Ivoire
Lives and works in
Cort d’ Ivoire‘Chest vid’, 2020, Truck, Plastic bottles, Diameter 2m

Main Exhibition 1

36라이트하우스 (콜라보 : 오상훈 & 스기하라 유타)

LIGHTHOUSE (COLLABORATION : SANG HOON OH & YUTA SUGIHARA)오상훈 (1977~)

Sang Hoon OH한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea라이트하우스는 내부에 장착된 빛 작업과 파빌리온의 구조적 형태에 의해 다양한 시각적 효과뿐 아니라 물리적인 체험을 가능케 한다. 현장 외부의 빛과조각체 안에서 낮게 흘러나오는 조명 작품의 빛은 시간의 흐름에 따라 또는사용자의 위치에 따라 구조물을 다르게 인식하게 되며, 직간접적인 경험을제공한다.
Lighthouse Collaboration not only creates a variety of visual effects
but also allows a physical experience thanks to its light installation
inside the pavilion-like structure. The natural light flooding in fromoutside and the dim light coming from the installation inside thesculpture make the experiencer perceive the sculpture differently at
different times of the day and different viewing positions.

스기하라 유타 (1986~)
Yuta SUGIHARA

일본 Japan일본 도쿄 출생, 현 일본 야마나시현 후지요시다 거주 및 활동
Born in Tokyo, Japan
Lives and works in
Fujiyoshida City,
Yamanashi, Japan〈라이트하우스〉, 2020, 알루미늄 패널, 480 × 300 × 400cm‘Lighthouse’, 2020, Aluminum panels , 480 × 300 × 400cm

Main Exhibition 1

37

하나의 것, 아무 것도 아닌 것, 모든 것
ONE THING, NO THING, EVERY THING하나의 것(사각형), 아무 것도 아닌 것(삼각형), 모든 것(원). 시간, 에너지, 중력. 완전해지고자 한다면, 원을 그리며 걸어보라. 상징주의가 적용되는 곳은비단 오브제 뿐이 아니다. 각 오브제 간의 상호연결성, 그리고 이들 오브제가내비치고 암시하는 것들 간의 상호연결성에서도 의미는 피어난다. 의식도 못하는 사이 나는 사각형이 되어 있고, 깨달음을 얻은 원은 삼각형이 되고, 나는그 둘을 연결한다. 풍경이자 건축인 ‘하나의 것, 아무 것도 아닌 것, 모든 것’은삶을 존재하게 하고 이해의 씨앗을 전해주는 경건한 기하학과 상징들에 몰두할 수 있는 자기 반성의 기회를 제공한다.
One thing, no thing, every thing (Square, triangle, circle) Time,energy, gravity. If one seeks to become whole, practice walking ina circle. It is not just in the object that symbolism resides. Meaning
also arises from the interconnectivity of objects, of what they stateand imply. I am the unknowing square the circle is enlightened
becoming the triangle I connect the two. Both landscape andarchitecture ‘One thing, No thing and Every thing’ offers the chanceof self reflection through immersion within sacred geometry andsymbols that both enable life to exist and offer us the seed ofunderstanding.

〈하나의 것 아무 것도 아닌 것 모든 것〉, 2020, 철근 연강 ,
겉 지름 762.20cm, 안 지름 515cm, 높이 200cm

제임스 토윌리스 (1973~)
James TOWILLIS영국 UK영국 버크셔 주 애스컷 출생현, 영국 도싯 거주 및 활동
Born in Ascot,
Berkshire, UK
Lives and works in
Dorset, UK‘One thing, No thing, Every thing’, 2020,
Rebar/rolled steel, Outer Diameter 762.20cm,
Inner Diameter 515cm, Height 200cm

Main Exhibition 1

38

결합 : 평화를 위해 함께 앉기

UNITY : SEATING TOGETHER FOR PEACE모마르 색 (1969~)
Momar SECK세네갈 Senegal세네갈 출생
현, 스위스 제네바거주 및 활동
Born in Senegal
Lives and works in
Geneva, Switzerland현실과 경험을 바탕으로 탄생한 조각들이다. 이들은 보는 이의 취향을 만족시키기 위해 존재하는 것이 아니며, 그 어떤 비판의식이나 창의적 추측도 이 작품에 생기를 불어넣을 수 없다. 작가는 조각들을 구성하는 여러 요소 간의 관련성과 허울뿐인 관계를 보여준다.

Momar SECK (Senegal), which emphasizes the notion of plural unity
towards singular diversity, which translates into several pieces ofwood grouped together to form a single element (the bundle). This is
how the artist approaches the theme of unity in diversity.

〈결합 : 평화를 위해 함께 앉기〉, 2020, 장작뭇단, 금속,지름 50 x 200cm × 2ea, 지름 50 × 300cm × 3ea‘Unity : Seating together for peace’, 2020, Fogot, Metal,
Diameter 50 × 200cm × 2ea, Diameter 50 × 300cm x 3ea

Main Exhibition 1

39

나무 그리고 색_창원 #1 TREE & COLOR_CHANGWON #1- ‘캔버스’의 ‘조각화’- 본인 작업, ‘예술-행위 프로젝트’의 개념과 형식을 지배하는 상징적 장치인‘캔버스’를 ‘조각화’로 변용하면서, 창원의 다양한 빛과 예술의 다양한 색을‘홀로그램’에 빗대어 담아내는 작업- ‘창원’의 ‘나무’가 성장함에 따라 ‘조각화’의 ‘캔버스’를 확장- 본 비엔날레의 주제인 ‘조각의 비조각화 – 비조각의 조각화’ 맥락에부합하도록 작업- Sculpturalization of a canvas.
- This work involves the transfiguration of a canvas into asculpture. Canvas is a symbol that governs the concept
and form of the artist’s “Art-Performance Project.”
The hologram that contains variable lights in Changwon
and colors of the arts.
- As the tree that represent Changwon grow,the “sculpturalized canvas” expands.
- This work shares the same vein with the Biennale’s theme –“Non-sculpturalization of sculptures and sculpturalization of
non-sculptures.”〈나무 그리고 색_창원 #1〉, 2020, 에이치-빔, 철판,홀로그램(페인팅), 우레탄(코팅), 콘크리트 기초, 기타,4800 × 4800 × 140mm, 3000kg

이명호 (1975~)

Myoung-Ho LEE

한국 Korea한국 대전 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Daejeon, Korea
Lives and works inSeoul, Korea‘Tree & Color_Changwon #1’, 2020, H-beam, Steel Plate,
Hologram(Painting), Urethane(Coating), Concete Base, etc,
4800 × 4800 × 140mm, 3000kg

Main Exhibition 1

40

호흡 BREATH

박봉기 (1965~)
Bong-Gi PARK한국 Korea한국 창원 출생현, 한국 창원 거주 및 활동
Born inChangwon, Korea
Lives and works in
Changwon, Korea자연에서 이번 작품의 모티브를 따왔으며, 구름이나 물결, 바람 같은 유동하면서 시시각각 우리에게 부드럽고 한결같은 일상의 자연 요소들이 작품의 모양을 이루고 있다. 구체적으로는 물고기의 아가미 구조에 포커스를 두고 있으며이는 이 작품의 주제인 호흡(숨)을 유연하게 발현하고 있다. 관람자의 발걸음은 작품의 바깥에서 안으로 유도되고 다시 바깥으로 향한다. 이는 호(呼)와 흡(吸)의 한 사이클을 연상시키면서 '호흡'들의 유기적 연결이 우리가 존재하는생태 환경을 지속하고 있음을 인지한다. 이 작품은 도심의 환경과 조화를 이루면서 우리를 품어 주는 '숨 고르기'의 공간을 지향한다.
Nature is the motif of this work, which is demonstrated by the forms
that reminiscent of clouds, waves, and wind – constantly flowing
gently through our everyday life. Specifically, the main part of thiswork is inspired by the gill of a fish, which manifests the theme of thiswork – breathing. Visitors are invited to walk in toward the center ofthe piece and then outward in the end. This flow reminds of one fullcycle of inhale and exhale, recognizing the organic interconnection
between the two actions of breathing sustains the ecologicalenvironment within which we humans exist. This work creates aspace of “catching the breath,” embracing us while harmonizing
itself with the urban surrounding.

〈호흡〉, 2020, 대나무, LED조명, 600 × 600 × 160cm‘Breath’, 2020, Bamboo, LED lamp, 600 × 600 × 160cm

Main Exhibition 1

41

콩니 KONGNI‘콩니’는 우정을 다지며 함께 교감하고, 다시 모여 삶의 가장 즐거운 순간들을함께 공유하는 것을 의미한다. 작가는 결합에 대한 성찰을 통해 의견 차이, 장애물, 냉소에서 벗어나 같은 비전을 꿈꾸며 한데 모이는 그 날을 이야기한다. 우리는 우리가 지지하고 감사하는 이들에게 조차 의도치 않게 귀를 기울이지 않을때가 있는데, 이는 가정에서는 있어서는 안되는 일이다. 전체적으로 보았을 때‘콩니’는 물리적이며 유쾌한 기여이며, 가족의 결합은 연대의식의 근간이 된다.
My reflection is based on the Union… hence KONGNI which means
together, to commune, to regroup, to share and to exchange infraternity the most jovial moments of the life comes down to the day
when all gathered in the same vision leaving far away the different,
the difficulties, the contempt of the other. Without wanting to, we are
not listening to others we support and appreciate each other and,all of this cannot be done around a home. KONGNI on the whole isthe physical and convivial contribution or the family reunification is
the source of the fraternal union…

〈콩니〉, 2020, 나무, 300 × 300 × 450cm, 350kg

크리스티안 요마녜 (1973~)
Christian DJOMAGNI카메룬 Cameroun카메룬 바푸삼 출생현, 카메룬 두알라활동 및 거주
Born in Mbo-Bafoussam,
Cameroun
Lives and works in
Douala, Cameroun‘Kongni’, 2020, Woods, 300 × 300 × 450cm, 350kg

Main Exhibition 1

42

큐빅 CUBIC미카엘 요한슨 (1975~)
Michael JOHANSSON스웨덴 Sweden스웨덴 베스트라예탈란드주
트롤헤탄 출생
현, 독일 베를린활동 및 거주
Born in Trollhättan,
Västergötland, Sweden
Lives in and works in
Berlin, Germany여러 컨테이너로 이루어진 이 작품은 중간 부분이 일상의 오브제들로 메꿔져
있다. 오브제 뒤로는 각 모서리에서 60cm 들어간 자리에 금속 구조물이 숨겨져 있다. 컨테이너들은 금속 구조물이 안쪽으로 부착될 수 있도록 보강된다.
맨 아래 컨테이너는 반드시 지반에 고정되어 있거나 밸러스트(ballast)가 채워져 있어야 한다. 작업을 위한 아이템은 현지에서 지시 사항에 따라 확보되며, 조립은 창고 건물 내에서 진행된다. 그 후 작품의 여러 부분들이 전시 장소로 옮겨진다.
The work consists of several container high stack, with a middle
segment replaced with tightly packed everyday objects. A metal
structure is hidden behind the objects, about 60 cm in from eachedge. The containers are also reinforced, so that the metal structure
can be attached in them. The bottom container must either
be anchored into a foundation, or filled with ballast. To enableproduction items are collected locally, based on instructions. The
assembly work takes place indoors in a warehouse building. When
this is complete, the various segments of the work will be lifted into
place where the work is to be displayed.

〈국제 수송〉, 2012, 컨테이너, 생활용품,6 × 7.8 × 2.4m
‘The Move Overseas’, 2012, Containers,
Household items, 6 × 7.8 × 2.4m

Main Exhibition 1

43올모스트 젠 ALMOST ZEN

명나라 학자 임유린(林有麟)은 소원석보(素園石譜)에서 수석의 본질에 대해“수석은 선(禪, Zen)과 가장 관련성이 높다”고 언급하며 선의 지혜에 대한 명언을 남겼다. 수석 감상이 문화의식과 깨달음을 가져온다고 믿었던 조상들은애석 문화를 통해 선의 깨달음을 추구하는 흥미로운 통찰력을 제시한 것이다.
도교에서 수석은 무(無)에서 교양(bildung)으로 이끄는 조화롭고, 고요하며,자연스러운 것으로 높이 평가되고 있다. ‘올모스트 젠’은 자갈 모양의 선 영역을 구축하기 위해 스테인리스 스틸을 잘라 만든 한자를 사용하여 수석을 물질적으로 바꿔놓는다. 이 작품은 속이 비어있고 우아한 곡선을 그리는 등 구조적으로 강조되어 있으며, 시적 개념을 내포하고 있다.
In his The Suyuan Stone Catalogue, Lin Youlin, a scholar in the
Ming Dynasty, captured the very essence of stones in his statement“stones have a highest degree of affinity with Zen”, an aphoristic
embodiment of the Zenic wisdom. Our ancients have left us withrevealing insights about seeking Zenic enlightenment throughthe appreciation of stones, as they believed appreciating stones
could bring cultural awareness and revelation. To Taoists, stones
were highly valued for their qualities of being harmonious, tranquil
and natural that could lead one to bildung in non-being. With cutout stainless steel Chinese characters, “Almost Zen” transforms thestone materially to build a cobblestone-shaped Zenic realm. This
sculpture, hollowed-out and gracefully curved, is not only structurally
highlighted but also conceptually poetic.

〈올모스트 젠〉, 2020, 스테인리스 스틸, 115 × 75 × 190 cm,
145 × 60 × 80 cm, 90 × 75 × 115cm

쩡 루 (1978~)Lu ZHENG

중국 China중국 네이 몽골 출생현, 중국 베이징 거주 및 활동
Born in Nei Mongol,
China
Lives and works in
Beijing, China‘Almost Zen’, 2020, Stainless steel, 115 × 75 × 190cm,
145 × 60 × 80 cm, 90 × 75 × 115cm

Main Exhibition 1

44

아크 제로 ARC ZERO제임스 텝스콧 (1980~)
James TAPSCOTT호주 Australia호주 아마데일 출생현, 호주 멜버른 거주 및 활동
Born in Armadale,
Australia
Lives and works in
Melbourne, Australia안개로 뒤덮인 원형 고리는 마치 사람들이 드나드는 관문처럼 보인다. 반사 금속 소재의 이 구조물은 일정 시간마다 물안개를 뿜어내고, 이 안개는 주변에퍼진 후 바람에 실려 사라진다. 하지만 흩날리기 직전까지는 둥근 형태를 유지하며 강렬하면서도 섬세한 환영을 빚어낸다. 물안개는 낮에는 주변 환경과 조화를 이루며 틈새 빛살이나 무지개를 빚어내고, 해가 지면 구조물에 내장된 조명에 힘입어 타는 듯한 광채를 내뿜는다.
A ring of mist sits over the site, like a gateway for people to walkthrough. The structure is made of mirrored steel, and periodicallyreleases a cloud of mist, which flows through the site and drifts awayon the wind. It holds it form as a circle long enough to create an
imposing, yet delicate apparition before being carried away. During
the day the mist plays with the ambient conditions to produce
crepuscular rays throughout the site, and rainbows around theviewer, while in the darker hours the mist is illuminated from lighting
embedded within the structure, taking on a fiery glow.

〈아크 제로 - 비구름〉, 2017, 워터미스트, 조명, 철, 펌프,지름 6000 × 4600mm‘Arc Zero – Nimbus’, 2017, Water mist, Light, Steel, Pump,
Diameter 6000 × 4600mm

본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture프롤로그 Prologue

1. 마리아 사모르체바 Maria SAMORTSEVA (1992~), 러시아 Russia
2. 카리나 카이코넨 Kaarina KAIKKONEN (1952~), 핀란드 Finland
3. 백남준 Nam-June PAIK (1932~2006), 미국 US
4. 이인진 In-Chin LEE (1957~), 한국 Korea
5. 최정화 Jeong-Hwa CHOI (1961~), 한국 Korea*실내 전시 Indoor Exhibition

Main Exhibition 2

46

태양의 돌차기 놀이 SOLAR HOPSCOTCH마리아 사모르체바 (1992~)
Maria SAMORTSEVA

러시아 Russia러시아유즈노사할린스크 출생현, 러시아 모스크바거주 및 활동
Born in YuzhnoSakhalinsk, Russia
Lives and works in
Moscow, Russia

46억년 전 생성된 태양계는 태양을 중심으로 공전하는 여덟 개의 행성으로 구성되어 있다. 작가는 관람객들을 우주 여행으로 초대한다. 행성 1에 돌을 던진후, 그 행성을 제외한 나머지 행성을 깨금발로 이동한다. 돌아올 때는 돌을 주워 나온다. 다음 사람에게 돌을 넘기거나 같은 방식으로 행성 2에 도전한다.
잠시 동심으로 돌아가보자. 우리는 비록 작지만 이 세상의 중요한 일부라는 사실을 잊지 말자.
Our solar system was formed 4.6 billion years ago. It consists of eightplanets which all orbit around our home star: the Sun. Today I invite
you to go on a space trip. Throw a stone to land on planet one, hopthrough the planets, skipping the one you have your marker on. Pickup the stone on your way back. Pass it to the next person or repeat
with planet two. Feel yourself as a kid again and don't forget: you
may be a tiny, but such an important part of this world.

〈태양계 땅따먹기〉, 2020, PVC 접착지, 가변 크기'Solar Hopscotch’, 2020, PVC Gumming Sheet, Variable size

Prologue

47

흔적 TRACES우리는 얼굴과 머리 없이 위층으로 올라가는 조직적인 사람들을 볼 수 있을 것
이다. 그들은 블라인드처럼 움직이고 있다. 그것은 권력의 상징인가? 이 익명의 힘은 우리 외부, 우리 위에 있는가? 아니면 이 힘은 우리 안에 있는 것인가,그리고 우리 모두의 일부인가? 필요한가? 어쩌면 이 작품이 우리 자신의 두려움또는 필요에 대해 이야기 하고 있는 건 아닐까? 우리는 이웃과 친구들과 닮고 싶은가, 우리의 자유와 성격을 숨기고 있는가?
We may see a group of organized people going upstairs without
faces and heads. They are moving like blinds. Is it a symbol ofpower?. Is this anonymous power outside of us, above of us? Or is
this power inside of us, and a part of us all? Do we need it? Maybe thiswork talks about our own fears? Or needs? Do we want to be similar
to our neighborourghs and friends, do we hide our freedom andpersonality?

〈우리의 일부〉, 2020[1980s], 남성 울 자켓, 나무 구조물,7000 × 2077mm

카리나 카이코넨 (1952~)
Kaarina KAIKKONEN

핀란드 Finland핀란드 이살미 출생현, 핀란드 헬싱키거주 및 활동
Born in Iisalmi, Finland
Lives and works in
Helsinki, Finland‘Part of Us’, 2020[1980s], Men’s wool jackets, Wooden Structure,
7000 × 2077mm

Main Exhibition 248

창원의 봄 THE SPRING OF CHANGWON©Young Kyun LIM

백남준 (1932~2006)
Nam-June Paik미국 US한국 서울 출생한국, 미국 독일 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lived and worked in
Korea, US , Germany

93대의 TV 브라운관이 3단으로 쌓여 꽃이 활짝 핀 모습을 형상화한 백남준의비디오 조각 ‘창원의 봄’에는 1969년 뉴욕에서의 첼리스트 샬롯 무어만과의합작 퍼포먼스〈살아있는 조각을 위한 TV 브라〉를 영상으로 담고 있다. ‘살아있는 조각’(샬롯 무어만), ‘TV 브라’(미니어처 TV), ‘창원의 봄’(비디오 조각)을통해서 음악, 미술, 영상이 어우러진 비조각의 의미를 되새긴다.
In Nam-June PAIK’s The Spring of Changwon, a total of 93 Brauntube televisions are stacked up in three layers in the form of a fully
blossomed flower. The TV screens feature clips of ‘TV Bra for Living
Sculpture’, a collaborative performance with cellist Charlotte
Moorman conducted in New York in 1969. The living sculpture(Charlotte Moorman), TV bra (a set of miniature television screens
designed in the form of a bra), and The Spring of Changwon (video
sculpture) is a perfect combination of music, art, and video throughwhich the audience can reflect on the meaning of non-sculpture.

〈창원의 봄〉, 2000, 93대 모니터, 지름 3.5m x 7m

‘The Spring of Changwon’, 2000, 93 pieces of monitors,
Diameter 3.5m x 7m

Prologue49컬렉팅 & 필링 COLLECTING & PILING이인진의 도예 작업은 공간이 확장되고 조화를 이루는〈Collecting &Piling〉의 개념을 통해 새로운 조형 언어를 창출한다. 관객은 현미경 아래에서보는 것처럼 하나의 사물을 일일이 분석하는 대신, 육안으로 전체를 볼 수 있
다. 감상자는 집적된 오브제들을 탐색하고, 때로는 개별적인 표현과 전체의 조화에 대해서 생각하기에 이른다.

LEE’s ceramic works create a new sculptural language by proposing
the concept of ‘Collecting & Piling’ where spaces expand andharmonize with each other. Instead of analyzing objects one by one
in detail as if looking through a microscope, visitors have a wider andoverall view over the entire work. Visitors explore the accumulated
objects and come to reflect upon the harmony between individual
expression and the work as a whole.

〈컬렉팅 & 필링〉, 2018, 세라믹, 철 프레임,150 x 150 x 150cm, 300kg, 150 x 150 x 110cm, 200kg

이인진 (1957~)
In-Chin LEE

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 안성 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in
Anseong, Korea‘Collecting & Piling’, 2018, Ceramics, Iron frame,
150 x 150 x 150cm, 300kg, 150 x 150 x 110cm, 200kg

Main Exhibition 2

50공기조각들 AIR SCULPTURES

최정화 (1961~)
Jeong-Hwa CHOI
한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works inSeoul, Korea이번 전시는 창원조각비엔날레와 경남도립미술관이 상호 협력하여 창원 성산아트홀과 경남도립미술관을 비롯해 양산, 거제, 남해, 김해 등 지역 커뮤니티현장에 최정화 작가의 초대형 과일 풍선 작품을 순환 설치하는 조각 여행 프로젝트이다. 이번 창원조각비엔날레에서는 최정화 작가의 대표작이라 할 수
있는〈숨쉬는 꽃〉을 비롯해 과일 작품을 합쳐 총 9점의 풍선 작품이 여행을
한다. 풍선이라는 부드럽고 가벼운 비조각적 성질을 차용해 예술과 비예술의경계, 생과 사의 경계, 자연과 인공의 경계를 넘나든다. 이러한 개념적 설명을떠나 최정화 작가의 과일 여행 프로젝트는 창원은 물론 경남 지역 곳곳에서 지역 주민들이 자신의 동네 혹은 거리에서 새로운 어떤 조형물을 가볍게 구경할수 있는 기회를 마련한다는 점에서 오히려 중요하다.

The ‘Fruit Travel Project’ is a traveling art installation project organizedby the Changwon Sculpture Biennale 2020 and Gyeongnam Art
Museum to showcase CHOI’s mega-sized balloon fruits at Seongsan
Art Hall and Gyeongnam Art Museum in Changwon and in outdoor
locations in Yangsan, Geoje, Namhae, Gimhae and other cities
across the region. A total of nine balloon artworks will be on display
at the Changwon Sculpture Biennale 2020 including the artist’s
flagship piece, Breathing Flower, and fruit balloon installations. By
employing the characteristics of non-sculpture (smoothness andlightness) of a balloon, the artist blurs the line between art andnon-art, life and death, and nature and artificiality. Aside fromconceptual explanations, CHOI’s ‘Fruit Travel Project’ holds a special
meaning in that it provides an opportunity for people in Changwon
and other Gyeongsangnamdo areas to enjoy artworks in theirneighborhoods or streets.
전시일정〈숨쉬는 꽃〉9. 17~9. 23〈딸기 I〉10. 29~11. 1〈딸기 II〉10. 8~10. 14〈수박〉10. 22~10. 28〈복숭아〉10. 15~10. 21〈오렌지〉10. 29~11. 1〈석류〉10. 22~10. 28〈호박〉9. 24~9. 30〈파인애플〉10. 02~10. 07〈숨 쉬는 꽃〉,〈딸기 I〉,〈딸기II〉,〈수박〉,〈복숭아〉,〈오렌지〉,〈석류〉,〈호박〉,〈파인애플>, 2019, 페브릭, 송풍기,지름 8m, 2.5m, 5m, 2.5m, 4m, 3m, 3m, 4m, 4m‘Breathing Flower’, ‘Strawberry I’, ‘Strawberry II’,
‘Watermelon’, ‘Peach’, Orange’, ‘Pomegranate’, ‘Pumpkin’,‘Pineapple’, Fabric, Blower,
Diameter, 8m, 2.5m, 5m, 2.5m, 4m, 3m, 3m, 4m, 4m

본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture프롤로그 / 에필로그Prologue / Epilogue

1. 미셸 블레이지 Michel BLAZY (1966~), 모나코 Monaco
2. 유정혜 Joung-Hye YOO (1960~), 정태규 Tae-Kyu JEONG (1971~), 한국 Korea
3. 눌란 타히리 Nurlan TAHIRLI (1988~), 아제르바이잔 Azerbaijan
4. 글랜다 리온 Glenda LEÓN (1976~), 쿠바 Cuba*실내 전시 Indoor Exhibition

Main Exhibition 2

52

부케 파이널 3 BOUQUET FINAL 3

미셸 블레이지 (1966~)
Michel BLAZY모나코 Monaco모나코 출생
현, 프랑스 파리 거주 및 활동
Born in in Monaco.
Lives and works in Paris,
France미셸 블레이지는 시간의 흐름을 강조하기 위해 프로젝트의 진화와 자유를 나타낼 수 있는 재료를 사용한다. 초기 렌틸콩을 소재로 한 작품부터 ‘벗겨지는벽(peeling walls)’ 그리고 거품 분수에 이르기까지 작가는 물질의 변화에 초점을 맞추며 위험과 불가측성의 여지를 다분히 남긴다. 작가가 최초의 자극을제공하면, 물질이 이를 이어받아 전시의 시공간 안에서 내재된 속성과 주변 환경에 따라 진화하고 변화한다.
Michel Blazy’s use of materials concurs to show the evolution andfreedom of projects aiming to underline the passing of time. Fromhis very first experiences with lentils, to his “peeling walls” andall the way to his foam-fountains, Michel Blazy’s pieces spotlighttransformations of matter and leave a prominent place to hazard
and unpredictability. The artist gives the first impulse, and mattertakes over, evolving and transforming during the space-and-timeof the exhibition, according to its intrinsic properties as well as theshowing conditions.

〈부케 파이널 3〉, 2020, 거품, 6 × 6 × 5.05m‘Bouquet Final 3’, 2020, Foam, 6 × 6 × 5.05m

Prologue / Epilogue53떠 있는 검은 숲 FLOATING BLACK FOREST나는 파도가 밀려오는 칠흑 같은 바닷가에 바람을 맞으며 서 있습니다. / 검은파도는 밀려가고 밀려오기를 반복하며 조금씩 나의 자리를 바꾸어 놓습니다.
/ 나는 그 곳에 굳건히 자리하고 있기를 갈망하지만 그들은 나도 모를 만큼 조금씩 조금씩 나를 다른 곳으로 이끕니다. / 그 항해의 끝이 어디쯤인지 나는 아직 알지 못합니다. / 지고한 사랑에 몸을 던져 보았거나 / 혹은 삶에 상처 입은
이들이 /혹시라도 파도에 드리우는 영원한 갈망의 눈빛을 어느 순간에 깨달을수 있다면 / 언젠가 그 상념은 산산히 부서져 포말로 사라져 버릴 것입니다. /다만 나는 그것을 알고 있을 뿐입니다.
I am standing at a beach in the pitch-black darkness against windand breaking waves. / Black waves keep on moving in and out,changing my position little by little. / I am eager to stand still at a
fixed position, but they move me little by little - so little that I do noteven notice. / I do not yet know where the end of that voyage lies. /Those who have ever thrown themselves into a noble love / or who
have ever been hurt in life / if they are able to suddenly see theinfinite yearning cast over the waves / one day, such conception will
break into pieces and disappear in foams. / Simply - I just know it.

〈(떠있는) 검은 바다’〉, 2020, 깃털이 달린 폴리에스터,실 클리어 필름 솔벤트 평판 출력 ), 1700 × 700 × 200cm

유정혜 (1960~)
Joung-Hye YOO
한국 Korea한국 청주 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Chungju, Korea
Lives and works inSeoul, Korea

정태규 (1971~)

Tae-Kyu JEONG

한국 Korea한국 대전 출생현, 한국 대전 거주 및 활동
Born in Daejeon, Korea
Lives and works in
Daejeon, Korea‘(Floating) Black Ocean’, 2020, Black Polyester Yarn with ShortWings, Clear Film (Sol vent Flatbed Printing), 1700 × 700 × 200cm

Main Exhibition 2

54

무제 UNTITLED눌란 타히리 (1988~)
Nurlan TAHIRLI아제르바이잔 Azerbaijan아제르바이잔 바쿠 출생현, 아제르바이잔 거주및 활동
Born in Baku, Azerbaijan
Lives and works in
Azerbaijan맨몸으로 활활 타오르는 날 것의 불꽃 앞에 서 보라. 거대한 화염이 던지는 자연의 공포를 직면하고, 그것의 생명력을 체감하라. 대자연 앞에서 또 다른 자연인 인간은 언제나 나약하다. 성찰하고 반성할지어다. 이기와 욕망의 허울을던지고 당신의 깊은 내면을 들여다보라. 현대인이여! 저 불꽃 앞에서 옷 매무새를 가다듬고 앉아 태고의 자연인이 간직했던 공포와 겸허를 배우라.
Stand naked in front of a burning fire. Face the fearful force of Mother
Nature’s racing flames and feel its vitality. Being part of nature, men
stand helpless before Mother Nature. Contemplate and reflect on
yourself. Free yourself from the shackles of greed and selfishness.
Look deeply inside yourself. All men, tidy up and sit down before
these flames to inherit the fear and humility of our ancestors.

〈무제〉, 2020, 샤틴 천 , 선풍기 , 조명 , 가변 크기‘Untitled’, 2020, Satin Fabric, Fan, Lamp, Variable size

Step 155

잃어버린 시간 II WASTED TIME II‘잃어버린 시간 II (Tiempo perdido II)’은 개인과 국가가 사랑 없이 행동하며낭비한 순간들을 상기시켜주는 표현이자 역설적인 기념물이다. 타인에게 부정적인 감정을 퍼뜨리는 대신 무엇인가를 쌓아 올리고 창조할 수 있었던 시간
들이다. 잃어버린 시간에 대해서는 여러 해석이 존재하는데, 미하일 엔데는 유명한 저서 ‘모모’에서 “사람들은 시간을 절감함으로써 다른 무엇인가를 잃어버린다는 사실을 전혀 알아차리지 못하는 것처럼 보였다”고 언급했다.
Tiempo perdido II [Waste Time II] is a representation, almost an
ironic monument, to remind all those moments we have waste,
both personally and nationally, in doing things without love. It is
all the time we could have spent to build, or to create something,instead of just spreading bad feelings to others. There are quite a few
interpretations, but Michael Ende resumed this idea in his incredible
Momo story: People never seemed to notice that, by saving time,they were losing something else.

〈잃어버린 시간Ⅱ〉
, 2013, 모래, 모래시계 반쪽, 지름 3m × 165cm

글랜다 리온 (1976)
Glenda LEÓN쿠바 Cuba쿠바 라 아바나 출생현, 스페인 마드리드활동 및 거주
Born in La Habana,
Cuba
Lives and works in
Madrid, Spain‘Wasted Time II’, 2013, Sand, Half of hourglass,Diameter 3m × 165cm

본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture
Step 1

1. 이택근 Taek-Keun LEE (1964~), 한국 Korea
2. 류정민 Jung-Min RYU (1979~), 한국 Korea
3. 양리애 Lee-Ai YANG (1970~), 한국 Korea
4. 리홍보 Hong-Bo LI (1974~), 중국 China
5. 신예진 Ye-Jin SHIN (1985~), 한국 Korea
6. 신재은 Jae-Eun SHIN (1984~), 한국 Korea
7. 이윤숙 Youn-Sook LEE (1961~), 한국 Korea
8. 금민정 MinJeong GUEM (1977~), 한국 Korea*실내 전시 Indoor Exhibition

Step 157

무제 UNTITLED기본적으로 작가의 작업의 시작은 현상, 인식, 관념에 대한 의문, 회의였고 만들어진 허구의 존재를 이용하여 이에 대한 질문을 하는 작업의 연장이라고할 수 있다. 2002년 이후 계속 사용하고 있는 전시의 타이틀로 사용하고 있는“다르게 생각하기”라는 단어에서 유추할 수 있듯이 사실적 표피를 이용해서현상, 인식, 관념에 대한 질문을 하고자 함이다.
LEE’s work was conceived from his question and doubt over thephenomenon, awareness, and concept, and is the extension of
posing a question by a means of an artificially created fictional being.
As one can infer from the title that LEE has been using for his exhibit.

〈무제〉, 2020, 스티로폼, 한지, 톱밥, 먹물, 125 × 220 × 65cm

이택근 (1964~)

Taek-Keun LEE

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea‘Untitled’, 2020, Styrofoam, Korean paper, Sawdust, Chinese ink,
125 × 220 × 65cm

Main Exhibition 2

58

아인 슈타인_생각의 생각 EIN STEIN_THINKING ABOUT THINKING

류정민 (1979~)
Jungmin RYU

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 경기도 거주서울 활동
Born in Seoul, Korea
Lives in Gyeonggido,
Korea, works in Seoul,Korea자신의 생각이 다른 이의 생각과 충돌하고 서로의 생각이 연결되어 또 다른 생각으로 만들어진다. 이러한 다양성과 다면성을 가지고 있는 생각들을 돌(돌 조각 위에 포토 콜라주)을 이용해 시각적으로 사고(思考)의 과정과 형태를 표현
한다. 하나의 돌이 하나의 생각이 되고, 그 돌과 돌이 서로 관계하며 확장되어변형적 사고를 만든다. 생각은 생성과 소멸을 끊임없이 반복하는 과정 속에 재결합되고 변형되는 시간을 지나간다. 돌을 소재로 사고하는 과정을 자석을 이용한 사진 조각으로 재현한다.

One’s thought clashes with or connects with the thoughts of others,
which creates a new thought. The diversity and multifaceted-nessof thoughts are visualized by stones (photo collage on top of stone
sculptures) to demonstrate the process and form of a thought. A
thought passes though the re-united and morphing time in theprocess of infinite repetition of generation and extinction. RYU, usingstones as main materials, reproduces the process of a thought byphotograph sculptures with magnets.

〈아인 슈타인_생각의 생각〉, 2020, 모터, 자석, 강선(와이어),피그먼트 프린트, 스티로폼, 가변 크기‘EIN STEIN_Thinking about Thinking’, 2020, Motor, Magnet, Steelwire, Pigment print, Styrofoam, Variable size

Step 159빙글빙글 ROUND AND ROUND작품 <빙글빙글>을 제작한 의도는 사람마다 마음 속에 맴도는 감정적 또는 심리적 형상들을 유기적 형태와 모빌 형식을 차용하여 표현하고자 한다. 삶 속에서 빙빙 맴도는 자신과의 만남을 내포하지만, 보는 사람에 따라 재밌는 놀이,아름다운 형태, ... 등 다양한 이야기 속에 놓여지기를 바란다.
‘Round and Round’ attempts to visualize the emotional or
psychological shapes that dwell on human minds through themobile and organic forms. YANG intends for her work to invite thevisitors to encounter their inner thoughts and emotions that spinaround inside them. At the same time, she wishes that the visitors willtake away different meanings from the installation – perhaps that it issimply fun to play with or beautiful to look at.

〈빙글빙글〉, 2018, 구리선 편물, 목재 모빌 본체, 가변 크기

양리애 (1970~)
Lee-Ai YANG

한국 Korea한국 마산 출생현, 한국 창원 거주 및 활동
Born in Masan, Korea
Lives and works in
Changwon, Korea‘Round and Round’, 2018, Copper wire knitting,Wood mobile body, Variable size

Main Exhibition 2

60

자연 연작-나무 NATURE SERIES-WOOD

리홍보 (1974~)
Hong-Bo LI

중국 China중국 지린 성 출생현, 중국 베이징 거주 및 활동
Born in Jilin, China
Lives and works in
Beijing, China‘자연 연작–나무’는 언뜻 보기에는 일반 나무처럼 보이지만 온전히 종이로 만들어진 작품이다. 작가는 재료를 당기고 늘리고 비틀어 본래의 모양과 딱딱한 질감을 없앴다. 이를 통해 견고한 형태는 사라지고 한결 부드러운 장면이연출되었다. 이러한 변화는 지각(知覺)의 세상은 가변적이고 비영속적이라는것을 반영한다.

“Nature Series-Wood “ is a work made of paper. It looks like theusual “tree” from the surface but, it is made entirely from paper. By
pulling, stretching and twisting, it changes its inherent shape andgives up its apparently hard texture. The work discards its hard form
for a gentler scene in this way. These changes reflect that the sentientworld is changeable and impermanent.

〈자연 연작-나무〉, 2016~2017, 종이, 지름 30 × 300cm, 80kg 3개

‘Nature series-Wood’, 2016~2017, Paper, Diameter 30 × 300cm,
80kg 3 pieces

Step 161

나무, 위에 돌, 위에 나무 TREE, ON A STONE, ON A TREE‘나무 위에 돌 위에 나무’는 어린아이가 거대한 산을 올려다 보며 상상했던 산의 형상을 작품으로 표현한 것이다. 자연의 광범위한 의미에 도달하지 못했던저는 우뚝 솟아있는 산을 올려다 보며 누군가 나무와 돌을 켜켜이 쌓아 올렸다고 생각했다. 끊임 없이 운동하던 자연의 모습을 도형과 입방체로 제작하고 그사이사이 자리 잡고 있던 갖가지 개체들을 콜라주 하여 형태를 완성한다. 작품은 왜곡된 기억과 변형된 이미지로 새로운 숲을 구성하게 되고 관람자들이 그숲을 마주하며 낯선 시선으로 연결된 새로운 자연을 찾아볼 수 있기를 희망한다.
‘Tree, on a stone, on a tree’ illustrates the shape of a mountainimagined by a child looking up at an enormous mountain. Without
fully understanding the entire scope of nature’s meaning, SHIN
used to think, while gazing up at a mountain, that someone musthave piled trees and stones on top of each other to form the great
mountain. She made geometric forms and cubes to represent
the ceaselessly moving nature and collaged various things to fill
the nooks in between them, to complete the whole installation.
She hopes that the visitors will face the forest that has been newly
composed of distorted memory as well as morphed images anddiscover a new nature through an unfamiliar eye.

〈나무, 위에 돌, 위에 나무〉, 2019, 미송, 우레탄 도장, UV 필름,크리스탈 레진, 라인 테이프, 70 × 70 × 220cm,
65 × 65 × 182cm, 55 × 55 × 175cm, 70 × 70 × 130cm

신예진 (1985~)
Ye-Jin SHIN한국 Korea한국 부산 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Busan, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea‘Tree, on a stone, on a tree’, 2019, Pinetree, Urethane paint, UV film,
Crystal resin, Line tape, 70 × 70 × 220cm,
65 × 65 × 182cm, 55 × 55 × 175cm, 70 × 70 × 130cm

Main Exhibition 2

62시들지 않는 동산 NEVER WITHERING HILL

신재은 (1984~)
Jae-Eun SHIN한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 용인 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in
Yongin, Korea생기가 넘치는 듯 윤기가 돌고, 매끈하게 반짝이는 투명 레진이 한번의 도약과착지의 능선을 그리며 매달린 토끼를 두껍게 감싸고 있다. 레진은 찐득거리고
물컹거리는 물성 - 사체로부터 하염없이 흘러나오는 진액과 분비물, 냄새를 통제하고 있다. 작품에서 등장하는 토끼는 별주부전과 토끼와 거북이 우화에 등장하는 캐릭터처럼 악한 것처럼 보이지만 사실 상 우매한 결과를 낳는 자를 상
징한다. 이 작품을 통해 자신을 야생 동물과는 다른 우월한 존재로 구분 지으면서 미개 함을 비웃지만 오히려 위상을 높이기 위한 인공 프레임에 의해 부패되고 있는 아이러니를 보여주고자 한다.
There is a rabbit hovering in the air, making a leap and then landing
in one smooth projectile. The resin that covers the rabbit is so clear
and thick that it makes the rabbit ever more gleaming and shinier.
Resin keeps a gluey and mushy matter contained inside – in short,the sap and secretion that continuously ooze out of the rabbit
carcass and the consequent odor. The rabbit in this work appears
to be evil like the hare in Aesop’s The Tortoise and the Hare or in
Byeoljubujeon (a Korean fable about a rabbit and a turtle), but infact, it symbolizes “the one that arrives at a foolish decision.” Therabbit here is mocking the savageness of other wild animals by
distinguishing itself as an animal superior to them. However, the irony
lies in the fact that the rabbit is rotting inside the artificial frame thatmakes such a distinction.

〈시들지 않는 동산〉, 2019, 가죽을 벗긴 토끼, 레진,
600 × 200 × 20cm, 30kg

‘Never Withering Hill’, 2019, Skinned rabbits, Resin,
600 × 200 × 20cm, 30kg

Step 163

일심-무경계, 온새미로 ONE MIND-BORDER CROSSING, ONSAEMIRO나는 조각가로서의 삶과 창작과정은 그 자체가 일심(一心), 참마음을 깨달아가는 수행이라 생각한다. 조각가로 활동해 온 30여 년 간 여행, 걷기를 통해 호연지기를 키웠고 삶을 관조하며 주변을 돌아보는 실천적 삶을 선택 해 왔다.
특히 히말라야 ‘걷기’는 삶과 예술에 있어 ‘나=너=우리’ 라는 개체와 전체에대해, 자연과 인간에 대해 깊이 사유하는 계기가 되었다. 자연과 인간에 대한사색을 통해 ‘음과 양’, ‘자유에의 희구’, ‘모태’, ‘숙지산 참나무들의 비 창’, ‘숨쉼’, ‘명상’을 주제로 유기체의 생성과 생장, 운동, 소멸 등 본질적인 생명력을이야기 하였으며 동양적 사유방식과 상징적 언어로 표현되었다.
LEE believes the life or creative process of a sculptor is in andof itself One Mind (一心) - in other words, a journey of understanding the true mind. For the last three decades as a sculptor,
she nourished her spirit by practicing walking, observed life,
cared for others around her, and practiced what she believes. Her“walking” experience in the Himalayas helped her contemplate therelationship between Individual and Entirety, or between individual
human beings and the world as a whole that, in life as well as inart, the relationship is essentially “Me = You = Us.” Inspired by such
experience, her work illustrates the themes of “yin and yang,”“yearning for freedom,” “mother’s womb,” “sadness and grief ofoak trees of Sukji Mountain,” and “meditation.” The work speaks
about the essential vitality witnessed in the generation, growth,motility, and extinction of an organism, tapping on the Eastern waysof thinking and symbolic language.

〈무경계 온새미로〉, 2019, 혼합재료, 가변 크기

이윤숙 (1961~)
Youn-Sook LEE

한국 Korea한국 수원 출생현, 한국 수원 거주 및 활동
Born in Suwon, Korea
Lives and works in
Suwon Korea‘Border Crossing, Onsaemiro’, 2019, Mixed Media, Variable Size

Main Exhibition 2

64타인의 고통_산록서로 SUFFERINGS OF OTHERS_SANROKSULO

금민정 (1977~)

MinJeong GUEM한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 고양 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in
Goyang, Korea금민정 작가는 이번 작품〈타인의 고통〉을 통하여 시각화 논리의 객관성 혹은 논리성을 찾아가는 과정의 고민을 스스로에게서 좀 벗어나 어떤 기계적 알고리즘에 의해서 실험해 보기로 하였다. 작가는〈타인의 고통〉작품에서 제주도를 여행하면서 특정 장소를 선택하였고 그 장소에서 느껴지는 인간의감정을 그 장소에서 본 풍경의 데이터를 이용한 변형을 통하여 비디오와 조각으로 재현하였다.
GUEM, through her work ‘Sufferings of Others’, attempts to experimentwith a mechanical algorithm to address the process of exploring the
subjectivity or logicality of visualization, instead of contemplating
upon it herself. She selected a particular location in Jeju Island
during her trip there, and reproduces the human emotions she felt
from that space with a video that uses the modified landscape dataand sculpture around it.

〈타인의 고통_산록서로〉, 2019, LED 미디어 월, (00:03:59)영상,나무, 숯, 70 × 230 × 150cm, 30kg

‘Sufferings of others _SanroksuLo’, 2019, LED Media wall, (00:03:59)
Loop, Wood, Charcoal, 70 × 230 × 150cm, 30kg

본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture
Step 2

1. 랜 홍 웨이 Hong Wei REN (1975~), 중국 China
2. 김연 Yeon KIM (1968~), 한국 Korea
3. 진달래 Dallae JIN (1972~) & 박우혁 Woo-Hyuk PARK (1973~) ,한국 Korea*실내 전시 Indoor Exhibition

Main Exhibition 2

66쓸모없는 USELESS랜 홍 웨이 (1975~)
Hong-Wei REN

중국 China중국 푸젠 성 지안 우 출생현, 중국 베이징 거주 및 활동
Born in Jian’ou,
Fujian,China
Lives and works in
Beijing, China

뿌리가 달린 나무 몸통과 100여 개의 줄자로 구성된 작품이다. 줄자는 마치 몸통과 가지가 연장된 것 같이 죽 뻗어있고, 몸체 부분은 잎과 열매 같이 보인다.
이 작품은 산업과 자연의 충돌, 빠른 사회 발전과 도시화의 폐해를 그리며 쓸모 있음과 없음에 대해 철학적 사색을 던진다.
The work consists of a tree trunk with roots and more than 100
tape measures. The tape stretches like the extension of trunk andbranches, and the tape box is like leaves and fruits. The works mainly
express the conflict between industry and nature, the pain of rapidsocial development and urbanization expansion. Philosophicalspeculation on use and uselessness.

〈쓸모없는〉, 2019, 자연목, 줄자, 가변 크기, 80kg
‘Useless’, 2019, Natural pieces of wood,
Tape measures, Variable Size, 80kg

Step 267

관조 202009 CONTEMPLATION 202009

자연 이미지에 대한 회상을 통해 자신의 내면을 투영한다. 자연이 주는 빛의울림은 내게 많은 것을 갖게 하고 또 버리게 한다. 마음을 멈추고 바라보는 순간, 나는 고요한 수면 위로 드러나는 존재를 느낀다. 빛은 나를 깨어있게 하며,주위의 수많은 경이로움과 만나게 한다.
I reflect my inner self upon my recollection of natural images. The
reverberation of light that nature emits makes me possess manythings but at the same time discard many things. As soon as I takea pause and gaze upon my mind, I feel a presence that emerges
above the still water. Light keeps me awake and let me encounter
numerous wonders around me.

〈명상 202009〉, 2020, 스테인리스 스틸, 철판, 물, 조파기3000 × 4800 × 8400mm

김연 (1968~)
Yeon KIM

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea‘Contemplation 202009’, 2020, Stainless steel, Steel, Water, Wavemachine, 3000 × 4800 × 8400mm

Main Exhibition 2

68별들은 분명 달 뒤에 있다 (콜라보 : 진달래 & 박우혁)STARS ARE DEFINITELY BEHIND THE MOON
(COLLABORATION : DALLAE JIN & WOO-HYUK PARK)진달래 (1972~)
Dallae JIN

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,Korea

박우혁 (1973~)

Woo-Hyuk PARK한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,Korea이것은 달과 같은 것이다. 평면이며 입체, 앞이며 뒤, 안이며 밖, 보이며 보이지 않는 것, 시작이며 끝인 것이다. 이 작품은 어떤 극(劇)이 벌어지는 무대다.
3개의 구조물은 무대 장치임과 동시에 등장인물이다. 구조물은 앞뒤가 상반된무대 장치처럼 원형 판과 입체 구조가 앞뒤로 결합된 형태다. 보통의 무대 장치는 관객에게 보이는 앞면과 뒷면 구조물로 구성된다. 그러나 사실 앞면은 껍데기에 지나지 않고, 뒷면이 무대 장치를 지탱하고 있음을 감안하면, 앞과 뒤,어느 쪽이 참모습인지 판단하기 어렵다. 이 세계는 이런 양면성으로 가득 차
있다. 구조물과 구조물 앞면의 비디오 작업은 이런 양면성을 대변한다. 달의자전과 공전 때문에 우리 시점으론 달의 앞면 밖에 볼 수 없지만, 전부를 본다고 착각한다. 이 작업은 달의 뒷면, 사회의 문화가 주도하는 지향점 이면에 존재할 상상의 여지에 대한 환기다.
The work is like the moon. This is both two-dimensional and threedimensional, inside and outside, something visible and invisible,
and the start and the end. This work is a stage for theater. Threestructures are both the set and the characters. Just as the front ofa set is different from its back, the structures are composed of athree-dimensional structure attached to a flat circle. Normally, theaudience only gets to see the front of the set. However, knowing thatthe front is only a shell and that it is the back that actually supports
the set, it is difficult to judge which one – the front or the back –represents what is true. This world is full of such duality. The structures
and the video works on the front of the structures represent suchduality. Since the moon rotates on its axis as well as around theearth, we can only see the front of the moon, but we mistakenly thinkthat we see the whole moon. This work is a reminder about the room
left for imagination behind what the society pursues.

〈별들은 분명 달 뒤에 있다〉,
2020, 목재, 미디어 장비 다수,
180 × 180 × 270 cm, 200 ×
300 × 200 cm, 180 × 180 ×
200 cm, 100kg‘Stars are definitely behind themoon’, 2020, Wood, Variable
media devices, 180 × 180 × 270
cm, 200 × 300 × 200 cm, 180 ×
180 × 200 cm, 100kg

본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture
Step 3

1. 김길후 Gil-Hu KIM (1961~), 한국 Korea
2. 조경재 Kyoung-Jae CHO (1979~), 한국 Korea
3. 연기백 Ki-Baik YUON (1974~), 한국 Korea
4. 이수경 Soo-Kyung YEE (1963~), 한국 Korea
5. 세바스찬 위커로스 Sebastian WICKEROTH (1974~), 독일 Germany
6. 에스더 스토커 Esther STOCKER (1974~), 이탈리아 Italy
7. 한영호 Young-Ho HAN (1956~), 한국 Korea
8. 밥티스트 데봄버그 Baptiste DEBOMBOURG (1978~), 프랑스 France
9. 김주리 Juree KIM (1980~), 한국 Korea
10. 이병호 Byung-Ho LEE (1976~), 한국 Korea
11. 리우 수이 양 Shui-Yang LIU (1974~), 중국 China
12. 유세프 리무드 Youssef LIMOUD (1964~), 이집트 Egypt*실내 전시 Indoor Exhibition

Main Exhibition 270자화상_망각과 자유 SELF-PORTRAIT_OBLIVION AND LIBERTY김길후 (1961~)
Gil-Hu KIM

한국 Korea한국 부산 출생현, 한국 대구,중국 북경 거주 및 활동
Born in Busan, Korea
Lives and works in
Daegu, Korea and in
Beijing, China여기저기 작업실 어느 구석 자리를 잡고 긴 시간들을 함께 한 버려진 자투리나무들을 모아 이러 저리 엮어서 팔레트를 들고 엉거주춤 서 있는 한 사람을
만들었다. 표현하다 보면 의외로 그 정수에 해당하는 것들이 많이 안 남기도
하다. 피로 쓰는 기분으로, 피를 뽑아내듯이, 우물 속 물을 모조리 소진하듯이만들어 나간다. 뭔가를 마친 것에 대해 더 이상 무상의 기쁨을 느끼며 그것으로 다시 삶을 보상받았다고 느끼지 않는다. 천재에게 있어서는 모든 중간 휴식이, 또 운명의 무거운 타격조차도 편안한 잠과 마찬가지로, 작업실 자체의 근면함 속으로 떨어진다.

I made a person who stands awkwardly holding up a palette byputting together here and there the scrap wood pieces that havebeen accumulating at a corner of my workshop for quite some time
now. In my attempt of expressing myself through my sculpture, I
sometimes find the parts that actually belong to the essence do notalways remain in the final work. I create my work as if I’m writing with
my own blood, pumping it out of my vein, or completely depletingan entire well of mine. I no longer feel the greatest joy from finishinga work and feel that my life was compensated in return. To a genius,
all breaks and even the hard blow of destiny fall into the diligence of
the workshop itself - like a deep slumber.

〈자화상1〉, 2019, 합판, 나무, 모델링페이스트, 면장갑,175 x 75 x 96cm, 30kg
<자화상2>, 2019, 합판, 나무, 아크릴릭, 155 x 76 x 65cm, 10kg

‘Self-portrait 1’, 2019, Plywood, Wood, Modeling Paste,
Cotton Gloves, 175 x 75 x 96cm, 30kg
‘Self-portrait 2’, 2019, Plywood, Wood, Acrylic,
155 x 76 x 65cm, 10kg

Step 371여좌본부 YEOJWA HEADQUARTERS

조경재는 진해 출신이다. 현재 본인의 작업은 진해에서 살았던 본인의 집을 소재로 공간적 구성과 재료들의 조합으로 사진작업의 확장적 개념을 찾아가고있다. 조경재는 유년 시절에 살았던 집의 구조와 공간의 요소들이 현재 본인의사진 작업에서 존재하는 공간적 구성 요소와 매우 흡사함에 놀라고 있다. 집을만들고 그 집을 절단되었을 때의 구조적 즉흥성을 이번 창원비엔날레에서 보여줄 계획이다. 작품은 설치적 요소와 조각적 요소 가 동시에 연출될 것이다.
관객이 일부 설치 공간 속으로도 들어갈 수 있는 작업이다. 완성된 설치는 하나의 조각품으로도 보여질 수 있지만 단순한 공간적 변형으로도 보여줄 수 있을 거라 생각된다.
CHO is from Jinhae. Currently, he is seeking an expansive conceptof photography by combining various materials with a certain
composition of spaces, based on his own home in Jinhae where
he used to live. He was surprised by the striking similarity between
the spatial structure of his old home from childhood and that of his
own photography works today. He is going to display the spatial
spontaneity created when a house is constructed and then split inhalf. Visitors can physically enter some parts of the structure. The
installation can be viewed as one sculpture as a whole, but, at thesame time, as a simple spatial metamorphosis.

조경재 (1979~)

Kyoung-Jae CHO

한국 Korea한국 진해 출생현, 한국 파주 거주 및 활동
Born in Jinhae, Korea
Lives and works in
Paju, Korea〈여좌본부〉, 2020, 나무, 벽돌, 시멘트, 조명,쇠파이프, 400 × 400 × 300cm, 150kg‘Yeojwa Headquarters’, 2020, Wood, Brick,Concreate, Light, Steel pipe,
400 × 400 × 300cm, 150kg

Main Exhibition 2

72

반월 19 BANWOLL 19

연기백 (1974~)
Ki-Baik YUON

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea도배프로젝트에서 주목하는 대상은 벽지이다. 벽지의 물리적인 결을 신체적으로 살피는 일로부터 시작하여, 공간의 거주자, 도배라는 행위와 관계된 사람들로 확장되어 살피고 있다. 건물이 사회적 틀과 제도의 산물이라고 한다면,벽지는 거주자의 피부이자 개인의 실재하는 삶의 무대의 ‘막’이기도 하다. 분리된 벽지들은 물건에서 사물(thing)로의 전환, 관념에서 실재로의 전환을 가로지르며 일상의 삶과 예술(조각)의 경계에 대해 다시금 의문을 던진다. 이번출품작은 창원(구. 마산, 진해)지역 답사를 통해 마주하게 될 일제강점기 적산
가옥과 70~80 년대 주택들 내부의 벽지를 대상으로 진행된다.

Wallpaper is the main subject of YUON’s plastering project. He has
been approaching such a project with, first, carefully examining
the physical texture of wallpaper, then expanding the scope to theresidents of the space as well as those who are involved in the actof plastering. If a building is a framework of a society and a productof institutions, wallpaper is the resident’s skin as well as the curtainof a life’s stage on which an individual person exists. The separated
wallpaper is transformed from an object into a thing and from being
conceptual to being present, posing a question on the border
between everyday life and art (sculpture). This installation wasconstructed by the wallpaper from the Japanese colonial houses
dispersed around Changwon (former Masan and Jinhae) as well as
the houses built from the 70s to 80s that YUON visited.

〈가리봉133〉, 2014, 벽지,나무, 가변 크기‘Garibong 133’, 2014,
Wallpaper, Wood,
Variable size

Step 373

번역된 도자기 TRANSLATED VASE번역된 도자기는 버려진 도자기 파편으로 만들어진 작품이다. 한국의 도자 장인들은 한국 전통 도자기를 재현하면서 작품의 희소성과 최고의 가치를 유지하기 위해, 완성된 도자기에서 작은 결점이라도 발견되면 그 도자기를 파기해
버린다. 그렇게 생겨난 부서진 도자기 파편들을 입체 퍼즐 조각처럼 맞추고,파편들 사이의 틈을 금으로 덮어 제작한 이 작품에서 나는 도자기가 부서진 순간부터 작품에 개입할 수 있는 기회를 얻게 되고, 나의 번역과 해석에 의해 새로운 이야기와 의미를 담은 작품이 완성된다.
‘Translated Vase’ is composed of the fragments of a broken vase.
Korean potters, in their endeavor to reproduce the perfect traditional
Korean vase, break their finished works if they spot one speck offlaw to ensure the scarcity as well as the best possible value of thework. YEE gathered those broken fragments and put them together
like a jigsaw puzzle by amalgamating them with gold, thoughwhich process she obtains an opportunity to intervene from themoment the vase was broken. Then she comes to complete a workthat contains new stories and meanings after her translation andinterpretation.

〈번역된 도자기_2017 TVBGJW 2〉, 2017, 도자 파편, 에폭시, 24K
금박, 230 × 190 × 165cm

이수경 (1963~)

Soo-Kyung YEE

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea‘Translated Vase_2017 TVBGJW 2’, 2017, Ceramic fragment, 24K
Gold leaf, 230 × 190 × 165cm

Main Exhibition 2

74

무제 (전문적 변형) UNTITLED (PROFESSIONAL DEFORMATION)

세바스찬 위커로스 (1974~)
Sebastian WICKEROTH

독일 Germany독일 뒤셀도르프 출생현, 독일 뒤셀도르프거주 및 활동
Born in Düsseldorf,
Germany
Lives and works inDüsseldorf, Germany형태와 내용 면에서 기하학적 형상의 해체는 세바스찬 위커로스의 작품세계에서 중요한 요소로 작용한다. 정육면체와 벽면이 바닥으로 무너져 내린다. 형상과 해체는 서로를 마주하며 하나가 된다. 부식은 단조로운 완벽함을 만나 일종의 서사적 요소를 빚어낸다. 파괴된 회화적 공간은 발생하지 않은 사건의 논리와 인과관계를 탐구한다. 작품은 조각의 파괴가 아닌 동등한 건축 방식으로서의 해체의 탄생을 말하고 있다. 우발적이고 무질서해 보이는 일들이 평온한구조물로 그 모습을 드러낸다.
In form and content, the decomposition of geometrical shapes is
an important element of my work. Cubes and walls are breaking
up onto the floor. Shape and decomposition are faced with eachother, are merging. Corrosion counters the monochrome perfection,and generates a kind of narrative element. The ruinous pictorial
space surveys suggest logic and causality of incidences that never
happened. It`s not about the destruction of a sculpture, but tocreate decomposition as an equal mode of construction. Seemingly
accidental and unregulated occurrences emerge as composed
structures.

〈무제 (전문적 변형)〉, 2016, 석고보드, 락카, 나무, 210 × 260 × 70cm

‘Untitled(professional deformation)’, 2016, Plasterboard, Lacquer,
Wood, 210 × 260 × 70cm

Step 375

무제 UNTITLED에스더 스토커는 ‘구겨진 조각(Knitterskulpturen)’을 만들기 위해 기하학적 무늬를 종이에 흑백으로 인쇄했다. 종이는 구겨짐과 접힘을 통해 ‘구겨진 종이 뭉치’라는 이름에 걸맞는 오브제로 변신한다. 구겨진 조각들은 모더니즘 형태에서강요되는 엄격한 기하학으로부터 해방되는 방식으로 질서정연한 공간을 접고왜곡시키려 한다. 이러한 개입을 통해 작가는 시스템의 경직성에 대한 가정에의문을 제기하고 동시에 보는 이의 지각능력을 시험한다. 명료성은 혼란으로 대체되고, 견고함은 취약성의 여지를 남긴다. 시스템의 변화가 곧 시스템이 된다.
For my Knitterskulpturen (Creased Sculptures) geometric patte-rns
are printed on paper sheets in black and white. By way of creasingor folding they are turned into objects, which might be most aptly
described as a “crumpled paper ball”. Creased Sculptures seek
to fold and distort the ordered space in a way that they break withthe strict geometry that is imposed by modernist forms. With thisintervention, I want to call into question the assumed rigidity of asystem, whilst challenging the perceptive faculty of the viewer. Clarity
gives way to disorientation, and solidity provides space for fragility.
The change of the system becomes the system.

〈무제〉, 2020, 나무 구조물, 인쇄된 종이,
120cm × 120 cm × 120cm, 20kg,(Version02: 230cm × 230 cm × 230cm, 80kg)

에스더 스토커 (1974~)
Esther STOCKER

이탈리아 Italy이탈리아 실란드로 출생현, 오스트리아 비엔나거주 및 활동
Born in Silandro, Italy
Lives and works in
Vienna, Austria‘Untitled’, 2020, Wood-construction Printed paper,
120cm × 120 cm × 120cm, 20kg,(Version02: 230cm × 230 cm × 230cm, 80kg)

Main Exhibition 276

점과 선 POINT AND LINE

한영호 (1956~)

Young-Ho HAN

한국 Korea한국 춘천 출생현, 한국 춘천 거주 및 활동
Born in
Chuncheon, Korea
Lives and works in
Chuncheon, Korea작가는 칸딘스키가 조형의 가장 기초적 두 가지 요소로 말한 ‘점과 선’에 주목하여, 점의 이동으로 형성되는 여러 가지 선의 형태들을 조형화한다. 작가는이러한 점의 흐름과 이로 인해 순간적으로 생성된 선을 석조로 표현했다. 그의 작업은 비가시적인 점의 움직임을 추상적 이미지로 보여준다는 점에서 모더니즘적 이라고 할 수 있으나, 조각의 양감과 중량감을 제거하고 또한 석재의단단한 특성을 거슬러 부드럽고 유연한 형상을 만들어낸 것은 모더니즘 조각을 벗어나 있다. / 권정임
HAN focuses on points and lines that Kandinskyy deemed to be thetwo most fundamental elements of a sculpture. He makes a sculptureout of various forms of lines created by the movement of a point. This
stone sculpture expresses such traverse of points and the subsequentlines instantly created. His work can be described to be modern for it
demonstrates an invisible movement through a conceptual image;
however, it breaks away from modernism for the artist chiseled away
the sense of volume and weight of a sculpture and, instead, createda smooth and flexible form – a quality opposite of stone’s hardness.

〈순간형상-점과 선〉, 2019, 오석, 60 × 49 × 60cm
〈순간형상-선의 모습〉, 2014, 오석, 50 × 44 × 52cm
〈순간형상-선의 흐름〉, 2012, 오석, 55 × 37 × 34cm

‘Momentary Figuration-Point and Line’, 2019, Ordinate, 60 × 49
× 60cm, 2019, ‘Momentary Figuration- Figuration of Line’, 2014,
Ordinate, 50 × 44 × 52cm, ‘Momentary Figuration-Flow of Line’,
2012, Ordinate, 55 x 37 x 34cm

Step 377

뒤틀림 DISTORTION이 작품들이 예찬하는 것은 권력이 아니라, 부분적 파괴, 불완전한 복구, 회복력인 것이다. 이처럼 재구성된 작품들은 역설적인 측면을 넘어 시간, 역사, 기억 혹은 꿈에 대한 성찰로 풀이된다. 작가는 이번 창원조각비엔날레에 환경위기에서 영감을 받은 작품을 출품했다. 이 작품은 가려진 현실의 민낯을 보여주기 위해 집이라는 공간에 대한 고정관념을 비틀고 인식의 구축 및 해체를 통해시각적 경험을 전환시킨다.
They are not a celebration of power, but rather of par tial
destruction, incomplete restoration, and even resilience. Beyond
their, sometimes ironic aspect, these restructured artworks areto be interpreted as reflections on time, history, memories, ordreams. For the Changwon Biennale, the artist realizes a work
inspired by the environmental crisis. The idea behind the work is
to distort our perception of the space and the feeling of home,
to shift our visual experience by building and deconstructing
our perception, in order to open our mind to see the hidden layers of
reality.

〈뒤틀림〉, 2015, MDF 나무, 페인트, 석고, 3.32 × 19m × 15cm

밥티스트 데봄버그 (1978~)
Baptiste DEBOMBOURG

프랑스 France프랑스 리옹 출생현, 프랑스 파리 거주 및 활동
Born in Lyon, France
Lives and works in Paris,
France‘Distortion’, 2015, Wood mdf, Paint, Plaster, 3.32 × 19m × 15cm

Main Exhibition 2

78

언덕 THE GROUND

김주리 (1980~)
Juree KIM

한국 Korea한국 마산 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Masan, Korea
Lives and works inSeoul, Korea사람이 발을 딛고 살아가는 이 세계는 토양을 기반으로 한다. 즉 사람이 나고 죽음을 맞는 삶의 모든 행위는 땅위에서 이루어 진다.우리 삶의 행위들은 땅을 장소로 만드는데 또 끊임없이 그 장소와 관계를 맺는다. 그러므로 장소는 삶의 기억을 가지고 있다. 이 작업은 우리의 삶과 관계하는 장소의 외양, 그 역사, 그리고 땅 위에 축적된 문화일 수 있는 건축의 모습을 빌어 사람과 땅, 자연의 리드미컬한 순환에 대해 이야기하려고 한다. 인공과 자연, 형상과 질료, 대상과 풍광 사이의 어느 경계에서 목도되는 자연과 삶의 선험적 관계는 인간 중심의 시각에서 벗어나 그것의 일부임을 알고자 한다.
The human world on which we walk and live is formed on land,
which means all human activities in life from birth to death happen
on the ground. All of our actions not only define what a groundshould be but also have a relationship with such place. Therefore,
the place contains the memories of life. This work talks about theappearance of the place in relation to humans, its history, andthe stories of a rhythmical cycle of human, land, and nature by
representing a form of architecture which can be interpreted as
the culture accumulated on land. The transcendental relationshipbetween nature and life witnessed at the border between artificial
and natural, form and substance, and subject and scenery, in theend, should not be defined through the human perspective but
understood as something humans already belong to.

〈휘경;揮景-신의 우주:자이푸르〉, 2018, 흙, 물, 500 × 130 × 70cm

‘Evanescent Landscape-Svarglok: Jaipur, 2018, soil, water,
500 × 130 × 70cm

Step 379앉은 형상 SEATED FIGURE완성된 고전주의적 조각의 견고한 표면과 유동할 수 없는 조각의 한계에 대한 극복의 방법으로 제안된 작업이다. 부드러운 실리콘 재질로 제작된 조각의 외형은 에어컴프레서의 작동으로 움직이며 조각상 내부의 앙상한 형태로변형하길 반복한다. 이는 완성 단계에서 주어진 움직일 수 없는 견고한조각의 표면을 깨는 것이며 시각으로 확인할 수 없는 조각 내면의 한 지점을드러내는 것이다.
LEE proposes this work to be a way of overcoming the limitationsof a hard surface and inflexibility of a classical sculpture. The
surface of this sculpture is made of soft silicone and moved by anair-compressor that repeatedly changes it to expose its ratheremaciated inner form. This act breaks the hard surface of a sculpturethat cannot be changed once finished as well as exposes the innerpart of the sculpture that is not visible.

〈앉은 형상〉, 2019, 실리콘, 기계장치, 유리, 나무,
139 × 186 × 95.5cm

이병호 (1976~)
Byung-Ho LEE

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea‘Seated Figure’, 2019, Silicone, Machinery devices, Glass, Wood, 139
× 186 × 95.5cm

Main Exhibition 2

80

아이언 IRON리우 수이 양 (1974~)
Shui-Yang LIU

중국 China중국 린이 시 출생,현, 중국 베이징 활동 및 거주
Born in Linyi, China
Lives and works in
Beijing, China

리우 수이 양은 물질에 가려진 사회적 속성을 심층적으로 탐색한다. 철근 잔해, 화재로 녹아 내린 차량에서 나온 알루미늄 합금 등의 오브제는 구조적 물질 및 구성요소를 토대로 권력을 추구하는 사회적 욕구와 의지를 담고 있기 때문에 씻을 수 없는 원죄를 안고 있다. 이들 오브제를 구성하는 분자조차 돈의 악취와 권력의 오만함을 내뿜는다. 물질은 불멸하고 원죄는 절대 씻겨지지 않는다.

Liu shui-yang has delved deeper into the close examination of social
properties hidden within the materials themselves. Whether steel andrebar wreckage, or the aluminum alloy from a car that was melted
in a fire, these objects have built social desires and will to power withstructural materials and elements, and as such, they possess an
original sin that can never be washed away. Their every moleculeoozes the stench of money and the arrogance of power. Matter isindestructible and original sin can never be wiped clean.

〈아이언>, 2019, 철근, 나무,
80 × 90 × 90cm, 300kg, 3개
‘Iron’, 2019, Iron, Wood,
80 × 90 × 90cm, 300kg,
3piecesStep 381

미궁 LABYRINTH“문자적·은유적 측면의 질서와 혼돈, 구조와 붕괴, 인체의 쇠약과 현실의 폭력사이의 어딘가에 있는 이 작품은 우리의 존재를 끊임없이 위협하는 그 자체로마치 하나의 미궁 같은 잔해들을 탐구한다.”. Y. L
“Between order and chaos, structure and ruin and the frailty of
the human body and the violence of reality in both its literal andmetaphorical aspects; this work addresses the wreckage thatsurrounds us and never stops threatening our existence, which is in
itself a kind of a labyrinth”. Y. L

〈미궁〉, 2018, 니도보드, 5.5 × 5.5 × 2.4m

유세프 리무드 (1964~)
Youssef LIMOUD이집트 Egypt이집트 카이로 출생현, 스위스 바젤 거주 및 활동
Born in Cairo, Egypt
Lives and works in Basel,
Switzerland‘Labyrinth’, 2018, Nidoboard, 5.5 × 5.5 × 2.4m

본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture
Step 4

1. 마크 게리 Mark GARRY (1972~), 아일랜드 Ireland
2. 카리나 스미글라-보빈스키 Karina SMIGLA-BOBINSKI (1967~), 독일 Germany
3. 김동숙 Dong-Suk KIM (1963~), 한국 Korea
4. 권순학 Soon-Hak KWON (1979~), 한국 Korea
5. 정택성 Take-Sung JEUNG (1975~), 한국 Korea
6. 김채린 Chae-Lin KIM (1983~), 한국 Korea
7. 세인트 머신 Saint Machine (1979~), 루마니아 Romania
8. 안카 레스니악 Anka LESNIAK (1978~), 폴란드 Poland
9. 박용식 Yong-Sik PARK (1971~), 한국 Korea
10. 김동현 Dong-Hyun KIM (1974~), 한국 Korea
11. 지고르 바라야사라 Zigor BARAYAZARRA (1976~), 스페인 Spain
12. 임창주 Chang-Ju YIM (1963~), 한국 Koreaa*실내 전시 Indoor Exhibition

Step 483다양한 공간 A VARIABLE SPACE

2020창원조각비엔날레에 전시된 이 작품은 재료의 물리적, 결합적 특징과 잠재력을 확장하고 통합시키고자 하는 작가의 폭넓은 작품세계에 대한 틀을 엿볼 수 있는 작품이다. 대형 캔버스 작품의 제목은 ‘섀도우 트윈’, 형형색색의망사 소재 작품의 제목은 ‘컬러 인터렉션’ 이다. 작가는 해당 작품들을 통해 깊은 인상을 남기면서도 공감을 불러일으키는데, 교훈을 주기보다는 시적인 아름다움에 초점을 맞추며 겸허함과 복잡함이 공존하는 환경을 조성하고 있다.
The works being presented at Changwon Sculpture Biennale areindicative of the broader concerns of my practice, in that, they areconcerned with the stretching and consolidating of a materials
physical and associative properties and potentials. The large
canvas piece is entitled ‘Shadow Twin’, and the coloured tulle works
are entitle ‘Interactions of Color’. These works aspire to be both
empathetic and spectacular, enabling situations that are at once
modest and complex, foregrounding the poetic over the didactic.

마크 게리 (1972~)
Mark GARRY아일랜드 Ireland아일랜드 멀린가 출생현, 아일랜드 보일거주 및 활동
Born inMullingar, IrelandLives and works inBoyle, Ireland〈섀도우 트윈 / 컬러 인터렉션〉, 2020, 캔버스,나무, 핀, 망사, 가변 크기‘Shadow Twin / Interactions of Color’, 2020,
Canvas, Wood, Pins, Tulle, Variable size,

Main Exhibition 284에이디에이 ADA카리나 스미글라
보빈스키 (1967~)

Karina SMIGLA-BOBINSKI

독일 Germany폴란드 슈체친 출생현, 독일 뮌헨 거주 및 활동
Born in Stettin, Poland
Lives and works in
Munich, Germany‘에이디에이’는 미학적이고 복잡하며 예술을 창조해내는 대형 인터랙티브 기
구이다. 헬륨가스로 가득 찬 이 기구는 공간을 자유롭게 부유한다. 세포를 닮은 구체의 표면에는 목탄이 꽂혀 있어 벽면과 천장, 바닥과 맞닿을 때마다 흔적을 남긴다. ‘에이디에이’는 자율적으로 움직이며 흔적을 남기지만 관람객이굴려 주어야 한다. 하지만 관람객이 조정하거나 길들이려고 아무리 노력해도‘에이디에이’는 강도, 표현, 형태 측면에서 예측할 수 없는 선과 점의 구성을만들어낸다.
‘ADA’ is much larger, esthetical much complexer, an interactive artmaking machine. Filled up with helium, floating freely in room, atransparent, membrane-like globe, spiked with charcoals that leavemarks on the walls, ceilings and floors. Marks which ‘ADA’ produces
quite autonomously, although moved by a visitor. The globe obtains
aura of liveliness and its black coal traces, the appearance of beinga drawing. The globe put in action, fabricate a composition of lines
and points, which remains incalculable in their intensity, expression,
form however hard the visitor tries to control ‘ADA’, to drive her, todomesticate her.

©Karina SMIGLA-BOBINSKI “ADA - analog interactive installation by Karina SMIGLA-BOBINSKI”〈에이디에이〉, 2016, PVC 풍선, 목탄, 헬륨, 지름 3m‘ADA’, 2016, PVC balloon, Charcoals, Helium, Diameter 3m

Step 485

어떤 형상 I 19-04 / 어떤 형상 II 20-08
SOME SHAPE I 19-04 / SOME SHAPE II 20-08우리는 구체적이고 특정한 형상에 익숙하여, 모든 대상을 고착화된 사고와 한정된 상상력으로 생각하거나 시각적으로 인식하려고 한다. 무한 공간에 펼쳐지는 특정되지 않은 형상을 표현하여 고착화된 익숙한 형상을 벗어나 관점에따라 각기 다른 의식의 흐름을 통해 다양한 사고의 확장과 상상력을 불러일으키고자 한다. 작가의 내포된 암묵적 의도 마저 보는 이의 관점에 맡겨 가볍거나 유연한 자유로운 사고 의 만남을 꿈꾼다.
We tend to view or visually recognize all subjects with a fixed
pre-conception or a limited imagination since we have all
been accustomed to concrete and specific forms. KIM seeks toexpand the spectrum of thoughts and imagination by expressing
undefined forms freely expanding in an infinite space, pushing the
fixed and familiar forms and following different flows of different
consciousnesses depending on a perspective. KIM desires toencounter free-flowing and light or flexible thoughts by leaving theinterpretation of the hidden intent completely up to the viewers.

〈어떤형상Ⅰ〉,〈어떤형상Ⅱ〉, 2019, 2020, E.V.A, 혼합 재료, 강철와이어, 특수 페인트, 특수 코팅 라미네이션, 형광페인트, 95 × 75 ×70cm, 300 × 130 × 150cm

김동숙 (1963~)
Dong-Suk KIM

한국 Korea한국 진해 출생현, 한국 경기도 광주거주 및 활동
Born in Jinhae, Korea
Lives and works in
Gwangju, Gyeonggido,
Korea‘Some Shape I’, ‘Some Shape II’, 2019, 2020, E.V.A, Mi×ed material,
Steel wire, Special paint, Special coating lamination, Fluorescentpaint, 95 × 75 × 70cm, 300 ×130 ×150cm

Main Exhibition 2

86

어딘가 ELSEWHERE권순학 (1979~)

Soon-Hak KWON

한국 Korea한국 청주 출생현, 한국 인천 거주 및 활동
Born in Chungju, Korea
Lives and works in
Incheon, Korea이번 출품작은 2019년 개인전 'Partitions'의 방법론을 계승하는 형식이다. 전시 공간을 미리 방문하여 이전 전시와 전시가 교체되는 시점에서 작품이 걸려져 있었던 벽을 촬영하는 작품과 전시 공간을 특정한 시점에서 촬영하여 이를그 자리에 설치하는 작품이 공존하는 방식이다. 이번에 새롭게 실험하고자 하는 것은 벽을 촬영하는 작품을 본인의 이전 작품에서 시도한 우주망원경 센서의 배열을 프레임화하여 제작하는 것과 비어있는 공간을 촬영할 때 조경수를전시장에 들여와 촬영하는 것이다. 나무들이 들어와있는 장면을 촬영한 뒤 나무들은 철수하고 실제 전시에서 사진이미지로만 존재하게 된다.
‘Elsewhere’ inherits the methodology adopted in KWON’s 2019 solo
show Partitions. It involves a pre-visit to the exhibition hall to takephotographs of the walls where artworks once hung from a previous
exhibition and an installation of photographs of the exhibition spacetaken at a specific point in time. New elements to explore this time
include the incorporation into the former of a frame-by-frame layoutof sensors in astronomical telescopes, a method tried in his previous
work, as well as the inclusion of landscape trees in the latter. The
trees are removed once they are captured, and they only exist in
photographic images in the eyes of the visitor.

〈파티션즈〉, 2019, 지클리 프린트와 프레임 등 설치 구조물, 가변 크기‘Partitions’, 2019, Giclee prints with frames and installation
structures, Variable size

Step 487컬러풀 밤 COLORFUL BOMB본 작품은 타워 형 박스 위에 다양한 색상의 페인트가 각 면을 타고 내리고 표면에서 터지는 등 유기적인 형태들로 구성된다. 큰 외형에서 드러나는 박스 형태는 건축적인, 도시적인, 현대적인 것을 상징하며 각양각색의 유기적인 형태를 가진 페인트 흘러내림은 현대적인 것에 상반된 자연 또는 자연스러움을 상
징한다. 서로 다른 이 두 이미지는 대립이 아닌 상호 보완적인 어우러짐을 보여주며 현대 도시가 추구해야 할 아름다움에 대한 비율을 시각적으로 보여준다.
This work is composed of various organic forms like the different
colors of paints dripping down or exploding on the surfaces of a
tower-like box. The box shape that makes the overall form of the
sculpture symbolizes architecture, urbanism, and modernity while theorganic shapes of dripping paints of rich colors symbolize the natureor something natural - as opposed to something modern. These
two different images are not pitted against each other; rather, theymutually complement each other, visualizing the right proportion of
beauty a modern city should pursue.

정택성 (1975~)

Take-Sung JEUNG

한국 Korea한국 부산 출생현, 한국 창원 거주 및 활동
Born in Busan, Korea
Lives and works in
Changwon, Korea〈컬러풀 밤〉, 2020, 자작합판, 수성페인트,184 × 160 × 140cm, 100kg‘Colorful Bomb’, 2020, Birch plywood,
Water paint, 184 × 160 × 140cm, 100kg

Main Exhibition 2

88그로부터 비롯된 : LANDSCAPING, MODELING AND DIORAMA /만지는 조각 / 고무조각-크기와 모양이 변하는 조각

IT IS ORIGINATED FROM:LANDSCAPING, MODELING AND DIORAMA / TOUCHING
SCULPTURE / RUBBER SCULPTURE-SCULPTURE CHANGES IN SIZE AND SHAPE김채린 (1983~)
Chae-Lin KIM

한국 Korea한국 부산 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Busan, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea그로부터 비롯된 시리즈는 본래의 기능에서 멀어져 촉각적 자극의 대상이 된사물조각들을 통해 사회 속에서 느끼게 되는 다양한 감정들과 상호간의 위치를 파악해보고자 하였다. 여기서 작품에 쓰여진 사물들은 미술에서의 ‘오브제’라기보다는, 개인화된 사물로서 그 자체로 작품의 재료가 된다.
‘Landscaping, Modeling and Diorama’ 는 건축모형 스펀지 파우더의이름이다. 인공의 자연을 만들어 내는 모형재료인 파우더와 코르크를 재료로어디선가 본듯한 식물을 연상시키는 형태로 만들어졌다.
‘만지는 조각’은 체온에 의해 흰색으로 변하는 검정 조각으로 작품을 만지면그 흔적이 시각적으로 나타났다 시간이 지나면 그 흔적이 사라진다. ‘고무조각- 크기와 모양이 변하는 조각’ 고무재료로 제작되어 크기와 모양이 변할 수있지만, 크기를 키우려고 당긴다면 그만큼의 위험도 감수해야 하는 구조로 작품의 안정성과 크기에 대해 이야기하고자 했다.

The ‘It is Originated from’ series seek to identify different emotions one
feels in a society and these emotions’ positions in relation to eachother through the pieces of objects that, after having been removed
from their original functions, have been objectified for touching.
The objects used in this work are not an objet d’art but materials
themselves as individualized objects.
‘Landscaping, Modeling and Diorama’ is the tile of a sponge powder
for an architectural model. A plant-looking sculpture is made withthe powder and cork - material for artificial landscapes.
‘Touching Sculpture’ changes its color from black to white
according to body temperature. When touched by hand, this black
sculpture is imprinted with a white trace that goes away in time.

〈그로부터 비롯된 : Landscaping, Modeling and Diorama〉, 2019,코르크, 스펀지 코팅된 스티로폼, 79 × 100 × 135cm, 5kg〈만지는 조각〉, 2018, 실리콘 코팅된 석고, 90 × 90 × 51cm, 10kg〈고무조각- 크기와 모양이 변하는 조각〉, 2018, 스폰지, 고무,
90 × 60 × 250cm‘It is Originated From : Landscaping, Modeling and Diorama’,
2019, Cork, Styrofoam coated with Sponge, 79 × 100 × 135cm, 79
× 80 × 135cm, 5kg, ‘Touching Sculpture’, 2018, Plaster coated with
Silicone, 90 × 90 × 51;53 × 68 × 51cm, 10kg, ‘Rubber sculpture Sculpture changes in size and shape’, 2018, Sponge, Rubber band,
90 × 60 × 250cm

Step 489하이브리드 센서리움 HYBRID SENSORIUM‘하이브리드 센서리움’은 물리적인 공간 내에서 우리가 몸을 자각하는 방식과기술의 중재로 인해 야기된 감각의 왜곡을 탐구한다. 이 작품은 관람객이 직접만져볼 수 있도록 설치되어 작품과 관람객 모두 감정적 오염에 취약해진다. 자연적인 재료인 몸, 즉 관객들의 머리를 집어 넣는 구조물은 인공적인 투과성막으로 인간의 생물학적 니즈를 조절하고자 한다. 하이브리드 유기체는 관람객의 호흡 리듬에 실시간으로 반응하고 산소를 얻는 대신 디지털 컨텐츠를 제공하는 방식으로 니즈에 적응한다. 이와 더불어 사용자 행동을 모니터링 및 기록하며 인간이 구축된 환경에 물리적으로 순응할 가능성을 시험한다.
‘Hybrid Sensorium’ explores the way we sense our body within
the physical space and the sensory distortions caused both by
mediating technology. The artwork is placed in immediate physicalcontact with the visitor, thus both become vulnerable to emotional
contamination. A fabricated structure is superposed on the natural
medium of the body, an artificial, permeable membrane that tries
to condition our biological needs. The hybrid organism reacts inreal time to the rhythm of your breathing and tries to adapt it to its
needs, offering digital content in exchange for oxygen. It tests humanavailability to cede physicality to a constructed environment, while
monitoring and archiving the user behavior.

〈하이브리드 센서리움〉, 2017, 레진, 100 × 130 × 230cm

세인트 머신 (1979~)
Saint Machine루마니아 Romania루마니아 칼라파트 출생현, 루마니아 부쿠레슈티거주 및 활동
Born in
CALAFAT, Romania
Lives and works in
Bucharest, Romania‘Hybrid Sensorium’, 2017, Resin, 100 × 130 × 230cm

Main Exhibition 2

90

조각 의식 SCULPTURE RITUALS©Agnieszka CYTACKA안카 레스니악 (1978~)Anka LESNIAK폴란드 Poland폴란드비엘스코-비알라 출생현, 폴란드 그단스크거주 및 활동
Born in
Bielsko-Biala, Poland
Lives and works in
Gdansk, Poland안카 레스니악은 돌 같이 단단한 재료를 조각하는 행위를 모방하고자 한다.
끌, 망치 등의 도구를 사용해서 눈에 보이지 않는 조각을 만드는 것이다. 공중에 끌질하는 작가의 몸짓은 일종의 신비로운 의식을 연상시킨다. 끌과 망치 소리는 모스부호로 암호화된 메시지로서 표현된다. 메시지는 한국의 여성 작가/조각가의 페미니스트 선언이 될 수도 있다. 이 때 텍스트는 관람객들이 가져갈수 있도록 복사본을 비치해 두거나, 작가의 조각 영상에 한 자 한 자씩 나타날수도 있다.
I would like to imitate the act of sculpting in a hard material suchas stone. I am going to sculpt an invisible sculpture with the useof chisels, hammers, etc. I will be chiseling it in the air. My gestures
can be also associated with a kind of mysterious ritual. However
the sounds made by knocking a hammer and chisel will be in fact
an encrypted message in a Morse alphabet. It could be a feminist
statement. Maybe a statement of the Korean female artist/female
sculptor? The text can be available for the audience as a xerocopy/
print which they can take with them or can be also displayed letterby letter on the monitor while chiseling.

〈조각 의식〉, 2020, 조각 끌, 모니터, 1.40 × 50 × 50cm, 10kg

‘Sculpture Rituals’, 2020, Sculpture chiseling, Monitor,
1.40 × 50 × 50cm, 10kg

Step 491

블링-불링 BLING-BULLYING일상 속에 행해지는 ‘폭력’에 대한 이야기와 ‘짤’이라는 미디어의 화법을 통해무수히 복제되며 확장되는 이미지의 폭력성을 얘기하는 것이다. 또한 새로운소통 방식 속에서 변화하는 폭력의 실체를 드러나게 하는 것이다. 새로운 미디어를 활용하며 가볍게 생각하고 행하는 이미지와 댓글이 어떤 이에게 얼마나큰 폭력으로 작용되는지를 보여 주며, 이러한 방식의 소통에 감추어진 폭력적목적성을 드러내려 하고 있다.
This work talks about the violence carried out in everyday life andthe violence of the countlessly replicated and expanding imagesby the language of media called “meme.” This also exposes thetrue nature of violence that changes in these new communication
methods. It clearly demonstrates what a violent blow an image or
on-line comment can be to someone if people take those lightly anduse them in the new media thoughtlessly. It also seeks to expose theviolent purpose hidden behind this type of communication.

〈블링-불링〉, 2020, 레진 위 아크릴, 우레탄, 나무,
400 × 200 × 200cm

박용식 (1971~)
Yong-Sik PARK한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works inSeoul, Korea‘Bling-Bullying’, 2020, Urethane, Acrylic on F.R.P, Wood,
400 × 200 × 200cm

Main Exhibition 2

92

지금 순간이 중요하다 THIS MOMENT MATTERS

김동현 (1974~)

Dong-Hyun KIM

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,Korea이번 출품작은 기본 무대에 여러 개의 쓸모없는 박스들을 설치한 것이다. 기본
무대(환경 세팅)는 같은 메커니즘이 원형을 따라 반복되며 같은 병정 인형을중심으로 배경 화면이 시간에 따라 변화한다. 이러한 환경 안에 여러 개의 쓸모없는 박스들이 설치되며 관람객이 박스들의 버튼을 누르면 박스의 뚜껑이열리면서 박스 안에서 손이 나와 스위치를 바로 꺼버린다. 이러한 시스템은 개인의 무의식과 의식의 관계를 상징화한 것이며 참여자이자 경험자, 관찰자인상태를 경험적으로 인식하게 만든다.
This work is an installation of numbers of old and useless boxes ona basic stage. On this stage (a setup), a mechanism repeats in acircular motion and the background video changes around toy
soldiers as time passes. Within this setup, many useless boxes are
installed and, when a visitor presses a button on the boxes, the box
opens from which a hand comes out to turn off the switch. This system
symbolizes the relation between a person’s subconsciousness andconsciousness and makes the person be aware of three different
states - being a participant, experiencer, and obsever – by going
through such experience.

〈지금 순간이 중요하다〉, 2020, 나무, 철, 알루미늄, 아두이노, 모터,센서, 3000 × 2000 × 3000mm, 100kg‘This Moment Matters’, 2020, Wood, Steel, Aluminum, Arduino,
Motor, Sensor, 3000 × 2000 × 3000mm, 100kg

Step 493

빵 조각 (지고르 바라야자라 & 그린하우스)BREAD SCULPTURE (COLLABORATION - ZIGOR & GREEN HOUSE)‘점심 프로젝트 – 빵 조각 (2014~2020)’
지고르 바라야사라는 로마의 레지던시 프로젝트 참여 시절부터 빵을 사용해서 작업했는데, 당시에는 프로젝트가 마무리되지 않아 결국 빵 조각들은 새들의 모이 신세가 되었다. 세계의 식문화는 크게 서양의 빵 문화와 동양의 쌀 문화로 나뉜다. 작가의 문화권에서 빵은 소박하고 대중적인 음식으로, 고유한 정체성을 지닌다. 빵은 음식, 신화, 의식, 전설에 등장하며 민족의 역사와 맥을같이 해왔다. 관용어구나 속담에서도 쉽게 찾아볼 수 있다. 빵의 가격은 저항이나 혁명을 촉발하기도 했으며, 종교계에서는 상징이나 신들에게 바치는 제물로서 빵을 사용했다. 작가가 손수 빚은 빵은 정서성, 경건성, 반란, 식인행위에 대한 고찰을 제시한다

‘LUNCH PROJECT – bread Sculptures (2014~2020)’
I started working with bread for a residency project in Rome that in
the end did not come out and the pieces ended up feeding birds.
It could be said simplifying that there are two cultures: the cultureof bread (west) and the culture of rice (east). Bread is not only ahumble and popular food in my culture. Bread has its own identity. It
has been present throughout our history in our diet, in our myths, rites
and legends. It even appears in the same language in commonlyused locutions or in numerous sayings. Its price has been the trigger
for revolts and revolutions. Religion has used it as a symbol or as anoffering to the gods. The bread that I model by hand, therefore,
refers us to affectivity, the sacred, rebellion and cannibalism.

〈빵 조각 (콜라보 - 그린하우스 & 지고르)〉, 2020, 빵, 가변 크기지고르 바라야자라 (1976~)
Zigor BARAYAZARRA스페인 Spain스페인 빌바오 출생현, 스페인 빌바오 거주 및 활동
Born in Bilbao, Spain
Lives and works in
Bilbao, Spain그린하우스 (1997~)
GREEN HOUSE한국 Korea한국 창원에서 창립대표 박용호
Established in
Changwon, Korea
CEO Yong-Ho PARK‘SCULPTURE IN BREAD (Collaboration - GREEN HOUSE & ZIGOR)’,
2020, Bread, Variable size

Main Exhibition 2

94

아트 시어터 콜라보 ART THEATER COLLABORATION블랙 시어터 BLACK THEATER

임창주 (1963~)
Chang-Ju YIM

한국 Korea한국 전남 출생현, 한국 충남 거주 및 활동
Born in Jeonnam, Korea
Lives and works in
Chungnam, Korea〈블랙 시어터〉, 2020, 무대, 가변 크기공연 단체 연합Performance Group Union‘Black Theater’, 2020, Stage, Variable size

후에 ❶AFTER | Running Time : 15~20min‘후에’는 새 인간 류의 성장 스토리이다. 어린 시절 류는 가족동반 자살을 기도한아버지에 의해 살해당할 뻔한 경험을 하게 된다. 교량 난간에 걸려 가까스로 목숨을 건지게 된 류는 허공을 나는 새를 보며 그 자유로움을 부러워한다. 그 충격으로 인해 세상과 단절하고 스스로 새 인간으로 살아가게 된다.

❶ 극단 상상창꼬

Imaginary Warehouse
Teater Group (I.W.T.G.)김종갑 Jong-Kap KIM
강주성 Ju-Sung KANG
장세현 Se-Hyun JANG

‘After’ is a growth story of a Liu who is man. Shocked by his father
who attempted to kill his family. Liu is psychologically suppressed,
stuck in birds and lives as a bird’s man.

Step 495

Going through_혼자같은 혼자 ❷GOING THROUGH_ALONE NOT ALONE | Running Time : 20min#1 한끝에서 다른 끝으로
거치다. 경험하다. 겪다. 통과하다. 과정. 끝이 다시 처음일수도 아니면새로운 시작일수도. 너 그리고 내 라이프.
#2 혼자이지만 혼자가 아니라고 생각하는 나.
그러한 나 부정하는 나 결국 혼자인 나. 그것은 모두 나의 몫.
#1 from one end to the other
Go through. Experience. Undergo. Pass through. Process. The end
could be the first, or the new beginning. You and my life.
#2 I'm alone, but I don't think I'm alone.
such me. denying me. I'm all alone after all. It's all up to me.

❷ 아니모 컴퍼니ANIMO COMPANY

박상용 Sang-Yong PARK이유란 Yu-Ran LEE
허지원 Ji-Won HEO

연극 쉬즈블루 ❸SHE'S BLUE | Running Time : 20min연극 ‘쉬즈블루’는 아르바이트를 하며 취업을 꿈꾸는 선주와 그의 주변 젊은이들의 ‘일과 사랑’에 관한 이야기로, 젊은이들이 편리하게 즐겨 찾는편의점을 배경으로 각각의 다른 인생 방향과 가치관의 청춘들이 힘겹고불안정한 자신의 현재 모습을 극복하고 더 나은 미래를 위해 노력하는 이시대 젊은이들의 자화상을 다룬 성장 연극이다.

She's Blue is a theatrical play about the love and work-life of SeonJu, a young part-timer who dreams of landing a full-time job, andher friends. Set in a convenience store frequented by the youth, theplay vividly portrays how the characters with different lifestyles andvalues overcome their current uncertain and insecure situation andmove forward to a better future. The story focuses on the growth ofyoung people today.

❸ 극단 나비

Nabi Theater Group김동원 Dong-Won KIM
이혜지 Hye-Ji LEE
설부용 Bu-Yong SEOL플라멩코-태양의 춤 ❹FLAMENCO-DANZA DEL SOL | Running Time : 20min뜨거운 태양을 닮은 스페인의 춤 플라멩코.
정통 플라멩코는 물론 관객이 좀 더 쉽게 즐기기 위해 퓨전플라멩코음악,익숙한 탱고음악과의 접목 등 다양한 레퍼토리를 선보인다. 플라멩코 무용수들의 역동적인 발구름과 관능적인 춤은 관객에게 즐거움을 선사한다. 우리의 몸짓이 당신의 마음을 두드린다면 주저 말고 외쳐주시길! 올레!

The flamenco of passion is like the burning sun.
After seeing the intense moment and feelings, everyone will notforget. We hope to many people enjoy it. We prepared authentic
flamenco music, fusion flamenco music, and familiar tangomusic. The flamenco dancer's dynamic ball rolling and sensual
dance delight the audience. If our dance beats your heart,say it! Ole!

❹ 알싸 께 또마 플라멩코Arsa Qué Toma Flamenco

이영자 Yeong-Ja LEE
배욱인 Uk-In BAE
권인경 In-Gyeong KWON
황주리 Ju-Ri HWANG
주춘식 Chun-Sik CHOO
장혜정 Hye-Jeong JANG
이정숙 Jeong-Sook LEE
이미숙 Mi-Suk LEE
김지윤 Ji-Yun KIM

Step 4회

Session96시간공연 세부 일정 PERFORMANCE SCHEDULE

Time

일요일
Sunday수요일

Wednesday목요일Thursday

Day

9. 17

1

18:20~18:40

아니모 컴퍼니 0

2

18:50~19:10

Nabi Theater Group 0토요일SaturdayANIMO COMPANY 0극단나비 0

Day

9. 19

1

14:00~14:20

알싸께또마 플라멩코 1

Arsa Qué Toma Flamenco 12

14:30~14:50

Nabi Theater Group 1극단나비 1

Day

9. 20

9. 23

9. 26

1

극단상상창꼬 1
I.W.T.G. 1

임현진Hyun-Jin LIM알싸께또마 플라멩코 2

Arsa Qué Toma Flamenco 2

ANIMO COMPANY 1

송정배(클라운쏭)Nabi Theater Group 22

14:00~14:20
14:30~14:50

아니모 컴퍼니 1

Song-Jeong BAE (Clown Song)극단나비 2

Day

9. 27

9. 30

10. 3

1

18:20~18:40

극단상상창꼬 2
I.W.T.G. 2

김성욱(유타이)Sung-Wook KIM (You tai)알싸께또마 플라멩코 3

Arsa Qué Toma Flamenco 32

18:50~19:10

ANIMO COMPANY 2

Sung-Wook KIM (You tai)

Nabi Theater Group 3

Day
1
2

14:00~14:20

김성욱(유타이)극단나비 3

10. 4

10. 7

10. 10극단상상창꼬 3
I.W.T.G. 3

강지현(노래가야금야금)Kang-Ji HYUN (sing a bite)알싸께또마 플라멩코 4

Arsa Qué Toma Flamenco 4

ANIMO COMPANY 3

Park Soo Young (Gong-won)

Nabi Theater Group 4박수영(공원)극단나비 4

14:30~14:50

아니모 컴퍼니 3

10. 11

10. 14

10. 1714:00~14:20

극단상상창꼬 4
I.W.T.G. 4

김성욱(유타이)Sung-Wook KIM (You tai)알싸께또마 플라멩코 5

Arsa Qué Toma Flamenco 5

ANIMO COMPANY 3

백혜진(하늘소리)Nabi Theater Group 5Day1아니모 컴퍼니 2극단나비 5

14:30~14:50

아니모 컴퍼니 4

Day

10. 18

10. 21

10. 241

14:00~14:20

극단상상창꼬 5
I.W.T.G. 5

성민성(케이-브리즈)

Min-Seong SEONG (K-breeze)이수연(함께탱고)Soo-Yeon LEE(The Hamke Tango)

ANIMO COMPANY 5

유정한(쿤스터댄스컴퍼니)Yoo-Jung HAN (Kunster Dance Company)

Jae-Hyeong KIM

10. 28

10. 31청춘마이크(성산아트홀)청춘마이크(용지공원)

2

2

14:30~14:50

Day아니모 컴퍼니 5

Baik Hye Jin(Haneulsori chorus)

김재형

1
2
3
4
5

홈페이지 참조

Refer to the homepage

YOUNG MIC
(Seongsan Art Hall)YOUNG MIC
(Yongji Park)본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture
Step 5

1. 조하나 Ha-Na JO (1980~), 한국 Korea
2. 마크 안드레 로빈슨 Marc Andre ROBINSON (1972~), 미국 US
3. 권용주 Yong-Ju KWON (1977~), 한국 Korea
4. 이병찬 Byung-Chan LEE (1987~), 한국 Korea
5. 노인우 In-Woo RHO (1986~), 한국 Korea*실내 전시 Indoor Exhibition

Main Exhibition 298

기억의 뿌리 THE ROOT OF MEMORIES조하나 (1980~)
Ha-Na JO한국 Korea한국 세종 출생현, 한국 세종 거주 및 활동
Born in Sejong, Korea
Lives and works in
Sejong, Korea오랜 시간 공들여 접고 손바느질로 기워 가며 연결한 접힌 형태들은 끝이 보이지 않는 미궁 속과 같다. 뇌 속에 내재된 삶의 단편적 조각들과 선조들로부터내려온 시공의 기억들이 뿌리로 연결되어 있음을 ‘비조각 주름’이라는 시각적형체로 표현하고자 했다. 잃어버린 참 모습을 찾아가기 위한 행위들은 접힘과펼침의 질서로 나타냈다. 옻칠과 자연물로 물들여 어우러진 색감은 빛 바랜 세월의 흔적들이 표현된다. 우리 인간을 포함한 모든 생명체와 사물들은 시간이지나면 낡고 오래된 것들로 변해가는데, 이것들은 추하고 하찮은 것이 아니라그 속에는 분명 뿌리부터 자라온 삶의 깊이와 완전함, 그리고 아름다움이 머물고 있다는 걸 느낀다.

Painstakingly creased and handsewn pleat shapes resemble anendless labyrinth. What JO seeks to visually express in the form of
non-sculptural creases is that fragmented pieces of life registered in
the brain and the spatiotemporal memories passed down from ourancestors are linked at the root. The act of recovering one’s lost true
nature is demonstrated in the order of folding and unfolding. The
naturally-dyed and lacquered hues are a remnant of now faded
years. All living organisms, including humans, and inanimate objects
turn old over time; but they are neither ugly nor trivial. At the core,
they possess the depth and completeness of life grown from the rootand beauty.

〈기억의 뿌리〉, 2020, 옻칠한지, 자연염색한 모시, 삼베,
180 × 120 × 60cm

‘The root of memories’, 2020, Paper of Korea, Ramie, Hemp, 180 ×
120 × 60cm

Step 599

반환권 RIGHT OF RETURN의자 또는 사람의 형상 등을 한데 모아 배열하여 밀집된 구성을 이루는 작업은작가가 공동체라는 아이디어를 다양한 형태로 개념화하고 시각화하는 방편이
다. 이 작품은 니즈를 충족시키기 위해 창조의 방식으로서의 실용적 디자인이라는 언어의 범주에 해당하는 연작에 속한다. 작가는 이 작품을 통해 자신이속한 공동체에서 목도하는 실질적인 니즈에 대해 상징적으로 대응하고 있는데,이러한 필요성은 리더십, 가동, 조화, 보호를 위한 메타 수단을 촉구하고 있다.

마크 안드레 로빈슨 (1972~)

Whether the constituent is a chair or a human figure, amassing andarranging them into populous compositions is for me a way of bothconceptualizing and visualizing the idea of community in its many
forms. This is part of a series of works that responds within the lexiconof utilitarian design as a mode of creation to fulfil needs. This work
symbolically responds to real needs that I see in my community
calling for a meta vehicle for leadership, mobilization, harmony andprotection.

미국 US미국 로스앤젤레스
캘리포니아 출생현, 미국 뉴욕 브루클린거주 및 활동
Born inLos Angeles, CA, US
Lives and works in
New York, Brooklyn, US〈반환권〉, 2010, 재활용 목재 의자, 지름 4.6m × 75cm

Marc Andre ROBINSON‘Right of Return’, 2010, Reclaimed Wood Furniture,
Diameter 4.6m × 75cm

Main Exhibition 2

100

캐스팅 2018 CASTING 2018권용주 (1977~)

Yong-Ju KWON

한국 Korea한국 대구 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Daegu, Korea
Lives and works in Seoul,Korea이번 작품의 주제인 캐스팅 2018은 우리 일상에서 흔히 볼 수 있는 도시 풍경속 오브제들을 본래 그것들의 자연스러운 질서에 따라 쌓고 엮어서 형태를 만들거나 혹은 그 위에 다시 천막을 덮고 질끈 묶은 모습 그대로 석고로 떠낸 조각/설치 작업이다. 이러한 형태는 작가의 지난 작업 ‘부표_2010’, ‘폭포 시리
즈 2011~2016’ 등으로 거슬러 올라 그 고리를 찾을 수 있다.

The Theme of this work, Casting 2018, is a sculpture/ins-tallation
work consisting of everyday objects in the urban landscape thatare stacked or interlaced in their natural order or cast in plasterwith covers roped around them. These features are reminiscent of
KWON’s previous works, including Buoy Light_2010 and Waterfall
Series 2011~2016.

〈포장천막1〉,〈포장천막2〉, 2018, 석고, 목재, 오브제, 실리콘 외, 155
× 118 × 275cm, 115 × 115 × 217cm‘Tent1’, ‘Tent2’, 2018, Plaster casting, Wood,
Objects, Silicon and others, 155 × 118 × 275cm, 115 × 115 × 217cm

Step 5101

크리쳐 CREATURE소비 사회의 동질성을 표현하기 위한 다양한 이미지들은 이미 하나의 새로운생태계의 토대다. 모두가 동일한 플라스틱을 소비하고 모두가 동일한 이미지로 스스로까지 소비 대상이 돼야지만 보통의 도시 생태계에 귀속 될 수 있다.
소비 사회를 통한 무분별한 채움의 학습은 신체까지 상품화하여 도시의 생태계를 기형적으로 진화시켜 가고 있다. 평등한 소비 사회의 선전은 판타지를 기반으로 제공된 생태계이기에 우리는 판타지를 기반한 기형적 형태로 변해가며 반복적인 채움을 통해 유지된다. 사회는 판타지 세계에 살고 있는 대중에게판타지가 현실이라는 착각의 도구로 소비 시스템을 형성해 놨다.
Various images that represent the homogeneity of consumptionsociety have already built the foundation for a new ecosystem. One
needs to consume the same plastics and voluntarily become thesubject of consumption with the same image as everyone else tobe part of an ordinary urban ecosystem. Learning of indiscriminate
filling through consumption society has triggered the tendency toregard human bodies as products, driving the deformed evolutionof the urban ecosystem. The propaganda of creating an equal
consumption society is based on a fantasy, and we are sustainedby deforming ourselves and practicing repeated filling on the basisof such fantasy. The society has a consumption system in place as atool to feed an illusion to the public living in a fantasy world that the
fantasy is real.

〈크리처 2020〉, 2020, 에어모터, 비닐, 포장용 홀로그램 플라스틱,은색 포장지, led, led rgb, 300 × 300 × 300cm

이병찬 (1987~)

Byung-Chan LEE

한국 Korea한국 경기도 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in
Gyeonggido, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea‘CREATURE 2020’, 2020, Air Motor, Hologram Plastic, Sliverwrapping paper, LED, LED rgb, 300 × 300 × 300cm

Main Exhibition 2

102

공간 13-03 SPACE 13-03

노인우 (1986~)
In-Woo RHO

한국 Korea한국 창원 출생현, 한국 창원 거주 및 활동
Born inChangwon, Korea
Lives and works in
Changwon, Korea사람은 누구나 대상을 바라보는 시각과 관점이 다르다. 같은 공간을 보면서도그 공간 속 “사람”이 관점이 되는 사람, “사물”이 관점이 되는 사람 등등. 그렇기에 같은 공간을 바라보지만 자신만의 시점에 의해 서로 다른 느낌을 가지게 되고, 공간이 재해석 되어 기억된다. 그 차이를 빛(대중의 시선)과 그림자(대중의 시선에 의해 새롭게 재해석 된 공간)로 표현하고자 한다.

People have different perspectives and viewpoints toward a subject.
For example, when looking at a given space, they can take on aperspective of a person or an object inside that space. As different
perspectives lead to different feelings, the same space is interpreted
differently before being registered in memories. RHO seeks tocapture the gap with light (perspective of the visitor) and shadow(reinterpretation of the space based on the perspective of the visitor).

〈공간 13-03〉, 2020, 아크릴, 190 × 10 × 350cm‘Space 13-03’, 2020, Acrylic plastic, 190 × 10 × 350cm

본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture
Step 6

1. 임정은 JeoungEun LIM (1964~), 한국 Korea
2. 노승복 Seung-Bok ROH (1969~) & 신판섭 Pan-Seop SHIN (1968~), 한국 Korea
3. 이탈 Tal LEE (1967~), 한국 Korea
4. 김윤철 Yun-Chul KIM (1970~), 한국 Korea
5. 하이포매닉스 Hypomanics (2020~), 한국 Korea*실내 전시 Indoor Exhibition

Main Exhibition 2

104깊이의 단서082020 CLUE OF PROFOND(EUR)082020

임정은 (1964~)

JeoungEun LIM

한국 Korea한국 도계 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Dogye, Korea
Lives and works inSeoul, Korea조각 판유리와 거울 양면에 색을 칠하고 빛을 비추면 실내의 벽과 바닥에는 무수한 입방체 형태의 무지개가 흩뿌리는 듯 파노라마가 펼쳐진다. ‘그림자는 검정이다’라는 고정 관념을 깨고 형형색색의 그림자를 통해 상상 속의 다채로운공간을 창조해내고자 함이다. 관람자가 돌아보는 시점, 각도에 따라 그 형상들은 각각 다른 모습들의 큐브(cube)로 보인다.

When light hits sheet glass pieces and mirrors colored on both sides,a rainbow of infinite cubes stretches across the room in a panoramicview. It is an attempt to create an imaginative colorful space filledwith different colored shadows, breaking away from the fixed ideathat “the shadow is black.” The cubes appear in different shapes,
depending on the point and angle where the viewer looks back.

한국 Korea사각형의 흔적-깊이의 단서_빛202006〉, 2005~2020, 세리그라피,퓨즈 장착 유리판, 샌딩 작업을 한 거울, UV 프린트를 한 유리,
각 20 × 20 × 0.5cm‘Trace of cube-Clue of profondeur_shadow2020June’, 2005~2020,
Serigraphy, Fused on Plate Glass, Sandblast on Mirror, UV Print on
Glass, 20 × 20 × 0.5cm(each)Step 6105

백비 (콜라보-노승복 & 신판섭)UNNAMED MONUMENT (COLLABORATION-SEUNG BOK ROH & PAN SEOP SHIN)

작품〈백비〉는 제주 4•3 평화기념관에 있는 백비 기념비를 hologram으로제작한 것이다. 즉 백비는 신원을 알 수 없는 시신이며 역사의 연고를 잃은 비석이다, 인간의 삶에서 공동체 의식을 느낄 수 있는 것은 죽음이며 이것을 생각할 수 있는 것은 기억이다. 홀로그램은 홀로(전체)+그램(메시지)를 의미한
다. 작픔〈백비〉는 인간의 삶에서 공동체 의식을 느낄 수 있는 ‘죽음’과 ‘기억’을 전달할 것이다.
‘Unnamed Monument ‘is a holographic representation of sculpture
with the same title in the Jeju 4·3 Peace Memorial Hall. The
monument is an unidentified corpse and a memorial stone that has
lost its place in history. It is death that arouses a sense of community
in a human life, and what enables this thought is memory. The word
hologram is a combination of holo- meaning “whole” and -gram
meaning “message.” The work is expected to convey the message
of death and memory, the elements that allow humans to feel asense of belonging.

〈백비〉,2020, 홀로그램 스크린, 빔 프로젝터, 스테레오 스피커,400 × 600 × 370cm

노승복 (1969~)

Seung-Bok ROH

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 성남 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in
Seongnam, Korea

신판섭 (1968~)

Pan-Seop SHIN한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works inSeoul, Korea‘Unnamed Monument’, 2020, Hologram screen, Beam projector,
Stereo Speaker, 400 × 600 × 370cm

Main Exhibition 2

106

기억의 예배소 - 광장 MEMORIAL CHAPEL- SQUARE

이탈 (1967~)
Tal LEE한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 인천 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in
Incheon, Korea코로나 위기로 공공장소에 대한 우리의 참여가 약화 될 때, 공공장소는 증발되고, 토론할 수 있는 공간은 사라진다. 거리 두기와 비대면이 불러온 위기의 공공 공간, 그렇게 우리는 그 공간에 있을 수 없는 상황에 처해 있다. 공공장소에서 대중의 목소리를 들을 필요가 있을 때, 촛불을 들고 문지방을 넘어 공적 공간으로 향하는 그 자체가 위기를 초래하는 것이 되었다. 이제 촛불은 문지방너머 우울하고 불안한 사적 공간을 밤새워 비출 뿐이다.

When our participation in public spaces diminishes in the face ofthe pandemic, public spaces evaporate and discussion venues
disappear. As social distancing and a move to non-personal
contact have put public spaces at risk, we are no longer capable ofoccupying these places. The act of carrying a candle and crossing
the threshold into public space when the public’s voices need tobe heard has in itself become a cause that drives a crisis. Now, thecandle merely sheds light on anxious private space on the otherside of the threshold throughout the night.

〈K군 찾기.〉,2019, 키네틱 디바이스, 모니터, 아두이노, 라즈베리파이,쌍방향 비디오, 가변 크기‘Where is K-KUN.’, 2019, Kinetic device, Monitor, Aduino,
Raspberry Pi, Interactive video, Variable size

Step 6107

크로마 CHROMA김윤철 작가의 최근작인〈크로마〉는 세 개의 원이 뫼비우스의 띠처럼 연결되어 있는 구조로 약 300개의 셀이 표면을 뒤덮고 있다. 작품을 구성하는 각각의관절은 조금씩 다른 길이를 가지고 있는데 이로 인해 작품의 키네틱 장치에 따라 셀 구조가 각각 다른 압력을 유지하기 때문에 독특한 패턴의 이미지, 즉 크로마가 구현된다. 안과 밖이 없이 무한히 이어지는 구조는 자신의 꼬리를 무는뱀인 '우로보로스(Ouroboros)'의 신화와 연관된다. 상징과 기호, 지식과 상상, 물질과 정신의 끊임없는 교차가 예술가의 눈과 신체를 통해 어떻게 구체화되는지 보여주는 기념비적인 작업이다.〈대전시립미술관 제공〉
Yun-Chul KIM’s recent work ‘Chroma’ takes the shape of a
Möbius strip composed of three circles connected with each other,with about 300 cells covering the surface of the structure. Each jointof this work is slightly different in length, which enables the chroma– a unique patterned image – when the kinetic device starts
working, thanks to the different pressures maintained by different cellstructures. This work is inspired by the Ouroboros, a mythical serpent
that swallows its own tail creating an infinitely connected circle. Thisis a monumental work that illustrates how the incessant exchange ofsymbols and signs, knowledge and imagination, and material andpsyche is materialized through an artist’s eyes and body.〈Provided
by Daejeon Museum of Art〉

©대전시립미술관

〈크로마〉, 2019, 아크릴, 알루미늄, 고분자 폴리머, LED,
200×150×150cm, 140kg

김윤철 (1970~)
Yun-Chul KIM

한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 인천 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in
Incheon, Korea‘Chroma’, 2019, LED Acrylic, aluminum, polymer, LED,
200 × 150 × 150cm, 140kg

Main Exhibition 2

108

마크 퀸의 셀프가 여기 있을 뻔했다

MARC QUINN’S ‘SELF’ CAME CLOSE TO BEING HERE하이포매닉스 (2020~)
Hypomanics

한국 Korea한국 창원 출생현, 한국 창원 거주 및 활동
Born inChangwon, Korea
Lives and works in
Changwon. Korea벽면 위에 보라색 네온으로 ‘마크 퀸의 셀프가 여기 있을 뻔했다’라는 텍스트가 쓰여 있고 박스 안의 조명이 깜빡이듯 점멸하면서 위태로운 상황을 연출한
다. 셀프(self)는 yBa 작가 마크 퀸(Marc Quinn)이 자신의 피로 만든 유명한자소상이다. 이번 비엔날레 출품을 위해 총감독과 큐레이터들이 노력했으나
최종적으로 출품이 결렬되었다고 한다. 큐레토리얼 실천이 쉽지 않다는 것을공감하면서 여기 총감독과 두 큐레이터, 두 코디네이터가 합심해서 작품 한 점을 출품하였다. 그룹명을 하이포매닉스로 지었는데, 이 단어는 명사로 사용될때, ‘가벼운 조증, 즉 경조(輕躁)증에 걸린 사람들’이라는 뜻으로 종종 ‘심하게기분 좋은 사람들’을 지칭할 때 사용된다. 에너지와 아이디어가 넘치는 한편,수다스럽거나 산만하고, 목표를 향한 열정으로 과도하게 광폭 행보를 하면서무리수를 두는 경우가 많지만 실패의 경험은 새로운 활력을 낳는다. 큐레토리얼 팀이 그 마음을 이 작품에 담았다.
On the wall, the text made of neon, “Marc Quinn’s ‘Self’ came close
to being here” is written, and the light inside the box flashes, creatinga precarious situation. Self is a famous self-portrait created by yBa
artist Marc Quinn in his own blood. The artistic director, the two
curators and the two coordinators came together to present a pieceof work reflecting the challenges of curatorial practice. The group
was named Hypermanics, which is often used as a noun to refer to"severely agreeable people," meaning "those with mild mania, orconsternation." While overflowing with energy and ideas, there aremany cases where people overdo it by being talkative or distracting,
and with a passion for goals, but the experience of failure gives
birth to new vitality. The curatorial team is supposed to present thismeaning through the work.

〈마크 퀸의 셀프가 여기 있을 뻔했다〉, 2020, 네온, 38 × 100cm‘Marc Quinn’s ‘Self’ came close to being here’, 2020,
Neon, 38 × 100cm본전시 2 Main Exhibition 2

비조각으로
To
Non-Sculpture
Step 7

1. 최연우 Yun-Woo CHOI(1978~), 한국 Korea
2. 손몽주 Mong-Joo SON(1978~), 한국 Korea
3. 나나 호슈넌 홀랜드 바스트럽 Nana Rosenørn Holland BASTRUP(1987~), 덴마크 Denmark
4. 헨릭 스트롬버그 Henrik STRÖMBERG(1970~), 스웨덴 Sweden*실내 전시 Indoor Exhibition

Main Exhibition 2

110태초로부터 – 20201017 FROM THE BEGINNING - 20201017

최연우 (1978~)
Yun-Woo CHOI
한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea감정이나 초현실적인 현상들, 꿈, 신, 도, 등과 같은 보이지 않는 것들은 진짜인가? 그렇다면 그것들은 그들만의 물리적 공간을 점유하고 있을까? 이런 질문들로 나의 작업은 시작한다. 최신의 이론 물리학은 이론적으로 증명된 11개
의 시공간 차원이 있다고 한다. 이것이 진실이라면, 셀 수 없는 차원들이 공간안에서 오버랩 되고 숨어 있을 수 있다. 이로부터 나는 보이지 않고 만질 수 없는 것들이 숨어 있고 겹쳐져 있는 그 차원들에 물리적으로 존재할 수 있다고생각하기 시작했다. 내 작업에는 수 많은 구멍들이 있다. 그 구멍들은 우리의상징적 지식에 의한 우리의 생각 프로세스 너머에 있는 수많은 정보의 페이지들 사이에 존재하는 차원들에 관한 이야기이다.
Are invisible things, such as feelings, surreal phenomena, dreams,
god, or tao(道) real? If so, do they occupy their own physical space?
CHOI’s work stems from these questions. According to the latest intheoretical physics, there are 11 theoretically-proven spatiotemporaldimensions. If this is true, an endless number of dimensions could
be overlapped and hidden in a given space. This left the artist
thinking that invisible and untouchable elements could physicallyexist in those hidden and overlapped dimensions. CHOI’s work has
countless holes in it. They tell a story of dimensions that exist between
numerous pages of information lying beyond the thinking process
based on our symbolic knowledge.

〈태초로부터 - 20201017〉, 잡지, 스테인리스 와이어, 스프레이 페인트,조명, 300 × 600 × 300 cm, 30kg

‘From The Beginning – 20201017’, Magazine, Stainless wire, Spraypaint, Light, 300 × 600 × 300cm, 30kg

Step 7111

떠다니는 나무 FLOATING TREE최근 ‘그네 프로젝트’를 진행하며 스윙, 균형 잡기, 순응, 대립, 반복, 운동 관계 등에 관심을 둔다. 더듬어 보면 나의 ‘라인 시리즈’에서 후작을 한참 모색하
던 2014년 즈음 표류물과 공간을 고민하면서 그러한 것들에 관심이 시작되었다. 탄성밴드가 장악하는 장력 공간에 표류된 오브제를 추가하며 탄력적인 공간과 오브제를 표현해 보았다. 물가를 또는 공중을 떠 다니는 크고 작은 부유물들은 자연과의 힘 겨루기 뒤에 어디서부터 인지 모르게 떠내려 온 것이다.
토양에 직립해 있어야 할 생명이 맥없이 물결에 마모되어 밀려온 게 아닌가.
떠밀림의 연속 속에 떠 다니는 관계를 공간에 그려내어 본다.
SON has developed an interest in swings, balancing, adaptation,
confrontation, repetition, and dynamics with her recent ‘Swing
Project’. In retrospect, she believes her interest first began around2014, when she was planning a follow-up to the ‘Line Series’ by
exploring floatage and space. Floating objects are added to atensile space dominated by elastic bands to bring the element ofelasticity to the space and objects. Matters of different sizes floatingin the water or air have drifted from an unknown place after playing
a tug-of-war with nature. A life that should have stood upright insoil has been powerlessly washed up on the shore. The floating
relationship driven by a continued push is portrayed in the space.

〈표류로〉, 2014, 합성고무밴드, 와이어, 타카,2000 × 1100 × 800cm

손몽주 (1978~)Mong-Joo SON

한국 Korea한국 부산 출생현, 한국 부산 거주 및 활동
Born in Busan, Korea
Lives and works in Busan,
Korea‘Floating road’, 2014, Rubber band, Wire, Tacker,
2000 × 1100 × 800cm

Main Exhibition 2

112

종이상자5 PAPP NO. 5

나나 호슈넌 홀랜드바스트럽 (1987~)
Nana Rosenørn
Holland BASTRUP덴마크 Denmark덴마크 코펜하겐 출생현, 덴마크 코펜하겐거주 및 활동
Born in Copenhagen,Denmark
Lives and works in
Copenhagen, Denmark나나 호슈넌 홀랜드 바스트럽은 1987년 덴마크 코펜하겐에서 태어났다.
2015년 함부르크 미술대학을 졸업하였으며, 현재 고향인 코펜하겐에 거주하며 예술가로 활동하고 있다. 2009년부터는 폐포장지를 활용하여 소형 골판지마스크부터 대규모 설치미술에 이르기까지 다양한 작품을 제작하며, 주로 광고, 소비, 재활용 등을 주제로 작업활동을 이어가고 있다. 작가는 수집한 골판지를 쌓아 올리거나 폐포장지 조각을 모아 작품을 만드는데, 이를 통해 과소비, 개인 선택, 그리고 이미지와 문자의 홍수 속에서 놓치고 있는 전체적인 맥락에 대해 묘사하고 있다. 설치미술은 시공간에 대한 동시대의 기록이라 할 수
있다. 골판지 상자는 연도별, 국가별로 각기 다르다. 2018년부터 작가는 자신의 작품에 다양한 설치미술을 담은 기록용 사진을 활용하고 있다.

Nana Rosenørn Holland Bastrup was born in 1987 in Copenhagen,Denmark. She graduated from the University of Fine Arts in Hamburg
in 2015. Currently, she lives and works as an artist in Copenhagen,Denmark. Since 2009, she has mainly worked with used productpackaging – covering smaller cardboard masks as well as large
expansive installations. The themes include advertising, consumption
and recycling. She creates her work by either stacking collected
cardboard boxes or assembling fragmented packaging waste. The
works are comments to excessive consumption, individual choice
and loss of overview in the flood of images and texts. Furthermore
the installations are like contemporary documents of our time andplace. The cardboard boxes are different from country to country
and from year to year. The work method is accumulation and “tetris”
of different sizes of cardboard boxes. Since 2018 Nana uses the
documentation photos of the different installations in her paintings.

〈종이상자 4〉, 2011, 종이상자, 335 × 700 × 100cm‘Papp no. 4’, 2011, Cardboard bo×es, 335 × 700 × 100cm

Step 7113

버티칼 스토리 텔링 VERTICAL STORY TELLING헨릭 스트롬버그의 작품은 새로운 기표(signifier)에 대한 탐색에서 시작한다.
작가는 소스의 연결, 오브제의 재조립 및 재평가(trouvé)를 통해 내용을 변경하며 형태에 영향을 준다. 그의 사진 작품과 콜라주는 궁극적으로 진화와 행동의 결과를 보여주며, 다른 기표들은 보는 이에게 새로운 대화를 제시한다. 결과의 강도는 각 작품에 여실히 드러나는데, 이들은 새로운 형태를 취하며 시적이면서도 날카로운 풍자를 던진다.
Henrik Strömberg’s work starts with the quest for a new signifier:interlacing sources, re-assembling and re-evaluating objects (trouvé)
he acts on the form while changing the content. Ultimately, his
photographic works, as well as with his collages, are picturing, at thesame time, the evolution and the outcome of an action, while othersignifiers are now challenging the viewer to a new dialogue. The
strength of the result appears in each piece, where receding to the
new forms, the works are delivering a poetic yet sharp innuendo.

〈버티칼 스토리텔링〉, 2020, 특정 공간 설치를 위한 스케치, 금속구조물, 종이, 피그먼트, 수정 크리스탈 13개, 가변 크기헨릭 스트롬버그 (1970~)
Henrik STRÖMBERG

스웨덴 Sweden스웨덴 멜비 출생현 독일 베를린 거주 및 활동
Born in Mellby, Sweden
Lives and works in Berlin,
Germany‘Vertical Story Telling’, 2020, Sketches for a site specific installation,
Metal structures, Paper, Pigment, 13 pieces ofQuarts Crystals, Variable size특별전 1 Special Exhibition 1이승택한국의 비조각

Seung-Taek LEE
Non-Sculptureof Korea*실내 전시 Indoor Exhibition

Special Exhibition 1

115

특별전 공간 소개 ABOUT THE SPECIAL EXHIBITION HALL

창원문화재단은 2020 창원조각비엔날레 본전시 2 ‘비조각으로’ 가 열리는 성산아트홀의
지하 1 층 유휴 공간인 성산아트홀 뷔페 를 리모델링하여 두 개의 특별전과 커뮤니티 프로그램을 운영하는 특정 장소로 바꾸었 다. 주방과 홀 , 결혼식장 등 크게 세 가지 성격으로 구분되는 뷔페 공간은 청소와 안전 점검, 필요에 따른 최소의 벽면 파티션과 조명 설치를 통해 시 재생의 문화 공간인 2020 창원조각비엔날레의 특별관으로 탈바꿈 하였다.
The Changwon Cultural Foundation has renovated what used to be a buffet
restaurant on the basement level of the Seongsan Art Hall, the venue for the
Biennale’s Main Exhibition 2 “To Non-Sculpture,” into a space dedicatedto two special exhibitions and community programs. The buffet restaurant
was originally divided into three areas - a kitchen, a dining hall anda wedding hall. After a thorough clean-up, safety checks,and partition walland lighting work, it transformed into an urban regeneration space thatwelcomes visitors to the special exhibitions.

Special Exhibition 1

116

이승택, 한국의 비조각 SEUNG-TAEK LEE, NON-SCULPTURE OF KOREA

이승택 (1932~)

Seung-Taek LEE

한국 Korea함경남도 고원 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Gowon,
Hamgyeongnamdo,
North Korea
Lives and works
in Seoul, Korea

특별전1은 성산아트홀 특별관인 지하1층에서 펼쳐지는 실내 주제전으로 1980년 자신의 작업을 ‘비조각’이라고 천명하면서 ‘비조각적 실험 조각’을 탐구했던 선구적인 한국 조각가 이승택 선생님의 회고전 성격의 대규모 개인전이다. 작가는 1932년생으로‘비조각적 시도와 문화인류학적 기억’(1955~1971), ‘줄 연작과 존재에 대한 개념적 질
문’(1971~1983), ‘비조각, 무속, 환경, 분단 현실’(1984~1990), ‘포토 픽쳐, 몽타주, 드로잉’(1990~)에 천착해 왔던 것으로 평가 받고 있다. 작가의 작업은 새끼줄, 밧줄, 어망, 헝겊, 천 조각, 머리털, 깃털, 돌멩이, 부표 등 각종 비조각적인 오브제를 조각의 재료로 삼아 만들어 낸 ‘비조각적인 조각 실험’을 선보이는 조각적 설치 혹은 설치적 조각이라고 말할 수 있다. 이번 전시에는 이러한 작품 외에도 바람, 공기, 물, 불, 흙으로부터
기인하는 동양적인 ‘비물질의 미학’을 드러내는 다양한 작품들과 아카이브도 소개할 예
정이다. 전시에는 과거의 작품과 현재의 신작을 포함하여 60여 점이 출품되고, 조각, 설치, 사진 콜라주, 평면 드로잉, 인터뷰 영상 등으로 꾸며진다. 한편 관련 프로그램으로이승택 작가의 작품 세계를 조명하는 ‘국내 학술 컨퍼런스’도 진행된다.
Special Exhibition 1 is an indoor, themed exhibition taking place in Special
Exhibition Hall located on the basement level of the Seongsan Art Hall. This isa major solo exhibition shedding a retrospective light on a pioneering Korean
sculptor Seung-Taek LEE, who explored the depths of “experimental nonsculptures” ever since he declared his works to be “non-sculptural” in 1980.
Born in 1932, LEE still remains prolific. He has devoted himself to “non-sculpturalattempt and cultural anthropological memories” (1955~1971), “Rope series
and the conceptual questions on existence” (1971~1983), “non-sculpture,
shamanism, environment, reality of division” (1984~1990), and “photo picture,montage, drawing” (1990 to present). His art can be best described as “nonsculptural experiments” in the form of sculptural installation or installation
sculpture, using non-sculptural objects including straw-braided ropes, strings,
fish nets, old fabric, cloth pieces, human hair, feathers, pebbles, and buoys.
This exhibition features a diverse collection of LEE’s latest and early works aswell as archives that are based on the aesthetics of immateriality in the Eastsurrounding the elements of wind, air, water, fire, and earth. It reviews morethan 60 works across a range of media, from sculptures, installations, photocollages, drawings, to interview clips. As a sideline program, an Academic
Conference will be held to explore the artistic legacy of LEE.

Special Exhibition 1

117

신의 배설물 EXCREMENT OF GOD두 개의 캔버스 틀 위에 마(麻)로 만들어진 섬유로 된 부드러운 재료가 나란히 병치되어 있는 형태로 캔버스는 회화를 올리는 2차원 마당이자, 캔버스 틀은 회화의 지지대이다. 캔버스 틀은 그 자체로 작품이 아니라회화라는 작품을 위한 부가적 존재로, 3차원 조각과는 거리가 있는 재료이다. 한편 그 위에 부드럽고 유연한재료로 만든 부조가 자리하고 있는데 ‘3차원 조각이 얇은 높이로 올라서 있는 작품’을 부조라고 부른다. 회화의 지지대일 뿐인 캔버스 틀과 얇은 두께의 3차원 부조가 만난 이 작업은 분명 물리적으로 조각이라 정의할 수 있지만, 개념상으로는 ‘회화도 조각도 아닌 무엇’처럼 보인다. 비조각의 유형을 띠고 있는 이유는 회화의 바탕인 캔버스 틀로 구성된 두 작품이 부조 형식의 한 쌍으로 병치되어, ‘변형 캔버스’라 번역되는 셰이프드 캔버스(shaped canvas)를 이루고 있기 때문이다.
Two soft chunks of hemp are juxtaposed to each other, on top of two separate canvas frames.
The canvas is the two-dimensional surface on which a painting is created, while the canvas
frame supports the painting. The canvas frame is not an artwork itself, but rather a supplementthat completes it. It is a material that is far from being a three-dimensional sculpture. But what
if there is a relief made of soft and flexible material placed on top of it? A relief is a mode ofsculpture that is slightly raised above the surface. This work is a combination of low relief andcanvas frames, which merely support a painting. Physically, it can be defined as a sculpture,but in concept, it is something else that is neither a paining nor a sculpture. The reason it canbe considered as non-sculpture is that the two canvas frames are juxtaposed to form what is
known as a shaped canvas.

〈신의 배설물〉, 2015, 캔버스 틀 위에 마닐라 삼,
좌: 69 × 69cm 우: 80 × 59 cm‘Ecxrement of God‘, 2015, Manila hemp on the Canvas Frame, Left:
69 × 69cm, Right: 80 × 59cm

Special Exhibition 1

118

매어진 돌 TIED STONE이 작품은 돌이라는 딱딱한 재료를 마치 부드러운 쿠션과 같은 재료로 변화시킨 것처럼 보인다. 작가가 자연석에 홈을 파서 와이어와 연결해 놓은 이 작품은 우리의 지각이 전달하여 도달케 하는 관성적 인식을 흔들어
놓는다. 분명히 돌인데 돌처럼 보이지 않는다는 인식, 돌은 물리적으로 이러한 결과를 만들지 않는데, 낯선초현실적 결과를 초래했다는 인식과 이러한 생각들이 이 작품을 대면하면서 갖게 되는 ‘관성적 인식’이라고 할수 있다. 그런 점에서, 예술가의 엉뚱한 상상은 고정된 질료성을 배반하거나 변주하는 가운데서 빛을 발한다.
It seems that LEE pulled off a magic trick to transform the stones, which are hard, into cushionlike soft materials. In fact, he carved a crack into the natural stone and wrapped a wire around
it. The work debunks our preconception that happens when our brain interprets what we see,
as if our conception is driven by inertia. It is a stone, but it doesn’t look like one. It’s physically
impossible for a stone to bring this strange, surreal result, yet it does. These are the “inertial
thoughts” that run through our minds when we encounter this work. The artist’s bold imagination
comes to life, as it challenges and puts a new spin on fixed matterness.

〈매어진 돌〉, 70년대~2012, 철사, 돌, 가변 크기‘Tied stone’, 70s~2012, Wire, Stone, Variable size

Special Exhibition 1

119

무제 UNTITLED이 작품은 부드러운 소재의 빨간색 끈으로 매듭을 지으면서 서로의 매듭을 이어나가는 형상을 만든 조각이며 여러 매듭을 서로 연결한 리좀(rhizome)형 모델의 비조각이다. 리좀이란 잔디처럼 하나의 뿌리가 아닌‘서로를 잇고 있는 복수의 가짜 뿌리’이다. 완벽한 리좀의 이상을 성취하는 것은 아니더라도, 이 작품은 주인이 되는 할아버지와 그 아래 아버지, 아들, 손자로 이어지는 계보를 지닌 수목(樹木)형 모델과는 다른 리좀의 민주적 위상을 전개한다. 매듭들이 서로가 서로를 연결한 채 단지 ‘친구의 위상’을 견지하고 있기 때문이다.
This sculpture is a network of interconnected knots made of soft-textured red strings. It’s arhizome-style non-sculpture. Rhizomes are multiple faux roots that are intertwined with eachother, rather than a single root found in grass. The work represents rhizomes’ democratic status,
if not their ideals, marking a departure from a typical tree-like model with a hierarchy startingwith the grandfather at the top and the father, the son, and the grandson underneath it. Theinterconnected knots simply maintain ties of friendship.

〈무제〉, 1984, 캔버스 프레임 위에 오브제, 붉은색 실,
캔버스:205 × 130cm, 실 뭉치:140 × 100 × 12cm
‘Untitled’, 1984, Object on the Canvas Frame, Red thread,
Canvas: 205 × 130cm, Thread: 140 × 100 × 12cm

Special Exhibition 1

120나무종이 PAPER TREE자연의 나뭇가지들 아래 길고 가늘게 자른 한지들이 늘어지듯 매달려 있는 형태의 작품이다. 민속신앙에 따르면, 서낭당은 토지와 마을을 수호하는 서낭신을 모셔 놓은 신당(神堂)이지만, 민초들에겐 그저 현실적 문제를 타계하기 위한 ‘만연한 기복신앙’의 한 대상일 뿐이다. 작가는 오늘도 한국의 고유한 전통적 미감을 계승하고 현대화하는 작업에 매진하고 있다.
Narrow strips of traditional Korean paper are hanging from natural tree branches. The paper
strips lightly flutter, responding to the movements of passersby and greeting them. Does thiswork remind you of a sacred tree decorated with strips of silk found next to Seonangdang?
Seonangdang is a shrine to the guardian spirits of a village that protects the land and thevillage, but for ordinary villagers, it was simply one of the subjects to which they can fleefrom their everyday problems and pray for blessings to come. As seen from this piece, LEE iscommitted to carrying on and modernizing the legacy of traditional Korean aesthetics.

〈나무종이〉,1970, 종이, 나뭇가지, 가변 크기‘Paper Tree’, 1970, Paper, branches, Variable size

Special Exhibition 1

121

바람 WIND

예식장을 전시장으로 리모델링하면서도 이전에 있었던 전면 유리창을 남겨두어 관객과의 소통에 늘 골몰했던 작가에게 투명한 유리 벽을 통해 열린 소통의 개념을 잘 드러내는 매개체 역할을 하도록 하였다. 밖과 안,도시의 풍광과 건물 내부의 풍경, 일상 공간과 예술 공간 등 대비되는 것들의 만남을 투명하게 연결하는 유리 벽은 이 공간 안에 천장으로부터 내려온 붉은 천들의 유연한 정체성과도 닮아 있다. 한편, 유리벽은 붉은천들을 생동감 있게 하는 무엇이다. 야외 설치에서, 바람이 이 붉은 천에게 생명을 주었다고 한다면, 실내 설치에서 생명을 주는 것은 이 유리 벽인 셈이다.
Transparent glass walls are a medium that symbolizes open communication, the theme which
has always fascinated the artist. They seamlessly connect contrasting elements, such as theexterior and the interior, the urban scenery and the inside view, and the everyday space andthe artistic space. The glass walls are also linked to the flexible identity of the red strips of fabrichanging from the ceiling, as they are what makes the red fabric lively. The glass walls breathe
life into the red fabric in the indoor setting, just as wind would do outdoors.

〈바람〉, 1969~2002, 헝겊, 9000 × 9168mm‘Wind’, 1969~2002, Cloths, 9000 × 9168mm

Special Exhibition 1

122

꺼구로, 비미술 SIDEUP DOWN, NON-ART“나는 세상을 거꾸로 보았다. 꺼구로 생각했다. 꺼꾸로 살았다.”노년의 작가 이승택은 몇 년 전 개인전에서 이렇게 쓴 글을 관객에게 선보였다. 이 글에서, “나는 세상을”이라는 주어와 목적어는 가로로 쓴 반면, 나머지 세 개의 문장은 세로로 썼는데, 세로 글을 우측에서 좌측으로읽는 방식을 고려할 때, 우리는 그가 쓴 동사의 변화 순서가 ‘거꾸로-꺼구로-꺼꾸로’의 방식으로 맞춤법이 점점 왜곡되면서 현재에 이르는 모습을 발견할 수 있다. 한국 미술계의 중심으로 우뚝 선 현재까지도, 이승택작가는 언제나 그랬듯이 ‘비주류의 아방가르드적 태도’로 ‘비조각’이라는 실험 미술에 천착하고 있는 중이다.

“I looked at the world upside down. I thought sideup down. I lived downside up.”
These are the words senior artist Seung-Taek LEE unveiled at his solo exhibition held a few years
ago. He wrote the subject (“I”) and the object (“the world”) horizontally, while writing theremaining sentences vertically. Considering the way vertical text lines run right to left, we cansee that the spelling of the adverbial phrase has been distorted from “upside down” to “sideupdown” to “downside up.” LEE has now cemented his position as a central figure in the Korean
art scene, but he still explores the experimental art of non-sculpture in a fringe, avant-gardemanner.

〈꺼구로, 비미술〉, 실사 출력, 38 × 50cm
‘Sideup Down, Non-Art’, Photo print,
38 × 50cm

특별전 2 Special Exhibition 2

아시아 청년미디어 조각

Young Asian Artist
Media Sculpture

1. 이천표 Cheon-Pyo LEE (1980~) & 제이납 이자디야르 Zaynab IZADYAR(1983~), 한국 Korea, 이란 Iran
2. 림콕융 Kok Yoong LIM (1980~), 말레이시아 Malaysia
3. 밴디 라타나 Vandy RATTANA (1980~), 캄보디아 Cambodia
4. 치카이웬 Kai-Yuan CHI (1983~), 대만 Taiwan
5. 강주리 JooLee KANG (1982~) & 셴셴루오 Shenshen LUO(1980~), 한국 Korea, 중국 China
6. 박경종 Kyung-Jong PARK (Shawn Park)(1979~), 한국 Korea
7. 웨일런 제임스 디수자 Waylon James D’SOUZA (1986~), 인도 India
8. 안성석 Sung-Seok AHN (1985~), 한국 Korea
9. 박광수 Gwang-Soo PARK (1984~), 한국 Korea
10. 이현준 Hyunjoon E (1982~), 한국 Korea
11. 스테판 리아브첸코 Stepan RYABCHENKO (1987~), 우크라이나 Ukraine
12. 나빌라 노르딘 Nabilah NORDIN (1991~), 싱가포르 Singapore
13. 키무라 미츠노리 Mitsunori KIMURA (1983~), 일본 Japan*실내 전시 Indoor Exhibition

Special Exhibition 2

124

자율의 변명 (콜라보 : 이천표 & 제이납 이자디야르)ALIBI OF AUTONOMY (COLLABORATION : CHEON-PYO LEE & ZAYNAB IZADYAR)

이천표 (1980~)

Cheon Pyo LEE

한국 Korea한국 출생현, 미국 뉴욕 거주 및 활동
Born in South Korea
Lives and works in
New York, US제이납 이자디야르 (1983~)
Zaynab IZADYAR이란 Iran이란 카라즈 출생현, 미국 뉴욕 거주 및 활동
Born in Karaj, IranLives and works in
New York, US생산과 유지 보수의 반복에 주목해 작업한다. 작가 부부가 바젤에 예술가 레지던시에서 생활하면서 받은 영수증을 모은다. “Alibi of Autonomy”는 작가에게는 예술 활동을 유지하기 위한 삶에 초점을 두고 수집한 콜렉션이며, 이렇게 모은 영수증 가계부는 소설가 Razmig Bedirian에게 건네진다. 소설가는이를 실제 사건과는 별개로 영수증 속 소비를 따라가는 여정을 통해 단편 소설(The Rhinemaiden A shortness of breath and a taste of ash)을 완성
한다. 영수증은 레지던시에 지원하고 선발된 작가의 생활을 담은 기록이고 소설가에게는 글의 재료이다. 이 소설을 작가에 의해 다시 이미지와 영상, 설치로 재생산된다. 이번 작품인 “Alibi of Autonomy”는 작가 스스로의 자율성의 기록인 동시에 기관의 지원을 받았기에 열심히 활동해야 하는 예술가의 알리바이이다. 하나의 영수증은 두 가지 컨텍스트 안에서 스스로를 돌아본다.

“Alibi of Autonomy” disguises autonomy in the prejudice anddiscrimination structured into daily life. Realizing the fact that an art
practice is a practice of repetition and maintenance, Artists Zeynab
Izadyar and Cheon pyo Lee presents “Alibi of Autonomy.” This bookpresents a collection of receipts from “all” expenses in Basel during
Atelier Mondial residency along with the novella written by Razmig
Bedirian. The writer who never visited Basel was assigned a book ofreceipts collected from Basel. In order to write the story, he had toplay the role of a detective analyzing my expenses and itineraries.

〈자율의 변명〉, 2020, 혼합재료, 462 × 260 × 40cm

‘Alibi of Autonomy’, 2020, Mi×ed media, 462 × 260 × 40cm

Special Exhibition 2

125불사조의 인식론 AN EPISTEMOLOGY OF PHOENIX이 제작 실험은 지각에 영향을 미치는 내부요인 (필요와 가치)과 외부 요인(강도, 색, 크기)의 상호 작용을 보여줌으로써 세종대왕의 이데올로기를 전달하는 역할을 분석하는 작업이다. 이 조각은 내부 추상화를 구체화하는 새로운형태의 힘을 행사하기 위한 수단으로 사용됨을 보여주기 위해 3D디지털 방식으로 제작되었다. 고대 문화 데이터의 트랜스 코딩 잠재력은 역사를 순수한 추상 형태로 표시하기 위함이다. 이러한 이미지 또는 기억의 형태는 관객의 신념에 도전하기 위한 단순한 현상학적 호기심으로 제시한 것이다.
This fabrication experiment analyzes the role of communicating theideologies of King Sejong through his music by demonstrating theinterplay of internal factors (needs and values) and external factors(intensity, color, size) that are affecting the perceptual salience. The
sculpture encompasses digitally fabricated objects used as vehicle
for the exercise of a new forms of power a power to materialize theinternal abstraction. It is the transcoding potential of an ancient
cultural data allows history to be displayed at its pure abstract
forms. These memory images/ forms are presented as a mere
phenomenological curiosity to challenge audience’s belief about
memory beliefs.

〈불사조의 인식론〉, 2019, 3D프린팅, ABS, 가변 크기

림콕융 (1980~)

Kok Yoong LIM말레이시아 Malaysia말레이시아 출생현, 말레이시아
쿠알라룸푸르 거주 및 활동
Born in Malaysia
Lives andworks in Kuala
Lumpur, Malaysia‘An Epistemology of Phoeni×’, 2019, 3D printing, ABS,
Variable size

Special Exhibition 2

126

저 멀리, 저 곳에 바다 FAR AWAY, OVER THERE, THE OCEAN밴디 라타나 (1980~)
Vandy RATTANA캄보디아 Cambodia캄보디아 출생
현, 일본 거주 및 활동
Born in Cambodia
Lives and works inJapan“Far away, over there, the ocean” 은 총 세편의 필름 중 두 번째 파트에해당하는 모노로그이다. 영상은 바쁘게 지나가는 도시 프놈펜에 살고 있는 한젊은 화가에 대한 이야기다. 작가는 풍경의 존재를 이해하기 위해 여기저기를헤매고 다니며, 이러한 행위를 통해 미에 대한 환상을 쫓는 한 사람의 삶과 경험에 대한 조각들을 투영한 경험을 풀어낸다.
“Far away, over there, the ocean” is second part of MONOLOGUE
Trilogy. The film is about a young irritating painter who lives inPhnom Penh, the busy capital. He is wandering around and trying
to understand the existence of landscape. It is just a sensation thatis produced by various fragments of experiences in life of a personthat creates by itself a projection into an illusion of beauty.

〈저 멀리, 저 곳에 바다〉, 2019, 35분 영상, 가변 크기‘Far away, over there, the ocean’, 2019, 35min video, Variable size

Special Exhibition 2

127마운틴 오션 MOUNTAIN OCEAN작가는 공간과 사람, 문화에 주목한다. 현지에서 구할 수 있는 재료로 공간의특성을 살림과 동시에 동양적 컨텍스트에 뿌리를 두고 <마운틴 오션>을 재건
한다. 전시가 진행되는 지역의 기와를 이용해 바다를 표현하고 바다 앞 풍경을작가의 시점으로 보여주어 각자 다른 곳에 있어도 바라보는 지점을 통일하고싶어하는 작가의 의도를 보여준다.
The artist pays much attention to the dialectical relation within space,human beings and cultures. Thus, by applying local roofing tiles in aspace of unique characteristics, he reconstructs so-called “Mountain
Ocean” which has its origin in the Asian context. The artist expresses
the ocean as a metaphor by using traditional bricks from the site.
The landscape upon the horizon is chosen by the artist, which shows
the intention of him wanting to share the same view with the viewers.

〈마운틴 오션〉, 2020, 아크릴판, 기와, 260 × 364 × 477cm

치카이웬 (1983~)
Kai-Yuan CHI

대만 Taiwan대만 가오슝 출생현, 대만 타이페이거주 및 활동
Born in
Kaohsiung, Taiwan
Lives and works in
Taipei, Taiwan‘Mountain Ocean’, 2020, Acrylic plate, Roof tile,
260 × 364 × 477cm

Special Exhibition 2128볼 수 없지만 존재하는, 존재하지만 볼 수 없는
CANNOT SEE BUT EXIST, CAN SEE BUT NOT EXIST강주리 (1982~)
JooLee KANG
한국 Korea한국 수원 출생현, 한국 서울,미국 보스턴 거주 및 활동
Born in Suwon, Korea
Lives and works in Seoul,
Korea and Boston, US강주리와 셴셴루오의 첫 협업 작품으로 함께 미국에서 활동할 당시 느꼈던 인지적 불확실성이 주는 언캐니(Uncanny, 낯익은 두려움, 기이한 느낌) 현상에 대한 공통의 관심에서 영감을 얻었다. 살아 있음(존재함)과 변화, 부재에 대한 고찰을 담은 강주리 작가의 드로잉을 기반으로 셴셴루오의 새로운 해석과디지털로 확장한 매핑 기법(mapping technique)이 더해져 새로운 색과 리듬을 담아 공간을 연출한다.
Kang and Luo have had worked in the US and shared the common
interest in the phenomenon of Uncanny (familiar fear, bizarre feeling)
given by cognitive uncertainty. This work shows their thoughts about
being alive (existing), changing, and absence in their work throughtheir first collaboration as a video installation work.

셴셴루오 (1980~)
Shenshen LUO

중국 China중국 북경 출생현, 중국 북경 거주 및 활동
Born in Beijing, China
Lives and works in
Beijing, China〈혼란〉, 2018, 종이에 펜, 잉크젯 프린트, 가변 크기'Chaos’, 2018, Pen on paper, Inkjet printing, Variable size

Special Exhibition 2

129

태그 맨 서울 TAGMAN SEOUL태그맨은 올드미디어와 뉴미디어 그리고 사회적 상호 작용이 혼합된 퍼포먼스를 포함한다. 모든 사람이 엄청난 양의 데이터를 만들어내며 자체적으로 이미지를 생성하는 세계에서 정보를 운영하는 시스템의 의도는 깊이 생각해 볼만 하다. 체제는 결국 인간의 행동과 가치를 통제하고 변형시킬 수 있기 때문
이다. 태그 맨은 정보로서 파편화된 인간의 모습을 서로 공유하는 시스템을 물리적으로 보여준다. 단 현실과 반대로, 여기서의 알고리즘과 목적은 순수한 예술이다.
Tagman is a performance art mixed with drawings and social
interaction. In the world where every human produces a tremendous
amount of self-created data and images, the intention of theoperating system is worth investigating. It can control humanbehavior and values. Tagman physically represents fragmented
information of humans and the system that shares it. On the contrary
to reality, the algorithm and purpose here is purely ART.

〈태그맨 서울〉, 2018, 혼합재료, 퍼포먼스박경종 (1979~)

Kyung-Jong PARK
(Shawn PARK)한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 전주 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works in
Jeonju, Korea‘Tagman Seoul’, 2018, mi×ed media, Performance

Special Exhibition 2

130영원한 귀환의 메아리 ECHOES IN ETERNAL RETURN웨일런 제임스
디수자 (1986~)

Waylon James D’SOUZA인도 India인도 뭄바이 출생현, 인도 고아 거주 및 활동
Born in Mumbai, India
Lives and works in Goa,India무엇이 자연이고 무엇이 합성인가? 플라스틱 공들은 바다를 은유하면서도 한때 플랑크톤의 과거, 그리고 현재 물속에 떠도는 석유 등을 표현한다. 마치 배가 바다에서 녹슬 듯, 모든 것은 산화한다. 작가는 고래와 사람, 두 종류의 포유류를 시적으로 해석하여 그 딜레마를 표현한다. 환경에 해를 줄 수밖에 없지만 계속 항해해야 하는 선원처럼, 고래와 플랑크톤이 결국 천년 동안 화석이되어 석유로 다시 돌아오는 것처럼 이들의 인과 관계는 니체의 사상과 불교의철학을 반영한다.

What is natural and what is synthetic? The plastic balls emulate theoceans, and also the represent petroleum and its effects, whose
origins were plankton of the past which sequestered carbon forour current consumption, evolution and its release. The great
oxygenation lead to the great oxidation, like a ship rusting at sea,iron that feeds the plankton, and then the whales in turn. This is theocean a sailor has to navigate, which he extracts or transports
resources for the rest of mankind while affecting the ecosystem,
the whale and plankton, that sequesters carbon to form fossil fuelfor the future millennia, thus reflecting philosophies of Nietzscheism
and Buddhism.

〈영원한 귀환의 메아리〉, 2020, 영상, 볼 풀, 가변 크기‘Echoes in Eternal Return’, 2020, Video, Ball poll, Variable Size

Special Exhibition 2

131일시적 자율 공간 TEMPORARY AUTONOMOUS ZONES일시적 조각이 위치한 일시적 자율 공간은 권력에 대항하는 영토로서 작용하고, 억압되거나 흡수되기 이전에 해산된다. 동시대 예술은 공동체를 대표하는개념이다. 도시 공간을 재배치해 도시를 변화시킨 부동산 사업 방식과 마찬가지로 동시대 미술도 장소의 확산과 책임의 결여로 정의된다. 예술품은 경제적자산이 됐고, 때로는 공공성과 사적인 부가 충돌하는 미술시장의 흥망성쇠를보면 점차 소멸하는 공공의 공간을 떠올릴 수 있다. 그 중심에는 조각 사업이있고, 작가 또래 많은 예술가들도 결국엔 장소의 확산과 책임의 결여로 이어지는 길로 빠져들고 있다.
Temporary Autonomous Zones where a Temporary Sculpture islocated acts as a territory against power, and is dissolved before
it is suppressed or absorbed. The contemporary art is a conceptthat represents the community. Just like the real estate businessmethod, which changed the city by rearranging the urban space,contemporary art is defined by the spread of places and the lackof responsibility. Art has become an economic asset, and therise and fall of the art market, where public and private wealthsometimes collide, can remind us of a public space that is graduallydisappearing. At its core is the sculpture business, and in the end
many artists his age are also falling into the path leading to the
spread of places and lack of responsibility.

〈일시적 자율 공간〉, 2020, VR, 모니터, 250 × 421 × 267.4cm

안성석 (1985~)

Sung-Seok AHN

한국 Korea한국 수원 출생현, 한국 수원과 서울거주 및 활동
Born in Suwon, Korea
Lives and works in
Suwon & Seoul, Korea‘Temporary Autonomous Zones’, 2020, VR, monitor,
250 × 421 × 267.4cm

Special Exhibition 2

13260페이지 60 PAGE박광수 (1984~)

Gwang-Soo PARK한국 Korea한국 강원도 철원 출생현, 한국 서울거주 및 활동
Born in Cheorwon,
Gangwondo, Korea
Lives and works in Seoul,Korea이 작업은 병동 침실에서 잠을 자고 있는 환자를 작은 수첩에 그린 드로잉에서
시작한다. 잠자는 환자를 그린 드로잉 위에 같은 크기의 두 번째 종이를 대고베껴 그린 후, 두 번째 장위에 세 번째 장을 대어 베껴 그리는 식으로 60장을반복해서 그려 연결한다. 손의 부정확함 때문에 베껴 그린 드로잉들이 미세하게 달라지고 달라진 형태를 대고 다시 반복해서 그린 드로잉들을 모두 연결했을 때 숨이 옅어서 정지된 듯 보이는 대상이 크게 숨쉬는 것 같이 보였으면 했다.
My drawing begins from a patient I drew who was resting in bed ata hospital. I traced over the first drawing, and then traced over andover until there were 60 of them. By the inaccuracy of my hands
when tracing, I hoped that the subject seemed to be breathing
when these drawing were animated.

〈60 페이지〉, 2012, 드로잉 애니메이션, 반복 재생,
150 × 15 × 46cm
‘60 Pages’, 2012, Animated vid, Continuous loop,
150 × 15 × 46cm

Special Exhibition 2

133

계절감 있는 작업 SEASONAL WORK작가는 설치미술가로 조각, 페인팅, 사진, 퍼포먼스, 음악 등 다양한 미디어를활용해 작업하며, 언제나 ‘자아’에 대한 주제 의식을 놓지 않는다. 이번 작업은“계절감 있는 작업”에 대한 고찰로 시작된다. 작가의 교묘한 솔루션은 선풍기와 조명, 천을 이용해 공감각적으로 표현되고 현실을 살기 위해 주체를 잃어가는 미술 작가들의 이야기를 포함한다.
The work starts from consideration of “seasonal art piece”, Theirepisodes are satirized with humor and expressed sympatheticallyand it represents contemporar y ar tists who are losing theirconsciousness to survive with using fans, lightings and fabric.

이현준 (1982~)
Hyunjoon E한국 Korea한국 서울 출생현, 한국 서울 거주 및 활동
Born in Seoul, Korea
Lives and works inSeoul, Korea〈계절감있는 작업>, 2018, 환풍기, 천,우드프레임, 200 × 92 × 92cm
‘Seasonal work’, 2018, Ventilators, Fabric, Wood frame,
200 × 92 × 92 cm

Special Exhibition 2

134

버츄얼 가든 시리즈 중 FIOLENT CRYSTAL BABYFIOLENT CRYSTAL BABY- FROM THE VIRTUAL GARDEN스테판리아브첸코 (1987~)

Stepan RYABCHENKO우크라이나 Ukraine우크라이나 출생현, 우크라이나 거주 및 활동
Born in Ukraine
Lives and works in
Urkraine작가의 디지털 자연은 환경과 인류의 하모니를 이루는 목적의 의식과 그 관계성에 주목한다. 가상의 정원 연작은 의인화된 꽃이 가상의 풍경 속에서 자라나는 모습을 표현한다. 환상에서 볼 수 있을 법한 꽃 한 송이의 꽃잎과 잎을 움직이는 모습은 작가의 형제 세르게이 리아브첸코의 동작과 풍부한 사운드트랙을 함께 작업하여 만들어 낸 결과물이다.

“Stepan Ryabchenko’s digital nature espouses the idea of harmony
between human kind and its environment, where each side of
the relationship is seen as a subject endowed with consciousness.
The series Virtual Garden is comprised of anthropomorphic flower
characters inhabiting minimalist virtual landscapes. Each character
comes with a personality, the artist’s description, and a mythology.
In the world of his own making, the artist faces no external canonsor limitations. “Brought to life” with animation, the fantastical flower
slowly moves its tentacle leaves to atmospheric ambient soundtrack,developed by the artist’s brother Sergey Ryabchenko specifically forthe purpose.

〈버츄얼 가든 시리즈 중 Fiolent Crystal Baby〉, 2018,디지털 영상, 7분
‘Fiolent Crystal Baby - From the Virtual Garden’,2018, digital video, 7minutes in loop

Special Exhibition 2

135

특징 SALIENT FEATURES작가의 조형적 설치는 건축물과 재료에 관한 혼돈을 표현한다. 조형물들은 낡고 붕괴되는 건축의 현장을 묘사한다. 이번 작품〈특징〉또한 이러한 불온전한 형태가 각기 다른 높이로 안정적이지 못한 상태를 표현한다. 이러한 시도는체계화되지 않으며 불안해 보이지 않는 계급 사회를 또 다른 방식으로 풀어낸작가의 의도이다.
Nabilah Nordin’s sculptural installation honours a haphazard
approach to building and materiality. Constantly tinkering withthe precariousness of construction, her sculptures speak to thechallenges of decay and collapse. In〈Salient Features〉, three small
sculptures are propped up on different levels of what appears to be
an unstable armature. This wooden structure adopts an arbitraryhierarchy of objects where certain sculptures are either elevatedor demoted. They play on an attempt of monumentality within an
unsystematic yet inventive vocabulary.

나빌라 노르딘 (1991~)
Nabilah NORDIN싱가포르 Singapore싱가포르 출생
현, 오스트레일리아거주 및 활동
Born in Singapore
Lives and works inAustralia

Installation view from ‘Peae Altitude’ group show at The
Commercial, 2019 Photo: Alex Kiers / The Commercial〈특징〉, 2020, 나무, 시멘트, 아크릴, 가변 크기

Installation view from ‘Peae Altitude’ group show at
The Commercial, 2019 Photo: Alex Kiers / The Commercial‘Salient Features’, 2020, wood, cement, Acrylic, Variable size

Special Exhibition 2

136

우리, 포유류 WE MAMMALS키무라 미츠노리 (1983~)
Mitsunori KIMURA일본 Japan일본 출생현, 시즈오카, 일본거주 및 활동
Born in Shizuoka, Japan
Lives and works in
Shizuoka, Japan털이란 요소는 포유류와 사람에게 생명의 상징과 같은 존재다. “털은 후에부착할 수 있는 것이 아니다. 털은 자란다.” 자라나는 과정을 표현하기 위해작가는 털이 자라는 패널을 발명하고, 자라나는 털이 표현되는 환경을 조성
한다. 또한 체인 톱으로 인해 깎이는 과정을 적용하여 작품이 더 현실적으로
보이게끔 작업한다.

Fur (hair) is common in mammals and human, and symbol of thelife. “Hair isn’t something to attach afterwards. It grows.” Thus, hair(fur) have to be grown from the artworks themselves. The artist has
invented “hair-growing panel” to reproduce a condition of “growinghair” on the surface like fur. Hair grows automatically simply byshaving the surface with chainsaw. In this way, Actual rules areincorporated into the art works and make it more realistic.

〈우리, 포유류〉, 2016, 판넬 위 아크릴, 가변 크기‘We Mammals’, 2016, Acrylic on hair-growing panel, Variable size포토앨범 Photo Album

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후원 및 협찬 Sponsors
주최 Hosted by주관 Organized by

후원 Sponsored by메인 협찬사 Main Supported by프리미엄 협찬 Premium Supported by미디어 후원 Media Supported by(중국 상해)협력 Cooperated with경남도립미술관, 대전시립미술관, 창원대학교 메이커아지트, 창원미술청년작가회, 한국미술평론가협회,예술과미디어학회, 한국문화예술협동조합, 그린하우스, 알싸께또마 플라멩코, 극단나비, 극단상상창꼬,아니모컴퍼니, 2020년 문화가 있는 날 청춘마이크

2020창원조각비엔날레를 만든 사람들

People who made Changwon Sculpture Biennale 2020• 창원시장
허성무(창원문화재단 이사장)• 창원문화재단 대표이사강제규• 창원조각비엔날레 추진위원회황무현 추진위원장, 황규종 부위원장, 강주연,고영문, 김경희, 김영호, 김이순, 원인종, 윤진섭,이상헌, 천원식, 최대식, 최태만, 한진섭• 비엔날레 기획
총감독 : 김성호수석큐레이터 : 김숙경큐레이터 : 차상민협력큐레이터 : 박소희, 조수혜, 고은빈커미셔너 : 왕지에, 이드리사 잘로코디네이터 : 성기민, 박혜윤• 창원조각비엔날레추진팀
추진팀장 : 김용만기획운영총괄 : 손지영운영 및 행정 : 이동근홍보마케팅 : 이소진, 윤예지전시 설치 과장 : 김민성전시 설치 지원 : 신재호전시장 관리 : 김덕남• 도슨트김정삼, 송지영

•Mayor of Changwon City
Sung-Moo HUH (Chairperson of Changwon
Cultural Foundation)•President of Changwon Cultural Foundation
Je-Gyu KANG
•Steering Committee Members
Chairperson : Mu-Hyeon HWANG
Vice-Chair Person : Kyu-Jong HWANG
Member : Joo-Yeon KANG, Yeong-Moon KO,
Kyeong-Hee KIM, Young-Ho KIM, Yi-Soon KIM,
In-Jong WON, Jin-Seop YOON, Sang-Heon LEE,
Won-Sik CHEON, Dae-Sik CHOI, Tae-Man CHOI,
Jin-Sub HAN•Executive Team Members
The Executive Director : Yong-Man KIM
Management and Operation : Ji-Young SON
Administration : Dong-Geun LEE
Public Relations : So-Jin LEE, Ye-Ji YOON
Production Manager : Min-Seong KIM
Production Support : Jae-Ho SHIN
Exhibition Support : Deok-Nam KIM•Docent
Jeong-Sam KIM, Ji-Young SONG

•Biennale Planning
Artistic Director : Sung-Ho KIM
Senior Curator : Sook-Kyeong KIM
Curator : Sang-Min CHA
Associate Curator : So-Hee PARK,
Susan CHO, Eun-Bin KOH
Commissioner : Wang Jie (王皆), Idrissa Diallo
Coordinator : Ki-Min SUNG, Hye-Yoon PARK

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오시는 길 Guide Map• 용지공원(포정사)Yongji Park(Pojeongsa)경상남도 창원시 의창구 용호동3
Yongji Park, Yongho-dong 3, Uichang-gu, Changwon-si,
Gyeongsangnam-do, Republic of Korea• 창원문화재단 & 성산아트홀

Changwon Cultural Foundation & Seongsan Art Hall경상남도 창원시 의창구 중앙대로 181 (용호동)181, Jungang-daero, Uichang-gu, Changwon-si,
Gyeongsangnam-do, Republic of Korea

창원중앙역
Changwon Jungang Station
경남도청Gyeongsangnam-do
Provincial Office창이대로Changi-daero용지공원(포정사)Yongji Park(Pojeongsa)
성산아트홀Seongsan Art Hall원이대로
Woni-daero시티세븐풀만
앰배서더호텔
Grand Mercure
Ambassador Changwon

창원 고속 버스 터미널
Changwon Express
Bus Terminal홈플러스
Homeplus창원시청 Changwon City Hall시청광장City Hall Square롯데백화점
Lotte Department Store올림픽 공원
Olympic Park창원병원
Changwon Hospital창원대로
Changwon-daero마산 방면
Masan direction신창원역
Sinchangwon
Station상남로
Sangnam-ro창이대로Changi-daero

용지못 Yongji Lake김해공항방향 창원터널Gimhae Airport direction
Changwon Tunnel발행처 : 창원문화재단
발행인 : 창원문화재단 이사장 허성무경상남도 창원시 의창구 중앙대로 181
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인쇄 : 주식회사 남성기획디자인 : 오르카 스튜디오번역 : 시그니처W
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181, Jungang-daero, Uichang-gu, Changwon-si,
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