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99Kazushi
ONOMusic Director

大野和士
音楽監督

©Tomoko Hidaki

都響およびブリュッセル・フィルハーモニックの音楽監督、新国立劇場オペラ芸術監督。1987年トスカニーニ国際指揮者コンクール優勝。これまでに、ザグレブ・フィ
ル音楽監督、都響指揮者、東京フィル常任指揮者（現・桂冠指揮者）、カールスルーエ・
バーデン州立劇場音楽総監督、モネ劇場（ベルギー王立歌劇場）音楽監督、アルトゥー
ロ・トスカニーニ・フィル首席客演指揮者、フランス国立リヨン歌劇場首席指揮者、バルセロナ響音楽監督を歴任。フランス批評家大賞、朝日賞など受賞多数。文化功労者。2026年３月まで３年間、都響音楽監督の任期が再延長された。
2017年５月、大野和士が９年間率いたリヨン歌劇場は、インターナショナル・オ
ペラ・アワードで「最優秀オペラハウス2017」を獲得。自身は2017年６月、フランス政府より芸術文化勲章「オフィシエ」を受章、またリヨン市からリヨン市特別メダルを授与された。
自ら発案した国際プロジェクト「オペラ夏の祭典2019-20 Japan↔Tokyo↔World」
では『トゥーランドット』（2019年）と『ニュルンベルクのマイスタージンガー』（2020年の予定は延期され翌年開催）を指揮、いずれも記念碑的な上演となり注目を集めた。これまでに新国立劇場で西村朗『紫苑物語』（世界初演）、藤倉大『アルマゲドンの夢』（世界初演）、『ワルキューレ』、『カルメン』、渋谷慶一郎『スーパーエンジェル』（世界初演）、『ペレアスとメリザンド』と話題作を次々に手掛け、2022年11月には『ボリス・ゴドゥノフ』（都響がピットに入る）が予定されている。
Kazushi Ono is currently Music Director of Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra, Music

Director of Brussels Philharmonic, and Artistic Director of Opera of New National Theatre,
Tokyo. Ono was formerly General Music Director of Badisches Staatstheater Karlsruhe, Music
Director of La Monnaie in Brussels, Principal Guest Conductor of Filarmonica Arturo Toscanini,Principal Conductor of Opéra National de Lyon, and Music Director of Barcelona Symphony.
TMSO announced that the term of Ono as Music Director was prolonged until March 2026.
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第957回 定期演奏会Cシリーズ
Subscription Concert No.957 C Series

Series

2022年9月3日（土）  14:00開演

東京芸術劇場コンサートホール

Sat. 3 September 2022, 14:00 at Tokyo Metropolitan Theatre

指揮 ● 大野和士 Kazushi ONO, Conductor

ヴァイオリン ● アリーナ・イブラギモヴァ Alina IBRAGIMOVA, Violin

コンサートマスター ● 矢部達哉 Tatsuya YABE, Concertmaster

ブラームス：ヴァイオリン協奏曲 ニ長調 op.77 （40 分）
Brahms: Violin Concerto in D major, op.77

Ⅰ Allegro non troppo
Ⅱ Adagio
Ⅲ Allegro giocoso, ma non troppo vivace

omoko Hidaki

休憩 / Intermission  （20 分）

ブラームス：交響曲第 2 番 ニ長調 op.73 （43 分）
Brahms: Symphony No.2 in D major, op.73
Ⅰ
Ⅱ
Ⅲ
Ⅳ

Allegro non troppo
Adagio non troppo
Allegretto grazioso (Quasi Andantino)
Allegro con spirito

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
        文化庁文化芸術振興費補助金                （舞台芸術創造活動活性化事業）
助成：        独立行政法人日本芸術文化振興会
演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

ヤングシート対象公演（青少年と保護者をご招待）
協賛企業・団体は P.71、募集は P.74 をご覧ください。
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Alina
IBRAGIMOVA
Violinアリーナ・イブラギモヴァ

ヴァイオリン

©Giorgia Bertazzi

バロック音楽から委嘱新作まで、ピリオド楽器とモダン楽器の両方で演奏するアリーナ・
イブラギモヴァは、その演奏の多彩さ、そして「臨場感と誠実さ」（ガーディアン紙）
で高い評価を確立した。2021/22シーズンのハイライトは、ロイヤル・コンセルトヘ
ボウ管、ロンドン響、フィルハーモニア管との再共演のほか、マーラー室内管とサンク
トペテルブルク・フィルにデビュー。最近のシーズンでは、バイエルン放送響、ロンドン・
フィル、ヨーロッパ室内管、スウェーデン放送響、エイジ・オブ・インライトゥンメン
ト管、チューリッヒ・トーンハレ管などと、また指揮者ではガーディナー、ハイティンク、
フルシャ、ハーディング、ユロフスキと共演。
ロイヤル・フィルハーモニック協会のヤング・アーティスト賞（2010）、ボルレッティ＝ブイトーニ・トラスト賞（2008）を含む多くの賞を受賞。2016年、大英帝国勲章
MBE を授与された。
Performing music from baroque to new commissions on both modern and period instruments,
Alina Ibragimova has established a reputation for versatility and the “immediacy and honesty”(The Guardian) of her performances. Highlights of the 2021/22 season include returns toRoyal Concertgebouw Orchestra, London Symphony, and Philharmonia Orchestra; debuts
with Mahler Chamber Orchestra and St. Petersburg Philharmonic. Recent seasons have seen
Alina perform with Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, London Philharmonic,
Chamber Orchestra of Europe, Swedish Radio Symphony, Orchestra of the Age of
Enlightenment, and Tonhalle-Orchester Zürich; collaborating with Conductors such as
Gardiner, Haitink, Hrůša, Harding, and Jurowski. Alinaʼs many awards include the Royal
Philharmonic Society Young Artist Award 2010, the Borletti-Buitoni Trust Award 2008. She
was made an MBE in the 2016 New Year Honours List.

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  ブラームス：  ヴァイオリン協奏曲 ニ長調 op.77
1877年夏、ヴェルター湖畔の避暑地ペルチャッハの美しい自然の中で交響曲第２番を作曲したヨハネス・ブラームス（1833～97）は、翌1878年にもここを訪れて、ヴァイオリン協奏曲に取り掛かる。ヴァイオリン協奏曲を作曲しようと思い立ったきっ
かけは、前 年にバーデン＝バーデンで聴いたパブロ・デ・サラサーテ（1844～1908）の演奏に刺激されたことにあるとも言われているが、ベートーヴェン以来のドイツ的伝統を重んじていたブラームスがサラサーテ好みの華麗なヴィルトゥオーゾ協奏曲を書こうとしたわけではないことは、言うまでもない。
２曲の大作交響曲を書き上げ、交響曲作家としての自信を得ていたブラームスは、協奏曲においてもシンフォニックな特質を求めていた。そのことは当初このヴァイオリ
ン協奏曲がスケルツォを含む４楽章構成で構想されたことからも窺い知れるだろう。
結局は伝統的な３楽章様式の作品となったのだったが、全体のがっしりした造型の中で独奏と管弦楽が密に絡みつつ重厚な響きを作り出すこの曲の作風には、ブラームスのめざす協奏曲のあり方がはっきりと示されている。彼の２曲のピアノ協奏曲はしばしば “ピアノ独奏付きの交響曲” と呼ばれているが、このヴァイオリン協奏曲もまた “ヴァイオリン独奏付きの交響曲” といってよい特質を持った作品なのである。
もちろんだからといって独奏が軽んじられているわけではない。それどころかこのヴァ
イオリン協奏曲は、ピアノ協奏曲と同様に、独奏者にとってはきわめて高難度の技量が要求される協奏曲となっている。シンフォニックな管弦楽に相対する独奏者には並外れた体力が必要とされるし、10度重音や三重音奏法をはじめとして随所に技巧的な難所が置かれていて、まさに演奏者に真のヴィルトゥオジティを求めた協奏曲なのだ。しかしながら、そうした要素が19世紀流行のヴィルトゥオーゾ様式の協奏曲のように技巧の華麗な誇示に向かうのではなく、音楽のシンフォニックな展開に結び付いた必然的な表現となっている点がブラームスらしいところである。
かかる技巧表現を織り込むにあたって、ブラームスは親友の名ヴァイオリニスト、ヨー
ゼフ・ヨアヒム（1831～1907）に助言を求めた。独奏パートのスケッチの下の五線
譜一段を空白にしたものをヨアヒムに送り、そこに訂正案を書いてもらう形でアドバイスを受けたという。
こうしてひととおり完成をみたヴァイオリン協奏曲は、1879年元日にライプツィヒでヨアヒムの独奏、ブラームスの指揮によって初演されたが、ヨアヒムはこの初演や続く各地での再演での演奏経験を踏まえた上でさらに細部の変更を提案、ブラームス
もそれに沿って改訂の手を入れ、決定稿が仕上げられていくことになる。ヨアヒムの提案にブラームスが難色を示すというような場合ももちろんあって、全部の助言を受け入れたというわけではないが、いずれにしてもこの協奏曲の成立にあたってはヨア
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ヒムがきわめて大きな役割を果たしたといえるだろう。
第１楽章 アレグロ・ノン・トロッポニ長調 ４分の３拍子

協奏的ソナタ形式。

伸びやかながらも壮大な広がりを感じさせる管弦楽提示部の後、独奏ヴァイオリンが激しいパッセージで登場してくる。その激しさゆえに、続いて独奏が高音域で奏する
第１主題の美しさが一層際立って印象的だ。２つの主要主題（第２主題は管弦楽提
示部では示されず、独奏提示部になって現れる）の性格はきわめておおらかなものだが、楽章全体は重厚で緊張感をはらんだ展開を繰り広げていく。全曲の半分以上の時間を占める長大な楽章である。
第２楽章

アダージョ ヘ長調 ４分の２拍子 ３部形式の緩徐楽章。管楽器のデリケートな響きを背景にしてオーボエ独奏が息の長い美しい主題を歌って開始される。この出だし部分は、まるで管楽合奏伴奏のオーボエ協奏曲のようだ。この主題は独奏ヴァイオリンによって発展させられていく。中間部では気分が不安定に移りゆき、主部と対照を作り出す。
第３楽章

アレグロ・ジョコーソ、マ・ノン・トロッポ・ヴィヴァーチェ ニ長調

４分の２拍子 リズム的な面白さを強調しつつ華やかに運ばれる快活なロンド・フィナー
レ。冒頭に重音によって示される主要主題は、いわゆるハンガリー風すなわちロマ（ジプシー）風の性格のもので、こうした民俗舞曲を思わせる楽想にはハンガリー舞曲の作曲者としてのブラームスの一面が窺えるともいえるだろう。しかしながらその構成と書法はブラームスらしくきわめて綿密かつ論理的で、その中で独奏が鮮やかな技巧を発揮しながら曲を盛り上げていく。
（寺西基之）
作曲年代： 1878年
初

演： 1879年１月１日 ライプツィヒ ヨーゼフ・ヨアヒム独奏

作曲者指揮

楽器編成： フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、ティンパニ、
弦楽５部、独奏ヴァイオリン

  ブラームス：  交響曲第２番 ニ長調 op.73
創作に長い年月を費やした交響曲第１番がやっとの思いで完成した翌年の1877年６月、南オーストリアのヴェルター湖畔の避暑地ペルチャッハで、ブラームスは次の交響曲に着手する。苦悩した第１番の時とは打って変わって今度は肩の荷がおりたかのように筆が進み、おそらく10月にリヒテンタールにおいて、２番目の交響曲はわ
ずか半年足らずで完成をみることとなった。
作風の点でもこの第２番は、緊迫感に満ちた第１番とは対照的に、そして第１番

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の終楽章の主部でやっと見出した “ふっきれた” 感じを受け継ぐかのように、明るい伸びやかさが全体を支配している。それはまたこの作品が書き進められた風光明媚なペルチャッハの自然を映し出しているかのようだ。
初演前にピアノの４手連弾の形でブラームスとともにこの曲を試演した友人のテオドー
ル・ビルロート（1829～94）も「幸福な喜びの気分が曲全体に満ちている。……ペルチャッハとはどんなに美しいところなのだろう」と述べたという。作品のそのような穏やかな叙情、牧歌的な性格ゆえに、この交響曲がしばしばブラームスの《田園》
交響曲と呼ばれているのも頷けよう。ベートーヴェンの 《運命》と《田園》という姉妹作のような関係が、ブラームスの第１番と第２番の交響曲についてもいえるかもしれない。
しかしベートーヴェンの 《田園》とは違って、その明るさの中に、しばしば寂寥感を感じさせるような暗い陰りが交錯するところがロマン派時代の作曲家ブラームスらしいところで、そうしたデリケートな情感の襞がこの交響曲にロマン的な奥行きを与えている。田園的な明るさの中に陰りある情感を交えた作品のこのような特質は、翌年やはり同じペルチャッハで書かれることになるヴァイオリン協奏曲（調も同じニ長調）に受け継がれることになる。
そうした伸びやかな叙情性の一方、この交響曲第２番は、短期間で書き上げられたのにもかかわらず、全体がブラームスならではの綿密な構成と論理的な書法によってがっしりと作り上げられていることも注目されよう。とりわけ第１楽章の冒頭で低弦に示される「D−Cis−D（ニ−嬰ハ−ニ）」 の動機は、以後の様々な主題に織り込まれたり展開の中で扱われたりなど、全曲にわたっていろいろな形で活用される動機となって、作品に統一感をもたらしている。主題の展開法もきわめて精巧で、それによってロマン的な情感の移ろいや情動が効果的に表現されている。1877年暮
れにウィーンで行われた初演では、第３楽章がアンコールされるなど大きな成功を収
めた。
第１楽章

アレグロ・ノン・トロッポニ長調 ４分の３拍子

田園的な気分のう

ちにも孤独な情感を湛えたソナタ形式楽章。先に述べた低音の基本動機に導かれてホルンが第１主題を出す。主和音の分散形と順次進行を組み合わせたこの第１主題の牧歌的性格は、作品全体の気分を決定づける。第２主題はチェロとヴィオラによって歌われるメランコリックな叙情を持ったもの。展開部では不安定な動きとなって大きな感情的盛り上がりをみせていくが、それが収まって再現部ではまた牧歌的な気分が戻ってくる。コーダではホルンの深々とした旋律が日の暮れゆくような雰囲気を醸し出し、最後は夕映えのような美しさのうちに消えていく。
第２楽章 アダージョ・ノン・トロッポ ロ長調 ４分の４拍子

内面の心情を綴ったような、深い味わいを持った３部形式の緩徐楽章で、チェロが寂しげに歌い紡ぐ息

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9/3 C Seriesの長い主題に開始される。この主題の無限旋律的な性格は、ブラームスがワーグナーと同じ時代に生きた作曲家であることを改めて思い起こさせる。明るく始まる中間部
はやがて暗転して劇的な高まりを示す。
第３楽章

アレグレット・グラツィオーソ（クアジ・アンダンティーノ） ト長調

４分の３拍子

第２楽章の内省的な気分から一転し、再び田園風の雰囲気が戻ってくる。のどかで軽やかな主題による主部と速い躍動的な２つのエピソード（プレスト・
マ・ノン・アッサイ）が、A−B−A−C−A の形で並べられた民俗舞曲風の中間楽章である。
第４楽章

アレグロ・コン・スピーリトニ長調 ２分の２拍子

喜ばしさに満ちて前進的に運ばれるソナタ形式のフィナーレ。その推進力あるエネルギーはコーダ
で圧倒的なクライマックスを築き上げ、全曲は輝かしい明るさのうちに締め括られる。
（寺西基之）
作曲年代： 1877年
初

演： 1877年12月30日 ウィーン ハンス・リヒター指揮 ウィーン・フィル

楽器編成： フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボ
ーン３、テューバ、ティンパニ、弦楽５部

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Program notes by Robert Markow

  Brahms:
  Violin Concerto in D major, op.77
Ⅰ Allegro non troppo
Ⅱ Adagio
Ⅲ Allegro giocoso, ma non troppo vivace

Johannes Brahms: Born in Hamburg, May 7, 1833; died in Vienna, April 3, 1897
Brahms spent the summer of 1878 at Pörtschach on Lake Wörth in southern
Austria. It was a region, he once said, where melodies were so abundant that one
had to be careful not to step on them. Here Brahms began work on his only violin
concerto, completing it by early fall. As was his custom, Brahms conferred with theeminent violinist Joseph Joachim on technical and musical matters. Biographers disagree on the extent to which Brahms heeded Joachimʼs advice (many difficult, awkward passages for the soloist remain), yet, as was only to be expected, he dedicated the score and entrusted the premiere to Joachim, his friend and adviser of 25
years. The first performance took place on New Yearʼs Day, 1879, with Brahms
conducting the Leipzig Gewandhaus Orchestra.
The concertoʼs technical difficulties did not encourage further performances,
nor did audiences respond kindly. As with many of Brahmsʼs large-scale works, it
was considered dry and pedantic; even the critic and long-time Brahms supporter
Eduard Hanslick didnʼt appreciate it. But that is all history now. Brahmsʼs concerto
is ranked today alongside Beethovenʼs (also in D major) as one of the two greatest
ever written. Hubert Foss states the case eloquently: “Of all Brahmsʼs major works,
this is the one which shows in the highest degree of perfection the reconciling of
the two opposites of his creative mind − the lyrical and the constructive: Brahms
the song writer and Brahms the symphonist. For this concerto is a song for the violin on a symphonic scale − a lyrical outpouring which nevertheless exercises to thefull his great powers of inventive development. The substance of it is, throughout,
the growth of the themes; they blossom before us like opening flowers in a richly
stocked garden. It is Brahmsʼs most lovable work of extended design.”
The concerto opens with a relaxed theme in the violas, cellos, bassoons, andhorns − a characteristically warm, Brahmsian scoring. It takes only a few moments
to realize that this is going to be a concerto on a grand scale. After presentation ofseveral more thematic ideas, the soloist enters with a flourish, which develops intoa long, quasi-cadenza before eventually settling down to repeat the themes firstheard in the long orchestral exposition. Additionally, the violin first presents a newtheme, rapturously flowing and waltz-like. Brahms left the cadenza to the discretionof the soloist. Many have been written since the original one by Joachim.
The sustained, serene oboe solo that begins the second movement is one of
the most gorgeous melodies Brahms ever wrote, and it serves to remind us that

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Brahms was one of the great song writers of the nineteenth century. The central
portion of the movement shifts to the minor mode, and has been described as soaring into “impassioned melancholia.” The final part of the ternary-form (ABA) movement begins with a re-statement of the oboe theme accompanied by new figurations from the violin. The soloist forms a tight bond with the orchestra, yet interestingly enough never plays more than the first three notes of the main theme inunadorned fashion.
The bold and fiery finale, the only movement full of virtuosic display, is aslightly modified rondo structure (ABACBA) whose principal theme is marked by a
Hungarian gypsy flavor. Thus Brahms pays fitting tribute to two Hungarian violinists who played significant roles in his life: Joseph Joachim and Eduard Reményi,who “discovered” Brahms and presented him to the European music world.

  Brahms:
  Symphony No.2 in D major, op.73
Ⅰ Allegro non troppo
Ⅱ Adagio non troppo
Ⅲ Allegretto grazioso (Quasi Andantino)
Ⅳ Allegro con spirito

After the massiveness and severity of Brahmsʼs First Symphony, the idyllic,pastoral Second, with its wealth of singable melodies, made a strong popular
appeal. Whereas Brahms had toiled for twenty years over his First Symphony, theSecond was written in the space of a mere three months during the summer of1877 − one year before and in the same place (the Wörthersee) as the Violin
Concerto. The warmly lyric and relaxed character, the gracefulness of the many
melodies, and a positive outlook are all attributable in some measure to the charmsof the south Austrian countryside. In its pastoral quality, many listeners find a parallel to Beethovenʼs Sixth Symphony which, like Brahmsʼs Second, followed a grim,
darkly serious and heroic symphony in C minor.
Brahms completed the symphony at Lichtenthal near Baden-Baden in
October. The first performance was given by the Vienna Philharmonic, led by Hans
Richter, on December 30, 1877. Although the Viennese liked it, the symphony rodea rocky course towards critical acceptance in other cities. One smiles in amusement
to read that, for example, in Leipzig, which first heard the symphony in 1880, a critic felt it was “not distinguished by inventive power.” Two years later, in Boston, thePost called it “coldblooded” and the Traveler proclaimed that the symphony lacked“a sense of the beautiful.” So much for the perspicacity of critics!
Right from the very opening notes, the listener is caught up in the symphonyʼs
gentle, relaxed mood. The first two bars also provide the basic motivic germs of theentire movement and for much of the material in the other movements as well. The
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three-note motto in the cellos and basses and the following arpeggio in the horns
are heard repeatedly in many guises − slowed down, speeded up, played upside
down, buried in the texture or prominently featured. All the principal themes of the
movement are derived from these motto-motifs. The second theme is one ofBrahmsʼs most glorious, sung by violas and cellos as only these instruments cansing.
The second movement is of darker hue and more profound sentiment. The
form is basically an A-B-A structure, with a more agitated central section in theminor mode. Throughout the movement, the listenerʼs attention is continuallyfocused as much on the densely saturated textures as on the themes.
The genial, relaxed character returns in the third movement, not a scherzo as
Beethoven would have written, but a sort of lyrical intermezzo, harking back to thegracious eighteenth-century minuet. The forces are reduced to almost chamberorchestra proportions, and woodwinds are often the featured sonority. This movement proved so popular at its premiere that it had to be repeated.
The forthright and optimistic finale derives heavily from the melodies of thefirst movement, though as usual with Brahms, this material is so cleverly disguisedthat one scarcely notices. The coda calls for special comment. Brahms usually
made scant use of trombones and tuba, writing for these instruments with skill but
also with reserve. Yet from time to time he calls upon them for stunning effects,
and one such moment occurs in the Second Symphonyʼs coda, a passage as thrilling for audiences as it is for trombonists, every one of whom looks forward to arole in bringing this joyous work to its blazing D-major conclusion.
Robert Markowʼs musical career began as a horn player in the Montreal SymphonyOrchestra. He now writes program notes for orchestras and concert organizationsin the USA, Canada, and several countries in Asia. As a journalist he covers themusic scenes across North America, Europe, and Asian countries, especially Japan.
At Montrealʼs McGill University he lectured on music for over 25 years.

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第958回 定期演奏会Bシリーズ
Subscription Concert No.958 B Series

9月9日（金）  19:00開演

サントリーホール

2022年

Fri. 9 September 2022, 19:00 at Suntory Hall

指揮 ● 大野和士 Kazushi ONO, Conductor

ソプラノ ● 小林厚子 Atsuko KOBAYASHI, Soprano
アルト ● 山下裕賀 Hiroka YAMASHITA, Alto

テノール ● 福井 敬 Kei FUKUI, Tenor

バス ● 妻屋秀和 Hidekazu TSUMAYA, Bass

オルガン ● 大木麻理 Mari OHKI, Organ

合唱 ● 新国立劇場合唱団 New National Theatre Chorus, Chorus

合唱指揮 ● 冨平恭平 Kyohei TOMIHIRA, Chorus Masterコンサートマスター ● 矢部達哉 Tatsuya YABE, Concertmaster

ドヴォルザーク：交響曲第 5 番 ヘ長調 op.76 （36 分）
Dvořák: Symphony No.5 in F major, op.76
Ⅰ
Ⅱ
Ⅲ
Ⅳ

Allegro, ma non troppo
Andante con motoAndante con moto, quasi l'istesso tempo - Allegro Scherzando
Finale: Allegro molto

休憩 / Intermission  （20 分）

ヤナーチェク：グラゴル・ミサ（1927 年第 1 稿）  （46 分）
Janáček: Glagolitic Mass（1927 first version）
Ⅰ
Ⅱ
Ⅲ
Ⅳ
Ⅴ

IntradaÚvod (Introduction)
Gospodi pomiluj (Kyrie)
Slava (Gloria)Věruju (Credo)

Ⅵ
Ⅶ
Ⅷ
Ⅸ

Svet (Sanctus)
Agneče Božij (Agnus Dei)
Varhany solo (Organ solo)
Intrada主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
シリーズ支援：明治安田生命保険相互会社
助成：

文化庁「ARTS for the future! 2」補助対象事業公益財団法人三菱UFJ信託芸術文化財団

演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

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AtsukoKOBAYASHI
Soprano

小 林厚子
ソプラノ

©Yoshinobu Fukaya

東京藝術大学卒業、同大学院修了。日本オペラ振興会オペラ歌手育成部修了。文化庁
新進芸術家海外研修制度研修員としてイタリアで研鑽を積む。2007年藤原歌劇団『蝶々夫人』でタイトルロール・デビュー。2015年『蝶々夫人』でトラエッタ劇場およびクルチ劇場にてイタリア・デビュー。新国立劇場では『トスカ』タイトルロール、『ワルキューレ』ジークリンデ、『ドン・カルロ』エリザべッタに出演、高い評価を得た。藤原歌劇団団員。
Atsuko Kobayashi graduated from Tokyo University of the Arts and obtained a Master's degree
at the same university. She studied in Italy. Kobayashi performed in Madama Butterfly at
Fujiwara Opera, Teatro Comunale Tommaso Traetta, and Teatro Curci. She sung in Tosca,

Walküre, and Don Carlo at New National Theatre, Tokyo. She is a member of Fujiwara Opera.

HirokaYAMASHITA
Alto

山下 裕 賀アルト© 深谷義宣 auraY2

東京藝術大学卒業、同大学院修士課程を首席修了。武藤舞奨学金を得て、ウィーンへ短期留学。第21回コンセール・マロニエ21第1位。オペラでは NISSAY OPERA 2021
『カプレーティとモンテッキ』ロメーオ、同2022『セビリアの理髪師』ロジーナ、藤沢市民オペラ『ナブッコ』フェネーナなどに出演。コンサートではベートーヴェン《第九》、ヴェルディ《レクイエム》、デュリュフレ《レクイエム》、プロコフィエフ《アレクサン
ドル・ネフスキー》などでソリストを務める。日本声楽アカデミー会員。
Hiroka Yamashita graduated from Tokyo University of the Arts and obtained a Masterʼs degree
at the same university. In 2016, she won the 1st prize at the 21th Concert Marronnier 21.

Yamashita has performed as Romeo in Capuleti e i montecchi, Rosina in Il barbiere di Siviglia,
and Fenena in Nabucco. In concerts, she has sung in Beethovenʼs Symphony No. 9, Verdiʼs
Requiem, Durufléʼs Requiem, and Prokofiev's Alexander Nevsky. She is a member of Japan Vocal
Music Academy.
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Kei
FUKUI
Tenor

福井 敬
テノール

国立音楽大学卒業、同大学院修了。文化庁オペラ研修所修了後、文化庁在外派遣などによりイタリアへ留学。これまでに小澤征爾指揮 水戸室内管、メータ指揮ウィーン・フィルと共演するなど国際的評価を得ている。二期会『オテロ』『トリスタンとイゾルデ』『エドガール』、びわ湖ホール『ローエングリン』『パルジファル』などのタイトルロールで出演。2014年芸術選奨文部科学大臣賞をはじめ受賞多数。国立音楽大学教授。二期会会員。
Kei Fukui graduated Kunitachi College of Music and completed his studies at Opera Institute. He
studied further in Italy. He has performed title role of Otello, Lohengrin, Parsifal, among others.
Fukui has been active as a leading tenor in Japan. He received the 2014 Minister of Education
Award for Fine Arts. He is a professor of Kunitachi College of Music. He is a member of Nikikai.

Hidekazu
TSUMAYA
Bass

妻屋秀和
バス

©Takafumi Ueno

東京藝術大学卒業、同大学院修了。ライプツィヒ歌劇場およびワイマール・ドイツ国
民劇場の専属歌手を務めた。国内では新国立劇場、びわ湖ホール、日生劇場などで活躍。
二期会『エロディアード』『フィデリオ』『サムソンとデリラ』『魔笛』、新国立劇場『ドン・カルロ』『カルメン』『ニュルンベルクのマイスタージンガー』、びわ湖ホール『神々の黄昏』『ローエングリン』、日生劇場『ルチア～あるいはある花嫁の悲劇～』などに出演。
二期会会員。
Hidekazu Tsumaya graduated Tokyo University of the Arts and obtained a Masterʼs degree atthe same university. He was exclusive singer of Oper Leipzig and Deutsches Nationaltheater
und Staatskapelle Weimar. Tsumaya has regularly appeared New National Theatre, Tokyo,
Biwako Hall, and Nissay Theatre. He has performed in Herodiade, Fidelio, Samson et Dalila, Die
Zauberflöte, Don Carlo, Carmen, Die Meistersinger von Nürnberg, Götterdämmerung, Lohengrin,among others. He is a member of Nikikai.
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Mari OHKI
Organ

大木麻理
オルガン

© 高山龍也

東京藝術大学、同大学院修士課程修了。DAAD（ドイツ学術交流会）、ポセール財団の奨学金を得てリューベック国立音楽大学およびデトモルト国立音楽大学に留学、満場
一致の最優等で国家演奏家資格を得て卒業。第３回ブクステフーデ国際オルガンコンクー
ル日本人初優勝、第65回「プラハの春」国際音楽コンクールオルガン部門第３位など国内外で受賞多数。CD アルバム『エリンネルング』『51鍵のラビリンス』が『レコード芸術』特選盤に選出されたほか、東響と共演した『Live from MUZA』は第58回レコー
ド・アカデミー賞特別部門録音賞を受賞した。
ソロのみならず国内外のオーケストラ、アンサンブルと多数共演。個々のオルガンの可能性を活かした音色作りと高いテクニックは、多くのファンを魅了している。神戸女学院大学および東洋英和女学院大学非常勤講師、ミューザ川崎シンフォニーホール・オ
ルガニスト。
Mari Ohki graduated with her Bachelor's and Master's Degrees from Tokyo University of theArts. She studied at Musikhochschule Lübeck and Hochschule für Musik Detmold. She won the
1st Prize at Internationaler Buxtehude Orgelwettbewerb and 3rd Prize at Prague Spring
International Music Competition. She has appeared as a concert organist in numerous cities inboth Japan and Europe. She is a hall organist of Muza Kawasaki Symphony Hall.

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New National Theatre Chorus Chorus
新国立劇場合唱団

合唱© 堀田力丸マルティヌー：カンタータ《花束》（第774回B定期・2014年9月8日・サントリーホール／ヤクブ・フルシャ指揮
新国立劇場合唱団、東京少年少女合唱隊、他）

新国立劇場は、オペラ、バレエ、ダンス、演劇という現代舞台芸術のためのわが国唯一の国立劇場として、1997 年 10 月に開場した。新国立劇場合唱団も年間を通じて行われる数多くのオペラ公演の核を担う合唱団として活動を開始。個々のメンバーは高水準の歌
唱力と演技力を有しており、合唱団としての優れたアンサンブル能力と豊かな声量は、国内外の共演者およびメディアからも高い評価を得ている。
New National Theatre, Tokyo, opened in October 1997 as the only national theatre for themodern performing arts of opera, ballet, contemporary dance, and play. Meanwhile, New
National Theatre Chorus started its career and has played a central role in many opera performances all through the seasons. Their ensemble ability and rich voices have achieved
acclaim from co-starred singers, conductors, directors, stage staffs as well as domestic andforeign media.

Kyohei TOMIHIRA
Chorus Master

冨平恭平
合唱指揮

東京藝術大学卒業。指揮を高関健、田中良和、小田野宏之の各氏に師事。これまでに群
響、東京シティ・フィル、東京フィル、東響などを指揮。オペラでは新国立劇場、東京二期会、藤原歌劇団などの公演で副指揮者、合唱指揮者などを務めている。2019年４月から
新国立劇場合唱指揮者。
Kyohei Tomihira graduated from Tokyo University of the Arts. He has conducted orchestras
such as Gunma Symphony, Tokyo City Philharmonic, Tokyo Philharmonic, and Tokyo Symphony. He also serves as Associate Conductor and Chorus Master in opera performances of
New National Theatre, Tokyo, Tokyo Nikikai Opera Foundation and The Fujiwara Opera. He
is a Chorus Master of New National Theatre, Tokyo.

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9/9 B Series  ドヴォルザーク :  交響曲第5番 ヘ長調 op.76
1870年代半ばのアントニン・ドヴォルザーク（1841～1904）は、ヨハネス・ブラームス（1833～97）や、大指揮者ハンス・フォン・ビューロー（1830～94）といった、
ウィーン音楽界の巨匠たちによって才能が認められ、ようやく名前が世に知られ始めていた。特に、この交響曲第５番が書かれた1875年は、オーストリア国家奨学金を授与されたおかげで生活が安定し、オルガニストの職を辞して作曲に多くの時間を割けるようになるとともに、ブラームスがベルリンの出版社ジムロックに《モラヴィア二重唱曲集》（第１集）op.20の出版を推薦してくれるなど、作曲家として大きな前進を遂げた年だった。作曲活動も旺盛で、弦楽セレナードop.22、ピアノ三重奏曲第１番 op.21、ピアノ四重奏曲第１番 op.23など、多くの重要な作品がこの年に書かれている。
交響曲第５番は、1875年６月、ピアノ四重奏曲第１番の完成直後に着手され、ほぼ６週間で一応の完成を見た。初演は1879年に行われている。その後、1887
年に改訂が行われ、その年に作曲者はこの曲をハンス・フォン・ビューローに献呈した。ビューローからは、「現代において、ブラームスに次いで神に才能を与えられたあなたからの献呈は、どんな支配者からのどんな大十字章よりも高い勲章です」という礼状が届き、ドヴォルザークは大いに喜んだ。
出版は、初演から９年もたった1888年のことだった。このヘ長調交響曲を書いた
あと、ドヴォルザークはニ長調（現・第６番）とニ短調（現・第７番）の交響曲を完成し、それらはすでに第１番および第２番として出版されていた。そのため、この曲は、「交響曲第３番 op.76」として出版された。ドヴォルザークが付けた作品番号
はop.24だったのだが、出版社のジムロックは無断でこれを変更し、op.76として出版してしまった。これは、ジムロックが実際には旧作であるこの交響曲を最新作に見せかけるためだったと言われる。
第１楽章

アレグロ・マ・ノン・トロッポヘ長調 ４分の２拍子 ソナタ形式。

クラリネット２本のさわやかな歌で始まるヘ長調の第１主題Ａに続き、全オーケストラ
が同じくヘ長調の力強い第１主題Ｂをffで提示する。第２主題は、ニ長調で半音階的に上昇する憧れに満ちた旋律だ。提示部のあと経過部があり、弦のトレモロを背景にフルートが第１主題を歌い始めると展開部だ。ここでは第１主題Ａが中心に扱われる。再現部は、ホルンが吹く第１主題Ａに始まり、第１主題Ｂと第２主題が型どおりに再現される。
第２楽章 アンダンテ・コン・モト イ短調 ８分の３拍子 ３部形式。ドゥムカ（1920

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世紀にスラヴ諸国で流行した民族色の濃い歌謡または器楽曲）風の緩徐楽章。チェロが歌い始める冒頭の主題は、哀感を帯びた民謡風の旋律で、「espressivo edolente（表情豊かに、悲しげに）」という指示がある。この主題は、第１ヴァイオ
リンや木管へと引き継がれていく。中間部はイ長調に転じ、弦のピッツィカートの上で木管がゆったりと歌う。やや緊迫感のある経過部があって主部に戻ると、最初よりも内声が豊かになっている。楽章の終わりには「ごく短い休止のあとすぐ次へ」という指示がある。
第３楽章

アンダンテ・コン・モト、クワジ・リステッソ・テンポ～アレグロ・スケ

ルツァンド

変ロ長調 ８分の３拍子 ３部形式。冒頭には第２楽章の素材に基づく序奏が置かれ、第２・３楽章をスムーズにつなぐ役割を担っている。主部はフルートとクラリネットの吹く軽快な主題で始まる。変ニ長調のトリオ（中間部）では管と弦がリズミックな音形で短い応答を繰り返し、やがて主部が再現される。
第４楽章

フィナーレ／アレグロ・モルト イ短調～ヘ長調 ４分の４拍子

ソナ

タ形式。のどかな第１～３楽章とは対照的な、緊迫感に満ちたフィナーレ。イ短調による悲壮感のある序奏で始まり、クライマックスで主部へ突入、ヘ長調の華やかな第１主題（序奏主題の変形）がトゥッティで提示される。第２主題は変ニ長調で、半音下行するクラリネットに大きく弧を描くようなヴァイオリンが応答する。展開部は、
ほぼ序奏主題に基づいて、金管も活躍する闘争的な音楽。展開的な要素を含む再現部のあと、序奏主題による充実したコーダに入り、最後は第１楽章第１主題Ａをト
ロンボーンが力強く回想、輝かしく全曲を閉じる。
（増田良介）
作曲年代： 1875年6月15日～7月23日 改訂／1887年
初

演： 1879年3月25日 プラハ アドルフ・チェフ指揮 プラハ国民劇場管弦楽団

楽器編成： フルート２、オーボエ２、クラリネット２（第２はバスクラリネット持替）、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、ティンパニ、トライアングル、弦楽５部

ヤナーチェク：グラゴル・ミサ（1927年第1稿）
レオシュ・ヤナーチェク（1854～1928）の 《グラゴル・ミサ》 は、彼の代表作のひとつだ。グラゴルとは、古代教会スラヴ語で用いられた文字の名で、９世紀に、
東ローマ帝国のサロニカ（ギリシャ北部の町）からモラヴィアに派遣された２人の聖職者が、文字を持たなかったスラヴ人のために作り上げたとされている。
宗教心の薄かったヤナーチェクがこの曲を作曲した動機についてはいろいろな話が9/9 B Series

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残っているが、1920年、雑誌に掲載された古代教会スラヴ語による典礼文（グラゴル文字ではなくラテン文字に翻字されたもの）を彼が入手したことがひとつのきっかけになったことは間違いないだろう。彼は、幼年時代、聖歌隊に参加していたのだが、グラゴル文字を作った聖職者のひとり、コンスタンチン（聖キリル）の死後
1000年祭に参加し、大きな感銘を受けたことがあった。ヤナーチェクはそのことを思い出し、ミサ曲を着想したとされる。
ただ、実際に着手されたのはその６年後、1926年８月２日のことだった。当時、ヤナーチェクは、お気に入りだった温泉保養地ルハチョヴィツェに滞在していた。作
曲者は、この地で遭遇した激しい雷雨が作曲のヒントになったことを、次のように回想している。「どんどん暗くなる。私は漆黒の夜に見入っている。稲妻の一閃が切り裂く。私は天井にある、ちらちらする電灯をつける。私はまさに、“Gospodi
pomiluj（主よ、あわれみたまえ）” という言葉に付ける、絶望的な心境をあらわす
静かな動機、そして、“Slava Slava（栄光あれ、栄光あれ）” という歓喜の叫びを書き付けた」
作曲は順調に進み、８月17日には、オルガン・ソロの後奏曲を除く全曲がほぼできあがっていたが、ヤナーチェクは、ブルノに戻ってからさらに手を加え、1926年
10月15日に完成した。しかし、その10日後にオルガン・ソロの後奏曲を加えたりして、
ヤナーチェクがようやくペンを置いたのは12月はじめのことだった。このときは全９楽章で、「Věruju（クレド／われは信ず）」を中心とするシンメトリー構成となっていた。
しかし翌年（1927年）、初演が12月５日（ブルノ）と決まると、ヤナーチェクは再度改訂を始める。特に、９月に合唱、11月にオーケストラのリハーサルが始まってからは、楽器の不足や、リハーサル時間の短さのために、大きな修正を余儀なくされた。
プラハでの再演（1928年４月８日）の前にもさらに修正が行われた。これらの改訂の過程で、冒頭の 「Intrada（イントラーダ）」 が削除されて全８楽章となり、オー
ケストラの編成も減らされた。さらに、1928年８月、ヤナーチェクは楽譜の出版前に世を去ってしまったため、これらの変更のうちどれがヤナーチェクの自発的なもので、どれが意に反する妥協だったのかは判断できなくなってしまった。
その後この曲は、1929年に出版された楽譜（改訂稿）でのみ長らく演奏されてきた。ようやく第１稿が出版されたのは、1993年のことだ。本日は、この第１稿に基づいて演奏が行われる。
全曲は９楽章からなり、そのうち５つの楽章に声楽が入るが、これらは、通常のラテン語／ギリシャ語のミサとほぼ同じ内容をもつ。残りの４つの楽章は器楽のみで、最初と最後に「Intrada（イントラーダ）」が置かれるほか、管弦楽のみの「Úvod（序奏）」と、オルガンのみの後奏曲がある。以下は各楽章の説明だが、楽譜の校訂者
ポール・ウィングフィールドの説明に従って、第１稿と改訂稿の違いを中心に述べる。

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Ⅰ「Intrada（イントラーダ）」 改訂稿では最後にだけ置かれていた「イントラーダ」

が、第１稿では最初にも置かれている。こうすると、全体が 「Věruju（クレド／われは信ず）」を中心とする全９楽章のシンメトリー構成となる。初演時にもこの構成で演奏された。この曲の第１稿ではティンパニの高音がたくさん使われているが、改訂稿においては、それらの多くがオクターヴ下に移されている。その措置はこの 「イントラーダ」で顕著だ。
Ⅱ「Úvod（序奏）」 ヤナーチェクの代表作 《シンフォニエッタ》を思わせるファン

ファーレのあと、木管と弦が加わる。この曲はホルンとトランペットとティンパニは３拍子、その他の管楽器とハープは５拍子、弦も５拍子だが７連符が多い。つまり
３、５、７という３つの素数に基づくリズムがぶつかりあう。この３つのリズムは、多少楽器を変えながらそれぞれ独立して進んでいく。改訂稿では全パートが３拍子
で演奏できるよう、書き換えられている。
Ⅲ「Gospodi pomiluj（キリエ／主よ、あわれみたまえ）」 ３部形式。主部は合唱が 「Gospodi pomiluj（主よ、あわれみたまえ）」と歌う暗く不安げなもの。
ソプラノ独唱が 「Chrste pomiluj（キリスト、あわれみたまえ）」と歌い、やや高揚する中間部が続き、やがて主部が戻ってくる。第１稿は主部が４分の５拍子、中間部が４分の３拍子なのに対し、改訂稿は主部が２分の２拍子に変わっていて、リズムが第１稿とはまったく異なる。
Ⅳ「Slava（グロリア／栄光あれ）」 前の楽章とは対照的に、ソプラノの独唱で始まり、次第に白熱してゆき、輝かしいクライマックスに到達する。第１稿では、曲の中央より少し前、83～86小節（「Bože, Otče Vsemogyi（神よ、全能の父よ）」の前）にティンパニのソロがあるが、改訂稿では弦とハープが重ねられている。
Ⅴ「Věruju（クレド／われは信ず）」 全曲でもっとも長い楽章。低弦とバスクラリ

ネットによる特徴的なユニゾンの音型で始まる第１部、管弦楽のみで演奏されるアン
ダンテの第２部、合唱が「raspet že za ny（われらのために十字架につけられ）」と歌い、キリストの磔刑と復活が歌われる第３部からなっている。
第２部冒頭には、３本のクラリネットを中心とする小さなアンサンブルによる導入部がある。第１稿ではこのクラリネットに「舞台裏で」という指示があるが、改訂稿にその指示はない。また第２部から第３部に移行する部分で、第１稿ではオルガン・ソ
ロと、３対のティンパニを中心とするオーケストラ楽句が交互に現れて、迫力のある掛け合いを聴かせるが、改訂稿ではオルガンのみとなっている。
Ⅵ「Svet（サンクトゥス／聖なるかな）」 ハープ、チェレスタ、分割された弦による清澄な響きで始まるが、ティンパニを合図に動きを増し、ヴァイオリンが８分音符４
つのパターンを執拗に弾き始めると、次第に熱を帯びていく。
楽章の終わり近くに「Osanna vo vyšńich（天のいと高きところにホザンナ）」

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9/9 B Seriesという語句が繰り返される部分があるが、改訂稿ではティンパニの音型のあとの14小節（183～196小節）が削除されている。
Ⅶ「Agneče Božij（アニュス・デイ／神の子羊）」 前の楽章の余韻を残す、管弦楽のみによる神秘的な響きの部分のあと、無伴奏の合唱が入る。ここでは、ソプ
ラノが 「Agneče Božij（神の子羊）」、アルト以下の声部は「Pomiluj nas（われらをあわれみたまえ）」と歌っている。これが３度繰り返され、バス独唱が歌い始めると中間部となる。やがて冒頭の部分が回帰し、静かに楽章を閉じる。
Ⅷ「Varhany solo（オルガン・ソロ）」 激しいオルガン・ソロによる後奏曲で、最初にペダルで弾かれるオスティナート音型に基づく自由なパッサカリア。
Ⅸ「Intrada（イントラーダ）」 冒頭の楽章が再度演奏される。

（増田良介）
作曲年代： 1926年8月2日～10月15日 改訂／1926～28年
初

演： 1927年12月5日 ブルノ
ヤロスラフ・クヴァピル指揮 ブルノ劇場管弦楽団

他

楽器編成： フルート４（第２～４はピッコロ持替）、オーボエ２、イングリッシュホルン、クラリネット３（第３はバスクラリネット持替）、ファゴット３（第３はコントラファゴット持替）、ホルン４、トラ
ンペット４、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、小太鼓、トライアングル、タムタム、
シンバル、チャイム、グロッケンシュピール、ハープ２、チェレスタ、オルガン、弦楽５部、独唱（ソプラノ、アルト、テノール、バス）、混声４部合唱、バンダ（クラリネット３）

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ヤナーチェク：グラゴル・ミサ〔訳／森田 稔〕

ミサ通常文（参照）（ギリシャ語／ラテン語）「グラゴル・ミサ」歌詞（古代スラヴ語）

日本語

1. Intrada

1. イントラーダ（オーケストラ）

2. Úvod

2. 序奏（オーケストラ）

Kyrie

3. Gospodi pomiluj

3. キリエKyrie eleison.

Gospodi pomiluj,

主よ、あわれみたまえ。

Christe eleison,

Chrste pomiluj.

キリスト、あわれみたまえ。

Kyrie eleison.

Gospodi pomiluj.

主よ、あわれみたまえ。

Gloria

4. Slava

4. グロリア

Gloria in excelsis Deo

Slava vo vyšńich Bogu

天のいと高きところには神に栄光、

et in terra pax hominibus

i na zemlʼi mir, člověkom

地には善意の人に

bonae voluntatis.

blagovol’ enja.

平和あれ。

Laudamus te, benedicimus

Chvalim te, blagoslovlʼajem

われら主をほめ、主を

te, adoramus te,te, klańajem ti se,

たたえ、主をおがみ、

glorificamus te.

slavoslovim te,

主をあがめ、

Garatias agimus tibi,chvali vozdajem tebě主の大いなる栄光のゆえに

propter magnam gloriam tuam. velikyje radi slavy tvojeje,

感謝したてまつる。

(Domine Deus, Rex coelestis,)（主なる神、天の王、）Deus, pater omnipotens,

Bože, Otče Vsemogyi,

神よ、全能の父よ、

domine fili unigenite,

Gospodi synu jedinorodnyj,

主なる御ひとり子、Jesu Christe,

Isuse Chrste;

イエズス・キリストよ。

Domine Deus, agnus

Gospodi Bože, Agneče

神なる主、神のDei,filius patris.

Božij, Synu oteč,

子羊、父のみ子よ。

Qui tollis peccata mundi,v zemlʼej grěchy mira,

世の罪を除きたもう主よ、

miserere nobis, suscipe

pomiluj nas. Primi

われらをあわれみたまえ。われらのdeprecationem nostram.

molʼenja naša.

願いを聞きいれたまえ。

Qui sedes ad dexteram patris, Sědej o desnuju Otca,

父の右に座したもう主よ、

miserere nobis.

pomiluj nas.

われらをあわれみたまえ。

Quoniam tu solus sanctus,

Jako ty jedin svět;主のみ聖なり、

tu solus dominus,

ty jedin Gospod;

主のみ王なり、

tu solus altissimus,

ty jedin vyšńij,主のみいと高し、

Jesus Christe.

Isuse Chrste.

イエズス・キリストよ。

Cum sancto spiritu

vo slavě Boga Otca.

聖霊とともに、in gloria Dei patris,

so Svetym Duchom.

父なる神の栄光のうちに。

Amen.

Amin.

アーメン。
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9/9 B SeriesCredo

5. Věruju

5. クレドCredo in unum Deum,Věruju v jedinogo Boga,

われは信ず、唯一の神、Patrem omnipotentem,

Otca Vsemoguštago,

全能の父、

factorem coeli et terrae,

Tvorca nebu i zemlʼi,

天と地、

visibilium omnium etvidimym vsěm i

見ゆるもの、見えざるものの

invisibilium.

nevidimym.

造り主を。

〔Amin.〕〔アーメン。〕

Et in unum Dominum,Věruju i v jedinogo Gospoda われは信ず、唯一の主、Jesum Christum,Isusa Chrsta,

神の御ひとり子

filium Dei unigenitum,

Syna Božja jedinorodnago,

イエズス・キリストを。

et ex patre natum

i ot Otca roždenago

主はよろず世のさきに、

ante omnia saecula,prěžde vsěch věk,父より生まれ、

Deum de Deo,

Boga ot Boga,

神よりの神、

lumen de lumine,Svět ot Světa,光よりの光、

Deum verum de Deo vero,

Boga istinna ot Boga istinnago, まことの神よりのまことの神。

genitum non factum,roždena, ne stvorʼena,

consubstantialem patri,jedinosuštna Otcu,

父と一体なり、

per qeum omnia facta sunt,imže vsa byše;

すべては主によりて造られたり。

qui propter nos hominesiže nas radi člověk

主はわれら人類のため、et propter nostrum salutem

i radi nasěgo spasenja

またわれらの救いのために、

descendit de coelis

snide s nebes,

天よりくだり。

Et incarnatus est de spiritu

i voplti se ot Ducha Sveta

聖霊によりて、おとめマリアよりsancto ex Maria virgine.

iz Marije Děvy.

御からだを受け、人となりたまえり。

〔věruju,〕〔われは信ず、〕

Crucifixus etiam pro nobis

raspet že za ny,(sub Pontio Pilato)

造られずして生まれ、われらのために十字架につけられ、（ポンツィオ・ピラトのもとにて）

passus et sepultus est.

mučen i pogreben byst;

苦しみを受け、葬られたまえり。

Et resurrexit tertia die

i voskrse v tretij den

聖書にありしごとく、

secundum scripturas,

po Pisanju,

三日目によみがえり、

et ascendit in coelum,i vzide na nebo,

天にのぼりて、

sedet ad dexteram patirs,sědit o desnuja Otca;

父の右に座したもう。

et iterum venturus est

i paky imat priti

主は栄光のうちに再び来たり、

cum gloria judicare

sudit žyvym, i mrtvym

生まれる人と死せる人とを

vivos et mortuos,

so slavoju;

さばきたもう、

cujus regni non erit finis.

jegože cěsarstvju nebudet konca. 主の国は終わることなし。

Et in Spiritum sanctum,Věruju i v Ducha Svetago

われは信ず、主なる

dominum et vivificantem,

Gospoda i živototvoreštago,

聖霊・生命の与え主を。

qui ex patre filioque procedit

ot Otca i Syna ischodeštago, 聖霊は父と子とよりいで、

qui cum patre et filios Otcem že i Synom kupno,

父と子とともに

simul adoratur et conglorificatur, poklańajema i soslavima,

拝みあがめられ、

qui locutus est per prophetas. i že glagolal jest Proroky;

また預言者によりて語りたまえり。

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Et unam sanctam catholicam i jedinu Svetuju, Katoličesku

われは一・聖・公・et apostolicam ecclesiam.

i Apostolsku Crkov;

信徒継承の教会を信じ、

Confiteor unum baptisma

i spovědaju jedino krščenje

罪のゆるしのためなる

in remissionem peccatorumv otpuščenje grěchov;

唯一の洗礼を認め、et expecto resurrectionem

i čaju voskrsenja

死者のmortuorum,

mrtvych

よみがえりと、

et vitam venturi saeculi.

i života buduštago věka.

来世の生命とを待ち望む。

Amen.

Amin.

アーメン。

Sanctus

6. Svet

6. サンクトゥス

Sanctus, sanctus, sanctus,

Svet, svet, svet,

聖なるかな、聖なるかな、聖なるかな、

dominus Dues Sabaoth!

Gospod Bog Sabaot,

万軍の神なる主。

Pleni sunt coeli

plna sut nebo,

主の栄光は

et terra gloria ejus.

zemlʼa slavy tvoje.

天地に満つ。
（天のいと高きところにホザンナ。）(Osanna in excelsis.)Benedictus qui venit

Blagoslovl’ en gredyj

ほむべきかな、

in nomine domini.

vo ime Gospodńe.

主の名によりて来たる者。

Osanna in excelsis.

Osanna vo vyšńich.

天のいと高きところにホザンナ。

Agnus Dei

7. Agneče Božij

7. アニュス・デイ

Agnus Dei,

Agneče Božij,神の子羊、

qui tollis peccata mundi,vzemlej grěchy mira.

世の罪を除きたもう主よ、

miserere nobis.

pomiluj nas.

われらをあわれみたまえ。
（われらに平安を与えたまえ。）(dona nobis pacem.)（

8. Varhany solo

8. オルガン・ソロ

9. Intrada

9. イントラーダ（オーケストラ））は「グラゴル・ミサ」で省略された部分＊テキストについてここで用いられているテキストは、現行のミサ通常文とほとんど同じであるが、グロリアに１箇所繰り返しの省略があり、クレドでは sub Pontio Pilato（ポンツィオ・ピラトのもとにて）が省かれている。サンクトゥスでは Osanna in excelsis（天のいと高きところにホザンナ）
が１度しかなく、アニュス・デイでは最後の繰り返しに dona nobis pacem（われらに平安を与えたまえ）がない。この古代スラヴ語訳が、いつ誰によってなされたものかは不明
であるが、文字はラテン文字をチェコ語風に使用している。                       （森田 稔）

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Program notes by Robert Markow

  Dvořák:  Symphony No.5 in F major, op.76
Ⅰ Allegro, ma non troppo
Ⅱ Andante con moto
Ⅲ Andante con moto, quasi l'istesso tempo - Allegro Scherzando
Ⅳ Finale: Allegro molto

Antonín Dvořák: Born in Mühlhausen (near Prague), Bohemia (today
Nelahozeves, the Czech Republic), September 8, 1841; died in Prague, May 1,
1904
Most concertgoers know Dvořákʼs Ninth Symphony (From the New
World), and many know the Eighth in G major and the Seventh in D minor as
well. But few know any of the earlier symphonies, an unfortunate situation
since many of them are equally satisfying as the later, well-known ones. Suchis the case with No. 5 in F major, a work brimming with insouciant melodies,
fiery developments, rhythmic verve, and colorful orchestration, all bathed in
the warm glow of a summery pastoral landscape. It is difficult not to love thissymphony.
The Fifth Symphony was written in 1875 when Dvořák was 33, but it
waited four years for a first performance, as the composer had still not reallymade a big name for himself. The premiere was given by the Orchestra of the
Czech National Theater in Prague on March 25, 1879, led by Adolf Čech.
The symphony opens in a bucolic mood with a subject resembling a
fanfare played by clarinets. One might expect instead to hear horns play sucha passage, and indeed, they do several times later in the movement, including
the quiet final statement of the fanfare motif. The music soon works itself intoa grandioso statement of a new idea, still in the home key of F major, whichin effect gives us two entirely different themes in this key. The second theme
area is also irregular in that it arrives in D, not the expected C major (violins,
dolce and wistful).  
Much has been made of the resemblance of the first four notes of thesecond movement to the opening of Tchaikovskyʼs Piano Concerto No. 1.
Dvořák could not have heard the concerto (completed just three months
before he began his symphony), and even if he had heard it, these four notes
are common stock in the melodic patterns of so much eighteenth- and nineteenth-century music as to make coincidence all but certain. In any case,though, there is a Tchaikovskian melancholy and warmth to this lyrical music(Dvořák indicated it to be played espressivo e dolente − expressively and28

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mournfully). The central contrasting episode is brighter and more lighthearted, but soon we notice that the figuration in the accompaniment is obviously
derived from the melancholy main theme.
Among Dvořákʼs nine symphonies, a unique feature of the Fifth is thelinking of the second and third movements without a break. A brief transitionpassage leads directly into the boisterous, vivacious Scherzo, one of the mostthrilling Dvořák ever wrote. The brilliant orchestral colors are further
enhanced by the use of a triangle, used only in this movement (an analogous
situation occurs in the New World Symphony).
The Finale is more dramatic still, and stands out for the most unusual
procedure of beginning − and remaining − in a foreign key (A minor) for an
extended period of time before reaching the symphonyʼs home key of F
major. When it does, the impact is powerful indeed. The soaring second subject is shared by solo clarinet and violins in the lushly romantic key of D-flat
major. The development is wildly tempestuous, even fierce at times. The
arrival of the recapitulation offers another surprise, coming as it does not withsound and fury as the movement began, but slipping in quietly and elegantly.
One final surprise occurs in the symphonyʼs coda, where we seem headed fora peaceful close after all the symphonyʼs drama and excitement, but at thelast minute, the engines roar to life once more and the work ends in a joyful
blaze of F major.

  Janáček:  Glagolitic Mass（1927 first version）
Ⅰ Intrada

Ⅵ Svet (Sanctus)

Ⅲ Gospodi pomiluj (Kyrie)

Ⅷ Varhany solo (Organ solo)

Ⅱ Úvod (Introduction)

Ⅳ Slava (Gloria)

Ⅴ Věruju (Credo)

Ⅶ Agneče Božij (Agnus Dei)

Ⅸ Intrada

Leoš Janáček: Born in Hukvaldy, Moravia (now incorporated into the Czech
Republic), July 3, 1854; died in Moravska Ostrava, the Czech Republic,
August 12, 1928
Leoš Janáček represents one of the strangest phenomena in the historyof composition. In contrast to someone like Mozart or Mendelssohn, whosemusical talents were known across Europe while still practically children, theworld did not “discover” Janáček until he was in his sixties, and nearly all of
his best-known works come from his later years − the operas Jenůfa (thework that catapulted him to fame in its 1916 production in Prague), Katá
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Kabanová, The Cunning Little Vixen, The Makropulos Case, and From theHouse of the Dead; the orchestral works Taras Bulba, the Sinfonietta and theConcertino for Piano and Orchestra; and chamber works like the wind sextet
Mladi (Youth), the Capriccio for piano and winds, and the two string quartets(Kreutzer Sonata and Intimate Letters). From this period also comes the workon this program, the Glagolitic Mass, His music is totally distinctive, inhabitinga sound world all its own, imbued as it is with rhythmic patterns of Moravian
folk tunes and speech patterns, melodic and harmonic idiosyncracies, and arough-hewn, almost granitic power impossible to forget.
One of Janáčekʼs very last works, written at the age of 72 near the closeof his enormously productive late period, was the Glagolitic Mass. It would bereasonable to expect that the composer was a deeply religious man to havewritten a work so richly imbued with spiritual fervor. Such was not the case,however. He is on record as regarding all churches as “the essence of death.
Graves under the flagstones, bones on the alter, all kinds of torture and deathin the paintings. The rituals, the prayers, the chants − death and death again.
I wonʼt have anything to do with it!” No, the origin of Janáčekʼs Mass lies notin the Christian faith, but in a sense of patriotism. For the tenth anniversary of
the Czech state in 1928, Janáček proposed to set the mass text “to perpetuatefaith in the immutable permanence of the nation, not on a religious basis, but
on a rock-bottom ethical basis, which calls God to witness.” A festive exuberance and innate faith in the human spirit infuse the music.
The term “Glagolitic” refers to an ancient Slavonic alphabet similar toold Bulgarian, and developed by two Greek monks, St. Cyril and St.
Methodosius, who were sent to evangelize the Slavonic people during theninth century. To have a vernacular language at their disposal for teaching
the Scriptures and for celebrating the Mass, the Saints devised Glagolitic fromsmall-case Greek letters.
The premiere of the 45-minute Mass took place on December 5, 1927 in
Brno. The orchestral score was first published by Universal in 1929, a year
after the composer died, but this did not represent Janáčekʼs final wishes.
Until recently, this was the edition used for most performances. In 1993,
Universal brought out another edition, the one being used at this concert,edited by the Cambridge scholar Paul Wingfield. This has been dubbed the“September 1927” edition, which is closer to the initial performances in Brnoand Prague, and which Wingfield believes Janáček would have wanted.
Listeners familiar with the standard 1929 edition will note that the two-minute “Intrada” is performed at the beginning as well as at the conclusion of theMass. Three sets of timpani are used at one point in the “Věruju” (Credo)
rather than the usual one set. A fourteen-bar choral passage in the “Svet”(Sanctus) has been restored (cut presumably due to the difficulty of thesopranos to reach the highest notes). In addition there are some changes in30

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the solo vocal lines.
The purely orchestral “Intrada” serves as a two-minute introduction –wildly jubilant and joyful. Brass predominate, and the timpani serve notice ofthe prominent role they will play throughout the Mass.
Next comes the “Úvod,” which means introduction, but so does theLatin/Italian word intrada, which in this case might be considered theIntroduction to the Introduction. Again the music is for orchestra alone, andmight almost have come from Janáčekʼs best-known orchestral work, theSinfonietta. Its melodic material provides much of the substance for the following movements.
With the “Gospodi pomiluj” (Kyrie) Janáček begins the mass proper,

using the text of the standard Catholic liturgy as found in nearly all mass settings, beginning with the “Kyrie,” but sung in Glagolitic, not Latin. The solo
soprano joins the chorus for the central “Christe” section. The orchestration isrich, the harmony pungent, the melodic lines modal.
The organ is heard for the first time in the “Slava” (Gloria). Brilliant
writing for the brass, heroic utterances from the tenor, and massive sonorities
from the full orchestra underscore the textʼs message of praise to God.
The “Věruju” (Credo) is the longest movement by far (about ten minutes), and contains some of the most adventurous and splendid orchestralmusic Janáček ever wrote. A short instrumental introduction for lower-range
instruments leads into the choral affirmation of belief in one God, set to poignant harmony in a mood of ecstasy. An extended interlude for orchestra
alone begins with the solo flute, to which are added three clarinets, thenstrings. The music grows from quiet simplicity to anguished intensity, culminating in a dissonant passage for organ alone and the agonized choral outburst on the words “raspet že za ny” (He was crucified for us). Women of thechorus then describe the Resurrection, the men His Second Coming. The solo
tenor in his highest range emphatically reaffirms belief in one God, and thefull chorus and orchestra end the movement with a mighty outburst of joy.
The “Svet” (Sanctus) begins with a quiet orchestral introduction inflected with the delicate tones of celesta, harp and divided violins. Chorus andsoloists are awestruck in the presence of the divine.
An aura of mystery and unease hovers over the “Agneče Božij” (Agnus

Dei). The choral passages are sung a cappella (unaccompanied), brass andpercussion are largely absent in this plea for mercy.
Next comes a three-minute Organ solo, quite bravura in spirit, followedby the Massʼs concluding number, a repeat of the opening “Intrada.”
For a profile of Robert Markow, see page 13.

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Kazuhiro
KOIZUMI

Honorary Conductor for Life小泉和裕

終身名誉指揮者
923©Fumiaki Fujimoto

東京藝術大学を経てベルリン芸術大学に学ぶ。1973年カラヤン国際指揮者コン
クール第１位。これまでにベルリン・フィル、ウィーン・フィル、バイエルン放送響、
ミュンヘン・フィル、フランス放送フィル、ロイヤル・フィル、シカゴ響、ボスト
ン響、デトロイト響、シンシナティ響、トロント響、モントリオール響などへ客演。
新日本フィル音楽監督（1975 ～ 79）、ウィニペグ響音楽監督（1983 ～ 89）、都響指揮 者（1986 ～ 89） ／ 首 席 指 揮 者（1995 ～ 98） ／ 首 席 客 演 指 揮 者（1998 ～
2008）／レジデント・コンダクター（2008 ～ 13）、九響首席指揮者（1989 ～ 96）、
日本センチュリー響首席客演指揮者（1992 ～ 95）／首席指揮者（2003 ～ 08）／音楽監督（2008 ～ 13）、仙台フィル首席客演指揮者（2006 ～ 18）などを歴任。
現在、都響終身名誉指揮者、九響音楽監督、名古屋フィル音楽監督、神奈川フィル特別客演指揮者を務めている。
Kazuhiro Koizumi studied at Tokyo University of the Arts and at Universität der Künste Berlin.
After winning the 1st prize at Karajan International Conducting Competition in 1973, he has
appeared with Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker, Symphonieorchester desBayerischen Rundfunks, Orchestre philharmonique de Radio France, Chicago Symphony,
Boston Symphony, and Orchestre symphonique de Montréal, among others. Currently, heserves as Honorary Conductor for Life of TMSO, Music Director of Kyushu Symphony, Music
Director of Nagoya Philharmonic, and Special Guest Conductor of Kanagawa Philharmonic.

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P

プロムナードコンサートNo.398

Promenade

Promenade Concert No.398

サントリーホール

9月23日（金・祝）  14:00開演

2022年

Fri. 23 September 2022, 14:00 at Suntory Hall

指揮 ● 小泉和裕 Kazuhiro KOIZUMI, Conductor

コンサートマスター ● 矢部達哉 Tatsuya YABE, Concertmaster

ベートーヴェン：交響曲第 6 番 ヘ長調 op.68《田園》（36 分）
Beethoven: Symphony No.6 in F major, op.68, “Pastorale”
Ⅰ
Ⅱ
Ⅲ
Ⅳ
Ⅴ

Allegro ma non troppo
Andante molto mosso
AllegroAllegroAllegretto

Fujimoto

田舎に着いた時の愉快な気分のめざめ
小川のほとりの情景
田舎の人々の楽しい集い
雷鳴、嵐牧人の歌。嵐の後の喜ばしい感謝の気持ち

休憩 / Intermission  （20 分）

レスピーギ：交響詩《ローマの噴水》（17 分）
Respighi: Fontane di RomaⅠ
ⅡⅢ
Ⅳ

La fontana di Valle Giulia all'alba
La fontana del Tritone al mattino
La fontana di Trevi al meriggio
La fontana di Villa Medici al tramonto

夜明けのジュリアの谷の噴水
朝のトリトーネの噴水
昼のトレヴィの噴水
黄昏のメディチ家の噴水

レスピーギ：交響詩《ローマの松》（21 分）
Respighi: Pini di RomaⅠ
ⅡⅢⅣ

I pini di Villa Borghese
Pini presso una catacomba
I pini del Gianicolo
I pini della via Appia

ボルゲーゼ荘の松
カタコンベ付近の松ジャニコロの松
アッピア街道の松

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
協賛：株式会社シャトレーゼ
        文化庁文化芸術振興費補助金                （舞台芸術創造活動活性化事業）
助成：        独立行政法人日本芸術文化振興会
演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

ヤングシート対象公演（青少年と保護者をご招待）
協賛企業・団体は P.71、募集は P.74 をご覧ください。

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9/23 Promenade  ベートーヴェン：
  交響曲第６番 ヘ長調 op.68《田園》
ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン（1770～1827）自らが 《田園》と題したこの交響曲は、1807年から1808年にかけて作曲された（構想は1803年頃から）。
同じ1808年に完成され初演も同じ日になされた交響曲第５番とともに、この頃の彼の革新的な姿勢が様々な面でみられる曲だが、とりわけ第６番で注目されるのは標題的な特性を備えていることである。作曲者自身「絵画的描写よりもむしろ感情（気分）の表現」であると断ってはいるものの、各楽章には情景的な題が付され、描写的な面も随所に現れるこの作品のあり方は、のちのロマン派の標題交響曲に大きな影響を与えることになった。
ロマン派が目指したような標題交響曲をベートーヴェンが意図していたわけではな
いものの、19世紀の作曲家たちにとってこの作品がひとつの範となり、ベルリオーズの 《幻想交響曲》 や 《イタリアのハロルド》 などに始まるロマン派の標題交響曲の隆盛をもたらすことになったという点で、この作品はきわめて大きな意味を持っている。
こうした標題的な性格に即して、この作品は構成・形式の点で従来の交響曲にはない新しい特質を示している。最も際立った特徴は、当時の交響曲としては異例の５楽章構成をとり、しかも第３楽章以降を連続させた点だろう。つまり従来のスケルツォ
楽章とフィナーレを繋げる中間楽章として、自由な形式による描写的な “嵐” の楽章を挿入しているのである。これは、田舎の集いが嵐で遮られその嵐の去った喜びが神への感謝に至る、という標題的な意味の繋がりを示すに相応しい構成である。
書法の点でも、例えば第１楽章の展開部で、第１主題の中の動機を意図的に単調に繰り返す効果とそれを支える和声の色合いの変化とを組み合わせることによって、田園風ののどかな、しかも微妙に変わる雰囲気を生み出している。まさに「感情（気分）の表現」に見合った手法であり、標題的内容とソナタ形式の動機労作の方法を結び付けようとする実験的な創作姿勢が窺えよう。
第１楽章「田舎に着いた時の愉快な気分のめざめ」（この題は初版発行時に出版社の意向で修正され、長らく踏襲されてきたもの。近年は原典版が出たことにより
元の表記 「田舎に着いた時にめざめる喜ばしい快活な気分」 が普及してきた）アレ
グロ・マ・ノン・トロッポ ヘ長調

民謡風の第１主題と伸びやかな第２主題を持つ

ソナタ形式楽章。交響曲第５番の第１楽章同様に動機労作の手法が活用されるが、それが第５番の場合のように凝縮的な仕方により緊迫感を打ち出すといった方向に向かうのでなく、前述のように、のどかな拡散的方向に用いられている。
第２楽章「小川のほとりの情景」 アンダンテ・モルト・モッソ

変ロ長調

精妙な

リズム上の変化と精緻な管弦楽法によって穏やかな気分を生み出していく緩徐楽章。
コーダでは木管に鳥の声が模写される。
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第３楽章「田舎の人々の楽しい集い」 アレグロ ヘ長調

スケルツォに相当し、主部は速い３拍子の民俗的な舞曲（開始はヘ長調で、すぐニ長調に転じる点が興味深い）で始まり、後半はオーボエに出る牧歌的な旋律で展開する。対照的にトリ
オ部分は２拍子の粗野な舞曲（変ロ長調）となる。
第４楽章「雷鳴、嵐」（原典版では「雷雨、嵐」）アレグロ

ヘ短調

自由な形

式による短い間奏的な楽章。この楽章のみピッコロとティンパニが用いられ、トロンボー
ンもこの楽章から参加。巧みな楽器の用法で大自然の脅威が迫真的に描かれる。
第５楽章「牧人の歌。嵐の後の喜ばしい感謝の気持ち」（原典版では「牧人の歌。

嵐の後の神への感謝に結び付いた慈愛の気持ち」）アレグレット へ長調

牧歌的な主題を中心とするロンド・ソナタ風の論理的な構成のうちに神への感謝が示される
フィナーレである。
（寺西基之）
作曲年代： 1807～08年
初

演： 1808年12月22日 ウィーン 作曲者指揮

楽器編成： ピッコロ、フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン２、トランペット２、トロンボーン２、ティンパニ、弦楽５部

  レスピーギ：
  交響詩《ローマの噴水》
オットリーノ・レスピーギ（1879～1936）はイタリアの近代音楽の発展に多大な役割を果たした作曲家で、オペラ中心だった当時のイタリアにあって器楽の振興に力を入れ、印象派的な書法やリムスキー＝コルサコフに学んだ色彩的な管弦楽法などを用いた独自の作風を追求しつつ、新しいイタリア音楽の道を切り開いていった。一
方母国を愛する彼はイタリアの過去の音楽や文化を尊重し、そうした姿勢を作品で明らかにしている。
レスピーギの作品の中でも特に有名な “ローマ３部作”（《ローマの噴水》《ローマの松》《ローマの祭》）はイタリアに対する彼の思いが巧みな管弦楽書法と見事に結び付いた３編の交響詩である。３つは作曲年代に開きがあり作風もやや異なるが、いずれも４部構成をとり、近代的な色彩感溢れる管弦楽法とリアルな描写表現でもってローマの風物と歴史にまつわる絵画的・詩的なイメージを音化した標題作品（内容は楽譜の前文に記されてある）という点で共通した様式を示している。
３作のうち最も早く1914～16年に書かれたのが 《ローマの噴水》 である。ローマの有名な４つの噴水を題材にし、各噴水を夜明け、朝、昼、黄昏という時間に結び付けてローマの一日の情景を４部分通して描いている。しかも噴水それ自体の9/23 Promenade2022-09都響_20220822v12.indd 35

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描写だけでなく、噴水に施された彫刻にまつわる神話の世界へも想像を巡らせ、印象派的な筆致で神話のひとこまを幻想的に美しく表し出している。
第１部「夜明けのジュリアの谷の噴水」はジュリアの谷で羊の群れが通り過ぎ夜明けの霧の中に消えゆく、という牧歌的情景を描いた美しい部分。
第２部は「朝のトリトーネの噴水」。この噴水にはバロックの彫刻家ジャン・ロレン

ツォ・ベルニーニ（1598～1680）作のトリトーネ（海神トリトン。半人半魚）の像が彫られているが、レスピーギはそこから想像力を飛翔させ、トリトーネとナイアーデ（水の精ナイアス）が戯れる様子を朝の噴水に飛び散る水と結び付けてスケルツォ風に表した。冒頭のホルン４本のシグナルはトリトーネの吹く法螺貝を模したものである。
第３部は「昼のトレヴィの噴水」。硬貨投げで知られるこの噴水は海の精シレーナ（セイレン）とトリトーネとを従えた海神ネットゥーノ（ネプチューン、ポセイドン）が
海 馬の引く貝殻 の馬 車 の上に立っている様 子を彫った巨 大な石 像（ニコラ・サルヴィ〔1697～1751〕 作）でなっているが、レスピーギはこの馬 車が勇 壮に通過し遠ざかる様子を力強く輝かしい音楽で描出している。
第４部「黄 昏 のメディチ家 の 噴 水」は夕暮の情 景を郷 愁 溢れる楽 想で美しく映し出した静かなフィナーレで、最後は黄昏の静寂に消えていく。
（寺西基之）
作曲年代： 1914～16年
初

演： 1917年３月11日 ローマ アントニオ・グワルニエーリ指揮

楽器編成： ピッコロ、フルート２、オーボエ２、イングリッシュホルン、クラリネット２、バスクラリネッ
ト、ファゴット２、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、シンバル、トライアングル、グロッケンシュピール、チャイム、ハープ２、ピアノ、チェレスタ、
オルガン、弦楽５部

  レスピーギ：
  交響詩「ローマの松」“ローマ３部作” のうちでも最も広く親しまれているのが1923～24年に書かれた第２作 《ローマの松》 である。４つの松を題 材としているが、松そのものではなく、その松をいわば証人に見立てて、松が見てきた歴史や自然の情景を描き出している点がミソだ。教 会 旋 法によって古い時 代の雰 囲 気を醸し出したり、予め録音された夜鴬（よるうぐいす＝ナイチンゲール）の声を用いるという当時としては画期的な方法を取り入れたりなど、多様な手法が駆使され、それによって時に幻想的に、時にリアルで具象的に、情景を音化している。
第１部「ボ ルゲーゼ 荘 の 松」は子どもたちが輪になったり兵 隊ごっこをしたり
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など活発に遊ぶ様子を描写した賑やかな部分。
第２部「カタコンべ付近の松」では古代ローマのキリスト教徒の地下墓地での集会の情景が幻想的に描かれる。舞台裏のトランペットが吹くのはグレゴリオ聖歌である。
第３部「ジャニコロの松」は夕べの丘に立つ松を繊細な書法で描いた緩徐部分。

その終わりで夜鴬の声が聞こえてくる。
第４部「アッピア街道の松」はアッピア街道を進む古代ローマ軍をリアルに描いた勇壮なフィナーレで、最後は別働隊の金管も加わって圧倒的な頂点を築く。
（寺西基之）
作曲年代： 1923～24年
初

演： 1924年12月14日 ローマ ベルナルディーノ・モリナーリ指揮

楽器編成： フルート３（第３はピッコロ持替）、オーボエ２、イングリッシュホルン、クラリネット２、バ
スクラリネット、ファゴット２、コントラファゴット、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、
テューバ、ティンパニ、大太鼓、シンバル、トライアングル、グロッケンシュピール、タンブリン、タムタム、シンバル、ラチェット、ハープ、ピアノ、オルガン、チェレスタ、
弦楽５部、バンダ（トランペット４､トロンボーン２）、夜鴬の声

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Program notes by Robert Markow

  Beethoven:  Symphony No. 6 in F Major, op.68, “Pastoral”
Ⅰ Awakening of happy feelings on arriving in the country: Allegro ma non troppo
Ⅱ By the brook: Andante molto mosso
Ⅲ Merry gathering of country folk: Allegro
Ⅳ Thunderstorm: Allegro
Ⅴ Shepherdʼs song − Happy and thankful feelings after the storm: Allegretto

Ludwig van Beethoven: Born in Bonn, December 16, 1770; died in Vienna,
March 26, 1827
The dividing line between program music and absolute music is a thin
one, but Beethoven proved himself a master of both in his Sixth Symphony.
Although the work has been produced with scenery, with characters who
move about on stage, and as part of the cinema classic Fantasia, Beethoven
took care to advise that the symphony is “more an expression of feeling thanpainting.” The composerʼs own love for the pleasures of the country are wellknown. The time he spent in the woods outside Vienna offered his tortured
soul precious solace and peace of mind. To quote the composer: “How glad I
am to be able to roam in wood and thicket, among the trees and flowers androcks. No one can love the country as I do … In the woods there is enchantment which expresses all things.”
The symphony received its first performance in Vienna as part of that
incredible marathon concert of December 22, 1808 at the Theater an derWien, an all-Beethoven concert that also included the Fifth Symphony,Fourth Piano Concerto, Choral Fantasy and some vocal and choral music.
The symphonyʼs opening places us immediately in relaxed, beatific surroundings. The day is sunny, warm and abounding in natureʼs fragrances andgentle breezes. But aside from conjuring nature imagery, the music is remarkable for its motivic writing − virtually the entire movement is built from tiny
musical cells found in the first two bars. Entire phrases and sentences areoften formed from these motivic ideas repeated again and again.
The second movement invites contemplation. To Donald Francis
Tovey, this is ‘a slow movement in full sonata form which at every point
asserts its deliberate intention to be lazy and to say whatever occurs to it
twice in succession, and which in doing so never loses flow or falls out of
proportion.”
The Sixth is the only symphony in which Beethoven departed from thefour-movement format. The remaining three movements are played without
interruption. Rough, peasant merry-making and dancing are portrayed, but
the boisterous festivities suddenly stop when intimations of an approachingstorm are heard. There is not much time to take cover; a few isolated rain-

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drops fall, and then the heavens burst open. Timpani, piccolo and trombones,
all hitherto silent in the symphony, now make their entrances.
With the tempest over, a shepherdʼs pipe is heard in a song of thanksgiving for the renewed freshness and beauty of nature. The joyous hymn istaken up by the full orchestra as if, to quote Edward Downes, “in thanks tosome pantheistic god, to Nature, to the sun, to whatever beneficent power
one can perceive in a universe that seemed as dark and terrifyingly irrational
in Beethovenʼs day as it can in ours.”

  Respighi:
  The Fountains of RomeⅠ The Fountain of Valle Giulia at Dawn
Ⅱ The Triton Fountain in the Morning
Ⅲ The Fountain of Trevi at Midday
Ⅳ The Villa Medici Fountain at Sunset

Ottorino Respighi: Born in Bologna, July 9, 1879; died in Rome, April 18,
1936
The early twentieth-century figure Ottorino Respighi was a many-talented, multi-faceted musician: violinist, violist, conductor, educator, administrator, editor, and composer who wrote songs like a German, operas like an
Italian, and orchestral music like a Russian. An early stint as principal violist
in the St. Petersburg Opera Orchestra was followed by a period as violinist in
the Mugellini Quintet (1903-08), all the while studying composition with Luigi
Torchi and Giuseppe Martucci in his native Bologna, with Rimsky-Korsakovin Russia, and with Max Bruch in Berlin. In 1908, he turned his back on performing and devoted the rest of his life to composition.  
A strong interest in history brought forth such works as Mary of Egypt(a “mystery” play with music), Belkis, Queen of Sheba (ballet), the Botticellian
Triptych (orchestral portraits) and the operas Semirama and King Enzo.
Respighiʼs fascination for music of bygone eras led to many of his more popular works, including the potpourri Rossiniana, the ballet La Boutique fantasque (also based on Rossiniʼs music), The Birds (old harpsichord pieces),and Ancient Airs and Dances (seventeenth- and eighteenth-century lutemusic). Less well known are the Concerto gregoriano for violin and theConcerto in the Mixolydian Mode for piano, both incorporating Gregorianchants and ancient church modes.
Respighiʼs interest in historical matters also brought forth the music bywhich he is best remembered today, a trilogy of symphonic evocations ofancient Rome: The Fountains of Rome (1916), The Pines of Rome (1924) andFeste romane (Roman Festivals, 1928).   All three works burst with brilliant
effects, resplendent orchestration and intoxicating rhythms, largely learned
from Respighiʼs teacher Rimsky-Korsakov, but also derived from personal
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9/23 Promenadestudy of the scores of Richard Strauss, Debussy and Stravinsky.
Rome, the “Eternal City,” was a “natural” for a musician of Respighiʼsantiquarian inclinations, a city steeped in history, studded with monuments
and statues, richly endowed with great art and architecture. The composer
wondered aloud why no one “had ever thought of making the fountains ofRome sing, for, after all, they are the very voice of the city.” In The Fountainsof Rome, Respighiʼs purpose was, as he stated in the introduction the score,“to give expression to the sentiments and visions suggested to him by four ofRomeʼs fountains at the hour in which the character of each is most in harmony with the surrounding landscape, or in which their beauty appears mostsuggestive to the observer.” The first performance was given, appropriately
enough, in Rome on March 11, 1917, with Antonio Guarnieri conducting theAugusteo Orchestra. The Fountains of Rome was Respighiʼs first big successas an orchestral composer. The work remained for many years his most
famous composition, and it is still regarded as one of his finest.
In the score published by Ricordi, Respighi wrote a description of thesights and sounds evoked by the four connected sections:“The first part of the poem, inspired by the Fountain of Valle Giulia,
depicts a pastoral landscape; droves of cattle pass and disappear in the fresh
damp mists of a Roman dawn.
“A sudden loud and insistent blast of horns above the whole orchestra
introduces the second part, the Triton Fountain.  It is like a joyous call, summoning troops of naiads and tritons, who come running up, pursuing eachother and mingling in a frenzied dance between the jets of water.
“Next there appears a solemn theme borne on the undulations of theorchestra.  It is the Fountain of Trevi at midday. The solemn theme, passing
from the woodwind to the brass instruments, assumes a triumphal character.
Trumpets peal; across the radiant surface of the water there passes Neptuneʼschariot, drawn by sea horses, and followed by a train of sirens and tritons.
The procession then vanishes while faint trumpet blasts resound in the distance.
“The fourth part, the Villa Medici Fountain, is announced by a sadtheme which rises above a subdued warbling. It is the nostalgic hour of sunset. The air is full of the sound of tolling bells, birds twittering, leaves rustling.
Then all dies peacefully into the silence of the night.”

  Respighi:
  The Pines of RomeⅠ The Pines of the Villa Borghese
Ⅱ Pines Near a Catacomb
Ⅲ The Pines of the Janiculum
Ⅳ The Pines of the Appian Way

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In The Pines of Rome, Respighi does not so much attempt to portray
nature, but rather uses landscapes with pines in and around Rome as pointsof departure to conjure up visions and reminiscences of the great city. “Thecentury-old trees which so characteristically dominate the Roman landscape
become witnesses to the principal events in Roman life,” wrote the composer.
As with The Fountains of Rome, the first performance was given in Romewith the Augusteo Orchestra. Bernardino Molinari led the orchestra on
December 14, 1924.
In the score published by Ricordi, Respighi wrote a description for eachof the four sections, which are played without pause: Freely adapted andexpanded, the text runs as follows:
I. The Pines of the Villa Borghese − Children are at play in the pine
grove of the Villa Borghese, dancing the Italian equivalent of “Ring around aRosy” ; they mimic marching soldiers and battles; they chatter like excited
swallows at evening, then swarm away. Triangle, bells, celesta, piano andharp contribute to the shimmering brilliance. Suddenly the scene changes to
II. Pines Near a Catacomb − We see the shadows of the pines, whichcrown the entrance to a catacomb. From the depths rises a mournful chant(low horns) which floats through the air like a solemn hymn, then slowly andmysteriously dies away. The liturgical connection is relevant when we recall
that the early Christians used the catacombs as safe places of worship when
their sect was banned.
III. The Pines of the Janiculum − A slight tremor disturbs the night air.
The full moon reveals the profile of the pines on the Janiculum, a hillside parknear the Vatican. A nightingale is singing. The use of the recorded birdsong
represents the first time a well-known composer employed modern recording
playback techniques within a musical work. In a magazine article of 1925,
Respighi stated: “I do not believe in sensational effects for their own sake. … I
simply realized that no combination of wind instruments could quite simulate
the real birdʼs song. Not even a coloratura soprano could have produced aneffect other than artificial. So I used the phonograph.”
IV. The Pines of the Appian Way − Misty dawn over the Appian Way,
the ancient highway extending 560 kilometers from modern Brindisi to Rome.
A magical countryside guarded by solitary pines. The indistinct, incessantrhythm of muffled footsteps. In the poetʼs mind appears a vision of past glories: In the grandeur of the rising sun, an army advances inexorably on the
Capitoline Hill to the accompaniment of brass fanfares. Among the many
notable orchestral features in The Pines of Rome is the use of six buccinas(ancient Roman war trumpets) for the fanfares in the final movement.
Allowing that such exotica may not be available today, Respighi indicated in
the score that these parts could be played on modern bugles or other instruments instead. The buccinas enter in pairs, adding their colors and strength tothe orchestral mass that grows to a deafening roar of sound in a fitting accolade to “Rome the Eternal.”
For a profile of Robert Markow, see page 13.
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Tatsuya
SHIMONO
Conductor

下野竜也
指揮
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©Naoya Yamaguchi

広島交響楽団音楽総監督（2017年4月～）。広島ウインドオーケストラ音楽監督（2011年1月～）。
鹿児島生まれ。2000年東京国際音楽コンクール〈指揮〉優勝と齋藤秀雄賞受賞、2001年ブザンソン国際指揮者コンクールの優勝で一躍脚光を浴びる。国内の主要
オーケストラに定期的に招かれる一方、ローマ・サンタ・チェチーリア国立アカデ
ミー管、チェコ・フィル、シュトゥットガルト放送響、シリコンバレー響、バルセ
ロナ響、シンフォニア・ヴァルソヴィアなど国際舞台でも活躍している。
これまでに読響初代正指揮者、同首席客演指揮者、京響常任客演指揮者、同常任
首席客演指揮者を歴任。京都市立芸術大学音楽学部指揮専攻教授、東京音楽大学吹奏楽アカデミー特任教授、東京藝術大学音楽学部指揮科非常勤講師として後進の指導にもあたる。太鼓芸能集団「鼓童」ミュージックアドバイザー。鹿児島市ふるさと大使。おじゃんせ霧島大使。
Tatsuya Shimono is General Music Director of Hiroshima Symphony Orchestra and Music
Director of Hiroshima Wind Orchestra. Born in Kagoshima in 1969, he cemented his
international reputation as a conductor by winning the 1st Prize at 47th Besançon International

Competition in 2001. Since then he has guest conducted major orchestras such as Orchestra
dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Czech Philharmonic, Barcelona Symphony, Sinfonia
Varsovia, Tokyo Symphony, and NHK Symphony among others. Shimono served as Resident
Conductor and then Principal Guest Conductor of Yomiuri Nippon Symphony as well as Guest
Conductor and then Principal Guest Conductor of Kyoto Symphony.

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第959回 定期演奏会Aシリーズ
Subscription Concert No.959 A Series

9月30日（金）  19:00開演

Series

東京文化会館

2022年

Fri. 30 September 2022, 19:00 at Tokyo Bunka Kaikan

指揮 ● 下野竜也 Tatsuya SHIMONO, Conductor

ヴァイオリン ● 南 紫音 Shion MINAMI, Violin

ヴィオラ ● ティモシー・
リダウト Timothy RIDOUT, Viola
チェロ ● 岡本侑也 Yuya OKAMOTO, Violoncelloコンサートマスター ● 山本友重 Tomoshige YAMAMOTO, Concertmaster【別宮貞雄 生誕 100 年記念：協奏三景】《Sadao Bekku 100 - Three Concertos》

別宮貞雄：チェロ協奏曲《秋》（1997/2001）（23 分）
Sadao Bekku: Cello Concerto “Autumn” (1997/2001)
Ⅰ Allegro moderato
Cadenza
Ⅱ Allegro giocoso con grazia

別宮貞雄：ヴィオラ協奏曲 （1971）（30 分）
Sadao Bekku: Viola Concerto (1971)
Ⅰ Adagio - Allegro moderato
Ⅱ Adagio affettuoso
Ⅲ Andante - Allegro moderato

休憩 / Intermission  （20 分）

別宮貞雄：ヴァイオリン協奏曲 （1969）（25 分）
Sadao Bekku: Violin Concerto (1969)

Ⅰ Moderato
Cadenza
Ⅱ Andante - Allegro ma non troppo
主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
        文化庁文化芸術振興費補助金                （舞台芸術創造活動活性化事業）
助成：        独立行政法人日本芸術文化振興会
演奏時間と休憩時間は予定の時間です。
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Shion MINAMI
Violin南 紫音

ヴァイオリン©Shuichi Tsunoda

2005年ロン = ティボー国際音楽コンクール第２位、2015年には難関として知られる
ハノーファー国際ヴァイオリン・コンクールで第２位を受賞し、最も期待されている実力派ヴァイオリニストの１人である。これまでに国内主要オーケストラをはじめ、フランス国立管、リール国立管、サンカルロ劇場管、ミラノ・スカラ座室内合奏団と共演。
ビルバオ響（スペイン）との日本ツアーも好評を博した。2010年ホテルオークラ音楽賞、2011年出光音楽賞、2017年北九州市民文化賞などを受賞。
With her 2nd prize at Concours international Long-Thibaud, Shion Minami attracted a great
deal of international attention in 2005. She continues her study in Hannover, and at the sametime, gives many recitals and concerts in Japan and Europe. Minami has performed withorchestras including Orchestre National de France, Orchestre National de Lille, Orchestra delTeatro di San Carlo, and many other Japanese orchestras.

Timothy RIDOUT
Viola

ティモシー・リダウト

ヴィオラ©Kaupo Kikkas

1995年ロンドン生まれ。英国王立音楽院を最優秀で卒業。クロンベルク・アカデミー
で今井信子に学んだ。2016年にライオネル・ターティス国際ヴィオラ・コンクールで優勝。エッシェンバッハ、ジンマン、カンブルランらの指揮で、BBC 響、フィルハーモ
ニア管、チューリッヒ・トーンハレ管などと共演。ロンドンのウィグモア・ホールをはじめ欧州各国の主要ホールで演奏しているほか、BBC プロムス、ロッケンハウス、エネ
スコなど著名音楽祭にも出演している。
Born in London in 1995, Timothy Ridout studied at Royal Academy of Music graduating with the
Queenʼs Commendation for Excellence. He completed his Masters at Kronberg Academy with
Nobuko Imai. In 2016 Ridout won the 1st Prize in the Lionel Tertis International Viola
Competition. He has performed with conductors including Eschenbach, Zinman, andCambreling, and orchestras such as BBC Symphony, Philharmonia Orchestra, and TonhalleOrchester Zürich.
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Yuya OKAMOTO
Violoncello

岡 本侑也
チェロ

©Shigeto Imura

1994年東京生まれ。2017年エリザベート王妃国際音楽コンクール第２位、2011年
日本音楽コンクール第１位。これまでに新日鉄住金音楽賞フレッシュアーティスト賞、
齋藤秀雄メモリアル基金賞、出光音楽賞、ホテルオークラ音楽賞を受賞。2019年にイ
タリアと日本、2021年にスイスとモナコで、クリスチャン・ツィメルマンとブラーム
スのピアノ四重奏曲を演奏、各国で大きな成功を収めた。ツィメルマンとの３度目の共演は2022年10月にルツェルン、ウィーン、ルクセンブルクで予定されている。
Yuya Okamoto was born in Tokyo in 1994. In 2017, he won the 2nd Prize at the Queen
Elisabeth International Music Competition of Belgium. In 2011 he won the 1st prize at theMusic Competition of Japan. It deserves special mention that he performed Brahms’  Piano

Quartets co-starring with Krystian Zimerman in Italy and Japan in 2019, and in Monaco andSwitzerland in 2021, with great success in each country. The third collaboration with Zimermanis planned for October 2022 in Lucerne, Vienna, and Luxembourg.

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  別宮貞雄 生誕100年記念 協奏三景
  小室敬幸没後10年を経た現在も、別宮貞雄（1922～2012）をどう評するべきかは悩ましい問題であり続けている。評者の立場が変われば「古典主義者」「最後のロマンティ
スト」「時代遅れの懐古主義者」「ポストモダンの先駆者」といったように、まるっきり評価が変わってしまうからだ。
大学時代
別宮は1943年に東京帝国大学の理学部物理学科に入学するのだが、子どもの頃から親しんでいた西洋音楽への思いも断ち切れず、同じ年から（まだ東京音楽学
いけのうち と も じ ろ う

校の教授に就任する前の）池 内友 次郎（1906～91）に師事することに。フランス式の和声と対位法を学び始め、終戦後には毎日音楽コンクールの作曲部門において、1946年に《管弦楽のための２章》 で第２位を、1948年には作曲者自身が 「いくらかシューマン的」と自認する歌曲集 《淡彩抄》 で第１位を獲得した。後者は若書きにもかかわらず現在に至るまで、別宮作品の中でも特に演奏機会が多く、作曲者は「喜んでいいのか、悲しんでいいのか、複雑な気持ち」と晩年に告白している。
物理学科卒業後の1947年、同大学の文学部哲学科に入学し直していた別宮はおぐらろう

この頃から、少し年 上の評 論 家・吉田秀 和（1913～2012）や作曲家・小 倉 朗（1916～90）が当時傾倒していた古典主義に近づいていく。その結果、哲学科の卒業論文として『ベートーヴェン様式に於けるロマン的なるもの』を執筆。ワーグナーにみられる「ロマン的和声法」が既にベートーヴェン作品において現れていることを、楽曲分析によって明らかにしようとした。この論文を書いたことで、別宮は古典主義的な「構築的形式」とロマン主義的な「抒情的内容」による相乗効果で心に感動を引き起こす音楽を理想に位置づけ、その主張を生涯変えなかった。
パリ音楽院へ留学
まゆずみとしろう1951 年には少し年下の池内門下である矢代秋雄（1929 ～ 76）と黛敏郎（1929～ 97）と共にパリ音楽院へ留学。主にダリウス・ミヨー（1892 ～ 74）から作曲を、オリヴィエ・メシアン（1908 ～ 92）から楽曲分析を学んだ。恩師との交流は、両者がこの世を去るまで続いており、例えば 1974 年に亡くなる２ヵ月前のミヨーからは「たくさんよいメロディを書きなさい」と、また、1971 年に前衛音楽が理解できな
いと相談したメシアンからは「人は自ら愛するもの、自ら感じるものを、流行の変化
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を顧慮することなく書くべき」という言葉―どちらも別宮自身の信念を代弁しているかのようだ ! ―を贈られている。
交響曲と協奏曲の創作史
1954年９月に帰国。自ら「修行時代にピリオド」を打つ作品とみなした管弦楽のための 《２つの祈り》（1955～56）の内実は「前奏曲とフーガ」で、アカデミズムに適合した別宮の優等生ぶりが反映されており、初期の代表作となった。一方、宿願とでもいうべきベートーヴェン的な４楽章制と向き合った交響曲第１番（1961）
は「構築的形式」によってまとめ上げられてはいるのだが、取り入れられたサウン
ドは雑多で、ブラームスの交響曲第４番風に始まったかと思えば、その後はルーセル、
ラヴェル、ストラヴィンスキー、プロコフィエフ、オネゲルといった留学中に惹かれた作曲家からの影響がエコーする。

ふくだつねあり1961～68年はオペラ『有間皇子』（原作：福田恆存 〔1912～94〕）を中心とするオペラ関連の創作に時間を費やしたのち、器楽による久しぶりの大作として発表されたのがヴァイオリン協奏曲（1969）であった。1967年に完成した「ヴァイオリンとピアノのためのソナタ」では第３楽章の一部でバルトーク的な無調に接近していた別宮が、いよいよ自分なりに調性から逸脱しようと試みた作品で、作曲者自身も自作の中で「最もいわば非調性的」であるとみなしている。とはいえ実際のところは、和音の長短の性格を決定する３度の響きを明確にせず、調性と非調性の狭間を高度な和声と対位法の技術でもって攻めた作品とみなすべきだろう。
この２年後に発表されたヴィオラ協奏曲（1971）について別宮は「ヴァイオリン協
奏曲のすぐあとだから同じようなものにならないように心がけた結果、大いにちがうものになった」と述べているが、今日の耳で冷静に聴けば、性格の異なる兄弟作とみなすべきだ
ろう。器楽曲におけるこうした緊張感の高いサウ
ンドは、交響曲第２番（1975～77／78／2004）
でひとつの頂点を迎えた。友人の作曲家たちから最も評価されていたヴァイオリン協奏曲―なかでも第１楽章冒頭の神秘的で不安定なサウンド―を発展させようと試みた作品だった。
別宮自身が満足する仕上がりにはほど遠かった交響曲第２番だが、楽譜と録音を贈って意見を乞うたメシアンからは絶賛のコメントが返送されてきた。こうした信頼する同業者からの評価と別宮貞雄とダリウス・ミヨー（1954年7月／パリ／ミヨー自宅書斎にて）
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自己評価がたびたび乖離したことは、別宮貞雄という作曲家を悩ませたに違いない。
続くピアノ協奏曲（1979～81）において、彼は大きな決断を下す。同業者の顔色を無視して、徹底的にロマン派的なサウンドに振り切ることにしたのだ。その結果 「私の作品で素人のお客には一番人気がある」 作品になったという。
ピアノ協奏曲を作曲していた1980年２月には、別宮は作曲賞の審査において後に反現代音楽の旗手として有名になる吉松隆（1953～）を見出し、当時は編成の小さかった《朱鷺によせる哀歌》を改訂するよう勧めた。確実に時代の潮目が変わりつつあることを、別宮も感じたのではないか。次の大作、交響曲第３番（1981～84）に《春》という副題が付けられたのは３月に春スキーをしている最中に第１楽章「春の訪れ」 の楽想が浮かんだからだというが、調性音楽にとっての冬の時代の終わりを告げるタイトルのように思えて仕方ない。
それでも別宮が単なる懐古主義者と言えないのは、1980年代後半に戦争交響曲
である交響曲第４番 《夏 1945年》（1986～89）を通していま一度、非調性的な不協和音と向き合い、調性・旋法性と見事に共存させているからだ（それでいて交響曲第１番のような雑多な印象は受けない !）。別宮自身が自らの代表作に位置づけている傑作である。
《秋》という副題は順当にいけば、交響曲第５番（1999年に完成。2001年の改訂後に副題 《人間》 が追加）に付けられるはずであった。しかし1994年４月に、４歳半年上の妻が脳梗塞で左半身麻痺となり、介護生活に。福祉施設への入所によって幾分生活の余裕が戻った頃に、不安から逃れるようにして作曲されたチェロ協奏曲に 《秋》という副題が付けられた。作品冒頭の雰囲気からは、前述したピアノ

協奏曲のようなロマン派に回帰しただけの作品だと思われてしまいがちだが、最愛の人を失うかもしれない不安に打ちひしがれる別宮の自画像のような音楽である。初演を待つことなく、妻・明子は1998年３月にこの世を去った。

  別宮貞雄：  チェロ協奏曲《秋》（1997/2001）
サウンドはまるで異なるが、ヴァイオリン協奏曲と同じく緩徐楽章代わりのカデンツァ
を間に挟んだ２楽章制で構成されている。
第１楽章（アレグロ・モデラート）は独自の工夫が凝らされたソナタ形式。冒頭からリズム主題が木管楽器によって反復されるなかで、独奏チェロが物憂げな第１主題（ド・ソ／ド・ミ♭ーレ）（C・G ／ C・E ♭―D）を歌い始める。重音で始まる独奏チェロの技巧的パッセージが落ち着くと第２主題に。イングリッシュホルンのなだらかな旋
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律が主に聴こえてくるが、後に再現される素材は低音金管楽器に隠されており、すぐ後に独奏チェロの背景としてもフルートがその旋律（ラ♭ー／ソード／ファー／ミ♭ー）（A ♭―／ G―C ／ F―／ E ♭―）を密かに吹いている。
移行の役割を果たす小結尾（コデッタ）を挟んで、弦楽がトレモロになるところから展開部へ。リズム主題と第１主題が絡んで緊張感を表出。独奏チェロの技巧的パッセージが続くなか、突如としてヴァイオリン群が奏でる透明感溢れる旋律は、なんと第２主題の再現 !（展開部のなかに再現が挿入されているのだ）。徐々に展開部の緊張感が戻ってきた後、改めて小結尾部と第１主題が再現される。
カデンツァは第１楽章が終わると同時に始まり、既出の第１～２主題をもとにした無伴奏のソロが続く。
第２楽章（アレグロ・ジョコーソ・コン・グラツィア）は、再びオーケストラが加わるところから。独自の工夫が凝らされたロンド・ソナタ形式で構成されているのだが、聴く分には自由な３部形式と捉えれば充分だ。独奏チェロが提示する主部の主題は、（耳だけで聴き取るのは困難かもしれないが）なんと第１楽章の小結尾から取られたもの。そこにカデンツァ終盤の刺繍音や、同じリズムを繰り返す反復音形（ロンドとしては挿入部に相当）が絡みつく。オーボエがたおやかな旋律を吹き始める中間部
を挟んで、再び主部が回帰。ただし単なる再現ではなく展開部を兼ねており、様々な素材を発展させていく。最後に短く第１楽章を回顧し、人生の晩秋を迎える。
作曲年代： 1997年
初

改訂／2001年

演： 1998年7月3日

中野 ZEROホール

改訂初演： 2001年3月7日 サントリーホール

岩崎洸独奏
堤剛独奏

秋山和慶指揮若杉弘指揮

東京交響楽団

東京都交響楽団

楽器編成： フルート２、オーボエ２（第２はイングリッシュホルン持替）、クラリネット２、ファゴット２、ホルン３、トランペット２、トロンボーン２、ティンパニ、シンバル、小太鼓、ボンゴ、テ
ナードラム、大太鼓、トライアングル、ハープ、ピアノ（チェレスタ持替）、弦楽５部、独奏チェロ

  別宮貞雄：  ヴィオラ協奏曲（1971）
表面上は「急―緩―急」の伝統的な３楽章制で、旋律やリズムについてはバルトー
クからの影響が大きい。ただし独自の構造を持っており、かなり複雑だ。
第１楽章（アダージョ～アレグロ・モデラート）は自由なソナタ形式。

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9/30 A Series〔序奏：①管弦楽→②独奏ヴィオラ〕〔提示部：第１主題→挿入句（序奏②の素材を変奏）→第２主題〕〔展開部：序奏→第１主題〕〔再現部：第１主題→挿入句→第２主題〕〔結尾〕という流れになっており、特に〔挿入句］の存在がユニークだ。
序奏では様々な素材の断片を提示。第１主題は、独奏ヴィオラとフルートが旋律（ラ・シ♭／レ・ド♯）（A・B ♭／ D・C ♯）を交互に奏するところからだ。その後、ヴィオラ群が５拍子の音形を繰り返すところからが挿入句で、序奏の独奏ヴィオラが弾いていた旋律がもとになっている。第２主題は、弦楽による揺らぐ伴奏の上でオーボエが提示。背景に鳴り響くチェレスタは第１主題をもとにしている。この第２主題が発展してピークを迎えると展開部へ。まず序奏冒頭のフルートの旋律、次いで序奏の独奏ヴィオラ由来の旋律、そして最後に第１主題が展開され、徐々に再現部へと移り変わってゆく。第２主題の再現後は結尾（コーダ）となり、ハイライトのように様々な素材が回顧される。
第２楽章（アダージョ・アフェトゥオーソ）は３部形式。金管楽器などによって提示されるコラール風の和音が、主部の主題。この上に独奏ヴィオラが第１楽章由来の旋律を展開していく。中間部はチェレスタとヴィブラフォンの分散和音が鳴るあたりから。その上でオーボエなどが奏でるのは、第１楽章の第２主題を変奏した旋律だ。
その後、主部が簡潔に再現される。
第３楽章（アンダンテ～アレグロ・モデラート）もソナタ形式がもとになっているが、挿入される要素が第１楽章より多く、ほとんど幻想曲や狂詩曲といった様相。この楽章の軸となるのは、冒頭でテューバが提示する第１主題（ソ・ラ♭ーソー／レ・ファ〔G・A ♭―G―／ D・F〕＝第１楽章序奏で独奏ヴィオラが提示したファ・ミ・ファ・ラ♭・ファ〔F・E・F・A ♭・F〕を上下に反行させたもの）と、その少し後にクラリネットが提示する第２主題（８分の６拍子と４分の３拍子の交代が特徴）だが、前半から第１楽章の素材がどんどん重ねられていくので、形式感は明瞭ではない。律動が弱まると展開部と中間部を兼ねたセクションに入り、途中で第１楽章の第２主題がまたもや顔を出す。独奏ヴィオラのカデンツァを経て、再現部とコーダを兼ねたセクションへ突入して一気に最高潮へと達する。
作曲年代： 1971年
放送初演： 1971年10月28日
舞台初演： 1972年3月3日

NHK-FM

今井信子独奏若杉弘指揮

NHK 交響楽団

東京文化会館

今井信子独奏森正指揮

NHK 交響楽団

楽器編成： フルート２（第２はピッコロ持替）、オーボエ２、クラリネット２、バスクラリネット、ファゴッ
ト２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、小太鼓、テナードラム、シンバル、トライアングル、タンブリン、トムトム、ボンゴ、ヴィブラフォン、
シロフォン、ハープ、チェレスタ、弦楽５部、独奏ヴィオラ50

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  別宮貞雄：
  ヴァイオリン協奏曲（1969）
前述した通り、緩徐楽章代わりのカデンツァを間に挟んだ２楽章制は一風変わってこそいるが、ヴィオラ協奏曲に比べると形式は分かりやすい。
第１楽章（モデラート）は、提示部の後半が長いソナタ形式。冒頭から独奏ヴァ

イオリンが提示する断片的な旋律が主題労作されて、徐々に発展していく。第１主
題の核となるのは独奏ヴァイオリンの最初の４音（シーラ♯／ラ♯・ソ）（B―A ♯／
A ♯・G）だ。フルートとチェレスタが重なった和音が印象的な経過部を通過すると、どことなく日本風の第２主題をオーボエが提示し、独奏ヴァイオリンが引き継いでいく。
３拍子になり、テンポが上がったところから第１主題の一部が変奏されるので展開部のようにも聴こえるが、実はそうではない。たっぷりと時間をかけて提示部を盛り上げて、ニ短調でピークに。その後、テンポが落ち着き、不安定な響きが戻ってくると展開部に入るのだが短く、割とすぐに経過部と第２主題あたりから明確な再現が始まっていく。第１主題は結尾で簡潔に再現される。
先ほど展開部が短かった分、緩徐楽章代わりのカデンツァでは主題が展開される。
再び管弦楽が加わると、ヴィオラ協奏曲よりもバルトークの影響が明確な第２楽章（アンダンテ～アレグロ・マ・ノン・トロッポ）へ。最初は繋ぎのセクションで、フルートがリズムを刻んでテンポが速くなると３部形式（正確には自由なロンド・ソナタ形式）による本編だ。主部の核となるのは独奏ヴァイオリンが提示するシグナルのような主題（レ・ミ♭・シー）（D・E ♭・B―）で、これは第１楽章の第２主題を変形したもの。他の音形も第１楽章の素材がもとになっている。テンポが落ち着く中間部の主旋律は、先ほど聴いたヴィオラ協奏曲の第１楽章第２主題とほぼ同じだ。主部が戻ってくると、クライマックスまで駆け抜けてゆく。
作曲年代： 1969年
放送初演： 1969年11月13日

黒沼ユリ子独奏

若杉弘指揮

舞台初演： 1973年3月27日

東京郵便貯金会館

江藤俊哉独奏NHK 交響楽団
若杉弘指揮

NHK 交響楽団

楽器編成： フルート３（第３はピッコロ持替）、オーボエ２、クラリネット２、バスクラリネット、ファゴッ
ト２、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、ティンパニ、大太鼓、小太鼓、テナード
ラム、シンバル、トライアングル、タンブリン、タムタム、トムトム、ボンゴ、コンガ、ヴィブラフォン、シロフォン、ハープ、チェレスタ、弦楽５部、独奏ヴァイオリン

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  Three Concertos for the 100th birth-anniversary
  of Sadao Bekku
  Takayuki Komuro
  (translated by Tadashi Mikajiri)

Even after ten years since Sadao Bekku (1922-2012) passed away, there
remains a persistent question where to position him in the critical assessment.
Depending on the different viewpoints of the critics, his assessment can varyfrom ‘a Classicist’ to ‘the last Romanticistʼ, ‘an anachronistic nostalgistʼ, or ‘aforerunner of post-modernismʼ.
School days
In 1943, Bekku enrolled in Tokyo Imperial University (currently The
University of Tokyo), The Faculty of Science, physics major. Feeling unable,
however, to give up western music with which he had avidly familiarized
himself, he privately started to study in the same year with the famed composer Tomojiro Ikenouchi (1906-91), who was yet to be the professor ofTokyo School of Music (currently Tokyo University of the Arts, The Facultyof Music). Bekku started to learn harmony and counterpoint in the style of theFrench school, and after the 2nd World War, entered The Music Competition(currently The Music Competition of Japan), where he won the second prizein 1946 with “Two Chapters for Orchestra” and the first prize in 1948 withthe song sequence “Light-coloured Pictures for voice and piano” in a stylewhich he admits as being close to Schumannʼs. Although written in a youthful
fashion, the latter has been, and still is, performed more frequently than mostof Bekkuʼs works. He thus confessed that he was embarrassed and was wondering whether to express pleasure or bitterness.
After graduating from physics major, Bekku enrolled in The Faculty of
Letters, philosophy major, of the same university in 1947. Around this time,
he started approaching Classicism. The famous critic, Hidekazu Yoshida(1913-2012) and the composer Ro Ogura (1916-90), both of whom were a little senior to Bekku, devoted themselves to this Classicism in those days, andhe titled his dissertation for the bachaelorʼs degree “What is romantic in
Beethovenʼs style” . There he tried to clarify, by means of music analysis, thatromantic harmony in Wagner was already present in Beethovenʼs works. This
excercise convinced him that ideal music is the one where ‘structural formʼ ofclassicism and ‘lyric contentsʼ of romanticism combine to bring synergetic
effect and impress the listeners, and this conviction stayed with him until theend of his life.
Le Conservatoire de Paris
In 1951, Bekku entered Le Conservatoire de Paris, together with Akio
Yashiro (1929-76) and Toshiro Mayuzumi (1929-97), both of whom had alsostudied with Ikenouchi. There he studied composition with Darius Milhaud
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(1892-1974) and music analysis with Olivier Messiaen (1908-92). He kept
contacts with those masters throughout their lives; Mihaud wrote to him justtwo months before his death in 1974 “Write a lot of good melodies” ; when
Bekku consulted Messiaen of his embarrassment in facing avant-garde music,
Messiaen told him “You should write down what you love and what you feel,
regardless of varying tastes of the time” , the words which represent Bekkuʼsown faith in creation.
Symphonies and Concertos
Bekku returned to Japan in September 1954. “Deux prières” for orchestra (1955-56), which he regarded as a milestone putting an end to his periodof apprenticeship, is actually a combination of a prelude and a fugue, reflecting how he went well with academic community, and has become the most
famous work from his youth. On the other side, Bekku decided to face thelong-held dream of writing a large scale work in the four-movement style,
typical of Beethoven. The completed First Symphony (1961) was constructedin the ‘structural formʼ, but its sounds are mixture of various elements: wehear the echoes of such composers as Roussel, Stravinsky, Prokofiev, andHonegger, all of whom charmed him while he was in Paris.
After spending large amount of his time between 1961 and 1968 on
operas, including “Arima-no Miko (Prince Arima)” based on a play with thesame title by Tsuneari Fukuda (1912-94), Bekku came back to large scale
instrumental music with his Violin Concerto (1969). Having tried an approachto Bartok-like atonality in the third movement of his Sonata for Violin and
Piano, completed in 1967, he made a further effort to step out of tonality in
his own fashion. Bekku himself defines this to be the most atonal among his
works. Objectively speaking, however, he avoided settling on major or minor
chords in the concerto and explored the narrow path between the tonality
and atonality with the highly sophisticated technique in harmony and counterpoint.
T w o y e a r s l a t e r i n 1971, V i o l aConcerto appeared. Bekku said he “tried tomake it unlike the Violin Concerto since it
came about after a short interval, and it
became quite different” , but looking backcalmly from today, they are brothers withindividual characters. Instrumental soundswith such high tension reach their peak in
the Second Symphony (1975/78/2004).
Bekku tried to further develop the sound of
the Violin Concerto − especially the mystic
and unstable sound at the beginning of its
first movement − which his fellow composers highly acclaimed.
Although Bekku himself was far from
Sadao Bekku and Darius Milhaud(July 1954, Paris, in the study ofMilhaudʼs home)2022-09都響_20220822v12.indd 53

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being satisfied with the symphony, Messiaen sent him comments of praise
when he received the score and the recording. The gap between his own
evaluation and such high esteem by fellow composers of the time must have
distressed the creator in Sadao Bekku. In the following Piano Concerto(1979-81), he made a grave decision: he dared to ignore the words of fellow
composers and turned to extremely romantic sound. It became “my most popular work among the non-professional listeners” , he said.
In February 1980 when he was composing the Piano Concerto, Bekku
was a judge in a competition of young composers. There he found Takashi
Yoshimatsu (1953-) who was to become the standard-bearer of anti-modernmusic, and recommended him to revise his “Threnody to Toki” written thenfor a smaller ensemble. Bekku himself may have sensed the shift of tide then.
He said he added the title “Spring” to his next large scale work, the Third
Symphony, because musical idea came to him while skiing in the spring time,
but we cannot help thinking he was declaring the end of tonalityʼs winter.
Nevertheless, we cannot simply call Bekku an anachronistic nostalgist.
In the late 1980s, he wrote his Fourth Symphony “Summer 1945” (1986-89),
where he once again faced up to atonal dissonances, and made them admirably co-exist with tonality and scales, without giving an impression of chaos
like the First Symphony. Bekku himself regarded it as his masterpiece.
In the natural order of things, the subtitle “Autumn” should have been
given to his Fifth Symphony (completed in 1999, and revised in 2001 andgiven the subtitle of “Human Beings” ), but in April 1994, his wife, 4 years
elder than him, had a stroke and was paralyzed on the right side of the body,and he was to take constant care of her. After she was settled in a nursing
home and gave him some freedom, he wrote Cello Concerto as if to escapefrom anxiety, and the subtitle “Autumn” was given to this concerto. On hearing its opening, one might think it is just a return to romanticism, but it is likea self-portrait of Bekku who was distressed by the fear of losing his loved
one. His wife Akiko passed away in March 1998, before its premiere.

  Sadao Bekku:
  Cello Concerto “Autumn” (1997/2001)
The work consists of two movements, with a cadenza in-between in theplace of a slow movement. This structure is the same as the Violin Concerto,
but the sounds are quite different.
First Movement (Allegro moderato) is in the sonata form with unique
ideas. From the beginning, a rhythmic theme is repeated by the wind instruments, and the cello solo starts singing the listless first theme (C・G ／ C・E ♭− D). When the soloistʼs masterful passage with double stop technique subsides, the second theme comes in. English hornʼs gentle melody stands out at
first, but its later reprise is secretly played by lower brass, and the theme (A ♭ −／ G − C ／ F − ／ E ♭ − ) is played again by the flute, hidden in the back54

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ground of cello solo.
A codetta (small ending) there leads to tremolo of strings which marks
the beginning of the development section. The rhythmic theme and the first
theme intertwine with each other, creating tension. While the solo cello displays technical passages, violins suddenly jump in with transparent melody
which reveals itself to be a recapitulation of the second theme! (The recapitulation is inserted in the development section.) After the development section
gradually regains its tension, there comes another codetta, which now leads
to the recapitulation of the first theme.
The Cadenza catches on the end of the first movement, and displays
unaccompanied solo passage derived from the first and the second themesthat had already been introduced.
Second Movement (Allegro giocoso con grazia) starts as the orchestra
comes back. It is in a rondo-sonata form with more unique ideas, but listeners
can enjoy it as a generous three-part form. The theme of the main section
which the solo cello presents is taken from the codetta of the first movement,
although it isnʼt easy to identify it only by the ear. This theme is entangled byneighbor tones taken from the cadenzaʼs ending, and by motives repeating
the same rhythm (the rhythm is equivalent to the insert section of the rondoform). In the middle section, oboe plays a graceful melody, and then the main
section comes back. This is not a simple recapitulation but functions also as
the development section, where various materials are worked on. Towards
the end of all, elements of the first movement are quickly revisited to makeyou feel the late autumn of life around yourself.
Composed in 1997, and revised in 2001.
Premiere: July 3, 1998 at Nakano ZERO Hall
Cello solo: Ko Iwasaki
Tokyo Symphony Orchestra conducted by Kazuyoshi Akiyama
Premiere of the revised version: March 7, 2001 at Suntory Hall
Cello solo: Tsuyoshi Tsutsumi
T okyo Metropolitan Symphony Orchestra conducted by Hiroshi
Wakasugi

  Sadao Bekku:
  Viola Concerto (1971)
On the surface, this work looks like a traditional fast-slow-fast threemovement concerto, and its melody and rhythm show influences from Bartok,
but it has unique structure in it and is considerably complicated.
First Movement (Adagio - Allegro moderato) is in a generous sonata
form, with the following musical sequence. The usage of〔Inserted phrase］isunique.

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9/30 A Series〔Introduction: (1)Orchestra → (2)Viola solo〕〔Exposition: First theme → Inserted phrase (Variation of second material (2)from the Introduction) → Second theme〕〔Development: Introduction → First theme〕〔Recapitulation: First theme → Inserted passage → Second theme〕〔Coda〕
Introduction displays fragments of various musical materials, which are
to appear later. When the solo viola and flute alternately play the melody (A・B ♭／ D・C ♯ ), it is the beginning of the first theme. Repetition of 5-beatrhythm by violas tells us the start of the inserted phrase, which was derived
from the solo viola in the introduction section. It is oboe that presents thesecond theme to the rocking strings. Celesta resonates in the background,
whose melody derives from the first theme. When this second theme isworked on and reaches its peak, the movement goes into the development
section. First, the fluteʼs melody at the beginning of the introduction, followed
by a melody originating from the solo viola in the introduction, and then thefirst theme: all are developed and gradually lead to the recapitulation section.
After the reprise of the second theme, the coda revisits various materials as
highlights.
Second Movement (Adagio affetuoso) is written in three-part format.
The theme of the main body of this chapter is presented in a chorale-like harmony, presented chiefly by the brass. The solo viola develops a melody deriving from the first movement. Broken chords of celesta and vibraphone tell the
beginning of the middle section. Over the chords, the oboe plays a variationof the second theme of the first movement. The main body of this movement
is recapitulated afterwards.
Third Movement (Andante - Allegro moderato) is also based on sonata
form, but the inserted elements are more numerous than in the first movement, and it is almost a fantasy or a capriccio. The cores of this movement
are the first theme presented by tuba〔G・A ♭ − G − ／ D・F〕, which is avertical reversal of〔F・E・F・A ♭・F〕 played by the solo viola in the introduction of the first movement, and the second theme presented later by clarinet (alternating between 6/8 and 3/4), but a number of materials from thefirst movement reappear and are added to the sound, obscuring the formal
structure. When rhythms subside, the middle section which is also the development section starts, but it is re-visited by the second theme of the firstmovement. The cadenza of solo viola plunges into the recapitulation as wellas the coda that quickly culminates into the climactic finale.

Composed in 1971.
Broadcast Premiere: October 28, 1971 on NHK FM.
Viola solo: Nobuko ImaiNHK Symphony Orchestra conducted by Hiroshi Wakasugi
Stage Premiere: March 3, 1972 at Tokyo Bunka Kaikan
Viola solo: Nobuko ImaiNHK Symphony Orchestra conducted by Tadashi Mori

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  Sadao Bekku:
  Violin Concerto (1969)
As stated above, the concerto has the two-movement structure, withcadenza in the place of slow movement. It is unusual but is simpler than theviola concerto.
First Movement (Moderato) is in sonata form, with the latter portion of
the exposition being long. The fragmental theme, which the solo violin presents from the beginning, is worked on and develops gradually. The core of
the first theme consists of initial four notes（B − A ♯／ A ♯・G） played by
the solo violin. After a transitional passage with impressive chords of fluteand celesta, oboe introduces the second theme in somewhat Japanese mood,and the solo violin takes it over. The music changes to triple time, the tempo
quickens, and variation of the first theme starts. This sounds like the beginning of the development section, but it is still in the exposition and Bekku
takes ample time to culminate it until it reaches a climax in D-minor. Whenthe tempo calms down and unstable sound comes back, the true development
section begins, but it is short and soon passes through another transition into
the clear recapitulation with the second theme. The first theme is compactly
reprised in the coda.
As if to make up for the short development section, the theme is thoroughly developed in The Cadenza played in the place of a slow movement.
The orchestra comes back to start Second Movement (Andante Allegro ma non troppo), which shows clearer influence of Bartok than theviola concerto. After the initial connecting section, flute ticks the rhythm in aquicker tempo and leads to the main body of the three-part movement (precisely speaking, it is a generous rondo-sonata form). The solo violinʼs signallike theme（D・E ♭・B −） stands out as the core of the main body. It wastransformed from the second theme of the first movement, and some othermotives also derive from materials in the first movement. The chief theme in
the middle section with calmer tempo is almost identical with the viola
concertoʼs second theme in its first movement, which we just heard. Whenthe main body returns, the music runs up to the final climax.
Composed in 1969.
Broadcast Premiere: November 13, 1969
Violin solo: Yuriko Kuronuma
NHK Symphony Orchestra conducted by Hiroshi Wakasugi
Stage Premiere: March 27, 1973 at Tokyo Yubin Chokin Kaikan (currently Hall of
Mielparque Tokyo)
Violin solo: Toshiya Eto
NHK Symphony Orchestra conducted by Hiroshi Wakasugi

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