Tadaaki
OTAKA
Conductor

尾高忠明
指揮
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©Martin Richardson

1947年生まれ。国内主要オーケストラへの定期的な客演に加え、ロンドン響、
ロンドン・フィル、BBC響、ベルリン放送響など世界各地のオーケストラに客演。
1991年度サントリー音楽賞受賞。1997年には英国エリザベス女王より大英勲章CBEを授与された。1999年には英国エルガー協会より日本人初のエルガー・メダルを授与され、1993年王立ウェールズ音楽演劇大学より名誉会員の称号、ウェー
ルズ大学より名誉博士号、2012年有馬賞（NHK交響楽団）、2014年北海道文化賞、2018年度関西「音楽クリティック・クラブ賞」本賞、大阪文化祭賞、日本放送協会放送文化賞、2019年JXTG音楽賞洋楽部門本賞などを受賞。2021年11月、旭日小綬章を受章。
現在、N響正指揮者、大阪フィル音楽監督、BBCウェールズ・ナショナル管桂冠
指揮者、札響名誉音楽監督、東京フィル桂冠指揮者、読響名誉客演指揮者、紀尾井
ホール室内管桂冠名誉指揮者。また2021年から「東京国際音楽コンクール〈指揮〉」の審査委員長に就任。複数の大学で後進の指導も積極的に行っている。
Tadaaki Otaka was born in 1947. He has conducted all major Japanese Orchestras. He is also
a popular figure throughout the world particularly in the UK, where he is invited as Guest Con-

ductor to London Symphony, London Philharmonic, and BBC Symphony, among others. Otaka
made his Proms debut with BBC National Orchestra of Wales in 1988. He also received invitations to Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Bamberg Philharmonic and many others. In 1997,
he was awarded the CBE, in recognition of his outstanding contribution to British musical life.  

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C
A
SeriesSeries

第940回 定期演奏会Cシリーズ
Subscription Concert No.940 C Series

東京芸術劇場コンサートホール

1月17日（月）  14:00開演

2022年

Mon. 17. January 2022, 14:00 at Tokyo Metropolitan Theatre

第941回 定期演奏会Aシリーズ
Subscription Concert No.941 A Series

東京文化会館

1月18日（火）  19:00開演

2022年

Tue. 18. January 2022, 19:00 at Tokyo Bunka Kaikan

指揮 ● 尾高忠明 Tadaaki OTAKA, Conductor

チェロ ● 横坂 源 Gen YOKOSAKA, Violoncelloコンサートマスター ● 四方恭子 Kyoko SHIKATA, Concertmasterディーリアス（ビーチャム編曲）：歌劇『村のロメオとジュリエット』（10 分）
より間奏曲「楽園への道」
Delius (arr. by Beecham): The Walk to the Paradise Garden                                                                        from “A Village Romeo and Juliet”

エルガー：チェロ協奏曲 ホ短調 op.85（28 分）
Elgar: Cello Concerto in E minor, op.85

Ⅰ Adagio - Moderato
Ⅱ Lento - Allegro molto
Ⅲ Adagio
Ⅳ Allegro - Moderato - Allegro, ma non troppo
休憩 / Intermission  （20 分）

チャイコフスキー：交響曲第６番 ロ短調 op.74 《悲愴》（45 分）
Tchaikovsky: Symphony No.6 in B minor, op.74, “Pathétique”

Ⅰ Adagio - Allegro non troppo
Ⅱ Allegro con grazia
Ⅲ Allegro molto vivace
Ⅳ Finale: Adagio lamentoso〈アンケートのお願い〉※当初の発表から演奏者および曲目の一部が変更になりました。 本日はご来場くださり、誠にありがとうございます。今後の参考に
主催：公益財団法人東京都交響楽団
させていただきますので、お客様のご意見・ご感想をお寄せくださ
後援：東京都、東京都教育委員会
い。お手持ちの携帯電話やスマー        文化庁文化芸術振興費補助金
トフォンなどから２次元コードを                （舞台芸術創造活動活性化事業）
助成：
読み取りいただくか、下記 URL        独立行政法人日本芸術文化振興会
からもご回答いただけます。
演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

https://www.tmso.or.jp/j/questionnaire/
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Gen YOKOSAKA
Violoncello

横坂 源
チェロ

©Takashi Okamoto

桐朋学園女子高等学校（男女共学）を卒業後、ソリスト・ディプロマ・コースを経て、シュトゥットガルト国立音楽大学およびフライブルク国立音楽大学で研鑚を積む。鷲尾勝郎、毛利伯郎、ジャン＝ギアン・ケラスの各氏に師事。2002年、全日本ビバホールチェ
ロコンクールにおいて史上最年少で第1位を受賞。2009年、全ドイツ学生音楽コンクー
ル室内楽部門第１位。2010年、ミュンヘン国際音楽コンクール第２位。これまでに出光音楽賞、齋藤秀雄メモリアル基金賞、ホテルオークラ音楽賞を受賞。
2019/20年に演奏活動20年を迎え、スザンネ・ツァーガー・スヴィリドフのチェロ
協奏曲《つばき》の委嘱・世界初演をヴュルト・フィル（Würth Philharmoniker ／ドイツ）と、日本初演を齋藤友香理／東響と行った。また、ミシェル・ルグランのチェロ協奏曲（山田和樹／日本フィル）、パスカル・デュサパンのチェロ協奏曲《アウトスケ
イプ》（杉山洋一／都響）の、それぞれ日本初演を果たした。
Gen Yokosaka began to play cello at the age of 4 and studied with Katsuro Washio and
Hakuro Mori at Toho Gakuen School of Music. Gen also studied at Staatliche Hochschule fürMusik und Darstellende Kunst Stuttgart and Hochschule für Musik Freiburg under the tutelageof Jean-Guihen Queyras. Gen went on to win numerous competitions including Viva Hall
Cello Competition in 2002 in which he became the youngest ever winner at 15. He also won
the 2nd prize of Internationaler Musikwettbewerb der ARD München in 2010.

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1/18 A Series  ディーリアス（ビーチャム編曲）：
  歌劇『村のロメオとジュリエット』より
  間奏曲「楽園への道」「敵対する集団に属する若い男女の恋がたどる悲劇」を結晶化させたのがシェークスピアの『ロメオとジュリエット』である。以後これに倣った幾多の芸術作品が作られ、音楽も例外ではない。ベルリオーズの劇的交響曲やチャイコフスキーの幻想
序曲、ベッリーニとグノーのオペラ、プロコフィエフのバレエはもとより、ヴェルディ『アイーダ』、ワーグナー『トリスタンとイゾルデ』、ドビュッシー『ペレアスとメリザンド』
も同類であろう。ディーリアスの『村のロメオとジュリエット』もこの系譜に属する。
フレデリック・ディーリアス（1862～1934）はマーラーやリヒャルト・シュトラウス
と同世代の作曲家。イングランド北部ヨークシャーのブラッドフォードで生まれたため「英国の作曲家」とされているが、ドイツ系移民の家庭に生まれ、青年時代に米国フロリダの農園で働き、ヨーロッパに戻ってライプツィヒ音楽院に学び、パリで活動した。後半生はパリ近郊の小村グレ＝シュル＝ロワンに住み、その地で没した、
コスモポリタンな作曲家である。ライプツィヒではグリーグと、パリではドビュッシーと交流し、彼らからの影響も垣間見える。ワーグナーに熱烈に傾倒したため、とりわけ和声の扱いで 「イングランドのワグネリアン」と呼ばれることもある（「楽園への道」には『トリスタンとイゾルデ』の 「愛の死」と同一の和声進行がある）。しかし、彼の本質は演劇性や構築性ではなく、洗練された抒情性にあった。
ディーリアスは、教養小説『緑のハインリヒ』で知られるスイスの作家ゴットフリー
ト・ケラー（1819～90）がドイツ語で書いた短編集『ゼルトウィーラの人々』第1巻（1856）中の 「村のロメオとユリア（Romeo und Julia auf dem Dorfe）」に感銘を受けた。舞台はスイスの僻村。土地をめぐって対立するふたつの農家の息子サリと娘ヴレリが恋に落ち、現世では結ばれないと悟って心中する。閉鎖的な村
社会、土地争い、村八分、定期市、放浪者たち、とヴェリズモ・オペラのような筋立てである。狂言回しとして謎めいた放浪のヴァイオリニストが登場し、スイスの山間の村の自然の移ろいと人間たちの営みが対照されながら話が進んでいく。ディー
リアスは自ら台本を書き、1900～01年に６場からなるオペラとして完成させるが、初演はやや遅れて1907年にベルリンで行われた。
第５場から第６場への場面転換のために、ディーリアスが初演の直前に間奏曲として書き足したのが「楽園への道」である。第５場は定期市。着飾った大勢の人々が繰り出し、見世物や屋台も出て大変な賑わい。浮かれた歌や音楽が聞こえてくる。
サリはヴレリに指環を買ってやり、共に踊ろうとする。しかし、村八分になった自分たちの惨めな境遇とかけ離れた華やいだ空気にいたたまれなくなり、その場を離れ、２人はとぼとぼと「楽園（Paradise Garden）」 へと向かう。第６場の 「楽園」

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1/18 A Seriesとは村はずれにある居酒屋の店名で、そこでは夜通し踊ることができる。到着すると、村の掟に縛られない放浪者たちが宴を開いており、恋人たちに仲間に入らないかと語りかける。彼らに加わることにも躊躇したふたりは「楽園」でいっときの幸福に浸った後、小舟に乗って川に漕ぎ出し、船底の栓を抜いて水中に沈んでいく。
「楽園への道」 は、悲哀と諦念と愛の陶酔が織り合わされた耽美的な音楽である。それまでの５つの場で登場した様々なモティーフが登場する。冒頭、ホルンとファゴットがゆっくりとp で最初の主題を提示し、イングリッシュホルンが受ける。曲全
体を通して木管楽器群は独奏的な動きを見せる。やがてクラリネットが３連符の上行音型で始まる「愛のテーマ」をmp で奏し、第１ヴァイオリンが続く。ハープの伴奏と共に「愛のテーマ」が様々な楽器で繰り返され、うねるように高まっていき、
ff のトゥッティで頂点に達する。中間部は 「愛のテーマ」 のモティーフによる穏やかな音楽となり（オペラでは間奏曲の途中で短時間ながら幕が上がり、サリとヴレリが口づけを交わして「楽園」へと立ち去る場面である）、やがて２度目のクライマッ
クスを迎え、トランペットが輝かしく「愛のテーマ」を奏する。音楽は徐々に減衰
しpppp で消え入る。
『村のロメオとジュリエット』の初演がベルリンで行われたことが示すように、ディーリアスは当初ドイツで評価された。この作品の英国初演を指揮し、生地でディーリ
アスの音楽を広めることに貢献したのはトマス・ビーチャム（1879～1961）である。
彼はオーケストラの演奏会で取り上げやすくするために「楽園への道」を３管から２管編成に編曲した。本日演奏されるのは、そのビーチャム編曲版である。
（等松春夫）
作曲年代： 1906年（全曲の作曲は1900～01年）
初

演： 全曲／1907年２月21日 ベルリン
フリッツ・カッシーラー指揮 ベルリン・コーミッシェ・オーパー
全曲の英国初演／1910年２月22日 ロンドン
トマス・ビーチャム指揮 ロイヤル・オペラ・ハウス（コヴェント・ガーデン）

楽器編成： フルート２、オーボエ、イングリッシュホルン、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、ティンパニ、ハープ、弦楽５部

  エルガー：
  チェロ協奏曲 ホ短調 op.85
ヴァイオリンを習ってはいたものの、作曲家としての職業的訓練を積むのが比較的遅かったイギリスのエドワード・エルガー（1857～1934）。高い知名度を得るきっかけとなったのは、1899年に初演された 《エニグマ》 変奏曲であり、このときすでにエルガーは42歳になっていた。ブラームス（1833～97）や R.シュトラウス（1864～1949）など、同時代のドイツの管弦楽作品に範をとった大規模な交響曲などで
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20世紀初頭に成功を収めるも、第一次世界大戦（1914～18）の時期には都会の生活に疲弊し、イングランド南部ウェスト・サセックスのフィトルワースに屋敷を借り、ここで英気を養う。
チェロ協奏曲は1918～19年、大戦末期に手がけられ、同時期に作曲した弦楽
四 重 奏 曲ホ短 調 op.83を演 奏したチェロ奏 者フェリックス・サモンド（1888～
1952）の助言によって完成、初演された。

ホ短調（#１つ）という調は、弦楽器の有名な協奏曲では数少ない（メンデルス
ゾーンのヴァイオリン協奏曲など）。あるいは、ロ短調（#２つ）で同じ２管編成を有するドヴォルザークのチェロ協奏曲を意識したものかもしれない。
第１楽章

アダージョ～モデラート 冒頭におかれた短い独奏チェロの序奏は、曲全体を支配する陰鬱な雰囲気を代表するかのような響きを持ち、また第２楽章冒頭や第４楽章の最後にも登場し、作品全体を統一する主要モティーフの役割をも果たす。この主題に導かれ、おずおずとヴィオラが歌い始める第１主題は、都会暮らしで体調を崩し、静養していた時期に手がけられた。８分の９拍子（時に８分の12拍子）による、引きずるような、ためらうような旋律と、室内楽的な管弦楽の響きは、みずからの音楽が向かうべき先をあてどなく探しているかのよう。
第２楽章

レント～アレグロ・モルト

全体で４つの楽章を有した、本格的な交響曲とも呼ぶべき体裁を整えた曲ではあるが、第１楽章から第２楽章にかけては切れ目なく演奏されるため、協奏曲の通例たる３楽章形式とも考えられる。主要モティー
フが変化した４分の４拍子の無窮動を、ひたすら細かい音符として独奏チェロがスピッ
カート（弓をはずませながら急速に歯切れよく奏すること）で刻み続ける。
第３楽章

アダージョ この楽章だけは主調のホ短調からやや遠い変ロ長調（♭

２つ）に設定されている。伴奏はクラリネット、ファゴット、ホルンが各２本と弦楽５部だけに制限され、独奏チェロは徐々に下降しながら、時にオクターヴの跳躍を挟む、
ひたすら息の長い旋律を紡ぎ続ける。
第４楽章

アレグロ～モデラート～アレグロ、マ・ノン・トロッポ

前楽章の変ロ

長調を変ロ短調で引き継いだ短い序奏の後、「レチタティーヴォのように」と記されたチェロの独奏が挟まれ、やがて軽快な主要主題がホ短調で登場する。この主題が何度も登場することを考えれば、変形されたロンド形式と考えるのが妥当か。終結部前に、第３楽章の主題と第１楽章冒頭が続けて回顧されるところなど、《エニグマ》 変奏曲と同様、その真意は謎めいている。
（広瀬大介）
作曲年代： 1918～19年
初

演： 1919年10月27日 ロンドン
フェリックス・サモンド独奏 作曲者指揮 ロンドン交響楽団

楽器編成： フルート２（第２はピッコロ持替）、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、弦楽５部、独奏チェロ

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1/18 A Series  チャイコフスキー：
  交響曲第６番 ロ短調 op.74《悲愴》
ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー（1840～93）の辞世の作となったこの交響曲が標題を秘めていることは、作曲者自身が示唆している。第１楽章のスケッチを終えてまもない1893年２月11日（ロシア旧暦）の手紙に「この曲には標題があるが、それは聴く人の想像に任せ、謎のままにしておく。その標題はまことに主観的なもので、私は旅行中、この曲を構想しながらひどく泣いた」と記されているのだ。
構想中に泣くほどに主観的、とは尋常ではないが、この交響曲がきわめて感情的な、
死にまつわる標題を秘めていることは、作品そのものからも明らかだ。
第１楽章の暗く激しい闘争的性格や展開部でのロシア正教の死者のための聖歌の引用、第４楽章における「ラメントーソ（悲しみに沈んだ）」 の表記どおりの重々しさと感極まったような感情表現、そして事切れるような終結。何より伝統的な楽章配置を敢えて崩してまでラメントーソの緩徐楽章を最後に置いたことに、劇的な闘争→死といった標題性が浮かび上がる。
実はこの交響曲の前に、チャイコフスキーは 《人生》という題の交響曲を構想しており、そのスケッチに “終曲＝死、崩壊の結果” “終楽章は消え行くように閉じる”
といったメモが記されていた。この交響曲は断念されたが、新たに書き始められた第６番にその標題上のアイデアが受け継がれたことは間違いない。また完成後の1893年９月、彼はコンスタンチン・ロマノフ大公（1858～1915）から詩人アレクセイ・
ニコラエヴィチ・アプーフチン（1840～93）を追悼する《レクイエム》 の作曲を持ちかけられているのだが、近々初演される交響曲第６番がレクイエム的性格を持っているという理由で断わっている。彼にとってこの曲は一種のレクイエムだったことがこのことから推測される。
こうしたことからも作品のテーマが死に関わるものであることは明らかといえるのだが、チャイコフスキーは結局、｢ 悲愴（パテティック）」（ただこれに相当するロシ
ア語の “パテティーチェスカヤ” は激しい感情性を表すもので、和訳の “悲愴” とニュアンスが異なる）という題以外は、先の手紙のとおり具体的な標題内容を謎のままにした。この題は従来、初演後に実弟モデスト（1850～1916）の提案によって付けられたとされていたが（これはモデストが著した『チャイコフスキー伝』に基づく）、
近年の研究では初演前の1893年９月20日（ロシア旧暦）に出版社ユルゲンソンがチャイコフスキーに宛てた手紙の中にすでに「悲愴」という題が現れることからみて、
作曲者自身が以前から「悲愴」という題を考えていたものと思われる。
チャイコフスキーが自らこの曲の初演を指揮したわずか９日後に突然世を去ってしまったことも、作品の特質との関わりから様々な憶測を生んできた。コレラ感染による病死という公式発表に対し、早くから自殺説も囁かれ、1980年代にはそうした自殺説が、同性愛に関する裁判で服毒自殺を命じられたという新説として再浮上、その説12

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に基づいて 《悲愴》を異常な状況下の産物として解釈する見方も一時広まった。
この説は様々な反証ゆえに今では問題にされなくなったが、こうした説につい結び付
けたくなるほどにこの作品は切実なまでに悲劇的かつ感情的な性格を持ったものであるといえるだろう。
第１楽章

アダージョ～アレグロ・ノン・トロッポ ロ短調

沈鬱な序奏に始まる。

主部はソナタ形式で、不安に満ちた第１主題と切々たる第２主題（アンダンテ）が対照を作り出し、劇的な展開部では、前述のように死者のためのロシア聖歌も引用
されて悲劇性が強調される。
第２楽章 アレグロ・コン・グラーツィアニ長調 ４分の５拍子のワルツ楽章で、優美さの中に不安な情感を漂わせている。
第３楽章

アレグロ・モルト・ヴィヴァーチェ ト長調 ４分の４拍子のマーチと８分の12拍子のスケルツォの動きを重ね合わせた祝典的な楽章。その華麗な明るさと高揚感は、次の楽章の悲劇を一層際立たせる役割を果たすことになる。
第４楽章 フィナーレ／アダージョ・ラメントーソ ロ短調

悲痛なフィナーレで、むせび泣くような主題（その旋律は第１ヴァイオリンと第２ヴァイオリンが一音ずつリレーする形で形成される）で始まり、重々しく進む。ニ長調の副主題も幸福な日々を懐かしむようでやるせない。最後近くタムタムが死を暗示し、金管の厳かな葬送風の響きを経て、短調の副主題によって息絶えるように終わる。
なお自筆譜ではこの楽章の冒頭は当初アンダンテと記されていたものが抹消されて他人の手でアダージョに書き換えられているが、チャイコフスキーが生前承認していたピアノ二重奏編曲版の楽譜がアダージョであることや、初演プログラムにもアダー
ジョと印刷されていることから、彼自身が認めた変更と考えられる。
（寺西基之）
作曲年代： 1893年
初

演： 1893年10月28日（ロシア旧暦16日） サンクトペテルブルク 作曲者指揮

楽器編成： フルート３（第３はピッコロ持替）、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、シンバル、タムタム、弦
楽５部

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Program notes by Robert Markow

  Delius (arr. by Beecham):  The Walk to the Paradise Garden  from “A Village Romeo and Juliet”
Frederick Delius: Born in Bradford, England, January 29, 1862; died in Grezsur-Loing, France, June 10, 1934
Frederick Delius is often referred to as “the English Impressionist,” buthe was really more cosmopolitan than English. Born the fourth of 14 children
to German parents in England as Fritz Théodor Albert Delius, he was destined by his father for the wool business. Finding this distasteful, he emigrated
to Florida to work an orange plantation. Here he studied the organ and violin,
and began composing. Having determined to make music his career, Delius
then undertook several years of study at the Leipzig Conservatory, following
which he went to Paris to assimilate its rich cultural life. In 1897 he settled in
Grez-sur-Loing, a small village southeast of Paris, where he remained until his
death many years later.
Deliusʼ music is marked by delicacy, restraint, refinement and a color
palette consisting almost exclusively of pastels. Many of his best works areinfused with a languid, pastoral beauty, a quality found throughout the exquisite miniatures on this concert.
The story of Romeo and Juliet has fascinated artists of all stripes for
centuries. Every age recreates the story in its own image, one of the most
famous being Bernsteinʼs West Side Story. Like Bernsteinʼs treatment, Deliusʼ
opera A Village Romeo and Juliet is set amidst lower-class people, where passions run high and inhibitions are few.
This was the fourth of Delius ʼ six operas, and the one generally
acknowledged to be his masterpiece. It is occasionally performed in Europe,and there have been at least three complete recordings to date, including one
conducted by Sir Thomas Beecham. “The Walk to the Paradise Garden” isthe crown jewel from the opera, and probably the best-known music of
Delius. Although technically twentieth-century opera (it was premiered in
Berlin in 1907, in German translation), its music is steeped in lyrical romanticism. The libretto, written by Delius, was derived from a story by the Swissauthor Gottfried Keller (1819-90). The setting is the Swiss Alps. As in
Shakespeareʼs and Bernsteinʼs stories, we find lovers from two feuding families, in this case farmers quarreling over a small strip of land.
The exquisite little tone-poem “Walk to the Paradise Garden” separates
Scenes Five and Six of the opera (there are no “acts” ). Both music and title
suggest the arrival of the lovers at the pearly gates in a sort of Liebestod, but
the facts are different. Sali and Vreli, desperately poor and hopelessly in love,leave the fair ground, where their impoverished appearance is attracting
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stares, and walk to a dilapidated inn known as the Paradise Garden. Here thelovers will make their fateful decision, amidst the transfigured beauty ofnature, to leave the cruel world of the here and now in order to be happy
together in the afterlife. Beechamʼs arrangement of this music scales Deliusʼ
large orchestra down to smaller size.

  Elgar:  Cello Concerto in E minor, op.85
Ⅰ Adagio - Moderato

Ⅱ Lento - Allegro molto

Ⅲ Adagio

Ⅳ Allegro - Moderato - Allegro, ma non troppo

Edward Elgar: Born in Broadheath, near Worcester, June 2, 1857; died inWorcester, February 23, 1934
Elgarʼs large catalogue contains just two concertos, one each for violin
and cello. Both are masterpieces, both rank among the greatest of their kindfrom the twentieth-century, and both are in minor keys (the Violin Concerto
is in B minor). They are separated by only a decade, but they seem to comefrom different worlds. The Violin Concerto is an expansive, largely extrovert
work lasting about fifty minutes (possibly the longest such work in the standard repertory), while the Cello Concerto is about half that length and is profoundly inward-looking.
Written between March of 1918 and August of 1919, the Cello
Concerto was Elgarʼs last important composition. He was to live for anotherfifteen years, but with the death in 1920 of his wife, who had been such a
deep source of both personal and professional aid to the composer, inspiration to create seemed to have left Elgar. Indeed, moods of despair, disillusionment and inferiority had haunted him throughout his life − lack of social status, insecurity about the popularity of his music, and especially the Great War
contributed to these moods. Old friends were dying, many of his German
friends and supporters were now enemies as a result of the war, he was infinancial straits, he suffered from a disease of the ear that caused dizzinessand headaches, and his creative energy had dimmed. Into his Cello Concerto
Elgar poured his most personal utterances and the sense of resignation that
affects many of those in the autumn of their lives. The mournful, poignant
tone of the cello seems to emphasize this quality, further heightened by the
restraint with which Elgar uses the orchestra in this work.  
Though unsuccessful at its premiere, due largely to lack of properrehearsal time, the concerto quickly became a favorite with cellists and audi1/17 C Series & 1/18 A Series

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1/18 A Seriesences alike, and it has remained one of the Elgarʼs best-known works. The
first performance took place in Queenʼs Hall, London, on October 27, 1919
with the composer conducting the London Symphony. Felix Salmond was thesoloist. Ten years later, the great English violist, Lionel Tertis (1876-1975),
undertook to make a transcription for his instrument (at the time repertory forsolo viola was extremely scant).
The concerto is in four movements, each distinctive, each with its own
hallmarks of Elgarʼs inimitable style. The first opens with an Adagio, beginning with a somber but striking passage for the soloist alone and stretchingacross all four strings of the instrument simultaneously. Violas pick up thetheme and weave it into a quietly flowing line. “In its world-weary way,”
writes Michael Kennedy, “it is the music of autumn smoke and falling leaves.”
Woodwinds initiate the second theme, somewhat brighter in mood.
The second movement follows after the briefest of pauses, and is notable for the alternation of its light, scherzo-like passages of quicksilver writing
and deft orchestration with a heavier, jaunty theme. Donald Francis Tovey
called the movement “impish.”
The next movement stands in greatest possible contrast. Though only
sixty bars in length, this Adagio is one of Elgarʼs most sublime pages. To
quote Kennedy again, it is “a lament for thoughts that lie too deep for tears,
perfectly suited to the cello at its most songfully sustained, and ending with adominant cadence, as if the tonic key was too positive.”
The finale is cast in rondo form, with its swaggering, self-assured principal theme alternating with contrasting episodes. In a gesture of nostalgia,
Elgar brings back the solo celloʼs theme of broken chords that opened theconcerto, but a strong, final recurrence of the rondo theme sweeps away thememory of things past with a grand flourish.

  Tchaikovsky:
  Symphony No.6 in B minor, op.74, “Pathétique”
Ⅰ Adagio - Allegro non troppo

Ⅱ Allegro con grazia

Ⅲ Allegro molto vivace

Ⅳ Finale: Adagio lamentoso

Piotr Ilyich Tchaikovsky: Born in Votkinsk, May 7, 1840; died in St. Petersburg,
November 6, 1893
Tchaikovsky began working on his last symphony in February of 1893, andconducted the first performance on October 28 in St. Petersburg. It was only
mildly successful, due to a puzzling Adagio finale that ended softly, an indifferent
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orchestra and the composerʼs consequent lack of enthusiastic leadership.
Nevertheless, he felt that it was “the best and especially the most sincere of myworks. I love it as I have never loved any of my other musical creations.”
Much conjecture has surrounded the “program” of Tchaikovskyʼs Sixth
Symphony. He initially called the work Program Symphony, but then decided
that with no declared program to go with it, the title was a contradiction interms. He then considered calling it the “Tragic,” but when his brother
Modeste suggested “patetichesky,” the composer exclaimed, “Excellent,
Modya, bravo, patetichesky!” The word was inscribed immediately on thescoreʼs title page and taken to the publisher Jurgenson. One day later, thecomposer had a change of heart and asked Jurgenson to remove the word “ifitʼs not too late.” But Jurgenson, no doubt with an eye towards sales from acatchy title, let the work go out as “Symphonie pathétique,” and as such thename has stuck. The word pathétique, incidentally, derives from the Greek
patheticos, and has a different flavor than in most modern English and Frenchcontexts, where it usually implies inadequacy and pity, as in “a pathetic
attempt.” In Russian, the word patetichesky refers to something passionate,emotional, and, as in the original Greek, having overtones of suffering.
The introductory bassoon solo, which crawls slowly through the murky
depths of the orchestra, becomes the melodic material for the Allegro
sectionʼs principal theme. The second theme, presented by the violins, isprobably the most memorable of the entire work − haunting in its beauty,
poignancy and sad lyricism.
The second movement is the famous “broken-backed waltz,” limping yet
graceful, in 5/4 meter. A Trio section in the middle, also in 5/4, is noteworthy
for the steady, pulsing notes in the bassoons, double basses and timpani.
The third movement combines elements of a light scherzo with a heavy
march. So festive and exuberant does the march become that one is tempted
to stand and cheer at the end, making all the more effective the anguished
cry that opens the finale.
The finaleʼs infinitely warm and tender second theme in D major works
itself into a brilliant climax and crashes in a tumultuous descent of scales inthe strings. The first theme returns in continuously rising peaks of intensity,
agitation and dramatic conflict. Finally the energy is spent, the sense of struggle subsides, and a solemn trombone chorale leads into the return of the
movementʼs second theme, no longer in D major but in B minor − dark,
dolorous, weighted down in inexpressible grief and resignation. The underlying heart throb of double basses eventually ceases and the symphony diesaway into blackness … nothingness.
Robert Markowʼs musical career began as a horn player in the Montreal SymphonyOrchestra. He now writes program notes for orchestras and concert organizations in
the USA, Canada, and several countries in Asia. As a journalist he covers the musicscenes across North America, Europe, and Asian countries, especially Japan. At
Montreal's McGill University he lectured on music for over 25 years.
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NaotoOTOMO
Conductor

大友直人
指揮
1

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©Rowland Kirishima

桐朋学園大学在学中に22歳でN響を指揮してデビュー。これまでに日本フィル正指揮者、大阪フィル専属指揮者、東響常任指揮者、京響常任指揮者、群響音楽監督を歴任。
現在、東響名誉客演指揮者、京響桂冠指揮者、琉球響音楽監督、高崎芸術劇場芸術監督。
国外では、ロイヤル・ストックホルム・フィル、フランス国立メス管弦楽団（旧フランス国立ロレーヌ管弦楽団）、カンヌ管弦楽団、トスカーナ管弦楽団、プッチーニ音楽祭管弦楽団、ルーマニア国立放送交響楽団、インディアナポリス交響楽団、コロラド交
響楽団などから度々招かれており、ハワイ交響楽団には旧ホノルル交響楽団時代から20年以上にわたり定期的に招かれている。またフィルハーモニア管弦楽団の日本ツアーの指揮者も務めた。東京文化会館の初代音楽監督として東京音楽コンクールの基盤を築いたほか、数々の自主制作の企画を成功に導いた。
幅広いレパートリーでも知られ、なかでも日本を代表する邦人作曲家作品の初演や、ジェームズ・マクミラン作品およびジョン・アダムズのオペラ日本初演などは代表例に挙げられる。大阪芸術大学教授。京都市立芸術大学、洗足学園音楽大学各客員教授。
Since his debut with NHK Symphony Orchestra at the age of 22, Naoto Otomo has led thehighly competitive music scene of Japan. He currently serves as Music Director at Ryukyu

Symphony Orchestra (Okinawa) and Artistic Director of Takasaki City Theatre, and previously
held the posts of Principal Conductor/Music Director at Japan Philharmonic, Tokyo, Kyoto
and Gunma Symphony Orchestras, and Osaka Philharmonic. Otomo has appeared repeatedly
with Royal Stockholm Philharmonic, National Symphony Orchestra of Romania, Indianapolis
Symphony, and Hawaii Symphony and he led Philharmonia Orchestra on its tour to Japan.
Well-known for his wide repertoire ranging from classical to contemporary works, Otomo has
premiered numerous new works.

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P

PromenadeプロムナードコンサートNo.394
Promenade Concert No.394

1月22日（土）  14:00開演

サントリーホール

2022年

Sat. 22. January 2022, 14:00 at Suntory Hall

指揮 ● 大友直人 Naoto OTOMO, Conductor

サクソフォン ● 上野耕平 Kohei UENO, Saxophoneコンサートマスター ● 矢部達哉 Tatsuya YABE, Concertmaster

デュビュニョン：アルトサクソフォン協奏曲 op.81《英雄的》（24 分）（2021）〔上野耕平委嘱作品／世界初演〕

Dubugnon: Concerto Heroïque for Alt Saxophone and Orchestra, op.81 (2021)     [Commissioned by Kohei UENO. World Premiere]
Ⅰ ModéréⅡ Lent et expressif
Ⅲ Moderato

中庸の速さでゆっくりと表情豊かに
中庸の速さで休憩 / Intermission  （20 分）

ラフマニノフ：交響曲第２番 ホ短調  op.27（60 分）
Rachmaninoff: Symphony No.2 in E minor, op.27
Ⅰ Largo - Allegro moderato
Ⅱ Allegro molto
Ⅲ Adagio
Ⅳ Allegro vivace※当初の発表から指揮者が変更になりました。

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
        文化庁文化芸術振興費補助金                （舞台芸術創造活動活性化事業）
助成：        独立行政法人日本芸術文化振興会

演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

〈アンケートのお願い〉
本日はご来場くださり、誠にありがとうございます。今後の参考にさせていただきますので、お客様のご意見・ご感想をお寄せください。お手持ちの携帯電話やスマー
トフォンなどから２次元コードを読み取りいただくか、下記 URL
からもご回答いただけます。

https://www.tmso.or.jp/j/questionnaire/
ヤングシート対象公演（青少年と保護者をペアでご招待）
協賛企業・団体は P.45、募集は P.48 をご覧ください。

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© ●●1/22 Promenade

Kohei UENO
Saxophone

上野耕平

サクソフォン©S. Ohsugi

８歳からサクソフォンを始め、東京藝術大学器楽科を卒業。2011年第28回日本管打楽器コンクール サクソフォン部門において、史上最年少で第１位および特別大賞を受賞。
2014年第６回アドルフ・サックス国際コンクール（ベルギー）第２位。現地メディア
を通じて日本でもそのニュースが話題を呼ぶ。2016年、東京オペラシティのリサイタ
ルシリーズ「B → C：バッハからコンテンポラリーへ」に出演、全曲無伴奏で挑戦し高い評価を得た。常に新たなプログラムにも挑戦し、サクソフォンの可能性を最大限に伝えている。
現在、国内若手アーティストの中でもトップの位置を占め、演奏活動のみならず、メディ
アへの出演でも活躍。The Rev Saxophone Quartet のメンバー、ぱんだウインドオー
ケストラのコンサートマスターを務めている。CD デビューは2014年、最新アルバムは『アドルフに告ぐⅡ』（デンオン）。2018年第28回出光音楽賞、同年第9回岩谷時子賞奨励賞を受賞。
Kohei Ueno made a sensational senior debut winning the 1st prize at 28th Japan Wind andPercussion Competition, youngest ever in its long history. In 2014, he won the prestigious 2nd
prize at 6th Adolphe Sax International Competition in Belgium. Ueno continues to challenge
new repertoires and pursues all possibilities of the saxophone. His recent activities include
not only performances but also media exposure such as taking on radio personality roles andTV engagements. He is a member of The Rev Saxophone Quartet and a concert master of
Panda Wind Orchestra.

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1/22 Promenade  デュビュニョン :  アルトサクソフォン協奏曲 op.81《英雄的》（2021）  
  〔上野耕平委嘱作品／世界初演〕
私が初めて上野耕平さんにお会いしたのは、2017年５月、パリにおいてである。
彼はサクソフォン協奏曲の新作を求めていたのだが、2013年４月に東京で演奏された私の作品、２台ピアノと２つのオーケストラのための《バトルフィールド協奏曲》
を聴いた印象が強く残っており、もう４年間も私への委嘱を考えてきたとのことだった。
その後2018年６月に、今度はピカルディにある私の自宅を耕平が訪ねてくれた。
私たちは作品について話し合いを始めた。彼はアルトサクソフォンで技術的にどんなことができるかを実際に演奏しながら私に教えてくれ、私はたくさんのアルトサクソフォ
ンによる音楽や耕平の録音を聴き、楽器に慣れ親しんでいくことから始めた。というのも、私はこれまでこの楽器のために作曲したことはなく、作曲するならば本当に特別なものを書きたいと思ったからだ。私は耕平の信じがたいほどの才能に強く感銘を受け、彼がどれだけ私の作品に期待を寄せているかも分かっていたので、私はアイディアを振り絞り、知りうる限り最高に英雄的な協奏曲をアルトサクソフォンのために書こうと考えた。
しかし、2020年９月まで私は作曲を始められなかった。新型コロナウイルスが猛威をふるい、それが音楽界にもたらしたあらゆる問題に私は動揺してしまったのだ。
それでも2021年３月27日にショート・スコアを書き上げ、５月11日にオーケストレーションを終えた。
第１楽章

Modéré（中庸の速さで）この協奏曲は第１主題（全曲の主要主題）（譜例１）で幕を開ける。オーケスト
ラ全体は広い音域の和音を鳴らしながら加速し、高音域と低音域の楽器が反行する音型を奏でる。
【譜例１】

この短くもドラマティックなオープニングに続いて、molto lento（非常に遅く）
からサクソフォンが第１主題を奏で、弦とハープを伴いながら、レチタティーヴォのような導入を形成する。このゆったりとしたパッセージを経て、サクソフォンは第２主題（短２度―短３度―短２度―短３度という動きをもつ６音モードを使用している点で第１主1/22 Promenade2022-01都響_20211227v22.indd 21

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1/22 Promenade

題と関連がある）をゆったりと、次第に加速させて提示する（譜例２）[1]（以下、[ ] の数字はスコアに記された練習番号）。
【譜例２】

サクソフォンが２つの主題に基づいてメリスマティックに（訳注：言葉の１音節に複数の音符を当てる歌唱法のこと）即興的なフレーズを奏でてゆき、短いクライマッ
クスに到達したあと、a tempo moderato（中庸の速さで）から全奏が続く[2]。
そこからこの第１楽章の主要部であるAllegro tranquillo（穏やかにやや速く）へと入る。サクソフォンは各小節の終わりで第２主題の引用を示しながら、反復音
によって無窮動の動機を奏でる（譜例３）。
【譜例３】

この急速な動きは、すでに提示された２つの主題へと発展し、技巧的なパッセー
ジと穏やかで表情豊かなパッセージとを代わる代わる提示して雰囲気に変化をもたらす。サクソフォンが上行するアルペッジョと高音域でのトリルによって短いクライマッ
クスを形成したあと、f—ff の長い全奏となる[9]。やがて徐々に落ち着きを取り戻し、３連符による波のような装飾的音型の上で、ソリストは第２主題に基づく歌のような旋律を奏でる[10-14]。クレッシェンドのあと、反復音による荒々しい無窮動の音型が巨大な全奏によって舞い戻り[15]、サクソフォンは急速なスケールを奏でる。
３連符がその流れを止め、シンコペーションのリズムとともに第１主題が再現される[16]。音楽は次第に激しさを増し、poco piú animato（やや快活に）[1719] からは細かな装飾をまとった第１主題が、低弦のファンキーなリズムを伴って提示され、第２主題に基づくリズミカルなパッセージへと達する[20]。音楽はさらに興奮を高めて、長いグルーヴィーなパッセージを奏で、サクソフォンはシンコペーションのアルペッジョを提示し[21-22]、極端に速いスケールを奏でる[23]。大音量の全奏による第２主題とともにサクソフォンが一連のトリルを吹いたあと、ソリストは短い
カデンツァに入り、サクソフォンが出せる最高音の一つ、A ♭6へと達する。第２主題に基づく全奏が、[20] ですでに提示されたように続く。第１主題に基づくコーダのあと、この楽章は大きく倒れ込むようにして終わる。
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第２楽章

Lent et expressif（ゆっくりと表情豊かに)弦がそれぞれ２声部に分かれながら弱音器を付けた状態で、官能的な第３主題を非常に静かに奏でて開始。サクソフォンがそれに続く（譜例４）。
【譜例４】

この主題はチェロとコントラバスがピッツィカートで奏でるシチリアーナ風のリズムを持った音型（譜例５）によって強調される。これを第３主題ｂと呼ぶ。
【譜例５】

第３主題は展開し、装飾され、短いクライマックスを迎える。続いて un peu
plus de mouvement（やや速く）から第４主題（譜例６）がチェロ独奏によって非常に表情豊かに奏され [28]、低音域の擬似ロマン主義的なハーモニーを伴う。
【譜例６】

第４主題の長い展開のなかで曲想は情熱と激しさを増してゆき[29-33]、第１主題のいくつかの要素（リズム、冒頭の３度下行、末尾の３連符）も伴う。速いテン
ポで第４主題に基づく長い全奏に達し、大きく下行するスケールへと加速してゆく。
続いてソリストのカデンツァに入る。カデンツァは第４主題に基づいた即興風の旋律に始まり、次に第３主題と第３主題ｂとを結合させる。ここでは弦楽器のピッツィカー
トと似た音を出すスラップタンギング奏法が用いられる。このカデンツァは一種のレチタティーヴォのような形で、ところどころでオーケストラを伴う。
徐々に全奏へと回帰してゆくが、まだ第３主題は鳴り続け[36-37]、そこから第４主題の展開へと進み [37-39]、非常に静かで表情豊かな曲想となる。ここでは第４主題の要素はわずかに残されるにとどまる[40]。第４主題とピッツィカートによる第３主題ｂのシチリアーナ風リズムとの組み合わせがコーダを形成し、この第２楽章を締めくくる。
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第３楽章

Moderato（中庸の速さで）フィナ ーレはこの 協 奏 曲 の 冒 頭 で 提 示 され た「壮 大 な 幕 開 け（grandopening）」と同様に開始するが、最初から独奏サクソフォンが加わる。第１・第２主題が劇的に回帰して、ソリストは再びメリスマティックに旋律を奏でる。ソリストの強烈なトリルの下行分散和音によってそれが収束すると、Rapide（急速に）へとソリストが無伴奏で先導し、ウォーキングベース（編集部注：主にジャズで用いられる、歩くような雰囲気のバス進行）[43]を模倣した音型をスラップタンギングで奏する。オーケストラは第５主題となるジャズ風の主題（譜例７）によって応答する。
【譜例７】

ここからはコントラバスとチェロがウォーキングベースを引き受け、ソリストは数小
節あとから加わる。音楽は次第にビッグバンド風の主題へ進み、フレーズの終わりはコミカルなグリッサンドを伴う[45]（譜例８）。
【譜例８】

このウィットと驚きに満ちた楽しい音楽は、２つの主題の変奏を提示しながら、次第に熱狂的なパルスを帯びてゆく。さらに興奮を増して fff の大きなクライマックス[51-52]に到達する。続いて第２楽章を想起させるゆったりとしたテンポLentoで、第３主題による再現部となり、低弦のピッツィカートが第３主題ｂで伴奏する。独奏
サクソフォンが加わり、第４主題を奏でる[53]。
曲想は情熱を帯びて、もう一つの短い再現部が 「壮大な幕開け」 [54]によって提示される。そのまま加速してテンポの速いコーダへと突入する。ジャズ風のウォー
キングベースを伴って、全奏による第３主題ｂが最後に驚かせるように登場し、それが ff で４回繰り返されて終わりを告げる。

（リシャール・デュビュニョン ランティニーにて／2021年）（訳：飯田有抄）

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作曲年代： 2020～21年
初

演： 2022年１月22日 東京 サントリーホール（当演奏会）
上野耕平独奏 大友直人指揮 東京都交響楽団

楽器編成： フルート２（第２はピッコロ持替）、オーボエ２、クラリネット２（第２はバスクラリネット持替）、
ファゴット２、ホルン２、トランペット２、トロンボーン２、テューバ、ティンパニ、ハープ、弦
楽５部、独奏アルトサクソフォン

リシャール・デュビュニョン
1968年、ローザンヌ（スイス）生まれ。
モンペリエで歴史を学んだ後、20歳で音楽を始め、1992年にパリ音楽院へ入学。さらに英国王立音楽院で学んだ。2002年にフランスへ戻り、ボザール・アカデミーから
ピエール・カルダン賞を受賞。2015年、
SACEM（作詞作曲出版協会）からグラン
リシャール・デュビュニョンと上野耕平
Photo by Richard Dubugnon

プリを受けた。2016/17シーズンにヴィンター
トゥール・ムジークコレギウムのコンポーザー・
イン・レジデンスを務めた。

『ニューヨーク・タイムズ』紙が「遊び心のあるモダンな感性」と評した彼の作品は、多くの音楽家によって演奏されている。代表作はアルカナ・シンフォニーズ（2001-07）、
ヴァイオリン協奏曲（2008）、２台ピアノと２つのオーケストラのための 《バトルフィー
ルド協奏曲》（2011）、交響詩 《Helvetia, Alpine Flight》（2013）、チェレスタのオブリガートを伴うピアノ協奏曲 《Klavieriana》（2015）、カプリース第３番《Caprice Romain》（2016）、カプリース第４番《Es muss sein!》（2017）など。
また彼はコントラバス奏者でもあり、モーリス・ベジャール・バレエ団での自作品の演奏やパリ・オペラ座でも自由契約で出演している。2021年1月より、パリ高等裁
判所の音楽関連法の専門担当を務める。

  ラフマニノフ：
  交響曲第２番 ホ短調 op.27
ロシアの作曲家セルゲイ・ラフマニノフ（1873～1943）の３曲の交響曲の中で最も規模が大きく、内容的にも充実しているこの第２番は、1903年頃からスケッチが開始されている。1901年のピアノ協奏曲第２番の成功で作曲家としての地位を不動にした時期のことである。しかしロシアの政情不安をはじめとする様々な事情からこの作品に集中することはしばらくできなかった。そして混乱を避けて移り住んだドレ
スデンで1906年から本腰を入れて作曲に取り組み、1907年に全曲が完成された。
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演奏に約１時間要するこの大作は、ロシア的な力強さと暗い叙情、メランコリック
な郷愁といった、ラフマニノフのロマン的資質がいかんなく発揮される一方、そうした特質が交響曲にふさわしい論理的構成と結び付けられている。特に第１楽章冒頭の動機が作品全体の循環動機になっていたり、グレゴリオ聖歌の 「怒りの日」の冒頭と同一の動機（この旋律は彼の他の作品の多くにも用いられているが、最近では「怒りの日」 の直接的な引用ではないとする説も出されている）が４つの楽章の様々な箇所に現れたりなど、動機的な関連によって全曲の統一が巧みに図られている。各楽章の主要な旋律が他の楽章において回想風に出現したり先取りして示されたりすることで、楽章間の結び付きを有機的なものにしていることも注目されよう。そうした考えられた構成によって激しいまでの感情の起伏が説得力に満ちた表現へと高められており、そこに交響曲作家としてのラフマニノフの優れた力量がはっきり窺える。
第１楽章

ラルゴ～アレグロ・モデラート ホ短調

長大な序奏に始まるが、その冒頭に示される低弦の音型が全曲の循環動機となって、ここから様々な楽想が派生する。主部はラフマニノフ節というにふさわしいメランコリックな第１主題とロマン的憧憬に満ちた第２主題を中心とする自由なソナタ形式。展開部は劇的な起伏に満ち、その中に主調で現れる第１主題が展開のうねりの中に飲み込まれて大きな頂点を築いて、第２主題に始まる再現部に続く。
第２楽章

アレグロ・モルト イ短調

スケルツォに相当する楽章で、主部のホルンによる力強い主要主題には前述の「怒りの日」に似た動機が織り込まれている。
副主題は対照的に甘美な性格のもの。一方トリオにあたる中間部では主要主題を変形した主題によるフガートが展開する。
第３楽章

アダージョ イ長調 ロシア的情感に満ちた３部形式の緩徐楽章。主部は、ヴァイオリンの表情豊かな導入主題に始まって、クラリネットが息の長い叙情的な主題を綿々と歌う。ラフマニノフらしい耽美的な旋律だ。中間部は音型的な主
題（循環動機と関連している）が中心となる。
第４楽章

アレグロ・ヴィヴァーチェ ホ長調

一転してお祭り騒ぎのような賑やかな自由なソナタ形式によるフィナーレで、乱舞風の第１主題、行進曲調の副次的な楽想、朗々とした第２主題などをもとに華やかに発展し、展開部では第３楽章や第１楽章の主題も組み合わされる。再現部はさらなる高揚を示し、そのエネルギーはコー
ダで最高潮に達して輝かしく全曲を閉じる。
（寺西基之）
作曲年代： 1903年頃～1907年
初

演： 1908年2月8日（ロシア旧暦１月26日）サンクトペテルブルク
アレクサンドル・シロティ指揮

楽器編成： フルート３（第３はピッコロ持替）、オーボエ３（第３はイングリッシュホルン持替）、クラリ
ネット２、バスクラリネット、ファゴット２、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、小太鼓、シンバル、グロッケンシュピール、弦楽５部
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1/22 Promenade  Dubugnon:
  Concerto Héroïque    for Alto Saxophone and Orchestra, op.81 (2021)
Editions Peters
dedicated to and commissioned by Kohei Ueno
World premiere in Tokyo, 22 January 2022 by the dedicatee, Tokyo
Metropolitan Symphony Orchestra, Naoto Otomo (conductor)
2 Flutes (2nd doubling Piccolo), 2 Oboes, 2 Clarinets in Bb (2nd doubling
Bass Clarinet), 2 Bassoons, 2 Horns, 2 Trumpets, 2 Trombones, Tuba,
Timpani, Harp, Strings, Solo Alto Saxophone
I met Kohei Ueno in May 2017, in Paris. He came to see me because hewanted a concerto and remembered listening to my Battlefield concerto in
Tokyo in April 2013, which made a strong impression on him and he kept thiscommission as an idea in his mind for four years.
Later, in July 2018, Kohei came to my house in Picardie and we started
discussing the piece and he demonstrated what he could technically do with
the Alto Sax. I started listening to a lot of Alto saxophone music and to his
recordings, to get acquainted with this instrument, because I hadn't written
for this instrument before and I really wanted to make it special. I was very
impressed by the incredible talent of Kohei, and knowing his great
expectations from me, my idea was (humbly) to try to write the most heroic
concerto that we might know for the Alto saxophone.
However, I didn't start composing it before September 2020, as I felt
distraught by the beginning of the Covid crisis and all the professional
problems it created in the music world. I finished the short score on March
27th and orchestrated the score by May 11th 2021.
I. Modéré (moderato) the concerto opens on the main theme, with thewhole orchestra playing large chords in accelerando, the high and the low
instruments going in contrary motion:

After this short dramatic opening, the saxophone comes in playing themain theme accompanied by the strings and the harp, a tempo molto lento,
in an introduction resembling a recitativo. In this slow passage, thesaxophone also plays the 2nd theme (related to the 1st theme by the use of a
6-note mode: ½ tone – 1 ½ tone - ½ tone – 1 ½ tone etc.), slowly and inaccelerando (Fig. 1):
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The saxophone plays more and more melismatic improvisatory phrases
on those two themes, before reaching a short climax which is followed by atutti a tempo moderato (Fig. 2). This leads into the Allegro tranquillo, themain part of this first movement, where the saxophone plays a moto perpetuo
motif in repeated notes, quoting the 2nd theme at the end of the bar:

This fast movement develops the two themes we previously heard, withsome changes of mood, alternating virtuoso passages with more calm andexpressive ones. After a short climax where the saxophone plays the 2ndthemes in ascending arpeggios and very high trills, we hear a long tutti f - ff
(Fig. 9) which progressively calms down, introducing a passage withdecorating waves of triplets on top of which the soloist plays a cantilena
based on the 2nd theme (Fig. 10-14). After a crescendo, the fierce motoperpetuo with repeated notes comes back in a big tutti (Fig. 15), then comes
the saxophone playing fast scales.
The triplets stop and the music becomes syncopated, with the return of
the 1st theme (Fig. 16). The music is more and more agitated, poco più
animato (Fig. 17-19) with funky rhythms in the lower strings accompanying
the 1st theme with small ornamentations and which culminate in a shortrhythmical passage based on the 2nd theme (Fig. 20). The music becomeseven more agitated in a long groovy passage where the saxophone plays
syncopated arpeggios (Fig. 21-22) and extremely fast scales (Fig. 23). After
playing a series of trills accompanied by the 2nd theme in a very loud tutti,
the saxophone plays a short cadenza reaching A♭6, one of the highest
possible notes on the instrument. A tutti based on the 2nd theme follows,
similar to what we heard previously at Fig. 20. This movement ends in a big
collapse, on a coda based on the 1st theme.
II. Lent et expressif (slow and expressive) begins very quietly withmuted divided strings, playing the sensuous 3rd theme of this concerto, thenfollowed by the soloist:28

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This theme is punctuated by pizzicati in the celli and double basses on a
Sicilienne rhythm, that we shall call Theme 3b:This music is developed and ornamented and comes to a short climax, which
is followed by the 4th theme of the concerto, played by the solo violoncello (Fig.
28) un peu plus de mouvement (a little faster) which is very expressive with quasiromantic harmonies underneath:

The music is passionate and more and more agitated (Fig. 29-33) in a longdevelopment based on the 4th theme, with some elements of the 1st theme (therhythm and descending thirds of its beginning and the ending triplet). It reaches along tutti based on the 4th theme at a faster tempo, which accelerates into a big
descending scale. This is followed by a cadenza of the soloist, who begins
improvising on the 4th theme, then combines the 3rd theme with 3b, playing slaptonguing effects to imitate pizzicati. This cadenza is in some places accompaniedby the orchestra, in a kind of recitativo.
The tutti comes back progressively, still playing the 3rd theme (Fig. 36-37)
then moving on to a development of the 4th theme (Fig. 37-39) leading to a very
quiet and expressive moment, which is more remotely based on the same theme(Fig. 40). This 2nd movement ends on a coda based on the 4th theme combinedwith the Sicilienne rhythm in pizzicato (3b).
III. Moderato This finale begins with a similar “grand opening” that we hadat the beginning of the concerto, with the addition of the soloist from the very
beginning. The 1st and 2nd themes come back in a dramatic way, again with somemelisma played by the soloist which end into obsessive trills in a descending
arpeggio. The Rapide (fast) movement begins with the soloist alone, playing aseries of slap-tonguing effects which imitate a walking bass (Fig. 43). The orchestra
answers with the jazz inspired 5th theme of the concerto:

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1/22 PromenadeThis time the double basses and violoncelli take over the walking bass
and the soloist joins in after a few bars. The music comes progressively toanother theme, more inspired by music for Big Band, with comical glissando
effects at the end of the phrase (Fig. 45):

This joyous music, full of wit and surprises, displays a series ofvariations on those two themes in a progressively more frantic pulse. The
music becomes even more agitated and reaches a big climax fff (Fig. 51-52)
which is followed by a recapitulation of the 3rd theme of the concerto at aslow tempo (Lent) reminiscent of the 2nd movement, here played by thelower strings with the theme 3b as an accompaniment in pizzicati. The
saxophone enters, playing the 4th theme (Fig. 53).
The music becomes more passionate and leads to another brief
recapitulation of the “grand opening” (Fig. 54) which accelerates and bring us
to the fast ending coda of the concerto, which is based on the jazzy walking
bass and a last surprising appearance of the theme 3b in tutti, repeated 4times ff as a conclusive statement.
©Richard Dubugnon, Rantigny - 2021.

     Richard Dubugnon and Kohei Ueno     Photo by Richard Dubugnon
Richard Dubugnon was born in Lausanne (Switzerland) in 1968. He started
music at the age of 20 after reading History in Montpellier and was accepted
into the Paris Conservatoire in 1992. Dubugnon further studied at the Royal
Academy of Music in London. When he returned to France in 2002, hebecame the recipient of the Pierre Cardin Prize from the Académie des Beaux30

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Arts in Paris. In 2015 he was awarded the Grand Prix SACEM. For the
2016/2017 season Richard was composer-in-residence with the Winterthur
Musikkollegium. Described as “driven by a playful modern sensibility” by the
New York Times, Dubugnonʼs music has been performed by many musicians.
His masterpieces are Arcanes Symphoniques (2001-07), Violin Concerto(2008), Battlefield Concerto (2011) for two pianos and double orchestra, The
tone poem Helvetia, Alpine Flight (2013), Klavieriana (2015), a concerto for
piano, orchestra and “celeste obbligato” , Caprice III Romain (2016), andCaprice IV Es muss sein! (2017), among others. Richard is also a double bass
player, who performed his music with the Béjart Ballet and freelanced with
the Paris Opéra. Since January 2021, he is Legal expert in music at the Courtof Appeal in Paris.

  Rachmaninoff:  Symphony No.2 in E minor, op.27
Ⅰ Largo - Allegro moderato

Ⅱ Allegro molto

Ⅲ Adagio

Ⅳ Allegro vivace

Sergei Rachmaninoff: Born on the estate of Oneg, near Semyonovo, April 1,
1873; died in Beverly Hills, March 28, 1943
Few symphonies written in the twentieth century achieved the fame andpopularity of Rachmaninoffʼs Second, composed in Dresden where the composer had gone in 1906 to escape the demands of public life in Moscow. The
hour-long work was fully sketched by New Yearʼs Day of 1907. Revisions andorchestration took place over a longer period, both back home in Russia andduring a return visit to Dresden. Rachmaninoff agreed to conduct the first
performance, which took place on January 26, 1908 in St. Petersburg. He also
led the Moscow premiere a week later, and an early American performancewith the Philadelphia Orchestra in November, 1909. In each case the audience responded enthusiastically, and the symphony has enjoyed an unbroken
run of popularity to this day. The score is dedicated to the composer Sergei
Taneyev. Rachmaninoff himself authorized certain cuts in performance, andthe expansive nature of the work has led many conductors to do their own
editing, resulting in performances that may last anywhere from 38 minutes toover an hour. In May 2014 the manuscript score was auctioned by Sothebyʼsfor £1,202,500.
Most of the melodic material of the symphony derives from a single

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1/22 Promenademotif, heard in the opening bars in the somber colors of low cellos and basses. In a multifarious variety of guises and transformations, this “motto” haunts
the entire symphony in both obvious and subtle ways, thus infusing it withcoherence and compelling impetus. After its initial statement, the motto passes to other instruments, eventually giving birth to a sinuous violin phrase thatgrows to an impressive climax as it weaves its way through lushly orchestrated textures and luxuriant counterpoint. The main Allegro moderato section of
the movement is ushered in with a shivering, rising figure in the strings.
Violins then spin out a long, winding, aspiring theme based on the motto. The
delicate, gentle second theme, divided between woodwinds and responding
strings, also derives from the motto.
The second movement, a scherzo, is built on the motif of the Dies irae,
the medieval Gregorian chant for the dead. Four horns in unison proclaim aboldly exuberant version of the Dies irae, which itself has its seeds in thesymphonyʼs motto. Two contrasting ideas of note are the warmly flowing lyrical theme for the violins and a brilliant fugato section that demands theutmost in virtuosity from the strings.
The Adagio movement is one of the lyric highlights of all Rachmaninoff.
No fewer than three gorgeous melodies are heard, beginning with one of themost popular ever written. Following immediately on this theme of great
repose and tranquility comes one of the glories of the solo clarinet repertory –an extended theme full of ardent longing. American pianist Arthur Loesser
wrote in 1939 that this music “gives off a vapor of drugged sweetness, offatalistic melancholy.”
The enormously energetic finale too is a broadly expansive movement,
beginning with a boisterously robust idea that might easily conjure up the
spirit of a kermesse (Russian carnival). This is followed by a dark, grim,
march-like episode in the seldom-used key of G-sharp minor, then by anotherof the composerʼs most famous themes – a magnificent, soaring affair thatsweeps onward over an expanse of more than one hundred measures. Quiet
reminiscences of the first and third movements lead to the development section. One of the symphonyʼs most thrilling passages occurs in this section,
where the tintinnabulating effect of St. Petersburgʼs great bells is recreated inorchestral terms − a slow accretion of descending scales at different speeds,
registers and rhythms that culminates in a dense and spectacular swirl ofnotes. The recapitulation follows, and Rachmaninoffʼs longest, grandest, most
expansive symphonic work ends in a veritable blaze of sound.
(Robert Markow)
For a profile of Robert Markow, see page 17.

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