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Sachio
FUJIOKA
Conductor

藤岡幸夫
指揮©Shin Yamagishi

日本指揮者界の重鎮であった渡邉曉雄最後の愛弟子。ゲオルグ ･ ショルティのアシスタントを務める。
英国王立ノーザン音大指揮科卒業。1992年最も才能あるEU加盟国の若手指揮者に贈られる｢チャー ル ズ･グ ロ ーヴ ス 記 念 奨 学 賞｣を日 本 人 にも か か わらず 特 例 で 受 賞。
1994年にロンドン夏の風物詩「プロムス」にBBCフィルを指揮してデビュー以降、多くの海外オーケストラに客演。首席指揮者を務める関西フィルとは2024年に25年目のシーズンを迎え、2019年からは東京シティ ･フィル首席客演指揮者も務める。番組立ち上げに参画し指揮･司会として関西フィルと共に出演中のBSテレ東『エンター ･ザ･ミュージック』（毎週土曜朝8:30）は2023年10月で10年目に突入、放送500回に迫る人気番組。CDに関西フィルとのシベリウス交響曲全集（ALM RECORDS）、著書に『音楽はお好きですか？』（敬文舎）など。2002年渡邉曉雄音楽基金音楽賞受賞。
公式ファンサイト http://www.fujioka-sachio.com/
Following his debut with BBC Philharmonic in November 1993, Fujioka made his debut
in the London summer tradition “BBC PROMS” conducted BBC Philharmonic in 1994. In
2001, he was appointed Principal Conductor of Kansai Philharmonic and now in his 24th
season as Principal. In 2019, he was appointed as Principal Guest Conductor of Tokyo
City Philharmonic. He also appears in TV program “Enter the Music” since October 2014.
(BS TV TOKYO every week on Saturday from 8:30a.m.)4

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都響・八王子シリーズ
Hachioji Series

11月5日（日）  14:00開演

J:COMホール八王子

2023年

Sun. 5 November 2023, 14:00 at J:COM Hall Hachioji

指揮 ● 藤岡幸夫 Sachio FUJIOKA, Conductor

ピアノ ● 福間洸太朗 Kotaro FUKUMA, Piano

コンサートマスター ● 山本友重 Tomoshige YAMAMOTO, Concertmaster

ベートーヴェン：ピアノ協奏曲第 3 番 ハ短調  op.37   （36 分）
Beethoven: Piano Concerto No.3 in C minor, op.37
Ⅰ Allegro con brio
Ⅱ LargoⅢ Rondo: Allegro

休憩 / Intermission  （20 分）

チャイコフスキー：交響曲第 4 番 ヘ短調  op.36 （44 分）
Tchaikovsky: Symphony No.4 in F minor, op.36

Ⅰ Andante sostenuto - Moderato con anima
Ⅱ Andantino in modo di canzona
Ⅲ Scherzo: Pizzicato ostinato. Allegro
Ⅳ Finale: Allegro con fuoco

主催：公益財団法人東京都交響楽団

演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

ヤングシート対象公演（青少年と保護者をご招待）
協賛企業・団体は P.59、募集は P.62 をご覧ください。

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Kotaro FUKUMA

Piano

福間洸太朗
ピアノ

©Koutarou Washizaki

20歳でクリーヴランド国際コンクール日本人初の優勝およびショパン賞受賞。
パリ国立高等音楽院、ベルリン芸術大学にて学ぶ。これまでにカーネギーホール、
リンカー
ンセンター、サントリーホールなどでのリサイタルのほか、クリーヴランド管、イスラエル・
フィル、N響など著名オーケストラと多数共演。CDは『バッハ・ピアノ・トランスクリプショ
ンズ 』（ ナクソス ）などをはじめ 多 数 録 音して おり、2023年4月21日にはNAXOS
JAPANより19枚目のCD『幻想を求めて－スクリャービン＆ラフマニノフ』をリリースした。
また、ラジオのパーソナリティや自身のYouTubeチャンネルでは、演奏動画、解説動画、
ライヴ配信などで幅広い世代から注目されている。多彩なレパートリーと表現力、コンセプ
チュアルなプログラム、また５ヵ国語を操り国内外で活躍中。テレビ朝日系『徹子の部屋』
や『題名のない音楽会』、NHK-TV『クラシック音楽館』などにも出演。第39回日本ショパン協会賞受賞。
公式サイト https://kotarofukuma.com/
公式ファンクラブ https://shimmeringwater.net/
Kotaro Fukuma studied at Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse deParis and Universität der Künste Berlin. In 2003, at the age of 20, he won both the First
Prize and the Chopin Prize at 15th Cleveland International Piano Competition. Fukuma
has performed in major concert venues, including Carnegie Hall, Lincoln Center, Wigmore
Hall, Gewandhaus, Salle Gaveau, and Suntory Hall. He has performed with orchestras
including Cleveland Orchestra, Israel Philharmonic, Finnish Radio Symphony, Dresden
Philharmonic, Orchestre National du Capitole de Toulouse, and NHK Symphony underbatons of conductors such as Tugan Sokhiev, François-Xavier Roth, Hannu Lintu, Juanjo
Mena, and Kazuki Yamada.

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  ベートーヴェン：
  ピアノ協奏曲第３番 ハ短調 op.37
ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン（1770 ～ 1827）は生涯で番号付きのピアノ
協奏曲を５つ残しているが、この作品のみ短調で書かれており、異例の位置を占めている。
ここで、ハ短調という調性の意味について考えておこう。 少なくとも19世紀前半までのヨーロッパの美学においては、それぞれの調性は各々異なる意味合いを具えていると考えられていた。 中でもハ短調は、悲劇性や闘争を象徴する調性だ
ったのである。
じっさい、当ピアノ協奏曲を作った当時のベートーヴェンは、終生抱え込むこととなる耳の病と闘っている最中だった。また遠くフランスでは、ナポレオン・ボナパ
ルト（1769 ～ 1821）が第一統領に就任して権力を掌握。ベートーヴェンも熱狂した
フランス革命の思想をヨーロッパ中に広めることを錦の御旗に、各地で快進撃を繰り広げていた。このような公私にわたる “闘いの時代” に、それを端的に象徴する調性をベートーヴェンは最新のピアノ協奏曲に持ち込んだ。そしてこれは、非常に思い切った決断ではなかったか？
ピアノ協奏曲は元来、ピアニストがオーケストラをバックに自らの腕前を披露する
ためのジャンルだった。というわけで古典派の協奏曲では、たとえば第１楽章においてまずはオーケストラが前座のようにメロディを奏でた後、独奏ピアノが花道を通るがごとくやおら登場するといった形式も、ピアニストこそが主役であるという考え方を如実に反映したものに他ならない。そしてこの形式はあまりにも説得力があったため、ベートーヴェンの当協奏曲ですら、それに則って書かれているほどである。
ただし従来型のピアノ協奏曲においては、ピアニストの腕前を華々しく強調するという目的のゆえ、長調を基本とする煌びやかで派手やかな曲想がよしとされていた。そうした風潮の中にあって、ベートーヴェンはあえて短調、それもハ短調という調性を導入した。ちなみに協奏曲に短調を導入した有名な先例は、彼の先輩にあたるモーツァルトだが、いわばその路線を継承・拡大したのがピアノ協奏曲第３番だったといえよう（当協奏曲でこのジャンルに大きな価値転換をもたらしたベートーヴェンは、続くピアノ協奏曲第４番・第５番《皇帝》においては、曲の冒頭からピアノを登場させたり、オーケストラにピアノと同等の主張を行わせたりといった具合に、さらなる斬新な世界を築き上げていった）。
第１楽章はアレグロ・コン・ブリオの表記の下、２分の２拍子、つまり闘争性を帯びた行進曲を想起させる拍子に乗って、ソナタ形式に基づくハ短調の激しい音楽が奏でられる。 第２楽章は対照的にラルゴ（ゆったりと）と指定され、８分の３拍
子に基づく瞑想と慰めに満ちたホ長調の曲想が複合三部形式で交差する。 第３楽章
は再び２拍子（ただし４分の２拍子）に戻り、アレグロ指定の下、ロンド形式で短調
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や長調の部分が激しく切り結んだ後、最後は急速なテンポで輝かしいハ長調が響きわたる。
このように全体としてはハ短調を基本としているものの、そこに長調の楽想が時には勇壮に、時には優しく絡むことで、ベートーヴェンが闘いの中で掴み取ろうとしていた希望や、悩み多い日々の中で夢見た希望が明滅する。そうした意味で、
当曲は古典派の協奏曲の様式にぎりぎりで踏みとどまる一方、作曲家の情熱や感情が至るところにほとばしる作品として、19世紀のロマン派のピアノ協奏曲への道を切り開いた存在といえるだろう。
（小宮正安）
作曲年代： 1796 ～ 1803年
初

演： 1803年４月５日 ウィーン アン・デア・ウィーン劇場

作曲者独奏

楽器編成： フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン２、トランペット２、ティンパニ、
弦楽５部、独奏ピアノ

  チャイコフスキー：
  交響曲第４番 ヘ短調 op.36
ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー（1840 ～ 93）は、1877年12月（ロシア
旧暦／以下同）に書き上げた交響曲第４番をナジェジダ・フォン・メック（1831 ～94）に捧げている。鉄道王の妻として亡くなった夫の莫大な遺産を相続した彼女との間には、1876年の暮れに文通が始まった。1890年までメック夫人から毎年巨額の資金援助を受けていたが、実際に会うことは一度もなかったという不思議な関係である。ともかくこれで創作活動に弾みがついたことは疑いなく、1877年５月初旬の時点で交響曲第４番は第３楽章までスケッチが進み、並行して歌劇『エフゲニー・オネーギン』
まで着手をみていた。
チャイコフスキーがわずか２ヵ月で破綻する不幸な結婚生活を経験したのは、その直後のことだ。ごく短期間だがモスクワ音楽院で教え子だったと称する（彼は覚
えていなかったらしい）アントニーナ・ミリュコーヴァ（1848 ～ 1917）という女性から３月に求愛の手紙が舞い込んだ。５月20日に初めてデートして３日後に婚約、７月６日に挙式という “スピード婚” に踏み切った理由は謎でしかない（彼は同性愛者だったという説も根強いだけに、ことさらに疑義の念がつのりもしよう）。
結局のところ、夫妻はわずか３週間で別居状態となり、チャイコフスキーは妹の嫁ぎ先のウクライナのカメンカへ身を寄せる。
９月にモスクワへ戻ってからアントニー
ナと過ごした12日間をもって、両者の関係は終了を迎えた。 精神的に追い詰められた彼がモスクワ川に腰まで浸かり、“肺炎か何かを患って死のうと考えていた” ところを、通りがかりの人に助けられたという有名な逸話も、同時期のものとして伝8

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わっている。こうした経緯を経た後、弟や友人の助力によりロシアを離れたチャイ
コフスキーは、スイスやウィーンやヴェネツィアの地で交響曲第４番の筆を進め、12月にイタリアのサン・レモでスコアが完成に至った。
初演の１週間後にメック夫人へ宛てた手紙の中で作曲者はこれを「私たちの交響曲」と呼び、各楽章の標題的内容について語っている。
第１楽章

序奏（アンダンテ・ソステヌート）で鳴りわたる動機は、その文面によれば “作品全体の種子” であり、“幸福を望む我々の前に立ちはだかる運命” を表す。楽章主部（モデラート・コン・アニマ）は構えの大きいソナタ形式。ワルツのリズムで哀しげな歩みを続ける第１主題は “その力の前に我々は嘆くことしかできない”という言葉と呼応するものだろう。木管楽器のソロで始まる第２主題部では“現実から逃避した空想” が “魂を甘く包み込む”。楽章全体を貫くのは“人生のすべて
は辛い現実とはかない夢の連続。安息の場はない”というテーマだ。
第２楽章

アンダンティーノ・イン・モード・ディ・カンツォーナ“過去の追憶が様々な形でよぎる、その哀しさと心地よさ” を、メランコリックな主部と動的な中間部を対置させながら描いていく。
第３楽章

スケルツォ／ピッツィカート・オスティナート／アレグロ

指先で弦を弾く弦楽器のアンサンブルが “ほろ酔い気分の頭に明滅するイメージ” を視覚化。
管楽器が加わる中間部は“遠くを通り過ぎる軍楽隊”の調べだ。
第４楽章

フィナーレ／アレグロ・コン・フォーコ

祝祭的な第１主題と、ロシ

ア民謡「野に白樺の樹が立っていた」を用いた第２主題が交替する形で進み、“運命の動機” の劇的な回帰を経て、勝利の凱歌にも似たコーダで閉じられる。“心に喜びが見出せないなら、民衆の中に身を置き、他人の喜びを自分のものとせよ”という人生肯定的な口調のフィナーレ。
（木幡一誠）
作曲年代： 1876 ～ 77年
初

演： 1878年２月22日（ロシア旧暦２月10日） モスクワ
ニコライ・ルビンシテイン指揮

楽器編成： ピッコロ、フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、シンバル、トライアングル、弦楽５部

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Program notes by Robert Markow

  Beethoven:
  Piano Concerto No.3 in C minor, op.37
Ⅰ Allegro con brio

Ⅱ LargoⅢ Rondo: Allegro
Ludwig van Beethoven: Born in Bonn, December 16, 1770; died in Vienna, March
26, 1827

Beethoven considered this work the best of his first three piano concertos, a

judgment still maintained today by most listeners. Yet its premiere in Vienna on

April 5, 1803, was hardly auspicious. It marked Beethovenʼs first public failure as

performer and composer. The music was not appreciated and his playing of thesolo part was criticized, perhaps understandably in light of the situation describedby Beethovenʼs friend Ignaz von Seyfried, who turned pages: “I saw almost nothing
but empty leaves; at the most on one page or the other a few Egyptian hieroglyphs

wholly unintelligible to me, scribbled down to serve as clues to him.”

In any event, though, Beethoven was certainly in august company. Three dif-ferent noblemen attended in one capacity or another: Prince Lichnowsky, who fed

the orchestra at the final rehearsal, which began at eight in the morning on the dayof the premiere and lasted most of the day amidst a mood of utmost panic andshort tempers; Prince Louis Ferdinand of Prussia, to whom Beethoven dedicatedthe concerto; and the aforementioned Ritter (knight) von Seyfried. Also on the pro-gram of this enormous concert were two more Beethoven premieres − the Second
Symphony and the oratorio Christ on the Mount of Olives − as well as the First

Symphony.

Although laid out in the traditional three-movement format of fast-slow-fast,

this concerto departs somewhat from previous concerto style, particularly in its

emotional depth and drama (qualities always associated with the key of C minor

for Beethoven), and in the intricacy of interaction between soloist and orchestra.

The opening orchestral passage is the longest of any Beethoven concerto, and isoutstanding for its urgency and sense of reserved power. A second theme in E-flat

major, lyrical and flowing, provides contrast of mood as well as of tonality. Bothpiano and orchestra develop these themes with considerable complexity.

The second movement, in the remote key of E major, is characteristicallyslow, reflective and deeply moving. Sir Donald Francis Tovey calls it “the climax of

Beethovenʼs powers of solemn expression in his first period,” and to musicologist
Richard Rodda it is “one of the most Romantic pieces that Beethoven ever com-posed.” Soloist and orchestra are more often heard individually than together. In
fact, aside from the central episode, where the piano serves purely as accompani-10

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ment to the dialogue between solo flute and bassoon, piano and orchestra join in

fewer than twenty bars. The soloist announces the sublimely beautiful, hymn-like

subject in a twelve-bar solo, which is then repeated by the orchestra in its richest

sonorities. The piano initiates the second paragraph, and only afterwards do pianoand orchestra begin to mingle.

In the finale, Beethoven combines elements of both rondo and sonata form:

rondo in the alternation of the initial theme with other material, sonata in the contrast of two tonal areas, C minor and E-flat major, the latter presented as adescending scale to a merrily “skipping” rhythm. Startling harmonic sidesteps, ashort fugal development, a brief cadenza and a presto coda all contribute to thesustained interest in this movement, one imbued throughout with verve, vigor andrhythmic energy.

  Tchaikovsky:
Symphony No.4 in F minor, op.36
Ⅰ Andante sostenuto - Moderato con anima

Ⅱ Andantino in modo di canzona

Ⅲ Scherzo: Pizzicato ostinato. Allegro

Ⅳ Finale: Allegro con fuoco

Piotr Ilyich Tchaikovsky: Born in Votkinsk, May 7, 1840; died in St. Petersburg,

November 6, 1893

Love, grief, crisis, and destiny were favorite themes of the nineteenth-century

Romantic composers, and nowhere in Tchaikovskyʼs life do they occur more dra-

matically than in the year 1877. This was the year in which he became involved
with a neurotic young music student named Antonina Milyukova, made the disas-

trous mistake of marrying her, separated just ten days later, attempted suicide

shortly thereafter, and, concurrently with all this, entered into that extraordinary

relationship with Mme Nadezhka von Meck, the wealthy patroness whom

Tchaikovsky was never to meet but with whom he exchanged what is perhaps themost famous body of correspondence in the history of music. In 1877 he also wrote

his Fourth Symphony. Unavoidably bound up in its creation were the external

events of that fateful year.

Tchaikovsky admitted to Mme von Meck that the whole affair with Antonina

had been a farce, and that she was “a woman with whom I am not the least inlove.” Fate was to blame for bringing them together, he firmly believed. The first

performance took place in Moscow on February 22, 1878, with Nicolai Rubinstein

conducting.

An imperious, strident fanfare opens the symphony. This motif has often been

linked to “Fate,” and reasserts itself at significant structural points throughout the

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movement. Following the fanfare introduction, violins and cellos present a sad, lan-guid line, in movimento di valse, full of pathos, gloom, and rhythmic irregularities,
rocking restlessly back and forth, sliding downward in bleak despair, then upward

in renewed hope. Woodwinds then repeat the long theme. Tchaikovskyʼs love ofcontrasts can be observed in the second theme, introduced by the clarinet and continued by the cellos. Here the rhythm is more secure, the melody more tuneful, themood lilting and comforting. The harsh reality of fate has been replaced by tendervisions and dreams.

To offset the harrowing dramas and intense turbulence of the long first move-

ment, Tchaikovsky follows it with music of lonely melancholy and nostalgia. His

choice of the plaintive sound of the oboe to present the principal theme represents
still another example of his sure mastery of tone color.

The Scherzo brings a completely new sonority − the entire string section

playing pizzicato (plucked) in an effect reminiscent of a balalaika orchestra. This

moto perpetuo is suddenly interrupted by an oboe playing a tune that suggested tothe composer the ditty of a drunken sailor. Then comes still a third timbral block,the brass, softly intoning military music as if from the distance (Tchaikovskyʼsdescription).

Anyone who has dozed off during the Scherzo is going to be rudely awak-

ened by the finaleʼs explosive, brashly sensational opening. The second idea is presented almost immediately by the woodwinds − a variant of a popular Russianfolksong. The festive mood returns for the third theme, a quick, march-like affair

hammered out by the full orchestra accompanied by plenty of drums and cymbals.

Tchaikovsky repeats, develops and combines these three ideas in multifarious

ways. The movementʼs irresistible momentum pauses only long enough for an

intrusion of the “Fate” motif. But this is quickly dispelled, and the symphony roars
to a deliriously joyful conclusion.

Robert Markowʼs musical career began as a horn player in the Montreal SymphonyOrchestra. He now writes program notes for orchestras and concert organizationsin the USA, Canada, and several countries in Asia. As a journalist he covers themusic scenes across North America, Europe, and Asian countries, especially Japan.

At Montrealʼs McGill University he lectured on music for over 25 years.

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John
AXELROD
Conductor

ジョン・アクセルロッド
指揮©Marc Roger

1988年ハーヴァード大学を卒業。指揮をレナード・バーンスタインとイリヤ・ムーシンに学んだ。
ルツェルン響・歌劇場の音楽監督兼首席指揮者、フランス国立ロワール管音楽監督、スペイン王立セビリア響音楽監督、ミラノ・ジュゼッペ・ヴェルディ響首席客演指揮者、京響
首席客演指揮者を歴任。2009 ～ 2011年にウィーン・コンツェルトハウスでのウィーン放送響との映画音楽ガラ・コンサート「ハリウッド・イン・ウィーン」の音楽監督も務めた。
2022/23年シーズンよりブカレスト響首席指揮者。都響とは2021年12月に初共演、今回が３度目の登壇となる。
これまでにバイエルン放送響、ベルリン放送響、NDRエルプフィル（北ドイツ放送響）、
ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管、パリ管、ロンドン・フィル、フィルハーモニア管、サンタ・チェチーリア国立アカデミー管、ロイヤル・ストックホルム・フィル、オスロ・フィル、スウェー
デン放送響、ザルツブルク・モーツァルテウム管、ワシントン・ナショナル響、ロサンゼルス・
フィル、フィラデルフィア管、シカゴ響など、150以上の世界各地のオーケストラを指揮、たびたび再招聘されている。オペラではパリ・シャトレ座、ミラノ・スカラ座、フィレンツェ
歌劇場などに登場。現代作品にも積極的に取り組んでいる。
John Axelrod is Principal Conductor of Bucharest Symphony. He was formerly Music
Director and Chief Conductor of Luzerner Sinfonieorchester und Luzerner Theater, Music
Director of Orchestre National des Pays de la Loire, Music Director of Royal Seville Symphony, Principal Guest Conductor of Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, andPrincipal Guest Conductor of City of Kyoto Symphony. Axelrod has appeared withorchestras including Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Gewandhausorchester Leipzig, Orchestre de Paris, London Philharmonic, Orchestra dellʼAccademia Nazionale di Santa Cecilia, Oslo Philharmonic, Los Angeles Philharmonic, Philadelphia Orchestra, and Chicago Symphony.

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SeriesTMSO

第986回 定期演奏会Cシリーズ
Subscription Concert No.986 C Series

東京芸術劇場コンサートホール

11月12日（日）  14:00開演

2023年

Sun. 12 November 2023, 14:00 at Tokyo Metropolitan Theatre

オーケストラ・キャラバン 小田原公演
Orchestra Caravan in Odawara

小田原三の丸ホール 大ホール

11月13日（月）  18:30開演

2023年

Mon. 13 November 2023, 18:30 at Odawara Sannomaru Hall

指揮 ● ジョン・アクセルロッド John AXELROD, Conductor

ヴァイオリン ● アレクサンドラ・コヌノヴァ Alexandra CONUNOVA, Violin

コンサートマスター ● 矢部達哉 Tatsuya YABE, Concertmaster

シルヴェストロフ：沈黙の音楽（2002）  （11 分）
Silvestrov: Silent Music（2002）

Ⅰ Waltz of Moment
Ⅱ Evening Serenade
Ⅲ Moments of the Serenade

瞬間のワルツ夕べのセレナーデ
セレナーデの瞬間

シベリウス：ヴァイオリン協奏曲 ニ短調  op.47  （32 分）
Sibelius: Violin Concerto in D minor, op.47

Ⅰ Allegro moderato
Ⅱ Adagio di molto
Ⅲ Allegro ma non tanto
休憩 / Intermission  （20 分）

ショスタコーヴィチ：交響曲第 5 番 ニ短調  op.47 （46 分）
Shostakovich: Symphony No.5 in D minor, op.47

Ⅰ Moderato
Ⅱ Allegretto
Ⅲ LargoⅣ Allegro non troppo
主催：公益社団法人日本オーケストラ連盟（11/13）、公益財団法人東京都交響楽団、         市民ホール文化事業実行委員会・小田原市（11/13）
後援：東京都、東京都教育委員会（11/12）
文化庁文化芸術振興費補助金
  （舞台芸術等総合支援事業（創造団体支援））（11/12）
助成：                     （統括団体による文化芸術需要回復・地域活性化事業（アートキャラバン2））（11/13）
独立行政法人日本芸術文化振興会
演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

ヤングシート対象公演（青少年と保護者をご招待）（11/12）
協賛企業・団体は P.59、募集は P.62 をご覧ください。

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Alexandra
CONUNOVA
Violinアレクサンドラ・コヌノヴァ
ヴァイオリン

2012 年ハノーファー国際ヴァイオリン・コンクール優勝。第 15 回チャイコフスキー国
際コンクール第３位。その優れた技巧、温かで色彩に富んだ音色で高い評価を得ている。
2016 年ボルレッティ＝ブイトーニ財団フェローシップ賞受賞。これまでにパリ管、マーラー・
チェンバー・オーケストラ、NDR 北ドイツ放送フィル、スイス・ロマンド管、マリインスキー
劇場管、ロシア・ナショナル管などと共演、またサラステ、クルレンツィス、ノセダ、プレトニョフ、アクセルロッド、ノットらと共演を重ねている。ヴェルビエ、エクス＝アン＝プロヴァ
ンス、フェラーラ、ツィナンダリなど数々の国際音楽祭にたびたび招かれている。録音ではアパルテよりリリースされた最新盤の『ヴィヴァルディ：四季』が『グラモフォン』誌に「温かな音色、縦横自在のテクニック、豊かな表現力、極めて自然な音楽づくり……素晴らしいの一言に尽きる」と絶賛された。
First Prize at Internationaler Joseph Joachim Violinwettbewerb, Hannover in 2012, andprizewinner at XV International Tchaikovsky Competition in Moscow, Alexandra Conunova
has been hailed by her virtuosity, warm tone, impressive range of color, and flawlesstechnique. In 2016 she received the prestigious Fellowship by Borletti-Buittoni Trust.
Recent highlights include engagements with Orchestre de Paris, Mahler Chamber Orchestra, NDR Radiophilharmonie, Orchestre de la Suisse Romande, Mariinsky Orchestra,
among others under batons of Saraste, Currentzis, Noseda, Pletnev, Axelrod, and Nott.
Conunova is regularly invited to the most prestigious festivals, such as Verbier, Aix-enProvence, Ferrara and Tsinandali. Her latest CD of Vivaldiʼs Four Seasons on Aparté,obtained rave reviews: “her playing is this fabulous: the warm-toned, easy fluidity of her
virtuosities; her range of articulation, color, and shading; the subtle spontaneity; the natural shaping.” (Gramophone)

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  シルヴェストロフ：  沈黙の音楽
ヴァレンティン・シルヴェストロフ（1937 ～）は、現代のウクライナを代表する作曲とボリス・リャト家のひとりだ。キーウ音楽院でレフコ・レヴツキー（1889 ～ 1977）
シンスキー（1895 ～ 1968）に学んだ彼は、1960年代、まず、西欧の新しい音楽の潮流の影響を受けた「キーウ・アヴァンギャルド」のメンバーとして前衛的な作品を発表し、注目された。しかしその後、彼は作風を大きく転換し、1970年代以降
は、主として調性を用いたロマンティックな音楽を書くようになった。
ただ、旧ソ連において、シルヴェストロフの作品は1960年代から事実上演奏が禁止されていたため、ギドン・クレーメル（1947 ～）をはじめとする支持者たちが、
主にソ連国外で演奏してはいたものの、知る人ぞ知る存在にとどまっていた。そんな彼の作品が国際的に広く知られるようになったのは、今世紀になって、シルヴェ
ストロフの作品を収めたCDがECMレーベルから相次いで発売されてからのことだ。本日演奏される《沈黙の音楽》は、そのECMレーベルの創設者マンフレート・
アイヒャー（1943 ～）に献呈されている。
さて、2022年２月24日に始まったロシアのウクライナ侵攻は、シルヴェストロフ
の運命も大きく変えた。 侵攻開始から間もない翌３月、彼は家族とともにキーウの自宅を去り、ポーランドを経由してドイツへと亡命した。 彼が2014年のマイダン革命（ウクライナ騒乱）の折に書いた無伴奏混声合唱曲《ウクライナへの祈り》は、ウ
クライナへの連帯を表明する作品として世界各地で演奏されるようになった。 都
響は、2022年４月21・22日に大野和士の指揮でこの曲の管弦楽版（アンドレアス・
ジース編曲）
を日本初演している。
2002年の作品 《沈黙の音楽》 は短い３曲からなり、各曲は 「瞬間のワルツ（Waltz of Moment）」「夕べのセレナーデ（Evening Serenade）」「セレナーデの瞬間（Moments of the Serenade）」というタイトルを持っている。第１・３曲の「瞬間」は同じ単語だが、第１曲は単数形、第３曲は複数形だ。また、直訳すると「Silent Music ＝静かな音楽」となるタイトル通り、３曲はほぼ弱音で書かれている。楽譜には大量の強弱記号が書き込まれているが、f やmf は第１曲冒頭の４小節に現れるのみで、あとはすべてmpからpppだ。
第１曲「瞬間のワルツ」 アレグロ ドルチッシモ、レッジェーロ、ロンターノ ト

長調 ノスタルジックな雰囲気のワルツだが、テンポの変化が非常に頻繁に指定されているため、３拍子の律動感はほぼ感じられない。また、第１ヴァイオリンとチ
ェロは最大３部、第２ヴァイオリンとヴィオラは２部に分割され、各パートには強弱の指示が細かく書き込まれ、繊細な響きを織りなしている。 和声のうつろいはしば
しばマーラーの交響曲第10番を連想させる。
第１曲と第２曲の最後にはフェルマータの付いた全休符があるが、そのあとにア
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タッカ（休まずに続けて）の指示があり、緊張感を保持したまま次の曲に入る。
第２曲「夕べのセレナーデ」 モデラート コン・モト（ポコ・ルバート） ニ短調

この曲では、すべてのパートが弱音器を付けて演奏する。ベートーヴェンのピアノ・ソナタ第14番《月光》第１楽章を思わせる内声の分散和音で始まるが、第１ヴァイオリンが歌い始める主旋律は、シューベルトの歌曲集《白鳥の歌》の「セレナーデ」を換骨奪胎している。この楽章でもコントラバスを除く各パートが分割されているが、「セレナーデ」を歌い交わす第１・第２ヴァイオリンは基本的に分割されず、旋律を浮き上がらせている。
第３曲「セレナーデの瞬間」 ラルゲット コン・モト（ポコ・ルバート） ハ長調

第２曲と同様、すべてのパートが弱音器を付けて演奏する。 主にチェロの担当
する分散和音に乗せて、この楽章でもやはり分割された各パートが穏やかな旋律を繰り返す。４分の４拍子にときおり混じる４分の５拍子が、フレーズの終わりで立ち止まるような効果を作っている。
（増田良介）
作曲年代： 2002年
初

演： 第１曲／ 2002年9月18日 キーウ
第２・３曲／ 2003年10月3日 キーウ
ともにヴァレリ・マチューヒン指揮 キーウ・カメラータ

楽器編成： 第１ヴァイオリン６、第２ヴァイオリン４、ヴィオラ４、チェロ３、コントラバス１

  シベリウス：  ヴァイオリン協奏曲 ニ短調 op.47
1904年に発表されたジャン・シベリウス（1865 ～ 1957）のヴァイオリン協奏曲は、彼が残した唯一の協奏曲である。もともとヴァイオリニストを目指していたシベリウ
スは、この楽器の演奏技法や表現上の特性を全て知り尽くしていた。その彼が満身の力をこめて作曲したヴァイオリン協奏曲は、20世紀を代表する傑作協奏曲として、今や高い人気を博している。
シベリウスがヴァイオリン協奏曲に取り組んだきっかけは、友人アクセル・カルペ
ラン（1858～1919）の進言である。交響曲第１番ホ短調op.39（1899 ／ 1900改訂）
が国際的に評価され、続く第２番ニ長調op.43（1902）の大成功でシンフォニストとしての自信を深めていたシベリウスでも、協奏曲の創作は全く新たな挑戦だった。当時のシベリウスは、支配国ロシアの圧政に抵抗して高まりつつあったフィン
ランドの重苦しいナショナリズムから距離を置き、より清澄な作風に向かおうとしていた。おそらく彼はヴァイオリン協奏曲の創作を通して、これまでとは異なる表現
世界の扉を開こうとしたのだろう。しかし、その挑戦の道のりは困難をきわめることになった。
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最初の試練は1904年初頭に披露された初稿の大失敗である。その原因の一つとして、ソリストに急きょ抜擢されたヴィクトル・ノヴァチェク（1875 ～ 1914）の力不足を指摘する者もいる。だが鉛のように重々しい曲調や、演奏効果の乏しい独奏ヴァイオリンの超絶技巧にも見逃せない問題があった。それを自覚せざるをえな
かったシベリウスは、初稿を封印して大幅な修正を加えることにする。より透明で峻厳な響きを求め、作品の内部構造にもメスを入れた改訂作業は大いに難航した。なお、その間にシベリウス一家は喧噪なヘルシンキを離れて、自然豊かなヤ
ルヴェンパーに転居している。
改訂稿の初演はカレル・ハリール（1859 ～ 1909）をソリストに迎え、リヒャルト・
シュトラウス（1864 ～ 1949）指揮ベルリン・フィルという豪華な陣容で、1905年秋に行われた。しかし、この改訂稿も名ヴァイオリニストのヨーゼフ・ヨアヒム（1831～ 1907）から「退屈で飽き飽きする」と酷評されてしまう。それでもジネット・ヌヴ（1908
ー（1919 ～ 49）やヤッシャ・ハイフェッツ（1901 ～ 87）、ダヴィド・オイストラフ～ 74）ら、多くのヴァイオリニストの尽力により協奏曲の真価が少しずつ認められると、その後広く世界中で演奏されるようになっていく。
第１楽章

アレグロ・モデラート

全楽章中もっとも長大で複雑な構成を持つ。

ソナタ形式を下敷きにしているが、独奏ヴァイオリンの精緻なカデンツァを展開部として配置するなど、シベリウス独自のデザインに基づいている。冒頭の主題が内包するドリア旋法（教会旋法の一つ）の要素が全体の響きに大きな影響を与えている。
第２楽章

アダージョ・ディ・モルト ロマンス風の抒情的な緩徐楽章。 神秘的な色彩を帯びている一方、曲の後半ではソリストの技巧的なパッセージが現れて緊迫した雰囲気になる。
第３楽章

アレグロ・マ・ノン・タント ソリストに圧倒的な力量を要求する躍動感に満ちたフィナーレ。性格のはっきりした２つの主題を軸にしながら、終始ダイナミックに高揚していく。
（神部 智）
作曲年代： 1903 ～ 04年
初1905年改訂

演： 初稿／ 1904年２月８日 ヘルシンキ
ヴィクトル・ノヴァチェク独奏 作曲者指揮 ヘルシンキ・フィル
改訂稿／ 1905年10月19日 ベルリン
カレル・ハリール独奏 リヒャルト・シュトラウス指揮 ベルリン・フィル

楽器編成： フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボー
ン３、ティンパニ、弦楽５部、独奏ヴァイオリン

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  ショスタコーヴィチ：
  交響曲第５番 ニ短調 op.47
ドミトリー・ショスタコーヴィチ（1906 ～ 75）の交響曲第５番は、彼の作品の中ではもちろん、20世紀に書かれたすべての交響曲の中でも最もよく演奏される作品の一つだ。
1936年１月、ソ連共産党機関紙『プラウダ』（すなわちソ連当局）によって、ショスタコーヴィチの歌劇『ムツェンスク郡のマクベス夫人』が厳しく批判される。これによってショスタコーヴィチは、絶体絶命の危機に陥った。当時、最高指導者ヨシフ・スターリン（1878 ～ 1953）により、政治指導層はもちろん文化人も処刑／強制収容所へ送る大粛清が進行しており、文字通り生命の危険に直面したのである。
ショスタコーヴィチは、初演の準備がかなり進んでいた交響曲第４番を撤回する。そして新しく作曲したのがこの交響曲第５番だった。ベートーヴェン風の「苦悩から歓喜へ」という明快な構成をもち、輝かしいニ長調のフィナーレで終わるこの曲の初演は大成功を収め、ショスタコーヴィチはこれにより、事実上の名誉回復を果たした。
なお、初演を指揮したエフゲニー・ムラヴィンスキー（1903 ～ 88）は、このときがショスタコーヴィチとの初めての出会いだったが、彼らはこの成功をきっかけに親交を結ぶ。以後、作曲者は彼を非常に信頼し、多くの作品の初演を任せた。
さて、作曲者の存命中は、社会主義の闘争と勝利を描いていると何となく思われていたこの曲だが、1980年代以降、実は重層的な意味のある作品だという考え方が広がる。現在も、ビゼーの歌劇『カルメン』や、自作の歌曲「復活」の引用などを手がかりに、この曲の隠された意味を探ろうとする議論は絶えない。 特に、作曲者がこの曲にスターリンに対する批判を込めたという考え方には支持者が多い。それは自然な考え方ではあるものの、その通りだと断定できるほどの手がかりはまだ出ていない。
スターリンの死後に発表された交響曲第10番において、第２楽章は「スターリンの肖像」 だとする説が一時期広まったが、実は思いをかけていた女性の名前が織り込まれていた（第３楽章）ことが書簡から判明した例もある。ショスタコーヴィチの音楽は一筋縄ではいかないのだ。
第１楽章

モデラート 自由なソナタ形式。主要主題は、弦合奏による重々しい

カノンの序奏主題、第１ヴァイオリンの下降で始まる静かな第１主題、ビゼーの『カルメン』「ハバネラ」を思わせる第２主題（第１ヴァイオリンが提示）の３つ。提示部には他にもいくつかの主題が現れていて、展開部以降ではそれぞれに役割を果たす。
ピアノが登場し、ホルンが粗暴な行進曲のように第１主題を吹く箇所からが展開部だ。 展開部では提示部の主題群を用いた暴力的なクライマックスが築かれる。
再現部は、まず序奏主題が低音に反行形で現れ、次に第２主題によるカノン（フル
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ートとホルン）となる。
第２楽章

アレグレット ３部形式のスケルツォ。交響曲第４番のスケルツォ楽章と同様、主部は、マーラー風の苦くグロテスクなユーモアが感じられる。ヴァイオリン独奏が活躍する中間部のあと、主部が戻ってくるときには主題がピッツィカートになっている。
第３楽章

ラルゴ

悲痛な雰囲気が支配する緩徐楽章。 複数の主題による変奏曲と見ることができるが、心細げに提示された主題が次に出てくるときには威圧的だったり、あるいはその逆だったりと、さまざまな工夫がこらされている。 金管
楽器はまったく使わず、弦は、ヴァイオリンを３群、ヴィオラとチェロを各２群に分割し、繊細な響きを作り出している。ハープやチェレスタの使い方も効果的だ。
第４楽章

アレグロ・ノン・トロッポ

自由な形式のフィナーレ。 急－緩－急の３部分に分かれる。まず、ティンパニが４度音程を打ち鳴らし、トランペットとトロンボーンが行進曲風の力強い主題を吹く。これが次第にテンポを上げながら頂点に達すると、突然失速し、静かでゆっくりとした第２部に入る。しばらく物思いにふけるような音楽が続くが、やがて再び静かに行進曲のリズムが始まり、冒頭の主題が復帰すると第３部となる。ほぼ短調で進んでいくが、最後の最後でニ長調となり、少なくとも表面上は輝かしい終結に至る。
なお、楽章冒頭の「ラレミファ」という音型と、第２部の最後に出てくるハープの
音 型は、この曲と同時 期に書かれた 《プーシキンの詩による４つのロマンス》
op.46に含まれる歌曲「復活」の引用とされる。「野蛮人が画家の絵をでたらめに塗りつぶすが、やがてそれは剥がれ、もとの美が姿を現すだろう」というこの歌曲の内容は、作曲者の受けた批判に対する抗議と見なすこともできる。
（増田良介）
作曲年代： 1937年４月18日～７月20日
初

演： 1937年11月21日 レニングラード
エフゲニー・ムラヴィンスキー指揮 レニングラード・フィル

楽器編成： ピッコロ、フルート２、オーボエ２、小クラリネット、クラリネット２、ファゴット２、コントラファ
ゴット、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、小太鼓、シンバル、トライアングル、タムタム、グロッケンシュピール、シロフォン、ハープ２、ピアノ（チェレスタ持替）
、弦楽５部

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Program notes by Robert Markow

  Silvestrov:  Stille Musik (Silent Music) (2002)
Ⅰ Walzer des Augenblicks (Waltz of Moment)

Ⅱ Abendserenade (Evening Serenade)

Ⅲ Augenblicke der Serenade (Moments of the Serenade)
Valentin Silvestrov: Born in Kyiv, Ukraine, September 30, 1937; now living in Berlin
What do Sergei Prokofiev, Karol Szymanowski, Igor Markevitch, and Reingold

Glière have in common? They were all composers born in Ukraine but left soonafter for other lands. Silvestrov too was born in Ukraine, but he stayed. He would

be there still if the Russians hadnʼt invaded his country last year (he now lives inBerlin). As such, he stands at the age of 86 as Ukraineʼs best-known living composer. In 1995 he won the Shevchenko National Prize, his countryʼs highest award foran artist.

Silvestrov was born during the period of the Soviet government ʼ s most

oppressive stance against artists. He refused to conform to Party dictates, and as aresult his music was slow in attracting international attention. Fortunately, that situ-

ation has changed. His catalogue includes nine symphonies composed across thespan of more than half a century (1963 to 2019) as well as many works for piano

and for various chamber ensembles.

Much of Silvestrovʼs music reflects the unhappy artistic environment in which

he lived.

His catalogue is filled with titles like Requiem, Hymn, Lacrimosa, Meditation,

Prayer, and Epitaph. Elegy is one of his favorite genres. Much of his recent music

has a reposed, consoling, spiritual quality to it. Critic Robert Carl described him as“a connoisseur of nostalgia but not of sentimentality.” Such is the eleven-minute

Silent Music, one of Silvestrovʼs most frequently performed works. To Carl, it “positively drips with fin de siècle world-weariness.” Silent Music was composed in

2002 as a present for Manfred Eicher, founder of the ECM label, which has recorded many of Silvestrovʼs works, including Silent Music. The world premiere took

place in two stages: the first movement on September 18, 2002; the second andthird on October 3, 2003. For both events, Valeri Matjuchin conducted the Kyjivska

Kamerata in Kyiv.

The three short movements are played without pause. Each explores a single

melodic idea in a musical landscape aching with melancholy and deep intimacy,

often suggesting smiling through the tears. The performance directions dolce(sweetly) and dolcissimo (very sweetly) occur frequently, mutes are often in use,
and the overall dynamic level is subdued. There is a single forte in the opening

bar; thereafter we find only shades of piano, from pianississimo (ppp) to mezzopiano (mp).

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  Sibelius:  Violin Concerto in D minor, op.47
Ⅰ Allegro moderato

Ⅱ Adagio di molto

Ⅲ Allegro ma non tanto
Jean Sibelius: Born in Hämeenlinna (Tavastehus), Finland, December 8, 1865; diedin Järvenpää (near Helsinki), September 20, 1957

In 1902, the German violinist Willy Burmester asked Sibelius to write him aconcerto. When Sibelius sent him the piano reduction of the first two movements in
September of 1903, Burmester was enthusiastic and suggested the premiere be

given in Berlin in March of 1904. But Sibelius had other ideas. Due to strained

financial circumstances, he wanted the concerto performed as soon as possible,

and secretly asked another violinist to give the premiere in Helsinki at an earlier

date. What Sibelius got in the end was a far inferior soloist (a local teacher named

Viktor Nováček, who never did learn the concerto properly), a cool reception at thepremiere (February 8, 1904), mostly negative reviews in the press, and the justifiable resentment of Burmester.

Following the premiere, the concerto was put aside for over a year until

Sibelius got around to revising it. He toned down some of the overtly virtuosic pas-sages, tightened the structure of the outer movements and altered the orchestrationof numerous passages. The revisions amount to far more than mere window dress-

ing, and the results are fascinating to compare with the original.

On October 19, 1905, the concerto received its premiere in the final form in

Berlin, with Karl Halir as soloist and none other than Richard Strauss on the podi-

um. Shortly afterwards, Sibeliusʼ friend Rosa Newmarch told him that “in fifty yearsʼ

time, your concerto will be as much a classic as those of Beethoven, Brahms andTchaikovsky.” How right she was!

Sibeliusʼ affinity for the violin stemmed from his youth, when he aspired to

become a great violinist. “My tragedy,” he wrote, “was that I wanted to be a cele-

brated violinist at any price. From the age of fifteen, I played my violin for ten

years, practicing from morning to night. I hated pen and ink. … My preference forthe violin lasted quite long, and it was a very painful awakening when I had toadmit that I had begun my training for the exacting career of an eminent performer

too late.” His very first composition (Vattendroppar), written at the age of eight ornine, was a piece for violin and cello. Although he left just one violin concerto, healso composed numerous short pieces for the instrument, mostly with piano.

The solo part is one of the most difficult in the entire repertory. Virtuosic pas-sages abound, but they are welded to disciplined musical thought; there is noempty display material here. The orchestral writing bears much evidence of22

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Sibeliusʼ deep interest in this medium, and serves a far greater purpose than a mere
backdrop for the soloist. Dark, somber colors predominate, as is this composerʼstendency, lending an air of passionate urgency to the music. Note particularly thethird theme in B-flat minor in the first movement, played by the unison violins, orthe second theme of the Finale, again played by the violins, with its interplay of

6/8 and 3/4 meters.

Attention to the formalities of sonata form is largely avoided in favor of origi-

nality of thought. In the first movement, there is no development section as such;instead, each of the three main themes is fully elaborated and developed upon ini-tial presentation. A cadenza occurs at the point where a full development would

normally stand, followed by a recapitulation of the three themes, each of which is

subjected to further expansion. In the Adagio movement, Sibelius contrasts thelong, dreamy and reflective opening theme with a turbulent and darkly passionate

section in the minor mode. The finale, in rondo form, calls to the fore the full technical prowess of the soloist. Energetic rhythms suggestive of the polonaise andgypsy dances offer further elements of excitement to this exuberant movement.

  Shostakovich:  Symphony No.5 in D minor, op.47
Ⅰ Moderato

Ⅱ Allegretto

Ⅲ LargoⅣ Allegro non troppo
Dmitri Shostakovich: Born in St. Petersburg, September 25, 1906; died in Moscow,
August 9, 1975

Many of the works we today hail as masterpieces suffered difficult birthpangs. But Shostakovichʼs Fifth Symphony sprang into the world fully accepted. In

this case, there is a double irony, for the composer managed to please two entirely

different, in fact, diametrically opposed, ideological fronts simultaneously, rightfrom the symphonyʼs premiere on November 21, 1937 in Leningrad (today St.

Petersburg again): 1) Soviet officialdom, which was demanding from Shostakovich
music free of “formalistic perversion,” that is, music easily intelligible to the Soviet

masses; 2) those who believed in the mandate for a creative artist to produce only

according to the dictates of his esthetic impulses and personal convictions.

Shostakovich subtitled his symphony “A Soviet Artistʼs Reply to Just Criticism”

as a palliative to the heavy-handed government critics who had mercilessly railed
at his opera Lady Macbeth of Mtsensk and other works. Further for the benefit of

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Soviet officialdom, Shostakovich claimed that the symphony had as its theme “themaking of a man. … The finale is the optimistic solution of the tragically tense

moments of the first movement.”

Government officials swallowed the hypocrisy. The composerʼs true feelings

were revealed to the public, at least in the West, only years later: “I never thought
about any exultant finales, for what exultation could there be? The rejoicing isforced, created under threat.” Occupying a middle ground between the forces ofthe exhilarated and the bitter we might simply take the traditional romantic view ofa big symphony as a generalized portrayal of conflict and struggle leading to tri-umph, as seen in such works as the Fifth Symphonies of Beethoven, Tchaikovsky
and Mahler.

Needless to say, one is free to accept or reject any or all of these interpreta-

tions, and to listen to the symphony only as an abstract configuration of purely

musical components.

The work abounds in extended but easily recognizable and memorable

themes that lend themselves to fragmentation and development. There are passages of haunting beauty (the closing pages of the first movement especially, describedby one writer as “strange spatial loneliness” ); pressing intensity (the inexorable

build-up to the climax of the third movement); mordant wit (the cumbersome, grotesquely ponderous effect of the opening of the second movement, set off by

squealy high woodwinds a moment later); strident militarism (the sardonic march in

the first movement or the principal theme of the finale); and an almost unlimited

number of imaginative and inventive orchestral effects: fanfares, extremes of range(the finaleʼs coda begins with horns in unison playing the lowest note but one in
the entire repertory for that instrument), prominent use of piano and celesta, wide

leaps with mischievous effects, unexpected contrasts of high/low and loud/soft,and chamber-music delicacy contrasted with massive tuttis.

Regardless then of the ideological, philosophical, or musical preconceptions

and attitudes one brings to bear on Shostakovichʼs Fifth Symphony, the music has

shown itself capable of both absorbing and transcending them all, and in so doing,has secured for itself a secure niche in the pantheon of the worldʼs greatest andmost popular symphonies.

For a profile of Robert Markow, see page 12.

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Kazuhiro
KOIZUMI

Honorary Conductor for Life小泉和裕

終身名誉指揮者© 堀田力丸

東京藝術大学を経てベルリン芸術大学に学ぶ。1973年カラヤン国際指揮者コンクール第１位。これまでにベルリン・フィル、ウィーン・フィル、バイエルン放送響、ミュンヘン・フィル、フランス放送フィル、ロイヤル・フィル、シカゴ響、ボストン響、デトロイト響、シンシ
ナティ響、トロント響、モントリオール響などへ客演。 新日本フィル音楽監督（1975 ～79）、
ウィニペグ響音楽監督（1983 ～ 89）、都響指揮者（1986 ～ 89）／首席指揮者（1995～ 98）／首席客演指揮者（1998 ～ 2008）／レジデント・コンダクター（2008 ～ 13）、九響首席指揮者（1989 ～ 96）、日本センチュリー響首席客演指揮者（1992 ～ 95）／首席指揮者（2003 ～ 08）／音楽監督（2008 ～ 13）、仙台フィル首席客演指揮者（2006 ～18）、名古屋フィル音楽監督（2016 ～ 23）などを歴任。
現在、都響終身名誉指揮者、九響音楽監督、名古屋フィル名誉音楽監督、神奈川フィル
特別客演指揮者を務めている。
Kazuhiro Koizumi studied at Tokyo University of the Arts and at Universität der Künste
Berlin. After winning the 1st prize at Karajan International Conducting Competition in
1973, he has appeared with Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Orchestre philharmonique de Radio France,
Chicago Symphony, Boston Symphony, and Orchestre symphonique de Montréal, among
others. Currently, he serves as Honorary Conductor for Life of TMSO, Music Director of
Kyushu Symphony, Honorary Music Director of Nagoya Philharmonic, and Special Guest
Conductor of Kanagawa Philharmonic.

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第987回 定期演奏会Aシリーズ
Subscription Concert No.987 A Series

Series

11月24日（金）  19:00開演

東京文化会館

2023年

Fri. 24 November 2023, 19:00 at Tokyo Bunka Kaikan

指揮 ● 小泉和裕 Kazuhiro KOIZUMI, Conductor

ピアノ ● イノン・バルナタン Inon BARNATAN, Piano

ゲスト・コンサートマスター ● 水谷 晃 Akira MIZUTANI, Guest Concertmaster

チャイコフスキー : ピアノ協奏曲第 1 番 変ロ短調 op.23 （32 分）
Tchaikovsky: Piano Concerto No.1 in B-flat minor, op.23

Ⅰ Allegro non troppo e molto maestoso - Allegro con spirito
Ⅱ Andantino semplice
Ⅲ Allegro con fuoco
休憩 / Intermission  （20 分）

プロコフィエフ: 交響曲第 5 番 変ロ長調 op.100（43 分）
Prokofiev: Symphony No.5 in B-flat major, op.100

Ⅰ Andante
Ⅱ Allegro marcato
Ⅲ Adagio
Ⅳ Allegro giocoso

主催：公益財団法人東京都交響楽団
後援：東京都、東京都教育委員会
  
助成：

文化庁文化芸術振興費補助金（舞台芸術等総合支援事業（創造団体支援））独立行政法人日本芸術文化振興会

演奏時間と休憩時間は予定の時間です。

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Inon BARNATAN
Piano

イノン・バルナタン
ピアノ©Marco Borggreve

1979 年テルアビブ（イスラエル）生まれ、現在はニューヨーク市在住。2014 年から３シーズンにわたってニューヨーク・フィルのアーティスト・イン・アソシエーションを務めた。
これまでにクリーヴランド管、フィラデルフィア管、ロサンゼルス・フィル、サンフランシス
コ響、ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管、NDR エルプフィル、ベルリン・ドイツ響、フランス国立管、スイス・ロマンド管、ロンドン・フィル、イスラエル・フィルなどと共演。カーネギーホール、ウィグモアホール、コンセルトヘボウなどでリサイタルを行った。
CD はいずれも高く評価され、アラン・ギルバート指揮アカデミー室内管との『ベートーヴェン : ピアノ協奏曲全集』（PentaTone Classics）
も話題を呼んだ。2019 年よりカリフォ
ルニアのラ・ホーヤ音楽協会が主催するサマーフェストの音楽監督を務めている。都響とは 2016 年１月に初共演、今回が３度目の共演。
Inon Barnatan was born in Tel Aviv in 1979, resident in New York City. He served as Artist-in-Association of New York Philharmonic for three seasons from 2014. Barnatan has
performed with orchestras including Cleveland Orchestra, Philadelphia Orchestra,
Gewandhausorchester Leipzig, NDR Elbphilharmonie Orchester, Deutsche SymphonieOrchester Berlin, Orchestre national de France, Orchestre de la Suisse Romande, London
Philharmonic, and Israel Philharmonic. His CDs are highly acclaimed; the recent recordingof the complete Beethoven piano concertos with Alan Gilbert and the Academy of St.
Martin in the Fields attracted much attention around the world. Barnatan is serving as
Music Director of La Jolla Music Societyʼs SummerFest in California from 2019.

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11/24 A Series  チャイコフスキー：
  ピアノ協奏曲第1番 変ロ短調 op.23
1862年、ロシア初の本格的な音楽院であるペテルブルク音楽院がアントン・ル
ビンシテイン（1829 ～ 94）によって設立された。ピョートル・イリイチ・チャイコフス
キー（1840 ～ 93）はこの音 楽 院 創 立 時に入 学し、アントンの指 導を受けた。
1866年、今度はモスクワに音楽院が開設される。 創立者はアントンの弟で名ピアニストのニコライ・ルビンシテイン（1835 ～ 81）だった。前年ペテルブルク音楽院を卒業したチャイコフスキーはこのモスクワ音楽院に教師として赴任する。ニコライは当初彼を自分の家に寄宿させるなど、新米教師・新進作曲家である彼に助力を惜しまなかった。
ピアノ協奏曲第１番はこの恩人ニコライに捧げるべく、1874年秋に着手された。弟アナトリー（1850 ～ 1915）宛の手紙でもチャイコフスキーはこの曲をニコライに弾いてもらうために書いていることを述べている。そしてピアノ譜が大方仕上がった年末に、曲に対する意見をニコライに求めた。ニコライの返答は予想もしなかったものだった。「演奏不能の代物」「陳腐で低俗」「大部分は書き直すべき」などと罵詈雑言、さすがのチャイコフスキーも怒りを抑えきれず「一音たりとも変えない」と応酬したという。
翌1875年初めにオーケストレーションを完成させたチャイコフスキーは、音楽院の同僚カール・クリントヴォルト（1830 ～ 1916）の助言もあって、ドイツの名ピアニ
ストで指揮者のハンス・フォン・ビューロー（1830 ～ 94）に楽譜を贈った。「全ての点で讃嘆に値する」と絶賛したビューローは同年秋のアメリカ演奏旅行中、ボス
トンでこの曲を弾いて初演し大成功を収め、ニューヨークなどでもこれを演奏して好評を得る。
ロシア初演は1875年11月にペテルブルクでなされ（独奏はＧ.クロス）、続いてモスクワ初演もなされた。モスクワ初演の独奏はセルゲイ・タネーエフ（1856 ～だったが、指揮はなんとこの曲を酷評したニコライ・ルビンシテインが受け持1915）った。ニコライも認識を改め、1878年にピアニストとしてこの曲をモスクワで取り上げ、さらに同年のパリ万博でも演奏している。チャイコフスキーものちに改訂に乗り出し、決定稿を作り上げたのだった。
民族色豊かなこの作品は、協奏曲の伝統から外れた新しい様式が打ち出されている。 例えば第１楽章は力強いホルンに導かれて、広がりある主題が現れる。いかにも楽章全体の第１主題と見まがうこの主題は、実は単なる序奏主題で、ただ一度ここでしか出現しない。主部との密接な主題的関連を重視する伝統的な作法とは違った独創的発想であり、当初ニコライが理解できなかったのも無理はないともいえよう。
第１楽章
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アレグロ・ノン・トロッポ・エ・モルト・マエストーソ（変ニ長調）～

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アレグロ・コン・スピーリト（変ロ短調） 上述の主題を持つ規模の大きな序奏が置かれる。 主部はウクライナ民謡を変化させた第１主題に始まるソナタ形式だが、ラプソディー風の性格が強い。ピアノの名技とシンフォニックな響きの管弦楽の絡みが聴きものだ｡
第２楽章

アンダンティーノ・センプリーチェ

変ニ長調 ロシアの風景を映し出すようなフルートの美しい主題に始まる情感豊かな緩徐楽章。プレスティッシモに転じる中間部は、一時期チャイコフスキーが恋した歌手デジーレ・アルトー（1835～ 1907）が愛唱したフランスの小唄を主題とする。

第３楽章

アレグロ・コン・フオーコ

変ロ短調

ウクライナ民謡に基づく民俗

舞曲風の主題を持ったロンドで、ピアノの技巧性を生かしつつ圧倒的な高揚を作り出していく。
（寺西基之）
作曲年代： 1874 ～ 75年
初

改訂／ 1879年、1888 ～ 89年

演： 1875年10月25日（ロシア旧暦13日） ボストン
ハンス・フォン・ビューロー独奏

楽器編成： フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボー
ン３、ティンパニ、弦楽５部、独奏ピアノ

  プロコフィエフ：
  交響曲第５番 変ロ長調 op.100
1918年以降西欧で活動していた時期に３曲の斬新な交響曲（第２～４番）を生み出したセルゲイ・プロコフィエフ（1891 ～ 1953）だが、1930年代半ばにソヴィエト
体制の母国に復帰後はしばらく交響曲から離れ、主に舞台作品や声楽作品などに力を入れる。ソ連では社会主義リアリズムの文化政策が打ち出されており、彼は自分の個性をそうした路線の中でいかに生かしていくか探る必要があった。そうした時期においては、絶対音楽の中でも最も構成的なジャンルの交響曲よりも、具体的な題材に基づく舞台作品や声楽曲のほうが、ソ連で作曲家として認められるための自己アピールがしやすかったのかもしれない。
プロコフィエフが交響曲の作曲を決意するのは、帰国後約10年もたった1944年のことだった。《戦争ソナタ》と呼ばれるピアノ・ソナタ３部作の最後であるソナ
タ第８番を完成した年で、第２次世界大戦（1939 ～ 45）の終結への光が見え始める中で偉大な仕事に取り組もうという思いで交響曲に着手したという。こうして生み出された第５交響曲は、帰国後様々なジャンルで培ってきた彼の書法を伝統的な４楽章構成の交響曲の形の中に見事に融け込ませた傑作として結実した。
作曲者自身によれば「自由で幸福な人間とその強大な力、その純粋で高貴な精神」を表現したというこの交響曲は、
たしかに全体に叙情的な明るさが支配的だが、11/24 A Series

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その中にシニカルな諧謔性、不気味な緊張感が複雑に交錯する。 戦時の厳しい状況を経験した一方で、スターリン独裁の怖さも作曲家として身にしみて感じるよ
うになっていたプロコフィエフが、久々に手掛ける交響曲でどのような思いを表現しようとしたのか、この作品にはいろいろな解釈が可能だろう。
初演は1945年１月13日にモスクワ音楽院大ホールでなされた。 指揮は作曲者自身で、演奏が開始される直前に対ドイツの戦闘勝利の祝砲が鳴り響き、それが終わったところでタクトが振りおろされたという。その模様はソヴィエト各地に中継放送された。
第１楽章

アンダンテ

変ロ長調

ソナタ形式 ２つの主要主題はいずれも伸びやかな叙情的性格を持つ。 低弦による主調の第１主題で始まる展開部は既出の楽想を活用しつつ次第に盛り上がっていき、その頂点で金管に第１主題が現れて再現部へ入る。打楽器群を活用した終結は壮大だ。
第２楽章

アレグロ・マルカート

ニ短調

軽妙かつシニカルなスケルツォ楽章。 中間部はバレエ音楽を思わせる。 主部再現は機関車の発進のように加速度的に始まり、第１部より厚みを増しつつ興奮を高める。
第３楽章

アダージョ ヘ長調

深い情趣を湛えた緩徐楽章で、主部では息の長い旋律が切々と歌われる。中間部は深い陰りを持ち、やがて悲劇的な頂点を築く。
第４楽章

アレグロ・ジョコーソ

変ロ長調

第１楽章第１主題が回想される牧歌的な序奏の後、クラリネットが示す軽やかな主題を中心に幾つかの主題や楽想を挟みつつロンド風に明るく発展する。 最後は祝典的で賑やかなコーダに至るが、その中に鋭い威嚇するような響きが入り混じるのが意味深長だ。
（寺西基之）
作曲年代： 1944年
初

演： 1945年1月13日 モスクワ 作曲者指揮

楽器編成： ピッコロ、フルート２、オーボエ２、イングリッシュホルン、小クラリネット、クラリネット２、
バスクラリネット、ファゴット２、コントラファゴット、ホルン４、トランペット３、トロンボー
ン３、テューバ、ティンパニ、大太鼓、シンバル、小太鼓、トライアングル、タンブリン、ウッドブロック、タムタム、ハープ、ピアノ、弦楽５部

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Program notes by Robert Markow

  Tchaikovsky:
  Piano Concerto No.1 in B-flat minor, op.23
Ⅰ Allegro non troppo e molto maestoso - Allegro con spirito
Ⅱ Andantino semplice
Ⅲ Allegro con fuoco
Piotr Ilyich Tchaikovsky: Born in Votkinsk, May 7, 1840; died in St. Petersburg,
November 6, 1893

On Christmas Eve, 1874, Tchaikovsky sat before his friend, the conductor andpianist Nicolai Rubinstein, at the Moscow Conservatory to play for him the piano
concerto he had almost completed. “I played the first movement. Not a single
remark! ... Then a torrent poured forth from Nicolai, gentle at first, then growing
more and more into the sound of Jupiter … my concerto was worthless and unplayable ... so clumsy, so badly written that it was beyond rescue.”Tchaikovskyʼs description goes on at great length. Obviously, he was insulted
and deeply hurt, but resolved to publish the concerto anyway. As a result of the bad
feelings between Rubinstein and the composer, the dedication was changed to Hans
von Bülow, who performed it on a tour of the United States. The world premiere, on
October 25, 1875, took place, then, not in Russia, but in Boston, from where Bülow
sent what is thought to have been the first cable ever sent from Boston to Moscow,
telling Tchaikovsky of the great popular success of his concerto.
Strange as it may seem, the critics did not agree with the public acclamation.
The Evening Transcript thought it had “long stretches of what seems … formless
void, sprinkled only with tinklings of the piano and snatchy obbligatos from all thevarious wind and string instruments in turn.” The Journal was confident that “itwould not soon supplant … the fiery compositions of Liszt, Raff and [Anton]
Rubinstein,” and Dwightʼs Journal of Music found it “strange, wild, and ultra-modern,” and wondered “could we ever learn to love such music?” History has decided
resolutely in favor of the question, and the work went on to become the worldʼsmost popular piano concerto. Tchaikovskyʼs original confidence had borne fruit.
Even Nicolai Rubinstein changed his mind in later years, and performed the concerto often. Tchaikovsky too capitulated by accepting some of the pianistʼs suggestions for revisions.
Each of the three movements has its unique charms and attractions. The
concertoʼs most famous theme − that beautiful, lyrical song played by violins andcellos just after the opening horn fanfare − is used as introductory material only,
and after it has run its course of development through various instruments, neverreturns. This theme, incidentally, occurs in the key of D-flat major, not the main keyof the concerto (B-flat minor). The first movementʼs true principal subject in that
key is a jerky, almost tuneless idea introduced by the soloist. Its essentially Russianfolk character can be detected if the individual pitches are sung slowly. This melody is actually adapted from a song the composer heard rendered by a blind beggar
at a village fair.
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The dreamy flute solo that opens the second movement also exudes a folksy
flavor, but in this case it is entirely Tchaikovskyʼs own. This slow movement incorporates what is in essence a miniature Scherzo movement − a prestissimo passageof whimsical, lighthearted fun. It features a lilting tune in the strings that
Tchaikovsky borrowed from a French chansonnette.
The finale offers the most brilliant virtuosic opportunities yet, and concludes
with the soloist roaring his way up and down the keyboard in a stunning display of
pianistic pyrotechnics.

  Prokofiev:
Symphony No.5 in B-flat major, op.100
Ⅰ Andante
Ⅱ Allegro marcato
Ⅲ Adagio
Ⅳ Allegro giocoso
Sergei Prokofiev: Born in Sontsovka (today Sontsivka), District of Ekaterinoslav,
Ukraine, April 27, 1891; died in Moscow, March 5, 1953
Prokofiev spent the summer of 1944 at an estate outside Moscow especiallyallocated to members of the Soviet Composersʼ Union. Here, amid nature, peace
and tranquility, undisturbed by the harsh realities of war elsewhere, he composed
the entire score of the longest (nearly fifty minutes) of his seven symphonies. It was
written in just one month and orchestrated in an equally short time. The first performance was given by the Moscow State Philharmonic Orchestra on January 13,
1945, led by the composer. It was a momentous event. Not only did it mark thecrowning public achievement of the composer; just a day earlier, the Russian army
began its final push to eventual victory over the invading German forces, and justbefore the concert began, news arrived that the Russians had won a victory at the
Vistula River. According to biographer Israel Nestyev, “the opening bars of thesymphony were heard against the thunderous background of an artillery salute.
Prokofievʼs compelling music perfectly suited the mood of the audience.” The following year the symphony won a Stalin Prize, First Class. The symphonyʼs premiere
marked Prokofievʼs last appearance as a conductor. Thereafter, physically hishealth declined, and mentally he, along with other artists (including Shostakovich)
was subjected in 1948 to the infamous, brutal attacks by the government for his“formalist” writing.
Prokofiev had not produced a symphony since 1930 − fourteen years − possibly since none of them except the atypical Classical Symphony (No. 1) had been
truly successful. Having voluntarily returned to Russia permanently in 1933 after
years of living abroad, Prokofiev appeared willing to comply with governmentalpressures to write patriotic, ideological music. Hence, we find him explaining the
purpose of the Fifth Symphony, written amidst the horrors and suffering of World32

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War II, as “a hymn to free and happy Man, to his mighty powers, his pure andnoble spirit.” We also find a softening of the raw dissonances, the biting sarcasms
and the bizarre features that so vividly characterized his music of pre-1933.
Themes are now predominantly of a lyrical cast, large-scale works bear close
resemblance to traditional forms, harmony is more diatonic, the moods are gentler.
Among the works written in the fourteen-year period since the Fourth Symphony
are the ballet Romeo and Juliet, the cantata Alexander Nevsky, Peter and theWolf, Lieutenant Kijé and the Second Violin Concerto.
The first movement is laid out in traditional form with exposition, development, recapitulation and coda. The tempo marking is Andante, though the movement does not feel like a “slow” one. “Broad” and “expansive” would be more to
the point. There are no fewer than five well-defined themes or motifs. The two
principal ideas are both heard initially by a pair of woodwinds an octave apart: thefirst for flute and bassoon in the opening bars, the second for flute and oboe a bitlater. Both are in a decidedly lyrical vein. Alternating with these are more rhythmically sturdy and more heavily scored ideas. Finally comes a skittish little gesture in
the violins. All five ideas are worked out in the extensive development section,
which culminates in a grandiose restatement of the movementʼs opening theme. All
subsequent themes then return in original sequence. The coda is one of thesymphonyʼs most memorable passages. Lasting 36 bars in slow tempo, and at theupper end of the dynamic range nearly throughout, the texture is of extreme density and crushing weight. Although it is fiercely dissonant, it nevertheless made ahighly favorable impression on its first audience. According to Nestyev, it is “perhaps the most impressive episode of the entire symphony, for it embodies with thegreatest clarity the workʼs highest purpose – glorification of the strength and beautyof the human spirit.”
The second movement, playful, teasing, and sardonic by turns, presents atheme that flits about from instrument to instrument 36 times, each one modified insome way. The calmer, central portion has its own theme.
The powerfully eloquent third movement, like the second, is cast in ternaryform (ABA) and, like the first, reveals Prokofievʼs lyricism in full bloom. The elegiac
first theme is, like many others in this symphony, scored for a pair of instruments inparallel writing (here for clarinet and bass clarinet at a distance of two octaves).
The second theme rises from the depths of the orchestra (bassoons, tuba, lowhorns, double basses) through a soaring line that spans three octaves. The coda
quietly presents a new theme for the unlikely combination of piccolo and horns.
After a brief prelude, which contains reminiscences of the first movement, thefinaleʼs swaggering principal theme is played by the clarinet accompanied by an
ostinato pattern in the horns. Three more distinct themes follow. Fun, satire, wit,
and energy infuse this movement, which is for the most part merry and capricious,
though not without its moments of menace and even brutality. This movement too
concludes with a coda, a high-powered affair with electrifying effects from thetrumpets, high woodwinds, and percussion department.
For a profile of Robert Markow, see page 12.

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