もくじContents

05

ごあいさつ

Greeting

06

開催概要

Outline

09

MUSIC

MUSIC

Document

12

コンサート / プロジェクト

Concert / Project23

関連プロジェクト

Related Project

アッセンブリッジ・ナゴ ヤ 2020｜ドキュメント

25

ART

28

アーティストArtist

50

トーク

Talk

52

関連プロジェクト

Related Project

55

SOUND BRID GE

SOUND BRID GE

58

プログラム

73

レビュー

ART

Program
REVIEW

104 2016 – 2020 アーカイブ

2016 – 2020 Archive

121 エッセイ

Essay2020 . 10 . 24 S at . – 12 . 13 Sun.

134 執筆者プロフィール

Writer Profile

会期中の木曜、金曜、土曜、日曜、祝日開催

136 会場マップ

MAP

アッセンブリッジ・ナゴ ヤ 2020

会場 ｜ 名古屋港〜築地口エリア一帯

Assembri d ge N AGOYA 2 02 0
Open Thursday to Sunday and Holiday
Venues ｜ Around the Nagoya Subway NAGOYAKO (Port of Nagoya)
St ation to TSUKIJIGUCHI St ation area

ごあいさつGreeting

この度は、アッセンブリッジ・ナゴヤ2020の実施にあたり、各関係機関や地域のみなI would like to express my deepest gratitude for all your support for Assembridge
NAGOYA 2020, including all related organizations, local partners, and residents.

05

当事業は、市民のみなさまに文化芸術に身近な場所で気軽に触れることのできる機会を設けるとともに、まちの賑わいづくりや都市の魅力向上を図ることを目的として2016
年から始め、今回は節目となる5回目の開催となりました。
今年度は特に、新型コロナウイルス感染症により、文化の冬の時代と言われるほどイベント開催が厳しい環境に置かれています。全国各地で多くの催しが中止となるなか、
アッセンブリッジ・ナゴヤにおいては、さまざまな工夫と対策を講じ、また港まちのみなさまに多大なるご協力をいただくことで、多彩な音楽・現代アートのプログラムを発信することができました。その結果このコロナ禍の新たな生活様式における表現活動のあり方を示す取り組みにもなりました。
分野別の実績として、音楽部門ではコンサートを実施するとともに、演奏家へのインタ
ビューの配信などを行いました。
また、アート部門では､『パノラマ庭園 ―亜生態系へ―』をテーマにした現代美術展を展開し、港まちのさまざまな場所で展示やプロジェクトを行いました。
さらに、サウンドブリッジ部門では、これまでご出演いただいたアーティストの方々が「港まち」と再会し、まちなかでパフォーマンスを行う様子を記録した映像作品の上映や「ソーシャルディスタンス」に着目した港まちならではの公演などを行いました。
今回は5 年間の集大成として、過去の取り組みも振り返りながらの事業展開となりました。本市といたしましては、さまざまな社会課題を抱えた今、文化力がまちなかに広がり、活用される「文化芸術が活きるまち」を目指し、今後とも当事業などを通じて文化振興に取り組んでまいります。誠にありがとうございました。
アッセンブリッジ・ナゴヤ実行委員会

委員長 蛭川賢之This festival was established in 2016 with the objective of developing a vibrantatmosphere in the Nagoya Port area as well as enhancing the enticement of thecity, and also to create opportunities for all the citizens to freely experience theculture and art in their familiar locations, and this year marked the fifth anniversary of the event.
This year, in particular, the new coronavirus has made it difficult to organize
events in what has been described as a cultural winter. While many events havebeen canceled all over the country, Assemnbridge NAGOYA was able to present
a diverse program of music and contemporary art thanks to a variety of creative measures and the generous support of the people of the Nagoya Port area.
This edition of Assembridge NAGOYA also became an opportunity to show how
expressive activities can be in this new way of life in a time of a pandemic.
In terms of divisional achievements, the Music Division not only organized concerts but also conducted online streaming of interviews of the performers.
As for the Art Division, a contemporary art exhibition was presented under thetheme “PANORAMA GARDEN –Towards a Sub-Ecosystem–”, and various exhibitions and projects were held at different locations within the Nagoya Port area.
The Sound Bridge Division conducted a screening of video works which documented the artists re-encountering with the “Nagoya Port area” and performingin the landscapes of the town, as well as a concert that put its focus on “social
distancing” in a way unique to the Nagoya Port area.
This edition of Assembridge NAGOYA was carried out as the culmination of thepast five years to look back on the activities we had conducted. Aiming to becomea “lively city of cultural art”, where the cultural power is fulfilled throughout the
town even under such current circumstances burdened by various social issues,
we will continuously strive to expand the cultural capacity through this festival.
Again, I would like to express my deepest appreciation to all.
Assembridge NAGOYA Executive Committee
Chairman, Yoshiyuki Hirukawa

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0さまなど、多くの方々のご支援、ご協力を賜りましたこと、深くお礼を申し上げます。

アッセンブリッジ・ナゴ ヤ 概要

Assembridge NAGOYA

●主催

●企画体制

● Organizer● Direction System

アッセンブリッジ・ナゴヤ実行委員会

アートプログラムディレクター｜

Assembridge NAGOYAArt Program Director ｜ Hiroyuki Hattori,

構成団体｜

服部浩之、青田真也、吉田有里

Executive Committee

Shinya Aota, Yuri Yoshida

名古屋市（観光文化交流局文化振興室、

06

The Nagoya Port Area, Where Music and Art Would Meet

住宅都市局名港開発振興課）
港まちづくり協議会

アッセンブリッジ・ナゴヤは、名古屋の港まちを舞台に2016年よりスタートした、音楽とAssembridge NAGOYA is a festival set in the Nagoya Port area (Minato-

現代美術のフェスティバルです。[ アッセンブリッジ assembridge]とは､「集める｣「組みmachi), showcasing music and contemporary art since 2016. “Assembridge”

立てる」などの意味をもつ [ アッセンブル assemble] と、[ ブリッジ bridge] を組み合わせた造語です。音楽やアートが架け橋となり、まちと人が出会い、つながりが生まれ、新たな文化が育まれていくことを目指しています。

is a coined term, combining “assemble” - to gather, to build - and “bridge”.
The term encompasses our aim for music and art to bridge people and thetown, create connections and eventually nurture a new culture.
For the year 2020, we explored how we could present a diverse program of

名古屋港管理組合（公財）名古屋フィルハーモニー交響楽団（公財）名古屋市文化振興事業団●助成
令和2年度 文化庁文化芸術創造拠点形成事業
公益財団法人 福武財団
公益財団法人朝日新聞文化財団

音楽プログラムディレクター｜岩田彩子
コーディネーター｜谷口裕子
アートプログラムアシスタント｜
山口麻加、鈴木一絵
音楽プログラムアシスタント｜

デザインディレクション、デザイン｜
中西要介（ STUDIO PT. ）、溝田尚子

名古屋音楽大学

デザイン｜

art due to the new coronavirus infection. In addition to the exhibitions, per-

名古屋芸術大学

根津小春（ STUDIO PT. ）、寺脇裕子

formances, projects, talks, workshops, and other events that have been held

小西・中村特許事務所

screening of recordings of performances by artists in the Nagoya Port area,
and the festival’s approach to the current situation has seen artists, the town

ました。

and its people develop a more fulfilling relationship.

コンサートホールや美術館ではなく、いつものまちが会場となり、名古屋の港まちの日常に音楽やアートが溶け込むことで、創造性溢れる場所から風景が動き出します。

The stage was not concert halls or museums but the town itself. Music andart blended into the everyday life of the Nagoya Port area, and the creative
spaces transformed the surrounding landscape.

ウェブデザイン｜石垣嘉洋●後援（公財）名古屋みなと振興財団

広報｜大泉愛子、出会桃子

●協力

記録映像｜

飛島マリン

冨田了平（撮影・編集）、
岩田隼之介（撮影・編集）、
アッセンブリッジ・ナゴヤ実行委員会事務局
（撮影）

記録写真｜
今井正由己、柴田祐希、冨田了平、蓮沼昌宏、
松井沙織、三浦知也、

参加者数

Entrants / Participants

音楽｜ 1 , 274 人

Music1,274

アート｜ 2 , 265 人

Art2,265

サウンドブリッジ｜ 1 , 326 人

Sound Bridge1,326

ボランティア｜ 90 人

Volunteer90

合計｜ 4 , 955 人

Total4, 955

オンライン閲覧数｜ 15 , 707 人

Online views15,707

Community Relations Division /Nagoya Port Development
Housing & City Planning Bureau)
Nagoya Port Authority

people as possible, given the limited opportunities to experience culture and

取り組みのもと、アーティストとまち、人びとがより充実した関係を紡ぎだす様子が見られSports & Civic Affairs Bureau,

Joint Committee of Port Town

かで、この港まちから多彩な音楽・現代アートなどのプログラムをどのように発信し、多く

フォーマンスを記録し上映するプログラムなどを実施し、現状に即したフェスティバルのCulture & Exchange /アーキテクト｜米澤 隆●協賛in the past, we have also implemented a program of online distribution and

Bureau of Tourism,

Promotion Division,music and contemporary art from this Nagoya Port area to reach as many

やワークショップなどのイベントに加え、オンライン配信や、アーティストの港まちでのパ(Cultural Promotion Office,

稲葉久之、了徳寺佳祐

2020年は、新型コロナウイルス感染症によって、文化や芸術に触れる機会が限られるなの人に届けるかを模索しました。これまで行ってきた展覧会や公演、プロジェクト、トーク

City of Nagoya

アッセンブリッジ・ナゴヤ実行委員会事務局

Nagoya Philharmonic Orchestra
Nagoya City Cultural Promotion Agency● Subsidy

Agency for Cultural Affairs,
Government of Japan, Fiscal Year 2020
Fukutake Foundation
THE ASAHI SHIMBUN FOUNDATION● Sponsor

Nagoya College of Music
NAGOYA UNIVERSITY OF THE ARTSKONISHI&NAKAMURA● Support

Nagoya Port Foundation● Cooperation

Tobishima Marine

Music Program Director ｜ Ayako Iwata
07

Coordinator ｜ Yuko Taniguchi
Art Program Assistant ｜Asaka Yamaguchi, Kazue Suzuki
Music Program Assistant ｜Hisayuki Inaba, Keisuke Ryotokuji
Architect ｜ Takashi Yonezawa
Design Direction, Design ｜Yosuke Nakanishi (STUDIO PT.) ,Naoko Mizota
Design ｜Koharu Nezu (STUDIO PT.) ,Hiroko Terawaki
Web Design ｜ Yoshihiro Ishigaki
Public Relations ｜Aiko Ooizumi, Momoko Deai
Documentary Videography ｜Ryohei Tomita (Camera, Editing) ,Shunnosuke Iwata (Camera, Editing) ,Assembridge NAGOYAExecutive Committee Secretariat(Camera)Documentary Photography ｜Takayuki Imai, Yuuki Shibata,
Ryohei Tomita, Masahiro Hasunuma,
Saori Matsui, Tomoya Miura,
Assembridge NAGOYAExecutive Committee Secretariat

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

音楽とアートで出会う、みなとまち

スポーツ市民局地域振興課、Constituent Organizations｜音楽が繋ぐ、遠くと近く。
Music that Connects the Far and Near.

楽器等略記号｜ヴァイオリン（ Vn )、ヴィオラ（ Va )、チェロ（ Vc )、フルート（ Fl )、（ Cl )、ファゴット（ Fg )、サクソフォン（ Sax )、ホル
オーボエ（ Ob )、クラリネット（ Key )、ヴォーカル（ Vo )、ハープ（ Hp )、フィドル（ Fiddle )、ン（ Hr )、キーボード
アイリッシュハープ（ Irish Harp ）MUSIC

MU SIC09

MUSIC 開催報告

MUSIC Report

1011のメンバーは、これからの演奏活動の糧としていくだろう。

と、これまでアッセンブリッジ・ナゴヤでは取り入れたことのなかった、音声配
信や、音源なども盛り込んだ記事でたどる企画を行った。またコロナ禍におけ

どうしたら音楽を必要としている人に届けられるのか、音楽を必要だと気づいてるソーシャルディスタンスや事前予約など、感染対策をしながらのコンサート、

いない人の日常に、音楽や演奏家がそっと寄り添えるような環境を整えることは人を集めないために直前告知のみで行ったゲリラ的コンサートなど、これまでできないのか。不要不急と呼ばれているものが、人びとの営みや生きる喜びをのようなコンサートスタイルを引き継ぎつつも、さまざまな新しいコンサート様支えているのではないだろうか。アッセンブリッジ・ナゴヤというフェスティバ

式を取り入れた試みで音楽を届けてきた。そのなかで、演奏家にとっても、観客

ルの名前を聞いたことがある、という人は、観客、演奏家ともに着実に増えてきと同じ空間で音楽を分かち合うということが、どれほどまでに大切なことかを再た。誰もが先の見えない不安な時期に、これまでに港まちを起点に小さいなが確認したという声が、インタビュー企画のなかや、実際の演奏現場でも多数聞らも蒔いてきた種が、人びとの中で発芽し、それぞれの内的世界の畑にそっと咲かれた。演奏の発表機会や、できたはずの思い出までもが奪われた、音楽を学くよう願っている。

び、愛好する子どもたちも、ワークショップという形でその日限りのコンサートを体験した。3 名の奏者の生み出す音楽に子どもたちの音は引き出され、その上に会場の観客の手拍子も重なり、過去と今、人と人を繋ぐような美しい時間が流れた。

アッセンブリッジ・ナゴヤ2020
音楽プログラムディレクター

岩田彩子
また、2018 年より行ってきた、演奏家が港まちに滞在する「レジデンス・アンサ
ンブル プロジェクト」も、今一度音楽の届け方を模索し、より細やかに人やまちに寄り添った企画を行った。港まちで大切にされている盆踊りが今年は開催されなかったため、その1 曲を各所で届ける試みも行った。一人暮らしのおばあさんの自宅での誕生日会や、未就園の子どもとその保護者が集まる場など、レジデンス・アンサンブルのメンバー各々が音楽で向き合うということを考えながらプログラムを考え演奏した。音楽という媒体は、一瞬にして心の距離を縮め、短い時間ではあっても生活の一コマを彩る。演奏家は感動の表情や涙など、観客からエネルギーを受け取りそれを音に換える。これまで全くの他人だった「港まちの人びと」が自分たちを受け入れてくれた経験を、レジデンス・アンサンブル

This year’s music program was based on the concept of “Music that
Connects the Far and Near”, and included audio contents and programs that derived from music content articles, which was a new challenge for Assembridge NAGOYA. We delivered music in various newstyles of concerts under the coronavirus pandemic, such as concerts
under infection control, which meant concerts under social distance,
pre-booking concerts, and pop-up concerts that were announced ina very short period of time to prevent people from gathering. In thecourse of the project, there were many comments in interviews and at
actual performances that reaffirmed how important it is for performers
to share music in the same space as the audience.
The children, who had been deprived of the opportunity to present theirperformances and of the memories they would have made, were able
to experience a one-day concert in the form of a workshop, in which
the children's sounds were drawn out by the music produced by thethree performers. With the applause of the audience overlapping withthe music, it became a beautiful time that connected the past and thepresent, and people with people

The performers receive energy from the audience, such as tears andexpressions of emotion, and translate it into sound. The experience ofbeing accepted by the “people of the Nagoya Port area”, who were previously complete strangers to them, will be a source of inspiration forthe members of the Residence Ensemble in their future performances.
How can we bring music to those who need it, and how can we create
an environment where music and performers can gently approach thedaily lives of those who don’t realize they need it? What we call the“unnecessary and the non-urgent” is what sustains people's life andthe joy of living.

Besides, the Residency Ensemble Project that we have been runningsince 2018, in which performers stay in the Nagoya Port area, once
again re-examined to find a new way of delivering music, and makethem even closer to the people and the town. As the traditional Bon
dance festival was not held in 2020, we tried to deliver one of thesongs to various places in the area. The Residency Ensemble members
planned and performed programs to confront music in each way, froma birthday party at the home of an elderly lady who lived alone, to agathering of preschool children and their parents. Even if for a brief
moment, music has the power to bring people together and adds color
to our lives.

Assembridge NAGOYA 2020

The number of people who have heard of the Assembridge NAGOYA
festival is steadily increasing, both in terms of audiences and performers. At a time when everyone is uncertain about the future, we hopethat the small seeds that have been sown in the Nagoya Port area will
germinate within people and gently bloom in the fields of their own
inner worlds.

Music Program Director

Ayako IwataMUSIC

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 02020 年度の音楽プログラムは「音楽が繋ぐ、遠くと近く」というコンセプトのも迷惑な反復コーキョー曲
Beethoven 250を弾いてみよう！
12

Music workshop for kids: Beethoven 250“Annoying Repetition Symphony” by Makoto Nomura

Kitaguchi cello recital collaborating with Nomura and Suzuki

作曲家の野村誠、キーボーディストの鈴木潤、チェリストの北口大輔によベートーヴェン生誕 250年に際し作曲された野村誠の楽曲をメインに、豊るワークショップ。ベートーヴェン生誕 250 年の2020 年にあわせて野村

かな発想から構成されたコンサート。チェリスト北口大輔のソロ演奏からが作曲した『迷惑な反復コーキョー曲 Beethoven 250』に楽器を持って始まり、鈴木潤が参加すると北口の新作、鈴木の作品など、クラシックと小学生が参加した。音による対話のように即興的に演奏の提案が行われ、ボサノヴァ、レゲエをクロスオーバーさせた楽曲が奏でられた。パフォー

演奏会や発表会の機会を失っていた参加者にとって、演奏の楽しさを取マンスとともに登場した野村はそれまでの流れを変化させ、北口と鈴木はり戻す企画になった。

それに応答するように演奏形態を変えた。最後は、直前のワークショップの使用曲『迷惑な反復コーキョー曲 Beethoven 250』を、参加者である
子どもたちとだけでなく、観客全員も巻き込むかたちで完成させた。3 人の音楽は、言葉よりも雄弁なコミュニケーションツールとして、会場を包み込んだ。

日時｜ 11 . 23（月・祝）14 : 50 – 15 : 50
会場｜ポートハウス［ MAP］

出演｜野村 誠（ Key )、鈴木 潤（ Key )、北口大輔（ Vc ）日時｜ 11 . 23（月・祝）14 : 00 – 14 : 30
会場｜ポートハウス［ MAP］

曲目｜ J.S. バッハ：無伴奏チェロ組曲第 1 番

A.C. ジョビン = ブラームス = 北口大輔：No more Brahms

出演｜野村 誠（ Key )、鈴木 潤（ Key )、北口大輔（ Vc ）鈴木 潤：マイレゲエ

参加者｜ヴァイオリン 9 名

J.ドナート：Muito a Vontade

チェロ 1 名A.C. ジョビン：ワンノートサンバ ~WAVE

コントラバス 2 名

野村 誠：迷惑な反復コーキョー曲 Beethoven 250

13
MUSIC

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

北口大輔がチェロリサイタル
するかと思いきや・・・
野村と鈴木が乱入してみた！
– クラシックジャズチャンプル –レジデンス・アンサンブル プロジェクト

パシフィック カルテット

Residency Ensemble Project

Pacific Quartet

香田早智（ Vn)、堀 脩史（Vn)、鶴 友見（Va )、丹羽あいり
（Vc）

14

15
MUSIC

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

公募で選出したアンサンブルが港まちで実際に「暮らし」ながら、さまざ

若手音楽家を育成する国際教育音楽祭「パシフィック・ミュージック・フェ

まな場所で演奏を繰り広げるプロジェクト。

スティバル」の修了生で2017年に結成し、東京を中心に活動する弦楽四

今回は弦楽四重奏団「パシフィック カルテット」が 10日間滞在した。会重奏団。

食の場や記念日での演奏など、まちの人びとの生活に寄り添ったプログ
ラムをこれまでより増やすことで、演奏家と地域との交流をさらに深めた。
演奏家自身がまちでの暮らしを語る配信企画や、演奏家の発案を元にしたアート部門とのコラボレーション企画など、自主的な企画も実践した。

レジデンス期間｜ 10 . 24（土）– 11. 2（月）

まちの人と関わることで驚くほど変化があったメンバーがいたと語るパシレジデンス・アンサンブル プロジェクト ディレクター｜北川明孝

フィック カルテットは、新しいチャレンジのなかで「音楽を届けるということは何か？」という本質を模索した。
まちのなかで楽器を持って移動することも多い滞在期間中に、例年以上に声をかけられることも増え、回を重ねるごとに「演奏家のいるまち」が形成されていく過程を見ることができた。

レジデンス・アンサンブル プロジェクト

16

17

屋上で聞く

公開練習

Concert on the rooftop

Open Rehearsal

ベートーヴェンの楽曲をメインに音楽への情熱

潮風の通る屋上で、夕焼けを背景にトークも交を注ぎこんだ 45 分間のコンサート。レジデンス

えて演奏を行った。

MUSIC

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

ポートビル コンサート
PORT BUILDING Concert

開催日｜ 10 . 25（日)、28（水)、30（金）会場｜金剛寺［ MAP]、

西築地コミュニティセンタ―［ MAPの思い出を振り返るトークを挟みながら、10日］間のフィナーレを飾る演奏を披露した。
日時｜ 10 . 29（木)、11 . 1（日）17 : 00 – 17 : 20
会場｜港まちポットラックビル屋上［ MAP

日時｜ 11 . 1（日）14 : 00 – 14 : 45
会場｜名古屋港ポートビル［ MAP］］

アウトリーチコンサート
Outreach Concert

曲目｜ L. アンダーソン：フィルドフィルド
久石 譲：海の見える街 ほか

曲目｜ L. アンダーソン：舞踏会の美女・バースデイコンサート

W.A. モーツァルト：アイネ・クライネ・ナハトムジーク
L.v. ベートーヴェン：弦楽四重奏曲第 11 番
「セリオーソ」 ほか

・慶和幼稚園 kiddy room

inART・チャイルドスペース AI
・港まちづくり協議会「まちの遊び場へ行こう」

インアート

・港区役所
・金剛寺

レジデンス配信

現代美術展の展示会場で演奏を行った。時間ごResidency Ensemble Online Distributionとに演奏する会場を変え、演奏形態や曲も会場

・中国食房 凛

1

4

3

5

・刀禰商店
（訪問順に記載）ごとに変更した。美術作品と音楽が並存すること
レジデンス期間中の記録を発信していく企画。

で、芸術の多様な見え方や聞こえ方がうまれた。

まちでの出来事を演奏家たちのリアルな言葉で語り、演奏とともに配信した。
日時｜ 10 . 31（土）14 : 00 – 14 : 20 、15 : 00 – 15 : 30 、配信日｜10.24（土)、26（月)、28（水)、30（金)、11.2（月）
会場｜金剛寺［ MAP]、

港まちポットラックビル［ MAP]、

西築地コミュニティセンタ―［ MAP
ゲスト｜北川明孝（第 1 回のみ出演）
曲目｜利根一郎：大名古屋音頭
北海道民謡：ソーラン節 ほか］

16 : 00 – 16 : 30 、17 : 15 – 17 : 45
会場｜名古屋港ポートビル展望室［ MAP]、

港まちポットラックビル 2 F［ MAP]、

NUCO［ MAP]、

旧・名古屋税関港寮［ MAP］

2

曲目｜ G.F. ヘンデル：水上の音楽

R.A. ホワイティング：Till we meet again ほか

1 ｜ポートビル コンサート 会場：名古屋港ポートビル [MAP ] 2 ｜アウトリーチコンサート 会場：中華食房 凛 3 ｜アウトリーチコンサート 港まちづくり協議会「まちの遊び場へ行こう」 会場：港まちポットラック] 4 ｜屋上で聞く 会場：港まちポットラックビル屋上 [MAP ] 5 ｜ inART 会場：港まちポットラックビル 2 F[MAP ]ビル 1 F[MAPかたり、かなでる〜 海のむこうと水辺から
Story and music ~ from across the sea and waterside
18

会場｜ポートハウス［ MAP］

19

企画｜公益財団法人名古屋市文化振興事業団

MUSIC

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

うみとさかなのものがたり～ 朗読×弦楽四重奏
A story of the sea and fish
~ Reading×String Quartet

小西・中村特許事務所 presents

人魚姫～ 弦楽四重奏×語り×人形
The Little Mermaid~ String Quartet×Story teller×Puppets

スクリーンに映し出された絵本は朗読と音楽
によって表現され、絵本特有の和やかな雰囲
気が会場を包んだ。

『人魚姫』の物語を語りと人形とともに弦楽四重奏で紡ぎ、音楽と光の演出によって幻想的な世界観を会場にもたらした。

日時｜ 10 . 24（土）14 : 00 – 14 : 45
出演｜黒河内 彩（朗読)、Le Bois Quartet［宇佐見 優（Vn)、
金谷寧々（ Vn )、山内佑太（ Va )、貫名紗詠（ Vc )］日時｜ 11 . 21（土）14 : 00 – 14 : 50
出演｜マーメイド・ストリングカルテット［森本千絵（ Vn )、波馬朝加（ Vn )、箕浦理恵（ Va )、山田真吾（ Vc )]、益川京子（語り)、永井聖子（人形操演）

旅する歌の舟×アイルランドの風
Irish music across the sea~ Songs×Fiddle×Irish Harp

日本とアイルランドの音楽で、海辺を背景にした会場から遠い異国へ思いをはせるひとときを演出した。
日時｜ 10 . 25（日）14 : 00 – 15 : 00
出演｜引田香織（ Vo, Key )、小松 大（ Fiddle, Va )、大橋志麻（ Irish Harp ）20

名フィルメンバーの対話で綴る2020– 演奏会空白のとき –ポートビル コンサート
PORT BUILDING Concert
21の音色が会場に響きわたり、優美な時間をもたらした。吹き抜けの空間を活かして、会場の名古屋フィルハーモニー交響楽団のメンバー

8名へのロングインタビュー企画。新型コロナ
ウイルス感染症の影響で演奏会がなくなって

1 階と2 階で階を隔てて演奏する演出もあり、観客にとっては生演奏ならではの距離を体感できるプログラムとなった。

しまった時期に、演奏家が何を思い何をしていたのかが語られた。演奏も交えたインタビ
ューを、音声のライブ配信と記事による配信
で発信した。

配信日｜ 10 . 11（日)、11 . 8（日）配信会場｜
インタビュー1・2 港まちポットラックビル［ MAP
インタビュー3・4 うどん DINING 釜半［ MAP］］

出演｜インタビュー1 松谷阿咲
（ Vn)、
アイリス・レゲヴ（ Vc）
インタビュー2 石橋直子（ Va )、佐藤有沙（ Vc ）日時｜ 11 . 8（日）14 : 00 – 14 : 15 、14 : 30 – 14 : 45

インタビュー3 富久田治彦（ Fl )、満丸彬人（ Fl ）会場｜名古屋港ポートビル［ MAP

インタビュー4 ロバート・ボルショス（ Cl )、出演｜上原由李（ Fl )、柄本舞衣子（ Hp ）ゲオルギ・シャシコフ（ Fg ）］

曲目｜ J. モルナール：日本民謡の主題による幻想曲

インタビュアー｜西田雅希（キュレーター）

C. グノー：アヴェ・マリア

曲目｜ R. グリエール：8つの小品 より プレリュード、

J. イベール：間奏曲

間奏曲、ガヴォット

C.ドビュッシー：シランクス

J. フランセ：オウムの対話 より 第 1 . 5 . 6 楽章 ほか

A. アッセルマン：泉 ほか

MUSIC

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

柔らかく華麗なハープと透明感のあるフルート

What the pandemic in 2020 meant to
Nagoya philharmonic members.

22

ヴィオレコンサート～お気に入りの楽器を見つけよう～

めいおん出張コンサート@アッセンブリッジ・ナゴヤ
Meion Concert @ Assembridge NAGOYA

みなとまちのうた
プロジェクトMinatomachi Song Project

木管五重奏の音楽を港まちの子どもたちに届

名古屋音楽大学の学生によるサクソフォン五けるアウトリーチ企画。聴きなじみのない音楽

重奏と弦楽四重奏のコンサート。学生たちが2019年春に行ったライブを発端にした本企画。2020年度は mica ＋ hachi によるや小道具を使った音楽などアイデアある演奏

仲間とともに音を重ねる姿は、観客に音楽と楽曲制作の過程を音声や動画を含めたで、子どもたちから驚きや興味、音楽への関向き合う喜びを届けた。

記事で公開した。新しい音楽が多数誕生

心を引き出した。音楽を届けたい演奏家と、した楽曲制作と並行して、まちから得たイ

新しい音楽に触れたい子どもたち、双方にとンスピレーションがどのように音楽へと結びついたのか、言語化し難い想いも含って充実した時間になった。

め、改めて言葉に置き換ることで、プロジ
ェクトのアーカイブ化を試みた。
アーティスト｜ mica ＋ hachi（ mica bando 、長谷川久美子）
インタビュアー、執筆｜古橋敬一（港まちづくり協議会）
日時｜ 11 . 1（日）13 : 00 – 13 :15 、13 : 30 – 13 : 45
会場｜名古屋港ポートビル［ MAP］

出演｜大野舞子（ Sax )、山田悠維（ Sax )、木村未央（ Sax )、森 颯季（ Sax )、伊藤里緒（ Sax ）日時｜ 11 . 2（月）11: 30 – 12 : 10 、13 : 00 – 13 : 40

* 両公演とも園児向けの公演として実施。
会場｜慶和幼稚園［ MAP

曲目｜福田洋介：さくらのうた
江原大介：Blue Dusk ほか］

出演｜アンサンブル ヴィオレ［細川杏子（ Fl )、日時｜ 11 . 8（日）13 : 00 – 13 :15 、13 : 30 – 13 : 45

岡田麗沙子（ Ob )、安田莉子（ Cl )、会場｜名古屋港ポートビル［ MAP

巣立ひかり（ Fg )、山崎瑞季（ Hr )］出演｜筧 悠里（ Vn )、新井桃子（ Vn )、長谷川雪音（ Va )、曲目｜ J. リゲティ：6つのバガテル より 第一曲

L. アンダーソン：シンコペイティッド・クロック
J. イベール：3つの小品 より 第一曲 ほか］

寺田彩香（ Vc ）曲目｜ M. ラヴェル：亡き王女のためのパヴァーヌ

V. モンティ：チャルダッシュ ほか

協力｜港まちづくり協議会* 記事はウェブサイトのプログラムページにて公開

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MUSIC

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

Viole Concert~ What instruments do you like? ~関連プロジェクト Related Project

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現代美術展

『パノラマ庭園 ̶亜生態系へ̶』EXHIBITION“PANORAMA GARDEN – Towards a Sub-Ecosystem – ”

ART

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

ART

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ART 開催報告

ⅰ− 山内朋樹「なぜ、なにもないのではなく、パンジーがあるのかー浪江町における復興の一断面」

アッセンブリッジ・ナゴヤは5年目を迎えた。アート部門は「パノラマ庭園」をテ

凡庸な外来種がプランターに植えられている情景が、人びとに不思議な落ち着ーマに名古屋港エリアを変容しつづける庭に見立て、プロジェクトを通じて、まきを与えることを肯定する。港まちの状況はここで描かれている情景に近いもちという生態系の一部としてその変化への応答を試みてきた。造園家ジル・クレのだろう。

『アーギュメンツ # 3 』、2018 年、p. 15

ART Reportⅰ− Tomoki Yamauchi “Why there are pansies, instead of nothing - a sectional

Assembridge NAGOYA counted its fifth edition this year. Under the theme“PANORAMA GARDEN”, the Art Division has responded to the changes
as part of the ecosystem by looking at the Nagoya Port area as a garden
that continuously transforms itself. In other words, it has been sympathizing
with the attitude the gardener Gilles Clément had suggested in his book Le
Jardin en Mouvement (The Garden in Movement) (Japanese translation by
Tomoki Yamauchi, 2015), that we ought to “To do as much as possible with,as little as possible against”.

planters provide a mysterious calm to the people. The situation in the Nagoya
Port area is somewhat similar to the scene depicted here.
Along with some keywords such as “open-end (never-ending process)”,“crossing boundaries”, “movements and exchanges”, and “poiesis and mimesis (production and reproduction)”, projects by each artist were developed asa “PANORAMA GARDEN” and intendedly created a small order in the chaos.

restoration view in Namie”, Arguments #3, 2018, p.15

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混沌のなかに小さな秩序を生み出すように、意志を持って創造し､「オープンエという態度に共感し、まちでのアートプロジェクトない｣（山内朋樹訳、2015 年）

ンド（おわりなき過程)｣「境界をまたぐ｣「移動と交換｣「 ポイエシスとミメーシスを実践してきたと言い換えることもできる。

（制作と再現)」などをキーワードに、それぞれのアーティストのプロジェクトを「パノラマ庭園」として展開した。

新型コロナウイルスが蔓延する今、多くの人がまちやフェスティバルに訪れることが困難になった。フェスティバ ルは日常の生活圏を多くの人で賑わう非日常

コロナ禍での開催にあたって規模を大きくするのではなく、限られた時間と場所のハレの舞台へと開くものだが、この状況下でフェスティバ ルのあり方自体がでなるべく丁寧に、適正規模で展開することを心がけた。オンラインでのコミュ問われている。一方、大きな美術館や劇場でない、まちなかの小さな空き家を

ニケーションが常態化し、人やものに直接出会う機会が減少している状況にお主な会場とするアッセンブリッジ・ナゴヤで、実施すべきフェスティバ ルの規模

いて、この規模感と地域との関係性があるからこそ、直接出会えることや顔の見や方法を改めて模索してきた。

える関係を敢えて重視した部分もある。三田村光土里は会期を通して旧・名古屋

5 年目として区切りとなる今年、もう一度原点に立ち返ることから始めたいと考税関港寮で公開制作を続けることで、つくることや対話することの本質的意義をえた。それは「つくる／うまれる場所」としての港まちである。アーティストが滞静かに提示し、アッセンブリッジ・ナゴヤの態度を象徴するような実践となった。

在し、創作に打ち込める場が港まちには複数ある。この5 年間で、空き家を少し5年を経て、毎年秋には複数の場所に作品が設置され、アーティストやスタッフ、ずつ整備し活動や制作の拠点としてきた。いくつかは既に解体され、またかた

ボランティアや観客など、大規模ではないがさまざまな人が行き交う風景が港

ちを変え別の場所に移動している。変化を受け入れつつ、これまで異なるアー

まちに定着してきた。当初は外来種の異物であった芸術活動が、少しは根付い

ティストが接木をするようにさまざまな活動をこのエリアで展開し、小さな手入

たのではないだろうか。この5 年間の実践がこれから先どのように継承され、違れ（メンテナンス）を重ねてきた。

和と落ち着きの両方をまちにうみ出していくことができるか。亜生態系の一部として、芸術活動は続いていくに違いない。

「できるだけあわせて、なるべく逆らわない」を基底としつつも､「パノラマ庭園」
はまちや人の暮らしに介入していく試みでもある。美学者で庭師の山内朋樹はアッセンブリッジ・ナゴヤ2020「ありふれた草花や鉢植えがそこにあることが、失調した世界に、わずかばか

アートプログラムディレクター

ⅰ）

りの秩序をあたえている」 状態を､「亜生態系」と呼び、パンジーのように一見

服部浩之、青田真也、吉田有里

Now that the new coronavirus is widespread, it has become difficult for
many people to visit towns and festivals. The festival has been a door that
opens an extraordinary stage crowded with many people in a daily living
area, but under this circumstance, the way the festival should be is being
questioned. On the other hand, at Assembridge NAGOYA, whose main venues are small vacant houses in town and not at large museums or theaters,
we reinvestigated what scale and method the festival should be.
This year, which marks the fifth year, we thought of returning to our starting
point to begin with. That is to say, the Nagoya Port area which is a place to“make/create”. There are several locations in this area where artists can stayand devote themselves to their creations. Over the last five years, we have
gradually improved vacant houses and used them as bases for activities andproduction. Some have already been demolished, and some have changed
shapes or have moved to different locations. While accepting changes andas though grafting with different artists, we have carried out varied activities
in this area and have continued the small maintenance.
Although the basic idea is to “To do as much as possible with, as little as possible against”, “PANORAMA GARDEN” is also an attempt to intervene in the
lives of the town and its people. Tomoki Yamauchi, a gardener and a researcher
in aesthetics, called the state where “the presence of common flowers andpotted plants give a slight order to the ataxic world” i） as a “sub-ecosystem”
and affirmed the scenes where seemingly mediocre alien species planted in

In organizing the event under the coronavirus pandemic, we did not want
to increase the scale of the event, but rather to develop it on an appropriate scale, as carefully as possible in a limited time and place. In a situation
where online communication has become the norm and opportunities tomeet people and things face to face are diminishing, we did place importance on meeting people in person and having a visible relationship withthem, which was possible because of the appropriate scale and a fosteredrelationship with the local community. By continuing to work in the Former Minato Dormitory of Nagoya Custom throughout the exhibition period,
Midori Mitamura was able to quietly present the essential significance ofmaking and dialogue, a practice that symbolized the attitude of Assembridge NAGOYA.
Over the past five years, in fall, works of art have been installed in several
locations, and the Nagoya Port area has become a landscape where a variety of people, including artists, staff, volunteers, and viewers, come and go,
although not on a large scale. It seems that the artistic activities, which at
first were alien to the town, have taken root a little. How can the practiceof the past five years be inherited in the future, and how can it create both
discomfort and calmness in the town? As a part of the sub-ecosystem, theartistic activities will continue.

Assembridge NAGOYA 2020
Art Program Director

Hiroyuki Hattori, Shinya Aota, Yuri YoshidaART

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0マンが著作『動いている庭』で提示した「できるだけあわせて、なるべく逆らわ上田 良
Yaya Ueda
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として組み合わせたものを撮影した写真作品などを手がける。背景の意味や文脈よりも、色やかたちなど即物的な関係性に焦点を当てることで、表面性の強い不可思議なイメージ群をうみ出している。
本展では、港まちに1ヶ月滞在し制作した新作を発表。港まちポットラックビル
では、上田が《ドッキング塀》と名付けた、戦前と戦後の塀がつながる風景を捉えた1枚の写真を基点に、会場の屋上で撮影したオブジェの写真シリーズや、異なる時期に描いたドローイングを切り貼りし組み合わせたシルクスクリーンによる連作、今回自身初の試みとなる映像作品が並んだ。旧・名古屋税関港寮では、滞在中に日課として読んでいた中日新聞から気になる記事をもとにドローイングを制作し、それらを絵日記のようにつなげた映像作品や、異なる写真を合板に貼り組んだ立体作品を発表した。
「ドッキング」をテーマに、時間や物質、イメージなど、普段交わり得ないもの
同士を出会わせることで、それぞれの文脈から別の場所へと引き離し、異和を生じさせながらも、新たな風景をつくり出した。

Ueda collects art materials and discarded objects around herself, modifies
them, and then combines them as objects in her photographic works. By
focusing on the immediate relationship between colors and shapes rather
than on its background meaning and context, she creates mystifying images
with strong superficiality.
In this exhibition, she presented new works created during a month-long residency in the Nagoya Port area. At the Minatomachi POTLUCK BUILDING,
Ueda created a single photo named Docking wall which captured a scenery connecting fences from prewar and postwar, a series of photographsof objects taken on the roof of the venue, a series of silk screened works
that combined drawings from different periods of time and cut and pasted
together, and a video work she created for her first time. At the Former Minato
Dormitory of Nagoya Custom, she created drawings based on articles thatcaught her interest from the Chunichi Shimbun newspaper she read as partof her daily routine during her residency, which she then created a video workby connecting them together like a picture diary, as well as a three-dimensional work in which different photographs were pasted onto plywood.
Under the theme of “docking” and by bringing together things that normally
do not intersect with each other, such as time, materials, and images, and by
separating them from their respective contexts, she created a new landscapewhile causing dissension.

ART

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上田は身近な画材や不用となったものを集め、それらに手を加えて、オブジェ

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協力｜迫 鉄平、小田ビニシウス

Cooperation ｜ Teppei Sako, Paulo Vinicius Oda

上田 良｜ Yaya Ueda

会場｜港まちポットラックビル 2 F［ MAP

自作のオブジェを撮影した写真作品をはじめ、版画やドローイング、コラージュなど幅広い制作を行い1989 年大阪府生まれ、神奈川県在住。
旧・名古屋税関港寮 2 F［ MAP］］について実験を試みている。
（関連ページ⇨ p. 51 ）

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ながら、アーティストユニット「 THE COPY TRAVELERS 」の一員として「複製」という手法の可能性

WEB ｜ yayaueda.com

1｜《ドッキング塀》 2020 2｜《青モジャ、青空ホール、オレンジの1の裏、砂ウエハース、粘土片、ピーコックグリーン、大船町のクリスタル、ネックレス式、ホイップ粘土、PVC、ひも、アクリル板、元紙、ゴールドベルト、注
3｜《封筒、ラメ紐、大船町のクリスタル、小麦粘土ピンク、数枚のフエルト、小麦粘土ブルー、釣鐘型ボックス、ピーコックグリーン、ペイズ
リー棒、アップルパイの皿、ホログラムシール、格子、メッシュ、クリアピンクスティック、
トラス片、展開図に貼り付いたブルードットの包装紙、マドンナの切り抜き、背景グレイ、風》 2020 4｜《ドッキング風景》 2020
目シール、灰円錐、サテンピンク、背景バナナ、裁ち落としクリアブルー、風》 2020

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5｜《大船町のクリスタル、開いたグリーン、ホログラムグリーン、ペイズリースティック》 2020 6｜《トラス片 2つ》 2020 7｜《S 字ホイップ粘土、アクリル板、注目シール、ピーコックグリーンの陶片、ホログラム名8｜(左：Left)《ABドローイング _ 骨か本》 2020 （右：Right)《布丸》 2020 9｜(左：Left)《ABドローイング _ 欄干か馬の尾》 2020 （右：Right)《ABドローイング _切り抜きか風景》 2020 10 ｜《トラス片のステンシル、淡黄やライラックやピーコックもあるライラックのフエルト、ペイズリーガーデン》 2020 11 ｜《ホイップ粘土、ピーコックグリーンの陶片、オレンジ》 2020
古屋港水族館、元ブルーボックス》 202013
12 - 13 ｜《 X の構造体に貼り付いたオブジェ》Object pasted on the X-shaped structure

2020

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14 - 17 ｜《アクセス・シティ》Access City

2020

ミヤギフトシ
Futoshi Miyagi
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33をもちいた作品《いなくなってしまった人たちのこと /The Dreams that haveと、その続編である新作《音と変身》（ 愛知芸術文化センター・愛知県
Faded》
美術館オリジナル映像作品)、それらから派生した断片的な小作品を組み合わせたインスタレーションを港まちポットラックビルで発表した。
《音と変身》
では、すれ違う人、出来事、場所が詩的に繋がれ、ミヤギ自身とおぼしき美術家と音楽家の対話が、ひとりの男性の語りにより映像作品として紡が れている。16 世紀の天正遣欧少年使節団とイタリア人作曲家カルロ・ジェ
ズアルドにくわえ、ゲーテ、遠藤周作など、実際には交わることはなかった人
びとのそれぞれの孤独に寄り添うことで、共通性・連続性が見出され、事実と想像が交錯する物語が描かれている。また、ヴェネチア、フェラーラ、ローマ、
ナポリなどイタリア各地と名古屋港をロケーションに、異なる場所や時間、その境界や隔たりが「変身」という結びつきのもと映し出されることで、普遍的な事柄や存在に気づかされる。
さらに今回のインスタレーションを拡張するものとして、オウィディウス『変身物語』に登場する人物にまつわる架空のエピソードを描いた作品を、NUCO

Miyagi presented an installation at the Minatomachi POTLUCK BUILDING
that combined his 2016 work The Dreams that have Faded, a five-channel
video piece with accompanying music about the five oceans, its new sequeltitled Sounds, Metamorphoses (an original video work for the Aichi Arts
Center and Aichi Prefectural Museum of Art), and fragmentary smaller works
derived from these works.
In Sounds, Metamorphoses, people, events, and places were poetically connected, and a dialogue between characters of artist who is possibly Miyagi
himself and a musician was woven into a video work narrated by a male narrator. The story was a mixture of fact and imagination, in which commonality
and continuity were found through the solitude of the members of the Tenshō
Embassy, the Italian composer Carlo Gesualdo, and others who never actuallycrossed paths such as Johann Wolfgang von Goethe and Shusaku Endo.
Using locations in Venice, Ferrara, Rome, Naples, and other parts of Italy
as well as the port of Nagoya, different places, times, their boundaries, anddivides, were all reflected in the connection of “transformation”, reminding usof the universality of things and their existence.
A series of works depicting fictional episodes related to the characters in
Ovid’s Metamorphoses was also installed at NUCO and in the observation
Lounge of the NAGOYA PORT BUILDING as an extension of the installation.

ART

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ミヤギは、2016 年に制作した、5つの海にまつわる5 チャンネルの映像と音楽

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や名古屋港ポートビル展望室に展開した。

協力｜愛知県美術館

Cooperation | Aichi Prefectural Museum of Art
ミヤギフトシ｜ Futoshi Miyagi
会場｜港まちポットラックビル 3 F［ MAP

NUCO 1 F［ MAP

1981 年沖縄県生まれ、東京都在住。
留学先のニューヨークにて、制作活動を開始する。自身の記憶や体験に向き合いながら、国籍や人種、］

ポートビル展望室［ MAP］］

アイデンティティ、セクシャリティといった主題について、映像、オブジェ、写真、テキストなど、多様な形態で作品を発表。また小説の執筆や文芸誌への寄稿など、美術分野以外でも活動の幅を広げている。

（関連ページ⇨ p. 50 ）2

WEB ｜ fmiyagi.com

1 - 3 ｜《音と変身》Sounds, Metamorphoses

2020

4 - 5 ｜《いなくなってしまった人たちのこと /The Dreams that have Faded 》 2016

6 ｜《一度忘れられた歌》A Song That was Once Forgotten

2017ミヤギフトシ
モームとNUCO
Maugham and NUCO
by Futoshi Miyagi

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ART

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ミヤギフトシのテキストによるプロジェクト「お菓子とビールを読みながら」から生ま
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れた「洋菓子モーム｣。この日限りのスペのドリンクとシャルスイーツを､《NUCO》
ともに楽しむイベントとなった。
日時｜ 10 . 31（土）11: 00 – 19 : 00
会場｜ NUCO［ MAP
参加者｜ 42 名（関連ページ⇨ p. 64 ）

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「神々がいなくなったころ / When the Spells are Lifted」より 7- 9 ｜《洞窟から出てくるエコー》Echo Coming Out of the Cave
Again
Again

2020
2020

12 -13 ｜《蜘蛛だったアラクネ》Arachne, Once a Spider

2020

2020 10 -11 ｜《再び自分を見るナルキッソス》Narcissus Looking at Himself
14 ｜《月桂樹だったダフネ》Daphne, Once a Laurus Nobilis 2020 15 ｜《ローマに戻ったオウィディウス》Ovid, in Rome

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「神々がいなくなったころ / When the Spells are Lifted 」より

16 ｜ (左：Left )《 ヤツガシラだったテレウス》Tereus, Once a Hoopoe
2020 （中：Center )《 星だったカリストとアルカス》Callisto and Arcas, Once the Stars in the Sky 2020 （右：Right )《 海の岩だった
リカス》Lichas, Once a Rock on the Sea 2020 17 ｜《海の岩だったリカス》Lichas, Once a Rock on the Sea

］

折元立身
Tatsumi Orimoto
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かで生まれてきたパフォーマンスやドキュメントを「アート・ママ」シリーズとして数多く制作してきた。またドローイングやオブジェ、印刷物など、多岐にわたるメディアで発表を続けている。
アッセンブリッジ・ナゴヤ2019では、折元がこれまで世界各地で開催してきた
プロジェクト「おばあさんとのランチ」を名古屋港ガーデンふ頭で行った。このプロジェクトは、折元の母親と同様にさまざまな時代を乗り越えてきた女性への尊敬と感謝、賛美を込めて、各土地の女性たちを招待しランチを振る舞うというパフォーマンスである。
今回は《26 人の港まちのおばあさんのランチ》
として、昨年のパフォーマンスのドキュメントを展示。港まちの女性たちと、初対面ながらも食事をともにすることで徐々に心を通わせ、一連の時間を楽しむ折元の姿を映し出している。また
昨年ロンドンの路上で行った、2016 年に亡くなった自身の母親のマスクを着けて立ち振る舞う新作パフォーマンス《ゴースト・オブ・アート・ママ》の映像を展示した。
これまでのように誰かと会うこと、集うこと、移動することができなくなった今、折元の創造行為に見出されるような、時間や場所、互いの関係性などの境界

Orimoto has created a number of works as the Art Mama series, where hefeatures performances and archives of his life spent with his mother who haddementia and he had nursed for almost 20 years. Besides, he has been continuously presenting a broad range of work including performances, drawings, objects, and other varied mediums.
For Assembridge NAGOYA 2019, Orimoto held the project Grandmothers
Lunch at the Nagoya Port Garden Pier, which he has been organizing all over
the world. In the project, Orimoto invites women from local towns for lunch
as an expression of respect, gratitude, and admiration for women who, like
Orimoto’s mother, have survived through various eras.
This year, he exhibited the document archive of 26 Grandmothers Lunch inthe port town he performed last year, which showed how Orimoto enjoyed
the time spent together with the women from the Nagoya Port area, and how
he gradually built a rapport with them over lunch while they met for the firsttime.
He also exhibited a video of his new performance Ghost of Art Mama, a performance he gave on the streets of London last year, in which he wore a maskof his mother who passed away in 2016.
At a time when it is not possible to meet, gather, or move around with others
as before, the possibilities of communication that straddle the boundaries oftime, place, and mutual relationships, as found in Orimoto’s creative acts, arebeing re-examined.

ART

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折元は認知症を抱えていた母親を20 年近く介護しながら、ともに生活するな

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をまたぐコミュニケーションの可能性が改めて問い直されている。

折元立身｜ Tatsumi Orimoto
協力｜青山｜目黒、元田典利

Cooperation ｜ Aoyama ｜ Meguro, Noritoshi Motoda
会場｜内藤ガレージ［ MAP

作品を世界各地で発表。顔一面にパンを付け各地の人びとと交流する路上パフォーマンス「パン人間」］

旧・名古屋税関港寮 1 F［ MAP

1946 年神奈川県生まれ、同地在住。
1969 年渡米。1972 年からニューヨークで、アーティストのナムジュン・パイクや前衛芸術運動・フルク
サスに関わる。1977 年に帰国、川崎市を拠点にパフォーマンスや写真、映像、
ドローイングなど幅広い］

2や、自身が介護するアルツハイマー症の母親を題材にした「アート・ママ」シリーズで注目を集める。

1 - 4 ｜《 26 人の港まちのおばあさんのランチ》26 Grandmothers Lunch in the port town

2019 / 2020

5 - 6 ｜《 Ghost of Art Mama 》 2019 / 2020

丸山のどかNodoka Maruyama
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ンとして立ち上げる。ほぼ実寸で精巧に造形される立体の表面には、単色でのっぺりした色面が載せられており、アニメのような虚構のイメージが、現実の世界に非実在感をともなって現れてくる。
丸山が港まちに通うなかで、中華料理店が多くあり公営ギャンブル施設があるというこの地域の特徴に着目した新作は、かつて丸山自身が学生時代にアルバイトし、1年前に閉店した中華料理店とその上階にあった雀荘がモデルになっている。
会場である旧・名古屋税関港寮 1 階には中華料理店のテーブルや椅子などが、2 階には麻雀卓などが配置され、それぞれの店内が再現された。屋外にはこれもほぼ原寸サイズの店の看板が横たわり、中華料理店内部に取り付けられたモニターを模した板材には、まるで中継されているかのように、動くことのな
い雀荘の様子が描かれていた。全体を通してそれぞれの色彩は淡く脱色され、存在感が希薄になっている。それらが、ホワイトキューブとは異なる旧・税関寮に挿入されることで、作品と実空間との関係性がより複雑になり、丸山の個
人的な記憶を起点としていながらも、鑑賞者に幻視のような奇妙な錯覚をもた

Maruyama creates installations of ordinary everyday scenes using plywood
and square wood. On the surface of these elaborate, almost life-size sculptures, a monochromatic surface is placed, and a fictional, anime-like image
appears with a sense of non-existence in the real world.
Derived from her various visits to the Nagoya Port area, Maruyama’s newwork, which focused on the characteristics of the area, with its many Chinese
restaurants and public gambling facilities, was based on a Chinese restaurantthat Maruyama herself once worked at in her student days and closed a year
ago, and a janso [Japanese mahjong parlor] that used to be on the upper floorof the restaurant.
Tables and chairs from the Chinese restaurant were placed on the first floor of
the Former Minato Dormitory of Nagoya Custom, while mahjong tables wereplaced on the second floor. Outside, a nearly full-size signboard of the restaurant lay on the first floor, and inside the Chinese restaurant, a monitor-likeboard depicted the unmoving scene of a mahjong parlor, as if it were being
live broadcasted. Throughout the work, the colors were muted and dull, andthe sense of presence was diluted. By inserting them into the venue that wasformerly a dormitory, which was different from a white cube, the relationshipbetween the work and the real space became more complex, and gave theviewer a strange illusion of a hallucination, even though the starting point
was Maruyama’s personal memory.

ART

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丸山は日常の何気ない風景を、ベニヤや角材などを用いたインスタレーショ

らした。

丸山のどか｜ Nodoka Maruyama

1992 年新潟県生まれ、愛知県在住。
ベニヤや角材などの製材された木材を用いて、言葉や風景を表象的に切り取り、立体化する作品を制
会場｜旧・名古屋税関港寮 1 F 、2 F［ MAP］作。近年では、パソコンやスマートフォンなどの液晶画面に流れる情報を「現代の風景」の一部として記号的に取り入れるなど、現実と虚像の間を空間に配置する作品を発表している。

（関連ページ⇨ p. 51 ）WEB ｜ nodokamaruyama.com《曖昧な風景（中華料理店)》Ambiguous landscape(Chinese Restaurant)

2020

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A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0《曖昧な風景（雀荘)》Ambiguous landscape(Mahjong Parlour)2020《曖昧な風景（ネオンサイン)》Ambiguous landscape(Neon Sign)2020

三田村光土里Midori Mitamura
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43にインスタレーションを制作する。
本展では「再会」をキーワードに新作と旧作を交えた作品を展開した。港まち
ポットラックビルでは映像作品《Till We Meet Again》
を公開。2013 年に制作された本作は、第一次世界大戦時に離ればなれになった兵士とその恋人の心中を歌った楽曲のタイトルを援用している。三田村と友人が再会するシーンは、近しい人びとと人生が交差する時間がいかに儚く、刹那であるかを想像させる。また旧・名古屋税関港寮では、会期中滞在制作を行った。日々更新されたインスタレーションは、名古屋港に永久係留され博物館となっている「南極観測船ふじ」の起工日と三田村の誕生日が奇しくも同日だという事実から着想し、タロ・ジロの銅像写真、フィールドレコーディングした音源、ふじの船体を想起させる色や光をピースとして取り入れ、会場全体を構成。一室では、三田村がオーナーとなり、滞在期間中に関わった愛知県内の作家たちを紹介する「借り画廊」のプロジェクトも行った。
これまで展示のたびにその土地に身を置き、環境にチューニングし制作をしてきた三田村にとって、コロナ禍により自由に移動できない状況が､「つくる」ことの根本を再考することにつながった。
協力｜青木さね、uncellule、moobau、石場文子、井上智景、大河内雅子、木下雄二、近藤佳那子、Mitamura creates improvisational installations by combining various objects
that she had collected or acquired.
In this exhibition, she presented a mix of new and old works under the keyword “reunion”. At the Minatomachi POTLUCK BUILDING, she presented thevideo work Till We Meet Again, which was a work made in 2013 that had thetitle of a song about a soldier and his girlfriend who were separated during
World War I. The scene where Mitamura and her friend reunited reminds usof how fleeting and ephemeral the intersection of life with our closest ones
could be.
Mitamura also resided at the Former Minato Dormitory of Nagoya Custom
during the exhibition. The installation, which was updated daily, was inspiredby the fact that Mitamura’s birthday coincided with the groundbreaking of
the Antarctic research vessel Fuji, which was permanently moored at Nagoya
Port and is now a museum, and the entire exhibition was composed withpieces including photographs of the statue of Taro and Jiro (hero sled dogs
that played an important role during the Antarctic research), the soundrecorded through a field-recording, and colors and light that resemble thevessel’s body. In one of the rooms, Mitamura became the owner of a Borrowed
Art Pieces Gallery project to introduce artists from Aichi Prefecture that she
had been involved with during her stay.
For Mitamura, who had always resided in the places she had exhibited, andhad tuned herself to each environment and created her works, the situationof not being able to move freely due to the new coronavirus had led her toreconsider the fundamentals of “creating”.

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三田村は自身が収集したり手に入れたさまざまなものを組み合わせ、即興的

1

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THE NEWSPAPERS、須田真弘、林 修平、古畑大気、増井 彩、木谷優太、宮路雅行、宮田明日鹿Cooperation | Sane Aoki, uncellule, moobau, Ayako Ishiba, Chikage Inoue,
Masako Okouchi, Yuji Kinoshita, Kanako Kondo, THE NEWSPAPERS,

三田村光土里｜ Midori Mitamura

Masahiro Suda, Shuhei Hayashi, Taiki Furuhata, Aya Masui, Yuta Kitani,

1964 年愛知県生まれ、東京都在住。

Masayuki Miyaji, Asuka Miyata「人が足を踏み入れられるドラマ」をテーマに、日常の追憶や感傷のモチーフを写真や日用品、テキス
トなど、これまでさまざまなメディアを組み合わせたインスタレーションを発表。また自身が滞在し進

会場｜港まちポットラックビル 2 F［ MAP]、旧・名古屋税関港寮 1 F 、2 F［ MAP］

行するインスタレーションと、参加者が朝食をともにするイベントがひとつになったプロジェクト「 Art &Breakfast 」シリーズをはじめ、世界各地で活動を展開している。
（関連ページ⇨ p. 51 ）3

WEB｜www.midorimitamura.com

1 - 2 ｜《 Till We Meet Again 》 20135

3 - 6 ｜公開制作《 Till We Meet Again また会うために、わたしはつくろう》Till We Meet Again — I Shall Create, So We Can Meet

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2020

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ART

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

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7 - 9 ｜公開制作《Till We Meet Again また会うために、わたしはつくろう》Till We Meet Again — I Shall Create, So We Can Meet 2020 10 ｜《こうかい日誌》Studio Voyage Diary 2020 11- 12 ｜《Till We
Meet Again また会うために、わたしはつくろう》Till We Meet Again — I Shall Create, So We Can Meet 2020

13 -14 ｜《 Till We Meet Again のためのサウンド・インスタレーション》Sound installation for Till We Meet Again2020

15 -16 ｜展示プロジェクト《借り画廊》Borrowed Art Pieces Gallery

2020

L PACK.
エルパック
46

47

寿司屋が、L PACK. のプロジェクトとして、建築家や大工､「空き家再生プロとして開かれた。
ジェクト」参加者らとともに改修され、まちの社交場《 UCO》
さまざまな活動の場として機能していた UCO は、2018 年 10月に一帯の長屋群の取り壊しにより解体され、駐車場となった。その後、向かいの空き家を借り受け、L PACK. と建築家、大工、建築を学ぶ学生らの改修により、2019 年3月に新たな活動の拠点《NUCO》が始動。ガラス扉や内部のカウンターなど、

UCO から部材を移設し、UCO と NUCO の両空間が持つ機能が編み込まれるように設計することで、NUCO がかつて編み物教室だった歴史を継承している。現在は年間を通して、有志で集まったメンバーを中心にカフェを運営しながら、まちの社交場として開いている。
本展では、L PACK. が現在まで関わってきた港まちの各所に QR コードを掲
示し、リンク先として音声やテキスト、写真などこれまでのアーカイブが紐づけられ、鑑賞者が閲覧できるプロジェクトを実施。また、この5 年間で行ってきた活動を1日に凝縮し振り返るイベントも行った。
まちの生態系の一部としてゆっくりと浸透しつつある NUCO は、今後も近隣の状況に応答し移ろいながらもその活動を継続することが期待される。
協力｜青崎伸孝、井手健介、角銅真実、川村格夫、株式会社 丸協 小牧支店、

In 2016, when Assembridge NAGOYA was launched, a former sushi bar that
had been vacant for about 20 years was renovated as a project of L PACK.
with architects, carpenters, and participants of the Vacant-houses Renovation School, and opened as a social space, UCO. While UCO was used as avenue for various activities, it was demolished in October 2018 following thedemolition of the nagaya area (Japanese traditional houses connected undera single ridge) and turned into a car park. Afterward, the vacant house acrossthe street was rented and renovated by L PACK., architects, carpenters, andarchitecture students, and became a new base of activity named NUCO in
March 2019. The history of NUCO’s former role as a knitting school is being
carried on by relocating components from UCO, such as the glass doors andinterior counters, and designing the space so that the functions of both UCO
and NUCO are woven together. Today, NUCO is open year-round as a hub forthe social circle, with a cafe run by members who have raised their hands tojoin its operation.
In this exhibition, L PACK. carried out a project in which QR codes wereposted at various locations in the Nagoya Port area where they had been
involved, and made archives such as audio, text, and photographs were linked
and could be viewed by visitors. They also held a day-long event to look backon the activities they had carried out over the past five years and condensed
it into one day.
NUCO is slowly becoming an integral part of the city’s ecosystem, and it isexpected to continue its activities in the future as it responds to the changing
conditions of the neighborhood.

ART

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

アッセンブリッジ・ナゴ ヤが始まった2016 年に、約 20 年間空き家だった元・

記憶のはがし方プロジェクト（阿部大介／鷹野 健)、テライショウタ、冨井大裕、廣田隆詳、
フクナガコウジ、藤尾 篤、みなとまち空き家プロジェクト、宮田明日鹿、山本聖子、NUCO メンバー

Cooperation ｜ Nobutaka Aozaki, Kensuke Ide, Manami Kakudo, Tadao Kawamura,
Marukyo Komaki Branch, Peel off the memory (Daisuke Abe /L PACK. ｜エルパック

Takeshi Takano), Shota Terai, Motohiro Tomii, Takayoshi Hirota,

小田桐奨と中嶋哲矢のユニット。

Kohji Fukunaga, Atsushi Fujio, Minatomachi Vacant - houses Project,「コーヒーのある風景」をテーマにアートやデザイン、建築、民藝など領域を横断し、コミュニケーション

Asuka Miyata, Seiko Yamamoto, Members of NUCOの場をさまざまな場所で創造する。名古屋では、あいちトリエンナーレ 2013 期間中「 NAKAYOSI 」名を運営。
義で《 VISITOR CENTER AND STAND CAFE 》

会場｜ NUCO［ MAP］

WEB ｜ www.lpack.jp《 NUCO 》 2019 –NUCOでのイベント

NUCO 会期外の活動

Events at NUCO

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49

L PACK. NUCO の1日《UCO》《NUCO》のロゴを毎年デザインしてきた《UCO《》 NUCO》
では、この5年間で、カフェを中心を制作するクラブ。
「C」にまつわる ZINE（小冊子）デザイナー・フクナガコウジによる公開制作。シル

に、イベントやライブ、展示、ワークショップなど、さ

誰でも気軽に参加できるワークショップを定期的に症予防のため、クローズする時期もあった

クスクリーンで、2020 年の新たな NUCO のロゴをまざまな企画を行ってきた。今回はメンバーとともに開催し、少しずつ ZINE を増やしている。

UCO、NUCO を開いてきた L PACK. がホストになが、SNS や NUCO のショーウインドーへ

講師｜川村格夫

使ったグッズを制作した。

A day of NUCOって、モーニングやライブ、バータイムなどのイベン
日時｜ 10 . 24（土）13 : 00 – 18 : 00
講師｜フクナガコウジ（デザイナー／ UCO・NUCO ロゴデザイン）
参加者｜ 5 名トを開催。これまでの活動を凝縮した1日となった。
日時｜ 11 . 14（土）7: 00 – 21: 00
参加者｜ 123 名

アッセンブリッジ・ナゴヤの会期外も、継続「Chap Books Club vol.06」

プロジェクトとしてカフェを中心にひらき、さChap Books Club は UCO、NUCO を 拠 点 に

まざまなイベントやクラブ活動を行っている。2020年度は新型コロナウイルス感染（デザイナー／ Chap Books Club リーダー）

15:00–16:00「Gofish｜NUCOライブ」
約 2ヶ月間、NUCO をスタジオとして使用したミュによるライブ。
ージシャン・テライショウタ（Gofish）

7:00 –10:00

NUCO で制作した楽曲や、メンバーとの共演によ「たとえば、いつもより早く起きてる NUCO のテーマ曲などを披露した。

港街でモーニングを食べてみるとする｡」
港まちでもおなじみの L PACK. によるモーニングの写真の掲示など、メンバーが情報発信
し、まちの社交場としての活動を維持した。

19:00–21:00

営業日｜ 7月：木曜、金曜、土曜 12 : 00 – 18 : 00

8月–10月：木曜、金曜、土曜 11: 00 – 17: 00
10月–12月：木曜、金曜、土曜、日曜、祝日
11: 00 – 19 : 00
12月：木曜、金曜、土曜 11: 00 – 17: 00
2月– 3月：火曜 – 土曜 11: 00 –17: 00
NUCO メンバー｜井藤叶多、稲森雅衣、
小田ビニシウス、河本絹佳、イベント。オリジナル新聞とともに特別な時間を演「Cocktail Club Cola de gallo

齋藤伊織、清水紗良、髙橋朋美、出した。

（カクテルクラブ コーラ・デ・ガジョ）」

古畑大気、松波舞斗、宮田明日鹿

11:00 –18 :00

港まちにある「のみもの、たべもの、おんがく」のお店「猫と窓ガラス」と NUCO をオンラインで中継「New Useful Copied Objects」

し、2会場それぞれでオリジナルカクテルを楽しむ

さまざまなアイテムにシルクスクリーンを使って「双方向型はしごイベント」を行った。NUCO で

NUCO のロゴをプリントし、オリジナル NUCO グ

L PACK. がお客さんの似顔絵を描き､「猫と窓ガラ

ッズをつくるワークショップ。

ス」ではその似顔絵を指示書に、オリジナルカクテ

講師｜フクナガコウジ

ルがつくられた。

（デザイナー／ UCO・NUCO ロゴデザイン）

ゲスト｜廣田隆詳（猫と窓ガラス）

出会桃子、外山莉佳子、廣瀬雅枝、ART

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

L PACK.× フクナガコウジ
New Useful Copied Objects

11: 00–18:00

Talk

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地域美学スタディvol.11「地域の美術史を更新すること」

ミヤギフトシ アーティストトーク

上田 良 アーティストトーク

丸山のどか アーティストトーク

三田村光土里 アーティストトーク

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A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

Regional Aesthetics Studies

日時｜ 12 . 13（日）15 : 00 – 17 : 00

Artist Talk by Futoshi Miyagi

Artist Talk by Yaya Ueda

Artist Talk by Nodoka Maruyama

Artist Talk by Midori Mitamura

ART

会場｜港まちポットラックビル 1 F［ MAP］

ゲスト｜鈴木俊晴（豊田市美術館学芸員)、

本展を読み解くためのトークシリーズ｡「地域」がフォーカスされる今、改めて有効な社会とアートのあ副田一穂（愛知県美術館学芸員)、増田千恵（編集、制作）
来場者｜ 36 名り方を模索する。今回は美術館の作品収蔵に着鈴木俊晴｜ Toshiharu Suzuki

目し、地域の美術館のコレクション構築と地域美

豊田市美術館学芸員

術史の形成がどのような関係を成すか、美術館学
芸員、芸術批評誌編集者とともに考察。美術館のコレクションの指針や、時代の流れによる予算や運営方針の変化にともなう課題や問題について取り上げた。また東海エリアのアーティストをどのよ1982 年愛知県生まれ、同地在住。豊田市美術館開館 25 周年記
念コレクション展「 VISION Part 1 光について / 光をともして」

港まちに1ヶ月滞在し出会った風景から制作した

港まち独自の地域性と丸山自身の個人的な経

会期中の滞在制作により完成した南極観測船

新作や、自身初の映像作品など、今回の出品作

験を重ね合わせた新作インスタレーションを中「ふじ」をテーマにした新作インスタレーション

ロデューサー・越後谷卓司を迎え、話を伺った。

を中心にこれまでの活動を振り返った。

心に、これまでの作品や制作ついて話を伺った。

や、これまでの作品や活動について話を伺った。

日時｜ 10 . 25（日）14 : 00 – 15 : 00

日時｜ 10 . 25（日）16 : 00 –17 : 00

日時｜ 12 . 6（日）15 : 00 – 16 : 00

日時｜ 10 . 24（土）15 : 00 – 16 : 30

を担当する。同館での主な企画展に「奈良美智 for better or

会場｜港まちポットラックビル 1 F［ MAP

worse ｣（ 2017 年)､「フランシス・ベーコン｣（ 東京国立近代美

ゲスト｜越後谷卓司（愛知県美術館主任学芸員）

術館との共同企画、2013 年)､「村瀬恭子 fluttering far away」（ 2010 年）など が ある。共 著 に『ス ポーツ ／アート』（森 話 社、

2020 年）がある。

うに紹介し、地域の活動としてどう広げていくか、

副田一穂｜ Kazuho Soeda

美術館や記録する媒体としての芸術批評誌、それ

愛知県美術館学芸員

ぞれの立場から意見を交わす機会になった。

愛知芸術文化センター・愛知県美術館オリジナル映像作品である新作《音と変身》
について、本作プ

1982 年福岡県生まれ、愛知県在住。愛知県美術館リニューア
ル・オープン記念 全館コレクション企画「アイチアートクロニク
ル 1919 - 2019」を担当する。同館での主な企画に「芸術植物園」（ 2015 年)､「マックス・エルンスト：フィギュア×スケープ｣（ 横浜美術館・宇都宮美術館との共同企画、2012 年)、などがある。

］

会場｜港まちポットラックビル 1 F［ MAP］

会場｜旧・名古屋税関港寮 1 F［ MAP］

会場｜港まちポットラックビル 1 F［ MAP

来場者｜ 20 名

来場者｜ 25 名

来場者｜ 33 名

制作の様子

制作の様子

制作の様子

来場者｜ 23 名
越後谷卓司｜ Takashi Echigoya
愛知県美術館主任学芸員

1964 年東京都生まれ、愛知県在住。愛知芸術文化センターの特集上映会の企画や､「オリジナル映像作品」の制作などを通し、映像表現の新しい可能性を追求している｡「あいちトリエン
ナーレ」では、2010 年、2013 年、2016 年に映像プログラムのキュレーターを務めた。共著書に『クリス・マル ケル 遊動と闘争のシネアスト』（ 2014 年、森話社)､『アメリカン・アヴァンガ
ルド・ムーヴィ』（ 2016 年、森話社）などがある。

共著に『バ ルセロナ：カタルーニャ文化の再生と展開』（ 竹林舎、

2017 年）がある。
増田千恵｜ Chie Masuda
編集、制作1978 年東京都生まれ、愛知県在住。2004 年よりリア制作室に参加し、芸術批評誌『 REAR 』（ 2003 年 – ）の編集や､「アイチアートクロニクル 1919 - 2019｣（愛知県美術館、2019 年）の図録編
纂で美術 100 年史を手がける。2020 年に個人出版「 this andthat 」を開 始し､『 STAYTUNE/D 』（ 2020 年)､『タイムライン―時間に触れるためのいくつかの方法』（ 2021 年）を刊行。

WEB ｜ tat-pub.stores.jp］

関連プロジェクト Related Project

52

みなとまち
空き家プロジェクト

53

建築家 · 米澤隆とこの地域で建築を学ぶ学生
が空き家のリサーチや再生などの活動に取り組んできた。5 年間の活動をまとめる「リノベーション生態系マップ」やアーカイブの展示とともに、会期中の週末にはリノベーション屋
台がまちなかをめぐった。また会期中これまでの活動を振り返るトークを行った。
会場｜スーパーギャラリー
［ MAP

］

共同企画・監修｜米澤 隆（建築家／
アッセンブリッジ・ナゴヤ アーキテクト）
アドバイザー｜川勝真一（RAD ディレクター／
建築リサーチャー）

アーカイブトーク
日時｜ 12 . 6（日）17 : 00 – 18 : 00
会場｜港まちポットラックビル 1 F［ MAP］

スピーカー｜川勝真一、米澤 隆
来場者｜ 20 名
川勝真一｜ Shinichi Kawakatsu

1983 年兵庫県生まれ、京都府在住。
2008 年に建築的領域の可能性をリサーチするインディペ（Research for Architectural
ンデントプロジェクトRAD

Domain ）を設立。建築展の企画、参加型の改修ワーク
ショップ、都市の資源と課題調査の実施などを通じて、
建築と社会の関わり方、建築家の役割についてのリサー
チを行っている。

ART

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

Minatomachi Vacant-houses Project

54

サウンドブリッジ
音楽・アート・港まちをブリッジする分野横断型プログラム
The Cross-Disciplinary Program That Bridges
Music, Art, and the Nagoya Port Area.

SOUND BRIDGE

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0SOUND
B R ID G E

55

SOUND BRIDGE 開催報告

SOUND BRIDGE Report

56

57

ミ
音楽家の井手健介は2つの企画を実施した。井手は現代美術展の出展作で、有している。サウンドブリッジは音楽と現代アートの2 部門を橋渡しする分野横に出演。1つ目の企画『井手健介とモーム
ヤギフトシの新作映像作品（⇨ p.32）

断的な位置付けとして、港まちとアーティストの表現が響きあう試みを、ライブ、と NUCO』では、ミヤギの作品の撮影場所の1つであった NUCO でライブを行

パフォーマンス、祭りといった多様なアプローチで展開してきた。しかし2020った。ライブではミヤギのプロジェクト「洋菓子モーム」の手作りスイーツが提

年は新型コロナウイルス感染症の影響により、集まって空間や時間を過ごすこ

供され、まさに音楽とアートをブリッジする内容になった。2つ目の企画『 Theとが容易ではなくなった。そうした状況で、これまでと同様に「港まち」を起点にLonely Surfer』は、井手が海上のボート上で演奏し、観客は岸からその演奏をした「体験」にフォーカスしたプログラムの実施を模索した。人と離れること、時聴くという、両者の距離を肯定的に捉えたライブで、挑戦的かつ実験的な試みと間を異にすることといった条件下での共有の体験である。プログラムの実施になった。

よりうまれた手法や観点が、これまで見過ごされてきた出来事や景色にスポットをあて、港まちの新しい体験の創出に繋がった。

「港まちブロックパーティー」は毎年少しずつかたちを変えて開催を重ねてきた。

2020年は地域の商店街のイベントと同時開催とし、地元の人びととともに準備
これまでの関係を編み直すように組み立てたのが「港まちと再会する映像プロ

段階から一緒に取り組んだ。毎年出演しているラッパーやドラァグクイーンのパジェクト」である。この企画では、過去にサウンドブリッジに出演したアーティス

フォーマンスにくわえ、DJ の音楽がまちなかに流れる一方、商店街企画のステトたちが港まちを再訪し、まちの風景や文化に呼応して演奏やパフォーマンス

ージやバザーも共存し、互いの企画が混ざり合うだけでなく、住人やアーティス

を行う、3本の映像作品を制作。1本目は音楽家の角銅真実とアーティストでサト、各企画の来場者など、幅広い年代の多種多様な人びとが、あちらこちらで出ウンドエンジニアの大城真。2本目はドラマーの石若駿、舞踏家の浅井信好、ラ会う企画となった。年に1度、この機会に港まちに足を運ぶという声もあり、3 度ッパーの呂布カルマ。3 本目はミュージシャンの Gofish、アーティストのイ・ラ

目にして「毎年恒例」の祭りが、まちや人びとに根付きはじめている。こうした機

ン、チェリストのイ・ヘジが出演。各映像からはアーティストの多彩な個性のほ

会や体験の積み重ねがアッセンブリッジ・ナゴ ヤそのものになり、その核にはか、互いの関係性が見て取れ、全く構成の異なる3 本の作品がうみだされた。こ無数の分野の横断が存在している。

の企画ではアーティストたちのパフォーマンスを、その細かな息づかいから、その場の環境まで、無観客ゆえに積極的に映像に収めることが可能となった。また映像制作を務めた冨田了平が 2016 年から継続してアッセンブリッジ・ナゴ
ヤのダイジェスト映像の撮影・編集を行い、アッセンブリッジ・ナゴヤの歩みとともにアーティストやプログラム、港まちを見守ってきたことも、本プロジェクトを実現させた大きな要素と言える。

The Nagoya Port area has a unique environment where the atmosphereof a port and daily lives are mixed together. At SOUND BRIDGE, we havedeveloped various approaches, using forms such as music performances,
dance performances, and matsuri (Japanese traditional festivals) in an
attempt to resonate with the expressions of the Nagoya Port area andthe artists as a cross-disciplinary project that bridges the two divisionsof music and contemporary art. However, the new coronavirus has madeit difficult for us to get together and share space and time. Under suchcircumstances, we sought ways to implement programs with the focus on
the “experience” brought about by the “Nagoya Port area” as we had donein the past editions of this program. The experience discussed here is theshared experience among people under the conditions of being separated
from others and having different times. The perspectives and methods
acquired through the implements of our past programs highlighted eventsand sceneries that we had overlooked, and created new experiences in the
Nagoya Port area.
The project, “Video Project to Meet Again at the Port Town” was formed
as an attempt to reweave the relationships built over the past years. This
project was presented as a series of three video works where the artists
who had participated in the past programs of SOUND BRIDGE revisited
the Nagoya Port area and gave performances. The first work featured themusician Manami Kakudo and the artist/sound engineer Makoto Oshiro.
The second featured the drummer Shun Ishiwaka, the dancer Nobuyoshi
Asai, and the rapper Ryofu Karuma. Lastly, the third featured the musician Gofish, the artist Lang Lee, and the cellist Hyeji Lee. The video works
showed relationships among these artists in addition to their diverse individualities, and each of them acquired its very own structure. The videos
actively captured every single detail of the artists’ performances, from how
they took a breath to the surrounding environment, taking advantage ofthe circumstance of not having the audiences on site of the performances.
Furthermore, Ryohei Tomita, who directed this video project, had shot andedited the digest videos of every past edition of Assembridge NAGOYA
since 2016. His gaze continuously put on artists, programs, and the Nagoya
Port area as well as how the Assembridge NAGOYA had progressed playeda crucial part upon realizing this project.
The musician, Kensuke Ide, conducted two programs. He played a rolein Futoshi Miyagi’s new video work showcased at the contemporary art
exhibition (p.32). In the program “Kensuke Ide, Maugham and NUCO”, heperformed a concert at NUCO, which was one of the filming locations of
Miyagi’s work. This program, where guests were served with homemade
sweets by Miyagi’s project “Patisserie Maugham” during the concert, truly
bridged over music and art. In the other program “The Lonely Surfer”, theaudience listened to Ide perform on a boat on the sea from the shore. This
concert, which positively presented the distance between the performer
and the audience, became a challenging and experimental attempt.
The “Minatomachi Block Party” had been held annually while it slightly
modified its form each year. In 2020, we implemented the program at thesame time as the local shopping street event and worked closely with thelocal people from its preparation. While rappers and drag queens who hadparticipated in this project every year gave their performances, the music
played by the DJ echoed in the town, while the stages and bazaar organized by the shopping street coexisted. Not only did the projects organizedby the festival and shopping street mingle with each other, but they also
created opportunities for the diversity of people of different ages including the locals, artists, and visitors at the events to encounter each other
here and there. We heard some visitors say they come to the Nagoya Port
area once a year for this occasion, and on its third time, we found a signthat this “annual” festival is finally taking root in this town and community. The accumulation of these occasions and experiences has become
Assembridge NAGOYA itself, whose core is filled with the multidisciplinary
nature that crosses countless spheres.

SOUND BRIDGE

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

名古屋の港まちは、港湾らしい雰囲気と日々の暮らしが混ざり合う特有の環境を

PROGRAM 1

港まちで再会する
映像プロジェクト
58

Video Project to Meet Again at the Port Town

音楽家、打楽器奏者の角銅真実と、アーティ

角銅真実｜ Manami Kakudo

1988 年長崎県生まれ、東京都在住。

会」をテーマに、過去にサウンドブリッジに出演

ストでサウンドエンジニアの大城真の出演にいろいろな打楽器、自身の声、言葉、身の回りの気になるしたアーティストたちによる3本の映像作品を制よる作品。撮影場所にはアッセンブリッジ・

あらゆるものを用いて、音楽といたずらを紡ぐ。そのほかイ作。このプロジェクトでは、港まちのさまざまなロ

ナゴヤ開催エリアから、特徴ある音環境や、ケーションを舞台にアーティストたちが共演し、港らしい景観、八百屋や路地裏といった日

港まちの環境とそれぞれのパフォーマンスとの常的な風景など、多様な場所を取り上げた。

新たな出会いの様子を記録した。今回の無観客

そこで角銅がギターによる弾き語り、足踏みでの撮影が、これまでの観客ありきの公演ではやドラムスティックを用いたパーカッション、

実施困難な場所でのパフォーマンスを可能にし、声や口笛などのパフォーマンスを行い、そのまた、アッセンブリッジ・ナゴヤのこれまでの軌様子を含めた風景を大城がフィールドレコー

ンスタレーションやアートプロジェクトなど、演奏だけにとどまらない自由な表現活動を国内外で展開している。
過去のアッセンブリッジ・ナゴヤでの出演：｢みなと音めぐり｣（ 2017 年)､「こんにちはのうしお｣（ 2018 年）

WEB｜manamikakudo.wordpress.com
大城 真｜ Makoto Oshiro

1978 年沖縄県生まれ、東京都在住。
音を出すために自作した道具、または手を加えた既製品を使ってライブパフォーマンスやインスタレーション作品を発表する。またサウンドエンジニアとして、イ・ランや角銅跡から､「再会」によって、港まちの新たな情景がディングする様子を記録している。角銅のパ

真実など多数のアーティストの作品を手がける。アーティ

浮かび上がった。映像は会期中、港まちの空き

フォーマンスや大城のレコーディングはまち

ストユニット「夏の大△」としても活動。

テナントで上映し、観賞後に実際の港まちを体に寄り添うようであり、またまちと呼応するよ

ウンドパフォーマンス｣（ 2019 年）

験できるような方法をとり、また、閉幕後にはオうでもある。それぞれが交差しながら港まちンラインで公開することで、映像作品という形態との新しい関係をうみだした。

過去のアッセンブリッジ・ナゴ ヤでの出演：｢夏の大△ サを活かし、時間や場所の制約を受けずに、多くの人びとにパフォーマンスを届けることができた。
映像

41: 56

出演｜角銅真実、大城 真
上映日時｜ 10 . 24（土）– 12 . 13（日）11 : 00 – 19 : 00
（木曜、金曜、土曜、日曜、祝日開場）
上映会場｜築地シティ住宅 2 F・
テナントスペース東側奥［ MAP

上映日時｜ 10 . 24（土）– 11 . 8（日)、12 . 10（木）– 12 . 13（日）11 : 00 – 19 : 00
（ 12 . 10（木）– 12 . 13（日）はプログラム 1・2・3を順に上映）
撮影ロケーション｜名古屋港ポートビル［ MAP]、ぜんめい屋前、浜一丁目住宅街、

名古屋港跳上橋、名古屋港ガーデンふ頭、ポートブリッジ、港橋交差点］

映像ディレクション｜冨田了平

撮影｜冨田了平* 映像はアッセンブリッジ・ナゴヤ Youtube チャンネルにて公開

録音｜大城 真SOUND BRIDGE

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0「港まちで再会する映像プロジェクト」では「再59

PROGRAM 2

60

61

映像

ションを、名古屋港に浮かぶ桟橋（水上バス乗り場）にて実施した。石若のド出演｜石若 駿 、浅井信好、呂布カルマ

ラムを軸に、石若と浅井、石若と呂布、また3者でのパフォーマンスが、かたち

上映日時｜11 . 12（木）– 11 . 23（月・祝)、12 . 10（木）– 12 . 13（日）11 : 00 – 19 : 00

を変えながら日中から夕暮れにかけて展開された。3 者とともに、桟橋が軋む
音や船のエンジン音、周囲に鳴り響く海底調査をする潜水士の呼吸音、風、日の移り変りなど、オープンエアゆえの予測不可能な音や要素が セッションに加わり重なりあうことで、大きな表現がうみだされた。

（ 12 . 10（木）– 12 .13（日）はプログラム 1・2・3を順に上映）
撮影ロケーション｜ガーデンふ頭桟橋 水上バス乗り場
撮影｜冨田了平、三浦知也、黒髪貴俊
撮影アシスタント｜浅野七海、神田美羽
録音｜土井新二朗

石若 駿｜ Shun Ishiwaka

1992 年北海道生まれ、東京都在住。
リーダープロジェクトとして、Answer to Remember 、CLNUP 4 、SMTK 、Songbook Trio を率いる
傍ら、くるり、CRCK/LCKS 、KID FRESINO 、君島大空、Millennium Parade など数多くのライブ、作品に参加。海外アーティストとの共演も多数。
過去のアッセンブリッジ・ナゴヤでの出演：｢石若駿×浅井信好 ライブセッション｣（ 2018 年）

WEB｜www.shun-ishiwaka.com
浅井信好｜ Nobuyoshi Asai

1983 年愛知県生まれ、同地在住。
演出家、振付家、舞踏家。これまでに35 ヶ国 150 都市以上で公演や展覧会を行っている。元山海塾所属。バットシェバ舞踊団への派遣経験も持つ。2015 年より「月灯りの移動劇場」主宰、2017 年より「ダンスハウス黄金 4422 」代表。
過去のアッセンブリッジ・ナゴヤでの出演：｢石若駿×浅井信好 ライブセッション｣（ 2018 年）
呂布カルマ｜ Ryofu Karuma

1983 年大阪府生まれ、愛知県在住。
ヒップホップ MC 。ヒップホップレーベル「 JET CITY PEOPLE 」代表。グラビアディガー。フリースタ
イルラップバトルのテレビ番組「フリースタイルダンジョン」2 代目・3 代目「モンスター｣。その他、数々の MC バトル大会で華々しい功績を収める。
過去のアッセンブリッジ・ナゴヤでの出演：｢港まちブロックパーティー｣（ 2018 年、2019 年）* 名港サイ
ファーとして参加。

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46 : 08

ドラマーの石若駿、舞踏家の浅井信好、ラッパーの呂布カルマによる即興セッPROGRAM 3

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ョウタ）
とアーティストのイ・ラン、イ・ランのサポートを務めるチェリストのイ・ヘジによる、日本と韓国におけるリモート共演作品。テライは「MAT, Nagoya・
スタジオプロジェクト」に参加し、2020 年夏の2ヶ月間港まちで制作を行った。
今作ではその経験をもとに、スマートフォンに映し出されるイ・ランの姿を追うよ

映像

37 : 14

出演｜ Gofish 、イ・ラン、イ・ヘジ
上映日時｜ 11 . 26（木）– 12 . 6（日)、12 . 10（木）– 12 . 13（日）11: 00 –19 : 00
（ 12 . 10（木）– 12 . 13（日）はプログラム 1・2・3を順に上映）
撮影ロケーション｜中華料理二十番、丸山のどか《曖昧な風景（雀荘)》展示室内（旧・名古屋税関港寮［ MAP

NUCO［ MAP

うに、Gofish が港まちをさまよいながら、さまざまな場所で演奏を行う。まちの])、名古屋港ガーデンふ頭、]、喫茶真砂、ファリアレストラン、

港まちポットラックビル屋上［ MAP

飲食店ではスタジオ期間中に制作した各店のテーマ曲などが演奏され、美術

撮影｜冨田了平

展の会場である丸山のどかの作品空間では「麻雀」をテーマに、今回 Gofish

録音｜土井新二朗]、港まち各所とイ・ランが文通のようにやりとりを重ねて制作した新曲が披露された。最後は、3 者がそれぞれ別の屋上で演奏しながらも、同じように連なる空の下で共演を果たした。

Gofish ｜ゴーフィッシュ

1973 年岐阜県生まれ、愛知県在住。
テライショウタによる歌とギターをメインとしたソロユニット。イ・ランや柴田聡子など、さまざまなアー
ティストとのコラボレーションも行っている。1995 年結成のハードコア・パンクバンド「 NICE VIEW 」
ではギター、ボーカルを務める（現在は活動休止中)。
過去のアッセンブリッジ・ナゴヤでの出演：｢みなと音めぐり｣（ 2017 年)､「 UCO の裏庭ライブ｣（ 2018
年)､「 Curry Shop by Shota Terai ｣（ 2019 年）
イ・ラン（이랑)｜ Lang Lee

1986 年韓国・ソウル生まれ。
音楽、映像、漫画、イラスト、エッセイなど、表現活動は多岐にわたる。セカンド・アルバム『神様ごっこ』
で 2016 年に韓国大衆音楽賞最優秀フォーク楽曲賞を受賞。彼女が紡ぎだす音楽をはじめとした表現
は、広く人びとの心を揺さぶり、センセーションとシンパシーを生んでいる。
過去のアッセンブリッジ・ナゴヤでの出演：｢イ・ランとみなとまち｣（ 2019 年）
イ・ヘジ（이혜지)｜ Hyeji Lee
韓国・インチョン生まれ。
マルチ演奏家、シンガーソングライター。幼少のころ、母親のピアノで遊ぶことから楽器に親しみ、6 歳
からチェロをはじめる。イ・ランとは 2016 年のアルバム『神様ごっこ』以降から活動をともにし、大切な音楽的パートナーとなっている。
過去のアッセンブリッジ・ナゴヤでの出演：｢イ・ランとみなとまち｣（ 2019 年）

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これまでもコラボレーションの経験があるミュージシャンの Gofish（テライシ井手健介とモームとNUCO
Kensuke Ide, Maugham and NUCO
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した新作映像《音と変身 / Sounds, Metamorphoses》に出演する音楽家、井手健介のソロライブ企画。朝の光が差し込む時間帯に、映像の撮影
ミヤギによる「洋菓場所の1つであった NUCO を会場に行った。観客は、子モーム」の手作りお菓子とともに、井手の歌とギター、リバーブを効かせた響きを楽しんだ。限られた空間での緊張感ある演奏と、幕間の和やかな雰囲気が NUCO の空間を満たした。
*ミヤギフトシによるプロジェクト「洋菓子モーム｣（ ⇨ p. 35 ）日時｜ 10 . 31（土）9 : 30 – 10 : 30
会場｜ NUCO［ MAP］

出演｜井手健介
来場者｜ 10 名
井手健介｜ Kensuke Ide1984 年宮崎県生まれ、東京都在住。
音楽家。東京・吉祥寺バウスシアターの館員として爆音映画祭等の運営に関わる傍ら、2012 年
より「井手健介と母船」のライヴ活動を開始。さまざまなミュージシャンと演奏を共にする。その他、映像作品の監督、楽曲提供、執筆など、多岐に渡り活動を続ける。

WEB ｜ www.idekensuke.com

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現代美術展出展作で、アーティストのミヤギフトシによる港まちを舞台に

井手健介 The Lonely Surfer
Kensuke Ide
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で、その演奏を岸から鑑賞するプロジェクト。観客は集合場所から会場である護岸へと案内され、井手の登場を待つ。井手の乗船したボートが『ラプソディ・イン・ブルー』の音楽を響かせながら沖から現れ観客の前に到着し、波に揺られるボートから、歌にあわせエレキギターとリズムボックスを用いた演奏がはじまると、広大な名古屋港がライブ会場へと一変した。
水平線やコンテナを大量に積んだ大型船を背景に、船のエンジン音、魚が跳ねる様子や汽笛、風や照る日の眩しさとともにパフォーマンスを展開。終盤には井手を乗せて岸壁に沿ってゆっくりと進むボートと並走するかたちで、ゲストのテライショウタが岸からエレキギターのセッションを行った。最後にボートから岸へと降り立った井手がテライと合流し、西日を背に共演を果たしたところで終演を迎えた。

日時｜ 11 . 1（日）15 : 00 – 16 : 30
会場｜名古屋港ガーデンふ頭
出演｜井手健介
ゲスト｜テライショウタ（ Gofish ）来場者｜ 42 名
協力｜飛島マリン

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A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0『The Lonely Surfer』はボートに乗船した井手健介が海上から音楽を奏港まちブロックパーティー
meets ポットラックバザール
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Minatomachi Block Party meets Potluck Bazar

ちブロックパーティー」を開催。ブロックパーティーとは、ブロック（街区）の住民が集まって行う地域のお祝いや祭りを意味する。2019 年から引き続き、港まちづくり協議会が開催するマーケットイベント「ポットラックバ ザール」とともに「港まちブロックパーティー meets ポットラックバザール」として実施した。
また今回は築地口商店街によるイベントとも開催日をあわせ、昨年よりさらに地域文化との交流を試みた。
商店街の企画であるバ ザーや抽選会、地域の人びとのステージと並行して、
港まちブロックパーティーに2018 年から出演しているアーティストを中心としドラァグクイーン、盆踊りの踊り子、クラシック奏者をライン
た、DJ、ラッパー、

日時｜ 12 . 12（土）11 : 00 – 17 : 30 * マーケットは 16 : 00まで
会場｜築地口商店街界隈（港まちポットラックビル前［ MAP
名鉄協商パーキング築地口第13［MAP]、築地公設市場［ MAP]、NUCO［MAP]、]、NUCO 周辺駐車場 ほか ）出演｜ OBRIGARRD（ DJ )、名港サイファー（ラップ)、ライラ・カンパニー（ドラァグクイーン)、
西築地学区女性会有志（盆踊り）
盆踊りゲスト奏者：中瀬梨予（ Vn ）、大崎麻里（ Vn )、柿本朱美（ Va )、小林真裕美（ Vc ）DJ ｜ CAUJOON 、OLEELOU 、ロク、MAIKO 、Conomark 、TAIHEI 、
BlackDonuts ＋一本筋とおる、dreamy 、iquine
出店｜ Anarcky.Health.Shop.
（ T シャツ、
アロマワークショップなど)、
イルソーレ（ベビーカステラ)、

ugamuN（タイ古式マッサージ)、オッパ（韓国コスメ、靴など)、
kouge（クグロフ、フォカッチャなど)、ZAKKA IVY（美濃焼、雑貨小物)、
射的のまりこ（射的)、しろくまのおかしやさん（くまさんクッキー、ブラウニーなど)、

ナップし、路上やコインパーキングなどのマーケット会場での DJ や、空き店舗

築地口商店街ブース（野菜、和菓子、肉まん、中華スープなど)、西築地学区女性会（バ ザー)、となっている築地公設市場でのパフォーマンスなど、まちの日常的な景色のfête（ 焼き菓子)、縫布鯉口（鯉口シャツ、鬼の刀、豊田さんの手編みニット)、

なかに音楽やパフォーマンスが溢れる1日を演出した。フィナーレには恒例のMushroom（宇宙 & スチパンレジン)、mamacoco（ハンドメイド雑貨)、

盆踊りを、地元の踊り子を中心に行い、アーティストや集った人びとが参加した輪踊りで幕を閉じた。

BoMaVi flower（ 季節のお花：苗、鉢)、ホリボウ I WAPPEN（オリジナルワッペン)、
MEAT PIES MEET（ミートパイ)、micrommtone（ ネコ作家作品)、
みどりのバッチグー◯（手作り缶バッジ)、MURO ’s COFFEE OWN ROAST（自家焙煎珈琲豆、ドリンク)、regreg（スコーン）
連携店｜喫茶姉妹
美術、インスタレーション｜造景集団 某、縫布鯉口
企画協力、コーディネート｜鷲尾友公
来場者｜ 988 名
共催｜港まちづくり協議会
協力｜築地口商店街振興組合、西築地学区連絡協議会
同時開催｜セーラーズマーケット

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アッセンブリッジ・ナゴヤ2020の最終週末に、2018 年から3度目となる「港ま

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REVIE WMUSIC Review ｜ 名フィルメンバーの対話で綴る 2020 ー演奏会空白のときー（⇨ P. 20 ）What the pandemic in 2020 meant to Nagoya philharmonic members. ( ⇨ P.20)

要・不急論｜西田雅希（キュレーター）

Necessary, Though Not Urgent｜
Urgent｜Maki Nishida (Curator)

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現代美術キュレーターのわたしが、クラシックの音楽家たちにコロナ禍でのンブルは､「同じ空気を吸っていないから難しかった」と振り返っておられまし

自粛期間中の過ごし方についてインタビューをする。この依頼をいただいたとたし、富久田さんも、ホールで聴衆と演者の間に流れる「気」が満ち、その時そきは､「え、わたし、クラシック音楽は好きだけれど専門知識は全くないし。演

こにしかない空間が形作られてオーケストラの奇跡の音の瞬間が生まれる、と奏家さんもファンの方々も、わたしが聞き手で大丈夫なのかしら？」という驚きと仰っていました。温湿度、におい、光の感触、細かな表情の変化といったもの

戸惑いが先に立ちました。しかし、音楽プログラムディレクター岩田さんの「だを含む、その場の「空気」にこそ膨大な量の情報が詰まっていて、それをじかにからいいのよ。音楽畑の同業者同士だと、どうしても内輪の会話になってしまう

共有することが、あるひとつの体験にとって大きな働きをするということが、みし。同じ文化芸術分野でも専門の違う人をあえて聞き手に据えることで、同業なさんのお話を通じて強く感じられました。

者では出てこない視点の話もできると思う」という言葉に、なるほどそうかもしれない、とこの毛色の変わったお役目をお引き受けしたのでした。

美術という、音楽と同じ芸術分野に属する実践者として特に興味深かったのは、ディスタンスを取りながらの演奏の難しさについてのお話でした。リハーサ

かくして､『名フィルメンバーの対話で綴る2020 ー演奏会空白のときー』として、

ル時の最も重要なプロセスのひとつが、アイコンタクトや互いの音の聴き取り、

2020年10月に、松谷阿咲さんとアイリス・レゲヴさん、石橋直子さんと佐藤有沙

客席への最もよい音響構築のために、ステージ上で数センチ単位の微調整をさんの女性弦楽器奏者陣4名に、11月に富久田治彦さんと満丸彬人さん、ゲオル

してゆくポジショニングの作業であることを知り、その緻密かつ緊密な関係性

ギ・シャシコフさんとロバート・ボルショスさんの男性木管楽器奏者陣4名に、その中でベストな状態を模索するあり方は、まさに美術展の空間を作る過程と同れぞれインターネットラジオ生放送の形式で全4回のインタビューを行いました。

じだ、と共感したのです。

それぞれの回でいろいろな気付きや発見、驚きと共感がありましたが、やは対話の最後には､「すべての人間の感情に直結し、本能に響く心の栄養｣本能に響く心の栄養｣「人生り何よりも印象的だったのは、みなさんがそれぞれの視点でお話しされた「生や世界に対する希望や憧れといった普遍的な力、生きていくうえでの心のエネルの力」でした。じつは、みなさんと言葉をかわす前にまず一番にこれを実感しギー｣「言葉では言い表せないものを伝えられるもの」と、みなさんさまざまに「音たのは、他ならぬ私自身でした。第 1 回のインタビューは演奏から始まりました

楽の力」を表現してくれました。そしてそれら全てを、ボルショスさんとシャシコが、久しぶりに触れる生の楽器の音に、ふいに涙が込み上げ、そんな自分に戸フさんの「音楽は音楽、ただ好きなように楽しめばいい」という非常にシンプル

惑いながら、生の力とはこんなにすごいものなのか、と驚きをもって感じられたな、しかし音楽への信頼と愛を感じさせる言葉が包括してくれたように感じます。

のです。会話の中で、佐藤さんも久しぶりに出かけたコンサートでまさに同じ

不要不急論に取り巻かれた文化芸術分野ですが、みなさんとの対話を通じ経験をされ、それは「情報量」の多さによるものだと感じた、という彼女の言葉て、自分たちの仕事は「必ずしも急ではないかもしれないが、確実に要ではあに深く納得しました。満丸さんも、仲間と試したオンラインでのリモートアンサる」と思いを新たにした時間でした。

I, a contemporary art curator, would interview classical musicians on how
their lives have been during the coronavirus lockdown. When I was offered thisopportunity, it was surprising and rather puzzling as I am not a classical music
specialist. “Oh. Me? Would it be OK for the musicians and the audience? I do
like classical music but don’t have any kind of professional knowledge or whatsoever.” were my thoughts. However, Ms Iwata, the music program director, wasconfident. “That’s precisely why I ask you to do this. If the conversation were
between music professionals, we would end up talking shop. I believe an interviewer from another arts and culture field would bring a unique perspective tothe conversation.” She said. I understood her intention, and accepted this uniqueoffer.
The four interviews were held over two months in November and December
2020, in the form of a live Internet radio program, titled “What the pandemic
in 2020 meant to Nagoya philharmonic members.” November sessions werewith the strings; Asaki Matsugai, Iris Regev, Naoko Ishibashi and Arisa Sato,
December with the woodwinds; Haruhiko Fukuda, Akito Mitsumaru, Gueorgui
Chachikov and Robert Borsos.
Every session offered many findings and surprises and aroused sympathies,
and the most memorable of all was “the power of live experience” the musicians
mentioned from various points of view. In fact, I myself experienced this before
I even talked to them. The first interview session started with a short live performance by the musicians, and all of a sudden tears welled up in my eyes assoon as I heard the live music. I got a little confused as I did not expect myself
to react in such a way, but it taught me how powerful a live experience could be.
In our conversation, I learned that Ms Sato had exactly the same experience ina concert she attended for the first time in a long while after the first lockdown,
and her remark “it was the amount of information that made a difference” wasvery convincing. Looking back his remote ensemble he held with his peers, Mr
Mitsumaru said “it was difficult as we didn’t ‘breathe the same air’ as we usually
do,” and Mr Fukuda described the special moment of orchestral sound which

only comes out from the specific “vibes” created in the concert hall between themusicians and the audience. The “air” in the space, which includes the temperature, the humidity, the smell, the light, or subtle changes of facial expressions,holds astonishing amounts of information, and through the conversation withthe musicians I felt that sharing it directly makes a significant impact on a given
experience.
As an art practitioner who works in the same arts industry as musiciansin a larger sense, I found the difficulties they had with the distancing issues in
the concerts particularly interesting. I learned that one of the most important
processes in the rehearsals is the fine adjustment of their positions on stage
for smooth eye contacting and easier hearing of each other to create the best
acoustic for the audience. This episode was impressive as our search for thebest condition exploring the fine and sensitive relationship of artworks andspace is also the key to create a good exhibition.
At the end of the conversations, the musicians described “the power ofmusic” in their own languages - “a food for thought directly connected to theemotions of all humankind and their instincts,” “a universal power such as hopeand admiration for life and world, an energy for life,” “a means to communicate
all things indescribable.” Above all, a very simple yet loving message for the audience backed by full belief in music from Mr Chachikov and Mr Borsos roundedup all the comments: “music is music, you just simply enjoy it as you like.”
Arts and culture had often been said “not urgent, not necessary” in the pastmonths. However, it was encouraging and convincing to discuss with the musicians and confirm once again that what we do “might not necessarily be urgent,
but definitely needed.”MUSIC Review ｜ 迷惑な反復コーキョー曲 Beethoven 250 を弾いてみよう！（⇨ P. 12 )、北口大輔が チェロリサイタルするかと思いきや…野村と鈴木が 乱入してみた！ークラシックジャズチャンプルー（⇨ P. 13 ）Music workshop for kids: Beethoven 250 “Annoying Repetition Symphony ” ( ⇨ P.12), Kitaguchi cello recital collaborating with Nomura and Suzuki ( ⇨ P.13)

音楽が人をつなぐコンサート｜藤井明子（愛知県芸術劇場シニアプロデューサー／企画制作グループチーフマネージャー）

A Concert That Connects People Through Music
Akiko Fujii (Senior Producer, Chief Manager of Planning and Production Group, Aichi Prefectural Art Theater)

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アッセンブリッジ・ナゴヤでは、音楽と美術をつなぎ、音楽と美術がまちと人

3 人の音楽家は、まずは子どもたちの緊張を解きつつ彼らがどんなことができるをつなぐさまざまな催しが行われてきた。このプログラムもその一つ。コンサーのか、試しで弾いてもらうところから開始｡「じゃあ今度はこんなことはできる？」

トと、その直前に関連のワークショップが行われた。

と簡単な言葉やジェスチャーで呼びかけ、音を出させる。楽譜は無く、言葉かコンサートは、北口大輔のソロによる『バッハの無伴奏チェロ組曲』第 1 番のら音をイメージして弾いてみる。それは、楽譜の音符を弾くことを練習してきた

ゆったりした音楽から始まった。会場のポートハウスはガラス張りの吹き抜けであろう子どもたちにとっては、かなり難しいことだったに違いない。特に「なで、秋の柔らかな日差しが差し込み、まるで暖かな温室のよう。空間いっぱい

んでもいいから一番早くぐちゃぐちゃに弾く！」という呼びかけには、一体どうしに美しい伸びやかな音が広がった。オンラインではなくリアルに音楽を聴く時たらいいのか困惑した様子の子も見受けられた。それでも北口や鈴木が例え

間がかけがえのないものであることを思い出させてくれた演奏だった。
続いて鍵盤ハーモニカ、キーボード奏者の鈴木潤を迎えて、北口が作曲しばこんな感じ？と難なく音を出すのを見つつ、戸惑いながら一生懸命弾いてみる。出てきた音を聞き、子どもたちの様子をうかがいながら、野村が一緒に演たボサノバ『 No more Brahms』を演奏。続いて鈴木作曲『マイレゲエ』を含奏する部分をどうするかまとめていった。そして、曲の最後に出てくるベートーヴ

めレゲエを2 曲。レゲエの軽快な音楽でエネルギーが満ちてきたところに、野ェンらしさを究極単純化したリズムの部分と、5 度の音程の簡単なワンフレーズ

村誠が客席の間を通って舞台上に走り込み、鍵盤ハーモニカやマラカス、ささを繰り返す部分の 2 か所で、子どもたちが演奏に参加することに決定した。演らなど次々に持ち替えて演奏に加わって、一気にアクティブな雰囲気に。鈴木

奏に参加するきっかけを確認したところで、わずか 30 分のワークショップが終もベートーヴェンの曲のモチーフを即興で織り交ぜて応戦。催しタイトルにある

了、実際の曲と合わせるのは本番のみとなった。曲の全体がわからないままコ「チャンプルー」の言葉の通り、混ぜこぜの賑やかで楽しいコンサートになっンサートに突入し、多くの子どもたち（とその保護者）はいったいどうなることかた。250 歳を迎えたベートーヴェンに扮する野村のトークでさらに会場は打ちと心配していたかもしれない。しかし結果は、最初に述べたとおり、清々しい音

解け、最後に野村作曲の『迷惑な反復コーキョー曲 Beethoven 250 』。このの広がりから始まり賑やかで楽しい演奏とトークに緊張はほぐれ、開放的な雰

曲の後半部分では、ワークショップに参加したヴァイオリン、チェロ、コントラ

囲気のなかで､『迷惑な反復コーキョー曲 Beethoven 250 』は、ワークショッ

バスの小学生 12 人、そして会場にいる観客も拍手で演奏に参加した。

プ参加者、そして観客も、文字通り一体化し、全員がつながった演奏となった。

興 味 深 か っ た の が その ワー ク ショップ｡「迷 惑 な 反 復 コ ー キ ョー 曲

Beethoven 250を弾いてみよう！」というタイトルで､「オーケストラで演奏される楽器｣（ 指定はない）を持って集まることが条件だったが、集まったのは弦楽器ばかり、小学校低学年を中心とする子どもたち。会場で初めて彼らに会った

コロナ禍で心が ふさぐことの多いなか、このコンサートはとても気持ちの良い空間と時間、心が自由になる催しだった。

Assembridge NAGOYA has been organizing various events that connect
music and art, and music and art connecting the town and people. This program
was one of them. A concert and a related workshop were held just before theconcert.
The concert began with a solo performance by Daisuke Kitaguchi of Bach’s
Suite for Solo Cello No. 1.
1. The venue, the PORT HOUSE, was a glass-walledatrium filled with soft autumn sunshine, like a warm greenhouse. The site wasfilled with a beautiful extended sound. The performance was a reminder thattime spent listening to music in real life, not online, was invaluable.
Next, Kitaguchi played with keyboard harmonica player and keyboardist
Jun Suzuki No more Brahms,
Brahms, a bossa nova he composed. This was followed by
two reggae pieces including My Reggae composed by Suzuki. As the energy ofthe music filled the entire venue, Makoto Nomura ran onto the stage through theaudience and joined the performance with his keyboard harmonica, maracas,and sasara, creating an active atmosphere. Suzuki responded by improvisingwith motifs from Beethoven’s music. As the title of the event “Champloo (mixture)” suggested, the concert was a lively mix of music, with Nomura’s talk as
Beethoven who was 250 years old, helping to break the ice. Finally they played
Beethoven 250 “Annoying Repetition Symphony” composed by Nomura. The
second half of the piece was played by 12 schoolchildren who had taken part in
the workshop on violin, cello, and double bass, and the audience joined in withapplause.
This workshop was highly intriguing. The workshop was entitled “Let’s Play
Beethoven 250 ’Annoying Repetition Symphony’!” and the requirement was tobring an (unspecified) “instrument that is played in an orchestra”, but all the participants were children, mainly in the early primary schools, who all played string
instruments. The three musicians met the children for the first time at the venue
and began by asking them to try out what kind of performance they could do
to ease their nerves. Using simple words and gestures, they asked them to play
tones. There was no sheet music, so the children tried to imagine the sound fromtheir words. This must have been quite a challenge for the children, who hadprobably been practicing playing the notes on the sheet music. Especially when
they were called upon to ”play whatever you can the fastest and messiest way
you can!”, some of the children seemed confused as to what to do. Kitaguchi and
Suzuki swiftly showed examples of what kind of tones could be played in suchcircumstances, and the participating children, some still in slight confusion, tried
their best to play. Listening to the sounds that came out, and observing how thechildren were doing, Nomura put together a plan for the part that they would
play together. It was decided that the children would participate in two parts ofthe piece: the last part, which had a rhythm that was the ultimate simplificationof Beethoven’s style, and the part where they repeated a simple phrase in fivedegrees intervals. After confirming when and how to participate in the performance, the workshop lasted only 30 minutes, leaving just the actual stage as thenext occasion to play the piece. Many of the children (and their parents) might
have been worried about what would happen, as they were even uncertain about
how the entire piece was going to be like. However, as I said at the beginning,
the stage started with a breathing spread of sound and eased its tension with alively and joyful performance and talk, and Beethoven 250 “Annoying Repetition
Symphony” was performed in an open atmosphere in a way that literally united
the workshop participants and the audience, and became a performance thatconnected everyone.
In a time when the coronavirus circumstances could often bring oppression,
the concert became a very pleasant space and time that could free everyone’s
mind.

ART Review

亜生態系は生成し続ける｜秋庭史典（美学者／名古屋大学大学院情報学研究科准教授）
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一時期「ニュー・ノーマル」という言葉をよく聞いた。もともと2000 年代の金このことと､「絶望する前に知りなさい」というライブハウスのメッセージは、そ融危機以降の常態（ノーマル）を指す言葉らしいが、新型コロナウイルス感染の後のわたしに大きな影響を与えたⅱ）。1990 年代京都のクラブでの体験もそ症下の新しい生活というような意味で使われていた。しかしこの生活が「ニュの延長線上にあるⅲ）。

認」させてくれた。2020 は、コロナ禍であったからこそ、過去４年足繁く通うこと思う。
それぞれの作家の作品も、同じように、港まちとの関わりのなかで制作されている。とりわけ上田良さんの作品が印象に残った。それは、港まちにあり、戦とのできた港まちとアッセンブリッジ・ナゴヤというリアルな場所の重要性を強く感じさせるものとなった。

ー」と言われると、私のような古い人間は、むしろこの30 年ほどが「ニュー」のそのようなわたしが 5 年間のアッセンブリッジ・ナゴヤで感じ取っていたもの

前と戦後の塀がつながる《ドッキング塀》という、それ自体亜生態系の象徴のよ「変化し続ける庭」としての港まちが、今回の（いつまで続くのかわからない）連続だったのではと言いたくなる。1983 年に東京ディズニーランドが開園してをあらためて考えると、それは、港まちにある「ニュー」以前の匂いと、ライブハ

うなものに触発されたということだが、上田さんの作品は、新／旧、図／地、内

新型コロナウイルス感染症の記憶をどのように刻んでいくのか。また今後アッ以降各地にテーマパークができ、1990 年代後半からインターネットや PC が普ウス的なもの、その両方であることに気づく。休日他所のテーマパークに出か／外、表／裏、本／末、人手／機械などの言葉がもはや意味をなさない新たなセンブリッジ・ナゴヤがなんらかの形で続いていくとき、この時期はどのような及し始め、2000 年代になってカメラ付き携帯電話、各種 SNS など今誰もが当けてお金を費って想い出を買うのではなく（それも大事だが)、家族や友人と一まとまりを生み出しているように思えた。丸山のどかさんの作品も、特定の場所意味を持つのか。いまはまだ誰にもわからないが、亜生態系が生成し続けるこたり前に楽しんでいるもの、つまり新しい常態が出揃ってくる。美術関係で 30緒に自分の暮らすまちで過ごすこと。と同時に、そこでまちの内外のいろんな人を匿名化し、さらに入れ子にされた「ここ／ここでないどこか／ここ」を無際限とだけは、間違いないだろう。関係のみなさまに感謝申し上げる。

年前といえば公立美術館建設ブームの終わり頃で、その後 1990 年代の第二次に出会い、さまざまなジャンルの事物と対話すること。それにより日本を含むのループに陥らせることで、そのような区別から場所を離脱させる。加えて丸山ブーム、2000 年代の六本木が続く。単発で行われていた地方の野外国際芸術

世界のさまざまな動きを感じられること。翻って、まちそのものを見直すこと。もさんの作品は、時間の経過により記憶されたモノたちの遠近（大小）の感覚が

展が、2000 年代に地域芸術祭として定着し始め、2010 年代には全国に広がっ

ちろん、2020 年にアッセンブリッジ・ナゴ ヤの持つ意味が、1980 年代のライ

交替するさまを見せているように感じた。三田村光土里さん、ミヤギフトシさんていく。これらもすでに常態だが、すべてわたしが学生の頃にはなかった「ニュブハウスと同じであろうはずはない。しかし人やまちにとって大事なことがニュの作品からは、より具体的に、まちとさまざまな場所とのつながり、さらにはそー」な物事である。ではそうしたことと無縁の1980 年代、わたしはどこで何をしー・ノーマルの掛け声などでそう簡単に変わるものではないことも、わたしたち

こからまちへと再還流する視線が感じられた。

ていたのか。ノスタルジーに浸るためではなく、わたしがアッセンブリッジ・ナ

は今回のコロナ禍で目の当たりにしている。

ゴヤの5 年間に感じていたことを振り返るために急ぎ確認しておく。

そのような意味で、今回のアッセンブリッジ・ナゴ ヤで最も重要に思えたの2020 年春に最初の緊急事態宣言が出てオンライン勤務になり、仕事とそれ以外の切れ目がなくなるとともに平日と週末の区別もなくなった。一度そうなっ1980 年代半ばわたしがいたのは、1974 年以来現在まで続くライブハウスでは､「リノベーション生態系マップ」だった。それは「みなとまち空き家プロジェ

たものは、宣言が解除されても元には戻らない。そこに対面授業など、リアルある。当時そこには、映像作家、演劇関係者、舞踏家、服飾デザイナー、音楽クト」が 5 年間のアッセンブリッジ・ナゴヤのなかで積み重ねてきたものを端的の仕事が加わる。秋になると、春先に延期されていた学会等が各地でリアル開家、写真家、活動家、物理学者、哲学者、建築家、漫画家、若者、等々、さまざまに示していた。港まちに残っていた「旧「旧◯◯◯◯」」や「空き家になっていた×「空き家になっていた××」
×」とい催され、わたしを名古屋から引き離す。その間もオンラインの仕事は続く。結果な人が出入りしていた。音楽はもちろん、上映会、研究会、編集作業などさまざう建築、それにまつわるスクール、リサーチ、イベント、それらを結ぶ多くの線

的に、遠くの人とは zoom や対面でつながっているのに近場の行事にさえ行け

まなことが行われ、そこでわたしは、目の前のどんな小さな事物も全世界・宇宙が交差している。その一本の線が延び、別のものにつながる過程で、たくさんない。アッセンブリッジ・ナゴ ヤ開催中のわたしは、そのような状態であった。
ⅳ）に通じていることを学んだ。面白いことがなければ自分で作り出せばよいと考の人が出会い協力して、港まちにあった「ニュー」以前の匂いを残しながら、新

かつてわたしはこう書いていた 。2016 は、わたしの目を「まち」に向けさせてえる彼らは、何の後ろ盾も持たないかわり真に自由で、さまざまなことを教わっしい世界と結びつけていったのだろう。したがって、それらの線が交差するマ

くれた。2017 は、そのまちがさまざまな時間のスケールを生きていることを教た。にもかかわらず、彼らの誰一人、自分と同じようになれ、とは言わなかった i）。

ップは、今回のテーマにあわせれば､「亜生態系マップ」と言ってもよいのではえてくれた。2018 は「まちが生きた時間を凝縮して見せ｣、2019 は､「原点を確ⅰ− これは「自分の考えを持て」ということで、努力しなくてもありのままの自分でいい、ということではない。
ⅱ− 現在進行形で変化するこのライブハウスについてノスタルジックに語ることは許されない。興味をもたれた方は、必ず次のサイトを確認してほしい。わたしはごく短期間お世話になったにすぎない。

www.pepperland.net
ⅲ− 今回音楽部門ではあるが、野村誠さん・鈴木潤さん・北口大輔さんのワークショップを拝見した。野村さんはご記憶ではないだろうが、一度音楽理論について教えていただいたことがある。30 年以
上前のことだ。鈴木さんとは出身研究室が同じはずだが、当時大学院と学部とのあいだには交流がなかったため、直接お話ししたことはないように思う。またいつかお目にかかれれば、と思う。
ⅳ− 秋庭史典『アッセンブリッジ・ナゴヤ ドキュメント』、2016 - 2019 年

Sub-Ecosystems Continue to Generate
80

Fuminori Akiba (Aesthetician / Associate Professor, Nagoya University Graduate School of Informatics)

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REVIEWA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

We frequently heard the term “new normal” being used a lot for a while.
Initially, this term was used to describe the normal state of affairs after the financial crisis of the 2000s, but it was also used to describe the new life under the
new coronavirus infection. However, when people say that this life is “new”, oldpeople like me would rather say that the last 30 years or so have been a seriesof “new” things: the opening of Tokyo Disneyland in 1983, the opening of themeparks all across Japan. The late 1990s saw the spread of the internet and the PC,
and the 2000s saw the emergence of camera phones, social media, and all theother things that we now take for granted and enjoy - in other words, a new normal. In the art world, 30 years ago was the end of the boom in the constructionof public art museums, followed by the second boom in the 1990s, and the Roppongi boom in the 2000s. Outdoor international art exhibitions in local regionsthat had been held on a one-off basis began to take root as regional art festivals
in the 2000s, and spread nationwide in the 2010s. These are already the norm,
but they are all “new” things that did not exist when I was a student. So what was
I doing in the 1980s when I was not involved in these things? Not for the sakeof nostalgia, but to reflect on what I felt during my five years at Assembridge
NAGOYA, I would like to take a quick look back here.
In the mid-1980s I was in a live music venue that has been in existence
since 1974. At that time there were many people there: filmmakers, theatre people, butoh dancers, fashion designers, musicians, photographers, activists, physicists, philosophers, architects, cartoonists, young people, and so on. Music, ofcourse, but also screenings, study groups, editorial work, and much more were
happening, and it was there that I learned that every little thing in front of me isconnected to the whole world and universe. They were the kind of people who
would make it up themselves if there was nothing interesting. None of them had
any backing, and all of them were truly free. I had learned so many things fromthem, yet, none of them told me to be like themⅰ）. This fact, and the message
from the live music venue that I should “know before despair”, had a profoundeffect on me in the years that followedⅱ）, and my experiences in the clubs inKyoto in the 1990s were just an extension of thisⅲ）.
When I think about what I perceived during my five years at Assembridge
NAGOYA, I realize that it was both the pre “new” smell and the scent of the live
music scene that fills in the Nagoya Port area. It’s not about going on holiday
to another theme park and spending money to buy memories (although that’s
important too), but about spending time with family and friends in your own
town. At the same time, it is important to meet different people from inside andoutside the city and to interact with different genres of things. In this way, we
can feel the various movements in Japan and in the world. In other words, it is
to rethink the town itself. Of course, the meaning of Assembridge NAGOYA in
2020 will not be the same as that of the live music venues in the 1980s, however,
we saw in the time of coronavirus pandemic that what is important for people
and town is not so easily changed by the shouts of the new normal.
In this sense, what I felt was the most important of this edition’s Assembridge NAGOYA was the “Renovation Ecosystem Map”. It was a clear indication of what the Minatomachi Vacant - houses Project had built up over the five
years of Assembridge NAGOYA. There are many intersecting lines between thearchitecture of “old XX” or “vacant XX” and the schools, researches, and events
related to them. In the process of extending one line and connecting to another,many people have met and collaborated to connect them to a new world, while
retaining the pre “new” smell of the Nagoya Port area. Therefore, the map wherethese lines intersect could be called a “sub-ecosystem map” in accordance withthe theme of this exhibition.
Each artist’s work was created in the same way, related to the Nagoya Port
area. I was particularly impressed by Yaya Ueda’s work, which was inspired bya Docking wall that connected the pre-war and post-war walls located in the
Nagoya Port area and was a symbol of sub-ecosystem in itself. It seemed to me
that words like “new/old”, "figure/ground”, “inside/outside”, “front/back”, “beginning/end”, and “hand/machine” no longer had any meanings. Nodoka Maruyama’s work, too, anonymized a specific place, and by creating an endless loop ofa nested “here/somewhere/here”, it detached the place from such distinctions.
In addition, Maruyama’s work seemed to show the alternation of the sense of
perspective (big/small) of the remembered objects within the passage of time.
The works of Midori Mitamura and Futoshi Miyagi showed more concretely theconnection between the town and various places, as well as the gaze that flows
from there back to the town.
In the spring of 2020, the first State of Emergency was declared and people started to work online. The distinction between weekdays and weekends
disappeared. Once that had happened, it could not be reversed even though thedeclaration was lifted. Physical work such as face-to-face teaching was added
to this. In autumn, conferences and other events that were postponed in early
spring started being held in various locations, taking me away from Nagoya.
In the meantime, my online work continued. As a result, I couldn’t even go to
nearby events, while I stayed connected to the people far away through faceto-face occasions and through Zoom. Such was my situation during the fifth
Assembridge NAGOYA. Previously, I had written as followsⅳ）: “Assembridge
NAGOYA 2016 made my eyes focus towards the ’area’. Assembridge NAGOYA
2017 taught me that there were various scales of time that the area was living
in. Then, in 2018, I was privileged to experience the condensed time the area
had lived through”. In 2019, I “reconfirmed the origin", and in 2020, the coronavirus pandemic made me realize the importance of the real/physical place, theNagoya Port area, and Assembridge NAGOYA, that I had been able to visit forthe past four years.
How will the memory of the new coronavirus infection (for who knows howlong) be preserved in the ever-changing garden of the Nagoya Port area? And
what will be the significance of this period for Assembridge NAGOYA if it willcontinue in some way? No one knows for sure, but what is known is that the
sub-ecosystem will continue to grow. I’d like to express my gratitude to all those
who had been involved.

ⅰ− This means that you should “have your own ideas”, not that you should just be who
you are without any effort.
ⅱ− It is not permissible to wax nostalgic about the ongoing changes to this live music venue.
If you are interested, be sure to check out the following website. I was only there for a very
short period of time: www.pepperland.net
ⅲ− This time, in the music section, I saw the workshops of Makoto Nomura, Jun Suzuki, andDaisuke Kitaguchi. He must not remember this, but Nomura once taught me music theory,
more than 30 years ago. As for Suzuki, I don’t think I ever spoke to him directly, as there was
no interaction between the graduate and undergraduate schools at that time, but we musthave come from the same laboratory. I hope to see each of them again someday.
ⅳ− Fuminori Akiba, Assembridge NAGOYA Document,
Document, 2016-2019

ART Review

ⅰ− 中村史子「その場所らしさを超えて｣『アッセンブリッジ ・ナゴヤ2016 ドキュメント レビュー』2016
年、pp. 8 - 9ⅱ− 東畑開人『居るのはつらいよ「ただ、いる、だけ」の表現｜中村史子（愛知県美術館学芸員）

ケアとセラピーについての覚書』、医学書院、2019 年、p. 188ⅲ−『居るのはつらいよ』におけるケアとセラピーの説明を、街中での表現における2つの志向を整理すべく、当てはめて考えているのであり、表現やアートとケアやセラピーの効果については、ここでは言及しない。

82

ⅳ− 前著、p. 318

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REVIEWA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0「アートが街を変える」ことはなくても､「街が変わり、それに伴いアートも変ト」である。アッセンブリッジ・ナゴヤではサウンドブリッジというセクションで症が世界的に蔓延するなかで私自身の感じ方に変化があった点は否定し得なわる」ことはある。アッセンブリッジ・ナゴヤを見続けて5 回目となるが、それが例年、音楽のライブやパフォーマンスを複数実施してきた。今年はこれまでサい。しかしそれを考慮してもなお、展覧会を鑑賞する上での判断基準が変化しまた、東畑自身、セラピーはケアよりも上位にあるかのように勘違いしていたひとまずの結論である。何を今更、という当たり前の事実だが、この当たり前を

ウンドブリッジに出演したアーティストが セッションする映像を、ただのライブ

たかのようにも見えるかもしれない。無論、そうではないのだが。そこで、一見と本著で告白している。私もまた、2016 年の時点では、街の課題を鋭く描出し得心するまで 5 年かかった。

記録に留まらない映像作品として展示していた。

そして､「街が変わり、それに伴いアートも変わる｣、つまり双方ともに変化の

さらに、このプロジェクトは、複数のアーティストが協働することで全く新たなセンブリッジ・ナゴヤで私が受け取ったのは後者の表現だったのではないか。

すると相異なるかのようにも思える2つの志向について考えを深めるべく、ここ変化をも目指す「セラピー」型の表現を、街や人の様子をそのまま取り出す「ケでセラピーとケアの違いへと迂回したい。

ア」型の表現よりも期待していたのかもしれない。しかしながら、両者には優劣途上にある以上、ある物がある場所にあること、ある人とある人が同じ場所に価値を創出することよりも、複数のアーティストがそこに一緒にいる、その価値

参照するのは、東畑開人『居るのはつらいよ ケアとセラピーについての覚

居合わせること、その状況自体は極めて脆く、失われやすい。ある場所も、そこや意義自体を、改めて描写しているように思われた。薄暗く肌寒い映像ブース

書』だ。臨床心理士として精神科のデイケアに勤めた経験が主に書かれてい改善や成長を目指すセラピーに対して､「『ただ、いる、だけ』を肯定して初めにある物も、そこに集う人もすぐに変わってしまうからだ。

に座って映像を眺めていると、スクリーン上に複数の人が現れ、彼ら・彼女らのるが、街中での表現の在り方を整理する喩えとして、本著におけるケアとセラて可能になる『いる』が存在する。それが ケアする仕事の根底にあるものだと

声と息が時に重なり合うという、その現象自体に感動してしまう。

ピーの説明は効果的に見える。本著曰く、デイケアで実施されるセラピーとケ思う。ⅳ）」と先の本では述べられる。アッセンブリッジ・ナゴヤ2020で試みられていたこともまた､「ただ、いる、だけ」の肯定だったと言えるのではないか。

最初から妙に感傷的な話になってしまった。しかし実際、出展作品の多くが
儚い邂逅に光を当てているように感じられた。

はないはずだ。

このような、新たな価値や意味の創出よりも、ただそこにいること、いられる

アは、それぞれ対照的な性質を備えている。セラピーは、傷と向き合い、傷に三田村光土里の映像作品《 Till We Meet Again 》は、タイトルが直接的にことに意味を見出す姿勢は、もっとも大きな造形物を作り出した丸山のどかの介入し、傷に由来するニーズ自体を変えてしまう。一方、ケアはニーズに応え、指し示すように、人と人との再会の瞬間を具体的に、しかしごく短く描出する映作品にも通じる。彼女は実在する店舗等の空間を再表象するが、それによって相手を傷付けずに支えようとする。そのため、セラピーはたとえ苦しみを伴うと私は 2016 年のアッセンブリッジ・ナゴヤに対して、街の課題にもフォーカス像作品だ。ワークインプログレスの手法で制作された《 Till We Meet Again

何か不可視の事実や大きな歴史を示唆したりはしない。ただ、そうした空間がしても問題の根幹を探り出し状況を改善させるが、ケアの割合が高い「デイケ

し、街に対する鑑賞者の印象を、さらには街自体を大きく変えてしまうことを心また会うために、わたしはつくろう》
もまた偶さかの出会いに対する人の想いを存在していた、その事実を再度、淡々と指し示す。

アでは『変わらない』ことにも高い価値が置かれる｡・・・(中略)・・・デイケアでのどこかで望んでいた。しかし現実問題、アート作品が街を変革する以上に、浮かび上がらせている。

は『一日』を過ごせるようになるために､『一日』を過ごすのだ。そこでは手段そ街自体が、それぞれ個別具体的な理由と原理のもとで変わっていった。

のものが目的化するⅱ）｣。

アッセンブリッジ・ナゴヤの魅力の一つである、不特定多数の人が集まり交流

出会いの尊さに向けられた三田村の眼差しは、そのままミヤギフトシの眼差

ところで、私は初回である2016 年のアッセンブリッジ・ナゴ ヤのドキュメン

しとも重なる。ミヤギは、個人と個人の出会いを異文化同士の出会い、時を超トにて「企画の中に､［この土地の歴史や風景をただ取り上げるのではなく］よ

ここでのセラピーとケアの定義を、人と人の関係、さらには人が周囲と切り結えた出会いへと拡張させる。

り地域を深く掘り下げる視点や、思いもかけない側面からとらえ直す視点があぶ関係へと、注意しつつ援用してみたいⅲ）。実際、これを街とアートとの関係をする場もまた、2020 年以降、感染症対策が必要とされるなかで再検討を求められた。

また、オブジェクト同士の組み合わせ、接合をモチーフとする上田良の作品ればと思うⅰ）」と書いている。潜在する記憶をすくいあげたり、その場に見られる考える枠組みへと当てはめるならば、次のように言えるだろう。街が抱える課題

こうした逃れようのない変化の要請のなかにあって、アートは街を変えてもは、感傷とは無縁であるが、隣合う物同士の可塑性や、その偶然的な面白みに特徴を描出したりするのに留まらず、事物をより深く掘り下げ、全く別の次元へや、不可視とされている問題について鋭く考察し､“敵対”的な関係が露わにな

良いが、また、変えなくても十分良い。ある瞬間の邂逅、一時的な共存
一時的な共存—— 街にフォーカスしている点で、邂逅という主題と通じ合う。

「ただ、いる、だけ｣「 ただ、ある、だけ」— にも、それ自体の意味がある。そしと跳躍することを、2016 年の私は期待していたのだろう。2016 年のこの苛立ったとしても、それら課題と対峙することを強く要請する表現が存在する。そのそして、共にあることの価値を何より強く印象づけたのは、新型コロナウイル

ち混じりの意見と、2020 年、ある物がそこにあること、ある人と人がそこにいる

一方で、それら課題や問題をあえて取り上げはせず、ただ、その街の景色を、そて、それをただ描き出し、肯定する。そのような表現の在り方が示されていたよス感染症の感染拡大下で制作、発表された「港まちで再会する映像プロジェク

ことの希少さを尊ぶ感じ方とは、やや質が異なるように思われる。無論、感染こに集う人びとの様子をそのまま肯定的に描出する表現がある。2020 年のアッ

うに感じる。

An Expression of “Just, Being, Here” ｜Fumiko Nakamura (Curator, Aichi Prefectural Museum of Art)
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REVIEWA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0“Art cannot change the town,” but there are times when “the town changes,
and then changes art”. This is the conclusion I have drawn for now from myfifth visit to Assembridge NAGOYA, and it took me five years to understand thisobvious fact.
“The town changes, and then changes art” also means that both sides arein the process of changing, and the fact that certain things are in certain places,or certain people are in certain places, is extremely fragile and easily lost. This isbecause places, things, and people who gather there can change very quickly.
I may have started with a strange and emotional notion. But in fact, many of theworks in the exhibition seemed to shed light on ephemeral encounters.
Midori Mitamura’s video work Till We Meet Again,
Again, as the title directly suggests, concretely depicted the moment of reunion between people, but with avery short period of time. Till We Meet Again — I Shall Create, So We Can Meet
was created in the format of a work-in-progress, which also brought to light the
feelings of people towards their encounters.
Mitamura’s gaze on the preciousness of encounters directly overlappedwith Futoshi Miyagi’s gaze. Miyagi extended the encounter between individuals to an encounter between different cultures, and to an encounter that transcended time.
Yaya Ueda’s work, which used the combination and joining of objects asa motif, had nothing to do with sentimentality but focused on the plasticity ofneighboring objects and their coincidental interest, which was in line with thetheme of chance encounters.
The value of being together was most strongly emphasized in the “Video
project to meet again at the port town”, which was produced and presented
during the spread of the new coronavirus infection. In previous years, Assembridge NAGOYA has organized several live music performances in a section
called SOUND BRIDGE. This year’s project was more than a mere recordingof live performances, and was a video exhibition of sessions by artists who had
previously performed at the SOUND BRIDGE.

Moreover, the project seemed to reiterate the value and significance ofmultiple artists being there together, rather than creating an entirely newvalue through their collaboration. As I sat in the dim and chilly exhibition space
watching the video, I was simply moved by the phenomenon of multiple people
appearing on the screen, and their voices and breaths at times overlapping.
This attitude of finding meanings in simply being there, and being able tobe there, rather than in creating new values or meanings, was similar to the workof Nodoka Maruyama, who created the largest sculptures. She re-presented
existing spaces such as shops but did not suggest any invisible facts or large
histories by doing so. She just pointed again to the fact that such spaces existed.
By the way, in the document archive of the first Assembridge NAGOYA in
2016, I wrote “It would have been good to have a perspective to dig the area
deeper [rather than just focusing on the history and landscape of the area], oran unexpected viewpoint to approach the localityⅰ）”. I suppose in 2016, I was
hoping for a leap from scooping up latent memories and depicting the featuresof a place, to digging deeper and taking things to a whole new level. This irritated view in 2016 seems to be somewhat different from the feeling in 2020, of
respect for the scarcity of things to be simply there, or a certain person to be
there with another person. Of course, I cannot deny that my own feelings might
have changed as the infectious disease spread around the world. But even taking this into account, it may seem as if my criteria for judging an exhibition hadchanged. But, of course, this is not the case. I would like to make a diversion here
into the difference between therapy and care, in order to deepen my thoughts onthese two seemingly conflicting orientations.
I’d like to refer to Irunoha tsuraiyo kea to serapii ni tsuiteno oboegaki (It’shard to be there: A memorandum on care and therapy) by Kaito Tohata. The
book is mainly about the author’s experiences as a clinical psychologist working
in a psychiatric daycare, but the description of care and therapy in this bookseems to be effective as a metaphor for organizing the way expressions should

be in a city. According to the book, therapy and care provided in daycare havecontrasting characteristics. Therapy confronts the wound, intervenes in it, andchanges the needs that originate from it. Care, on the other hand, responds tothe needs and tries to support the person without hurting them. Therapy, therefore, seeks to get to the root of the problem and improve the situation, even if thisinvolves suffering, whereas “in daycare, (care is more prevalent, and) a high value
is placed on “staying the same”. (...) In daycare, they spend a “day” in order to beable to spend a “day”. Here, the means itself becomes the endⅱ）”.
I would like to carefully apply this definition of therapy and care to the relationship between people and people, and the relationship between people andtheir surroundings ⅲ）. When this is applied to the framework of the relationshipbetween a town and its art, we can say the following. There are expressions thatare keenly concerned with the challenges that the town faces and the problems
that it considers invisible, and that strongly insists on confronting these challenges even if they may reveal an “antagonistic” relationship. On the other hand,
there are expressions that do not dare to take up these issues and problems
but simply depicts the scenery of the town and the people who gather there ina positive way. Was it not the latter expression that I received at Assembridge
NAGOYA 2020?
In the book, Tohata himself confesses that he initially misunderstood therapy as being more important than care. In 2016, I might also have expecteda “therapy” type of expression that sharply depicts the issues of the town andaims for a change, to be better than a “care” type of expression that takes the
town and its people as they are. However, there was no superiority or inferiority
between the two.
In contrast to therapy, which aims for improvement and growth, the aforementioned book goes on to say that “there is a ’being’ that is only possible when
we affirm ’just, being, here’. I think that is what lies at the heart of the workof caring.ⅳ）” It could be said that what was being attempted at Assembridge
NAGOYA 2020 was also an affirmation of “just, being, here”.

I was hoping somewhere in the back of my mind that Assembridge
NAGOYA 2016 would focus on the town’s challenges and change the viewers’
impression of the town, and even the town itself. But the reality was that morethan the artworks transformed the town, the town itself had been transformed,
each for its own specific reasons and principles.
One of the main enchantments of Assembridge NAGOYA, a place where
people could gather and interact with each other, had to be reconsidered in thecontext of countermeasures of the infectious disease since 2020.
In the midst of such inescapable demands for change, art can of coursechange the town, but then, it also does not have to. A momentary encounter, anda temporary coexistence - “just, being, here” in the town - has a meaning of its
own. And, it could be simply affirmed as is, and drawn as is. I feel that such a wayof expression was shown.

ⅰ− Fumiko Nakamura, “Beyond the Locality”, Assembridge NAGOYA 2016 Document Reviews,
Reviews,
pp.8-9ⅱ− Kaito Tohata, Irunoha tsuraiyo kea to serapii ni tuiteno oboegaki (It’s hard to be here: A
memorandum on care and therapy), Igaku-Shoin, 2019, p.188
ⅲ− I am trying to apply the explanation of care and therapy in Irunoha tsruraiyo (It's hard to behere) in order to organize the two orientations of expression in the town, and I do not mention
here the relationship between expression or art and care or therapy.
ⅳ− Tohata, p.318

ART Review

港のまちで｜蔵原藍子（東山 アーティスツ・プレイスメント・サービス（HAPS）事務局長）
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REVIEWA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

名古屋港ポートビルの展望室に上がり、作品とともに、周りに開ける海の風景を見る。ミヤギフトシの作品の鏡に刻まれた文字と映り込む海景ともリンク
しながら、見えている景色の先を想像する。

境界としてへだてるものであると同時に、つなぐものでもあるような海の持つ両義性。
それはまた、海を介してもたらされるものを受けとめる「港」という場所の性のかたちで示していたともいえる。
丸山のどかと上田良はそれぞれの方法で、まちの風景やものと対峙し、そこでの発見から作品へと発展している。

ねを垣間見せてくれる。
今回の展覧会では、原点としての「つくる／うまれる場所」としての港まちに立ち返ることから始めたい、と掲げられていた。

ここが「港のまち」であることを鮮明に感じさせられる。

質に注意を向けさせる。海がもたらすのは、人やものの移動、出入り、異なるも丸山の《曖昧な風景》において、淡い色調の立体作品は、記憶の中の風景を

新型コロナウイルス感染症が世界を席巻した2020 年、距離や移動／移動し見渡す海の景色は、点在する会場から会場へと歩くときのほどよく親密な距離の、未知のもの、別の土地の想起。港は物理的な交通をつなぐ地点であり、多トレースするような仕方で、港まちと自身の経験を重ね合わせ、抽象化していないことをめぐる問題について、これまで以上に考えることになった。この状況感とともに、身体的な記憶として結びつき、後になって、現代美術展『パノラマ庭

様なものが集まっては一時的に滞在し、また散っていく。そこに精神の交通もる。その抽象性において、見る者が自らの記憶も重ねることも可能にする。

において、エリア本来の特性である「港のまち」であることは、多くの喚起力を

園 — 亜生態系へ — 』を通して見てきた作品のことを思い返すときにも呼び覚まさ生まれるだろう。

れる。
そしてそれは、港まちポットラックビルで展示されていたミヤギの映像作品、

上田は、まちで発見した《ドッキング塀》
から構想し、異質なものの出会いをコ持つことにもなった。まちは、見る者との関係性によって別様な姿を見せるだ

外にひらかれ、異質なものを受け入れてきた歴史を持つ「港まち」にアーテ

ラージュ的手法によって実現していた。立体と平面、アニメーションまで、メディろう。それでも、一訪問者としては、最初の原点であるだろう「港のまち」としてィストが滞在し、制作する。レジデンスの環境条件、前提としてこの上なく理にアを横断しながら制作する鮮やかな手つきは、まちに向ける視線も変容させる。

の性格を改めて新鮮に感じた。

名古屋港を含む海のイメージ、水のイメージが画面を浸している《音と変身／

Sounds, Metamorphoses》に導かれた部分も大きいのかもしれない。2016
年に制作された《いなくなってしまった人たちのこと／ The Dreams that have

Faded 》と入れ子になるような新作《音と変身》。

外にひらかれた港であること、そこでアーティストが一時的に滞在し、つくる

かなっているといえる。
まち自体に目を向けると､「みなとまち空き家プロジェクト」の展示では、アッ
今回の展覧会のために制作された作品は、それぞれにこの場所でつくることと向き合ったものだった。

こと。つくられたものは、長期的には、時間や場所を超えたコミュニケーション

センブリッジ・ナゴヤが港まちの空き家へ関わり、展示や制作の場としてきた5へとひらかれ、別の出会いへと接続されていく｡（たとえば、ミヤギの作品の中年間の軌跡が「リノベーション生態系マップ」としてまとめられていた。その広で、16 世紀に作曲されたジェズアルドの楽曲が現代の音楽家によってギター

名古屋港に係留されている「南極観測船ふじ」をモチーフに、旧・名古屋税

がりは、空き家に関わる人びとと着実に関係性を築いてきたであろうことも伝で演奏されるように。あるいは、三田村の作品で「また会うために、わたしはつ

関港寮で公開制作された三田村光土里のインスタレーション作品《 Till We

えている。積極的な介入の一方で、抗えない変化も訪れる。植生が遷移するよ

くろう」と端的に表明されてもいるように｡）

ロ・ジェズアルド、遠藤周作など、時代と場所を超えて、いくつもの逸話が、想像

Meet Again また会うために、わたしはつくろう》は、港まちポットラックビルで

うにまちの風景は少しずつ移り変わっていく。しかしまた、活動が続けられるこ

企画趣旨において「亜生態系」の語を援用しつつあらわされているのは、つの糸でつなが れ、ずれも含みながら重ね合わされる。旅、異国での経験、パー展示された2013 年の映像作品《 Till We Meet Again 》と共通の主題を持つ。

とで、土地の記憶は重ねられていく。今見えているまちの姿に、失われた風景

くることから生み出される変化への信頼ともいえる｡「接木｣､「小さな手入れ」
としてのアーティストの関与が生む「小さな秩序」とは、波風が立たない静止し音楽家の語りにより、天正遣欧少年使節、作家自身を思わせる美術家、カル

ソナルな葛藤、離れていて別の場所や人を思うこと。オウィディウス『変身物語』

制作を介して出会いがつながっていく。制作の行為と航海の過程が重ね合わ

や、これまでにつくられたものや出来事の記憶（たとえば、折元立身による晴れもまた一つの糸として織り合わされ、物理的な移動である旅が精神の変容を伴されるようにもしながら、生活（船内の日常)、移動（｢ふじ」や南極にまつわる

やかな《 26 人の港まちのおばあさんのランチ》のように）が宿り、また新たにうた状態などではなく、その都度バランスが更新され発見されていくような性質

う道行きでもあることを示すようだ。高潮が印象的なベネチアをはじめ、フェラ

モチーフや地形のイメージ)、再会（タロ、ジロ)、歌といった主題や要素が展みだされるものがある。そんななかで、転生した「 NUCO 」は、作品の舞台にのものではないか。まちは、あるいは見え方を変え、あるいは記憶を重ね、つくーラ、ローマ、ナポリといったイタリアで撮影された映像と名古屋港で撮影され開されていく。制作過程で記された「こうかい日誌」は、制作に向き合う内省のもなり、ワークショップやイベントでのさまざまな試みがあり、人びとが行き交られたものや変化は、遮る境界を持たず徐々に広がっていく。

た映像は、雨も含め、水、海のイメージが、画面を満たし、物語をつないでいる。

プロセスを率直に伝えている。滞在中に関わった作家たちを紹介する「借り画い集う場である。港の中の港のような、港まちの結節点として、展示を見に訪れ廊」のプロジェクトもまた、つくることが出会い／再会につながることを進行形たとしても、フェスティバ ルという出来事では終わらない日常の時間の積み重

まだ見ぬものにひらか れた港に、5 年を経てさらにこれからどんなものが到来するのかを、期待していたい。

In the Town with a Port ｜Aiko Kurahara (Chief of Secretariat, Higashiyama Artists Placements Srevice)88

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I went up to the observation room of the NAGOYA PORT BUILDING andlooked at the surrounding seascape that opened up along with the artwork.
Linking the letters carved in the mirror of Futoshi Miyagi’s work and the reflected
seascape, I imagined what lay beyond the view.
I clearly felt I had come to a “town with a port.”
The view of the sea, together with the feeling of intimacy as I walked from one
venue to the next, became a physical memory that I could recall later when I
think back to the works I had seen through the contemporary art exhibition“PANORAMA GARDEN – Towards a Sub-Ecosystem –”.
It could be possible that Miyagi’s video work, Sounds, Metamorphoses,
exhibited at the Minatomachi POTLUCK BUILDING had guided this, with its
images of water and the sea and the Nagoya Port immersing in the screen.
Sounds, Metamorphoses, was a new work that nested within another Miyagi’s
work titled The Dreams that have Faded from 2016.
Narrated by a musician, a series of anecdotes from different times andplaces, such as the Tenshō Embassy, an artist reminiscent of the artist himself,
Carlo Gesualdo, and Shusaku Endo, were connected by imaginary threads andwere superimposed along with their differences. Traveling, experiences in foreign lands, personal conflicts, thoughts of other places and people at a distance.
Ovid’s Metamorphoses was also interwoven as a thread, showing that the physical journey was also a journey of spiritual transformation. Images of water, sea,
and rain, filled the screen and connected the narrative of the images shot in Italy
including Venice with its impressive tidal surge, Ferrara, Rome, Naples, and the
Nagoya Port.
The ambiguity of the sea was a boundary that both separated, and, connected.
It also drew attention to the nature of the “port” as a place that receives
what is brought through the sea. The sea brings movement of people and things,
in and out, the diverse, the unknown, and the remembrance of another land.

The port is a point of connection for physical traffic, where diverse thingsgather, stay for a time, and then disperse. Traffic in the spirit would also emergein such places too.
Artists resided and worked in a port town that had been open to the outside
world and has had a history of accepting the different. The conditions and premises for an artists’ residency made perfect sense.
Each of the works created for this exhibition respectively confronted theidea of being created here, in this place.
Midori Mitamura’s installation Till We Meet Again — I Shall Create, So We
Can Meet,
Meet, created in the Former Minato Dormitory of Nagoya Custom using theAntarctic research vessel Fuji moored at the Port of Nagoya as its motif, shared
a common theme with her other video work Till We Meet Again (2013) that was
shown in the Minatomachi POTLUCK BUILDING. Encounters were connected
through creation. The act of production was superimposed on the process of thevoyage, and the themes and elements related to life (daily life onboard), movement (motifs and topographical images related to the Fuji and Antarctica), andreunion (Taro, Jiro), developed along with songs. The Studio Voyage Diary,
Diary, written during the production process, frankly conveyed the introspective process of
facing the work. The Borrowed Art Pieces Gallery project, which introduced theartists involved during her residency, was also an ongoing demonstration of how
creation could lead to encounter and reunion.
Nodoka Maruyama and Yaya Ueda confronted the landscape and objects ofthe city in their own ways, and their discoveries evolved into works of art.
In Maruyama’s Ambiguous landscape,landscape, the pale-colored sculptures traced
the landscape of her memory, superimposing and abstracting her own experience of the Nagoya Port area. In its abstraction, it also allowed the viewer tosuperimpose their own memories.
Conceived from the Docking wall she discovered in the town, Ueda useda collage-like technique to create an encounter between different elements.

The artist’s vivid creation, which crossed mediums from three-dimensional to
two-dimensional to animation, transformed the way we look at the town.
Looking at the area itself, the “Minatomachi Vacant-houses Project” exhibition presented a “Renovation Ecosystem Map” of the five years that Assembridge NAGOYA had been involved with vacant houses in the Nagoya Port Areaand had turned them into spaces to exhibit and create. The spread of the project
showed how the festival had been steadily building up relationships with thepeople involved in vacant houses of the area. On one hand, there were positive
interventions, while on the other hand, there were irresistible changes. Just as
how its vegetation naturally changed, the landscape of the area also changed
little by little. But at the same time, the memory of the land became accumulated
while the activities continued. The town we see now is sometimes accompanied
by its lost landscapes, and memories of the things that had been created here
(such as the radiant 26 Grandmothers Lunch in the port town by Tatsumi Orimoto), which sometimes lead to creations anew. In this context, the reincarnated
NUCO became a new stage for artworks, a place where workshops and eventswould be held, and where people would come and go. Like a harbor within a port,
NUCO became a nexus of the Nagoya Port area, and even if you visited there to
see the exhibition, you could get a glimpse of the accumulation of everyday timethat would not be limited to the festival.
The exhibition stated that it wanted to start by returning back to the initial
origin of the Nagoya Port area as “a place to make/create”.
In the year 2020, when the new coronavirus infection had swept the world,
we thought more than ever about issues of distance and movement/immobility.
In this context, the area’s inherent character as a “port town” had a lot of evocative power. The town must have looked differently, depending on how the viewer
had been related to the area. Nevertheless, as a visitor, I was struck by the freshness of its character as a “town with a port”, which was probably its first origin.
To be a port open to the outside world, where artists temporarily stay andcreate. In the long term, what is created is opened up to communication beyond
time and place, and is connected to another encounter. (For example, as in
Miyagi’s work, where the music of Gesualdo composed in the 16th century wasplayed on guitar by a contemporary musician. Or, as in Mitamura’s work, where
she simply stated “I Shall Create, So We Can Meet”)
What was expressed in the project’s aim, using the word “sub-ecosystem”,
was a trust in the changes produced by creation. The “small order” created by
the involvement of artists through their “grafting” and “small maintenance” isprobably not a static state without disturbance, but instead, a situation whereits balance is renewed and discovered each time. The town, or the way we see
it, accumulates its memories, and its creation and changes gradually spread out
without boundaries.
The port is open to the things yet to be seen, and after five years, I lookforward to what the future will bring.

ART Review

ⅰ− Minatomachi Art Table, Nagoya [MAT, Nagoya] は港まちづくり協議会を母体に、名古屋の港まちをフィールドに行うアートプログラム｡「 MAT, Nagoya・スタジオプロジェクト」では、アーテ
ィストやデザイナーが港まちのスタジオを拠点に、制作・活動発表を行う。

「パノラマ庭園」の定点観測｜山岸 綾（一級建築士／サイクル・アーキテクツ代表）
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旧・名古屋税関港寮の1 F に靴を脱ぎ上がった途端、眼の方が動揺した。ナンダロウコノ光景？
丸山のどか氏《曖昧な風景（中華料理店)》のテーブルと椅子は、3 次元なの使われること自体が少ないし、越後妻有「大地の芸術祭」や「瀬戸内国際芸術

ともその下にいる人々を想像する。ようやく作品にたどり着き眺めていると家族ョウタ氏）が港まちのお店のテーマソングをつくり演奏し食事をする、あるいは祭」の空き家では、継続する場合作品もそのまま、が多いのでその後大きく空間

連れが私につられて何だろう、と覗き込む…どこか毎年の儀式のように、同じ

スマホの中のイ・ラン氏と共に港まちを彷徨い、演奏する。いまは空間的にはが変わることはあまりない。

身振りを繰り返す。ただ 2019 年に青崎伸孝氏が記した「会話」を覗き込んだ離れていても、映像と音で「再会」する2 人の唄を、私たち自身は港まちの一角

望遠鏡は、今年は使えなくなっていた。そう、コロナ禍での開催、と思い出す。

に身体をおいて、登場する空間のすぐそばで聴ける。中華料理店、あの通りで一番変わらなさそうなここも変わるのだな。

見かけたな、見終わったらラーメン食べたい、などと、お腹を鳴らしながら。

に、原寸なのに、空間の方を抽象化し静止させ、絵画にしていくような強烈さ。

だからアッセンブリッジ・ナゴヤで、この場所に作家が対峙し空間ごと大きくと静謐さ。建築でも時に1 / 1の図面や、モックアップなどをつくることがあるが、変容するのを「毎年のように｣「 全く異なる形で」体験できるのは、少なくとも私

それらとは、全く逆のベクトル。中華料理店の赤・雀卓の緑という、ひと目でそにとっては他ではない希有なこと。更にそれはこの旧寮が「それらしく」「使い

れとわかる色は、ピンクとエメラルドグリーンに漂白されて一見優しげなのに、やすく」改修されることなく、ほぼ元の主張あるしつらえのままの空間だからこ

折元立身氏の《26人の港まちのおばあさんのランチ》。こちらも美味しそうな映2020 年、多くの展覧会・芸術祭などが延期や中止、一時閉鎖等を余儀なくさ像なのだが、1年前はこんな風に共に居られたのか、と切なくもなった。だが現代美術展は、こうしたコロナ前からの継続した関わりと､（どこかから輸送された作

窓の外に見えるブロック塀や隣の団地の現実のくっきりした色合いの方を、そし

そ、なのである（これまた職能的にはややショックだが)。復旧条件などもあるれるなか、展覧会場の映像を公開する、といった試みをいくつか見かけた。行てそれが動くことの方を、奇妙に感じさせる。飲食店の客席というにはガランとのかもしれないが、既存を「引かず」にやるなら「足し算｣（ 例えば時に強引にったことのある場所であればある程度展示を想像できるが、未知の場所だとや品を展示するのではなく）作家が港まちに滞在しそこで制作するやり方をむしろ徹した1 F ホールも、逆に雀卓が溢れんばかりの2 F の小部屋も、サイズもあわず、展示壁が挿入されたり）で都度ガップリ作品と空間が四つに組んでいる。

や戸惑う。が、逆に先に映像を見てから実際に行くことができると、この場所は底することで、2020年においてもビクともせず、密度をもった実空間が鮮やかに

壁や床にほとんど手が加えられておらず、つまりタイトルが示す場所に擬態す

他の会場に目を移すと、階ごとに特色はありつつホワイトキューブに近い港実在したんだ、初めてなのによく知っている場所、などと不思議な感覚を覚え実現されていた。そうした作家の滞在が可能になるのも、空き家を少しずつ整備ることも許されないままなのに、すっかり非実在の方に組み入れられている。

まちポットラックビル、L PACK. がつくる場で「まちの社交場」として継続するたりもする。あるいは現地に来られない作家に、映像で空間を共有して作品のし MAT, Nagoya のスタジオプロジェクト と連動させ、そして何より街の人達と建築設計を仕事とし、床・壁・天井をリノベーションしてどうにか空間を変え

NUCO 、ボタンギャラリーからウィンドーという特性を引き継ぐスーパーギャラ

遠隔インストールを行う、という話も聞いた。勿論作品にもよるが、作家にとっの関わりを続けて理解を得て、といった5年間の積み重ねがあるからであろう。

てきた身としては、それらに指一本触れず、まるで家具だけを置くような手つき

リー、更に街にダイレクトに繋がる内藤ガレージ、と空間の質や街との関わりがて空間が未知だった場合、そうして映像からつくられた空間を、観客側だけがさて定点観測、と題をつけたけれど、年に2、3 度この街にくるだけの私が言うで（勿論家具は大きい要素だがしかし)、目前にある世界を揺るがすような空間

異なる場所がバランス良く点在する。用途変更や耐震補強など面倒でも必要

実体験する奇妙さ、もどかしさも感じた。実空間の意味や、空間と映像の関係のはおこがましいことはわかっている。それでもアッセンブリッジ・ナゴ ヤが、なことを見極めきっちり地道に行い（そして苦労して改修した場所の取り壊しなについて、否応なく考え、経験した年だった。

をつくりだしてしまうのだから、かなわない、と思う。
この空間がこんな風に！と嘆息してから、ふと自分が「この空間」として知ってども経験しながら)、多様な場所を粘り強く生み、育ててきたアーキテクトの米いるのは、これまで観てきた千葉正也氏の、豊嶋康子氏、法貴信也氏のそれぞれに強靱な作品空間で、それらがレイヤーのように自分の身体に重なって在る

ⅰ）

港まちという「庭」に少しずつ多年草を植え、手を入れ続け、この状況下でも継今回のアッセンブリッジ・ナゴヤでは、サウンドブリッジのプログラム「港ま続してくれたことで、私もその庭の踏み分け道の歩き方を憶え、植生にあわせ澤隆氏と「みなとまち空き家プロジェクト｣、事務局の方々には感服してしまう。

ちで再会する映像プロジェクト」で、そういった映像と実空間の往復、が幾重に移動もするその道を少しだけならしながら、また庭を眺めさせてもらって経験がもうひとつ忘れてならないのは、毎回必ず会場となってきた名古屋港ポートも織り込まれていたように思う。いず れもこれまでにサウンドブリッジに出演

体内に積もった。

ことにも気付く。勿論、美術館でも以前そこで観た作品を想い出すこともある。

ビル展望室。ここに向かって街を歩くとき、展望室に上ってから、昨年、一昨年したアーティスト同士のコラボレーションであり、港まち「に」再会するプログ

最後に告白すると、実はこれからも毎年続くと勝手に思い込んでいて、5 年間が、そこはそもそも展示専用の基本ニュートラルな器、展覧会ごとに作品が入の自分の軌跡と記憶をなぞってしまう。作品のない海側の展望室の窓をまずゆラム。ライブではないことで、逆に観客に配慮した場所、という制限が外れ「映のプログラムで今年が最後、と知って衝撃を受けた（読み返せばいろんなとこ

れ替わるのが前提の場所である。芸術祭などで美術館以外の空間が使われっくり眺めてから街側の窓にむかう。5 年間一貫したタイトル「パノラマ庭園」に像」だからできることを共に探れた、というのは、この港まちを既によく知っていろに書いてあったのだが)。継続を切望します！胸をはって定点観測しています、

る場合も、例えば「あいちトリエンナーレ」ではまちなかの同じ場所が連続して敬意を表して港まちを見晴らし、今通ってきた場所の、個々の屋根は判別できずるからこそ、なのであろう。私が観られたのはプログラム 3 。Gofish（テライシと言える回まで。

ⅰ− Minatomachi Art Table, Nagoya [MAT, Nagoya] is an art program based in the Nagoya Port
area, organized by Joint Committee of Port Town. In the MAT, Nagoya Studio Project, artists
and designers use studios in the Nagoya Port area as a base from which to create and exhibit

The Fixed-Point Observation of “Panorama Garden”｜
Garden”｜Aya Yamagishi (Architect / Director, CYCLE ARCHITECTS)

their work.

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As soon as I took off my shoes and walked up to the first floor of the Former
Minato Dormitory of Nagoya Custom, my eyes became agitated. What, on earth,is this scene?
The tables and chairs of Nodoka Maruyama’s Ambiguous landscape (Chinese Restaurant) were three-dimensional, full-size, but they had an intensity thatmade the space seem abstracted and still, like a painting. And, were in tranquility. In architecture, we sometimes make 1/1 scale drawings or mock-ups, but thiswas a completely opposite vector to those. The instantly recognizable colorsof the red of the Chinese restaurant and the green of the mahjong table were
bleached pink and emerald green and seemingly gentle, but they made you feelstrangely more aware of the real, making the distinct colors of the block walland the neighboring apartment outside the window more stand out, along withthe fact that they moved. The hall on the first floor, which was too cramped to
be a restaurant seating area, and the small room on the second floor, which was
full of mahjong tables, were completely incorporated into the non-existent, eventhough they were not the same size and the walls and floor had hardly been
modified, which meant they were not allowed to mimic the place indicated by its
title.
As someone who works in architectural design and has somehow managed
to transform spaces by renovating floors, walls, and ceilings, I found it hard tobelieve that, without touching them, Maruyama could create with her hands a
space that shook the world in front of me by only placing furniture (although ofcourse, furniture is a major element).
This space is like this! I sighed, and then suddenly realized that what I knew
as “this space” were the intense exhibitions created by Masaya Chiba, Yasuko
Toyoshima, and Nobuya Hoki, which I had seen so far, which overlapped my own
body like layers. Of course, there are times when I am reminded of works I had
seen in museums. But in the first place, museums are basically neutral vessels
dedicated to exhibitions, and a place where the works are changed in each exhibition. When places other than museums are used for art festivals, for example,
the Aichi Triennale, the same places in its cities/towns are rarely used in succes-sion. In the case of the vacant houses of the Echigo-Tsumari Art Triennale andthe Setouchi Triennale, many of the artworks were left as they were when thesame venus are used in succession, not making much change in the space.
Therefore, it was a rare thing for me, at least, to be able to experience “everyyear” and “in completely different ways” the transformation of this space by artists in Assembridge NAGOYA. Moreover, this was because the old dormitory
was never renovated to be “more likely it” nor “easier to use”, but rather had beenleft in its original assertive style (which is also a bit of a shock to my profession.) There may be some conditions for restoration, but if you don’t “subtract”
from the existing, you “add” (for example, sometimes forcibly inserting exhibition walls), and each time an exhibition was held, the works and the space weretightly knit together.
Looking at the other venues, there was the Minatomachi POTLUCK BUILDING, which was somewhat like a white cube although each floor has its own
characteristics; NUCO, the place created by L PACK. and has continued being“a hub for the social circle”; Super Gallery, which had taken over the characteristics of the window from Botão Gallery; and Naito Garage, which was directly
connected to the town, and all these places were well-balanced and scatteredaround with each different spatial quality and relationship with the town. I specifically admired the architect Takashi Yonezawa in the “Minatomachi Vacanthouses Project”, and the exhibition committee, for their perseverance in creating
and nurturing a variety of spaces. They carefully and diligently identified what
was necessary, and even if it was troublesome, they sometimes changed theusage of buildings or reinforced them against earthquakes (while even experiencing demolition of places that had been painstakingly renovated).
One more thing we cannot forget is the observation room of the NAGOYAPORT BUILDING, which was always one of the venues of the festival. When I
walk through the town towards this place, and after I go up to the observation
room, I trace my path and memories of last year and the year before. I look firstat the windows of the observation room on the seaside, where there is no work,and then at the windows on the town side, looking out over the port city in honorof its title “Panorama Garden”, which had been consistent for the last five years,
and imagining the people under the roofs of the places I had just passed, even
if I cannot identify the individual roofs. When I finally reach the works and lookat them, a family follows me and peeps in, wondering what they are... I repeat
the same gesture as if it were an annual ritual. However, the telescope throughwhich I looked at the “conversation” described by Nobutaka Aozaki in 2019was no longer available this year. Yes, because it was held during the coronavirus pandemic. This place, which seemed to be the most unchanged, did alsochange.
In 2020, while many exhibitions and art festivals were postponed, canceled,or temporarily closed, I saw several attempts where video footages of exhibition sites were released. If it is a place I had been to before, I can imagine theexhibition to some extent, but if it is an unknown place, it is a bit confusing. On
the other hand, if I can actually go to the place after seeing the video, I may feelstrange that the place actually exists, or, that I strangely know the place very welleven though it is my first time. I also heard of remote installation of artworks forartists who cannot come to the site, sharing the space through video. Of course,
it depends on the work, but when the space is unknown to the artist, I felt asense of strangeness and frustration that only the audience could actually experience the space created by a video. It was a year of thinking and experiencing
the meaning of real space and the relationship between space and image.
In this Assembridge NAGOYA, the SOUND BRIDGE program “Video project to meet again at the port town” seemed to interweave many layers of thiskind of back and forth between image and real space. All of them were collaborations between artists who have performed at SOUND BRIDGE in the past,
and were reunited “with” the Nagoya Port area. The fact that this was not alive performance allowed the artists to explore what they could do with “video”,
without the limitations of an audience-friendly venue, which was something they
could pursue because they already knew very well about the town. I was able tosee program 3, where Gofish (Terai Shota) made a theme song for a restaurantin the Nagoya Port area and played it while eating, and wandered around thetown with Lang Lee Lan in his smartphone and as they performed together.
Even though they were spatially separated at the moment, we could listen to
their songs, which were “reunited” through image and sounds, right next to theplace they appeared, with our bodies in a corner of the Nagoya Port area. My
stomach growled as I thought, “I saw a Chinese restaurant on that street before,
I want to eat ramen after seeing this”.
And, Tatsumi Orimoto’s 26 Grandmothers Lunch in the port town.
town. This was
also a delicious image, despite it made me sad to think that we could be together
like this a year ago. However, the contemporary art exhibition, by continuing thiskind of involvement from before the coronavirus, and by being rather thorough in
its method of inviting artists to reside and create in the Nagoya Port area (rather
than exhibiting works transported from somewhere else), had vividly actualizeda real space with a density that was unfazed even in the year 2020. This kind ofartist involvement was made possible only because of the accumulation of five
years of gradually renovating vacant houses, linking with the studio project by
MAT, Nagoyaⅰ）, and above all, the continued engagement and understandingsof the people of the town.
I have titled this essay “The Fixed-Point Observation”, but I know that it is
not appropriate for me to say this, as I only come to this town a couple of times
a year. Nevertheless, Assembridge NAGOYA has been planting perennials, little
by little, in the “garden” called the Nagoya Port area, and has continued to do soeven under these circumstances. It has led me to learn how to walk the garden’sfootpaths, which move along with its vegetation while I walk on it and smoothit, and the experience has accumulated in my body as I look at the garden again
each time.
Finally, I have to confess that I had assumed that the festival would continue
every year, and was shocked to learn that this year was the last of a five-year
program (although, when I read back, I do see it in various places). I truly hope it
continues! Until the time when I can say with pride that I am observing from afixed-point of view.

ART Review

ⅰ− ここで“ assemblage ”の読みの違いでしかないアサンブラージュとアッセンブリッジを重ねて使用したのは、前者はおもに美術史の文脈でさまざまな物体を寄せ集め、組みあわせる技法を指す
仏語語彙からの音写として流通しており、後者は生態学の文脈でコミュニティ（群集）と対比され、

港まちのアサンブラージュ、アッセンブリッジ｜山内朋樹（美学者・庭師／京都教育大学教員）

要素間の相互作用を前提としない集合を指示する英語語彙（それ自体が仏語に由来するのだが）からの音写として流通しつつあるからだ｡「亜生態系」はこれら両者の特徴—
はこれら両者の特徴 — 美的、生態学的な94—を考慮している。

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名古屋港、築地口周辺で開催されたアッセンブリッジ・ナゴ ヤ 2020 。今年
で 5 年目となるこの芸術祭の現代美術展タイトルは『パノラマ庭園 －亜生態系へ－』だった。
亜生態系—
亜生態系— 。耳慣れないこの言葉に戸惑う人もあったのではないだろうか。
「あせいたいけい」？
亜生態系の初出は2015 年だが、2018 年に批評誌『アーギュメンツ # 3』（黒ティバ ル開催期間中に街の風景が一変してしまうわけでもない。

界であることは、かつて埋め立てられた運河を越えて風景が変化したときに直しは親しんでいたからだ。埠頭以外の区域については無知なまま見知らぬ路

そうしたこととは無縁に、まるでこの街の生活に溶け込むかのように、商店街

感され、その先で境界の門番のように立っている警備員とバリケードの横を抜地を歩き、商店で食べ物を買い、街の風景を見、地図を見ながらガーデンふ頭の住人たちと肩を並べるかのように、スタッフや作家や作品や展示会場が、情けたときに確信に変わる。この埠頭には有名な名古屋港水族館を筆頭に、名に至り、また商店街に戻って L PACK. の手がけた NUCO でコーヒーを飲み、報の中心となっている港まちポットラックビルでさえもが、この街の風景の一

古屋港ポートビル、南極観測船ふじといった港湾の再開発で建造された集客そこに集う人びとと話をした。こうした断片的な土地勘と記憶が堆積することで画に棲みついているかのように見える。

施設が集中している。

築地口に降り立ち、港まちポットラックビルでパンフレットを受けとり展示を

ここは週末に県の内外からここだけを目指す人びとが集まり、そのなかで遊— 2019 年の青崎伸孝の作品や 2020 年の《みなとまち空き家プロジェクトアーカイブ 2016 - 2020 》の試みを想起している—の試みを想起している—この街は親しみあるものへと、嵜想、仲山ひふみ編）に寄稿した「なぜ、なにもないのではなく、パンジーがあ見たら、地下鉄名港線の上を走る車道、江川線のひとつ東の小さな筋に入る。

び、眺め、食べ、そして去って行く場所だ。それはその内部ですべてが完結する

るのか—
るのか
— 浪江町における復興の一断面」のなかであらためて提起したことをいくつもの商店が軒を連ねている。それらのなかに展示会場が控え目に点在ひとつの閉鎖系のようだ。この閉じた回路を訪れる人びとの姿は、たった1 日

少しずつ、しかしたしかに変わっていった。
シャチの記憶しかなければ夕方に寄り道することはなかっただろう。そのときっかけにとりあげられることになった。整理すると、亜生態系は亜の状態にしており、商店と展示会場が同じように目に飛び込んでくる。郊外が大抵そうでだけこの街を訪れてパンフレットを見ながら足早にコースを辿る自分自身の似きも利便性から巨大駐車場のあるガーデンふ頭に吸い込まれてしまったのだ

ある生態系だ。つまりは亜 - 熱帯（ sub-tropical ）が熱帯を基準として熱帯にあるように、もちろん空き家もあれば少子高齢化も進んでいる。しかしながら訪姿でもあるだろう。たったひとつ異なるのは、僕が築地口から商店街を抜けて、としても、アッセンブリッジ・ナゴ ヤの引いた経路が、決して交わることのなか次ぐもの、熱帯の下位にあたるものであるのと同じく、亜生態系は端的に下 - 生

れたのが芸術祭最終日前日だったこともあり、いくつかの催しが散発的におここの異質な領域に横断してきたということだ。

った人と人を、不可視の境界に隔てられていた地区と地区を、脈絡なく、偶然態系、すなわち亜 - 生態系（ sub-ecosystem ）である｡『アーギュメンツ # 3 』でなわれているこの通りはたしかに微熱を帯びていて、しかも高齢者も含む地元

は、この概念はたとえば放棄地の雑草、廃品、フェンス際に置かれたプラスチの方々も街に出て、ちょっとした賑わいを見せていた。

どうでもいいことだが、僕がこの地域に足を運んだのは今回で 4 度目となる。

的に—的に—ミヤギフトシの《音と変身》のように、あるいは 2019 、2020 年に旧・名県外の人間としては比較的多いのかもしれない。最初は水族館を、2 度目はア

古屋税関港寮のインスタレーションで組みあわされた無数の物体のように—
古屋税関港寮のインスタレーションで組みあわされた無数の物体のように—ッセンブリッジ・ナゴ ヤ2019を目指してやってきて、3 度目は豊田市美術館のアサンブラージュ＝アッセンブリッジしてしまったということだ。

ックプランターのパンジーの寄せ集めに適用したのだった。つまり亜生態系は

僕はこのイベントに深くコミットしているわけではないので分からないのだ

人為を介した脈絡のないアサンブラージュ、すなわちアッセンブリッジⅰ）を指しが、この穏やかな活気は、2006 年からすでに14 年間の活動期間を積み上げてている。その構成要素の全体あるいは部分は相互に無縁であり、生態系というきた港まちづくり協議会の、ひいてはそれ以前から存在したいくつもの市民団

初回はシャチが見たいという欲望だけをたよりに訪れたのだが、他の観光客

言葉から連想される、ある種の全体性をともなった「系」や「連鎖」から切れてい体の地道な活動の堆積に支えられたものではないかと想像する。新たなまちと同じく、名古屋港ガーデンふ頭というある種のテーマパーク内を彷徨うことに的にではあれ、異質な空間を往き来するひとつの経路をアッセンブリッジ・ナ

る。生態系未満の生態系、生態系以下の生態系—
生態系以下の生態系 — 。

づくりの形式として出現した芸術祭はいま、たゆまず継続されてきた市民運動なった。埠頭の駐車場か名古屋港駅に直接やってきて水族館に入場し、時間次

ゴ ヤは発明しただろう。とはいえ閉鎖系に囚われたままの週末の観光客をその系の外部へと逸出させる経路もまた、発明されなければならない。

帰りに立ち寄った。そしてこのアッセンブリッジ・ナゴヤ2020である。

の数々を再発見しの数々を再発見し—— 2019 年の作品で碓井ゆいが掘り下げた保育闘争が思第では南極観測船ふじやポートビル内の海洋博物館や展望室に立ち寄り、ある

これまでこの港まちに点在するいくつかの空き家を再生し、展示会場やカフ

い浮かぶ—
い浮かぶ — 、一時的なイベントにとどまらず、それらとは異なる仕方で、しかいは JETTY で食事をし、駐車場あるいは名古屋港駅に戻って帰路につく。埠ェとして再生してきたアッセンブリッジ・ナゴヤは、全国に乱立する予算規模のしそれらの一翼を担う持続的運動に変容していく過程にあるのかもしれない。

頭を目当てに来た人間にとってその外部はまったく異なる空間に見える。

大きい芸術祭とくらべてとても慎ましいものだ。話題を呼ぶ箱物が建設される

いくつかの会場をまわりながら熱を帯びた商店街を南に抜け、江川線に戻っ

その後、豊田市美の帰りにここに寄り道してみようなどと思うことになったの

わけでもなく、世界的な作家が海外から何人も招聘されるわけでもなく、フェスて南に下ると驚くほどすぐに名古屋港ガーデンふ頭に行き当たる。ここが異世は、アッセンブリッジ・ナゴヤ2019を目的とした2 度目の訪問でこのあたりに少4 度目となるこの地域への訪問で、こうして再びあちらからこちらへ、こちらからあちらへと境界を横切って歩く。外部から訪ねて来た人びとが、こうして一時帰路、江川線の歩道を港まちポットラックビルに向かって歩いていると、歩道脇の花壇にパンジーなどが寄せ植えされていた。そこには植木鉢の組みあ
わせでつくられた奇妙な人形、7 人の小人やアヒルの人形が雑多に並べ置かれていた。アサンブラージュ、あるいは、アッセンブリッジ。

Assembrige, an Assemblage in the Nagoya Port Area
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Tomoki Yamauchi (Aesthetician, Gardener / Associate professor of Kyoto University of Education)

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REVIEWA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

Assembridge NAGOYA 2020, which took place in the surroundings of
Tsukiji-guchi, Nagoya Port. The title of the contemporary art exhibition of thisfestival, which counted its fifth edition this year, was EXHIBITION “PANORAMAGARDEN – Towards a Sub-Ecosystem –”.
Sub-ecosystem—
Sub-ecosystem—. This word may have puzzled some people. What is a
“Sub-ecosystem”?
The term first appeared in 2015, and was raised again in 2018 in my contribution to the critical journal Arguments #3 (edited by So Kurosaki and Hifumi
Nakayama), “Why there are pansies, instead of nothing—nothing—a sectional view ofrestoration in Namie”, and this was the first time that the issue gained focus.
To summarise, a sub-ecosystem is an ecosystem in a subsidiary state.
In other words, a sub-ecosystem is simply a subsidiary ecosystem, just as a
sub-tropical system is a subsidiary state of a tropical system.
In Arguments #3,#3, this concept was applied, for example, to a collection of
weeds in an abandoned field, scraps, and pansies in a plastic planter by a fence.
In other words, the sub-ecosystem referred to an anthropogenic unconnectedassemblageⅰ）. Its constituent parts or wholes were mutually unconnected anddisconnected from the kind of totality of “system” or “chain” associated with theword ecosystem. An ecosystem that is less than an ecosystem, or an ecosystemthat is unworth an ecosystem—
ecosystem—.
Assembridge NAGOYA, which has reclaimed a number of vacant houses
scattered around the Nagoya Port area and turned them into exhibition spaces
and cafes, is very modest compared to the large-budget art festivals that havesprung up all over the country. The festival does not involve the construction ofa buzzing box, nor does it bring in a number of international artists, nor does itchange the landscape of the town during its run.
The staff, the artists, the artworks, and the exhibition spaces, even including the Minatomachi POTLUCK BUILDING, which is the center of information,
seemed to inhabit in the landscape of the town as if they have blended into thetown, living side by side with the inhabitants of the shopping street.
After getting off at the Tsukiji-guchi station, picking up a pamphlet, andseeing the exhibition at the Minatomachi POTLUCK BUILDING, we turn onto asmall street just east of the Egawa Route, the roadway that runs above the Meikounderground line. A number of shops are lined along the street. The exhibition
space is discreetly scattered among them, and the shops and exhibition spaces
are equally visible. As in most suburbs, of course, there are empty houses and an
aging population. However, as it was the day before the last day of the festivalthat I visited, the street, where several events were being held sporadically, wasindeed slightly heated, and local people, including the elderly, were out in thestreet, creating a bit of a buzz.
I am not deeply committed to this event so I do not know in detail, but
I imagine that this calm vibrancy is the result of the steady activities of Joint
Committee of Port Town, which had already been active for 14 years since 2006,
and of a number of citizens’ groups that existed before that.
Emerged as a new form of urban development, the festival had now rediscovered a number of citizens’ movements that have continued tirelessly — thestruggle for childcare, which Yui Usui explored in her 2019 work, comes to mind—, and has become more than a temporary event. Perhaps it is in the processof becoming more than just a temporary event, and a sustained movement thatis part of, but different from them.
After passing through several venues, heading south through the feverish
shopping street, and back down to the Egawa Route, it is surprisingly easy tofind yourself at the Nagoya Port Garden Pier.
You intuite that you may have come to a different world when the landscapechanges as you cross the once reclaimed canal, which becomes confirmed,
when you pass by the guards and barricades that stand like boundary gatekeepers beyond. This pier is home to the famous Port of Nagoya Public Aquarium, the
NAGOYA PORT BUILDING, the Antarctic research vessel Fuji, and many otherfacilities built in the redevelopment of the port.

It is a place where people from in and out of Aichi Prefecture come to spend
the weekend, to play, to watch, to eat, and to leave. It seems to be a closed system in which everything is completed inside. The people who visit this closed
circuit are like myself, who visit the town for just one day and follow the routequickly, looking at some pamphlet. The only difference is that I have crossed thetown from Tsukiji-guchi, through the shopping street, into this alien territory.
By the way, it doesn’t really matter, but this was the fourth time I visited thisarea. It could be a relatively large number for someone from outside Aichi Prefecture. The first time was when I visited for the aquarium, the second time for Assembridge NAGOYA 2019, and the third time on the way back home from the Toyota
Municipal Museum of Art. And now, here I was, at Assembridge NAGOYA 2020.
Although my only desire was to see the orcas when I first came here, likemany other tourists, I ended up wandering around the Nagoya Port Garden Pier
Park, a kind of a theme park. Depending on the time of day, we can come directly
to the car park of the Garden Pier, or the Nagoya Port Station, enter the aquarium, stop by the Antarctic research vessel Fuji, the Nagoya Maritime Museum
and Observation Room in the NAGOYA PORT BUILDING, or have a meal at
JETTY, and then return to the car park or Nagoya Port Station for the journey
home. For those of us who came here for the pier, the outside looks like a completely different space.
It was on my second visit to Assembridge NAGOYA 2019 that I became alittle more familiar with the area and decided to stop here on my way back fromthe Toyota Municipal Museum of Art. Ignorant of the area outside of the pier,I walked through unfamiliar alleys, bought food in shops, looked at the townscape, looked at a map, and ended up at the Garden Pier, then back in the shopping street for a coffee and a chat with the people there at NUCO, created by
L PACK. The accumulation of these fragments of familiarity and memory — I
am reminded of the work by Nobutaka Aozaki in 2019 and the Minatomachi
Vacant-houses Project Archive 2016-2020 in 2020 — has gradually, but surely,changed this town into something more familiar.

If I had only remembered the orcas, I would not have stopped by thatevening. And even if I had been inhaled into the huge car park of the Garden
Pier for convenience, the path that was drawn by Assembridge NAGOYA had
brought together people who never interacted before, and neighborhoods that
had been separated by invisible borders, to be unconnectedly and accidentally— like Futoshi Miyagi’s Sounds, Metamorphoses,
Metamorphoses, and like the countless objects
assembled and installed in the Former Minato Dormitory of Nagoya Custom in2019 and 2020 — assemblaged.
On my fourth visit to the area, I once again walked across borders, from here
to there, from there to here. Assembridge NAGOYA may have invented a routefor visitors from the outside to come and go, even if only temporarily, between
these different spaces. However, a route must also be invented to allow weekend
visitors, who remain trapped in a closed system, to escape from that system.
On my way back towards the Minatomachi POTLUCK BUILDING, I saw a flower
bed beside the pavement, planted with pansies and other plants. There were
strange dolls made out of flowerpots, seven dwarfs and ducks, placed in a miscellaneous arrangement. An assemblage, or, an assembridge.

ⅰ− In Japan, the word “assemblage” entered from both French and English linguistics,
both in different fields. Strangely enough, the word is pronounced differently in Japan, todistinguish between the two fields and their meanings. The former term circulates mainly inthe context of art history as “asãblaːʒ“asãblaːʒ”,”, a transcription from the French lexicon referring to thetechnique of assembling various objects. The latter circulates in the ecological context as aphonetic transcription of the English word “ə“əsémblsémblɪɪdʒ” (itself of French origin), used in contrast
to “community” to denote an aggregation that does not presuppose interaction between
elements. The term “sub-ecosystem” takes into account the characteristics of both —aesthetic and ecological —, and therefore, the word “assemblage” is always a double-meaning
in the original text. Furthermore, in Japanese, the coined word “assembridge” has the same
sound as “assemblage”, making the above double-meaning involved in the title of this festival
through its sound, and allowing it to even obtain a triple-meaning depending on its context.

SOUND BRIDGE Review ｜ 港まちで再会する映像プロジェクト（ト（⇨⇨ P. 58 ）Video Project to Meet Again at the Port Town ( ⇨ P.58)

距離が物語を生み、物語が距離をうめる｜酒井健宏（映像作家／名古屋芸術大学芸術学部准教授）

Distance Creates Stories and Stories Bridge the Distance
Takehiro Sakai (Filmmaker / Associate Professor, Nagoya University of the Arts Department of Art)

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REVIEWA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 02016 年の秋、私は港まちで映画を撮っていた。港まちづくり協議会の提案

語は、すれ違いながらも交わらない孤立した語りのように見える。ただしそれ公募型事業として映画『右にミナト、左にヘイワ｡』を多くの人の協力のもとで制は、安易な同調や馴れ合いに頼らず、個を失うことを拒絶する姿勢の現れでも作していたのだ。ちょうどアッセンブリッジ・ナゴ ヤ 2016の開催期間中。まちあるだろう。互いの距離を慎重に保ちつつ、石若の音を浅井が身体の動きに転全体が豊かな音色に包まれていた。私がこれまでずっと映画という表現手段

換し、浅井の動きから呂布がリリックを導き出す。ときおりそんな奇跡的なサイの近くにいたのは、みんなで集まって表現し、みんなで一緒に鑑賞することがクルが発現するさまは、分野を異にするアーティストたちが集うサイファーのよ

楽しいからだ。アッセンブリッジ・ナゴヤも毎回、同じ体験をくれる。

うにも見える。人生の波瀾万丈を粛々と示す石若、海底から這い上がるようなだからこそ新型コロナウイルス感染症の流行が、私をつらい気持ちにさせた

浅井、うずくまり後ろ向きの体勢から登場する呂布。海抜ゼロ（＝サイファー）のことは言うまでもない。集まることや距離を縮めることを避けねばならない。し桟橋上で、最後には「明日も生きていける」という実感を握る展開も極めて示唆

かしアッセンブリッジ・ナゴヤ2020で港まちを訪れ、その気持ちは前向きなもに富んでいた。

のに変わった。ソーシャルディスタンスを意識しながら、むしろ距離そのものをそして Gofish（テライショウタ)、イ・ラン、イ・ヘジによる圧巻のパフォーマ

表現に生かし、新しい手法を探求するための工夫に満ちていたからだ。なかでンスライブ。テライが港まちでの足跡と思い出を辿りながら、プロジェクト全体

もサウンドブリッジ部門「港まちで再会する映像プロジェクト」の 3つのプログをまとめ上げるように、あらゆる距離をうめていく。あっちとこっち、過去と現在、ラムについて述べたい。

人とまち、表現と生活。空間、時間、心理的距離を音楽が繋ぎとめ、結びつけ、

まずは角銅真実と大城真によるコラボレーション映像作品。まちの風景にこ再び巡り合わせる。見ているあいだずっと、かつて自分が港まちで制作した映

ぼれ落ちるしずくのような角銅の歌声と音色を、大城がフィールドレコーディン

画のことを思い出していた。その映画でも、まちを逡巡した主人公が最後に港グとともにすくい上げる。マイクに近づけば音は大きく、離れれば小さく。ためまちポットラックビルの屋上に辿り着く。そこで彼は言うのだ｡「ねぇ、また来てしに目を閉じて「聴く」と、別の物語が「見える」のだ。その立体的な音の配置もいい？」と。あのあと主人公たちは港まちで再会を果たしただろうか。それはは、現実世界の物理的距離をなぞる一方、カメラと被写体の距離を小気味よくわからない。でも、今回アッセンブリッジ・ナゴヤで距離を表現に生かす3つの裏切ることがある。映像が音を従わせるのではなく、映像の中で個々の音が自映像作品と出会ったことで、やっぱり私は考えている｡「ねぇ、またここで映画

由を手に入れる。それは 2 人が港まちを自由に動きながら、まちの音と出会い、を作ってもいい？」と。距離が物語を生み、物語が距離をうめる。離れているか

セッションする姿とも重なる。

らこそ、きっと私たちは語るのだ。

次に石若駿、浅井信好、呂布カルマによるインプロビゼーションライブ。海に囲まれる名古屋港の浮き桟橋の上に3 人それぞれの表現手法で持ち寄る物

In the autumn of 2016, I was shooting a film in the Nagoya Port area. I was
making the film Port to the Right, Peace to the Left as part of Joint Committee ofPort Town’s open call for proposals with the help of many people. It was during
Assembridge NAGOYA 2016. The whole town was filled with a rich sound of
excitement. I had always been close to film as a means of expression because I
enjoy coming together to express and to watch together. Assembridge NAGOYA
gives me the same experience every time.
Thus, needless to say, the outbreak of the new coronavirus had been so
painful for me. We have to avoid getting together and getting closer. However,visiting the port area for Assembridge NAGOYA 2020 changed my feelings positively. It was full of ingenious ways to explore new ways of expressing distanceitself while being aware of social distance. In particular, I would like to talk about
the three programs from “Video Project to Meet Again at the Port Town” by the
SOUND BRIDGE division.
The first was a collaborative film by Manami Kakudo and Makoto Oshiro.
Kakudo’s voice and tones, like drops of water spilling over the city landscape,were scooped up by Oshiro using field recordings. The closer you get to themicrophone, the louder the sound, and the further away it gets, the quieter
it gets. If you close your eyes and “listen”, you can “see” a different story. The
three-dimensional arrangement of the sounds traced the physical distancesof the real world, while at the same time it could subtly betray the distance
between the camera and the subject. Rather than letting the image follow thesound, the individual sounds were set free within the image. It also resembled
how the two artists freely moved around the Nagoya Port area and encountered
the sounds of the town and enjoyed the session.
Next was a live improvisation performance by Shun Ishiwaka, Nobuyoshi
Asai, and Ryofu Karuma. On a floating pier in the Nagoya Port, surrounded by
the sea, the three performers brought their own stories to the stage, which
seemed to be isolated narratives that passed each other but did not intersect.
However, this was also an expression of their refusal to lose their individuality,

without relying on easy sympathy or familiarity. Keeping a careful distance fromeach other, Asai translated Ishiwaka’s sounds into physical movements, andRyofu derived his lyric from Asai’s movements. The miraculous cycle sometimes
emerged like a cypher of artists from different fields. Ishiwaka solemnly showed
the vicissitudes of his life, Asai seemed to crawl up from the bottom of the sea,
and Ryofu appeared from a crouched, backward position. The final scene on thepier at zero (i.e., cypher) sea level, where the audience was suggested that theywould “be able to live again tomorrow,” was also highly suggestive.
Then, Gofish (Shota Terai), Lang Lee, and Hyeji Lee gave an outstanding live
performance. Terai traced his footsteps and memories in the Nagoya Port area,closing all the distances to bring the whole project together. Here and there,
past and present, people and town, expression and life. Space, time, and psychological distance were held together by the music, connecting, consolidating,and reuniting them. The whole time I was watching it, I was reminded of a film
I once made in the Nagoya Port area. In that film, the protagonist hesitates in
the city and finally arrives at the roof of the Minatomachi POTLUCK BUILDING.
There he says: “Hey, can I come back?” Did they meet again in the Nagoya Port
area after that? We don’t know. But after meeting three films at Assembridge
NAGOYA that made use of distance in their expression, I am still thinking. “Hey,can I make a film here again?” Distance creates stories, and stories bridge thedistance. It is probably the distance that makes us talk.

SOUND BRIDGE Review ｜ 井手健介とモームと NUCO （⇨（ ⇨ P. 64 )、井手健介 The Lonely Surfer （⇨（ ⇨ P. 66 ）Kensuke Ide, Maugham and NUCO ( ⇨ P.64) , Kensuke Ide The Lonely Surfer ( ⇨ P.66)

港から見る青い星｜ミヤギフトシ（アーティスト）

The Blue Planet Seen from the Port｜
Port｜Futoshi Miyagi (Artist)

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REVIEWA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 02020 年に発表した映像作品《音と変身 / Sounds, Metamorphoses 》に重なり、その途方もなさに音楽を通して気づかされる。

音楽家役として井手健介さんが出演してくれることになり、L PACK. が手掛け翌日は『 The Lonely Surfer 』と題されたライブで、海上の小型船で歌う井港まちの社交場として機能するカフェを備えたスペース「 NUCO 」や名古屋港

手さんを岸から鑑賞するというものだった。井手さんの歌詞に歌われる海や水周辺のまちなか、そして水辺で井手さんを映像に収めた。春には自身の新アル辺のイメージに私は強く惹かれていて、その世界観と風景が見事に合致したラバム発売も控えているとのことで、アッセンブリッジ・ナゴヤの会期中にライブイブだった。船は岸のぎりぎりまで近づき、あるいは岸を併走し、船首で井手さができるといいですね、などと2020 年のはじめ頃に井手さんや事務局のみなさんが歌っている。後半は岸でギターを弾くテライショウタさん（ Gofish ）と向きんと話していた。しかしその後は緊急事態宣言の発出など先行きの見えない状

合い、こだまのようにギターの音を鳴らしあう。観客やテライさんと井手さんの況が続き、アッセンブリッジ・ナゴヤ自体は開催できても、ライブは難しいだろ

距離はほんの数メートル、それでも海は海で、そこには超えられない断絶があうと考えていた。が、それは実現した。2日にわたり、全く異なる設定で 2 度も。

る。すぐそこにある船の上で歌われる「ぼくの灯台はもう光らないけれど／きみ

1日目は『井手健介とモームと NUCO 』として､「 NUCO 」でのモーニングラの帰り道を照らしてあげられないけれど｣（ 『ぼくの灯台』）という歌詞が切なくイブだった。モームというのは私が手作りの焼き菓子を振舞う際に使っている港に響く。

屋号のようなもので、イギリスの小説家ウィリアム・サマセット・モームから来てしかし最後、船が桟橋に停まり井手さんが岸に降り立つ。そしてテライさん

いる。NUCO のキッチンに差し込む朝の光に輝くお菓子のアイシング、そしてと共に、デヴィッド・ボウイ『スペース・オディティ』のカバー。船の歌だった。

曲の合間に客席から聞こえる、お菓子を切ったフォークがお皿に当たる小さなついに海も岸も超えて宇宙に行ってしまった。ここでも原曲とは異なる歌詞で、音が印象的で、お菓子がイベントの一部を成していることに嬉しさを覚えた。

「きみに手を振りたいけど、ただ青い星があるだけ」と歌われてライブ本編が井手さんにとってアルバム発売後の初ライブとなったようで、グラムロックの華終わる。それまでの数ヶ月に広がった自分と世界との距離がその歌詞には表やかさと喧騒に包まれたアルバムの収録曲が、弾き語りの新鮮なアレンジでれているような気がして、宇宙になど行ったことはないけれど、暗闇に船が漂演奏された｡『ポルターガイスト』は賑やかなアルバ ム収録版とは全く異なるう光景を思い描くことができた。そこに広がる宇宙の静けさと遠い地球の青さ

親密なアレンジで､「どうして触れられないの？」という歌詞の悲しさが際立つ。

が、それを歌う音楽が、胸の奥に居ついてしまった不安を少しの間だけ消して自身で歌詞を当てたというカーペンターズ『イエスタデイ・ワンス・モア』のカバくれたように思えた。

ーは、2 番冒頭の「 US オリでニアミント、シュリンク付きで 9 千円は安い」に少し笑いつつ、音楽が見せてくれる魔法を求め続ける「僕」の切実さに心を動かされた。遠い青春との間に横たわる空白が、春から生じていた空白の時間に

In my video work, Sounds, Metamorphoses released in 2020, Kensuke Ideagreed to play the role of a musician and I filmed him in various places in the
Nagoya Port area including NUCO - the cafe that L PACK. created and now
functions as a social hub -, in the townscape, and along the waterfront. As Ide
was planning to release his new album in spring, we were also speaking withthe organizers of Assembridge NAGOYA about the possibility of having a live
performance during the festival. However, due to the declaration of the State ofEmergency and other uncertain circumstances, we thought it would be difficult
to hold a live performance even if Assembridge NAGOYA itself could be held.
But it did happen: twice, over two days, in two completely different settings.
The first day was a morning live at NUCO as “Kensuke Ide, Maugham and
NUCO”. Maugham was the name I use when I serve my homemade baked
goods, derived from the English novelist William Somerset Maugham. The icingof the sweets shining in the morning light coming into the NUCO kitchen, andthe small sound of the forks cutting the sweets and hitting the plates in the audience between the songs were impressive, and I was delighted to see the sweets
forming a part of the event. It seemed to be Ide’s first live performance since therelease of his album, and the songs from the album with the glam rock taste andthe hustle and bustle were played with a fresh acoustic arrangement. Poltergeist
was played with a completely different arrangement from the album, and theintimate interpretation highlighted the sadness of the lyrics that said, “Why can’t
we touch?” In the cover of the Carpenters’ Yesterday Once More,More, which he wrote
the lyrics himself, there was a little laughter at the beginning of the second verse
where it said, “9000 yen is cheap for a shrink-wrapped, near mint condition US
original”, while we were moved by the earnestness of “me” who continued tosearch for the magic that music could bring. The void that lied between me andmy distant days of youth overlapped with the void that had arisen since spring,and through the music, I was reminded of the tremendousness of it.
The next day was a live performance entitled “The Lonely Surfer”, where
we watched from the shore as Ide sang on a small boat on the sea. I was very

attracted to the images of the sea and the waterfront in his lyrics, and this concert was a perfect match between his world view and the scenery. The boat
sailed closest to or alongside the shore, with Ide singing on the bow. In the second half of the show, he faced Shota Terai (Gofish), who was playing the guitar
on the shore, and they played their guitars together like an echo. The distance
between the audience and Terai, and Ide, was only a few meters, but the sea wasstill the sea, and there was a disconnect that could not be crossed. The lyrics
sung on a boat just there which went “My lighthouse doesn’t shine anymore /And I can’t light the way home for you” (Boku(Boku no todai [lighthouse keeper])keeper]) echoed in the harbor with loneliness.
But at the end of the song, the boat stopped at the pier and Ide steppedout onto the shore. Then, together with Terai, he sang a cover of David Bowie’s
Space Oddity.
Oddity. It was a song about a ship. At last, we went beyond the sea andthe shore, and went out into space. Again, the lyrics were different from the original, and the main part of the show ended as he sang, “I want to wave my handto you, but there is just a blue planet”. The lyrics seemed to express the distance
between myself and the world that had widened in the previous months, andalthough I have never been to space, I could picture a ship drifting in the darkness. The silence of the universe and the blue of the distant earth, and the musicthat sang of it, seemed to erase for a moment the anxiety that had lodged in myheart.

SOUND BRIDGE Review ｜ 港まちブロックパーティー meets ポットラックバ ザール （⇨（ ⇨ P. 68 ）僕の新しい地元の祭｜阿部航太（デザイナー）

ⅰ− Minatomachi Art Table, Nagoya [MAT, Nagoya] は 港 まちづくり協議会を母体に、名古屋の港まちをフィールドに行うアートプログラム。
「 MAT, Nagoya・スタジ オプロジェクト」では、アーティストやデザイナ
ーが港まちのスタジオを拠点に、制作・活動発表を行う。

Minatomachi Block Party meets Potluck Bazar ( ⇨ P.68)

My New Local Festival｜
Festival｜Kota Abe (Designer)ⅰ− Minatomachi Art Table, Nagoya [MAT, Nagoya] is an art program
based in the Nagoya Port area, organized by Joint Committee of Port
Town. In the MAT, Nagoya Studio Project, artists and designers use
studios in the Nagoya Port area as a base to create and present their
work.

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個人的な話から入るが、僕が育った地元はいわゆるニュータウンで祭がな

開か れる瞬間のように思える。プログラムもカテゴライズを避けるように多様かった。だから祭といえば近隣の町のもので、遊びに行ったとしても出店で買なラインナップで構成されている。そして何より面白いのはそのプログラムがった焼きそばを片手に盛り上がっている神輿を周辺から眺めるしか参加しよう

ゆるくクロスオーバーしあう場面だ。サイファーが最前列に座る年配の方々にのないものだった。

言葉を届けた後、その年配の方々が中心に踊る盆踊りに先ほど壇上にいたラ

一昨年の夏に MAT, Nagoya のスタジオプロジェクトⅰ）に参加することがでッパーが加わる。ドラァグクイーンたちが、驚いたように見つめる子供に笑顔き、この港まちに2ヶ月間滞在した。その期間中にインタビュー形式の作品をつで手を振る後ろでは、DJ が軽快なトラックをかける。それまで立って見ていたくるため、地元の方や今までこのまちに関わってきたさまざまな人たちに出会

青年がたまらず躍り出ると、彼とドラァグクイーンとのゆるいダンスバトルが始った。だから僕にとって「港まちブロックパーティー」は再会の場という意味合まる。こんな具合だから、何か共通の趣味趣向がある人の集まりにはならない

いが大きい。今年も地下鉄の出口を出てすぐ、名港サイファーの MC の 1 人とし、年齢的な狭さも感じない。このパーティーの独自性みたいなものは、プログ

目が合い、僕の（覚えているかな…？）という不安げな挨拶に「あ、ひさしぶりっ

ラムそのものではなく、どちらかというとそこに集う人びとによって醸成される。

す！1 年ぶりっすね！」と返してくれる。とりあえず NUCO に向かうと顔見知りのだからこそ、プログラムの演者でもなんでもない自分も、この祭に、そしてこのコメンバーが店番をしていて「こういうのがあるといいですね。久しぶりの人に会

ミュニティに参加している、という感触を得ることができる。

えて。ところで最近のオススメの HIPHOP とかありますか？」と聞いてくる。コ

こう考えると「港まちブロックパーティー」は僕にとってこのまちに継続的にーヒーを飲み外へ出て、忙しく駆けずり回っている運営スタッフの皆に軽く挨拶関わるためのひとつの楔のように思えてくる。もちろんアッセンブリッジ・ナゴ

をし、このパーティーの企画に携わっている先輩デザイナーを見つけ、その肩ヤの他のプログラム、港まちづくり協議会や MAT, Nagoya が主催する他のイをたたいてみる。マーケットで花を見ていると、築地公設市場前が少し騒がし

ベントも、自分がこのまちと関わる機会となるだろう。だけど、こういったオー

くなり大きな輪ができて盆踊りが始まる。着物でキメた知り合いのおばさまにルスター（あくまで僕にとっての）が揃うイベントはこの港まちブロックパーティ

見つけられ「ここまで来て踊らんでどうすんの？」と輪の中に加えられ、振りを記

ーだけだ。アートも音楽もまちも人もごった煮の 1 日。そこに行けばあの人、こ憶から引っ張り出してなんとか踊る。スタジオプロジェクト期間中にさまざまなの人に会える1日。自身の祭を持つことのできなかった僕の、新しい地元の祭。

場面で出会った人たちが、港まちオールスターのように集結している。そして自今年が最後と聞いているアッセンブリッジ・ナゴヤの今後の展開は僕にはわか分もその場所にいることができる。こうしていると「ああ、港に来たなあ」というらないけれど、来年も、また再来年も何かしらのかたちでこんな1日が港まちに感慨が湧いてくる。

あり続けることを期待している。

「港まちブロックパーティー」は「港まち」というコミュニティの扉が最大限に

I’d like to start with a personal story. I grew up in a so-called new town
where there were no festivals. The only way to participate in festivals was tobuy yakisoba from a stall and watch the mikoshi (portable shrine) from a nearby
town.
The summer before last I was lucky enough to be part of MAT, Nagoya’s
Studio Projectⅰ）, and spent two months in the Nagoya Port area. During that time
I met a lot of local people and people who have been involved in this town, inorder to make artwork from interviews. So for me, the Minatomachi Block Party
is more of a reunion. This year, as soon as I stepped out of the underground exit,
I made eye contact with one of the MCs from the Meiko Cypher. He replied to
my anxious greeting and went, “Oh, it’s been a while! It’s been a year!” And thenI went to NUCO, where there was a member who I knew manning the shop andsaid, “It’s nice to have something like this. It’s good to see people you haven’t
seen for a long time. By the way, do you have any recent hip-hop recommendations?” I had a coffee, went outside, said hello to the staff who were busy runningaround, found a senior designer who is involved in the planning of this party andpatted him on the shoulder. While I was looking at the flowers in the market, thearea in front of the Tsukiji Public Market became a bit noisy and a big circle ofpeople started to dance. An old lady I know, dressed nicely in a kimono, spottedme and asked “How come you’re not dancing while you’re here?” and pulled
me into the circle of dancers, as I managed to pull the choreography out of mymemory and danced along. The people I have met in various situations during
the Studio Project have gathered together like an all-star group in the Nagoya
Port area. And I was able to be there. It truly made me feel that I had come to theport.
The Minatomachi Block Party seems to be the moment when the doors of
the Nagoya Port area community are opened to the maximum. The program isdiverse and defies categorization. What is most interesting is the loose crossover between the programs. After Cypher delivered their words to the elderly
people sitting in the front row, the rapper who was on stage earlier joined in

the bon dance danced by the elderly people. Behind the drag queens, smilingand waving at the children who stare in amazement, a DJ plays a lively track. A
young man, who had been standing there watching, couldn’t resist jumping out
and starting a loose dance battle between him and the drag queens. Because ofthis, the party doesn’t feel like a gathering of people with common interests, nordoes it feel narrow in terms of age. The uniqueness of the party is nurtured notby the program itself, but rather by the people who gather there. That’s why I canfeel that I am a part of this festival and this community, even though I am not a
performer of the program or anything.
In this way, the Minatomachi Block Party seems to be a wedge for me tocontinue to be involved in this town. Of course, the other programs of Assembridge NAGOYA, the other events organized by Joint Committee of Port Town
and MAT, Nagoya would also provide opportunities for me to engage with thetown. But the Minatomachi Block Party is the only event that has this kind of allstar lineup (for me, that is). A day full of art, music, town, and people. A day where
you can meet this person and that person. This is a new local festival for me, asI have never had my own festival. I don’t know what will happen to Assenbridge
NAGOYA in the future, but I hope that next year, and the year after that, this kindof day will continue to exist in the Nagoya Port area in some way.

20 16 - 2020

ARC H I V E

写真｜怡土鉄夫、今井正由己、太田昌宏、柴田祐希、タバタ☆ヒロミチ、冨田了平、PACell 、松井沙織、三浦知也、南 章佑、アッセンブリッジ・ナゴヤ実行委員会事務局

Photography | Tetsuo Ito, Takayuki Imai, Masahiro Ota, Yuuki Shibata, Hiromichi Tabata, Ryohei Tomita, PACell,
Saori Matsui, Tomoya Miura, Akisuke Minami, Assembridge NAGOYA Executive Committee Secretariat

2 016 Pre-event

2 016 Pre-event

安田祥子&金澤みなつ｜まちなかコンサート

リトルビークル

Shoko Yasuda & Minatsu Kanazawa

Little Vehicle

トラベルムジカ｜ニシヘヒガシヘ！漂流するメロディー ワークショップ in みなとまち
TRAVEL MUSICA | To west and east, Drifting Melody Workshop in the port town

Nuovo anno｜港橋広場公園
港橋広場公園 野外コンサート

名フィル×ルイサダ｜ベートーヴェン・ナイト！
Nagoya Phil × Luisada | Beethoven Night!

2 016

L PACK.｜UCO

2 0 16

コラクル＋渡辺英司｜本の中身／小さな貨物船
CORACLE + Eiji Watanabe | The Content of A Book

L PACK.×安田祥子｜コーヒーとヴァイオリン
L PACK. × Shoko Yasuda | Coffee and Violin

ヒスロム｜パフォーマンス
hyslom | Performance

2 016

法貴信也
Nobuya Hoki ｜ Untitled

2 0 17

名フィル トランペット四重奏×イルカパフォーマンス ドリームコンサート

ユーアン・マクドナルド

野田清隆×愛知室内オーケストラ

Trumpet quartet by members of Nagoya Phil

Euan Macdonald ｜ lnterval

Kiyotaka Noda × Aichi Chamber Orchestra

2 017

20 17

Ett＋西尾 賢｜みなと流し

作曲家・西尾洋とピアノ連弾で即興リレー

Ett + Ken Nishio

Yo Nishio

冨井大裕

L PACK.｜たとえば、いつもより早く起きて港街でモーニングを食べてみるとする。

Motohiro Tomii

For instance, wake up earlier than usual and eat breakfast at the port town.

L PACK.｜UCOのための設計 −8枚切りのアーカイブ−

L PACK.｜UCO 最後の3日間

A Design for UCO -An Eight-sliced Archive-

UCOʼ s Last Three Days

角銅真実｜こんにちはのうしお

港まちブロックパーティー

Manami Kakudo | Hello, UCO

Minatomachi Block Party

2 018

ルヴァン・ブラスクインテット×水族館｜クラシックコンサート

2 0 18

Ensemble Levent Brass Quintet | Classical music at the Aquarium

Aokid｜OVER THE RAIN boy

碓井ゆい

港まちブロックパーティー

Yui UsuiMinatomachi Block Party

折坂悠太｜平成最後のUCOライブ
Yuta Orisaka | The Last UCO Live in Heisei

2 018

20 19

碓井ゆい｜要求と抵抗

みなとストリングス｜コンサート

Yui Usui | Demands and Resistance

Minato Strings | Concert

ジェムカルテット｜アウトリーチコンサート

千葉正也

Gemme Quartett | Outreach Concert

Masaya Chiba

青崎伸孝

港まちブロックパーティー meets ポットラックバザール

Nobutaka Aozaki

Minatomachi Block Party meets Potluck Bazar

クピパトリオ｜親子で楽しむコンサート

港まちブロックパーティー meets ポットラックバザール

Kupipa Trio | Concert for kids

Minatomachi Block Party meets Potluck Bazar

2 019

2 0 19

折元立身｜26人の港まちのおばあさんのランチ

みなとまち空き家プロジェクト

Tatsumi Orimoto | 26 Grandmothers Lunch in the port town

Minatomachi Vacant-houses Project

港まちブロックパーティー meets ポットラックバザール
Minatomachi Block Party meets Potluck Bazar

2020

Gofish｜NUCOライブ
Live at the NUCO

井手健介
Kensuke Ide ｜ The Lonely Surfer

2 02 0E S SAY

202 0

L PACK.｜NUCO

Essay ｜ 音楽プログラムディレクター

Music Program Director

コンサートのその先にあるもの｜岩田彩子（チェロ奏者）

What Lies Beyond the Concert｜
Concert｜Ayako Iwata (Cellist)

122

123
E S S AYA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

演奏家が奏でる音楽が、コンサートホールを飛び出し、まちで気軽に無料や低価格で聴ける。それは、非日常だったり、珍しいことなのか？

こっていることながら、よくわからず、疎外感を感じた人もいるだろう｡「レジデンス・アンサンブル プロジェクト」では、2018 年からの連続する3 年間で、4 組

今や、コンサートホールでもワンコインなど低価格でカジュアルなコンサー

17 名の演奏家がまちに滞在した。楽器を抱えて移動する彼らや、練習会場かトが企画されており、文化施設、教育施設や商業施設で気軽に音楽が聴ける

ら漏れ聞こえる音がまちの風景に溶け込み、間借りしている演奏家をまちの人

ロビーコンサートなども、探してみれば案外都会には少なくない。技術の進歩

びとが優しく包んでくれた。その他、楽器の初心者が演奏に取り組む「みなとスで、遠く離れた異国での音楽がリアルタイムで堪能できるようになり、コロナ禍

トリングス」企画や、次世代を担う子どもたちに向けての作曲・演奏のワークシでその進歩は一層加速した。どのくらいの人たちが、その音楽を必要とし、恩恵ョップなど、能動的に音楽に向かう企画も行った。

を積極的に享受しているのだろう？

2016 年にアッセンブリッジ・ナゴヤがはじまって以降、会場で出会ったコンレジデンス・アンサンブルやみなとストリングスで初めて未知の「まち」に降り立った彼らは、滞在日が増えるに従い、何度も歩いた道が生まれ、出会う人

サートの奏者が良かったから、またはあの曲が良かったから、今度はコンサーが増え、風を感じ、自分のなかにまちの地図を描きながらまちに愛着を得ていト会場まで足を伸ばそう、CD を買ってみよう、という次のステップに、どれほどく。彼らは通常、新しい音楽の演奏に取り組む際、音楽や仲間と向き合い、楽繋がっていっただろうか。物事への興味や関与が高まるというのは、生きる力

譜を読み込んで音を体内になじませ音楽に変えていく作業をする。この2つのを刺激する。QOL（ Quality Of Life：クオリティオブライフ）のあり方を、この作業はどこか似ている。彼らがこの先、ここで演奏した曲を再演したり聴いた

コロナ禍で改めて自問した人も多かったのではないだろうか。

りする時には、曲とまちの風景やにおい、湿度までもがリンクして、自然と思い

アッセンブリッジ・ナゴ ヤでは、音楽に積極的に関わることを促す取り組みをしてきた。まちの飲食店やコミュニティスペースを生かしたコンサートをはじ出されることもあるだろう。それは音楽を通して彼らに宿ったまちの面影が、彼らの人生に色味を加えているといえるのではないか。

め、まちの人には馴染みの場所でのコンサートなど、遠かった演奏家が物理的

音楽は言葉をもたない。しかし時として言葉より雄弁だ。しかも、受け手によに近くなることで、音楽をより身近に感じてもらうことができた。またデイサービって、同じ音楽でも違った意味を持つ場合もある。我々には等しくその恩恵をスや幼稚園などへ演奏家が出向くアウトリーチを通して、自分たちのまちで起享受する権利がある。

こっているフェスティバ ルを、直接会場へ行くことが難しい人びとへも届け、一体感を共有してきた。

世界をウイルスの脅威が襲った2020 年、不要不急という言葉に芸術も襲われた。折しもベートーヴェン生誕 250 周年、不屈の音楽家からの時空を超えた

その一方で、フェスティバ ルによる賑わいの創出が、場合によっては自分の「苦悩から歓喜へ」とのメッセージが我々に語りかけてくるようだ。これからも、

まちへ他所の人が土足で踏み込んでくるような印象を持ったり、我がまちで起言葉のないことば＝「音楽」が、必要としている人びとへ届くことを祈っている。

The music played by musicians fly out of the concert hall and can be casually heard in town free of charge or at low prices.
Is this rare or unusual?
Nowadays, even concert halls organize casual concerts at low prices suchas one coin concerts, and there are quite a few lobby concerts held in cultural,
educational, and commercial facilities in cities. Technological advances havemade it possible to enjoy music from distant continents in real-time, and the
new coronavirus infection has accelerated this process. How many people areconsidering music as a necessity, and are actively enjoying the benefits?
I wonder how many people had taken their next step of going to a concert
or buying a CD because they liked the performer or the music they heard since
we launched Assembridge NAGOYA in 2016.
Increasing one’s interest or involvement in things stimulates vitality, andthe coronavirus pandemic may have made many people requesting their qualityof life. At Assembridge NAGOYA, we have been trying to encourage people tobe actively involved in music. We have held concerts in local restaurants andcommunity spaces, and in places that are familiar to local people. Through outreach to day services and kindergartens, we have been able to bring the festival
to people who would otherwise not be able to visit the venue directly, and haveshared a sense of unity.
On the other hand, in some cases, the creation of a lively atmosphere by thefestival may have given the impression that people from other places were stepping into their town, and some people may have felt alienated because they did
not understand what was happening in their town. The “Residency Ensemble
Project” has brought four groups of 17 musicians to the town over three consecutive years, starting in 2018. The scenes of musicians carrying their instruments
and the sound of their rehearsals blended in with the landscape of the town, andthe people of the area were kind enough to welcome the musicians in their temporary accommodation. We also planned an active approach to music, including
the Minato Strings project, in which beginners of instruments were encouraged

to try their playing in performances, and a workshop on composition and performance for the next generation of children.
After arriving in an unknown town for the first time with the Residency
Ensemble and Minato Strings, they come to know the town by drawing a new
map within themselves through walking down the same street many times,
meeting more people, feeling the wind, and being more attached to the town
as the days of their stay increase. Usually, when they work on a new musicalperformance, they face the music and their companies, read the score, and workon transforming the sound into music. These two tasks are somewhat similar.
In the future, when they perform or listen to the songs they have performed
here again, they may link the songs with the scenery, the scent, and even thehumidity of the town, and naturally remember them. It could be said that the
shadow of the town that resides in them through their music has added color totheir lives.
Music has no words. But sometimes it is more eloquent than words. The
same music can mean different things to different people. We all have an equal
right to enjoy its benefits.
In the year 2020, when the world was struck by the threat of a virus, art wasalso struck by the word “unessential”. On the 250th anniversary of Beethoven’s
birth, the indefatigable musician’s timeless message to “receive joy through sorrow” seems to speak to us. We hope that the words without words - “music”- willcontinue to reach those who need it.

Essay ｜ アートプログラムディレクター

ⅰ−ジル・クレマン著、山内朋樹訳『動いている庭』、みすず書房、2015 年
庭とその思考｣『あいだ／生成』第 2 号、あいだ哲学会、2012 年

ここに在るためのちょうどよい塩梅
124ⅲ, ⅳ− 山内朋樹「イメージをまとわせる—「イメージをまとわせる— 植物のコラージュがかたちづくる
亜生態系｣『 vanitas 』No, 004 、アダチプレス、2015 年

服部浩之（キュレーター／秋田公立美術大学准教授）

界隈を舞台の一つとしさまざまな時や場所をつなぐ映像作品を展開した。両者

規模、課題や関心は社会状況や周辺環境とともに変化したが、アートが人の暮

とも、港まちに深く関わりつつも、閉じることなく、外側に広がる世界と接続する

らしや営みと共にあり地域の生態系の一部になりうるか、という問いは一貫し作品を提示した。

プロジェクトを構想した当初は、ジル・クレマンによる「できるだけあわせて、まちを歩くと折元立身による港まちでのランチ会を記録した映像に出会う。

L PACK. が手がける NUCO には日々通う近隣の人もいれば、滞在中のアⅰ）
なるべく逆らわない」という態度に共感し、港まちエリアを動きつづける庭に見ーティストや、イベントをめがけてくる人もいる。それぞれの時間を自由に過ご立て、展覧会を構築した。クレマンが人と自然との境界を問い直すことを重要しつつ、ときに混じりあう。

視したのを受けⅱ）、本展は人とまちの境界のあり方を問い続ける取り組みだ。

旧・名古屋税関港寮は、新たなものを生みだすアーティストの実験場である

2020 年の本展では、クレマンの研究を進める庭師で美学者の山内朋樹が提とともに、来訪者に新鮮な驚きを与える場だ。上田は港まちポットラックビルと唱する「亜生態系」という概念を援用した。私たちは、ローカルとグローバ ル、比べてより実験的で自由な作品を展開し、丸山のどかは精度の高い細部まで地域の人と地域外の人、アートの専門家と非専門家など、人やものを分類した

行き届いた壮大なインスタレーションを実現するなど、若手アーティストが大り対立軸を設定したりしがちだが、そういう安易な境界設定の危うさに山内は胆な試みをのびのびと行った。経験豊かな三田村光土里は、会期を通して税

亜生態系を通じて警鐘をならす｡「土着的なものと非土着的なものといった分

関寮に滞在し制作を続け、来訪者と対話を重ねた。三田村はさらに、借り画廊

割は本質的なものではなくなってしまう」ⅲ）という山内の指摘は、生態系の本来というアーティスト同士の信頼で成り立つ発表空間を築き、公的なフェスティ

的なクレオール性やハイブリッド性を示唆する。多種多様な要素が入り混じり

バ ルを緩やかに脱臼し、税関寮に小さな解放区を生み出した。

成立するまちの構造にも適用可能な思考だろう。

5 年のあいだにアッセンブリッジ・ナゴ ヤの活動は、突如あらわれた外来種ではなく､「ときに関係し、ときに無関係な、複数の亜生態系」ⅳ）の一部として、定着してきた。
ここで本年度の展覧会を振り返りたい。港まちポットラックビルでは、上田

スーパーギャラリーでは、アッセンブリッジ・ナゴヤを通じて行われた空き家の再生や転用を紹介し、まちの生態系への建築的参入の変遷を紹介した。
このように書き出すと、複数の場所で異なる作品や活動が淡々と重ねられていることがよくわかるだろう。ときに交わりつつも、過度に関係しあうことはない。これくらいが丁度よい塩梅なのかもしれない。5 年前は、打ち上げ花火で良が約 2 ヶ月滞在し、レンガとブロックの塀が衝突する「ドッキング風景」と呼はない継続的な活動をと意気込んでいた。そして現在は、亜生態系のひとつとぶ状況をきっかけに制作した作品群を発表し、ミヤギフトシは NUCO やこの

して、当たり前にここに在ることができるようになったと信じたい。

Just the Right Balance to Be Here
Hiroyuki Hattori (Curator / Associate Professor, Akita University of Art)

The contemporary art exhibition “Panorama Garden” continued for five
years under the same title. Although its format, structure, scale, issues, andconcerns changed with the social situation and the surrounding environment,
the question of whether art could be part of a local ecosystem, alongside theactivities of people’s lives, was consistently explored.
When we first conceived the project, we sympathized with Gilles Clément’s
attitude of “To do as much as possible with, as little as possible against”ⅰ）, andconstructed the exhibition by looking at the Nagoya Port area as a garden inmotion. Following Clément’s emphasis on rethinking the boundaries between
people and natureⅱ）, this exhibition was an effort to continue questioning theboundaries between people and the town.
For the 2020 exhibition, we drew on the notion of “sub-ecosystem” proposed by Tomoki Yamauchi, who researches on Clément as an aesthetics
researcher and also is a gardener.
Although we tend to easily set boundaries between people and things,
local and global, local people and people outside the local area, art experts andnon-experts, Yamauchi warned us of its danger through the concept of sub-ecosystem. Yamauchi’s point that “divisions such as indigenous and non-indigenous
cease to be essential”ⅲ）suggests the inherent creole and hybrid nature of ecosystems. It is a thought that can be applied to the structure of a town, which is a
mixture of many different elements.
Over the past five years, the activities of Assembridge NAGOYA havebecome firmly established as part of “multiple sub-ecosystems, sometimes
related, sometimes unrelated”ⅳ） rather than as an alien species that had suddenly appeared.
Here I would like to look back at this year’s exhibition. At the Minatomachi
POTLUCK BUILDING, Yaya Ueda stayed for two months and presented a series
of works inspired by a situation she called a “docking landscape”, in which brickand block walls collided, while Futoshi Miyagi used NUCO and this neighborhood as a stage for a video work that connected various times and places. Both

ⅰ−Gilles Clément, translated by Tomoki Yamauchi, The Garden in
Movement,, Misuzu Shobo, Ltd. 2015
Movementⅱ−Tomoki Yamauchi “Can a New Garden be Created Without a
Human—
Human—Gardens by Gilles Clément and His Concepts—
Concepts—”, Between/
Becoming no.2, Society of In-between Philosophy, 2012
ⅲ,ⅳ−Tomoki Yamauchi, “Wearing an Image — A Sub-ecosystem formedby Collages of Plants”, vanitas no.004, Adachi Press, 2015

artists presented works that were deeply connected to the Nagoya Port area, but
did not close off and connect to the world outside.
Walking around the town, I came across the video archive of a lunch meeting in the Nagoya Port area by Tatsumi Orimoto.
At NUCO, there were neighbors who came every day, or those participatingin artists in residence, or those who specifically came for an event. While each ofthem freely spent their time, they sometimes mixed with each other.
The Former Minato Dormitory of Nagoya Custom was a place for artists toexperiment and create new things, and a place for visitors to be surprised withfresh amazement. Younger artists enjoyed venturous expressions, with Ueda’s
further freer and experimental work than that of the Minatomachi POTLUCKBUILDING, and Nodoka Maruyama’s spectacular installations of great precision
and attention to detail. The experienced artist, Midori Mitamura kept staying
and working in the Former Minato Dormitory of Nagoya Custom throughout theexhibition, engaging in dialogue with visitors. Mitamura also created a Borrowed
Art Pieces Gallery,
Gallery, a space for artists to present their work based on mutual
trust, gently dislocating the public festival and creating a small liberated zone in
the venue.
At the Super Gallery, the reclamation and conversion of vacant houses
through Assembridge NAGOYA was introduced, showing the evolution of architectural intervention into the town’s ecosystem.
Writing in this way, it is easy to see how different works and activities wereunobtrusively layered on top of each other in multiple locations. They sometimes
intertwined, but never overly related. Perhaps this was the right balance. Fiveyears ago, we were determined to make this an ongoing activity, and not a onetime spark of firework. And now, as a sub-ecosystem, we would like to believethat we are able to naturally be here as a matter of course.

125
E S S AYA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

5 年間同一タイトルで続いた現代美術展「パノラマ庭園｣。その形式や構造、て探求を続けてきた。

Art Program Directerⅱ−山内朋樹「新しい庭は人間なしでつくられるのかられるのか—— ジル・クレマンのEssay ｜ アートプログラムディレクター

Art Program Directer

What Lies Beyond the “Distance”｜“Distance”｜Shinya Aota (Artist)「距離」の先にあるもの｜青田真也（アーティスト）
126

127
E S S AYA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

新型コロナウイルス感染症の影響で 1 年ほど前から「ソーシャルディスタン

りながらも、それぞれのアーティストや作品、プロジェクトが「ここにいる・あるこス」という言葉を耳にするようになった。1 年足らずで距離感というものがこんと」に重きを置いてきた。表現方法こそ違えど、アーティストや作品はまちを起

なにも変わるものなのか。電車やまちなか、公共の場で無意識に身構え、誰か

点にしながらも、その先にある多様な存在を映し出した。人びとの日常に目を向となるべく距離をとろうとする。

ける、環境や風景に反応する、まちに接続する、場所も時代も違うものを想う、身2020 年のアッセンブリッジ・ナゴ ヤを考えるうえでも「距離」について避け

近なものとの関係を問う。それぞれの視点の先には、何かしらの存在がある。まることはできなかった。それは企画を実施するために必要な物理的な「距離」

た一見すると向かい合う対象などないような行為の先にも、作ることを通して芸だけでなく、各アーティストの作品やプロジェクトにおける概念的な「距離」と術や自己に向き合う存在がある。港まちを舞台にしたフェスティバ ルではあるいうものも含んでいる。上田良やミヤギフトシの時代や場所を越えた物事、折が、結果的にこの場所からさまざまな景色を望むことができたのではないか。

元立身や丸山のどか、三田村光土里の身近な人や思い出との別れ、テライシ

このような状況のなかでまちと芸術との関係を考えてみると、時に結びつき、

ョウタとイ・ラン、イ・ヘジの往来することのできない国境、井手健介の海上から時に離れ、常には交わる状態ではないかもしれない。立場をはっきりと区別しの演奏と岸からの鑑賞、港まちブロックパーティーでの他者と触れあうことのでたり、無理に取り繕って過大に何か見せたりするわけでもない。ここにいることきない瞬間。今回の作品やプロジェクトの多くで「距離」の重要性が顕著にな

で時間や場所を共にし、境界を曖昧にしながらも淡々と個々の営みを続けていり、それぞれの本質的な部分と深く結びついていた。

る。しかし違うもの同士がゆるやかな流れをつくり、重なることで新たな風景や

改めて「距離」ということを考えてみると、そこには一方向的な視線やただの時間がうまれ、時に大きな動きとして認識できることがある。L PACK. やメンバ

隔たりだけでなく、その先に必ず何かしらの対象が存在するという当たり前のーと5年間継続し開いてきた UCO や NUCO の活動もそうであるように。UCO、ことに気づかされる。何かと何かを引き離すのではなく、結びつけるための「距NUCO も大きなモニュメントではなく、まちの社交場として継続的に手を入れ続離」や、関係性をつくるための「距離」について考えることもできる。

けることで、まちの一部になることを目指してきた。その振る舞いは、アッセンブ
リッジ・ナゴヤを通して定点的にまちを観察し施してきた行為そのものでもある。

アッセンブリッジ・ナゴヤが 2016 年から始まって、アート部門では「パノラマ庭園」という名のもとに展覧会形式でさまざまなアーティストが参加し、作品やこれから先この場所から何がうまれて、何と繋がるのだろうか。この場所で自プロジェクトがまちのなかに広がった。2017 年から部門を設けたサウンドブリ

由な活動がうまれるためにも､「距離」というものが重要な役割を果たしている。

ッジでは、アーティストがまちを舞台に公演やプロジェクトを行ってきた。ここ

それはまちと芸術の関係に限った話ではない。たとえ何かと離れていたり、交わ数年はアート部門もサウンドブリッジも、領域を超えてゆるやかな繋がりをつくらなかったとしても､「距離」があるからこそ、何かがうまれる。そう考えている。

In the wake of the new coronavirus infection, we have been hearing the term“social distance” for about a year now, and it is amazing how much our senseof distance can change in less than a year. On the train, in the street, in public
places, we unconsciously brace ourselves and try to keep as much distance aspossible from others.
In thinking about Assembridge NAGOYA 2020 too, it was inevitable toquestion the “distance”. This was not only the physical distance that was necessary to carry out the project, but also the conceptual distance in each artist’s
work. Things that transcended time and place in Yaya Ueda and Futoshi Miyagi’s
works, farewells to familiar people and memories in Tatsumi Orimoto, Nodoka
Maruyama, and Midori Mitamura’s works, the borders that couldn’t be traversed
in Terai Shota, Lang Lee, and Hyeji Lee’s projects, the performance from the sea
and viewing from the shore in Kensuke Ide’s performance, and the moments
when physical contact with others was restricted at the Minatomachi Block
Party. In many of the works and projects this time, the importance of “distance”
became prominent and deeply connected to the essence of each.
When we once again rethink “distance”, we realize that it is not only a oneway perspective nor a mere separation, but that there is always an object beyond
it. It is also possible to think about the “distance” that does not separate something from something else but connects it, and the “distance” that newly createsa relationship.
Since Assembridge NAGOYA started in 2016, the Art Division has presented a variety of artists in the form of exhibitions under the name “Panorama
Garden”, and their works and projects have spread throughout the town. And
SOUNDBRIDGE, which launched as a division in 2017, had organized artists’performances and projects within the town. In the last few years, both the Art
Division and SOUNDBRIDGE have created a loose connection across disciplines, but with an emphasis on the “here and now” of each artist, work, and project. Though expressed in different ways, the artists and their works have used

the town as a starting point, and have also reflected the diversity of existencethat lies beyond it. Looking at people’s daily lives, reacting to the environment
and landscape, connecting to the town, thinking about things from different
places and times, and questioning the relationship with the familiar. In each ofthese perspectives, there was something that existed beyond them. And in eachact, which at first glance may seem to have no object to confront, there was anexistence that confronted art and the self through the act of making. Although
the festival was held in the Nagoya Port area, many different views could be seenfrom this place.
In this context, the relationship between the town and the arts might havesometimes connected, sometimes separated, and were probably not intertwined
all the time. They did not make a clear distinction between their positions, nor
did they force themselves to appear bigger than what they were. They have been
here to share time and place, blur the boundaries, and continue each individual activity. However, when different things create a gentle flow and overlap, a
new landscape and time are created, which can sometimes be perceived as a
big movement, as is the case with the activities of UCO and NUCO, which had
continued its operation with its members and L PACK. for five years. UCO andNUCO were not big monuments, but were the hub for the social circle, with theaim of becoming a part of the town through continuous caring and watering.
This behavior was the very act of observing the town from a fixed point of view
through Assembridge NAGOYA.
What will be born from this place in the future, and what will be connected
to? “Distance” plays an important role in the free activities that can take placein this place. This is not limited to the relationship between the town and thearts. Even if we are far away from something, or even if we don’t intersect withanything, something can be born because of the “distance”. That is what I think.

Essay ｜ アートプログラムディレクター

128

ⅰ− ジル・クレマン著、山内朋樹訳『動いている庭』、みすず書房、2015 年

ⅰ−Gilles Clément, translated by Tomoki Yamauchi, The Garden in

Art Program Directer

Movement,, Misuzu Shobo, Ltd. 2015
Movement

さまざまな変化をどのように受け止めるか

How to Accept All the Various Changes

吉田有里（アートコーディネーター／名古屋芸術大学 准教授）

Yuri Yoshida (Art Coordinator / Associate Professor, Nagoya University of the Arts)

129
E S S AYA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

2016年のスタートから、プレイベントを含め6回のフェスティバ ルを開催してと言える。それらは一朝一夕でできる作業ではなく、時間をかけて培われてきた

きた。5年間を通して関わった数少ないスタッフの1 人として、ここに経過を記しことだろう。まちづくりの活動がベースにあり、まちと人との関係の構築はプロておきたい。

ジェクトを実施する上で最も重要である。技術面では、デザイナーやインストー

実行委員会が設定した諸条件（ 5 年間の継続事業、港まちを舞台にクラシッ

ラーとの経験の共有が蓄積されていくことで、アーティストの新たな表現の幅をク音楽公演と現代美術展の複合開催など）を担保しながら、予算の減少、スタッ

拡張することができた｡「UCO」を取り壊す際に、諦めずに新たな場所へと移動

フ体制の縮小、主催である名古屋市の担当者の異動など、運営面でのさまざまするエネルギーを持てたのは、アーティスト、建築家、構造家、技術者、多くの学な変化に応じ、試行錯誤を続けてきた。
美術展に限定して言えば、毎年アートプロジェクトの可能性を広げることを試

生たちが、そのノウハウを積み重ね、技術と工夫を持ち寄ってくれたからである。
「 NUCO」では、有志の十数名の運営メンバーが社交場として動かし続けてくみてきたと言える。初年度はアーティストが港まちをリサーチし、新作を発表するれた。5年間の時間が積み上げたもの、それこそが新たにこの場所にうまれた資とともに長期計画を見据え、空き家を会場に整備していった。旧・名古屋税関港源である。ここに関わった多くの人が、それぞれの経験を今後の活動に生かし、寮は用途変更によって「美術館兼寄宿舎」という特異な施設に、旧・潮寿司は、つながり、広がってさまざまな場面へと伝播していく。これらは数値化されにく

まちの社交場「UCO」へと再生した。2017 年は「サイトスペシフィック」を再考

いことだが、公共事業である本フェスティバ ルの重要な役割のひとつである。

し、作品がまちの環境や状況にどのように呼応するかに意識を向けた。2018 年
は「UCO」の取り壊しが決まり、場所からうまれた活動が「NUCO」へと引き継

ジル・クレマンの「できるだけあわせて、なるべく逆らわない」i）という言葉のがれた。2019 年は、ワークショップ、滞在制作、パフォーマンスによるプロジェ

通り、植物の意のままの成長を見守るという行為の背景には、長期的な庭づくり

クト型の新作がうまれた。そして、2020 年は、新型コロナウイルスの影響で多くへの思想やビジョンがある。それらを支える専門的な知識や経験を持って植物の変化を伴う年となり、改めて「つくる／うまれる場所」としての港まちを考えるに接し、変化を受け止める柔軟な姿勢こそが最もクリエイティブであることを体基点となった。

現している。
今回で、フェスティバルとしての形式は一区切りとなるが、アッセンブリッジ・

年度ごとの開催という仕組みゆえ、作品制作では十分な準備期間が持てず、ナゴヤが新たな展開へと移行し、景色が変化した先に何が見えるのか、このフ

また予算面においても潤沢に制作費が用意できたわけではない。しかしながら、ェスティバ ルによって何が生み出されたのか、その答えが見えるのはまだずっ

このフェスティバ ルで発表された数々の作品を振り返ると、アーティストがアイと先の未来にあるのではないかと期待したい。

デアを実現するための体制を積み上ることができたことは、ひとつの大きな成果

Since the launch of the festival in 2016, six editions had been organised,
including its pre-event. As one of the few staff members who have been involvedin the festival over the whole past five years, I would like to write about the progress of the festival.
While ensuring the conditions set by the organizing committee (five consecutive years of continuity, combining a classical music performance and contemporary art exhibition in the Nagoya Port area, etc.), we have continued to go
through a trial and error process in response to various changes in the management of the festival, such as the decrease in budget, reduction in the number ofstaff members, alternation in the person in charge at Nagoya City, the organizerof the festival, and more others.
In terms of the art exhibitions only, we have tried to expand the possibilities
of art projects every year. In the first year of the project, the artists researched the
Nagoya Port area and presented new works, while looking at the entire project
being a long-term plan, renovated vacant houses into exhibition venues. The
Former Minato Dormitory of Nagoya Custom became a unique facility as it officially changed its usage as a “museum/dormitory”, and the Former Sushi Bar
USHIO regenerated as UCO, a hub for the social circle. In 2017, we reconsidered“site-specificity”, focusing on how artworks respond to the environment andcontext of the town. The year 2018 saw the demolition of the UCO and the transfer of the activities born from the site to NUCO. The year 2019 saw the creationof new project-based works through workshops, residencies, and performances.
The year 2020 was a year of many changes due to the new coronavirus, and it
became the starting point for us to think again about the Nagoya Port area as a“place to make/create”.
Due to the annual structure of the festival, we did not have sufficient timeto prepare the works, nor did we have an abundant budget for their production.
However, looking back on the works presented at the festival, it is clear that
one of the major achievements of the festival was that artists were able to real-ize their ideas based on the framework we built up. It was not something that
could be done overnight but only cultivated over time. The project is based oncommunity development activities and building relationships between the town
and its people is of paramount importance in the implementation of the project.
On the technical side, the accumulation of shared experience with designers
and installers has allowed the artists to expand their range of new expressions.
When UCO was demolished, the energy to move to a new location was not given
up because of how the artists, architects, structural engineers, technicians,
and many students accumulated their know-how and brought their skills andingenuity with them. NUCO has been kept running as a hub for the social circle by more than a dozen members who raised their hands to take part in its
management, and it is this accumulation of time over the past five years thathas given rise to the new resources of this place. Many of the people who havebeen involved in the project have taken their experiences and applied them tofuture activities, connecting and spreading them to different situations. These
are things that are hard to quantify, but they are an important part of the festival
as a public project.
As Gilles Clément says in his words “To do as much as possible with, as little as possible against”ⅰ）, the act of watching plants grow as they want is basedon a long-term philosophy and vision for the garden. It embodies that copingwith plants with the expertise and experience to support them, with the flexibility to accept changes, is the most creative approach.
Although the festival has come to one break, we hope that it will be a longtime before we can see the answer to the question of what has been created bythis festival, and what we can see beyond the change of scenery as Assembridge
NAGOYA moves onto its new phase.

Essay ｜ アーキテクト

Architect

フェスティバルが書き換えるまちの日常 建築による関係性の再編｜米澤 隆（建築家／米澤隆建築設計事務所主宰／大同大学専任講師）

Everyday Life Rewritten by the Festival—
Festival—Reorganising Relationships Through Architecture
Takashi Yonezawa (Architect / Director, Takashi Yonezawa Architects / Assistant Professor, Daido University)

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E S S AYA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

近年、日本各地で地域密着型の音楽やアートのフェスティバ ルが開催されなる文脈が出会い、あるものは共鳴し互いの価値を強め、あるものは対立し互ている。非日常のイベントだからこそ、まちや建物の使われ方に対して実験的いを批評し合い、あるものは化学反応をおこし新たな文脈を生む。発展のデザであることができ、新たな可能性を提示したり潜在している文脈を発掘できる。

インは、ある事象に刺激が加わる、あるいは、異なる文脈の事象が重なり合う

一方で、本フェスティバ ルのようにアーキテクトという立場を明確に位置付けなどにより新たな展開に繋がることを促すデザインだ。ヒト・モノ・コトが繋がているものは珍しい。一過性で終わらせるのではなく、その後にレガシーとしてる関わりしろや想定外の展開を許容する余地が必要になる。本フェスティバル

残すこと、まちの構造転換を図る契機となることが求められた。

において、アーティストがそれぞれの観点から自由に場の可能性を発見し想定

まちの日常は、多種多様な要素が同時に存在しつつも、長い年月を経て構築

外のアクションに繋げていくことや、アーティスト間の協働やまちの人との掛けされた関係性のなかで平衡を保っている。その中にあって音楽やアートは異合いが作品の意味や場の意味を変容させていくといった発展が多々見られた。

物となるおそれがある。状況をつぶさに観察し、アーキテクトとして両者がより継続のデザインには、新たに生まれた状況を一過性のものとせず定着させサ

よい関係性を結べるように必要に応じて手を加えていく。空間構成の変更、構スティナブルなものとすることが求められる。本フェスティバ ルが開催された

造補強、設備更新、サイン計画、法的手続きなど、その場その状況に必要な設

5 年という期間にも、実験・実行・派生・解体・転生・循環というようにテーマが移えを施すなかで、必要な専門性を有する人を巻き込んだり、参加型のワークシ

り変わっていった。継続するからこそ浮かび上がってきたテーマである。例え

ョップを開催、学生団体を発足したり、大学の研究室と連携したりもした。必要ば、空き家として放置されていた建築を再生させ、社会状況によりそれを解体に迫られて手を加えていくうちに、ヒト・モノ・コト・バの関係性が必然的に展開せざるを得なくなり、縁を得てまた他の場に移植した。ここまでの連環はこれまされ、新たな回路が構築されていく。新たな回路の構築と言っても、諸要素をでの他のイベントではあまりなかったことでもある。

整えまちの文脈に合わせていく必要がある。挨拶、近隣店舗での食事、その地

こうして、非日常であるフェスティバ ルは、日常のまちのあちらこちらに音楽域の職人との連携、祭や清掃活動への参加、地域への建築的協力、住民とのトとアートを散りばめ、それが起爆剤となり、出会いと発展と継続を経るなかで、ークイベントなども行った。

ヒト・モノ・コト・バの関係性を組み替え、色とりどりの物語を紡ぎだし、新たな建築とはいわば関係性の再編の中の創造性である。その創造性には、時間の次元の異なる3つのデザインが必要になる。出会いのデザイン、発展のデザ
イン、継続のデザインだ。出会いのデザインは、音楽・アートとまちと人がどのように接するのか、それらが三位一体となり生まれる情景や物語をどのようにデザインするのかが問われる。作品と場が相互作用するためのデザインだ。異日常へとシームレスに繋がっていく。その過程でまちの中だけに閉じない、他の地域、外の世界へと繋がる回路をいくつも獲得していく。
フェスティバ ルは終わるかもしれないが、私もひとつの回路として港まちの日常へと繋がり、この先もこのまちと関わり続けていくことだろう。

In recent years, a number of community-based music and art festivals
have been held across Japan. Because they are unusual events, they are able toexperiment with the way in which towns and buildings are used, to present new
possibilities, and to uncover latent contexts. On the other hand, it is rare to finda festival like this one, where the position of the architect is clearly defined. The
festival was not to be a one-off, but to be a legacy, an opportunity for structuralchange in the town.
The everyday life of a town is a combination of many different elements, allexisting at the same time, but maintaining equilibrium in the relationships thathave been built up over the years. In this context, music and art can become foreign objects. As an architect, I observed the situation closely and made changes
as necessary to improve the relationship between the two. In the course of
making the necessary changes to spaces, reinforcing the structure, updating
the facilities, planning the signage, and carrying out the legal procedures, weinvolved people with the necessary expertise, held participatory workshops, set
up student groups, and collaborated with university laboratories. As we madenecessary changes to the project, the relationships between people, things,
matters, and places inevitably developed, and new circuits were built.The construction of new circuits required various elements to be arranged and adapted
to the context of the town. This included daily greetings, dining out at neighboring restaurants, collaborating with local artisans, participating in festivals andcleaning-up, architectural cooperation with the community, and holding talkevents with residents.
Architecture is, so to speak, creativity in the restructuring of relationships.
This creativity requires three different designs with different dimensions of time.
They are the design of encounter, the design of development, and the design ofcontinuity. In the design of encounter, the question is how to design a scene ora story in which music, art, and the people in town come into contact with eachother, and in which the triumvirate is created. It is a design for the interaction
between the work and the place. When different contexts meet, some resonate

and reinforce each other’s values, some confront and criticize each other, andsome create new contexts through chemical reactions. The design of development is a design that encourages new developments by adding stimuli toexisting events, or by overlapping events from different contexts. There must
be room for people, things, and matters to connect, and room for unexpecteddevelopments to happen. In this festival, there were many cases where artists
freely discovered the possibilities of the place from their own point of view, leading to unexpected actions, and where collaboration between artists and interaction with the people of the town transformed the meaning of the work and themeaning of the place. In the design of continuity, it is necessary to make the newsituation sustainable and not transient. During the five years that the festival
had been held, the theme of the festival has shifted from experiment, implementation, derivation, deconstruction, reincarnation, and circulation. These themes
have emerged because of the continuity of the festival. For example, we revitalized a building that had been abandoned, and when social conditions forced us
to dismantle it, an encountering led us to transplant it to another site. This kindof linkage has not been seen in many other events to date.
In this way, the festival, which is an extraordinary event, has become a catalyst for the scattering of music and art here and there in the everyday town,
and through encounters, development, and continuity, the relationships between
people, things, matters, and places were rearranged, spinning out colorful stories to seamlessly connect to new daily scenes. In the process, the festival will
not be confined to the town but will acquire a number of circuits that connect it
to other regions and the outside world.
The festival may be over, but I, too, will be connected to the daily life of the
Nagoya Port area as one circuit and will continue to be involved in this town.

Essay ｜ アッセンブリッジ・ナゴ ヤ実行員会（港まちづくり協議会）

Assembridge NAGOYA Executive Committee (Joint Committee of Port Town)

音楽とアート、動き出した風景｡ ｜古橋敬一（港まちづくり協議会事務局次長）

Music and Art, Townscape in Movement ｜Keiichi Furuhashi (Vice Manager, Joint Committee of Port Town)

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E S S AYA s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0“豊かさに溢れる先進国”であるはずの私たちの社会には、いつからか窮屈じています。私たちにも地元の人びとからの声が聞こえてきます。もちろん、そで鬱屈とした空気が漂っています。まちづくりの現場には、空き家、少子高齢化、の内容は期待も批判もさまざまですが、そもそも賛否両論あることが重要｡「ア中心市街地の衰退化など、各々の課題に対する多種の事業がありますが、それートイベントで来訪者を増やす賑わいづくり…」だけが目的の事業ではないの

らを課題群として把握したり、横断的に挑戦する活動は稀です。もし、そうしたです。本プロジェクトが目指してきたのは、音楽家やアーティストらの生の営み

稀な活動があってもなぜか同業から批判されがち。そんな様相を見ては､「変を地域の中に持ち込み、なるべく多くの人に開くことでした。その姿が、かつて革が必要なのは社会ではなく私たち自身だ」との想いがよぎります。もちろん人多様な群衆の叡智を受け入れることによって拓かれてきた港まちのオーセンテと社会は切り離せず、実際には相互を有機的に変革する思考が求められます。

ィシティを呼び覚ますかもしれないと考えたからです。まちが活力を取り戻す

おそらくそこに見出されるのが、人と社会を掘り起こす営みを脈々と受け継いでためには、他力本願や礼賛ばかりではなく、批判や対立ともがっぷり四つになきた文化芸術を地域再生の具体策に取り入れようという仮説なのです。

るような対話こそが大切です。少し真正面すぎるかもしれませんが、その無垢文化芸術にも造詣の深い生物学者の福岡伸一は、その著作の中で､「動的平衡」という言葉を示し､「絶え間なく壊すことしか、損なわれないようにする方法な精神こそが、このプロジェクトの本懐ではないでしょうか。
港まちでは、このプロジェクトが立ち上がるおよそ半年前にアートプログラムⅳ）がない」として「生命のありかたとふるまいかた」に触れていますⅰ）。生命としてが立ち上がりました。まちづくり事業の中に「アートはまちづくりのために存在の私たちは、自らを更新し続けなければならない存在なのです。しかし、社会しているのではない」と宣言する異端者達を受け入れることは、私としては胆学者の P. ブルデューは、他者との差異を基に自己規定する個人や集団が、自力の試される挑戦でした。しかし、その愛すべき異端者達こそが、このまちに文らのその境界を越えようとすることは難しいと説きましたⅱ）。人と社会の関係性

化芸術への橋をかける聖職者達でした。おかげで、現在の港まちは文化芸術の構造には、自己規定と変革のジレンマが存在しているのです。一方でこの指を職能とする創造者達が度々訪れ、音楽を奏で、作品をつくる姿が見られるよ摘は、人と社会の不合理を明らかにし、私たちが挑むべき課題も明らかにしてうになっています。その思考や行動はパワフルで圧倒的。ハングリー精神の旺います。彼の著書『世界の悲惨』ⅲ）は、社会のさまざまな階級の人たちの声な

盛なその働き方や生き方に、私はたくさんの刺激と影響を受けました。それこそき苦しみに耳を傾けたベストセラーで、人間理解の多様性を示唆したインタビ

が、これからのまちづくりを指向するための資産となっています。

ューは、そのまま演劇脚本となり数多くの人びとが関心を寄せているそうです。
それは文化芸術が人と社会とその関係のさまざまな在り方を鋭くコラージュし、
またそれと向き合っていくための知恵を提供している事例と言えるでしょう。
近年ようやくですが、音楽とアートの風によって、港まちが動き出したように感ⅰ− 福岡伸一『動的平衡 - 生命はなぜそこに宿るのか』、木楽舎、2009 年
ⅱ− P. ブルデュー著

石井洋二郎訳『ディスタンクシオン』、新評論、1989 年

ⅲ− P. ブルデュー編

荒井文雄・櫻本陽一監訳『世界の悲惨』、藤原書店、2019 - 20 年

ⅳ− Minatomachi Art Table, Nagoya ウェブサイト http://www.mat-nagoya.jp/about

Our society, which is supposed to be “a developed country full of affluence”,
has somehow become constricted and depressed. In the field of community
development, there are many projects dealing with different issues, such asvacant houses, the declining birth rate, the aging population, the decline of thecity center, and more others. However, it is rare to find an activity that grasps
these issues as a group or challenges them across the board. Even if there aresuch rare activities, for some reason, they tend to be criticized by the same profession. When I see such a situation, I feel that it is not society that needs tochange, but ourselves. Of course, people and society are inseparable, and weneed to think about how we can organically transform each other. Perhaps thisis where the hypothesis is found, of incorporating culture and arts, which havebeen handed down from generation to generation as a way of uncovering the actof people and society, into concrete measures for community regeneration
Shinichi Fukuoka, a biologist with a deep knowledge of culture and arts,
used the term “dynamic equilibrium” in his writings, referring to “the way life isand behaves”, as “the only way to prevent it from being damaged is to constantly
destroy it”ⅰ）. As lives, we are the ones who have to keep renewing ourselves.
However, the sociologist Pierre Bourdieu argued that individuals and groups
who define themselves on the basis of their differences from others find it difficult to go beyond their own boundariesⅱ）. The dilemma of self-definition andtransformation is present in the structure of relations between people and society. On one hand, this point reveals the irrationality of people and society and thechallenges we are to face. Bourdieu’s book, The Weight of the World (La misère
du monde)monde) ⅲ）, is a bestseller that listens to the voiceless suffering of people fromall classes of society, and his interviews, which suggest the diversity of humanunderstanding, have been turned into theatre scripts that have attracted theattention of many people. This is an example of how culture and arts providea sharp collage of the various ways in which people and society relate to eachother, as well as the wisdom to deal with them.

In recent years, the Nagoya Port area has finally started to move with thewind of music and art. The voices of the locals now reach us. Of course, there
are different expectations and criticisms, but it is important that there are twosides to the story. The aim of the project is not only to “create a lively atmosphere to attract more visitors through art events”. It is to bring the lively works ofmusicians and artists into the community and open it up to as many people aspossible. We thought that this might awaken the authenticity of the Nagoya Port
area, which was once opened up to the wisdom of diverse crowds. In order forthe community to regain its vitality, it is important to engage in a dialogue thatis not just about power and praise, but also about criticism and confrontation.
It may be a little too sincere, but that innocent spirit is at the essence of thisproject.
About half a year before the launch of Assembridge NAGOYA, an art programⅳ） was launched in the Nagoya Port area. It was a challenge for me toaccept these heretics who declared that “art does not exist for the purpose ofcommunity development” into the community development project. However,these beloved heretics were the priests who built the bridge to culture and art inthis town. Thanks to them, the Nagoya Port area is now frequented by creatorsof art and culture, playing music and making art. Their thoughts and actions are
powerful and overwhelming. Their ways of working and living, with their hungry
spirit, have inspired and influenced me a lot. Those are exactly the assets for the
future of this area.

ⅰ−Shinichi Fukuoka Douteki heikou - Seimei ha naze sokoni yadoru noka (Dynamic Equilibrium:
Why Does Life Exist There?),There?), KIRAKUSHA, Inc., 2009ⅱ−Pierre Bourdieu, translated by Yojiro Ishii, Distinction
Distinction,, Shinhyouron Publishing Inc., 1989
ⅲ−Pierre Bourdieu, translated by Fumio Arai, Yoishi Sakuramoto, The Weight of the World,
World, Fujiwara-Shoten, 2019-2020
ⅳ−Minatomachi Art Table, Nagoya http://www.mat-nagoya.jp/about

執筆者プロフィール Writer Profile

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藏原藍子 ｜ Aiko Kurahara

ミヤギフトシ ｜ Futoshi Miyagi

青田真也 ｜ Shinya Aota

キュレーター

東山 アーティスツ・プレイスメント・サービス（ HAPS ）事務局長

アーティストアーティスト

福岡県生まれ、愛知県在住。2007 年に渡英後、美術大学から美術館、ギャラリーまでさまざまな

1978 年東京都生まれ、京都府在住。2007 年－12 年、21 _ 21 DESIGN SIGHT で展覧会の企画制作や運営に携わる。多摩美術大学芸術人類学研究所事務局を経て、2013 年より「東山 アー

1981 年沖縄県生まれ、東京都在住。留学先のニューヨークで制作活動を開始。自身の記憶や体験に向き合いながら、国籍や人種、アイデンティティといった主題について、映像、オブジェ、写国内外でキュレーションやリサーチ、執筆を行う。近年の企画に「甕々の声｣（ AICHI ONLINE 、

ティスツ・プレイスメント・サービス（ HAPS )」で京都市内で活動する芸術家の居住・制作・発表な

真、テキストなど多様な形態で作品を発表。主な展覧会に「現在地：：未来の地図を描くために｣
未来の地図を描くために｣（ 金2021 年)､「光る海｣（ 大京都 2017 in 舞鶴)､「 On Line Dot ｣（ Devi Art Foundation +The
Japan Foundation New Delhi 、2017 年)、リサーチワークに大林財団制作助成事業リサーチ
ャー（ 2019 - 20 年）など。

ど包括的な支援を行う。2017 年より現職。

1982 年大阪府生まれ、愛知県在住。日用品などの見慣れた表層をヤスリで削る作品シリーズを中心に、本質や価値を問い直す作品を制作。
本質や価値を問い直す作品を制作。主な展示に
主な展示に「あいちトリエンナーレ2010｣､「MOT ア
ニュアル 2014｣（東京都現代美術館)､「個展｜よりそうかたち｣（BreakerProject、大阪、2018 年）など。また2015 年より名古屋港エリアのアートプログラム「 Minatomachi Art Table, Nagoya[MAT, Nagoya] 」の共同ディレクター。アッセンブリッジ・ナゴ ヤでは 2016 年のプレイベントから2020 年のアートプログラムディレクターを務める。

組織でアートの仕事に携わる｡「あいちトリエンナーレ2016」学芸チームを経て日本に拠点を移し、沢 21 世紀美術館、2020 年)､「あいちトリエンナーレ 2016 ｣（ 愛知芸術文化センターほか）など。
美術・文芸媒体への寄稿も行う｡
・文芸媒体への寄稿も行う｡「アッセンブリッジ・ナゴ ヤ 2020 」参加（⇨（ ⇨ p. 32 ）山岸 綾 ｜ Aya Yamagishi

fmiyagi.com

www.shinyaaota.com

一級建築士／サイクル・アーキテクツ代表
藤井明子 ｜ Akiko Fujii

1973 年宮城県生まれ、東京都在住。原広司 + アトリエ・ファイ建築研究所を経て、2006 年サイク阿部航太 ｜ Kota Abe

愛知県芸術劇場シニアプロデューサー・企画制作グループチーフマネージャー

ル・アーキテクツ設立。住宅などの設計のほか､「大地の芸術祭・越後妻有アートトリエンナーレ」

デザイナー

吉田有里 ｜ Yuri Yoshida

1992 年より愛知県文化情報センター学芸員（音楽)。野村誠「プールの音楽会｣（ 2010 年）はじで「絵本と木の実の美術館｣「 奴奈川キャンパス｣､「あいちトリエンナーレ」ではアーキテクトを務

アートコーディネーター／名古屋芸術大学芸術学部准教授
では、2010 年、2013 年では、アシスタントキュレータとしてまちなか展示の会場である長者町エリアを担当。2014 年より名古屋港エリアのアートプログラム「Minatomachi Art Table, Nagoya

め、現代音楽、民族音楽、ジャンルにとらわれないミュージシャンや作曲家に焦点を当てたコン

める（岡崎会場、2013 年／豊橋会場、2016 年／豊田会場、2019 年）など、芸術祭の会場リノベ

サートや映像、ダンスとのコラボレーション公演の企画・制作を行う。2014 年より愛知県芸術劇ーションを手掛ける。

1986年埼玉県生まれ、東京都在住。2009年ロンドン芸術大学卒業後、廣村デザイン事務所入社。
2018年に独立し､「デザイン・文化人類学」を指針に活動をはじめる。2018年10月から半年間ブラジルに滞在。現地のストリートカルチャーに関する複数のプロジェクトを行い、2019年にはグラフィ

場シニアプロデューサー、2016 年よりチーフマネージャー｡「あいちトリエンナーレ」では、2010

www.cycle-architects.com

ティライターを追ったドキュメンタリー映画『グラフィテイロス』を発表する。帰国後、個人事務所を

年、2013 年、2016 年にパフォーミング・アーツのキュレーターを務めた。
山内朋樹 ｜ Tomoki Yamauchi
秋庭史典 ｜ Fuminori Akiba

1982 年東京都生まれ、愛知県在住。BankART 1929のスタッフを経て､「あいちトリエンナーレ」

開設。ストリートイノベーションチーム「Trash Talk Club｣、本のインディーレーベル「Kite」所属。

[MAT, Nagoya] 」の共同ディレクター。アッセンブリッジ・ナゴ ヤでは 2016 年のプレイベントか

abekota.com

ら2020 年のアートプログラムディレクターを務める。
米澤 隆 ｜ Takashi Yonezawa

美学者・庭師／京都教育大学教員

美学者／名古屋大学大学院情報学研究科准教授

1978 年兵庫県生まれ、滋賀県在住。ジル・クレマンの研究を軸に、都市の片隅に息づく最小単位

岩田彩子 ｜ Ayako Iwata

1966 年岡山県生まれ、愛知県在住。専門は美学・芸術学。現在の研究テーマは、情報生態系にの生態系に現代の庭の可能性を探っている。現在は庭の石組を観察者の身体と相関的な構造とチェロ奏者

建築家／米澤隆建築設計事務所主宰／大同大学専任講師

おける美の位置づけ、科学と美学の協働、ポップカルチャーの美学など。主な著書に『あたらし

して分析するプロジェクトを進行中。論考に「なぜ、なにもないのではなく、パンジーがあるのか

1978 年愛知県生まれ、同地在住。チェロ奏者として、オーケストラでの客演や室内楽、ソロ、レコ1982 年京都府生まれ、愛知県在住。空き家の再生の手法・研究をまとめた『空き家再生データ

い美学をつくる』（みすず書房、2011 年)。共著として『人工知能美学芸術展』（ 人工知能美学芸術— 浪江町における復興の一断面｣（ 『アーギュメンツ # 3 』、2018 年)、訳書にジル・クレマン『動ーディングなど、ジャンルを隔てない演奏を続けながら、演奏会の企画、合唱団の立ち上げ、講バンク』の制作、東海圏の学生が空き家問題に取り組む「みなとまち空き家プロジェクト」の監修

研究会、2019 年)､『情報を哲学する』（ 名古屋情報哲学研究会、2018 年)､『食（メシ）の記号論』

いている庭』（ みすず書房、2015 年)。

座やワークショップなど、生涯学習としての音楽活動を軸にした企画運営も行う。音楽大学や豊などを行う。主な作品に『公文式という建築』（ 2011 年)､『福田邸』（ 2013 年)、主な受賞に「 The田市ジュニアオーケストラでの指導、普通高校での音楽教養講義など、幅広い年代の教育活動

International Architecture Award 2013 ｣､「日本建築学会作品選集新人賞 2015 」などがあ酒井健宏 ｜ Takehiro Sakaiにも力を入れている。アッセンブリッジ・ナゴ ヤでは 2017 年から2020 年の音楽プログラムディ

る。アッセンブリッジ・ナゴヤでは 2016 年のプレイベントから2020 年まで、アーキテクトを務める。

映像作家／名古屋芸術大学芸術学部准教授（新曜社、2020 年）などがある。

akibaf.com
中村史子 ｜ Fumiko Nakamura
愛知県美術館学芸員

1980 年愛知県生まれ、京都府在住。育児や介護などをしながら、表現と並走し続ける健やかな方法を、実地を通じて模索している。愛知県美術館での主な企画に「これからの写真｣（ 2014 年）
や、新進作家の個展シリーズで、万代洋輔（ 2017 年)、梅津庸一（2017 年)、飯山由貴（2015 年)、
伊東宣明（ 2015 年）を紹介。また国外ではグループ展「 Play in the Flow ｣（ シープラカード・ホ
テル、タイ・チェンマイ、2017 年）を企画。

レクターを務める。

www.takashiyonezawa.com

1977 年愛知県生まれ。専門は映画史・映像理論・映像制作。研究テーマに地域コミュニティとの関わりのなかでの映像制作・上映活動など。2016 年に港まちづくり協議会「平成 28 年度提案

服部浩之 ｜ Hiroyuki Hattori

古橋敬一 ｜ Keiichi Furuhashi

公募型事業」で西築地学区を舞台にした映画『右にミナト、左にヘイワ｡』を制作（監督・脚本を担

キュレーター／秋田公立美術大学大学院准教授

港まちづくり協議会事務局次長

当)。2012 年より愛知芸術文化センター・愛知県美術館オリジナル映像作品作家選定委員。共1978年愛知県生まれ、愛知と秋田を拠点とする。建築を学んだ後、2009-16年青森公立大学国際芸

1976年愛知県生まれ、同地在住。アラスカ留学中に先住民族の文化再生運動に触れ、大きな影響を著に『身体化するメディア／メディア化する身体』（ 風塵社、2018 年）がある。

術センター青森［ACAC］学芸員。アジアにおける多様な表現活動をリサーチし、プロジェクトを展開。

受ける。帰国後、商店街の活性化を目的としたまちづくり、愛知万博における NGO ／ NPO 出展プロ

「あいちトリエンナーレ2016」共同キュレーター、第58回ヴェネチア・ビエンナーレ国際美術展日本館

ジェクト、国内および東南アジアをフィールドに行うワークキャンプのコーディネートなど幅広い活動

展示「Cosmo-Eggs｜宇宙の卵」キュレーター、アートラボあいちのディレクター
（2017年－)。アッセを行う。2008年より港まちづくり協議会事務局次長として、名古屋港エリアのまちづくり活動を推進。

ンブリッジ・ナゴヤでは2016年のプレイベントから2020年のアートプログラムディレクターを務める。

アッセンブリッジ・ナゴヤでは実行委員会の構成団体である港まちづくり協議会として携わる。

WRITER PROFILE

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

西田雅希 ｜ Maki NishidaT suksukij
ijii gu
gucc h i

Cana
l

築地口駅

gawa

A s s e m b r i d g e N A G OYA 2 0 2 0

2

MAP

至 金山

K a na y a m a ↑SubSub w a y M e i k o L in
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運河

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N a ka中川

136

地下鉄名港線

1

ボートピア名古
名古屋
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3

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金

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城

商店街の旧文具店ビルを再生した
港まちの新たな拠点スペース。

築地
神社

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総合案内

（港区名港 1 - 19 - 23 ）6

まちづくりの活動やアートプログラム

Shrineなどさまざまな事業を展開

8

9

アッセンブリッジ・ナゴヤ

Minatomachi POTLUCK BUILDING

港消防 署

5
西 築地
築地
小 学校
学校

Assembridge NAGOYA 2020｜Document

港まちポットラックビル

4
1

アッセンブリッジ・ナゴ ヤ 2020 ｜ドキュメント

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名古屋 港
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12

Keiwa Kindergarten

岡本太郎の壁画のある伝統の幼稚 園

Tsukiji Public Market（港区名港 1 - 13 - 10 ）
* 現在休業中

Sea T r a i n LLa
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名 古 屋 港湾
港湾
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Hall

名古屋港
P o r t o f Na gogoya

E g a w a R ou t e

14N

4 スーパーギャラリー
Super Gallery

13（港区名港 1 - 13 - 10 ）
公設市場の一角を使ったギャラリー
江
川線（港区名港 1 - 15 ）

税関の職員研修のための旧・寄宿舎

UCO（旧・潮寿司）跡地のコインパーキング

5 内藤ガレージ

12 うどんDINING 釜半
Udon DINING Kamahan

7 NUCO
（港区名港 1 - 18 - 4 ）かつて編み物教室だった場所を
まちの社交場として再活用

8 金剛寺（港区名港 2 - 1 - 25 ）文化活動も行われる地域に開かれたお寺

昔から続く地元の人に親しまれた
港の台所

Former Minato Dormitoryof Nagoya Custom（港区浜 2 - 4 - 10 ）Kongouji Temple

3 築地公設市場

11 旧・名古屋税関港寮

Meitetsu Kyosho Parking
Tsukijigushi No.13（港区港栄 4 - 4 - 18 ）Hor

Bus Terminal

臨港
病院

慶和幼稚園

6 名鉄協商パーキング
築地口第139 西築地コミュニティセンター

（港区入船 2 - 5 - 14 ）ジャズが流れる
自家製ふわもちうどんの店（港区港町 1 - 9 ）羽根を広げた「かもめ」
を模した
無料休憩所

（港区名港 1 - 19 - 3 ）
築地口商店街にある空き倉庫（港区名港 2 - 9 - 30 ）集合住宅内にあるテナントスペース

今井正由己、柴田祐希、冨田了平、
蓮沼昌宏、松井沙織、三浦知也、
アッセンブリッジ・ナゴ ヤ実行委員会事務局

デザインディレクション

中西要介（ STUDIO PT. ）、溝田尚子

デザイン

根津小春（ STUDIO PT. ）印刷

シナノ印刷 株式会社

編集・発行

アッセンブリッジ・ナゴ ヤ実行委員会〒455 - 0037 名古屋市港区名港 1 - 19 - 18 3 F

TEL / FAX ｜ 052 - 652 - 2511
E-MAIL ｜ contact @assembridge.nagoya
WEB ｜ www.assembridge.nagoya
Translation

Kana Kawanishi, Maki Nishida (pp.74-75)

Photography

Takayuki Imai, Yuuki Shibat a, Ryohei Tomit a,Masahiro Hasunuma, Saori Matsui, Tomoya Miura,
Assembridge NAGOYA Executive Committee
Secret ariat

NAGOYA PORT BUILDING

帆船をイメージした
シンボリックなビル

Tsukiji-city Housing

河西香奈、西田雅希（ pp. 74 - 75 ）写真

14 名古屋港ポートビル（港区浜 2 - 10 - 31 ）Naito Garage

翻訳

PORT HOUSE（港区港町 1 - 9 ）10 築地シティ住宅2F・テナントスペース東側奥March 2021

13 ポートハウス

Nishitsukiji Community Center

地域活動の拠点として利用されている公共施設

2021 年 3 月

14 名古屋港ポートビル展望室
NAGOYA PORT BUILDING
Observation Room

（港区港町 1- 9
名古屋港ポートビル 7 F ）名古屋港から360 度の景色を味わえる展望室Design Direction

Yosuke Nakanishi (STUDIO PT.) , Naoko Mizot a

DesignKoharu Nezu (STUDIO PT.)

Printing

SHINANO Co., Ltd.

Editing / Publishing

Assembridge NAGOYA Executive Committee
3F, 1-19-18 Meikou, Minato-ku,
Nagoya, AICHI 455-0037 JAPANTEL / FAX｜052-652-2511
E-MAIL｜contact @assembridge.nagoya
WEB｜www.assembridge.nagoya© Assembridge NAGOYA Executive Committee all rights reserved.